La cantante Olivia Rodrigo ha vuelto a captar la atención internacional con el estreno de Drop Dead, la primera canción de su tercer álbum. You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love sale el 12 de junio bajo el sello Geffen Records. La cantautora pondrá sonido al verano de muchas personas que esperan con ansias su nueva era musical.

El videoclip, dirigido por Petra Collins, recorre los espacios más emblemáticos del Palacio de Versalles, integrando elementos de la cultura pop contemporánea dentro de uno de los escenarios más reconocidos de la historia europea. A lo largo del video, la artista se muestra corriendo por largos pasillos, explorando habitaciones con ornamentación clásica y tocando la guitarra en ambientes cargados de simbolismo. El resultado es una pieza audiovisual donde la estética barroca convive con la energía del pop actual.

Drop Dead no solo es una muestra de la nueva etapa creativa de Olivia Rodrigo, sino también una declaración de intenciones sobre cómo abordar el arte desde una perspectiva joven y desenfadada. La cantante utiliza el palacio francés como un personaje más en la narrativa visual, y lo deja claro en versos donde integra al edificio en el mensaje de la canción.

El videoclip: claves visuales y secretos de Versalles

El video de Drop Dead destaca por los contrastes de ver a una desenfadada Olivia Rodrigo con los elementos más clásicos de la arquitectura. La decisión de grabar en el Palacio de Versalles no fue solo un recurso visual, sino parte de una estrategia para fusionar lo clásico y lo contemporáneo. Collins, habitual colaboradora de Rodrigo, logra capturar la majestuosidad de las salas y pasillos del palacio, mientras la cantante recorre los espacios en actitud desafiante y libre.

La producción incluye detalles que refuerzan la conexión entre la canción y el espacio: Rodrigo aparece con una guitarra rosa, símbolo de su sello personal, y la iluminación resalta los dorados y espejos característicos del lugar. El videoclip ha motivado interpretaciones sobre el significado de unir Versalles con la frescura de la nueva etapa de la cantante. Para muchos seguidores, la elección refuerza su evolución visual y artística, consolidando su tendencia a explorar nuevas formas de expresión en cada proyecto. Para otros, solo trata de ejemplificar que no tiene techo, que puede grabar donde sea y es una princesa digna del escenario.

Próximos pasos en la carrera de Olivia Rodrigo

Antes del lanzamiento de Drop Dead, los fans de Olivia Rodrigo ya especulaban sobre el nuevo álbum gracias a pistas sueltas que iban apareciendo en su web y redes sociales. En la actualidad, es casi igual de importante lo que creas alrededor del proyecto que el propio proyecto. La cantante ha optado por ir apareciendo en murales temáticos en ciudades como Los Ángeles y Londres, que han servido como anticipo del giro de esta etapa.

El nuevo álbum, producido nuevamente junto a Dan Nigro, marca un desafío para Rodrigo: “Escribir desde un lugar alegre fue un reto creativo”, comentó recientemente a British Vogue. La artista reconoce que su proceso creativo evoluciona junto a su estado emocional, buscando conectar con la audiencia desde una perspectiva más luminosa.

Como parte de la promoción, Rodrigo hará su debut como invitada en Saturday Night Live el 2 de mayo, lo que refuerza la magnitud de este regreso. La expectativa en torno a su tercer disco es muy alta, tras el éxito de Sour y Guts. Ahora también, después del nivel de su último vídeo, se posiciona ya como uno de los lanzamientos más comentados del año y anticipa una era en la que Olivia Rodrigo explora la intimidad y las relaciones desde otro lugar.

Un reportaje realizado por el periodista especializado en música Ed Power para The Telegraph analizó cómo esa experiencia personal de Mercury se plasmó en Seven Seas of Rhye, tema incluido en Queen II.

Aunque el cantante evitaba explicar minuciosamente el origen de su obra, Power reunió interpretaciones que vinculan los episodios de su niñez, incluida la abrupta partida de su familia de Zanzíbar, con el desarrollo de su imaginación creativa.

La canción no solo marcó un punto de consolidación para Queen en la escena musical británica. También reveló a Mercury en su faceta de narrador, capaz de transformar vivencias personales en paisajes fantásticos. Tras la salida obligada de su tierra natal, ese entorno perdido quedó inscrito como un símbolo en sus letras, según la reconstrucción realizada por Power.

La construcción del universo Rhye

El concepto de Rhye, presente en varios temas del álbum, aparece como un territorio ficticio cargado de simbolismo. Según reconstrucciones citadas por The Telegraph, existe un consenso entre seguidores que sitúa el origen de este universo en un juego imaginativo que Mercury habría compartido con su hermana Kashmira durante la infancia.

Nacido en la isla de Zanzíbar, ubicada en la costa de África Oriental, el artista vivió un golpe decisivo cuando su familia tuvo que abandonar el lugar después de una revolución. Ese episodio rompió abruptamente con su entorno original. Años más tarde, dejó de ser solo un espacio geográfico para convertirse en un símbolo de lo perdido en la obra del músico.

El locutor y aficionado musical Phil Swern describió ese vínculo emocional al afirmar: “Siempre podía recurrir a ella cuando la realidad se volvía demasiado abrumadora”. La isla funcionó como refugio mental, proyectándose en las composiciones del artista.

Temas y recursos del álbum

De acuerdo con Power, en Seven Seas of Rhye, Mercury creó una narrativa en la que un reino mágico sufre las consecuencias de la guerra. La letra presenta imágenes de confrontación y destrucción que remiten a una experiencia emocional más profunda.

El cantante no ofrecía detalles específicos sobre la inspiración tras la canción. En declaraciones citadas por The Telegraph, explicó: “Mis letras y canciones son principalmente fantasías, las invento”. Añadió: “No son realistas; son más bien etéreas, como de cuento de hadas”. Esta aclaración reforzó la ambigüedad en torno a su proceso creativo.

El paralelismo con la obra de J. R. R. Tolkien es frecuente al analizar Queen II. Al igual que el autor de El Señor de los Anillos, Mercury recurrió a la ficción como vía para procesar experiencias difíciles. En ambos casos, la construcción de universos imaginarios permitió canalizar conflictos personales a través del relato fantástico.

La segunda cara de Queen II, conocida como “Black Side”, albergó la mayor concentración de estas composiciones. Allí, una secuencia de canciones interconectadas expandió la mitología de Rhye. En Ogre Battle, The Fairy Feller’s Master-Stroke y Nevermore se suceden criaturas singulares y paisajes en decadencia.

El punto culminante llegó con The March of the Black Queen, extensa pieza anticipatoria de estructuras narrativas que el grupo perfeccionaría más adelante. En otras declaraciones citadas por el medio británico, Mercury confesó sobre su creación que “me llevó muchísimo tiempo terminar esa canción. Quería dedicarle todo mi esfuerzo, darme un regalo o algo así”.

Mientras tanto, el trabajo musical de Brian May y Roger Taylor contribuyó a afianzar una identidad sonora distinta. Taylor rememoró en una entrevista con la revista especializada Classic Rock: “Empezábamos a ampliar los límites del estudio en cuanto a la sobregrabación y a lo que podíamos hacer vocalmente, algo con lo que antes solo estábamos experimentando”.

Influencia e impacto en la música

El universo de Rhye no se limitó a Queen II. Mercury ya había aludido a esa narrativa en trabajos anteriores y la cerró en el disco Sheer Heart Attack, donde el tema Lily of the Valley marcó el cierre de ese ciclo creativo. En ese momento, la banda consolidó un lenguaje propio que incluyó recursos literarios y un abordaje musical poco convencional.

Según Power, la influencia de la fantasía no fue exclusiva de Queen en los años setenta. Grupos como Led Zeppelin, Black Sabbath y Rush también incorporaron elementos similares en sus composiciones. En el caso de Mercury, esa inclinación se vio marcada de manera personal por su historia de vida y el desarraigo.

La reedición reciente de Queen II, con nuevas mezclas supervisadas por May y Taylor, devolvió al primer plano este capítulo inicial del grupo, iluminando el trasfondo íntimo detrás de una de sus canciones más recordadas.

En uno de los momentos destacados del concierto celebrado este viernes en el Palacio de Vistalegre de Madrid, Yurena contó con la colaboración del Coro Gay de Madrid para interpretar su emblemático tema “No cambié”, creando un ambiente que el público presente calificó como uno de los más significativos de la noche. Según informó el medio, la artista realizó una retrospectiva de toda su trayectoria profesional, evocando desde sus primeros pasos como Tamara y el fenómeno conocido como ‘Tamarismo’, hasta su etapa de consolidación bajo el nombre de Yurena como figura relevante del pop español.

De acuerdo con lo publicado, el evento, denominado ‘El concierto que nunca fue’, reunió a cientos de seguidores que acompañaron a Yurena en una velada que incluyó la presencia de otros artistas reconocidos, destacando la colaboración de Vicky Larraz, con quien interpretó “No controles”, una canción considerada referencia en el repertorio musical español. El repertorio elegido permitió a los asistentes recorrer diferentes etapas de la carrera de la cantante, marcadas por la superación personal y profesional, así como por su capacidad de reinventarse a lo largo de los años.

Tal como consignó la fuente, durante el espectáculo, Yurena ofreció mensajes centrados en la confianza en uno mismo y la importancia de continuar adelante a pesar de las dificultades. La presentación rememoró episodios significativos en los que la vocalista indicó que, a lo largo de su vida pública, le negaron el reconocimiento y el espacio que ella consideraba propio. Según la crónica del evento, Yurena expresó: “Me negaron mi lugar”, haciendo referencia a los desafíos que enfrentó en la industria musical y social. En ese marco, el espectáculo fue descrito en vivo como “una noche de justicia”, reconociendo la perseverancia de la artista en su esfuerzo por obtener el aprecio de su audiencia y su posición en el panorama artístico.

La velada dejó espacio para la reivindicación personal, subrayando, tanto en palabras de la intérprete como en la presentación del evento, la lección de confiar en uno mismo sin necesidad de pedir permiso ni perdón. El medio detalló que Yurena fue homenajeada por sus seguidores, que retribuyeron el afecto recibido durante sus años de carrera con una respuesta entusiasta y muestras de apoyo durante las interpretaciones más recordadas de su repertorio.

Entre los temas interpretados, el himno “No cambié” recibió especial destaque, acompañada por el Coro Gay de Madrid, en un momento que el propio medio calificó de conmovedor y que fue celebrado por el público como una reivindicación de la trayectoria de la cantante. Por otra parte, la colaboración con Vicky Larraz en “No controles” puso de manifiesto la red de artistas que han respaldado el recorrido profesional de Yurena, sumando valor simbólico a la cita en el Palacio de Vistalegre.

Durante el evento, la cantante no solo repasó sus éxitos musicales, sino que ofreció un espectáculo enfocado en la memoria colectiva y el agradecimiento a quienes la han seguido desde sus inicios. El medio reportó que la artista insistió en la importancia de persistir ante las adversidades y de mantenerse fiel a sus convicciones, elementos que, según se enfatizó durante la gala, han caracterizado su paso por el ámbito musical y la han permitido consolidarse como referente en su género.

Además de los asistentes, personalidades del mundo artístico mostraron su apoyo al evento y a la artista, contribuyendo a resaltar el carácter especial de la jornada. El público, formado tanto por seguidores de larga trayectoria como por nuevas generaciones, participó activamente en la celebración, recibiendo cada actuación con ovaciones y acompañando las canciones más emblemáticas.

Tal como detalló la fuente, la presentación de Yurena en Madrid se inscribe dentro de una serie de actividades que la cantante emprende para celebrar décadas en la industria musical. El evento fue percibido como un reconocimiento a su capacidad de adaptación, resistencia, y la superación de barreras profesionales y personales que, a lo largo del tiempo, han marcado su historia pública.

El cantante Alexander Acha anunció nueva fecha de concierto en la Ciudad de México para este 2026.

Se trata de la segunda fecha en que el cantante se presentará en la capital del país este año, ya que anteriormente había dado a conocer una presentación previa.

El primer concierto de Alexander Acha será para el mes de abril de 2026, de acuerdo a lo comunicado por el hijo del también cantante Emmanuel.

Ante esto, Alexander dio a conocer que habrá una segunda fecha de concierto en la capital del país para este 2026.

Recordar que el primer concierto del intérprete de ‘Te amo’ será el jueves 16 de abril a las 21:00 horas en el salón de espectáculos de ‘La Maraka’ en la Ciudad de México.

Fecha, sede y todo sobre el segundo concierto de Alexander Acha en la CDMX este 2026

La fecha del próximo concierto de Alexander Acha en la Ciudad de México será el viernes 4 de septiembre a las 21:00 horas en el mismo recinto anterior, es decir, en La Maraka, en la capital del país.

Por lo tanto, hay una doble fecha y oportunidad para acudir al concierto de Alexander Acha en la capital del país.

Hasta el momento no se han dado muchos detalles de estas presentaciones del cantante, como de invitados especiales.

De igual manera, no se ha revelado otra fecha de conciertos para este 2026 de Alexander Acha.

Carrera artística de Alexander Acha

Alexander Acha, nacido en la Ciudad de México el 25 de enero de 1985, es un destacado cantante, compositor y productor mexicano.

Hijo del reconocido artista Emmanuel, desarrolló su vocación musical desde muy joven, estudiando piano, percusión, guitarra y composición en instituciones como la Berklee College of Music y la Academia de Música Fermatta.

Desde el inicio de su carrera, Alexander ha sobresalido en el ámbito del pop latino, consolidándose como una de las voces más representativas de su generación.

Logros y trayectoria:

• En 2008 debutó con el álbum “Voy”, cuyo sencillo “Te Amo” se mantuvo durante 16 semanas en el primer lugar de la radio mexicana. Este disco obtuvo discos de oro y platino.
• En 2009 recibió el Grammy Latino como Mejor Artista Nuevo.
• Ha lanzado varios álbumes, entre ellos “La vida es...” (2011), “Claroscuro” (2014), “Luz” (2018) y “Las italianas” (2022).
• Ha colaborado con artistas como Los Socios del Ritmo, Dulce María y su padre Emmanuel.
• Su música ha sido parte de telenovelas y películas como “Un refugio para el amor” y “Tepeyac”.
• Participó como director y jurado en el reality show “La Academia”.

Acha ha destacado también por su labor altruista y su compromiso con diversas causas sociales, así como por su constante innovación en el escenario musical mexicano.

En entrevista a distancia con Infobae México, Laura Pausini mantiene la vitalidad, gracia y honestidad que le conocimos en la década de los años 90, cuando “Se fue” se ancló en la memoria colectiva del público mexicano.

Un disco surgido desde la incomodidad

“Se fue” es uno de muchos hits radiales en su carrera. Sin embargo, tiempo atrás tomó la decisión de revisitar recuerdos propios a través de piezas musicales que la marcaron en algún punto de su vida.

A contracorriente de la fórmula en la industria, no ve el cover como una vía fácil para obtener ganancias, sino como “un gusto” y, a su vez, un redil para reinventarse y homenajear a una selecta lista de artistas.

“Cuando les dije por primera vez que quería hacer otro disco homenaje, no estaban muy convencidos. Los italianos, por lo menos, me decían: ‘No, vamos a hacer un disco inédito’. Pero, después, me dejaron libre de hacer lo que quería. Repito: es un disco de una fan”.

Reconoce que habla desde el privilegio de una artista sin problemas económicos que, además, ha encontrado un punto de equilibrio en su vida tras un estancamiento artístico y emocional acentuado por la pandemia de COVID-19. Sin embargo, el lujo va acompañado de una necesidad espiritual.

“Durante el COVID tuve un bajón personal; sentía que ya había hecho todo y que no existía nada más allá de lo que ya conocía, por lo que me sentía inútil. Una de las cosas que mi marido, mi madre y mi psicóloga me decían continuamente era: ‘Desde ahora, permítete el lujo de hacer todo lo que quieras, porque puedes hacerlo’. La suerte que tengo es una suerte económica directa; yo no hago un disco ahora para que me entre dinero, no lo necesito, pero lo necesito para estar bien, para no caer más en un estado emocional muy negativo”.

Un reencuentro artístico

Sin pedirlo, la honestidad de Pausini exige no sacar de contexto sus palabras. Al recordar esos días aciagos, subraya que su estado emocional nunca fue una depresión que requiriera de medicamentos.

A seis años de distancia, la música, como en otras ocasiones, le mostró el camino a seguir.

“Salir de ahí me ha permitido disfrutar de cosas para las que antes no tenía el coraje o no me atrevía a hacer. Si en aquel entonces me hubieran dicho: ‘Este año no queremos el disco de covers’, no lo hubiera hecho. Ahora tengo más coraje, me siento más tranquila, incluso si el proyecto va mal”.

Esta etapa de madurez le permite saber que, de ahora en adelante, seguirá su instinto. “Hago el disco porque, desde hace muchos años, me siento mucho más amada en algunas naciones que en otras y no encuentro tranquilidad hasta que no continúo mostrando lo que siento”.

En Yo canto 2, Laura Pausini revisita recuerdos, pero también es consciente de que, al regrabar clásicos en español, también invadirá las memorias de miles de seguidores.

“Hay personas que conozco que me dicen: ‘Esta canción me recuerda a tal momento’. Esa es mi misma intención, en realidad, pero tengo un poco de incertidumbre sobre lo que pueda pasar a nivel discográfico”.

Al final, sus últimos dos discos tienden un puente entre Italia, España y países de Latinoamérica. Sus canciones e intención se alejan de las imposiciones de la industria para atender una búsqueda artística.

De la misma manera en la que el ensayista mexicano Juan García Ponce supuso que la literatura no podía ser otra cosa sino “el hallazgo del pretexto adecuado que nos permite regresar siempre al lugar al que queremos habitar”, la música de Laura Pausini se ancla en tiempos que fueron mejores para dar un respiro de la intensa realidad.

Lo que debes saber de ‘Yo canto 2′

El lanzamiento de Yo canto 2 da inicio a una nueva etapa en vivo con el Yo canto World Tour 2026/2027 , la undécima gira de la artista, que visitará Europa, Latinoamérica y Norteamérica en los próximos meses.

Canciones que integran el disco

1. Oye mi canto (con Richaelio)
2. Hijo de la Luna
3. Mi historia entre tus dedos
4. Hasta la raíz
5. Bachata Rosa
6. Gracias a la vida (con Nahuel Pennisi)
7. Mariposa Tecknicolor
8. Pausa (con Mikel Izal)
9. Antología
10. ¿Por qué te vas?
11. Cuando nadie me ve
12. Eso y más (con Yami Safdie)
13. Hoy
14. El Talismán
15. Turista
16. Livin’ la vida loca (Spanglish Version)
17. Cuando nacen amores (con Ricardo Montaner)
18. El Patio
19. No soy una señora
20. Entre sobras y sobras me faltas
21. Cuando nacen amores (Solo Version)

Conciertos en México

• 2 de mayo: Ciudad de México (Arena CDMX)
• 5 de mayo: Guadalajara (Arena Guadalajara)
• 7 de mayo: Monterrey (Arena Monterrey)

Por primera vez desde 1983, las ventas de discos de vinilo en Estados Unidos han superado los USD 1.000 millones anuales, una cifra impulsada especialmente por la estrategia de Taylor Swift, cuya influencia en el mercado musical actual marcó un récord de crecimiento sostenido en este formato durante diecinueve años consecutivos, según informó la Recording Industry Association of America (RIAA) en su reporte del 16 de marzo. Esta tendencia sitúa al vinilo como un fenómeno de consumo masivo, aunque su facturación todavía representa menos del 10% de los ingresos totales por música grabada en el país, que en 2025 ascendieron a USD 9.500 millones por streaming.

La recuperación del vinilo se tradujo en ventas por USD 1.040 millones en 2025, un incremento del 7,9% respecto a los USD 966 millones registrados en 2024, de acuerdo al cálculo de The Guardian a partir del informe de la RIAA. En total, los consumidores estadounidenses adquirieron aproximadamente 48,5 millones de discos nuevos, mientras que la venta de CDs apenas alcanzó los 29,5 millones de unidades y generó ingresos por USD 312,4 millones. Otras formas físicas, como los casetes, reportaron ingresos minoritarios de USD 25,8 millones.

En la cima de las ventas de vinilo durante el último año quedó el álbum The Life of a Showgirl de Taylor Swift, con un total de 1,6 millones de copias vendidas en vinilo solo en 2025. La cantante desplegó una estrategia centrada en la producción de ediciones coleccionables: puso en circulación ocho variantes en vinilo de ese álbum, algunas con portadas alternativas y colores exclusivos. Ediciones especiales, como la destinada a la cadena Target, incluyeron fotos inéditas, pósteres y poemas escritos por Swift. Otras versiones únicamente pudieron adquirirse durante ventanas de tiempo limitadas, destacando un enfoque de comercialización orientado a la exclusividad y la urgencia.

La apuesta de Taylor Swift no se limitó al vinilo: la artista lanzó al menos 34 variantes diferentes de The Life of a Showgirl, distribuidas entre CD, casete y descargas digitales. Esta estrategia llevó al álbum a registrar 4.002.000 ventas en su primera semana en Estados Unidos, la cifra más alta jamás alcanzada en ese período inicial, de las cuales 1,3 millones correspondieron solo al formato vinilo, según datos recogidos por The Guardian de la RIAA.

El efecto Swift no se restringió a su propio desempeño. En la lista anual de ventas de vinilo le siguieron otras figuras destacadas: Sabrina Carpenter ocupó el segundo y cuarto lugar con Man’s Best Friend y Short n’ Sweet (292.000 y 262.000 discos vendidos respectivamente), y Kendrick Lamar se posicionó tercero con 272.000 copias de GNX, su álbum ganador del Grammy. Billie Eilish cerró el quinteto con 192.000 unidades vendidas de Hit Me Hard and Soft, editado en 2024.

Los clásicos también ocuparon un lugar relevante. Rumours de Fleetwood Mac y Thriller de Michael Jackson se mantuvieron entre los diez discos de vinilo más vendidos del país, mostrando que la tendencia abarca tanto producciones actuales como álbumes históricos.

La incidencia masiva de Swift en las ventas provocó debates sobre la relevancia y el sentido de lanzar numerosas versiones físicas de un mismo disco. El crítico musical de YouTube Anthony Fantano cuestionó la práctica en enero bajo el título “Taylor Swift is Still Ruining Vinyl”, preguntando: “Una vez que sacas ocho versiones distintas de tu nuevo álbum en vinilo, ¿qué demanda real del mercado estás atendiendo en ese punto?”. Fantano planteó si no se trata de “explotar un nicho extraño de monopolio sobre un tipo de fan dispuesto a pagar cualquier cosa que lances físicamente”.

La discusión también se vincula a las preocupaciones ambientales asociados a la producción de vinilos. Billie Eilish, que lleva adelante políticas de sostenibilidad en su equipo, destacó en 2024 que “no puedo ni expresar cuán derrochador es” el exceso en la publicación de variantes, enfatizando que “algunos de los artistas más grandes del mundo están haciendo 40 versiones diferentes de un disco solo para que sigas comprando más”. En respuesta a estas críticas y al impacto ambiental, tanto Eilish como Coldplay han optado por prensar sus recientes trabajos discográficos en vinilos elaborados con materiales 100% reciclados o provenientes de botellas plásticas reutilizadas.

Este panorama confirma que, aunque las cifras del vinilo son notables y su boom responde en gran parte a la estrategia de artistas como Swift, el fenómeno convive con interrogantes sobre el modelo de negocio, la autenticidad de la demanda y la necesidad de incorporar criterios de sustentabilidad en el consumo musical.

El grupo de pop noventero Kabah anunció que tendrá un concierto en La Paz, Baja California Sur, para el mes de mayo de este 2026.

A través de sus redes sociales oficiales, la agrupación integrada por Federica, Sergio, Daniela, René y Apio dieron a conocer una presentación que tendrán antes de finalizar el primer semestre de este año.

Revelaron la fecha exacta y sede donde darán el espectáculo musical.

Kabah precisó que su concierto será en una feria gastronómica, por lo que dieron a conocer todos los detalles de esta presentación.

Concierto de Kabah en La Paz, Baja California Sur: sede y fecha

Kabah dará concierto en el evento gastronómico La Pazión por el Sabor en la ciudad de La Paz, Baja California Sur.

La fecha será el viernes 29 de mayo de este 2026. Su presentación será de las 19:00 a 20:00 horas, señalan los organizadores de este evento que reúne a cientos de personas de la entidad del norte del país.

Al lugar también asisten personas de otros estados de la República Mexicana.

La Pazión por el Sabor es un festival gastronómico celebrado en La Paz, Baja California Sur, donde chefs, productores y restaurantes locales presentan platillos y sabores regionales.

El evento promueve la cultura culinaria y el turismo gastronómico mexicano.

Kabah ha conservado su éxito desde la década de los noventas, época cuando se formó

Kabah es un grupo mexicano de pop formado en 1992 en la Ciudad de México. Los miembros fundadores son María José, Federica Quijano, Apio Quijano, René Ortiz, Sergio O’Farrill y Daniela Magún.

El nombre Kabah proviene de una zona arqueológica maya, reflejando el interés por la cultura nacional. El grupo debutó en 1994 con su álbum homónimo, que incluyó éxitos como “Al pasar” y “Encontré el amor”.

En 1996, alcanzaron fama nacional con el disco “La calle de las sirenas”, cuyo sencillo titular se convirtió en uno de los más emblemáticos del pop latinoamericano.

A lo largo de su carrera, Kabah se caracterizó por su estilo juvenil, coreografías llamativas y letras que abordan temas de amor, amistad y superación.

El grupo lanzó álbumes como “Esperanto” y “XNE”, consolidando su presencia en la música mexicana.

En 2005, Kabah anunció su separación tras una gira de despedida. Sin embargo, en 2015 regresaron a los escenarios para participar en la gira con OV7 y posteriormente se incorporaron en el “90’s Pop Tour”, junto a otros exponentes de la época, logrando gran aceptación de sus seguidores.

María José inició una exitosa carrera como solista, mientras que el resto de los integrantes continuó en proyectos musicales y televisivos.

Kabah es considerado uno de los grupos más influyentes del pop en español, dejando una huella importante en la historia musical de México.

La noche del martes 10 de marzo, el Auditorio Nacional de la Ciudad de México se convirtió en el escenario de una velada cuando Cristian Castro apareció ante miles de seguidores que no dejaron de corear sus canciones. Entre gritos, aplausos y baile, el intérprete conocido como el gallito feliz provocó una conexión inmediata con el público.

El concierto comenzó a las 20:45 y se extendió hasta cerca de las 23:26. Durante más de dos horas y media, el cantante alternó momentos de nostalgia con bromas y comentarios espontáneos que desataron carcajadas entre los asistentes.

En uno de los momentos más emotivos, el artista se dirigió directamente a los fans con una frase que encendió la noche: “Son más lindos y más hermosos que todas las estrellas juntas, mi México querido…”, dijo, provocando una ovación que retumbó en todo el recinto.

Una noche de clásicos que el público cantó a todo pulmón

Desde los primeros acordes, el espectáculo avanzó con un repertorio que despertó recuerdos entre los asistentes. Canciones como “No podrás”, “Yo quería”, “Por amarte así” y “Lloviendo estrellas” fueron interpretadas en medio de una multitud que no dejó de cantar.

La emoción se mantuvo constante a lo largo de la velada. Cada tema provocó una respuesta inmediata del público, que convirtió el recinto en un enorme coro colectivo que acompañó al cantante en cada estrofa.

El momento cumbre llegó con “Azul”, el clásico que puso de pie a todos, saltos, gritos y celulares en alto marcaron uno de los instantes más vibrantes del concierto.

Invitados especiales que sorprendieron al público

La noche también tuvo sorpresas sobre el escenario. Castro presentó a un grupo que, según confesó, tiene un significado especial para él: Matisse, con quienes compartió un momento que desató aplausos.

Antes de interpretar el tema “Conmigo sin ti”, el cantante expresó su admiración por ellos: “Quiero presentarles a unos chicos que me encantan, un grupo increíble mexicano… las personas más queridas para mí sin duda, por el amor tan grande que nos profesamos mutuamente”.

Al finalizar la colaboración, Román Torres integrante del grupo le dedicó unas palabras al intérprete que provocaron sonrisas en el escenario: “Además del artista más impresionante que conozco, como persona eres la persona más chistosa y más divertida que conozco… y me encantaron tus zapatos”.

Famosos, bromas y una banana firmada

Entre los asistentes también se dejaron ver algunas figuras conocidas. El cantante saludó a Julio César Chávez, quien se encontraba entre el público y recibió una ovación.

En las primeras filas fueron captadas la actriz Sofía Castro y Gema Garoa, además del productor Sergio Gabriel, quienes disfrutaron del espectáculo.

Castro, siguiendo su estilo irreverente, protagonizó uno de los momentos más llamativos de la noche al regalar una banana al público y firmarla. El gesto provocó risas y mostró que su humor sigue siendo parte fundamental del espectáculo. Además, invitó a una de sus fans a bailar salsa con la canción “Nunca voy a olvidarte”.

Durante el concierto preguntó entre risas si el público se había dado cuenta de que ya había adelgazado, señalando que había dejado de comer migajón. Luego añadió que su secreto fue, según sus palabras, “hacer nada”, retomando la frase que lo hizo viral recientemente. Esta declaración fue recibida con humor tanto por sus seguidores en redes sociales como por el público presente.

La Inteligencia Artificial ha llegado para quedarse y es un hecho que ha revolucionado la vida de las personas, hasta tal punto de que forma parte de aquello que se consume. La música es uno de los ámbitos a los que ha afectado y en los que hay que tener especial cuidado, ya que hay canciones que ya se están creando con esta tecnología.

Andrés Suárez, cantautor de temas como Despiértame, ha confesado en durante la presentación de su nuevo disco, Lúa, que la música española ya se ha visto afectada por las creaciones con Inteligencia Artificial y ha sido todo un éxito: “Hay una canción muy conocida de este país que se compuso en dos minutos y medio”.

El artista afirma que esta composición, o creación rápida, la vio con sus propios ojos y que fue una elaboración tan sencilla que salió en escasos cinco minutos del estudio. “Se coge una base, le pides que haga una letra con esta temática y esta duración…”, comenta.

Música e Inteligencia Artificial: una unión existente

Sin embargo, la afirmación de Andrés Suárez no es una novedad. Durante los últimos años, se han escuchado a través de redes sociales canciones que atraían al público y que resultaban ser creaciones con IA, las cuales desconocían los propios artistas que supuestamente las cantaban.

Un ejemplo de este fenómeno se encuentra en Nostalgia, un tema que acumuló millones de reproducciones en YouTube y se hizo viral en TikTok. Esta canción estaba interpretada por Bad Bunny y Bad Gyal, pero esa colaboración nunca se produjo de manera real sino que ambos participaban artificialmente.

El cantante puertorriqueño se mostró muy molesto por esto y lo dejó claro en su canal de difusión de Whatsapp una vez se hizo viral el tema: “Si a ustedes les gusta esa mierda de canción que está viral en TikTok sálganse de este grupo ahora mismo. Ustedes no merecen ser mis amigos y por eso mismo hice el nuevo disco, para deshacerme de gente así. Así que chu chu fuera”.

Sin embargo, Bad Gyal se lo tomó con humor y utilizó en sus redes sociales la canción, participando en el fenómeno. Posteriormente, dijo en una entrevista: “A mí me gusta la canción. A algunos artistas les molesta y los entiendo. Pero se nota que la persona que ha hecho la canción nos conoce a Benito y a mí. Ha estudiado nuestras letras y nuestras metáforas”.

A diferencia de la canción que afirma Andrés Suárez y que ha preferido mantener anónima, Nostalgia es uno de los, ya muchos, temas que se han creado con IA y que parte del público sabe que se ha generado así.

Transparencia en las plataformas digitales

Este cambio de paradigma ha obligado a las plataformas digitales a tomar decisiones. Entre ellas, la de avisar a sus consumidores si las canción que están escuchando está creada con Inteligencia Artificial. Es una medida que, de momento, solo va a implementar Apple Music, pero no es de extrañar que cada vez más empresas de este tipo la agreguen a sus aplicaciones.

Apple Music prepara un cambio relevante con la introducción de etiquetas de transparencia que revelen si una canción, sus vídeos o sus portadas han sido creados total o parcialmente con IA.

Esta medida busca aportar claridad a los usuarios y establecer un marco para el manejo de la música generada por Inteligencia Artificial. Además de crear una transparencia entre discográficas, distribuidoras y consumidores.

Este sistema de etiquetas tendrá cuatro categorías: pista, composición, artwork y music video. Las discográficas y distribuidoras deberán especificar de manera voluntaria, previa al envío del material a la plataforma.

Luego de su presentación en España, el grupo mexicano de pop JNS (antes Jeans) estaba preparado para dar un concierto en Xalapa, Veracruz, a inicios de este mes de marzo, pero a última hora el evento musical fue cancelado y pospuesto para una nueva fecha.

La noticia fue dada a conocer por las integrantes de ‘Pepe’, ‘Entre azul y buenas noches’ y ‘Me pongo mis jeans’, quienes revelaron en un comunicado oficial la cancelación del evento.

De igual manera, indicaron cuál sería la nueva fecha de presentación para su concierto en Xalapa, Veracruz, en el Gimnasio Nido de Halcón UV.

Cabe destacar que el concierto de JNS estaba programado para llevarse a cabo este sábado 7 de marzo.

¿Cuál será la nueva fecha del concierto de JNS en Xalapa, Veracruz?

De acuerdo con el comunicado compartido en redes sociales oficiales de JNS, el evento en Xalapa, Veracruz, se realizará hasta el mes de julio.

La fecha exacta del evento musical de JNS en esta ciudad de la República Mexicana es el sábado 11 de julio de este 2026.

La agrupación musical de pop noventera dio a conocer las razones de cancelación y explicó qué pasará con aquellos fans que compraron boletos para la fecha de marzo.

La agrupación JNS anunció que la fecha será reprogramada por motivos logísticos completamente ajenos tanto al artista como al recinto y al promotor.

El evento ahora tendrá lugar el sábado 11 de julio de 2026 en el mismo escenario, según confirmó la organización del concierto.

De acuerdo con la información difundida por los organizadores, los boletos previamente adquiridos mantendrán su validez para la nueva fecha, por lo que los asistentes no requerirán realizar ningún trámite adicional para acceder al espectáculo.

Esta modificación responde a circunstancias imprevistas en la logística del evento, sin relación con el equipo artístico ni con la administración del recinto.

JNS lamenta inconvenientes por la cancelación y reprogramación del concierto en Xalapa, Veracruz

La producción de JNS expresó que lamenta cualquier inconveniente derivado de este cambio y agradeció la comprensión y el apoyo del público.

Las autoridades de la ciudad de Xalapa y representantes del Gimnasio Nido del Halcón UV reiteraron que continúan colaborando para garantizar una experiencia segura y satisfactoria para todos los asistentes.

El promotor del evento subrayó que se mantiene el compromiso de ofrecer un espectáculo de calidad y reiteró el llamado a conservar los boletos adquiridos, ya que estos seguirán siendo válidos en la nueva fecha.

Para quienes requieran información adicional o tengan dudas sobre el proceso, se habilitaron canales de atención a través de redes sociales y los puntos oficiales de venta.

En la comunicación oficial se enfatizó que la decisión de reprogramar el concierto se tomó con el objetivo de asegurar las mejores condiciones para el desarrollo del show, así como el bienestar y la seguridad de los asistentes.

La organización agradeció de manera especial la paciencia y el respaldo de los seguidores del grupo ante este ajuste en el calendario, reiterando que el espectáculo se llevará a cabo conforme a lo planeado en la nueva fecha establecida.

La jefa de Gobierno de la Ciudad de México, Clara Brugada, destacó la presencia de 400 mil personas que asistieron al concierto de Shakira en el Zócalo de la capital del país el pasado domingo 1 de marzo.

Asimismo, agradeció a los capitalinos por haber transformado la plancha de la Plaza de la Constitución en una ‘fiesta colectiva’ durante el evento de la cantante colombiana.

