La nueva etapa musical de Keanu Reeves lo muestra como bajista de Dogstar, la banda que fundó en 1991, y revela un significado renovado para su carrera artística a los 61 años. Con la misma determinación que lo llevó al éxito en Matrix, el actor asume la música y el cine bajo una filosofía de esfuerzo constante para permanecer activo y creativo, según detalló The Times.

Para el artista, este regreso significa una reafirmación de su deseo de explorar nuevos caminos creativos, compartir experiencias más allá de la fama y reconectar con la pasión que lo impulsó al inicio de su carrera, según The Times.

Origen y raíces musicales de Reeves y “Dogstar”

El recorrido musical de Keanu Reeves está definido por una fuerte influencia británica y la admiración por el lado sombrío e inteligente del rock alternativo. “Velvet Underground, Hüsker Dü, the Clash, los Pixies. Tantas bandas británicas, como Jesus and Mary Chain, the Exploited, Joy Division… Escuchaba esos bajos increíbles, melodía tras melodía, no tenía nada de blues. Era lluvioso, con anhelo, mucha inteligencia, ingenio y juegos de palabras”, rememora el bajista en declaraciones recogidas por The Times.

La huella de Joy Division es clave en la formación artística del músico. “No empecé a tocar el bajo hasta los 22 años y ya estaba escuchando Joy Division antes de eso, así que quizá tomé ese instrumento pensando en Peter Hook. Escuchaba ‘Atmosphere’ e intentaba descifrarlo”, explicó el artista.

Robert Mailhouse, batería y cofundador de Dogstar, también reconoce el peso de la escena británica y, en especial, de Manchester: “¿Cómo puede una ciudad tener cuarenta bandas revolucionarias de tantos géneros diferentes, desde 10cc hasta The Stone Roses?”, comentó a The Times.

La historia de Dogstar comienza en una escena cotidiana. Reeves relata: “Tenía una casa en Beachwood Canyon, en las colinas de Hollywood. Había un garaje con instrumentos y conocí a Robert en una tienda. Él llevaba una camiseta de hockey y, como crecí en Canadá, le pregunté si sabía dónde jugar. Empezamos a juntarnos, se unió su amigo Gregg, ensayábamos en mi garaje bajo el letrero de Hollywood. Comenzamos a escribir nuestras canciones y alguien propuso que tocáramos. Aquellos días de los noventa fueron muy bonitos”.

Mailhouse añade: “Nuestro primer concierto fue con Weezer, en 1992, en un bar llamado Raji’s. Había unas cuarenta personas”.

El reencuentro de Dogstar y el renacimiento de la banda

El regreso de Dogstar se dio tras 20 años de separación, sin un plan previo. Bret Domrose, voz principal y guitarrista, recuerda: “Vivo en el Área de la Bahía y Keanu tenía el estreno de una película en San Francisco. Me invitó, Rob vino desde Los Ángeles, y la mañana siguiente, durante el desayuno, ya hablábamos de amplificadores y baterías. Fue la chispa que necesitábamos para volver”, relató al periódico británico.

Reeves destaca cuánto extrañaba esa experiencia compartida. “Echaba de menos estar en la misma habitación. Siempre ensayábamos en la casa de Robert en Silver Lake. Recoger mi bajo, montarlo igual que antes… Hacía sol, conectamos, tocaste la batería, fue como un viaje. Volvimos a la cueva”.

La banda tocó en diversos escenarios, desde Japón hasta Glastonbury, donde, según Reeves, “nos lanzaban cosas en el festival”. Sin embargo, nunca hubo una proyección a futuro: “No proyectábamos nada, solo era recoger el equipo y tocar”.

El sentido de la música y la creación artística en la madurez

Para los miembros de Dogstar, la edad da una perspectiva particular sobre la creatividad y la vida artística. Robert Mailhouse lo expresa con franqueza: “Siento que estamos comenzando de nuevo. Sacamos lo que llevamos dentro, y esas sensaciones normalmente las tienes en la adolescencia o en los 20. Tenerlas mucho después es grandioso. Mi madre era ama de casa aburrida hasta que empezó a esculpir a los 40 y terminó con un monumento en DC. Nunca es tarde. Hasta que mueres”.

Bret Domrose, compositor principal del grupo, describe la música como una experiencia vital: “Para mí es terapéutico y comunitario, aportar algo que antes no existía. Es como plantar una flor y verla crecer”. La madurez no ha atenuado el impulso creativo de los tres integrantes.

“Sigo teniendo esa angustia y no he madurado del todo. La diferencia es que ya no hago música para llegar a algún lado. Ahora dejo que fluya en el río de la vida y algunas canciones parecían llegar por la ventana”, admite Domrose.

La visión de Keanu Reeves trasciende la nostalgia y se enfrenta al paso del tiempo. “Con los años experimentas la muerte, te acercas a ella, y quizá esto sea una forma de negarlo, pero ayuda a procesar esos sentimientos”, compartió el artista en diálogo con The Times. La relación con la impermanencia y la búsqueda de sentido han sido constantes en su experiencia profesional.

Visión de futuro de Keanu Reeves

“El bajo me apasiona, me gusta escuchar la batería y la guitarra, y disfruto ser parte de algo nuevo. Me encanta salir de gira, prepararme antes del concierto, reunirnos antes de salir al escenario. Eso es vida nómada, ¡sí, hombre!”, resume Keanu Reeves sobre su vivencia con Dogstar.

Sobre el futuro, el bajista revela su impulso por aprovechar cada oportunidad: “Quiero escribir, tocar, hacer giras, grabar, todo”. Con esa disposición, Reeves mira hacia adelante con perseverancia e ilusión. “Nada de proyecciones, solo ganas de seguir creando, explorar cada rincón posible y no reducir el horizonte”, afirmó durante la entrevista recogida por The Times.

El guardarropa de Pedro Pascal se ha transformado en un auténtico diario musical, donde cada camiseta de banda esconde un relato íntimo y revela el peso que la música ha tenido en los diferentes momentos de su vida.

Lejos de ser simples prendas, las camisetas que el actor elige para vestir fuera del set funcionan como señales de ruta. Entre las más presentes en su día a día se encuentran las de The Strokes, Cypress Hill y The Cure. Cada una, según ha contado Pascal, remite a una etapa específica, marcada por emociones, búsquedas personales y la compañía de la música como refugio o motor.

Pedro Pascal ha explicado que su afición por estas camisetas no responde únicamente a una cuestión de estilo, sino que cada prenda contiene el eco de recuerdos y experiencias. A través de ellas, el actor revive momentos muy definidos de su juventud y adultez, estableciendo un puente entre el presente y esos instantes clave de su historia.

The Strokes y el tránsito a la adultez

Entre las camisetas más representativas, destaca la de The Strokes, grupo que, según Pascal, lo acompañó durante los años 2000. En ese tiempo, el actor se encontraba en pleno proceso de búsqueda profesional y personal, enfrentando los desafíos de la adultez temprana.

Para Pedro Pascal, escuchar a The Strokes es volver directamente a los años 2000. Según recogió Indie Hoy, el actor asocia la banda con una etapa marcada por el trabajo intenso y las exigencias cotidianas. En medio de esa rutina, la música del grupo se convirtió en una vía de escape que le permitía romper con la monotonía, recuperar el entusiasmo y encontrar momentos de disfrute incluso cuando el cansancio parecía imponerse.

La presencia de esa camiseta en su armario es, para él, un recordatorio de esa transición y de cómo la música puede ser un refugio en medio de la incertidumbre.

Cypress Hill: nostalgia y adolescencia

Otra prenda emblemática en su colección es la camiseta de Cypress Hill, que Pascal vincula directamente a su paso por la secundaria. Según ha contado, la adquirió movido por la identificación que sentía con la banda durante esos años de formación.

El actor ha confesado que utiliza esa camiseta solo en ocasiones puntuales: prefiere ponérsela cuando se siente bien físicamente, ya que considera que favorece su figura. Más allá del detalle estético, la prenda se ha convertido en un símbolo de nostalgia, un lazo tangible con su adolescencia y con la música que definió esa etapa.

La relación entre el actor y la camiseta de Cypress Hill ilustra cómo ciertos objetos pueden encapsular recuerdos y emociones, funcionando como cápsulas de tiempo personales.

El lazo más profundo: The Cure

Si hay una banda que ocupa un sitio privilegiado en la vida de Pedro Pascal, esa es The Cure. El actor ha declarado que el grupo liderado por Robert Smith es su favorito desde la juventud, y la camiseta blanca y negra con la imagen del cantante y la frase “Boys Don’t Cry” es una de las más especiales de su colección.

“Compré esta camiseta yo mismo, en París, en una tienda de discos”, ha recordado Pascal, subrayando la importancia del gesto y el recuerdo asociado.

Cada vez que viste esa camiseta, revive la intensidad de sus primeros conciertos de The Cure en Londres, una experiencia que ha calificado como un hito emocional. El vínculo con la banda trasciende la ropa, transformándose en una parte esencial de su biografía.

Para quienes se preguntan qué representa la música de The Cure en la vida de Pedro Pascal, la respuesta es clara: se trata de una influencia duradera y profunda, capaz de modificar estados de ánimo y acompañar en las etapas más significativas de su crecimiento.

Prince y la familia

El recorrido musical de Pascal no se limita al rock alternativo. Prince también ocupa un lugar central en su memoria afectiva. El actor ha relatado su experiencia familiar al asistir al cine para ver Purple Rain, a pesar de no tener la edad recomendada para esa película.

Su admiración por el artista queda reflejada en sus propias palabras: “Es la mejor música pop y rock que se ha escrito jamás”. Así, la figura de Prince le permitió descubrir nuevas dimensiones de la música y amplió los horizontes culturales y emocionales de su juventud.

La madrugada del 29 de mayo de 1997, Jeff Buckley se metió al agua vestido y había bebido una cerveza. Cantaba “Whole Lotta Love” de Led Zeppelin mientras sonaba en un estéreo cercano. La estela del barco lo arrastró hacia el fondo del río Wolf, un afluente del Misisipi, en Memphis, Tennessee, Estados Unidos. Tenía 30 años y, esa misma noche, debía reunirse con su banda para comenzar tres semanas de ensayos de lo que sería su segundo álbum.

Las autoridades lo buscaron durante seis días hasta que un pasajero de una embarcación divisó su cuerpo flotando cerca de Beale Street. La autopsia descartó el uso de drogas y confirmó solo el rastro de aquella cerveza que había bebido. Su muerte fue declarada accidental.

Jeff Scott Buckley —conocido entre sus cercanos por su segundo nombre, Scottie— nació el 17 de noviembre de 1966 en el condado de Orange, California. Su madre, Mary Guibert, lo crió sola. Su padre, el cantautor Tim Buckley, abandonó a Guibert cuando estaba embarazada de cinco meses y solo conoció a su hijo una vez, cuando el chico tenía 8 años, pocos meses antes de morir.

La sombra del padre fue constante. Ambos tenían voces de registro extraordinario y ambos llevaban las estructuras de sus canciones hasta el límite. Cuando alguien le preguntó qué creía haber heredado de Tim, Jeff respondió con desdén: “Personas que recuerdan a mi padre. Siguiente pregunta”.

Buckley creció entre bandas del circuito de rock de California. A los 14 años ya cantaba “Roxanne” de The Police en actuaciones escolares. Pero su carrera tomó forma recién en 1991, cuando llegó a Brooklyn como una curiosidad para participar en un concierto tributo a su padre y, según el productor Hal Willner, “lo convirtió en el concierto de Jeff”.

Tras ese concierto, Buckley se instaló en el East Village de Manhattan y comenzó a tocar los lunes a la noche en el Club Sin-é, un diminuto café de la calle St. Mark’s Place. Acompañado solo de su guitarra eléctrica, alternaba canciones propias con versiones que iban de Bob Dylan y Led Zeppelin hasta Edith Piaf y el maestro paquistaní de qawwali Nusrat Fateh Ali Khan. En cuestión de meses, ejecutivos de las principales discográficas estacionaban limusinas a lo largo de la cuadra para verlo tocar.

En diciembre de 1993, Columbia Records publicó Live at Sin-é, un disco de cuatro canciones grabado en ese mismo café. El registro mostró a Buckley acompañándose con la guitarra eléctrica ante unas pocas personas. Fue su primera grabación comercial.

Para entonces, Buckley ya había entrado al estudio con el bajista Mick Grondahl, el baterista Matt Johnson y el productor Andy Wallace. Grabaron siete canciones originales —entre ellas “Grace” y “Last Goodbye”— y tres versiones: “Hallelujah” de Leonard Cohen, “Corpus Christi Carol” de Benjamin Britten y una tercera. El guitarrista Michael Tighe se sumó como miembro permanente antes del lanzamiento y co-escribió “So Real”.

El 23 de agosto de 1994, Grace llegó a las bateas estadounidenses. Ese mismo día, Buckley y su banda arrancaron una gira europea en Dublín. El disco tenía diez canciones y combinaba rock alternativo con texturas melódicas que no encajaban del todo en ninguna categoría de la época.

Grace no fue un éxito inmediato en Estados Unidos, pero Francia lo recibió de otra manera. El 13 de abril de 1995 se anunció que Buckley había ganado el Grand Prix International du Disque — Académie Charles Cros 1995, un premio otorgado por un jurado de productores, periodistas, el presidente de France Culture y profesionales de la industria. Antes que él, lo habían recibido Edith Piaf, Jacques Brel, Bob Dylan, Joan Baez, Bruce Springsteen y Leonard Cohen, entre otros. Francia también le otorgó un disco de oro por las ventas del álbum.

Entre todas las canciones de Grace, la versión de “Hallelujah” fue la que más marcó su carrera. Buckley no tomó la versión original de Cohen sino la reformulación que John Cale hizo en 1991 del tema, y la convirtió en algo distinto: una plegaria íntima ejecutada con guitarra eléctrica y voz.

El propio Buckley fue directo sobre lo que escuchaba en esa canción: “Es sobre sexo, no un homenaje a Dios sino un orgasmo”, dijo.

La versión arranca con un arpegio de guitarra eléctrica y la voz entra sin aviso. La melodía sostiene cada verso hasta que la última palabra —“Hallelujah”— se extiende en una especie de largo lamento que cierra el tema. Esa honestidad sin cálculo fue lo que la separó de las decenas de versiones que existían y de las que vendrían después.

Tras el lanzamiento de Grace, Buckley pasó prácticamente dos años en la ruta, como consignaron su biografía oficial y archivos de fechas de giras del período. Tocó en clubes, teatros y festivales de América del Norte, Europa, Japón y Australia. La gira australiana de principios de 1996 —llamada “Hard Luck Tour”— fue la última con el baterista Matt Johnson, que dejó la banda al terminar esa etapa.

En paralelo a las giras, Buckley mantuvo su vínculo con el Sin-é. Volvió allí en noviembre de 1995 para dos shows sin anunciar, en Nochevieja de ese año para cerrar el 1995, y en septiembre de 1996 para otro set sorpresa.

A fines de 1996 comenzó lo que él mismo llamó su “Phantom solo tour”: una serie de shows sin anunciar por el noreste de Estados Unidos, bajo distintos nombres falsos. Usó los seudónimos the Crackrobats, Possessed By Elves, Father Demo, Smackrobiotic, the Halfspeeds, Crit Club, Topless America, Martha & the Nicotines y A Puppet Show Named Julio. El objetivo era probar canciones nuevas en vivo sin la presión de ser Jeff Buckley.

Mientras construía su carrera solista, Buckley participó en varios discos ajenos. Cantó “Jolly Street” en el álbum In Love de The Jazz Passengers (1994). Aportó voces de tenor en dos grabaciones del álbum Cobra Live at the Knitting Factory de John Zorn (1995). Tocó el bajo eléctrico de seis cuerdas y la batería en tres canciones del disco de Rebecca Moore, Admiral Charcoal’s Song.

En el álbum Gone Again de Patti Smith, Buckley sumó voz en “Beneath the Southern Cross” y tocó el essraj —un pequeño instrumento de cuerdas sin trastes de origen indio— en “Fireflies”. También grabó guitarra, sitar y saxo de boca en una versión de “Angel Mine” para el tributo al poeta beat Jack Kerouac, Kicks Joy Darkness, y leyó el poema “Ulalume” del escritos Edgar Allan Poe para el compilado Closed on Account of Rabies.

