Afrika Bambaataa, considerado uno de los principales pioneros del hip-hop, falleció el jueves en Pensilvania a causa de un cáncer de próstata, según informó su abogado. Tenía 68 años.

La repentina muerte de Bambaataa provocó una oleada de condolencias de amigos, familiares y fans de todo el mundo, quienes rindieron homenaje a su profundo e inconfundible impacto en uno de los géneros musicales más populares y políticamente influyentes del planeta. Sin embargo, otros han señalado que su influencia se vio empañada en los últimos años tras las acusaciones de abuso sexual presentadas por numerosos hombres que lo conocieron en su infancia.

El rapero y productor es conocido sobre todo por temas que lo catapultaron a la fama, como Planet Rock de 1982, y por fundar el colectivo artístico Universal Zulu Nation.

“El hip hop nunca volverá a ser lo mismo sin él, pero todo lo que es hoy en día se lo debemos a él. Su espíritu vive en cada ritmo, en cada improvisación y en cada rincón de este planeta que tocó”, escribió su agencia de representación, Naf Management Entertainment, en un comunicado enviado por correo electrónico el martes.

El lugar de nacimiento del hip hop

Bambaataa era Lance Taylor, nacido en 1957 en el sur del Bronx, y creció en una época en que el barrio neoyorquino se deterioraba rápidamente tras una creciente segregación y años de abandono económico. En las décadas de 1970 y 1980, los propietarios incendiaban edificios de apartamentos para cobrar las indemnizaciones de los seguros en lugar de invertir en reparaciones, dejando a familias de bajos ingresos, en su mayoría puertorriqueñas y negras, sin oportunidades socioeconómicas.

Bambaataa tenía ascendencia jamaicana y barbadense, y fue criado por su madre en un complejo de viviendas públicas de bajos ingresos, según una entrevista que concedió a Frank Broughton en 1998. Desde muy pequeño, tuvo contacto con la música gracias a la colección de discos de vinilo de su madre.

La habilidad para reutilizar y mezclar viejos éxitos se convirtió en uno de sus sellos distintivos en las fiestas que empezó a organizar en centros comunitarios del barrio a principios de la década de 1970, según declaró Bambaataa en la entrevista. Se inspiró profundamente en la obra de Kool Herc, a quien a menudo se considera el padre del hip-hop.

Las fiestas donde pinchaba música ganaron gran popularidad a lo largo de la década y hasta bien entrados los años 80, cuando lanzó una serie de temas electrónicos que contribuyeron a dar forma a los florecientes movimientos de hip-hop y electro-funk. También fue uno de los primeros DJs en utilizar breaks de ritmo, incorporando la icónica caja de ritmos Roland TR-808.

“Poníamos de todo, todo lo que era funky”, dijo. Luego añadió que lo que diferenciaba sus fiestas era que “otros DJs ponían sus mejores discos durante quince o veinte minutos. Nosotros los cambiábamos cada minuto o dos. No podía dejar que ningún breakbeat durara más de un minuto o dos”.

En aquel entonces, Bambaataa declaró en entrevistas anteriores que aprovechó su afiliación con la pandilla callejera local Black Spades para formar un grupo al que llamó Zulu Nation, en referencia a un grupo étnico sudafricano que le sirvió de inspiración. Su lema acabó siendo conocido como “paz, amor, unidad y diversión”, y afirmó que buscaba utilizar la creciente popularidad del hip-hop para resolver los conflictos entre pandillas locales.

Más tarde, Bambaataa cambió el nombre a Nación Zulú Universal para indicar la inclusión de “todas las personas del planeta Tierra”.

“En esencia, nuestra música hacía que la gente se sintiera parte de un movimiento, no solo de un momento. Nuestra música le ofrecía a Hope algo positivo en lo que creer, les daba identidad, unidad y una salida”, escribió Ellis Williams, un productor conocido como Mr. Biggs, en un correo electrónico a la AP. Mr. Biggs fue miembro del grupo Afrika Bambaataa y de Soulsonic Force, del que también formaba parte Bambaataa.

Acusado de abuso sexual

En los últimos años, numerosas personas han acusado a Bambaataa de abuso sexual.

En 2016, Ronald Savage, activista político del Bronx y ex ejecutivo de la industria musical, acusó a Bambaataa de haber abusado de él en 1980, cuando Savage era un adolescente.

“Tenía miedo, pero al mismo tiempo pensaba: ‘Este es Afrika Bambaataa’”, declaró Savage a la AP en 2016. En aquel entonces, recordó con detalle ese encuentro y otros cuatro que, según él, le siguieron.

Bambaataa ha negado rotundamente esas acusaciones.

Después de que Savage hiciera públicas sus denuncias, muchos otros hombres se presentaron para compartir experiencias similares sobre Bambaataa. En junio de 2016, la Nación Zulú Universal publicó una carta pública disculpándose con “los sobrevivientes de aparente abuso sexual por parte de Bambaataa” y afirmando que algunos miembros del grupo sabían del abuso pero “eligieron no revelarlo”.

“Pedimos disculpas más profundas y sinceras a las muchas personas que han resultado heridas”, escribió la organización.

Fuente: AP

Sin embargo, algo ha cambiado en BALANCE, el nuevo y monumental álbum de 27 canciones que el artista está lanzando en partes durante este mes de marzo. “Este disco ha sido la excusa para volver a sentirme como al principio. Quería recuperar esas ansias, esos nervios, y por eso me metí en un proyecto tan grande y diferente”. No esconde que ha sido un proceso largo y duro, pero se muestra satisfecho. “Ha merecido la pena totalmente, y además mi gente tiene muchas ganas de escucharlo: lo entienden como algo especial y por ahí hemos cumplido”.

Además, el propio nombre de BALANCE indica el momento vital en el que llega el disco de El Chojin. “Estoy haciendo balance de toda una carrera, pero, por otro lado, también hago referencia a algo que llevo buscando toda la vida: una solución a la lucha entre lo que quieres hacer y lo que debes hacer, lo que está bien y lo que está mal, lo que te apetece y lo que no te apetece”. Varias décadas de carrera, donde ha conocido el éxito, pero también el lado más duro y realista de la música, son más que suficientes para concluir: “El equilibrio es la zanahoria que te hace avanzar, pero no existe realmente”.

“La vida es como es, no como nos gustaría”

“Entre los tropiezos y el avance, p’alante”, empieza diciendo El Chojin en la primera canción del disco. Con esa fuerza es con la que él y el resto de pioneros del rap en España provocaron un auténtico terremoto en la industria musical. No contaban con el glamour de las estrellas del pop, pero contaban con algo más: “A nosotros siempre se nos ha acusado de tener un ego muy grande, pero era inevitable que lo tuviéramos: nosotros nos vendemos a nosotros mismos, de modo que si te aplauden, te están aplaudiendo a ti, no a un personaje”.

Para él, lo más importante en alguien que rapea es la sinceridad; luego va el estilo. “Muchas veces la gente confunde el rap con poder vivir de la música y no es así. Para mí, el éxito en el rap es ser capaz de haber encontrado un lugar en el que te sientes cómodo”, reflexiona. El rapero es alguien que tiene algo que contar, y que ha encontrado en el beat y en los versos la mejor forma de hacerlo. “No hay ningún rapero que haya funcionado que no sea fácil de reconocer de primeras. La personalidad es la que va a hacer que enganches. Hay gente que no tiene personalidad, y hay gente que sí y aun así no tiene la suerte de poder llegar a la gente. La vida es como es, no como nos gustaría”.

Tampoco lo es para quienes consiguen llegar a lo más alto. Basta con escuchar a El Chojin en otro tema de BALANCE, Estamos Fatal: “Si eres normal, es porque algo habrás hecho mal en mi clan; puedes ver que estamos fatal, no hay un solo rapero sin temas de salud mental, aquí nadie está cuerdo”. Preguntado por los momentos más duros de su carrera, el músico habla del contraste entre las cifras y las ambiciones, de los contratos con trampa firmados por falta de experiencia, de todo lo que uno sacrifica a nivel personal. “Pero si tuviera la oportunidad de volver a empezar, volvería a pasar por los mismos problemas si eso me garantizara llegar a donde estoy”.

“Con este disco he aprendido algo que debería aprender antes”

BALANCE es, pues, la celebración de toda la pasión que El Chojin siente por el rap. “A nivel artístico, es lo mejor que he hecho”, asegura. “Nunca he trabajado con tanta gente tan buena, ni he tenido la capacidad que tengo ahora de comunicar”. Con esto último, se refiere al entrenamiento al que cada día se somete para mejorar. “Si no estoy entrenando el cuerpo, estoy entrenando la cabeza”, cuenta. “No quiero permitir creer que no merezco lo que la gente me da: tengo que estar seguro de que lo que le ofrezco a la gente es lo mejor que tengo. Si no, me siento un impostor”.

Más de 30 artistas de 12 países diferentes participan en el álbum, lo que resulta en una mezcla de géneros musicales (desde el rap clásico al afrobeat o el pop) y temáticas. “Cuadrarlo todo ha sido un bendito problema”, reconoce El Chojin. “Con este disco he aprendido, y debería haberlo aprendido antes, el enorme valor de la gente que trabaja en producción. Los artistas llegamos y lo tenemos todo hecho: llegas al hotel y está reservado, llegas a la sala y en el camerino ya está lo que vas a comer y beber. Pero todo se tiene que hacer, y en este caso he tenido que hacer yo gran parte de la producción porque quería trabajar de artista a artista”.

El resultado, “mejor incluso de lo que esperaba”, según él mismo, es un viaje por distintos estados de ánimo. De la autoexigencia y las ambiciones del rapero se transita a las relaciones personales; de ahí, a un bloque de puro rap que da paso, finalmente, a una parte con canciones de temática más social. “No hay tanto mensaje social como lo habría habido de haber escrito el disco ahora. Han ocurrido muchas cosas en los últimos dieciocho meses que se han quedado fuera. Pero bueno, tendré que hacerme otro”, ríe.

“El rap es un mundo muy hostil”

La exigencia para producir Balance ha sido máxima, pero lo cierto es que El Chojin parece haber siempre trabajado en esos términos. “Tengo un montón de problemas en mi cabeza por el grado de exigencia”, admite. “Además, es absurdo, porque la meta es inalcanzable. Me convenzo a mí mismo de que la gente espera algo grande de mí, así me obligo a no decepcionarlos intentando darles eso que, en realidad, nadie me ha pedido, pero yo quiero convencerme de que sí”. El rapero también reconoce que este tipo de cuestiones le han quitado el sueño muchas veces: “Me hace tener problemas de ansiedad con los que, bueno, convivo de la mejor manera posible”.

Eso sí, su obsesión con darlo todo no quiere decir que luego tema las críticas. “Me pueden doler, pero si sé que vienen desde un buen punto, sé que me van a servir para, por lo menos, poner atención en algo en lo que a lo mejor no me había fijado”. Al margen de eso, lo cierto es que tanto él como el resto de raperos están acostumbrados al hate. “El rap es un mundo muy hostil: la primera vez que subes al escenario, el público te mira mal mientras mueve la cabeza, y o eres muy bueno o eres un mierda. Cuando tienes catorce, quince años y tienes que lidiar con eso... uf, duele muchísimo más”.

Por eso, a pesar de las redes y de la agresividad creciente del mundo que nos rodea, se siente protegido: “No hay nada que me puedan decir que no me hayan dicho montones de veces”. Una coraza que no implica (y Balance es una prueba de ello) que no se muestre vulnerable. “Nunca me he mostrado como una persona perfecta y sin problemas. Creo que lo que más gusta de mis letras tiene que ver con eso, con mostrar una persona compleja, con sus luces y sus sombras. Creo que el rap es muy bueno porque refleja lo que hay en la sociedad: a medida que esta va cambiando, vamos encontrando raperos con distintas sensibilidades que reflejan lo que ocurre en ese momento. El rap funcionó, funciona y seguirá funcionando por eso”.

Emiliano Aguilar oscila permanentemente en la controversia. Días después de hacer comentarios polémicos sobre la fallecida actriz Carmen Salinas, ahora arremetió contra mujeres que cantan rap y reguetón.

El intérprete de rap criticó el contenido de varias artistas de ambos géneros musicales y aseguró que muchas de sus canciones giran únicamente en torno al sexo, comentario que provocó reacciones divididas entre seguidores del género urbano.

Emiliano Aguilar critica letras del reguetón femenino

El hijo mayor de Pepe Aguilar publicó dos videos en sus cuentas oficiales donde cuestionó el enfoque de algunas cantantes del movimiento urbano. Aunque no mencionó nombres, sus palabras generaron polémica.

“No se han dado cuenta que todas las morras reguetoneras y raperas nada más rapean de puro sexo (…) ténganse un poco de respeto, porque no pueden hablar de qué tan difícil es ser mamá (…) morras sin valores, la neta. Yo quién soy, neta, como para decir eso, pero pónganse las pilas, rapeen algo que sí valga la pena”, expresó.

Las declaraciones llamaron la atención porque el propio Emiliano desarrolla su carrera dentro de la música urbana, en particular en el rap. La crítica provocó especulaciones sobre a quién iba dirigida. Algunos usuarios mencionaron a Cazzu, pero el cantante respondió que no hablaba de ella y, al contrario, mostró respaldo hacia la artista.

También cuestiona a los hombres del género

Ante la ola de comentarios, Emiliano Aguilar publicó otro video para aclarar que su crítica no se limita a las mujeres. El cantante sostuvo que muchos intérpretes masculinos abordan temas similares en sus letras.

“También los hombres reguetoneros hablan de puro sexo, también ellos. Rapeen de sus vivencias, de las cosas que pasan todos los días a las personas regulares; de no tener dinero, de estar batallando para pagar la renta, que no hay agua (…) eso ya enfada, desgraciadamente se ve peor en una mujer”, afirmó.

Su comentario sobre que este tipo de contenido “se ve peor en una mujer” alimentó la controversia en redes sociales. Algunos usuarios respaldaron su postura y criticaron el rumbo actual del reguetón, mientras otros cuestionaron el tono del mensaje y lo calificaron como contradictorio.

Debate en redes sociales

Las reacciones aparecieron de inmediato en Instagram y otras plataformas. Entre los comentarios hubo tanto apoyo como críticas hacia el cantante.

Un usuario escribió: “Eso que dices no tiene congruencia, cuando el artista tiene su autonomía y no te gusta su contenido es válido, y pasas de largo”. Otro internauta defendió su postura al señalar que el reguetón actual es más explícito que en sus inicios.

La polémica coloca nuevamente a Emiliano Aguilar en el centro de la conversación digital. Sus declaraciones reabren el debate sobre los contenidos de la música urbana y el papel de las mujeres dentro de un género que domina las listas de popularidad.

A los 54 años, el rapero estadounidense, reconocido globalmente por su carrera y estilo distintivo, reveló una faceta poco habitual durante una visita al estadio Swansea.com, en el Reino Unido, como inversor del equipo galés.

Según Men’s Health, la revista especializada en salud y fitness, la presencia de Dogg en la cancha captó la atención, pero su actividad posterior resultó aún más significativa: el artista realizó una rutina de ejercicios en el gimnasio del club, con el foco puesto en movimientos controlados, ejercicios de tensión muscular y circuitos de boxeo, desafiando los estereotipos asociados a su imagen pública.

Rutina física de Snoop Dogg

Según la información compartida por Men’s Health, el artista estadounidense realizó un circuito enfocado en la parte superior del cuerpo, basado en cargas livianas y ejecuciones controladas, con especial atención en la técnica y la activación muscular.

El rapero realiza press con mancuernas con agarre cerrado, remo vertical con barra EZ y vuelos con cable, en repeticiones variables en cada ronda del circuito. Los expertos consultados por el medio estadounidense sostuvieron que: “Es sencilla, pero efectiva”, ya que permite activar grandes grupos musculares sin emplear cargas excesivas.

Control y resistencia muscular

El circuito, repetido en al menos dos rondas, culmina con una serie de isometrías: tras cada tanda de presses, Dogg mantiene la posición baja durante aproximadamente 40 segundos, intensificando la tensión muscular.

Después, eleva las rodillas y mantiene las mancuernas por encima de la cabeza mientras alterna los brazos con una sola mano, un gesto que demanda equilibrio y dominio corporal. Según consignó Men’s Health, este tipo de rutina prioriza la activación muscular y la resistencia, en línea con la etapa vital y las metas de bienestar del artista.

Acondicionamiento de boxeo

El entrenamiento no se limita a la fuerza. Sesiones anteriores incluyeron rutinas de acondicionamiento de boxeo, en las que se lo observó practicar sparring y desplazamientos laterales, además de ejercicios técnicos fuera del ring.

El medio detalló que el rapero también añade movimientos como el press cubano, dirigido a mejorar la estabilidad de los hombros, y sentadillas en cajón para fortalecer el tren inferior.

En uno de los videos analizados por Men’s Health, utiliza una máscara de entrenamiento hipóxico mientras corre en cinta, lo que incrementa la dificultad del cardio al emular condiciones de baja concentración de oxígeno.

La herramienta también aparece en ejercicios de remo a una mano con mancuernas y en rutinas de juego de pies en escalera, reflejando especial atención al desarrollo de la capacidad cardiovascular y la movilidad.

Evolución y constancia

Los registros audiovisuales indican que mantiene desde hace años una práctica física sostenida. Según señaló Men’s Health, su complexión actual no presenta cambios drásticos en comparación con materiales anteriores, lo que refleja una disciplina constante ajena a tendencias pasajeras. El enfoque del artista se centra en conservar un físico delgado, ágil y funcional.

Según destacron los expertos de la revista, la combinación de cargas moderadas, trabajo isométrico y boxeo aparece como una alternativa eficaz para fortalecer el cuerpo sin comprometer la movilidad ni incrementar el riesgo de lesiones.

En esa misma línea, señalron que no se trata de una preparación propia de pretemporada, aunque sí evidencia soltura y buena capacidad de movimiento, en contraste con los esquemas más intensivos asociados al alto rendimiento.

El enfoque de Snoop Dogg desafía la imagen tradicional de las celebridades del rap y las rutinas orientadas únicamente al aumento de masa muscular. De acuerdo con Men’s Health, las imágenes viralizadas en redes sociales y los registros de sus sesiones muestran a un artista comprometido con el bienestar físico.

Las canciones incluidas en el repertorio de Sofía Gabanna abordan temáticas relacionadas con la libertad, la denuncia social, el feminismo y la salud mental, dentro de una propuesta que fusiona diversos géneros musicales. Este enfoque se presentará en un concierto gratuito que se celebrará el sábado 21 de junio a las 19:00 en el Institut València d'Art Modern (IVAM), como parte del ciclo mensual ‘Posar la Veu’, según informó el medio encargado del anuncio oficial.

De acuerdo con los detalles publicados por el IVAM y confirmados en la información referida por Cultura de la Generalitat a través de la prensa, la artista argentina con residencia en Barcelona interpretará los temas de su álbum titulado ‘Sideral’, así como sus más recientes sencillos ‘Retorno’ y ‘Yo Soy Yo’. El evento es de acceso libre hasta completar el aforo y busca atraer a un público amplio interesado en nuevas propuestas del panorama musical urbano.

Sofía Gabanna, quien es hermana de Nathy Peluso, cuenta con una trayectoria en ascenso dentro de la escena hip-hop española, marcada por letras directas y reflexivas. El medio ha destacado que Gabanna se considera rapera, bailarina y cantautora, lo que le permite un dominio escénico que fusiona estilos como hip-hop, jazz, R&B y ritmos latinos. Esta diversidad de géneros surge, en parte, a raíz de su amplio bagaje musical, ya que desde su infancia ha experimentado influencias que van desde el rock argentino hasta el flamenco, blues, música clásica, y géneros urbanos como rap y trap.

En cuanto a referentes musicales, Sofía Gabanna ha citado en entrevistas recogidas por la prensa especializada figuras de talla internacional como Amy Winehouse, Lauryn Hill, Whitney Houston, Fito Páez, Nas y 2Pac, lo que aporta un matiz global y mestizo a su identidad artística. Nacida en Argentina, Gabanna se trasladó a España cuando tenía 13 años, experiencia que ha influido en la forma en la que entiende la mezcla de culturas y tendencias musicales.

El ciclo ‘Posar la veu’ tiene como objetivo principal abrir el escenario a proyectos musicales y vocales de carácter intimista, así como explorar nuevas experimentaciones sonoras y revisiones contemporáneas de la música tradicional. Según ha consignado el medio organizador, la programación del ciclo es mensual y se extenderá hasta el próximo mes de junio. La edición de enero contó con la participación de la productora e intérprete castellonense Xenia, manteniéndose el criterio de diversidad de propuestas.

Las actuaciones de este ciclo se celebran en el vestíbulo del IVAM, lo que proporciona un entorno cercano entre artistas y asistentes. Según reportó la organización del festival, el acceso es gratuito para el público general, condicionado únicamente a la capacidad del recinto, lo que fomenta la asistencia de oyentes con variedad de intereses y orígenes.

La inclusión de Sofía Gabanna en este ciclo responde a una estrategia cultural de promoción de voces alternativas de la música urbana en España, según detalló Cultura de la Generalitat y reflejó la cobertura oficial del evento. El criterio de selección prioriza la innovación musical y la representación de mensajes de empoderamiento, libertad y crítica social, atributos presentes en la obra de la artista argentina.

La propuesta que Gabanna presentará en el IVAM se alinea con la intención del ciclo de experimentar con la reinterpretación del folclore tradicional y su fusión con sonoridades contemporáneas, así como con la exploración de lenguajes musicales innovadores. En los conciertos previos, según se indicó en anteriores comunicados de prensa difundidos por el IVAM, los asistentes han presenciado propuestas que combinan electrónica, instrumentación en directo y narrativas personales, consolidando el ciclo ‘Posar la veu’ como un espacio para la experimentación y el encuentro creativo.

El concierto de Sofía Gabanna se suma al calendario cultural promovido por las instituciones valencianas, cuya programación busca impulsar la presencia de mujeres y de artistas de diferentes orígenes en escenarios de relevancia pública. La cobertura del evento por parte de diversos medios ha subrayado que cada edición del ciclo es diseñada para acercar diferentes estilos musicales y perspectivas creativas al público local y visitante.

El IVAM, en colaboración con el Institut Valencià de Cultura, mantiene así un ritmo sostenido de actividades que integran lo musical con lo social, promoviendo espacios de participación ciudadana en torno a propuestas culturales de actualidad, según se desprende de la información consignada en cada edición mensual.

La noticia conmocionó al mundo de la música, ya que el artista había estrenado recientemente un sencillo y mantenía una activa presencia en redes sociales, donde sus seguidores expresaron su sorpresa y dolor ante la noticia.

El hecho ocurrió el miércoles 18, en Atlanta, apenas pasadas las 11 de la mañana. Los primeros reportes oficiales indican que la causa exacta de la muerte no es conocida. No obstante, TMZ y NBC News, con datos de la oficina forense, revelaron que el deceso fue ocasionado por una herida de bala en su cabeza, catalogando el caso como suicidio. Algunos detalles fueron confirmados 24 horas después y generó conmoción en el ámbito musical urbano de los Estados Unidos.

Las horas previas de Lil Poppa previo a su muerte

Al ser un artista joven y con mucha presencia en las redes sociales, horas antes de que se confirmara su fallecimiento había compartido un video en Instagram donde aparecía la letra de la canción “Letting It Go” de Rod Wave.

En ese fragmento, podía leerse: “Tú sabes lo que pasó, yo sé lo que pasó, el mundo nunca lo sabrá”, seguido de la frase “Mientras tanto, estoy intentando encontrar paz mental. A veces todos los corazones tienen que romperse”.

La última publicación en la cuenta verificada de Lil Poppa, realizada cinco días antes de su muerte, anunciaba el lanzamiento del video musical de su sencillo “Out Of Town Bae”.

En la sección de comentarios de esa publicación, sus seguidores comenzaron a dejar mensajes de despedida y conmoción: frases como “Poppa, decime que están mintiendo”, “esto no puede ser verdad” y “Poppa, por favor di algo, esto no puede estar pasando” se repitieron entre múltiples emojis de corazones rotos.

Las muestras de dolor y tributo se multiplicaron también en la red social X, donde fanáticos destacaron el talento del artista y la tristeza por su partida: “Escucho a Lil Poppa literalmente todos los días, se me cayó el alma a los pies”, expresó uno de ellos, mientras que otro escribió: “Lil Poppa tenía muchísimo talento. Es una lástima oírlo, descanse en paz”.

Además de los seguidores del rapero, diversas voces del ámbito musical y personas cercanas a él manifestaron su tristeza públicamente. La compañía Collective Music Group, liderada por el rapero Yo Gotti y sello discográfico al que Lil Poppa pertenecía, emitió un comunicado en el que lo describió como alguien “querido y miembro de la familia”, agregando que continuarán con su legado con “honor y respeto”.

Por su parte, Caroline Diaz, quien fue colaboradora y acompañante durante una etapa de su vida, expresó: “Mi hermanito se fue. Poppa, te quiero muchísimo. Estoy muy destrozada. Fue uno de los primeros artistas que tuve en Interscope. Estoy muy triste ahora mismo”.

Soctty OTH, productor musical, manifestó: “Nunca he visto a nadie superar a Poppa en el trabajo. Era el último hombre que queda en el estudio. Para mí, era como una familia. Nos llamábamos primos”.

Quién fue Lil Poppa, el rapero que apareció muerto

Nacido en Jacksonville, Florida, se consolidó desde joven como uno de los nombres más destacados en la nueva ola del rap estadounidense. Tras firmar contrato con el sello CMG, impulsó su proyección nacional e internacional. Sus trabajos más destacados incluyen “Love & War”, “Mind Over Matter” y “HAPPY TEARS”, que lograron amplia popularidad en plataformas digitales y redes sociales.

Su discografía incluye varios proyectos relevantes, como el álbum Almost Normal Again, lanzado en agosto del año pasado y compuesto por 16 canciones. Además, fue conocido por mixtapes como “Blessed, I Guess” y “Under Investigation”, y colaboraciones como el sencillo “H Spot” junto a Yo Gotti.

Pocos días antes de su fallecimiento, Lil Poppa había lanzado un nuevo sencillo titulado “Out of Town Bae”, acompañado de un video musical que fue la última publicación en su cuenta de Instagram. El artista tenía previsto actuar en Nueva Orleans el mes siguiente, informó TMZ.

Julia González Cabrera (Málaga, 2003) nunca decidió ser rapera. Desde pequeña, se enamoró del género urbano gracias a los temas de hip hop que le enseñaban sus hermanas, pero no fue hasta que esto se mezcló con su “necesidad de escribir” que empezó a rapear en su cuarto a solas.

“Luego empecé a raprear en el parque con colegas, y hubo uno que llevó al estudio porque le molaba lo que yo hacía, y ahí grabé mi primer tema”. Ni siquiera entonces pensó en lo que suponía subir ese primer tema, pero Julia, hoy mucho más conocida como Faenna, acababa de dar el primer paso para convertirse en una de las voces emergentes más conocidas y celebradas del rap español.

Los temas de Faenna empezaron a escucharse de una forma mucho más amplia en 2023. Desde entonces, la escuchamos en diferentes temas en solitario (Papeles y Mechero) y colaboraciones (Cypher Vol. 3), pero ha sido ahora cuando ha dado el salto definitivo con su primer álbum individual, Hasta mañanita si Dios quiere, una más que sólida carta de presentación en la que, a modo de autorretrato, combina la crudeza con la honestidad, el rap clásico con su faceta más experimental.

Quiso retarse a “hacer algo distinto”

Dudas, amores, enfados, familia, orígenes… Son muchos los temas que aborda Faenna en su nuevo trabajo, que consta nada más y nada menos que de 19 canciones. “Quería poner distintas facetas de mí”, explica durante su entrevista con Infobae. De todos los temas que resultan de esta exposición, la artista destaca Tengo que hacer algo como el que mejor refleja lo que ha sido la producción del disco. “Ha sido un proceso duro”, confiesa, “con muchos retos y muchos bloqueos creativos, y con poco tiempo para hacer el disco”.

Hasta mañanita si Dios quiere muestra el deseo de Faenna de ir más allá, aun cuando eso supone exponerse a registros en los que se sienta fuera de su zona de confort. Un ejemplo de ello son temas como Solo borracha te digo que te quiero o Si yo cambio todo cambia, donde incluso debe abandonar el clásico compás cuaternario en el que los raperos se desenvuelven en la mayoría de sus temas.

“Tenía ganas de hacer algo distinto a lo que ya estaba haciendo”, continúa. “Sin alejarme muchísimo, porque yo quería hacer un disco de rap, sí quería mojarme un poquito, experimentar, jugar con melodías y alejarme del sonido en el que me sentía encasillada”. Para ello, en el disco se rodea de todo tipo de colaboradores, desde productores como Sceno, Tenseo One o Lost Twin a artistas como Delaossa, Lela Soto o el guitarrista Jose del Tomate.

Lo que no podemos controlar

Si la variedad es lo que estructura el disco en su faceta musical, la honestidad es lo que vertebra su mensaje. Como reza una de sus canciones, Cuando no sepas qué decir di la verdad. Si el propio título del álbum abre las puertas a su intimidad (era una frase que su abuela le repetía cada noche), la artista no esconde que “la honestidad” es algo imprescindible en un género como el rap, pese a que muchos se empeñen en aparentar cosas que no son.

Al escucharla, surge una pregunta. ¿Tanta honestidad no pasa factura? “Sí”, concede, para añadir justo a continuación, “al igual que la mentira”. Pero eso es algo en lo que no invierte demasiado tiempo en especular. De nuevo, surge el título del disco como un mensaje a interiorizar: “El futuro no se puede controlar, el mañana es incierto y eso es algo bonito que he intentado enseñarme a mí misma con este álbum”.

Su mañana, por el momento, pasa por la gira que arrancará en Sevilla este 20 de febrero y que la llevará por diferentes escenarios de España y varios países de Latinoamérica. “Tengo muchas ganas de colaborar con artistas de allí”, revela. En el camino, tratará de seguir aprendiendo a convivir mejor con los nervios y el cansancio que implica ir de una ciudad a otra. “Me gustaría aprender a dejar de intentar controlarlo todo. A veces tengo la cosa de querer adelantarme a los sucesos y me gustaría saber convivir con la ansiedad y, en algún momento, estar tranquila en ese aspecto”.

“Me da rabia cada vez que lo pienso”

Más allá de eso, Faenna también busca “soltar la rabia” que acumuló durante los días en los que saltó a los medios de comunicación la agresión policial que denunció poco antes de ser condenada por resistencia y atentado a la autoridad. “Aún me pesa un poco el tema”, reconoce, “fueron semanas superduras, porque muchos periódicos trataron de dejarme como una mentirosa y había mucha gente hablando del tema, lo que me afectaba”.

Así, el álbum simboliza cómo, poco a poco, y gracias a su música y al apoyo de quienes están junto a ella, puede ir dejando ese suceso atrás y centrarse en lo que está por venir. “Me da rabia cada vez que lo pienso, creo que fue un error, pero ahora lo único que me queda es contarlo y soltar mi rabia de la única manera que puedo, que es como siempre lo he hecho: escribiéndolo”.

La vocal defensa de Nicki Minaj respecto a su estatus migratorio en Estados Unidos, detallando que se encuentra “finalizando los trámites de ciudadanía en este mismo momento, según lo dispuesto por mi maravilloso, amable y encantador presidente”, marcó uno de los momentos más llamativos de su reciente aparición pública junto a Donald Trump. Según consignó Variety, la rapera, nacida en Trinidad y Tobago y que ingresó al país de manera irregular a los cinco años, eligió un evento en Washington vinculado al lanzamiento de las “cuentas Trump” para niños estadounidenses como escenario para su respaldo explícito al exmandatario.

Durante su discurso en el acto, Minaj afirmó: “Bueno, no sé qué decir... pero diré que probablemente soy la fan número uno del presidente. Y eso no va a cambiar”. En medio de un contexto nacional intensificado por las políticas migratorias promovidas por Trump y la actividad del Servicio de Inmigración y Control de Aduanas (ICE), la cantante compartió junto a Trump el estrado y añadió: “Y el odio o lo que la gente diga no me afecta en absoluto. De hecho, me motiva a apoyarlo aún más. Y nos motivará a todos a apoyarlo aún más”. Entre los asistentes, Trump respondió con una sonrisa y agradeció públicamente el respaldo, señalando que a su gobierno le había “ido bastante bien con su comunidad”, lo que Variety interpretó como una referencia a los seguidores negros del expresidente.

Tras el encuentro, la artista publicó en redes sociales tanto fotografías con Trump como un video donde lo presenta como su “presidente favorito” y “el mejor”. El propio Trump la identificó en el mismo video como la “reina del rap”. De acuerdo con Variety, la exposición en redes sociales también incluyó una imagen de la Gold Card de Trump, documento que confiere la residencia permanente en Estados Unidos y que, según Minaj aseguró a sus seguidores, no pagó; normalmente, dicho permiso cuesta 1 millón de dólares.

Las posturas de Minaj respecto al liderazgo republicano han experimentado cambios a lo largo de los años. Variety recordó que la cantante se había mostrado crítica ante las políticas antimigratorias de Trump en el año 2018. No obstante, en los últimos meses, su acercamiento a la figura del expresidente ha resultado más notorio. En noviembre del año pasado, la artista elogió a Trump tras la declaración sobre una posible acción militar estadounidense contemplada contra el gobierno nigeriano por el asesinato de cristianos.

La relación entre Minaj y representantes de sectores conservadores también se evidenció en su participación, en diciembre, en un acto junto a Erika Kirk —viuda de Charlie Kirk— en el marco de Turning Point USA, organización frecuentemente asociada con el activismo político y social a favor del Partido Republicano.

La presencia de la cantante en el evento de Washington, acompañada de sus declaraciones y de la difusión de contenido en redes sociales sobre su encuentro con Trump, se presentó en un contexto de elevada tensión social producto de las políticas migratorias estadounidenses. Según Variety, Minaj subrayó que la desaprobación pública hacia Trump no altera su opinión, incidiendo en que las campañas negativas no tendrían efecto en su apoyo ni en el de sus seguidores: “No vamos a permitir que se salgan con la suya acosándolo. Las campañas de desprestigio no van a funcionar. Él tiene mucha fuerza detrás de él, y Dios lo está protegiendo. ¿Amén?”.

La respuesta del exmandatario, por su parte, ilustró la estrategia habitual de dirigirse a grupos de apoyo específicos y de poner en valor los respaldos públicos de figuras conocidas. En esta ocasión, la alianza reflejada entre Minaj y Trump resultó aún más visible por la acumulación de mensajes en plataformas digitales y por las fotografías ampliamente difundidas, retomadas por medios como Variety.

La participación de Minaj en eventos de apoyo a Trump y las manifestaciones públicas sobre su proceso de regularización migratoria ocurren en medio del debate nacional sobre inmigración y de desafíos jurídicos para quienes, como ella, vivieron en Estados Unidos durante años bajo una situación irregular. La visibilidad de estas declaraciones amplió también la discusión respecto a la influencia de personalidades del espectáculo en el panorama político del país, según reportó Variety.

Minaj sostuvo a lo largo de su intervención que “el odio o lo que la gente diga no me afecta. Me motiva.”, postura que resumió la insistencia de la artista en mantener su respaldo hacia Donald Trump, independientemente de las repercusiones mediáticas o sociales. La atención generada por su testimonio y los símbolos asociados, como la Gold Card, sumó nuevos elementos a la narrativa sobre la relación entre celebridades e iniciativas políticas bajo el actual clima político estadounidense, tal como destacó Variety en su cobertura del evento y de sus derivaciones tanto en medios tradicionales como digitales.

La mención de Claudio Yarto en dos canciones de Molotov durante los años noventa marcó un episodio mediático que, lejos de provocar enemistad, dejó al líder de Caló agradecido por haber sido incluido en las letras del grupo de rock.

Durante una entrevista con el podcaster Melo Montoya, el músico rechazó cualquier señal de conflicto y expresó: “Les agradezco que me la hayan mentado en ese disco (‘¿Dónde jugarán las niñas?’)”.

La conversación abordó también el reencuentro de Yarto con Molotov, una banda reconocida por su estilo provocador y su afición al ping pong. El cantante recordó una visita al estudio del grupo, donde compartieron una partida de este juego, que terminó con su victoria sobre los cuatro integrantes.

‘La venganza de Caló’ en la mesa de ping pong

Yarto relató el momento diciendo: “De hecho, sí me vengué de ellos y te lo puede decir la banda, una vez me tocó ir a grabar a su estudio, estaban jugando ping pong y yo le entré a jugar y les puse un arrastrón a los cuatro y decían ‘es la venganza de Caló’, pero claro que no, no tengo ningún tema con Molotov, un saludo a esa bandota”.

Más allá del anecdotario personal, Yarto reflexionó sobre los orígenes de Caló como pioneros del rap en México, un concepto que generó debate en su época debido al tono ligero y festivo de sus letras, en contraste con el rap social estadounidense.

Caló, producido por Aleks Syntek en sus inicios, adquirió reconocimiento con temas como “El capitán” tras la difusión de “No puedo más” en Alfa Radio, donde Yarto trabajaba como DJ.

Las alusiones directas de Molotov a Caló y Claudio Yarto

El grupo fue fichado por Poligram y consolidó su presencia en la industria musical local. La relación mediática entre Caló y Molotov surgió cuando la banda de rock lanzó “Ching* tu madre” y “Más vale cholo”, canciones en las que hacen referencia directa a Yarto y su estilo de rap.

En “Ching* tu madre”, la crítica no solo se dirige a Caló, sino también a otras figuras populares y la propia banda: “Siempre en domingo, chingu*n a su madre, a los de Caló, chingu*n a su madre, a los televisos, chingu*n a su madre, a los de Molotov, chingu*n a su madre”.

En “Más vale cholo”, la alusión es igualmente explícita: “‘Loco’ bebió hasta perder el control, se puso a rapear como el pend*jo de Caló”.

Ante la pregunta de Montoya sobre una posible rivalidad, Claudio Yarto negó rotundamente la existencia de resentimientos, subrayando que los lazos personales y profesionales con los miembros de Molotov siempre han sido de cordialidad.

Hay luto en la música colombiana, tras conocerse el fallecimiento del cantante de música popular Yeison Jiménez en un accidente aéreo en la vereda Romita, ubicada sobre la vía entre Paipa y Duitama, en el departamento de Boyacá, ocurrido en la tarde del 10 de enero de 2026.

El artista colombiano se dirigía hacia Medellín, para luego trasladarse al municipio de Marinilla, donde tenía programado un concierto. Testigos narraron que la avioneta perdió el control segundos antes del despegue desde el aeropuerto local, aparentemente porque no logró la altura necesaria para volar.

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Inmediatamente después del impacto, el aparato se incendió, lo que motivó la rápida reacción de los residentes de la zona, solicitando asistencia médica y del Cuerpo de Bomberos ante la emergencia.

Tras conocerse el siniestro aéreo, artistas, colegas, familiares y seguidores de Yeison Jiménez recordaron no solamente las canciones que lo consolidaron como una de las voces más importantes del género popular, sino que replicaron varios instantes en los que el artista oriundo de Manzanares (Caldas) interpretaba temas de otros estilos musicales, entre ellos el rap y el vallenato.

Yeison Jiménez y el rap

Uno de los videos que llamó la atención en las redes sociales fue cuando el hoy fallecido cantante cantó el tema De la cuna al ataúd del grupo de rap colombiano La Etnnia, e incluso Jiménez llegó a aparecer en videos o publicaciones usando gorras de la agrupación (“5-27”).

Ese instante fue replicado por la agrupación bogotana en sus redes sociales con un mensaje de condolencias para sus familiares. “Que en paz descanse el parcero Yeison Jiménez Paz en su tumba”, escribieron en las plataformas digitales.

De hecho, en una entrevista con el medio de entretenimiento Shock, Yeison Jiménez reveló su gusto por el género urbano, aunque consideró que en la actualidad se está perdiendo de sus orígenes.

“Para mí el rap es la música más sincera que hay. El rap es sinceridad, es un sinónimo de real, de ser real. Hoy en día lo están adornando un poquito más, lo están volviendo más comercial. Nosotros lo escuchábamos más porque hablaba de lo que uno vivía, de las vivencias, de lo que era la calle, de lo que era el barrio”, indicaba en su momento.

Así mismo, recalcó los grupos de rap que admiraba y escuchaba cuando no se encontraba en conciertos o en momentos personales y afirmó que asistió a Hip Hop al Parque, uno de los eventos de rap más importantes de Latinoamérica.

“Escuchaba a Cescru Enlace, La Gallera, Estilo Bajo, Cypress Hill, 50 Cent, Eminem, Clan Hueso Duro, Tres Coronas, Damas Gratis, Pibes Chorros, etc. (...) Yo estuve (en Hip Hop al Parque) cuando vino Mexicano, los Nandes, cuando cantó Clan Hueso Duro, eso era un desorden muy bravo. Nos íbamos desde el colegio”, recalcó.

Su gusto por el vallenato

Además del rap, Yeison Jiménez también publicaba varios videos y fotografías en sus redes sociales donde evidenciaba su vínculo con el vallenato, género que influyó en su estilo interpretativo y que integró regularmente en su vida profesional y personal.

Uno de los artistas que admiraba el cantante caldense era el también fallecido Diomedes Díaz, conocido popularmente como El Cacique de la Junta, a quien consideraba una de sus mayores influencias. En diversas entrevistas reveló que su canción vallenata favorita era el clásico Amarte más no pude.

Sin embargo, en redes sociales recordaron los instantes en los que interpretaba varios temas del difunto artista vallenato como Así me hizo Dios, A un cariño del alma, entre otros.

Incluso, Yeison Jiménez, en diálogo con Olímpica Stereo enfatizó en que el ‘Papá de los Pollitos’ fue su inspiración para realizar un concierto en el Estadio El Campin de Bogotá, lugar en la que Diomedes Díaz también hizo un evento en la que se reencontró con sus seguidores tras salir de prisión en Valledupar.

“Lo único que yo me esperaba era tomarme una foto como se la tomó Diomedes Díaz con el Estadio El Campin lleno”, dijo en ese entonces a la cadena radial colombiana.

También, en diversas celebraciones personales, recurría a piezas vallenatas y reconocía la inspiración de artistas como el fallecido compositor Omar Geles, donde alcanzó a compartir tarima con él e interpretar la canción Los Caminos de la Vida, uno de los temas insignia del género colombiano.

Dentro de su versatilidad musical sobresalen colaboraciones, como la grabación de “Gracias a ti” junto a Silvestre Dangond y su participación en presentaciones formales e informales con intérpretes como Nelson Velásquez.

A pesar de estar identificado principalmente con la música popular, el artista exhibía una marcada influencia del vallenato y habitualmente incorporaba este género tanto en su vida laboral como en el ámbito personal.

Entre sus escenarios destacados, era frecuente que interpretara clásicos como Cómo te olvido del Binomio de Oro de América durante conciertos y encuentros privados.

El rapero estadounidense Wiz Khalifa deberá cumplir una condena de nueve meses de cárcel en Rumanía tras ser encontrado culpable de fumar cannabis en el escenario durante un festival de música el pasado año. La decisión, tomada esta semana por el tribunal de apelaciones de Constanza, anula una multa previa y ordena el encarcelamiento del artista, aunque la sentencia se dictó en ausencia y, hasta el momento, Khalifa no se encuentra en territorio rumano.

En julio de 2024, durante el festival Beach, Please! realizado en Constanza, Wiz Khalifa, cuyo nombre real es Thomaz Cameron Jibril, encendió y consumió un cigarrillo de marihuana a la vista del público. El evento atrajo a miles de jóvenes, y las imágenes del rapero fumando circularon ampliamente en redes sociales y plataformas de streaming. Tras el concierto, la policía rumana detuvo brevemente a Jibril para rendir declaraciones y, según los investigadores citados por la BBC, se le incautaron más de 18 gramos de cannabis y admitió haber consumido una cantidad adicional en el escenario.

A pesar de que inicialmente las autoridades le impusieron una multa de 3,600 lei (unos 700 euros), la Corte de Apelaciones consideró insuficiente el castigo. La sentencia escrita remarca que la actuación del artista normalizó “una conducta ilegal” y fomentó el consumo “entre jóvenes”, al tratarse de una representación pública y ostentosa por parte de un referente musical. Los jueces argumentaron que “poseyó y consumió, en frente de una audiencia predominantemente joven, un cigarrillo artesanal”, caracterizando el acto como una manifestación contraria al interés público.

Wiz Khalifa ha continuado con su calendario de presentaciones en Estados Unidos y fue visto recientemente compartiendo escenario con Gunna en California. Además, en los días posteriores a la emisión de la condena, el artista compartió videos y fotografías desde su casa en redes sociales y en la plataforma Twitch. Tras el episodio en Rumanía, Jibril publicó en X (antes Twitter) un mensaje de disculpa, asegurando que no quiso ofender al país anfitrión. “Ellos (las autoridades) fueron muy respetuosos y me dejaron marchar. Volveré pronto. Pero la próxima vez, sin un porro tan grande”, escribió el cantante.

Sin consecuencias inmediatas

El impacto judicial va más allá del castigo: la decisión del tribunal también responde a una preocupación social sobre el influjo de figuras públicas en la percepción de las normas por parte de los jóvenes. “El tribunal consideró que el mensaje que se transmitió era de normalización de una conducta contraria a la ley”, señala la resolución según los extractos publicados por la BBC, subrayando la gravedad atribuida a la acción por el contexto y el alcance mediático del artista.

Expertos rumanos consideran improbable que la condena tenga consecuencias reales inmediatas para Khalifa. Vlad Zaha, criminólogo consultado por BBC News, sostiene que la extradición del artista es poco factible, dadas las actuales relaciones diplomáticas y la posición de Estados Unidos frente a infracciones menores relacionadas con el cannabis. “Por la riqueza y conexiones del acusado, la falta de mecanismos de negociación efectivos por parte de Rumanía y la consideración política y legal del cannabis en Estados Unidos, resulta altamente improbable que Wiz Khalifa termine en una cárcel de Constanza, aunque se envíe una solicitud formal de extradición”, declaró Zaha.

Wiz Khalifa, célebre por éxitos globales como Black and Yellow y See You Again, icónica ya por la saga Fast & Furious, es conocido además por su vínculo con la cultura cannábica; en 2016 fundó su propia marca de marihuana. Pese a la condena, su agenda y presencia digital no se han visto afectadas por restricciones legales. La corte de Constanza ya ha anunciado que solicitará formalmente a las autoridades estadounidenses la extradición del artista para el cumplimiento de la pena. El caso continuará dependiendo de la respuesta diplomática y judicial de Washington, mientras Khalifa sigue activo en la escena musical y mediática.

A falta de dos jornadas para que termine la FMS World Series, que es la mayor competencia de improvisación de rap en español del mundo, lo registrado en España, El Salvador y México sigue llamando la atención de los fanáticos de esta disciplina.

Además de la expectativa que se tiene por las jornadas que se llevarán a cabo en Bogotá, Colombia y Santiago, en Chile, en redes sociales los competidores de esta liga han sido tendencia por las rimas que han realizado hasta el momento.

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A pesar de que no es el líder de la competencia, uno de los raperos más mencionados es Yedinson Flórez, que es el nombre real del comediante, trovador y que ahora está incursionando en el freestyle, Lokillo, que es recordado por su participación en proyectos como Perros Criollos o La vuelta al mundo en 80 risas.

En el balance general, tras seis enfrentamientos, Lokillo ocupa la séptima posición de la tabla general, producto de tres triunfos y tres derrotas; sin embargo, para los organizadores del torneo mundial, la inclusión del comediante ha sido un éxito a nivel comercial y de exposición.

Precisamente, esto se ha visto reflejado en la cantidad de vistas que tienen las batalles del colombiano en el canal oficial de Urban Roosters en YouTube, ya que el enfrentamiento que este tuvo con el mexicano Aczino es el primero en alcanzar el millón de reproducciones de la competencia.

Sumado a ello, las batallas del antioqueño contra Sara Socas y El menor están cerca de alcanzar la misma cifra, puesto que en las últimas horas superaron las 800.000 reproducciones.

De la misma forma, en las tres fechas de la FMS World Series, el colombiano ha sido el participante que ha logrado tener más menciones en redes sociales, consolidándose como uno de los activos más importantes de la competencia.

De hecho, este factor ha sido mencionado por el comediante en sus últimos enfrentamientos, en los que sus rivales han mencionado que ha sido incluido por ser famoso, a lo que Lokillo ha respondido indicando que ha “traído las vistas que el freestyle necesitaba”.

Así ha sido el recorrido del antioqueño en la FMS World Series

En su debut, Lokillo derrotó a Sara Socas en Valencia, España, en esa misma jornada, el colombiano fue derrotado por el rapero chileno El Menor, batalla en la que se registró un cruce entre los involucrados.

De hecho, luego de discutir frente a todo el público y recibir una agresión física por parte de su rival, el colombiano confesó que recibió mensajes con amenazas de muerte en redes sociales.

En la segunda jornada, que se registró en la capital de El Salvador, el comediante derrotó a Jony Beltrán y cayó ante Aczino, precisamente, esa batalla es la más vista de la competencia hasta el momento, en ese enfrentamiento Lokillo fue viral por hacer una rima en la que hizo una referencia sobre los estigmas que existen en el país centroamericano contra las personas que tienen tatuajes.

Por último, en la tercera jornada, Lokillo derrotó a Zasko y perdió ante Gazir, este último es el líder de la competencia con puntaje ideal. En la próxima fecha, que será el 19 de diciembre en Bogotá, el comediante se enfrentará a Chuty y Teorema, que son dos de los favoritos a quedarse con el título.

El evento comenzará desde las 7:00 p. m. y será transmitido a través del canal de YouTube de Urban Roosters y en Colombia incluirá un espacio en Canal Trece, puesto que se confirmó una alianza entre los organizadores y el Ministerio de Tecnologías de la Información y las Comunicaciones del país.

“Cuando llegué a prisión, nadie sabía quién era. Eso fue lo mejor, solo era uno más”, confesó, marcando el tono de un testimonio que exploró desde la rutina carcelaria hasta las complejidades de sus relaciones familiares.

Llegada a prisión y el choque inicial

Johnathan Jamall Porter —reconocido como Blueface— describió en BigBoy TV el contraste entre la notoriedad que tenía en la calle y el anonimato absoluto al ingresar a la prisión del condado de Los Ángeles y luego a Delano. “En el condado, cada vez que entraba era un gran evento, pero en prisión, todos llevaban tanto tiempo que ni siquiera sabían quién era. Me preguntaban: ‘¿Blueface? ¿Quién es ese?’”, relató. Para el rapero, esa invisibilidad resultó liberadora: “Eso fue lo mejor, solo era uno más”.

El proceso de adaptación no fue inmediato. “Después de un año, entendí que tenía que adaptarme, hacer rutina y seguir adelante”, explicó. Al principio, la mente se resistía a aceptar la celda como hogar, pero con el tiempo, la rutina se impuso y compartió: “Luchas contra la sensación de no querer acostumbrarte, pero después de un año, esa es tu habitación, ese es tu espacio”.

Vida cotidiana tras las rejas: rutinas, alimentación y ejercicio

La vida en prisión le obligó a crear una rutina estricta. “No hay pesas, solo ejercicios de prisión: flexiones, dominadas y fondos, todo el día, todos los días”, contó en el pódcast. El entrenamiento físico se convirtió en una constante, y el cambio físico fue notorio: “Cuando entré pesaba unos 154 libras (70 kg), y al salir estaba cerca de 230 (104 kg). Ahora me mantengo en 210-215 (95-98 kg)”.