Las palabras de la mandataria capitalina ocurrieron en una conferencia de prensa realizada la tarde de este lunes 2 de marzo en el Antiguo Palacio del Ayuntamiento.

“Agradezco a todas las personas que decidieron venir y disfrutar de este gran concierto de Shakira. Gracias al pueblo de la Ciudad de México y a sus visitantes, por apropiarse del espacio público y convertirlo en una gran fiesta colectiva, familiar, pacífica y tranquila”, dijo la morenista en rueda de prensa.

Saldo blanco tras concierto de Shakira en el Zócalo de la CDMX, reporta Clara Brugada

Además de las palabras de agradecimiento por parte de la mandataria capitalina, indicó que se reportó saldo blanco tras el concierto de Shakira en el Zócalo de la Ciudad de México.

Detalló que el concierto se llevó a cabo con total seguridad y se reportó saldo blanco durante y al terminar el evento musical de la intérprete de ‘Estoy aquí’, ‘Día de enero’, ‘Pies descalzos’, entre otros éxitos más.

La morenista precisó que el ambiente que se vivió en la plancha del Zócalo de la capital del país fue familiar, pacífico y tranquilo.

“Como hemos informado, el concierto se desarrolló con total seguridad y se registró saldo blanco en la ciudad. Hubo absoluta calma, tranquilidad y paz, en un ambiente como lo vivimos: festivo, familiar y con mucha alegría”, dijo Clara Brugada este lunes 2 de marzo en conferencia de prensa en el Antiguo Palacio del Ayuntamiento.

Concierto de Shakira en el Zócalo de la CDMX rompe récord, destaca Brugada

Clara Brugada, jefa de Gobierno de la Ciudad de México, destacó que el concierto de Shakira en el Zócalo capitalino rompió un récord histórico.

Detalló que al evento masivo y gratuito asistieron más de 400 mil personas, quienes disfrutaron de las canciones de la artista colombiana.

La exalcaldesa de Iztapalapa aseveró que tanto los fans, asistentes y el Gobierno de la Ciudad de México se encuentran contentos por esta presentación con la cual Shakira cierra su gira ‘Las Mujeres Ya No Lloran en México’.

“Primeramente, quiero manifestar que efectivamente se rompió un récord histórico de asistencia al concierto de Shakira. Fue un concierto masivo; más de 400 mil personas disfrutaron de una noche inolvidable de música, convivencia, cultura, con una asistencia sin precedentes en esta ciudad y por eso estamos contentas y contentos”, dijo Brugada a los medios de comunicación.

Este domingo 1 de marzo se llevará a cabo el concierto gratuito y masivo del Zócalo de la Ciudad de México de Shakira.

Desde el pasado viernes 20 de febrero, el Gobierno de la Ciudad de México, así como Clara Brugada, jefa de Gobierno, y la misma cantante colombiana anunciaron este evento musical en la Plaza de la Constitución.

A un día de que se realice el esperado concierto de la intérprete de ‘Pies descalzos’, ‘Día de enero’ y ‘Las de la intuición’, se han compartido algunas imágenes de cómo luce el Zócalo capitalino.

Los preparativos como instalación y montaje del escenario se pueden observar hasta este sábado 28 de febrero. De igual manera, el Gobierno de la Ciudad de México ha anunciado diferentes medidas para garantizar la seguridad del evento, como un operativo, así como la instalación de pantallas en distintos puntos para que todos los asistentes puedan disfrutar del concierto.

¿Cómo se ve el Zócalo de la CDMX a un día del concierto de Shakira?

El escenario que pisará Shakira por alrededor de dos horas ya está instalado. Diferentes camiones que transportan mobiliario se pueden observar en la Plaza de la Constitución este sábado 28 de febrero, a un día de que se realice el concierto de Shakira.

Detalles de los preparativos del concierto de Shakira en el Zócalo de la CDMX

Clara Brugada mencionó el pasado jueves 26 de febrero en un video publicado en sus redes sociales oficiales que el concierto de Shakira en el Zócalo de la Ciudad de México será el arranque de actividades de marzo en el marco del 8M.

En tanto, también destacó que se está preparando un operativo especial para garantizar la seguridad de los asistentes.

Detalló que las pantallas, para aquellos que no puedan llegar al Zócalo capitalino, serán instaladas en las calles y avenidas 20 de noviembre, Pino Suárez, 5 de mayo y en la Alameda Central.

La morenista también destacó que el Sistema de Transporte Colectivo (STC) Metro de la Ciudad de México tendrá un horario especial de ampliación.

Dijo que las Líneas 1, 2 y 9 de este medio de transporte público operarán hasta la 1:00 am para que las personas puedan volver a sus casas y/o destinos con tranquilidad al finalizar el concierto en el Zócalo de la Ciudad de México.

De igual manera, la Secretaría de Gestión Integral de Riesgos y Protección Civil emitió un aviso especial con recomendaciones a los que asistirán al concierto de la cantante colombiana.

Recalcó que el ambiente será caluroso y despejado, sin posibilidad de lluvias y vientos con rachas esperadas de hasta 40 km/h.

• Usa bloqueador solar.
• Bebe abundantes líquidos.
• Evita comer en la vía pública, ya que los alimentos se descomponen rápidamente.
• Viste ropa ligera de colores claros; utiliza gafas de sol, sombrero y/o gorra.
• Presta atención a las personas de tu entorno, especialmente a los bebés, infantes y adultos mayores.
• Respeta las indicaciones de las autoridades, mantente cerca de tus acompañantes y porta identificación con datos de contacto.

Este viernes 27 de febrero se realizará en el Estadio GNP de la Ciudad de México el último concierto de Shakira como parte de su gira por México de ‘Las Mujeres Ya no Lloran’.

Previo al evento musical y un día antes, autoridades del Gobierno de la Ciudad de México anunciaron cuáles calles y avenidas resultarían afectadas por el concierto en el inmueble, ubicado en la alcaldía Iztacalco de la Ciudad de México.

Cabe destacar que se trata del concierto número 13 que realiza la cantante colombiana en este recinto, localizado al oriente de la capital del país dentro del Autódromo Hermanos Rodríguez.

A través de un video en redes sociales oficiales, la Secretaría de Seguridad Ciudadana (SSC) de la Ciudad de México dio a conocer las alternativas viales para este viernes 27 de febrero en las inmediaciones del Estadio GNP.

Alternativas viales Concierto Shakira Estadio GNP CDMX: estas son las calles y avenidas con cierres y restricciones este viernes 27 de febrero

De acuerdo con lo notificado en el video de la SSC de la Ciudad de México, así como una imagen compartida en sus redes sociales oficiales este viernes 27 de febrero, las alternativas viales para el concierto de Shakira en el GNP serán:

• Eje 3 Oriente. Francisco del Paso y Troncoso.
• Calzada Ignacio Zaragoza.
• Eje 4 Oriente. Canal Río Churubusco.
• Eje 4 Sur. Presidente. Plutarco Elías Calles.
• Avenida Té.

La dependencia de seguridad local indicó que se desplegará un operativo de seguridad y vial para el evento musical. Esto con el objetivo de garantizar la integridad física y patrimonial de los asistentes.

Policía Bancaria e Industrial estará presente dentro y fuera del Estadio GNP de la Ciudad de México, antes, durante y después del concierto de la intérprete de ‘Ciega Sordomuda’, ‘Loba’ y ‘Las de la Intuición’.

Recalcó que las alternativas viales son para antes de arrancar el concierto de Shakira, así como en su desarrollo y al término de este mismo.

Concierto Shakira Zócalo CDMX este domingo 1 de marzo

Shakira se presentará por última ocasión en la Ciudad de México en un concierto en el Zócalo de la capital del país este domingo 1 de marzo, por lo que también ya se tiene planeado un operativo especial, de acuerdo con informes de las autoridades capitalinas.

Shakira ofrecerá un concierto gratuito en el Zócalo de la Ciudad de México este domingo 1 de marzo, indicó el Gobierno de capital del país el pasado viernes 20 de febrero.

El evento, programado para una fecha próxima aún por confirmar, forma parte de la serie de espectáculos masivos que se realizan en la principal plaza pública del país.

Se espera la asistencia de miles de personas, ya que la colombiana es una de las artistas más reconocidas a nivel internacional.

Las autoridades implementarán operativos de seguridad, puntos de acceso controlados y servicios médicos para garantizar el orden durante la presentación.

Además, se recomienda a los asistentes llegar con anticipación y evitar objetos voluminosos.

El concierto busca fomentar la cultura y el entretenimiento en espacios públicos de la Ciudad de México.

El Sistema de Transporte Colectivo (STC) Metro de la Ciudad de México tendrá horario extendido de servicio al público en general este domingo 1 de marzo por el concierto de Shakira en el Zócalo capitalino.

Fue la jefa de Gobierno de la Ciudad de México, Clara Brugada, quien confirmó la noticia sobre el horario extendido que brindará el transporte público capitalino.

En conferencia de prensa en el Antiguo Palacio del Ayuntamiento este martes 24 de febrero por la tarde, la morenista dio detalles de esta presentación con la cual la cantante colombiana cerrará su gira por México.

Brugada detalló que en tres de las doce Líneas que tiene el Metro de la Ciudad de México habrá un horario de servicio extendido para apoyar a los fans y asistentes al evento musical de la Plaza de la Constitución.

La exalcaldesa de Iztapalapa reveló cuáles serán las rutas del Metro capitalino que tendrán horario de servicio extendido para este domingo 1 de marzo. Asimismo, también dio a conocer la hora en que operará ya con la ampliación.

¿Qué líneas del Metro de la CDMX tendrán horario de servicio extendido y hasta qué hora operarán?

Clara Brugada indicó que se trata de las Líneas 1 (Observatorio - Pantitlán), 2 (Cuatro Caminos - Tasqueña) y 9 (Tacubaya - Pantitán) del Metro de la Ciudad de México, las que tendrán un horario extendido para este domingo 1 de marzo por el concierto de Shakira en el Zócalo de la Ciudad de México.

El horario del servicio de este transporte público capitalino será hasta la 1:00 horas de la mañana del lunes 2 de marzo, con la finalidad de que los usuarios lleguen a sus respectivos destinos devuelta del evento musical de la interprete de ‘Loba’, ‘Día de Enero’, ‘Sale el sol’, entre otras.

Gobierno de CDMX garantiza seguridad a asistentes al concierto de Shakira en el Zócalo capitalino

El Gobierno de la Ciudad de México informó sobre el fortalecimiento del dispositivo de seguridad para el concierto gratuito que presentará Shakira en el Zócalo capitalino el próximo 1 de marzo.

Mediante un comunicado, la Secretaría de Seguridad Ciudadana (SSC) señaló que, siguiendo las indicaciones de la jefa de Gobierno, Clara Brugada, se establecieron mesas de trabajo con distintas dependencias para coordinar tareas en protección civil, movilidad, prevención y vigilancia.

La dependencia explicó que la meta es asegurar que el público disfrute el evento sin incidentes tanto en el Zócalo como en las áreas cercanas, donde se instalarán pantallas para permitir mayor asistencia.

Colaboración entre dependencias: C5, Protección Civil y Movilidad Se indicó que el operativo incluye la participación de la Secretaría de Gobierno, la Secretaría de Gestión Integral de Riesgos y Protección Civil, la Secretaría de Movilidad, la Secretaría de Cultura, el C5 y la Autoridad del Centro Histórico.

La SSC afirmó que todas sus subsecretarías estarán involucradas en la operación y que la coordinación se mantendrá desde el inicio hasta el término de las actividades el domingo 1 de marzo.

Se contempla un dispositivo especial para controlar accesos, monitoreo permanente y apoyo en vialidad ante la multitud que se espera en la Plaza de la Constitución para eventos de gran escala.

JNS anunció un concierto en México tras su presentación que tuvo a principios de este mes de febrero en España.

Las intérpretes de ‘Me pongo mis Jeans’, ‘Pepe’ y ‘Entre azul y buenas noches’ indicaron que el concierto se llevará a cabo en el mes de marzo y dieron a conocer la sede de presentación.

JNS se presentó en la Arena Movistar de España el pasado miércoles 4 de febrero, donde se mostraron emocionadas en redes sociales oficiales por su concierto en este país europeo.

En sus redes sociales oficiales dieron a conocer el cártel oficial de su concierto, donde se reveló la fecha oficial y sede para que el público y fans acudan a su show en vivo.

¿Dónde será el próximo concierto en México de JNS tras su presentación en España?

JNS indicó que el próximo concierto en México tras su presentación en la Arena Movistar en España, será en el estado de Veracruz.

De acuerdo con lo revelado en las redes sociales oficiales de la agrupación, la fecha de presentación será el sábado 7 de marzo.

El lugar donde el trío de pop dará el concierto será en Xalapa Veracruz en el Gimnasio Nido de Halcón UV.

El concierto fue denominado “JNS. Bajo tu propio riesgo” con lo que volverán a revivir sus mejores éxitos de los noventas en el mundo del pop.

• JNS dará concierto en Veracruz.
• La fecha será el sábado 7 de marzo.
• La sede será en Xalapa, Veracruz en el Gimnasio Nido de Halcón UV.
• ‘JNS. Bajo tu propio riesgo’ será el nombre con el que la agrupación presentará este espectáculo musical.

Un poco de la historia de JNS

El grupo JNS, originalmente conocido como Jeans, es una agrupación pop mexicana formada en 1996. Integrada inicialmente por Paty Sirvent, Litzy Vanya Domínguez, Tabatha Vizzuet y Ana María Lombo, la banda rápidamente se posicionó en el gusto juvenil gracias a su imagen fresca y canciones pegajosas.

Su álbum debut, titulado “Jeans”, incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, que se convirtieron en himnos de la década de los noventa.

A lo largo de su trayectoria, el grupo experimentó múltiples cambios en su alineación, con la salida y entrada de diversas integrantes.

Entre sus filas han figurado nombres como Angie Taddei, Karla Díaz, Melissa López, Regina Murguía y Dulce María, quien más tarde formaría parte de RBD.

Durante su primera etapa, Jeans lanzó varios discos, incluyendo “¿Por qué disimular?”, “Cuatro para las cuatro” y “El adiós de Jeans”.

En 2008, la agrupación anunció su separación, pero en 2015 regresaron a los escenarios bajo el nombre JNS, conformando una alineación con Angie Taddei, Karla Díaz, Melissa López y Regina Murguía.

Desde su regreso, han realizado giras exitosas y lanzado nuevos materiales discográficos, consolidándose como un referente del pop mexicano y manteniendo vigente el legado musical que inició en los años noventa.

Kalimba se presentará la noche de este jueves 12 de febrero en su esperado concierto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Desde el año pasado, el exintegrante de OV7 anunció este evento para celebrar sus 20 años de carrera musical.

Bajo el nombre de “Tour K20”, el cantante presentó esta gira musical, la cual tendrá presentaciones no solo en la capital del país, sino también en varias ciudades de la República Mexicana, así como en diversos países de América Latina.

Su concierto en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México es uno de los más esperados para el cantante, así como por sus fans, por lo que en sus redes sociales oficiales como Instagram ha dado a conocer varias canciones que se escucharán en el evento musical.

Indicó que además de las ya conocidas habrá sorpresas, lo que ha dejado con diversas especulaciones entre los fans.

El concierto de Kalimba tendrá un ‘opening act’ con Mía Rubín, hija de Andrea Legarreta y Erick Rubín a las 20:00 horas, mientras que el cantante saldrá al escenario a las 20:30, de acuerdo a la programación estipulada en sus redes sociales oficiales.

Este es el posible setlist para el concierto de Kalimba en el Auditorio Nacional de la CDMX

Aunque no serán las canciones definitivas, Kalimba dejó ver en sus historias de Instagram el posible setlist que habrá en su concierto este jueves 12 de febrero.

Las más esperas y que seguro estarán:

• Tocando fondo
• Duele
• No me quiero enamorar
• Tu corazón lo sabe

Las que también cantará Kalimba

• Fiesta
• Aquí te espero
• Jamás
• Hello
• Loco por ti
• Buscando
• Vivirte un poco más
• No me quiero enamorar
• Corazón herido
• Con las ganas de verme llorar
• Sólo déjate amar
• ¿Dónde guardo el corazón?
• Antes de ti
• Este frío

Carrera artística de Kalimba

Kalimba Marichal, conocido artísticamente como Kalimba, es un cantante, compositor y actor mexicano. Su carrera artística comenzó en la infancia, cuando participó en el grupo infantil

La Onda Vaselina y en programas como Plaza Sésamo. Posteriormente, logró reconocimiento como integrante de OV7, agrupación pop con la que alcanzó éxitos como “Enloquéceme” y “Te quiero tanto, tanto”.

En 2004 inició su carrera como solista, lanzando el álbum “Aerosoul”, que incluyó los sencillos “No me quiero enamorar” y “Tocando fondo”.

Estos temas lo posicionaron como una de las voces principales del pop y R&B en español. A lo largo de los años, Kalimba ha editado múltiples discos y colaborado con diversos artistas, ampliando su repertorio e influencia en la industria musical.

Además de su faceta como cantante, Kalimba ha incursionado en la actuación, participando en doblaje de películas animadas como “El Rey León” y en obras de teatro musical.

Su versatilidad y estilo han consolidado una trayectoria sólida, caracterizada por la experimentación de géneros y la conexión con el público. Kalimba sigue vigente en la escena musical, presentándose en conciertos y festivales tanto en México como en otros países.

El ’90’s Pop Tour Antro’ ya ha tenido presencia en diversas ciudades de la República Mexicana como la Ciudad de México, Guadalajara e incluso ha llegado a otros países de América Latina como Chile.

Asimismo, para este 2026 ya hay varias fechas programadas para presentaciones en la Ciudad de México y Guadalajara nuevamente, San Luis Potosí y Monterrey.

Cabe destacar que el pasado martes 10 de febrero, el 90’s Pop Tour informó a través de su cuenta oficial de redes sociales que una de las fechas se cancelaría y habría un nuevo evento en una ciudad distinta a la ya programada.

Señalaron que en la nueva ciudad donde se llevaría a cabo el evento musical sería totalmente gratuito.

Se trata del viernes 20 de febrero cuando será suspendida la fecha de concierto en Monterrey y ahora será en Guanajuato, de acuerdo a lo revelado en redes sociales oficiales.

Esto generó diversas especulaciones entre el público y los fans, ya que indicaron que el evento de Monterrey ya contaba con algunos boletos vendidos y fue reemplazada la misma fecha con un concierto gratuito en Guanajuato.

Señalaron que se trato de la falta de venta de boletos y que el recinto, es decir, la Arena Monterrey no había llenado lo suficiente a solo unos días de que se llevara a cabo el evento musical.

Por ello, se presentarán de manera gratuita en Uriangato, Guanajuato para este viernes 13 de febrero.

Estas son todas las fechas confirmadas hasta el momento del ’90’s Pop Tour Antro’ en México para 2026

Estas son las fechas confirmadas de conciertos del ’90’s Pop Tour Antro’ hasta el momento para este 2026. Entre las ciudades destacan la Ciudad de México y Guadalajara.

• Monterrey - 20 de febrero. Fecha cancelada y será en Uriangato, Guanajuato
• San Luis Potosí - 28 de febrero
• CDMX - 14 de marzo
• Guadalajara - 28 de septiembre

Esta es la lista de artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour ‘Antro’ en Guanajuato

Los intérpretes y agrupaciones confirmados para el '90’s Pop Tour Antro’ incluyen a Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados, JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín y S.B.S.

Cabe destacar que para esta presentación en Guanajuato, los mismos grupos musicales y artistas se presentarán como ha sucedido en las ediciones pasadas. Particularmente en la Ciudad de México y Guadalajara.

La más reciente función del 90’s Pop Tour —antes de su renovación con la versión ‘Antro’— se realizó en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo de 2025. En ese evento estuvieron presentes otros referentes del pop en español, entre ellos Litzy, Lynda, Sentidos Opuestos y varios invitados adicionales.

Como se informó anteriormente, el 90’s Pop Tour evolucionó y presentó la edición ‘Antro’ con dos fechas iniciales en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, efectuadas el viernes 24 y sábado 25 de octubre del 2025.

La cantante mexicana Sofi Saar asistió al Estadio Alfredo Harp Helú este sábado 7 de febrero para el lanzamiento ceremonial de la primera bola en el segundo juego de la serie de softbol entre Diablos Rojos Femenil y Águila de Veracruz.

Esta es la primera vez que la cantante Sofi Saar aparece como invitada en el Estadio Alfredo Harp Helú, ya que fue la encargada de interpretar el Himno Nacional en el Juego 1 de la Serie del Rey 2025 entre Diablos Rojos del México y Charros de Jalisco.

Su aparición formó parte de la serie de actividades que el conjunto escarlata organizó para los aficionados durante el fin de semana de Stitch.

Quién es Sofi Saar

Sofi Saar, nacida en Monterrey, Nuevo León, es una cantante y compositora mexicana pionera en la fusión de pop y música norteña.

La artista musical fue nominada en 2024 a los Latin Grammy por Mejor Artista Nuevo y Mejor Álbum Norteño y en 2025 fue nombrada Artista Rompe por Amazon Music México.

Desde los nueve años, Saar compuso sus primeras canciones de forma autodidacta, inspirada por el ambiente musical de su hogar, donde resonaban clásicos de Juan Gabriel, Rocío Dúrcal, Vicente Fernández, Kumbia Kings, Selena, Intocable y Duelo.

Aunque era una apasionada por la música regional mexicana, la falta de oportunidades en su estado natal la llevó a estudiar Comunicación en la Universidad de Monterrey y mudarse a la Ciudad de México para trabajar como periodista.

La pandemia y una ruptura amorosa de cinco años marcaron su regreso a la música: “Mi LP debut surgió de una catarsis, abordando temas como el perdón, la salud mental y las nuevas oportunidades”, explicó Saar en entrevista para el periódico Reforma.

Entre los principales instrumentos que se escuchan en sus canciones resuenan el acordeón, el bajo sexto y la guitarra doce cuerdas.

Además de sus interpretaciones con los Diablos Rojos del México, Sofi Saar tuvo el honor de interpretar el Himno Nacional Mexicano cuando la MLB visitó la Ciudad de México en 2024 con el encuentro que sostuvieron los Astros de Houston ante los Rockies de Colorado.

Fin de semana de Stitch en la casa de Diablos

Este fin de semana, el Estadio Alfredo Harp Helú se convirtió en epicentro de una vibrante unión entre Diablos Femenil y Stitch, la icónica mascota de Lilo & Stitch, para una serie de actividades inolvidables que fusionaron deporte, entretenimiento y diversión familiar.

Con un Stitch gigante que te recibía en la entrada de la explanada del recinto, un jersey conmemorativo y un gran cantidad de actividades, los asistentes desde el pasado jueves 5 de febrero pudieron disfrutar de una experiencia que combina la magia del mundo del cine con el deporte.

Kalimba se volvió tendencia en redes sociales tras una reciente entrevista en un programa de radio conducido por Mariano Osorio, donde habló con franqueza sobre los estilos de show que presentan distintos artistas en sus conciertos.

Sus declaraciones no pasaron desapercibidas, ya que expuso su preferencia personal por propuestas musicales que priorizan la improvisación y la interpretación en vivo por encima del despliegue visual.

Aunque aclaró que no se trata de una crítica directa, su postura abrió el debate sobre lo que el público busca actualmente en un espectáculo musical.

Su postura frente a los conciertos pop

Durante la charla, el cantante expresó: “Sí, no soy tan fan de los poperos. Siento que los conciertos de poperos están más dedicados al espectáculo y para eso prefiero ir a ver el Circo del Sol”.

Kalimba enfatizó que se trata de un gusto personal y no de una descalificación: “No es para mí, no estoy diciendo que no sea válido, es increíble”.

En contraste, explicó que disfruta más de bandas donde cada presentación es distinta: “Nunca van a tocar una nota igual que la que tocaron ayer”.

Música en vivo y libertad creativa

Al ser cuestionado sobre su lugar como creador, dejó claro hacia dónde se inclina artísticamente. Para él, la espontaneidad es una parte esencial del concierto.

Mencionó ejemplos de bandas y músicos que cambian su ejecución en cada show, valorando la improvisación y la energía del momento.

Desde su experiencia, esa libertad conecta de forma distinta con el público y convierte cada presentación en algo irrepetible.

Su visión como intérprete en el escenario

Kalimba también habló de su propio formato en vivo y explicó que, aunque ha incorporado bailarines y coreografías, lo ve como un complemento.

Sobre otros estilos de espectáculo, comentó: “No, es que no lo tiene, no lo tiene, pero para mí es un complemento”.

Finalmente, hizo referencia a un artista muy reconocido y señaló: “Su show es él parado frente al micrófono cantando por dos horas y todo sucede a su alrededor”, dejando claro que su gusto se inclina por propuestas donde la música y la interpretación evolucionan en cada concierto.

Una vez más y por última ocasión, los artistas que integran el 90’s Pop Tour y que por ocho años acompañaron a los fanáticos del pop, se presentaron en la Arena Ciudad de México, ubicada en la alcaldía Azcapotzalco, para decirle adiós al escenario y a sus seguidores que estuvieron durante las 25 presentaciones que realizaron en dicho recinto.

El 90’s Pop Tour con un lleno total arrancó poco después de las 21:00 horas del pasado viernes 21 de marzo, donde los fanáticos cantaron, bailaron y recordaron los mejores éxitos de la década de los noventas.

Infobae México estuvo presente en este espectáculo noventero y en la llamada ‘máquina del tiempo’; al comienzo, todos los artistas que pertenecen a este concepto musical salieron al escenario para cantar ‘Ritmo de la noche’.

Personas de todas las edades: niñas y niños, adolescentes, jóvenes, adultos mayores y quienes principalmente crecieron en la última década del siglo XX se dieron cita para estar en la última Arena Ciudad de México, luego de que en 2017 comenzara esta gira de conciertos.

Por cuatro horas, fanáticos revivieron esta época por última ocasión en este recinto al norte de la Ciudad de México. Estuvieron presentes diferentes artistas y grupos musicales como: JNS, Kabah, Magneto, Mercurio, Caló, MDO, The Sacados, Litzy, Lynda, Benny Ibarra, Erik Rubín, Sentidos Opuestos, Ari Boroboy, Kalimba, M’Balia y Érika Zaba.

Cabe destacar que algunos de ellos estuvieron presentes desde la primera presentación en 2017, pero otros se fueron integrando. Asimismo, algunos más se fueron sumando a este concepto creado por Ari Boroboy, exintegrante de OV7 que también estuvo presente en el escenario.

Grupos musicales y sus integrantes, como en el caso de Kabah, que solamente contó con la participación de Daniela Magun, René Ortiz y Sergio Ortiz O’Farril, agradecieron al público asistente. Los intérpretes de ‘La Calle de las Sirenas’ se mostraron entusiasmados y Magun rompió en llanto ante la ovación de los fanáticos.

Lo mismo ocurrió con las integrantes de JNS; Melissa López, Angie Taddei y Regina Murgía también agradecieron a los fanáticos de los noventas y de sus canciones como ‘Entre azul y buenas noches’, ‘Pepe’ y ‘Enferma de Amor’ la presencia la noche del viernes. Detallaron sentirse honradas de pertenecer a este concepto musical desde la primera presentación en la Arena Ciudad de México.

Exintegrantes de OV7 cantan por separado

Los fans de una de las bandas más populares de los 90’s Pop Tour, OV7, esperaban algunas canciones que pertenecieron al conjunto musical, ya que algunos de sus integrantes se encontraban en el escenario y habían confirmado su asistencia. Es el caso de Erika Zaba, Ari Boroboy, Kalimba y M’Balia, pero únicamente se presentaron en separado para cantar otras melodías con Litzy, Erik Rubín y Caló, por mencionar algunos.

Poco antes de las 2:00 de la madrugada del sábado 22 de marzo, los artistas salieron a despedirse del escenario para interpretar todos en conjunto canciones como ‘Colegiala’, ‘La calle de las sirenas’ y ‘Pepe’.

Cabe destacar que en estas últimas canciones no estuvieron los exOV7’s que sí habían acudido a esta presentación número 25 de la Arena Ciudad de México.

Los fans cantaron y celebraron en uno de los espectáculos más importantes en el género del pop mexicano, diciéndole adiós a la última presentación de la Arena Ciudad de México, donde estuvieron sus artistas favoritos de esta década durante ocho años de presentaciones.

El grupo musical ‘Mercurio’ hizo referencia a que podrían programarse más conciertos de su popular proyecto ‘Mercurio and Friends’.

Este anuncio fue dado a conocer a través de las redes sociales oficiales de la banda de pop noventera.

En una publicación se le vio acompañada de la exintegrante de OV7, Erika Zaba, quien perteneció a este proyecto musical, el cual festejaba los 30 años de la banda noventera de pop.

“Con nuestra güera @erikazaba que tanto queremos y con la que amamos compartir el escenario en #MercurioAndFriends ¡Ya urge repetir!“, fueron las palabras que Mercurio indicó a través de sus redes sociales oficiales.

Como se mencionó anteriormente, Mercurio and Friends fue la manera en que la banda noventera festejó durante el 2025 sus 30 años de carrera musical.

En los conciertos tuvieron a varios invitados especiales, quienes pertenecían a varias bandas noventeras, grupos musicales y artistas de pop.

Hasta el momento no se ha dado a conocer detalles de fechas o conciertos, así como artista invitados.

La agrupación invitó a los fans a decir en qué ciudades quieren ver este proyecto, por lo que se prevé que durante 2026 sigan llevándose a cabo estos conciertos.

Monterrey y la Ciudad de México fueron algunas de las ciudades que se presentó la banda noventera de pop durante 2025.

En el primer concierto, el cual se llevó a cabo en la Ciudad de México participaron: Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba, exintegrante deOV7, y Diego Schoening, exintegrante de Timbiriche.

¿Quiénes fueron los últimos invitados especiales para el concierto de ‘Mercurio and friends’?

Los invitados especiales para el concierto de Mercurio en la Ciudad de México del pasado viernes 19 de diciembre fueron: Alan Ibarra, de Magneto; Ari Boroboy, exintegrante de OV7 y Rodrigo Dávila, vocalista de Motel.

Por ello, los tres artistas compartirán el escenario con la banda de los años noventa para festejar los 30 años de trayectoria de Mercurio.

Historia de Mercurio

Mercurio es una agrupación mexicana de pop juvenil formada en 1995. El grupo surgió bajo la iniciativa de la productora Toño Berumen y rápidamente captó la atención del público adolescente con su primer álbum homónimo, destacando éxitos como “Enamoradísimo” y “Explota corazón”.

Integrado inicialmente por Alfonso Barbosa, Héctor Ugarte, Rodrigo Sieres, Elías Chiprut y Andrés González, Mercurio se consolidó como uno de los principales exponentes del pop latino de los años noventa en México y Latinoamérica.

Experimentaron cambios en su alineación a lo largo de su trayectoria, pero mantuvieron su popularidad con temas pegadizos y giras internacionales.

Tras su separación en 2002, algunos integrantes incursionaron en proyectos solistas. En años recientes, Mercurio realizó reencuentros y presentaciones especiales, reavivando la nostalgia de sus seguidores y reafirmando su legado en la música pop.

El grupo Magneto y Mercurio informaron que habrá un concierto en conjunto para este mes de febrero.

A través de las redes sociales oficiales de las agrupaciones revelaron la fecha y sedes de esta presentación musical.

Indicaron que el concierto se llevará a cabo en el mes de febrero.

Asimismo, invitaron a sus fans y al público en general a no perderse canciones del pop en español de la década de los ochentas y noventas.

En una publicación de un cártel oficial, Magneto y Mercurio dieron detalles de su concierto en conjunto.

Esta es la fecha y sede del concierto de Magneto y Mercurio en el mes de febrero

De acuerdo con lo comunicado a través de las redes sociales de Mercurio y Magneto, los conciertos de estas bandas ochenteras y noventeras se llevarán a cabo en estas fechas y sedes:

• Domingo 15 de febrero
• Teatro Morelos

Por lo tanto, el concierto de Mercurio y Magneto se realizará en el estado de Morelos, en el teatro del mismo nombre que la entidad este próximo domingo 15 de febrero.

Historia del grupo Magneto

Magneto fue un grupo mexicano de música pop creado en 1983, enfocado en el público juvenil. Su popularidad creció a finales de los años 80 y alcanzó su punto máximo en los 90 con la formación integrada por Alan, Mauri, Elías, Alex y Toño.

Destacaron por sus coreografías y éxitos como “Vuela, Vuela”, versión en español de “Voyage, Voyage”, así como “Para Siempre” y “40 Grados”.

El grupo lanzó más de diez álbumes y participó en películas y telenovelas, consolidando su presencia en México y América Latina. Magneto realizó giras internacionales, llenando estadios y teatros, y obtuvo varios reconocimientos, entre ellos Discos de Oro y Platino.

En 1996 anunciaron su separación, pero han realizado varias reuniones para giras nostálgicas. Magneto es recordado como uno de los grupos más emblemáticos del pop juvenil en español, influyendo en futuras generaciones de bandas.

Historia del grupo Mercurio

Mercurio es un grupo mexicano de pop juvenil formado en 1995, creado por el productor Toño Berumen tras el éxito de Magneto. La alineación original incluía a Poncho, Héctor, Rodrigo, Elías y Andrés.

Su primer disco, lanzado ese mismo año, logró popularidad con sencillos como “Enamoradísimo” y “Explota Corazón”.

Rápidamente se posicionaron en el gusto adolescente, destacando por su imagen fresca y coreografías. Entre 1995 y 2002 lanzaron varios álbumes, incluyendo “Chicas Chic”, “Tiempo de vivir” y “Evolución”, y realizaron giras en México, Latinoamérica y Estados Unidos.

Sufrieron cambios de integrantes, pero mantuvieron su popularidad en la década de los 90. Mercurio se separó en 2002, aunque desde entonces ha tenido reuniones para giras y conciertos nostálgicos. El grupo es considerado un referente del pop juvenil en español de los años 90.

Madrid, 16 ene (EFE).- Ginés Paredes, conocido artísticamente como Walls y consolidado como una de las voces más destacadas de la ‘nueva ola’ musical de la Generación Z en España, saca hoy al mercado su tercer disco, ‘El día que me olvides’, con el que evoluciona su sonido de pop urbano para “abrazar un rock vulnerable y sincero”.

En una entrevista con EFE, Walls luce un look rockero y destila simpatía, autenticidad y madurez, a pesar de contar con tan solo 25 años. Es directo y ambicioso con su nuevo trabajo: “Voy a intentar que pasen 4 años y la gente lo siga sintiendo fresco y reciente. Es mi proyecto más personal. Nace en un momento en el que necesito reconciliarme conmigo, como persona y como artista, porque me equivoco, como todo ser humano”.

El compositor murciano, con un brillante pasado en competiciones de rap improvisado y galardonado en 2025 con el mejor video del año en los ‘Los40 Music Awards’, llega ahora con un trabajo de 12 canciones en las que reflexiona sobre las despedidas, las relaciones de pareja o la vulnerabilidad con una melodía que flirtea con el pop y el rock de los 90.

“A nivel sonoro es el que más musicalidad pop tiene pero es el disco más rock que he hecho nunca. Abrazo el rock de una manera vulnerable y sincera. Un rock and roll no es ese que le cuenta a la gente lo mucho que mola y bebe, sino que es alguien que lo cuenta de manera que haga identificarse con él”, detalla.

Una evolución que ya se dejó entrever con el lanzamiento de sus dos primeros discos, ‘Los niños del parque’ (2022) y ‘Luna 18’ (2024), y que ahora cierra con un proyecto más emocional, en una transición definitiva hacia una nueva etapa creativa y sonora.

“El nuevo disco es un viaje en el que durante los primeros temas hay muchísimo caos e intento crear una pared con lo que realmente siento. Pero luego conforme pasa el disco acepto mis miedos, incluso me castigo y luego termino con el hecho de tener que despedirme. Y hay un mundo dentro de las despedidas”.