Su admiración por el músico paquistaní Nusrat Fateh Ali Khan fue pública y permanente. Buckley fue uno de los primeros músicos jóvenes estadounidenses en reivindicar el qawwali —la música de los sufíes— entre sus pares. Le hizo una extensa entrevista para la revista Interview en enero de 1996 y escribió las notas del álbum The Supreme Collection de Nusrat, publicado en agosto de 1997, meses después de su muerte.

Durante el verano y el otoño de 1996, y en los primeros meses de 1997, Buckley grabó de manera intermitente con el productor Tom Verlaine —guitarrista del grupo neoyorquino Television— en Nueva York y en Memphis. Las sesiones no terminaron del modo esperado.

En febrero de 1997, Buckley presentó a su nuevo baterista, Parker Kindred, en un show en el Arlene Grocery del Lower East Side de Nueva York. Poco después, mandó a la banda de vuelta a la ciudad y se quedó solo en Memphis durante marzo y abril para seguir trabajando en las canciones. Grababa maquetas en un cuatro pistas: revisiones de lo registrado con Verlaine, composiciones nuevas y versiones sorprendentes de temas ajenos.

Su último show fue el lunes 26 de mayo de 1997 en el club Barrister’s de Memphis, donde venía tocando los lunes desde el 31 de marzo. Tres días después estaba muerto.

Esa noche del 29 de mayo de hace 29 años, Buckley esperaba a su banda para iniciar tres semanas de ensayos. El productor Andy Wallace —el mismo de Grace— tenía previsto unirse a ellos en Memphis a fines de junio para grabar el nuevo álbum, que iba a llamarse My Sweetheart, The Drunk.

Rebecca Moore, ex pareja de Buckley, habló con la revista People en agosto de 2025 sobre los días previos a la muerte. Contó que tuvieron una última conversación telefónica en la que él mostraba señales de angustia. “Fue la conversación más hermosa que tuvimos en nuestros siete años de conocernos, pero también la más perturbadora”, dijo. “Fue un momento de alegría, fue una charla cien por ciento típica de Jeff”, agregó Moore. “Creo que su muerte fue un accidente: él simplemente se tiró a nadar en un momento de alegría, mientras mataba el tiempo”, concluyó.

La madre de Buckley, Mary Guibert, también habló con People. Dijo que su hijo “quería llegar a viejo” y que “fantaseaba con estar arriba de un escenario en silla de ruedas”. “Imaginaba una vida en la que pudiera ponerse la guitarra al hombro, que la gente quisiera escucharlo cantar y que pudiera escribir lo que tuviera en el alma”, contó Guibert. “Y que eso fuera todo lo que la vida le pidiera”.

Las grabaciones que Buckley hizo con Verlaine se publicaron en 1998, de manera póstuma, bajo el título Sketches for My Sweetheart the Drunk. El álbum reunió el material de esas sesiones fallidas junto con algunas de las maquetas caseras que grabó solo en Memphis.

En el documental It’s Never Over, Jeff Buckley —dirigido por Amy Berg y estrenado por Magnolia Pictures en 2025, con posterior emisión en la plataforma HBO Max— hay una escena de archivo en la que alguien le pregunta cómo quiere que sus fans lo recuerden. La respuesta fue: “Solo por la música. Porque cuando esté muerto, eso será lo único que quede”.

El documental incluye entrevistas con Mary Guibert, ex parejas, compañeros de banda y músicos como Aimee Mann, quien dijo que Buckley “literalmente tenía la mejor voz que escuché en mi vida”. También aparece Joan Wasser —conocida como Joan As Police Woman—, que fue a la vez novia y colega de Buckley.

Entre las ausencias del documental que señaló la reseña que hizo en su momento el diario The Washington Post figuran Elizabeth Fraser de los Cocteau Twins, cuya relación con Buckley tras el lanzamiento de Grace no fue abordada, y el propio Tom Verlaine.

Los restos de Jeff Buckley fueron cremados y esparcidos en el mismo río en el que apareció flotando. Desde septiembre de 1998, dos placas recuerdan al músico en el Zoológico de Memphis. Su madre eligió ese sitio debido al gran amor que tenía Jeff al lugar al que visitaba con frecuencia.

Tres décadas después, la huella de Kim Gordon se percibe hoy en figuras como Courtney Barnett, Jenny Lewis y St. Vincent, quienes reconocen su influencia en la escena indie actual. En este punto, también, es bueno recordar que su presencia pionera en el rock alternativo de los 90 no solo desafió la hegemonía masculina, también impulsó el surgimiento del movimiento Riot Grrrl, que abrió camino a mujeres dispuestas a explorar los límites más radicales de la música sin someterse a la mirada masculina. A lo largo de casi cuarenta años, Kim Gordon ha sido una referencia ineludible.

Volviendo a Play Me, la novedad de Kim Gordon. Su alianza con el productor Justin Raisen ha transformado el enfoque sonoro y obrado un pequeño milagro: de la distorsión nihilista de los años de la Nación Alternativa a las bases de rap y elementos electrónicos que potencian la cadencia y el espacio en cada canciones. Ella misma ha reconocido que su voluntad de colaborar con Raisen surgió “por accidente”, pero terminó traduciéndose en mayor libertad creativa. El énfasis en los beats industriales y una disposición a dejar en segundo plano la guitarra han delineado un territorio sonoro donde el spoken word vulnerable y crítico cobra centralidad.

En Play Me, incorpora nociones propias del universo rap, donde el remix y la reconceptualización de materiales preexistentes son parte de la dinámica habitual. La lírica del último track retoma palabras como “Injusticia”, “Oportunidad” y “Vivienda para el futuro”; términos que ella seleccionó en referencia a la política del presidente Donald Trump, quien asoció estos conceptos con las iniciativas de diversidad, equidad e inclusión que su administración denunció. La reescritura convierte al ejercicio en un tipo de contundente declaración conceptual.

También, a diferencia de discos previos, Play Me es más breve y enfocado, tal vez en diálogo directo con la atención reducida que predomina el consumo cultural actual. Según ella, la evolución desde The Collective se concreta en “un disco más enfocado e inmediato”, con canciones diseñadas para impacto rápido y lírica confrontativa, sin concesiones a una narrativa lineal.

Kim Gordon contra las playlist

Play Me responde a la pregunta del momento: cómo una figura consagrada de la música alternativa puede intervenir activamente en la discusión sobre el valor del arte en la economía digital. Con sus actuales herramientas, Kim Gordon ha construído una crítica explícita al consumo pasivo que fomenta el actual ecosistema de streaming, utilizando títulos ficticios de playlists de Spotify y géneros por estado de ánimo como parte de la letra central: “Chica popular rica / Modo villana / Jazz y de fondo / Relajándome tras el trabajo”. Para ella, la música “siempre representó una cuota de libertad” y que esa libertad parece “cubierta por una manta” en el presente.

El título del disco y de la canción principal juega con esa doble tensión: es tanto una constatación de la pasividad del oyente en la era de los algoritmos como un desafío contra el estado de cosas. “También podría leerse como desafiante. Como si dijera: te reto a que me escuches”, puntualizó. El registro refuerza esos planteamientos con piezas como “Subcon”, donde la letra apunta al ascenso de la clase multimillonaria tecnológica y su obsesión reciente por la colonización espacial. Gordon ha convertido su preocupación por la realidad sociopolítica en motor central de sus canciones, asumiendo “más el rol de socióloga que de artista”, una vocación que atribuye a la influencia de su padre, académico de la Universidad de California.

De Sonic Youth al presente

Durante las más de dos décadas que pasó junto a su entonces marido Thurston Moore y el guitarrista Lee Ranaldo en Sonic Youth, el bajo de Kim Gordon funcionó como marca registrada del grupo. En su etapa solista, esa identidad se mantuvo, aunque mutó en dirección a bases electrónicas y estética industrial que, según la artista, le permiten “trabajar con el foco puesto en los ritmos”, clave de su asociación exitosa con el productor Raisen.

La decisión de ceder espacio a experimentaciones electrónicas y adoptar frontales referencias al mundo hip-hop, el uso de recursos propios del IDM y el punk, así como el ajuste de la duración de las canciones, revelan una estrategia deliberada de adaptación a la fragmentación de la escucha contemporánea. “Me inspiran más los beats que las melodías”, resumió, ratificando el cambio.

En 29 minutos, el disco intercala crítica directa, abstracción lírica y un retrato de la cultura digital, subrayando la condición de esta mujer de 72 años (forever young a juzgar por su imagen) no solo como cronista de su tiempo, sino también como una voz radical en la discusión sobre el valor del arte frente al avance del capitalismo tecnológico y los paradigmas de la música contemporánea. Amén.

El próximo domingo 29 de marzo de 2026, Deftones se presentará ante miles de seguidores en el Palacio de los Deportes de Ciudad de México. El grupo californiano, reconocido como una de las bandas más influyentes del rock alternativo, ofrecerá un concierto en solitario.

La expectativa por el regreso de Deftones a la capital mexicana surge tras su última aparición en el escenario del festival Corona Capital 2025. En esta oportunidad, la banda liderada por Chino Moreno prepara un encuentro más íntimo, donde el público podrá experimentar el poder y evolución de su sonido. La agrupación, completada por Stephen Carpenter, Abe Cunningham y Frank Delgado, incluye en su alineación al bajista de gira Fred Sablan, quien también colabora en el nuevo trabajo discográfico.

Con más de treinta años de trayectoria, Deftones ha consolidado una identidad musical que combina agresividad y matices atmosféricos. Su décimo disco de estudio, Private Music, producido por Nick Raskulinecz, vio la luz el 22 de agosto de 2025 y representa la primera entrega de material inédito desde el álbum Ohms en 2020. El sencillo “My Mind Is a Mountain” ha destacado como uno de los temas más reproducidos del álbum.

Para el concierto en el Palacio de los Deportes, los fanáticos esperan un setlist que integre tanto clásicos como “Change (In the House of Flies)” y “Diamond Eyes”, como nuevas canciones extraídas de Private Music. El repertorio podría incluir piezas que han ganado popularidad entre un público joven, especialmente usuarios de TikTok que tuvieron un acercamiento a la música del grupo a través de redes sociales.

La actuación de Deftones en la Ciudad de México promete un repaso por diversas etapas de su carrera, reafirmando su posición como referencia cultural dentro del metal alternativo y el rock contemporáneo. La cita representa una oportunidad única para presenciar una de las propuestas más sólidas del género en el país.

El grupo liderado por Chino Moreno cuenta con diez discos de estudio en su trayectoria. La banda debutó en 1995 con el álbum Adrenaline y desde entonces ha lanzado trabajos destacados como Around the Fur, White Pony, Deftones, Saturday Night Wrist, Diamond Eyes, Koi No Yokan, Gore y Ohms.

Setlist posible para Deftones en la Ciudad de México

• Be Quiet and Drive (Far Away)
• Locked Club
• Rocket Skates
• Diamond Eyes
• Ecdysis
• Digital Bath
• My Mind Is a Mountain
• Souvenir
• Swerve City
• Rosemary
• Cut Hands
• Infinite Source
• Sextape
• Hole in the Earth
• Change (In the House of Flies)
• Genesis
• Milk of the Madonna (con outro de “Souvenir”)

Encore:

• Cherry Waves
• My Own Summer (Shove It)
• 7 Words

Un lanzamiento con edición limitada y propuesta renovada

Dogstar, integrada por Keanu Reeves, Robert Mailhouse y Bret Domrose, presenta All In Now como parte de una estrategia de reactivación que incluye una edición limitada en vinilo de vidrio claro, dirigida a fanáticos y coleccionistas.

Según el portal argentino Indie Hoy, la producción de este formato especial apunta a captar la atención de quienes valoran piezas exclusivas y buscan artículos de colección dentro de la industria musical.

El álbum, que incluye temas inéditos, marca el regreso de la banda al estudio después de una prolongada pausa y refleja una evolución en su sonido.

La propuesta musical integra influencias contemporáneas y mantiene la identidad rockera de los años 90 que caracterizó a Dogstar en sus inicios, permitiendo una conexión tanto con seguidores históricos como con nuevas audiencias.

Gira norteamericana: alcance y repertorio

La vuelta de Dogstar a los escenarios se materializa en una gira que recorrerá ciudades emblemáticas de Estados Unidos y Canadá entre mayo y septiembre.

El grupo ha difundido el calendario completo de presentaciones, que abarcará recintos de mediano y gran aforo en mercados clave de Norteamérica. De acuerdo con Indie Hoy, el tour representa una oportunidad para que la banda restablezca la relación directa con el público y exhiba su repertorio renovado.

La gira de All In Now incluirá canciones del nuevo disco y clásicos de la banda, con la incorporación de sorpresas inéditas en cada presentación. Este enfoque busca ofrecer una experiencia integral a los asistentes y posicionar a Dogstar dentro del circuito actual del rock alternativo.

Primer sencillo: identidad sonora y mensaje

Como anticipo del nuevo álbum, Dogstar lanzó el sencillo “All In Now”, acompañado de un videoclip que enfatiza la estética visual y musical del grupo. Indie Hoy destaca que el tema se inspira en el sonido de Queens of the Stone Age, apreciable en la guitarra y la voz, y añade matices de post punk en la base rítmica. Este sencillo sirve como carta de presentación de la nueva etapa del grupo y refleja una madurez artística consolidada.

La letra de “All In Now” aborda la aceptación de los propios límites y promueve la autoafirmación ante las adversidades, elementos que refuerzan el perfil introspectivo de la banda en esta fase. El videoclip complementa el mensaje musical con imágenes que evocan la trayectoria de Dogstar y su apuesta por la autenticidad.

Antecedentes de Dogstar y su impacto

Dogstar se formó a comienzos de los años 90, coincidiendo con el reconocimiento internacional de Keanu Reeves por su trabajo en películas como Matrix y Máxima velocidad. El impulso mediático proporcionado por la figura del actor permitió al grupo lanzar dos álbumes de estudio entre 1996 y 2000, consolidando una base de seguidores y cierto prestigio en la escena alternativa.

Tras un extenso período de inactividad, la banda reapareció en 2023 con una actuación en el festival BottleRock Napa Valley y la publicación de Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees. Según Indie Hoy, esa presentación fue recibida positivamente tanto por el público como por los propios músicos, quienes decidieron capitalizar el momento para producir nuevo material y retomar la actividad en vivo.

Perspectivas y consolidación en la escena actual

Con el lanzamiento de All In Now y la gira norteamericana, Dogstar apuesta a fortalecer su posicionamiento en la industria musical contemporánea. La edición limitada en vinilo de vidrio claro y la selección de repertorio buscan atraer tanto a coleccionistas como a nuevos oyentes, mientras que la presencia de Keanu Reeves asegura una proyección mediática relevante.

La banda encara este nuevo ciclo con una propuesta que combina su herencia noventera y una visión actualizada, enfocada en el contacto directo con su público y la exploración de nuevos matices sonoros. Dogstar se presenta como un proyecto consolidado, dispuesto a revitalizar su legado y expandir su alcance en la escena del rock alternativo.

El medio detalló que la presentación está fijada para las siete y media de la tarde en el marco del ciclo Kursaal Eszena, y que las entradas para el espectáculo mantienen un precio de 40 euros. Jeff Tweedy, reconocido como fundador y principal figura de Wilco, interpretará en directo los temas de ‘Twilight Override’, su quinto trabajo en solitario, que suma una nueva etapa a una trayectoria influyente en la escena del rock alternativo estadounidense.

Según consignó el medio, el repertorio no quedará limitado a los temas recientes de su producción, sino que incluirá también canciones icónicas de la etapa de Tweedy junto a Wilco y Uncle Tupelo, agrupaciones referenciales en la renovación del sonido alternativo surgido en Chicago, Estados Unidos. El artista acumula reconocimiento como compositor y su habilidad para fusionar géneros se ha evidenciado tanto en sus proyectos grupales como individuales.

