Invitado al ciclo de streaming No tan Pronto (Pronto), el artista repasó junto a Matías Vázquez aquella etapa que definió sus primeros años en el medio, en tiempos en que ambos eran jóvenes y estaban dando sus primeros pasos en la televisión.

Consultado sobre el significado de Natalia Oreiro en su vida, Echarri no dudó: “Fue importante en mi vida, fue una relación... bueno, como decía, yo no he usufructuado esta fama de manera desmedida. Digo, conozco a compañeros que han salido con más mujeres, de hecho. Y yo he tenido relaciones largas”.

Sobre el vínculo con Oreiro, recordó cómo compartían el día a día en medio de la incipiente fama: “Con ella tuve una relación larga, fueron cerca de seis años. Y un momento yo me tomaba el bondi de Avellaneda los primeros tiempos y me volvía, me volvía Avellaneda a dormir y ella me acompañaba al colectivo. Ella vivía en una pensión, había llegado recién de Uruguay y vivía en una pensión. Fueron muchos años donde nos empezó a ir bien a los dos”.

La relación entre Echarri y Oreiro comenzó cuando ambos eran muy jóvenes y transitaban sus primeros pasos en la televisión, con trabajos como extras en telenovelas y pequeños papeles. “Ella empezó de extra en Inconquistable corazón. Ahí la conocí, en la oficina de mi representante, Hugo Fredes. Y ahí tuvimos una relación de seis años y fue alguien importante y caminamos juntos esos primeros seis años”. Durante ese tiempo, los dos experimentaron el salto a la fama: Oreiro pasó de papeles secundarios a protagonizar Muñeca Brava, mientras Echarri se consolidaba como galán en éxitos como Los buscas de siempre y El desvío.

Ambos compartieron no solo el crecimiento profesional, sino también los desafíos de la exposición, la convivencia y la popularidad repentina. “Inclusive de seis años de mucho crecimiento de fama. Y bueno, éramos muy jóvenes”, reconoció Echarri. La pareja convivió durante una parte de la relación, pero nunca llegó a casarse ni a formar una familia, manteniendo siempre el respeto y el apoyo mutuo incluso después de la separación.

Sobre cómo define hoy ese vínculo, Echarri fue claro: “Fue una relación linda, sincera. Terminamos bien, no nos frecuentamos, pero terminamos bien”. Consultado sobre los encuentros actuales, el actor aseguró: “Sí, claro, la saludo si la veo. Nos cruzamos siempre, nos hemos visto en algún premio, en Teleinde, coincidido en algún momento, pero ya hace unos años. No nos hemos cruzado mucho, pero ¿por qué no? No, al contrario”.

Aunque cada uno tomó caminos distintos —Echarri junto a Nancy Dupláa, con quien formó una familia, y Oreiro junto a Ricardo Mollo—, el respeto y el afecto por lo compartido siguen intactos: “Obviamente, no nos frecuentamos, cada uno tiene su vida”. Echarri mostró madurez y franqueza al hablar de este capítulo central de su historia, recordando con cariño y sin rencores una relación que dejó huella tanto en lo personal como en el imaginario popular, y que, pese al paso de los años, sigue despertando interés y nostalgia.

La dupla se ha encontrado en entregas de premios y siempre se mostraron cordiales a la hora de intercambiar saludos y palabras frente a la prensa.

Ricardo Mollo, líder y voz de Divididos, no ocultó su asombro ni su emoción. En pleno show, el chico se subió al escenario con un peinado en cresta y pidió el micrófono para interpretar “La Rubia Tarada”, el emblemático tema de Sumo. El público estalló en aplausos y la actitud desinhibida del joven cantante se llevó todas las miradas.

La presencia inesperada del niño desató una reacción genuina en el músico, que se mostró conmovido por la energía que irradiaba el pequeño fan. Mollo expresó con palabras sencillas y directas la intensidad del momento: “Que aparezca un ser con una energía tremenda y nos genere una alegría y un estado increíble. Esto las pantallas no lo pueden provocar y, mucho menos, la inteligencia artificial…”. La frase, surgida casi como un suspiro, dejó en claro la dimensión humana de lo que acababa de suceder. La escena condensó en pocos segundos la esencia de la música en vivo: la conexión pura entre artista y público, sin artificios ni planificación.

Las redes sociales jugaron un papel central en la difusión de lo ocurrido. El video del niño sobre el escenario no tardó en hacerse viral. Cientos de comentarios celebraron tanto la actitud del chico como la apertura de Mollo y los músicos para invitarlo a participar. “Vamos que hay futuro en el rock carajo”, escribió un usuario. Otro se animó a bromear con la soltura del pequeño: “Ese pibe ya tiene más calle que yo con 40 años”. Entre los mensajes predominó el tono festivo y afectuoso, con frases como “Un capo Mollo, un retipazo y el guachín un genio” y “El pibe entendió todo”.

La comunidad rockera encontró en ese fragmento de show un motivo de celebración y esperanza. La escena del chico sobre el escenario, sin miedo ni titubeos, generó un efecto contagioso de alegría que desbordó el recinto y se propagó por plataformas digitales.

El vínculo entre el niño y Divididos no nació esa noche en Tandil. Según relató el propio protagonista en diálogo con Radio Nitro, su relación con la banda viene de lejos. “No me acuerdo cuándo fue la primera vez que vi a Divididos, hace mucho, con mi mamá”, contó con naturalidad. Cuando le preguntaron qué tema esperaba escuchar en el recital, no dudó: “Me gustan muchas, pero espero que hoy toquen ‘Sobran las piñas’”. Ese lazo previo con la música de la banda explica en parte la soltura con la que se desenvolvió sobre el escenario y el entusiasmo con que vivió la experiencia.

Según el relato de los presentes, nada estuvo planeado. El chico, vestido con una remera de Sumo, se encontraba entre el público y fue invitado a subir. “El muy caradura le pidió el micro a Mollo y salió esta genialidad, lo que explotó el público no tiene sentido”, escribió un usuario en Twitter que presenció la escena. Otro comentario, con tono humorístico, sumó: “Volvió Luca Prodan en forma de pibito, solo que esta vez se aseguró de tener una abundante cabellera”. Mensajes como “Que niño del bien! Seguro, disfrutando y compartiendo rock!” y “Revivió la músicaaa” reflejaron el clima que se vivió en Tandil esa noche.

Las imágenes y videos del momento recorrieron las redes y generaron un furor inmediato. El gesto de Mollo, la audacia del niño y la respuesta del público construyeron una escena difícil de repetir, donde la música se convirtió en puente entre generaciones. Divididos, con su historia y su presente, volvió a demostrar que en el rock siempre hay lugar para la sorpresa y la emoción genuina.

Natalia Oreiro atraviesa horas de profunda angustia y preocupación tras la desaparición de Júpiter, uno de sus perros y un integrante más de la familia que formó junto a Ricardo Mollo y su hijo Merlín Atahualpa. La actriz y cantante uruguaya, radicada hace años en la Argentina, recurrió a sus redes sociales para lanzar un desesperado pedido de ayuda a sus más de un millón de seguidores con la intención de encontrar a su mascota.

A través de sus historias de Instagram, Oreiro compartió una placa con varias imágenes de Júpiter, un perro de tamaño mediano, pelaje blanco con algunas zonas en color beige y un gran flequillo que cubre parte de su rostro. El flyer, diseñado para facilitar la búsqueda y el reconocimiento del animal, incluye el mensaje: “Me llamo Júpiter. Me perdí en San Isidro”. La artista detalló la zona donde se extravió y dejó un número de contacto, 11 6820 7344, para que cualquier persona que lo vea o tenga información pueda comunicarse de inmediato.

Movilizada por la situación y consciente del alcance de su voz en el mundo digital, Natalia apeló a la solidaridad de vecinos y seguidores: “Por favor comunicarse”, insistió en la publicación, subrayando la urgencia de la búsqueda en una zona tan transitada como San Isidro. El cantante de Divididos también hizo un llamado a la solidaridad y replicó el posteo de su esposa en sus historias.

El pedido, que rápidamente se viralizó, refleja la desesperación de Oreiro por recuperar a Júpiter y la importancia que tiene la mascota en su vida cotidiana. El caso despertó la empatía y la colaboración entre usuarios, que comenzaron a compartir las imágenes y datos clave para ayudar en la búsqueda. En el mensaje, Natalia dejó en claro que encontrar a Júpiter es prioritario para la familia y pidió la máxima colaboración posible para que la historia tenga un final feliz.

La conexión de la actriz oriunda de Montevideo con los animales estuvo presente a lo largo de su vida y se reflejó en sus redes sociales y en su día a día. En mayo de 2025, la actriz y cantante uruguaya celebró su cumpleaños número 48 de una manera especial y alejada de los grandes eventos: eligió recibir su nuevo año adoptando a una gata callejera. “El regalo más lindo es esta gatita”, escribió entonces en su cuenta de Instagram, junto a una serie de fotos en las que se la vio sonriente, sentada en la entrada de su casa, con la nueva integrante felina entre sus brazos.

Contó que le pusieron de nombre Milonga y que “no podía más de mimosa”. Compartió el proceso de adopción y relató: “Después de un mes de preguntar si tenía familia, de alimentarla y cuidarla, hoy entendí que nos eligió”. Cerró la publicación con un mensaje emotivo: “Bienvenida Milonga”.

La llegada de la gatita fue celebrada por sus seguidores, que le dejaron mensajes como: “Esa gatita los eligió a ustedes, no hay regalo más grande”, “Milonga no podía tener mejor nombre y familia”, y “Gracias por dar amor a quien más lo necesita”. Otros comentaron: “La amo. Aguanten los michis”, “Ellos siempre te eligen”, y “Felicitaciones por el nuevo miembro de la familia”.

Oreiro, que construyó una carrera sólida tanto en la actuación como en la música, siempre mantuvo un perfil comprometido con el medioambiente y el cuidado de los animales. Al compartir la historia de Milonga, mostró un costado íntimo y cotidiano, lejos del ruido mediático, donde el protagonismo lo tuvo una gata que alguna vez vivió en la calle y terminó encontrando un hogar gracias al gesto de la artista y su familia.

Reservada, sensible y muy conectada con lo íntimo, Natalia Oreiro volvió a abrir una pequeña ventana a su mundo privado. En las últimas horas, la actriz y cantante compartió en su cuenta de Instagram una serie de imágenes que, sin mostrar de manera explícita cada rincón, permiten reconstruir cómo es la casa que habita en San Isidro junto a Ricardo Mollo y su hijo Atahualpa. Un hogar que funciona como refugio, espacio creativo y extensión directa de su identidad artística.

Las postales —que combinan escenas cotidianas, detalles decorativos y momentos familiares— confirman lo que desde hace años se sabe: la vivienda de la actriz no responde a una lógica de lujo ostentoso, sino a una búsqueda estética y emocional muy marcada. Madera, flores, libros, objetos antiguos y naturaleza se integran en un equilibrio que prioriza la calma y la conexión con lo esencial.

El traslado no fue inmediato ni sencillo. En 2016, Natalia y Mollo tomaron la decisión de dejar su casa en Palermo para mudarse a San Isidro, en busca de mayor tranquilidad y contacto con el verde. Ella misma contó en más de una entrevista que la adaptación le costó: estaba acostumbrada a una vida más urbana, a una casa con impronta rústica y vintage en pleno corazón porteño. Sin embargo, con el tiempo, la nueva vivienda se transformó en un espacio propio, construido desde cero en términos emocionales.

Si hay un espacio que se repite en sus publicaciones, ese es el jardín. Amplio, verde y cuidadosamente intervenido, funciona como escenario de fotos, momentos de juego, caminatas descalzas y encuentros familiares. Árboles, arbustos, flores de estación y sectores más silvestres conviven con rincones pensados para el descanso.

En una de las imágenes se la ve a Natalia caminando entre senderos, levantando a su gato o simplemente observando el paisaje. El jardín no es solo un fondo bonito: es parte activa de su rutina y de su bienestar cotidiano. También allí se destaca una huerta, donde cultiva flores y plantas, reforzando esa idea de vida conectada con la tierra y los ciclos naturales.

Puertas adentro, la casa mantiene una estética ecléctica y muy personal. Muebles antiguos conviven con piezas modernas; colores pasteles se combinan con tonos intensos como verdes, fucsias y azules profundos. Nada parece elegido al azar, pero tampoco responde a una tendencia de catálogo.

En las imágenes se destacan bibliotecas repletas de libros, tocadiscos con discos de vinilo, escritorios intervenidos con objetos pequeños, piedras, cuadernos y recuerdos. Cada ambiente parece contar una historia, como si fuera un collage de etapas de su vida.

La cocina, por ejemplo, aparece como un espacio cálido y vivido: estanterías abiertas con vajilla a la vista, frascos de vidrio, utensilios colgados y una fuerte presencia de madera. Lejos de una cocina impersonal, es un lugar pensado para habitar, compartir y crear.

La vivienda de Natalia Oreiro en San Isidro no busca impresionar por su tamaño ni por excentricidades visibles. Su valor está en la coherencia: cada objeto, cada color y cada espacio parecen dialogar con su sensibilidad artística, su necesidad de introspección y su forma de entender la vida lejos del ruido.

Durante su último posteo, también aparecen detalles como su gato durmiendo en la cama, sillones bajos, alfombras, cortinas pesadas y paredes empapeladas con motivos florales. Todo contribuye a una atmósfera cálida, algo nostálgica y profundamente femenina, sin caer en lo decorativo superficial.

De todas formas, la foto que más llamó la atención fue otra: la de su figura al desnudo, de espaldas. La silueta aparece caminando hacia un atardecer intenso, con el cielo teñido de tonos naranjas, dorados y grises. La luz baja del sol recorta el contorno del cuerpo y genera un fuerte contraste entre sombras y horizonte, lo que vuelve imposible distinguir rasgos faciales o detalles del rostro.

Ricardo Mollo apoyó sus manos en el pecho de Luca Prodan. Quería intentar, ver si era posible, calentar ese cuerpo al que la muerte había enfriado unas horas antes. Mollo, en ese entonces el virtuoso guitarrista de Sumo, no estaba solo.

Lo acompañaban Germán Daffunchio, también guitarrista de la banda que había crecido entre Córdoba y Hurlingham, y Timmy MacKern, el amigo escocés de Luca que lo había convencido de instalarse en la Argentina con una foto de las sierras de Nono y, para ese entonces, manager de la banda que estaba a punto de convertirse en mito para siempre.

Luca Prodan, que tenía 34 años y había nacido en una acomodada familia ítalo-escocesa, llevaba varias horas muerto cuando Mollo, Daffunchio y MacKern lo encontraron en su habitación de la pensión que alquilaba en la calle Alsina al 400, en el porteñísimo barrio de Monserrat. “Yo lo levanté y estaba la mitad del cuerpo en el colchón y la otra mitad en el suelo (...) Fue muy fuerte”, contó décadas después Mollo sobre ese fatídico 22 de diciembre de 1987, hace exactamente 38 años.

“Ahí va la última”

La noticia corrió rápido, porque un periodista del diario Crónica estaba allí merodeando por la calle Alsina cuando los compañeros de Sumo fueron llegando a la habitación en la que el cuerpo de Luca todavía mostraba una sonrisa pero ya estaba rígido por el paso de las horas.

Nunca se supo cómo había llegado alguien de la prensa antes de que los propios integrantes de la banda conocieran la noticia. Alberto “Súperman” Troglio, baterista de Sumo, le dijo a Omar Jalil, autor del libro Luca Prodan: libertad divino tesoro: “No sé cómo carajo se habá enterado, supongo que alguno buchoneó”.

Sumo, esa banda de post-punk, de reggae, de ska, de todo eso y más que revolucionó el sonido argentino al compás de la primavera democrática, había dado un show apenas dos días antes. El 20 de diciembre de ese año, unas quinientas personas los vieron en el estadio de Los Andes, en Lomas de Zamora.

La presentación estuvo a punto de naufragar. Luca ya atravesaba un deterioro físico grave por esos tiempos. Su adicción al alcohol -la ginebra, a la que le cantó, fue parte de su perdición- desencadenó la cirrosis que arruinó su hígado. Lucía pálido, inestable, y así llegó al estadio de Lomas.

El personal de seguridad de aquella noche confundió a Luca con una persona en situación de calle y fuera de sí que intentaba “colarse” en el show, e intentaron prohibirle el acceso al estadio en el que subiría al escenario.

Finalmente, Sumo dio su show: fueron 16 canciones y un doblete de “Fuck you”, la canción que la banda dejó para el final esa noche. Antes de interpretarla por segunda vez, Luca dijo: “Ahí va la última”. Cantó, se fue, y no volvieron a verlo con vida. Diego Arnedo, bajista de Sumo y fundador de Divididos junto a Mollo, diría después que en esa frase de Luca había algo de anuncio, de premonición: “Creo que nos quiso decir a todos que era la última canción de su vida”.

Un hombre, mil vidas

A los 34, la edad que tenía al morir, Luca Prodan había vivido mil vidas. Nació en Roma en 1953, hijo de Mario Prodan, un anticuario italiano muy estricto a la hora de criar, y de Cecilia Pollock, que había nacido en China pero que cuyos orígenes eran escoceses. Luca era el tercer hijo de esa familia y cuando tenía apenas nueve años sus padres lo enviaron a Gordonstoun, el exclusivo -y tan exigente- internado de Escocia en el que también se educaba el entonces Príncipe de Gales, que hoy es el Rey Carlos III del Reino Unido.

La “educación” que impartía Gordonstoun incluía disciplina militar, duchas heladas y ejercicios físicos extenuantes. Para hacer frente a todo eso, Luca desarrolló un carácter cada vez más rebelde. Y aunque nunca se supo si era verdad o no, tanto Luca como, después, su hermano menor Andrea, contaron muchas veces que el líder de Sumo le había dado una trompada inolvidable al jovencísimo príncipe.

En medio de la hostilidad, Prodan se hizo muy amigo de otro niño de familia escocesa, Timmy MacKern. Como último acto de rebeldía ante ese internado que lo volvía loco, Luca, que estaba a punto de graduarse por fin, vendió un rifle familiar para financiar su huida. Todo derivó nada menos que en una búsqueda internacional en manos de Interpol.

Ladrón de discos, ahogado por el dolor

Tras escapar del internado, Luca pasó los 70 en Londres, cada vez más inmerso en la escena punk de la capital inglesa. Trabajó en la disquería Virgin hasta que lo echaron por robar discos, y formó su primera banda, The New Clear Heads.

En 1979, su hermana Claudia y el novio se suicidaron a través de la inhalación de monóxido de carbono. Luca, que para ese entonces ya había probado la heroína, profundizó su consumo de esa droga inyectable que, en su momento más extremo de dolor por la pérdida de su hermana llegó a producirle un coma hepático.

Timmy, el amigo de Luca, envió a su amigo una foto que pensó que podía apaciguar tanta tristeza: eran las sierras cordobesas en las que él se había instalado. Siguiendo el consejo de MacKern, Prodan se instaló en Nono, en la zona de Traslasierra, en 1980. “Esa foto le hizo sentir esperanza en la vida”, diría Timmy años después al recordar cómo había invitado a su amigo a conocer la Argentina.

Entre Nono y Hurlingham, empezó a gestarse una de las bandas más importantes de la historia argentina. La salida de la dictadura militar en Argentina y los sonidos y la actitud que Luca había traído desde Europa resultarían en un cóctel explosivo de talento y creatividad.

Un final abrupto y cantado

Pero la historia de Sumo terminaría abruptamente ese 22 de diciembre de hace casi cuarenta años. Habían editado Corpiños en la madrugada (1983), Divididos por la felicidad (1985), Llegando los monos (1986) y After Chabón (1987).

La muerte tan joven de Luca terminaría por convertir a la banda en un mito y en una enorme influencia para los músicos que vendrían después. Además, de la disolución de Sumo nacerían dos de las bandas más importantes del rock argentino: Divididos y Las Pelotas.

De esa muerte se supo poco a ciencia cierta. El parte oficial informó que fue por un paro cardiorrespiratorio debido a la hemorragia interna que le produjo la cirrosis. Pero algunos años después, el icónico periodista de rock Enrique Symns aseguró que se había tratado de una sobredosis de heroína.

Según contó Symns, Luca había pasado un tiempo largo sin consumir esa droga sobre todo por la dificultad de dar con ella en la Argentina. Pero apenas pudo conseguirla, volvió a usarla. Su cuerpo se había desacostumbrado y el consumo de una dosis que en algún momento era frecuente le habría resultado letal.

Roberto Pettinato, saxofonista de Sumo, también abonó la hipótesis de una sobredosis, aunque señaló que había sido de metadona, una sustancia que habitualmente se usaba como “sustituto” de la heroína.

Roberto Espina era en ese entonces amigo de Luca, y después sería uno de los documentalistas que dedicó su trabajo a contar la vida y la obra del ítalo-escocés más argentino de todos.

Espina llegó a contar que él mismo había descartado los sobrantes de heroína cuando entró a la habitación de Luca, una vez que ya se había producido su muerte. “Ocultar que hubo un pico de heroína a esta altura me parece... Es cierta la teoría de que se inyectíó heroína y murió por eso”, diría varios años después el documentalista.

“Súperman” Troglio contaría que, para evitar que crecieran las versiones cruzadas sobre qué había pasado con Luca, acudieron al abogado Albino “Joe” Stefanolo, que históricamente trabajó con bandas de rock, para evitar que se hiciera una autopsia. Stefanolo fue también quien movió cielo y tierra para conseguir un lugar para Luca en algún cementerio en medio de una crisis por espacios para entierros.

Los más cercanos a Luca querían evitar que fuera enterrado en una fosa común, como se barajó en un principio porque Prodan no tenía domicilio constituido en ningún lado, lo que dificultaba pelear por un espacio propio. Finalmente, vía Stefanolo, se consiguió un lugar para enterrar a Luca en el Cementerio de Avellaneda, donde hoy hay una gran piedra traida desde Nono, Córdoba, y donde sus seguidores a veces le dejan algún mensaje escrito o una botella de ginebra.

¿En los brazos de la novia?

En medio del impacto y el dolor por la muerte de Luca, la figura de Silvia Ceriani, su novia de entonces, resultó por demás polémica para parte de su entorno. Silvia vivía en otra habitación de la pensión de la calle Alsina y, en las pocas entrevistas que dio en ese momento, juró que Luca había muerto en sus brazos y que no se había tratado de una sobredosis.

Su versión fue cuestionada, entre otros, por Geniol, uno de los performers de la escena under a la que Sumo pertenecía en los ochenta. En el libro de Jalil, Genio aseguró que Ceriani era “una chica diabólica y adicta a la aguja”.

Casi cuarenta años después de la muerte de Luca, las versiones sobre cuál fue la causa que terminó por matar ese cuerpo deteriorado aún no fue confirmada oficialmente, ni lo será nunca. Su hermano Andrea Prodan dijo alguna vez que Luca “tuvo la fuerza para romper la máquina de mitos argentina y meterse ahí, junto a Maradona y Evita”.

En su tumba en el Cementerio de Avellaneda y, sobre todo, en la puerta de Alsina al 400, varias generaciones le rindieron y le rinden tributo a ese italiano educado bajo las mismas normas que la realeza británica que cruzó el Atlántico para escapar de la tristeza, del dolor y de una crianza demasiado encorsetada.

Fue uno de los fundadores de una banda que transformó la historia de la música argentina, y es el hombre al que, varias décadas después, Ricardo Mollo le escribió una canción que dice: “Luca, como una canción que zumba en el viento del corazón / Luca, fuelle tano que respirando pampas se aporteñó (...) De ojotas al bar, y del bar al cielo / Luca, en el tiempo”.

Desde el comienzo, la artista dejó en claro que el último año fue puro vértigo: la intérprete de La mujer de la fila está rodeada de proyectos, rodajes y homenajes, y alterna el brillo de la alfombra roja con la búsqueda diaria de equilibrio y sentido. “Me gusta eso como me gusta maquillarme y salir en una alfombra roja o ponerme una tanga para una foto. No me gusta encasillarme en un lugar. Me gusta mucho la jardinería. Soy una arquitecta frustrada, siempre me gustó”, contó.

En ese clima, la entrevista la llevó a un terreno clave: el de la exposición pública y sus consecuencias en la vida de Atahualpa, quien está comenzando la etapa adolescente. Natalia fue directa: “Tiene casi 14 y no tiene celular. Para su cumpleaños le vamos a regalar uno que no tiene conexión”. Ante la pregunta sobre cómo es lidiar con otras familias, la actriz subrayó el valor del consenso y la paciencia: “Y... hay que consensuar entre las familias, si no es muy difícil. Si tiene un grupo de pertenencia que están todos muy hiperconectados, realmente es difícil porque él siente que se queda afuera. Si en su grupo más cercano lográs consensuar con las familias, es más fácil. Él también está muy acompañado desde la escuela en ese planteo. En su curso son 38 compañeros, de los cuales entre 12 o 14 todavía están con esto de no tener hasta los 14. Y a los 16 sería la entrega del teléfono que se le llama inteligente.”

Para Oreiro, el desafío está en construir la espera y fomentar hábitos positivos. “Tenés que darle herramientas y no es un ‘porque no’, sino explicar por qué no. Y cada familia es un mundo. Es una decisión muy personal, pero bueno, si me preguntan, eso es lo que pienso”, sentenció, insistiendo en que el secreto está en “darle otras cosas, que le tomen gusto a otras cosas”, aseguró. En su casa, eso implica visitas a librerías, carpintería, herrería, origami, deporte y, sobre todo, un trabajo consciente para que Atahualpa disfrute realidades más amplias.

Temas contemporáneos también llegaron a la mesa del stream: la dificultad de los jóvenes para autogestionarse ante la sobreexposición, la presión de la tecnología y el imperativo de acompañar, más allá de la consigna prohibitiva. La actriz remató con una metáfora: “Si vos le ponés sal a un plato antes de probarlo, es difícil que después te guste algo diferente”.

Otro de los tópicos que tomó relieve en la charla fue la música. Consultada sobre si esa pasión había quedado relegada ante tanto proyecto en cine y televisión, Oreiro fue honesta: “Es parte de mí. Yo siempre fui una actriz que canta. Mi primera incursión musical fue en Un argentino en Nueva York. Cuando fui al casting me preguntaron si cantaba y yo dije, ‘por supuesto’. Lo hacía en el coro de la escuela. Y dije ‘claro que canto’. Bueno, cantá un tema. No sé qué canté y quedé”.

“Yo entregué mi contrato discográfico en mi tercer disco porque estaba girando y yo quería ser actriz dramática... Era otro momento. En ese entonces, estaba muy separado lo que era la actriz de televisión y la cantante pop. Me acuerdo que una vez fui a un casting en San Martín y no me lo tomaron porque era de otro universo. Ni siquiera es que no daba con el perfil; era por los límites del ambiente”, reconoció, mostrando la dificultad de cruzar fronteras profesionales en un contexto mucho menos permeable que el actual.

En la primera parte de la nota, Natalia desarrolló con emoción su experiencia en La mujer de la fila, la película donde interpreta a Andrea Casamento, activista por los derechos de las personas detenidas y sus familias. La actriz confesó la intensidad de dejarse transformar por historias reales: “Cuando interpreto a un personaje real, que no solo existió sino que sigue haciendo cosas por la sociedad, es muy difícil desvincularse. Con ellas tuve un compromiso, porque la mayoría se sintieron no solo miradas sino tenidas en cuenta y protagonistas de esa historia. Hoy su barrio no las estigmatiza sino que las acompañan. Ahora se sienten tratadas de otra manera cuando antes tenían que ocultar su situación, porque la sociedad juzga y dice: ‘Algo deben haber hecho, los criaste mal, se lo merecen’. La película pone el foco en las familias, empatiza con esas realidades y nos hace sentir que a cualquiera nos puede pasar”.

Oreiro también subrayó la importancia de revisar los propios prejuicios y no replicar discursos heredados. “Tenés que trabajar con tus prejuicios, incluso si venís de lugares diferentes. Yo tengo un hijo que va a cumplir 14 años en enero, que me acompaña en mi trabajo. Hoy estamos cumpliendo 40 años con UNICEF; me acompaña a diferentes recorridos porque es la única manera de educar que encuentro posible. Cuando hago una película, me interpela lo que le ocurre al personaje y si es madre, desde que me convertí en mamá me desarma”.

Entre anécdotas familiares, reflexiones sobre su carrera y la maternidad y confesiones sobre los desafíos de la exposición, Oreiro volvió a demostrar por qué, después de más de dos décadas, sigue siendo un faro cultural. Su presencia en el estudio de Infobae fue, en sus propias palabras, un encuentro con su presente, sus cambios y los nuevos sueños que, tanto en la pantalla como en su casa, la impulsan a seguir creciendo y aprendiendo, sin perder nunca la capacidad de emocionarse y de compartir, en voz alta, las preguntas esenciales de la vida.

Para ver la entrevista completa:

Se presentó en una sala de cine en el barrio de Recoleta la película La mujer de la fila, filme protagonizado por Natalia Oreiro en el que aceptó el desafío actoral de interpretar a Andrea Casamento, fundadora de una red latinoamericana de familiares de personas detenidas. Este martes, junto a todo el elenco, se exhibió por primera vez en Buenos Aires la cinta y la actriz volvió, como siempre lo hace, a hechizar con su presencia.

Oreiro estuvo acompañada por Ricardo Mollo, quien prefirió no posar en la alfombra roja y dejarle toda la atención a los actores y el equipo que comandó el director Benjamín Ávila. Natalia lució un look deslumbrante: optó por un atuendo destacado por su impronta moderna y reminiscencias retro.

La intérprete lució un traje sastre de dos piezas compuesto por saco y pantalón, ambos con un estampado geométrico que integraba tonos verde, azul y blanco, evocando una estética setentera. El pantalón, de pierna ancha, con influencia vintage, mientras que el blazer mostró un corte clásico acentuado por la fuerza del diseño y la estructura.

La combinación se completó con una camisa blanca, que aportó contraste y sobriedad al conjunto, y una corbata verde satinada en sintonía con la paleta cromática del traje. En cuanto a los accesorios, la artista portó un clutch metálico o cartera rígida con bordes brillantes, que sumó un matiz elegante y contemporáneo al conjunto. Los aros verdes establecieron una correspondencia con el traje y la corbata, subrayando la cohesión estilística elegida para el evento.

Mientras que el maquillaje exhibió un nivel trabajado, con especial énfasis en los ojos y labios en tono rojo, aportando un matiz glamoroso al rostro de Natalia. El peinado, retirado hacia atrás con un acabado prolijo y recogido en moño bajo o chignon, dejó el foco en el rostro y el vestuario.

Entre las figuras destacadas se encontraban la actriz Amparo Noguera y el actor Federico Heinrich, además de la Tigresa Acuña, quien debutó en la actuación en la cinta. Como invitados estuvieron Dalia Gutmann, Gabriela Sari, Valeria Lorca y Carla Conte con su pareja, Ezequiel Corbo. La presencia de los artistas reflejó la importancia atribuida a la película, que toma como eje la perspectiva de las personas que mantienen vínculos con quienes están privados de libertad. “Es un cine necesario, que habla de los prejuicios, de la burocracia y de la soledad que se vive en esos pasillos”, destacó uno de los actores durante su presentación.

El largometraje narra la experiencia de Andrea, una mujer de clase media cuya vida se altera tras la detención sorpresiva de su hijo. Ante esta circunstancia, la protagonista se enfrenta tanto a las complicaciones del sistema penitenciario como a la realidad común de otras mujeres que, inicialmente distantes, terminan convirtiéndose en su apoyo principal. “Es un homenaje a quienes sostienen a las familias desde afuera de la cárcel”, subrayaron.

La dirección y guión estuvieron a cargo de Benjamín Ávila, quien también hizo un cameo en el papel de Santillán, líder de una banda delictiva. Se trata de su segunda colaboración con Natalia Oreiro tras el éxito obtenido en Infancia clandestina.

El rodaje se realizó entre mayo y junio de 2024 en diversos puntos de Buenos Aires, destacándose por convertir al Complejo Penitenciario Federal I de Ezeiza en escenario principal, lo que marcó un hito como la primera película filmada dentro de esa prisión. El estreno en salas comerciales está programado para este jueves 4 de septiembre.

Natalia Oreiro sorprendió en este 17 de agosto con una dedicatoria cargada de ternura a su esposo, Ricardo Mollo, quien celebra su cumpleaños el mismo día que Argentina festeja el Día del Niño.

La actriz eligió una fotografía entrañable, un retrato en blanco y negro que muestra al músico en su niñez, vestido con el clásico guardapolvo escolar y una pequeña valija de cuero en la mano, imagen habitual de la infancia en décadas pasadas. Junto a la foto, Oreiro compartió líneas de la canción “Tu Mirada”, una de las composiciones emblemáticas de Mollo. “Qué razón habrá, lejos del azar, cerca del sol. Qué poción de amor que un milagro puso ante mí”. A ese mensaje, sumó un sencillo “Feliz vida”.

Mollo respondió de inmediato con un escueto pero intenso “Te amo”, acompañado por un emoji de corazón rojo. Mientras la pareja suele mantener un perfil bajo en las redes y evita expresiones públicas constantes de afecto, estas ocasiones señalan un instante de apertura y homenaje. Oreiro, fiel a su estilo de resguardar la intimidad familiar, opta por pequeños gestos colmados de significado cada vez que llega una fecha importante. La elección de mostrar a Mollo de niño agrega una dimensión nostálgica, cruza dos celebraciones y pone en valor los orígenes de quien hoy es uno de los principales referentes del rock nacional.

Este gesto comparte una intimidad rara vez expuesta, matizando la cotidianeidad de miles de seguidores que, aun sin acceso frecuente a escenas familiares de Oreiro y Mollo, se acercan con mensajes de cariño y admiración. La publicación condensa el afecto sostenido a lo largo de los años y confirma la vigencia del vínculo, alimentado en la trastienda, lejos del ruido mediático, pero con una calidez que trasciende la pantalla y resuena especialmente en cada homenaje público.

La historia de amor entre Natalia Oreiro y Ricardo Mollo se remonta a muchos años atrás, en un contexto inesperado para dos figuras de universos aparentemente opuestos. La actriz y el músico se encontraron en una clase de yoga. Allí, entre respiraciones y movimientos pausados, germinó un vínculo diferente. Al principio, Oreiro desconocía la identidad artística de Mollo; solo más tarde supo que se trataba del líder de Divididos. Esa falta de preconceptos marcó un acercamiento cargado de espontaneidad. Iniciaron una amistad sincera, tejida entre charlas y miradas cómplices. Oreiro reconoció, durante una entrevista televisiva, que fue Mollo quien tardó más tiempo en dar el siguiente paso. Aun así, la dedicación y la sensibilidad del músico la conquistaron poco a poco.

Ricardo Mollo, por su parte, ha relatado que aquello que lo cautivó en Oreiro fue la persona y no la figura pública. Describió ese primer enamoramiento como un hallazgo genuino de buen corazón, alejado de cualquier estereotipo mediático. La diferencia de veinte años de edad nunca se interpuso en la consolidación del vínculo, que fue creciendo hasta convertirse en un refugio sólido incluso para los más escépticos. Hace ya una década, la llegada de Merlín Atahualpa, su hijo, reforzó la estructura familiar y selló el horizonte compartido. Guitarras, equipos y melodías se entrelazan desde entonces con la cotidianeidad de una familia que, aunque pertenece a la esfera pública, decide reservar los momentos más valiosos detrás de escena.

Desde el nacimiento del niño, ambos padres se encargaron de resguardar su imagen y evitar mostrarlo en las plataformas públicas o redes sociales. Pocas veces han permitido que Merlín figure en publicaciones, situación que sorprende y conmueve a seguidores y colegas cada vez que ocurre. Una de esas excepciones fue el 26 de enero, durante el cumpleaños del menor. Oreiro decidió compartir dos imágenes en blanco y negro: una de Merlín en su primera infancia y otra más reciente. La publicación incluyó también un video grabado siete años antes, en el que el niño, asombrado, analiza su propio crecimiento en la tradicional puerta marcada con líneas y fechas.

La publicación, acompañada por la frase “Feliz vuelta, Ata” y el dibujo de un sol, evidenció el cuidado con el que la pareja dosifica la exposición de su hijo: solo en ocasiones puntuales y con un enfoque emotivo, ajeno a la espectacularización frecuente en las redes.

“Encontré unos 40 casetes en una caja en el altillo. Son de hace 30 o 40 años. Hay para entretenerse”, escribió el trompetista Marcelo Rodríguez, más conocido como Gillespi, junto a una imagen que documentaba el hallazgo. Fue un golpe directo a la nostalgia, a la información que circulaba de mano en mano, a ese protospotify clandestino y de carne y hueso que durante los 80 y 90 era la forma más directa y económica de acceder a la música.

Desprolijamente rotulados, algunos manuscritos y otros tipeados a máquina, sintetizan un mapa geopolítico posible del under de aquellos años.

• Sumo en Obras. After Chabón
• Divididos. Primer demo
• Las Pelotas. Homenaje a Luca en Cemento
• Pachuco Cadáver. Arpegios

Y siguen las firmas. La foto encendió los recuerdos entre el público que la vivió de primera mano y también entre los que accedieron al mito a través del legado generacional. Un material que no solo legitimaba la leyenda, sino que permitía una aproximación arqueológica a algunos de los días más felices de nuestras vidas.

El responsable de este cimbronazo fue Gillespi, músico, conductor y protagonista de esa escena, como colaborador permanente de la última etapa de Sumo y con fuerte presencia en los respectivos desprendimientos ocurridos luego de la muerte de Luca Prodan, el 22 de diciembre de 1987. Fue parte del embrión de Divididos, junto a Diego Arnedo y Ricardo Mollo cuando todavía no tenían baterista; integró formalmente Las Pelotas junto a Germán Daffunchio, Alejando Sokol y Superman Troglio y formó parte de la aventura de Pachuco Cadáver que comandó Roberto Pettinato mientras iba y volvía de España.

“Fue un hallazgo cien por ciento casual” dice Gillespi, ante la invitación de Teleshow de reconstruir su descubrimiento. La historia se remonta a comienzos de los 2000, cuando durante una mudanza terminó acumulando cajas y bolsas de consorcio en el altillo de su casa. “Un guarda tutti en un galpón típico conurba”, resume con una gran metáfora visual. 25 años después, se le ocurrió buscar un estuche de trompeta antiguo, que debía andar por ahí. Y en medio del caos, dentro de una caja prolijamente embalada, estaban los casetes.

La curiosidad lo llevó de inmediato a una Technics de época que agradece haber mantenido a resguardo de la era digital. Le dio play y fue lo más parecido a viajar en el tiempo. A la potencia única de Sumo sobre el escenario de Obras, a la introspección de los ensayos de lo que iba a ser Divididos en el sótano de El Palomar, a las madrugadas peloteras en Cemento o Arpegios. ¿Qué podía hacer con todo eso? Enseguida encontró la respuesta.

“Lo primero que se me ocurrió fue subirlo a Twitter”, dice, como reacción espontánea. Y notó que esa foto de los casetes potenció las interacciones promedio de la red social. Los comentarios se repartían entre el valor documental del material encontrado y el retorno simbólico a aquellos años lejanos. La búsqueda de la juventud perdida y también de una música y una cultura rock que ya no existe como tal, acercada por alguien que formó parte de la historia.

La foto sirve como radiografía de los últimos años de Sumo y la situación que vivió el grupo tras la muerte de Luca. “Yo estaba en la cocina de eso, y viví muy de cerca el momento de transición. Quedamos huérfanos y se armó una amistad muy linda con los músicos”, evoca Marcelo, y pasa lista de aquel amargo verano del 88. “Pettinato, que era un poco mi referente, se había ido a España y me dejó de garpe; el resto se fue para Córdoba y fundaron Las Pelotas y yo terminé con Mollo y Arnedo en el sótano de El Palomar, que era la sala histórica de Sumo”.

En aquel lejano oeste, Gillespi no sentía que se estaba gestando un grupo. Lo veía como un encuentro de amigos de índole más terapéutica que musical. Tocaban sobre una batería electrónica en la que Mollo ponía un ritmo random y sonaba cualquier cosa. “La idea era juntarnos, hablar, tocar, y no había un horizonte claro”, cuenta el trompetista y resume cómo se fue organizando el tablero de la diáspora. “Ellos habían sido camaradas previo a Sumo y con el tiempo definieron lo que querían hacer y armaron Divididos. Yo era un satélite; toqué un tiempo con ellos, vino Petti y armamos Pachuco Cadáver, y después terminé tocando muchos años con Las Pelotas.

Uno de los tesoros que ya está subido a su cuenta de YouTube es la presentación oficial de After Chabón en Obras, el 10 de agosto de 1987. Fue la última vez de Sumo en El Templo del Rock y uno de sus últimos conciertos, ya que Luca moriría a fin de ese año. Gillespi tocó esa noche, -hay una emblemática foto en camarines junto a los Sumo y el manager Timmy McKern-, y también le alcanzó los casetes vírgenes al sonidista Mario Lastiri para que registrara el concierto. No era una práctica habitual en un grupo acostumbrado a la improvisación. “Siempre había una casetera, pero a nadie le importaba grabar. Nadie tenía la perseverancia y estaban en otra. No había una conciencia de que Sumo podía ser una banda trascendente”, justifica.

Pero a Gillespi le servía ese material por otros motivos. Tanto en el walkman ida y vuelta a su casa de Monte Grande como en el grabador doble casetera típico de la época, gastaba las cintas para desentrañar qué tenía que tocar. No había partituras ni directores de orquesta que lo guiaran. En cambio, un compañero de andanzas que lo obligaba a estar despierto. “Petti venía del free jazz y era bastante impredecible en cómo encaraba su saxo. Igual terminamos haciendo unos lindos arreglitos y en los últimos shows del 87 hasta hubo sección de vientos en algunos temas”, recuerda.

Volviendo al tiempo presente, Marcelo tenía demasiada información en esa caja ante sus ojos cada vez más abiertos. Y la alarma de notificaciones no paraba de sonarle, entre consejos técnicos, recuerdos y curiosidades. Él expresó su gratitud y siguió alimentando las expectativas. “Me están poniendo presión... Las grabaciones son sorprendentes. Solo escuché algo. Pero es historia pura. Obviamente, las voy a compartir con todos. Tengo que ver cómo”, escribió. Y se puso manos a la obra.

Las siguientes fotografías parecían de una sala preoperatoria antes de una intervención de riesgo. Tijeras, cinta adhesiva, lápices, caseteras. Una postal anacrónica para un proceso de digitalización que lleva su tiempo y su exigencia. Por un lado, cada transcripción debe medirse en tiempo real. 30 minutos en el mundo analógico son 30 minutos en el digital, no hay otra. Por el otro, hay tener sumo cuidado con un material de vida útil limitada, y de casi 40 años atrás, por más de su inexplicable buena conservación.

Gillespi prometió y cumplió. Avanzó y rebobinó lo necesario para sacarle el mejor sonido a las cintas, tuvo que intervenir quirúrgicamente en las “esponjitas de los cabezales”, y mostró algunas canciones en su programa de Radio Provincia que luego subió a su canal de YouTube. Allí se puede ver el “primer rescate” del último Obras de Sumo, con la palabra de Luca Prodan y las versiones de “Lo quiero ya” y “Mañana en el Abasto”.

Otra grabación refleja un concierto de 1991 en homenaje al frontman italiano, con Las Pelotas en estado de gracia: “Sokol encendido. Cemento desmadrado de gente. Llenísimo. Hubo que parar varias veces el show por los desbordes”, comenta el músico como si fuera una ficha técnica extraída de su memoria.

Y para finalizar, un out of context para el universo sumero: se trata de Luis Alberto Spinetta interpretando “Resumen porteño”, que Gillespi no recuerda dónde ni cuándo lo registró. Por el estilo de tocar el bajo, llegó a la conclusión que lo ejecuta Machi Rufino y completa la banda de memoria. “Guille Arrom en guitarra, Mono Fontana en teclados y Jota Morelli en batería". Una joya, entre tantas, de un material que lo desvela.

—¿Hablaste con los otros ex Sumo sobre qué hacer con esto?

—Hablé con Ricardo (Mollo) y le agarró un ataque de risa. Pasó tanta agua bajo el puente, pero esto no tiene otro destino que compartirlo con la gente. No me voy a poner con la cinta para negociar con alguien; yo soy un testigo, un fotógrafo del momento. Hubo gente que me dijo que hiciera vinilos, pero están locos. Esto tiene que ver con lo que sucedía en vivo: siempre se dijo que los discos de Sumo no reflejaban lo que era la banda, y coincido. En estudio, el grupo era más prolijo, pero en vivo daba miedo.

—¿Y qué te pasó a vos cuando lo viste y lo escuchaste?

—Me sirvió para encontrarme con esa parte mía que quedo ahí atrás. Y también para tomar conciencia de las cosas que fui haciendo, porque con los años se va perdiendo eso. El paso del tiempo es muy cruel, borra la historia y la gloria.

—¿No te sentís reconocido?

—Sí, pero los pibes de 20 no tienen idea de quién soy. Por eso me gustó volver a revivir eso, y es interesante lo que pasa en YouTube con la cantidad de gente que va subiendo cosas porque se va completando la historia y esa leyenda de repente cobra vida. En los shows de Sumo no había gente interesada en sacar fotos ni en grabar. Siempre me llamó la atención la cantidad de material que hay de Los Beatles en The Cavern; bueno, eso con Sumo no pasaba. Y ni me imagino qué tendrán para decir los amigos de Almendra o de Manal.

Mientras comparte este material del pasado, Gillespi no pierde el ojo en el presente. Cada vez más asentado en su rol de conductor radial, se luce todas las noches en Perdidos en el espacio, su ciclo de Radio Provincia, y como ladero de Alejandro Dolina en el clásico La venganza será terrible. Y actualmente está enfocado en Forma, el disco que grabó con el tecladista Álvaro Torres y presenta este martes 27 en Café Berlín. “Lo grabamos en forma casera, en ambos estudios, tiene una atmósfera que te hace acordar Spinetta Jade”, expresa, tendiendo otro puente con los añorados ochentas.

Y casi sin querer, sus palabras vuelven a aquellos casetes. A ese guiño que el azar le puso en el camino para ser por un rato el arqueólogo de una era perdida. Asumiendo el riesgo de quizás ser perjudicial para una leyenda demasiado perfecta para ser adulterada. En sus palabras, se trata de “completar los agujeros que hay en la historia del rock y de los que humildemente formé parte”. Y como adelanto, promete algunos demos de Las Pelotas de ese discazo que fue Máscaras de Sal. “Se había ido Superman Troglio y todavía no había entrado Gustavo Jove, entonces grabábamos con batería electrónica. Hay una versión de ‘Si supieras’ que tenés que escucharla”, revela entusiasmado. Será cuestión de activar las notificaciones y los sentidos y estar atentos a los tesoros que Gillespi tiene para compartir.

El material publicado en la cuenta de X de El Canciller circuló con la velocidad que suele hacerlo en tiempos de redes sociales y las críticas se agolparon en torno a la actitud de la protagonista de Iosi, el espía arrepentido. Al ver las repercusiones, Oreiro grabó un video en primera persona para dar su versión de lo ocurrido.

“No pensaba pasar por acá para aclarar nada porque me parecía que no era necesario, pero como no me gusta la polémica, preferí contar el contexto”, explicó la uruguaya en el audiovisual casero. “Primero y principal, me parece súper importante tener la libertad de decir lo que uno quiere hacer: decir que no, no está mal y no estar disponible para el deseo del otro no es un problema de uno, sino, en todo caso, del otro”, comenzó su descargo.

Y continuó refiriéndose puntualmente al hecho que describió como “un video mío que pedía por favor que no siguieran sacando fotos” para detallar el contexto: “Estábamos con mi pareja y con mi hijo paseando un domingo como cualquier familia. A veces me olvido que de repente no somos cualquier familia, pero me encantaría poder serlo, a veces para tener la libertad de poder pasear como cualquier otro”, analizó, en referencia a la popularidad que tienen tanto ella como el músico.

Según su relato, durante el paseo se habían sacado fotos de manera amable con quienes se lo solicitaban, hasta que ocurrió lo que la hizo reaccionar: “Se empezó a juntar mucha gente. Y de repente una persona empieza a filmarme muy de cerca sin pedirme permiso y yo estaba con mi hijo al lado, y esa situación para mí fue altamente incómoda", sentenció.

A continuación, explicó por qué no desea exponer a Merlín, de 12 años: “No me gusta que lo filmen, no me gusta que compartan fotos de él ni que lo suban a las redes. Es menor de edad y además no elige esto. Les pedí por favor que no lo siguiera haciendo. Y esa persona me seguía poniendo el teléfono muy de cerca y había cada vez más gente”.

En ese momento, Natalia advirtió la reacción de Merlín: “Si ven detenidamente el video, mi hijo se va caminando para atrás y yo desde que soy mamá, mi prioridad es su bienestar e incluso en un lugar donde hay mucha gente en la vía pública, hasta me da miedo de perderlo. Cosas de madre. Mi hijo se va, yo miro a mi pareja y me voy”.

Finalmente, se refirió a las repercusiones generadas en torno a su comportamiento. “Lamento que no se haya entendido. Lamento si se armó una pequeña polémica. Creo que siempre fui una persona muy agradecida con lo que me tocó vivir e intento obrar en consecuencia a lo que elegí también como medio de vida”, expresó en referencia a la popularidad que le dio su trabajo artístico, pero también haciendo una salvedad.

“Eso no quiere decir que yo esté disponible todo el tiempo, porque también soy una persona común con un trabajo extraordinario. Me gusta dentro de lo que se pueda disfrutar como una familia normal y cuando estoy con mi hijo no me gusta que me invadan. Si no se entendió, lo siento mucho, pero me parece súper importante que se respete la negativa de alguien a no querer acceder al deseo del otro”, concluyó.

Yo hace muchos años que trabajo y lo he hecho con varios actores”, comentó ante el equipo del programa, conformado Sebastián Wainraich, Julieta Pink y Pablo Fábregas. “Me acuerdo de hacerlo con Adrián Suar y un día lo agarré de los pelos”, agregó, con un toque humorístico, respecto a la época en que compartió el rol protagónico con el actor en la serie Solamente Vos (El Trece), entre 2013 a 2014.

“O sea, mi personaje lloraba, abría la puerta y él tenía que decir un texto. La quinta vez que no le salía el texto, lo agarré y le dije: ‘O me lo decís, o me voy a mi casa’. Y él era el jefe, era el dueño del canal”, continuó, entre risas, al recordar su actitud en ese entonces. Al escuchar la anécdota, Wainraich, la interrumpió: “Sí, yo estaba ahí. Yo era el psicólogo en ese momento y, un día, vos no te acordás, pero nos dijiste: ‘Ustedes improvisen, hagan la bol… que hacen, yo entro después y decimos la letra bien”.

Divertida por las palabras del conductor, a Natalia no le quedó más que reconocerlo. “Bueno, así soy”, resaltó y, acto seguido, se unió a las carcajadas que se robaron el protagonismo en el estudio.

Durante el programa, también se puso seria para hablar de la maternidad. Sin filtro, no solo contó divertidas anécdotas sobre Merlín, sino también cómo intenta protegerlo de la exposición pública y del truco para que participe en su reciente filme. “Mi hijo me acompañó al rodaje. De hecho, él aparece de perfil, no llegás a reconocerlo porque era el cuidado que queríamos tener con el papá”, comentó Natalia respecto a la postura que tiene con el músico sobre mostrar a su hijo ante las cámaras. “En un punto, obviamente que me encanta la temática, yo quería hacer esta película para estar con él y que la vea”, explicó, entre risas.

Esto tomó por sorpresa a Wainraich, quien no dudó en indagar al respecto. Por su parte, ella le comentó: “No vio ninguna, ni siquiera Re loca porque dice muchas malas palabras”, reveló la artista. “Yo no soy de decir en casa, ni en general. A veces, me sale alguna mal aprendida que intento erradicar porque ni siquiera quiero decirla, pero él no. Entonces, para Re loca me encerraba a ensayarlas”, sumó la invitada al ciclo, quien dejó en claro su manera de crianza.

Momentos más tarde, Oreiro fue consultada respecto al motivo que la llevó a alejar a su hijo de la exposición. “Ser anónimos en la infancia y en la adolescencia es un privilegio. No estoy de acuerdo con que los más jóvenes tengan redes, porque la mirada del otro siempre es una mirada que te juzga. O que te tiren un corazoncito, lo hace cuando sos grande, imagínate cuando te estás formando”, aseguró ante la cámara, lo que suscitó la curiosidad de los panelistas.

”Es cierto que antes no existía la exposición que hay ahora y una historia le puede llegar a un millón de personas”, analizó Fabregas, comparando ambos contextos históricos”. Antes tampoco había tanta protección, cuando entraste a trabajar era todo muy salvaje. Estabas mucho más en riesgo que, ahora, una chica o un chico de 16 años, que le pueden pasar un montón de cosas horribles, pero hay un colchón…”, interpretó el humorista. “No iría a ese extremo, sino que me refiero a cuando te miran y te juzgan. Yo era la rara en el secundario… Me refería a no tener una imagen armada y todo el tema de los celulares”, expresó la uruguaya.

“Pero, es cierto que cuando comencé a trabajar no había protección al menor, los horarios que exigían… Yo hacía publicidades desde los 12 años y podía estar toda la noche, pero después iba a la escuela. Tuve mucha suerte, nunca me pasó nada feo, pero si él quiere actuar obviamente que lo haga”, sentenció.

Con dos fotos en blanco y negro, en las que se lo ve a su pareja sosteniendo una torta junto a su hijo, Natalia Oreiro celebró el cumpleaños de Ricardo Mollo. La breve secuencia muestra al pequeño Merlín Atahualpa en el escenario junto a su padre, mientras ambos intentan soplar la única vela del postre. “Feliz todo Ricardo, te amamos”, escribió la actriz, junto a tres emojis de corazones blancos, para acompañar la publicación por los 67 años del artista en su Instagram.

En cuestión de horas, el posteo superó los 50 mil ‘me gusta’ y reunió cientos de comentarios de parte de los fans de la pareja que felicitaban a Ricardo y le enviaban buenos deseos. Así también se pronunciaron algunas figuras del mundo de la música y el espectáculo. ”Feliz todo total”, comentó Carla Peterson, junto a un emoji de corazón, en línea con el mensaje de Oreiro. Por su parte, Rubén Rada le dedicó unas palabras al líder de Divididos: “Feliz cumple amigazo”. Mercedes Morán también se sumó al postear emojis con ojos de corazón.

No son muchas las oportunidades en las que la actriz o el cantante muestran a su hijo en sus respectivas redes sociales. Desde un primer momento, los padres se ocuparon celosamente de resguardar la imagen del menor. Por eso, cada vez que “Ata” es el protagonista de las historias terminan sorprendiendo y llenándose de saludos de famosos o de simples seguidores.

Una de las últimas oportunidades se dio el pasado 26 de enero, en un nuevo aniversario del nacimiento del menor. En ese contexto, la madre compartió a través de su cuenta de Instagram dos fotos con el mismo estilo: en blanco y negro. Una de las imágenes mostraba la etapa de bebé de Merlín, y la otra era un poco más actual. La publicación también estaba acompañada con un video, también en blanco y negro, de hace 7 años en el que el menor se sorprende por cómo va creciendo en altura, en tanto controla las líneas en el marco de la puerta perfectamente registradas con su fecha.

“Feliz vuelta, Ata”, y la imagen de un sol, completaban aquella publicación de Instagram de la cantante. A poco menos de un año del nacimiento de su hijo, Oreiro había revelado cómo el pequeño había cambiado su vida y había asegurado que llegó para coronar sus diez años de amor con el músico: “Cuando llegué a la Argentina tenía 16 años y me quería comer el mundo… Hoy mi ambición pasa por estar en el campo con mi familia. Merlín potenció todo lo bueno de mi pareja: me unió para siempre con Ricardo”.

La actriz incluso había contado cómo se sentía el cantante con la llegada de su hijo. “Ricardo está enamoradísimo de su hijo. Acomodó sus shows para que pudiéramos estar muy presentes con Merlín”, contó Oreiro en esa oportunidad, a la vez que detalló que dedica la mayor cantidad de tiempo posible a la crianza de su pequeño: “Yo quiero que mi hijo sea feliz por sobre todas las cosas. Y siempre voy a estar para abrazarlo”.

La historia de amor entre Oreiro y Mollo empezó años atrás cuando coincidieron en una clase de yoga. A pesar de dedicarse a mundos diferentes, el líder de Divididos y la heroína de telenovelas, mega estrella de la pantalla chica, se unieron en un flechazo que conectó a ambas figuras. A pesar de los 20 años de diferencia de edad.

“Yo cuando empecé a salir con él no sabía que era el cantante de Divididos. Cuando nos hicimos amigos, cuando empezamos a salir, sí supe”, admitió Natalia en una visita a Morfi (Telefe), donde reveló que el músico fue el que tardó en decidirse. “Nos hicimos muy amigos ahí, yo lo miraba a él como diciendo ‘¡dale!’. Me miraba, me cuidaba un montón en la clase, por eso también me enamoró. Su parte sensible fue lo que me mató”, agregó. En una entrevista con Juan Alberto Badía, Ricardo reconoció haberse enamorado de la persona, más que del personaje o de la cara bonita. “Me dio buen corazón”, resumió. Hace 10 años nació Merlín Atahualpa para seguir construyendo su amor en el que pocos creían. Y terminando de dar forma a ese mundo perfecto, con guitarras y pedales, parlantes en el corazón y una pared de equipos al re palo.

El chico que tocaba en las misas del colegio San Roque, el pibe que cayó rendido ante la opulencia del rock sinfónico, el adolescente que descubrió la new wave de The Police y supo finalmente lo que quería ser, hoy cumpliría 65 años. Pasaron casi 15 desde el accidente cerebrovascular que le puso freno en un momento de plenitud, cuando uno de los compositores más populares de habla hispana atravesaba su enésima reinvención: la del artista de vuelta de todo, entregado a las fuerzas de la naturaleza y poniendo el cuerpo y el alma al servicio de su obra.

En septiembre se cumplirán diez años de su muerte, y aquel gesto poético y artístico quedó para la eternidad. Gustavo en trance, en una coda eterna de “Lago en el cielo” como si no hubiera mañana, como si la eternidad fuera ese instante, como si por su cabeza pasaran las miles y miles de horas de vuelo. A continuación, un recorrido por algunos de sus conciertos más emblemáticos, en Soda Stereo o en solitario, en once episodios tan vivos como su legado.

Los primeros shows: moverás tus pies

Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti debutaron como Soda Stereo el 19 de diciembre de 1982 en la fiesta de cumpleaños de Alfredo Lois. No parece casualidad que el trío inicie su camino junto al compañero de facultad de Gustavo y Zeta, diseñador de videoclips, tapas de discos, escenografías y demás detalles visuales que fueron claves para un grupo que hizo de la estética una pata fundamental de su propuesta.

El 26 de julio de 1983, tuvieron su primera vez abierta al público en la disco Airport, ubicada en el barrio de Núñez. Fue el trampolín para que Soda empezara a recorrer el circuito de pubs y bares donde se forjaron el pop y el rock de la primavera alfonsinista. Patearon las tablas de Zero, La esquina del Sol, y Marabú, entre otros, casi siempre con gente afuera y la infalible regla marketinera del boca en boca. Empezaron a aparecer las canciones que irían a parar a su primer álbum Soda Stereo, otras inéditas que registraron en un histórico demo, y covers, como “I saw her standing there”, de Los Beatles, en castellano.

Bajo la apariencia supuestamente naif de los raros peinados nuevos y un mensaje dietético que pocos captaron como irónico, había mucho para ofrecer y un diamante para pulir. A finales de 1984, presentaron el disco en el Teatro Astros, donde repitieron al año siguiente. El crecimiento era tan meteórico como sostenido, en un escena que fluía en cualquier esquina de la ciudad.

El alunizaje en Obras: aguardando el temblor

En base a tocar en vivo y con dos discos tan diferentes entre sí que marcaban su evolución y sus inquietudes, Soda creció a pasos agigantados y en tres años estaba simbólicamente jugando en primera con su desembarco en el Estadio Obras. El debut en El Templo del Rock, la consagración para cualquier banda de la época, llegó por partida cuádruple. El 11, 12 (dos funciones) y 13 de abril de 1986 presentaron Nada personal, editado el año anterior, que ya contaba con el status de disco de oro.

Lois diseñó una ciudad futurista y una iluminación opresiva para un grupo que veía en la vanguardia un terreno con el cual maridar. El presente, los mostraba sin límites en un país que a esa altura ya le quedaba chico. Por el escenario pasaron el guitarrista Richard Coleman, integrante de Fricción! y socio compositivo de Gustavo, el saxofonista multibanda Gonzo Palacios, el tecladista Fabián Von Quintiero, por entonces invitado permanente, y un ensamble de cuerdas del Teatro Colón, para probar que encontraban encanto en lo clásico además de lo moderno. En las afueras, quedó la postal de la inmensa Avenida del Libertador cortada por los fanáticos del grupo, en unas jornadas lluviosas y otoñales que anticiparon el huracán.

Viña del Mar: la conquista inevitable de América

El monstruo del festival trasandino cayó rendido ante la potencia del trío. Otra vez las estimaciones quedaron cortas y fueron dos noches, el 11 y 12 de febrero de 1987, en las que supieron cabalgar a un público que hace de la hostilidad un modus operandi y en el marco de un festival más asociado a otro tipo de propuestas. Pero Soda sabía lo que hacía, tenía bajo el brazo un disco redondito, perfecto, ganchero y a la vez hermético como Signos. Y sobre esas grandes canciones, y un vivo imbatible y mejorado noche a noche, empezó a forjar su leyenda.

Esta presentación marcó simbólicamente el trampolín a la conquista de América, un terreno que habían preparado artistas como Miguel Mateos Zas o Los Enanitos Verdes, pero que Soda tomó por asalto con una prepotencia avasallante. Su manager, Alberto Ohanian, había hecho un trabajo de hormiga, difundiendo el material del grupo por los países de habla hispana, y la visibilidad de Viña fue el impacto que faltaba. Fueron recibidos por una marea de fans en el aeropuerto y apenas pudieron salir del hotel para los shows, algo que molestó a los músicos aún entendiendo el juego. De cualquier manera, ya no había tiempo para arrepentirse. La Sodamanía no tardó en desatarse por todo el continente y fueron verdaderas estrellas de rock sin fronteras.

El primer Vélez: Soda 1 - Tears 0

La sociedad entre la revolucionaria FM Rock & Pop y una marca de cigarrillos muy popular en la época derivó en el Derby Rock Festival, que permitió el debut de Soda en un estadio de fútbol. Fue el 23 de enero de 1990, cuando el grupo empezaba a despedirse de la gira del exitoso álbum Doble Vida para encarar Canción Animal, la consagración definitiva para una carrera formal que apenas superaba los cinco años.

Para esta etapa se mostraron en formato quinteto, con Andrea Álvarez en percusión y Tweety González en teclados, -más David Lebón, uno de los héroes de Gustavo invitado en dos temas, “Terapia de amor intensiva” y “Lo que sangra (La cúpula)”-. El show se realizó bajo una lluvia que los envalentonó, que celebraron sus fanáticos, pero que conspiró contra los británicos, que debieron suspender su show al quinto tema.

Para ese entonces, buena parte del público se había retirado y nacía una de las grandes leyendas de la historia de los conciertos de rock en Argentina, agrandada con el correr de los años. “Soda 1 - Tears 0″, tituló la mítica Revista Pelo para sintetizar la huida masiva que dejó un estadio semivacío, todo un triunfo en la liturgia rockera. Hacia el final de ese año, Soda eliminaría cualquier metáfora reventando ellos solos ese mismo escenario, ya con el repertorio del antológico disco naranja.

Gratis en la 9 de Julio: ¿Nada más queda?

La Gira Animal estuvo a la altura de su nombre y Soda llevó su música a lugares a los que nunca hubiera imaginado. Más allá de un internacionalismo cada vez más marcado, sus shows en suelo porteño quedaron en la historia por sus características casi opuestas. Entre junio y julio la banda realizó 14 conciertos en el Teatro Gran Rex, un espacio reducido para la convocatoria que manejaban por entonces, pero ideal para desarrollar un concepto minimalista. Invitaron a grupos de la escena alternativa para que actuaran como soporte, y el material se plasmó en el EP de rarezas Rex Mix.

Como contracara, el 14 de diciembre, a pocas cuadras de allí, dieron el show más multitudinario de su carrera. Bajo el ciclo Mi Buenos Aires Querido, organizado por la Municipalidad, tuvieron una convocatoria estimada en 350 mil personas, dispersas a lo largo de 20 cuadras por la avenida 9 de julio. “¡Socorro! ¡Los amo!”, gritó Gus en el punto más alto de su carrera, un pedido de auxilio espontáneo, un link posible con el que iba a pronunciar seis años más tarde.

Último concierto en River: no vuelvas sin razón

Promediando la década las cosas no estaban bien entre los Soda. La estatura artística de Gustavo había trazado una distancia insalvable entre los músicos, y problemas personales, económicos y musicales aceleraron el fin de la banda. Lo informó el propio Cerati, en la que se conoció como La carta del adiós, esa que se publicó el 9 de mayo de 1997 en el Suplemento Sí! y que cayó como una daga entre sus fans, aún cuando sabían que la disolución era cuestión de tiempo.

“Diferentes desentendimientos personales y musicales fueron creando un nudo de tensión emocional que empezó a comprometer ese equilibrio. Ahí mismo se generan excusas para no tocar, excusas para no enfrentarnos, excusas para no crear, excusas finalmente para un futuro grupal en que ya no creemos como hacíamos en el pasado. Cortar por lo sano es, valga la redundancia, hacer valer nuestra salud mental por sobre todo y, también, una muestra de respeto hacia el público que nos sigue y nos siguió todo este tiempo”, dice el fragmento más saliente, donde enumera los motivos del parate.

Para validar esa consideración con los fanáticos, acordaron realizar una mini gira de despedida por algunos países del continente. Fueron seis conciertos en 20 días, dos en Ciudad de México, uno en Monterrey, otro en Caracas, el paso obligado por Santiago de Chile, y el final, el 20 de septiembre en el Monumental. Con un grupo al borde de la guerra interna y el desfile de muchos de los históricos invitados -Richard Coleman, Zorrito Von Quintiero, Daniel Sais, Andrea Álvarez y Tweety González- fue una noche de emociones mezcladas, coronada por un “gracias totales” catártico, liberador, inolvidable.

El camino solista: un nuevo barco

Ya liberado del trío, en 1999 Gustavo Cerati lanzó Bocanada y dio inicio formal a su camino solista. No fue su primera producción por fuera de Soda -desde el Amor amarillo inspirado en su musa y madre de sus hijos Cecilia Amenábar, al problemático Colores santos con Daniel Melero y el proyecto electrónico Plan V que desarrolló mientras vivía en Chile- pero con este álbum empezaba otro desafío. Necesitaba demostrarle al público, a la prensa, a las discográficas y sobre todo a él mismo, que podía ser un artista de calidad y de cantidad aun prescindiendo de los dos tercios de Soda.

Cerati solista debutó el 25 de septiembre de 1999 ante 3200 personas que colmaron el Teatro Metropolitan de México DF. Con una banda formada por Fernando Nalé en bajo, Martín Carrizo en batería y el apoyo multiinstrumentista de Leo García y Flavio Etcheto, dio un show basado casi en su repertorio solista y con escasas y poco hiteras citas a Soda, que replicó en Buenos Aires en su confortable Gran Rex. “Río Babel” fue el tema con el que abrió los conciertos de la gira: “Fluir sin un fin más que fluir”, o la declaración de principios de un artista dispuesto a no hacer concesiones.

Estadio Obras con Ricardo Mollo: ahí vamos

Luego de la transición de Siempre es hoy, y apoyado en el pulso rockero de Ahí vamos, Gustavo Cerati empezó a lograr el reconocimiento y la popularidad que tanto perseguía para su carrera solista. Sus conciertos se volvieron cada vez más masivos y la propuesta, más sanguínea e igualmente sensible, lo conectó con su educación musical adolescente y lo acercó al calor de las masas.

La gira pasó por Obras, a 20 años del debut en el Templo del Rock, con cinco noches de pleno calor invernal y un setlist muy asentado. Algunas canciones solistas que ya asomaban como hits, un setlist ya más amigado con el del trío y una visita de lujo para el último de la serie, el 1° de julio, que hoy suena lógica, pero que en su momento puso a prueba a la ortodoxia rockera.

Habían transitado los ‘80 en veredas diferentes, y la grieta Soda vs Sumo, y luego, Soda vs Redondos, parecía insalvable. Durante los ‘90, ya al frente de Divididos, Ricardo Mollo solía frenar aquel cantito del público que pedía “que se muera Cerati”. “Me parecía necesario más que el discurso, la acción, entonces ahí decidí llamarlo a Gustavo“, le contó Ricardo a La Viola, sobre la trastienda de aquel encuentro. “Tenemos un invitado muy especial, quiero presentar a Ricardo Mollo” dijo Cerati sobre el escenario de Obras. La versión del mega hit “Crimen” quedó como postal de ese encuentro, que pudo haber sido la semilla de un disco en conjunto, pero el destino se interpuso.

Gratis en Figueroa Alcorta y La Pampa: nada mejor que casa

La escalada popular de Cerati tuvo su prueba de fuego el 10 de marzo de 2007 con otro concierto gratuito, en el que pudo saldar la asignatura pendiente con su gran referente del rock argentino. “Va a pasar una cosa muy grande. Muchos saben la admiración y la pasión que siento por este artista. Quiero invitar a Luis Alberto Spinetta”, dijo Gustavo, con la voz tomada por la emoción. Con el Flaco hicieron “Té para tres”, con el solo de “Cementerio club” ejecutado por su autor, a imagen y semejanza del falso unplugged de MTV, y “Bajan”, del imprescindible Artaud.

Fue el punto saliente de un concierto en el que Cerati se mostraba reconciliado con su pasado en Soda, intercalando clásicos como “Juego de seducción”, “Prófugos” y “Persiana americana” y tanteando de alguna manera el reencuentro con el trío que estaba al caer.

También fue la precuela de lo que ocurrió dos años más tarde, cuando Gustavo subió al escenario de Vélez para ser parte del megaconcierto Las Bandas Eternas, donde interpretó con el Flaco las mismas canciones. “Si hay un sueño cumplido, es este”, dijo conmovido, con su habitual poder de síntesis.

Me verás volver: la deuda interna

En junio de 2007, Soda Stereo anunció la gira Me verás volver con 22 shows pautados entre octubre y diciembre de ese año. Fue un recreo que se permitió un Gustavo Cerati ya consagrado con su nombre y apellido, un poco para mimar a sus fanáticos, otro para sanar con sus históricos compañeros de ruta, también, por qué no, para alimentar su ego.

Con precisión cartográfica, inició en México y terminó en Buenos Aires, con una saga de seis conciertos en el Monumental, con el 21 de diciembre de 2007 como fecha final. Como músicos de apoyo estuvieron Tweety González en teclados, Leo García en guitarras y coros y Leandro Fresco en samplers y teclados Los invitados fueron Richard Coleman, Andrea Álvarez, Fabián Quintiero, Gillespi y Carlos Alomar, el productor de Doble Vida, y todo transcurrió en un clima diferente al de una década atrás. “Se habló de la plata, se hablaron de muchas cosas. Pero esta vuelta se trató sobre todo de música. Y el éxito fue recomponer nuestra relación interna con Charly y Zeta”, dijo Gustavo durante el concierto.

Tocaron 30 canciones en algo más de 3 horas y cerraron el círculo con su primer gran hit: “Te hacen falta vitaminas”. Zeta revoleó el bajo, Charly los palillos y Gustavo repartió púas. Se abrazaron en modo racimo, sonrientes, lejos del frío lenguaje gestual del ‘97. Y se alejaron de a poco, entre besos y reverencias, como si hubieran pactado dejarle a sus fans esa imagen final. El de la burbuja en el tiempo.

Auditorio Simón Bolívar: algo que nunca sentiste

Tanto se escribió, y tanto se seguirá escribiendo y aún así no habrá explicación para lo ocurrido el 15 de marzo de 2010 en el Auditorio Simón Bolívar de Caracas. La gira de Fuerza Natural transcurría tal como lo había proyectado en el disco, un resumen acabado y quién sabe si inconsciente de su carrera y su personalidad, un combo experimental, vanguardista y clásico, tres paradigmas que siempre sobrevolaron su obra. La tracción a sangre más profunda, los elegantes chiches de la electrónica y la fuerza poética en modo brainstorming dialogando en su máximo esplendor.

“Ahí va un regalo... no mío, sino de la naturaleza, o de lo que sea. Un lago en el cielo para todos... acá que estamos bien alto. ¡Gracias Caracas!”, dijo antes de tocar “Lago en el cielo”, un tema habitual de cierre pero nunca con un solo tan largo. Dos minutos que se fueron estirando hasta parecer una eternidad. Un beso sentido, la mano al corazón como reverencia, los brazos en alto y el último saludo: “Hasta la próxima, chau!”, dijo antes de retirarse aplaudiendo al camarín.

“Fue el show más exitoso de la gira”, le confió al sonidista Adrián Taverna, su amigo incondicional y mano derecha, antes de intercambiar algunas bromas junto a Coleman, otro compañero de andanzas de siempre. Ya con malestar en su cuerpo, se tomó la última foto grupal, a pedido del baterista Fernando Samalea y se retiró al camarín a descansar. Lo que sigue es conocido por todos y es una de las páginas más tristes de la música popular. A las 5 de la mañana, desde la cuenta oficial de Twitter de Cerati se publicó un mensaje escueto: “Gustavo tuvo una descompensación luego del show de Caracas, pero informamos que se está recuperando favorablemente”.

Con el correr de los días, se supo lo que había ocurrido: un accidente cerebrovascular que requería de una intervención que finalmente tuvo lugar en Venezuela. El músico estuvo internado en cuidados intensivos hasta que por decisión familiar fue trasladado a la Argentina en un avión sanitario el 7 de junio. En cuestión de días, la puerta de la clínica Alclav se convirtió en lugar de peregrinaje de familiares, amigos y colegas, de cadenas de oración y fogones improvisados, de inagotables muestras de gratitud a un artista que cambió la vida de miles de personas en todo el continente. Hasta que el 4 de septiembre de 2014, la familia comunicó su muerte. Su leyenda ya estaba escrita desde mucho tiempo antes.

El legado de Sosa, afectuosamente apodada La Negra, es extenso, abarcando numerosos discos, colaboraciones y conciertos a nivel mundial. Su capacidad para innovar dentro del género folklórico, incorporando artistas y estilos diversos, le permitió una destacada comunión musical con intérpretes de distintos géneros.

La trayectoria de Mercedes Sosa incluye colaboraciones con músicos icónicos del rock argentino, como Charly García, Luis Alberto Spinetta y Fito Páez. Estas asociaciones fueron un claro reflejo de cómo las afinidades artísticas pueden trascender géneros específicos. Además, su influencia se extendió a la escena internacional colaborando con figuras como Caetano Veloso, Shakira y Joan Manuel Serrat, entre tantos otros.

Si bien su obra está presente cada día, en los aniversarios su recuerdo se hace mucho más presente y sus colegas aprovechan para manifestarle toda su admiración. Por caso, Charly García dejó un sentido mensaje en su cuenta oficial de Instagram: “Mercedes, te extraño mucho. Nunca voy a olvidar todo lo que pasamos juntos ¡Feliz día Mercedes! ¡Feliz día Argentina!”, escribió el Bicolor, como pie a las imágenes del histórico show que compartieron en Cosquín en 1997.

Cabe recodar que esa actuación fue uno de los puntos más altos de la historia del festival. Charly fue invitado por Mercedes en un momento en que el panorama estaba dominado por el “folklore joven”, con figuras emergentes como Soledad Pastorutti y Los Nocheros. La expectativa por la participación del músico fue elevada, y su llegada tuvo una gran repercusión mediática. Además, ese mismo año, ambos artistas publicaron el álbum Alta Fidelidad.

Sin embargo, el solo anuncio de su llegada estuvo marcado por de controversias. Su vida personal, en ese entonces en su etapa Say No More, generó resistencia en ciertos sectores del folklore tradicional. Notables referentes del género, como Horacio Guarany y Víctor Hugo Godoy de Los 4 de Córdoba, expresaron su rechazo. Por su parte, el intendente de Cosquín en aquel entonces, Raúl Costanzo, admitió la tensión que generó la llegada de García.

A pesar de las críticas, Mercedes defendió a Charly, destacando su profesionalismo y el cariño del público hacia sus canciones. Cuando finalmente subió al escenario, García ofreció una actuación memorable. Interpretaron juntos canciones icónicas como “Rezo por vos”, “Inconsciente colectivo”, “De mí” y una versión del “Himno Nacional Argentino” que conmovió al público presente.

Por su parte, otro de los referentes del rock nacional que aprovechó la ocasión para recordar a la icónica cantante tucumana fue Fito Páez, quien compartió una serie de fotografías que remiten a varios momentos que vivieron juntos, tanto arriba como abajo del escenario. ”Hace 15 años que extraño llamar a Mercedes a su casa para saludarla por su cumpleaños”, expresó en el texto que acompañó a las imágenes, que fueron recibidas con profunda emoción por su seguidores.

Además, esta fecha se conoció el videoclip de “A Mercedes”, interpretado por León Gieco, Ricardo Mollo y Luna Monti, con letra de León y la música de Luis Gurevich. Además, el tema cuenta con la participación de Las Rondadoras y la dirección del maestro Popi Spatocco, responsable del inmenso legado Cantora, el álbum de colaboraciones estrenado poco antes de la muerte de la tucumana.

El tema parte del álbum Mercedes Florecida, galardonado este año con el Premio Gardel a mejor álbum conceptual y en el que se recuperan audios inéditos de Mercedes acompañados por los máximos exponentes de la música popular argentina y latinoamericana. Sobre el proyecto, Spatocco destacó: “El recuerdo de Mercedes sigue vivo, presente, en quienes la conocimos, en quienes fuimos contemporáneos de su arte y también en las nuevas generaciones que fueron marcadas por su enorme legado”.