En 2019, Control nos recordó el verdadero potencial de Remedy Entertainment. Venían de demostrar un despliegue técnico asombroso en Quantum Break, pero desde los primeros tráilers sabíamos que íbamos a jugar algo diferente. Control fue bien recibido tanto por la crítica como por la audiencia en general, pero nunca fue lo que podríamos decir “un juego para todos”. El énfasis en la narrativa, especialmente en lo ambiental y audiovisual, lo volvía demasiado lento para ser un shooter en tercera persona y su progresión pausada terminaba por cansar a los jugadores más ansiosos. Control Resonant es una secuela que, a su manera, rompe la barrera anterior y ofrece una experiencia más directa.

La historia continúa siete años después de los eventos de Control, que es aproximadamente el mismo tiempo que pasó en la vida real entre ambas entregas, y nos pone en la piel de Dylan Faden, el hermano de Jesse. Control Resonant se disfruta aún más si jugamos el título anterior y sus DLC, pero la recapitulación de eventos incluída hace un muy bien el trabajo de ponernos al día o refrescar la memoria. En síntesis, Jesse abandona “The Oldest House” con un objetivo misterioso y antes de irse nos deja el arma “Aberrant” despertándonos para que escapemos. En cuestión de minutos estaremos por primera vez al aire libre y ante un escenario desolador: la ciudad completa fue tomada por “The Hiss” y las fuerzas del FBC están diezmadas.

A la hora de jugar, Control Resonant abraza las mecánicas de un juego de acción en tercera persona. Vamos a pasar una buena parte del juego peleando cuerpo a cuerpo con alguna de las tres variantes de Aberrant, desbloqueando mejoras pasivas y varios movimientos de finalización que se ejecutan al final de un combo. También habrá ataques pesados y habilidades especiales. Los primeros se adquieren como cualquier habilidad pasiva, invirtiendo recursos, las segundas las aprenderemos cada vez que derrotamos a uno de los jefes. Éstos son denominados “Resonants” y, según la mitología del juego, eran humanos propensos a creer en lo sobrenatural que fueron cooptados por la fuerza que está atacando la ciudad.

El resto del juego, y tal vez lo mejor de la experiencia, estará enfocado en la exploración. Remedy Entertainment diseñó una ciudad cuidadosamente alterada, familiar y a la vez extraordinaria, para que revisemos con absoluta libertad. Para hacernos las cosas más fáciles nos da casi todas las habilidades de movilidad que Jesse tenía en Control al inicio de la aventura. Dylan podrá hacer doble salto, hacer un dash en el aire y levitar dentro de la primera hora de juego. Y si elegimos continuar con las misiones de grieta, que siguen la subtrama de su hermana perdida, obtendremos un par de habilidades de desplazamiento tan útiles como espectaculares.

El combate es simple y efectivo. Dylan es muy ágil, la ventana para hacer una esquiva perfecta es generosa y si combinamos bien las habilidades especiales los enemigos pueden ser derrotados con relativa facilidad. Sin embargo, la curva inicial de dificultad es alta. Podemos explorar con libertad pero los enemigos son duros y al comienzo no tenemos muchas herramientas de ataque. Por ejemplo, los enemigos de “El Parque” son resistentes al daño por aplastamiento pero altamente incendiables. Si no derrotamos al Resonant de fuego esa zona será realmente difícil, aunque no imposible. Y eso es tan sólo un ejemplo, cada enemigo tiene fortalezas y debilidades que explotar, aunque no siempre sean tan obvias.

Control Resonant es una experiencia única y Remedy nos da amplia libertad para seguir las misiones según nuestro criterio. Podemos pasar diez horas explorando, haciendo misiones secundarias, resolviendo misterios o avanzando únicamente ciertos aspectos de la propuesta. Esta libertad eventualmente termina llevándonos a seguir la narrativa principal, ya sea porque nos quedamos sin misiones para hacer o simplemente porque queremos saber qué más pasa en la historia. No es un juego que nos lleve de la mano, algunos objetivos requerirán exploración y si pretendemos hacer todas las misiones secundarias tendremos que estar atentos a los detalles. Esta libertad va de la mano con el exquisito diseño de la ciudad, sus secretos y recovecos, la cual reconoceremos de memoria a través de la exploración visual y apoyada en un mapa detallado con anotaciones automáticas.

A lo largo de la aventura conoceremos a un puñado de personajes a través de los cuales terminaremos de entender la historia. Emily Pope volverá a ser uno de nuestros pilares narrativos, pero también hay una relación especial con Zoe. Ella es la primera persona con la que hablamos al salir del confinamiento y será un cable a tierra constante, no sólo para el desarrollo de la aventura sino para Dylan y su camino a la redención. Remedy escribió los diálogos tan bien que la evolución de su vínculo es casi tangible, en especial durante la segunda mitad del juego. Las comunicaciones por radio son maravillosas, acompañan la exploración y avanzan la narrativa sin entorpecerla. Sigue habiendo una cantidad importante de documentos dispersos con información valiosa para construir el contexto de la acción, pero nunca de forma tan intrusiva como en el primer juego.

El apartado técnico cumple su función y, si bien hace ciertas concesiones en pos de un rendimiento fluido, el apartado artístico es tan impresionante que todo comentario sobre texturas o cuadros por segundo termina sonando frívolo. Al menos en PlayStation 5, Control Resonant no destaca por tener modelos de personaje complejos, animaciones faciales realistas ni superficies reflejantes. Sin embargo, es un juego de acción que nunca se traba, sin glitches ni bugs que rompan las misiones, tampoco caídas de frames que dificulten la acción o exploración. Lo que sí tiene es un apartado audiovisual despampanante, con una dirección artística única que aprovecha cada color, sonido y movimiento para deslumbrarnos. La obra de Remedy es estimulante desde su narrativa y concepción artística, la manipulación de la gravedad y su forma de estirar la idea de “realidad” propician una experiencia verdaderamente maravillosa.

Control Resonant es una aventura compleja y exquisita con un sistema de combate sencillo pero efectivo. Sin embargo, hay algo en la disposición de enemigos, su resistencia y la cantidad de oleadas a enfrentar que no termina de cerrar. Al menos en mi experiencia, que supera las 50 horas de juego e incluye llegar al final con todo el contenido secundario completo, el último tramo pelear se volvió un incordio. No es que haya sido difícil, sino que las batallas se alargaban más de lo necesario y los enemigos de nivel alto resistían demasiado antes de caer. Es cierto que el juego incluye una gran cantidad de opciones de accesibilidad para aliviar cualquier molestia del combate, también hay combinaciones de habilidades que básicamente derriten los escudos de los enemigos, pero aún así las peleas terminan siendo reiterativas y demasiado frecuentes.

Lejos de ser algo que arruina la experiencia, el combate reiterativo es solo uno de los componentes que conforman este gran juego. Control Resonant es un juego de acción sólido, con varios tipos de armas, habilidades y accesorios para forjar que pueden modificar radicalmente el resultado de las batallas. El árbol de habilidades pasivas y las diferentes armas ofrecen la variedad suficiente como para adaptarse a cada estilo de jugador y, al final del día, el resto de la propuesta es tan sobresaliente que termina compensando cualquier molestia o tropiezo que genere el componente de acción.

Los objetivos secundarios, que emergen de la exploración, tienen pequeños puzzles ambientales divertidos y están repletos de guiños tanto al universo de Remedy como a la cultura popular. Desde un misterioso perro que siempre pierde su juguete, pasando por una serie de laboratorios secretos, hasta una cámara instantánea que puede congelar el tiempo. El juego derrocha creatividad a cada paso y, sin tropezar con spoilers, tiene situaciones que quedarán grabadas por un largo tiempo en nuestra memoria. La progresión narrativa es exquisita y la conclusión nos tendrá al borde de la silla, sumando una capa importantísima a este creciente universo compartido. Entiendo que no es un juego para todos, pero es uno de los mejores juegos del año y de eso no me cabe duda.

Silent Hill: Townfall no pierde tiempo intentando explicar qué está sucediendo. Desde sus primeros minutos me arrojó a un espacio hostil, extraño y deliberadamente confuso. Sin transición alguna ni presentar mucho a su protagonista, en pocos minutos ya tenía más preguntas que respuestas. Es una presentación arriesgada, más parecida a la de aquel callejón que tanto nos aterró en el primer Silent Hill: terror directo sin ningún tipo de anestesia. No es fácil de lograr, pero el estudio Screen Burn ya tiene mucha experiencia en historias de terror (con los increíbles Stories Untold y Observation) y eso se nota desde el comienzo.

Y esa intriga que arranca en los primeros minutos es el principal motor de toda la experiencia. Siempre quise avanzar un poco más, abrir una puerta adicional, revisar otro documento o correo electrónico, o descifrar una nueva transmisión para entender qué había ocurrido en St. Amelia y qué relación tenían sus habitantes con el protagonista. Incluso cuando las mecánicas comenzaron a mostrar sus limitaciones, la historia siguió empujándome hacia adelante. Silent Hill: Townfall entiende que el buen terror no depende solamente de lo que persigue al jugador, sino también de aquello que todavía no puede comprender.

Un Silent Hill diferente, pero inmediatamente reconocible

La acción se desarrolla en St. Amelia, una localidad costera escocesa aislada, cubierta por la niebla y marcada por un pasado que se descubre de manera fragmentada. Allí llega Simon Ordell, un hombre que apenas puede reconstruir su propia identidad y cuya única certeza inicial proviene de una pulsera médica. A partir de ese punto, el juego construye un misterio alrededor de sus recuerdos, del pueblo y de otros personajes ligados a una tragedia que se percibe mucho antes de poder explicarla.

El traslado de Silent Hill a otro rincón del mundo no diluye la identidad de la franquicia. Por el contrario, Screen Burn comprendió que Silent Hill nunca fue solamente un lugar geográfico, sino una forma de representar la culpa, el trauma y los recuerdos reprimidos. St. Amelia tiene su propia personalidad, con viviendas, calles, oficinas y espacios comunitarios que cuentan quiénes vivieron allí. La exploración no se limita a buscar objetos útiles: también permite reconstruir la vida de una comunidad que parece haber quedado suspendida en el tiempo. Y créanme cuando les digo que ese pasado se siente, cala hondo en nosotros: el memorial de la plaza central del pueblo es más que un montón de imágenes de personas: es realmente un vestigio que se siente vivo, por muy contradictorio que suene, de lo que fue el pueblo alguna vez. Screen Burn realmente sabe cómo transmitirnos en recuerdos la agonía que vivieron quienes ya no están.

El cuerpo como escenario del horror

El gran diferencial de Silent Hill: Townfall está en su temática. El terror médico y el body horror ya habían estado presentes en la saga, especialmente a través de hospitales, enfermeras, enfermedades y cuerpos deformados. Sin embargo, aquí dejan de ser elementos complementarios para transformarse en el eje central de la pesadilla. La medicina aparece como una promesa de salvación, pero también como una herramienta de control y deshumanización.

El juego explota esa idea mediante imágenes incómodas y escenarios que mezclan lo clínico con lo orgánico. La sangre, los diagnósticos, las intervenciones y las transformaciones físicas no están incluidos solamente para provocar rechazo. Cada elemento corporal tiene un peso narrativo. Temáticas como la culpa y el castigo están estrechamente vinculadas con la enfermedad y el sufrimiento físico. Es un enfoque desagradable en el mejor sentido: Silent Hill: Townfall no busca que observemos sus horrores desde una distancia segura, sino que los sintamos hasta en el cuerpo de los protagonistas.

Una historia que no deja de sembrar dudas

La narrativa se presenta a través de recorridos, documentos, grabaciones, transmisiones y cambios constantes en la percepción del espacio. Silent Hill: Townfall desconfía de las explicaciones directas y prefiere que el jugador una las piezas. Cada respuesta abre una nueva pregunta y hasta los detalles aparentemente menores pueden modificar la interpretación de una escena anterior. Ese trabajo mantiene la tensión incluso durante los momentos en los que no hay una amenaza inmediata.

También me gustó que el surrealismo aparezca desde el comienzo. El juego no espera varias horas para abandonar la lógica cotidiana ni necesita marcar con claridad cuándo entramos a su versión del “otro mundo”. Los lugares se deforman, las imágenes se superponen y la frontera entre recuerdo, alucinación y realidad se vuelve cada vez más débil. Esa falta de certezas podría resultar agotadora, pero la historia conserva suficientes puntos de apoyo para que la confusión parezca intencional y no arbitraria.

Acertijos que obligan a observar de verdad

Los puzzles son uno de los apartados más sólidos. Silent Hill: Townfall recupera esa tradición de Silent Hill en la que resolver un acertijo implica leer el entorno, interpretar pistas y pensar más allá del objeto que tenemos delante. No se trata simplemente de encontrar una llave para una puerta cercana esquivando a un enemigo, como en la mayoría de los juegos de terror modernos. Hay que prestar atención a documentos, símbolos, sonidos, datos médicos y pequeños detalles visuales que, en otro juego, podrían parecer parte del decorado.

La CRTV portátil de Simon es fundamental en ese proceso. Este dispositivo, una combinación entre radio y pequeño televisor analógico, permite sintonizar señales, descubrir fragmentos narrativos y obtener información que no está disponible a simple vista. También sirve para detectar enemigos a través de obstáculos, aunque con ciertas imprecisiones. Lo mejor es que no se siente como un menú flotante agregado sobre la pantalla, sino como un objeto real que forma parte del mundo y de la identidad visual del juego. Al igual que los mapas físicos o los teléfonos utilizados para guardar la partida, refuerza la sensación de estar manipulando el mundo de St. Amelia de verdad, como si estuviésemos realmente dentro de él.

Buenas ideas de sigilo que pronto se vuelven rutina

El problema es que la CRTV también sostiene buena parte del sistema de sigilo y sus posibilidades se agotan demasiado rápido. La idea inicial es atractiva: sintonizar las frecuencias de las criaturas, interpretar su posición y encontrar una ruta segura sin enfrentarlas. Durante las primeras secuencias funciona porque obliga a avanzar con cautela y convierte cada área con enemigos en un pequeño rompecabezas espacial.

Pero el juego repite esa estructura demasiadas veces sin introducir variaciones suficientes, al menos cuando jugamos con Simon. Controlar también a otros dos personajes ayuda a romper esa monotonía: Zoe y Richard. La primera prácticamente no tiene armas y se vale del entorno y de distracciones para esconderse y escabullirse. Sigilo puro. El segundo es combate puro, a escopetazos desde el comienzo.

Pero el protagonista real es Simon y lo de esconderse, consultar la CRTV, esperar que el enemigo complete su recorrido y cruzar hasta el siguiente punto es lo que más vamos a hacer en el juego, al punto que termina convirtiéndose en una rutina. No soy muy partidaria del sigilo en los juegos de terror porque rompe un poco la magia: la sensación de estar improvisando para sobrevivir desaparece y queda expuesto el mecanismo que sostiene cada encuentro. Las coberturas son evidentes, los lugares para esconderse también y los enemigos tienen patrones muy obvios en ocasiones. Más que criaturas que habitan el lugar, por momentos parecen obstáculos colocados allí para obligarnos a cumplir una secuencia específica. Un sigilo artificial.

Una inteligencia artificial difícil de anticipar

La inteligencia artificial profundiza esa artificialidad. Hubo situaciones en las que pasé casi delante de un enemigo sin que reaccionara, mientras que en otras me vieron desde una posición que parecía completamente segura. El problema no es que las criaturas sean peligrosas, sino que resulta difícil comprender cuáles son las reglas que determinan su percepción. Y el juego perdona poco: la verdad es que hacen falta pocos golpes para pasar de estar bien ubicados a tener la salud al borde de la muerte.

En un juego centrado en el sigilo, esa inconsistencia es especialmente frustrante. Para que una detección produzca miedo, el jugador debe entender qué error cometió: hizo ruido, permaneció demasiado tiempo a la vista o calculó mal una distancia. Cuando no existe esa lectura, la tensión se transforma en desconcierto. Silent Hill: Townfall quiere que temamos ser descubiertos, pero a veces termina haciéndonos temer que su sistema decida arbitrariamente que ya fuimos vistos.

Por otro lado, tenemos el combate. Silent Hill: Townfall deja claro que enfrentarse a las criaturas debe ser el último recurso, algo coherente con su apuesta por la vulnerabilidad. Sin embargo, hacer que la lucha sea incómoda no debería significar que sea poco interesante. Hubo varios momentos del juego en los que deseé tener más formas de defenderme. Hubiese deseado que el sigilo y el combate fuesen opciones reales. Por el contrario, sentí que era muy evidente cuándo ir a escondidas y cuándo combatir, como si el juego me estuviese diciendo qué hacer ante cada momento. Que sean tan claros los hilos que mueven el diseño de un encuentro, lógicamente, diluye el terror.

Una atmósfera capaz de sostener toda la experiencia

Por suerte, Silent Hill: Townfall es mucho más efectivo cuando se dedica a construir atmósfera. La combinación de la niebla, los espacios abandonados, la estética analógica y un diseño sonoro que nunca permite relajarse convierte a St. Amelia en un lugar fascinante.

El juego maneja muy bien los silencios y no depende constantemente de sobresaltos. Hay habitaciones que producen rechazo antes de mostrar cualquier amenaza y sonidos cuya procedencia nunca queda del todo clara. Esa incertidumbre alimenta el miedo de una forma mucho más duradera que un susto repentino. El juego resulta más inquietante cuando apenas insinúa lo que ocurrió que cuando coloca una criatura directamente frente al jugador.

Una pesadilla que vale la pena atravesar

Silent Hill: Townfall es un gran juego de terror psicológico con una personalidad muy marcada. Su historia, su narrativa fragmentada y su particular aproximación al terror médico consiguen algo fundamental: que quiera seguir pensando en él después de apagar la pantalla. Sus mejores imágenes no son simplemente desagradables, sino que están conectadas con una lectura sobre el cuerpo, la enfermedad, la culpa y las instituciones que prometen protegernos.

Sin embargo, sus asperezas son imposibles de ignorar. El sigilo repite demasiado pronto sus recursos y la inteligencia artificial puede romper la tensión y el combate, por su parte, podría haber tenido más profundidad y ser una opción real para el jugador. Que combatir sea el último recurso no significa que deba ser una mala experiencia. La escasez de recursos y la desesperación son parte esencial del género survival horror; el problema de Silent Hill: Townfall está en un sistema que ofrece pocas alternativas, enemigos que exigen estrategias similares y enfrentamientos que apenas evolucionan.

Con 30 juegos oficiales y siete películas, Resident Evil es una de las franquicias más grandes y exitosas que existen. Aunque siempre supimos que las producciones con Milla Jovovich estaban lejos de ganarse el Oscar (sobre todo las últimas) siempre ocuparon un lugar en nuestro corazón.

Antes de meternos en el nuevo reboot de Sony Pictures, es importante pensar en las adaptaciones del mundo del gaming que funcionaron en los últimos años. Las series de Fallout y The Last Of Us consiguieron algo que otras como Assassin’s Creed, Borderlands o Uncharted (y la lista podría seguir) no lograron: hacer una versión que mantenga viva la esencia de los juegos pero que se sienta original y fresca.

Y hagamos un paréntesis para hablar de Zach Cregger. El director de las celebradas Bárbaro y La Hora de La Desaparición ha dicho en varias entrevistas que si pudiera elegir un juego para llevar a la pantalla ese sería Resident Evil. Así que a principios del 2025, escribió una idea original que pudiera funcionar en paralelo a los eventos de la segunda parte pero sin retomar sus personajes. Y acá está el primer acierto, porque no solo está hecha por un director que ya demostró tener una identidad propia sino porque además estamos ante un fan de la franquicia. Cregger viene del mundo del stand up y esto se nota tanto en esta última producción como en las anteriores porque utiliza el recurso de mezclar terror con humor.

Acá nuestro protagonista es Bryan (Austin Abrams, Euphoria), un mensajero que debe entregar un paquete importantísimo al Hospital General de Raccoon City. Como podrán imaginarse, lo que parecía una misión fácil termina en una noche de terror y supervivencia por el brote del virus. Bryan no es Liam Neeson: no sabe usar armas, es algo torpe y actúa únicamente por instinto. Pero tiene un buen corazón y esto es lo que lo convierte en un héroe inesperado. El realizador busca usar todos los elementos del género y del videojuego desde el aspecto visual y narrativo sin dejar de meter guiños para los fans.

Por otro lado, esta es una de las primeras veces que vemos a Austin Abrams (el actor de Euphoria y La Hora de La Desaparición) en un papel protagónico. Si bien ya había tenido algunos roles importantes en comedias románticas como el galán intelectual (a lo Michael Cera), en Resident Evil: Noche Cero encuentra el tono justo entre el terror y el aspecto cómico de no entender lo surrealista de la situación que en la que se encuentra. Y cuando creemos que la suerte de Bryan no podría empeorar algo nuevo ocurre que mantiene al espectador atento y vigilante en una montaña rusa de emociones.

En conclusión, Resident Evil: Noche Cero es muy divertida y consigue hacer sentir al espectador lo mismo que puede experimentar jugando el juego sin dejar de ser una experiencia cinematográfica perfecta para ver en pantalla grande.

La saga The Witcher es tan relevante en la industria de los videojuegos que hizo que The Blood of Dawnwalker sea uno de los juegos que mayor expectativa generó por su lanzamiento este año. Esto se debe, más allá de su propuesta, a que es la primera entrega del estudio Rebel Wolves, fundado por veteranos de CD Projekt Red donde se destaca Konrad Tomaszkiewic, quien fue director de The Witcher 3: Wild Hunt.

Es algo habitual en la industria del entretenimiento que una nueva producción ya sea un juego, cine o película ponga el lema de “los creadores de …” para despertar entusiasmo en los fanáticos. Lo que no es tan habitual es que esa producción sea excelente y memorable desde el primer momento de su lanzamiento como es el caso, sin dudarlo, de The Blood of Dawnwalker.

El nuevo juego de Rebel Wolves es un RPG con todas las letras y está a la altura de lo que se espera de este tipo de producciones. Una trama y un mundo apasionante, personajes profundos y con trasfondo y un guión y escritura de primer nivel con muchos caminos y decisiones a tomar que convierten a The Blood of Dawnwalker en un título obligatorio para todos los amantes del género y, por supuesto, de la saga The Witcher.

Dicho esto, hay varios aspectos del juego que no me terminaron de cerrar y que opacaron un poco mi experiencia sin dejar de hacerme sentir que estaba jugando un juego único. Lo que más me llevo de mi experiencia con The Blood of Dawnwalker es que es un primer paso sólido para el estudio y que tengo mucho entusiasmo por ver sus futuros proyectos y cómo corrigen algunas cuestiones.

El juego nos lleva a Europa del siglo XIV donde la guerra y la peste negra acecha a la humanidad y donde cada vez más gente solo busca sobrevivir. En este contexto de caos, los vampiros deciden salir de las sombras para dominar a los humanos ya que su sangre cura los efectos de la peste. Así, los humanos se acostumbran a vivir bajo la tiranía de los vampiros.

Nosotros nos ponemos en la piel de Coen, un jóven que por sucesos que no voy a comentar termina convertido en Dawnwalker. Esto hace que seamos humanos durante el día pero vampiros durante la noche. La premisa del juego es que tenemos 30 días para salvar a nuestra familia. Obviamente, ese objetivo nos llevará a recorrer el mundo, ayudar a futuros aliados y tomar las decisiones que creamos correctas para salvar a nuestra familia.

Tal como lo indica la premisa del juego, uno de los grandes diferenciales donde el juego busca destacarse es en su sistema de tiempo. Tanto el día como la noche están divididas en fragmentos de tiempo que se agotan al realizar acciones específicas o misiones. Recorrer el mundo caminando no hace pasar el tiempo pero realizar misiones, mejorar a nuestro personaje o pasar más tiempo con aliados también. Al terminar los segmentos del día, se hace de noche y, al pasar los de noche, se pasa al siguiente día. Así se establece el límite de 30 días para rescatar a nuestra familia.

Esto, desde la previa, generó mucha controversia por jugadores que esta mecánica podría atentar contra el juego al poner presión y no poder explorar y hacer las misiones que los jugadores deseen. La realidad es que el sistema de tiempo funciona perfecto, se siente como un agregado narrativo interesante y en ningún momento de mi experiencia se convirtió en un limitante a algo que quisiera hacer.

El gran valor del sistema de tiempo se encuentra en cómo priorizamos las misiones que queremos hacer, en darle verosimilitud al mundo en el que nos encontramos y también como un aporte narrativo ya que muchas misiones se pueden hacer únicamente de noche siendo vampiros y otras, únicamente de día por lo que el sistema sirve para tener un orden de lo que queremos hacer.

Las misiones principales alrededor de un evento o personaje en particular tienen muchos caminos a tomar y, como todo RPG de este calibre, el limitador de hacer o no una misión son las decisiones que tomamos y no un tema de tiempos. Los caminos disponibles son tantos que en cualquier momento podemos ceder a la sed de sangre y asesinar a cualquiera de las personas con las que estamos hablando. Mi consejo es que aquellos que se aventuran en The Blood of Dawnwalker disfruten del camino y no le den mayor relevancia al pensamiento de cuántos días le quedan.

El aspecto narrativo de la entrega es exquisito y recuerda en todo momento a The Witcher con misiones que parecen pequeñas y terminan sacando a la luz misterios profundos. Pero más allá de la escritura, la esencia The Witcher se ve en todos lados, en sus animaciones, en la forma de los diálogos, en el combate, en la exploración y hasta en el modo detective prácticamente idéntico al de Geralt of Rivia. Sin embargo, la historia, personalidad y experiencia es diferente por lo que todo me pareció un homenaje en el buen sentido. Tomando muchos elementos de The Witcher, The Blood of Dawnwalker logra ser un título con su propia identidad.

Por todas estas cuestiones, puedo comprender que The Blood of Dawnwalker sea el juego favorito de este año para muchos jugadores. Sin embargo, esa misma comprensión la podría tener para quienes no disfrutaron tanto de su experiencia. Mientras que el videojuego brilla en estos puntos, para muchos los más importantes de cualquier RPG, el título también titubea en otros apartados como el combate y algunos elementos del mundo abierto.

El combate es bastante simple y se divide en ataques ligeros, ataques fuertes y habilidades ya sean de vampiros, de espadachín o de brujería. El punto más entretenido es que hay que utilizar golpes direccionales tanto para atacar como para defendernos. Por ejemplo, el parry no se hace pulsando el bloqueo en el momento oportuno sino que también tenemos que elegir el lado correcto para interceptar el golpe. Esto funciona, es divertido e, incluso, hay una perk que le suma un golpe crítico direccional post bloqueo que agranda aún más este proceso y le da variedad al combate.

Sin embargo, el repertorio de enemigos es bajísimo. A las pocas horas de juego ya sentí que había peleado contra todos los enemigos disponibles que cuentan con los mismos ataques. Varias misiones se me hicieron tediosas porque el combate cada dos pasos era aburrido, tedioso y repetitivo. Sin exigencia y sin ningún tipo de aporte real al juego, simplemente batallas en cada esquina contra los mismos enemigos una y otra vez. Aún poniendo el juego en dificultad mayores, el combate se me hizo tedioso y repetitivo.

A esto se suma que cuando exploramos el mundo abierto también hay muchos enemigos dando vueltas y, al vernos, entramos en combate teniendo que tener peleas en momentos donde realmente no ameritaba y sin ninguna manera sencilla de escaparse. Por más de que el sistema de combate tiene cosas positivas sin ser nada de otro mundo, el repertorio de enemigos fue un punto muy negativo de mi experiencia con el juego.

En cuanto al mundo abierto, sentí poca variedad de escenarios y por más de que el juego se vea lindo en algunos paisajes, todo el mapa es muy parecido y eso que no es tan grande. Hay poca variedad de biomas, todos los caminos parecen iguales como también los pueblos y son pocas las locaciones que voy a recordar días después de haberlo terminado. A esto se le suman bugs y algunos problemas en la exploración.

Cuando somos vampiros podemos teletransportarnos a cortas distancias lo que nos permite llegar a lugares que durante el día son imposibles. La mecánica es interesante pero la ejecución es obsoleta. Apuntar a donde queremos teletransportarnos es un calvario, a veces lo hace mal, a veces se bugea. Todo lo que tiene que ver con plataformas ya sean saltos, trepar o usar la habilidad para llegar a otros puntos se siente muy tosco tanto en la visual, en las animaciones como en la ejecución con el control.

Es en estos puntos es donde veo el mayor potencial de Rebel Wolves de cara a próximos proyectos. The Blood of Dawnwalker es una entrega muy buena que no tengo dudas que los fanáticos del género pueden disfrutar e incluso amar pero tiene algunos problemas que a mí me resultaron pesados. Para futuras entregas, si logran combinar su exquisita narrativa y universo corrigiendo estos aspectos de combate y detalles de mundo abierto, no tengo dudas que estaríamos ante una de las mejores entregas de ese año.

The Sinking City fue un buen juego de detectives, inmersivo y atrapante, que sufrió las consecuencias de tener un sistema de combate tosco y frustrante. Para la secuela, Frogwares sabía bien qué hacer y cómo hacerlo. Más de seis años más tarde nos traen una aventura de acción con toques detectivescos que, salvo por el nombre y la inspiración en las obras de H. P. Lovecraft, se aleja de todo lo que significaba la primera entrega. The Sinking City 2 está enfocado en el combate y, si bien no es técnicamente un juego de acción, pasaremos la mayor parte del tiempo gestionando recursos escasos y tratando de acertarle a los puntos débiles de centenares de enemigos. La investigación está, sí, pero es progresivamente más lineal y mucho más sencilla que antes.

Esto no significa que The Sinking City 2 sea un mal juego. Por el contrario, es una experiencia mucho más pulida y jugable que la primera. Tiene un sistema de combate superior en todos los aspectos, el apartado técnico es precioso y la historia funciona bien hasta el último instante. Dejó de ser un juego de detectives para volcarse de lleno al género de survival horror, siguiendo al pie de la letra la propuesta de Resident Evil 2 Remake. Lo bueno es que Frogwares entendió a la perfección cómo mejorar sus puntos débiles tomando como ejemplo el gran juego de Capcom; lo malo es que tiró por la borda lo bueno de su juego anterior.

El juego del estudio ucraniano nos pone en los zapatos de Calvin Rafferty, un profesor aventurero y fanático de lo oculto que intenta recuperar el alma de su amada Faye antes de que Arkham se termine de inundar. Durante el inicio, el juego nos va contando de a poco cómo la gente abandonó la ciudad ante la pasividad del gobierno estatal, que en lugar de enviar ayuda o buscar una solución directamente negó completamente la existencia de la ciudad. El resto de la narrativa se apoya en una combinación de flashbacks cinemáticos y textos dispersos para contarnos cómo terminó en coma Faye Bennett y el plan del protagonista para invocar a un dios y pedirle ayuda.

A la hora de jugar, The Sinking City 2 es un survival horror de acción hecho y derecho. Esto significa que la principal dificultad será la gestión de recursos escasos: curativos, munición y principalmente el inventario reducido. Comenzaremos con 6 ranuras y, si nos dedicamos a explorar bien, pronto encontraremos la forma de expandirlo. Los veteranos del género no encontrarán inconveniente alguno. Sin embargo, si a esto le sumamos una cantidad alta de enemigos que reviven a más de uno, le ganarán los nervios.

Frogwares incluyó niveles de dificultad más que generosos, tanto para los habilidosos como para quienes prefieran enfocarse en el costado narrativo del juego. La dificultad de la acción y las investigación están separadas: en el modo “normal” las pistas tienen una codificación de color que simplifica al extremo la tarea de juntarlas para conseguir la recompensa. Además, las partes relevantes de los textos están resaltadas, es ideal para quienes elijan usar los dedos y apagar el cerebro. Sin embargo, la dificultad “alta” en este aspecto resulta en una experiencia más balanceada y gratificante que le da más sentido a la exploración.

La propuesta en general es más estructurada y lineal. Quienes busquen el “mundo semi abierto” con el que se anunció hace un par años deberán conformarse con el primer escenario y sus breves recorridos en bote. Si bien la primera zona da la sensación de explorar un mapa con cierta libertad, pronto veremos que el desarrollo se centra en explorar un sector en concreto para luego abandonarlo para siempre. Esto significa que no vamos a poder regresar a buscar un documento o abrir un cofre de emergencia que olvidamos, tampoco recuperar algún ítem que dejamos por falta de espacio. Esto, lejos de ser un problema, es parte de las características básicas de un survival horror de acción clásico, al igual que la linealidad absoluta.

Cada escenario tiene un objetivo claro, generalmente recuperar el cuerpo de Faye, y un puñado de pistas que encontrar. Vamos juntándolas en una pizarra mental y si las agrupamos bien ganaremos puntos de talento, que a su vez desbloquean habilidades pasivas. Además, las pistas tienen información útil para abrir puertas o cajas fuerte que bloquean el camino u ocultan alguna mejora para las armas. Es divertido atar cabos sueltos, conectar las pistas y resolver los enigmas. Para disfrutarlas es necesario usar la dificultad alta para puzzles, la fácil es un insulto a tu mente detectivesca.

La propuesta en general es buena y cumple en todos los frentes. La historia, si bien está centrada en una relación romántica, es interesante y está llena de guiños a la obra de H. P. Lovecraft. Se desarrolla bien a través de los textos y cinemáticas, tropezando de vez en cuando con algún cliché del género, y llega a una conclusión coherente. El apartado técnico es hermoso, para disfrutarlo es mejor el modo “calidad” ya que el de “rendimiento” arruina por completo la experiencia visual para conceder los benditos 60 frames por segundo. A 30 se juega perfecto y permite disfrutar de los pequeños detalles que suman a la inmersión.

La acción también es cumplidora. Frogwares no vino a reinventar el género ni a descubrir la pólvora. Nos da las herramientas necesarias para sobrevivir en una ciudad llena de cadáveres resucitados por gusanos de otra dimensión. Eso significa una buena pistola, ideal para reventar los puntos débiles; una escopeta con punta de hacha y una ametralladora. Si buscamos bien podemos encontrar un rifle y hasta un lanzagranadas que hace un desastre, todos con dos modificaciones escondidas en cofres de emergencia. Además, tiene un sistema de crafteo rudimentario como para fabricar munición y curativos en cualquier lugar.

The Sinking City 2 es un buen survival horror clásico. El combate es tosco a propósito, para no transformarlo en un shooter, pero nos permite esquivar en tiempo real y evitar el combate casi siempre. Los jefes son divertidos, simples y muy espectaculares. Es una aventura intensa de unas quince horas con suficientes desbloqueables como para invitarnos a jugar un par de veces más. Al completarlo podemos usar los puntos acumulados para comprar directamente las armas, munición ilimitada, skins para los personajes y documentos de diseño. Además, se habilita el modo “EX Oblivione” que funciona como un NG+ e incluye 8 documentos extra que profundizan el trasfondo narrativo, incluso conectándolo con el juego anterior. Vale la pena darse una vuelta por Arkham, en especial para los amantes de los survival horror más tradicionales.

En 1998, el director Griffin Dunne (Mi primer beso) eligió a dos actrices hermosas que ya eran muy famosas en Hollywood como las protagonistas de la adaptación de la novela de Alice Hoffman, en un romance que tenía brujas, fantasía y hermandad. Por aquel entonces, Sandra Bullock se estaba consolidando como una de las caras de la comedia romántica de los ’90 y Nicole Kidman venía de trabajar en grandes éxitos como El Pacificador y Batman Forever.

Hechizo de Amor era la primera vez que trabajaban juntas y su química fue instantánea. La historia seguía a las hermanas Owens, que vivían bajo una terrible maldición ancestral en donde cualquier hombre que se enamorara de ellas estaría destinado a morir. Criadas por sus tías (las inigualables Stockard Channing y Dianne West) en una exquisita casa victoriana con huerta y jardín, Sally y Gilly aprenden a lidiar con los prejuicios del pueblo y el significado de su magia entre viejos y nuevos amores. Muchos años después de haber tenido su final feliz, las hermanas regresan a la pantalla grande interpretadas una vez más por Sandra Bullock y Nicole Kidman en Hechizo de Amor: La magia continúa.

El conjuro que lanzó su ancestra ahora alcanza a las hijas de Sally, Kylie y Antonia, quienes deben enfrentarse a su herencia mágica y romper el hechizo. Uno de los principales problemas que tiene la secuela, es que el guión (o la novela en la que está basada) contradice por completo la maldición de las Owens. Al margen de esto, la película es bastante caótica en cuanto a su estructura: villanos mal desarrollados, motivaciones difíciles de entender y una línea narrativa confusa y predecible.

Lo mismo ocurre con la forma en la que se aborda la magia: en la primera parte se hacía principalmente a través de conjuros y algunos detalles atractivos como soplar y prender una vela o activar las licuadoras para los midnight margaritas. La secuela nos muestra una magia mucho más explícita, con paredes que se mueven y recursos que se acercan más a los que usa la bruja Escarlata o los que vemos en Harry Potter. No es que esto esté mal necesariamente, pero el gran atractivo de la primera parte yacía justamente en la sutileza en el uso de la magia.

Sacando esto de lado, hay algunos aspectos para destacar. El principal (y no menor) es que todavía se siente como una película de Hechizo de Amor. Las locaciones mantienen la magia de la primera, y Sally y Gilly siguen siendo las mismas: la segunda con un espíritu mucho más aventurero y apasionado (los momentos de Nicole son los mejores), y la primera más reservada y esquiva de su linaje.

Las hijas (interpretadas por Joey King y Maisie Williams) están muy bien elegidas a pesar de tener dos roles que no les permiten sacarle el jugo a sus personajes. Se nota que el foco sigue puesto en lo que ocurre con Sandra y Nicole, y no en los viajes de las chicas, que deberían haber sido lo más relevante de esta secuela.

Hechizo de Amor: La magia continúa es un anexo de una primera parte icónica y hermosa que funciona mejor como un bonus track que como una película en solitario. La química entre sus protagonistas sigue intacta y en algunos momentos logra transportarnos a lo que sentimos cuando vemos la primera, pero sigue estando lejos de ser aquella Hechizo de Amor de la que nos enamoramos en 1998.

Personalmente, soy fanático de los juegos tácticos. Tengo más de 800 horas en XCOM 2, que quizás para algunos veteranos no sea tanto, pero sigue siendo una cantidad bastante absurda, y aproximadamente la mitad de eso en XCOM: Enemy Unknown. Amo el género y, naturalmente, tenía muchísimas expectativas puestas en Star Wars Zero Company, sobre todo sabiendo que detrás del proyecto hay gente que trabajó en XCOM: Enemy Unknown y XCOM 2. Por suerte, puedo decir que lo disfruté muchísimo y que es un muy buen juego.

La mejor forma que encontré de describir Star Wars Zero Company es como una mezcla entre lo que XCOM 2 logró ser y lo que Marvel’s Midnight Suns quería ser. Toma buenas ideas de ambos juegos y, sobre todo, soluciona varios de los problemas que para mí tenía Marvel’s Midnight Suns. Aunque esa misma dualidad también hace que, en algunos aspectos, termine quedándose en un punto intermedio, algo que probablemente van a notar especialmente los veteranos del género.

Una de las mejores decisiones de Star Wars Zero Company está en cómo combina el componente narrativo y social de Marvel’s Midnight Suns con una estructura mucho más cercana a XCOM. Marvel’s Midnight Suns intentaba construir esa conexión entre personajes a través de la Abadía, pero personalmente siempre me pareció que esa parte terminaba siendo bastante tediosa. Star Wars Zero Company, en cambio, consigue algo mucho más natural: realmente se siente como la historia de Zero Company, la compañía con la que estamos trabajando. Y esa diferencia es importante.

En XCOM manejamos soldados que, por definición, suelen ser personajes relativamente genéricos. Podemos ponerles nombres, personalizarlos, encariñarnos con ellos y terminar creando historias emergentes increíbles, pero en definitiva son soldados peleando por la humanidad bajo nuestras órdenes como comandante. Acá la situación es distinta: al comienzo de Star Wars Zero Company todavía no conocemos demasiado al grupo, pero a medida que avanza la campaña varios de sus personajes principales empiezan a tomar muchísimo peso. Trick, Tel la Padawan, Cly y el propio Hawks como protagonista son algunos de los personajes con nombre que cuentan con misiones secundarias específicamente dedicadas a ellos, además de clases o habilidades algo más personalizadas. Y es muy fácil tomarles mucho cariño.

Durante gran parte de mi partida fueron los personajes que más utilicé, no solamente porque en algunos casos me parecían ligeramente mejores que los soldados genéricos que podemos contratar, sino porque me interesaban sus historias, sus personalidades y sus relaciones. Terminar encariñándote con los integrantes de tu escuadrón es algo que funciona espectacularmente bien dentro de un juego de este estilo.

La narrativa general es relativamente simple, pero lo suficientemente entretenida como para mantenerme interesado durante toda la campaña. Incluso se permite seguir ciertas estructuras o ideas reconocibles de las películas para justificar la transición entre determinados enemigos y otros tipos de amenazas. No voy a profundizar demasiado para evitar spoilers, pero los que conozcan Star Wars probablemente entiendan rápidamente a qué me refiero. Eso sí: la historia pierde un poco de fuerza durante su segunda mitad. Una vez que ya ocurrieron varios de sus principales giros, sentí que la conclusión llegaba demasiado rápido y que narrativamente no terminaban de encontrar la mejor manera de cerrar todo. El jefe final y la última misión, además, me resultaron bastante menos interesantes que algunas de las misiones secundarias que había jugado anteriormente. Aunque parte de ese problema también tiene que ver con mis pocas críticas hacia el combate.

El combate y el desafío táctico están sorprendentemente cerca de los estándares de XCOM 2, y eso es decir muchísimo. No creo que sea mejor que XCOM 2 en ese apartado, pero tampoco sé exactamente qué juego podría conseguirlo. Estamos hablando de un título con años de DLC, mods y mejoras de calidad de vida acumuladas. Y, obviamente, Star Wars Zero Company también podría crecer muchísimo con contenido y actualizaciones futuras. Pero lo interesante es que, aunque comparte muchísimo ADN con XCOM, decide hacer algo diferente.

En XCOM 2, cuando entramos a una misión normalmente desconocemos la posición exacta de los enemigos. Con o sin sigilo, vamos avanzando por el escenario, descubriendo grupos rivales y utilizando el terreno mientras toda la misión funciona como un gran desafío táctico continuo. Star Wars Zero Company no funciona así. Acá no hay fog of war. Sabemos dónde están los enemigos, sabemos cuántos son y sabemos exactamente cuál es el espacio donde va a ocurrir el combate.

Algunas misiones incluyen varias peleas consecutivas, pero incluso en esos casos funcionan esencialmente como encuentros separados. Entre una pelea y otra recuperamos nuestras habilidades, utilidades, objetos e ítems. Nos desplazamos o somos llevados hacia otra zona y comienza un nuevo enfrentamiento. Entonces, si una misión tiene tres combates, en la práctica son tres peleas individuales conectadas narrativamente. Cada pelea se siente como un gran puzzle: vemos a los enemigos; sabemos qué habilidades tienen; conocemos, generalmente, qué puede hacer cada tipo de unidad. Y nuestro desafío consiste en encontrar la mejor manera posible de desarmar esa situación. Ese concepto funciona increíblemente bien.

Como en XCOM, nuestros personajes tienen distintos puntos de acción por turno y cada clase posee habilidades particulares dependiendo de su especialización. Pero gran parte del corazón de Star Wars Zero Company está en las sinergias entre clases: hay personajes especializados en hacer daño, otros en asistir a sus compañeros, otros en aumentar el daño que reciben los enemigos y otros directamente preparados para absorber todos los ataques. Cada clase tiene un rol bastante definido, pero el juego además está claramente diseñado alrededor de encontrar combinaciones entre ellas.

El médico, por ejemplo, tiene una habilidad que permite darle un stimpak a un compañero y aumentar el daño que realiza con cada disparo. Dependiendo de cuánto hayamos mejorado esa habilidad, el bonus puede ir aumentando. Ahí es donde entra el pistolero: puede disparar varias veces durante el mismo turno gastando pocos puntos de acción. Cada ataque individual hace relativamente poco daño, pero combinado con el aumento de daño por disparo del médico la situación cambia completamente. El francotirador representa prácticamente la filosofía opuesta, ya que generalmente realiza muchos menos ataques por turno y utiliza parte de sus puntos de acción para posicionarse, prepararse y aumentar sus posibilidades de acertar o conseguir críticos. Pero cuando conecta ese disparo, el daño es muchísimo mayor. Y existe otra clase capaz de hacer que el siguiente ataque contra determinado enemigo sea un crítico garantizado. Naturalmente, esa habilidad puede tener mucho más valor combinada con un francotirador o cualquier personaje capaz de concentrar muchísimo daño en un único ataque que con un pistolero que depende de muchos impactos pequeños.

Cada clase tiene más de una forma posible de jugarse, pero existen sinergias muy claras que el juego quiere que descubramos. Y descubrirlas es buena parte de la estrategia. Entender cómo funcionan juntos los miembros de nuestro equipo, elegir quién actúa primero y encontrar el orden exacto de habilidades necesario para resolver cada pelea es buena parte de la diversión que propone Star Wars Zero Company.

Tardé aproximadamente 40 horas en terminar mi experiencia con el juego, aunque unas cinco o seis de esas horas desaparecieron en mi primer intento. Empecé directamente en la dificultad más alta y utilizando Beskar Mode, un modo en el que perder una misión significa perder automáticamente toda la campaña. Y efectivamente perdí mi primera campaña bastante temprano. Después encontré algunos combos que directamente rompen el juego.

A partir de acá hay un pequeño spoiler puramente mecánico para quienes quieran descubrir estas combinaciones solos. En mi caso, encontré una combinación entre el tanque, el healer y el pistolero que terminó convirtiéndose en mi núcleo principal. Conseguía generar puntos de acción, hacer muchísimo daño y provocar que prácticamente todos los enemigos intentaran atacar a un único personaje. La clave estaba en colocar a ese personaje en determinadas posiciones donde los rivales directamente no podían alcanzarlo. El resultado era bastante absurdo: los enemigos querían atacar exclusivamente a un personaje al que no podían atacar y, esencialmente, dejaban de jugar. A partir de ahí podía ganar prácticamente todos los encuentros y creo que eso afectó bastante mi experiencia durante la segunda mitad.

Estoy seguro de que existen muchas otras combinaciones igual de poderosas. Algunas configuraciones con el francotirador, por ejemplo, permiten eliminar enemigos en un único turno utilizando ataques de asistencia y otras herramientas que el juego pone a nuestra disposición. Encontrar esas combinaciones es divertidísimo. De hecho, descubrirlas fue extremadamente gratificante. El problema es que eventualmente llegué a un punto donde sentía que era prácticamente imposible perder una misión incluso jugando en la dificultad más alta.

Eso no significa que cualquier persona vaya a conseguirlo inmediatamente. Sigue siendo necesario ejecutar correctamente los turnos, entender el orden de las habilidades y construir el equipo apropiado. Pero para un veterano del género, la dificultad eventualmente puede quedarse corta. Ahí aparece una diferencia importante con XCOM 2. No siento que Star Wars Zero Company tenga, al menos actualmente, exactamente la misma capacidad infinita de rejugabilidad. Una vez que entendés determinadas combinaciones, es bastante sencillo llegar nuevamente a un punto en el que dejás de sentir que existe una posibilidad real de perder.

Dicho todo eso, que el juego pueda romperse no significa que deje de ser divertido, sino todo lo contrario. Encontrar esas combinaciones fue una parte muy entretenida de mi experiencia y estoy seguro de que existen muchísimas estrategias que todavía no descubrí. Además, ninguna clase me dio la sensación de ser completamente inútil. No sentía que existiera una única solución correcta basada exclusivamente en utilizar tanque, médico y pistolero. Simplemente había combinaciones más seguras o más eficientes para conseguir determinados resultados.

Prácticamente todas las clases pueden sentirse poderosas. Hay combos por todos lados y algunas de las clases especiales, como la de Clay, una bounty hunter, o Tel, la Padawan, son extremadamente divertidas de utilizar. De hecho, ya estoy pensando en empezar otra partida simplemente para probar composiciones y estrategias completamente diferentes. Y eso dice bastante sobre el juego. Mi partida completa terminó rondando esas 40 horas incluyendo aquella primera campaña perdida, mientras que la campaña que finalmente llevé hasta el final estuvo más por encima de las treinta. De cualquier manera, incluso si simplemente jugáramos una única campaña, me parece una cantidad de contenido más que respetable. Especialmente porque la historia genuinamente consigue mantener el interés.

Obviamente, existen guiños y detalles pensados para los fanáticos de Star Wars. Pelear contra diferentes enemigos conocidos del universo, incluyendo los droides y otras amenazas que prefiero no spoilear, es muy divertido. Pero creo que el mayor mérito narrativo del juego es que mi interés no dependía exclusivamente de reconocer cosas de Star Wars; genuinamente quería saber qué iba a pasar con Zero Company. Es muy fácil encariñarse con estos personajes y Hawks funciona muy bien como protagonista. No es el personaje más complejo jamás escrito ni pretende serlo, pero sus relaciones con algunos de los miembros principales del grupo funcionan y generan ganas de ver cómo continúan. Además tiene muchísimo del carisma y del tipo de humor que uno asocia con Star Wars. Conseguir trasladar eso hacia un protagonista que además manejamos nosotros durante toda la campaña era importante, y creo que lo lograron.

Star Wars Zero Company es muy bueno haciendo exactamente lo que quiere hacer, y quizás lo que más entusiasmo me genera es pensar qué puede salir después de esto. XCOM Enemy Unknown estableció las bases necesarias para que posteriormente XCOM 2 pudiera convertirse, en mi opinión, en el mejor juego táctico de los últimos veinte años. Con Star Wars Zero Company tengo una sensación similar. No sé si será Star Wars Zero Company 2, otra secuela dentro de Star Wars o simplemente el próximo proyecto de este equipo, pero siento que hay muchísimo espacio para desarrollar estas ideas.

Porque esto no es simplemente XCOM con Star War; la estructura de combate es diferente. No estamos recorriendo grandes mapas mientras administramos encuentros sucesivos como ocurre en XCOM. Cada enfrentamiento está mucho más contenido y diseñado. Cada combate que jugué en Star Wars Zero Company se sintió como un puzzle que tenía ganas de resolver, y no sabía cuánto estaba esperando un juego así hasta que lo tuve enfrente. Es un juego para los fanáticos de Star Wars. Es un juego para los fanáticos de los juegos tácticos. Y los que son fanáticos de ambas cosas, tendrían que estar jugándolo ya mismo. Cuando terminó, mi principal problema era bastante sencillo: quería que hubiera más.

Asobo Studio nos acostumbró a jugar historias de calidad. Lo hizo a fuerza de trabajo duro y mucha experiencia desarrollando títulos de todos los géneros. Desde sus humildes inicios y durante los siguientes 16 años se dedicó a traernos todo tipo de juegos basados en franquicias ajenas, desde Ubisoft hasta Disney, hasta que en 2020 lanzaron A Plague Tale: Innocence. Este sería el puntapié inicial de una saga que, a fuerza de una narrativa cuidada y un apartado visual exquisito, se ganó el corazón de la industria. Hoy, a seis años de aquel inicio, nos invita a conocer el pasado de un personaje tan carismático y profundo como Sophia.

A diferencia de los juegos anteriores, Resonance: A Plague Tale Legacy es una aventura de acción y exploración. Sophia nos va a contar sobre su pasado, comenzaremos en su infancia y su paso por un claustro en el que experimentaban con ella. Luego pasaremos rápidamente a su juventud, sus duelos y su rápida madurez. El inicio nos presenta a un puñado de personajes que serán sus pilares emocionales a lo largo de la aventura y nos deja en claro que sus visiones no son simplemente sueños. El camino nos llevará a una isla desconocida que deberemos explorar para entender el vínculo entre sus visiones y una serie de eventos violentos que se desarrollaron en un pasado lejano.

La propuesta jugable del nuevo juego de Asobo Studio se aleja de lo que vimos anteriormente y nos sumerge en un género que les resulta ajeno. Al ser un spin-off el estudio francés se tomó ciertas libertades y nos propone directamente explorar una isla repleta de puzzles, secciones plataformeras y un regimiento del ejército español intentando asesinarnos. Así, la experiencia de juego balancea los tres componentes para ir rompiendo con el anterior. Por ejemplo, luego de una sesión intensa de puzzles llegan varios combates para amenizar y seguramente después llegue una sección de plataformas o exploración. En el camino habrá momentos de diálogo, recuerdos y todo el despliegue de recursos narrativos que tan bien vienen aplicando desde el inicio de la saga.

El apartado artístico es deslumbrante, en especial conociendo los orígenes humildes del estudio, y funciona muy bien en sus dos modos de juego. Uno hace énfasis en el rendimiento, garantizando una tasa de 60 fotogramas por segundo a cambio de fidelidad gráfica; el segundo es un despliegue gráfico espectacular que funciona a 30 fotogramas constantes y es la mejor forma de disfrutar esta aventura. Este último modo ofrece la fluidez necesaria para aprovechar el sistema de combate y la exploración sin necesidad de sacrificar el cuidado nivel de detalle que ostenta el ambiente a cada paso. Las partículas en el aire cada vez que enfrentamos al “monstruo”, el reflejo de la luz en los objetos y las texturas de alta resolución hacen que valga la pena este pequeño sacrificio de rendimiento.

A la hora de jugar estamos ante un juego de acción guiado directamente por su fuerte narrativa. Las cinemáticas y los diálogos son el verdadero protagonista, sin embargo habrá que resolver una buena cantidad de acertijos y sobrevivir varios combates para llegar al final. Los acertijos son deducibles, accesibles y siempre entretenidos. En ningún momento de las 25 horas que dura el juego tuve la sensación de estar trabado o necesitar algún tipo de guía, las respuestas son intuitivas y en el peor de los casos contamos con un sistema de pistas incorporado. Este último es, al igual que los elementos del HUD, completamente configurable y hasta desactivable.

El resto de la propuesta son secciones de plataformas y combates, generalmente contra varios oponentes a la vez. Asobo Studio no se destaca por sus juegos de acción, sin embargo han resuelto muy bien el sistema de combate. Fueron a por lo simple, un sólo tipo de arma que nos permite hacer ataques críticos si mantenemos presionado el botón de ataque. Podemos esquivar, cubrirnos y hacer parry si apretamos el botón a último momento. Los enemigos cuentan con un contador de golpes y una barra de postura. El primero nos dice cuántas veces debemos golpearlo para que muera y la segunda se va llenando a medida que los conectamos con patadas, proyectiles o hacemos parry. Si la llenamos quedan aturdidos por unos segundos, lo suficiente como para poder asestar un par de golpes.

Hay cierta variedad en los enemigos, aunque no demasiada. Hay enemigos con espada que pueden hacer ataques que no se pueden cubrir ni parriar, otros con dagas que son rápidos e inmunes a nuestro ataque de gancho con soga y los grandes cuyos ataques deben ser esquivados y no pueden ser interrumpidos. De vez en cuando habrá arqueros y enemigos con escudos, cada uno requiere cierta estrategia para ser derrotado rápidamente y la dificultad principal reside en que siempre nos atacan en grupos combinados. La otra cara de la dificultad es que, durante todo el juego, contaremos siempre con tres puntos de vida. Es decir, sobreviviremos a los primeros dos golpes y el tercero nos matará. Al derrotar un oponente nos curaremos un segmento de vida y cuando superemos la primera etapa de un jefe volveremos a curarnos por completo. Suena fácil pero no lo es, de hecho es un sistema de batalla que requiere que estemos siempre alertas y nos hará ver la pantalla de “Game Over” varias veces.

El sistema de progresión depende directamente de la exploración y está dividido en dos apartados. Un árbol de habilidades modesto pero útil con seis ramas a desbloquear, cada una con una especialización para elegir entre dos opciones intercambiables. El costo del desbloqueo crece cada vez que habilitamos una nueva y para conseguir los puntos necesarios habrá que combatir y explorar con cuidado el escenario. El segundo apartado es una serie de objetos que Sophia puede equipar, como pulseras o adornos, que están dentro de cajas ocultas por el escenario. Son acumulables y no requieren que los equipemos, las más avanzadas tienen una probabilidad mayor de activarse en batalla. Algunos nos salvan de una muerte segura, otros incrementan la ventana de parry o reducen el costo del ataque especial. Es una forma sencilla de incentivar la exploración sin romper el balance del combate.

Los niveles ofrecen un espectáculo visual variado a pesar de que la mayor parte del juego se desarrolla en una isla. La ambientación es exquisita, la temática nos lleva al mito del Minotauro y la historia que nos cuenta a través de flashbacks es verdaderamente atrapante. Las secciones de sigilo, livianas y bastante permisivas, nos enfrentan a una criatura de pesadilla que nos tendrá constantemente esquivando y corriendo a toda velocidad. En ningún momento la progresión se volvió frustrante ni aburrida, aunque las secciones de sigilo generan un nivel de ansiedad muy poco saludable. En este caso en particular, los niveles de ansiedad altos son garantía de que el estudio francés hizo bien su trabajo, por supuesto.

Resonance: A Plague Tale Legacy es una aventura sólida y divertida que sobresale en su apartado técnico y cumple con lo justo en lo que respecta a la acción. Se nota que el estudio está dando sus primeros pasos en el género y, si bien nunca se rompe, de vez en cuando muestra su inexperiencia. Las batallas son reiterativas pero, a su favor, se resuelven rápido. Sólo habrá una o dos que realmente nos causen problemas, en especial uno de los flashbacks, pero la buena disposición de los puntos de control termina resolviendo bastante bien la situación. Es una precuela que cumple con creces su función, no requiere conocimientos previos de la saga pero incita a los nuevos jugadores a sumergirse en ella. El juego de Asobo Studio es divertido, vistoso y absolutamente recomendable.

La emblemática saga Onimusha de Capcom está de regreso con Onimusha: Way of the Sword, el nuevo juego que sale el 4 de septiembre y que marca un nuevo comienzo para la franquicia samurái. El último juego de Onimusha, sin contar remasterizaciones, salió hace 20 años por lo que este lanzamiento fue muy esperado por sus fanáticos.

Onimusha: Way of the Sword tiene la difícil tarea de traer a la actualidad una saga de mucho renombre y que logre estar a la altura de las expectativas de lo que el género es hoy en día. Esto no es algo menor ya que el género de acción en tercera persona es, a mi entender, uno de los que más cambios y evoluciones tuvo en los últimos años.

Hoy en día, hay un auge de interés en los juegos basados en Japón Feudal y Samurais pero no solo eso, los soulslike irrumpieron en la industria y cambiaron las reglas de lo que son los juegos de acción. Es imposible no ver hoy una cámara en tercera persona, una espada y no esperar una dificultad desafiante, parrys, combos y enemigos con patrones sorprendentes. En todo este contexto, regresa Onimusha: Way of the Sword y, con varios matices, lo logra hacer de buena forma.

La historia de Onimusha: Way of the Sword es uno de los aspectos que más disfruté del juego no tanto por lo que sucede sino por los personajes, su carisma y algunos momentos particulares que me parecieron memorables. Nos ponemos en la piel de Miyamoto Musashi, un jóven samurai que, luego de acontecimientos que no voy a mencionar, termina en posesión de un guantelete oni que le da poderes y lo conecta a un espíritu que habita en él.

Juntos, y con la ayuda de otros personajes, se deben enfrentar a los Genma, criaturas del inframundo que invadieron Kioto y que desean llevar el infierno allí. Nuestro objetivo es derrotarlos y descubrir los misterios detrás de la invasión y de nuestro guantelete. Como en toda la saga, podemos absorber las almas de los Genma para hacernos más fuertes y desbloquear nuevos poderes.

Más allá de que la historia es entretenida, su punto más fuerte se encuentra en los personajes que la componen. Miyamoto Musashi es un protagonista con mucha personalidad al igual que sus aliados. Él es un samurai joven y, como tal, es un poco engreído y genera momentos cómicos, serios y dramáticos de una manera particular. Cada uno de los personajes tiene su encanto y me gustó mucho cómo el juego logró representarlos en sus diálogos y gestos.

El combate es el aspecto central de Onimusha: Way of the Sword y donde más comentarios hay para hacer. Por más de que estamos ante un sistema de pelea divertido y que funciona, hubo algunos aspectos que se quedaron a medio camino. Para luchar tenemos nuestra espada, podemos hacer golpes débiles, fuertes, parrys, contraataques, bloqueos, esquivas y movimientos Issen que es una forma de parry característica de la saga que se realiza atacando en el momento justo cuando recibimos un ataque.

A grandes rasgos, cada uno de los sistemas funciona bien. Los combates son vistosos y entretenidos. La primera parte de Onimusha: Way of the Sword me pareció sencilla en cuanto a dificultad, algo que obviamente va en sintonía con lo que estamos acostumbrados con el género en la actualidad. Sin embargo, a mediados del juego hasta el final, la dificultad escala y los combates se vuelven mucho más desafiantes pero, con un problema, ese incremento de la dificultad lo sentí de manera artificial no porque un enemigo me logre romper las defensas una y otra vez, sino simplemente porque pega mucho y tiene mucha vida.

Los patrones de ataque de la mayoría de los jefes me parecieron limitados. Al poco tiempo de enfrentarlos ya sabía que hacer en cada momento y vencer o morir terminaba siendo una lucha por desgaste de no tener que errar un botón o un timing hasta no triunfar. Esto me volvió algunos combates un poco frustrantes e injustos. A esto se le suma que algunos jefes se reclinan demasiado y que los enemigos más débiles tienen poca variedad y terminan siendo más una molestia que algo interesante de enfrentar.

Dicho esto como aspectos negativos, el diseño y set de habilidades de los jefes principales son increíbles y muy bellos. El apartado artístico de las peleas más relevantes de la trama logran ser épicas y esto se mantiene en todo el juego. Hay una diferencia muy marcada entre los enfrentamientos realmente importantes y los demás. No creo que Onimusha: Way of the Sword pueda sentarse en la mesa de los grandes del género actuales en cuanto a mecánicas pero, a nivel diseño y artístico, tiene mucho de lo que agarrarse.

Si bien vamos a distintas locaciones, la mayor parte del tiempo del juego la pasamos en Kioto. Allí tenemos nuestra base, misiones secundarias para realizar y misterios y coleccionables para descubrir. El juego funciona como un semi mundo abierto donde cada vez que libramos a Kioto de las nubes de miasma abrimos el mapa un poco más. Hay una diferencia muy marcada entre los segmentos que son puramente lineales donde lo artístico brilla mientras que la exploración del mundo abierto no desentona pero tampoco termina siendo destacable ni un gran diferencial.

Onimusha: Way of the Sword es una propuesta muy completa que seguro va a dejar contento a los fanáticos que esperaban su regreso como a los amantes del género. La historia, sus personajes y las batallas contra los jefes más épicos son lo más destacado del juego mientras que la exploración, la variedad de enemigos y la profundidad del combate en algunos aspectos son los que no terminan de lograr poner a la nueva entrega en la mesa grande del género. Sin embargo, marca un regreso importante con mucho para construir.

La Guerra de los Últimos posiblemente sea la mejor película de Ridley Scott (Gladiador) desde El último duelo (The Last Duel). Quizás esto no sea mucho decir, considerando que las anteriores fueron la muy criticada Gladiador 2 y la aburridisima Napoleón. Lo cierto es que su última apuesta post apocalíptica es contemplativa, esperanzadora y, sobre todo, entretenida.

La historia nos presenta a un siempre hegemónico Jacob Elordi como un exmecánico que pilotea avionetas, sabe manejar armas, y tiene una huerta y un perro de compañero. También lo acompaña Josh Brolin interpretando al tipo desconfiado y cascarrabias que se preparó para el apocalipsis toda su vida pero que en el fondo tiene un buen corazón.

Sabemos que hubo una gripe que acabó con gran parte de la población pero esa es toda la información que tendremos al respecto. Y esto es anecdótico, porque el cineasta apuesta a una estructura de apocalipsis y supervivencia clásica en donde nuestros héroes emprenden un viaje para encontrar un hogar y deberán enfrentarse al peor de los enemigos: el humano.

Entre las secuencias de charlas bajo las estrellas y fogatas reflexivas, los protagonistas también se encuentran con tribus asesinas y villanos parecidos a los de El Expreso del Miedo (Snowpiercer). Y ahí es donde se logra un buen balance entre el drama más propio de Scott y la acción que el espectador necesita en una película de estas características.

La Guerra de los Últimos está lejos de ser perfecta: tiene diálogos subrayados y por momentos se siente tan genérica como un episodio de The Walking Dead.

Hay otros elementos que pueden hacer ruido, como los looks de Jacob Elordi en el fin del mundo vistiendo jeans o camperones salidos del fashion week pero, a pesar de lo mencionado, la última de Scott cumple con lo que promete y supera las expectativas. Tiene una dirección de fotografía muy bella a cargo de Erik Messerschmidt (que estuvo detrás de Mank, y de El Renacido) y funciona como un producto divertido, esperanzador e inesperadamente confort sobre el significado del hogar en medio del caos.

Green Day no es un nombre que haga falta presentar. Un trío surgido de California que lleva ya casi 4 décadas colmando estadios y marcando la vida de miles de personas, grandes y chicos. Un grupo que cuando parecía que el tiempo estaba empezando a olvidarlo, supo encontrar la forma de mantenerse como parte de la cultura popular.

Es por eso que cuando el año pasado estrenaron el tráiler de su primera película, la expectativa entre los fanáticos se alzó en lo alto. Lo que al principio parecía ser una biopic de las primeras épocas de la banda, terminó siendo un largometraje inspirado en esos años donde Green Day pasaba sus días en la ruta rumbo hacia cualquier lugar donde pudieran tocar. Pero entonces: ¿Qué tan buena está Nimrods?

Lo primero que hay que tener en cuenta a la hora de hablar de Nimrods es lo ya mencionado anteriormente: nosotros no estamos viendo la historia de Green Day, sino que estamos viendo a un grupo ficticio llamado Analog Dogs ir hasta Los Ángeles para cumplir el sueño de telonear a la icónica banda. Esto mismo hace que la película pueda incluir canciones y referencias a varios elementos del universo creado por el grupo, así como también guiños a momentos históricos del mismo, como la famosa guerra de barro en la que estuvieron envueltos en Woodstock 94.

Fuera de esto, la película es como cualquier otra historia adolescente ya existente, sin casi ningún cambio en la fórmula o en la forma de ser narrada. Esto no tiene que ser un problema en sí, pero es algo a tener en cuenta si sos de aquellos que no suele disfrutar de este tipo de historias. Sin embargo, se siente como una película con la impronta Green Day en todos lados, ya que su humor, estética y actitud se hacen presente a lo largo de todo lo que dura el largometraje, haciendo que narrar la historia mediante este formato de comedia adolescente sea la decisión adecuada.

Yendo de la mano, y para concluir, lo mejor de la película es que no solo cuenta con una banda sonora de canciones ya existentes de Green Day, sino que también tiene números musicales hechos especialmente para la película, llegando al punto de contar con temas hechos por la mismísima banda exclusivamente para este filme. Es un detalle que no es menor, ya que aporta otra capa de cariño y minuciosidad a la película y demuestra aún más el amor con el que la hicieron.

