Dith Pran nació el 27 de septiembre de 1942 en la ciudad de Siem Reap, una localidad ubicada en la región noroeste de Camboya. Su ciudad natal era famosa por encontrarse en las cercanías del imponente complejo de los históricos templos de Angkor Wat.

Cuando nació Pran, Camboya se encontraba atravesando la ocupación militar de Japón en pleno desarrollo de la Segunda Guerra Mundial, y el país conformaba parte del área conocida como Indochina francesa.

Dith creció en una familia de clase media y fue uno de los seis hijos del matrimonio. Su padre, Dith Proeung, trabajaba como funcionario de obras públicas y supervisor en los proyectos de construcción de carreteras nacionales. A lo largo de los años, su padre prestó servicios primero para la administración de la ocupación japonesa, posteriormente para el gobierno colonial de Francia que retornó al poder tras finalizar el conflicto mundial en 1945, y finalmente para la monarquía constitucional regida por el rey Sihanouk.

Durante su juventud, Dith cursó toda su educación en escuelas locales, instituciones donde aprendió el idioma francés. De forma autodidacta, también dedicó gran cantidad de tiempo a estudiar y dominar el idioma inglés. Al finalizar la escuela secundaria, comenzó a trabajar a partir de la década de 1960 ocupando el puesto de intérprete para el Grupo de Asistencia Militar de Estados Unidos destinado en Camboya.

El gobierno estadounidense había estacionado fuerzas armadas dentro del territorio camboyano como consecuencia directa de la participación bélica en la guerra desarrollada en el país vecino de Vietnam. Dith se mantuvo en ese puesto por cinco años hasta que, en 1975, el gobierno camboyano rompió formalmente sus relaciones diplomáticas con Estados Unidos.

Paralelamente, Dith incursionó laboralmente en la creciente industria del turismo, consiguiendo empleo en un reconocido hotel situado muy cerca de los templos de Angkor Wat. Por aquellos años, se casó con su primera esposa, Ser Moeun Dith, con quien tuvo cuatro hijos llamados Titony, Hemkarey, Titonath y Titonel.

Hacia 1970, el coronel Lon Nol encabezó un golpe de Estado que instaló un nuevo gobierno afín a los intereses de Estados Unidos en la capital, Phnom Penh. Ese drástico cambio coincidió de forma directa con una agresiva campaña de bombardeos estadounidenses sobre los territorios de Camboya y con el crudo estallido de una fuerte guerra civil entre el gobierno de Lon Nol y la guerrilla comunista de los Jemeres Rojos, liderada por Pol Pot.

Ante el aumento de la violencia y la masiva llegada de reporteros occidentales al lugar, Dith comenzó a trabajar como traductor, chofer y guía local. En el transcurso de 1972, Dith conoció a Sydney Schanberg, un destacado corresponsal de guerra del diario The New York Times que hasta ese entonces operaba con base en Singapur. El primer encuentro entre ambos se produjo en el aeropuerto, cuando Dith fue contratado para recibir al reportero en su arribo. A partir de 1973, Dith ya se encontraba trabajando como colaborador exclusivo del corresponsal.

Durante el transcurso de ese trabajo conjunto, Schanberg le enseñó las técnicas necesarias para tomar fotografías, hecho que marcó el inicio de la carrera de Dith como reportero gráfico. A pesar de no poseer ningún tipo de experiencia, el fotógrafo demostró tener una enorme capacidad natural para conseguir primicias utilizando todas las formas que tenía a su alcance.

En un hecho trágico sumamente recordado, un gigantesco avión bombardero estadounidense modelo B-52 atacó por error a una humilde población ubicada en las riberas del río Mekong, provocando un saldo total de 400 víctimas entre personas fallecidas y heridos graves. Para poder llegar a tiempo a la remota zona del desastre, Dith sobornó con dinero a la tripulación entera de una lancha patrullera militar y, luego de conseguir documentar fotográficamente los devastadores hechos, sobornó a otra tripulación naval para regresar a Phnom Penh a máxima velocidad, logrando así que Schanberg pudiera enviar su artículo antes del horario de cierre de edición. En 1976, Schanberg ganó el Premio Pulitzer por su cobertura y lo compartió simbólicamente con Dith.

El 17 de abril de 1975, las guerrillas armadas de los Jemeres Rojos tomaron por asalto el control absoluto de la capital. Esa misma jornada, Dith, Schanberg, el chofer del auto en el que se trasladaban y otros dos periodistas extranjeros occidentales, entre ellos el corresponsal británico Jon Swain, fueron acorralados por un escuadrón compuesto por soldados fuertemente armados.

Los captores amenazaron de muerte a los cronistas y forzaron violentamente a los extranjeros y al chofer a introducirse dentro de un pesado tanque de guerra, dejando a Dith afuera. Desde el oscuro interior del vehículo blindado, Schanberg lograba escuchar con suma claridad los gritos desesperados de Dith suplicando a los soldados en su propio idioma jemer.

Cuando finalmente los militares abrieron la compuerta y Dith pudo ingresar al habitáculo, el chofer les explicó que los guerrilleros comunistas le habían ordenado a Dith que se marchara para salvar su vida. Sin embargo, el fotógrafo evaluó que sus compañeros norteamericanos no tenían la más mínima posibilidad de salir ilesos sin su mediación, por que ofreció su propia vida a cambio.

Luego de argumentar con firmeza y de forma incesante durante más de dos largas horas, Dith logró convencer a los soldados para que liberaran a todos los prisioneros retenidos. Ese pequeño contingente se dirigió a buscar asilo inmediato en la Embajada de Francia, donde cientos de ciudadanos extranjeros se encontraban refugiados. Al llegar la oscuridad de la noche, Schanberg introdujo a Dith escondido dentro de los límites del recinto diplomático y comenzó a planificar la falsificación de un pasaporte británico para él.

Pese a esos planes, las máximas autoridades consulares francesas, ante el pánico de que los Jemeres Rojos decidieran allanar las instalaciones en cualquier momento, tomaron la drástica decisión de expulsar a las calles a todas las personas que presentaran innegables rasgos nativos camboyanos.

Dith había logrado previamente que su esposa y sus cuatro hijos abandonaran el país a salvo a bordo de un camión de evacuación de Estados Unidos, pero él había decidido quedarse para cubrir la noticia. Tras ser expulsado de la embajada francesa, el reportero se vio obligado a salir y enfrentarse al duro caos imperante del nuevo régimen dictatorial.

Entre los años 1975 y 1979 Pol Pot instauró la República Popular Democrática de Kampuchea. Durante ese sangriento gobierno, la guerrilla buscó erradicar toda la cultura foránea e influencia occidental capitalista, expulsando por la fuerza al 60 por ciento de la inmensa población urbana, lo que representaba a unos cinco millones de individuos, obligándolos a caminar hacia las zonas rurales para construir una estricta sociedad agraria.

El gobierno ilegalizó por decreto la práctica de cualquier culto religioso, disolvió a las familias y procedió a la sistemática masacre de profesionales de la salud y académicos. Un estimado de entre uno y medio y dos millones de ciudadanos fueron masacrados directamente en ejecuciones o fallecieron producto de severos cuadros de inanición, falta de fármacos y castigos diarios.

Dith fue forzado a trasladarse a una granja de trabajo situada en el norte del país, área célebre por sus homicidios a gran escala. Dado que Dith era una persona instruida con nexos estadounidenses, disfrazó hábilmente su verdadera identidad asumiendo la postura de un chofer de taxi campesino carente de toda instrucción para evitar ser asesinado.

En ese campo de esclavitud agrícola, Dith debió soportar jornadas de labor física extrema que se extendían habitualmente entre 14 y 18 horas dentro de los arrozales. Como las normas prohibían terminantemente el uso de cualquier tipo de calzado, los pies de Dith adquirieron infecciones cutáneas muy severas. La escasa ración alimentaria constaba únicamente de una diminuta cucharada de arroz blanco diario, motivo por el que Dith recurrió a comer cortezas rústicas de árboles, insectos y ratones, además de ingerir sangre extraída de bueyes para no morir.

En una ocasión y motivado por el hambre, el camboyano intentó robar arroz, pero fue sorprendido y apresado en el acto. Como represalia, 12 personas a cargo de la dirección del campo lo golpearon ferozmente valiéndose de diversas armas y cuchillas empleadas habitualmente para talar bambú, y le dictaron de manera sumaria la pena de muerte. Al ser budista, Dith rezó durante las horas previas a la ejecución y finalmente fue eximido milagrosamente de su sentencia gracias a que un oficial comunista, que le tenía aprecio personal, logró persuadir a los mandos jerárquicos de que le permitieran conservar su vida para que siguiera trabajando en el campo de detención.

A comienzos del mes de enero de 1979, los ejércitos invasores provenientes de Vietnam tomaron el pleno control territorial de la nación, enviando de ese modo a las fuerzas de Pol Pot hacia un prolongado exilio. Aprovechando el desconcierto generalizado, Dith se desplazó hacia su antiguo pueblo de nacimiento, lugar donde los residentes descubrieron asombrados que aún seguía vivo tras todos esos años.

Dith constató con inmensa tristeza que su padre había muerto por inanición y que tres hermanos varones y una hermana habían sido asesinados. Únicamente su madre, una hermana y otros pocos allegados lograron sobrevivir a la masacre familiar. Posteriormente, unas mujeres del poblado lo llevaron a presenciar una zona apartada del bosque donde Dith pudo constatar los restos óseos acumulados de aproximadamente cinco mil personas, con calaveras desparramadas en fosas y pozos de agua. El ejército vietnamita nombró temporalmente a Dith como intendente de dicha aldea, pero tras descubrirse sus vínculos con el periodismo estadounidense, huyó aterrado realizando una marcha de 160 kilómetros hasta alcanzar los campamentos de refugiados en Tailandia. El camboyano bautizó a esos escenarios plagados de cadáveres el nombre de campos de la muerte.

En octubre del año 1979, Dith logró reencontrarse con Schanberg en Tailandia, luego de que el corresponsal estadounidense pasara semanas completas repartiendo fotografías de su compañero para encontrarlo.

Trasladado hacia Estados Unidos, Dith se reunió de manera inmediata con su familia instalada en la ciudad de San Francisco, y luego The New York Times lo preparó para incorporarlo en 1980 como reportero gráfico de planta.

Dith obtuvo la ciudadanía de Estados Unidos en 1986. Su matrimonio con Moeun concluyó en divorcio, luego se casó con una mujer llamada Kim DePaul, pero también se divorció. En la última etapa de vida, su compañera fue Bette.

El enorme sufrimiento padecido por Dith fue expuesto masivamente cuando Schanberg escribió extensos artículos en 1980 y un libro titulado La muerte y la vida de Dith Pran.

Todo este material escrito fue el núcleo central para crear y filmar el exitoso largometraje The Killing Fields conocido en algunos países latinoamericanos como Los gritos del silencio, estrenado en 1984. En esa película, el médico sobreviviente camboyano Haing S. Ngor interpretó actoralmente a Dith, ganando un premio Oscar.

Dith conformó además la organización educativa denominada Dith Pran Holocaust Awareness Project e instruyó exhaustivamente a la población civil y instituciones sobre los múltiples horrores del genocidio padecido, compilando también el libro Los niños de los campos de la muerte de Camboya.

Dith falleció por un avanzado cáncer de páncreas el 30 de marzo de 2008, a los 65 años, en una clínica ubicada en New Brunswick.