Una de sus canciones, ‘Vulnerable’, es un tema en colaboración con Dani Fernández que entró directamente en la lista de las canciones más escuchadas de Spotify en España y nace de un encuentro en un tren con un músico con un pasado de éxito.

“Cuando el hombre se bajó del tren lo hizo con una persona que le iba acompañando. Quise dedicarle esa canción a todas esas personas que se quedarán con nosotros cuando hayamos pasado de moda”, afirma.

Las letras apuntan ahora a un cantante que parece haber superado a ese Walls de sus dos primeros discos, más descarado y nocturno, para ahondar en un nuevo disco que habla desde una mayor reflexión y sentimiento.

“Yo me noto mucho más maduro, sobre todo con esta edad que tengo en la que cada año que pasa es como una tormenta de emociones y de aprendizaje. Estoy haciendo un álbum de cosas que quizás no me corresponden para la edad que tengo. Pero era lo que sentía que quería hablar. Hemos intentado abrirnos más. Le tenía miedo a cualquier cosa que no fuese ser un canalla”.

Una industria que va conociendo poco a poco, que tiene asumida y en la que, considera, hay que mantener la calma para no verse afectado: “Yo no creo mi música pensando en vender (...) Vivo todo el rato en una calma tensa. Tengo el trabajo más privilegiado del mundo y mi obligación es darlo todo”.

Además, reconoce la importancia de cuidar la salud mental, sobre todo sobre el escenario cuando el ruido desaparece: “Sales a tocar y eres el puto amo y luego volverte a tu casa supone un choque de emociones, pero lo intento llevar de la mejor manera posible”.

Un nuevo disco que presentará en un concierto en el Movistar Arena de Madrid el próximo 21 de febrero. Uno de los recintos más importantes, al que llega con ganas y confianza: “Estoy mentalizándome de que con todos sus fallos, con todos sus problemas y con todo lo que haya, va a salir perfecto”, concluye. EFE

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Como muchos que crecieron devorando videos musicales en MTV, FlexasaurusRex — el seudónimo online de un autodenominado “creador conceptual”— se estremeció cuando leyó los informes a finales del año pasado que decían que la cadena podría dejar de transmitir. “Tuve esa sensación nostálgica de que algo se iba y no merecía morir”, dijo.

Esos rumores resultaron prematuros: aunque la cadena canceló un montón de sus canales musicales globales, el canal principal, junto con derivados musicales como MTV Classic, aún permanecen en Estados Unidos. Pero Flex (como se hace llamar) ya había decidido un plan para mantener encendidas las luces de la vieja MTV. El 3 de enero lanzó uno de los proyectos más fanáticos de Internet: MTV Rewind, un archivo no oficial en formato de sitio web y aplicación que busca recrear la experiencia de tomar un control remoto, cambiar de canal y ver y escuchar música, no los realities que ahora la dominan.

Organizados por época o género, cada uno de la docena de canales de MTV Rewind emite un flujo incesante de clips que te transportan a los días del hair metal y el heartland rock (los años 80) o el grunge y el goth (los años 90). Canales bautizados con nombres de los programas emblemáticos de la cadena, como Headbangers Ball, Yo! MTV Raps o Club MTV, recuperan videos musicales de metal, hip-hop y dance. ¿Te gusta e ver algunos videos de Catherine Wheel o Mercury Rev? Te espera una recreación de 120 Minutes, el foro alternativo de la cadena. Para aportar un sabor de época adicional, Flex intercaló anuncios de productos.

Después de que Flex publicara un enlace en Reddit, el sitio recibió más de 500.000 visitas en las primeras horas, según dijo en una entrevista en video. Las redes sociales se convirtieron en un hervidero de elogios, y Les Garland, uno de los fundadores de MTV, le envió una nota de felicitación. Hasta esta semana, según Flex, la página ha acumulado 1,2 millones de visitas. “No me di cuenta de cuánto resonaría esto con la gente y ese sentido de pérdida”, dijo. “Ni siquiera creo que las personas supieran que lo estaban extrañando.” (Paramount, propietaria de MTV, no respondió a una solicitud de comentarios).

“La calidad de los videos es buena, y tiene una de esas cosas que era grandiosa en la radio y en la MTV de antes: el elemento sorpresa”, dijo el V.J. original de MTV, Mark Goodman, quien volvió a disfrutar de “Weapon of Choice” de Fatboy Slim mientras navegaba por el sitio. (A Goodman le decepcionó la ausencia de las entradas vintage de V.J.s como él —“la radio y los canales de videos musicales son mejores con un curador”—, pero Flex dijo que está dispuesto a incluir ese tipo de material en el futuro).

En cuanto al misterioso Flex, es, en sus palabras, un ex “vendedor de gemas y minerales” de Eugene, Oregón, llamado Louis. (Rehusó dar su apellido: “Prefiero mantener esto separado de mi trabajo”). Ahora tiene 43 años; nació un año después del arribo de MTV. “Crecí en un pueblo maderero, así que pasaba muchas noches largas con la MTV de fondo”, dijo. “Era como una manta de seguridad.”

Cuando llegó el Covid, Flex dijo que se introdujo en el ámbito de las artes digitales y los medios, y ahora se describe como “creador conceptual con habilidades de codificación”. Desde hace dos meses, vive en Albania, “buscando trabajos a medida que surgen y haciendo diseño web”. Por ahora, el sitio es gratuito y no tiene publicidad, pero Flex pide donaciones de 5 a 50 dólares para pagar el servidor y “mantener mi adicción al café albanés”.

Una vez decidido a arrancar con su proyecto obsesivo, Flex se sumergió en la Internet Music Video Database, un sitio que ordena créditos, fechas de lanzamiento y otros datos de 95.000 videoclips musicales que datan desde los años 60. “Me di cuenta de que existía un enorme archivo de videos antiguos, y muchos de ellos están comenzando a desaparecer por completo”, dijo. El primer día, MTV Rewind presumía de unos 3.000 clips extraídos de YouTube. Desde entonces, esa cifra ha aumentado a unos 40.000, con cada canal albergando entre 400 y 6.000 videos.

En el camino, Flex ha descubierto videos de Serge Gainsbourg (“es el Tom Waits francés”) y actualmente está volviendo a ver el MTV Unplugged de R.E.M. de 1991 en el canal dedicado a presentaciones acústicas de rock. Al agregar material a un canal inspirado en Total Request Live, también observó cómo el rock comenzó a perder presencia en este siglo. “Muchos videos de Justin Timberlake y Jewel”, comentó. “Se ve esa transición abrupta — ya no había rock.”

Flex admite el componente de nostalgia generacional de su creación, pero también cree que es una alternativa necesaria frente a las listas de reproducción actuales generadas por algoritmos. “Podrías ponerlo y seguiría corriendo durante seis meses sin ver la misma canción dos veces”, dijo. “No hay ningún misterio detrás de Spotify en la manera en que mercantiliza la música. Solo buscan maneras de canalizar los intereses de las personas.”

Otro atractivo de MTV Rewind podría estar en su pureza: una vuelta a una época con redes sociales menos saturadas. “Los videoclips ahora son contenidos de formato largo”, dijo Doug Klinger, cofundador de la Internet Music Video Database. “Está claro que la gente anhela poder ver cosas sin recibir porquería generada por inteligencia artificial. Es nostalgia de hace 30 años —pero también de hace 10.”

Ahora Flex está pensando en un canal dedicado a la música latina tras notar que personas de América Latina visitaban su sitio. Añadir más clips no será problema: ahora que ha dominado la parte técnica, puede subir decenas de miles de videos en un cuarto de hora. “Mucha gente me ha dicho: ‘Puedo mostrarle a mis hijos qué era esto y por qué significaba algo’”, afirmó. “El trabajo no está terminado.”

Fuente: The New York Times

Tras superar años marcados por dudas y desafíos personales, se prepara para el lanzamiento de su tercer álbum como solista y una gira mundial que incluye escenarios emblemáticos como el Madison Square Garden, según explicó en una entrevista con Billboard.

“La historia indica que solo uno o dos miembros de una banda prosperan fuera de ella, rara vez más de dos”, afirmó Tomlinson a Billboard. Reconoció que siempre confió en el éxito de Harry Styles y la simpatía de Niall Horan, pero agregó: “Nunca pensé que yo estaría entre quienes lograrían destacar por su cuenta”.

Tomlinson repasó los momentos luminosos y dolorosos de su carrera como solista. “El nacimiento de mi hijo fue un buen momento, pero la pérdida de mi madre y mi hermana retrasaron el verdadero inicio de mi carrera”, expresó. “Fue aterrador pensar que podría ser una figura del pasado con solo 24 años”.

Un nuevo sonido y confianza renovada

A pesar de los obstáculos, el británico encontró en el escenario una fuente de confianza. “La seguridad que he adquirido con las dos últimas giras ha sido vital para mí. Estar noche tras noche en esos espacios no deja lugar a la duda”, señaló a Billboard. “Llego a este disco con una confianza revitalizada. Es una muy buena sensación”.

Con su segundo álbum, Faith in the Future, logró ingresar por primera vez al Top 5 de la lista Billboard 200. Su reciente gira movilizó a 314.000 personas y generó ingresos por USD 20,3 millones en 38 conciertos entre 2023 y 2024, cifras que reflejan su alcance internacional y madurez como artista.

El proceso de su próximo álbum, How Did I Get Here?, fue más íntimo y experimental. “Con este disco he decidido tomar más riesgos y confiar en mi instinto”, explicó Tomlinson. “Decidí grabar gran parte en Costa Rica, rodeado del entorno que buscaba para el álbum. Antes no creía que el lugar influyera en la música, pero claro que influye”.

El productor Nico Rebscher, quien trabajó con él tanto en Reino Unido como en Costa Rica, comentó a Billboard que buscaron un sonido más orientado a la radio, pero respetando la identidad del artista.

Para Tomlinson, esta evolución supuso repensar su identidad musical. “Con Faith in the Future sentí que me había acercado a esa idea, pero noté que me estaba limitando. Mi voz suena bien en canciones pop. Durante mucho tiempo evité ese camino pensando que era lo más valiente, pero enfrentarme a ello y crear algo que me entusiasma ha sido la mejor decisión”, reflexionó.

Familia, legado y nuevos retos

La selección del repertorio de One Direction para sus conciertos como solista significó un ejercicio de equilibrio.

“Me hace ilusión tocar las canciones de One Direction que tienen sentido para mí a esta edad”, afirmó. Adaptar algunos temas representó un desafío. Sobre “No Control”, señaló: “Siempre la solicitaban y nunca la incluía, pero durante mi festival Away From Home accedí y lo disfruté realmente”.

Ahora, Tomlinson aprecia con mayor claridad el impacto de One Direction en la música pop. “Estoy más que feliz de hablar de lo importantes que fuimos”, destacó. “En los primeros años todo era vertiginoso; solo intentábamos adaptarnos y aprender”.

Su vida personal transformó su motivación. Sobre su hijo Freddie y el equilibrio entre la fama y la paternidad, comentó: “Quiero ser grande para mi hijo. Cuando estoy con él, si pudiera ocultar que soy cantante, lo haría. Valoro ese tiempo profundamente”.

Le emociona compartir su música con Freddie y sueña con que su hijo se sienta orgulloso al verlo sobre el escenario: “Algunos de mis conciertos más tensos han sido cuando él está presente, pero ese orgullo es lo más importante para mí”.

De cara al futuro, Tomlinson asume nuevos desafíos. En 2026, además del lanzamiento del nuevo álbum, protagonizará una serie documental junto a Zayn Malik. “Fue idea suya, hay que reconocerle ese acierto”, comentó a Billboard.

Su próxima gira mundial tendrá una atmósfera más colorida y celebratoria, dejando atrás la estética sobria de presentaciones anteriores. “Esta vez quiero ver cómo combinamos la nueva energía con el espectáculo en vivo”.

Convertido en una de las figuras más sólidas del pop internacional, Tomlinson sigue redefiniéndose sobre escenarios que años atrás consideraba inalcanzables, como su regreso al icónico recinto neoyorquino.

Su trayectoria como solista se consolida, no por expectativas ajenas, sino por el camino que construyó por sí mismo.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ fue la renovación del ya conocido 90’s Pop Tour, el cual llenó 25 veces la Arena Ciudad de México.

Esta nueva versión ya ha contado con algunas presentaciones en diversos estados de la República, como una doble fecha en la Ciudad de México en el Auditorio Nacional o en la Arena Guadalajara, en dicha entidad de la República Mexicana.

Ante el éxito que ha tenido esta nueva faceta del 90’s Pop Tour ‘Antro’, a finales del 2025 se revelaron varias fechas y presentaciones que habrá en 2026.

Todas las fechas ya son las confirmadas para 2026 hasta el momento; sin embargo, tanto el elenco como el propio organizador del proyecto ‘Ari Boroboy’ pueden mencionar más conciertos durante este año.

Estas son todas las fechas confirmadas hasta el momento del ’90’s Pop Tour Antro’ en México para 2026

De acuerdo con una última publicación en las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour Antro, estas son las fechas confirmadas de conciertos hasta el momento para 2026. Entre las ciudades destacan la Ciudad de México y Guadalajara.

• Monterrey - 20 de febrero
• San Luis Potosí - 28 de febrero
• CDMX - 14 de marzo
• Guadalajara - 28 de septiembre

De igual manera, en la misma publicación del 90’s Pop Tour donde se dieron a conocer las fechas y ciudades donde habrá conciertos para este 2026, se lee la frase de:

“Más ciudades por confirmar...”, indicó el cártel oficial del 90’s Pop Tour Antro.

¿Qué artistas se presentan en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los cantantes, grupos y artistas que estarán en el 90’s Pop Tour son: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados, JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín y S.B.S.

La última presentación del que fue el 90’s Pop Tour —antes de que se renovara— se llevó a cabo en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo de 2025, donde participaron otros artistas del pop en español como Litzy, Lynda, Sentidos Opuestos y algunos más.

Como se dijo previamente, el 90’s Pop Tour cambió y surgió la edición ‘Antro’ con sus dos primeras presentaciones en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, las cuales se llevaron a cabo el pasado viernes 24 y sábado 25 de octubre.

Originalmente habría una tercera fecha programada de este concierto, la cual sería el domingo 26 de octubre, pero esta fue cancelada debido a fallas ajenas a la producción y el recinto, según lo marcó un comunicado oficial.

En el '90’s Pop Tour Antro’ se escuchan éxitos como “Enferma de amor”, “Vuela, vuela”, “La calle de las sirenas”, “Maldita timidez”, “Pepe”, “No puedo más”, “Te quiero tanto, tanto”, “Shabadabada”, “No es obsesión” y “La fuerza del amor”, entre otros clásicos del pop noventero.

El grupo mexicano de pop JNS (antes Jeans) se presentó por quinta ocasión en el salón de eventos musicales y espectáculos ‘La Maraka’, ubicado en la alcaldía Benito Juárez de la Ciudad de México. En este show que reunió a decenas de personas, tuvieron una invitada especial, la cantante española Marta Sánchez.

Infobae México estuvo presente en el concierto, el cual se realizó el pasado sábado 15 de marzo, arrancó poco después de las 21:00 horas en este recinto de la capital del país. Alrededor de dos horas de manera consecutiva, la agrupación conformada por Regina, Angie y Melissa cantó sus mejores éxitos.

Los asistentes, algunos con coronas o playeras de JNS, cantaron y bailaron por poco más de dos horas canciones de la agrupación noventera como: ‘Entre azul y buenas noches’, ‘Enferma de amor’, ‘Pepe’, ‘Solo vivo para ti’, ‘Corazón confidente’, ‘Yo no te pido la luna’, entre otras melodías más.

‘La Maraka’ fue testigo una vez más y por quinta ocasión de la fiesta y los pasos que provocan JNS a los fanáticos de una de las agrupaciones más importantes de los noventas y que siempre logran llenar este recinto de espectáculos.

Luego de varias horas de melodías y fanáticos que pedían más canciones de JNS, las artistas pausaron por un momento para que saliera al escenario la invitada especial de la noche en este concierto número cinco de ‘La Maraka’, Marta Sánchez.

A su entrada, la artista española fue elogiada por el público mexicano con aplausos. Sánchez agradeció la invitación por parte de JNS. Posteriormente, en conjunto cantaron el tema de ‘Desesperada’.

Presentación de Marta Sánchez ilumina escenario de ‘La Maraka’

Tras cantar en conjunto con JNS el tema de ‘Desesperada’, la agrupación mexicana dejó el escenario y Marta Sánchez cantó dos canciones; entre ellas, la que más sorprendió e hizo entonar al público fue ‘Colgando en tus manos’; en tanto la que hizo bailar a los asistentes junto con la artista española fue ‘La chica ye-yé’.

Además de cantar, Marta Sánchez reveló una noticia a los asistentes. Adelantó que estrenaría un disco nuevo por sus 40 años de trayectoria musical. No informó de alguna fecha específica para el lanzamiento.

JNS se despide de ‘La Maraka’

Tras la presentación de Marta Sánchez, el público pidió más canciones de JNS; la agrupación salió al escensario para agotar los últimos minutos de su concierto en la Ciudad de México.

Algunos covers fueron parte de su presentación ya en los últimos minutos, entre ellos, ‘Besos de ceniza’ y ‘Verano peligroso’.

Por último, agradecieron al público su presencia y haberlas acompañado tanto en esta quinta presentación como en las anteriores. Recordaron que este viernes 21 de marzo es el concierto del 90’s Pop Tour, en la Arena Ciudad de México, el cual es su presentación número 25.

La aparición del artista, sumada a la producción del próximo álbum en Los Ángeles, generó expectación entre millones de seguidores en todo el mundo, informó Rolling Stone UK. La atención internacional se dirige nuevamente al fenómeno BTS y a la evolución artística y personal de Jungkook.

El regreso resulta significativo tanto para la banda como para su comunidad de seguidores, el fandom ARMY. Tras 18 meses de pausa, Jungkook se integra al proceso creativo colectivo en la fase inicial del nuevo disco, lo que anticipa un relanzamiento luego de la inactividad exigida por la normativa militar surcoreana.

“Estoy muy ilusionado por el próximo álbum de BTS, por las promociones que haré con los miembros y por volver a encontrarme con ARMY”, expresó Jungkook en su entrevista con Rolling Stone UK.

Trayectoria, logros y transformación personal

Desde su debut a los 15 años, Jungkook fue reconocido como el “maknae de oro”, término que designa al miembro más joven capaz de destacar en canto, baile, rap y creatividad visual.

Frente a una audiencia global, su desarrollo profesional implicó una adaptación constante tanto en lo artístico como en lo personal. A lo largo de los años, consolidó una imagen que equilibra disciplina y versatilidad, respaldada por una confianza creciente tanto en el escenario como fuera de él.

BTS alcanzó logros históricos en la industria musical. Fue el primer grupo coreano en liderar la lista Billboard 200 y repitió esta hazaña en cinco ocasiones. En 2020, el álbum MAP OF THE SOUL: 7 vendió 4,1 millones de copias en nueve días en Corea del Sur. Seis de sus sencillos ocuparon el primer puesto en la lista Billboard Hot 100 en Estados Unidos.

Además, el conjunto encabezó durante dos años consecutivos el ranking global de la IFPI de artistas más destacados. Estos resultados consolidaron al grupo y a Jungkook como referentes del pop internacional, describió Rolling Stone UK.

La experiencia militar supuso un punto de inflexión para el intérprete. Acostumbrado a la dinámica de giras y grabaciones, la rutina castrense le permitió “cambiar la profundidad de mis pensamientos” y buscar un sentido renovado a su tiempo.

Durante su formación, Jungkook adoptó una disciplina estricta enfocada en la salud y el autocuidado. “Trato de evitar cosas que dañen mi cuerpo. Solía beber, pero ahora intento abstenerme. Quiero aprovechar mi tiempo de forma más significativa y valorarlo”, relató en la entrevista.

Antes de la pausa, Jungkook había avanzado en su carrera en solitario, especialmente con el sencillo Seven (con Latto), que lideró las listas globales y le otorgó mayor seguridad como intérprete. El éxito de este tema impulsó el álbum GOLDEN, publicado en 2023, que superó las 6 mil millones de reproducciones en Spotify.

Este trabajo, con colaboraciones internacionales y géneros diversos, consolidó su identidad como solista. “Tras lanzar GOLDEN, hubo cosas que desee haber hecho mejor, tanto en las canciones como en las actuaciones. Pero esos arrepentimientos me motivan a seguir esforzándome y mejorando”, reconoció Jungkook, según Rolling Stone UK.

Privacidad, interacción y el futuro de BTS

La relación de Jungkook con la fama se refleja en su gestión de la privacidad y el vínculo con sus seguidores. En 2023 desactivó su cuenta personal de Instagram, eliminando decenas de millones de seguidores.

Aunque regresó a la plataforma en 2025, su perfil permanece vacío, con más de 14 millones esperando novedades. Prefiere compartir aspectos personales a través de la cuenta de su perro Bam, acercándose al público desde lo cotidiano.

Los espacios de interacción directa, como la red Weverse, se reservan para momentos puntuales, donde transmisiones en vivo pueden atraer a millones incluso cuando descansa o permanece en silencio ante la pantalla.

El reencuentro de Jungkook con las actividades grupales coincide con la creación del nuevo álbum de BTS. El grupo se reunió en Los Ángeles para trabajar en su próximo proyecto, lo que implica el reinicio de sus actividades conjuntas tras la pausa militar.

“Siempre he buscado el cambio. En vez de repetir las mismas actuaciones o canciones similares, intento cosas nuevas y evoluciono para mostrar distintas facetas”, afirmó el vocalista.

Al cierre de la entrevista con Rolling Stone UK, Jungkook destacó su objetivo de no dejarse definir por tendencias externas. Busca anticipar los cambios y trazar su propio camino como artista, sin límites impuestos.

Lo que inició como una inesperada invitación en el especial televisivo “Grammy Celebration of Latin Music” derivó en una reconciliación entre Ángela Aguilar con una parte de sus detractores.

Enfundada en un vestido de lentejuelas en color azul noche ajustado que combinó con un maquillaje intenso y un peinado estilo wet look, Ángela Aguilar rindió homenaje a la intérprete Linda Ronstadt cantando en inglés el éxito “You’re No Good”.

De las críticas al reconocimiento

De inmediato, la presentación generó una conversación en redes sociales. Videos de la transmisión que fueron difundidos en TikTok y X alentaron un debate que se ramificó entre críticas, mínimas opiniones favorables y análisis sobre una presunta inspiración en la imagen de Cazzu, expareja de su esposo Christian Nodal.

Sin embargo, un usuario de X trazó un rumbo diferente al sugerir que Ángela Aguilar tenía el talento necesario para consolidarse como una estrella pop y la llamó la próxima “Taylor Swift latina”.

“Quién iba a decir que Ángela Aguilar iba a ser la que salvara al POP mexicano de las influencers sin talento. Estamos presenciando el nacimiento de la Taylor Swift latina en tiempo real omfg”.

El comentario, un dardo disfrazado contra Kenia OS (cantante y pareja de Pesos Pluma) y otras influencers que han incursionado en la industria musical, tuvo una repercusión que superó alcance potencial que anticipa el modesto número de seguidores del usuario. El tuit alcanzó a miles de personas y cientos interactuaron.

Un segmento coincidió en la apreciación inicial; otros, sin desestimar que Ángela Aguilar sorprendió con su interpretación en los Grammy, aseguraron que referentes como Danna Paola estaban un nivel por encima y que equipararla con Taylor Swift era un despropósito.

• “Hubiera llegado lejos y recibido el apoyo del público, si tan solo cerrará la boca y mantuviera su vida personal en privado, pero seamos sinceros si se presenta en este tipo de eventos es gracias a su padre”
• “La verdad no. Danna se la lleva mil veces”
• “Siempre tuvo talento, Nodal ha sido el único error en su vida”
• “Siempre tuvo talento, pero los escándalos de su familia, su relación con Nodal y sus declaraciones hacen que el público tenga una mala percepción de ella”
• “Ni una nota en ingles sobre está mujer en EU. Nada, zero”
• “Le queda muy bien ese look y género de música. Deberia de considerarlo para siempre”
• “Hubiera entrado al pop desde hace años, pero ahora la señora, lucha por levantar su carrera y salvar su reputación, quién sabe si gane”

Ángela Aguilar, un año envuelta en la polémica

Al margen de la polarización que derivó tras ser equiparada con la artista pop del momento, la participación de Ángela Aguilar en el especial televisivo “Grammy Celebration of Latin Music” representó una anomalía en la narrativa que ha rodeado a Ángela Aguilar.

Por primera vez, en muchos meses, se habló de su talento y no de los escándalos que rodean su vida personal, especialmente su matrimonio con Christian Nodal, una relación que ha tenido los reflectores desde su confirmación debido a rumores sobre un posible triángulo amoroso con Cazzu, expareja del sonorense.

Poco después de celebrar su primer aniversario de boda, Ángela Aguilar confirmó que la pareja tiene previsto realizar su boda religiosa en 2026, posiblemente durante el primer semestre del año.

El negocio global de la música volvió a exhibir cifras extraordinarias durante 2025, impulsado por giras masivas, acuerdos por catálogos, récords de streaming y contratos audiovisuales de alto impacto.

Según el ranking anual de Forbes, los 10 músicos con mayores ingresos del año concentraron una porción significativa de los USD 1.900 millones que acumularon, en conjunto, los 25 artistas mejores pagados del mundo.

El listado refleja una industria cada vez más orientada a los shows en vivo, las residencias estratégicas y la valorización de los derechos musicales. Pop, hip hop, rock y música latina conviven en un top 10 dominado por figuras con alcance global, calendarios de conciertos extensos y catálogos con fuerte rendimiento comercial.

10. Bad Bunny — USD 66 millones

El cierre del top 10 lo ocupa Bad Bunny, quien alcanzó USD 66 millones en 2025. El artista puertorriqueño fue nuevamente el Artista Global Top de Spotify, con 19,8 mil millones de reproducciones, un volumen que, según Forbes, generó cerca de USD 30 millones.

El mayor impulso económico provino de su residencia en Puerto Rico, titulada “No Me Quiero Ir de Aquí”, una serie de más de 30 conciertos que aportó alrededor de USD 40 millones. A eso se sumó el anuncio de su participación como artista del medio tiempo del Super Bowl LX.

9. Zach Bryan — USD 70 millones

El noveno puesto correspondió a Zach Bryan, el artista country con mayores ingresos de 2025, con USD 70 millones. En mayo firmó un acuerdo con Warner Records para vender los derechos de publicación de su catálogo y renovar su contrato, una operación valuada en USD 350 millones, de la cual Forbes estimó que recibió USD 48 millones netos.

El resto de sus ingresos provino de ventas musicales y de las fechas de 2025 de su gira Quittin’ Time, que acumuló USD 159,6 millones en recaudación desde octubre de 2024, según Pollstar.

8. Chris Brown — USD 74 millones

Chris Brown obtuvo USD 74 millones, apoyado en la gira The Breezy Bowl XX Stadium, que recaudó USD 285 millones en cuatro meses. Forbes calculó alrededor de USD 60 millones en ganancias por los shows y otros USD 13 millones en regalías, tras vender aproximadamente 5,25 millones de unidades equivalentes a álbumes durante el año.

7. Drake — USD 78 millones

Con USD 78 millones, Drake se ubicó en el séptimo lugar. Durante el año realizó más de 40 conciertos entre dos giras y lanzó el álbum colaborativo $ome $exy $ongs 4 U junto a PartyNextDoor.

Forbes estimó unos USD 30 millones por sus presentaciones en vivo y cerca de USD 50 millones por ingresos de streaming, impulsados por su catálogo de ocho álbumes, el segundo más rentable del ranking.

6. Shakira — USD 105 millones

Con USD 105 millones, la artista colombiana protagonizó uno de los mayores éxitos de la música latina en vivo. Su gira “Las Mujeres Ya No Lloran” alcanzó USD 327,4 millones en recaudación y se posicionó como la gira latina más taquillera de una artista femenina, según estimaciones de Billboard y Forbes.

5. Coldplay — USD 105 millones

También con USD 105 millones, Coldplay sostuvo su presencia global gracias a la gira “Music of the Spheres”, con cerca de 50 conciertos en Asia, Europa, América y Medio Oriente.

La gira recaudó alrededor de USD 375 millones durante 2025 y continúa su camino hacia cifras históricas, con más entradas vendidas que cualquier otra gira registrada, de acuerdo con Billboard.

4. Kendrick Lamar — USD 109 millones

El cuarto puesto quedó para Kendrick Lamar, con USD 109 millones. El año comenzó con su participación en el show de medio tiempo del Super Bowl LIX, que reunió a 133,5 millones de espectadores. El impulso continuó con el Grand National Tour junto a SZA, una gira que recaudó USD 358,7 millones y se convirtió en la más taquillera de la historia entre artistas co-encabezados.

3. Beyoncé — USD 148 millones

El tercer lugar correspondió a Beyoncé, con USD 148 millones. La Cowboy Carter Tour generó USD 407,6 millones en 32 shows y marcó un récord como la gira country más taquillera de la historia.

El desempeño económico del año permitió que la artista se convirtiera en multimillonaria, según Forbes, integrando un grupo reducido dentro de la industria musical.

2. Taylor Swift — USD 202 millones

Con USD 202 millones, Taylor Swift ocupó el segundo puesto. Su álbum “The Life of a Showgirl” fue el más vendido de 2025 y rompió récords históricos de ventas en la primera semana.

A eso se sumó un acuerdo con Disney+ por el concierto final del Eras Tour y una docuserie, con ingresos estimados en USD 80 millones. Además, la artista recompró las grabaciones maestras de sus primeros seis álbumes por un monto cercano a USD 360 millones.

1. The Weeknd — USD 298 millones

La cima del ranking está encabezada por The Weeknd, con USD 298 millones. El lanzamiento de su sexto álbum, Hurry Up Tomorrow, debutó en el número uno del Billboard 200 con 490.500 unidades equivalentes.

La gira “After Hours Til Dawn” superó los USD 1.000 millones en ingresos brutos, convirtiéndose en una de las pocas en alcanzar esa cifra.

El factor decisivo fue la venta de una participación de su catálogo a Lyric Capital, una operación valuada en torno a USD 1.000 millones. Forbes estimó que el artista recibió USD 200 millones netos tras comisiones.

En una entrevista de abril citada por Forbes, el cantante canadiense explicó: “Sentí que no tenía nada más que decir. He dicho todo lo que podía decir como esta persona y ahora es el momento de dar el siguiente paso”.

La clasificación de Forbes se basó en ganancias antes de impuestos entre diciembre de 2024 y diciembre de 2025, descontando costos y comisiones, y considerando exclusivamente ingresos vinculados a la actividad musical, con datos de Pollstar, Luminate y especialistas de la industria.

El listado de Forbes de los músicos mejores pagos de 2025 se completó con los siguientes artistas:

1. Post Malone — USD 62 millones
2. Ed Sheeran — USD 60 millones
3. Tyler, The Creator — USD 53 millones
4. Metallica — USD 53 millones
5. Lady Gaga — USD 52 millones
6. Billie Eilish — USD 52 millones
7. Imagine Dragons — USD 48 millones
8. Dua Lipa — USD 44 millones
9. Linkin Park — USD 36 millones
10. SZA — USD 34 millones
11. Morgan Wallen — USD 33 millones
12. Bruno Mars — USD 31 millones
13. Sabrina Carpenter — USD 29 millones
14. Andrea Bocelli — USD 25 millones
15. Iron Maiden — USD 25 millones

Tatiana, mejor conocida como ‘La reina de los niños’, reveló que tendrá dos importantes conciertos para inicios del 2026.

Tatiana ‘Retro Pop’ es el concepto con el que la artista dio a conocer sus presentaciones musicales, para poder presentarse el siguiente año con sus mejores éxitos.

Las ciudades donde se presentará Tatiana serán la Ciudad de México y Monterrey, en el estado de Nuevo León, de acuerdo a las declaraciones en sus redes sociales oficiales.

“¡Chicos, chicos! La fiesta #RetroPop se acerca. Nos vemos pronto CDMX y MTY ¿Están listos para brillar al ritmo de los ochentas?“, escribió la cantante a través de sus redes sociales oficiales.

Fechas de conciertos de Tatiana con su ‘Retro Pop’ para 2026

Las fechas en que se presentará la cantante en la Ciudad de México y Monterrey para inicios de 2026 con su ‘Tatiana Retro Pop’ son:

• Sábado 21 de febrero en La Maraka, en la Ciudad de México.
• Viernes 28 de febrero en el Dion Live Center, en Monterrey, Nuevo León.

Por lo tanto, será en el mes de febrero cuando la cantante reviva sus éxitos de los ochentas en estos dos salones de espectáculos locales.

Hasta el momento no se han dado a conocer más fechas de presentaciones musicales con este concepto.

Cabe destacar que, de acuerdo con lo revelado por Tatiana, se cantarán las canciones que no forman parte de sus shows infantiles, por lo que va dirigido a un público adulto.

Un poco de la vida de Tatiana, mejor conocida como ‘La reina de los niños’

Tatiana Palacios Chapa, nacida el 12 de diciembre de 1968 en Filadelfia, Estados Unidos, es una cantante, actriz y conductora mexicana reconocida como “La reina de los niños”.

Su carrera artística comenzó en la década de los ochenta, primero como cantante pop juvenil y actriz, participando en telenovelas y programas de televisión.

En 1995, Tatiana orientó su carrera al público infantil, lanzando su primer disco dirigido a niños, lo que marcó el inicio de una exitosa etapa.

Desde entonces, Tatiana ha producido más de 20 álbumes infantiles, muchos de los cuales han alcanzado discos de oro y platino.

Su imagen, caracterizada por vestuarios coloridos y su emblemático cabello rizado, la convirtió en un ícono para varias generaciones.

Tatiana también ha tenido fase como conductora

Ha conducido programas como “El espacio de Tatiana” y “El show de Tatiana”, consolidándose como una de las figuras más queridas del entretenimiento infantil.

Además de su trabajo en televisión y música, Tatiana ha participado en teatro y cine, destacando por su labor filantrópica en favor de la niñez.

Su trayectoria la ha hecho merecedora de múltiples reconocimientos y premios, consolidándola como una referencia en el ámbito del entretenimiento infantil en México.

El grupo musical de pop de los noventas Mercurio ofreció su último concierto de este 2025 en la Ciudad de México bajo el proyecto de ‘Mercurio and Friends’.

El evento musical se llevó a cabo el pasado viernes 19 de diciembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, donde la agrupación se presentó para cantar sus mejores éxitos.

Además de cantar las canciones que marcaron la década de los noventas, Mercurio también estuvo acompañado de sus invitados especiales o, como los llaman, ‘los friends’.

El proyecto de ‘Mercurio and Friends’ es para conmemorar y celebrar sus 30 años de carrera musical.

En el escenario y los invitados especiales que asistieron, se trataron de artistas emergidos de grupos musicales o que cantaron en solitario del pop en español.

Tanto los invitados especiales como los propios integrantes de Mercurio cantan las canciones en conjunto de la agrupación y viceversa.

“Enamoradísimo”, “Candela”, “Chicas chic”, “Vuelo”, entre otras canciones más, formaron parte del repertorio que se escuchó y bailó en el último concierto de este 2025 del grupo noventero.

¿Qué artistas especiales fueron invitados para el último concierto de Mercurio con su proyecto ‘Mercurio and Friends’?

Durante el transcurso del concierto, los invitados especiales salieron al escenario para compartir canciones en conjunto con Mercurio para su último evento musical de este 2025.

Los denominados ‘friends’, como así los menciona la banda musical, fueron:

• Rodrigo Dávila de Motel.
• Ari Boroboy quien fuera integrante de OV7.
• Alan Ibarra de Magneto.

Rodrigo Dávila, vocalista de Motel, cantó con Mercurio su canción ‘Dime ven’ y agradeció a la agrupación el haber sido invitado al concierto.