En resumen, Nimrods es una película que si bien no es nada del otro mundo, tiene un espíritu que se deja ver en los detalles, convirtiéndola en un lindo agradecimiento de Green Day a sus fans por tantos años de música.

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Episodios 7, 8 y 9: Lo rápido no deja huellas

No hay dudas de que los mutantes son hoy la pieza más importante que tiene Marvel en su haber. Después de un cansancio generalizado por sus producciones, y años de batallas legales para poder empezar a usar los derechos que recuperaron gracias a la adquisición de Fox, es en estos personajes que Marvel puede encontrar una cartera de historias e interacciones que le den frescura a su universo de cara a la renovación que pueden tener otros grandes títulos como los Vengadores, Capitán América o Iron Man. Es en ese contexto que X-Men ‘97 tiene un rol central dentro del ecosistema de la casa de las ideas.

La nueva temporada de X-Men ‘97 ha llegado a su fin, uniendo cabos con las incógnitas que habían quedado desde la primera y cerrando algunas puertas recientes. Sin embargo, el gran fallo de esta temporada es querer abordar mucho sin darle demasiada importancia a cada tema en particular, haciendo que todo se sienta un poco vago narrativamente.

En estos últimos tres episodios, que podrían ser una continuación directa de la primera temporada, vemos cómo el plan de Apocalipsis de usar a Gambito para sus planes llega a concretarse y qué consecuencias tiene esto no sólo para el personaje, sino para el imaginario que tenemos de Apocalipsis como villano y de lo que esto significa para cada uno de los X-Men.

A su vez, finalmente todos los X-Men se reúnen para poder entregarnos unos episodios finales en grupo, ya que toda la temporada se habían encontrado separados en distintas facciones. Ahora el grupo es mucho más grande que cuando empezó la primera temporada, y la academia X-Men está restaurada, así que podemos esperar que en las próximas temporadas cada vez incluyan a más de estos queridos personajes.

El principal problema de estos episodios, que se arrastra de la temporada en general, es que no hay un hilo claro que englobe todo lo que sucede. Los primeros tres episodios se centran en apocalipsis, para dar paso a una serie de episodios individuales, cuyas consecuencias tienen poco que ver con lo que hemos visto. El tratamiento de Wolverine es paupérrimo, la secuencia de Polaris está super desarrollada para no tener mucho más. Y al final, tenemos tres episodios que son más una secuela de la primera temporada que del desarrollo de la actual.

Por supuesto, siempre se puede sembrar semillas para cosechar después y la tercera temporada puede aprovechar mucho de lo que se ha hecho acá. Pero a fines narrativos, esta temporada deja un gusto a poco respecto a lo que podría haber sido. Todos los planteamientos son buenos: el dilema de Wolverine, la construcción de la familia por Cyclops y Jean, el duelo del Profesor X, la nostalgia de Rogue. Sin embargo, ninguno de estos temas tienen un tiempo en pantalla o una resolución que justifique su planteamiento.

Sí es cierto que específicamente el último episodio de esta temporada pega fuerte y nos da acción y emoción en partes iguales, siendo posiblemente el punto más alto de la temporada. Sin embargo, creo que la consistencia en general fue mucho mejor en el regreso que en esta profundización. Las bases que sienta esta segunda temporada son mucho más firmes para que la tercera tenga una libertad mucho más amplia, al contrario de este arco vs Apocalipsis que significa, literalmente, una secuela.

Me quedo con la primera temporada de X-Men ‘97 porque se siente como una idea fresca alrededor de una historia que ya había ocurrido hace 30 años. Fue un “all in” directo a la nostalgia de uno de los mejores grupos de superhéroes que hemos tenido audiovisualmente, y la libertad creativa total con la que se manejó fue lo que hizo que pegara tanto otra vez.

Sin embargo, esta temporada pareciera que no quisieron darle tiempo de desarrollo a ninguno de esos temas. No hay grandes arcos de personajes individuales y los que intenta haber, como la relación entre Cable y sus padres o las consecuencias de lo que le pasa a Gambito para Rogue, terminan siendo tratados en minutos y sin mucho detalle. Comparado con la temporada anterior, que cada capítulo significa una aventura en solitario dentro de un recorrido más grande, se siente todo muy simple. Esperemos que la tercera temporada se asemeje más a la primera.

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• REVIEW | House of the Dragon - Temporada 3 - Episodios 5 y 6: Punto de quiebre

Episodios 7 y 8: Pisando el acelerador

La tercera temporada de House of the Dragon ha llegado a su final con este arco de dos episodios donde gran parte de las narrativas que se han abierto, se desarrollaron. Parece algo evidente tratándose de un final de temporada, pero con lo extenso que se hizo el camino y el caso de la segunda temporada sobre la mesa, todo podía suceder.

House of the Dragon sufre del problema opuesto que perjudicó a Game of Thrones. Mientras en esa serie lo que más afectó fue la falta de tiempo para unir la trama de cada personaje en particular, en esta serie el tiempo sobra. No solo por un desarrollo mucho más lento (y efectivo, a mi gusto) sino porque se dan el lujo de repetir el destino de sus personajes una y otra vez. Hasta ahora, le hubiese venido mejor a esta serie condensar sus últimas dos temporadas en una.

Estos dos últimos episodios, que podrían considerarse un arco final de la temporada, vemos el desenlace de gran parte de las tramas que introdujeron en esta temporada. Los Hightower comandados por Ormund se enfrentan a los Targaryen mientras Aegon y Aemond se terminan de armar para formar un tercer lugar en el podio de esta guerra por la corona.

Lo que no deja de hacer ruido de todo esto es que mucho de lo que sucede no tiene un desarrollo pertinente, y a su vez, muchos episodios cayeron en las mismas situaciones. Cuesta entender cómo las “revelaciones” de estos dos episodios suceden con el repetitivo y descubierto entramado que nos llevó hasta este lugar en el principio.

Incluso termina siendo llamativa esta temporada a nivel personajes. Una Rhaenyra (Emma D’Arcy) cuya actuación sorprendió en los primeros episodios termina desdibujada y sosa de cara a un final que debería posicionarla en un lugar de villana que no llega a tener. Actuaciones como las de Mysaria (Sonoya Misuno) y Ormund (James Norton) fueron explotadas en esta temporada para darle un cierre repentino, tal como le pasó a Criston Cole (Fabien Frankel) aunque éste contó con más temporadas de desarrollo.

Sí algo para rescatar y que me gustó mucho de esta temporada, acentuado en estas dos entregas finales, fue el tema del poder y cómo corrompe y daña a las personas. Rhaenyra pasó de héroe, a víctima y por último a villana en un puñado de episodios, convirtiendo al personaje en un sinfín de sensaciones y opiniones de cómo actúa y por qué.

Los planos y maneras de mostrar cómo el trono o la corona empezaban a carcomer al personaje por dentro son de lo mejor que nos ha dado esta temporada, y realmente espero que en la cuarta puedan encontrar una forma de encauzar el barco y acercarse a la calidad de la primera temporada, que fue lo más auténtico que tuvo House of the Dragon hasta este momento.

House of the Dragon es una serie que requiere un compromiso más allá del “capitulo a capitulo”, se nota mucho cuando uno ve las temporadas completas sin la necesidad de esperar una semana de un momento a otro, pero las reglas del juego (que HBO mismo pone) son estas y no se puede evitar sentir la sensación de que con un poco más hubiera sido una gran temporada.

En estos dos últimos episodios en particular se ha sumado un componente de adrenalina y velocidad que, por supuesto, hace mucho más dinámica la serie. Sin embargo, no se puede montar una temporada con cuatro episodios prácticamente iguales en trama y tema y será algo que deberán resolver de cara a la cuarta, y última, temporada.

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• REVIEW | X-Men ‘97 - Temporada 2 - Episodios 1 a 4: Un gran remedio para un gran mal

Episodios 5 y 6: Diferentes puntos de vista

X-Men ‘97 empieza a buscar innovación en la soledad de ciertos personajes que hasta ahora no habían tenido una fuerte participación en la serie. En ese sentido, creo que esta temporada nos está dando muy rápido muchas tramas diferentes que tienen cierta coherencia pero no un desarrollo acorde, haciendo que sea un tanto difícil seguir la trama global.

Mientras que creo que fue un acierto mantener a Wolverine un poco en el margen hasta el momento, priorizando el grupo y algunos personajes que no han tenido tanto bagaje en los últimos años de adaptaciones (como Rogue, Júbilo o Gambito), en este caso su episodio individual no le hace justicia a semejante personaje. Por otro lado, Polaris encuentra la forma de introducir al grupo en un episodio que nos demuestra que los X-Men pueden cambiar en cualquier momento. Dos formas distintas de dedicarle tiempo a historias individuales.

El episodio cinco de esta segunda temporada de X-Men ‘97 nos entrega el primer episodio centrado en la historia de Wolverine desde que volvieron estos personajes. Podría considerarse un episodio encapsulado, porque lo que sucede tiene poco y nada que ver con la trama general del conflicto sino más bien con la necesidad de un Logan salvaje de volver a tener el adamantium en su cuerpo para volver a ser quién era.

El problema de este episodio es que el “conflicto” de Wolverine está muy poco desarrollado. A finales de la temporada anterior se hizo muchísimo hincapié en el momento en que Magneto le saca este metal del cuerpo a Logan y lo que podría pasar después, pero casi no hemos visto al personaje desde ese entonces y nos enteramos de su conflicto interno diez segundos antes de que se resuelva. Valoro el ritmo único de esta serie de adaptar decenas de cómics por episodio, pero hay que tener cuidado al hacerlo porque una de las consecuencias puede ser un episodio como este.

Por otro lado, el siguiente episodio de X-Men ‘97 también se anima a hacer algo nuevo: centrarlo en un personaje que hasta ahora no había parecido. Si en la primera temporada era prioritaria la sensación de “grupo chico” y personajes muy famosos, en esta segunda temporada se está ampliando muchísimo el abanico de personajes disponibles y un montón de ellos no son aquellos con los que la audiencia está más familiarizada.

En el caso de Polaris, no sólo es un excelente agregado con un montón de narrativa detrás, sino que también es una vieja conocida de la serie animada de los ‘90. Su extremado poder y el uso de la fuerza en lo que ella considera moralmente correcto es un mensaje bastante opuesto al que plantea el episodio anterior con Logan, haciendo un paralelismo de tramas y dándonos, por segunda vez, un nuevo episodio embotellado.

Más allá de estas cuestiones específicas de estos episodios, creo que en esta temporada el grupo mutante se está repitiendo un poco. Usar a Morph para traer cameos de otros personajes del universo Marvel era una idea fascinante al principio, pero usandola todos los episodios cansa y aburre. Lo mismo los cameos reales: cuando son pocos y justificados, suman. Cuando solo son para que aparezcan, restan.

X-Men ‘97 no negocia su calidad, pero sí creo que esta temporada es mucho menos concreta que la anterior. Creo que la necesidad de abrir el juego hacia una serie mucho más longeva le jugó un poco en contra y dejó parte de lo que había cocinado en el camino. Espero que la tercera (y próximas temporadas si es que las confirman) sea la temporada en la que vuelvan a plantear una gran historia cuyas misiones secundarias no afecten a la idea general.

Los últimos dos episodios de esta temporada de X-Men ‘97 forman un arco único, que promete ir retomando la trama de Apocalipsis y cerrar un poco todos los arcos que viene creando esta serie. Más allá de esto, creo que se bifurcó tanto la narrativa entre grupos y personajes y se intentó abarcar tanto que se terminó desdibujando un poco la trama general. Ojalá en los últimos episodios puedan encauzar ese barco.

Uno de los grupos más famosos de Marvel volvió con su clásica serie animada que tanto reconocimiento le dio a una generación de chicos en los ‘90. Ahora, con una segunda temporada mucho más abarcativa y enfocada en profundizar las bases realizadas de la primera, dando pie a una serie mucho más moderna que lo que habíamos visto previamente.

En la temporada anterior, el estilo visual parecía una evolución directa de la serie animada de los ‘90, casi una remasterización con estilo y narrativamente continuaba exactamente en el punto en el que quedó aquella quinta temporada. Había muchos objetivos por resolver porque tenían que volver a presentar estos personajes a una nueva audiencia mientras se remitían a una serie que había salido hace casi 30 años, y a su vez, continuar una historia que había quedado trunca en esas últimas temporadas donde el estudio de animación había cambiado.

Tras el final de la temporada anterior, nuestros héroes se encuentran diezmados y divididos en varias líneas temporales. Algunos en el pasado, otros en el presente y la última tanda en el futuro. Y todos ellos tienen algo en común: fueron transportados a momentos trascendentales de la vida de Apocalipsis, uno de los más grandes villanos que tiene este supergrupo.

Después de la buena y fuerte introducción de Siniestro para la primera temporada, el paso hacia Apocalipsis parecía lógico. Este villano se hizo sumamente popular por esta serie, pero tuvo la particularidad, por el tono de la época, de no haber sido desarrollado narrativamente y de terminar siendo el clásico villano sin mucho más que la intención de destruir el mundo.

En este caso, la acción de los episodios se centra justamente en todos los matices que genera Apocalipsis. Como mutante, como esclavo, como dominador, como amenaza de los X-Men. En cada momento de la línea del tiempo hay una versión diferente a la que enfrentar y todas intentan abarcar la misma pregunta: ¿el mal existe indiferentemente de los sucesos, o un cambio podría solucionar el futuro?

Es interesante cómo estos episodios plantean el conflicto moral porque no sólo lo hacen alrededor de Apocalipsis, sino que plantean la construcción narrativa alrededor de ciertas estructuras para jugar con la dualidad de los personajes. La relación entre Cable y sus padres (Jean Gray y Cíclope), el duelo de Rogue por la muerte de Gambito o la eterna disputa entre los dos puntos de vista sobre los humanos: el de Magneto y el del Profesor X.

A su vez, a un elenco que ya de por sí es numeroso, se le suman en este caso varios personajes que no habían formado parte de la primera temporada y que prometen tener minutos en pantalla. Algunos de ellos no tan conocidos, y otros, como Psylocke, de los que más se extrañaba en la temporada anterior.

A su vez, a nivel audiovisual esta temporada también trae algo fresco ya que apunta a un estilo mucho más tridimensional que la entrega anterior. En mi caso, creo que está bien aplicado y no se aleja tanto de la animación clásica que ofrecía esta producción pero entiendo que a muchas personas le pueda parecer chocante ya que hay momentos que apelan mucho a este recurso.

Algo que me gustó de esta primera mitad de temporada es que se animan rápidamente a jugar con un recurso que fue el clímax de la temporada anterior. Es decir, el techo que tuvimos es ahora el piso donde se cimientan los acontecimientos. Y eso genera, en este caso, la posibilidad de que cualquier cosa suceda en cualquier momento. Le da una libertad creativa muy grande a una serie que lo necesita para poder renovarse continuamente.

X-Men ‘97 sigue demostrando por qué es una de las producciones de mayor calidad de Marvel en los últimos años y también anticipa un futuro donde veremos a estos personajes ser explotados en películas y series a mansalva. La sobrepoblación de superhéroes genera que haya que retomar impulso desde otro lado y los mutantes parecen la oportunidad perfecta.

Aún falta la segunda mitad de la temporada y, si bien hay rumores de que continuará, por el momento tenemos confirmado que X-Men ‘97 seguirá hasta su tercer año, posiblemente en 2027. El camino de los mutantes en Disney+ tiene un largo tramo por delante mientras intentan descubrir cómo enfrentarse al apocalipsis.

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REVIEW | House of the Dragon - Temporada 3 - Episodios 1 y 2: Pinturas de guerra

REVIEW | House of the Dragon - Temporada 3 - Episodios 3 y 4: Con la misma moneda

Episodios 5 y 6: Punto de quiebre

Llegó el sexto episodio de House of the Dragon y la serie continúa narrando la historia de Rhaenyra Targaryen, ahora en posesión de King’s Landing, en su lucha por la legitimidad del trono y el poder contra los usurpadores. La guerra civil de esta casa atraviesa este universo de forma troncal y empieza a afectar a cada una de las casas que hemos visto, y no tanto, en la serie madre. Sin embargo, hay algunas dificultades que empiezan a aparecer a la hora de contar esta historia.

Si en Game of Thrones la gran traba para convertirse en la mejor serie de todos los tiempos de manera unánime fue la falta de tiempo, el talón de Aquiles de House of the Dragon es diametralmente el opuesto. No sólo todo se siente estirado completamente, sino que hay una sensación constante de que una temporada menos (o dos) le hubiera venido fantástico a esta serie.

Estos episodios representan el punto de quiebre más importante para la mayor parte de los personajes. El gran elenco que posee House of the Dragon se encuentra diezmado y en muchas locaciones diferentes al mismo tiempo, haciendo que cada uno de los personajes tenga un propio arco personal.

A su vez, se aprovecha esta situación para mechar muchas imágenes de la relación entre Ormund Hightower y Daeron Targaryen, los inesperados y nuevos némesis de Rhaenyra en esta Westeros del pasado. Estos personajes, que hasta hace pocos capítulos significaban solo nombres en los libros de historia, hoy parecen ser la complicación más grande para el trono Targaryen en base a fuerza estratégica y operativa a lo largo del reino.

Este episodio inicia con uno de los momentos más esperados por casi toda la audiencia de esta serie. Aunque se sienta un poco tardío, está bien ejecutado y es sorpresivo porque incluso se animaron a jugar con la dualidad de hacerte creer que no van a hacer lo que estás pensando y lo terminan haciendo, lo cual le suma un factor sorpresa a una situación que ya no lo tenía.

Fuera de esto, el mayor problema que están teniendo estos dos episodios de House of the Dragon es que son sumamente repetitivos al punto de que no hace falta ver mucho de la serie para entender lo que está pasando. Hay muchas tramas a la vez y todas ellas se chocan con los mismos obstáculos hace tres episodios, haciendo que sea muy tedioso seguir la mayoría de ellas.

House of the Dragon no es una mala serie, y de hecho, en el segundo visionado se vuelve mejor; ya que está pensada como un todo y no como sus partes. Eso es algo difícil de encontrar hoy en día, donde lo primordial a nivel marketing es que estas producciones den de qué hablar semana tras semana.

En ese aspecto, valoro mucho la calidad de esta serie. No defrauda y creo que al pasar los años quedará como una gran obra, sobretodo por el enorme componente humano y los mensajes que lleva detrás; pero siendo el spin-off de una serie que te hacía creer que cualquier cosa podía pasar en cualquier momento, termina quedando atrapada entre el ritmo que propone y el que quiere vender.

Aún quedan dos episodios más, que más allá de que seguramente tendrán otro tipo de dinamismo respecto a esta mitad de temporada, también dejarán muchas puertas abiertas para una cuarta temporada que representará el final de House of the Dragon. Creo que ahí podrán liberarse de las ataduras de tener que extender innecesariamente algunas tramas en pos de garantizar una cantidad de episodios.

Avatar Legends: The Fighting Game sale el 23 de julio y se trata de un juego de peleas con mucha personalidad y estilo que quiere destacar por los personajes y escenografías de Avatar. El juego fue desarrollado por Gameplay Group International y publicado por PM Studios y Skydance Games, y busca ser una entrega disfrutable tanto para amantes del género como nuevos jugadores.

Lo primero que tengo para mencionar es que Avatar Legends: The Fighting Game es un juego que entra muy bien por los ojos. Utiliza un estilo de animación en 2D dibujado a mano y realmente luce precioso durante las peleas. El brillo de los personajes, los escenarios y los combos destacan mucho y lo convierten en un aspecto muy disfrutable para los amantes de la franquicia.

Tanto los diseños como la narrativa se centran en Avatar: The Last Airbender y The Legend of Korra. La campaña cuenta una historia original que no destaca demasiado por su profundidad y sorpresas pero que funciona como excusa para enfrentar a los 12 personajes jugables entre sí en distintos contextos, escenarios y espacios temporales.

Como todo juego de pelea, lo más importante más allá de su estética es su jugabilidad. Sobre este punto quiero mencionar que yo no soy un acérrimo jugador del género por lo que no puedo opinar en base a criterios competitivos sino más bien en un público casual que le gusta la franquicia y que ingresa a ella como nuevo jugador.

Dicho esto, los combates funcionan muy bien y sentí que se amoldan de manera correcta a la experiencia que quiera el jugador. En las primeras peleas comencé utilizando los combos automáticos que lo vuelven más accesible para, poco a poco, ir intentando y realizando combos más complejos y precisos. Como es habitual, desde el menú podemos acceder a la lista de habilidades y consejos de cada uno de los personajes para conocer qué es lo que podemos hacer.

Me es difícil separar este apartado con el artístico porque, al no ser un jugador orientado al competitivo o conocer en profundidad las mecánicas de peleas del juego, mi mayor motivación para realizar los ataques especiales o combos fue más por lo vistoso y animaciones que por querer un resultado. Los elementos y ataques de cada personaje lucen tan bien que dan ganas de aprender todos.

Cada personaje tiene su estilo de peleas, combos y habilidades y hay mucha diferencia entre cada estilo de combate. Desde personajes más lentos con ataques pausados hasta otros más rápidos. Incluso, la utilización de los elementos y pasivas de personajes también varían según quien seamos. Si bien el repertorio de Avatar Legends: The Fighting Game no me pareció muy extenso, hay mucho trabajo en cada uno de los personajes.

Por otro lado, las peleas tienen una mecánica de Flow que varía según cada personaje y nos permite realizar diferentes movimientos. Mientras el Flow está activado, bloqueamos de manera automática todos los ataques salvo el agarre y también nos permite hacer otros movimientos esenciales como saltos, esquivas y cancelación de combos. El Flow se activa con un botón y es una barra que se recarga con el tiempo. El correcto uso de ella es fundamental en la partida ya que nos da muchas posibilidades tanto defensivas como ofensivas.

Como mencioné anteriormente, Avatar Legends: The Fighting Game trae modo campaña, modo versus, modo arcade, partidas online y modo tutoriales como campo de pruebas donde podemos experimentar con todos los personajes. También hay contenido desbloqueable jugando como galerías de arte de toda la saga.

Los jugadores más competitivos pueden estar contentos porque la conexión para las partidas online se realizan a través de rollback netcode, el sistema de conexión usualmente usado por los juegos de pelea que prioriza el rendimiento y la baja latencia. Además, el juego cuenta con crossplay completo entre todas las plataformas desde el día de su lanzamiento.

Avatar Legends: The Fighting Game sale el 23 de julio para PC, PlayStation 5 y Xbox Series. Más adelante tendrá su lanzamiento para Nintendo Switch y Nintendo Switch 2.

En una industria donde a veces parece que ya lo hemos visto todo y que las fórmulas tienden a repetirse hasta el agotamiento, de vez en cuando aparece una de esas propuestas que te vuelan la cabeza. Como analista, tengo la fortuna de probar decenas de títulos de todo tipo, pero no todos logran romper con la monotonía y esa sensación de decir ‘esto ya lo jugué’. Y si bien sería hipócrita decir que Denshattack! ofrece algo jamás visto, no se puede negar que el título de Undercode trae consigo una frescura inusitada que me era imposible apreciar aún con los llamativos trailers. Sin embargo, alcanzaron con sólo los 5 minutos iniciales para descubrir una experiencia con una personalidad arrolladora que en lugar de conformarse con seguir las tendencias actuales, traza su propio camino con una confianza envidiable.

Denshattack! presenta una premisa narrativa simple pero efectiva. Toma los tropos típicos del anime para arrojarnos en una versión distópica de un Japón post-apocalíptico donde la humanidad se ve obligada a vivir en ciudades protegidas por domos. Sin embargo, por fuera de estos, la vida sigue y es ahí que por azares del destino nuestra protagonista se sumerge en el mundo del Denshattack, un deporte que practican ‘los jóvenes que están en la pomada’. El mismo implica transitar por las vías que se extienden a lo largo y ancho del archipiélago del Sol Naciente a bordo de trenes extremadamente veloces haciendo piruetas típicas del skate como ‘ollies’, ‘grinds’ y ‘manuals’ como si fuéramos el mismísimo Tony Hawk, mientras ‘peleamos’ contra las bandas rivales que dominan cada territorio.

Sin embargo no voy a mentir: el atractivo del título no está precisamente en la historia -que cumple con su función con creces- sino en los sistemas jugables. La experiencia se centra de lleno en recorrer los diferentes niveles a toda velocidad encadenando trucos, cumpliendo con todo tipo de retos y recolectando coleccionables. Es una jugabilidad estilo arcade, muy tradicional, donde antes de comenzar la cámara hace un paneo al escenario anticipando lo que estamos a punto de experimentar. La forma en que Undercode traduce las mecánicas clásicas del skate a este formato sobre raíles es tan inusual como efectiva, invitando a maximizar el contador de puntos, a cumplir con objetivos secundarios, superar las pantallas en el menor tiempo posible, o haciendo todo a la vez.

Por supuesto, alcanzar las puntuaciones más altas demanda de un compromiso por nuestra parte. Cada truco tiene un timing y hay una lógica clara y bien estructurada detrás del esquema de controles. Asimilar todos los comandos y posibilidades requiere de esfuerzo y paciencia, especialmente al principio. No voy a negar que la jugabilidad puede sentirse abrumadora durante las primeras horas, pero la curva de aprendizaje está tan bien trazada que en ningún momento llega a sentirse frustrante. De hecho, ni siquiera hace falta completar los escenarios de forma perfecta, ya que el juego está pensado para que uno aprenda y que luego regrese sobre sus pasos a poner en práctica todas las enseñanzas adquiridas.

Ahora, cuando se logra superar esa empinada curva de aprendizaje inicial, Denshattack! es magia pura. Dominar el movimiento e interiorizar el ritmo de los trucos se siente recompensado de forma inmediata. Lo mejor es como el juego fomenta explotar la creatividad añadiendo caminos alternativos y obstáculos sobre los que podemos realizar todo tipo de movidas. Además, una mecánica que particularmente me gustó mucho es que al llenar un contador de combo, se habilita como una especie de ‘sexto sentido’ donde podemos ver vías que de otro modo permanecen invisibles. De este modo, se abre todo un nuevo abanico de posibilidades dado que los niveles se expanden tanto vertical como horizontalmente.

A todo esto, se suma el hecho de que paulatinamente se añaden nuevas mecánicas de movimiento, como las corrientes de aire que impulsan el tren por los cielos al realizar un truco o incluso hasta salirse de las vías. Además, la variedad que imprime cada escenario es fantástica y el juego sabe cómo fomentar la rejugabilidad poniendo desafíos que requieren dominar ciertos aspectos del juego. Tenemos niveles donde debemos cumplir con varios objetivos para poder superarlos, otros donde debemos alcanzar una determinada cantidad de puntos, carreras contra los miembros de otras bandas e incluso combates contra jefes que alcanzan el punto más álgido en lo que a originalidad y espectacularidad respecta.

Incluso a nivel visual, Denshattack! es un espectáculo. Entra por los ojos con colores vibrantes y saturados que terminan de redondear su personalidad. En cierto punto, evoca irremediablemente a ese estilo tan característico que ostenta Hi-Fi Rush, sólo que aquí en lugar de pelear al ritmo de la música, tenemos acción a toda velocidad y una puesta en escena deslumbrante que llena la pantalla de efectos. Mención especial para las cutscenes que incluyen secuencias animadas de excelente calidad sobre las que se apoya la narrativa. El juego respira ese inconfundible toque ‘macarra’ y rebelde que empapa cada menú y cada rincón de la experiencia.

Esta actitud descarada cobra todo un nuevo impulso gracias a una banda sonora brutal. Los temas musicales son realmente potentes y no solo acompañan la acción de fondo, sino que dictan la energía de las partidas. Inyectan cada nivel de pura adrenalina que va directo al control a la vez que complementa a la perfección esa vibra temeraria que abraza con tanto orgullo. La velocidad general es vertiginosa y todo se mueve tan rápido que a veces resulta difícil apreciar los detalles y el diseño de los escenarios. Pero eso es justamente lo que el juego busca: sumergirnos en la hiperactividad del momento, calculando el siguiente movimiento en fracciones de segundo. Simplemente no hay ni un solo momento para respirar o deleitarse con el paisaje.

Como dije, Denshattack! no hace nada particularmente nuevo más allá de aplicar el concepto de ‘skate’ y ponerlo en un tren. Sin embargo, toma esa fórmula tan familiar que supimos ver en Tony Hawk y propuestas similares, y la hace propia. El juego cumple con creces con todo lo que promete su premisa, logrando una especie de ‘milagro’ logrando que este mix tan inusual e improbable funcione a la perfección, tanto a nivel visual como en los mandos. Resulta encantador y estimulante ese flujo constante de nuevas ideas, mecánicas y desafíos. De ese modo, Undercode se asegura de que la experiencia no se sienta repetitiva con el paso de las horas.

Denshattack! me sorprendió gratamente. No sabía exactamente qué esperar y me encontré con un juego maravilloso. Detrás de ese llamativo apartado visual, de su alocada premisa y de esa exigente curva de aprendizaje inicial, se esconde una aventura rebosante de carisma, sustentada por una jugabilidad muy bien ejecutada. Resumir esta conclusión en que es una experiencia ambiciosa -que lo es- sería hacerle un flaco favor a Undercode ya que lo que aquí tenemos es un juego con carácter y actitud. Uno de esos que entra pateando la puerta con atrevimiento y diciendo ‘acá estoy, soy cool y lo sé’. Sin lugar a dudas, una grata sorpresa y uno de los mejores desarrollos indie de este 2026 hasta el momento.

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• REVIEW | House of the Dragon - Temporada 3 - Episodios 1 y 2: Pinturas de guerra

Episodios 3 y 4: Con la misma moneda

Después de dos episodios de alta velocidad, donde empezaron a concretar muchas de las tramas que se habían iniciado en las dos temporadas anteriores, House of the Dragon mira para adentro y empieza a sumar nuevas narrativas de cara a lo que será su futuro. Si bien los últimos momentos daban la sensación de que estábamos cerca de un inevitable fin, todavía hay una temporada y media que debe salir al aire y era esperable que muchos personajes y narrativas que aún no conocíamos se hicieran presentes.

Llegando recién a su mitad de temporada, sabemos que House of the Dragon aún tiene una cuarta temporada en desarrollo y queda aún bastante tiempo en pantalla para estos personajes. El universo de Game Of Thrones se amplía cada vez más con varias series y películas que están sobre la mesa, pero hasta el momento, House of the Dragon es la que más se asemeja a una entrega “principal” después de la serie madre.

En estos episodios, la llegada de Rhaenyra a King’s Landing ya es noticia vieja y la acción ahora se centra en lo devastado que está el poder político en esta ciudad a causa de la guerra. La corona es un peso que está costando llevar a cabo y nuestros personajes se encuentran dispersos con las problemáticas que hay alrededor.

En ese sentido, uno de los grandes avances de estos episodios es la introducción y desarrollo de Ormund Hightower (James Norton) y Daeron Targaryen (Benjamin Evan Ainsworth), ambos personajes hoy presentados como cínicos enemigos a la causa de Rhaenyra y el bastión que, estimamos, será el enfrentamiento final de cara a la unificación del reino. Su introducción tiene olor a personajes sádicos, a lo Ramsay Snow de Game Of Thrones y a una particularidad que no hemos visto en la serie hasta el momento.

En dos episodios donde las tramas están tan separadas y cada personaje está en su mundo, la narrativa le dio espacio a la introducción de esta nueva veta. Hay mucho de desarrollo y mucho de presentación ya que, con Aegon y Aemond en dificultades, hoy falta la figura del villano en la serie. Un rol que bien podrán ocupar estos personajes. Como dato adicional, es la primera vez que vemos con tanto tiempo en pantalla al actor de Daeron que será Link en la adaptación de The Legend of Zelda. Un dato a tener en cuenta para los gamers fanáticos de Westeros.

Un enorme acierto de House of the Dragon en líneas generales fue la decisión de utilizar casas que no son populares o que ni existen en el universo de Game of Thrones. Las casas Velaryon y Hightower tienen un montón de matices para entregar y son muy diferentes a las ya conocidas Stark, Lannister, Baratheon. La posibilidad de crear un universo “nuevo” gracias al salto temporal nos da la posibilidad de conocer desde otra perspectiva reinos ya conocidos.

Estamos a punto de llegar a la ebullición de un montón de tramas y personajes que empiezan a replantearse si están del lado correcto de la situación. Mucho pago con la misma moneda y un resentimiento profundo en base a las aspiraciones de cada uno. Se puede ver más que nada en los personajes que han sido introducidos en los últimos tiempos como los hijos de Corlys o los nuevos jinetes de dragón. Creo que los próximos episodios dirán mucho sobre esto.

Más allá de que cada vez queda más lejos el fantasma de una segunda temporada que no estuvo a la altura de la calidad que nos tiene acostumbrados HBO; estos dos episodios vuelven a tener un guión que seguramente muchos encontrarán monótono y, hasta en cierto punto, jocoso. Es difícil mantener el temple de una serie dramática las 24 horas y varios personajes empiezan a enredarse con su guión, algo que se subsana con el alto nivel actoral que hay en general.

House of the Dragon baja un poco el éxtasis de los primeros episodios pero no por eso cede calidez en cuanto a la construcción de sus personajes. Es cierto que vivimos momentos de desarrollo para situaciones que tendrán más peso en el futuro, pero aún así, logra darnos momentos memorables para todo lo que vendrá.

Queda la mitad de esta tercera temporada para ver cuál será el destino de Westeros en este momento histórico y cuál será el pie para abrir paso a una temporada final, que aún sin fecha de estreno, se espera para el 2027 junto a otra entrega de A Knight of the Seven Kingdoms y quizás nuevas producciones del universo Game of Thrones.

Assassin‘s Creed es una saga que fue creciendo junto con la industria. En sus inicios fue una gran promesa, era la novedad y una maravilla técnica. Las recreaciones de lugares reales daban paso a una gran historia con personajes y situaciones memorables. Luego pasó a tener versiones, ports, spin-offs y secuelas por todos lados que saturaron tanto al mercado como a su propia audiencia. Eventualmente la saga tocaría fondo y volvería de sus cenizas como un fénix pero, antes de caer y renacer, supo darnos grandes aventuras que quedaron en el corazón de los jugadores. Assassin’s Creed Black Flag es una de ellas, gigantesco y distinto a todo lo que la franquicia había ofrecido hasta el momento, por eso el anuncio de una remake despertó la ilusión de todos aquellos que lo jugamos en su momento.

Ubisoft Singapore estuvo al frente de esta reconstrucción total que tenía como objetivo rescatar una gran aventura de las garras del tiempo y actualizarla a los tiempos que corren. Para eso utilizaron el motor Anvil, el mismo que vimos en la última entrega de la saga, para recrear cada locación, personaje y evento. El resultado es espectacular y se nota desde el primer instante. Las islas se sienten vivas, con vegetación densa y pequeños animales moviéndose a través de las plantas. El océano es un protagonista aparte con transparencias cerca de la orilla, oleaje que va cambiando según el clima en altamar y eventos climáticos que pueden cambiar el rumbo de una misión en cuestión de minutos. Los efectos de sonido e iluminación durante las tormentas ofrecen un grado de inmersión exquisito y todo esto suma a nuestra experiencia de juego en general.

Más allá de las bondades técnicas del juego, que incluyen la posibilidad de jugar a 60 FPS con una reducción al Ray Tracing, se sigue sintiendo la esencia del original de fondo a cada momento. Edward Kenway es un protagonista diferente al resto y logra cautivarnos con sus encantos de pirata. Las cinemáticas que cuentan su pasado son de vital importancia para generar esa conexión y están muy bien logradas. Las horas iniciales de la aventura son imposibles de soltar gracias a su ritmo de juego pulido y sucesión de eventos importantes. Sin tropezar con spoilers, porque han pasado casi 13 años desde su lanzamiento original, es increíble lo bien que ha envejecido la historia de Edward. Revivir su aventura me mantuvo una vez más al borde del sillón, empatizando con él en cada vuelta del guión y celebrando sus victorias.

A la hora de jugar, Assassin‘s Creed Black Flag Resynced sigue siendo un juego de aventuras y acción de mundo abierto. Ubisoft no metió a la fuerza los famosos “elementos de RPG” que tan común son hoy en día, tampoco transformó el sistema de combate al estándar actual. El combate sigue siendo simple y directo: ataque rápido o fuerte, un botón para esquivar y otro para cubrirnos. Podemos hacer parry si nos cubrimos en el momento exacto o hacer evasión perfecta mediante el mismo método pero esquivando. Eso nos habilita a hacer una ejecución y, según el arma que tengamos equipada, podremos encadenar varias en sucesión. El resto se condimenta con los accesorios clásicos, la bomba de humo o veneno, las pistolas dobles o el dardo de soga que es una fuente inagotable de diversión y espectacularidad.

Las batallas navales parecen un juego aparte. Toman como punto de partida la simpleza de la acción original a la cual suman capas de complejidad a medida que avanzamos. Podemos personalizar nuestro barco, no sólo desde lo estético sino también para mejorar su rendimiento. Así conseguiremos morteros para atacar a grandes distancias, cañones laterales y frontales, proyectiles encendidos para generar daño extra en las velas y reservas de pólvora de los barcos enemigos y todo tipo de defensas. El armamento del barco esta vez tiene modos de disparo alternativo que serán de gran utilidad a la hora de aventurarnos en altamar. Navegar largas distancias con nuestra tripulación cantando shanties mientras superamos las adversidades climáticas en altamar de por sí es una experiencia única, pero si a eso le sumamos las batallas navales la sensación de aventura es inigualable.

Assassin‘s Creed Black Flag Resynced ofrece un sinfín de mejoras de calidad de vida y a la jugabilidad en general. El combate es más ágil y responsivo, el parkour está mejorado en todos los aspectos (aunque de vez en cuando terminemos saltando o corriendo hacia cualquier lado) y nuestro equipamiento ahora puede tener perks para adaptarnos mejor a cada circunstancia. Los cambios con respecto al original no terminan ahí, porque Ubisoft Singapore tuvo que recortar y agregar escenas para amoldar el juego a los tiempos que corren. No me refiero a censura de ningún tipo sino a eliminar del canon las escenas en el futuro, algo que había funcionado muy bien con Desmond pero Ubisoft no supo capitalizar desde entonces. Tampoco hay elementos multijugador y, con una mano en el corazón, estoy muy conforme con que la experiencia de juego sea 100% para un sólo jugador.

A cambio de los recortes, Ubisoft nos entrega una narrativa sólida y coherente sin abandonar completamente la idea del Animus. Lo conserva a través de cinemáticas y textos desbloqueables que luego abren el camino para escenarios alternativos que podremos explorar. A la vez, agrega misiones, diálogos y cinemáticas que nos ayudan a comprender mejor la vida y la forma de pensar de Edward. Al final del día, aún habiendo disfrutado el original en su momento, no puedo evitar pensar que estamos ante una versión superadora en todos los frentes. Es posible que algunos aspectos se sigan sintiendo anticuados, en especial la IA de los enemigos y el desarrollo de ciertas misiones en comparación a las nuevas, pero en la práctica es un juego divertido, espectacular y muy difícil de dejar.

Assassin‘s Creed Black Flag Resynced es un juego maravilloso, divertido e inmersivo. Es una ventana al pasado de una franquicia que supo conquistar nuestros corazones a fuerza de grandes juegos. Su narrativa enfocada a la experiencia de un solo jugador es un gran acierto y no se extrañan los segmentos en el futuro ni los elementos multijugador del original. Es increíble lo bien que se ve y se juega una aventura de 2013 en el motor Anvil, pero lo es aún más porque sigue conservando su esencia a pesar de todo. Los amantes de los Assassin’s Creed modernos lo verán demasiado simple, tal vez sea cierto, pero si le dan una oportunidad veran que a veces menos es más. Assassin‘s Creed Black Flag Resynced es la prueba fehaciente de que la jugabilidad clásica está más vigente que nunca y mucho más si estamos hablando del mejor juego de piratas desde Monkey Island 2.

El ciclo de la Nintendo Switch 2 no hizo más que empezar y poco después de cumplir su primer año de lanzamiento, una de las palabras que más resuena es la del regreso. Regresó Star Fox después de una década, regresará Ocarina of Time después de 30 años y, en otro plano, regresó también Rhythm Heaven.

Esta subfranquicia nació en la portabilidad de la Nintendo DS y sólo tuvo un puñado de juegos en los últimos 20 años, haciendo que sea una apuesta de Nintendo que fue creciendo cada vez más y más en su nicho, sobretodo por ser una experiencia muy definida para el tipo de jugador al que apunta. Nintendo ya ha traído franquicias de este estilo a Nintendo Switch, como ha sido el caso de Tomodachi Life o Miitopia, por ejemplo.

Para aquellos que no sepan de qué hablamos, Rhythm Heaven es una franquicia de videojuegos rítmicos. Esta nueva experiencia sigue en línea con lo que nos han presentado en los títulos anteriores, donde tenemos que ingresar a pequeños minijuegos que transcurren alrededor de una canción cuyo ritmo nos marcará cuando realizar una acción sencilla. Si podemos seguir el ritmo, la acción funcionará, y en caso de no hacerlo, fallaremos.

Así es como abrir un paraguas o tirarle un frisbee a un perro se convierte en una acción trascendental que requiere toda nuestra atención. Rhythm Heaven Groove se caracteriza, ante todo, por ser el juego de la franquicia con mayor cantidad de contenido y la variabilidad del mismo: puede ser un juego RPG, puede ser un juego de deportes o simplemente una seguidilla de minijuegos a lo WarioWare. Todo funciona bien mientras el ritmo sea acorde.

En este sentido, una de las mejores mecánicas que tiene el juego es que la interpretación que tenemos del ritmo es una parte crucial de la jugabilidad. La mayor parte de los minijuegos no tienen mucha más ciencia que apretar cierto botón en cierto momento, pero el ir sacando las guías, prepararte con números en pantallas y luego borrarlos, “apagar la luz” por momentos hace que todo dependa del oído y de la sensación y eso lo convierte en una experiencia muy buena.

El modo estrella que tiene Rhythm Heaven Groove son los niveles remix, que llegan después de completar todos los minijuegos de una zona específica. Al hacer esto, jugaremos una canción que mezcla elementos de todos los minijuegos de esa zona, haciendo que sea mucho más complejo (y completo también) y enfrentándonos a un desafío que engloba mecánicas diferentes. Termina dando esa sensación de jefe final que le viene muy bien a este estilo de experiencias.

Otra de las grandes novedades que tiene este juego es el modo multijugador, que ofrece una experiencia rítmica para varios jugadores. Un detalle que no es menor y que suma varias horas más de un juego para un género que suele tener una fórmula que se repite varias veces. En este sentido, creo que Rhythm Heaven Groove termina siendo la experiencia más completa de la franquicia.

Este factor le da una rejugabilidad muy grande a un juego que, de por sí, ofrece muchas horas de juego. Hay 80 minijuegos en total, con 30 específicamente para el modo multijugador. Jugarlos todos te puede llevar unos buenos pares de horas y hacerlo todo perfecto te puede ofrecer unos momentos más.

Rhythm Heaven Groove es una experiencia muy completa para un nicho específico de videojuegos. Es una experiencia rítmica y, como todas experiencias que van a fondo en una propuesta para un nicho, es un tómalo o déjalo. A quienes les gusten este tipo de experiencias, se lo recomiendo, encontrarán cosas más que interesantes respecto a otros juegos similares. A quienes no, será cuestión de probar, pero puede no convencer.

Celebro que Nintendo tenga la espalda y un pasar de buen momento para seguir haciendo apuestas por sus franquicias más pequeñas. Ha habido otros momentos históricos donde Nintendo tuvo que reducirse a exprimir sus franquicias más famosas, y estamos en un momento bastante alejado de eso. Rhythm Heaven Groove es una prueba de ello, y ojalá haya más de este estilo.

D-topia es el nuevo juego del estudio Marumittu Games y publicado por Annapurna Interactive que se trata de una aventura narrativa que combina puzzles y una historia sobre la felicidad, la vida y la tecnología. Con mecánicas simples y poca profundidad, el juego logra cautivar con una propuesta muy atractiva.

D-topia es el nombre de la ciudad donde ocurre nuestra aventura. Lo llamativo de este lugar es que forma parte del Proyecto Utopía donde la IA se encarga de modelar el mundo con el objetivo de maximizar la felicidad y la comodidad de todos sus habitantes. De esta forma, el trabajo, el ocio y hasta el lugar en donde vivimos es resultado de la toma de decisiones de una inteligencia artificial.

Nosotros nos ponemos en la piel de un flamante mediador, una persona encargada de resolver algunos problemas que puedan tener los habitantes y la IA no sepa resolver. De esta forma, nos pone como una suerte de nexo entre la tecnología y la vida de las personas donde tendremos que tomar distintas decisiones que afectan el desenlace de algunos personajes y del mundo donde nos encontramos.

A grandes rasgos, el juego es una aventura narrativa, ya que la esencia de la entrega se encuentra en los diálogos, la toma de decisiones y el conocer la historia de los habitantes de D-topia. Al ayudar a algunos personajes, conocemos más de su trasfondo y pensamientos alrededor del mundo en el que se encuentran y sus problemas personales.

En todo este apartado, D-topia me gustó mucho porque presenta varios temas para reflexionar, pero lo hace todo desde un punto de vista simpático. Los droides y la IA que controlan el lugar realmente parecen querer la felicidad de las personas y nuestro rol es una manera de hacerlos comprender un poco más a la humanidad y por qué la idea de felicidad extrema para todos es inviable o, al menos, utópica.

Dicho esto, las principales mecánicas centradas en la narrativa son la exploración, conversar con los personajes y tomar decisiones en base a los conocimientos aprendidos. Sin embargo, cada día tenemos que trabajar y nuestro trabajo como mediador también nos permite entrar en el metaverso para programar y reparar distintos mecanismos.

Tanto para ayudar en distintas misiones como en el trabajo diario, se añaden distintos minijuegos de puzzles que son, básicamente, ejercicios lógicos y matemáticos. Son muy sencillos y su función no es fundamental en la experiencia de D-topia sino más bien una excusa para agregar distintas formas de jugar, dar aire a los diálogos y cambiar el enfoque.

Los minijuegos están bien, pero no son realmente destacables, sirven para presentar el mundo y hacernos sentir que estamos siendo funcionales dentro de ese universo. Los amantes de los juegos de puzzles seguramente no encuentren nada que los enamore en este apartado, pero dentro de la aventura narrativa, funcionan.

D-topia es un juego corto y, al mismo tiempo, se toma su tiempo para contar su historia. A lo largo de la aventura, podemos tomar distintas decisiones que afectan el desenlace de muchos personajes por lo que invita a cierta rejugabilidad para ver el destino de algunas problemáticas.

Todo esto convierte a D-topia en una aventura muy bonita y recomendable para todos los amantes de los juegos independientes que disfruten de juegos cortos, las aventuras narrativas y la temática de la tecnología y en cómo esta puede impactar en la búsqueda de la felicidad, aunque no esperen algo sumamente reflexivo y profundo. D-topia ya se encuentra disponible para PC, Nintendo Switch, PlayStation 5 y Xbox Series.

El ciclo de la Nintendo Switch no sólo fue exitoso por la cantidad de consolas vendidas: también fue un constante revival de franquicias y subfranquicias que Nintendo posee. La mayor parte de las entregas que han tenido un paso por esta consola han tenido su versión más vendida, más popular, más mainstream hasta el momento. No hay muchas excepciones a esta regla; pero sí hay una muy importante.

Star Fox es una de las franquicias más icónicas que Nintendo tiene y una a la que más le ha costado mantener constancia a lo largo de los años. Fue una de las pocas que no habían llegado en el ciclo anterior y ahora, promediando el final del primer año de Nintendo Switch 2, hace su aparición para retornar con un remake de su videojuego más clásico.

El nuevo Star Fox de Nintendo Switch 2 es un remake de Star Fox 64 con todas las letras. Más allá de eliminar el “64” del nombre, estamos ante exactamente el mismo juego. Mismos escenarios, villanos, giros y mecánicas. A nivel jugable los desarrolladores podrían haber usado el mismo documento de game design y la diferencia no sería notable. Pero para quienes no conozcan esta obra de Nintendo, voy a desglosar un poco de qué se trata.

Star Fox es un grupo de mercenarios interespaciales conformado por Fox McCloud, Peppy Hare, Slippy Toad y Falco Lombardi. Estos personajes son contratados por la Federación para defender el Sistema Lylat de Andross, un enemigo que desde las sombras intenta conquistar el universo. Así, tendremos que ir por distintos planetas cuyos biomas son bien diferentes intentando frenar la avanzada de este villano. Si te gusta Star Wars, hay mucha similitud con esta franquicia.

En general, lo más positivo de esta remake es el enorme lavado de cara que ganó. Si bien hay mucha gente que no se encontraba cómoda en los trailers iniciales con el estilo artístico que habían seleccionado para el juego, creo que no sólo está bien ejecutado sino que le queda muy bien a un videojuego que es de los más vistosos que ha hecho Nintendo en su historia.

A su vez, este estilo visual vino acompañado de un montón de cinemáticas narrativas que le dan una expansión de lore muy grande a un videojuego que sólo se regía por datos. Ahora, cada misión tiene una coherencia con lo que venimos haciendo y el camino hacia Andross es mucho más coherente. Esto le suma un montón a Star Fox porque más allá de que una “run” dura poco más de una hora, es un videojuego que tiene un componente de rejugabilidad muy grande.

La duración de Star Fox refiere a su naturaleza como videojuego y es que termina siendo una experiencia más que algo arcade. La idea del juego no sólo es completarlo una vez, si no hacerlo varias veces y completar diversos puntajes para tratar de buscar el perfeccionismo en una sola sentada. A su vez, cada uno de los mundos tiene diversos objetivos y misiones para poder hacer e invitar al usuario a seguir jugándolos.

Por otro lado, narrativamente es imposible conocer todo el juego en una sola sentada ya que el mismo te va haciendo elegir entre diversas opciones y se necesitan entre 3 y 5 jugadas para poder ver todas las combinaciones posibles. También hay tres modos de dificultad diferentes, el más complicado se va desbloqueando a medida que conseguimos logros en cada una de las misiones.

Para complementar, esta nueva versión de Star Fox se encarga de darnos diversas opciones de rejugabilidad como, por ejemplo, usar el control clásico de Nintendo 64, usar el “modo mouse”, jugar de a dos jugadores donde uno es la nave y el otro quien dispara, o bien entrar en el multijugador hasta cuatro jugadores que convierte la experiencia en una situación para compartir con amigos.

Si bien entiendo las críticas de aquellas personas que no se sienten cómodas con que Star Fox entregue una experiencia así en 2026, después de varias revisiones de la misma obra, estoy parcialmente en contra de esto. En un principio, creo que, sin dudas, hoy esta experiencia es la mejor puerta de entrada a la franquicia y es un acierto de Nintendo de cara a una IP que había que revitalizar, empujar y posicionar para luego dar libertad creativa.

Mi parcialidad nace justamente en este segundo punto: todos los conceptos en donde Star Fox brilla nacieron en los ‘90. Desde ese momento, Nintendo nunca pudo darle vuelta a estos personajes icónicos ni entregar una experiencia superadora que se alejara de su obra original, que mantuviera la esencia y que pudiera significar una secuela. Se le debe a Star Fox una evolución, y para eso, Nintendo debe apostar. Ojalá que este sea el primer paso para correr en esa dirección.

Entre tanta conversación alrededor de remasters, remakes y reimaginaciones, Star Fox pone en agenda un tema que va un poco más allá: ¿para qué hacemos un remake?. Puede ser por obsolescencia tecnológica. Puede ser por accesibilidad. Puede ser porque su control quedó fuera de mercado. O pueden ser todas ellas, como lo es en este caso.

Star Fox es una buena entrega, la mejor oportunidad de jugar este juego si nunca lo jugaste y una linda versión si ya conocías el base, que era muy bueno también para su época. Deja -justamente- las bases para que ahora se pueda crear algo nuevo y la presión de, al fin, darle continuidad a una de las joyas que Shigeru Miyamoto le dejó al mundo.

Hace ya varios años que Disney está llevando a cabo esta extraña labor de reinterpretar sus clásicos animados con actores reales, como si estas películas tuvieran fallos que el live action puede arreglar. Desde La Sirenita hasta Blancanieves, todas estas películas han sido objeto de comentarios negativos por parte de la crítica especializada y el público en general, pero sin embargo, Disney sigue haciéndolas.

En esta ocasión le tocó a Moana, una película que está a punto de cumplir 10 años desde su estreno original. Este simple hecho sepultó toda posibilidad de que tenga alguna expectativa por el proyecto. ¿Cuál es el punto de readaptar una película a la que ni siquiera se le dio el tiempo necesario como para poner en duda su envejecimiento?

Esperaba, de nuevo, un remake idéntico al material original y sin ningún propósito de existir, y luego de verla puedo decir que -justamente- es todo eso e, incluso, peor que la película original.

Arranquemos desde el vamos con lo obvio: la película. Salvo algunos momentos, es un calco exacto de la Moana original de 2016, llegando al punto de, a veces, reutilizar los mismos diálogos y planos. Lo poco que se agrega a la película no es suficiente para justificar un remake completo y tampoco aporta nada nuevo a la trama. Estos momentos podrían no haber estado y el mensaje que trataron de enviar hubiese sido el mismo.

Luego, los actores del live action dejan muchísimo que desear. Es increíble el hecho de que Dwayne Johnson esté interpretando a Maui por tercera vez y, sin embargo, parece no entender al personaje. En esta versión pierde todo el carisma que solía tener, convirtiéndolo en un ser arrogante y amargo que se vuelve insufrible a los diez minutos de metraje. “La Roca” parece completamente desmotivado para llevar a la vida real a este personaje y eso afecta en gran parte a la película, siendo que es uno de los personajes principales.

Para rematar, Moana pierde completamente su magia original a favor de una paleta de colores apagada, animales hechos con CGI y reajustes a un guión que nunca estuvo pensado para ser una película live action.

Parte de la expresividad que tenían los personajes gracias a la animación desaparece completamente en busca de expresiones más “realistas” y escenas completas pierden su encanto al hacer el paso hacia carne y hueso. El mayor ejemplo de esto es la diosa Te Fiti, que ahora se ve más como un maniquí con pasto encima, que como a una diosa de la naturaleza.

Entonces, teniendo todo esto en cuenta, me hago la siguiente pregunta: ¿Cuál es el punto de rehacer una película animada en versión live action, sabiendo que gran parte de la esencia de la misma se va a perder porque nunca estuvo pensada para este medio? Disney parece ver a las películas animadas como imperfectas, y que por ese motivo deben ser reinterpretadas.

En conclusión, Moana live action es exactamente lo que podés esperar: un calco de la película animada original y que su mero propósito es el de querer seguir explotando el pasado, aunque éste ni siquiera tuvo su fiesta de 15.

La vida suele presentar momentos duros en los que el dolor y la sensación de pérdida nos dejan sin palabras y nos sumergen en un vacío difícil de transitar. Es precisamente a explorar ese abismo emocional donde nos lleva Deer & Boy, el título de Lifeline Games, que más que una aventura de plataformas en 2.5D ofrece la posibilidad de acompañar a un niño a lo largo de su proceso de sanación. La propuesta inevitablemente recuerda a obras como Limbo o Planet of Lana, e invita a reflexionar sobre las dificultades de aceptar el luto y encontrar la fuerza para seguir adelante. Es una obra que atrapa pero no por la acción, sino por cómo aborda la pérdida, ofreciendo un espacio íntimo e interactivo donde el dolor se transforma en aceptación.

En Deer & Boy tomamos el control de un niño que, en un intento desesperado de huir de su realidad, escapa de su hogar para adentrarse en un bosque misterioso. Allí, el destino hace que cruce su camino con un pequeño ciervo huérfano. A partir de entonces, la aventura se transforma en un viaje de supervivencia y protección mutua en un mundo que alterna entre un paseo a través de bellos paisajes naturales y el peligro latente que estos albergan. De más está decir que sobrevivir no implica mecánicas como comer o beber agua, sino proteger a esta inusual pareja de amenazas como una manada de lobos o un jabalí salvaje.

Una de las cosas que más me gustó es la decisión de prescindir por completo de la palabra hablada o escrita. Es un juego silente donde toda la comunicación se basa en la expresividad de los personajes. De este modo, el juego se las arregla muy bien para explorar temáticas complejas y dolorosas con una gran delicadeza. Tal es así que me atrevo a decir que el título logra reflejar el dolor de la pérdida, entendiendo que, a veces, el silencio es el recipiente idóneo para albergar el dolor. A decir verdad, cuesta profundizar en la historia sin hacer spoilers, aunque puedo asegurar que el viaje es muy interesante ya que se transforma en una especie de metáfora sobre el crecimiento.

En cuanto a la jugabilidad, el título gira alrededor de la resolución de acertijos y las plataformas, integrando estas mecánicas de forma muy natural con el mundo. Los rompecabezas me parecieron sencillos, con un tono muy de cuento de hadas, lo que me permitió avanzar sin frustraciones y mantener el foco en la experiencia emocional. Creo que esta simplicidad es intencionada ya que funciona como un engranaje bien aceitado que hace que el ritmo de la historia no se estanque. Cada bloque movido y cada palanca activada se siente como un paso firme en el proceso de duelo que atraviesan los protagonistas.

La progresión en términos de mecánicas se manifiesta a través de la constante evolución de la relación entre el niño y el ciervo a lo largo de su travesía. Durante las aproximadamente cuatro horas que dura la historia, el juego nos muestra cómo el ciervo deja de sentirse como una carga frágil para convertirse en un aliado formidable. A medida que el animal crece físicamente, adquiere nuevas habilidades que nos ayudan a progresar y cambian la forma en que podemos interactuar con el escenario. Además de añadir variedad, todo esto se siente como una analogía ludonarrativa que enseña que el dolor que cargamos al principio del luto puede transformarse en la fuerza que ayuda a seguir adelante.

Pese a su corta duración, la obra cuenta con una más que generosa variedad de situaciones, lo que hace que el viaje no se sienta en absoluto monótono. Además de resolver puzzles, Deer & Boy siempre tiene algo bajo la manga como para mantener el interés. Esta versatilidad, unida al propio ritmo de la aventura, logra un equilibrio excelente. Por un lado, porque posee una capa de ternura y simpatía sobre la que construye una bonita aventura, y por el otro, porque detrás de ello esconde una narrativa densa y profunda que resulta increíblemente reflexiva.

A pesar de sus múltiples virtudes y encanto, el título no está exento de inconvenientes. Nada particularmente grave, pero por momentos el control no responde como se espera. En determinadas secuencias, donde hace falta agilidad y velocidad de reacción en los movimientos de nuestro personaje, parece como si quedara literalmente clavado al piso durante unos breves instantes. Esta falta de pulido en un elemento tan crucial como lo son los controles, deriva en “muertes” sumamente injustas que obligan a repetir la misma secuencia más de lo estrictamente necesario, cortando de este modo con el ritmo de la aventura. De todos modos, creo que es algo que se puede solucionar fácilmente con un parche.

Visualmente, el juego es simple pero encantador. Los escenarios parecen dibujos poligonales hechos a mano, con mucha atención por los pequeños detalles. La paleta de colores es cálida y reconfortante, aunque también logra aportar cierto tono de oscuridad cuando es necesario. Más allá de sentirse como un envoltorio bonito, el apartado gráfico actúa como otro elemento que ayuda a apuntalar la narrativa, pintando los estados de ánimo del protagonista directamente sobre los bosques y las ruinas que visitamos.

Por otra parte, la banda sonora que acompaña, oscila entre lo ingenuo y lo opresivo según lo dicte el entorno. Sin embargo, el punto culminante de este viaje auditivo llega de la mano de la hermosísima canción I Am by Your Side interpretada por la voz de Louise Dissous. Cuando su voz irrumpe, se siente como una caricia a los oídos. Funciona como una catarsis emocional absoluta, un abrazo sonoro en medio de la oscuridad que eleva los sentimientos de compañerismo, esperanza y sanación a cotas magistrales.

Deer & Boy es un videojuego hermoso que sólo necesitó de una narrativa sin palabras y expresividad en sus personajes para sumergirme en un viaje tan emotivo como fantástico. Con estos elementos, el juego consigue tejer un tapiz emocional para explorar la profundidad del duelo en una propuesta sumamente accesible. Un viaje cálido y melancólico que nos recuerda, a través de la mirada de un niño y un ciervo, que incluso en las etapas más oscuras de nuestra vida, nunca estamos realmente solos.

Hablar de la perspectiva que tenemos de los superhéroes en el cine cambió radicalmente en la última década. Si en 2016 empezábamos a vivir, quizás, la época más exitosa de estos personajes en el cine, hacerlo en el 2026 es reflexionar acerca de su decadencia. En ese contexto, James Gunn se ha puesto como objetivo crear un nuevo universo de DC que, hasta ahora, había salido poco de sus manos.

La primera apuesta fuera del ojo de este director la hace Craig Gillespie, quien se hace cargo de Supergirl, una nueva adaptación de este personaje que ha tenido poca participación en el cine pero fuertes interpretaciones en televisión. La última vez que la pudimos ver en la gran pantalla fue como un personaje secundario en The Flash (2023), una de las últimas películas del anterior universo de DC Studios.

Después de haberla visto brevemente en Superman (2025), Kara Zor-El (Milly Alcock) viaja por el espacio entre noches y borracheras por la angustia que le genera no tener un hogar. A diferencia de Clark Kent, que era un bebe cuando se fue de Krypton, Kara tuvo que vivir toda su adolescencia con sus padres antes de que lo que quedaba del planeta muriera y tuviera que partir hacia la tierra, donde su primo tomó el cuidado de ella.

En medio de esa crisis sin resolver, Supergirl se va a ver envuelta en una odisea espacial junto a la niña Ruthye Marye Knoll (Eve Ridley), en una misión de doble propósito donde ella tiene que vengar a su familia y Kara debe conseguir el antídoto para un Krypto que morirá en tres días, ambas soluciones arraigadas en el mismo villano: Krem (Matthias Schoenaerts).

Bajo este concepto, hay algo que le aprecio mucho a esta película y es su corazón. Me hizo acordar más a las películas dosmileras de superhéroes que a las actuales en pos de intentar apelar, más que nada, a audiencias más chicas y ofrecer buenas dosis de diversión bien logradas.

A su vez, este plus termina siendo un poco contraproducente también. Muy en la línea de, por ejemplo, las pelis de Super Mario, esta entrega prioriza el momento más que la trama general y se olvida por momentos de lo que quiere contar. Cuesta encontrar una sinopsis completa y mucho de lo que sucede parece más al azar que otra cosa.

Tanto la elección musical, la fotografía y la ambientación responden a un mismo estímulo reciclando lo que James Gunn hizo en el pasado con Guardianes de la Galaxia. Ya Superman se sentía así y Peacemaker tenía algo de eso, pero creo que esta es la producción de momento que más aprende de lo que ha hecho el director en el pasado y de su escuela para adaptar estas historias.

En el cast también encontramos una dualidad similar. Esta Supergirl tiene mucha tela para contar y la aparición de Lobo (Jason Momoa) es de lo mejor que tiene la película, sin embargo, ningún personaje logra tener ni el tiempo ni el desarrollo necesario para que las acciones parezcan justificadas y sus emociones generen empatía. Se entiende que intentaron ir por otro lado, más teniendo en cuenta el cómic en el que se basa, pero en ese aspecto creo que no lograron del todo su objetivo.

Sí agradezco que, aún sin dejar de coexistir en un universo, Supergirl es una película individual de principio a fin. Todo lo que ha hecho DC desde la llegada de Gunn se ha caracterizado por priorizar la obra frente a la conexión y eso es algo que debería volverse estándar de ahora en más para cualquier empresa que quiera adaptar cómics a la gran pantalla.

Supergirl no es una mala película, es divertida y tiene muchas puntas que pueden llegar a funcionar en una eventual secuela. Sí creo que es una zona de promesas; un conjunto de ideas que quizás, con más presupuesto y sin la necesidad de introducir tantos personajes, puede terminar de explotar en una secuela. Hace 20 años había muchas de estas, y muchas terminaban creciendo por la capacidad de trabajar sobre una base asentadas.

Ojalá esta película sirva para volver a traer este tipo de apuestas y que no pase como con Fantastic Four, The Flash, Shang-Chi y otros grandes ejemplos que se hubiesen visto bien beneficiadas de tener una secuela en tiempo y forma. Por lo pronto, Supergirl me representa un lindo plan de fin de semana.

La reparación histórica que Game of Thrones está haciendo en este 2026 es justa y necesaria. Después de un final que manchó un poco su universo ficticio de cara a la masividad de espectadores que había conseguido, HBO logró pieza por pieza imponer la grandilocuencia de los Targaryen en House of the Dragon y una carismática e inesperada sorpresa a principios de este año con A Knight of the Seven Kingdoms.

Ahora, le toca a la serie de los dragones volver para una tercera temporada que raudamente pisó el acelerador de cara a la inevitable guerra civil que esta familia debe tener para encauzar el barco de la historia en miras de lo que será, unos siglos después, la serie que brilló en la década pasada. House of the Dragon inicia su tercera entrega con los dos mejores episodios que han hecho hasta el momento.

El inicio de esta temporada es minutos después del cierre de la anterior, con Tyland Lannister y su reciente ejército conseguido en Essos atacando las aguas que comanda Corlys Velaryon, la mano de Rhaenyra Targaryen. Así se da la batalla del gaznate, un espectacular episodio de acción, muerte y sangre que compite contra los mejores que hemos visto en Game of Thrones, esta vez mostrando mucho de batalla naval y mucho de batalla aérea con dragones, dos situaciones que nos fueron esquivas en aquella serie.

A raíz de esto es donde, en un principio, nació mi disfrute con House of the Dragon. Si bien la guerra civil Targaryen y los excelentemente desarrollados personajes de esta serie siempre son agradables de ver, todo el apartado del comercio marítimo y cómo se desenvuelve en la sociedad de este mundo fantástico es algo sumamente innovador para un universo que parecía ya haberlo dado todo. Los Velaryon, Corlys y sus hijos también son un fuerte agregado que marcan un diferencial de época muy grande.

A su vez, en un presente donde las grandes películas blockbuster no logran tener los efectos visuales que alguna vez supieron entregar, ver el realismo de los dragones y sus acciones en esta serie es conmovedor. También hay un salto muy grande en la calidad visual respecto a la segunda temporada, que era más conservadora en ese sentido, incluso cuando la acción requería cierta magia de post producción.

El cast de House of the Dragon es vasto y variado, es una de esas pocas series donde se puede decir que el casting fue más que bueno y las ejecuciones individuales se fueron logrando al correr los episodios. Pero en este inicio de temporada, es para destacar el trabajo de Emma D’arcy y los matices que tiene interpretando a Rhaenyra Targaryen. Creo que no hay sentimiento, pensamiento o acción que no la hemos visto ejecutar con maestría en las últimas temporadas y en profundidad específicamente en este segundo episodio.

