Los años 80 representaron un punto de quiebre en la historia del cine occidental. Fue la década en que Hollywood abandonó el modelo autor-centrista del New Hollywood de los 70 y abrazó lo que se conoció como el “high concept”, películas diseñadas para ser entendidas y vendidas en una o dos oraciones. El productor Don Simpson (Flashdance, Beverly Hills Cop, Top Gun) fue uno de los principales impulsores de este formato, que desde aquel entonces se convirtió en la fórmula dominante del blockbuster moderno.

No fue solo una cuestión de estrategia comercial esta movida. La década también vio la consolidación de nuevos géneros, la aparición de estrellas que definirían el imaginario popular durante generaciones, y saltos tecnológicos que ampliaron radicalmente lo que era posible mostrar en una pantalla. El resultado fue una serie de películas que no solo recaudaron millones, sino que cambiaron la forma en que se cuentan historias en el cine.

El blockbuster como fenómeno cultural

El impulso inicial de la década llegó por inercia de los 70. Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca, 1980), la primera secuela de Star Wars, abrió el año como la película más taquillera del período. Un año después, Raiders of the Lost Ark (Los cazadores del arca perdida, 1981) -colaboración entre George Lucas y Steven Spielberg, con Harrison Ford como Indiana Jones- generó un renovado interés en los seriales de aventuras de los años 30 y se convirtió en la película más taquillera de 1981. El personaje también dio comienzo a una saga cuyos títulos siguientes figuraron entre los diez mayores éxitos comerciales de la década.

El dato más elocuente sobre el poder del cine de esa época lo aporta E.T. the Extra-Terrestrial (1982), de Spielberg. La película recaudó 792 millones de dólares en todo el mundo, un 40 por ciento más que cualquier film de Star Wars hasta ese momento, y el doble o triple de los ingresos de 46 de las 50 películas más taquilleras de la historia hasta entonces. En términos concretos, fue la película más vista de toda la década.

La ciencia ficción se bifurca

Mientras E.T. mostraba que la ciencia ficción podía ser íntima y familiar, Blade Runner (1982) demostró que también podía ser filosófica y oscura. Dirigida por Ridley Scott, con Harrison Ford como un detective que persigue androides en una ciudad futurista, la película construyó un lenguaje visual que influyó en décadas de cine cyberpunk y neo-noir. Su estética sigue siendo punto de referencia obligado.

En el otro extremo del espectro, Back to the Future (Volver al Futuro, 1985) -dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Michael J. Fox- introdujo el viaje en el tiempo como concepto accesible y divertido para el público masivo. La película se ubicó en el puesto cinco entre las películas más taquilleras de la década, con 381 millones de dólares recaudados, y la figura de Marty McFly se convirtió en un ícono generacional.

El terror como arte y como franquicia

El terror de los 80 vivió una dualidad notable. Por un lado, Stanley Kubrick elevó el género al campo del arte con The Shining (El Resplandor, 1980), protagonizada por Jack Nicholson. Su construcción de tensión mediante la puesta en escena y la psicología del personaje redefinieron lo que el cine de terror podía aspirar a lograr. Décadas después, la película mantiene su estatus como referencia ineludible.

Por otro lado, la década también consolidó la lógica de las franquicias de horror con villanos indestructibles. Así llega Halloween, Friday the 13th (Viernes 13) y A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en lo profundo de la noche) dominaron las carteleras con secuelas que acumulaban cuerpos y recaudación. Esta dualidad -el horror como arte y el horror como producto serial- convive hasta hoy en la industria.

La acción se reinventa

Los 80 fueron la década de consagración del cine de acción como género dominante en Hollywood, con Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone como sus mayores exponentes. The Terminator (1984), dirigida por James Cameron y protagonizada por Schwarzenegger, fusionó la ciencia ficción con la acción de una forma que no había existido antes, donde una máquina asesina del futuro como antagonista imparable instaló narrativas tecnológicas y mecánicas que influirían en incontables producciones posteriores.

Die Hard (Duro de Matar, 1988), con Bruce Willis, tomó otro camino. En lugar del héroe invencible, propuso un personaje vulnerable, sarcástico y físicamente limitado. Su estructura -un hombre solo contra terroristas en un edificio- se convirtió en el modelo narrativo del cine de acción de los años 90 y 2000.

Top Gun (1986), con Tom Cruise, sumó otra dimensión a toda esta parafernalia, introduciendo (por así decirle) la cinematografía y el diseño de sonido como experiencia sensorial. Fue la séptima película más taquillera de la década, con 357 millones de dólares, y tuvo un efecto inmediato sobre la moda, la música y la cultura popular de la época.