En tanto, Ari Boroboy, exOV7, salió al escenario para cantar y bailar la canción ‘Candela’, una de las más importantes de Mercurio.

Alan Ibarra, de Magneto, sorprendió a todos los fans del conjunto de pop en español al salir del escenario y entonar las melodías de la agrupación.

Tras la presentación con sus invitados especiales, Mercurio cantó sus últimas canciones de su concierto en la Ciudad de México y agradeció el cariño del público.

Éxito de ‘Mercurio and Friends’

El éxito del formato de ‘Mercurio and Friends’ comenzó a finales de mayo de este 2025 en la Ciudad de México, cuando la agrupación comenzó con los festejos de sus 30 años de carrera.

Fue el sábado 24 de mayo cuando la agrupación se presentó con invitados especiales, en el salón de espectáculos ‘La Maraka’.

Durante el primer concierto en la Ciudad de México estuvieron presentes: Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba y Diego Schoening.

Un nuevo concierto se llevó a cabo en este mismo recinto de la capital del país el pasado viernes 19 de diciembre. Los invitados especiales fueron: Rodrigo Dávila, vocalista de Motel; Ari Boroboy, exintegrante de OV7 y Alan Ibarra de Magneto.

Addison Rae confesó que “hace apenas dos años, no solo era un fracaso, sino también un chiste”, al reflexionar sobre su transformación artística y personal tras el éxito de su álbum debut.

La cantante estadounidense, nombrada Artista del Año por The Guardian, abordó en entrevista exclusiva el alto costo de la exposición pública y la búsqueda de autenticidad que definieron su evolución en la industria musical.

De TikTok al pop: los desafíos de la fama temprana

Rae recordó sus inicios como estrella de TikTok, hasta convertirse en referente del pop en 2025 con Addison, tras una transición que incluyó el lanzamiento de su primer sencillo, “Obsessed”, en 2023, recibido con frialdad y duras críticas.

“No estaba lista para pararme frente a la gente y decir lo que digo ahora de manera tan concisa y directa. Maduré mucho en los últimos años. La vida te sucede a una velocidad increíble cuando te das cuenta de cuánto control tienes realmente”, expresó.

Originaria de Lafayette, Luisiana, contó cómo buscó escapar de sus circunstancias y acceder a mayor estabilidad mediante las redes sociales: “Utilicé las redes sociales como una vía para tener más estabilidad, para tener la oportunidad de perseguir realmente las cosas que quiero”, afirmó.

Rae destacó la importancia de la autenticidad en su carrera: “Bailaba de una manera que la mayor cantidad de gente pudiera entender. En cuanto tuve un representante, pedí entrenar en composición y actuación”.

Un álbum con sello femenino y visión propia

El proceso creativo del álbum estuvo marcado por la colaboración de Rae con Elvira Anderfjärd y Luka Kloser, productoras y coautoras del disco. “Luka y Elvira son dos de las mujeres más increíblemente talentosas, en sus veintes, en un espacio lleno de hombres”, resaltó Rae.

“Por mucho que ellas digan que sienten que aposté por ellas, siento que ellas apostaron por mí. No puedo creer que hayamos hecho el álbum solo las tres en una habitación. Intento restarle importancia, porque nunca quiero forzar esa idea, pero realmente creo que es algo muy especial”, comentó a The Guardian.

Al recordar su primer encuentro con Columbia Records, Rae relató que llevó una carpeta destacando su visión para el álbum, incluso antes de tener música grabada. En ese portafolio incluyó fotos de su infancia en concursos, una de ellas con solo un año, ya usando una corona.

“Siempre quiero volver a esa inspiración infantil y cumplir esos sueños y metas”, compartió. En relación con su estilo compositivo, fue enfática: “Quiero escribir de manera directa, honesta y clara, y dejar poco espacio para la mala interpretación, porque no creo que mi historia o lo que quiero decir merezcan ser tratados de otra manera”.

El precio de la exposición y la protección de la intimidad

El reconocimiento de The Guardian y la nominación a los Grammy marcaron un hito en su trayectoria, aunque Rae admitió lo desafiante que puede resultar la fama. “Disfruto la fama”, afirmó.

“Creo que la fama es muy expuesta y cruda, y te pone en una posición que no todos pueden experimentar. Disfruto el lujo de todo esto, aunque, por supuesto, hay un precio que pagás”. Ese precio, detalló, es convertirse en blanco de especulaciones y perder privacidad: “Me considero una persona muy protectora con mi vida, y no me gusta cuando la gente saca las cosas de contexto”.

La exposición mediática fue un reto constante, desde la Hype House en Los Ángeles hasta los rumores sobre su familia. Rae aprendió a manejar la vulnerabilidad y el control en ese entorno.

Consideró “muy mágico” ese espacio entre recuperar y soltar el control: “Hay un espacio muy mágico entre recuperar y soltar el control, al que siempre se puede aspirar”. Además, habló de la soledad que acompaña el éxito: “El álbum nació desde una perspectiva muy solitaria. Quería decirlo por mí misma y comunicarlo de una manera que sintiera que hablaba por mí. La vida es solitaria, y hay algo realmente poderoso en tomar eso en tus propias manos”.

Vulnerabilidad y arte en el escenario

Durante su primera gira, que inició en Irlanda y la llevó a escenarios como Wembley junto a Lana Del Rey, Rae vivió una vulnerable cercanía con el público: “Sin las grandes pantallas, los fans estaban realmente obligados a mirar el escenario y cada momento, lo que me pareció muy vulnerable. Incluso me encantó. Podías ver cada transición, cada respiro. Eso elimina aún más la sensación de control, obligándome a enfrentar la incomodidad de eso”, explicó a The Guardian.

El futuro de Addison Rae: creatividad, misterio y control

La relación de Rae con la fama resultó consciente y compleja. En la canción “High Fashion”, una de las que más escuchó este año, cantó: “¿Alguna vez soñaste con ser vista? No por alguien, más bien en una revista”. Reconoció que la exposición implicó un costo, pero destacó la oportunidad única que supuso: “Obviamente me encanta hablar y compartir, y ya hice mucho de eso en esta llamada, pero creo que cuanto menos compartís, más control tenés”.

Sin prisas por lanzar nuevas canciones, Rae acababa de regresar de una estancia creativa en Suecia. “Cuando algo esté listo y terminado, quiero sacarlo lo antes posible”, adelantó. Confiaba en que su público la acompañaría en cada etapa: “Confío en que quienes se sumergen en mi arte lo tratan con amabilidad, aceptación, amor y comprensión, de una manera que quizás antes no experimenté”.

Para Rae, el misterio y la posibilidad de no ser completamente comprendida formaron parte de su identidad artística. Esa búsqueda constante de nuevas formas de expresión y la decisión de mantener cierta distancia con el público constituyeron, para ella, el verdadero motor de su carrera.

‘Super Pop’, la icónica publicación juvenil, dejó de venderse en mayo de 2011. Fue otra de las víctimas de la llegada de internet y del paso a la inmediatez y la accesibilidad de las redes sociales. Pero ahora, aunque de manera fugaz, ha regresado esta semana por sorpresa.

‘Super Pop’ vuelve para revivir la nostalgia ‘millennial’ de la mano de Rosalía, pues la edición especial está dedicada a la cantante justo después de la publicación del cuarto disco de la catalana, LUX, que ya antes de su lanzamiento era un auténtico fenómeno de masas. Sin embargo, poco tiene que ver con aquella revista que marcó a una generación, aunque no abandona su mítico logo y portada.

En su puntual regreso para cerrar el año 2025, la ‘Super Pop’ abre con la portada del nuevo álbum de Rosalía. En ella, se puede ver a la cantante luciendo el tan comentado hábito blanco y la supuesta camisa de fuerza. Según la propia revista, es una edición especial para fans y tiene un coste de dos euros.

34 años de legado

La ‘Super Pop’ nació en 1977, tan solo uno meses antes de la Constitución de 1978 y pocos después de la aprobación de la Ley de Libertad de Expresión, que limitó la censura en España. Fue apadrinada por la revista Pronto y llegó a vender más de un millón de ejemplares.

La primera portada la protagonizó el cantante Camilo Sesto, que se encontraba en un momento cumbre de su carrera, lanzando exitosos álbumes y canciones como Si tú te vas. Costaba solo 50 pesetas, lo que hoy serían unos 30 céntimos.

Los jóvenes conectaban a través de la revista con los ídolos de la época, entre los que se encontraban artistas locales como Los Pecos, Sergio Dalma o Marta Sánchez, pero también estrellas de la talla de Madonna o Michael Jackson. Las publicaciones también incluían a los galanes de Hollywood: Leonardo DiCaprio y Brad Pitt protagonizaron alguna que otra edición.

Generación ‘Super Pop’

El impacto de la publicación llegó a ser tan grande que hoy se habla de la ‘generación Súper Pop’: las chicas y chicos nacidos entre los 80 y los 90, ya que la revista se editó durante nada menos que 30 años. A menudo incluía pósteres a tamaño real, regalos, secciones y entrevistas de los cantantes y actores más guapos del momento.

En la década de los 2000, la revista vivió su última época de oro. La generación ‘millennial’ estaba en plena adolescencia y esto coincidió con el boom de las series adolescentes como 'Física o Química’, sagas de películas como ‘Crepúsculo’, o el mayor fenómeno fan de nuestro país hasta la fecha, que fue la primera edición de Operación Triunfo.

En 34 años, las portadas siguieron la evolución social del momento y fueron un claro reflejo de la cultura popular. Rosalía es el mejor ejemplo para protagonizar esta ocasional vuelta, pues la cantante se ha convertido en una de las artistas más conocidas del mundo. “Prepárate porque te traemos los 20 secretos más top de Rosalía... ¡Sus deseos, manías y sorpresas que te encantarán!”, se puede leer en la contraportada.

En el cierre de 2025, la agrupación de los años noventa ‘Mercurio’ continúa los festejos por sus 30 años de trayectoria e informó que tendrá un último invitado para su presentación en la Ciudad de México.

Esto forma parte del proyecto ‘Mercurio and Friends’, que incluye como invitados a diferentes figuras de grupos musicales o solistas vinculados al pop en español.

El show de ‘Mercurio and Friends’ está programado para el viernes 19 de diciembre en la Ciudad de México, marcando así la segunda vez que la banda noventera participa en este formato.

Asimismo, Mercurio ofreció un espectáculo a finales de noviembre en Monterrey, Nuevo León, como parte de este proyecto creado para celebrar sus tres décadas sobre los escenarios.

La agrupación mencionó quiénes son los artistas invitados para este último concierto de 2025, que se llevará a cabo en la Ciudad de México.

A través de sus redes sociales, las últimas semanas dieron a conocer a los invitados especiales, quienes serán sus ‘friends’.

Los ‘friends’, como los llama el conjunto musical, cantan las canciones de ‘Mercurio’ y la propia agrupación también lo hace con las melodías de los invitados.

¿Quiénes son los invitados especiales para el concierto de ‘Mercurio and Friends’ este próximo viernes 19 de diciembre en la CDMX?

Los artistas invitados para su último concierto en la Ciudad de México de este próximo viernes 19 de diciembre son: Alan Ibarra, integrante de Magneto; Ari Boroboy, exmiembro de OV7 y Rodrigo Dávila, vocalista de Motel.

Por lo tanto, los tres artistas estarán en el escenario musical junto con la agrupación noventera para celebrar los 30 años de carrera de Mercurio.

Hasta el momento no se sabe si habrá sorpresas durante el concierto como algún invitado extra, además de los ya mencionados.

De igual manera, la banda noventera no ha dado a conocer si habrá otra fecha de conciertos bajo este mismo proyecto musical como parte de su gira de celebración de tres décadas en los escenarios musicales.

Éxito de ‘Mercurio and Friends’

El éxito del formato de ‘Mercurio and Friends’ comenzó a finales de mayo de este 2025 en la Ciudad de México, cuando la agrupación comenzó con los festejos de sus 30 años de carrera.

Fue el sábado 24 de mayo cuando la agrupación se presentó con invitados especiales, en el salón de espectáculos ‘La Maraka’.

Durante el primer concierto en la Ciudad de México estuvieron presentes: Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba y Diego Schoening.

Un nuevo concierto se prepara en este mismo recinto de la capital del país para el viernes 19 de diciembre. Hasta el momento, Ari Boroboy, exintegrante de OV7, y Alan Ibarra, de Magneto, son los primeros invitados confirmados.

Para finalizar este 2025, el grupo noventero ‘Mercurio’ sigue con sus festejos por su 30 aniversario y ha anunciado que para su concierto en la Ciudad de México tiene un último artista invitado.

Lo anterior como parte del proyecto ‘Mercurio and Friends’, el cual tiene como invitados especiales a varios artistas de diferentes grupos musicales o que cantaron en solitario del pop en español.

El concierto de ‘Mercurio and Friends’ se llevará a cabo este próximo viernes 19 de diciembre en la Ciudad de México, por lo que se trataría la segunda ocasión en que la banda noventera se presenta bajo este proyecto.

De igual manera, Mercurio se presentó en Monterrey, Nuevo León, con este proyecto musical, el cual se armó para festejar sus 30 años en el escenario.

Hasta el momento ya hay dos artistas invitados para ser los ‘friends’ que acompañarán a Mercurio en esta próxima fecha en la Ciudad de México.

Cabe destacar que estos artistas invitados cantan algunas canciones de la agrupación noventera; en tanto, ellos también entonan las melodías de los ‘friends’.

¿Quiénes son los dos artistas invitados para el último concierto de ‘Mercurio and Friends’?

Alan Ibarra, integrante de Magneto, y Ari Boroboy, exmiembro de OV7, fueron los primeros dos artistas confirmados para compartir escenario con Mercurio.

Hace algunos días se había anunciado a José Luis Roma, integrante de Río Roma, para formar parte de este próximo concierto de ‘Mercurio and Friends’, pero en el último promocional de la banda noventera, que compartieron en sus redes sociales oficiales, el artista ya no aparece.

Hasta el momento, José Luis o Mercurio se han pronunciado por el hecho de que el artista ya no aparece como promocional para este concierto en la Ciudad de México este próximo viernes 19 de diciembre.

El pasado martes 16 de diciembre, Mercurio compartió quién sería el siguiente y último artista invitado para su concierto en la capital del país con el que continuarán festejando tres décadas en los escenarios.

¿Quién será el siguiente y último artista invitado para ‘Mercurio and Friends’ este mes de diciembre en la CDMX?

Rodrigo Dávila, vocalista de Motel, será el siguiente artista invitado para ‘Mercurio and Friends’ este próximo viernes 19 de diciembre en el salón de espectáculos La Maraka.

Por lo tanto, habrá tres invitados especiales para dicha presentación en la capital del país.

Este es Rodrigo Dávila, vocalista de Motel e invitado especial para concierto en CDMX de ‘Mercurio and Friends’

Rodrigo Dávila Chapoy es un músico, compositor y productor mexicano, conocido principalmente como el vocalista de la banda de pop rock Motel.

Nació en la Ciudad de México el 22 de diciembre de 1978. La agrupación Motel, formada a principios de los años 2000, ganó popularidad en Latinoamérica con éxitos como “Dime ven” y “Lejos estamos mejor”, donde la voz y composiciones de Dávila se convirtieron en un sello distintivo.

A lo largo de su carrera, Rodrigo Dávila se ha destacado por su capacidad como multiinstrumentista y por colaborar con diversos artistas en la escena musical mexicana.

También ha incursionado en la composición de música para cine y televisión, así como en la producción discográfica.

Además de su trabajo con Motel, ha desarrollado proyectos paralelos y mantiene una presencia constante en eventos y festivales. Es hijo de la periodista mexicana Pati Chapoy.

El momento fue filmado justo después de que se reuniera en privado con sobrevivientes y familiares de las víctimas de una violencia atroz ocurrida semanas antes en Southport, Inglaterra, cuando un joven de 17 años irrumpió con un cuchillo en una clase de baile temática de Taylor Swift y mató a tres niñas pequeñas. Días después del ataque, tuvo que cancelar conciertos en Viena cuando la policía arrestó a hombres acusados de planear un atentado terrorista en el lugar del concierto.

“Desde el punto de vista mental, simplemente vivo en una realidad que es muy irreal la mayor parte del tiempo”, dice Taylor Swift en off. “Pero mi trabajo consiste en poder manejar todos estos sentimientos y luego animarme de inmediato para actuar. Así es como tiene que ser”. Pronto, está en el escenario sonriendo ante las decenas de miles de fans eufóricos en el público, que gritan y cantan cada palabra.

Es bien sabido que la gira Eras Tour 2023-24 fue un fenómeno. La gira de conciertos más exitosa de la historia recaudó más de 2 mil millones de dólares, impulsando las economías locales en cada ciudad que visitó durante un recorrido de dos años y 149 espectáculos alrededor del mundo. Por eso es significativo que los productores incluyeran un recordatorio de su devastación tras bambalinas tan temprano en El fin de una era, un documental de seis episodios sobre la creación de la gira que se estrenó el viernes en Disney+. A pesar de que su trabajo le exige subirse al escenario y ofrecer una vía de escape de la realidad a millones de personas, los horrores de la vida real también la afectan.

La serie marca la primera vez que Taylor Swift habla públicamente sobre la tragedia de Southport o los hechos de Viena. Emitió comunicados escritos cuando ambos ocurrieron y afirmó que la seguridad de los fans era su prioridad. Aun así, su estatus de celebridad exige un aislamiento que pocos pueden comprender. Antes de que se reuniera con las familias de Southport en el concierto, las cámaras mostraron que se sentó con su amigo de toda la vida Ed Sheeran, a quien había invitado para sorprender al público esa noche con un dueto. Ella luchaba con los nervios tras la cancelación de los conciertos en Viena y tenía un descanso de dos meses después de sus presentaciones en Londres.

“Voy a ir a algún lugar donde nadie pueda encontrarme. No quiero que me rastreen como a un animal. Últimamente me he sentido muy cazada”, confiesa. “Siento que la gente ha olvidado que también eres un ser humano en medio de todo esto”, le dice Sheeran. “Cien por ciento”, coincide ella. Después del concierto, no pudo relajarse del todo hasta que su mánager de gira, Robert Allen, le aseguró que “no pasó nada malo” mientras estaba en el escenario.

Taylor Swift ha destacado esta idea a lo largo de su carrera y lo sigue haciendo en la docuserie, que por lo demás se centra principalmente en su público entusiasta y en la mecánica tras bambalinas para sacar adelante los conciertos. Aquí algunos otros puntos clave de los dos primeros episodios. (Los próximos cuatro episodios se emitirán en dos entregas dobles los viernes 19 y el 26 de diciembre, respectivamente).

Incluso ella y su equipo siguen intentando explicar qué hizo de la Eras Tour un fenómeno. Swift explica que se le ocurrió la idea de la gira tras dos experiencias “desagradables”: la venta de sus grabaciones originales al ejecutivo musical Scooter Braun (cuyo nombre evita pronunciar), lo que la llevó a regrabar sus seis primeros álbumes y sembró la idea de celebrar su trabajo pasado (“Siento que estoy leyendo mis viejos diarios, pensando en todas las chicas diferentes que fui hasta convertirme en esta”); y la pandemia que canceló sus conciertos planeados para 2020, lo que, según ella, dejó una demanda contenida por espectáculos en vivo.

Aun así, la cantante dice que se sorprendió por el nivel de interés. Vemos breves fragmentos de noticieros sobre el “caos” de los fans intentando conseguir entradas, aunque no se menciona cómo la locura impulsó una investigación del Congreso de Estados Unidos sobre la industria de venta de entradas para espectáculos.

Taylor Swift y su equipo intentan explicar qué hizo destacar el Eras Tour. “Es solo un espectáculo, es solo música, pero aquí está ocurriendo algo más profundo”, dice Amos Heller, su bajista desde 2007. La teoría la protagonista atribuye el fenómeno a una discografía que abarca desde canciones pop alegres hasta baladas de desesperación emocional: “La vida contiene multitudes, y estamos explorando todos los extremos dramáticos de esas cosas; eso es lo que podría estar desbloqueando sentimientos de alegría, sentimientos de euforia”.

Una gira abrumadora

Los dos primeros episodios ofrecen destellos de lo que implica armar un gran espectáculo en un estadio: los primeros bocetos del escenario, las notas adhesivas con todas sus canciones, los diseños de vestuario, los cientos de miembros del equipo. Swift dice que empezó a entrenar físicamente unos seis meses antes de que comenzaran los ensayos, mientras que su banda y bailarines pasaron semanas aprendiendo la música y la coreografía. Luego todos tuvieron que aprender un nuevo repertorio cuando se añadió un nuevo segmento al show, reflejando el lanzamiento del álbum Tortured Poets Department”, así como la coreografía para una actuación especial junto a Florence Welch en Londres para cantar “Florida!!!”.

En un momento, un empleado le dice a Swift que algunos de los “chicos de audio” se tatuaron en honor a la gira. Ella pregunta por qué incorporaron la imagen de la Parca. Porque los espectáculos “casi los matan”, sugiere su madre.

Hay recompensa

Circularon historias sobre la estrella pop entregando millones en bonificaciones al personal de la gira, incluidos 100 mil dólares a cada conductor de camión. La serie la muestra escribiendo notas de agradecimiento personalizadas con sobres sellados con cera.

La vemos agradeciendo a sus bailarines de apoyo. A uno de ellos, el favorito de los fans Kameron Saunders, le piden que lea en voz alta un poema que aparecería en los sobres de todos. “Viajamos por el mundo como nos propusimos. Deslumbramos al público, pero también extrañamos a la familia. Mi gratitud total no viene de un banco. Pero aquí tienes [bip] solo para decir gracias. Con amor, Taylor”.

Los espectadores no llegan a oír la cantidad censurada, pero por los jadeos de asombro y la cantidad de bailarines que rompieron a llorar, parecía ser una suma considerable.

Travis Kelce, el primer fan

Los fans por fin pudieron ver la relación de Taylor Swift con su prometido, la estrella de fútbol americano Travis Kelce, cuando ella apareció en su pódcast en agosto; durante el episodio de dos horas, él la elogió en cada oportunidad, llamándola la mejor compositora del mundo. Ahora, en una escena, la vemos a ella en un coche camino a Wembley cuando recibe una llamada de él, que se dirige a un entrenamiento. Él expresa asombro de que ella y Ed Sheeran fueran a ensayar rápidamente un popurrí antes de interpretarlo ante decenas de miles de personas. “No sé. ¿Cómo recuerdas 36.000 jugadas que son misiones tácticas completas y luego simplemente las haces?”, dice Taylor. “Es lo mismo”.

Preguntas sin respuesta

Las Swifties tenían grandes esperanzas de que esta serie respondiera a sus preguntas más candentes: ¿Por qué no incluyó su álbum debut como una de sus “eras”? ¿Por qué solo hubo una canción de Speak Now? ¿Sus adorados gatos realmente viajan con ella a cada lugar? Hasta ahora, la docuserie parece centrarse en la segunda mitad de la gira más que en la preparación, lo que podría responder algunas de esas preguntas… Pero al menos los fans ya pueden ver cómo era el interior del falso carrito de limpieza en el que Taylor Swift era transportada al escenario cada noche.

Fuente: The Washington Post

JNS pidió a sus fans que decidieran en qué ciudades y estados de la República Mexicana se presentarán para el siguiente año.

Lo anterior como parte de su gira de conciertos que la agrupación tiene programada para 2026 por los festejos de su 30 aniversario.

En días pasados, Angie Taddei, integrante del grupo, adelantó que se tienen preparadas celebraciones para el siguiente año. Detalló que invitarán a exintegrantes que han pertenecido a la agrupación anteriormente.

“Sí, sin duda vamos a hacer algo para los 30 años, sin duda vamos a invitar a las J’s para que vengan a cantar, a las Jeans de antes de los noventas, para que hagamos algo juntas”, expresó la artista en entrevista.

A través de sus redes sociales, JNS compartió un video donde se leen varias ciudades de la República Mexicana, donde al final del material se observa la frase: ¿Dónde nos quieres ver?

Entre las ciudades que se pueden leer en el material se encuentran: Cancún, Querétaro, Puebla, Veracruz, Mérida.

Junto al video compartido en la cuenta oficial de Instagram, las intérpretes de ‘Entre azul y buenas noches’, ‘Pepe’ y ‘Enferma de amor’ escribieron:

“Nuestras ganas de estar con ustedes nunca se acaban. Se viene un gran año para las JNS y todos muestran fans que nos han acompañado a lo largo de nuestra carrera”, escribió JNS en sus redes sociales oficiales.

Hasta el momento no se han dado a conocer más detalles sobre estos conciertos programados para 2026 para festejar los 30 años de carrera de la agrupación.

De igual manera, se desconocen fechas y si las ciudades que compartieron en el video de sus redes sociales son las oficiales donde se presentarán.

Fans de JNS comienzan a escribir en qué ciudades quieren que la agrupación se presente en 2026

En la cuenta oficial de Instagram de JNS, por medio de la publicación mencionada anteriormente, fans escribieron las ciudades y recintos donde quieren que la agrupación se presente.

Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara y Estado de México son algunas de las ciudades y entidades donde los seguidores del conjunto de pop noventero quieren que se presente.

Auditorio Nacional y Teatro Metropolitan, de la Ciudad de México, son algunos de los recintos que más solicitan los fans para que las JNS se presenten en el 2026 como parte de su gira de conciertos por la República Mexicana para festejar sus 30 años de carrera musical.

Así fue el inicio de JNS (antes Jeans)

El grupo JNS, antes conocido como Jeans, surgió en la Ciudad de México en 1994, cuando Patricia Sirvent y cinco amigas formaron una agrupación enfocada en el pop dirigido al público juvenil.

Tras varios cambios en la alineación, el cuarteto logró consolidarse con Paty Sirvent, Karla Díaz-Leal, Melissa López y Angie Taddei, quienes se convirtieron en las integrantes más representativas.

En 1996, lanzaron su álbum debut “Jeans”, que incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, posicionándose rápidamente en la industria musical mexicana y latinoamericana.

El grupo experimentó un ascenso notorio durante la década de 1990 y principios de 2000, impulsado por temas pop y coreografías dirigidas a adolescentes.

Un escenario iluminado, una multitud emocionada, el piano que arranca con “Your Song”. Hasta hace poco, nada parecía capaz de detener la energía inconfundible de Elton John. Pero lejos de los reflectores, el ícono británico enfrenta el reto más inesperado de su vida: una drástica pérdida de visión tras una infección ocular. El diagnóstico sorprendió incluso a los médicos. No era la primera vez que la salud amenazaba la carrera y la rutina de una de las mayores leyendas vivas del pop.

A lo largo de los años, el cantante lidió con varios desafíos médicos que marcaron sus etapas como artista y como persona. Desde el consumo problemático de sustancias en los años setenta y ochenta hasta afecciones físicas propias del desgaste, nunca ocultó su batalla por mantenerse en pie.

Entre los episodios de salud pública más conocidos del músico destaca su ingreso a rehabilitación en 1990 para combatir la adicción al alcohol, la cocaína y los trastornos alimentarios. Aquella decisión, según relató el propio Elton en diversas entrevistas, le salvó la vida. Desde entonces, ha promovido la salud mental y la prevención de adicciones, fundando y liderando campañas junto a la Elton John AIDS Foundation.

En los últimos años, su salud física también requirió atención médica significativa. En 2017, el cantante de hits como I’m Still Standing fue hospitalizado tras una grave infección bacteriana contraída durante una gira por Sudamérica, que obligó a cancelar varios conciertos. Aquella vez, los médicos describieron el estado como potencialmente mortal, pero la reacción temprana y los tratamientos intensivos permitieron su recuperación.

Más adelante, en 2021, sufrió una caída en su residencia que le provocó problemas en la cadera. La lesión llevó a postergar fechas de su gira de despedida, y finalmente el cantante debió someterse a reemplazo de ambas rodillas, recuperando movilidad, aunque siempre bajo control médico regular.

La batalla actual: ¿cómo perdió la visión Elton John?

En el verano de 2024, durante unas vacaciones en la Costa Azul de Francia, Elton John contrajo una infección ocular que comprometió radicalmente su visión. El virus afectó ambos ojos y dejó al artista completamente ciego de su ojo derecho, según confirmó People. El izquierdo, a pesar de los esfuerzos y tratamientos médicos, sólo mantiene capacidad visual limitada.

La dolencia obligó al músico a modificar prácticamente todas las facetas de su día a día. “Ha sido devastador. Perdí el ojo derecho y el izquierdo tampoco está bien. No puedo ver la televisión, no puedo leer, ni ver a mis hijos jugar”, afirmó el cantante a Variety.

Su familia, encabezada por su esposo David Furnish, reorganizó rutinas y apoyos. La imposibilidad de ver partituras llevó a adaptar los procesos de composición y grabación, incorporando tecnologías como pantallas de alto contraste, teleprompter personalizado y formatos de letras en gran tamaño.

Qué tratamientos médicos siguió y cuál es el pronóstico

Según explicó David Furnish –presidente de la Fundación e indispensable en el cuidado de su esposo–, el daño en la retina derecha es irreversible, pues el tejido retinal no sana naturalmente. Sin embargo, continúan tratamientos experimentales en el ojo izquierdo, incluyendo aplicaciones de tecnología e inteligencia artificial para facilitar la rehabilitación visual.

Los médicos que tratan al artista destacan que la ciencia avanza y existen investigaciones en curso sobre cuidados de la retina y estimulación visual. Por ahora, el objetivo se centra en conservar el residuo visual y garantizar calidad de vida. “He tenido una vida increíble y tengo esperanza. Debo ser paciente y confiar en la ciencia”, afirmó el propio John.

¿Cómo impactó la salud en su vida personal y artística?

La vida cotidiana y el entorno profesional del músico han cambiado drásticamente. Ya no puede asistir a eventos públicos ni observar los conciertos de otros artistas como antes. La firma autógrafa, célebre en la cultura pop, debió simplificarse; ahora consiste en una “E” y una “X”. No puede ver a sus hijos, Zachary y Elijah, durante sus partidos deportivos, hecho que describió como una de las pérdidas emocionales más profundas que ha sufrido.

En el estudio, la producción musical encontró alternativas para mantener la creatividad. Se utilizan pantallas de computadora de gran tamaño y teleprompters con tipografías muy visibles. El propio Bernie Taupin, colaborador de toda la vida, le recita las letras de las canciones cuando la visión del artista no alcanza para leerlas.

¿Elton John dejó los escenarios por motivos de salud?

En términos de giras, Elton John sí optó por finalizar su etapa de conciertos multitudinarios. El impacto de las recaídas físicas y la necesidad de priorizar la salud lo llevaron a despedirse de los escenarios tras su tour Farewell Yellow Brick Road. No obstante, continúa presentándose en eventos seleccionados y en galas benéficas para la Elton John AIDS Foundation.

Aunque la severidad de su condición obliga a una agenda menos pública, el músico pone énfasis en su red de apoyo: familia, colegas y amigos como Paul McCartney o Keith Richards, quienes lo acompañan en este proceso.

Pese a los obstáculos, el cantante de temas como Rocket Man insiste en mantener la actitud positiva, confiando en los avances médicos y científicos. “No puedes perder la esperanza, siempre hay que intentar mejorar las cosas”, repitió ante Variety.

La banda noventera de pop en español, Mercurio, ha dado a conocer quién será el tercer ‘friends’ o invitado especial para su concierto que darán en la Ciudad de México este diciembre de 2025.

Lo anterior forma parte de la serie de conciertos que han dado ofrecido por varias ciudades de la República Mexicana, por sus 30 años de carrera musical.

Para celebrar las tres décadas en los escenarios, la banda noventera se ha presentado bajo el formato ‘Mercurio and Friends’, donde comparten el evento musical con invitados especiales.

Los ‘friends’, como los llama el conjunto musical, cantan las canciones de ‘Mercurio’ y la propia agrupación también lo hace con las melodías de los invitados.

‘Mercurio and Friends’ volverá a presentarse en la Ciudad de México, para volver a repetir el éxito que tuvo este formato el pasado sábado 24 de mayo en la capital del país.

El evento musical tuvo lugar en el salón de espectáculos ‘La Maraka’ en dicha fecha, donde se registró un ‘lleno total’. El concierto tuvo a cuatro invitados especiales.

Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba, exintegrante de OV7, y Diego Schoening, exintegrante de Timbiriche, fueron los ‘friends’ o invitados especiales por la agrupación para su ‘Mercurio and Friends’.

Ahora, el conjunto musical tendrá nuevamente un concierto para finalizar este 2025 y seguir con el festejo de sus 30 años.

El segundo evento musical en la Ciudad de México será el viernes 19 de diciembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’.

Dos artistas habían sido confirmados como los ‘friends’ o invitados especiales para el evento musical mencionado anteriormente.

Alan Ibarra, integrante de Magneto, y Ari Boroboy, exmiembro de OV7, fueron los primeros dos artistas confirmados para compartir escenario con Mercurio. El pasado miércoles 3 de diciembre se notificó quién sería el tercer invitado especial.

¿Quién será el tercer invitado especial para el concierto de ‘Mercurio and Friends’ este mes de diciembre?

José Luis Roma, integrante de Río Roma, es el tercer invitado especial para el concierto de ‘Mercurio and Friends’ del viernes 19 de diciembre en La Maraka.

Esta noticia fue confirmada por la agrupación noventera a través de sus redes sociales oficiales.

Por lo tanto, hasta este jueves 4 de diciembre, los artistas confirmados son: Alan Ibarra, Ari Boroboy y José Luis Roma.

Hasta el momento no se sabe si habrá más artistas invitados para este concierto, pero Mercurio en sus sitios de internet oficiales invitó a sus fans a mantenerse al pendiente.

Recientemente, Mercurio se presentó en Monterrey, Nuevo León, en una doble fecha con el mismo formato de ‘friends’.

Los artistas invitados fueron: Mario Sandoval, Érika Zaba y Diego Schoening. Los conciertos tuvieron lugar en el Dion Live Center el viernes 28 y sábado 29 de noviembre.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya ha tenido varias presentaciones en diferentes estados de la República Mexicana este 2025.

La llamada ‘máquina del tiempo’ se renovó y ahora se ha presentado en tres ocasiones en su versión ‘Antro’. Debido al éxito que ha alcanzado, ya se han anunciado varias fechas para próximas presentaciones.

Recientemente, en la agenda del elenco del 90’s Pop Tour ‘Antro’ suma una nueva fecha y presentación en una ciudad de la República Mexicana para 2026.

Hasta el momento, las fechas de presentación del 90’s Pop Tour ‘Antro’ que ya han sido realizadas han sido en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México y en la Arena Guadalajara, de la ciudad de Jalisco del mismo nombre.

El 90’s Pop Tour se presentó con doble fecha el viernes 24 y sábado 25 de noviembre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, con lo que arrancó este renovado proyecto musical en su versión ‘Antro’.

Posteriormente, el pasado 21 de noviembre, esta versión de las mejores canciones de pop de los noventas en español se llevó a cabo en la Arena Guadalajara.

En las redes oficiales del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se han presentado varias fechas ya confirmadas y programadas en diferentes ciudades de México para 2026.

Este fin de semana se confirmó una nueva fecha para otra ciudad durante el 2026.

¿En qué otra ciudad se presentará el 90’s Pop Tour ‘Antro’?

En las redes sociales del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se confirmó la nueva fecha de concierto.

Se trata del viernes 18 de septiembre en la Arena Guadalajara, en la ciudad del mismo nombre del estado de Jalisco.

Cabe resaltar que el proyecto ya se presentó el pasado viernes 21 de noviembre, como se mencionó anteriormente, por lo que se plantea volver a repetir el mismo éxito obtenido que en el primer concierto.

Próximas fechas del 90’s Pop Tour ‘Antro’

De acuerdo con lo anunciado por los artistas y demás, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ llegará con varias fechas para inicios del siguiente año, por lo que el elenco se presentará en estas ciudades.

Entre las fechas están:

Viernes 20 de febrero en la Arena Monterrey en el estado de Nuevo León.