Por otro lado, sí debo decir que es verdad que aunque para el segundo episodio ya las bases están asentadas y pierde mucho peso, el primer episodio de esta temporada se desencadena por una confianza ingenua entre las dos grandes protagonistas que, si bien es justificable por la relación que tienen desde que se introdujo la serie, también es verdad que no se termina de sentir natural la ejecución y deja al desnudo un guión que posiblemente sufrió cambios durante su desarrollo o durante la huelga de guionistas de hace unos años.

Las sombras de la guerra ya están sobre poniente y esta temporada está empezando a dar las respuestas que mucha gente esperaba desde el primer episodio. House of the Dragon se caracterizó por ser la más política de todas las que componen este universo y también la más lenta. Hasta ahora, hemos visto una guerra fría entre estas dos facciones que tienen parte de la razón y parte del error. Esta temporada será la que desenvuelva todas estas inquietudes.

Es interesante también ver como una serie que siempre intentó posicionar a sus personajes en un incómodo gris que debía definirse por un color, ahora intenta pelearle a la banalidad del mal e introduce el error como concepto fundamental de grandes catástrofes. Mucho de lo que sucede sale de nuevas tramas, de personajes que no quieren hacer lo que hacen y de confusiones de personajes ignorantes que no entienden todo lo que está en juego. Hoy, habiendo hecho una nueva revisión de las dos temporadas anteriores, creo que se valorarán más a futuro de lo que se las valoró en su lanzamiento. Y esta nueva temporada, si sigue con este nivel de calidad, puede profundizar ese proceso.

Aún quedan muchos episodios para finalizar esta temporada, y también sabemos que esta no será la última aparición de estos personajes, ya que la cuarta temporada se encuentra confirmada y representará el final de la serie, posiblemente para el 2027. Sin embargo, y después de una segunda entrega que había dejado más dudas que respuestas, este inicio fue lo que se necesitaba para reactivar la rueda de la expectativa por este universo otra vez.

HBO, y más específicamente Game of Thrones, han puesto la vara de no negociar la calidad en sus producciones. Estos dos episodios cumplen en todos los frentes, y dejan un escenario espectacular para desarrollar en lo que queda de temporada. Toca esperar al próximo domingo para seguir viendo más pinturas de guerra.

Hay una cierta tendencia en el mundo del anime que se viene notando cada vez más: historias de chicas “refinadas” que se involucran en hobbies a los que tradicionalmente no se las asocia. Si esto es o no alguna clase de comentario social sobre las normas de género japonesas, no estoy realmente seguro, pero sí puedo decir que es altamente entretenido y refrescante ver protagonistas mujeres actuando como lo que son y no como vehículos de motivación para un protagonista masculino. En especial cuando se trata de una historia como Young Ladies Don’t Play Fighting Games.

El manga de Eri Ejima comenzó allá por el 2020, y desde entonces siempre estuvo en mi radar. Esto se debe a que, en lo personal, siempre me manejé en círculos relacionados con los juegos de peleas, más aún los que provienen de estudios japoneses. Era inevitable, entonces, que una historia sobre un grupo de chicas de secundario que desafían las normas de su escuela para juntarse a competir en juegos de peleas termine ganando tracción en esos círculos. De todas formas, nunca intenté realmente leer el manga, porque siempre pensé que este tipo de historias, que retratan un hobby tan específico, funcionan mejor en una pantalla, animadas, que en un papel estático.

En esta ocasión, el estudio a cargo de llevar este manga a la pantalla es Diomedéa, que nunca tuvo grandes hits en su haber, pero siempre hizo trabajos correctos. Lo bueno es que el material que adapta se presta muy fácilmente para hacer un anime relativamente tranquilo, sin demasiada exigencia en la animación. Esto no quiere decir que Diomedéa no se luzca, porque lo mejor que muestra Young Ladies Don’t Play Fighting Games en este primer episodio son sus personajes.

Aya Mitsuki, una de las dos protagonistas, es una chica normal que acaba de ingresar a la prestigiosa Academia Kuromi donde solamente asisten las chicas más refinadas. Por supuesto que Aya se siente constantemente fuera de lugar, y sus monólogos internos nos ayudan mucho a meternos en su cabeza durante situaciones incómodas como los almuerzos en grupo donde ella anhela encajar como puede. Todo cambia cuando, una tarde, encuentra a Mio Yorue, la chica más popular de la escuela, encerrada en un aula vacía jugando Street Fighter 6.

Aya y Mio hacen una gran dupla en este primer episodio, más que nada porque aparentan tener personalidades bastante opuestas. Mio es, en la superficie, una chica perfecta, de personalidad calma y estóica. Sin embargo, cuando le gana a alguien online en Street Fighter, desata una catarata de gritos e insultos que la hacen parecer una persona completamente diferente. Todo esto, acompañado por un gran trabajo de animación de Diomedéa para resaltar esos bruscos cambios de personalidad.

La cuestión es que ambas chicas conectan por esa pasión que tienen con respecto a los juegos de peleas, aunque sus motivaciones sean diferentes. Mientras que aún no sabemos exactamente qué la llevó a Mio a adentrarse en este mundo tan particular, Aya nos da una muestra de su historia con los juegos de peleas (y de por qué los dejó) en este episodio. Ahí la dinámica lentamente se va tornando en Mio ayudando, involuntariamente o no, a Aya a recuperar esa pasión que creía perdida.

A grandes rasgos no suena como una historia demasiado original; el género entero de anime de deportes debe estar sobrepasado de narrativas similares. Lo que hace que Young Ladies Don’t Play Fighting Games se destaque tanto es la pasión que muestra por algo tan específico como lo son los juegos de peleas. Tanto Aya como Mio tienen conversaciones con términos completamente técnicos que únicamente los entendería alguien que está en el tema. Se nota mucho que el manga original está hecho por alguien que ama los juegos de peleas.

Lo que principalmente diferencia al anime de esa obra en la que se basa es el juego que Aya y Mio disfrutan. En el manga, es un juego de peleas inexistente y genérico. El anime, en cambio, tiene una colaboración con Capcom para mostrar partidas reales de Street Fighter. Tanto Street Fighter 6 como Street Fighter IV pueden verse en este episodio, y el enfrentamiento entre Aya y Mio está tan bien plasmado que verdaderamente se siente como una partida de dos personas reales, con estrategias reales y reacciones reales. Un podría pensar que es un atajo para la animación, pero lo cierto es que se termina sintiendo como ser el espectador de un enfrentamiento en un torneo común y corriente.

Personalmente, le tenía muchas esperanzas a este anime, y me complace mucho decir que Young Ladies Don’t Play Fighting Games no me decepcionó. Quizás al no estar familiarizado con el material original no puedo saber bien hacia dónde se dirigirá la historia en futuros episodios, pero por lo menos este primer capítulo es el comienzo ideal de un combo que, espero, no se interrumpa.

Dark Scrolls es el nuevo juego independiente desarrollado por Doinksoft y publicado por Devolver Digital que quiere darnos una experiencia desafiante y divertida en un clásico plataformero lateral de acción. Con muchos y diferentes personajes para jugar, elementos roguelites y bastantes secretos, Dark Scrolls se convierte en una interesante propuesta para los amantes del género.

En mis primeros momentos jugando al título tuve algunas sensaciones encontradas. Los controles son toscos, los enemigos aparecen literalmente en nuestros pies y un mal salto puede hacernos perder de un solo golpe ya que la pantalla avanza de manera automática y no podemos quedarnos atrás. Todo este combo hizo que me costara adentrarme en su universo y lo que quería proponer.

Sin embargo, a medida que fui probando distintos personajes y entendiendo sus mecánicas, mi percepción fue cambiando notoriamente. No hay tutorial ni nada similar por lo que por intuición, jugando y a prueba y error, terminé aprendiendo los saltos de cada personaje, sus ataques alternativos y hasta la posibilidad de lanzar un especial cuando alcanzamos cierta cantidad de estrellas derrotando enemigos.

Conseguimos oro, encontramos una tienda en la pantalla y compramos mejoras que tampoco explican cómo funcionan, qué hacen ni cómo se activan. Hasta que jugando descubrís que las mejoras se realizan cuando alcanzamos cierto nivel de estrellas que va de uno a cinco, por lo que lanzar el especial no solo sirve para hacer un poderoso ataque sino también para resetear el estado de nuestras estrellas, empezar de cero y volver a utilizar las mejoras que hayamos colocado en cada ranura.

Acá ya se empieza a ver cierta construcción de personaje y evolución. Un escudo burbuja en el nivel máximo de estrella puede ayudarnos a no sufrir daño en el próximo golpe y si lo combinamos con hadas curativas en el nivel 1, tenemos una forma segura de enfrentarnos a jefes y tener un ciclo de curación y protección. Si en los niveles intermedios ponemos mejoras de ataque podemos hacer más daño de manera más rápida lo que termina acelerando el ciclo de especial y curación de nuestro héroe. Nuestro personaje termina siendo un loop en sí mismo, y ahí entendí el sentido y propuesta del juego.

Los controles de Dark Scrolls son duros y muchas de las muertes que tengamos en el juego son injustas lo que puede ser frustrante. Pero lejos de ser una falla en el desarrollo, siento que es la búsqueda que quiso dar. Muchas veces hablamos de juegos con estética retro que actualizan sus mecánicas para amoldarse a los tiempos que corren y en el título de Doinksoft esta no parece ser la búsqueda sino la de replicar la experiencia de tomar el control, aprender jugando y chocar una y otra vez.

Dicho esto, cuando descubrimos una forma de jugar y estrategia, Dark Scrolls terminó dando toda la vuelta hasta parecerme sencillo si tenemos una build elaborada. También, los personajes cambian mucho la forma de jugar ya que tienen ataques distintos con su propio alcance y maneras de saltar y moverse en el mapa diferentes. El título también puede jugarse de manera cooperativa lo que le da un plus a lo caótico que puede llegar a ser.

Dark Scrolls es un roguelite y sus niveles también se generan de manera aleatoria aunque siempre cumplen ciertas lógicas. Al jugar varias veces cada nivel se nota su similitud estructural que hace que termine solamente variando la presencia de algunos enemigos y la ubicación de ciertas estructuras pero no se produce una experiencia que cambie rotundamente en cada nueva partida.

Lo más interesante que logra Dark Scrolls es colocar ciertas intersecciones entre cada nivel que nos abren nuevas oportunidades y eventos que desbloquean algunos secretos y secciones nuevas. En cada partida obtenemos gemas que podemos cambiar en la aldea por emotes, poderes nuevos que aparecerán en la tienda y personajes. Asimismo, cada héroe tiene misiones de progresos que al cumplirlas ganamos accesorios y gemas entre otras cosas.

Dark Scrolls termina siendo, por todo esto, un juego divertido, simpático y recomendable. Cabe destacar que no hay que esperar de él algo que no es ya que se trata de un título pequeño y su precio de lanzamiento así lo indica también. En mi experiencia, pasé de no entender su propuesta a disfrutarla y querer jugar con cada uno de sus personajes lo que terminó siendo muy satisfactorio.

La espera por Mina The Hollower fue larga. Más de tres años pasaron desde su exitosa campaña de Kickstarter hasta que pudimos jugar la versión terminada. En el medio hubo silencio, el trabajo incansable del estudio que nos dio el fantástico Shovel Knight y una pandemia. Cuando en octubre de 2025, la fecha de lanzamiento original, nos enteramos de un retraso indefinido temimos lo peor, sin embargo el mes pasado llegó el momento esperado. Es posible que a simple vista no lo parezca, quizás por su apartado visual y jugabilidad que nos remonta a la edad dorada de la Game Boy Color, pero estamos ante una de las mejores aventuras de acción de los últimos años y funciona bien en todo lo que se propone.

Mina The Hollower abraza la esencia de los pilares de la industria como The Legend of Zelda o Mega Man y la transforma en algo propio. Todo está construido alrededor de las limitaciones de la legendaria plataforma de 8 bits portátil de Nintendo pero con la experiencia y creatividad de Yatch Club Games. El resultado es maravilloso y se siente desde el primer minuto en la escena del barco. Para cuando hayamos visto pasar los créditos, casi 30 horas después, entenderemos la verdadera profundidad de la propuesta y tendremos ganas de iniciar una nueva partida en el modo New Game+. Pero, ¿qué lo hace tan especial entre tantos juegos independientes con un apartado visual similar y puntajes altos en Metacritic? La respuesta es tan simple como difícil de replicar: cada pantalla que forma el extenso mapeado del juego se siente única, tiene secretos y pequeños puzzles que resolver y a la vez es parte de una construcción más grande y coherente.

De buenas a primeras Mina The Hollower es un juego de acción de mundo abierto. Una vez superado el comienzo podremos recorrer el mapa a nuestras anchas mientras encontramos la forma de llegar hacia alguna de las torres. El camino estará repleto de sectores bloqueados, enemigos, tesoros y secretos. El juego nos da un manual de instrucciones in-game, algunos consejos útiles y deja todo lo demás en nuestras manos. Mina debe reactivar los generadores para devolverle la estabilidad a la Isla Tenebrous y frustrar los planes de Thorne, el villano de turno, mientras derrota monstruos mutantes y jefes espectaculares. La historia tiene varios puntos de inflexión y nos mantiene interesados mientras vamos de batalla en batalla, de hecho hay un par de vueltas de tuerca interesantes y los personajes secundarios tienen un carisma innegable. El mundo se siente vivo, cada zona tiene una identidad propia y los calabozos principales verdaderamente memorables.

A la hora de la acción podemos elegir entre tres armas principales: el látigo con punta de acero (Nightstar) el martillo (Blaststrike Maul) y las dagas (Whisper & Vesper). El primero es el que ofrece mayor rango pero limita la movilidad dejándonos quietos mientras dura la animación de ataque. El segundo ofrece el mayor daño a costa de una velocidad de ataque lenta, pero a la vez es el único que nos permite esquivar con un roll mientras cargamos el golpe. Finalmente, las dagas intercambian poder por agilidad, son ideales para atacar rápidamente y replegarse. No hay un arma mejor que otra, hay que elegir la más apropiada para nuestro estilo de juego. Más adelante podremos comprar o encontrar dos armas más: un escudo (Guardian Casket) y una espada/pistola (Battery Buster). Estas ofrecen una experiencia más completa, compleja y, a mi criterio, superior que las primeras tres. El escudo es el único que puede hacer “parry” y contraatacar, luego cuando lo mejoramos se puede arrojar y transformar la acción casi en una película de Marvel. La Battery Buster funciona como una espada normal, al atacar enemigos recarga la munición que nos permite disparar a distancia hasta cinco tiros seguidos, con posibilidades de cargar un disparo más poderoso si encontramos la mejora oculta.

El sistema de progresión es tradicional. Al derrotar enemigos juntaremos sus huesos que cumplen la función de experiencia y dinero a la vez. Cuando conseguimos la cantidad necesaria para subir de nivel nos darán la opción de mejorar el ataque, la defensa o el daño de las armas secundarias. Si no estamos seguros podemos depositarlos en nuestra bóveda, que sería la cuarta opción. Cada vez será más caro subir de nivel, pero el precio de cada mejora subirá sólo si compramos la anterior. En otras palabras, subir solo daño será más caro que ir subiendo un parámetro a la vez. Además podremos equipar hasta cinco accesorios que pueden modificar radicalmente nuestra experiencia haciendo que, por ejemplo, podamos saltar más alto, correr por las paredes, rebotar una vez al caer al vacío o curarnos el doble de rápido. Algunos accesorios se pueden comprar pero los mejores están bien escondidos, haciendo que la exploración sea un desafío bien recompensado. Algunos son premios por completar minijuegos ocultos como las carreras del espectro o el infame (pero nunca aburrido) juego de saltar sobre las argollas de luz.

Los combates son rápidos y premian el arrojo por sobre la precaución. La más clara evidencia es la mecánica de curación. Ésta depende de frascos que se van rellenando de plasma a medida que atacamos o juntamos flores amarillas. Al recibir daño nuestra barra de vida queda marcada en amarillo, esa cantidad podemos recuperar rápidamente si tenemos suficiente plasma en el frasco. Si no estamos atacando los frascos directamente no nos curarán y terminaremos perdiendo la batalla. La animación de curación es larga y si nos atacan durante ella perderemos no sólo el frasco sino el plasma que habíamos juntado. Eso significa que habrá que esperar el momento justo para curarnos, mientras tanto sólo nos queda pasar por debajo de los ataques ahuecando el suelo. La única mecánica para evitar el daño es zambullirnos por debajo de los enemigos cavando rápidamente. Esto se hace manteniendo el botón de saltar, al tocar el piso empezaremos a cavar por debajo y podremos movernos libremente por unos segundos. Al soltar el botón Mina volverá rápidamente a la superficie, si no lo soltamos lo hará igualmente al quedarse sin aire.

Mina The Hollower funciona bien en todos los frentes y ese es uno de sus puntos más fuertes. Desafía lo suficiente como para mantenernos al borde del sillón pero no tanto como para desalentarnos. Nos da las herramientas para superar la dificultad con habilidad o bien comprando mejoras, “tanqueando” el juego podríamos decir. Sin embargo, siempre tiene algún desafío extra a la vuelta de la esquina. Puede ser un cofre que no sabemos cómo alcanzar o un jefe oculto que nos sorprende luego de una inspirada sección de exploración. Cada jefe principal está precedido por un calabozo único, que ostenta no sólo un criterio cuidado sino un diseño realmente exquisito. No hay mapeados parecidos, son temáticos en lo estético y en lo jugable. Siempre sorprendiendo por su belleza y también por su propuesta en general, inclusive cuando cambia momentáneamente la jugabilidad o nos toma por sorpresa. Y cuando las cosas se complican por demás, o simplemente no podemos disfrutarlo por algún pico de dificultad, hay un sinfín de opciones de accesibilidad y modificadores para adaptar la propuesta a nuestras necesidades particulares.

Yacht Club Games volvió a sacudir el mundo del gaming con un título sólido, divertido, desafiante y visualmente hermoso. Mina The Hollower es tan extenso como exquisito. Cada segmento del mapa se siente cuidadosamente tallado del mismo mármol que conforma su mundo. Nada está fuera de lugar, ningún escenario o calabozo está hecho a las apuradas o tiene algo que envidiarle al próximo o al anterior. No hay tampoco un orden para jugarlos ni un arma que domine al resto, la sensación de balance es maravillosa y las treinta horas de juego que suele durar la aventura se pasan en un abrir y cerrar de ojos. Es un juego que puedo recomendarle a cualquier tipo de jugador que no arrugue la nariz al ver gráficos de pixel art y esté dispuesto a someterse a las limitaciones de aquellos legendarios 8 bits. Sin duda es uno de los mejores juegos del año y, me animo a afirmar, se ganará un lugar en el podio de los mejores de la década.

Después de que Andy le regalara sus juguetes a Bonnie, y que Woody decidiera emprender una nueva etapa junto a Bo, Toy Story regresa y continúa siendo transgresora. Recordemos que en 1995 se convirtió en el primer largometraje realizado por computadora y cambió por completo la forma de narrar. También rompió con la regla de que las secuelas o terceras partes no siempre funcionan. Esta vez, se mete con un tema que atraviesa prácticamente a todos los padres de la actualidad: la relación de los chicos con la tecnología.

Uno de mis miedos era que la película cayera en un discurso simplista o en una nostalgia exagerada que sugiera que todo tiempo pasado fue mejor. Pero los creadores del film entienden que esto no es tan sencillo. De hecho, acá no se demoniza a las pantallas pero tampoco se idealiza el pasado. En lugar de presentar al Ipad como el enemigo, nos propone una reflexión sobre la búsqueda de equilibrio entre el tiempo en que los niños pasan frente a dispositivos y el valor que sigue teniendo el juego tradicional, la imaginación y los vínculos que se construyen a través de ellos.

El film está dirigido tanto a los niños como a los padres con un mensaje que busca generar conciencia sobre un tema actual, pero sin buscar culpables y tratando de mantener una mirada crítica en todo momento. Lo que plantea es una conversación necesaria sobre cómo convivir con la tecnología en el mundo moderno.

En ese sentido, Bonnie toma mucho más protagonismo y nos recuerda a films de Pixar como Intensamente en donde se muestran las distintas etapas por las que atraviesa y los cambios típicos de la edad. Mientras que en las primeras películas la personalidad de Andy quedaba en un segundo plano, el conflicto personal de esta nena se convierte en el centro del relato.

Por otro lado, en Toy Story 5 Jessie es nuestra protagonista. Después de que Woody dejara la habitación para emprender nuevos desafíos, la vaquera tiene la difícil tarea de alejar a Bonnie de su nuevo juguete: Lilipad. Esta “villana” funciona como casi todos los antagonistas de la franquicia en donde ella verdaderamente cree que está haciendo lo correcto y quiere que la nena haga amigos de la única forma que cree posible: online.

Con todo este combo que deprime un poco a papás que no saben cómo manejarse frente al uso de pantallas, Toy Story 5 sigue siendo divertida pero se inclina mucho más hacia el drama. Quizás este sea el aspecto que más se extraña de las primeras entregas, que estaban construidas alrededor de una sensación constante de aventura y descubrimiento, con un enfoque más claramente orientado al público infantil.

En definitiva, la aparentemente última película de Toy Story encuentra una razón para existir al hablar de un tema sumamente actual. Entiende los desafíos de crecer en un mundo dominado por la tecnología, que apuesta por el equilibrio en lugar de los extremos y que demuestra que todavía hay historias interesantes por contar dentro de este universo. Puede que tenga menos aventura que las anteriores, pero lo compensa con una mirada más emotiva para los tiempos que corren.

El mundo de las artes marciales mixtas está pasando por una nueva edad de oro. La UFC cuenta con suficiente talento, además de un extenso semillero de luchadores, como para mantener el interés en todas sus categorías de peso. Su crecimiento en los últimos diez años ha sido exponencial y, en el campo del gaming, venía haciendo falta un juego que refleje la actualidad del deporte de contacto. Casi tres años después de su última entrega, EA Vancouver nos vuelve a traer una versión actualizada de su propuesta de combate con algunas mejoras, un roster actualizado y la misma adrenalina de siempre.

De buenas a primeras, EA Sports UFC 6 se ve y se siente continuista pero en el mejor de los sentidos. EA Vancouver se enfocó en construir sobre todo lo bueno de la entrega anterior y elevó la propuesta con un par de mecánicas nuevas. Esto significa un apartado visual impactante, un esquema de control realista que garantiza la inmersión y un modo “Flow” que puede definir el rumbo de un combate. También trae una campaña cinemática llamada “The Legacy” y, como era de esperar, incluye una versión mejorada del sistema de daños en tiempo real que debutó en EA Sports UFC 5, con lesiones y heridas que no sólo se reflejan en el cuerpo de los atletas sino que también influyen en su desempeño.

Se nota que fue desarrollado para los fans de la UFC y lo vamos a notar en cada detalle. Por ejemplo, la semana previa a un evento oficial se habilita “Fight Week”, un prode con contratos exclusivos en los que enfrentaremos situaciones desfavorables en pos de sumar algunos créditos, que nos dejará vaticinar los resultados del próximo evento principal para ganar recompensas. Otra gran adición es una suerte de museo interactivo llamado “Hall of Legends” en el que podemos repasar la carrera de tres atletas legendarios, en este caso Max Holloway, Alex “Poatán” Pereyra y Zhang Weili. Cada uno cuenta con un escenario virtual ambientado en el trasfondo de cada luchador con paneles de récords, videos documentales inéditos en los que explican su pasado y sus cualidades únicas y un repaso por sus peleas más importantes. Al cierre de cada segmento podremos revivir una de sus batallas y recrear las circunstancias de su victoria para conseguir recompensas cosméticas y experiencia, no sólo para el pase de batalla sino para nuestro gimnasio.

EA Sports UFC 6 no destaca únicamente por su novedades, sino por ofrecer una experiencia de juego realista sin dejar de lado a los jugadores que recién se inician en el mundo de las artes marciales mixtas. Para eso cuenta con un esquema de control simplificado ideal para principiantes que condensa en dos botones los golpes de puño y las patadas, dejando la complejidad para el juego de piso y la defensa pero permitiendo breves ralentizaciones para defender intentos de derribo. Este esquema, sumado a las opciones de accesibilidad y otras simplificaciones desactivables, hacen que iniciarse sea todo un placer. Sin embargo, es recomendable dar el salto a la configuración más compleja lo antes posible. Así es posible controlar las cuatro extremidades de forma independiente y aprovechar las combinaciones para efectuar golpes precisos como ganchos, volados, codazos o dirigir patadas a las diferentes partes del cuerpo. Lo mismo sucede a la hora de defender, contraatacar y luchar en el piso. Una vez superada la barrera inicial es mejor concentrarse en aprender los controles en toda su complejidad.

En cuanto a las modalidades de juego incluidas, tenemos el clásico modo carrera en el que podemos llevar a un jugador (real o creado por nosotros) hacia la cima del ránking libra por libra. Comenzamos peleando fuera de la UFC y de a poco nos hacemos notar hasta conseguir el primer contrato. Desde ahí iremos escalando posiciones dependiendo de nuestro desempeño, firmando condiciones especiales para ganar más popularidad y dinero. Estas son simplemente misiones secundarias, por ejemplo completar el contrato sin recibir lesiones o ganar tres combates seguidos por nocaut. A la hora de jugar volvemos a gestionar los siete días de la semana durante el campamento, asignando días para entrenar o manejar redes sociales. El entrenamiento puede ser en la bolsa pesada o en alguna de las cuatro disciplinas principales: lucha, jiu jitsu, boxeo o muay thai y tienen objetivos rotativos que cumplir durante los tres minutos que dura cada sesión. Esto nos dará puntos de progresión que, a su vez, podremos invertir para mejorar las estadísticas de nuestro personaje.

El modo carrera es divertido y cumple con creces su función. Sin embargo, las opciones de entrenamiento siguen teniendo sabor a poco. Podemos estudiar al oponente “mirando videos” que en la práctica se reduce a gastar tiempo para revelar sus fortalezas, debilidades y costumbres a la hora de pelear. No hay ni siquiera un minijuego o un mínimo video real mostrando lo que estamos haciendo, todo sucede en el mismo menú. En cambio, si queremos aprender un movimiento nuevo sí habrá que practicarlo varias veces contra nuestro compañero de sparring. Lo mismo sucede con la parte de gestión de redes sociales para generar hype y más fans, elegimos “participar de un podcast de UFC” y perdemos tres días de la semana pero no se traduce a un momento de jugabilidad ni algún tipo de actividad jugable, hacemos click e intercambiamos días por fans. A veces recibiremos misiones adicionales a través de nuestro entrenador o redes sociales, desafíos o inclusive que suman un poco de variedad al asunto pero todo se limita a responder un texto prediseñado y hacer lo necesario en el próximo combate.

El modo The Legacy es ideal para empezar a jugar. Es una versión simplificada del modo carrera que nos cuenta la historia de Chris Carter, con traiciones y drama incluido, que es tan breve como entretenida. Es un poco más fácil, al protagonista lo llaman de UFC rápidamente y en un par de peleas ya le dan la chance de conseguir el cinturón de su categoría contra el actual campeón Sean Strickland. Sirve como un buen entremés y es una adición bienvenida para el título de EA Vancouver. Lo mismo podemos decir del modo “Hall of Legends” que entretiene e informa por partes iguales, aunque limitarlo a 3 luchadores nos deja con sabor a poco. Finalmente tenemos el modo “Flow” que activa una habilidad especial (preestablecida para los luchadores reales) que debemos desbloquear, elegir y equipar de antemano. Lo bueno es que no nos da una ventaja irreal por sobre el oponente, de hecho seguimos recibiendo daño y gastando stamina con cada acción, pero si la usamos bien puede llegar a cambiar el rumbo de un combate. Por ejemplo, ayudarnos a agilizar las transiciones en el piso, a recibir más castigo sin ser noqueado o a generar más daño con los contraataques. Para llenar la barra de Flow hay que ejecutar ciertas acciones que tienen que ver con el estilo del personaje, ya sea esquivar o conectar jabs consecutivos, no es algo que salga tan fácil o por casualidad y suma bastante al ritmo de juego.

Finalmente, está el modo Gym en el que podemos gestionar nuestro propio gimnasio e ir reclutando a más de un centenar de luchadores reales. Esto incluye no sólo al roster actual de UFC, sino a varios que se retiraron hace relativamente poco tiempo. Cada uno cuenta con su estilo de guardia, ataques y postura. No se ve igual tirar una patada a la cabeza con Conor McGregor que si estamos usando a Santiago Ponzinibbio o King Green. Esto le da una dosis extra de realismo más que bienvenido. Cada personaje cuenta con su propio “pase de batalla” pequeño en el que irá desbloqueando ítems cosméticos a medida que sube de nivel, ya sea porque lo usamos en combate o porque asignamos a un entrenador que le dará experiencia de forma pasiva. A esto se le suma la posibilidad de organizar un evento propio con lujo de detalles, ya sea en formato clásico de UFC, aplicando las reglas de Muay Thai o simplemente combates callejeros.

EA Sports UFC 6 supera a su antecesor en todos los aspectos y ofrece una experiencia completa para los fans de las artes marciales mixtas. Es cierto que el modo carrera necesita un lavado de cara, en especial sus menúes que se traban y responden con lentitud, pero no terminan de opacar la propuesta en general. Es un juego pensado para un nicho de fans que necesitaba una versión actualizada del único juego de peleas licenciado y bien realizado de MMA. Las nuevas incorporaciones se amoldan bien al producto y son divertidas, en especial para los conocedores del deporte de contacto. Es un buen juego de peleas que se vuelve indispensable para los fans de la UFC, en especial si tienen amigos para organizar un evento privado y armar una noche de peleas.

Copa City es el nuevo juego del estudio Triple Espresso S.A. que nos pone como organizadores de partidos de fútbol. El título es un juego de gestión, estrategia económica y management que nos invita a preparar distintas ciudades antes de un partido. Con varios elementos que me sorprendieron para bien y otros que opacan la experiencia, Copa City se convierte en una entrega tan errática como interesante.

Antes de revisar el juego y habiendo visto muchos de sus tráilers previos a su lanzamiento, una sensación que siempre tuve era que nos íbamos a encontrar con una jugabilidad directa y sin tanta profundidad ya que la misma noción de preparar una ciudad para un partido de fútbol me parecía un limitante fuerte. Sin embargo, algo que pongo como positivo es que me sorprendió la cantidad de variables que Copa City pone en funcionamiento.

La lógica central del juego es comenzar varias semanas antes de un partido específico de fútbol que puede ser un amistoso, un partido benéfico, hasta una final del mundo. Tomando en cuenta esto, cada uno de los contextos afecta lo que vamos a tener que hacer. Por ejemplo, los aficionados se dividen en Ultras, Familiares e hinchas. Según el tipo que predomine, vamos a tener que preparar la ciudad de manera diferente.

Los ultras van a requerir seguridad ya que su presencia puede espantar a los familiares. Asimismo, las fan zone deben tener el suficiente entretenimiento para dejar contento a los hinchas que viajaron de distintos países para ver el encuentro. Si la rivalidad entre las hinchadas es marcada o el partido es muy importante, tendremos que planificar la división de la ciudad para que todo esté segmentado y no haya cruces entre hinchadas.

Más allá de la ciudad y lo que suceda fuera del partido, el estadio también es nuestra competencia teniendo que alquilar y dividir las tribunas como nos parezca conveniente. Separar las gradas entre tipo de hinchas y estructurar los puestos que tendrá en su entrada como la zona de catering. Al mismo tiempo, muchas estructuras nos requerirán la formación de voluntarios que puedan trabajar en los establecimientos.

Todo esto en conjunto forman una experiencia con mucha más profundidad de la que imaginaba previamente y muchas decisiones me parecieron ingeniosas. Copa City tiene algunos equipos licenciados de lanzamiento como Flamengo, Arsenal, Bayern Múnich, Beşiktaş y Olympique de Marsella, y se esperan que lleguen más en el futuro. Lo interesante de esto es que el juego no solo retrata a los equipos sino también a las ciudades de cada uno logrando que hayan algunos detalles bien logrados como estar gestionando El Maracaná con el El Cristo Redentor en la lejanía.

Mencionadas las cosas positivas, toca centrarse en los puntos que, a mi juicio, terminan entorpeciendo mucho la experiencia. Todo juego de gestión necesita de un buen tutorial y, sobre todo, cuando no sos una franquicia que lleva mucho tiempo en la industria. Siempre es un género que necesita de sus horas previas de lectura y primeros pasos para entender los puntos centrales de la experiencia.

En el caso de Copa City, el tutorial se me hizo insuficiente y muy poco intuitivo. La campaña principal se divide en distintos partidos y siempre hay misiones principales y secundarias que te intentan guiar hacia los siguientes pasos que debemos tomar. En más de una oportunidad me encontré sin saber cómo realizar una acción que el mismo juego pedía y con la necesidad de tener algún tipo de códice o manual para revisar, que el juego no posee.

No cumplir la misión principal en el tiempo establecido produce el fin de la partida y muchas veces terminé perdiendo sin entender por qué y hasta sin tener posibilidades reales de lograr lo que la misión pedía, teniendo que reintentar una y otra vez hasta dar en la tecla en base a prueba y error. Incluso, llegué a perder por distintos bugs que puedo entender que serán corregidos con actualizaciones.

Todo juego de gestión debe ser difícil o, al menos, tener un proceso de aprendizaje complejo porque estamos ante un género con sus peculiaridades. Pero una cosa es tener una evolución de aprendizaje y otra muy distinta, ser frustrante por un mal proceso de enseñanza y evolución del progreso.

El tutorial en sí tampoco es el único problema porque la interfaz en general también deja mucho que desear. Muestra muy poca información y nunca llega a ser intuitiva. En un juego donde los datos y el control de todo marca la diferencia, una mala muestra de información es motivo suficiente para complicar una experiencia.

Por todo esto, encuentro en Copa City una dualidad muy marcada. Por un lado, me parece destacable lo ingeniosos de sus mecánicas y variables, y hasta algunas decisiones artísticas muy divertidas como ver a los hinchas con las banderas de un equipo deambulando por las calles de la ciudad. Pero por el otro lado, una estructura y diseño de interfaz y tutorial que hace bastante frustrante la experiencia.

Habrá que ver si Triple Espresso S.A. toma cartas en el asunto y resuelve algunas de estas cuestiones de base ya que realmente considero que tienen puntos fuertes para mostrar, mejorar y destacar. Copa City salió para PC, PlayStation 5 y Xbox Series.

Nintendo vive un momento particular con sus franquicias y los títulos que llegan de manera exclusiva a su consola. No es solo la nueva generación de consolas, sino también su intención de expandir sus IPs más allá de los horizontes de los videojuegos y generar un esquema donde sus personajes impacten en un paquete mucho más masivo. En ese sentido, es muy notorio como hoy Mario, Donkey Kong e incluso Zelda están siguiendo el camino de Pokémon y buscan imponerse en la cultura popular fuera de los videojuegos.

Este año hay una gran apuesta por generar que Yoshi pueda realizar ese salto también. En un principio, siendo el fichaje principal para complementar la acción de Super Mario Galaxy: La Película, y en un segundo lugar, teniendo un videojuego protagonizado por sí mismo de manera exclusiva en el primer año de la Nintendo Switch 2. En ese contexto aparece Yoshi and the Mysterious Book.

Yoshi and the Mysterious Book es un videojuego de plataformas en 2D, pero diría que es una experiencia no convencional en este género. En esta historia, el Profesor Leo, un libro parlante que llega la isla donde viven los Yoshi se encuentra con la intriga y la intención de recorrer sus propias páginas para conocer a las diversas criaturas que viven en sus páginas. Será nuestra misión entonces ayudarlo e ir, punto por punto, recorriendo este libro desde adentro.

Mientras tanto, Bowser Jr. estará acompañado de Kamek también para intentar conseguir a una criatura en particular que puede ayudarlos en sus planes de dominación mundial. Que el villano principal del juego sea, justamente, Bowser Jr., también nos da una indicación muy fuerte de que este juego se pensó específicamente como puerta de entrada a un montón de pequeñas personas que conocerán a los personajes primero en el cine.

Lo que hace que este juego sea no convencional en cuanto a las plataformas, es que no tenemos grandes niveles en los que tenemos que avanzar. Más bien tenemos zonas libres que tenemos que descubrir: cada nivel no solo requiere conocer un personaje, sino interactuar con él de todas las formas posibles y conocer las reacciones tanto del personaje como del entorno. Esto nos da una libertad absoluta a la hora de jugar cada nivel y nos permite disfrutar del juego al ritmo que cada uno quiera.

A medida que vayamos descubriendo las particularidades de cada una de las criaturas, se irán desbloqueando logros que quedarán impregnados en las páginas del libro. A su vez, cada logro nos da una cierta cantidad de estrellas que son las que se van sumando para poder desbloquear nuevos hábitats o criaturas para, a su vez, seguir jugando. Esto ya genera una cantidad de contenido muy grande, porque completar cada una de las criaturas con absolutamente todos los logros y sacar todas las estrellas son decenas de horas de diversión. Hay más de ocho mundos por recorrer y varios modos en el post-game para disfrutar y complementar esto, así que la rejugabilidad es uno de los factores que caracteriza a esta nueva experiencia de Yoshi.

Lo que más sorprende de esta experiencia es el uso de las físicas y la libertad total que se otorga al jugador mediante las mismas. Cada logro se puede cumplir en el nivel que corresponde a esa criatura, u en otros niveles donde la criatura vuelva a suceder porque lo importante es lograr la acción. A su vez, no hay una sola forma de cumplir los desafíos si no que hay una sensación constante de poder resolver las cosas a nuestra manera, algo con lo que coqueteaba Super Mario Bros. Wonder pero que no llegaba a ese nivel de pulido.

Poniendo de ejemplo el juego de Mario, su capacidad de transformar todo lo que sucedía en un nivel en segundos es lo que lo hacía parecer tan intrigante respecto a experiencias pasadas. Este juego, sin tener tanta espectacularidad de por medio, nos deja en claro que el piso de la Nintendo Switch 2 es mucho más alto. Es una gran demostración técnica a futuro.

Sí un elemento clave de este juego es que es una experiencia de “tomalo o dejalo”. Más allá de los condimentos especiales de cada hábitat y criaturas, la fórmula es exactamente la misma desde el primer nivel hasta el último y en ese sentido es un juego que puede encantarte completamente o aburrirte a los 15 minutos: lo que te genere, dudo mucho que cambie en el resto de las 20 horas de juego.

Mención especial para los últimos niveles de cada hábitat, que resultan ser batallas con enemigos, con la participación de Bowser Jr. y Kamek, y suelen ser, además de niveles normales, enormes batallas que requieren de tu habilidad, convirtiéndose por momentos en un juego más de acción y aventura que de plataformas en sí mismo.

Yoshi and the Mysterious Book está entre los mejores juegos que nos ha dado el personaje y aprovecha muy bien la tecnología de Nintendo Switch 2 para entregarnos algunos destellos de grandeza en cuanto a las plataformas en 2D. Situaciones que en Super Mario Bros. Wonder parecían un cambio de generación, hoy son la base con la cual se forman los videojuegos en Nintendo Switch 2 y eso deja la vara muy alta de cara a los próximos videojuegos no solamente de este personaje.

Después del anuncio de Star Fox y el remake de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, es claro que Nintendo está apostando más que nunca a la mezcla de cantidad y calidad para esta generación, entregando un calendario muy completo de videojuegos y también combinándolo con lanzamientos de cine o apariciones en las películas que sacan. Yoshi and the Mysterious Book es el primer gran acierto de eso.

Octopath Traveler tenía una idea buenísima, pero no necesariamente la aplicaba de la mejor forma. Su estructura de ocho protagonistas, ocho historias y un mundo compartido era muy atractiva conceptualmente, pero en la práctica muchas veces se sentía fragmentada, con personajes que convivían más por sus sistemas que por su narrativa. Octopath Traveler II, para mí, fue el ejemplo de cómo volver sobre esa misma fórmula sin romperla, pero entendiendo exactamente qué había que ajustar. No cambió la identidad de su primera entrega, sino que la refinó. Integró mejor a sus personajes, hizo que sus historias se sintieran menos aisladas y terminó convirtiendo una gran idea en un juego mucho más redondo.

Algo parecido pasa con Bravely Default II, que agarró una estructura clásica, muy reconocible, y la llevó a su versión más pulida. Algunos dicen que el primero es mejor, pero están objetivamente, bajo mi opinión, equivocados. Por eso era difícil no mirar con expectativas a The Adventures of Elliot: The Millennium Tales, ya que venía de una línea de juegos que parecían entender cómo modernizar las estructuras clásicas sin perder aquello que realmente las hacía funcionar.

Y quizás la mejor forma de explicar lo que me gusta de The Adventures of Elliot es -irónicamente- hablar primero de lo que no me gusta. Porque este es un juego que intenta mezclar muchas cosas a la vez, y no todas terminan de encontrar su lugar. Hay ideas de RPG, de aventura clásica, de acción, de exploración, de mundo abierto y de estructura narrativa con misiones principales y secundarias. Algunas de esas partes chocan entre sí. Otras se sienten menos desarrolladas de lo que deberían. Pero dentro de esa ensalada hay suficientes cosas que sí funcionan como para que la experiencia, en líneas generales, sea recomendable.

Lo mejor de The Adventures of Elliot, entonces, es la aventura. No me refiero a esa exploración entendida solamente como “perderse en el mapa”, sino a la combinación de todo lo que pasa mientras estamos recorriendo ese mundo. Es decir, moverte por distintos escenarios, volver a lugares donde ya estuviste pero con pequeñas diferencias, encontrar caminos nuevos, conseguir mejoras, pelear, usar herramientas, experimentar con Fairy y avanzar con esa sensación constante de que siempre hay algo más para hacer.

El gameplay arranca de una forma bastante básica, casi como un Zelda clásico. Tenés una espada, tenés un escudo, bloqueás ataques, esperás que el enemigo se exponga y pegás cuando aparece la oportunidad. Es un punto de partida simple, reconocible, incluso un poco seguro, como una zona de confort. Pero rápidamente empieza a mutar hacia algo mucho más interesante.

El juego no solo te da distintas armas, sino que cada una intenta cumplir un propósito diferente. Hay espadas, lanzas, martillos, arcos, bumerangs, bombas y herramientas con usos más específicos. La hoz, por ejemplo, permite atacar en área a distancia y sirve para mantener alejados a grupos de enemigos. La lanza funciona mejor en línea recta. El martillo sirve para stunear. En teoría, cada arma tiene un lugar, una utilidad, una situación donde puede brillar.

Fairy funciona casi como un pseudo segundo personaje que controlás al mismo tiempo que a Elliot, y lo más sorprendente es lo intuitivo que resulta. Mientras movés a Elliot con el stick izquierdo, podés mover a Fairy con el derecho, y con botones como L1 activás sus poderes. Puede prenderse fuego para atacar enemigos, puede darle velocidad a Elliot, puede aportar distintas habilidades que modifican el ritmo del combate y también la forma en la que te movés por el mundo.

Ahí el juego cambia. Lo que empieza como un combate basado en cubrirse y atacar se transforma en algo mucho más ofensivo, rápido y activo. Elliot deja de ser simplemente un personaje que espera el momento correcto para golpear. Junto con Fairy, puede tomar la iniciativa, moverse por todo el escenario, usar habilidades, combinar armas y tratar de eliminar enemigos antes de que tengan siquiera la oportunidad de atacar.

No es la única forma de jugar. Probablemente se pueda terminar el juego usando casi siempre la espada y el escudo, e ignorando bastante a Fairy. En Metal Gear Solid V: The Phantom Pain también podemos avanzar sin utilizar el sigilo, si vamos al caso. Pero el punto es que el juego te da la posibilidad de jugar de una forma mucho más divertida. Y cuando usás todas esas herramientas en conjunto, el combate se vuelve uno de los puntos más fuertes de la experiencia.

El problema es que esa profundidad no siempre encuentra el mejor lugar para brillar. Me explico: la variedad de enemigos es bajísima, casi nula, y eso hace que muchas de esas herramientas no se sientan tan necesarias como deberían. El juego te da muchas formas de encarar las peleas, sí, pero muchas veces no pone del otro lado desafíos lo suficientemente distintos como para obligarte a cambiar de estrategia.

Y es que hay una contradicción bastante clara, donde el sistema de combate parece tener más ambición que el diseño de enemigos. Las mecánicas están ahí, son tácitas, palpables, las posibilidades también, pero el juego no siempre las explota. Aun así, incluso con esa limitación, pelear sigue siendo divertido. Se siente bien moverse, combinar ataques, usar a Fairy, cambiar de arma y encontrar formas más rápidas o efectivas de limpiar una zona. Es cuestión de encontrarle la vuelta.

The Adventures of Elliot: The Millennium Tales juega con distintas épocas de tiempo, moviéndose entre el pasado y el futuro gracias a puertas repartidas por el mapa. En la práctica, esto funciona como una forma de reutilizar escenarios con algunos cambios, como zonas que antes estaban congeladas y ahora se pueden atravesar, caminos que antes no estaban disponibles o lugares que cambian lo suficiente como para permitirte encontrar algo nuevo.

No voy a mentir, sé que es una idea que tiene algo de reciclado, sí. Y el juego no siempre la explota con toda la profundidad que podría hacerlo. Este “sistema de edades” no es necesariamente el gran corazón de la experiencia, ni siempre se siente tan importante como el juego parece creer. Pero funciona lo suficiente porque está sostenido por una gran jugabilidad. La jugabilidad siempre es clave.

En ese sentido, el mundo se siente más como un espacio abierto con espíritu de collectathon que como una exploración perfectamente diseñada alrededor de grandes descubrimientos. Vas de un lado a otro, encontrás cofres, buscás mejoras, conseguís más vida, volvés a zonas con herramientas nuevas y completás objetivos secundarios. Lo que hace que eso no se vuelva pesado (al menos durante buena parte de la aventura) es que moverse, pelear y usar a Fairy es genuinamente divertido. Parece como si estuviese pensado para ser un equilibrio justo.

La música también ayuda muchísimo. Magnifican la experiencia. Es increíble, de lo mejor del juego lejos, y acompaña esa sensación de aventura mucho más de lo que la narrativa logra hacerlo. Hay temas que levantan la exploración, que hacen que ciertos escenarios se sientan más grandes o más emocionantes de lo que son, y consiguen que el hecho de recorrer el mundo tenga una energía especial incluso cuando el diseño no está haciendo nada demasiado novedoso.

La parte de “Adventures” en The Adventures of Elliot es la mejor parte de The Adventures of Elliot, si me permiten el parafraseo. Es cuando estás jugando durante mucho tiempo a ese contenido que, en teoría, podría sentirse secundario, cosas como recorrer mapas, buscar secretos, conseguir mejoras, limpiar zonas, probar herramientas y dejarte llevar por el ritmo del mundo.

Porque, en general, en este tipo de aventuras explorás para fortalecerte, para prepararte contra un gran enemigo, para resolver una problemática más grande, para acompañar el desarrollo de los personajes o para empujar una historia que justifique el viaje. Y ahí es donde este título comienza a mostrar sus fallas.

Narrativamente, el juego es débil, no hay mucha vuelta para darle. No tiene mucho para ofrecer y lo poco que tiene se siente raro, como si no estuviese bien explicado. La historia es extremadamente predecible si jugaste dos o tres títulos similares. Sorpresivamente, no necesariamente parece interesada en ocultarlo, pero eso no evita que varios de sus supuestos “momentos reveladores” se vean venir diez horas antes, o incluso más. No hay un gran giro, no hay una sorpresa importante, no hay una vuelta de tuerca que cambie realmente la lectura de la aventura. Es todo extremadamente plano.

Es una historia que ya vimos muchas veces. Y eso no sería necesariamente un problema si estuviera contada con fuerza, con personajes memorables o con momentos realmente potentes. Pero tampoco es el caso, lamentablemente.

La mayoría de los personajes no se sienten como personajes reales. Se sienten más como piezas puestas ahí para mandar a Elliot a otra aventura, como un NPC soso, sin peso ni importancia. Muchos existen para darte una misión, explicarte el próximo objetivo o justificar que tengas que ir a otro lugar. Pero rara vez transmiten vida propia, una preocupación real o una relación creíble con el mundo que habitan. Están como desconectados del contexto.

El rey es un buen ejemplo de esto, para explicarme mejor. En teoría, hay problemas enormes ocurriendo en su reino, pero su participación muchas veces se reduce a mandar a Elliot a resolverlos. Y en retrospectiva, esto se siente todavía más raro porque Elliot no es exactamente una figura fundamental para él al comienzo. Es, básicamente, un don nadie al que el juego decide cargarle responsabilidades gigantes porque necesita que la aventura siga avanzando.

Eso pasa con buena parte del elenco. No digo que arruinan el juego, pero tampoco lo elevan. Algunos podrían ser interesantes, pero aparecen poco y nada. Otros están ahí para cumplir una función concreta dentro de la historia y desaparecen sin dejar marca. La excepción está en Elliot y Fairy, que son lo más interesante del costado narrativo del juego y los únicos que realmente logran sostener parte del viaje.

El vínculo entre ellos funciona porque también está conectado con lo jugable. Fairy no es solamente un personaje que aparece en cinemáticas o diálogos, sino que es una herramienta constante, una presencia mecánica, algo que modifica cómo jugás. Y eso hace que su relación con Elliot tenga más peso que la del resto del elenco. No porque la escritura sea brillante, sino porque el juego consigue que esa conexión exista también en el gameplay.

NBA THE RUN llega de la mano del estudio Play by Play Studios y se trata de un interesante y divertido juego de básquet que enfrenta a dos equipos de tres jugadores en partidos callejeros. Con la presencia de muchos jugadores reales y bien representados y una jugabilidad tan frenética como arcade, el título quiere traer a la actualidad una experiencia que ya no es tan habitual en la industria.

Tanto por su propuesta como aspecto gráfico, podemos considerar a NBA THE RUN como el sucesor espiritual de NBA Street y, en parte, esto es real ya que el estudio cuenta con desarrolladores veteranos de dicha franquicia. Algo para destacar del estudio, y que no es algo menor, es que el juego tiene la licencia oficial de la NBA, lo que le permite contar con un gran repertorio de jugadores de lanzamiento. Teniendo en cuenta que Play by Play Studios es un estudio nuevo y pequeño, vuelve esto muy valorable.

Entrando en el gameplay hay varias cosas para mencionar porque por un lado, disfruté mucho de los partidos y su jugabilidad pero, por otro, tengo ciertas dudas sobre su profundidad y futuro. Como bien mencioné anteriormente, NBA THE RUN es un juego arcade donde dos equipos de tres jugadores se enfrentan en distintos modos de juego que siempre son torneos de eliminación directa en cuatro rondas.

Las modalidades principales son Knockout Solos donde participamos del torneo manejando a todo el equipo de manera individual y Knockout Squads donde cada jugador maneja a un deportista solo en el partido. Habiendo jugado ambas formas, disfruté mucho más el Knockout Squads que el Knockout Solos y muchas de las razones de esto es lo que me producen cierta inquietud sobre su futuro.

El diseño artístico del juego es muy bonito y la representación de los deportistas está muy bien hecha. Más allá de lo visual, cada jugador tiene sus estadísticas con puntos fuertes y debilidades. Esto hace que algún jugador pueda ser muy bueno lanzando triples mientras que otro haciendo canastas, bloqueando, empujando y hasta boosteando a su equipo cuando les pasa el balón.

Hay muchos estilos de juego que se acomodan a lo que cada jugador desee y tiene en cuenta las habilidades reales de dicho deportista. El problema que sentí con mis partidas es que estos aspectos son muy explotables dentro del juego y realmente marcan una diferencia. Casi no erré triples usando a Stephen Curry, la mayoría de los bloqueos que hice con Victor Wembanyama fueron exitosos como así también las canastas con Lebron James.

Por más que está bien y cumple con su función arcade y divertida, siento que puede traer problemas a la larga. El entusiasmo en el modo Knockout Solos se me acabó rápidamente cuando me encontré teniendo partidas exactamente iguales donde tanto yo como mi rival hacíamos lo mismo y el juego se terminaba definiendo por quien cambiaba su estrategia en pos de terminar con la monotonía o errara algún punto de manera sorpresiva.

Por el contrario, disfruté mucho más las partidas en Knockout Squads incluso jugando con desconocidos todo el tiempo. Esto se debe a que no elegimos los integrantes de nuestro equipo sino un solo jugador y siempre hay que acomodarse a lo que haga nuestro compañero de equipo. Que de nosotros solo dependa el accionar de un solo jugador vuelve la experiencia mucho más divertida y dinámica.

Sin embargo, también me genera dudas de cómo evolucionarán las partidas cuando los jugadores aprendan cómo jugar y qué funciona. Es ahí donde los títulos arcade tambalean en la actualidad ya que, muchas veces, ser divertido no alcanza para durar en la industria de los videojuegos. Tarde o temprano, todos van a querer ganar y usarán la estrategia necesaria para hacerlo. Play by Play Studios tiene la difícil tarea de lograr que NBA THE RUN no se vuelva repetitivo.

Dicho esto, NBA THE RUN tiene muchos elementos muy positivos como los ya mencionados diseños de los jugadores pero también como se ve y se siente el juego al joystick. Las partidas son frenéticas y cada juego tiene sus propias reglas que pueden alterar la manera de jugar y eso le da frescura a cada enfrentamiento. Además, sentir que siempre estamos jugando una ronda de eliminación directa para conseguir un trofeo, da un plus.

El juego utiliza rollback netcode como forma de conexión multijugador y es un acierto. Este es el sistema que usa la mayoría de los juegos de lucha y que permite que jugadores de Argentina se enfrenten a jugadores de Estados Unidos y no sientan desventaja de ping por un sistema de predicción de movimientos. Sin embargo, en algunos momentos de la partida puede verse teletransportar la pelota aunque no deja de ser una forma de conectividad destacable.

NBA THE RUN apuesta a no tener microtransacciones y todo lo que se encuentra disponible en el juego como otros jugadores, ropa, burlas y estilos de canasta se consigue jugando. Esto también es una apuesta positiva que demuestra el interés del estudio de revivir estas viejas experiencias arcade pero. a la larga, hay que ver cuánto actualizan el juego y qué nuevos elementos le pueden sumar con el paso de las temporadas.

En definitiva, NBA THE RUN es un divertido y frenético juego de básquet callejero que puede dar muchas horas de diversión con amigos. Su aspecto visual y el diseño de cada uno de los jugadores es algo para destacar y ojalá Play by Play Studios pueda hacer todo lo necesario para que la experiencia del juego evolucione y no se vuelva repetitiva en algún momento.

Nota anterior:

• REVIEW | The Boys - Temporada 5 - Episodio 4, 5 y 6: El tiempo se agota

The Boys - Temporada 5 - Episodio 7 y 8: El final es en donde partí

Vivimos en un mundo en el que un cierre no es tal y las franquicias hacen lo posible para exprimir hasta la última gota de sangre que le quede a la misma. En ese sentido, son pocos los finales concretos que hemos visto en los últimos años y también son menos los que han logrado contentar a gran parte de su audiencia. Cerrar una historia es un proceso complicado, y para The Boys tenía ciertas complicaciones extra.

Primero, lo dinamitado que estaba el camino respecto a la obra original. Sobran casos, pero solo basta con mirar a Game of Thrones para entender que cuando el material de base se termina, es aún más difícil continuar con la calidad que plasma una adaptación. En este caso, The Boys no podía recurrir a los cómics porque lo que pasa allí en el final ya no puede adaptarse por las decisiones que se tomaron en temporadas anteriores. En segundo lugar, hay otro factor: las últimas temporadas de The Boys son radicalmente inferiores en calidad a las primeras tres.

Estos últimos dos episodios de temporada, que también se encargan de cerrar la serie, tienen el objetivo de darle un final el arco narrativo de cada uno de los personajes. La serie permitió jugar con el enigma hasta el último capítulo y con casi todos sus protagonistas y antagonistas en un lugar privilegiado, haciendo que prime el misterio sobre cuál sería el desenlace de cada uno de ellos.

En ese sentido, y más allá del desenlace del conflicto troncal de la serie, The Boys le da su momento a cada uno de los actores que nos acompañó estos siete años para tener un cierre esperado y digno. Esto es ciertamente un objetivo logrado de la propuesta, ya que todos ellos se sienten naturales y bien ejecutados. Sí debo decir que el puntapié por el cual inicia este final y cómo consiguen la forma de llegar a él se siente un poco forzado y resuelto en pocos minutos, pero me atrevo a decir que es más un error de temporada que de episodio.

Lo que mantuvo a flote la serie en sus peores momentos, y lo que nos entrega un gran final, es la enorme entrega de todo el cast respecto a sus personajes. Anthony Starr como Homelander y Karl Urban como Billy Butcher nos entregan una de las mejores enemistades de adaptaciones de cómics que se han hecho, y en este último episodio nos regalan de los mejores momentos de sus actuaciones, haciendo gestos, miradas y sutilezas que demuestran por qué son tan cautivadoras sus interpretaciones.

Por supuesto, la relación entre Hughie (Jack Quaid) y Starlight (Erin Moriarty) también nos da un hilo conductor respecto a la serie y su final termina de crear un círculo perfecto entre lo que fue el primer episodio y lo que es el último. Como el mundo en el que viven es el mismo, pero a su vez diferente a raíz de todo lo que sucedió. Otros personajes como Mother’s Milk (Laz Alonso) o The Deep (Chace Crawford), salvando las distancias, obtienen el final que esperábamos de ellos. Y mención especial para Kimiko (Karen Fukuhara) y Frenchie (Tomer Capone), que también en los peores momentos de la serie han sabido entregarnos de los momentos más emocionantes.

La serie no solo termina siendo metafórica del momento en el que vivimos (y al que vive Estados Unidos más específicamente), si no que el showrunner Eric Kripke nos entrega un enorme testimonio de época hacia la posteridad, incluso anticipando cosas que aún no pasaron pero que ya se dejan ver, haciendo que The Boys sea más que una adaptación y también una consecuencia del mundo en el que vivimos hoy.

Como dije antes, algunos de los puntos que menos me convencieron refieren más a la temporada que al final en sí. La forma en la que los protagonistas deciden cómo ir al enfrentamiento final sale completamente de la nada, sin un desarrollo detrás que lo sustente. Lo mismo con los cambios de algunos personajes como Butcher o Kimiko que hasta la temporada anterior eran unos y ahora son otros. También, más allá de que Soldier Boy (Jensen Ackles) hace una gran interpretación, todas sus actuaciones parecen un spot publicitario hacia su serie precuela Vought Rising que saldrá el año que viene.

The Boys termina consolidando una serie concreta, cerrada y buena. Ha tenido sus momentos bajos y muy influenciados por la huelga de guionistas que se dio hace unos años en Hollywood, pero logra volver a sus inicios y entregarnos una mirada que respeta todo lo que supo crear. Es cierto que la temporada anterior, y gran parte de ésta, dejan una mancha en el plano general, pero son pocas las series que han logrado llegar hasta lo último sin estos detalles.

El final convence porque es auténtico. Porque vuelve a sus raíces, al lugar que lo vio nacer y nos da un poco más de eso que tanto nos cautivó en las primeras tres temporadas. Los traspiés de las últimas dos temporadas podrían no haber existido, entregando capítulos increíbles y el final podría ser exactamente el mismo. No se puede decir eso de todos los finales, y en este caso, se valora -y mucho- que lo hayan logrado.

Crecer a la sombra de un gigante como Disco Elysium no es fácil, en especial si tenemos en cuenta el éxito que significó para ZA/UM y la catástrofe que le precedió. Hablamos de una implosión que terminó con la salida forzosa de Helen Hindpere, Robert Kurvitz y Aleksander Rostov, creativos clave que dejaron sus posiciones en muy malos términos en medio de acusaciones y reclamos. En medio de este desastre, que tuvo un impacto en la reputación del estudio, nace Zero Parades: For Dead Spies. Sin embargo, considero que a una obra se la debe analizar por lo que es; por los artistas, músicos y diseñadores que trabajan en ella, más no por quién firma los cheques. Y en este caso, estamos ante un videojuego sumamente interesante que no sólo demuestra que aún hay mucho talento en el equipo, sino que todavía tienen muchas historias por contar.

Zero Parades es una historia de espías, un thriller lleno de misterios, un RPG narrativo y todo a la vez. La aventura comienza en una habitación. Un pequeño fragmento de normalidad que comienza a desmoronarse desde el primer minuto. Nos ponemos en la piel de Hershel Wilk, también conocido como Cascade, una espía que llega a la ciudad de Portofiro con una misión que fracasó antes de comenzar. Y es que la persona con la que debíamos reunirnos se encuentra en una habitación ubicada en el piso superior de una tienda de fotografía, recostada en una silla, sin pantalones y con las medias puestas, pero en estado catatónico. No está muerta, pero tampoco está bien. No puede responder a nuestras preguntas. Tampoco está claro cuál fue el desencadenante de esto y la única pista es un misterioso CD rojo que no augura nada bueno.

El juego comienza de forma similar a Disco Elysium ya que pasa un tiempo hasta que, uniendo los puntos, podemos hacernos una idea de qué sucede. Además, también mantiene una narrativa similar, donde se integra la psicología de nuestra protagonista a la jugabilidad. A esta altura me atrevo a decir que esto es una marca de la casa, al igual que lo es el sistema de estrés para la saga Darkest Dungeon. Si bien aquí no tenemos atributos como fuerza o intelecto, las características que forman parte de Hershel influyen notablemente en la forma en que ella percibe la realidad. La diferencia es que mientras Harry Du Bois era como una página en blanco que podíamos completar a nuestro antojo, aquí tenemos a un personaje con personalidad propia, que tiene un pasado, sexualidad, amigos, enemigos y vergüenza.

La jugabilidad sigue una estructura típica de aventura gráfica. Generalmente vamos a ir de un lado a otro, hablando con diferentes personajes, buscando objetos, visitando ubicaciones y desbloqueando eventos, unos detrás de otros. No obstante, todo esto está impregnado por un fuerte componente RPG que hace mutar la experiencia, combinando diálogos, interacciones con el entorno, manipulación de objetos y opciones con probabilidades de éxito determinadas por tiradas de dados que se ven afectadas por una compleja red de parámetros. En este sentido, tenemos una gran cantidad de opciones para hacer de Cascade la espía que deseamos. Por ejemplo, la Inteligencia, la transforma en una mente analítica e intuitiva con una percepción extrasensorial; la relación fomenta la empatía, la persuasión y la capacidad de moverse sin levantar sospechas; y la Acción, mejora las capacidades físicas y operativas. Cada una de estas tres ramas se divide en cinco habilidades diferentes ofreciendo suficiente margen para abordar el juego desde diferentes perspectivas.

Ahora bien, como en cualquier RPG que se precie de tal, cada decisión tiene un precio. La presión que conlleva la investigación, los fracasos e incluso ciertos descubrimientos provocan fatiga, ansiedad y delirio. Cuando uno de estos parámetros supera determinado umbral crítico, el precio a pagar es increíblemente doloroso: sacrificar uno de los valiosos puntos de habilidad obtenidos a partir de la experiencia conseguida por cada pequeño avance en la trama. De este modo, nuestra protagonista comienza a debilitarse, pero peor aún, a volverse más susceptible a nuevos colapsos dando inicio a un círculo vicioso de autodestrucción. Para mitigar todo esto y mantener a raya las emociones, podemos hacer uso de drogas como el alcohol, cigarrillos, fármacos y otras sustancias intoxicantes.

Por otra parte, a medida que la historia avanza, Zero Parades introduce un sistema que aporta una capa más de profundidad al desarrollo del personaje. Esta mecánica, conocida como ‘Condicionamiento’ permite desbloquear patrones de pensamiento específicos que se instalan directamente en la mente de Hershel. Con esto podemos llevar el límite de nuestras habilidades un poco más allá, aunque a costa de regirse por ciertas normas de comportamiento. En relación a esto y al típico comportamiento compulsivo de “cargar la partida” cuando falla una tirada de dados o para “ver qué pasa si elijo otra opción”, el juego llega a romper la cuarta pared invitándonos a aceptar la realidad que nos toca vivir. Es una forma realmente original de invitarnos a convivir con los éxitos y fracasos, recordándonos que sin importar lo que pase podemos seguir adelante y llegar al final.

También podemos potenciar ciertos aspectos de nuestra protagonista a través de equiparnos ciertas prendas de vestir. Mientras un sobretodo puede potenciar la habilidad de “juego de sombras”, una minifalda hace lo propio con la de “poesía”. Además, hay un ciclo día/noche que provoca cambios en la ciudad y, como en toda historia de espías más allá del engaño y la conspiración, tenemos Encuentros Dramáticos. Dichas secuencias representan las situaciones de más alta tensión de la aventura, donde la acción pasa del tiempo real a una especie de turnos donde tendremos que tomar decisiones regidas por la probabilidad, dejando que los dados, las habilidades y nuestro estado mental decidan el resultado.

Otro aspecto notable de la propuesta, reside en la pluma de los escritores de ZA/UM. El juego está lleno de personajes extraños y peculiares deseosos de darnos su opinión acerca de diversos temas como los cambios en la cultura, el gobierno, la situación de Portofiro o por qué la música de antes era mejor que la porquería que suena hoy en día. Es prácticamente imposible saber si tienen razón o no. Cada diálogo, por pequeño que sea, se siente como un debate filosófico denso y profundo. Antes de hablar con alguien, más vale ponerse cómodos y estar con tiempo, ya que explorar las diferentes opciones de conversación puede tomar fácilmente 40 minutos o más, pudiendo revelar algo acerca del mundo, de nuestra misión o derivar en un completo sinsentido.

Zero Parades, al igual que su predecesor, es un videojuego muy particular y dirigido a un nicho específico. Resulta desorientador pero viene con un pacto narrativo implícito que demanda curiosidad y paciencia. No ofrece emociones rápidas, está lejos de la espectacularidad -incluso de otros exponentes del género- y ni siquiera nos bombardea con información. Por el contrario, pide amablemente que lo exploremos y descubramos el pasado de Portofiro dejando de lado la optimización de estadísticas o el farmeo de experiencia. A cambio, ofrece una historia que comienza lentamente pero que acelera gradualmente, alcanzando el máximo de velocidad cuando la misión de Hershel y el espionaje toman el protagonismo desplegando giros de tuerca inesperados. El diseño narrativo y la forma en que se entrelaza con el diálogo es genial, al punto de transformar cualquier pieza de información, por mínima que sea, en la llave que puede abrir nuevas conversaciones varias horas más tarde.

De más está decir que no todos son rosas aquí y el juego adolece de algunos problemas. En lo personal, la voz del monólogo interno de Cascade se me hizo irritante debido al peculiar acento que presenta. Entiendo que se trata de un diseño intencionado, pero llegado un punto quería dejar de oírla ya que parecieran fundirse en una sola en lugar de presentar personalidades únicas En contraparte, algunas líneas de voz por algún motivo no están incluidas, lo que rompe con la inmersión. A todo esto, se suman varios elementos con los que interactuar -demasiados diría yo- que no aportan nada más que una simple descripción. Nada de lo que acabo de mencionar es algo particularmente grave, sin embargo el tema aquí es que -como mencioné- para disfrutar de la obra hace falta mucho compromiso y paciencia, ya que el ritmo es lento, pesado y con una narrativa difícil de seguir.