De acuerdo con el medio, la actuación en Kursaal Eszena representa una de las cuatro fechas programadas en territorio nacional, reforzando el carácter especial del encuentro para quienes siguen la evolución musical de Tweedy y sus diferentes formaciones. El auditorio Kursaal, conocido por albergar grandes eventos culturales y musicales, servirá de escenario para este recital en el que el público podrá escuchar tanto los nuevos lanzamientos como canciones consagradas en la historia reciente del rock alternativo.

Jeff Tweedy, según publicó el medio, se presenta como un referente de la composición y la escena musical estadounidense, con una carrera que abarca numerosas colaboraciones y proyectos influyentes. Su nuevo disco, ‘Twilight Override’, añade nuevas capas a su discografía personal y promete una muestra significativa de su desarrollo artístico. La combinación de temas novedosos y clásicos mantiene el atractivo de sus conciertos, permitiendo que la audiencia recorra gran parte de su trayectoria musical en una misma velada.

La cita en San Sebastián se inscribe en una gira nacional limitada, detalló el medio, por lo que adquiere relevancia para los aficionados que buscan presenciar en directo a uno de los nombres claves del rock alternativo contemporáneo. El formato del concierto, que abarca distintas etapas creativas de Tweedy, conforma uno de los eventos destacados de la temporada musical en el Kursaal, congregando tanto a seguidores de Wilco como de Uncle Tupelo, además de quienes se interesan por la obra individual del artista.

El lanzamiento de su álbum debut, Fallen, representó un punto de inflexión para la banda y para la música de la década. Evanescence se destacó por su estética oscura, la potencia vocal de Lee y videoclips de alto impacto. Las canciones seleccionadas no solo son reflejo de una época, sino que también muestran la evolución de la banda y su influencia en el género.

Estas tres composiciones lograron un reconocimiento inmediato y se convirtieron en símbolos de una generación. Cada una posee una historia y un contexto que explican su relevancia y su permanencia en la memoria colectiva.

Un debut que cambió el panorama musical

“Bring Me To Life” se lanzó en 2003 como sencillo principal de Fallen. La canción combinó elementos de nu metal y rock con la participación de la voz masculina de Paul McCoy, lo que aportó un contraste distintivo.

De acuerdo con Indie Hoy, el videoclip presentó a Lee en una escena dramática donde cae de un edificio, una imagen que se volvió icónica en la era de los videoclips de principios de los 2000. El tema rápidamente ascendió en los rankings internacionales y obtuvo premios, consolidando a Evanescence como una de las bandas más influyentes de su generación.

El éxito de “Bring Me To Life” no solo se debió a la fuerza de la melodía, sino también a su capacidad para conectar con un público amplio. Según Indie Hoy, el videoclip y la canción formaron un binomio que se transformó en la fórmula del éxito durante esos años. La canción se convirtió en un emblema del rock alternativo, siendo reconocida tanto por la crítica como por el público.

La repercusión de este sencillo permitió que el grupo alcanzara una fama global en muy poco tiempo. El disco Fallen vendió millones de copias y posicionó a Evanescence en la cima de la industria musical.

Una balada inmortal que dejó huella

“My Immortal” también pertenece al álbum Fallen y se lanzó en el mismo año. Esta canción se distingue por su tono melancólico y su instrumentación basada en el piano, lo que le otorga un carácter íntimo y nostálgico. De acuerdo con Indie Hoy, el videoclip utiliza el blanco y negro para resaltar la emoción de Amy Lee, quien aparece como la figura central de la narrativa visual.

El tema se consolidó como una de las canciones más celebradas de la banda y como un himno de los 2000. La sencillez y honestidad de la composición permitieron que “My Immortal” trascendiera el género y llegara a audiencias diversas.

Según Indie Hoy, la canción tuvo varias versiones antes de alcanzar la forma definitiva que se incluyó en el álbum. Esta búsqueda por lograr la versión ideal muestra el compromiso del grupo con la calidad artística.

“My Immortal” logró posicionarse en los rankings internacionales y se mantuvo vigente en el repertorio de la banda durante años. La canción se transformó en un punto de referencia para quienes buscan temas cargados de emoción y profundidad.

Un giro personal en la segunda etapa

“Call Me When You’re Sober” se publicó en 2006 como primer sencillo del álbum The Open Door. Este lanzamiento marcó una nueva etapa para Evanescence, que ya había consolidado su nombre en el ámbito internacional. De acuerdo con Indie Hoy, la letra de la canción está inspirada en la relación de Amy Lee con Shaun Morgan, vocalista de Seether, quien en ese momento atravesaba problemas personales.

El videoclip reforzó la estética gótica del grupo, con referencias visuales a cuentos clásicos y una producción de alto nivel. Según Indie Hoy, la decisión de abordar un tema personal en la letra generó controversia, pero también aportó un nuevo nivel de sinceridad a la propuesta artística de Evanescence.

La canción se convirtió en un éxito inmediato y demostró la capacidad de la banda para reinventarse sin perder su esencia. El álbum The Open Door consolidó a Evanescence como un grupo capaz de evolucionar y mantenerse relevante en la industria musical.

El legado de Evanescence en la cultura popular

El recorrido de Evanescence a través de estos tres temas ofrece una visión clara de su impacto en la música y en la cultura popular. “Bring Me To Life”, “My Immortal” y “Call Me When You’re Sober” representan distintos momentos en la trayectoria de la banda, pero comparten la capacidad de transmitir emociones intensas y conectar con el público.

La figura de Amy Lee como líder carismática y talentosa se mantiene como un elemento central en la identidad del grupo. Su voz, presencia escénica y participación en la composición de los temas reforzaron el vínculo con los seguidores. La banda supo combinar una propuesta visual potente con canciones memorables.

Evanescence continúa vigente y sus canciones siguen resonando en nuevas generaciones. El grupo demostró que es posible crear música con identidad propia y dejar una marca indeleble en la historia del rock contemporáneo. La influencia de estos tres temas perdura como símbolo de una época y de una forma única de entender la música.

Los asistentes al concierto podrán acceder a entradas con tarifas reducidas en función de su edad o situación laboral, ya que existe una modalidad especial para jóvenes menores de 30 años y para personas desempleadas, aplicable según la disponibilidad de localidades y siempre previa acreditación en taquilla. Esta iniciativa busca facilitar el acceso a la actuación que Jeff Tweedy, reconocido líder y fundador de la banda Wilco, ofrecerá el martes 10 de febrero en Kursaal Eszena de San Sebastián, según informó el medio que dio a conocer los detalles del evento.

El recital de Jeff Tweedy está programado para las 19:30 en el auditorio Kursaal y forma parte de los únicos cuatro conciertos que el músico realizará en el Estado en esta serie. Las entradas generales se encuentran disponibles por un precio de 40 euros y pueden adquirirse a través de los canales habituales. De acuerdo con la información publicada, la modalidad “hora joven” permite que quienes acrediten tener menos de 30 años puedan comprar entradas a 3 euros, únicamente en la hora previa al espectáculo. Asimismo, las personas desempleadas cuentan con la posibilidad de acceder a este mismo precio bajo las mismas condiciones y siempre que hayan localidades libres en taquilla.

Según consignó el medio, Jeff Tweedy es considerado una figura influyente dentro del panorama del rock estadounidense contemporáneo, tanto por su trayectoria al frente de Wilco como por su labor previa con la banda Uncle Tupelo. En esta ocasión, Tweedy aprovechará su parada en San Sebastián para presentar en vivo “Twilight Override”, su más reciente producción discográfica en solitario.

El repertorio anunciado para el concierto incluye tanto las nuevas composiciones que forman parte de este quinto álbum individual del artista como una selección de temas emblemáticos que han marcado diferentes etapas de su carrera. Así, el público podrá escuchar desde material inédito hasta canciones reconocidas de Wilco y Uncle Tupelo, dos proyectos que han dejado una huella en la historia reciente del rock alternativo estadounidense.

El medio detalló que la actuación de Tweedy se enmarca en la programación del Kursaal Eszena, espacio cultural que habitualmente acoge espectáculos de relevancia internacional y que en esta oportunidad ha habilitado mecanismos específicos para incentivar la asistencia de público joven y para quienes se encuentran en situación de desempleo. Los organizadores recordaron la importancia de consultar la disponibilidad en taquilla y presentar la documentación necesaria para acogerse a estas promociones.

La posibilidad de adquirir entradas a precio reducido permanece delimitada por el número de localidades restantes en la taquilla del auditorio. De este modo, las promociones para jóvenes y desempleados se limitan a la hora previa al espectáculo, por lo que la recomendación es llegar con suficiente antelación para formar parte de estas iniciativas.

El quinto trabajo solista de Jeff Tweedy se convierte así en el eje de un concierto que reunirá a seguidores del músico, tanto quienes lo conocen por su faceta dentro de Wilco como quienes han seguido su trayectoria individual. El evento en San Sebastián suma, de este modo, un capítulo relevante dentro de la limitada gira del artista por el Estado, configurando una propuesta que combina novedades discográficas y piezas ya consolidadas dentro de su repertorio.

Según publicó el medio, el concierto del 10 de febrero cobra un significado especial para los aficionados al rock alternativo, quienes tendrán la oportunidad de experimentar tanto la nueva obra del músico como una revisión de sus influencias y creaciones previas. Además, la estructura del evento y los programas de precios especiales contribuyen a ampliar el acceso a este tipo de propuestas culturales.

La presencia de Jeff Tweedy en Kursaal Eszena representa, de acuerdo con lo consignado en la información original, una de las últimas oportunidades para presenciar su directo dentro de la gira programada en territorio estatal, lo que incrementa el interés tanto de seguidores habituales como de nuevos públicos interesados en descubrir las facetas más recientes y las raíces musicales del artista.

La propuesta de entradas a precios reducidos tanto para menores de 30 años como para personas desempleadas marcará la diferencia en la próxima visita de Jeff Tweedy a San Sebastián, orientando el acceso a un público más diverso y facilitando que nuevos oyentes se acerquen a la figura del influyente músico estadounidense. Según informó el medio, el concierto del líder de Wilco está programado para el martes 10 de febrero en el auditorio Kursaal a partir de las 19:30, con entradas generales disponibles por 40 euros y una hora especial antes del espectáculo en la que los jóvenes podrán adquirir su pase por solo 3 euros. Además, aquellas personas en situación de desempleo también podrán beneficiarse de esta tarifa, sujeto a la disponibilidad y previa acreditación en taquilla.

Tal como publicó el medio, Jeff Tweedy, originario de Chicago y fundador de una de las bandas más representativas del rock alternativo estadounidense, compartirá con el público del Kursaal Eszena tanto las canciones de su más reciente trabajo en solitario, “Twilight Override”, como temas que han marcado su carrera dentro de Wilco y Uncle Tupelo. De acuerdo con la información disponible, se trata de la presentación de su quinto álbum, un trabajo que forma parte de su carrera personal al margen de la conocida agrupación que lidera desde mediados de los años noventa.

De acuerdo con el medio, quienes deseen asistir al recital pueden adquirir sus entradas a través de los canales habituales, cumpliendo con una política de precios que busca ampliar el alcance del evento más allá de los seguidores convencionales del artista. La inclusión del cupo de “hora joven” permitirá que menores de 30 años, durante el periodo estipulado que comienza una hora antes del show, puedan comprar su entrada por una cifra simbólica. A la oferta se suma una modalidad de acceso especial destinada a desempleados, quienes podrán acceder a entradas a precio reducido en taquilla siempre que queden localidades disponibles y se cumpla con el requerimiento de documentación que acredite su situación.

Jeff Tweedy se ha consolidado como uno de los principales exponentes del rock alternativo estadounidense contemporáneo. Según detalló el medio, el concierto en San Sebastián no solo servirá para presentar en directo las nuevas canciones de “Twilight Override”, sino también para repasar piezas emblemáticas pertenecientes a las discografías de Wilco y Uncle Tupelo, bandas en las cuales Tweedy ha dejado una huella significativa dentro del panorama musical de Estados Unidos.

El evento en el auditorio Kursaal Eszena se anuncia como una oportunidad singular para los seguidores del músico y para quienes busquen acercarse a su obra, considerando la singular combinación de canciones recientes y repertorio consagrado. Los organizadores esperan atraer tanto a públicos jóvenes, por medio de la tarifa especial, como a quienes están temporalmente fuera del mercado laboral, proporcionando así una experiencia en vivo más abierta en cuanto a sus posibilidades de acceso.

Con esta propuesta, Jeff Tweedy no solo agrega una nueva fecha a la gira de presentación de su último disco, sino que también introduce en el circuito de conciertos locales opciones de entrada más accesibles. El medio subrayó que esta iniciativa responde a la intención de facilitar la participación de segmentos sociales que frecuentemente encuentran obstáculos económicos para acudir a espectáculos de gran formato. La presencia del músico en San Sebastián se inscribe dentro de su reconocimiento como compositor y líder de una de las formaciones más representativas de la escena de rock alternativo estadounidense de las últimas décadas.

La expectativa por el recital incluye la posibilidad de escuchar en directo las composiciones de “Twilight Override”, acompañado de una selección de éxitos desarrollados a lo largo de una trayectoria de varios años tanto con Wilco como con la agrupación Uncle Tupelo, con la que Tweedy comenzó su andadura musical. De este modo, según consignó el medio, el espectáculo programado en Kursaal Eszena reunirá tanto a seguidores históricos de su carrera como a oyentes potenciales interesados por la innovación en los formatos de acceso y por el atractivo de una velada en la que confluyen pasado y presente musical del artista estadounidense.

El debut en solitario de Santiago Motorizado contiene, según consignó la organización de la gira, nuevas búsquedas musicales y colaboraciones que marcarán un cambio respecto a su prolífica etapa como líder de El Mató a un Policía Motorizado. Esta propuesta se hará visible el próximo 7 de febrero, cuando el músico argentino se presente en la Sala Acapulco de Gijón, acompañado por su banda en formato quinteto y dentro de una gira europea que contempla 20 presentaciones. En estos conciertos, el platense estrenará los temas de su primer álbum solista, “El Retorno”, cuya salida está prevista para 2025 y constituye uno de los lanzamientos más esperados de su carrera.

De acuerdo con la información publicada por la organización y recogida por la prensa local, el evento en Gijón tendrá lugar el sábado 7 de febrero a las 22:00 horas, con apertura de puertas a las 21:00 horas. Las entradas anticipadas se encuentran disponibles en el portal www.somoslacre.com a un precio de 19 euros, mientras que en taquilla ascenderán a 22 euros. La propuesta de Motorizado en este tour apunta a ofrecer una experiencia musical donde explora nuevas estéticas, sin apartarse de la impronta épica y el énfasis en la amistad y las melodías que han caracterizado su obra previa.

Tal como reportó la organización del evento, esta nueva etapa artística surge después de aproximadamente dos décadas en las que Motorizado lideró El Mató a un Policía Motorizado. Bajo su dirección, la banda de La Plata captó la atención de la crítica y el público en la escena latinoamericana por su aporte al desarrollo del llamado nuevo rock alternativo del siglo XXI. Las giras masivas, la participación en festivales internacionales y las salas repletas en América y Europa reflejaron el impacto del grupo y consolidaron a Motorizado como referente del movimiento. Su perfil creativo también se evidenció en su capacidad para adaptarse a otras plataformas, como la composición de la banda sonora para la serie argentina “Okupas”, dirigida por Bruno Stagnaro. Ese trabajo, titulado “Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro”, obtuvo un Premio Gardel en 2022 y confirmó la versatilidad del artista.

Según detalló la promotora, los espectáculos de la actual gira permitirán al público conocer el repertorio que Santiago Motorizado ha preparado para “El Retorno”, disco que marca una inflexión en su trayectoria y pretende ampliar los horizontes musicales del cantante. A lo largo de la gira europea, el músico va acompañado por una formación de cinco integrantes, lo que proporciona un nuevo matiz a sus interpretaciones, desligadas momentáneamente de la dinámica de grupo que caracterizó su carrera hasta ahora.

La gira, además de la fecha en Gijón, integra numerosas paradas en ciudades de Europa, consolidando la proyección internacional del artista argentino. Esta programación anticipa un año 2025 relevante para Motorizado, quien planea publicar oficialmente “El Retorno” ese mismo año, según comunicó la organización del evento.