Las pruebas recolectadas por ese fotógrafo posibilitaron y facilitaron rotundamente la concreción de extensos juicios orales respaldados por las Naciones Unidas que lograron finalmente enjuiciar y condenar penalmente por delitos contra la humanidad a las máximas autoridades de los Jemeres Rojos.

El impacto derivado de la historia de Dith Pran, quien murió hace 18 años, impulsó a que los grandes medios de prensa mundiales comenzaran a proteger y brindar un enorme reconocimiento institucional a todos los traductores y guías que arriesgan su integridad en zonas bélicas al servicio del periodismo.

Un trío de trabajadores salvadoreños de un taller de llantas en California logró lo impensable: protagonizar un cortometraje premiado en el Óscar y convertirse en símbolo de la autenticidad latinoamericana en la industria del entretenimiento global.

La historia de Rigoberto, Manuel y Marlon Amaya, conocidos como Los Llanteros 503, inició entre neumáticos y herramientas, donde un video familiar grabado para TikTok los catapultó a la fama. La viralidad de sus bailes en la red social abrió la puerta a un inesperado salto al cine de la mano del director Sam A. Davis.

El taller donde trabajan los Amaya se ubica en el sur de California y, aunque se especializa en reparación de neumáticos, se ha transformado en un escenario de oportunidades tras la explosión digital del grupo. Todo comenzó cuando Marlon, el menor de la familia, filmó a su padre y a su tío bailando cumbia durante una pausa laboral.

El video, titulado “Los Llanteros 503”, superó el millón de reproducciones en pocas horas y atrajo la atención de la comunidad salvadoreña en Estados Unidos y El Salvador.

En paralelo, Sam A. Davis, director radicado en Los Ángeles, preparaba una adaptación del cuento ruso “The Singers” de Iván Turguénev. Davis buscaba protagonistas reales para darle autenticidad a su cortometraje y, según relató a Variety, el hallazgo de los videos de los Amaya en TikTok resultó determinante. El director afirmó que buscaba “personas cuya alegría y esfuerzo se notaran en el rostro”, y no actores profesionales.

La reacción inicial de los salvadoreños ante la propuesta fue de incredulidad, hasta que una videollamada disipó cualquier duda sobre la legitimidad del proyecto. Durante el rodaje de The Singers, los Amaya participaron en escenas ambientadas en un pub, representando a un grupo de amigos que encuentra en la música un refugio tras la jornada laboral.

Davis evitó asignarles un guion estricto y permitió que improvisaran, logrando capturar una naturalidad pocas veces vista en la pantalla. Una de las secuencias más comentadas muestra al Tío Rigo, Rigoberto Amaya, en un primer plano, evidenciando una emoción genuina frente a una interpretación musical en el concurso ficticio del corto.

El impacto de la presencia salvadoreña se manifestó tanto en la narrativa como en el ambiente de rodaje. Según reportó Variety, los Llanteros 503 enseñaron pasos de cumbia al equipo y compartieron platillos típicos en los descansos, aportando matices latinos al proyecto. Davis decidió incorporar esa energía al montaje final, lo que otorgó al pub una atmósfera de crisol cultural. Tras las primeras proyecciones, la recepción del público resultó tan positiva que el director amplió sus escenas en la edición definitiva.

Un cortometraje premiado, el impacto global y el legado de los Llanteros 503

The Singers acumuló más de 35 premios internacionales, incluyendo reconocimientos en Sundance y Clermont-Ferrand, y fue adquirido por Netflix para su distribución global. La plataforma reportó un aumento notable en reproducciones del título tras su victoria en la 98.ª edición de los premios Óscar, celebrada el 15 de marzo de 2026.

Rigoberto Amaya dedicó la estatuilla “a todos los que luchan lejos de su tierra”. El fenómeno Llanteros 503 ha despertado el interés de medios y especialistas en cultura digital, quienes destacan su papel como ejemplo del alcance de la autenticidad en tiempos de plataformas virales.

La de los Amaya ilustra cómo internet y las redes sociales han democratizado el acceso al estrellato, permitiendo que historias genuinas trasciendan fronteras y ocupen lugares centrales en la narrativa audiovisual internacional.

Actualmente, el taller de llantas donde empezó todo sigue en funcionamiento, aunque ahora cuenta con una placa conmemorativa y una vitrina que exhibe fotos del equipo en la alfombra roja. Los Llanteros 503 no tienen planes de abandonar su trabajo, pero sí tienen proyectado viajar a El Salvador para compartir este logro con sus seres queridos y pueblo salvadoreño.

El cortometraje The Singers permanece entre los títulos más vistos de Netflix, consolidando el legado de estos trabajadores salvadoreños que, desde la cotidianidad y la espontaneidad, alcanzaron la cima del cine mundial.

A días de la entrega de los Premios Óscar, Guillermo del Toro fue homenajeado en Beverly Hills al recibir el Board of Governors Award durante los ASC Awards que otorga la Sociedad Americana de Cinematógrafos en Estados Unidos.

Este reconocimiento llega cuando Frankenstein, su más reciente película, suma nueve nominaciones a los Óscar, pese a que no obtuvo la de Mejor Director.

Al agradecer el homenaje, Guillermo del Toro remarcó la importancia del reconocimiento proveniente de colegas de la industria: “El núcleo más sagrado de la creación de imágenes es entre el cinematógrafo y el director, entonces lo que significa es que un grupo de colegas de gente que residen en el mismo país de imágenes te dice lo que hiciste bien y eso es muy bonito”, expresó.

Lo que dijo Del Toro sobre los Óscar

Sobre su estado previo a los Óscar, afirmó: “Estoy muy tranquilo, muy tranquilo”. También agradeció especialmente al público mexicano por el apoyo a Frankenstein: “Muchísimas gracias, por eso la pasamos en el Zócalo el otro día, porque quería que se pasara gratis con mucho público si se podía”.

Sobre otras películas que compiten en las mismas categorías que Frankenstein, Del Toro aseguró: “Yo tengo una posición ante estas cosas, que quien gana, ganan todos, mientras haya buenas películas ganamos todos, y soy muy gran fan de varias de las películas de este año”.

El próximo proyecto de Guillermo del Toro

Luego de presentar Frankenstein en el Festival de Cine de Venecia el año pasado, del Toro ha visitado distintos países para promover la cinta.

Tras la gala de los Óscar, planea tomarse una pausa antes de iniciar su próximo proyecto, que será un filme stop motion titulado El Gigante Dormido, inspirado en el libro homónimo de Kazuo Ishiguro. “No será una versión de El Fantasma de la Ópera, sino un ‘stop motion’ que se llama El Gigante Dormido… y luego vuelvo a hacer películas con gente”, precisó.

Durante la misma ceremonia donde fue homenajeado, el cinefotógrafo Rodrigo Prieto recibió el premio a Mejor Video Musical por su colaboración con Taylor Swift en “The Fate of Ophelia”.

Prieto no pudo presentarse porque se encuentra en Europa filmando la cinta What Happens at Night, bajo la dirección de Martin Scorsese y con Leonardo DiCaprio y Jennifer Lawrence como protagonistas.

Una de las figuras más influyentes del cine estadounidense, Robert Duvall, falleció este domingo a los 95 años en su rancho de Virginia, según confirmó su esposa, Luciana Duvall.

A través de un comunicado, Luciana expresó la dimensión íntima del legado del actor: “Para el mundo, fue un actor ganador del Oscar, director y narrador. Para mí, fue simplemente todo”. La declaración subraya el impacto de su entrega, no solo al cine, sino también a su entorno cercano.

Luciana añadió: “Para cada uno de sus muchos papeles, Bob entregó todo a sus personajes y a la verdad del espíritu humano que representaban. Al hacerlo, deja algo duradero e inolvidable para todos nosotros”. Sus palabras dan cuenta de la dedicación de Duvall al arte y a la autenticidad en cada interpretación.

Duvall alcanzó gran proyección internacional por sus interpretaciones en El Padrino, Apocalipsis ahora y Gracias y favores; papel que le valió el Oscar al mejor actor en 1983. Sin embargo, mantuvo siempre el foco en la honestidad interpretativa por encima del reconocimiento o el éxito comercial.

En enero de 2016, describió su aproximación metódica al trabajo actoral: “Tenía mi propia teoría dentro de una escena, donde te engañas a ti mismo: para obtener un resultado legítimo, deja que el proceso te lleve al resultado, en lugar de ir directamente al resultado”, señaló Duvall a la prensa. “Hay que estar dispuesto a empezar desde cero y decir: ‘Bueno, veamos qué pasa’, en vez de recurrir al método antiguo de ‘Dame algo’”.

El rigor con el que abordó sus papeles resultó evidente en cada rodaje. Su intervención en Apocalypse Now incluyó una de las frases más recordadas del cine: “Me encanta el olor del napalm por la mañana”. Sobre su interpretación, declaró Duvall a Roger Ebert en 1983: “No tuve tiempo de pensar. Escuché por el intercomunicador que solo podíamos usar los jets durante 20 minutos. Una pasada y se acababa. Me metí completamente en el personaje, y si él no se inmutaba, yo tampoco”.

Cercano a la producción y dirección, Duvall promovió nuevas formas narrativas dentro de la industria estadounidense, como se evidenció en la fundación de Butcher’s Run Films en 1992. La compañía produjo títulos como A Family Thing (1996) y The Man Who Captured Eichmann para la pantalla chica.

Íconos, influencias y procesos creativos

Duvall no ocultó su preferencia por ciertos personajes y construyó lazos sólidos con referentes del sector. “Entré un día en la sala de vestuario de Lonesome Dove y dije: ‘Chicos, estamos haciendo el Padrino de los westerns’”, relató Duvall en una conversación con Stephen Colbert en junio de 2021. “Fueron las dos cosas más grandes de la última parte del siglo XX, creo”.

El vínculo con el guionista Horton Foote resultó crucial en su trayectoria, como señaló el propio Duvall en declaraciones reiteradas. Foote recomendó personalmente al actor para el papel de Boo Radley en Matar a un ruiseñor tras verlo sobre el escenario. Además, escribió los guiones de Gracias y favores y Tomorrow, dos obras clave en el repertorio de Duvall.

Sobre el impacto en la industria y la relación entre vida y oficio, Duvall compartió en una entrevista con Vanity Fair en 2013: “Actué en una producción de All My Sons, de Arthur Miller, y sentí una paz total. Pensé: ‘Vaya, quizá aquí hay algo para mí’”.

El tributo final de Duvall a su trayectoria llegó tras concluir Lonesome Dove: “Ya puedo retirarme, hice algo de lo que puedo sentirme orgulloso”, confesó a la revista American Cowboy. “Interpretar a Augustus McCrae fue como mi Hamlet”.

Una filmografía prolífica y versátil

Durante más de seis décadas, Duvall acumuló siete nominaciones al Oscar y dejó huella con interpretaciones en títulos como The Great Santini, The Apostle, A Civil Action, The Judge y True Grit, en esta última enfrentándose a John Wayne en un duelo memorable. También sobresalió como coprotagonista junto a personalidades como Dustin Hoffman y Gene Hackman en sus primeros años en Nueva York.

Su última etapa incluyó trabajos recientes en Wild Horses (2015), la adaptación de Steinbeck In Dubious Battle (2016), el thriller Widows (2018), y apariciones en 12 Mighty Orphans (2021) y Hustle (2022). En cada uno de sus proyectos, Duvall insistió en una premisa: “No recurría nunca a interpretaciones prefabricadas; buscaba siempre la verdad y la individualidad del personaje”, según reiteró en diversas entrevistas a lo largo de su carrera.