Para terminar, cualquiera que haya jugado a Disco Elysium notará más de una similitud, tanto en el enfoque de la jugabilidad y -especialmente- en lo visual. El estilo artístico es encantador y los escenarios y personajes parecen pinturas al óleo en movimiento. Portofiro transmite personalidad en sus calles, letreros, posters y pequeños detalles. Hay un encanto casi hipnótico en mirar a sus habitantes transcurrir sus días buscando discos de estrellas pop, bebiendo una cerveza o recorriendo los distintos barrios en rollers. Todo ello ayuda a crear una ciudad viva con su propia historia y cultura. En cuanto a la música, no es más que un mero acompañamiento. No destaca, pero tampoco molesta. Y como gran frutilla del postre, el juego está localizado en español de Latinoamérica, lo cual se traduce como un puntazo en mis libros.

Zero Parades: For Dead Spies es un juego sobre subterfugios, pero también de remordimientos, redención, relaciones y el perdón. Nuestra protagonista está muy lejos de sentirse como un superhéroe invencible, sino que se trata de un individuo roto que busca la forma de lidiar con sus problemas de la mejor forma posible. No es un juego para todo el mundo, ni tampoco quiere serlo, pero aún así hace falta mucha dedicación para conseguir sumergirse de pleno en este mundo. Pero lo mejor es que aún cuando las comparaciones con Disco Elysium se vuelven inevitables, ZA/UM consiguió dotar a su nuevo trabajo de mucha personalidad como para que se sienta como algo único, diferente y profundamente humano.

Luego de un tiempo en Early Access, Realm of Ink, desarrollado por el estudio independiente chino Leap Studio, tuvo su lanzamiento oficial. El juego consiste en un roguelite de acción isométrico que no oculta su inspiración en Hades aunque intenta diferenciarse a través de su estética y arte basada en la mitología china.

El género roguelike se convirtió en los últimos años en un lugar cómodo y de exploración para muchos estudios independientes. Esto se debe a que el propio género brinda muchas posibilidades y suele ofrecer partidas cortas y atrapantes. Siempre hay algún aspecto o mecánica nueva en la que los desarrolladores se pueden centrar lo que termina dando experiencia similares en esencia pero muy diferentes en lo jugable.

En Realm of Ink, nos ponemos en la piel de Red, una guerrera, que junto a su mascota Momo, se encuentran en un camino de venganza contra un demonio con forma de zorro. Al derrotarlo, nuestra protagonista descubre que se encuentra encerrada dentro de una historia cuyo desenlace siempre termina con ella asesinando al demonio. Por este motivo, decide cambiar su destino para ir contra lo que está escrito y escapar de dicho reino.

Lo que sigue es lo que podemos esperar de este tipo de juegos. Una sucesión de escenarios donde tenemos que derrotar de manera frenética a muchos enemigos para llegar a los jefes de cada capítulo. En el medio, vamos obteniendo nuevas mejoras y habilidades aleatorias que cambian nuestra manera de jugar y brindan la posibilidad de realizar diferentes combos.

Al morir, perdemos la mayoría de las cosas pero renacemos en una posada que funciona como hub central donde podemos dialogar con muchos personajes, conocer más de ellos y conseguir mejoras y nuevas habilidades que cambien nuestra aventura y futuras partidas.

Uno de los puntos que más me gustó de Realm of Ink se encuentra en este apartado. Momo no es solo nuestra mascota sino que también es un aliado importante para la batalla y obtenemos mejoras para él igual que para nosotros. Esto permite realizar diferentes builds entre Momo y Red que funcionan muy bien en la batalla. Incluso, al realizar ciertas combinaciones de elementos, Momo cambia de forma generando nuevas pasivas.

Más allá de lo jugable, el aspecto central que destaco del juego es su diseño artístico. Aún con su explícito parecido a Hades, Realm of Ink se ve muy bello utilizando conceptos de la mitología china, sobre todo porque nos encontramos en un reino pincelado donde el uso de la tinta y el pincel no es simplemente una decisión estética sino que forma parte de la narrativa y el universo del juego que realmente logra diferenciarse.

Dicho esto, hay algunas cuestiones que terminan opacando un poco la experiencia. En primer lugar, la evidente inspiración con Hades hace que sea imposible no comparar a una entrega con la otra y ahí es donde tiene todo para perder ya que se trata de uno de los mejores títulos, por no decir el mejor, del género.

Teniendo en cuenta esto, el combate de Realm of Ink funciona y es divertido pero no tiene la profundidad ni la precisión del juego de Supergiant Games. Los controles se sienten más toscos, y la experiencia y el desafío mucho más limitado. Asimismo, la historia no desentona pero tampoco brilla. En la aventura conocemos a muchos personajes, y hay un sistema de diálogo y de evolución en las conversaciones que nunca llega a ser interesante.

Quizás estas comparaciones pueden ser un poco injustas pero son imposibles de no realizar cuando el mismo juego es el que se pone en esa comparativa tomando su estructura y ejemplo a seguir. Más allá de esto, la experiencia es divertida y seguro todos los amantes del género la disfruten tanto por su apartado artístico como por su jugabilidad.

Realm of Ink es un título que cumple con batallas divertidas y muchos combos de combate aunque no escapa de algunos problemas. Donde sí brilla es en su diseño artístico centrado en la mitología china con pincelado y tinta que vuelven a la entrega muy llamativa y linda de ver.

James Bond es uno de los personajes de la cultura pop inglesa más reconocidos en todo el mundo, y casi que por sí solo carga en sus espaldas el peso del género entero de las historias de espionaje. La influencia del personaje va incluso más allá de las películas y juegos que protagoniza; hay un poco de Bond en muchos otros protagonistas, historias y videojuegos. IO Interactive, estudio detrás de la franquicia Hitman, claramente se inspiró en este personaje para sus juegos anteriores, pero ahora son ellos los que están a cargo de traer a James Bond de nuevo al mundo del gaming con 007 First Light.

No es ninguna sorpresa de qué IO Interactive fueran los elegidos para llevar a cabo esta tarea. La última trilogía de Hitman, que comenzó en el 2016, fueron prácticamente juegos de James Bond encubiertos. Lo bueno es que, con esos tres juegos en su haber, el estudio tiene mucho material en el cual apoyarse para brindar una experiencia digna del espía más famoso, al menos en lo jugable. La mayor incógnita era, en realidad, lo narrativo.

Para separar su James Bond del que la gente puede llegar a conocer gracias a las recientes películas protagonizadas por Daniel Craig, IO Interactive decidió que 007 First Light sea, como su nombre sugiere, una historia que muestre los primeros pasos de Bond como agente del MI6. El propio tutorial del juego presenta la primera interacción entre James y Moneypenny, y a lo largo de la primera hora experimentaremos el entrenamiento que, eventualmente, lo llevará a convertirse en agente.

La narrativa de juego es tal vez lo más destacado, y al mismo tiempo la sorpresa más grata. En parte, esto se debe que IO Interactive ya viene demostrando hace 10 años que tiene lo que se necesita para hacer un juego de James Bond, pero eso no necesariamente se traduce a una buena historia de James Bond. Especialmente si uno considera que las narrativas de los juegos de Hitman no son demasiado buenas. Por suerte, 007 First Light cumple con creces, gracias a una excelente combinación de diversos factores.

En primer lugar, la premisa de la historia en sí resulta atrapante desde el principio. Esta encarnación de James Bond se topa con el MI6 prácticamente por accidente, y los ayuda en una misión prácticamente imposible. La cuestión es que dicha imposibilidad no era una simple intuición: MI6 utiliza una súper computadora con una IA avanzada para calcular todos los detalles necesarios de sus misiones, y la IA determinó que Bond tenía menos de un 1% de probabilidades de éxito. Al superar las expectativas de una IA aparentemente infalible, M decide que Bond es el candidato perfecto para su plan de revivir el descontinuado programa 00, y así es como comienza el entrenamiento de James.

Esto da pie a una historia donde la inteligencia artificial tiene un gran peso, algo con lo que IO Interactive venía coqueteando en los anteriores juegos de Hitman. Sin embargo, y como suele pasar con todo lo relacionado con IA, lo mejor y lo más importante es el factor humano, y ahí es donde entran los personajes en sí, herramientas clave para que la historia de 007 First Light funcione tan bien.

Por supuesto que el más destacable de todos es el propio Bond, interpretado por el actor Patrick Gibson de una manera impecable. Es muy fácil ver el Bond de este juego y entender por qué el personaje tiene ese nivel de influencia. El carisma, la inteligencia, y la habilidad, están perfectamente plasmados, y uno hasta es capaz de ver cómo otros personajes famosos incluso en el gaming han tomado algunos de estos aspectos de James Bond para moldear sus personalidades.

El resto del elenco también funciona muy bien, con grandes actuaciones de varias figuras de renombre. En lo personal, mi interpretación favorita se la lleva Lennie James, quien encarna al instructor John Greenway, en una relación con Bond que podría describirse simplemente como “perro y gato”, y que en ningún momento deja de ser entretenida. Hay varios otros personajes, como el resto de los reclutas del programa 00, que terminan siendo memorables y añaden personalidad al elenco, mientras que otros se nota que son solamente nombres importantes para traer un poco de publicidad al juego, como Lenny Kravitz interpretando al criminal Bawma en una actuación que deja mucho que desear.

A lo largo de esta historia, Bond recorre un variado y diverso listado de niveles, y es ahí donde IO Interactive se luce como solamente ellos saben hacerlo. Con la trilogía de Hitman, el estudio pulió al máximo la fórmula de niveles estilo “sandbox”, donde el jugador puede hacer casi cualquier cosa con tal de eliminar a su objetivo. Sin embargo, James Bond es un espía, y no un asesino, por lo que la forma de encarar estos niveles es ligeramente diferente, aunque no por eso menos entretenida.

Las mecánicas de 007 First Light van de la mano con la idea de un juego de espionaje que tiene lugar en los tiempos modernos. Bond cuenta con Lentes Q, que cumplen el rol de la famosa “visión especial” que todos los juegos de este estilo tienen para ver siluetas de enemigos, objetos para interactuar, y ese tipo de información útil. Además, nuestra herramienta principal es el Reloj Q, que nos permite hackear diferentes tipos de aparatos electrónicos para crear distracciones.

A medida que avanzamos en nuestra aventura, iremos desbloqueando más gadgets, como un smartphone que dispara dardos que inducen malestar en los NPC, o un láser que nos permite cortar ciertas cerraduras para abrir puertas bloqueadas. Todas esas herramientas se combinan con la propia personalidad y habilidad de Bond para cumplir el objetivo que requiere cada nivel, el cual casi siempre involucra escabullirnos donde no nos corresponde.

Ahí es donde más se encuentran tanto las similitudes como las diferencias con los juegos de Hitman. Al igual que en los títulos anteriores del estudio, 007 First Light ofrece una gran variedad de alternativas para cumplir nuestro objetivo. Bond puede escuchar conversaciones de algún NPC, leer alguna nota en un escritorio o recibir información de sus compañeros para seguir, paso a paso, estrategias diferentes. El objetivo final podrá ser el mismo, pero la forma de llegar ahí varía según cómo juegue cada uno.

Donde más se diferencia el juego con las entregas de Hitman es en las mecánicas propias de Bond. Por un lado, su carisma innato es parte de una mecánica en sí: si alguien nos encuentra en un lugar donde no deberíamos estar, tenemos la posibilidad de engañar a ese personaje con alguna frase o conversación que Bond improvisa en el momento, para al menos por un rato librarnos de sospechas. Esta es quizás mi mecánica favorita, y una de las más únicas que se haya visto en este género.

Lo otro que diferencia a Bond de Hitman es esa idea que mencioné sobre espías versus asesinos. En casi todos los niveles tenemos un arma en nuestro inventario, pero el juego ni siquiera nos permite sacarla para apuntar. Las armas únicamente pueden usarse cuando Bond tiene su licencia para matar, y eso se da solamente cuando el enemigo es quien efectúa el primer disparo. En lo jugable, las mecánicas de combate se notan como una evolución de la fórmula de Hitman, con controles y un sistema de cobertura que se siente muy bien al tacto.

Tal vez el punto más flojo en cuanto a lo jugable es el combate cuerpo a cuerpo. Tomando prestado elementos de los clásicos Batman Arkham e incluso Uncharted, Bond tiene varias opciones a su disposición para lidiar con enemigos usando sus puños, pero al igual que lo que sucede con los juegos de Batman, llega un momento que ya se vuelve repetitivo y poco interesante.

Al menos la forma que el juego tiene de compensar eso es con la espectacularidad visual, algo que aplica a la experiencia entera. IO Interactive siempre fue un estudio capaz de hacer juegos increíbles en lo audiovisual, pero con 007 First Light se superaron de formas asombrosas. Desde los detalles de los personajes, que ayudan a dar vida a las grandes actuaciones, a los inmaculados diseños de los niveles, pasando por secuencias épicas que no tienen nada que envidiarle a los juegos de Naughty Dog, este título es simplemente impecable.

Sí he de admitir que 007 First Light arrastra un problema que afecta a los juegos de IO Interactive desde hace ya una década, y tiene que ver con la conectividad online. A pesar de no tener un modo multijugador, 007 First Light pide conectarse a los servidores del estudio para tener acceso a los objetos desbloqueables: aspectos para las armas, skins para los gadgets o incluso trajes para Bond. El problema es que si en algún momento el juego pierde conexión, tendremos que rejugar un segmento si queremos desbloquear la recompensa que ofrece; no hay ningún tipo de retroactividad una vez que nos reconectamos.

Estos desbloqueables se utilizan en el modo de simulaciones, donde IO Interactive busca que pasemos nuestro tiempo una vez que terminemos las aproximadamente 15 horas que dura la historia. En este modo podemos revisitar ciertos mapas para cumplir misiones con modificadores específicos, como enemigos que hacen más daño o gadgets limitados. Estas misiones nos dan puntos de experiencia y créditos para ir desbloqueando mejor equipamiento y así tener mejores puntajes en las tablas de posiciones online. Sinceramente, no suma demasiado, pero es una manera interesante de revisitar esos mapas tan expertamente diseñados.

La realidad es que, incluso esa pequeña mancha de la conectividad online o lo flojo del combate cuerpo a cuerpo no terminan de empañar una experiencia fenomenal. Con 007 First Light IO Interactive logró un juego que realmente puede ser el comienzo de algo nuevo para el personaje en el gaming, aplicando casi todo lo que el estudio aprendió a lo largo de los últimos 10 años trabajando en Hitman. Ya sea los fanáticos de James Bond, los fanáticos de Hitman, o simplemente aquellos que busquen una buena experiencia de espionaje, van a encontrar en 007 First Light un título que se perfila como uno de los mejores de este año.

Hay algo inmediatamente atractivo en Vultures - Scavengers of Death, y creo que va más allá de los gustos personales de cada uno. El título, en sí, no inventa nada nuevo ni esconde sus influencias, porque tampoco necesita hacerlo. La realidad es que entiende a la perfección que el survival horror y la estrategia táctica comparten una misma latencia, que tiene que ver con la incertidumbre. La gente de Team Vultures no se dejó llevar, en ningún momento, por el famoso “qué dirán”, esa mirada tan punzante a la que muchas grandes desarrolladoras temen. Ellos tenían una idea clara, un objetivo concreto, e hicieron todo lo posible por llegar a destino. Y ese amor se siente, y es algo que como jugadores, sabemos apreciar y agradecer.

Es imposible no pensar en Resident Evil cuando vemos este título. Y sí, sé que en parte es obvio lo que digo. Zombies, exploración, un grupo de agentes enviados a llevar a cabo investigaciones y otras misiones. Desde ahí, los detalles más puntuales que generan los climas que necesita el género, como abrir una puerta sin saber qué hay del otro lado, o calcular un movimiento con recursos limitados, o improvisar cuando el plan sale mal. Porque como dije antes, hay una mezcla muy gustosa entre survival horror y estrategia. Este último género hace todo más complejo, con reglas bien claras que le dan una capa extra de entretenimiento a lo que, consecuentemente, ya era entretenido.

Team Vultures construyó un juego que muestra y abraza su homenaje a la saga Resident Evil (sobre todo a las tres primeras entregas), pero se anima a tomar mecánicas inspiracionales de XCOM, y -de lejos- recuerda a clásicos como Parasite Eve e incluso Galerians. No por copiar sus fórmulas, sino por la intención. Se nota que no hay nada dejado al azar, y que todo tiene su motivo.

Como decía, en su premisa encontramos la inspiración: una infección viral, una corporación sospechosa llamada Eugenesys Tech, cultos, monstruos y un equipo de agentes especializados enviados a investigar el desastre. Para ser sincero, tanto la historia como su narrativa tiene un componente que funciona más como vehículo que como verdadero motor dramático. Está ahí, existe, pero deja que el protagonismo recaiga en el gameplay y las mecánicas de juego. Deja que los personajes cumplan su función, pero sin demasiado peso. No hay una construcción detallada alrededor de ellos, pero lo bueno es que tampoco importa, porque de entrada, el juego pone toda tu atención en otro lugar diferente.

Lo hizo SIGNALIS, Alisa, Phase Zero, Hollowbody o Ground Zero, por solo nombrar algunos. Toman la estética low-poly y la utilizan a su favor. Lo que antes era una limitación técnica, por así decirlo, hoy es una estética visual que se alimenta de la nostalgia. Y estamos por buen camino, porque no se siente forzado. Todo es inspiración, homenaje a tiempos pasados, pero construyendo un camino propio que si bien es consciente de sus inspiraciones, no se queda solo en eso. Intenta ir más allá. Porque también hay una atención detallada al diseño sonoro, ciertamente inquietante, y los escenarios cargados de suspenso generan una identidad inmediata.

Audiovisualmente, Vultures - Scavengers of Death es simple de explicar. El tema es cuando queremos explicar sus mecánicas y su jugabilidad. No es difícil hacerlo, pero lleva su tiempo. Uno no quiere ser injusto con la propuesta, y hay mucho por decir. Para empezar, el juego se divide en misiones asignadas a dos protagonistas: Amber y Leopoldo. Ella es más ágil, utiliza un gancho para avanzar grandes distancias, reposicionarse o incluso eliminar enemigos de manera creativa. Leopoldo, con su apariencia de tipo rudo, apuesta por la fuerza bruta, los empujones, y los movimientos defensivos. Todo esto en un juego donde avanzamos mediante casilleros. La parte estratégica de la propuesta no solo viene de las mecánicas, sino de la construcción de su estructura: tenemos varias opciones para hacer con cada personaje, pero “energía” limitada, por lo que hay que pensar bien cada elección. Una vez que hacemos nuestros movimientos, es el turno de los enemigos. Mientras nosotros tenemos un abanico grande de cosas por hacer, ellos tienen un solo objetivo: avanzar hacia nosotros y matarnos.

Lo bueno es que si bien no hablamos de dos campañas distintas, sí son lo suficientemente diferentes para que el diseño de niveles cambie de lógica y nos obligue a pensar cada misión desde posturas diferentes. Lo que podemos hacer con Amber quizás no lo podemos hacer con Leopoldo, y eso ya nos obliga a pensar otra estrategia. El mapa se divide en habitaciones, como si fuesen dungeons, para poner un ejemplo. Dentro de cada espacio vamos a tener algunos elementos a recoger, como municiones o kits para curarnos, e incluso algunos dispensers de agua que nos recargan energía de a poco. Si pasamos caminando o corriendo, de seguro los zombies presentes nos van a notar y la lucha va a comenzar. Pero en muchas ocasiones, podemos pasar caminando de forma sigilosa, y evitar así confrontaciones. En algunos casos es una tarea imposible, por el propio diseño de la habitación, pero en otros casos nos sirve por si queremos ahorrar municiones o por si tenemos poca energía.

Para sumar a lo que vengo diciendo, el concepto de la exploración ocurre en tiempo real, con movimiento por cuadrícula como mencioné antes, algo de sigilo y gestión constante de visibilidad, armas y puntos de acción y energía. El juego te empuja a observar, medir riesgos y prepararte bien mentalmente antes de que empiece una pelea. Cuando el combate se activa, todo pasa a ser un sistema por turnos gobernado por AP y MP (es decir, puntos de acción y puntos de movimiento) donde disparar, curarse, recargar o simplemente cambiar de posición exige administrar cada decisión. Es mucho más táctico de lo que parece, y por eso siento que haber mencionado a XCOM es una gran decisión. Si te dejas llevar por la apariencia visual o el factor “homenaje”, quizás te lleves una sorpresa que no esperabas, tanto positiva como negativa.

Sigamos con la sección batallas. La escasez de munición obliga a valorar cada arma, incluso a saber sobrevivir sin ellas, lo que se convierte en una tarea inmensa. El posicionamiento importa, siempre. Cada casillero es clave, porque los enemigos tienen un corto alcance para avanzar y es algo que podemos utilizar a favor cuando tengamos la posibilidad. Una mala lectura de la sala puede arruinar una misión larga, por eso mismo hay que planificar todo antes de que ocurra. Hay encuentros donde podemos aprovechar trampas, barriles explosivos, desniveles, fuego o habilidades de cada personaje, lo que genera esa satisfacción táctica que vuelve adictivos a los grandes juegos estratégicos. Vultures - Scavengers of Death no está exento de eso. Justamente, eso es lo que lo hace grande.

Pero justamente, eso que lo hace grande, entiendo que puede producir dos ejes narrativos respeto de las expectativas de cada jugador. Y es que la identidad del juego está marcada. Aspiracionalmente toda la energía la concentra en gritar por los cielos “amo Resident Evil”, pero en el corazón de la propuesta, la cosa es diferente. Es decir, que estéticamente quiere transmitir horror y supervivencia, pero mecánicamente muchas veces se siente más como un título plenamente táctico. Obviamente, no se trata de un problema fatal. De hecho, repito: no tengo dudas de que es lo que vuelve interesante al juego. Pero puede confundir a quien no conoce de qué se trata. A veces, la venta de un título es uno de los factores primordiales del éxito del mismo.

Vultures - Scavengers of Death no es simplemente un survival horror que mezcla ataques por turno y avance por casillas, aunque las comparaciones resulten inevitables. En mi experiencia, siento que estamos frente a un intento ambicioso de demostrar que el lenguaje del survival horror puede intercomunicarse con la estrategia táctica sin perder completamente el ADN que le da vida a ambos géneros. Es una mezcla difícil, que puede generar grietas, pero incluso en esas grietas, quien sabe apreciar los pequeños detalles va a disfrutar -mucho- de este título. Y es que hay algo difícil de ignorar no solo desde lo audiovisual, sino desde la construcción del propio concepto. Es un juego que apostó a lo grande con un riesgo enorme por la mixtura de géneros, y le salió mucho mejor de lo que uno podría pensar.

Creada por David E. Kelley (el mismo detrás de Big Little Lies y The Undoing), la historia sigue a una madre soltera de 20 años que queda embarazada en la facultad y que tiene que abandonar los estudios para mantener al pequeño. Y ahí es donde empieza el conflicto: Margo necesita una niñera para poder salir de la casa y a su vez necesita dinero para pagarle pero, ¡claro!, no consigue trabajo. Y en esa espiral sin salida se encuentra nuestra protagonista.

Aunque la mayoría de nosotros sabe que va a terminar abriéndose una cuenta de OnlyFans (la sinopsis, el trailer y hasta el poster lo revelan) lo importante es ver cómo llega hasta ahí.

En estos primeros episodios conocemos a su imperfecta pero presente madre (interpretada por la siempre increíble Michelle Pfeiffer), a su padrastro religioso (Greg Kinnear) y a un padre ausente (Nick Offerman), un ex luchador que regresa a su vida para mejorar -y complicar- las cosas al mismo tiempo.

Es que esta es una serie de personajes vulnerables y honestos, que se equivocan bastante pero realmente lo intentan. Y es imposible no encariñarse con ellos y no encontrar en Margo a una mujer que tiene problemas de dinero y que su elección termina siendo una apuesta al confort y a un lugar seguro.

Lo mismo ocurre con las apariciones secundarias. Desde la llegada de la abogada (nada más y nada menos que Nicole Kidman) hasta la compañera de cuarto de Margo y sus amigas de OnlyFans, todos son personajes tridimensionales. No solo nos importa saber qué ocurrirá con la joven y su bebé, sino que de igual manera nos interesa saber qué va a pasar con todos los demás. Y esto es resultado de un muy buen guión.

Las temáticas que se tocan de capítulo en capítulo se centran en cómo lidiar con una maternidad deseada pero repentina, los obstáculos de la lactancia, la tenencia y los problemas financieros. Pero también hay episodios que trabajan la búsqueda de la vocación, la identidad y los vínculos familiares.

Es un drama de supervivencia y una comedia ligera pero también una historia de autosuperación muy humana. En total cuenta con ocho episodios y ya se anunció que la serie será renovada para una segunda temporada. Por el momento, la nueva apuesta de Apple TV está dentro de lo mejor que se puede encontrar en la pantalla chica hoy en día.

LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight es el nuevo juego de la clásica franquicia de juguetes que tiene su lanzamiento el 22 de mayo y que pone todo su bagaje para crear una experiencia única alrededor del universo de Batman. Aún siendo un título familiar en cuanto a lo que estamos acostumbrados por ser de LEGO, la entrega me logró sorprender en algunos aspectos muy bien logrados.

No hace falta decir que Batman es uno de los héroes más populares que existen y tiene en su universo un montón de personajes, villanos, historias, vehículos, gadgets y locaciones emblemáticas. Algo que nunca me deja de sorprender de los juegos de LEGO es cómo pueden retratar franquicias tan grandes y diferentes con tanto lujo de detalles y cariño hacia las obras originales y digo esto porque claramente esta no es la excepción.

LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight cuenta su propia historia de Batman repasando algunos momentos de su vida pero lo hace agarrando detalles y momentos icónicos ya conocidos. Esto hace que el juego se convierta no solo en un homenaje al propio Caballero de la Noche sino también a sus obras ya que la entrega está llena de diálogos, easter eggs, skins y cinemáticas que hacen referencia a un montón de producciones.

El núcleo jugable de la entrega se basa directamente en la saga Arkham de videojuegos. Esto lo vemos en el combate y en los momentos de sigilo que funcionan similar, pero también, en cómo exploramos Gotham y realizamos todas las misiones secundarias y eventos del mapa. Más allá de la campaña principal, el juego está lleno de contenido coleccionable y secundario como pueden ser los acertijos de Nygma.

Cada capítulo de la entrega nos cuenta distintos momentos de la historia de Batman y también añade un nuevo compañero a la aventura como villanos característicos. Como todo juego de LEGO, está pensado para jugar en familia y la manera ideal de disfrutar este título es jugando en cooperativo local con un amigo o familiar.

La aventura siempre nos pone en la piel de dos personajes, cada uno con habilidades únicas y necesarias para resolver puzzles en los distintos capítulos del juego. Al explorar Gotham en su mundo abierto podemos usar libremente a los personajes que hayamos desbloqueados aunque las misiones y algunos puzzles del mapa nos exigirá tener a los personajes necesarios para resolver sus desafíos.

Jim Gordon, Talia al Ghul Catwoman, Batgirl y Robin son algunos de los aliados que hará Batman a lo largo de la historia y que podremos utilizar libremente. Estos personajes jugables tienen sus propios gadgets y habilidades pero también sus skins y vehículos que podremos ir desbloqueando y que homenajean a distintas eras y producciones de ellos.

El contenido coleccionable de LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight es abrumador con un montón de elementos para desbloquear que cualquier fanático querrá conseguir ya que se encuentran detalles y joyas increíbles como batimoviles de películas, cómics o series específicas que lucen muy bien.

Lo que más me sorprendió del juego es el nivel de detalle con el que está hecho todo y no solamente me refiero a lo que respecta a la franquicia de Batman sino también a la potencia gráfica y diseño artístico de todo lo que está a nuestro alrededor. Todos los escenarios de cada misión destacan por su aspecto visual y diseño como también lo hace Gotham con su iluminación e inmersión que realmente poco tiene para envidiarle a las producciones más grandes del género.

Sumado a esto, el detalle de todos los personajes, vehículos y trajes muestran un salto de calidad muy fuerte en la franquicia. Quedé realmente sorprendido en los momentos de lluvia donde se observa claramente cómo las gotas de agua se escurren en el techo y ventanas del batimovil. Siempre consideré muy bonitos a los juegos de LEGO pero LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight se posiciona en lo más alto con diferencia.

Como mencioné anteriormente, la jugabilidad busca replicar a la saga Arkham y en la mayoría de los momentos lo logra de manera correcta. El combate centrado en golpes y contragolpes y que tiene alguna variación según el enemigo al que nos enfrentamos es divertido como así también los clásicos escenarios de sigilo donde tenemos que camuflarse por el escenario para derrotar a los villanos uno por uno.

Sin embargo, hay algunas consideraciones en cuanto al combate que no me terminaron de cerrar. Los momentos de pelea son muy repetitivos y ofrecen pocas posibilidades pero lo que más sentí son animaciones muy limitadas en los remates y golpes. Así como cada personaje tiene sus propios gadgets y habilidades me hubiera gustado que también remates especiales o característicos que marque cierta diferencia entre ellos, cosa que no sucede.

Con tan solo unos momentos de combate ya sentí que viví todo lo que el juego tenía para dar en este apartado y me terminó dejando con sabor a poco. De todas maneras, no llegan a opacar la experiencia ya que la exploración y los momentos de puzzles tienen la misma importancia jugable y realmente me encantaron. Las peleas contra los villanos principales también son diferentes y todas tienen una vuelta de tuerca divertida.

En definitiva, LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight es un juego que cumple con lo que se propone y que tiene mucho contenido que grandes y chicos pueden disfrutar, sobre todo si son fanáticos de la saga. Con referencias por todos lados y un apartado visual sublime, el juego de TT Games marca un nuevo estándar de calidad para LEGO.

La industria del gaming está repleta de títulos para todos los gustos. Docenas de géneros y subgéneros se combinan para crear juegos que se adaptan no sólo a la demanda sino a la visión de sus creadores. Ya sean independientes o provenientes de grandes estudios establecidos, con o sin ánimos de cambiar el rumbo de la historia, podemos decir que hay exponentes para todos. Esto hace que sea cada vez más difícil enterarnos de su existencia y muchos pasen al olvido, ya sea porque no están a la altura del gran juego del momento o simplemente porque cayó entre las grietas del aparato publicitario. Luna Abyss, de Kwalee Labs, es un FPS divertido que merece un lugar en la conversación de este año. No es un contendiente al Juego del Año pero combina bien una serie de elementos que lo hacen una experiencia atrapante, gratificante y recomendable.

Luna Abyss nos pone en la piel de Fawkes, una persona condenada a más de 9000 días de prisión por un crimen que no comprendemos completamente. En esta versión distópica del futuro en el que la Luna se volvió roja, una buena parte de la humanidad emigró hacia el satélite en busca de un futuro mejor. Donde hay trabajo hay gente. Donde hay gente hay civilización y, para que ésta funcione, hay un sistema represivo y una religión que abraza a las masas. Cuando llegamos a nuestra celda, una gigantesca cabeza empotrada en la pared a través de un cuello larguísimo, nos informa que podemos reducir nuestra sentencia explorando “El Abismo Lunar” a través de una tecnología que nos permite transferir nuestra conciencia a un cuerpo biomecánico sin arriesgar nuestra integridad física. Ese es el puntapié inicial de una aventura que, con sus limitaciones y traspiés, nos invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y nuestra propia sociedad.

De más está decir que no esperaba encontrarme con un debate filosófico en medio de un shooter con mecánicas de Bullet Hell pero, una vez que entendí que la narrativa es tan protagonista como los tiroteos, hice las paces con la situación y comencé a disfrutarla. El título de Kwalee Labs centra su propuesta en el desarrollo narrativo que avanza no sólo a través de las cinemáticas, sino por su imponente puesta en escena. El apartado audiovisual es, por momentos, asombroso. La mezcla de colores, los contrastes y la fotografía nos dejarán boquiabiertos. Mientras tanto, la banda sonora acompaña cada situación a la perfección. Lo mismo podemos decir de los pequeños fragmentos de historia que vamos aprendiendo a través de los más de 80 textos que hay esparcidos por los escenarios. Diarios íntimos de trabajadores, confesiones en sus lechos de muerte o simplemente cartas que algunos NPC han extraviado. A diferencia de otros titulos en los que resultan un incordio, detenerse a leerlos suma una parte importante al contexto de lo que está sucediendo y por ende a la experiencia en general.

A la hora de jugar, Luna Abyss es un FPS que hace un fuerte hincapié en la movilidad de Hawkes. De por sí nos movemos rápido, pero además podremos correr y deslizarnos por debajo de ciertos obstáculos. A medida que avanzamos en la historia iremos desbloqueando un abanico de habilidades que nos permitirán sortear todo tipo de abismos con absoluta celeridad, desde el clásico doble salto pasando por el dash en el aire, un gancho para colgarnos de ciertos puntos y hasta la posibilidad de materializar plataformas en segmentos específicos. Además, podremos poseer ciertos Guardianes que cambian radicalmente la jugabilidad en algunos segmentos. Por ejemplo, un coloso que arrasa con los enemigos y derriba puertas fácilmente, un cuerpo arácnido que se adhiere a las plataformas de hierro o Los Gemelos, que nos permiten atravesar secciones sobre rieles a toda velocidad. Estos cambios son exclusivos de ciertos niveles, que a su vez son absolutamente lineales al igual que la progresión, pero aportan una buena dosis de variedad a la propuesta jugable.

El gunplay es correcto y las cuatro armas que tenemos a nuestra disposición cumplen bien su función. El rifle de scout hace daño básico con buen alcance, la escopeta rompe escudos azules y hace más daño a menor distancia, el rifle de francotirador rompe escudos violetas y hace gran daño a distancia y el lanzamisiles automático puede hacer una verdadera masacre. En lugar de munición limitada, Kwalee Labs se decantó por limitarnos a través de un período de enfriamiento. Así, tendremos que ir combinando las armas para superar diferentes batallas y combinaciones de enemigos. Durante la exploración nos encontraremos con algunos grupos de enemigos, pero la verdadera acción sucede en arenas cerradas que nos impedirán el paso a menos que derrotemos varias oleadas de enemigos. Allí es donde deberemos hacer uso de nuestros reflejos y todo lo aprendido, pero también es el momento en el que nos va a fallar un elemento clave: el apuntado automático.

Luna Abyss nos permite apuntar con normalidad con el stick derecho, es decir, moviendo la cámara, pero no es demasiado preciso. El botón para apuntar (L2 en PlayStation 5) bloquea la cámara en el enemigo más cercano al centro de la pantalla y muchas veces no suele ser nuestro verdadero objetivo. Esto nos deja con dos opciones, cambiamos el lock como si de un soulslike se tratara o volvemos a apuntar. Al comienzo no es un problema porque los enemigos mueren rápido pero cuando estamos en una batalla encarnizada, un error puede significar la muerte. Esto sucede más que nada hacia el final, cuando la mayoría de los enemigos tiene escudos y nos atacan todos a la vez, pero la falta de una forma de apuntado 100% manual es un gran punto de fricción a la hora de disfrutar un FPS. Entre las opciones de accesibilidad, que por cierto son muy variadas, sólo existe la posibilidad de activar un apuntado automático pensado para quienes no cuentan con la destreza manual necesaria para apuntar con el stick derecho, pero nada para remover el lock-on automático.

El problema del apuntado con bloqueo de enemigo automático atraviesa toda la experiencia pero, al final del día, pasa a segundo plano porque se compensa con el resto de sus mecánicas. Cuando dejemos un enemigo a punto de morir podemos absorber su energía para curarnos o hacerla explotar en proyectiles que atacan automáticamente al resto de los enemigos. Además, suele haber abundantes puntos de control, por lo que morir no repercute tanto más allá de generar algunas situaciones frustrantes. Es un FPS en el que resulta más relevante la exploración, las secciones de plataformas y la historia que andar tiroteándose con los enemigos. Los jefes son la excepción a la norma, cada uno tiene sus fortalezas y debilidades que aprender, mecánicas que aprovechar para bajarle sus escudos y proponen una verdadera batalla épica. Ahí es donde se siente como un verdadero “Bullet Hell” y la acción toma por completo el protagonismo, con algunos momentos realmente memorables.

Hacia el final de la aventura, con más de 12 horas de tiroteos a nuestras espaldas, Luna Abyss concluye la historia con la misma pluma de calidad con la que la inicia. Nos deja con ganas de salir a buscar el resto de los coleccionables opcionales para terminar de darle forma a la narrativa pero con una sensación particularmente interesante. El juego de Kwalee Labs está hecho con esmero y cariño, con buenas ideas y pasión, y todo eso le hace frente a un presupuesto evidentemente modesto. Es cierto que hay elementos que contrastan negativamente frente a su espectacular fotografía y ambición en general, en especial la calidad del voice acting, pero aún cuando varios de sus apartados apenas cumplen con lo mínimo, el resultado final es disfrutable y recomendable. Más allá de todo, Luna Abyss es un título interesante que evidencia el cariño y el cuidado que Kwalee Labs empleó en su desarrollo. Me gustaría ver que más tienen entre manos, en especial si pretenden profundizar en este futuro distópico y rojizo que tan bien crearon para este título.

Invincible es una de las franquicias relacionadas al mundo de los superhéroes con mayor calidad de los últimos tiempos. Cada paso que ha dado, ha sido con coherencia. Desde su tirada en cómics, que terminó en el momento indicado y no necesitó alargarse más de lo necesario ni encontrar nuevas vetas, hasta la serie que lleva la cuatro temporadas de altísima calidad y todos los proyectos que se vienen gestando hace años, como la película live action y, por supuesto, la llegada de la franquicia a videojuegos.

Es cierto que Invincible ya incursionó en el gaming mobile -en donde le va bastante bien también-, pero nos hacía falta un videojuego para consolas y PC de la franquicia, que significa un acercamiento más tradicional a videojuegos. Sobre todo porque el rubro superheróico siempre ha tenido una relación constante con este tipo de experiencias. Fue Invincible VS el elegido para llevar esta bandera a la industria de los videojuegos.

Invincible VS es un videojuego de peleas con formato tag team, donde lucharemos mano a mano uno contra uno pero cada batalla puede tener hasta un máximo de tres luchadores por lado, generando mecánicas de sinergia y colaboración entre los luchadores y haciendo que cada pelea sea un poco única en sí misma.

A su vez, el juego cuenta con un modo historia en formato “what if”, que nos muestra lo que hubiese pasado si Omni Man hubiera querido concretar su misión viltrumita en la tierra y cómo eso afectaría al resto de los personajes. Es una decisión interesante porque el modo historia del juego abarca personajes de las tres temporadas que habían salido hasta el año pasado, pero no hace falta ver más que los primeros 2 o 3 episodios de la primera temporada para agarrar casi todas las referencias.

El modo historia sorprende por lo corto que es, aunque se ha declarado públicamente que la intención fue generar un modo que sea similar a “un capítulo en la serie animada”. Es difícil de justificar la corta duración de la campaña, sobre todo porque no hay muchos modos de juego más allá de este, y más cuando en gran parte de la misma se reutilizan recursos y peleas que empiezan a agobiar un poco por el carácter repetitivo que tienen.

Más allá de que a nivel contenido creo que este juego se queda corto, la historia en general es muy buena y se nota que está muy cuidada por la participación de los creadores de esta franquicia. Es un “what if” original, que tranquilamente podría entrar en el canon y que tiene bastantes sorpresas tanto para los fanáticos de los cómics como de la serie, ya que nada termina siendo como parece al principio del juego.

El sistema tag team es eficaz, simple. Con todos los juegos de este estilo que ya han ido evolucionando a lo largo del tiempo, podría tener alguna que otra mecánica que complejiza la selección de personajes y la sinergia que podrían tener entre ellos, pero se mantiene en un concepto simple: sirve para generar assist breakers, algún que otro combo especial, y cambiar de personajes durante la partida. Nada muy loco, pero sí útil, para generar que cualquier persona sin mucho conocimiento ni del juego ni de la franquicia pueda jugar.

Sí algo que me parece interesante es que el personaje principal que está luchando tiene una barra de vida primaria y secundaria. Mientras que la primaria define si sobrevivís o no a la pelea, la secundaria es una barra que te recarga vida si pudiste vencer a uno de los rivales o si uno de tus compañeros lo hizo, lo cual genera cierta estrategia de cuándo cambiar de personaje, cuándo dejar morir a uno y cuándo apostar todo al que queda. En ese sentido me pareció interesante.

Un punto a favor de este juego, que tiene que oficiar como introducción de esta franquicia a un montón de personas que no lo conocen, es la elección de los personajes. Son 18 en total, pero representan totalmente lo que fue la serie hasta el año pasado, y no se necesitan muchos más para ponerse al día, así que estimo que con algunas actualizaciones de temporada llegarán rápidamente a eso.

Cada uno de los personajes tiene su set de habilidades y combos, y valoro mucho que le hayan dado distinto dinamismo y peso a cada uno de ellos. Los que son grandes pegan más fuerte y son más lentos mientras los habilidosos hacen combos más continuos a menos daño. También hay cuestiones que se enganchan con la narrativa, como los personajes que pueden volar, aunque el combate aéreo termina siendo bastante inútil y no creo que lo hayan pensado mucho para que forme parte de la estrategia.

Los combos tienen la picardía de poder realizarse de manera simple pero tener combinaciones un poco más complejas, podemos jugar simplemente apretando un botón o podemos masterizar el juego. En ese sentido, se acerca mucho más a una experiencia como la de Dragon Ball FighterZ que a los clásicos Mortal Kombat o Street Fighter. Sí debo decir que es un juego más gratificante para jugar simple que para dedicarle tiempo competitivo, lo que hace que sea una experiencia más abierta pero menos profesional. El juego tampoco cuenta con modos de juego para promover el aprender a jugar, más allá del modo historia y el clásico modo arcade, solo podemos jugar versus tanto online como local.

Invincible VS no es una experiencia que cruzará los limites de la franquicia y se convertirá en un fighting game memorable, pero sí me parece que es un primer videojuego de Invincible que tiene un gran trabajo detrás, con un equipo creativo que intentó darle autenticidad a la experiencia. Es mucho más que otras franquicias que lo han intentado de la misma forma y no lo han logrado.

Dicho esto, creo que la falta de contenido y la simpleza en general de las mecánicas estancan un poco a Invincible VS y no lo dejan ser lo que podría haber sido: un gran juego más allá de la franquicia a la que representa. Se puede sumar contenido y seguramente haya actualizaciones que extiendan en el tiempo la vida útil del juego, pero creo que a futuro se puede hacer un trabajo más ambicioso con una franquicia tan rica como Invincible.

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The Boys - Temporada 5 - Episodio 4, 5 y 6: El tiempo se agota

The Boys está transitando su temporada final entre arcos que apelan a los momentos de gloria que tuvo la serie y también algunos agujeros de guión que eran difícil de escapar después de una cuarta temporada que no resultó como esperaban. En ese contexto, este trinomio de episodios representa un avance fuerte respecto a lo que será la conclusión de la serie, que espera sus dos episodios finales.

En estos tres episodios que hoy nos reúnen, nuestros protagonistas vuelven al esquema más clásico de pensar una estrategia para resolver el problema de Homelander y los superhéroes tomando el poder de la ciudad. Nos devuelve a los mejores momentos de la serie donde todos tenían un objetivo común, y las rispideces empiezan a desaparecer. Mientras tanto, Homelander busca la forma de conseguir la vida eterna, lo cual derrumbaría toda posibilidad de derrocar su puesto de poder.

El gran problema que tienen estos tres episodios es que no tienen estructura alguna. Los tres son sumamente diferentes, abarcando decenas de tramas, unificando el camino de varios personajes sin desarrollo, enfrentando a otros sin contexto, dándoles conclusiones que nunca se vieron venir. Todo lo que faltó desarrollar en la temporada anterior pasa una factura muy grande ahora y se siente como que gran parte de las situaciones son completamente al azar.

Otro punto muy lastimado por este desaprovechamiento del tiempo es el personaje de Black Noir y su relación con The Deep. Conflictos que aparecen de la nada, resoluciones repentinas y un personaje que nunca termina de justificar por qué aparece de nuevo después de su desaparición son los conceptos que marcan al Black Noir de esta temporada. Con The Deep, lo de siempre: sufre lo mismo que le está pasando a Homelander en esta temporada.

Los chistes tienen un límite. No se puede hacer el mismo chiste cien veces porque a la mitad dejará de tener sentido. Con Homelander específicamente pasó eso al principio de la temporada, pero terminaron de encauzar el barco encontrando una nueva veta con la crítica religiosa. Sin embargo, The Deep es más de lo mismo. Hace ya tres temporadas que el personaje da vueltas en círculo sin tener el más mínimo sentido de pertenencia ni motivación clara, y quedan pocos episodios para darle ese peso.

Otro de los puntos que más termina afectando a estos episodios, como venía diciendo, es la reiteración de chistes y momentos incómodos. Critican tanto a TikTok y las nuevas tecnologías, que terminan convirtiéndose en una piedra más de ese sistema. Se entiende que están apostando por lo que más les funcionó, pero por momentos es abrumador y hace perder el hilo conductor de lo que realmente sucede en la serie. Es difícil ver algo que prioriza un chiste a la coherencia narrativa.

Para dejar un rastro de esperanza, llegando al capítulo seis gran parte de las cosas se empiezan a acomodar y todo tiende a caminar hacia un final. Me parece muy interesante cómo lograron generar un final tan diferente al de los cómics y tan abiertamente dispuesto al cambio, que nada de lo que ocurra sea predecible. Estamos a solo dos episodios de que The Boys cierre las puertas y podemos teorizar cientos de cosas pero nadie sabe cual será el final de la serie.

La última temporada de The Boys es un sube y baja de calidad constante. Es un intento de volver a lo que hizo esta serie grande pero con los fantasmas de una producción que sufrió muchísimo la huelga de guionistas que se dio unos años atrás. La cancelación de Gen V y su paupérrima segunda temporada también lo demuestra.

Quedan dos episodios para el final de The Boys y la expectativa es total, más por lo que fue que por lo que es actualmente, pero también porque han sabido forjar una narrativa que es difícil de predecir. En dos semanas veremos si esos dos episodios le darán un cierre digno a una temporada que tuvo más altos que bajos, o si se verá afectada por todo el último tramo que tuvo la serie.

Mixtape es una interesante y simpática aventura narrativa que busca empatizar con los jugadores a través de una historia que nos cuenta el último día de un grupo de amigos antes de separarse tras terminar el colegio secundario. El juego fue desarrollado por Beethoven and Dinosaur, estudio detrás de The Artful Escape y, en esa misma sintonía, la música y los elementos cinematográficos tienen un papel central en esta experiencia.

La esencia de Mixtape es sentirse como en una película y en un concierto musical. Nos ponemos en la piel de Stacy Rockford, una joven que va a abandonar su pueblo natal para ir a Nueva York y perseguir el sueño de ser una supervisora musical. Ella está obsesionada con la música y, por eso, el hilo conductor del último día que imaginó con sus amigos es un compilado de canciones que va transcurriendo a la par del título.

El grupo de Stacey está conformado por Van Slater, un joven que decidió quedarse en el pueblo para encontrar sus aspiraciones y Cassandra Marino, una estudiante ejemplar con una familia estricta que encontró en Stacy y Van un lugar para sentirse un poco más libre. Mixtape apela a emocionar a los jugadores a través de la nostalgia del grupo de amigos.

De esta forma, el juego es una sucesión de hits de la época que van contextualizando y acompañando las vivencias del grupo. La trama central se resume en conseguir alcohol para llevar a una fiesta nocturna que promete ser épica e ideal como despedida. Sin embargo, la belleza de Mixtape se encuentra en cómo vamos conociendo a los personajes a lo largo del día a través de recuerdos y conversaciones.

El tópico central que define a este título es conocer a este grupo de amigos. En Mixtape no hay un misterio que resolver, ni una subtrama latente a punto de explotar, simplemente se trata de un grupo de amigos terminado la secundaria con el cual uno puede sentirse identificado. Tanto la música como la ambientación es de los 80s y 90s, y pueden hacer esbozar una sonrisa a quien lo juegue si es que se siente interpelado.

En mi caso, soy de una generación un poco posterior a lo que cuenta Mixtape por lo que la mayoría de los elementos y música no fueron un flechazo al corazón. De todas maneras, hay algo que supera cualquier barrera temporal y es tu grupo de amigos del secundario. Las conversaciones, la exageración en las anécdotas y como algo pequeño podía significar el mundo entero cuando éramos más chicos, son cosas que sentí muy bien representadas y que me hicieron valorar mucho lo que el juego logra al dirigirse al jugador.

El aspecto jugable de la entrega es muy simple, incluso tomando como referencias otras aventuras narrativas como Life is Strange y Firewatch. Aquí no hay toma de decisiones ni mucho lugar para la exploración. Hay algunos momentos donde nos podemos mover para acercarnos a objetos y personajes para tener conversaciones y recuerdos, pero no mucho más.

Por fuera de esto, la mayoría de las canciones desembocan en recuerdos o actividades que abren minijuegos que son tan variados como simples. Andar en skate haciendo trucos, tirar piedras para hacer sapito en el agua o llenar una casa de papel higiénico son algunos de los recuerdos que podremos jugar y experimentar a nuestro modo. Más allá de que las mecánicas no tengan complejidad, me parece destacable cómo Mixtape se ingenia para darle epicidad a esos momentos de la vida cotidiana que terminamos exagerando y condimentando a la hora de recordarlo con nuestros amigos.

Otro de los aspectos destacables del título es su diseño artístico. Cada escenario se ve hermoso con un estilo de animación que simula el stop-motion y que logra hacer destacar en todo momento el sentido nostálgico de la obra. En muchos momentos, Mixtape juega con el escenario fusionando su arte y música dando como resultado momentos muy bonitos. Sumado a esto, las actuaciones de voz y los elementos más cinematográficos que incluye, como la protagonista rompiendo la cuarta pared en determinados momentos, terminan funcionando muy bien en la propuesta final.

Posiblemente la historia de Mixtape no le cambie la vida a ningún jugador ya que peca de cotidianidad y simpleza, cosa que, a mi criterio, termina haciéndola funcionar. No hay un plot twist memorable ni personajes extremadamente complejos y desarrollados, simplemente un grupo de amigos adolescentes con muchas anécdotas que contar.

Mixtape es una bonita aventura narrativa que tiene un objetivo claro y lo cumple. Con sus tres horas de duración, puede cautivar, emocionar y sacar una sonrisa a más de un jugador, sobre todo si es amante del género o de la temática adolescente.

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• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodio 1: De vuelta a las bases
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 2, 3 y 4: Se viene el estallido
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 5 y 6: De vuelta a la nostalgia

Episodios 7 y 8: Finalmente nace otra vez

Después de prácticamente dos meses al aire, Daredevil: Born Again finalizó su segunda temporada con un nivel mucho más consistente que la entrega anterior pero también con una apuesta mucho más segura, sin dar pie a nuevas interpretaciones ni aprovechar las puntas que la misma serie originó en estas dos temporadas al aire.

El regreso de Daredevil a las pistas, ahora bajo el manto de Marvel/Disney, fue agridulce en su momento porque significó una reinvención del personaje con casi el mismo cast pero intentando generar un estilo propio después de la gran serie que fueron esas tres temporadas que produjo Netflix en la década pasada. Sin embargo, esta segunda temporada termina haciendo el trabajo sucio de unificar todo ese periodo de gracia y lo que Daredevil: Born Again quiere ser para el personaje.

En estos últimos dos episodios de Daredevil: Born Again, el conflicto entre Fisk y Daredevil termina teniendo un peso mucho mayor, presentándose en dos bandos en los que todo Nueva York debe decidir de qué lado estar. Es una representación clara y concisa del bien contra el mal y una evolución muy fuerte del concepto que vimos en episodios anteriores.

En este sentido, hay una vuelta de tuerca muy interesante ya que como he dicho en las notas anteriores, la mitad de esta temporada sufrió de mucho reciclaje de tramas que ya se habían profundizado en la serie de Netflix. Este “no remake” termina con una resolución diferente, a una escala mucho mayor y eso le da un cierto toque que termina beneficiando a esta superproducción.

El último episodio de la temporada particularmente termina siendo quizás el mejor desde que se emite Daredevil: Born Again en Disney+ y nos da todo lo que hace a Daredevil grande. Conflictos humanos, conflictos internos, escenas de acción con coreografías muy buenas y la profundización de muchos personajes secundarios que hasta el momento eran solo minutos sueltos en episodios pasados.

En ese sentido, Daredevil: Born Again es un cheque en blanco a futuro. Todo lo bueno que hizo la serie termina convirtiéndose en promesas para la tercera temporada, que ya está filmando, y el reciclaje de lo que fue la serie de Netflix ya llegó un tope en el cual no se puede seguir más. La siguiente temporada tiene la obligación de entregarnos algo auténtico, nuevo para el personaje y también para el espectador, y la eficacia con lo que lo logren hará más grande la participación del personaje en esta segunda temporada.

La introducción de Kirsten Rytten al cast como Jessica Jones, que no había gravitado en la mitad de temporada, termina siendo bastante superior en estos últimos episodios y nos recuerda a los mejores momentos del personaje en su serie original de Netflix. También hay que destacar nuevamente la actuación de Charlie Cox (Daredevil) y Vincent D’Onofrio (Kingpin) que con cinco temporadas bajo el brazo sigue entregándonos momentos memorables interpretando a estos personajes.

Hay dos personajes que también tuvieron una fuerte participación en esta temporada. Por el lado positivo, el Bullseye de Wilson Bethel se ha convertido en la mejor encarnación del personaje y da muchas ganas de conocer más de hacia dónde puede ir. Por otro lado, decepciona un poco la participación de Matthew Lilliard que ni siquiera llega a ser enigmática, sino que nos dan tan poca información que ni podemos ponernos curioso por el personaje. Por último, los personajes de Heather Glenn (Margarita Levieva) y White Tiger (Camila Rodriguez) dan giros interesantes en el último episodio que pueden ser fuertes puntas para desarrollar en la siguiente temporada.

Esta nueva temporada de Daredevil realmente hizo honor a su nombre y le dio la posibilidad al personaje de nacer otra vez. Creo que todavía queda definir si eso es bueno o malo, y dependerá en gran parte de los planes que el estudio tenga para el personaje tanto en la tercera temporada como en la participación de otros proyectos que seguramente llegarán más tarde que temprano.

Por el momento, en lo posiblemente objetivo que puede ser, creo que esta temporada es superior a la anterior pero logra esto apelando a un montón de recursos que ya hemos visto y ya hemos apreciado. El error de Daredevil: Born Again sería, realmente, no ofrecer un renacimiento del personaje y volver a entregar una nueva temporada con los mismos conceptos que ya hemos visto una y otra vez. Daredevil no es un personaje corto en ideas como para tener que siempre apelar a lo mismo.

En una de esas historias en donde las ciudades también son protagonistas, M.I.A. comienza en los Cayos de Florida y nos introduce a Etta, una joven que ayuda a sus padres como guía de un crucero en la reserva natural. Desde el principio sabemos que estamos ante una protagonista que no tiene miedo de tirarse al agua con un silbato para ver si los cocodrilos están cerca y a la que no le importa lo que nadie opine sobre ella.

Entre el clima húmedo y los oasis costeros, el espectador descubre rápidamente que el verdadero trabajo de sus padres y sus hermanos está en el mundo del crimen organizado y que como siempre ocurre, en algún momento u otro, va a correr sangre.

La premisa comparte el ADN de Ozark, y ambas tienen a Bill Dubuque detrás, pero acá no se apunta tanto a la caída de una familia, sino a la transformación de una heredera del crimen. También tiene un componente algo telenovelesco con la esencia de El Conde De Montecristo, y que si bien funciona, puede no ser del agrado de quienes buscan explosiones, sangre y peleas con cuchillos (de lo que también tiene mucho).

Pero sin lugar a dudas, lo más interesante de la nueva apuesta de Dubuque está en nuestra protagonista, aquella chica indomable que es como una suerte de princesa de Disney dentro del mundo narco, una que quiere más y que necesita que se deposite en ella la confianza y las responsabilidades de una profesión heredada sin tener en claro las consecuencias.

Cada episodio explica y desarrolla las motivaciones de un personaje distinto, pero el corazón de la serie sigue siendo Etta (interpretada a la perfección por la joven Shannon Gisela) como el motor emocional de la serie de Paramount+.

Como toda historia con múltiples subtramas, hay algunas más interesantes que otras y tiene más de un episodio de “relleno”. De todos modos, si hay algo que podemos decir en una industria del entretenimiento en donde se estrenan nuevas series todos los días, es que M.I.A. logra mantener a sus espectadores atrapados desde el piloto con revelaciones y giros inesperados. Y eso ya es un montón.

Con Karen Campbell (Dexter, Outlander) como showrunner, M.I.A. es una apuesta de mafia, pero también una de venganza, una suerte de coming of age y un drama de personajes que pone su fuerte en el desarrollo de sus villanos y en la historia de origen de otros.

Estamos llegando a un junio donde se cumplirá el primer año de vida de la Nintendo Switch 2. Hemos tenido muchas cosas en este lapso de tiempo, desde grandes propuestas esperadas como Metroid Prime 4 Beyond hasta grandes sorpresas como Donkey Kong Bananza y Pokémon Pokopia. En el medio, Nintendo no ha dejado de apostar al regreso de muchas de las franquicias que el ciclo Nintendo Switch aún no había recibido.

En este caso, es el turno de Tomodachi Life, una franquicia que se caracteriza por el éxito que supo tener en Japón y también más en profundidad en el catálogo de consolas portátiles. Ese catálogo hoy está unificado con el de sobremesa y todo se une en Nintendo Switch. Esta franquicia regresa con Tomodachi Life: Living the Dream, apuntando a un público masivo de más de 170 millones de usuarios (ya que es un lanzamiento cross-gen, sale tanto para Nintendo Switch como para Nintendo Switch 2) y es posiblemente el lanzamiento más grande que la franquicia alguna vez vivió.

Para quienes no estén familiarizados con la franquicia, Tomodachi Life es un simulador de vida. Tratándose de una isla caricaturesca, es inevitable pensar previo al juego que se trata de una experiencia similar a Animal Crossing, pero si bien creo que la similitud más grande que podemos encontrar a Tomodachi Life es la franquicia de The Sims, uno de los pilares fundamentales de la experiencia Tomodachi Life es que es única.

Todo es bizarro, todo es confuso y todo recae en los personajes que vos mismos creas con el sistema de “Mii” tradicional de Nintendo, haciendo que puedas incluir famosos, familiares, amigos, personajes inventados o lo que vos quieras. Michael Jordan puede cruzarse con Chayanne o Lionel Messi tomar algo en un bar con alguno de tus primos. Eso es lo que le agrega un condimento especial a todas las situaciones bizarras que ofrece Tomodachi Life.

Para empezar a hablar de esto, hay que destacar que la herramienta de creación de Mii es increíble. Ya se había visto algo similar en la remasterización que Nintendo sacó con Miitopia, pero esta vez es completamente superior. Con una interfaz clara y muy amigable, podemos acercarnos a una interpretación de cualquier tipo de personaje o persona que se nos ocurra. A su vez, hay un modo “sencillo” que te va haciendo preguntas como si fuera Akinator y termina creando la base del personaje por vos. Todo está creado en pos de que sea divertido poder incluir más protagonistas en nuestra isla.

En ese sentido, la diversión no falla. La progresión en Tomodachi Life: Living the Dream se reduce a los encuentros entre personajes, que siempre intentan sacarnos una sonrisa o sorprendernos, sea por lo bizarro, como soñar con un alien y que después aparezcan, o por lo gracioso, como los encuentros similares a la vida real que ya he mencionado. En ese sentido, hay algo en la oferta de Tomodachi Life: Living the Dream que puede definir si el juego te gusta o no: es una experiencia de a ratos. Podés entrar 15 minutos por día y el juego va a progresar casi tanto como si jugás una o dos horas. Todo se cocina lento, como la vida misma, y es una experiencia pensada para acompañarte poco tiempo por día durante muchísimos meses más que muchas horas en un corto lapso de tiempo. Que te guste esta forma de jugar es indispensable para disfrutar lo que este juego propone.

En este último punto me voy a detener un poco, porque la progresión de Tomodachi Life: Living the Dream se basa en los encuentros entre personajes y las relaciones de los mismos. Hay que alimentarlos, hay que jugar con ellos, hay que vestirlos y algunas pocas cosas más, pero los elementos a realizar siempre giran alrededor de las mismas situaciones y lo cómico que puede resultar algunas de ellas. Para quien encuentre algo interesante en este humor, será diversión garantizada, pero para muchas otras personas creo que el contenido les parecerá poco y repetitivo.

A su vez, el chiste de relacionar la vida de Tomodachi Life: Living the Dream con lo que pasa en la realidad es gracioso, pero requiere compartir. Nintendo no deja compartir directamente contenido en sus redes sociales de este juego, seguramente a raíz de no poder moderar fuertemente el contenido y lo que la gente haga con este juego, pero sí te deja hacerlo si pasás el material a la PC conectando la Nintendo Switch con cable. Todo termina siendo una traba completamente innecesaria que elimina uno de los factores más importantes del juego: lo social.

Este tipo de situaciones entorpecen lo que hace a Tomodachi Life: Living the Dream divertido y, en mi caso particular, le saca la gracia a las pocas horas de juego. Ver la misma escena de dos personajes interactuando deja de ser gracioso a las pocas horas. Ni hablar jugar con los Mii o ver sus sueños: son divertidos hasta que los ves tres o cuatro veces y ya después empiezan a ser molestos. Salvo que, de vuelta, tengas con quien compartirlos. Algo que Nintendo se ocupó de dificultar.

Encuentro atractivo de Tomodachi Life: Living the Dream su identidad propia, en un momento donde Nintendo está intentando reflotar Animal Crossing con su Nintendo Switch 2 Edition y que han pegado un inesperado hit con Pokémon Pokopia, ambas experiencias que podrían acercarse a lo que este juego quiere ser. Acá hay identidad, hay otra forma de juego y una propuesta que puede extenderse por meses, pero sin dudas, no es un juego para cualquiera.

Intentando ser lo más abierto posible que ha sido esta franquicia alguna vez, Tomodachi Life: Living the Dream no deja de ser un videojuego para el público al que apuntó en su origen y el que le dió de comer. Habrá que ver en base a esto si Nintendo tiene planes de seguir ampliando y expandiendo la franquicia o si esta saciedad momentánea le alcanza para dejar a Tomodachi Life con los pies sobre la tierra. También me interesa ver después de esto qué harán con algunas franquicias que aún no han impactado en el ciclo Nintendo Switch como el próximo Rythim Heaven Groove, o el nuevo Star Fox.

Tomodachi Life: Living the Dream es posiblemente la experiencia más grande y ambiciosa desde que se creó la franquicia. Se nota la intención de hacer algo más accesible y hasta en cierto punto “Occidental” para un público que ahora no es mayoritariamente japonés y también abarca millones de personas a lo largo del mundo. En ese sentido, creo que el juego cumple con su propuesta inicial.

Sin embargo, Nintendo fue muy precavido respecto a diversos elementos sociales que creo que terminan de cerrar el círculo de la experiencia y hacen que el contenido termine siendo escueto y repetitivo. No es un mal juego de Tomodachi Life, pero es un Tomodachi Life. Sigue siendo una experiencia exclusiva para quienes disfruten de crear Miis por horas o quienes encuentren excesivamente divertidos los chistes que el juego les hace. Podría haber sido más.

Saros finalmente se lanzó en PlayStation 5 y era uno de los juegos más esperados del año tanto por tratarse de una exclusividad de PlayStation como por ser la nueva entrega de Housemarque, estudio que lanzó el aclamado Returnal en 2021. Con una propuesta más amigable en general y un soberbio gameplay, Saros se posiciona como uno de los mejores lanzamientos del género del año.

Quiero remarcar que Saros era un juego muy esperado por mí ya que Returnal, en mi experiencia, sigue siendo al día de hoy uno de los mejores exclusivos que tuvo la PlayStation 5. Aún saliendo pocos meses después de la consola, fue con Returnal donde verdaderamente sentí un cambio generacional basado en su jugabilidad, potencia gráfica y hasta en cuestiones más externas como la utilización del DualSense con su vibración y gatillo adaptativo.

Habiendo jugado y disfrutado ambas entregas, puedo decir que no considero a Saros como un sucesor directo de Returnal. Aún manteniendo una jugabilidad similar y muchos aspectos compartidos, sus diferencias en la propuesta final son muy notorias. Returnal es un roguelike con todas las letras mientras que a Saros lo sentí un juego de acción más convencional en su narrativa y sus mecánicas, a los que se le suman elementos roguelites.

En la entrega nos ponemos en la piel de Arjun Devraj, un agente de Soltari, una de las empresas más grandes y poderosas del planeta que se centra en la exploración y explotación espacial. La trama del juego nos lleva al planeta Carcosa, un misterioso lugar repleto de lucenita, un mineral con mucho valor ya que sus propiedades pueden cambiar el futuro energético del mundo.

El objetivo de nuestro personaje y expedición es averiguar qué sucedió en el planeta ya que se perdió contacto con la colonia que habitaba allí y las posteriores expediciones. Esto nos lleva a enfrentarnos a oleadas de enemigos y diferentes misterios del planeta ya que el tiempo pasa de manera diferente. Incluso, cuando hay eclipse, el lugar y los enemigos cambian.

La narrativa es interesante y está bien contada ya que a lo largo de la historia iremos conociendo más sobre el planeta como el trasfondo de nuestro protagonista y sus compañeros. Pese a que la historia se cuenta de una manera más tradicional que con Returnal, logra mantener el misterio y lo enigmático de su mundo y personajes hasta el final.

El punto fuerte de Saros y donde brilla es en la jugabilidad y, en este aspecto, estamos ante uno de los mejores exponentes en lo que respecta a juegos de acción frenéticos en tercera persona. Cada combate se siente único y la precisión en los movimientos, disparos y esquivas son dignos de un juego de plataformas donde nada está librado al azar y si derrotamos a un enemigo o recibimos daño es pura y exclusivamente por nuestro accionar.

El gameplay consiste en pasar de un escenario a otro derrotando oleadas de enemigos hasta llegar al jefe de cada sección. Durante el recorrido vamos juntando Lucenita que nos sirve para conseguir mejoras permanentes después de morir, encontrando nuevas armas y artefactos que nos dan pasivas aleatorias durante cada run. Más allá de disparar y eliminar a enemigos, lo que hace brillar a Saros son los movimientos que tenemos que hacer para esquivar los proyectiles que nos vienen de todos lados.

Uno de los agregados más diferenciales a la hora de la jugabilidad de Saros con respecto a Returnal es que tendremos un escudo que nos permite realizar un ataque potente como así también mitigar daño. Una vez que nos familiarizamos con su uso, cambia la experiencia por completo haciendo que cambien nuestras propias estrategias de combate.

El escudo se recarga absorbiendo proyectiles azules y se desgasta al recibir daño de proyectiles amarillos. Sin embargo, los proyectiles rojos nos hacen daño sin importar si tenemos escudo o no. Este esquema tan simple forma parte de la experiencia central ya que nos termina marcando el ritmo de cuando esquivar, cuando absorber y para dónde movernos en cada momento.