La alimentación también fue un reto. “Me aseguraba de comer cinco veces al día. Dos comidas calientes que daba la prisión, luego avena, puré de papas y, por la noche, un burrito rápido”, detalló.

El presupuesto del economato era limitado y mencionó: “Solo puedes gastar USD 300 al mes, así que me abastecía de avena y puré de papas”. El aumento de peso fue tan drástico que, según relató, llegó a no caber en su ropa al salir: “En casa tenía pantalones talla 30, ahora uso 38”.

Impacto psicológico de su experiencia y relaciones personales

El encierro dejó huellas profundas en la mente de Blueface. “Lo que más extrañé fueron las mujeres, pero al salir, la ansiedad sexual era diferente, como si me hubiera olvidado de eso”, admitió. La falta de contacto físico y la rutina monótona alteraron su percepción del tiempo y de sí mismo: “En prisión aprendes a vivir sin ciertas cosas. Al salir, no tenía el mismo deseo que antes”.

La adaptación mental fue un proceso complejo. “La cárcel te enseña a valorar lo que tienes afuera”, reflexionó. También reconoció que la experiencia le enseñó a no reaccionar ante todo: “Aprendí a no responder a todo, a dejar que la gente hable si no tengo una razón para contestar”.

El regreso a casa no fue tan idílico como esperaba. “Pensé que todos dejarían sus sentimientos de lado y me darían la bienvenida, pero seguían molestos por cosas del pasado”, relató en BigBoy TV. Las tensiones familiares, especialmente con su madre y sus exparejas, persistieron y subrayó: “Dos años después, seguían sacando temas antiguos”.

La relación con Chrisean Rock, madre de uno de sus hijos, fue uno de los puntos más delicados. “No tengo mala voluntad hacia ella, pero sé que no puedo ser exitoso a su lado”, afirmó. Sobre la coparentalidad, se mostró paciente: “Ella es nueva en esto, solo puedo esperar a que esté lista para compartir la crianza”.

También habló de la dificultad de estar lejos de sus hijos y de la necesidad de equilibrar su presencia para todos. “No puedo perseguir una sola situación, tengo que estar para todos mis hijos”, admitió.

Reintegración y cambios tras la libertad

La readaptación a la vida fuera de prisión trajo desafíos inesperados. “Al volver, esperaba que todos me recibieran con los brazos abiertos, pero algunos seguían molestos”, reiteró. El impacto de la libertad se sintió incluso en lo cotidiano: “Entré a la casa y pensé: ‘¿Quién compró estos televisores tan grandes?’ Todo parecía enorme después de ver pantallas pequeñas durante tanto tiempo”.

En cuanto a su carrera musical, reconoció que al principio sintió nerviosismo: “No escribí nada en prisión, no tenía beats. Todo lo que podía escribir era sobre la cárcel, y no quería hacer canciones de ese tipo”. Sin embargo, al regresar al estudio, notó una mejora en su creatividad y reveló: “Me di cuenta de que era mejor, pero necesitaba encontrar ese primer tema que conectara”.

Asimismo, el rapero reflexionó sobre el cambio en la industria musical. “Ahora los fans mandan, el chat controla todo. Es diferente”, destacó. A pesar de la presión, se mostró confiado en su capacidad para reconectar con su público: “Sabía que tenía que volver con un tema al estilo Blueface, y luego experimentar”.

Al cierre de la entrevista, Blueface compartió que la prisión le enseñó a elegir cuándo hablar y cuándo guardar silencio, una filosofía que ahora aplica en su vida diaria y que le permite afrontar con mayor serenidad los desafíos de la fama y la vida personal.

Guerra abierta en el seno del rap. Los raperos Fernando Costa (Ibiza, 1995) y Ayax (Granada, 1991) —este último conocido por el dúo Ayax y Prok, que forma junto a su hermano Adrián— llevan meses enzarzados en una pelea que cada vez se ha hecho más pública. Este lunes 24 de noviembre, el rapero ibicenco ha lanzado TE AVISÉ, acusando al artista, de entre otros, violencia en la pareja, manipulación emocional o abuso de drogas. Una de las frases más fuertes del tema es cuando Costa afirma que “pagaste para que esa chica retirara su denuncia del juzgado”. En noviembre de 2024, la cuenta de Instagram @DenunciaGranada comenzó a recoger testimonios de mujeres que supuestamente habían sido agredidas por Ayax y Adrián Pedrosa Hidalgo, hermanos gemelos.

Ambos raperos mantuvieron durante años una relación estrecha, especialmente en la escena granadina. Ese vínculo se fracturó a raíz de una entrevista concedida por Costa durante la promoción de Amor de barrio. “Si es verdad todo lo que dicen, que la justicia actúe cuanto antes”, le dijo a ElPlural sobre las acusaciones del dúo de hermanos. “Recuerda hermanito que sin mí no serías nadie. Tu hijo es mi nieto porque yo soy tu padre”, le respondió Ayax en redes sociales.

Un mes después, y tras varios mensajes cruzados, Ayax volvió a dirigirse a Costa desde la plataforma X, antes Twitter, donde publicó —y posteriormente eliminó— una serie de publicaciones en los que lo acusaba de deslealtad. “Ayer te pagué la gira para que tú hoy me vendas. Arrieros somos, nos veremos en la senda”, escribió, como recoge el citado medio.

“Deja de haber paz en el momento en el que mencionas a mi hijo”, respondió Costa. A continuación, explicó que durante años había sido telonero de la gira de Ayax y Prok sin cobrar, solo a cambio de comida y alojamiento, y añadió que esa deuda estaba “pagada de sobra” con todo lo que había soportado en su entorno. También lanzó un mensaje sobre la canción que Ayax estaba preparando entonces: “Estoy deseando que sueltes la basura esa que has escrito puesto de farlopa para ver si eres capaz de mencionar a mi niño otra vez”.

“Amor falso, amor de estraperlo”

Tras ese cruce, Ayax intentó rebajar la tensión y publicó en Instagram que su reacción había sido “innecesaria e inmadura”. “Le deseo lo mejor a él y a los suyos. Muchos años y muchas cosas bonitas juntos. Paz”. Desde ese momento y hasta la publicación de las tiraderas, no hubo más declaraciones por parte de ninguno de los dos.

Este viernes, Ayax ha publicado Justicia Poética, como respuesta a Costa: "Voy a follarte vivo, pase lo que pase / Eres un envoltorio, un molino giratorio / Amor falso, amor de estraperlo / 14 años, nunca llegué a conocerlo / Hermanito, toca madera / Eres Fernandito, Malaramera“, narra, en referencia al conocido tema de Costa.

Costa no ha tardado en responderle. Tres días después ha publicado Te avisé. “Pagaste para que esa chica retirara su denuncia del juzgado”, canta, en referencia a las acusaciones. “Te avisé cuando perdiste la casa por abusar de putas y gramos / No vayas al programa, por si te pregunta “¿Cuánto ganas?” Broncano (Jaja)“, añade, haciendo referencia a La Revuelta. “Dile a todo el mundo que al drogarte con yonquis / Le pegaste a todos tus amigos tuberculosis”. “¿Crees que voy a achicarme? Lo siento, es demasia’o tarde / Yo no soy una groupie, no puedes abusarme“, prosigue.

“Tras la brillante fachada del Imperio, prospera otra realidad más oscura”. Con estas palabras, los periodistas Simon Piel, Paul Deutschmann y Joan Tilouine resumen buena parte de lo recogido en el libro que, por sorpresa, acaba de inundar las librerías en Francia. El Imperio, así se titula, aporta una visión inédita sobre el submundo criminal donde convergen narcotráfico, negocios multinacionales y la industria musical que genera cientos de millones de euros anuales. “Nunca antes, en esta década, el dinero había circulado con tanta libertad ni alimentado la codicia de las figuras del crimen organizado con tanta impunidad”, escriben sus autores.

Bajo el deslumbrante éxito de hits, contratos millonarios y récords de streaming, surge el retrato de un entorno donde las amenazas, la extorsión e incluso los asesinatos se han vuelto parte del paisaje cotidiano. Tal y como se recoge en extractos publicados por el diario Le Monde, “dentro del círculo íntimo de ejecutivos de cuello blanco de las grandes discográficas, varios ya han recibido amenazas”. De hecho, la presión fue tal que los autores de la investigación decidieron mantener en total secreto la existencia del libro hasta escasos días antes de su publicación.

Varios sellos nacionales e internacionales quedan señalados

La violencia desencadenada tras la consolidación del rap como el género musical principal del país se ha traducido en atentados letales, venganzas y ajustes de cuentas. Un punto de inflexión ocurrió en verano de 2024 cuando un comando de asesinos irrumpió durante una reunión del entorno del rapero de origen marsellés SCH en La Grande-Motte, resultando en la muerte de uno de sus miembros. Ese episodio marcó, según los autores, el paso hacia una nueva era de “violencia sin límites” impulsada por organizaciones criminales jóvenes y extremadamente violentas.

Entidades criminales como la DZ Mafia, protagonista en episodios de violencia reciente, o la BMF (Black Manjak Family) figuran como operadores fundamentales en el entramado de influencia y poder que implicaría a estrellas de la música urbana del país como Gims, Jul, Koba La D, Naza o PNL. Del otro lado, sellos discográficos de talla internacional, como Universal y Sony, se ven mencionados en relación con acuerdos —en muchos casos, confidenciales y de alto riesgo— suscritos con actores financieros y criminales que actúan a través de sociedades pantalla.

La investigación señala que, en ese contexto, Believe, la distribuidora musical de Werenoi (el artista de mayores ventas en Francia en 2023 y 2024, fallecido en mayo del último año), habría establecido acuerdos con carteles de la droga ansiosos por acceder a los anticipos y beneficios del suceso discográfico. “Las lágrimas y los millones de euros se entrelazaron”, describen los periodistas, en referencia al impacto de su muerte.

La “base de operaciones”

Un ejemplo a destacar en el libro es el de Maes, emblemática figura del rap francés cuya vida dio un giro vertiginoso cuando optó por abandonar clandestinamente Dubai tras la emisión de una Notificación Roja de Interpol. El artista había llegado a la ciudad de Emiratos Árabes unidos tras las amenazas sufridas contra él y su familia. “A principios de diciembre de 2021, a modo de advertencia, un grupo de matones incendió tres vehículos del equipo de filmación que grababa un videoclip de Maes en el complejo de viviendas”, documentan los autores de El Imperio, tras más de dos años de investigación y dos centenares de entrevistas con testigos.

A pesar de la huida, su implicación en nuevas redes de poder y supuestos planes de venganza lo mantuvieron en el ojo de los investigadores franceses. De hecho, tal y como ellos mismos señalan “la gran mayoría de las figuras más destacadas del rap tienen vínculos con Dubai, su base de operaciones”. La capital del lujo también es escenario de nocturnas negociaciones entre raperos, influencers, estafadores, promotores de conciertos y narcotraficantes europeos, mientras algunos artistas fundan empresas y gestionan fortunas en cuentas opacas.

Así, mediante informes policiales y testimonios confidenciales, documentan que tras el exilio en Dubái, Maes se habría visto involucrado en operaciones violentas a distancia en las que se comunicaban mediante mensajería encriptada y con transferencias de fondos a colaboradores. “El precio del perdón, y también de la seguridad, lo han fijado alto: un millón de euros y el 50% de sus ganancias musicales”. La negativa del rapero a someterse a este chantaje lo sumió en una espiral de peligro y persecución internacional, culminando en su detención en Casablanca tras una compleja fuga por tierra y aire.

En los últimos compases de su libertad, el entorno de Maes quedó marcado por la intervención de la policía francesa y emiratí, la congelación de sus activos en Dubai y el aislamiento sin apoyos explícitos de otros colegas de la industria, como Gims. La investigación revela así los límites difusos entre industria musical, crimen globalizado y política, esposando la magnitud de un fenómeno donde “estos millones de euros alimentan la codicia… Desde París hasta Marsella, la sombra de poderosos narcotraficantes se cierne sobre el rap francés, dispuestos a todo para obtener su parte. Una amenaza que no deja de crecer”.

Su regreso a la escena musical generó un gran impacto. Luego de casi 7 años de espera desde su anterior disco, Am I the Drama? debutó en el primer puesto del Billboard 200 y obtuvo la certificación de doble platino en solo diez días.

Sin embargo, el éxito comercial estuvo acompañado de controversias, desde cuestionamientos sobre las cifras de ventas hasta enfrentamientos públicos con otras figuras del rap, una situación que la propia artista abordó en su charla.

Lanzamiento de “Am I the Drama” y sus polémicas

El nuevo trabajo de Cardi B, compuesto por 23 temas y editado por Atlantic Records, marcó un hito inmediato en las listas de ventas. No obstante, la celebración se vio empañada por el debate en torno a la legitimidad de los números alcanzados.

La polémica se intensificó cuando Nicki Minaj, una de sus principales rivales en la industria, publicó en X (antes Twitter) un mensaje con el precio promocional del álbum en iTunes, insinuando que el bajo costo infló artificialmente las ventas. A esto se sumaron otros comentarios y referencias a las letras de “Magnet”, uno de los temas del disco, lo que avivó aún más la discusión en redes sociales.

Cardi B, lejos de esquivar la controversia, defendió con firmeza el resultado de su trabajo. “Estoy muy orgullosa de mis números. Hay personas que nunca han visto 100.000 ventas y me llaman un fracaso”, apuntó en el reportaje.

La artista subrayó que, más allá de las cifras, el verdadero impacto de su música se refleja en la cantidad de videos y memes que circulan en plataformas como TikTok, así como en la respuesta positiva de quienes dudaban de su regreso.

Enfrentamientos públicos y “drama” en redes sociales

La promoción de Am I the Drama? coincidió con una serie de disputas públicas, especialmente con Nicki Minaj y otras artistas como JT y Bia. Los cruces en X incluyeron desde bromas sobre ventas hasta ataques personales y referencias a la vida privada de las involucradas.

Ante esto, Cardi B respondió tanto en redes como en sus canciones, destacando el tema “Pretty & Petty”, donde desafía a Bia con la frase: “Nombra cinco canciones de BIA, con una pistola en la cabeza/ Baow, estoy muerta”.

La rapera reconoció que parte de la reacción era previsible, pero consideró que sus respuestas estaban justificadas. “¿Por qué piensan que soy la indicada para meterse conmigo?”, cuestionó en la entrevista. Para la intérprete, la confrontación forma parte de su personalidad artística y de su manera de enfrentar los desafíos en la industria.

Evolución personal y profesional de Cardi B

El intervalo de casi 7 años entre Invasion of Privacy y Am I the Drama? supuso una transformación profunda para Cardi B, tanto en lo personal como en lo profesional. “Crecí mucho. Tuve un par de hijos. Ahora sí estoy realmente en la industria”, reflexionó.

Durante este periodo, la rapera atravesó experiencias que la llevaron a madurar: se casó, adquirió propiedades, vivió la pandemia y aprendió a valorar la familia y el crecimiento personal. A propósito de esto, resumió: “Me convertí en adulta, una adulta de verdad”.

Valor de la maternidad con la vida familiar

La maternidad ocupa un lugar central en la vida de Cardi B, quien actualmente espera su cuarto hijo, el primero junto al jugador de fútbol americano Stefon Diggs. La artista describió cómo la protección hacia sus hijos la llevó a actuar con una determinación inédita.

“Esta semana mostré al mundo que puedo ser la más feroz por los míos. Me sentí como una leona”, confesó a Paper Magazine. Para ella, la experiencia de ser madre puso a prueba su fortaleza y le demostró hasta dónde está dispuesta a llegar por su familia.

También confesó que sueña con que sus hijos hereden su ética de trabajo, aunque admitió que esa motivación no puede imponerse. “Solo puedes desear que ese impulso nazca dentro de ellos, y rezo para que así sea”, expresó.

Visión sobre la autenticidad y la lealtad

La autenticidad y la lealtad son valores fundamentales para Cardi B, tanto en su vida personal como en su carrera. En el tema “Magnet”, la artista aborda la cuestión de la falsedad en el entorno artístico y cómo responde a quienes la desafían.

“La gente piensa que soy muy confrontativa porque enfrento mis conflictos, pero también he ignorado a muchos. Cuando ya no puedo más, demuestro que no soy la persona con la que se puede jugar”, manifestó.

Sobre el concepto de “real bitch”, la cantante fue tajante y señaló: “Una verdadera perra es aquella que no traiciona a nadie, ni a sus amigos ni a nadie. No se trata solo de dinero, porque hay muchas que lo tienen y son falsas. Lo que importa es la lealtad y el respeto, incluso cuando no estás presente”.

Polémicas sobre su creatividad y salud mental

La constante exposición a la polémica tuvo un efecto dual en su vida. Por un lado, reconoció que el “drama” puede ser agotador y que, en ocasiones, esperaba ciertas reacciones por el contenido de sus canciones. “Estoy cansada de muchas formas y me agota. Hay drama que esperaba que llegara, porque si lanzo indirectas, sé que vendrán respuestas”, admitió.

A pesar de sus esfuerzos por mantenerse al margen, Cardi B asume que la controversia es una constante en su vida, y según ella, lejos de detenerse, parece acompañarla en cada etapa de su carrera profesional.

Eminem, estrella indiscutida del rap, protagoniza una transformación personal que ha captado el interés de seguidores y especialistas en salud mental. El artista estadounidense, quien el último 17 de octubre celebró 53 años, conmemora este 2025 diecisiete años de sobriedad.

De la adicción a la disciplina

A mediados de los 2000, Eminem enfrentó una etapa marcada por el abuso de sustancias y el alcohol, situación que casi le cuesta la vida en 2007 tras una sobredosis accidental de metadona. Este suceso, que lo llevó al hospital, representó un punto de inflexión: sin recurrir esa vez a rehabilitación formal, decidió reconstruirse completamente y buscar alternativas a los tratamientos convencionales.

En una entrevista con The New York Times, explicó que la exposición mediática durante su primer ingreso en rehabilitación le impidió enfocarse en su recuperación: “Fui a un hospital normal. Me desintoxiqué allí y luego volví a casa. No podía volver al centro porque me sentía como Bugs Bunny porque me robaban gorras, bolígrafos, cuadernos y me pedían autógrafos. No podía concentrarme en mi problema“, confesó el propio Eminem.

Despojado de viejos hábitos, canalizó su energía en el ejercicio físico para sostener su sanación. Correr se transformó en su nueva obsesión; llegó a recorrer hasta 27 kilómetros diarios en la cinta. Esta rutina terminó por proporcionarle la sensación de bienestar y descanso que antes atribuía a las drogas.

“Tengo un cerebro adicto y cuando se trata de hacer running creo que me dejé llevar un poco. Me convertí en un maldito hámster. 27 kilómetros diarios en la cinta. Me levantaba por la mañana y antes de ir al estudio corría. Luego llegaba a casa y corría más. Empecé a obsesionarme con las calorías, asegurándome de quemar 2.000 al día. Al final, bajé a unos 70 kilos", relató Eminem en Men’s Journal.

La familia como motor de cambio

El apoyo familiar resultó fundamental. Su hija biológica, Hailie, y sus hijas adoptivas, Lainey y Whitney, fueron el pilar durante cada etapa de su recuperación. La responsabilidad de ser un ejemplo y la motivación de cuidar a sus hijas superaron cualquier tratamiento formal. Eminem ha afirmado en diversas ocasiones que el amor paternal fue un factor decisivo para dejar atrás la autodestrucción y encontrar nuevas metas tangibles.

La paternidad le ofreció propósitos concretos. Esta dimensión familiar facilitó y robusteció su recuperación a largo plazo.

Un nuevo rol: la llegada de la segunda nieta

Hoy, convertido en abuelo por segunda vez a los 52 años, Eminem representa una vida reconstruida que contrasta totalmente con su pasado. Su experiencia no solo es testimonio público de la superación, sino una referencia tangible para quienes afrontan adicciones o buscan transformar su vida familiar.

Ser abuelo reafirma que su proceso de transformación abarca casi dos décadas. Su función en la familia, como padre y abuelo, evidencia la coherencia y el impacto positivo de los cambios realizados.

El caso de Eminem ha trascendido el mundo del espectáculo y llamó la atención de la comunidad científica. Psychology Today publicó un estudio en el que su historia se utiliza como ejemplo concreto de la eficacia del ejercicio estructurado para quienes luchan contra la adicción. Según la publicación, la constancia en la actividad física ayuda a restaurar el sistema de recompensa cerebral y reduce las recaídas.

Su experiencia inspira a personas en procesos de recuperación, así como a profesionales que buscan alternativas eficaces y sostenibles. La actividad física, el compromiso familiar y la constancia han sido claves para sostener una vida saludable y plena, lejos de los excesos y la autodestrucción.

El fenómeno viral de la rapera Angie Corine parece haber confirmado la aparición de una nueva estética en el seno de la música urbana. Acostumbrados, en el ámbito del rap, a los mensajes reivindicativos y a la crítica social desde una óptica progresista, la artista de origen estadounidense y afincada en España desde los 6 años se ha puesto de moda con una imagen totalmente opuesta: camisetas de España, banderas rojigualdas con un toro y un respaldo público tanto a Vox como a Santiago Abascal (con el que afirma que se manda mensajes en redes sociales habitualmente) son algunas de sus señas de identidad.

La propia artista ha sido clara al expresar los elementos que conforman su posicionamiento, evidenciado tanto en entrevistas como en sus canciones. En uno de sus vídeos más recientes, que ya ha superado un millón de visualizaciones en TikTok, Angie Corine declara: “Yo confío plenamente en Santiago Abascal y confío en que el tiempo me dará la razón”, a la vez que lanza diferentes mensajes contra la inmigración y a favor del empresario en un tono abiertamente provocador.

En la misma línea discurre uno de sus últimos videoclips, España 2, el cual ha alcanzado una gran repercusión en redes sociales y las plataformas de música. “¡Viva el comunismo! Jaja, ¿te imaginas? Que entro en mi casa y tengo un okupa en la cocina, que de to’ lo que gano la mitad va pa’ la vecina, y la otra mitad pa’ Pedro pa’ que viaje a Filipinas. Está claro ¿para qué emprender? Si me sale mucho más rentable estar cobrando el paro (¿o no, Charo?)”, dice la letra de este tema en un momento determinado.

De YouTube a Vistalegre

La irrupción de Angie no ha llegado tras una trabajada carrera en el mundo de las batallas de rap, sino que nace de una exitosa trayectoria en redes como TikTok e Instagram desde que empezara a subir vídeos en 2023. Fue tras alcanzar un millón de seguidores en su canal de YouTube, de hecho, que decidió dar un giro a su vida y dar inicio a su carrera musical. A pesar de esa base, en diferentes entrevistas ha manifestado cómo su ideología le ha costado más de algún rechazo por parte de la industria. Sin embargo, al mismo tiempo, su afinidad con Vox la ha llevado a participar en diferentes actos organizados por el partido y otras formaciones de ultraderecha.

Es así como se llegó a su actuación en el pasado evento Europa Viva 25, celebrado en el Palacio de Vistalegre. Un encuentro de la extrema derecha europea bajo el lema de “la reconquista”, en el que confluyeron partidos como La Liga, Agrupación Nacional y Fidesz con sus respectivos discursos reaccionarios, xenófobos y ultranacionalistas. Líneas ideológicas con las que la artista siempre se ha mostrado afín.

Cuando ser rebelde es ser de derechas

El auge de personajes como el de Angie Corine no son un caso aislado. Expertos de diferentes sectores han advertido sobre cómo la rebeldía (o “el nuevo punk”, como defienden los mismos afectados) pasa por la derecha. “Pero en la derecha piensan que las élites son de izquierdas y que la derecha representa a la gente común que se rebela. Eso es eficiente”, señalaba al respecto en una entrevista con El País el ensayista Pablo Stefanoni, autor de ¿La rebeldía se volvió de derechas? Cómo el antiprogresismo y la aticorraección política estan construyendo un nuevo sentido común (y por qué la izquierda está perdiendo la iniciativa (Editorial Siglo XXI).

En el ámbito de la música urbana, un caso similar al de Angie Corine podríamos encontrarlo en otras artistas como BB Trickz, quien, desde una mezcla de provocación estética y referencias a iconografía trumpista (la artista hispano-canadiense ha declarado en más de una ocasión su admiración por el presidente estadounidense y su “honestidad”), plantea un discurso también radicalizado hacia la derecha, aunque dotado de una performatividad consciente y explícita, con letras tan marcadamente sexuales que han causado controversia tanto en la escena urbana como en el espacio político.

Los planes de Angie Corine: un disco para seguir transmitiendo su idea de España

El éxito de este tipo de nuevas voces musicales se produce además en una coyuntura marcada por la creciente tendencia de la juventud española, especialmente jóvenes varones, a identificarse cada vez más con posturas conservadoras o de derecha. Esta inclinación se relaciona con factores como la renta familiar, el impacto de las crisis económicas y una percepción de escepticismo hacia la democracia liberal, nutriendo así el caldo de cultivo para la aparición de movimientos musicales alineados a estas posiciones.

Angie Corine ya ha anunciado que planea sacar un disco titulado España con “ocho canciones que irán saliendo poco a poco, todas con el mismo mensaje: hacer una crítica social desde mi punto de vista y que la gente se lo pase bien”, tal y como explicaba en una entrevista reciente con El Español. “También incluye muchas colaboraciones con artistas que piensan lo mismo que yo”, añade a continuación.

Este sábado 20 de septiembre, Gorillaz aterrizó en Madrid para un show que se llevó a cabo en el marco del festival Pulse of Gaia. La banda británica no solo deleitó a los presentes con sus clásicos de siempre y la aparición de varios invitados, como es habitual en su historia musical, sino que deslumbró con un anticipo para la nueva etapa. Entre los artistas sorpresa de la noche, Trueno encendió la euforia cuando subió al escenario para cantar junto a Albarn el tema “The manifesto”, una colaboración inédita que formará parte del próximo disco de la banda.

Sobre el escenario madrileño, Trueno impuso presencia y estilo. El artista lució una remera blanca con el sol de Mayo en la espalda, gorra oscura tipo piluso y shorts deportivos. Ante miles de asistentes entonó las estrofas de una canción que inmediatamente se volvió viral en todas las plataformas. “Crucé la puerta y hoy me siento libre, dejé el pasado y me fijé en lo simple, solo dame de tu gramo pa sentirme firme, y yo te dejo mi legado antes de irme. Cada paso una enseñanza, sigo con confianza, tan rápido que el tiempo no me alcanza. No busco alabanzas, menos falsas esperanzas. Descansa, como cuando estabas en la panza. Y despierta, toma las cartas en el asunto para poder mirar la vida diferente punto”, fueron algunas de las palabras que entonó el argentino ante los fans.

El momento fue uno de los grandes picos del show, con la multitud celebrando la unión de dos generaciones y estilos. Apenas finalizó la presentación, las redes ardieron: “Qué temón”; “Dos genios se unieron”; “Lo amo”; “Icónico”; “Lo que necesitábamos: Albarn y Trueno juntos de nuevo”; estos y otros comentarios inundaron TikTok, Instagram y X, convirtiendo el show en tendencia y dejando en claro que tanto Gorillaz como Trueno saben cómo mover a sus multitudes.

No es la primera vez que la banda británica y el rapero argentino cruzan caminos sobre el escenario. En mayo de 2022, Gorillaz fue una de las máximas atracciones del Quilmes Rock, en un debut local que arrastró a miles de personas hasta Tecnópolis. Aquella noche, uno de los momentos más recordados fue la irrupción de Trueno junto a Albarn para una versión explosiva de “Clint Eastwood”. Tras el show, Missy Albarn, hija del cantante de Gorillaz y Blur, compartió en Instagram una foto con su padre y el rapero. “Morí”, escribió, revelando que es fan del cantante y conoce a fondo el vocabulario gracias a que estudió español en Londres durante gran parte de su infancia.

El vínculo entre Trueno, Gorillaz y Argentina se fortaleció sobre el escenario en ese entonces. “Un saludo para Damon, acá está toda tu gente de Buenos Aires”, había improvisado el rapero en uno de los estribillos más celebrados, sumando un guiño para los fans locales. Trueno, por su parte, venía de cerrar su propia etapa “Atrevido” en ese mismo festival, con una serie de éxitos propios como “Dance Crip” y “Azul y oro”.

Hoy, con “The Mountain” en el horizonte y colaboraciones como “The manifesto” dando la vuelta al mundo, Gorillaz demuestra que, más allá del dibujo animado, late una pulsión de colaboración y riesgo que renueva su mito show a show. Y la presencia de Trueno en Madrid es la última prueba de que el talento argentino sigue ganando espacios de privilegio en la nueva historia grande de la música internacional.

La pasión de Ed Sheeran por el hip-hop ha marcado su desarrollo musical y personal, una relación que ha reconocido públicamente en entrevistas y encuentros con diversas figuras del género. En una reciente charla para el programa GOAT Talk, el artista británico reveló qué discos y raperos han dejado una huella profunda en su vida, mostrando un vínculo auténtico con el rap estadounidense y británico.

Los discos que definieron su universo musical

En el diálogo con el actor Barry Keoghan, Sheeran compartió una lista personal de discos esenciales. Sus elecciones recorren algunos de los títulos más emblemáticos del rap: Get Rich or Die Tryin de 50 Cent, The Documentary de The Game, The Marshall Mathers LP de Eminem y 2001 de Dr. Dre. Para el cantante, estas producciones son más que simples álbumes, forman parte de un repertorio que lo acompaña en diversos momentos de su vida, y representan la banda sonora de su crecimiento artístico y personal.

The Marshall Mathers LP, en particular, posee un significado especial para Sheeran. Además de la admiración profesional, esta obra le brindó una herramienta inesperada: le ayudó a enfrentar y superar la tartamudez que padeció durante la infancia.

Según confesó el propio Sheeran, la dedicación a memorizar y rapear las letras de Eminem resultó decisiva. “Aprenderme ese disco y rapearlo una y otra vez me curó la tartamudez”, expresó tiempo atrás, en una revelación que ilustra la profundidad de su conexión con el hip-hop.

Anécdotas familiares y experiencias personales

Las historias personales de Sheeran reflejan cómo el hip-hop ha trascendido el ámbito profesional para impregnar su vida cotidiana y familiar. Durante las vacaciones en Italia, relató una escena singular: compartió con su padre la escucha del disco de 50 Cent, Get Rich or Die Tryin’, describiendo el momento con humor y honestidad. “Estaba en topless con una cerveza en la mano, explicándole lo genial que era ‘If I Can’t’ porque no tiene un estribillo completo de ocho compases”, recordó entre risas.

La complicidad con su entorno y la forma en que integra la música en sus relaciones personales han reforzado su autenticidad como artista. Experiencias cotidianas, como escuchar discos con su padre o compartir gustos musicales con amigos, generan un vínculo directo entre su carrera pública y su vida privada.

Eminem: de ídolo a compañero de escenario

La admiración de Sheeran por Eminem fue tan marcada que, tras superar la tartamudez rapeando sus letras, consolidó una relación directa con el rapero de Detroit. Desde entonces, han colaborado en tres canciones y han compartido escenario, lo que supuso para el artista británico alcanzar un sueño de adolescencia.

La influencia de Eminem no se limita a lo musical, sino que inspiró también la tenacidad y la confianza del británico en sus propias capacidades artísticas. Esta simbiosis ha nutrido el camino de Sheeran hacia la versatilidad y el reconocimiento internacional.

El acercamiento al hip-hop le ha permitido posicionarse en escenarios diversos y conectar con audiencias a nivel mundial, sin perder de vista sus raíces y sus pasiones.

Reconocimiento en la escena del hip-hop

El impacto de Sheeran no pasa desapercibido ante figuras relevantes del género. Un ejemplo de ello se produjo cuando 50 Cent presenció la interpretación acústica que Sheeran realizó de “In Da Club” durante un concierto de John Mayer en Los Ángeles.

El rapero, visiblemente impresionado, publicó el video en su cuenta de Instagram, acompañado del mensaje: “Ed Sheeran ahora mismo en Los Ángeles en el concierto de John Mayer. ¡Matando a todos! ¡BOOM!”. Esta manifestación pública de admiración fue acompañada por la reacción de Busta Rhymes, quien celebró la actuación con emojis de fuego, destacando así el respeto que Sheeran se ha ganado en la comunidad hip-hop.

El reconocimiento de referentes del rap, así como la repercusión en redes, refuerzan la legitimidad del británico en un ambiente musical que suele ser reservado para sus protagonistas más tradicionales.

Admiración por el hip-hop británico

Aunque buena parte de la conversación giró en torno a potencias estadounidenses, Sheeran no dejó de resaltar la importancia del hip-hop británico en su vida. Al mencionar a artistas como Skepta, Dave, Wretch 32 y Stormzy, reconoció la existencia de una escena local vibrante y diversa, tan influyente como la internacional.

Separando el escenario de sus orígenes, Sheeran mantiene siempre presente el valor de los referentes nacionales y, con ello, su versatilidad e inspiración constantes.

La travesía musical de Ed Sheeran evidencia que la pasión auténtica por el rap le ha permitido fluir entre géneros, unir generaciones y recibir elogios tanto de colegas locales como internacionales, consolidando un lugar único en el panorama musical global.

Este lunes, el mundo del periodismo argentino recibió un golpe inesperado y doloroso tras conocerse la muerte de Juan Ortelli, a través de su cuenta personal de Instagram. Reconocido por haber sido director de Rolling Stone Argentina entre 2013 y 2018, referente de la escena del rap y del freestyle, colaborador incansable y voz central en la transformación de varias generaciones, Ortelli falleció a los 43 años y dejó un vacío enorme, no solo para los colegas y artistas con los que trabajó, sino también para miles de lectores y seguidores que lo descubrieron detrás de cada nota, podcast y aparición pública.

En medio del dolor por su partida, su colega y amigo Pablo Plotkin, le dedicó un extenso y sentido homenaje desde su propia cuenta. “Además de ser el gran narrador del rap de competición y su diáspora musical, Juan Ortelli fue un periodista extraordinario, apasionado como pocos y con un talento artesanal para la edición de revistas. Vino de la nada, sin contactos ni circuitos de pertenencia, y antes de los treinta llegó a dirigir la Rolling Stone”, relató sobre el recorrido profesional de su compañero. “Tenía un amor reverencial por la marca y por la historia del periodismo gráfico. Era un cultor romántico del mito de la prensa escrita, uno de los últimos de esa especie. El mundo muchas veces le quedaba incómodo. Dejaba todo en el trabajo, esperaba lo mismo del resto y sufría horrores y se enojaba cuando las cosas no eran como pretendía”, continuó.

Plotkin recordó, además, los inicios compartidos y la evolución del género: “En esa época escribía notas llenas de datos, emoción y movimiento, desprolijas y vitales, como si tradujera el carrete de diapositivas que le pasaba a toda velocidad por la ventana del Sarmiento. Su primera gran crónica para Rolling Stone, publicada en 2004, contó el surgimiento de las batallas de rap callejeras antes de la Red Bull, del Halabalusa, del Quinto Escalón y de todo. Algo de ese flow latía en su escritura, pero sería injusto recordarlo solo por su cualidad de difusor y analista del género urbano”. El mensaje también destacó que, en los últimos años, ya alejado de las redacciones, Ortelli se convirtió en protagonista de la transición de la cultura del freestyle improvisado a la escrita, con la Liga Bazooka y la “biblia del movimiento”, el libro monumental que estaba escribiendo sobre la historia del rap en español.

Cabe mencionar que, en paralelo al homenaje de Plotkin, la noticia fue dada a conocer a través de un emotivo posteo desde su cuenta de Instagram, acompañado de una foto de perfil del periodista: “Con profundo pesar y desazón informo a la comunidad periodística, artística, del rap y allegados, que por causas naturales ha fallecido mi gran y amado hermano Juan. Rogamos se extienda en su memoria una oración en honor a su legado periodístico, personal y emocional”.

En las horas siguientes, la reacción de colegas, artistas y seguidores se multiplicó en la sección de comentarios: “Gracias por tanto Juan. Mucha fuerza a toda tu familia”; “Me parte el alma leer esto”; “Vuela alto, Juan. Te tendremos siempre presente”; “Esto es una gran pérdida”; “Sin duda un pilar en esta cultura”; “Mucho respeto y cariño para este tremendo profesional y persona”, fueron algunas de las frases que sobresalieron y dieron cuenta del impacto de la partida.

Nacido en Mendoza y radicado en Buenos Aires desde muy joven, llegó a la ciudad de Buenos Aires antes de cumplir los veinte años para estudiar y trabajar. Su desembarco en el periodismo fue veloz: apenas en su segundo año de facultad se incorporó a Rolling Stone y luego de diecisiete años llegó a ocupar el despacho de director, rol que mantuvo durante seis años y con el que se despidió tras la edición número 250 de la revista.

Más allá del periodismo gráfico, fue jurado de la Liga FMS, de El Quinto Escalón y de varias ediciones de BDLG. Aportó su conocimiento en podcasts para Red Bull, escribió guiones para Vice y volcó su pasión en la que consideró su obsesión más reciente: la historia de las batallas de freestyle en español, que retrató en su libro “Réplica”, previsto para su publicación a finales de este año. Como juez en la última temporada de FMS Argentina y autor de los textos más memorables sobre el crecimiento del rap y el freestyle, Juan Ortelli deja una huella profunda, reconocida tanto en la prensa como en la cultura de los escenarios y las plazas.

El incidente en Ventura Boulevard

De acuerdo con el portavoz de la policía de Los Ángeles, Charles Miller, los oficiales acudieron poco antes de las seis de la mañana al vecindario de Studio City, luego de recibir llamadas que alertaban sobre “un hombre desnudo caminando por el concurrido Ventura Boulevard”.

El sospechoso resultó ser Lil Nas X, cuyo nombre real es Montero Lamar Hill. Según indicó la policía, cuando los agentes llegaron al lugar, el músico “se enfrentó a las autoridades que acudieron al lugar”.

Fue reducido y puesto bajo custodia, aunque antes se dispuso su traslado a un hospital porque los oficiales sospechaban que podía tratarse de una sobredosis.

El propio LAPD confirmó a People que el artista fue arrestado bajo sospecha de haber “agredido a un oficial”. El informe de detención lo registra como un delito menor y precisa que fue fichado a las 11:22 de la mañana.

Horas después, el portal TMZ difundió imágenes que parecían mostrar al rapero caminando por Ventura Boulevard alrededor de las 4 a.m. vistiendo únicamente ropa interior y botas.

Tras ser dado de alta del hospital, Lil Nas X fue trasladado a la cárcel del condado y permanecía detenido en Valley Jail, en Van Nuys, cerca del lugar donde ocurrió el altercado.

¿Quién es Lil Nas X?

Montero Lamar Hill, nacido el 9 de abril de 1999 en Atlanta, se convirtió en una de las figuras más llamativas de la música contemporánea gracias a su estilo que combina rap, country, pop y una fuerte carga visual ligada a la cultura queer.

Su salto a la fama ocurrió en 2018 con el lanzamiento de “Old Town Road”, tema que rompió récord al mantenerse 19 semanas consecutivas en el número uno del Billboard Hot 100, la mayor marca desde la creación de la lista en 1958.

Al mismo tiempo, Lil Nas X se declaró abiertamente gay, convirtiéndose en el primer artista en hacerlo mientras tenía un sencillo en la cima de los rankings.

El éxito de “Old Town Road” le abrió las puertas de Columbia Records, con quienes lanzó su primer EP, 7, en 2019. Ese material incluyó los sencillos “Panini” y “Rodeo”, que alcanzaron los puestos #5 y #22 del Billboard Hot 100, respectivamente.

En 2021 publicó su primer álbum de estudio, Montero, que debutó en el puesto #2 del Billboard 200. Con él llegaron nuevos éxitos: “Montero (Call Me by Your Name)” y “Industry Baby” (junto a Jack Harlow), ambos en el número uno, además de “That’s What I Want”, que entró al top 10. El disco recibió una nominación al Grammy a Álbum del Año.

El rapero también suma en su historial dos premios Grammy, cinco Billboard Music Awards, cinco MTV Video Music Awards, dos BET Hip Hop Awards, dos iHeartRadio Music Awards y dos American Music Awards.

En 2022 se convirtió en el miembro más joven en recibir el Hal David Starlight Award en el Salón de la Fama de Compositores.

Su proyecto más reciente es el EP Days Before Dreamboy (2025), que incluye sencillos como “Light Again!”, “Hotbox” y “Big Dummy!”.

Dificultades recientes en su vida personal

Aunque su carrera se ha caracterizado por el éxito y la provocación, Lil Nas X ha pasado por una temporada complicada. En febrero pasado, el cantante reconoció en un video que compartió con sus seguidores: “Estos últimos años fueron bastante difíciles para mí. Han sido bastante difíciles para mí”.

En marzo, en conversación con People, confesó que necesitaba tomar distancia de los reflectores para volver a tener una vida común.

“Tuve que experimentar una vida común. Salté directamente a la adultez con una fama extrema a mi alrededor. Así que fue realmente agradable estar afuera caminando y conociendo gente en las calles y comiendo en restaurantes, incluso solo, pasando mucho tiempo en soledad”, dijo.

Además, en abril publicó un video desde una cama de hospital para revelar que estaba enfrentando problemas de salud. El propio artista relató que había perdido movilidad en parte de su rostro y pidió calma a sus seguidores.

La enemistad musical entre los raperos Santa Fe Klan y Dharius Bodharius escaló a un tenso encuentro en el Festival Dale Mixx.

El incidente, ocurrido el sábado 16 de agosto en el Parque Fundidora de Monterrey, se ha vuelto tema de conversación en redes sociales tras la viralización de un video grabado por un espectador.

Santa Fe Klan reta a Dharius Bodharius

En TikTok y X —antes Twitter—, un usuario difundió un video que registra el momento en el que Santa Fe Klan es contenido por su equipo de seguridad mientras lanza amenazas contra Dharius Bodharius.

La grabación es interrumpida por personal del evento, quien le pide al usuario no grabar.

Más tarde, a través de redes sociales, Dharius Bodharius avivó la polémica. El rapero compartió un comunicado donde además de pronunciarse sobre el hecho, acusa a Santa Fe Klan de amenazas y de encañonar a Gera MX, otro exponente del género, durante un evento de Spotify México.

Respuesta de Dharius a los hechos en el Festival Dale Mixx:

“¿Van a valer v3rg4 quien, alucinado?? @santa_fe_klan_473 La neta estás mal, aliviánate, escucha la rola de “ALV Todos” Tú sabes que yo soy tranquilo, pero pues se supone que éramos de los mismos y te ganó la fama, se te subió macizo y piensas que eres SCARFACE, pero nel vato.

El @geramx1 y todos los que nos cotorreábamos en el grupo de “La Confederación” te hicimos un parote chingos de veces ¿no te acuerdas? Hasta viniste al Clan Records llorando a decirme que te estaban robando y que ocupabas paro ¿y luego?? ¿Cuándo te quedamos mal??? Entre chingos más de paros que te hicimos. Desde hace más de 8 años te conozco y siempre estuve de tu lado, te acuerdas cuando me dijiste que te tirara paro en Diciembre del 2018 que porque te estaban pirateando tu merch??? Tocamos juntos un domingo y me dijiste que el mismo vato había estado el viernes y sábado vendiendo tus posters y camisetas afuera de las dos tocadas anteriores que tuviste, que querías que se mochara con una feria de perdido y quién te hizo el paro?? A quien tupieron en las redes todo Diciembre?? Nunca había dicho esto, pero tú sabes bien que pedo. Luego te topo en GDL un día y llegas bien picudo que ‘nosotros no sé qué y que no se qué... Cuando te dije que rollo fue cuando te quedaste como maniquí y terminaste diciendo que el pedo no era conmigo que era con el @ckan98 y que todo chido, entonces no entiendo porque le sacaste el cuete al Gera en el evento de @spotifymexico no sabes que cuando uno saca la pistola es pa usarla??"

Posteriormente, responsabiliza a Santa Fe Klan del incidente en el Festival dale Mixx: “Ayer en el Dale Mixx me dijeron los de seguridad que me andabas buscando ‘pa’ ponerme’ ¿Creías que iba a salir corriendo como al final saliste tú?“.

El origen de su rivalidad

Tras forjar una amistad en la escena subterránea del rap, la relación entre Dharius Bodharius y Santa Fe Klan se fracturó cuando la música del rapero guanajuatense se volvió masiva.

En febrero de 2025, Dharius Bodharius lanzó el sencillo “ALV Todos”, cuya letra hace referencia a los hechos mencionados en su reciente comunicado.

Parte de la letra de “ALV Todos”

En el dedo te dio un calambre, como de costumbre

Ya te habías tardado puños en sacar el cobre

Que se prenda la lumbre, pa mí eres puro alarde

Sacarla y no jalarle solo lo hacen los cobardes

Ladre, ládrele, sobrino

Nomás que cuando ladre, recuerde de dónde vino

“Padrino, padrino, enséñeme el camino

Rapeo por sus canciones", dijiste en el camerino

Hasta el momento, Santa Fe Klan no ha hecho declaraciones públicas sobre el incidente en el Parque Fundidora de Monterrey.

El artista argentino Duki presentó su nueva mixtape “5202”, un proyecto audiovisual que recopila momentos de su actual gira internacional, en la que ha recorrido más de 45 ciudades de 12 países y agotado entradas en escenarios de Estados Unidos, Europa y Latinoamérica.

La producción, compuesta por 11 canciones, incluye colaboraciones con Zell y Cluster, y cuenta con la participación de reconocidos productores internacionales como Southside, Wheezy, J.LBS y Liljumadedabeat. “5202” se caracteriza por ofrecer un registro en tiempo real del detrás de escena de la gira, mostrando fragmentos de conciertos en vivo, escenas de backstage, trayectos en avión, eventos y situaciones personales del artista durante el tour.

El primer adelanto del álbum, “Golfista”, alcanzó 15,6 millones de reproducciones en plataformas digitales y se posicionó rápidamente en el Top 50 de Argentina tras su lanzamiento. La canción fue presentada en un concierto con entradas agotadas en el Movistar Arena de Buenos Aires. El segundo sencillo, “NO ME ALCANZA”, fue lanzado durante la etapa española de la gira, coincidiendo con el cumpleaños de Duki.

Duki listo para conquistar el Palacio de los Deportes en la CDMX

En lo que va del año, Duki ha realizado ocho presentaciones con localidades agotadas en el Movistar Arena de Buenos Aires y once fechas en Estados Unidos, incluyendo el mayor concierto en solitario de un artista urbano argentino en ese país. Además, ha ofrecido shows a sala llena en Puerto Rico, Uruguay, Paraguay, Bolivia y Chile.

El tour mundial continuará en los próximos meses por Colombia, Perú, Ecuador, México y España, con actuaciones programadas en recintos destacados como el Palacio de los Deportes de Ciudad de México, el Coliseum de A Coruña y el Palau Sant Jordi de Barcelona. En Buenos Aires, el artista ya agotó diez funciones en el Movistar Arena y anunció una nueva fecha para el 17 de diciembre.

Según datos de la organización, para 2025 ya se han vendido más de 350.000 entradas en todo el mundo. El itinerario de la gira incluye ciudades como San Diego, Los Ángeles, Nueva York, Miami, Bogotá, Lima, Quito, Santiago de Chile, Madrid y Barcelona, entre otras.La mixtape “5202” se presenta como un testimonio visual y sonoro de la experiencia de Duki en los escenarios internacionales, permitiendo a sus seguidores acceder a una mirada íntima de su proceso creativo y de los momentos más destacados de su gira global.

Fechas de Duki en México

12.09 – CDMX – Palacio de los Deportes (MEX)

17.09 – Querétaro – Auditorio Josefa Ortiz de Domínguez (MEX)

19.09 – Guadalajara – Arena VFG (MEX)

20.09 – Monterrey – Auditorio Citi Banamex (MEX)

24.09 – Puebla – Auditorio GNP Seguros (MEX)

27.09 – Mérida – Foro GNP Seguros (MEX)

El escenario, ubicado frente a la zona común, se convirtió en epicentro de una marea humana que rebasó las batas de seguridad, repletando las escaleras mecánicas y accesos. A pesar de los intentos por controlar el flujo, los fans penetraron sin restricción.

El artista interpretó sus éxitos más sonados mientras el personal de seguridad organizaba pasos para contener la avalancha, en una tarde repleta de música y fervor urbano.

Multitud supera vallas y llena accesos

Miles de seguidores del cantante urbano se congregaron a las afueras del escenario en Mega Plaza Independencia desde horas antes del inicio del show.

El aluvión fue tal que la primera línea de defensa —las vallas metálicas— cedió ante el impulso del público. Se dieron escenas de empujones y carreras en busca de un lugar cercano al escenario.

Las escaleras mecánicas, diseñadas para un flujo constante, quedaron abarrotadas, interrumpiéndose el tránsito. La organización tuvo que reforzar el perímetro con más personal y voluntarios para intentar dar orden al caos.

Control de la situación y apoyo logístico

Según se supo, se incorporaron agentes adicionales y personal de seguridad privada para frenar la marea humana. Durante los primeros temas, los organizadores habilitaron entradas alternativas y contaron con ambulancias y rescatistas en caso de emergencias.

A pesar del colapso, lograron ejecutar el show sin cancelaciones ni incidentes graves. Usuarios en redes compartieron videos que muestran la magnitud de la aglomeración y los complejos intentos por restablecer la normalidad.

Genek en alta demanda: éxitos y ritmo

Gonzalo Genek, conocido por sus temas más escuchados en plataformas como Spotify, salió al escenario alentado por los gritos de su público. Interpretó sus mejores éxitos con la energía característica de su repertorio urbano.

Esta aparición gratuita generó mayor expectación que cualquiera de sus conciertos pagados, prueba del crecimiento de su popularidad local. La interacción cercanísima con su hinchada fue percibida incluso a través de TikTok, donde se viralizaron clips de la masiva respuesta del público.

Fans transforman paseo en fervor

Como era de suponerse, este evento sin entradas ni reservas, potenció la confluencia masiva de asistentes. Jóvenes de toda la capital se desplazaron antes del anuncio para asegurar un sitio.

Influencers y fan accounts en Instagram y TikTok compartieron el ambiente, mientras los repost acumulaban miles de visualizaciones. La combinación entre ingenio viral y emotividad colectiva convirtió el concierto en un fenómeno espontáneo, donde el fanatismo y el ingenio urbano redefinieron la experiencia al aire libre.

Implicancias para eventos futuros

El incidente deja lecciones sobre la capacidad para gestionar espectáculos de acceso público. Tanto organizadores como los promotores deberán revisar protocolos de control de flujos, evacuación de emergencia y límite real de asistentes.

También será indispensable mejorar la señalización y dividir los puntos de ingreso en zonas definidas. Para artistas emergentes, la ecuación entre proximidad con la audiencia y seguridad requiere un diseño cuidadoso. En futuras ediciones, mantener la emoción sin comprometer la integridad del público será el desafío principal.

Legado del evento

Además de fortalecer su vínculo con el público local, Gonzalo Genek consolidó su estatura como figura urbana emergente. El concierto vino a demostrar que la música peruana, especialmente los productos del rap y trap, ha encontrado un espacio fuerte en las generaciones jóvenes.

La jornada de emoción, música y adrenalina retará estándares de producción y gestión de eventos gratuitos, pero también reforzará el poder de convocatoria de artistas que hablan el idioma callejero de una audiencia ávida.

“Aquí arriba el Señor de los Gallos, el Patrón, el Señor Mencho”. Con esta línea comienza Señor de los Gallos, canción lanzada el 8 de diciembre de 2021 por los raperos franceses Lacrim y Werenoi.

