En 1990, la mansión de West London, donde vivía Freddie Mercury, estaba rodeada por decenas de periodistas de tabloides de todo el mundo montando guardia. El objetivo: saber qué ocurría con el cantante de Queen, al que cada vez se le veía más deteriorado en sus apariciones en público, mientras los rumores de que el legendario vocalista había dado positivo en VIH no dejaban de crecer.

Pero mientras la prensa sensacionalista no dejaba de intentar conseguir la confirmación de la tragedia, los miembros de Queen se cerraron en banda para proteger la privacidad de su cantante. Con el paso de los años, Brian May ha revelado cómo se gestaron las últimas grabaciones del grupo. Según el guitarrista, Mercury era consciente de su final y pidió a sus compañeros que siguieran escribiendo material sin descanso. “Escríbeme cosas, sé que no tengo mucho tiempo. Yo lo cantaré y luego haced lo que queráis con ello”, recuerda May que le dijo en una ocasión su compañero. Esta urgencia dio lugar a Innuendo, un álbum ambicioso que devolvió a la banda a sus raíces justo antes del final.

Un último esfuerzo

Debido a la presión mediática, Queen decidió trasladar su trabajo a los estudios Mountain en Montreux, una ciudad de Suiza famosa por sus vistas al lago Lemán y su Festival de Jazz. La banda ya había trabajado allí varias veces, pero nunca con una necesidad tan grande de refugiarse del mundo. Mercury quería privacidad y, a pesar de su fragilidad física, quiso también centrarse en el trabajo.

Más tarde, el batería del grupo, Roger Taylor, explicaría que esto se debía a que la banda era el motor del cantante para seguir levantándose cada día. Allí grabaron algunos de los temas más emblemáticos de esa última etapa: The Show Must Go On, I’m Going Slightly Mad o These Are The Days Of Our Lives. Todas ellas tendrían una gran acogida dentro de Innuendo, disco tras el cual pediría volver a grabar en los estudios suizos.

Este periodo de trabajo intenso, descrito por los miembros de la banda en el documental Days Of Our Lives, fue una carrera contra reloj. Mercury, apoyado en la mesa de mezclas y animándose con vodka cuando sus fuerzas flaqueaban, registró las que serían sus últimas interpretaciones vocales. Mother Love sería la última canción que el vocalista grabaría, algo que Brian May recuerda como un episodio trágico, ya que su compañero se detuvo antes de terminarla y le dijo: Brian, no puedo más. Me estoy muriendo". May tuvo que cantar la última estrofa años después.

Un proceso “ridículamente doloroso”

Tras la muerte de Mercury, el grupo se enfrentó al reto de dar coherencia a esos retazos de voz. En 1994, May, Roger Taylor y John Deacon se reunieron para dar forma a Made In Heaven (1995). El proceso fue complejo: tuvieron que trabajar sobre las cintas de Montreux y rescatar material previo, como las versiones de I Was Born To Love You o Made In Heaven (originalmente del disco en solitario de Freddie, Mr. Bad Guy), para integrarlas en el sonido característico de Queen.

Brian May reconoce que el proceso fue “ridículamente doloroso”, al tener que pasar meses escuchando la voz de su amigo fallecido. Sin embargo, el guitarrista defiende que completar este álbum fue la forma de ejecutar el testamento musical de Mercury. Al final, el disco no solo fue un éxito de ventas, sino el cierre necesario para que la banda pudiera procesar su duelo y cumplir la última promesa hecha en el estudio.

Un video que compartió en Instagram un joven barranquillero el lunes 20 de abril de 2026 se hizo viral luego de que se resolviera el misterio sobre quién era el vecino que, con acordeón mano, a un par de edificios de distancia interpretó su versión de la aclamada canción Bohemian Rhapsody, uno de los mayores éxitos de la banda de rock inglesa Queen.

“No sé si se escucha, pero en el otro edificio hay alguien tocando Bohemian Rhapsody con un acordeón. En este momento está Diomedes Díaz con Freddie Mercury abrazados los dos así: ‘¡Magnífico!’“, señaló el usuario Alejandro Buitrago.

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Al final, en la publicación el ciudadano dejó estas palabras: “CELÉBRALO CURRAMBA jajaja te amo Barranquilla”.

Las reacciones en los comentarios por parte de los demás internautas en busca del misterioso intérprete provocaron que horas más tarde, el mismo lunes el maestro acordeonero Julián Rojas Terán confirmara con otro video que fue él quien realizó la grabación del cover con aire vallenato.

Rojas que es conocido como “T-Rex”, y que fue coronado rey vallenato en el Festival de la Leyenda Vallenata de 1991, también es productor musical, director, compositor y maestro de enseñanza en el acordeón, tal como él mismo se describe en redes sociales.

Adicional al video con la interpretación, Rojas afirmó en la publicación: “La canción ‘BOHEMIAN RHAPSODY’ del grupo QUEEN, DE FREDDIE MERCURY considerado como una de las mejores voces en el canto a nivel mundial, es una de las más grandes obras musicales en la historia de la humanidad y me gusta tocarla en el acordeón por que me encanta”, explicó el rey vallenato.

Al final, “T-Rex” mostró su felicidad por compartir el video.

“No es solo escuchar diferentes géneros; es la satisfacción de poder interpretarlos”, finalizó Rojas.

Buitrago también aprovechó y le dejó un mensaje a “T-Rex” en su publicación de Instagram, al asegurar: “Ídolo jajaja anoche escuchaba el ensayo en otra torre del conjunto y grabé”.

Otra de las usuarias afirmó en medio de la admiración y respeto por el rey vallenato: “No joda, qué vaina linda”.

La historia del rey vallenato Julián Rojas Terán, ‘T-Rex’

El acordeonero Julián Rojas Terán cumplió 50 años de carrera musical en septiembre de 2025, consolidando una trayectoria ininterrumpida en el folclor vallenato.

Su medio siglo de carrera no solo es un símbolo de la vitalidad del género, y representa también la persistencia de quien ha hecho del acordeón su voz y su refugio.

El respeto unánime de la escena y el apoyo constante de su familia lo han mantenido vigente en un mundo musical exigente, donde cada década con relevancia es un logro excepcional.

Uno de los momentos definitorios de su vida profesional sucedió en 1991, cuando Julián Rojas Terán derrotó al favorito Juan Humberto Rois en el Festival Vallenato, adjudicándose la corona de Rey Vallenato y quedando inscrito en la memoria colectiva del público y de los expertos.

De acuerdo con palabras del propio acordeonero, “ese triunfo que tiene toda una historia de fondo, cargada de amistad, colegaje y talento”, señaló un comunicado de la Gobernación del Cesar.

Todo marcó el inicio de un periodo donde su nombre se volvió referencia obligada en la música popular colombiana.

A lo largo de cinco décadas, Rojas Terán ha colaborado con figuras fundamentales del vallenato como Jorge Oñate, Jairo Serrano, Pedro García, Juan Piña, El Binomio de Oro, Los Diablitos del Vallenato, Miguel Morales, Daniel Calderón, Luifer Cuello, Daniel Celedón, Silvio Brito, Ivo Díaz y Tomás Alfonso ‘Poncho’ Zuleta.

En 2002, produjo junto a Jorge Oñate el álbum El Invencible, compuesto por 15 canciones, una producción que se transformó en éxito nacional.

A esta discografía se suma otro logro señalado por Rojas Terán al mismo medio: la canción Quiero Volar, interpretada por Junior Santiago, resaltada como uno de sus “éxitos nacionales”.

Nacido en la isla de San Andrés el 23 de julio de 1970, Julián Rojas Terán atribuye sus aptitudes musicales a sus padres, Ligia Terán y José Gabriel Rojas, quienes le transmitieron amor por el canto y la poesía.

“T-Rex” define su estilo musical como “depurado, cristalino, transparente, sensible y muy bonito, porque siento lo que hago”.

Su carrera ha sido marcada por el permanente “amor al acordeón”, instrumento que describe como “compañero de vida”.

El 24 de noviembre de 1991, el cantante Freddie Mercury falleció a los 45 años. La causa de su deceso fue una bronconeumonía derivada del Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida, virus que enfrentó durante sus últimos años de vida. Durante el inicio de la década de 1990, la confirmación pública de la homosexualidad constituía un riesgo profesional grave para los artistas, motivo por el cual existía una tendencia generalizada hacia el ocultamiento de las orientaciones sexuales.

En febrero de 1990, la banda Queen realizó una aparición pública para recibir el galardón Brit a la Contribución Destacada a la Música. Durante esa ceremonia, la alteración severa en el estado físico de Mercury generó impacto entre los asistentes. Pese a las evidencias, el equipo que manejaba el grupo sostuvo hasta fines de 1991 que el músico no atravesaba ningún cuadro médico complicado.

La estrategia de reserva absoluta se modificó el día previo al fallecimiento del cantante, cuando la gerencia de Queen emitió un comunicado oficial redactado por el cantante. El texto detallaba de manera exacta su condición médica: “Tras las enormes conjeturas publicadas en la prensa durante las últimas dos semanas, deseo confirmar a través de este medio que he sido sometido a las pruebas correspondientes, he dado positivo en la detección del VIH y tengo sida. Consideré que lo correcto era mantener esta información en el ámbito privado hasta la fecha con el objetivo fundamental de proteger la privacidad de las personas que me rodean. Sin embargo, ha llegado el momento de que mis amigos y mis seguidores en todo el mundo conozcan la verdad de los hechos. Tengo la esperanza de que todos se unirán a mí, a los profesionales médicos que me asisten y a todas aquellas personas en todo el mundo que participan en la lucha contra esta terrible enfermedad. Mi privacidad siempre ha sido sumamente especial para mí y soy famoso por mi falta de entrevistas. Por favor, comprendan que esta política continuará aplicándose de la misma manera”.

En respuesta a la defunción, los restantes integrantes de Queen, el guitarrista Brian May, el bajista John Deacon y el baterista Roger Taylor, en colaboración con el mánager Jim Beach, organizaron un concierto. El propósito para esa convocatoria consistió en homenajear a Mercury y generar concientización mundial respecto a la enfermedad. La locación elegida fue el estadio de Wembley, en Londres, y la fecha fijada fue el 20 de abril de 1992. Hace 34 años.

Salieron a la venta 72 mil entradas que se agotaron en pocas horas, incluso antes de que la organización comunicara de forma oficial la lista de músicos que iban a participar del concierto. La señal de la presentación en vivo fue retransmitida hacia 76 países diferentes, logrando una audiencia estimada en mil millones de personas.

La planificación de las actuaciones sobre el escenario se dividió en dos segmentos. La primera etapa del recital contempló presentaciones de corta duración de varios grupos.

La banda Metallica subió al escenario para ejecutar un bloque propio, algo que replicó minutos más tarde el grupo Guns N’ Roses. La formación musical Extreme dedicó su tiempo asignado a interpretar un popurrí de diversas canciones del repertorio original de Queen. Finalmente, el conjunto Def Leppard convocó al escenario a Brian May para ejecutar una versión del tema “Now I’m Here”.

La segunda mitad de la jornada modificó la dinámica: los tres integrantes de Queen se establecieron como la banda base encargada de acompañar a una lista extensa de vocalistas e instrumentistas invitados. La lista de participantes incluyó a Elton John, Roger Daltrey, David Bowie, Mick Ronson y James Hetfield. También Subieron al escenario George Michael, Seal, Paul Young, Annie Lennox y Lisa Stansfield. La nómina se completó con las presencias de Robert Plant, el integrante de Black Sabbath Tony Iommi, Joe Elliott y Phil Collen, Axl Rose y Slash. La convocatoria sumó a personalidades de la industria cinematográfica como las célebres actrices Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. La banda irlandesa U2 no estuvo presente en Wembley, pero participó mediante un enlace vía satélite para dedicarle a Mercury la canción “Until the End of the World” .

Fue así como Robert Plant fue vocalista junto a los integrantes de Queen para interpretar “Crazy Little Thing Called Love”. David Bowie cantó el tema “Heroes”. Posteriormente, se presentó una formación coral en las que varias estrellas compartieron los micrófonos para cantar “Bohemian Rhapsody”.

La participación de George Michael fue especialmente destacada debido a su interpretación en solitario del clásico “Somebody to Love”. Una publicación de la revista Rolling Stone calificó esa actuación como el punto de mayor relevancia de todo el recital.

Durante su actuación Michael formó un dúo con la artista Lisa Stansfield para interpretar la canción “These Are the Days of Our Lives”. Stansfield recordó aquella mancomunión de estrellas: “Todas y cada una de las personas que participaron en la realización de ese espectáculo eran simplemente tan famosas en ese momento específico. Era como tener leyendas absolutas repartidas por todas partes, pero nadie exhibía ningún tipo de ego personal”.

Michael se tomó muy en serio aquel concierto. Exigió y cumplió cinco jornadas de ensayos para tratar de alcanzar la perfección interpretativa. Las crónicas de entonces recuerdan que su pareja de entonces, Anselmo Felleppa, estaba entre el público y había sido diagnosticado como HIV positivo. Felleppa fallecería en marzo de 1993.

Y así lo explicó más tarde: “Mi subconsciente sabía que cantar una canción de Freddie Mercury después de su fallecimiento y frente a mi amante... Mi subconsciente sabía que esa era, muy probablemente, la presentación más importante de toda mi vida”.

Y agregó: “Anselmo estaba allí mismo y yo me estaba muriendo por dentro. Y todo mi ser... ¡me trasladé a otro lugar! Fui a otro lugar por completo. Esta fue la plegaria más ruidosa de toda mi vida. Y no es una casualidad, no es un accidente que la interpretación, probablemente la más conocida de toda mi carrera profesional, le fuera cantada a mi amante que se estaba muriendo lentamente”.

Las grabaciones de la participación de Michael hechas durante el concierto de Wembley en 1992 se recopilaron y publicaron un año más como un disco titulado Five Live.

Las ganancias obtenidas por el disco se transfirieron al Mercury Phoenix Trust, una entidad de beneficencia fundada con el objetivo de combatir la epidemia de HIV. Ese trabajo de estudio alcanzó el primer lugar en las ventas dentro del Reino Unido, consiguiendo la certificación de disco de oro, e ingresó en el puesto número 46 del Billboard 200 en los Estados Unidos.

El análisis del clima de la época fue tratado por la cadena televisiva BBC mediante el documental de 2021 llamado Freddie Mercury: The Final Act. Dan Hall, productor del proyecto, mostró su perspectiva sobre las hostilidades al desarrollo de la vida adulta homosexual durante el comienzo de los años noventa. Calificó al período como una etapa desfavorable donde los individuos fingían que los métodos de barrera profiláctica poseían matices divertidos o atractivos, ocultando la gravedad del contexto.

Para Hall, la emisión de aquel recordado recital de 1992 generó algo inédito. El realizador señaló: “La gente todavía moría, por lo que el concierto, por su propia naturaleza, fue relevante. Las personas usaban cintas rojas; eso fue lo que me pareció increíble. Vi a esos fanáticos del metal en un escenario usando cintas rojas, y fue simplemente como, Dios mío, arrojar una luz donde la sociedad me dice que debería haber sombra y vergüenza. Fue emocionante. Solo mientras digo esto, me estoy dando cuenta de que fue la primera vez que tuve conciencia de aliados heterosexuales, y eso fue increíblemente importante para mí".

James Rogan, responsable de la dirección del material fílmico, tenía 11 años cuando vio la transmisión televisiva del recital. Rogan dijo que: “Había crecido en la era del sida, donde la enfermedad funcionaba como una sombra oscura, y todo consistía en anuncios publicitarios con forma de lápida. Era un tema del que se hablaba con muchísimo temor, y recuerdo el concierto como un elemento que logró cambiar por completo esa conversación social. Así que sentí la curiosidad de regresar en el tiempo para investigar si ese había sido realmente el caso. Creo que lo que descubrimos fue que el enfoque general cambió radicalmente con el concierto: se transformó en un momento de reconocimiento explícito de lo que le había sucedido a tantas personas de una manera sumamente pública".

La metodología aplicada por ambos cineastas descartó la creación de un audiovisual enfocado en la urgencia y necesidad de organizar un acto masivo sobre prevención sanitaria. Hall argumentó que la estructura de la comunidad queer de la época soportó altos niveles de manipulación psicológica, asimilando situaciones inaceptables como normales en pos de garantizar su propia supervivencia. Consideró fundamental la inclusión de Rogan, un director externo a dicha comunidad, para señalar y visibilizar esas dinámicas naturalizadas que resultaban perjudiciales.

Aquel inolvidable concierto de hace 34 años no solo fue importante por la cantidad de estrellas que le rindieron tributo a uno de los mejores intérpretes del siglo XX. Además sirvió para concientizar sobre una enfermedad que, por entonces, estaba rodeada de prejuicios y quienes la padecían, eran habitualmente condenados al ostracismo.

El icónico inmueble de Freddie Mercury en Kensington, Reino Unido, vuelve a ser noticia mundial tras ser puesto en venta, marcando el inicio de una nueva etapa para la que fuera morada y refugio creativo del legendario cantante de Queen.

La casa, conocida como Garden Lodge, fue ofrecida por su heredera y antigua prometida, Mary Austin, por un precio superior a 30 millones de libras (alrededor de 35 millones de euros), según confirmaron medios internacionales como Hello Magazine, The Telegraph y CNN.

La expectativa generada entre coleccionistas y seguidores no sorprende: se trata de un inmueble de ocho habitaciones, situado en Logan Place, al oeste de Londres, que Mercury adquirió en 1980 y habitó hasta su fallecimiento en 1991.

El domicilio, de estilo neogeorgiano, fue objeto de remodelación bajo la dirección del propio cantante y el aporte del diseñador de interiores Robin Moore Ede, con el objetivo de plasmar su personalidad ecléctica y su gusto por los materiales de alta calidad.

Características de Garden Lodge y exclusividad del proceso de venta

El acceso a detalles sobre la residencia ha sido restringido: la inmobiliaria Knight Frank, responsable de la operación, exige a los interesados acreditar capacidad financiera suficiente antes de facilitar información o concertar visitas.

Esta política, motivada por la privacidad y la seguridad, responde a la relevancia histórica del lugar y a la afluencia constante de admiradores que, durante décadas, han convertido la fachada —en particular la puerta verde de la muralla de casi tres metros— en un punto de peregrinaje y homenaje.

El interior de Garden Lodge ha permanecido prácticamente inalterado desde la muerte de Mercury. Austin, quien recibió la propiedad y todas las pertenencias del músico como parte de su legado, se dedicó a conservar la distribución, el mobiliario y los detalles decorativos originales. El resultado es un ambiente que remite directamente a la esencia y los gustos del artista, y que preserva su memoria en cada rincón.

La residencia cuenta con una sala de estar de doble altura, biblioteca-bar, sala de música y un jardín de inspiración japonesa con árboles de magnolia y elementos acuáticos orientales. La suite principal, a la que se accede a través del antiguo vestidor del cantante, está revestida de espejos y armarios que en su momento albergaron la célebre colección de vestuario y disfraces de Mercury.

La sala amarilla: epicentro social y artístico

Uno de los espacios más emblemáticos del inmueble es la llamada “sala amarilla”. Este comedor, pintado en un tono intenso y decorado con detalles ornamentales en verde oscuro, rosa pálido y dorado, fue testigo de celebraciones y reuniones memorables. Entre las historias que sobreviven en el lugar, destaca la cena en la que Mercury compartió la mesa con la soprano Montserrat Caballé, con quien planificó el célebre álbum Barcelona.

La sala, equipada con una mesa de roble oscuro y sillas geométricas, así como un aparador con tiradores dorados y un reloj de oro macizo, encarna el espíritu lúdico y sofisticado del anfitrión. La atmósfera de este espacio refleja el deseo de Mercury de crear no solo un hogar, sino un punto de encuentro para la creatividad y la amistad.

Un legado cuidadosamente conservado

Tras la subasta de más de 1.400 objetos personales de Mercury en Sotheby’s, realizada en 2023 por decisión de Austin, la casa quedó libre de los recuerdos materiales del cantante. Sin embargo, la atmósfera y el carácter del lugar se mantuvieron intactos, como subraya la propia Austin: “Este hogar ha sido la caja de recuerdos más gloriosa, porque hay amor y calidez en cada habitación”.

Austin, quien ha residido en Garden Lodge junto a sus hijos durante más de tres décadas, reconoce la carga emocional de la decisión de vender. “Desde que Freddie y yo cruzamos la puerta verde, este ha sido un lugar de paz, una verdadera casa de artista, y ahora ha llegado el momento de confiar esa sensación de serenidad a otra persona”, declaró en entrevista con The Telegraph.

Para la actual propietaria, la residencia encarna décadas de afecto, alegría y momentos entrañables. La venta representa el cierre de un ciclo vital y la oportunidad de que una nueva historia comience en el mismo espacio donde Mercury vivió sus años más prolíficos y personales.

Quienes se han preguntado qué hace única a Garden Lodge, encuentran la respuesta en la combinación de arquitectura, historia y el intangible legado de su habitante más célebre. La casa no solo refleja el talento y la visión de Mercury, sino que también se erige como símbolo de la creatividad y la memoria afectiva que definieron su vida y su obra.

El próximo sábado 11 de abril, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán de Bogotá recibirá a Dr. Queen, el tributo argentino que ha logrado reconocimiento internacional por su interpretación de la música de la inolvidable Queen. La banda, originaria de La Plata, presentará un espectáculo que busca recrear con fidelidad el universo musical y escénico de la agrupación británica, en una función programada para las 8:00 p.m.

Dr. Queen es considerada una de las bandas tributo más importantes del circuito internacional. A lo largo de más de 25 años de trayectoria, ha realizado más de mil conciertos en más de 20 países, desarrollando una propuesta caracterizada por la seriedad musical, la fidelidad sonora y el respeto por la obra original de Queen. El grupo ha sido reconocido por su capacidad para agotar localidades en diferentes ciudades y por la respuesta entusiasta del público.

El espectáculo en Bogotá ofrecerá un recorrido por los grandes éxitos de Queen, incluyendo “Bohemian Rhapsody”, “We Will Rock You”, “Somebody to Love”, “Love of My Life” y “Don’t Stop Me Now”. El repertorio ha sido seleccionado para brindar una experiencia integral que combine momentos íntimos y pasajes de gran fuerza rockera. La puesta en escena incorpora vestuarios icónicos y una interacción constante con el público, elementos que han convertido a Dr. Queen en una referencia dentro del género.

El líder y vocalista de la banda, Jorge Busetto, es médico de profesión y artista de formación musical. Su interpretación de Freddie Mercury ha sido elogiada por su capacidad vocal y su presencia escénica, cualidades que evocan el espíritu del carismático cantante británico. “Nuestro objetivo no es solo interpretar canciones, sino recrear la experiencia Queen: su energía, su emoción y su mensaje. Cada show es un homenaje profundo a una banda que marcó la historia de la música y sigue uniendo a personas de todas las edades”, expresó Busetto.

La formación de Dr. Queen incluye a álvaro Navarro Kahn en el rol de Brian May, Daniel Ronchetti como John Deacon y Diego Ares como Roger Taylor. Todos los integrantes cuentan con una amplia experiencia en la recreación de la estética y el sonido de los conciertos originales de Queen. La ejecución musical se realiza completamente en directo, sin uso de pistas pregrabadas, lo cual ha sido subrayado incluso por los propios miembros originales de Queen, quienes han autorizado a la banda argentina para interpretar su música.

Fundada en el año 2000, Dr. Queen surgió como un homenaje tras el fallecimiento de Freddie Mercury en 1991. El proyecto fue impulsado por médicos que compartían su pasión por la música y el deseo de rendir tributo a la banda británica. Desde sus primeras presentaciones, la agrupación se ha enfocado en mantener la excelencia artística, tanto en el aspecto sonoro como en el visual. A lo largo de su carrera, ha presentado espectáculos conceptuales como “Queen Rocks” e “I Want It All”, combinando la interpretación de los clásicos del repertorio con una puesta en escena que recrea los grandes conciertos de Queen.

Dr. Queen ha sido reconocida internacionalmente por su fidelidad en la interpretación y por la calidad de sus presentaciones. El grupo ha recorrido América Latina y Europa, donde ha cosechado éxito de público y crítica. Su repertorio incluye no solo los himnos más conocidos de Queen, sino también versiones de temas inéditos y adaptaciones especiales, como el Himno Nacional Argentino interpretado en inglés.

El concierto en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán representa una oportunidad única para los seguidores de Queen y los amantes del rock en Colombia. La producción técnica y artística del evento está diseñada para recrear la atmósfera de los grandes shows de la banda británica, con una ejecución precisa y una constante comunicación con el público.

La presencia de Dr. Queen en Bogotá refuerza la vigencia del legado de Queen en América Latina y la capacidad de los tributos para mantener viva la obra de las grandes bandas del rock. La agrupación argentina, fiel a su espíritu original, continúa llevando el repertorio de Queen a escenarios de distintos países, reafirmando su compromiso con la excelencia y el respeto por la música que marcó a varias generaciones.

Un reportaje realizado por el periodista especializado en música Ed Power para The Telegraph analizó cómo esa experiencia personal de Mercury se plasmó en Seven Seas of Rhye, tema incluido en Queen II.

Aunque el cantante evitaba explicar minuciosamente el origen de su obra, Power reunió interpretaciones que vinculan los episodios de su niñez, incluida la abrupta partida de su familia de Zanzíbar, con el desarrollo de su imaginación creativa.

La canción no solo marcó un punto de consolidación para Queen en la escena musical británica. También reveló a Mercury en su faceta de narrador, capaz de transformar vivencias personales en paisajes fantásticos. Tras la salida obligada de su tierra natal, ese entorno perdido quedó inscrito como un símbolo en sus letras, según la reconstrucción realizada por Power.

La construcción del universo Rhye

El concepto de Rhye, presente en varios temas del álbum, aparece como un territorio ficticio cargado de simbolismo. Según reconstrucciones citadas por The Telegraph, existe un consenso entre seguidores que sitúa el origen de este universo en un juego imaginativo que Mercury habría compartido con su hermana Kashmira durante la infancia.

Nacido en la isla de Zanzíbar, ubicada en la costa de África Oriental, el artista vivió un golpe decisivo cuando su familia tuvo que abandonar el lugar después de una revolución. Ese episodio rompió abruptamente con su entorno original. Años más tarde, dejó de ser solo un espacio geográfico para convertirse en un símbolo de lo perdido en la obra del músico.

El locutor y aficionado musical Phil Swern describió ese vínculo emocional al afirmar: “Siempre podía recurrir a ella cuando la realidad se volvía demasiado abrumadora”. La isla funcionó como refugio mental, proyectándose en las composiciones del artista.

Temas y recursos del álbum

De acuerdo con Power, en Seven Seas of Rhye, Mercury creó una narrativa en la que un reino mágico sufre las consecuencias de la guerra. La letra presenta imágenes de confrontación y destrucción que remiten a una experiencia emocional más profunda.

El cantante no ofrecía detalles específicos sobre la inspiración tras la canción. En declaraciones citadas por The Telegraph, explicó: “Mis letras y canciones son principalmente fantasías, las invento”. Añadió: “No son realistas; son más bien etéreas, como de cuento de hadas”. Esta aclaración reforzó la ambigüedad en torno a su proceso creativo.

El paralelismo con la obra de J. R. R. Tolkien es frecuente al analizar Queen II. Al igual que el autor de El Señor de los Anillos, Mercury recurrió a la ficción como vía para procesar experiencias difíciles. En ambos casos, la construcción de universos imaginarios permitió canalizar conflictos personales a través del relato fantástico.

La segunda cara de Queen II, conocida como “Black Side”, albergó la mayor concentración de estas composiciones. Allí, una secuencia de canciones interconectadas expandió la mitología de Rhye. En Ogre Battle, The Fairy Feller’s Master-Stroke y Nevermore se suceden criaturas singulares y paisajes en decadencia.

El punto culminante llegó con The March of the Black Queen, extensa pieza anticipatoria de estructuras narrativas que el grupo perfeccionaría más adelante. En otras declaraciones citadas por el medio británico, Mercury confesó sobre su creación que “me llevó muchísimo tiempo terminar esa canción. Quería dedicarle todo mi esfuerzo, darme un regalo o algo así”.

Mientras tanto, el trabajo musical de Brian May y Roger Taylor contribuyó a afianzar una identidad sonora distinta. Taylor rememoró en una entrevista con la revista especializada Classic Rock: “Empezábamos a ampliar los límites del estudio en cuanto a la sobregrabación y a lo que podíamos hacer vocalmente, algo con lo que antes solo estábamos experimentando”.

Influencia e impacto en la música

El universo de Rhye no se limitó a Queen II. Mercury ya había aludido a esa narrativa en trabajos anteriores y la cerró en el disco Sheer Heart Attack, donde el tema Lily of the Valley marcó el cierre de ese ciclo creativo. En ese momento, la banda consolidó un lenguaje propio que incluyó recursos literarios y un abordaje musical poco convencional.

Según Power, la influencia de la fantasía no fue exclusiva de Queen en los años setenta. Grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath y Rush también incorporaron elementos similares en sus composiciones. En el caso de Mercury, esa inclinación se vio marcada de manera personal por su historia de vida y el desarraigo.

La reedición reciente de Queen II, con nuevas mezclas supervisadas por May y Taylor, devolvió al primer plano este capítulo inicial del grupo, iluminando el trasfondo íntimo detrás de una de sus canciones más recordadas.

Más de 400 artículos de memorabilia musical, incluido uno de los últimos autógrafos de John Lennon, serán subastados en Londres el 30 de abril. El evento, dirigido por la casa Propstore, destaca por ofrecer piezas con alto valor histórico y emocional asociadas a figuras como Queen, Guns N’ Roses y los Beatles.

La subasta reunirá objetos emblemáticos, como el cartel promocional de Double Fantasy firmado por John Lennon pocas horas antes de su muerte, la guitarra Gibson Les Paul empleada por Slash en la gira de regreso de Guns N’ Roses, un micrófono dorado de Freddie Mercury y manuscritos originales de Paul McCartney. Cada lote fue elegido por su relevancia, proporcionando a coleccionistas y aficionados la oportunidad de adquirir piezas que representan momentos clave de la historia de la música popular.

Entre los objetos más valiosos, según Artnet, destaca el cartel de gran formato firmado por Lennon el 8 de diciembre de 1980 para el presentador Ron Hummel, poco antes del asesinato del músico. Ese póster, ilustrado con una imagen de Kishin Shinoyama en Central Park junto a Lennon y Yoko Ono, se entrega junto con los archivos originales de aquella entrevista, incluidos los CD con la última grabación del artista.

La valoración de este autógrafo oscila entre 60.000 y 120.000 libras esterlinas (79.200 y 158.400 dólares), posicionándose como el principal atractivo de la venta. Este lote, acompañado de documentos históricos, suma interés por su relación directa con los acontecimientos del 8 de diciembre de 1980.

Instrumentos y objetos destacados de Guns N’ Roses y Queen

Entre los principales atractivos para el público rockero está la guitarra Gibson Les Paul de Slash, utilizada durante la gira “Not In This Lifetime Tour” de Guns N’ Roses en 2016. Este reencuentro supuso la primera actuación conjunta de Axl Rose, Duff McKagan y el propio Slash desde principios de los años 90, y obtuvo ingresos de más de 500 millones de dólares a lo largo de 175 conciertos.

El instrumento, descrito por Slash como “la mejor guitarra en general para mí”, está tasado entre 150.000 y 300.000 libras esterlinas (198.000 y 396.000 dólares), situándose entre las piezas más valiosas de la jornada.

Por su parte, Queen estará representada por más de 60 objetos procedentes de la colección personal de Peter Hince, técnico de sonido principal de la banda durante 11 años. Destaca el micrófono dorado Shure 565 SD, regalo de la revista Circus a Mercury en 1980 y que luego él mismo regaló a Hince; su valor estimado se sitúa entre 30.000 y 60.000 libras esterlinas (39.000 y 79.000 dólares).

En el mismo lote figuran una bata de Freddie Mercury, una tarjeta navideña enviada por el cantante a Hince en 1987 y una selección de fotografías que dieron origen a la exposición “Queen Unseen”.

Artículos exclusivos de los Beatles y Paul McCartney

Además del autógrafo de Lennon, la venta incluye objetos singulares ligados a los Beatles. Sobresale el primer borrador manuscrito de la canción “Goodbye” de Paul McCartney, escrito sobre papel con membrete oficial de Apple Records en 1969, que más tarde fue interpretada por Mary Hopkin y alcanzó el número dos en las listas británicas. La estimación para este documento es de 55.000 a 110.000 libras esterlinas (73.100 a 146.000 dólares).

Asimismo, estará disponible la hoja original de orden de actuación, firmada por los cuatro integrantes, de la segunda participación de la banda en el famoso programa estadounidense Ed Sullivan en 1964. Este artículo histórico tiene un valor de entre 30.000 y 60.000 libras esterlinas (39.000 y 79.000 dólares), consolidándose como uno de los tesoros para admiradores del grupo de Liverpool y coleccionistas de música pop.

Valor de colección y perspectiva del evento para fanáticos y coleccionistas

La variedad y la singularidad de los objetos convierten esta subasta en un evento relevante para el mercado internacional de coleccionismo musical. El especialista Mark Hochman subrayó que estos lotes representan diversos géneros, generaciones y momentos importantes de la cultura musical, y señaló la capacidad de estas piezas para conservar el legado artístico y emocional de sus protagonistas.

Para quienes aspiran a más que una simple adquisición, cada objeto a la venta permite revivir instantes históricos y experiencias que influyeron en la vida musical de varias generaciones.

Los interesados tendrán la ocasión de obtener recuerdos originales que superan el valor material y se transforman en fragmentos palpables de la historia, vinculados a las canciones y artistas que definieron una época.

A lo largo de más de dos décadas (1970-1991), Queen lanzó más de 180 canciones. Más de 180 temas entre los que se incluían We Will Rock You, Another One Bites the Dust, We Are The Champions o Bohemian Rhapsody, convertidos hoy en himnos de una de las bandas más importantes de la historia del rock.

Entre las claves de su éxito se encuentran el estilo ecléctico que caracterizaba a sus canciones, así como el carisma y la potencia de la voz de su gran figura: el cantante Freddie Mercury, quien tristemente fallecería en 1991, marcando un punto de inflexión en una banda que, pese a no anunciar oficialmente su retirada en ningún momento, redujo drásticamente su actividad musical, exceptuando el disco Made in Heaven (que utilizaba pistas grabadas del vocalista) y la canción No-One But You (Only The Good Die Young), lanzados pocos años después.

Con el tiempo, Queen se volvería a reunir para actuaciones esporádicas, reencuentros y todo tipo de actos para conmemorar el legado de la banda, aprovechando también los cambios tecnológicos que han transformado la industria musical y el modo en el que el público se relaciona con sus grupos y artistas favoritos. En este sentido, una de las últimas acciones de sus compañeros Brian May y Roger Taylor, fue publicar en el perfil oficial de Spotify de Queen una lista con las canciones favoritas de Mercury, incluyendo las que él mismo creó.

La primera canción de Queen que aparecen en la ‘playlist’ de Freddie Mercury

A diferencia de un simple recopilatorio de éxitos, la lista de reproducción privilegia piezas que, según sus compañeros, tenían un peso personal para Mercury. Estas elecciones, que incluyen tanto temas de Queen como de su carrera como solista, permiten entender mejor la complejidad de su sensibilidad musical. Por eso, tal vez sorprenda que no aparezcan los principales éxitos de la banda, sino aquellas canciones quizá menos conocidas en las que el cantante pudo explorar nuevos estilos y emociones.

De este modo, la primera canción que aparece de la banda (pues se incluyen también las de otros artistas admirados por Mercury) es It’s a Hard Life, una balada con influencias del opera rock que tanto caracterizaba a la banda en aquellos años y que fue incluida en el álbum The Works, lanzado en 1984. “En mi opinión, es una de las canciones más bellas que Freddie escribió”, diría el propio Brian May en una entrevista en 2003. “Sale directamente del corazón, y se sinceró durante su creación. Estuve con él durante horas y horas, desahogándonos y tratando de sacarle el máximo partido. Es una reflexión muy profunda sobre las relaciones, y él hablaba de la suya”.

Mercury escribió una canción que logró extrapolar sus propias emociones para hablar de “la relación de todos, sean quienes sean”. Mucha gente recuerda este tema, sin embargo, por su icónico vídeo musical: una extravagante representación inspirada en el teatro clásico donde vemos a personas vestir disfraces absurdos, incluyendo al propio cantante, ataviado con un extravagante atuendo rojo lleno de ojos. “A primera vista, creo que me horrorizó que quisiera hacer este tipo de vídeo porque, obviamente, distrae muchísimo. Pero en la mente de Freddie, no diría que es una broma; es una interpretación irónica”, opinaría May.

El resto de canciones que aparecen

De este modo, todas las canciones elegidas de Queen o Freddie Mercury reflejan el deseo permanente del músico de reinventarse y buscar nuevos horizontes creativos, más allá de los límites que imponía el éxito comercial. El resto de canciones de Queen que aparecen son The Miracle (incluida en el álbum homónimo de 1989), Crazy Little Thing Called Love (del álbum The Game, de 1980) y Somebody to Love (A Day at the Races, 1976). Además, también aparecen los temas Love Me Like There’s No Tomorrow y Time Waits For No One, del álbum como solista que él mismo lanzó en 1985.

Al repasar estos títulos, los seguidores pueden descubrir facetas menos conocidas del artista y entender por qué, para sus compañeros, estas piezas representan mejor que ninguna otra el verdadero espíritu del líder de Queen. La memoria de Freddie Mercury sigue viva en esa playlist aún disponible en Spotify, no solo en sus éxitos más populares, sino también en esas canciones que, según quienes mejor lo conocieron, lo emocionaban y desafiaban como músico.

En la década de 1920, mientras excavaban en las tumbas de Deir el-Bahari, en Lúxor, los arqueólogos se encontraron con una escena del crimen desconcertante: miles de estatuas destrozadas y relieves profanados de Hatshepsut, una de las pocas y más exitosas faraonas del antiguo Egipto.

Durante el siglo XV a. C., Hatshepsut, hija del faraón Tutmosis I, protagonizó una de las maniobras políticas más audaces de la antigüedad. Tras la repentina muerte de su esposo-hermano, Tutmosis II, se nombró regente de su joven hijastro, Tutmosis III, hijo de una reina menor. Después de varios años de regencia, Hatshepsut se apoderó del trono; gobernó durante casi dos décadas en las que consolidó su legitimidad al cultivar la personalidad de un dios viviente y autoproclamarse "Señor de las Dos Tierras".

Los eruditos del siglo XIX y principios del XX solían describirla como una malvada madrastra de un pasado lejano: una usurpadora cuya perspicacia política se consideraba perversa. Al principio, los egiptólogos sostenían que Tutmosis III, sucesor de Hatshepsut, ordenó la destrucción de sus imágenes en un arrebato de rencor tras su muerte. Sin embargo, en la década de 1960, la destrucción se atribuyó a un programa orquestado iniciado unos 25 años después.

Pero últimamente, Hatshepsut ha experimentado una renovación de su reputación, y ha sido reinterpretada por los eruditos como una diplomática magistral cuyo reinado se caracterizó por la innovación artística y crecimiento económico. Un estudio reciente publicado en la revista Antiquity suaviza aún más su imagen.

Jun Yi Wong, doctorando en Egiptología por la Universidad de Toronto, reevaluó décadas de registros de excavaciones, incluidas notas, fotografías e informes de campo inéditos. Llegó a la conclusión de que algunos de los daños causados a las estatuas de Hatshepsut no fueron obra de Tutmosis III, y que las acciones que este llevó a cabo fueron menos brutales de lo que se suponía.

Con base en otros estudios recientes, Wong propuso que la demolición de las estatuas de Hatshepsut por parte de Tutmosis III fue una "desactivación" ritual destinada a anular su poder espiritual, más que una venganza. Al romper las estatuas en puntos concretos --el cuello, la cintura y las rodillas--, Tutmosis III pretendía neutralizar la fuerza inherente a estas imágenes antes de deshacerse de ellas.

Wong señaló que las estatuas de otros reyes, la mayoría de los cuales no se sabe que hayan sufrido persecución, recibieron un trato similar. Muchas esculturas de Hatshepsut fueron reutilizadas posteriormente como materia prima, lo que causó daños adicionales que ocultaron la naturaleza de las acciones de Tutmosis III.

Edward Bleiberg, conservador emérito de arte egipcio del Museo de Brooklyn, dijo que el estudio de Wong afina la comprensión de los estudiosos sobre el modo en que se trataron los monumentos de Hatshepsut. Al dar prioridad a las pruebas forenses sobre las interpretaciones aceptadas, Wong demostró que las cicatrices físicas, a menudo acumulativas, de los artefactos cuentan una historia distinta a la de los libros de historia.

"Demuestra claramente que las estatuas individuales se rompieron con procesos diferentes y, por tanto, con intenciones diferentes", dijo Bleiberg. "No hay una explicación única para esta destrucción, y la animadversión personal es la explicación menos probable".

Tía, madrastra y suegra

Catorce siglos antes de Cleopatra, Hatshepsut trastocó las normas patriarcales del Nilo. Hay indicios de que, para cimentar su autoridad, casó a su hija Neferure con Tutmosis III, creando una maraña genealógica que desafiaba incluso las antiguas convenciones egipcias. Para cuando el humo del incienso se disipó, Hatshepsut se habría convertido en tía, madrastra y suegra del joven rey: un golpe maestro de consolidación dinástica.

Hatshepsut no solo gobernó, sino que se transformó al encargar una serie de estatuas y tallas en relieve que mezclaban la sutileza femenina con la autoridad musculosa de un monarca masculino. Esta identidad cuidadosamente diseñada --un rey masculinizado, con barba ceremonial, faldellín o shenti y una forma idealizada y esculpida-- fue una transformación calculada, que le permitió reclamar un mandato divino pleno.

El resultado fue una era estable de prosperidad e importancia cultural, que estableció cimientos duraderos para el Nuevo Reino y propició el futuro esplendor de Tutankamón. Desde el templo mortuorio de Hatshepsut en Deir el-Bahari, construido al pie de un acantilado, hasta los elevados obeliscos de granito de 30 metros que levantó en Karnak, su audacia arquitectónica constituyó una magistral campaña de propaganda santificada. Al reactivar rutas comerciales olvidadas --en particular una expedición marítima a la Tierra de Punt (posiblemente la actual Eritrea) que regresó con oro, marfil, ébano y mirra viva--, construyó la base financiera de la XVIII dinastía.

Sin embargo, los vestigios físicos del mandato de Hatshepsut no fueron simplemente olvidados; parecían haber sido objeto de vandalismo activo en una damnatio memoriae, o "condena de la memoria", un intento de borrar la memoria de una monarca muerta y caída en desgracia. Sus monumentos fueron desfigurados, sus cartuchos destrozados, su nombre borrado de las listas de reyes posteriores junto con sus logros, incluido el templo de Deir el-Bahari, supuestamente por quien la sucedió.

'Damnatio memoriae'

En 2014, cuando Wong empezó a interesarse por Hatshepsut, los egiptólogos ya habían abandonado la dramática narrativa de un hijastro despechado en favor de un análisis más frío y burocrático. Los eruditos estaban divididos; interpretaban cada vez más la damnatio memoriae como un intento desesperado de legitimar a un heredero varón, o una corrección contra una mujer que había gobernado con demasiada eficacia.

Lo que comenzó como una fascinación universitaria de Wong en la Universidad de Durham, Inglaterra, se convirtió en una vocación académica en la Universidad de Cambridge, donde se especializó en Egiptología. Inicialmente, confundió el proyecto con una tesis de maestría, pero comprender su complejidad lo llevó a la Universidad de Toronto. Allí, como doctorando, abordó el monumental misterio que transformó radicalmente su mapa profesional.

Wong pasó más de dos años estudiando el borrado de los relieves de Hatshepsut en su templo mortuorio de Deir el-Bahari. Pero los restos destrozados de sus estatuas planteaban un reto totalmente distinto: parecían un rompecabezas caótico que se negaba a ser resuelto.

"El estado de las estatuas no parecía tener ni pies ni cabeza", dijo Wong. "Algunas estaban muy fragmentadas; otras se encontraron en muy buen estado, con los rostros intactos. A la mayoría también les faltaban muchas partes, lo que añadía complejidad a todo".

Finalmente, Wong llegó a un gran avance al aplicar los principios de la tafonomía, el estudio de cómo se alteran y depositan los artefactos. Como la mayoría de las estatuas no habían sido enterradas tras su eliminación, se convirtieron en una fuente conveniente de material pétreo en los siglos posteriores.

Trató el recinto del templo como un lugar de matanza prehistórico y observó que sistemáticamente faltaban fragmentos de las estatuas con formas regulares, las partes más útiles para reutilizarlas como materia prima. Lo que inicialmente parecía un amasijo de caras y torsos mutilados era, en realidad, los restos de una antigua operación de reciclaje.

Al reconstruir los puntos de hallazgo de las estatuas, Wong descubrió que aquellas con los rostros intactos solían ser las menos afectadas por la reutilización. Esto sugería que los destrozos causados por Tutmosis III fueron mucho más limitados: las estatuas habían sido desactivadas, pero sus rostros se habían salvado de sufrir daños.

"Gran parte de los daños significativos se produjeron durante la reutilización del material", dijo Wong. Las piezas desprendidas, sobre todo los cuerpos en forma de bloque, se volvieron a utilizar como componentes de construcción o material de relleno, lo que provocó daños adicionales. Es importante destacar que algunos fragmentos se utilizaron como relleno para la calzada de un templo vecino construido por Tutmosis III.

"Las estatuas halladas bajo la calzada eran como una cápsula de tiempo, ya que sin duda nunca fueron alteradas después de su reinado", dijo Wong. "Aquí, la mayoría de las estatuas exentas, las menos propensas a haber sido dañadas accidentalmente, tienen sus rostros totalmente intactos".

Además, el análisis de Wong de las imágenes bidimensionales del templo de Hatshepsut descubrió una narrativa compleja que desbarata las hipótesis egiptológicas arraigadas e indica que algunas de las modificaciones atribuidas a Tutmosis III se implementaron más de un siglo después.

Cuando el monoteísmo radical del faraón Akenatón arrasó Egipto, los nombres e imágenes de los dioses tradicionales fueron violentamente borrados de la historia. Esta revolución religiosa no duró mucho, y los reyes posteriores pronto restauraron las deidades tradicionales.Pero los artesanos que restauraron el templo mortuorio de Hatshepsut tras esta convulsión se enfrentaron a un doble reto. Tuvieron que reparar las omisiones religiosas de Akenatón y, al mismo tiempo, sortear los ásperos huecos intencionales dejados por Tutmosis III. Algunos artistas sustituyeron las imágenes dañadas de Hatshepsut por las de reyes varones. Estas alteraciones, erróneamente atribuidas a Tutmosis III, han distorsionado durante mucho tiempo nuestra comprensión de la persecución de Hatshepsut, afirmó Wong.

Aunque Tutmosis III sustituyó algunas de las imágenes de Hatshepsut, Wong argumentó que su campaña fue una edición selectiva y estratégica, ya que los cambios se concentraron en zonas donde tenían lugar festivales y procesiones clave. La evolución del templo refleja un esfuerzo práctico por mantener los espacios sagrados relevantes para esos acontecimientos.

Kara Cooney, egiptóloga de la Universidad de California en Los Ángeles, defiende una teoría feminista alternativa. Propone que, al borrar el nombre y la imagen de Hatshepsut después de su muerte, Tutmosis III trató de relegar a una faraona exitosa a una nota olvidada a pie de página. Al atacar los mismos monumentos que ella construyó, intentó eliminar su linaje real y asegurar una línea de sucesión puramente masculina. Esta antigua forma de borrar la figura de Hatshepsut, afirma Cooney, fue una maniobra hostil diseñada para demostrar que el hecho de que una mujer gobernara con tanto éxito constituía un abuso de poder intolerable.

En respuesta, Wong dijo que la teoría de Cooney "es plausible, pero han sobrevivido algunas imágenes de Neferure que contradicen la idea de una sucesión masculina forzada".

Conclusiones precipitadas

Peter F. Dorman, profesor emérito de Egiptología y Lenguas y Civilizaciones de Oriente Próximo de la Universidad de Chicago, dijo que los estudiosos del pasado solían suponer que los daños causados a los monumentos de Hatshepsut habían sido intencionales. Wong, afirmó, ha demostrado que buena parte del daño fue incidental, causado por la retirada física de sus estatuas de los templos.

"El resto de los ataques a su figura y a su nombre consistieron esencialmente en borrar o reatribuir su realeza masculina, y sus anteriores representaciones como reina rara vez se tocaron", dijo Dorman. "Estas sutilezas son fundamentales para interpretar el contexto político de la historia antigua".

Dorman dijo que la metodología de Wong tiene implicaciones adicionales para desentrañar el fenómeno de la damnatio memoriae.

"Es decir, nos aconseja no sacar conclusiones precipitadas sobre animosidades personales donde puede que no existían", dijo.

El desafío de reemplazar a Freddie Mercury

Freddie Mercury es recordado como uno de los intérpretes más versátiles y carismáticos en la historia del rock. Tras su muerte en 1991, Queen enfrentó el complejo reto de encontrar un vocalista capaz de asumir su legado en el escenario.

El Freddie Mercury Tribute Concert de 1992 reunió a figuras como Elton John, Robert Plant y Axl Rose en el estadio de Wembley, quienes intentaron adaptar su interpretación a la complejidad de las canciones de Queen.

Sin embargo, muchos de ellos debieron modificar la tonalidad de los temas originales, lo que evidenció la dificultad de igualar el rango y la presencia escénica de Mercury.

La actuación de George Michael marcó un punto de inflexión en el concierto. Según el portal de noticias musicales Indiehoy, Michael fue el único capaz de combinar técnica vocal y sensibilidad emocional, elementos esenciales en la música de Queen.

Su interpretación de Somebody to Love no solo superó las expectativas del público, sino que también recibió elogios de colegas y críticos especializados.

Una actuación que dejó huella en Wembley

El impacto de la versión de Michael se reflejó en la reacción inmediata de los asistentes y los músicos presentes.

De acuerdo con el portal de estadísticas musicales Stereo Cien, la interpretación fue considerada por expertos como una de las más destacadas en la historia de los homenajes a Mercury. La conexión emocional que Michael logró transmitir sobre el escenario de Wembley consolidó su lugar como uno de los artistas que mejor entendió el legado de Queen.

May subrayó que la actuación de Michael se distinguió por la precisión técnica y la entrega emocional, cualidades que lo ubicaron por encima del resto de los participantes. El guitarrista enfatizó que la fidelidad al espíritu original de la canción y la fuerza interpretativa de Michael siguen siendo referencias ineludibles en cualquier repaso al Freddie Mercury Tribute Concert.

La admiración mutua entre George Michael y Queen

El vínculo entre George Michael y Queen no se limitó al tributo en Wembley. Michael expresó en diversas oportunidades su profunda admiración por la banda británica.

En entrevistas recopiladas por Stereo Cien, el intérprete de Freedom! ’90 resaltó la capacidad de Queen para crear canciones en colaboración, señalando que todos los miembros del cuarteto británico eran compositores y contribuían a la diversidad creativa del grupo.

Michael definió a Queen como “la banda perfecta dentro de la historia del rock”, según declaraciones recogidas por la emisora mexicana. Para el cantante, la combinación del talento individual de Freddie Mercury con la colaboración de Brian May, John Deacon y Roger Taylor estableció un modelo difícil de igualar en la música popular. Esta admiración se reflejó tanto en su participación en el homenaje como en su trayectoria artística posterior.

El legado de una interpretación irrepetible

A lo largo de su carrera, George Michael insistió en su respeto por el legado de Freddie Mercury y Queen. En distintas entrevistas, reconoció a Mercury como el máximo exponente vocal del rock, una convicción que lo acompañó hasta el final de su vida.

La actuación de Michael en el homenaje de 1992 permanece como una de las más citadas y recordadas por especialistas y fanáticos, consolidando su lugar en la historia de los grandes tributos musicales.

La evaluación de Brian May, respaldada por el reconocimiento del público y de los medios especializados, ubica la interpretación de George Michael en Wembley como un momento fundamental en la memoria colectiva del rock internacional. La combinación de técnica, emoción y respeto por el legado de Queen hizo de esa noche un punto de referencia para futuras generaciones de músicos y admiradores.

En 1981, Queen visitó la Argentina y transformó el panorama musical marcando un hito en la memoria colectiva. Ahora, la fecha vuelve al centro de la escena gracias a la dedicación de Iván Petracchi y Lucas Pan, dos coleccionistas e investigadores que decidieron exhibir sus archivos personales para reconstruir el paso de la mítica banda por el país. Su trabajo, explicaron a Infobae en Vivo A las Nueve, culmina con la publicación de un libro de colección ilustrado que promete mostrar relatos inéditos y objetos nunca antes vistos.

La visita de Queen tuvo un impacto profundo. Según los coleccionistas, el acceso a espectáculos internacionales era entonces muy escaso. Su investigación detalla anécdotas y episodios inéditos del tour, así como la obtención de memorabilia exclusiva. Esto fortalece el interés por la historia del rock internacional y muestra hasta qué punto la presencia de la banda modificó la cultura local.

Desde pequeños, los dos protagonistas sintieron fascinación por los objetos, discos y recuerdos originales de Queen. “La pasión del coleccionismo es un camino de ida”, explicó Pan en Infobae A las Nueve. “Empezás con tu primer CD, tu primer vinilo, y después seguís con autógrafos, palillos, camperas. No termina nunca. Si alguien quiere convertirse en coleccionista, le digo: no lo hagan, porque es imposible volver atrás”, señaló con humor.

Para Petracchi, la obsesión trasciende la mera acumulación: “Somos fanáticos de Queen y vivimos en Argentina, así que ese momento, con Queen tocando acá, marcó un antes y un después en la historia cultural argentina”. Remarca que nunca antes había venido una superbanda con su show completo, “con tres barcos y dos aviones trayendo luces y sonido. Eran número uno en todo el mundo”.

Pese a la tendencia de los coleccionistas a resguardar sus hallazgos, ambos decidieron abrir sus tesoros para el público. “Dijimos: tenemos tantas cosas sobre Queen en Argentina que es momento de compartirlo en un libro”, expresó Pan. El proyecto reúne fotografías nunca vistas, relatos originales y memorabilia exclusiva, integrando documentos y testimonios personales de quienes vivieron la visita.

Investigación y hallazgos inéditos sobre Queen en Argentina

La recolección y el análisis del material requirieron años de trabajo y una metodología centrada en entrevistas a testigos y familiares de los involucrados en el tour. “El objetivo fue hablar con quienes se encargaron de la seguridad, porque la Policía Federal estuvo involucrada. Conseguimos palillos de Roger, objetos firmados y relatos que ningún medio había publicado”, detalló Petracchi.

Indagar en archivos, cartas y contratos de la época formó parte de la investigación. “Hablamos con los hijos de Alfredo Capalbo, productor clave, quienes nos revelaron la trastienda de la producción y el contacto diario de Queen con Buenos Aires”, dice Pan.

Los testimonios destacan el fenómeno de la llegada de Queen durante una dictadura. “Acceder a espectáculos internacionales era algo inusual. Ellos se animaron a traer el mismo espectáculo que presentaban en Europa y Estados Unidos, y esa osadía definió lo que vino después”, subrayó Petracchi.

Memorabilia exclusiva y objetos históricos de Queen

Entre las piezas más valoradas figuran manuscritos originales de Freddie Mercury y objetos personales subastados en fechas recientes. “Hace dos años hubo una subasta muy grande en Londres, donde se vendieron todos los objetos que estaban en la casa de Freddie Mercury”, recordó Petracchi. “Entre ellos estaba la letra original de Rapsodia Bohemia. Tuve la posibilidad de tocarla con mis propias manos”.

Estas piezas alcanzaron cifras considerables, como 1,5 millones de libras esterlinas, el monto al que se vendió el manuscrito, según relatan los coleccionistas. “No tenemos dudas de que son piezas de inversión, pero el objetivo final es compartir”, explicaron.

El archivo conjunto incluye también letras manuscritas de “Don’t Stop Me Now”, palillos de Roger Taylor y autógrafos firmados en Buenos Aires, en lugares como Los Años Locos, donde Mercury y Brian May dejaron su firma. “Aquí, por ejemplo, están las firmas de Freddie y de Brian. Originales”.

Otro hito lo representan las camperas de la gira, entregadas solo al círculo íntimo y a la familia Capalbo, con el logo argentino. “Por primera vez se van a mostrar en el libro”, detallaron los investigadores.

Maradona, el detrás de escena y el legado cultural

Las anécdotas fuera del escenario enriquecen la imagen de la banda durante sus once días en Argentina. “Queen cenaba siempre después de los shows en Los Años Locos porque Capalbo era amigo del dueño. Recorrimos esos espacios, buscamos libros de visitas, rastreamos firmas y testimonios de quienes compartieron la experiencia cotidiana con la banda”, sostiene Petracchi.

En el Sheraton, único hotel cinco estrellas con pileta en aquel momento, Mercury y su entorno vivieron episodios insólitos. “Tenemos fotos de Roger Taylor en la pileta con su novia y de Mercury cortándose el pelo con el estilista Miguel Romano”, apunta Petracchi.

El libro ilustra también aspectos emocionales de los artistas. Una de las historias más llamativas transcurre en el Hotel Provincial de Mar del Plata, donde Mercury fue testigo de la traición de su pareja y, según la familia Capalbo, debió ser acompañado al aeropuerto tras el suceso. “Contamos cómo lo enviaron de regreso a Inglaterra y cómo esa noche Freddie pasó de la euforia al desencanto”, evocan los autores.

Las imágenes inéditas muestran la vida diaria de la banda: paseos por el Jardín Japonés, almuerzos en restaurantes poco conocidos y momentos íntimos en Polaroids que Mercury tomaba y regalaba.

El histórico encuentro entre Queen y Diego Maradona ocupa un lugar central en la memoria popular y en el libro. “Este encuentro es único en la historia. Nadie en toda la trayectoria de Queen había invitado a un deportista a subir al escenario. Freddie lo presenta: ‘Ahora les presento a un amigo de ustedes y nuestro, Maradona’. Diego acababa de firmar con Boca”, relató Petracchi.

Maradona subió y, vistiendo la camiseta argentina, agradeció a Queen por la felicidad que les dio, antes de presentar “Another One Bites the Dust”, todo en español. “Los cuatro Queen estaban con camisetas argentinas regaladas por un directivo de EMI, y se animaron a mezclar rock y fútbol por primera vez. Maradona inauguró la tradición de intercambiar camisetas, que hoy es parte del fútbol”, destaca Pan.

Presentación del libro y proyección internacional del legado

La colección de objetos y relatos pasó del ámbito privado a una perspectiva global. “Parte de la colección viaja ahora a Budapest a una muestra sobre Freddie Mercury, donde habrá muebles de su casa, ropa y muchas piezas nuestras, que estarán durante un año expuestas”, anticipa Petracchi.

El libro, titulado Queen en Argentina 1981: la historia jamás contada, tendrá su lanzamiento oficial el 15 de marzo en The Roxy Bar and Grill. Allí, los autores presentarán objetos únicos, proyecciones y música en vivo, sorprendiendo a los asistentes con sorteos y memorabilia. “No es solo un libro, es un libro de colección ilustrado, con papel especial y tapa dura, pensado para atesorar y disfrutar en cada página”, explica Pan.

La publicación recopila archivos, fotografías y la visión de especialistas y testigos que ayudaron a reconstruir la experiencia de Queen en Argentina. “Queremos que la historia refleje no solo los shows, sino la vida cotidiana, los detalles y las emociones que hicieron de ese viaje algo único”, concluye Petracchi.

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Un sencillo que rompió moldes

El lanzamiento de la canción el 30 de junio de 1980 no solo catapultó a Queen al primer lugar de las listas en Estados Unidos, sino que también multiplicó las ventas de sus discos. El tema se convirtió en un fenómeno transversal, sonando tanto en radios como en pistas de baile de distintas partes del mundo y atrayendo a un público que hasta ese momento no se había identificado con la propuesta original del grupo.

La composición, atribuida a John Deacon, desafió las convenciones internas de la banda. Queen, que hasta entonces se había caracterizado por un sonido ligado al rock clásico, se aventuró en una fusión con el funk y la música disco. Esta apuesta permitió que el grupo ampliara su audiencia y se consolidara como una de las bandas más versátiles de la escena internacional.

Innovación y tensiones internas

El proceso creativo detrás de Another One Bites the Dust coincidió con una etapa de transformación artística para Queen. Según indiehoy, la banda mantenía una filosofía de constante renovación, evitando repetirse en cada proyecto. Brian May, guitarrista, explicó: “Teníamos la idea de que nunca debíamos repetirnos... Nos pusimos deliberadamente en diferentes situaciones de composición y grabación para seguir avanzando y derribando cualquier barrera que pudiera aparecer”.

Sin embargo, la innovación trajo consigo tensiones internas. Durante la grabación del álbum The Game, las diferencias de criterio se hicieron evidentes. No todos los miembros compartían el entusiasmo por la nueva dirección musical. En especial, el sonido de la batería generó debate y desacuerdos dentro del grupo.

El debate tras la batería

Roger Taylor, baterista de Queen, mostró reservas ante el enfoque minimalista y sobrio que proponían John Deacon y Freddie Mercury para la percusión. Taylor defendía una batería potente y cercana al rock, fiel al estilo que había caracterizado a la banda desde sus comienzos.

Frente a esa postura, Deacon y Mercury apostaron por una base rítmica contenida, que rompía con los esquemas tradicionales del grupo.

El contraste de opiniones se intensificó a medida que avanzaba la grabación. La discusión sobre la batería reflejaba un choque de visiones artísticas dentro de Queen, pero también evidenciaba la disposición del grupo a experimentar y asumir riesgos en busca de un sonido novedoso.

Un hito en la evolución de Queen

Finalmente, la apuesta innovadora liderada por Deacon y respaldada por Mercury se impuso. El resultado fue una canción con una batería precisa y minimalista, que se alejó por completo de los patrones habituales en Queen y estableció un nuevo estándar para la banda. Esta decisión redefinió el papel de la banda en la escena internacional, contribuyendo a crear un sello distintivo que sería reconocido en los años siguientes.

La trascendencia de Another One Bites the Dust fue más allá del éxito comercial. La canción simbolizó la capacidad del grupo para reinventarse y adaptarse a los cambios del panorama musical, sin perder su esencia.

El tema no solo consolidó a Queen como referentes del rock, sino que también los posicionó como pioneros en la integración de géneros y estilos.

Legado y vigencia

Cuatro décadas después de su lanzamiento, Another One Bites the Dust mantiene su vigencia como uno de los mayores himnos de Queen. El sencillo sigue siendo parte esencial del repertorio del grupo y un punto de referencia en la historia de la música popular.

La apuesta arriesgada de Deacon y el apoyo incondicional de Mercury probaron ser determinantes para abrir una nueva etapa en la evolución de la banda.

La experiencia de Queen con este tema evidencia cómo la innovación y la apertura a nuevas ideas pueden transformar el rumbo de una agrupación consolidada. Another One Bites the Dust permanece como un recordatorio de la importancia de asumir riesgos y desafiar los propios límites en la búsqueda de la excelencia artística.

Brian May, guitarrista de Queen, ha destacado la singularidad y el impacto de Tony Iommi, líder de Black Sabbath, al señalar que la innovación musical es un bien escaso en la industria.

Durante su participación en el documental Tony Iommi: The Godfather of Heavy Metal, May subrayó cómo la creatividad de Iommi definió el sonido de toda una generación, según reportó RockFM.

Innovación y sello propio en Black Sabbath

La búsqueda de originalidad dentro de la música representa un desafío considerable. Para May, la mayor parte de los músicos trabajan a partir de influencias previas, pero el caso de Iommi es distinto. “Es muy difícil ser original en la música. Todos hemos recibido influencias de algo; de lo contrario, no existiríamos. Sin embargo, no sé de dónde sacaba Tony sus ideas, de verdad que no lo sé”, explicó. Este testimonio resalta la sorpresa y admiración genuina hacia la fuente inagotable de ideas del guitarrista de Black Sabbath.

La visión de May pone en primer plano la capacidad de Iommi para crear un sonido inconfundible. Su manejo de los riffs oscuros y pesados marcó un antes y un después en la historia del rock. La forma en que explora las posibilidades de la guitarra eléctrica lo distingue del resto y lo sitúa en un lugar privilegiado dentro de la música contemporánea.

El impacto técnico y emocional de un estilo único

May profundizó sobre las cualidades que hacen especial a Iommi: “Empieza a tocar esos riffs tan oscuros. Hay un punto en la música en el que la gente quiere mostrarse enfadada y tocar la guitarra con fuerza. Jimmy Page con Led Zeppelin, Jeff Beck lo hizo con el álbum ‘Truth’. Es pegajoso, oscuro y profundo, Tony hace todo esto... mucho sustain y mucho de este chugging”.

La habilidad para lograr un sonido oscuro y contundente, combinando sustain y fuerza, ubicó a Black Sabbath como una banda pionera. “Tony reunió todo el espectro de lo que se podía hacer con las cuerdas graves de la guitarra en un solo paquete. Y era completamente original. A la gente le ha costado mucho admitir que Black Sabbath era completamente original”, expresó May, según lo recogido por RockFM.

Tony Iommi como referente del heavy metal

El reconocimiento de May hacia Iommi no se limita a su destreza técnica. Para el guitarrista de Queen, es el verdadero “padrino del heavy metal”. “Yo siempre lo he dicho. Encuentra a alguien más que pueda llevar esa corona. Tony comenzó todo eso, y es colosal”, señaló.

El aprecio entre ambos músicos se ha forjado a lo largo de décadas. Desde los años setenta, May e Iommi mantienen una amistad marcada por el respeto mutuo y el interés por colaborar, aunque aún no han concretado un proyecto conjunto.

Colaboraciones pendientes y admiración mutua

Tony Iommi ha compartido detalles sobre la relación con May y la posibilidad de trabajar juntos. “Llevamos años hablando de ello, de verdad”, comentó Iommi en una entrevista reproducida por RockFM.

“Y la pandemia lo ha trastocado todo. Brian vino a mi casa justo antes de que todo eso pasara: era un día precioso, nos sentamos fuera, en el patio, y tocamos algunos riffs. Le toqué algunas de las cosas que tenía y me dijo: ‘Genial, tienes que hacer algo con esto’, y hemos hablado de ello de vez en cuando. Sería estupendo poder hacerlo algún día”, explicó.

La coordinación de agendas ha sido el principal obstáculo para llevar a cabo esta colaboración. Iommi reconoce la actividad constante de May y valora su disposición para seguir creando. “Ahora está muy ocupado haciendo todo tipo de cosas, y es estupendo que se mantenga activo. Nunca se sabe lo que va a pasar, pero estaría bien. Ahora estoy abierto a muchas cosas, la verdad”, afirmó.

Influencia y legado de Tony Iommi

El legado de Tony Iommi trasciende su trabajo con Black Sabbath. Según May, la profundidad y alcance de su influencia se perciben en músicos de todo el mundo, dejando en evidencia su marca indeleble en el heavy metal y en la música popular en general.

El testimonio de Brian May subraya la importancia de la innovación y la autenticidad. “Tony comenzó todo eso, y es colosal”, insistió el guitarrista de Queen.

Así, la relación entre ambos músicos se convierte en un ejemplo de admiración y respeto dentro de la historia del rock, mientras la corona del heavy metal permanece, por derecho propio, en manos de Tony Iommi.

La originalidad de Black Sabbath, el espíritu pionero de Iommi y la admiración de colegas como May sostienen la vigencia de una figura fundamental en el desarrollo del género. La esperanza de una colaboración futura añade un capítulo de expectativa al legado de ambos artistas.

La banda Ópera Prima nació hace casi veinte años y se define por un enfoque distinto al de los tradicionales grupos tributo. Tripel explica que el proyecto surgió en el mundo de los eventos privados y, aunque no se promocionaba de forma comercial, de a poco fue ganando espacio hasta convertirse en una experiencia única.

La propuesta reúne a seis cantantes y un cantante virtual para interpretar las canciones de Queen con arreglos vocales en vivo, respetando la complejidad original de sus composiciones. El espectáculo se distingue por su estética y su puesta en escena. Los músicos aparecen vestidos con trajes de época, inspirados en el siglo XVIII, y la función comienza con una versión lírica de la Reina de la noche, acompañada por una soprano invitada del Teatro Colón.

Tripel remarca que el diferencial de Ópera Prima es sumergir al público en el universo de la banda, compartiendo historias y detalles de Queen, evitando la imitación. “Hay muchas bandas tributo, muchos imitadores, pero nosotros somos fans y esto está hecho desde ese lugar, de respetar los arreglos y de contar la historia real”, aseguró el cantante a Teleshow.

—¿Cómo surgió la idea del mini museo de memorabilia de Queen y Freddie Mercury?

—Vamos a llevar un mini museo gracias al pianista, que se llama Iván Petracchi, que va a presentar el mundo de Queen en todo el mundo y arranca en Montreux, Francia. Después va a girar por todo el mundo con ítems originales, tanto de la banda como de Freddie Mercury.

—¿Quién es el dueño de estos objetos?

—Es el pianista, y además es coleccionista. Él tiene más de mil ítems en su casa y presta parte de eso para girar por el mundo. Hay muchos fans de Queen y van a ver, por ejemplo, la letra original de Show Must Go On escrita por Freddie Mercury, con las correcciones y todo, la campera del sonido veintiuno, los palos de la batería de Roger Taylor, el disco original firmado por toda la banda.

—¿Dónde guarda esa colección?

—Él tiene un pequeño museo en su casa acá en Argentina. Todo lo que tiene está homologado por la familia de Freddie Mercury porque lo compró en la subasta que se hizo de la casa, cuando subastaron todos los ítems que tenía adentro Freddie antes de fallecer. Parte se quedó la familia y parte se vendió. Entre esa venta hay muchos de estos ítems que son los que se van a mostrar en Origami, en este show.

—¿Y para vos qué significa Queen?

—Es la banda, para mí, con mayúsculas, una de las bandas más icónicas de nuestro universo. Si pensás en música extranjera, Queen fue primordial para el desarrollo del milenio que vivimos nosotros.

—¿Tenés algún recuerdo personal vinculado a la banda?

—Tengo un primo que fue en el año 1981, pero yo ahí tenía un año. Todavía no conocía, sino, seguramente hubiera estado ahí. (risas)

—¿Qué pensás de los mitos que rodean a temas como “Rapsodia Bohemia”?

—Hay historias diabólicas y no son con Queen. Hay muchas bandas con historias diabólicas, pero no, para mí Bohemian Rhapsody es una canción que salió del cerebro de Freddie Mercury. Como le pasa a los genios, fue arrebatado antes de tiempo, porque para mí tenía un conocimiento mucho más grande del que se tiene.

El estreno de Killer Queen, uno de los puntos más fuertes de la temporada musical, gracias a la apuesta de gran formato impulsada por Ópera Prima Rock. Con un elenco de 15 artistas, la experiencia es una inmersión total en el repertorio de la banda británica liderada por Freddie Mercury, justo cuando se cumplieron 45 años de la visita de Queen a Argentina.

El espectáculo, ofrece “versiones potentes, emotivas y escenográficamente innovadoras del repertorio más emblemático de Queen”, integrando éxitos clásicos de la banda con “piezas icónicas de la obra de Mozart”, explica con pasión Tripel.

Bajo la dirección artística de Manuel Attwell, la puesta articula, un mundo de inspiración Luis XV, donde la música de Queen se fusiona con una ambientación de corte clásico, trajes majestuosos y una imaginería que reinterpretó el barroco desde una mirada teatral y contemporánea.

Simultáneamente, se despliega un universo Pop Warhol, estallado en color, dinamismo y energía visual, inspirado en la cultura pop y el arte moderno, donde los éxitos de la banda adquirieron una fuerza renovada a través de imágenes vibrantes. En el plano musical, Nicolás Di Lorenzo asume la dirección y potencia el protagonismo de figuras del teatro musical argentino.

Germán Tripel además de participar en el espectáculo, es el anfitrión, recibiendo al público con entradas exclusivas (meet & greet), donde junto al pianista y coleccionista Iván Petrachi, cantará y hará un recorrido por historias y objetos originales de Queen.

Entre los invitados destacados, estarán la cantante de ópera Mónica Ferracani, una de las intérpretes más admiradas de la escena nacional y elenco estable del Teatro Colón; Francisco Posse, músico joven de nuestro país y la artista Kala Bidner, una de las representantes del pop urbano argentino.

Desde su creación en 1970, Queen nos ha regalado canciones que, a pesar de que han pasado varias décadas desde su lanzamiento, siguen siendo escuchadas en todo el mundo y por personas de todas las edades. Hablamos de canciones como Bohemian Rhapsody, We Will Rock You o Don’t Stop Me Now, himnos que subrayan la grandeza del legado que Freddie Mercury, Brian May, John Deacon y Roger Taylor dejaron durante todos esos años que pasaron juntos.

Ahora bien, el hecho de que estas y otras canciones hayan sido las que más han gustado a los fans de la banda británica, no tiene por qué implicar que ocurra lo mismo con sus miembros. De hecho, con el paso de los años hemos ido conociendo casos en los que, incluso, alguno de los integrantes de Queen reconocía como este u otro éxito de la banda no era de su agrado.

En este sentido, al guitarrista de la banda, Brian May, nunca se ha cortado a la hora de expresar sus gustos y preferencias. En más de una canción ha expresado cómo, por ejemplo, la letra de Don’t Stop Me Now no le convencía. Sin embargo, incluso más sorprendente que el caso de este tema sea el de otro de los clásicos del grupo británico, un tema en el que colaboraron con otro gigante de la música como David Bowie: Under Pressure.

‘Under Pressure’ podría haber sonado como The Who

Con Under Pressure, Queen alcanzó el número uno en el Reino Unido en 1981, y la colaboración con Bowie llevó a la canción a los primeros lugares de las listas internacionales. La pasión y el virtuosismo del grupo, sumados a la energía del cantante de Brixton, transformaron este tema en una pieza clave de su repertorio.

Con todo, May no terminó de estar conforme con la versión de la canción que todos conocemos. “Nunca me gustó cómo estaba mezclada”, confesaba el músico en una entrevista con la revista Total Guitar hace dos años. Él prefería una versión con más potencia y más heavy, que según afirma, se asemejaba a la música que hacían en The Who.

May relató que, en parte por eso, el proceso de grabación resultó especialmente complejo. Eso sí, al encontrarse en medio de fuertes divergencias creativas entre David Bowie y Freddie Mercury, decidió que era mejor no sumarse al debate: “Probablemente, fue la única vez en mi carrera que me retiré, porque sabía que iba a ser una pelea”. Según el guitarrista, gran parte de la potencia y el carácter original del tema se perdió en esa mezcla definitiva.

A pesar de sus reservas personales, May admitiría a Total Guitar que el resultado final logró cosechar un éxito masivo, algo que la otra versión quizá no hubiera logrado: “Reconozco que funciona. Era un punto de vista, y está muy bien hecho. Y a la gente le encanta Under Pressure”.

El loco proceso de composición y grabación de ‘Under Pressure’

La gestación de Under Pressure fue tan accidentada como espontánea. Todo comenzó con una reunión casual entre Queen y Bowie, marcada por la improvisación y las copas compartidas. “Creo que el proceso fue que todos estábamos borrachos”, relataría más adelante el baterista Roger Taylor en un especial de YouTube.

Tal era el estado de embriaguez de los músicos que el icónico riff de bajo, aportado por John Deacon, casi se pierde para siempre por culpa de una pausa para comprar pizza, en la que Deacon olvidó la secuencia. Fue el propio baterista quien lograría finalmente rescatar la línea melódica de la memoria, asegurando así el corazón de la canción.

El resultado final fue una pieza que, pese a las tensiones y concesiones, se convirtió en un clásico absoluto. Under Pressure vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo y conquistó las listas de más de diez países, consolidando la alianza entre dos iconos del rock de los setenta y los ochenta.

A pesar de este hito, con el paso de los años Brian May siempre ha mantenido su postura respecto a la canción. El guitarrista acepta que el tema se impuso como parte fundamental del legado del grupo, aunque para él, la versión original que “sonaba con una fuerza enorme en los acordes” era mucho mejor. Quién sabe si, en alguno de los conciertos actuales de la banda, podrá escucharse algún día.

Francisco dedicó parte de su reaparición en los escenarios a recordar a las víctimas del accidente ferroviario ocurrido en Adamuz, Córdoba, que ha dejado un saldo de 40 fallecidos. Durante su concierto celebrado en el Teatro de La Latina en Madrid, pidió respeto y tiempo para que avance la investigación, solicitando esclarecer los motivos que provocaron el descarrilamiento de los dos trenes de alta velocidad, según informó Europa Press. El intérprete transmitió sus condolencias a los familiares de los fallecidos en un contexto marcado por el luto y la consternación.

El cantante valenciano, completamente restablecido tras sufrir graves problemas de salud en marzo de 2025, reapareció en público con un recital en la capital española. Este debut marcó el inicio de una gira nacional tras el lanzamiento de su álbum 'De cobardes no hablarán', presentado el pasado noviembre. Francisco, de 66 años, afirmó a Europa Press estar en plenitud física tras superar una insuficiencia cardíaca y respiratoria que le había producido un fallo multiorgánico, situación por la que requirió varios días de hospitalización. El artista subrayó en sus declaraciones la importancia de la salud y animó al público a cuidarse, asegurando que considera el bienestar físico como “el tesoro más grande”.

La velada también estuvo marcada por la emotividad hacia su entorno personal. El medio Europa Press detalló que Francisco dedicó palabras especiales a su esposa Paca Ribes, quien estuvo presente durante el concierto. En sus declaraciones, subrayó el acompañamiento constante que recibe de su pareja y cómo su apoyo representa un factor fundamental en su vida profesional y personal, recalcando que Ribes comparte con él la experiencia de estar sobre el escenario y que esto le ayuda en su desempeño.

Europa Press reportó que Francisco, con más de 50 años de trayectoria artística, dejó clara su intención de continuar activo en los escenarios, manifestando que no contempla la retirada por el momento y que sigue motivado por la conexión con el público, al que definió como “fantástico”. El cantante atribuyó su fortaleza actual a la experiencia adquirida y a la recuperación de su salud tras el episodio médico vivido a principios de año.

Durante el recital, el luto nacional por el accidente ferroviario en Adamuz se evidenció en las palabras del artista, quien reconoció que la tragedia había condicionado el ambiente del evento, empapando de solemnidad la jornada. Francisco recordó que se habían decretado tres días de luto por las víctimas y citó la expresión "el show sigue", en alusión a la reconocida afirmación del grupo Queen, para reflejar el compromiso con el público a pesar del dolor colectivo.

En el mismo marco, el cantante intervino para apoyar a Julio Iglesias tras las acusaciones de agresión sexual planteadas por dos exempleadas del hogar. De acuerdo con Europa Press, Francisco hizo hincapié en la necesidad de mantener el respeto a la presunción de inocencia: “No podemos crucificar ni juzgar a nadie hasta que un juez no lo diga”, sostuvo el intérprete. Además, resaltó el impacto positivo que Iglesias ha tenido en su vida y en la de muchas otras personas, tanto en lo profesional como en lo personal. “Julio Iglesias es el más grande del mundo, como artista, como persona, lo que yo conozco como persona, es un ser humano estupendo”, aseguró. Agregó que el apoyo que recibió de Iglesias fue significativo en su trayectoria y expresó su respaldo total al cantante.

La reaparición pública de Francisco, reportó Europa Press, ha supuesto un momento de reencuentro con su público en un contexto de superación personal y profesional. Este concierto en Madrid representa el inicio de una serie de presentaciones que lo llevarán a distintas ciudades del país, reafirmando su compromiso con la música y su intención de permanecer activo después de cinco décadas de carrera. Los testimonios recogidos tras el evento reflejan tanto la satisfacción del artista por su recuperación como la importancia otorgada a temas de actualidad y el respaldo a figuras del medio artístico bajo circunstancias complejas.

El fallecimiento de Bibi, la hija secreta de Freddie Mercury, conmocionó al entorno cercano del legendario cantante y a quienes conocían los detalles de su historia.

La noticia de su muerte, a los 48 años, fue confirmada por su viudo Thomas, quien explicó a The Daily Mail que Bibi murió “en paz tras una larga batalla contra el cordoma”, un cáncer poco frecuente de columna.

Deja dos hijos de nueve y siete años.

Sus cenizas fueron esparcidas en los Alpes, en cumplimiento de un deseo familiar.

La existencia de Bibi se mantuvo en secreto durante décadas y solo se conoció hace pocos meses, tras la publicación del libro Love, Freddie de la escritora Lesley-Ann Jones.

La autora afirmó a The Daily Mail que Mercury no solo la llamaba “Bibi”, sino también su “trésor (tesoro)” y “ranita”.

Según Jones, canciones de Queen como “Bijou” y “Don’t Try So Hard” se inspiraron en ella.

Mercury habría mantenido una relación cercana con Bibi hasta su muerte en 1991.

El relato recogido por Jones sostiene que Freddie Mercury fue padre en 1976, tras una relación con la esposa de un amigo cercano.

Bibi creció con otra familia, aunque siempre supo quién era su padre.

La propia Bibi relató que el cantante la visitaba con frecuencia y la trató con dedicación y cariño.

“Me adoraba y estaba entregado a mí. Las circunstancias de mi nacimiento pueden parecer inusuales, pero nunca alteraron su compromiso de amarme y cuidarme”, expresó Bibi.

La enfermedad que terminó con la vida de Bibi influyó en su historia desde temprano.

Jones explicó a The Daily Mail que el cordoma se manifestó cuando Bibi era niña, lo que llevó a la familia a mudarse repetidas veces para buscar el mejor tratamiento posible.

Tras años de remisión, el cáncer regresó y fue entonces cuando contactó a la autora.

“Sabía que el tiempo era limitado. Trabajamos juntas durante cuatro años para sacar adelante el libro, aun cuando su salud era muy frágil”, detalló Jones.

El libro Love, Freddie se desarrolló a partir de diecisiete volúmenes de diarios que Mercury entregó a su hija poco antes de morir.

La publicación, en septiembre pasado, provocó controversia: Mary Austin, expareja y confidente del cantante, aseguró a The Sunday Times que desconocía la existencia de una hija y negó que Mercury llevara diarios o cuadernos personales.

La escritora respondió que los abogados de Austin intentaron frenar la publicación sin éxito, ya que no hallaron elementos legales para una demanda.

La revelación sobre Bibi también afectó a los miembros de Queen y al círculo íntimo de Mercury, quienes, según Jones citada por The Sun, conocían el secreto.

Bibi, médica de profesión en Francia, prefirió mantener su identidad en reserva para proteger tanto su carrera como la privacidad de sus pacientes.

En una carta escrita meses antes de morir, Bibi expresó su sentir sobre la exposición pública: “No quería compartir a mi papá con el mundo. Tras su muerte, tuve que aprender a convivir con los ataques y las distorsiones sobre él, y con la sensación de que ahora pertenecía a todos. Cuando tienes 15 años, no es fácil”, escribió.

“Tuve que convertirme en adulta sin él y aceptar que no estaría para compartir los momentos felices. Durante 30 años, mientras el mundo reinterpretaba la vida y la música de Mercury, yo solo quería tener a mi papá para mí y mi familia”, sostuvo.

Según Jones, Bibi nunca buscó el reconocimiento público. Su motivación fue “desenmascarar las mentiras y recuperar la verdad sobre la vida de Mercury”, comentó la autora.

La familia analiza actualmente la posibilidad de publicar imágenes inéditas de Bibi junto a su padre.

La emblemática casa londinense de Freddie Mercury, Garden Lodge, no ha encontrado comprador.

La propiedad, una mansión de ocho dormitorios situada en el exclusivo barrio de Kensington y valorada en unos 30 millones de libras (40.2 millones de dólares) fue puesta en el mercado en 2024 por Mary Austin, expareja y heredera principal del líder de Queen.

Sin embargo, el intento de venta ha fracasado, reavivando un conflicto familiar que desde hace años rodea el legado del músico.

Freddie Mercury, cuyo nombre real era Farrokh Bulsara, falleció en 1991 a los 45 años a causa de una neumonía bronquial relacionada con el sida. En su testamento dejó Garden Lodge y la mayor parte de su fortuna a Mary Austin, la mujer a la que llamó durante años su “esposa de hecho”, pese a que su relación sentimental había terminado tiempo atrás.

Austin, hoy de 74 años, vivió en la casa desde la muerte del cantante y se convirtió en la figura central de la gestión de su patrimonio.

La dificultad para vender la vivienda ha sido interpretada como una buena noticia por Kashmira Bulsara, hermana menor del artista, con quien Mary mantiene una relación tensa.

Fuentes cercanas a la familia señalaron al Daily Mail que Kashmira “estaba molesta al ver que tantas posesiones de su amado hermano estaban disponibles para que cualquiera las comprara”.

“Kashmira aprecia lo adorado que era Freddie en todo el mundo, pero le entristeció pensar que algunas de sus pertenencias sentimentales no estuvieran con sus seres queridos”, expresó la fuente

La disputa entre ambas mujeres se intensificó el año pasado, cuando Mary Austin decidió sacar a subasta numerosos objetos personales del cantante.

Ante esa situación, Kashmira Bulsara y su hijo, Jamal Zook, emprendieron una operación discreta para recuperar parte de esos recuerdos.

De manera anónima, gastaron alrededor de cuatro millones de dólares en Sotheby’s para recomprar memorabilia que consideraban esencial preservar dentro de la familia Bulsara.

De hecho, el conflicto tiene raíces más profundas. Tras el funeral de Freddie Mercury en 1991 —celebrado según el rito zoroastriano de sus padres en el West London Crematorium—, Mary Austin se hizo cargo de las cenizas del artista, cumpliendo su deseo de que el lugar de descanso final permaneciera en secreto.

Aunque permitió que sus padres se despidieran de él en una ceremonia privada posterior, se cree que Kashmira no estuvo presente, un hecho que marcó una distancia emocional duradera.

Mary Austin fue, sin duda, la persona más influyente en la vida íntima de Freddie. Se conocieron en 1970, se comprometieron en 1973 y, aunque él le confesó en 1976 que era bisexual —y posteriormente gay—, nunca rompieron el vínculo afectivo.

“No puedo amar a nadie como la amé a ella”, llegó a decir el cantante. Esa cercanía se reflejó también en lo económico: Mary heredó el 50 % de un patrimonio estimado en más de 200 millones de dólares, además de ingresos continuos por derechos de autor.

En 2024, recibió además una suma millonaria tras la venta del catálogo de Queen a Sony por más de mil millones de dólares.

Kashmira, seis años menor que Freddie Mercury, heredó inicialmente el 25 % del patrimonio, al igual que sus padres. Sin embargo, tras la muerte de Bomi y Jer Bulsara, su parte pasó también a manos de Mary, consolidando aún más su control sobre el legado del cantante.

Garden Lodge, adquirida por el artista en 1978 por 399 mil dólares, no es solo una propiedad de lujo. Fue su refugio, el lugar donde vivió sus últimos años y donde, según Mary, descansan sus cenizas.

Vecinos describen a Mary Austin como una figura reservada, casi recluida, que durante décadas mantuvo un perfil bajo, ajena al foco mediático.

La película Bohemian Rhapsody (2018), que retrató la relación entre Freddie y Mary como un lazo de lealtad inquebrantable, devolvió ese vínculo al imaginario popular.

Brian May, legendario guitarrista de Queen, sorprendió recientemente al admitir su admiración por AC/DC y revelar que, en otro escenario, le habría gustado formar parte de la banda australiana: “Probablemente, me hubiera gustado estar en AC/DC”.

La revelación, citada por The Independent, pone en perspectiva las diferencias creativas entre dos de los grupos más influyentes del rock y resalta la autenticidad de la formación liderada por Angus Young.

Contrastes entre Queen y AC/DC

Durante la entrevista, May subrayó la marcada diferencia entre el enfoque musical de Queen y el de AC/DC.

Mientras Queen se destacó por un estilo caracterizado por la exploración y la variedad sonora, AC/DC ha mantenido, a lo largo de su carrera, una identidad musical constante y reconocible.

“Probablemente, me hubiera gustado estar en AC/DC. Pero, por desgracia, no tengo la talla ni la forma adecuadas. Porque es diferente a Queen”, afirmó May, según lo recogido por The Independent. El guitarrista explicó que en Queen la experimentación y la búsqueda de nuevos caminos fueron una constante, lo que permitió al grupo sobresalir en distintos géneros y sorprender con cada disco.

En contraste, AC/DC se mantuvo fiel a un sonido que, en palabras de May, es “increíblemente puro”. Esta coherencia, lejos de resultar monótona, ha consolidado el prestigio y la autenticidad de la banda australiana. “Conocen su estilo y es increíblemente puro, y tengo un gran respeto por eso”, señaló el músico británico al medio.

El desafío de integrarse a la identidad de AC/DC

May reconoció que, a pesar de su destreza técnica, integrarse a una formación con un sello tan definido como AC/DC representaría un desafío considerable. Destacó que cada integrante de la banda aporta una parte esencial de esa identidad inconfundible.

“Y cada nota que tocan es completamente AC/DC”, remarcó el guitarrista, subrayando la unicidad de la agrupación australiana y la dificultad de incorporar elementos ajenos sin perder su esencia.

A lo largo de la conversación, May expuso su admiración por la capacidad de AC/DC para conservar su personalidad musical a lo largo del tiempo, evitando las tendencias pasajeras y manteniendo una propuesta sólida. El respeto por la trayectoria y el legado de la banda es un sentimiento compartido entre muchos músicos del género.

Angus Young, figura insustituible

Uno de los aspectos que más fascinación genera en May es la figura de Angus Young como líder indiscutido y símbolo de AC/DC.

El guitarrista británico consideró que sería “tan extraño” imaginar a Young interpretando clásicos de Queen como “Bohemian Rhapsody” o “We Are the Champions”, del mismo modo que él mismo se vería descolocado intentando adaptarse a la potencia minimalista de AC/DC.

Esta reflexión pone de manifiesto la importancia del rol que cada músico ocupa dentro de su respectivo grupo y cómo las personalidades artísticas moldean la dirección y el sonido de las bandas. El intercambio de elogios entre figuras centrales del rock clásico, como May y Young, evidencia una admiración mutua forjada a través del reconocimiento profesional y la pasión compartida por la música.

Influencias y referentes musicales

En otra parte de la entrevista, May compartió detalles sobre sus propias influencias y preferencias musicales. En una conversación realizada en 2021 con Total Guitar, el guitarrista británico reveló que su solo de guitarra favorito es el de Eric Clapton en la canción “Key To Love”, incluida en el álbum “Blues Breakers” de John Mayall.

“Es ‘Key To Love’ de Eric Clapton, del álbum Blues Breakers de John Mayall. Me encanta. Es increíble y nunca la voy a superar. ¡Se lució en ese solo! Toda la pista gira en torno a ese solo. Cada vez que lo pongo, estoy esperándolo. John Mayall es genial, pero esperas ese momento en el que Eric se desata y de repente alcanza esas notas agudas. Es increíble. Absolutamente escalofriante", detalló May.

Este testimonio ilustra cómo, incluso para músicos consagrados como May, existen interpretaciones y artistas que logran marcar un antes y un después, influyendo en su propio desarrollo artístico y motivando una búsqueda constante de excelencia.

La autenticidad como sello distintivo

Para Brian May, la autenticidad y la fidelidad a una esencia musical inalterable representan el sello distintivo de AC/DC en el panorama internacional del rock. El guitarrista resaltó la capacidad de la banda para mantenerse firme en sus principios creativos, sin dejarse influir por modas pasajeras o presiones externas, algo que considera digno de admiración.

En definitiva, la confesión de May no solo revela una afinidad artística inesperada, sino que también pone en valor la diversidad dentro del rock y la importancia de la autenticidad en la construcción de legados duraderos.

El respeto entre músicos de la talla de May y Young demuestra que, más allá de los estilos y las diferencias, existe un reconocimiento profundo por quienes logran dejar una huella indeleble en la historia de la música.

En Londres, bajo la expectación de millones, el 13 de julio de 1985 marcó una jornada que cambiaría la historia de los conciertos benéficos. El mítico estadio Wembley se colmó de fanáticos dispuestos a presenciar Live Aid, un espectáculo sin precedentes concebido para recaudar fondos en favor de Etiopía.

Aquella tarde, el evento reunió a algunas de las mayores leyendas de la música, pero una escena específica, inesperada y emotiva, terminaría por transformar la energía de la multitud y el curso de la campaña solidaria.

La versión popular atribuyó el colapso de las líneas telefónicas a la poderosa actuación de Queen. Sin embargo, el verdadero desencadenante de la avalancha de llamadas surgió de una decisión tomada por David Bowie al exponer imágenes impactantes de la crisis etíope en el escenario. Según información que se conoció años después, esta acción resultó determinante en el éxito de la recaudación.

De acuerdo con el testimonio de Bob Geldof, organizador de Live Aid, y recogido en entrevistas recientes, la historia se remonta al momento en que Geldof, Bowie y Harvey Goldsmith (productor del evento) discutieron el repertorio.

En esa reunión, ante la crudeza de las imágenes provistas por la Canadian Broadcasting Corporation (CBC), Bowie expresó su decisión: “Sea cuantas canciones toque, cedo una para presentar esto”. La negativa de la BBC a emitir esas imágenes no detuvo a Bowie, quien insistió en que su participación dependía de mostrar la realidad etíope al público.

La fuerza de la pantalla en el momento clave

De acuerdo con American Song Writer, instantes antes de subir al escenario, Bowie evidenció un nerviosismo poco común en él. Después de interpretar “Heroes”, se apartó del guion original, agradeció al público y dirigió la mirada de la audiencia hacia la pantalla gigante. Allí comenzó la transmisión de las escenas que reflejaban el drama humanitario.

Bob Geldof relató que el público joven quedó conmocionado ante las imágenes. Tanto la audiencia en el estadio como millones de televidentes en todo el mundo experimentaron una fuerte reacción emocional. Según el organizador, en ese preciso instante se produjo el colapso de las comunicaciones: “Literalmente, en algunas zonas, las líneas telefónicas se vinieron abajo”, explicó Geldof.

La respuesta inmediata del público rebasó cualquier expectativa. Las centrales telefónicas no pudieron absorber la magnitud de la ola de llamadas, en una muestra de solidaridad sin precedentes. Los organizadores aseguraron que este acontecimiento superó incluso el impacto de los momentos musicales más esperados.

Bowie desafió la recomendación de los directivos de la BBC y los organizadores, motivado por el propósito esencial del evento: recaudar fondos y conciencia ante la emergencia. Su acto demostró la eficacia de apelar a la sensibilidad del público cuando se sostiene con honestidad y sin distracciones del espectáculo.

Reconocimientos y matices en la memoria colectiva

El papel de Queen en Live Aid sigue ocupando un lugar destacado en la memoria popular. La banda británica, liderada por Freddie Mercury, protagonizó una de las actuaciones más recordadas en la historia de los grandes conciertos.

De acuerdo con Geldof, Queen logró conectar con el público enérgicamente y su “set” musical “ganó el día” desde la perspectiva artística, detalló American Song Writer.

A pesar de la relevancia de Queen, Geldof reconoció en el podcast Q with Tom Power que Bowie resultó el verdadero catalizador de las donaciones masivas. La iniciativa del músico británico no restó valor a otras presentaciones, como la de Queen, sino que añadió una dimensión crucial para el éxito humanitario del evento.

Live Aid 1985 dejó una doble huella cultural: por un lado, consolidó momentos icónicos de la música en vivo; por otro, evidenció la fuerza de la solidaridad global motivada por la conciencia social. La decisión de Bowie de ceder tiempo de su espectáculo para visibilizar el sufrimiento en Etiopía marcó el origen del repunte en la recaudación.

Como resultado, la edición de 1985 se recuerda no solo por los logros musicales, sino por el precedente que sentó en la organización de eventos solidarios. De acuerdo con los organizadores, la combinación de talento artístico y compromiso social impulsó la donación de millones de espectadores, que respondieron ante el mensaje directo y contundente de la realidad mostrada en pantalla.

La influencia de Queen en la historia del rock resulta incuestionable: la banda británica ha dejado una huella indeleble gracias a un legado de himnos que todavía hoy mantienen intacta su vigencia y siguen siendo escuchados en todo el mundo. Prueba de ello es cómo el recopilatorio Greatest Hits, fechado en 1981 y con más de siete millones de copias vendidas solo en el Reino Unido, ostenta el título de disco más vendido en la historia del país, superando incluso cualquier lanzamiento individual de The Beatles.

En el extenso catálogo de éxitos de Queen, muchos asumirían que Bohemian Rhapsody es la joya de la corona. Sin embargo, para Roger Taylor, batería del grupo, el tema predilecto no es ese, sino otro clásico: Under Pressure. Esta pieza, nacida de la colaboración con otra leyenda musical de la talla de David Bowie, representa, según palabras del propio Taylor en una entrevista con Shortlist en 2013, algo inifualable: “Para Queen, podría elegir ‘Under Pressure’; simplemente me gusta; podría haberse grabado mejor, técnicamente, pero es una canción especial”.

Las palabras de Taylor hacen referencia a la gestación de Under Pressure, la cual estuvo marcada por un ambiente singular que combinó espontaneidad y una gran rivalidad creativa. Según relató el guitarrista Brian May a la revista Mojo en 2008, la interacción entre Bowie y Queen fue intensa: “De repente tienes a esta otra persona aportando, aportando, aportando... él (David) tuvo una visión en su cabeza, y es un proceso bastante difícil, y alguien tiene que dar marcha atrás... y finalmente yo me eché atrás, lo cual es inusual para mí”.

Una batalla feroz, una borrachera y una pizza inoportuna

El proceso de grabación, según se recoge en el documental Days of Our Lives (disponible en YouTube), obligó a la banda a ceder terreno en favor de la visión de Bowie: “David se apoderó de la letra de la canción. En retrospectiva, es una gran canción, pero debería haber sido mezclada de otra manera. Freddie y David tuvieron una batalla feroz por eso”.

Con todo, el origen de esta colaboración surgió de un modo totalmente opuesto, en una noche en la que Bowie y los miembros de Queen coincidieron y empezaron a tomar copas juntos. “Creo que el proceso fue que todos estábamos borrachos”, precisaba Taylor en un programa especial en YouTube, “simplemente por diversión tocando todo tipo de viejas canciones... y creo que David dijo: ‘Esperad un minuto, ¿por qué no escribimos una nuestra?’”.

El icónico riff de Under Pressure fue obra del bajista John Deacon, aunque estuvo a punto de perderse para siempre. May relató que, tras una pausa para comprar pizza, Deacon olvidó la secuencia, y solo gracias a la memoria de Taylor pudo rescatarse: “Se le borró completamente de la mente”, explicó el baterista que, por suerte, pudo acordarse de la línea.

El resultado de aquella caótica sesión fue una pieza que alcanzó el número uno en las listas británicas y vendió más de cinco millones de copias en todo el mundo, afirmándose como un hito en la carrera tanto de Queen como de David Bowie. Para la fantasía de muchos queda también la posibilidad de que el grupo y el cantante interpretaran juntos la canción durante el Live Aid de 1985, donde todos ellos coincidieron. Sin embargo, esto nunca se produjo.

Desde su creación a principios de la década de los setenta, Queen demostró su capacidad para dejar una profunda huella en el rock de la época. La propuesta de Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon fusionaba el virtuosismo vocal e instrumental con una gran teatralidad escénica y una creatividad difícil de igualar. Sin embargo, pese al éxito de discos como Queen, Queen II y Sheer Heart Attack, sería su álbum A Night at the Opera, y en concreto una de los temas de este trabajo, el que haría que la banda británica pasara a la historia.

Hablamos de Bohemian Rhapsody, un tema que desafió las convenciones musicales del momento y que, a pesar de que parte de la crítica la consideró como un disparate, su recepción por parte del público fue fulgurante. Durante nueve semanas seguidas, entre finales de octubre, la Navidad de 1975 y los primeros días del año siguiente, la canción se mantuvo en el primer puesto de las listas británicas junto con las de otros países como Australia, Canadá o Países Bajos.

En Estados Unidos, la pieza alcanzó la posición nueve, cifra notable para una canción de casi seis minutos de duración y de una estructura poco convencional para la industria radiofónica, responsable de popularizar las canciones del momento. Con todo, su éxito sostenido en otras partes del mundo logró cotas de éxito que parecían reservadas para The Beatles y poco más.

Cinco décadas después, Bohemian Rhapsody ha sido seleccionada reiteradamente como la mejor canción de Queen por medios como Billboard y Rolling Stone, tanto por críticos como por lectores. La canción, que fusiona balada, rock y ópera en menos de seis minutos, ha forjado su leyenda al margen de disputas iniciales sobre su valor artístico y para muchos, hoy es una de las mejores canciones del género que se han hecho nunca.

¿Cómo fue posible crear una composición de tal complejidad y personalidad? La canción nació en la mente de Freddie Mercury. La gestación de la canción comenzó en la intimidad del apartamento londinense del cantante. John Reid, mánager del grupo entre 1975 y 1978, relata a la BBC en el documental La historia de Bohemian Rhapsody cómo Mercury dio con las primeras notas: “En su habitación había un piano con velas sobre él, que estaba ubicado en la cabecera de la cama. Así que cuando Freddie se despertaba y quería tocar lo único que hacía era estirar el brazo. Creo que así empezó Bohemian Rhapsody, tocando al revés”.

Ensayos y más ensayos

La grabación se realizó en los estudios Rockfield de Gales en agosto de 1975. El desarrollo del tema supuso un auténtico desafío técnico y creativo para la banda. Roger Taylor explicaría que tuvieron que ser muy “pacientes”: “La canción tiene muchos espacios. Fue un poco confuso”. Brian May, por su parte, aseguraría que, en todo momento, siguieron la canción que ya estaba “en la cabeza de Freddie antes de empezar”.

Él, Mercury y Taylor ensayaron y grabaron sus partes durante jornadas de diez a doce horas diarias durante tres semanas. “Estábamos muy entusiasmados por ver hasta dónde podíamos llegar. Tuvimos suerte. Creamos una buena química en las voces”, comentaría este último. “Brian tiene una voz baja, Freddie tenía esa voz increíble e interminable, y yo podía hacerlo bien en los altos”. En cambio, el bajista, John Deacon, prefirió no participar en los arreglos vocales.

“¡Están muy locos!”

El reto, sin embargo, no terminaba con la grabación. Había que decidir si lanzar una canción tan extensa como sencillo. Reid optó por compartir el tema con amigos para testar su potencial, una prueba de la que se recuerda la tajante reacción de Elton John: “¡Están muy locos!”. Contra toda recomendación, Queen apostó por hacer de Bohemian Rhapsody su carta de presentación, impulsando su emisión en las radios de todo el país.

Paradójicamente, fue Mamma mia, del grupo sueco ABBA la canción que acabaría arrebatándole el primer puesto al himno de Queen como el más escuchado. “Nunca sospechamos que sacaríamos a Queen del top. El hecho de que las palabras mamma mía estuvieran incluidas también en Bohemian Rhapsody fue pura coincidencia”, aclara Bjorn Ulvaeus, miembro de ABBA, en declaraciones recogidas por la BBC.

Actualmente, esta es también la canción más escuchada de Queen y acumula miles de millones de reproducciones en las plataformas, lo que la convierte también en uno de los temas de la década de los setenta más escuchados de la actualidad. Además, la importancia de Bohemian Rhapsody queda también patente en que así se bautizó también a la película biopic sobre Freddie Mercury, que impulsaría una vez más el interés por su figura y por la de su ya legendaria banda.

Brian May, el legendario guitarrista de Queen, sorprendió a los fanáticos al revelar cuál es para él el mejor solo de guitarra de todos los tiempos. En una entrevista con la revista Total Guitar, el músico británico elogió la destreza y la pasión de Eric Clapton, destacando su interpretación en “Key To Love”, incluida en el emblemático álbum Blues Breakers de John Mayall junto a Clapton.

Según May, esa ejecución representa el momento más intenso y vibrante que ha experimentado como oyente y aprendiz de guitarra.

La admiración de Brian May por un solo “absolutamente escalofriante”

Durante la entrevista concedida a comienzos de 2021, May no dudó en señalar a “Key To Love” como su solo de referencia: “Es ‘Key To Love’ de Eric Clapton, del álbum Blues Breakers de John Mayall”, afirmó el guitarrista, que se considera un estudioso de los grandes referentes del instrumento desde sus inicios en el rock.

May explicó qué distingue a ese solo del resto: “La considero la más intensa, apasionada y vibrante que escuché en mi vida, incluso hoy”. El artista no solo remarcó la calidad técnica de Clapton, sino el impacto emocional y la inspiración que le generó la grabación. “Me encanta. Es increíble y nunca la voy a superar. Es una de mis grandes inspiraciones”, reconoció con énfasis el integrante de Queen, quien construyó su propio estilo a partir del análisis minucioso de este tipo de obras maestras.

Eric Clapton y un solo que marcó a una generación

Él solo que más admira Brian May pertenece a “Key To Love”, segundo track del álbum lanzado por John Mayall en 1966 y conocido popularmente como The Beano Album. En ese disco, el joven Clapton ya era apodado “Slowhand” y se consolidaba como una figura central del blues británico, dejando huella con su inconfundible tono y fraseo.

May expresó su asombro ante la potencia de la interpretación: “¡Se lució en ese solo! Toda la pista gira en torno a ese solo. Cada vez que lo pongo, estoy esperando… John Mayall es genial, pero esperas ese momento en el que Eric se desata y de repente alcanza esas notas agudas. Es increíble. Absolutamente escalofriante”, señaló a Total Guitar.

Para muchos músicos y críticos, la grabación representa un hito en la historia de la guitarra eléctrica. La intensidad de Clapton en “Key To Love” se traduce en un fraseo rápido y agresivo que, de acuerdo a May, nunca deja de impresionar: “Cada vez que lo escucho, estoy esperando ese instante exacto en que Eric toma el control y eleva el tema a otro nivel”.

Influencia en el estilo de Brian May

La elección de “Key To Love” no responde solo a la admiración personal. May reconoció que estudió en profundidad ese solo mientras desarrollaba su técnica como guitarrista. “Lo estudié en detalle para entender cómo ‘Slowhand’ organizaba las frases y cómo construía tensión dentro de un fragmento tan corto”, confesó sobre el aprendizaje forjado a partir de la obra de Clapton.

May explicó que intentó descifrar los elementos que dotan de emotividad al solo y cómo cada nota cumple una función en el desarrollo de la pieza. El ejemplo de Clapton fue, según su propio relato, esencial para el desarrollo de un enfoque meticuloso y emocional sobre el instrumento, que lo diferenciaría en los años siguientes: “Claramente, tanto estudio dio sus frutos”.

A casi sesenta años de su publicación, el solo de guitarra en “Key To Love” continúa inspirando a varias generaciones de músicos y aficionados. La opinión de un referente como Brian May refuerza el carácter atemporal y la trascendencia de esta grabación, que sobresale como un punto de referencia obligado en la historia del rock y el blues británico.

El estudio, liderado por la Dra. Ashley Burgoyne en colaboración con el Museo de Ciencia e Industria de Mánchester, aborda la relación entre la cognición musical y la retención de melodías en la cultura popular, definiendo los verdaderos ingredientes de un “gusano auditivo”.

El estudio que desafía géneros y épocas

El trabajo realizado por la Dra. Burgoyne y su equipo puso foco en la capacidad de ciertas canciones para trascender el tiempo y los estilos, analizándolas bajo el prisma de la memoria musical.

El análisis no solo identificó los temas con los estribillos más pegadizos en los géneros de rock y pop, sino que también delineó los elementos que garantizan su éxito para quedarse en la mente.

La cognición musical fue clave en la investigación, ya que permitió determinar qué diferencias presentan las melodías perdurables frente a aquellas que pasan inadvertidas.

Según destacó Burgoyne: “Estábamos particularmente interesados en la música y la memoria, y en por qué ciertas piezas musicales permanecen en la memoria durante tanto tiempo”.

Pop: fórmulas irresistibles para el recuerdo

Al explorar el pop, la investigación reveló que “Wannabe” de Spice Girls lidera como el estribillo más memorable de la música popular contemporánea. Esto se debe a su estructura rítmica y la rapidez con la que se reconoce la melodía principal tras los primeros compases.

Además, la lista de éxitos inolvidables se amplía con otros temas como “Mambo No. 5” de Lou Bega, “Just Dance” de Lady Gaga y “Beat It” de Michael Jackson.

La presencia continuada de estas canciones en fiestas, medios y playlists refuerza su capacidad de permanecer en la cabeza de quienes las escuchan, y su éxito no es fruto del azar, sino de la aplicación inconsciente de patrones musicales efectivos. Estribillos directos y fácilmente identificables marcan la diferencia en el pop.

Rock clásico: la memoria apuesta por la repetición

En el universo del rock, la investigación otorgó el primer lugar a “You Ain’t Seen Nothing Yet” de Bachman-Turner Overdrive. Este tema, lanzado en 1974, representa el ejemplo perfecto de cómo ciertos mecanismos musicales permiten a una canción superar barreras generacionales y mantenerse vigente.

La estructura rítmica, los juegos melódicos y la reiteración de frases clave conforman la receta que hace del estribillo de esta canción un verdadero “pegamento auditivo”.

El tema alcanzó el primer lugar en el Billboard Hot 100 Singles, consolidándose como la canción más popular de la banda canadiense. Aunque quizá no figure entre los estribillos más citados del género, su persistencia demuestra el peso de la fórmula científica en la música.

La ciencia de la pegajosidad: ecuaciones y factores clave

El proceso detrás de la creación de un estribillo inolvidable quedó sintetizado en una investigación de la Universidad de St. Andrews, publicada en 2016.

El equipo científico, encabezado por Bede Williams, diseñó una fórmula que explica la generación de melodías capaces de instalarse en la mente: “Receptividad + (previsibilidad menos sorpresa) + (fortaleza melódica) + (1,5 veces repetición rítmica)”. Esta ecuación resume cómo se genera lo que popularmente se conoce como un “gusano auditivo”.

Williams profundizó en los elementos involucrados en este fenómeno y señaló cinco factores fundamentales: sorpresa, previsibilidad, repetición rítmica, potencia melódica y receptividad por parte del oyente.

La combinación precisa de todos estos factores es lo que permite que una melodía se vuelva verdaderamente inolvidable y trascienda épocas, estilos y fronteras culturales.

Queen y la espontaneidad que hizo historia

Dentro de los ejemplos destacados por la ciencia se encuentra “We Will Rock You” de Queen. Esta canción encabeza la lista de melodías que cumplen a la perfección con la fórmula antes descrita.

Si bien existe el mito de que fue producto de un experimento planificado, la inspiración llegó tras un recital de la banda en Stafford, Inglaterra, demostrando que los grandes éxitos pueden surgir de momentos imprevistos.

La anécdota detrás de “We Will Rock You” refuerza la idea de que la espontaneidad en la creación musical puede coincidir con el cumplimiento de patrones científicos, logrando que la canción permanezca viva en la cultura popular. El impacto de estas melodías trasciende generaciones y sigue siendo objeto de estudio para la comunidad científica.

Conclusión: fórmula, memoria y cultura

El cruce entre ciencia y música ha permitido comprender por qué estribillos tan diferentes como los de Queen, Spice Girls o Bachman-Turner Overdrive comparten la capacidad de instalarse en la memoria colectiva.

Al identificar claramente los factores que intervienen en la persistencia de estas melodías, la investigación no solo resuelve un viejo misterio de la música, sino que enfatiza la importancia de la estructura, la repetición y la sorpresa en la creación de éxitos duraderos.

Así, detrás del éxito atemporal de estas canciones se esconde mucho más que talento: existe una fórmula precisa y comprobable que, una vez identificada, permite tanto a músicos como a oyentes reconocer la magia tras los himnos que nunca dejamos de tararear.

El Royal Mint británico ha presentado una nueva moneda conmemorativa que homenajea a Freddie Mercury, a 40 años de su recital en el mítico Live Aid, considerado uno de los momentos más emblemáticos de la música moderna. Asimismo, este 24 de noviembre se cumplen 34 años de su muerte.

Ocurrida en 1991, Mercury falleció en su residencia de Londres a los 45 años, tras una lucha reservada y valiente contra el VIH/SIDA. La noticia, difundida solo un día después de que revelara públicamente su diagnóstico, generó una ola de conmoción mundial y transformó su despedida en un acontecimiento histórico para la música y la cultura popular.

Esta iniciativa numismática oficializa un reconocimiento largamente esperado por millones de admiradores, consolidando el legado artístico del vocalista de Queen a través de una pieza única destinada tanto a fanáticos como a coleccionistas. Según detalló The Associated Press, la moneda rinde tributo al extraordinario rango vocal de Mercury, quien, a cuatro décadas de aquel concierto, sigue vigente en la cultura popular global.

Un diseño que captura la esencia de Freddie Mercury

Cabeza hacia atrás y pie de micrófono en mano. Así es la moneda acuñada por el Royal Mint que presenta una imagen del vocalista de Queen. A lo largo del borde de la pieza, un pentagrama musical simboliza el inigualable rango vocal de cuatro octavas que poseía el cantante.

“Como Freddie murió joven, no recibió una medalla real por su talento en la música. Tener una moneda real de esta manera es maravilloso y muy apropiado”, expresó Kashmira Bulsara, hermana del artista, en la sede del Royal Mint en Gales, a AP.

Rebecca Morgan, directora de monedas conmemorativas del Royal Mint, explicó que el momento elegido es el indicado para rendir homenaje a Mercury: “Los fanáticos lo habían solicitado y este año, al cumplirse 40 años del Live Aid, era el apropiado para materializarlo”.

Precio, versiones y reconocimiento a otras leyendas

Las monedas en homenaje a Freddie Mercury estarán disponibles para la venta a través del sitio oficial del Royal Mint. La versión no circulante de cinco libras tendrá un precio de 18,50 libras (USD 24,4). También se lanzará una edición especial de oro, de dos onzas, cuyo valor asciende a 9.350 libras (USD 12.315). La expectativa de los coleccionistas y admiradores es elevada, dado el significado artístico y la relevancia emocional de la pieza.

La institución británica ha rendido tributo previamente a otros iconos, como David Bowie, George Michael, Shirley Bassey y Paul McCartney, consolidando una serie que destaca a distintas figuras emblemáticas de la música del Reino Unido. Sin embargo, el lanzamiento de la moneda dedicada a Mercury genera un eco particular por su impacto visual y por la trascendencia de la figura que retrata.

Cabe mencionar que este año coincide también con el cuadragésimo aniversario de “Mr Bad Guy”, el disco solista de Mercury, lanzado en 1985, lo que agrega una dimensión simbólica más a la conmemoración.

Mercury falleció en 1991 a los 45 años, apenas un día después de anunciar públicamente su diagnóstico de VIH, lo que convierte su historia en un referente de superación y resistencia en la memoria colectiva.

Un legado que trasciende la música

Como parte de la iniciativa, el Royal Mint donará una edición especial de la moneda, fabricada en oro, a la Mercury Phoenix Trust, organización benéfica creada en la memoria de Freddie Mercury que destina fondos a personas que viven con VIH y sida. La inclusión de Mercury en este selecto grupo de homenajeados reafirma el lugar central que ocupa en la cultura y el impacto de su obra en la concientización social sobre el VIH.

El lanzamiento de la moneda coincide con un renovado interés mundial por el legado de Freddie Mercury y Queen. Esta pieza tiene la particularidad de simbolizar no solo el reconocimiento a su talento, sino también la continuidad de su influencia en el arte y la solidaridad. Dos de los grandes ejes del homenaje destacan la figura universal del artista y la causa benéfica a la que brinda su apoyo.

El Royal Mint subrayó que el diseño captura fielmente el espíritu de Mercury y la admiración interminable que despierta en sucesivas generaciones. “La pasión y alegría que transmitió en cada presentación se refleja en esta pieza, que conecta su historia con nuevas audiencias y causas relevantes en el presente”, describió la entidad.

Consciente de su diagnóstico, eligió enfocar el tiempo que le quedaba en la creación musical. Junto a sus compañeros de Queen, continuó trabajando en el estudio de Montreux, Suiza, donde trataron de mantener la rutina habitual, pese al deterioro progresivo del cantante.

Brian May, guitarrista de la banda, relató a The Telegraph: “Obviamente, sentía mucho dolor e incomodidad. Para él, el estudio era un oasis, un lugar donde la vida seguía igual que siempre. Le encantaba hacer música, vivía para ella. ... Simplemente decía: ‘Escríbeme más. Escríbeme cosas. Solo quiero cantar esto y hacerlo, y cuando me vaya, puedes terminarlo’. Realmente no tenía miedo”.

Esta determinación lo llevó hasta mayo de 1991, cuando grabaron juntos su última canción, “Mother Love”. Mercury no pudo concluir la última estrofa, prometiendo retomarla en otro momento, cosa que nunca ocurrió. Según May, “Llegamos hasta la penúltima estrofa y dijo: ‘No me siento muy bien, creo que debería darlo por terminado. Lo terminaré cuando vuelva, la próxima vez’. Pero, por supuesto, no volvió al estudio después de eso”.

El avance del VIH hacia el SIDA fue rápido y devastador. Las últimas semanas de Mercury estuvieron marcadas por un marcado deterioro físico y por la decisión personal de dejar de consumir la medicación prescrita para ralentizar la progresión de la enfermedad. Mercury tomó esta determinación en parte por sentir que ya no podía llevar una vida normal, acentuada por el constante acecho de la prensa en las inmediaciones de su casa en Londres. Según Freestone, la permanente presencia de periodistas y fotógrafos lo obligó a quedarse en casa, aislado de sus amigos y de la vida pública.

Los últimos momentos y la muerte de Freddie Mercury

El 24 de noviembre de 1991, Freddie Mercury falleció en su residencia de Garden Lodge, ubicada en el barrio de Kensington, Londres. Tenía 45 años. La propiedad, adquirida por el artista en 1980, se transformó en los últimos años del cantante en el epicentro de su vida privada y el refugio donde pasó sus días finales.

En sus últimas jornadas, interrumpió el tratamiento médico y optó por una vida tranquila, acompañado de su entorno más cercano y de sus gatos, quienes siempre ocuparon un lugar especial en su vida. Pese a estar confinado en cama, recibía ocasionalmente a amigos y familiares como Elton John. El día anterior a su muerte, realizó su única declaración pública sobre su diagnóstico de VIH/SIDA, comunicado que fue difundido horas antes de su deceso. The New York Times informó que la causa oficial de su muerte fue “neumonía bronquial resultante del SIDA”.

La última noche la pasó junto a su pareja, Jim Hutton, conversando sobre recuerdos y momentos felices. De acuerdo con Hutton, el último pedido de Mercury fue que lo ayudara a ir al baño y poco después entró en un estado de semiconsciencia hasta fallecer. Hutton describió ese momento: “Recuerdo con mucha claridad la expresión de su rostro... Se veía radiante. Un minuto era un niño con una carita demacrada y triste, y al siguiente era la viva imagen del éxtasis. El rostro de Freddie recuperó su aspecto anterior. Parecía, por fin, estar en paz total”.

La muerte de Mercury conmocionó no solo a sus allegados, sino a millones de fanáticos en todo el mundo que apenas habían conocido el diagnóstico unas horas antes de la noticia fatal.

Reacciones públicas y de su círculo cercano tras su fallecimiento

La reacción de la opinión pública y de su entorno inmediato fue inmediata y de gran impacto. La prensa, que llevaba semanas vigilando los alrededores de Garden Lodge, anunció la noticia a primeras horas del 25 de noviembre. Los seguidores del cantante acudieron al lugar para rendirle tributo, llenando las afueras de la residencia con flores y mensajes de homenaje.

Para muchos fans, la noticia resultó particularmente difícil de asimilar dado que solo un día antes Mercury había compartido abiertamente su estado de salud, después de años de especulaciones y dudas. Incluso para sus compañeros de banda que habían acompañado su proceso de enfermedad, la noticia fue impactante. Brian May declaró a The Telegraph: “Todos nos preguntábamos si era una ilusión y si se curaría. Es difícil asimilar estas cosas. Entonces recibimos la llamada. Fue surrealista. Aunque nos habíamos estado preparando durante tanto tiempo, seguía sin parecer posible”. Y añadió: “Nos reunimos todos, charlamos, tomamos una copa y luego lo vimos anunciado en la televisión. Curiosamente, fue entonces cuando pareció real por primera vez. Pensabas: ‘Dios mío, de verdad se ha ido, y ahora todo el mundo lo sabe. Es irreversible’”.

El legado musical y social de Freddie Mercury

El fallecimiento de Freddie Mercury marcó un antes y un después tanto en la industria musical como en la concienciación social sobre el SIDA. Meses después de su muerte, en abril de 1992, Queen organizó un histórico concierto homenaje en Wembley, Londres, para recaudar fondos destinados a la lucha contra el SIDA. Según The Independent, más de 72,000 personas asistieron al evento y lo recaudado permitió inaugurar el Mercury Phoenix Trust, una fundación dedicada a la investigación y prevención del VIH/SIDA en memoria del cantante.

A lo largo de los años, la fundación ha recaudado más de 25 millones de dólares y fomenta iniciativas globales como “Freddie por un día”, destinada a recaudar fondos disfrazándose del artista. Mercury también permanece vivo en la cultura pop gracias a documentales, biografías y homenajes en todo el mundo. Fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll en 2001 y en el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. Iconos como “Bohemian Rhapsody” y “We Are the Champions” han alcanzado reconocimiento mundial, figurando en el Salón de la Fama de los Grammy.

La influencia de Mercury trasciende la música: su historia y el mensaje de vida y lucha sobre el escenario se han convertido en un símbolo de resistencia frente al estigma del VIH/SIDA, recordando el poder de la música para transformar y unir a la sociedad.

La vida dio un giro inesperado para Brian May el año pasado, pues el legendario guitarrista de Queen reveló en septiembre de 2024 que había sufrido un “mini derrame” cerebral que le hizo perder temporalmente el control de su brazo izquierdo.

Esta semana, el músico británico volvió a hablar del episodio y de su estado actual en una entrevista con el programa Love Your Weekend de ITV, donde se mostró reflexivo y optimista.

“He tenido suerte. Me pasan estas cosas, pero parece que siempre logro salir de ellas. Te dan una llamada de atención”, afirmó.

Por si fuera poco, el ícono del rock de 77 año explicó que, a raíz del susto, ha colocado su salud en el centro de sus prioridades y ha modificado su rutina para mantenerse lo más activo posible.

“Sigo moviéndome. Salgo en bicicleta varias veces a la semana. Hago cien largos en la alberca una vez a la semana. Para mí, eso es lo que me mantiene en marcha. Eso es lo que me mantiene vivo”, contó.

De acuerdo con el guitarrista, los médicos le han asegurado que está “haciendo lo correcto”. “Así que, por ahora, todavía estoy aquí”, dijo entre risas.

Cabe recordar que Brian May había detallado el incidente por primera vez en un video publicado en su cuenta de Instagram el pasado septiembre. Allí explicó que el episodio ocurrió de manera repentina.

“Lo llamaron un mini derrame, y de pronto, de la nada, no tenía control de este brazo. Fue un poco aterrador, debo decir”, señaló.

May recordó que fue trasladado de inmediato al hospital con “luces azules” —en referencia a las sirenas de emergencia—, algo que tomó con humor al describirlo como “muy emocionante”. Durante su breve estancia, aseguró haber recibido “la atención más fantástica” por parte del personal médico.

A pesar de la preocupación, el guitarrista optó en un inicio por guardar silencio sobre su condición, para evitar especulaciones o muestras de compasión que no deseaba.

“No quería decir nada en ese momento porque no quería que se generara un revuelo a mi alrededor. Realmente no quiero simpatía. Por favor, no hagan eso, porque llenará mi bandeja de entrada, y odio eso. La buena noticia es que estoy bien”, explicó en el video.

Desde entonces, Brian May ha demostrado que su recuperación sigue avanzando. Ya ha vuelto al escenario y, en el último año, se ha presentado en dos ocasiones junto al cantante Benson Boone: una en Coachella y otra en Londres.

Su regreso al escenario ha sido celebrado por los fans, especialmente considerando que no es la primera vez que el músico enfrenta problemas de salud.

De hecho, a lo largo de los últimos años, el artista ha vivido varios episodios médicos que lo han hecho replantear sus hábitos. En mayo de 2020 sufrió un infarto que, según explicó posteriormente, estuvo acompañado de complicaciones graves relacionadas con la medicación.

En 2021 tuvo que someterse además a “un pequeño procedimiento en el ojo”. En aquel momento, declaró en Good Morning Britain que las secuelas del ataque cardíaco casi lo habían llevado a la muerte debido a “complicaciones impactantes” asociadas con los fármacos.

A pesar de estos desafíos, Brian May continúa activo tanto en la música como en su vida diaria.

En 1980, Queen lanzó su octavo álbum de estudio, The Game, un disco que presentaba nuevas sonoridades y buscaba desafiar los límites autoimpuestos por sus miembros. Fue en ese contexto que John Deacon, bajista del grupo, dio vida a “Another One Bites the Dust”.

La canción, editada el 30 de junio de ese año, escaló rápidamente los rankings internacionales hasta alcanzar el 1° puesto en Estados Unidos. Su ritmo contagioso e impronta funky-funk la convirtieron en un sello de la época, además de impulsar ventas millonarias y conquistar las pistas de baile de todo el mundo. En cuestión de semanas, Queen sumó otro hito a su carrera y su leyenda creció con velocidad.

La incomodidad durante las grabaciones

Sin embargo, el origen del tema distó de ser armónico. El propio Brian May compartió detalles de esa etapa en una entrevista con Guitar Player, donde confesó que no todos los integrantes del cuarteto británico se sentían cómodos con la canción a la hora de gestarla y grabarla. “Teníamos la idea de que nunca debíamos repetirnos”, recordó el guitarrista, subrayando que la banda se imponía a sí misma el desafío de evitar fórmulas conocidas y de explorar nuevos territorios creativos en cada disco.

Fue así como “Another One Bites the Dust” se convirtió en un verdadero salto; un experimento musical que, lejos de evocar la potencia rockera de otros hits, apostó por un sonido minimalista y compacto. Brian May explicó: “Nos pusimos deliberadamente en diferentes situaciones de composición y grabación para seguir avanzando y derribando cualquier barrera que pudiera aparecer”. Para los fanáticos, la canción fue un soplo de aire fresco, un movimiento audaz al incorporar elementos de la música dance y el funk en pleno auge entre finales de los años 70 y principios de los 80. Pero dentro de la banda, el consenso estuvo lejos de ser inmediato.

Fricciones y decisiones arriesgadas

“Sentí que también se rompió otra barrera con ‘Another One Bites the Dust’. En diversos grados, a veces no nos sentíamos del todo cómodos con ella, y ciertamente Roger (Taylor, el baterista del conjunto londinense) no se sentía muy cómodo con esa canción“, reconoció May. El principal punto de disidencia estuvo en la batería. Mientras Taylor prefería un sonido más tradicional, alineado con el rock fuerte que caracterizaba a la banda, la propuesta para el track se alejaba de ese esquema. “Realmente no quería que su batería sonara así, pero la idea fue apoyada por John y también por Freddie, quienes se apasionaron brillantemente al pensar que tendríamos este sonido muy escaso y compacto para la batería y que todo sería muy sobrio”, sentenció el guitarrista nacido en el distrito de Hampton Hill.

Esta tensión interna fue fundamental para el resultado final. El apoyo de John Deacon y Freddie Mercury a la nueva dirección sonora fue decisivo. Ambos se entusiasmaron con el desafío de explorar texturas diferentes: preferían una batería austera, casi despojada, capaz de resaltar la línea de bajo y darle al tema una atmósfera moderna y bailable. Así nació el patrón inconfundible que terminó por conquistar a millones de oyentes e hizo de “Another One Bites the Dust” uno de los grandes himnos del grupo.

El éxito posterior

El riesgo valió la pena. La canción no solo encabezó los charts en Estados Unidos, sino que logró cruzar géneros y públicos, transformándose en un clásico infaltable en radios, clubes nocturnos y eventos deportivos. Aquella incomodidad inicial quedó atrás, opacada por la magnitud de la repercusión internacional.

La relevancia de Queen reside, en buena medida, en su capacidad para reinventarse constantemente y desafiar convenciones. “Another One Bites the Dust” es ejemplo de esa audacia, de la tensión creativa que, lejos de dividir, permitió que sus miembros superaran diferencias temporales y transformaran la incomodidad en innovación.

Ya transformado en Freddie Mercury y luego de convertirse en miembro de Queen, le comentó al guitarrista Brian May sobre esa canción que le fascinaba y desconcertaba en igual medida, describiéndola como un “rompecabezas cuyas piezas no encajaban del todo”, según relató May en una entrevista del año 2008.

Al lograr el reconocimiento con el disco Sheer Heart Attack (Certero ataque al corazón), Mercury tuvo la libertad suficiente para perseguir ese viejo proyecto. Su título provisional cambió primero a Real Life (Vida real) . Una tarde, llegó a la sala de ensayos con un manojo de pequeños papeles —hojas para mensajes telefónicos tomadas del trabajo de su padre— y los pegó sobre el piano. Sentado, golpeó las teclas con una energía inusual. “Tocaba el piano como la mayoría de la gente toca la batería”, detalló Brian May. Allí presentó a la banda la idea general: cortes abruptos, armonías ideadas en su cabeza y la intención de entrelazar fragmentos muy diferentes en un solo tema.

Ese desafío creativo culminó en la gestación de Rapsodia bohemia, una canción de estructura singular y una duración de 5:55 minutos que se apartó de cualquier estándar de la época.

El lanzamiento de Rapsodia Bohemia fue el 31 de octubre de 1975, hace exactamente medio siglo. Se presentó como el lado A de un disco simple. El lado B de ese simple era I’m in Love with My Car (Estoy enamorado de mi auto), la canción, escrita e interpretada por el baterista Roger Taylor. Fue un adelanto del álbum llamado A Night at the Opera (Una noche en la Ópera) y el simple se transformó marcó el primer número uno del grupo en Estados Unidos y estuvo nueve semanas consecutivas en la cima del ranking británico.

En palabras de Brian May, “Freddie era una persona muy compleja: se mostraba frívolo y divertido en la superficie, pero ocultaba inseguridades y problemas. Nunca nos explicó la letra de Rapsodia Bohemia, pero creo que puso mucho de sí en esa canción”, declaró en un reportaje.

Mercury aportó no solo su voz, sino también su visión como productor musical. La canción fusionó balada, rock, glam, elementos del metal y pasajes de ópera, concluyendo con el sonido de un gong.

Muy pocos antecedentes se encontraban en la historia del rock en términos de audacia conceptual y técnica. Si bien existían temas como Good Vibrations de The Beach Boys —o A Day in the Life de The Beatles— nada igualaba la ambición de lo que Queen pretendía lograr cuando, en 1975, se encerró en los Rockfield Studios en Gales. Previamente, los exigentes ensayos ocurrieron en Ridge Farm, Surrey, a mediados de ese año.

El grupo enfrentó las limitaciones tecnológicas del momento. En 1975 la grabación analógica sólo permitía una cantidad reducida de pistas. Para fusionar tantas armonizaciones y capas instrumentales, la banda debió ingeniárselas apelando al método de reducción de pistas: mezclaban varias en una sola cinta, recortaban segmentos y los unían físicamente con adhesivo. El resultado final compactó 180 pistas originales en dos cintas de 24 canales.

Los desgastes por el uso excesivo de las cintas llegaron a tal punto que, al verlas a contra la luz, “la música casi se había esfumado”, recordó May. La parte operística, célebre por sus arreglos corales y agudos, demandó 70 horas de grabación. Los registros vocales en total les llevaron jornadas de entre 10 y 12 horas diarias por tres semanas.

El productor Roy Thomas Baker recordó qué pensó cuando Queen finalizó la tarea: “Me quedé al fondo del cuarto de control y sin más supe que estaba escuchando por primera vez algo que sería una gran página en la historia”.

Respecto al contenido y significado de la canción, el misterio en torno a la lírica de Rapsodia bohemia persiste. Mercury nunca explicó abiertamente su contenido. Se tejieron varias hipótesis: algunas voces consideran que la frase inicial, “Mamma, just killed a man” (“Mamá, maté a un hombre”), refiere a la novela El extranjero de Albert Camus, en la que el protagonista asesina a una persona. Otras teorías interpretan que la canción refleja la transformación personal del propio Mercury. Roger Taylor, baterista de Queen comentó que el verdadero significado de la pieza es: “claramente de autoexposición, con sólo unas pequeñas partes sin sentido, en el medio”. También fueron halladas alusiones religiosas en términos como “Bismillah” y “Belcebú”, pero el propio Mercury la reducía a “tonterías al azar con rima”.

En una entrevista May expresó: “No creo que alguna vez sepamos de qué se trata Rapsodia bohemia, y si yo lo supiera probablemente no querría decirlo, porque ciertamente no le cuento a la gente de qué van mis canciones. Siento que eso las destroza, de algún modo”.

Lejos de la fascinación artística, la discográfica EMI se opuso tajantemente al lanzamiento de un simple de casi seis minutos. La costumbre dictaba que los singles para promoción radiofónica no excedieran los tres minutos y medio. Los ejecutivos argumentaban que el público y los programadores de radio no aceptarían semejante extensión. Ellos insistieron: “Pensamos ‘bueno, podríamos cortarlo, pero no tendría sentido. Se perderían todos los diferentes ánimos de la canción. Así que dijimos que no’”, afirmó Taylor. El grupo sí grabó una versión abreviada de 3:18 minutos para su comercialización en Francia, pero la historia recuerda únicamente el track original íntegro de 5:55 minutos.

Con la resistencia del mercado, la entrada del tema a la radio fue forzada. El DJ Kenny Everett, amigo de Mercury, la emitió en la emisora Capital y afirmó socarronamente que “podría durar una hora. Va a ser un número uno durante siglos”. En el fin de semana de lanzamiento, la emitió catorce veces. El furor llevó a que todas las radios británicas la incorporasen enseguida a su rotación. El éxito fue inmediato, rotundo y aún perdura.

A escala técnica, la grabación de la canción devoró recursos sin precedentes para la banda. Una noche en la Ópera se convirtió en el álbum más costoso de la historia del rock hasta ese momento, una inversión desmesurada que contrastaba con el coste del video promocional. El clip dirigido por Bruce Gowers tuvo un costo de 3.500 libras y se rodó en tan solo tres horas. Tras el rodaje, músicos y técnicos se dirigieron a un pub local a celebrar lo que estaba por venir. Es, sin dudas, uno de los videos más recordados de la historia.

Luego de la muerte de Freddie Mercury, sucedida el 24 de noviembre de 1991, el single fue reeditado —compartiendo lado B con These Are The Days of Our Lives (Los días de nuestras vidas) — y retornó al primer puesto en los charts. La película Wayne’s World (1992) revivió el éxito, y el sencillo escaló hasta el número dos.

En 2002, una encuesta internacional realizada por Guinness la nombró la canción favorita de todos los tiempos en el Reino Unido, por encima de Imagine de John Lennon y Hey, Jude de The Beatles. Más aún, la revista Rolling Stone eligió la interpretación de Mercury como “la mejor de la historia”. En los años siguientes, fue versionada por artistas y agrupaciones tan diversas como Elton John con Axl Rose, Panic! at the Disco, The Braids, Molotov, The Flaming Lips, Pink, Kanye West, e incluso Los Muppets.

El propio Mercury llegó a describir el tema como “una experimentación con el sonido”, reconociendo que su mayor reto fue plasmar en la grabación los arreglos y sonoridades que imaginaba.

La película llamada Rapsodia bohemia que cuenta la vida de Mercury, dirigida por Bryan Singer, con Rami Malek como protagonista, lanzada en 2018, superó los 900 millones de dólares de recaudación mundial y Malek obtuvo el Oscar a mejor actor. Ese éxito volvió a despertar la curiosidad por la canción, que tuvo más de 1.600 millones de reproducciones en distintas plataformas digitales. Un éxito analógico del siglo XX fue un suceso digital en el siglo XXI. Y todo comenzó hace cincuenta años.

Han pasado más de 50 años desde que Queen sonó por primera vez sobre un escenario. La mítica banda compuesta por Roger Taylor, Freddie Mercury, Brian May, y John Deacon se convirtió en uno de los grupos clave para la transformación del rock en los 80, con canciones tan míticas como Bohemian Rhapsody, We Will Rock You o Don’t Stop Me Now.

Por eso, cuando hace poco Eva Amaral recordó la vez que ella y Juan Aguirre coincieron con la mítica banda británica en un concierto en Kyde Park, Londres, señala que “parece que estamos contando una especie de sueño donde hemos mezclado cosas random”. No es para menos, dado que ahí se encontraban leyendas como Paul Rodgers (quien sustituía al ya fallecido Mercury), Amy Winehouse o Quincy Jones, productor de canciones de Michael Jackson y de compositor de bandas sonoras para películas como El color púrpura, de Steven Spielberg.

Brian May, interesado en Eva Amaral

De esa experiencia, la anécdota más memorable la acabó protagonizando el legendario guitarrista de Queen, Brian May. La anécdota la cuenta Juan Aguirre en una conversación con los miembros de Amaral en el Local de Ensayo de Europa FM. “Estaba Eva cambiándose en el camerino de las chicas”, recuerda. “Y salió Brian May, que acababan de tocar ellos, y me vino a preguntar que quién era esa piba (chica)”.

Al contarlo, las risas en la sala estallan frente a la situación. “Osea, que Brian May quiso ligar con Eva”, precisa una de las personas presentes. “No, no, no”, niegan tanto Juan Aguirre como la propia Eva. “Me vino a decir que le había flipado”, se explicó el músico. Amaral había tocado justo antes delante de los miembros de Queen, y fue más tarde, en el backstage, cuando el guitarrista quiso saber quién era la cantante que acababa de hacer la actuación.

La fama internacional de Amaral

Cabe destacar que el conocido dúo formado en Zaragoza es, a día de hoy, una de las bandas de rock en español más importantes de todos los tiempos. Con más de cuatro millones de discos vendidos en todo el mundo (dos de ellos con su disco Estrella de mar, lanzado en 2002), su fama les ha llevado incluso a tener repercusión internacional, teloneando a artistas del calado de Bob Dylan en su gira española y obteniendo, entre otras distinciones, dos premios MTV Europe Music Awards a Mejor grupo Español.

El concierto al que hacen referencia los artistas españoles, por su parte, no es otro que el acto conmemorativo del 90 aniversario de Nelson Mandela que se celebró en el Hyde Park. Un concierto conmemorativo en el que participaron artistas como Annie Lennox, Simple Minds, Leona Lewis... y la banda de Zaragoza, que para más inri, volvería a Londres también en 2011 para agotar todas las entradas en la ciudad británica.

Por si quedaba alguna duda, además cabe decir que Brian May estaba ya felizmente casado con Anita Dobson cuando vio a Eva en su actuación. El guitarrista de Queen contrajo matrimonio con la actriz británica en el año 2000, y un cuarto de siglo después, todavía siguen juntos. “nunca se detiene en su empeño de alegrar la vida de las personas”, escribiría sobre ella el músico cuando, este mismo verano, concedieron a Dobson la Orden del Imperio Británico.

Un estudio científico de la Universidad de St. Andrews en Escocia terminó de confirmar lo que para muchos fanáticos era una intuición: Queen es la banda de rock “más pegadiza” de la historia. El respaldo científico llega tras aplicar una fórmula que analiza la capacidad de ciertas canciones para permanecer en la mente de las personas, aportando así una visión novedosa sobre el fenómeno global que representa el grupo liderado por Freddie Mercury.

Los detalles del estudio

Para responder a la pregunta sobre qué canciones y bandas son capaces de instalarse en la memoria colectiva, el equipo de la Universidad de St. Andrews construyó una ecuación rigurosa. Esta fórmula considera elementos como la receptividad del oyente, el equilibrio entre previsibilidad y sorpresa, la potencia melódica y la repetición rítmica, multiplicada por un factor de 1,5. El resultado de la fórmula recibe el nombre de “gusano auditivo”, ese fenómeno conocido por todos cuando, aun en silencio, una melodía sigue resonando en nuestra mente.

“El análisis se basó en una ecuación que combina varios factores: receptividad, la relación entre previsibilidad y sorpresa, potencia melódica y repetición rítmica multiplicada por 1,5”, detalló el informe. Bede Williams fue responsable del estudio y resaltó un aspecto clave de las canciones que superaron el test: “Si nos fijamos en las canciones que surgieron de la investigación, todas tienen una huella rítmica distintiva. Si eliminamos la melodía, todavía son reconocibles solo por su ritmo”, señaló el investigador.

Queen y el podio del rock: tres canciones entre las más recordadas

El ranking elaborado por el equipo científico dejó en claro el lugar especial que ocupa Queen en la historia del rock y del pop mundial. Tres de sus temas integraron la selecta lista de las diez canciones consideradas como las más “pegajosas” o memorables de todos los tiempos. Entre ellas, “We Will Rock You” lideró el ranking y se consolidó como la canción que mejor sintetiza el concepto de “gusano auditivo”.

El estudio valoró a “We Will Rock You” por su ubicuidad: aparece en publicidades, películas, series y ha sido versionada y sampleada por múltiples artistas. En tanto, “We Are The Champions”, el himno de celebración universal, ocupó el tercer puesto, y la icónica “Bohemian Rhapsody” alcanzó la sexta posición en el listado. “Esta selección evidencia el impacto cultural de la banda liderada por Freddie Mercury y el guitarrista Brian May, cuyos éxitos han trascendido el ámbito del rock para convertirse en himnos reconocibles a nivel mundial”, explicó el informe.

Las claves sonoras del éxito

El análisis no se detuvo solo en nombrar canciones, sino que evaluó la razón por la cual los temas de Queen logran instalarse de manera tan profunda y transversal en el oyente. “El estudio atribuye la pegajosidad de la banda a sus fórmulas compositivas, arreglos distintivos y una producción moderna que marcó la diferencia en cada uno de sus temas”, describe la investigación.

Hay algo más: según los académicos, la fusión de influencias de la ópera y la música clásica —elementos incorporados por la banda de forma pionera— enriqueció su propuesta y explicó por qué sus hits perduran en la memoria colectiva y se identifican de inmediato desde los primeros compases.

A esto se suma el inconfundible sello interpretativo de Freddie Mercury, la destreza instrumental de Brian May, la creatividad rítmica de Roger Taylor y la solidez de John Deacon en el bajo. Este combo permitió que sus temas sean universales, instantáneamente reconocibles y vigentes 40 años después de ser compuestos, logrando que nuevos públicos los abracen.

Un legado que trasciende generaciones

El paso del tiempo no ha disminuido la popularidad ni el impacto de Queen. Al contrario: la vigencia del grupo se refleja en su capacidad para conectar con distintas generaciones, sobreponerse a la ausencia de Mercury y mantenerse como uno de los artistas más escuchados, con millones de nuevas reproducciones cada año en plataformas digitales.

La propia investigación resalta este dato: “Los éxitos de Queen forman parte de un repertorio universalmente conocido, lo que facilita que cualquier persona se identifique con su música”. Las presentaciones en estadios repletos, la constante presencia de sus canciones en la cultura popular y la apropiación intergeneracional del repertorio han forjado un legado que pocos grupos han alcanzado.

Incluso tras la muerte de Mercury, Queen continuó ocupando un lugar preponderante en el ranking emocional y musical de la humanidad que se mantiene en pie hasta estos días.

Lejos de sorprenderse, los miembros de la banda percibieron la canción como una evolución lógica de su estilo, un nuevo capítulo que reafirmó su espíritu innovador sin alejarse de la esencia original.

La raíz experimental de Queen

Desde sus primeros trabajos, la experimentación y la sofisticación definieron el sonido de la banda británica. El guitarrista Brian May ha reflexionado sobre el modo en que el público percibe “Bohemian Rhapsody” como una rareza, cuando, en realidad, para Queen representó un paso natural.

“A la gente le cuesta mucho entender lo poco sorprendente que nos resultó Bohemian Rhapsody. Si nos fijamos en el primer álbum, tenemos ‘My Fairy King’, que es muy compleja y va por todos lados”, explicó May. Así, la banda ya exploraba estructuras poco convencionales y cambios de ritmo antes de crear su tema más célebre.

El enfoque innovador no se limitaba solo a los éxitos más reconocidos. “March Of The Black Queen”, incluido en el disco “Queen II” (1974), fue citado como uno de los temas más exigentes desde el punto de vista musical.

“Es bastante más complicado que Bohemian Rhapsody. Así que ‘Bohemian Rhapsody’ no fue una sorpresa para nosotros. Simplemente pensamos: ‘Haremos otra de estas cosas’”, afirmó May. De este modo, la sofisticación musical atravesaba toda la discografía del grupo, anticipando obras futuras.

Un proceso creativo sin límites

La gestación de “Bohemian Rhapsody” se caracterizó por una carta blanca para llevar la experimentación al extremo. May ha explicado que la construcción de la sección operística fue fruto de una libertad total en el estudio.

“Mientras construíamos la parte de la ópera, nos volvíamos cada vez más salvajes. ‘Pon un poco más, pon otro poco, todo estará bien cuando llegue a la sección pesada’. Y así fue”, relató el guitarrista, rememorando aquellos momentos de absoluta creatividad.

En este ambiente, Roger Taylor, baterista de la banda, ha subrayado la importancia de Freddie Mercury como impulsor de la innovación. A pesar de no tener formación en ópera, el icónico cantante consiguió fusionar géneros y definir la identidad de Queen a través del atrevimiento musical. “Estábamos plantando nuestra bandera en el suelo: ‘Esto somos realmente nosotros: es un poco loco, pero lo tiene todo’”, expresó Taylor. Así, la originalidad se convirtió en la marca distintiva que atravesaba toda la producción del grupo.

Colaboración y talento en el estudio

La dinámica interna durante la creación de la canción permitió que surgieran ideas poco convencionales y se integraran al proceso. May recordó cómo las aportaciones de Mercury influían en la dirección instrumental del tema.

“La idea para todos los instrumentos de ‘Rhapsody’ fue surgiendo mientras le escuchaba desarrollar la canción. Freddie tenía unos procesos mentales increíblemente laterales. Siempre me resultaba más fácil tocar en sus canciones que en las mías, porque había muchos estímulos”, comentó el guitarrista, resaltando la sinergia creativa dentro del grupo.

El trabajo conjunto en el estudio llevó a Queen a superar nuevos desafíos musicales y a consolidar un sonido inconfundible. La combinación de talento individual y creatividad desbordante permitió que canciones como “Bohemian Rhapsody” trascendieran el tiempo, situándose en un lugar privilegiado dentro del repertorio del rock.

Un desafío constante sobre los escenarios

Cincuenta años después de su lanzamiento, la obra sigue exigiendo el máximo nivel técnico y emocional a los miembros de Queen.

May confiesa que interpretar “Bohemian Rhapsody” en vivo es una prueba que requiere concentración absoluta, pues cualquier distracción puede comprometer la ejecución del tema.

Incluso los músicos más experimentados reconocen la presión de rendir homenaje a Freddie Mercury en cada presentación, lo que eleva la exigencia a otro nivel.

Impacto y legado inalterable

El reconocimiento del público hacia “Bohemian Rhapsody” no se ha modificado con el paso del tiempo. La vigencia del tema trasciende generaciones y reafirma su estatus como el mayor emblema de Queen.

Hoy, la interpretación de “Bohemian Rhapsody” continúa siendo un reto para los integrantes de Queen, quienes la abordan con respeto y precisión en cada concierto.

Esta exigencia constante, sumada al impacto cultural y técnico de la canción, explica por qué para la banda nunca fue una sorpresa: la sofisticación y la búsqueda de límites siempre estuvieron en su ADN.

En el décimo aniversario de la serie, celebrado en la Comic Con de Nueva York, Malek compartió cómo este proyecto fue el motor de su transformación profesional, un acontecimiento que atribuye a la visibilidad que le proporcionó frente a los productores del biopic sobre Queen.

Un papel que cambió el rumbo de su carrera

La transmisión de Mr. Robot entre 2015 y 2019 le ofreció a Malek la posibilidad de encarnar a un hacker complejo y atormentado. Este personaje le permitió conquistar un Emmy y consolidó su presencia en la industria de Hollywood, acercándolo a directores y productores que buscaban talento auténtico.

“Mirando atrás, esta serie cambió mi vida y debo una enorme deuda de gratitud a todos los involucrados. Aprendí muchísimo y me permitió afrontar futuros proyectos de una manera distinta”, afirmó Malek a people.com. La repercusión de su trabajo fue tan significativa que, según detalló el actor, los responsables de Bohemian Rhapsody lo descubrieron a raíz de esta interpretación.

La conexión entre la serie y su audición para el papel de Freddie Mercury fue evidente para Malek. Explicó que los paralelismos entre ambos personajes iban más allá del simple talento actoral; encontró en Mercury una dualidad similar a la de Elliot Alderson, algo que le permitió comprender y construir al icónico cantante británico desde una perspectiva genuina.

“A veces se podía ver a Freddie Mercury como un extrovertido grandilocuente, pero también había un ser humano muy tímido e introvertido. Y yo sabía cómo hacer eso bastante bien gracias a Elliot”, detalló.

La celebración del legado de la serie, a la que también asistieron Sam Esmail, creador de la ficción, y el actor Christian Slater, fue una oportunidad especial para repasar los vínculos que marcaron la trayectoria de sus protagonistas.

La preparación para un desafío icónico

Interpretar a Freddie Mercury significó un arduo proceso de preparación para Rami Malek. Asumió el reto de estudiar en profundidad la vida, gestos y voz del legendario cantante, buscando captar tanto su personalidad arrolladora en el escenario como su lado más íntimo.

Malek compartió que se sumergió en la música de Queen y trabajó con coaches de movimiento y de voz para reproducir con precisión la energía y la identidad de Mercury. “Cada matiz en la actuación fue fundamental para honrar la memoria de Freddie”, explicó el actor.

El rodaje de Bohemian Rhapsody trajo consigo desafíos, sobre todo en la recreación del concierto Live Aid de 1985 en Wembley, un momento considerado uno de los más emblemáticos de la historia del rock. Las largas horas de ensayo y la presión de estar a la altura del mito lo llevaron a superar sus límites como intérprete.

La oportunidad de colaborar con colegas como Lucy Boynton, Gwilym Lee y Ben Hardy hizo que el ambiente de trabajo resultara tan intenso y enriquecedor como la propia historia que deseaban plasmar en pantalla.

Reconocimiento mundial y nuevos horizontes

El éxito de Bohemian Rhapsody, dirigida por Bryan Singer y escrita por Anthony McCarten, no tardó en reflejarse en cifras de taquilla y en el reconocimiento de la crítica.

La película recaudó cifras millonarias y obtuvo cuatro premios Oscar, incluyendo el de Mejor Actor para Malek, así como el Globo de Oro a Mejor Película Dramática. Para el intérprete, el impacto de este proyecto se amplió más allá de los premios, consolidando su posición entre los actores más solicitados de la industria.

Tras conquistar al público como Freddie Mercury, la carrera de Rami Malek se expandió hacia papeles destacados en grandes producciones como Night at the Museum, No Time to Die y Oppenheimer. Cada nuevo desafío significó una oportunidad para demostrar su capacidad camaleónica y su compromiso con personajes complejos y profundos.

El actor rememoró el momento de recibir el Oscar como algo que le resultó difícil de asimilar, incluso después de más de una década en la industria: “Alcanzar ese nivel de éxito parecía algo casi irreal, una meta que nunca imaginé que estaría a mi alcance”, señaló el actor.

Construcción de un legado en Hollywood

El reconocimiento internacional y la admiración del público sitúan actualmente a Rami Malek como uno de los referentes de su generación. La combinación entre su versatilidad interpretativa y la pasión que imprime en cada uno de sus proyectos aseguran que su legado sigue en construcción. Con cada papel, el actor desafía sus propios límites y redefine el alcance de su arte, consolidando una trayectoria que inspira a nuevos talentos y mantiene viva la atención de la industria cinematográfica.

Esta canción, incluida en el emblemático álbum A Night at the Opera de 1975 —el mismo que albergó a “Bohemian Rhapsody”—, es considerada por Brian May como la más subestimada de la banda británica.

Origen y naturaleza experimental

“The Prophet’s Song” surgió en una etapa de plena creatividad para Queen, definida por la experimentación y la búsqueda de nuevos horizontes sonoros. La pieza, una de las más largas del grupo con ocho minutos de duración, explora el rock progresivo y un enfoque experimental que no era habitual en el repertorio popular de la época. Según el propio May, el tema merecía mucho más reconocimiento del que recibió.

En una entrevista concedida a MusicRadar en 2023, Brian May fue claro al declarar: “Hay un millón de cosas que desearía que hubieran recibido más atención. Supongo que ‘The Prophet’s Song’ prevalece más. Solo unas pocas personas que están muy metidas en las profundidades de Queen a lo largo de los años son realmente conscientes de lo que significa ‘The Prophet’s Song’”.

Estas palabras reflejan el sentimiento del guitarrista respecto al desapercibido impacto de la canción, a pesar de su valor artístico y técnico.

Una emoción ligada a los clásicos

El fenómeno de la falta de reconocimiento para ciertas canciones no es nuevo en la trayectoria de Queen. A lo largo de la entrevista, May manifestó su comprensión hacia el formidable alcance de los grandes éxitos, aceptando que la pasividad va de la mano con la respuesta emocional del público: “No se puede negar el hecho de que un éxito llega a la gente”, admitió el músico.

“Y se incrusta en sus vidas para siempre. Cada vez que escuchan los acordes de esa canción, una avalancha de emociones regresa a su cuerpo. Eso es algo precioso. Tenemos tanta suerte de tener tantos éxitos que están ligados a las vidas de las personas y siempre lo estarán. Podemos tocar un concierto y tocar las primeras notas de cualquier canción y sentir esa respuesta emocional de inmediato. Es asombroso. Qué cosa tan maravillosa”, añadió.

Aun así, “The Prophet’s Song” permanece como un secreto especial para los seguidores más devotos, quienes logran descubrir en sus laberintos musicales una faceta diferente de la banda. Solo algunas personas son conscientes de lo que significa, tal como subraya May, quien no pierde la esperanza de que, con el tiempo, más oyentes logren apreciar este trabajo monumental.

Errores y un redescubrimiento

Más allá del reconocimiento (o la falta de él) para ciertas canciones, May también ha demostrado autocrítica con respecto a la historia discográfica de Queen. Ciertas decisiones, en retrospectiva, no siempre resultaron acertadas en su momento. En la misma entrevista, observó: “Creo que Hot Space fue un error, aunque solo fuera en cuanto al tiempo en el que fue publicado. Nos metimos mucho en el funk y era bastante similar a lo que hizo Michael Jackson en Thriller. Pero el momento no fue el adecuado. ‘Disco’ era una mala palabra”, reflexionó el guitarrista.

Esta honestidad agrega valor al relato de May y contribuye a poner en perspectiva la riqueza de obras como “The Prophet’s Song”, cuyo mérito radica precisamente en arriesgarse más allá de las fórmulas conocidas. Aunque el éxito comercial no siempre acompaña a las canciones más desafiantes, su existencia en la discografía es prueba del espíritu inquieto y vanguardista de Queen.

Queen ha sido oficialmente reconocida como la banda de rock más escuchada del siglo XXI en el Reino Unido, según un nuevo informe de la organización PPL (Phonographic Performance Limited), que recopila los datos de emisiones en radio y televisión. El anuncio coincide con la próxima celebración del Día Nacional del Álbum 2025, cuyo eje temático estará dedicado al rock.

De acuerdo con la lista, las canciones del grupo han acumulado más de 400 millones de segundos de reproducción —el equivalente a 12,5 años de música continua— en este siglo. La canción más reproducida del catálogo de Queen es “A Kind of Magic”, un clásico de 1986 que formó parte del álbum homónimo y de la banda sonora de la película Highlander.

El guitarrista Brian May celebró la noticia con emoción: “¡Noticias asombrosas! Teniendo en cuenta que la mayoría de nuestras obras principales se crearon en el siglo XX, es increíble encabezar una lista del siglo XXI. Muchísimas gracias a todos nuestros fans”.

La fuerza duradera del rock británico

Peter Leathem OBE, director ejecutivo de PPL, destacó que el logro de Queen demuestra cómo el rock sigue prosperando en la escena musical británica: “Esta lista subraya cómo la música rock, a lo largo de las décadas, continúa resonando en las ondas del Reino Unido. Felicitaciones a Queen por este gran galardón, especialmente en un año tan importante para el aniversario de su primer álbum número uno, A Night at the Opera”.

Esa producción, lanzada originalmente en 1975, no solo consolidó el estatus de Queen como una de las bandas más innovadoras de la historia, sino que también dio vida a una de las canciones más emblemáticas del siglo XX: “Bohemian Rhapsody”, una obra que rompió los moldes de la música popular con su mezcla de ópera, rock y balada.

Los 10 grupos de rock más reproducidos del siglo XXI

El informe de PPL también revela los nombres que completan el top 10 de artistas más escuchados del género en las últimas dos décadas. Detrás de Queen se encuentra el inigualable David Bowie, seguido por U2 y Oasis. La lista completa es la siguiente:

1. Queen
2. David Bowie
3. U2
4. Oasis
5. Fleetwood Mac
6. Stereophonics
7. The Rolling Stones
8. The Police
9. The Killers
10. Kings of Leon

Este ranking refleja el equilibrio entre las leyendas clásicas del rock británico y las bandas contemporáneas que han logrado mantenerse vigentes en la era del streaming, un logro particularmente notable en un contexto donde los hábitos de escucha han cambiado drásticamente.

Reedición conmemorativa por los 50 años de A Night at the Opera

Como parte de las celebraciones del Día Nacional del Álbum, Queen lanzará una edición conmemorativa en vinilo transparente de su icónico disco A Night at the Opera, que cumple 50 años. El lanzamiento global incluirá sellos dorados y material gráfico restaurado, reafirmando el compromiso de la banda con la calidad sonora y el coleccionismo musical.

El vinilo estará disponible el 18 de octubre de 2025, fecha en la que también se estrenarán reediciones de artistas como Liam Gallagher, Manic Street Preachers, Iggy Pop, The Jesus and Mary Chain, Teenage Fanclub y Stereophonics.

Asimismo, nombres legendarios como Elvis Presley, Lou Reed, Jimi Hendrix y The Rolling Stones tendrán relanzamientos en vinilo, coincidiendo con los aniversarios de discos emblemáticos como Horses de Patti Smith y On The Level de Status Quo.

El Día Nacional del Álbum: una celebración de la experiencia musical

El Día Nacional del Álbum, organizado por BPI y ERA en colaboración con BBC Radio 2, llega a su octava edición desde su creación en 2018. Este evento anual celebra la importancia cultural y emocional de los álbumes como formato artístico, en un contexto dominado por el consumo digital de canciones sueltas.

En 2025, el evento contará con Wolf Alice, Nova Twins, Architects e Iron Maiden como Campeones del Álbum, figuras elegidas para promover la relevancia del formato físico y el valor narrativo de los discos completos.

Ellie Rowsell, vocalista de Wolf Alice, expresó: “Los álbumes son muy importantes para nosotras; es una de las partes más románticas de ser músico o banda”. De manera similar, Amy Love y Georgia South, del dúo Nova Twins, señalaron que los álbumes “siempre han sido la banda sonora de nuestras vidas”, una afirmación que refuerza la dimensión emocional que aún tiene escuchar un álbum de principio a fin.

La magia de Queen, eterna en el tiempo

El reconocimiento de Queen no solo celebra una estadística, sino la vigencia emocional y cultural de una banda que redefinió el rock con su teatralidad, su virtuosismo y su carisma. A más de tres décadas de la muerte de Freddie Mercury, su voz sigue sonando en radios, películas y plataformas digitales, conectando a generaciones que descubren y redescubren su legado.

Mientras el mundo celebra el Día Nacional del Álbum 2025, el triunfo de Queen recuerda que la buena música no envejece, solo encuentra nuevos oídos dispuestos a escuchar su magia.

En una entrevista con Australian Guitar, Brian May, guitarrista y miembro fundador, reconstruyó aquellos días de lucha y experimentación en su etapa como guitarrista de Queen. Aquellos momentos, marcados por la escasez de oportunidades, la presión personal y la búsqueda de un sonido singular, fueron el inicio de una carrea gloriosa. Además habló de cómo atraviesa su recuperación tras un derrame cerebral.

May subrayó la importancia de esta reedición, ya que permite descubrir la complejidad sonora de piezas como “Keep Yourself Alive” y “My Fairy King”.

El disco, editado originalmente en 1973, tuvo una recepción tibia y enfrentó críticas negativas, lo que generó una relación ambivalente tanto entre los fans como entre los propios integrantes de la banda. Ahora, la calidad de la nueva edición remasterizada permite apreciar la riqueza y el carácter experimental de aquellas primeras grabaciones.

Persistencia frente al rechazo y las sesiones nocturnas

El inicio de Queen estuvo atravesado por la precariedad y el desdén de la industria. May recordó en Australian Guitar el tiempo previo a grabar en los Trident Studios, cuando las compañías discográficas rechazaban sistemáticamente al grupo: “Nadie mordió el anzuelo. Ninguna compañía discográfica lo quiso. Algunos nos decían: ‘Vuelvan en unos años y hablamos’”, relató.

Esa falta de apoyo, lejos de quebrarlos, afianzó su determinación y la convicción de que cada obstáculo los fortalecía. Incluso después del lanzamiento, la crítica fue implacable, pero Queen halló consuelo al descubrir que otras bandas legendarias recibían el mismo trato.

El proceso de grabación del álbum debut fue un terreno fértil para la experimentación y el desarrollo de la identidad de Queen. La banda accedía a sesiones nocturnas en Trident Studios y utilizaba ese tiempo para probar diferentes estilos y efectos sonoros.

El músico describió el ambiente como “darle a un escultor su primer trozo de arcilla y decirle: ‘Aquí tienes’”. Bajo la supervisión del productor Roy Thomas Baker y los hermanos Norman y Barry Sheffield, la búsqueda de un sonido limpio y característico del estudio chocó con la visión de la banda, que prefería una propuesta más orgánica y potente.

Este cruce de perspectivas generó tensiones, pero también impulsó la creatividad y consolidó el carácter del disco.

El ADN sonoro de Queen

Entre los factores técnicos claves estuvo la utilización de la guitarra Red Special, construida por May junto a su padre, combinada con amplificadores AC30 y el treble booster Dallas Rangemaster.

Este instrumento le permitió crear “paisajes orquestales” y explorar la armonización y el contrapunto: “La Red Special tiene un sonido muy amplio. Escucharla a través de los altavoces era emocionante. Queríamos que cantara, que retroalimentara”, explicó.

Queen se distanció del blues-rock y glam-rock predominantes, apostando por una propuesta escénica y artística única: “Queríamos dar a la gente la experiencia que sentimos al ver a The Who: el sonido, las luces, la actuación, la ropa, el drama. Darles todo lo que teníamos”, recordó.

Tensiones familiares y reconciliación

En la entrevista, también reveló los conflictos personales que marcaron la etapa inicial de la banda, especialmente la compleja relación con su padre. Aunque colaboró en la construcción de la Red Special, su padre no apoyaba la decisión de abandonar una prometedora carrera académica.

“Le gustaba ayudarme con mi afición, pero cuando la afición se convirtió en mi carrera, se sintió muy infeliz”, describió May. La reconciliación familiar llegó tiempo después, al invitar a su padre a un concierto en el Madison Square Garden, un gesto que condensó años de esfuerzo y búsqueda de aprobación.

Consolidación y renacimiento artístico

El despegue en vivo fue inmediato tras el lanzamiento de Queen I. May evocó el primer recital en el Imperial College como un momento crucial: el público, que hasta entonces los ignoraba, comenzó a corear sus canciones, consolidando la confianza y el desarrollo artístico de la banda.

En cuanto a lo musical, el guitarrista reconoció con asombro la madurez alcanzada en aquella época: “Me sorprende, al mirar atrás, lo completo que era. No creo que pueda tocar mucho mejor ahora de lo que podía entonces”.

A pesar de perder temporalmente el control de su brazo izquierdo, el guitarrista nunca dejó de mover los dedos y recuperó la confianza: “Estoy bien ahora. Solo voy despacio”, relató.

El relanzamiento de Queen I no solo recupera canciones olvidadas, sino que también renueva la historia de una banda que transformó la lucha y la innovación en su motor creativo. Queen I vuelve a rodar, reafirmando el legado de perseverancia, experimentación y reconciliación que definió los primeros pasos de la banda.

Su testimonio, incluido en la biografía “Affectueusement, Freddie” de Lesley-Ann Jones, pone en el foco la imagen pública de Mercury y plantea nuevas preguntas sobre la privacidad y el legado del músico.

B. asegura haber nacido en febrero de 1977, como resultado de una breve relación entre Mercury y su madre, esposa de uno de los amigos cercanos del cantante. “Fui concebida por accidente con la esposa de uno de sus amigos cercanos”, escribió B. a Paris Match, añadiendo que Mercury sentía culpa por las circunstancias.

Según la mujer, la familia materna y su padrastro provenían de un entorno donde el divorcio y el aborto eran impensables, lo que condujo a la permanencia del matrimonio tras su nacimiento. Mercury habría aceptado la llegada de la niña con alegría: “Convertirse en padre fue una felicidad absoluta para él”, aseguró B., aunque reconoció que el cantante lamentaba no poder ofrecer una familia ideal.

El secreto familiar y los diarios ocultos

Durante años, el secreto se resguardó celosamente. Solo cuatro personas del círculo íntimo de Mercury, afirma B., sabían la verdad. El propio artista adoptó la máxima de “vivir feliz, vivir oculto”, y al conocer el embarazo, comenzó a escribir un diario personal, entregado a su hija tres meses antes de su muerte en 1991. B. explicó que aguardó para leer los 17 volúmenes, cumpliendo el pedido de Mercury de esperar hasta los 25 años para acceder a ciertos pasajes.

La biógrafa Lesley-Ann Jones declaró haber consultado estos diarios, cartas, documentos bancarios, fotografías y grabaciones. No existen pruebas materiales públicas que respalden la historia, debido a restricciones legales y a la protección de la privacidad.

La protección del anonimato y la familia fue prioritaria para B. y determinó la decisión de mantener oculto el vínculo. “Nunca habría expuesto a sus hijos a la prensa, bajo ningún pretexto”, afirmó B. a Paris Match.

Dejar al descubierto la paternidad habría supuesto la humillación de Mary Austin, pareja de Mercury, y de su padrastro. “No era capaz de causar tanto daño a quienes amaba”, subrayó. La protección de la privacidad, junto con el temor a la intrusión mediática, definió el rumbo del secreto.

Un vínculo discreto y los motivos para hablar

La relación entre Mercury y B., según su relato, estuvo marcada por encuentros discretos en Suiza, Londres, Múnich y Montreux. La frecuencia de las visitas dependía de las giras y compromisos del cantante.

En Londres, vivían cerca y en Montreux, Mercury disfrutó de un refugio lejos de la presión mediática. “Nos veíamos muy a menudo, y cuando no era posible, hablábamos casi a diario por teléfono. Nunca me dijo ‘adiós’, siempre ‘hasta mañana’”, recordó B. También evocó momentos de intimidad familiar, juegos, conversaciones y una educación musical exigente pero protectora. “Era un padre absolutamente maravilloso, atento, comprensivo y extremadamente protector”, afirmó.

Varios hechos motivaron a B. a contar su historia. La película Bohemian Rhapsody fue determinante, ya que, en su opinión, transmite una imagen superficial y distorsionada de Mercury. “El filme fue recibido como la verdadera vida de Freddie Mercury, pero la mayoría de las libertades que se tomaron con su vida y su carácter no tenían razón de ser”, declaró a Paris Match.

Además, la venta de objetos personales de Mercury por parte de Mary Austin en 2023 y la venta de Garden Lodge en 2024, la hicieron sentir despojada de la memoria de su padre. “Me sentí despojada de mi padre, expuesto al mundo bajo su peor faceta”, explicó. La muerte de su padrastro y el hallazgo de documentos familiares durante la pandemia la impulsaron a narrar su versión antes de que se reescribiera para siempre la historia.

Controversia, herencia y el verdadero Freddie Mercury

La controversia rodea el relato de B. ante la falta de pruebas materiales públicas. Lesley-Ann Jones asegura haber visto los diarios y documentos, pero no divulgó copias por motivos legales. Mary Austin, principal heredera de Mercury, declaró a The Times que no tiene conocimiento de una hija ni de los diarios, pero no emitió un desmentido categórico.

“Su declaración fue un shock para mí y no tengo motivos para no creerla”, replicó B. a Paris Match, sugiriendo que Mercury pudo ocultar la verdad para no herir a Austin. La negativa de B. a mostrar pruebas materiales y la ausencia de confirmación externa intensifican el escepticismo, aunque ella insiste en que su prioridad es proteger a sus hijos y mantener la paz familiar.

En el plano patrimonial, B. explicó que Mercury aseguró su bienestar sin dejar rastros oficiales. “No hay mención de mí en su testamento porque no soy ni he sido beneficiaria de ningún fideicomiso”, expuso. Mercury le habría proporcionado medios suficientes para vivir mediante mecanismos discretos: cuentas numeradas en bancos suizos, obras de arte, oro, joyas y bonos al portador.

“No encontrará ninguna huella de mi herencia, él no tomó ninguna disposición oficial para proteger mi privacidad”, afirmó a Paris Match. B. aclaró que no recibe derechos de autor ni figura en el testamento.

B. expresó respeto por Mary Austin, a quien considera pieza fundamental para Mercury, y destacó la complejidad del cantante, quien compartía diferentes facetas según el entorno. Sobre los integrantes de Queen, B. manifestó desconocer si sabían de su existencia.

Respecto a Jim Hutton, pareja de Mercury en sus últimos años, describió una relación de confianza y lealtad. Tras la muerte de Mercury, B. atravesó un duelo que la alejó de la música y del personaje público de su padre.

Al dar a conocer su historia, B. pretende que el público vea la humanidad de Mercury, más allá del mito. Para ella, el personaje Freddie Mercury fue una protección, pero detrás de la leyenda existía una persona profundamente admirable.

De Zanzíbar a Londres

La infancia de Mercury transcurrió en un internado de la India, donde descubrió el piano y mostró una inclinación natural por el arte. Dibujaba, componía y empezaba a moldear esa sensibilidad que lo acompañaría siempre. Con la independencia de Zanzíbar, su familia se trasladó a Inglaterra en 1964, iniciando un nuevo capítulo en un país que sería clave para su carrera.

El joven Farrokh pronto se sintió atraído por la escena cultural londinense. Londres de los años 60 era un hervidero musical y artístico, con la explosión del rock británico y las nuevas corrientes de moda. Freddie se sumergió en ese ambiente mientras estudiaba diseño gráfico, disciplina que más tarde aplicaría en la creación del logotipo de Queen, cargado de símbolos astrológicos de los miembros de la banda.

La construcción de Queen

Queen apostó por un sonido único, fusionando rock con ópera, pop y glam. Su estilo no encajaba en moldes, y esa fue precisamente su fortaleza. Discos como A Night at the Opera o himnos como "We Will Rock You" y "Bohemian Rhapsody" mostraron que la banda no tenía miedo de arriesgar.

La ambición de Mercury iba más allá de la música: buscaba crear espectáculos totales. Cada show estaba concebido como una experiencia teatral, desde la iluminación hasta su vestuario extravagante. Su capacidad para convertir al público en parte del espectáculo alcanzó su punto máximo en el Live Aid de 1985, donde, en apenas veinte minutos, dejó una de las actuaciones más recordadas del siglo XX.

El fenómeno de su voz

Freddie Mercury no solo brillaba por su carisma en el escenario: su voz fue un caso único que incluso llegó a ser estudiado por científicos. En 2016, un grupo de investigadores analizó grabaciones suyas y descubrió que tenía una capacidad vocal fuera de lo común. Aunque en su vida cotidiana hablaba con un tono de barítono —más grave que el de un tenor—, cuando cantaba podía abarcar más de tres octavas, desde notas muy bajas hasta agudos impresionantes.

El estudio también reveló que Mercury usaba un vibrato —esa ligera oscilación en la voz— más rápido de lo habitual, lo que le daba una energía especial a sus interpretaciones. Además, encontraron que podía generar sonidos adicionales al cantar, un recurso muy raro en otros vocalistas de rock. Esa combinación explica por qué su voz sonaba tan potente, versátil y emocionante, capaz de pasar del rock más duro a una balada íntima o incluso a un dúo con la soprano Montserrat Caballé.

El gran pretender

Pero detrás de ese despliegue de seguridad había un hombre con conflictos internos. Un trabajo publicado en 2018 en el Journal of Psychohistory analizó su vida desde la psicología y lo describió como un “gran pretender”, alguien que construyó una máscara para enfrentar sus inseguridades.

El estudio sugiere que Mercury cargaba con tensiones relacionadas con su identidad, su sexualidad y el desarraigo cultural. Si bien alcanzó logros notables en términos de creatividad y voluntad, quedó marcado por la búsqueda de amor y aceptación. Esta contradicción se filtraba en su música: detrás del showman exuberante, había letras que hablaban de soledad, fragilidad y deseo de pertenencia.

Últimos años y legado

En 1987 recibió el diagnóstico de VIH, algo que marcó sus últimos años. Sin embargo, no dejó de trabajar: grabó con Queen hasta el final y entregó piezas como The Show Must Go On, que se convirtieron en despedidas anticipadas. Murió en Londres el 24 de noviembre de 1991, apenas un día después de anunciar públicamente su enfermedad.

Su figura, lejos de apagarse, se multiplicó después de su muerte. Queen continuó sonando en estadios, películas como Bohemian Rhapsody reavivaron su mito y generaciones nuevas lo descubren como si estuviera vivo. Freddie Mercury es hoy símbolo de diversidad, de libertad creativa y de una entrega total al arte que trasciende géneros y épocas.

El 5 de septiembre es más que una fecha en el calendario: es la oportunidad de celebrar a un hombre que revolucionó la música. Freddie Mercury dejó una huella que combina técnica vocal extraordinaria, creatividad ilimitada y un misterio personal que aún intriga. Su vida fue corta, pero su eco sigue siendo inmenso.

La leyenda del rock Freddie Mercury sigue siendo una figura que da que hablar, incluso más de tres décadas después de su muerte.

En los últimos días, una supuesta hija secreta del vocalista de Queen reapareció públicamente para lanzar duras críticas contra la película Bohemian Rhapsody (2018), el exitoso biopic que recaudó más de 900 millones de dólares en taquilla y otorgó a Rami Malek el Oscar al Mejor Actor por su interpretación del cantante.

La identidad de la mujer se mantiene en reserva, pero sus declaraciones fueron recogidas por la periodista y biógrafa musical Lesley-Ann Jones en el libro Love, Freddie, que saldrá próximamente al mercado. Según informó The Sun en un reporte exclusivo de este miércoles, ella asegura ser fruto de una relación entre Mercury y la pareja de un amigo cercano en 1976.

La mujer, quien trabaja en el área médica, afirma que tuvo un vínculo estrecho con el líder de Queen y que este le entregó hasta 17 diarios personales escritos entre 1976 en adelante, documentos que mantiene en privado.

“Freddie habría estado horrorizado con la película. Le habría puesto los pelos de punta. Esta cinta presenta una versión de él tan alejada de la verdad”, declaró a The Sun.

El filme dirigido por Bryan Singer y producido por Graham King fue un fenómeno mundial. Relató la formación de Queen, su camino al estrellato, la vida íntima de Mercury y el icónico concierto de Live Aid en 1985. Sin embargo, la presunta hija del artista considera que la película distorsiona la realidad.

En declaraciones citadas por la biografía y el tabloide, señaló que el biopic “está lleno de falsedades” y criticó duramente la interpretación de Rami Malek, a quien acusó de no reflejar la verdadera esencia de su padre: “A diferencia de él, Rami Malek nunca sonrió ni se mostró feliz en la película”.

Asimismo, expresó su descontento con la forma en que el filme abordó el diagnóstico de sida de Mercury, alegando que los productores alteraron fechas y tergiversaron hechos. “Freddie habría bloqueado la película a menos que tuviera algún tipo de control creativo”, añadió.

Respuesta de allegados a Freddie Mercury

Las afirmaciones de la supuesta hija han generado polémica, sobre todo por el cuestionamiento a la memoria del cantante.

Mary Austin, una de las personas más cercanas a Mercury y quien compartió varios años de vida con él, negó conocer la existencia de una hija secreta. Además, aseguró que nunca lo vio escribir un diario, contradiciendo la versión de la mujer.

“Estoy devastada por la supuesta respuesta de Mary Austin”, replicó la presunta hija. “Durante 34 años, la verdad de la vida de Freddie ha sido distorsionada, torcida y reescrita, pero ella no dijo nada, salvo su comentario sobre la película Bohemian Rhapsody, que llamó ‘licencia artística’”.

Por otro lado, la controversia sobre las supuestas imprecisiones de la película no es nueva. Ya en 2019, Brian May, guitarrista de Queen y consultor del filme, defendió su contenido en una entrevista con Guitar World.

“No estábamos haciendo un documental. No se trataba de ‘esto pasó y luego esto’. Era un intento de meterse dentro de Freddie Mercury y retratar su vida interior: su impulso, su pasión, sus miedos y debilidades”, explicó.

La misma postura fue explicada por el productor Graham King, quien marcó distancia de un enfoque documental para el proyecto.

La colaboración entre Queen y David Bowie tuvo su origen en el momento en que Bowie aceptó la propuesta de Roger Taylor de crear una canción en conjunto, idea que surgió porque el artista y el grupo británico coincidían en el estudio de grabación, donde trabajaban por separado en sus propias canciones. Antes de esta iniciativa, Bowie había sido invitado a grabar coros para Cool Cat, aunque la banda decidió no lanzar esa versión.

Desde ese momento pasaron a experimentar con una base instrumental de Roger Taylor, mientras Bowie aportó ideas de dirección musical y se implicó activamente en la toma de decisiones. “Fue muy difícil porque nosotros cuatro ya contábamos con personalidades fuertes y solíamos discutir mucho cada vez que encarábamos una grabación. Pero ahora lo teníamos a David que, si bien todos considerábamos una estrella, también poseía mucho carácter”, dio Brian May en testimonios recogidos por Indie Hoy.

Según precisó A Queen of Magic, la canción pasó por diferentes nombres antes de obtener el definitivo. En sus inicios fue desarrollada con el título tentativo de Feel Like, que luego cambió a People On Streets, hasta que finalmente fue bautizada como “Under Pressure”. Freddie Mercury y David Bowie trabajaron juntos en la letra y la música, alternando el protagonismo y enfrentando tensiones sobre cómo repartir los papeles vocales y creativos dentro de la banda.

Al momento de su lanzamiento, Under Pressure fue recibida con entusiasmo y rápidamente alcanzó el primer lugar en los rankings de ventas en el Reino Unido, además de ubicarse en los primeros puestos en más de diez países. De acuerdo al mismo sitio, en enero de 1982 la canción subió hasta la posición 29 del Billboard Hot 100 en Estados Unidos. Este éxito convirtió a la colaboración entre Queen y Bowie en la primera vez que Queen alcanzó el número uno británico y la tercera oportunidad para Bowie en encabezar dicha lista.

Pero el clima interno en el estudio y los desafíos en torno a la autoría y la producción fueron complejos. Según Rock&Pop, la reunión entre los integrantes de Queen y Bowie no estuvo exenta de conflictos. Parte de la tensión surgió del hecho de que ninguno de los dos vocalistas, Freddie Mercury y Bowie, querían asumir un rol secundario en la canción. “El título definitivo surgió porque los dos querían los créditos correspondientes de la canción, los desacuerdos se intensificaron con el procesamiento de la melodía”, consignó el medio, lo que llevó a una redacción final de la pieza en la que ambos compartieron escenarios de interpretación.

El productor Reinhold Mack tuvo que arbitrar entre las partes y, junto con Brian May, tomó la decisión de reducir la presencia de Bowie en algunos fragmentos de la canción. Cuando Bowie descubrió esto, expresó su descontento y la relación de amistad con Roger Taylor se resintió durante un tiempo.

La autoría del tema también dio lugar a debates: John Deacon, bajista de Queen, declaró que Bowie había compuesto la melodía, aunque Bowie desmintió esta versión. Finalmente, la autoría legal de Under Pressure se atribuyó a los cuatro miembros de Queen—Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor, John Deacon—y David Bowie en conjunto, reflejando que el resultado final fue fruto del trabajo colectivo.

A pesar de los conflictos, la canción se consolidó como un clásico esencial para las trayectorias de Queen y Bowie. Tras la muerte de Freddie Mercury, David Bowie no interpretó la pieza en directo con el grupo hasta el concierto homenaje en 1992, ocasión en la que compartió escenario con Annie Lennox y los integrantes de Queen. Este momento ayudó a cerrar años previos de desacuerdos y se convirtió en uno de los últimos grandes tributos en vida al grupo y a su líder original.

La trascendencia de Under Pressure sigue vigente. El encuentro de dos universos creativos produjo una canción que refleja tanto las complejidades como las posibilidades del trabajo conjunto entre artistas con fuerte identidad musical. Las discusiones, los intercambios y la decisión final de compartir los créditos conforman la historia detrás del éxito, que aún resuena tanto en recopilaciones como en presentaciones y homenajes en todo el mundo. Todo el proceso alrededor de Under Pressure muestra el impacto de una colaboración marcada por el talento, la exigencia profesional y la búsqueda de un equilibrio entre voces, estilos y protagonismo.

Tras más de dos décadas de silencio, John Deacon rompe su retiro y firma una copia del icónico A Night At The Opera, junto a las rúbricas de Brian May y Roger Taylor. El álbum será subastado el sábado 6 de septiembre en el Casino Barrière Montreux, durante la tradicional fiesta de cumpleaños de Freddie Mercury. Todo lo recaudado se destinará a la lucha contra el VIH/SIDA a través de la Mercury Phoenix Trust, según informó RockFM.

La pieza que se ofrecerá no es una edición común lanzada en 1975, sino un objeto firmado por los tres miembros vivos de Queen. La firma de Deacon, apartado de los focos desde su retiro en 1997, convierte el álbum en una joya absoluta para coleccionistas. Durante décadas, su implicación con la banda ha sido nula, a diferencia de la activa presencia de los otros dos miembros en proyectos benéficos.

Detalles de la subasta y participación

La subasta, de carácter privado, se realizará el sábado 6 de septiembre. Se admitirán pujas presenciales desde las 12:00 en el vestíbulo de la planta superior del casino y el ganador se anunciará esa misma noche en la fiesta.

Para presentar una oferta, es imprescindible acudir al mostrador de información del recinto, aunque no se exige la asistencia al evento para ser parte del proceso. Como aclara el comunicado oficial de Queen, citado por RockFM: “Una copia de ‘A Night At The Opera’ firmada por Brian May, Roger Taylor y John Deacon. El sábado 6 de septiembre se celebrará una subasta privada de este álbum firmado increíblemente raro. Podrás pujar durante todo el día en el vestíbulo de la planta superior a partir de las 12. El ganador se anunciará en la fiesta esa misma noche”.

El carácter solidario de la subasta es central en la iniciativa. La totalidad de lo recaudado se dirigirá a la Mercury Phoenix Trust, fundada en memoria de Freddie Mercury para combatir el VIH/SIDA.

El comunicado, recogido por RockFM, enfatiza: “Nota: Para un artículo tan especial, se requiere una puja mínima. Gracias a Brian, Roger y John por firmar el álbum en nuestro esfuerzo por recaudar fondos para la concienciación sobre el VIH/SIDA durante el fin de semana. (No es necesario asistir a la fiesta para pujar, pero sí hay que presentar físicamente la puja en el mostrador de información del vestíbulo de la planta superior del casino)”.

Autenticidad y relevancia histórica

La autenticidad de las firmas ha sido certificada por la Mercury Phoenix Trust, que confirma que son “cien por cien auténticas” y que los tres músicos autografiaron el álbum en las dos semanas previas al evento. La prolongada ausencia pública de Deacon convierte su participación en un acontecimiento poco habitual para la historia reciente de Queen.

La presencia de John Deacon en esta acción solidaria se considera un hecho excepcional. Tras su retiro, ha optado por el anonimato, a diferencia de Brian May y Roger Taylor, quienes mantienen iniciativas públicas y musicales.

La firma de Deacon en el álbum representa su primer gesto público vinculado a Queen en más de dos décadas, lo que acrecienta la expectación de seguidores y coleccionistas.

La comunicación oficial de la banda y la confirmación de la Mercury Phoenix Trust, ambas citadas por RockFM, subrayan la singularidad del evento y el valor simbólico de la pieza.

La organización solidaria, creada tras el fallecimiento de Freddie Mercury por complicaciones del VIH/SIDA, ha promovido numerosas campañas benéficas a lo largo de los años, aunque rara vez ha contado con la colaboración conjunta de los tres miembros vivos de Queen en una misma iniciativa.

El legado de Queen y su impacto

Queen afianzó su huella en la historia del rock con álbumes como A Night At The Opera. La banda alcanzó dimensión legendaria tras su actuación en el Live Aid de 1985, ocasión en la que, según relató el promotor Harvey Goldsmith a Mojo Magazine, su participación estuvo en duda hasta último momento.

Finalmente, la reacción del público y la determinación de Freddie Mercury llevaron al grupo al escenario, marcando un antes y un después en su carrera y en la cultura popular.

La subasta de este álbum firmado se presenta como una ocasión única para coleccionistas y fans, y simboliza la vigencia del legado de Queen y su compromiso constante con causas solidarias. La reciente implicación de John Deacon, después de años de retiro, suma un valor incalculable y refuerza el significado histórico del evento.

Las efemérides te llevarán a un viaje en el tiempo para descubrir los eventos que han hecho de esta fecha un punto de convergencia para la historia.

Desde avances tecnológicos hasta hitos literarios, te presentamos un vistazo a las efemérides que marcan este 19 de julio.

Cuáles son las efemérides de hoy

64: En la ciudad de Roma comienza el «gran incendio».

711: En la batalla de Guadalete, Táriq ibn Ziyad vence al rey Rodrigo (cabeza de los visigodos), victoria que supuso la casi total conquista musulmana de la península ibérica.

1068: En España, Sancho II de Castilla vence a su hermano Alfonso VI de León.

1195: En Ciudad Real, derrota absoluta de Alfonso VIII de Castilla (batalla de Alarcos).

1333: En Escocia se libra la batalla de Halidon Hill, durante la última de las guerras de la independencia escocesa.

1544: En Francia, comienza el sitio a Boulogne-sur-Mer, durante la invasión del rey inglés Enrique VIII, en el marco de la guerra italiana de 1542.

1545: Frente al puerto de Portsmouth (Inglaterra) se hunde el barco de guerra Mary Rose ―del periodo Tudor―. En 1982 será reflotado en el proyecto más complejo en la Historia de la arqueología marítima.

1553: Juana de Inglaterra, «la reina de los nueve días», es encarcelada; sería sustituida por María I.

1747: En Italia se libra la batalla de Assietta, en el Valle de Susa, las exiguas tropas piamontesas vencen al ejército francés de Luis XV.

1808: En España se libra la batalla de Bailén.

1821: En Londres (Inglaterra), Jorge IV del Reino Unido es coronado rey.

1824: En México es fusilado el exemperador Agustín de Iturbide (que había abdicado el año anterior); había regresado a su país con la intención de sumarse al ejército para repeler una invasión europea.

1843: En Inglaterra, el ingeniero británico Isambard Kingdom Brunel (1806-1859) bota el buque SS Great Britain, el primer barco de pasajeros propulsado con una hélice, el primer transatlántico con casco de hierro y el barco más grande del mundo en su momento.

1845: En Nueva York (Estados Unidos), un incendio destruye más de 300 edificios y provoca un mínimo de 30 muertos.

1848: En Seneca Falls (cerca de la ciudad de Nueva York) se lleva a cabo la primera Convención para los Derechos de la Mujer, organizado por Elizabeth Cady Stanton y Lucretia Mott.

1849: En España se promulga la ley que obliga al uso del sistema métrico decimal en todas las transacciones comerciales.

1863: En el estado de Ohio (Estados Unidos), en el marco de la Guerra de Secesión, la campaña hacia el norte del general confederado John Hunt Morgan es obstaculizada en Buffington Island cuando la mayor parte de sus hombres son capturados mientras tratan de escapar a través del río Ohio.

1870: Francia declara la guerra a Prusia. Inicio de la Guerra Franco-Prusiana (1870-1871).

1873: En Australia, William Gosse es el primer europeo que ve Ayers Rock; las renombra en honor al premier de Australia del Sur, sir Henry Ayers.

1875: En Milán (Italia) se estrena la ópera La falce de Alfredo Catalani.

1900: En España, se estrena con gran éxito la zarzuela de los Hermanos Álvarez Quintero El estreno, con música de Ruperto Chapí.

1900: En Francia, se inaugura la primera línea del metropolitano de París.

1902: En Suiza concluye el Consejo Federal, con la firma de la Constitución.

1903: En Francia, concluye en el Parc des Princes (París) el primer Tour de Francia con la victoria del ciclista Maurice Garin.

1909: En el Canal de la Mancha, entre (Francia y Reino Unido), el piloto Hubert Latham fracasa en el primer intento de cruzar en aeroplano.

1912: En Holbrook (Condado de Navajo, Arizona), un meteorito con una masa estimada en 190 kg explota sobre el pueblo causando una lluvia de aproximadamente 16 000 piezas sobre el pueblo.

1918: Honduras declara la guerra a Alemania, como aliado testimonial en las postrimerías de la I Guerra Mundial. Tres días antes lo había hecho Haití.

1919: En la aldea de La Cruz (en el noroeste de Costa Rica), guerrilleros luchan contra los «tinoquistas» (seguidores del dictador Pelico Tinoco). Estos prenden fuego vivo al maestro salvadoreño Marcelino García Flamenco (30). Tinoco será derrocado un mes después, el 20 de agosto.

1920: En Petrogrado (Unión Soviética), a iniciativa de Lenin, se inaugura el Segundo Congreso de la Internacional Comunista (fundada en 1919 con el nombre de Komintern).

1923: En Colombia, mediante la Ley 42 se crea la Contraloría General de la República, máximo órgano de control fiscal del Estado colombiano.

1924: En la colonia aborigen Napalpí, a 120 km de la ciudad de Resistencia (capital de la provincia de Chaco, Argentina) un grupo de estancieros y 130 policías asesinan a varios cientos de personas, en su mayoría aborígenes tobas y mocovíes (Masacre de Napalpí).

1926: En Saguenay (Canadá) abre la aluminería más grande del mundo, de Alcoa Power Co.

1936: En España, los sindicatos se levantan contra el golpe militar, comienza la guerra civil española.

1936: En España, el general Francisco Franco llega a Tetuán y se pone al frente del sublevado Ejército español de Marruecos. En Madrid se forma el decimonoveno gobierno republicano, presidido por José Giral, que decide armar al pueblo y en Barcelona fracasa el alzamiento ante la reacción de las fuerzas de orden público apoyadas por la CNT-FAI.

1940: En el mar Egeo, en la batalla del Cabo Spada ―en el marco de la Segunda Guerra Mundial―, el crucero australiano Sídney hunde al crucero liviano italiano Bartolomei Colleoni, dejando 121 muertos.

1940: En la Ópera Kroll de Berlín (Alemania nazi) ―en el marco de la Segunda Guerra Mundial―, Adolf Hitler promocionó a doce generales al rango de Generalfeldmarschall (mariscal de campo). Fue la primera ocasión en la Segunda Guerra Mundial en la que Hitler nombró mariscales de campo debido a sus logros militares y la única en que lo hizo en una ceremonia formal.

1947: En Birmania, el nacionalista Aung San y seis de los miembros de su gabinete son asesinados.

1949: Laos obtiene la independencia dentro de la Unión Francesa.

1951: En España, se constituye el sexto gobierno de Franco con dos novedades principales: la creación del nuevo Ministerio de Información y Turismo y el desdoblamiento de Comercio e Industria.

1954: En los Estados Unidos, Elvis Presley consigue un extraordinario éxito de ventas con la canción That’s all right, mama.

1955: En Lima (Perú) la Escuela de Ingenieros, fundada el 18 de marzo de 1876 se convierte en la actual Universidad Nacional de Ingeniería.

1957: Sobre el Sitio de pruebas de Nevada, la Fuerza Aérea de Estados Unidos dispara el primer misil nuclear aire-aire, que detona a 6000 m de altura.

1961: La recientemente creada República de Túnez impone un bloqueo a la naval base francesa de Bizerta, para recuperar su soberanía. Sin embargo, cuatro días más tarde los franceses capturan toda la ciudad de Bizerta.

1961: En Argentina, en la localidad de Pardo, cerca del límite entre los partidos bonaerenses de Azul y Las Flores se precipita a tierra el vuelo AR644 de Aerolíneas Argentinas prestado por un DC-6, vuelo iniciado en el aeropuerto de Ezeiza y con destino a la ciudad de Comodoro Rivadavia, falleciendo las 67 personas que se encontraban a bordo entre pasajeros y tripulación.

1963: En los Estados Unidos, Joseph Albert Walker vuela un avión North American X-15 a una altitud récord de 106 km. Según la convención internacional, esta altura lo califica como vuelo espacial.

1963: En España, el boxeador español Mimoun Ben Alí se proclama campeón de Europa en la categoría del peso gallo.

1964: En Saigón (Vietnam), Nguyễn Khánh (primer ministro de Vietnam del Sur) llama a expandir la guerra hacia Vietnam del Norte.

1967: En la localidad estadounidense de Hendersonville (Carolina del Norte), una avioneta Cessna 310 choca en el aire contra un avión Boeing 727 de la empresa Piedmont Airlines (1948-1989). Mueren 82 personas, incluyendo a John McNaughton (asesor del secretario de Defensa, Robert McNamara).

1969: La nave espacial estadounidense Apolo XI, con los astronautas Buzz Aldrin, Neil Armstrong y Michael Collins a bordo, se pone en órbita alrededor de la Luna. Alunizará al día siguiente, 20 de julio.

1971: En Nueva York, la Torre Sur de las Torres Gemelas alcanza los 415 m, convirtiéndose en el segundo edificio más alto del mundo.

1972: En El Salvador, el presidente Arturo Armando Molina ordena una intervención militar contra la Universidad de El Salvador para mantenerla cerrada por un año.

1974: En España, el dictador Francisco Franco es hospitalizado y delega provisionalmente los poderes en el príncipe Juan Carlos.

1976: En Nepal se crea el Parque nacional de Sagarmatha (donde se encuentra el monte Everest).

1978: En España entra en vigor la ley que despenaliza el adulterio.

1978: En Alemania, la empresa Volkswagen construye el último escarabajo producido en ese país, con los que el número de vehículos de ese modelo producidos en Alemania ascendieron hasta los 15.8 millones.

1980: En la Unión Soviética, 58 países boicotean los Juegos Olímpicos de Moscú por la invasión soviética de Afganistán.

1982: En la plaza de toros de Las Ventas, Madrid, se produce el indulto del toro Belador, de la ganadería de D. Victorino Martín, por el diestro José Ortega Cano. Es el único toro indultado hasta hoy en esa plaza de toros.

1985: En Italia, la rotura del dique de la presa Val di Stava, Trento, en el norte del país, causa más de 260 muertos y desaparecidos.

1985: En los Estados Unidos, el vicepresidente George H. W. Bush anuncia que la maestra Christa McAuliffe será la primera civil que viajará en el transbordador espacial Challenger.

1987: En Portugal, el partido socialdemócrata de Aníbal Cavaco Silva vence en las elecciones legislativas.

1989: En las proximidades de la Estación de Atocha de Madrid (España), un comando de la banda terrorista ETA asesina a dos jefes del Cuerpo de Intendencia del Ejército de Tierra.

1989: En Polonia, el general Wojciech Jaruzelski, candidato único, se convierte en presidente.

1989: En Sioux City (Estados Unidos), se estrella el vuelo 232 de United Airlines. Mueren 112 de los 296 ocupantes.

1992: En Vietnam se celebran elecciones legislativas por primera vez en su historia.

1992: En Palermo (Sicilia) un coche bomba mata al fiscal antimafia Paolo Borsellino, junto a 5 miembros de su escolta.

1993: En Tuy (Pontevedra) se inaugura un nuevo puente internacional sobre el río Miño, para reemplazar al Puente Internacional de Tuy, que une España y Portugal.

1994: En Panamá, atentado terrorista al Vuelo 901 de Alas Chiricanas donde fallecieron 21 personas.

1997: En Irlanda del Norte, el Ejército Republicano Irlandés decreta el alto al fuego incondicional para impulsar el proceso de paz.

2001: En Reino Unido, la justicia sentencia al político y novelista Jeffrey Archer cuatro años de prisión por perjurio y por pervertir el curso de la justicia.

2005: En Irán, el gobierno ejecuta a dos adolescentes de 16 y 18 años, por homosexualidad.

2007: La sonda Cassini-Huygens de la NASA descubre una nueva luna en Saturno: el satélite número 60.

2012: Estalla el conflicto en el Kurdistán sirio.

2013: Se estrena en Estados Unidos la película El Conjuro dirigida por James Wan.

2016: En España, nombramiento de Ana Pastor Julián como presidenta del Congreso de los Diputados en la XII legislatura.

2021: En Perú, el Jurado Nacional de Elecciones, proclama como presidente electo al candidato Pedro Castillo, luego de declarar improcedentes las denuncias del fujimorismo por fraude electoral.

Quién nació este día

1420: Guillermo VIII Paleólogo, aristócrata italiano (f. 1483).

1680: Filippo Raguzzini, arquitecto italiano (n. 1771).

1692: Federico Guillermo Kettler, aristócrata alemán (f. 1711).

1698: Johann Jakob Bodmer, profesor de política suizo (f. 1783).

1744: Heinrich Christian Boie, escritor alemán (f. 1806).

1759: Serafín de Sarov, monje y santo ruso (f. 1833).

1764: Juan José Castelli, político argentino (f. 1812).

1789: John Martin, pintor británico (f. 1854).

1794: José Justo Corro, político mexicano (f. 1864).

1800: Juan José Flores, militar venezolano, primer presidente de Ecuador (f. 1864).

1803: Ramón de Mesonero Romanos, escritor español (f. 1882).

1814: Samuel Colt, fabricante de armas estadounidense (f. 1862).

1814: Mariano Téllez-Girón y Beaufort Spontin, militar español (f. 1882).

1819: Gottfried Keller, novelista y poeta suizo de lengua alemana (f. 1890).

1822: Augusta de Cambridge, aristócrata británica (f. 1916).

1823: George Henry Gordon, militar estadounidense (f. 1886).

1834: Edgar Degas, pintor impresionista francés (f. 1917).

1835: Justo Rufino Barrios Auyón, general y presidente guatemalteco entre 1873 y 1885 (f. 1895).

1840: José Manuel Balmaceda, presidente chileno (f. 1891).

1848: Justin Germain Casimir de Selves, político francés (f. 1934).

1849: François-Alphonse Aulard, historiador francés (f. 1928).

1849: Ferdinand Brunetière, escritor y crítico literario francés (f. 1906).

1860: Lizzie Borden, sospechosa de asesinato estadounidense, jamás condenada (f. 1927).

1865: Charles Horace Mayo, cirujano estadounidense (f. 1939).

1868: Florence Foster Jenkins, soprano estadounidense (f. 1945).

1871: Lars Jørgen Madsen, tirador danés (f. 1925).

1874: Jörg Lanz von Liebenfels, ideólogo racista austriaco (f. 1954).

1875: Alice Dunbar-Nelson, escritora y activista estadounidense (f. 1935).

1876: Joseph Fielding Smith, religioso estadounidense y presidente de los mormones (f. 1972).

1881: Friedrich Dessauer, físico y filósofo alemán (f. 1963).

1883: Max Fleischer, animador y productor de cine austriaco (f. 1972).

1885: Aristides de Sousa Mendes, diplomático portugués (f. 1955).

1890: Jorge II, rey de los helenos (f. 1947).

1893: Vladimir Maiakovski, poeta ruso (f. 1930).

1893: Josep de Togores, pintor español (f. 1970).

1894: Jawaya Nazimudín, político y primer ministro pakistaní (f. 1965).

1894: Aleksandr Jinchin: matemático y estadístico soviético (f. 1959)

1896: A. J. Cronin, escritor británico (f. 1981).

1896: Bob Meusel, beisbolista estadounidense (f. 1977).

1898: Herbert Marcuse, filósofo y sociólogo comunista de origen alemán (f. 1979).

1898: Joaquín Peinado, pintor cubista español (f. 1975).

1899: Roberto Wachholtz, político chileno (f. 1980).

1900: Arno Breker, escultor y arquitecto alemán (f. 1991).

1900: Nathalie Sarraute, novelista francesa (f. 1999).

1902: Chet Miller, piloto estadounidense de automovilismo (f. 1953).

1903: Robert Dalban, actor francés (f. 1987).

1905: Edgar Snow, escritor y periodista estadounidense, autor de Red Star Over China (f. 1972)

1907: Isabel Jewell, actriz y cantante estadounidense (f. 1972).

1907: Georges de Mestral, ingeniero e inventor suizo (f. 1990).

1908: Oswaldo Hercelles García, médico peruano (f. 1969).

1910: Francisco Coloane, cuentista y novelista chileno (f. 2002).

1916: Ildefonso Aroztegui, arquitecto uruguayo (f. 1988).

1919: Patricia Medina, actriz estadounidense (f. 2012).

1920: Aldo Protti, barítono italiano (f. 1995).

1921: Harold Camping, evangelista estadounidense (f. 2013).

1921: Rosalyn Sussman Yalow, investigadora estadounidense, premio nobel de medicina en 1977 (f. 2011).

1922: George McGovern, político y diplomático estadounidense (f. 2012).

1923: Joseph Hansen, escritor estadounidense (f. 2004).

1923: Alex Hannum, baloncestista estadounidense (f. 2002).

1924: Pat Hingle, actor estadounidense (f. 2009).

1924: Arthur Rankin Jr., cineasta estadounidense (f. 2014).

1924: Guillermo Vázquez Franco, historiador uruguayo (f. 2009).

1930: Julio Sánchez Vanegas, empresario, actor, productor, locutor y presentador de radio, televisión y cine colombiano.

1933: Pedro Rodríguez García, teólogo español.

1934: Francisco Sá Carneiro, primer ministro portugués (f. 1980).

1935: Gerd Albrecht, director de orquesta alemán (f. 2014)

1937: Delfina Guido, actriz colomboargentina (f. 2002).

1937: Richard Jordan, actor estadounidense (f. 1993).

1938: Jayant Narlikar, astrofísico indio.

1941: Vikki Carr, música y cantante estadounidense.

1941: Václav Klaus, político y primer ministro checo.

1941: Neelie Kroes, política neerlandesa.

1943: Thomas Sargent, economista estadounidense.

1944: Tim McIntire, actor y cantante estadounidense (f. 1986).

1945: Paule Baillargeon, actriz y director canadiense.

1945: George Dzundza, actor estadounidense de origen alemán.

1945: Richard Henderson, biólogo escocés.

1946: Ilie Nastase, tenista rumano.

1947: Bernie Leadon, músico estadounidense, de la banda The Eagles.

1947: Brian May, guitarrista británico, de la banda Queen.

1949: Kgalema Motlanthe, político sudafricano, presidente de Sudáfrica entre 2008 y 2009.

1949: Ivar Kants, actor australiano.

1951: Abel Ferrara, cineasta estadounidense.

1952: Allen Collins, músico estadounidense, de la banda Lynyrd Skynyrd (f. 1990).

1953: René Orlando Houseman, futbolista argentino (f. 2018).

1953: Zitto Segovia, cantautor chamamecero argentino (f. 1989).

1954: Alvan Adams, baloncestista estadounidense.

1954: Mark O’Donnell, dramaturgo estadounidense (f. 2012).

1954: Steve O’Donnell, dramaturgo y productor estadounidense.

1954: Alfonso Perales, historiador y político español (f. 2006).

1955: Ali Laarayedh, político tunecino.

1955: Kiyoshi Kurosawa, cineasta japonés.

1955: Dalton McGuinty, político canadiense.

1955: Silvia Pérez, actriz argentina.

1956: K. A. Applegate, escritor estadounidense.

1958: Brad Drewett, tenista australiano (f. 2013).

1959: Juan José Campanella, cineasta argentino.

1960: Atom Egoyan, cineasta canadiense.

1961: Hideo Nakata, cineasta japonés.

1961: Campbell Scott, actor estadounidense.

1962: Aya Kitō, autora japonesa (f. 1988).

1962: Anthony Edwards, actor y director estadounidense.

1964: Tom Gabriel Fischer, músico suizo de las bandas Hellhammer y Celtic Frost.

1965: Evelyn Glennie, percusionista británica.

1966: Nancy Carell, actriz estadounidense.

1966: Blue Demon, Jr., luchador profesional mexicano.

1968: Robb Flynn, músico estadounidense, de la banda Machine Head.

1968: Pavel Kuka, futbolista y entrenador checo.

1968: Adam Matysek, futbolista polaco.

1969: Chris Kratt, biólogo y conductor de televisión estadounidense.

1970: Nicola Sturgeon, política escocesa, Ministra Principal de Escocia.

1971: Russell Allen, vocalista estadounidense, de la banda Symphony X.

1971: Urs Bühler, tenor suizo del cuarteto Il Divo.

1971: Vitali Klitschko, boxeador ucraniano.

1972: Ebbe Sand, futbolista danés.

1972: Felipe Maturana, aeromodelista chileno

1973: Aílton Gonçalves da Silva, futbolista brasileño.

1973: Martin Powell, músico británico de la banda Cradle of Filth.

1974: Rey Bucanero, luchador mexicano.

1974: Malcolm O’Kelly, rugbista irlandés.

1974: Noel Schajris, cantante argentino.

1974: Vincent Spadea, tenista estadounidense

1975: Luca Castellazzi, futbolista italiano.

1975: Kamijo, cantante japonés.

1976: Eric Prydz, DJ y productor sueco.

1976: Benedict Cumberbatch, actor británico.

1976: Gonzalo de los Santos, futbolista uruguayo.

1976: Vinessa Shaw, actriz estadounidense.

1976: Oleksandr Radchenko, futbolista ucraniano (f. 2023).

1977: Tony Mamaluke, luchador estadounidense.

1978: Dolores Fonzi, actriz argentina.

1978: Jonathan Zebina, futbolista francés.

1979: Josué Anunciado de Oliveira, futbolista brasileño.

1979: Bruno Cabrerizo, futbolista brasileño.

1979: Luke Young, futbolista británico.

1979: Zvonimir Vukić, futbolista serbio.

1979: Pedro Vega, futbolista español.

1979: Laura de la Calle, actriz española.

1979: Henri Antchouet, futbolista gabonés.

1979: Roger Torrent, político español.

1979: Ellen Rocche, actriz y modelo brasileño.

1980: Xavier Malisse, tenista belga.

1980: Giorgio Mondini, piloto de carreras suizo.

1980: Mark Webber, actor estadounidense.

1980: Queco Piña, futbolista español.

1981: Nené, futbolista brasileño.

1981: Grégory Vignal, futbolista francés.

1981: Antonio Germán Giráldez Sánchez-Gey, Tito Pa, escritor gaditano.

1982: Jared Padalecki, actor estadounidense.

1982: Stuart Parnaby, futbolista británico.

1982: Jess Vanstrattan, futbolista australiano.

1983: Craig Vye, actor británico.

1983: Sabrina Garciarena, actriz y modelo argentina.

1984: Andrea Libman, actriz y cantante canadiense.

1984: Adam Morrison, baloncestista estadounidense.

1985: LaMarcus Aldridge, baloncestista estadounidense.

1985: Marina Kuzina, baloncestista rusa.

1986: Afërdita Dreshaj, cantante y modelo estadounidense.

1986: Leandro Greco, futbolista italiano.

1986: Khampheng Sayavutthi, futbolista laosiano.

1987: Luz del Sol Neisa, actriz colombiana.

1987: Jon Jones, luchador estadounidense.

1987: Takanori Chiaki, futbolista japonés.

1988: Shane Dawson, cómico y actor estadounidense.

1988: Joe Tracini, actor y cantante británico.

1988: Trent Williams, jugador estadounidense de fútbol americano.

1989: Luis Avilán, beisbolista venezolano.

1989: Norberto Murara, futbolista brasileño.

1990: Rosie Jones, modelo británica.

1991: Jean Michaël Seri, futbolista marfileño.

1991: Jun Amano, futbolista japonés.

1991: Viljormur Davidsen, futbolista feroés.

1991: Nathalie Hagman, balonmanista sueca.

1994: Luan Peres, futbolista brasileño.

1994: Eugeni Valderrama, futbolista español.

1994: Derwin Martina, futbolista neerlandés-curazoleño.

1994: Hermine Drenth, remera neerlandesa.

1994: Cornelius Kersten, patinador de velocidad sobre hielo británico.

1994: Dimitrie Apai, futbolista surinamés.

1994: Mauricio Dubón, beisbolista hondureño.

1995: Romee Strijd, modelo neerlandesa.

1995: Manuel Akanji, futbolista suizo.

1995: Marko Rog, futbolista croata.

1995: Matt Miazga, futbolista estadounidense

1996: Jonathan Araujo, baloncestista dominicano.

1996: Giacomo Ferrari, regatista italiano.

1997: Amita Suman, actriz nepalí-británica.

1997: Shay Ben David, futbolista israelí.

1998: Luca Zanimacchia, futbolista italiano.

1998: Carla Díaz, actriz española.

1998: Diego Vicente, futbolista uruguayo.

1998: Ömer Yurtseven, baloncestista uzbeko.

1998: Asier Etxeberria, ciclista español.

1999: Mizuki Ando, futbolista japonés.

1999: Samuele Birindelli, futbolista italiano.

1999: David Mota Veiga Teixeira Carmo, futbolista portugués.

1999: Juan Manuel Cruz, futbolista argentino.

1999: Marijn van den Berg, ciclista neerlandés.

1999: Matis Louvel, ciclista francés.

1999: Rosalyn Sphinx, actriz pornográfica y modelo erótica estadounidense.

2000: David Čolina, futbolista croata.

2000: Tomás Gómez Colloca, baloncestista argentino.

2000: Etienne Green, futbolista inglés.

2000: Owen Joyner, actor estadounidense.

2000: Franco Fagúndez, futbolista uruguayo.

2000: Csaba Bőhm, pentatleta húngaro.

2001: Lautaro Gómez,DJ Productor y empresario argentino.

2003: Agustín Ubal, baloncestista uruguayo.

Quién murió un día como hoy

514: Símaco, religioso y santo cristiano siciliano, 51.º papa entre 498 y 514 (n. 450).

1374: Francesco Petrarca, poeta italiano (n. 1304).

1415: Felipa de Lancaster, esposa de Juan I de Portugal, muerta por la plaga (n. 1359).

1543: María Bolena, aristócrata inglesa (n. 1499).

1631: Cesare Cremonini, filósofo italiano (n. 1550).

1687: Laura Martinozzi, mujer italiana, esposa de Alfonso IV de Este (n. 1637).

1702: Federico IV, aristócrata danés (n. 1671).

1782: Jean-Baptiste Forqueray, compositor francés (n. 1699).

1800: José de Rezabal y Ugarte, jurista y político español (n. 1747).

1810: Louise von Mecklenburg-Strelitz, reina prusiana (n. 1776).

1814: Matthew Flinders, marino y explorador británico (n. 1774).

1824: Agustín de Iturbide, emperador mexicano (n. 1783).

1837: Agustín de Eyzaguirre, comerciante, político y presidente chileno (n. 1768).

1838: Pierre Louis Dulong, físico y químico francés (n. 1785).

1850: Margaret Fuller, escritora estadounidense (n. 1810).

1855: Konstantin Batyushkov, poeta ruso (n. 1787).

1866: Elizardo Aquino, general paraguayo, héroe de la Guerra de la Triple Alianza (n. 1825).

1868: Okita Sōji, capitán de la primera división del Shinsengumi (n. 1842).

1878: Yegor Zolotariov, matemático ruso (n. 1847).

1882: Francis Maitland Balfour, biólogo escocés (n. 1851).

1886: Cesário Verde, poeta portugués (n. 1855).

1891: Pedro Antonio de Alarcón, escritor español (n. 1833).

1897: Ambrosio López Pinzón, artesano y político colombiano (n. 1809).

1911: Manuel Iradier, explorador español (n. 1854).

1913: Clímaco Calderón, político colombiano (n. 1852).

1919: Walter Brack, nadador alemán (n. 1880).

1919: Marcelino García Flamenco (30), maestro salvadoreño quemado vivo por la dictadura de Pelico Tinoco (n. 1888).

1936: Apel·les Mestres escritor, historietista y músico español (n. 1854).

1943: Yekaterina Budánova, aviadora militar soviética (n. 1916).

1943: Raisa Beliáieva, aviadora militar soviética (n. 1912).

1945: Heinrich Wölfflin, historiador de arte suizo (n. 1864).

1947: Aung San, nacionalista birmano (n. 1915).

1957: Curzio Malaparte, escritor y periodista italiano (n. 1898).

1965: Syngman Rhee, político surcoreano, primer presidente entre 1948 y 1960 (n. 1875).

1966: Anselmo Albareda, cardenal español (n. 1892).

1969: Stratis Myrivilis, escritor griego (n. 1890).

1975: Lefty Frizzell, cantante y guitarrista estadounidense (n. 1928).

1976: Mario Roberto Santucho, líder revolucionario argentino (n. 1936).

1977: José Cuneo Perinetti, pintor uruguayo (n. 1887).

1977: José Magdalena, ciclista español (n. 1889).

1980: Hans Morgenthau, jurista y filósofo alemán (n. 1904).

1981: José María Pemán, escritor español (n. 1897).

1982: Hugh Everett, físico estadounidense (n. 1930).

1984: Faina Ranevskaya, actriz rusa (n. 1896).

1985: Janusz Zajdel, escritor polaco (n. 1938).

1986: Alfredo Binda, ciclista italiano (n. 1902).

1992: Paolo Borsellino, juez italiano (n. 1940).

1994: Ángel Salas Larrazábal, militar e historiador español (n. 1906).

1995: Víctor Manuel Mendoza, actor mexicano (n. 1913).

1997: Kurt Land, cineasta austríaco (n. 1913).

1998: Diógenes de la Rosa, político de izquierda, diplomático y ensayista panameño (n. 1904).

2002: Danilo Devizia, actor argentino (n. 1948).

2002: Alan Lomax, activista estadounidense, recolector de canciones folclóricas (n. 1915).

2003: Bill Bright, evangelista estadounidense (n. 1921).

2003: Maruchi Fresno, actriz española (n. 1916).

2004: Zenkō Suzuki, político japonés, 70.º primer ministro (n. 1911).

2005: Edward Bunker, escritor y actor estadounidense (n. 1933).

2006: Jack Warden, actor estadounidense (n. 1920).

2007: Roberto Fontanarrosa, dibujante, escritor y humorista argentino (n. 1944).

2009: Frank McCourt, novelista irlandés-estadounidense (n. 1930).

2009: Henry Surtees, piloto británico de automovilismo (n. 1991).

2010: Cécile Aubry, actriz y directora francesa (n. 1928).

2010: Luis Ignacio Sánchez, catedrático y jurista español[9] (n. 1948).

2010: Lorenzen Wright, baloncestista estadounidense[10] (n. 1975).

2011: Carlos Sentís, periodista y político español (n. 1911).

2012: Carlos Hayre, compositor peruano (n. 1932).

2012: Omar Suleiman, político egipcio (n. 1936).[11]

2013: Simon Pimenta, arzobispo indio (n. 1920).

2013: Mel Smith, actor y director británico (n. 1952).

2013: Bert Trautmann, futbolista y entrenador alemán (n. 1923).

2013: Phil Woosnam, futbolista y entrenador galés (n. 1932).

2017: Miguel Blesa, financiero y funcionario español (n. 1947).

2019: Rutger Hauer, actor neerlandés (n. 1944).

2019: César Pelli, arquitecto argentino (n. 1926).

2021: Arturo Armando Molina, militar y político salvadoreño, presidente de El Salvador entre 1972 y 1977 (n. 1927).

2022: Franco Frassoldati, futbolista argentino del Club Atlético Chacarita Juniors campeón de Primera División 1969.

¿Cuánto tiempo se necesita para hacer historia? Si algunos de los grandes hitos del arte y la cultura han costado años de trabajo y sacrificios a los artistas, a Queen le bastaron 21 minutos. La legendaria banda británica, liderada por la voz de Freddie Mercury, ofreció en un mes de julio de hace 40 años el considerado como el “mejor concierto de rock de todos los tiempos” frente a dos mil millones de personas.

Quienes vivieron ese concierto todavía recuerdan los famosos coros que Mercry hizo con el público, un mágico momento inmortalizado también en la película biográfica del grupo, Bohemian Rhapsody. Sin embargo, lo que muchos desconocen es que la presencia de la banda en ese escenario fue prácticamente un milagro.

“No creo que Queen deba tocar”

Tal y como ha revelado recientemente uno de los promotores del evento, Harvey Goldsmith, todo comenzó cuando él y su compañero Bob Geldof comenzaron a organizar el evento del Live Aid y los posibles artistas que actuarían. “Después de pensarlo un poco”, cuenta Goldsmith, “le dije a Bob que Queen sería la banda perfecta para el horario de la tarde”. Sin embargo, la respuesta de su compañero fue negativa: “No, su tiempo ya ha pasado, no creo que deban tocar”. Cabe recordar que este concierto -en realidad, conciertos, pues se realizaron de forma simultánea dos shows en Londres y Estados Unidos- pretendían recaudar fondos para Etiopía y Somalia. Para promocionarlo, muchos artistas se unieron en canciones como Do They Know It’s Christmas o la famosísima We Are The World.

Sin embargo, el plato fuerte venía en los directos. Artistas como Sade, Sting, Phil Collins, David Gilmour, Paul Young, U2, los Dire Straits, The Who, David Bowie, Elton John o Paul McCartney iban a pasar por el estadio de Wembley, mientras que en el John F. Kennedy de Filadelfia harían lo mismo Black Sabbath, Bryan Adams, The Beach Boys, The Pretenders, Madonna, Neil Young, Eric Clapton, Led Zeppelin, Bob Dylan y Duran Duran. Nunca los carteles habían albergado a tantas estrellas juntas, pero de todas ellas, fue Queen quien logró la actuación más recordada... aunque casi ni pudieran aparecer frente al público.

Goldsmith inició una larga disputa Geldof para que diera el visto bueno a la presencia de la banda británica, pero este no dio el brazo a torcer en ningún momento. “Tuve que esforzarme mucho para convencerlo. Al final, me empeñé y le dije que no había nadie mejor que Queen para ese horario, porque cuando los conciertos empiezan a las 12 y se extienden hasta las 10 de la noche, siempre hay un descanso por la tarde, así que necesitas a alguien realmente fuerte que pueda cambiar las cosas”.

Otro obstáculo con el que contaban era la propia situación de la banda. Queen venía de una gira bastante larga y, tal y como cuenta el promotor en su entrevista con la revista Mojo, “estaban cansados y querían parar”. Puede que por eso Freddie Mercury no mostrara tampoco un gran interés en conseguir un hueco en el Live Aid. Al menos, hasta que vio la demanda de entradas para los conciertos, momento en el que convenció al resto de la banda y a su manager, Jim Beach.

Oler la sangre

Queen no quería aparecer a la hora que le habían asignado e insistía en cerrar el show. “Creo que al final lo que convenció a Freddie fue la posibilidad de tocar en directo frente a mil millones de personas a la vez, algo que nadie había hecho antes”. Eso, explica Goldsmith, acabaría motivando al cantante a mostrar todo el potencial de la banda. “Habían estado ensayando durante una semana y cuando fue su turno, Freddie olió la sangre. Fue directo a la garganta y dio una actuación que nadie más podría haber hecho”.

El cantantante canalizó toda aquella energía en el ambiente y hechizó Wembley y a los asistentes del concierto. “Queen no tuvo que hacer nada, porque el público lo hizo por ellos, se alimentaban unos de otros. Queen tocó un set corto, pero fue el set de su vida, que los transformó para siempre como banda”. “No se pongan creativos, solo toquen éxitos. Tienen 17 minutos”, les indicó Geldof. “Nos dijeron que cumpliéramos estrictamente con los 17 minutos. ”Al final creo que fueron 21 minutos. Eso fue por Freddie y su llamado y respuesta ‘ay-ho’ por supuesto...“, contaría más tarde Roger Taylor, el batería de la banda.

De acuerdo con Forbes, la idea de Live Aid surgió cuando Bob Geldof, líder de The Boomtown Rats, quedó impactado por un reportaje de la BBC sobre la crisis alimentaria en Etiopía, que entonces causaba millones de víctimas por desnutrición y enfermedades. Junto a Midge Ure, de Ultravox, Geldof impulsó la canción “Do They Know It’s Christmas?” con Band Aid, un sencillo que recaudó fondos y demostró que la música podía movilizar a toda una generación.

Un día, dos escenarios y una causa global

El 13 de julio de 1985, el Estadio Wembley en Londres y el Estadio John F. Kennedy en Filadelfia se convirtieron en epicentros de una transmisión vía satélite sin precedentes que duró más de 16 horas. Participaron sesenta artistas de renombre, todos actuando de forma altruista. La cobertura técnica involucró a miles de profesionales para garantizar que el evento se viera en más de 70 países.

Forbes informó que se vendieron 200.000 entradas en tiempo récord y se organizaron teletones paralelos para multiplicar la recaudación. Además, la logística del evento fue tan compleja que artistas como Phil Collins viajaron en el Concorde para tocar en ambos continentes el mismo día, una proeza que simbolizó la magnitud de la jornada.

Actuaciones memorables y momentos icónicos

El cartel de Live Aid incluyó a figuras como Queen, U2, David Bowie, Elton John, Led Zeppelin, Madonna y Run DMC, entre otros. La presentación de Queen, destacada por The Herald, se transformó en leyenda gracias al carisma de Freddie Mercury, quien logró que miles de asistentes en Wembley y millones frente a la televisión respondieran con un unísono “Ay-Oh” que se mantiene como uno de los momentos más recordados en la historia del rock en vivo.

En Filadelfia, nombres como Bob Dylan, Neil Young, Eric Clapton y Tina Turner compartieron escenario en actuaciones históricas. The Herald resaltó la participación de U2, cuando Bono descendió del escenario para abrazar a una fan que sufría entre la multitud, gesto espontáneo que reforzó la imagen de la banda como defensora de causas sociales.

Anécdotas que hicieron historia

El día dejó anécdotas que consolidaron su mística: la actuación de Led Zeppelin, reunidos tras años separados, fue caótica por la falta de ensayos, mientras que el set improvisado de Bob Dylan generó controversias por comentarios sobre la deuda agrícola estadounidense.

De acuerdo con los medios citados, la organización recaudó más de 140 millones de dólares, destinados a combatir la hambruna en África. Aunque surgieron críticas sobre el posible desvío de fondos, Geldof defendió públicamente la transparencia del proyecto, insistiendo en que la música había abierto un camino de ayuda sin precedentes.

El impacto: la semilla del Día Mundial del Rock

Al año siguiente, el 13 de julio comenzó a celebrarse de manera informal como el Día Mundial del Rock, en reconocimiento al espíritu de unidad y solidaridad que mostró la comunidad musical. Desde entonces, miles de radios y plataformas digitales en distintos países recuerdan esta fecha compartiendo grabaciones, testimonios y retransmisiones que mantienen viva la memoria colectiva.

El impacto de Live Aid trascendió su tiempo: según Forbes, el modelo inspiró iniciativas como Live 8 en 2005, Farm Aid, Live Earth y otros conciertos benéficos que demostraron que el espectáculo podía ser una herramienta para movilizar recursos y conciencias a escala global.

Un legado que se mantiene vigente

Hoy, a cuatro décadas de aquel 13 de julio, el Día Mundial del Rock sigue recordando que la música no solo entretiene, sino que también puede cambiar realidades. Según The Herald, la BBC prepara un documental para conmemorar el 40 aniversario de Live Aid en 2025, mientras que musicales como “Just for One Day” reviven la energía de aquella jornada en Londres. En redes sociales, fragmentos icónicos como la actuación de Queen continúan inspirando a nuevas generaciones.

Como afirmó Bono: “La música no va a cambiar el mundo, pero puede recordar a la gente que debe hacerlo”. Cada 13 de julio, millones de fanáticos celebran el Día Mundial del Rock como un tributo a la unión, la esperanza y el poder transformador de la música.

En una entrevista reciente ofrecida a la revista Radio Times, Sir Brian May dijo que Queen no tenía intenciones de tocar en el épico concierto Live Aid el 13 de julio de 1985, en el estadio de Wembley.

May recordó que en 1985 ya eran una banda veterana de rockeros, no se encontraban de gira y tampoco tenían planes de tocar.

Además la idea de juntar 50 bandas en el estadio Wembley les parecía una mala idea que terminaría en “un desastre”.

“No tengo un buen presentimiento sobre esto”, dijo Mercury.

Brian May comentó que a pesar de que Mercury no era el líder de la banda, era difícil hacerlo cambiar de opinión, así que “dejaron por la paz” la idea del "Live Aid".

Unas semanas después de que tuvieran la conversación, se habían vendido cientos de boletos y las expectativas crecían al rededor del festival. La tensión creció cuando Bob Geldof (organizador del evento) comenzó a telefonearlos constantemente, insistiendo en que se unieran al cartel.

May confesó que en ese momento sólo el baterista Roger Taylor quería asistir. Mientras que Freddie Mercury y el bajista John Deacon expresaron su negativa.

Entre tanto Geldof seguía llamando para intentar convencerlos. En ese momento mientras May sostenía el teléfono contra su oído y Bob Geldof hablaba, se dio cuenta que Taylor tenía razón.

“La banda tiene que encender la fiesta. Si nos despertamos al día siguiente del Live Aid y no estuvimos ahí, nos vamos a sentir mal, estoy seguro”, dijo May a Freddie, entonces él dijo:

“¡Al carajo, hagámoslo!“, en ese momento Freddie se volvió imparable, según recuerda Sir Brian.

“Una vez que dijo que ‘sí’, tomó la delantera (Freddie Mercury). Se lanzó como un león”, dijo May quien actualmente tiene 77 años.

¿Qué canciones tocó Queen en el Live Aid?

Bob Geldof le dio una sola instrucción a Queen, por la magnitud del evento: sólo contaban con 17 minutos en el escenario, por lo que no podían improvisar actos o extender las canciones.

“No se pongan creativos, sólo toquen éxitos. Tienen 17 minutos”, les indicó Geldof.

Con un tiempo limitado, lo cual era un reto, tuvieron que decidir las canciones que tocarían. Para ese momento, Queen contaba por los menos con 15 o 20 éxitos, contando sencillos que entraron en el Top 20 de listas británicas y estadounidenses.

Para Taylor fue “obvio” abrir con “Bohemian Rhapsody”, y acabar con “We Will Rock You” y “We Are the Champions”.

“Nos dijeron que cumpliéramos estrictamente con los 17 minutos. Al final creo que fueron 21 minutos ‘¿Por qué?’ Eso fue por Freddie y su llamado y respuesta ‘ay-ho’ por supuesto...“, dijo Taylor.

Al final Queen subió al escenario frente a más de 72 mil asistentes, que unieron su voz al unísono de Mercury. La banda tocó los éxitos “Bohemian Rhapsody”, “Radio Ga Ga”, “Hammer to Fall”, “Crazy Little Thing Called Love”, “We Will Rock You” y “We Are the Champions”.

Así fue como cuatro rockeros ya veteranos subieron al escenario del épico estadio de Wembley el 13 de julio de 1985 para estremecer al público del "Live Aid", y terminaron dando una presentación que, hasta el día de hoy, muchos siguen considerando una de las mejores en la historia de la música.

Queen, Bruce Springsteen, The Roling Stones, Oasis, Bob Dylan o U2 son solo algunos de la larga lista de estrellas que pasaron por la pequeña localidad de Slane, en condado de Meath, desde que Mount Charles, octavo marqués de Conyngham, se adentró en esta aventura musical en 1981.

"Lord Henry deja un legado extraordinario como apasionado administrador del patrimonio de Irlanda, dedicando su vida a preservar el Castillo de Slane y transformarlo en un faro de cultura, música y comunidad", destacó hoy su familia en un comunicado.

La nota celebró que Mount Charles, quien falleció este miércoles tras una larga batalla contra el cáncer, vivió con un "coraje y espíritu" que sirvieron de gran inspiración para "todos los que lo conocieron".

"Su liderazgo visionario y su generosidad impactaron innumerables vidas, mientras que su calidez, humor y resiliencia le granjearon el cariño de amigos, colegas y admiradores de varias generaciones", señalaron sus allegados.

Lord Henry abandonó Londres, donde trabajaba para la editorial Faber & Faber, en 1976 para tomar posesión del castillo, aunque también heredó una cuantiosa factura fiscal que en caso de impago obligaría a la familia a vender la propiedad.

Formado en negocios en la Universidad de Harvard (EE.UU.), el aristócrata rescató el castillo, cuya orografía describía a menudo como un anfiteatro natural ideal para la música al aire libre que, además, debía abrirse al público.

El primer concierto, organizado el 16 de agosto de 1981 y al que asistieron 18.000 personas, tuvo como actuación principal al grupo irlandés de rock Thin Lizzy, con los dublineses U2 como teloneros.

La banda liderada por Bono regresaría a Slane el 25 de agosto de 2021 ya como cabeza de cartel y estatus de superestrellas, y acompañados por Red Hot Chili Peppers y Coldplay, quienes congregaron en Slane a más de 80.000 personas.

No todos los años hay conciertos en el castillo, pero muy pocos artistas han dejado pasar la oportunidad de actuar en una escenario tan legendario como Slane, que no solo se ha entregado al rock, pues también ha acogido a Robbie Williams (1999), Madonna (2005), Eminem (2013) o Harry Styles (2023).

El presidente de la República de Irlanda, Michael D. Higgins, se declaró hoy entristecido por la muerte de Lord Mount Charles.

Su contribución, dijo, fue "única y marcó un punto de inflexión muy importante en la música en vivo en Irlanda", tras abrir las puertas "del Castillo de Slane como escenario".

"Henry no solo estaba implicado en eventos muy conocidos; tenía un profundo interés en la promoción de la música, incluyendo a los nuevos y jóvenes talentos", agregó Higgins. EFE

Los dispositivos estuvieron presentando un número con una canción de Queen y, además de la sorpresa, lograron avanzar al demostrar algo diferente y el potencial de esta tecnología para algo inesperado.

Cómo fue el momento y el baile de los robots

Durante una gala del concurso, cinco robots cuadrúpedos irrumpieron en el escenario para ejecutar una rutina coreografiada al ritmo de Don’t Stop Me Now, el clásico de Queen. Los asistentes y el jurado se levantaron con aplausos, risas y gestos de asombro.

Sofía Vergara, quien integra la mesa evaluadora, quedó fascinada, como si nunca antes hubiera presenciado una combinación de ingeniería, entretenimiento y música tan inusual.

La coreografía llamó la atención desde el primer instante: los robots, perfectamente sincronizados, realizaron movimientos que simulaban pasos de baile en grupo. A los pocos segundos, uno de los autómatas sufrió una caída, lo que algunos describieron como “pánico escénico”.

Los jueces, entre ellos el icónico Simon Cowell, no ocultaron su percepción tras la actuación. Cowell, conocido por su estilo punzante, les dijo: “¿Puedo ser honesto? No lo digo con crueldad: fue extrañamente mejor que uno de ellos muriera, porque demostró lo difícil que era (el baile)“.

El jurado emitió su decisión rápidamente, otorgando cuatro votos afirmativos a los robots danzantes.

Quiénes son los protagonistas: los robots de Boston Dynamics

Los autómatas que desplegaron su destreza sobre el escenario pertenecen a una de las empresas más relevantes en el mundo de la robótica: Boston Dynamics. Fundada en 1992 por Marc Raibert, la firma estadounidense ha escrito su propia historia al desarrollar algunos de los robots más avanzados técnicamente, entre los que se destacan Spot, Atlas, Stretch y Handle.

A lo largo de su historia, Boston Dynamics ha cambiado de dueños varias veces, pasando primero a manos de Google (2013), después de SoftBank (2017) y, en la actualidad, al grupo Hyundai Motor (2020).

Pese a los vaivenes empresariales, su línea de desarrollo ha mantenido el foco en la innovación aplicada: desde robots capaces de realizar parkour hasta dispositivos diseñados para asistencia en entornos críticos y potencial despliegue en misiones espaciales.

En esta ocasión, los protagonistas fueron varias unidades de Spot, el robot cuadrúpedo que, por su fisonomía y forma de desplazamiento, evoca la imagen de un perro. Reconocido ampliamente en el mercado, Spot emergió primero en sectores industriales y desde 2020 se ofrece de forma general para aplicaciones que van desde la seguridad y exploración hasta la logística y la medicina. Como dato no menor, su precio base ronda los 75.000 dólares.

Spot es capaz de caminar, correr, trepar escaleras, abrir puertas y ejecutar movimientos precisos, como se vio en su debut televisivo. Los avances en inteligencia artificial y sensores permiten que este robot se adapte a diversas tareas y contextos, incluyendo rutinas de baile perfectamente sincronizadas.

La caída de uno de los robots en pleno espectáculo sirvió para visibilizar una faceta poco exhibida de la industria: la posibilidad y naturalidad del error en sistemas complejos.

Por años, Boston Dynamics cultivó una imagen de perfección en sus robots, mostrando exclusivamente videos de ejecuciones exitosas en donde las máquinas parecían infalibles. Sin embargo, la realidad quedó al descubierto cuando, hace algunos años, la empresa comenzó a compartir metraje de ensayos fallidos en los cuales sus robots perdían el equilibrio o no alcanzaban los objetivos planteados.

“Una consecuencia natural de llevar a los robots al límite es que, a veces, esos límites se alcanzan”, explicaron desde la empresa. Y el episodio del show televisivo funcionó como ejemplo palpable de esto y dio a la audiencia general la oportunidad de comprender mejor las capacidades y limitaciones de estos desarrollos.

Durante la grabación del disco Innuendo, Freddie Mercury se encontraba en un estado muy avanzado de su enfermedad. El cantante había contraído sida, lo que lo llevó a un notable deterioro físico. Las giras y conciertos se redujeron drásticamente. Según detallaron sus compañeros en más de una ocasión, llegaron a dudar de la capacidad vocal de su colega.

“Cuando vino al estudio a grabar la canción no estaba en buen estado físico, le costaba caminar, incluso sentarse, le dolía todo”, expresó Brian May, guitarrista de Queen. En detalle, el músico reveló que Mercury sacó fuerzas de donde ya no le quedaban. “La cantaré, voy a darlo todo”, habría expresado el cantante, según explicó el medio RTVE.

“Espacios vacíos ¿Para qué vivimos?”, dice una de las frases de la canción escrita por May para Freddie Mercury. Por aquel entonces, el guitarrista no tenía en vista el inevitable final que se aproximaba en la vida del vocalista de Queen.

Debido a su malestar, el grupo había decidido que los falsetes, las notas muy altas y agudas de los coros, serían grabados por Roger Taylor. Esto se debía a que la mayoría de los temas grabados hasta ese momento fueron pausados en más de una oportunidad. Incluso, Mercury debió cantarlas sentado, ya que no soportaba el dolor.

Pero al momento de grabar la última canción del álbum, “The Show Must Go On”, y con la predisposición de Taylor para grabar aquellas notas en las cuales Mercury no llegaba, el vocalista bebió un trago de vodka y dijo: “I’ll fucking do it, darling” (Lo haré, cariño).

Seis semanas antes de su muerte, Freddie optó por grabar esta última canción la cual no tiene cortes, siendo así registrada en una sola toma.

Esa grabación quedó como un testimonio único. No hubo segundas oportunidades ni arreglos posteriores. Fue su voz, rota y desafiante, la que quedó grabada en la cinta, como una despedida velada. La canción se convirtió en un símbolo de resistencia: no solo del cuerpo que se apaga, sino del artista que decide continuar, aun sabiendo que se acerca el final.

“The Show Must Go On” no fue pensada como una despedida explícita. Sin embargo, cada palabra, cada nota, cada silencio parece cargado de ese sentido. La interpretación de Mercury, empapada de fuerza y vulnerabilidad, le dio a la canción un tono profético. Aunque nunca pudo cantarla en vivo, su versión en estudio alcanzó un nivel casi mítico.

Desde entonces, se convirtió en uno de los himnos más potentes de Queen. Interpretada por otros artistas en homenajes y tributos, la canción sigue siendo una de las más intensas del repertorio de la banda. Pero ninguna versión logra reproducir el momento exacto en que, con el cuerpo agotado y la voz como único recurso, Freddie Mercury pidió que el show continúe.

Los dispositivos realizaron una coreografía al ritmo de Don’t Stop Me Now de Queen, e incluso hicieron sincronización de labios gracias a un brazo robótico que simulaba una boca en la punta, la cual se abría al compás de la voz de Freddie Mercury.

Durante la presentación, uno de los robots cayó al suelo, pero el resto continuó sin interrupciones. Al finalizar, el grupo recibió una ovación de pie por parte del público y los jueces.

Simon Cowell, integrante del jurado, bromeó sobre el incidente y comentó que la caída del robot solo demostraba la dificultad de la coreografía.

Por su parte, la actriz colombiana y miembro del jurado, Sofía Vergara, dijo que se preocupó al ver que uno de los robots se cayó, ya que por un momento pareció que “había muerto”.

Howie Mandel, también jurado, se mostró sorprendido y expresó: “Después de 20 años, ¿cómo es posible que veamos algo que nunca habíamos visto en este escenario? Esto es algo completamente nuevo”.

Mel B, otra integrante del jurado, dijo que la presentación fue alucinante.

Al final, los cuatro jurados coincidieron en su decisión y dieron un “sí” unánime a los robots. Si se tratara de concursantes reales, habrían avanzado a la siguiente etapa del concurso.

Al regresar al backstage, el presentador del programa, Terry Crews, le preguntó a uno de los representantes de Boston Dynamics si creía que estos dispositivos estarían presentes en todos los hogares en el futuro. La persona respondió con convicción: “Sí, realmente creemos que este es el futuro”.

La aparición de los robots en America’s Got Talent no solo mostró sus capacidades técnicas y expresivas, también dejó entrever el potencial de la robótica para integrarse en la vida cotidiana.

Aunque hoy su uso se limita a entornos industriales o de investigación, presentaciones como esta acercan al público general a una tecnología que, según sus desarrolladores, podría convertirse en parte habitual del día a día.

Qué características tiene este robot de Boston Dynamics

Boston Dynamics indica que este robot cuenta con una batería de 564 Wh, lo que le otorga una autonomía aproximada de 90 minutos en operación continua.

En modo de espera, puede mantenerse activo hasta 180 minutos, y su tiempo de recarga completa es de una hora. Su diseño es compacto: mide 324 mm de largo, 168 mm de ancho y 93 mm de alto, con un peso total de 5,2 kg.

Respecto a su capacidad de carga, puede transportar hasta 14 kg en una superficie de montaje de 850 mm de largo, 240 mm de ancho y 270 mm de alto.

El robot está equipado con diversas funciones de movilidad. Alcanza una velocidad máxima de 1,6 metros por segundo, puede ascender pendientes de hasta 30 grados y subir escalones de hasta 300 mm.

Está diseñado para operar en condiciones exigentes, con certificación IP54 y un rango térmico de funcionamiento que va de -20 °C a 55 °C.

Requiere solo 2 lux de iluminación para operar y cuenta con un sistema de prevención de colisiones que mantiene una distancia segura con los obstáculos.

En conectividad, el robot admite redes Wi-Fi de 2,4 GHz y 5 GHz, así como conexión por Ethernet, lo que garantiza un funcionamiento eficiente en entornos industriales o públicos.

Además de presentaciones artísticas, el robot de Boston Dynamics se utiliza en inspección industrial, patrullaje de seguridad, monitoreo en obras de construcción y respuesta en situaciones de emergencia.

Su capacidad para desplazarse en terrenos complejos y operar de forma autónoma lo convierte en una herramienta versátil para tareas repetitivas, peligrosas o en entornos de difícil acceso para humanos.

Más de tres décadas después de la muerte del cantante Freddie Mercury, su vida íntima sigue dado lugar a diversas especulaciones y revelaciones. El último de ellos, de hecho, ha supuesto una verdadera sorpresa para los fans de la banda, y es que una biografía inédita sobre el icónico líder de Queen ha revelado un supuesto secreto que tanto él como su entorno habían querido guardar: la existencia de una hija secreta.

Esta reciente revelación ha suscitado una oleada de especulaciones y discusiones en el mundo de la música. Lesley-Ann Jones, una reconocida biógrafa británica, es quien firma este nuevo libro en el que se narra la historia de una mujer identificada como B, quien afirma ser hija de Mercury después de que el cantante mantuviera una relación breve con la esposa de un amigo cercano en 1976.

Una prueba de ADN lo confirmaría

Se trata de una noticia sorprendente, en tanto que Freddie Mercury ha pasado a la posteridad como un hombre homosexual, pese a que él mismo habló muchas veces de su bisexualidad. Uno de los eventos que marcaría su biografía, de hecho, fue cuando el cantante supo que era VIH positivo, algo que en aquel momento se vinculaba a las personas con una orientación sexual diversa y que hizo que su salud se deteriorara rápidamente hasta su fallecimiento tras la complicación de una bronconeumonía.

Del mismo modo, según recoge la prensa británica, la biógrafa tardó más de tres años en verificar la autenticidad de estas afirmaciones. Según Jones, B siempre ha afirmado haber tenido conocimiento de su parentesco con el cantante de Queen e incluso mantuvo una relación estrecha con él hasta su fallecimiento en 1991. La autora del libro ha declarado que se realizaron pruebas de ADN para corroborar el vínculo, aunque los detalles se mantienen confidenciales por razones legales. “La verificación necesaria ha sido obtenida”, ha asegurado la escritora a través de un mensaje en sus redes sociales.

Nunca rehuyó su paternidad

La narrativa presentada en Love, Freddie se enfoca no solo en la relación padre-hija, sino también en la vida privada del cantante, ofreciendo un vistazo más íntimo al hombre detrás del ícono. Y es que, a pesar de la presión mediática a la que Freddie Mercury estaba sometido, tanto su círculo íntimo como los involucrados en esta historia fueron capaces de preservar el secreto durante años.

Asimismo, el libro detalla cómo Mercury, durante su vida, mostró un constante interés y dedicación hacia B, asegurándose de que estuviera siempre al tanto de cuánto la quería. A pesar de las inusuales circunstancias de su nacimiento, Mercury nunca se apartó ni diluyó su papel de figura paterna. Así lo corroboran, afirma Jones, los diecisiete volúmenes de diarios personales del cantante que ella misma ha revisado, junto a otros documentos de correspondencia.

La publicación del libro está programada para el próximo 5 de septiembre en Reino Unido, una fecha que coincidirá con el que habría sido el cumpleaños número 79 de Freddie Mercury. El cantante, cuya trágica muerte en 1991 fue sentida en todo el mundo, sigue siendo uno de los grandes iconos de la historia del rock, por lo que no hay duda de que estas revelaciones, junto a otros secretos íntimos que el libro pretenda desvelar, provocarán un gran revuelo nada más sean publicadas.

Brian May, reconocido mundialmente como el emblemático guitarrista de Queen, es a día de hoy una figura icónica de la cultura musical del siglo XX. Establecido como uno de los guitarristas más innovadores y carismáticos de la historia, May, con su distintiva guitarra Red Special -fabricada por él mismo-, contribuyó en gran medida a generar sonido único que definió a la mítica banda de Freddie Mercury, Roger Taylor y John Deacon junto a May.

Queen revolucionó el ámbito del rock con su fusión de géneros y presentaciones escénicas espectaculares. No solo produjeron éxitos atemporales como Bohemian Rhapsody y We Will Rock You, sino que desde esa gran época dorada han lograron mantener una relevancia fruto de la aparición de nuevos fans entre los más jóvenes y seguir ofreciendo actuaciones con el cantante Adam Lambert, sustituto del fallecido Mercury.

“Si supiera que viviríamos este tipo de sueño”

Es por eso que Brian May y Roger Taylor, han sido recientemente homenajeados en la gala del Polar Music Prize 2025 celebrada en Estocolmo, Suecia. El evento, que tuvo lugar el martes 27 de mayo en el prestigioso Grand Hotel, reconoció la trayectoria completa de los músicos. Fue en este contexto en el que Brian May agradeció el galardón en un discurso que han recogido diferentes medios británicos.

“En este momento especial”, empezó diciendo, “pienso en cómo se sentiría el joven Brian May en 1974 si supiera que viviríamos este tipo de sueño 50 años después”. Con apenas 20 años, este joven guitarrista había tenido que fabricarse, con la ayuda de su padre, su propia guitarra debido a que no tenía dinero para hacerse con otros instrumentos.

Roger Taylor, quien acompañaba a May en la gala, añadió en la gala que el éxito cosechado por la banda fue algo inesperado para todos sus miembros: “Cuando formamos nuestra banda, teníamos ambiciones, pero nunca soñamos con el recorrido que vendría después. Fuimos afortunados de que nuestras cuatro personalidades tan diferentes se unieran para lograr una química maravillosa”.

Mantener viva la banda

El Polar Music Prize es una distinción otorgada por la Real Academia Sueca de Música que reconoce la carrera completa de un artista, razón por la que se le conoce como el premio Nobel de la música. A raíz de esto, los miembros de la banda no pudieron contener la emoción durante la entrega, tal y como se pudo ver en las fotos subidas por May a sus redes sociales más tarde.

Fue precisamente en estas imágenes donde los fans de la banda han podido también sumarse a la fiesta llenando la zona de comentarios con mensajes de apoyo y felicitaciones. Un usuario ha comentado emocionado: “¡Felicidades! Vuestros discursos han sido muy conmovedores. ¡Os queremos mucho!”. Otro añadió: “Todos os hemos visto con lágrimas en los ojos y estamos muy felices de que hayáis recibido este reconocimiento. ¡Gracias por mantener a Queen vivo y respirando, significa el mundo para nosotros! He extrañado veros juntos”.

En el contexto del homenaje, se han dado a conocer detalles inesperados sobre la vida personal de Freddie Mercury. La revelación sobre su hija secreta, que ha sido mantenida fuera del ojo público durante 48 años, ha sido una verdadera sorpresa para muchos, sobre todo tras la confirmación a través de pruebas de ADN, según ha informado la biógrafa Lesley-Ann Jones en declaraciones recogidas por el medio británico Express, donde ha asegurado que se obtuvo la “verificación necesaria” entre el escepticismo de los fanáticos.

En medio de la siempre fascinante historia de Freddie Mercury, el icónico líder de Queen, surge un reclamo inesperado sobre una posible hija del cantante. Según el nuevo libro Love, Freddie de Lesley-Ann Jones, una mujer conocida como “B” afirma ser fruto de una relación pasajera entre Mercury y la esposa de un amigo cercano en 1976.

Frente a las exigencias del público y los escépticos que pedían pruebas concretas, la autora ha enfatizado que se realizaron las verificaciones necesarias, incluida una prueba de ADN para confirmar el vínculo biológico. Lesley-Ann Jones, respondiendo a estas demandas a través de un mensaje en X, afirmó que “se obtuvo la verificación necesaria” y subrayó que los procedimientos legales relacionados son confidenciales y no se divulgarán públicamente.

B, ahora con 48 años, afirma que siempre supo que Freddie era su verdadero padre. Criada por otra familia, mantuvo una relación cercana con Mercury hasta su muerte en 1991. En una emotiva carta manuscrita, narra cómo el cantante fue considerablemente presente y cariñoso en su vida.

“Fred- die Mercury era y es mi padre. Tuvimos una relación muy estrecha y afectuosa desde que nací y durante los últimos 15 años de su vida. Me adoraba y se desvivía por mí”, se lee en la carta de “B”.

“Las circunstancias de mi nacimiento pueden parecer, para la mayoría de la gente, inusuales e incluso escandalosas. No debería sorprendernos. Pero nunca le restó valor a su compromiso de quererme y cuidarme. Me quería como a un tesoro”.

La autora del libro admite que al principio dudaba de estas afirmaciones. No obstante, después de trabajar con B durante más de tres años, está convencida de la autenticidad de su historia. Jones destaca que B no busca fama ni beneficios financieros, diferenciándose así de las características típicas de aquellos que fabrican historias sensacionalistas. Insiste en que, tanto Freddie como el padrastro de B, la dejaron económicamente asegurada a través de un acuerdo privado que no figura en el testamento oficial de Mercury.

Las especulaciones sobre los diarios personales de Mercury, que supuestamente fueron entregados a B antes de su muerte, también han sido objeto de críticas. Algunos sostuvieron que podían haber sido falsificados mediante inteligencia artificial. Jones ha rechazado estas acusaciones, afirmando que la historia contada a través de estos documentos es genuina y conmovedora.

Freddie Mercury, conocido por sus relaciones tanto con hombres como con mujeres, nunca tuvo hijos con su pareja de largo plazo, Mary Austin.

Mientras las discusiones sobre la veracidad de esta historia continúan, “Love, Freddie” se perfila como un relato que podría reconfigurar la comprensión pública de uno de los músicos más influyentes del siglo XX. Esta biografía llegará a las librerías el próximo 5 de septiembre, justo en el que sería el cumpleaños número 79 de Freddie Mercury.

El mundo del espectáculo está a punto de recibir una sacudida monumental con el próximo lanzamiento de una biografía inédita sobre Freddie Mercury, el icónico líder de Queen. Titulada Love, Freddie, esta obra revela un secreto celosamente guardado: la existencia de una hija secreta del cantante, nacida en 1976 tras una fugaz relación con la esposa de un amigo cercano. Este hallazgo promete desafiar las percepciones establecidas sobre Mercury, conocido mundialmente por su talento, carácter extrovertido y su identidad como hombre gay.

La autora del libro, Lesley-Ann Jones, una experimentada biógrafa de rock con tres libros previos sobre Mercury, ha trabajado durante más de tres años para autenticar los testimonios y documentos proporcionados por la hija de Freddie, identificada sólo como ‘B’. Este proceso meticuloso incluyó la verificación de 17 volúmenes de diarios personales que Mercury le legó a su hija antes de morir en 1991, documentos que contienen una rica fuente de datos sobre su vida y pensamientos más íntimos.

Un secreto celosamente guardado

Desde que fue concebida, la existencia de ‘B’ fue conocida solo por el círculo más íntimo de Mercury, incluidas sus padres, su hermana, los miembros de Queen y Mary Austin, la mujer que fue su confidente más cercana a lo largo de su vida. A pesar de la notoriedad de Mercury, este grupo selecto logró mantener el secreto durante décadas, incluso después de la muerte del cantante.

Según el prólogo de Love, Freddie, la hija de Mercury vivió en un entorno amoroso con su madre y su padrastro, conscientes siempre de que Freddie era su padre biológico. Durante su vida, Mercury mantuvo una relación cercana con su hija, visitándola regularmente y asegurándose de que supiera cuánto la quería. A pesar de las circunstancias poco convencionales de su nacimiento, Mercury siempre se mostró como un padre devoto, cuidando de su hija aunque ello implicara vivir bajo estrictas medidas de privacidad.

La Autenticidad detrás de la Historia

Lesley-Ann Jones, cuya reputación se ha forjado en la búsqueda de la verdad detrás de las leyendas del rock, admite que inicialmente dudó de la autenticidad de ‘B’. Sin embargo, después de numerosos encuentros y de examinar detenidamente los documentos y otros efectos personales que le fueron proporcionados, Jones quedó convencida de que la historia era real. “No hay manera de que alguien pudiera haber fabricado todo esto”, comenta Jones, quien destaca que ‘B’ no buscaba ni dinero ni reconocimiento, dada su estabilidad económica y su deseo de permanecer en el anonimato.

El Legado de Freddie continúa

La publicación del libro el próximo 5 septiembre traerá consigo un nuevo componente a la ya rica narrativa sobre Freddie Mercury, presentando una imagen más completa del hombre detrás del mito. En cartas incluidas en el libro, ‘B’ explica su decisión de salir a la luz después de décadas de silencio. “Es hora de dejar que Freddie hable por sí mismo”, expresa, subrayando que pretende aclarar las distorsiones que han surgido sobre su padre a lo largo de los años.

La vida documentada en palabras

Los diarios de Mercury, que comienzan en 1976 coincidiendo con la concepción de ‘B’, ofrecen un relato detallado de su vida desde su nacimiento en Zanzibar hasta su ascenso a la fama con Queen. En ellos, Freddie no solo narra sus experiencias desde sus inicios, incluyendo su educación en la India y su huida a Inglaterra, sino también sus reflexiones más personales sobre la paternidad, que describió como el mayor logro de su vida.

Lesley-Ann Jones y ‘B’ eligieron Montreux, Suiza, como el lugar para su primer encuentro, un lugar lleno de significado para Mercury, quien amaba la ciudad y donde grabó muchas de sus obras maestras. Durante las reuniones, ‘B’ presentó no solo los diarios sino también fotografías y otros documentos para corroborar su historia. Su determinación de mantener la privacidad y el legado de su padre es un testimonio del profundo amor y respeto que compartían.

Tras lanzar varios álbumes en la década de los 70 que contenían algunos de sus himnos más conocidos, Queen llegó al año 1980 convertida en una de las grandes bandas de la historia de la música. La fuerza y el carisma de Freddie Mercury había liderado a una banda que ampliaba las posibilidades del rock hasta límites insospechados, gracias también a los poderosos ritmos de Roger Taylor a la batería o el minimalista estilo de su bajista, John Deacon.

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El último miembro de la banda, quizás uno de los más queridos junto al cantante, era Brian May, cuyo sonido al tocar la guitarra definió la identidad del grupo. Este instrumento, construido junto a su padre debido a la imposibilidad de adquirir una de marca reconocida, le otorgó un tono único que se convirtió en un pilar del éxito de la banda. “Quería desesperadamente una guitarra, así que cuando tenía siete años, mamá y papá ahorraron para comprarme una acústica”, recordaba el propio músico en entrevistas. A los dieciséis años, al no poder permitirse una guitarra eléctrica, él y su padre decidieron construir una propia, lo que resultó en un instrumento con un sonido distintivo que ha dejado una marca indeleble en la música de Queen.

La importancia del mensaje

Sin embargo, más allá del sonido conseguido, May ha destacado siempre la importancia de otros factores en las canciones que compuso junto a sus compañeros. Uno de ellos es el mensaje, parte indispensable para lograr conectar con el público y hacer que vinculen a su música sus sueños, sus frustraciones y todos sus sentimientos. Con esto en mente, el guitarrista habló para la revista británica especializada Far Out Magazine y destacó algunas de sus canciones favoritas de Queen.

Una de ellas fue I Want it All, una canción que empieza con los clásicos coros del grupo para luego seguir de un impresionante solo de guitarra que conduce a la voz de Mercury, que nos canta sobre un “aventurero en una calle vacía, sólo un trepador de callejones, ligero de pies... Un joven luchador gritando, sin tiempo para la duda”. “La canción trataba sobre alcanzar y alcanzar lo que quieres en la vida”, explica May a Far Out. ”Mucha música de Queen trataba sobre gente común, con sueños y frustraciones comunes, tratando de alcanzar la esencia de la vida. Así que I Want It All lo resume muy bien”.

“La canción por excelencia” del grupo

Sin embargo, hubo una canción que recibió aún mayores elogios por parte del legendario guitarrista. Se trata de Made In Heaven, una canción que, a pesar de no haber sido lanzada como sencillo, representa de manera excepcional la magia de Queen. Este tema fue completado cuatro años después de la muerte de Freddie Mercury, utilizando grabaciones previas del icónico vocalista como base. “Es la canción por excelencia de Queen”, subraya May. “Es una de las más grandes que hemos hecho. Nunca fue un sencillo, aunque parezca extraño. Es una de mis canciones favoritas. Made In Heaven es enorme”.

Esta canción contiene otro de los elementos conocidos de la banda: los sonidos orquestales que dotan a todas sus canciones de un tono mucho más épico y emotivo. Una canción imborrable que no puede desligarse del trágico fallecimiento de Mercury en 1991, pero que muestra precisamente el carácter que él y sus compañeros trataron siempre de transmitir: “Me llevo mi viaje con el destino”, canta en inglés el cantante. “Dispuesto a jugar mi papel, viviendo recuerdos dolorosos, amando con todo mi corazón”.

Freddie Mercury, conocido por su presencia arrolladora en el escenario, se retiró del ojo público mientras enfrentaba una crisis de salud privada antes de sucumbir al SIDA en 1991. Reinhold Mack, productor de Queen desde 1980 hasta 1987, recordó cómo el cantante se distanció durante este difícil período. Según informó Mack, a pesar de la cercanía que compartían, Mercury mantuvo en secreto la gravedad de su enfermedad, incluso cuando hablaban por teléfono. “Te sientes un poco estúpido porque sabías que no estaba bien”, comentó Mack. “Y él decía: ‘No, no, estoy bien’. Sabía que nosotros sabíamos, así que era un poco incómodo”.

La relación entre Mack y Mercury trascendía lo profesional. Mack describió a su familia como una especie de “familia sustituta” para el cantante, quien pasaba tiempo en su casa, jugaba al tenis de mesa y al fútbol con los niños, y los llevaba a restaurantes elegantes al menos dos veces por semana.

Esta conexión especial se reflejó en la música, comenzando con “Crazy Little Thing Called Love”, el primer éxito número uno de Queen en Estados Unidos en 1980. Mack recordó cómo Mercury, después de unas cervezas, tomó una guitarra y tocó el inicio de la canción, marcando el comienzo de una racha de éxitos.

Ese mismo año, “Another One Bites the Dust” se convirtió en otro éxito en las listas. Mack explicó que, aunque inicialmente nadie veía el potencial de la canción, el bajista John Deacon insistió en su valor. Mack colaboró en la creación de un loop de batería y añadió sonidos inusuales, lo que finalmente convenció a Mercury de su potencial. “Esto es realmente genial”, dijo Mercury al escucharla, reconociendo su conexión con la escena de clubes.

El éxito de “Another One Bites the Dust” influyó en el giro de Mercury hacia su carrera en solitario con el álbum Mr. Bad Guy, también producido por Mack. Sin embargo, Mack expresó dudas sobre si Mercury habría continuado actuando en sus setenta años, incluso si hubiera vivido más tiempo. “Mencionó que no lo haría cuando estuviera jadeando en el escenario”, comentó Mack, refiriéndose a la inevitable carga del envejecimiento.

El millonario esfuerzo de la hermana de Freddie Mercury por recuperar su legado

Recientemente, se dio a conocer que Kashmira Bulsara, hermana de Freddie Mercury, desembolsó alrededor de 3 millones de libras esterlinas para recuperar más de mil objetos que alguna vez pertenecieron al líder de Queen. Esto después que la antigua pareja de Mercury, Mary Austin, decidiera subastar todos estos artículos, algo que no fue del agrado de Kashmira.

“Kashmira se sintió enfadada y dolida ante la idea de que las posesiones más íntimas de su hermano podrían acabar en manos desconocidas”, declaró una fuente cercana a The Sun.

Por su parte, Mary Austin argumentó que durante años tuvo "la alegría y el privilegio de vivir rodeada de todas las cosas maravillosas que Freddie buscaba y tanto amaba”; no obstante, consideró que ya era tiempo de pasar página y dejar que otros tantos que amaron el legado de Freddie pudieran disfrutar de estos objetos.

Entre la extensa colección que Kashmira logró recuperar se encuentra un una máquina de discos Wurlitzer Modelo 850, vendida por 500.000 dólares; un chaleco pintado a mano con retratos de los seis gatos de Mercury, valuado en 173.000 dólares; una chaqueta militar diseñada para el cumpleaños número 39 de Mercury, que alcanzó un precio de 561.000 dólares; y un borrador de letras manuscritas de la canción Killer Queen, vendido por 344.000 dólares.

La noche del 9 de mayo de 2025 será difícil de olvidar para miles de fanáticos poblanos y visitantes de todo México. The Killers, una de las bandas más influyentes del rock alternativo de las últimas dos décadas, ofreció un espectáculo memorable en el Teatro del Pueblo de la Feria de Puebla.

La presentación, gratuita con boleto de acceso general al recinto, no solo logró una asistencia masiva —estimada en alrededor de 45 mil personas—, sino que también reavivó un debate apasionado: ¿fue este el mejor concierto que ha vivido la ciudad, incluso por encima de la mítica visita de Queen en 1981?

Desde que se anunció la participación de The Killers en la cartelera de la feria, los seguidores comenzaron a organizar viajes, reservar hospedajes y, en muchos casos, acampar desde la noche anterior para obtener un lugar privilegiado frente al escenario.

La expectativa se cumplió con creces cuando Brandon Flowers, carismático líder de la agrupación, apareció en el escenario entre luces deslumbrantes y una producción impecable que incluyó pantallas, efectos visuales y un sonido de primer nivel.

El setlist de la noche fue un recorrido por los himnos más potentes de la banda originaria de Las Vegas: “Human”, “Spaceman”, “Read My Mind”, “Shot at the Night”, “All These Things That I’ve Done” y “Somebody Told Me” retumbaron en un recinto abarrotado, que cantó al unísono cada verso y coreó cada nota con devoción. El cierre, como era de esperarse, llegó con su clásico “Mr. Brightside”, desatando la euforia total del público.

¿Queen o The Killers?

El impacto del concierto fue tal que las comparaciones no tardaron en aparecer. Muchos recordaron la visita de Queen en octubre de 1981, cuando la legendaria banda británica, con Freddie Mercury al frente, se presentó en el Estadio Olímpico Zaragoza como parte de su gira The Game Tour.

Aquellos conciertos, si bien icónicos, también estuvieron marcados por la polémica: tras una interpretación accidentada en Puebla, con parte del público reaccionando de forma hostil, la banda decidió cancelar el resto de sus fechas en México.

El contraste entre ambas presentaciones no solo se mide por el número de asistentes —Queen reunió unas 10 mil personas en su momento, frente a las 45 mil que vieron a The Killers—, sino también por el contexto.

Mientras que Queen marcó un parteaguas en la llegada de actos internacionales a México, The Killers capitaliza una era de acceso más amplio a la música global, redes sociales y producción técnica avanzada. La nostalgia frente a la actualidad; las leyendas clásicas contra los íconos modernos.

Aún sin cifras oficiales de asistencia general a la Feria de Puebla 2025, es evidente que el show de The Killers se perfila como uno de los eventos musicales más importantes en la historia reciente de la ciudad.

Para muchos, ya es “el nuevo concierto más emblemático de Puebla”.

Pablo Padín en la voz, Francisco Calgaro luego reemplazado por Dany Marcos en guitarra, Matías Albornoz en batería y Ezequiel Tibaldo en bajo, se reunieron por primera vez en su ciudad natal, Rosario, en 1998. Su desafío era mayúsculo: ponerse en la piel de Roger Taylor, Brian May, John Deacon y el inigualable Mercury, para interpretar hitos musicales como Bohemian Rhapsody, We Will Rock You, Love of My Life, We Are The Champions o The Show Must Go On, entre tantos otros. Y conmover al público tal como lo hacía la banda oriunda de Londres.

Lo lograron. A tal punto, que la revista Rolling Stone consagró a su show como el homenaje más importante del mundo que haya tenido el conjunto inglés a lo largo de la historia. De hecho, gracias a su profesionalismo, sus cuatro integrantes llegaron a recorrer el planeta entero, cautivando, incluso, a los fanáticos del país de origen de Queen.

Pero, como también son profetas en su tierra, el próximo 9 de mayo se presentarán en el Teatro Gran Rex de Buenos Aires, en el marco de su World Tour 2025. Y, en diálogo con Infobae, su líder habló de esta nueva aventura y del esfuerzo que les demanda estar a la altura de las circunstancias para no defraudar a quienes quieren seguir soñando con ver, ni más ni menos, que a Queen.

—¿Qué van a descubrir los fanáticos en esta presentación?

—En este World Tour 2025 los fanáticos van a poder vivir un viaje completo por la historia de Queen, desde sus grandes clásicos hasta gemas que no siempre son tan conocidas por el público masivo. Hemos trabajado mucho en perfeccionar cada detalle, tanto en lo musical como en lo visual, para ofrecer una experiencia lo más cercana posible a un concierto original de Queen.

—Están considerados como el mejor tributo a la banda británica. ¿Cómo se siente llevar esa responsabilidad?

—Es un honor enorme, pero también una responsabilidad muy grande. Nosotros tenemos un respeto absoluto por la obra de Queen y por el legado de Freddie. No tomamos a la ligera el hecho de que mucha gente nos elija para revivir esos momentos. Cada show lo vivimos como un homenaje sincero, con todo el corazón y la dedicación que se merecen.

—¿Cuánto esfuerzo le demanda poder emular a Mercury, tanto física como vocalmente arriba del escenario?

—Es muchísimo trabajo, y también mucha pasión. Freddie era un artista único por su voz, su energía y carisma en escena. Tratar de acercarse a eso implica entrenar la voz en forma constante y cuidar el físico. Tengo que preparar cada movimiento, entender la forma en que transmitía emociones... Es un trabajo de tiempo completo, pero lo hacemos con amor porque sentimos que vale la pena.

—¿Imaginaban que la banda iba a permanecer por más de un cuarto de siglo al momento de su creación?

—La verdad que no. Cuando empezamos, era simplemente el deseo de rendir homenaje a una banda que nos marcó la vida. Nunca pensamos que íbamos a recorrer el mundo ni que íbamos a tener una carrera tan larga. Pero el amor del público nos fue llevando cada vez más lejos, y hoy seguimos con las mismas ganas que el primer día.

—¿Qué los llevó a querer formar una banda tributo y no una propia?

—Nunca lo pensamos, cuando empezamos no teníamos idea de que íbamos a hacer una carrera de esto. Simplemente era nuestra banda favorita y quisimos homenajearla.

—¿Cómo es la recepción del público en los distintos lugares que visitaron?

—Siempre ha sido increíble. Cada país tiene su propia manera de vivir la música, pero Queen es universal. No importa si estamos en Japón, en Europa, en América Latina o en Estados Unidos: ves la emoción en los ojos del público, ves a generaciones distintas cantando juntas, ves lágrimas, sonrisas, abrazos... Es un privilegio enorme ser testigos de esa conexión humana a través de la música

Kashmira Bulsara, hermana menor de Freddie Mercury, invirtió tres millones de libras esterlinas (aproximadamente 3,7 millones de dólares) para adquirir varias posesiones personales del fallecido vocalista de Queen, evitando que estos objetos terminaran en manos de compradores anónimos en una subasta pública.

The Sun informó recientemente que esta subasta, realizada en Sotheby’s en Londres en 2023, incluyó más de 1.400 artículos personales de Mercury y alcanzó una recaudación total de 40 millones de libras (49 millones de dólares).

La subasta fue organizada por Mary Austin, amiga íntima y exnovia de Mercury, quien heredó gran parte de su patrimonio tras su fallecimiento en 1991. Austin justificó su decisión al señalar que, pese a los años disfrutando de estos objetos, sentía que había llegado el momento de pasar página.

“Durante muchos años tuve la alegría y el privilegio de vivir rodeada de todas las cosas maravillosas que Freddie buscaba y tanto amaba”, comentó Austin, según Euronews. Parte de las ganancias se donaron a la Elton John Aids Foundation y al Mercury Phoenix Trust, una organización benéfica contra el HIV, fundada por los miembros de Queen y el manager Jim Beach.

Kashmira Bulsara, sin embargo, expresó su descontento ante la posibilidad de que los objetos más íntimos de su hermano terminaran fuera del círculo familiar.

Según The Sun, realizó un trabajo minucioso para adquirir las piezas, incluyendo visitas privadas a los lotes antes de la subasta y el envío de su asistente personal como representante en las pujas, siguiendo el desarrollo de los acontecimientos de forma remota.

Una fuente cercana citada por el medio señaló: “Kashmira se sintió enfadada y dolida ante la idea de que las posesiones más íntimas de su hermano podrían acabar en manos desconocidas”.

Entre los objetos adquiridos se destacan una máquina de discos Wurlitzer Modelo 850, vendida por 500.000 dólares; un chaleco pintado a mano con retratos de los seis gatos de Mercury, valuado en 173.000 dólares; una chaqueta militar diseñada para el cumpleaños número 39 de Mercury, que alcanzó un precio de 561.000 dólares; y un borrador de letras manuscritas de la canción Killer Queen, vendido por 344.000 dólares.

Según A Queen of Magic, una fuente cercana al evento aseguró: “Habían reservado un gran presupuesto, por lo que estaban muy contentos con el resultado final, a pesar de pagar mucho más del precio estimado por cada artículo”.

La subasta, titulada “Freddie Mercury: A World of His Own”, atrajo a más de 140.000 visitantes a las salas de exposición de Sotheby’s en Bond Street y contó con compradores de más de 50 países. Según La República, como parte de la presentación, las salas de subastas recrearon espacios del hogar de Mercury en Garden Lodge, su residencia en Londres, incluyendo piezas relacionadas con su amor por los gatos, como libros, pinturas y una versión de la revista “Catmopolitan”.

El desacuerdo sobre la venta refleja tensiones familiares en torno al legado del artista. Austin, además de heredar la mitad del patrimonio de Mercury tras su muerte, también fue quien custodió sus cenizas, honrando el deseo del cantante de mantener su lugar de descanso final en secreto.

Declarándola su “familia” más cercana en la vida, Mercury le dedicó la icónica canción Love of My Life, subrayando la profunda conexión entre ambos. “Para mí es como si estuviéramos casados. Creemos el uno en el otro, y con eso me basta”, dijo el músico sobre Austin, según publicó Vanity Fair.

Sin embargo, la venta de sus pertenencias no fue el primer episodio de disputas relacionadas con su herencia. En los años posteriores al fallecimiento de Mercury, surgieron desacuerdos entre los familiares y Austin, especialmente en torno a propiedades icónicas como Garden Lodge. El conflicto reavivó con esta subasta, marcando un punto de inflexión en cómo la familia y los amigos del artista gestionan su legado.

Este es el caso de Crazy Little Thing Called Love, el icónico tema de Queen lanzado en 1979, escrito por Freddie Mercury en tan solo 10 minutos. Un verdadero testimonio de cómo la inspiración puede surgir en el momento menos esperado, incluso en los lugares más insólitos, publicó IndieHoy.

Un homenaje en forma de canción

Freddie Mercury, quien siempre fue conocido por su versatilidad y por su pasión por la música, encontró en Crazy Little Thing Called Love una forma de rendir homenaje a sus héroes musicales: Elvis Presley y Cliff Richard.

La canción surgió como un tributo espontáneo a estos artistas que habían influido profundamente en el desarrollo musical de Mercury.

Elvis Presley, quien falleció dos años antes de la composición del tema, es la figura más evidente detrás de la sonoridad del tema, con un estilo musical que evoca claramente los años 50.

Así, Mercury canalizó su admiración hacia Presley, y hacia su amigo y colega Cliff Richard, otro de sus ídolos musicales.

El proceso creativo de Crazy Little Thing Called Love se dio en un escenario poco convencional: el Hotel Bayerischer Hof en Munich.

Durante una de las largas y exhaustivas sesiones de grabación de Queen en la ciudad alemana, Mercury encontró un momento de descanso. “En lugar de relajarse de la manera habitual, se adentró en una creación veloz, que surgió mientras se encontraba en la bañera.”

Roger Taylor, baterista de Queen, relató que la canción nació mientras Mercury se tomaba un descanso en el baño. En ese instante, Mercury estaba relajándose, dando forma a una canción que sería rápidamente un éxito mundial.

Taylor explicó que, cuando llegó al lugar de ensayo, la canción ya estaba casi terminada. Brian May, guitarrista de la banda, corroboró esta versión, afirmando que Freddie había trabajado en la canción de manera rápida, con el claro deseo de transmitir su amor por Elvis y Cliff Richard.

Freddie Mercury y su relación con Elvis Presley

En Freddie Mercury: A Life in His Own Words, el propio Mercury reveló que su interpretación vocal en Crazy Little Thing Called Love tenía un toque similar al de Elvis Presley. Sin embargo, el cantante aclaró que no fue una imitación deliberada de la voz de Presley.

“Mercury explicó que, al cantar la canción en tonos bajos, su voz adquirió un timbre cercano al del legendario cantante.” De acuerdo con Mercury, fue una coincidencia que su interpretación vocal evocara a Elvis, dado que Crazy Little Thing Called Love es una canción que homenajea los sonidos de la época dorada del rock and roll.

Este tipo de influencias y homenajes no eran algo nuevo en la carrera de Freddie Mercury, quien constantemente se mostró como un artista que se nutría de sus ídolos, pero que al mismo tiempo supo incorporar esos sonidos a su propia identidad musical. Así, Crazy Little Thing Called Love se convirtió en un vehículo para canalizar esas influencias sin dejar de ser un tema que definiera a Queen como una banda con un estilo propio y único.

El sonido y la estética de la canción

Musicalmente, Crazy Little Thing Called Love se presenta como un claro tributo al rock and roll de los años 50. Con su ritmo contagioso y pegajoso, la canción recuerda a los grandes éxitos de Elvis Presley, pero, al mismo tiempo, ofrece una frescura única que refleja el sello de identidad de Queen.

A lo largo de la pieza, se puede escuchar una instrumentación influenciada por los sonidos clásicos del rock, con una guitarra que recuerda las melodías características de la época y una percusión rítmica que mantiene la energía vibrante y enérgica.

Freddie Mercury, con su excepcional capacidad para interpretar, transmitió en Crazy Little Thing Called Love un estilo que mezcla nostalgia con modernidad. “Aunque la canción se inspira en los años 50, el toque personal de Mercury y la banda asegura que, a pesar de su clara influencia, la pieza no se siente como una mera copia, sino como una reinvención de un estilo clásico dentro del contexto de Queen.”

Un éxito inmediato y su legado

La canción, que se grabó de manera rápida y enérgica, pronto se consolidó como uno de los mayores éxitos de Queen. Crazy Little Thing Called Love fue un homenaje a los ídolos musicales de Mercury, y una declaración de cómo su banda sabía reinventar los géneros musicales con su propio toque único. La canción se convirtió en un clásico de la banda y sigue siendo uno de los temas más queridos por los fans de Queen alrededor del mundo.

Lo que hace tan especial a Crazy Little Thing Called Love es que, a pesar de su simplicidad en su proceso de creación, logró captar la esencia de un género y adaptarlo a los tiempos de Queen, con la potencia de la voz de Mercury y el sonido característico de la banda. La canción sigue siendo un testamento al talento de Freddie Mercury para fusionar influencias pasadas con una visión innovadora del futuro.

Crazy Little Thing Called Love es un homenaje a Elvis Presley y Cliff Richard, y una prueba de cómo Freddie Mercury logró capturar en unos minutos lo que muchos compositores tardan años en plasmar.

Su habilidad para fusionar su admiración por los íconos del rock con su propio estilo creativo dejó un legado musical que, más de 40 años después de su creación, sigue resonando en los corazones de los fanáticos de Queen.

Roy Thomas Baker, productor musical británico reconocido por su trabajo con Queen en la grabación de Bohemian Rhapsody, murió el 12 de abril de 2025 en su domicilio en Lake Havasu City, Arizona, según informó el medio People. Tenía 78 años. La causa del fallecimiento no fue revelada públicamente por su familia ni por representantes oficiales.

A lo largo de una carrera de más de cinco décadas, Baker produjo álbumes y sencillos emblemáticos del rock británico y estadounidense, colaborando con grupos como Foreigner, Alice Cooper, The Cars, Ozzy Osbourne, Smashing Pumpkins, Guns N’ Roses, Cheap Trick, entre otros. Su enfoque técnico y creativo influyó en la evolución del sonido del rock de los años setenta y ochenta.

Nacido en Londres, Baker inició su carrera como ingeniero asistente y llegó a convertirse en uno de los productores más solicitados de su generación. Entre sus logros figura su inclusión en el Salón de la Fama de los Grammy en 2004, así como múltiples producciones para bandas de proyección internacional.

¿Quién fue Roy Thomas Baker en la industria musical?

Roy Thomas Baker nació el 10 de noviembre de 1946 en Hampstead, un barrio del norte de Londres. Su primer trabajo profesional fue en Decca Studios, donde colaboró como asistente con los productores Gus Dudgeon y Tony Visconti. Desde esa posición, participó en la grabación de artistas como David Bowie, The Rolling Stones, Dusty Springfield, The Who y Yes.

Posteriormente, se trasladó a Trident Studios, donde dio un giro en su carrera al trabajar con la banda Queen, lo que marcaría una relación profesional clave en su trayectoria.

¿Qué álbumes de Queen produjo Roy Thomas Baker?

Baker fue el productor de los primeros cuatro discos de Queen: Queen (1973), Queen II (1974), Sheer Heart Attack (1974) y A Night at the Opera (1975). Este último incluyó el tema Bohemian Rhapsody, cuya grabación es considerada una de las más complejas y ambiciosas en la historia del rock.

En una entrevista concedida a Mix Online en 1999, Baker explicó que la producción de Bohemian Rhapsody se organizó en tres bloques: introducción, sección operística y cierre rockero. Añadió que Freddie Mercury insistía en añadir voces adicionales, particularmente en la parte central, con múltiples repeticiones del término “Galileo”. Esta dinámica alargó el proceso, que se extendió por semanas de trabajo técnico.

¿Qué artistas trabajaron con Roy Thomas Baker además de Queen?

Tras su etapa inicial con Queen, Baker produjo temas destacados como Just What I Needed, My Best Friend’s Girl y Good Times Roll de The Cars; Alright Now del grupo Free; y Bang a Gong (Get It On) de T. Rex. También se asoció con Devo, Cheap Trick, Sammy Hagar y Journey, con quienes colaboró tras su mudanza a Estados Unidos a fines de la década de 1970.

En Estados Unidos firmó contrato con Elektra Records, lo que le permitió trabajar con figuras como Lindsey Buckingham, Joe Lynn Turner y Mötley Crüe, ampliando su influencia dentro del rock comercial de los años ochenta.

¿Qué dijeron los músicos sobre Roy Thomas Baker tras su muerte?

El baterista de Queen, Roger Taylor, declaró que Baker aportó disciplina al estudio de grabación, manteniendo un alto estándar técnico durante sus sesiones. También lo recordó por su afición a los postres y su actitud detallista, según declaraciones recogidas por People.

Neal Schon, guitarrista de Journey, señaló que Baker fue determinante en el álbum Infinity (1978), introduciendo técnicas de grabación que la banda no había utilizado anteriormente. El guitarrista expresó que aprendió nuevos métodos durante esa colaboración.

Elliot Easton, guitarrista de The Cars, indicó que Baker fue esencial en el sonido del grupo, y destacó su sentido del humor y su capacidad para crear un ambiente relajado. Mencionó también su gusto por la cocina y su influencia personal en el proceso creativo.

¿Cuáles fueron los premios y reconocimientos de Roy Thomas Baker?

Baker fue nominado a dos premios Grammy a lo largo de su carrera. En 2004, fue incorporado al Salón de la Fama de los Grammy por su contribución al desarrollo técnico y artístico de la música grabada. Su estilo de producción, que combinaba el uso avanzado de la tecnología con decisiones estéticas de vanguardia, fue adoptado por otros productores y bandas en años posteriores.

Estaba casado con Tere Livrano Baker, quien sobrevive tras su fallecimiento. Hasta el momento, no se han difundido detalles sobre ceremonias conmemorativas ni homenajes oficiales.

¿Cuál es el legado de Roy Thomas Baker en la música?

El trabajo de Roy Thomas Baker se distingue por el uso de técnicas de grabación multicanal, estructuras no convencionales en las composiciones y un enfoque artesanal en la producción de álbumes. La canción Bohemian Rhapsody, producida en 1975, sigue siendo uno de los ejemplos más estudiados en escuelas de sonido por su complejidad técnica y por la decisión de mantener su duración completa en radio, algo inusual para la época.

Además de su trabajo con Queen, su aporte a bandas como The Cars, Journey y Free lo posicionó como un facilitador del paso del rock progresivo al sonido más pulido del rock de estadio. Su carrera se mantuvo activa durante décadas, con incursiones en distintos subgéneros del rock, pop y hard rock.

Las disputas entre estrellas del rock son casi tan legendarias como su música. Ya sea en los camerinos o incluso sobre el escenario, los roces entre artistas son parte del folclore de este género.

Sin embargo, una de las más recordadas es la que protagonizó Steve Walsh, vocalista de Kansas, en contra de Freddie Mercury, el icónico líder de Queen.

Durante una entrevista en 2003 con Gary James para el portal Classic Bands, Walsh rememoró sus días de gira con Mott The Hoople y Queen en la década de los 70. Aunque en general elogió a sus colegas músicos, su tono cambió radicalmente al mencionar a Mercury.

“Queen y Mott The Hoople eran fantásticos. Gente realmente amable, excepto Freddie, el cantante de Queen. Él era un imbécil. Pero todos los demás fueron geniales. Todos los chicos de Mott The Hoople fueron fantásticos. Se portaron de maravilla con nosotros”, expresó.

El entrevistador no dejó pasar la oportunidad y pidió detalles sobre ese altercado. Ante esto, Steve Walsh calificó a la fallecida estrella como “una diva”.

“Era una primadonna… una diva, por así decirlo. Esa palabra no pretendía ser un cumplido, aunque mucha gente lo considere así. Eso es una tontería. Eso es tener un ego más grande que tu talento, más grande que tu mérito. Eso es ser una diva. Eso es ser una primadonna, y eso es lo que era Freddie”, señaló.

Curiosamente, el compañero de banda del vocalista en Kansas, Rich Williams, ha tenido palabras completamente opuestas, describiendo a todos los miembros de Queen —incluido Mercury— como personas cordiales y profesionales.

Además, no hay registros de que Freddie Mercury, quien falleció el 24 de noviembre de 1991, haya hablado mal públicamente de Steve Walsh durante su vida.

Freddie Mercury y su enemistad con otros músicos del rock

Cabe destacar que esta crítica por parte de Walsh no es única que ha recibido el líder de Queen. A lo largo de los años, otras figuras del rock también han tenido enfrentamientos con el cantante.

En una entrevista con la revista Uncut, Paul Weller se refirió a Freddie Mercury de manera despectiva al comentar: “Dijo que quería llevar el ballet a la clase trabajadora. Qué imbécil”.

Por si fuera poco, Sid Vicious, de los Sex Pistols, intentó intimidarlo, aunque terminó siendo rápidamente expulsado —y humillado— por el propio Freddie.

De acuerdo con Peter Hince, técnico de Queen, durante un día de grabación Sid entró al estudio con aires de grandeza para burlarse del cantante por la misma situación que Paul Weller lo insultó.

“De repente oímos una voz: era Sid Vicious, quien había entrado, y estaba claramente agotado. Y gritó en la sala: ‘¿Ya han logrado acercar el ballet a las masas?’”, relató en una entrevista.

Luego Freddie le respondió: “Estamos haciendo todo lo posible, cariño” y cuando el bajista se acercó a él lo tomó de su chaqueta para empujarlo hasta la puerta.

Posterior a este incidente, Sid Vicious dijo en una entrevista a BBC Radio One lo que realmente piensa de Freddie Mercury.

“Las imágenes no pueden expresar lo repugnante que es ese tipo. Es absolutamente horrible. Es como un viejo turco. Tiene una enorme sombra azul que le llega hasta debajo de los ojos. Y una voz repugnante. Y canturrea como diciendo: ‘Oh, el ballet está genial esta temporada’. Es absolutamente horrible. Nunca he conocido a nadie como él”, expresó.

En definitiva, ni siquiera los grandes están exentos de controversia. Y si bien Freddie Mercury es considerado una de las voces más extraordinarias de la historia del rock, está claro que no logró ganarse a todos en el camino hacia la cima.

El inesperado tributo a Freddie Mercury se convirtió en uno de los momentos más comentados del primer día de Coachella 2025, no solo por la calidad del cover, sino también por el regreso de May a los escenarios tras superar un problema de salud.

El homenaje a Queen

La emocionante performance se produjo hacia el final del set de 11 canciones que llevó Boone para su debut en el festival. En un gesto de respeto y admiración hacia la banda británica, Benson apareció en escena luciendo una capa de armiño, similar a la que Freddie Mercury utilizó durante la gira de despedida de Queen en 1986.

La imagen evocó de inmediato al inolvidable líder del grupo y preparó el escenario para uno de los momentos más emotivos de la noche.

Boone se sentó al piano para interpretar la intro de la canción de 1975. Cuando llegó el famoso solo de guitarra, Brian May emergió desde debajo del escenario sobre una plataforma, con su emblemática guitarra roja, desatando la euforia de los espectadores.

Tras ejecutar el solo, May desapareció momentáneamente de escena, solo para reaparecer y terminar la canción junto a Boone, quien en un momento incluso saltó por encima de la cabeza del guitarrista mientras éste seguía tocando.

May también permaneció en el escenario para acompañar a Boone en el último tema de su set: “Beautiful Things”, la exitosa balada que catapultó al joven cantante a la fama mundial a principios de 2024.

La aparición de Brian May fue especialmente significativa por motivos personales. El guitarrista, de 77 años, había sufrido un accidente cerebrovascular menor en septiembre del año anterior, que le hizo perder temporalmente el control de su brazo izquierdo.

“Ha sido un poco aterrador”, confesó en un video publicado en su cuenta de Instagram el 4 de septiembre de 2024, aunque también aseguró que se estaba recuperando.

Tras ese susto de salud, el guitarrista se mostró entusiasmado de participar en Coachella con Boone, a quien le dio el sello de aprobación como promesa del pop rock.

“¿Nos vemos felices? ¡Voy a atesorar este momento en el avión con @bensonboone – un verdadero prodigio de 22 años!”. Luego añadió: “Estoy orgulloso y feliz de decir que ahora somos oficialmente amigos”.

El debut de Boone en Coachella no solo estuvo marcado por su inesperado dueto con una leyenda del rock, sino también por el anuncio de su segundo álbum de estudio.

Frente a miles de asistentes, el vocalista y acróbata reveló que su nuevo trabajo se titulará American Heart y saldrá a la venta el próximo 20 de junio. Además, estrenó en vivo el tema que da nombre al disco, una canción con influencias del rock de raíces estadounidenses, a lo Bruce Springsteen.

¿Quién es Benson Boone?

La carrera de Benson Boone ha sido meteórica. En solo tres años pasó de ser una sensación en TikTok a presentarse en los escenarios más importantes del mundo. Su historia comenzó de forma inesperada: durante una batalla de bandas en su escuela secundaria, un amigo le pidió tocar el piano y, ante la ausencia del cantante original, Boone asumió el rol principal.

“Es como si hubiera desbloqueado algo que no sabía que tenía”, recordó en una entrevista con MTV. “Fue la mejor sensación de mi vida”.

En 2021, Boone audicionó para American Idol con una emotiva versión de Punchline, de Aidan Martin. Aunque el jurado quedaba impactado con su voz en cada edicición del programa, él decidió abandonar el show antes de llegar al Top 24. “No quería que la gente dijera que ‘American Idol’ fue lo que me hizo famoso. Quiero que me conozcan por mis canciones”, explicó más tarde en The Zach Sang Show.

Tras su salida del reality, fue fichado por Night Street Records, el sello de Dan Reynolds, vocalista de Imagine Dragons, y en 2024 fue telonero de Taylor Swift durante una de las fechas del Eras Tour en Londres.

Brian May, el legendario guitarrista de Queen, brindo una entrevista con el medio MOJO a principios de abril. En esta, el músico de 77 años reveló, entre otras cosas, la canción de la banda que no disfrutó grabar.

Lo cierto es que, a lo largo de su trayectoria, Queen tuvo varios problemas internos debido a los radicales cambios que el cantante, Freddie Mercury, implementó en el sonido de la banda. Por ejemplo, “Another One Bites the Dust”, no era del agrado del baterista Roger Taylor, pero aceptó a regañadientes y contra todo pronóstico, se convirtió en todo un éxito atemporal.

Brian May, por otro lado, era un poco más flexible en cuanto a la música, pero las letras sí le llegaban a generar conflicto. Ese fue el caso de otro himno de la banda: “Don’t Stop Me Now”.

Estrenada como sencillo del álbum Jazz en 1978, “Dont’ Stop Me Now” narra la vida de un hombre que sólo quiere divertirse y vivir la vida al máximo, una idea que, como es bien sabido, Freddie Mercury compartió por mucho tiempo.

Esto se lee en el primer verso de “Don’t Stop Me Now”:

Esta noche, voy a pasarla bien de verdad

Me siento vivo

Y al mundo, lo pondré de cabeza, ¡sí!

Estoy flotando en éxtasis

Así que no me detengas ahora

No me detengas

Al parecer, Brian May no consideraba que este mensaje de hedonismo fuera del todo positivo, pero con el tiempo, entiendo que muchas personas encuentran en la canción un espacio donde pueden liberar sus deseos privados.

“En aquel momento, no me sentía cómodo con ‘Don’t Stop Me Now’, probablemente por todas las razones correctas y las incorrectas. Creo que durante mucho tiempo me resistí a darme cuenta de por qué le gustaba a la gente. Ahora creo que a la gente le encanta porque contiene todos sus oscuros sueños de hedonismo, y eso está bien”, reflexionó el guitarrista.

“Don’t Stop Me Now” no es la única canción que May comentó en la entrevista. “Who Wants To Live Forever” es otro tema emblemático de la banda que, muy por el contrario, reflexiona sobre la inmortalidad, la soledad y el dolor de vivir eternamente. Brian aseguró que la gente se le acerca para compartir la cercanía que tienen con esta canción.

“Lo oigo todo el tiempo. La gente me dice: ‘Who Wants to Live Forever’ parece escrita para mí, o para mi madre o mi padre...’ Está en el corazón y la mente de la gente y se convierte en algo personal para ellos. Eso es lo que hace que una canción perdure”.

Queen vs el gangsta rap

Otro tema que llamó mucho en la entrevista fue la revelación de que Queen rechazó la petición de un rapero para samplear un tema de la banda. El incidente se vivió en los años 90′s, cuando el gangsta rap estaba en pleno apogeo. Queen no estaba en desacuerdo con este nuevo sonido, pero sí con las canciones que hicieran apología a alguna clase de violencia.

“Hemos impedido que nuestras canciones se utilicen para promover violencia o abuso. Durante la época dorada del gangsta rap, alguien quiso samplear una de nuestras canciones en un tema que consideramos ofensivo hacia las mujeres, y decidimos no permitirlo”, afirmó May. Sin embargo, también destacó que, fuera de estos casos específicos, las canciones de Queen están destinadas a ser disfrutadas por todos, añadiendo: “Todo arte es un robo”.

El legendario guitarrista Brian May, conocido por ser una de las figuras clave de la icónica banda Queen, ha compartido detalles sobre una decisión que tomó durante el auge del gangsta rap. Según informó Radio X, May rechazó una solicitud de un artista de este género para usar una de las canciones de la banda, argumentando que el contenido de la propuesta no se alineaba con los valores del grupo.

May explicó que la solicitud provino de un rapero cuya identidad no fue revelada, pero que estaba vinculado al estilo conocido como gangsta rap. El guitarrista señaló que la decisión de negar el permiso se debió a que la canción en cuestión promovía actitudes violentas contra las mujeres.

“Hemos impedido que nuestras canciones se utilicen para promover violencia o abuso. Durante la época dorada del gangsta rap, alguien quiso samplear una de nuestras canciones en un tema que consideramos ofensivo hacia las mujeres, y decidimos no permitirlo”, afirmó May. Sin embargo, también destacó que, fuera de estos casos específicos, las canciones de Queen están destinadas a ser disfrutadas por todos, añadiendo: “Todo arte es un robo”.

El impacto de Queen en la música contemporánea

La influencia de Queen en la música moderna es innegable. Según consignó Radio X, las canciones de la banda han sido ampliamente utilizadas por artistas de diversos géneros, especialmente en el ámbito del hip-hop. Un ejemplo destacado es el uso del icónico ritmo de batería de “We Will Rock You”, que ha sido sampleado en al menos 105 ocasiones. Entre los artistas que han incorporado este elemento en sus propias creaciones se encuentran Eminem, con su tema “Till I Collapse”, y Ice Cube, quien utilizó el mismo ritmo en “When Will They Shoot”. Estas colaboraciones indirectas han contribuido a mantener viva la relevancia de Queen en la cultura popular.

Además de ser sampleadas, las canciones de Queen también han sido reinterpretadas en numerosas ocasiones. Un caso que generó gran atención fue la interpretación de “Bohemian Rhapsody” por Kanye West durante el festival de Glastonbury en 2015.

La relación de Brian May con las canciones más emblemáticas de Queen

En sus declaraciones, Brian May también reflexionó sobre su relación personal con algunas de las canciones más populares de Queen. Uno de los temas que mencionó fue “Don’t Stop Me Now”, una de las piezas más exitosas del grupo. Según explicó al medio, en su momento no se sintió cómodo con la canción debido a lo que percibía como una glorificación del estilo de vida hedonista de Freddie Mercury, el icónico vocalista de la banda que falleció en 1991. “En ese momento, no me sentía cómodo con ‘Don’t Stop Me Now’, probablemente por todas las razones correctas e incorrectas”, confesó May. Sin embargo, con el tiempo, llegó a comprender por qué esta canción conecta con el público. “Ahora creo que a la gente le encanta porque contiene todos sus sueños oscuros de hedonismo, y eso está bien”, añadió.

Otro tema que destacó fue “Who Wants to Live Forever”, una canción que, según May, ha adquirido un significado profundamente personal para muchos oyentes. “La gente me dice: ‘Who Wants to Live Forever’ parece que fue escrita para mí, o para mi madre o mi padre. Está en los corazones y las mentes de las personas y se vuelve personal para ellos. Eso es lo que hace que una canción perdure”, explicó el guitarrista.

¿Habrá nueva música de Queen en el futuro?

Han pasado casi tres décadas desde que Queen lanzó su último álbum de estudio, y los seguidores de la banda continúan esperando noticias sobre nueva música. Según detalló el medio MOJO, Brian May no descarta la posibilidad de que esto ocurra. En sus declaraciones, el músico reveló que tanto él como el baterista Roger Taylor siguen trabajando y generando ideas que podrían convertirse en nuevas canciones.

“Creo que podría suceder. Tanto Roger como yo estamos constantemente escribiendo y creando cosas en nuestros estudios. Podría tener el inicio de una canción de Queen justo frente a mí ahora mismo”, comentó May. Sin embargo, también señaló que el proceso creativo depende de si las ideas logran desarrollarse completamente. “Es cuestión de si la idea alcanza la madurez o no. Es si esa semilla puede crecer”, concluyó.

Brian May, el guitarrista de Queen, no es solo reconocido por su virtuosismo musical, sino también por ser uno de los compositores más intrigantes de la historia del rock.

Si bien su presencia en el escenario refleja una actitud audaz y confiada, detrás de su guitarra se esconde un escritor que, como él mismo admite, enfrenta inseguridades similares a las de cualquier artista.

A través de una entrevista reveladora con MOJO, May desvela su proceso creativo, sus influencias inesperadas y las complejidades emocionales que dan vida a sus canciones, algunas de las más emblemáticas de Queen.

Un compositor inseguro

May revela que, a pesar de su éxito, nunca ha dejado de dudar de su habilidad como compositor. “En los primeros días, pensaba: ¿cómo podría estar a la altura de aquellos cuyos temas de los 60 escuchaba, como los de Otis Redding o The Beatles?”, recordó.

Aunque en sus primeros años, el guitarrista de Queen no se consideraba un “escritor”, la presión de crear material propio, influenciado por artistas como Buddy Holly, Jimi Hendrix y hasta Rodgers y Hammerstein, fue una constante en su carrera.

Un ejemplo revelador de la vulnerabilidad detrás de su música es el origen de una de las canciones más potentes de Queen: Tie Your Mother Down. May recuerda cómo, durante un viaje en 1970 a Tenerife, en las alturas del Teide, comenzó a componer un riff que luego se convertiría en un himno de la banda.

Sin embargo, el título inicial de la canción, Tie your mother down, lo hacía dudar. Fue Freddie Mercury quien, con su habitual entusiasmo y sin reparos, le dio la confianza para seguir adelante con el título, una decisión que, con el tiempo, definiría uno de los clásicos más memorables de Queen.

La química creativa en Queen

La historia de Queen está llena de anécdotas que ilustran su peculiar química. A pesar de ser cuatro compositores con estilos marcadamente diferentes, la banda supo fusionar sus talentos, lo que les permitió crear algunas de las canciones más innovadoras del rock.

May, Mercury, Taylor y Deacon, aunque en ocasiones discutían hasta el último acorde, se apoyaban mutuamente en sus respectivas composiciones. “A veces llegábamos a pelear por una sola nota”, dice May, “pero al final, siempre nos uníamos como banda”.

La colaboración y la independencia de cada miembro fueron cruciales para su éxito. Por ejemplo, mientras que May se inclinaba hacia el hard rock y el rock’n’roll, canciones como Another One Bites The Dust de John Deacon o Killer Queen de Freddie Mercury mostraban las otras facetas del grupo, que oscilaban entre el funk, el pop y la balada.

“La gente no entendía cómo podíamos mezclar tantos géneros, pero eso era lo que nos hacía únicos”, afirmó May.

La influencia de la inseguridad y las relaciones

A lo largo de su carrera, May ha explicado que muchas de sus canciones están inspiradas en sus experiencias personales y emocionales. Para él, “las canciones siempre han tratado sobre relaciones, ya sean propias o de otras personas”.

Sin embargo, a pesar de la exposición emocional que sus letras pueden conllevar, May es reacio a profundizar demasiado en su significado, ya que siente que puede “revelar demasiado” y dejar al descubierto una vulnerabilidad que prefiera mantener en privado.

De esta forma, el tema de las relaciones personales y las emociones complejas, como el amor, el desamor y la lucha interna, se ha convertido en el núcleo de muchas de sus composiciones. Who Wants to Live Forever, por ejemplo, es una reflexión sobre la mortalidad, influenciada por su propio sentido de la impermanencia.

May admite que no siempre es fácil escribir sobre sus emociones, pero lo hace porque siente que es un proceso necesario: “Es una forma de ser honesto conmigo mismo”, dijo.

La evolución musical de Queen

Si bien los primeros años de Queen estuvieron marcados por la lucha y la crítica de la prensa, la banda finalmente alcanzó el éxito masivo gracias a su habilidad para reinventarse constantemente.

A medida que el grupo se adentraba en la década de los 80, Queen comenzó a incorporar más sintetizadores y sonidos electrónicos, como se escucha en su álbum Hot Space, pero sin perder su esencia rockera.

“Fue una evolución natural”, explicó May. “Siempre tuvimos que mantener el equilibrio entre la innovación y la tradición del rock”.

Este proceso creativo continuó a lo largo de su carrera, desde Bohemian Rhapsody hasta Radio Ga Ga, cada canción representaba una nueva etapa, un desafío para superarse a sí mismos.

“Lo que nos unía como banda era el deseo de experimentar, de probar cosas nuevas, pero también de seguir siendo nosotros mismos”, recordó May.

La colaboración con David Bowie

Uno de los momentos más icónicos de la historia de Queen fue su colaboración con David Bowie en Under Pressure. Esta colaboración, que surgió de forma casi espontánea en los estudios de Montreux, se convirtió en un hito para la banda.

May recuerda la atmósfera creativa que rodeaba la grabación: “Había mucha energía en el aire. Bowie era increíblemente creativo y aportó algo muy especial a la canción”, dijo.

Sin embargo, como en todo proceso creativo en Queen, no estuvo exento de desacuerdos. May, al igual que el resto de la banda, no estaba completamente satisfecho con el resultado final y, con el tiempo, expresó su deseo de remezclar la canción para que reflejara mejor su contribución.

A pesar de todo, Under Pressure sigue siendo una de las canciones más queridas y representativas de Queen, y su impacto en la música es innegable.

La perfección y el futuro

Brian May, a sus 77 años, sigue siendo una figura activa tanto en el escenario como en el estudio. Aunque ha reconocido ser un perfeccionista, admite que la clave para crear la mejor música es encontrar un equilibrio entre el control y la improvisación.

“La música es un arte y una ciencia. Es el equilibrio entre lo planeado y lo instintivo lo que da lugar a las mejores canciones”, concluyó May.

La magia de Queen sigue viva, no solo en sus discos, sino también en la forma en que su música sigue siendo relevante para nuevas generaciones. Hoy, más que nunca, sus canciones siguen resonando en los corazones de millones, un testamento de su legado atemporal.

Si bien no hay certeza sobre si habrá más canciones de Queen en el futuro, May deja claro que siempre hay espacio para nuevas ideas. “Podría pasar, las ideas siguen surgiendo, pero todo depende de si esas ideas crecen y maduran”, concluyó el guitarrista, dejando abierta la puerta a un posible retorno musical.

En un mundo donde el consumo de música se mide en miles de millones de reproducciones, las bandas de rock enfrentan un desafío significativo para mantenerse relevantes en la era del streaming.

Según informó Billboard, a pesar de que el rock sigue siendo el segundo género más grande en los Estados Unidos, su presencia en plataformas está muy por detrás de géneros como el R&B/hip-hop y el pop.

En 2024, solo una banda de rock, Linkin Park, logró superar la marca de los 2 mil millones de reproducciones anuales en los Estados Unidos, alcanzando 2,25 mil millones. Este dato resalta la brecha entre el rock y otros géneros que dominan el panorama digital.

La brecha en el consumo de música digital

De acuerdo con Billboard, el R&B/hip-hop lideró, en los Estados Unidos, con un 27,2% de las unidades de consumo, superando al rock por un margen de 1,7%. Sin embargo, cuando se trata de lanzamientos recientes, la cuota de mercado del rock cae a un 11,9%, menos de la mitad de su participación total que incluye títulos de catálogo.

Este descenso refleja la dificultad de las bandas de rock para adaptarse a las nuevas dinámicas de consumo musical, donde el éxito se mide en miles de millones de reproducciones.

El éxito en streaming: un terreno dominado por otros géneros

El medio Billboard detalló que en 2024, 51 catálogos de artistas superaron las 2 mil millones de reproducciones en los Estados Unidos, pero solo uno de ellos pertenecía al rock.

En contraste, géneros como el R&B/hip-hop y el pop no solo alcanzan esta cifra con regularidad, sino que algunos artistas incluso superan las 3 mil millones de reproducciones anuales.

Por su parte, artistas como Taylor Swift y Drake lideran con promedios anuales de 10,74 mil millones y 9,2 mil millones de reproducciones, respectivamente, durante el período de 2020 a 2024.

Bandas de rock que alcanzan el hito de mil millones de reproducciones

A pesar de estos desafíos, algunas bandas de rock lograron mantenerse relevantes en el ámbito del streaming. A su vez, Billboard reportó que ocho bandas de rock superaron el hito de mil millones de reproducciones anuales durante los últimos cinco años.

Entre ellas, se encuentran Imagine Dragons, que incluso alcanzó los 2 mil millones de reproducciones en 2022 y 2023, y The Beatles, con un promedio anual de 1,91 mil millones de reproducciones. Otras bandas como Queen, AC/DC, Maroon 5, Coldplay y Twenty One Pilots también mantuvieron un promedio superior a mil millones de reproducciones anuales.

El reto de las bandas clásicas

Sin embargo, muchas bandas icónicas como Led Zeppelin y Pink Floyd alcanzaron el hito de mil millones de reproducciones en los últimos cinco años.

Según Billboard, Led Zeppelin promedió cerca de 931 millones de reproducciones anuales, mientras que Pink Floyd alcanzó un promedio de 844 millones. Otras bandas como Guns N' Roses, Aerosmith y Van Halen se encuentran en un rango de 500 a 800 millones de reproducciones anuales.

El valor económico del streaming para el rock

A pesar de no alcanzar las cifras enormes de otros géneros, el streaming sigue siendo una fuente significativa de ingresos para las bandas de rock.

Billboard estima que 300 millones de reproducciones pueden generar cerca de 1,6 millones de dólares en ingresos por grabaciones maestras. Este dato subraya la importancia de las platafomas como una fuente de ingresos vital para los artistas, incluso aquellos que no dominan las listas de reproducción.

Según Express Uk, fue en ese contexto que Brian May, el legendario guitarrista de la banda, concibió la idea de un himno que lograra la total participación del público en los conciertos.

La inspiración llegó después de un recital en Bingley Hall, Stafford, cuando el público sorprendió a la banda entonando espontáneamente el clásico himno futbolístico You’ll Never Walk Alone.

May recordó en una entrevista con la Radio Ux: “Nos dejó completamente atónitos y conmovidos, fue una experiencia realmente emocional”. Esta revelación lo llevó a reflexionar sobre la creciente interacción entre los músicos y el público, una dinámica que hasta ese momento no era común en los conciertos de rock.

En aquel entonces, las presentaciones en vivo consistían en la banda tocando y la audiencia reaccionando al final de cada tema, pero no participando activamente en la interpretación.

Según American Songwriter, esto motivó a May a crear una canción que integrara a los espectadores como parte esencial de la ejecución, permitiendo que el público marcara el ritmo con aplausos y pisadas.

Después de aquella noche en Stafford, tanto May como Freddie Mercury trabajaron en la idea de componer himnos que generaran ese mismo efecto.

De manera independiente, Mercury escribió “We Are the Champions", mientras que May creó “We Will Rock You”. Aunque no se trató de una competencia entre ellos, ambos tenían el mismo objetivo en mente: componer canciones que se convirtieran en cánticos masivos.

“Freddie buscaba algo más melódico y grandioso, mientras que yo quería algo más básico, algo que la gente pudiera cantar sin necesidad de instrumentos” explicó May en diálogo con The Wall Street Journal.

“We Will Rock You” nació con un concepto musical simple, pero efectivo, basado en un patrón de dos pisadas y una palmada que cualquier multitud podía replicar fácilmente.

Según American Song Writer, el proceso de grabación de la canción se llevó a cabo en los estudios Wessex, ubicados en una antigua iglesia en Londres.

Desde el inicio, May tenía claro que la canción no incluiría batería ni bajo, un planteamiento inusual para una banda de rock.

En lugar de ello, Queen grabó capas de pisadas y palmadas, repitiéndolas y superponiéndolas para generar la sensación de que miles de personas estaban participando.

Para conseguir el sonido preciso, la banda experimentó con diferentes superficies hasta encontrar unas tablas de madera que ofrecían la resonancia adecuada.

“Colocamos varias tablas de madera desordenadas para que sonaran de manera natural cuando las pisábamos. Queríamos que se sintiera como una multitud enorme” explicó May aThe Wall Street Journal.

Además del sonido percusivo, la canción se caracteriza por su estructura de tres estrofas, que relatan tres etapas de la vida de un hombre.

Según explicó May, el primer verso representa a un niño con sueños de grandeza: “Buddy, you’re a boy, make a big noise / Playing in the street, gonna be a big man someday” (Chico, eres un niño, haces mucho ruido / Jugando en la calle, algún día serás un gran hombre).

En la segunda estrofa, ese niño se ha convertido en un joven con ambiciones y fuerza: “Buddy, you’re a young man, hard man / Shouting in the street, gonna take on the world someday” (Chico, eres un joven, un hombre fuerte / Gritando en la calle, algún día enfrentarás al mundo).

Finalmente, el protagonista llega a la vejez, resignado y derrotado: “Buddy, you’re an old man, poor man / Pleading with your eyes, gonna make you some peace someday” (Chico, eres un viejo, un hombre pobre / Suplicando con la mirada, algún día lograrás algo de paz).

“Es la evolución de alguien que quiere cambiar el mundo, que nunca logra controlar del todo su ira, pero que aprende a vivir con ella”, afirmó May a The Wall Street Journal)​.

En su opinión, el tema tiene una fuerte carga de ironía, ya que el estribillo “We will, we will rock you” es un grito lleno de confianza, pero también un reconocimiento de que el poder individual es limitado​.

Una vez que la base rítmica y la voz de Freddie Mercury fueron grabadas, solo quedaba un último elemento: el solo de guitarra de May.

A diferencia de lo habitual, él solo no aparece en la mitad de la canción, sino al final, casi como una firma personal del guitarrista. “No quería interrumpir la estructura de la canción con un solo en el medio, preferí que llegara después de que el público ya hubiera participado” recordó May a The Wall Street Journal.

Para el solo, utilizó su icónica Red Special, la guitarra que había construido junto a su padre en los años 60, conectada a un amplificador Vox AC30 para obtener su característico sonido. Grabó tres tomas distintas y luego seleccionó los mejores fragmentos para la versión final​.

Cuando la canción estuvo terminada, Queen filmó el videoclip en el jardín de Roger Taylor, el baterista de la banda.

De acuerdo a American Songwriter, la grabación se realizó en un clima gélido y en solo tres tomas, ya que en ese momento la discográfica no tenía planeado lanzar “We Will Rock You” como sencillo.

Sin embargo, cuando la canción fue publicada junto a “We Are the Champions” en octubre de 1977, ambas piezas se volvieron inseparables y alcanzaron un éxito inmediato.

Según American Songwriter, en el Reino Unido, el sencillo llegó al puesto número 2 en las listas de popularidad, mientras que en Estados Unidos alcanzó el número 4 en Billboard.

Con el paso del tiempo, “We Will Rock You” ha trascendido como un himno universal que une a las personas en cualquier contexto, desde conciertos hasta estadios y producciones teatrales.

Su estructura simple, su mensaje poderoso y su inconfundible ritmo han asegurado su lugar en la historia de la música. “Hoy en día la gente cree que la canción siempre ha existido, que no tiene un autor, y eso es el mayor cumplido que puedo recibir”, expresó Brian May,

El guitarrista de Queen, Brian May, explicó en su momento que la aparición de Mercury en el escenario se lograría mediante una “ilusión óptica de clase”, superando las técnicas holográficas tradicionales. Esta declaración se produjo poco después de la presentación de un holograma del rapero Tupac Shakur en el festival Coachella, lo que generó comparaciones inmediatas. Sin embargo, el inglés enfatizó que la tecnología empleada para Mercury sería distinta y más avanzada.

Hologramas

Tradicionalmente, los hologramas se crean mediante la grabación de patrones de interferencia de luz láser en una película fotosensible, produciendo imágenes tridimensionales que pueden ser vistas sin necesidad de gafas especiales. Estas imágenes ofrecen una perspectiva en relieve que varía según el ángulo de observación.

En el contexto de los espectáculos en vivo, los hologramas han permitido la “reaparición” de artistas fallecidos, ofreciendo al público la oportunidad de experimentar actuaciones que de otro modo serían imposibles. La proyección de Tupac en Coachella en 2012 es un ejemplo destacado de esta aplicación. Utilizando una combinación de grabaciones de archivo y animación por computadora, se logró una representación realista del artista en el escenario.

La técnica empleada en el caso de Freddie Mercury se basó en una ilusión óptica conocida como “Pepper’s Ghost”. Este método, que data del siglo XIX, utiliza una lámina de vidrio o una película transparente y reflectante para proyectar una imagen sobre el escenario, creando la ilusión de que el sujeto está presente físicamente.

Aunque no es un holograma en el sentido estricto, esta técnica ha sido adaptada y modernizada para producir efectos visuales impactantes en conciertos y producciones teatrales.

La decisión de Queen de utilizar esta tecnología reflejó un interés por fusionar la música con innovaciones tecnológicas, ofreciendo al público una experiencia única. Sin embargo, el uso de hologramas y técnicas similares en actuaciones en vivo ha generado debates sobre la ética y el impacto emocional de “resucitar” a artistas fallecidos. Algunos argumentan que estas representaciones pueden honrar el legado de los artistas, mientras que otros consideran que podrían trivializar su memoria.

Después de la actuación de Queen en el Dominion Theatre de Londres, los músicos repitieron la fórmula en otros eventos, como la clausura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.

En 2023, Brian May comentó que las innovaciones tecnológicas eran una gran solución para mantener la el arte de los músicos.

Desde entonces, la tecnología holográfica ha seguido avanzando. Investigadores de la Universidad de Tokio han desarrollado sistemas que permiten crear hologramas táctiles, utilizando emisores de ultrasonidos para generar sensaciones táctiles en el aire. Esta innovación abre nuevas posibilidades para la interacción con imágenes tridimensionales, ampliando las aplicaciones potenciales en campos como la medicina, la educación y el entretenimiento.

Además, empresas como Looking Glass Factory han desarrollado sistemas que convierten fotografías bidimensionales en hologramas tridimensionales, permitiendo visualizar imágenes desde diferentes ángulos sin necesidad de dispositivos especiales. Estas tecnologías están acercando la holografía al uso cotidiano, con aplicaciones que van desde marcos de fotos digitales hasta herramientas para diseñadores y artistas.

En el ámbito del entretenimiento, la holografía ha permitido la creación de experiencias inmersivas, como conciertos donde artistas virtuales interactúan con el público en tiempo real. Estas aplicaciones plantean preguntas sobre los límites entre lo real y lo virtual, y cómo la tecnología puede influir en nuestra percepción de la presencia y la ausencia.

En 1984, mientras el mundo estaba fascinado con los éxitos electrónicos y potentes de Queen, como “Radio Ga Ga”, el álbum The Works revelaba un tesoro emocional poco común: “It’s a Hard Life”. La canción, escrita por el legendario Freddie Mercury, emergía como una introspección sincera sobre los altibajos del amor, con una mezcla única de melancolía y grandeza musical.

Aunque no es de las canciones más populares de la banda, “It’s a Hard Life” se convirtió en una de las favoritas del guitarrista Brian May y en un himno atemporal para aquellos que han experimentado el dolor y la belleza de las relaciones humanas.

La historia detrás de la canción

Freddie Mercury compuso “It’s a Hard Life” en un momento en el que su vida personal y artística estaban marcadas por intensas emociones. Lanzada como parte del álbum The Works, la canción dura poco más de cuatro minutos y está cargada de una sinceridad lírica que recuerda a otras obras icónicas como “Bohemian Rhapsody”. Sin embargo, lo que hace única a esta pieza es su enfoque directo y personal, inspirado por las propias experiencias amorosas del cantante.

Brian May, guitarrista de Queen, compartió en el documental Greatest Video Hits 2 (2003) detalles sobre el proceso creativo detrás de esta obra maestra: “En mi opinión, esta es una de las canciones más hermosas que Freddie jamás haya escrito”. Además, contó que el proceso de creación fue un acto de vulnerabilidad: “Me senté con él durante horas y horas, simplemente pronunciando cada palabra y tratando de aprovecharla al máximo. Es algo muy revelador sobre cómo son las relaciones y él estaba hablando de su relación”.

Un mensaje profundo sobre el amor

La letra de “It’s a Hard Life” es una meditación conmovedora sobre el amor, con líneas como “I don’t want my freedom / There’s no reason for living with a broken heart” (No quiero mi libertad / No hay razón para vivir con un corazón roto), que encapsulan el desgarro emocional que Freddie Mercury transmitía a través de su voz.

Como explicó May, “It’s a Hard Life” se construyó en torno a un Freddie “bastante abierto” sobre sus experiencias personales durante el proceso de composición.

Musicalmente, ese tema es una pieza que combina el rock tradicional de Queen con elementos de música clásica. La introducción al piano, ejecutada por Mercury, establece un tono melancólico que se desarrolla a lo largo de la pieza. Asimismo, la guitarra de Brian May aporta solos emotivos que complementan la voz principal, mientras que la orquesta de cuerdas añade una capa de dramatismo y profundidad sonora.

La composición tiene un eco nostálgico que recuerda a “Bohemian Rhapsody”, pero con una identidad propia. El uso de armonías vocales y la integración de instrumentos clásicos con el estilo característico de Queen crean una atmósfera única. Este enfoque musical fue esencial para transmitir el mensaje de la canción, haciendo que los oyentes no solo escuchen las palabras, sino que también sientan la intensidad emocional que estas conllevan.

En tanto, el video musical, filmado en Múnich, Alemania, es otro elemento destacado de la canción. Con un enfoque teatral y extravagante, presenta a los miembros de Queen en un ambiente dramático que complementa perfectamente el tono de la canción. Aunque algunos lo consideran extravagante, el clip refuerza el carácter único de la pieza.

Más de tres décadas después de su lanzamiento, “It’s a Hard Life” sigue resonando en aquellos que encuentran en sus letras y melodías un espejo de sus propias experiencias. Como declaró Brian May, esta canción no es solo una obra de arte musical, sino también un testimonio del genio y la humanidad de Freddie Mercury.

El legendario guitarrista de Queen, Brian May, ha superado un difícil episodio de salud que ocurrió en septiembre de 2024, cuando sufrió un derrame cerebral menor que afectó su capacidad para controlar el brazo izquierdo.

Esta semana, su esposa, la actriz Anita Dobson, ha compartido más datos alentadores sobre su estado de salud con The Mirror. Ella aseguró al medio que May se encuentra “más estable” y ha retomado tanto el piano como la guitarra, instrumentos esenciales en su vida y carrera artística. “Solo esperamos que no tenga recurrencia”, añadió.

El episodio médico, descrito por May como un “susto de salud” que ocurrió “de repente, de la nada”, le dejó sin control sobre su brazo izquierdo y lo llevó de emergencia al hospital Frimley Park en Surrey, Reino Unido.

“Fue un poco aterrador”, admitió el guitarrista en un mensaje a sus seguidores en redes sociales. Asimismo, agradeció la calidad de la atención médica que recibió durante su tratamiento inicial.

Según detalló en ese momento, la indicación de los doctores fue mantenerlo “en reposo absoluto”, y le prohibieron conducir, viajar o realizar actividades que incrementaran su ritmo cardíaco.

En las semanas siguientes, May comenzó un proceso de rehabilitación con ejercicios graduales para recuperar el control y la fuerza de su brazo. El rockero temía no poder volver a emplear el instrumento de cuerda, pero el pronóstico era positivo.

“Él no intentó tocar [un instrumento] hasta que había recuperado bastante movilidad. Y luego, muy lentamente, empezó a tomar una guitarra acústica y a ejercitar los músculos. Muy rápidamente, todo volvió a conectarse”, comentó Dobson (75) a The Mirror.

La actriz señaló que la estrategia ha consistido en “reentrenar los mensajes del cerebro hacia ese brazo, para que entienda que puede hacer lo que solía hacer”. Aunque calificó como “terrorífica” esa experiencia, también destacó que May ahora puede tocar el piano y que disfruta de interpretar piezas de Beethoven en casa. “Es algo muy relajante. Me encanta escucharle”, agregó.

El guitarrista también ha demostrado estar de buen ánimo. En octubre, publicó en sus redes sociales una fotografía junto al grupo The Last Dinner Party tras asistir a uno de sus conciertos en Londres. En el pie de foto, escribió: “Eso era justo lo que necesitaba: una buena dosis de Rock Tonic”.

Las complicaciones médicas de Brian May

La salud del músico ha pasado por varias complicaciones y emergencias en los últimos 4 años. En 2020, sufrió un ataque al corazón debido a obstrucción de arterias, un episodio que él mismo describió como un momento en el que estuvo “muy cerca de la muerte”. En aquella ocasión, los médicos le colocaron tres stents para abrir las arterias congestionadas y estabilizar su estado.

Luego, May lidió con una hemorragia gástrica causada por la medicación posterior al ataque cardíaco. El artista logró superar dichos episodios con un espíritu optimista.

En 2023, May fue nombrado caballero por el rey Carlos III, un reconocimiento a su legado musical y su trabajo en causas benéficas y ambientales. Este título se suma a su destacada carrera, no solo como guitarrista de Queen, sino también como astrofísico y activista por los derechos de los animales.

Ahora que su estado de salud ha mejorado, May y Dobson planean disfrutar de las festividades navideñas viajando a Laponia, un destino que consideran especial para compartir tiempo en familia.

“Vamos a conocer a los elfos”, bromeó Dobson, aludiendo al encanto mágico del lugar. La pareja, que recientemente celebró su 24º aniversario de matrimonio, ha mostrado gran optimismo sobre lo que les espera en los próximos meses.

SongVest, una empresa que facilita a los fans y algunos inversores a comprar acciones fraccionarias de regalías musicales, abrió un período de reserva de “Queen SongShares” para aquellos que deseen adquirir regalías de algunos temas de la banda Queen. Los interesados podrán ingresar a la plataforma desde el jueves 21 de noviembre, hasta el jueves 5 de diciembre a las 20:00 horas (ET) para hacer la compra.

Sin embargo, no todo el catálogo de la agrupación británica está disponible, pues para esta ocasión, las personas solo podrán invertir en cuatro temas del grupo: “Under Pressure”, “It’s A Kind of Magic”, “I Want It All” y “The Show Must Go On”, así como la banda sonora de la película Bohemian Rhapsody.

Cada reserva incluirá un certificado de autenticidad en formato digital y físico por parte de SongShare, una moneda de desafío de edición limitada y un vinilo conmemorativo de 7″ que solo se exhibe. Luego del período de reserva, las SongShares de Queen se enviarán para la calificación de la SEC para la venta pública. Las regalías obtenidas se pagarán trimestralmente a sus dueños.

Recordemos que en julio de este 2024, Queen Productions Ltd, la empresa en la que los miembros sobrevivientes de Queen (Brian May, Roger Taylor y John Deacon) junto con el patrimonio del fallecido líder Freddie Mercury, son accionistas equitativos, vendieron todo su catálogo musical a Sony Music por 1.270 millones de dólares. Además, en el acuerdo se incluyeron los derechos sobre la mercancía oficial y otros negocios en los que el nombre de la agrupación está involucrado

Es así que las regalías en cuestión de los cuatro temas del grupo y la banda sonora de la cinta Bohemian Rhapsody provienen del patrimonio de su difunto coproductor David Richards, quien también trabajó con David Bowie, Duran Duran e Iggy Pop.

Chris Richards, el hijo del productor, dijo en un comunicado que poner en venta las acciones de estos temas significa mucho para él, por lo que invitó a los fans de la música de Queen a que obtengan una pequeña ganancia de estas icónicas canciones, las cuales han recabado millones de dólares a lo largo del tiempo.

“Compartir el trabajo de mi padre con Queen siempre ha sido un privilegio y un regalo, y ver cómo su legado cobra vida a través de SongVest es increíblemente significativo. Estos SongShares no son solo una inversión; son una invitación para que los fans tengan en sus manos un trocito de la magia de Queen y del espíritu creativo de mi padre. La música de Queen ha tocado tantas vidas, y es inspirador saber que ahora los fans pueden conectarse con esa magia de una manera tan personal”, declaró.

Por su parte, Sean Peace, director ejecutivo de SongVest, agregó que el trabajo de Queen con David Richards marcó a generaciones enteras, así que para la empresa es un honor hacer realidad que los fanáticos puedan adquirir regalías de los sencillos que han hecho historia.

“Freddie Mercury y Queen cambiaron la música rock para siempre, creando canciones que han tenido un profundo significado para los fanáticos de todas las generaciones. El legado de producción de David Richards dio vida al arte de Queen y nos sentimos honrados de invitar a los fanáticos a compartir ese legado y ser dueños de una parte de la historia de la música”, comentó.

Además de Queen, SongVest ha ofrecido a los fans de todo el mundo las regalías por las canciones grabadas de importantes artistas internacionales como Beyoncé, Kelly Clarkson, 50 Cent, Cardi B, Sister Hazel, Bad Bunny, Mariah Carey y Eminem. Según datos informados por la empresa, sus ventas totales superan los 15 millones de dólares.

El guitarrista de Queen, Brian May, ha compartido nuevas anécdotas sobre los primeros días de la legendaria banda británica. Su vocalista Freddie Mercury, quien más tarde se convertiría en una de las figuras más emblemáticas del rock, no siempre fue el extraordinario cantante que el mundo llegó a conocer.

En una reciente sesión de preguntas y respuestas, el músico detalló los desafíos que enfrentaron al inicio, señalando que la personalidad y estilo de Freddie fueron algo que el grupo no sabía si encajaría bien en su visión musical.

Un comienzo incierto

En una entrevista con Ultimate Classic Rock, May compartió cómo, al inicio, tanto el comportamiento como la voz de Mercury hicieron dudar a algunos sobre su permanencia en la banda. “Cuando comenzamos a trabajar con él, fue algo desconcertante”, confesó May. “Hacía mucho alboroto, corría por todos lados y gritaba sin parar. Pensábamos: ‘¿Esto funcionará?’” añadió.

En esa temporada, el estilo vocal de Mercury todavía estaba en desarrollo y debía adaptarse a las exigencias de una grabación profesional. Según May, durante las primeras sesiones de grabación de Queen en 1971, el cantante solía repetir varias veces las tomas hasta sentirse satisfecho.

“Freddie escuchó su voz y dijo, ‘Oh, no me gusta. Lo voy a hacer de nuevo’”, recordó el guitarrista. La perfección vocal se convirtió en una búsqueda incansable para él, quien volvía una y otra vez a la cabina de grabación hasta lograr lo que consideraba la mejor versión de sí mismo. “Era muy consciente de cómo sonaba y rápidamente se formó hasta alcanzar el tipo de cantante que quería ser”, acotó el compositor. Y esta característica fue constante en el resto de su carrera.

Los otros integrantes de Queen también compartían sus opiniones y críticas. “Cada vez que uno de nosotros estaba en el estudio, el resto estaba en la sala de control”, explicó May.

“Freddie hacía una toma y preguntaba: ‘¿Qué les parece?’ Yo le decía, ‘Nos gusta esa parte, pero no nos gustó esta otra…’. Y lo mismo ocurría con mis solos de guitarra, donde a menudo Freddie me decía: ‘Eso está bien, pero…’. Nos animábamos a ser mejores todo el tiempo”, añadió en la sesión de preguntas y respuestas.

El legado de Queen

Cincuenta años después del lanzamiento del primer álbum de Queen en 1973, el material ha sido reeditado y remasterizado para capturar la calidad de sonido que May y Taylor consideran representativa de lo que Queen siempre quiso alcanzar.

En la reedición, según explicó May a MOJO, cada instrumento ha sido revisado para lograr una mayor sensación de “ambiente en vivo” que no pudieron plasmar en su versión original. El guitarrista comentó que originalmente grabaron las guitarras de forma muy seca, sin suficiente ambientación, lo que afectó la sensación de cercanía que quería transmitir. “Recuerdo que mi padre me dijo, ‘No siento que esté en la misma habitación contigo’. Ahora, hemos solucionado eso”, afirmó May.

Para ambos músicos, el relanzamiento de Queen I es una manera de hacer justicia a la música que Freddie, John, Roger y él crearon juntos, y que sigue vigente en nuevas generaciones.

Según May, esta revisión también respeta la decisión de John Deacon, el bajista de Queen, quien ha optado por mantenerse alejado de la industria, aunque siempre se asegura de expresar su aprobación cuando May y Taylor deciden lanzar nuevos proyectos bajo el nombre de la banda.

El baterista de Queen, Roger Taylor, ha sorprendido a los fanáticos de la banda al revelar un aspecto inédito sobre el proceso de integración de Freddie Mercury al grupo, un detalle que hasta ahora había permanecido oculto en la historia de uno de los íconos más célebres del rock. La revelación fue realizada durante una reciente entrevista en la que Taylor, quien conoció a Mercury antes de que tomara su nombre artístico, brindó un relato íntimo de los desafíos y la particularidad de ese inicio.

Para entender esta revelación, hay que remontarse a la época en la que Queen aún no existía como tal. A fines de los años 60, Roger Taylor y el guitarrista Brian May tocaban juntos en una banda llamada Smile. Por aquellos años, Mercury, cuyo nombre real era Farrokh Bulsara, era un admirador y amigo cercano del grupo. Taylor recordó cómo el joven Freddie, todavía en busca de su propia identidad musical, solía ofrecer consejos sobre su puesta en escena y el estilo visual de la banda.

“Él ya era único; se notaba que su personalidad se encontraba más allá de lo ordinario”, comentó Taylor en la entrevista con el portal británico Guitar.com. Sin embargo, lo que pocos conocían era que, según el baterista, el propio Freddie tenía ciertas inseguridades sobre su capacidad vocal, una revelación que choca con la imagen de seguridad que Mercury proyectó al mundo.

Mercury insistía en formar parte de la banda, pero Taylor y May eran conscientes de que el estilo extravagante del joven podía ser demasiado arriesgado para un público acostumbrado al rock clásico de la época. “Freddie siempre nos decía que podía hacer algo distinto, que podía llevar el espectáculo más allá de lo que imaginábamos”, detalló Taylor. No obstante, en los primeros encuentros, su estilo aún no encontraba la fuerza y cohesión que lo haría inmortal.

A pesar de ello, fue la insistencia y visión de Freddie lo que eventualmente convenció a sus futuros compañeros de darle una oportunidad. Taylor confesó que, durante aquellos primeros días, llegaron a preguntarse si la personalidad avasallante de Mercury podría encajar con el enfoque musical serio que tenían en mente para la banda. Pero la prueba fue inmediata: con Mercury al frente, su presencia en el escenario transformó por completo la dinámica del grupo.

La narración de Taylor arroja luz sobre la realidad de esos primeros momentos. Según relató, uno de los primeros ensayos de la banda con Mercury fue algo caótico: “La energía era desbordante; él no solo quería cantar, quería dirigirlo todo, desde las luces hasta los movimientos de cada uno”, recordó el baterista, sonriendo al rememorar los desafíos iniciales de trabajar con alguien tan lleno de ideas. Para muchos músicos, una actitud como esa podría haber sido motivo de conflicto, pero Taylor y May supieron ver en ello el potencial de una verdadera estrella.

Esa disposición de Mercury de tomar el mando e innovar en cada aspecto del espectáculo fue, paradójicamente, lo que afianzó la química del grupo. Poco a poco, cada uno de los integrantes fue cediendo espacio a la energía creativa de Freddie, hasta el punto en que Queen ya no podía imaginarse sin él al frente.

Curiosamente, Taylor también reveló un dato poco conocido sobre el propio Mercury: su nombre artístico y la simbología detrás del logo de Queen. “Freddie diseñó el logo basándose en los signos zodiacales de cada uno de nosotros. Era increíblemente meticuloso con esos detalles”, comentó,
emocionado al recordar la sensibilidad artística de su amigo.

El icónico logo de la banda, con leones, cangrejos y hadas rodeando una gran corona, fue el producto de esa visión simbólica de Mercury. Fue un intento de proyectar visualmente la unión y grandeza que quería para Queen. “Era como si Freddie supiera desde el primer día que íbamos a hacer historia”, confesó Taylor. “Él tenía un sentido estético y un instinto para la teatralidad que siempre estaban presentes, incluso antes de que tuviera la experiencia”.

Los comienzos de Mercury en Queen estuvieron marcados por la búsqueda y la experimentación, un proceso que hoy parece evidente, pero que entonces fue un camino de incertidumbre para todos. Las anécdotas compartidas por Taylor resaltan un lado más humano y vulnerable del ídolo que, tras décadas de mitificación, suele quedar opacado.

Según el baterista, los primeros ensayos no estuvieron exentos de tensiones, dado que Mercury buscaba constantemente perfeccionar su imagen y su técnica. Incluso, asegura que Freddie solía practicar durante horas frente al espejo, ensayando gestos y poses, algo que a Taylor y a May les resultaba tanto fascinante como extraño. “Freddie quería ser perfecto; sabía que el escenario iba a ser su templo, y quería dominar cada aspecto de su presencia”, reveló el baterista.

Además, Taylor confesó que hubo momentos de dudas y conflictos sobre cómo integrar la extravagancia de Freddie al sonido que ellos habían imaginado. Pero, con el tiempo, el virtuosismo y la entrega del cantante se volvieron esenciales para definir lo que sería Queen. Esa ambición y búsqueda constante de perfección hicieron que Freddie se ganara el respeto de sus compañeros, quienes, al ver la devoción con la que abordaba su arte, entendieron que habían encontrado al frontman perfecto.

Finalmente, la anécdota de Roger Taylor subraya cómo Queen, desde su mismo origen, estuvo marcado por la mezcla única de talentos, visiones y hasta desafíos personales que sus miembros lograron amalgamar. “Lo que fuimos, lo que somos, no podría haber sido sin Freddie. Nos enseñó a todos a buscar algo más allá de lo evidente”, concluyó, recordando con nostalgia esos primeros días.

Drug Abuse and TrafficKetamine (Drug)Perry, MatthewSangha, JasveenCalifornia

Un año después de la muerte de Perry, Jasveen Sangha está en la cárcel a la espera de juicio, acusada de haberle vendido la ketamina que lo mató.

Unas semanas después de que descubrieran a Matthew Perry flotando boca abajo en un jacuzzi, la mujer que según la acusación suministró la ketamina que mató al actor se encontraba tomando el té de la tarde en un hotel de cinco estrellas de Japón y haciéndose selfies en el espejo mientras modelaba un kimono. Varios meses después, publicó momentos destacados de un viaje a México, donde disfrutó de caviar en el aeropuerto, sentada junto a la piscina en la playa y admirando una bebida dentro de un coco.

A la mujer, Jasveen Sangha, le gustaba compartir en redes sociales imágenes de una vida glamurosa, en las que se codeaba con famosos y viajaba por todo el mundo, a España, China y Dubái.

Pero su hogar era un edificio de mediana altura para aspirantes a la clase alta en North Hollywood, un espacio sin glamour en una parte de la ciudad sin nada especial. Allí, según los fiscales, Sangha fabricó, almacenó y distribuyó drogas ilegales durante al menos cinco años, incluidas las relacionadas con las muertes de Perry y otro hombre.

En marzo, cuando las autoridades registraron el departamento donde Sangha vivía en un cuarto piso, dijeron que habían encontrado cocaína, 79 viales de ketamina y 1,3 kilos de pastillas color naranja que contenían metanfetamina. Los fiscales destacaron en documentos judiciales que sus clientes la conocían como "la reina de la ketamina".

"Dado el volumen de droga que vendía la acusada, es probable que haya más víctimas", escribieron en los documentos judiciales.

Sangha fue detenida inicialmente en marzo por cargos de drogas y puesta en libertad bajo fianza, pero en agosto los fiscales federales presentaron una nueva acusación en la que la acusaban a ella y a otras cuatro personas de haber desempeñado un papel en la muerte de Perry. Un juez revocó su libertad bajo fianza, alegando que existía riesgo de fuga y que representaba un peligro para la comunidad, y la envió a la cárcel a la espera de juicio.

Dos meses después, su nombre seguía apareciendo en un timbre de North Hollywood. El revestimiento de madera de la puerta de su departamento se encontraba agrietado, prácticamente ausente, dejando al descubierto una cerradura rota.

Una mañana reciente, entre semana, una persona de la limpieza se encontraba sobre un banco, ocupada en fregar los armarios del estéril departamento que, según los fiscales, durante años había sido un "almacén".

Parte del 'jet set'

Perry murió el 28 de octubre de 2023 a causa de los "efectos agudos de la ketamina", un potente anestésico que se ha hecho cada vez más popular como terapia para la depresión y que también se utiliza como droga recreativa. El actor, conocido por su papel de Chandler Bing en la comedia Friends de la década de 1990, había escrito abiertamente sobre sus luchas contra la adicción en unas memorias.

Sangha, de 41 años, se ha declarado inocente de los cargos relacionados con la sobredosis de Perry, incluida la distribución de ketamina con resultado de muerte, y está previsto que sea juzgada en marzo; si es declarada culpable de todos los cargos, enfrentaría una pena de entre 10 años y cadena perpetua.

Un portavoz de la fiscalía de EE. UU. declinó hacer comentarios. Cuando se anunciaron los cargos, Martin Estrada, fiscal de EE. UU. en California, dijo en un comunicado: "Los traficantes de drogas que venden sustancias peligrosas están jugando con la vida de otras personas por codicia".

En una entrevista con el programa Today emitida el lunes, Suzanne Morrison, madre de Perry, dijo que estaba "emocionada" de que hubiera personas acusadas, incluyendo a Sangha. El padrastro de Perry, Keith Morrison, expresó su acuerdo.

"Lo que espero, y creo que también lo esperan los organismos implicados, es que aquellos que se han dedicado a suministrar a personas las drogas que la matarán, ahora estén sobre aviso", dijo Morrison. "No importa cuáles sean tus credenciales profesionales. Vas a caer, amigo".

Mark Geragos, abogado cuyo despacho lleva el caso de Sangha, no quiso hacer comentarios. Pero en agosto, en una entrevista con NewsNation,cuestionó cómo podían estar seguras las autoridades de conocer el origen de la ketamina que mató a Perry.

"Que sea una tragedia no significa que sea criminal", dijo.

Sangha se graduó de una escuela de Calabasas, un barrio acomodado de Los Ángeles, en 2001, antes de licenciarse en ciencias sociales por la Universidad de California, campus Irvine, y obtener una maestría en administración de empresas por la Escuela Internacional de Negocios Hult de Londres.

En una cuenta de Instagram, Sangha se promocionaba como curadora de arte y eventos y como una persona del jet set que solía alternar entre Londres y Los Ángeles. Reforzó esa imagen con fotos y videos de piscinas, fiestas de baile y cenas elegantes por todo el mundo, apareciendo con Charlie Sheen, DJ Khaled y Perla Hudson, exesposa del guitarrista Slash. (Los representantes de Sheen y DJ Khaled no respondieron a una solicitud de comentarios. Los intentos de contactar con Hudson fueron infructuosos).

Cuando Sangha cumplió 40 años el año pasado, lo celebró con un vestido de plumas rosa pálido y un sombrero vaquero a juego, según los videos que publicó en internet. En la fiesta, celebrada en el salón Kiss Kiss Bang Bang de un hotel boutique de Los Ángeles, una bola de discoteca que giraba sobre la cabeza emitía luces rosa intenso. Los cómodos asientos vibraban con la música mientras unos recipientes plateados esperaban hielo y champán.

Los fiscales afirman que no está claro cómo Sangha financiaba su estilo de vida --dicen que en varios momentos condujo un Range Rover y un BMW-- y que, al parecer, estaba sin empleo al menos desde 2019. Antes de eso, había estado involucrada durante un tiempo con el salón de uñas Stiletto Nail Bar de Studio City, un barrio de lujo del valle de San Fernando, según los registros del negocio.

Cuando Sangha fue detenida en marzo acusada de tráfico de drogas, su madre, Nilem Sangha, consiguió la fianza de 100.000 dólares para su puesta en libertad, según los registros judiciales.

Nilem Sangha no respondió a las peticiones de comentarios, y varios intentos de contactar con otros miembros de la familia de Jasveen Sangha por teléfono y en persona fueron infructuosos. Una mujer que contestó a un número que figuraba en los registros judiciales de Sangha se negó a hacer comentarios.

Aún se desconoce mucho sobre Sangha, aparte de lo que ha presentado públicamente en internet. En su retrato de fin de curso, en el anuario de la Calabasas High School, aparece con una expresión inescrutable, no muy distinta a la de la Mona Lisa. La cita que lo acompaña dice: "No es lo que dicen de ti, es lo que susurran".

Ketamina mortal

Perry no fue la única persona que murió tras comprar ketamina a Sangha, según alegan los fiscales en la acusación. Los documentos judiciales dicen que Cody McLaury murió de sobredosis poco después de que Sangha le vendiera ketamina en agosto de 2019.

A pesar de saber de la muerte de McLaury, según los fiscales, Sangha siguió distribuyendo drogas ilegales desde su departamento durante los cinco años siguientes.

Sangha se enteró del interés de Perry por la ketamina a través de un conocido que estaba en contacto con el asistente personal del actor y se ofreció a enviarle una muestra, señalan los documentos judiciales. Trató de proyectar un aire de exclusividad, calificando su suministro de "increíble" y diciéndole a su conocido, Erik Fleming: "Toma una y pruébala, tengo más si le gusta".

Dos días después de la oferta, según la fiscalía, Sangha envió al actor una muestra de ketamina en un vial de cristal sin etiquetar con un tapón azul. La fiscalía afirma que Fleming y el ayudante de Perry, Kenneth Iwamasa, actuaron como intermediarios. Al día siguiente, Iwamasa compró 25 viales en nombre de Perry, según la acusación; cuando compró otros 25 viales dos semanas después, Sangha añadió también algunas paletas de ketamina.

Uno de esos 50 viales contenía la ketamina que mató a Perry, según la acusación.

Tanto Fleming como Iwamasa se han declarado culpables de cargos penales. Cuando Sangha se enteró de la muerte del actor a través de las noticias, se apresuró a destruir las pruebas de su implicación, según dijeron los fiscales en los documentos judiciales. "Borra todos nuestros mensajes", le dijo a Fleming.

Ese nivel de cautela pareció disiparse en los meses siguientes, dicen los fiscales.

En julio, no mucho antes de ser detenida en relación con la muerte de Perry, Sangha publicó en redes sociales una foto de una pulsera con varios colgantes de hongos y el mensaje: "Sacando las viejas golosinas de raver #ravetothegrave" (en el rave hasta la tumba).

Los fiscales escribieron posteriormente en un escrito judicial que la publicación parecía indicar que Sangha iba a "persistir en su estilo de vida de drogas hasta la muerte", y que la etiqueta "#ravetothegrave" era "una elección de palabras insensible, teniendo en cuenta que sus acciones han enviado a dos víctimas a sus propias muertes".

Kitty Bennett colaboró con la investigación

Matt Stevens es un reportero de arte y cultura del Times. Más de Matt Stevens

Kitty Bennett colaboró con la investigación

El edificio de North Hollywood donde, según los fiscales, Sangha fabricó, almacenó y distribuyó drogas ilegales durante al menos cinco años. (Morgan Lieberman/The New York Times)

(Michelle Groskopf/The New York Times)

En tributo a la icónica banda de rock ‘Queen’, la Ciudad de México encabezará una exposición en honor al primer al primer álbum de la agrupación británica, dicho homenaje tendrá lugar en una de las Líneas que comprende el Sistema de Transporte Colectivo (STC) Metro, conoce aquí todos los detalles de ésta experiencia musical.

A través de una exposición fotográfica, se dio a conocer que dicho evento se encuentra bajo la colaboración de la Embajada Británica en México, el área de Cultura Metro, y Universal Music México. La muestra titulada “Queen I”, formará parte de una compilación musical que mediante imágenes recorrerá los inicios de la banda de rock.

Exposición de ‘Queen I’ en el Metro

Con el fin de realizar un homenaje a los integrantes de la agrupación inicial, la cual fue conformada por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon; el Metro de la capital rememorará el éxito del primer álbum que publicó la agrupación, el cual yace desde 1973.

Bajo el nombre de ‘Queen I’, la exposición fotográfica se coloca como parte del lanzamiento bajo el mismo nombre, el cual funge como una recopilación musical remezclada y restaurada que rinde homenaje al primer álbum de la banda. Dicha muestra fue inaugurada a manos de Rachel Brazier, Encargada de Negocios de la Embajada Británica en México; Héctor Zenteno, coordinador de Cultura Metro y colaboradores de Universal Music.

¿Cuál será la Línea con la exposición ‘Queen I’?

De acuerdo con el comunicado expedido por la dependencia, ‘Queen I’ estará expuesta en las inmediaciones de la estación Auditorio de la Línea 7 del Metro, que de paso se ubica en la salida al Auditorio Nacional y el nuevo Jardín Escénico. La muestra fotográfica será de acceso gratuito y se podrá encontrar al interior de las vitrinas del subterráneo.

La recopilación histórica-musical contará con un total de 11 imágenes en formato medio, en las cuales se incluirán fotografías recopiladas por el artista Douglas Puddifoot, quien logró capturar algunas imágenes del cuarteto de rock previo a sus inicios promoción de su primer álbum en 1973, además de que se incorporarán medios de su show en el County Ballroom Taunton de Londres, así como los múltiples posters y memorabilia de la época.

De igual manera, la dependencia del subterráneo exhortó a todo el público usuario en asistir como visitantes de tal exposición cultural, puesto que, destacó lo siguiente:

¿Por qué Auditorio es ‘La estación Británica’?

Como dato curioso, la dependencia explicó que la muestra se instalará específicamente en la zona de Auditorio, dado que, esta área también es conocida como ‘La estación Británica’. Dicho apodo reside desde 2018, pues se originó a causa de la colaboración entre el Metro y la Embajada Británica, dado que las instalaciones del subterráneo fueron adaptadas al estilo del transporte londinense, como parte de una campaña para promover la cultura del Reino Unido de Gran Bretaña e Irlanda del Norte

Así que ya lo sabes, sí eres fanático de la agrupación londinense no puedes perderte esta nueva exposición que será de índole temporal, que se encontrará abierta desde este fin semana, la cual promete transportarte a un recorrido musical con ‘Queen’.

John Deacon, exbajista de la legendaria banda Queen, sigue participando en las decisiones del grupo, aunque de manera indirecta. Según declaraciones del guitarrista Brian May a la revista MOJO, Deacon mantiene un papel en el proceso de toma de decisiones, aunque prefiere mantenerse alejado del estrés creativo. May explicó que reciben mensajes de Deacon indicando su aprobación sobre las actividades del grupo, pero que él prefiere no involucrarse activamente.

“John todavía puede decir ‘sí’ o ‘no’. Recibimos mensajes de que está contento con lo que hacemos, pero no quiere el estrés de estar involucrado creativamente, y lo respetamos. Con Freddie no podemos hablar, por desgracia. Pero los cuatro trabajamos en equipo durante tanto tiempo que Roger y yo tenemos una idea bastante buena de lo que dirían nuestros compañeros de Queen. Esto es más largo que el matrimonio de cualquiera”, declaró May sobre la participación de Deacon en la banda.

Desde la muerte de Freddie Mercury, el icónico vocalista de Queen, Deacon ha mantenido un perfil bajo. En una entrevista con The Guardian en julio de 2023, May recordó que Deacon siempre fue sensible al estrés y que la pérdida de Mercury fue particularmente difícil para él.

El emblemático bajista, quien coescribió éxitos como “Another One Bites The Dust” y “You’re My Best Friend”, se retiró oficialmente de la música poco después de la muerte de Mercury. En ese momento, expresó que no veía sentido en continuar sin Freddie, afirmando que era imposible reemplazarlo. A pesar de su retiro, Deacon participó en algunos eventos con Queen, como el Concierto Tributo a Freddie Mercury en 1992 y un concierto benéfico en 1993. Su última aparición en vivo con la banda fue en 1997, durante la apertura de la temporada de ballet en París, donde tocaron “The Show Must Go On” junto a Elton John.

A pesar de la particular dinámica de la agrupación, Queen continúa vigente. Este 25 de octubre, llegará una reedición del álbum debut de la banda, la cuál está cargada de material inédito y remasterizaciones de temas legendarios como “Keep Yourself Alive” y “Seven Seas Of Rhye...”. Brian May aprovechó su conversación con MOJO para reflexionar sobre ese primer álbum que le abrió a Queen las puertas de la fama global.

Uno de los apartados que May destacó del álbum fue la forma tan particular que Freddie Mercury tenía de escribir su las letras.

“El funcionamiento de la mente de Freddie era interesante y a veces oscuro. Realmente no sé de dónde salió su letra para Jesus más de lo que sé de dónde salió Bohemian Rhapsody”, recordó el músico de 77 años.

A 50 años del lanzamiento de este ambicioso disco, May asegura que aún tiene un gran amor por Queen, además de reiterar que la banda nunca se trató de dinero.

“Por supuesto. La pasión sigue ahí. Seguimos enfadándonos si las cosas no van bien, y sigue siendo divertido. Hace poco vendimos nuestros productos a Sony, por supuesto, así que está claro que no hacemos esto por dinero. Cuando me vaya de este planeta, me gustaría saber que he dado lo mejor de mí en todo lo que he tocado”.

Finalmente, May reveló que este tratamiento para el álbum debut de la agrupación se busca replicar para Queen II, una de las producciones más aclamadas dentro de su catálogo. Sin embargo, considera que para su tercer álbum de estudio, Sheer Heart Attack, no es necesario trabajar en una remasterización dado que, para el momento que Queen trabajó este álbum “tenían todo bajo control”.

Cuando hablamos de la realeza del rock británico, es inevitable pensar en Queen, una banda que ha dejado una huella imborrable en la historia de la música. Durante décadas, con su estilo inconfundible y éxitos atemporales, Queen ha sido considerada la cúspide del rock en el Reino Unido. Sin embargo, recientemente, su icónico guitarrista, Brian May, parece haber encontrado a quienes podrían recibir esa corona simbólica.

Tras asistir a un concierto de The Last Dinner Party, una joven banda que está causando sensación, May no dudó en calificarlas como “la nueva realeza del rock británico”. En un gesto que parece casi una ceremonia de traspaso, May no solo las elogió públicamente, sino que también compartió su admiración por su potente actuación en el Eventim Apollo de Londres, insinuando que el legado del rock podría estar en sus manos.

En su cuenta de Instagram, compartió una foto desde el backstage con las integrantes de la banda y escribió: “Esta noche conocí a la nueva realeza del rock británico, The Last Dinner Party, y arrasaron en el Eventim Apollo. ¡Qué gran espectáculo! ¡Qué alegría! Gracias Emily por invitarme. Era justo lo que necesitaba: una buena dosis de Rock Tonic. Amigos, ¡tenéis que ver a estos tíos!”.

La conexión real

La relación entre Brian May y The Last Dinner Party tiene un punto clave: Emily Roberts, guitarrista principal de la banda, fue quien invitó a May al evento. Esta relación va más allá de una simple invitación, ya que Roberts ha mencionado en entrevistas anteriores la influencia que el legendario guitarrista de Queen ha tenido en su forma de tocar. En una entrevista con Total Guitar, Emily confesó que “probablemente [Brian May] influyó en mi forma de tocar el rock más que cualquier otra cosa, porque pasé un verano entero intentando adentrarme en la forma de tocar de él”. También explicó su canción favorita para tocar era “Hammer to Fall”.

El ascenso de The Last Dinner Party

Formada en 2021, The Last Dinner Party ganó terreno rápidamente en la escena musical británica. La banda, compuesta por Abigail Morris, Lizzie Mayland, Emily Roberts, Georgia Davies y Aurora Nishevci, ha cautivado tanto a la crítica como a los fans. Con solo un lanzamiento oficial hasta la fecha, el EP “Prelude to Ecstasy” (febrero de 2024), su canción “Nothing Matters” ya ha causado un gran impacto en sus presentaciones en vivo. Durante su actuación en el Eventim Apollo, que fue inmortalizada por Brian May en un video que compartió en sus redes, la banda interpretó su popular tema mientras confeti llenaba el lugar.

A pesar del rápido ascenso de la banda tuvo que enfrentarse a algunos contratiempos. En septiembre, se vieron obligadas a cancelar varios conciertos en el Reino Unido debido a una enfermedad repentina dentro del grupo. Una publicación en la cuenta oficial de la banda en X anunciaba: “Con gran pesar anunciamos la difícil decisión de cancelar nuestras próximas fechas de gira en Birmingham, Nottingham, Bristol y Southampton debido a una enfermedad imprevista en la banda, y siguiendo el consejo médico, tenemos que priorizar nuestra salud en este momento”. La banda también expresó su tristeza por haber tenido que cancelar previamente conciertos en Lincoln y Cardiff, dejando un mensaje conmovedor para sus seguidores: “Estamos devastadas por no poder compartir estas noches con ustedes”.

Nuevas canciones de Queen tras 30 años

Mientras tanto, la posibilidad de nueva música de Queen ha capturado la atención de los fans. En una reciente entrevista con la revista londinense, Uncut, el baterista de la banda, Roger Taylor, habló sobre la posibilidad de que el grupo publique nuevas canciones después de 30 años. Refiriéndose a una conversación que tuvo con Brian May, Taylor dijo: “Brian y yo estuvimos hablando el otro día, y ambos dijimos que si sentimos que tenemos buen material, ¿por qué no? Podemos seguir tocando. Todavía podemos cantar. Así que no veo por qué no”. Este comentario llega en medio del exitoso Rhapsody Tour, en el que Queen ha colaborado con Adam Lambert como vocalista, lo que subraya que la banda sigue activa y con energía creativa.

Adam Lambert, Brian May y Roger Taylor, integrantes de Queen, han mantenido conversaciones sobre la posibilidad de grabar nuevo material juntos, según una entrevista reciente con Uncut magazine. Aunque no han concretado nada, Taylor mencionó que él y May discutieron la idea y coincidieron en que, si encuentran buen material, podrían llevarlo a cabo.

“Podemos seguir tocando y cantando, así que no veo por qué no”, afirmó Taylor.

En noviembre de 2022, May había comentado a Variety que, aunque el tema de grabar con Lambert surgía ocasionalmente, las giras en vivo consumían todo el tiempo del grupo, dejando poco espacio para considerar proyectos de estudio. Además, Lambert tiene su propia carrera, lo que complica la coordinación para un álbum conjunto. Sin embargo, May no descartó la posibilidad de que en algún momento se concrete.

Hace cuatro años, May y Taylor intentaron grabar una nueva canción con Lambert, pero decidieron no lanzarla. Según Taylor, el tema no se terminó y ni siquiera recordaban el título. May añadió que era una canción prometedora, pero no lograron desarrollarla completamente. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo en Nashville durante una gira de Queen + Adam Lambert por Estados Unidos.

Taylor no descarta la idea de un nuevo álbum de Queen con Lambert como vocalista. “Sería agradable hacer algo”, comentó, y señaló que Lambert está dispuesto a colaborar siempre que lo necesiten. La colaboración entre Lambert y Queen comenzó en 2009 durante “American Idol”, y desde entonces han realizado numerosas giras y actuado en importantes festivales.

Sin embargo, Lambert confesó en 2019 que no se sentía muy cómodo con la idea de grabar nuevo material con Queen. Esto debido a que podría considerarse una falta de respeto al legado de Freddie Mercury.

“La gente siempre pregunta si queremos grabar juntos, y no estoy seguro de que tenga todo el sentido, porque no sería realmente Queen, porque, para mí, Queen es Freddie. Lo que más me gusta es colaborar y armar estos conciertos y crear en el escenario - es súper satisfactorio y excitante. Presentar estas ideas a estos dos señores - especialmente cuando les gusta la idea”, declaró el cantante.

Paralelamente, Brian May no ha dejado de elogiar a Lambert como el único cantante capaz de interpretar todo el catálogo de Queen sin problemas, describiéndolo incluso como un “regalo de Dios”.

Taylor también ha destacado la musicalidad de Lambert y su seriedad al abordar cualquier proyecto.

Cabe destacar que Queen ya tuvo otros vocalistas tras la muerte de Freddie en 1991. Entre 2004 y 2009, Brian y Roger salieron de gira junto a Paul Rodgers, vocalista de bandas como Bad Company, Free y The Law.

En su momento también fue considerado George Michael de Wham! tras su extraordinario performance en el concierto homenaje a Freddie Mercury. Sin embargo, con una postura parecida a la de Lambert, declinó la oferta asegurando que no podría tomar el lugar del legendario cantante.

Lambert, por su parte, ha aclarado que no intenta reemplazar a Mercury, sino mantener viva su memoria e inspirar al público con su legado.

“Nunca va a haber otro, y no voy a sustituirle. No es eso lo que hago. Trato de mantener vivo el recuerdo y recordar a la gente lo increíble que era, sin imitarle. Intento compartir con el público lo mucho que me inspiró”.

Los nombres de las bandas de música suelen ser tan icónicos como sus canciones, convirtiéndose en una parte integral de su identidad y legado. Esta elección puede ser una tarea difícil y llena de significados ocultos o anécdotas curiosas. A lo largo de la historia, muchos grupos han optado por denominaciones que encarnan su esencia, sus influencias y, a veces, hasta caprichos momentáneos.

Desde la escena británica de los años 60 hasta el auge del rock alternativo en los 90, los nombres de las bandas han reflejado culturas, movimientos y visiones únicas del mundo. Algunas veces, nacieron de casualidades, bromas internas o inspiraciones literarias y cinematográficas. Conocer estas historias ayuda a entender mejor a las bandas en cuestión y ofrece una perspectiva fascinante de cómo el lenguaje y la creatividad juegan un papel en la industria musical.

El origen del nombre de las bandas de música

Queen

El término “Queen” fue propuesto por Freddie Mercury, el icónico vocalista del grupo. Antes de convertirse en Queen, la banda tenía otro nombre: “Smile”. Fue el excantante británico el que sugirió el cambio y quien, a pesar de las posibles connotaciones asociadas con el término en ese momento, defendía la idea por diversas razones.

Según Freddie, el nombre “Queen” sonaba regio y majestuoso, además de ser un título universal y fácil de recordar. También tenía el beneficio de su ambigüedad: era fuerte, impactante y, de alguna manera, provocador, cualidades que resonaban con la identidad teatral y extravagante que la banda adoptó a lo largo de su carrera.

BTS

El nombre de la banda surcoreana es una abreviatura de “Bangtan Sonyeondan”, que en coreano significa “Boy Scouts a prueba de balas”. Este nombre fue elegido con el propósito de representar la aspiración del grupo de defenderse de los estereotipos y críticas a las que los jóvenes podrían enfrentarse, reflejando una actitud desafiante y protectora.

Además, el nombre simboliza la idea de que la banda quiere bloquear los estigmas y expectativas que pesan sobre los jóvenes, y enfocarse en transmitir mensajes positivos y empoderadores a través de su música. En 2017, BTS también adaptó el significado de su acrónimo en inglés a “Beyond The Scene”, lo que refleja su evolución y su deseo de seguir adelante sin ser limitados por barreras y expectativas.

The Beach Boys

Fue creado por iniciativa de su primer mánager, Russ Regan. Originalmente, el grupo se llamaba “The Pendletones”, en referencia a las camisas de lana Pendleton, que eran populares en ese momento entre los surfistas. Sin embargo, cuando la banda lanzó su primer sencillo, “Surfin’”, la discográfica Candix Records decidió cambiar su nombre sin consultarles.

Buscando algo que evocara la temática de sus canciones sobre la vida en la playa y el surf, Regan sugirió “The Beach Boys” (Los chicos de la playa), un nombre que encajaba perfectamente con su imagen y estilo musical. Esta denominación no solo resumía de manera precisa el espíritu de sus canciones, sino que también ayudó a cimentar su identidad como pioneros del sonido surf rock en los años 60.

Daft Punk

Proviene de una crítica negativa que recibió un proyecto anterior de sus miembros, Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo. Antes de formar Daft Punk, los dos eran parte de una banda llamada “Darlin’”. La revista británica Melody Maker calificó su música como “a daft punky thrash” (algo así como “un ruido punk estúpido”).

Lejos de desanimarse, Bangalter y Homem-Christo decidieron adoptar el término “daft punk” como su nuevo nombre cuando fundaron su dúo de música electrónica en 1993. De esta manera, convirtieron una crítica en una marca distintiva y memorable, que llegó a ser sinónimo de innovación y éxito en la escena musical global.

Nirvana

Fue elegido por el vocalista y líder del grupo, Kurt Cobain. Él quería un nombre que fuera hermoso, pacífico y que no estuviera asociado con el típico sonido ruidoso del grunge o la agresividad del punk rock. El término “nirvana” proviene del budismo y se refiere a un estado de liberación del sufrimiento y la existencia cíclica, un estado de paz y felicidad absoluta.

Al optar por “Nirvana”, Cobain buscaba un contraste irónico con la intensidad y la crudeza de su música, y, al mismo tiempo, un nombre que reflejara la búsqueda personal y espiritual de trascender las adversidades y conflictos. Esta elección le dio a la banda una dimensión adicional, alejándola de los nombres comunes y confiriéndole una profundidad simbólica que resonó con muchos de sus seguidores.

Talking Heads

El nombre de la banda Talking Heads fue elegido por el cantante y líder del grupo, David Byrne, y fue sugerido por un amigo del grupo que trabajaba en la industria de la televisión. En la jerga televisiva, “talking head” se refiere a una toma de un presentador o interlocutor que aparece hablando directamente a la cámara, generalmente mostrando solo la cabeza y los hombros.

El término resonó con los miembros de la banda debido a su simplicidad, su conexión con la cultura mediática y su connotación moderna y despectiva hacia la comunicación superficial, características que encajaban con la estética intelectual y vanguardista de su música. El nombre “Talking Heads” resultó ser una elección que reflejaba tanto su estilo artístico como su postura crítica hacia los medios y la sociedad.

Pink Floyd

El origen del nombre de esta banda se atribuye al cofundador y primer líder del grupo, Syd Barrett. Originalmente, la banda se llamaba “The Tea Set”, pero cuando descubrieron que otra banda ya usaba ese nombre, Barrett tuvo que buscar una alternativa rápidamente.

Inspirado por su colección de discos de blues, Barrett combinó los nombres de dos de sus músicos favoritos: Pink Anderson y Floyd Council. De esta manera, surgió el nombre “Pink Floyd.” Este nombre no solo rendía homenaje a artistas de blues que Barrett admiraba, sino que también tenía un sonido distintivo y único, anticipando la psicodelia innovadora y el rock progresivo que caracterizarían a la banda en los siguientes años.

Megadeth

El nombre de la banda fue elegido por su fundador y líder, Dave Mustaine. Después de ser expulsado de Metallica en 1983, decidió formar su propio grupo y buscaba un nombre que fuera impactante y reflejara la agresividad y la intensidad de su música.

La inspiración para el nombre surgió de un folleto político que Mustaine encontró, el cual mencionaba el término “megadeath”, una unidad de medida que se refiere a la muerte de un millón de personas, generalmente en el contexto de una guerra nuclear. A partir de ello, decidió alterar ligeramente la ortografía a “Megadeth”, eliminando la ‘a,’ para darle un toque más distintivo. El nombre encajaba perfectamente con la temática oscura y la dureza de su música, ayudando a definir la identidad de la banda en el género del trash metal.

El conjuro, una de las sagas de terror más lucrativas y populares de la última década, se estará despidiendo el año próximo con una última película. Conocida en su idioma original como The Conjuring: Last Rites, esta entrega cerrará el arco de Lorraine y Ed Warren, interpretados por Vera Farmiga y Patrick Wilson respectivamente, con un último caso paranormal.

Si bien los detalles sobre el argumento de esta nueva película de la saga creada por James Wan son escasos, en julio pasado se supo que su producción estaba próxima a iniciarse con sede en Atlanta y en Londres. Ahora un nuevo informe adelanta la incorporación de dos nuevos talentos al reparto: Mia Tomlinson y Ben Hardy.

Tomlinson hizo su debut en televisión en 2021, con la docuserie El reino perdido de los piratas. Poco después, la intérprete británica formó parte de The Beast Must Die y participó el podcast Doctor Who: The Eleventh Doctor Chronicles. Hardy, por su parte, interpretó a Angel en X-Men: Apocalipsis (2016) y también dio vida a Roger Taylor en la biopic de Queen, Bohemian Rhapsody (2018). Por el momento, no se sabe con certeza qué papeles interpretarán. Sin embargo, siguiendo las pistas de una llamada de casting previa, puede que Tomlinson y Hardy sean los elegidos para interpretar a Jason y Hilary, una pareja joven que está atravesando el nacimiento de su primer hijo.

El conjuro 4 contará con la dirección de Michael Chaves que, además de estar al frente de la tercera película de la saga, también dirigió la secuela de La monja (2023) y La maldición de La Llorona (2019). David Leslie Johnson-McGoldrick, guionista de la penúltima entrega, también volverá para escribir esta secuela final.

El universo de El conjuro no solo ha dado a lugar a tres películas, sino también a múltiples producciones derivadas. En su conjunto, la franquicia que hizo su debut en 2013 ya lleva estrenados nueve largometrajes y se espera que la propiedad continúe expandiéndose a partir de una futura serie de televisión. De acuerdo con lo revelado por Warner Bros., la cuarta entrega tiene previsto llegar a las salas de cine el 5 de septiembre de 2025. Mientras tanto, las diferentes películas pueden encontrarse en el catálogo de Max.

Brian May, guitarrista de Queen, se recupera satisfactoriamente tras sufrir un accidente cerebrovascular menor, según informó su esposa, la actriz Anita Dobson. El músico de 77 años reveló el incidente a principios de mes mediante una publicación en redes sociales. “El pequeño derrame cerebral llegó de repente, sin previo aviso”, mencionó May, añadiendo que perdió control de uno de sus brazos debido a este episodio y describió la experiencia como “un poco aterradora”.

En una charla con The Sun, citada por Radio X, Dobson comentó: “Le han dicho que debe descansar. Es difícil mantenerlo en reposo, pero necesita hacerlo; de lo contrario, no se recuperará”. La actriz de 75 años continuó diciendo: “Está yendo de maravilla – está en el camino, realmente muy bien. Estamos muy contentos”.

Por su parte, en un reciente video publicado en redes sociales, Brian aseguró a sus seguidores: “Estoy bien y haciendo lo que se me ha dicho, que básicamente es nada. Estoy en reposo, no me permiten salir, conducir, subirme a un avión ni elevar mi frecuencia cardíaca. Pero estoy bien”.

En el pasado, May ya había enfrentado problemas de salud. En el 2020, fue hospitalizado tras sufrir un ataque al corazón causado por una enfermedad arterial. En aquella ocasión, el músico declaró que estuvo “muy cerca de la muerte” después de que los médicos descubrieran tres arterias obstruidas.

Ahora, con la gira de Queen y Adam Lambert finalizada en febrero, no hay conciertos programados, lo que garantiza que May podrá descansar adecuadamente para una recuperación completa. A su vez, Queen Extravaganza, la banda tributo oficial de Queen, llevará a cabo una gira por el Reino Unido y Irlanda en 2025, en celebración del 50° aniversario de ‘Bohemian Rhapsody’.

Queen tendrá un relanzamiento especial de su primer álbum

En otro orden de noticias, el grupo continúa esperando el relanzamiento de su álbum debut homónimo de 1973, completamente remezclado, remasterizado y expandido. El nuevo lanzamiento estará disponible a partir del 25 de octubre. Este trabajo, titulado ”Queen I”, fue reconstruido por Justin Shirley-Smith, Joshua J Macrae y Kris Fredriksson.

Roger Taylor, baterista de la banda, recordó la grabación original: “Los primeros tres años fueron realmente de fe y esfuerzo. Éramos pobres pero teníamos mucha confianza en nosotros mismos y mucha energía”. Sobre el proceso de grabación agregó: “Llegábamos al estudio a las tres de la mañana y seguíamos durante todas las horas que podíamos. Fue agotador, pero no diría que fue devastador porque estábamos seguros de nosotros mismos”.

El relanzamiento incluirá tomas alternativas, demos y grabaciones en vivo raras. Tendrá un total de 63 pistas, de las cuales 43 serán nuevas mezclas. Además, se presentará la canción “Mad The Swine”, que originalmente no apareció en el álbum original debido a diferencias de opinión entre la banda y uno de sus productores. En esta nueva versión, el tema se reintegra en su posición original entre ‘Great King Rat’ y ‘My Fairy King’, tal como Queen lo había planeado en 1972.

El paquete de colección incluirá seis CDs y un LP, además de un libro de 108 páginas con letras manuscritas y memorabilia de la banda. May describió el proyecto: “Este no es solo un remaster, es una nueva reconstrucción de todo el álbum debut de Queen, que con la ayuda de la retrospección, hemos titulado ‘QUEEN I’”.

“Todas las interpretaciones son exactamente como aparecieron originalmente, pero cada instrumento ha sido revisitado para producir los sonidos ambientales ‘en vivo’ que nos hubiera gustado usar desde un principio”, continuó diciendo el baterista. “El resultado es ‘Queen’ como habría sonado con el conocimiento y la tecnología actual”, destacó alentando a los fanáticos.

Inspirada en la esperada película Gladiator II, el flamante spot reúne a una serie de íconos actuales del fútbol americano, encabezados por Travis Kelceb y acompañados por la rapera Megan Thee Stallion, quien asume el papel de “Emperatriz Megan”.

El comercial, que también cuenta con las participaciones de los jugadores Josh Allen, Derrick Henry y Justin Jefferson, revive la icónica campaña de Pepsi del 2004, que en su momento fue protagonizada por Beyoncé, Britney Spears y Pink.

Un retorno a la arena

El comercial fue dirigido por Jake Scott, hijo del célebre cineasta Ridley Scott. Ambientada en la Roma Antigua, los jugadores de la NFL se convierten en gladiadores que luchan en la arena bajo las órdenes de la emperatriz.

Los actores Lamorne Morris y Jake Lacy abren el spot como dos amigos conversando sobre fútbol en un bar. Tras ordenar una lata de bebida gaseosa, observan que esta se transforma en una arena romana.

El estadio y la época no es la única conexión de este spot con el antiguo comercial de Pepsi para el Super Bowl. La música también une ambas piezas publicitarias.

Esta vez, es Megan Thee Stallion quien le pone su propio toque al clásico tema “We Will Rock You” de Queen y le añade nuevos versos de rap a la base rítmica de la canción.

“Me siento honrada de seguir los pasos de las leyendas que aparecieron en esta campaña hace 20 años, y también estoy orgullosa de haber creado mi propio legado”, expresó Megan en un comunicado. “Fue divertido ponerle mi giro creativo a una canción tan icónica de Queen y no puedo esperar a que los Hotties la oigan”.

En diálogo con PEOPLE, la rapera ganadora de varios premios Grammy destacó la magnitud de su colaboración. “Un comercial de Pepsi es algo enorme. Todas las grandes estrellas lo han hecho antes, y ahora es mi turno de unirme a ese legado”, celebró.

Gladiadores de la NFL

La participación de las estrellas de la NFL es otro de los atractivos clave de esta campaña. Travis Kelce, receptor estrella de los Kansas City Chiefs y ganador de múltiples Super Bowls, encabeza el elenco de jugadores, seguido por el quarterback de los Buffalo Bills, Josh Allen; el running back de los Tennessee Titans, Derrick Henry; y el receptor abierto de los Minnesota Vikings, Justin Jefferson.

Estos cuatro jugadores se suman a la fantasía épica, peleando en la arena bajo el mando de Megan para ganar su favor.

Según la jefa de marketing de la empresa de bebidas, este spot se enmarca en una estrategia mayor que aspira a fortalecer la conexión de la marca con el entretenimiento y el cine.

El comercial también funciona como una estrategia promocional para Gladiator II, la secuela del aclamado filme Gladiator de 2000, que fue dirigido por Ridley Scott y protagonizado por Russell Crowe. Dicha obra ganó cinco premios Óscar, incluido el de Mejor Película, y es recordada como un clásico del cine épico.

El largometraje, a estrenarse el 21 de noviembre de 2024, se sitúa décadas después de los eventos de su predecesora. En lugar de centrarse en el personaje de Máximo, interpretado por Crowe, Gladiator II pondrá el foco en Lucius, el hijo de Lucilla (Connie Nielsen).

Lucius ahora es adulto y será interpretado por Paul Mescal. A su lado estarán Pedro Pascal, Denzel Washington, Joseph Quinn y la propia Nielsen, quien regresa para repetir su papel.

“Traer el mundo épico de Gladiator II a la vida de una manera moderna y dinámica a través de esta campaña de Pepsi fue increíblemente emocionante”, declaró Jake Scott, el director del comercial, quien también fue el creativo detrás del aclamado videoclip de la campaña del 2004. “Queríamos mostrar un espectáculo visual que capturara la energía y la intensidad del deporte, al tiempo que rendíamos homenaje al filme y a la campaña original de Pepsi”, añadió.

“No fui hecho para el cielo. No, no quiero ir al cielo. El infierno es mucho mejor. ¡Piensa en todas las personas interesantes que vas a conocer allí!”, bromeó en una de sus entrevistas. Tener que ocultar su verdadera identidad, luchar contra una enfermedad aterradora y ser tildado de pervertido, son sólo algunas de las tristes situaciones que el genial Freddie Mercury —que hoy cumpliría 78 años— tuvo que afrontar.

Una vida escapando

La vida de Farrock Bulsara (su verdadero nombre) comenzó en la isla de Zanzíbar, Tanzania, en el este de África, el 5 de septiembre de 1946. Hijo de Bomi y Jer Bulsara, pasó la mayor parte de su infancia en la India, donde asistió al internado de St. Peter. Comenzó a tomar lecciones de piano a los siete años, aunque nadie podía prever adónde lo llevaría su talento y amor por la música. Freddie Mercury era aún un adolescente cuando toda su familia tuvo que escapar de su tierra natal, huyendo de los violentos levantamientos contra el sultán de Zanzíbar. Debido a su ascendencia india y persa, corrían el riesgo de ser atacados como miles de otros árabes e indios en Zanzíbar, que antes era una colonia británica y luego había sido regida por un gobierno de mayoría árabe.

Así, la familia Bulsara se mudó a Middlesex en 1964 y desde allí Freddie se unió a la banda de blues Wreckage mientras estudiaba diseño gráfico en el Ealing College of Art. Un compañero le presentó a Roger Taylor y Brian May, miembros fundadores de una banda llamada Smile. Smile se transformó en Queen cuando Freddie se unió a Roger y Brian como vocalista principal. El último miembro de la banda, que permanecería junta durante los siguientes 20 años, fue el bajista John Deacon, quien se unió en 1971. El resto es historia: en 1973 lanzaron su álbum debut Queen, aclamado como uno de los más emocionantes de la historia de la música rock.

A los 25 años, en Londres, Freddie Mercury ya lideraba Queen. Aunque se quedó en Reino Unido y nunca regresó al hogar de su infancia, en el 2019 se abrió el primer museo de Freddie Mercury en Zanzíbar para honrar a su héroe local. Los fundadores crearon el museo con la esperanza de recordar a la gente de dónde venía realmente Freddie, aunque tuvieron que evitar ciertos aspectos de su vida debido a las leyes de lugar contra la homosexualidad.

Relaciones secretas

Aunque Freddie era conocido por su personalidad extravagante y solía insinuar su sexualidad en las entrevistas, al final tuvo que mantener en secreto sus relaciones con hombres debido a la homofobia generalizada en Gran Bretaña. Incluso sus compañeros de banda sólo se dieron cuenta de que no era heterosexual cuando empezaron a notar que salían groupies masculinos de su habitación de hotel. No tuvo ninguna conversación con ellos sobre el tema hasta más tarde, cuando el cantante preguntó casualmente: “¿Se dan cuenta de lo que he cambiado en mi vida privada?”

Su relación más importante con un hombre fue hacia el final de su vida. Según escribió más tarde el peluquero irlandés Jim Hutton en su libro Mercury and Me, se conocieron en el ambiente de los clubes nocturnos gays de Londres a mediados de los 80, cuando Hutton estaba con otra persona y no reconoció al cantante famoso. Más tarde vivieron juntos y Freddie se refería a Hutton como su esposo, pero en realidad nunca pudieron ser una pareja pública. Según escribió Hutton, el cantante tenía que ser tímido en las entrevistas, pero entre amigos hacía declaraciones como: “Por primera vez he encontrado una satisfacción dentro de mí”. Sólo habló directamente de Hutton en una entrevista, diciendo: “Piaf lo hizo. También Streisand. ¡Ahora tengo un esposo peluquero!”

Su enfermedad: una lucha secreta

Aunque el mundo no supo del VIH de Freddie Mercury hasta 1991, sus biógrafos informaron posteriormente que empezó a mostrar síntomas ya en 1982. Al parecer, el cantante acudió a una cita médica secreta en Nueva York antes de presentarse en Saturday Night Live, para revisarse una lesión que le había aparecido en la lengua. De acuerdo con la legislación estadounidense de la época, no habría podido volar a EE.UU. si hubiera dado positivo en la prueba de VIH, lo que podría haber retrasado su viaje hacia la obtención de ayuda médica para estos primeros indicadores del virus.

Su compañero Jim Hutton también dio positivo más tarde en la prueba de VIH. Hutton se había mostrado reacio a someterse al análisis y lo retrasó por miedo, reflexionando: “Si pudiera volver todo atrás, habría cambios. Freddie y yo nunca hablamos del sida, del VIH ni de nada relacionado con esta aterradora enfermedad”. Agregó que deberían haber utilizado preservativos siempre, pero que nunca se lo plantearon. Tampoco hablaron nunca de su historia sexual ni de las parejas con las que habían estado antes, y Hutton escribió que no parecía tener mucho sentido hacerlo, ya que en aquel momento no eran conscientes de que la enfermedad se transmitía por vía sexual.

Cuando Freddie Mercury se infectó por primera vez con VIH, este virus tan estigmatizado era un misterio médico y los pacientes se enfrentaban a una feroz discriminación por parte del público en general. Por eso evitó hacer público su diagnóstico, contándolo solamente a sus amigos más íntimos. “Freddie quería que su vida fuera lo más normal posible”, dijo su compañero de banda Brian May. Freddie era incluso reacio a contárselo al resto de Queen al principio: según reveló May, ya sabían lo que pasaba cuando les contó su estado, abordando el tema por primera vez al decir: “Supongo que te das cuenta de que estoy lidiando con esta enfermedad, y no quiero hablar de ello, no quiero que nuestras vidas cambien, pero esa es la situación”.

Mercury ocultó su enfermedad al público por muchas razones, pero uno de los factores de su trágico diagnóstico fue que en aquella época se consideraba esencialmente una sentencia de muerte. GRID (Deficiencia inmunitaria relacionada con la homosexualidad) era el nombre original del SIDA en 1982. Los activistas tuvieron que luchar para que los gobiernos reconocieran la crisis, lo que supuso que la investigación médica avanzara muy lentamente al principio.

Brian May insistió más tarde en que Freddie perdió por poco tiempo la combinación de fármacos que le habría salvado la vida, diciendo: “Le faltaron sólo unos meses. Si hubiera sido un poco más tarde aún estaría con nosotros, estoy seguro”. El cóctel de medicamentos que salva vidas se desarrolló en los años 90, y Mercury murió en 1991.

Fabuloso hasta el final

Aunque Freddie intentó ocultar su enfermedad al público, no pudo disimular el deterioro físico que había sufrido su cuerpo en los últimos años. Como May escribió en su libro Queen In 3-D, uno de los principales problemas era que la enfermedad le había hecho perder la mayor parte de uno de sus pies. Al parecer, el cantante sorprendió a sus compañeros de banda al mostrarlo durante una cena. Inmediatamente se disculpó, diciendo al guitarrista: “Brian, siento haberte disgustado mostrándote esto”. May replicó insistiendo en que no estaba molesto por eso, sino por la confirmación del dolor que estaba sufriendo el cuerpo de su amigo.

Elton John también reflexionó sobre el deterioro de la salud de Freddie durante esos últimos meses en sus memorias, Me: Elton John Official Autobiography, revelando que la visión del cantante casi había desaparecido al final. Sin embargo, añadió que, aunque estaba demasiado enfermo para levantarse de la cama, cuando John lo visitaba, Freddie se comportaba como siempre, contando chismes y haciendo barbaridades. También escribió: “No pude averiguar si no se daba cuenta de lo cerca que estaba de la muerte o si lo sabía perfectamente pero estaba decidido a no dejar que lo que le ocurriría le impidiera ser él mismo”.

Su última voz

En su último año de vida, el cantante realizó sus sesiones finales de grabación junto al lago Ginebra en Suiza. En un minúsculo estudio propiedad de Queen, Mercury tomó shots de vodka para armarse de valor antes de poner una voz poderosa en sus últimos temas con la banda completa. Como Brian May reflejó más tarde en una entrevista: “Todos sabíamos que no le quedaba mucho tiempo. Evidentemente sentía mucho dolor y malestar. Para él, el estudio era un oasis”.

A Mercury le encantaba el proceso de grabación de música y quería que todo el mundo siguiera como siempre, aunque sus fuerzas se estuvieran debilitando, May declaró a The Times que el cantante nunca permitió que nadie lo mimara, añadiendo: “Esos días hacia el final fueron fabulosos, llenos de risas y alegría, Freddie tan malvado como siempre”. Su última canción fue una balada llamada Mother Love, que Brian escribió en el estudio entre toma y toma. También, May describió cómo Freddie tuvo que esforzarse físicamente mientras grababa las dos primeras estrofas, pero eso fue todo: “No llegamos al final. Le di el último verso y me dijo: ‘Cariño, ahora no me encuentro muy bien, así que volveré a ello más tarde’... Y nunca lo hizo”. En la versión completa de Mother Love, Brian cantó él mismo la última estrofa.

Acosado por la prensa

La prensa británica especuló sobre la salud de Freddie Mercury desde que una clínica de Harley Street declaró a un tabloide que su sangre había sido analizada para detectar VIH. En sus últimos días, hizo una declaración pública sobre el sida: “Tras las enormes conjeturas aparecidas en la prensa, deseo confirmar que he dado positivo en la prueba de VIH y que tengo sida”.

Murió de bronconeumonía causada por el sida el 24 de noviembre de 1991, unas 24 horas después de hacer esta monumental declaración. Tras su muerte, los periódicos calificaron al cantante de pervertido y hablaron de la enfermedad como un reflejo de su moralidad. Más tarde el documentalista de Freddie James Rogan contó: “Había titulares como: ‘Disparararía a mi hijo si tuviera sida’, y otros que te tomaban desprevenido, lo leías y pensabas: ‘¿Cómo ha podido llegar eso a la prensa?’”.

A pesar de todo lo negativo y de su enfermedad, el cantante prefirió pasar sus últimos días pensando en la Navidad y dejando regalos bien pensados para que sus seres queridos los descubrieran. Como escribió más tarde su amigo Elton John en un libro sobre el sida, Love is the Cure, la mañana de Navidad de ese año se vio sacudido por un paquete que llegó, un cuadro de uno de sus artistas favoritos. El regalo tenía una cariñosa nota de Freddie que hacía referencia al nombre de drag queen que se daban el uno al otro, y que decía: “Querida Sharon, pensé que te gustaría esto. Con amor, Melina. Feliz Navidad”.

El guitarrista de Queen, Brian May, ha revelado que sufrió un pequeño derrame cerebral que le dejó momentáneamente sin poder utilizar su brazo izquierdo. Sin embargo, el legendario músico de 77 años ha asegurado que ya está bien y ha recuperado la movilidad suficiente para volver a tocar música, según un video publicado en su sitio web el miércoles. Brian May explicó que todo ocurrió de manera repentina y que no tenía ningún control sobre su brazo, lo cual describió como “un poco aterrador”.

El reconocido músico aprovechó para agradecer a los médicos del Hospital Frimley en Surrey, quienes lo atendieron con rapidez y profesionalismo. En tono de broma, May mencionó en su video que sigue las indicaciones de los doctores, que básicamente le han recomendado no hacer nada, y comentó que no le permiten salir, conducir, subir a un avión o elevar demasiado su ritmo cardíaco.

Brian también pidió a sus seguidores que “no tuvieran lástima por él”, ya que sus redes estarían llenas de mensajes y “eso lo odia”.

Esta revelación llega casi dos semanas después de la transmisión de un documental en BBC One en el que May lidera una campaña para proteger a los tejones de la caza. En el mismo video donde habló de su salud, también se refirió al programa y destacó las reacciones positivas que ha recibido, especialmente de agricultores y defensores de la fauna.

El músico, además, reflexionó sobre las críticas que ha recibido desde las esferas más conservadoras.

“Nos han atacado muy duramente desde algunos sectores, y hay que mirar con mucho cuidado, porque la gente que más grita es, por supuesto, la que se siente más amenazada”.

El NHS (Servicio Nacional de Salud del Reino Unido) define un derrame cerebral como una condición médica grave y potencialmente mortal que ocurre cuando se corta el suministro de sangre al cerebro. Esto puede manifestarse con síntomas como debilidad o entumecimiento en un brazo, caída de un lado del rostro y problemas en el habla. El NHS también menciona una condición similar llamada ataque isquémico transitorio (TIA), conocido frecuentemente como “mini-accidente cerebrovascular”.

Este episodio de salud se suma a los desafíos médicos pasados de Brian May, quien en 2019 sufrió un ataque cardíaco. En esa ocasión, descubrió que tenía tres arterias congestionadas, lo que puso en peligro el suministro de sangre a su corazón, y tuvo que someterse a una cirugía para la colocación de tres stents.

“Fue bastante malo, y las complicaciones que vinieron después fueron bastante malas. Ha sido una gran montaña que escalar para recuperar fuerzas, pero se ha convertido en mi nueva religión, de verdad. Solo hago ejercicio, hago mi rehabilitación cardiovascular todos los días”, explicó el músico sobre cómo vivió este ataque.

El legado de Brian May en el mundo de la música es innegable. Su habilidad con la guitarra, talento para componer y su voz contribuyeron significativamente al éxito de Queen, convirtiéndolos en una de las bandas más grandes de los años 70 y 80. Es conocido por haber escrito éxitos como “We Will Rock You” y “Who Wants to Live Forever”, y tras la muerte de Freddie Mercury en 1991, la banda ha continuado con el cantante Adam Lambert.

El origen de “Bohemian Rhapsody”

La génesis de “Bohemian Rhapsody” se remonta a finales de los años 60, cuando Freddie Mercury era aún estudiante en el Ealing Art College en Londres. La canción comenzó como fragmentos y bocetos garabateados en trozos de papel. Brian May recuerda cómo Mercury llegó a los primeros ensayos con la banda con una idea clara, aunque inicialmente nombró la canción “The Cowboy Song”.

Freddie Mercury tenía una visión audaz para el tema, que combinan características clásicas del rock con elementos operísticos, lo que fue algo inusual y experimental para la época. Para Mercury, la idea de mezclar múltiples ideas en una sola pieza monumental era más atractiva que crear varias canciones individuales. En lugar de seguir una estructura convencional, Mercury optó por una formación compleja que incluyera varias secciones distintas.

El proceso de grabación

La grabación de “Bohemian Rhapsody” comenzó formalmente el 24 de agosto de 1975 en los Rockfield Studios en Gales. Antes de eso, Queen ensayó intensamente en el Ridge Farm Studio en Surrey y dedicó tres semanas a perfeccionar detalles en Penrhos Court en Herefordshire. El proceso fue extremadamente demandante, con sesiones que duraban de 10 a 12 horas diarias.

Gran parte del tiempo se dedicó a la sección operística de la canción, con el objetivo de crear el icónico coro. Para ello, la banda superpuso 160 pistas de grabaciones vocales, pero, usaron una grabadora analógica de 24 pistas. Freddie Mercury grabó las partes de registro medio, Brian May las de registro bajo y Roger Taylor las de registro alto. Una semana completa se destinó exclusivamente a esta sección operística.

Las sesiones de grabación fueron intensas y minuciosas. Roger Taylor, el baterista de Queen, confesó que se necesitó mucha paciencia para completar la canción debido a los numerosos gaps (espacios) en la pista final. Los músicos ensayaron sus partes vocales continuamente entre 10 a 12 horas por día, y en la versión original se superponen sus voces múltiples veces, lo que llegó a lograr el sonido deseado.

Impacto y legado

Cuando “Bohemian Rhapsody” fue lanzada el 31 de octubre de 1975, encontró resistencia por parte de la discográfica debido a su duración de seis minutos, considerada demasiado larga para un sencillo. Sin embargo, la perseverancia de la banda y el apoyo del DJ de Capital Radio, Kenny Everett, fueron cruciales para que la canción se difundiera ampliamente y se convirtiera en un éxito inmediato.

La canción alcanzó el número 1 en el Reino Unido, donde permaneció durante nueve semanas consecutivas. El videoclip innovador, dirigido por Bruce Gowers, también jugó un papel fundamental en su éxito, considerado uno de los primeros en sofisticar el formato promocional de música.

A lo largo de los años, “Bohemian Rhapsody” ha sido aclamada como una de las mejores canciones de la historia, con una estructura única y una mezcla atrevida de géneros. En 2018, fue declarada la canción más reproducida del siglo XX en plataformas de streaming, superando los 1,6 mil millones de reproducciones. La biopic de 2018, “Bohemian Rhapsody”, protagonizada por Rami Malek, reavivó el interés por la canción, llevándola nuevamente a las listas de éxitos y demostrando la atemporalidad de esta obra maestra de Queen.

Freddie Mercury, con su creatividad incansable, y el compromiso inquebrantable del resto de la banda, lograron crear una de las piezas más icónicas y revolucionarias en la historia del rock con “Bohemian Rhapsody”, que rompió las convenciones y dejó un legado perdurable en la música.

El inglés Brian May es multifacético y no deja de sorprender. Es músico, conocido por ser guitarrista, compositor, vocalista y en ocasiones teclista de la banda Queen. Tiene también un doctorado en astrofísica y se especializa en imágenes estereoscópicas en 3D de cuerpos lejanos.

Ahora, May lleva más de una década estudiando la ciencia de la tuberculosis bovina, una enfermedad causada por una bacteria que puede transmitirse a diferentes animales e incluso a los seres humanos.

El músico, en su rol de investigador, ha identificado un nuevo método de propagación y reclama que su hallazgo sea tenido en cuenta para evitar se siga acusando a los tejones europeos, que son sacrificados.

May hizo su doctorado en el Imperial College de Londres, pero lo había abandonado en 1974 para seguir sus pasiones musicales. Regresó finalmente para completarlo en 2007.

Es uno de los fundadores de la organización “Save Me Trust”, que está dedicada a “para proteger el bienestar y la dignidad de los animales silvestres”. Desde ese lugar se interesó por un problema sanitario y ecológico sobre los tejones europeos, y realizó un documental “The Badgers, the Farmers, and Me”, que fue emitido por la BBC.

Se ha pensado que el tejón europeo (cuyo nombre científico es Meles meles) es responsable de la infección masiva de ganado con tuberculosis bovina. El problema implica pérdidas por 130 millones de dólares por año y llevó a sacrificar más de 20.000 vacas afectadas por la enfermedad.

Algunos científicos respaldaron inicialmente la política gubernamental de practicar el sacrificio de los tejones y se han matado 230.000 desde 2013. El gobierno anterior había planeado eliminar gradualmente el sacrificio en favor de la vacunación, pero este año se emitieron 20 licencias de sacrificio. El nuevo gobierno laborista ha mencionado que planea poner fin al sacrificio, pero estas licencias continuarán.

Desde hace más de una década, May viene haciendo su propia investigación para entender qué hay detrás de la tuberculosis bovina. En diálogo con la revista Nature, trabaja con un equipo formado por Anne Brummer, directora ejecutiva de la organización y cofundadora de Save Me Trust, el granjero Robert Reid y el veterinario Dick Sibley.

Para hacer la investigación, que aún no publicó en una revista con revisión de pares, May se basó en el método científico: “El método científico es algo precioso, y lo aprendes -por las malas- si haces un doctorado. Todo se reduce a hacer las preguntas adecuadas y mantener la mente abierta, y resistirse a la terrible inclinación que tienen los científicos, porque son seres humanos, de encontrar lo que uno espera encontrar”.

El músico puso en duda una idea común que se hablaba sobre los tejones y la tuberculosis bovina. “A todos nos han dicho que los tejones son la forma de propagación del patógeno, así que buscamos ese patrón. Y, tristemente, creo que por eso el mito se ha perpetuado”, comentó.

“Siempre sospeché, pero no tenía nada que justificara mi postura. Pero pensaba que aunque fueran responsables, no era culpa suya. Recuerdo estar en una reunión de la Sociedad Zoológica hace unos 13 años, donde tuve la osadía de levantarme y decir: “¿Nadie piensa que esto es moralmente incorrecto?”, y me sentí como un niño, porque todo el mundo me miraba con desdén. Me di cuenta de que la única manera de llegar a alguna parte era dejar de gritar, empezar a escuchar y adentrarse en la ciencia. Por el camino creo que hemos hecho avances que yo ni siquiera soñaba con hacer”.

Durante los últimos 12 años formó parte del equipo de investigación en la granja de Gatcombe, en Devon, cerca de la costa sur de Inglaterra, para estudiar la transmisión de la tuberculosis.

“Desarrollamos una visión sobre cómo la micobacteria responsable de la tuberculosis se transmite de un animal a otro. La tuberculosis se conoce tradicionalmente como una enfermedad respiratoria, pero nuestro descubrimiento es que una vaca no contrae la tuberculosis por inhalar algo, sino por ingerir el patógeno de la defecación de una vaca vecina”. Ahora saben que se transmite de vaca a vaca, debido a la falta de higiene.

Descubrieron que la prueba cutánea, que fue autorizada por el gobierno británico, para la tuberculosis tiene una precisión de tan solo el 50%.

“Es terrible descubrirlo, porque es como tirar una moneda al aire. Descubrimos que una vaca había sido sometida a la prueba cutánea 30 veces y declarada sana, y cuando fue a la autopsia, estaba plagada de tuberculosis. Así pues, el testeo es el villano de la pieza, y el hecho de que los ganaderos se basen en esta prueba increíblemente inexacta para sacar a las vacas de sus preciados rebaños y llevarlas al matadero es un escándalo”, afirmó.

El músico está ahora convencido de que los tejones no juegan ningún papel en la transmisión de la tuberculosis. “En la granja de Robert Reid tuvimos durante algún tiempo un rebaño sano con una población infectada de tejones a su alrededor. Y en todo este período, casi 10 años, nunca ha habido una sola infección de las vacas que podían pastar en los campos, cerca de donde viven los tejones. Todas han estado en los cobertizos”, contó.

También hay un granjero en Tiverton que construyó una valla de ocho kilómetros de largo alrededor de su rebaño de vacuno, para mantener fuera a la fauna salvaje. “Con el tiempo, perdió la mitad de su rebaño”, mencionó en la entrevista con Nature.

“¿Cómo sucedió? Es muy probable que un nuevo toro - que se muestra como saludable por el test de la piel - es la forma en que ese rebaño se destruyó. Es probable que sea un patrón que también hemos visto en muchos otros lugares”, dijo.

Desde su organización, May y colaboradores piden a apoyo para defender a los tejones. “El sacrificio de tejones es caro e ineficaz. La política es errónea, ya que el reservorio de la enfermedad permanece, en su mayor parte, sin detectar en el rebaño. Hasta que no mejoremos los testeos y los veterinarios puedan encontrar sus propias soluciones sin sanciones, nunca erradicaremos la tuberculosis bovina. La política sin sentido está destruyendo tejones, ganado y agricultores”, dice una declaración en la página web.

Mientras que se dedica a la tuberculosis, May sigue aún con la astrofísica. “Tengo el privilegio de formar parte de algunos equipos de exploración de la NASA, la Agencia Espacial Europea y la Agencia Japonesa de Exploración Aeroespacial -subrayó-. Me lo paso muy bien haciéndolo. Lo que aporto es estereoscopía y ha sido muy divertido, porque te da una visión muy humana de la exploración de estos maravillosos lugares que están visitando”.

Inglaterra de 2024. Cerca de 250 mil tejones fueron exterminados por ganaderos y otros terratenientes a través de una operación coordinada por el gobierno británico. ¿El motivo? Reducir los daños económicos que provoca la tuberculosis bovina (TBB) en las vacas, enfermedad que supuestamente es transportada por estos mamíferos y afecta la producción de leche del ganado.

Las muertes masivas de la especie sensibilizaron a gran parte de la población, entre ellos al guitarrista de Queen, Brian May, que estrenará el documental Brian May: The Badgers, The Farmers And Me en colaboración con la BBC. La película, que se emitirá el 23 de agosto, sigue al músico en un proyecto de cuatro años que busca demostrar que hay métodos más efectivos y éticos para combatir la TBB, sin recurrir al sacrificio de los tejones.

“No culpo a la gente por sospechar de mí al principio, porque, ya saben, soy un guitarrista. Saben que soy una estrella de rock. ¿Qué estoy haciendo? ¿Por qué tendría que hacer alguna contribución?”, reflexionó May para Radio Times. El rockero sostuvo que su incursión en esta causa tiene que ver con “salvar la vida de tejones”. Sin embargo, durante estos años reparó en que “para salvar a los tejones, hay que salvar a todo el mundo, porque es un desastre”. “Es un drama humano trágico en el que se rompe el corazón de la gente”.

El documental muestra la colaboración de Brian May con el veterinario Dick Sibley y el granjero Robert Reed, cuya granja ha estado crónicamente infectada con tuberculosis bovina. Juntos, presentarán una nueva perspectiva sobre el problema que podría cambiar las políticas agrícolas en el Reino Unido.

Actualmente, el organismo público Natural England mantiene licencias de sacrificio legal en seis áreas, mientras en otras zonas se opta por realizar campañas de vacunación a los tejones. Aunque el Gobierno concuerda con que la medida sanitaria y científica es más ética, continúa permitiendo la muerte de los tejones debido a la falta de personal capacitado.

En la entrevista con Radio Times, May criticó abiertamente a las autoridades británicas por las medidas optadas que considera un “fracaso monumental”. “Nuestros hallazgos, que se basan en años de investigación, son revolucionarios y chocantes; algunos dirán que heréticos. Yo creo que, con el tiempo, revolucionarán las prácticas agrícolas”, aseguró.

También destacó que “en los últimos 12 años, un cuarto de millón de tejones han sido sacrificados, basándose en la creencia de que propagaban la tuberculosis entre el ganado. “El testimonio de los granjeros en mi película es que esta política les ha fallado completamente. Las tasas de infección y el consiguiente número de vacas sacrificadas no son mejores y, en algunas zonas, peores que nunca”, argumentó.

El próximo largometraje pone en tela de juicio una política que Brian May considera como “uno de los errores más grandes y costosos de la historia: aferrarse a una política que, con el tiempo, será vista como no más efectiva que quemar a esas desafortunadas brujas”.

El activismo de Brian May no es nuevo. El artista es fundador de la organización Save Me Trust y ha dedicado gran parte de su vida a la protección de la vida silvestre y la conservación del medio ambiente. Su trabajo se centra en la defensa de los animales, oponiéndose al maltrato y la caza, y promoviendo políticas más sostenibles. Además, ha estado en la primera línea de la campaña contra el uso de trampas y la caza de zorros en el Reino Unido.

“Provocar el sufrimiento innecesario de cualquier criatura es moralmente un crimen, independientemente de que las leyes de una nación en particular se hayan puesto al día o no. Creo que cada criatura tiene derecho a la libertad y que cada vida importa”, escribió al respecto en la revista Prospect.

La fórmula científica de la “canción infantil perfecta” fue finalmente revelada y llamó la atención de varias personas interesadas tanto en la música como en el ciudado de los más pequeños. Resulta ser que el profesor de psicología musical, Dr. Michael Bonshor de la Universidad de Sheffield, analizó una serie de clásicos infantiles para desarrollar esta fórmula mágica.

Según los hallazgos de Bonshor, “Radio Ga Ga”, de Queen, cuenta con los estándares perfectos. Tal como él mismo indica: “La canción infantil ideal debe tener un tempo de entre 60 y 120 beats por minuto (BPM) y un ritmo como para ‘marchar o balancearse’”. Además, la estructura simple y las letras repetitivas y con rimas juegan un papel crucial en estos temas.

”Esto ayuda a los niños a participar activamente en la música y fomenta la habilidad de respuesta, lo que puede ser beneficioso para el desarrollo de habilidades de comunicación”, explicó el profesional.

Asimismo, según Bonshor, una clave mayor, que se percibe como brillante y contagiosa, es esencial para mantener a los niños entretenidos y a la vez ayudar en su desarrollo motriz y de coordinación. ”El ritmo constante de dos por cuatro en el compás se presta para caminar, bailar o balancearse”, desarrolló.

Entre las canciones analizadas que también cumplen se acercan a estos criterios se encuentran: “Bicycle Race” y “We Will Rock You” de Queen, “Don’t Worry, Be Happy” de Bobby McFerrin, “Price Tag” de Jessie J, “I Like to Move It” de will.i.am y “Single Ladies” de Beyoncé.

Colaboración con Fisher-Price

Para destacar el impacto de la música en el desarrollo infantil, Bonshor colaboró con la marca de juguetes infantiles Fisher-Price en el lanzamiento de la línea Link Squad, la cual ayuda a los niños a aprender habilidades clave a través de la música. ”Muchas actividades musicales ayudan a los niños y padres a interactuar y establecer vínculos” dijo el especialista.

Un estudio realizado por la marca, reveló que el 74% de los padres cree que la música ha ayudado en el desarrollo de sus hijos, un 54% valoró que no implica necesariamente el uso de pantallas y un 41% consideró que mejora las habilidades sociales pues pueden cantar juntos.

Canciones tradicionales como “Las Ruedas del Autobús” y “Estrellita Dónde Estás” fueron las favoritas entre los niños, según una encuesta realizada por OnePoll para la empresa de juguetes. La encuesta también encontró que el 29% de los niños prefieren canciones que impliquen acciones físicas y el 23% gusta de canciones con un relato claro, como “Humpty Dumpty”.

Cómo se creó “Radio Ga Ga”, la canción “perfecta” para los niños

La canción de Queen, lanzada en 1984, fue escrita por el baterista Roger Taylor. La inspiración surgió en la década de los 80 cuando su hijo, Felix, escuchó la radio y exclamó “radio ca ca”, una expresión francesa para referirse a algo de mala calidad. Este comentario provocó un “momento de brillantez” en Taylor, quien decidió transformar la expresión en “Radio Ga Ga” y crear una pista musical que posteriormente presentó a Freddie Mercury, quien la acogió con entusiasmo.

La letra de “Radio Ga Ga” fue concebida como una defensa apasionada de la radio, un medio que Taylor sentía que estaba siendo eclipsado por la televisión y los videos musicales. Taylor recordaba la radio como el primer lugar donde descubrió el rock and roll y sentía que la música debía ser una experiencia auditiva más que visual. Pese a sus recelos hacia los videos musicales, la canción se benefició de uno que incluía escenas del film “Metropolis” de 1927, y que le valió una nominación a mejor dirección artística en los MTV Video Music Awards de 1984.

“Radio Ga Ga” se convirtió rápidamente en un éxito, alcanzando el número 2 en el Reino Unido y el número 16 en Estados Unidos. La ironía de una canción nostálgica sobre la radio ganando popularidad gracias a un video musical no pasó desapercibida para Taylor. La canción se mantuvo en el repertorio de Queen hasta 1986 y fue una pieza clave en su actuación en Live Aid, donde la audiencia respondió de manera icónica al levantar los puños y aplaudir, tal como habían visto en el video.

Aerosmith, la emblemática banda de rock, anunció oficialmente su retiro de los escenarios en agosto de 2024, tras más de cinco décadas de dominio absoluto sobre el espectáculo. La decisión fue tomada luego de que el vocalista Steven Tyler sufriera una lesión en sus cuerdas vocales, lo que obligó al grupo a suspender las fechas reprogramadas de su tour de despedida “Peace Out”.

Fue así que, tras un año de haberse hecho pública la condición de Tyler y después de haber ofrecido tan sólo tres fechas de su gira, el grupo confirmó su adiós definitivo.

Aerosmith, con su estilo musical único que mezclaba el blues y el sleaze rock, no sólo definió el género durante las décadas de los 70 y 80, sino que también marcó la pauta para innumerables bandas de hard rock que seguirían su legado.

Uno de sus discípulos más famosos, Slash, guitarrista de Guns N’ Roses, expresó su admiración y respeto hacia la banda a través de su cuenta de Instagram. “Solo quería tomarme un momento para agradecer a Aerosmith por todo. Sin esta banda, nada de esto habría sido posible”, escribió Slash, acompañando sus palabras con un vídeo de Aerosmith tocando “Train Kept A Rollin’” en el programa The Midnight Special en 1974.

Tracii Guns, guitarrista de L.A. Guns y antiguo miembro de Guns N’ Roses, también compartió sus sentimientos en las redes sociales. “Los amo Aerosmith”, escribió. “Gracias por dejarme tocar con sus discos cuando era adolescente hasta el día de hoy. Gracias por la educación y los recuerdos”.

The Black Crowes, quienes estaban programados para acompañar a Aerosmith en su gira de despedida, compartieron un mensaje conmovedor en sus propias redes sociales. “Estamos conmocionados y tristes por las noticias de hoy”, manifestaron. “Nada más que amor y respeto para nuestros amigos en Aerosmith. Un sincero agradecimiento por todos los recuerdos increíbles”. Además, informaron que seguirán con su propia gira este otoño para promocionar su nuevo álbum “Happiness Bastards”.

Una larga y emotiva dedicatoria también llegó desde el perfil de Instagram del guitarrista de Queen, Brian May. “Esto me ha sacado una lágrima”, escribió May. “Aerosmith ha sido una gran parte de mi vida, al igual que para millones de otros fanáticos del rock. Steven Tyler es uno de los más grandes vocalistas y frontmen de todos los tiempos. Es desgarrador que su extraordinaria voz haya sido tan dañada. Todos enviamos nuestro amor y oraciones por tu recuperación, Steve. Es también característico de la pura clase de la banda que hayan tomado y anunciado esta decidida resolución con tanto estilo. La carrera de Aerosmith es algo para celebrar por siempre. Todo pasa, pero el trabajo inspirador de Aerosmith vivirá siempre, junto con los recuerdos de una de las bandas más impresionantes que haya subido a un escenario”.

Sin embargo, no todo fueron tributos y elogios. Algunos críticos señalaron que el retiro definitivo era una decisión inevitable y posiblemente demorada, sugiriendo que la salud de Steven Tyler y la energía de la banda ya no eran lo que solían ser. Otros argumentaron que la decisión reflejaba un final digno y controlado para una carrera extraordinaria, permitiendo que Aerosmith se despidiera en sus propios términos.

Por su parte, la industria discográfica ha especulado sobre posibles lanzamientos póstumos de material inédito, lo que mantiene a los fanáticos con esperanzas de seguir disfrutando, de alguna manera, de nuevas producciones de la banda. Si bien no hay confirmación oficial, las expectativas en torno a este tipo de proyectos son altas, dado el volumen de la producción musical que Aerosmith ha desarrollado durante sus más de 50 años de carrera.

La idea fue de Bob Geldof, un músico inglés, líder del grupo The Boomtown Rats, quien se conmovió luego de ver un informe en la televisión sobre los problemas alimenticios y sanitarios en el país africano. Como primera medida, se propuso propuso escribir una canción, grabarla junto a grandes figuras de la música y donar las regalías al pueblo etíope. “Do they know is Christmas?” se publicó previo a la navidad de 1984 y fue grabada junto a Sting, Bono, Phil Collins, Boy George y George Michael, entre otros.

Esta iniciativa tuvo su reflejo en los Estados Unidos y pocos meses después salió “We Are The World”, grabación del supergrupo ad hoc USA For Africa, el cual estaba encabezado por Michael Jackson, Lionel Ritchie, Bruce Springsteen, Harry Belafonte y Stevie Wonder, pero también incluyó las voces de Bob Dylan, Paul Simon, Ray Charles y Billy Joel, entre muchos más, todos producidos por el legendario Quincy Jones.

Estas dos canciones recaudaron millones de dólares y fueron número 1 en sus respectivos países de origen. Sin embargo, Geldof pensó que se podía hacer más por el continente africano. Así, en marzo de 1985 puso en marcha su ambicioso plan: un recital en dos continentes, en simultáneo, y con los mejores números musicales del mundo del rock y del pop de aquellos años.

En sociedad con importantes productores de espectáculos a un lado y el otro del Atlántico, Geldof -quien hasta ese momento era más conocido por su protagónico en la película The Wall que por la música que hacía con su banda-, comenzó a convocar a los artistas. Y como suele ocurrir en estos grandes eventos, las rispideces y los contratiempos estuvieron a la orden del día: problemas de ego y cartel, artistas negros que denunciaron racismo y aseguraron no haber sido invitados, otros como Stevie Wonder (”No voy a ser el negro de tu película”) o Michael Jackson, que decidieron no participar. Con todo, se logró una grilla cargada de espectacularidad y que logró que se agotaran 200 mil entradas en tiempo récord.

La acción comenzó en Londres con los shows breves de Status Quo, Paul Weller y The Style Council, Geldof con su grupo y también Ultravox. En paralelo, y mientras la transmisión se repetía a casi todo el mundo, en distintos países se montaron teletones para que los teleespectadores aportaran de manera monetaria a la causa. Algo que se logró con creces.

Algo que unió ambas costas fue la gesta de Phil Collins, el único en cantar en ambos escenarios. Primero lo hizo en Londres, con canciones de su repertorio solista y uniéndose a una presentación de Sting y Brandford Marsalis. Ni bien terminó, lo llevaron volando hacia el aeropuerto y desde allí viajó en el célebre Concorde para cubrir en tres horas el trayecto hasta Filadelfia, donde lo esperaban para ser parte de la reunión de Led Zeppelin.

El grupo londinense se había disuelto tras la muerte de su baterista John Bonzo Bonham y desde ese momento, no pasaban cada uno de ellos por sus mejores temporadas. Con ese ánimo, ni siquiera el aporte de Collins (quien compartió batería con Tony Thompson, del grupo Chic) pudo salvar la actuación, que se convirtió en memorable por lo decepcionante que fue. Por empezar, el grupo se negó a anunciarse como tal y salieron al escenario simplemente como Jimmy Page, Robert Plant y John Paul Jones. Además, no habían ensayado y eso se notó en la actuación, que constó de deslucidas versiones de clásicos arrolladores como “Rock and Roll”, “Whole Lotta Love” y “Stairway to Heaven”.

La sede estadounidense fue el escenario de otras esperadas reuniones de grupos históricos que llevaban un tiempo separados. Crosby, Stills, Nash and Young, Black Sabbath o los Beach Boys, que hacía muy pocos días antes habían vuelto a tocar con Brian Wilson en la formación, se destacaron entre los animadores de la larga jornada. También sorprendió el agresivo rap de los Run DMC, toda una novedad en aquella década gobernada por el pop más fluorescente.

Mientras tanto, en Wembley brillaron Elton John, que registró un inédito dueto célebre hasta hoy con George Michael; David Bowie y su carácter camaleónico; y la potencia desbordante de The Who. Sin embargo, los dos shows más inolvidables de aquella jornada en Londres fueron otros dos.

Por un lado, U2. Una banda que en aquel momento ya tenía cuatro álbumes pero no eran el hit mundial en el que se convirtieron a partir de ese momento. Con solo dos canciones (”Sunday Bloody Sunday” y una versión extendida de “Bad”) encantaron al público. Pero también hubo un gesto de Bono para una chica que se estaba asfixiando entre la multitud con el que logró ponerse a todos en el bolsillo. Ocurrió que el vocalista divisó a una niña de 15 años que estaba siendo aplastada y él dio aviso al personal de seguridad. Como no lo entendían, él mismo bajó hacia el púbico para rescatarla: la abrazó, le dio un beso, bailó con ella y volvió al escenario para rematar su faena.

El otro gran golpe lo dio Queen, quienes venían de un par de años inactivos y con Freddie Mercury despuntando su recorrido como solista. Pero el reencuentro con su público fue icónico. Una actuación que para muchos es el mejor recital de rock de la historia: en menos de veinte minutos condensaron lo mejor de su repertorio pero además revalidaron su feedback con el público, el cual el líder y vocalista tuvo en un puño en todo momento. Esta actuación fue recreada al milímetro en la discutible película Bohemian Rhapsody, donde parte de esa magia quedó adherida a la cinta.

Si bien no lo hicieron en conjunto, su aura estuvo más que presente. Hablamos de The Rolling Stones, quienes participaron del evento a su modo. Por un lado, Mick Jagger, que por aquellos años le estaba dando rienda a su costado solista, logró levantar al público con una versión de “Miss You”. Sin embargo, el gran momento de su show estuvo dado por el dueto singular que conformó con Tina Turner para hacer en un meddley los temas “State of Shock” y “It’s Only Rock & Roll”.

En tanto, Keith Richards y Ron Wood acompañaron en el escenario a Bob Dylan, el encargado de cerrar el show en Estados Unidos. La actuación del trovador no fue la más memorable de su carrera, pero tuvo como plus esa inyección de guitarras stone para sacarlo adelante.

En tanto, Paul McCartney fue el número definitivo en Londres. El beatle emocionó a la multitud con su totémica “Let it be”, con la que contó con la colaboración de Bowie, el propio Geldof, Pete Townshend y Alison Moyet. Un verdadero broche de oro para una celebración que, aunque despareja, sin dudas marcó una época y fue todo un hito: al año siguiente, y por este motivo, el 13 de julio fue declarado (algo informalmente, vale decirlo) como el Día Mundial del Rock.

Si bien al poco tiempo se acusó que los fondos recaudados por el Live Aid fueron utilizados en Etiopía para comprar armas y agitar los conflictos internos y étnicos de aquel país, el organizador desmintió en repetidas oportunidades estas cuestiones. Incluso, veinte años más tarde, repitió una experiencia similar con el Live 8: otro megaconcierto para protestar contra el G8 y que se destacó por la reunión de Pink Floyd sobre el escenario montado en Londres. Pero esa es otra historia.

Brian May, guitarrista de Queen, ha hablado sobre los últimos días de Freddie Mercury y ha reflexionado sobre el duro semblante que el famoso vocalista tuvo durante gran parte de su vida, mismo que comenzó a mermar conforme su enfermedad avanzaba.

En una reciente entrevista con AXS TV, May discutió el legado de la banda y cómo decidieron poner fin a la agrupación tras la muerte del icónico vocalista.

“Siempre dijimos que si uno de nosotros se va, eso es todo. Así que Roger y yo salimos de duelo al máximo y diciendo que todo había terminado, que no queríamos hablar del tema por un buen tiempo,” compartió el guitarrista.

May también habló sobre los momentos finales de Mercury y el lanzamiento de Made in Heaven, un álbum póstumo a la muerte del cantante que llegó al mercado en 1995. El disco fue creado con las últimas grabaciones de Freddie, quien se dedicó de manera intensiva a cantar todo lo que fuera posible antes de su inminente muerte causada por el SIDA.

Brian aseguró que, si Freddie no hubiera perdido la vida, seguiría en el estudio de grabación y llenando estadios de todo el planeta.

“Hicimos el último álbum, el ‘Made In Heaven’, con las pistas que Freddie nos dejó para trabajar y se convirtió en un verdadero trabajo de amor porque nos dejó algunas piezas muy bonitas. Fue muy poco dramático sobre ello. Nunca lo vi llorar ni mostrarse compasivo consigo mismo. Él decía ‘Hagámoslo, sigamos haciendo cosas’. Freddie siempre fue inspirador. Si estuviera aquí ahora, estaríamos haciendo lo que siempre hacemos”.

Brian May aseguró que Adam Lambert ha llegado a ser mejor que Freddie Mercury

En el año 2009, casi 20 años después de la muerte de Freddie Mercury, el baterista Roger Taylor y el guitarrista Brian May decidió volver al escenario bajo el nombre de Queen con un nuevo vocalista: Adam Lambert, un cantante que dejó en shock a toda una generación de American Idol gracias a su portentosa voz. Su talento, combinado con su dominio del escenario prácticamente natural, los miembros restantes de Queen (a excepción del bajista John Deacon que se deslindó de la música tras la muerte de Freddie) lo tomaron bajo su ala, dando presentaciones a lo largo y ancho de todo el mundo.

Como era de esperarse, la inclusión de Lambert en Queen ha generado toda clase de comentarios por parte de los fanáticos de la banda; una de las críticas que más se han hecho es que, si bien, Adam tiene una voz impresionante, está lejos de ser tan imponente como la de su antecesor en la banda. Al respecto, y para sorpresa de los fans, Brian aseguró que Lambert ha llegado a superar en varias ocasiones Freddie Mercury.

“Adam aporta nuevos puntos de vista. No tiene miedo de decir ‘¿por qué no lo intentamos de esta manera o de otra?’, así que las canciones no son fósiles, están vivas y evolucionan con Adam, lo cual es genial, y a veces me deja alucinado”, declaró el guitarrista de 76 años que reiteró su punto poniendo de ejemplo una de las canciones más complicadas de cantar de Queen.

“Hacemos Who Wants To Live Forever, que es una canción que Freddie haría a veces, pero si se sentía un poco fuera de tono, eso iba a ser un poco demasiado para Freddie... ...ya sabes, Adam siempre lo hará, y siempre lo sacará adelante, y lo llevará más y más alto... Así que estoy ahí tocando y me digo, ‘¡¿qué acaba de hacer?! Me vuela la cabeza, el rango que tiene y el coraje que tiene para mezclar las cosas en un lugar diferente, sólo ligeramente transformar las cosas en un nuevo lugar. Así que me encanta. Me encanta trabajar con Adam”.

El 12 de julio no es solo una fecha en el calendario. Para los amantes de la música, esta fecha está cargada de eventos que han influido significativamente en la historia del rock, el pop y el metal progresivo. Desde debut de grandes bandas hasta lanzamientos de discos icónicos, el 12 de julio parece estar marcado por una verdadera conjunción astral.

Debut de The Rolling Stones (1962)

Hace 62 años, el 12 de julio, la banda británica The Rolling Stones debutó en directo en el Marquee londinense, garito que hollarían 30 años más tarde Héroes del Silencio. Los Stones cobraron 20 libras por su actuación. Esa noche, la formación estaba integrada por Keith Richards y Brian Jones (guitarras), Dick Taylor (bajo), el teclista Ian Stewart y Mick Jagger en la voz. Unos meses después salió Stewart (Andrew Oldham, el mánager, consideró que era muy feo, literalmente) y se redefinió la sección rítmica con Bill Wyman (bajo) y Charlie Watts (batería).

The Beatles y su primer EP (1963)

El 12 de julio del año siguiente, 1963, cuatro chicos de Liverpool que habían ganado mucha notoriedad y tenían un gran disco en el mercado desde hacía cuatro meses lanzaron su primer EP, “Twist & Shout”. En ese disco de The Beatles aparecían canciones que han cantado miles de millones de humanos desde entonces, especialmente la homónima (original de Phil Medley y Bert Berns) y “Do you want to know a secret”, del tándem Lennon-McCartney. Completaban la placa “There´s a place” y “A taste of honey”. Los cuatro temas habían entrado esa misma primavera en el mentado LP, aunque no fueron sencillos. “Please please me”.

Accidente de George Harrison (1964)

También un 12 de julio, pero de 1964, el guitarrista “beatle” George Harrison estrelló su Jaguar en Londres, en New Kings Road, cuando se dirigía a tocar con el grupo en Brighton. Solo sufrió heridas leves.

The Beach Boys y “California Girls” (1965)

Bajo esos dos Cánovas y Sagasta de la música, con el pelo algo más largo, había otros excelentes jugadores en esta liga de la supremacía musical. Por ejemplo, unos tipos muy aseados de Hawthorne (Los Angeles) llamados The Beach Boys, que un 12 de julio (de 1965) publicaron su éxito “California girls”.

Nacimiento de John Petrucci (1967)

Dos años más tarde, en el mismo día del séptimo mes del año, nació el virtuoso de la guitarra John Petrucci, fundador de Dream Theater, banda fundamental en la consolidación del metal progresivo.

Lanzamiento de “Delilah” por Tom Jones (1968)

Llegó 1968, y en cierto día que a estas alturas ya se puede deducir cuál es, salió al mercado el LP “Delilah”, clave en la carrera del cantante galés llamado Tom Jones. Además del tema que daba título al disco, también tenía canciones que se han quedado en el imaginario colectivo, como “Elusive dreams” u “One day soon”. No estaba “It´s not unusual”: la canción que inmortalizó con su baile Alfonso Ribeiro en “El príncipe de Bel Air” ya sonaba desde 1965.

Queen en Wembley (1986)

El 12 de julio de 1986 tuvo lugar el segundo de los conciertos que Queen, con Freddie Mercury al frente, ofreció en el estadio londinense de Wembley. El día anterior ya habían arrasado, al igual que el año anterior en el Live Aid, durante 20 gloriosos minutos… un 13 de julio. Las imágenes de aquellos recitales han dado miles de vueltas al mundo, fueron recordadas extensamente en el filme “Bohemian Rhapsody” (2018), de Bryan Singer, que valió un premio Oscar al mejor actor a su protagonista, Rami Malek.

Lanzamiento de "The Fat of the Land" por The Prodigy (1997)

Por último, pero no menos señalado en este repaso rockero "docejulístico", The Prodigy lanzó en esa fecha (de 1997) su disco más importante, "The fat of the land", convertido a día de hoy en un trabajo de culto. De la producción se encargó el genio Liam Howlett, cofundador de la banda en 1990 (tenía apenas 19 años) junto al ya extinto vocalista Keith Flint. The Prodigy actuaron en el FIZ zaragozano en 2006 y en el Monegros Desert Festival en 2012.

Efemérides que marcan una era

Esta sorprendente serie de eventos hace pensar en una verdadera conjunción astral dentro del mundo de la música. Todos estos hitos tienen en común no solo sus fechas, sino también su impacto perdurable en la historia de la música. Artistas y bandas que debutaron, se consagraron o lanzaron obras maestras en un 12 de julio han dejado una marca indeleble en la cultura popular, recordándonos que algunas fechas, más que otras, están destinadas a brillar en el firmamento de la música.

La Cineteca Nacional se congratula entre los fanáticos cine y los gustosos del rock por igual, al unir lo mejor de ambos mundos en un evento mensual muy especial. En el marco del Día Internacional del Rock, dicho género musical lleno de mito, historia y legado sonará con fuerza en sus salas.

El evento llevará por nombre el Mes del Rock, un ciclo que consistirá en la proyección de películas y documentales relacionados con el mencionado género musical y enfocados en varias de las bandas más importantes de la historia.

El ciclo es un esfuerzo conjunto de la Cineteca Nacional y de la disquera Universal Music México. Lo mejor es que todas las proyecciones serán gratuitas, por lo que sólo debes prestar atención a los días y horarios específicos que tendrá cada una.

¿Cuáles serán las películas?

El ciclo tendrá una gran variedad de bandas de rock. Desde algunas originarias en Estados Unidos, hasta otras provenientes del Reino Unido. Incluso hay una mexicana, pero todas ellas comparten el legado que han dejado en la música. Las películas consideradas son las siguientes:

Rolling Stones – Sweet Summer Sun (Hyde Park)

El regreso emblemático de los Rolling Stones a Hyde Park en 2013, un evento que marcó el verano con una memorable actuación.

The Cure – Anniversary Live in Hyde Park

The Cure ofreció un concierto en el Hyde Park de Londres en julio de 2018 para celebrar 40 años de carrera musical, mostrando su destacado talento en el escenario.

Black Sabbath – The End of the End

Documental sobre la última gira de Black Sabbath que culminó el 4 de febrero de 2017 en Birmingham, cerrando un recorrido musical que duró casi 50 años.

Queen – Rock Montreal

Registro en vivo de los conciertos de Queen en noviembre de 1981 en el Forum de Montreal, capturando a la banda en la cúspide de su éxito durante los 80.

The Cure – Curætion-25 From Here To There

Grabación del único concierto de ‘CURÆTION-25: From Here To There’, realizado en la noche final del 25º Festival Meltdown en Londres, organizado por Robert Smith en junio de 2018.

Zoé – Panoramas

Un recorrido íntimo y visual a través de uno de los años más significativos en la trayectoria de la banda de rock alternativo Zoé, presentado en un estilo documental Cinéma Vérité

¿Cuándo y dónde ver los conciertos gratis?

Todas las películas se proyectarán en la Cineteca Nacional de Xoco en su espacio designado al Aire Libre. Por tanto lo único que debes hacer es llegar y encontrar tu mejor lugar en el césped. Los horarios y días específicos de cada una son los siguientes:

• Rolling Stones – Sweet Summer Sun (Hyde Park) | Fecha: 10 julio | Hora: 19:30H
• The Cure – Anniversary Live in Hyde Park | Fecha: 17 julio | Hora: 19:30H
• Black Sabbath – The End of the End | Fecha: 19 julio | Hora: 19:30H
• Queen – Rock Montreal | Fecha: 24 julio | Hora: 19:30H
• The Cure – Curætion-25 From Here To There | Fecha: 26 julio | Hora: 19:30H
• Zoé – Panoramas | Fecha: 31 julio | Hora: 19:30H

Drag (Performance)TransgenderHomosexuality and BisexualityCharles, RuPaulBrazil

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Este mes, la avenida principal de São Paulo estuvo llena de miles de personas envueltas en la bandera verde y amarilla de Brasil, cautivadas por una figura imponente que estaba sobre un camión remolque equipado con bocinas.

Desde arriba, la escena podría haberse confundido con uno de los muchos mítines políticos celebrados en el mismo lugar por el expresidente Jair Bolsonaro, el líder brasileño de extrema derecha que, de manera infame, declaró que nunca podría amar a un hijo gay.

(Aunque la enorme bandera arcoíris delataría la realidad).

De hecho, era uno de los desfiles del Orgullo más grandes del mundo y la persona que estaba encima del camión de sonido era Phabullo Rodrigues da Silva, de 30 años, el hijo gay de una madre soltera de la clase trabajadora en el norte de Brasil.

Sin embargo, la multitud lo conocía como Pabllo Vittar, una drag queen de 1,87 metros con una reluciente camiseta de fútbol brasileña corta y ceñida y shorts de mezclilla rotos, una de las estrellas del pop más populares de este país de 203 millones de habitantes.

"¡Es hermoso verlos de verde y amarillo!", le gritó Pabllo Vittar a la multitud, en la que muchas personas lucían tangas y medias de malla. Vittar le había pedido a los juerguistas que usaran los colores nacionales para recuperar la bandera brasileña del movimiento de derecha de Bolsonaro. "¡Vamos a bailar!".

Es posible que RuPaul todavía sea la reina de reinas, pero su heredera a la corona global ha llegado.

En los últimos 7 años, Pabllo Vittar se ha convertido, según varias métricas, en la drag queen más exitosa del mundo. Tiene seis discos de estudio (uno de oro, uno de platino y dos de doble platino), su propia colaboración de moda con Adidas, una campaña publicitaria mundial con Calvin Klein y 1800 millones de reproducciones de sus canciones.

Ha realizado giras por Estados Unidos y Europa; se ha presentado en Lollapalooza y en Coachella; ha compartido escenario con Madonna en el concierto más grande de la diva estadounidense; y cantó en las Naciones Unidas para el cumpleaños de la reina Isabel.

Pabllo Vittar afirma que RuPaul, la drag queen pionera estadounidense de 63 años, es una inspiración, aunque nunca se han conocido. Por su parte, RuPaul ha rechazado cualquier teoría de que Vittar sea su competencia. "AMO Y APOYO @PablloVittar , escribió RuPaul en Twitter en 2022. "Vergüenza les debería dar, maliciosos troles de Twitter, por intentar crear una rivalidad".

Sin embargo, según las métricas modernas de internet, es difícil rebatir la idea de que Pabllo Vittar ha comenzado a superar a la leyenda de su infancia. Contando Facebook, Instagram, Twitter, TikTok y YouTube, Pabllo Vittar tiene alrededor de 36 millones de seguidores, el triple que RuPaul.

En el proceso, Vittar ha llegado a representar la paradoja LGBTQ de Brasil.

Además de albergar un grupo emergente de estrellas drag, Brasil ha promulgado algunos de los derechos más amplios del mundo para la comunidad gay. Las parejas del mismo sexo pueden casarse y adoptar hijos; las personas transgénero pueden elegir legalmente su género; los insultos homofóbicos son delito; y la llamada terapia de conversión, que busca convertir a personas gay en heterosexuales, está prohibida.

Sin embargo, durante años Brasil también se ha clasificado entre los países más letales para las personas homosexuales y transgénero. Desde 2008, más de 1840 personas transgénero han sido asesinadas en Brasil, más del doble que el siguiente país más mortífero, México, según el seguimiento de Transgender Europe, un grupo de defensa. Brasil ha liderado la clasificación todos los años desde que comenzó el monitoreo.

"Nunca sabemos cuándo le tocará a un amigo, a mi familia, a mí", afirmó Vittar en una entrevista. "Este es el mayor objetivo de mi carrera: lograr que la gente joven no sienta este miedo cuando salgan".

La estrella ha emergido como una de las voces de la comunidad gay más fuertes de Brasil contra un movimiento de derecha en el país, liderado por grupos conservadores cristianos, que han convertido a una visión heterosexual del género, el sexo y el matrimonio en una parte central de su estrategia política.

Vittar fue una dura crítica de Bolsonaro durante las elecciones de 2022, generando que la campaña del expresidente emitiera una queja formal luego de que ella pidiera su destitución en el escenario del festival Lollapalooza. Cuando Bolsonaro perdió ante el actual presidente Luiz Inácio Lula da Silva, de izquierda, la artista lideró el concierto de la toma de posesión de Lula.

"Una drag queen en el escenario ya es de por sí un acto político", afirmó durante la presentación. "Le muestro al niño y a la madre que están atrás en el público que ellos también pueden estar donde yo estoy, que no tengan miedo, que no renuncien a quienes son".

Para los fanáticos gays y transgénero de Vittar, ella ha sido una poderosa inspiración.

"Nos brinda una sensación de seguridad", afirmó João Rabelo, un publicista de 28 años de la ciudad del norte de Brasil en la que nació la estrella. "Hoy puedo caminar por la calle con mi novio relajado y sin temerle a la muerte".

Aunque el público ve mayormente a Pabllo Vittar vestida como una mujer, la estrella vive su vida como un hombre. El género "es un constructo social", aseveró Rodrigues da Silva (su nombre real). "Lo más importante es cómo nos sentimos por dentro. Me siento como un chico, y cuando Pabllo Vittar llega, no me convierte en una mujer".

En cuanto a los pronombres, le es indiferente… siempre y cuando no esté en drag. "Si estoy en drag, usa el femenino, por el amor de Dios", dijo.

En cierto modo, su estilo de vida ha creado dos existencias separadas: Phabullo, el hombre, y Pabllo, la drag queen.

Phabullo es un ermitaño que vive con su madre, padrastro y hermana en una casa lujosa en una pequeña ciudad ubicada en el equivalente brasileño del Medio Oeste estadounidense. Cuando trabaja como Pabllo, se queda en un pequeño apartamento en São Paulo, la metrópolis más poblada de América Latina.

Phabullo es tímido y odia hablar de sí mismo. Pabllo es lo opuesto. "Si la rubia estuviese aquí, estaría flirteándote", me dijo la estrella en una entrevista, no en drag, refiriéndose a su alter ego. "Ella es picante. Atrevida. Yo no".

Y sí, habla de su personalidad drag en tercera persona. "Porque en realidad ella es una tercera persona", afirmó. "Cuando hago algo como Pabllo Vittar y eso afecta mi vida, en la que soy tímido, lo odio. Quiero meterme en un hueco".

Rodrigues da Silva nació en Maranhão, el estado más pobre de Brasil, de una madre soltera que trabajaba como técnica enfermera. A los 5 años ya estaba en busca de los escenarios, comenzando con el coro de la iglesia. "Solo quería cantar", dijo, "y quería que la gente me viera cantar".

Rodrigues da Silva contó que sus compañeros de clase se burlaban de él por sus ademanes femeninos, pero su madre siempre lo apoyó. Ya en sus años adolescentes, cantaba en bares y en videos de YouTube. Luego, en una fiesta de Halloween en un club gay, en su cumpleaños 18, probó el drag.

"Nunca había experimentado una sensación de libertad tan poderosa… de poder expresar lo que estaba en mi mente", contó.

Al mismo tiempo, un video suyo cantando una canción de Whitney Houston se volvió viral. El dueño del club, Yan Hayashi, y un productor musical, Rodrigo Gorky, vieron rápidamente su potencial y comenzaron a representar a Rodrigues da Silva como Pabllo Vittar. (El nombre fue un homenaje a una drag queen que Rodrigues da Silva conocía de antes).

Pabllo Vittar rápidamente consiguió trabajo liderando una banda en un programa televisivo de variedades nocturno. Luego comenzó a lanzar música y, en 2017, logró tener la canción número 1 de Brasil.

Desde entonces, Pabllo Vittar se ha convertido en una de las artistas más exitosas de Brasil, con una voz aguda, elaboradas rutinas de baile y un espectáculo lleno de energía. También se ha ganado una cantidad moderada de seguidores internacionales, sobre todo en la comunidad LGBTQ, pero en la actualidad está trabajando en un álbum que mezcla inglés y español.

Owen Mallon, oriundo de Chicago, funge como uno de los tres representantes de Pabllo Vittar (la estrella le dice "papá" a dos de ellos), y tiene la tarea de descifrar cómo lograr que una drag queen que habla portugués se convierta en una exitosa estrella internacional. Sin embargo, siempre ha quedado impresionado con las reacciones que ella genera.

"Aunque la gente no conoce el idioma, la aman y aman lo que representa, y luego el show habla por sí solo", dijo.

Su música abarca desde el pop hasta la electrónica y la música tradicional brasileña. Su disco más reciente tiene versiones de música popular del norte y nordeste de Brasil, donde creció, incluido el forró, con sus acordeones, y la tecnobrega, con sus sintetizadores.

Tras conceder una entrevista como Rodrigues da Silva, emergió como Pabllo Vittar horas después en un concierto benéfico en su estado natal de Maranhão. Por lo general, el proceso de transformación dura tres horas. (Al igual que un atleta que colecciona zapatillas de deporte gratis, Vittar ha acumulado una colección de 200 pelucas donadas por un fabricante de Londres).

Lucía un top ajustado que se parecía a la bandera del estado, una peluca rubia, botas blancas, una falda diminuta y una tanga. Mientras esperaba para subir al escenario con su grupo de bailarines, en medio del calor brasileño, su estilista usaba un ventilador para refrescarle el trasero.

"Mi lugar favorito en el mundo", dijo. Luego subió al escenario y la multitud estalló.

Jack Nicas es el jefe de la corresponsalía en Brasil, con sede en Río de Janeiro, desde donde lidera la cobertura de gran parte de América del Sur. Más de Jack Nicas

Pabllo Vittar durante un concierto en São Luís, Maranhao, su ciudad natal (Victor Moriyama/The New York Times)

Fans and digital influencers visiting the Brazilian drag queen Pabllo Vittar, center left, in her dressing room before a concert. (Victor Moriyama/The New York Times)

La “esposa” de Freddie Mercury está a punto de recibir otra impresionante suma de dinero tras la venta del catálogo de Queen por aproximadamente USD 1.200 millones de dólares. La transacción, resultado de un acuerdo con Sony, garantizará a Mary Austin, de 73 años, un pago de cerca de USD 237 millones de dólares.

Desde la muerte del vocalista de Queen en 1991, Austin ha sido la principal beneficiaria de sus bienes. Inicialmente recibió la mitad del patrimonio de Mercury y, posteriormente, otro 25% tras el fallecimiento de los padres del músico.

Además, ella continúa recibiendo el 18,75% de los ingresos generados a nivel global por Queen Productions, compañía responsable del control del catálogo de la banda y distribuidora de las ganancias entre los miembros sobrevivientes: Roger Taylor, John Deacon y Brian May.

Aunque Mary no mantiene contacto frecuente con los compañeros de banda del fallecido, juega un papel crucial como fideicomisaria del Mercury Phoenix Trust, una organización benéfica establecida en honor a Freddie Mercury. Esta fundación se dedica a recaudar fondos y aumentar la concienciación sobre el VIH/SIDA.

Un amor que perdura

Mercury y Austin se conocieron en 1970, cuando él recién había llegado a Londres desde Zanzíbar con la esperanza de convertirse en un músico exitoso. La pareja se fue a vivir junta y llegaron a comprometerse en 1973. No obstante, tres años después, la estrella del rock reveló sus preferencias sexuales, poniendo fin a su relación romántica, aunque continuaron siendo amigos cercanos.

En una pasada entrevista, Austin recordó aquel momento: “Él dijo: ‘Creo que soy bisexual’. Yo le dije: ‘Creo que eres gay’. Y no dijimos nada más. Simplemente nos abrazamos”. Aún después de su separación, en entrevistas Mercury siguió refiriéndose a ella como su “esposa” hasta el final de su vida, mostrando la profundidad de su vínculo.

Hasta el momento, Mary Austin ha dedicado su vida a preservar el legado de Freddie Mercury, y con la reciente ganancia, se posicionará entre las 100 mujeres más ricas de Gran Bretaña.

Una transacción histórica

El pasado 20 de junio se conoció que la legendaria banda de rock británica Queen cedió sus derechos musicales en Norteamérica a Sony Music Entertainment por una cifra superior a mil millones de dólares, marcando la venta de catálogo musical más grande de la historia. El récord hasta el momento le pertenecía a Bruce Springsteen, quien en 2021 cedió su catálogo por USD 420 millones de dólares aproximadamente.

La adquisición incluye los 15 álbumes de estudio y numerosos sencillos exitosos que han definido a la banda durante décadas. Entre estos encuentran himnos atemporales como “Bohemian Rhapsody”, “We Will Rock You” y “We Are the Champions”. Sin embargo, a diferencia de artistas como Springsteen y Bob Dylan, Queen mantendrá los derechos para ejecutar su música en conciertos en vivo.

Los miembros fundadores Brian May, de 75 años, y Roger Taylor, de 74, siguen realizando giras con Adam Lambert, de 42 años, como cantante desde el año 2011. Por su parte, el bajista John Deacon, de 72 años, se retiró de la música en 1997.

También se dio a conocer que el acuerdo abarca las ganancias por merchandising, los ingresos de la película biográfica Bohemian Rhapsody de 2018 y cualquier otro proyecto o acuerdo de licencia futuros.

Los inversores consideran los catálogos de música como activos que generan dividendos, similares a las acciones de empresas. La valoración del catálogo de Queen se fundamenta en los rendimientos anuales que su comprador puede anticipar en las próximas décadas.

En Estados Unidos, las unidades de consumo de álbumes de Queen fueron de 25,9 millones entre 1991 y 2017, cifra que aumentó a 3,58 millones en 2019 después del estreno del exitoso filme protagonizado por Rami Malek, según datos de Luminate.

Queen, la legendaria banda de rock exliderada por Freddie Mercury, ha alcanzado un acuerdo con Sony Music para la adquisición de su catálogo musical, según información de Variety. Este acuerdo, el cual incluye también mercancía y otros negocios, excluye los ingresos generados por las actuaciones en vivo de la banda. El valor del convenio se ha estimado en 1,27 mil millones de dólares (1.000 millones de libras esterlinas), convirtiéndose en el mayor de su tipo hasta la fecha.

En comparación, en 2021, Bruce Springsteen vendió su catálogo a Sony por un estimado de 500 millones de dólares (393 millones de libras esterlinas). Asimismo, en 2022, la compañía estadounidense adquirió todo el catálogo de Bob Dylan en otro acuerdo relevante por 200 millones de dólares Además, Sony también compró el 50 por ciento del catálogo de Michael Jackson por aproximadamente 600 millones de dólares (471 millones de libras esterlinas).

Variety añade que otro postor estuvo cerca de asegurar el catálogo de Queen, pero no logró igualar la histórica oferta. Actualmente, no está claro quién fue esta parte, pues Sony Music se ha negado a comentar sobre el acuerdo y no ha lanzado ningún comunicado de prensa al respecto.

El repertorio de Queen incluye éxitos atemporales como “Bohemian Rhapsody”, “We Will Rock You”, “Somebody to Love”, y “Another One Bites the Dust”, canciones que siguen siendo populares y lucrativas tanto en streaming como en diferentes licencias publicitarias, cinematográficas y televisivas.

La logística detrás del trato con Queen sigue siendo complicada, ya que Disney posee los derechos de grabación de la banda en Estados Unidos y Canadá, según un acuerdo que se firmó en la década de los 90. De igual manera, hay que recordar que Universal Music Group es el distribuidor mundial de la banda y continuará siéndolo durante los próximos años hasta que expire el contrato existente.

Según documentos corporativos, los miembros sobrevivientes de Queen —Brian May, Roger Taylor y John Deacon— junto con el patrimonio del fallecido líder Freddie Mercury, son accionistas equitativos en Queen Productions Ltd. La empresa informó que contaba con ingresos de 52 millones de dólares (40.8 millones de libras esterlinas) en 2022.

Además, en una subasta reciente, el piano de 1973 de Mercury usado para componer “Bohemian Rhapsody” se vendió por 2,2 millones de dólares (1,7 millones de libras). Este instrumento superó el precio de 2,1 millones de dólares pagado por el Steinway de John Lennon, utilizado para escribir “Imagine”, según informó el Wall Street Journal.

La colección de Mercury, descrita en su momento como “exquisitos desordenes”, incluía también las letras manuscritas de la canción de ópera de rock de Queen, vendidas por 1,7 millones de dólares. Los 15 folios, escritos en papelería de una aerolínea que ya no existe, revelaron que inicialmente la canción casi se llamó “Mongolian Rhapsody” antes de que el cantante lo cambiara a “Bohemian”.

En otras noticias relacionadas con Queen, el guitarrista y miembro fundador Brian May levantó titulares tras elogiar a Pete Townshend de The Who, diciendo que él “básicamente inventó” la guitarra de rock. Recientemente, May se unió a The Offspring en el escenario para una actuación en vivo de “Gone Away” y una versión de “Stone Cold Crazy”. También colaboró con el compositor y performer francés Jean-Michel Jarre en el Festival Starmus.

La historia de Queen comenzó en 1970 y, con Freddie Mercury al frente, la banda rápidamente se convirtió en uno de los actos más grandes y duraderos de la música rock. Tras la muerte de Mercury en 1991, el legado de la banda se ha mantenido vivo no solo a través de reproducciones y ventas, sino también mediante la realización de musicales, películas y diversas asociaciones comerciales.

Sony Music está en negociaciones para adquirir el catálogo musical completo de la banda de rock Queen, incluyendo clásicos como “Bohemian Rhapsody”, “Radio Ga Ga” y “Another One Bites The Dust”. De acuerdo con la información difundida hasta el momento, la compañía trabaja junto con otro inversor en una transacción que podría alcanzar los mil millones de dólares (790 millones de libras esterlinas).

Las negociaciones aún están en curso y podrían no culminar en una venta. Otro de los gigantes del mundo del entretenimiento que está interesado en el catálogo de la banda británica es Universal Music. Queen firmó con el sello británico EMI en 1972 y dada la buena relación de la banda con la empresa, la relación comercial entre las partes continuó cuando Universal absorbió a EMI en 2011, un hecho lo que podría facilitar las negociaciones.

Según publicó la agencia Bloomberg, el acuerdo no solo incluiría las canciones de Queen sino también toda la propiedad intelectual relacionada, como los derechos de los logos, videos musicales, merchandising, publicaciones y otras oportunidades de negocio. Sony Music también adquirió recientemente la mitad del catálogo musical de Michael Jackson por al menos 600 millones de dólares (472 millones de libras esterlinas) y pagó 500 millones de dólares (393 millones de libras esterlinas) por el catálogo de Bruce Springsteen en 2021.

Las negociaciones sobre la venta del catálogo de Queen comenzaron el año pasado. En caso de alcanzar el precio de mil millones de dólares, sería el acuerdo más grande de su tipo, superando la compra del catálogo de Springsteen. La empresa Hipgnosis, que tiene derechos sobre la música de artistas como Beyoncé y Barry Manilow, recientemente acordó una adquisición por 1600 millones de dólares con la firma Blackstone.

La relevancia y longevidad de la música de Queen hacen que su discografía sea muy codiciada. Con 52 millones de oyentes mensuales en Spotify, la popularidad de la banda superó a artistas como Michael Jackson y Bruce Springsteen, con 41 y 20 millones de oyentes, respectivamente. Esta popularidad se debe en parte al éxito del biopic “Bohemian Rhapsody” y las giras actuales con el cantante Adam Lambert, pero principalmente a la permanencia de éxitos como “Crazy Little Thing Called Love” y “We Will Rock You”.

En cuanto a las finanzas de Queen Productions Ltd, según su declaración más reciente, la empresa generó 52 millones de dólares (42 millones de libras esterlinas) en el año que terminó en septiembre de 2022. Estos ingresos se dividen equitativamente entre el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor, el bajista John Deacon y los herederos del fallecido cantante Freddie Mercury.

El primer volumen de Greatest Hits de Queen es conocido como el álbum más vendido de todos los tiempos en el Reino Unido, con más de 7 millones de copias y fue el vigésimo más vendido en 2023, algo que supera lanzamientos como los de Ed Sheeran y The Rolling Stones.

El negocio de compra de catálogos musicales ha crecido significativamente en los últimos ocho años, con sellos discográficos y compañías adquiriendo derechos de artistas como David Bowie, Bob Dylan, Justin Bieber, Shakira, Neil Young, Blondie y Fleetwood Mac por sumas multimillonarias. Estos acuerdos ofrecen estabilidad financiera inmediata a los artistas, mientras que los titulares de los derechos esperan generar beneficios mediante nuevas fuentes de ingresos a través de licencias para cine y televisión, merchandising, nuevas versiones y regalías por interpretaciones.

Sin embargo, este sector ha enfrentado turbulencias debido al aumento de las tasas de interés, que afecta el valor a largo plazo de las canciones exitosas. Un factor que complica la posible venta del catálogo de Queen es que Disney Music Group posee los derechos de su música grabada en América del Norte, mientras que la banda tiene los derechos en el resto del mundo y retiene los derechos de publicación globales relacionados con las letras y la música.

Brian May, guitarrista de Queen, ha elogiado a Pete Townshend de The Who, señalándolo como el verdadero inventor de la guitarra de rock. May compartió una imagen en Instagram el pasado 20 de mayo, acompañada de una cita en la que describía a Townshend como “el maestro del cambio de humor, un maestro del acorde suspendido”.

May añadió en su post: “Pete Townshend es un dios de la guitarra y siempre lo será. Lo vi estar allí y dejar que la guitarra explotara en vida por sí sola”. En la misma publicación, May reiteró su admiración, diciendo: “Estoy contento de haber dicho esto, probablemente no lo digo lo suficiente. No puedo imaginar la guitarra de rock sin Pete Townshend. Mirando hacia atrás, me parece que básicamente la inventó”.

Brian continuó, diciendo que tuvo la suerte de observar de cerca a Townshend durante su carrera. “Mi forma de tocar le debe mucho a él. No estoy hablando del estilo influenciado por el blues que también sustentó la evolución del rock de los años 70 y 80″.

Para el guitarrista de Queen, “Townshend trajo a la escena un estruendo impresionante de acordes súper amplificados pero no sobresaturados, monolitos afilados que chocaban furiosamente contra nuestros cerebros”. Según detalló, escucharlo fue algo que lo cambió para siempre.

De tal manera, May instó a sus seguidores a escuchar “My Generation” a todo volumen para entender lo que quería expresar, resaltando la poderosa batería de Keith Moon, el bajo de John Entwistle y la presencia de Roger Daltrey, a quien describió como “un rebelde de Shepherds Bush” y “un ícono punk mucho antes de la invención del punk rock”.

Brian también recomendó escuchar “I’m A Boy” para apreciar los llamados acordes suspendidos de Townshend y sugirió “Substitute” para un ejemplo de su majestuoso desempeño rítmico y su letra profunda. También mencionó “I Can’t Explain” y la versión de The Who del clásico “Summertime Blues” como canciones que transformaron el Rock and Roll en Rock.

El guitarrista de Queen concluyó su publicación, claramente halagadora, alentando a sus seguidores a escuchar todos los temas que mencionó, incluso como si de una materia académica se tratara. “Buenos días, ¡tienen su tarea para hoy!”, puntualizó.

Asimismo, en una entrevista previa con Radio 2, May recordó haber visto a The Who en vivo en Shepherds Bush junto a su compañero de banda Roger Taylor. “Cuando aparecieron, fue un caos desatado,” dijo. “Era extremadamente fuerte, peligroso y anárquico, supongo. Esto fue mucho antes del punk. Así que creo que The Who escribió la receta para el punk, por así decirlo”, detalló.

En otras novedades, Brian May se unió recientemente a The Offspring en el escenario para una interpretación en vivo de “Gone Away” y una versión de “Stone Cold Crazy”. Además, colaboró con el compositor y artista francés Jean-Michel Jarre en el Festival Starmus.

A principios de este año, Pete Townshend comentó que The Who tenía una última cosa pendiente antes de “arrastrarse a morir”. Por su parte, el vocalista Roger Daltrey reflexionó sobre acercarse a los 80 años, admitiendo que debía ser “realista” y que estaba “en camino de salida”.

Los elogios de May hacia Townshend no son nada nuevo, pues ambos guitarristas se han respetado mutuamente a lo largo de sus carreras. La influencia de Townshend en la música rock y en guitarristas de generaciones sucesivas, como May, es innegable.

Este año, en febrero, también llamó la atención la reunión de Brian May con los legendarios guitarristas Jimmy Page y Tony Iommi. Los músicos participaron en la apertura de Gibson Garage, una nueva tienda de guitarras ubicada en Eastcastle, en el centro de Londres.