El recorrido en solitario no implica, según lo expresado en los comunicados oficiales, un abandono de ciertos elementos que formaron parte de su sello distintivo. La épica de las canciones, el espíritu de camaradería y las melodías reconocibles siguen presentes, aunque matizados a través de una impronta personal e íntima surgida de su actual proceso creativo.

Este nuevo capítulo en la carrera de Motorizado toma un cariz especial tras su reciente reconocimiento como compositor de una banda sonora premiada y luego de haber liderado durante años una de las agrupaciones más representativas del rock argentino de las últimas décadas. La acogida de la gira y la expectativa por el disco subrayan el interés que despierta su propuesta tanto en el ámbito local como en el circuito europeo, según la promotora.

El documental The Best Summer, estrenado esta semana en el Festival de Cine de Sundace, expone un retrato íntimo y sin filtros de las figuras clave del rock alternativo de los años 90, con capturas que emergieron de cámaras Sony Hi8 durante la gira australiana Summersault que unió a íconos de la época como Beastie Boys, Foo Fighters, Sonic Youth, Beck, Rancid y Bikini Kill.

Al respeto, la directora Tamra Davis ofreció a Variety una perspectiva inusual sobre la creación del filme: “No conservé las cintas originales de ninguna manera”. Davis narró que, tras realizar los primeros montajes, recurrió a un especialista en sonido y descubrió que perfeccionar demasiado el audio eliminaba la atmósfera viva de las grabaciones: “Tuve que añadir de vuelta parte del sonido porque me encanta cuando estamos en una habitación conversando y se oye una fiesta al lado. Quería que la gente sintiera que, si no se divertía aquí, cruzando la puerta había una fiesta. Así fue la gira”.

Kathleen Hanna, vocalista de Bikini Kill y pieza fundamental en las entrevistas, recordó cómo el entorno era radicalmente diferente al presente: “Había una conciencia de sí mismo que no teníamos entonces, porque no estábamos siempre ante una cámara. Ver a Tamra con una cámara era una novedad. No era como ahora, que cualquiera tiene una. Era: ‘Es una herramienta genial, podemos jugar, vamos a hacer algo con esto’”. Hanna añadió énfasis al carácter participativo y espontáneo del proyecto: “Al principio, había otro equipo documental en la gira, pero no encajaron con los músicos. Yo pensaba: ‘Podríamos hacerlo mejor’. Entonces simplemente empezamos a entrar en los camarines y a hacer preguntas. Me recordó lo importante que es ser insistente —no para ser grosera o acaparar espacio-.

Kim Gordon, cofundadora de Sonic Youth, profundizó en el impacto emocional del material rescatado para el documental. “Mirando la película, siento muchísima emoción por aquella época. Pero la verdad, solo lo recuerdo como un buen momento”, afirmó. Explicó también la crudeza del registro visual: “Fue genial ver a todos viéndose bien —y sin alta definición— hace 30 años”.

El acceso sin restricciones al backstage distingue el enfoque de Tamra Davis, quien reveló que optó por una producción absolutamente casera: “Solo éramos estas chicas mandonas, ‘Ey, tenemos preguntas para ustedes’, y entrábamos" contó. Esto ayudó a sobrellevar las largas pausas entre conciertos, algo que matizó: “Si no hacíamos eso, acabábamos inventando un juego raro en la piscina”.

La economía y el contexto social también surgen como líneas divisorias entre generaciones de músicos. Kim Gordon subrayó: “Bandas jóvenes ahora, o músicos jóvenes —nadie quiere subirse a una furgoneta y girar sin parar. Y eso es lo que solíamos hacer. Esa es una gran diferencia”. Kathleen Hanna identificó motivos estructurales en la crisis de acceso para los artistas actuales: “Siento que muchas bandas no pueden permitirse hacer giras. El alquiler es demasiado alto. Es otro mundo económicamente y también cómo la gente se ve a sí misma en cuanto a ‘marca propia’. No teníamos ese término ni había redes sociales. No sentía que tuviera que sostener una marca propia”.

La dimensión personal también se cuela en el relato. Hanna mencionó que es “emocional ver la película porque capta el inicio del romance” entre ella y Adam Horovitz de Beastie Boys. “Es como ver imágenes de mí enamorándome de él”, confesó. Tamra Davis reconoció haber sido celestina: “Fuimos las casamenteras. Pensamos: ‘juntemos a estos dos porque los queremos a ambos y sabíamos que Adam estaba pasando por un mal momento... y ella es la mejor para él, aunque parezca improbable’”.

Para Gordon, viajar con una hija bebé era un hecho cotidiano, no una dificultad: “Fue divertido ver esos fragmentos de Coco cuando era bebé”, refirió sobre su hija, ya treintañera. Recordó además: “Fue su primera gira a los siete meses. No podía dejarla. Solo temí al llegar a Yakarta porque había desagües abiertos y Coco tiraba mucho el chupete al suelo. Me obsesioné por mantenerlo limpio”.

La cercanía de los integrantes de Beastie Boys, retratada en pleno apogeo, demostró el peso sentimental de la propuesta. Ver a Adam Yauch en plenitud resultó desgarrador para Davis: “La primera vez que vi todo el montaje no podía dejar de llorar al final, era como revivir ese tiempo tan bonito y cuán valioso era todo”, admitió.

El modelo de producción de The Best Summer siguió la independencia absoluta: Tamra Davis autoprodujo el filme junto a la editora Jessica Hernández, la productora Shelby Meade y su abogada de años, Linda Lichter. La directora revivió la presión para conseguir los permisos musicales a tiempo para Sundance: “Tuve cuatro o cinco días para enviar la película y obtener las aprobaciones. Todos fueron increíbles. Todos la vieron de inmediato y la aprobaron”.

Al vender el filme, Davis insistió en un lanzamiento primero en salas, buscando replicar la experiencia colectiva de un concierto: “Quiero vendérselo a una compañía que apoye la música. Quiero un plan. No quiero venderlo solo por dinero. Esto es mi vida y creo que encontraré a alguien con pasión por este mundo y esa música, que lo quiera sacar adelante”.

Sobre la relevancia de su carrera, Davis reflexionó desde el rol de directora: “Una mujer puede hacer toda una película —rodada íntegramente por una sola mujer—. Me entusiasma que a los 60 tenga una película en Sundance. Las mujeres nos obsesionamos con la edad. Quiero que se sepa que la carrera no se acaba a los 60. Puedes seguir estrenando en Sundance. Seguimos siendo cineastas. Los hombres siguen filmando a esta edad. Y las mujeres deben poder estar y representar”.

[Fotos: prensa Sundance Festival]

El álbum, lanzado en 1994, contiene canciones icónicas como “Violet” y “Doll Parts”. El intérprete narró que lo escuchó completo por primera vez mientras viajaba en coche durante una gira profesional. Cada canción le generó una sorpresa positiva. “Pensé: ‘Supongo que todo este álbum va a ser genial’”, relató.

De acuerdo con lo publicado por NME, Sandler profundizó en la impresión que tuvo. “Recuerdo que estaba de gira haciendo monólogos y ese álbum había salido. Estaba mucho tiempo en el auto y escuché la primera canción. Con la segunda pensé que el álbum entero sería excelente”, expresó. Para Sandler, descubrir esta obra de la banda liderada por Courtney Love representó una experiencia significativa en su rutina itinerante.

Una experiencia en vivo con Hole

Según Indie Hoy, Sandler contó que pudo ver a Hole en un concierto en Missouri tras uno de sus shows humorísticos. Al finalizar el espectáculo, un amigo le propuso ir a un teatro donde tocaba la banda. “Le dije: ‘¿Hole está aquí? ¡Vamos!’”, recordó Sandler.

Agregó que esa noche también estuvo presente la actriz Drew Barrymore, quien mantenía una relación con el guitarrista de la agrupación en aquel momento. “Recuerdo que estaba sentado al fondo, el concierto era increíble y luego salió Drew. La presentaron y ella apareció. Pensé: ‘Conozco a esa chica’, y fue una noche genial”, añadió el actor sobre esa experiencia.

La admiración de Sandler hacia Hole conecta con el impacto que Live Through This tuvo en otros artistas prominentes. De acuerdo con declaraciones citadas por Indie Hoy, Bono, líder de U2, elogió ese álbum y valoró el estilo distintivo de Courtney Love.

Asimismo, sostuvo que la banda logró un sonido de guitarra avanzado y comparó el disco con referentes del género, como Nevermind de Nirvana. “Tenía sonidos de guitarra avanzados, un sentido del pop que igualaba al de su hombre, pero un mejor álbum que In Utero, al mismo nivel que Nevermind”, manifestó Bono sobre la líder de Hole.

Sandler no dudó en mencionar que siempre regresa a Live Through This por el vínculo emocional y musical que generó desde su primer contacto. Los relatos del actor muestran cómo los discos influyen en la vida de las personas y se convierten en una compañía constante.

La elección de Sandler no sorprendió a quienes conocen su historia personal y sus gustos musicales, aunque sí sirvió para revalorizar la obra de Hole entre las nuevas generaciones. Además, la anécdota sobre Drew Barrymore y la descripción emotiva del concierto ofrecieron un contexto único que sumó a la narrativa pública del artista.

El testimonio de Sandler inspiró debates en redes sociales respecto al valor de los álbumes clásicos y el modo en que la música acompaña momentos clavesLa simpleza de su elección, sumada al relato de una experiencia personal, provocó reacciones en fanáticos de distintas edades.

Sandler, reconocido por múltiples películas y shows de comedia, volvió a captar la atención de los seguidores de la música y el cine. Al compartir su admiración por Live Through This, reavivó el interés sobre las obras más representativas del rock alternativo de los años 90.

El vínculo entre figuras de la industria y la música que marcan sus recorridos personales trasciende fronteras artísticas. Los testimonios como el de Sandler demuestran que un álbum puede convertirse en un compañero de ruta y permanecer vigente a lo largo del tiempo.

Las entrevistas recientes del actor consolidan la idea de que la pasión musical no solo influye en su vida privada, sino que también contribuye a la construcción de su imagen pública. Este tipo de relatos permiten a los admiradores descubrir facetas menos conocidas de figuras populares y conectan distintas generaciones en torno a la música.

Aunque millones de personas identifican a Radiohead con “Creep”, la banda comenzó a distanciarse de la canción. Yorke escribió la letra reflejando inseguridades amorosas juveniles y la sensación de no pertenecer, temáticas universales que conectan con oyentes de diferentes generaciones.

Asimismo, la melodía y la voz desgarrada de Yorke aportan una autenticidad que contribuyó a la gran difusión de la canción.

Desde su publicación, “Creep” se mantuvo en los primeros lugares de las listas musicales, convirtiéndose en uno de los sencillos más reproducidos de la década del noventa. Sin embargo, según precisó el sitio web especializado Rock & Pop, el grupo ha expresado en repetidas ocasiones su incomodidad con el lugar que la canción ocupa dentro de su repertorio.

Origen, significado y rechazo de la banda

De acuerdo con declaraciones de Thom Yorke recogidas por medios especializados, la inspiración de la letra partió de vivencias personales durante sus años universitarios. En ese sentido, explicó que la canción no solo trata sobre enamorarse de alguien y sentir que no se es suficiente, sino también sobre los desafíos de la masculinidad en ese periodo de su vida.

Según el propio Yorke, “Creep” revela un conflicto doble: la necesidad de presentarse como una persona sexual sin caer en una postura arrogante asociada al hard rock, y la voluntad de evitar estereotipos de género.

El líder de la banda afirmó en entrevistas que sentía una “verdadera incomodidad” al asumir el rol masculino en una sociedad que, según su opinión, requería nuevas formas de sensibilidad y comunicación emocional, detalló Rock & Pop.

Por otra parte, el éxito de “Creep” generó presiones inesperadas sobre la banda. De acuerdo con la prensa musical, la popularidad del tema instaló expectativas entre el público y la industria que condicionaron la creatividad de Radiohead. Los integrantes revelaron que se sintieron “ahogados” por la demanda constante de este tipo de sonido, a pesar de que su proyecto artístico buscaba impulsar una mayor experimentación y evolución musical.

La incomodidad con la canción se reflejó en la actitud de la banda durante sus giras. En la serie de conciertos posterior al lanzamiento de Ok Computer, Radiohead optó por no incluir “Creep” en el repertorio en diversas ocasiones. Según testimonios recogidos por diferentes medios, Yorke expresó su cansancio ante el público y se negó repetidas veces a interpretarla, marcando así una distancia pública respecto a su éxito más rotundo.

Con el tiempo, la banda utilizó la ironía para reapropiarse de “Creep” en algunos shows. Sin embargo, la interpretación del tema terminó ocurriendo de forma esporádica, reflejando el lugar ambiguo que ocupa en la trayectoria de Radiohead.

El legado de una canción incómoda para sus autores

“My Iron Lung”, otro tema del grupo lanzado en 1994, contiene referencias directas al conflicto generado por “Creep”. Según detalla el sitio web especializado Rock & Pop, los integrantes de Radiohead compararon la popularidad y las expectativas ligadas al tema con una especie de “pulmón de hierro”: una estructura que les ofrecía sustento económico, pero que también les imponía una fuerte limitación artística.

La relación tirante de la banda con su éxito no alteró el impacto cultural de “Creep”. Tres décadas después de su lanzamiento, la canción sigue acumulando reproducciones y se mantiene como un referente del rock alternativo de los noventa. El tema continúa recibiendo versiones y reinterpretaciones, ampliando su alcance más allá del público original de Radiohead.

En los últimos años, la agrupación británica retomó esporádicamente la interpretación en vivo de “Creep”, aunque sin convertirla en parte estable de sus conciertos. La pausa oficial en la carrera de Radiohead volvió incierto el futuro de la canción en su repertorio.

En suma, “Creep” simboliza tanto el inicio del éxito global de Radiohead como los dilemas internos de sus creadores ante el peso de la fama. El sencillo destaca por su historia de origen, su vigencia a lo largo del tiempo y el debate sostenido que genera entre los propios autores.

System Of A Down ha anunciado su regreso a la Ciudad de México con un concierto contará con la participación especial de la banda británica IDLES, lo que anticipa una noche de alto voltaje para los seguidores del rock.

El anuncio del concierto en la capital mexicana llega tras el éxito de la reciente gira de System Of A Down por estadios en Norteamérica y la venta de 500.000 boletos en América Latina a principios de este año. Además, la gira europea y por el Reino Unido prevista para 2026 agotó entradas de forma inmediata, lo que refuerza la vigencia y el alcance global de la banda.

La leyenda viva del rock noventero

Con más de dos décadas de trayectoria, System Of A Down se ha consolidado como una referencia en la escena del rock alternativo. Desde su formación en Los Ángeles en 1998, el grupo integrado por Daron Malakian (guitarra y voz), Serj Tankian (voz y teclados), Shavo Odadjian (bajo) y John Dolmayan (batería) ha mantenido una presencia constante en los principales escenarios internacionales.

Su álbum debut alcanzó el estatus de multiplatino y, actualmente, la banda supera los 24 millones de oyentes mensuales en Spotify, situándose entre las más escuchadas del género.

La velada en la Ciudad de México también contará con la presencia de IDLES, originaria de Bristol y formada en 2009. El grupo, compuesto por Goodrich, Beats y Bowen, ha sido reconocido por su energía y su exploración de nuevos territorios sonoros. Su quinto álbum, TANGK, sucede al nominado al GRAMMY® CRAWLER y ha sido descrito por la banda como su trabajo más ambicioso hasta la fecha.

El impacto de System Of A Down se refleja en su trayectoria internacional, con más de 42 millones de discos vendidos, un premio GRAMMY® y presentaciones en estadios y festivales de diversos continentes.

Cuándo y dónde será el concierto

Los reyes del nu metal volverán a pisar suelo azteca en una presentación programada para el 27 de mayo de 2026 en el Estadio GNP, al oriente de la Ciudad de México, en una velada que promete ser inolvidable para sus seguidores.

La preventa exclusiva para fans de System Of A Down comenzará el 10 de diciembre a las 10:00 horas, seguida por la Preventa Banamex el 15 de diciembre y la venta general el 16 de diciembre, disponibles a través de Ticketmaster y en la taquilla del recinto.