La frase —breve y directa— hace referencia explícita a Nemesio Oseguera Cervantes, alias El Mencho, identificado como líder del Cártel Jalisco Nueva Generación (CJNG). La pieza une el lenguaje y los códigos del rap francés con símbolos del crimen organizado mexicano.

La canción fue publicada en el canal ODYSEA y, hasta la fecha, supera las 866 mil visualizaciones en YouTube. Con versos en español y francés, Señor de los Gallos establece una conexión entre dos entornos urbanos que, aunque distantes geográficamente, comparten expresiones estéticas similares en torno al dominio, la jerarquía y la calle.

Sus intérpretes son Lacrim y Werenoi. El primero, cuyo nombre real es Karim Zenoud, nació el 19 de abril de 1985 en el distrito 20 de París, hijo de inmigrantes argelinos. Su familia paterna es originaria de Sidi Daoud, y la materna, de Bugía.

Tras una infancia en Chevilly-Larue, inició su carrera musical en 2012 con el álbum Faites entrer Lacrim. Luego vinieron discos como Corleone (2014) y Force & Honneur (2017), ambos número uno en ventas. Fue condenado a tres años de prisión por posesión de armas y permaneció prófugo en Marruecos antes de entregarse en 2015. Salió en libertad en 2016.

Por su parte, Jérémy Bana Owona, mejor conocido como Werenoi, nació el 30 de enero de 1994 en Melun, Francia. De familia camerunesa, se crió en Montreuil. Inició su carrera en 2021 con el sencillo Guadalajara bajo el nombre We Renoi. En 2022 lanzó el EP Telegram y posteriormente los álbumes Carré, Pyramide y Diamant noir, convirtiéndose en uno de los artistas más escuchados en Francia. Fue elegido revelación del año en Les Flammes 2023.

Murió el 17 de mayo de 2025, a los 31 años. Su muerte, ocurrida en París, fue confirmada por su sello discográfico, sin que se revelaran públicamente las causas.

¿Qué dice El Señor de los Gallos?

Señor de los Gallos no cuenta una historia de principio a fin ni sigue una narrativa clásica. En vez de eso, está formada por frases sueltas que muestran poder, respeto y control en la calle. La letra va cambiando entre español y francés, y se apoya en un ritmo intenso, sin coro repetido. Cada parte del rap sirve para reforzar la imagen de alguien que domina su mundo.

Uno de los temas principales de Señor de los Gallos es el poder personal. El narrador se muestra como alguien que toma decisiones, que actúa con respaldo y que evita conflictos si no valen la pena. La frase “c’est carré” (todo está bien)—repetida varias veces— funciona como una forma de decir que todo está bajo control, que lo que se dice es real y se respeta en la calle.

También hay muchas referencias al lujo y a una vida de viajes: aparecen restaurantes caros, relojes, fajos de billetes, autos, jets, yates y se nombran ciudades como Milán, Suiza, Niza, Ibiza, Phuket y Tulum. No se cuenta qué pasa en esos lugares; simplemente se mencionan como señales de estatus.

El personaje que habla en la canción siempre se muestra por encima de los demás: come en lugares exclusivos, no se mezcla, observa desde lejos.

Otro punto clave es la diferencia entre los que son reales y los que solo aparentan. Hay versos dirigidos a quienes presumen de ser traficantes o sicarios, pero en realidad no tienen peso. El narrador se presenta como alguien que sí cumple lo que dice, que tiene control, y que sabe quién está fingiendo. Incluso se habla de cantidades grandes de mercancía frente a otros que solo manejan dosis pequeñas.

La canción también nombra lugares concretos. Los códigos postales 93 y 94 hacen referencia a barrios periféricos de París, conocidos por su vida dura y peligrosidad.

Las mujeres aparecen en la canción como parte del estilo de vida: se habla de ellas en relación con el sexo, el lujo y los viajes, pero no tienen voz propia ni papel en la historia. Son mostradas como elementos del entorno, no como personajes.

La canción no busca contar una historia. Lo que hace es construir una imagen: la de alguien que manda, que se mueve con poder, que tiene credibilidad y símbolos de estatus. En ese contexto se nombra al menos tres veces el nombre de El Mencho o Señor de los Gallos, usado como figura que representa ese tipo de poder: alguien con dominio total, trasladado del mundo criminal mexicano al discurso musical francés.

El Mencho, el CJNG y su alcance transnacional

Aunque la mención en Señor de los Gallos no es tan extenso como en los corridos mexicanos, el nombre de El Mencho adquiere peso a nivel internacional.

En diciembre de 2024, el Departamento de Estado de Estados Unidos elevó la recompensa por información que conduzca a su captura a 15 millones de dólares, en el marco del Programa de Recompensas por Narcóticos. El anuncio actualizó la cifra anterior de 10 millones, vigente desde 2017.

En abril de 2025, el gobierno estadounidense designó formalmente al Cártel Jalisco Nueva Generación como organización terrorista extranjera (FTO) y terrorista global especialmente designado (SDGT), junto a otros grupos como el Cártel de Sinaloa, la Mara Salvatrucha y el Tren de Aragua. Según el Departamento de Estado, el CJNG opera en casi todo México y mantiene vínculos con redes criminales en América, Europa, Asia y Oceanía.

A esta organización se le atribuyen ataques con armamento militar, uso de drones con explosivos, y actos de intimidación contra funcionarios públicos. Además del tráfico de fentanilo, se le relaciona con actividades como extorsión, contrabando de migrantes, robo de petróleo y comercio de armas.

En este contexto, la aparición de su líder en una canción europea refleja la expansión simbólica del poder narco más allá de sus operaciones concretas: el nombre circula, se reconoce y se incorpora a discursos artísticos en distintas latitudes.

Letra completa

(Lacrim & Werenoi, 2021)

“Un saludo para todos

Desde Jalisco, locos

Aquí arriba El señor de Los Gallos

El Patrón, el señor Mencho

Y à les faux, y à les vrais, le miroir, le maquillage

Y a los falsos, y a los reales, el espejo, el maquillaje

J’pardonne pas, j’fais semblant d’oublier sous pillave (oh)

No perdono, finjo olvidar cuando estoy drogado

J’arrive, dix balles de sape, en 307 Break

Llego con diez mil euros en ropa, en un Peugeot 307 Break

Comme la perle dans l’coquillage (carré)

Como la perla en la concha (todo bien, todo firme)

Beaucoup d’hypocrites que j’entends, que je vois

Muchos hipócritas que escucho, que veo

J’pénave pas, faut dire c’qui est (qui est)

No me quejo, hay que decir las cosas como son

T’as les naseaux qui font skizer, au sommet d’la montagne

Tienes las fosas nasales zumbando, en la cima de la montaña

T’es pas parti skier (skier)

Pero no fuiste a esquiar

Vend pas si t’as pas les épaules

No vendas si no tienes con qué respaldarlo

Tu vas manger une douille et un calibre (calibre)

Te vas a llevar una bala y una pistola

Ne fais pas l’caïd, on monte chez toi

No te hagas el jefe, subimos a tu casa

Rasé comme Rédoine Faïd (Faïd)

Rapado como Rédoine Faïd (conocido criminal francés)

Grande famille d’gayas, j’veux manger du canard

Gran familia de gitanos, quiero hacer dinero

Donc faut faire d’la caillasse (caillasse)

Así que hay que generar billete

J’suis dans l’resto à Gamma

Estoy en el restaurante Gamma

Huit pièces de kamas, tamponnés “Dallas” (c’est carré)

Ocho joyas marcadas con “Dallas” (todo firme)

Elle bosse à Odalys, elle prend dans l’anus, elle fait pas d’fiste

Ella trabaja en Odalys, le gusta por detrás, pero no hace fisting

Elle traîne en Suisse, après, vers Nice, j’lui fais pas d’fils

Anda por Suiza, después por Niza, no le hago un hijo

Je mets le pied d’dans, on fait pas la guerre pour un billet d’cent (ouais)

Entro en acción, no hacemos guerra por un billete de cien

Toujours une place assise, trente B levés sur la table à six (c’est carré)

Siempre con asiento reservado, treinta botellas sobre la mesa para seis (todo en orden)

Comme Mona Lisa, j’t’ai d’un œil, j’te guette dans tous les angles

Como Mona Lisa, te tengo con un ojo, te vigilo desde todos los ángulos

T’as fais l’sicario mais t’es reparti les pieds d’vant (c’est carré)

Jugaste al sicario pero te fuiste con los pies por delante (todo en orden)

Je mets le pied d’dans, on fait pas la guerre pour un billet d’cent (ouais)

Entro en acción, no hacemos guerra por un billete de cien

Toujours une place assise, trente B levés sur la table à six (c’est carré)

Siempre con asiento reservado, treinta botellas sobre la mesa para seis (todo firme)

Comme Mona Lisa, j’t’ai d’un œil, j’te guette dans tous les angles (c’est carré)

Como Mona Lisa, te vigilo desde todos los ángulos (todo firme)

T’as fais l’sicario mais t’es reparti les pieds d’vant (c’est carré)

Jugaste al sicario pero te fuiste con los pies por delante (todo en orden)

Puro cuatro letras, puro pa’delante, locos

Mis amigos, mi compa, seguimos creciendo, saludos al 01

El señor de Los Gallos, el mero Jefe

Que la juge me la suce, ce matin, j’sors de Fresnes

Que la jueza me la chupe, esta mañana salí de la prisión de Fresnes

Trois potes m’attendent dans l’RS4

Tres compas me esperan en el Audi RS4

On va tout ken, l’ami, suffit pas de jacter

Vamos a follarnos todo, amigo, no basta con hablar

Sur l’terrain, faut tenir le cap

En el terreno, hay que mantener el rumbo

À deux sur la bécane, à six dans le jet

Dos en la moto, seis en el jet privado

On part à Milan juste pour manger des pâtes

Vamos a Milán solo para comer pasta

Petit fils de pute, t’amènes ta pute à Phuket

Hijo de puta, llevas a tu puta a Phuket

Sur ma mère qu’tu vas payer tes dettes

Te juro por mi madre que vas a pagar tus deudas

C’est l’94 et l’93

Es el 94 y el 93 (departamentos del extrarradio parisino)

C’est nous qu’tu vois dans les rues colombiennes

Somos nosotros los que ves en las calles colombianas

Ah gars, bien sûr qu’on a la meilleure

Claro, hermano, que tenemos la mejor

C’est pour être sûr qu’tu reviennes

Es para asegurarnos de que regreses

De ma terrasse, je vois le monde, ouais

Desde mi terraza, veo el mundo, sí

C’est les couilles, c’est pas le nombre, ouais

Es cuestión de huevos, no de cantidad

T’as d’l’or, tu sais pas le fondre, ouais

Tienes oro, pero no sabes fundirlo

Le prix d’ta maison, c’est ma montre, ouais

El precio de tu casa es lo que cuesta mi reloj

Appelle l’OPJ, t’es qu’un bacqueux

Llama al oficial judicial, no eres más que un policía de patrulla

Tu mets pas la main dessus, toi, t’es fou (t’es fou)

No vas a ponerle la mano encima, estás loco (estás loco)

On a deux voitures sombres, on débarque à l’heure à ton putain de rendez-vous

Tenemos dos coches oscuros, llegamos puntuales a tu maldita cita

Dis-leur We Renoi, on sait très bien qu’ils mitonnent

Diles We Renoi, sabemos muy bien que mienten

Qui reçoit des affaires, qui les donne

Quién recibe negocios, quién los reparte

Rien qu’ils parlent de tonnes, tu les vois pper-cho des barrettes

Solo hablan de toneladas, pero los ves atrapados con paquetitos

Wallah, y a plus rien qui m’étonne

Te juro que ya nada me sorprende

Là, j’reviens d’Ibiza, j’envoie les aff’ et j’repars à Tulum

Ahora vuelvo de Ibiza, mando las cosas y me voy a Tulum

J’crame pas ma gueule mais t’auras la qualité full max avec la même meuj’

No alardeo, pero tendrás la máxima calidad con la misma hierba

Là, t’attends le lot

Ahí estás, esperando el paquete

Au large sur un yacht, et j’mange des gambas, mmh, ouais

En altamar en un yate, comiendo gambas, mmh, sí

J’te laisse sur la côte, t’essayes de tirer des connasses, salope

Te dejo en la costa, intentando ligar con idiotas, perra

Un saludo para todos, desde Jalisco, locos

Aquí arriba El señor de Los Gallos, el patrón Mencho

Puro cuatro letras, puro pa’delante, loco

Y seguimos creciendo, saludos, mi compa Lacrim".

El anuncio de que Jonathan Daviss interpretará a Snoop Dogg en la próxima película biográfica ha generado reacciones tanto del propio rapero como del actor, quienes compartieron mensajes en redes sociales para celebrar la noticia.

Según informó Vibe, el protagonista de la serie Outer Banks fue seleccionado para encarnar al icónico artista de la Costa Oeste, en un proyecto que aún no tiene título oficial y que será dirigido por Craig Brewer.

El anuncio y las reacciones

La producción de la cinta estará a cargo del propio Snoop Dogg, junto a Brian Grazer y Sara Ramaker, presidenta de Death Row Pictures. El medio detalló que la elección de Daviss se concretó después de que el estudio confirmara a Brewer como director, consolidando así el equipo creativo detrás de la esperada biografía cinematográfica.

El filme representa el primer proyecto de Death Row Pictures bajo su acuerdo general con NBCUniversal Entertainment & Studios, lo que marca la entrada de la legendaria discográfica en el mundo del cine.

La noticia del casting fue compartida por Jonathan Daviss a través de su cuenta de Instagram, donde publicó el mensaje: “Bow wow wow”, haciendo alusión a uno de los eslóganes más reconocibles de Snoop Dogg.

Por su parte, el propio Snoop Dogg celebró la elección con un mensaje dirigido a Daviss: “Let’s go nefew !!” (Vamos nene), acompañado de varios emojis y la frase “it’s time” (Es la hora). Estas publicaciones reflejan el entusiasmo de ambos por el inicio de la producción.

Death Row Pictures y NBCUniversal: una alianza estratégica para el cine

La búsqueda del actor principal comenzó cuando el intérprete de Sensual Seduction anunció en 2023 su intención de encontrar a un joven talento capaz de “encarnar el espíritu” de su versión más joven.

“Estoy buscando a alguien que pueda encarnar el espíritu de cuando yo era joven, un poco rudo, tratando de descubrir quién era, y para mí eso será un actor fenomenal”, dijo Snoop Dogg. Esta declaración subraya la importancia que el rapero otorga a la autenticidad en la representación de su vida en la pantalla grande.

El proyecto de la biografía de Snoop Dogg fue anunciado por primera vez en 2022, según consignó Vibe. La película abordará los inicios del artista en la escena del Hip-Hop de la Costa Oeste y el proceso mediante el cual adoptó el nombre artístico que lo haría famoso.

Asimismo, el medio explicó que la historia mostrará cómo Snoop Dogg llevó su estilo relajado y su lírica aguda a Death Row Records, donde colaboró con Dr. Dre en su exitoso álbum debut, Doggystyle.

El medio también destacó que la película explorará la expansión de Snoop Dogg hacia otros ámbitos más allá de la música, incluyendo su presencia en la cultura popular y la televisión. El rapero ha compartido pantalla con figuras como Martha Stewart y ha participado en eventos internacionales, como los Juegos Olímpicos de París 2024, donde se convirtió en uno de los momentos más comentados de la cobertura de NBC y Peacock.

La vida y legado de Snoop Dogg en la gran pantalla

La colaboración entre Death Row Pictures y NBCUniversal Entertainment & Studios representa un paso significativo para la discográfica, que busca diversificar su presencia en la industria del entretenimiento. Este acuerdo permitirá a la compañía producir más contenidos audiovisuales, comenzando con la biografía de uno de sus artistas más emblemáticos.

El anuncio de la participación de Jonathan Daviss ha generado expectativas entre los seguidores de Snoop Dogg y de la cultura Hip-Hop, quienes esperan ver cómo se retratarán los momentos clave de la vida del rapero, desde sus primeros pasos en la música hasta su consolidación como figura influyente en distintos ámbitos.

La producción, que aún no ha revelado su fecha de estreno ni su título definitivo, promete ofrecer una visión detallada de la trayectoria de uno de los nombres más reconocidos del panorama musical estadounidense.

El encarcelado rapero iraní Amir Maghsoudloo, fue hospitalizado en Teherán el viernes tras un intento de suicidio con el consumo de fármacos en la prisión, según el Poder Judicial de Irán.

Tras la intoxicación, Amir Hossein Maghsoudloo, conocido como Tataloo, fue trasladado a un centro médico en Teherán, donde médicos especialistas monitorearon su estado”, informó la agencia Mizan, del Poder Judicial iraní.

Afirmó que con el tratamiento especializado y la atención oportuna, la condición de Tataloo está “bajo control y su estado general es favorable”.

El diario Etemad publicó este sábado algunos detalles del intento de suicidio del artista, indicando que se tomó unas 30 pastillas el jueves por la noche, por lo que ha sido internado en el hospital Loghman, en el centro de la capital iraní.

El artista cumplía una pena de 10 años de prisión por promover la “prostitución”, difundir “propaganda” contra la República Islámica y publicar “contenido obsceno”.

Además, enfrenta una pena de muerte en su contra por blasfemia tras supuestamente “insultar” al profeta Mahoma, la cual ha sido anulada de manera temporal, y el caso ha sido remitido al Tribunal Supremo para su revisión.

El rapero de 37 años había estado viviendo en Estambul desde 2018 hasta que la policía turca lo entregó a Irán en diciembre de 2023 y desde entonces permanece detenido.

El músico, conocido por sus numerosos tatuajes y por combinar rap, pop y R&B, había emigrado a Turquía después de que las autoridades iraníes le negaran la licencia para trabajar en el sector musical.

Tataloo, considerado uno de los pioneros del rap iraní, anteriormente había sido cortejado por políticos conservadores como una forma de acercarse a los jóvenes iraníes.

Tataloo incluso mantuvo una reunión televisada en 2017 con el entonces presidente ultraconservador del Poder Judicial iraní, Ebrahim Raisí, quien se había presentado como candidato en las elecciones presidenciales de ese año pero no tuvo éxito, aunque en los siguientes comicios de 2021 logró llegar a la presidencia y posteriormente falleció en un accidente de helicóptero en mayo de 2024.

Tataloo, extraditado desde Turquía en diciembre de 2023, fue inicialmente condenado a cinco años de prisión por blasfemia por el Tribunal Penal de Teherán.

Sin embargo, el Tribunal Supremo revocó el veredicto y remitió el caso a otro tribunal, que posteriormente lo condenó a muerte.

“Esta sentencia ya ha sido confirmada y está lista para su ejecución”, declaró a la prensa el portavoz judicial Asghar Jahangir.

Añadió que el abogado del cantante ha presentado dos solicitudes, una de nuevo juicio y una de clemencia, que se encuentran actualmente en revisión.

“Estas solicitudes se han registrado formalmente y están siendo revisadas”, declaró Jahangir, añadiendo que se anunciaría una decisión a su debido tiempo.

Jahangir anunció inicialmente la sentencia de muerte en enero, aunque señaló que el veredicto no era definitivo en ese momento.

El cantante iraní, con abundantes tatuajes, también fue condenado a 10 años de prisión por “promover la corrupción y la prostitución” y difundir “propaganda” contra la República Islámica.

Actualmente cumple dicha condena.

Tataloo recibió el apoyo de políticos conservadores, incluido el difunto presidente Ebrahim Raisi, quien buscó atraer a los jóvenes iraníes.

En 2015, lanzó un himno a favor del acuerdo nuclear que fue promovido por los medios estatales durante la presidencia del moderado Hassan Rouhani.

(Con información de EFE y AFP)

Madrid, 28 may (EFE).- El festival Tomavistas de Madrid celebra desde este jueves una edición con figuras como Amaia o La Mala Rodríguez y valores en alza como Carlos Ares, nombre ubicuo en toda gala de premios que se precie, después de unos inicios frustrantes hasta que probó a buscar sin miedo "el límite entre la originalidad y el rídiculo".

"A mí me gusta tomarme la música como una oportunidad para sorprenderme a mí mismo y al resto. Por eso me da mucha rabia cuando dicen que todo está inventado, porque considero que no, que se pueden hacer muchas cosas y fusiones que no se han hecho nunca", señala el artista gallego en una entrevista con EFE a raíz del lanzamiento de 'La boca del lobo', su nuevo álbum.

Solo hace unos días los Premios de la Música Independiente (MIN) distinguían su disco previo, 'Peregrino' (2024), como el mejor trabajo pop del año pasado, un bagaje que podría ampliar la próxima semana en los Premios de la Academia de la Música de España con sus tres nominaciones, entre ellas la de mejor álbum de cantautor.

El panorama era muy diferente cuando en 2017 y con un tupé perfectamente moldeado lanzaba temas como 'Tiemblo'.

"Era parte de un popurrí poco honesto. Lo único que quería era agradar a ciertas personas que me asesoraban en la composición, con mucho desamor. Fue todo un proceso superfrío artísticamente hablando y no me hizo feliz; al contrario, me frustró mucho", reconoce.

Fue el motivo por el que, para no desligarse de la creación musical, decidió componer y producir con bastante más éxito para artistas como Marc Seguí, Paula Cendejas o Luna Ki, mientras se tomaba tiempo "para aclarar las ideas y adoptar una dirección convincente y coherente".

"Y ya ves tú la cantidad de años que he tardado", apostilla.

En torno a 2020 o 2021 "se quitó el miedo a probar" con sencillos "muy variopintos", "buscando dónde estaba el límite en el que algo empezaba a ser ridículo y dónde estaba lo original", cuenta de un proceso del que salió su canción 'Odisea'.

Frente a sus intentos previos de cantar de manera sofisticada, allí interpretaba "asalvajado" en una composición que "aunaba la vanguardia en la manera de desarrollar las melodías, las cuales permitían meter mucha letra, con estribillos muy sencillos e interactivos".

Encontró "una veta" que decidió explotar con 'Peregrino' y más recientemente con 'La boca del lobo' como una continuación de ese concepto artístico, en producciones audaces en las que su Galicia natal aparece a menudo como un paisaje de fondo místico y como referente orgulloso en sus letras.

"Nunca pretendí que hubiera folk. Fue algo muy intuitivo y más tarde me di cuenta de que lo había, aunque creo también que le llaman folk a simplemente meter un violín o fusionarlo con rock alternativo, que creo que es lo que hago yo", comenta humilde.

Más clara tiene la influencia del rap, especialmente cuando entona sus versos en la forma del "spoken word". "Yo he envidiado siempre mucho a los raperos. A la hora de escribir pocos géneros hay que te permita escribir tanta poesía como el rap", dice.

Pese a sus múltiples nominaciones, él mismo se devuelve a tierra en canciones recientes como 'Importante'. "Soy consciente de la grandísima suerte de que la gente ahora mismo me está prestando atención, por eso me pareció un momento óptimo para seguir publicando, más teniendo por delante una gira bastante extensa", comenta.

Este viernes será uno de los protagonistas de la segunda jornada de Tomavistas, arropado por una banda muy armada que le permite reproducir con mimo todo lo grabado, aunque las cuentas así no salgan. "Esto es un capricho que quiero disfrutar, una apuesta personal para aprovechar este momento con estas canciones y que el público les preste atención", argumenta. EFE

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Cuenta María Terremoto (María Fernández Benítez; Jerez de la Frontera, 1999) que la pureza en el flamenco no es lo mismo que el purismo. “Son aquellos que no quieren ver más allá, ni quieren avanzar ni disfrutar de la música”, explica a Infobae España en la cafeteria del UMusic Hotel de la capital. La heredera del clan de cantaores Terremoto siempre ha dejado claro la “necesidad de hacer otras cosas”. Ir más allá del flamenco; de jugar con él, fusionar y experimentar. Tras publicar en enero su segundo álbum de estudio, Manifiesto (Universal Music), dedicado a su padre, Fernando Fernández Pantoja, conocido como Fernando Terremoto —fallecido en 2010— la jerezana se lanza a dar lo mejor de sí con una de las nuevas voces femeninas del rap, Faenna (Julia González Cabrera; Málaga, 2003), que comenzó su andadura en la industria el año pasado.

Ambas, de 25 y 22 años, respectivamente, han estrenado este viernes 9 de mayo, Arrastrao, una colaboración con un mensaje de empoderamiento femenino donde fusionan lo mejor de ambas: el cante de María junto a las rimas de Faenna. “Sé que esto a la afición flamenca le va a chocar un poquito. Yo no voy a dejar nunca de hacer mi música ni flamenco, pero siento la necesidad de hacer otras cosas”, remarca la nieta de Fernando Fernández Monge, Terremoto de Jerez. Con esto coincide la malagueña Faenna, que publicó su álbum debut, Julia y Manuel (en homenaje al dúo flamenco Lole y Manuel), el pasado octubre: “El purismo es una tontería. La pureza sí es importante. El sentirte puro, auténtico, es lo que al final te va a llenar como persona y le va a llegar al resto”.

Atienden a Infobae España pasadas las cuatro y media de la tarde en la cafetería del hotel en Madrid, situado muy cerca de la Puerta del Sol. Todavía no han comido. María lleva despierta desde las cinco y media de la mañana y Julia se levantó una hora antes. Las dos artistas han cogido un tren para pasar un día frenético de promoción. Cuando tiene lugar esta entrevista, Arrastrao, solo es de ellas y de los medios que la han escuchado. Ahora, ya es de todos. De los oídos más puristas también.

Pregunta. Os quería preguntar primero cómo os conocisteis.

María Terremoto. La conocí a ella [a Julia] por redes sociales porque empecé a seguirla. Tenía pendiente de hacer una colaboración con quien yo quisiera, lo dejaron un poco en mis manos, empecé a mirarla y me encantó su música, su rollo y se lo propuse.

P. ¿La colaboración cómo surge? ¿Cuándo y cómo os sentáis a componer Arrastrao?

Faenna. Quedamos en Sevilla con Lost Twin, que es un productor del carajo [también ha trabajado con C. Tangana]. Yo iba con un poco de incertidumbre de que iba a pasar, que iba a salir de ahí. Al final escuchamos unos ritmos, elegimos uno que nos parecía que era perfecto y nos pusimos a componer. Surgió todo muy rápido, muy orgánico y muy natural.

P. María, tú en entrevistas has dicho que tienes muchas inquietudes y que te gustaría tocar varios palos dentro del flamenco. ¿Cómo ha sido para ti mezclarlo con lo urbano?

M.T. Era algo que tenía muchísimas ganas de hacer. Realmente este tema tiene influencias flamencas porque yo soy flamenca. Creo que cada cosa tiene su raíz y hay que respetarla, pero me sentía con la capacidad, con mis influencias, de meterme un poco en un rollo más urbano. En el mundo de Julia. Yo sé que esto a la afición flamenca le va a chocar un poquito, pero bueno, no voy a dejar nunca de hacer mi música ni flamenco, pero siento la necesidad de hacer otras cosas.

P. Y Julia, tú soñabas con ser bailaora, pero terminas haciendo rap. Me da la sensación de que una tiene un poco algo de lo que quiere la otra.

F. Sí, el flamenco es una música que he escuchado desde chica, que respeto y escucho muchísimo. Es un placer poder colaborar con artistas de su talla y es siempre una suerte acercarme al flamenco. Es algo que me llena.

“Si [un hombre] quisiese quitarme lo que más quiero, que es mi música, y dejarme sin nada, primero me tendría que matar”

P. Hay una frase que cuando escuché por primera vez se me quedó grabada: “Si quieres apagarme, mátame primero”. Es una letra muy empoderante pero durísima de escuchar. ¿Cómo llegáis al punto de escribir algo así?

M.T. No hablo desde mi experiencia propia, porque gracias a Dios no he sufrido ni sufro eso. Las relaciones no son color de rosas, ninguna. Pero gracias a Dios no me he sentido así. Sí tengo amigas que han pasado por una relación muy tóxica y la persona que ha tenido al lado lo que ha intentado ha sido achicarla, hacerla pequeña e insegura. Al final es una manera de dar voz a esas mujeres que han pasado por ahí. Y aunque no sea una experiencia propia, hablo desde mi voz y pensando que si estuviese en ese lugar... Si quisiese quitarme lo que más quiero, que es mi música y dejarme sin nada, primero me tendría que matar.

P. Ya sea por canciones o por películas, ¿sentís que el amor está romantizado? Leí una entrevista con La Tania que decía que ella se había sentido engañada por lo que le habían contado del amor.

M.T. Quizás un poco. El amor no es bonito del todo. El amor, aparte de cosas bonitas, es sufrimiento. Muchísimo.

F. También creo que cuando eres pequeña y ves películas y novelas, te piensas que es otra cosa. Después, cuando vas madurando te das cuenta de que el amor implica muchas cosas que no te cuentan: responsabilidad, respeto...

M.T. Lo bonito de lo feo del amor es la superación, y afrontar ciertos problemas o circunstancias juntos. Creo que eso es el amor, superar obstáculos. Lo bonito de cara al público, un abrazo, un beso... Todo eso no existe. Tú entras en tu casa tienes problemas, preocupaciones y al final es afrontarlo juntos.

P. María, tú has contado también que has sido testigo de mujeres que no han alcanzado cierto triunfo por su pareja o por su entorno. ¿Cómo crees ha evolucionado esto en los últimos años, especialmente en el flamenco?

M.T. De hecho, con ese comentario que hice se creó un poco de polémica en mi pueblo gitano porque cómo voy a ofender a mi propio pueblo, pero es una realidad que existía. Las mujeres no podían ser más que amas de casa, criar hijos y encargarse de las labores domésticas. No tenían otra función. Ya hablando de gitanas y no gitanas, porque hace 70 años la vida era así. Esto ha ido avanzando muchísimo, aunque sí se siguen viviendo cosas así. Hoy en día somos muchas mujeres las que damos visibilidad a la superación y al valor. No creo que sea necesario aguantar eso, pero ha sido una realidad.

P. A mí me la canción me ha recordado la canción un poco del estilo del El mal querer (2018) de Rosalía. Ella fue un precedente de la fusión de géneros, al menos a nivel mainstream.

F. El flamenco siempre se ha fusionado con muchas cosas. Y en el caso, por ejemplo, de Rosalía, que es una artista, ella lo supo hacer muy bien. Siento que ese disco marcó un antes y un después, porque ahora muchas artistas flamencas se han influenciado de ella.

M.T. Ella nos ha dado esa soltura. Nos ha abierto la puerta a todas a quitarnos el mantón y la peineta única y exclusivamente y decir: “Espérate que hay más camino”. Estamos ya en otra generación.

“El flamenco no se pierde, se reinventa. Pueden existir las dos cosas”

P. El flamenco me parece muy versátil, pero si siempre se ha asociado a la mantilla y al traje...

M.T. Existe todavía un colectivo de personas que piensan eso, que yo lo llamo purismo, que para mí no es lo mismo que la pureza. Son dos cosas opuestas. Ya he recibido críticas por subir dos teaser de Arrastrao, críticas completamente destructivas. Yo creo que son personas que no quieren ver más allá. Ni quieren avanzar con la vida, ni ser coherentes, ni disfrutar de la música que está para eso. Es lo único que te cura, que te puede sacar de un problema por un momento: una canción.

P. Justo tenía apuntada esa frase: “Yo pertenezco a la pureza, no al purismo”, que has dicho en alguna que otra entrevista. ¿Cómo lleváis este tema?

M.T. Yo ya bien, antes fatal.

F. Es que no sé. El purismo es una tontería. La pureza sí es importante. El sentirte puro, auténtico es lo que al final te va a llenar como persona y le va a llegar al resto. Siendo auténtico es la única manera de ser alguien.

P. Yo creo que el folclore ha evolucionado mucho con el paso de los años. Es una cosa buena, que perdura, porque al final lo mezclas, lo reinventas y no se pierde.

F. El flamenco en este caso no se pierde, se reinventa. Puedo llegar a entender el punto de muchas personas de decir: “No quiero que se pierda”. Pero no tiene por qué perderse. Pueden existir las dos cosas. En el rap pasa lo mismo, puede ser noventero y más puro. También puede existir ahora otro tipo de rama, con ritmos más novedosos, y no deja de ser rap. No sé. Es complicado, la verdad.

P. No solo en el ámbito personal, también en el artístico. ¿Os habéis sentido arrastradas, como el título de la canción por ser mujer, dentro de vuestro género?

M.T. Quizás no por el mero hecho de ser mujer, pero yo sí que me sentí un poco arrastrada por la presión del flamenco y por la opresión de no poder hacer lo que quiero ni poder desarrollar mis inquietudes. Por eso, sí. En cuanto a mujer, pues igual que te digo una cosa, te digo otra. A mí nadie me ha quitado de un escenario por ser mujer ni nadie me ha dejado de dar una gala, que yo esté enterada, claro. Gracias a Dios no he sufrido ese tipo de episodios artísticamente y creo que por desgracia o por suerte, son pocas ya las que sufren ese tipo de situaciones. Antes sí. Antes en un festival flamenco había una mujer y siete hombres, y hoy casi que podemos ver más mujeres que hombres.

F. Yo nunca me he sentido arrastrada. Y creo que ninguna mujer se tiene que arrastrar, porque entonces ahí estaría el problema. Que las mujeres hagan lo que quieran, pueden hacer lo que quieran. Con ese sentimiento de coraje y de poderío es donde se llega a los sitios.

“Sí me considero rapera porque me he criado escuchando esa música y la siento mía”

P. Julia, no sé si conoces a Teo Lucadamo. Cuando le entrevisté me dijo que no se consideraba rapero porque el hip hop es una respuesta a la marginación y a la opresión racista, y que como él era blanco y acomodado en España no podía hacer rap. ¿Estás de acuerdo con esto?

F. El hip hop existe desde hace muchos años y no se puede negar de donde viene ni los motivos ni las razones por las que se hace. Pertenece a los negros porque es música que nace de ellos. Al final la música es música y al final si la sientes... Yo siento que puedo rapear y sí me considero rapera porque me he criado escuchando esa música y la siento mía. Creo que tengo unos motivos detrás pa quejarme, pa decir cosas y expresarme de la manera en la que quiera. Entiendo su punto, evidentemente, y tiene una parte de razón. Cada uno hace la música suya.

P. Antes os preguntaba por actualizar e innovar en vuestros géneros. ¿Creéis que con temas como Arratrao lo conseguís? ¿Hace falta seguir haciendo este tipo de temas?

M.T. Bueno, no lo sé. Hasta que no salga no podría decirte como es la aceptación. Pero esto para mí ha sido una necesidad y aprovechando la visibilidad que tenemos quería salir un poco de la monotonía de hacer lo mismo siempre.

F. Los artistas también tenemos inquietudes, no somos robots ni vamos a hacer siempre lo mismo, evolucionamos.

P. María, te quería preguntar por tu disco, Manifiesto. Comentabas que el amor te ha salvado de muchas maneras, pero escribes una canción como esta, tan dura, que aunque no es tu caso ni está basada en algo personal, ¿qué sientes?

M.T. Bueno, pues a mi pareja se lo tuve que explicar. “Oye, ¿cómo me estás dejando, no?“. ”Si no es a ti ,cariño, que no eres el ombligo del mundo” [se ríe]. La verdad que me siento empoderada, porque aunque no sea una experiencia propia, me gusta poder contar quizás desde la voz de otra mujer lo que ha sentido. Me siento empoderada, me siento guay. He atravesado miles de crisis como cualquier pareja. Al final son puntos que se tienen que ver de la mujer, el empoderamiento, la seguridad y yo me siento guay cantándola, sin ofender por supuestísimo a mi pareja que ya se lo expliqué en su momento. Espero que lo siga entendiendo.

P. Manifiesto ha sido considerado el disco de flamenco más importante de este año. ¿Cuando te dicen algo así sientes presión teniendo en cuenta todo tu árbol genealógico?

M.T. Hombre, un poquito sí, la verdad, porque la idea de este disco era abrir una puerta para que entre lo que quiera. Y una de las cosas que va a entrar va a ser Arrastrao, por ejemplo. Y es un disco de cante flamenco clásico, pero quise darle un poco más de modernidad al sonido, a la producción, la masterización... A todo eso darle algo más fresco y más orgánico, natural, y un poquito más vanguardista, pero mi disco es clásico. Esa presión sí que existe, porque mi idea es ir haciendo otras cosas sin olvidar mi raíz, pero ir haciendo otras cosas. Ahora mismo sí que me siento un poquito aguantando el equilibrio.

P. Y actúas aquí, de hecho, el 24 [de mayo, en el Teatro Albéniz].

M.T. Sí, el 24 de mayo actúo aquí en el Albéniz, como parte del cartel del Universal Music Festival. Tengo muchas ganas.

P. Y Julia, has sacado hace nada tu EP Dreamless y hace un par de meses tu álbum debut, Julia y Manuel. Además que estás de gira ahora. Mañana estás en San Sebastián.

F. Sí, tengo una pila de conciertos y festivales por ahí.

P. ¿Cómo está siendo tu camino en la industria?

F. La verdad, muy intenso. Bonito, también. Estoy aprendiendo un montón. Llevo poquito tiempo dentro de esto y tomándome la música en serio, pero creo que me estoy llevando muchas cosas buenas, así que la verdad que estoy contenta y voy pa’ lante con todo.

P. Y ya para terminar, ¿con quién os gustaría colaborar? De España, de fuera de lo que os apetezca.

M.T. YO es que siempre digo la misma, tío...

F. Yo con [la rapera estadounidese] Lauryn Hill. Me flipa.

M.T. Venga, me voy a flipar yo también un poquito. Es que soy súper repetitiva con Beyoncé, pero es que es mi diosa. Para mí, es mi santa.

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Luis R. Conriquez, cantante de regional mexicano, acompañó al boxeador Canelo Álvarez en su recorrido de los vestidores al cuadrilátero para enfrentarse contra William Scull.

Tal y como lo había mencionado en su entrevista con Adela Micha, el intérprete de corridos tumbados emergió en un nuevo género musical al crear un rap especial para la pelea del campeón mexicano desde Arabia Saudita.

Aunque hasta ahora se desconoce el título de la canción, en el coro se pudo apreciar que dice:

“Mexicano soy, llevo en alto mi bandera, que rifa donde quiera. La frente en alto a donde voy“.

“Listo para la pelea, mexicano soy, llevo en alto mi bandera, que rifa donde quiera. La frente en alto a donde voy".

El hecho de que Luis R. Conriquez haya decidido crear una nueva canción para el campeón mexicano, desató algunas reacciones divididas en redes sociales, pues cabe recordar que hace un par de años el sonorense compuso para el boxeador Martes 13, una canción que además de enaltecer a la tierra mexicana, reconoce las metas a las que ha llegado Saúl ‘El Canelo’ Álvarez tras superarse.

Hasta ahora, algunos usuarios en redes sociales han manifestado sentirse orgullosos del cantante de 29 años, ya que pese a las controversias que ha enfrentado desde su presentación en Texcoco, señalan que es todo un triunfo que se haya presentado en Arabia Saudita.

• "Luis R. Conriquez partiendo plaza junto al Canelo."
• “Luis R. Conriquez no puede cantar en Texcoco, pero sí en Arabia Saudita.”
• “El tapatío hace su ring walk junto al cantante Luis R. Conriquez.”

¿Qué dice la canción ‘Martes 13′ que Luis R. Conriquez escribió para Canelo Álvarez?

Soy de GDL

México es mi tierra, yo por mi bandera voy con todo hasta la muerte

Mis propias metas las superé, pensar de que ahora yo soy el rey

Con hambre de ser alguien en la vida bien recio me la rifé

Pónganse bien trakas

Suena la matraca y el corte parejo nomás llega y arremanga

Patek Tiffany es mi reloj, hoy ando modo belicón

Arriba de un Bugatti que en la carretera ruge como un león

Pa’ los contras soy el martes 13

Soy terror, yo soy su mala suerte

Como el águila con la serpiente, así me los como yo en caliente

Hable bien o mal de mí la gente, yo sigo generando pacas de verdes

Y arriba la bandera mexicana, compa Canelo ¡Traka!

La suerte es pa’ los mediocres y en el mundo hay por montones

Yo tuve que trabajar para poder superarme

Siempre ando modo activado, nada ha sido regalado

Le agradezco al compa M y a todo el team que he formado

Tijuana (México), 1 feb (EFE).- Alentado por la situación actual que viven los migrantes mexicanos en Estados Unidos, quienes están siendo deportados debido a las políticas migratorias del presidente Donald Trump, el rapero mexicano Emiliano Aguilar lanzó la canción 'Ilegal', como un himno de defensa de todos sus paisanos.

“Son mexicanos que cruzan para allá (Estados Unidos) para trabajar, no todos van para hacer malandreadas (hechos delictivos), es una estupidez del que piense que todos los mexicanos son así, porque son raza que sí trabaja, es más, los mexicanos trabajan mucho más que todos los que están en Estados Unidos, la neta (verdad)”, dijo el artista a EFE.

Emiliano Aguilar, quien es el hijo mayor del cantante mexicano de ranchero Pepe Aguilar, se ha mantenido alejado de los escándalos que le rodean a su familia para crear e impulsar una carrera artística en el género del rap, mediante el que ha buscado compartir historias de conciencia sobre la vida y la sociedad.

Aguilar reiteró en la entrevista que no comparte las acciones de Trump y remarcó que “los mexicanos son gente trabajadora que se honestamente la vida y esto no es digno, (ahora) está haciendo un muro más alto, hice la canción porque estoy muy enojado y quería expresar todo esto”.

Contó que la canción "trata de todo lo que está pasando con Trump, que está mandando a los mexicanos de regreso y es para todos los mexicanos que están en Estados Unidos, que son directamente afectados y ojalá que esta rola llegue a sus oídos y a los del gobierno, que llegue alto y se pueda convertir en un himno para toda esta gente a la que están sacando de sus casas y que vive con temor”.

El pasado jueves, la presidenta de México, Claudia Sheinbaum informó quesu gobierno ha recibido 6.244 migrantes deportados en las primeras dos semanas de la Administración de Donald Trump en Estados Unidos, incluyendo al menos 1.371 de otras nacionalidades, aunque argumentó que "son pocos".

Las autoridades migratorias estadounidense han detenido en la primera semana del mandato de Trump al menos a 2.382 inmigrantes indocumentados y han cursado 1.797 órdenes de captura contra ciudadanos susceptibles de deportación, según cifras oficiales.

Turek Hem, otro rapero mexicano que participa en esta canción, compartió a EFE que el video se grabó precisamente en las inmediaciones del muro fronterizo, por todo lo que representa para la sociedad, y también consideró como una injusticia esta situación.

“Todo esto se nos hace una gran injusticia, lo que está pasando con la raza y es para ellos esta canción, para ofrecerles nuestro apoyo incondicional”, expuso.

La canción fue compartida el pasado viernes en diversas plataformas de streaming y en pocas horas alcanzó miles de reproducciones, por lo que significa mucho para Aguilar porque su intención, dijo, es que llegue a a la mayor cantidad de personas "para que sepan lo que está pasando".

"Quiero que este mensaje se escuche por todos lados, quiero que todos se sientan identificados y que sientan que estamos unidos”, acotó.

Aguilar aceptó que le “da mucha tristeza ver a tantas familias, a tantas personas que están sacando de EE.UU. como si fueran animales y si con mi música puedo lograr un pequeño cambio, lo haré (...) quiero decirles que no pierdan la fe, sé que ahora están pasando por malos tiempos, porque todos los mexicanos están siendo afectados, y a nosotros nos importan los mexicanos. Estamos con ustedes.

En México inquietan las deportaciones masivas prometidas por Trump, porque los mexicanos son cerca de la mitad de los 11 millones de indocumentados en Estados Unidos y sus remesas representan casi el 4 % del producto interior bruto (PIB) del país, que en 2024 habría recibido un récord estimado de 65.000 millones de dólares.EFE

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El 11 Vida Festival, que se celebrará del 3 al 5 de julio en Vilanova i la Geltrú (Barcelona), ha incorporado a su cartel a los argentinos Ca7riel & Paco Amoroso, ha informado este martes en un comunicado.

El dueto de música urbana actuará el viernes 4 de julio para presentar su disco de debut 'Baño maría' y ofrecerá su fusión de rap, trap, funk y rock.

Este concierto se suma a los ya anunciados de Supergrass, Benjamin Clementine, Ezra Collective, Lemon Twigs, Yerai Cortés, Mushkaa, The Lemon Twigs, Future Islands, Rusowsky, Joe Godard y Richard Hawley, entre otros.

A principios de los años 70, en el corazón del Bronx neoyorquino, un joven DJ de origen jamaicano llamado Kool Herc transformó la música popular con una técnica que consistía en alargar los fragmentos instrumentales —los célebres breakbeats— de canciones de funk, soul y R&B.

Como menciona Far Out, aquellos compases extendidos se convirtieron en la base sonora de fiestas callejeras donde la comunidad negra, latina y caribeña encontró un nuevo lenguaje de expresión.

Junto con el graffiti, el breakdance y el DJing, el MCing (Master of Ceremonies) se convirtió en un pilar fundamental del hip-hop. Originalmente concebido para animar al público y presentar a los DJs, el MC evolucionó hacia un narrador urbano que combinaba rimas rápidas, humor, crítica social y una buena dosis de autoafirmación.

Este nuevo estilo lírico —el rap— pronto saltaría del gueto a las listas de éxitos con temas como Rapper’s Delight (1979) de The Sugarhill Gang y The Breaks (1980) de Kurtis Blow.

Una tradición oral anterior a Herc

Aunque se asocia el nacimiento del rap con la cultura hip-hop, sus raíces se hunden en una larga tradición afroamericana de oralidad musical. El blues, el gospel y el jazz ya habían ofrecido formas rítmicas de narración personal y colectiva.

En los años 60, artistas como Gil Scott-Heron, con sus poemas hablados cargados de crítica política (The Revolution Will Not Be Televised), y el colectivo The Last Poets, encendieron la chispa de una lírica militante y rítmica que prefiguraba el rap como arte contestatario.

En ese linaje cultural, hay una figura inesperada que asoma con fuerza: Muhammad Ali.

El campeón que rimaba como un rapero

En 1963, cuando aún era conocido como Cassius Clay, el joven boxeador que se preparaba para enfrentar al temido Sonny Liston grabó un álbum titulado I Am the Greatest. Publicado por Columbia Records, el disco fue concebido como una obra de comedia hablada, pero su contenido —plagado de monólogos provocadores, rimas desafiantes y juegos verbales— ofrece una sorprendente prefiguración del estilo rapero que dominaría la escena cultural años después.

Las frases de Ali en el disco rebosaban de ingenio y seguridad en sí mismo. Combinaba la provocación con el ritmo, la rima con el humor, en una fórmula que encarnaba el carisma desafiante que más tarde caracterizaría a artistas como Run-DMC, Public Enemy o LL Cool J.

Aunque I Am the Greatest evitó los contenidos políticos —la radicalización de Ali llegaría tras su ingreso a la Nación del Islam seis meses más tarde—, el disco vendió medio millón de copias y fue nominado al Grammy como “Mejor Álbum de Comedia” en 1964. Lo que parecía una simple maniobra publicitaria antes de una pelea terminó convirtiéndose en una piedra angular cultural inesperada.

Influencia directa en el rap moderno

La influencia de Muhammad Ali en el rap ha sido reconocida por artistas consagrados del género. En 2016, LL Cool J declaró con contundencia: “Sin Muhammad Ali, no existiría Mama Said Knock You Out, y el término GOAT (Greatest of All Time) jamás habría sido acuñado”.

Esta afirmación no sólo subraya la huella de Ali en el lenguaje del hip-hop, sino también en su actitud: la bravuconería performativa, el dominio escénico y la capacidad para convertir el ego en arte.

Ali no era rapero, pero hablaba como uno. Sus enfrentamientos verbales con rivales, sus declaraciones públicas cargadas de rima y ritmo, y su capacidad de entretener con la palabra fueron una forma primitiva —pero poderosa— de lo que luego se conocería como rap.

Un legado más allá del ring

El disco I Am the Greatest no surgió en los círculos musicales ni en los barrios del Bronx, sino desde un cuadrilátero y la sala de prensa. Sin embargo, su impacto perdura en las estructuras y temáticas del rap posterior: la autoafirmación, la crítica social, el humor y el uso rítmico del lenguaje.

Así, Muhammad Ali no solo cambió la historia del boxeo, sino que —sin proponérselo— contribuyó a moldear un lenguaje artístico que transformaría la música y la identidad afroamericana. Mucho antes de que el hip-hop tuviera nombre, ya sonaba su cadencia en la voz de un campeón que se sabía “el más grande”.

Madrid, 12 abr (EFE).- La quinta edición de las Freestyle Master Series (FMS) Internacional, la 'batalla de gallos' que reunirá a los campeones de 'freestyle' en castellano de todo el mundo, se disputa este sábado en El Salvador con el objetivo de superar los 30.000 espectadores y convertirse en la más multitudinaria jamás celebrada.

El evento contará con los mejores 'raperos' de habla hispana, con la presencia de los campeones y subcampeones de las diferentes ligas nacionales, así como el vigente campeón –el argentino Larrix– y el mexicano Aczino, clasificado por votación popular y campeón en la primera edición de la competición, en 2019.

Además de los citados, la lista de participantes está compuesta por Chuty y Gazir (España); Chang y Marithea (Colombia); El Menor y Nitro (Chile), Mecha y Dybbuk (Argentina); Kodigo y Reverse (Caribe); Skill y Blackcode (Perú) y Rapder y Skone (México).

Por primera vez participarán los campeones internacionales de todas las ediciones anteriores –Aczino, Gazir, Chuty y Larrix–, por lo que lucharán por convertirse en el primer bicampeón de la competición.

El evento promete superar el récord de asistencia establecido en la Red Bull Internacional de 2016 celebrada en Lima, en la que se dieron cita más de 23.000 personas.

Los españoles Bekaesh y Sarita, junto al peruano Metz, serán los presentadores de una FMS Internacional 2025 que estará ambientada por los ritmos de los mexicanos DJ Sonicko y DJ Vshe, además del peruano DJ Dmandado.

El jurado estará compuesto por el español Soen, el chileno Tom Crowley, el argentino Maxi, el mexicano Gino y el colombiano Hellmunth.

La canción, interpretada por una joven cuya identidad no se ha revelado, aborda de manera crítica la gestión del presidente colombiano Gustavo Petro, en el que destaca temas como la inseguridad, la falta de atención a las necesidades básicas de la población y las recientes declaraciones del mandatario sobre el grupo criminal conocido como El Tren de Aragua.

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La letra ha generado un intenso debate en plataformas digitales, donde los usuarios no han dejado de compartir y comentar el contenido.

El rap inicia con una referencia directa a un comentario atribuido a Petro por la secretaria de Seguridad Interior de Estados Unidos, que aseguró que el presidente colombiano afirmó que “El Tren de Aragua necesita amor”. Este grupo criminal, conocido por su actividad delictiva en varios países de América Latina, ha sido objeto de múltiples denuncias por su impacto en la seguridad pública. La canción utiliza esta declaración como punto de partida para criticar lo que considera una actitud permisiva hacia el crimen organizado.

Una letra que denuncia la situación del país

La primera estrofa de Amor de guerrillo no deja lugar a interpretaciones ambiguas. Con frases como “El Tren de Aragua necesita amor, eso dijo el líder más destructor, mientras el pueblo muere de dolor”, la joven cantante denuncia lo que percibe como una desconexión entre las prioridades del gobierno y las necesidades urgentes de la población. La letra también señala que mientras el mandatario “romantiza al depredador”, los ciudadanos enfrentan carencias en áreas fundamentales como la salud y la alimentación.