Por otro lado, todos los aspectos y mejoras relacionadas a nuestro personaje también fueron simplificados con respecto a la entrega anterior y me parece una decisión acertada ya que se nota que la entrega fue pensada para ser de más fácil acceso y entendimiento. Mejoramos nuestra vida, nuestro escudo y la obtención de Lucenita y no hay mucho más desarrollo de personaje y estadísticas.

En definitiva, la experiencia de Saros es contarte una historia interesante y cautivar al jugador con acción frenética y un gameplay muy sólido. Vale la pena aclarar que aunque el juego tenga elementos simplificados no significa que sea sencillo. La escalada en la dificultad es marcada según avanzamos en el juego. Al pasar las horas, Saros va encontrando su desafío obligándote a mejorar ya que no importa las mejoras permanentes que consigamos, si no aprendemos vamos a perder igual.

Finalmente, quería hablar de la mecánica de la muerte y el volver a empezar ya que es otro punto donde noté mucha diferencia entre este y el último lanzamiento. Morir en Returnal implicaba conocer un poco más de su historia, aprender alguna nueva funcionalidad de algo del mapa y hasta encontrar nuevas cosas en la siguiente partida. En este sentido, las partidas de Saros carecen de esa impronta de aprender el camino que estamos haciendo paso a paso, sino que morir simplemente es una excusa para mejorar a nuestro protagonista y mejorar en nuestro desempeño.

Esto no quiere decir que no hay elementos desbloqueables al morir ya que volver a empezar nos brinda la posibilidad de encontrar nuevos archivos de textos, audios y conversaciones con personajes que nos brindan más contexto de la historia. Pero realmente no se encuentra esa sensación que caracteriza a los roguelike de que volver a empezar es una manera de redefinir nuestros pasos.

Según el tipo de jugador que seas, esto puede ser algo negativo como también positivo ya que vuelve la experiencia de Saros más accesible aunque no deja de ser desafiante. Todas estas diferencias entre un juego y el otro no me parecen casualidades sino que son decisiones que tomó Housemarque y que brinda la posibilidad de tener dos experiencias bastante diferentes aún compartiendo muchas mecánicas y jugabilidad.

Disfruté mucho de mi experiencia con Saros y no tengo dudas de que ya es uno de los mejores lanzamientos que voy a jugar en el año. Es una entrega que logra sacar a relucir el poderío de la PlayStation 5 con un diseño de arte hermoso, un combate frenético y una jugabilidad precisa y con muy buen rendimiento dando como resultado una entrega memorable.

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• REVIEW | Invincible - Temporada 4 - Episodios 1 al 3: El precio de cruzar el limite
• REVIEW | Invincible - Temporada 4 - Episodios 4 y 5: El infierno está encantador

Episodios 6, 7 y 8: La hora de las decisiones

Invincible entrega los últimos tres capítulos de esta temporada con una performance aún mejor que la anterior y elevando una calidad que ya de por sí era muy alta. Es increíble que el plan de Robert Kirkman y sus asociados, de poder sacar una temporada anual, esté siendo realizado con estos estándares y es algo muy poco común en la industria, algo para valorar en este tiempo donde las series tardan varios años para realizar su siguiente temporada.

Todavía vamos por poco más de la mitad del arco narrativo que tienen los cómics, así que podemos estimar que Invincible planea tener un arco de aproximadamente ocho temporadas. Es cierto que por momentos, y en esta temporada es bastante notorio, se decide acotar el presupuesto de animación en pos de capítulos que no requieren tanto pulido como otros, pero es un precio justo a pagar en pos de la periodicidad y la constancia de esta serie que en cuatro temporadas, siempre ha cumplido.

Este arco final de Invincible podría tranquilamente considerarse una película larga, un enfrentamiento final entre nuestros protagonistas y los Viltrumitas, con conflictos morales, escenas de acción grandilocuentes y la batalla más ambiciosa que esta serie nos dio hasta el momento. No me tiembla el pulso al decir que hay algunos efectos de combate animados que están entre lo más top que vi en este tipo de producciones; lo que está relacionado con lo que decía antes: se nota mucho que en pos de brindar estos momentos y la constancia anual, Invincible se permite tener episodios “más tranquilos” en cuanto a pulido de animación.

A su vez, este final no sólo plasma el fin de una era para las primeras cuatro temporadas de Invincible sino también deja un punto y aparte para toda la trama que se construyó en esa temporada. Nuevamente y quizás de una forma más profunda que antes, esta serie da borrón y cuenta nueva y nos deja un montón de interrogantes sobre qué es lo que sucederá en las siguientes temporadas, más teniendo en cuenta que aún falta la mitad de la narrativa general en ser adaptada.

El elenco, como siempre, cumple y acompaña a la buena calidad que presenta este serie. Mención especial para Lee Pace como Thragg, este emperador viltrumita que con una sola temporada se ha ganado el lugar como uno de los villanos más temibles de la franquicia y un personaje memorable. Seguramente veamos más de él al pasar las temporadas, y dejó una huella similar a lo que Conquest (Jeffrey Dean Morgan) logró en la temporada anterior.

A mi modo de ver, el gran acierto de esta temporada de Invincible está en el último episodio. En una época donde hay un reciclaje constante de grandes ideas y conflictos que se presentan a los personajes, la problemática que se le plantea a Mark y que debe resolver en el momento me parece espectacular. No tiene respuesta, no hay opción correcta ni hay forma de escapar. Es simplemente tomar la mejor decisión posible en el momento y pone al espectador en un lugar interesante de reflexión sobre qué haría en su lugar.

En ese aspecto, me parece bastante más similar al conflicto moral que plantea Attack on Titan como obra que al que puede ofrecer, por ejemplo, The Last of Us. El uso de la responsabilidad como concepto y la necesidad de tomar una decisión que, aunque no es buena, aún así se presenta como la mejor en base a las opciones que tenemos. Es una resolución muy bien construída en una temporada que, aparte, fue muy dinámica en su ritmo.

Creo que el cierre de esta temporada es el que más contento me dejó hasta el momento. Lo tuvo todo, y como plus, fue completamente inesperado. El último capítulo te deja un sabor amargo en la boca y las ganas de querer ver mucho más de este universo, mientras que por la espalda muchísimas situaciones se están cocinando y dan para desarrollar en lo que vendrá.

En un momento en el que muchas series de superhéroes, longevas también y apuntadas para un público más adulto, están intentando cautivar al público que perdieron, Invincible camina lento y fuerte. Con calidad, con constancia y sobre todo con una excelente historia que contar. Estaremos allí el año que viene para ver cómo sigue todo esto.

Allá por el 2006, Meryl Streep nos dio una masterclass de actuación con la interpretación de Miranda Priestly, la diabólica CEO de la moda inspirada en la editora de Vogue Anna Wintour. Por aquel entonces, El Diablo Viste a la Moda nos dejó frases inolvidables como “Eso es todo” o “un millón de chicas matarían por este trabajo” y nos trajo unos de los debates más vigentes de la cultura pop hasta el día de hoy sobre la revelación del novio de Andy como el verdadero villano.

Veinte años después llega El Diablo Viste a la Moda 2, que reúne a los entrañables protagonistas de la primera (incluyendo a Stanley Tucci y a Emily Blunt) y suma algunas caras nuevas.

La historia nos plantea un escenario acorde a los tiempos que corren en donde el auge de lo digital pone en jaque a las revistas tradicionales, entre ellas a Runway. Andy es una periodista de investigación de cierto renombre y es contratada por la famosa editorial para reinventar el imperio del universo online.

En la película se habla sobre el rol que ocupa el periodismo hoy en día, en donde se prioriza el alcance y la cantidad de clics por sobre el contenido. Se habla sobre la importancia de los seguidores y sobre cómo adaptarse a los cambios frente a la instalación de la inteligencia artificial. Y este es el mayor atributo de El Diablo Viste a la Moda 2. Nunca me hubiera imaginado que el corazón del film iba a estar puesto en un análisis sobre el periodismo moderno y el peso de una nota bien escrita frente a la necesidad constante de scrollear y los posteos virales.

Por lo demás, la estructura narrativa es exactamente la misma: Andy debe volver a ganarse su lugar en la industria, Miranda no se la va a hacer fácil y siempre hay alguien que quiere clavarle un puñal por la espalda. El Diablo Viste a la Moda 2 es divertida y mantiene su frescura. Las actuaciones siguen siendo igual de fabulosas que en la primera y la esencia está ahí.

La primera película era perfecta. Esta no lo es. Mientras que Anne Hathaway ahora se viste mucho más “fashion” después de su paso por Runway y la vemos lucirse con trajes increíbles, todavía sigue pidiendo ayuda y recurriendo al closet de Tucci cuando necesita vestirse para ciertos eventos.

También llama la atención la primera reacción (que ya nos spoilea el adelanto) de Miranda cuando ve a Andy por primera vez y no la reconoce. ¿Se olvidó porque pasaron muchas asistentes después de la protagonista o es Miranda poniendo en práctica otra de sus maniobras manipuladoras? Aunque nunca termina de quedar claro, se contradice con la idea de que el paso de Sacks por la editorial fue memorable para todos, incluso para la propia Priestly.

Por otro lado, el rol de la nueva Emily (Simone Ashley) queda completamente desdibujado. Aunque se entiende que el foco de la secuela está puesto en otro lado y no tanto en el día a día de Runway, su personaje Amari ocupa el lugar de primera asistente, uno de los emblemas de la película, y solo tiene algunos diálogos durante todo el film.

Más allá de estos detalles, El Diablo Viste a la Moda 2 es confort, fresca y logra meternos de nuevo en el mundo de Runway del que nos enamoramos la primera vez. Quizás no sea icónica ni perfecta, pero se disfruta muchísimo.

Episodios anteriores

• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodio 1: De vuelta a las bases
• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodios 2, 3 y 4: Se viene el estallido

Episodios 5 y 6: De vuelta a la nostalgia

Después de esa catarata de episodios iniciales donde Marvel pudo crear una consistente temporada de Daredevil, alejada de los problemas de desarrollo que tuvo la primera y conectando tanto esta nueva versión como el material realizado con Netflix, estamos ante unos episodios que miran más al pasado que al futuro y terminan intentando replicar viejos éxitos que nunca pueden volver a tener el mismo efecto.

Ya hablábamos en las reseñas pasadas del trabajo arduo que está haciendo Daredevil: Born Again por recuperar todo lo bueno que Netflix hizo en las primeras tres temporadas y ensamblarlo con lo que formaron en la primera temporada de Disney+, que poco tuvo que ver con aquella serie inicial más allá de repetir gran parte del elenco.

Estos episodios vuelven a poner en juego un dilema habitual en personajes de superhéroes y mucho más habitual en personajes de Marvel: ¿el fin justifica a los medios?. El problema entre Daredevil y Bullseye se vuelve a representar mediante si los villanos merecen que se haga justicia por mano propia o si se puede definir el destino de una persona en base a las acciones realizadas.

Con esto en mente, el juego de los episodios es avanzar en varias de las tramas en paralelo mientras nos muestran muchas secuencias ambientadas en el pasado, justamente donde transcurría la serie de Netflix. Esto nos regala la aparición de un viejo conocido como es Foggy (Elden Henson) y el villano Wesley (Toby Leonard Moore), que vuelven a participar con actuaciones que nada tienen que envidiarle a sus participaciones en la década pasada.

Todo esto nos lleva a un climax que se desarrolla durante el episodio seis y que quiere funcionar de punto de quiebre que, me imagino, no solo tendrá consecuencias en los siguientes episodios sino también en la tercera temporada que ya está en desarrollo. Sin embargo, para mi, lo que le quita peso a todas estas decisiones narrativas es justamente el elemento reiterativo frente a las series de Netflix.

Todo es cíclico. El debate moral ya lo tuvimos en temporadas anteriores. El clímax, casi calcado, lo tuvimos al finalizar las temporadas de Netflix. Si bien podemos atribuir a una decisión artística el darle una cualidad de repetición a la cuestión, estamos viendo el remake de una temporada pasada en cuanto a temática y decisiones, con mismos personajes y mismas decisiones personales. El peso termina siendo bastante más bajo que aquella vez donde todo era nuevo para este personaje que no había sido adaptado muchas veces en las últimas décadas.

Creo que también algo que sufre esta temporada respecto a la anterior es la falta de una trama alejada de lo que es la política y la relación con Wilson Fisk. Muse le daba un aire distinto y enigmático a la temporada anterior que el personaje de Charles (Matthew Lillard) no está pudiendo rellenar y la batalla contra Fisk termina siendo siempre en cuotas, lo que no le da esa chance a la serie de mantener un foco fuerte en cada episodio y todo se centra en una narrativa general que por momentos es fantástica y por momentos no termina de convencer.

Otro aspecto que ya había sido confirmado de manera oficial es el regreso de Krysten Ritten como Jessica Jones, que de mi lado se celebra fuertemente ya que sus temporadas en Netflix tienen cosas muy interesantes y es lo mejor que salió de ese universo junto a Daredevil, pero la forma de introducirla en la serie también es un poco extraña, dandole un puñado de escenas que no terminan de justificar la aparición del personaje a nivel narrativo y parecen más una excusa para poder darle minutos de pantalla.

Por otro lado, hay una cuestión positiva relacionada a estos episodios. El desarrollo de personajes como Buck (Arty Froushan), Heather (Margarita Levieva), Daniel (Michael Gandolfini) y BB Urich (Genneya Walton) le da un matiz diferente a Daredevil que no había tenido hasta el momento y garantiza una trama más compleja, que al final del día, puede terminar facilitando la posibilidad de ampliar el esquema narrativo en la siguiente temporada. En ese sentido, hay mucho del guión de esta temporada que está haciendo el “trabajo sucio” a futuro, sembrando semillas que van a tardar en ser cosechadas.

Creo que Daredevil: Born Again va por un camino más consistente que su temporada anterior, sin tanta apuesta y respetando reglas más seguras. Habrá que ver la culminación de esta temporada hacia donde va, con qué nos puede sorprender y qué bases sienta para esa tercera temporada que no sólo debe concluir esta trama sino que tiene el peso de concluir con personajes que ya llevan seis temporadas de desarrollo.

Pokémon carga con el peso de ser la franquicia más exitosa de todos los tiempos. En base a ese dato, cuyo origen es la cantidad de dinero que genera una saga que está en prácticamente todos los rincones de la industria del entretenimiento, es que hay críticas muy fuertes cuando Pokémon no cumple los estándares y entrega videojuegos con una enorme cantidad de problemas y bugs dentro.

Este contexto es importante para entender por qué sale Pokémon Champions, un videojuego que está orientado a llevarse por delante el competitivo de Pokémon que habitualmente se mueve en el juego “principal” de la generación, actualmente Pokémon Escarlata y Pokémon Púrpura (2022), algo que cambiará el año que viene con el lanzamiento de Pokémon Viento y Pokémon Ola.

Pokémon Champions es un videojuego multijugador de peleas Pokémon. Solo se puede jugar online y tiene todas las características de un juego como servicio: contará con varias temporadas, hay un sistema de partidas clasificatorias para obtener un rango y algunas mecánicas para obtener diversos Pokémon, aunque la idea del juego es que relaciones la aplicación con Pokémon Home y que así puedas utilizar todas las criaturas que consigues en el resto de los juegos.

En base a esto, si sos un jugador que sólo quiere jugar Pokémon Champions o querés ampliar tu repertorio de personajes, hay diversas misiones donde podes ganar plata, cupones permanentes o cupones de aceleración. El juego te permite encontrarte con un Pokémon salvaje por día, el cual puede ser tuyo de manera temporal por una semana. Los cupones permanentes te permiten que sea para siempre, mientras que los de aceleración hacen que puedas tener más de un encuentro por día. La plata (PV) funciona como comodín ya que sirve para ambas cosas, y también para comprar objetos en la tienda.

Por el lado positivo, hay que decir que Pokémon Champions es una buena plataforma. Creo que es el acercamiento más grande de Pokémon a sus usuarios en cuanto al competitivo y la forma más accesible que se ha creado. Es fácil aprender (tiene cientos de tutoriales desde lo más básico hasta lo más complejo) y fácil de empezar a jugar, con mecánicas destinadas a que no te vuelvas loco. Por ejemplo, los jugadores proplayers pueden armar códigos en base a sus equipos y, si vos tenes sus mismos Pokémon, podes aplicarlo para tener la misma configuración de igual a igual.

Todo esto hace que el competitivo de Pokémon intente volverse masivo. Para poder participar, antes tenias que comprar sí o sí una consola de Nintendo, tener el último Pokémon (y cambiarlo cada 3 o 4 años) y jugar cientos de horas para acceder al meta continuamente. Ahora solo basta con tener una Nintendo Switch 2 y descargar este juego, algo que se simplificará mucho en los próximos meses cuando también salga la versión para celulares.

Esto aún tiene algunas fallas que seguramente The Pokémon Company no tenía previsto. Por ejemplo, actualmente es indispensable tener un Mega Floette para formar parte del meta del juego, un Pokémon que solo se puede conseguir terminando tanto el juego base como el DLC de Pokémon Legends Z-A (2025), haciendo que tengas que destinar casi 50 horas a ese juego para poder empezar a hablar.

También es cierto que es un videojuego que sale con algunas cuestiones acotadas: hay pocos Pokémon para utilizar (son 269 disponibles de 1025, que se irán ampliando a lo largo del tiempo) y faltan algunas mecánicas como el habitual combate 6 vs 6, que seguramente terminará llegando también en otro momento. También es verdad que, más allá de la intención de que no necesites jugar otros juegos, aún pagando el Starter Pack quedas muy atrás de aquellos a los que tienen la posibilidad de jugar otros juegos de la franquicia.

Desde el lanzamiento hasta algunos días después, el juego fue teniendo varios parches y tuvo un trabajo de actualización constante por una enorme cantidad de bugs y fallas que presentó al principio. Lo cual nos presenta algo negativo, como es la continuidad en los problemas de desarrollo de Pokémon, contra lo positivo que es el constante flujo de trabajo para solucionarlo sobre la hora.

ILCA es el desarrollador de este juego, que ha también sido quien desarrolló Pokémon Diamante Brillante y Pokémon Perla Reluciente (2021). El apartado audiovisual cumple, aunque está lejos de los estándares actuales de Pokémon, incluso también en interfaz de usuario. Todo esto posiblemente diseñado para que el juego pueda correr también en celulares de bajos recursos y sea lo más accesible que se pueda.

Pokémon Champions, concluyendo con el principio de la nota, trae algo muy bueno a Pokémon: la posibilidad de desligar el competitivo de los juegos principales. Muchos de los problemas de desarrollo de Pokémon son ocasionados por la enorme maquinaria de marketing que representa los lanzamientos de nuevos títulos que, hasta ahora, sí o sí tenían que salir en una cierta cantidad de años.

Ahora, si el competitivo va por cuenta de Pokémon Champions y el marketing se puede hacer con diferentes juegos (como los Legends o el reciente éxito Pokémon Pokopia), esos tiempos pueden estirarse. Pokémon Viento y Pokémon Ola serán los primeros Pokémon en años que se toman un tiempo más de desarrollo y corren con una presión muy fuerte de cambiar la imagen de la franquicia después de los últimos años de desarrollo fallido, más aún cuando salen en una nueva consola como es Nintendo Switch 2, así que Pokémon Champions viene a ofrecer algo muy bueno en cuanto a la posibilidad de cambios dentro de la estructura comercial de The Pokémon Company.

Fuera de ese detalle, y con todo lo dicho, creo que hoy representa una buena plataforma para quienes disfrutan del competitivo y es una buena experiencia si nunca te habías metido en ese campo de Pokémon. Todavía hay muchísimo márgen para mejorar y creo que es un juego que irá ofreciendo más y mejor a lo largo del tiempo, así que hoy es más una apuesta futura que una situación concreta. Hay que ver cómo será el lanzamiento para celulares, cuando el juego se haga accesible para todo el mundo.

Pocas producciones sobre superhéroes lograron tener el impacto mediático que alcanzó The Boys después del 2020. Con un Marvel en caída libre y un DC que recién se estaba volviendo a formar, las adaptaciones de superhéroes con un tono más adulto fueron las que lentamente fueron copando ese nicho y, con más intensidad, en un Amazon Prime que apuesta tanto por Invincible como por The Boys.

Después de una cuarta temporada muy criticada, que se desarrolló en medio de la huelga y crisis de guionistas en la industria, y dos temporadas de Gen V que sembraron la sensación de universo dentro de una serie que tenía un tiempo limitado, The Boys llega a su final con una quinta temporada que promete poner fin a la incansable batalla entre los muchachos y el tirano Homelander.

Tal y como dejamos en la temporada anterior, nuestros protagonistas están encerrados por el toque de queda anti rebelión que impuso Vought y Homelander (Antony Starr) cuando tomó el poder al final de la temporada anterior. Solo quedan liberados Starlight (Erin Moriarty) y Butcher (Karl Urban), quienes van a intentar salvar a sus amigos antes de que sea demasiado tarde.

A su vez, el elenco coral de villanos como Deep (Chace Crawford), Black Noir (Nathan Mitchell), Sage (Susan Heyward) y Firecracker (Valorie Curry) vuelven a formar parte de esta temporada. No es para menos destacar que hay una fuerte conexión con el final de la temporada anterior, ya que la cuarta temporada de The Boys había tenido conexiones muy cercanas con la primera de Gen V, haciendo que sea difícil de entender para quienes no habían visto el spin-off. En este caso, aprendieron de sus errores.

El gran acierto de estos episodios recae en Eric Kiple (showrunner) y cómo logró reencontrar la esencia de la serie. Todo lo que se le criticó en la cuarta temporada y en su spin-off no está, y rápidamente acomoda el entramado narrativo para que lo pasado vaya quedando atrás y esta temporada tenga vuelo propio. Poco más de medio episodio alcanza para que estas bases estén firmes y la propuesta de la temporada sea nueva.

Así, todos los personajes tienen una nueva motivación que a su vez parecería ser una motivación final. La revelación que se le da a Homelander (que da miedo en base a lo similar que es a nuestro mundo actual) es un camino de ida hacia una resolución que hace temporadas intentan buscar y que ahora tendrá su lugar más temprano que tarde. Los espectadores lo sabemos, y también lo sabe Butcher, que mueve los hilos de estos episodios en pos del mismo objetivo que tiene desde el primer episodio de la serie.

A su vez, el querer volver a la esencia básica de la serie y a esa foja cero donde los protagonistas deben encontrar el plan perfecto para ir tras Homelander tiene algunas consecuencias. Los chistes ya se están repitiendo mucho, y el factor violento/asqueroso ya no es para nada sorpresivo como en temporadas anteriores. Incluso Homelander, con una actuación espectacular de Antony Starr, empieza a caer en algunos lugares comunes por momentos.

Ya en el tercer episodio de esta temporada empezamos a ver un poco más de esa sensación de final y de resolución que hace tiempo se esperaba. También es cierto que muchas de las cosas que están introduciendo podrían terminar continuando en spin-offs como Vought Rising, más allá de que será una precuela, ya que será protagonizada por Soldier Boy (Jensen Ackles) quien está siendo pieza fundamental de estos episodios.

The Boys avanza firme y el dato positivo esta vez es lo consistente que fueron estos tres episodios. No es fácil enganchar con una temporada fallida, venir de un spin-off, y ambientar todo para un final de temporada en sólo tres episodios. En este caso se logró y aún queda más de la mitad para esta conclusión.

Como frutilla del postre, el final que The Boys tiene en los cómics no sólo es muy diferente sino que ya es prácticamente inadaptable, así que la expectativa es total y genera un factor sorpresa que ya no se ve tan a menudo en este tipo de adaptaciones. La semana que viene volveremos a ver cómo llegamos, ya en la mitad de esta season finale.

Diablo IV marcó el regreso de una de las franquicias más queridas del gaming. Volvió por la puerta grande, codeándose con otros lanzamientos importantes, y consiguió recuperar su merecido lugar en el corazón de los fans. El éxito del juego no fue una mera casualidad, el equipo de desarrollo trabajó incansablemente para lograr una experiencia nueva que capture la esencia de Diablo II sin perder de vista la identidad propia. En 2023, cuando publicamos el análisis de la versión original, destaqué el esfuerzo desde el apartado estético y el énfasis en lo narrativo que nunca perdió protagonismo frente a la acción. Pero a su vez me preguntaba qué se guardaba Blizzard para el futuro de esta nueva iteración de Diablo, que ostenta la campaña más extensa hasta el momento y una buena cantidad de clases personalizables. Hoy, casi tres años y dos expansiones después, puedo decir con tranquilidad que el futuro de Santuario está en buenas manos.

Diablo IV: Lord of Hatred retoma la historia luego de los eventos de la expansión anterior, Vessel of Hatred, y nos lleva a “Cuna de la Humanidad” en las islas de Skovos. Este nuevo mapa nos llevará por todo tipo de biomas, desde bosques tupidos y templos abandonados, pasando por costas repletas de “ahogados”, hasta las cuevas de las peligrosas tierras volcánicas. Cada zona tiene pequeños poblados, fortalezas y ciudades para recorrer, con enemigos reciclados y otros nuevos, pero lo más importante es que ofrece el escenario ideal para el que considero hasta ahora el mejor capítulo de la historia de Diablo IV. En este análisis no voy a spoilear nada de la historia, pero sí a dejar en claro que la historia de esta expansión me mantuvo entretenido y al borde del sillón hasta el último minuto. Los diálogos, la banda sonora, las actuaciones de voz y las cinemáticas dejan la vara altísima de cara al futuro. Los nuevos personajes, la tribu de Amazonas y algunos viejos conocidos, ostentan una sinergía fantástica que desencadena un final para alquilar balcones.

A la hora de jugar, Diablo IV: Lord of Hatred viene a patear el tablero. No sólo porque incluye dos nuevas clases, diametralmente opuestas desde lo narrativo y lo jugable, sino porque además reformula varios pilares de la jugabilidad de siempre. Es una jugada arriesgada y, a la vez, necesaria ya que la reiteración es el principal enemigo de este tipo de juegos. En especial cuando el corazón de la propuesta está puesto en los eventos de temporada y la personalización profunda. El primer cambio que notaremos es en la grilla de habilidades que se adapta al nuevo límite de nivel (70 a partir de esta expansión) y que nos invita a especializarnos desde el primer minuto. Las habilidades fueron reimaginadas, algunas fusionadas y otras transformadas en variantes opcionales. Cada una cuenta con varias especializaciones que podemos intercambiar en cualquier momento para adaptarlas mejor a nuestra build. Ahora sólo la habilidad principal se podrá mejorar, hasta 15 veces, para mejorar el daño, los cooldowns y el resto de sus particularidades.

En general, todas las clases recibieron una actualización en sus habilidades y esto responde a la lógica de armar personajes especializados. Ahora es más fácil que nunca porque cada nueva habilidad incluye etiquetas a través de las cuales vamos a poder identificar fácilmente qué modificadores impactan o funcionan mejor para cada una. Es más fácil verlo y experimentarlo que leerlo en un texto, pero el trabajo que hizo el equipo de Blizzard para ordenar y organizar el árbol de habilidades es simplemente impresionante. La sinergía entre las especializaciones de clase, que siguen comenzando a partir del nivel 15, y ciertas habilidades está más clara que nunca e invita a experimentar combinaciones de todo tipo sin la necesidad de estar buscando builds pre armados o guías. El concepto de build se va formando naturalmente a medida que vamos mejorando un personaje desde nivel 1 y, si bien la cantidad de opciones puede resultar un poco abrumadora, al no haber penalización en recursos por hacer modificaciones todo queda en manos de nuestra imaginación.

Además de los cambios en el árbol de habilidades, Diablo IV: Lord of Hatred incluye actualizaciones que impactarán en todos los jugadores de forma gratuita. El “Filtro de Botín” es una herramienta vital para el endgame profundo que nos ayudará a recoger sólo los objetos de interés según los criterios de búsqueda que hayamos configurado. Las opciones son casi infinitas, podemos filtrar por categoría, tipo de estadística, si lo tenemos o no desbloqueado en el códex y muchísimos parámetros más. Sólo es cuestión de sentarse a configurar un par de filtros y nos mejorará exponencialmente la calidad de vida a la hora de lootear. También hace su regreso triunfal el mapa superpuesto para poder explorar cada rincón de Santuario sin tener que detener la acción. Esta vez se puede configurar cuán translúcido es y algunos detalles más para adaptarse a cada estilo de jugador. Por último, el “Buscador de caminos” es una mecánica simple que transporta a los jugadores al punto de interés de la misión que tengan activa. No es revolucionario pero dado el tamaño del mapa, pensando especialmente en los nuevos jugadores, no viene mal agilizar un poco el desplazamiento entre objetivos.

Más allá de la historia, las nuevas clases serán las que se roben el protagonismo en esta expansión. El Paladín, una de las clases más solicitadas por la base de usuarios, hace su regreso triunfal con una versión renovada de su propuesta clásica. El guerrero sagrado hace uso de la Luz a través de cuatro juramentos que marcan diferentes estilos de build. Es la clase ideal para jugar de soporte en equipo gracias a sus buffs y efectos curativos, también se adapta perfectamente en el rol de tanque o directamente como una máquina de matar enemigos. Tiene habilidades para todos los gustos, puede sobrevolar el campo de batalla y caer con toda la fuerza de la Luz o simplemente embestir con espada y escudo a cuanto grupo de enemigos se le cruce. A la hora de jugar se siente sólido y poderoso, pero especialmente resiliente.

La otra cara de la moneda es el Conjurador. Una clase que combate fuego con fuego, infierno con más infierno. Con un estilo gótico y oscuro, utiliza rituales prohibidos y todo tipo de magia oscura para controlar las hordas infernales y volverlas una herramienta clave para liberar a Santuaio. A la hora de jugar se siente como una combinación entre el Nigromante y un Hechicero, con magias de zona como erupciones y paredes de demonios que no sólo bloquean el paso de los enemigos sino que atacan y hasta pueden romper su formación para perseguirlos. Podremos invocar demonios de todo tipo para asistirnos en combate y sus especializaciones modifican las habilidades para potenciar sus efectos, modificarlos o simplemente conjurar docenas de demonios para que arrasen el campo de batalla. Si bien no se destaca por su resistencia física, podemos abrumar a los enemigos con tantos esbirros propios que será difícil que nos toquen. Algunas invocaciones, en especial las últimas, pueden eliminar élites y jefes como si fueran enemigos comunes. Se transformó rápidamente en una de mis clases favoritas de todo el juego.

Diablo IV: Lord of Hatred es una expansión repleta de cambios importantes, mejoras a la calidad de vida y contenido de sobra. Funciona bien y cumple su función con creces no sólo por la calidad de su campaña, las clases nuevas y el reajuste general del sistema de progresión, habilidades y crafteo, sino porque le da nueva vida a todo el contenido anterior. También hay adiciones bienvenidas como el minijuego de pesca, que es simple pero efectivo o el regreso del Cubo Horádrico que nos permite forjar o perfeccionar nuestro equipamiento cambian para bien la progresión de nuestro personaje. Al finalizar la campaña habilitamos los Planes de Guerra que es una forma de organizar las actividades de endgame y conseguir recompensas especiales, llámese equipamiento, recursos o grandes cantidades de experiencia. Además, al completar misiones en este modo iremos desbloqueando actividades en un árbol exclusivo con recompensas aparte. Otra novedad es el Talismán, un accesorio con slots que se van desbloqueando de a poco y nos permite añadir una nueva capa de personalización al build. Si a todo esto le sumamos las actualizaciones al Foso y los 12 Niveles de Tormento el endgame se vuelve más divertido y accesible que nunca.

Diablo IV: Lord of Hatred se siente como un punto de inflexión para esta entrega. Por un lado la historia, que llega al clímax en el mejor momento posible y puede derivar en cambios sustanciales para el futuro de la saga. Por el otro, la jugabilidad y el sistema de progresión se encuentran balanceados perfectamente entre la diversión y la posibilidad de personalizar nuestro personaje. La única contra es que, a pesar de todas las novedades, la propuesta de base sigue siendo la misma y ya está mostrando sus limitaciones; no parece haber forma de incorporar mecánicas realmente novedosas. Sin embargo, así pulido como está, Diablo IV sigue siendo un gran hack ‘n slash para jugar solo o con amigos. Es más de lo mismo pero todo funciona mejor, desde el apartado narrativo hasta el ritmo de juego, y eso denota un gran trabajo detrás del equipo de desarrollo.

Episodios anteriores

• REVIEW | Daredevil: Born Again - Temporada 2 - Episodio 1: De vuelta a las bases

Episodios 2, 3 y 4: Se viene el estallido

Después de lo que fue el capítulo introductorio de la segunda temporada de Daredevil: Born Again, la serie avanza con nuevos episodios estrenados en bloque y el capítulo mejor valorado de todas las series que ha producido Marvel Studios hasta el momento. No hay dudas que la reestructuración que se dió en Marvel allá por el 2023 hoy está dando sus frutos y las series son aquellas que mejor beneficiadas se ven.

Si bien esta es la segunda temporada de Daredevil: Born Again, también sería la quinta temporada de Charlie Cox detrás del personaje de Matt Murdock, algo importante que destacar ya que estos episodios dejan bien en claro que son más una quinta temporada de estos personajes que una continuación de la temporada anterior.

En esta nueva tanda de episodios, empezamos a ver las consecuencias de todo lo que Wilson Fisk (Vincent D’Onofrio) decidió al principio de esta temporada. Su misión como alcalde es erradicar a los vigilantes, y la deuda que tiene como Matt Murdock (Charlie Cox) por salvar su vida complica las cosas más de lo que parece.

A su vez, empezamos a ver un poco más de Bullseye (Wilson Bethel) como un personaje medio antihéroico, que quiere hacer el bien pero con sus propias formas. Es una adaptación que funciona perfectamente de puente del personaje, entre lo libremente adaptado que fue en las temporadas de Netflix y lo fiel que quiere llegar a ser en Daredevil: Born Again.

Como primer comentario, me parece destacable el lugar que encontraron los creativos detrás de Daredevil: Born Again para introducir este personaje al MCU. Una versión de Daredevil que estaba alejado en tono y en interpretación y que, sin perder calidad ni autenticidad, cada vez se va acercando un poco más al estilo de adaptaciones que hace el MCU.

Esto se ve, por ejemplo, en los nombres de los personajes: decirle Bullseye a Poindexter o Kingpin a Fisk hubiera sido un chiste de mal gusto en las temporadas de Netflix. Sin embargo, lentamente van introduciendo sus alter egos de una manera orgánica y que parece realista. Lo mismo con el traje de Bullseye o con la fuerza sobrehumana que suele caracterizar al nuevo alcalde.

La primera temporada de Daredevil: Born Again estaba desdibujada y hasta se sentía inconexa: se notaba mucho todos los recortes y la mano que le habían metido para cambiar el rumbo de algo que sabían que no iba a funcionar después de la reintroducción del personaje en Spider-Man: No Way Home (2021) y She-Hulk (2022).

Todo se siente ahora más compacto, incluso a nivel cinematográfico, en las decisiones estéticas y audiovisuales. Queda toda una mitad de temporada aún por ver, y un montón de conflictos por resolver. Estos episodios, que completan la primera mitad de la nueva temporada de este personaje, ofician de la previa al gran evento que vendrá. No sabemos bien qué características tendrá este evento ni cómo explotará el conflicto, pero la sensación es que el reloj está contando y cada vez falta menos para que el estallido esté presente.

Sabemos que la narrativa va para un lado de conflicto inevitablemente y que hay varios personajes que tienen que hacer su aparición para formar parte de un bando o del otro. También tenemos la gran incógnita del personaje de Matthew Lilliard, que por momentos parece tener un poder político importante y por otros parecería ser un actor de reparto más. Hay que darle más tiempo en pantalla para entender cuáles son sus verdaderas cualidades.

Si me preguntan por el gran acierto de Marvel en esta década, es haber tomado la decisión de dividir su sección de entretenimiento. Se nota que Marvel Television tiene mucha más noción que Marvel Studios en lo que es series live action, así como Marvel Animation está dando sus frutos en series animadas, ambos frentes que estaban antes bajo el paragua del mismo gran equipo que hacía las películas y que no le estaba dando en el clavo.

Muchas de las sorpresas que fueron anunciadas previo al estreno de la serie, como la participación de Jessica Jones o The Punisher, aún no han sucedido. Queda mucha tela por cortar en esta temporada de Daredevil: Born Again y seguramente quedará mucho más de cara a la tercera temporada. Por lo pronto, estaremos atentos a la semana siguiente.

Después de una primera entrega sumamente exitosa en cuanto a taquilla, con números que la han posicionado como una de las más fuertes entregas de los últimos años en la cultura popular, Nintendo se une nuevamente con Illumination para adaptar Super Mario Galaxy, uno de los videojuegos más icónicos del fontanero y cuya historia es de las más representativas del universo Mario.

Antes de empezar a hablar del reciente estreno de Super Mario Galaxy: La Película, voy a destacar que soy de las personas que defendió fuertemente la película anterior, sumamente criticada en su momento por la leve trama argumental que ofrece. No me parece un dato menor, sino un principio para empezar a hablar de esta nueva etapa de Mario en el cine: Super Mario Galaxy hace mal todo lo que Super Mario Bros. hizo bien.

Un tiempo después de la primera película, en esta ocasión vemos como la vida de Mario (Chris Pratt) y Luigi (Charlie Day) ya está asentada en el Reino Champiñón. Cuando Bowser Jr. (Benny Safdie) aparece para secuestrar a Rosalina (Brie Larson), nuestros protagonistas junto a Peach (Anya Taylor-Joy) y Toad (Keegan-Michael Key) deberán emprender un viaje por diferentes mundos para salvar no sólo a este nuevo personaje, sino a toda la galaxia.

Para mi, el primer gran conflicto de la película es que quiere ser todo al mismo tiempo. Es una adaptación de Mario Galaxy, sí, pero también es una adaptación de Super Mario Odyssey, de Super Mario Bros. 2, de Super Mario Bros World y tiene apariciones, confirmadas previo al estreno, de Pikmin y Fox McCloud de Star Fox. Son muchas cosas para condensar en poco más de una hora y media.

En pos de atar todos estos cabos que poco tienen que ver uno con el otro, la narrativa de Super Mario Galaxy es casi inexistente. Todo lo que pasa todo el tiempo es azaroso, sin justificación, casi puesto de casualidad. A su vez, todo está impulsado por una insoportable intención constante de generar el “momento TikTok” de la película para nuevas generaciones, con planos que priorizan la acción central de una forma poco natural y con acciones que parecen directamente un chiste no narrativo hacia el espectador.

Yoshi es el más afectado de toda esta situación, con un marco narrativo pobre y con muy poca intención de parte de la película de darle un rol protagónico como parecía que iba a tener, termina siendo un constante comic relief del film que busca sacarle alguna sonrisa a los niños mediante bailes inoportunos y momentos exagerados respecto a cómo Yoshi actúa con el mundo. Destacable la voz de Donald Glover en el rol que hace más de lo que el personaje requiere.

En mi caso, y enganchado con la introducción de esta nota, la primera película subsana la pobre trama narrativa con el fuerte desarrollo de personajes que tiene. Donkey Kong, Luigi, Mario, Peach, Toad, Bowser. En pocos minutos de pantalla para cada uno, todos logran tener un arco con conflicto y desarrollo, con motivaciones menores y mayores, que pueden gustarte o no pero que están ahí. Es una película muy introductoria que hace el trabajo sucio de dejar el setting perfecto para que se expanda hacia lugares mucho más interesantes.

Al contrario, esta película no es introductoria y el desarrollo no podría ser más diferente. Rosalina participa muy pocos minutos de la cinta, y la motivación de los personajes no sólo por momentos es ridícula sino que muchas escenas directamente no tienen sentido con los argumentos que nos muestran cinco minutos atrás. Todas las justificaciones que le encuentro a la primera película me terminan pareciendo exageradas para intentar comprender cuáles fueron las intenciones creativas detrás de Super Mario Galaxy: La Película, más allá de generar un tanque de venta enorme.

El que más sufre de toda esta situación es Jack Black, con un Bowser que no sólo no brilla como en la primera película, sino que termina desdibujando poco a poco. Entiendo la intención que tuvieron al querer meter un conflicto moral respecto a su personaje y el arco de paternidad que tiene con Bowser Jr., pero Bowser es el Joker. Es el Duende Verde. Es el antagonista por excelencia y el concepto del personaje se contradice con lo que quisieron hacer, por momentos, en esta película. Algo que ni siquiera mantienen firme hasta el final.

Después de todos estos puntos, también quiero destacar algunas cosas que me parecieron muy buenas. En primer lugar, la secuencia Star Fox y toda la participación de Glen Powell como Fox McCloud es espectacular. Es el mejor tráiler que jamás hizo Nintendo y te da ganas no sólo de sacar ticket para su película en particular sino de descargar todos los juegos a disposición de Star Fox, una franquicia que históricamente le costó la parte de marketing. Ojalá Nintendo pueda aprovechar el momento para darle amor a una de las gemas que aún no llegó al exitoso ciclo de Nintendo Switch.

Por otro lado, más allá de que no estoy a gusto con lo que hicieron con Bowser, me parece que la introducción de Bowser Jr. suma y mucho a la película. Es de las mejores interpretaciones de voz que tiene el film y le dan al personaje un montón de matices que en los juegos solamente puede mostrar superficialmente. Me encantaría ver un poco más de este Bowser Jr. eventualmente en las futuras entregas que seguramente ya están en desarrollo.

También hay una realidad y es que esta película cumple para los dos públicos a los que más apunta: a los niños y a los nintenderos. Es un gran testimonio de época, de una juventud que sólo puede mantenerse pegada a la pantalla si tiene llamados de atención constante. Por otro lado, es un homenaje total a Nintendo y a Mario en sus 40 años. No hay un solo minuto de la película que no tenga un guiño a algo fácilmente identificable si jugaste a alguno de los juegos. En ese sentido, la película termina siendo muy entretenida y disfrutable sobre todo si la tomas como una atracción en un parque de diversiones y no como una proyección en una pantalla teatral.

Otro punto fuerte a favor, y creo que el mayor de todos, es el excelente apartado audiovisual. Pocas películas de animación se logran ver tan bien y con tanto nivel de detalle como lo está haciendo Illumination, que hoy podría considerarse el más alto exponente de este tipo de películas. La actuación de voz de los personajes es de correcta a muy buena en cada uno de los casos, y la banda sonora es espectacular y mucho mejor que en la película anterior, gracias a la cantidad de matices que te da estar adaptando Super Mario Galaxy y su librería de sonidos.

No niego que disfruté Super Mario Galaxy: La Película y creo que hay muchos aspectos, como fan de Nintendo, que son destacables. Sin embargo, todo lo que yo personalmente no comparto de la primera película sí lo veo claro en esta ocasión. Hay momentos que están pensados para ser otra cosa y termina siendo una resta más que una suma.

No tengo dudas de que esto será un éxito en taquilla, y ojalá con sus puntos fuertes puedan hacer una secuela que retome el camino que habían formado y que pueda expandirse a mejores lugares. Hoy por hoy, la expectativa baja un poco y genera miedo de cara a The Legend of Zelda (2027), una producción con una ambición muchísimo más grande. Quedará esperar a ver qué hace Nintendo con su expansión al cine ahora que la introducción no es una traba en el camino.

Todavía recuerdo con nitidez cuando en la Gamescom 2025 tuve la posibilidad de probar Pragmata. El calor de las luces del stand se sumaba a una mezcla de escepticismo y esperanza, ya que no tenía idea de lo que me iba a encontrar, pero terminé encantado. En aquel entonces ya sentía que cada pieza, cada mecánica jugable, encajaba en su lugar y que si a dicha innovación se sumaba una narrativa potente, podríamos estar ante un videojuego muy interesante. Ahora, luego de haber experimentado el juego al completo, puedo decir que la nueva IP de Capcom me ofreció todo aquello que esperaba y más. Sin lugar a dudas, era uno de los juegos que más esperaba para este año y, tras terminarlo, sólo puedo decir que superó con creces mis propias expectativas.

Pragmata está ambientado en un futuro donde la Luna ya no es un satélite inerte, sino que se convirtió en una instalación de investigación donde se llevan a cabo experimentos con la ‘Fibraluna’, un material permite crear prácticamente cualquier objeto mediante impresoras 3D. No es mi intención entrar en el terreno de los spoilers ya que es un juego donde la narrativa tiene un gran protagonismo. La historia se construye como un rompecabezas donde tenemos a Hugh y Diana, además de una pieza clave como lo es IDUS, una inteligencia artificial cuya presencia es tan abrumadora como enigmática, que se presenta como una suerte de motor invisible que nos impulsa a avanzar. En este sentido, el guión maneja bien el misterio, soltando migajas de información que invitan a unir puntos y aún cuando no reinventa la rueda, sabe como mantener el interés.

Más allá de la trama, el dúo protagónico funciona increíblemente bien y aporta una capa de profundidad a la narrativa que resulta maravillosa. Por un lado está Hugh, un astronauta resolutivo y dedicado a su trabajo. Técnicamente hablando, funciona como ‘el músculo’ o el muro de contención. Se preocupa por el bienestar de su pequeña compañera y busca protegerla de cualquier peligro. Por otro lado está Diana, el cerebro y la llave que puede abrir todas las puertas cerradas de este mundo hostil, metafóricamente hablando. Ambos funcionan como un sistema binario, orbitando uno alrededor del otro, creando una sinergia donde la pesadez mecánica y el poder físico de uno necesita deliberadamente de la ligereza y la chispa tecnológica del otro para no colapsar ante una IA fuera de control que pone a disposición todo tipo de recursos para quitarlos del medio.

El vínculo entre Diana y Hugh evoluciona de forma orgánica, pasando de una necesidad pragmática de supervivencia a una conexión emocional profunda que se transmite a través de diálogos reflexivos y sumamente emotivos. El desarrollo de esta relación es sutil y conmovedor y se manifiesta en pequeños gestos como la forma en que Diana se sujeta al traje de Hugh durante los momentos de alta tensión, en cómo él responde a las preguntas de la niña con todo el amor y la paciencia, o como ambos chocan sus manos tras cada pequeño triunfo. Ninguno de los dos se presenta como el héroe invencible, sino como personas normales, con miedos y dudas. Es esa química la que dota al juego de una humanidad sorprendente, al punto de que sentí una responsabilidad real por el bienestar de Diana más allá de las mecánicas de juego.

En lo puramente jugable, Pragmata gira en torno a la exploración, pero sobre todo en el combate. La mezcla entre la acción en tercera persona con las mecánicas de hackeo es realmente simple, pero profunda. Es como una danza del multitasking donde disparar, esquivar y poner en cortocircuito a un androide son acciones separadas pero que se llevan a cabo de manera unísona. La mezcla de todos estos elementos, sumado a la contundencia de los disparos y la satisfacción de desviar un proyectil o evitar un ataque en el último segundo habla de un trabajo magistral por parte de Capcom. Y no solo por el espectáculo visual, sino porque el sistema en su conjunto termina por premiar la inteligencia, la paciencia y táctica por encima de cualquier otra cosa. Es un juego que hace falta aprender a jugar, pero que pone todo de forma tan clara y sencilla que más que un reto, es un placer.

La mecánica de hackeo de Diana es el ingrediente que termina de redondear la propuesta jugable. Lejos de ser una interrupción molesta que rompe el ritmo, estos minijuegos se integran con una naturalidad pasmosa en el flujo de la batalla. Mientras con Hugh, mantenemos a raya las amenazas físicas, la interfaz de hacking permite activar elementos del entorno, desactivar escudos enemigos o sobrecargar sus sistemas. Esta dualidad obliga a que nuestro cerebro trabaje en dos planos diferentes de forma simultánea, generando una sensación de gratificación constante. Es justamente en este sistema donde el juego encuentra su identidad propia, alejándose de cualquier otra propuesta similar para ofrecer algo que se siente genuino, fresco y original.

Este sistema de hackeo también se traslada a los puzzles los cuales están situados estratégicamente entre las secuencias de acción. En cierto modo, actúan como el respiro necesario y lógico para procesar la historia, pero tienden a repetirse bastante. Por lo general, consisten en presionar una serie de botones en secuencia o en el timing correcto, lo que no está para nada mal. El problema con esto, es que se nota cierto abuso y es el punto donde el título muestra señales de repetitividad. Me refiero a que llegamos a determinado punto de un nivel y encontramos una puerta bloqueada por 5 o 6 cerraduras, teniendo que buscar cada una de ellas, resolver el rompecabezas que toque y repetir. La primera vez es algo novedoso, pero a partir de la tercera, es el propio Hugh quien parafraseando nuestros pensamientos comienza a quejarse de ello.

Entiendo que esto último lo hace como una forma de ‘suavizar’ jocosamente un diseño simple y reiterativo, pero llega un punto en que el chiste también se gasta. Al final, si bien el diseño de niveles es muy interesante ya que esconden muchos secretos en espacios reducidos, los desafíos se ven venir a lo lejos debido a esta estructura. Pero con todo y ello, aún cuando es fácil darse cuenta que ‘ahora viene el combate, ahora la parte de la puerta bloqueada con 6 cerraduras, etc’, Capcom logró crear entornos que se sienten amplios y claustrofóbicos al mismo tiempo. La verticalidad de los escenarios y el uso inteligente de la gravedad cero en secciones específicas aportan una capa de profundidad a la exploración que rompen con la repetitividad.

Pragmata quiere que recorramos la estación, que descubramos lo que se esconde a simple vista, pero siempre recordándonos que somos intrusos en un ecosistema que una vez fue el orgullo de la humanidad. Afortunadamente podemos mejorar las habilidades de los protagonistas en una especie de hub o base central. También es posible dedicar algo de tiempo a charlar con Diana, a dedicar recursos para desbloquear nuevas armas y módulos de hackeo, o incluso participar en un buen puñado de divertidas misiones de entrenamiento que nos dan acceso a jugosas recompensas. Eventualmente podemos ofrecer regalos a la pequeña, como hamacas, crayones o globos de helio, y ver como juega con todo ello. Puede que la magnitud de la obra no alcance la ambición de otras superproducciones contemporáneas, pero si hay algo con lo que la desarrolladora no escatima, es con el contenido que el juego tiene para ofrecer.

Otro de los aspectos donde el título brilla es en los combates contra los jefes finales. Me atrevo a decir que en Pragmata, Capcom ofrece algunos de los encuentros más memorables que puedo recordar. Ya de por sí los enfrentamientos son un espectáculo audiovisual de primer orden, pero lo más importante es que se sienten como un examen final de todo lo aprendido hasta ese momento. Cada batalla va mucho más allá de una simple prueba de reflejos, sino que obliga a pensar en estrategias, a probar diferentes combinaciones de armas, potenciadores y habilidades para derribar a estos titanes mecánicos. Sin exagerar, uno de los puntos álgidos del juego, aportando momentos épicos y de una escala monstruosa que hacen sentir a nuestro dúo protagónico realmente pequeño ante la amenaza.

En el apartado técnico, el RE Engine es brujería pura. Capcom vuelve a demostrar por qué es dicho motor es uno de los mejores, versátiles y más potente herramienta de la actualidad. La calidad visual de Pragmata es una auténtica locura. Desde las texturas del traje de Hugh hasta cómo se mueven los cabellos de Diana, todo tiene un nivel de detalle que roza lo obsesivo. Además, es un placer destacar el mimo puesto en la localización para nuestra región, contando con un doblaje al español latino de altísima calidad que dota a los personajes de una calidez y unos matices emocionales excepcionales. El rendimiento es sólido como una roca, permitiendo que la belleza desolada de la Luna brille en cada fotograma sin que las caídas de frames empañen una experiencia que -por momentos- roza lo cinematográfico.

Viendo lo que Capcom puso sobre la mesa con Pragmata, me resulta imposible no valorar y destacar la valentía que supone apostar por una IP así. En una era donde la industria parece haberse refugiado en la seguridad de secuelas predecibles, remakes nostálgicos, y obras que demandan de ingentes cantidades de horas de nuestro escaso tiempo libre, dar vida a un juego con este nivel de pulido y riesgo creativo es un acto de amor al medio, por muy cursi que esto pueda sonar. Es un juego que aún cuando mantiene cierta familiaridad en la estructura de su jugabilidad, el hecho de añadir un sistema de combate muy original y una narrativa mucho más introspectiva de lo habitual dentro de lo que la casa de Osaka nos tiene acostumbrados, demuestra que todavía hay espacio para propuestas que se animan a ser diferentes sin renunciar al espectáculo que se espera de un gran estudio.

Cuando la pantalla se funde a negro y el tenue zumbido magnético de la estación lunar se desvanece, Pragmata no termina; simplemente se queda orbitando en la memoria. Más que un videojuego, es una obra con un alma que respira a través del visor pesado de Hugh y de la curiosa mirada de Diana. Es un viaje que si bien adolece de algunas mínimas fricciones, compensa cualquier aspereza con un sistema de combate muy original y un corazón inmenso. Sin lugar a dudas, un título que deja claro que, cuando se trata de diseñar experiencias que dejan huella, Capcom juega en una liga diferente.

Teatro Colón

Entrar al Teatro Colón ya es una experiencia en sí misma, una que todos deberían vivir al menos una vez. Reconocido como uno de los mejores del mundo por sus condiciones acústicas y por su arquitectura, está a la altura de otros como la Scala de Milán, la Ópera de París, la Ópera de Viena, el Covent Garden de Londres y el Metropolitan de Nueva York. Con sus más de 100 años de antigüedad, es uno de los orgullos de Buenos Aires y del país.

Es el lugar perfecto para sumergirse en la experiencia que propone el nuevo show de Disney, un recorrido sinfónico por la música de los clásicos animados que marcaron a generaciones enteras en todo el mundo. De hecho, el maridaje funciona tan bien que esta ya es la octava colaboración entre Disney y la majestuosa sala de ópera de Buenos Aires, con shows como Disney en Concierto, Sinfonía de Películas (2019), Magia y Sinfonía (2022), Disney 100 en Concierto (2023), Pixar en Concierto (2024) y Star Wars en Concierto, que tuvo sus tres ediciones en 2020, 2023 y 2024.

Mickey y Minnie

Cada uno de estos espectáculos musicales tiene sus propias características y temática, lo cual nos asegura ver siempre cosas diferentes si es que tenemos la suerte de asistir a más de uno. En esta oportunidad, el show cuenta con más de 20 bailarines y cantantes en escena, además de la orquesta sinfónica del Colón tocando en vivo todas las canciones de la obra. El despliegue visual y técnico es impecable, con vestuarios y luces que recrean el ambiente de cada película y nos llevan en un viaje a través de mundos mágicos.

De hecho, la temática de esta obra son, precisamente, los viajes. Mickey invita a Minnie a unas vacaciones extraordinarias, que los llevan a recorrer lugares inesperados tanto por ellos como por el público. Si bien es recomendable asistir al show sabiendo lo menos posible, para disfrutar de las sorpresas que tiene preparadas, hay algunos puntos dignos de destacar para ir preparados y poder vivir la experiencia al máximo.

En primer lugar, es un espectáculo para todas las edades. Disney siempre se caracterizó por brindar entretenimiento para toda la familia, y en esta ocasión le hace honor a ese legado. El recorrido comienza con una de las películas animadas más nuevas de la franquicia, y continúa con uno de sus remakes live-action que también remite al clásico animado. Es un deleite de estímulos visuales y sonoros, mientras la pantalla gigante proyecta imágenes de las películas y sobre el escenario los bailarines danzan y cantan al ritmo de la orquesta en vivo.

Orquesta

La elección de las voces protagonistas es impresionante, con un timbre y nivel de interpretación que parece salido directamente de las películas de Disney al escenario del Colón. No hay una nota fuera de lugar, lo cual con temas tan exigentes como “Canto Ancestral” de Moana y “Libre soy” de Frozen se aprecia todavía más, y de hecho hay algunos arreglos originales del show. Es el nivel de excelencia que se espera de una producción en el Colón, a la altura de la prestigiosa Orquesta Académica del teatro.

Quizás la única objeción posible para este espectáculo es la hegemonía apabullante de todos y todas las cantantes y bailarines, que no reflejan la diversidad de las películas de Disney, ni mucho menos la de nuestros artistas locales. Esto se hace más evidente en el tercer segmento, dedicado a las baladas del estudio, donde temas románticos como “La Bella y la Bestia” y “Veo en ti la luz” de Enredados son interpretados por parejas iguales que visten trajes genéricos (aunque preciosamente diseñados) y se funden con otras canciones de empoderamiento como “Reflejo” de Mulán y “Colores en el viento” de Pocahontas.

El primer acto termina con un recorrido de seis canciones (uno de los más largos y disfrutables del show) del más reciente live-action de Disney, que se funde con imágenes y canciones de la versión original animada de los noventa. Es uno de los mejores momentos del espectáculo, especialmente por el despliegue visual sobre el escenario, con elaborados trajes y dinámicas coreografías que ocupan toda la superficie del mismo, e incluso algunas acrobacias antes del intervalo de 20 minutos.

Lin-Manuel Miranda

La segunda parte tiene dos momentos inmersivos en la oscuridad de la sala, que involucran al público de las primeras butacas y disparan lo que viene a continuación. El primer segmento es un deleite para las nuevas generaciones e incluso tiene un pase cómico que involucra al director de la orquesta. Luego viene el segmento de villanos, quizás el más flojo de todo el show, ya que involucra dos canciones de Descendientes (en inglés, a diferencia de todas las demás que están en español latino) y queda desarticulado del resto.

Para el gran cierre, el anteúltimo segmento del show es puramente sinfónico, con proyección de imágenes en la pantalla gigante. Una grata sorpresa para la generación de los adultos que lleven a sus niños más pequeños. Y el broche de oro está conformado por siete canciones de una de las películas animadas más populares de los últimos tiempos, especialmente por su banda sonora compuesta por el famoso Lin-Manuel Miranda.

Un show que refuerza la nueva identidad de Disney y su era de live-actions, pero a su vez la conecta con los clásicos animados de los noventa y los estrenos de los últimos años, que ya se hicieron un lugar en la cultura popular. Disney renace una y otra vez con historias imperecederas y se vuelve a meter en nuestros corazones y en nuestros recuerdos familiares, conectando a generaciones con la misma pasión. Ese es el espíritu que busca reflejar este nuevo espectáculo musical.

El Evento

Es importante destacar que el domingo 16 de febrero a las 17:00 tendrá lugar una función distendida del show. Estará sutilmente adaptada a las necesidades y preferencias de personas neurodivergentes, para ofrecer una propuesta amigable mediante estímulos reducidos y mayor flexibilidad para que puedan disfrutarla junto a sus familias. Adicionalmente, habrá staff capacitado, espacios de descanso sensorial, recursos anticipatorios descargables, señalética en pictogramas y kits sensoriales para reducir estímulos, que podrán retirarse en el lugar presentando el DNI.

Las localidades se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171, de lunes a sábado de 9:00 a 20:00 y los domingos de 9:00 a 17:00. También se pueden adquirir de manera anticipada por internet en la web oficial del Teatro Colón y en el sitio oficial de entradas del Gobierno de la CIudad de Buenos Aires.

El tráiler de Darwin’s Paradox! en febrero nos tomó por sorpresa. No sólo porque sería el primer título del estudio de Romuald Capron, el ex-director de Arkane Lyon, sino porque no es el tipo de juegos que suele publicar Konami. Luego pudimos ver el brillante apartado estético, su sentido del humor y un poquito de la propuesta jugable y quedamos encantados. Apenas unos meses después pudimos jugar completo el título debut de ZDT Studio y, si bien las primeras impresiones se cumplieron, el producto final no termina de acertar en todo lo que propone.

Darwin’s Paradox! comienza con una cinemática espectacular que nos pone a tono con la simple, aunque hilarante, propuesta narrativa. Comandamos al pulpo homónimo que es succionado por un ovni y llevado a una fábrica maquiavélica diseñada para crear un emplaste comestible que se vende barato y es la piedra fundacional de una invasión a gran escala. A partir de ese momento tomaremos control de Darwin que irá recordando las lecciones de vida de su compañero a medida que sean necesarias y según los obstáculos a sortear.

A la hora de jugar el título de ZDT Studio ofrece un puñado de habilidades sencillas que nos permiten resolver los puzzles ambientales que obstaculizan nuestro progreso. A las esperables secciones plataformeras, que requerirán no sólo precisión sino buen timing, se le suman varios segmentos de sigilo y otros de escape a contrarreloj. El nivel de desafío general es sencillo y, si bien el diseño de los niveles no es del todo intuitivo, tampoco peca de obtuso. Los puzzles suelen ser simples pero a veces cuesta darse cuenta de lo que hay que hacer, ya sea porque el objeto con el que debemos interactuar está oscurecido entre el fondo del escenario, fuera de la vista o simplemente porque el camino a seguir no es evidente.

Los niveles son lineales y la forma de resolver cada situación también suele ser única. Pero en lugar de aplicar la intuición o la deducción para avanzar todo parece llevarnos al viejo y olvidable sistema de “prueba y error”. Al comienzo no es un problema porque estamos aprendiendo las habilidades del simpático pulpo, pero hay momentos en la segunda mitad del juego en el que se vuelve agotador tener que probar hasta que las cosas se resuelven. Los controles tampoco ofrecen una respuesta certera y pulida; es entendible que un pulpo fuera del agua no se mueva como una criatura bípeda terrestre, pero en los segmentos que requieren precisión el margen de error es alto.

Para dar un ejemplo, en uno de los primeros momentos del juego hay que bañarse en un químico para volvernos fluorescentes y que las ratas no nos ataquen. Para eso hay que treparse por el techo de una caverna, con las ventosas del pulpo que se adhieren automáticamente a cualquier superficie, llegar a la pileta de químico y saltar dos veces seguidas para evitar un charco de agua. El primer salto, que nos lleva al techo debería ser simple, pero a veces Darwin no se cuelga y nos matan las ratas. El mismo salto, en el próximo intento, es muy probable que funcione y lleguemos a aferrarnos al techo. Entonces avanzamos hasta la pileta de líquido tóxico y hacemos los dos saltos. El primero es simple: un pozo gigante, el segundo son dos saltos pequeños y ahí estaremos a la merced del control. A veces llegamos bien al barril, otras el pulpo salta demasiado o muy poco y terminamos en el agua y habrá que repetir el proceso.

Los controles no son confiables, las colisiones tampoco nos dan demasiada seguridad y cuando más se complica la situación pareciera que peor nos tratan. Por suerte el juego está repleto de puntos de control por lo que, en el peor de los casos, habrá que esperar unos segundos para que vuelva a cargarlos. Sin embargo, las secciones de persecución pondrán a prueba nuestra paciencia porque al tema de los controles habrá que sumarle la progresión a “prueba y error”, en especial sobre el final del juego. Las secciones de sigilo son un bálsamo en comparación ya que, si nos movemos lentamente y a conciencia, no nos darán demasiado problema y nos dejarán apreciar el apartado visual.

Lo anterior no significa que Darwin’s Paradox! sea un mal juego, simplemente es el lastre que lo previene de ser una experiencia sumamente satisfactoria. ZDT Studio consiguió crear un universo que se siente vivo, con personajes graciosos y un diseño artístico exquisito. Uno llega a congeniar con el protagonista y, cuando los planetas se alinean, vamos a vivir momentos realmente memorables. Los niveles en los que hay más luz, en especial cuando se aprecian los efectos de iluminación bajo el agua, ofrecen un espectáculo único y nos dejan con ganas de más. Los escenarios más lúgubres pierden espectacularidad pero no dejan de estar realizados con lujo de detalle, a veces al punto de resultar abrumadores como la sección de los contenedores flotantes en la fábrica.

Cuando lleguemos a ver la pantalla con los créditos tendremos una mezcla de nostalgia y resabios de frustración. Nostalgia porque el camino recorrido estuvo lleno de momentos graciosos, en especial si nos detuvimos a juntar los coleccionables que profundizan el trasfondo narrativo. Frustración debido a la cantidad de muertes innecesarias en los últimos niveles del juego, muchas de las cuales se podrían haber evitado con una mínima indicación sobre la dirección a seguir o quizás una explicación más clara sobre ciertas habilidades. El juego tiene un mensaje de guía pero suele ser demasiado obvia, reiterativa y por lo general poco útil.

Darwin’s Paradox! es un plataformero con puzzles que nos sumerge en una historia simple pero graciosa, en un universo único y visualmente espectacular que me gustaría seguir conociendo. Sin embargo, la combinación de controles poco precisos y la progresión a fuerza de prueba y error arruina una buena parte del disfrute en general. Es un título que disfruté jugar y, a la vez, padecí por partes iguales. Me quedo con la sensación de que, con un par de ajustes, podría haber sido un gran juego.

Episodios anteriores

• REVIEW | Invincible - Temporada 4 - Episodios 1 al 3: El precio de cruzar el limite

Episodios 4 y 5: El infierno está encantador

Te puede gustar más o menos, pero Invincible no es una serie tibia. A donde quiere ir, va con todas sus armas y hasta las últimas consecuencias y estos dos episodios son una pequeña demostración de todo esto. Quedan solo tres episodios para terminar esta cuarta temporada que, en palabras de Robert Kirkman, es aún menos de la mitad de la serie; pero pareciera que estamos llegando ya al final.

Tenemos dos episodios que son un poco lo opuesto; el primero podría parecer un episodio embotellado con algunos condimentos especiales mientras que el segundo hace cartón lleno en cuanto a todas las narrativas que se vienen construyendo desde la primera temporada en adelante. Para quienes no leímos los cómics, es evidente que no sabremos lo que pasa, pero hay algo que no podemos obviar: nada será lo mismo de ahora en adelante.

El primer episodio nos lleva de vuelta con un personaje abandonado desde la primera temporada: Damien Darkblood. Tranquilamente podría tratarse de un episodio embotellado, ya que cuenta la historia de redención de este personaje que debe rendir culto a satanás y devolverle el infierno que le ha sido robado. Por supuesto, no se le ocurre mejor idea que traer a Omni-Man para que lo ayude, pero en la tierra ya no hay Omni-Man, así que el hechizo trae a otra persona con su sangre. Osea, Invincible.

Esta aventura en solitario rememora a esos cómics de los noventa que siempre debían cumplir con una única historia, y aparte, lleva la carga de un debate moral sobre la existencia de dios, el infierno, el cielo y por qué los humanos intentamos esconder nuestros pecados detrás de todo eso. Es un buen episodio en general que no responde a prácticamente ningún estímulo narrativo de lo que hemos visto desde que arrancó la serie pero cumple con el objetivo de retomar a este personaje particular que seguramente volverá a tener participación en Invincible. Y a su vez, también es un episodio que termina con uno de los cliffhangers más esperados de la serie.

El episodio cinco nos regala una reunión familiar sumamente esperada en todo sentido y no sólo en el más literal aspecto. No es sólo Mark, es también Oliver y su madre. Es también las consecuencias en la psiquis de Atom Eve. Es todas las ausencias que están y podrían no haber estado. Sin dudas, este es uno de mis episodios favoritos de toda la serie porque tiene todo lo que la hace grande: buen desarrollo de personajes, excelente acción y una historia atrapante.

Sí debo decir que al igual que la temporada anterior, por momentos se nota el rush que hubo para animar algunas secciones y de pronto algo que en episodios pasados estaba sumamente desarrollado, en este episodio es leve, nivelando otra parte del capítulo. Es algo que suele suceder y no molesta, pero puede llamar la atención. Hay escenas de este capítulo tan bien ejecutadas en cuanto a ritmo y tono que me han generado dolor de estomago y me han dejado perplejo por segundos. Esa es la vara con la que transcurre este episodio.

Una cosa para destacar de esta temporada es que ya van varios personajes nuevos que van apareciendo. Algunos más protagonistas, otros con pequeñas apariciones, pero la experiencia Invincible nos dicta que cada gota puede generar un tsunami varias temporadas más tarde. Se siente como que están empezando a sembrar semillas de una manera que no hicieron en la temporada anterior.

Como fanático del género superheróico, me emociona ver Invincible. Es todo lo clásico volcado hacia una nueva forma de narrarlo. Es encontrarte con lo que te enamoró en un primer lugar de las historietas de este estilo y verlo plasmado en una serie completamente actual y moderna que termina sorprendiendo más por sus formas que por su narrativa general.

La expectativa es total para la trilogía de episodios que culminará esta temporada y aún más para lo que quedará por venir de Invincible. No todos los dias se puede ver una serie en la que queden más de cinco temporadas por delante y cada episodio se sienta como el último de la serie.

El Drama no es una comedia romántica. O al menos no una clásica como sugiere su póster promocional. Lo que vamos a ver tiene el sello del estudio que nos trajo Lady Bird, Hereditary, Minary o Vidas Pasadas. Es una película difícil de encasillar en un género y asegura debates durante la sobremesa. ¿Quién tiene razón? ¿Qué harías en su lugar?

La historia puede ser muy fácil de spoilear así que solo vamos a decir que Charlie y Emma se aman y están por casarse. Mientras cenan con dos amigos en uno de los últimos lugares para probar el catering surge una pregunta casi al pasar: ¿qué fue lo peor que hiciste en tu vida? Y esa noche cambiará todo.

La película está atravesada por la incomodidad en los diálogos y acciones de sus protagonistas a partir de ese giro narrativo. La relación que parecía casi perfecta durante las primeras escenas se convierte en otra cosa y entre sus aspectos más interesantes está lo impredecible desde el momento de la revelación, porque esto depende únicamente de las reacciones que van a tener los personajes involucrados.

Esta fue una de las primeras veces en mucho tiempo en donde la sala se sintió como una película evento de Marvel sin serlo. Estamos hablando de un film original y bastante indie (porque no deja de tener a dos estrellas como sus protagonistas) que logró generar una sensación bastante única en la sala. Los espectadores se unieron en risas incómodas y expresiones de asombro y hasta en miradas cómplices para compartir con el de al lado.

El cineasta noruego Kristoffer Borgli se caracteriza por combinar la sátira social y lo absurdo y ya lo había hecho en las recientes El Hombre de Los Sueños (Dream Scenario, 2023), y Enferma de mí (Sick of Myself, 2022). A su vez nos recuerda a temáticas que giran en torno a la incomodidad como disparador, como es el caso de Fuerza Mayor o Perfectos desconocidos.

Al igual que ocurrió con la segunda obra de Maggie Gyllenhaal, ¡La Novia!, este film también está teniendo críticas divisivas y abriendo un debate que comenzó con una fabulosa campaña de marketing. De una forma u otra, cualquier película que genere discusión tiene que ser celebrada y más si se trata de una idea novedosa y no de otro reboot o precuela.

El Drama tiene un guión sólido que se apoya en las interpretaciones de Robert Pattinson, Zendaya, Mamoudou Athie y Alana Haim para contarnos una historia que podría formar parte de los cortos de Relatos Salvajes.

La secuela del megaéxito de taquilla no aguanta lo suficiente como para dejarnos disfrutar de lo bueno.

Es atrevido lanzarse a una secuela sin recordar al público quiénes son esos personajes, qué les ocurrió anteriormente o por qué, por ejemplo, uno de ellos está encogido y vive en un castillo diminuto. Incluso en Avengers suelen soltar una línea de diálogo en la que se recuerdan unos a otros sus aventuras más recientes, por si no te acuerdas de los acontecimientos de la última película.

En cambio, Super Mario Galaxy: la película empieza con una broma sobre dar explicaciones, con Rosalina (a la que pone voz Brie Larson) intentando contar un cuento para dormir a sus traviesos Lumas, antes de abandonar por completo esa parte y lanzarse a toda máquina a la aventura. Esto nos da a entender algunas hipótesis. Quizá los creadores de la película esperan que la mayoría de los espectadores estén familiarizados con el universo Mario, lo cual es razonable, ya que la serie de juegos Super Mario de Shigeru Miyamoto cumple 40 años este año. Tal vez supongan que la mayor parte del público vio Super Mario Bros.: la película, el segundo filme más taquillero de 2023, y que al menos uno de sus dos públicos objetivo --es decir, los niños-- la ha estado viendo repetidamente desde entonces. (Lo que significa que los padres de la sala también la conocen).

[Video: Watch on YouTube.]

O tal vez crean que realmente no importa, porque el argumento no es exactamente el objetivo de Super Mario Galaxy. Es simplemente un vehículo diseñado para hacernos avanzar de escenario en escenario e introducir nuevos, divertidos y curiosos pequeñines. Y ese es a la vez su punto fuerte y su mayor defecto.

Super Mario Galaxy: la película, dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic a partir de un guión de Matthew Fogel, se basa libremente en el juego de Wii, que se lanzó por primera vez en Japón el 1 de noviembre de 2007. La trama del juego se ha desordenado, presumiblemente para preservar el elemento sorpresa. Sin embargo, los personajes principales se mantienen: Mario (Chris Pratt), un fontanero de Brooklyn, y su hermano Luigi (Charlie Day); la princesa Peach (Anya Taylor-Joy), que gobierna el Reino Champiñón; Toad (Keegan-Michael Key), uno de los Champiñones; y Bowser (Jack Black), a quien redujeron a un tamaño diminuto en la entrega anterior y que ahora intenta controlar su naturaleza de villano.

Además de Rosalina, hay otros personajes nuevos. Bowser Jr. (Benny Safdie) está ansioso por complacer a su padre destruyendo el universo por él. Yoshi (Donald Glover) es una criatura verde con aspecto de dinosaurio que Mario y Luigi desentierran en un montón de escombros. Y el personaje cuya aparición recibió más aplausos en mi proyección fue Fox McCloud (Glen Powell), quien pertenece a una serie de Nintendo totalmente distinta, Star Fox.

La mayor parte de la historia consiste en perseguir objetos robados y descubrir quiénes son tus verdaderos amigos y familiares, el último recurso de todas las películas infantiles de Hollywood, presumiblemente para que las estrellas tengan algo sobre lo que moralizar durante las ruedas de prensa. También es bastante superficial durante largos tramos, muchos golpes y destrozos y no tanto humor --infantil o de otro tipo-- como te gustaría.

Los mejores momentos llegan cuando los personajes aterrizan en un nuevo planeta o entran en un nuevo entorno. Es entonces cuando los animadores de Illumination (responsables de liberar a los Minions en la sociedad) dan rienda suelta a su imaginación, construyendo mundos que integran elementos del juego y del universo Nintendo en general --hay montones de referencias ocultas que seguro que me he perdido-- con criaturas que a veces provocan risas. Aparecen pequeños fragmentos de música del juego en la banda sonora de la película y, ocasionalmente, también elementos del juego de 8 bits, lo que puede ser tanto un halago a los fanáticos como un divertido homenaje a la historia del medio en el que comenzó esta historia, dependiendo del ángulo que adoptes.

Aun así, Super Mario Galaxy: la película es una nada vacía, incluso más que la nada vacía de su predecesora, y eso es un gran fastidio. Incluso los niños de mi proyección estuvieron extrañamente callados durante más tiempo del que esperaba. Tal vez algo de esto tenga que ver con el exceso de argumento en una película a la que le iría bien un poco más de espacio para respirar, con el fin de mostrar mejor a los ya mencionados pequeñines un tanto raros. Unas cuantas tramas B con Lumas, Octoombas o Gearmos serían muy divertidas, aunque técnicamente no tuvieran sentido.

Quizá el mayor problema sea inherente al medio. Si nunca has jugado Super Mario Galaxy, es difícil explicar lo revolucionario que pareció en su momento. Por algo está considerado uno de los mejores videojuegos de todos los tiempos. Visualmente, era deslumbrante (para 2007, en cualquier caso), cada pequeño mundo tenía su propio lugar interesante que ver y nuevos personajes geniales que descubrir.

La jugabilidad también era inusual. Como se lanzó en la Wii, integraba una mecánica de gravedad localizada en cada planeta de la galaxia, y los controles eran diferentes a los de otros juegos, como si estuvieras dentro del cuerpo de Mario y a veces también operando fuera de él, señalando cosas en la pantalla como si fueras la mano de un dios.

Super Mario Galaxy: la película es justo lo contrario. Hay algunos espectadores para los que señalar la pantalla y decir "¡Conozco esa referencia!" es suficiente para sentirse absortos en una película, y quizá queden contentos. Pero muchos espectadores --¡incluidos los niños!-- quieren sentirse absorbidos por una película, lo que significa implicarse emocionalmente con los personajes y lo que está en juego en su historia. Quieren que se les conceda un segundo para disfrutar del esplendor visual de una imagen bien renderizada. Pero esta película está sobrecargada de tal manera que deja poco espacio para implicarse, y aunque sus personajes y mundos son ingeniosos, apenas tienen tiempo suficiente en pantalla para que se les preste atención.

Ver una película es una actividad inherentemente más pasiva que jugar a un juego. No puedes tomar decisiones, hacer pausas, dedicar un minuto a mirar a tu alrededor. Los creadores toman todas esas decisiones por ti. Gran parte de la alegría del universo Mario ha sido siempre su humor visual alocado y caprichoso, y sigue esperando una película a su altura.

Super Mario Galaxy: la película Clasificada PG. Duración: 1 hora y 38 minutos. En cines.

Alissa Wilkinson es crítica de cine del Times. Ha estado escribiendo sobre películas desde 2005.

Invincible es, a día de hoy, una de las mejores series basadas en superhéroes que existen. Formó parte junto a The Boys de la introducción a un público masivo de este estilo de producciones con tramas más adultas, la maduración de estos contenidos que en historietas ya tenian sus narrativas de este estilo y antes parecían muy de nicho para ser adaptadas, algo que todo cambió cuando el Universo Cinematográfico de Marvel hizo que los superhéroes fueran pieza fundamental de la cultura popular.

A diferencia de las otras franquicias mencionadas, Invincible confía en su proyecto y apela al largo plazo. Si bien, como en todas las series, cada una de las temporadas tiene puntos clave que se desarrollan, donde Invincible más brilla es cuando el tiempo empieza a pasar y se cosecha todo lo que se fue sembrando de a poco. Hay conexiones de la temporada tres con cosas que sucedieron en segundos de la primera temporada. Esta cuarta temporada inicia de la misma manera: ofreciendo enganches fuertes de narrativas que parecían no tan importantes y ahora tienen un protagonismo absoluto.

Este arco inicial que da inicio a la temporada, al cual seguirán episodios sueltos semanales, empieza a plantear un conflicto nuevo que se desencadena del final de la última temporada: ¿el fin justifica a los medios o el camino también es importante?. Una incógnita tan antigua como los primeros pensadores de la humanidad, pero que Invincible hace encajar entre sus piezas para ofrecer una versión renovada y que pega perfecto con la narrativa.

Es algo habitual en esta serie el poder reciclar tropos clásicos de historias pop para adueñarselas de una manera muy original. Por otro lado, como dije hace algunos párrafos, este trinomio de episodios también realiza un trabajo fuerte de reconstrucción histórica con personajes y narrativas que aparecieron en temporadas anteriores, haciendo que sea posible a futuro aprovechar esos cimientos para algunas historias.

En cuanto a los personajes, el conflicto moral es tan grande que no solo afecta a Invincible sino a todos los que lo rodean, llevando a foja cero la psiquis de muchos de ellos y haciendo un reinicio narrativo para una serie que, otra vez, parecía haber llegado a un climax absoluto. El trabajo de Steven Yeung como Invincible es cada vez mejor y Gillian Jacobs como Atom Eve le da la humanidad que necesita la serie para traspasar los dibujos.

Sí debo decir que algunas secuencias de estos primeros tres episodios se sienten un poco colgados, dando algo más de acción para ofrecer más dinamismo, algo que quizás beneficie a futuro, pero por las características de la pelea y cómo se desarrolla pareciera que no es el caso. Ofrecer tres episodios juntos para iniciar la temporada también entrega eso: mucho tiempo al aire contra una narrativa que tiene que desarrollarse semana tras semanas. Habrá que ver el balance que encuentran en los próximos episodios.

Cada vez que sale una nueva temporada de Invincible, me alegra la posibilidad de poder continuar esta historia. Es algo que hoy no generan ni DC, ni Marvel, ni The Boys con sus producciones y creo que es un logro más que destacable para una serie animada que año a año revisa si continúa y si los números cierran. Robert Kirkman ya afirmó que espera tener aproximadamente 10 temporadas para cerrar esta historia; si mantienen esta calidad, ojalá que pueda lograr ese objetivo.

A partir del cuarto episodio, las entregas serán semanales y llegará hasta el octavo episodio para dar cierre a esta cuarta temporada. Después de lo que sucede en el tercer capítulo, la intriga por cómo afectarán algunas cosas a la narrativa principal es sumamente tentador así el tiempo dirá cómo recibiremos el futuro de Invincible y sus colegas.

Brás Cubas está muerto y, por alguna mágica e inexplicable razón, nos contrata desde el Limbo para resolver su asesinato. Sin demasiados preámbulos aceptamos la extraña propuesta porque hay un elemento igual de extraño que nos invita a creer: estamos atrapados en un loop temporal del que no podemos escapar. The Posthumous Investigation es una aventura gráfica de investigación, desarrollada por Mother Gaia Studio, que bebe de las aguas de grandes clásicos para forjar una propuesta tan original como interesante. Clásicos del gaming prestan sus mecánicas para desarrollar la narrativa que, a su vez, adapta parte de la fantástica obra de Machado de Assis. El resultado final es una aventura entretenida que nos engancha desde el primer minuto y consigue transmitir con fidelidad la esencia de la obra de referencia pero que va perdiendo fuerza con el pasar de las horas.

The Posthumous Investigation nos pone en la piel de un detective privado que se despierta sobresaltado por su reloj cucú roto. El día comienza como cualquier otro pero pronto nos enteramos de que un adinerado playboy local ha sido asesinado a metros de nuestra vieja oficina y, ni lento ni perezoso, tomamos cartas en el asunto. El juego de Mother Gaia Studio se ve hermoso en tonalidades de gris y negro, transportándonos instantáneamente a una versión noir de Rio de Janeiro repleta de guiños a la cultura brasileña y latinoamericana. Es una aventura gráfica tradicional en la que deberemos entrevistar a un gran elenco de personajes para intentar descubrir al responsable de la muerte de Brás Cubas. En el interín conoceremos una serie de personajes variopintos que van desde un cura rencoroso, pasando por un político corrupto y llegando a los extremos de entablar relación con un viejo amor de su juventud.

A medida que pasan las horas comenzaremos a entender el verdadero rol de Cubas en la vida social de la alta sociedad brasileña de comienzos del siglo XX y, para bien o mal, lo que el resto de la gente pensaba de él. El juego se desarrolla entre las 9:00 y las 00:00 AM y cada acción que tomemos hará avanzar las agujas del reloj. Al llegar a la medianoche el juego nos llevará automáticamente al Limbo donde nos entrevistaremos con el mismísimo Brás Cubas y registraremos nuestros avances en cada sub historia. Al comenzar un nuevo día perderemos todos los objetos recolectados pero nos quedará toda la información descubierta anotada en un diario con lujo de detalles. Así, iremos avanzando en nuestra investigación, esclareciendo poco a poco los vínculos y motivaciones de cada personaje de cara a la conclusión final.

El apartado técnico del juego es original y cumple en todos los frentes. Todo ostenta un buen nivel de calidad, desde los dibujos de fondo y el diseño de los personajes hasta la banda sonora que acompaña el desarrollo a ritmo de bossa en cada escenario. La escritura también brilla con fuerza propia y nos mantiene interesados en saber cuál será la próxima revelación. Sin embargo, The Posthumous Investigation sufre problemas de ritmo y luego de siete u ocho horas la reiteración comienza a ser un pesado lastre. No importa lo rápido que se puedan pasar los diálogos, cuando los casos comienzan a resolverse y hemos visitado todas las locaciones, la repetición se transforma en tedio. Por ejemplo, cada vez que le demos el pan de queso al policía deberemos saltear diez cuadros de diálogo exactamente idénticos cada vez. A medida que vamos cerrando los casos iniciales, las posibilidades de diálogo se van reduciendo y en cada nueva pista deberemos recorrer a los viejos conocidos a ver si surge una nueva revelación. A veces sucede y vale la pena, pero por lo general será una búsqueda a ciegas casi como jugar a “prueba y error”.

La primera mitad del juego me pareció divertida, original y por momentos fantástica. De vez en cuando hay destellos de magia en la narrativa, respuestas de personajes y un par de “momentos eureka” que reavivan el interés en seguir jugando. Lamentablemente la segunda mitad se termina volviendo reiterativa y, a pesar de los nuevos personajes y sus incidencias en la narrativa general, no generan una sensación de avance en la progresión. Sin ánimos de spoilear un juego que se centra en un misterio principal, creo que la recta final no consigue cerrar la historia de manera gratificante para el jugador. Sería imposible entrar en un debate sobre el significado del final (o múltiples finales posibles, para ser honesto) sin arruinar la sorpresa, pero para entenderlo del todo tuve que recurrir a la obra literaria de Machado de Assis. Aquellos que estén familiarizados con su forma de romper la cuarta pared quizás podrán apreciar mejor el trabajo de Mother Gaia Studio, pero el resto de la audiencia puede que termine tan desorientada como yo.

The Posthumous Investigation es una celebración de la obra de Machado de Assis y una aventura gráfica vistosa, hermosa y bien escrita. La idea del loop temporal le sienta a la perfección a la propuesta detectivesca y todo el apartado estético acompaña con su ambiente noir. Sin embargo, la jugabilidad reiterativa, los diálogos extensos y repetidos que hay que leer y releer, y especialmente todo lo que sucede en la recta final terminan por empañar lo que al comienzo se perfilaba como un gran juego. Me deja la sensación de ser una obra pensada para un nicho cultural al que no pertenezco y que tampoco hace un gran esfuerzo en invitarme a participar. Quizás el público brasileño pueda apreciarlo más pero, al menos en mi experiencia, se me hizo demasiado largo y un poco tedioso.

Lejos quedó ese presente donde Marvel tenía que armar un universo cinematográfico en base a lo que podía en vez de lo que quería, imposibilitado de usar éxitos ajenos como la franquicia de X-Men en el cine o Daredevil, uno de sus personajes más queridos que llevó a Netflix a tener su propio microuniverso de personajes de la marca.

Es importante volver a hablar de aquél pasado para entender este presente porque hoy Marvel no podría ser más diferente. Más allá de que los X-Men y los Cuatro Fantásticos son el próximo gran paso del universo en cuanto a peliculas, Daredevil volvió a casa y esta nueva temporada promete ser la introductoria de todo su universo Netflix con él, ya que está confirmada la aparición de Krysten Ritten nuevamente como Jessica Jones.

Desde los primeros segundos de este episodio podemos ver la gran diferencia con la primera temporada: el tono. Si bien es cierto que por momentos Daredevil: Born Again se pudo ver así, también es una realidad que la temporada anterior tenia muchísimas inconsistencias a nivel imagen, tono y narrativa gracias a los idas y vueltas que hubo en el apartado creativo hasta terminar decidiendo volver a hacer algo similar a lo que fueron las tres temporadas de Netflix.

En este caso, la acción es cruda. La imagen es simple. El uso de las luces y sombras, muy similares a aquella calidad que Netflix nos acostumbró en sus tres temporadas. Las coreografías de pelea son mucho más cercanas también, bien callejeras y alejandose de lo más superheróico del personaje. Todo nos acerca a un ambiente mucho más bajado a tierra, que nos ayuda a entender también el objetivo narrativo que tendrá esta temporada: la calle y lo clandestino.

La segunda temporada inicia con un Wilson Fisk que ya es alcalde de Nueva York y que, entre otras cosas, está prohibiendo a todos los vigilantes de la calle. Esto no sólo permite ver a un Daredevil más cercano al que nos acostumbramos en la década pasada, sino también que abre la puerta a participación de otros personajes como la ya mencionada Jessica Jones, el habitual The Punisher o nuevas caras como Swordsman, interpretado por Tony Dalton.

La historia se sigue contado de manera intercalada entre la acción principal y los reportes de BB Urich, lo que hace que el ritmo sea bastante dinámico y original. La temporada anterior tenía muchísimas tramas, producto de las diferencias creativas, y no todas congenian de la mejor manera siempre. En este caso, parecería que estamos yendo a fondo con esta trama en contra de la corrupción que parecería ser un camino más adecuado.

Este primer episodio demuestra mayor calidad inclusive en el tiempo que se le dedica a cada cosa; hay algunos planos que me parecen superiores a la temporada anterior en su totalidad. Sin dudas, el subidón de calidad causado por tener un objetivo más claro es notorio y la intención de conectar mucho más con las temporadas preexistentes también. En ese sentido, el primer episodio es un objetivo logrado.

Me guardo los comentarios sobre el elenco para las próximas reseñas, porque en gran parte este episodio es un reencuentro con Charlie Cox como Daredevil, que cada vez está mejor, y no mucho más. Celebro la inclusión de Matthew Lillard a la serie, aunque en un rol bastante enigmático que aún no tengo claro qué es lo que viene a ofrecer.

Sí creo que innecesariamente este episodio busca generar emoción con cosas que aún no se han mostrado ni se han desarrollado, un poco apelando a la conversación fuera de la pantalla. Es algo común en Marvel, pero se siente un poco extraño cuando lo hacen de esta manera, con una serie y un episodio que va por un lado completamente opuesto.

Hay mucho para hablar de Daredevil: Born Again. Si bien se estrena un episodio por semana, la siguiente entrega será por partida doble ofreciendo los episodios dos y tres. A su vez, cuando termine la serie, ya está confirmado que dará paso al especial de un único episodio The Punisher: One Last Kill y también ambas producciones podrían tener algún tipo de conexión con Spider-Man: Brand New Day, que sale en julio. Habrá tiempo para ver el desarrollo y crecimiento del diablo en la pantalla chica. Y quizás en la grande también.

El actor protagoniza esta comedia con un elevado número de cadáveres, pero la ligereza de la película pronto se vuelve forzada.

La sonrisa que luce Glen Powell en gran parte de Jugada maestra pretende ser encantadora, pero en realidad esconde sus esqueletos en el armario. No de manera literal, aunque los cadáveres se amontonan en esta comedia alegremente cínica y autocomplaciente sobre un tipo que se siente con derecho al privilegio de una manera letal. Este supuesto hombre común podría, por supuesto, intentar ganarse la vida a la antigua usanza: conformarse y sentar cabeza, crear su sueño americano comprando cosas que no puede permitirse y hundiéndose en deudas. O podría, en cambio, ayudar a derrocar a las fuerzas opresoras que generan la desigualdad neofeudal.

Existen muchas formas de vivir, al menos fuera de la pantalla, aunque expresar la plenitud y complejidad de la vida requiere de cierta ambición cinematográfica --una reflexión seria sobre el mundo tal y como existe y lo que podría ser--, así como personajes que sientan y piensen, en lugar de meros sistemas de entrega narrativa andantes y parlantes. Desgraciadamente, la gente detrás de Jugada maestra básicamente ha construido una película en torno a un argumento de guion: un tipo intenta, de forma cómica, unirse al 1 por ciento de los más ricos asesinando a su distanciada prole multimillonaria. Si eso te suena es porque la película está "inspirada", como dicen los créditos, en la película británica de 1950 Los ocho sentenciados.

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Mordazmente divertida, Los ocho setenciados se basa en la novela de 1907 de Roy Horniman Memorias de un asesino, Israel Rank de Roy Horniman, que algunos críticos han tachado de antisemita y otros han defendido contra dicha acusación por otros. Para la película de 1950, dirigida por Robert Hamer, al antihéroe que narra con frialdad sus hazañas se le asignó un padre italiano en lugar de judío, y Alec Guinness interpreta a los ocho ricachones idiotas, hombres y mujeres por igual --un ministro, un banquero, una sufragista, etc.--, que abandonan este mundo. (El musical de Broadway A Gentleman's Guide to Love and Murder también se basa en el libro).

Jugada maestra no es especialmente divertida; lo que es más frustrante, es una versión curiosamente insípida de Los ocho sentenciados. Ahora estadounidense, el protagonista, Becket Redfellow, vuelve a ser el hijo único de una viuda (Nell Williams) que, después de ser desheredada abruptamente por su familia, cría a su hijo con un sentido de privilegio de la alta burguesía. Nacido en una mansión de Long Island, terminó en Jersey. Su madre parece agradable, aunque probablemente esté chiflada, y lo mismo ocurre con su hijo. Crece y se convierte en un sonriente tipo afable, la clase de hombre que, en la vida real, los vecinos insistirían en que es simpático, incluso cuando lo llevan a la cárcel por asesinato; el tipo aquí es tan simpático que lo único interesante de él es su índice de homicidios.

Escrita y dirigida por John Patton Ford, Jugada maestra conserva lo suficiente de la historia original como para mantenerte atento y asombrado, incluso si conoces las adaptaciones anteriores. (Ford también escribió y dirigió Emily la criminal, una película más aguda y dura sobre el dinero en la época del capitalismo tardío). Ford le imprime a su nueva película un ritmo trepidante y ha rodeado a Powell de atractivos actores secundarios. Ed Harris aparece como el patriarca de la adinerada familia, cuyos miembros son interpretados por gente como Bill Camp y Zach Woods. El personaje más peculiar de este árbol familiar es interpretado por Topher Grace, un volátil estafador fanático de la Biblia que tiene una espada samurái y un bronceado de pollo asado.

Ford ha modificado el encuadre narrativo de la película de 1950, y Becket se encuentra ahora en una celda de prisión en vísperas de su ejecución, contando su historia a un sacerdote. Mientras Becket rememora su pasado con una voz en off notablemente imperturbable, la historia avanza lentamente entre flashbacks, presentaciones de personajes y giros argumentales que conducen a asesinatos. El amor de la infancia de Becket crece y se convierte en otra de sus obsesiones adultas, Julia (Margaret Qualley). Símbolo glamuroso de la vida de lujo que él codicia, tiene una sonrisa devoradora y unas piernas que la cámara de Ford recorre con deleite. Alternando entre la tentación y la amenaza, Julia es principalmente un enigma provocador, el objeto de deseo posiblemente perverso que representa la antítesis de otro deseo tranquilizadoramente bueno, Ruth (Jessica Henwick).

La historia y los actores hacen que Jugada maestra sea fácil de seguir, aunque nunca tenga coherencia tonal, lógica o, en realidad, de ningún tipo. A medida que los cadáveres se acumulan en el pasado de Becket y el tiempo se agota en su presente, la ligereza de la película se vuelve forzada y la simpatía natural de Powell se convierte en un lastre. El actor te mete fácilmente en la historia, pero como Ford no ha ideado una alternativa plenamente estadounidense que sustituya de forma convincente a la visión de guillotina afilada de la película de 1950, ni el personaje ni la película se afianzan. Es una oportunidad perdida, sobre todo porque el brillo cada vez más intenso de los ojos de Julia sugiere el horror ordinario de la codicia, tan absorbente que solo puedes reír.

Jugada maestraClasificada R por asesinatos en serie. Duración: 1 hora y 45 minutos. En cines.

Manohla Dargis es la crítica principal de cine del Times.

Esta entrega repite algunos de los puntos de su predecesora, pero reinventados con inteligencia para que siga siendo imprevisible e hilarantemente extraña.

El entretenimiento que se burla de los ricos no es del todo nuevo. Pero, por razones obvias, este minigénero ha florecido en los últimos años. Películas como Parásitos, Saltburn, Parpadea dos veces y Glass Onion, y series como White Lotus y Succession escarnecen a los ultrarricos y ofrecen al público cierto tipo de catarsis. A veces lo divertido es imaginar que estas personas son ridículas y secretamente miserables. A veces, está en ver cómo los menos privilegiados experimentan algún tipo de triunfo.

La mayoría de estas historias han sido populares, o aclamadas, o ambas cosas. Pero pocas han sido tan desquiciadas y sangrientas como Boda sangrienta (2019), en la que una recién casada llamada Grace (Samara Weaving) descubre que sus suegros, la familia Le Domas, no son unos ricachones cualquiera, sino unos satánicos chiflados cuyos antepasados, a cambio de una riqueza fabulosa, vendieron sus almas a un tipo llamado Le Bail, alias el Viejo Nick, alias el diablo. Las fiestas tradicionales de la boda consisten en jugar a juegos para honrar a ese tipo, y Grace, convertida en una prisionera, tuvo que sobrevivir a esa noche. Y así lo hizo, cubierta de la sangre de los miembros de su antigua familia. (Cuando Le Bail se disgusta, se produce una combustión espontánea).

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Boda sangrienta 2 continúa donde lo dejamos, con Grace fumando un cigarrillo en la escalera de la casa familiar, triunfante pero traumatizada. Necesita atención médica, y cuando despierta en la cama de un hospital pronto nos enteramos de cómo esta nueva entrega pretende continuar la saga. Resulta que el clan Le Domas no era más que uno de los miembros de una cábala de familias que gobiernan el mundo y adoran a Satanás, y ahora que la línea familiar ha llegado a su fin, quedando solo Grace, hay una posible vacante en el puesto de poder más alto de la cábala: la "silla". Debido a un arcano conjunto de normas, ahora todas las familias deben reunirse en una mansión palaciega para otra noche en la que van a cazar a Grace, presidida por "El abogado" (Elijah Wood), la simpática mano derecha de Le Bail, quien se asegurará de que se cumplan todas las normas.

Y así cazan, reuniéndose en la casa hereditaria de la familia Danforth, cuyo patriarca Chester Danforth (David Cronenberg) ha fallecido recientemente, entregando las riendas a sus hijos gemelos, Titus (Shawn Hatosy) y Ursula (Sarah Michelle Gellar). El jefe de cada familia solo cazará con las armas disponibles cuando su familia hizo el trato con Le Bail. Los gemelos Danforth, como primogénitos iguales, lucharán juntos. Pero otros jefes de clan tomarán las armas solos: Ignacio (Nestor Carbonell), de El Caídos; Chen Xing (Olivia Cheng), de los Wans; y Madhu (Varun Saranga), de los Rajans.

Sin embargo, la suerte quiso que Grace tuviera un familiar: su hermana, Faith (Kathryn Newton) --aquí los nombres no son muy sutiles, pues "Grace" y "Faith" significan "gracia" y "fe" en inglés, respectivamente--, de la que Grace estaba distanciada pero que figuraba como su pariente más cercano y, por tanto, apareció en el hospital. Así que Faith también se ve arrastrada a todo este lío, y empiezan los juegos.

Boda sangrienta 2 es una digna secuela, que repite algunos de los mismos puntos de su predecesora, pero reinventados con inteligencia para que siga siendo imprevisible e hilarantemente extraña. Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, que hacen películas bajo el colectivo llamado Radio Silence, vuelven a ponerse al timón de la película, consiguiendo un difícil equilibrio entre terror, comedia y, en ocasiones, auténtica crueldad y dramatismo. En colaboración con el director de fotografía Brett Jutkiewicz, crean un mundo exuberante y siniestro. Al final, se inspiran explícitamente en las primeras pinturas del Renacimiento, un movimiento que es a la vez exagerado y sorprendentemente significativo. La película funcionaría bien sin florituras como ésta, pero eso es lo que la hace tan buena.

Weaving lleva la mayor parte de la película, equilibrando una delicadeza traumatizada con una ferocidad decidida y creíble, pero Newton es una badass por derecho propio, y su llegada confiere profundidad y simpatía instantáneas a estas dos mujeres perseguidas. El resto de los personajes apenas están construidos, pero en realidad no necesitan estarlo, porque no son más que tipos: el intrigante, el cobarde, el misógino, etcétera. El más encantador es Wood como abogado del diablo; qué suerte tenemos de que últimamente haya elegido pasar tanto tiempo interpretando a tipejos raros.

Hay una tontería inherente a toda la premisa de estas películas, cocinada por los guionistas Guy Busick y R. Christopher Murphy, que oscila entre la fábula medieval y una teoría de la conspiración incómodamente plausible. Ya no es difícil creer que todas las personas más ricas y poderosas del mundo estén confabuladas, si es que alguna vez lo fue. Someterlos a todos a un antiguo pacto fáustico parece apenas metafórico.

Y aunque el humor es bobalicón --es difícil no reírse cuando la gente se agacha y corre para ponerse a cubierto porque alguien está a punto de explotar--, es una locura que parece casi frenética, de una forma que realmente funciona. Boda sangrienta era oscura, sin duda, pero hay algo más sombrío en el corazón de la secuela. Grace, quien fue una superviviente de circunstancias terribles incluso antes de que empezara todo este sinsentido, siempre ha vivido en un mundo que no estaba hecho para ayudarla a salir adelante.

Pero ahora está intentando matarla literalmente, y también a su hermana. En una larga secuencia, la violencia pasa de caricaturesca a incómodamente gráfica, y sigue avanzando; te das cuenta de que la arrogancia y la misoginia de estos horribles cazadores enfermos del alma los ha podrido por dentro más allá de toda salvación. En esta entrega, vencerlos ya no se trata tanto de devorar a los ricos, sino de impedir que devoren a los demás.

Boda sangrienta 2Clasificada R por muchos asesinatos y sangre, y muchas palabrotas. Duración: 1 hora y 48 minutos. En los cines.

Alissa Wilkinson es crítica de cine del Times. Ha estado escribiendo sobre películas desde 2005.

La premisa de ricos que cazan humanos ya es casi un género en sí mismo. Hace muy poquito se estrenó Boda Sangrienta 2 y ahora llega a los cines Te Van a Matar, que propone una estructura similar en donde una heroína imperfecta termina siendo víctima de una cacería de millonarios.

Con un tono comiquero que nos remite inevitablemente a Kill Bill y a la novia de Uma Thurman, Te Van a Matar está atravesada por los excesos: mucha sangre, ritmos acelerados y largas secuencias de violencia exquisitamente coreografiadas.

El uso de la música y los efectos de sonido refuerzan ese aire tarantinesco: cada golpe, cada corte y cada salpicadura de sangre están pensados casi como parte de una coreografía audiovisual. De hecho, hubo risas en la sala cuando volaban cabezas: el gore es tan desmedido que cruza lo ridículo, y ahí es donde la película encuentra gran parte de su encanto.

Zazie Beetz (Joker) es Asia Reaves, una joven que llega al siniestro y decadente Hotel Virgil para trabajar como empleada. En su primera noche ahí, un grupo de millonarios envueltos en un rito satánico deciden cazarla como parte de su macabro entretenimiento. En ese sentido, la producción dirigida por Kirill Sokolov (¿Quién se quedará con Masha?), dialoga directamente con esta mini “tendencia” reciente de ricos jugando a matar, como vimos en otras como Boda Sangrienta o La Cacería.

El elenco se completa con Patricia Arquette (en un papel demasiado similar al de Severance), Heather Graham (Austin Powers) y Tom Felton como los villanos de esta historia. Y quizás acá está el punto más cuestionable, en este grupete de malos medio tontos y con muy pocos matices. Aunque el espectador tenga que entrar en un código de fantasía, hay algunas decisiones que hacen ruido, en especial sobre el rol que ocupa Arquette, una suerte de líder bastante cuestionable dentro de la narrativa. Si bien la película pasa más por la evolución y los obstáculos que atraviesa nuestra heroína, Te Van a Matar podría haber ganado mucho con antagonistas más complejos.

De todas formas, Te Van a Matar cumple con lo que promete: es un baño de sangre hermoso, estilizado y consciente de sí mismo, con una duración justa que se siente perfecta para lo que se nos quiere contar. Una experiencia salvaje, divertida e ideal para quienes disfrutan del caos bien ejecutado.

Nintendo Switch 2 está pasando un momento extraño e inesperado en cuanto a las expectativas que había para su primer año. Si bien es cierto que Donkey Kong Bananza fue un hit temprano y que tenemos el sueño de ver un Mario 3D antes de que termine el año, en 2026 la consola se encuentra brillando más por la llegada de third parties que por sus propias experiencias. Dentro de ellas, una que no generaba nada de expectativa era Pokémon Pokopia.

Este nuevo spin-off, desarrollado por el mismo equipo que ha hecho Dragon Quest Builders, se presentó como el “Animal Crossing de Pokémon”, en un momento donde el género está un poco saturado gracias a la Nintendo Switch 2 Edition de dicho juego y del inminente regreso de Tomodachi Life. Sin embargo, esa falta de expectativa le vino bien a un juego que no solo cumple sino que hace bien muchas cosas que al mismo GameFreak, estudio creador de la franquicia, le cuesta mucho.

En Pokémon Pokopia, vamos a tomar la piel de un Ditto, este Pokémon cambiaformas que siempre hemos visto replicar a otros de su especie, para convertirse por primera vez en una recreación de su anterior entrenador Pokémon. Al iniciar, nos daremos cuenta de que el mundo que conocíamos ya no es como es y estamos en un Kanto post apocalíptico donde los humanos ya no están y los Pokémon solo empiezan a regresar después de que nosotros lo hicimos.

En ese contexto, y fuera de la jugabilidad, Pokémon Pokopia tiene un poco de todo: es un poco de misterio, un poco de simulador de vida, un poco de aventura. Es una experiencia que reúne varios géneros y elementos para generar una experiencia auténtica que se vale por sí misma y tiene acercamientos a otras experiencias como Animal Crossing o Minecraft, pero que al mismo tiempo, termina siendo algo sumamente original.

El concepto de reconstrucción le queda mejor a esta experiencia que construcción justamente por la ambientación distópica. Tendremos que ir creando diferentes hábitats, con estructuras predeterminadas como “cuatro bloques de hierba” o “cuatro bloques de hierba junto a un árbol” para que un Pokémon que solía vivir en ese hábitat vuelva. A su vez, cada personaje tiene sus habilidades y sus capacidades que te van a ir ayudando a mejorar el entorno y conseguir más cosas.

Esta relación con cada una de los personajes es también un factor a tener en cuenta ya que cada Pokémon cuenta con un nivel de confort que tenemos que ir aumentando brindando facilidades en cuanto al lugar donde viven, objetos que quieren o simplemente hablar y jugar con ellos un rato. Hay todo un condimento social que, a mi forma de ver, está mucho mejor desarrollado que en Animal Crossing donde los vecinos a veces pueden resultar tediosos.

Además de todo esto, Pokémon Pokopia nos ofrece una aventura de redescubrimiento que derrocha amor por la franquicia y sobre todo por su época de gloria (generaciones uno, dos y tres). Todos los rincones de Kanto tienen referencias a su contraparte de la primera generación y cada uno de los Pokémon tiene una personalidad palpable. Cada uno de los Pokémon nos irá entregando habilidades que nos permitirán construir, romper, cosechar, movilizarnos de maneras muy diferentes.

Ni hablar de los Pokémon originales de este juego como Palidachu, Mosslax o el Profesor Tangrowth que terminan ofreciendo versiones particulares y muy simpáticas de cada uno de esos personajes. La progresión del juego es bastante original también ya que es bastante libre, hay cuatro zonas a completar y podemos hacerla casi en el orden que queramos siempre y cuando vayamos desbloqueando las habilidades necesarias para cada situación.

El objetivo del juego, y cada zona, es remodelar el Centro Pokémon. Para eso tendremos que completar una historia propia de cada una de estas áreas y luego conseguir un roster de personajes que tengan las habilidades necesarias para la reconstrucción. Luego de eso, todo se vuelve mucho más simulador de vida: podemos poner casas, mejorar los hábitats y el confort, personalizar cada uno de los lugares, construir lo que queramos.

Pokémon Pokopia tiene cientos de horas de rejugabilidad y, aparte, un modo multiplayer que se acerca mucho más a Fortnite donde podemos construir con amigos prácticamente lo que queramos. Es un videojuego que cumple en todo sentido y que rinde un homenaje muy bueno a lo que significa ser un juego de Pokémon. Cuando se anunció, fui de los primeros que pensó que estaba cayendo en una trampa de sobreexplotación del género saliendo entre un Animal Crossing tan fuerte y un Tomodachi Life renovado, pero realmente creo que la personalidad de Pokémon Pokopia es única y eso para un videojuego es invaluable.

Sí debo decir que el juego a veces se encuentra conflictuado: quiere ofrecerte una experiencia relajada, pero también tiene elementos que ofrecen un micro estrés. Quieren darte todo el tiempo del mundo pero las mecánicas utilizan tiempo real y requieren que avances de cierta manera. Son gajes del oficio, decisiones que tiene un juego como Pokémon Pokopia que no empañan la experiencia pero sí puede resultar por momentos engorroso para algunos jugadores.

Pokémon Pokopia es una masterclass de cómo utilizar una franquicia dentro de un arquetipo que ya funcionaba. El equipo detrás de Dragon Quest Builders hizo un gran trabajo y demostró que Pokémon, bien utilizado, tiene todavía muchísima tela para cortar. Es un llamado de atención que juegos como New Pokémon Snap (2021) o Pokémon Pokopia sean de lo mejor de la franquicia en los últimos años, teniendo dos generaciones enteras, un remake y varios spin-off más bajo el brazo.

Por el momento, tocará seguir disfrutando de esta experiencia y reconocer que Pokémon Pokopia es un trabajo bien logrado. Es una de las primeras sorpresas de Nintendo Switch 2 y uno de esos juegos que pueden marcar la diferencia a la hora de pensar si comprar la consola o no. Más allá de que aún falta un blockbuster de alto calibre, Donkey Kong Bananza y Pokémon Pokopia hoy garantizaron que el catálogo de esta consola sea funcional.

Muchas veces hemos visto la premisa del héroe por accidente que se convierte en la última esperanza de la tierra. Pero como Phil Lord y Christopher Miller están detrás de Proyecto Fin del Mundo, la historia tiene una impronta que mezcla el humor y el absurdo dándole una vuelta original a una narrativa que ya vimos miles de veces. Es que la dupla es la misma de La gran aventura Lego, de Comando Especial (21 Jump Street) y de otras como Spider-Man: A través del Spider-Verso (Spider-Man: Across the Spider-Verse). En todas las mencionadas, los creadores consiguen mezclar géneros e incluir la comedia desde distintos lugares. Y en todas salieron exitosos.

En Proyecto Fin del Mundo, Ryan Gosling interpreta a un profesor de primaria que es convocado por el gobierno de Estados Unidos para colaborar en un proyecto ultra secreto ante una amenaza que pone en peligro nuestro planeta.

La primera escena nos lo muestra completamente solo en una nave espacial y a través de distintos flashbacks temporales el espectador irá descubriendo que fue lo que lo llevó ahí. No hay grandes sorpresas en ese recorrido pero sí habrá giros más inesperados durante su “presente” en el espacio.

Dentro del subgénero de protagonistas solos en naves, esta se acerca más al estilo “relajado” de Matt Damon en Misión Rescate (The Martian) y se aleja del tipo de astronauta dramático que carga con el peso de salvar al mundo.

El Dr. Grace de Ryan Gosling se maneja en la línea del tipo común que termina sacando al héroe que no sabía que tenía dentro, y si bien el actor es muy agradable y ofrece un trabajo sólido es imposible creer que es un científico. Nunca consigue el efecto de Leonardo DiCaprio en No Mires Arriba, con sus tics, el pelo engrasado y una personalidad más bien torpe. Gosling es canchero, usa sacos tejidos que le quedan pintados y nunca tiene un pelo fuera de lugar.

Aun así, su actuación funciona dentro de las reglas de la dupla de Lord y Miller, y Proyecto Fin del Mundo consigue traer algo relativamente nuevo a una fórmula que ya conocemos. Eso sí, la película es excesivamente larga. Tiene varios giros de más en donde se abren nuevos conflictos que ya parecían terminados.

En definitiva, Proyecto Fin del Mundo se anima a jugar con la idea del héroe norteamericano desde otro lugar, tratando de mostrar a Gosling como alguien con miedos, inseguridades y errores, y esto termina siendo mucho más divertido de ver que el de la figura clásica del héroe de acción al que la industria nos tiene tan acostumbrados.

Escribir sobre un juego como Crimson Desert es una tarea titánica por varios motivos. Sin embargo, el más importante es que se siente como enfrentar a la dicotomía del ‘todo o nada’ que asfixia a la industria actual. A día de hoy, parece que olvidamos que entre la obra maestra que redefine el medio y el desastre técnico que merece el reembolso, existe un territorio fascinante poblado por juegos muy interesantes. Y si bien entiendo que las expectativas estaban por las nubes, el trabajo de Pearl Abyss habita justo en ese espacio. Luego de haber pasado más de cien horas en este título, puedo aseverar que no va a cambiarnos la vida ni a sentarse en el trono del GOTY. No es un blockbuster ni un juego pochoclero, pero posee la extraña virtud de sentirse como una imperfección hermosa.

Para entender dónde estamos parados, la historia de Crimson Desert nos pone en la piel de Kliff, el líder de los ‘Greymanes’, una banda de mercenarios que vaga por un continente fracturado por la caída de un monarca y el ascenso de facciones sedientas de poder. Sin entrar en el terreno de los spoilers, el juego intenta narrar una historia de supervivencia y redención en un mundo donde la moralidad es un lujo que muy pocos pueden permitirse. Es la clásica epopeya del guerrero cansado que navega entre intrigas políticas, bandidos de poca monta y amenazas ancestrales. El resultado es una premisa que se siente como un factor secundario dentro de la propuesta que sólo sirve como una suerte de hilo conductor que ayuda a desplegar decenas de mecánicas y una ambición técnica capaz de quitar el aliento.

No obstante, la verdadera magia del título no reside en los diálogos acartonados de su guión, sino en el silencio de sus piedras. Pywel, el mundo en que se desarrolla la aventura, posee una capacidad narrativa asombrosa. Deambulando por aquí y por allá, es posible aprender y descubrir historias sumamente interesantes. Es un mundo que se siente ‘vivido’, con una densidad atmosférica que recuerda de inmediato a propuestas como Red Dead Redemption 2 o Kingdom Come: Deliverance. Sin embargo, resulta frustrante ver cómo toda esa potencia visual y ambiental se diluye cuando la trama principal intenta tomar el timón y se comporta como un guía turístico que nos arrastra por los pelos lejos de aquello que realmente nos interesaría conocer.

Y es que sucede que cuando entramos en el terreno de la narrativa, el juego tropieza con sus propias ambiciones. La historia de Kliff se siente como una sucesión de capítulos inconexos; un ‘frankenstein’ lleno de ideas y momentos épicos que no terminan de hilvanar un discurso coherente. Las misiones de ‘Che pibe’ en las que hacemos de recaderos -ese mal endémico de los mundos abiertos- aparecen con una frecuencia irritante, rompiendo el ritmo de una trama que ya de por sí avanza con la parsimonia de un gigante cansado. Hay una desconexión palpable entre el destino del mundo que el juego nos intenta vender con la trivialidad de buscar las ovejas perdidas a un granjero o las 50 misiones de ‘andá a matar a los bandidos que me robaron tal cosa’.

Este problema también alcanza a Kliff. En lo personal, me fue imposible no trazar paralelismos con Geralt de Rivia, ya que el protagonista tiene el mismo tipo de voz aguardentosa, la actitud de ‘tipo duro’ y la confianza de quién puede resolver todo con su habilidad al combate. El tema es que carece de la personalidad magnética del brujo. Esto hace de Kliff un personaje funcional, un vehículo para la acción que carece de ese carisma necesario para sostener cien horas de juego sobre sus hombros, al punto que se convierte en un accesorio de Pywel. Lo mismo pasa con el resto del elenco que podemos controlar, que carecen del desarrollo necesario como para llegar a empatizar con ellos. Quizá suene algo pretencioso por mi parte, pero todos los personajes parecen estar construidos de forma genérica.

Al margen de ello, la progresión y las mecánicas son un festín caótico de ideas. Crimson Desert quiere serlo todo: un simulador de gestión, un juego de supervivencia, un RPG de acción, un simulador inmersivo y un cuento de fantasía medieval oscuro. El problema no es la cantidad de sistemas, sino el descuido con que todo esto se presenta. Es como entrar en una cocina donde el chef nos tira ingredientes a la cara, pidiendo que hagamos un plato, pero sin explicarnos la receta. En lo personal, me encontré gestionando caravanas comerciales o mejorando el equipo de forma casi accidental.

Ahora bien, entiendo que el título no nos toma de la mano, ni pretende ser amigable. Por el contrario, pretende que nos tomemos nuestro tiempo para descubrir cómo todo funciona, lo que implica dedicar varias horas a leer los más de 500 tutoriales que el juego tiene. Claro, cuando las cosas encajan la satisfacción es fantástica, pero hasta entonces se siente como estar pegando manotazos de ahogado, sabiendo que hay algo que nos estamos perdiendo. Esto me da la pauta de que no es un juego para todo el mundo, porque quién llegue aquí buscando acción inmediata, como su fuera GTA, Assassin’s Creed o incluso The Witcher 3, se llevará una decepción enorme.

En cuanto al combate, la experiencia es igualmente bipolar. Cuando Kliff se enfrenta a los grupos de enemigos que patrullan el mapa, el juego se transforma en una suerte de Dynasty Warriors donde los espadazos mandan a todo el mundo a volar. Es un espectáculo visual, sin lugar a dudas. Es realmente genial sentirse poderoso y ver cómo un bandido se estrella contra una pared luego de recibir un potente golpe de mandoble. Las chispas y el acero chocando es fantástico. El tema es que todo esto se puede hacer spameando tan sólo un par de ataques. Durante dichas situaciones, Kliff se siente como un semidiós, y aunque es innegablemente divertido, la profundidad que el sistema plantea, brilla por su ausencia.

Lo bueno es que toda esa profundidad que falta en esos enfrentamientos intrascendentes aparece de golpe durante las batallas contra los jefes. De repente, Crimson Desert exige que sepamos usar todo el abanico de movimientos del protagonista. Dichas batallas se sienten demandantes, y aunque carecen de la precisión de un soulslike, son bastante divertidas. El problema, desde mi punto de vista, es que el contraste es tan marcado que se siente chocante. Es decir, pasamos de sentirnos como un segador de almas que no necesita pensar, a un aprendiz que debe medir al milímetro cada movimiento. Más allá de eso, a nivel visual, varios de estos duelos son espectaculares, con una puesta en escena increíble, aunque la curva de dificultad se sienta como un muro de hormigón infranqueable.

Algo que no puedo dejar de mencionar, es que el juego tiene un lado surrealista y -en cierto modo- fascinante. Pese a su setting de fantasía de Baja Edad Media, Crimson Desert tiene algunas cosas que pueden descolocar. Me refiero a aquellos elementos que parecen arrancados de un sueño febril de ciencia ficción, como los mechas rudimentarios, las estructuras que parecen tecnología extraterrestre y los jetpacks que nos permiten surcar los cielos. Además, ver a nuestro protagonista ejecutando movimientos de Kung Fu, un suplex de lucha libre a un trasgo o repartir patadas voladoras dignas del mejor cine de artes marciales crea una disonancia cognitiva extraña. No se siente mal, sino que parece como si Kliff fuera Neo atrapado dentro de una Matrix medieval donde aprendió a hackear las leyes de su propia realidad para moverse y luchar de formas que no deberían existir en este universo.

Jugabilidad al margen, uno de los puntos donde Pearl Abyss da un fuerte golpe sobre la mesa es en la optimización. En una época donde estamos acostumbrados a que los juegos de mundo abierto salgan rotos o requieran parches masivos, aquí tenemos un título que corre con una solidez envidiable. Al menos así se siente en PC (la versión que pude jugar), por lo que no puedo hablar de la experiencia en consolas. El motor de la compañía coreana es una maravilla de la ingeniería que permite transiciones fluidas sin pantallas de carga y una estabilidad de fotogramas que muchos AAA envidiaría. Es reconfortante ver tanta ambición visual, pararse en la cima de una montaña y ver todo lo que Pywel tiene para ofrecer sin sacrificar el rendimiento técnico.

En general, el apartado gráfico es impecable. Es un juego de grandes distancias y planos generales, más que de detalles microscópicos. Lo único que puedo reprochar es la iluminación, que no siempre se siente bien. Por lo demás, el ciclo de día y noche y los efectos climáticos son fantásticos. El viento mueve el pelo de Kliff y hace ondear su capa. Los personajes lucen muy bien y detallados. No obstante, esa belleza tiene sus puntos flacos ya que, por ejemplo, si nos acercamos demasiado a ciertos elementos del escenario o decidimos explorar zonas menos transitadas, las texturas no están a la altura del conjunto dejando algunas costuras en evidencia. Parece como si el presupuesto se hubiera agotado justo antes de pintar los rincones menos visibles del mundo.

La música merece una mención aparte, acompañando perfectamente la sensación de melancolía y épica que desprende Pywel. Las composiciones son ricas, orquestales y saben cuándo callar y cuándo irrumpir con potencia. Sin embargo, al igual que la trama, a veces suena demasiado convencional, siguiendo los tropos del género fantástico sin arriesgarse a buscar una identidad sonora que la haga única. Pero que no se malinterprete, porque el resultado es excelente, sí, pero es una excelencia que se puede escuchar también en otras experiencias similares.

Algo que me resulta inevitable es hablar de los controles y la interfaz. Sin pelos en la lengua, son el mayor lastre del título. Por algún motivo que desconozco, el juego tiene una extraña obsesión por complicar lo sencillo, como tener que usar combinaciones de botones para acciones tan básicas como interactuar con un NPC (apuntar con uno, confirmar con otro). Esto se siente como un retroceso en el diseño; un sistema engorroso que rompe con la inmersión constantemente, recordándonos que estás ante un software en lugar de estar viviendo una aventura. La cámara es otro de los villanos invisibles de Crimson Desert, especialmente durante los combates contra los jefes, donde en el afán de presentar una perspectiva cinematográfica, suele quedar atrapada en elementos del escenario ofreciendo ángulos tácticamente inútiles. Es una lucha constante entre lo que queremos ver y lo que el juego se le antoja mostrar. Y en un título donde la precisión es clave, esta fricción es desesperante.

Otro aspecto que hace algo de ruido es la sensación de estar frente a un ‘MMO fantasma’. Pywel es enorme, pretende ofrecer inmersión y tiene muchísimos detalles que evidencian esto, pero nuevamente, el juego tropieza con sus ambiciones. Se que no está bien hacer comparaciones, pero por poner un ejemplo, a diferencia de Red Dead Redemption, aquí los NPC no tienen rutinas. Los ciclos de día/noche son hermosos pero no tienen un impacto en las ciudades donde las tiendas y los granjeros trabajan 24/7. No hay una sensación de peligro al recorrer una ruta de noche como pasa en Dragon’s Dogma. Es algo similar a The Truman Show, donde tenemos un mundo creado a medida para nosotros, pero en el que los actores olvidaron sus papeles.

Por su parte, los rompecabezas que salpican el mundo parecen pequeñas cajas de música: hermosos y complejos de observar, y a veces bastante frustrantes de resolver. Algunos apelan a un uso brillante de las físicas y el entorno recompensando con momentos ‘Eureka’ muy satisfactorios. Lamentablemente, eso no es lo más frecuente, ya que la mayoría se presentan como acertijos sin instrucciones, donde la solución depende más de pelearse con una mecánica mal explicada que de la lógica pura. Es, de nuevo, el juego dándonos una de cal y otra de arena: la ambición de querer ofrecer profundidad en cada rincón, pero olvidando a veces que la complejidad sin claridad puede transformarse en una barrera en lugar de un desafío.

Ese residuo de diseño de gran escala se traslada también a la gestión del campamento, un fuerte pilar de la experiencia que oscila peligrosamente entre la inmersión absoluta y el tedio burocrático. Gestionar a los Greymanes en nuestra base es algo similar a dirigir una verdadera familia de proscritos. Hay algo genuinamente reconfortante en ver a los mercenarios, afilar sus armas, hablar entre ellos o compartir una comida tras una jornada de trabajo. A su vez, cada miembro del grupo tiene sus habilidades y características únicas que los hacen útiles para llevar a cabo diferentes tipos de tarea. Lo mejor es que, si por ejemplo, los enviamos a arar un campo, vamos a poder ver a nuestros hombres en ese lugar concreto llevando a cabo dicha labor. Sin embargo, la interfaz para llevar a cabo muchas de estas acciones se siente programada por el mismísimo Lucifer, ya que debemos acceder a diversos menúes sobre menúes, cortando fuertemente el ritmo de la aventura.

A pesar de todo lo anterior, hay algo profundamente loable en Crimson Desert. En un mercado saturado de juegos diseñados por comités de marketing, Pearl Abyss decidió arriesgar siguiendo su camino, sin pretender quedar bien con nadie. Puede gustarte o no, pero es lo que es. La propuesta rebosa ambición por los cuatro costados y si bien está lejos de alcanzar la perfección, es un juego que tiene alma. Eso sí, no piensa mucho en el jugador promedio que tiene pocas horas para jugar al día, por lo que muchos se quedarán fuera de esto, mientras que otros ni siquiera podrán ver el 50% de todo lo que tiene para ofrecer (yo me encuentro, por el momento, en ese lugar). Pese a ello, es un juego que se hace un lugar, se permite aspirar a algo enorme y aun quedándose corto en la ejecución de algunos de sus sistemas, ofrece algo realmente interesante.

Al final del día, no todos los juegos tienen que ser hitos históricos que redefinan nuestras vidas. La grandeza también reside en el intento de poner sobre la mesa una visión tan vasta que incluso sus fallos resultan interesantes de analizar. Crimson Desert es un recordatorio de que soñar en grande tiene un precio, pero que el resultado, con todas sus costuras a la vista, es más estimulante que la mediocridad pulida. En mi paso por Pywel tuve varios momentos de frustración, pero muchos gratificantes. El desarrollo de Pearl Abyss no es la nueva biblia de los juegos de acción de mundo abierto, sino un testimonio de que la ambición sigue viva. Es un caos divertido, una mezcla imposible de géneros y estéticas que, contra todo pronóstico, resulta interesante, entretiene y nos hace preguntar cuál será la siguiente locura con que nos vamos a encontrar.

El actor interpreta a un biólogo molecular que intenta salvar el mundo en esta optimista fantasía de ciencia ficción de Phil Lord y Christopher Miller.

Uno de los encantos de Proyecto Fin del Mundo, una película de ciencia ficción ligera sobre un tema complejo, es cómo se entrega a los atractivos del espacio exterior. Es un agradable cambio de ritmo, dada la manera en que el espacio ocupa a menudo los rincones más oscuros de la imaginación humana, ya sea por los horrores de la ficción, como metáfora del vacío, como recurso explotable o como fijación de multimillonarios engreídos. Los directores Phil Lord y Christopher Miller aprecian los terrores del espacio, pero también captan su encanto y su potencial aparentemente infinito para la belleza, para el misterio y, sobre todo, para el juego.

Adaptada por Drew Goddard a partir de la novela de 2021 de Andy Weir (autor de El marciano), la historia encuentra de nuevo a la humanidad ante la desaparición de la Tierra. Para variar, no es culpa nuestra (yupi). Más bien, una entidad alienígena que devora energía ha empezado a apagar estrellas como si fueran velas. Se ha aferrado a nuestro sol, activando la Gran Cuenta Atrás hacia la extinción. Desesperados, los países del mundo han unido sus fuerzas para tratar de encontrar una solución, una de esas premisas tranquilizadoras que condensa el optimismo de la película y que -dada la falta de unidad sobre la catástrofe medioambiental generada por el hombre a la que nos enfrentamos- resulta encantadoramente anticuada. Es más fácil suspender la incredulidad cuando se trata de la ciencia ficción de esta película; es el multilateralismo lo que resulta difícil de creer.

Ryland Grace (Ryan Gosling), un biólogo molecular, ha estado trabajando como profesor de secundaria cuando unas personas de aspecto serio lo reclutan para una misión aparentemente imposible de la humanidad, un montaje que recuerda a La llegada (2016) de Denis Villeneuve. En aquel solemne drama de ciencia ficción, Amy Adams, en el papel de una lingüista, recibe el encargo de ayudar a comunicarse con unos extraterrestres recién aterrizados cuya presencia ha puesto al mundo en vilo. La llegada trata en parte del dolor como condición de vida; al principio de la historia, la lingüista está de luto por su hija. Por el contrario, Proyecto Fin del Mundo -que incluye escenas de Ryland enseñando a alumnos brillantes y ansiosos- en gran medida insiste en la esperanza.

Lord y Miller son más conocidos por La gran aventura LEGO, una comedia animada de superhéroes lo bastante divertida como para que uno se sienta casi bien viendo un comercial disfrazado de película. Los cineastas tienen un grado avanzado en cultura pop, un requisito útil cuando se trata de reempaquetar viejas temáticas. Con su alcance cósmico, ejércitos de actores y sets de filmación a gran escala profusamente detallados, Proyecto Fin del Mundo es más ambiciosa que cualquier cosa que hayan dirigido anteriormente. Rodada en dos relaciones de aspecto diferentes (el director de fotografía es Greig Fraser), la película se ve genial; tiene un acabado muy pulido y fluye con una suavidad acorde, lo que resulta crucial dados sus desplazamientos temporales.

Cuando ves a Ryland por primera vez, lleva el pelo largo, una prodigiosa barba desaliñada y un semblante totalmente desconcertado. Para su gran confusión, ha despertado de un largo sueño en una nave espacial que está lejos de casa. Su situación es tanto un misterio para él como para tí, uno que descifra a bordo -el método científico al rescate- entre recuerdos explicativos. Algunos tienen que ver con Eva Stratt (una bienvenida Sandra Hüller), un enigma sin sentido que, después de ficharlo para tareas de salvador, lo lleva a un centro de mando donde más científicos y otros pensadores profundos buscan febrilmente una forma de salvar el planeta.

Una vez en el espacio, Ryland pasa mucho tiempo solo, lo que encaja con el aire autosuficiente de Gosling. Weir envió el manuscrito inédito al actor en 2020 con la esperanza de que protagonizara una adaptación. Gosling hizo precisamente eso, y encaja en el papel de forma impecable. Como actor, puede ser tan simplista como la película en la que actúa (El hombre gris) y actuar de forma persuasivamente obtusa, como demuestra su felizmente bobo Ken en Barbie. Pero tiene más rango del que a veces se le pide, así como talento para expresar la interioridad, los sentimientos y los pensamientos. Gosling puede pasarse de la raya, pero es bueno transmitiendo el tipo de vulnerabilidad que resulta aún más conmovedora cuando los hombres, en particular, intentan ocultarla.

En otras palabras, es fácil seguirle la corriente a Ryland, desear lo mejor tanto para él como para la Tierra. La crisis gemela de la amenaza global y su aislamiento cubren de patetismo a la historia y al personaje, y su amnesia refuerza el desamparo de Ryland a la vez que lo presenta como un genuino hombre común. Es igual a nosotros, no un cerebrito distante, sino un náufrago desventurado y desconcertado que, al menos al inicio, busca soluciones mientras, en ocasiones, se desplaza con humor por la microgravedad como un trozo de desecho arrojado por el viento. Los cineastas y el actor se apoyan en la comedia de la difícil situación del personaje, pero aunque a veces es un alivio y a menudo resulta divertido, atenúa el terror existencial.

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Para cuando Ryland ha conocido a una benigna forma de vida alienígena a la que llama Rocky (con voz de James Ortiz), Lord y Miller casi han terminado de limar todas las posibles asperezas de la historia y han anunciado los límites de sus ambiciones. Rocky es sin duda una incorporación entretenida, un no humanoide ingeniosamente concebido que parece un banco de madera de cinco patas, si el banco fuera una formación rocosa ambulante. Al igual que Ryland, Rocky tiene una historia de fondo y una nave, una embarcación de aspecto delicado que se asemeja a vetas de luz dorada con celosías. Rocky también está solo y tiene un carácter amigable, y pronto los dos han entablado una acogedora y afable relación de pareja dispareja.

Esta alianza tiene sus atractivos, aunque es un poco demasiado tierna, un poco demasiado Spielberg, y daña el equilibrio inicial serio-cómico de la película. Al poco tiempo, un disparate de ciencia ficción -fácil de interpretar como una metáfora de nuestra propia catástrofe climática- se ha convertido en una bondadosa película de amigos que se vuelve cada vez más, casi voluntariamente insustancial con cada nueva carcajada. Lord y Miller, casi por defecto, acentúan lo positivo en detrimento de la propia película que han creado laboriosamente. Como muchos terrícolas, parecen más a gusto en una fantasía lejana que en nuestro ordinario y aterrador planeta, por lo que este particular mensaje de esperanza acaba siendo una decepción.

Proyecto Fin del Mundo Clasificada PG-13 por peligro leve y la amenaza del fin del mundo. Duración: 2 horas 36 minutos. En cines

Manohla Dargis es la crítica principal de cine del Times.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection es el nuevo juego de la reconocida franquicia de Capcom que, a diferencia de sus entregas troncales, no es de acción sino que brinda una experiencia JRPG con combate por turnos, crianza de monstruos y un fuerte foco en la narrativa. Seas fanático o no de la saga, nos encontramos ante un título que cumple su cometido y que vale la pena probar.

Cabe destacar que Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection nos trae una historia independiente por lo que no es necesario haber jugado las entregas anteriores. Incluso, me animo a decir que es un juego dirigido tanto a fanáticos de la saga como a nuevos jugadores que conocieron la franquicia con los últimos grandes lanzamientos de Monster Hunter: World y Monster Hunter: Wilds.

Dicho esto, obviamente el juego se encuentra dentro del mismo universo por lo que muchos sistemas, los monstruos, armas, comidas, objetos y hasta regiones son reconocibles y disfrutables para los más fanáticos. Asimismo, la historia toca tópicos que se encuentran siempre presente en Monster Hunter como la evolución de la naturaleza y la intervención de los humanos.

A grandes rasgos, disfruté mucho de la experiencia que el juego ofrece principalmente por la historia y por cómo evoluciona el mundo a nuestro alrededor a través de la crianza y restauración del ecosistema. Nosotros nos ponemos en la piel del príncipe o princesa del reino de Azuria pero, más allá del legado real, la vocación de nuestro personaje y su grupo de compañeros es el de ser Riders.

Los Riders son personas que logran tener monstruos como compañeros de equipo y que tienen como filosofía de vida la lógica de coexistir junto a ellos, conocer su evolución natural y ayudar a que el ecosistema de monstruos prospere a la par que el humano. Nuestro príncipe no es un Rider común ya que tiene una importante conexión con un Rathalos, una especie que se creía extinta.

Sin entrar en muchos detalles, el mundo se encuentra en peligro por una misteriosa cristalización que congela monstruos y que afecta el comportamiento de otros haciéndolos sumamente agresivos. La guerra entre Azuria y el reino vecino de Vermeil parece un hecho y nuestro protagonista junto a sus compañeros se embarcan a una aventura para descubrir las razones de la cristalización, qué ocurrió en la última guerra y qué secretos esconden los reinos.

Si bien la historia no es muy sorpresiva ni nada de otro mundo, cumple su cometido, tiene muy buen ritmo y todos los personajes son carismáticos por lo que la sensación de estar en una aventura se cumple de muy buena manera. Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection es un juego con muchas cinemáticas que demuestran que la narrativa está puesta en un aspecto central de la experiencia.

Por otro lado, una de las cuestiones que más me gustaron y son un gran acierto por parte de Capcom es cómo podemos incidir en los ecosistemas de monstruos. El juego nos lleva por distintas regiones que son pequeños mapas abiertos que se dividen en zonas donde se encuentran monstruos según donde les guste habitar. Para atraparlos, podemos entrar a cuevas a llevarnos huevos y eclosionarlos en nuestra base o bien, derrotar a enemigos intentando que huyan para así seguirlos hasta su base y llevarnos una cría de esa misma especie.

Lo interesante es que luego podemos soltar a las criaturas para subir su categoría de hábitat lo que hace que podamos obtener especies con mejores estadísticas y habilidades nuevas. En este mismo sentido, podemos soltar monstruos en nuevos hábitats para así crear combinaciones de monstruos ya sean nuevos tipos o la misma criatura pero con más de un elemento de afinidad.

Sumado a esto, hay especies en peligro de extinción que podemos encontrar y rescatar para luego soltar en los hábitats y hacer que esa especie vuelva a deambular por la zona de manera libre y en cantidad. Todo esto funciona muy bien y es divertido porque mejoramos las criaturas que podemos obtener al mismo tiempo que modificamos lo que podemos encontrar en cada zona.

El combate es por turnos, es divertido, tiene algunos sistemas interesantes pero también es medio caótico y desordenado. No estamos ante un juego donde las habilidades y las sinergias están milimétricamente conectadas para hacer estrategias súper desarrolladas sino que va más al golpe por golpe con algunas salvedades.

En la mayor parte de la aventura podemos elegir en todo momento qué compañero nos acompaña durante la batalla. Cada uno de ellos tiene su propio monstruo y elemento. Durante las peleas nosotros solamente controlamos a nuestro personaje. Podemos elegir la acción de nuestro monstruo que nos penaliza dando un poco menos de afinidad pero se puede. Por el contrario, nosotros no podemos incidir en los movimientos de nuestro aliado.

En mi experiencia casi siempre dejé que mi monstruo también elija su ataque de manera automática ya que me pareció divertida la lógica de tener que planear mi movimiento en base a lo que haga mi equipo. Si mi aliado nos está por curar me conviene atacar y si estamos con poca vida y mi aliado decide atacar, yo me puedo encargar de curar.

En cuanto al sistema de combate, los ataques básicos se dividen en ataque poderoso, ataque técnico y ataque ágil que funcionan como el típico piedra, papel y tijera. Es decir, que uno supera al otro. Debido a esto, si se cruzan dos ataques básicos, se hace más daño si elegimos la opción correcta. Aparte de esto, hay habilidades que no se rigen en este apartado y también hay armas que hacen daño contundente, cortante y perforante. Este tipo de daño afecta de manera diferente a los enemigos según a qué parte del cuerpo le estamos apuntando.

Toda la estructura de combate gira en torno a conceptos muy conocidos por los jugadores de Monster Hunter y siento que es una buena traslación de cómo llevar el núcleo jugable del juego a un sistema de combate por turnos. Por si no fueran pocos sistemas, las armas, habilidades y resistencias tienen tipos elementales como fuego, agua, electricidad, etc, que pueden hacer más o menos daño según si es una debilidad o resistencia. Como la mayoría de las criaturas ya son conocidas por los jugadores de la saga, posiblemente ya sepas sus debilidades y proezas de antemano.

Sin ser un reloj, el combate funciona y todos los sistemas se incorporan bien. La experiencia varía mucho si sabemos a qué nos vamos a enfrentar o no. Una vez que conocemos a los monstruos ya sabemos sus debilidades y podemos ir equipados de manera diferente y esto cambia rotundamente la experiencia. Si sabemos que vamos contra un enemigo eléctrico con debilidad de hielo, podemos equiparnos una armadura de electricidad, las tres armas con elemento hielo, el aliado que nos favorezca y esto hará nuestro trabajo mucho más sencillo.

Si bien hay combates desafiantes y algunos de ellos tienen particularidades donde la manera de ganar no necesariamente es venciendolos, no es un juego difícil en su experiencia. Lo más difícil es aprender sus mecánicas que pueden ser extrañas para los nuevos en la saga pero una vez entendida su lógica, no tiene un trasfondo gigante. Eso sí, la regla del JRPG clásico se cumple y los momentos finales de la aventura tienen un pico de dificultad alto que nos obliga a estar en nivel y tener una buena estrategia.

Finalmente, quiero mencionar el apartado artístico y visual que luce muy bonito no solo en su potencia gráfica sino también en los colores y diseños de cada uno de los personajes, monstruos y mundo. Lo único realmente negativo que puedo mencionar del juego son algunos segmentos de la exploración que muchas veces, al montar a nuestros monstruos, el movimiento no es muy preciso y se vuelve algo tedioso.

Monster Hunter Stories 3: Twisted Reflection es un juego que disfruté mucho y destaca por su historia y crianza de monstruos envuelto en un combate caótico y divertido. Con este lanzamiento, Capcom sigue demostrando que tiene las cosas muy claras con sus franquicias más reconocidas y sigue yendo de acierto tras acierto.

El Testimonio de Ann Lee, dirigida por Mona Fastvold (que fue co-guionista de The Brutalist), busca un registro casi documental para contar la historia de su fundadora. Filmada en 35 mm, consigue crear una atmósfera envolvente para transportar a su espectador al siglo XVIII y cuenta con planos largos para reforzar la idea de realismo que se propone.

Los Shakers practicaban su religión a través del canto y del baile, y las secuencias musicales están dentro de los aspectos mejor logrados de la producción de Mona. La interpretación por parte de la actriz y la coreografía de los bailes colectivos inspirados en los rituales verdaderos logran transmitir por completo esa energía en sincronía de voces y de bailes que se alejan del formato del musical tradicional.

El problema (y quizás también su virtud) es que El Testimonio de Ann Lee es imposible de clasificar: es una biopic a medias, tiene danza y canto pero no es un musical, cuenta con distintas formas de narrar (voz en off y división en capítulos) y si bien es un drama con escenas desgarradoras también está contada como una fábula y hasta aparecen algunos elementos de comedia. Este último es el punto más disonante de todos.

El resultado es memorable y se trata de una apuesta arriesgada y distinta a cualquier cosa que hayamos visto antes. Pero al mismo tiempo, que no tenga un conflicto claro hace que se torne un tanto monotemática y es una pena que los personajes que rodean a nuestra heroína no estén mejor desarrollados.

La actuación de Amanda Seyfried es descomunal y demuestra una vez más que puede hacerlo todo: desde personajes más oscuros como el de Elizabeth Holmes y musicales como Cosette en Los miserables y Sophie de Mamma Mía hasta su más reciente papel como la empleadora rica de Sydney Sweeney. El trabajo que ofrece como la enigmática Ann Lee nos habla muchas veces a través de la mirada y de la simpleza en sus palabras y acciones. Logra ser dulce, humilde y empática por un lado y al mismo tiempo nos entrega a esta mujer envuelta en la locura y convencida en ser la encarnación femenina de Cristo. Es completamente hipnótica.

Solo por esta performance vale la pena ir a ver el film, pero lo cierto es que al final, El Testimonio de Ann Lee queda en un extraño punto medio entre lo que es y lo que podría haber sido.

Los shooters de navecitas, como les decíamos hace 30 años, fueron un éxito que marcó una época y se desvaneció. Si bien de vez en cuando algún desarrollador apasionado vuelve a publicar algún título nuevo y ciertas franquicias siguen activas, el género pertenece a uno de los nichos más pequeños y fieles de la industria. Sin embargo, la sensación de control que ofrece manejar una nave con un stick y disparar a 360 grados con el otro es demasiado perfecta para quedar atrapada en el nicho. La desarrolladora francesa SoulGame Studio sabían muy bien que había un potencial sin explotar y decidieron combinar ese nivel de acción frenética con uno de los géneros de moda, así nació Minishoot’ Adventures. Un mapa abierto para explorar con todo tipo de cuevas, pasajes secretos, poderes escondidos y jefes dispuestos a desafiar nuestros reflejos disparando cientos de proyectiles en pantalla.

La historia es anecdótica y cumple con lo justo, tenemos que derrotar al mal y salvar a nuestros amigos. Los “no elegidos” han vuelto del inframundo y arrasado con las aldeas, arruinando el mundo y llevándolo a su perdición. Lo importante sucede cuando tomamos control de nuestra nave porque, como sólo lo hacen los grandes juegos, Minishoot’ Adventures nos enseña las bases a través de la jugabilidad. Podemos volar y disparar en todas las direcciones, pero no sobre el agua. Podemos romper ciertos objetos pero otros, que muestran grietas, requieren de un power up especial que conseguiremos a futuro. Todo lo que ofrece, esconde y propone el título del estudio francés funciona gracias a un delicioso ida y vuelta entre nuestra propia curiosidad y poder de observación, facilitado por un diseño simplemente exquisito.

La primera hora es un aprendizaje constante. Habrá que encontrar el mapa de cada zona para saber adónde estamos, juntar monedas para comprar objetos especiales y un arma mejor. Cada enemigo derrotado nos dará experiencia que a su vez invertiremos para potenciar todos los aspectos de nuestra nave, desde la velocidad de desplazamiento pasando por la cadencia de fuego y alcance de nuestra arma, hasta aumentar la velocidad de nuestros proyectiles. La exploración es el corazón de la aventura y está bien recompensada, no sólo porque así encontraremos las tiendas ocultas, sino porque es la única forma de aumentar nuestra vida máxima. Para ello habrá utiliza la clásica fórmula de los cuartos de corazón que popularizó The Legend of Zelda, título que es una clara fuente de inspiración y del cual toma también el estilo de mapa y calabozos.

Explorar el mapeado de Minishoot’ Adventures es todo un placer. Cada zona está bien diferenciada y, a la vez, interconectada. Paredes falsas, atajos escondidos y túneles interconectan todo y mantienen la sensación de descubrimiento constante. Es fácil perder la noción del tiempo mientras jugamos porque siempre tenemos algo nuevo que hacer o ver, ya sea porque conseguimos una nueva habilidad que nos permite acceder a una nueva zona previamente bloqueada o porque queremos explorar una nueva cueva. Manejar la nave se da de manera natural e intuitiva, disparar mientras esquivamos es un placer porque los controles responden a la perfección. No es un exageración cuando digo que los controles son perfectos, no hay ni un mínimo de input lag, todo funciona como debería y hace que aún las peleas más difíciles repletas de proyectiles que esquivar sean un placer.

Si bien es cierto que contamos con un sólo tipo de disparo, vamos a poder mejorarlo en profundidad. A medida que avanzamos iremos consiguiendo nuevas habilidades que se suman a nuestro arsenal, ya sea para atacar o para mejorar nuestro desplazamiento. Podemos desbloquear navecitas satélite, una explosión que limpia la zona de enemigos y proyectiles, un modo turbo y hasta un breve dash para pasar por sobre pequeños abismos. Además hay más de una docena de mejoras permanentes, que habrá que encontrar o comprar, que nos harán la vida un poco más fácil. Entre ellas hay una brújula que nos dice adónde nos olvidamos un ítem secreto y muestra qué porcentaje del mapa hemos explorado. Conseguirlas a todas no sólo es recomendable, sino un verdadero placer. Cada pequeño puzzle de exploración, botón oculto o desafío de combate para desbloquear una llave es tan divertido como gratificante.

Parte importante de nuestra misión es rescatar a nuestros amigos que quedaron atrapados en un cristal. A medida que los liberamos irán ayudándonos a su manera: algunos abren una tiendita en el pueblo principal, otro marca puntos de interés en el mapa, hay uno que nos cura y otros con utilidades más específicas que deberemos descubrir. Además, habrá ocho navecitas que deberemos derrotar en un desafío de velocidad con una jugosa recompensa si es que las encontramos a todas. Siempre tendremos algo para hacer, ya sea un escarabajo dorado oculto, un cuarto de corazón que aún no encontramos o quizás una tableta de piedra que vemos y no sabemos como agarrar. La verdadera magia del título de SoulGame Studio está en mantenernos ocupados y divertidos en todo momento.

El apartado técnico es sencillo y cumplidor, pero no por eso deja de ser atractivo. Visualmente es suave, colorido y por momentos hermoso. El apartado sonoro no destaca pero tampoco molesta, de hecho acompaña bastante bien, en especial en las últimas batallas. Lo importante es que se juega con una fluidez espectacular y que cada enemigo, proyectil y obstáculo se puede ver y distinguir sin problema. Eso, sumado a su jugabilidad pulida y controles que responden a la perfección, termina creando una experiencia por demás gratificante. No es un juego fácil, pero tiene tres niveles de dificultad y varias opciones de accesibilidad como ayudas de apuntado que garantizan que cualquier tipo de jugador pueda divertirse.

Minishoot’ Adventures es un gran juego porque no se conforma con cumplir en todos los frentes, está en los detalles. Cada mapa fue cuidadosamente diseñado, acá no hubo puntada sin hilo. Vamos a encontrar estructuras aparentemente cerradas pero, con un poco de observación, pronto encontraremos la forma de entrar. Cada uno de los desafíos que propone tiene un sentido y una solución coherente. Incluso cuando alcancemos el final, luego de los créditos, quedará algo más para hacer. Luego de ver el verdadero final, que requiere algunos pasos extra, el juego abrirá una arena con desafíos extra y versiones revisadas de los jefes que ofrecen una experiencia diferente y espectacular. Si completamos cada desafío con cinco o más corazones de vida restantes habrá una sorpresa extra. Se nota que el estudio francés cuido cada aspecto de su metroidvania bullet hell con recelo y eso se refleja directamente en su calidad. Es un título divertido como pocos que recomiendo encarecidamente, sin lugar a dudas uno de los mejores shooters que jugué en años.

Cuando el chef Fidel Caballero y su esposa, Sofia Ostos, abrieron Corima en 2024, no había gas, una crisis que se ha convertido en un rito de iniciación para los restaurantes de Nueva York. El local, en el extremo sur de la calle Allen, durante mucho tiempo la línea divisoria entre el Lower East Side y Chinatown, había sido una estación de autobuses, un lugar de partidas, quizá apropiado para un chef nómada dispuesto a romper la tradición.

Durante año y medio, Caballero experimentó con quemadores de inducción. Tomando prestada una técnica del norte de México, le dio la vuelta a un wok para crear una cúpula que distribuyera uniformemente el calor y colocó una tortilla de harina en el reverso caliente.

Ahora ya tiene gas, pero Caballero sigue empuñando el wok invertido. En parte se trata de un homenaje a sus vecinos de Chinatown, así como al vínculo histórico en el suroeste estadounidense del siglo XIX entre los trabajadores ferroviarios chinos, que cocinaban en woks, y los vaqueros mexicanos, que improvisaban los suyos con viejas palas de arado.

Caballero, cuya infancia transcurrió entre El Paso y el fronterizo estado mexicano de Chihuahua, y que ha trabajado en China y en el País Vasco español, está interesado en las conexiones y en cómo la comida de un pueblo puede reflejar la de otro. Sus tortillas son excepcionales, elásticas y flexibles, con pliegues masticables y manchas de carbón. Están emparentadas con las sobaqueras del norte de México, grandes tortillas onduladas y ampolladas al wok, así como con las tortitas de cebollín hojaldradas que comía cuando era un joven cocinero en Shanghái.

Sus versiones no están hechas con manteca de cerdo, sino con mantequilla --un guiño a los menonitas que se establecieron en Chihuahua en la década de 1920-- y tienen un sabor ácido y una suavidad persistentes, gracias a la adición de levadura madre. Por 9 dólares (y sí, vale la pena), te dan una tortilla lo bastante grande para dos y un empastado de mantequilla inflamado con recado negro, una mezcla yucateca de especias y chiles tatemados, con un toque ahumado.

Corima es más emocionante en momentos como este, cuando Caballero se burla de lo familiar sin perder de vista el poder de los placeres sencillos. Aquí se bifurca el camino: al reservar, debes elegir entre el menú degustación de 140 dólares o pedir a la carta. El primero es una serie de 11 platos que empiezan con delicadeza y se van enriqueciendo, más postre y mignardises.

Algunas ideas son juguetonas y provocativas, como convertir en consomé el tejocote, una fruta parecida al membrillo que aporta acidez al ponche navideño, o combinar gel de uni y mandarina, lo delicado y mineral frente a lo agudamente brillante, un contraste que evoca el ritual oaxaqueño de sumergir gajos de naranja en sal de gusano. Una banderita de parpatana de lubina yakitori, pintada con mayonesa y chintextle, una pasta similar al miso de camarones secos y chiles, canaliza las caóticas alegrías de la comida callejera. Un mini taco de tortilla dura, desenfadadamente torcido en la luna negra de un plato, es un manjar para Drácula, al ofrecer un bocado de morcilla con tintes de hierro, crujiente y con un toque de tendón.

El problema de un menú degustación es que cada plato cuenta. No hay perdón para lo olvidable: unas croquetas rutinarias rellenas de caviar; una esponjosa cabeza de trucha arcoíris; una mezcla de espuma y flan sin apenas rastro de su ingrediente clave: el oscuro huitlacoche de sabor terroso.

Comprendo el atractivo de los menús degustación para los chefs, como forma de reivindicarse como artistas o de defender una cocina históricamente infravalorada. No me importa seguir un rastro de migas a través de un bosque misterioso. Pero la imaginación de Caballero es demasiado extravagante para encerrarla en gestos encogidos y estilizados.

Sus platos a la carta son igual de inteligentes e intrincados, pero más expansivos, a veces disparatados y, francamente, divertidos.

La almeja de mar es prensada a la parrilla y cortada en finas rebanadas para que sea todo dulzura suave, y luego emparejada con ferviente lap cheong (salchicha china), comprada a la vuelta de la esquina en Canal Street, y untada con una salsa diabla destilada de 13 kilos de habaneros confitados, como un desafío. Se presenta sobre pan tostado con trocitos de maíz horneados y ácidos tomates verdes que reajustan el paladar a cada bocado.

Jugosos olanes rojos de cecina, carne de res curada en sal, se amontonan sobre una tlayuda, o más exactamente una porción de tlayuda, ese glorioso monumento de la tortilla oaxaqueña que puede alcanzar los 60 centímetros de diámetro, horneada hasta lograr la fuerza para sostener lo que se le ponga encima, sin dejar de ser, aparentemente en contra de las leyes de la física, flexible. El pato pekinés se transforma en enmoladas, una carne oscura exuberante en su propia grasa, enrollada en crepes de garbanzos y amaranto, y aderezada con un mole de ajo negro, hosco y profundo.

Los esquites, comida callejera de maíz cortado de la mazorca y mezclado con mayonesa, queso, chiles y limón, se cocinan al estilo risotto, en un dashi de hojas de maíz (en lugar de kombu) y se sirven junto a champiñones confitados y crujientes en la plancha hasta que adquieren un aspecto acaramelado como las carnitas. Una galleta de masa fermentada forma una especie de techo, recubierto de lo que parece un huevo frito desgreñado, pero que resulta ser una yema ahumada entre virutas medio derretidas de queso denso, tipo Edam.

¿Demasiada información? Rómpelo, mézclalo y serán los mejores nachos que hayas comido.

Los postres son esotéricos e indulgentes a la vez: un sedoso flan de leche de cabra con fragmentos de leche osificada que se disuelven en la lengua, o una hoja de sakura cristalizada, con su recuerdo de cereza, sobre sorbete de mango y granizado de hoja de sakura, con un toque de chamoy agridulce.

El espacio es oscuro, con tablones negros bajo los pies y velas en rincones de ladrillo visto, pero el ambiente es casi efervescente. Hay una barra delante con una impresionante reserva de mezcal y una cocina abierta detrás, donde los cocineros a veces cantan al unísono, menos como una brigada militar que como un equipo preparándose para el gran partido. "Imaginemos cosas chingonas", dice un cartel. Un grito de guerra de los aficionados mexicanos al fútbol durante el Mundial de 2018.

Quizá un menú degustación, con su silencioso aislamiento, sea una propuesta demasiado solitaria para un restaurante que valora el espíritu comunitario. La palabra korima, para el pueblo rarámuri de Chihuahua, se refiere a una ética de ayuda mutua, en la que das a los demás sin buscar recompensa alguna. En Corima, la multitud es parte del propósito. Se siente bien compartir platos, pelearse por ellos y tomar demasiados caballitos de tequila.

Intentar seguir la pista de todos los ingredientes puede ser desconcertante: chapulines dispensados desde un molinillo de pimienta; una versión mexicana de la salsa XO china --meXO, por supuesto-- hecha con corazones de ternera curados, ahumados, deshidratados y desmenuzados, al estilo tanto de la machaca del norte de México como del rou song chino. Los camareros explican valientemente cada plato a medida que se sirve, pero la sala es demasiado clamorosa para oírlos.

Así que ríndete. Déjate sorprender. ¿No es así como se aprende un nuevo idioma?

Ligaya Mishan es jefa de crítica de restaurantes del Times.

El más reciente "spinoff" de Pokémon supera su ternura característica y también transforma lo que hemos visto hasta ahora en los juegos de la franquicia.

En 2004, elegí a Charmander como Pokémon inicial en la edición Rojo Fuego de Game Boy Advance y vi con impotencia cómo el primer líder de gimnasio lo hacía polvo de inmediato.

Más de dos décadas después, sentí la necesidad de recompensarlo con su propia casa en Pokémon Pokopia, e incluso añadí algunos adornos de bloques de juguete como regalo de fiesta de inauguración. Saltó entusiasmado a la pequeña cama que construí para él.

El más reciente spinoff de Pokémon supera de algún modo su ternura característica, a la vez que transforma lo que hemos visto en los juegos anteriores de la franquicia.

Pokopia está ambientado en un mundo en el que los humanos han desaparecido y los Pokémon se han retirado a sus respectivos hábitats. Depende de nosotros --un Ditto, conocido por su capacidad de transformación-- devolver la vida a las regiones, en su mayoría descuidadas, por las que deambulamos.

Ditto adopta el aspecto de su antiguo entrenador, quien tampoco aparece al principio del juego, aunque los jugadores pueden personalizarlo para que se parezca menos a una mancha púrpura y más a un homínido desgarbado. (Yo le di un toque calvo y desaliñado).

Las primeras horas en Pokopia dejan claro que quiere emular tus juegos favoritos más acogedores, como Stardew Valley y Animal Crossing: New Horizons.

Pero Pokopia forja su propia identidad a medida que reconstruyes una amistosa comunidad de Pokémon. Archivando y restaurando, excavando y labrando, pude reintroducir lentamente muchas clases de monstruos de bolsillo en el redil.

El bucle de juego habitual de capturar y coleccionar Pokémon ahora pasa a cuidarlos.

En los juegos previos, los Pokémon eran sobre todo herramientas con personalidad. Pokopia, sin embargo, aprovecha spinoffs notables como Pokémon Mundo Misterioso e incluso Pokémon Ranger para elevar a los monstruos de bolsillo, quienes pueden solicitar una cama abrigadora o un espacio con luces más tenues. Los jugadores pueden preguntar cómo se sienten los Pokémon y qué desean.

Cultivar la tierra desempeña un papel importante al navegar por el nuevo Hábitat Dex.

Cada vez que me topaba con un nuevo hábitat natural, recibía una notificación de que había posibles Pokémon que encontrar en el espacio, y entonces me aseguraba de limpiar los escombros y regar la tierra para ayudar a propiciar un encuentro. Algunos Pokémon con los que te encuentras tienen habilidades (como la especialidad terratemblor de Onix) que son necesarias para construir nuevos hogares o limpiar terrenos.

La ternura de Pokopia no pasará desapercibida para los fanáticos de una franquicia centrada en la construcción de relaciones y la preservación del medioambiente.

Cuando Cubone saltó de la hierba alta para saludarme, el personaje Pokémon dijo con tristeza que a su madre le hubiera encantado su nuevo espacio vital. La historia de Cubone se basa en el dolor y el anhelo derivados de la pérdida de su madre, lo que resulta muy emotivo.

Eso es lo que hace que Pokopia esté tan sorprendentemente bien hecho: nos da las herramientas para dar forma y recontextualizar la mitología Pokémon. Un marco familiar de hace 30 años se convierte en un espacio comunal vivo y que respira, ocupado por personajes que solo utilizábamos para luchar.

Guiados principalmente a través de la historia por el profesor Tangrowth, los jugadores empiezan a conocer el destino de los humanos que poblaban la zona antes de que todo se desviara. Hay pedazos de historia que recoger sobre ciudades famosas, villanos y líderes de gimnasio.

La potencia del hardware de Nintendo Switch 2 hace que las zonas que exploras sean vastas y sorprendentemente diferentes entre sí, y la cantidad de Pokémon que hay para encontrar me sorprendió.

Los jugadores pueden dedicar fácilmente cientos de horas a Pokopia. Hay mucho que admirar y fotografiar, como las entrañables animaciones y las interacciones entre Pokémon.

Cada interacción se siente ganada y en consonancia con el ambiente general de un juego Pokémon.

Algunos Pokémon se acercan a ti con algo para jugar, como un concurso sorpresa. De vez en cuando se me acercaba mi vecino Drilbur o Sliggoo, quien solo "quería darte las gracias" y entregarme un montón de palos o un tarro de miel.

Los videojuegos spinoff suelen ocupar un espacio en los márgenes, apelando a un público de nicho con intereses muy específicos. Pero Pokopia emula con maestría los elementos de un género que ha experimentado un auge de popularidad, acertando en todo sin comprometer el principio básico de la franquicia: la ternura.

Pokémon Pokopia está disponible en Switch 2.

Nintendo ya se encuentra atravesando plenamente el primer año de lanzamientos de su Nintendo Switch 2. Esto trajo muchos tópicos a la conversación de manera diferente: las nuevas posibilidades, los third parties, los clásicos de Nintendo GameCube. Entre todo eso, se encuentra la renovación de algunas de sus franquicias. Sagas que Nintendo no suele aplicar dos veces en una misma generación y que ven a la Nintendo Switch 2 como una opción para salir al mercado nuevamente.

Una de ellas es Mario Kart, que con Mario Kart World fue el título de lanzamiento de la consola y buscó renovar una franquicia que hace más de 10 años no veía una entrega original. En la misma línea de la mezcla entre Mario y los deportes, aparece Mario Tennis Fever, la nueva entrega que pone raquetas en las manos de cada personaje del Reino Champiñón y nos ofrece una experiencia de tenis arcade hace casi tres décadas.

Mario Tennis Fever es, en esencia, un Mario Tennis. Con esto me refiero que a nivel jugable es otro paso más dentro de lo que Camelot viene formando hace años: un simulador de tenis que busca tener referencias al deporte real con las licencias necesarias para ser un videojuego con poderes, personajes ficticios y un condimento de party game que el deporte normal no tiene.

Más allá de esto, creo que esta experiencia busca separarse de las experiencias anteriores por dos principales fuertes: su enorme cantidad de contenido, y su nueva mecánica central. Una afecta a la jugabilidad, la otra a lo que puede significar la experiencia Mario Tennis Fever en general.

Mario Tennis Fever cuenta con las “raquetas furor” (como traducción del inglés Fever) como mecánica principal. Estas raquetas son independientes de cada uno de los personajes, ya que cualquier personaje puede usar cualquiera de ellas, y todas tienen una habilidad especial que afecta a la jugabilidad y que se va cargando a medida que hagamos golpes normales.

Estas habilidades especiales pueden afectar el entorno, como congelar la cancha al rival o posicionar llamas para que se queme al pasar, o también al efecto con el que le pegamos a la pelota o la potencia con la que podemos aplicar el golpe. Todos estos factores terminan logrando su cometido de hacer cada experiencia un poco única y terminan ampliando las posibilidades de estrategias para jugar a un juego que habitualmente no tiene una enorme cantidad de mecánicas para profesionalizar.

Esto me da el pie para el otro gran cambio respecto a entregas anteriores que es el contenido: todas estas raquetas, junto al enorme elenco de personajes (el más grande hasta el momento) se ddesbloquean jugando los distintos modos de juego. Si hay algo que no podemos criticar a Mario Tennis Fever es la enorme cantidad de opciones que hay a la hora de jugar.

Hay un modo historia, hay un modo de desafíos, hay torneos (las clásicas copas de este estilo de juego) y una enorme cantidad de opciones para jugar online, de manera profesional o distendida, y también partidos libres que hasta incluso tienen habilitado un “modo real” que nos rememora a Wii Sports y nos deja jugar como si tuviéramos la raqueta en la mano.

La mayor parte de estos modos cumplen su objetivo y terminan generando un ciclo de juego interno para desbloquear todas las opciones que es muy entretenido. Las copas son desafiantes y van subiendo el nivel de desafío cada vez más, la torre de desafíos es dinámica y ofrece distintos modos y todo el ecosistema online está bastante mejor que muchos otros juegos de Nintendo. En ese sentido, todo te promueve a jugar Mario Tennis Fever de muchas y diversas formas, lo que hace a esta experiencia como paquete algo mucho más amplio de lo que es como juego.

Digo la mayor parte porque justamente en el modo donde Mario Tennis Fever más se podía destacar, es donde más falla. Hace tiempo se viene pidiendo que esta franquicia tenga un buen y completo modo historia, y si bien históricamente todas las entregas han coqueteado con esto de una forma u otra, Mario Tennis Fever vendió desde su primer anuncio que este modo historia estaría incluído en la experiencia.

Un modo sumamente corto, de menos de cuatro horas, cuya primera mitad es meramente un tutorial de acciones y la segunda un boceto repetido de situaciones donde tenemos que llegar a un lugar, enfrentar al jefe de turno, e irnos al siguiente. Nada es muy divertido ni muy satisfactorio, y creo que a excepción del final, la mayor parte la sentí sumamente innecesaria. Parece un modo hecho sin ganas, y siendo el modo principal que se le ofrece al jugador, es lógico que la mayor parte de las personas que entren a este juego se lleven una primera impresión de decepción.

Mario Tennis Fever no es un mal juego y tampoco es una mala entrega de Mario Tennis, pero ciertamente no se siente un paso adelante respecto a Mario Tennis Aces que tenía un gran nivel en la consola anterior. Si bien obviamente hay cuestiones técnicas superiores, como el framerate o la resolución, gracias a la Nintendo Switch 2, tampoco se siente como un salto técnico que amerite una nueva entrega.

En medio de todo esto, no se puede dejar de lado el hecho de la enorme crisis económica que atraviesa tanto el mundo como la industria. Si bien se entiende que los $70 dólares de precio responden al “nuevo estándar” AAA que Nintendo puso para sus juegos de nueva generación, la sensación de que ese aumento de precio no corresponde a un subidón de calidad respecto del título anterior es inevitable.

Creo que tanto Mario Tennis Fever como Mario Kart World están en una situación similar. No son un paso atrás respecto a sus entregas anteriores, pero tampoco puedo afirmar que sean un paso adelante, lo cual es llamativo siendo ambos lanzamientos que vienen supuestamente a renovar la marca por muchísimos años más y deberían representar un salto de calidad.

A diferencia del juego de karting, que seguramente tendrá muchísimo soporte en el ciclo Nintendo Switch 2 y es un gran vendeconsolas constante, este juego tiene todos los números para ser lo que es y poco más. En ese sentido, creo que aún cumpliendo, Mario Tennis Fever podría haber sido mucho más de lo que es. Y eso sin tener en cuenta que, en este caso, el aumento al estándar de $70 dólares no se siente para nada justificado.

En su éxito más reciente, el cineasta Kleber Mendonça Filho adopta una sensibilidad desenfadada y encuentra la risa en medio del terror. Wagner Moura encarna a un hombre desesperado y melancólico.

Las películas sobre la resistencia a la tiranía rara vez inspiran alegría, y mucho menos transforman una pierna humana roída en un chiste gracioso. En su más reciente triunfo, El agente secreto, el cineasta brasileño Kleber Mendonça Filho adopta una sensibilidad desenfadada y encuentra la risa en medio del terror. La película, situada inicialmente en 1977, durante la dictadura militar brasileña, se aleja en gran medida de los pasillos del poder político y, en su lugar, transcurre bajo el sol y sobre el terreno, donde la gente vive el presente. Algunos celebran el Carnaval descalzos, bailando alegremente juntos en el polvo, mientras que otros son abatidos por la violencia y su sangre empapa la tierra.

Hay un aire de desesperación en Marcelo, un hombre melancólico maravillosamente interpretado por Wagner Moura, cuando llega en coche a la ciudad de Recife poco después del inicio de la película. Antiguo profesor universitario, ha viajado a esta ciudad del noreste de la costa atlántica en busca de refugio. Allí establece un nuevo hogar y su situación se va perfilando junto con su vida pasada. La pérdida de su mujer, Fátima (Alice Carvalho), que murió trágicamente, pesa mucho sobre él, mientras que su hijo pequeño, Fernando (Enzo Nunes), un niño alegre que vive en Recife con sus abuelos maternos, parece ser el vínculo más fuerte de Marcelo con el futuro.

Escrita y dirigida por Mendonça Filho, la historia sigue tortuosamente a Marcelo durante su estancia en Recife, la capital del estado de Pernambuco. Es una ciudad a la que el cineasta ha regresado en repetidas ocasiones, como en Aquarius (2016). También es el escenario de Retratos fantasmas(2024), su conmovedora meditación sobre los espacios físicos y mentales que ha habitado, empezando por las habitaciones que su madre convirtió en hogar y que se convirtieron en su portal al mundo exterior.

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Sombras amenazadoras se ciernen sobre ese mundo en El agente secreto, a pesar de la luz del sol, a menudo deslumbrante, que encuentra su corolario en las cálidas alianzas que Marcelo establece tras su llegada a Recife. Primero se relaciona con doña Sebastiana (Tânia Maria), una mujer diminuta y pajaril, con una voz grave de graznido que huele a cigarros sin filtro y whisky. Ella es el contacto de un puñado de refugiados políticos en el edificio, un animado centro a pesar de la difícil situación y la ansiedad de los fugitivos. Cuando Marcelo llega, algunos están fuera del edificio con otros hombres, mujeres y niños celebrando el Carnaval, tocando música, bailando, bebiendo y retozando. Es un grupo exuberante, cuya fuerza vital es un reproche a las fuerzas mayores y asesinas que actúan.

La dictadura está siempre presente en El agente secreto, una época que Mendonça Filho presenta con tímida sutileza al principio de la película como "un periodo de gran maldad" y que hace vívida a través de las experiencias que atraviesan los personajes. Poco después de mudarse, Marcelo empieza a trabajar en una oficina de identificación del Estado, un espacio triste donde las paredes están adornadas con retratos del presidente de Brasil, Ernesto Geisel, el cuarto de los cinco líderes militares de la dictadura. En un momento dado, Marcelo lee un periódico, una página con el titular ("Debate sobre la democracia") mirando a la cámara. No necesita leer sobre la realidad que está viviendo, casi siempre con miedo pero también con momentos de felicidad.

Esos momentos, alegres, sexy, audazmente divertidos, son fundamentales. La muerte acecha en El agente secreto desde el principio, en medio de una comedia sorprendente. Rodada en pantalla panorámica, la película inicia con una toma amplia de Marcelo llegando a una gasolinera rural en su Volkswagen Escarabajo. Mientras Marcelo estaciona, Mendonça Filho baja la cámara para ver más de cerca, reencuadrando el plano para revelar el cadáver de un presunto ladrón cubierto de cartones. Los pies sucios del cadáver sobresalen de debajo del cartón y se colocan en primer plano para que miren hacia ti como en señal de saludo. Un enjambre de moscas zumban sobre el cadáver, y una jauría de perros también pasa por encima. Hay una espeluznante cotidianidad en este cuadro mórbido, y un toque de humor que marea.

Este excéntrico comienzo establece el estado de ánimo y el tono fluctuantes de una historia que, de vez en cuando, se ve salpicada por golpes de comedia tan absurdos que pueden hacerte soltar una carcajada. A medida que Marcelo se instala en Recife y va revelándose su historia --a medida que te enteras de quién huye y qué hace realmente en la oficina--, Mendonça Filho introduce escenas de otros periodos de tiempo, a la vez que da vida a un presente rico y rotundo. Es un presente que se transmite de la forma más conmovedora a través de sus personajes, incluido un sastre, Hans (Udo Kier), un superviviente del Holocausto que se enfrenta a una partida de policías matones. (Kier, fallecido el 23 de noviembre, también participó en Bacurau, una película de terror y explotación de Mendonça Filho, un neo-western de 2020 codirigido por Juliano Dornelles).

Hans solo aparece brevemente, pero su presencia visceral --la ira en su rostro, las heridas en su cuerpo-- es representativa de la estrategia narrativa de Mendonça Filho. Parte del placer de la película es la riqueza densamente texturizada de su mundo, que construye con rostros coloridos, una cabalgata de escarabajos Volkswagen de colores brillantes, música específica de la época (incluida la de Gal Costa), numerosas referencias cinéfilas (Tiburón de Spielberg es una piedra de toque) e incluso peinados. Los suaves rizos del pelo de Fátima son un emblema de la diversidad de Brasil, mientras que la fealdad de su poder despótico se expresa en el insulto que un matón blanco le lanza durante una cena. Cuando ella se marcha para calmarse, Mendonça Filho pasa a Marcelo, cuyo pelo, barba e incluso la inclinación de su cabeza recuerdan ahora al Che Guevara en su versión más icónica; lo único que le falta es la boina característica.

El énfasis de Mendonça Filho en los detalles resonantes y sensuales refuerza el realismo de la película, y subraya que no se trata de una historia sobre el poder estatal e institucional. Se trata, más bien, de personas corrientes cuya existencia es una réplica a las depredaciones de ese poder, y a veces un baluarte contra ellas. Algunos de los personajes se limitan a salir adelante, testigos mudos de lo que ocurre, mientras que otros bailan y otros más se resisten al Estado. Esa lucha adopta muchas formas y en parte la encarnan algunos apañadores que ayudan a Marcelo. Sin embargo, mientras huye, Marcelo no es una versión enlatada de un revolucionario heroico. Es, como afirma conmovedoramente, un hombre inocente y corriente que se ha visto involuntariamente envuelto en un horror nacional.

Si eso te parece demasiado denso, piensa en la pierna humana amputada que aparece asomando por la mitad de un tiburón blanco muerto en una primera escena asquerosamente sangrienta y estremecedoramente divertida. La pierna demuestra tener voluntad propia, por así decirlo, y en poco tiempo va (¡salta!) a lugares a los que otro cineasta menos audaz nunca se atrevería a llevarla. Mendonça Filho (antes crítico de cine), sin embargo, no es nada si no es aventurero; es un glorioso inconformista. Aquí, como en otras de sus películas, ignora las sutilezas y las jerarquías de género, abraza lo alto y lo bajo, y mezcla lo refinado con lo crudo, un enfoque que es a la vez estético y ético. Aquí, la vida puede ser embrutecedora, pero también hay amor, canciones, sol ardiente, cerveza fría y, por supuesto, también hay carnaval.

El agente secretoClasificada R por violencia sangrienta. En portugués, con subtítulos. Duración: 2 horas y 38 minutos. En cines.

Manohla Dargis es la crítica principal de cine del Times.

La entrega más reciente de la franquicia slasher sirve como una especie de reencuentro para algunos de los participantes más frecuentes del ciclo.

La mezcla de risas y arcadas que causa Scream 7 no es tan disfrutable como otras combinaciones que funcionan bien juntas, pero después de 30 años, esta serie aparentemente imposible de matar no se ha agotado del todo. Esa es la única sorpresa genuina de esta última incorporación a una franquicia que comenzó en 1996 y que ha sido exhumada, reformada y explotada con regularidad, dando lugar a éxitos y fracasos, así como a un serie de televisión derivada, parodias (Scary Movie), convenciones, artículos de promoción y profundizaciones académicas. En términos de género, las películas de Scream se suelen clasificar como películas slasher, aunque la aparente indestructibilidad de la franquicia la alinee con otros muertos vivientes del cine.

Scream 7 llega en medio de una ligera neblina de nostalgia (al igual que su escena inicial) simplemente porque sirve como una especie de reencuentro para algunos de los participantes más frecuentes del ciclo, incluidos el guionista Kevin Williamson y la estrella Neve Campbell. (Ambos se saltaron la sexta entrega, aunque el nombre de Williamson seguía asociado). Por primera vez, Williamson también dirigió esta película (comparte los créditos del guion con Guy Busick), y ha traído consigo a otros amigos, entre los que destacan Courteney Cox, Matthew Lillard y David Arquette. A ellos se une el habitual equipo de apoyo, formado por caras nuevas y conocidas, quienes, en conjunto, cumplen con las tareas usuales de la franquicia: hacer reír, despertar sospechas y morir de formas elaboradamente escabrosas.

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Gran parte de la macabra diversión de la primera Scream fue la agilidad con que el director Wes Craven equilibró los sustos auténticos con el ingenio autorreflexivo del guión inaugural de Williamson. En el momento en que se estrenó la primera película, el género slasher parecía haber entrado en su senectud, pues sus días gloriosos y sangrientos de la década de 1970 habían quedado atrás. Una nueva era del subgénero comenzó poco después de que el personaje de Drew Barrymore contestara el teléfono y un desconocido de voz espeluznante le preguntara cuál era su película de miedo favorita. Puede que esté sola en una casa grande y aislada con grandes ventanales, pero es una mujer moderna y una fan, así que menciona unas cuantas películas, incluida Pesadilla en la calle del infierno de Craven. Y de repente, se acabó todo para ella.

El personaje de Campbell, Sidney Prescott, resultó ser más dura y consiguió vencer, aunque temporalmente, al espeluznante desconocido Ghostface. Ghostface, uno de los villanos enmascarados más icónicos y duraderos del género, se labró un lugar en los anales del terror con un suministro aparentemente interminable de cuchillos bien afilados, una túnica negra y una espeluznante máscara blanca que evoca el cuadro expresionista de Edvard Munch de 1893, El grito. Es difícil mantener a raya a un buen monstruo, así que no es de extrañar que Ghostface vuelva para más matanzas y más batallas con la temible Sidney en Scream 7, que, al mismo tiempo, revisa los grandes éxitos de la franquicia, intenta revitalizar su fórmula y sugiere posibles adiciones futuras.

Los resultados son, alternadamente, divertidos y ligeramente aterradores, aunque nunca realmente sorprendentes. Sidney se ha instalado en Pine Grove, una pequeña ciudad genérica tan pintorescamente anticuada que incluso tiene un cine en su calle principal. (Hay una película de terror en la marquesina, La masacre de Texas, un guiño a otra serie de slashers). Al menos en apariencia, Sidney parece tener una vida feliz, con un marido, Mark (Joel McHale), y una hija adolescente, Tatum (Isabel May). Otros dos hijos están convenientemente lejos, de visita con un pariente, presumiblemente porque son demasiado jóvenes para encontrarse con el tipo de muerte repugnante y entretenida que requiere esta serie. El círculo de amigos de Tatum, en cambio, cumple fácilmente el requisito de edad de las slasher.

Después de un comienzo excesivamente largo y recargado de locura metaficcional, Williamson toma ritmo con una historia que se inspira en la primera película al tiempo que aumenta alegremente su factor repugnante. La sangre fluye con más facilidad que la historia entre los ruidos enervantes, las habitaciones sombrías, las referencias a la cultura pop, los guiños autoconscientes y los personajes desechables, algunos de los cuales aparentemente nunca han visto una sola película de terror o han ignorado (muy mal hecho) las importantes lecciones del género que salvan vidas. En general, los jóvenes son encantadores, aunque gran parte de la diversión de esta película proviene simplemente de ver a Campbell y Cox sincronizarse como versiones de serie B de Joan Crawford y Eve Arden en Mildred Pierce: un par de damas sentadas recordando viejos tiempos entre risas, gritos y el tipo de habilidades que toda mujer debería tener.

Scream 7Clasificada R por ser una película de terror. Duración: 1 hora y 54 minutos. En cines.

Después de poco menos de seis semanas, hemos podido finalizar toda la serie de A Knight of the Seven Kingdoms, este spin-off de Game of Thrones que se ubica muchos años antes de esa serie y también mucho después de House of the Dragon, siendo un punto intermedio en la enorme línea de tiempo que representa los hechos de Westeros.

Así como los primeros tres episodios fueron un aluvión de presentaciones de nuevos personajes y escenarios donde transcurrirá el resto de la temporada, estos tres episodios son un arco en sí mismo. El final del episodio tres nos entrega un conflicto que se va a desarrollar en profundidad en los siguientes episodios, para entregarnos un final que compete tanto al pasado como a lo que vendrá.

Lo primero que tengo para decir de este arco final es lo que dejaron en mi. Los personajes se sienten sumamente cercanos y las ganas de seguir sus aventuras son absolutas. No recuerdo un nivel de apego tan inmediato dentro de Game of Thrones ni tan emotivo, ya que el foco de la serie no es los asesinatos, ni las muertes, ni la puja por el poder. Son los principios, los valores, y en ese sentido esta es una serie mucho más “positiva”. El inicio de nuestra nueva aventura favorita. Así se siente.

Estos tres episodios cambiaron bastante el foco de la narrativa y de la serie. A Knight of the Seven Kingdoms empezó siendo una serie jocosa, casi cómica que intentaba buscar un espacio en un universo que ya nos había mostrado suficiente drama y tragedia. Pero este arco final nos enseña que Westeros siempre fue cruel con el destino y nuestros personajes se enfrentan a su primera gran prueba: un juicio a muerte para Dunk.

El juicio no solo es de una modalidad llamativa que no conocíamos de Game of Thrones, sino que también nos entrega una episodio de batalla digno de aquella serie con un fuerte foco en lo emocional y en lo espectacular, haciendo que el nivel de producción de la serie resalte en todo momento.

Dunk pasa de ser un chiste a un caballero, con matices y con errores, pero se nota que es un arco inicial para un personaje que puede dar muchísimo más. La actuación de Petter Claffey es tan buena como la de Dexter Sol Ansell como Egg y generan una química que oficia de motor principal para los espectadores.

Hablando de nuestro querido Egg, es su personaje el que lleva quizás la cuota más narrativa de este universo. La revelación que abre este arco de episodios nos abre la puerta a un mundo mucho más cercano a lo que conocíamos, la guerra de casas y la dominación absoluta por parte de los Targaryen y sus dragones.

De hecho, Egg funciona como eje conductor hoy del universo Game of Thrones, es uno de los pocos personajes que tiene hilos concretos relacionados tanto a House of the Dragon como a la serie madre, y seguramente será quien más desarrollo tenga a lo largo de las siguientes temporadas.

Su participación en la trama estuvo llevada con un ritmo espectacular, lo suficientemente trabajado como para ser fuerte y lo suficientemente lento para ser sorpresivo. Un acierto en todo sentido: actor y personaje. Lo mismo podemos decir de sus familiares, que en este segundo arco se vuelven personajes mucho más importantes e igual de intrigantes.

Esta primera temporada de A Knight of the Seven Kingdoms pareció un cuento bien contado. Principio, final, guiños al futuro, pero un círculo perfecto que empezó y terminó en el tiempo justo y necesario. Reavivó la llama de un universo que tenía una imagen bastante negativa y que incluso había perdido a parte de sus espectadores. Hay pocas cosas para reprocharle, y mucho más que puede aún crecer, así que la considero un éxito en todos los frentes.

En un principio, el plan de “15 temporadas y más de 30 años” me parece muy ambicioso. Aunque no lo creo imposible, creo que la constancia y regularidad serán claves para que Dunk y Egg sigan siendo cita obligatoria los domingos. Por lo pronto, ya tenemos confirmación de que en 2027 veremos la segunda temporada de A Knight of the Seven Kingdoms.

Al momento de escribir estas líneas, ya pasó más de una semana desde que terminé de jugar Resident Evil Requiem, la más reciente entrega de la legendaria franquicia de Capcom. En todo este tiempo, me cuesta mucho no pensar en el juego, y al mismo tiempo me resulta difícil encontrar las palabras justas para describirlo. Y es que siento que hay un antes y un después. Que Capcom logró lo que no me esperaba y a la vez cumplió con todas mis expectativas. Que, probablemente, Resident Evil Requiem sea el nuevo punto más alto de la serie.

Parte de lo que hace que sea tan complicado hablar sobre este juego es que Resident Evil Requiem es, prácticamente, dos juegos en uno. Grace Ashcroft, personaje nuevo para la franquicia, y Leon S. Kennedy, uno de los protagonistas más populares de todo el gaming, se cargan a sus espaldas una experiencia que combina lo mejor de una franquicia que celebra con esta entrega sus 30 años.

Es tal vez por eso que Resident Evil Requiem se siente como un gran homenaje al pasado y al mismo tiempo una puerta hacia el futuro, por más que ese mismo futuro sea difícil de imaginar. Con esto me refiero a algo que vengo sintiendo desde el momento que empezaron a correr los créditos: Resident Evil Requiem es tan buen juego que me cuesta pensar cómo va a hacer Capcom para siquiera lanzar una nueva entrega.

La elección de utilizar dos protagonistas se encuentra en el centro de todo esto. Tal y como Capcom viene insistiendo en su campaña de marketing previa a la salida del juego, Grace presenta secciones más enfocadas al terror, mientras que Leon protagoniza segmentos donde reina la acción. Resident Evil no es una franquicia ajena a intentar combinar estos dos estilos de juego, pero con este juego Capcom encontró la receta perfecta para hacerlo: utilizar ambos sin mezclarlos.

El juego inicia con Grace, investigadora del FBI, explorando un hotel abandonado donde se encontró el cuerpo de un sobreviviente de la tragedia de Raccoon City. En este mismo hotel, años atrás, Grace sufrió la pérdida de su propia madre, Alyssa Ashcroft, una de las protagonistas del experimento online Resident Evil Outbreak, y lo que Grace encuentra allí es que no es casualidad que ese cuerpo haya aparecido en el hotel, sino que alguien buscaba atraerla para poder raptarla.

Por su parte, Leon se encuentra investigando por su cuenta la misma cadena de asesinatos de sobrevivientes de Raccoon City, y sus descubrimientos eventualmente lo llevan al Centro Médico de Rhodes Hill, administrado por el misterioso ex investigador de Umbrella Victor Gideon, que casualmente es la misma persona que raptó a Grace. Así es como ambos protagonistas, al poco tiempo de comenzar la historia, se encuentran en el edificio al mismo tiempo.

Lo inteligente de Resident Evil Requiem es que, en los primeros minutos del juego, tenemos una muestra de estas dos jugabilidades diferentes, para que después todo marche a su propio ritmo impredecible. Tal vez nos toque jugar una sección con Grace relativamente corta, seguida de una sección aún más breve con Leon, para después pasar varias horas con Grace. El juego no divide sus segmentos jugables de una forma predecible, y eso hace que permita construir sus secciones con el tiempo justo para cada una.

Ahora bien, cuando Capcom insistía que ambos personajes presentaban jugabilidades diferentes, hablaba muy en serio. Las secciones de Grace, especialmente al principio del juego cuando los recursos son mínimos, se sienten como un regreso a los días de la primera PlayStation. La exploración es lo importante, el combate es peligroso pero no imposible, los recursos son escasos, y el terror es palpable. Es muy difícil no sentirse indefenso con Grace recorriendo los pasillos del Centro Médico. Especialmente, porque está repleto de zombies y otros peligros.

Uno de los aspectos más notables de Resident Evil Requiem es, justamente, el comportamiento de los zombies. En los primeros momentos el juego nos hace saber mediante los archivos que podemos encontrar que este brote proviene de una cepa mutada del famoso virus T. Esta mutación permite que los zombies puedan conservar algunos de sus recuerdos y comportamientos de cuando se encontraban con vida.

En la jugabilidad, esto se traduce en algunas mecánicas muy inteligentes, que hacen que la estrategia prime por sobre todas las cosas en las secciones de Grace. Por ejemplo, un zombie conserje siente la necesidad de apagar las luces de los pasillos, ya que es de noche y no debería haber nadie transitándolos. Así, podemos prender diferentes luces para atraer al zombie a lugares donde no nos moleste, y poder navegar un poco más tranquilos por el Centro Médico.

Otro de mis ejemplos favoritos fue uno que descubrí por accidente. Todos los zombies prestan atención a los sonidos que hagamos, pero algunos sufrían dolores de cabeza severos en vida, y por lo tanto son especialmente sensibles a los ruidos. Esto significa que, incluso estando en una habitación contigua, si rompemos una de las clásicas cajas de provisiones para intentar conseguir munición o algún otro objeto útil, el zombie se pondrá de muy mal humor e irá a atacar ese punto en particular, incluso aunque ya no estemos allí. Lo interesante es que si hay otro zombie presente, puede ser atacado por este zombie irritado, sumando otra capa más a la estrategia.

Todo esto se da mientras exploramos uno de los mejores mapas de la franquicia, y es que el Centro Médico de Rhodes Hill está diseñado tan meticulosamente como la Mansión Spencer del primer Resident Evil o la comisaría de Racoon City. Mientras intentamos evitar a todos estos zombies –porque Grace no es para nada proficiente en el combate y además es muy difícil conseguir munición–, tenemos que resolver varios puzzles para encontrar la salida y escapar del cautiverio.

La comparaciones con el primer Resident Evil, sin embargo, no se terminan solamente en el diseño del mapa, aunque tal vez sea más adecuado para este punto hablar del remake de ese primer juego. Y es que Resident Evil Requiem vuelve a traer una mecánica que parecía que la franquicia había olvidado: un zombie derribado no necesariamente significa que nunca se va a volver a levantar. Al igual que los Crimson Head de aquel remake, este juego cuenta con Blister Heads, zombies que en algún momento pueden levantarse nuevamente gracias a una mutación, y complicarnos la existencia todavía más.

Deshacerse de un zombie con Grace no es tarea fácil, pero es posible. Con nuestra pistola común, puede llevarnos quizás 6 o 7 disparos bien apuntados, aunque en un principio las balas son un recurso tan escaso que quizás no vale la pena, y tal vez sea mejor efectuar un único disparo a la cabeza o a las piernas para aturdir al zombie y escapar hacia otro lugar. El primer y único Blister Head que decidí eliminar con un arma me llevó 40 disparos, entre acertados y errados. Después de ese encuentro no solamente temía a los Blister Heads que iban apareciendo, sino que me aterraba pasar por al lado del cadáver de cualquier zombie por miedo a que se convierta en un Blister Head en ese momento.

Por suerte hay una manera de deshacerse fácilmente de un Blister Head o de incluso evitar que un zombie se transforme en uno. Grace puede utilizar un inyector hemolítico para eliminar a cualquier zombie al instante haciéndolo explotar, aunque para ello el zombie debe estar aturdido o no debe habernos visto. Estos inyectores también pueden usarse en cadáveres de zombies para evitar que se transformen en Blister Heads aunque, de nuevo, no podemos saber cuáles o cuándo se transformarán.

Los inyectores interactúan directamente con el sistema de creación de objetos de Grace, que utiliza la sangre de los zombies como recurso. La mayoría de los zombies abatidos nos permiten extraer un poco de su sangre para combinarla con otros objetos y crear munición, inyectores, objetos de curación y, en la dificultad Normal Clásica, cintas de tinta para guardar la partida. Sin embargo, esto implica eliminar a los zombies, y eso se traduce en gastar nuestras balas y abrir la posibilidad de un nuevo Blister Head a cambio de crear un objeto. Así es como la jugabilidad de Grace encuentra un balance que Resident Evil realmente no poseía desde aquel primer remake en el 2002.

La jugabilidad de Leon, por otro lado, es mucho más fácil de explicar. En líneas generales, los segmentos de Leon canalizan a la perfección la acción de Resident Evil 4, específicamente el reciente remake. Los enemigos dejan balas para Leon, quien usa su clásico maletín para guardar la variedad de armas que posee y que puede mejorar, y ahora además cambió su cuchillo por un hacha que no se rompe, aunque tenemos que afilarla cuando se agota su durabilidad.

Ya de por sí, Resident Evil 4 Remake tenía un combate increíble, pero Resident Evil Requiem afina todavía más esa acción para brindar una experiencia magistral. No es que jugar con Leon signifique pasar un rato fácil, pero sí un rato entretenido. Aturdir enemigos, patearlos y luego rematarlos con el hacha se siente tan satisfactorio como suena, y a la vez el juego no sacrifica la estrategia que uno requiere para no ser abrumado por los enemigos. Leon también necesita juego estratégico, solamente que son tácticas diferentes a las de Grace.

Dicho sea de paso, y hablando de Leon, uno de mis aspectos favoritos del juego me remonta al Resident Evil 2 original y su icónico Zapping System. Y es que lo que hagamos con Grace va a afectar de alguna manera el momento que nos toque recorrer ese mismo lugar con Leon. Si dejamos algún ítem, Leon puede recogerlo. Si dejamos algún zombie vivo, Leon tendrá que lidiar con él. Si escapamos de algún Blister Head, será problema de Leon. Y viceversa. Esto hace que la estrategia de decidir qué hacer y qué no con cada personaje cobre una dimensión todavía más profunda.

Podría seguir hablando aún más sobre la jugabilidad, los enemigos especiales, lo mucho que algunos aspectos del diseño me recuerdan a otros grandes juegos como Half-Life 2 o la campaña de Titanfall 2 y más cosas, pero sinceramente siento que gran parte del atractivo del juego es descubrir por uno mismo todo eso, así como lo supimos hacer con los juegos clásicos en su momento.

A lo que sí me gustaría dedicarle algunas palabras es a la narrativa del juego. Es difícil dejar a todo el mundo contento con una única entrega cuando se trata de una franquicia que cumple 30 años, pero Resident Evil Requiem logra su cometido por completo. En gran parte, esto se debe a los excelentes protagonistas que tiene.

Leon es un viejo conocido, y todos sabemos ya lo buen protagonista que es, pero en esta entrega en particular tiene otro aire; un dejo de madurez que le sienta muy bien. Hay dos aspectos claves de su personaje que definen su historia en Resident Evil Requiem, y que los tráilers del juego adelantaron brevemente: el regreso a Racoon City y la enfermedad que pone en peligro la vida de Leon. A mi parecer, ambos hilos narrativos están muy bien desarrollados y llegan a una conclusión más que satisfactoria, sin sacrificar tampoco el camino que Leon atraviesa para llegar a ese final.

Sin embargo, la verdadera sorpresa del juego es Grace. Antes de jugar Resident Evil Requiem no sabía realmente qué esperar de este personaje, pero este juego, sin duda, hizo que me encariñe con ella a tal punto que ahora es de mis protagonistas preferidas. Grace es, a grandes rasgos, una chica normal forzada a sobrevivir una situación de locos. Y tanto la actriz que presta su voz para el personaje como las animaciones del juego hacen que Grace cobre vida en la pantalla. Grace transpira en cinemáticas donde está estresada, su pulso tiembla cuando apunta un arma, sus gritos aturden cuando está asustada. Realmente es un personaje construido de manera excelente.

Esto me da pie para mencionar lo impresionante que es el juego en lo audiovisual. Desde Resident Evil 7, Capcom demostró que su RE Engine es quizás uno de los mejores en la industria actual. Por supuesto que también ha brillado en franquicias como Monster Hunter y Dragon’s Dogma, pero este juego deja en claro por qué el motor tiene ese nombre: está perfectamente optimizado para Resident Evil.

Los escenarios de este juego presentan un alto nivel de detalle. Los enemigos tienen diseños tan impresionantes como asquerosos. La sangre pinta las paredes y los pisos de manera realista. Los protagonistas se ven mejor que nunca. La iluminación, y su ausencia cuando es necesario, contribuyen a una ambientación perfecta. Todo esto con la posibilidad de jugar tanto en primera persona como en tercera, teniendo la opción de usar diferentes perspectivas para cada personaje. Es un juego sumamente bello, a su lúgubre manera. Y con un diseño sonoro que acompaña a la perfección, especialmente considerando que el ruido forma parte de la capa estratégica de ambos personajes.

Creo que mi único problema con Resident Evil Requiem fue cuando empezaron a correr los créditos. Y el problema, justamente, era que el juego se había terminado. Tenía ganas de más, a tal punto que, inmediatamente después, volví a empezar una nueva partida desde cero. Pocos son los juegos que logran hacerme sentir así, e incluso con lo mucho que me gusta esta franquicia, no me esperaba realmente que Resident Evil Requiem lo logre.

Pero lo hace. Y lo hace de una manera magistral. Por momentos, la única palabra que se me ocurre para describir lo que Capcom hizo con este juego es simplemente “increíble”. En mayor o menor medida, ya sea directa o indirectamente, en lo narrativo o en lo jugable, Resident Evil Requiem presenta el ADN de todas las entregas principales anteriores. Y al mismo tiempo, logra combinar a la perfección las esencias de los que, para mí, eran los dos máximos exponentes de las diferentes filosofías de diseño de la franquicia: Resident Evil Remake y Resident Evil 4. Capcom realmente logró lo imposible. Resident Evil Requiem es, simplemente, un juego increíble.

La actriz, como siempre, impregna su personalidad y logra que hinchemos potentemente por ella, en este thriller gélido y visualmente hermoso.

Los vastos y helados paisajes de la Finlandia rural sustituyen a los vastos y helados paisajes de la Minnesota rural en Muerte en invierno, un thriller extremadamente pintoresco y bastante retorcido protagonizado por Emma Thompson, quien interpreta a una mujer llamada Barb. Es una mujer mayor, viuda, que parece apreciar su tiempo a solas. Los flashbacks de un matrimonio en gran parte feliz (en el que la hija de Thompson, Gaia Wise, interpreta a la versión más joven de su personaje) la muestran aprendiendo, con su marido, a pescar en el invierno. Regresa allí en el invierno de su propia vida, no solo por nostalgia, sino para cumplir una promesa.

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Cerca de su querido (y ficticio) lago Hilda, se pierde un poco y pide indicaciones a un tipo vestido con parka cuyo bigote de morsa recuerda a Skunk Baxter, el antiguo guitarrista de los Doobie Brothers y Steely Dan. Si este tipo, interpretado por Marc Menchaca, no parece demasiado amistoso, su mujer, Judy Greer en un papel de villana a la contra, es criminalmente hostil. El personaje de Thompson pronto descubre que esta pareja tiene a una joven (Laurel Marsden) atada, amordazada y escondida en su sótano.

El personaje de Thompson, cuyo nombre es el único que conocemos, y además tarde en la película, no carece de recursos. La trampa que construye en el lago helado frente a su cabaña de hielo casi provoca hipotermia al personaje de Menchaca. Y sabe cómo utilizar la pistola que el personaje de Menchaca abandona estúpidamente en una escena. Además de ser malintencionado, el personaje de Greer es posiblemente delirante, ya que hace referencia a una cita con un cirujano que probablemente no existe. Brian Kirk, el director, tiene un buen sentido de este formidable e intimidante escenario; el espectador aprecia su belleza al tiempo que mantiene un agudo sentido de lo horrible que sería quedarse varado allí. Aunque la caracterización de Thompson comienza con fuertes notas de la Marge Gunderson de Frances McDormand en el thriller clásico Fargo, la actriz, como siempre, impregna su personalidad y logra que hinchemos con fuerza por ella.

Muerte en invierno

Clasificada R por lenguaje, violencia y temas. Duración: 1 hora y 37 minutos. En cines.

Will Arnett y Laura Dern añaden peso emocional a esta película íntima de Bradley Cooper sobre un hombre separado de su esposa que halla consuelo en la comedia en vivo.

El tumulto de la separación conyugal apenas se percibe en ¿Está funcionando esto?, una comedia ligera sobre la ruptura que nunca se acerca demasiado al límite. Amparados por el privilegio y rodeados de apoyo, Alex y Tess Novak (Will Arnett y Laura Dern), dos neoyorquinos suburbanos, deshacen su unión de dos décadas con una facilidad envidiable. En ocasiones la película se siente tan liviana e intrascendente que cuando llega a haber algún comentario duro, corta como una navaja.

Así, cuando Alex le pregunta a Tess si la historia que les está contando a sus amigos es sobre él y ella responde bruscamente, "¡No! Hablo de alguien vivo", sus palabras te dejan sin aliento. No hemos visto peleas ni un detonante claro en una ruptura que se parece más a un "Bueno, supongo que estamos haciendo esto, ¿no?" que a un portazo airado. Los Novak, siempre atentos a sus dos hijos pequeños (Calvin Knegten y Blake Kane), son ejemplos de cortesía. Casi de inmediato, Alex --cuyo trabajo en finanzas aparentemente no requiere trabajar de verdad-- se instala en un departamento en la ciudad, con espacio para los niños y una camioneta nueva para llevarlos de un lado a otro. También tiene la suerte de tener unos padres-niñeras afables y eternamente disponibles (Christine Ebersole y Ciarán Hinds). Hasta aquí, todo fluye sin fricciones.

Aunque ¿Está funcionando esto? puede llegar a ser demasiado cuidadosa para su propio bien, también confía profundamente en sus protagonistas, cuyos rostros, bajo el escrutinio de los despiadados acercamientos de Matthew Libatique, revelan el dolor que la pareja es incapaz de verbalizar. Al menos entre ellos: cuando Alex se sube al escenario de un club de comedia la noche de micrófono abierto y siente el calor de un público cordial, puede que su monólogo confesional resulte vergonzosamente incómodo, pero desbloquea una necesidad en él que lo hace volver.

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La idea de usar la comedia en vivo como terapia no es precisamente original, pero ¿Está funcionando esto?, basada libremente en el británico John Bishop, un vendedor convertido en cómico, no se aferra a la psicología de la separación. El tono es relajado y no se corren grandes riesgos, y las escenas del club rebosan de talento cómico auténtico, incluyendo a Amy Sedaris como presentadora y a comediantes como Jordan Jensen, Chloe Radcliffe y Reggie Conquest, listos para darle consejos a Alex. Vender a Arnett --quien es más conocido como el muy inseguro mago Gob Bluth en la exitosa comedia Arrested Development -- como un novato de la comedia es todo un reto, pero el actor está maravilloso en su rol. Su aturdimiento conmueve y su deriva resulta plenamente creíble.

Dern, por supuesto, es una bendición para cualquier película. Ella dota a Tess, una exestrella del vóleibol, de la melancolía de una ama de casa que no solo añora sus días de gloria, sino que está decidida a convertirlos en una carrera como entrenadora. Dern siempre ha sabido transmitir, sin palabras, emociones en constante vaivén; y cuando ella y un hombre con el que sale (un cameo de Peyton Manning) se encuentran con el acto de Alex, la película simplemente se congela en su rostro. (Esto me recordó al increíble primer plano de Nicole Kidman en la escena de la ópera de Reencarnación, la joya de 2004 de Jonathan Glazer). La sucesión de momentos como este revela una nota sostenida de tristeza y arrepentimiento que resuena insistentemente a lo largo de la película, recordándonos que la imagen que tenemos de nuestra pareja podría haber dejado de reflejar la realidad.