Así fue la última vez que vino SOAD a México

La última vez que System of a Down visitó México fue en octubre de 2018, como parte del Force Fest realizado en Teotihuacán. El grupo encabezó la primera jornada del festival el 6 de octubre, ante miles de asistentes.

Durante su actuación, la banda presentó un extenso setlist con 32 canciones, incluyendo clásicos y temas poco habituales como “A.D.D.” Su presentación fue recibida con entusiasmo por los fanáticos, quienes destacaron la energía y calidad del show. El evento reunió a seguidores de diferentes partes del país y consolidó el regreso de la agrupación tras varios años de ausencia en escenarios mexicanos.

La agrupación mexicana Jumbo anunció una gira de conciertos para el siguiente año como parte de su ‘Tour 2026′.

A través de sus redes sociales oficiales, la banda de rock alternativo confirmó varias fechas y ciudades donde se presentarán para el siguiente año.

De igual manera, en el Teatro Metropolitan ofrecieron una conferencia de prensa para dar más detalles de estas presentaciones, así como los días que se presentarán.

Iñigo Rizo, Alberto Ramos, Clemente Castillo y Carlos Castro, integrantes de la banda, estuvieron presentes en la rueda de medios.

Señalaron que las ciudades donde se presentarán son: Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey; las tres fechas de conciertos para su Tour 2026 serán las siguientes:

01 de mayo - Monterrey - Escenario GNP Seguros

16 de mayo - CDMX - Teatro Metropolitan

30 de mayo - Guadalajara - Teatro Diana

En sus redes sociales, los intérpretes de Fotografía compartieron su promocional para los conciertos del siguiente año.

En sus redes sociales indicaron que la preventa de boletos arrancará de manera general el próximo miércoles 10 de diciembre.

“¡CDMX, Guadalajara y Monterrey! Comienza una nueva etapa y nos emociona reencontrarnos en el camino. ¡Gracias por ser parte de este nuevo capítulo! Nos vemos el 1.°, 16 y 30 de mayo", escribió la agrupación en su cuenta oficial de Instagram.

Breve historia de Jumbo

Jumbo es una banda mexicana de rock alternativo originaria de Monterrey, Nuevo León. Se formó en 1997, cuando los miembros de la agrupación Zebra Audiovisual decidieron cambiar de nombre y consolidar una nueva identidad musical.

La alineación original estuvo compuesta por Rodrigo “Flip” Delgado, Alejandro “Charly” Castillo, Jorge “Castillo” y Clemente Castillo.

El grupo se integró al movimiento conocido como la avanzada regia, que agrupó a varios proyectos musicales de Monterrey a finales de los años noventa.

En 1999 lanzaron su álbum debut “Restaurant”, el cual incluyó temas como “Monotransistor”, “Fotografía” y “Siento que…”, logrando notoriedad en la escena nacional.

A lo largo de su trayectoria, Jumbo mantuvo una presencia continua en festivales y medios musicales. Su discografía abarca álbumes como “D.D. y Ponle Play” (2001), “Teleparque” (2003) y “Alfa Beta Grey” (2005), en los que la banda mostró una evolución en su sonido, incluyendo influencias de pop, indie rock y música electrónica.

La banda ha enfrentado cambios en su formación, pero Clemente Castillo ha permanecido como el integrante constante y voz principal del grupo.

A pesar de estas modificaciones, Jumbo ha continuado lanzando discos y sencillos, entre ellos “Gran Panorámico” (2010), donde reinterpretaron sus temas más conocidos con colaboraciones de diversos artistas.

Jumbo es considerada una de las bandas más representativas del rock alternativo mexicano, destacando por su capacidad de reinventar sus composiciones y mantener una base de seguidores activa en México y América Latina.

Luego de varios años de incertidumbre, Linkin Park ha regresado a los escenarios internacionales, despertando gran expectativa y debate entre su base de seguidores.

La banda, originaria de California, atraviesa un ciclo de transformación profunda, impulsada por la llegada de nuevos integrantes y una agenda de conciertos que promete marcar un antes y un después en su historia.

La formación renovada y un presente exigente

Actualmente, Linkin Park está compuesta por Dave Farrell, Brad Deison, Joe Hahn, Emily Armstrong, Colin Brittain y Mike Shinoda.

Desde su creación en 1996, la agrupación se consolidó como referente global del rock alternativo y el rap rock. Sin embargo, la integración de Armstrong y Brittain ha marcado el inicio de una nueva etapa.

Los conciertos recientes, descritos por Shinoda como algunos de los más exigentes y gratificantes en la historia del grupo, han exigido un trabajo sostenido.

“Este año ha sido increíble. Hemos tenido un tiempo muy ajetreado, con muchos de los conciertos más importantes que nunca hemos dado. Creo que todo el mundo sigue muy emocionado con la gira y con los conciertos”, declaró Shinoda.

El impacto de las redes y la reacción del público

La actividad del grupo en redes sociales ha reflejado tanto elogios como críticas, lo que evidencia el interés y la pasión que aún despiertan entre sus seguidores.

Mike Shinoda abordó este fenómeno, reconociendo que la diversidad de opiniones es parte inevitable del trayecto artístico. “Desde el principio, todo lo que sacamos al mercado, siempre hay gente a la que le encanta y gente a la que no le gusta. Eso es parte de ser artista…”, explicó.

En este contexto, la clave para la banda radica en mantener la satisfacción interna y el orgullo por su trayectoria, ajenos a la necesidad de aprobación externa. El grupo enfatiza que la autenticidad se convierte en su principal lema, incluso ante el escrutinio público.

Nuevos miembros: entre polémica y renovación

La inclusión de Emily Armstrong y Colin Brittain ha sido catalizadora de opiniones divididas. Una parte del público aplaude la renovación que aportan, mientras que otros mantienen cierta distancia frente al cambio de rumbo.

Para la banda, el proceso de integración ha sido natural y sólido, considerándose ambos músicos como parte esencial del actual sonido del grupo.

Según los propios miembros, Armstrong y Brittain se han adaptado rápidamente, ganándose la aceptación y el respeto dentro del conjunto, lo que ha contribuido a mantener una dinámica positiva incluso ante cuestionamientos externos.

Un enfoque creativo fiel a la esencia del grupo

A pesar de las transformaciones, Linkin Park mantiene como prioridad la autenticidad musical y la conexión emocional en cada presentación.

El grupo insiste en que cada concierto representa una oportunidad única para consolidar el lazo con sus seguidores antiguos y nuevos, transmitiendo emoción y renovando el compromiso con su historia.

El repertorio presentado en la gira combina clásicos que marcaron una época con propuestas recientes que reflejan la evolución creativa del grupo. Esta ambivalencia ha permitido que el público experimente la nueva etapa de la banda sin perder la esencia original que los catapultó al estrellato.

Mirada al futuro y nuevas metas

El camino actual de Linkin Park está guiado por la búsqueda de satisfacción personal y la fidelidad a su obra, propósito que marca esta etapa de renovación y desafíos constantes.

La banda continúa trabajando con disciplina y pasión, superando expectativas y abriendo espacio a nuevas influencias y sonidos dentro de su propuesta.

Con una gira considerada una de las más intensas de su carrera y la receptividad del público en cada presentación, Linkin Park demuestra que la transformación es parte esencial del arte.

El futuro inmediato se vislumbra lleno de retos, pero también de oportunidades para reafirmarse como uno de los grupos fundamentales del rock contemporáneo.

The Neighbourhood regresará a México en 2026 tras una pausa prolongada iniciada en 2022, cuando la agrupación decidió suspender sus actividades indefinidamente debido a la acusación por conducta sexual inapropiada que recibió su baterista Brandon Fried contra María Zardoya, vocalista de la banda The Marías. Este grave incidente motivó la salida inmediata del músico y el cese temporal de la actividad del grupo.

Sin embargo, tras este difícil episodio, la reconocida banda de rock alternativo anunció a través de su cuenta de Instagram que vuelve con energía renovada, presentando nueva música junto a una gira mundial que pasará por tres importantes ciudades mexicanas: Monterrey, Guadalajara y Ciudad de México. Esta gira está ligada al lanzamiento de su más reciente álbum, ‘((((ultraSOUND))))’, que refleja la evolución sonora y creativa del grupo.

Las fechas confirmadas son: 21 de septiembre en el Auditorio Telmex de Guadalajara; 23 de septiembre en el Auditorio Banamex de Monterrey; y 25 de septiembre en el Palacio de los Deportes en Ciudad de México. La preventa exclusiva inicia el 6 de noviembre para tarjetahabientes Banamex, seguida por la venta general el 7 de noviembre a través de Ticketmaster.

Por qué la banda decidió darse una pausa y despedir a Fried

María Zardoya, líder y vocalista de The Marías, fue quien denunció públicamente a través de sus redes sociales al baterista de The Neighborhood, Brandon Fried, por conducta sexual inapropiada. A través de una historia de Instagram, la cantante comentó lo ocurrido: “Anoche estaba en un bar y Brandon Fried, el baterista The Neighbourhood, me manoseó debajo de la mesa”.

La cantante puertorriqueña aseguró que el músico la tocó sin su consentimiento: “Fue una de las cosas más incómodas que he experimentado. Sentí una invasión de mi espacio, mi privacidad y mi cuerpo. The Neighbourhood necesitarán un nuevo baterista, este tipo es un completo asqueroso”.

Después de lo ocurrido, en noviembre de 2021, después de más de diez años de trayectoria continua, el grupo emitió un comunicado en el que explicaban que el descanso se debía a que enfrentaban importantes desafíos personales, incluyendo rupturas y problemas familiares, al entrar en una nueva etapa de su vida adulta, según informa Rolling Stone en Español.

Tras la acusación de María Zardoya, la banda actuó rápidamente anunciando en noviembre de 2022 la salida inmediata de Brandon Fried: “Tenemos cero tolerancia con cualquier tipo de comportamiento inapropiado hacia las mujeres. Como resultado de las acciones de Brandon, ya no será miembro de The Neighbourhood”, anunció la agrupación a través de un comunicado en redes sociales.

El baterista ofreció una disculpa pública tras la denuncia, donde a través de sus historias en Instagram, expresó su profundo arrepentimiento por sus actos, atribuyéndolos a la influencia del alcohol: “Estoy terriblemente avergonzado por lo ocurrido con María. Mis acciones fueron inaceptables e intolerables. No representan quién soy como persona, pero reflejan claramente quién me vuelvo bajo la influencia”, reconoció el músico.

Además, admitió que enfrenta problemas relacionados con el alcohol y las drogas, y que ya está buscando ayuda para su rehabilitación.

Fried también pidió perdón a todas las mujeres que han vivido experiencias similares, así como a sus compañeros de banda y a los fans. “Es evidente que debo enfrentar mis problemas con el alcohol y el abuso de sustancias, por lo que ahora estoy en proceso de recibir ayuda. Quiero disculparme sinceramente con todas las mujeres que han sido víctimas de comportamientos que las han hecho sentir incómodas o violadas”.

Tour mundial 2026

The Neighborhood anuncia su regreso a México en 2026 con una gira muy esperada que promete emocionar a sus seguidores más fieles. La banda estadounidense, conocida por sus temas emblemáticos como “Sweater Weather”“ Problemas con el padre”y “Llorón”, se presentará en tres grandes escenarios del país: Guadalajara, Monterrey y Ciudad de México.

Esta gira representa una nueva etapa para el grupo, que ha atravesado importantes cambios personales y profesionales durante los últimos años. Los conciertos en México serán una oportunidad para que la banda se reconecte con su público latinoamericano, mostrando la evolución de su estilo musical y su energía en vivo, tras un período de reflexión y transformación.

El público podrá disfrutar de las tres presentaciones programadas para septiembre de 2026: el 21 en el Auditorio Telmex de Guadalajara, el 23 en el Auditorio Banamex de Monterrey, y el 25 en el Palacio de los Deportes de Ciudad de México.

La venta de boletos comenzará con una preventa exclusiva para tarjetahabientes Banamex el 6 de noviembre, seguida por la venta general el 7 de noviembre a través de Ticketmaster.

Además de la gira en México, la banda tiene planes para visitar numerosas ciudades alrededor del mundo, llevando su música a una audiencia global. Esta gira internacional reafirma su estatus como una de las bandas más relevantes del rock alternativo contemporáneo y muestra su compromiso por mantenerse cerca de sus fans a través de sus conciertos en vivo.

En una entrevista con Spotify, la artista recordó sus inicios marcados por una fuerte influencia del rock alternativo, especialmente de la escena de Seattle.

“Uno es mucho más rock, que es como yo empecé. Yo empecé más como una artista rock, en ese momento estaba enloquecida por todas las bandas, no sé, Seattle, del rock alternativo y todo eso. Era lo que me inspiraba más”, relató Shakira sobre el espíritu de Pies descalzos.

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Con el paso del tiempo, explicó, nuevas influencias musicales se sumaron a su repertorio, lo que la llevó a experimentar con fusiones y a definir el carácter distintivo de Fijación oral y Oral fixation en inglés.

“Y luego, pues pasó el tiempo, vinieron otras influencias musicales también, y empecé a hacer un poco de fusión. Yo creo que eso es lo que caracteriza un poco al proyecto de Fijación oral”, añadió la cantante en su diálogo con Spotify.

En esta misma línea, también hizo su análisis para Variety, conversación en la que la artista profundizó en el contexto creativo de Fijación oral, describiendo esa etapa como un momento de búsqueda y experimentación.

La barranquillera señaló que, tras haber presentado sonidos latinos al público estadounidense con Laundry Service, se propuso romper barreras y avanzar hacia nuevos horizontes musicales.

“Veo a alguien que estaba explorando, buscando, buscando romper barreras, ir un paso más allá después de haber presentado sonidos latinos al público estadounidense en Laundry Service”, explicó la cantante sobre su mentalidad en ese periodo.

La celebración de los aniversarios de Pies descalzos y Fijación oral no solo invita a repasar la trayectoria de Shakira, sino que también resalta la transformación de su propuesta artística, desde sus raíces rockeras hasta la fusión de estilos que caracteriza su obra más reciente.

Esta evolución marcó una etapa en la que la artista se sintió más audaz y creativa, consolidando uno de los periodos más fructíferos de su carrera.

La artista que a la colombiana le habría encantado tener en ‘Fijación oral’

La admiración de Shakira por la nueva generación de artistas quedó reflejada en esta misma entrevista para Variety, donde la cantante colombiana reveló que le habría gustado sumar la voz de Chappell Roan a uno de los temas más emblemáticos de su álbum Fijación Oral.

En el contexto de los aniversarios de Fijación Oral y Pies descalzos, la artista compartió sus preferencias musicales y reflexionó sobre la evolución de su carrera, según recogieron Variety y Spotify.

Asimismo, reveló el sencillo en el que le hubiera encantado escuchar a la artista estadounidense: “Me encantaría escuchar a Chappell Roan en ‘La Pared’. Creo que haría una interpretación increíble. Su voz y su arte son increíbles”, expresó la cantante, destacando el impacto de la joven artista en su visión del panorama musical contemporáneo.

Cuántas canciones fueron en el especial

En total son cinco las canciones elegidas por la barranquillera para esta producción, siendo las elegidas Antología y Pies Descalzos, Sueños Blancos por su LP Pies Descalzos. En cuanto al álbum doble Fijación Oral, la cantante elegió reinterpretar Día de Enero y La Pared del primer volumen, y la citada Hips Don’t Lie del segundo.

Junto a Shakira como Ed Sheeran y Beéle, estará una orquesta de 14 músicos, ofreciendo lo que promete ser una mirada renovada a una canción que marcó tendencia 20 años atrás.

Las canciones de la colombiana ya están disponibles en la plataforma de Spotify para que sus seguidores la escuchen.

Su vuelta es el punto final a meses de especulaciones sobre nuevas canciones, especialmente tras el concierto de la banda en el Crystal Palace Park de Londres a principios de julio. En esa presentación, los integrantes adelantaron que habría novedades, lo que intensificó la conversación en redes sociales.

La confirmación del disco y la publicación del single respondieron a los rumores que circulaban desde hacía meses. Es que la producción del álbum requirió más tiempo del previsto. En septiembre de 2023, Deftones anticipó su regreso discográfico en 2024, pero la fecha fue postergada para finalizar la grabación de voces.