Sábado 14 de marzo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

¿Qué artistas se presentarán en el 90’s Pop Tour ‘Antro’ en la Arena Guadalajara?

JNS, Kabah, Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló son los artistas que formarán parte del elenco del 90’s Pop Tour ‘Antro’ para el próximo concierto del viernes 19 de septiembre en la Arena Guadalajara.

Hasta el momento son parte del elenco confirmado para esta fecha, así como las demás presentaciones que se han llevado a cabo y para las otras ciudades del país.

Los Bunkers se presentaron en la Ciudad de México para ofrecer un concierto, el cual registró un lleno total.

El evento fue realizado el pasado miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, ubicado en la alcaldía Benito Juárez de la capital del país.

La banda chilena anunció el evento musical desde hace varios meses, donde mencionaron que estaban emocionados, ya que para ellos la Ciudad de México es como su segunda casa.

De acuerdo a la información publicada en sus redes sociales oficiales, el concierto, el cual arrancó a las 21:00 horas, registró un lleno total.

De igual manera, a través de sus redes sociales oficiales, Los Bunkers compartieron diferentes fotografías de la noche del concierto del pasado miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’.

Esta presentación en la Ciudad de México forma parte de varios conciertos programados en el país por parte de la banda chilena para antes de finalizar el 2025.

En los próximos días, la agrupación se presentará el 29 de noviembre en el Auditorio Normal en Xalapa, Veracruz.

Posteriormente, el 5 de diciembre en el Auditorio Arena en la ciudad de Pachuca y, por último, en la Feria de la Piñata en Acolman, Estado de México.

Breve historia de ‘Los Bunkers’

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

La cantante de La Palma de Gran Canaria ha pasado por uno de los años más complicados de su carrera. Valeria lleva una trayectoria imparable desde que empezó a subir versiones en redes sociales hasta la entrega de este galardón. En 2023 sacó su primer álbum y en tan solo dos años ha conseguido cuatro nominaciones a los Latin Grammy y a los premios Goya. En marzo de 2025 sacó su segundo disco, El cuerpo después de todo, que la ha llevado por todo Europa y Latinoamérica. No fue hasta el pasado mes, cuando decidió bajarse de este ritmo y de los escenarios durante un tiempo.

El pasado mes fue a actuar a Operación Triunfo 2025 junto a Dani Fernández y entonces ahí decidió que que necesitaba un tiempo para cuidarse y descansar. Junto con este malestar y el fallecimiento de su abuela Micaela, a la que ha dedicado muchas canciones, Valeria hizo un comunicado a través de sus redes sociales. “Me veo obligada a tomar una pausa en este camino para recuperarme física y mentalmente, necesito parar para que esto tenga sentido y poder volver con fuerza”. Desde ese mensaje público el 16 de octubre no se supo nada más, ni en sus redes ni sobre los escenarios.

Ayer, 26 de noviembre de 2025 reapareció para recibir el Premio Ondas a Fenómeno Musical del año ex aequo con Guitarricadelafuente. Fue una gala cargada de emociones donde el jurado destacó “su habilidad para contar historias y emocionarnos con ellas”, así como “su capacidad para transformar el dolor colectivo en arte que sana y une”. Además subrayaron “la autenticidad y la honestidad humana y musical” de la artista, cuyo trabajo parte de un profundo respeto por sus raíces canarias. El fallo celebra que Castro haya logrado “mantenerse fiel a sí misma mientras da un salto profesional de enorme calado”.

“He llegado al límite de mi cuerpo”

La cantautora decidió empezar su discurso agradeciendo a sus padres que “le dieron la vida y la acompañan hoy”, luego no dudó en mencionar a su abuela de la que ha heredado “toda su fuerza” y a su equipo por arroparla durante este tiempo. Valeria aprovechó el momento para explicar como se encuentra: “Hoy que tengo un micrófono que me da voz les cuento que la voz no es algo inerte, vive en la garganta y con lo que pasamos y con como nos tratamos, con el límite del cuerpo después de todo”. Tras referenciar a su último disco quiso hablar de como se sentía respecto a la industria para anunciar a su público que volverá.

“El ruido y los estímulos extremos del mundo nos hacen pensar que hay que tirar pa’ lante como sea y yo creo que está muy bien, siempre y cuando no pasemos por encima de nosotras mismas”. Para finalizar su discurso, con un nudo en la garganta la cantante explica que se siente como un “cristalito” y que todo lo que le sucede se le nota y traspasa pero justo es desde ese lugar desde el que ha compuesto todas su canciones. “Es con esta transparencia, con esta fragilidad con la que aprendí a hacer canciones que a mí me han salvado”.

Entonces, de forma sincera y en última instancia quiso dar gracias a aquellos que han valorado esa forma frágil de cantar y que le permiten dedicarse a ella. No quiso quedarse ahí, Valeria lanzó de forma elegante un dardo al tiempo actual donde todo va deprisa y la música ocupa espacios de escasos segundos como el resto de modas.

Los planes de futuro

Castro confirma que retomará sus conciertos el 8 de diciembre en Vigo, para continuar el 11 en Mallorca, el 21 en Burgos y el 9 de enero en el Movistar Arena. Tras un mes de baja, asegura haberse rodeado “de grandes profesionales” que la han ayudado a encauzar el proceso: “Es un proceso largo pero me han ayudado a protegerme y cuidarme para continuar mi trabajo”.

“Este Ondas me recuerda que se puede hacer música desde la honestidad, sin prisa, sin fingir fortaleza y siendo nada más que un ser humano”. Con las raíces siempre presentes, Valeria arrancó un gran aplauso entre las gradas nombrando a su tierra. “Gracias por último a mi tierra, que son gente de heridas reconstruidas y esta mujer de La Palma no va a ser menos”.

Los Bunkers ya preparan sus últimos detalles para su concierto en la Ciudad de México este próximo miércoles 26 de noviembre.

En entrevista, Mauricio Durán, integrante de la banda chilena, reveló sentirse entusiasmado por presentarse en la capital del país, la cual consideran como su segunda casa.

El concierto de Los Bunkers se llevará a cabo este próximo miércoles 26 de noviembre en el salón de espectáculos La Maraka, en la Ciudad de México.

Durán destacó la trayectoria musical que ha tenido el grupo, así como sus diferentes presentaciones en México, donde revelaron sentirse muy queridos por los fans en el país.

Mencionaron que el concierto en la Ciudad de México formará parte de sus últimas presentaciones por todo el país, las cuales están programadas en otros estados de la República Mexicana.

Sin dar mayores detalles, dieron a conocer que para este concierto habrá sorpresas e invitados especiales, por lo que hicieron una invitación a asistir.

En cuanto a su convivencia, reveló que no se han enfrentado con adversidades tras su reencuentro para pisar los diferentes escenarios de todo el mundo.

Asimismo, en cuanto al concierto que ofrecerán en la Ciudad de México en La Maraka, indicaron que ya tienen listo el repertorio para el evento musical.

Breve historia de ‘Los Bunkers’

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

Angie Taddei, integrante de JNS, informó que el conjunto musical prepara sorpresas para el 2026, debido a que se cumplen 30 años de la conformación del grupo.

En entrevista, la cantante reveló que hay muchas sorpresas para el siguiente año, ya que el conjunto musical llega a tres décadas de pisar los escenarios.

Aunque no dio muchos detalles al respecto, indicó que los 30 años de la agrupación merecen una celebración importante.

Mencionó que para los festejos de los 30 años del grupo invitarán a exintegrantes de esta misma agrupación de años anteriores.

“Sí, sin duda vamos a hacer algo para los 30 años, sin duda vamos a invitar a las J’s para que vengan a cantar, a las Jeans de antes de los noventas, para que hagamos algo juntas”, expresó la artista.

Taddei expresó que la historia de los 30 años de JNS se cuenta con todas las integrantes que han pasado por esta alineación a través de los años.

Por último, aseveró que estos 30 años merecen una celebración importante.

No se dieron más detalles acerca de conciertos, fechas y cómo será la dinámica de cada evento musical. Tampoco se dio a conocer quiénes serán las exintegrantes que participarán en estos festejos de los 30 años.

Así se fue conformando JNS

El grupo JNS, antes conocido como Jeans, surgió en la Ciudad de México en 1994, cuando Patricia Sirvent y cinco amigas formaron una agrupación enfocada en el pop dirigido al público juvenil.

Tras varios cambios en la alineación, el cuarteto logró consolidarse con Paty Sirvent, Karla Díaz-Leal, Melissa López y Angie Taddei, quienes se convirtieron en las integrantes más representativas.

En 1996, lanzaron su álbum debut “Jeans”, que incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, posicionándose rápidamente en la industria musical mexicana y latinoamericana.

El grupo experimentó un ascenso notorio durante la década de 1990 y principios de 2000, impulsado por temas pop y coreografías dirigidas a adolescentes.

Canciones como “Enferma de amor” y “Dime que me amas” fortalecieron su presencia en la radio y televisión.

A lo largo de su historia, JNS enfrentó salidas y regresos de integrantes: Karla Díaz, Melissa López, Angie Taddei y Regina Murgia, pero mantuvo su popularidad con giras y lanzamientos constantes.

En 2015, el grupo adoptó el nombre JNS y se reincorporó a los escenarios como parte de la gira “90’s Pop Tour”, reuniendo a miles de seguidores.

Su legado en la música pop mexicana permanece vigente, influenciando nuevas generaciones y consolidando su trayectoria con presentaciones en distintas regiones del país.

El año pasado, una de sus principales integrantes, Karla Díaz, dejó el grupo por motivos de agendas, lo que asombró a los fans, ya que era una de las que se habían mantenido en el conjunto desde sus inicios.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ tuvo una edición más ahora en la Arena Guadalajara, ubicada en la ciudad del mismo nombre en el estado de Jalisco.

Luego de dos conciertos en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México el pasado viernes 24 y sábado 25 de octubre, la llamada ‘máquina del tiempo’, que reúne a los artistas de pop de los noventas, llegó a esta ciudad del país.

En redes sociales, se compartieron fotografías y videos por parte de los fans y en las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour ‘Antro’ del evento musical llevado a cabo a finales de la semana pasada.

A través de redes sociales, se difundió un video donde se observa que durante el concierto se registró una falla en el sonido, lo que provocó que no se escuchara la voz de los artistas.

El momento quedó viralizado en las redes, donde la mayor parte del elenco que integra el 90’s Pop Tour ‘Antro’ se encontraba en el escenario cantando la canción de ‘Enloquéceme’, del grupo OV7.

El momento fue evidente cuando Ari Boroboy estaba cantando un fragmento de la canción y, posteriormente, era el turno de Kalimba y su voz no se escuchaba en el escenario.

Posteriormente, el elenco del 90’s Pop Tour ‘Antro’ también comenzó a cantar, pero ninguna de las voces se escuchaba, solamente la de Ari Borovoy.

El momento quedó captado por una fan, quien lo compartió en redes sociales oficiales y el momento se hizo viral.

Pese a que el elenco completo del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se dio cuenta de la falla de audio que estaba sucediendo, siguió cantando y bailando, mientras el público asistente les aplaudía en reiteradas ocasiones.

Hasta el momento, ni la Arena Guadalajara ni algún integrante del elenco del 90’s Pop Tour, se pronunció por estas fallas de sonido.

Próximas fechas del 90’s Pop Tour ‘Antro’

De acuerdo con lo anunciado por los artistas y demás, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ llegará con varias fechas para inicios del siguiente año, por lo que el elenco se presentará en estas ciudades.

Entre las fechas están:

Viernes 20 de febrero en la Arena Monterrey en el estado de Nuevo León.

Sábado 14 de marzo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

¿Qué artistas se presentaron en el 90’s Pop Tour ‘Antro’ en la Arena Guadalajara?

JNS, Kabah, Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló son los artistas que formaron parte del elenco del 90’s Pop Tour ‘Antro’ el pasado viernes 21 de noviembre.

Pese a lo ocurrido, el recinto registró un ‘lleno total’, donde los fans cantaron, aplaudieron y bailaron las mejores canciones de la década de los noventas de la música de pop en español.

Miles de asistentes se dieron cita la noche del viernes 21 de noviembre en la Arena Guadalajara para presenciar el concierto del 90’s Pop Tour ‘Antro’.

Este espectáculo reunió sobre el escenario a algunos de los artistas y agrupaciones más emblemáticos del pop latino de la última década del siglo pasado.

En esta edición, participaron JNS, Kabah, Ari Borovoy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló, quienes interpretaron una selección de sus éxitos ante un público que revivió los sonidos y las coreografías características de la época.

Desde los primeros minutos del evento, la audiencia coreó temas que marcaron tendencia en los años 90.

A lo largo del concierto, el foco recayó en la interacción de los artistas con los asistentes, quienes respondieron con ovaciones y cánticos en cada bloque musical.

La participación de Ari Borovoy y Erika Zaba, exintegrantes de la banda OV7, destacó por el reencuentro con el público tapatío, quienes también estuvieron acompañados de Kalimba y M’Balia.

El componente nostálgico aumentó con la salida al escenario de Magneto, banda que interpretó piezas como “Vuela, vuela” y “Para siempre”, generando un momento de reminiscencia colectiva entre quienes acudieron al show.

El regreso de Erick Rubín y la combinación con los integrantes de Caló atrajeron la atención de varias generaciones, ya que Rubín presentó un repertorio conformado por canciones emblemáticas del pop en español, mientras que Caló llevó al público por una serie de ritmos bailables.

Mercurio añadió al repertorio temas que evocaron estéticas y sonidos de discos clásicos de la década, mientras que The Sacados aportó tintes de pop latino con canciones interpretadas junto a otros participantes del tour, acompañados por secuencias visuales y luces sincronizadas al ritmo musical.

Conjunto de canciones de la década de los noventas del pop en español

A lo largo de la noche, los artistas alternaron entre duetos, tríos y presentaciones grupales, lo que permitió mantener la dinámica y ofrecer constantes cambios de ánimo en la audiencia.

Entre cada intervención, se proyectaron imágenes y videos que recorrieron la evolución del pop noventero, generando un hilo conductor entre los actos y contextualizando el repertorio seleccionado.

El montaje escénico contempló luces robóticas, pantallas LED y efectos visuales adaptados a cada bloque musical. Según miembros del equipo de producción, el diseño buscó crear una atmósfera que remitiera a los antiguos antros, elemento central de la identidad conceptual del tour.

La adaptación sonora y visual transformó el foro en un club de los años 90, propiciando una experiencia inmersiva para todas las generaciones presentes.

La duración total del concierto superó las tres horas y contempló 50 canciones en total interpretadas de manera ininterrumpida. Los organizadores informaron que Guadalajara representa una de las plazas principales para este formato musical, que continuará en diferentes ciudades del país en los próximos meses.

Al cierre, todos los artistas subieron juntos al escenario para interpretar en conjunto un popurrí de los temas favoritos del público.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ en la Arena Guadalajara reafirmó el arraigo de la nostalgia pop en la vida nocturna actual y mostró la vigencia de un movimiento que marcó a toda una generación.

La banda chilena de rock y pop, Los Bunkers, prepara un concierto para este mes de noviembre en la Ciudad de México.

La agrupación sudamericana señaló que el evento musical se llevará a cabo a finales de este mes de noviembre en un recinto de la capital del país.

Los Bunkers se presentarán en concierto para el miércoles 26 de noviembre en la Ciudad de México, de acuerdo con la información presentada a través de sus redes sociales oficiales.

El lugar donde el conjunto musical se presentará será en el salón de espectáculos ‘La Maraka’ de la capital del país.

Por lo tanto, Los Bunkers se presentarán en la Ciudad de México en el salón de espectáculos La Maraka para este próximo miércoles 26 de noviembre, de acuerdo a lo declarado por la banda a través de sus redes sociales oficiales.

El cartel promocional del evento ya está disponible para el concierto que dará la agrupación chilena en la capital del país.

De igual manera, en sus redes sociales oficiales, han invitado a todos sus fans para acudir a este concierto en la Ciudad de México donde recordarán sus mejores éxitos y canciones que han marcado su historia.

¿Quiénes son Los Bunkers?

Los Bunkers es una banda chilena de rock alternativo, originaria de Concepción, formada en 1999. Los integrantes originales son Álvaro López (voz y guitarra), Francisco Durán (guitarra, teclados y voz), Mauricio Durán (guitarra y coros), Gonzalo López (bajo y coros) y Mauricio Basualto (batería).

El grupo alcanzó notoriedad durante los años 2000 y es reconocido por su propuesta musical, que fusiona el rock con influencias del folclore latinoamericano y sonidos clásicos de las décadas de los 60 y 70.

Desde sus inicios, Los Bunkers llamaron la atención de la crítica y el público por sus letras introspectivas y su cuidada producción. Su primer álbum homónimo se publicó en 2001, obteniendo buena recepción.

El reconocimiento masivo llegó con los discos “Canción de lejos” (2002), “La culpa” (2003) y especialmente “Vida de perros” (2005), que incluyó sencillos como “Llueve sobre la ciudad”.

En 2008, publicaron “Barrio Estación”, seguido por “Música libre” (2010), un disco tributo a Silvio Rodríguez, y “La velocidad de la luz” (2013).

Sus propuestas han sido valoradas por la capacidad del grupo para reinterpretar la música popular latinoamericana con una estética contemporánea.

En 2014 la banda anunció una pausa indefinida, tras ofrecer una gira de despedida.

Durante ese tiempo, los miembros se involucraron en proyectos personales y otras bandas. En 2019, Los Bunkers anunciaron su regreso a los escenarios, reactivando su actividad en festivales y conciertos.

Actualmente, siguen siendo una de las agrupaciones más importantes del rock en español y mantienen una base de seguidores en diferentes países de América Latina.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ anunció un nuevo concierto para 2026 en otro estado de la República Mexicana.

A través de sus redes sociales oficiales, el proyecto indicó la ciudad y el recinto donde se presentarán, con lo que sumarán un evento musical más para su agenda en 2026.

La presentación más reciente del 90’s Pop Tour ‘Antro’ fue en la doble fecha en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, el pasado viernes 24 y sábado 25 de octubre.

Ya hay varias fechas para finales de este 2025 y para el primer trimestre de 2026, donde los grupos y artistas de la década de los noventas se presentarán.

De acuerdo a lo publicado este jueves 13 de noviembre en sus redes sociales oficiales, se anunció otra ciudad y fecha en la que el elenco del 90’s Pop Tour ‘Antro’ pisará un escenario.

La nueva fecha del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se llevará a cabo en el estado de San Luis Potosí para el sábado 28 de febrero.

Según lo mencionado por el propio proyecto musical a través de sus redes sociales oficiales, este evento está programado para que se lleve a cabo en dicha entidad de la República Mexicana, en la Arena Potosí.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ también dio a conocer el elenco que pisará el escenario en la Arena Potosí del estado de San Luis Potosí el próximo sábado 28 de febrero.

¿Qué artistas se presentarán en el 90’s Pop Tour ‘Antro’ el 28 de febrero en la Arena Potosí en San Luis Potosí?

Además de confirmar la fecha y sede del 90’s Pop Tour ‘Antro’ en la Arena Potosí en el estado de San Luis Potosí para el sábado 28 de febrero, el elenco que pisará el escenario en este recinto local ya fue confirmado:

JNS, Kabah, Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló son los artistas que ya están confirmados para el concierto del sábado 28 de febrero en la Arena Potosí de San Luis Potosí.

Próximas fechas del 90’s Pop Tour ‘Antro’

De acuerdo con lo anunciado por los artistas y demás, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ llegará con varias fechas para inicios del siguiente año.

Entre las fechas están:

Sábado 14 de marzo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Viernes 20 de febrero en la Arena Monterrey en el estado de Nuevo León.

El grupo musical Mercurio regresa con su proyecto ‘Mercurio and Friends’ y los primeros invitados especiales ya fueron revelados.

Fue en las redes sociales oficiales de la agrupación noventera, donde se anunció que el concierto programado para finales de 2025 ya tendría a los dos primeros invitados especiales.

Como el nombre del proyecto lo dice, ‘Mercurio and Friends’ es un concierto de esta alineación de pop, que tendrá a ‘amigos’ para acompañar las canciones de la agrupación y a su vez los integrantes cantarán las melodías de los invitados especiales.

Cabe destacar que este concierto se lleva a cabo por el festejo de los 30 años de Mercurio, ya que la agrupación se ha presentado en diferentes estados de la República Mexicana.

El primer concierto de este formato de Mercurio se llevó a cabo el pasado sábado 24 de mayo en el salón de espectáculos ‘La Maraka’ en la Ciudad de México.

Durante su primera presentación, los invitados especiales para este evento fueron: Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba, exintegrante de OV7, y Diego Schoening, exintegrante de Timbiriche.

Tras el éxito que tuvo esta presentación en este recinto de la capital del país, Mercurio prepara un segundo concierto en la Ciudad de México antes de finalizar el 2025.

El lugar será en el salón de espectáculos ‘La Maraka’ el viernes 19 de diciembre, donde la agrupación se presentará para ofrecer nuevamente otro show.

La noche del pasado martes 11 de noviembre, a través de sus redes sociales oficiales, Mercurio notificó quiénes serán los invitados especiales para este evento musical a finales de 2025.

Alan Ibarra, de la agrupación Magneto, y Ari Boroboy, exintegrante de OV7, se presentarán en el concierto de ‘Mercurio and Friends’ para este viernes 17 de diciembre en La Maraka.

Breve historia de Mercurio

Mercurio es una banda mexicana de pop que se formó en 1995. El grupo surgió durante el auge de las boy bands en América Latina, con un concepto dirigido a un público juvenil. Su alineación original incluyó a Mauricio Martínez, Héctor Ugarte, Elías Chiprut, Rodrigo Sieres y Alex Sirvent.

Al poco tiempo, Daniel Merlo y Poncho Barbosa se incorporaron al grupo.

En 1996 lanzaron su primer álbum homónimo, que incluyó éxitos como “Enamoradísimo” y “Explota corazón”.

Mercurio ganó popularidad rápidamente en México y algunos países de América Latina, apareciendo en programas de televisión y realizando giras.

Durante su trayectoria, varios integrantes fueron sustituidos, pero la banda mantuvo su esencia pop.

En 1998 publicaron el álbum “Tiempo de vivir”, que consolidó su presencia en la música juvenil mexicana con temas como “Chicas chic” y “Baile de amor”.

Tras el auge de fines de los años noventa, los miembros emprendieron diferentes proyectos, aunque el grupo ha realizado reuniones y giras de reencuentro en años recientes.

Mercurio es recordado por su contribución al pop adolescente y como parte destacada del fenómeno de bandas juveniles en la música latina de los años noventa.

El grupo mexicano de pop, Mercurio anunció que antes de finalizar este 2025 realizará un concierto en la Ciudad de México.

Lo anterior como parte de los festejos para celebrar sus treinta años de carrera musical.

Poco antes de mediados del año, la agrupación musical ya había anunciado que este 2025 llevarían a cabo diferentes festejos por sus 30 años de carrera en los escenarios.

Uno de sus primeros conciertos fue el pasado sábado 24 de mayo en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, donde previamente Mercurio ofreció una conferencia de prensa a medios para dar a conocer todos los detalles de este evento musical.

Señaló que se presentaría bajo el formato ‘Mercurio and Friends’, donde se presentaría con invitados especiales.

Por ello, nuevamente la agrupación prepara un segundo concierto en La Maraka para este viernes 17 de diciembre para cerrar el año y continuar con su celebración por su gira de 30 años.

Cabe destacar que la agrupación también se presentará con el formato de ‘Mercurio and Friends’, por lo que nuevamente tendrán invitados especiales. Se rumora que serán nuevas agrupaciones y cantantes quienes estarán en este concierto.

En la primera presentación de ‘Mercurio and Friends’, los invitados especiales fueron: Mario Sandoval; Alfonso Pichardo, vocalista de Moenia; Erika Zaba, exintegrante de OV7, y Diego Schoening, exintegrante de Timbiriche.

Breve historia de Mercurio

Mercurio es una banda mexicana de pop que se formó en 1995. El grupo surgió durante el auge de las boy bands en América Latina, con un concepto dirigido a un público juvenil. Su alineación original incluyó a Mauricio Martínez, Héctor Ugarte, Elías Chiprut, Rodrigo Sieres y Alex Sirvent.

Al poco tiempo, Daniel Merlo y Poncho Barbosa se incorporaron al grupo.

En 1996 lanzaron su primer álbum homónimo, que incluyó éxitos como “Enamoradísimo” y “Explota corazón”.

Mercurio ganó popularidad rápidamente en México y algunos países de América Latina, apareciendo en programas de televisión y realizando giras.

Durante su trayectoria, varios integrantes fueron sustituidos, pero la banda mantuvo su esencia pop.

En 1998 publicaron el álbum “Tiempo de vivir”, que consolidó su presencia en la música juvenil mexicana con temas como “Chicas chic” y “Baile de amor”.

Tras el auge de fines de los años noventa, los miembros emprendieron diferentes proyectos, aunque el grupo ha realizado reuniones y giras de reencuentro en años recientes.

Mercurio es recordado por su contribución al pop adolescente y como parte destacada del fenómeno de bandas juveniles en la música latina de los años noventa.

El grupo noventero Kabah se presentó este fin de semana en la Ciudad de México para ofrecer un concierto con temática de disfraces para festejar Halloween.

El evento musical tuvo lugar el pasado sábado 8 de noviembre en el salón de espectáculos ‘La Maraka’, ubicado en la capital del país.

A diferencia de otras presentaciones, en esta ocasión los cinco integrantes vigentes pisaron el escenario: Daniela Magún, Apio Quijano; Sergio O’Farril, René Ortiz y Federica Quijano.

Desde hace varios meses, la agrupación de pop anunció el evento musical en este recinto de la Ciudad de México y que se llevaría a cabo con temática de disfraces, por lo que invitó al público fan a que acudiera caracterizado.

Una vez que comenzó el concierto, los cinco integrantes salieron al escenario disfrazados de personajes de películas y series animadas, así como de superhéroes y seres fantasiosos.

Durante el evento musical, la agrupación de pop de la década de los noventas agradeció a sus fans por estar presentes e igual a los que fueron disfrazados para disfrutar el concierto.

Kabah interpretó canciones que los han llevado a la fama que hasta el día de hoy mantienen, como: Casi al final; La vida que va; Mai mai; Te necesito; Antro; La calle de las sirenas, entre otras más.

El grupo de pop finalizó el concierto poco antes de la medianoche agradeciendo a sus fans por haber estado presentes.

El concierto de Kabah en este salón de espectáculos de la Ciudad de México registró un ‘lleno total’.

Cabe destacar que el evento estaba programado para llevarse a cabo el viernes 31 de octubre, pero por razones ajenas a la agrupación y al lugar, se pospuso para el sábado 8 de noviembre, por lo que coincidiría con el día de Halloween.

Breve historia de Kabah

Kabah es una agrupación musical mexicana formada en 1992, reconocida por su participación en el género del pop y su relevancia en la escena musical de México durante la década de los noventa. El grupo nació en la Ciudad de México y se hizo popular a partir de 1994, cuando lanzó su primer álbum homónimo.

Los integrantes originales de Kabah son María José Loyola Anaya, Federica Quijano Tapia, Sergio O’Farrill Gabilondo, René Ortiz Martínez, Daniela Magún Morayta y André Quijano Tapia.

Con una propuesta dirigida principalmente al público adolescente, el grupo alcanzó amplia difusión gracias a temas como “La calle de las sirenas,” “Al pasar,” “Vive” y “Antro.”

Durante su trayectoria, Kabah se caracterizó por su estilo colorido y coreografías, así como por sus letras optimistas y ritmos bailables.

El grupo lanzó varios discos a lo largo de los años noventa y dos mil, consolidando su presencia en la radio y la televisión mexicanas.

A finales de octubre, el cantante español Alejandro Sanz terminó su gira de conciertos por toda la República Mexicana.

Fueron un total de 25 presentaciones en diferentes ciudades del país como: Guadalajara, Ciudad de México, Monterrey y Puebla, donde el artista pisó los escenarios.

El pasado viernes 31 de octubre en un ‘lleno total’, el cantante manchego se presentó por última ocasión en el Auditorio Nacional de la capital del país, con lo que cerró su gira ‘¿Y ahora qué?’.

Cabe destacar que la gira musical arrancó en el país el pasado 5 de septiembre. México formó parte de uno de los destinos de Sanz, ya que también se presentará en otros países de América Latina.

Luego de seis días de su último concierto en el país, Alejandro Sanz ofreció un mensaje a todos sus fans en México y agradeció el apoyo del público en los eventos musicales, los cuales registraron un ‘lleno total’.

Compartió un video a través de sus redes sociales oficiales, donde destacó todas sus presentaciones en el país.

De igual manera, dedicó algunas palabras para todos los fans. Asimismo, en el video subido a sus redes sociales mostró los momentos que vivió en su gira de conciertos por México, la cual duró casi dos meses en total.

Cabe destacar que el concierto del 31 de octubre no estaba programado desde un principio en la agenda del cantante español, pero durante sus presentaciones en México, agregó esta nueva fecha para todos aquellos que no pudieron alcanzar boletos en los eventos anteriores.

“México, sois mi mejor regalo”: Así agradeció Alejandro Sanz sus 25 presentaciones en el país durante su gira ‘¿Y ahora qué?’

El cantante español Alejandro Sanz subió un video en sus redes sociales oficiales donde da a conocer los momentos que vivió en México para dar su gira de conciertos ‘¿Y ahora qué?’.

Destacó los 25 conciertos que realizó en toda la República Mexicana acompañado de unas palabras para todos los fans.

“¿Cómo se explica lo que se siente cuando un país te canta con el alma? México, sois mi mejor regalo. Esto no termina aquí, solo empieza", escribió el intérprete de ‘Amiga mía’ y ‘Cuando nadie me ve’ en sus redes sociales oficiales acompañado de un corazón.

De igual manera, en este último concierto de la Ciudad de México, Alejandro Sanz invitó a todos sus fans a ir disfrazados, aprovechando los festejos del Día de Muertos en el país.

El grupo de pop mexicano Magneto ofrecerá un concierto en el Estado de México para este mes de noviembre.

La noticia fue dada a conocer por la agrupación ochentera a través de sus redes sociales oficiales, donde se ha promocionado el evento musical.

De acuerdo con la información proporcionada a través de sus redes oficiales, el concierto de Magneto tendrá lugar el próximo jueves 20 de noviembre en la entidad mexiquense.

Según lo notificado, la presentación de esta agrupación de pop tendrá lugar en esta fecha en el Teatro Morelos de esta misma entidad de la República Mexicana.

Los boletos para el concierto de Magneto el próximo jueves 20 de noviembre en Toluca en el Teatro Morelos se encuentran a la venta para todos los fans de esta agrupación.

Magneto ha tenido diferentes presentaciones como agrupación única y también en proyectos con varios cantantes y artistas de los noventas como en el 90’s Pop Tour, el cual recientemente lanzó su versión ‘Antro’.

Breve historia de Magneto

Magneto es una agrupación musical mexicana formada en 1983, reconocida principalmente por su éxito durante las décadas de los 80 y 90.

El grupo surgió en el contexto del auge de las bandas juveniles en México, con un enfoque en música pop dirigida a un público adolescente.

La alineación original tuvo varios cambios a lo largo de su historia, componiéndose en distintas etapas por Alan Ibarra, Alex, Mauri Stern, Elías Cervantes, Toño Beltrán y Charlie, considerados los integrantes más emblemáticos.

A finales de los años 80, Magneto alcanzó popularidad a nivel nacional gracias a canciones como “Vuela, Vuela”, adaptación del tema francés “Voyage, Voyage”, que se convirtió en su mayor éxito y un referente del pop en español.

Otros temas representativos incluyen “Para siempre” y “40 grados”. Sus discos y giras por América Latina consolidaron su presencia en la escena musical y la televisión, participando en programas, concursos y telenovelas.

La banda se caracteriza también por sus coreografías y presentaciones en vivo, que le permitieron competir con agrupaciones similares como Menudo y Timbiriche.

Tras numerosos éxitos y el lanzamiento de varios álbumes, Magneto se desintegró temporalmente en 1996, aunque los miembros han realizado diversas reuniones y giras posteriores, incluyendo la gira “Únete a la fiesta” junto a otros grupos emblemáticos de la época.

Actualmente, Magneto sigue siendo reconocido como un referente de la música pop juvenil mexicana, manteniendo vigentes sus canciones y presentaciones para nuevas generaciones.

El trío musical JNS anunció que prepara un concierto para inicios del 2026 en el estado de Veracruz.

La noticia fue informada por la agrupación de pop a través de sus redes sociales oficiales.

El concierto de JNS será el sábado 7 de marzo en el municipio de Xalapa, en Veracruz.

El evento tendrá lugar a las 21:00 horas en el Gimnasio Nido del Halcón UV, según lo mencionado por JNS en su cuenta oficial de Instagram, donde publicó un póster oficial del evento musical que se llevará a cabo.

“JNS. Bajo tu propio riesgo”, fue el lema y manera en que titularon al concierto de la agrupación de pop, quienes hicieron una invitación a sus fans a través de sus redes sociales oficiales.

“¡XALAPA, VERACRUZ, prepárate! Este 07 de marzo nos vemos en el Gimnasio Nido del Halcón UV para una noche que promete estar ¡de locura!“, informó JNS en sus redes sociales oficiales.

Las interpretes de Entre azul y buenas noches, Pepe, Corazón confidente, Dime que me amas, por mencionar algunos de sus éxitos ya tienen preparadas estas y demás fechas por diferentes sitios de la República Mexicana.

Así se fue conformando JNS

El grupo JNS, antes conocido como Jeans, surgió en la Ciudad de México en 1994, cuando Patricia Sirvent y cinco amigas formaron una agrupación enfocada en el pop dirigido al público juvenil.

Tras varios cambios en la alineación, el cuarteto logró consolidarse con Paty Sirvent, Karla Díaz-Leal, Melissa López y Angie Taddei, quienes se convirtieron en las integrantes más representativas.

En 1996, lanzaron su álbum debut “Jeans”, que incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, posicionándose rápidamente en la industria musical mexicana y latinoamericana.

El grupo experimentó un ascenso notorio durante la década de 1990 y principios de 2000, impulsado por temas pop y coreografías dirigidas a adolescentes.

Canciones como “Enferma de amor” y “Dime que me amas” fortalecieron su presencia en la radio y televisión.

A lo largo de su historia, JNS enfrentó salidas y regresos de integrantes: Karla Díaz, Melissa López, Angie Taddei y Regina Murgia, pero mantuvo su popularidad con giras y lanzamientos constantes.

En 2015, el grupo adoptó el nombre JNS y se reincorporó a los escenarios como parte de la gira “90’s Pop Tour”, reuniendo a miles de seguidores.

Su legado en la música pop mexicana permanece vigente, influenciando nuevas generaciones y consolidando su trayectoria con presentaciones en distintas regiones del país.

El año pasado, una de sus principales integrantes Karla Díaz dejó el grupo por motivos de agendas, lo que asombró a los fans, ya que era una de las que se habían mantenido en el conjunto desde sus inicios.

El grupo noventero de pop Kabah prepara un concierto en la Ciudad de México para este mes de noviembre.

El evento musical tendrá lugar en el salón de espectáculos La Maraka en la capital del país este próximo sábado 8 de noviembre.

Desde hace meses el concierto de Kabah fue anunciado por la agrupación en sus distintas redes sociales.

Los cinco integrantes de este conjunto musical mencionaron que este concierto en la Ciudad de México para el próximo sábado 8 de noviembre tendrá una temática especial y sorpresa.

Por los recientes festejos de Día de Muertos y Halloween, Kabah prepara el concierto en La Maraka este próximo sábado 8 de noviembre con temática de disfraces.

Asimismo, para todo el público que vaya a ir al evento musical en la capital del país, Kabah hizo la invitación de ir disfrazados para aprovechar el mes de noviembre por los festejos de Halloween.