¿Está funcionando esto?, el tercer trabajo de Bradley Cooper como director, es más modesta en escala, más libre en su técnica y más intimista que Nace una estrella (2018) o Maestro (2023). El guion (de Cooper, Arnett y Mark Chappell) es débil, pero Cooper rodea a sus protagonistas de un grupo de amigos dinámico e igualmente acomodado, que lo incluye a él mismo como un excéntrico actor de segunda categoría y a la maravillosa Andra Day como su sufrida esposa.

"Escribí este guion más rápido de lo que he escrito nada", admite Cooper en las notas de prensa, y eso se nota en las caracterizaciones, a veces apresuradas, de la película. (Sean Hayes y Scott Icenogle, quienes están casados en la vida real, no aparecen más que como relleno de fondo). Pero con un reparto tan simpático y hábil, ni siquiera el uso insistente de "Under Pressure" de Queen y David Bowie logra disipar nuestra buena voluntad. ¿Se podrá convencer a Tess y Alex de que hagan caso a Freddie Mercury y le den una oportunidad más al amor?

¿Está funcionando esto?Clasificada R por sexo, drogas y rock and roll demasiado literal. Duración: 2 horas 4 minutos. En cines.

Crisol: Theater of Idols es un survival horror en primera persona con algunos elementos de shooter desarrollado por el estudio español Vermila Studios y publicado por Blumhouse Games. Este lanzamiento es un hito importante para ellos ya que se trata de su entrega debut y, como resultado, lograron hacer un juego muy interesante que destaca por su ambientación e identidad propia.

Por más de que estemos ante una propuesta que luce y se juega como un shooter en primera persona, su experiencia principal es la de un survival horror donde la tensión, el terror, la resolución de puzzles y la exploración son sus puntos centrales. Crisol: Theater of Idols logra tomar elementos ya conocidos por los fanáticos del género y de algunas franquicias para crear su propio universo e imaginario.

Con tan solo jugar unas pocas horas, ya podemos ver las comparaciones directas que tiene la entrega con títulos como Resident Evil y Bioshock. Lejos de ser algo oculto, desde Vermila Studios manifestaron en más de una oportunidad el vínculo e inspiración de su entrega con dichos clásicos. Sin embargo, lo que resulta más destacable es que Crisol: Theater of Idols no se siente como un homenaje sino que toma esos elementos para dar su propia identidad.

Si hablamos de survival horror, Resident Evil es palabra mayor y donde vemos esta relación en Crisol: Theater of Idols es en su diseño de escenarios, el cómo interactuamos con el mapa, la forma en que resolvemos los acertijos en el juego y hasta en detalles más pequeños como la presencia de algunos elementos y objetos que hacen alusión a la franquicia.

Por el lado de Bioshock, su inspiración se encuentra más en el diseño de los enemigos, las armas y la interfaz, y el tono del juego en general. Dicho todo esto, Crisol: Theater of Idols utiliza estos aspectos para hacer algo único y lo logra, en mayor medida, gracias a su ambientación basada en el folclore español.

El juego nos lleva a la isla de Tormentosa que se encuentra dentro de Hispania, una versión alternativa y terrorífica de España. Por este motivo, la música, la ambientación, lo que vemos y observamos en cada escenario, la misma narrativa, todo se encuentra envuelto dentro del folclore español, algo que no solo vuelve a la obra única sino que también termina siendo su propio diferencial.

Nosotros nos ponemos en la piel de Gabriel, un militante religioso que despierta en la isla y se compromete a realizar los pedidos del Dios Sol sin oponer cuestionamientos. Obviamente, a lo largo de la aventura iremos conociendo más de este culto religioso como el del Dios Mar que se nos presenta como nuestro antagonista. También, conocemos otros personajes que nos ayudan y dan más contexto sobre lo que está ocurriendo.

La misión divina no será sencilla y nos hará enfrentar a distintos terrores que se encuentran en la isla como a la tan temible Dolores, una criatura que nos hostiga durante toda la aventura y que nos obligará a utilizar el sigilo en algunas secciones. Para combatir, utilizamos armas especiales cuya munición es la sangre del propio protagonista. Esta es una de las mecánicas principales del juego ya que recargar nuestras armas implica perder vida.

Podemos recuperar vida a través de jeringas como así también absorbiendo cadáveres de humanos y animales que encontremos. En los primeros compases del juego esto funciona muy bien pero, a mi criterio, es una mecánica que va perdiendo fuerza e interés a medida que avanzamos y ya conocemos su estructura.

Crisol: Theater of Idols es un juego doble A y donde más encontré sus limitantes es en los aspectos relacionados a la mecánica de shooter y combate. Por más de que funciona de manera correcta, no me terminó de brindar una experiencia totalmente satisfactoria debido a la poca cantidad de armas, de enemigos y la escasa sensación de disparo. El combate contra los enemigos es obligatorio en la mayoría de los casos y me terminó resultando algo tedioso.

Por fuera de esto, lo que me gustó mucho de la entrega es lo meramente survival horror. Los puzzles, sin ser completamente desafiantes, me resultaron interesantes y divertidos. La exploración, encontrar los coleccionables, recorrer los pasillos, abrir el mapa constantemente para ver si me olvidé de alguna habitación entre otras cosas fueron lo más memorable de mi experiencia con la entrega.

Aún sin disfrutar de todo el combate, me resultó divertido el buscar las mejoras de las armas y las baterías para afilar el cuchillo porque la sensación de perderse en Tormentosa y buscar la manera de sobrevivir funciona muy bien. El juego luce muy bello y, sin ser un conocedor del folclore español, el diseño de su mundo y la forma en que está construído con sus elementos y aspectos culturales son muy interesantes.

Crisol: Theater of Idols es un juego muy recomendable tanto para los amantes del género survival horror como para quienes disfruten de adentrarse en un universo único basado en la cultura, folclore y religión española. Más allá de tener algunas limitaciones técnicas en cuanto al combate, la experiencia general de Crisol: Theater of Idols es muy positiva y logra brillar en su ambientación.

Con frecuencia se afirma que el teléfono es “todoterreno”, aunque esa denominación rara vez le hace verdadera justicia. Por su nombre, parecería que solo aplica a la tierra, cuando el HONOR Magic8 Lite va mucho más allá: este dispositivo, lanzado recientemente en Latinoamérica, es capaz de sumergirse hasta 1,5 metros durante 30 minutos y salir ileso. Su diseño y prestaciones lo perfilan como una herramienta perfecta para quienes viven lejos de un escritorio, enfrentando condiciones exigentes día tras día.

Si tuviera que ponerle un nombre, lo llamaría sin dudar ‘el celular de los obreros’. No es un calificativo menor; todo lo contrario, es un reconocimiento a su resistencia. Un albañil podría verlo caer desde el segundo piso en plena obra y no preocuparse más que por la batería. Lo mismo para comerciantes, que podrían recuperarlo tras una caída en un lavabo sin miedo a perderlo.

La resistencia es el sello distintivo de este modelo. Según la marca, el HONOR Magic8 Lite cuenta con certificaciones IP69K, IP68 e IP66, y ostenta un Récord Guinness tras sobrevivir a una caída desde 6.133 metros. Hice la prueba desde el segundo piso de mi casa: lo lancé sin carcasa y el dispositivo no sufrió ningún daño. Más allá de los certificados, la tranquilidad de saber que un accidente no lo dejará inutilizable es un valor añadido.

Lo bueno del HONOR Magic8 Lite

El primer aspecto que puse a prueba fue la batería. Mi rutina implica grabar videos extensos, navegar en la web constantemente y escuchar música durante los trayectos. Con un uso activo, que incluyó cinco horas de grabación el primer día y tres el segundo, la batería llegó al 1% a las 19:00, habiendo iniciado con 83% a las 14:00 del día anterior.

Si no hubiera grabado tantos videos seguidos, la autonomía probablemente habría superado los tres días. Durante las grabaciones prolongadas, el teléfono apenas se calentó, lo que habla bien de su gestión térmica.

En el terreno del rendimiento, juegos como Genshin Impact funcionan relativamente bien, aunque la experiencia se resiente cuando se ejecutan varias aplicaciones al mismo tiempo. Es importante señalar que este título solo permite configuración máxima de 30 FPS con este equipo. En cambio, juegos como Asphalt 8: Airborne se ejecutan sin inconvenientes, mostrando fluidez constante.

Otro punto fuerte es la grabación y transcripción de llamadas. El móvil permite grabar conversaciones y luego transcribirlas con conexión a internet, una función muy útil también para grabaciones de voz. Este atributo puede ser especialmente práctico para quienes trabajan en oficina y necesitan registrar información de manera eficiente.

La pantalla AMOLED de 6,79 pulgadas y 6.000 nits de brillo facilita la lectura incluso bajo el sol, sin importar el fondo o el tamaño de la letra. La cámara principal de 108 megapíxeles, con un sensor de 1/1,67 pulgadas, permite capturas nítidas y fieles al color original, incluso en condiciones de poca luz. Al grabar video con zoom, la imagen se mantiene estable gracias a los sistemas OIS y EIS.

La inteligencia artificial potencia la cámara con funciones como el borrador inteligente, recorte, expansión de imagen, refinamiento y eliminación de reflejos. El borrado funciona de manera precisa: al hacer zoom, no quedan rastros ni zonas pixeladas, lo que suma valor para quienes buscan resultados pulidos.

En el apartado de sonido, el Magic8 Lite incorpora una función que amplifica el volumen hasta un 400%, interesante para quienes disfrutan de la música sin parlantes adicionales. Aunque los graves no se destacan demasiado, los tonos altos sí se perciben con claridad. El sistema estéreo con dos altavoces, uno inferior y otro superior, ofrece una experiencia envolvente.

La carga es otro punto a considerar. El cargador no se calienta en ningún momento y, aunque el teléfono aumente levemente su temperatura tras grabar varias horas, la carga sigue siendo estable y segura.

Para la fotografía nocturna, el Magic8 Lite responde bien. Las imágenes y videos en entornos con poca luz resultan claras y los colores se mantienen naturales, incluso usando el modo noche, que evita la sobreexposición y conserva la fidelidad de los tonos. El filtro de ruido ambiental en las grabaciones de video también resulta útil, facilitando la tarea a quienes crean contenido o documentan su día a día.

El modo multivideo permite grabar desde diferentes cámaras al mismo tiempo, ideal para vloggers, youtubers o periodistas. Las combinaciones entre cámara frontal y trasera o la función foto en foto enriquecen las posibilidades creativas, con resultados claros incluso en condiciones de iluminación compleja.

El MagicOS integra un “Modo para una sola mano” que reduce la pantalla con un simple gesto, facilitando el uso en dispositivos de gran tamaño. La organización en pantalla es eficiente: las aplicaciones aparecen agrupadas, con carpetas especiales para herramientas de Google y de creación de contenido como grabadora y reproductor de música.

Aspectos negativos del HONOR Magic8 Lite

No todo es perfecto en este dispositivo. La carga completa puede demorar: llegar del 1% al 97% me tomó una hora y veinte minutos en condiciones normales. El diseño es robusto y algo rústico, y aunque la textura se compensa con una funda, unos bordes de aluminio mejorarían la percepción general.

Carece de radio FM, un detalle relevante para quienes, por presupuesto, no siempre disponen de datos móviles para escuchar radio online. Tampoco incluye un puerto jack de 3,5 mm tradicional para auriculares, lo que puede restar puntos entre usuarios acostumbrados a esa opción. Dos opciones personales, que me encantaría tener aún.

No es una exageración decir que Yakuza es una de las sagas más originales y queridas de la industria. Desde su primera entrega, hace más de 20 años, supo capturar la imaginación de millones de jugadores que amábamos recorrer las calles de Kamurocho repartiendo justicia con honor y absoluta violencia. Pero luego del excelente Yakuza 0, Ryu Ga Gotoku Studio vió el potencial de llevar los títulos clásicos a una experiencia moderna y pulida. Así nació Yakuza Kiwami y su secuela, remakes de las primeras dos entregas de la saga que las actualizaban de manera fiel. Si bien realizar cambios era entre inevitable y esperable, la esencia de los originales se mantenía vigente y las mejoras tan tangibles que nos hacían pasar de largo algunas diferencias relevantes. Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties hace lo mismo pero con menos respeto a la obra original, quitando mecánicas, personajes y misiones secundarias en pos de una experiencia más moderna y fluida pensada exclusivamente para atraer nuevas audiencias.

Yakuza 3 continúa directamente luego de los eventos del título anterior, con Kiryu renunciando como Cuarto Presidente del Clan Tojo para dirigir un orfanato en Okinawa. Es una de las entregas más emotivas de la saga ya que explora en profundidad el costado humano de nuestro yakuza favorito y a la vez tiene una fuerte dosis de intrigas, revelaciones de último momento y acción a raudales. Es cierto que Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties respeta la línea narrativa del orfanato y simplifica el minijuego de cocina, manejo de la huerta y la tienda, pero también lo hace más llevadero y entretenido. Ver a Kiryu en rol de padre sigue siendo emocionante y para el momento en el que la acción comienza a cobrar protagonismo nos quedará clara la razón por la cual iremos “a la guerra”.

Luego de hacer una despedida por Kamurocho, el juego nos lleva a Okinawa y nos presenta un nuevo distrito para explorar. Allí conoceremos a los nuevos personajes que nos acompañarán durante la aventura y comenzaremos a encariñarnos con la isla. Recorrer el mercado central, sus tiendas y visitar los arcades mantiene su encanto. Las opciones de personalización son una parte importante de la experiencia y podremos vestir a Kiryu con una gran cantidad de prendas diferentes, guardando hasta cinco estilos para la isla y otros cinco para cuando visitemos Kamurocho. Lo mismo sucede con nuestro celular, el cual cambiaremos al inicio de la aventura, que además de ofrecer cambios cosméticos nos permite activar ciertos beneficios reales para la aventura. Por ejemplo, algunos fondos de pantalla nos permiten ver objetos ocultos o las personas con las que podemos interactuar en el minimapa. Además, podemos equipar tres accesorios colgantes con beneficios como mejorar el ataque, la defensa o la cantidad de dinero que conseguimos en las batallas.

Mientras recorremos el juego nos encontraremos con un sinfín de misiones secundarias que, si bien son menos que en el original, son más que suficientes para mantenernos distraídos del conflicto principal. También habrá batallas al azar porque, como es tradicional en la saga, todo aquel maleante callejero cree que tiene una chance contra el Cuarto Presidente del Clan Tojo. Las peleas son sencillas y breves, pueden volverse un poco molestas pero su frecuencia puede modificarse a través de los accesorios del celular. Otra de las actividades que podemos realizar es vincularnos con los transeúntes a través del “Infrarrojo” del teléfono, si los encontramos tres veces el vínculo alcanza su máximo y nos revelarán algunos secretos. Si bien no es un sistema complejo, no deja de ser algo entretenido para hacer y una forma de conseguir nuevas recompensas. Del mismo modo podremos abrir cajas con sorpresas que están ocultas por todo el mapeado que nos darán entre otras cosas algunas de las llaves para abrir lockers.

Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties está repleto de cosas para hacer. Cuando nos cansemos de pelear siempre habrá lugar para ir a apostar en los juegos de mesa clásicos, tiempo para coleccionar los muñecos de las máquinas y por supuesto gastar nuestros yenes en los arcades. En ese sentido, el juego incluye algunos de los títulos más interesantes de la saga. Por ejemplo “Emergency Call Ambulance”, una experiencia bizarra que nos pone en la piel del conductor de una ambulancia intentando llegar al hospital antes que se muera el paciente o el genial “Magical Truck Adventure”, en el que tenemos que mantener en movimiento una dresina mientras perseguimos al villano de turno y esquivamos todo lo que nos tira. También contamos con una Game Gear, la legendaria portátil de Sega, con 12 clásicos de la talla de Pac-Man, Mappy y Galaga. Es un placer poder jugar las versiones de Streets of Rage y The G.G. Shinobi perfectamente emuladas en 2026.

Esta remake realiza una infinidad de cambios con respecto al original, como era de esperar, pero no sólo quedan en lo técnico. El sistema de combate está renovado y combina el estilo mano a mano tradicional de Kiryu con uno nuevo que implementa todo tipo de armas. El tema es que las armas se activan automáticamente durante los combos, es decir, casi no hay armas per se en el juego. Es cierto que ocasionalmente podremos levantar del suelo el arma que se le cayó a un oponente, pero las armas como las conocíamos ya no existen. Lo mismo sucede con las “Revelaciones”, situaciones especiales del original que nos enseñaban diferentes “Heat Actions”. Las que quedaron se aprenden directamente desde un árbol de habilidades simple, lineal y genérico. Sin embargo, por todo lo que perdió también suma una gran cantidad de actividades nuevas, interesantes y realmente divertidas de completar.

El balance entre drama y comedia en Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties es maravilloso. Mientras intentamos atrapar a un asesino suelto tal vez tendremos que debutar en Stardust, pero como parte del talento del local. También formaremos parte de una guerra entre pandillas de motoqueros, reclutando y formando nuestro propio ejército para liberar a Okinawa y Kamurocho de su influencia. Este modo de juego es divertido, simple y más orientado a la acción, separándose así del minijuego principal de las entregas anteriores que nos invitaba más que nada a gestionar recursos. En el orfanato deberemos ayudar a los niños a completar sus tareas y cuestiones personales, desde un primer amor o una mascota que no obedece hasta utilizar una máquina de coser para hacer remiendos y crear un microemprendimiento de costura. Kiryu es un tipo rudo, un padre fiel y ejemplar que no le tiene miedo al ridículo y eso nos hace amarlo cada vez más.

La otra adición del juego es la campaña “Dark Ties” que nos pone en los zapatos de Yoshitaka Mine. La idea de poder jugar con un villano para entender su historia, desde sus inicios hasta alcanzar el status de yakuza, me parece una oportunidad brillante para entenderlo un poco más. Esta campaña alternativa es relativamente corta pero cuenta con sus propias misiones secundarias y actividades para distraernos un poco. Si queremos ir directamente a la historia no dura más de 5 o 6 horas pero la idea es aprovechar todo el contenido opcional la duración puede duplicarse fácilmente. Sin ánimos de spoilearles algo, es claro que Ryu Ga Gotoku está tratando de despegarse de la línea clásica de juegos para traer a los personajes de siempre a aventuras nuevas. No se si subirse al tren de los remakes era el mejor camino, pero Dark Ties es un contenido que justifica con creces su inclusión en esta nueva edición.

Sería ridículo sentarnos a enumerar los cambios, lo cierto es que Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties dejó atrás una buena parte de la identidad de Yakuza 3 como entrega individual para transformarlo en una suerte de puente para nuevos usuarios. Aquellos que amamos el original vamos a extrañarlo a todo momento, en especial cuando veamos los cambios Ryu Ga Gotoku realizó sobre el final, pero los que no tengan punto de comparación sólo verán un muy buen juego. Y es que, dejando un poco de lado las comparaciones, Yakuza Kiwami 3 & Dark Ties ofrece una combinación deliciosa entre el drama propio de la saga y sus momentos graciosos, representados fielmente en sus misiones secundarias y minijuegos. Si a esto le sumamos un sistema de combate divertido, un apartado técnico vistoso y una banda sonora legendaria que nos acompaña en todo momento gracias al reproductor de MP3 de Kiryu, el resultado nos deja con un gran juego. Uno que puedo recomendar a todos los nuevos jugadores ávidos por subirse al tren de Yakuza, pero a la vez entiendo si le rompe el corazón a un millón de fans de toda la vida.

Nioh 3 es el nuevo lanzamiento de la exitosa saga de Team Ninja y, lejos de ser un título simplemente continuista, se animó a evolucionar la franquicia al agregarle un mundo abierto y un sistema de combate que varía entre samurai y ninja. Como resultado, tenemos un juego único que destaca por ser tan satisfactorio como desmedido en sus posibilidades.

Uno de los mayores logros de Nioh 3 es ser un juego muy ambicioso que incluyó nuevas mecánicas sin perder la esencia e identidad de su saga. Más allá de todo lo que tiene que tener un juego de Nioh, en este nuevo exponente se siente y se ve toda la expertise del estudio al realizar juegos desafiantes de acción.

Sin querer exagerar, el combate de Nioh 3 es uno de los mejores y más únicos sistemas que se han desarrollado, al menos desde mi experiencia. El modo samurai es lo que todos los fanáticos de la saga ya conocen, un tipo de lucha más sistemático donde podemos utilizar distintos tipos de armas, cada una de ellas con su propio kit de ataques y árbol de habilidades. Asimismo, este tipo de combate tiene tres posturas que también cambian su desarrollo a un estilo más ofensivo, equilibrado o defensivo.

Sin embargo, la gran característica del modo samurai y de Nioh es el pulso del ki que obliga al jugador a tocar un botón en un momento determinado luego de realizar una serie de ataques para recuperar estamina. Esta característica es una de las más diferenciales de la saga y genera un tipo de combate interesante ya que su correcto uso permite hacer combos de todo tipo sin perder energía.

Hasta aquí lo ya conocido, pero, ahora, con tan solo pulsar un botón y sin tiempo de espera, nos podemos convertir en un ninja lo que cambia por completo nuestro kit de habilidades y manera de jugar. En el modo ninja, la agilidad y los ninjutsu pasan a ser nuestros principales aliados. Al igual que en el modo samurai, aquí también tenemos nuevos tipos de armas, cada una de ellas con sus propias características y árbol de habilidades.

De todas maneras, el diferencial se encuentra en que ya no tenemos el pulso de ki sino que luego de cada ataque tenemos la habilidad de realizar un dash sin perder stamina. Esto nos permite realizar una serie de ataques rápidos mientras nos movemos de un lado a otro a una gran velocidad. En este mismo sentido, las posturas del modo samurai se cambian por ninjutsu, artes ninjas de todo tipo que van desde shuriken, kunai y trampas hasta ataques de movimientos y elementales.

Lo que me pareció una gran decisión con respecto a los ninjutsu es que tienen un número limitado de usos pero se recargan cuando hacemos daño, por lo que no es algo que lanzamos y después nos olvidamos de su existencia sino que los podemos usar de manera consistente en las batallas más desafiantes y tienen mucho para aportar según como lo personalicemos.

Esto no es todo, sino que también tenemos guardianes protectores que nos brindan pasivas y ataques elementales, núcleos de enemigos que nos permiten realizar magia e invocaciones durante la batalla, ataques particulares de armas que podemos aprender utilizándolas, habilidades que podemos encontrar en el mapa y equipar, un sistema de títulos que nos permite subir bonificaciones de distintos aspectos y, obviamente, la subida de nivel clásica de los soulslike que tendremos que prestar atención ya que nuestras armas escalan según algunas estadísticas.

Las primeras horas de Nioh 3 pueden ser realmente abrumadoras porque parecen una introducción de un sinfín de mecánicas que no paran de sumarse y todas parecen importantes. A esto se le suma su sistema de loot estilo Diablo donde con tan solo unas batallas nuestro inventario se llena de objetos, armas y equipamientos con un montón de colores y estadísticas que pueden agobiar hasta al más fanático del género.

No niego ni afirmo que jugando al título y, en más de una oportunidad, pensé que ya era suficiente, que no era necesario tanta información y mecánicas. Sin embargo, hay algo que lo cambia todo y es que cuando combatimos todo fluye de manera perfecta. Tanto es así que el mismo combate es el que nos incentiva a querer probar cosas nuevas, cambiar otras y experimentar con estrategias.

En un momento más avanzado del juego y con el aprendizaje de sus mecánicas hecho, te das cuenta que no todo es completamente obligatorio y que según el tipo de jugador que seas podes encontrar la experiencia que quieras. Por ejemplo, en mi caso, en un momento determinado decidí quedarme con un set de armas puntual y focalizarme en personalizar dichas armas y sus habilidades dejando de lado las demás. Asimismo, las invocaciones me parecieron más divertidas que las magias por lo que también opté por quedarme profundizando en esos apartados.

El juego brinda un montón de posibilidades y maneras de combatir y queda en cada uno elegir cuál le queda mejor. Eso sí, algunos elementos son indispensables utilices la estrategia que utilices. Tanto el modo ninja como el modo samurai son estilos de combate que vamos a tener que usar y aprender. Obviamente, estamos ante un juego desafiante y difícil pero que también se las ingenia para darle muchas posibilidades y maneras de juego a los jugadores.

La ambición de Nioh 3 no solo se encuentra en el combate ya que para desarrollar todos estos elementos también se necesita una estructura que lo envuelva y es aquí donde entra el mundo abierto que, desde Team Ninja, definieron como campos abiertos. La historia del juego, que no destaca mucho, nos lleva a resolver distintos conflictos políticos a lo que se le suma una invasión de yokai que pone en peligro el presente y el futuro del país.

Debido a esto, tendremos que viajar en el tiempo para solucionar distintos puntos de conflicto. Esto hace que viajemos a distintas ubicaciones y regiones a lo largo del tiempo que se presentan como mundos abiertos aunque no están conectados de manera directa. Estas zonas tienen regiones con niveles recomendados, misiones secundarias y un montón de eventos a resolver como juntar coleccionables, capturar bases enemigas y desafiar a distintos maestros samurai.

Por más de que el mundo abierto no sea perfecto y tenga algunas cosas negativas como la repetición de enemigos y cosas que hacer, hay algo que sí funciona y es que hace que el farmeo y leveo del personaje se sienta orgánico. También, como estos desafíos ya se vuelven conocidos y cómodos para resolver, funcionan también como una forma de experimentar y probar nuevas maneras de combate que, quizás, contra los jefes principales y más desafiantes no se nos permite.

Más allá de estas zonas abiertas donde pasamos gran parte del juego, la historia principal nos lleva a distintos purgatorios, lugares corruptos por los yokai, donde todo se vuelve más lineal y clásico. En todo momento, Nioh 3 mezcla mecánicas y conceptos que uno imaginaría que debieran ir por caminos separados pero en el producto final terminan funcionando de una manera muy correcta y divertida. Siempre bajo el ala de su combate que hace valer todo.

Finalmente quiero mencionar que si bien artísticamente el juego me gustó mucho, en su apartado técnico se ven algunas limitaciones que me dieron la sensación de qué podría verse un poco mejor. Además, en determinadas zonas y momentos tuve algunos bajones de cuadros por segundo y de rendimiento que no complicaron la experiencia pero sí fueron notorios.

No tengo dudas de que Nioh 3 es y será el juego favorito del año de muchos jugadores. Su impresionante sistema de combate y exageradas posibilidades lo convierten en una entrega única y desafiante. Team Ninja hizo un excelente trabajo al mantener la esencia de los Nioh y sumarle elementos de otras entregas como Rise of the Rōnin, Wo Long Fallen Dynasty y hasta Ninja Gaiden.

La historia de Arco sigue a un chico que descubre que puede viajar al pasado al ponerse una capa de colores. Ese gesto tan simple abre la puerta a un viaje en donde el tiempo, la memoria y las decisiones se unen en una aventura sobre lo que significa crecer y lo que le espera al futuro de la humanidad.

En un momento en donde estamos acostumbrados al estímulo constante y a la animación sobrecargada que apunta únicamente a un público infantil, hay que destacar lo hermoso que es que Arco apueste a un estilo de animación más tradicional.

De hecho, resulta imposible no ver algunos guiños al cine de Hayao Miyazaki en paisajes rodeados de naturaleza y temáticas que tienen algo de la impronta de producciones de Studio Ghibli como Mi Vecino Totoro o Kiki: Entregas a Domicilio. En el marco de su estreno, en Malditos Nerds pudimos hablar con Ugo Bienvenu, que nos dijo que el motivo por el que se decidió por esta tecnología se debe simplemente a que hay más magia en la animación 2D y que la sencillez es la clave para narrar.

Con respecto al género, si bien estamos ante una película de ciencia ficción, Arco no busca crear futuros extraños y alejados del nuestro sino que intenta crear nuestro mismo mundo agrandando los conflictos que ya tenemos, como el del cambio climático.

En definitiva, lo más lindo de estos proyectos independientes es que se puede ver el amor y el esfuerzo de todos los involucrados por ver esta historia en la pantalla grande: Ugo cuenta que invirtió mucho dinero de sus propios fondos durante tres años con oficinas y un pequeño equipo de animadores hasta conseguir una distribuidora para el lanzamiento global de la película. La productora de Natalie Portman (que además pone la voz de uno de los personajes en su versión en inglés) fue la que terminó de apostar por Arco poniendo el resto de la financiación y ayudando a su distribución.

Con una muy merecida nominación al Oscar en el rubro de animación, Arco es una propuesta sumamente original que demuestra que todavía hay espacio para contar historias con personalidad. Por más historias así.

Hablar de Mewgenics es, en esencia, analizar una de las gestaciones más largas dentro de la escena independiente. Tal como diría la señora del Titanic ‘Han pasado catorce años’ desde que supimos de la existencia del juego, tiempo en el que el proyecto pasó de convertirse en una promesa del Team Meat a quedar cancelado, para finalmente renacer desde las cenizas cual Ave Fénix bajo la dirección de Edmund McMillen y Tyler Glaiel. Pero lo que hace que el título se sienta verdaderamente especial no es su tortuoso camino, sino el linaje, ya que es el nuevo trabajo del creador de The Binding of Isaac. Sin embargo, esta obra si bien se mantiene en los márgenes del roguelike se aleja del frenesí de los disparos para abrazar la pausa reflexiva del RPG y la táctica por turnos, ese ‘fósil’ que todavía en 2026 nos sigue dando tantas alegrías.

Mewgenics se siente como el proyecto de una vida, una amalgama de obsesiones sobre la biología, la fealdad y el azar. El juego nos sumerge en la decadencia suburbana de Boon County, un con un encanto peculiar pero sumamente perturbador. Como jugadores asumimos el papel de un criador de gatos en un mundo que parece haberse olvidado de la higiene y la cordura. La historia no se nos entrega en bandeja de plata, sino que se filtra a través de los encuentros con repertorio de NPC estrafalarios y la propia evolución de nuestro hogar. De hecho, hay algo extrañamente conmovedor en la forma en que se trata la supervivencia, ya que se siente como una suerte de crónica sobre el legado y la persistencia en un entorno hostil donde seguimos creando vida en mitad del caos.

La jugabilidad, contrario a lo que puede aparentar, es increíblemente profunda. El juego toca muchos palos y lo hace de forma magistral. Como resultado tenemos un laberinto de decisiones que comienza mucho antes de entrar al campo de batalla. La estructura se divide en dos ‘fases’ perfectamente conectadas: la gestión doméstica y las expediciones tácticas. En casa, el juego se siente como un simulador de vida, muy oscuro y crudo, donde el apartamento en que moran los felinos se convierte en una estructura idónea para la ingeniería genética. En este sentido, el título brilla ya que los gatos no son sólo mascotas, sino recipientes de ADN que viven, comen y se reproducen, para finalmente morir de formas crueles y sin un ápice de gloria.

La profundidad que alcanza este sistema es impresionante. Al comienzo se antoja sencillo, pero conforme avanza la partida puede abrumar un poco, aunque con un magnetismo único cuya fuerza puede mantenernos pegados a la silla por horas. Más allá de los atributos de cada gatito se esconde una lotería biológica donde las condiciones físicas o mentales funcionan como modificadores. No obstante, esto no siempre nos juega en contra, sino que pueden convertirse en variables tácticas. Por ejemplo, un gato con dislexia puede ver los números de daño barajados, y paralelamente poseer una fuerza bruta inigualable, mientras que otro con huesos débiles puede desarrollar ‘espinas’ producto de las fracturas expuestas que se producen al caer en combate.

Esta forma de abrazar estas ‘imperfecciones’ y convertirlas en una herramienta que enriquece el combate es lo que separa a este juego de cualquier otro RPG táctico convencional. Y es que si algo le sobra a Mewgenics es una personalidad única y muy humana que lo impregna todo, incluso las mecánicas de juego. Puede que al principio metamos gatos en la casa sin pensar demasiado en sus características, pero conforme pasan las horas, esta perspectiva cambia. Al fin y al cabo, vamos a tener que decidir qué rasgos potenciar y qué enfermedades o mutaciones estamos dispuestos a tolerar en la próxima generación. Todo con el fin de asegurarnos de que nuestros ‘futuros guerreros’ tengan una oportunidad de sobrevivir en el exterior.

Cuando finalmente sacamos a nuestras criaturas a las expediciones, el juego adopta una estructura roguelike aunque bastante más lineal que lo que estamos acostumbrados a ver en el género. En lugar de contar con múltiples ramificaciones, los mapas se componen de una línea en zig-zag unida por nodos donde vamos a encontrar combates y eventos. Estos últimos, suelen resolverse mediante una suerte de tirada de dados cuya dificultad está determinada por ciertos atributos específicos de cada gato. Dependiendo de ello, el resultado en cada situación puede ofrecernos una recompensa grata o un castigo que puede complicarnos mucho las cosas. Por ejemplo, mirar a un espejo maldito puede causar demencia a uno de los gatos, provocando que durante las batallas ataque a todo el mundo, sin importar si se trata de un enemigo o un aliado.

Respecto al sistema de combate, el mismo es por turnos y presenta una complejidad que bebe directamente de la filosofía de los juegos de cartas coleccionables. El posicionamiento en la cuadrícula es vital, pero la verdadera magia reside en las sinergias. Cada movimiento cuenta y el entorno es un elemento más de la ecuación. Tanto el clima, el estado del terreno como así también los objetos interactuables pueden convertir una derrota segura en una victoria milagrosa. Es un ajedrez sangriento donde la improvisación se vuelve sumamente importante como la planificación previa. Algo que nos recuerda constantemente que, aunque hayamos diseñado al ‘gato perfecto’, el campo de batalla siempre tendrá la última palabra.

El sistema de clases ofrece los típicos arquetipos del RPG, sólo que aquí están definidas por el uso de collares. Al equipar a un felino con un collar de Guerrero, Mago, Clérigo o Arquero (sólo por mencionar algunas de las clases disponibles), no solo vamos a elegir un rol, sino que paralelamente estaremos accediendo a un catálogo de habilidades que parece no tener fin. Por poner un ejemplo, podemos jugar 10 runs con el mismo tipo de personaje y tener una sensación de descubrimiento constante. Cuando parece que lo vimos todo, Mewgenics se guarda una sorpresa bajo la manga. Además, el sistema de progresión permite mezclar cualquier habilidad de diferentes profesiones dando lugar a híbridos bizarros que desafían cualquier lógica de diseño tradicional pero que funcionan bajo sus propias y retorcidas reglas.

Un aspecto a destacar, es la interactividad de los escenarios. Los mapas presentan elementos que podemos aprovechar a nuestro favor con algo de ingenio, pero que también nos pueden complicar mucho las cosas. La hierba alta se quema y propaga el fuego, el agua se congela creando superficies resbaladizas y los escombros se pueden usar como proyectiles. Esta reactividad enriquece cada enfrentamiento y lo convierte en un pequeño ecosistema de causas y efectos. Lo mejor es cuando se logra encadenar el uso de estos elementos con las habilidades de nuestro grupo de gatos. El resultado es una satisfacción táctica que pocos juegos consiguen transmitir con tanta fuerza.

Podría dedicar muchísimas líneas a hablar de los múltiples elementos y las bondades de Mewgenics pero la escala de la obra es, sencillamente, titánica. Completar la historia principal y todo el contenido que el juego tiene para ofrecer puede tomar más de doscientas horas, una cifra que asusta pero que se justifica por la naturaleza procedimental del juego. En este aspecto, reside una de las mayores virtudes, pero también uno de los puntos que -en lo personal- no me terminó de cuajar. Me refiero a que cada nueva partida ofrece la posibilidad de descubrir nuevos aspectos del título y confía en la curiosidad del jugador. No obstante, al llegar al final de un escenario y derrotar al jefe, no tenemos la posibilidad de seguir. Por el contrario, estamos obligados a regresar a los felinos a casa y recién en la próxima partida es que podremos acceder a la nueva zona. Esto es algo que desde mi punto de vista, frena la progresión.

A nivel visual y sonoro, la identidad es inconfundible. El estilo artístico de trazo grueso y sombras marcadas crea una atmósfera de pesadilla caricaturesca que encaja perfectamente con el tono del juego. Es imposible ver Mewgenics y no darse cuenta que McMillen está detrás del proyecto. La música, por su parte, acompaña el descenso a la locura con una mezcla de melodías pegadizas y sonidos inquietantes que refuerzan la sensación de estar en un lugar que no debería existir. Es una experiencia sensorial coherente que logra que incluso lo más repulsivo se nutra de una belleza intrínseca. Una marca de la casa que aquí alcanza su máxima expresión gracias a la fluidez de las animaciones y la expresividad de los gatos.

Más allá de lo técnico, el juego no tiene concesiones para quien busque una experiencia ligera. Es un título muy difícil que demanda de atención, de animarse a experimentar y, sobre todo, de adaptarse al fracaso. Hay algo muy puro en el hecho de que un juego sobre criar gatos deformes sea, al mismo tiempo, una de las piezas de estrategia más pulidas y ambiciosas de un 2026 que recién comienza. Eso sí, está claro que no intenta agradar a todo el mundo. Perder una run significa literalmente perderlo todo: los gatos, los objetos conseguidos y cualquier tipo de progreso. Pero para aquellos que logren conectar con la propuesta, puedo asegurar que se convertirá en una una obsesión difícil de soltar.

La sensación de ‘herencia’ es algo que permea todo el juego, no solo en la genética de los gatos, sino en la propia historia del desarrollo independiente. Mewgenics es un testamento a la paciencia y a la visión artística inamovible de sus creadores. Ver cómo un gato que criamos durante generaciones cae en combate duele de forma real, pero ver cómo su linaje continúa en un cachorro con sus mismos ojos y una nueva y poderosa mutación es lo que da sentido a toda la experiencia.

Mewgenics es una anomalía maravillosa en el paisaje actual de los videojuegos. Es un RPG con una ambición desmedida que logra equilibrar la repugnancia con la ternura y la aleatoriedad con la estrategia más profunda. Tras más de una década de espera, el resultado no solo está a la altura de las expectativas, sino que ofrece una experiencia generacional que, al igual que The Binding of Isaac, va a dar mucho de qué hablar. Es, sin ninguna duda, la obra cumbre de una forma de entender el desarrollo independiente: sin filtros, sin miedo al riesgo y con un corazón enorme latiendo bajo una piel llena de pelos y mutaciones.

Episodios anteriores:

• REVIEW | A Knight of the Seven Kingdoms - Temporada 1 - Episodio 1: Una versión tierna de Game of Thrones
• REVIEW | A Knight of the Seven Kingdoms - Temporada 1 - Episodio 2: La química le gana a todo

Episodio 3: Vuelve Game of Thrones

A Knight of the Seven Kingdoms culmina la primera mitad de su temporada con uno de sus episodios más apasionantes, que sigue con el tono habitual pero que también deja margen para algunas sorpresas que cambiarán un poco el ritmo y el rumbo de esta serie de cara a lo que viene.

Si bien las declaraciones de su showrunner en estos días, donde se declaró que imagina esto como una serie de 12 temporadas me parecen un poco apresuradas, creo que esta miniserie ha logrado generar una ambientación y un desarrollo que le va a permitir crecer a lo largo del tiempo, sin apuro y sin las exigencias que tenía House of the Dragon donde la diferencia entre un episodio u otro podrían ser años.

Dunk y Egg siguen profundizando su relación de caballero errante y escudero mientras que vamos conociendo un poco más de estos personajes. Dunk, por un lado, se empieza a sumergir en la crisis y la dudas por no tener claro quién es, algo que golpeará de lleno a la narrativa de los próximos episodios. Egg, por otro lado, mediante la inocencia de ser un niño, trabaja a corazón abierto respecto a lo que piensa y lo que siente. Esa diferencia entre personajes, cada vez que interactúan, conforma una química que hasta el momento es lo mejor que tiene la serie.

La gran interpretación de este personaje es la de Finn Bennet como Aerion Targaryen, un personaje que ha sido mencionado brevemente pero que en este episodio empieza a antagonizar la serie. Con pocos minutos y unas acciones medidas, entendemos las motivaciones, la personalidad y el peligro que representa para Dunk que un personaje así esté sobre la mesa.

El elenco, que hasta ahora estaba compuesto de personajes secundarios que rodeaban a la dupla protagonista, cada vez va ganando más lugar y se va volviendo una serie mucho más cercana a las conglomeraciones de personajes que significaban las series de House of the Dragon y Game of Thrones. Si bien no considero que esto sea algo bueno en sí mismo, sí ahora me da la sensación de que la serie encaja mucho mejor en el universo y mantiene algo de la esencia, sin perder su tono único.

La revelación de este episodio, aún cuando la serie te deja pistas de que algo del estilo va a pasar, me pareció sumamente sorpresiva y bien ejecutada. No es fácil de hacer en un universo que ya está tan asentado en la cultura popular como lo es Game of Thrones, y el equipo creativo lo ha logrado sobre todo por el ritmo y la trama que han implementado en los primeros dos episodios.

El fruto de eso se vió en este disruptivo tercer episodio, que a su vez, modifica todo lo que sabíamos de la serie de cara a la segunda mitad de la temporada. Un elemento narrativo que, al estar sobre la mesa, convierte esta miniserie en Game of Thrones por un momento y nos recuerda el mundo en el que vivimos.

A Knight of the Seven Kingdoms es una serie que ejecuta bien los planes que tiene. Puede pecar de simple y no apostar a la grandilocuencia que sí hace por ejemplo House of the Dragon, pero en un mundo donde la calidad está constantemente en riesgo y las producciones apuestan por lo más sencillo, creo que esta miniserie trae algo concreto sobre la mesa, y se valora.

La gran incógnita que me queda de cara a los próximos episodios será como la serie puede mantener un balance entre el tono tragicómico que planteó desde un principio y el drama familiar que se posiciona en este tercer episodio. Parece que tendremos una segunda mitad mucho más cruda que la primera, y han logrado que la expectativa se mantenga a flote a lo largo de los episodios.

Dragon Quest es una saga legendaria del género JRPG reconocida tanto por sus exponentes como por el trabajo de Akira Toriyama en el diseño de muchos de sus personajes y monstruos. Este 5 de febrero es el lanzamiento de Dragon Quest VII Reimagined, una remake de la séptima entrega del título que salió para PlayStation en el año 2000. Cabe destacar que este título ya tuvo una remake lanzada para Nintendo 3DS pero, esta vez, llega con un cambio total en su diseño artístico y retoques en su historia y jugabilidad.

Dragon Quest VII es reconocido popularmente por sus fanáticos por ser una entrega que tiene mucha duración, incluso para un género acostumbrado a eso. Por este motivo, una de las cuestiones que más llamó la atención fue cuando se anunció la decisión de retirar algunas islas de su aventura y añadir otros contenidos para traer la experiencia a los tiempos que corren actualmente.

Siempre es importante señalar en estos tipos de análisis desde dónde se parte y debo decir que, por más de que soy un entusiasta del género, no jugué al título original por lo que mi experiencia con Dragon Quest VII Reimagined es la de alguien nuevo en el título y no podría brindar un juicio de valor comparándolo con el juego original sino más bien, sobre cómo fue jugar a esta entrega por primera vez en 2026.

A grandes rasgos, disfruté mucho de jugar Dragon Quest VII Reimagined y, si tengo que destacar un solo apartado, es su estilo artístico. La esencia principal del juego es vivir una aventura en toda regla y los gráficos 3D que simulan ser un diorama calzan perfecto en un juego lleno de color donde nunca dejé de estar sorprendido con lo bonito que luce su mundo, sus islas, los personajes y las cinemáticas.

La historia nos pone en la piel de un jóven hijo de pescador que, junto a su amigo y amiga de la infancia, se embarcan en una aventura que termina definiendo el futuro del mundo. Al momento de comenzar la aventura, el mundo que nos presenta el juego consta de una única isla donde se encuentran nuestros protagonistas. El pescador del pueblo, el padre del protagonista, pasó toda su vida pescando en diferentes rincones del océano y nunca encontró ninguna otra tierra.

Sin embargo, la curiosidad de nuestra simpática tripulación los lleva a resolver los misterios de un santuario y a encontrar diferentes fragmentos de tablillas que, al reunirse, dan acceso a un mundo nuevo. De esta forma, se generan unos portales que nos llevan a distintas islas en el pasado. Cada una de ellas tienen alguna problemática puntual que nuestro héroe y sus amigos buscarán resolver.

Una vez que salvamos a cada pueblo en el pasado, regresamos al presente y nos encontramos que dicha isla emergió. De esta forma, la mecánica principal de Dragon Quest VII Reimagined consiste en viajar al pasado para explorar y salvar islas para restaurarlas en el presente y volverlas a explorar para conocer sus cambios e historia. El mundo que estaba conformado por una sola isla se termina agrandando mucho con el paso de la aventura.

La narrativa nos lleva siempre por dos caminos diferentes. Por un lado, las historias y problemáticas independientes de cada isla que encontramos y, por otro, una historia principal que se cocina a fuego lento que explica el por qué tantas islas tuvieron una tragedia en el pasado que las borró de la existencia. Desde ya, algunas historias son mucho más interesantes y están mejor desarrolladas que otras pero siempre es atractivo visitar cada una de ellas y conocer sus problemas.

Algo curioso que ocurre con Dragon Quest VII Reimagined es que tiene traducción a español de latinoamérica y me encontré con que muchas de las islas tienen su propio regionalismo cambiando por completo el tipo de diálogo y términos utilizados en cada isla. Incluso, en una de ellas se encuentra Argentina donde la traducción hace mucho uso de terminologías como “che”, “pibe” y hasta menciones recurrentes al mate y choripan.

Saliendo del apartado narrativo, Dragon Quest VII Reimagined es una JRPG por turnos hecho y derecho y muy clásico en su propuesta. Más allá de los cambios en el apartado visual y actualización de sus mecánicas para hacerlo menos frustrante con la posibilidad de realizar combates automáticos y sacando los combates aleatorios, sigue siendo un título perteneciente al género con todo lo bueno y malo que se le pueda achacar.

Por este motivo, los jugadores que sepan que el JRPG por turnos no es su género favorito, éste no va a ser la excepción mientras que quienes son aficionados del género y no tuvieron experiencia con este título, se pueden encontrar con un juego visualmente precioso, una historia que se cocina lentamente y que presenta personajes e historias con mucha personalidad.

Eso sí, es un juego que al principio puede resultar lento ya que toma esta idea de mundo e historia que se presenta pequeña y que va escalando y escalando hasta que se unifica en algo mucho más épico y abarcativo. Incluso, muchas de sus mecánicas principales como la combinación de jobs entre personajes se desbloquean recién pasadas las 10 horas de juego dando comienzo a combates más tácticos y con mayor profundidad.

Sobre este punto quiero mencionar que completar el juego me llevó alrededor de 40 horas en la dificultad normal y, en toda la aventura, no tuve ningún tipo de sobresaltos en cuanto a la dificultad. Por más de que en el último tramo de Dragon Quest VII Reimagined los enemigos son más temibles, los pude sobrepasar de manera tranquila sin mucho exceso de grindeo y armando en equipo equilibrado en sus jobs.

Dragon Quest VII Reimagined no es un juego que quiera ser restrictivo en su puerta de entrada y se nota en su linealidad ya que los objetivos principales como la ubicación de los fragmentos de la tablilla se nos muestra en el mapa. Asimismo, el selector de dificultad nos permite personalizar la partida cambiando el daño que hacemos, el oro y la experiencia que recibimos y hasta la fuerza de los enemigos por lo que la experiencia se puede amoldar bastante a cada jugador.

Entiendo que la linealidad en las misiones puede ser algo molesto para los fanáticos del juego original ya que saber a dónde debemos dirigirnos quita cierta exploración obligatoria. De todas maneras, yo no lo sentí como algo negativo sino más en sintonía con lo que esta reimaginación busca ser. Aún sin ser obligatorio o sin estar perdido, hablé con la mayor cantidad posible de NPCs en todas las islas simplemente porque quise conocer más de cada lugar.

Dragon Quest VII Reimagined es un título que disfruté mucho, que enamora con su apartado gráfico y que nos presenta una aventura de fantasía donde hacemos el camino del héroe y, si bien algunas historias son más serias y crudas que otras, la esencia central de la entrega es presentar un mundo bonito, esperanzador, y, quizás, hasta un poquito ingenuo. En esa mezcla entre la oscuridad que acecha el mundo, la bondad y la perspectiva de los niños protagonistas con su pureza y curiosidad es donde Dragon Quest VII encuentra su esencia.

Después de años de sequía en cuanto a nuevas iteraciones de la franquicia Silent Hill, Konami decidió que la década del ‘20 sería el regreso triunfal de la franquicia. Ya hace más de tres años que hicieron el evento virtual donde anunciaron que volvería, y la mayor parte de los videojuegos anunciados en ese día ya están en el mercado. Pero ese día no solo se anunciaron videojuegos.

Silent Hill en el cine es una experiencia complicada. La primera película del 2006 intenta adaptar de la mejor manera posible lo ambiguo y metafórico de muchas de las cuestiones que atraviesan a Silent Hill, y lo logra, aun con sus fallas. La segunda película, del 2012, directamente elimina todo lo bueno que se hizo en esa primera interacción y ofrece una de las peores adaptaciones de videojuegos al cine. Por eso, cuando se anunció esta nueva película, la expectativa era moderada: volvía Silent Hill al cine. La idea de borrar esa secuela del “canon”, de adaptar el segundo videojuego (de los más queridos) y de volver a traer al director de la primera película parecían buenas decisiones en pos de dar un paso al frente y confirmar que Silent Hill es una historia a contar en varios lenguajes.

En esta nueva adaptación estaremos en la piel de James Sunderland (Jeremy Irvine), quien ha sufrido una pérdida sumamente importante y se encuentra todo el tiempo con una fuerte alteración de la realidad y con la motivación de regresar constantemente a Silent Hill. Explicar mucho más de la trama sería arruinar un poco el chiste, ya que gran parte de la adaptación intenta desordenar el orden de los hechos para que el espectador pueda ir reconstruyéndose en su cabeza.

Debo decir que de las cosas que más aprecio de esta adaptación son ciertos guiños a momentos específicos del juego, que intentan ser lo más fieles a la obra original y muchas veces están calcados uno con el otro. La primera película de Silent Hill brilla por separarse de la obra original y lo hace bien, pero en este caso, la misma estrategia no funcionó. Todo lo que se va de Silent Hill 2 parecería estar hecho a medias.

La película falla en varios frentes. Hay una manera de contar la historia lenta y confusa, con una intencionalidad de dejar puertas abiertas pero la mayor parte de ellas terminan cerrándose. Hay escenas enteras dedicadas a explicarle al espectador qué es lo que ve, incluso cuando en el juego gran parte de su encanto es dejar esos interrogantes. Creo que donde más falla esta película es en intentar ser algo nuevo: Silent Hill 2 era una historia fenomenal, y no hace falta explicar más nada para que tenga su encanto.

A su vez, se introducen un montón de narrativas para intentar enganchar esta película a lo que fueron las anteriores dos, con una temática de sectas y abuso de poder, abuso familiar que no terminan de encajar en el esquema general, y al final de la película parecieran no tener sentido alguno. Sacarlas de la trama no hubiera afectado en absolutamente nada al espectador. No tienen propósito de estar.

Hay una búsqueda concreta de convertir a la película en videojuego y muchos planos responden a estímulos que habitualmente vemos en apartados lúdicos. Me parece valorable la idea de intentar aplicar algo así en pos de la misión de “adaptar” un videojuego a película, pero como espectador de cine, muchos de ellos resultan raros y hasta fuera de contexto respecto a la acción que intentan plasmar.

Si bien es cierto que hay algunos planos puntuales o situaciones que me parecieron una búsqueda interesante, hay algo que también te saca un poco de la película: los efectos se ven raros. No solo el CGI -que es muy básico y por momentos no pareciera de una película de alto presupuesto- sino que hay una gran parte de efectos prácticos que no llegan a buen rumbo.

Terror en Silent Hill: Regreso al Infierno es una experiencia fallida. Tiene algunos atisbos de buenos momentos, más que nada relacionados al ojo de Christopher Gans y a continuar el trabajo realizado en la primera película del 2006, pero en general, la mayor parte de las ideas que tiene se ejecuta de una manera que no deja contento ni al que ve la película por los juegos, ni al que ve sin tener información previa.

Más allá de esto, tiene algún que otro momento de entretenimiento y para pasar el tiempo puede rendir. El problema es que justamente Silent Hill es una franquicia que no está planteada para pasar el tiempo: es para reflexionar, para encontrar los mensajes detrás de lo que vemos, para entender mejor a los personajes y así entender mejor sus traumas, que pueden ser similares a los nuestros. Nada de eso está en la película.

Marvel hoy es un multiverso de posibilidades. Entre series animadas, series que apuntan a un formato televisivo clásico, series de streaming, películas chicas, películas de evento, colaboraciones con LEGO, hay cientos de contenidos que atraviesan el año con el logo de Marvel en su introducción. Eso, a mi forma de ver, es bastante bueno: Marvel, como históricamente lo fue, no es sinónimo de Universo Cinematográfico.

Marvel es mucho más, y la cuota de positividad que trajo el desgaste de ese universo es que obligó a Disney y Marvel Studios a repensar su estrategia y entender cómo pueden pasar de página para ofrecer algo nuevo con personajes que ya cuentan con más de 100 años. Wonder Man es una de las respuestas posibles a ese interrogante.

Para empezar, Wonder Man cuenta con un arma de doble filo. Una ventaja en pos de su narrativa y una desventaja en base a su audiencia: es un personaje completamente desconocido. La mayor parte de la gente que disfruta del UCM, universo donde esta producción está asentada, no sabrá quién es, cuáles son sus poderes ni qué conexión tiene con el resto de las producciones. La parte positiva de todo eso es que Wonder Man, como muy pocas producciones en esta franquicia, demuestra constantemente la absoluta libertad creativa con la que se hizo.

Es una serie que tiene alguna que otra conexión, sobre todo por el personaje de Trevor Slattery (interpretado por Ben Kingsley), que ya ha participado en Iron Man 3 (2013) y Shang-Chi (2021), pero podría ser una serie que nunca más vuelva a mencionarse y funcionaría de la misma forma. Es autoconclusiva, profunda y tiene la intención de ser una serie que sobrepasa el tópico de los superhéroes para ser un drama introspectivo.

Wonder Man cuenta la historia de Simon Williams (Yahya Abdul Mateen II), un actor meticuloso que intenta ganarse la vida en un Hollywood que cada vez consume más y más a la humanidad de las personas que forman parte de él. En ese proceso, se va a encontrar con el personaje de Trevor Slattery, un actor conocido por haber interpretado al Mandarín como terrorista y que intenta borrar ese pasado. Juntos van a audicionar para ser Wonder Man, una película sobre un superhéroe que marcó la vida de los dos por igual.

Una mención especial para el protagonista de la serie, que no solo tiene una sólida interpretación sino que es muy diferente a los personajes que solemos ver en Marvel. Es un actor que ya ha interpretado a Black Manta en Aquaman y a Doctor Manhattan en la serie de Watchmen, así que lo tenemos bien localizado dentro del universo superheróico, pero a mi parecer sin duda esta es su mejor versión e interpretación al frente de una producción de este estilo.

Sin duda, lo más interesante de esta serie es el tema que toca y la autocritica profunda que hace, incluso por momentos, al mismo Marvel Studios. Wonder Man es una carta abierta hacia Hollywood, con amor y con resentimiento, destacando lo bueno y lo malo que sucede dentro de una industria que hace tiempo se volvió mucho más de lo que quiso ser en un principio.

En ese intermedio están los personajes. Simon Williams tiene una travesía personal: su pasión reside en una profesión en la que él, en los papeles, no podría estar. Su superpoder no se lo permite. Similar a lo que sucede con Hulk, las emociones le juegan en contra y atentan contra la seguridad de quienes lo rodean, pero es a su vez esas mismas emociones las que tiene que poner en juego para hacer lo que ama.

El personaje de Trevor oficia de conexión con el resto del MCU, se le da cierre a una de las más polémicas decisiones de la historia de esta saga que fue convertir al Mandarín en, básicamente, un payaso. Se carga de emotividad al personaje y la actuación de Ben Kingsley le sube un montón de nivel a esta serie para darnos de los momentos más crudos que hemos visto en cuanto a relación de personajes.

Más allá de todo esto, me encontré con varios conflictos internos a la hora de ver Wonder Man. En un primer lugar, la estructura de la serie es muy extraña. Hay episodios destinados a hacerte entender cosas puntuales, con tramas que nunca se vuelven a retomar. Hay personajes desaprovechados, e innecesariamente hay una resolución que queda abierta cuando todo lo cerrado había sido con moño y de una manera espectacular.

No me parece que Wonder Man esté dentro de las mejores series que ha hecho Marvel, pero sí me parece que es una serie lograda y muy diferente, lo cual se valora muchísimo en este desierto ideas que se ha transformado Marvel en los últimos años. Se nota mucho la intención de volver a las bases y de intentar ofrecer cosas frescas, y en muchos rubros, como en la animación, lo están logrando. Solo falta afilar su arma más potente.

Lo próximo de Marvel en acción real será la segunda temporada de Daredevil, el especial de The Punisher, la serie de Vision y, por último, Avengers: Doomsday. Hay pocas cosas comparado con los años anteriores, pero creo que es un respiro necesario. Wonder Man fue la primera aprobación del año, ahora solo queda que mantengan este nivel de calidad para todo el resto de sus producciones.

Episodios anteriores:

• REVIEW | A Knight of the Seven Kingdoms - Temporada 1 - Episodio 1: Una versión tierna de Game of Thrones

Episodio 2: La química le gana a todo

Ya estamos en la segunda semana del regreso al ritual de los domingos donde Game of Thrones inundaba la pantalla de millones de televidentes en el mundo. Es quizás una de las pocas franquicias que pueden mantener el aura de la TV tradicional y ofrecer una serie semanal en un formato que no necesariamente está relacionado al streaming.

A Knight of the Seven Kingdoms aún sigue cimentando sus bases, mostrándole a su audiencia las cartas que tiene para jugar y demostrando por qué es una buena idea volver nuevamente a este universo en un tiempo y un lugar que nada tiene que ver con la batalla que Jon Snow dio en su momento. Como primera conclusión, creo que este segundo episodio es un paso al frente respecto a todo lo bueno que habían presentado en el anterior y dejó la expectativa alta de sí esta serie puede ser aún más.

Un gran punto a favor de este episodio es el crecimiento de la relación entre los dos protagonistas. En el anterior capítulo, no habían compartido tanto tiempo en pantalla y también en cierto punto ofició de introducción para ambos, de manera separada. Había que poner expectativas y objetivos sobre la mesa.

Este episodio transcurre todo el tiempo entre el intercambio de versiones y visiones que tienen los dos personajes, tan distintos entre sí pero tan cercanos en ciertos puntos específicos. Pasan de la comedia al drama en su compañerismo y el guión encuentra la manera de centralizar la historia en eventos que suceden alrededor de esta dupla.

Si hay algo más que caracteriza a este segundo episodio es la introspección de los personajes y el inicio del viaje de cada uno de ellos, más allá de ambos ser protagonistas. Dunkan empieza a mostrar un lado dramático, nostálgico e incluso conflictivo con sí mismo, respecto hacia dónde va, de dónde viene y quién quiere ser. Que el personaje tenga ansiedad por lo que va a enfrentar en los próximos capítulos es sumamente humano, y sus miedos trascienden la pantalla para llegarnos a nosotros.

Por otro lado, de Egg hay que destacar la actuación. Este episodio se roba las carcajadas, las risas y casi todo el encanto ya que parece directamente sacado del libro. Con muy poco tiempo en pantalla, el joven actor Dexter Sol Ansell logra hacernos encariñar con un pequeño niño calvo que sólo quiere conocer el mundo y, desde su inocencia, hace que todo se vea mucho más sencillo de lo que es.

Hay algo para mi disruptivo en la forma de presentar esta serie a la audiencia que siempre vió Game of Thrones: es radicalmente lo opuesto. El drama no prima por sobre la comedia e incluso por sobre lo bizarro, y las producciones mega multimillonarias quedan muy lejos de un proyecto “tranquilo” como puede ser A Knight of The Seven Kingdoms. Todo en esta miniserie te invita a conocer un costado nuevo, diferente, y eso puede tentar o no.

Si no es esta, no hay muchas más formas de ampliar Westeros a un mundo que no sea símil continuación o precuela de lo que fue la serie madre. House of the Dragon sufre mucho de la comparación por ese mismo motivo, más allá de sus propias fortalezas y debilidades. Me cuesta comparar esta nueva entrega ya que la propuesta, desde el inicio, es sumamente diferente.

Este episodio confirmó todo el trabajo realizado y dejó la puerta abierta a un desarrollo aún más grande e introspectivo en esta segunda temporada. No tengo dudas de que esta dupla nos dará muchas alegrías domingo tras domingo, y es bueno saber que una versión diferente de Westeros puede ser adaptada con eficacia a la pantalla chica.

El próximo episodio promete agarrar algunos conceptos más dramáticos que se han introducido esta semana y seguramente será bastante distinto a lo que hemos visto hasta ahora, así que la expectativa por este caballero errante y su escudero está más viva que nunca.

Grotesca, adictiva, superficial y excesiva. Así es la producción de Ryan Murphy que cuenta con 11 episodios de media hora sumamente entretenidos pero que terminan siendo tan superficiales como la premisa que propone.

Después de la fallida primera temporada de All is Fair, esta suerte de thriller dramático de horror vuelve a las temáticas recurrentes de su realizador, con personajes obsesionados con el sexo y la búsqueda de la belleza sin importar el costo.

En Belleza Perfecta (The Beauty), cuando varias supermodelos internacionales comienzan a morir de una forma misteriosa y extremadamente violenta, los agentes del FBI Cooper Madsen (Evan Peters, Monster) y Jordan Bennett (Rebecca Hall) descubren una conspiración que amenaza el futuro de la humanidad. La investigación los lleva directamente a la mira de The Corporation (liderada por Ashton Kutcher), quien no se detendrá ante nada para proteger su imperio multimillonario.

Es imposible no sentirse atrapado por una premisa que incluye elementos fantásticos dentro del marco de una investigación policial en busca de desenmascarar una compañía corrupta. El problema es que la serie no consigue indagar demasiado en los conflictos ni en el desarrollo de sus personajes y después de su tercer episodio empieza a quedarse sin ideas.

La serie pierde demasiado tiempo en mostrarnos las transformaciones estéticas de sus personajes secundarios o en la reiteración de diálogos sobre las obsesiones de los protagonistas por el deseo carnal. Entendemos que estamos ante una sátira y que se quiere reforzar el concepto de que en el fondo todos somos seres primitivos, pero la reiteración excesiva de ciertos conceptos hace que se pierda el efecto buscado.

El elenco es uno de los aspectos mejor logrados: por un lado el guiño a la incorporación de la inigualable Isabella Rossellini, quien interpretó a la dueña de una poción para no envejecer en La Muerte Le Sienta Bien. Lo mismo con los cameos y apariciones de algunos de sus actores fetiches y la elección de Evan Peters (por primera vez haciendo del bueno de sus historias) y de Rebeca Hall como una dupla del FBI convincente y atractiva.

Al final, Murphy nos entrega una serie completamente adictiva (realmente no podés parar de verla) pero que termina fallando en la reiteración de su discurso.

Se hablará de Game of Thrones por décadas. Aún con su polémico final, que enojó a muchos y contentó a pocos, esta serie terminó siendo un antes y un después para la televisión, convirtiéndose en un fenómeno que a día de hoy tiene repercusiones varias. Una de ellas es la falta de conclusión en su saga original. Otra, las enormes batallas en internet por los fallos de ese final tortuoso allá por el 2019. Aún más: la expansión de este universo hacia horizontes más allá.

Post pandemia pudimos tener las primeras dos temporadas de House of the Dragon, una serie muy en línea con el tono de la original que buscaba oficiar de precuela, con varias conexiones entre ambas obras. Todavía estamos a la espera de la temporada final de aquella serie, pero para esperar, HBO nos regala un nuevo vistazo al universo de Westeros: A Knight of the Seven Kingdoms.

Esta nueva historia cubre las aventuras de Dunk y Egg, dos personajes que aún no conocemos del todo, pero con quienes ya nos encariñamos. Dunk es un caballero errante, un personaje no convencional para este universo, de quien todos se burlan y con un fisico exagerado que le genera problemas y torpezas todo el tiempo. Egg, por su cuenta, es un niño muy elocuente que desea ser escudero y recorrer Poniente viviendo aventuras.

La química de los dos personajes, interpretados por Peter Claffey y Dexter Sol Ansell, es esencial desde el minuto uno y es lo mejor adaptado del libro original. Todo es tierno y nos invita a quedarnos enganchados en la pantalla para proteger a toda costa a estos personajes que son frágiles en un mundo sumamente hostil.

En esta serie, el espacio temporal es anecdótico. Sí, es otra precuela de Game of Thrones, pero no tiene ningún sentido compararla. Tiene otra intención, otro tipo de personajes, otro tipo de historia y no busca, por el momento, aumentar el lore ni complementar la narrativa que ya conocemos. Es una historia más que autosuficiente que busca recortar un fragmento de la vida de dos carismáticos personajes que sobrepasan a su tiempo. Los protagonistas de esta serie son sumamente humanos, y comprenderlos nos hace más humanos también.

Si tuviese que elegir un tema central a través de la narrativa del primer episodio, me quedo con la empatía. Es muy fácil reconocernos con Dunk en diversas situaciones sociales, aún cuando su universo es medieval y corre por un lado completamente opuesto a nuestro modernismo. Egg sin aparecer mucho es un personaje carismático del cual queremos saber más, y solo ha dicho un puñado de frases.

Debo decir que por momentos me desconcertó lo exagerado de ciertos gags y momentos que buscaban ser graciosos. Personajes que ya son cómicos de por sí no necesitan tener escenas armadas fuera de su contexto para dar gracia y mucho menos repeticiones de chistes básicos. En algunos momentos, sentí que esto estaba fuera del registro del resto del capítulo y me sacó un poco de la ficción.

En contraposición, el valor de producción es muy bueno y ver esta serie es automáticamente entrar en el universo de Game of Thrones. La esencia sigue intacta y eso es valorable, aunque HBO suele fallar poco en este ámbito y nos tiene acostumbrados a grandes proyectos de gran escala.

No sabía que me iba a encontrar con esta miniserie y terminé sumamente convencido. Me animo a decir que esta es la dirección correcta para el universo de Game of Thrones: historias distintas con personalidad propia. Ya no hace falta hacer referencias a los Targaryen y lo que pasará en 100 años, solo queda disfrutar un rato el paseo por Westeros.

A Knight of the Seven Kingdoms tendrá solo 6 episodios y se espera que cubran uno de los relatos que tiene el libro homónimo. Habrá que esperar y ver si este tipo de narrativas, y su posible continuación, mantienen el ritmo y el carisma necesarios para que los espectadores compren esta nueva aventura.