Durante su estancia en España, Marina de Tavira reflexionó sobre cómo el sufrimiento causado por las desapariciones forzadas no conoce fronteras. Esta idea se manifiesta en su interpretación de 'Antígona González', una obra que llega a Condeduque de la mano de la actriz mexicana nominada al Óscar, según detalló el Ayuntamiento en un comunicado oficial. La pieza, escrita por Sara Uribe, fusiona poesía, denuncia y testimonio, y sitúa en el centro la tragedia de quienes buscan justicia ante la desaparición de un ser querido, una problemática marcada por la impunidad.

Tal como publicó el Ayuntamiento, la obra se presenta entre el 12 y el 14 de febrero en Condeduque, un espacio perteneciente al Área de Cultura, Turismo y Deporte. En este montaje, la protagonista de la tragedia griega se transforma en figura colectiva. La Antígona que encarna De Tavira es una mujer mexicana que busca el cuerpo de su hermano menor desaparecido, en un eco de la clásica tragedia de Sófocles, pero adaptada a la realidad de México, donde miles de familias viven situaciones similares. De acuerdo con el comunicado, 'Antígona González' recurre a un collage de voces: las de los buscadores, las de los propios desaparecidos y las de la indiferencia social. Estas voces exponen la herida que la violencia y la falta de justicia han dejado en el tejido social mexicano.

El texto de Uribe y la interpretación de De Tavira abordan el dolor y la resistencia de quienes enfrentan amenazas, miedo, división familiar y estigmas sociales al intentar encontrar a sus seres queridos. Como señala el Ayuntamiento, la obra sugiere que el hermano de Antígona pudo haber sido captado por el crimen organizado, una posibilidad que queda en el aire porque nunca regresó. Pese a la incertidumbre, la protagonista se niega a resignarse al olvido. La obra subraya que mantener vivo el recuerdo de los desaparecidos representa una forma de resistencia frente a la desaparición forzada, ya que la memoria garantiza la permanencia, mientras que el olvido conduce al borrado de la existencia.

De acuerdo con el comunicado oficial, Marina de Tavira comparte el escenario por primera vez con su hermana Cecilia de Tavira, encargada del concepto y del diseño del bordado que forma parte del montaje. Al respecto, De Tavira explicó: "Nuestra Antígona es hoy la Antígona de la desaparición forzada, la voz de las que buscan un cuerpo al que enterrar para poder al fin llorar. Al pasar tiempo en España, tierra de mis antepasados y antepasadas, comprendo que carga su propio dolor, por eso Antígona González es aquí y allá y allá y aquí, por eso es de ida y vuelta. Aquí y allá se encuentra Antígona porque, como decía María Zambrano, la seguimos oyendo". Dichas palabras, recogidas por el Ayuntamiento, ilustran el carácter universal de la obra, ya que vincula la búsqueda individual con los dramas colectivos de distintas geografías.

Marina de Tavira cuenta con una trayectoria destacada en el ámbito teatral y cinematográfico mexicano, condición que el Ayuntamiento subrayó en su comunicado. Tras formarse en instituciones como La casa del teatro, el Núcleo de Estudios Teatrales y el Centro de Formación Teatral San Cayetano, De Tavira debutó en escena con la obra 'Feliz nuevo siglo Doktor Freud', de Sabina Berman. Desde entonces, ha participado en más de veinticinco montajes, entre los que figuran títulos de la Compañía Nacional de Teatro como 'Siete puertas', 'Bajo la piel del castor' y 'Fotografía en la playa', así como 'Alguien va a venir' de Teatro Línea de Sombra y obras como 'Por el gusto de morir bajo el volcán', 'El Amante' y 'Tomar partido'.

El medio también señaló que la actriz es una de las fundadoras de la productora Incidente Teatro, junto a Enrique Singer, con la cual llevó a escena montajes como 'Traición' de Harold Pinter, 'Crímenes del corazón' de Beth Henley, 'La mujer justa' de Hugo Urquijo (una adaptación de la novela de Sándor Márai), y 'La anarquista' de David Mamet. En el ámbito fílmico, De Tavira cobró reconocimiento internacional después de recibir una nominación al Premio Óscar en 2019 por su papel como actriz de reparto en la película 'Roma', dirigida por Alfonso Cuarón.

Según resaltó el Ayuntamiento en su comunicado, el montaje de 'Antígona González' no solo constituye un ejercicio artístico, sino que representa una denuncia social articulada a través de la voz coral que ofrece la pieza. El espejo que la obra tiende entre el dolor individual y el sufrimiento colectivo busca implicar al espectador más allá de la experiencia mexicana, sumando relatos de búsqueda y pérdida en distintos contextos.

La dramaturga Sara Uribe, autora de la obra, explora la figura mítica de Antígona y la resignifica como símbolo de las personas que exigen justicia y verdad en medio de la violencia. El texto se construye como un conjunto de fragmentos, testimonios y poesía, y ofrece una reflexión sobre la memoria, el duelo y la exigencia de justicia. Según subrayó el comunicado oficial, la elección de una voz coral permite que la historia de Antígona trascienda lo individual y se proyecte hacia lo colectivo, haciendo visible una problemática social de larga data.

Leonardo DiCaprio logró este martes 27 de enero su séptima nominación como Mejor Actor en los premios BAFTA, alcanzando la marca histórica de Daniel Day-Lewis y Dustin Hoffman. Sin embargo, cuenta con un detalle que lo posiciona aún más alto: es el más joven en conseguirlo.

En la edición 2026 de la gala británica, competirá con Robert Aramayo, Timothée Chalamet, Ethan Hawke, Michael B. Jordan y Jesse Plemmons, según informó People. Los premios BAFTA son los galardones otorgados por la Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión para reconocer la excelencia en el cine, la televisión y los videojuegos.

Los siete históricos de los BAFTA

Con este logro, DiCaprio se suma a un grupo exclusivo de actores masculinos que han alcanzado siete candidaturas en la categoría de Mejor Actor.

Además de Day-Lewis y Hoffman, la lista la completan Michael Caine, Laurence Olivier, Jack Lemmon y Peter Finch. Ser parte de este selecto grupo consolida la presencia de DiCaprio en la historia de los premios BAFTA.

DiCaprio también marca una diferencia generacional en este círculo: es el más joven de todos ellos en lograr la séptima nominación, alcanzada a los 51 años. Dustin Hoffman llegó a esa cifra a los 52, lo que lo posiciona como un referente de longevidad y vigencia en la industria.

Trayectoria y reconocimiento

A lo largo de su carrera, el actor ha sido reconocido por su trabajo en películas como “El aviador”, “Los infiltrados”, “El lobo de Wall Street”, “El renacido”, “Érase una vez en… Hollywood” y “No miren arriba”.

De estas actuaciones, solo obtuvo el BAFTA por “El renacido”, título que también le permitió llevarse el Premio Oscar. Su filmografía ha sido aclamada tanto por la crítica como por el público, reforzando su reputación internacional.

En la categoría femenina, el récord de nominaciones en los BAFTA lo comparten Meryl Streep y Judi Dench, con 15 menciones cada una.

Streep suma 12 candidaturas como Mejor Actriz, mientras que Dench ostenta 6 premios BAFTA, la mayor cantidad histórica entre los intérpretes, de acuerdo con datos de People.

Rivalidad generacional y nuevas figuras

La edición 2026 destaca por la rivalidad generacional entre figuras consolidadas y jóvenes talentos. Timothée Chalamet aparece como uno de los principales contendientes, tras conquistar los Globos de Oro y los Critics Choice Awards con su papel en “Marty Supreme”.

Chalamet se perfila como un competidor fuerte y suma atractivo a la ceremonia.

El listado de nominados refleja una renovación en la industria, donde actores experimentados como DiCaprio comparten protagonismo con nuevas voces. Este equilibrio genera expectativas renovadas en una edición marcada por la diversidad de estilos y trayectorias.

Novedades entre las películas nominadas

En la edición 2026 de los BAFTA, la película “One Battle After Another” encabeza la lista con catorce nominaciones. “Sinners” le sigue de cerca con trece, mientras que “Hamnet” y “Marty Supreme” obtuvieron once cada una.

Estas producciones figuran también entre las favoritas a Mejor Película en los Premios Oscar, donde “Sinners” logró dieciséis nominaciones y “One Battle After Another” alcanzó trece.

Las mismas películas compiten en otros galardones destacados, como los Actor Awards, entregados anteriormente bajo el nombre de Premios SAG. El reconocimiento internacional de estas cintas subraya el alto nivel de la competencia en la temporada de premios.

Expectativas para la ceremonia

La entrega de los BAFTA se realizará el domingo 22 de febrero en el Royal Festival Hall del Southbank Centre de Londres, bajo la conducción de Alan Cumming. La gala reunirá a destacados representantes del cine internacional y promete momentos de tensión y emoción.

Al inicio de la temporada, DiCaprio figuró entre los nominados tanto en los Globos de Oro como en los Critics Choice Awards.

Aunque obtuvo reconocimiento, fue Chalamet quien se llevó el premio en ambas ceremonias por su interpretación en “Marty Supreme”, consolidando su posición como uno de los nombres más relevantes del momento, según People.

El impacto de las nominaciones

La séptima nominación de DiCaprio no solo lo coloca en la historia de los BAFTA, sino que refleja la evolución de una industria en constante cambio, donde la experiencia y la juventud conviven en la competencia por el máximo reconocimiento actoral.

La edición 2026 promete una ceremonia inolvidable, marcada por el talento, la diversidad y la expectativa de un nuevo capítulo en la historia del cine.

Durante la conversación, Fraser analizó el impacto de las películas de La Momia en su vida y trayectoria. “Disfruto este auge profesional que muchos llaman un ‘resurgimiento’. Es asombroso que, tras los altibajos y mi retiro, siga habiendo tanto cariño por el personaje y la saga”, explicó el actor a Radio Times.

El intérprete recordó cómo el papel de Rick O’Connell lo catapultó a la fama a comienzos de los 2000 y relató el periodo en que se alejó del cine por motivos personales y físicos. “Siempre había una luz. Todavía estaba ahí. Era mi turno de estar un poco en las sombras. Tal vez eso fue agradable o desagradable, pero era importante haber pasado por eso”, compartió Fraser.

“Ahora siento que tengo menos que demostrar, pero nunca dejaré de intentar evolucionar”, añadió en declaraciones recogidas por Radio Times.

Rumores sobre La Momia 4 y su futuro profesional

La saga de La Momia trascendió generaciones y conserva un lugar especial tanto en la memoria del actor como en la de los espectadores. “Lo más valioso es escuchar a la gente decir cuánto significaba esa historia en su infancia. Hay un lazo emocional que va más allá de la aventura o los efectos especiales”, afirmó Fraser durante la entrevista.

Consultado sobre los persistentes rumores y expectativas en torno a La Momia 4, el actor respondió con una combinación de misterio y esperanza: “¡Mis labios están sellados! Pero tengo la esperanza de tener buenas noticias pronto porque sé lo populares que fueron las películas”.

El actor aclaró que, aunque desea regresar, la decisión no le corresponde únicamente. “¿Me gustaría? Absolutamente. Siempre dije que me gusta la idea y siempre lo haré. ¡Es solo que no depende de mí apretar ese gatillo!”.