Fans de este grupo noventero se sumarán a este concierto en La Maraka para escuchar las canciones más importantes de este conjunto musical como: Te necesito, La calle de las sirenas, Mai Mai, Vive, entre otras más.

El evento musical está programado para comenzar a las 21:00 horas en este salón de espectáculos este próximo sábado 8 de noviembre con todo y los disfraces.

Un poco de la historia de Kabah

Kabah es una agrupación musical mexicana formada en 1992, reconocida por su participación en el género del pop y su relevancia en la escena musical de México durante la década de los noventa.

El grupo nació en la Ciudad de México y se hizo popular a partir de 1994, cuando lanzó su primer álbum homónimo.

Los integrantes originales de Kabah son María José Loyola Anaya, Federica Quijano Tapia, Sergio O’Farrill Gabilondo, René Ortiz Martínez, Daniela Magún Morayta y André Quijano Tapia.

A excepción de María José, todos los demás integrantes conforman el grupo musical y siguen dando diversas presentaciones en festivales o en proyectos como el 90’s Pop Tour.

Con una propuesta dirigida principalmente al público adolescente, el grupo alcanzó amplia difusión gracias a temas como “La calle de las sirenas”, “Al pasar”, “Vive” y “Antro”.

Durante su trayectoria, Kabah se caracterizó por su estilo colorido y coreografías, así como por sus letras optimistas y ritmos bailables.

El grupo lanzó varios discos a lo largo de los años noventa y dos mil, consolidando su presencia en la radio y la televisión mexicanas.

El 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya tiene varias fechas para lo que resta del 2025 y algunas para inicios del siguiente año.

Varias ciudades del país ya están confirmadas para esta nueva versión renovada de ‘la máquina del tiempo’, entre las que se encuentran: Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey.

Los dos primeros conciertos del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se llevaron a cabo el pasado viernes 24 y sábado 25 de noviembre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

El próximo concierto del 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya tiene nueva fecha y será en este mes de noviembre, de acuerdo a lo comunicado por el proyecto musical en sus redes sociales oficiales.

Guadalajara será la siguiente ciudad de México donde se lleve a cabo el próximo concierto del 90’s Pop Tour ‘Antro’.

La fecha será el viernes 21 de noviembre en la Arena Guadalajara, por lo que el evento musical está a solo unas semanas de que se realice.

De igual manera, los artistas ya están confirmados para esta nueva versión del ya conocido 90’s Pop Tour, pero ahora en ‘Antro’.

JNS, Kabah, Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló son los artistas que ya están confirmados para el concierto del viernes 21 de noviembre en la Arena Guadalajara.

La nueva versión del 90’s Pop Tour ‘Antro’ trata de las mejores canciones de la década de los noventa con los grupos ya mencionados, pero ahora en la versión simulando una discoteca o este centro de diversiones, por lo que hay una pista de baile.

Próximas fechas del 90’s Pop Tour ‘Antro’

De acuerdo con lo anunciado por los artistas y demás, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ llegará con varias fechas para inicios del siguiente año.

Entre las fechas está:

Sábado 14 de marzo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Viernes 20 de febrero en la Arena Monterrey en el estado de Nuevo León.

Las dos primeras fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México registraron lleno total, por lo que los organizadores decidieron hacer una nueva fecha para el año 2026 en el mes de marzo.

Cabe destacar que una de las fechas en el Auditorio Nacional fue cancelada debido a problemas ajenos a los organizadores del 90’s Pop Tour ‘Antro’ y los organizadores.

La fecha estaba programada para el domingo 26 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, por lo que sería la tercera fecha de manera consecutiva en este recinto de la capital del país.

Luego de haberse realizado los dos primeros conciertos del 90’s Pop Tour ‘Antro’ en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, ya hay tercera fecha para este evento musical.

De acuerdo a las redes sociales oficiales del proyecto musical, la tercera fecha será en el mismo recinto de la capital del país y el concierto está programado para realizar el sábado 14 de marzo de 2026, es decir, será el siguiente año.

El 90’s Pop Tour se renovó y en julio de este año se informó que llegaría la versión ‘Antro’. Este nuevo concepto pretende que el lugar se vea como un centro de diversión con las mejores canciones de los años noventas.

Ari Boroboy, exintegrante de OV7 y quien fuera el organizador del 90’s Pop Tour ‘Antro’ confirmó la nueva fecha para el primer trimestre de 2026. Esto al finalizar el segundo concierto del Auditorio Nacional de este proyecto.

Las dos fechas del Auditorio Nacional de la Ciudad de México fueron el pasado viernes 24 y sábado 25 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, donde en ambas fechas se registró un ‘lleno total’.

Cabe destacar que el elenco que estuvo presente en las dos fechas del Auditorio Nacional fue: JNS, Kabah, Ari Boroboy, quien es el principal organizador del evento, así como sus compañeros de OV7, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia.

También estuvieron presentes en el doble evento musical: Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló.

Ante esto, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya ha anunciado su próxima fecha en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México para el sábado 14 de marzo.

Por ello, algunas personas ya han comenzado a adquirir sus boletos para esta fecha en el mes de marzo de 2026.

Arranca venta de boletos del 90’s Pop Tour ‘Antro’ para su tercera fecha en el Auditorio Nacional de la CDMX

La venta de boletos para la tercera fecha del 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya arrancó y las entradas ya están a la venta para todos los fans.

De igual manera, algunos de los artistas y agrupaciones ya fueron confirmados para esta fecha en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México para el próximo sábado 14 de marzo del 2026.

Serán los mismos que estuvieron presentes en el concierto del 90’s Pop Tour ‘Antro’ de las primeras dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

JNS, Kabah, Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia, Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló son parte de la agrupación del 90’s Pop Tour ‘Antro’ para el sábado 14 de marzo.

No hay giro demasiado brusco para Rosalía, la innovadora estrella española. Surgió hace una década como una disruptiva alumna de flamenco, y desde entonces se ha convertido en la principal vanguardista del pop y una de sus artistas más eclécticas.

El viernes 7 de noviembre lanzará Lux, su cuarto álbum de estudio. Así como su revolucionario álbum pop, El Mal Querer, fue una réplica implícita a la formalidad de su debut, Los Angeles, y la sensualidad industrial de su tercer álbum, Motomami, fue una réplica a El Mal Querer, Lux —un álbum impactante por su audacia formal y su espíritu lúdico— es una réplica a todo aquello. O quizás, una elevación por encima de todo ello.

Lux es un álbum sobre lo divino femenino, la fe y las brutalidades del amor, con letras cantadas en 13 idiomas: el español nativo de Rosalía, además de catalán, inglés, latín, siciliano, ucraniano, árabe, alemán y otros. Dedicó más de dos años a la música, gran parte de ese tiempo a aprender a escribir y cantar con convicción en otros idiomas.

“Se trata mucho de intentar comprender cómo funcionan otros idiomas”, dijo Rosalía, de 33 años, en una entrevista realizada en inglés con algunas pinceladas de espanglish en Popcast, el programa musical de The New York Times. “Es mucha intuición y tratar de decir: voy a escribir y veamos cómo suena esto en otro idioma”. Pasó muchísimo tiempo en Google Translate, luego hablando con traductores profesionales —“Si rimo esto con esto, ¿tiene sentido?”— y con profesores que la guiaron en los detalles de la fonética.

En definitiva, logró interpretar sus canciones con maestría adquirida con la práctica, sin ningún truco de inteligencia artificial: “Es todo humano, muy humano”, dijo.

El álbum resultante es “como un rompecabezas, como un laberinto”, basado tanto en la tradición operística y clásica como en el pop. La Orquesta Sinfónica de Londres está presente a lo largo de todo el disco, con arreglos de la ganadora del Premio Pulitzer y antigua colaboradora de Kanye West, Caroline Shaw, entre otros. El sonido —producido por Rosalía, junto con Noah Goldstein (Yeezus) y Dylan Wiggins (SZA, Justin Bieber)— es potente y estridente, y por momentos etéreo, como si pisoteara la historia, a sus enemigos y, por extensión, a su antigua imagen pública.

Así como Rosalía estudió flamenco en la universidad para dominarlo y luego doblegarlo a su voluntad, emprendió este estudio como un acto de fidelidad intercultural, pero también como una declaración segura de autoridad y hambre artística.

“Es por el amor y la curiosidad: el deseo de comprender mejor al otro”, dijo. “Como dice Simone Weil, amar es amar la distancia que nos separa de la persona amada. Y creo que es cierto: al comprender al otro, quizá podamos comprendernos mejor a nosotros mismos y aprender a amar mejor”.

—Cada uno de tus proyectos se siente como un reinicio total respecto al anterior. ¿Sientes algún temor ante el lienzo en blanco?

—Un lienzo blanco es como mirar al abismo. Empiezo a sudar —sudando frío, de verdad— solo con verlo. Pero a la vez, hay algo que me incomoda aún más: quedarme quieta.

—¿Acaso algo de esto proviene de rechazar lo anterior?

—Exacto, al cien por cien. Todo está en constante movimiento, ¿verdad? Yo siempre estoy en constante cambio. Entonces, ¿por qué mi sonido no iba a cambiar conmigo?

—Y no se trata solo de un rechazo a tu propio trabajo anterior, sino que parece que estás mirando el panorama pop y diciendo, implícita o explícitamente, que no estamos haciendo lo suficiente.

—No me fijo mucho en lo que pasa fuera, sino más bien en qué no estoy haciendo, qué no he hecho todavía, qué necesito hacer. Y creo que mis artistas favoritos, quizá, son los que no te dan lo que quieres, sino lo que necesitas. Al fin y al cabo, para mí hacer discos es como una excusa para hacer lo que realmente quiero. En este caso, simplemente quería leer más.

—¿Qué estabas leyendo?

—Hagiografías de Rosalía, tantas hagiografías... Simone Weil, Chris Kraus. Estas monjas eran poetisas increíbles, grandes artistas; Hildegard von Bingen, una auténtica polímata, ¿verdad? Era capaz de crear de tantas maneras. Hay tantas mujeres extraordinarias en la historia a las que no escuchamos lo suficiente, de las que no hablamos lo suficiente. Simplemente intento ser músico lo mejor que puedo y experimentar. Si eso significa quedarme en casa escribiendo letras durante un año entero, o levantarme temprano, dormir casi nada para ir al estudio y pasarme 14 horas trabajando en mezclas sin que nunca queden perfectas, para mí eso es lo que significa. Al fin y al cabo, creo que es un trabajo.

—Tus dos álbumes anteriores han intentado reconciliar el provenir de una sólida tradición cultural con el deseo de romper esas reglas, el gran reconocimiento obtenido y la posterior pregunta: ¿Qué hago con esta atención, responsabilidad y éxito adicionales? Aquellos parecían proyectarse hacia afuera, pero este se siente diferente, más introspectivo.

—El otro día, estaba pensando que hice un álbum desde un lugar muy diferente a como lo había hecho antes. Estaba escuchando a este hombre, decía que hay dos tipos diferentes de confianza, la que se basa en la creencia de que vas a tener éxito —como por mis cojones decimos, ¿verdad? Así que estás como esforzándote por hacer lo que sea necesario. Hay otra confianza, que quizá sea la ausencia de miedo al fracaso. Creo que hay entrega en este enfoque. Creo que es la primera vez que me permito hacer un álbum desde esta perspectiva. Entrega total: esto es lo que realmente necesitaba decir, cantar y hacer.

—Björk aparece como vocalista en Lux. ¿Cómo se desarrolló vuestra relación?

—Es mi mujer y artista favorita. Creo que nos conocimos gracias a Pablo, El Guincho [el antiguo socio productor de Rosalía]. Fuimos a comer unas tapas en Barcelona. Y pensé que era la persona más fascinante que jamás había conocido, porque su forma de pensar era tan diferente a todo lo que había visto antes. Fue una admiración instantánea. Mantuvimos el contacto y sentí que, con este álbum, si se trataba de un ejercicio musical tan intenso y exigente, si lo estaba haciendo lo suficientemente bien, tal vez se lo enviaría, y si estaba al nivel adecuado, tal vez entonces no podría decir que no.

—Había cierta energía masculina en Motomami, que se centraba en música caribeña como el reguetón. ¿Consideras Lux un proyecto marcadamente femenino?

—La principal inspiración es la mística femenina, así que sin duda hay más energía femenina. Y también la idea de ser un receptáculo. El otro día leía que esta mujer, Ursula K. Le Guin, decía que quizá el primer instrumento cultural de la historia no fue un arma, no era algo afilado para matar. Quizá fue un recipiente, algo donde se pueden recoger cosas. Y decía que hay una diferencia entre la escritura masculina y la femenina: la escritura masculina se centra en el héroe, en sus triunfos. Y si el héroe no está en la historia, entonces no es una buena historia. Todo gira en torno al conflicto en la narración. La escritura femenina se centra más en un proceso continuo. No se trata del clímax ni de la resolución. Se trata, quizá, de una persona con delirios, transformaciones y todo lo que tiene que perder. No se trata de mí, mí, yo, yo.

—Este álbum es grandioso, hay cuerdas por todas partes, con arreglos muy elaborados. Es operístico.

—Tiene esa intención de verticalidad. Algunos de nuestros proyectos se sentían un poco más horizontales. Un tipo de energía más mundana.

—Cuando dices vertical, ¿te refieres a entre el plano material y algo más astral y espiritual?

—Sí. Creo que siempre he tenido el deseo de ¿Cómo puedo acercarme a Dios? ¿Cómo puedo estar más cerca de Dios? Ese sentimiento espiritual siempre ha estado ahí, solo que no lo he racionalizado ni intelectualizado.

—¿Hay algo casi travieso en tu forma de abordar el lenguaje en este álbum? La gente lleva mucho tiempo esperando que te animes a cantar en inglés. Al mismo tiempo, te han acusado de apropiación cultural por tomar elementos de culturas ajenas y sacar provecho de ello. ¿Es esta una respuesta rebelde a esas críticas?

—Soy rebelde en general, ¿vale? Digámoslo, sin duda, soy rebelde. Pero creo que se trata más bien de que pertenezco al mundo. Así es como me siento. Me encanta viajar, me encanta aprender de otras personas. ¿Por qué no iba a intentar aprender otro idioma, cantar en otro idioma y ampliar mis horizontes como cantante, músico o artista? El mundo está tan conectado.

—Imagino que con el tiempo se volvió bastante caro. ¿Cuánto te pasaste del presupuesto?

—Chicos, solo diré que nos hemos excedido muchísimo del presupuesto. Eso es todo lo que diré. Estoy tranquila porque la visión está ahí. Pero mi equipo quizás no esté tan tranquilo.

—¿Cómo te sales con la tuya?

—Solo quiero hacer lo que me apetezca en cada momento. Todo el que me conoce lo sabe. Eso es lo único que me importa: ¡la libertad!

—Tengo la teoría de que, como eres una estrella del pop en público y en imagen pública, te permiten aún más libertad en tu música. Sabes cómo desenvolverte en el mundo de las celebridades: sales en un anuncio de Calvin Klein, en el vídeo de “WAP”, te codeas con las Kardashian. ¿Acaso juegas conscientemente a este juego en ámbitos extramusicales para acumular prestigio en el estudio?

—Para mí, todo se trata de divertirme. ¿Así que me ofrecen la posibilidad de estar en el video de “WAP”? ¡Vamos! Mi hermana dice —y no sé si estoy de acuerdo— que mi música no es pop. Pero ella dice que sí lo soy. No estoy de acuerdo. Porque quiero creer que mi música es pop. Es solo otra forma de hacer pop. ¡Tiene que haber otra forma de hacer pop! Björk lo demostró. Kate Bush lo demostró. Y necesito creer que lo que hago es pop, porque de lo contrario no creo que esté teniendo éxito. Lo que quiero es hacer música que, con suerte, mucha gente pueda disfrutar. Ese es mi objetivo.

—Lux es tan pop como Motomami para ti.

—Al 100%. Son solo códigos diferentes.

—El oyente promedio, incluso si habla español, no entenderá cada palabra. ¿Le estás exigiendo demasiado a tu público para que comprenda una obra como esta?

—Por supuesto que sí. Cuanto más vivimos en la era de la dopamina, más deseo lo contrario. Eso es lo que anhelo. A veces logro desconectarme de todo y ver una película en la oscuridad de mi habitación.

—Incluso eso puede resultar difícil sin mirar el teléfono.

—Es tan difícil. Pero por eso pienso que tiene que haber algo que nos impulse a estar ahí. No sé si esto lo logrará, pero al menos existe el deseo de que sea algo que te motive a concentrarte durante una hora, ojalá, en la que simplemente estés ahí. Simplemente estés presente. Sé que es mucho pedir, pero es lo que quiero.

Fuente: The New York Times

El cantante español Alejandro Sanz prepara su último concierto en la Ciudad de México y aprovechó para hacer una invitación a todos sus fans.

Se tratará del último concierto del cantante español, el cual se llevará a cabo este próximo viernes 31 de octubre en el Auditorio Nacional de la capital del país.

Sanz se encuentra en una gira musical por diferentes partes del país, entre ellas, la Ciudad de México. Una de las últimas fechas que anunció y con la cual cerraría esta serie de conciertos es el viernes 31 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

A días de que se lleve a cabo esta última presentación musical en la Ciudad de México con la cual cerrará su gira y aprovechando los festejos del Día de Muertos, Sanz pidió a los fans que asistan a este concierto que acudan disfrazados.

Esto fue compartido en las redes sociales oficiales del intérprete de Cuando nadie me ve y Amiga mía.

“¡Vayamos disfrazados al último show del año en México! Nos vemos el 31 de octubre en el Auditorio Nacional”, escribió el artista a través de sus redes sociales oficiales.

Como se mencionó anteriormente, el artista europeo hizo esta invitación como parte de los festejos del Día de Muertos en el país y ya que desde el mes de septiembre se encuentra en su gira en México con: ¿Y ahora qué?

Cabe destacar que a esta pregunta, el cantante añadió la frase: ¿Nos disfrazamos?

De igual manera, en una de las historias del cantante se le observa con la pose ya tradicional de la gira, pero pintado del rostro, haciendo alusión a una calavera.

Ciudad de México, Monterrey, Guadalajara fueron las principales ciudades donde se llevaron a cabo los conciertos del español durante los meses de septiembre y octubre.

En total se llevaron a cabo 24 presentaciones musicales en las ciudades mencionadas anteriormente. También estuvo presente en otros sitios como Puebla.

Recordar que su última presentación en el país será el viernes 31 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Breve historia de Alejandro Sanz

Alejandro Sanz, nacido en Madrid en 1968, es un cantautor español destacado en la música pop y flamenco.

Su carrera despegó en 1991 con el álbum Viviendo deprisa y alcanzó fama internacional con “Más” en 1997, impulsado por éxitos como Corazón partío.

A lo largo de su trayectoria, ha colaborado con artistas como Shakira y Alicia Keys. Ha ganado múltiples Grammy Latinos y Grammy estadounidenses.

Su estilo fusiona raíces andaluzas con sonidos contemporáneos, lo que lo ha consolidado como uno de los músicos más influyentes del ámbito hispanohablante.

Luego de su presentación en la doble fecha del 90’s Pop Tour ‘Antro’, las integrantes de JNS ya preparan su siguiente concierto, pero será fuera de México.

Las intérpretes de ‘Pepe’ y ‘Entre azul y buenas noches’ anunciaron que tendrán un concierto en España para inicios del 2026.

Esto fue anunciado a través de las redes sociales oficiales del conjunto musical. Meses antes ya habían anunciado que se presentarían en el país europeo.

A través de sus historias y de diferentes publicaciones en sus redes sociales oficiales, las JNS indicaron que ya empezó su tour de medios por España.

Mencionaron que ya se encuentran en Madrid y próximamente en Sevilla para comenzar la promoción del concierto en España.

De acuerdo con lo declarado por la agrupación de pop, el concierto de las JNS será el miércoles 4 de febrero de 2026 en la Sala Movistar Arena, ubicada en Madrid, España.

“¡España, allá vamos! Vamos a vivir una noche inolvidable en La Sala Movistar Arena este 04 de febrero", mencionó la agrupación a través de sus redes sociales oficiales.

Historia de las JNS

JNS, antes conocidas como Jeans, es un grupo femenino mexicano de pop que surgió en 1994 en Ciudad de México.

u creación se atribuye al productor Alejandro Sirvent, quien reunió a Patricia Sirvent, Angie Taddei, Litzy Vannya y Tabatha Vizzuet, integrantes originales de la agrupación.

El debut musical de Jeans se produjo en 1996 con su álbum homónimo, que incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, canciones orientadas al público adolescente y rápidamente posicionadas en las listas de música pop en español.

Durante sus primeros años, el grupo atravesó cambios frecuentes en su alineación, situación que marcó buena parte de su historia.

Litzy dejó la agrupación tras el éxito inicial, al igual que Tabatha, y nuevas integrantes entraron y salieron en diferentes etapas, incluyendo Karla Díaz, Melissa López y Regina Murguía.

JNS logró consolidarse gracias a su estilo fresco y letras enfocadas en temas de amor juvenil, amistad y experiencias escolares.

Entre sus discos destacados se encuentran “¿Por qué disimular?” (1997), “Tr3s.Jeans” (1999) y “Cuatro para las Cuatro” (2001). Tras más de una década en la industria, la agrupación se separó en 2008.

En 2015, las integrantes más reconocidas anunciaron su regreso bajo el nombre JNS, siglas que hacen referencia al nombre original y a las iniciales de las integrantes (JeaNS).

Participaron en la gira ’90’s Pop Tour’ y grabaron nuevos materiales, consolidando su vigencia y popularidad en la escena del pop latino.

Los primeros dos conciertos del 90’s Pop Tour ‘Antro’ ya se llevaron a cabo durante este fin de semana en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Este nuevo concepto del ya conocido 90’s Pop Tour fue realizado por primera vez en el Auditorio Nacional de la capital del país el pasado viernes 24 y sábado 25 de octubre.

Los artistas que pisaron el escenario fueron: JNS, Kabah, Ari Boroboy, quien es el principal organizador del evento, así como sus compañeros de OV7, Erika Zaba, Kalimba y M’Balia.

También estuvieron presentes en el doble evento musical: Magneto, Erick Rubín, Mercurio, The Sacados y Caló.

Ambos conciertos comenzaron en punto de las 21:00 y finalizaron a las 01:00 horas de este sábado 25 y domingo 26 de octubre.

Debido a la popularidad que alcanzó el evento musical realizado por primera ocasión y cambiando de sede de la ya tradicional Arena Ciudad de México, el 90’s Pop Tour ‘Antro’ tendrá una nueva fecha en el Auditorio Nacional de la capital del país.

La fecha para el siguiente concierto será para 2026, de acuerdo con lo anunciado por las redes sociales oficiales del proyecto musical.

Cabe destacar que Ari Boroboy, al terminar el concierto del sábado 25 de octubre, agradeció al público asistente por haber asistido al evento musical de ese día y al anterior, y mencionó la siguiente fecha en el Auditorio Nacional.

¿Cuándo será la nueva fecha del 90’s Pop Tour Antro en el Auditorio Nacional de la CDMX?

La nueva fecha del 90’s Pop Tour ‘Antro’, de acuerdo a lo comunicado por Ari Boroboy y las redes sociales oficiales del proyecto musical, será el viernes 14 de marzo de 2026.

Por lo tanto, será la tercera fecha confirmada del 90’s Pop Tour ‘Antro’ para el tercer trimestre de este 2026.

Conciertos del 90’s Pop Tour Antro de finales de octubre de este 2025

Los conciertos del 90’s Pop Tour ‘Antro’ se llevaron a cabo a finales de octubre de este 2025.

Para la fecha del viernes 24 de octubre, la pista de baile registró un lleno total. Mientras tanto, para el concierto del sábado 25 de este mes, los boletos para el evento general se agotaron.

Dado el excelente recibimiento que tuvo este evento renovado, el 90’s Pop Tour tendrá una fecha más en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Con este sumará su tercer concierto en este evento de la capital del país.

Cabe destacar que también había una fecha programada para el 90’s Pop Tour, la cual se realizaría este domingo 26 de octubre, pero fue cancelada debido a asuntos ajenos al recinto y los organizadores.

El 90’s Pop Tour llegará por primera vez a su versión ‘Antro’ y la fecha está a la vuelta de la esquina.

Luego de llenar 25 Arenas Ciudad de México, ahora la llamada ‘máquina del tiempo’ se renovó y estará con este nuevo proyecto en el Auditorio Nacional de la capital del país.

Las dos fechas programadas del concierto serán el viernes 24 y sábado 25 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

A menos de 24 horas de que empiece el concierto, las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour ‘Antro’ mostraron los ensayos que se siguen llevando a cabo a menos de 24 horas del primer concierto de esta versión de ‘Antro’.

De acuerdo con la información proporcionada, se trató de una presentación que se les dio a varios medios de comunicación a tan solo un día de que empiece esta serie de conciertos en el Auditorio Nacional.

Durante las últimas dos semanas, las redes sociales del 90’s Pop Tour han mostrado los avances de este nuevo proyecto.

También han revelado en fotografías y videos diferentes momentos de ensayos y demás para llevar a cabo la doble fecha de conciertos en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

En una información publicada este jueves 23 de octubre, indicaron que serán en total 50 canciones las que se escucharán en cada concierto del 90’s Pop Tour Antro.

Hasta el momento se desconoce si habrá invitados especiales además de los ya mencionados para la doble fecha en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo, donde también se presentaron diferentes artistas a los antes mencionados, como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

De igual manera y con lo antes manifestado, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

El 90’s Pop Tour Antro está muy cerca de llevarse a cabo con sus dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Los conciertos serán en este recinto de la capital del país para el próximo viernes 24 y sábado 25 de octubre.

De acuerdo con Ari Borovoy, integrante de OV7 y principal organizador del evento, el concepto de la llamada ‘máquina del tiempo’ se renueva para los amantes de las canciones del pop de esta década.

El 90’s Pop Tour llenó 25 Arenas Ciudad de México, por lo que ahora se renovó y viene la versión ‘Antro’, la cual pretende que el Auditorio Nacional se convierta en algo similar a un sitio nocturno con las principales canciones de la década de los noventas.

A un día del evento y con las agrupaciones que estarán presentes, las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour Antro revelaron cuántas canciones se escucharán en cada concierto.

De acuerdo a lo comunicado por las redes sociales oficiales, el 90’s Pop Tour tendrá un total de 50 canciones en cada fecha del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

“50 canciones son las que formarán parte del nuevo setlist de los @90spoptour #elantro que ofrecerá sus primeros shows mañana viernes y sábado ahora en el coloso de Reforma @auditoriomx”, escribió el 90’s Pop Tour Antro a través de sus redes sociales oficiales.

Hasta el momento se desconoce si habrá invitados especiales además de los ya mencionados para la doble fecha en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo, donde también se presentaron diferentes artistas a los antes mencionados, como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

De igual manera y con lo antes manifestado, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

El cantante Alex Sirvent, quien forma parte del elenco del ’90’s Pop Tour Antro’, cumplió años el pasado sábado 18 de octubre y sus compañeros de este proyecto lo sorprendieron.

Mientras se preparaba y ensayaba para los dos conciertos que se llevarán a cabo estos próximos días en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México, el integrante de Mercurio recibió un pastel por parte de sus compañeros.

El momento fue grabado por sus compañeros de elenco, quienes aplaudieron y comenzaron a cantarle las mañanitas a Alex Sirvent.

Por lo tanto, pusieron en pausa los ensayos que estaban realizando para estos dos conciertos del 90’s Pop Tour, para soplarle a las velas de su cumpleaños.

En el video compartido en redes sociales, se ve al cantante contento junto con sus compañeros de Mercurio, al igual que de las otras agrupaciones que estarán pisando el escenario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Los próximos dos conciertos del 90’s Pop Tour Antro serán este viernes 24 de octubre y sábado 25. Los boletos siguen a la venta para aquellos fans que quieran vivir esta máquina noventera.

El 90’s Pop Tour Antro tratará de la versión ya conocida de este proyecto que ha llenado más de 20 Arenas Ciudad de México, pero de diferente manera.

De acuerdo con Ari Boroboy, exintegrante de OV7 y principal organizador de este proyecto, habrá una pista de baile para simular que el Auditorio Nacional sea un antro con las mejores canciones de la década de los noventas, lo que diferenciará al ya conocido 90’s Pop Tour.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo, donde también se presentaron diferentes artistas a los antes mencionados, como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

De igual manera y con lo antes manifestado, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

El 90’s Pop Tour Antro ya está muy cerca de realizarse. Serán dos noches de conciertos en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Las fechas para los eventos musicales serán este próximo viernes 24 y sábado 25 de octubre, por lo que la venta de boletos sigue disponible para todos aquellos amantes de los noventas y de estos grupos musicales.

Sin embargo, la venta de boletos para algunas secciones ya finalizó en una de las dos fechas, de acuerdo con lo comunicado por el 90’s Pop Tour a través de sus redes sociales oficiales.

Para este próximo sábado 25 de octubre, la venta de boletos para la zona de pista de baile ya se ha agotado, de acuerdo a los organizadores del evento por medio de una publicación en sus redes sociales oficiales.

Hasta el momento y por lo comunicado, la venta de boletos para la pista de baile solamente ya está disponible para la fecha del viernes 24 de octubre.

Es importante estar al pendiente de los canales oficiales de Superboletos y del ’90’s Pop Tour Antro‘ para saber si los boletos ya se agotaron o hay cambios de fechas.

Cabe recordar que el 90’s Pop Tour Antro también tenía una tercera fecha, además de las dos mencionadas anteriormente, pero esta fue cancelada. El otro concierto sería en el Auditorio Nacional el domingo 26 de octubre.

De acuerdo con lo declarado por Ari Boroboy, exintegrante de OV7 y organizador del evento, el 90’s Pop Tour se renovó con la versión ‘Antro’, donde el Auditorio Nacional simulará este lugar de atracción con las canciones de esta década.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo, donde también se presentaron diferentes artistas a los antes mencionados, como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

De igual manera y con lo antes manifestado, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

Leo Rizzi ofreció detalles de su próximo concierto en la Ciudad de México, el cual se llevará a cabo en este mes de octubre.

En una entrevista para Infobae México, el cantante explicó que habrá muchas sorpresas para su presentación musical, entre ellos invitados sorpresas.

El concierto de Leo Rizzi se realizará el próximo miércoles 22 de octubre en el salón de espectáculos La Maraka, ubicado en la alcaldía Benito Juárez de la Ciudad de México.

A un día de que se lleve a cabo el concierto, el cantante español reveló algunos aspectos importantes para el evento musical.

Señaló sentirse entusiasmado, ya que es la primera ocasión en que estará en un concierto único, debido a que anteriormente solo se presentaba en festivales.

Añadió que su último álbum, Pájaro Azul, lo había presentado en distintos lugares del mundo, menos en Ciudad de México, por lo que se encuentra animado por el concierto en La Maraka.

Sorpresas e invitados especiales para concierto en CDMX de Leo Rizzi

Luego de preguntarle si habrá invitados especiales para el concierto en la Ciudad de México o alguna novedad en el concierto del miércoles 22 de octubre, el cantante dijo:

“Va a ser una cosa muy especial porque es cierre y va a haber canciones del álbum del extendido que no se han presentado aún en otros conciertos”, mencionó el cantante español.

Confirmó que sí habrá invitados especiales para este concierto, los cuales recalcó que “le gustan al público mexicano”.

Al mencionar sus sentimientos y experiencias por un concierto único en la Ciudad de México, Leo mencionó:

“La verdad es bonito por eso, porque al final estás con tu público haciendo tus canciones, la gente se las sabe, no te enfrentas a un público desconocido. Eso es un poco hostil de los festivales”, dijo el artista europeo.

Leo siente amor por la cultura mexicana

Al preguntarle al cantante lo que le gusta de la cultura mexicana o de México, Leo mencionó tener amor por algunas cosas del país azteca.

“Yo creo que los cenotes es lo más bonito que hemos visto en Ciudad de México, pero aparte de eso, yo creo que toda la cultura mexicana es supermágica. Estuvimos también con mi chica, con Karla, estuvimos en Mixtli; me llevé una buena impresión de lo que es México más real”, dijo Leo Rizzi.

Lo que uno ha construido, destaca Leo Rizzi

El cantante reveló en entrevista para Infobae México sentirse sorprendido, pero también agradecido por la trayectoria musical y fama que ha alcanzado, ya que desde el 2021 con el lanzamiento de ‘Amapolas’ fue mayormente reconocido en Latinoamérica.

Mencionó que es interesante voltear atrás y ver lo que “uno ha construido”.

El grupo de pop mexicano Mercurio festeja su aniversario número 30 y comparte esta noticia en sus redes sociales oficiales.

A través de una serie de fotografías creadas por inteligencia artificial, el conjunto se mostró contento por llegar a las tres décadas en los escenarios.

Desde 1995, la banda de pop ha experimentado diferentes cambios en su alineación y actualmente tiene cinco integrantes.

Mercurio, a través de sus redes sociales oficiales, expresó unas breves palabras para agradecer a sus fans y festejar sus 30 años de carrera musical.

Mediante la red social de Instagram escribió:

“Un día lo soñamos y hoy estamos aquí 30 años después… Gracias por caminar con nosotros y ser parte de esta historia”, escribió Mercurio al compartir las fotografías generadas por inteligencia artificial.

En las fotografías se puede ver a los cinco integrantes actuales abrazándose a ellos mismos en su juventud, para representar los inicios del grupo musical.

Actualmente, la agrupación noventera está conformada por: Héctor Ugarte, Daniel Merlo, Rodrigo Sieres, Alex Sirvent y Elías Chiprut.

El pasado viernes 17 de octubre, Mercurio informó que tendría un nuevo lanzamiento de ‘Medley Baladas’, el cual sería una recopilación de canciones noventeras.

La agrupación se mostró contenta de promocionar este nuevo lanzamiento musical a través de un video en sus redes sociales oficiales.

Breve historia de Mercurio

Mercurio es una banda mexicana de pop formada en 1995 en la Ciudad de México bajo la producción de Toño Berumen.

Nació como respuesta al éxito de otras agrupaciones juveniles de la época y rápidamente se posicionó como una de las boy bands más populares de Latinoamérica durante los años noventa.

La alineación original incluyó a Alfonso “Poncho” Barbosa, Héctor Ugarte, Rodrigo Sieres, Andrés González y Sergio Sendel, aunque con el tiempo algunos miembros fueron reemplazados.

Su primer álbum, Mercurio, se lanzó en 1996 y alcanzó notoriedad con sencillos como Enamoradísimo y Explota corazón. El grupo consolidó su fama con discos posteriores como Chicas chic y Tiempo de vivir, logrando llenos en conciertos y una base sólida de fans adolescentes.

Durante su trayectoria, Mercurio obtuvo discos de oro y platino en México y otros países de América Latina. La imagen fresca y juvenil, junto con coreografías y baladas pop, caracterizó sus presentaciones.

La agrupación se separó en 2000, aunque sus integrantes han realizado reuniones esporádicas y giras de reencuentro a lo largo de los años. Mercurio es considerada una de las boy bands mexicanas más emblemáticas de su generación.

La banda noventera de pop, Mercurio, anunció que en los próximos días habrá un lanzamiento musical con canciones de los noventas.

Fue la propia agrupación de pop quien notificó sobre este lanzamiento a través de sus redes sociales oficiales en un video compartido.

Los integrantes revelaron la fecha del estreno del que será el Medley Baladas y aunque dieron pocos detalles e información al respecto, indicaron de qué se trataría.

En el video se aprecia a Elías Chiprout, Héctor Ugarte, Daniel Merlo y Alex Sirvent dar los detalles del Medley Baladas para todos los fans de los noventas y en particular de esta agrupación.

Medley Baladas será estrenado el viernes 17 de octubre en todas las plataformas digitales, según lo mencionado por la propia agrupación noventera en el video compartido en sus redes sociales oficiales.

“A partir del 17 de octubre, podrán escuchar en todas las plataformas digitales nuestro nuevo lanzamiento: “Medley Baladas”, escribió Mercurio en una publicación en sus redes sociales oficiales.