En otra parte de la canción, la artista hace referencia a la falta de justicia y control en el país, por lo que afirma que “no es con abrazos que se desarma el terror, es con justicia, con ley, con honor”. Estas palabras reflejan una postura que contrasta con las políticas de reconciliación y diálogo promovidas por el gobierno de Petro, las cuales han sido objeto de controversia tanto a nivel nacional como internacional.

Críticas a la gestión de Petro y su enfoque hacia el crimen organizado

Además, el rap también aborda lo que considera una falta de atención a sectores vulnerables de la población, como los niños, y cuestiona las prioridades del mandatario. “Ama la mafia mientras odia al niño, no hay justicia, no hay paz ni control”, dice una de las líneas más contundentes de la canción. Estas palabras han resonado entre los usuarios de redes sociales, que han expresado su apoyo a la joven por atreverse a hablar sobre temas sensibles.

La canción no solo critica las políticas de seguridad del gobierno, también cuestiona su enfoque hacia sectores clave como la salud. En una de las líneas más destacadas, la cantante interpela directamente al presidente: “Si el amor es su solución, es la luz, ¿por qué no empieza por amar la salud?”. Este verso refleja el descontento de una parte de la población con la gestión de los servicios públicos, un tema recurrente en el debate político colombiano.

Reacciones en redes sociales: apoyo y preocupación

El impacto de Amor de guerrillo no se ha limitado a su contenido, además ha generado una ola de comentarios en redes sociales. Por eso, muchos usuarios han elogiado la valentía de la joven y la calidad de la letra, describiéndola como “la voz que representa a todos los que no nos gusta este gobierno”. Otros han expresado su preocupación por posibles represalias, con comentarios como “Ojalá no la desaparezcan por hablar la verdad”.

La viralización de la canción destaca el poder de las redes sociales como plataforma para expresar descontento y generar debate en torno a temas políticos. Aunque no se ha confirmado si la joven autora tiene algún vínculo con movimientos opositores, su mensaje ha sido interpretado por muchos como una crítica directa a las políticas del gobierno de Petro.

Mientras tanto, el impacto de la canción sigue en aumento, y su mensaje continúa resonando entre quienes buscan una forma de expresar su inconformidad con la situación del país. La viralización de este rap podría marcar el inicio de una nueva tendencia en la que la música se convierta en una herramienta clave para el activismo político en Colombia.

Érase una vez una madre contándole historias a su hijo. Cuentos de hadas, príncipes y reinas, de monstruos, sirenas y marionetas, de emperadores y princesas. El que más le contaban a Pablo Pérez, más conocido en el mundo del rap y del freestyle como Blon (@blon_doblefilo), era el de Los tres cerditos. “Me compré un DVD que era como una fábula en dibujos animados y la veía un montón, con mi hermano, me acuerdo”.

Ahora, los cuentos son recuerdos. Vestigios de un pasado en los que Blon ha descubierto, también, un reflejo del presente del que hoy es testigo. “Hay muchos mensajes en los cuentos infantiles que se pueden extrapolar a la realidad y muchos matices que puedes absorber de esos cuentos para hablar de problemáticas más actuales o de temas más modernos”.

Narrar en versos la actualidad

De esta reflexión nace Colorín Colorado (Aguilar), un poemario lleno de versos que buscan “cambiar el cuento” de toda la vida para, precisamente, mostrar cómo pueden hablarnos de la edad adulta. Los cerditos, ahora, son víctimas del mercado inmobiliario, mientras que Pinocho sucumbe al poder destructivo de las redes sociales y el flautista de Hamelin no es más que otro tirano más al que saltarle al cuello.

Las historias de Blon, no obstante, no se limitan a contar lo que el cuentista ve. Nacen, también, de sus propias experiencias más allá de la fama y su trabajo. “Siempre intento partir de experiencias y sentimientos reales”, confiesa. “En el libro hablo de mi trastorno obsesivo compulsivo (TOC) a través del poema de Ricitos de Oro”. Un ejemplo de cómo este ejercicio le ha servido para “abrirse en canal” y convertirse no solo en el mensajero, sino en el propio mensaje.

“Tengo ansiedad y también hablo de ello en Blancanieves”, continúa. “Hablo de las adicciones... no sé, de muchas cosas que creo que pueden servir y pueden ayudar, además de volver a poner un poco en la palestra el tema de la salud mental”. Pero también deja espacio para esos detalles íntimos de lo que le hace feliz. Cuenta, por ejemplo, que el poema La princesa y su guisante se inspira en una “historia real” con su novia.

Un punto de partida

Un método de expresión que, en realidad, no se aleja mucho de lo que lleva tantos años haciendo en el mundo del rap, aunque en esto de la poesía tampoco sea, precisamente, un novato. “Yo es que escribía poesía antes de empezar a rapear”, asegura. “O sea, yo creo que empecé a rapear porque escribía y no al revés”. Su éxito en el mundo del freestyle llegó, sobre todo, a partir de 2013, y en 2018 aparecería su primer poemario, Eternamente, al que le han seguido, con este, otros tres.

“Ese libro estaba pensado más para un público más adolescente o juvenil”, recuerda, “pero conforme han ido pasando los años también ha ido creciendo. Yo y considero que el tipo de poesía que escribo ahora está un poco más orientada al público más adulto, pero sin dejar atrás tampoco al público joven”.

De hecho, en 2021 Blon publicó un libro que guarda ciertas similitudes con Colorín Colorado. Se trata de El castigo de Sísifo, donde explica que hizo “el mismo juego y el mismo ejercicio”, pero basándose en los clásicos. “Creo que son historias que me pueden servir como punto de partida e inspirar por los temas que tratan”, añade. “Siempre me ha gustado muchísimo inspirarme en otras obras y sacarle esos matices”. Así, aunque no se aborden desde el presente de la misma manera, “son obras muy ricas en todos los aspectos para yo poder jugar con eso”.

Al final, el objetivo es siempre el mismo: “Despertar emociones”. Rabia, empatía, tristeza, alegría...“Despertar algo dentro de la persona y plantear una voz interna en la gente, que es lo que me pasa a mí con la poesía”, afirma. En un mundo donde la información abunda e incluso satura a todos, dar la posibilidad, a través de los cuentos, de “respirar y pensar más allá de los inputs que recibimos todo el rato de todos lados”. “Creo que poder sentarte a reflexionar con un libro de poesía es bueno”.

Se convierte, de hecho, también en una oportunidad para enriquecerse a sí mismo, algo que pudo comprobar en una lectura de El castigo de Sísifo en un instituto. “Cada uno de los chicos y chicas interpretaba los poemas de una manera, incluso con formas de interpretarlo, para mí muy correctas, que yo no me había planteado. Para mí eso fue súper, súper emotivo y súper bonito”. Una alegría que, no obstante, se añade a su “responsabilidad” al publicar.

¿Los cuentos han perdido el valor que antes tenían?

Durante mucho tiempo, los cuentos como los que aparecieron en Colorín Colorado, los de ‘toda la vida’, sirvieron como una forma de transmitir información útil para los más pequeños. Si Caperucita Roja enseñaba el peligro de fiarse de los desconocidos, Pedro y el Lobo enseñaba por qué no debemos decir mentiras. De alguna forma, los cuentos se utilizaban para que los niños pudieran construir un primer esquema del mundo que les esperaba.

Preguntado por si este valor se ha mantenido vigente y por si las nuevas generaciones han crecido con los mismos cuentos que sus hermanos mayores y sus padres, Blon cree que algo ha cambiado. A día de hoy, “los clásicos de Disney” han comenzado a ejercer parte de ese trabajo. Las versiones más modernas de Blancanieves, La Sirenita o Alicia en el País de las Maravillas que se han podido ver en los cines, por otro lado, han sido una forma más de cambiar esos cuentos que los mayores recuerdan. Transformaciones que ya comienzan a “formar parte de la cultura popular”.

Aun así, reconoce que “hay algunos cuentos como puede ser El sastrecillo valiente o El traje nuevo del emperador, que mucha gente de las nuevas generaciones no conocerá”. Pero esa es, precisamente, otra posible contribución que puede ofrecer Colorín Colorado. “Yo, como lector, si tuviese 18 años o 19 y me gustase la poesía y me comprase un libro sobre cuentos que no conozco, buscaría cómo es el cuento original. Ahí también puede abrir otra puerta”.

Y, detrás de todo, como una “editora en la sombra”, sigue estando su madre. “Todo lo que escribía se lo pasaba y ella me daba alguna corrección, me daba alguna idea y entonces decidí dedicarle el libro, ya no solo porque me ayudara mucho en este proceso, sino porque fue la que me abrió la puerta al mundo de los cuentos infantiles”. Érase una vez, un hogar de cuentos y juguetes. “Allí donde mi existencia empezó a cobrar sentido”.

Una de las razones por las que la idea del crítico Kodwo Eshun de 1998 de la música rap como un “omnigénero” resulta tan vigente es que nuestra idea de “omni” se expande cada vez más. Eshun creía que, mediante el uso de samplers y sintetizadores, los productores de rap pueden utilizar todos los sonidos imaginables, lo que implica que los raperos pueden expresar cualquier idea imaginable.

Casi tres décadas después, Tyler, the Creator se esfuerza más que nunca por superar esos límites —con su cuerpo, de forma emocionante, y con su vestuario, de forma escandalosa— durante la gira de presentación de su nuevo y complejo álbum, “Chromakopia”. El martes, en el Capital One Arena de Washington, el autor pop angelino de 34 años ofreció un espectáculo de luz, sonido, coreografía y vestuario digno de un estadio, alternando entre la elegancia de un villano de dibujos animados y la comodidad informal, haciendo que su ropa se moviera como si estuviera cambiando de canal en la televisión por cable a altas horas de la noche y reproduciendo cualquier movimiento humano que apareciera en pantalla.

Lo que significa que salió girando y embistiendo como Peter Weller en “RoboCop”. Luego, su soporte vital cardiovascular avanzado (ACLs) hicieron boing-boing como el muñeco de sorpresa de “El Cascanueces”. Luego vinieron una serie de rutinas de rigor mortis, como si estuviera audicionando para el enésimo zombi del video de “Thriller”. Luego, fue Fred Sanford cojeando por la sala. Luego, Gene Kelly bajo la lluvia con metacualona. Después de más de 90 minutos de este “mírame” hiperescrupuloso, una pregunta increíble se cernía sobre la sala: ¿Es Tyler, the Creator el mejor bailarín del rap desde la Hammer?

El hip-hop es propenso a los superlativos, y Tyler siempre ha invertido en tener la imaginación más grande entre su grupo de pares. Habiendo crecido a la sombra de Hollywood, ha llenado cada vez más sus álbumes de aspiración cinematográfica, con “Chromakopia” centrado en un evocador personaje alter-ego, St. Chroma, tangencialmente basado en Chroma the Great, un director de orquesta en el libro infantil “The Phantom Tollbooth”. Sí, Tyler está aprovechando los juegos de personalidad con los que la mayoría de los fanáticos del pop saben cómo jugar (ya sabes, David Bowie, Beyoncé, Garth Brooks), pero St. Chroma es en gran medida el propio diseño de Tyler: un yo nervioso y paranoico vestido con un blazer verde opaco con hombros cómicamente grandes, una peluca afro con una raya en el centro como un cañón y una máscara color carne que inquietantemente expresaba más de lo que ocultaba.

Durante los primeros 30 minutos del concierto, con Tyler en modo Chroma a toda potencia, prácticamente se podía sentir cómo las imágenes se grababan en la memoria. En un escenario que parecía hecho de contenedores industriales, marchó frenéticamente al ritmo de su otrora (en otro tiempo) epónimo “St. Chroma”, rapeando entre jadeos y gritos sobre su necesidad de interioridad: “Solo necesito este tiempo para mí mismo para descubrirme”. Después llegó “Rah Tah Tah”, una canción con un timbre industrial que Tyler acentuó con ladridos lobunos y gritos punk. Extraordinario. Aquí y a lo largo de la noche, los acordes inquietantes y jazzísticos que se han convertido en el sello distintivo de Tyler resonaron en el diseño de iluminación, que casi parecía líquido: naranjas Creamsicle derretidas, verdes sangre alienígena, azules aguados como detergente para la ropa.

Las cosas se suavizaron en el segundo acto del espectáculo, escenificado en forma circular sobre una plataforma que imitaba una sala de estar común y corriente. Sofá. Mesa de centro. Equipo de música con tocadiscos. Una vieja caja llena de discos de Tyler, the Creator. Tras ponerse ropa de civil, sacó los LP uno tras otro —¿un guiño al Eras Tour?— y puso en cola las mejores canciones. ¿Lo mejor de lo mejor? Sin duda, la enfermiza y dentada «Yonkers» de allá por 2011, una época en la que el joven Tyler aún estaba desentrañando sus identidades. «Soy una... paradoja andante, no, no lo soy», rapeó sobre el ritmo imperecedero de la canción y, por un instante, la música que llenaba el recinto fue tan salvaje para los oídos como lo fue el segmento inicial del espectáculo para las retinas.

Acto 3: Tyler regresa al gran escenario, pero aún con su ropa cómoda, como Jekyll y Hyde. Era un maniático hambriento de normalidad durante “Thought I Was Dead”, burlándose de cómo quiere vivir en “la granja con el lago”. Para “Like Him”, hizo un gesto geriátrico mientras cantaba con la voz de un niño, preguntándole a una madre atribulada por la ausencia de su padre. Y en los momentos finales del espectáculo, el outro de “I Hope You Find Your Way Home”, pronunció un cliché típico de Hallmark con gritos salvajes: “¡La luz viene de dentro!”, mientras una ráfaga de aire bajo él lanzaba su camisa desabrochada hacia las vigas.

Este era Tyler, el Sampler, canalizando múltiples fisicalidades humanas a su máxima capacidad. Era Marilyn Monroe. Era Kanye West. Era David Bowie. Era Michael Jackson. Era Darby Crash. Pero, más que ninguno de ellos, era él mismo.

(c) 2025 , The Washington Post

De acuerdo con Billboard, esta producción provocó un gran entusiasmo entre sus fanáticos, quienes esperaron pacientemente por una nueva obra de la artista. Este trabajo promete revitalizar la escena musical con el toque único que caracteriza a Badu.

La influencia transformadora de Badu

Desde sus comienzos en Dallas, se distinguió por su capacidad para fusionar sonidos clásicos con innovaciones modernas, un talento que quedó demostrado con su álbum debut Baduizm.

El medio destaca que, este disco no solo debutó en el número 2 del Billboard 200, sino que además definió el género conocido como neo-soul. La canción “On & On” es un claro ejemplo de esta cualidad innovadora, al presentar un sonido original en un contexto familiar para el público.

El impacto de Baduizm en la música fue significativo, y, como relatan figuras como Questlove en conversaciones retomadas por Billboard, Badu siempre fue reconocida por su habilidad para generar ideas frescas y coros pegadizos. Esta innovación se refleja no solo en su música, también lo hace en su enfoque hacia la producción y la actuación.

La evolución de una artista completa

A lo largo de su carrera, mantuvo un enfoque distinto hacia la música y la vida escénica. Según describe en la entrevista, su pasión se centra en el acto de presentarse en vivo, una experiencia que considera un intercambio transformador con su audiencia.

Durante los últimos 25 años, dedicó la mayor parte de su tiempo a recorrer el mundo como artista de performance, un aspecto que ella misma define como una terapia tanto para ella como para sus seguidores.

Sin embargo, su enfoque no solo se limita a la música. En 2005, Badu estableció su sello discográfico, Control Freq, con la intención de ofrecer contratos justos que devolvieran a los artistas la propiedad de su trabajo tras un determinado tiempo. Este proyecto, como explica la cantante, fue una expresión de su deseo de apoyar a otros músicos en sus propios términos.

Vida personal y legado

Badu mantiene un vínculo estrecho con Dallas, su ciudad natal, donde reside actualmente. Esta conexión, describe Billboard, se debe a sus raíces familiares y a su deseo de construir un legado en su hogar.

Al haberse criado en un entorno lleno de música, donde cada miembro de su familia tenía su propio espacio para explorar sus gustos musicales, desarrolló un espectro amplio de influencias que moldearon su estilo artístico.

Su vida personal está igualmente inmersa en otras pasiones, como la colección de autos clásicos, una afición que comparte desde joven y que aseguró, le brinda una satisfacción única. Además, continúa explorando diversas actividades fuera de la música, como su colaboración con la marca Cookies en una línea de cannabis.

Perspectivas Futuras

La anticipación en torno al nuevo álbum de Badu, asegura Billboard, es un reflejo de la promesa de un regreso triunfal que podría redefinir aspectos del R&B contemporáneo. La producción de The Alchemist, un reconocido productor en el ámbito del hip-hop, añade una dimensión adicional de interés a este proyecto.

El medio destaca que, con cada proyecto nuevo, reafirma su lugar en el corazón de muchos, demostrando que la espera de sus fanáticos está justificada y que el retorno a la escena musical es solo el comienzo de una nueva etapa emocionante en su carrera.

Según Billboard, este lanzamiento es un hito que celebra tanto su legado como su enfoque visionario del arte musical.

Muchos de los músicos de la escena urbana actual de la Argentina surgieron del rap del under. Solo por mencionar algunos, los casos de Wos, Trueno e incluso Duki son algunos de los más emblemáticos a nivel nacional, latinoamericanos e incluso mundial. Matías Vázquez, más conocido por su apodo de Isidishi, llegó a participar a la par de estos íconos en El Quinto Escalón, una competencia de batallas de rap, fundada y organizada en el Parque Rivadavia del barrio de Caballito en la Ciudad de Buenos Aires, que funcionó activamente desde 2012 a 2017. Sin embargo, las últimas noticias sobre él están alejadas de la música: el rapero fue detenido por la Policía Federal acusado de violación de menores y pedofilia.

Si bien Vázquez nunca fue un personaje muy popular dentro del circuito, compitió durante varios años. Tiene 35 años, es oriundo de Ciudad Evita, localidad del partido de La Matanza, en el oeste del conurbano bonaerense. Según sus redes sociales, además del rap, donde siempre tuvo como ídolo a la leyenda Dtoke, su otra pasión es el fútbol, donde simpatiza por River Plate.

Los últimos registros de su actividad en la escena del rap datan de 2020, hasta que fue expulsado de la Anfree, una competición con sede en Monte Grande que, durante la cuarentena por la pandemia del COVID-19, decidió implementar una modalidad del torneo con rimas escritas para que cada uno compita desde su casa. Pese a que se desconocen las razones concretas de su salida, fue cancelado en más de una competición y nunca más volvió a aparecer su nombre en la movida.

Detuvieron por violación de menores y pedofilia a un conocido rapero: hay al menos siete víctimas

La captura de Matías Chávez, imputado por delitos como producción de material pedófilo, grooming, amenazas coactivas, abuso sexual con acceso carnal y violación de menores, se efectuó en un local de comida rápida ubicado en Morón. Este operativo fue llevado a cabo por la División de Delitos Cibernéticos contra Niños, Niñas y Adolescentes, en el marco de una causa liderada por la UFI N°2 de La Matanza, bajo la dirección del fiscal Luis Brogna, apoyado por las investigadoras Lorena Pecorelli y Daniela Sánchez.

Según la información recopilada en el caso, Chávez no utilizaba su nombre real para aproximarse a las víctimas. Por el contrario, asumía falsas identidades femeninas y gestionaba una red compuesta por 13 números de teléfono y 10 cuentas de correo electrónico. Se contactaba con adolescentes a través de plataformas como Instagram, Badoo y aplicaciones de citas como Litmatch, estableciendo vínculos bajo pretensiones fraudulentas. “Les ofrecía dinero a cambio de que enviaran fotos y videos desnudas”, aclaró una fuente vinculada al expediente, indicando que Chávez incluso solicitaba datos bancarios de las víctimas para transmitir una falsa apariencia de pago.

El accionar de Chávez, que se sospecha comenzó alrededor de 2019, ha dejado al menos siete menores identificadas como víctimas, con edades que oscilan entre los 14 y 16 años, residentes en Córdoba, Santa Fe y el Conurbano bonaerense. Fueron las propias familias de las menores quienes denunciaron los hechos ante la Justicia, contribuyendo al inicio de la investigación. Aunque en sus primeros años de actividad su modalidad no implicaba contacto físico, en 2024 Chávez habría coordinado encuentros presenciales con dos adolescentes en puntos como Liniers y Morón, donde se le acusa de haberlas agredido sexualmente tras drogarlas utilizando un vaporizador de aceite de marihuana.

En los allanamientos realizados, las autoridades incautaron su teléfono móvil, además de una bolsa con flores de marihuana y un vaporizador. Estos elementos serán analizados para identificar posibles nexos con nuevos casos o víctimas adicionales que puedan surgir en el transcurso de la investigación. La declaración indagatoria de Chávez está prevista para este martes, mientras la pesquisa continúa en marcha.

Los delitos que le imputan a Chávez son producción de material pedófilo, grooming, amenazas coactivas y abuso sexual con acceso carnal, violación de menores. Fue capturado por la División Delitos Cibernéticos contra Niños, Niñas y Adolescentes en un local de comidas rápidas de la zona de Morón.

Según la causa en su contra, Isidishi habría comenzado a operar en 2019. Hay, por lo pronto, siete víctimas identificadas.

Las edades de las menores iban desde los 14 hasta los 16 años, ubicadas en zonas como Córdoba, Santa Fe y el Conurbano bonaerense: las propias familias de las víctimas denunciaron el caso ante la Justicia.

Chávez, según la investigación de Pecorelli, no operaba con su nombre real. Era un poco más artero. Como otros supuestos pedófilos y groomers, se hacía pasar por mujer. Usaba una serie de alias femeninos y una flota de 13 números de teléfono y 10 cuentas de email para contactar a las víctimas en redes sociales como Instagram, Badoo y aplicaciones de citas como Litmatch; y así ganarse su confianza.

“Tras contactarlas con una falsa identidad, les ofrecía la posibilidad de ganar dinero a cambio de que le envíen fotos y videos donde se muestren desnudas. Les pedía sus CBU para transferirles la plata, así como sus datos personales”, detalló una fuente clave en la causa. Si las niñas decidían cortar el contacto, Chávez supuestamente las extorsionaba.

Así, supuestamente, operó durante años, sin contacto físico con las menores que atacaba en redes sociales. En 2024, la historia cambió. Logró que dos adolescentes se encontraran con él en zonas como Liniers o Morón. Allí, las habría violado, drogándolas con un vaporizador de aceite de marihuana.

Su indagatoria se espera para este martes, pero el caso está lejos de terminar. La Justicia intenta establecer si contactó a otras menores. Por lo pronto, le incautaron su teléfono, que podrá ser peritado, así como una bolsa de cogollos de porro y un vaporizador.

Este arresto no es el único de alto perfil que la fiscalía de Brogna, Pecorelli y Sánchez logró en las últimas semanas.

A comienzos de este mes, Lucas, alias “Focu69″, productor y actor de cine porno, fue detenido, acusado de filmar una escena de sexo con una adolescente de 17 años para postearla en una de las principales plataformas de videos XXX.

El sospechoso fue arrestado en Ramos Mejía, partido de La Matanza, horas antes de su última filmación: una escena de sexo grupal, un gang bang -donde una mujer tiene sexo con varios hombres- que se rodaría en el barrio porteño de Palermo. La joven que iba a protagonizar esa escena fue también encontrada y protegida por los investigadores.

Filmar con una menor no es el único delito por el que se lo investiga. También se cree que habría oficiado como proxeneta, ofreciendo a mujeres para encuentros sexuales en despedidas de soltero, con aranceles cobrados en cripto dólares. Como productor y actor, se vinculó en varias escenas con Barbie Rivas, una de las actrices más reconocidas del género a nivel local.

“Descartaba a sus víctimas cuando dejaban de ser novedad en el mundo donde él las ofrece. Antes, les hacía firmar un acuerdo”, aseguró una fuente del caso.

“Lo ecológico existía antes de comprarlo”. Una frase tan simple como certera con la que Bewis de la Rosa introduce Para las Huertas. Este tema se incluye en Puchero de recena, la ampliación de un álbum debut con el que presentó su idea de “Rap Rural”.

A través de este género, siempre muy ligado al campo de las vindicaciones y reivindicaciones sociales, esta joven artista de raíces manchegas, ligada al mundo de la danza y las artes escénicas, lanzó al mundo en 2023 una pregunta: “¿Dónde está mi tierra?¿Dónde está mi territorio?“. Lo hizo con un disco, Amor más que nunca (2023), donde a los elementos del rap y del hip-hop se le suma la música folclórica y unas letras que devuelven el poder a la tierra, a los mayores, a los pueblos.

Recuperar una sabiduría perdida

Bewis de la Rosa canta a un mundo en desuso y a unas tradiciones que corren el riesgo de extinguirse. Pero es precisamente por eso que la artista ha encontrado en ello algo “súper revelador y revolucionario”. “Al final creo que nuestros abuelos tenían unos saberes de los que apenas éramos conscientes”.

Un espacio encerrado en sí mismo es también un espacio en el que ser acogido

Señala cómo, durante mucho tiempo, se nos mostró a los mayores como “una generación analfabeta, que lo único que habían sido eran currelas y currantes”. Sin embargo, su capacidad para hacer cosas por sí mismos -“hacerte una casa, arreglarte una bombilla, plantarte unos tomates”- los hacía “mucho más libres, capaces y sabios de lo que ahora somos”.

“Realmente, lo que da valor a una persona es poder hacer el número máximo de cosas por sí misma, o al menos tener cerca a gente que desde el altruismo y desde el compartir puedan apoyarte”, sentencia. “Creo que todo eso es lo que hace revolucionario pensar en nuestros abuelos como espejo donde mirarnos: hay que rescatar muchas cosas que quizás se nos han quitado y se nos han arrancado”.

En España ha habido siempre otras Españas. De las más sonadas en la actualidad es la España vaciada, pero también existió durante el franquismo el término de la España negra, esa parte del territorio alejada de las grandes ciudades, donde el supuesto atraso de sus poblaciones daba lugar a los crímenes más violentos, a las costumbres siniestras que, por ejemplo, pintaría en sus cuadros José Gutiérrez Solana. “Los medios solo hablan de lo rural como casitas que alquilar en verano una semana”, remata la rapera en una de sus líneas.

Preguntada sobre cómo lograr encontrar espacios para mezclar asuntos como el transfeminismo o la disidencia sexual y afectiva, tan presentes en las letras de sus canciones, con un territorio marcado por esos prejuicios, Bewis de la Rosa habla de su propia experiencia.

Como persona que ha alternado momentos en la ciudad y en el campo, sabe que nadie se libra “de no comprender lo que no ves en tu cotidianidad”. “En un pueblo, el raro lo puede pasar muy mal porque ya no tiene otra manera de salir a otro círculo”, añade. En el otro extremo, defiende que “el pueblo muchas veces es más diverso de lo que la gente piensa”. Destaca, por ejemplo, las “fiestas” en las que, hasta en las localidades más pequeñas, “ves a todo el mundo junto”. “El pueblo tiene algo muy de acoger la diversidad de manera muy natural y sencilla”.

El campo es, así, un espacio en el que se puede reconectar con conceptos tan necesarios como el afecto, los vínculos y, sobre todo, la pausa. Es, a partir de ahí, donde se puede construir una transformación que Bewis impulsa no solo con sus canciones, sino también en los conciertos. “Mucha gente conecta con el discurso a través del directo”, explica al respecto.

Por eso, considera que su discurso, elemento que considera básico en el éxito que ha generado su álbum, trasciende a sus temas y se traslada a las actuaciones. “Al venir de ese bagaje de las artes escénicas, al final no es un concierto al uso: es como un viaje escénico colectivo”. En sus actuaciones, deja que los asistentes también tengan voz, para llenar “esa necesidad de charlar y hablar de las cosas” desde el único lugar en el que es posible el entendimiento: “Desde el amor”.

El redescubrimiento de un paisaje

La vía artística abierta por Bewis de la Rosa no es un fenómeno aislado. Desde hace años, se ha hablado de una corriente neorruralista manifestada en todo tipo de manifestaciones artísticas. Desde un éxito editorial como Los asquerosos a nuevas voces como las de Irene Solà o Ana Iris Simón.

En el cine, títulos como Alcarrás, Suro o 20.000 especies de abejas devuelven al campo su papel de espacio en el que, también, es posible una transformación. Las formas tradicionales de vida en los entornos rurales se ven amenazadas, pero al mismo tiempo, estos son los únicos lugares en los que es posible escapar de la realidad de nuestros días.

En la música hemos asistido a la fusión de géneros tradicionales, como la jota, con otros más contemporáneos. Además, voces como la de Karmento, Amatria, Vermú, AWAKATE, han dado un paso más allá y han cantado sobre una vuelta a lo rural que, para Bewis de la Rosa, responde a “una herida generacional que nos atañe a muchos”.

“Hay una conciencia en comprender que lo artístico es como un túnel”, añade al respecto la artista, “un canal que me hace comprenderme como ser humano, a mí y también a mis coetáneas y en general a la humanidad”. Su voz se traslada al territorio de lo colectivo, “incluso lo místico”, para construir un “paisaje emocional” que sirva para mirar de cerca al mundo y “como motor de algo”. Un cambio... o un puchero: “A fuego lento, prueba-error, salero, amor”.

Joaquin Phoenix es uno de esos actores cuya carrera parece desafiar las expectativas del público en cada paso que da. Reconocido por su talento innegable y su enfoque profundamente reflexivo hacia cada papel que interpreta, el actor se destacó por su capacidad de sumergirse en la complejidad emocional de sus personajes.

Películas como Ella, Nunca estarás a salvo y The Master: Todo hombre necesita un guía, demostraron su habilidad para superar sus propias barreras creativas y entregar actuaciones que, en muchos casos, son aclamadas como algunas de las mejores de su generación, informó Far Out.

Un sabático sorpresivo de Hollywood

Sin embargo, además de su evolución profesional, Phoenix vivió también un cambio personal considerable fuera del foco de las cámaras. En un giro sorpresivo para muchos, el actor decidió tomarse un largo sabático de Hollywood, durante el cual su presencia desapareció casi por completo.

Fue en ese periodo cuando la especulación sobre su vida personal y sus intereses artísticos adquirió fuerza, especialmente después de que Phoenix realizara una entrevista televisiva peculiar en la que anunciaba su incursión en el rap, una faceta que nadie había anticipado de este introspectivo artista.

A pesar de la expectación por conocer más sobre su tiempo alejado de la industria, la reflexión del artículo sugiere que tal vez lo que Phoenix hizo durante esos años no sea realmente relevante para su carrera o su vida.

La especulación sobre su vida personal se concentra tanto en el interés de la cultura mediática por las celebridades que, al final, lo más importante parece ser que Phoenix sigue siendo un ser humano y un artista multifacético, libre para explorar diferentes formas de expresión artística.

“Dos Amantes” y su influencia en Phoenix

Una de las etapas más significativas de este proceso fue su participación en Dos Amantes, una película dirigida por James Gray. Junto a Gwyneth Paltrow, Phoenix interpretó a un joven atrapado entre dos mujeres, lo que refleja una exploración de la indecisión y la confusión emocional.

El personaje que Phoenix dio vida es errático, impredecible y dotado de una fragilidad peligrosa. Sin embargo, lo que James Gray reveló acerca de esa película podría explicar parte del cambio sorprendente en la carrera de Phoenix.

El director compartió cómo la influencia de su propio interés por el rap en la película fue algo que Phoenix adoptó, incluso llevando esa pasión hacia su vida personal. Según Gray, el actor se acercó a él durante el rodaje para compartir su deseo de imitar este estilo musical.

“Dijo: ‘Quiero hacer eso, quiero copiar aquello, quiero hacer el rap que solías hacer’. Le dije: ‘Vale’. Y ahora lo veo hacer esto, y siento que he arruinado a Joaquin Phoenix para el mundo”, confesó Gray, quien al parecer se siente responsable de haber influido en el cambio de rumbo hacia el rap de Phoenix.

Un camino hacia el regreso y la reinvención

Este detalle de la producción de Dos Amantes subraya cómo las decisiones creativas y la interacción entre director y actor pueden influir en el resultado de una película, y en el camino artístico del intérprete. Para Phoenix, esta incursión en el rap no fue más que un esbozo que se transformó en algo más profundo, aunque de corta duración.

A pesar de la inusitada revelación sobre el rap, la carrera de Phoenix continuó su curso, con el actor regresando poco después a la pantalla grande y protagonizando obras aclamadas como Aún sigo aquí, Guasón y C’mon C’mon: Siempre adelante. Aunque el misterio en torno a su tiempo fuera de Hollywood sigue sin resolverse, lo que importa es que Phoenix siguió explorando su arte y abriendo nuevas puertas creativas.

El ser humano detrás de la celebridad

La reflexión final de este artículo es clara: las personas a menudo se centran demasiado en la vida personal de las celebridades, olvidando que, en última instancia, son seres humanos con la libertad de explorar diversas formas de expresión.

Joaquin Phoenix, al igual que cualquier otro artista, tiene derecho a reinventarse, a probar diferentes caminos y, sobre todo, a desafiar las expectativas impuestas por una industria que, a veces, es demasiado rígida.

El caso de Phoenix resalta la importancia de ver a los artistas como figuras públicas, y como individuos cuya vida fuera de la pantalla es tan valiosa y válida como el arte que crean.

El cantante Myke Towers, artista más escuchado en España, cierra el año 2024 con el lanzamiento de su nuevo disco 'Lyke Miike', en el que el cantante regresa a sus raíces musicales con el rap y el trap.

El disco comprende 23 canciones y en ellas demuestra su dominio de la narrativa y la rima, abordando temáticas tanto íntimas como universales. En este disco, Towers reúne a algunos de los mejores talentos de Latinoamérica, desde artistas más conocidos como Miky Woodz, Eladio Carrión, Clarent, Pressure 9x19 y Jon-Z hasta figuras del rap como el venezolano Akapellah y Neutro Shorty.

'Lyke Miike' es la tercera producción discográfica que lanza Myke Towers en este 2024. El cantante lanzó 'La pantera negra' en agosto y la versión Deluxe de esa producción en octubre. De este último se desprende "Degenere", un tema junto a Benny Blanco, el cual ha conquistado los charts de Estados Unidos, España y América Latina.

Recientemente, el cantante ha anunciado que realizará su gira europea en durante 2025, entre la que incluye once conciertos por toda España durante los meses de mayo y junio.

El cantante de Puerto Rico arrancará su gira europea el 20 de mayo con un concierto en Madrid, al que seguirá Cádiz (22 de mayo), A Coruña (23 de mayo) y Málaga (24 de mayo). Posteriormente, Myke Towers trasladará su gira a París, para realizar su espectáculo el 25 de mayo, y a Zurich (Suiza) el 28 de mayo.

Myke Towers regresará a España el 29 de mayo para el concierto en Barcelona, al que le siguen Pamplona (30 de mayo), Zaragoza (31 de mayo), Granada (1 de junio), Valencia (3 de junio), Sevilla (4 de junio) y Murcia (6 de junio). La gira terminará el 8 de junio en Londres.

Madrid, 20 dic (EFE).- Erik González (Sestao, 22 años), Cresh K en el mundo del rap, entró en la cantera del Athletic Club en Lezama con 11 años, el mismo día, y "de la mano", con Nico Williams. Como centrocampista surtió de multitud de asistencias al extremo que ha llegado a la cima internacional. Ahora, como rapero, ha metido el fútbol en su música.

Se subirá al escenario este fin de semana en Madrid y, por primera vez, como cabeza de cartel.

"Repartiendo goles en Lezama con el Nico, ¿cómo te lo explico?, qué tiempazos, chico", señala en una de sus rimas, recordando aquellos momentos que disfrutó con la camiseta del Athletic.

Erik ya era muy aficionado al rap mientras trataba de llegar a la cúspide del equipo de su vida, pero las ilusiones a veces hay que buscarlas en otras veredas, y la suya la encontró haciendo rimas ágiles y acompasadas en la que refleja su experiencia futbolística y sus sentimientos.

"Casi le parte la tibia, pero iba al balón, le dejó el talón como el ego de Lhana Rhodes, llenando Wembley como Guns and Roses".

Erik empezó a jugar al fútbol en el Sestao River con 8 años, en prebenjamines, luego pasó al Barakaldo con 10 años y enseguida le llamaron del Athletic, con 11 años.

"Entré en Lezama el mismo día que Nico Williams, entramos de la mano", recuerda, y desde entonces pasaron siete años hasta llegar al juvenil nacional. Con 17 años se separaron los caminos y Erik recaló en el Danok Bat. Luego un "mal covid", la pérdida de ilusión y los estudios le separaron del fútbol.

"Cuando era pequeño antes de dormir le pedía al Señor que me cogieran en Lezama. Cuando recibí la carta para entrar en el Athletic, me la llevó mi madre al comedor de La Salle de Sestao y cuando la leí me puse a llorar. Siempre me trataron muy bien, el Athletic es lo mejor que hay. Cuando no contaron conmigo me llevé una desilusión porque trabajé muy duro, pero la vida me quiso llevar por otros caminos", explica.

En su memoria guarda su papel de suministrador de pases de gol para Nico Williams. Lo recuerda con humor.

"Le dí muchos pases, muchas asistencias, algunas para empujarla a gol. Nico era muy buen jugador, pero explotó en juveniles, que es cuando le veía unas bicicletas y unos regates que no hacía antes. Es un tío muy majo, buena persona, hemos viajado a torneos, estuve siete años con él. Al principio le íbamos a buscar a su casa con mi padre, Nico no tenía quien le llevara a Lezama. En juveniles vi que sería el mejor", comenta.

Cresh K se impregnó desde niño de la afición de su padre por la música y por el rap cuando entró con 13 años en la "batallas de gallos", un estilo en el que "dos tíos se insultan rimando frases improvisadas".

"Con 13 años escribía en los recreos algunos temas de rap y se los enseñaba a mis amigos. Eran canciones malas, pero luego fui mejorando. Descubrí pronto esa pasión, mi padre me ponía a Los violadores del Verso, o al Langui", comenta.

Para dar pasos en el mundillo de la música, Erik se subía a un tren en Sestao para ir a Trapagarán, donde un amigo les ofrecía elementos de grabación y micrófonos. Empezó a grabar y a hacer los primeros videos, que subía por redes en Youtube e Instagram.

"Era más feliz tirando caños que cumpliendo años", refleja en una estrofa. El fútbol ya era historia.

Erik ha pasado este año que finaliza de 300 oyentes mensuales en Spotify a 15.000, con tendencia al alza. "Hay gente que me escucha regularmente. Este año, llevo más de 500.000 visitas en Spotify, y en Tik Tok pongo vídeos que siguen mas de 8.000 personas", dice.

  El rapero vasco percibe que las referencias al fútbol tienen buena acogida del público. Su inclinación es clara: "A menudo me viene a la cabeza algún jugador de ahora o de antes. ¿"Quién se acuerda de Gudjohnsen?", ó "Viendo el 1-0 de El Shaarawy perdí el metro", proclama con humor en uno de sus temas.

Capaz de escribir una canción en media hora, Erik tampoco olvida referencias al baloncesto, a la NBA, cuando dice: "Nos ven y dicen: vaya junte, ni que fuéramos Kevin Durant y Booker".

"Reflejo cosas que me pasan o sentimientos. La música es expresarse. Últimamente -manifiesta- me interesa que suene bien la música y que la letra tenga un sentido, bien hilvanado".

La similitud del rap con el fútbol se encuentra "en el ritmo, en el hecho de desconectar, algo que logras en el escenario o en el campo de fútbol, y en ambas cosas es importante la pasión que pongas", apostilla.

El objetivo de Cresh K es establecerme en la industria del rap, "dar muchos conciertos en muchas ciudades, que la gente conozca mis canciones, y que lo vean y disfruten los más cercanos, los que siempre confiaron en mí".

  Un sueño "a largo plazo", no irreal, es la posibilidad de que algún día pueda actuar en San Mamés, donde soñó con dar asistencias de gol al ariete del Athletic.

  "¿Por qué no voy a poder lograr ese sueño?. Con trabajo, disciplina y esfuerzo todo es posible. Le dedico muchas horas a la música, y trabajando y escribiendo, con pasión todo sale", afirma.

  La canción favorita de su repertorio es "Hypervenom", el nombre de las botas del brasileño Neymar. Y al respecto canta: "Las series tienen temporadas, pero no más que mis Hypervenom moradas".

De momento, Cresh K se presenta en Madrid, cabeza de cartel, con las ilusiones por todo lo alto. La primera vez en la capital. Y en enero en Bilbao, con nuevas rimas que no dejarán indiferente a nadie. EFE

“Me siento más libre que nunca”, afirmó el cantante The Kid LAROI en un reportaje con Esquire, sobre su presente artístico. Su carrera comenzó cuando dejó su hogar en Sídney a los 15 años con sueños grandes y la promesa firme de convertirse en un referente de la música global. Actualmente, con 21 años, el joven australiano cumplió esa promesa y más, al consolidarse como uno de los artistas más destacados del panorama musical.

Desde su primer gran paso en la industria, The Kid LAROI desafió las expectativas. Su evolución personal y profesional fue asombrosa. Lejos de ser un simple fenómeno de la era digital, supo crear un espacio propio donde la música se convierte en un reflejo de sus emociones y experiencias.

Luego de seis años de éxito rotundo, se encuentra en una nueva fase de su carrera que está marcada por la libertad creativa. Esta posición le permite tomar decisiones artísticas sin los límites impuestos por las presiones externas del ambiente.

De Waterloo al mundo: sus primeros pasos

En sus inicios, The Kid LAROI era un adolescente que, a pesar de haber crecido en un barrio marcado por la inestabilidad, encontró en la música una forma de escape. Criado en el suburbio de Waterloo en Sydney, LAROI vivió una infancia traspasada por la música y las dificultades familiares, lo cual moldeó su estilo interpretativo.

Como él mismo describió, la música “creaba un mundo cuando era niño”, una forma de refugiarse en otro universo donde las preocupaciones de la vida cotidiana no alcanzaban. Con apenas seis años ya escribía sus propias letras, influenciado por los sonidos de Erykah Badu y 2Pac, pero también por la narrativa de su madre, una mujer de origen Kamilaroi (pueblo originario de Australia) que trabajaba en la industria musical y lo alentó a seguir su camino.

A esa edad temprana, encontró en el rap un medio de expresión y también una disciplina que le permitiría superar los obstáculos personales, como la muerte de su tío en 2015. La música, para él, pasó a ser una herramienta para canalizar sus sentimientos y continuar adelante, mientras su nombre comenzaba a sonar en los círculos del rap australiano.

La alianza con Juice WRLD y su impacto en la carrera

Uno de los momentos que marcó un antes y un después en la carrera de The Kid LAROI fue su encuentro con Juice WRLD. Fue durante una de sus primeras giras por los Estados Unidos que tuvo la oportunidad de conocer al ya influyente artista.

El vínculo que establecieron no solo fue personal, sino también artístico. LAROI recuerda ese momento como crucial para su desarrollo musical. “Me sentí muy afortunado de tener a alguien como él para guiarme en el camino”, comentó sobre Juice WRLD, quien lo introdujo en un círculo de artistas y productores que transformaron su concepto hacia la música.

El impacto de la relación con Juice WRLD fue profundo emocionalmente. La trágica muerte de Juice con 21 años, dejó una marca imborrable en LAROI, quien estaba con él cuando ocurrió. “Es un sentimiento que no se puede describir, pero me dio una nueva perspectiva sobre lo que quiero ser como artista”, destacó el australiano. Luego del dramático evento, LAROI reforzó su propósito: llevar la música que amaba a nuevas alturas.

Presión de la fama y sentido de responsabilidad

Con el éxito, vinieron nuevas responsabilidades. A tan temprana edad, la fama le trajo oportunidades y la carga de ser un referente para muchos. The Kid LAROI admitió que en sus primeros años sintió miedo por el peso de esas expectativas. “Al principio tenía miedo de esa etiqueta, de la presión que venía con ella”, señaló.

Sin embargo, con el tiempo aprendió a manejar la fama de manera diferente. Actualmente, su enfoque es más pragmático y al respecto, aseguró: “Ya no lo veo como algo aterrador. Solo trato de hacer lo que puedo y ayudar en todo lo que pueda”.

La música como refugio y expresión personal

Para el rapero, la música sigue siendo la forma principal de expresarse. La creación musical le permitió transformar las emociones complejas en arte, algo que él considera esencial en su proceso. “La música fue una forma de poder expresar mis sentimientos cuando no quería hablar sobre ellos”, reveló.

Con el paso del tiempo aprendió a combinar la vulnerabilidad con la seguridad, lo que se refleja en su más reciente álbum, The First Time, un trabajo que lejos de buscar la aprobación inmediata de las listas de éxitos, refleja un crecimiento personal y artístico profundo.

Más allá de la música: El futuro del cantante

En el presente, The Kid LAROI está explorando nuevas fronteras en el mundo del entretenimiento, como lo demuestra su incursión en la actuación. Durante el último año, participó en la película Y2K, de A24, interpretando a un personaje diferente a lo que se esperaría de él. “Fue solo el primer paso, pero definitivamente quiero seguir explorando esta faceta”, aclaró con entusiasmo.

De su estilo más relajado y urbano de sus primeros años, ahora opta por una apariencia más sofisticada que refleja su madurez como artista. “Me siento más a gusto con quién soy ahora”, sentenció con una declaración que resalta su confianza.

Considerado como uno de los raperos y freestylers más importantes del continente y con un Grammy Latino bajo el brazo, Trueno hará su esperado regreso a Lima para presentar un show completamente renovado y cargado de éxitos. La cita está marcada para este 15 de agosto en Costa 21 del distrito de San Miguel.

Proveniente del pintoresco barrio de La Boca en Buenos Aires, Mateo Palacios Corazzina, nombre de pila de Trueno, inició su carrera en el mundo del freestyle, donde rápidamente destacó gracias a su habilidad para las rimas y, sobre todo, por exponer mucho carisma. Ganó reconocimiento al consagrarse campeón en competencias icónicas como la Red Bull Batalla de los Gallos y la Freestyle Master Series. Esos argumentos marcaron el inicio de una carrera en donde se convirtió en una de las voces más influyentes del género urbano.

Su primer disco fue ‘Atrevido’ (2020). Sin duda, marcó un antes y un después en su trayectoria. Temas como “Sangría” junto a Wos y “Mamichula”, en colaboración con Nicki Nicole y Bizarrap, se apoderaron del gusto popular y lo convirtieron en uno de los artistas más escuchados de Argentina. Este material le permitió llevar su música más lejos de su país.

Luego llegó ‘BIEN O MAL’ (2022), en donde explora sus raíces y ancla un mensaje social. Aquí colaboró con otros artistas como Nathy Peluso, Randy, Bizarrap y Duki. Pero el disco que lo puso a otro nivel fue ‘EL ÚLTIMO BAILE’. Aprovecha para rendirle un homenaje a los 50 años del hip hop. Es considerado casi una carta de amor al género, el cual hoy es uno de los más populares y contestatarios en el mundo.

Dentro de las publicaciones que ha tenido en estos primeros meses del 2025 se ubican ‘Angelito’, en colaboración con Bad Gyal; ‘CRUZ’, junto a Feid y ‘Fale Entao’, con Marshmello.

Veltrac Music, empresa encargada de esta experiencia, ha confirmado que los tickets para este esperado show salen a la venta este viernes 14 de marzo, desde las 10 am en Teleticket. Niños desde los 10 años adelante pueden asistir en compañía de un adulto responsable. Ambos con entrada.

A solas con Trueno

En reciente entrevista con Infobae, se destaca el éxito y desafíos que enfrenta Trueno. En mayo de 2022 lanzó su segundo álbum, BIEN O MAL, que lo llevó a una gira internacional, premios como el Gardel de Oro y colaboraciones destacadas, como su tema “TIERRA ZANTA” para la Selección Argentina en el Mundial de Qatar. Sin embargo, en diciembre de 2023 enfrentó una estafa por parte de su equipo, lo que retrasó su siguiente disco. A pesar de ello, lanzó El último baile en mayo de 2024, un álbum que celebra los 50 años del hip hop con un enfoque festivo y experimental.

El disco combina rimas en spanglish y géneros como funk, house y trap, homenajeando la cultura hip hop con samples y referencias. Trueno destaca la importancia de los productores en este trabajo y colabora con figuras como Federico Vindver y Sean Paul. Además, incluye temas introspectivos como “RAIN”, que reflejan sus experiencias personales.

Trueno también reflexiona sobre su evolución artística, buscando universalizar sus letras sin perder autenticidad. Su música ha alcanzado hitos significativos, como ser parte del soundtrack del Mundial y la Copa América. Ahora se prepara para un show en el estadio Ferro, marcando un nuevo logro en su carrera mientras celebra su conexión con el público argentino.

“Por un momento, te conviertes en el arte. Soy un poeta que explora diferentes géneros”, declaró el cantante sueco Yung Lean, sobre su estilo en diálogo con la revista Interview. El rapero que revolucionó internet con su estética melancólica y sonidos experimentales, dejó en claro que su identidad artística no se limita a un solo género. Con 28 años, Lean se encuentra en un punto crucial de su carrera: además del lanzamiento de su octavo álbum, también se encuentra dando un inesperado salto al cine con su debut actoral en la película Sacrifice.

A una década de irrumpir en la escena musical con la canción “Ginseng Strip 2002″, Yung Lean pasó de ser una curiosidad de SoundCloud a convertirse en un ícono de culto con seguidores en todo el mundo. Actualmente, más que nunca está explorando nuevas facetas de su creatividad, buscando romper las barreras entre su alter ego musical y su verdadero nombre: Jonatan Leandoer Håstad.

Nuevo álbum y conceptos artísticos

La evolución de Yung Lean se refleja en su próximo álbum, titulado simplemente como Jonatan. En este trabajo, busca desdibujar la línea entre su identidad artística y su vida personal. “Estoy tratando de romper la cuarta pared entre Yung Lean y Jonatan, y simplemente unirlos”, explicó el músico.

Musicalmente, el álbum representa un giro en su estilo, alejándose de la electrónica y los instrumentales oscuros que lo caracterizaron en sus inicios. “Es como un álbum de tío”, bromeó sobre su producción. Además aclaró: “Son canciones con guitarra, directas desde el corazón. Vengo del hip-hop, así que siempre va a haber melodías de ese tipo”.

El desafío de actuar en una película

El camino de Yung Lean en la actuación comenzó con pequeños proyectos, pero Sacrifice marca su verdadero debut en la pantalla grande. Compartiendo escenas con Vincent Cassel y Salma Hayek, el rapero sueco se enfrentó a un mundo completamente nuevo. Sobre este tema, profundizó: “Pensé que actuar sería algo más teatral, más expresivo, pero cuando llegué al set me di cuenta de que es todo lo contrario. La cámara ya está haciendo mucho, así que uno tiene que hacer menos”.

Cassel, un veterano del cine, notó su proceso de aprendizaje en el rodaje. “El primer día, literalmente le daba la espalda a la cámara y tres semanas después pensé: ‘Tal vez este tipo debería hacer películas’”, comentó el intérprete. Lean además recordó una anécdota en la que un operador de cámara, al verlo moverse fuera de toma, preguntó: “¿Qué tipo de actuación es esta?” Fue allí cuando el director francés Romain Gavras explicó que Lean nunca había actuado antes.

A pesar del desafío, el músico se sintió atrapado por la magia del cine. Sobre esto, admitió: “El último día de rodaje, cuando me cambié de ropa, Vincent (Cassel) me dijo: ‘Caminas diferente ahora, te estás deshaciendo del personaje’. Me dio tristeza dejarlo atrás. Durante semanas, ese mundo era mi vida”.

Reflexiones sobre la identidad artística y sus hábitos

A lo largo de su carrera, Yung Lean lidió con la categorización. Aunque se le conoce como un rapero sueco, él ve su identidad artística como algo más amplio. Debido a esto, agregó: “Estoy lejos del rap estadounidense. Crecí escuchando Wu-Tang Clan (una banda estadounidense), pero con el tiempo descubres quién eres realmente”.

Esta idea resuena con Vincent Cassel, quien también experimentó con distintos roles diferentes a la etiqueta de “actor francés”. “Es como ser un rapero sueco, una forma grotesca de definirlo. Solo encuentras lo que te gusta y lo que quieres mostrar”, afirmó el cantante.

Más allá de la música y el cine, Yung Lean también reflexionó sobre su bienestar personal. Dejó atrás el alcohol y el kratom, una bebida opiácea a la que fue adicto durante años. Sobre esto último, confesó: “Cuando lo dejé, al principio fue horrible. Pero luego entendí que en realidad, el alma solo busca sentirse un poco más cómoda”.

En la conversación con el actor Cassel, hablaron sobre la importancia de los rituales, desde el café hasta el tabaco de mascar sueco (snus). “Fue inventado por mujeres en el siglo XVIII en Suecia. Los hombres podían tomar pausas para fumar en el trabajo, pero las mujeres no, así que lo consumían luego de un proceso”, explicó el artista. Sobre su camino hacia el equilibrio, Yung Lean concluyó con el valor de la autodisciplina: “Es bueno dejar cosas atrás y observarte a ti mismo, darte cuenta de lo que tu cuerpo está buscando”.

El hogar en el que creció no fue fácil. Según New York Times, vivió episodios turbulentos en su familia que lo marcaron profundamente. A los 15 años tomó una decisión que cambiaría el rumbo de su vida: se fue de su casa.

El mundo exterior no era más amable, pero él no tenía intención de volver atrás. Durante un tiempo no tuvo un techo fijo donde dormir. Fue un joven sin hogar, sobreviviendo como podía.

A pesar de todo, no tardó en formar su propia familia. Se convirtió en padre joven, su novia, Liza Rios, fue el pilar que le dio estabilidad, lograron mudarse juntos y con el tiempo tuvieron más hijos. Sin embargo, las presiones de la adultez temprana pesaron sobre sus hombros.

Con el paso de los años, encontró consuelo en la comida. A los 18 años pesaba más de 100 kilos. Tres años después, ya había alcanzado el doble.

La comida se convirtió en una obsesión silenciosa, una forma de lidiar con el estrés, un refugio contra las adversidades.

En el Bronx de los años 80, el hip-hop vibraba en cada esquina. New York Times mencionó que en esos años Big Pun empezó a interesarse por el breakdance, pero fue el rap lo que realmente capturó su atención. Su habilidad con las palabras lo llevó a escribir versos con una velocidad y precisión sorprendentes. En la calle, su talento no pasó desapercibido; bajo el nombre de Big Moon Dog, formó un grupo llamado Full-A-Clips Crew.

No tardó en llamar la atención de otros raperos. Uno de ellos fue Fat Joe, quien lo escuchó rapear en una esquina y supo de inmediato que tenía frente a él a alguien excepcional. Según le comentó en una entrevista a Rolling Stone, desde el primer momento quedó claro que tenía un estilo único. Su respiración profunda le permitía lanzar ráfagas de rimas sin perder el aliento.

Sus letras hablaban de la vida en el condado de Estados Unidos, Bronx, de la lucha diaria, de la calle y de sus propias batallas. Él mismo lo explicó en una entrevista con MTV: “Estoy hablando en mis letras de la vida cotidiana, perder un trabajo, perder a un ser querido, estrés, felicidad, lo que sea”.

En 1995 llegó la gran oportunidad. Fat Joe le abrió las puertas de la industria, lo invitó a colaborar en su álbum y le presentó a las personas correctas. A partir de ese momento, Rios dejó atrás su antiguo nombre artístico y adoptó el que lo haría legendario: Big Punisher, luego abreviado a Big Pun.

El éxito no tardó en llegar. En 1998, su primer álbum, Capital Punishment, fue un boom en la escena hip-hop. La mezcla de salsa, R&B y rap neoyorquino hizo que su música fuera diferente a todo lo que se escuchaba.

El disco vendió más de dos millones de copias y convirtió a Big Pun en el primer rapero latino en alcanzar el estatus de platino. Su sencillo “Still Not a Player” se convirtió en un himno y su nombre empezó a sonar en todas partes. Billboard destacó su increíble habilidad para rimar con una estructura compleja y un juego de palabras que lo diferenciaban de sus contemporáneos.

El éxito lo llevó a colaborar con artistas como Jennifer Lopez y a formar parte del grupo Terror Squad, junto con otros raperos latinos. Su presencia en la cultura popular creció; en las calles del Bronx, era un ídolo. Sin embargo, su salud empezó a deteriorarse rápidamente.

Las giras, las grabaciones y la presión del estrellato no ayudaron con su relación con la comida. Su peso siguió aumentando. Según Rolling Stone, sus amigos comenzaron a preocuparse y, en 1999, lo convencieron para que ingresara a un programa de control de peso en la Universidad de Duke.

Durante un tiempo, perdió casi 50 kilos. Parecía estar en el camino correcto, pero algo dentro de él no lo dejaba avanzar. Su esposa Liza Rios contó más tarde que su esposo estaba en una profunda depresión, aunque intentaba mantener una imagen fuerte ante los demás, en privado se refugiaba en la comida.

El peso que había logrado bajar volvió con creces. Para finales de 1999, ya era difícil para él moverse con facilidad. Sus presentaciones en vivo se volvieron un desafío. Aun así, no se detenía: seguía grabando, escribiendo y soñando con su segundo álbum.

El 5 de febrero del 2000 tenía programada una presentación junto a Fat Joe y Jennifer Lopez en el programa de televisión Saturday Night Live, pero no se presentó. Se sentía mal. Se quedó en el hotel con su familia y, dos días después, en la habitación del Crowne Plaza Hotel en White Plains, Nueva York, el destino lo alcanzó.

Eran las primeras horas de la tarde cuando empezó a tener problemas para respirar. Liza, desesperada, llamó al 911. La ambulancia llegó rápidamente, pero no pudieron reanimarlo. Su corazón, tres veces más grande de lo normal, no resistió. Big Pun murió a las 3:53 p.m. del 7 de febrero del 2000. Tenía 316 kilos al momento de su fallecimiento a los 28 años

La noticia recorrió el mundo del hip-hop como un golpe brutal. Según VICE, Fat Joe estaba en su casa en Nueva Jersey cuando recibió la llamada de Liza. “Se fue, se fue”, le dijo ella entre lágrimas. “Lo supe de inmediato. Mi cuerpo entero se desplomó”, le contó a ese medio.

Hubo un sentimiento de culpa generalizado entre sus amigos. “No estábamos educados sobre nutrición”, dijo Fat Joe en una entrevista con Vice. Y agregó: “No sabíamos lo que era un carbohidrato. No sabíamos nada… Mi hermano murió. Fue el momento más difícil de mi vida”.

Miles de personas asistieron a su velorio. Según New York Times, más de 9.000 fans se reunieron para despedirlo. Cuando su ataúd fue llevado al coche fúnebre, alguien puso “Still Not a Player” y la multitud comenzó a cantar y bailar, rindiéndole un homenaje espontáneo.

El álbum en el que estaba trabajando se lanzó dos meses después de su muerte. Yeeeah Baby se convirtió en disco de oro y demostró que su legado estaba lejos de terminar. En los años siguientes, su influencia en el hip-hop siguió creciendo. Se convirtió en un símbolo para los raperos latinos, una inspiración para quienes vinieron después.

Fat Joe lo describió años más tarde con una mezcla de admiración y nostalgia: “La gente lo amaba por su carisma, por su aura. Sus letras, su forma de respirar, su capacidad para rimar sin perder el ritmo. Era único. Hacía canciones sobre dolor, sobre felicidad, sobre la vida. Lo hacía todo”, dijo a Vice.

El Bronx aún recuerda su nombre. Su música sigue sonando. Christopher Lee Rios, el hombre que rompió barreras en el hip-hop, partió demasiado pronto, pero dejó una huella que sigue viva.

El enfrentamiento entre Kendrick Lamar y Drake se convirtió en uno de los conflictos más intensos y mediáticos en la historia del hip-hop. Según Rolling Stone, lo que comenzó como una rivalidad implícita a lo largo de los años estalló en 2024 con una serie de ataques directos en canciones, acusaciones personales y disputas legales.

A diferencia de otros conflictos en la industria, la revista afirma que este enfrentamiento no solo afectó la reputación de ambos artistas, sino que también tuvo repercusiones en la industria musical y en eventos de gran relevancia, como el Super Bowl 2025.

Un inicio de respeto mutuo que terminó en confrontación

En sus primeros años de carrera, Drake y Kendrick Lamar mostraban una relación de colaboración en la escena del rap.

Rolling Stone recuerda que Lamar participó en el álbum Take Care (2011) de Drake con la canción Buried Alive Interlude, y poco después, el canadiense retribuyó la colaboración en Poetic Justice, tema incluido en el disco Good Kid, M.A.A.D City (2012). Durante esa etapa, incluso compartieron escenario en la gira Club Paradise Tour.

Sin embargo, en 2013 la relación tomó un giro cuando Lamar lanzó un verso en Control, de Big Sean, donde desafiaba directamente a varios raperos, incluido Drake. Aunque este último evitó responder con agresividad, Rolling Stone señala que la tensión entre ambos se hizo evidente en menciones sutiles dentro de sus canciones.

Con el paso del tiempo, estas indirectas fueron aumentando, pero sin llegar a un enfrentamiento abierto.

El punto de quiebre: “Like That” y el inicio de la guerra lírica

La disputa escaló en marzo de 2024 con el lanzamiento de Like That, de Future y Metro Boomin, en el que Lamar atacó directamente a Drake y a J. Cole.

Rolling Stone destaca que Lamar desacreditó el concepto del “Big Three” que los incluía a los tres, afirmando que solo él merecía ese reconocimiento dentro del hip-hop. Metro Boomin respaldó a Lamar públicamente, mientras que Future prefirió mantenerse al margen.

Drake respondió con Push Ups, un tema en el que, según Rolling Stone, insinuó que Lamar había perdido autenticidad y que sus colaboraciones con artistas pop como Taylor Swift y Maroon 5 eran un intento de alcanzar mayor éxito comercial a costa de su credibilidad en el rap.

Además, la canción generó controversia porque el canadiense utilizó inteligencia artificial para imitar las voces de Tupac y Snoop Dogg en un intento por provocar a Lamar, lo que llevó a críticas generalizadas dentro de la industria.

Las respuestas de Kendrick Lamar y el dominio en el enfrentamiento

En los meses siguientes, Lamar intensificó su ataque con varias canciones. Rolling Stone menciona que Euphoria fue un extenso tema en el que ridiculizó a Drake en múltiples aspectos, desde su apariencia hasta su credibilidad en la industria.

Luego, con Meet the Grahams, la disputa tomó un giro aún más personal, debido a que Lamar insinuó que Drake tenía una hija no reconocida de 11 años.

La canción más viral de esta etapa, Not Like Us, consolidó la victoria cultural de Lamar. Rolling Stone explica que el tema no solo incluía fuertes críticas a Drake, sino que su ritmo pegajoso y sus frases impactantes lo convirtieron en un himno en Los Ángeles.

La magnitud del conflicto quedó en evidencia cuando Lamar organizó The Pop-Out: Ken & Friends en el Kia Forum de Los Ángeles, donde interpretó Not Like Us en cinco ocasiones ante un público eufórico.

Reacciones y consecuencias para Drake

A medida que la disputa avanzaba, Drake adoptó una estrategia legal contra Universal Music Group (UMG). Según Rolling Stone, el rapero canadiense los acusó de manipular las reproducciones de Not Like Us mediante bots y pagos a influencers, además de permitir la propagación de una narrativa difamatoria en su contra.

También presentó una demanda formal contra la compañía alegando que había facilitado la viralización del tema de Lamar con fines comerciales.

En paralelo, la tensión se trasladó a la escena musical de Toronto, donde conciertos de artistas vinculados a Lamar fueron cancelados en History, un local asociado a Drake.

Aunque inicialmente se especuló que la decisión había sido tomada por la policía local, Rolling Stone aclara que las autoridades negaron su implicación y señalaron a la administración del recinto como responsable.

El Super Bowl 2025 y la consolidación de Lamar

La culminación de la victoria de Lamar en esta disputa se evidenció en el Super Bowl 2025, donde fue el acto principal del Halftime Show.

Rolling Stone relata que, interpretó la canción, omitiendo las líneas más polémicas, pero dejando que la audiencia coreara “A minor”, una de las frases más icónicas del enfrentamiento.

Además, Rolling Stone informa que en los premios Grammy 2025, Not Like Us ganó cinco categorías, incluyendo Canción del Año y Grabación del Año. Durante la ceremonia, figuras como Taylor Swift o Beyoncé fueron captadas cantando el tema, lo que reforzó el impacto cultural de Lamar en la escena musical.

Un enfrentamiento sin precedentes

La disputa entre Kendrick Lamar y Drake dejó una marca imborrable en el hip-hop contemporáneo. Rolling Stone subraya que este enfrentamiento trascendió la música, influyendo en la industria, en eventos globales y en la percepción pública de ambos artistas.

Mientras Lamar emergió como el claro vencedor en términos de impacto cultural y apoyo popular, Drake vio afectada su imagen y recurrió a acciones legales en un intento por contrarrestar el golpe.

A diferencia de otros enfrentamientos en el género, Rolling Stone sostiene que esta rivalidad no solo se basó en ataques líricos, sino que también abrió debates sobre la autenticidad, el poder de las discográficas y el uso de la inteligencia artificial en la música.

La revista concluye que, aunque la guerra de canciones parece haber concluido, el impacto de esta disputa seguirá resonando en la industria por mucho tiempo.

Adrián Marcelo difícilmente desaprovecha la oportunidad de subirse a una tendencia para generar polémica y perpetuar su vigencia en redes sociales. El youtuber dividió comentarios al repudiar el show de Kendrick Lamar en el medio tiempo del Super Bowl LIX, al que definió como demasiado pretensioso.

A la audiencia le llevó un día descubrir todos los guiños que el rapero integró en su presentación, la cual ha sido definida como un acto político. Javier Ibarreche, por ejemplo, se volvió tema de conversación por puntualizar en los conceptos más relevantes de la presentación.

En contraparte, Adrián Marcelo se sumó a las voces críticas. Para el regiomontano, el medio tiempo del Super Bowl es un espacio para entretener y no para aleccionar: “El medio tiempo del Superbowl es más importante que cualquier causa social. A quienes lo ven esperando que el artista utilice el espacio para abogar por su agenda, déjenos en paz. Habemos enajenados que lo único que queremos es ser felices y no necesitamos mucho. Sí, así de egoístas somos. Déjenos en paz”, escribió en X.

Su opinión, como suele ocurrir, abrió una tensa conversación en la que hubo dos bandos claramente divididos. En medio de la conversación, una pregunta se volvió recurrente: ¿por qué ha sido tan polémico el show de Kendrick Lamar?

Los mensajes ocultos de la presentación de Kendrick Lamar en el Super Bowl

Kendrick Lamar ofreció un espectáculo lleno de simbolismo y mensajes contundentes durante el show de medio tiempo del Super Bowl, celebrado en el Caesars Superdome de Nueva Orleans.

El rapero de 37 años abordó temas de identidad y controversia con una puesta en escena impactante. En un momento clave, expresó: “La revolución está a punto de ser televisada”, pero de inmediato matizó: “Escogieron el momento adecuado, pero al tipo equivocado”. Con esta declaración, dejó en claro que no pretende ser un líder político o un símbolo de lucha social, imagen que se le ha atribuido en varias ocasiones.

El diseño del escenario, a cargo del propio Lamar, simuló un mando de PlayStation, transmitiendo la idea de que su vida es como un videojuego. Samuel L. Jackson también tuvo un papel destacado al aparecer vestido como el personaje de Tío Sam, reforzando la narrativa del “gran juego estadounidense”. Además, al inicio del espectáculo, varios bailarines salieron de un Buick GNX, modelo emblemático en la carrera de Lamar por figurar en la portada de su álbum más reciente. Para lograr el efecto, la producción tuvo que modificar un vehículo similar, ya que el original tenía problemas legales debido a su dueño fallecido.

Mensajes políticos y referencias al hip-hop

Entre el público se encontraba el presidente Donald Trump, cuya presencia añadió otra dimensión a la actuación de Lamar. Sin mencionarlo directamente, el artista incorporó elementos visuales con carga política. Sus bailarines, vestidos con atuendos en rojo, blanco y azul, evocaron la presencia de pandillas como Crips y Bloods, pero al final formaron una bandera estadounidense y levantaron el puño en lo que parecía un saludo de poder negro.

Un momento inesperado ocurrió cuando un miembro del elenco desplegó una bandera en apoyo a Gaza y Sudán, antes de ser retirado del escenario. La NFL aclaró en un comunicado: “Ninguna persona involucrada en la producción tenía conocimiento de la intención de este individuo”.

Lamar también incluyó un guiño a su disputa con Drake, conflicto que ha dominado la escena del hip-hop en los últimos meses. Antes de interpretar su tema “Not Like Us”, con el que recientemente ganó el premio a Grabación del Año en los Grammy 2025, dijo: “Quiero tocar su canción favorita, pero ya saben cuánto les gusta demandar”. La interpretación terminó con Lamar avanzando desafiante por el escenario, pronunciando el nombre de Drake con una sonrisa.

El momento culminante llegó cuando Serena Williams, exnovia del rapero canadiense, apareció en escena vestida con un atuendo de tenis en azul y blanco, desatando una fuerte reacción del público.

Además de la música y la controversia, el atuendo de Kendrick Lamar también captó la atención. Lució vaqueros de campana de la firma Celine y una chaqueta personalizada de Martine Rose con la palabra “Gloria” en el pecho, en referencia a su canción del álbum GNX, en la que colabora con SZA.

El espectáculo de Lamar en el Super Bowl 2025 dejó huella con una combinación de mensaje social, simbolismo visual y referencias personales que generaron impacto en la audiencia.

El vínculo entre el básquet y la música rap, dos elementos profundamente enraizados para la cultura norteamericana, evolucionó hasta convertirse en una conexión simbólica que trasciende generaciones. Desde los primeros intentos musicales de leyendas como Shaquille O’Neal hasta la adopción generalizada del estilo rapero por parte de estrellas NBA, esta relación fue un espacio de expresión creativa para muchos deportistas.

En este contexto, Esquire analizó el fenómeno desde el reciente caso de LiAngelo Ball, conocido ahora como “G3”, quien encarna una notable transformación: de estudiante universitario con grandes aspiraciones deportivas a artista emergente de la industria musical.

La trayectoria de LiAngelo Ball estuvo inicialmente marcada por su paso por UCLA, una de las universidades más prestigiosas de Estados Unidos. Allí intentó abrirse camino en el competitivo mundo del básquet profesional, un objetivo que desde el principio parecía inalcanzable. Su desempeño fue criticado por su falta de movilidad y precisión, evidenciando las limitaciones que lo diferenciaban de sus hermanos, Lonzo y LaMelo, ambos con carreras más prometedoras en la NBA.

La exposición mediática promovida por su padre, LaVar Ball, lo llevó a experiencias controvertidas, como su participación en un reality show en Lituania, que no hizo más que socavar su reputación. Para 2022, LiAngelo enfrentó el rechazo definitivo tras ser cortado del plantel de los Charlotte Hornets durante el campamento de entrenamiento.

Ante el cierre de las puertas en el básquetbol profesional, LiAngelo encontró una nueva vía para canalizar su ambición en la música. Mediante el nombre artístico de “G3”, lanzó el sencillo “Tweaker”, que no solo alcanzó el puesto 29 en la lista Billboard, sino que también atrajo la atención de Def Jam, una de las discográficas más icónicas del rap. El contrato valuado en 13 millones de dólares, marcó un giro inesperado en su vida, alejándolo del deporte para establecerse en la industria musical.

La relación entre la cultura del básquet y el rap

La conexión entre el deporte y el rap evolucionó desde simples coincidencias culturales hasta convertirse en una sinergia arraigada en la identidad afroamericana. Esta relación comenzó a consolidarse en la década de los 90, cuando el rap se encontraba en su apogeo. La influencia de artistas como Notorious B.I.G. en Brooklyn y Tupac en Los Ángeles, junto con el estilo de vida que promovían, fue rápidamente adoptada por numerosos jugadores de la NBA, creando un puente entre la música y el deporte.

El primer gran paso en esta intersección lo dio Shaquille O’Neal en 1993, cuando lanzó su álbum Shaq Diesel, que alcanzó el estatus de disco de platino y posicionó al rap como una extensión cultural viable para las figuras deportivas. Este logro marcó el inicio del fenómeno y también legitimó el rap como una forma de expresión creativa para los jugadores de básquet.

Sin embargo, esta interacción no estuvo exenta de polémicas. A comienzos de los años 2000, Allen Iverson, conocido por su autenticidad tanto dentro como fuera de la cancha, desató críticas con su tema “40 Bars”, cuyas letras consideradas ofensivas, provocaron una respuesta drástica por parte de la NBA. La liga preocupada por mantener su imagen frente a un público mayoritariamente blanco, implementó el dress code (código de vestimenta) en 2005, restringiendo el uso de prendas asociadas al estilo del rap, como camisetas extragrandes, bandanas y joyería llamativa.

A pesar de las medidas iniciales para distanciarse del rap, la influencia de este género musical continuó creciendo. Kobe Bryant, Metta World Peace y más recientemente Damian Lillard, demostraron que el rap no solo servía como un escape creativo, sino también como un medio para compartir historias personales y conectar con su audiencia más allá del deporte. Lillard, bajo el seudónimo “Dame D.O.L.L.A.”, se consolidó como un referente moderno, colaborando con artistas destacados como Lil Wayne.

La nueva generación de jugadores asumió el legado con un entusiasmo renovado. Figuras como Marvin Bagley III, Aaron Gordon, Jaren Jackson Jr. y Lonzo Ball (hermano mayor de G3) diversificaron aún más el panorama, reflejando la amplitud de historias que pueden encontrarse en este cruce cultural. Estos ejemplos subrayan la versatilidad del rap como una herramienta narrativa, que también destacan cómo este género permite a los jugadores explorar aspectos de su identidad más allá del deporte.

En un año que ya promete sorprendernos culturalmente, pocos habrían apostado que uno de los primeros fenómenos musicales de 2025 vendría de la mano de LiAngelo Ball.

Conocido principalmente como el hijo medio de LaVar Ball, patriarca y promotor incansable de las carreras deportivas de sus hijos, LiAngelo ha irrumpido en la escena del rap bajo el nombre artístico de G3.

Su canción Tweaker se ha convertido en un inesperado himno viral, mezclando nostalgia por el rap de los años 2000 con una frescura que resuena con la generación actual.

LiAngelo Ball, de 24 años, no es ajeno a las luces del espectáculo. Hermano de Lonzo Ball, estrella de los Chicago Bulls, y LaMelo Ball, jugador franquicia de los Charlotte Hornets, vivió gran parte de su vida bajo la sombra de las expectativas familiares.

Tras años de jugar en la G League, actualmente milita en un equipo de baloncesto en México. Sin embargo, 2025 lo ha visto redirigir su energía hacia la música.

Todo comenzó de forma casual durante una transmisión en vivo con N3on, una personalidad de la plataforma de streaming Kick.

Durante el trayecto en un auto, LiAngelo reveló que hacía música bajo el alias G3 y reprodujo un fragmento de su tema Tweaker. Este momento, inicialmente compartido como una anécdota, desató una ola de reacciones en las redes sociales.

Tweaker destaca por su estilo único, una reminiscencia del rap de los años 2000 con influencias de productores como Mannie Fresh.

El beat bailable recuerda a los himnos de grupos como Big Tymers, mientras que el flujo vocal de G3 evoca a los St. Lunatics.

Sin embargo, es la frase “swerve, bend that corner”, en español “esquiva y toma esa curva”, la que realmente captó la atención del público. Su cadencia distintiva y originalidad la convirtieron en un eslogan cultural.

La viralización: humor y autenticidad

En pocos días, la canción explotó en plataformas como Twitter, actualmente X, donde el público comenzó a usarla como banda sonora para memes y videos que recreaban escenas de la serie The Wire.

Otros la etiquetaron como Madden Music, un guiño a los soundtracks que marcaron la época de los videojuegos deportivos en la década de 2000.

Lo que comenzó como un fenómeno de humor pronto se transformó en una aceptación genuina de la calidad del tema.

El lanzamiento oficial del tema confirmó que el éxito de G3 no era una broma pasajera. Incluso artistas consagrados como T-Pain se sumaron al entusiasmo, destacando la frescura de la canción.

Apenas unos días después de su lanzamiento, Tweaker ya acumulaba más de 4.1 millones de visualizaciones en YouTube, superando los números de artistas establecidos como Lil Baby. Esto colocó a G3 como una figura a seguir en la conversación cultural de 2025.

La canción fue lanzada bajo el nombre de Ball Brothers, reflejando la participación de su familia en este nuevo proyecto musical.

Lonzo Ball, quien figura como coautor, apoyó abiertamente a su hermano y compartió videos de sus compañeros de equipo en los Bulls disfrutando del tema.

Con el lanzamiento de un segundo adelanto musical en las redes sociales, LiAngelo Ball parece decidido a demostrar que su incursión en el rap no es un simple golpe de suerte.

Aunque el público aún no está seguro de si reír o aplaudir, lo cierto es que G3 encontró un espacio único en la cultura musical contemporánea.

Ya sea que su éxito perdure o que se desvanezca antes del Día de San Valentín, LiAngelo Ball logró lo que muchos artistas aspiran: capturar la atención colectiva y darle un giro inesperado a su narrativa pública.

Una vez más, LaVar Ball parece haber cumplido su misión: convertir a cada uno de sus hijos en estrellas, ya sea en la cancha o detrás del micrófono.

Ailén Desirée Montes

São Paulo, 13 nov (EFE).- "Soy una persona que piensa que lo más importante de su música es la comunicación", de esta forma comienza la entrevista con EFE el rapero español Domingo Antonio Edjang Moreno, conocido como 'El Chojin', que tras 25 años de trayectoria musical sigue reivindicando el valor de la palabra.

Durante su paso por São Paulo en el inicio de su segunda gira por Brasil, El Chojin cuenta que utiliza el rap desde los 13 años para transmitir sus valores y diagnostica que "uno de los grandes problemas que tenemos como sociedad" en los últimos años es que no logramos comunicarnos y "tender puentes".

"Unos creemos una cosa, otros creen otra y no se tienden puentes. Es muy importante la palabra, la capacidad de comunicarnos es quizás lo único que nos diferencia de los animales. Me da mucha pena saber que teniendo esa posibilidad no la utilizamos", expresó el músico, que se destaca por sus composiciones en contra de la violencia, el uso de drogas y el racismo.

El intérprete cree que en este momento histórico "la verdad ha dejado de importar" y las personas solo buscan información que les permita "validar sus opiniones".

"Lo que más importa es escuchar en algún sitio, medio de comunicación o red social algo que se parezca a eso que quiero oír para valorar más lo que yo opino y separarme más de mi vecino que tiene los mismos problemas que yo", lamentó el músico.

En este sentido, el artista oriundo de Madrid señaló a la clase política como la gran responsable de esta problemática, ya que sus discursos plantean que para ser un buen ciudadano es necesario pensar y decir lo que ellos quieren, y aquel que no lo haga “es un enemigo".

Como ejemplo, El Chojin hizo referencia a la polarización política que se vive en España, hecho que para él se pudo visualizar de forma muy clara en el tratamiento político y mediático de la dana, la tragedia climática que causó más de 200 muertes y dejó a Valencia, la zona más afectada, sumergida en agua y barro.

"Me descorazona que haya gente que sea capaz de convertir una tragedia de tal magnitud en un arma arrojadiza a nivel político. La izquierda le echa la culpa a la derecha y la derecha se la echa a la izquierda y entre medias tenemos a un montón de gente diciendo mentiras", sentenció.

El nombre del artista, que cuenta con más de 500.000 escuchas mensuales en Spotify, comenzó a sonar en revistas del corazón y prensa rosa hace un año cuando la reina Letizia citó una frase de su canción “No es egoísmo” en un acto por el Día de la Salud Mental.

“Hago lo que puedo, llego a lo que llego y no es sano que me exija tanto", citaba la monarca en su discurso, sin rapear aunque con buen ritmo.

Esta canción, lanzada en 2023 con la artista española Rozalén, busca resaltar la importancia de cuidar la salud mental y priorizarse a uno mismo cuando es necesario.

“Hay un fallo de concepto en general cuando hablamos de salud y salud mental como si fueran cosas diferentes. Creo que la mente y el cuerpo están en el mismo sitio. Si no funciona parte del cuerpo está mal, si no funciona parte de la cabeza también está mal”, afirmó el rapero de 47 años, que está en São Paulo para dos presentaciones en el Instituto Cervantes. EFE

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El delantero del Real Madrid ha recuperado en este último tramo de año el nivel que le otorgaban las expectativas en el club blanco. Sumergido en un mundo exterior de críticas, el francés se ha querido alejar del foco mediático para empezar a “volver a ser él”, como así público él mismo en sus redes sociales “tras tocar fondo ante el Athletic”, donde falló un penalti y estuvo desacertado en su juego. Ahora llegan las Navidades en el mejor momento de Kylian en Madrid, por lo que habrá que esperar hasta el día 3 en Mestalla para poder verle a él y a su equipo competir.

Sin embargo, a pesar de estar alejado de las críticas, que ya van a menos y comienzan a encumbrarle, hay otros que siguen sensibles y críticos con la actitud y forma de ser del jugador francés. Especialmente, esos comentarios provienen de su país natal. Más allá de los periodistas, que le atacan por su juego en la selección gala y rendimiento en LaLiga, los hay ajenos al fútbol que también han querido lanzar su pullita a Mbappé. Este ha sido el caso de uno de los raperos más famosos de Francia, que al igual que el futbolista tiene raíces africanas: Booba, que ha hablado como invitado en el medio CKO.

Así ha atacado el rapero

El famoso cantante de género urbano quiso explicar el porqué de sus críticas al mejor jugador de la selección francesa. Lejos de lanzarle ataques por su rendimiento en los terrenos de juego, el rapero ha ido más allá y ha expuesto otros factores en los que sobresalen los orígenes del jugador. Para el artista, que un futbolista con orígenes africanos sea considerado como uno de los mejores del mundo suponía una oportunidad. “Pensé que iba a ser una musa de los suburbios y que iba a representar sus raíces africanas, camerunesas y argelinas”, comenzaba Booba. “Tenía demasiadas expectativas”, finaliza ante la decepción que le supuso a él la actitud del jugador.

BOOBA parle de KYLIAN MBAPPE dans #CKO . pic.twitter.com/5d9Gfw1Txe

— Hyconiq (@Hyconiqmag_) December 22, 2024

Además, también ha mostrado su descontento con que no preste atención a su procedencia: su madre es argelina y su padre camerunés. “Ni siquiera tuiteó cuando Argelia ganó la Copa Africana de Naciones”, narraba el artista algo descontento con esa falta de reconocimiento. “No es interesante”, añade para en su opinión restar importancia al jugador. Además, también lanza un dardo a Mbappé por sus visitas a África, ya que a su juicio no lo ha hecho cuando tocaba. “¿A qué edad estuvo en Camerún? Yo tenía 10 años cuando fui a Gorée (Senegal)”, diferencia entre él y la estrella del Real Madrid. “Él estaba en Camerún por ser superrico, con cámaras…”, justifica para incidir en sus críticas a Mbappé por acudir a sus raíces una vez lo tenía todo.

De esa forma, el rapero justifica que “no aprecia” a uno de los mejores jugadores del mundo, que ya ha conquistado al panorama fútbol y que buscará asentarse en el trono que parece que Leo Messi y Cristiano Ronaldo están por dejar vacantes como líderes del deporte rey.

El enfrentamiento entre Kendrick Lamar y Drake, dos de las figuras más influyentes del rap contemporáneo, no solo capturó la atención de los fanáticos del género, sino que también dejó huella en términos económicos. Según un artículo de Forbes con información complementaria de Billboard, sus diss tracks generaron un asombroso total de USD 15.4 millones en ingresos, con Lamar consolidándose como el claro ganador tanto en las listas de popularidad como en la percepción pública.

¿Qué son las diss tracks?

En el mundo del rap, una diss track es una canción creada con el propósito de criticar, atacar o responder a otro artista, generalmente en el contexto de una rivalidad. Estas canciones no solo son una muestra de habilidad lírica, sino que también buscan humillar o superar al oponente en público.

Las diss tracks son una tradición icónica en el hip hop, donde el enfrentamiento verbal es una parte esencial del género. Más allá de las rimas, estas canciones suelen incluir referencias personales, hechos controvertidos o incluso rumores, lo que las hace especialmente atractivas para los fanáticos. Un ejemplo clásico es “Ether” de Nas contra Jay-Z, o “Hit ‘Em Up” de Tupac Shakur, dirigida a The Notorious B.I.G.

En este contexto, las diss tracks entre Lamar y Drake, como “Not Like Us” y “Family Matters”, revivieron este elemento competitivo del rap, llevándolo a un nuevo nivel gracias a plataformas digitales como Spotify e Instagram, que amplificaron su impacto.

Las cifras respaldan a Kendrick Lamar

Kendrick Lamar dominó el conflicto con su tema “Not Like Us”, el cual acumuló USD 7.6 millones en ingresos, representando casi la mitad del total generado por ambos artistas. Esta canción, además, se mantuvo en el #1 del Billboard Hot 100, una de las principales listas de popularidad musical (charts) que clasifica las canciones más escuchadas y compradas en Estados Unidos, durante seis semanas consecutivas. Además, rompió récords al convertirse en el tema con mayor tiempo en la cima de la lista de Hot Rap Songs, que mide específicamente el desempeño de temas de este género musical.

Por si fuera poco, “Like That”, el primer ataque de Lamar en esta rivalidad, aportó otros USD 4.6 millones a su cuenta, reafirmando su superioridad financiera y creativa en la disputa.

En comparación, las diss tracks de Drake, “Family Matters” y “Push Ups”, generaron menos de USD 1 millón cada una, quedando muy por detrás del impacto de Lamar.

El impacto cultural y mediático de las diss tracks

El auge de las diss tracks en 2024 recuerda la rica tradición del rap de usar estas canciones como un espacio de competencia lírica. Sin embargo, en este caso, el conflicto fue amplificado por las plataformas digitales.

Instagram como escenario alternativo: Tanto Lamar como Drake publicaron canciones en Instagram, un cambio de estrategia que buscaba conectar directamente con sus seguidores más leales. Entre ellas, destaca “6:16 in LA” de Lamar y “Taylor Made Freestyle” de Drake, aunque esta última fue eliminada tras problemas legales por el uso de voces generadas por IA.

Este formato no tradicional permitió que los artistas lanzaran temas de forma inmediata, manteniendo a sus fanáticos en constante expectativa, pero también dejó algunas canciones fuera del alcance de servicios de streaming, limitando su impacto financiero.

Éxito en los charts y reconocimiento profesional

Más allá del dinero, las canciones de Kendrick Lamar se impusieron en términos de reconocimiento. “Not Like Us” recibió cinco nominaciones al Grammy, incluyendo mejor canción de rap y canción del año. Este logro refuerza su relevancia no solo en el rap, sino también en el panorama general de la música.

Además, el artista fue anunciado como el invitado de lujo para el espectáculo de medio tiempo del próximo Super Bowl LIX, que se celebrará el 9 de febrero de 2025 en New Orleans. Esto consolidó el estatus de Lamar como una de las figuras más relevantes del momento, llevando su música a uno de los escenarios más importantes del entretenimiento global.

Las listas de popularidad musical (charts), como el Billboard Hot 100, también jugaron un papel crucial para afianzar su éxito. Estos rankings son un reflejo del impacto comercial y la aceptación del público, y Lamar demostró un dominio absoluto al colocar sus temas en las posiciones más altas durante varias semanas.

Por otro lado Drake, aunque superó a Lamar en ventas de álbumes generales en 2024 (6.8 millones frente a 3.5 millones), no incluyó ninguna de sus diss tracks en su material oficial, reduciendo así su alcance dentro del mercado tradicional.

Aspectos legales: la batalla detrás de la música

La rivalidad trascendió lo musical con Drake presentando demandas contra Universal Music Group (UMG) en noviembre, alegando manipulación de reproducciones en Spotify y airplay en iHeartRadio para favorecer a Lamar. También señaló que UMG permitió el lanzamiento de “Not Like Us”, a pesar de contener acusaciones falsas sobre su persona.

UMG respondió tajantemente, calificando las acusaciones como “ofensivas y falsas” y asegurando que “los fans eligen la música que quieren escuchar”. Aunque estas acciones legales fueron percibidas por algunos como una señal de derrota, no involucraron directamente a Lamar, quien mantuvo una postura intachable frente a las acusaciones.

La disputa entre Kendrick Lamar y Drake marcó un capítulo importante en la historia del rap moderno. Con su habilidad lírica, un manejo estratégico de los lanzamientos y un respaldo contundente en las cifras, Lamar no solo dominó las listas de éxitos, sino que reafirmó su estatus como una de las figuras más relevantes del género en la actualidad.

Mientras Drake se enfocó en defender su posición, Lamar se quedó con la última palabra, tanto en los charts como en los ingresos, consolidando una victoria que será recordada como uno de los enfrentamientos más lucrativos e icónicos de la música contemporánea.

No se trata de su primera incursión en la música: en 2023 publicó el sencillo “Outfit” con el seudónimo KMB, acumulando más de 1,4 millones de reproducciones en Spotify, y más de 100.000 en YouTube, con el grupo 19F.

Este talento multifacético no parece interferir con su carrera futbolística. Desde su debut en la Juventus con solo 16 años, cuando se convirtió en el primer jugador nacido en los años 2000 en jugar en la Serie A -máxima categoría del fútbol italiano-, su trayectoria ha sido notable.

Tras pasar por clubes como Hellas Verona, Everton y PSG, en la actualidad se destaca como el máximo goleador de la Fiorentina y se encuentra tercero en la carrera por ser el máximo artillero de la liga, donde ya marcó 9 goles esta temporada. Su capacidad para equilibrar ambas pasiones lo define dentro y fuera del campo.

El delantero no mostró solamente su capacidad goleadora en clubes europeos. Por su buen nivel fue 19 veces convocado por la Selección de Italia y logró marcar 5 veces. Además, hace unos años, su talento le alcanzó para representar al país en la Sub-21: con 9 partidos y 5 gritos de gol.

“Algunos dicen que pienso demasiado en la música, pero si Dios te da la oportunidad de tener un talento, ¿por qué no demostrarlo? Hacer música me relaja. Después de terminar la formación, me recupero escribiendo en mi estudio”, aseguró el delantero, según declaraciones recogidas por la agencia de noticias AP.

Resiliencia y pasión: la esencia de Moise Kean

La carrera del centrodelantero fue una montaña rusa de altibajos, marcada por momentos de gloria y períodos difíciles. A pesar de haber debutado con sólo 16 años, su camino no estuvo exento de obstáculos.

Su paso por el Everton en la Premier League resultó decepcionante, aunque recuperó su nivel durante su préstamo en el PSG antes de regresar nuevamente a la Juventus. “He pasado por muchos periodos horribles. También por otros buenos, pero la mayoría fueron horribles”, aseguró el futbolista, según la agencia de noticias AP.

El mayor desafío reciente para Kean fue una lesión persistente que afectó casi toda la temporada pasada, lo que le impidió rendir al máximo. “Fue un periodo oscuro”, contó, pero su fe lo ayudó a superarlo.

“Creo mucho en Dios. Sabía que el período oscuro que estaba viviendo me serviría de lección. Dios me puso a prueba y tuve que aceptarlo, aunque en ese momento me dolió mucho. Salí de allí gracias a mi fe… Ahora estoy en Florencia, estoy bien, todos me quieren y yo quiero a todos”, sentenció.

Además de la religión, se apoyó en la música. Fue un refugio emocional para él. “Mucha gente no entiende lo que te aporta la música. Siempre me ha acompañado en mi carrera futbolística”, afirmó Kean, quien incluso llamó a su hijo Marley en honor a Bob Marley, una de sus mayores inspiraciones.

Su actualidad con la Fiorentina

Kean atraviesa el mejor momento de su carrera futbolística en la Fiorentina. Desde su llegada procedente de la Juventus por 13 millones de euros (13,7 millones de dólares), demostró ser una inversión rentable. A pesar de no haber anotado ningún gol la temporada anterior, esta vez ya acumula 13 tantos, incluyendo nueve en la Serie A.

Sus goles fueron cruciales para su equipo, que se encuentra empatado en puntos con el Inter en la tercera posición de la liga y a tres unidades del líder, Atalanta, a pesar de tener un partido menos.

Además, el club logró una racha histórica de ocho victorias consecutivas en la liga, por lo que está a un triunfo de batir su récord establecido en 1960. Kean se convirtió en una pieza clave en este exitoso inicio de temporada.

Madrid, 31 oct (EFE).- Concierto en Madrid por San Valentín, nuevo álbum y un importante giro estilístico se avecinan en el 2025 para el rapero argentino Tiago PZK, que presenta canción con el español Rels B, titulada 'Mi cuarto', una nueva colaboración en su ilustre lista.

Las colaboraciones son una constante entre las publicaciones de Tiago PZK, seudónimo de Tiago Uriel: "Me quedo con la satisfacción de poder hacer música con gente más grande que yo", explicó el rapero en una entrevista con EFE. En su lista aparecen músicos de la talla de los también argentinos Nicki Nicole y Duki o el colombiano Manuel Turizo.

"Me gusta conectar más allá de la música, aprendo mucho de las experiencias de los demás. Y además me llevo buenas canciones y buenos consejos para mi vida y mi carrera", agregó.

La influencia entre España y Argentina va más allá de esta colaboración con Rels B. Para el compositor argentino, "España es el país más humano de Europa, no hay tanta frialdad como en países como Suecia o Alemania, siento que hay una conexión cultural, una cercanía especial con España".

Antes de final de año, Uriel presentará varios adelantos de su próximo álbum, del que no ha trascendido el título pero se publicará a principios de 2025, y que contará con una colaboración con la banda argentina Miranda!, lo que da paso a un "nuevo desafío" en su carrera.

"Siento que la próxima parte de mi carrera viene con ese desafío de romper los estigmas de ser pop o no. La gente sabe de donde vengo, tengo una historia detrás y tengo toda mi realidad, pero también quiero mostrar ese lado popstar", explicó.

El nuevo álbum será el tercero de una carrera más fundamentada en singles que en trabajos largos: "Las canciones que mejor han funcionado siempre han sido sencillos, pero simplemente por la forma de consumir música hoy día".

Uriel atribuye el fenómeno de la ola de música urbana argentina a un componente social en su país: "Es la esencia de los artistas argentinos. Tienen un trasfondo detrás, una historia que contar. En Argentina siempre ha sido así, Luis Alberto Spinetta, Charly García... siempre ha habido grandes compositores que tenían mucho que decir".

Esta herencia cultural hace que, según Uriel, en su país sea necesario "hacer por lo menos una letra que te cuente algo", incluso en géneros más comerciales. "Hay un lado sensible incluso en la banalidad que hay en el género urbano. Siento que Argentina tiene un lado muy autobiográfico que cuenta mucho la realidad de sus barrios".

La dimensión reivindicativa de la música es algo necesario para el rapero, que también concibe su trabajo como un medio de evadirse. "Nosotros aportamos a la sociedad sacar de los problemas a la gente, pero también hay que hablar de las realidades, por eso hay tanta diversidad de estilos. En Argentina hay muchos artistas políticos, y me parece increíble que sea así, si no sería como vivir en una nebulosa".

La realidad social de su país no es ajena a Uriel, algo que tiene presente en su trabajo: "Argentina es un país con un 70 % de la población en estado de pobreza, y debemos hablar de esas cosas, sin embargo también pienso que nuestra función es aportarle felicidad a la gente", concluyó el cantante.

Las Palmas de Gran Canaria, 29 oct (EFE).- Quevedo, el cantante que más discos vendió en España el año pasado, ha dado por terminado el paréntesis que abrió en enero en su fulgurante carrera y vuelve a publicar nuevos temas, lo que ha celebrado esta noche con un concierto sorpresa en su ciudad, Las Palmas de Gran Canaria.

"Quería compartirlo con ustedes. Mañana por la noche vuelvo a sacar música y quiero enseñársela. Es un trocito solo, pero creo que les va a gustar", explicado el joven rapero, de 22 años, antes de arrancarse con las primeras estrofas de la canción que va a publicar este miércoles 30 de octubre.

"A darle duro, duro, duro, duro, duro...", rapeó el estribillo, con la palabra que parece dar título a su nuevo tema, 'Duro'.

Todo ello, ante el delirio de los seguidores que consiguieron hacerse con un pase para presenciar su regreso a los escenarios en esta actuación en la plaza de Santa Ana, frente la catedral de la capital grancanaria, siguiendo las pistas que el propio cantante había ido difundiendo estos días a través de sus redes sociales.

"No soy una máquina", les dijo Quevedo a sus seguidores hace nueve meses, a finales de enero, en una conexión de vídeo en directo por Instagram en la que explicaba por qué sentía la necesidad de parar y de apartarse incluso también de las redes sociales.

Todo ello, cuando se cumplía un año de la publicación de su primer álbum, 'Donde quiero estar', y se había consolidado como una de las revelaciones de la industria musical española: el cantante que llegó a liderar la lista mundial de reproducciones en Spotify.

Su disco debut contenía una profecía en una frase de la canción 'Ahora qué', que el joven cantante pareció empeñarse en cumplir: "2021 sembrar, 2022 recoger, 2023 coronar, 2024 desaparecer".

"Ha sido un año increíble y yo sé que todos se estaban preguntado lo típico, lo de la frase '2024...' y todo eso. Bueno, tenía que hacer lo que tenía que hacer, ahora lo he terminado y toca darme unas vacaciones", dijo entonces en su vídeo de despedida.

Esta noche, Quevedo ha regresado al 'show', con un concierto no anunciado ni siquiera para los residentes de Vegueta, el barrio histórico de Las Palmas de Gran Canaria, donde se montó el escenario y el Ayuntamiento cortó los accesos desde la arde.

Y lo ha hecho con puñado de sus grandes éxitos, algunos de los colegas de oficio de sus inicios y... el anticipo de 'Duro'. EFE

Tras las denuncias públicas contra el exdiputado Íñigo Errejón a raíz de las publicaciones anónimas de la periodista Cristina Fallarás en sus redes sociales, han comenzado a surgir numerosos testimonios de mujeres que acusan a diversas personalidades famosas de actos similares. Al igual que ha ocurrido en otras ocasiones, en como el movimiento #MeToo, las redes sociales se han convertido en un potente altavoz para que estas declaraciones salgan a la luz. Es lo que ha ocurrido recientemente en Instagram después de la creación de la cuenta @denunciasgranada, que se promociona como un “Grupo creado a raíz de un post de Cristina Fallarás exponiendo a unos músicos granadinos”.

En cuestión de una semana, la plataforma ha difundido decenas de testimonios de mujeres que, presuntamente, sufrieron abusos sexuales por parte de dos cantantes muy conocidos de la localidad, que denominan A. y P. porque la propia cuenta se ha encargado de eliminar los nombres para evitar represalias legales. Los supuestos hechos, que habrían sucedido en festivales, discotecas y bolos en localidades de España y Latinoamérica, se remontan incluso a cinco o seis años atrás, aunque también se han publicado testimonios anónimos más recientes. De momento, se desconoce si alguna de las presuntas víctimas ha presentado una denuncia oficial.

“Queremos desmentir todo lo que se ha dicho”

Pese a que en ningún momento se han hecho públicos los nombres de los dos cantantes referidos en @denunciasgranada, las redes sociales rápidamente señalaron a Ayax y Prok, dos hermanos raperos muy conocidos en España y sobre los que llevan circulando esta serie de acusaciones desde hace siete años, como han indicado algunos usuarios en X. Las sospechas de que las denuncias públicas se refieren a estos cantantes se han corroborado tras el comunicado emitido por ellos para desmentir las acusaciones: “Hace unos días se abrió una cuenta en la que nos difama sin ningún tipo de límite. Se han dicho disparates muy grandes y no sabíamos cómo plantear este asunto, pero obviamente queremos desmentir todo lo que se ha dicho, sin duda”.

Pese a que no mencionan la posibilidad de presentar una denuncia, han indicado que intentarán descubrir quiénes se encuentran tras las acusaciones y que esperan “sentar un precedente para que no se pueda difamar a una persona desde el más absoluto anonimato, sin pruebas y sin denuncia alguna”. Además de agradecer el apoyo de sus seguidores y asegurar que esta situación está afectado a sus familiares y amigos, han expresado su preocupación por que “mientras este ‘testimonio’ se aclara, a esa persona la estás matando y, una vez se demuestra que es falso, el daño ya está hecho”. Alegando que son personas muy “comprometidas con todas las causas sociales”, han indicado que “esto ha sido un ataque, no solo a nosotros, sino también a nuestro trabajo, a nuestros proyectos, a nuestras ilusiones”.

La agencia de management y booking con la que los cantantes trabajan ha eliminado cualquier rastro de Ayax y Prok de sus plataformas, aunque de momento no se ha emitido ningún comunicado oficial que explique si la causa de esta desaparición de las webs se debe a las acusaciones vertidas contra los dos gemelos de Granada.

Rebeca Palacios

Logroño, 26 oct (EFE).- CeliaBSoul, rapera, poeta y periodista, ha dicho a EFE que transita en sus letras "el camino contrario del rap, muy vinculado a la exaltación del ego", con mensajes surgidos desde su vulnerabilidad con el fin de conectar su conciencia social con la percepción de la realidad a través de "una mirada más íntima".

Celia Fernández Escobar (Madrid, 1992) participa este sábado en Logroño en la octava edición del congreso 'Trabalengua', con la ponencia 'De los aedos al Bronx: hip hop atávico'.

Esta comunicadora aborda en su charla "los paralelismos entre otras formas de la oralidad que ha habido a lo largo del tiempo vinculadas con el ritmo, como podrían ser los romances, los bríos de África o los aedos de la Antigua Grecia".

Todas estas formas de compartir de la oralidad conectan con el rap actual, que está "muy vinculado con la poesía", ha asegurado esta rapera, quien también trabaja como guionista en el programa de televisión 'Órbita Laika'.

En su opinión, "el rap no es poesía siempre, ni tiene voluntad de serlo, pero en ocasiones puede llegar a tener una vocación poética, que obedece más a la literalidad, sin ese componente vocativo".

CeliaBSoul cree que en las letras de rap se generan metáforas, imágenes poéticas y recursos que están muy vinculados a este género literario.

Esta poeta de 31 años sostiene que interpretar un rap se vuelve para ella "más complejo" en cuanto más se involucra en su discurso, además de tener la dificultad técnica de incorporar un doble tempo o una serie de melodías.

Tras participar en talleres educativos en varios institutos, ha asegurado que, tanto el rap, como la poesía, son recursos "muy potentes", que "conectan mucho con el presente", algo que no encuentran los jóvenes en muchos libros de texto.