Con el reciente reconocimiento tras ganar el Oscar por La ballena, Fraser reflexionó sobre el significado personal de ese momento.

“Me dio mucha estima ser reconocido por mis compañeros. No voy a dar una actuación de calibre Oscar cada vez que me subo a un set de filmación, y no creo que esa sea la razón para hacer películas. Pero lo que sí hizo fue darme una sensación de logro y un impulso para sentirme digno de ello. Fue personalmente redentor”, subrayó en su diálogo con Radio Times.

Un vínculo generacional que se mantiene

Fraser se mostró agradecido por la oportunidad de reencontrarse con el público y abierto a nuevos desafíos. La conexión emocional que mantiene con los fans de La Momia lo motiva: “La gente recuerda estas películas con afecto. Me emociona formar parte de sus recuerdos cinematográficos”.

Entre quienes crecieron con La Momia, algunos ya comparten esas historias con sus propios hijos, lo que permite mantener viva la expectativa por una nueva entrega en la saga que convirtió a Fraser en un referente generacional.

El fervor por la franquicia y el impacto en varias generaciones siguen presentes, mientras la huella de Fraser inspira a quienes ahora transmiten esas historias a una nueva audiencia.

El artista de 57 años reconoció el valor de este legado y destacó el papel que juega el cine como puente entre distintas etapas de la vida. Las películas de La Momia, más allá del entretenimiento, generaron un sentido de comunidad entre espectadores de diferentes edades.

Este fenómeno confirma que algunos relatos trascienden el tiempo y continúan inspirando emociones y recuerdos compartidos.

Las primeras declaraciones oficiales recogidas por CNN informan que la División de Robos y Homicidios del Departamento de Policía de Los Ángeles no considera que haya ningún sospechoso principal por el momento, aunque la investigación continúa abierta tras el violento hallazgo de los cuerpos. Este suceso, ocurrido el domingo en el barrio de Brentwood, en Los Ángeles, involucra al director de cine Rob Reiner, de 78 años, y a su esposa Michele Singer, de 68, quienes fueron encontrados muertos en su domicilio presentando múltiples heridas de arma blanca.

De acuerdo con la información difundida por CNN, el suceso se produjo poco antes de las 15:38 horas, cuando el Departamento de Bomberos de Los Ángeles acudió tras recibir una llamada de emergencia médica. Los equipos encontraron sin vida a la pareja en una vivienda del bloque 200 de la Avenida South Chadbourne, en el área residencial de Brentwood. Las autoridades confirmaron que ambos presentaban señales de haber sido apuñalados varias veces, lo que lleva a la policía a investigar el caso bajo la calificación de posible homicidio.

El subjefe del Departamento de Policía angelino, Alan Hamilton, ofreció una rueda de prensa en la que aseguró que los investigadores se encuentran recopilando declaraciones de todos los familiares disponibles para esclarecer los hechos. Hamilton reconoció que el caso se analiza como un "aparente homicidio", aunque aclaró que no se busca activamente a ninguna persona como sospechosa, al menos hasta ese momento, según reportó CNN.

El aviso que alertó a los servicios de emergencia, según relataron distintos medios estadounidenses citados por la cadena de televisión, se produjo a las 3:30 p.m. Aunque no existe confirmación oficial, se especula que fue la hija del reconocido cineasta quien descubrió los cuerpos y dio aviso a las autoridades. La cadena CNN recogió la declaración pública de la familia Reiner, expresando: "Con profundo dolor anunciamos el trágico fallecimiento de Michele y Rob Reiner. Estamos desconsolados por esta pérdida repentina y pedimos privacidad durante este momento increíblemente difícil".

Rob Reiner, nacido en el Bronx en 1947, es reconocido internacionalmente por su trayectoria como director y productor. Entre su filmografía destacan películas como "Cuando Harry conoció a Sally", "La princesa prometida" y la nominación al Óscar por "Algunos hombres buenos". Su carrera en la industria del cine estadounidense lo posicionó como una figura influyente desde la década de los años setenta. Michele Singer, su esposa, compartió con Reiner tanto vida como proyectos, y la pareja contrajo matrimonio en 1989, tras conocerse en el rodaje de "Cuando Harry conoció a Sally", de acuerdo con lo reseñado por CNN.

Ambos tenían tres hijos: Rony, Jake y Nick Reiner. Según la revista People, Nick Reiner se habría convertido en el principal sospechoso del crimen debido a antecedentes de problemas de adicciones, confesados públicamente por él mismo. No obstante, CNN informó que la policía de Los Ángeles no se ha pronunciado oficialmente sobre esta hipótesis y mantiene cautela respecto a las líneas de investigación, priorizando el contacto con los familiares más cercanos.

El caso sacudió no solo a familiares y allegados, sino también al sector de la industria cinematográfica y el entorno mediático estadounidense. A pesar de la conmoción, los familiares solicitaron a través de un comunicado recogido por CNN respeto a su privacidad, dada la gravedad y el impacto de los hechos. La investigación policial avanza, mientras persisten las incógnitas sobre la causa y el contexto específico del doble homicidio.

Los investigadores continúan profundizando en la dinámica de los hechos, la relación familiar y cualquier antecedente relevante, sin descartar ningún escenario. Por el momento, la División de Robos y Homicidios mantiene bajo reserva los detalles concretos sobre los posibles móviles o responsables, concentrando sus esfuerzos en reconstruir la secuencia de eventos previa al hallazgo.

El aporte de declaraciones de testigos, familiares y allegados cobra importancia en el proceso, según reportan las fuentes citadas por CNN, que también señalan que los restos de Reiner y Singer fueron hallados en la residencia familiar, lo que acota las circunstancias del suceso al ámbito doméstico. La situación mantiene a la comunidad de Brentwood y al círculo del cine estadounidense en estado de atención, a la espera de mayor información por parte de las autoridades implicadas.

A sus 23 años, Billie Eilish se consolidó como una de las artistas más influyentes de su generación. Su éxito no solo se refleja en los escenarios, sino también en su fortuna: de acuerdo con cifras publicadas por Forbes en 2020, la cantante ya contaba con un patrimonio neto estimado en 53 millones de dólares.

Desde su irrupción internacional a los 14 años, Eilish amplió su alcance más allá de la música, diversificando sus ingresos mediante giras mundiales, colaboraciones con marcas de lujo y proyectos empresariales propios. Su enfoque creativo y su estilo auténtico la convirtieron en una figura que trasciende la industria.

En octubre de 2025, la artista anunció una donación de casi 12 millones de dólares, provenientes de su última gira, dirigida a organizaciones sociales y ambientales, reafirmando su compromiso con las causas que defiende desde el inicio de su carrera.

El crecimiento del patrimonio de Eilish fue acompañado de su rápido ascenso en la música. De acuerdo con People, la cantante se convirtió en la persona más joven en integrar la lista Forbes World’s 100 Highest-Paid Celebrities en 2019.

Éxitos musicales y premios

La carrera de Eilish comenzó en 2015 con el lanzamiento de “Ocean Eyes“, tema que marcó el inicio de una serie de éxitos. Su primer álbum de estudio, When We All Fall Asleep, Where Do We Go?, se posicionó como el más vendido de 2019, con 3,9 millones de unidades comercializadas. El sencillo “Bad Guy” se convirtió en su primer tema certificado Diamante.

Posteriormente, Happier Than Ever vendió 238.000 unidades en su primera semana en 2021, y su tercer álbum, Hit Me Hard and Soft, alcanzó las 339.000 ventas en la semana de su debut.

Además, Eilish ha colaborado en bandas sonoras de películas como No Time to Die para James Bond y What Was I Made For? para Barbie, obteniendo un premio Oscar por cada una. Según People, al menos 14 de sus canciones superaron los mil millones de reproducciones en Spotify.

Ingresos por giras y negocios propios

Las giras internacionales representaron una de las principales fuentes de ingresos para la artista. Desde 2017, Eilish realizó siete giras mundiales. Su “When We Fall Asleep Tour” en 2019 recaudó aproximadamente USD 18 millones, mientras que la gira “Happier Than Ever, The World Tour” en 2022 generó ingresos estimados en USD 131 millones.

Su más reciente gira, “Hit Me Hard and Soft: The Tour“, iniciada en septiembre de 2024 y con cierre previsto para noviembre de 2025, ya había reportado USD 46 millones en ingresos hasta diciembre del año pasado y se proyecta que alcance los USD 300 millones en recaudación total, según datos citados por People.

Más allá de la música, Eilish expandió su portafolio empresarial. En 2021, lanzó su marca de perfumes veganos y libres de crueldad animal, Eilish Fragrances, que en su primer año alcanzó ventas por USD 60 millones.

Además, colaboró con firmas de renombre mundial, y comercializa su propia línea de productos, que incluye sudaderas y gorras con precios que oscilan entre USD 60 y USD 100. La artista también protagonizó el documental Billie Eilish: The World’s a Little Blurry, por el que, según reportes previos a su estreno, habría cerrado un acuerdo de USD 25 millones con Apple TV.

Donaciones millonarias y compromiso social

El compromiso social de Eilish se vio reflejado en donaciones significativas. Durante su séptima gira, la cantante anunció la entrega de USD 11,5 millones a organizaciones dedicadas a la equidad alimentaria, la justicia climática y la reducción de la contaminación por carbono.

En la ceremonia de los WSJ. Magazine Innovator Awards, el presentador Stephen Colbert destacó la magnitud de la donación y agradeció públicamente a la artista, según relató People. Eilish, al recibir el galardón, subrayó la importancia de la empatía y la ayuda en tiempos difíciles, e instó a quienes poseen grandes fortunas a contribuir con causas sociales.

En su discurso, la artista dejó claro que, aunque su éxito le ha permitido acumular una considerable riqueza, considera que quienes disponen de mayores recursos tienen la responsabilidad de compartirlos con quienes más lo necesitan.

El evento, transmitido en vivo y ante millones de espectadores, dejó boquiabiertos tanto al público presente como a la audiencia global, y estableció un antes y un después en la relación entre el espectáculo y las causas sociales.

Para comprender la decisión de Brando, es imprescindible mirar su contexto personal y profesional. Antes del rotundo éxito de “El Padrino” en 1972, Brando había vivido una década complicada en cuanto a su imagen en Hollywood: se le consideraba conflictivo, sus películas recientes no habían sido éxitos comerciales y el propio Francis Ford Coppola tuvo que luchar para conseguir que se lo aceptara como protagonista del monumental drama mafioso.

Su interpretación de Vito Corleone fue, sin embargo, un triunfo indiscutible, elogiada por la crítica e incontestable a los ojos de la Academia y el público.

Entretanto, su relación con la “Method” Acting, técnica con la que a menudo fue asociado, era objeto de controversias, ya que, según biógrafos como William J. Mann, Brando nunca sintió verdadera lealtad hacia esa filosofía y despreciaba el culto al estrellato.

Brando consideraba que la actuación era un oficio menor ante los grandes problemas sociales del mundo, y sentía que su presencia pública debía estar al servicio de causas mayores, más allá del reconocimiento artístico.

A pesar de las expectativas de la industria, Brando eligió no asistir a la ceremonia. Segúnla revista New Yorker, el actor había redactado una larga declaración, de quince páginas, en la que exponía sus razones para rechazar el galardón, especialmente la representación dañina e injusta de los pueblos originarios en la industria cinematográfica y el conflicto abierto en Wounded Knee, donde miembros del Movimiento Indio Americano ocupaban una ciudad en protesta por el trato recibido por parte del gobierno estadounidense.