Alex Sirvent explicó en el material difundido en sus redes sociales oficiales que se tratará de un popurrí, el cual la banda noventera de pop declaró: “Para nosotros significa muchísimo”.

“Momentazo de un concierto totalmente en vivo que no te puedes perder”, dijo Héctor Ugarte junto a sus demás compañeros de agrupación.

Mercurio reiteró que el ‘Medley Baladas’ estará en todas las plataformas digitales para este próximo viernes 17 de octubre.

Hasta el momento, la agrupación noventera de pop no reveló más detalles sobre lo que será este nuevo lanzamiento en plataformas digitales, pero invitó a todos sus fans y seguidores de esta música estar al pendiente.

Mercurio, una de las bandas de pop más populares de los noventas

Mercurio es una banda mexicana de pop formada en 1995. Surgió en la Ciudad de México como un proyecto dirigido al público adolescente y rápidamente se consolidó como uno de los grupos más representativos del pop juvenil en Latinoamérica durante la segunda mitad de los años noventa.

La agrupación fue creada por el productor Toño Berumen, conocido por trabajar con otras bandas exitosas, y tuvo varios cambios de integrantes a lo largo de su trayectoria.

El grupo debutó con canciones como Enamorado de ti y Explota corazón, que alcanzaron gran popularidad en radios y canales de música de la época.

Mercurio se distinguió por su estética visual, coreografías y melodías pegadizas, lo que les aseguró una importante base de seguidores entre el público juvenil. Publicaron varios discos y realizaron giras por México y otros países de habla hispana.

Leo Rizzi, cantante español, anunció que ofrecerá un concierto en la Ciudad de México para todos sus fans en este mes de octubre.

Ya hay fecha y sede para el evento musical del artista, el cual continuará con su promoción de Pájaro Azul, el cual es su último lanzamiento musical.

Los preparativos ya están listos y la venta de boletos sigue para el concierto del cantante originario de España.

Cabe destacar que anteriormente, Leo Rizzi ya se había presentado en la Ciudad de México, pero regularmente en distintos festivales, por lo que no es la primera ocasión en que pisará un escenario de la capital del país.

El concierto de Leo Rizzi de la Ciudad de México será el próximo miércoles 22 de octubre en el salón de espectáculos La Maraka.

Desde hace semanas, el artista europeo ya había anunciado el evento musical en la capital del país, pero en los últimos días se le ha dado más promoción en sus redes sociales oficiales.

De igual manera, Leo ha compartido fotografías en Instagram de su concierto en la Ciudad de México para el miércoles 22 de octubre. También, el artista ha publicado que está en la capital del país, principalmente en el Zócalo.

Un poco de la biografía de Leo Rizzi

Leo Rizzi es un cantautor español nacido en Ibiza en 1998. En su adolescencia comenzó a compartir versiones y composiciones propias en redes sociales.

Luego se trasladó a Valencia para continuar su formación, lo que facilitó el desarrollo de su estilo y lo consolidó como una voz emergente en el pop alternativo en español.

En 2021, lanzó el sencillo Amapolas, que le brindó reconocimiento tanto en España como en Latinoamérica.

Su propuesta musical se define por la combinación de pop, folk y electrónica, junto a letras introspectivas y una voz singular. Gracias a esta mezcla y a su capacidad de conectar con el público joven, Rizzi amplió rápidamente su base de seguidores por medio de plataformas digitales.

Temas como Berlín y Antibiótico, además de Amapolas, han fortalecido su posición en las listas populares y le han permitido colaborar con músicos internacionales.

A lo largo de su trayectoria, Leo Rizzi se ha caracterizado por la autenticidad y la exploración de cuestiones personales en sus creaciones, como el amor, la identidad y la búsqueda de sentido.

Este enfoque, sumado a su constancia y originalidad, lo coloca entre las promesas más destacadas de la nueva generación musical española.

La doble fecha del 90’s Pop Tour Antro en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México está muy cerca de llevarse a cabo.

Será el viernes 24 y sábado 25 de octubre cuando se lleve a cabo este nuevo concepto musical, el cual renovó a la llamada ‘máquina del tiempo’.

Se trata de una nueva versión del 90’s Pop Tour, el cual llenó 25 Arenas Ciudad de México desde 2017 hasta este 2025, pero ahora con una versión de ‘Antro’ con los mejores éxitos de esta década que se escuchaban en estos lugares de diversión en aquella época, de acuerdo con Ari Borovoy, integrante del proyecto y creador.

A través de las redes sociales del 90’s Pop Tour Antro se publicó un video donde se observan los ensayos de todo el elenco que participará en este proyecto, el cual está a 10 días de que se lleve a cabo.

En el material difundido en redes sociales se puede ver a varios artistas, así como agrupaciones ensayar para el evento musical.

Esta semana también se llevará a cabo una firma de autógrafos con el elenco que protagonizará el 90’s Pop Tour Antro. La cita es el jueves 16 de octubre.

Hace algunos días, Boroboy compartió los avances y detalles que se les está dando al 90’s Pop Tour Antro. Indicó que al lugar donde llegan a ensayar los artistas hay dos pisos, para que unos practiquen en el primero y otros en el segundo.

De igual manera, explicó que hay personas encargadas de diseñar el vestuario para los dos conciertos programados en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el sábado 3 de mayo, donde también se presentaron diferentes artistas a los antes mencionados como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

Anteriormente, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

La cantante mexicana Cecilia Toussaint ya tiene preparado dónde comenzará su gira de conciertos en la Ciudad de México.

Desde la semana pasada, Clara Brugada, jefa de Gobierno de la capital del país, anunció que la artista daría una serie de conciertos en una gira por la CDMX como parte del programa “Cuícatl: la ciudad que suena”.

De acuerdo con datos de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, ya hay fecha y sede donde la artista empezará esta gira por algunas zonas de la capital del país.

Cecilia Toussaint se presentará este próximo domingo 12 de octubre en la Utopía Meyehualco, ubicada en la alcaldía Iztapalapa de la capital del país.

Cabe destacar que el acceso será totalmente gratuito de acuerdo a lo notificado por las autoridades de la capital del país.

De igual manera, revelaron que Viuda Negra Rock será la agrupación que abrirá el concierto a las 15:00 horas para posteriormente dar entrada a Cecilia Toussaint.

“Cuícatl: La ciudad que suena” es un programa de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México que transforma parques, plazas y espacios comunitarios en escenarios vivos para la música, la danza y el teatro cada domingo.

Breve historia de Cecilia Toussaint

Cecilia Toussaint es una cantante, actriz y compositora mexicana que ha destacado por su versatilidad artística y su aportación a la música y el teatro en México.

Nació el 11 de octubre de 1958 en la Ciudad de México. Inició su carrera musical durante la década de 1970 participando en diversos grupos de rock y jazz, destacándose por su voz potente y su presencia escénica.

En 1984 lanzó su disco debut como solista, titulado “Aviéntame una vida”, con el que marcó un hito en la escena del rock mexicano.

A lo largo de su trayectoria, ha experimentado con distintos géneros musicales, incluyendo rock, pop, jazz y música tradicional mexicana, colaborando con diversos músicos y grupos.

Además de su labor musical, Cecilia Toussaint ha participado como actriz en teatro, cine y televisión. Ha interpretado papeles en obras teatrales y en telenovelas mexicanas, consolidando una carrera integral en las artes escénicas.

Es reconocida como una de las voces femeninas más representativas del rock nacional y ha recibido premios y homenajes por su trayectoria.

A lo largo de más de cuatro décadas, Toussaint ha mantenido su vigencia artística, editando discos, ofreciendo conciertos y participando en proyectos culturales.

Su influencia y aportaciones la han convertido en una figura clave de la música y la cultura mexicana contemporánea.

Ari Boroboy, integrante del ‘90’s Pop Tour Antro’, y quien con su compañía Bobo Producciones’ se encarga de la serie de conciertos de esta nueva edición de la llamada ‘máquina del tiempo’, reveló los avances y ensayos que se están llevando a cabo a dos semanas del espectáculo.

Los dos conciertos programados de esta nueva edición reinventada de los noventas se llevarán a cabo el viernes 24 y sábado 25 de octubre en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

En un video publicado en sus redes sociales oficiales, el exintegrante de OV7 compartió cómo los artistas que se presentarán en estas dos ediciones están ensayando. También dio a conocer que en el lugar se están armando los vestuarios que las agrupaciones y cantantes usarán durante la “noche de antro”.

Recalcó que hay dos pisos para los ensayos, donde en uno practican algunos y en el segundo distintas agrupaciones.

“Les voy a enseñar que en el piso uno estamos ensayando como lo pudieron ver; en el piso dos también hay ensayos de los grupos en lo individual en este momento”, mencionó el cantante durante la presentación del video.

Señaló que se están realizando más de 90 vestuarios que serán utilizados en los dos conciertos del ‘90’s Pop Tour Antro’ en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México. Detalló que, además de este número, también se cuentan a los bailarines que acompañarán a los artistas y agrupaciones durante esas dos noches.

“Vamos a tiempo, estamos a dos semanas de abrir el Antro más grande de Latinoamérica con todo y pista de baile”, agregó Ari Boroboy en el mismo material compartido en sus redes sociales.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el pasado sábado 3 de mayo, donde también se presentaron otros artistas como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Como se mencionó anteriormente, el 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’ con dos fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México: viernes 24 y sábado 25 de octubre.

Anteriormente, también estaba contemplada una fecha más para el domingo 26 de octubre, pero fue cancelada por cuestiones ajenas a la producción y recinto, según un comunicado oficial.

El grupo noventero Kabah estará de regreso para festejar con todos sus fans Halloween en la Ciudad de México, por lo que ya preparan un concierto.

Desde hace meses, la agrupación ya había anunciado este evento musical en la capital del país, por lo que los fanáticos de los noventas y en particular de la agrupación ya están esperando el evento.

Cabe destacar que en un principio el concierto de Kabah en la Ciudad de México se realizaría el 25 de octubre, pero la fecha fue pospuesta por causas ajenas a la agrupación, por lo que se reagendó un nuevo día.

Kabah se presentará en La Maraka, ubicada en la Ciudad de México, el sábado 8 de noviembre para festejar Halloween con todos sus fans de la agrupación, que lo han acompañado a lo largo de estos años.

Los intérpretes de La calle de las sirenas, Te necesito, La vida que va estarán presentes en este recinto de la capital del país para inicios de noviembre, por lo que los festejos de Halloween todavía se prolongarán para el 8 de noviembre de este año.

A través de sus redes sociales oficiales, Kabah ha compartido el evento tanto en historias de la red social Instagram como en distintas publicaciones.

Por lo tanto, la agrupación noventera se presentará en La Maraka el próximo sábado 8 de noviembre para celebrar Halloween.

Kabah: La fiesta de Halloween es la manera en que se ha presentado el concierto en la Ciudad de México.

Breve historia de Kabah

Kabah es una agrupación musical mexicana formada en 1992, reconocida por su participación en el género del pop y su relevancia en la escena musical de México durante la década de los noventa. El grupo nació en la Ciudad de México y se hizo popular a partir de 1994, cuando lanzó su primer álbum homónimo.

Los integrantes originales de Kabah son María José Loyola Anaya, Federica Quijano Tapia, Sergio O’Farrill Gabilondo, René Ortiz Martínez, Daniela Magún Morayta y André Quijano Tapia.

Con una propuesta dirigida principalmente al público adolescente, el grupo alcanzó amplia difusión gracias a temas como “La calle de las sirenas,” “Al pasar,” “Vive” y “Antro.”

Durante su trayectoria, Kabah se caracterizó por su estilo colorido y coreografías, así como por sus letras optimistas y ritmos bailables. El grupo lanzó varios discos a lo largo de los años noventa y dos mil, consolidando su presencia en la radio y la televisión mexicanas.

Recientemente, a través de sus redes sociales oficiales, el “90’s Pop Tour Antro” informó que uno de sus tres conciertos en el Auditorio Nacional de este mes de octubre será cancelado.

Inicialmente, las fechas de este proyecto musical que reúne artistas de la década de los noventas del género pop, así como bandas musicales, serían el viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de octubre.

En un comunicado oficial compartido en las redes sociales oficiales del “90’s Pop Tour Antro”, se notificó que el concierto y presentación del domingo 26 de octubre sería suspendido y aquellos fans que ya compraron sus respectivos boletos se les sería rembolsado.

Por lo tanto, los conciertos de este nuevo concepto del 90’s Pop Tour solamente serán el viernes 24 y sábado 25 de octubre.

En el comunicado oficial compartido en las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour Antro, explicaron por qué fue cancelada esta presentación.

Puntualizaron que se debe a circunstancias ajenas a la producción y al recinto, por lo que no dieron a conocer más detalles o una razón especifica.

Hasta el momento, ningún artista, la producción o el mismo Auditorio Nacional se ha pronunciado al respecto o dado mayores declaraciones por la suspensión del concierto del domingo 26 de octubre.

Detalló que para el reembolso del dinero se debe consultar con ‘Superboletos’ para conocer las políticas correspondientes. Asimismo, el comunicado terminó con una frase sobre la cancelación del concierto.

“Agradecemos profundamente su comprensión y sobre todo, gracias por acompañarnos en esta historia que seguimos escribiendo juntos”, fue como terminó el mensaje de la llamada ‘máquina del tiempo’.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el pasado sábado 3 de mayo, donde también se presentaron otros artistas como: Litzy, Lynda, entre otros más.

El 90’s Pop Tour se renovó y llegó la versión ‘Antro’, donde se cantarán las canciones más importantes que marcaron esta década y el Auditorio Nacional se verá como un ‘antro’ para vivir mejor esta experiencia.

Cabe recordar que anteriormente solo estaba el concepto del 90’s Pop Tour, el cual tuvo un gran éxito y estuvo en 25 ocasiones en la Arena Ciudad de México, reportando un ‘lleno total’.

El 90’s Pop Tour se renovó y llega la versión ‘Antro’, la cual pretende vivir una noche con música de esta década del género pop y en una versión como si estuvieras en un antro.

Luego de llenar 25 Arenas Ciudad de México, recinto donde siempre se presentaron los diferentes artistas, conjuntos y grupos musicales que conforman este proyecto musical, 90’S Pop Tour Antro llegará al Auditorio Nacional de la capital del país.

Desde el mes de agosto, se anunció que el 90’s Pop Tour se transformaría en un antro y se dieron a conocer los artistas que lo conformarían.

Asimismo, dentro de todos los detalles, también se revelaron las fechas en que la llamada ‘máquina del tiempo’ estaría. Serían tres fechas en que se viviría este espectáculo en el Auditorio Nacional.

Las fechas de presentación en el Auditorio Nacional del 90’s Pop Tour se llevarían a cabo el viernes 24, sábado 25 y domingo 26 de octubre.

Recientemente, a través de las redes sociales oficiales del 90’s Pop Tour, se informó que una de estas fechas en la Ciudad de México se cancelaría.

Esta noticia sorprendió a los fanáticos que ya han adquirido las respectivas entradas, a quienes se les reembolsará el dinero, de acuerdo con lo notificado por las redes sociales oficiales del evento musical.

¿Qué fecha del 90’s Pop Tour Antro fue suspendida en el Auditorio Nacional, CDMX?

De acuerdo a lo comunicado por las redes sociales del evento musical, el 90’s Pop Tour Antro suspendió el concierto programado para el domingo 26 de octubre.

No indicaron la razón por la que se canceló el concierto, pero puntualizaron que es por circunstancias ajenas a la producción y recinto.

Señalaron que para solicitar el reembolso correspondiente se deberá revisar con ‘Superboletos’ sus respectivas políticas de reembolso correspondientes.

Hasta el momento, ninguno de los artistas, conjuntos, agrupaciones, ni el Auditorio Nacional ha brindado mayor información sobre la cancelación del concierto del ‘90’s Pop Tour Antro’ del domingo 26 de octubre.

¿Qué artistas se presentarán en el ’90’s Pop Tour Antro’?

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

El último concierto del 90’s Pop Tour que se llevó a cabo fue en el Estadio GNP Seguros el pasado sábado 3 de mayo, donde también se presentaron otros artistas como: Litzy, Lynda, entre otros más.

Ayer, Madrid vivió una noche única. Sebastián Yatra ofreció un concierto especial de la mano de Los40 y Banco Santander. El show fue en el Teatro Eslava, un aforo bastante reducido a los estadios que acostumbra llenar el cantante. Lo que parecía simplemente una versión más íntima de su gira, se convirtió en un diálogo directo de Yatra con sus fans más fieles. Confesó sus mayores miedos, su sentimiento tan profundo por España y se abrió para responder a Tony Aguilar.

El locutor de Los40 fue el encargado de conducir la noche. Se encargó de revelarle poco a poco todas las sorpresas que los seguidores habían estado preparando para el colombiano. Desde un retrato pintado en vivo directo hasta una recopilación de su paso por nuestro país. Todo fue muy emotivo, el ambiente era tan cercano que Sebastián no dudó en confesar como está su corazón actualmente.

La nueva canción de Yatra para su ex

Su confesión nació a raíz de presentar su nuevo tema Canción para regresar. Una colaboración junto a Gente de Zona, Lucho RK y Belinda. La canción salió el día 26 de septiembre y la cantó en directo por primera vez en el Movistar Arena, el pasado sábado. Fue ahí donde cerró la gira Entre tanta gente Tour junto a compañeros como Pablo Alborán. “Es la segunda vez que la canto con público y esto es hermoso”, dijo nada más acabar de interpretar. A continuación salió el presentador y se sentaron a hablar un rato como si nadie les escuchara.

Fue ahí cuando Yatra explicó lo que había detrás de esta canción. “Yo hice este tema como última llamada para volver con mi ex, es también para todos aquellos que recaen en la misma persona una y otra vez”. Antes sus declaraciones, el público empezó a corear su nombre y el cantante no pudo evitar reír.

Luego durante la entrevista no dudó en aclarar que las rupturas duelen. “¿Cómo llevas tú la tristeza después de todo esto?“, preguntó Tony Aguilar. ”Yo he asumido que la tristeza es pasajera, hay épocas donde se pasa mal, pero justo esa canción habla también de eso y aunque quiera mucha a la otra persona hay que dejar ir", contestó emocionado el actual coach de La Voz.

Todas las indirectas

Cuando el presentador vio que su entrevistado estaba relajado siguió preguntándole por su situación amorosa. Sebastián Yatra dedicó una sonrisa al público y dijo: “Si lo cuento todo en mis canciones, atentos a las letras y nada más”. Tras eso el concierto continuó y el público vibró en grande. Como él dijo, todo está en las canciones y los seguidores no han tardado en ubicar las indirectas que hay dentro del nueva tema para sus ex. “No sé si todavía estás pensando cómo me jodiste“, con esta frase empieza la canción recién salida. No tardó en causar una reacción en el público que sorprendió al cantante.

“¿Quién a ti te puede entender? Di que el pasado se quedó atrás" o “Te perdí, eras mi amor verdadero” fueron las frases de la canción más comentadas en redes sociales. Una confesión de amor que se relaciona directamente con su última relación mediática con Aitana, la cual ya ha rehecho su vida con el creador de contenido Plex. Yatra asume en la canción que ya ha perdido a esa persona, pero que se quedará con los buenos momentos, inmortalizándolo así en un vídeo que ha dirigido y producido el mismo y que ya está disponible.

En un formato más reducido, pero igual de vibrante, Sebastián Yatra vuelve a demostrar por qué es uno de los artistas latinos más queridos del panorama internacional. El cantante cuenta ya con 22 millones de oyentes mensuales en Spotify y arrastra logros enormes en la industria musical.

El pasado sábado cerró su gira “Entre tanta gente Summer Tour 2025″ en el Movistar Arena de Madrid. Ahora, 48 horas después, no ha dudado en ofrecer un show más cercano junto a Los40 y Banco Santander en el Teatro Eslava.

Lejos de las grandes producciones y los efectos visuales que acompañan sus giras habituales, Yatra se ha presentado con una puesta en escena sencilla pero efectiva: luz cálida, músicos en directo y una cercanía absoluta con su público. Desde los primeros acordes, el artista no solo interpretó sus grandes éxitos, sino que también compartió anécdotas, confesiones y momentos personales que convirtieron el concierto en una experiencia casi confesional.

Todo el repertorio

Entre el público se encontraban solamente los seguidores españoles más fieles del cantante. Todos aquellos que pudieron conseguir la invitación con un aforo muy limitado. El repertorio incluyó clásicos como Vagabundo y Tacones rojos, que el público coreó de principio a fin. También hubo espacio para temas más recientes y versiones acústicas que resaltaron la calidez de su voz. Especialmente emotivo fue el momento en que interpretó Amen, una de las canciones más personales de su último trabajo, con una dedicatoria que arrancó lágrimas y aplausos entre el público.

Entre canción y canción, Yatra no dudó en bromear con sus seguidores, leer carteles e incluso tirar una toalla suya al público tras secarse la frente. Esto reforzó aún más esa sensación de cercanía y complicidad. Fue, en definitiva, un concierto pensado para los que siguen su carrera desde el principio, pero también una oportunidad para redescubrirlo desde otro lugar: más íntimo y más sincero.

Todas las sorpresas

Este evento es un formato ya clásico de Los40 junto a Santander y por donde han pasado artistas como Aitana, Lola Índigo o Bisbal. Tony Aguilar se encargó de que el cantante contara cómo se sentía tras acabar la gira. “El último concierto, antes de ayer, aquí en Madrid, fue la noche más especial de mi vida sobre una tarima”, confesaba el colombiano. Durante la charla, el actual coach de La Voz, no dudó en declarar su profundo amor por España. Al hablar de nuestro país nombró a Clara Galle, la actriz española que debutó de la mano del cantante en el videoclip de Tacones rojos. Segundos más tarde, Galle salió en directo para sorprenderle en esta noche tan especial.

Con una mezcla de baladas, pop y reguetón suave, Yatra ha sabido construir una carrera sólida y versátil, capaz de adaptarse tanto a los grandes focos como a la luz tenue de un acústico. Y anoche en la capital, lo volvió a demostrar: “cuando la música es honesta, no necesita más que una voz, unas cuerdas y una historia bien contada” dijo Yatra. Además de sorprenderle con vídeos de sus fans y la presencia de la actriz, el equipo de Los 40 aún tenía una sorpresa más. Esther Moya pintora y creadora de contenido estuvo haciéndole un retrato que le entregó en directo, poniendo así el broche de oro a este concierto tan mágico.

Desde su debut en 2006, Taylor Swift supo cómo reinventarse musicalmente, desde el country en Nashville hasta el pop en lo más alto de los rascacielos de Nueva York. Pero no solo fueron las letras de sus canciones lo que cambió, también su acento lo hizo.

Ahora, un grupo de científicos tomó ese trayecto como laboratorio: con años de entrevistas como materia prima, analizaron la voz de la cantante para dar una respuesta a una pregunta mayor, ¿cómo evolucionan los dialectos cuando cambia el entorno de una persona?

El enfoque del estudio, liderado por investigadores de la Universidad de Minnesota, fue aprovechar la exposición mediática y la extensa trayectoria de la cantante para rastrear el desplazamiento de su acento. Según el estudio publicado en la revista The Journal of the Acoustical Society of America, el equipo recopiló entrevistas con la cantante de diversas etapas: desde su etapa adolescente en Nashville, pasando por su retorno a Pensilvania, hasta su transformación pop en Nueva York.

"Taylor Swift es perfecta para este tipo de análisis longitudinal porque ha sido entrevistada y grabada numerosas veces, y presentaba motivos para modificar su acento en momentos específicos”, explicó Matthew Winn, uno de los autores. El resultado fue un archivo sonoro de miles de minutos de habla, convertido en base de datos científica.

La ciencia detrás de cada vocal

Cada entrevista significaba una cápsula temporal que permitía inspeccionar la evolución del acento. Los investigadores extrajeron y analizaron más de 1.400 sonidos vocálicos de entrevistas asociadas a cada etapa de la artista. Las grabaciones fueron divididas por periodos clave: la era country con “Fearless” en Nashville, la transición pop de “Red” en la costa este, y la consolidación con “Lover” en Nueva York.

El análisis fonético se centró en el movimiento de la lengua y la resonancia de cada vocal. “La articulación de los sonidos es la huella que permite capturar los cambios de dialecto”, detalló el equipo. Durante su tiempo en Nashville, el acento de la artista presentaba rasgos característicos del sur, como pronunciar “ride” de un modo más próximo a “rod” y alargar la vocal /u/ hasta hacer que “two” sonara a “tee-you”.

De la música country al pop, el acento también cambia

El paso de Nashville a Filadelfia y finalmente a Nueva York se reflejó en la voz de la ganadora de 14 premios Grammy. El equipo observó cómo desaparecían los marcadores del acento sureño: la vocal /aɪ/ —clave en “ride”— dejó de abreviarse, y la intensidad en /u/ se moderó. “Se trata de una hipercorrección: buscó conscientemente alejarse del dialecto del sur”, dijeron los especialistas en su publicación.

Esta transformación no aparece desvinculada de la música: la mudanza a Nueva York coincidió con la consolidación en el pop y una nueva exposición pública. El tono de voz de la artista se situó en registros más bajos, estrategia asociada a líderes que buscan transmitir autoridad y seguridad. “Una voz más grave incrementa la percepción de confianza en temas sociales y personales”, planteó el equipo en declaraciones a Daily Mail.

El fenómeno documentado por la Universidad de Minnesota revela que los dialectos no son estáticos. “Nuestros acentos se ajustan a la identidad y la comunidad a la que queremos pertenecer”, sostiene Helen West, de la Universidad de Chester, quien corroboró hallazgos similares al analizar el acento cantado de la cantante de 35 años.

La conclusión de los científicos es precisa: los años de entrevistas de Taylor Swift funcionan como un experimento natural sobre la flexibilidad y la adaptación de los dialectos adultos.

Entre Nashville, Filadelfia y Nueva York, la artista dejó la huella de una transformación en cada sílaba; su voz es, además de musical, un registro de cómo el contexto, la presión del entorno y los objetivos personales pueden modelar la manera en que una persona habla.

Durante esta década, los géneros tradicionales se fusionaron, nacieron estilos alternativos y se afianzó un sentido de diversidad que sentó las bases del panorama musical del nuevo milenio.

La aparición del grunge marcó el inicio de un cambio. En la ciudad lluviosa de Seattle, bandas como Nirvana y Pearl Jam captaron el desencanto juvenil y lo transformaron en un sonido crudo, alejado de las producciones pulidas que dominaban en los años 80.

De acuerdo a Vogue, los acordes distorsionados y letras introspectivas, junto con la estética desenfadada de las camisas de franela y jeans rotos, desafiaron los estándares previos. Soundgarden y Alice in Chains también aportaron a este movimiento, dotándolo de una energía particular. El grunge no solo renovó el rock; también influyó en la actitud y la moda de toda una generación, que encontró en esta música un reflejo de inquietudes auténticas.

A la par, el hip-hop alcanzó una madurez notable. El enfrentamiento creativo entre la costa Este y la costa Oeste de Estados Unidos convirtió cada lanzamiento en un acontecimiento mediático.

Grupos como Mobb Deep y Puff Daddy perfeccionaron el arte del sampleo y el relato urbano, mientras Snoop Dogg y Dr. Dre pusieron el sello distintivo del G-Funk y el ritmo californiano al frente del movimiento en la costa Oeste.

Según precisó Icon Collective, en este contexto surgieron nuevas vertientes, como el rap de conciencia, que abordó temas sociales y políticos con una profundidad hasta entonces inusual. Además, se popularizó el “new jack swing”, una combinación de ritmos urbanos y melodías pegajosas.

Cantantes y productoras como Missy Elliott y Faith Evans desdibujaron los límites tradicionales, fusionando hip-hop y R&B con resultados novedosos y exitosos. Estos cambios convirtieron al hip-hop en uno de los principales motores de la industria y permitieron la aparición de voces y narrativas diversas.

Durante la segunda mitad de la década, el pop vivió una etapa de auge sin precedentes. La llegada de la “ola adolescente” fue un fenómeno global.

Según detalló Orginal Music, Britney Spears, NSYNC y Christina Aguilera dominaron la escena con temas contagiosos, coreografías llamativas y un estilo visual cuidadosamente diseñado.

El pop mainstream se sostuvo en figuras con fuerte presencia mediática, pero en años previos otras artistas como Celine Dion y Mariah Carey ya se habían destacado por su capacidad vocal y sus baladas emotivas. Así consolidaron una tradición de canciones intensas y potentes.

El espectro del rock se amplió considerablemente durante los 90. De acuerdo a How Stuff Works, el fenómeno alternativo, alimentado por el éxito del grunge, dio paso a una proliferación de estilos y propuestas.

Los Red Hot Chili Peppers combinaron funk y rock en una fórmula que revitalizó las listas de éxitos. R.E.M. y Radiohead aportaron una perspectiva reflexiva y experimental, sumando complejidad al género.

Asimismo, según Indie Hoy, en el Reino Unido, Oasis y Blur lideraron la llamada “movida Britpop”, caracterizada por referencias a la cultura británica y una rivalidad que dividió a fans en todo el mundo.

El country también dio un salto importante al mainstream. Artistas como Shania Twain y Garth Brooks reimaginaron el sonido clásico del género, dándole un matiz moderno y accesible.

Gracias a su carisma y capacidad de conectar con audiencias diversas, lograron situar la música country en el radar internacional y elevar su popularidad a cifras históricas.

Esta apertura expandió el alcance y la diversidad del género, permitiendo que nuevas voces alcanzaran reconocimiento mundial.

Cabe destacar que el avance tecnológico y la globalización estimularon la expansión de la música electrónica durante los 90.

El auge de las raves británicas puso a bandas como Underworld en el centro del movimiento. Daft Punk y The Prodigy llevaron diferentes estilos electrónicos a la pantalla de MTV y a las pistas de baile de todo el mundo.

La música electrónica fue adoptada tanto en clubes subterráneos como en fiestas multitudinarias, convirtiéndose en la banda sonora de nuevas formas de diversión nocturna.

El R&B alcanzó una madurez artística notable durante la década. De acuerdo a The Blues Project, grupos como TLC, Boyz II Men y Aaliyah dominaron la radio con armonías complejas y una sensibilidad influida por el soul y el doo-wop. El género encontró una identidad propia, basada en la expresividad vocal y una sensibilidad romántica que definió parte de la banda sonora más recordada de los 90.

En tanto, el pop latino experimentó una proyección internacional inédita. Artistas como Ricky Martin, Jennifer Lopez y Selena supieron mezclar las raíces rítmicas de Latinoamérica con estribillos universales.

Así lograron un éxito avasallante en el mercado de habla inglesa. Este fenómeno permitió la incorporación de sonidos tradicionales y ritmos tropicales en la música pop global, sentando las bases de la fusión de géneros que predominaría en el siglo XXI.

Uno de los resurgimientos notables fue el ska de la tercera ola. Bandas como No Doubt y Reel Big Fish sumaron guitarras rápidas y secciones de metales. De esta forma, según precisó Britannica, produjeron un sonido vibrante y festivo que capturó la atención de públicos jóvenes.

En el mismo período, la música internacional amplió su influencia. El J-Pop, con artistas como Hikaru Utada, comenzó a ganar reconocimiento fuera de Japón. Las compilaciones de “world music” introdujeron a oyentes occidentales a voces y estilos hasta entonces poco conocidos, contribuyendo a la diversidad y el intercambio cultural en el ámbito musical.

En síntesis, los años 90 fueron una década de exploración musical incansable. Desde el grunge hasta la electrónica, pasando por el hip-hop y el pop latino, cada género encontró una forma de sobresalir y dejar una huella duradera. Estas transformaciones redefinieron la música popular y consolidaron una herencia artística que aún resuena en las creaciones actuales.

Rainy Sunday Afternoon, como su título lo indica, destaca por su carácter introspectivo: ¿o hay un momento más apropiado para la reflexión que un lluvioso domingo a la tarde? “No estoy convencido. Siempre pensé que las mañanas de los lunes o la mitad de la semana laboral se suponía que eran más tristes. Quién sabe...” dice Neil Hannon en diálogo con Infobae Cultura a propósito de la salida de este nuevo disco de The Divine Comedy.

Lo cierto es que se trata de un disco con canciones delicadas, pausadas y reflexivas, donde la orquestación pop supone el colchón perfecto para el íntimo registro vocal de Hanoon, sobre cuestiones tan profundas como la pérdida y la memoria. “The Last Time I Saw the Old Man” surge tras la muerte de su padre, el obispo de la iglesia cristiana irlandesa Brian Hannon, quien fue diagnosticado con Alzheimer en 2008. “No hay grandes declaraciones ni palabras de sabiduría: no se puede endulzar la demencia”, comenta el autor con brutal honestidad británica.

De la pérdida, el dolor y la memoria, pero también de Timothée Chalamet y Bob Dylan, y por supuesto de cómo es vivir en casa con un padre autoridad religiosa y formar una banda de “rock” (nada más impío, tal vez), versa este diálogo.

—En The Divine Comedy hay, desde el principio y mencionadas por su nombre, muchas referencias “cultas”: Dante, poemas y música clásica de diversos autores. ¿Qué te llevó a formar una banda pop con esas referencias?

—Es simplemente la forma en que escribo. No me propuse “ser culto”. Simplemente utilizo las referencias que conozco o las cosas que me interesan para dar color e iluminar mis ideas e historias. Probablemente tomo tantas referencias y detalles de programas de televisión o deportes como de la alta cultura, pero la gente no parece notar esas.

—El estilo de Divine Comedy ha sido definido como “íntimo e introspectivo”. ¿Estás de acuerdo?

—Sin duda puede serlo. De hecho, este nuevo álbum es más introspectivo y emocional de lo habitual. ¡Me gusta explorar qué es lo que me hace ser yo! Aunque espero que no sea a costa de intentar entender también qué motiva a los demás.

—El título de este nuevo álbum alude a un momento particular del fin de semana, casi siempre asociado con la depresión. ¿Lo pensaste así? ¿Dirías que tu música puede ser apropiada para ese momento del día?

—¿Ah, sí? No estoy convencido. Siempre pensé que las mañanas de los lunes o la mitad de la semana laboral se suponía que eran más tristes. Quién sabe. Sinceramente, solo llamé a la canción “Rainy Sunday Afternoon” porque cuando la estaba escribiendo era una tarde de domingo y estaba lloviendo. Llamé así al álbum porque pensé que sonaba como el nombre de un drama británico de “kitchen-sink” de la década de 1960 (N. de la R.: refiere a un estilo de realismo social y naturalista de la clase trabajadora). Y porque tenía ese tipo de sensación soñadora; cuando tu mente divaga y reflexionas sobre la vida y esas cosas. Siempre he sentido asociaciones cálidas con las tardes de domingo porque solían pasar las mejores películas antiguas en ese momento.

—La canción “The Last Time I Saw the Old Man” habla del período de la enfermedad de tu padre ¿Cómo decidiste escribir una canción sobre un tema tan personal?

—La forma en que escribí “Old Man”—la única forma en que podía escribirla—fue siendo brutalmente observador. Decir exactamente cómo se veía y sonaba mi padre hacia el final. No hay grandes declaraciones ni palabras de sabiduría: no se puede endulzar la demencia. Simplemente quería recordar la futilidad y la injusticia de todo eso.

—Por otro lado, tu padre fue una figura pública (obispo de la Iglesia de Irlanda). Desde Argentina—un país con mayoría católica apostólica romana—suena extraño que un obispo tenga familia e hijos… ¿Cómo era de niño tener un padre que era una autoridad religiosa?

—¡Sí, entiendo por mis amigos católicos lo raro que suena ser “el hijo de un obispo”!

Te aseguro que no es nada extraño para quienes tienen una perspectiva protestante. No estoy seguro de que mi crianza fuera diferente a la de otros chicos de clase media del norte de Irlanda por el trabajo de mi padre. Más bien, porque mis padres eran bastante elegantes y tenían familias angloirlandesas vinculadas al establishment. Eso es lo que sentía que me diferenciaba de mis compañeros. Ir a la iglesia todos los domingos no era tan malo. Pude cantar en el coro, lo cual disfrutaba. Ahora no soy en absoluto religioso, pero todavía amo mucha de esa música.