Producción y colaboraciones: sello distintivo

“Private Music” incluye once canciones y cuenta con la coproducción de Nick Raskulinecz, quien ya había acompañado a la banda en los álbumes “Diamond Eyes” y “Koi No Yokan”. Su regreso al equipo refuerza la consolidación del sonido que caracterizó a Deftones en la última década.

El álbum se produjo en diferentes estudios de Estados Unidos, localizados en California y Tennessee, concretamente en Malibú, Joshua Tree y Nashville. Esta variedad de escenarios responde a la búsqueda de nuevos matices sonoros y confirma la apertura del grupo a diversas influencias musicales.

Un tracklist que anticipa nuevos caminos

El álbum presenta once títulos, entre los que resaltan “Metal Dream”, “Departing The Body” y “cXz”. El single “My Mind is a Mountain” ya está disponible y es una carta de presentación de esta etapa. El tracklist publicado por Indie Hoy es el siguiente:

1. My mind is a mountain
2. Locked club
3. Ecdysis
4. Infinite source
5. Souvenir
6. CXz
7. I think about you all the time
8. Milk of the madonna
9. Cut hands
10. ~metal dream
11. Departing the body

La selección de temas apunta a una exploración introspectiva y a la presencia de atmósferas densas, aspectos que han sido sello diferencial en la trayectoria de Deftones.

De exigencias a una gira norteamericana con bandas invitadas

El vocalista Chino Moreno explicó vía NME que la banda trabajó con un alto nivel de exigencia durante la composición del disco: “Queremos que sea excelente. Eso es lo más importante. Y lo es”. El artista remarcó la importancia de evitar apresuramientos en la creación, una filosofía que ha distinguido el recorrido artístico del grupo y consolidado su prestigio.

El lanzamiento de “Private Music” coincidirá con el inicio de una gira por Norteamérica el 22 de agosto en Vancouver. En distintas fechas, Deftones compartirá cartel con Phantogram, Idles y Barbarians of California, bandas que aportarán diversidad al tour. Una decisión que muestra la capacidad de la banda de atraer audiencias variadas y ofrecer experiencias en directo de alto impacto.

Desde el anuncio inicial en septiembre de 2023, Deftones mantuvo el interés de sus seguidores mediante presentaciones en vivo, como el show en Crystal Palace Park, donde anticipó la llegada de música nueva. Mantener el misterio y dosificar la información resultó efectivo, ya que el anuncio oficial desató entusiasmo en medios y plataformas digitales.

El próximo 22 de agosto marca no solo el lanzamiento de “Private Music”, sino también el inicio de una nueva etapa para Deftones. Con una gira que incluirá a Phantogram, Idles y Barbarians of California, la banda vuelve con fuerza a la escena internacional y presenta a sus seguidores un esperado reencuentro con su universo sonoro y compositivo. Nuevos matices, excelencia técnica y un repertorio renovado: así regresa una de las bandas más relevantes del rock alternativo.

“No me gusta cómo suena Morning Glory en absoluto. Odio el sonido de ese disco. Tiene todo ese crujido de guitarras…”, declaró en una entrevista con NME. El disco apareció en 1995 y vendió más de 22 millones de copias en todo el mundo. Pero Noel nunca quedó conforme con el resultado. Si bien reconoce el impacto de canciones como Wonderwall, señala problemas con la saturación de ciertos momentos, como el final de Champagne Supernova.

Además, según informó Indie Hoy, el músico manifestó contradicciones respecto a Be Here Now (1997). Se trata del tercer disco de la banda, grabado en un momento de mucha presión por sostener el éxito alcanzado. Aunque fue uno de los lanzamientos más esperados, hoy es considerado una oportunidad desperdiciada. “Fue un disco hecho bajo el exceso. No supimos cuándo parar”, admitió Noel.

Gallagher destacó un álbum al que considera el de mayor perfección dentro de la banda: Definitely Maybe (1994). “Es el único disco perfecto que hicimos”, indicó. Según el guitarrista, este fue el punto más alto de la banda durante su trayectoria.

El regreso de Oasis

Ahora, los hermanos recuperaron su conexión con la música y el público mediante dos shows con localidades agotadas en Cardiff, Gales. Allí repasaron sus clásicos.

El tour, con inicio en Gales, recorrerá Inglaterra, Escocia, Irlanda, Canadá, Estados Unidos, México, Corea del Sur, Japón, Australia, Argentina, Chile y Brasil. El grupo se presentará el 15 y 16 de noviembre en el estadio de River.

Con el regreso de Oasis a los escenarios, miles de fanáticos en todo el mundo se preparan para revivir la magia de uno de los himnos más emblemáticos de la banda inglesa.

Origen y diferencias entre los hermanos Gallagher

Oasis nació en Manchester. La banda está compuesta por Liam y Noel Gallagher, el bajista Andy Bell, los guitarristas Gem Archer y Paul ‘Bonehead’ Arthurs, y el baterista Joey Waronker.

Actualmente, figura entre las bandas más famosas y exitosas de la historia de la música popular y el rock alternativo del Reino Unido. Liderada por los hermanos Gallagher, la agrupación logró una serie de discos, sencillos y álbumes que definieron el sonido de los años 90.

En 2009, el grupo se separó debido a diferencias entre los Gallagher, quienes durante años mantuvieron una relación tensa y compleja que, hasta el momento, había impedido su reencuentro.

Tras la separación, los caminos de los hermanos Gallagher siguieron trayectorias independientes. Liam Gallagher, acompañado por los músicos que formaban parte de la banda en 2009 —Gem Archer, Andy Bell, Chris Sharrock, Jay Darlington y Jeff Wootton—, fundó un nuevo proyecto bajo el nombre de Beady Eye. En cambio, Noel Gallagher optó por desarrollar su carrera en solitario, alejándose de la formación original.

“Te queremos, Matt”. Con esas palabras, Pearl Jam despidió públicamente a Matt Cameron, su baterista durante 27 años, marcando el final de una de las colaboraciones más duraderas y reconocidas del grunge. La noticia, confirmada a través de comunicados en redes sociales tanto por el músico como por la banda, pone fin a una etapa que comenzó en 1998 y que, según ambos mensajes, estuvo llena de “amistad, arte, desafíos y risas”.

Matt Cameron anunció su salida el 7 de julio mediante una publicación en la que expresó: “Después de 27 años fantásticos, he dado mis últimos pasos en la tarima de batería para la poderosa Pearl Jam. Mucho amor y respeto para Jeff, Ed, Mike y Stone por invitarme a la banda en 1998 y darme la oportunidad de mi vida, una llena de amistades, arte, desafíos y risas. Estoy eternamente agradecido con el equipo, el personal y los fans de todo el mundo. Ha sido un viaje increíble. Más novedades próximamente. Gracias a todos desde el fondo de mi corazón”.

La banda compartió el mensaje de Cameron en su cuenta de Instagram y añadió un homenaje propio: “Desde ser uno de nuestros primeros héroes musicales en las bandas Skinyard y la poderosa Soundgarden, hasta tocar en nuestras primeras maquetas en 1990, Matt Cameron ha sido un músico y baterista singular y auténtico. Ha impulsado los últimos 27 años de los conciertos y grabaciones de Pearl Jam. Fue un capítulo profundamente importante para nuestro grupo y siempre le deseamos lo mejor. Lo extrañaremos mucho y será por siempre nuestro amigo en el arte y la música”.

El vínculo entre Cameron y Pearl Jam se remonta a poco después de la disolución de Soundgarden en 1997. El propio baterista relató en una entrevista con Loudwire cómo se gestó su ingreso: “Estaba trabajando en un disco con John Mcbain. Llamé a Stone [Gossard] en ese momento, que tenía un sello llamado Loosegroove. Llamé para preguntar sobre la posibilidad de sacar el disco de mi banda con John, y entonces Eddie [Vedder] se puso al teléfono y dijo: ‘¿Qué vas a hacer este verano?’”.

Cameron recordó que su llegada a la banda fue inicialmente para cubrir la vacante de Jack Irons, quien abandonó el grupo poco antes de una gira ya programada. “Me encantaría salir de gira con Pearl Jam. Quiero decir, ¿quién no? Al principio fue como un reemplazo para Jack Irons. Tenían una gira programada y Jack renunció uno o dos meses antes de que comenzara... Me llevó un tiempo aprender bien toda la música, pero fue un reto muy divertido”, explicó.

Tras ese periodo de adaptación, Cameron se consolidó como miembro permanente de Pearl Jam. Su primer álbum con la banda fue Binaural en el año 2000, y desde entonces participó en todos los lanzamientos del grupo, incluso después de la reunión de Soundgarden en 2010.

Actualmente, Pearl Jam solo tiene un concierto programado para lo que resta de 2025, cuyos detalles pueden consultarse en su sitio web oficial.

La llegada de My Chemical Romance a Colombia representará un hito especial para los seguidores del rock alternativo y el emo de inicios del siglo XXI. La banda estadounidense, reconocida por su influencia en la música de los 2000, actuará por primera vez en el país el 22 de enero de 2026 en el recinto Vive Claro Distrito Cultural de Bogotá.

El evento, titulado “Long Live The Black Parade”, conmemorará el vigésimo aniversario de su álbum más emblemático, The Black Parade, lanzado en 2006 y recordado por temas como Welcome to the Black Parade y Famous Last Words. La Producción que logró varios premios como cuatro discos platinos en Estados Unidos, tres en el Reino Unido y oro en Argentina y Chile; así como su gran debut en el número dos en la lista Billboard 200, será el epicentro para que los colombianos puedan disfrutar de la gran obra de Gerard Way, Ray Toro, Mikey Way y Frank Iero.

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El anuncio de este concierto pone fin a años de especulaciones, rumores y falsas alarmas que mantuvieron en vilo a los fanáticos colombianos. Tras múltiples intentos fallidos y expectativas frustradas, la confirmación de la fecha y el lugar ha generado una respuesta entusiasta. La banda sueca The Hives será la encargada de abrir la noche, sumando atractivo a una cita que promete reunir a miles de asistentes.

Boletería y cómo adquirirlas

La organización del evento dispuso una estructura de localidades y precios que busca atender a distintos públicos. El aforo total se distribuye en sectores diferenciados por edad y ubicación, con opciones para menores de edad, adultos y personas con movilidad reducida. Las localidades VIP y Preferencial ofrecen admisión general de pie, asignando el acceso según el orden de llegada, mientras que las graderías cuentan con asientos numerados.

El sector VIP tiene capacidad para 12.300 personas, con un precio de $660.000 (incluyendo el cargo por servicio), y la zona Preferencial admite hasta 12.646 asistentes por $275.000. Los sectores para menores de edad, como los 101, 103, 105 y 107, permiten el ingreso a partir de los 7 años y tienen un costo de $841.000 en los sectores más cercanos al escenario, y $360.000 en los más alejados.

Las localidades para adultos, como los sectores 102, 104, 106 y 108, mantienen precios equivalentes a los de los menores en la misma ubicación. El proceso de venta de entradas se divide en tres fases principales, cada una con condiciones específicas:

• La preventa Aval inicia el 2 de julio de 2025 a las 10:00 a. m. y finaliza el 4 de julio de 2025 a las 9:59 a. m., reservando el 70% del aforo por localidad para tarjetahabientes de los Bancos Aval y dale! Esta etapa permite la compra de hasta 4 boletos por transacción y está limitada a pagos con tarjetas de los bancos AV Villas, Bogotá, Occidente, Popular y la tarjeta débito dale! Una vez agotada esta fase, el público general podrá acceder a las entradas restantes.
• La preventa Claro se habilita el 2 de julio de 2025 a las 4:00 p. m., y concluye el 4 de julio de 2025 a las 9:59 a. m., ofreciendo el 20% del aforo por localidad. Para participar, los clientes de Claro deben obtener un código a través de Claro Club. Esta etapa acepta todos los medios de pago y también limita la compra a 4 boletos por transacción.
• La venta general comienza el 4 de julio de 2025 a las 10:00 a. m., y se extiende hasta agotar existencias o hasta el día del evento. En esta fase, el aforo restante de cada localidad estará disponible para el público en general, con el mismo límite de 4 boletos por transacción.

Ticketmaster es el único operador autorizado para la venta de entradas, y la reventa está estrictamente prohibida. El organizador se reserva el derecho de admisión y establece que los asistentes deben cumplir con las normas de seguridad y convivencia. El ingreso de cámaras, videograbadoras y mascotas no está permitido.

El evento está clasificado como concierto y permite el acceso únicamente a mayores de 7 años en las zonas designadas para menores. Los menores deben asistir acompañados por un adulto con entrada individual, y solo podrán acceder a las localidades asignadas para ellos, donde no se venderán bebidas alcohólicas.

Las personas con movilidad reducida disponen de áreas específicas en las zonas VIP y Preferencial, pudiendo ingresar con un acompañante que también debe contar con boleto. Las mujeres embarazadas solo podrán ubicarse en las graderías, excluyéndose de las áreas de pie por razones de seguridad.

El horario de apertura de puertas está programado para las 3:00 p. m., mientras que el inicio del show se prevé a las 7:00 p. m. Ambos horarios pueden estar sujetos a modificaciones. El precio de la entrada incluye el cargo por servicio, pero no contempla el costo de envío ni el procesamiento de la compra, que dependerán del método de pago seleccionado y se informarán antes de finalizar la transacción.

La disponibilidad de boletos en cada fase depende de las reservas realizadas a través de los canales de Ticketmaster. Si una etapa se agota, se habilitará la siguiente, y las reservas no efectivas se sumarán al aforo disponible en la fase vigente. El acceso a la compra se realiza exclusivamente a través de la página web oficial, utilizando los medios de pago habilitados.

La banda estadounidense de rock alternativo Linkin Park ha regresado a los escenarios y a las listas de éxitos, siete años después de la muerte de su emblemático vocalista Chester Bennington, con una formación renovada y un nuevo álbum titulado “From Zero”. El regreso, que ha captado la atención de millones de seguidores en todo el mundo, marca un punto de inflexión en la historia del grupo, que ha debido enfrentar la pérdida más dolorosa de su trayectoria y reinventarse para seguir adelante.

El duelo tras la muerte de Chester Bennington

El bajista Dave “Phoenix” Farrell, en una entrevista reciente con la emisora Evropa 2, abordó el impacto de la muerte de Chester Bennington en la dinámica interna de Linkin Park. Farrell, junto a Mike Shinoda (vocalista), Brad Delson (guitarrista) y Joe Hahn (DJ), conforma el núcleo original de la banda, que ahora se ha ampliado con la incorporación de la co-vocalista Emily Armstrong, procedente de la banda Dead Sara, y el baterista Colin Brittain.

La decisión de volver a reunirse y crear música con el nombre de Linkin Park no fue inmediata ni sencilla. Según Farrell, “en la historia de la banda, lo más trágico, sin duda, fue perder a Chester. No hay nada que se le acerque, en el proceso de lo que hemos vivido”. El músico relató que, tras la muerte de Bennington, el grupo necesitó varios años antes de sentirse preparado para reunirse y plantearse si deseaban seguir componiendo, grabando o incluso mantener el nombre de la banda. “Mi mente se apagó ante todo eso y simplemente decidí estar con mi familia. Fue como si hubiera explotado una bomba y necesitara recuperarme y entenderlo”, confesó.

Nuevas incorporaciones y cambios en la banda

El proceso de duelo y reconstrucción ha sido largo y complejo. Farrell reflexionó sobre la manera en que el tiempo permite mirar las heridas desde otra perspectiva, aunque no las cierre por completo. “No cura la herida, pero sí te da la oportunidad de intentar ver las cosas a través de otro prisma y ver qué puedes hacer o hacia dónde puedes avanzar”, explicó. El bajista subrayó que el dolor permanece, pero se aprende a convivir con él y a dar pasos hacia el futuro, aunque sea de manera gradual. “Descubres cómo será el mañana. Descubres cómo dar ese paso. ¿Qué vas a hacer? ¿Cómo vas a avanzar? ¿Cómo se verá eso? Y tratas de hacerlo paso a paso”, añadió.

La nueva etapa de Linkin Park ha supuesto también cambios en la formación. El baterista original, Rob Bourdon, no forma parte del regreso, y su puesto lo ocupa ahora Colin Brittain. En la misma entrevista, Brittain compartió su visión sobre el reto de integrarse en una banda con una historia tan significativa. “Siempre es un gran desafío en una banda a la que todos admiramos tanto. Quieres hacerlo lo mejor posible para representar el papel creativo de Rob y el de Chester en la banda”, afirmó.

Brittain explicó que, para él, el enfoque ha consistido en aportar su propia personalidad musical, sin obsesionarse con la idea de reemplazar a alguien. “Si piensas demasiado en intentar ser otra persona, nunca es una buena manera de verlo. Es más bien: ¿dónde estamos ahora y cómo puedo contribuir a este proceso como yo mismo?”, señaló. Brittain reconoció la influencia de Bourdon en su desarrollo como baterista y describió su incorporación como “un escenario soñado” en el que intenta continuar el legado de su predecesor.

El regreso con “From Zero” y su impacto

El regreso de Linkin Park se ha materializado con el lanzamiento de From Zero, el primer álbum de estudio de la banda desde “One More Light” en 2017, el último trabajo antes del fallecimiento de Bennington.

El nuevo disco ha recibido elogios de la crítica y ha devuelto a la banda a la cima de las listas de popularidad. From Zero incluye el sencillo número uno “The Emptiness Machine” y ha convertido a Linkin Park en la única banda de rock en 2024 que ha superado los dos mil millones de reproducciones en plataformas digitales. El grupo se encuentra actualmente de gira para promocionar el álbum, con fechas programadas en América del Norte, Europa y América del Sur.

La edición deluxe de From Zero se publicó el 16 de mayo y presenta un formato de doble CD con un estuche de cuatro paneles, un libreto de 16 páginas, tres canciones nuevas, cinco temas en directo grabados en diferentes países y un empaque expandido.

El proceso de selección de los temas que conforman esta edición fue minucioso. Farrell explicó que muchas ideas y canciones iniciales quedaron fuera del álbum. “Pasas por un proceso de trabajar muchísimo material. ‘The Emptiness Machine’ estaba en el grupo de canciones iniciales, pero a medida que avanzamos en el proceso... Siempre que trabajamos en un álbum, empiezan a surgir ciertas canciones que destacan y que pensamos: ‘Esta va a ser una pista importante. Ahora podemos empezar a imaginar cómo será el álbum a partir de ella’. Es como un poste de tienda de campaña, y luego construyes el resto alrededor de eso”, detalló. Farrell añadió que, cuando tienen tres o cuatro canciones de ese tipo, saben que formarán parte del disco y continúan perfeccionándolas.

Sobre “The Emptiness Machine”, Farrell citó una descripción de Mike Shinoda: “Cuando vas a una fiesta y llevas a una persona nueva, dices: ‘¿Has conocido a mi amiga Emily?’. Y esa canción hace eso. Comienza con la voz de Mike, él canta el primer verso y el estribillo, y luego se presenta a Emily. Y así fue como surgió durante la composición. Nos pareció interesante que, en nuestro regreso, la canción funcionara como una versión sonora de ‘¿Has conocido a mi amiga Emily?’”.

Gira mundial y nuevas ediciones del álbum

La presencia de Emily Armstrong y Colin Brittain se hizo oficial en septiembre del año pasado, cuando debutaron en una transmisión en directo de la banda, más de siete años después de la muerte de Bennington. En los conciertos en vivo, el guitarrista Brad Delson ha estado ausente, y su puesto lo ocupa Alex Feder. La gira norteamericana de Linkin Park comenzó el 26 de abril en el Moody Center de Austin, Texas. El 31 de enero de 2025, la banda inauguró la etapa latinoamericana de su gira mundial en el Estadio GNP Seguros de Ciudad de México, México.

La nueva etapa de la banda, marcada por la superación del duelo y la apertura a nuevas colaboraciones, ha sido recibida con entusiasmo tanto por la crítica como por el público, consolidando a Linkin Park como una de las agrupaciones más influyentes y resilientes del panorama musical contemporáneo.

La banda estadounidense de rock alternativo Linkin Park ha anunciado este martes un segundo concierto en Madrid, que tendrá lugar el 24 de junio de 2026 en el Auditorio Miguel Rios de Rivas-Vaciamadrid, un día después del primer concierto en España que también tendrá lugar en la capital.

El grupo ha logrado vender todas sus entradas para el concierto del 23 de junio de 2026, lo que les ha llevado a anunciar esta segunda fecha. Las entradas se pondrán a la venta general el próximo viernes 20 de junio en la web de ticketmaster, aunque habrá preventas disponibles desde este miércoles 18 de junio desde las 10:00h.

De esta manera, Linkin Park vuelve a España nueve años después de su última visita, con una gira mundial en la que presentan el nuevo disco 'From Zero'. La banda anunció en el mes de septiembre de 2024 su regreso a los escenarios con una nueva cantante, Emily Armstrong.

Con ella, Linkin Park regresaba a la escena musical tras el suicidio en julio de 2017 de su líder y cantante, Chester Bennington, una de las figuras más destacadas de este género.

En la historia del rock, el vínculo con la escena underground fue una de las fuerzas más poderosas que dio vida a algunos de los artistas más representativos de cada generación. Aunque muchos músicos emergen con la ambición de destacar y conquistar el mundo, algunos de los grupos más icónicos hicieron de la discreción y la falta de protagonismo su bandera.

En este panorama, Noel Gallagher, exlíder de Oasis, vivió una interesante relación con la música indie, una que fue marcada tanto por el desencanto como por la evolución de sus propios gustos y proyectos, informó Far Out.

Oasis: el paso de la etiqueta “indie” a la fama global

Cuando Oasis irrumpió en la escena musical de los 90, la banda se insertó en un sello que en ese momento compartía con otros grandes como Primal Scream. Aunque este origen podría asociarlos al movimiento indie, la propuesta de Oasis nunca fue completamente compatible con la estética del underground.

La banda de Manchester estaba destinada a conquistar estadios y masas, algo que los distanciaba de las raíces más alternativas que el término “indie” sugeriría.

No obstante, a finales de esa década, Noel Gallagher comenzó a sentir que la etiqueta indie ya no le quedaba. Oasis había dejado de ser una banda de culto, para convertirse en un fenómeno global, tocando en recintos gigantescos como Knebworth.

“Esa popularidad hacía difícil que su música pudiera ser considerada parte del mundo underground, un conflicto interno que marcó su camino artístico.”

La transición musical de Oasis y la influencia de la nueva ola indie

El álbum Standing on the Shoulder of Giants marcó el punto de transición para Oasis, pues representó un giro en el sonido de la banda tras el excesivo ruido de Be Here Now. Este cambio, más cercano al garage rock y más alejado del estilo épico de sus discos anteriores, coincidió con el resurgir de una nueva ola indie, la cual tomaría forma en el principio de los 2000 con el auge de bandas como The White Stripes y The Strokes.

La irrupción de The White Stripes a finales de los 90 representó una ruptura con el rock de estadios, y su estética minimalista, cruda y despojada de adornos fue un parteaguas para la música indie que seguiría.

Sin embargo, fueron los estadounidenses The Strokes los que consolidaron esta transición, con un enfoque punk-rock que redefinió el sonido y la actitud del rock alternativo. “A pesar de que Noel Gallagher no era un admirador del sonido indie de la época, admitió que ciertas canciones como ‘Take Me Out’ de Franz Ferdinand destacaban.”

¿La desaparición del rock indie?

Con el paso del tiempo, Gallagher se dio cuenta de que la ventana para el rock indie de los 2000 se estaba cerrando rápidamente. A medida que los años avanzaban, bandas como The White Stripes se disolvieron, y con ello, se fue diluyendo la propuesta más innovadora del indie de esa era. Esta evolución afectó al panorama musical global, y a la percepción que Noel tenía sobre la música que se hacía dentro de ese contexto.

Pese a su opinión de que muchos de los grupos indie posteriores no estaban cumpliendo con sus expectativas, Noel Gallagher encontró espacio para el proyecto personal tras la disolución de Oasis.

Su carrera como solista le permitió explorar nuevas texturas y estilos más cercanos al indie, aunque con un enfoque más refinado. Sin embargo, la música indie de los 2000 nunca estuvo completamente en su radar como un terreno fértil para la creatividad. Bandas como Kaiser Chiefs, por ejemplo, no cumplían con la visión que él tenía del rock auténtico, lo que lo llevó a buscar algo que rompiera con los convencionalismos y se sintiera más auténtico.

La búsqueda de una música que no pierda su esencia

A pesar de las críticas y el desencanto hacia las tendencias del indie moderno, Noel Gallagher sigue teniendo un lugar reservado para su propio concepto del rock. Lo que para él representa la verdadera esencia de la música es aquello que no se pierde en la repetición de fórmulas.

En sus proyectos como solista, el músico de Manchester busca recuperar esa autenticidad que alguna vez encontró en las primeras incursiones en el rock y el indie, alejándose de las tendencias de la época y creando algo único.

La evolución de Gallagher refleja cómo, incluso dentro de una escena tan dinámica y cambiante como la música indie, hay espacio para la reinvención y la búsqueda constante de nuevas formas de expresión.

Lo que está claro es que, aunque el panorama indie de los 2000 haya perdido parte de su frescura y su rebeldía, la capacidad de crear música con alma y personalidad sigue siendo el verdadero motor que mueve a los artistas como él, que quieren pertenecer a una etiqueta, buscando dejar una huella personal dentro de la historia del rock.

“Me di cuenta de que necesitaba salir de mi zona de confort. Literalmente, meterme en nuevas aguas”, recordó Beabadoobee, la joven promesa del rock alternativo, en un artículo dedicado a su exponencial desarrollo artístico por parte de la revista británica Cosmopolitan. Entre el sonido de las olas en Malibú (Estados Unidos) y la producción de su último álbum, entendió que el crecimiento personal y profesional estaba en los riesgos, en sumergirse de lleno en lo desconocido. La escena resume su trayectoria: un salto valiente que comenzó en su habitación con una guitarra de segunda mano y la llevó a encabezar escenarios repletos de fanáticos alrededor del mundo.

Con apenas 24 años, Beatrice Laus (su nombre real) se convertió en la voz de una generación que encuentra consuelo y compañía en sus canciones. Nacida en Iloilo City (Filipinas) y criada en Londres, la música siempre fue una constante en su vida. De pequeña, su padre le transmitió el amor por las baladas filipinas y la música folk, mientras que su madre le contagió el espíritu rebelde de The Cranberries y Alanis Morissette. Esa mezcla de sonidos sentó las bases para una adolescencia marcada por el descubrimiento del rock feminista característico de los años 90 con Tori Amos, Fiona Apple y The Breeders como referentes de una joven que comenzaba a encontrar su voz.

Su historia como artista inició casi por casualidad. Fue recién a los 17 años que su padre le regaló una guitarra de segunda mano, y poco después, subió sus primeras composiciones a YouTube. Lo que comenzó como un desahogo personal llamó la atención del sello británico Dirty Hit, hogar de bandas como The 1975 y Wolf Alice. No tardaría en llegar el primer golpe de éxito con “Coffee”, la primera canción que escribió con guitarra, y que luego sería reversionada por el rapero Powfu en “Death Bed” (Coffee for Your Head), un tema que explotó en plataformas como TikTok y acumuló más de mil millones de reproducciones en Spotify.

Desde el éxito con la cancción “Coffee”, la carrera de Beabadoobee despegó con una velocidad vertiginosa. Sus primeros Extended Play´s, con influencias del grunge y el pop alternativo, mostraron un talento fresco y sin artificios, mientras que su álbum debut Fake It Flowers (2020) la consolidó como una estrella emergente con letras crudas, emociones a flor de piel y un sonido que rescataba la nostalgia de los 90. “Hoy le tengo más empatía a esa versión de mí. Pienso: ‘¡Tranquila, Bea, vas a estar bien!’”, reconoció la cantautora en diálogo con Cosmopolitan, haciendo referencia a las canciones que reflejaban el caos y la vulnerabilidad de sus años de juventud.

A diferencia de otros artistas, Beabadoobee logró conectar profundamente con su público a través de historias personales que capturan momentos universales: amistades perdidas, decepciones amorosas y el desafío de crecer en un mundo que no siempre perdona los errores. La sinceridad de su música con sus “deslices” y detalles imperfectos es parte de su encanto. Y sobre esto, la cantante Laus afirmó convencida: “Quiero escuchar lo real en la música. Las imperfecciones son las que la hacen especial”.

El poder de la música y la conexión con sus fans

La relación de Beabadoobee con sus seguidores va más allá de lo convencional. Desde sus inicios y cuando era solo una adolescente compartiendo sus primeras canciones en YouTube, mantuvo un vínculo genuino y cercano con quienes la escuchan. Actualmente, con estadios llenos y giras internacionales, esa conexión sigue intacta. “Hablo con mis fans como si fueran mis amigos”, confesó la interprete. No es una simple frase: Laus tiene incluso un grupo de chat con seguidoras que la acompañaron desde su primer EP. Allí se hablan de la vida cotidiana, de trabajo, éxitos y fracasos, como si se tratara de un círculo de confianza que traspasa los límites entre artista y público.

Esa cercanía también le permite ser franca cuando algo la incomoda. Ante esto la cantante aclaró: “Si algo me molesta, lo voy a decir porque es importante que los artistas puedan expresarse sobre cómo se sienten. Todo lo hago desde el amor, y estoy agradecida de tener fans que se preocupan por mí como persona”. Sin embargo, Beabadoobee también entiende que el caos y la energía en sus conciertos son parte fundamental de la experiencia. “Yo era una de esas adolescentes que se lanzaban al frente y eran empujadas de vuelta”, agregó con nostalgia.

Más allá de los desafíos que trae la fama, Beatrice Laus encuentra en la música una forma de sanar y crear puentes emocionales. Escribir canciones se convirtió en su terapia más pura, la herramienta que le permite conectar consigo misma y con su “niña interior”. Debido a esto, la cantautora señaló: “No puedo hacerlo cuando escribo en mi diario o cuando me dejo llevar por cosas negativas, pero escribir una canción es arte en su forma más pura. Es mi manera de liberar emociones”.

Por medio de la sinceridad y crudeza compartida, logró cautivar a una generación que se reconoce en sus letras. Desde las relaciones que duelen hasta la búsqueda de identidad y el autodescubrimiento, Beabadoobee captura en su música los altibajos de crecer en un mundo hiperconectado y lleno de expectativas.

En cuanto a la presencia en redes sociales, Beabadoobee también sabe cuándo desconectar para mantener su equilibrio mental. Durante su última gira, optó por mantenerse offline, usando un chip de teléfono estadounidense que le impedía entrar en redes sociales. “Me obligaba a usar el móvil de mi manager para publicar algo. Eso cambió por completo mi relación con las redes”, sostuvo Laus. Gracias a esta distancia, pudo centrarse en realizar otras actividades como cenas con amigos, paseos tranquilos y el simple acto de estar presente con su entorno.

Madrid, 31 oct (EFE).- Dieciséis años ha hecho esperar The Cure a sus seguidores para entregarles un nuevo álbum, una reflexión sobre la muerte que llegará este viernes, probablemente en el día más idóneo para ello, víspera del Día de Difuntos, mientras que Niña Pastori ha decidido adelantar sin prolegómenos la fiesta de la Navidad.

El decimocuarto álbum de estudio de Robert Smith y compañía ofrecerá todo lo que se ha esperado de ellos en ocho canciones lejos de la amabilidad, tanto por duración (algunas por encima de los 10 minutos) como por su tono existencialista que enfrenta el miedo a la muerte.

"Para mí la Navidad encierra muchas cosas hermosas: la familia, los amigos, mis hijas... Y poder cantar canciones que he escuchado toda la vida y darles una vuelta para que brillen de una forma diferente ha sido maravilloso", ha dicho la gaditana de este trabajo, con ocho clásicos reinterpretados y dos temas inéditos que trasladan a las próximas fiestas su toque flamenco.