Aunque en España "se puede vivir del rap", ha alertado de que hay "una brecha de género" y la prueba de ello pasa por "revisar los carteles de los festivales", en los que la mayoría de los artistas son hombres.

"Ser mujer, llegar a cierta edad y vivir del rap es altamente complicado. El camino para romper esta brecha no es distinto al que debe hacerse en general en la sociedad, debido al techo de cristal que tienen las mujeres", ha reflexionado.

En sus letras, apuesta por conectar su percepción de la realidad con su propio camino y sus vivencias, con el fin de compartir emociones desde un ángulo más íntimo.

"Me gusta rapear desde la fragilidad y la vulnerabilidad, que es lo que yo tengo dentro de mí, es lo único honesto que puedo compartir, al igual que los poemas que escribo", ha relatado.

Además, ha explicado que le gusta mucho "vincular los cuerpos con el concepto de las ciudades, con sus calles, sus averías, los ciudadanos que pasan y a veces toman caminos, sin expectativas hacia el lugar al que se dirigen", unas reflexiones que plasmó en su libro de poesía 'Ciudad de los otros' (2023).

Aunque actualmente está más centrada en la música, preparando su próximo EP 'Pobre Dios', también ha escrito un poema que se incluirá en el próximo libro de Sofía Comas, ilustrado por Javier Olivares. EFE

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Antes de conquistar los escenarios con éxitos como “Bodak Yellow” y convertirse en una de las artistas más influyentes del hip hop, Cardi B llevaba una vida muy diferente. Durante su reciente fiesta de cumpleaños número 32, la rapera compartió una revelación en una publicación de Instagram, que había mantenido en secreto hasta ahora: su antiguo nombre de stripper era Camilla. La fiesta, celebrada en Nueva York y con temática inspirada en Sex and the City, fue el escenario perfecto para que la artista recordara sus raíces y su época trabajando en el club Satin Dolls.

La relación de la rapera con su pasado como stripper siempre ha sido transparente. Nunca lo ha ocultado, reconociendo cómo esa etapa formó parte importante de su vida antes de alcanzar la fama. Sin embargo, el nombre “Camilla” había permanecido en el anonimato hasta que la artista lo reveló en su cuenta de Instagram, al reflexionar sobre la compra de su vestido para la fiesta en el mismo club donde trabajó durante cuatro años. Según contó, sus antiguos compañeros aún la tratan como “Camilla”, recordándole sus humildes comienzos en un entorno que alguna vez fue su vida cotidiana.

Una carrera que desafió las convenciones

La historia de Cardi B es el reflejo de un ascenso imparable. Nacida como Belcalis Marlenis Almánzar, creció en el Bronx, Nueva York, en un entorno complicado. A los 16 años, se unió a una pandilla y se vio envuelta en relaciones tóxicas, situaciones que la llevaron a abandonar su hogar. Sin dinero ni estabilidad, decidió convertirse en stripper, un trabajo que no solo le permitió sobrevivir, sino que también le dio la plataforma para lanzar su carrera en el entretenimiento.

Ese trabajo le abrió las puertas a un cambio de vida cuando fue seleccionada para participar en el reality show Love & Hip Hop: New York, donde comenzó a ganar popularidad en las redes sociales. De allí, su transición a la música fue rápida y decisiva. En 2017, su sencillo “Bodak Yellow” la llevó a la fama mundial, desbancando a artistas como Luis Fonsi y Taylor Swift en las listas de popularidad. Cardi B siempre ha reconocido cómo su experiencia como stripper moldeó su ética laboral y su visión del mundo, aspectos que ha integrado en su música y su imagen pública.

Lecciones de dinero y traición

Cardi B también ha sido abierta sobre las dificultades económicas y emocionales que enfrentó durante esos años. En su juventud, a menudo presumía de haber ahorrado 20 mil dólares, una cantidad que le costó mucho esfuerzo ganar a través del twerking y largas jornadas de trabajo. Sin embargo, la artista ha contado cómo un novio de aquella época la estafó, gastándose todos sus ahorros en drogas. Este incidente la marcó profundamente, enseñándole a ser más cautelosa con sus relaciones y decisiones financieras.

Esa experiencia la impulsó a no volver a involucrarse sentimentalmente con personas que no compartieran sus mismas aspiraciones económicas. Cardi ha afirmado en diversas entrevistas que este hecho influyó en su determinación de seguir ganando dinero y de ser independiente. A lo largo de su carrera, ha utilizado sus vivencias para crear un discurso que empodera a las mujeres.

Un nuevo capítulo como madre

En medio de su éxito profesional, Cardi B ha sabido equilibrar su vida personal. El 12 de septiembre de 2024, la rapera dio la bienvenida a su tercer hijo con Offset, confirmando la noticia a través de Instagram con una tierna foto junto a su hija recién nacida. Esta nueva etapa de su vida como madre llega en un momento crucial, no solo por el crecimiento de su familia, sino también por la compleja relación que mantiene con su esposo, marcada por altibajos y conflictos públicos.

Una separación definitiva

A pesar de que han intentado mantener la armonía por el bien de sus hijos, la relación entre Cardi B y Offset ha estado plagada de controversias. A lo largo de sus casi siete años de matrimonio, han enfrentado rumores de infidelidad, problemas de confianza y tensiones que finalmente llevaron a Cardi a solicitar el divorcio en 2023. Aunque la separación aún está en proceso, ambos han dejado claro que su prioridad es la crianza compartida de sus tres hijos: Kulture, de seis años, Wave, de tres, y su hija recién nacida.

Cardi B ha solicitado la custodia principal de los niños, junto con la manutención infantil de Offset. Sin embargo, la relación entre ambos, al menos como padres, parece estar en buenos términos. La ex pareja ha sido vista en eventos familiares, como la fiesta de cumpleaños de Wave, demostrando que, a pesar de sus diferencias, pueden mantenerse unidos por el bienestar de sus hijos.

La muerte de Tupac Shakur continúa representando una herida abierta en la cultura del rap, una mezcla de dolor colectivo y teorías sin respuesta que se ha prolongado por casi tres décadas. El 7 de septiembre de 1996, un tiroteo desde un coche en marcha después de un combate de boxeo en Las Vegas terminó con la vida del legendario rapero. Sin embargo, las secuelas de su asesinato se han extendido mucho más allá de esa noche. Las sospechas nunca se apagaron, y el nombre de Sean “Diddy” Combs (antes conocido como Puff Daddy) ha sido uno de los más recurrentes en las teorías que buscan una respuesta.

Mopreme Shakur, el hermanastro de Tupac, compartió recientemente sus dudas sobre la versión de los hechos en una entrevista para el programa “Piers Morgan Uncensored”. Mopreme, con una voz pausada y un tono de melancolía apenas contenido, admitió que aunque ha hablado con Combs sobre los rumores de su implicación en el asesinato, sigue sin confiar plenamente en su versión. “Mi opinión es que no fue una declaración100% honesta”, comentó, refiriéndose a la negación de Diddy de haber participado en el asesinato de su hermano.

Las sospechas sobre Diddy y The Notorious B.I.G. (Christopher Wallace) se remontan a la larga enemistad que existía entre Tupac y el colectivo de Bad Boy Records, encabezado por Diddy. Aquella rivalidad, alimentada por disputas musicales y personales, se había convertido en una de las más amargas de la historia del rap, especialmente después del atentado en el que Tupac fue herido en 1994, lo que avivó las llamas de un conflicto entre las costas Este y Oeste de Estados Unidos.

En 2008, un artículo ya retirado de Los Angeles Times intentó arrojar luz sobre los eventos, afirmando que ni Diddy ni Biggie Smalls tenían “ningún conocimiento de un ataque contra Tupac”. Sin embargo, Mopreme, aún escéptico, subrayó: “Hay que averiguar qué es verdad y qué es falso. Qué es real y qué es inventado”.

Mopreme reveló que años después de la muerte de Tupac, tuvo la oportunidad de encontrarse con Diddy en persona, en Los Ángeles, en un encuentro facilitado por el DJ Big Boy, una figura prominente en la escena hip-hop. Acompañado por hombres que describió como “de aspecto rudo”, Mopreme se sentó cara a cara con Diddy. En esa conversación, Combs negó cualquier implicación, diciendo claramente que no tuvo nada que ver con el asesinato.

“Básicamente, me dijo que no tuvo nada que ver con la muerte de mi hermano”, relató Mopreme durante la entrevista. Le respondí: “La verdad aún no ha salido a la luz, así que vamos a ver”. Aquí estamos, 27, 28 años después, y parece que hay dudas en esa declaración, junto con todas las otras sospechas que se tienen.

Las palabras de Mopreme resuenan con un eco de incertidumbre, mientras las investigaciones sobre el asesinato de Tupac han tenido, en los últimos meses, un nuevo capítulo. Un reciente testimonio de Duane “Keefe D” Davis, un gánster relacionado con la pandilla Crips, ha vuelto a encender las especulaciones. Davis, ahora acusado formalmente del asesinato de Tupac, afirmó haber recibido un millón de dólares de parte de Diddy para orquestar el crimen.

Este testimonio ha generado aún más dudas. Greg Kading, ex detective del Departamento de Policía de Los Ángeles, sostiene en su libro “Murder Rap” que Davis confesó la supuesta implicación de Diddy. Aunque el mismo Davis aseguró que “sólo se había delatado a sí mismo” durante los interrogatorios con la policía, los documentos legales parecen contradecirlo, sugiriendo que proporcionó información sobre un pago efectuado por Eric Von Martin, un conocido narcotraficante, para llevar a cabo el asesinato.

Mientras tanto, Mopreme, sereno pero persistente, ha manifestado públicamente que la investigación debe ser reabierta. La familia Shakur, según informaciones exclusivas de Page Six, está considerando demandar a Diddy por su presunta relación con el asesinato. Abogados de alto perfil como Alex Spiro, quien también ha representado a figuras como Beyoncé, Jay-Z y Elon Musk, están evaluando el caso.

“Es hora de que todo esto se investigue de nuevo”, dijo Mopreme con firmeza, como si sus palabras cargaran el peso de los años y la esperanza de una verdad esquiva.

Sin embargo, Sean “Diddy” Combs, que actualmente enfrenta otros cargos relacionados con tráfico sexual y crimen organizado, sigue negando cualquier vinculación con la muerte de Tupac. Su equipo legal no ha emitido declaraciones recientes en respuesta a las renovadas acusaciones.

Mientras los ecos del pasado retumban en la actualidad, una sensación de justicia postergada sobrevuela el caso. La imagen de Tupac, inmortal en los escenarios y en las calles, se mantiene intacta en la memoria colectiva, y las preguntas continúan acechando, sin respuesta clara, en el turbulento universo del rap.

Sean John Combs subvirtió una de las leyes del mundo del espectáculo: no hay que cambiarse el nombre en medio de la carrera porque el público se confunde. Ni siquiera Prince (el genio de Minneapolis cambió a un simbolito inextricable, ni siquiera con letras se lo podía nombrar, hasta terminar en el absurdo de “el artista antes conocido como Prince”) fue capaz de sobrevivir indemne a esa ley. Pero Combs lo hizo. En las últimas décadas su nombre mutó varias veces: Puff Daddy, Diddy, P.Diddy.

Pero, aparentemente, esa no fue la única ley que violó. Hace años que su nombre (¿sería más acertado sus nombres?) están asociados al crimen. En los últimos años se lo acusó de cometer decenas de delitos. Desde asesinatos a violaciones pasando por tráfico sexual, violencia conyugal y secuestro. Coqueteaba públicamente con su fama de delincuente, disfrutaba caminar con un halo de peligro envolviéndolo.

Todo eso terminó 10 días atrás. Ahora pasa sus días hablando (o evitando hablar) con Sam Bankman-Fried, otra celebridad, otro hombre que gozó de alta exposición pública. Otro preso como él. Bankman-Fried, alguna vez, se presentó como el mago de las criptomonedas pero su buena estrella se apagó, la justicia y los acreedores lo acorralaron. Él ahora desearía ser otro tipo de mago, una especie de Houdini, un escapista para poder fugarse de la cárcel.

Sean Combs y Sam Bankman-Fried comparten una celda escueta en el Metropolitan Detention Center de Brooklyn, un presidio urbano, que supo alojar celebridades como El Chapo Guzmán, Ghislaine Maxwell y R. Kelly. Un vecino actual es el recientemente detenido capo narco Mato Zambada. La cárcel está súper poblada (1.200 reclusos) y es muy peligrosa. Alguien la llamó Un Infierno en la Tierra. Sean Combs no vive más en ninguna de las mansiones que poseía en ambas costas de Estados Unidos, en Beverly Hills, en los Hamptons y en Miami. Es más de poco le sirvieron: su abogado ofreció la mansión de Miami (ex propiedad del matrimonio de Emilio y Gloria Estefan) como garantía, pero el juez no aceptó: Sean Combs debe permanecer encerrado.

Las imputaciones son graves. Extorsión, tráfico sexual, secuestro, provocar un incendio, obstrucción a la justicia y promover la prostitución. A eso se la agrega la acusación de Conspiración –una especie de asociación ilícita-, que surge de la Ley RICO, la que se aplica a los miembros de la mafia para poder penar el entramado de delitos complejos. Fue acusado de liderar una organización criminal que abusó de mujeres durante años, forzándolas a participar de actos sexuales contra su voluntad con prostitutos y terceras personas, habiendo sido drogadas previamente y amenazándolas con ejercer violencia física y tomar diversas represalias (quitarle la ayuda económica, difundir videos de los encuentros) si se oponían o daban a conocer los hechos. Los fiscales justificaron acudir a la Ley RICO diciendo que se trataba de una empresa con empleados, diferentes jerarquías, que encubría crímenes y tenía como fin conseguir que el jefe y el resto de los participantes pudieran evadir la ley.

Por ahora, Sean Combs soporta 11 denuncias de mujeres y hombres que afirman que fueron abusados por él, coercionados a tener relaciones sexuales, violados o drogados contra su voluntad para que Combs y algún otro tuviera acceso carnal a ellos. Sólo por ahora porque cada día que pasó, el músico suma una nueva imputación. El dique de la vergüenza y el ocultamiento se está rompiendo.

Sean Diddy (o Puff Daddy o P.Diddy) Combs es un rapero y productor discográfico. Se convirtió en una de las caras más notables del rap y en uno de los hombres más influyentes a partir de los discos que producía y los artistas que lanzaba. Notorius B.I.G. Mary J.Blige, Faith Evans, Usher, Lil Kim fueron algunos de los artistas que se consagraron en su sello Bad Boy Entertainment. Fue uno de los que lanzó a la fama a Justin Bieber. Y produjo a Jay Z, Nas, Mariah Carey y Beyoncé entre otros. Él también supo tener grandes hits como su homenaje a Notorius B.I.G. I´ll Be Missing You.

Además de su habilidad para reinar en el mundo de la música siempre se vanaglorió de su habilidad para los negocios. Se calcula que en su carrera como empresario llegó a ganar mil millones de dólares. Pocas semanas atrás, ya cercado por la justicia, vendió –se supone que obligado- su participación en una empresa de bebidas alcohólicas en 200 millones de dólares.

Las fiestas de Sean Combs se hicieron famosas. Todo el mundo quería participar en ellas. Él se ufanaba de organizar las mejores celebraciones, las más exclusivas. En este punto hay que realizar una distinción. Estas fiestas eran de dos tipos. Las Fiestas Blancas eran reuniones multitudinarias (pero igualmente exclusivas) que reunían a celebridades de distinto signo en la mansión de Combs en los Hamptons. Todos los invitados debían vestir de blanco. Muchas de ellas se hicieron a beneficio de alguna institución de caridad; todas ocuparon un gran espacio en la prensa. Durante años se dijo que estas fiestas muchas veces, con el correr de la noche, subían de tono y que buena parte de los invitados terminaban confundidos en una gran masa sexual: la orgía más exclusiva del mundo. Esa situación, en caso de ser más que una versión, no configuraría ningún delito: adultos libres, brindando su consentimiento, realizando actos libres. Sería, por supuesto, una gran usina de chismes e historias extraordinarias que a casi todos nos gustaría conocer.

Sean Combs organizaba otro tipo de fiestas, a las que también bautizó: Freak Offs. Están eran menos populosas y más secretas. Tenían lugar en hoteles exclusivos y otros lugares de lujo. Contrataba prostitutos masculinos. La víctima era drogada y obligada a mantener largos encuentros sexuales; a veces duraban días. Mientras tanto Sean Combs se masturbaba a un costado y grababa todo. Los fiscales sostienen en la imputación: “Combs utilizaba las grabaciones que realizaba durante los Freak Offs, que eran delicadas, vergonzosas e incriminatorias, como garantía para asegurar la constante obediencia y el silencio de las víctimas”. (También se dice que a veces vendía esos videos y los de los que ocurrían después de que las Fiestas Blancas se desmadraran como pornografía protagonizada por grandes celebridades. El precio sería millonario en dólares). Una capa más, un delito más. La extorsión. Esos delitos de índole sexual tenían una trama de chantajes que aseguraba la impunidad. Combs grababa a sus víctimas y amenazaba con difundir las imágenes en caso de que a alguien se le ocurriera denunciarlo.

En el medio de las sesiones de las Freak Offs ingresaba personal contratado por Combs a limpiar el lugar, asistir a alguno de los participantes, llevar la comida o proveerlos de lo que necesitaran. Una vez finalizados, las víctimas quedaban confinadas en la habitación hasta que se repusieran. Les suministraban fluidos por vía intravenosa, le curaban las heridas. Una vez repuestas, sin secuelas visibles, y con la seguridad de que no hablarían, les permitían retirarse.

No es la primera vez que se habla de los Freak Offs, no se trata de una novedad. A fines del año pasado, la cantante Cassie (Casandra Ventura), ex pareja de Combs durante diez años, lo acusó de haber abusado de ella. La metodología que Cassie describió era idéntica a la que denunciaron estas mujeres pocos días atrás. Hasta dijo que su ex pareja las llamaba Freak Offs. La demanda civil fue levantada al día siguiente de la presentación porque Combs llegó a un acuerdo extrajudicial con ella.

Existen varios elementos probatorios de los Freak Offs. Una decena de mujeres -y un par de hombres- declaró y sus dichos son muy parecidos entre sí, casi no hay contradicciones entre ellas. Sean Combs tenía un modus operandi que rara vez modificaba.

Cuando, ante las primeras denuncias, la policía allanó la mansión de Combs en marzo de este año, encontraron armas, videos sexuales, drogas y más de mil botellas de aceite de bebé y lubricantes para partes íntimas (una cantidad mayor al stock de varias cadenas farmacéuticas).

Los testimonios coincidentes y todo el cúmulo de pruebas reducen mucho la capacidad de maniobra de la defensa. Tanto el músico como sus abogados saben que no pueden negar la existencia de los actos sexuales pero sí pueden negar que se trató de abusos y que existió uso de la violencia. Por eso Combs se declaró inocente. Y por eso sus abogados sostuvieron que se trató, en todos los casos, de relaciones consensuadas. Reconocieron que tal vez no eran convencionales, actos no tan usuales para el resto de la gente, pero que esa poco habitualidad, y hasta la perversión, no los convertía en delito porque todas las personas involucradas habían dado su consentimiento libremente, sin condicionantes ni coacciones.

Los abogados del músico propusieron que el juez le impusiera una fianza de 50 millones de dólares, no moverse de la casa en la que se alojara y que la justicia pusiera (a cargo de Combs) un plantel de profesionales de seguridad que controlaran sus movimientos. Cada una de estas pretensiones fue desechada. Prisión preventiva sin fianza. El juez adujo que el acusado, con su poder y dinero, podía influir sobre los testigos, manipularlos. Los fiscales en su acusación resaltaron que Combs había sobornado, presionado y amenazado a varios de los testigos y víctimas. Que no sólo se trataba de un abusador serial sino también de un obstructor serial. Citaron llamadas de Combs a algunas mujeres, señaladas como víctimas en la causa, a las que trataba de convencer de modificar sus dichos y a las que les pedía que dijeran que las relaciones habían sido consensuadas.

Por ahora no se conocen a otros imputados. Suena extraño que la justicia no haya ido contra ellos teniendo en cuenta que Combs necesitó de varios cómplices para llevar a cabo sus acciones. Varias mujeres involucran a guardaespaldas y colaboradores del músico. Lo que los especialistas sospechan es que la fiscalía habría llegado a un acuerdo (o todavía estaría negociando con algunos) con los otros participantes para intercambiar sus testimonios por impunidad o sensibles rebajas en sus posibles penas. Si eso fuera así, los caminos de escape legal de Sean Combs se estrecharían demasiado, una condena severísima sería lo más esperable. La pena oscilaría entre los quince años y la cadena perpetua.

Estos no son los primeros inconvenientes ni acusaciones gravísimas que enfrenta el músico. Tampoco las últimas: ayer se reactivó una causa en la que se sospecha que él fue el responsable de la explosión del auto del rapero Kid Cudi en 2012. Kid Cudi fue uno de los tantos rivales musicales de Combs. Luego de algunos cruces mediáticos y luchas por la preeminencia en el mercado, su auto voló por los aires. Combs siempre fue señalado como responsable del episodio pero hasta el momento no habían encontrado pruebas incriminatorias.

En 1994 él fue el iniciador de la gran disputa entre los raperos de la Costa Este y los de la Oeste. Avivó durante un buen tiempo el fuego de las discusiones y el enfrentamiento. Se lo acusó de ser el instigador de un tiroteo contra Tupac Shakur, al que el rapero sobrevivió. Pero esa disputa que no dejó de escalar terminó con los asesinatos de Tupac Shakur y luego de su protegido Notorius B.I.G.. Fue investigado por el homicidio de Shakur pero la justicia no pudo probar su participación.

La caída en desgracia provocó que apareciera un video terrible de una agresión a su entonces pareja Cassie ocurrida en un hotel en 2016. En las primeras imágenes se ve a la mujer esperando un ascensor hasta que aparece Combs desnudo, sólo con una toalla atada a la cintura, y la golpea con una violencia extrema, hasta la patea con fruición cunado ella cae al piso y luego la arrastra para llevarla de regreso a la habitación.

El magnate musical tiene siete hijos. De cuatro de ellos la madre fue Kim Porter, esposa de Combs durante más de una década, y muerta a causa de una neumonía en 2018. Con Cassie mantuvo una relación de una década. Otras de sus parejas célebres pero más efímeras fueron Jennifer Lopez, Naomi Campbell y Cameron Diaz.

Unas semanas atrás apareció en Amazon un libro de una cincuentena de páginas que dice ser el diario secreto y póstumo de Kim Porter. Allí, la ex esposa de Combs narraría abusos, fiestas sexuales con famosos y violencia recibida por parte de su marido. Los hijos de la pareja salieron a desmentir, aseguraron que no se trata del diario de su madre sino que era un apócrifo pergeñado por algún oportunista.

La constante aparición de nuevas denuncias, la trama sexual, la develación de detalles de las orgías y de los abusos, la cantidad de nombres célebres relacionados con Combs, muchos de ellos presentes en sus Fiestas Blancas, son elementos que son combustible para la constante generación de rumores y teorías conspirativas que se difunden por los redes sociales. Hay grandes nombres del mundo del espectáculo, del deporte, de la política y hasta de la realeza mencionados en esas versiones que todavía no tienen status judicial. Justin Bieber, los príncipes británicos, Di Caprio, Jennifer Lopez, Usher y muchos más. Muchos usuarios de X interpretan cada movimiento de decenas de celebridades a la luz (o la sombra) de la caída de Sean Combs.

La decisión del juez de no otorgarle la fianza apuraría el proceso. Los abogados defensores, en vez de dilatar las actuaciones, pretenderían acelerarlas para intentar que Combs no pase tanto tiempo en la cárcel.

De todas maneras, parecería, si siguiéramos el ritmo de estos últimos diez días que vendrán más denuncias, más revelaciones, más escándalo y detalles escabrosos, y muchas más teorías conspirativas.

En los últimos meses, el nombre de Diddy Combs ha resonado más allá de sus éxitos musicales. Conocido también como Puff Daddy o P. Diddy, el empresario y productor ha sido señalado como una de las figuras más poderosas y temidas en la industria musical, tanto por su éxito como por las polémicas que han envuelto tanto a su vida privada como a su carrera. Escándalos legales, tensiones en la industria y su presencia imponente han hecho de Diddy una figura intimidante en el mundo del hip-hop.

Sin embargo, mucho antes de que Diddy se convirtiera en una leyenda temida, hubo un hombre que forjó la imagen del productor musical sin escrúpulos: Suge Knight, el fundador de Death Row Records. Durante los años 90, Suge fue una figura central en la escena del rap de la Costa Oeste, promoviendo a artistas como Tupac Shakur y Dr. Dre, y elevando la rivalidad entre las costas este y oeste del hip-hop a un nivel violento e impredecible.

La historia de Suge Knight está marcada por el éxito musical, pero también por una serie de controversias que lo convirtieron en el hombre más temido del hip-hop. Su brutalidad, vínculos con pandillas, amenazas a rivales y problemas con la justicia dibujan el perfil de un hombre cuya sombra se extiende mucho más allá de la música.

Cómo llegó a ser famoso

Marion “Suge” Knight, nacido en 1965 en la ciudad de Compton, en Los Ángeles, creció en un vecindario plagado de violencia y pandillas. Aunque durante su juventud Suge se destacó como jugador de fútbol americano, su camino lo llevaría a convertirse en una de las figuras más intimidantes del hip-hop. Su paso por la Universidad de Nevada, Las Vegas, donde consiguió una beca deportiva, fue el inicio de un camino que lo condujo al mundo del espectáculo.

Knight comenzó su carrera como guardaespaldas del cantante Bobby Brown, aprendiendo así los entresijos de la industria musical. Pero su verdadera entrada al negocio llegó en 1991, cuando fundó Death Row Records, una discográfica que revolucionaría el mundo del rap al lanzar a estrellas como Dr. Dre, Snoop Dogg y el recordado Tupac Shakur. Death Row Records rápidamente se consolidó como una de las disqueras más importantes de la Costa Oeste, acumulando ventas millonarias y posicionando a Knight como un titán de la industria.

Sin embargo, su éxito empresarial estuvo siempre acompañado de métodos de negociación extremos e intimidatorios, como el famoso incidente en el que presuntamente colgó al rapero Vanilla Ice de un balcón de 15 pisos para forzarlo a renegociar su contrato.

Su relación con Tupac Shakur

Suge Knight fue también la figura clave en la carrera de Tupac Shakur, una de las voces más influyentes y reconocibles del rap. En 1995, Knight pagó la fianza de 1,4 millones de dólares para liberar a Tupac de la prisión, firmándolo para Death Row Records. Bajo su dirección, Tupac lanzó el emblemático álbum “All Eyez on Me”, que se convirtió en uno de los discos más vendidos de la historia del rap.

La relación entre Suge y Tupac no solo fue profesional, sino también personal. Knight se convirtió en una especie de mentor y protector para el joven rapero, pero esta relación los llevaría a ambos a estar en el centro de la infame guerra entre la Costa Este y la Costa Oeste, rivalidad que cambiaría para siempre la historia del hip-hop.

Incluso, Suge y Pac estaban juntos e iban en el mismo vehículo el día de la muerte del cantante. A lo largo de los años se lo ha tratado de vincular con el homicidio, pero nunca se ha podido comprobar la culpabilidad de Knight pese a salir ileso del atentado.

La sangrienta pelea de East Coast y West Coast

La enemistad entre las costas este y oeste de Estados Unidos dentro de la industria del rap se intensificó en gran medida por las tensiones entre Suge Knight y Sean “Diddy” Combs, el productor de la discográfica rival Bad Boy Records en la Costa Este. Todo estalló en la entrega de los premios Source Awards de 1995, cuando Knight lanzó un dardo directo a Diddy, criticando a los productores que “aparecían en los videos” de sus artistas, en clara alusión a Combs. A partir de ese momento, la rivalidad se convirtió en un enfrentamiento abierto.

Los asesinatos de Tupac Shakur en 1996 y de The Notorious B.I.G. en 1997, rapero estrella de Bad Boy Records y amigo cercano de Diddy, fueron atribuidos a esta intensa guerra de la costa este y oeste. Knight conducía el auto en el que Tupac fue asesinado a tiros en Las Vegas en septiembre de 1996, y aunque resultó prácticamente ileso, su implicación en el tiroteo lo situó en el centro de numerosas teorías conspirativas.

Sus problemas con la justicia

La vida de Suge Knight siempre estuvo marcada por problemas legales. En 1992, fue acusado de asalto con un arma mortal contra dos raperos en un estudio de grabación de Hollywood. Cuatro años después, fue enviado a prisión por golpear a un rival en un hotel de Las Vegas, lo que resultó en una sentencia de casi cinco años.

Knight volvió a prisión varias veces a lo largo de su vida por violaciones de libertad condicional y otros delitos. En 2002, fue encarcelado por asociarse con miembros de pandillas de Los Ángeles, y en 2003 por golpear a un empleado de estacionamiento en un club nocturno de Hollywood. En 2014, fue víctima de un intento de asesinato al recibir seis disparos durante una fiesta organizada por Chris Brown en West Hollywood.

El episodio más grave que marcó su vida reciente ocurrió en 2015, cuando Knight fue detenido por un atropello mortal en Compton, que resultó en la muerte de Terry Carter. El juicio lo llevó a admitir culpabilidad por homicidio voluntario en 2018, lo que le valió una condena de 28 años de prisión.

Qué es de la vida de Suge Knight

Actualmente, Suge Knight cumple su condena en prisión, marcado por un legado de violencia y una historia oscura en la industria del hip-hop. Sus años de gloria como el magnate detrás de Death Row Records quedaron opacados por una serie de incidentes y problemas legales que lo convirtieron en una de las figuras más polémicas y temidas de la música.

La caída de Knight contrasta con la trayectoria ascendente de Diddy, quien a pesar de sus propias controversias ha sabido mantener una posición dominante y exitosa en la industria. Suge, por su parte, permanece como un recordatorio de la turbulencia y la intensidad de los años dorados del gangsta rap, y su legado sigue siendo parte fundamental de la historia del hip-hop.

Suge Knight y Diddy Combs representan dos caras de una misma moneda: productores visionarios, figuras imponentes, y nombres que cambiaron para siempre el rostro de la música rap en Estados Unidos. Pero mientras Diddy ha sabido adaptarse y evolucionar, Suge fue atrapado por su propia violencia, dejando un legado que hoy se analiza con igual fascinación y temor.

Videos compartidos en redes sociales muestran el momento del colapso: Fatman Scoop se encontraba caminando sin camisa por el escenario, animando al público con su característica energía. Mientras decía “¡Hamden, hagan ruido!” dirigiéndose hacia la parte trasera de la cabina del DJ, la música se detuvo abruptamente. El silencio que siguió fue interrumpido por la preocupación y el nerviosismo de los presentes. Personal médico comenzó a atenderlo rápidamente y la alcaldesa Garrett informó a través de redes sociales que estaba siendo trasladado al hospital.

Cuál fue la causa de muerte de Fatman Scoop

La muerte de Fatman Scoop fue seguida por interrogantes sobre la causa exacta de su fallecimiento. La Oficina del Médico Forense de Connecticut confirmó posteriormente que Isaac Freeman III murió a causa de una enfermedad cardiovascular hipertensiva y arteriosclerótica. Según el reporte, su muerte fue catalogada como natural, y no se sospecha que haya habido participación de terceros o circunstancias externas que hayan contribuido al evento.

La enfermedad cardiovascular hipertensiva y arteriosclerótica es un trastorno que se relaciona con la presión arterial alta (hipertensión) y la acumulación de placas en las arterias (arteriosclerosis). La hipertensión crónica puede forzar al corazón a trabajar más intensamente, afectando su funcionamiento a largo plazo. Por otro lado, la arteriosclerosis, caracterizada por el endurecimiento y estrechamiento de las arterias debido a la acumulación de colesterol y otras sustancias, puede restringir el flujo sanguíneo al corazón y otros órganos vitales. Juntos, estos factores pueden provocar complicaciones graves como ataques cardíacos o fallo cardíaco, como en el caso de Freeman.

Tras la noticia de la causa de su muerte, la familia y sus colegas expresaron su tristeza y el vacío que dejó en la comunidad musical. La agencia de representación del artista, MN2S, que trabajó con él durante 15 años, emitió un comunicado en el que expresó estar “desconsolada” por su fallecimiento, elogiando su “vibrante espíritu, entusiasmo ilimitado y pasión por la música”. La agencia también destacó su icónica voz y energía, que lo hicieron popular entre sus seguidores y contribuyeron a que dejara una marca duradera en la industria.

Adicionalmente, el representante de MN2S, Sharron Elkabas, reveló que había hablado con Freeman solo unos días antes de su muerte, notando que se encontraba de “buen ánimo” y que era difícil asimilar la noticia de su partida.

La familia de Freeman también compartió un mensaje de despedida en las redes sociales, describiéndolo como “una luz radiante” tanto en el escenario como en su vida personal. Lo recordaron como un “padre, hermano, tío y amigo”, además de su papel como artista, subrayando la energía positiva y generosidad que caracterizaban su presencia y personalidad. La familia destacó que su legado musical continuará inspirando a quienes lo conocieron y disfrutaron de su música, y que su memoria permanecerá viva en los corazones de todos aquellos a quienes tocó.

Quién era Fatman Scoop

Fatman Scoop se ganó un lugar destacado en la escena musical gracias a su enérgica presencia y capacidad para conectar con el público como “hype man”. A lo largo de su carrera, Freeman construyó un legado que se cimentó con colaboraciones exitosas, éxitos de radio y su capacidad para animar al público en conciertos y clubes nocturnos.

Su lanzamiento al estrellato llegó con el sencillo “Be Faithful”, que publicó en 1999 en colaboración con Crooklyn Clan. La canción se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial, llegando a las listas de popularidad en distintos países y convirtiéndose en un himno de discotecas y fiestas. Con una estructura musical pegadiza y su poderosa voz, “Be Faithful” se consolidó como una de las canciones más reconocibles del hip hop de finales de los 90, catapultando a Fatman Scoop a la fama internacional y asegurando su lugar en la cultura popular.

Uno de los momentos más importantes de su carrera fue su participación en el éxito de Missy Elliott, “Lose Control”, junto a Ciara. La canción, lanzada en 2005, alcanzó el 3° puesto en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en un gran éxito en Estados Unidos y otros países. Esta colaboración le permitió a Fatman Scoop obtener reconocimientos importantes, como el Grammy al Mejor Video Musical de Formato Corto gracias al videoclip de “Lose Control”, y una nominación a Mejor Canción de Rap. Estos logros consolidaron su estatus como una figura respetada y versátil dentro del hip hop y la música pop.

En el mismo año, participó en otro proyecto de alto perfil al colaborar con Mariah Carey en la canción “It’s Like That”. La inconfundible energía de Fatman Scoop, plasmada en sus característicos “ad-libs”, complementó el estilo de Carey y elevó el dinamismo del tema, que fue parte del álbum “The Emancipation of Mimi”. La colaboración le valió una nueva nominación al Grammy para Carey, esta vez en la categoría de Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina, y reafirmó la capacidad de Fatman Scoop para añadir un toque único a las producciones en las que participaba.

Durante su trayectoria, el rapero trabajó con múltiples figuras destacadas del mundo del hip hop y la música urbana. Uno de sus colaboradores frecuentes fue el productor y rapero Jermaine Dupri, con quien compartió escenario en varias ocasiones y grabó temas que contribuyeron a mantener la presencia de Scoop en la industria. Además, su voz característica y su habilidad para encender al público lo convirtieron en un invitado habitual en performances en vivo, grabaciones de estudio y remixes de distintos géneros musicales.

El aclamado rapero Eminem, conocido por revolucionar el hip hop en Estados Unidos, especialmente en la zona central del país y por derribar barreras raciales para los raperos blancos, dejó a varios de sus fans sorprendidos al descubrir la procedencia de su nombre artístico.

El origen de Eminem

La leyenda de la música estadounidense, cuyo nombre real es Marshall Mathers, saltó a la fama en 1999 con el lanzamiento de su álbum debut con una gran discográfica, “The Slim Shady LP”. Desde entonces, los fanáticos se han familiarizado con su nombre artístico: Eminem. Sin embargo, parece que muchos no conocían la verdadera historia detrás de este nombre.

El artista comenzó a ganar popularidad en 1999, pero algunas personas no tienen idea de cómo consiguió su nombre de rapero. Un usuario de Reddit preguntó: “¿Por qué se llamó Eminem?” y provocó una revolución en internet.

La sorpresa en las redes sociales

El origen de su nombre fue un tema de debate en las redes sociales, donde diversos usuarios sorprendidos reaccionaron al descubrimiento. “¿Alguien sabe por qué se llamó así? He estado escuchándolo durante mucho tiempo, pero nunca entendí por qué eligió Eminem en lugar de algo como Slim Shady”, comentó otra persona en un foro de Reddit.

El nombre Eminem se remonta a su infancia, cuando él y su amigo de la escuela secundaria, Mike Ruby, adoptaron los nombres de Manix y M&M. “El nombre M&M, una abreviatura de Marshall Mathers, más tarde evolucionó en Eminem”, explicó otro de los usuarios.

Un fanático comentó: “Él solía etiquetar su material como M&M, pero lo cambió cuando comenzó a tomarse más en serio y a ganar atención para evitar una obvia demanda”.

Eminem reveló por qué nunca más cantará uno de sus grandes éxitos y pidió disculpas por escribirlo

Eminem decidió no interpretar más su exitoso sencillo de 2002, ‘Cleanin Out My Closet’, debido a su contenido altamente personal y conflictivo. El rapero estadounidense, conocido por abordar temas controvertidos y personales en su música, explicó que cada vez que escucha la canción en la radio, se estremece.

En una entrevista, Eminem expresó su arrepentimiento por las declaraciones hechas en la canción, que se centra en la difícil relación con su madre, Debbie Nelson. En 2014, a través de su tema ‘Headlights’, el rapero ya había manifestado su pesar diciendo: “No odio a mi madre. Ella es hermosa para mí porque es mi madre. Pero lamento lo que dije en ‘Cleanin Out My Closet’”.

‘Cleanin Out My Closet’ incluye letras que reflejan el resentimiento de Eminem hacia su madre, con frases como “mi vida entera me hicieron creer que estaba enfermo cuando no lo estaba” y “Hailie está creciendo tanto, deberías verla, es hermosa. Pero nunca la verás, ni siquiera estará en tu funeral”. Estas declaraciones generaron una gran controversia y afectaron profundamente a su madre.

El impacto de la canción fue tanto que, doce años después de su lanzamiento, Eminem sintió la necesidad de disculparse públicamente mediante ‘Headlights’, lo que refleja una maduración y una reevaluación de sus sentimientos hacia su madre. Esta disculpa pública marcó un cambio en la relación del rapero con su pasado y su familia.

Eminem, quien recientemente lanzó su 12° álbum de estudio, The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), ha sido siempre un artista que no teme explorar sus experiencias personales en su música. Sin embargo, la decisión de dejar de interpretar ‘Cleanin Out My Closet’ muestra una evolución en su perspectiva y una búsqueda de reconciliación con su historia personal.

La carrera de Eminem ha estado marcada por su habilidad para transformar sus luchas personales en éxitos musicales, generando tanto admiración como controversia. Su disposición a disculparse y a dejar atrás ciertas canciones de su repertorio refleja un crecimiento personal y artístico.

Desde que emergió en la escena musical en 2023, su enigma ha crecido a la par que su popularidad, llevando a muchos a preguntarse quién se esconde detrás de esas letras afiladas y su atuendo peculiar.

La máscara ha sido su compañera inseparable en cada video musical, actuación y entrevista, lo que solo ha alimentado los rumores sobre qué futbolista se ha aventurado en la música bajo este alias.

Jugadores como Eddie Nketiah, Bukayo Saka y Reiss Nelson de Arsenal, así como Noni Madueke de Chelsea, han sido mencionados por los fanáticos como posibles identidades detrás de Dide, pero hasta el momento nadie ha podido confirmar quién es en realidad. Lo que sí está claro es que su presencia en la música, con letras cargadas de crítica social y un potente mensaje personal, ha dejado huella en la escena del rap británico.

El enigma de Dide: ¿futbolista o rapero?

Cuando Dide apareció por primera vez en 2023 con su tema “Intro Freestyle”, el rapero enmascarado no solo atrajo la atención por su habilidad para rapear, sino también por la descripción que acompañaba el video: un jugador de la Premier League estaba detrás de la máscara. Este anuncio no hizo más que desatar una ola de teorías en redes sociales, donde los fanáticos del fútbol comenzaron a atar cabos, analizando cada detalle de sus letras y videos en busca de pistas que revelaran su identidad.

Desde el primer momento, Dide dejó claro que su intención no era capitalizar su carrera futbolística para ganar fama en la música. “Lo principal para mí es la música, más que el jugador de fútbol”, dijo en una entrevista exclusiva con Sky News en 2023.

Este enfoque ha sido clave para su éxito, ya que, aunque muchos lo ven como una curiosidad por su conexión con el deporte, sus temas tocan cuestiones profundas como la desigualdad social y la política británica. En canciones como “Thrill”, no duda en criticar al primer ministro Rishi Sunak y la falta de apoyo a los sectores más desfavorecidos.

Un primer concierto rodeado de misterio

El anuncio de su primer concierto en vivo ha sido otro paso importante en su carrera, pero también ha servido para avivar el misterio sobre su identidad. El evento se llevará a cabo en The Lower Third, un local en Denmark Street, en el corazón de Soho, Londres, el pasado 20 de junio.

Lo curioso de la fecha es que ese mismo día, Inglaterra jugó su segundo partido de la fase de grupos de la Eurocopa 2024 contra Dinamarca, lo que ha llevado a descartar a algunos jugadores que podrían estar participando en ese partido, como Bukayo Saka.

A pesar de estas coincidencias, Dide no ha hecho ninguna referencia al partido en su anuncio. Lo único que dijo fue: “Finalmente, mi primer show en vivo. Sé que todos me han estado pidiendo que lo haga. ¡No pueden perdérselo!”. Esta declaración ha generado expectativa entre sus seguidores, quienes esperaban que en este concierto fuera el momento en que finalmente revele quién es.

La música como vía de escape

Para Dide, la música no es solo una extensión de su carrera como futbolista, sino una forma de expresión en la que ha encontrado libertad creativa. “Me siento libre con la máscara puesta. Puedo decir lo que quiero, y pronto verán que tengo mucho que decir”, mencionó en otra entrevista.

Este sentido de libertad es lo que ha impulsado su música, que, aunque todavía en una etapa temprana, ha mostrado una madurez sorprendente en sus letras y en su capacidad para manejar el escenario.

Además del concierto, Dide ha adelantado que está trabajando en nueva música. Recientemente, compartió en sus redes sociales un video anunciando su próximo lanzamiento, “Energy”, que estará disponible el próximo jueves. Junto a este anuncio, escribió: “Es hora de quitar capas. Máscara fuera”. Esta enigmática declaración ha aumentado la expectativa entre sus seguidores, que esperan con ansias no solo nueva música, sino posibles revelaciones sobre su identidad.

¿El fin del misterio?

Aunque Dide ha insistido en que no tiene planes inmediatos de revelar su identidad, ha dejado entrever en el pasado que eventualmente lo hará. “Mi identidad se revelará en el futuro”, afirmó en su primera entrevista con Sky News. Esta ambigüedad ha mantenido a sus fanáticos en vilo, con muchos pendientes de cada movimiento, esperando que en algún próximo concierto o su próximo lanzamiento sea el momento en que se quite la máscara.

Independientemente de su identidad, lo que está claro es que Dide ha logrado algo notable: combinar dos mundos aparentemente opuestos, el fútbol y el rap, en una carrera musical prometedora. Con un estilo único y un mensaje poderoso, Dide ha demostrado ser mucho más que un simple rapero enmascarado; es una figura que está lista para dejar su marca en la música, sin importar quién sea en realidad.

La escena Hip Hop del departamento de Pasto, Nariño, está de luto por la inesperada partida de Melissa Hernández, más conocida como A.K.A. Ninfa. La artista destacó en el mundo del underground por su pasión por el skate y su habilidad al momento de rapear.

Aunque no se conoce la causa de su muerte, su partida dejó una huella indeleble en el mundo del rap y en el corazón de sus acérrimos fanáticos que la recordarán por ser una de las pioneras del skate femenino en la ciudad.

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“Siempre recordaremos a Melissa, la skater, deslizándose por las calles de Pasto sobre su tabla, y a Ninfa, la rapera, entregando su alma en cada escenario. Su legado seguirá inspirando y fortaleciendo la escena alternativa y juvenil de la ciudad, tal como lo hizo la artista en vida”, escribieron varios de sus seguidores en redes sociales.

Desde sus inicios en 2020, la artista oriunda de Pasto buscaba reflejar en sus letras y canciones la realidad social de su ciudad natal y las experiencias de su diario vivir, por lo que consolidó un estilo propio, que mezclaba la dureza del Hip Hop y los ritmos rápidos del Trap latino.

Esa combinación de géneros la llevó a realizar varias colaboraciones con los artistas locales MC Pencil y Davis FIO, que la impulsaron en su carrera musical. A lo largo de su trayectoria artística estuvo involucrada en varios eventos culturales para fomentar el hip hop y la escena musical en Pasto.

Entre los que destacan el Venus Fest un espacio con el propósito de resaltar el rol de las mujeres en la sociedad e impulsar el empoderamiento femenino en la capital nariñense, en el que el rap se convirtió en el punto de partida de este festival, con Female movimiento hip hop.

Detrás del escenario, junto a MC Perico, la artista de 34 años compuso la canción titulada Ciudad Sorpresa, en la que, a través de la melodía, la letra y color musical resaltó las tradiciones de la región, en esta obra brilló la fuerza de la sangre nariñense y su volcán Galeras, contaron los artistas.

Asesinan a dos jóvenes que pertenecían a un colectivo de hip hop frente a la Universidad Distrital en Bogotá

El Hip Hop se ha consolidado como un movimiento cultural; sin embargo, se ha enfrentado al rechazo social y a la violencia por las influencias de las bandas delincuenciales. Esta realidad se ve reflejada en el asesinato de dos jóvenes del colectivo de hip hop Distreestyle en la ciudad de Bogotá.

Las víctimas, identificadas como Camilo Sánchez y Camila Ospitia, fueron atacadas con armas de fuego por dos personas cuya identidad es desconocida, mientas se encontraban compartiendo con varios compañeros en frente de la sede Porvenir de la Universidad Distrital.

Mauricio Esguerra, defensor de Derechos Humanos, explicó que el colectivo de Rap y Hip Hop Distreestyle ha venido consolidándose en la zona, después del paro nacional en 2021. Pero han recibido varias amenazas previas, incluyendo hostigamientos de miembros del CAI de Porvenir y de un grupo de jíbaros que disputan el control del territorio. Ante lo ocurrido, compañeros y familiares de las víctimas exigen justicia y una respuesta de las autoridades.

“El día de ayer, 15 de agosto de 2024, después de una jornada de trabajo en la Huerta y Antena polinizadora del Parque Metropolitano del Porvenir, Nuestros compañeros Camilo Sánchez, MC CUB y Camila Ospitia, pertenecientes al colectivo Distreestyle y la Comunidad del Bicho, fueron asesinados, víctimas de un atentado con arma de fuego”, se lee en el comunicado del colectivo de hip hop.

“Si suena bien está en La Tangente”, dicen por ahí. Lo cierto es que La Tangente es uno de los bares más convocantes del barrio porteño de Palermo y por su escenario han pasado bandas pop, rockeras, electrónicas, nacionales, internacionales, incipientes, de trayectoria… un sitio repleto de música que el domingo 22 de septiembre alojará las canciones de Kris Alaniz, rapera, productora, marrona y artivista.

“Con mi arte acompaño diferentes luchas sociales, por eso me gusta definirme como artivista. Y con este show, encima, rompemos con lo que se suele esperar de las personas racializadas, porque normalmente la gente para encontrarse con actividades artísticas marronas tiene que ir a los barrios. Nosotros rompemos con eso y nos metemos en pleno Palermo”.

Kris Alaniz va a presentar “Escándalo”, un disco que creó despacito, pensando cada pieza, cada tema, durante cinco años, animándose a fusionar hip hop y ritmos latinos con amorosos aportes de Lula Bertoldi, Femigangsta, An Espil, La Bruja Salguero y Lianna, otras cantantes que admira y con las que hace yunta frente a una industria que insiste en segmentar.

“El ambiente del rap es una de las comunidades más machistas dentro de la música. Por ejemplo, a las raperas suelen encasillarnos como ‘rap femenino’ y así nos dividen. Sucede que hay festivales enormes, con muy buena disponibilidad económica pero no tocan mujeres o toca una sola mujer. En el freestyle pasa lo mismo, las mujeres nunca llegan a la final o ponen a dos a competir entre ellas para que llegue solo una. Yo soy rapera, no soy ‘rapera femenina’ igual que ellos no son ‘raperos masculinos’. Somos raperos, raperas y listo. No existe el rap femenino ni el rap masculino, como tampoco existe el rock, el pop o los boleros de mujeres. La segmentación solo le sirve a la industria para ubicarnos en un rincón. Y yo no quiero estar en ninguna esquinita”.

Se ofusca, pero enseguida sonríe y cuenta que precisamente en “Escándalo” quiso componer canciones que no la muestren enojada. Un álbum en el que se dio permiso para contar historias de amor.

“En general, las personas racializadas hablamos de política y de los derechos que nos roban todo el tiempo. En cambio, los artistas blancos mainstream no tienen esa preocupación, no tienen esa agenda. Entonces escriben sobre el amor, sobre cómo sale el sol… Y a mí me encantaría que esas también sean mis temáticas, pero me pasan otras cosas y necesito decirlas. Lo que tiene este disco es que digo cosas y a la vez hablo de amor. Porque el racismo atraviesa al amor y no estamos acostumbrados a escuchar a una persona racializada hablar de amor. A eso me refiero con que el amor es súper político. Y tampoco se trata de cualquier amor. Yo escribo sobre una piba marrona enamorándose de una piba blanca, o sobre dos marronas andando de la mano por el barrio. En ‘Escándalo’ me permití ser más libre con las temáticas y no estar tan enojada. Me reconcilié con la Kris romántica sin dejar de tener compromiso político”.

En las semanas previas, un equipo trabaja para hacer del show en La Tangente una experiencia de celebración, de fiesta. Se prueban una y otra vez las luces, los efectos, se practican los pasos, las miradas al público. David Gudiño, dirige; Yosy Machado, marca las coreografías; Gime Rodríguez y Lula Giachero, se mueven al compás.

“Es un show donde los marrones seremos protagonistas. Normalmente ocupamos el lugar de la persona que limpia en los recitales, o somos los que atienden la barra, o el cobani de la puerta. Si tuviste una mejor educación quizás lográs ser corista o alguno de los músicos. Para la presentación oficial de ‘Escándalo’, en cambio, convoqué a personas racializadas para todas las tareas. Director, coreógrafa, bailarines, músicos. Un show con personas marronas protagonistas por primera vez me parece que es súper interesante, súper lindo. Especialmente para que, más allá de las letras, la gente pueda conectar con la perfo, con el cuerpo, con las miradas… que se sientan reflejados”.

David Gudiño ꟷactor, dramaturgo, recientemente nominado a los premios María Guerrero por la obra El David Marrónꟷ deja de ajustar tornillos en el techo y se suma a la charla. Dice sentirse honrado con la convocatoria a dirigir. Remarca que no son invitaciones que abunden.

“Para mí es un sueño dirigir un proceso coreográfico musical y sé que nadie más me hubiese dado esta oportunidad. Kris abrió el espacio, llamó a otros pares y eso es de un valor increíble que tiene que ver con comenzar a reconocer la importancia de apoyarnos entre nosotros. No queremos ser la excepcionalidad. Somos muchos, somos muchas, creando con conciencia de identidad y de manera súper autogestiva y a pulmón. Por otro lado, en estos tiempos de tanto odio nuestra respuesta antiracista es todavía más acción. Nos sentimos hostigados pero seguimos haciendo lo que amamos. Endeudándonos, trabajando más, dando más clases. La respuesta al hostigamiento es más acción antiracista”.

Raíces

Kris Alaniz confiesa que en este nuevo trabajo hizo las pases con su costado romántico y a la vez recuperó su corazón cumbiero, ese que de pequeña necesitó apartar para que no la persiguieran las violencias.

“Canto desde chica y era muy adicta a la cumbia. Los sábados me encerraba en mi habitación a ver el programa ‘Pasión de sábado’ y en el colegio me encantaba actuar de Gilda. Me recuerda a mi mamá, además, que se la pasaba escuchando a Las Minifaldas, una banda de mujeres tucumanas que tocaban cumbia y yo flasheaba. Siempre tuve una conexión muy linda con la cumbia. Pero el racismo me puso un freno en ese plano también. En la primaria había una compañera que se llamaba Cristina, era rubia y de ojos celestes. Durante esos años yo fui la Cristina fea marrona, de pelo y ojos oscuros. Decían ‘la Cristina linda’ y ‘la Cristina fea”. Ahora me río pero en ese momento la pasé mal. En 2001 apareció Damas Gratis, con Pablo Lescano y a mí me encantaba, pero pensé que si me dedicaba a cantar cumbia me iban a seguir diciendo ‘la negra fea’, como en el colegio. Me alejé de la cumbia y busqué un espacio donde no me sintiera discriminada. Así descubrí las letras del rap y me identifiqué, porque hablaban de discriminación. Después arranqué a rapear y me di cuenta de que podía escribir mucho más que en una canción convencional. El rap cambió mi vida. Me dio una comunidad, me permitió pertenecer a un ambiente”.

— De adulta ¿te reconciliaste con la cumbia?

— Muchísimo. La deconstrucción ayudó a sacar esos bloqueos mentales y a apropiarme de algo que es muy mío. Y hasta potenciarlo. Cuando pude hacerme cargo de mi identidad, reconecté con la cumbia. Hoy creo que mi música es un viaje, que fusiona rap con géneros latinos, y que cuando escuchás el disco podés sentirte en La Habana, en Colombia, en Brasil o en algún pueblito del norte de la Argentina y entregarte a una aventura escandalosa.

El rapero Kendrick Lamar actuará en el intermedio de la Super Bowl, la final de la liga de fútbol americano (NFL, por sus siglas en inglés) el 9 de febrero de 2025 en The Caesars Superdome en Nueva Orleans (Estados Unidos), según han anunciado la NFL, Apple Music y Roc Nation.

“El Apple Music Super Bowl Halftime Show es una celebración de la música que amamos y de los increíbles artistas que la hacen, todo ello en el escenario más grande del mundo. Apple está encantada de llevar este espectáculo, protagonizado por el absolutamente incomparable Kendrick Lamar, a los fans de todo el mundo”, ha asegurado el vicepresidente de Apple Music, Apple TV+, Sports y Beats de Apple, Oliver Schusser.

La NFL ha señalado que la decisión de contar con Lamar se debe al impacto que tiene en la música y en la cultura. “Una y otra vez, Kendrick ha demostrado su capacidad única para crear momentos que resuenan, redefinen y, en última instancia, sacuden los cimientos del hip-hop”, ha comentado Seth Dudowsky, jefe de música de la compañía de fútbol.

Por su parte, el cantante ha ensalzado la música rap situándola como “el género más impactante hasta la fecha”. “Yo estaré allí para recordar al mundo por qué”, ha añadido Lamar. La lista de artistas que han actuado en ese escenario incluye figuras como The Rolling Stones, Prince, Bruce Springsteen, Madonna, U2, Paul McCartney, Michael Jackson, Rihanna, Lady Gaga y Beyoncé.

La última edición de la Super Bowl, en la que actuó el artista Usher, se convirtió en la actuación de medio tiempo más vista de la historia y obtuvo tres nominaciones a los Emmy 2024, incluyendo Outstanding Variety Special, como destacan la NFL, Roc Nation y Apple Music.

Información elaborada por Europa Press.

Redacción Cultura, 5 sep (EFE).- El músico canadiense The Weeknd ha desvelado en las últimas horas a través de sus redes sociales el título del que será su nuevo disco, 'Hurry Up Tomorrow', que constituirá su sexto trabajo de estudio.

Según ha confirmado su discográfica, este álbum cierra la trilogía que dedicó a temas más existenciales y autorreferenciales y que abrió con 'After Hours' (2020) y continuó con 'Dawn FM' (2022), el último que ha publicado hasta la fecha.

No hay de momento más detalles respecto a este disco, ni título, ni fecha de lanzamiento ni información sobre sus primeros sencillos.

El proyecto más inmediato de The Weeknd pasa por el concierto que ofrecerá este próximo sábado, 7 de septiembre, en el Estadio Morumbi de Sao Paulo (Brasil), que podrá seguirse en todo el mundo a través de Youtube, donde el artista tiene 35 millones de suscriptores.

Nacido Abel Tesfaye (Scarborough, Toronto, 1990), este músico llegó a ser nombrado oficialmente "el artista más popular del mundo" por el Libro Guiness de los Records gracias a sus reproducciones en Spotify, donde se mantiene como el segundo más escuchado.

Siempre apegado a los estilos de las músicas negras, oscilando entre el r&b, el soul y la música disco, fusionados a menudo con "synthpop", fue en 2013 cuando publicó su primer álbum, 'Kiss Land' (2013), al que siguieron los más exitosos 'Beauty Behind The Madness' (2015) y 'Starboy' (2016).

Con cuatro premios Grammy y unas ventas estimadas de 75 millones en todo el mundo, su mayor éxito llegó con el citado disco 'After Hours', que incluía el tema 'Blinding Lights', el cual estuvo 47 semanas entre los diez primeros puestos en EE.UU. y fue por ejemplo el más radiadoa en España de 2020, según Promusicae.

Curtis Jackson, mejor conocido como 50 Cent, es mucho más que un rapero; es una leyenda que transformó su vida marcada por la violencia en un imperio millonario. Nacido y criado en las calles duras de Queens, Nueva York, ´Fifty´ experimentó de primera mano la crudeza de la vida en el narcotráfico antes de convertirse en uno de los nombres más importantes del rap. Sin embargo, su historia no es solo una de éxito musical, sino también un relato de supervivencia y astucia empresarial que lo llevó a alcanzar el estatus de magnate.

El punto de inflexión en su vida llegó en el año 2000, cuando fue atacado a balazos frente a la casa de su abuela. Con nueve disparos en su cuerpo, incluyendo uno que le atravesó la cara, Curtis Jackson no solo sobrevivió, sino que emergió más fuerte, canalizando ese dolor y trauma en su música.

Su álbum debut, “Get Rich or Die Tryin’”, no solo se convirtió en un clásico instantáneo, sino que estableció a Jackson como una figura imparable en la industria musical, respaldado por pesos pesados como Dr. Dre y Eminem. Pero el éxito de este cantante no se limitó a la música. Su visión empresarial lo llevó a diversificar su imperio, incursionando en la moda, las bebidas y, más recientemente, la televisión.

Hoy, 50 Cent es un nombre respetado en el mundo del entretenimiento, con un acuerdo multimillonario con Starz y una serie de proyectos exitosos que lo mantienen en la cima. Desde las calles de Queens hasta las salas de juntas de Hollywood, su historia de es la de un hombre que decidió ser rico o morir en el intento.

El día que todo cambió

Era el año 2000, y Curtis Jackson ya había recorrido un largo camino en el violento mundo del narcotráfico. A los 24 años, el joven rapero era una figura temida en su barrio. Pero todo cambió una mañana de mayo cuando un hombre armado le disparó nueve veces a quemarropa frente a la casa de su abuela. Las balas atravesaron su mano, pierna, cadera y rostro, dejándolo al borde de la muerte. Una bala le perforó la mejilla izquierda y se alojó en su lengua, dejándole una cicatriz visible y un característico ceceo en su voz, que más tarde se convertiría en una de sus marcas distintivas en la música.

“No duele tanto como la gente se imagina,” relató 50 Cent años después en una entrevista con Oprah Winfrey. “Pero duele después”. Aquel ataque, que podría haber sido su final, se convirtió en el nacimiento de su mito.

El ataque fue un punto de inflexión en la vida de Jackson. Para muchos, sobrevivir a una emboscada de ese tipo podría haber significado el final, pero para 50 Cent, fue solo el comienzo. A pesar del dolor físico y la larga recuperación, Jackson nunca perdió de vista su objetivo: salir de las calles y construir una carrera musical. En una entrevista con Oprah Winfrey, relató cómo el ataque cambió su perspectiva: “Pasé de tener miedo a ser insensible. Me cansé de tener miedo, y lo cubrí con agresividad y enojo”, dijo, reflejando la transformación que había sufrido.

Esa agresividad y enojo se canalizaron en su música. Al poco tiempo de recuperarse, 50 Cent comenzó a trabajar de nuevo, y el resultado fue “Get Rich or Die Tryin’”, un título que encapsulaba su mentalidad: no había más opciones que triunfar o morir en el intento. Su historia de supervivencia no solo alimentó su música, sino que también le dio una narrativa poderosa que resonó profundamente con una audiencia que valoraba la autenticidad. Como explicó el mismo Jackson, “La gente quiere ver a alguien que ha pasado por el infierno y ha salido del otro lado”.

El nacimiento de una estrella

El álbum que lo catapultó a la fama, “Get Rich or Die Tryin’”, se lanzó el 6 de febrero de 2003, y desde el primer momento se convirtió en un fenómeno cultural. Este disco, que debutó en el número uno del Billboard 200, vendió más de 872,000 copias en su primera semana en Estados Unidos y terminó convirtiéndose en uno de los álbumes de rap más vendidos de todos los tiempos, con más de 9 millones de copias solo en EE.UU.

El éxito de “Get Rich or Die Tryin’” no fue una casualidad. 50 Cent tenía detrás de él a dos de los nombres más poderosos de la industria musical: Eminem y Dr. Dre, quienes no solo reconocieron su talento, sino que vieron en él a un artista auténtico, cuya vida real podía ser la fuente inagotable de historias crudas y genuinas. Eminem quedó impresionado con la capacidad de 50 Cent para sobreponerse a la violencia de las calles y transformar ese dolor en música. “Cuando lo escuché por primera vez, pensé: ‘Este tipo lo dice en serio, y se nota en cada palabra’”, comentó el rapero de Detroit.

El sencillo principal del álbum, “In Da Club”, se convirtió en un himno universal, con un ritmo contagioso que se escuchaba en todos los rincones del mundo. Pero más allá del éxito comercial, lo que realmente capturó la atención del público fue la narrativa de 50 Cent: la historia de un hombre que había sido disparado nueve veces y había sobrevivido para contarla. Esto le otorgó una autenticidad que pocos raperos podían igualar. Como describió el DJ de la BBC MistaJam, “La energía que obtienes de la música de 50 Cent en ese entonces es diferente; era cruda, con un toque comercial, y lo mezcló muy bien”. La capacidad de Jackson para equilibrar su imagen de gánster con un sonido accesible le permitió conectar con una audiencia masiva, consolidándolo como una de las figuras más importantes del rap en ese momento.

Curtis Jackson, apodado Boo-Boo en su juventud, no solo dominó el arte de rapear sobre la vida en las calles; también fue un astuto hombre de negocios. Mientras algunos raperos se contentaban con los ingresos de sus discos, 50 Cent vio oportunidades en todas partes.

Desde la moda con su línea de ropa G-Unit hasta las bebidas con su participación en Vitamin Water, que más tarde fue adquirida por Coca-Cola en un acuerdo que le reportó cerca de 100 millones de dólares.

Pero el camino hacia la cima no fue sencillo. En 2015, su fortuna alcanzó su punto máximo con 155 millones de dólares, según Forbes, pero ese mismo año se declaró en bancarrota, una maniobra legal que le permitió reorganizar sus finanzas sin perder su estilo de vida lujoso.

De los escenarios a las pantallas

Para muchos raperos, el éxito en la música es efímero. Pero 50 Cent demostró ser diferente. En 2014, debutó como productor ejecutivo de la serie “Power”, una trama oscura que sigue la vida de un narcotraficante que busca salir del negocio.

El programa, emitido en Starz y también disponible en Netflix, se convirtió en un éxito rotundo, atrayendo a una audiencia leal y consolidando a 50 Cent no solo como un rapero, sino como un influyente productor de televisión.

Su capacidad para adaptarse y mantenerse relevante en una industria cambiante es lo que lo distingue. “Está manteniéndose relevante con lo que sea que esté haciendo,” comentó una fan, Channette Carleo, durante el programa de MistaJam en la BBC. Y no es para menos: su reciente acuerdo con Starz, valorado en hasta 150 millones de dólares, es prueba de que Curtis Jackson sigue siendo una fuerza imparable, ahora también en el mundo del entretenimiento.

La historia de 50 Cent es un recordatorio de que, a veces, la adversidad es el catalizador para el éxito. De ser un joven atrapado en la violencia de las calles, pasó a ser un ícono cultural y un magnate empresarial. Su legado no solo se mide en discos vendidos o contratos firmados, sino en la capacidad de reinventarse una y otra vez, desafiando las expectativas y demostrando que, en sus propias palabras, “Get Rich or Die Tryin’” no es solo un título, sino una filosofía de vida.

Curtis Jackson, el hombre que sobrevivió a nueve disparos, no solo vivió para contarlo, sino que construyó un imperio. Y aunque su música ya no es el centro de atención, su nombre sigue resonando en cada rincón del mundo. Porque, al final, 50 Cent no es solo un rapero; es un símbolo de resiliencia, ingenio y el inquebrantable deseo de triunfar.

Capital Xtra destacó que, pese a ser una de sus canciones más exitosas, Eminem decidió no tocarla nunca más en sus conciertos debido a su contenido altamente personal y conflictivo. Sobre esta canción, Eminem dijo en 2014 en su tema ‘Headlights’: “No odio a mi madre. Ella es hermosa para mí porque es mi madre. Pero lamento lo que dije en ‘Cleanin Out My Closet’.” Además, confesó que “cada vez que la escucha en la radio, se estremece”.

La canción se enfoca principalmente en la difícil relación entre Eminem y su madre Debbie Nelson. El tema incluye declaraciones como “mi vida entera me hicieron creer que estaba enfermo cuando no lo estaba” y “Hailie está creciendo tanto, deberías verla, es hermosa. Pero nunca la verás, ni siquiera estará en tu funeral”.

Las disculpas de Eminem

La repercusión de esta canción fue tan intensa que, 12 años después de su lanzamiento, Eminem sintió la necesidad de disculparse públicamente mediante su canción ‘Headlights’, lo que refleja una maduración y una reevaluación de sus sentimientos hacia su madre.

Al abordar temas familiares en sus letras, Eminem generó tanto admiración como controversia. En ‘Cleanin Out My Closet’, el rapero profundiza en los desafíos que enfrentó durante su niñez, incluidas acusaciones de abuso verbal y negligencia por parte de su madre. Para comprender el impacto de esa canción, es crucial considerar que durante mucho tiempo, el artista responsabilizó a su madre por gran parte de las dificultades que experimentó. Sin embargo, en ‘Headlights’ muestra un intento de reconciliación al afirmar: “Pero mamá, te perdono, y también Nathan. Todo lo que hiciste, dijiste, fue tu mejor esfuerzo para criarnos”.

En esta misma línea, Eminem lamenta las palabras que eligió en el pasado: “en su momento estaba enojado. Ahora sé que no fue tu culpa y no estoy haciendo bromas”. Esto marca una evolución significativa del artista, mostrando una posición más comprensiva.

Finalmente, el nuevo álbum de Eminem, The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), está recibiendo atención tanto por sus nuevas canciones como por su contenido lírico. Billboard elogió uno de sus temas colaborativos con Dr. Dre, señalando que “no es el original, pero es una digna segunda parte”. A pesar de esto, algunos fanáticos criticaron ciertas referencias en sus letras.

El tracklist de The Death of Slim Shady (Coup de Grâce), el nuevo álbum de Eminem

The Death of Slim Shady fue descrito como una introspección profunda, un alejamiento de las provocaciones y controversias que frecuentemente rodearon su carrera, para dar paso a un enfoque más maduro y reflexivo.

Por otro lado, se cree que en la producción del álbum Eminem colaboró con una diversa gama de productores y artistas, buscando explorar nuevos sonidos y expandir sus horizontes musicales.

1. Habits by Eminem & White Gold
2. Trouble
3. Brand New Dance
4. Evil
5. All You Got (skit)
6. Lucifer by Eminem & Sly Pyper
7. Antichrist
8. Fuel by Eminem & JID
9. Road Rage by Eminem, Dem Jointz & Sly Pyper
10. Houdini
11. Breaking News (skit)
12. Guilty Conscience 2
13. Head Honcho by Eminem & Ez Mil
14. Temporary by Eminem & Skylar Grey
15. Bad One by Eminem & White Gold
16. Tobey by Eminem, Big Sean & BabyTron
17. Guess Who’s Back (skit)
18. Somebody Save Me by Eminem & Jelly Roll

En el vibrante escenario de Los Ángeles de 1993, dos talentos emergentes del hip-hop se encontraron por primera vez, marcando el inicio de una amistad que cambiaría el rumbo del género. Tupac Shakur y Christopher “Biggie” Wallace —mejor conocido como Notorious B.I.G.— se conocieron en una fiesta organizada por 2pac. La noche transcurrió entre risas, humo y música, con Shakur cocinando carne y papas fritas para sus invitados, una escena casi doméstica que contrastaba con la imagen dura y callejera que ambos proyectaban en sus letras.

Desde el primer encuentro, Pac asumió el rol de mentor para Biggie, quien estaba dando sus primeros pasos en la industria musical. Con Tupac ya consagrado como un rapero de discos platino y estrella de cine, Christofer se beneficiaba de los consejos y el apoyo de su nuevo amigo. Pasaban horas en estudios de grabación y habitaciones de hotel, donde Shakur compartía su sabiduría sobre cómo alcanzar el éxito en el competitivo mundo del hip-hop. “Tupac se paraba y se ponía a enseñar”, recordó EDI Mean, un miembro del grupo The Outlawz. “Todos quedábamos fascinados por su forma de ser tan dinámica y tratábamos de absorber toda la información posible”.

A medida que la carrera de Biggie despegaba, se hacía evidente la influencia de Tupac. Ambos colaboraron en eventos y conciertos, con Tupac invitando a Notorius a rapear junto a él, consolidando su posición en la escena. Sin embargo, las tensiones comenzaron a surgir cuando 2 Pac empezó a rodearse de figuras controvertidas, como Jacques “Haitian Jack” Agnant, un notorio gánster de Queens. A pesar de las advertencias de Biggie para mantenerse alejado de Jack, Shakur se dejó seducir por el estilo de vida lujoso y peligroso que este ofrecía.

Los trágicos asesinatos de Tupac Shakur en 1996 y de Notorious B.I.G. en 1997 sacudieron los cimientos del mundo del hip-hop, dejando una herida abierta en la comunidad que sigue sangrando hasta el día de hoy. Ambos crímenes, cometidos en el apogeo de sus carreras, permanecen sin resolver, rodeados de teorías conspirativas y especulaciones que mantienen vivo el interés y la controversia.

Amistad y enseñanzas: los primeros años

En el mundo del hip-hop de principios de los 90, Tupac Shakur y Christopher “Biggie” Wallace, conocido como Notorious B.I.G., compartieron una amistad que comenzó en una fiesta en Los Ángeles en 1993. Tupac, ya un rapero de renombre con discos de platino y una incipiente carrera cinematográfica, se convirtió en un mentor para el talentoso Biggie, quien estaba comenzando a dejar su huella en la escena musical de Nueva York.

Durante sus primeros años de amistad, Shakur y Wallace pasaban tiempo juntos en estudios de grabación y conciertos, con Tupac ofreciendo consejos valiosos sobre cómo navegar el complejo mundo de la industria musical. Pac, conocido por su carácter carismático y su dinamismo, se tomaba el tiempo para enseñar a Biggie y a otros jóvenes raperos, convirtiéndose en una figura paternal en el mundo del rap. Sin embargo, esta relación de mentorazgo no estuvo exenta de tensiones y conflictos.

La relación entre Tupac y Biggie comenzó a mostrar fisuras cuando Shakur empezó a relacionarse con figuras controvertidas del mundo del crimen, como Jacques “Haitian Jack” Agnant, un notorio gánster de Queens. Biggie, consciente del peligro que estas relaciones podían traer, advirtió a Tupac que se mantuviera alejado de Jack. Sin embargo, 2 Pac, fascinado por el estilo de vida lujoso y el respeto que Jack comandaba en las calles de Nueva York, ignoró las advertencias de su amigo.

Las tensiones aumentaron cuando Tupac fue acusado de abuso sexual en 1994, un caso que lo llevó a prisión y lo distanció aún más de Wallace. Shakur comenzó a sospechar que sus problemas legales estaban relacionados con sus nuevas asociaciones, y esta paranoia se trasladó a sus relaciones personales y profesionales.

El asalto a Tupac en 1994, el episodio que desencadenó su enemistad

El punto de quiebre en la relación llegó el 30 de noviembre de 1994, cuando Tupac fue tiroteado en el lobby de los estudios de grabación Quad Recording Studios en Times Square. A pesar de ser herido gravemente, Tupac logró llegar al piso donde estaban Biggie y Puffy. “Era como si estuvieran enojados conmigo,” afirmó Tupac, quien creyó ver sorpresa y culpa en sus rostros.

Aunque Biggie y Puffy negaron cualquier implicación, la desconfianza de Tupac se profundizó, convencido de que su amigo había tenido conocimiento previo del ataque. La desconfianza de Shakur hacia Biggie se profundizó cuando, poco después del ataque, Notorius lanzó la canción “Who Shot Ya?”, que 2 Pac interpretó como una burla directa hacia él.

Aunque Christofer y Sean Combs negaron cualquier implicación en el ataque y aseguraron que la canción había sido grabada antes del incidente, la relación entre los dos raperos nunca se recuperó completamente. Tras el incidente, Tupac encontró un nuevo aliado en Suge Knight, el poderoso y temido jefe de Death Row Records. Knight le ofreció un contrato discográfico y apoyo incondicional, lo que llevó a Pac a mudarse a la Costa Oeste.

La incorporación de Tupac a Death Row intensificó la rivalidad entre las costas Este y Oeste. En los Premios Source de 1995, Knight atacó públicamente a Puffy, exacerbando aún más las tensiones y consolidando la enemistad.

Durante los Premios Source en 1995, Suge Knight lanzó una indirecta pública hacia Puffy, criticando su tendencia a aparecer en los videos y canciones de sus artistas, lo que exacerbó aún más las tensiones entre ambas costas. Esta rivalidad se vio reflejada en las letras de las canciones de ambos raperos.

Tupac respondió a “Who Shot Ya?” con “Hit ‘Em Up”, una feroz dis track en la que acusaba a Biggie de traición y afirmaba haber tenido relaciones con la esposa de Biggie, Faith Evans.

Estas canciones inflamaron aún más la animosidad entre ambos bandos y dividieron a la comunidad del hip-hop en facciones enfrentadas.

Los asesinatos de Tupac y Biggie

El 7 de septiembre de 1996, después de asistir a una pelea de boxeo en Las Vegas, Tupac fue baleado en un tiroteo desde un coche en marcha. Murió seis días después a causa de sus heridas. Seis meses más tarde, el 9 de marzo de 1997, Biggie fue asesinado en un ataque similar en Los Ángeles. Ambos casos permanecen sin resolver, rodeados de teorías conspirativas y especulaciones sobre la implicación de diversas figuras del mundo del hip-hop y el crimen organizado.

El arresto de Duane “Keffe D” Davis en septiembre de 2023 ha reavivado el interés en los casos de Tupac y Biggie. Acusado de ser el autor intelectual del asesinato de Tupac, Davis ha proporcionado nuevos detalles sobre la noche del tiroteo y su implicación en el crimen. Esta detención ha renovado la esperanza de que finalmente se haga justicia para estos dos íconos del hip-hop.

¿Podremos algún día conocer la verdad completa detrás de estos asesinatos? La comunidad del hip-hop sigue esperando respuestas mientras celebra el legado de Tupac y Biggie, cuyas vidas y muertes han dejado una marca indeleble en la historia de la música y la cultura popular.

Tupac Shakur y Notorious B.I.G. no solo definieron una era del hip-hop, sino que también simbolizan la lucha por la verdad y la justicia en un mundo marcado por la violencia y la traición. Sus historias siguen resonando, recordándonos la fragilidad de la vida y la importancia de la amistad y la lealtad en medio de la adversidad.

La canción que da título al álbum, “Straight Outta Compton”, comienza con la línea: “Ahora estás a punto de presenciar la fuerza del conocimiento callejero”, lo que introdujo a la audiencia a una hora de narrativa cruda y sonido electrizante.

La decisión de crear “Fuck tha Police” como una canción central en su álbum se fundamentó en experiencias personales y colectivas de los miembros de la banda. Algunos de ellos habían sido víctimas directas de hostigamiento y violencia por parte de la policía. La canción fue concebida como una denuncia explícita y sin censura de estas injusticias, utilizando un lenguaje directo y confrontativo para atraer la atención a una problemática que frecuentemente era ignorada o minimizada por los medios de comunicación y las autoridades.

La canción se convertiría en un himno durante los disturbios de Los Ángeles de 1992, que estallaron tras la absolución de cuatro policías blancos que habían golpeado brutalmente al automovilista afroamericano Rodney King. Este evento captado en video evidenció la brutalidad policial que la comunidad negra había denunciado durante décadas, provocando tensiones y desatando saqueos, incendios y más de 50 muertes.

Décadas después, en 2020, la muerte de George Floyd reavivó las protestas bajo el estandarte de Black Lives Matter, recordando las condiciones denunciadas por NWA. La diferencia notable es el lema controversial “Defund the Police”, que emergió entre algunos activistas pidiendo redirigir los fondos policiales a programas sociales para prevenir confrontaciones y sanar las divisiones raciales.

La banda decidió que la canción fuera una de sus piezas de referencia porque representaba una declaración poderosa contra el sistema opresivo que afectaba a muchas personas de su comunidad. A través de “Fuck tha Police”, N.W.A. no solo canalizó su propia rabia y dolor, sino que también se convirtió en una voz resonante para miles de jóvenes que compartían sus experiencias y sentimientos de indignación. La canción se consolidó como un himno de protesta y resistencia, cementando el legado de N.W.A. en la historia del rap y del activismo social.

Una canción de protesta con repercusiones sociales y políticas

Entre todas las canciones del álbum, “Fuck the Police” sobresale por su impacto y controversia. Esta canción fue una denuncia explícita contra la brutalidad policial y la discriminación racial, y llevó al FBI a enviar una queja formal a su compañía discográfica, alegando que fomentaba la violencia y la falta de respeto a la autoridad. Este tema está estructurado como una parodia de un procedimiento judicial, donde el rapero Dr. Dre actúa como juez y escucha los testimonios de sus compañeros de banda Ice Cube, MC Ren y Eazy-E, quienes presentan casos de abuso policial muy concretos.

Para Ice Cube, quien escribió la mayoría de las letras del álbum, “Fuck tha Police” era una forma de venganza “fantasiosa” por los abusos que sufrían de manos de la policía. “Estoy harto de que me molesten. Estaba cansado de ver a mis amigos llegar con cicatrices y ser golpeados por cualquier cosa”, dijo a Mary Harron en una entrevista de la BBC retransmitida por el Late Show. Dr. Dre, por su parte, justificó la canción como una expresión de una verdad compartida pero no dicha públicamente hasta entonces: “Todo el mundo piensa lo mismo, pero nadie tiene realmente el corazón para decirlo”.

En el momento de la entrevista en 1990, NWA ya enfrentaba críticas múltiples. El subdirector del FBI, Milt Ahlerich, expresó su indignación en una carta al sello discográfico, acusando al grupo de incitar a la violencia. Otros, como el escritor de hip-hop de la revista Spin, Bönz Malone, encontraron sus letras imprudentes e irresponsables, ya que en los videos del grupo se mostraban armas y lujos que contaban una historia diferente.

En contraste, Dr. Dre sostenía que sus letras eran un reflejo de la realidad: “No hay nada en nuestros registros que no sea real; todo lo que está en nuestros registros sucedió o podría suceder”. Eazy-E, por su parte, aclaró que el grupo mantuvo una postura neutral respecto a sus relatos: “Si decides ser un pandillero... Podrías terminar muerto o podrías terminar en la cárcel. No te estamos diciendo que vayas a hacerlo. No te estamos diciendo que no lo hagas”.

NWA en la cultura popular

El crítico de Village Voice Greg Tate expresó que al principio interpretó la música de NWA como un respaldo al crimen y los tiroteos entre negros. Con el tiempo, su perspectiva cambió al ver las letras como una dramatización de la realidad de Compton. Aunque existía un estereotipo de que “el hip-hop solo sale de la miseria”, notó que muchos raperos, incluida NWA, provenían de la clase media negra.

Ice Cube admitió que, aunque su pasado no fue tan terrible, había presenciado cosas terribles y las incorporó en sus letras: “Lo hiervo como un plato de guiso y sale con estas palabras y tomo tanto en mi mente que me enojo. Así que cuando me suelto cuando rapeo, suena como si estuviera enojado”.

Más de dos décadas después de su debut, NWA había sido mitificado por Hollywood en la película biográfica “Straight Outta Compton” en 2015. Al año siguiente, fueron incorporados al Salón de la Fama del Rock and Roll por el rapero de Compton, Kendrick Lamar, quien celebró su contribución a la música y la cultura: “NWA demostró a todos los niños del gueto que se podía tener éxito y seguir teniendo voz mientras lo hacían”.

La banda, en el ojo del huracán desde su surgimiento, se destacó por ser un espejo de la realidad social que vivían muchos estadounidenses afroamericanos. Con su música, NWA no sólo documentó sino que también influenció una parte crucial de la historia contemporánea de Estados Unidos, dejando un legado que resuena hasta el día de hoy.

Bucearemos en el espíritu, el corazón y el dato inédito de cada uno de los personajes y celebridades del espectáculo, la música y el periodismo; recorreremos sus vidas desde su infancia hasta la actualidad de una manera ágil y entretenida, en un trabajo de campo y a través de imágenes e historias en primera persona volcadas a un audiovisual imperdible.

Vertiginoso, sí; pero con mucho detalle para conocer de cada uno su esencia. Un viaje entrañable y sincero que revisará sus orígenes hasta sus pensamientos a lo largo de los años.

Con esta impronta clara —desde Infobae— confeccionamos los listados de famosos e ídolos del público millennial y centennial, y también de las personalidades más emblemáticas del firmamento del espectáculo argentino e internacional.

La serie en capítulos “¿Quién es…?” tiene un ADN muy definido y exquisito a la vez. Conocerás algo nuevo y distinto de tus artistas, conductores, músicos, periodistas y cantantes favoritos que Infobae presentará a través de una pieza audiovisual potente y con una edición moderna, a partir de este lunes 19 de febrero.

¿Quién es..., realmente, Duki?

Mauro Ezequiel Lombardo, es Duki o el Rey del trap argentino. Nació hace 27 años en Almagro, se crió en La Paternal y su historia, aunque veloz, está marcada por la lucha y la superación desde sus comienzos humildes. Desde chico, mostró su pasión por la música, influenciado por diversos géneros que escuchaba en casa, desde el rock hasta temas melódicos y el hip-hop.

A pesar de las dificultades económicas, demostró su compromiso al trabajar desde joven para ayudar en un duro momento familiar. Una de las anécdotas que más conmueven a su madre es cuando con su primer salario invitó a sus padres y hermanos a comer empanadas y le dio el dinero para pagar la luz. El sólido vínculo con su familia persiste porque sigue siendo él mismo. “Soy una persona promedio, normal, como todos los demás. Nunca tuve la fascinación por hacerme el distinto”, asegura.

Su incursión en el mundo del rap comenzó en competencias de batallas de freestyle, donde destacó rápidamente, y luego se consolidó como uno de los referentes del trap argentino. Con éxitos como “No vendo trap” y “Si te sentís sola”, Duki alcanzó la fama nacional e internacional. Rápidamente comenzó a llenar estadios, recibir premios y ser reconocido por su talento y originalidad en la escena musical.

Además de su carrera artística, Duki también ha compartido reflexiones sobre su vida y carrera, suele destacar la importancia del crecimiento personal y la aceptación de uno mismo. A pesar de su ascenso meteórico en la industria musical, mantiene la humildad y envía mensajes inspiradores a sus seguidores, instándolos a perseguir sus sueños con determinación. Su vida amorosa también ha sido objeto de interés público, pero Duki ha sabido mantener un equilibrio entre su vida personal y profesional. Actualmente se encuentra en pareja con la cantante Emilia Mernes.

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El cantante mallorquín Rels B se ha convertido en el español más escuchado fuera de España en lo que va de año ya que más del 80 % de sus 22 millones de oyentes mensuales proceden de fuera de España, según ha informado hoy la plataforma Spotify, que destaca también temas de Quevedo o Lola Índigo.

Así lo ha revelado este miércoles la compañía de audio en streaming más grande del mundo tras la publicación de la lista de las canciones más escuchadas en el extranjero de artistas españoles en el primer semestre del año.

Una lista esta que, según han apuntado, “pone de relieve la importancia de la música española en el extranjero, representada por una gran cantidad de talentos consagrados y emergentes”.

Así, según Spotify, Rels B (Palma de Mallorca, 1993) se convierte en uno de los mayores exponentes de música urbana de España, lo que le convierte en el “rey” al hablar de exportación musical, ya que más del 80 % de sus 22 millones de oyentes mensuales proceden de fuera de España, con México a la cabeza. El año 2023 fue el de la consagración de Rels B en el país norteamericano. Abarrotó el Foro Sol, un estadio de 65.000 espectadores que días después llenó Taylor Swift dentro de su gira Eras Tour.

Daniel Heredia Vidal (1993), conocido como Rels B, es uno de los exponentes del rap y el hip hop nacional. Aunque también canta R&B y hasta reggaetón. Debutó en 2014 con su primer EP, en 2019 firmó con Sony Music y en 2021 se compró un Ferrari. Ahora comparte sello discográfico con Bizarrap, Dale Play. Por el camino ha trabajado en varios proyectos con los que ha ido dándose a conocer. Así ha conseguido colaboraciones junto a Nathy Peluso, Duki, Nicki Nicole y Aitana. Junto a la participante de Operación Triunfo canta uno de sus temas más comerciales y escuchados, ‘Miamor’.

Por eso, entre las 25 canciones más escuchadas en el extranjero en los seis primeros meses del año hasta ocho temas son del artista palmesano, y es ‘Un desperdicio’, colaboración con Junior H, la canción más escuchada fuera de España.

Además, en lo que respecta al consumo de música española fuera de nuestro país, la mayor parte se centra en Latinoamérica, con la excepción de Morad, el rapero y compositor natural de L’Hospitalet de Llobregat, quien tiene en Europa sus mayores mercados de exportación musical (Francia, Italia y Alemania).

Del mismo modo, ‘Lo que tiene’, la colaboración de Morad con Beny Jr y Rvfv, despunta en Alemania y en Italia además de en México y en Perú.

Otras canciones destacadas

Dentro de esta lista se encuentran temas de artistas consagrados como David Bisbal, Enrique Iglesias y Hombres G; y también destacan canciones de Bad Gyal, JC Reyes, Lola Indigo, SAIKO y Quevedo.

En lo referido a los artistas emergentes, aparece en la lista el nombre de la joven artista catalana de música urbana, Bb trickz, con ‘Jálale alv’, una colaboración con el artista mexicano Kevin AMF y que se ha viralizado en ese país.

Entre otras, también están incluidas las canciones ‘Fría’ de Enrique Iglesias y Yotuel, o ‘Akureyri’ de Sebastián Yatra y Aitana o ‘Fama de diabla’ de David Bisbal, Emanero y La K`onga.

(Con información de EFE).

El rapero Chris Brown enfrenta una nueva demanda después de que él y varios miembros de su séquito fueron acusados de atacar brutalmente a cuatro hombres durante su concierto en Fort Worth, Texas. El incidente, que tuvo lugar el viernes pasado en el Dickies Arena, ha llevado a Frederick R. Overpeck, jefe de seguridad trasera en el lugar, a demandar a Brown y su equipo por 15 millones de dólares.

La demanda también menciona a los promotores del tour de Brown, Live Nation, junto con otros miembros de su equipo, conocidos como Conway, Hood Boss (también conocido como Omololu Omari Akinlolu) y Sinko Ceej. Brown y su séquito han sido demandados por 50 millones de dólares debido al supuesto “asalto brutal y violento” durante el concierto. La demanda afirma que los atacantes arrojaron sillas y continuaron atacando a las víctimas mientras intentaban salir del área VIP.

Según TMZ, Overpeck, quien también es un ex oficial correccional, intentó proteger a los cuatro hombres supuestamente agredidos y ahora afirma que no puede trabajar debido a sus graves lesiones. “El demandante intentó intervenir para detener la violencia”, se lee en la demanda. “En lugar de ello, fue arrojado fuera del camino, mientras Brown gritaba insultos raciales exigiendo a su séquito que se uniría y golpeara a los cuatro fans”.

El abogado de los demandantes, Tony Buzbee, afirmó: “Esto es Texas. A la gente aquí no le importa cuán importante o famoso pienses que eres, tienes la obligación de seguir las leyes y comportarte de manera adecuada. La violencia no provocada no puede ni será tolerada. Pretendemos buscar todos los daños que la ley permite contra Brown y sus cómplices, incluidos daños punitivos”.

Los informes indican que Overpeck sufrió graves lesiones durante el asalto, “incluyendo una vértebra agrietada en el cuello”, y sostiene que sus acciones “probablemente previnieron lesiones adicionales o incluso la muerte” de las víctimas. “Desafortunadamente, los atacantes, incluyendo a Brown, no detuvieron la violencia”, se lee en la denuncia. “En lugar de ello, continuaron pateando y golpeando repetidamente a la víctima Parker, y en el proceso, también patearon severamente al demandante”, cita TMZ.

Además, la demanda destaca que Parker, uno de los hombres agredidos, estaba atrapado en una escalera debido a la violencia de Brown y su equipo. La situación se degeneró cuando uno de los miembros del séquito de Brown alegó que tenían un conflicto con Bush y sugirió a los demás que le golpearan. La denuncia detalla: “Uno de los miembros de la comitiva de Brown, conocido por el alias Sinko, corrió al lado izquierdo de la multitud y golpeó a Bush en el pecho”, y Hood Boss arrojó una silla a la cabeza de Bush.

Los cuatro hombres necesitan tratamiento médico y han solicitado daños compensatorios y punitivos “por encima de los 50 millones de dólares”, así como daños actuales que incluyen “pérdidas pecuniarias, dolor y sufrimiento, desfiguración, angustia mental y gastos médicos pasados, presentes y futuros”.

La situación en Fort Worth se suma a una creciente lista de problemas legales para Chris Brown, lo que plantea preguntas sobre la conducta de las estrellas y los límites de su fama en protegerlos de las consecuencias legales. Es crucial para los implicados que el sistema judicial trabaje efectivamente para garantizar que se haga justicia, sin importar el estatus de los individuos.

Todas las agresiones y denuncias por violencia de Chris Brown

Como mencionamos anteriormente, esta no es la primera vez que el cantante estadounidense está inmerso en un problema legal por una denuncia de violencia. A continuación, se presenta un detallado punteo de los incidentes y denuncias que ha tenido el artista en su carrera:

2009: Agresión a Rihanna

Chris Brown fue arrestado por agredir a su entonces novia, la cantante Rihanna, la noche anterior a los premios Grammy. Las imágenes de Rihanna con el rostro golpeado se volvieron virales, lo que llevó a Brown a ser condenado a cinco años de libertad condicional y seis meses de servicio comunitario.

2012: Pelea con Drake

Brown se vio involucrado en una pelea en un club nocturno de Nueva York con el rapero Drake. La pelea, supuestamente por la relación de ambos con Rihanna, resultó en varios heridos y daños en el club.

2013: Agresión a Frank Ocean

Brown y su séquito fueron acusados de agredir al cantante Frank Ocean en el estacionamiento de un estudio de grabación en Los Ángeles. Ocean no presentó cargos, pero la pelea fue ampliamente difundida por los medios.

2013: Arresto por agresión en Washington D.C.

Brown fue arrestado en Washington D.C. por golpear a un hombre que intentó tomarse una foto con él. Este incidente llevó a la revocación de su libertad condicional por el caso de Rihanna y fue enviado a rehabilitación y a la cárcel por violar los términos de su libertad condicional.

2016: Acusación de amenazas con arma

Una mujer acusó a Chris Brown de amenazarla con un arma en su casa de Los Ángeles. Brown fue arrestado después de un enfrentamiento con la policía, aunque negó todas las acusaciones.

2017: Denuncia de Karrueche Tran

La exnovia de Brown, Karrueche Tran, obtuvo una orden de restricción en su contra, alegando que Brown la había amenazado de muerte y había sido físicamente violento durante su relación.

2018: Demanda por supuesto ataque sexual en su casa

Una mujer presentó una demanda civil alegando que fue atacada sexualmente por uno de los amigos de Brown en su casa. Aunque Brown no fue acusado directamente de agresión sexual, el incidente manchó aún más su reputación.

2019: Arresto en París por acusación de violación

Brown fue arrestado en París tras ser acusado de violación por una mujer. Fue liberado sin cargos, pero las acusaciones fueron otro golpe a su imagen pública.

2022: Demanda de 20 millones de dólares por drogar y abusar de una mujer

El rapero fue acusado por una mujer, identificada como Jane Doe, quien alega que Brown la drogó y abusó de ella en un yate que estaba atracado cerca de la casa del rapero Sean ‘Diddy’ Combs en Star Island, Florida, el pasado 30 de diciembre de 2020.

París, 23 jul (EFE).- La modelo y actriz francesa Laetitia Casta y el rapero estadounidense Snoop Dogg figuran entre los portadores de la llama olímpica en Saint Denis poco antes de su llegada a París, anunció este martes el alcalde de la localidad.

El primer edil, Mathieu Hanotin, destacó que habrá "un elenco internacional" para la última etapa de la llama antes de que llegue a París para la ceremonia de apertura, según dijo en la red social X.

Hanotin consideró que el paso de la llama por la ciudad del extrarradio parisino será "un gran acontecimiento", con un concierto del intérprete Slimane ante la plaza de la catedral de la ciudad, donde están enterrados los reyes de Francia.

Casta, también guionista y directora, recibirá la llama olímpica del periodista radiotelevisión Mohamed Bouhafsi, criado en Saint Denis.

En cuanto a Snoop Dogg, aunque no ha reaccionado directamente después del anuncio, en los últimos días ha hecho varias publicaciones en redes, incluyendo algunos con uniforme deportivo estadounidense, desde la capital francesa, y uno de ellos con el mensaje "París 2024, tú molas".

Drake es un destacado rapero canadiense que ha logrado un gran impacto en la industria musical pero que en las últimas horas se ha vuelto viral por incursionar en el ámbitos de las apuestas deportivas, poniéndose en contra de la Selección Argentina durante la Copa América.

El cantante de rap había publicado una imagen en Instagram mostrando que su apuesta le habría generado un pago de 2,88 millones de dólares si Canadá ganaba. Sin embargo, los goles de Julián Álvarez y Lionel Messi aseguraron el pase de Argentina a la final, frustrando los planes del artista.

Desde la cuenta oficial de la selección respondieron a la publicación de Drake con una foto acompañada de la frase en inglés “Not like us” (“No como nosotros”, en español), el título de una canción lanzada por Kendrick Lamar en mayo. Esta canción, que critica al artista canadiense, ha sido reproducida casi 500 millones de veces en Spotify y su video musical tiene más de 115 millones de visitas en YouTube.

Cómo comenzó su carrera Drake

Aubrey Drake Graham, conocido mundialmente como Drake, comenzó su carrera en el mundo del entretenimiento a principios de la década de 2000 como actor en la serie “Degrassi: The Next Generation”. Sin embargo, su verdadera pasión siempre fue la música. En 2006, lanzó su primer mixtape, “Room for Improvement”, que marcó el inicio de su camino en la industria musical.

Drake continuó ganando terreno con sus siguientes mixtapes, “Comeback Season” (2007) y “So Far Gone” (2009). Este último incluyó éxitos como “Best I Ever Had” y “Successful”, catapultándolo a la fama y atrayendo la atención de Lil Wayne, quien lo fichó para su sello Young Money Entertainment.

En 2010, Drake lanzó su álbum debut, “Thank Me Later”, que debutó en el número uno del Billboard 200 y consolidó su posición en la escena musical. A partir de ahí, la carrera de Drake despegó con fuerza. Sus siguientes álbumes, “Take Care” (2011), “Nothing Was the Same” (2013) y “Views” (2016), no solo fueron éxitos comerciales, sino que también recibieron elogios de la crítica y múltiples premios, incluidos varios Grammy.

Drake ha colaborado con una variedad de artistas de diferentes géneros, ampliando su influencia y consolidándose como un ícono cultural. Su estilo versátil, que mezcla rap, R&B y pop, ha resonado globalmente, haciendo de Drake uno de los artistas más exitosos y reconocidos de la última década.

A lo largo de su carrera, Drake ha roto numerosos récords de ventas y streaming, convirtiéndose en un fenómeno musical mundial. Su capacidad para reinventarse y mantenerse relevante sigue siendo un testimonio de su talento y dedicación. Hoy, Drake continúa siendo una figura central en la industria musical, con millones de seguidores a nivel global y una prolífica carrera que sigue en ascenso.

Cuál es la abultada cifra que Drake apostó en contra de la selección argentina

El rapero canadiense realizó una apuesta de 300.000 dólares a favor de una victoria de Canadá sobre el equipo encabezado por Messi. A través de sus redes sociales, Drake compartió el recibo de su apuesta con el mensaje “Esto podría ponerse feo, Messi”.

En caso de que Canadá hubiera ganado, Drake habría recibido 2.880.000 dólares. Sin embargo, la apuesta no prosperó y Drake se convirtió en objeto de burlas y memes en las redes sociales por su pronóstico fallido.

La participación de Canadá en el torneo ha sido notable, siendo el único representante de CONCACAF que llegó a las semifinales de la Copa América. No obstante, el equipo no superó a la selección argentina, que ahora espera a su rival para la final del certamen.

¿Por quién había apostado Drake en el Mundial Qatar 2022?

Durante el Mundial de Qatar, el artista tomó una apuesta destacada al invertir un millón de dólares en la victoria de Argentina sobre Francia en la final. Drake apostó a que Argentina ganaría en el tiempo reglamentario, lo que no ocurrió ya que el partido se decidió en los penales.

La apuesta de Drake hubiese generado una ganancia de USD 2.750.000 si el pronóstico se hubiera cumplido en los 90 minutos regulares, con una cuota de 2,75.

Sin embargo, la definición se dio a través de los lanzamientos desde los doce pasos, donde el arquero Emiliano “Dibu” Martínez fue crucial para la victoria argentina, pero no para las expectativas de Drake.

Tirone José González Orama, mejor conocido como Canserbero, murió el 20 de enero de 2015 en la ciudad de Maracay, Venezuela, a los 26 años. El joven era una de las figuras de la escena del hip hop en América Latina. Su talento era indiscutible. La revista Rolling Stone lo eligió recientemente como el mejor rapero en español de los últimos 50 años. Para el artista venezolano el cielo era el límite. El martes se conoció que se muerte no se trató de un suicidio, como inicialmente se creía, sino que fue asesinado a apuñaladas por su representante Natalia Améstica.

“Con letras profundas, una voz inconfundible y una actitud de sólida autenticidad, Canserbero necesitó poco tiempo para convertirse en una de las figuras emblemáticas del rap en América Latina. Sus canciones cuentan historias complejas y oscuras, son reflexiones sesudas en torno a la vida, la muerte, la injusticia y las calles”, escribió la revista Rolling Stone en su reseña.

El 20 de enero de 2015, según la información que publicaron los medios venezolanos, aproximadamente a las 05:30 a.m. Canserbero se lanzó desde el décimo piso de un edificio ubicado en la urbanización Andrés Bello de Maracay. El hecho ocurrió en el apartamento de su amigo y colega, Carlos Daniel Molnar González, conocido como Stoperro, bajista de la banda Zion TPL.

De acuerdo con las autoridades venezolanas, Molnar le ofreció su casa a Canserbero en un momento de crisis personal, dado que supuestamente enfrentaba un episodio severo de depresión y una posible esquizofrenia. Pasada la media noche, y supuestamente tras sufrir un brote psicótico, el rapero asesinó a su amigo, luego fue a la cocina y se lanzó por la ventana.

Sin embargo, el entonces ex Defensor del Pueblo de Venezuela, Tarek William Saab, recomendó la exhumación del cuerpo de Canserbero tras reunirse con familiares del artista en marzo de 2015. Ese encuentro le dejó dudas al funcionario chavista sobre la versión oficial.

En abril de 2015, Saab presentó una reconstrucción de los hechos basado en indicios como la ausencia de la hija de los anfitriones en el momento del hecho. Además, se planteó la falta de resistencia aparente de Molnar, supuesto víctima de puñaladas.

Saab también señaló que el modo de extraer las romanillas de la ventana apuntaba a un acto deliberado y no a un suicidio desesperado, citando el testimonio de las hermanas del artista. Entre las dudas planteadas también estaba la desaparición de una suma de dinero y la partida de la única testigo, Natalia Améstica, esposa de Molnar, quien viajó a Chile tras el incidente.

Los familiares de Canserbero negaron que el artista tuviera trastornos mentales y resaltaron la inexistencia de sangre en sus manos que indicara su participación en el asesinato de Molnar. Su cuerpo fue hallado en una posición poco usual, y las cámaras de seguridad estaban apagadas. La versión inicial de los hechos fue proporcionada por los hermanos Guillermo Orlando Améstica y Natalia Améstica.

La confesión de la asesina

Tras más de ocho de investigación, el ahora fiscal general, Tarek William Saab, expuso el martes frente a periodistas un “esclarecimiento definitivo” de este caso “que causó conmoción en el mundo de la música” y que incrimina a una decena de funcionarios policiales y del sistema de justicia.

Saab presentó declaraciones grabadas en video en los que Améstica confiesa haber usado benzodiacepinas para adormecer a Molnar, quien era su pareja, y a Canserbero, para luego apuñalarlos hasta dejarlos sin vida.

En su relato, la mujer cuenta se peleó con Molnar por dinero, un hecho relacionado a los gastos realizados en 2015 en un gira a Chile. Améstica también habría discutido con el joven rapero, quien al parecer le pidió que no fuera más su representante.

La noche del crimen, Amestica les preparó un té al que les puso benzodiacepinas. Cuando Molnar estaba bajo los efectos de la droga, adormecido, la mujer aprovechó y le clavó unas puñaladas en el cuelo. Canserbero fue testigo de todo, sin embargo no pudo reaccionar porque también estaba bajo el poderoso efecto del ansiolítico. Cuando el artista cayó dormido, la mujer lo apuñaló. Desesperada y sin saber qué hacer, llamó a su hermano, quien llegó al departamento con unos funcionarios de la inteligencia estatal venezolana (Sebin). Los hombres arreglaron la escena del crimen de tal forma que pareciera que Canserbero asesinó a su amigo y, en un rapto de locura por una supuesta esquizofrenia, se lanzó por la ventana del apartamento.

Los policías judiciales que ayudaron a limpiar la escena del crimen pidieron a cambio 10.000 dólares para sostener ante las demás autoridades la versión que habían armado. Tras el hecho, los hermanos Amestica se fueron a Chile y regresaron a Venezuela cuando la causa fue sobreseída.

“Dichas brutales revelaciones expresan como los hermanos Amestica, de origen chileno, se confabularon por odio, envidia, sed de venganza y ambiciones financieras, para matar a Tyrone González, Canserbero, y a Carlos Molnar”, declaró Saab.

En la investigación participaron cerca de 50 personas y hay seis detenidos por estos hechos, entre ellos los hermanos Améstica, y se han librado otras órdenes de captura contra dos fiscales “que encubrieron” la verdad, detectives del Cuerpo de Investigaciones Científicas, Penales y Criminalísticas (Cicpc) y un oficial de la Policía Nacional Bolivariana (PNB) que obstruyeron la justicia. Asimismo, la Fiscalía ha pedido encarcelar a la forense que revisó el cuerpo de Canserbero, a quien calificó como “un mártir de la juventud venezolana”.

Durante las primeras horas del 29 de junio, la agrupación de rap Under Side 821 dio a conocer en su cuenta de Facebook que uno de sus integrantes había resultado herido tras el ataque armado que ocurrió en el municipio de Apodaca, Nuevo León.

Hasta ahora, se sabe que las autoridades de Nuevo León ya se encuentran investigando el ataque armado, el cual dejó cuatro personas heridas y dos fueron trasladadas al hospital, entre ellas Omar Thug, rapero de la banda Under Side 821.

Cómo ocurrieron los hechos que dejaron a un rapero mexicano herido

De acuerdo con los primeros informes, todo ocurrió en el municipio de Apodaca, Nuevo León, entre la calle Guernica y Denia de la colonia Praderas segundo sector.

Según los informes, las balas que dos hombres armados dispararon en contra de los asistentes a un convivio privaron de la vida a cuatro personas, las cuales aún no son identificadas.

El ataque armado ocasionó la rápida movilización de la polía municipal, la Agencia Estatal de Investigación (AEO), la Guardia Nacional y el Ejército. Sin embrago, pese a la recolección de evidencias, aún no se tiene información oficial de los agresores.

Por qué el rapero Omar Thug resultó herido

Aunque la identidad de las víctimas y los atacantes sigue siendo desconocida, la agrupación de rap se encargó de confirmar la información de que uno de los heridos pertenece al grupo.

“A Omar Thug le pegó una bala pérdida. Ya en el hospital, pero todo bien. Gracias a los que se han preocupado. Nosotros nos dedicamos a hacer música”, escribió el grupo en Facebook.

Por otra parte, se presume que el ataque podría estar relacionado con algunas rencillas que existen entre los principales grupos delictivos de la zona.

Quiénes son Under Side 21

Under Side 21 es una agrupación musical mexicana que se especializa en el género del hip-hop y rap. Originarios de Fresnos, Apodaca, Nuevo León, la banda se formó en 2008 y rápidamente ganó reconocimiento en la escena underground del rap mexicano.

Están integrados por Doer, Pollo, Antuan, Bolado, Oso, Basher, Luzio y Nonefield, quienes se describen como: “Nosotros no somos el Under Side, porque no somos un grupo musical, ni un conjunto, ni mucho menos un solista. Nosotros somos la Under Side porque somos una clicka, una banda, una ganga, una familia, una pandilla”.

Desde sus incios en la música hace más de 10 años, han lanzado grandes clásicos como Sangre de mi barrio, La cumbia de la lluvia, El soldado y Los caídos. Aunque una de sus mejores versiones surgió en 2012 bajo el nombre de La Lotería, un rap bastante interesante, porque además de hacer alusión a un juego tradicional mexicano, cuenta historias de la vida cotidiana.

Sus letras abordan temas sociales, cuestiones de la vida cotidiana y experiencias personales, caracterizándose por un estilo crudo y auténtico. La agrupación ha colaborado con otros artistas del género y ha participado en numerosos eventos y festivales, consolidándose como una de las voces influyentes en el rap mexicano.

Quién es Omar Thug

Omar Thug es un rapero mexicano, conocido por ser uno de los miembros fundadores de la agrupación Under Side 821, donde se destaca por sus letras contundentes y su estilo directo, abordando temas que reflejan las realidades sociales y las experiencias personales de la vida en su comunidad.

Como parte de Under Side 821, ha contribuido a posicionar al grupo en la escena del rap mexicano, ganando una considerable base de seguidores y participando en diversas colaboraciones con otros artistas del género. Su trabajo ha sido fundamental para el desarrollo y la popularidad del rap y hip-hop en México.

Usher, el reconocido artista norteamericano de R&B y Rap de 45 años, ha compartido detalles sobre su exhaustiva rutina diaria de preparación física y mental que lo mantiene en la cima de su carrera y listo para enfrentar su ajetreada agenda sobre los escenarios. Reconocido por su energía y rendimiento, el ganador de ocho premios Grammy ha destacado la importancia de una serie de prácticas que le ayudan a comenzar el día con el pie derecho.

La rutina diaria de Usher comienza con un “momento de reflexión.” Según el cantante, “meditar, leer un libro o practicar yoga” son actividades que elige para activar su mente y cuerpo. “Realmente ayuda a activar mis órganos y poner mi mente en la dirección correcta”, explicó Usher.

El artista prefiere comenzar su rutina matutina sin café, una práctica poco común. “Depende de cómo haya terminado la noche anterior. A veces, un martini de café es adecuado”, bromeó Usher, quien recibirá el prestigioso premio a la Trayectoria en los premios BET 2024, el 30 de junio. Suelen comenzar su día con jugo de apio o una mezcla de limón, jengibre, agua y pimienta de cayena. “Lo bebo caliente”, agregó.

Usher también detalló que su desayuno suele incluir huevos revueltos con queso, pero solo después de haber realizado alguna actividad física. “No me gusta desayunar antes de hacer ejercicio, tomar una caminata, estirarme o practicar yoga, sentarme bajo el sol y aumentar la temperatura natural de mi cuerpo. Luego, como”, aseguró el músico en una entrevista con el Wall Street Journal.

El único día en que su rutina cambia es los miércoles. “Ayuno, no por razones religiosas, sino porque es algo que practicaba mi abuela”, dijo el cantante. Desde alrededor de las 11 p.m. de la noche anterior hasta todo el día siguiente, solo consume agua.

Para su actuación en el Super Bowl, Usher ajustó aún más su rutina de dieta y ejercicio ya estricta. “Fue uno de los 15 minutos más difíciles de mi vida”, confesó. Sus ejercicios diarios se sumaron a una dieta baja en carbohidratos. “Estaba preparando mi cuerpo la noche anterior y comiendo una dieta muy controlada al día siguiente”, comentó.

Durante su discurso de aceptación del premio a la Trayectoria en los BET Awards, Usher Raymond IV agradeció a quienes lo han apoyado a lo largo de su carrera y especialmente a su esposa. “Sin tu amor, pasión y apoyo, esto no habría sido posible. A mi mejor amiga, Jennifer Raymond, te amo, cariño”, expresó. “Mi esposa, que está en el público esta noche. Gracias por tu apoyo y me alegra que podamos hacer esto juntos.”

Usher también incluyó en su rutina la lectura, meditación y prácticas de yoga, que son una forma de preparar su mente y cuerpo para un día activo. ”Realmente ayuda a activar mis órganos y poner mi mente en la dirección correcta”, subrayó el cantante. El detalle de sus actividades diarios reafirma su compromiso con llevar una vida saludable y balanceada.

En cuanto a su dieta, preferiblemente baja en carbohidratos, el rapero menciona la importancia de alimentos saludables y el control estricto de lo que consume, especialmente antes de ocasiones importantes como sus grandes actuaciones. La estricta preparación corporal y mental que realiza, según lo explicado en la entrevista es clave para su desempeño en el escenario y en su vida cotidiana.

La dedicación de Usher a su bienestar físico y mental se extiende más allá de su carrera musical, mostrando cómo combina su vida profesional y personal de manera holística y disciplinada. A sus 45 años, este modelo, cantante, coreografo, bailarín, diseñador y productor de eventos, vendió más de 75 millones de álbumes y 200 millones de copias a lo largo de su carrera, lo que lo han transformado en un ejemplo dentro de la industria del entretenimiento.

El título del nuevo libro de Questlove, Hip-Hop Is History (”El hip-hop es historia”), tiene un doble significado. El baterista y co-líder de The Roots argumenta de manera convincente no sólo que el hip-hop es una pieza fundamental de la historia cultural, sino también que, hasta cierto punto, es historia, como en una forma de arte “que ha seguido su curso en un momento importante”.

La ocasión para este análisis es el 50 aniversario del hip-hop, que posiblemente comenzó en una fiesta en una casa del Bronx en 1973. ¿Cómo ha evolucionado desde entonces y hacia dónde irá?, se pregunta Questlove, y más concretamente: ¿Cuánto tiempo debería seguir siendo el hip-hop la manzana de nuestros ojos, si sabemos que hay un gusano en su núcleo? “Gran parte del hip-hop es un reflejo del dolor, incluso las partes alegres”, escribe. “En primer lugar, solo existió porque la educación musical en las escuelas públicas carecía lamentablemente de fondos suficientes. Los niños negros querían tocar el trombón o el violín, pero no conseguían instrumentos. Eso los obligó a utilizar el equivalente a restos de comida, y el ingenio y el genio convirtieron esos restos sónicos en un nuevo género”.

A lo largo de más de 300 páginas, Questlove utiliza su experiencia como artista, DJ y productor para explorar cómo ocurrió esa transformación. Es un guía turístico afable y experto a través de los anales del hip-hop, tan experto en hilar hilos como en tocar discos. El libro está organizado según quinquenios. Cada media década está definida por su propia droga. La etapa embrionaria del hip-hop se produjo entre 1979 y 1982, un período que, según Questlove, estuvo moldeado por la cocaína y el ancestro cercano del rap, la música disco. El género pasó a su era del crack de 1987 a 1992, la marihuana ocupó un lugar central entre 1992 y 1997, y el éxtasis llevó al hip-hop a un nuevo milenio de 1997 a 2002, y así sucesivamente, hasta llegar al anestésico estético actual: el fentanilo. Pero, afortunadamente, “estos períodos no son sólo farmacéuticamente distintos”, señala Questlove. “Cada época tuvo su propio estilo, sus propios temas, su propia tecnología, su propia cultura”.

Considera que finales de los 80 y principios de los 90 fueron la “edad de oro del hip-hop, cuando parecían surgir MC y DJ innovadores cada pocos meses, y los álbumes clásicos regularmente brotaban en la vid”. Gran parte de su admiración por ese período se debe a Public Enemy, las estrellas de agitación y propaganda de Long Island. Él atribuye al grupo una especie de “CNN negra”, especialmente adecuada para capturar y comentar sobre los cambios tectónicos que estaban ocurriendo en la vida de los estadounidenses negros en ese momento. Los álbumes de Public Enemy combinaron los vigorizantes comentarios sociales de Chuck D con el humor suficiente de Flavor Flav para evitar que supieran a vegetales culturales. Questlove reparte apoyos iguales al equipo de producción del grupo, Bomb Squad, cuyos samples densamente estratificados e inteligentemente alusivo entretejieron elementos básicos de soul, funk y hip-hop en una descripción melodiosa y espesa.

Para Questlove, el hip-hop pasó del oro a las monedas de repuesto a principios de la década de 2000. Cita la canción “Heat” de 50 Cent, de 2003, en la que aparece un arma que se dispara donde uno esperaría que estuviera un tambor, como un punto de inflexión. “Lo que siempre había impulsado el gangsta rap era la idea del miedo”, escribe Questlove. “Mantenía un aire de misterio... el engaño siempre fue más peligroso que la amenaza”. Pero una vez que 50 Cent prometió matar a sus enemigos con cera y desafió al fiscal del distrito a tocar la canción en un hipotético caso judicial contra el rapero, “esta arriesgada lírica... afectó mi percepción de todo después de eso”.

Questlove, que escribe con Ben Greenman, está atento tanto al esplendor del género como a sus tropiezos. Simpatiza con el espíritu aspiracional y a veces alegremente materialista de las figuras más importantes del rap (“a veces los matemáticos y los deportistas pueden encontrar puntos en común”, escribe), pero rechaza firmemente la noción de que los estantes, pilas y bandas de cualquier persona puedan ser tu vida. “La atmósfera de vida o muerte que se solidificó alrededor de estrellas como Jay-Z y Puffy era como un juego de Monopoly con sólo Boardwalk”, observa Questlove. “Pero no es así como se juega el juego. Mientras la gente miraba las propiedades de color azul oscuro, entendí muy bien que podía conectar algunas [cosas] en las amarillas, Marvin Gardens o Ventnor”.

Como escritor e historiador, Questlove, cuyos libros anteriores incluyen Mo’ Meta Blues (2013) y Music Is History (2021), tiene lo que los músicos llaman bolsillo: una estrecha sintonía con los ritmos críticos sin excesiva pompa o destello. Sus sugerencias para seguir escuchando están organizadas por lo que él llama “el principio Thriller”. Lo que eso significa, en resumen, es que algunas canciones son demasiado obvias para agregarlas a la lista”. El libro termina con una lista de reproducción completa de “canciones que realmente escucho”. Incluye cortes tan variados como “Gorilla” del rapero, cantante y actriz británico Little Simz, los compases autobiográficos y de jazz de “A Charmed Life” de J-Live y el poco ético y no monogámico himno de Kwest Tha Madd Lad “101 Things to Do While I’m With Your Girl”. Sólo un puñado de canciones de Roots figuran en la lista.

Cerca de su conclusión, el libro vira descaradamente hacia la ficción especulativa. Questlove escribe desde la perspectiva de sí mismo a los 103 años, cuando una computadora sensible lo contrata para que proporcione una introducción a una edición centenaria de su libro, más tarde rebautizado como “El hip-hop sigue siendo historia”. Es durante este experimento mental afrofuturista que acuña la frase “fandom elástico”: un entusiasmo y una curiosidad resistentes que impulsan a los devotos hacia los impulsores y agitadores más nuevos de un género después del apogeo personal del oyente. El mismo proyecto del libro actúa como publicidad para el fandom elástico. Es cariño sin fanatismo; ardor con acero de fijación seguro.

Desde la perspectiva de 2073, Questlove analiza algunos de los principales desarrollos relacionados con el hip-hop que se desarrollaron después de la presentación del libro. La llegada del dictado mental le permite componer el capítulo directamente desde lo alto de la cúpula (una contraparte futurista del estilo libre). Una canción que no es hip-hop de André 3000 se adopta como nuevo himno nacional, mientras que Big Boi, ex compañero de equipo de 3000 en OutKast, dirige una exitosa campaña para gobernador en Georgia.

Pero lo más fantasioso de la visión del futuro de Questlove es su propia supervivencia. Sueña su camino hacia el epitafio del rap, con la notable advertencia de que algunos miembros de la vanguardia del género viven lo suficiente para escribirlo. Como lo ve el autor, los breakbeats están irrevocablemente ligados a un enorme quebrantamiento histórico, por lo que, en última instancia, debemos evitarlos si queremos que la América negra alguna vez se recupere. Sabe que se trata de una táctica audaz y, en la medida en que su crítica musical también sirve como memoria, es una táctica abnegada. Pero Questlove nos desafía a elegir, por una vez, amar a los negros por encima de la cultura negra.

* G’Ra Asim, escritor y músico, es profesor asistente de escritura creativa en la Universidad de Washington en St. Louis y autor de “Boyz n the Void: A Mixtape to My Brother”.

* Questlove también es autor de “Ponte creativo”, que se puede leer clickeando acá.

Calvin Cordozar Broadus Jr., mejor conocido cómo Snoop Dogg, es una de las figuras más influyentes en la historia del rap y la cultura pop. Desde sus humildes comienzos en Long Beach, California, ha logrado cimentar una carrera exitosa que abarca décadas, con éxitos que van desde álbumes multiplatino hasta colaboraciones en programas de televisión y cine.

Sin embargo, más allá de los reflectores y la fama, Snoop también es un hombre de familia que ha sabido equilibrar su vida profesional con su vida personal.

Desde los inicios de su carrera, el rapero ha establecido una relación duradera junto a su actual esposa Shante. Se conocieron en 1997 y formaron una familia, que pese a los altibajos que ha tenido el artista, se ha mantenido unida a través de los años.

Cuántos hijos tiene Snoop Dogg

Snoop Dogg es padre de cuatro hijos. Con su esposa, Shante Broadus, con quien está casado desde 1997, tiene tres hijos: Corde (29), Cordell (27) y Cori (24). Además, tiene un hijo, Julian (26), de una relación anterior.

A qué se dedican

Corde Broadus

El primogénito de Snoop y Shante, Corde Broadus, persigue una carrera en la música, actuando bajo el nombre artístico de Kalvin Love. Es padre de tres hijos: Zion, Leo y Elleven Love. En 2019, perdió a un hijo, Kai Love, a los diez días de su nacimiento.

Cordell Broadus

Cordell, el segundo hijo de la pareja, jugó al fútbol americano en UCLA antes de abandonar el deporte para dedicarse al cine y la música. Dirige la compañía Film School Productions y trabaja en el documental “Son of Kings”. Además, tiene su propio sello discográfico, Real Queen Sound, y se ha adentrado en el mundo de los NFTs y otros emprendimientos. Es padre de dos hijas, Cordoba y Chateau, con su pareja Phia Barragan.

Julian Corrie Broadus

Julian, hijo de Snoop con Laurie Helmond, ha optado por una carrera en la tecnología. Es director ejecutivo de promociones de Voxel X Network, una empresa especializada en NFTs y videojuegos.

Cori Broadus

La única hija de Snoop, Cori, es cantante y actúa bajo el nombre de Choc. Además, es empresaria, vendiendo productos de belleza a través de su empresa Choc Factory. Sufre de lupus, un trastorno autoinmune, y ha adoptado un enfoque holístico para manejar su salud.

Quién es la pareja actual de Snoop Dogg

Shante Broadus, conocida por ser la esposa del icónico rapero Snoop Dogg, ha sido una figura central en su vida personal y profesional. La pareja se casó en 1997 y han mantenido una relación duradera que ha superado varios desafíos a lo largo de los años.

Shante ha desempeñado un papel crucial en la crianza de sus hijos y en apoyar la carrera de Snoop. A lo largo de los años, ha mostrado ser una madre dedicada y una esposa leal, a menudo apareciendo en programas de televisión y eventos públicos junto a su familia.

Ella ha estado a su lado desde los inicios de su carrera musical, apoyando sus decisiones y participando activamente en sus proyectos. En varias entrevistas, el rapero californiano ha mencionado que su relación con su esposa ha sido fundamental para su éxito y estabilidad.

La relación de Shante y Snoop no ha estado exenta de problemas. Han enfrentado altibajos, incluyendo una breve separación en 2004, pero lograron reconciliarse y fortalecer su matrimonio. Su capacidad para superar estas dificultades ha sido un testimonio de su compromiso mutuo y de su familia.

Además de su papel como esposa y madre, Shante Broadus es una mujer de negocios y filántropa. Ha trabajado en varios proyectos y causas benéficas, demostrando su compromiso con su comunidad y su deseo de marcar una diferencia.

En el mundo del hip hop, las disputas y confrontaciones líricas han sido una constante a lo largo de las décadas. Sin contar que, dejaron huella en la historia del género con enfrentamientos memorables entre algunos de sus máximos representantes. Estos conflictos han dado lugar a canciones llenas de acusaciones y respuestas ingeniosas, mostrando el talento y la astucia de los involucrados.

Las peleas en el rap, conocidas comúnmente como disses, se originan por diversas razones, desde desacuerdos personales hasta competencias profesionales. Esto ayudó a que el alcance y la profundidad del género llegue a niveles más altos. Los diss tracks se remontan a mucho antes de que este género urbano se popularizara, incluso en la música de otros artistas que se especializan en géneros totalmente diferentes se encuentra. Sin embargo, fue dentro del movimiento hip hop donde esta práctica se consolidó, en especial con el nacimiento del gangsta rap y la rivalidad entre la East Coast y la West Coast de los Estados Unidos en los años 90.

5 . Eminem y Machine Gun Kelly (MGK)

La rivalidad entre los raperos estadounidenses Eminem y Machine Gun Kelly (MGK) es una de las más destacadas dentro del mundo del hip-hop, marcada por intercambios de canciones y declaraciones que han captado la atención del público y la crítica.

Esta disputa inició en 2016, a raíz de un comentario de MGK en redes sociales sobre la hija de Eminem, Hailie, lo cual desencadenó una serie de respuestas musicales entre ambos artistas.

Eminem, reconocido por su habilidad en la producción de rimas complejas y contundentes, respondió a Machine Gun Kelly con el tema “Not Alike”, acusándolo de carecer de valor en el ámbito del rap. MGK contraatacó con “Rap Devil”, un juego de palabras que hacía referencia a “Rap God”, uno de los éxitos más conocidos de Eminem, señaló que la relevancia del veterano rapero había decaído con el tiempo.

Sin embargo, Eminem replicó con “Killshot”, un tema donde afirmaba su superioridad en ventas y habilidad lírica, que hace énfasis en que, a pesar del tiempo, todavía mantenía su estatus dentro de la industria musical. La ausencia de una respuesta directa de MGK a este último ataque, el público consolido a Eminem como el vencedor de la disputa.

Esto marcó un punto de inflexión en la carrera de Machine Gun Kelly, quien en 2020 experimentó un cambio de género musical del rap al punk, movimiento que muchos interpretaron como una consecuencia de esta confrontación. Además, en 2019, MGK acusó a Eminem de sabotear su álbum “Hotel Diablo”, lo que agregó otra capa a su disputa.

4. NWA y Ice Cube

N.W.A. fue un grupo de hip-hop pionero del gangsta rap, marcó un antes y un después en la industria con su álbum “Straight Outta Compton”, donde abordó temas como la brutalidad policial, el tráfico de drogas, y la vida en los ghettos estadounidenses. Sin embargo, el éxito del grupo también fue el preludio de conflictos internos, especialmente en lo que respecta a la repartición de ganancias.

En 1989, Ice Cube, uno de los miembros destacados del grupo, decidió abandonar N.W.A. debido a disputas sobre la distribución económica generada por su música. A pesar de esto, Cube inició una exitosa carrera en solitario. Aunque inicialmente pareció una separación amistosa, tensiones surgieron posteriormente, evidenciadas en canciones donde miembros de N.W.A., incluidos Eazy-E y Dr. Dre, lanzaron críticas hacia Ice Cube.

En respuesta, Ice Cube lanzó el tema “No Vaseline” en su segundo álbum “Death Certificate”. En esta canción, el rapero alzó la voz y acusó a Eazy-E y al manager del grupo, Jerry Heller, de explotar al grupo y no repartir justamente las ganancias. Aunque el conflicto entre Ice Cube y Dr. Dre fue menos pronunciado, es notable que Dre también abandonó N.W.A. en 1992, y citó razones similares a las de Cube respecto a la falta de equidad en el reparto de ingresos.

Los conflictos internos llevaron finalmente a la disolución de N.W.A., aunque en 1993 se produjo un último enfrentamiento musical dirigido por Dr. Dre contra Ice Cube, titulado “Fuck Wit Dre Day”, donde participó Snoop Dogg. Afortunadamente, con el paso del tiempo, las diferencias fueron superadas y los antiguos miembros de N.W.A. reconciliaron.

La historia de N.W.A. y sus tensiones internas fueron dramatizadas en la película “Straight Outta Compton”, disponible en Apple TV+.

3. Roxanne Shanté y U.T.F.O.

Roxanne Shanté, figura relevante en el ámbito del hip-hop, es reconocida por haber lanzado lo que se considera el primer diss track de la historia de este género musical. Crecida en un ambiente donde desde temprana edad mostró afinidad por las rimas, Shanté se enfrentó a la sexualización durante su adolescencia, un contexto que le proporcionó un punto de vista crítico respecto a cómo se representaba a las mujeres en el género y la música en general.

Su respuesta al tema “Roxanne” de UTFO (Untouchable Force Organization) en 1984, fue el puntapié para el uso de las canciones como medio para el enfrentamiento directo entre artistas. El grupo había lanzado una canción que hablaba de una joven llamada Roxanne, criticándola por no prestarle atención. Shanté, utilizó el mismo nombre, creó “Roxanne’s Revenge”, donde asumía el papel de la joven mencionada por UTFO. En la canción, rappeó una serie de razones por las que ella rechazaría a los miembros del grupo.

A pesar de las críticas y los desafíos que enfrentó por ser una joven atreviéndose a cuestionar y ofender a una agrupación establecida, Roxanne Shanté mantuvo su postura. La rapera defendió su derecho a expresar su perspectiva a través del arte. Además de su contribución en el género, al incentivar el diss track, demostró las tensiones de género presentes en el hip-hop. Y estableció un precedente para el empoderamiento femenino y la expresión crítica mediante la lírica en el rap.

2. Jay-Z y Nas

Otra de las rivalidades más emblemáticas dentro del género, es la que hay entre Jay-Z y Nas, que destaca tanto por la calidad lírica de ambos artistas y también por la intensidad y duración del conflicto.

Este enfrentamiento comenzó en 1996, cuando Nas no asistió a una sesión de grabación para el álbum debut de Jay-Z, “Reasonable Doubt”, que dieron pie a una serie de intercambios en forma de disses.

El conflicto se intensificó cuando Memphis Bleek, protegido de Jay-Z, se unió a la disputa al lanzar múltiples ataques hacia Nas. Estas canciones, indirectamente, también afectaban la reputación de Jay-Z. Fue en 2001 cuando Jay-Z lanzó “Takeover”, parte de su álbum “The Blueprint”, donde criticó la regularidad musical de Nas y puso en duda su música y desmintió que Nas fue “criado en la calle”. En respuesta, Nas sacó “Ether” y acusó a Jay-Z de imitar su estilo y criticó su cambio de actitud por dinero.

La rivalidad cubrió una amplia gama de temas personales y profesionales, que incluyó insultos de índole misóginos, homofóbicos, y acusaciones de traición. Incluso la madre de Jay-Z llegó a involucrarse en algún momento para pedirle a su hijo que moderara el contenido de sus letras.

A pesar de la dureza de los ataques, muchos consideran que Nas emergió victorioso en este enfrentamiento, especialmente por el impacto de “Ether”, que se convirtió en un término usado en el hip-hop para describir una derrota lírica contundente. Sin embargo, la verdadera victoria fue compartida, ya que ambos artistas lograron capitalizar la atención generada por su rivalidad, que se tradujo en éxito comercial y continuo sus carreras con logros significativos.

En 2005, Jay-Z y Nas pusieron oficialmente fin a su rivalidad, demostró que más allá de las diferencias, el respeto mutuo y el reconocimiento del talento del otro eran elementos fundamentales en su relación.

1. Tupac Shakur y The Notorious B.I.G.

El conflicto entre Tupac Shakur (2pac) y The Notorious B.I.G. (Biggie) se lo conoce como uno de los momentos más críticos y trágicos en la historia del hip-hop.

En 1992, Dr. Dre luego de abandonar N.W.A. se unió a Death Row Records. En este sello discográfico se enontraban figuras como Snoop Dogg, MC Hammer y a Tupac Shakur. 2pac era conocido por ser el representante de la West Coast de California. Paralelamente, en Nueva York, el productor musical Sean Combs (Puff Daddy) fundaba Bad Boy Records, fichando a The Notorious B.I.G. como la voz de la East Coast.

Inicialmente, sin conflictos evidentes, la relación entre Tupac y Biggie se deterioró en 1994 después de que Tupac sufriera un tiroteo afueras de su estudio en Queens, Nueva York, incidente que lo llevó a sospechar de varias figuras cercanas, incluido B.I.G.

Biggie lanzó la canción “Who Shot Ya?”, Tupac la interpretó como una provocación directa. A pesar de esto, Biggie mantuvo que la canción había sido grabada previamente al ataque. Y en respuesta, tras su paso por la cárcel, Tupac lanzó “Hit Em Up”, que además de ser un ataque a Biggie, le dedicó sus rimas a otros asociados a la East Coast. Esto intensifico la fractura entre ambas costas.

Esta disputa, que fue alimentada por ambos artistas, se le sumó la prensa y las casas discográficas. Estas jugaron un papel crucial en avivar las llamas de la rivalidad, beneficiándose comercialmente a costa de la escalada del conflicto. Lamentablemente, esta confrontación culminó en la muerte de ambos raperos en tiroteos separados, Tupac en 1996 y Biggie en 1997, que marco un punto sombrío en la música y cultura del hip-hop.

Rap and Hip-HopSocial MediaDrake (Rapper)Lamar, Kendrick

Los raperos habían mantenido distancia durante más de una década, pero en varias canciones recientes, sus ataques se volvieron implacables y muy personales.

La rivalidad entre Kendrick Lamar y Drake, cada vez más enconada, estalló hace aproximadamente una semana con una encarnizada mordacidad y acusaciones inverificables. Ambos artistas lanzaron varias canciones creadas con rapidez, llenas de ataques sobre raza, apropiación, abusos sexuales y físicos, imagen corporal, misoginia, hipocresía, traumas generacionales y mucho más.

El más implacable fue Lamar, ganador de un premio Pulitzer y originario de Compton, California, quien tiende al aislamiento y a la reflexión, pero que ahora ha publicado cuatro diss tracks --término en inglés para las canciones cuyo objetivo principal es atacar a otro artista-- muy verbosos y conceptuales. En total, son más de 20 minutos de nueva música dirigida a Drake en la última semanas.

Cada una de ellas acumula millones de reproducciones y se espera que las tres que están disponibles comercialmente --"Euphoria", "Meet the Grahams" y "Not Like Us"-- se sitúen cerca de los primeros puestos de la lista Billboard de singles de la próxima semana, al tiempo que parecen cambiar, al menos momentáneamente, la percepción pública hacia Drake, durante mucho tiempo un maestro de los escenarios en línea y del ecosistema de memes.

Mientras tanto, el viernes 3 de mayo por la noche, Drake lanzó su propia andanada contra Lamar --además de algunos otros retadores recientes-- en un interludio de Instagram burlón, una canción en tres partes y un elaborado video musical titulado "Family Matters", en el que se refería a su rival como un falso activista e intentaba exponer fricciones y supuestos abusos en la relación romántica de Lamar.

Pero a esa canción le siguió, en menos de media hora, "Meet the Grahams" de Lamar, un siniestro discurso dirigido a los padres y al hijo pequeño de Drake, cuyo nombre de nacimiento es Aubrey Graham, en el que Lamar se refiere a su rapero rival como un mentiroso y un "pervertido" que "debería morir" para hacer el mundo más seguro para las mujeres.

Lamar también parecía afirmar que Drake tenía más de una década escondiendo a una hija secreta --haciendo eco de la gran revelación del hijo de Drake durante la anterior rivalidad notoria del rapero canadiense-- una afirmación que Drake negó rápidamente en Instagram antes de devolver el golpe en otra canción el domingo. (Ninguno de los dos hombres ha abordado toda la serie de acusaciones directamente).

El martes, un guardia de seguridad fue baleado y gravemente herido fuera de la casa de Drake en Toronto, la cual apareció en el arte de la portada de "Not Like Us" de Lamar. Las autoridades dijeron que aún no podían hablar de un motivo en el tiroteo, pero la investigación estaba en curso. Los representantes de Drake y Lamar no hicieron comentarios de inmediato.

¿Cómo decidieron dos de los artistas más famosos del mundo quitarse los guantes e introducir veneno de la vida real en un enfrentamiento prolongado por la supremacía del rap? Fueron semanas, meses y años de preparación, con una escalada repentina y vertiginosa hacia la infamia del hip-hop. A continuación, un desglose.

¿Por qué ahora?

Desde finales de marzo, el esperado cara a cara parecía inevitable. Tras años de amagues líricos de "¿lo harán o no lo harán?", Lamar lanzó un golpe directo por primera vez este año durante una aparición sorpresa en la canción "Like That" de Future, un rapero de Atlanta, y el productor Metro Boomin, ambos excolaboradores frecuentes de Drake.

Con una indignación que se podía escuchar, Lamar invocó el tema "First Person Shooter" del álbum de Drake del año pasado, For All the Dogs, en el que un verso invitado de J. Cole se refería a sí mismo, Drake y Lamar como "los tres grandes" de los MC modernos.

Lamar se opuso a esa agrupación, declarando que no había tres grandes, "solo un gran yo". También se definió a sí mismo como el Prince del Michael Jackson de Drake: un artista más profundo y complejo frente a un creador de éxitos problemático y orientado al pop.

"Like That" permaneció tres semanas en el número 1 de la lista Billboard Hot 100, mientras Future y Metro Boomin lanzaban dos álbumes exitosos --We Don't Trust You y We Still Don't Trust You-- que se vieron reforzados por un desfile de antiguos socios de Drake, cada uno de los cuales parecía compartir una aversión latente hacia el rapero, quien más tarde calificó la emboscada como una pelea de "20 contra 1".

A principios de abril, J. Cole contraatacó momentáneamente, lanzando la canción "7 Minute Drill", en la que llamaba a Lamar sobrevalorado, antes de dar marcha atrás, disculparse y retirar la canción de los servicios de emisión en continuo. Pero Drake no tardó en recoger el testigo y, menos de una semana después, publicó un diss track de amplio alcance titulado "Push Ups" en el que abordaba la rencilla, centrándose especialmente en la altura de Lamar, su talla de calzado y sus supuestos tratos de negocios desventajosos.

Menos de una semana después, Drake se burló de la falta de respuesta de Lamar en "Taylor Made Freestyle", un tema publicado solo en las redes sociales. En él, Drake se burlaba de Lamar por tener miedo de lanzar música al mismo tiempo que Taylor Swift y utilizó filtros de voz de inteligencia artificial para imitar a Tupac y Snoop Dogg implorándole a Lamar que luchara por el bien de la costa oeste.

"Desde 'Like That', tu tono ha cambiado un poco, no estás tan entusiasmado", rapea Drake en una tercera estrofa abreviada, como él mismo. "¿Cómo es que no estás en la cabina? Es como si te hubieras ido". ("Taylor Made Freestyle" fue posteriormente retirada de internet a petición de los herederos de Tupac).

Pero fue una línea mencionada aparentemente a la ligera de la anterior "Push Ups" la que incluyó el nombre de la pareja sentimental de Lamar --"Estaré con algunos guardaespaldas como Whitney"-- a la que Lamar se referiría más tarde como una línea roja cruzada, y que hacía que todos los tópicos fueran aceptables y blancos legítimos en las canciones siguientes. (Fue este mismo supuesto paso en falso el que puede haber desencadenado una intensificación de la riña entre Drake con Pusha T en 2018).

Cómo hemos llegado hasta aquí

Incluso con los cameos de Future, Ye (antes Kanye West), Rick Ross, The Weeknd y ASAP Rocky, burlándose de Drake, la pelea principal siempre iba a ser entre Drake, de 37 años, y Lamar, de 36, quienes habían pasado más de una década antagonizándose sutilmente a través de sus canciones mientras mantenían una gélida relación de "eneamigos" en público.

En 2011, cuando Drake presentó a Lamar al gran público con una invitación a su segundo álbum, Take Care, y un puesto de telonero en la gira de conciertos posterior, el tono era el de una competencia de reojo. "Dijo que tenía la misma edad que yo, y eso no ayudó, porque me hizo ser aún más grosero e impaciente", rapea Lamar en "Buried Alive Interlude" sobre su primer encuentro con un Drake más famoso. (En su Instagram, el viernes, Drake publicó una parodia de la canción, citando los celos de Lamar desde entonces).

Los dos aparecieron juntos en "Poetic Justice", un sencillo del segundo disco de Lamar, Good Kid, MAAD City, en 2012, así como en "___ Problems" de ASAP Rocky el mismo año.

Pero sus colaboraciones cesaron a medida que Drake se convertía en el principal creador de éxitos de su generación en todos los estilos del hip-hop y más allá, mientras que Lamar profundizaba en su propia psique en álbumes conceptuales complicados que le reportaron una amplia aclamación de la crítica junto a un éxito comercial menos constante.

Cuando se les preguntaba, los dos raperos solían profesarse admiración mutua por sus habilidades, pero a lo largo de los años parecían intercambiar sutiles indirectas en los versos, siempre con una negación plausible y con ánimo de competir, lo que llevó a una especie de guerra fría del hip-hop.

La semana que la guerra se hizo nuclear

La primera respuesta directa de Lamar, "Euphoria", duró más de seis minutos y se publicó el martes 30 de abril por la mañana. En tres secciones que iban subiendo la intensidad progresivamente, advirtió a Drake sobre seguir profundizando la rivalidad e insistió, un poco en broma, que las cosas seguían siendo amistosas. "Sé que eres un gran manipulador y un mentiroso habitual", rapea Lamar. "Pero no digas ninguna mentira sobre mí y yo no diré verdades sobre ti".

Lamar acusó al birracial Drake, quien nació y creció en Toronto, de imitar la herencia negra estadounidense y de insultarlo de forma subliminal. "Odio cómo caminas, cómo hablas, odio cómo te vistes", dijo Lamar. "Odio la forma en la que atacas con disimulo, si cojo vuelo, va a ser directo". Y puso en duda la posición de Drake como padre: "Enseñándole moral, integridad, disciplina/escúchame amigo, no sabes nada de eso".

Días más tarde, Lamar redobló la apuesta con un tema solo para Instagram llamado "6:16 in LA", tomando prestada tanto la táctica de ataque de Drake con "Back to Back" de su riña de 2015 con Meek Mill como la tendencia de Drake a titular canciones con horas o referencias al tiempo. Optando por la guerra psicológica en un ritmo producido en parte por Jack Antonoff, principal colaborador de Swift, Lamar insinuó que tenía un topo en la operación de Drake y estaba al tanto de la investigación de ataque de su oponente.

"Acosador falso, odio a los acosadores, debes ser una persona terrible", rapeó. "Todo el mundo dentro de tu equipo susurra que te lo mereces".

Esa noche, "Family Matters" de Drake comenzó con su propia justificación para tocar temas personales --"Mencionaste a mi semilla, ahora lidia con su padre / Tengo que atacar, tengo que atacar"-- antes de abordar la paternidad de Lamar y su comportamiento como hombre en exhaustivo e insoportable detalle. "Contrataron a un equipo de gestión de crisis para limpiar el hecho de que golpeaste a tu reina", rapeó Drake. "El cuadro que pintaste no es lo que parece/estás muerto".

Sin embargo, en un movimiento de ajedrez que parecía anticipar la línea de ataque familiar de Drake, "Meet the Grahams" de Lamar fue lanzado casi inmediatamente. "Se supone que esto sería una buena exhibición dentro del juego", dijo Lamar, señalando que Drake se había equivocado "en el momento en que dijiste el nombre de mi familia". En lugar de una batalla de rap, concluyó Lamar tras otros seis minutos de disección psicológica, "esta es una larga batalla de por vida contigo mismo".

Aún no había terminado. Prescindiendo de la sutileza, Lamar volvió a la carga menos de 24 horas después con "Not Like Us", una canción con ritmo bailable con estilo de Los Ángeles que se deleitaba en los terrenos más tradicionales de las rivalidades del rap, como los insultos juveniles, las afirmaciones sin fundamento sobre preferencias sexuales y las amenazas de violencia.

Lamar, sin embargo, no lo dejó hasta ahí, y disparó un tiro más a la autenticidad de Drake como rapero, llamándolo un usuario codicioso y artificial como colaborador: "no un colega", sino un "colonizador".

El domingo por la noche, Drake respondió una vez más. En "The Heart Part 6", un título tomado de la serie de Lamar que abarca toda su carrera, Drake negó la acusación de que se aprovechaba de las mujeres jóvenes, indicó que había plantado información falsa sobre su supuesta hija y parecía menospreciar la batalla como "un buen ejercicio".

"Es bueno salir, poner a trabajar la pluma", dijo Drake en un agotado outro. "Serías un digno competidor si yo realmente fuera un depredador". Y añadió: "Sabes, al menos tus fans están consiguiendo algunos raps tuyos. Me alegra haber podido motivarte".

Joe Coscarelli es un reportero de cultura especializado en música pop, y es autor de Rap Capital: An Atlanta Story. Más de Joe Coscarelli

Durante el último mes, una batalla sin cuartel ha consumido el mundo del hip-hop, con algunos de los mejores artistas del género intercambiando dardos en canciones creadas con rapidez. La disputa, que comenzó a finales de marzo con una aparente indirecta a Drake por parte de Future y Metro Boomin, ha involucrado a J. Cole, Rick Ross e incluso a los herederos de Tupac Shakur.‌El tema en cuestión: determinar quién es el actual poseedor de la corona del hip-hop --Drake o Kendrick Lamar-- con una gran cantidad de rumores, ataques personales y bromas privadas que echan más leña al fuego.‌Las batallas de rap no son algo nuevo, pero en esta oportunidad los fanáticos se están haciendo una pregunta muy de 2024: ¿cuáles "diss tracks" (canciones con ataques personales, conocidas también en español como "tiraera") son reales?‌Cuando se lanza un "diss track" en un conflicto de alto perfil, el fragmentado ecosistema de los medios del rap --que incluye revistas, blogs, páginas de Instagram, canales de YouTube, pódcasts y emisiones en directo-- a menudo estalla de inmediato. Los periodistas corren la voz, los críticos analizan minuciosamente cada frase y los fanáticos se apresuran a coronar al ganador, asalto por asalto. Pero cuando apareció en línea una respuesta de Drake llamada "Push Ups", los fanáticos se preguntaron si había sido hecha por él o quizás había sido obra de la inteligencia artificial generativa.‌Tenían razones para ser escépticos. El año pasado, un creador musical llamado Ghostwriter publicó "Heart on My Sleeve", una canción en la que se hizo pasar por Drake y The Weeknd, y que en muchos sentidos fue un presagio del impacto que esta tecnología podría tener en la industria.‌Una canción como "Heart on My Sleeve" requiere una buena cantidad de conocimientos musicales para su producción. Los ritmos y las partes de rap suelen ser generados por un músico y luego sometidos a un filtro ultrafalso de código abierto para transformar las voces en las de un artista conocido. Es ese último paso, el de imitar la voz de otro artista, el que ha causado mayor consternación.‌"Creo que ninguno de nosotros quiere vivir en un mundo en el que se puedan crear representaciones no autorizadas de las personas sin su permiso", afirmó Alex Jae Mitchell, director ejecutivo de Boomy, una empresa emergente de música creada con inteligencia artificial generativa.‌Es por eso que cuando apareció "Push Ups" de Drake --la supuesta respuesta a "Like That" de Lamar, que aparece en el álbum de Future y Metro Boomin, "We Don't Trust You", que está en el número 1 de las listas de popularidad-- hubo dudas sobre su veracidad. "En este punto, hay que cuestionarlo todo", dijo C. Vernon Coleman, editor de noticias de la publicación de hip-hop XXL. "Hay que escuchar la letra, escuchar la voz, contactar a los canales pertinentes".‌Sin una confirmación inmediata de Drake o sus representantes, los fanáticos intercambiaron teorías en línea sobre la calidad de la mezcla de la canción, buscaron pistas en la letra y la compararon con otras canciones de Drake. Al final, se lanzó una nueva versión y el rapero comenzó a publicar referencias indirectas a ella en su Instagram, satisfaciendo a la mayoría de los detectives de internet de que era real.‌En muchos sentidos, una rivalidad en el rap es terreno fértil para la usurpación con IA. Por lo general, estas canciones no se lanzan a través del sello discográfico de un rapero; a menudo aparecen en línea inacabadas o en sus primeras fases de producción, y por lo general valoran más los insultos y las críticas que la composición de la canción. Nadie espera un estribillo brillante de Drake y una producción pulida en una pista que se creó a toda velocidad.‌El ciclo se repitió el 15 de abril, cuando apareció en línea una respuesta de Lamar: esa, llamada "One Shot", resultó ser falsa. Al final, un rapero de Los Ángeles se atribuyó el mérito del engaño y publicó videos en los que mostró su metodología. Produjo y rapeó la canción a la antigua usanza, antes de pasar su voz por un filtro vocal de Lamar.‌Drake siguió con "Taylor Made Freestyle" la cual publicó en su Instagram oficial, pero los oyentes inmediatamente tuvieron preguntas. La primera voz en la canción pertenecía a Tupac Shakur, el rapero fallecido hace mucho tiempo, y criticaba a Lamar con una cadencia sospechosamente parecida a la de Drake. Tras las dudas previas sobre si "Push Ups" se había hecho mediante tecnología de ultrafalsos, Drake la había utilizado para rapear haciéndose pasar por Tupac y Snoop Dogg.‌Menos de una semana después de que Drake lanzara "Taylor Made Freestyle", los herederos de Shakur reaccionaron. Según una carta de cese y desista obtenida por Billboard, el abogado del patrimonio, Howard King, escribió que la canción era "un abuso flagrante del legado de uno de los más grandes artistas de hip-hop de todos los tiempos" y exigió su eliminación. El jueves pasado, Drake borró la canción de sus redes sociales.‌Las rivalidades en el rap son un gran negocio. "Like That" pasó dos semanas en el número 1 de la lista Hot 100 de Billboard, y la continua batalla entre Lamar y Drake sigue siendo el tema más apremiante para los medios de hip-hop. Aun así, la posibilidad de que los ultrafalsos enturbien las aguas presenta nuevos desafíos para quienes cubren los dimes y diretes.‌"Los blogs no hacen ninguna investigación", señaló Coleman. "Si se enteran de que salió un 'diss track' contra Kendrick Lamar, lo publican. Lo suben de inmediato".

Noah Callahan-Bever, un veterano periodista de hip-hop y director de contenido de Complex, dijo que las filtraciones obligaban a su equipo a "pasar una cantidad excesiva de tiempo investigando madrigueras de conejo" para encontrar la verdad. "Y es difícil porque tenemos como competencia páginas de noticias de hip-hop en Instagram que no sienten el imperativo ético de aplicar ese rigor periodístico".‌El martes, Lamar reavivó la batalla y subió "Euphoria", de más de seis minutos de duración, a su página de YouTube sin previo aviso. Esto pareció asegurar a los oyentes que era oficial, y Lamar dejó en claro sus sentimientos sobre el espectro tecnológico que se cierne sobre la rivalidad. Después de decir que la imitación de Drake haría que Tupac se revolcara en su tumba, rapeó: "¿Estoy batallando contra fantasmas o contra la IA?".

Drake en el Barclays Center de Brooklyn, el 17 de julio de 2023. (Jeenah Moon/The New York Times).

Los Ángeles (ee.uu.), 30 abr (EFE). Kendrick Lamar arremetió el martes contra Drake en su nueva canción 'Euphoria', siendo este el último capítulo de una rivalidad que comenzó Lamar en marzo y es una respuesta a las dos "tiraeras" (una canción hecha para atacar a otra persona) que el canadiense le dedicó en las últimas semanas.

Con un tono burlón, Lamar asegura en 'Euphoria' que Drake no es un "artista de rap", sino un "artista de estafa", y lo llama un "patético maestro manipulador" y un "mentiroso habitual".

Con el título 'Euphoria' el nacido en Compton, California, hace referencia a la serie homónima de televisión de HBO protagonizada por Zendaya, de la que Drake es productor.

"Déjame decirte que soy tu mayor 'hater' (odiador). Odio tu forma de andar, tu forma de hablar, odio tu forma de vestir, odio tu forma de disimular", rapea Lamar.

Esta última disputa pública entre ambos raperos comenzó en marzo cuando el ganador a un Pulitzer presentó el tema 'Like That', junto a Metro Boomin y Future, en el que negaba que Drake estuviera a su nivel como rapero.

Tras ello, el cantante de Toronto, Canadá, lanzó el 19 de abril el tema 'Push Ups' en respuesta a la canción y tras unos días de silencio de parte de Lamar, le exigió al californiano una respuesta con el tema 'Taylor Made Freestyle'.

En dicha canción Drake utilizó inteligencia artificial (IA) para recrear las voces del fallecido Tupac Shakur y el rapero Snoop Dogg, quien mostró su desconcierto a través de un video publicado en Instagram.

Sin embargo, días más tarde Drake retiró de sus redes sociales el tema después de que el equipo legal de Shakur lo amenazara con una denuncia.

Los primeros roces entre los artistas datan de 2013 cuando en la canción 'Control' de Big Sean, Lamar rapeó sobre cómo quería "asesinar" a Drake y a otros raperos.

Se trata de un desarrollo tecnológico que promete revolucionar la manera en se interactúa con las imágenes y el audio, introducido por Microsoft: una nueva inteligencia artificial capaz de dar vida a fotografías estáticas mediante la generación de videos realistas en los que los personajes hablan.

Esta herramienta, conocida como VASA-1, no solo logra una perfecta sincronización de los labios con el audio proporcionado sino que también imita movimientos naturales de la cabeza, los ojos y la cara. La presentación de esta tecnología, que también es aplicable a caricaturas e ilustraciones, se realizó el pasado 16 de abril de 2024, según difundió CNN.

La creación de la Mona Lisa de VASA-1 se basó en el entrenamiento con numerosos videos de personas hablando, lo que permitió al modelo aprender y reproducir los movimientos naturales de la expresión facial, incluidos gestos sutiles como la dirección de la mirada y el parpadeo.

Una publicación en la red social X que presentaba el clip de la Mona Lisa, alcanzó rápidamente siete millones de vistas en cuatro días. Las reacciones no se hicieron esperar, divididas entre la admiración y el asombro. Algunos usuarios expresaron su deleite, con comentarios como que el video los había hecho “revolcarse de risa en el suelo”, mientras que otros lo encontraron “salvaje, espeluznante y escalofriante todo a la vez”, una combinación de fascinación y preocupación hacia los avances que representa esta tecnología.

Los investigadores detrás de VASA-1 de Microsoft aseguraron que no planean lanzar una demostración en línea ni un producto “hasta que estemos seguros de que la tecnología será utilizada de manera responsable y de acuerdo con las regulaciones adecuadas”, citó TIME Magazine. “Estamos en contra de cualquier comportamiento que cree contenidos engañosos o perjudiciales de personas reales”, añadieron.

Sin embargo, las consideraciones éticas no detienen a Microsoft en su investigación, ya que también destacan el potencial positivo de su tecnología. Entre los beneficios citados se incluyen la mejora de la equidad educativa, la mejora de la accesibilidad para personas con dificultades de comunicación, y la provisión de compañía o apoyo terapéutico, entre muchos otros. El enfoque está puesto en “desarrollar AI de manera responsable, con el objetivo de avanzar en el bienestar humano”.

Cabe destacar que este desarrollo llega en un momento crítico a nivel global, donde los gobiernos se esfuerzan por regular estas nuevas tecnologías. Un ejemplo de la urgencia de estas medidas es el creciente problema del deepfake pornográfico, que afecta la privacidad y reputación de individuos sin su consentimiento, un asunto que incluso ha afectado a celebridades como Taylor Swift.

En Estados Unidos, aunque diez estados criminalizan los deepfakes, la ley federal aún no lo hace, aunque se han introducido múltiples propuestas en el Congreso para abordar este problema. En marzo, la Unión Europea adoptó el Acto de Inteligencia Artificial, que establece salvaguardas específicas para la IA, incluyendo sistemas de identificación biométrica, puntuación social y derechos a la queja y a la transparencia