—Compusiste canciones originales para la película Wonka ¿Cómo fue esa experiencia?

—Hacer Wonka fue una experiencia completamente loca para mí. Nunca antes había estado vinculado a un proyecto tan enorme (y caro). Había adorado absolutamente la película de 1971 cuando era niño. Las canciones eran como parte de mí. Solo más tarde me di cuenta de la importancia del compositor, Anthony Newley. Me encanta cuando las canciones viven aparte de su autor: simplemente pasan a formar parte de la cultura. No me importa en absoluto que los niños que aman este nuevo Wonka y cantan las canciones no tengan ni idea de quién soy yo.

—Conociste personalmente a Chalamet ¿Viste la película en que personifica a Bob Dylan? ¿Qué te pareció?

—No he visto a Timothée interpretando a Dylan. Estoy seguro de que estuvo tan brillante como siempre. Admiro mucho a Bob, pero no es parte de mi escucha habitual.

[Fotos: Kevin Westenberg]

La cantante Natalia Lafourcade se encuentra muy alegre y así lo ha demostrado en sus redes sociales oficiales, donde expresó estar agradecida por sus nueve nominaciones a los Latin Grammys.

La lista de candidaturas fue dada a conocer durante la mañana de este miércoles 17 de septiembre por la Academia Latina de Artes y Ciencias de la Grabación.

Luego de darse a conocer las nominaciones, en la lista de candidaturas el nombre de la intérprete de ‘En el 2000′ se encuentra en nueve categorías distintas.

A través de su cuenta oficial de Instagram, la artista mexicana agradeció a la Academia y expresó sentirse agradecida con la música.

“Muchísimas gracias a la Academia de los Latin Grammy (@latingrammys) por estas nueve nominaciones”, mencionó Lafourcade en su red social oficial.

Posteriormente, volvió a repetir las categorías en las que se encuentra nominada, sumando 9 en total. De igual manera, agradeció a su equipo y cada persona que la acompaña.

También felicitó a sus compañeros de nominación y los artistas que están nominados a este galardón.

“Me siento profundamente agradecida con la música, con mi equipo, con cada persona que me acompaña y con ustedes, que dan sentido a cada instante dedicado a este sueño que se sostiene desde la dulce infancia. Felicidades también a todos mis colegas y compañeros. Qué bonito que estemos celebrando nuestro trabajo y la música que nos une. Que nunca olvidemos la esencia de nuestras causas y nuestra hermosa raíz latinoamericana. ¡Viva la música!“, dijo la cantante para agradecer la nominación.

¿En qué categorías se encuentra nominada Natalia Lafourcade para esta nueva edición de los Grammys Latinos?

Las categorías en las que se encuentra nominada Natalia Lafourcade son:

- Álbum del Año: Cancionera

- Mejor Álbum Cantautor: Cancionera

- Mejor Ingeniería de Grabación para un Álbum: Cancionera

- Mejor Canción Cantautor: Cancionera

- Grabación del Año: Cancionera

- Canción del Año: Cancionera

- Mejor Canción de Raíz: Como Quisiera Quererte

- Mejor Canción de Raíz: El Palomo y la Negra

- Canción Álbum Pop Tradicional: Natalia Lafourcade Live at Carnegie Hall

Cabe destacar que la cantante comparte nominación con otros artistas reconocidos mundialmente como: Alejandro Sanz, Bad Bunny, Mon Laferte, entre otros cantantes más.

¿Cuándo será la entrega y ceremonia de los Latin Grammys 2025?

La vigésima sexta edición anual del Latin GRAMMY se realizará el jueves 13 de noviembre de 2025 en el MGM Grand Garden Arena, ubicado en la ciudad de Las Vegas.

Ed Sheeran regresa a la escena musical con el lanzamiento de su nuevo álbum Play, una producción que representa un cambio de rumbo tras un periodo marcado por dificultades personales y profesionales. En una entrevista reciente en Popcast de The New York Times, el cantante británico explicó que este trabajo simboliza no solo un retorno a la vitalidad de su característico pop, sino también una reacción directa a los desafíos vividos en los últimos años.

El álbum Play surge después de lo que Sheeran describe como “dos años de verdadera nubosidad”, un periodo en el que la pérdida de dos amigos cercanos, el diagnóstico de cáncer de su esposa Cherry y una serie de litigios por derechos de autor, afectaron su estabilidad emocional y creativa.

El propio artista reconoce que este disco es una respuesta instintiva a esa etapa oscura: “Esta es una reacción total de que este tiene que ser el disco más brillante y tecnicolor que podamos hacer”, afirmó en la conversación con The New York Times.

El significado de Play para Sheeran trasciende la superación personal. El disco recupera el optimismo que lo consolidó como referente del pop moderno, con canciones nostálgicas como Camera e In Other Words, que evocan éxitos previos como Perfect y Thinking Out Loud.

Además, el álbum explora nuevos territorios musicales: incluye su primera incursión en la música de influencia persa con Azizam y una colaboración inédita con compositores indios en Sapphire, ampliando así el espectro sonoro que ha desarrollado a lo largo de su carrera.

“A veces pienso que, como occidentales, creemos que Occidente es todo, cuando en realidad el mundo es enorme”, reflexionó Sheeran, destacando el impacto de sus giras internacionales en su apertura a nuevas influencias.

Una visión abierta sobre la competencia

En la entrevista con los periodistas Jon Caramanica y Joe Coscarelli, Sheeran abordó su posición en la industria y la competencia generacional. Aunque reconoce la aparición constante de nuevos talentos, el cantante se muestra firme respecto a su lugar: “Creo que es un error verlos como si invadieran tu espacio, porque mi espacio es mi espacio”.

Sheeran recordó cómo, desde sus inicios, ha visto surgir a otros cantautores masculinos y ha optado por recibirlos con apertura, inspirado por figuras como John Mayer y Elton John, quienes le enseñaron a celebrar la llegada de nuevas voces en el pop.

El artista también reflexionó sobre la evolución de su público y la importancia de adaptarse a los cambios en la industria. A diferencia de los lanzamientos sorpresa que predominan en la actualidad, Sheeran apostó por una estrategia más tradicional para Play, convencido de que su base de seguidores necesita tiempo para descubrir y asimilar su música.

“Mis fans tienen hijos y tardan más en encontrar las cosas. No buscan música nueva cada día. La radio sigue siendo importante para mí y realmente siento que crea éxitos”, explicó a The New York Times.

Impacto de las pérdidas y litigios en su carrera

Las dificultades personales recientes han dejado una huella profunda en su proceso creativo. Sheeran relató cómo la muerte de Jamal Edwards y Shane, amigos cercanos, el diagnóstico de Cherry y el nacimiento de su segunda hija se sucedieron en un corto periodo, lo que lo sumió en una etapa de depresión.

Este contexto, sumado a los litigios por derechos de autor —incluida la acusación de plagio sobre Shape of You—, lo llevó a tomar medidas preventivas, como grabar todo su proceso de composición desde 2017. “No soy una alcancía para que alguien venga a pinchar”, sentenció, aludiendo a su decisión de llevar uno de los casos a juicio para defender su integridad artística.

También, Sheeran abordó la presión de las expectativas y la percepción pública. Reconoció que, a lo largo de su carrera, ha sido objeto de críticas y bromas, incluso cuando sus canciones alcanzaban el éxito años después de su lanzamiento.

Sin embargo, a pesar de las críticas y los altibajos, Sheeran mantiene la convicción de que, con el tiempo, los artistas pueden superar la percepción negativa y consolidar su legado. “Llega un momento en la carrera en que se trasciende todo eso”, reflexionó ante The New York Times, dejando entrever que su apuesta es resistir y perdurar hasta que la música hable por sí sola.

La banda creada por Albarn y el dibujante Jamie Hewlett presentó el single “The Happy Dictator” -con la participación de la banda estadounidense Sparks, liderada por los hermanos Ron y Russell Mael- a modo de adelanto del próximo lanzamiento de 15 canciones que se publicará el 20 de marzo de 2026.

El nuevo álbum presenta una serie de colaboraciones musicales, y allí se destaca la presencia de los argentinos Trueno (en el track 8, “The Manifesto”, junto al rapero estadounidense Proof) y Bizarrap (en el track 5, “Orange County”, con la cantante Kara Jackson y la citarista Anoushka Shankar). La lista incluyendo al célebre cantante sirio de electro-folk Omar Souleyman y el exguitarrista de The Smiths Johnny Marr.

Además, el rapero argentino Trueno será uno de los actos de apertura del tramo británico de la gira, junto al dúo Sparks.

El rapero estadounidense Mos Def, quien ha utilizado el nombre Yasiin Bey durante más de una década, también participa del nuevo disco. Los diversos artistas invitados cantan colectivamente en cinco idiomas: árabe, inglés, hindi, español y yoruba.

Se presentó por primera vez en un “concierto secreto” en Londres la semana pasada. Se trata del noveno álbum de estudio de Gorillaz, que sigue al lanzamiento de Cracker Island en 2023 y también incluye voces de amigos artistas ya fallecidos, como Bobby Womack, Mark E. Smith y el baterista Tony Allen.

La gira, que contará con nueve fechas, comenzará en Mánchester el 21 de marzo de 2026 y culminará con un concierto en el estadio Tottenham Hotspur de Londres el 20 de junio de 2026.

Fuente: AFP

El 90’s Pop Tour se renueva y ahora presentará su formato Antro, que será un concierto, el cual ya está programado en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Tras haberse presentado 25 veces en la Arena Ciudad de México, ahora cambiarán de sede, por lo que se trasladarán a este famoso recinto de la capital del país. El formato también se renovará y ahora será en una versión ‘Antro’, donde estarán las canciones más importantes de la década de los noventas.

Ari Boroboy, organizador de este concierto y el nuevo concepto del 90’s Pop Tour, reveló los detalles junto con todo el elenco en una conferencia de prensa.

“En este antro vamos a escuchar las canciones de todos estos artistas que están y que estamos arriba del escenario y de muchos otros artistas también mezclados junto con la nuestra”, expuso el productor y dueño de Bobo y exintegrante de OV7.

Boroboy explicó la diferencia entre el 90’s Pop Tour que llenó más de 20 Arenas Ciudad de México y donde se presentará en el Auditorio Nacional.

“¿Cuál es la diferencia? Que los artistas originales estaremos en nuestra mejor versión arriba del escenario. ¿Cómo no?”, refirió Ari.

El cantante añadió que después de nueve años de este concepto noventero de pop musical, ahora decidieron traer el ‘Antro’ en el Auditorio Nacional.

Añadió que la mitad de los asientos de abajo se quitarán para que las tres noches de concierto se conviertan en una pista de baile para simular un antro noventero.

“Bienvenidos todos los que quieran bailar, todos aquellos noventeros que quieran hacer cardio y bajar un poquito de peso, sudar y pasarla bien, bienvenidos a partir del 24 de octubre aquí en el Auditorio Nacional”, mencionó el cantante.

Señaló que serán tres fechas en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México cuando se lleve a cabo el 90’s Pop Tour Antro.

Por su parte, en la conferencia de prensa, Anggie Taddei de JNS mencionó que será una experiencia totalmente única e irrepetible, así como nunca antes vista.

Detalló que los artistas estarán en el escenario cantando las canciones, pero como se escuchaban en los antros de los noventas.

¿Cuándo serán las fechas del 90’s Pop Tour Antro en el Auditorio Nacional de la CDMX?

De acuerdo con lo anunciado y confirmado por todo el elenco, las tres fechas confirmadas serán el viernes 24, sábado 25 y domingo 26.

Los artistas que se presentarán en el 90’s Pop Tour serán: Ari Boroboy, Erika Zaba, Kalimba, M’Balia, The Sacados. JNS, Kabah, The Sacados, Mercurio, Magneto, Caló, Erik Rubín, S.B.S.

La agrupación noventera de pop JNS (antes Jeans) se presentará este mes de septiembre en un estado de la República, por lo que ya se encuentran preparando todos los detalles para este concierto.

Las intérpretes de “Entre azul y buenas noches”; “Pepe”; “Me pongo mis Jeans” y “Corazón confidente”, por mencionar algunas canciones, anunciaron desde hace semanas un concierto en el país, por lo que ya se preparan para esta presentación.

Tlatlauquitepec, en el estado de Puebla, será el lugar donde el conjunto de pop conformado por Anggie, Melissa y Regina se presentará para dar un concierto.

De acuerdo con la información compartida por JNS, el concierto será este viernes 12 de septiembre en el Teatro del Pueblo, en Tlatlauquitepec.

Aunque no hay un horario detallado para el inicio del concierto, la presentación será totalmente libre, según el promocional compartido por JNS en sus redes sociales oficiales.

Así se fue conformando JNS

El grupo JNS, antes conocido como Jeans, surgió en la Ciudad de México en 1994, cuando Patricia Sirvent y cinco amigas formaron una agrupación enfocada en el pop dirigido al público juvenil.

Tras varios cambios en la alineación, el cuarteto logró consolidarse con Paty Sirvent, Karla Díaz-Leal, Melissa López y Angie Taddei, quienes se convirtieron en las integrantes más representativas.

En 1996, lanzaron su álbum debut “Jeans”, que incluyó éxitos como “Pepe” y “Me pongo mis jeans”, posicionándose rápidamente en la industria musical mexicana y latinoamericana.

El grupo experimentó un ascenso notorio durante la década de 1990 y principios de 2000, impulsado por temas pop y coreografías dirigidas a adolescentes.

Canciones como “Enferma de amor” y “Dime que me amas” fortalecieron su presencia en la radio y televisión.

A lo largo de su historia, JNS enfrentó salidas y regresos de integrantes: Karla Díaz, Melissa López, Angie Taddei y Regina Murgia, pero mantuvo su popularidad con giras y lanzamientos constantes.

En 2015, el grupo adoptó el nombre JNS y se reincorporó a los escenarios como parte de la gira “90’s Pop Tour”, reuniendo a miles de seguidores.

Su legado en la música pop mexicana permanece vigente, influenciando nuevas generaciones y consolidando su trayectoria con presentaciones en distintas regiones del país.

El año pasado, una de sus principales integrantes Karla Díaz dejó el grupo por motivos de agendas, lo que asombró a los fans, ya que era una de las que se habían mantenido en el conjunto desde sus inicios.

Shakira volvió a conquistar a México con un espectáculo inolvidable. La barranquillera ofreció su undécimo concierto en el Estadio GNP, ante cerca de 65 mil asistentes que corearon a todo pulmón clásicos como "Hips Don’t Lie", "TQG" y "Antología". Sin embargo, lo que más dio de qué hablar no fue un hit, sino el gesto inesperado que protagonizó junto a Belinda en el escenario.

Un dueto que parecía un sueño

La noche estuvo marcada por sorpresas y homenajes a la música mexicana, pero la ovación más fuerte llegó cuando Belinda apareció para cantar a dueto “Día de enero”, uno de los temas más entrañables de Shakira. El momento fue recibido con gritos y aplausos que cimbraron el recinto.

Al finalizar la interpretación, ocurrió la escena que incendió las redes: Belinda se hincó ante la colombiana en señal de respeto. De inmediato, Shakira reaccionó y también se arrodilló. “Belinda se hinca ante Shakira como señal de respeto, pero Shak siempre ha sido humilde y hace lo mismo”, comentó un usuario en X, reflejando la avalancha de reacciones que generó el gesto.

Una conexión que viene de tiempo atrás

La complicidad entre ambas artistas no es nueva. Meses antes, Shakira organizó una fiesta en la que coincidió con Belinda para celebrar su soltería y el estreno de un tema relacionado con esa etapa de su vida. Desde entonces, se especulaba que podrían compartir escenario, algo que finalmente se concretó en este concierto.

Las redes estallaron con comentarios que iban desde la admiración hasta la comparación con otras artistas. “Ahora sí aquí están la Reina y la Princesa del pop latino”, escribió un fan, mientras que otro bromeó: “Papaaaa, yo también quiero cantar con Shakira… la Angelita viendo este video”.

El detalle que conmovió a Belinda

La colaboración no terminó en el escenario. Minutos antes de subir al concierto, Belinda compartió con sus seguidores un gesto privado que la emocionó profundamente: Shakira le envió un lujoso arreglo de rosas moradas y rosas, acompañado de una carta escrita a mano.

“Es un sueño para mí tenerte acompañándome esta noche, espero hacerte sentir como la reina que eres. Con mucho cariño, Shakira”, decía el mensaje. Entre lágrimas, Belinda reaccionó: “Wow, está increíble, gracias, ella es la más linda, la más detallista, nunca esperé este mensajito”.

Admiración mutua y resurgir artístico

El intercambio de gestos entre Shakira y Belinda ha sido interpretado por sus seguidores como una muestra de respeto y complicidad entre dos de las figuras más influyentes del pop latino. Para muchos, la reverencia de Belinda y la respuesta inmediata de la colombiana representan la unión de generaciones dentro de la música.

Además, la aparición de la intérprete de Cactus llega en un momento clave de su carrera, pues tras varios años de pausa ha retomado fuerza en la industria con nuevos sencillos y proyectos. Por su parte, Shakira sigue reafirmando su título de ícono global, capaz de sorprender a su público incluso después de décadas en los escenarios.

Paty Cantú se presentó por primera vez en el escenario de La Maraka, en la Ciudad de México, ante un público que colmó el recinto ubicado en la colonia Narvarte Poniente.

El concierto, realizado el pasado viernes 29 de agosto, marcó el inicio oficial del Sagitario Tour, con el que la cantautora mexicana celebró una velada calificada como “inolvidable” tanto por los asistentes como en sus propias redes.

La intérprete de “Suerte”, de 41 años, preparó un setlist que incluyó sus grandes éxitos y nuevos temas, acompañada de un despliegue visual y artístico que buscó conectar en un plano íntimo con sus seguidores.

En su cuenta de Instagram, Paty Cantú describió el evento como un “viaje en el tiempo” cuidadosamente planeado, en el que medleys, visuales y sorpresas fueron elementos clave para crear “momentos inolvidables, sanadores y únicos”. La artista agradeció al equipo creativo y técnico que acompañó la producción, así como a sus fanáticos por su apoyo constante.

Recinto histórico, noche especial: Paty Cantú arranca su Sagitario Tour

La presentación coincidió con las celebraciones por el 70 aniversario del recinto, consolidando a La Maraka como un punto esencial para la música en vivo en la capital. De acuerdo con la programación habitual del lugar, el espectáculo tuvo una duración aproximada de entre dos y cinco horas, permitiendo a los asistentes disfrutar plenamente de los temas más emblemáticos de la cantante, como “Clavo que saca otro clavo” y “Goma de mascar”.

El público, compuesto mayoritariamente por seguidores de diversas generaciones, ovacionó cada interpretación, destacando la atmósfera de cercanía y complicidad que caracterizó el evento. La artista recordó que el show fue “especialmente pensado” para sus seguidores, como lo expresó públicamente en sus redes sociales y reiteró sobre el escenario de La Maraka.

Próximos destinos del Sagitario Tour

Tras el éxito en la Ciudad de México, la gira continuará el 6 de septiembre en el Teatro Morelos de Toluca. La cantante invitó a sus seguidores a acompañarla en las siguientes fechas, compartiendo el entusiasmo por lo que, según remarcó en Instagram, será una serie de presentaciones llenas de “magia”.

La noche en La Maraka representó un punto destacado en la carrera de Paty Cantú, al reunir talento, producción y emociones en un mismo escenario, reforzando su vínculo con el público mexicano en un recinto histórico para la música nacional.

Este ha explicado que el cantante y compositor sufría una fibrosis pulmonar, diagnosticada después de un incidente en un concierto en Sitges (Barcelona, noreste) hace 3años, en el que se desplomó, aunque durante todo este tiempo él se mantuvo "positivo, dicharachero y peleando hasta hace poco" contra la enfermedad.

"Manolo de la Calva, mi amigo del alma, más que hermano, compañero de cien aventuras y de mil canciones nos ha dejado hoy. No lloréis por él, no le gustaría. Fue el alma de Dúo, siempre alegre, optimista, positivo. Cantad con él en esta despedida. Gracias por tanto, amigo. Ya eres eterno. Cuídate allá donde estés. Te vamos a echar mucho de menos", ha escrito Arcusa en redes sociales a modo de despedida.

De momento se desconoce el lugar en el que será instalada la capilla ardiente de De la Calva, quien como miembro del Dúo Dinámico atesora un gran número de éxitos desde sus inicios a finales de los años 50, tras conocerse como trabajadores en una fábrica de motores de aviación.

Se convirtieron en precursores del fenómeno fan en España gracias a una estética identificativa, cuajada en el imaginario colectivo con sus chalecos rojos, y sobre todo a canciones de fuerte componente melódica, algunas versiones de clásicos estadounidenses, pero también temas propios, entre los que en sus primeros tiempos ya aparece 'Quince años tiene mi amor'.

Así comenzaron a acumular uno de los repertorios más sólido y voluminoso, con cortes como 'Quisiera ser', con el que quedaron segundos en el Festival de Benidorm de 1961, pero también 'Perdóname', 'Amor de verano', 'La la la' (la canción con la que Massiel consiguió la victoria española en Eurovisión 1968) o 'Resistiré', recuperado como himno durante la pandemia de covid-19.

A su éxito en España sumaron un enorme reconocimiento en América Latina que se tradujo en el premio a la Excelencia Musical de los Grammy Latino que recibieron en Las Vegas (EE.UU) en 2014.EFE

(Recursos de archivo en www.lafototeca.com. Código de referencia: 189537, 565786, 2789549, 111300, 564580)

En una reciente entrevista con ELLE Magazine compartió detalles sobre la destreza física que muestra en cada show, sumada a su carisma y autenticidad, que lo posicionaron como uno de los artistas más observados —y comentados— de la música actual.

Desde sus inicios, sorprendió al público por su capacidad física en escena, especialmente por los backflips (mortal hacia atrás) y acrobacias que realiza durante sus presentaciones. Lejos de tratarse de un truco aprendido recientemente, su destreza es fruto de la práctica constante y una rutina muy parecida a la de un atleta.

“Porque lo hago todo el tiempo, ya he desarrollado fuerza en las piernas para hacerlo cada noche”, admitió el artista, dejando claro que la clave de su espectacularidad está en la disciplina. Boone comparó su entrenamiento con la preparación deportiva, ilustrando que cada función exige preparación y resistencia física específicas.

Entrenamiento y habilidades físicas durante sus shows

El intérprete relató su primer acercamiento a los saltos y acrobacias, remontándose a la infancia: “Tenía como cuatro años. Vi a mi padre hacer un backflip y pensé que era lo más genial del mundo. Dije: ‘Debo hacerlo’. Fui, salté del sofá, aterricé sorprendentemente bien, y desde entonces empecé a dar vueltas en todo el vecindario”.

Lejos de practicar sus flips en cualquier sitio público, el artista señaló que suele ensayar estas acrobacias junto a amigos, dedicándose en privado a perfeccionar cada movimiento, lo que le permite dominar la técnica sin exponerse innecesariamente.

El cantautor también habló sobre el cuidado de su cuerpo, ya que el esfuerzo físico de saltar, girar y mantener el ritmo durante un espectáculo requiere constancia. Aunque reconoció que las acrobacias forman parte de su identidad artística, Boone subrayó que nunca se trata de improvisar, sino de estar siempre preparado física y mentalmente para afrontar el reto de cada show.

Ícono de estilo y vestuario sobre el escenario

Fuera del ejercicio físico, el estilo de Benson Boone también se volvió una referencia para sus seguidores. Consultado por sus referentes en la moda y la estética, nombró a figuras legendarias: “Me encanta el estilo de Elton John, el estilo de Freddie Mercury, el de Michael Jackson, incluso el de Elvis Presley y Bruce Springsteen”. Para Boone, lo importante no es solo llamar la atención, sino expresar su personalidad arriba del escenario y divertirse con la moda.

Lejos de encasillarse en un solo registro, el cantante afirmó que no siempre busca arriesgar con los atuendos más llamativos o sofisticados. “A veces me basta con una camiseta de tirantes y vaqueros. Solo hago lo que siento”, comentó. Ese deseo de espontaneidad y la búsqueda de su propio sello marcaron cada etapa de su carrera.

Aunque reconoció que los shows representan una oportunidad para elevar su look, aclaró: “Lo que visto en el escenario no siempre es lo que usaría a diario para ir a una gasolinera”. De este modo, reafirmó que su imagen pública es una apuesta creativa acorde al contexto, manteniendo siempre el equilibrio entre lo espectacular y lo personal.

Relación con la fama y presión pública

La exposición mediática y el crecimiento de su popularidad pusieron a prueba la relación de Benson Boone con la fama. El intérprete admitió que no suele sentirse nervioso antes de cada concierto, pero hubo una ocasión que marcó la diferencia: “La única vez que realmente estuve nervioso fue en los Grammys. Estaba cantando frente a Beyoncé, Taylor Swift, Billie Eilish y Olivia Rodrigo. Sin duda, estaba muy nervioso”.

Boone reconoció que ese tipo de presiones no son cotidianas para él, y que disfrutar y compartir los momentos previos al show con sus amigos, familiares o su novia es fundamental para relajarse y encarar el espectáculo con entusiasmo.

En cuanto a las redes sociales, confesó que su presencia digital fue cambiando y manifestó: “He intentado estar menos tiempo en las redes sociales. Hay mucha gente opinando sobre mí, y aunque sea para bien o para mal, no me gusta estar viendo constantemente videos sobre mí mismo”.

También reveló que, a pesar de su gran dominio en internet, su contenido favorito son los clips de perros. “Últimamente me aparecen muchísimos videos de perros. En realidad, me sorprende, porque normalmente los paso de largo, pero algunos me parecieron tan tiernos que quizá los vi demasiado tiempo”, compartió.

Expectativas y preparativos para la nueva gira

A punto de iniciar la etapa estadounidense de su American Heart World Tour, el cantante dedicó el último tiempo a planificar cada detalle de sus próximas presentaciones. Con respecto a esto, adelantó: “Será el show más planificado que haya hecho. He pasado los últimos seis meses pensando y planificando cada canción, lo que habrá en las pantallas, lo que haré y lo que vestiré. Es un mundo completo que he construido en mi cabeza”.

El compromiso con su público y la minuciosidad en la preparación resaltan la constante búsqueda de excelencia que lo caracteriza. Además, Benson Boone expresó su entusiasmo de cara al reencuentro con los fanáticos, y comentó: “Estoy realmente emocionado de que la gente lo vea”, dejando ver que su ambición artística busca construir una experiencia única e inmersiva para todos los asistentes.

Palafrugell (Girona), 19 ago (EFE).- Michael Bublé, una de las grandes voces contemporáneas del jazz y el pop, ha debutado esta noche en el Festival Cap Roig de Calella de Palafrugell (Baix Empordà) interpretando versiones de icónicos temas de otros grandes artistas y los suyos propios.

El cantante canadiense, que en unos días cumplirá el medio siglo de vida, ha escogido su versión del 'Feeling Good' de Anthony Newley para abrir su espectáculo en el Festival de Cap Roig, que organizan el Grup Clipper’s y Caixabank, y el público la ha recibido con un largo "¡oooh!".

Bublé, vestido en traje chaqueta negro con camisa y corbata a juego, como la veintena de miembros de su banda, ha mostrado ante las más de 2.000 personas que llenaban la platea por qué ha vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo y ha recibido numerosos premios a lo largo de su carrera.

En 2003, su homónimo primer álbum alcanzó la lista de los 10 primeros en Canadá y Reino Unido; en 2005, su álbum 'It’s Time' llegó a una audiencia mundial; en 2007, 'Call me irresponsable' llegó al número uno en varios países, como ocurrió con sus otros trabajos 'Crazy love' (2009), 'To be loved' (2013), 'Nobody but me' (2016), 'Love' (2018), 'Higher' (2022) y el álbum navideño 'Christmas' (2011).

Su voz, su carisma inigualable, una puesta en escena espectacular llena de interacciones con el público y un gran sentido del humor ha transportando a su público en un viaje musical con su energía incombustible y su inconfundible voz, potente y seductora.

La primera de sus creaciones que ha interpretado ha sido 'Haven’t met you yet', un himno al optimismo y a la esperanza en el amor que le dedicó a su mujer en 2009.

Ha tomado la palabra, ha regalado la corbata a uno de los asistentes en la primera fila y, bromeando, ha dicho que "a otro le daría los pantalones", y esa ha sido la primera de una infinidad de bromas que ha hecho con el público, hablando en inglés y chapurreando el español.

Con 'Love' y 'Such a Night', popularizadas por Nat king Cole y Elvis Presley, respectivamente, la platea se ha levantado y ha seguido el ritmo del artista, mientras él no dejaba de mostrar su suave contoneo de caderas y un temblor de rodillas al más puro estilo del rey del rock.

El artista, que tampoco ha dejado de jugar con el micrófono y de arrodillarse varias veces en el escenario para estar más cerca de su público, ha puesto a los asistentes en pie bailando al cantar la primera estrofa de 'Sway' en castellano.

Luego ha llegado el turno de 'Beautiful day swing mix', 'Home', 'Everithing' y, entre medias, tras decir que hacía "mucho calor" y que mañana estará "super super flaco", ha tirado una toalla pequeña negra con la que se secaba el sudor a uno hombre de entre el público, Juan Carlos, quien, de vuelta, le ha lanzado un abanico, con el que el artistas se ha estado dando aire gran parte de la actuación.

Durante todo el espectáculo ha bromeando lanzado mensajes a Juan Carlos mientras el público se reía, y ha elogiado lo bien que cantaban los asistentes, con los que ha jugado a simular que se encontraba en el programa 'The Voice' Canadá, siendo él uno de los 'coach'.

El canadiense, que ha mostrado una gran complicidad con los tres coristas y los músicos de su banda, de los que ha dicho son su "familia" y "los mejores del planeta", ha dejado que uno de sus trompetistas fuera quien cantara 'You’re nobody', mientras él le hacía los coros, una gran interpretación que ha recibido una ovación de la platea.

Le ha seguido 'You don’t Know me', que ha cantado sólo junto al piano, un popurrí de Elvis Presley y un conocido tema de los Eagles, 'Heartache Tonight'.

Un entregado Bublé, derrochando simpatía y sin dejar de abanicarse, ha entonado 'Cry me a river' y ha presentado a su banda que, en pie, han recibido un merecido aplauso del público.

Para poner fin a 90 minutos de actuación, no sin antes bromear sobre el precio de las entradas para verle, que ha dicho "eran caras", ha cantado 'Always on my mind', mientras los asistentes disfrutaban de los últimos momentos oyendo una voz como hay pocas.

Michael Bublé, cuya actuación en los jardines botánicos de Cap Roig ha sido la única que ha hecho en el Estado español este año, ha sido el encargado de clausurar el festival, que ha programado 24 actuaciones entre julio y agosto y por el que han pasado unas 51.300 personas, con una ocupación global del 89 %. EFE.

Los Ángeles (EE.UU.), 13 ago (EFE).- Taylor Swift develará su álbum 'The Life of a Showgirl', inspirado en su gira mundial 'The Eras Tour' y el duodécimo de su carrera, el 3 de octubre y contará con una colaboración junto a Sabrina Carpenter.

"Este disco tiene 12 canciones. No hay una número 13, ni una oculta, ni más en camino. Este es el disco que he querido hacer desde hace mucho tiempo", dijo la cantante en una aparición en el podcast 'New Heights', conducido por su novio Travis Kelce y su cuñado Jason Kelce.

"Este álbum trata sobre lo que sucedía detrás de escena en mi vida privada durante esta gira, que fue tan exuberante, eléctrica y vibrante", ahondó la cantante quien también aseguró que a diferencia de su último disco 'The Tortured Poets Department', este álbum estará lleno de "melodías infecciosas" que describen las memorias "vívidas y nítidas" de dicha experiencia.

Swift adelantó el lanzamiento de su duodécimo álbum la madrugada del martes, cuando en un avance de 'New Heights', apareció anunciando únicamente el nombre del nuevo material.

Este miércoles, la cantante reveló la portada y la lista de canciones de su nuevo álbum, acompañadas por una serie de fotografías de Mert Alas y Marcus Piggott que marcan el inicio de una "nueva era" en su carrera, con una estética que remite al cabaret europeo clásico de las décadas de 1920 y 1930.

La portada, en la que aparece Swift dentro de una bañera y con un traje brillante, representa cómo terminaba sus días después de cada concierto de 'The Eras Tour', una maratónica presentación de más de tres horas en la repasaba toda su trayectoria, según explicó.

"Y, cariño, así es el mundo del espectáculo. Nuevo álbum 'The Life of a Showgirl'. A la venta el 3 de octubre", escribió la cantante en su cuenta de Instagram.

El disco fue grabado durante la gira, mientras Swift ofrecía actuaciones en Europa. Solo incluye una colaboración, con Sabrina Carpenter, en el tema que da nombre al álbum y otros títulos que forman parte del proyecto son 'Elizabeth Taylor', 'Father Figure' y 'Actually Romantic'.

Swift es productora del álbum junto a sus "mentores" Max Martin y Shellback con quienes trabajó para su álbum 'Red' y canciones como 'Shake It Off', 'Blank Space' o 'Wildest Dream'.

Esta producción llega tan solo un año después de que la estrella pop lanzara 'The Tortured Poets Department', un proyecto de más de 30 canciones que contaba con colaboraciones de Post Malone y Florence + The Machine.

Después de que Swift anunciara su próximo disco, Spotify instaló vallas publicitarias en todo el país con el código de una lista de reproducción titulada 'And, baby, that's show business for you'.

Seguidores de la cantante, conocidos como 'swifties', han comenzado a especular que las 22 canciones que componen dicha lista esconden sorpresas y pistas sobre lo que se puede esperar de 'The Life of a Showgirl', algo a lo que la autora de 'Blank Space' tiene acostumbrado a su público. EFE

Un honor que ha recaído en el arandino Barry B, alter ego de Gabriel Barriuso, quien ha superado con nota la experiencia consagrándose como una más de las estrellas que llenan de música el ambiente estival durante el segundo fin de semana de agosto.

Durante una hora, Barry B ha desgranado sobre las tablas sus temas, la mayoría de las canciones de su primer disco, 'Chato' y otros que serán editados en breve.

Casi 60 minutos de un estilo ecléctico, en el que el rock y el pop se han mezclado con toques electrónicos, letras rapeadas... han hecho las delicias del numeroso público que se ha mantenido firme frente al escenario Ribera del Duero y no ha sucumbido a la tentación de dar por cerrada la noche tras la actuación de Carolina Durante.

'Taj Mahal' y 'Vis a vis' han precedido a 'Trankis', la colaboración con Aitana que se ha vilarizado y convertido en todo un éxito.

Y 'Swish' ha precedido uno de los momentos más emotivos de la actuación, cuando ha salido al escenario su pequeña prima, que ha superado la leucemia, para interpretar 40K en todo un alegato musical a favor de la investigación médica.

Ha habido tiempo para que Gara Durán le haya acompañado en 'El lago de mi pena', para interpretar 'Rookies' y para que Diego Ibáñez, cantante de Carolina Durante cantara junto a él 'Yo pensaba que me había tocado dios' con la que ha cerrado el concierto.

Pero ni mucho menos la segunda noche de Sonorama 2025 pasará a la historia exclusivamente por la actuación del arandino.

Se ha disfrutado también con los sonidos de Besmaya, Chambao, Rufus T. Firefly y La Raíz: Y, sobre todo, se ha saldado una deuda pendiente desde hace más de un lustro, la presencia de Franz Ferdinand en el escenario principal.

Los escoceses han demostrado que quien tuvo retuvo y su estilo, mezcla de indie, pop, rock y tan identificable con la música británica, ha puesto a bailar a las más de 30.000 personas que llenaban el recinto.

'Matinee', 'Night or day' o 'Walk away' se han encadenado con 'