La influencia de los Rolling Stones en la formación musical de Springsteen

Desde sus primeros años en la música, Springsteen reconoció el impacto que las bandas británicas, en especial los Rolling Stones, tuvieron en su desarrollo artístico. La llamada Invasión Británica —el fenómeno musical que transformó el panorama del rock en la década de 1960— fue, según el músico, decisiva para definir el carácter del rock and roll estadounidense. En entrevistas recientes, Springsteen destacó que los Stones supieron representar ese movimiento con una mezcla de actitud, energía y cohesión entre sus integrantes.

Para Springsteen, la autenticidad del grupo británico radica en su manera de encarnar el espíritu de las bandas de garage: más allá de la técnica, es la química y la relación entre los miembros lo que les otorga su sello distintivo. Esta característica, según el músico estadounidense, ha convertido a los Rolling Stones en un referente inspirador para varias generaciones, consolidando su lugar en la historia del género.

La autenticidad como seña de identidad

Bruce Springsteen subraya que, a diferencia de otras agrupaciones que han alcanzado fama internacional, los Rolling Stones han sabido conservar el espíritu genuino de las bandas de garage. Para él, la energía en el escenario y la conexión que mantienen los miembros de la banda, encabezados por Mick Jagger, son elementos que no se han perdido a pesar del éxito y la exposición mediática.

Según el análisis de Indie Hoy, Springsteen considera que la actitud y la fidelidad a las raíces del rock distinguen a los Stones dentro de la escena musical global. El músico estadounidense resaltó que la autenticidad de la banda sigue siendo un modelo para artistas jóvenes y una prueba de que la esencia del rock puede sobrevivir al paso del tiempo y las tendencias.

Un cancionero subestimado y vigente

Para Bruce Springsteen, el repertorio de los Rolling Stones es “el más subestimado de la historia del rock”. El artista sostiene que la calidad compositiva de la banda británica no ha sido reconocida en la magnitud que merece por parte de la crítica y el público general. Este juicio, recogido por la revista Indie Hoy, destaca que el grupo, a pesar de su éxito, todavía enfrenta una valoración desigual respecto a su legado musical.

Springsteen también enfatiza que los Stones han mantenido su relevancia frente a la competencia, logrando distinguirse entre otras bandas contemporáneas. Para el músico estadounidense, este logro demuestra la solidez de la propuesta artística del grupo y su capacidad para adaptarse sin perder su identidad.

La canción que marcó a Springsteen

La influencia de los Rolling Stones en la vida personal de Springsteen se refleja en una experiencia de su adolescencia. Tras ser expulsado de su primera banda, el músico encontró consuelo en el cover de “It’s All Over Now” que los Stones grabaron en 1964. Esa noche, Springsteen decidió aprender el solo de guitarra de la canción, sintiendo que era un desafío alcanzable y, gracias a ese momento, optó por convertirse en guitarrista principal. Esta anécdota, relatada por el propio artista y recogida por Indie Hoy, ilustra el impacto directo que la música de los Stones tuvo en su vocación.

La admiración de Springsteen por los Rolling Stones sintetiza el valor de una autenticidad intacta, un cancionero vigente y una influencia capaz de trascender generaciones. Para el músico estadounidense, pocos grupos han logrado mantener la frescura y la energía que definen a los Stones, consolidándolos como una referencia irrepetible en la historia del rock and roll.

Su convicción de que la creatividad y el instinto debían prevalecer sobre las normas académicas influyó profundamente en el sonido del rock y sirvió de inspiración a músicos de todo el mundo.

El laboratorio sonoro de Eddie Van Halen

Van Halen priorizó la experimentación autodidacta por sobre los modelos formales, creando métodos propios y estableciendo un nuevo estándar que aún hoy guía a guitarristas de diversas generaciones.

De acuerdo con Ultimate Guitar, el músico reconocía que rara vez recurría a conceptos teóricos al componer o ejecutar, lo que generó cierta desconfianza en sectores tradicionalistas del ámbito musical.

Durante su carrera, Eddie Van Halen introdujo innovaciones determinantes en la ejecución de la guitarra eléctrica. En su estudio personal, realizó experimentos con amplificadores y modificó instrumentos para generar efectos inéditos, entre ellos el reconocido “tapping”.

Esta técnica, que consiste en golpear con los dedos de ambas manos sobre el diapasón, se convirtió en un sello distintivo de su estilo y fue adoptada por guitarristas de todo el mundo.

Innovaciones técnicas y ruptura de límites

El enfoque autodidacta de Van Halen le permitió identificar posibilidades creativas donde otros observaban barreras técnicas. Según Ultimate Guitar, prefería confiar en el oído antes que en la notación musical, lo que lo llevó a descubrir nuevas combinaciones de acordes y escalas. Esta preferencia por la experimentación directa sobre la teoría consolidó una impronta personal que marcó a generaciones de músicos.

El afán de Van Halen por modificar aparatos electrónicos amplió notablemente la paleta sonora del rock. Entre sus aportes destacados se encuentra la manipulación de pastillas y circuitos en guitarras y amplificadores, lo que le permitió obtener timbres y distorsiones que no existían previamente en el mercado. Estas intervenciones técnicas, muchas veces realizadas por él mismo en su taller, constituyeron un legado que aún inspira a intérpretes y fabricantes de instrumentos.

La postura frente a la técnica académica

Miles de guitarristas han adoptado elementos de su estilo y sus innovaciones, consolidando a Van Halen como una figura de referencia. La presentación de su guitarra “Frankenstrat”, ensamblada con piezas de distintos modelos para lograr un sonido único, es considerada por la prensa musical como uno de los hitos más influyentes de la historia del rock. La revista estadounidense Guitar World ha señalado que la “Frankenstrat” es objeto de análisis y emulación hasta la actualidad.

A lo largo de numerosas entrevistas recogidas por Ultimate Guitar, Van Halen manifestó su desapego hacia la rigidez de la técnica tradicional. Sostenía que el sonido debía prevalecer sobre las reglas académicas y que la intuición era el motor principal de la creatividad artística. Esta postura contrastaba con la perspectiva de músicos de formación clásica, quienes priorizan el aprendizaje sistemático y la lectura de partituras.

Un legado que trasciende la técnica

Van Halen explicó en reiteradas ocasiones que prefería seguir lo que consideraba musicalmente atractivo, sin atenerse estrictamente a métodos establecidos. “Para mí, lo importante es lo que suena bien. Si hay una regla que dice que algo está mal, pero a mí me gusta, la rompo”, declaró en una entrevista difundida por Ultimate Guitar.

La actitud de Eddie Van Halen abrió el debate sobre la pertinencia del aprendizaje autodidacta en la música. Al demostrar que es posible crear un estilo propio sin someterse a la ortodoxia, expandió las posibilidades expresivas del instrumento y motivó a nuevas generaciones a experimentar con libertad.

Su influencia se extiende más allá de la técnica, abarcando la filosofía de la interpretación musical. La comunidad internacional de guitarristas continúa citando sus innovaciones como referencia obligada para quienes desean transformar el lenguaje del rock.

Mike Stoller, compositor de “Jailhouse Rock” y referente de la música popular, compartió en Los Ángeles su experiencia trabajando con Elvis Presley.

El 18 de febrero de 2026, durante el estreno de "EPiC: Elvis Presley en Concierto" en el Teatro Chino TCL, Stoller recordó su colaboración con el cantante, ícono de los años 50 y 60. El evento reunió a músicos, fanáticos y familiares que buscan mantener vivo el legado del Rey del Rock and Roll.

Según el portal People, el compositor, de 92 años, describió en una entrevista su vínculo artístico con Presley. Según Stoller, Elvis mostró una disciplina extraordinaria en el estudio y una búsqueda constante de la excelencia. Su recuerdo favorito lo remonta a la grabación de “Jailhouse Rock” en 1957, cuando el cantante insistió en repetir tomas hasta quedar completamente conforme con el resultado. De acuerdo con Stoller, ese perfeccionismo caracterizó toda la carrera del artista.

Stoller, junto a su socio Jerry Leiber, compuso algunos de los mayores éxitos de Presley, como “Hound Dog” y “Jailhouse Rock”. El dúo también firmó “Stand By Me”, popularizada por Ben E. King. Sin embargo, el perfeccionismo en “Jailhouse Rock”, según el compositor, reflejó el rigor profesional del cantante.

Stoller y Leiber: una dupla clave en la historia de la música

La asociación entre Mike Stoller y Jerry Leiber produjo obras esenciales para el rock and roll y la música popular estadounidense. El dúo escribió canciones interpretadas por artistas como Elvis Presley, Ben E. King y The Coasters. Sus letras y melodías definieron una época y contribuyeron a la consolidación de Presley como figura global.

El trabajo con Presley implicó sesiones intensas y una exigencia artística poco común. Stoller destacó la energía y la resistencia del cantante durante las grabaciones. Según el compositor, Elvis buscó siempre superar las expectativas de sus colaboradores. La relación profesional entre Presley y los autores se caracterizó por la creatividad y el respeto mutuo.

La influencia de Leiber y Stoller trascendió las décadas. “Stand By Me”, compuesta en 1961, sigue vigente en versiones de artistas contemporáneos. El catálogo de ambos abarca géneros diversos y muestra una capacidad única para crear clásicos atemporales. La colaboración con Presley, en particular, marcó un antes y un después en la carrera de todos los involucrados.

La evolución del legado de Elvis Presley

El estreno de “EPiC: Elvis Presley en Concierto”, dirigido por Baz Luhrmann, renovó el interés por la vida y la obra del cantante. El documental, continuación de la película biográfica “Elvis” de 2022, explora nuevas perspectivas sobre el impacto cultural de Presley. El evento en Hollywood reunió a figuras de la industria y fanáticos de diferentes generaciones.

Stoller asistió al estreno y compartió recuerdos de sus encuentros con Presley durante la residencia del cantante en el International Hotel de Las Vegas en 1969. El compositor señaló que, aunque Presley adoptó una puesta en escena más elaborada en esa etapa, mantuvo la cordialidad y el carisma que lo caracterizaron siempre. Stoller recordó una anécdota en la que presentó a su esposa al artista, quien la recibió con amabilidad.

La figura de Presley sigue vigente en la cultura popular. El documental de Luhrmann y los testimonios de colaboradores como Stoller contribuyen a mantener viva su historia. Las nuevas producciones audiovisuales permiten que el legado del cantante se adapte y evolucione para el público actual.

El perfeccionismo y el impacto de Presley en la industria musical

El testimonio de Mike Stoller destaca el perfeccionismo de Presley en el estudio y su influencia en la música popular.

Según el compositor, la búsqueda de la excelencia definió la trayectoria del cantante y lo convirtió en un referente. Stoller enfatizó la importancia del trabajo en equipo y la dedicación durante las sesiones de grabación.

La relación entre compositor e intérprete resultó fundamental para la creación de éxitos que marcaron generaciones. El legado de Presley, potenciado por colaboradores como Stoller y Leiber, permanece como un pilar del rock and roll. El reconocimiento de la industria y el interés del público evidencian la vigencia del artista y la relevancia de su obra.

“No pretendo decir que yo empecé el rock and roll, pero no recuerdo a nadie más tocándolo antes que yo en Nueva Orleans”, dijo alguna vez Fats Domino. La frase, más pícara que arrogante, resume una verdad histórica: cuando el género todavía no tenía nombre ni etiqueta comercial, su piano ya marcaba el pulso en el sur de Estados Unidos. Con el tiempo, esas teclas venderían más de 65 millones de discos y ayudarían a erosionar las barreras raciales en la América segregada de los años cincuenta.

Aprendió a tocar a los seis años, guiado por su cuñado Harrison Verrett, y dejó la escuela en la adolescencia para trabajar y colaborar en su casa. De día vendía helados y hacía oficios varios; de noche se sumergía en el rhythm and blues de los clubes del barrio. En el Hideaway Club, el bajista Billy Diamond lo bautizó “Fats”, un apodo que pronto se volvería marca registrada de un estilo inconfundible: mano izquierda poderosa, melodías cálidas y un pulso irresistible.

El punto de quiebre llegó a fines de los años cuarenta, cuando se asoció con el productor Dave Bartholomew. En 1949 grabaron The Fat Man para Imperial Records: más de un millón de copias vendidas y una grieta abierta en el muro de la segregación. Aquella canción no sólo lanzó su carrera; colocó la primera piedra de una revolución musical llamada rock and roll. La historia que sigue lo llevó a convertirse en el ídolo de los más grandes ídolos, como Elvis Presley y John Lennon.

Los primeros acordes

Antoine Dominique Domino Jr. nació el 26 de febrero de 1928 en Nueva Orleans, una ciudad donde la música y la vida cotidiana se entrelazaban en cada calle y cada esquina. Fue el menor de ocho hijos de Antoine Caliste Domino y Marie-Donatille Gros, una familia criolla francesa recién llegada desde Luisiana. Su llegada al mundo fue asistida por su abuela, partera de oficio, y un pequeño error dejó su nombre registrado como “Anthony” en el certificado de nacimiento. Criado en un hogar católico y hablando criollo de Luisiana antes que inglés, Antoine aprendió desde muy temprano a escuchar: primero los sonidos de la ciudad, luego los de la música que, años después, lo convertiría en leyenda.

La música estaba en el aire de la casa Domino. Su padre tocaba el violín y trabajaba en un hipódromo, mientras su tío Harry hacía sonar la trompeta en bandas de jazz vinculadas a figuras destacadas, como Oscar Celestin y Kid Ory. Entre esas melodías y los sonidos del barrio, Antoine absorbía los ritmos sin darse cuenta: el ritmo potente y cadencioso de las bandas de desfile que llenaban las calles, el blues que se filtraba por las ventanas de los bares y hogares, y el boogie-woogie, un piano enérgico y saltarín que hacía vibrar los pisos de madera cada vez que alguien tocaba.

Hacia 1938, cuando tenía alrededor de diez años, su cuñado, el guitarrista de jazz Harrison Verrett, le enseñó los primeros acordes en un piano viejo que había en la casa. No había clases formales ni partituras que aprender sino oído, memoria y repetición. Así se gestaba un talento precoz y obstinado, que combinaba disciplina y el ritmo natural del barrio. Casi en un abrir y cerrar de ojos, el piano se convirtió en su lenguaje secreto, un modo de comunicarse antes de que pudiera imaginar lo que le deparaba el destino...

A los catorce años, Antoine ya recorría bares y era llamado en las fiestas y reuniones vecinales para que tocara, y lo hacía con la naturalidad de quien creció rodeado de música. En 1947, durante una de esas presentaciones, su interpretación llamó la atención de Billy Diamond, director de orquesta y figura respetada en la escena local. Diamond lo invitó a unirse a su banda, los Solid Senders, que actuaba en el Hideaway Club, por apenas tres dólares por semana. Aceptó. Allí, entre noches largas y un público exigente, Domino aprendió lo que ninguna escuela podía enseñarle: sostener a la banda con su instrumento, hablar con cada músico y sentir la música como un pulso que los unía.

Fue en ese escenario donde recibió su bautismo artístico y nombre definitivo: Diamond, en un guiño a Fats Waller y a la robustez de Antoine, lo apodó “Fats”. Con la mano izquierda martillando ritmos de boogie-woogie y la derecha dibujando melodías juguetonas y luminosas, Antoine Domino comenzaba a mostrar un estilo propio, inconfundiblemente de Nueva Orleans, que años después daría inicio a la revolución del rock and roll.