Para hacer llegar su mensaje de protesta, Brando recurrió a Sacheen Littlefeather, una joven activista y actriz, presidenta del National Native American Affirmative Image Committee, que subió al escenario enfundada en un vestido tradicional de gamuza y mocasines.

Con voz serena y un gesto de abstención hacia la estatuilla dorada que le ofrecía Roger Moore, Littlefeather, por instrucción de la producción, que amenazó con arrestarla si el discurso superaba los 60 segundos, comprimió el mensaje de Brando en una breve declaración.

Explicó que el motivo de la ausencia y el rechazo del premio era la protesta contra el trato de los nativos estadounidenses en el cine y la situación en Wounded Knee.

Según Collider, la sala, acostumbrada a los discursos de agradecimiento, reaccionó con una mezcla de silencio, abucheos, murmullos y algún aplauso aislado.

Las repercusiones de aquel acto se hicieron sentir de inmediato y con fuerza. Los presentadores de la gala reaccionaron con incomodidad y sarcasmo.

Al día siguiente, la prensa y la mayoría de la industria respondieron con una ola de rechazo: acusaron a Brando de “hipócrita” y criticaron lo que veían como una maniobra egocéntrica y teatral.

Littlefeather se vio sometida a un intenso escrutinio mediático, ataques personales y rumores que pusieron en duda hasta su identidad indígena. Los tabloides la retrataron como una oportunista, aireando detalles de su pasado como modelo y actriz de reparto.

Internamente, ella relató posteriormente que fue puesta en una “lista roja”: se le cerraron puertas en los grandes estudios e incluso fue objeto de campañas de difamación y amenazas.

Organismos oficiales, como el FBI, habrían presionado para que no consiguiera trabajo en Hollywood, mientras los talk shows recibían advertencias de no invitarla.

A todo esto, según New Yorker, Littlefeather vivía su propio proceso de reconstrucción personal. De origen mixto, madre blanca, padre apache y yaqui con historia de violencia y adicciones, había crecido enfrentando discriminación, problemas de salud y secuelas de una familia marcada por el abandono y el sufrimiento.

Su conexión con Brando surgió del activismo, cuando, tras años de lucha comunitaria, ella logró comunicarse con él para asegurarse de la autenticidad de su apoyo al movimiento indígena.

La noche de los Oscar, el encargo de Brando la tomó por sorpresa, pero cumplió su misión pese a la presión y la hostilidad del entorno hollywoodense.

Décadas después, la mirada sobre aquel episodio cambió de signo. En 2022, meses antes de su muerte, la Academia de Hollywood emitió una disculpa formal a Sacheen Littlefeather por el trato recibido a raíz de la ceremonia.

El reconocimiento público incluyó un acto en el Museo de la Academia en Los Ángeles, donde la activista, ya en silla de ruedas, fue honrada por miembros de la comunidad indígena y directivos de la propia institución. En su intervención, Littlefeather reivindicó aquello por lo que se mantuvo firme: la verdad y la dignidad, no solo en su nombre, sino en el de todos los pueblos originarios.

El verano siempre trae consigo algunas de las mejores películas del año, sobre todo en el terreno comercial. Los grandes blockbusters esperan a las vacaciones para atraer a la mayor cantidad de público posible, algo que más adelante puede servirles de argumento para postularse como favoritas a los premios más importantes, como los Globo de Oro o los Óscars. En el caso de estos últimos premios, así ha ocurrido con recientes ganadores, como Todo a la vez en todas partes u Oppenheimer.

La película de Christopher Nolan arrasó en 2024 llevándose siete estatuillas: Mejor película, Mejor dirección, Mejor actor principal, Mejor actor de reparto, Mejor montaje, mejor fotografía y Mejor banda sonora. Además, estuvo nominada en hasta otras seis categorías: Mejor actriz de reparto, Mejor guion adaptado, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario, Mejor maquillaje y peluquería y Mejor sonido, lo que hizo que se quedara tan solo a una de emular a películas como La La Land, Titanic o la clásica Eva al desnudo como producción con más nominaciones de la historia (14).

Sin embargo, lo cierto es que ni estos títulos, ni ninguna otra película en realidad, ha podido conseguir un premio Óscar que, pese a existir desde hace 25 años, nadie ha podido ganar jamás. Se trata de un hecho poco conocido, porque pese a que esta categoría es oficial desde el año 2000, tampoco ha contado nunca con nominaciones. Se trata del premio al Mejor Musical Original.

Un premio imposible de dar

Desde el año 2000, la categoría de Mejor musical original ha formado parte de los Premios de la Academia sin haber tenido jamás un ganador. Diseñada para premiar películas que empleen canciones originales para narrar historias, la categoría enfrenta estrictos requisitos que han impedido que cualquier producción califique.

Por ejemplo, la Academia exige que un musical original contenga al menos cinco canciones originales del mismo equipo de compositores que avancen la narrativa de la película, sean claramente audibles y constituyan una parte esencial de la historia. Las adaptaciones o películas que incluyan canciones preexistentes son automáticamente descalificadas. Además, para que la categoría sea activada, es necesario que al menos diez obras calificadas se presenten en un mismo año.

La nueva categoría que se introducirá a partir de 2026

Los requisitos para ganar el premio al Mejor musical original han sido un obstáculo insalvable para muchas producciones. Grandes éxitos como Frozen no cumplen con todos los criterios, ya que algunas de sus canciones no impulsan directamente la trama, al mismo tiempo que adaptaciones más recientes como Wicked: Parte I no entraron en la categoría por no ser obras completamente originales. Ante la falta de películas que cumplan con estos lineamientos, la categoría permanece desierta desde hace 2025, lo que ha procurado numerosas críticas a la Academia ante la posible inutilidad del premio.

A pesar de esto, la categoría sigue existiendo. Y no solo eso: la Academia sigue añadiendo nuevos premios a la lista de galardones que se pueden obtener en la gala de los Óscars. En 2026, por ejemplo, se comenzará a entregar el Premio al Mejor eparto, un reconocimiento a la labor de los directores de casting. En la misma línea, para 2028 se espera que comience a entregarse también el Premio al Mejor diseño de especialistas, el cual se entregará a todo el trabajo realizado en muchas películas para mostrar escenas espectaculares sin que los actores tengan que asumir retos imposibles o incluso arriesgados para su integridad física.

Para quienes ya pudieron ver ‘Memorias de un caracol’ en las salas de cine de México, hay una gran sorpresa, pues la cinta animada nominada al Premio Oscar en la pasada ceremonia se proyectará de manera gratuita en la Ciudad de México.

Sin llegar a un spoiler, el mensaje que transmite la película cautivó y atrapó al público mexicano desde el mes de febrero de este 2025. Hasta el momento, todavía hay algunas salas de cine en el país de los distintos complejos que proyectan la película.

Para quienes se quedaron con ganas de ver nuevamente ‘Memorias de un caracol’, se ha anunciado que de manera gratuita y para todo el público se proyectará gratis esta cinta.

Ante esto, aquellos amantes de la cinta originaria de Australia, del director Adam Elliot, tienen una cita pendiente para escuchar y ver la historia de Grace, quien es el personaje principal y que toda la trama gira en torno a ella.

En el marco del 89 aniversario del Instituto Politécnico Nacional (IPN), se llevará a cabo la proyección especial de ‘Memorias de un caracol’ en este mes de mayo.

Por lo tanto, la institución educativa invitó al público en general de todas las edades a ver la película nominada al Premio Oscar y que ‘Flow’ le arrebató el galardón a la ‘Mejor Cinta Animada’ de 2025.

‘Memorias de un caracol’ se proyectará de manera gratuita en la Ciudad de México en el Centro Cultural Jaime Torres Bodet del IPN en el Auditorio A ‘Ingeniero Alejo Peralta.

Dicho recinto se encuentra en Avenida Wilfrido Massieu s/n, casi esquina con Avenida IPN, Zacatenco, en la alcaldía Gustavo A. Madero de la Ciudad de México.

La proyección de la película será este próximo viernes 23 de mayo a las 17:00 horas en el sitio mencionado.

La entrada será libre a todo público, por lo que no es necesario pertenecer, ser estudiante o profesor del IPN. Cabe destacar que el cupo será limitado, por lo que es importante que, si quieres asistir al evento cinematográfico, llegues con anticipación para asegurar un lugar.

¿De qué trata ‘Memorias de un caracol?

La película narra la historia de Grace Pudel, una joven melliza nacida de manera prematura, algo introvertida, amante de la lectura y con una fascinación especial por los caracoles.

Al morir su madre, Grace y su hermano gemelo Gilbert quedan al cuidado de su padre, un ex malabarista parapléjico y alcohólico que, pese a sus desafortunadas condiciones, los ama profundamente.

Sin embargo, un día el padre muere y los dos gemelos son separados a la fuerza. Grace cae en una gran depresión, pero la esperanza surge cuando entabla una amistad con la carismática anciana Pinky, quien le ayuda a salir del caparazón y reivindicar todo el sufrimiento de su vida.

El próximo viernes 24 de enero llega a los cines españoles 'The Brutalist', la nueva película de Brady Corbet ('Vox Lux', 'La infancia de un líder'). Un filme en el que Adrien Brody, ganador del Oscar por 'El Pianista', vuelve a encarnar al superviviente de un campo de concentración. En este caso se trata de László Tóth, un arquitecto judío que huye del horror del Holocausto para intentar construir una nueva vida en Estados Unidos. Un personaje que, reconoce el actor, como el de la cinta de Roman Polanski ha marcado un antes y un después en su trayectoria tanto personal como profesional.

"Creo que ya ha sido un punto de inflexión en mi vida y en mi carrera. He estado rezando durante décadas por un papel de esta magnitud y complejidad. Un papel que habla de una gran injusticia y habla de las dificultades de muchas personas, que habla de algo tan profundo y universal como el viaje hacia un nuevo hogar libre de persecución, libre de opresión, de odio y de intolerancia", afirma el actor en una entrevista concedida a Europa Press durante su visita a Madrid para promocional el filme junto al director.

Brody destaca que, a pesar de que 'The Brutalist' es "muy diferente de 'El Pianista'", y que el arquitecto László Tóth es "un personaje totalmente distinto" al músico polaco Wladyslaw Szpilman, ambos son trabajos por los que se siente "increíblemente agradecido". Dos roles que, más allá de premios y reconocimientos, le "marcan" en su vida personal ya que le permiten tener "mucha más comprensión de la capacidad de pérdida y sufrimiento que existe".

"Además, generan en mí una inmensa gratitud y consciencia de mi propia buena suerte. En mi vida no he sufrido esas circunstancias horribles y es una gran responsabilidad de representar a aquellos que, por desgracia, han sido victimizados. Representar, a través de la vida de un hombre, la pérdida de seis millones de vidas", reflexiona Brody que también subraya que, además de un drama sobre las heridas de la guerra y la inmigración, 'The Brutalist' es también "una historia sobre la esperanza".

"También es una cinta sobre el poder de la creatividad y cómo el espíritu humano puede perseverar. Cómo podemos crear arte y algo de valor duradero superando nuestros traumas y sufrimientos y cómo podemos dejar este mundo mejor que antes de que estuviéramos en él, si ponemos nuestros corazones y mentes a trabajar en conseguirlo", reflexiona el actor estadounidense que en 'The Brutalist' da vida a un personaje inventado, pero cuya identidad e historia son un compendio y reimaginación de las vivencias reales de arquitectos como Marcel Breuer, Paul Rudolph o Louis Kahn.