Ghostbusters y la mezcla de géneros

Una de las características más distintivas del cine de los 80 fue la combinación de géneros. Ghostbusters (Los cazafantasmas, 1984), con Bill Murray al frente, demostró que fusionar comedia y terror sobrenatural podía generar tanto un éxito comercial masivo como un fenómeno cultural de largo aliento. La película recaudó casi 297 millones de dólares y generó una franquicia que persiste hasta hoy. La imagen de los cuatro cazafantasmas con sus equipos de protones en la espalda se volvió instantáneamente reconocible para toda una generación.

El cine adolescente y el coming-of-age

John Hughes se convirtió en el cronista más influyente de la adolescencia en los 80. The Breakfast Club (El club de los cinco, 1985), capturó la identidad juvenil con una profundidad emocional que pocas películas habían alcanzado hasta entonces. Al desafiar los estereotipos del cine teen y mostrar la complejidad psicológica de sus personajes, Hughes fijó los parámetros del género coming-of-age para las décadas siguientes.

El crimen como mito: Scarface

Scarface (Caracortada, 1983), con Al Pacino, fue otro caso de película que excedió su propio género para convertirse en fenómeno cultural. Su retrato de la ambición desmedida, el poder y la caída del protagonista reconfiguró el cine de crimen y gangsters, y su influencia en la música, la moda y el imaginario popular continúa siendo visible décadas después.

La guerra como trauma psicológico

El cine bélico también vivió una transformación en los 80. Vietnam, que había sido un tema casi tabú en la pantalla durante los 70, se volvió un terreno frecuentado. Full Metal Jacket (Nacido para matar, 1987) exploró el impacto psicológico del entrenamiento militar y la guerra con una estructura narrativa en dos partes que resultó tan influyente como perturbadora. Su aproximación al conflicto desde la deshumanización marcó el camino para la representación de la guerra en las décadas siguientes.

Who Framed Roger Rabbit y los límites técnicos

Uno de los avances tecnológicos más significativos de la década llegó en 1988 con Who Framed Roger Rabbit (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Bob Hoskins. La película combinó acción en vivo con animación de una manera que hasta entonces no había sido posible, y su éxito tuvo consecuencias concretas, ya que el triunfo comercial y crítico de la película le devolvió a Disney la confianza en su división de animación, lo que al año siguiente derivó en el lanzamiento de The Little Mermaid (La Sirenita) y el inicio de la llamada Era del Renacimiento Disney.

Una década en disputa

No todos recuerdan los 80 como una era de esplendor. El director Quentin Tarantino llegó a calificarla como una de las peores para el cine estadounidense, y el crítico Kent Jones coincidió en esa valoración. Sin embargo, el teórico del cine David Bordwell señaló que la mentalidad del “megapicture” ya existía en los 70, y que varios de los realizadores del New Hollywood -Martin Scorsese, Brian De Palma, John Carpenter- siguieron produciendo obras notables durante esa década.

Lo que sí resulta difícil de discutir es el peso que los 80 tuvieron sobre la industria. La clasificación PG-13, creada en 1984 a raíz de la violencia de Indiana Jones and the Temple of Doom (Indiana Jones y el templo de la perdición) y Gremlins, es uno de los cambios estructurales más concretos que dejó la década. La lógica del franchise -especialmente en los géneros de ciencia ficción, terror y acción- se consolidó entonces y no ha dejado de expandirse desde ese momento.

Una secuencia en particular, la del escaparate de la tienda de antigüedades, condensa una infinidad de guiños que han pasado inadvertidos para la mayoría, convirtiéndose en un verdadero tesoro para quienes disfrutan de encontrar referencias y homenajes dentro de una película.

El minuto que se convierte en un museo de los años 80

La atención de muchos espectadores se centra en el famoso almanaque deportivo, el objeto que desencadena gran parte de la trama en Volver al Futuro II. Sin embargo, según un análisis realizado por Sensacine, el escaparate frente al que se detiene Marty McFly esconde mucho más que el preciado libro.

Si se pausa la película en el minuto 12 y 30 segundos, es posible descubrir una colección de objetos que resumen el espíritu de una época e incluyen homenajes a otras grandes obras del cine.

El propio Robert Zemeckis, director de la saga, y Bob Gale, guionista, admitieron en entrevistas que las decisiones tomadas durante el final de la primera entrega influyeron en cómo se concibió la secuela. “Ese entonces inocente ‘cliffhanger’ marcaría inevitablemente algunas de sus decisiones cuando se pusieron a trabajar en la nueva película”, explicaron los creadores, según Sensacine.

En esta segunda parte, estrenada en 1989, la acción retoma inmediatamente donde terminó la primera película. Marty, Doc y Jennifer viajan al 21 de octubre del año 2015 y, al llegar a una Hill Valley radicalmente transformada, se ven envueltos en el dilema del almanaque.

Este libro, adquirido por el protagonista en una tienda de antigüedades con la intención de “ganar un poco de dinero”, rápidamente se convierte en el centro de atención, aunque la escena esconde mucho más que eso.

Un escaparate lleno de referencias

“La tienda se especializa en artículos vintage de los años 80, entre los objetos expuestos en el escaparate no solo se encuentra el almanaque deportivo, sino también otros artículos que no es fácil ver a la primera”, resalta en detalle Sensacine.

Justo encima del almanaque, aparece una cámara de video idéntica a la que Marty utilizó para grabar el primer experimento del DeLorean en el estacionamiento del centro comercial Twin Pines, un guiño directo a la película original.

A la derecha del escaparate, destaca un peluche fácilmente reconocible por los amantes del cine de los ochenta: se trata del animal protagonista de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), otra obra dirigida por Zemeckis. “Con el peluche colocado a la derecha del escaparate, el director Robert Zemeckis aprovechó para hacer alusión a uno de sus otros éxitos”, explican desde Sensacine.

El festival de guiños no termina ahí. Detrás del cristal, emerge una referencia a Tiburón, uno de los mayores éxitos de Steven Spielberg, quien además participó como productor ejecutivo en Volver al Futuro II. Esta referencia se suma a otras que el propio director incluyó a lo largo de la trilogía, demostrando el espíritu lúdico y autorreferencial que caracteriza a la saga.

El futuro y la magia de una trilogía inagotable

En la esquina inferior derecha del escaparate, un objeto aparentemente inocente anticipa eventos de la tercera entrega. “El frisbee de la esquina inferior derecha guarda un sorprendente parecido con el que Marty usa en ‘Volver al Futuro III’ para desarmar a Buford Tannen durante el festival del pueblo”, destaca Sensacine. Este detalle no solo conecta las distintas películas de la trilogía, sino que muestra la meticulosa atención al detalle de los realizadores.

La escena del escaparate en Volver al Futuro II es un ejemplo de cómo una secuencia aparentemente sencilla puede albergar una enorme cantidad de guiños y referencias cruzadas, dirigidas tanto a los seguidores más atentos como a quienes disfrutan redescubriendo películas con el paso del tiempo.

La inclusión de objetos de culto, menciones a otras obras del director y homenajes a figuras clave de la industria transforman esta escena en un auténtico museo de la cultura pop de los años 80.

“Una de las cosas más mágicas de Regreso al futuro es que, 40 años más tarde, sigue teniendo la capacidad de sorprendernos”, sentenció Sensacine. La riqueza visual y la densidad de referencias de esta secuencia demuestran que la saga sigue siendo fuente de descubrimientos y asombro para nuevas generaciones y fanáticos de siempre.

Más de un año después de que Warner Bros. archivara Coyote vs. Acme por razones fiscales, la película inspirada en los Looney Tunes podría estar a punto de encontrar un nuevo hogar. Según nuevos informes, Ketchup Entertainment, la distribuidora independiente detrás de Hellboy: The Crooked Man (2024), se encuentra negociando con el gigante del entretenimiento para adquirir los derechos del filme dirigido por Dave Green.

Por el momento, el acuerdo no está cerrado y aún existe la posibilidad de que no llegue a buen puerto, pero si las conversaciones prosperan la película se estrenaría en 2026. Cabe recordar que Ketchup Entertainment adquirió el año pasado The Day the Earth Blew Up: Una película de los Looney Tunes, un largometraje que pudo debutar en cines hace poco menos de un mes.

Coyote vs. Acme es un proyecto híbrido de acción real y animación basado en el personaje Wile E. Coyote y la Corporación Acme de los Looney Tunes, así como en un artículo satírico de 1990 de Ian Frazier en The New Yorker. La trama sigue a Wile, quien, harto de los productos defectuosos de Acme que siempre le fallan en su persecución del Correcaminos, contrata a un abogado humano en desgracia (interpretado por el comediante Will Forte) para demandar a la compañía.

El antagonista es el jefe de Acme y exjefe del abogado, interpretado por John Cena. La película escrita por Samy Burch (con historia de Burch, James Gunn y Jeremy Slater), también incluye a Lana Condor en un papel no especificado y cameos de otros personajes de Looney Tunes como Bugs Bunny, El Pato Lucas y Porky.

El proyecto despegó en 2018 y el rodaje se completó en 2022. Originalmente, estaba programado para un estreno en cines el 21 de julio de 2023, pero Warner Bros. lo retiró del calendario en abril de 2022, reemplazándolo con Barbie. El 9 de noviembre de 2023, la compañía anunció que, aunque la película estaba terminada, no la lanzaría para favorecer un recorte de impuestos, una decisión similar a la tomada con Batgirl. Esto generó una fuerte reacción negativa de cineastas, fans y medios, ya que las proyecciones de prueba habían sido muy bien recibidas, comparándola incluso con ¿Quién engañó a Roger Rabbit?.

En febrero de 2024, se informó que el proyecto podría quedar archivado permanentemente, aunque algunos rumores sugerían que aún había esperanza si alguien pagaba los 70 millones exigidos. Ahora, la fe está puesta en que las negociaciones con Ketchup Entertaiment prosperen para que la cinta logre salir del limbo corporativo.

En su momento, Murphy era uno de los actores más cotizados de la industria y se encontraba en la cúspide de su carrera tras protagonizar películas como Superdetective en Hollywood, 48 horas, entre otras.

A pesar de su estatus, el actor rechazó la oportunidad de interpretar a Eddie Valiant, el detective protagonista de la historia, papel que finalmente recayó en Bob Hoskins.

El motivo por el cual Murphy declinó la oferta fue su escepticismo respecto a la combinación de animación y personajes reales. Según él mismo relató años después en The Tonight Show With Jimmy Fallon, la idea de actuar en una película donde los personajes de dibujos animados compartieran escenas con actores de carne y hueso le pareció poco convincente.

“La única película que rechacé que se volvió un gran éxito fue ¿Quién engañó a Roger Rabbit?”, confesó el actor en una entrevista. Y fue más allá: “Yo iba a hacer el papel que hizo Bob Hoskins, pero me dije: ‘¿Qué? ¿Animaciones y gente? Suena como basura para mí’. Y ahora cada vez que la veo me siento como un idiota”​.

Durante su aparición en The Tonight Show With Jimmy Fallon, el actor reveló detalles sobre cómo llegó la oferta a sus manos y cómo tomó la decisión de descartarla. En esa misma conversación, también confirmó que había sido considerado para formar parte de Ghostbusters en 1984, aunque en ese caso no se trató de un rechazo directo, sino de un problema de agenda, ya que en ese momento estaba ocupado con el rodaje de Superdetective en Hollywood​.

El impacto de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? en la industria fue notable. La película recaudó cientos de millones de dólares en taquilla y además obtuvo varios premios, incluidos tres Premios de la Academia.

Su innovador uso de efectos visuales, la integración de personajes animados con actores reales y su tono de cine negro con tintes cómicos la convirtieron en una obra revolucionaria dentro del género.

Lo curioso es que, en el mismo año en que se estrenó la película de Zemeckis, Murphy protagonizó El príncipe de Zamunda, que se convirtió en otro gran éxito de taquilla. Con un presupuesto de 36 millones de dólares, la película recaudó 288 millones, consolidando aún más su carrera como una de las figuras más rentables del cine en esa época​.

De alguna manera, este éxito amortiguó el impacto de haber dejado pasar ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, aunque con el tiempo, el actor admitiría que, si hubiera sabido lo que la película llegaría a ser, probablemente habría tomado otra decisión.

El rol de Eddie Valiant, que finalmente quedó en manos de Bob Hoskins, se convirtió en uno de los más emblemáticos de su carrera.

Hoskins, con su característico estilo rudo y su capacidad para la comedia física, logró una interpretación que encajó perfectamente con la visión de la película. Según Daily Mail, años después, también se supo que otros actores fueron considerados antes de que él obtuviera el papel, incluyendo a Harrison Ford, quien era la primera opción del estudio, pero cuyo salario era demasiado alto. Bill Murray, otro nombre en la lista de candidatos, tampoco llegó a participar porque los productores no lograron contactarlo a tiempo debido a su conocida falta de representante o agente​.

• La muerte le sienta bien
• El sospechoso
• Kramer vs. Kramer

Meryl Streep es, sin lugar a dudas, una de las estrellas más icónicas del cine. Con una carrera que abarca varias décadas, ha dejado una marca imborrable en la industria con su talento y versatilidad. Desde sus papeles en El diablo viste a la moda (The Devil Wears Prada - 2006) hasta su interpretación en La amante del teniente francés (The French Lieutenant’s Woman - 1981), Streep ha demostrado una habilidad única para transformar cada personaje que interpreta, ganándose el reconocimiento tanto de la crítica como del público. Su capacidad para encarnar una amplia gama de roles la ha convertido en una figura central en el mundo del cine.

A lo largo de su impresionante trayectoria, ha participado en una serie de clásicos que han definido su carrera. Entre ellos se destacan La decisión de Sophie (Sophie’s Choice - 1982), donde su interpretación de una mujer marcada por el trauma de la Segunda Guerra Mundial le valió el reconocimiento universal, y Julie & Julia, una comedia dramática en la que capturó la esencia de la famosa chef Julia Child con gran maestría. Además, su papel en The Post: Los oscuros secretos del Pentágono reafirma su habilidad para brillar en el género del drama político, consolidándola como una de las actrices más galardonadas y respetadas de su generación.

En esta ocasión, vamos a profundizar en tres largometrajes imprescindibles para los seguidores de Meryl Streep que están disponibles en Max.

La muerte le sienta bien - Death Becomes Her (Dir. Robert Zemeckis)

Empezamos con La muerte le sienta bien (Death Becomes Her), lanzada en 1992. Este proyecto, una comedia oscura con elementos de fantasía y terror, presenta una historia intrigante sobre la inmortalidad y la obsesión con la juventud. La trama sigue a dos mujeres, interpretadas magistralmente por Meryl Streep y Goldie Hawn, que se someten a un extraño elixir de la eterna juventud, sólo para enfrentar consecuencias inesperadas y cómicas. La película combina un humor ácido con una crítica a la superficialidad y la vanidad, ofreciendo una experiencia cinematográfica única.

Dirigida por Robert Zemeckis, conocido por su habilidad para mezclar géneros y estilos, La muerte le sienta bien es otro ejemplo de su talento. Zemeckis, aclamado por clásicos como Forrest Gump, Volver al futuro (Back to the Future - 1985) y ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (Who Framed Roger Rabbit - 1988), logra en esta película un equilibrio perfecto entre comedia y elementos sobrenaturales.

El elenco no solo destaca por la presencia de Streep, sino también por las actuaciones de Goldie Hawn (The First Wives Club, Hombre nuevo, vida nueva), Bruce Willis (Pulp Fiction, Duro de matar, El sexto sentido) e Isabella Rossellini (Terciopelo azul, Corazón salvaje). Cada uno aporta su propio toque al caos que se desarrolla, haciendo de esta película un ejemplo memorable de humor oscuro en el cine de los años 90.

El sospechoso - Rendition (Dir. Gavin Hood)

Seguimos con otra película en la carrera de Meryl Streep: El sospechoso (Rendition), una producción estadounidense de 2007 dirigida por Gavin Hood. La trama sigue a un hombre que es detenido en el extranjero y entregado a las autoridades estadounidenses, donde enfrenta un interrogatorio tras ser acusado de terrorismo. El largometraje examina la tortura y los dilemas éticos, así como las operaciones secretas que rodean estas prácticas.

Hood, conocido por El juego de Ender (Ender’s Game - 1985) y Secretos de Estado (Official Secrets - 2019), dirige esta película basada en un guión de Kelley Sane, autor de Franchesca Page y Corazón. El elenco está compuesto por Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Secreto en la montaña, Primicia mortal), Reese Witherspoon (Big Little Lies, Legalmente rubia), Omar Metwally (The Affair), Peter Sarsgaard (La huérfana), Alan Arkin (El método Kominsky) y J.K. Simmons (Whiplash).

Kramer vs. Kramer (Dir. Robert Benton)

En último lugar, tenemos Kramer vs. Kramer (también conocido como Kramer contra Kramer), una película que se estrenó en 1979 y es destacada en la filmografía de Streep. Dirigida por Robert Benton, conocido por su trabajo en Bonnie and Clyde y En la quietud de la noche (Still of the Night), la película explora los desafíos de una pareja en proceso de divorcio y la custodia de su hijo.

La película tuvo un gran éxito en taquilla, recaudando más de cien millones de dólares y recibió nueve nominaciones en la 52ª edición de los Premios de la Academia. Kramer vs. Kramer ganó en cinco categorías, incluyendo Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz de Reparto y Mejor Guión Adaptado. Este reconocimiento subraya su impacto tanto en la crítica como en el público.

La historia se centra en Ted Kramer, interpretado por Dustin Hoffman (Tootsie, Los Fockers: la familia de mi esposo), quien debe asumir la crianza de su hijo después de que su esposa lo abandona. La película examina el impacto emocional del divorcio en la familia y el proceso legal para la custodia. Además de Streep y Hoffman, el reparto incluye a Justin Henry (Dieciséis velas), Jane Alexander (Testamento final), Howard Duff (Entre dos amores) y Howland Chamberlain (La fuerza del mal).