Se publica la versión más desnuda e íntima del último trabajo de la cordobesa, que se llevó el Premio de la Academia de la Música al mejor álbum folclórico así como el Premio Ruido que concede la prensa musical al mejor disco español de 2023.

La quinta entrega en solitario de la líder de Amparanoia sirve algunas de sus canciones ya clásicas pero en su vertiente más íntima y espiritual, acompañada por el artista argentino de folklore Raly Barrionuevo y del instrumentista y cantante catalán Willy Fuego.

Álbum de debut de este artista que cita a Locomía, Chambao, The Clash y la ruta del bakalao como sus referentes y en el que, sobre una base de pop electrónico, "se expande con la misma soltura hacia terrenos del disco-house, del dance-pop, del pop urbano e incluso del flamenco chill". 

La artista estadounidense radicada actualmente en Nashville mantiene el tono confesional en este tercer trabajo, en el que abunda como tema en la incertidumbre de crecer a través de un sonido de pop alternativo muy depurado.

Segundo disco para este proyecto que mantiene su tino con las composiciones eufóricas y que ofrecen ángulos inesperados y nuevas facetas a cada minuto, entre el glam rock sucio y el punk pop sofisticado.

El icono del country ofrece a sus 91 años su álbum número 76, una ecléctica colección de canciones de nombres como Tom Waits, Nina Simone, The Flaming Lips o Neil Young, entre otros, "todos leyendas del rock, cantautores idiosincrásicos, héroes de lrock alternativo y artistas folk independientes", destaca su discográfica.

EFE

jhv/fp

La Ciudad de México se prepara para recibir de nuevo uno de los eventos más esperados por los amantes de la música oscura y las culturas alternas. El Festival Magia Negra, conocido por su inconfundible atmósfera gótica y post-punk, regresa con su cuarta edición.

Desde su creación, este festival ha sido un referente para la escena underground, logrando reunir a los más destacados exponentes de la música oscura contemporánea, y cada año promete superar las expectativas de sus seguidores. Este evento se distingue por su singular enfoque multidimensional: no solo es un encuentro musical, sino una experiencia que fusiona sonidos envolventes, performances impactantes y moda alternativa.

¿Dónde y cuándo será el Festival Magia Negra?

El Festival Magia Negra se celebrará el 23 de noviembre de 2024 en el recinto Supremo, situado en Dr. Carmona y Valle 147, Colonia Doctores, Cuauhtémoc, un lugar icónico para este tipo de eventos en la Ciudad de México. Desde sus inicios, el festival ha logrado consolidarse como un referente para los amantes de la música gótica y el post-punk, reuniendo a bandas y artistas tanto nacionales como internacionales.

A lo largo de toda la jornada, los asistentes podrán disfrutar de una variada oferta cultural. Un bazar de artículos alternativos permitirá a los fanáticos encontrar piezas únicas que reflejan la estética dark, mientras que una pasarela destacará las propuestas más innovadoras de la moda gótica y underground.

En cuanto al cartel musical, la cuarta edición promete ser un despliegue impresionante de talento. Bandas como I Can Fly, CALAVERX, Stranger & Lovers, Píldora Letal, El Muertho de Tijuana y Zezaree son solo algunos de los nombres que forman parte de esta alineación.

Los asistentes también podrán disfrutar de presentaciones de DJ sets a cargo de colectivos como DarkHome Dance or Die y Modular FM, quienes se encargarán de mantener el ambiente underground durante la afterparty, garantizando que la noche continúe al ritmo de los sonidos más intensos y oscuros del panorama musical.

Precios y boletos

Los boletos para asistir al Festival Magia Negra ya están disponibles a través de la plataforma Passline, con precios escalonados según la fase de venta:

• Fase 1: $300 MXN (hasta el 3 de noviembre)
• Fase 2: $400 MXN (hasta el 22 de noviembre)
• Día del evento: $500 MXN

Es importante destacar que el evento está dirigido exclusivamente a mayores de 18 años, por lo que los asistentes deben tener en cuenta este requisito al momento de adquirir sus boletos. Con su ecléctica selección de bandas, DJ’s y actividades, este festival promete seguir siendo un referente clave en el circuito musical y cultural de la Ciudad de México.

Barcelona, 25 oct (EFE).- Radio75, la electrizante banda de rock alternativo nacida en Barcelona, ha publicado este viernes su esperado tercer álbum, 'Screaming Out', grabado y producido por el mismo Alain Johannes.

Con una sólida trayectoria en el circuito "underground" del país, dos álbumes publicados y destacadas actuaciones en radio y televisión, la banda se prepara para iniciar su gira de presentación.

Después de meses de intensa colaboración entre Alain Johannes y Radio75 en los legendarios estudios de La Casa Murada, ambos se preparan para culminar este proyecto con una gira por España.

La dilatada carrera del fundador de Eleven se fusiona con la fuerza arrolladora de Radio75 en los escenarios, prometiendo una doble actuación inolvidable que reflejará la electrizante conexión establecida entre ambos.

Radio75 irrumpió en la escena en 2017 como una banda de rock alternativo con un enfoque claro: crear la música que siempre han querido escuchar.

Así, la banda comenzó a dar forma a su primer álbum, impulsada por una profunda devoción por el rock en todas sus vertientes, desde clásicos inmortales como The Beatles y Queen, hasta los potentes riffs de gigantes contemporáneos como Queens of the Stone Age y Foo Fighters.

Distorsiones crudas, bajos demoledores, baterías arrolladoras y una buena dosis de sintetizadores son el corazón de su propuesta sonora.

Por el momento, el grupo ha confirmado los conciertos de Tarragona, el domingo 3 de noviembre, de Barcelona, el jueves 7, de Donosti, el sábado 9, y de Madrid, el viernes 15. EFE

gcm/ml

Madrid, 24 oct (EFE).- Una voz que toma el mando del pop nacional como Dani Fernández y otra más revolucionaria como la de Judeline, que prueba por fin las expectativas puestas en ella, protagonizan junto a Carolina Durante o Bustamante los discos nacionales de este viernes, con novedades foráneas a cargo de Pixies o Laura Marlin.

Nominado a los Europe Music Awards de MTV como mejor artista español y con su primer concierto en el Wizink Center de Madrid en marzo ya agotado, el manchego busca consolidar su estatus como estrella en solitario tras la estela de artistas como Dani Martín, Leiva o Álvaro de Luna. Desde lo alto de la ola, llega con canciones que han marcado la radiofórmula de 2024 como 'Todo cambia'.

En su búsqueda de modernos hallazgos a partir de la raíz, la gaditana acaba de ser señalada a nivel europeo como una de las voces más prometedoras de su generación, capaz de trascender fronteras. Este viernes publica por fin su debut en el formato de LP, con placeres auditivos como 'zarcillos de plata' e hipnosis bailables como 'INRI' o 'mangata'.

No decepcionaron en sus dos largos previos y la banda madrileña autora de 'Cayetano' vuelve en el tercero un punto más ambiciosos (ayuda la producción de Ali Chant), con más canciones de rock y pop-punk contundentes y fulgurantes como 'Misil' en las que condensan gran carga de sátira social y diario personal.

Recientes aún sus últimas aventuras televisivas, el cántabro intenta renacer musicalmente con un disco en el que él mismo firma todas las canciones y en el que cambia su rumbo hacia una onda más pop, aunque dentro incluya la que considera la balada de su vida, 'La calma'.

Producido por Ricky Falkner, se puede hablar del álbum de fondo más rock de esta intérprete y compositora, el noveno de estudio ya de su carrera, en el que se habla de las marcas que deja el fuego, pero sobre todo de reconstruirse y sanar a partir de las cenizas.

La ya veterana banda del 'indie' catalán entrega un álbum confesional y crudo en sus letras para hablar de la muerte o de dolorosas rupturas, todo envuelto en sus habituales melodías preciosistas y exhuberantemente pop, con los sintetizadores volando hacia "un nuevo amanecer" como en la inicial 'Algo especial'.

El segundo LP de este dúo formado por Ana Legazpi y Carolina Moyano llega tras su participación en Benidorm Fest 2024 y, además de incluir 'Último baile', el tema que postularon a esa preselección, se presenta como una guía sentimental que atraviesa las fases de una pérdida, de la negación a la aceptación.

El segundo disco de las granadinas abunda en un tipo de pop fresco con alma de punk y la búsqueda de estribillos memorables para cantarle "a la libertad individual, la liberación de los estigmas sociales y contra cualquier forma de discriminación".

Los hermanos Julián y Pablo Campesino hacen del título un mantra en su segundo disco para indagar en el espíritu 'slowcore' de su música y su gusto por un rock "anguloso y distorsionado".

Una de las cantautoras más admiradas de la actualidad firma su octavo álbum, marcado este por la experiencia de la maternidad, la fragilidad humana y "el drama de la esfera doméstica", todo desde la sensibilidad a la que acostumbra y con su guitarra como principal, que no único, acompañamiento.

Revividos y muy inspirados, el gran grupo del rock alternativo que tanto inspiró a Kurt Cobain retorna con un álbum muy ecléctico en el que caben "druidismo, centros comerciales apocalípticos, formas poéticas del siglo XII, surf rock, gárgolas", punk furioso como en 'You're So Imppatient' y su famosa versión del 'Qué será, será'.

Otra de las cantautoras imprescindibles de la actualidad. Una pérdida profunda y personal guía a esta estadounidense en un regreso sonoro a las raíces, pero con progresión cinematográfica, entre guitarras acústicas, cuerdas y flautas.

Undécimo LP ya del grupo, muy esperado después de un lustro sin novedades en ese formato por parte del dúo británico. Para sostenerlo, la sofisticada arquitectura de sintetizadores a la que acostumbran, como en 'Black Poppies', descrito por ellos mismos como "una canción de amor celestial".

La banda australiana publica su tercer álbum, pero el primero de estudio con material inédito desde 2021. Armados de punk y pub rock, se internan en muchos de los males de esta época, de la crisis climática a la guerra, pasando por las incertidumbres de la inteligencia artificial, en una crítica a la mirada infantilizada y evasiva con la que lo afrontamos.

Este cantante, guitarrista y productor californiano se internó en el mundo de la cumbia durante su tratamiento de un grave linfoma. Recuperado, materializó ese interés en un álbum colaborativo junto al grupo ¿Quiensave? para hablar, como en el corte que le da título, de las fuerzas que escapan a nuestro control. EFE

En realidad, The Night the Zombies Came se desarrolla como una película: cada canción es una pequeña viñeta. El líder y artista visual Black Francis, nacido Charles Thompson, dice que eso se manifiesta especialmente en sus canciones lentas o midtempo, aquellas donde valoran el espacio y el reverb, una elección energética tanto como musical.

“Cuando tocas música surf, pero la vistes con un esmoquin o lo que sea, terminas creando algo que es un poco más del estilo del spaghetti western, ¿verdad? O más, ya sabes, Ennio Morricone”, dice. “No somos muy buenos en ningún género particular. Nos gustan todos los géneros de la llamada música popular”.

Eso es evidente en todo The Night the Zombies Came”. Momentos de folk ecléctico traen influencia de Shirley Collins; el tono monótono y cantado de Black en “Jane (The Night the Zombies Came)” es una mezcla entre Baxter Dury y Sleaford Mods, aunque él dice que la canción es “una mezcla de Lou Reed y música religiosa”. El pop peculiar de guitarra con la técnica palm mute en “Hypnotized” está escrito de manera vaga en el estilo de una sextina, una forma poética. La canción de cierre “The Vegas Suite” está basada en el estándar de los años 50, “ Whatever Will Be, Will Be” (popularizada por Doris Day). “No hay realmente un tema unificador”, dice Francis, y realmente no lo ha habido en ninguno de los álbumes de Pixies.

Pero los oyentes, por supuesto, son libres para establecer sus propias conexiones: como la que podría hacerse entre “Ernest Evans”, una explosión vibrante sobre el cantante estadounidense Chubby Checker, mejor conocido por “The Twist” y “Kings of the Prairie”, inspirada por los trovadores mexicanos recorriendo la Costa Oeste. Allí, la imagen de un calendario exhaustivo de shows —la carretera abierta, un mar interminable de puertas de motel y recitales— parece un hilo temático en un álbum lleno de giros inesperados.

Y funciona: los Pixies siempre han sido outsiders; eso hace que su música conecte.

A principios de este año, Doolittle, uno de los grandes discos de rock alternativo de las últimas décadas —y ciertamente el que consolidó su banda como una fuerza excéntrica, extraña y revolucionaria en el rock de guitarras de fines de los 80, antes del estallido grunge— cumplió 35 años. Francis no es de usar un aniversario como herramienta para la reflexión, más bien sugiere que su relación con el álbum sigue igual. “Creo que sabíamos que estábamos haciendo un buen trabajo en ese momento”, dice. “Nos alegró que a la gente le gustara”.

“Con el riesgo de sonar falsamente humilde, realmente no es mi posición ir y decir, ‘Bueno, aquí es donde se sitúa mi música en el panteón de los grandes discos de la historia’ y todo ese verso”, dice. “Es difícil hablar sobre tus propios discos si son influyentes o importantes o lo que sea porque sí. Suena un poco vulgar”.

Doolittle vino después de Surfer Rosa, el canonizado álbum de 1988 conocido por los fans de Nirvana como el que inspiró a Kurt Cobain para hacer Nevermind (1991). Es uno al que muchos han estado regresando en 2024, tras la muerte prematura de su legendario productor, Steve Albini, después de un ataque al corazón, en mayo de este año. Tenía 61 años.

“Fue agradable, en cierto modo, trabajar con alguien que no se lo tomaba todo demasiado en serio, que no nos tomaba tan en serio, que era un poco casi desdeñoso”, cuenta sobre “el método Albini”. “Esa es una actitud... Que uno puede adoptar cuando haces tu arte o lo que sea útil. Sirve no tomárselo todo tan en serio. Tienes que estar dispuesto a decir, ‘Es bueno, pero también podríamos destruirlo todo ahora mismo y empezar de nuevo.’ Quiero decir, no debes ser tan preciosita”.

[Fotos: Andy Kropa/Invision/AP; EFE/Víctor Lerena]

Buenos Aires, 11 sep (EFE).- El inclasificable Charly García, uno de los más destacados músicos de la historia argentina, publica este miércoles su último trabajo, 'La lógica del escorpión' (Sony Music), su primer álbum tras siete años de silencio, en los que su salud y su estado físico llevaron a todo tipo de especulaciones.

El nuevo álbum del artista de 72 años estará disponible en las plataformas digitales a partir de las 21:00 horas de Argentina (00:00 GMT del jueves) y contará con 13 canciones que grabó junto a varios músicos de renombre.

La nueva producción, la primera del cantante desde su último trabajo de estudio, 'Random' (2017), combina temas inéditos con versiones de canciones propias y de artistas como John Lennon, Luis Alberto Spinetta y Roger McGuinn, según adelantó Sony Music en un comunicado.

El disco cuenta también con la participación de colaboradores como David Lebón y Pedro Aznar, que acompañaron a García en el reconocido grupo Serú Girán, además de otros como Fito Páez e Hilda Lizarazu.

"Un nuevo hito en la historia del gran Charly, como cada obra que hizo en su vida", describió la discográfica, que anticipó que una de las canciones cuenta con la voz del fallecido Luis Alberto Spinetta, gracias a una vieja grabación del 'Flaco'.

El nuevo álbum fue producido por el cantante, que contó con el apoyo de Matías Sznaider como ingeniero de grabación y mezcla.

Este lanzamiento marca el regreso de García tras un extenso periodo de silencio, durante el cual se enfrentó a varios problemas de salud, incluidas complicaciones derivadas de una operación de cadera que lo mantuvo hospitalizado en repetidas ocasiones.

Los rumores acerca de su estado real quedaron disipados cuando en marzo pasado empezaron a verse algunas imágenes públicas suyas y se conoció que estaba a punto de lanzar un nuevo trabajo, que es el que hoy ve la luz.

García, autor de canciones históricas como 'Demoliendo hoteles', 'Rezo por vos' y 'Nos siguen pegando abajo', cuenta con decenas de álbumes de estudio a sus espaldas, entre ellos piezas fundamentales del rock latinoamericano como 'Clics modernos' (1983) y 'Say No More' (1996).