215 MINUTOS (E INTERLUDIO) PARA DECONSTRUIR EL 'SUEÑO AMERICANO'

Un arquitecto ficticio que, cuando deja de luchar para tener algo que llevarse a la boca, debe seguir batallando por mantenerse fiel a su visión artística mientras enfrenta al reto de trabajar en un país que no siempre comprende ni aprecia su talento, ni su procedencia. Un país que todavía, años después de su llegada, lo mira por encima del hombro.

Con un metraje de de 215 minutos, 'The Brutalist' está dividida en dos mitades, con un interludio de 15 minutos. Una herramienta que se ha convertido en una reliquia cuyo uso sirve a Corbert para diferenciar la primera mitad, con el muy duro inicialmente pero emocionante reinicio vital de un inmigrante, de una segunda mitad más oscura que retuerce esa suerte de mitología del "sueño americano" a través de la historia de resiliencia de un hombre imperfecto que escapó del fascismo para pasar a lidiar con el capitalismo... con todo lo que ello conlleva.

Y aunque 'The Brutalist' es una mirada al pasado -"hago películas históricas porque mirar atrás es la única forma de hablar del presente", apunta Corbet-, la cinta aborda temas que siguen totalmente vigentes, como las secuelas de guerra o la inmigración, un drama que sigue resonando con fuerza. En este punto, director y protagonista coinciden en la importancia de seguir dando voz a estas historias, especialmente ahora que se extienden con más fuerza los discursos del miedo y odio, esos que apuestan por levantar muros o acusar a los inmigrantes de comerse mascotas.

"UN CICLO VICIOSO DE FANATISMO E INTOLERANCIA"

"Pero no es solo un problema de Estados Unidos con Donald Trump, es un problema global", explica el cineasta que lamenta que "no importa en qué parte del mundo estés", siempre se repite lo que define como "un ciclo vicioso" de fanatismo e intolerancia. "Miras al sur, al este, al oeste, al norte... y no hay opciones. Cuando Donald Trump fue reelegido, me dijeron: 'Nos mudamos'. Y yo les dije: '¿Dónde nos vamos? ¿Al Reino Unido del Brexit? ¿O con Marie Le Pen en Francia? ¿O con Bolsonaro, que afortunadamente no está en el poder ahora mismo en Brasil? Es muy difícil escapar. Es un problema global", insiste.

Y en este punto, a pesar de que dice luchar "con todo" para dejarle a su hija de diez años un mundo mejor, no es muy optimista de cara al futuro. De hecho, a corto o medio plazo Corbet augura que la próxima generación heredará "un desastre". "Francamente, creo que las cosas van a ir mucho peor antes de mejorar. Y no soy un pesimista y no soy exactamente un cínico. Pero me pregunto cuándo este ciclo, este ciclo vicioso de absoluta mentira e intolerancia va a empezar a desaparecer un poco. Nunca va a desaparecer. Nunca completamente", lamenta.

Felicity Jones, Guy Pearce Joe Alwyn, Raffey Cassidy, Isaach de Bankole, Stacy Martin o Alessandro Nivola completan el reparto de 'The Brutalist' que, tras su triunfo en los Globos de Oro donde se hizo con el premio a mejor película dramática, mejor dirección para Corbet y mejor actor protagonista para Brody, suena como una de las grandes favoritas de cara a los Oscar.

Tras varios retrasos motivados por los incendios que asolaron Los Ángeles, los premios de la Academia de Hollywood darán a conocer su lista de nominados el próximo jueves 23 de enero de cara a la 97.ª edición de Oscar, que se celebrará en la madrugada del domingo 2 al lunes 3 de marzo.

Recibir una nominación al Premio Oscar no solo representa un reconocimiento artístico, sino también un cambio significativo en la vida profesional y financiera de los actores. Según un informe reciente de Ezra, plataforma de coaching personal y profesional que ofrece servicios para empresas y particulares, los nominados en las categorías de interpretación y dirección reciben una bolsa de regalos valuada en más de 200.000 dólares, que incluye productos de lujo y experiencias exclusivas. Sin embargo, el verdadero impacto económico llega para quienes logran alzarse con la estatuilla dorada.

De acuerdo con el análisis de Ezra, ganar un Oscar puede incrementar el patrimonio neto de un actor hasta en un 310% en comparación con aquellos que no han sido nominados. Este estudio, que abarca datos de las categorías de Mejor Actor y Mejor Actriz desde 2015, revela que los ganadores no solo obtienen mayores ingresos, sino que también acceden a oportunidades profesionales más lucrativas. Incluso los actores que solo han sido nominados experimentan un aumento en su patrimonio neto en los años posteriores, lo que subraya el impacto transformador de este prestigioso galardón.

El prestigio del Oscar como motor de ingresos

Aunque el premio no incluye una recompensa económica directa, su prestigio actúa como un catalizador para la carrera de los actores. Según el informe de Ezra, la estatuilla dorada abre las puertas a contratos más lucrativos y proyectos de alto perfil en la industria cinematográfica. Este fenómeno se debe a que el reconocimiento de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas eleva el estatus de los ganadores, posicionándolos como figuras de mayor valor en el mercado del entretenimiento.

El estudio también destaca que el impacto económico no se limita únicamente a los ganadores. Los nominados, aunque no obtengan el premio, suelen beneficiarse de un aumento en su visibilidad y prestigio, lo que se traduce en mejores oportunidades laborales y un incremento en sus ingresos. Este efecto demuestra que el simple hecho de ser considerado para un Oscar ya representa un cambio significativo en la trayectoria profesional de los actores.

Un análisis de los datos desde 2015

El informe de Ezra se basó en un análisis exhaustivo de los datos de las categorías de Mejor Actor y Mejor Actriz desde 2015. Este enfoque permitió identificar patrones claros en la relación entre el reconocimiento de la Academia y el crecimiento económico de los actores. Según el estudio, los ganadores de estas categorías experimentan un aumento promedio del 310% en su patrimonio neto, mientras que los nominados también registran un crecimiento notable, aunque en menor medida.

Este análisis pone de manifiesto la importancia del Premio como un factor determinante en la industria cinematográfica. Más allá del reconocimiento artístico, la estatuilla dorada se ha convertido en un símbolo de éxito financiero y profesional, capaz de transformar la vida de quienes la reciben.

La bolsa de regalos: un incentivo adicional para los nominados

Además del prestigio y las oportunidades profesionales, los nominados reciben una bolsa de regalos valuad en más de 200.000 dólares. Este paquete incluye productos de lujo y experiencias exclusivas, lo que añade un incentivo adicional para los actores que compiten por el galardón. Aunque este beneficio no tiene un impacto directo en el patrimonio neto de los nominados, sí refuerza el valor simbólico y material de ser considerado para un Óscar.

La inclusión de esta bolsa de regalos subraya el carácter exclusivo del Premio Óscar y su capacidad para atraer la atención de la industria y el público. Este detalle, aunque secundario en comparación con el impacto económico a largo plazo, contribuye a consolidar la imagen del galardón como un símbolo de éxito y prestigio.

Un reconocimiento que trasciende lo artístico

El informe de Ezra confirma que el Premio Oscar no solo es un reconocimiento artístico, sino también un motor económico que puede transformar la carrera de un actor. Desde el aumento en el patrimonio neto hasta las oportunidades profesionales y los incentivos materiales, la estatuilla dorada representa mucho más que un trofeo.

Este análisis pone en perspectiva el verdadero alcance del Premio Oscar, destacando su impacto en la vida de los actores y en la industria cinematográfica en general. Más allá de su valor simbólico, el galardón se ha consolidado como un factor clave en el éxito financiero y profesional de quienes lo reciben, reafirmando su posición como uno de los reconocimientos más codiciados en el mundo del entretenimiento.

La reciente edición de los premios Oscar 2025 sigue siendo tema de debate en redes sociales en donde gran parte del público mexicano ha expresado su indignación por la omisión de Silvia Pinal en el segmento “In memoriam”.

Muchos seguidores han resaltado que a pesar de la membresía que tenía la última diva del cine mexicano en la Academia y de su importante legado en el cine nacional, no fue reconocida como muchos esperaban.

Usuarios expresaron su molestia y decepción, comparando la situación con inclusiones anteriores y cuestionando la decisión de excluirla. Algunos incluso la consideran una falta de respeto por ser una figura icónica del cine.

Algunos usuarios también señalaron que Carmen Salinas sí apareció en el In Memoriam de 2022, lo que aumentó su frustración, también se menciona que Alain Delon tampoco fue incluido, generando más descontento.

Pinal se trató de la primera actriz mexicana que fue aceptada para ser miembro honorario de la Academia, lo cual aportó en la representación de los connacionales en Hollywood.

Estos son los comentarios del público

Ante la decisión de no incluir a Silvia Pinal, el público desató mensajes negativos en redes sociales y lluvia de memes.

• “Silvia Pinal en el cielo siendo totalmente ignorada en el memorial de los premios #Oscars2025“.

• “No pusieron a Silvia Pinal malditos”.
• “Hasta Carmen Salinas salió en una edición pasada”.

• “Silvia Pinal no incluida en el memorial, Emilia Pérez ganando premios, la pendeja francesa cantando de manera burlona, Karla Sofía Gascón, Donald Trump con vida… esta gente de verdad quiere provocar a los mexicanos“.

• “No incluyeron a Silvia Pinal ¡Fue miembro de su Academia! ¡Ella es y será historia del cine! #Oscars“.
• “Cómo es posible que en 2022 en in memorian de los Oscars..apareció”.

• “Carmen Salinas..y en 2025 no rindan homenaje a Silvia Pinal”.
• “Qué falta de respeto no incluir a Silvia Pinal, ¿cuántas veces más nos vas a insultar hoy @TheAcademy?“
• “Pinche Academia NINGUNEANDO A SILVIA PINAL EN EL IN MEMORIAM. #Oscars2025“.

• “No mencionaron en su tributo SILVIA PINAL, con todo corazón, espero que pronto le jale las patas a Jacques Audiard por usar a México”.

• “Silvia Pinal ignorada en el memorial del Oscar".

• “Con todo respeto, pero les faltó Silvia Pinal en el #InMemoriam #Oscars“.

• “Ni Alain Delon ni Silvia Pinal merecieron un lugar en el In Memoriam de los #Oscars“

• “Pero nadie les quita su lugar y su legado en el cine internacional”.

La película “Emilia Pérez”, protagonizada por Karla Sofía Gascón, no para de generar escándalo en el público mexicano por la manera en que se abordan temas tan delicados como los desaparecidos en el país y la violencia, así como los clichés que imperan en la historia.

Desde semanas antes de que se estrenara este filme en México el debate había encendido las redes sociales pues no sólo las actuaciones generaron molestias del público, sino también los mismos diálogos de la película y el acento poco entendible del español de actores estadounidenses.

El mismo director Jacques Audiard confesó en una entrevista que no investigó sobre México para hacer la película: ‘no, no estudié tanto, lo que tenía que entender ya lo sabía un poco”.

La película ‘Emilia Pérez’ tiene errores

Ante la falta de estudio sobre la cultura de México y la realidad del país, en redes sociales han circulado varios errores que existen en esta producción que obtuvo 13 nominaciones al premio Oscar, a continuación te presentamos algunas de ellas.

Título de licenciatura de Rita Mora

En una de las primeras escenas de la película se puede ver el título universitario que tiene la abogada Rita Mora, interpretado por la actriz Zoe Saldaña, el cual está hecho con un estilo estadounidense, pues en la foto aparece con toga y birrete, algo que no corresponde al formato que se lleva a cabo en México.

Nombre de la capital mexicana está mal

En otra escena de este largometraje se alcanza a ver que en una dependencia capitalina aparece el supuesto nombre de esta ciudad. Tribunal Superior de Justicia del Distrito Federal, lo cual es un error pues desde el 2017 se dejó de llamar así para ser la Ciudad de México. El relato de la historia se realiza en años recientes, pues en medio de la cinta se puede ver el Cablebús cuando el nombre ya había cambiado.

El tono de piel de ‘Emilia Pérez’

Otra cuestión que fue cuestionada fue el tono de piel del personaje “El Manitas” y “Emilia Pérez” ambas interpretadas por la actriz Karla Sofía Gascón, pues el antes y después de su transformación no corresponde a la realidad.

Al principio cuando el personaje todavía es hombre, se puede ver con un tono de piel más moreno y varios tatuajes en el rostro, pero al hacer el cambio de género la piel se ve más clara y los tatuajes desaparecieron.

Suponiendo que en la operación se le hubiera retirado los tatuajes con láser, de todas formas hubieran quedado marcas que no se ven.

Ante esto el público reaccionó con todo tipo de comentarios

• “El error es ir a verla”.
• “El error más grave es que la filmaron”.
• “Entonces Eugenio Derbez sí tenía razón sobre esta película”.
• “Yo digo que todo México demandemos a la película”

A unas horas de la gala cinematográfica más esperada del año, la incertidumbre en torno a Karla Sofía Gascón llega a su fin. La actriz española, protagonista de la polémica ‘Emilia Pérez’, pisará la alfombra roja del Dolby Theatre en Los Ángeles, pero sin dar declaraciones a la prensa. Su paso será fugaz: posará para las cámaras y entrará directo al recinto.

La atención que ha generado Gascón no se debe solo a su actuación en la película de Jacques Audiard, sino también a la polémica desatada en redes sociales tras la filtración de antiguos mensajes con contenido ofensivo.

Los ataques y debates que han rodeado su figura han convertido su aparición en la ceremonia en un evento de alto interés. La expectativa es enorme: cómo será recibida, si la cinta logrará algún premio y si los reflectores la seguirán dentro del teatro.

Fue la periodista Linet Puente, desde la cobertura previa a la ceremonia, quien ya anticipaba el panorama.

“La expectativa de qué va a pasar con Karla Sofía Gascón y demás, ya lo sabemos, ya lo podemos confirmar, no va a dar entrevistas, no hará prensa, va a pasar, se va a tomar su fotos y vámonos para dentro en este lugar en el Dolby Theatre, que en un ratito más estará lleno de celebridades”.

Una noche de cine y controversia

La 97ª entrega de los Premios Oscar promete ser una de las más comentadas. Con Conan O’Brien como anfitrión y una selección de filmes que han causado revuelo, la noche se perfila como una de sorpresas y emociones intensas. Entre las películas con mayor número de nominaciones destacan ‘Emilia Pérez’, ‘Cónclave’ y ‘Wicked’.

La producción de Audiard ha dividido opiniones, especialmente en México, donde las críticas han sido feroces. Desde el acento hasta la falta de investigación sobre el contexto en el que se ambienta la historia, la película ha sido objeto de fuertes cuestionamientos. Sin embargo, el reconocimiento de la Academia la ha mantenido en el centro de la conversación.

Linet Puente, una de las presentadoras de la cobertura para Azteca 7, comentó sobre la relevancia de esta edición: “Sabíamos que ‘Emilia Pérez’ sería una de las más nominadas. Nos guste o no, la gente está con ella por muchas razones que aún intentamos descifrar”. Por su parte, Pamela Cortés destacó que la cinta se quedó a una nominación de igualar el récord de ‘Titanic’, ‘All About Eve’ y ‘La La Land’.

La transmisión: una cobertura de película

Los fanáticos del cine podrán seguir cada momento de la ceremonia a través de Azteca 7, donde Linet Puente, Pamela Cortés, Ricardo Cásares y Javier Ibarrache prometen una cobertura especial.

“Lo mejor del cine estará en un solo lugar, con los mejores conductores y todos los detalles de la premiación”, anunció la televisora.

El telón está por levantarse en el Dolby Theatre. Entre el brillo de las estrellas y la tensión en el ambiente, la pregunta sigue en el aire: ¿será la noche de ‘Emilia Pérez’? Mientras las miradas se posan sobre Karla Sofía Gascón, el cine, una vez más, demostrará que su magia trasciende la pantalla.

La gran noche del cine está por llegar, y mientras las estrellas deslumbran en la alfombra roja, los espectadores buscan la mejor forma de disfrutar la ceremonia desde casa.

Entre discursos emotivos y apuestas por los ganadores, un buen aperitivo se vuelve esencial para vivir la experiencia con intensidad. Si buscas una receta deliciosa, rápida y con ingredientes que ya tienes en la cocina, esta receta es la opción perfecta.

Ingredientes: lo esencial sin complicaciones

El minimalismo gastronómico se apodera de la velada con tres elementos que, en combinación, crean un bocado irresistible:

• Palomitas de maíz: la base crujiente y versátil que nunca falla en una noche de películas.
• Queso parmesano rallado: un toque de sofisticación que aporta un sabor profundo y textura.
• Miel: el giro inesperado que equilibra el sabor con notas dulces y caramelizadas.

Tres ingredientes, un propósito: transformar una noche de premios en una experiencia gourmet sin esfuerzo.

Preparación: menos es más

La magia ocurre en minutos. En una olla con tapa, estalla las palomitas a fuego medio hasta que el sonido de los estallidos disminuya. Una vez listas, agrégalas a un bowl grande y espolvorea generosamente el queso parmesano rallado. Finalmente, rociélas con un hilo de miel, mezclando suavemente para que cada pieza quede impregnada de sabor.

El resultado es una combinación de texturas que juega con lo crocante, lo cremoso y lo pegajoso, creando un contraste delicioso en cada bocado.

Beneficios: sabor y equilibrio en cada mordida

Más allá de su rapidez y facilidad, este snack aporta beneficios nutricionales que lo convierten en una elección inteligente.

• El maíz es una fuente de fibra que favorece la digestión.
• El queso parmesano suma proteínas y calcio.
• Mientras que la miel endulza de forma natural con propiedades antioxidantes.

Todo esto sin necesidad de ingredientes artificiales ni preparaciones complicadas, lo cual facilita esta preparación que no requiere mucho tiempo de elaboración para esa noche tan especial para todos los cinéfilos.

Un acompañamiento de cine

Con esta receta, no solo disfrutas de un snack delicioso, sino que también elevas la experiencia de los Oscar 2025. Ya sea que celebres los triunfos de tus favoritos o te sorprendas con las decisiones de la Academia, este bocado se convierte en el mejor cómplice para una noche inolvidable. Así que prepara tu bol de palomitas gourmet, siéntate cómodamente y deja que la magia del cine haga el resto.

Después de todo el escándalo que generó la película Emilia Pérez en el territorio mexicano, el público conocerá la noche de este domingo si es que se alzará con algún premio de la Academia.

Esta cinta generó controversia desde semanas antes de su estreno en México, el pasado 23 de enero, debido a los diálogos, el acento mal ejecutado del español y la falta de investigación del director Jacques Audiard, quien llegó a confesar que no estudió a este país en donde se ubica este largometraje.

Previo a toda esta controversia, el filme obtuvo diferentes premios y recorrió festivales, así como cines alrededor del mundo, siendo este país su última parada.

El largometraje, que ha causado un gran impacto en la audiencia y la crítica, acumula 13 nominaciones al premio Oscar, consolidándose como una de las producciones más destacadas de la temporada, a pesar de las críticas negativas del público.

Entre los reconocimientos a los que aspira se encuentra la categoría de Mejor Canción Original, donde compiten dos de sus temas más representativos: ‘Mi Camino’, interpretada por Selena Gómez, y ‘El Mal’, una pieza poderosa cantada por Zoe Saldaña y Karla Sofía Gascón.

Esta última ya conquistó los premios de la temporada, como el Globo de Oro, lo que aumentan sus posibilidades de llevarse la estatuilla dorada.

De esto habla la canción ‘El Mal’

La canción ‘El Mal’ expone un testimonio musical en donde se expone la corrupción y la impunidad que atraviesan las esferas del poder, dentro de la trama de la cinta. Su letra es directa y desentraña la supuesta complicidad entre el crimen y las instituciones gubernamentales.

El coro es un mantra de advertencia: “Habla, esta gente habla / Pero ahora lo van a pagar, a pagar, a pagar”.

Desde el primer verso, la canción establece un tono crudo: “Miren al químico, químico / Que lo nombraron ministro de algo”. En el segundo verso, la composición pone en el ojo del huracán a jueces, secretarios y gobernadores. “Miren al juez Santos / Mírenlo, no le importa nada”.

La melodía se convierte en un himno de denuncia que podría funcionar como un grito de resistencia, la cual se puede admirar dentro de dicha cinta.

Karla Sofía Gascón canta lo siguiente en el tema

El personaje Emilia Pérez, interpretado por la actriz Karla Sofía Gascón canta algunos fragmentos en la canción en donde refleja el sentimiento de reconocimiento y transformación personal.

Menciona que los demás tienen ventaja sobre ella , mientras que ella es una figura poco reconocida o nueva para muchos, sin embargo se expresa con orgullo como una “mujer mexicana”, subrayando su identidad y resaltando que es “una mujer como las demás” con lo que podría sugerir que busca ser vista sin prejuicios.

“Ustedes me sacan ventaja

Todo el mundo los conoce

A mí nadie o solo un poco

Soy Emilia Pérez

Una mujer mexicana

Una mujer como las demás.

“Pero gracias a Dios

Tengo a mi lado a una mujer excepcional

A Rita Mora Castro

Ella es la inteligencia andando

La inteligencia andando”.

La película Emilia Pérez, del director francés Jacques Audiard, ha arrasado en las nominaciones de los premios Oscar 2025, acumulando 13 postulaciones en categorías clave como Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Actriz para Karla Sofía Gascón, entre otras más.

Este drama, que explora la violencia y la lucha por la identidad en México, ha cautivado a la crítica de diferentes festivales y galas de premiación en el extranjero.

Sin embargo en México la respuesta del público fue diferente: generó toda una polémica, lluvia de mensajes de odio del público por la manera en que se retrató la idiosincrasia del país y los fuertes clichés que hay sobre los compatriotas.

El largometraje narco trans se estrenó el pasado 23 de enero en México, país donde está ambientada la historia que aborda el tema de los desaparecidos, en donde también se pueden ver las calles del país e incluso el Cablebús que atraviesa por Iztapalapa.

‘Emilia Pérez’ tiene doble nominación al Oscar para Mejor Canción

Entre los múltiples reconocimientos que busca obtener en la gala del Oscar, destaca su doble nominación en la categoría de Mejor Canción Original, con los temas El Mal y Mi Camino.

Este último, interpretado por Selena Gómez, se ha convertido en un emblema dentro de la película. La actriz y cantante estadounidense da vida a Jessi del Monte, la esposa de El Manitas, personaje central interpretado por Karla Sofía. A través de Mi Camino, la película encuentra un momento de profunda introspección y reafirmación personal.