Una marea llamada rock and roll

En 1948, mientras tocaba en el Hideaway, fue descubierto por Lew Chudd, fundador de la comapañía Imperial Records. Pero la figura clave de su despegue fue el productor, trompetista y compositor Dave Bartholomew. Juntos diseñaron un sonido que mezclaba rhythm and blues, boogie-woogie y el swing de Nueva Orleans.

En diciembre de 1949, ya bajo contrato con Imperial Records, Fats Domino entró al estudio del ingeniero de grabación Cosimo Matassa en Nueva Orleans junto al productor Dave Bartholomew para grabar The Fat Man. La canción estaba basada en el tema “Junker’s Blues”, del pianista Champion Jack Dupree, pero Domino y Bartholomew la transformaron: aceleraron el pulso, reforzaron la sección rítmica y le dieron un protagonismo arrollador al piano.

Ese simple rompió sus propias expectativas y en pocas semanas llegó al puesto número 2 del ranking R&B de Billboard y vendió cerca de un millón de copias, una cifra extraordinaria para un artista afroamericano en la era de la segregación. Muchos historiadores la consideran una de las primeras grabaciones de rock and roll por su estructura rítmica: un backbeat acentuado —el golpe marcado en los tiempos dos y cuatro—, un piano percutivo que empuja la melodía hacia adelante, saxofones potentes y una interpretación vocal cálida y directa, casi doméstica, como si estuviera cantando sentado en su sofá... En poco más de dos minutos, se estaba gestando una revolución.

Durante la década del cincuenta se convirtió en el cantante afroamericano que más discos vendía en Estados Unidos, sólo superado en el terreno del rock por Elvis Presley. Entre 1955 y 1963, treinta y cinco de sus simples llegaron al Top 40. El salto definitivo llegó con Ain’t That a Shame, un tema que desbordaba frescura y pulso rítmico. Aunque la versión suavizada que luego grabó Pat Boone dominó las listas pop, la interpretación de Fats —más cruda, más sincopada, más auténtica— dejó huella y consolidó su nombre más allá del circuito R&B.

Después encadenó una serie de éxitos que confirmaron que no se trataba de una casualidad: Blue Monday, Whole Lotta Loving, I’m Walkin’ y, sobre todo, la inoxidable Blueberry Hill. Esta última vendió millones de copias y lo elevó a una categoría poco frecuente en los años cincuenta: la de artista capaz de atravesar fronteras raciales en una sociedad todavía marcada por la segregación. Su piano y su voz lograban reunir públicos distintos bajo un mismo ritmo.

Su primer LP, Carry On Rockin’ (1956), luego reeditado como Rock and Rollin’ with Fats Domino, consolidó esa identidad. En estudio lo acompañaban músicos extraordinarios como el baterista Earl Palmer, el saxofonista Alvin “Red” Tyler, Lee Allen y otros nombres esenciales del sonido de la ciudad.

Domino explicaba que muchas de sus canciones nacían de escuchar las conversaciones cotidianas de la gente a su alrededor, tanto en la calle como en los clubes de Nueva Orleans. “Algo que le pasó a alguien, así escribo”, decía, destacando su habilidad para transformar relatos simples y frases escuchadas en letras accesibles y universales. Eso permitió que su música conectara de manera directa con el público, reflejando experiencias comunes en melodías alegres y cercanas como una ruptura amorosa, una espera, un lunes interminable... Él convirtió sus letras en pequeñas crónicas populares.

Así, su influencia cruzó fronteras: el pulso de su piano viajó hasta Jamaica y dejó huella en el naciente ska. Décadas después, artistas tan diversos como Ella Fitzgerald, Ike Turner, Tina Turner, T. Rex o Los Lobos versionarían su repertorio.

La eterna Nueva Orleans

En 1963 se trasladó al sello ABC-Paramount y su presencia en los rankings comenzó a disminuir, aunque jamás dejó de girar. En 1968 tuvo su último gran éxito con una versión de Lady Madonna, compuesta por John Lennon y Paul McCartney como homenaje explícito a su estilo pianístico. Era un reconocimiento circular: los herederos devolvían el tributo al pionero.

Casado con Rosemary Hall desde 1947, padre de ocho hijos, Domino eligió siempre la estabilidad doméstica antes que el vértigo del estrellato. Y aunque Elvis lo reconoció como “el verdadero rey del rock and roll”, él prefería su Cadillac rosa y las calles del Lower Ninth Ward antes que la corona simbólica.

En 1986 fue parte de la primera camada de artistas incorporados al Rock and Roll Hall of Fame. Al año siguiente recibió el Grammy Lifetime Achievement Award, otorgado a intérpretes que, a lo largo de su vida, realizaron contribuciones creativas de excepcional trascendencia artística en la música. Para entonces ya había vendido más de 65 millones de discos, con más de 90 simples editados y una veintena larga de álbumes. Fats fue uno de los grandes puentes entre el rhythm and blues y el rock, el eslabón que permitió que la música afro del sur ingresara definitivamente en el corazón de la cultura popular estadounidense y se expandiera al mundo.

En los años ochenta decidió no alejarse más de Nueva Orleans. Rechazaba viajar en avión y sostenía, medio en broma medio en serio, que en ningún lugar del mundo se comía como en su ciudad. Seguía presentándose cada año en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, celebrando la música como un vecino más.

El Katrina y el inesperado final

El 29 de agosto de 2005, el huracán Katrina azotó Nueva Orleans con una fuerza devastadora: los diques cedieron, barrios enteros quedaron bajo el agua y miles de personas quedaron aisladas...

Fats Domino, fiel a su casa del Lower Ninth Ward y profundamente arraigado a su barrio de toda la vida, decidió no evacuar pese a las advertencias. Cuando la inundación cubrió la zona, perdió contacto con el exterior y durante varios días fue dado por desaparecido. La noticia de su posible muerte dio la vuelta al mundo, amplificada por una imagen que se volvió símbolo de la tragedia: la fachada de su casa marcada con un grafiti que decía “Descansa en paz, Fats. Te extrañaremos”.

La angustia se extendió entre músicos, vecinos y admiradores hasta que finalmente la Guardia Costera confirmó su rescate, junto a varios miembros de su familia, sanos y salvos. El agua arruinó instrumentos y recuerdos —entre ellos, su querido piano—, pero no pudo erosionar su lugar en la historia.

En las décadas posteriores, Domino se ocupó con discreción y firmeza de su legado artístico. Supervisó la administración de su catálogo y los derechos de sus grabaciones, garantizando que su obra permaneciera protegida y vigente a través de reediciones, licencias y nuevos acuerdos. Sus canciones volvieron a sonar, fueron redescubiertas por generaciones más jóvenes y reinterpretadas por otros músicos, confirmando que aquel sonido nacido en Nueva Orleans no era una pieza de museo, sino una raíz viva en la historia del rock.

Cuando murió por causas naturales el 24 de octubre de 2017, a los 89 años, el mundo despidió a un pionero, a un símbolo vivo de Nueva Orleans y a una de las voces fundamentales del siglo XX. Más que un artista exitoso, Fats Domino fue el pulso cálido que convirtió el rhythm and blues en rock and roll y llevó el acento de su barrio a todo el mundo.

AC/DC es mucho más que una simple banda de rock, sus históricas canciones e integrantes forman parte de una institución cultural que trasciende años desde su fundación en 1973, en Sídney, Australia. Fundada por dos hermanos escoceces, Malcolm y Angus Young, el grupo se formó en torno a una identidad rebelde y agresiva en guitarras, batería y canto.

Sin embargo, la historia estuvo marcada por la resiliencia ante la tragedia y los constantes cambios en la alineación. El primer paso en la fama sucedió con Bon Scott, el carismático cantante que le puso la voz a uno de los éxitos del grupo: Highway to Hell. También formaron parte Cliff Williams, Phil Rudd, Axl Rose, entre otros músicos importantes.

Actualmente, la banda realiza la gira 2024-2026 con una mezcla de históricos y nuevos músicos: Angus Young, uno de los fundadores, continúa en la guitarra; Brian Johnson, quien es la voz desde 1980; Stevie Young, sobrino de los hermanos y reemplazo de Malcolm desde 2014; Chris Chaney, quien se encarga del bajo sustituyendo al retirado Cliff Williams; y Matt Laug, baterista que tomó el lugar de Phil Rudd.

Sin embargo, el primer gran golpe del grupo fue la trágica muerte de Bon Scott. El escocés criado en Australia fue uno de los transformadores de AC/DC y su repentina despedida, a tan solo 33 años, llevó a millones de fanáticos al desconcierto y lo consagró como uno de los íconos más recordados en el rock and roll, según All That’s Interesting.

Bon Scott, de Escocia a Australia

Ronald Belford Scott nació el 9 de julio de 1946 en Kirriemuir, una pequeña ciudad en el norte del Reino Unido. Cuando apenas era un bebé sufrió la muerte de su hermano mayor, Sandy, mientras su papá batallaba en la Segunda Guerra Mundial. Con apenas seis años, su familia emigró a Melbourne, Australia. Su nombre nació tras una imposición despectiva, ya que sus compañeros del colegio lo llamaban Bonnie Scotland por su origen escocés.

Con una personalidad conflictiva, el cambio de país no fue nada fácil. Sus problemas en la adolescencia derivaron en el abandono de la escuela a los 15 años y el arresto por actividades delictivas. Robo de nafta, el uso de nombres falsos y la evasión de custodia fueron algunos de los casos en los que estuvo envuelto. En paralelo, el joven escocés ingresó al mundo de la música y fundó su primera banda en 1966, The Spektors.

Sus primeros proyectos musicales estuvieron marcados por el consumo de alcohol y drogas. Incluso, en 1969 la policía australiana desarticuló Valentines, uno de sus grupos, en una redada antidrogas vinculada al rock.

Finalmente, en 1974, tras superar un grave accidente en moto, Bon Scott se cruzó con los hermanos Young de casualidad. Buscando un nuevo rumbo en su carrera musical, la reciente fundación de AC/DC y la necesidad de un cantante fueron el puntapié de un grupo histórico. Instantáneamente, su pasado turbulento junto con su actitud desafiante lo convirtieron en el sello distintivo de la banda.

Con Scott al frente, el grupo se consolidó como una banda de rock cruda y ruidosa. Las letras irónicas y el carisma de Scott potenciaron la química interna del grupo, dotando a sus presentaciones de una energía provocadora y espontánea. Su influencia se reflejó en la transformación de la banda de un proyecto emergente a un fenómeno internacional.

El lanzamiento de Highway to Hell fue el punto de inflexión: el disco se posicionó entre los 100 mejores en Estados Unidos y otorgó a la banda un reconocimiento inmediato. Por primera vez, los miembros experimentaron la fama mundial y el éxito económico, aunque esto también trajo tensiones internas.

La trágica muerte de Bon Scott

El 18 de febrero de 1980, Bon Scott pasó la noche en el club Music Machine, en Londres, acompañado de amigos, entre ellos Alistair Kinnear. El cantante, como lo hacía habitualmente, consumió grandes cantidades de alcohol y al finalizar la fiesta, sus acompañantes lo ayudaron a recostarse en el asiento trasero del auto, pensando que solo necesitaba dormir para recuperarse del estado de ebriedad, según All That’s Interesting.

Kinnear relató que, tras dejarlo en el vehículo y al no lograr despertarlo, optó por avisar a Silver Smith, exnovia de Scott, quien le aseguró que el cantante solía desmayarse y que lo mejor era dejarlo descansar. Uno de sus más grandes amigos recordó haber reclinado el asiento para mayor comodidad. En la mañana del día siguiente, al regresar, encontró a Bon Scott inmóvil y sin respirar, cubierto de lo que parecía vómito.

Kinnear lo trasladó de inmediato al Hospital King’s College, donde fue declarado muerto al llegar. El cantante tenía solo 33 años. Según la autopsia realizada por el forense Sir Montague Levine, la causa oficial fue una intoxicación alcohólica aguda. El informe señala que Scott dormía en una posición incómoda, cerca del bastón de cambio, y que varios factores, como la posición del cuerpo, el desprendimiento de una placa dental, el consumo excesivo de alcohol, la hipotermia y un hígado debilitado, contribuyeron a su muerte.

En el club aquella noche también estuvo presente Colin Burgess, exbaterista de AC/DC, quien sostuvo hasta el último momento que Scott no parecía borracho cuando se despidieron. Para el resto de los integrantes de la banda, la noticia fue devastadora, según recordó Angus Young, quien comparó la pérdida con la de un familiar cercano.

El último concierto con la banda había tenido lugar unas semanas antes, el 27 de enero de 1980, en el Teatro Gaumont de Southampton, marcando el final de una era para la banda y para el rock internacional.

Una vida esquivando la muerte

La vida del escocés estuvo marcada por el peligro, la desobediencia y los constantes problemas, muchos ligados al consumo de alcohol y drogas. Previo a su muerte, uno de los antecedentes fue un accidente en moto tras manejar en estado de ebriedad. En aquella oportunidad, el cantante ignoró los consejos de sus amigos y sufrió fracturas múltiples, lesiones en el cuello y la garganta, y lo dejó en estado semicomatoso durante tres días. Pasó varias semanas en el hospital, con huesos enyesados y la mandíbula inmovilizada.

Durante la década de 1970, mantuvo una rutina de consumo elevado de alcohol, marihuana y anfetaminas. Los episodios de desaparición se volvieron frecuentes: en una ocasión, su mamá le compró un pasaje de avión para regresar a Australia, pero al llegar el momento de volver a Londres, nadie supo de su paradero durante una semana. Cuando finalmente apareció en el aeropuerto, Scott no recordaba qué había hecho ni dónde había estado durante esos días.

“Bebíamos como si no hubiera un mañana. Nos despertábamos… y volvíamos a beber”. La frase, atribuida a Malcolm Young, es más que una pose rockera: es una radiografía de época. Así se vivía —y se sobrevivía— en la primera encarnación de AC/DC, cuando el volumen estaba siempre al máximo y el exceso era casi un método de trabajo. Y en el centro de esa tormenta eléctrica estaba su primer frontman Bon Scott con su voz áspera, sonrisa torcida, carisma de pirata y una resistencia física que parecía infinita.

Hasta que no lo fue.

A 46 años de aquella madrugada del 19 de febrero de 1980, la muerte de Ronald Belford “Bon” Scott, sigue funcionando como una línea divisoria en la historia del rock. Antes: sudor, pubs, rutas interminables, riffs afilados como navajas y una banda australiana decidida a comerse el mundo. Después: mito, duelo, resurrección y uno de los regresos más impactantes que haya dado el rock.

Dos hermanos y una máquina de coser

La génesis no ocurrió en un estadio sino en una casa de inmigrantes escoceses en Sídney. Malcolm y Angus Young habían dejado Glasgow en 1963, siguiendo a su familia y a una escena musical que ebullía gracias a su hermano mayor, George, líder de The Easybeats.

El nombre AC/DC salió de la parte trasera de una máquina de coser familiar —corriente alterna/corriente continua— y el uniforme escolar de Angus fue un chiste privado que terminó siendo ícono global. Nada parecía demasiado calculado. Todo sonaba urgente.

La formación terminó de cerrarse en 1974 con la llegada del baterista Phil Rudd y de Bon Scott, un cantante que no solo interpretaba las canciones: las habitaba. Bajo su liderazgo, la banda encontró ese groove seco, directo, sin maquillaje, que haría escuela.

La autopista al infierno no era metáfora

El salto internacional llegó con High Voltage, pero la consagración definitiva fue Highway to Hell. El título parecía una fanfarronada típica del rock. No lo era tanto.

En discos como Let There Be Rock y Powerage, Scott desplegó un repertorio de antihéroes, chicas peligrosas y noches sin freno. Su voz no pedía permiso: atacaba. Y cuando en Highway to Hell todo terminó de encajar —producción más pulida, riffs gigantes, estribillos coreables— AC/DC dejó de ser una banda de culto para convertirse en una “amenaza global”.

Pero el estilo de vida no venía con manual de instrucciones.

En la madrugada del 19 de febrero de 1980, Londres fue el escenario del final. Bon Scott había pasado la noche en el Music Machine de Camden, uno de los clubes donde el rock y el exceso convivían sin horarios. Estaba acompañado por su amigo Alistair Kinnear. Cerca de las tres de la mañana decidieron retirarse y emprender el regreso.

Durante el trayecto, Scott se quedó dormido en el auto. Al llegar, Kinnear intentó bajarlo, pero no logró despertarlo. Ante la imposibilidad de hacerlo reaccionar, decidió llevarlo a su propia casa, también en Camden. Lo dejó en el vehículo, esperando que descansara y que, con el paso de las horas, se recuperara.

Quince horas después volvió al coche. Scott seguía allí, pero ya no estaba simplemente dormido: estaba inconsciente. Kinnear lo trasladó de inmediato al King’s College Hospital. El informe forense fue concluyente: murió por intoxicación etílica y asfixia con su propio vómito. Tenía 33 años.

La muerte llegó en la cima. AC/DC acababa de consolidar su fama mundial con Highway to Hell y Scott era la voz que había definido discos como High Voltage, Let There Be Rock y Powerage. Lo que parecía otra noche de excesos terminó convirtiéndose en el punto de quiebre de la historia del grupo.

El disco negro y la decisión de seguir

Cualquier otra banda habría desaparecido. AC/DC eligió lo contrario. Con el aval de la familia de Scott, audicionaron cantantes hasta encontrar a Brian Johnson, ex vocalista de Geordie.

El resultado fue Back in Black: portada negra en señal de duelo, canciones gigantes y una declaración de principios. Más que un reemplazo, fue una reafirmación. El álbum vendió cerca de 50 millones de copias y se convirtió en uno de los discos más vendidos de la historia. La banda transformó el dolor en combustible.

Johnson nunca intentó ser Scott. Entendió que el lugar estaba ocupado para siempre.

Hay temas que se vuelven reliquias. It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll) es uno de ellos. Con gaitas —sí, gaitas— aprendidas especialmente por Scott para la grabación, la canción quedó congelada en el tiempo. Tras su muerte, AC/DC decidió no volver a tocarla en vivo. Algunas ausencias también se honran en silencio.

Sobrevivir al propio mito

La historia posterior no fue un camino recto. Hubo despidos, regresos, problemas legales y personales.

En 1991, durante un concierto en Salt Lake City, la euforia se transformó en caos. Miles de fanáticos corrieron hacia el escenario y la presión de la multitud provocó una avalancha humana que terminó con la vida de tres personas, entre ellas dos chicos de 14 años. La banda, sin entender lo que estaba ocurriendo frente a ellos, continuó tocando hasta que advirtió la magnitud de la tragedia.

Después emitieron un comunicado en el que afirmaron que “nada que nadie diga o haga disminuirá la trágica pérdida o el sentimiento de dolor”. Al día siguiente, las críticas de la prensa fueron feroces. Brian Johnson recordaría que lo más doloroso fue ver en los diarios la acusación de que habían seguido tocando mientras los jóvenes morían, acompañada por una foto suya sonriendo sobre el escenario. “Fue una oportunidad periodística que traspasó los límites de la decencia; estaba tan enojado y dolido”, dijo.

Décadas después, el golpe fue interno. Malcolm Young, cerebro rítmico del grupo, debió retirarse por problemas de salud y murió en 2017. Tenía 64 años y llevaba tiempo alejado de los escenarios por problemas vinculados a una demencia que lo obligó a retirarse en 2014. Sin su pulso seco y obsesivo, esa locomotora de riffs que funcionaba como motor interno de la banda, el grupo perdió algo más que a un integrante: perdió a su columna vertebral. Si Bon Scott había sido la cara más visible del mito, Malcolm era la estructura invisible que lo sostenía.

Y sin embargo, la maquinaria siguió girando. Más de cuatro décadas después de aquellas primeras noches salvajes, AC/DC volverá a pisar la Argentina con tres fechas que se agotaron al poco tiempo de salir a la venta: 23, 27 y 31 de marzo de 2026 en el estadio de River Plate. No es un territorio nuevo para la banda: allí ya ofrecieron conciertos multitudinarios y registraron el álbum y DVD Live at River Plate, documento feroz de su conexión con el público local. Estas presentaciones forman parte del tramo sudamericano de su “Power Up Tour”.

Cada regreso funciona como un ritual colectivo: riffs que atraviesan generaciones, camisetas negras, miles de gargantas coreando al unísono. Lo que empezó como un grupo de hermanos escoceses emigrados a Australia hoy es una institución itinerante que sigue convocando multitudes.

AC/DC no es solo una banda: es una descarga eléctrica que, década tras década, vuelve a encenderse sobre el escenario. Y en marzo, River volverá a temblar.

Desde su irrupción en la década de 1950, Berry no solo definió un estilo, sino que consolidó a la guitarra como el motor de una experiencia colectiva, energética y participativa.

Chuck Berry y la consolidación de la guitarra en el rock

Antes de la llegada de Chuck Berry, la guitarra eléctrica ocupaba un lugar secundario en las bandas de rhythm & blues y blues. Berry cambió este paradigma al fusionar elementos de blues, R&B y country en un sonido fresco y personal.

Inspirado por músicos como T-Bone Walker, Muddy Waters, Johnnie Johnson y Nat King Cole, Berry creó una fórmula musical que rápidamente capturó la atención de la juventud de Estados Unidos.

Su estilo se caracterizaba por riffs ágiles, letras ingeniosas y una presencia escénica carismática. La guitarra dejó de ser un simple acompañamiento para convertirse en la voz principal, capaz de expresar emociones, provocar entusiasmo y conectar con el público de manera directa.

El instrumento se volvió el eje del espectáculo, reflejando el espíritu rebelde y la energía juvenil que definieron al rock and roll.

Un nuevo lenguaje y una experiencia participativa

El aporte de Chuck Berry fue mucho más allá de lo técnico. Su música cambió la percepción del género: el rock and roll pasó de ser una música para escuchar a convertirse en una experiencia compartida, llena de movimiento e interacción entre artista y audiencia.

Canciones como “Johnny B. Goode” se convirtieron en himnos que invitaban a bailar, cantar y formar parte de un fenómeno social en expansión.

La guitarra eléctrica, bajo el mando de Berry, estableció un nuevo lenguaje universal que trascendía barreras culturales y generacionales. Sus presentaciones en vivo, cargadas de vitalidad y dinamismo, confirmaron que el rock and roll había dejado de ser solo un género musical para transformarse en un espacio de celebración colectiva.

“Johnny B. Goode” y la cultura popular

La canción “Johnny B. Goode” es el mejor ejemplo del legado de Berry. Su riff inicial se convirtió en un emblema del rock, reconocible para públicos de todas las edades.

La escena de “Volver al futuro” donde Marty McFly interpreta la canción, ilustra a la perfección cómo la música de Berry y la guitarra eléctrica se instalaron en el imaginario colectivo como símbolos de libertad, creatividad y modernidad.

Esta conexión con la cultura popular permitió que el rock and roll, y en particular la guitarra, se consolidaran como referentes de identidad para sucesivas generaciones. La influencia de Chuck Berry traspasó el escenario y se integró a películas, televisión y otros ámbitos del entretenimiento, asegurando la vigencia de su obra.

Un legado vigente en el rock actual

La huella de Chuck Berry permanece intacta en el desarrollo del rock and roll contemporáneo. Su papel como primer guitarrista de rock en sentido pleno y como artífice del protagonismo de la guitarra inspira a músicos de todos los estilos. Las bases rítmicas y melódicas que estableció continúan presentes en composiciones y actuaciones de bandas actuales, reafirmando el valor de su legado.

El impacto de Berry no solo redefinió la música, sino también la actitud y la estética del rock. La guitarra, gracias a su influencia, es sinónimo de rebeldía y libertad creativa. El recorrido iniciado por Berry sigue impulsando la evolución del género, consolidando al rock and roll como un lenguaje universal capaz de cruzar fronteras y unir generaciones distintas.

La revolución sonora que transformó la guitarra en el corazón del rock permanece como una de las mayores aportaciones de Chuck Berry a la música popular. Su legado continúa inspirando, construyendo puentes entre épocas y estilos, y reafirmando el poder de la guitarra eléctrica como emblema del rock.

Pocas figuras dejaron una marca tan profunda en la cultura visual del siglo XX como Elvis Presley, quien hoy hubiera celebrado un nuevo cumpleaños. Aunque su fallecimiento en 1977, a los 42 años, marcó el final de una era, su estilo perdura y sigue influyendo en la moda y la cultura pop.

Su capacidad para reinventar la imagen personal lo consagró como símbolo absoluto del vestir, con elecciones que desafían el paso del tiempo.

Desde los trajes de cuero negro hasta los emblemáticos enterizos blancos con aplicaciones brillantes, cada atuendo reforzó su presencia magnética y su vínculo con la música.

Trajes blancos emblemáticos

Los trajes blancos de Presley se convirtieron en sinónimo de su etapa más espectacular. En numerosas presentaciones de las décadas de 1960 y 1970, el cantante eligió enterizos de dos piezas con solapas anchas, decorados con detalles metálicos, aplicaciones circulares y motivos geométricos en el pecho y el cinturón.

Las aplicaciones brillantes y los bordados en zonas estratégicas, como el cinturón ancho, sumaban un aire de opulencia. El blanco contrastaba con camisas o bufandas interiores, a menudo en tonos rojos o claros, que completaban el conjunto. Mientras el peinado voluminoso y despeinado aportaba un toque rebelde.

En conciertos de la década de 1970, la bufanda clara alrededor del cuello se volvió un elemento recurrente, como se aprecia en imágenes donde Presley extiende los brazos o sostiene el micrófono en plena interpretación. Los trajes también exhibían grandes botones, gemas plateadas y motivos de estrellas, consolidando su carácter teatral.

Cinturones decorados, trajes de solapas amplias y aplicaciones brillantes fueron parte del sello visual que lo acompañó en la cima de su carrera.

Atuendos de cuero negro y el estilo de ’68 Comeback Special

En el especial televisivo de 1968, conocido como el ’68 Comeback Special, sorprendió con un look radicalmente distinto. Se presentó con un traje de cuero negro brillante compuesto por chaqueta de solapas anchas y pantalón a juego.

El escenario oscuro y la disposición circular del público creaban una atmósfera íntima, donde el foco recaía íntegramente en la figura del cantante. Su rostro se mostraba concentrado, con expresión serena, mientras sostenía una guitarra eléctrica y se sentaba en el centro de la escena.

El cuero negro, ajustado y reluciente, reforzaba la imagen de rebeldía asociada a sus primeros años, pero con una madurez y confianza renovadas. Este atuendo se convirtió en una de las imágenes más recordadas de la historia de la televisión musical, ya que reflejaba tanto la energía como la sofisticación de Presley.

Conjuntos claros y trajes con decoraciones doradas o metálicas

A lo largo de su trayectoria, también optó por conjuntos claros, en tonos beige o blanco, que destacaban por la presencia de líneas y detalles dorados o metálicos. En algunas presentaciones, el pantalón acampanado combinaba con zapatos claros de punta, logrando un efecto visual elegante y moderno.

Uno de los elementos más característicos fue la incorporación de cinturones anchos con detalles ornamentales, aplicaciones de formas geométricas y bordados en zonas como el pecho y los costados del pantalón.

En determinadas imágenes, el traje blanco, aplicaciones brillantes en forma de estrellas y grandes botones, sumaban un aire de espectáculo propio de las grandes giras de los años setenta.

Vestimenta cotidiana y camisas estampadas fuera del escenario

El estilo de Elvis Presley no se limitó a sus presentaciones. En la vida cotidiana, el cantante mostró una faceta relajada y moderna con camisas estampadas de manga corta, a menudo decoradas con notas musicales, dibujos y motivos llamativos.

En ambientes informales, como el hogar o sesiones de descanso, Presley optaba por pantalones oscuros y camisas claras, combinando confort y originalidad. En una imagen icónica, aparece acostado sobre un puff rojo, sosteniendo un teléfono azul y rodeado de objetos cotidianos, lo que revela su gusto personal por el diseño y los colores vivos.

Durante los años cincuenta, su look incluía sacos claros con patrones de cuadros, hombros marcados, pantalones oscuros y zapatos de charol negro con calcetines claros, un estilo clásico que reflejaba las tendencias de la época.

También, el peinado de Elvis se convirtió en una de sus señas de identidad más reconocibles. Su cabello, siempre voluminoso y peinado hacia atrás, completaba la imagen de estrella de rock y aportaba un aire de rebeldía y modernidad.

La publicación de las memorias de Charlie Sheen, bajo el título The Book of Sheen, ha suscitado una notable expectación mediática al presentar episodios inéditos de su historia personal y profesional.

El propio actor ha recalcado su voluntad de escribir una autobiografía en la que reina la honestidad, el autoanálisis y la renuncia a cualquier tipo de victimismo, tanto hacia los demás como hacia sí mismo.

Sinceridad radical en cada capítulo

En una entrevista para Loudwire Nights, Sheen explicó que su meta primordial fue ofrecer un relato íntegro sobre sus vivencias, asumiendo errores y aciertos sin filtros ni eufemismos.

“Tengo que aceptar lo bueno y lo malo. No rehuí muchas de las cosas que sucedieron ni por qué sucedieron, porque cuando me propuse hacer esto, tomé la decisión consciente de que no habría víctimas en mi libro, incluyéndome a mí mismo”, afirmó el actor.

Al rechazar el papel de víctima de las circunstancias, Sheen realza la importancia de la autenticidad y la responsabilidad personal en la reconstrucción de su trayectoria.

En su narrativa no hay espacio para excusas o justificaciones. El intérprete estadounidense propone un ejercicio de memoria que invita a asumir, sin tapujos, los costes y consecuencias de las acciones propias. La sinceridad es, para Sheen, el eje que guía tanto la confesión de sus episodios difíciles como la evocación de los momentos de gloria en su carrera.

Amistad con leyendas del rock

El rock and roll ocupa un lugar esencial en las memorias de Sheen. Su afinidad por la música y su relación de amistad con Slash, guitarrista de Guns N’ Roses, marcan varios de los capítulos más reveladores. El inicio de ese vínculo se remonta a 1990, durante un encuentro casual en el Hamburger Hamlet de Sunset y Doheny, en Los Ángeles.

El actor llegó acompañado de un amigo conocido como Dead Rick, y el encuentro con Slash marcó el comienzo de una relación que, con el paso del tiempo, se enriquecería con múltiples anécdotas y reuniones.

A lo largo de los años, Sheen y Slash compartieron veladas en clubes angelinos con figuras reconocidas del rock, como Bret Michaels de Poison. En una de esas noches, Sheen conversó extensamente con Slash sobre temas personales y profesionales, sellando así una complicidad poco común entre el mundo del cine y el de la música.

Experiencias únicas en escenarios internacionales

La camaradería entre Sheen y Slash fue más allá de las fronteras estadounidenses, consolidándose en eventos de gran carga simbólica. Sheen formó parte de la ceremonia en la que Slash fue homenajeado con una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, acompañando al músico en ese acto tan significativo.

Además, viajó hasta Irlanda para presentar a la banda The Conspirators, con la que Slash tocaba en un histórico salón de conciertos. En aquella ocasión, Sheen pidió interpretar un tema de Myles Kennedy, y la banda accedió tras apenas diez horas de preparación con el cantante aún afectado por el jet lag. Slash anunció desde el micrófono: “This is for Carlos”, dedicándole la canción al actor, quien describió el momento como inolvidable.

La huella de estas experiencias trasciende lo anecdótico, ya que reflejan la integración de Sheen en ambientes artísticos diversos y su capacidad para generar lazos auténticos más allá de las cámaras y los escenarios.

Encuentro con Ozzy Osbourne en rehabilitación

Otro episodio central del libro narra el inesperado encuentro de Sheen con Ozzy Osbourne en el centro de desintoxicación Promises. Coincidieron mientras ambos atravesaban procesos de rehabilitación y compartieron comidas, además de asistir juntos a varias reuniones.

Sheen relató que, al finalizar el programa, fue persuadido por el personal del centro para seguir vinculado a la vida sobria promovida por la institución, aunque ya no estaba internado oficialmente. Durante ese periodo, emergieron vivencias singulares. Entre ellas, una conversación con Osbourne, quien mascaba un palillo de menta.

Al preguntarle si se estaba limpiando los dientes, el músico respondió que había dejado de fumar y, ante la pregunta sobre cuántos años había fumado, contestó con ironía: “No sé, ¿mil años?”. Luego, Osbourne bromeó con la idea de abandonar simultáneamente el alcohol, las drogas y el tabaco: “Ya que estoy aquí, mejor lo dejo todo al mismo tiempo”, recordó Sheen.

Reflexión, autenticidad y aprendizaje

A lo largo de sus memorias, Sheen insiste en la necesidad de asumir la responsabilidad de las propias decisiones. Ningún capítulo busca eludir las consecuencias asociadas a sus actos; por el contrario, la obra subraya la autenticidad como método para encarar incluso los pasajes más complejos de su vida.

Las experiencias con leyendas de la música y la pertenencia a diferentes mundos artísticos han formado parte de este aprendizaje. Para Sheen, la relevancia de sus memorias reside en su capacidad para narrar, sin reservas, tanto sus oscuridades como los lazos de camaradería y transformación.

El testimonio recogido en The Book of Sheen transmite una visión sin concesiones ni justificaciones, donde la honestidad se convierte en clave para comprender al protagonista y su recorrido.

El poder de las listas Billboard

Durante décadas, las listas de Billboard han sido el barómetro fundamental para medir la popularidad de las canciones en dicho país. Su influencia se consolidó al ofrecer al público y a la industria una forma de comparar el alcance de diferentes estilos y artistas.

Mucho antes de la creación del celebrado Billboard Hot 100 en 1958, la revista ya publicaba listados como Best Sellers in Stores —centrado en ventas—, Most Played by Jockeys —enfocado en la difusión radial— y The Top 100, que unificaba radio y ventas.

Entre estos, Best Sellers in Stores funcionó como el escenario en el que el rock and roll irrumpió por primera vez entre los géneros más vendidos, situándose en pie de igualdad con estilos ya consolidados.

La aparición de “Rock Around the Clock” en los primeros puestos significó más que un cambio en las preferencias del público. Fue una clara muestra de la transformación social y cultural que el rock and roll empezaba a provocar tras años de dominar géneros como el jazz, el blues o la balada.

Por primera vez, el dinamismo y la energía de este nuevo ritmo fueron reconocidos por un indicador de éxito tradicional: la venta masiva de discos.

Un éxito impulsado por el cine

Uno de los elementos clave para el ascenso imparable de la canción fue su integración en la banda sonora de Blackboard Jungle, un drama que abordaba el conflicto generacional en las escuelas.

La memorable secuencia inicial, acompañada por “Rock Around the Clock”, atrajo a miles de jóvenes a las salas de cine y, de ahí, a las tiendas de discos. La presencia de la canción en la película no solo disparó sus ventas, sino que permitió a millones de personas escuchar por primera vez un ritmo frenético y rebelde que conectaba con las emociones y experiencias de una nueva generación.

Este vínculo entre el cine y la música marcó un antes y un después en las estrategias de promoción de la industria discográfica.

El fenómeno evidenció que el rock no era únicamente un estilo destinado a minorías; rápidamente se convirtió en un reflejo de la juventud, una señal de que una revolución cultural comenzaba a gestarse bajo la apariencia de un simple sencillo.

La irrupción del rock en la industria musical

El logro de Bill Haley & His Comets sentó las bases para la expansión del rock and roll en todo el panorama musical estadounidense.

Alcanzar el número uno en uno de los listados principales de Billboard representó el primer atisbo de una tendencia que cambiaría la historia: la entrada definitiva del rock como parte de la cultura de masas.

Animados por el éxito arrollador de la banda, otros músicos comenzaron a experimentar con sonidos similares, ampliando la oferta del género y conquistando un público cada vez más amplio.

El resultado fue una explosión creativa que, en pocos años, propiciaría el surgimiento de leyendas como Elvis Presley y, posteriormente, el arraigo del rock en la escena internacional.

Consecuencias culturales y musicales

La revolución iniciada por “Rock Around the Clock” fue mucho más allá de las cifras de venta. Su influencia se extendió a la moda, el cine, las expresiones artísticas y los modos de vida de la juventud estadounidense y mundial.

La canción se convirtió en el himno de una generación que buscaba romper los moldes establecidos y construir su propia identidad.

Desde entonces, el rock se establecería como uno de los géneros más influyentes de la historia, generando debates, nuevas corrientes musicales y despertando pasiones entre admiradores y detractores.

La audacia de apostar por un ritmo diferente y desafiante permitió que la música dejara de ser un simple fondo y se transformara en una forma de expresión y resistencia.

Un legado indiscutible

A casi setenta años de aquel momento, el ascenso de “Rock Around the Clock” al primer puesto de Billboard continúa considerándose un evento decisivo, ya que abrió las puertas para el crecimiento del rock en las listas y consolidó una forma artística transformadora que sigue influyendo en generaciones.

Hoy, el legado de aquella canción demuestra que un solo éxito puede cambiar el rumbo de toda una industria y redefinir el significado de la música popular.

El guitarrista Rick Derringer ha fallecido a los 77 años, según ha anunciado su asistente Tony Wilson en un mensaje publicado en Facebook en el que detalla que su muerte "deja un vacío en el mundo de la música".

"El reconocido guitarrista y artista Rick Derringer falleció a las 8:09 p.m. del 26 de mayo, rodeado de su amada esposa, la cantautora y compañera de banda durante 28 años, Jenda Derringer", ha afirmado Wilson.

El asistente señala que el legado de Derringer "va más allá de su música" y ensalza su "inconfundible energía y talento". Su fallecimiento deja un vacío en el mundo de la música, y será profundamente extrañado por sus seguidores, colegas y seres queridos. Por respeto a la familia y seres queridos de Rick Derringer, los detalles sobre el funeral y los servicios conmemorativos se anunciarán próximamente", añade el mensaje.

Derringer nació en Ohio en 1947 y su carrera se inició en los años 60 como músico de la banda The McCoys, los cuales lograron ser el número uno en las listas con 'Hang on Sloopy', cuando el guitarrista tenía solo 17 años. Posteriormente, Derringer logró un gran impacto con 'Rock and roll, Hoochie Koo' en 1974.

Durante su trayectoria, Derringer participó en numerosos discos junto a artistas como Alice Cooper, Richie Havens, Todd Rundgren y Steely Dan. También colaboró con Cyndi Lauper, Barbra Streisand, Kiss, Mason Ruffner y Madam X.

Entre las curiosidades del artista, Derringer lanzó 'Rockin' America', en la que destacó la patriótica 'Real American', usada por el Presidente en campañas políticas y en la serie 'It's Always Sunny in Philadelphia'.

Derringer realizó tres giras mundiales con Ringo Starr y la All Starr Band entre 2011 y 2014, recorriendo Europa, Rusia, Sudamérica, México y EE.UU., junto a músicos como Wally Palmer, Edgar Winter, Gary Wright, Richard Page y Greg Bissonette.

Madrid, 24 may (EFE).- Priscilla Presley, la que fue la única esposa del rey del rock, Elvis, cumple 80 años, celebrando una vida de luces y sombras, especialmente a raíz de la muerte en 2023 de su única hija, Lisa Marie.

El autor del controvertido libro Los Versos Satánicos aseguró durante una charla con el escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez que aunque mucha gente quería que escribiera "libros miserables", él prefirió escribir sobre rock and roll.

“Creo que cuando escribí 'El suelo bajo sus pies' algunos críticos se confundieron y creo que pudieron pensar: cómo te atreves a estar feliz porque escribes una novela celebratoria", dijo.

El autor añadió que “muchos también pensaron que debía escribir libros pidiendo perdón y no soy muy bueno haciendo eso, y especialmente cuando pienso que no me debo disculpar".

En 1989 el ayatolá Ruhollah Khomeini, quien era el líder supremo de Irán emitió una fetua en la que solicitaba que Rushdie fuera asesinado, lo que obligó al escritor a esconderse algún tiempo.

Posteriormente en 2022 durante una conferencia en el condado de Chautauqua, oeste del estado de Nueva York, Rushdie fue apuñalado en el cuello, perdió su ojo derecho y por poco también pierde la vida.

"Yo creo que hay muchas maneras de que un ataque como este nos pueda destruir como artistas, por lo que yo me programé para no dejar de ser el escritor que soy después del ataque", explicó.

Además Rushdie agregó: "si uno llega del planeta favorito de Elon Musk, que espero que vaya allá pronto y que se quede allá, pero de verdad yo quiero que él sea la primera persona que vaya a marte y tal vez que sea la última, pero bueno el punto es que si alguien fuera llegar de ese planeta y no supiera nada sobre mí, y solo tuviera como referencia mis libros yo creo que jamás pensaría que algo terrible le ocurrió a ese escritor en 1989".

"Me siento orgulloso porque pude seguir siendo el escritor que siempre había querido ser y prueba de ello es que el primer libro que escribí posterior a ataque por Los Versos Satánicos, fue un libro de historias que quizás es el libro más feliz que haya escrito en el momento más infeliz de mi vida", concluyó. EFE

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El 1 de mayo de 1967, en una suite de Las Vegas, Estados Unidos, Elvis Presley se casó con Priscilla Beaulieu. Así, el hombre más deseado por las mujeres de todo el mundo, dejaba su soltería de la mano de la mujer que amaba perdidamente. Pero claro, en general, cuando la palabra “fin” no llega inmediatamente después de la boda como en las viejas telenovelas de la tarde, las historias suelen no terminar de forma tan idílica como sus protagonistas hubieran deseado. Y esta no fue la excepción a la regla.

Eran muy jóvenes cuando se conocieron. El cantante, que ya estaba en pleno apogeo de su carrera gracias a su irresistible voz, su look provocador y su sensual movimiento de pelvis, tenía apenas 24 años. Y ella, una joven nacida Brooklyn pero que residía en Alemania con su familia, había cumplido tan solo 14. Elvis venía de hacer Haertbreak Hotel, lo que definitivamente lo había consagrado, cuando lo mandaron a hacer el servicio militar en el 1° Batallón de Tanques medianos y el destino quiso que se encontrara allí con Priscilla. Se la presentó uno de sus amigos en una fiesta juvenil. Y él cayó inmediatamente rendido ante sus encantos.

“Vaya, eres solo una niña”, le dijo el Rey del rock & roll al verla. Y sí: aunque la diferencia de edad entre ambos no era tanta, la joven recién estaba entrando a la adolescencia y, de más está decirlo, era menor de edad. Sin embargo, ni su madre ni su padrastro -su padre biológico había fallecido poco después de su nacimiento-, pudieron hacer nada para evitar que un par de años más tarde ella tomara la decisión de irse a vivir con Presley a Graceland, la famosa mansión que él poseía en Memphis. Hasta ese momento, el noviazgo se había mantenido oculto hasta para los compañeros de colegio de Priscilla. Pero, desde entonces, los flashes se encargaron de acompañarlos a toda hora y en todo lugar, registrando cada instancia de la relación.

Obviamente, a Priscilla le faltaba aprender mucho antes de convertirse en una adulta. Y Elvis se encargó de moldearla a su gusto. La anotó en un colegio de monjas para que pudiera terminar el secundario. Y se ocupó, personalmente, de elegir desde su ropa y maquillaje, hasta las actividades que tenía que realizar y las que no. Pero claro, acompañar a semejante estrella de rock, no era una tarea fácil. Así que, por momentos, la joven se sentía sobre exigida. Pensaba que tenía que estar siempre dispuesta a vivir una aventura, siempre sonriente y siempre espléndida para poder estar a la altura de las circunstancias. Y eso, muchas veces, hacía que sus necesidades personales quedaran en un segundo plano.

Lo cierto es que, siete años después de aquel primer encuentro, Presley sintió que su novia ya estaba preparada para dar el gran paso. Y le propuso matrimonio en la Navidad de 1966 -según dicen por consejo de su mánager-, a lo que ella respondió con un enfático “sí”. La celebración tuvo lugar en una suite del Hotel Aladdin, duró apenas 8 minutos y fueron muy pocos los invitados que tuvieron la posibilidad de presenciarla. Sin embargo, la boda tuvo repercusión a nivel internacional, que era lo que se buscaba para echar por tierra las habladurías. Y el rostro de los recién casados ilustró las portadas de los diarios de todo el mundo. Pero no vivieron felices ni comieron perdices. Al contrario, lo que vino después fue más cercano a un escándalo.

Poco a poco, la pareja empezó a sentir algunos cimbronazos. Y la relación fue deteriorándose cada vez más, sobre todo, por las constantes giras de Elvis que lo obligaban a pasar mucho tiempo fuera de su casa. Al punto que, para el 1 de febrero de 1968, cuando nació la única hija de la pareja, Lisa Marie Presley, poco quedaba de aquel fuego inicial. Las constantes infidelidades del cantante, que ella confirmó leyendo el correo privado que le llegaba a su domicilio, habían hecho mella en el corazón de Priscilla. Y a eso se le sumaron las adicciones...

Presley no soportaba el paso del tiempo. Se sentía cansado de la exposición, de los escenarios y de ese ritmo frenético que implicaba el hecho de ser el mayor ídolo del rock desde los ’50. Tenía demasiada presión. Y ya no era un jovencito. Entonces recurrió a las pastillas, que intentaba hacerle compartir a su esposa y que terminaron atentando contra su salud. Antihistamínicos, tranquilizantes, barbitúricos, somníferos, hormonas, laxantes...El combo era explosivo. Y Priscilla, simplemente, dijo basta.

No era fácil para una mujer que solo había besado a un hombre en toda su vida, tomar la decisión de ponerle fin a un matrimonio por aquellos años. Pero, aún amándolo profundamente, sacó la fuerza necesaria como para ponerle un punto final a esa relación que ya le estaba haciendo mucho daño. Finalmente, el 23 de febrero de 1972 sobrevino la separación. Y, un año más tarde, ambos firmaron el divorcio definitivo.

De todas formas, el vínculo entre ellos siguió siendo amoroso tras la ruptura. Priscilla sentía que, pese a sus debilidades, Elvis era una buena persona. Y que la quería genuinamente. Así que lo recibía en su casa cada vez que él, de manera inesperada, decidía visitarla. Desde el primer día, él encontró en ella la contención que necesitaba en medio de la locura que implicaba vivir rodeado de periodistas y fanáticos. Y, aún después de que ambos rehicieran sus vida -ella con su instructor de karate, Mike Stone, y él con la compositora Linda Thompson, con quien convivió hasta 1976- nunca se negó a escucharlo hablar cada vez que estaba pasando por un mal momento. Hasta aquel fatídico 16 de agosto de 1977, cuando la joven novia del cantante, Ginger Alden, lo encontró muerto en el baño de su mansión.

Este es el caso de Crazy Little Thing Called Love, el icónico tema de Queen lanzado en 1979, escrito por Freddie Mercury en tan solo 10 minutos. Un verdadero testimonio de cómo la inspiración puede surgir en el momento menos esperado, incluso en los lugares más insólitos, publicó IndieHoy.

Un homenaje en forma de canción

Freddie Mercury, quien siempre fue conocido por su versatilidad y por su pasión por la música, encontró en Crazy Little Thing Called Love una forma de rendir homenaje a sus héroes musicales: Elvis Presley y Cliff Richard.

La canción surgió como un tributo espontáneo a estos artistas que habían influido profundamente en el desarrollo musical de Mercury.

Elvis Presley, quien falleció dos años antes de la composición del tema, es la figura más evidente detrás de la sonoridad del tema, con un estilo musical que evoca claramente los años 50.

Así, Mercury canalizó su admiración hacia Presley, y hacia su amigo y colega Cliff Richard, otro de sus ídolos musicales.

El proceso creativo de Crazy Little Thing Called Love se dio en un escenario poco convencional: el Hotel Bayerischer Hof en Munich.

Durante una de las largas y exhaustivas sesiones de grabación de Queen en la ciudad alemana, Mercury encontró un momento de descanso. “En lugar de relajarse de la manera habitual, se adentró en una creación veloz, que surgió mientras se encontraba en la bañera.”

Roger Taylor, baterista de Queen, relató que la canción nació mientras Mercury se tomaba un descanso en el baño. En ese instante, Mercury estaba relajándose, dando forma a una canción que sería rápidamente un éxito mundial.

Taylor explicó que, cuando llegó al lugar de ensayo, la canción ya estaba casi terminada. Brian May, guitarrista de la banda, corroboró esta versión, afirmando que Freddie había trabajado en la canción de manera rápida, con el claro deseo de transmitir su amor por Elvis y Cliff Richard.

Freddie Mercury y su relación con Elvis Presley

En Freddie Mercury: A Life in His Own Words, el propio Mercury reveló que su interpretación vocal en Crazy Little Thing Called Love tenía un toque similar al de Elvis Presley. Sin embargo, el cantante aclaró que no fue una imitación deliberada de la voz de Presley.

“Mercury explicó que, al cantar la canción en tonos bajos, su voz adquirió un timbre cercano al del legendario cantante.” De acuerdo con Mercury, fue una coincidencia que su interpretación vocal evocara a Elvis, dado que Crazy Little Thing Called Love es una canción que homenajea los sonidos de la época dorada del rock and roll.

Este tipo de influencias y homenajes no eran algo nuevo en la carrera de Freddie Mercury, quien constantemente se mostró como un artista que se nutría de sus ídolos, pero que al mismo tiempo supo incorporar esos sonidos a su propia identidad musical. Así, Crazy Little Thing Called Love se convirtió en un vehículo para canalizar esas influencias sin dejar de ser un tema que definiera a Queen como una banda con un estilo propio y único.

El sonido y la estética de la canción

Musicalmente, Crazy Little Thing Called Love se presenta como un claro tributo al rock and roll de los años 50. Con su ritmo contagioso y pegajoso, la canción recuerda a los grandes éxitos de Elvis Presley, pero, al mismo tiempo, ofrece una frescura única que refleja el sello de identidad de Queen.

A lo largo de la pieza, se puede escuchar una instrumentación influenciada por los sonidos clásicos del rock, con una guitarra que recuerda las melodías características de la época y una percusión rítmica que mantiene la energía vibrante y enérgica.

Freddie Mercury, con su excepcional capacidad para interpretar, transmitió en Crazy Little Thing Called Love un estilo que mezcla nostalgia con modernidad. “Aunque la canción se inspira en los años 50, el toque personal de Mercury y la banda asegura que, a pesar de su clara influencia, la pieza no se siente como una mera copia, sino como una reinvención de un estilo clásico dentro del contexto de Queen.”

Un éxito inmediato y su legado

La canción, que se grabó de manera rápida y enérgica, pronto se consolidó como uno de los mayores éxitos de Queen. Crazy Little Thing Called Love fue un homenaje a los ídolos musicales de Mercury, y una declaración de cómo su banda sabía reinventar los géneros musicales con su propio toque único. La canción se convirtió en un clásico de la banda y sigue siendo uno de los temas más queridos por los fans de Queen alrededor del mundo.

Lo que hace tan especial a Crazy Little Thing Called Love es que, a pesar de su simplicidad en su proceso de creación, logró captar la esencia de un género y adaptarlo a los tiempos de Queen, con la potencia de la voz de Mercury y el sonido característico de la banda. La canción sigue siendo un testamento al talento de Freddie Mercury para fusionar influencias pasadas con una visión innovadora del futuro.

Crazy Little Thing Called Love es un homenaje a Elvis Presley y Cliff Richard, y una prueba de cómo Freddie Mercury logró capturar en unos minutos lo que muchos compositores tardan años en plasmar.

Su habilidad para fusionar su admiración por los íconos del rock con su propio estilo creativo dejó un legado musical que, más de 40 años después de su creación, sigue resonando en los corazones de los fanáticos de Queen.

Desde bandas sonoras legendarias como las de Trainspotting hasta apuestas estilizadas como la de Sofia Coppola en María Antonieta, el género ocupó un lugar central en la construcción narrativa y emocional de muchos filmes. Pero esta simbiosis no siempre existió. De hecho, durante las primeras décadas del siglo XX, el rock estaba ausente de las pantallas y aún no había nacido como tal, destaca IndieHoy.

Fue recién a mediados de los años 50 cuando el cine abrió sus puertas a esta música que, por entonces, comenzaba a sacudir las estructuras culturales. La película responsable fue Semilla de maldad (Blackboard Jungle), dirigida por Richard Brooks, que retrató la compleja realidad de la juventud urbana, marcando el debut del rock and roll en la historia del cine.

Un film en clave social con un enfoque pionero

Semilla de maldad llegó a las salas en 1955, protagonizada por Glenn Ford, Anne Francis, Louis Calhern y Margaret Hayes. El argumento gira en torno a un exsoldado que acepta un trabajo como profesor en una escuela pública plagada de conflictos. Sus estudiantes, muchos al borde de la delincuencia, lo enfrentan con violencia, indiferencia y desconfianza. El relato muestra cómo, pese a las dificultades, el protagonista se aferra a la idea de redimirlos a través de la educación y la disciplina.

Lo innovador no se limitó al enfoque social. Brooks introdujo una decisión estética arriesgada para la época: acompañar los créditos iniciales con una canción de un género que aún no había sido legitimado ni por la industria musical ni, mucho menos, por el cine.

“Rock Around the Clock”: rebelión sonora en celuloide

La pieza elegida fue Rock Around the Clock (Rock alrededor del reloj), compuesta en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers, e interpretada por Bill Haley & His Comets en 1954.

Su inclusión no fue casual: la energía rebelde y provocadora de la canción complementaba con precisión el espíritu de la película. El ritmo acelerado, la cadencia pegadiza y la lírica desafiante sintonizaban con la efervescencia juvenil retratada en el film.

El impacto fue inmediato y rotundo. La canción se convirtió en un éxito internacional y, gracias a su aparición en la película, logró alcanzar el puesto número uno en las listas de ventas de Estados Unidos.

Este acontecimiento marcó un hito histórico: fue la primera vez que una canción de rock figuró en una producción cinematográfica, obteniendo reconocimiento masivo.

Un punto de inflexión en la historia del rock and roll

Para muchos historiadores de la música, la aparición de Rock Around the Clock en Semilla de maldad representa el verdadero nacimiento del rock and roll como fenómeno cultural. Si bien es cierto que el género tenía antecedentes y raíces en otros estilos previos como el rhythm & blues y el country, su irrupción en el cine le otorgó una visibilidad inédita, proyectándolo más allá de las radios y los salones de baile.

El cine, en ese contexto, funcionó como una caja de resonancia para el rock. La reacción de los jóvenes espectadores ante la fusión de imágenes en movimiento y sonidos electrizantes fue clave para consolidar el estilo como una fuerza generacional. A partir de entonces, el rock sería una cuestión de acordes y letras, convirtiéndose en una actitud, una estética, una forma de estar en el mundo.

El legado: del aula al imaginario global

La secuencia inicial de Semilla de maldad —con sus créditos acompañados por la ya inmortal Rock Around the Clock— inauguró una tendencia que se replicaría a lo largo de las décadas. La presencia del rock en el cine se volvió un recurso expresivo de enorme potencia, capaz de condensar emociones, transmitir tensiones sociales y amplificar mensajes políticos.

Películas como Busco mi camino, El graduado, La naranja mecánica, The Doors y Casi famosos —entre muchas otras— encontraron en el rock un acompañamiento musical, y una extensión de sus narrativas.

La escena fundacional de 1955, sin embargo, conserva su aura de descubrimiento. Porque en ese gesto —poner una canción juvenil en una historia de marginalidad escolar— se condensaba un cambio de época.

Una revolución que comenzó con un acorde

Con Semilla de maldad, Richard Brook filmó una crítica a las instituciones educativas y al deterioro del vínculo generacional. Tal vez, sin saberlo, abrió la puerta para que el rock ingresara al corazón del séptimo arte. Desde entonces, la relación entre ambas expresiones artísticas se volvió indisoluble.

En retrospectiva, Rock Around the Clock fue más que una canción exitosa: fue la chispa que encendió una revolución cultural, cuyo eco sigue vibrando en cada escena donde el rock acompaña, desafía o transforma lo que vemos en la pantalla.

Con su fusión de actitud callejera, virtuosismo instrumental y una energía desbordante, la banda surgida del Sunset Strip de Los Ángeles no tardó en ser bautizada como “La Banda Más Peligrosa del Mundo”. Y no fue un simple eslogan publicitario.

Aunque las leyendas del rock suelen magnificar los excesos de sus protagonistas, en el caso de Slash, el guitarrista de la formación, el peligro fue una constante tangible.

Si bien su imagen pública estaba asociada a las drogas y el alcohol, algunos de los momentos más arriesgados de su vida no tuvieron nada que ver con los estereotipos de autodestrucción sino con decisiones creativas llevadas al límite.

La gira de presentación de Use Your Illusion fue un reflejo de esta tensión permanente. La banda, en su intento de mantenerse fiel a su esencia rebelde mientras navegaba los mares de la fama internacional, ofrecía conciertos tan intensos como impredecibles.

No era raro que Axl Rose, su imprevisible vocalista, abandonara el escenario tras una provocación mínima, desatando disturbios violentos entre el público.

Use Your Illusion, ambición sin freno

En 1991, Guns N’ Roses decidió no lanzar un simple disco, sino un proyecto doble, Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. La obra navegaba entre baladas introspectivas al piano y explosiones de rock puro, en una mezcla a veces disonante que reflejaba las tensiones internas de la banda.

Era una producción tan desmesurada que, como señala irónicamente Tim Coffman, Elton John habría sugerido bajar un poco el tono. Esta grandilocuencia también complicaba su ejecución en vivo, donde las expectativas eran tan altas como los egos de sus integrantes.

Más allá de las luchas internas, el proyecto logró alumbrar algunas piezas inolvidables, entre ellas November Rain, una balada épica de nueve minutos que se convertiría en uno de los grandes himnos de la historia del rock.

“November Rain”, la superproducción que desbordó los límites

Consciente de la magnitud de la canción, la banda se propuso realizar un videoclip que estuviera a su altura. El resultado fue una de las producciones audiovisuales más caras de todos los tiempos. Concebido como una suerte de película en miniatura, el video narraba una lujosa boda, escenas de drama romántico y un funeral trágico, todo envuelto en una estética suntuosa y casi surrealista.

Más que un videoclip, November Rain parecía el tráiler de una superproducción hollywoodense protagonizada por Guns N’Roses. Cada toma buscaba reforzar el mito creciente en torno a la banda, mientras consolidaba su presencia no solo en los escenarios, sino también en la cultura popular.

El solo de guitarra más peligroso del rock

Uno de los momentos más emblemáticos del video muestra a Slash emergiendo de la iglesia, guitarra en mano, para ejecutar un solo memorable en medio del desierto. En principio, el músico aceptó participar sin reparos, imaginando una escena simple y poderosa.

No obstante, durante la filmación, el director propuso una toma que requería acercar un helicóptero a gran velocidad y baja altura alrededor del guitarrista.

Mientras las hélices cortaban el aire de manera amenazante, Slash apenas podía concentrarse en su instrumento, pensando: “Esto será lo último que haga”.

La imagen resultante fue espectacular y quedó grabada en la memoria colectiva de toda una generación, pero para el guitarrista fue una experiencia límite que puso en riesgo su vida.

Slash y los excesos que casi lo matan

La filmación de November Rain no fue el único episodio en que Slash rozó la muerte en aquella época. Durante la misma gira de promoción de Use Your Illusion, el guitarrista se desplomó en un hotel tras una jornada de excesos.

Al encontrarlo inconsciente en un pasillo, los paramédicos que acudieron al lugar creyeron inicialmente que había fallecido. Solo una inyección de adrenalina logró reanimarlo.

Estos incidentes no eran excepcionales en la vida de Guns N’ Roses, una banda donde el consumo de alcohol y drogas era casi parte de la rutina diaria.

La imagen de Slash, siempre confiado y desbordante de carisma con su guitarra, contrastaba brutalmente con la fragilidad real de un cuerpo llevado al límite.

Una vida al borde: el precio de la inmortalidad del rock

Ser parte de Guns N’ Roses en su apogeo significaba convivir con el caos permanente. Cada concierto, cada videoclip, cada sesión de grabación era una prueba de resistencia tanto física como mental. Slash, aunque sobrevivió a aquel temerario rodaje y a las secuelas de los excesos, no olvida lo cerca que estuvo de perderlo todo.

Su figura, eternamente asociada al sombrero de copa, las gafas oscuras y los solos inolvidables, es también un testimonio viviente del precio que exige la gloria en el mundo del rock and roll.

La amistad entre Keith Richards y Mick Jagger fue uno de los ejes fundacionales del rock moderno. Desde sus inicios como compañeros de escuela en Dartford, hasta su reencuentro fortuito en una estación de tren —cuando uno llevaba un disco de Chuck Berry bajo el brazo y el otro lo reconoció al instante—, parecía que estaban predestinados a convertirse en leyendas conjuntas, recuerda Far Out.

Ese reencuentro fue el punto de partida de una colaboración que transformó la música popular y que, a pesar de innumerables roces personales y públicos, se mantiene viva sobre los escenarios. “Sabes que me encantaba Chuck Berry, y creía ser el único fan en kilómetros a la redonda...”, escribió Richards en una carta entusiasta a su tía al recordar ese día que definió su destino artístico.

El vínculo con Jagger: inseparable pero no absoluto

Durante décadas, Richards y Jagger compartieron el liderazgo de los Rolling Stones, y una compleja relación de amistad, rivalidad, reconciliación y necesidad mutua. Aun así, cuando se trata de hablar de conexiones emocionales profundas, Richards sorprendió al dejar fuera a su compañero histórico.

En una conversación reciente con la revista Mojo, el guitarrista dejó claro que su definición de “hermano del alma” no recaía sobre Jagger. Aunque reconoce que la historia de los Stones no podría entenderse sin la dinámica entre ambos, Richards optó por reservar esa expresión para alguien más.

Tom Waits, un socio admirado pero no el elegido

Richards también hizo mención a Tom Waits, uno de sus colaboradores ocasionales. Con él comparte una afinidad creativa notable y un aprecio sincero. “Quiero mucho a Tom”, expresó. “Es un tipo brillante, un músico brillante”. La química entre ambos quedó reflejada en los proyectos en los que trabajaron juntos, y la admiración de Richards hacia Waits es genuina.

Sin embargo, ni la brillantez musical ni la complicidad artística fueron suficientes para situar al cantautor californiano en el nivel de intimidad que Richards reserva para una sola persona.

Bobby Keys: músico, cómplice y hermano del alma

El hombre que realmente se ganó el título de “hermano del alma” en la vida de Keith Richards fue Bobby Keys, saxofonista tejano cuya influencia y presencia en la historia de la música van mucho más allá de los créditos formales.

Keys no fue un miembro oficial de los Rolling Stones, pero su sonido marcó una época. Su saxofón se escuchó en grabaciones emblemáticas de la banda durante los años 70, así como en obras de George Harrison, John Lennon, Chuck Berry, Joe Cocker, Eric Clapton e incluso Elvis Presley. Su capacidad para adaptarse a diversos estilos y su talento natural lo convirtieron en una figura clave en el entramado del rock clásico.

Para Richards, sin embargo, lo que elevaba a Keys por encima de todos era algo más que su virtuosismo. “Cuando dices ‘hermano del alma’, ¡él y yo!”, declaró con énfasis.

La relación entre ambos no solo fue musical: compartieron experiencias, excesos y una amistad inquebrantable durante los años más turbulentos del rock and roll.

El legado de un espíritu libre

“Ese gato tenía como vecino a Buddy Holly; a los 15 años, ya jugaba con Buddy Knox. Era el depositario del rock and roll”, dijo Richards al evocar a su amigo. Para él, Bobby Keys no era solamente un músico excepcional, sino una enciclopedia viviente de historias, anécdotas y momentos que definieron toda una era.

La muerte de Keys en 2014 dejó un vacío profundo en Richards. Al hablar de él, el guitarrista se debatía entre la tristeza y la risa: “Nunca sé si reír o llorar cuando pienso en Bob. Suelo reírme”. Esas palabras resumen un tipo de amor fraternal que trasciende la muerte y convierte los recuerdos compartidos en refugios de alegría.

Más allá de los reflectores

La historia de Bobby Keys también representa algo más amplio: la importancia de quienes operan fuera del centro de atención, pero son esenciales para el resultado final.

Mientras las narrativas oficiales tienden a enfocarse en los nombres visibles de las bandas, figuras como Keys personifican el alma de la música desde los márgenes. Richards lo entendió bien, y su homenaje implícito es también una reivindicación de ese papel silencioso pero fundamental.

Keith Richards, figura icónica del rock y uno de los supervivientes más notorios de su generación, compartió escenarios con decenas de músicos. Pero solo uno fue su “hermano del alma”.

En tiempos donde la autenticidad parece una rareza, la declaración del guitarrista resuena como una afirmación de lealtades verdaderas y afectos cultivados en la intimidad de la vida, no en los titulares.

Así, Bobby Keys entra en la historia por las notas que extrajo de su saxofón, y por la profunda huella que dejó en uno de los hombres más duros y entrañables del rock.

Desde sus inicios, AC/DC nunca tuvo la intención de hacer música ligera. La banda, liderada por los hermanos Angus Young y Malcolm Young, consolidó su identidad con un sonido de guitarra potente, enérgico y directo, convirtiéndose en una de las agrupaciones más influyentes del rock.

Cada disco del grupo fue una oportunidad para demostrar la crudeza de su estilo, pero si hay un álbum que Angus Young considera fundamental para cualquier guitarrista, ese es Let There Be Rock, informa Far Out.

El sello inconfundible de AC/DC

A lo largo de su trayectoria, AC/DC mantuvo una premisa clara: hacer que sus guitarras sean las protagonistas. Aunque algunas canciones de blues relegaban el instrumento a un segundo plano frente a la voz, la esencia del sonido de la banda siempre estuvo en sus riffs y solos.

En temas como Shoot to Thrill, Malcolm Young demostró su destreza castigando las cuerdas con una intensidad que fácilmente podía desintegrar una púa. La filosofía de AC/DC nunca fue hacer rock fácil o predecible; su música se basaba en la potencia y la entrega total.

El papel del vocalista en AC/DC siempre generó debates entre los seguidores de la banda. Sin embargo, durante la era de Bon Scott, Angus y Malcolm disfrutaron de una mayor libertad para improvisar. Scott, aunque carismático y con una fuerte presencia escénica, entendía cuándo debía dejar que las guitarras tomaran el control.

En canciones como Dirty Deeds Done Dirt Cheap, su intervención era precisa y calculada, asegurándose de no interrumpir los poderosos solos de Angus.

El álbum definitivo para guitarristas

En retrospectiva, Angus Young señaló Let There Be Rock como el álbum más enriquecedor para los guitarristas. “El álbum en el que pudimos hacer más cosas con la guitarra fue probablemente Let There Be Rock”, afirma el músico.

“A lo largo de ese disco hay muchos solos de guitarra y muchos descansos. Realmente me gustan mucho algunos de ellos. Me divertí mucho en todo ese álbum”.

El disco se caracterizó por su energía desenfrenada, y por la forma en que la banda llevó su sonido al límite. Temas como Whole Lotta Rosie empujaban al público más allá de lo habitual, con una mezcla que daba la sensación de estar “chispeando”, según describe el propio Angus.

Cuando Let There Be Rock fue lanzado, el punk estaba en pleno auge, con bandas como Sex Pistols y The Ramones desafiando la industria musical con su enfoque crudo y rebelde. En este contexto, AC/DC logró destacar sin necesidad de seguir las tendencias del momento.

Mientras muchos grupos adoptaban una actitud de ruptura contra el rock clásico, la banda australiana reafirmó su sonido basado en riffs pesados ​​y estructuras sencillas, demostrando que el rock and roll no necesitaba reinventarse constantemente para seguir siendo relevante.

El legado del disco

Si bien AC/DC exploró terrenos aún más agresivos con Powerage, Let There Be Rock marcó un momento de improvisación total, similar a lo que Led Zeppelin hacía en sus presentaciones en vivo. En este álbum, la banda dejó de lado las estructuras rígidas y permitió que las canciones se extendieran, dándole a Angus el espacio necesario para tocar sin restricciones.

Más allá de ser uno de los discos más emblemáticos de AC/DC, Let There Be Rock sigue siendo una referencia obligada para cualquier guitarrista que quiera comprender la esencia del rock and roll.

Mientras muchos músicos deben limitar su estilo para ajustarse a una grabación de estudio, en este álbum AC/DC hizo lo contrario: dejó que las guitarras hablaran por sí solas y crearon un disco que, casi cinco décadas después, sigue siendo una lección magistral de pura electricidad y actitud.

Una celebración del exceso y la pasión por la música

Más allá de su impacto técnico, Let There Be Rock es también un álbum que encarna la esencia misma de AC/DC: el exceso, la diversión y la entrega total a la música. Desde la estruendosa introducción de la canción que da nombre al disco hasta la intensidad de Go Down, el álbum se siente como una celebración del rock sin restricciones.

Angus Young, con su inconfundible uniforme escolar, convirtió cada solo de guitarra en un espectáculo de pura adrenalina, mientras Bon Scott consolidaba su estatus como uno de los vocalistas más carismáticos del género.

Más que un simple álbum, Let There Be Rock sigue siendo un manifiesto de lo que significa vivir y respirar el rock and roll.

El Salón de la Fama del Rock and Roll es uno de los máximos reconocimientos en la industria musical, un símbolo de estatus que honra a los artistas más influyentes de la historia. Desde su creación hace más de 40 años, fue el espacio para rendir homenaje a leyendas del rock como The Beatles, Queen y Metallica. Sin embargo, a pesar de su prestigio, el proceso de selección y las decisiones de inclusión siguen siendo objeto de debate. La revista Esquire repasó ciertos géneros y agrupaciones que aún no tienen lugar en este emblemático salón.

Las bandas de metal pesado y thrash metal en particular, parecen estar fuera del radar, a pesar de su inmensa influencia en la historia del rock. El portal trató las polémicas alrededor de los conjuntos de metal que no fueron reconocidos por el Salón de la Fama, centrándose en las razones detrás de su ausencia y el impacto que esto genera en los seguidores del género.

Proceso de selección: controversia y críticas

El Salón de la Fama del Rock and Roll no solo celebra a los artistas más importantes del rock, sino que también fue escenario de muchas controversias, especialmente en torno a la inclusión de algunos artistas y estilos musicales. Cada año, una lista de nominados es presentada al público, y aunque algunos nombres son bien recibidos, otros provocan cuestionamientos sobre los criterios que guían el proceso de selección.

Por ejemplo, en la lista de nominados al Salón de la Fama de 2025, se incluyen artistas de la talla de Joe Cocker y bandas como Soundgarden, Oasis y The White Stripes. No obstante, una de las inclusiones más controvertidas fue la de Maná, una banda mexicana que no es reconocida dentro del ámbito del rock puro. La inclusión de Maná generó opiniones divididas, ya que muchos consideran que su estilo musical no encaja dentro de los parámetros del rock clásico.

Bandas de metal que no fueron reconocidas

Uno de los géneros más excluidos por el Salón de la Fama es el metal, especialmente con el thrash y el heavy metal. Este vacío es particularmente notable, ya que varias de las bandas más influyentes y con mayor legado de estos géneros siguen sin un lugar en la institución. Entre estas agrupaciones destacan Iron Maiden, Motörhead, Slayer, Megadeth y Pantera, todas ellas con una huella imborrable en la historia del rock y el metal.

1. Iron Maiden

La banda británica con más de 40 años de carrera, es considerada una de las piedras angulares de la “Nueva Ola del Heavy Metal”. Su música compleja y técnica, junto a su icónica figura de Eddie, el personaje que acompaña a la banda desde sus inicios, marcó una generación. Iron Maiden logró llenar estadios alrededor del mundo y vender millones de discos, pero su falta de inclusión en el Salón de la Fama sigue siendo un misterio. Para muchos de sus seguidores, la ausencia de la banda en este espacio es una injusticia que refleja una incomprensión del impacto real de la agrupación en la historia musical.

2. Motörhead

El grupo liderado por Lemmy Kilmister fue pionero en la fusión del punk y el metal, creando un sonido crudo y enérgico que dejó una marca indeleble en la música. Motörhead fue una banda que no conoció fronteras en cuanto a estilos y generaciones de seguidores, inspirando a músicos de todo el mundo. Sin embargo, a pesar de su influencia y legado, la banda sigue sin ser reconocida por el Salón de la Fama, lo que genera una sensación de injusticia entre sus fanáticos.

3. Megadeth

Junto a bandas como Slayer, Megadeth se erige como uno de los pilares del thrash metal, con una carrera marcada por la técnica musical y la actitud desafiante de su líder, Dave Mustaine. A pesar de haber sido nominados en ocasiones anteriores, Megadeth aún no fue incluido, lo que deja a sus seguidores esperando un reconocimiento que parece cada vez más lejano.

4. Slayer

Con su agresividad y sus letras controversiales, Slayer también se convirtió en uno de los principales exponentes del thrash metal. La banda estadounidense rompió barreras dentro del género, abriendo el camino a una generación de grupos más extremos. Su impacto en la escena del metal es innegable, pero su falta de inclusión en el Hall of Fame refleja la continua falta de representación para los géneros más pesados dentro del espacio.

5. Pantera

La banda que cambió el curso del metal en los años 90 con su agresividad y sonido groove continúa siendo una de las agrupaciones más influyentes en la historia del género. Con discos icónicos como Vulgar Display of Power y Far Beyond Driven, Pantera dejó su huella en el metal y el rock en general. Pero su ausencia en el Salón de la Fama simboliza una desconsideración hacia su impacto, especialmente considerando cómo trascendió en toda una generación de músicos.

La falta de representación de géneros como el metal plantea dudas sobre la validez de los criterios de selección que posee el Salón de la Fama del Rock. Si bien algunos sostienen que la institución debe mantenerse fiel a sus raíces, la influencia de estilos como el thrash y el heavy metal continúa siendo ignorada. La ausencia de figuras como Iron Maiden y Slayer, sugiere que la institución podría estar subestimando el impacto de estas bandas en la evolución del rock.

Por décadas, Bruce Springsteen fue considerado uno de los más grandes compositores del rock. Su habilidad para narrar historias de la clase trabajadora estadounidense, llena de sueños, desafíos y redención, lo convirtió en una leyenda.

Sin embargo, su música nunca fue un esfuerzo individual: la E Street Band fue el alma de su sonido, una hermandad musical que llevó sus canciones a otro nivel, informó Far Out.

Más que un solista, un líder de banda

Desde sus inicios, Springsteen se destacó por su talento para escribir letras profundas y evocadoras, comparables con las de Bob Dylan.

Sin embargo, a diferencia de Dylan, cuya esencia podía sostenerse con una guitarra acústica y su voz rasposa, Springsteen necesitaba una banda para dar vida a su sonido.

La E Street Band le proporcionó esa energía indispensable. Sin ellos, su música habría carecido del impacto que logró con temas como Born to Run y Thunder Road.

Era un frontman, sí, pero uno que se alimentaba del virtuosismo y la presencia escénica de sus compañeros. La interacción con Steven Van Zandt y Clarence Clemons enriquecía las actuaciones, contando una historia en sí misma.

La separación en los años 90 y el vacío creativo

A principios de los años 90, Springsteen decidió separarse de la banda y emprender un camino en solitario. Si bien discos como Tunnel of Love y Lucky Town fueron bien recibidos, algo faltaba.

Su música, aunque introspectiva y melódicamente sólida, no tenía la potencia de sus mejores momentos.

En una década dominada por el grunge, su intento de sonar más relajado y personal no tuvo el mismo impacto en la audiencia.

Fue entonces cuando se hizo evidente lo que muchos ya sospechaban: Springsteen y la E Street Band eran inseparables. Su química, forjada en escenarios de todo el mundo, no podía ser reemplazada.

El regreso y el significado de Blood Brothers

En los años siguientes, la banda se reunió y lanzó un álbum de grandes éxitos que sirvió para recordar la magia de su colaboración.

En este contexto surgió Blood Brothers, una canción que encapsulaba la relación entre Springsteen y sus compañeros.

Más que una simple melodía, era una declaración de principios: la E Street Band era un grupo de músicos, y una familia.

La emoción de su regreso quedó reflejada en la música, y en el reconocimiento formal. En su discurso de inducción al Salón de la Fama del Rock and Roll, Springsteen admitió que la insistencia de Steven Van Zandt en que la banda fuera incluida junto a él tenía razón.

“Bruce Springsteen and the E Street Band, that’s the legend”, dijo Van Zandt, subrayando la importancia de la banda en la historia del rock.

Una historia imposible de separar

El legado de la E Street Band se mide en discos y conciertos, y en la manera en que transformaron la música de Springsteen en una experiencia colectiva.

Cada miembro aportó su propia identidad al sonido de la banda, desde el saxofón inconfundible de Clarence Clemons hasta los arreglos de guitarra de Van Zandt.

Juntos, construyeron una narrativa musical que trascendió generaciones y se convirtió en la banda sonora de la vida de millones de seguidores.

A lo largo de los años, la carrera de Springsteen demostró que la música, en su máxima expresión, es una experiencia colectiva.

Compararlo con Jimi Hendrix sin Mitch Mitchell y Noel Redding o con Neil Young sin Crazy Horse sería ilustrativo: su talento es innegable, pero su grandeza solo puede entenderse con la E Street Band a su lado.

En última instancia, la historia de Bruce Springsteen y la E Street Band no es solo la de una banda de rock, sino la de una hermandad construida a base de sudor, carretera y un amor inquebrantable por la música.

Cuenta la historia -o la leyenda, porque es incomprobable- que el último diálogo entre Buddy Holly y el bajista Waylon Jennings fue un intercambio de bromas:

-¡Espero que tu viejo autobús no se congele! – le dijo Buddy a su compañero de banda.

-¡Bueno, espero que tu avión no se estrelle! – le respondió Waylon sin imaginar que su deseo no se cumpliría.

Clear Lake, Iowa, martes 3 de febrero de 1959 a las 0.55 de la madrugada. La avioneta de cuatro plazas, un monoplano Beechcraft Bonanza, despegó al mando del piloto Roger Peterson, de 21 años, con tres músicos a bordo. Adelante, junto al piloto, iba Holly, en las dos plazas de atrás se habían acomodado otros dos músicos, Ritchie Valens y J.P. Richarson, conocido como The Big Bopper. Habían dado un concierto esa noche y partían rumbo a Fargo, en Dakota del Norte, la próxima escala de la gira “Winter Dance Party” que venían haciendo por el centro de los Estados Unidos. Waylon Jennings ni siquiera vio despegar al pequeño avión: a esa hora estaba dormitando en uno de los asientos del colectivo sin calefacción que venían utilizando para ir de un punto a otro en la gira y donde se amontonaban el resto de los músicos, los instrumentos y los equipos. A su lado también dormitaba el guitarrista Tommy Allsup, frustrado porque podía haber tenido un lugar en el avión, pero lo había perdido tirando una moneda al aire con Valens.

Todos eran estrellas del incipiente universo del rock’n’roll estadounidense y esa situación sería hoy impensable, porque los músicos de ese calibre viajan en jets privados -propios o alquilados- cuando recorren el mundo dando conciertos. No era así en 1959: en sus giras las bandas se trasladaban de una ciudad a otra en micros que hacían larguísimos y agotadores recorridos por los caminos. Para entretenerse durante esos viajes, cuando no podían dormir, los músicos jugaban a las cartas, conversaban de cualquier cosa e incluso componían nuevos temas. Quizás por eso, en las letras de los blues y los rocks de esos tiempos se repiten una y otra vez las palabras “on the road”.

Los tres que subieron a la avioneta eran muy jóvenes aunque ya figuras consagradas. Charles Hardin Holley -Buddy Holly- tenía 22 años y brillaba en el mundo del rock’n’roll desde dos años antes, cuando en 1957 su disco simple That’ll be the day trepó al número uno en los Estados Unidos y Gran Bretaña. Otro de sus temas, Peggy Sue, también era un gran éxito que había llegado al puesto tres en su país y al seis en Inglaterra. Sin embargo, esos éxitos no se traducían en dinero y Buddy, recién casado y con un hijo en camino, tuvo que dejar la carrera como solista que había empezado en 1958 para unirse a la gira “Winter dance party” y juntar con ella un puñado de dólares. La banda estaba conformada por Waylon Jennings en el bajo, Tommy Allsup en la guitarra y Carl Bunch en la batería, a los que se unieron Valens y The Big Bopper y otros músicos. Ritchie Valens, con apenas 17 años, ya era reconocido como un pionero del rock and roll en español gracias a su éxito con “La Bamba” y The Big Booper, a los 28, venía de lograr el puesto número tres en el ranking estadounidense con su canción Chantilly Lace.

Hasta la madrugada de ese 3 de febrero, la banda completa venía viajando en micro, pero la noche anterior una serie de contratiempos hizo que Buddy dijera basta y decidiera contratar la avioneta de Roger Peterson para volar con Valens y The Big Bopper al encuentro de la muerte.

Una gira problemática

La gira comenzó en Milwaukee, Wisconsin, el 23 de enero, y la frecuencia de los viajes pronto se convirtió en un problema logístico porque las distancias que los músicos debían recorrer entre los lugares de los diferentes conciertos habían sido mal calculadas por los organizadores. Por eso, en lugar de hacer una especie de círculo entre las ciudades de las presentaciones, la ruta seguía un zig-zag con distancias que podían llegar hasta a más de 600 kilómetros. Además, el ómnibus no estaba en condiciones para soportar las bajas temperaturas de ese invierno, con mucha nieve en los caminos y un termómetro que oscilaba entre los 20 y los 35 grados bajos cero.

La situación empeoró cuando llevaban poco más de una semana en los caminos y se descompuso la calefacción. Varios de los músicos empezaron a engriparse: Richardson y Valens se enfermaron, y el baterista Carl Bunch tuvo que ser internado por principio de congelamiento. Lo reemplazó Carlo Mastrangelo, baterista de The Belmonts, aunque hubo algunos conciertos en que Buddy Holly ocupó su lugar. Al final debieron dejar atrás al ómnibus descompuesto y alquilaron un micro escolar para poder completar la gira.

La presentación del 2 de febrero en Clear Lake, Iowa, no estaba prevista en el cronograma original de conciertos, sino que fue agregada a último momento. Para entonces, Buddy Holly estaba harto de viajar en esas condiciones y decidió alquilar un avión para viajar a Fargo, en Dakota del Norte, para el siguiente concierto. Estaba agotado y eso le permitiría por lo menos descansar unas horas en lugar de seguir sufriendo frío en los caminos. Consiguió la avioneta de Peterson, que solo llevar tres pasajeros, a un costo de 36 dólares por cabeza. Los demás deberían seguir en el micro.

Hubo una serie de cabildeos para decidir quiénes se subirían al avión. El asiento de Buddy Holly estaba fuera de discusión, porque todo había sido idea suya y también se ocupó de conseguir el avión a través de su representante. Otra plaza era para Waylor Jennings, pero a último momento se la cedió a The Big Booper porque lo vio afiebrado y con síntomas de gripe. El último lugar lo consiguió Ritchie Valens luego de ganárselo a Tommy Allsup jugando a “cara o ceca” con una moneda arrojada al aire.

El accidente

El monoplano Beechcraft Bonanza piloteado por Peterson dejó de tener contacto radial poco después del despegue, pero esa noche no se podía hacer nada para buscarlo porque la visibilidad era casi nula. Recién a la mañana siguiente, con las primeras luces, el dueño de la pequeña compañía aérea, Hubert Jerry Dwyer, despegó en otro avión para tratar de encontrarlo. Lo vio desde las alturas a las 9.35 de la mañana, a unos 9 kilómetros de la pista de despegue: la avioneta se había estrellado en un campo de maíz. El cuerpo del piloto seguía dentro del monoplaza y los de Holly, Valens y The Booper Booper estaban esparcidos a pocos metros alrededor.

La investigación determinó que la avioneta había impactado contra el suelo a una velocidad de 273 kilómetros por hora en posición de picada. La punta del ala derecha había impactado con el suelo primero, proyectando a la aeronave a través del campo congelado antes de quedar incrustada contra un cerco de alambre.

Los forenses informaron que todos los tripulantes murieron de forma instantánea. En el caso de los músicos, la causa de muerte fue “trauma severo al cerebro”, mientras que la de Peterson se adjudicó a “daño cerebral”. Sobre las causas del accidente, al principio se responsabilizó a los informes climatológicos recibidos por el joven piloto, que, aparentemente, no tenían los detalles necesarios para una evaluación completa del estado del tiempo de aquella madrugada. También se dijo que Roger Peterson no contaba con los conocimientos y las habilidades necesarias para pilotear ese modelo de avión, sobre todo con un clima tan difícil como el de esa noche.

Al mismo tiempo comenzaron a correr rumores sobre otras posibles causas. Se dijo que la policía había encontrado un arma que supuestamente pertenecía a Holly cerca de su cuerpo y que el asiento del piloto tenía un agujero de bala. Los investigadores desmintieron de inmediato la versión.

La noche que murió la música

Las repercusiones del accidente fueron enormes y los discos de los tres músicos multiplicaron sus ventas, sobre todo en el caso de los de Buddy Holly. Su último simple, It Doesn’t Matter Anymore, que venía muy atrás en el ranking se disparó de inmediato al puesto número trece y se lo escuchaba en todas las radios. Meses después, el sello Decca se apresuró a publicar un álbum de grandes éxitos, que permaneció en las listas de Billboard durante otros siete años. En Gran Bretaña, la demanda de sus discos creció de tal manera que la compañía debió reeditarlos una y otra vez, al tiempo que exhumaba sus grabaciones inéditas.

También se multiplicaron los homenajes. La primera canción en memoria de los músicos, Three Stars de Eddie Cochran, se grabó apenas un día después de su muerte, pero fue American Pie, de Don McLean, el que en uno de sus versos bautizó a esa madrugada del 3 de febrero de 1959 en que Holly y sus compañeros perdieron la vida como “La noche que murió la música”.

En una de sus estrofas dice: “No recuerdo si lloré/ Cuando leí sobre su novia viuda/ Pero algo me tocó profundamente en el interior/ El día en que la música murió”. El fragmento se refiere a la joven viuda de Buddy Holly, María Elena, que tenía un embarazo de pocas semanas cuando se enteró por la prensa del fallecimiento de su esposo y tuvo un aborto causado por el estrés traumático que le causó. Como consecuencia de los problemas de embarazo sufridos por la esposa del músico y las circunstancias en las cuales se le informó de su muerte, en los Estados Unidos se adoptó la política de no revelar nombres de víctimas hasta después de notificar a sus familiares.

Quizás el mayor homenaje que haya recibido Buddy Holly sea lo que Paul McCartney dice sobre él y su música en el libro The Beatles Anthology. Allí reconoce que lo motivo a escribir sus propias letras desde muy temprano. “Todavía me gusta el estilo vocal de Buddy. Y sus composiciones. Algo digno de destacar de The Beatles es que comenzamos a escribir nuestro propio material desde el principio. Hoy la gente da por sentado que vas a hacerlo, pero nadie lo hacía entonces. John y yo comenzamos a componer por Buddy Holly. Era como: ‘¡Guau! Él escribe y es un músico’”, escribió.

El mundo de la música despide a Garth Hudson, el legendario organista y multiinstrumentista de The Band, quien falleció este martes a los 87 años en las cercanías de Woodstock, Nueva York.

Hudson, conocido por su estilo único y su capacidad para fusionar géneros musicales, fue una figura clave en la transformación de la banda que marcó un antes y un después en la historia del rock and roll.

Según informa The New Yorker, Hudson era el último miembro sobreviviente de la agrupación, que también incluía a Robbie Robertson, Levon Helm, Rick Danko y Richard Manuel.

Hudson, quien tocaba el órgano, acordeón, saxofón y otros instrumentos, fue descrito por sus compañeros como un músico erudito y meticuloso, con una habilidad única para aportar texturas y matices a las composiciones de la banda.

En palabras del cantante de rockabilly Ronnie Hawkins, quien trabajó con ellos en los años ’60, cuando aún se llamaban The Hawks, Hudson era un músico excepcional: “Escuchaba sonidos extraños en su cabeza y tocaba como el Fantasma de la Ópera. Sabía exactamente qué incluir y qué dejar fuera”.

Los inicios de un genio musical

Nacido el 2 de agosto de 1937 en Windsor, Ontario, Hudson mostró desde joven un talento innato para la música.

Durante su adolescencia, trabajó como organista en la funeraria de su tío, una experiencia que, según relató al autor Barney Hoskyns, le permitió explorar las ricas tradiciones musicales de la iglesia anglicana.

Este trasfondo influyó profundamente en su estilo, caracterizado por complejas contramelodías y figuras inesperadas que añadían una dimensión única a sus interpretaciones.

Tras graduarse de la escuela secundaria, Hudson se unió a una banda llamada The Silhouettes, que más tarde se convertiría en Paul London and the Capers.

Según recordó Paul London, Hudson era un músico profesional con un peculiar sentido del humor, “raro, pero no demasiado raro”.

Este carácter distintivo lo acompañaría a lo largo de su carrera, consolidándolo como una figura única en el panorama musical.

La incorporación a The Band y su impacto transformador

En 1961, Hudson se unió a The Hawks, grupo que más tarde se convertiría en The Band, tras rechazar varias ofertas iniciales.

Finalmente aceptó cuando sus integrantes accedieron a pagarle un extra de diez dólares semanales bajo el título de “profesor de música”, un gesto que buscaba tranquilizar a los padres de Hudson, preocupados por su incursión en el mundo del rock.

Según recordó Levon Helm, la llegada de Hudson marcó un punto de inflexión para la banda, elevando su nivel musical y profesional.

Hudson tocaba un imponente órgano Lowrey modelo FL, conocido como Festival, que fue adquirido específicamente para él.

Este instrumento se convirtió en una pieza central del sonido de la banda, especialmente durante su etapa como grupo de apoyo de Bob Dylan en los años 1965 y 1966, cuando el icónico cantautor decidió electrificar su música, generando controversia entre sus seguidores más tradicionales.

El retiro en Woodstock y la creación de obras maestras

El accidente de motocicleta que sufrió Dylan en 1966 cerca de Woodstock marcó un cambio significativo en la trayectoria de The Band.

En 1967, Hudson, junto con Danko y Manuel, se mudó a una casa alquilada conocida como Big Pink, ubicada en West Saugerties, Nueva York. Según relató Robbie Robertson en su autobiografía Testimony, la casa, rodeada de naturaleza, se convirtió en un refugio creativo.

En el sótano, improvisaron un estudio de grabación donde, a pesar de las condiciones acústicas poco ideales, lograron producir dos de los álbumes más influyentes de la década de 1960: The Basement Tapes (junto a Dylan) y Music from Big Pink.

Dos discos seminales, además: se puede decir que en ese puñado de canciones -que van del folk al blues rural, pasando por el country- se concentra eso que desde los 90 conoceríamos bajo la etiqueta/género de americana.

Uno de los momentos más memorables de Hudson en la discografía de The Band es su solo de órgano en Chest Fever, una de las canciones más emblemáticas de Music from Big Pink.

En esta pieza, Hudson combina un motivo inspirado en la Toccata y Fuga en Re Menor de Bach con una improvisación cinematográfica que establece el tono para una canción que, aunque carece de una narrativa clara, se ha convertido en un clásico del rock.

Hudson no solo fue un virtuoso instrumentalista, sino también un innovador que aportó elementos inesperados a las composiciones de The Band.

Su uso del clavinet con pedal wah-wah en Up on Cripple Creek es un ejemplo de su capacidad para sorprender y enriquecer las canciones con sonidos únicos.

Según destacó The New Yorker, su estilo era “divertido y extraño, pero no demasiado extraño”, una descripción que encapsula su singularidad como músico.

La muerte de Hudson marca el fin de una era, dejando a los fanáticos de The Band con una sensación de pérdida y nostalgia.

Su música sigue viva, transmitiendo una calidez y humanidad que trascienden el tiempo. Canciones como The Weight y Up on Cripple Creek continúan resonando como himnos de la condición humana, recordándonos la importancia de la empatía y el apoyo mutuo.

Con la partida de Garth Hudson, se cierra el capítulo final de The Band, una de las bandas más influyentes de la historia del rock.

Su legado, sin embargo, perdurará como testimonio de su genio musical y su capacidad para transformar el arte en algo profundamente humano.

Danny Seraphine, fundador de la icónica banda Chicago y miembro del Salón de la Fama del Rock & Roll, contó a Infobae México los detalles de su gran regreso a la capital del país. El baterista estará acompañado de Jeff Coffey, exvocalista principal de la banda, y los integrantes de California Transit Authority, para presentar un homenaje a la altura de una de las agrupaciones más importantes del rock & roll, responsables de himnos como If You Leave Me Now y Hard To Say I’m Sorry.

El show se llevará a cabo el viernes 19 de julio, en La Maraka, uno de los lugares más emblemáticos para el rock nacional. Sobre tocar en este lugar, Danny Seraphine se dice emocionado, pues han pasado mucho años desde que hizo sonar su batería en la Ciudad de México.

Los clásicos de Chicago son el soundtrack de muchas historias de amor, Danny Seraphine lo sabe y atribuye esto a las canciones que fueron escritas por Peter Certera y David Foster: “Empezando por If you leave now, que es una gran canción de amor, casualmente escrita por Peter Certera. Él la escribió en los 70. En los 80 David Foster escribió grandes canciones como You’re the inspiration. Hard Habit to Break es de alguien más pero es parte de estas canciones y baladas de amor. Pienso que representamos cada año de Chicago, y creo que lo representamos bien. La gente ama los 80, ama esas baladas”.

Danny Seraphine: la nostalgia de los 80, los éxitos y su mayor orgullo

En México hay una nostalgia muy particular con respecto a la música de los 80, y los clásicos de Chicago se escuchan sin parar en estaciones de radio especializada en dicha época. Danny Seraphine sabe el favoritismo del público por los temas ochenteros y confiesa: “Me siento bien con que la gente piense eso. Me gustan los 70 y los 80. Los 80 son más aventureros y desafiantes, pero en los 80 hay muy buenas canciones”.

Chicago ha vendido más de 130 millones de discos, obtuvo nominaciones al Grammy al por mayor, y su fundador y baterista es considerado uno de los mejores de toda la historia de la música; sin embargo, de lo que Danny Seraphine se siente más orgulloso es de su paso por el tiempo:

“La banda se formó en 1967, eso fue hace 57 años, después de todo este tiempo la música sigue sonando genial y sigue sonando fresca, eso es de lo que estoy más orgulloso”.

El futuro para Danny Seraphine y la banda que continúa el legado de Chicago

Además, nos contó sobre lo que piensa del futuro del rock: “No puedo decirte qué pasará en el futuro, pero hay grandes artistas. Quiero creer que habrá algunos rockeros jóvenes realmente geniales que evolucionarán a partir de la música que comenzamos y crearán nuevas canciones innovadoras. Me siento bien por eso”. Y nos contó lo que piensa de la actual industria musical: “La industria está muy sana para ser honesto, si la comparas a hace años, pero creo que se está reinventando a sí misma, va a mejorar”.

Luego de salir de Chicago, Danny Seraphine formó California Transit Authority, y cuenta lo que significa para él: “Ha sido una alegría. Cuando junte California Transit Authority con Mark Bonilla y Roth, que no estará para este show pero volverá, realmente me propuse intentar formar una banda con la calidad del Chicago original, de Chicago Transit Authority (el primer nombre de la agrupación), esa era la misión de la banda. Es una gran banda, son grandes chicos, somos buenos amigos y buenos compañeros”.

Danny Seraphine también nos adelantó que para el show de La Maraka incorporarán nuevos clásicos de Chicago, por lo que su reencuentro con los mexicanos estará lleno de sorpresas.

Uno de los objetos más emblemáticos de la historia del rock and roll, los zapatos de gamuza azul que usó Elvis Presley en la década de 1950, saldrán a subasta este viernes 28 de junio.

La casa subastadora Henry Aldridge and Son, en Wiltshire, Inglaterra, fijó la oferta inicial en 69.751 dólares. Se espera que los zapatos se vendan por una cifra entre los 126.835 dólares y los 152.203 dólares, según confirmó un portavoz a FOX News Digital.

Elvis Presley utilizó estos zapatos no solo en presentaciones en vivo, sino también durante una aparición destacada en “The Steve Allen Show” de NBC el 1 de julio de 1956. Durante este programa, Presley interpretó “I Want You, I Need You, I Love You” y “Hound Dog”, esta última canción fue cantada a un perro real, según detalló la casa de subastas.

Cada zapato está marcado con la marca “Nunn-Bush” en el talón y lleva una inscripción indicando la talla de calzado 10.5. “Elvis mencionó haber usado estos zapatos antes de su actuación en el programa de NBC,” explica la casa de subastas.

La autenticidad de los zapatos está respaldada por tres documentos. Primero, una carta del Museo de Elvis Presley dirigida a Daniel Johnson y firmada por Jimmy Velvet, amigo cercano de Presley y figura autoritaria en materia de recuerdos del cantante. También se incluye un certificado de autenticidad del mismo museo, igualmente firmado por Velvet. Adicionalmente, hay una carta de Alan Fortas, otro amigo próximo de Presley y capataz en el rancho Circle G del cantante.

En la carta, Fortas describe cómo Presley le regaló los zapatos antes de partir al ejército en 1958. “La noche antes de la inducción de Elvis al ejército aquí en Memphis, él organizó una fiesta toda la noche en Graceland,” dice la carta de Fortas. “Cuando volvimos a casa, Elvis subió a algunos de nosotros y nos dio algunos de sus atuendos que no pensaba usar o no quería cuando regresara del ejército. Esa noche, Elvis me dio estos zapatos de gamuza azul talla 10.5. Los he tenido todos estos años.”

Elvis Presley falleció a los 42 años el 16 de agosto de 1977 debido a un infarto.

Esta subasta llega aproximadamente un mes después de que un juez detuviera la subasta de Graceland, la histórica casa en Memphis, Tennessee, que una vez perteneció al cantante. La compañía Naussany Investments & Private Lending planeaba subastar la propiedad afirmando que Lisa Marie Presley no pagó un préstamo de 3,8 millones de dólares antes de su fallecimiento. Lisa Marie había utilizado Graceland como garantía.

No obstante, la hija de Lisa Marie interpuso una demanda contra la empresa, alegando que el préstamo nunca existió. La decisión judicial impidió momentáneamente que el histórico hogar del Rey del Rock and Roll saliera a subasta.

Según Henry Aldridge and Son, estos zapatos no solo representan un ícono del estilo de Presley, sino también un testimonio de su influencia en la cultura pop y su capacidad para reinventar la moda del escenario. Cuatro décadas después de su muerte, Elvis Presley sigue siendo una figura icónica cuyo legado continúa captando la atención del público y coleccionistas por igual.

A principios de los años cincuenta, era poco previsible que una canción iba a lanzar a la fama a un intérprete al mando de una agrupación de country y western llamada Saddlemen. Las expresiones musicales de aquella época estaban en plena transición, dejando atrás géneros como el jazz, el country y el blues, y en la búsqueda de nuevos sonidos para una energía emergente que necesitaba ser canalizada.

Los Saddlemen pasaron a ser Bill Haley and His Comets, por el cometa Halley gracias a un productor visionario que sugirió renombrar la banda. El primer éxito que tuvieron fue “Crazy man, crazy”, que sería la primera canción de rock en ingresar a los Billboard, que además musicalizaba un programa de televisión protagonizado por James Dean. Entusiasmados, intentaron darle difusión a ”Rock Around The Clock”, con letra de Max Freedman y composición de Jimmy Myers, quien utilizó el seudónimo de Jimmy DeKnight, pero para su sorpresa fue rechazado por su discográfica. La banda no se rindió. Estaban en la cresta de la ola.

Al finalizar el contrato, en 1954, Bill Haley llevó su propuesta a otro sello discográfico, Decca, que accedió con una condición específica: el álbum debía incluir la canción “Thirteen Women (and Only One Man in Town)”, que relata la historia de catorce sobrevivientes de un holocausto nuclear. El líder de la agrupación no tuvo mucha opción, aceptó esta cláusula y la banda tuvo luz verde para hacer historia.

Una grabación accidentada

La canción fue grabada el 12 de abril de 1954. Una jornada memorable por lo mala que había sido. Ese día nada podía salir peor. La banda llegó dos horas tarde al estudio de grabación. Los primeros noventa minutos se dedicaron exclusivamente a ensayar “Thirteen Women (and Only One Man in Town)”, el tema negociado con la discográfica. Tuvieron que grabarla seis veces, porque los productores no estaba satisfecho con los resultados. A las cinco de la tarde, debían desocupar el estudio, lo que les dejaba únicamente cuarenta minutos para lucirse con “Rock Around The Clock”. Ante la presión del tiempo, la posibilidad de lograr una grabación exitosa parecía improbable. Todo iba de mal en peor. La letra era corta. La voz de Haley apenas se distinguía. Le agregaron un solo de guitarra de otra canción (Rock the Joint) para hacer estirarla y que tuviera más fuerza. Para enmendar errores, grabaron primero la voz del cantante y luego el sonido de la banda para mezclarlos después.

El 10 de mayo de 1954 el tema que tanto les interesaba y tras una grabación accidentada se lanzaba en el Lado B del álbum, donde morían las canciones consideradas menos importantes. El protagonismo era de “Thirteen Women (and Only One Man in Town)”.

Conforme a lo esperado, “Rock Around The Clock” no causó un impacto inmediato en el mercado. A pesar de haberse escuchado en la radio y de haber vendido algunas copias, algo que fue suficiente para renovar el contrato con el sello discográfico, no se aproximó ni por asomo al éxito estruendoso que se viviría un año después. La suerte de “Crazy Man, Crazy” había sido otra. Había vendido 750,000 ejemplares, superando diez veces las ventas de “Rock Around The Clock” en su lanzamiento.

El impulso decisivo vino de parte de Peter Ford, un chico solitario y melómano de nueve años que vivía en Beverly Hills que pasaba mucho tiempo escuchando discos que se compraba en la tienda del barrio, gracias a su madre, que le permitía darse esos gustos. Se compró el sencillo, y descubrió que en el lado B del disco había una canción con un “gran ritmo de batería” que llamó su atención, y compensó la compra del disco que calificó como horrible. Sin embargo, la recomendó a su padre, el célebre actor de Hollywood Glenn Ford, que la tomara en cuenta como banda sonora. Esta sugerencia resultó ser trascendental que cuando el director Richard Brooks buscaba una canción para su nueva película, “Blackboard Jungle”, conocida en español como “Semilla de Maldad”, el consejo de ese niño fue escuchado.

La sociedad estadounidense estaba experimentando transformaciones significativas, reflejadas en sus canciones, libros y películas. “Semilla de Maldad”, estrenada en marzo de 1955, se convirtió en una película icónica para los adolescentes de la posguerra. Se trata de un veterano de la Guerra de Corea que se desempeña como docente en una escuela pública, y se enfrenta a alumnos rebeldes. El tema “Rock Around The Clock” fue incluido nada menos que al inicio del filme. Ambientada en la Nueva York de mediados de los ‘50, comienza con la escena inicial de un grupo de jóvenes insolentes, mascando chicle, bebiendo de la botella y piropeando mujeres. Todo ello mientras danzan al frenético ritmo del rock and roll entre ellos. La canción domina sobre el ruido de fondo de un tren. Después de un año de indiferencia, “Rock Around The Rock” terminó siendo el himno definitivo del rock y consagrando a Bill Haley, un joven de 29 años, como una figura emblemática del género. En julio de 1955 la canción era número uno. Era la primera, de categoría rock and roll, que alcanzaba esta posición y en consecuencia, llegaba a los oídos de millones de personas en todo el mundo.

“Semilla de Maldad”, a pesar de ser una película controvertida y llegando a ser prohibida en algunos estados, se convirtió en un rotundo éxito y propulsó a Bill Haley al estrellato en el panorama del rock. Mientras persisten los debates sobre cuál fue la primera canción de rock and roll, no hay dudas de que “Rock Around The Clock” fue el primer gran éxito del género. Alcanzó el número 1 en los rankings de Estados Unidos, manteniéndose en esa posición durante ocho semanas, y también encabezó las listas en Inglaterra y Alemania. Las ventas del sencillo se dispararon, alcanzando millones de copias vendidas, y con ello llegaron las películas y las giras.

Bill Haley, por su parte, se convirtió en el primer artista de rock en presentarse en “El show de Ed Sullivan” y experimentó ser asediado por fans al extremo de que las chicas se lanzaban sobre su automóvil con tal de tocarlo. Con él nacía el concepto de “estrella de rock”, aunque en ese momento aún no se comprendía bien qué significaba ni cómo manejarlo.

En un lapso menor de dos años, el panorama musical sufrió una transformación radical. La industria de la música comenzaba a establecer sus propias reglas y, posiblemente, fue Bill Haley quien soportó las consecuencias de estos cambios. Aunque el fenómeno conocido como la “ola relojera” generó algunos éxitos más, nuevos talentos con seducción y carisma irrumpían en la escena. Artistas como Elvis Presley y Little Richard irrumpieron en el panorama musical, arrebatando el trono que Bill Haley apenas había comenzado a disfrutar.