¿De qué se trata la canción ‘Mi Camino’?

La canción Mi camino más que una simple melodía en la banda sonora, explora la autovaloración y resistencia. La letra refleja la travesía interna de un personaje que se enfrenta a su propia historia con valentía, reivindicación, su identidad y aceptando cada parte de sí misma.

Frases como “Quiero amarme como quiero que me amen” y “Si me caigo en la barranca, es mi barranca” exponen la búsqueda de amor propio, lejos de los juicios externos. El tema encapsula la esencia de Emilia Pérez: una historia de transformación y empoderamiento en un contexto marcado por la violencia y el machismo.

Musicalmente, Mi Camino fusiona la suavidad melancólica de la voz de Gómez con una instrumentación que evoca una sensación de renacimiento. Su interpretación dota a la canción de un peso emocional que resuena más allá de la pantalla.

Ésta es la letra de ‘Mi Camino’

A continuación te presentamos la letra de la canción Mi camino que suena en la película “Emilia Pérez.

“Si me caigo en la barranca, es mi barranca

Si me doblo de dolor, es mi dolor

Si me mando al séptimo cielo, es mi cielo

Si me equivoco de camino, igual

Cuando salgo mucho de fiesta

Cuando me porto como una perra

Cuando soy la señora perfecta

Cuando digo “sí” para decir “no”

Quiero, quiero...

Quiero quererme a mí misma

Querer, sí, mi vida

Querer, sí, lo que siento

Quiero quererme a mí misma

Quererme así, toda

Quererme así como soy

Quiero amar a la niña que no me dejaron ser

Quiero amar a la abuela en la que a lo mejor me voy a volver

Quiero amarme cada día, cada hora, cada segundo

Soy, eso me basta, eso es ser una mujer, ¿no?

Quiero amarme como quiero que me amen

Amén

Quiero quererme a mí misma

Querer, sí, mi vida

Querer, sí, lo que siento

Quiero quererme a mí misma

Quererme así, toda

Quererme así como soy

Si me caigo en la barranca, es mi barranca

Si me doblo de dolor, es mi dolor

Si me mando al séptimo cielo, es mi cielo

Si me equivoco de camino, igual

Es mi camino

Quiero quererme a mí misma

Querer, sí, mi vida

Querer, sí, lo que siento (es mi camino)

Es mi camino

Quiero quererme a mí misma (mi camino)

Quererme así, toda (es mi camino)

Quererme así como soy (mi camino)

Cuando salgo mucho de fiesta

Cuando me porto como una perra”.

La jeringa brilla bajo la luz blanca y estéril del laboratorio. Un líquido viscoso espera en su interior. Una vez dentro del cuerpo, la transformación es inmediata. La piel se tensa, las arrugas desaparecen, los años retroceden. No es ciencia ficción, es ‘La Sustancia’, la película de la cineasta francesa Coralie Fargeat que desata escalofríos a los espectadores con su crítica mordaz sobre la obsesiva búsqueda de la juventud eterna.

Tras conquistar la taquilla mundial y recaudar más de 78 millones de dólares, regresa nuevamente a las salas mexicanas el día de hoy, 30 de enero, para celebrar sus cinco nominaciones al Oscar, información proporcionada a INFOBAE MÉXICO.

¿De qué se trata ‘La Sustancia’?

La actriz estadounidense Demi Moore encarna a Elisabeth Sparkle, una exestrella de la televisión fitness que, tras ser despedida de manera humillante por su jefe Harvey (Dennis Quaid), se enfrenta a un abismo personal y profesional.

La solución que encuentra a sus problemas parece llegar en una caja que contiene las herramientas e instrucciones para esta nueva aventura. Dentro hay una sustancia revolucionaria capaz de crear una versión más joven y perfecta de ella misma.

El resultado es Sue, interpretada por Margaret Qualley, un reflejo impecable de lo que la sociedad considera belleza.

Pero hay una condición: ambas deben turnarse la existencia, una semana para cada una. Un equilibrio teóricamente perfecto que pronto revela grietas aterradoras.

Estas son las nominaciones al Oscar que tiene ‘La Sustancia’

Su estreno mundial se realizó en el Festival de Cannes, donde se llevó el premio a Mejor Guión, el cual no sólo se trata de un thriller de terror, sino un viaje perturbador que expone la fragilidad de la identidad y el precio de la perfección.

El largometraje de 140 minutos se puede ver en cines seleccionados en la República Mexicana como por ejemplo las Salas de Arte de Cinépolis, Cinema WTC y la Cineteca Nacional de las Artes. También sigue disponible en la plataforma de streaming MUBI.

Las cinco nominaciones a la Academia que tiene son las siguientes: Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Guión Original para Fargeat, Mejor Actriz para Demi Moore y Mejor Maquillaje y Peinado para Emmanuelle Youchnovski.

Moore ya ganó el Globo de Oro por esta interpretación y ahora aspira a ganar el premio Oscar en el que está nominada junto a Karla Sofía Gascón (‘Emilia Pérez’), Cynthia Erivo (‘Wicked’), Mikey Madison (‘Anora’) y Fernanda Torres (‘I´m still here’).

La actriz española Karla Sofía Gascón vive en estos momentos un hito en su carrera con el éxito que ha tenido con la película que protagoniza “Emilia Pérez”, papel que la ha colocado en el radar de la industria cinematográfica internacional.

Hoy, con una nominación al Globo de Oro en mano, Gascón afirmó estar lista para enfrentar los retos que la han llevado hasta aquí, mientras observa con asombro el panorama más inclusivo que se perfila ante ella.

En fecha reciente, la estrella trans obtuvo dicha postulación en la categoría de Mejor Actriz por esta cinta que se estrenará en las salas de cine de México el próximo 23 de enero.

Karla Sofía Gascón espera ser nominada al Oscar por “Emilia Pérez

En entrevista con INFOBAE MÉXICO, Karla Sofía confesó que sí le gustaría estar nominada a los premios Oscar por su interpretación en el citado largometraje. Ante ello, se muestra cauta, pero esperanzada.

“Eso es algo que no ha ocurrido. Para mí cualquier reconocimiento será un honor y hablaremos cuando suceda eso o lo contrario”, dijo con humildad.

No obstante, se muestra optimista respecto a lo que el futuro depara. En caso de que su nombre se escuche entre los nominados, tiene claro lo que le gustaría expresar a los integrantes de la Academia: “si llego a estar nominada daré las gracias a todo el que tenga que dárselas, porque es de bien nacidos ser agradecidos”, comentó.

Karla Sofía Gascón habla de la diversidad en el cine

Gascón reconoce que la industria del cine ha cambiado profundamente, y lo atribuye tanto a las transformaciones sociales como a que cada vez hay monopolios. Según la actriz, la diversidad no es solo una tendencia, sino una necesidad que resuena con los tiempos que vivimos.

Sobre Hollywood, Gascón expresó una visión respetuosa y optimista. Para ella, la meca del cine sigue siendo un referente global en cuanto a inclusión y representación cultural.

“Creo que Hollywood siempre ha sido inclusivo y siempre ha ido un paso por encima, un paso por delante de todos nosotros, eso veo que son, una industria que hacen cosas para que las vea. Han hecho una labor a lo largo de toda la historia cinematográfica por el mundo muy importante; a través de sus películas hemos crecido muchos, a través de los personajes que se incorporaban, íbamos respetando otras culturas y otras identidades.

“Lo que ofrece Hollywood. a fin de cuentas, es gran parte de la realidad. Hollywood tiene mucho que dar al mundo, al final se nutre de lo que ocurren en el mundo. Yo estoy agradecida por cómo me han recibido aquí, por cómo hay tantos artistas que desean hacer cosas nuevas y creativas, y creo que Hollywood va a seguir siendo el referente mundial en la cinematografía, creo que este año es un buen año para demostrarlo”.

Valladolid, 26 oct (EFE).- La película 'Sing Sing' cierra esta 69ª edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci) con una historia de redención y humanidad a través del teatro, que reflexiona sobre el sistema penitenciario estadounidense y que se proyectará al público tras la ceremonia de clausura, prevista para la tarde de este sábado.

Una cinta que firma el estadounidense Greg Kwedar, que pone el broche al certamen vallisoletano junto con 'The Most Precious of Cargoes', el debut en la animación del cineasta francés Michel Hanavizius, que ganó el premio Oscar a mejor película por 'The Artist' en el año 2012, y que ha presentado este sábado en una rueda de prensa en el Teatro Calderón.

'Sing Sing', fuera de concurso, se basa en la experiencias de los presos que pasaron por el Programa de Rehabilitación a través de las artes de la cárcel de máxima seguridad Sing Sing, en Nueva York.

Kwedar se ha rodeado de un elenco de actores experimentados como Colman Domingo o Paul Raci, pero también de expresidiarios que se acogieron a ese programa como Clarence Maclin o Jon Adrian Velazquez.

El peso dramático de la cinta recae en Colman Domingo, que interpreta a Divine G (alias de John Witfield), un actor con tres décadas de actuación a sus espaldas con un sólido bagaje en el mundo del teatro y que aprovecha en esta cinta para, entre otras cosas, recitar 'Sueño de una noche de verano' de William Shakespeare y por el que recibió el premio Tribute Performer en el Festival de Toronto (TIFF).

Un proyecto de 105 minutos de duración en el que Kwedar, director estadounidense que cuenta con otro largometraje – 'Transpecos' (2016)- y productor y coguionista de 'Jockey (2021), ha invertido 8 años de vida; y que ha adquirido la distribuidora A24, casa cinematográfica de películas como 'The Witch' (2016) o 'Moonlight' (2016), ganadora del Oscar a mejor película en 2017.

El director de cine Michel Hanavizius, que ganó el premio Oscar a mejor película por 'The Artist' en 2011, apuesta por una película de animación que narra la historia de una niña judía durante la Segunda Guerra Mundial, cuyo padre la lanza de un tren en marcha para evitar que llegue al campo de concentración de Auschwitz y que es encontrada por un leñador y su esposa, lo que cambiará sus vidas.

Esta producción franco-belga, de 81 minutos y que se estrenó este año en el festival de cine de Cannes, adapta la novela 'La mercancía más preciosa. Un cuento', del también francés Jean-Claude Grumberg, un trabajo que Hanavizius empezó a poner en marcha y que se ha visto, por primera vez en España, en el festival vallisoletano.

A preguntas de los periodistas, el cineasta ha reconocido que el espíritu del largometraje tiene paralelismos con la época actual, "sin ser una interpelación directa a Europa", ya que su idea era mostrar que el ser humano puede ser "lo mejor y lo peor".

"En cada uno de nosotros hay un potencial genocida y una víctima, y en nuestro interior tenemos a alguien que toma las decisiones correctas y que puede elegir la humildad", ha incidido, antes de apuntar que hay una cierta interpelación y una muestra de respeto "a las personas que tienden la mano a los demás".

En su debut en la animación, Hanavizius se ha apoyado en el "genio" de Alexandre Desplat con una banda sonora claramente diferenciada entre música sinfónica y del este de Europa, y en la que apostó por una animación 2D por su cercanía al cuento y con el que ha intentado recrear "ese ambiente clásico".

"Quería que fuera una especie de recuerdo que venía desde el subconsciente, que traíamos del pasado al presente y por eso queríamos una animación más clásica, que no fuera completamente moderna", ha explicado. EFE.

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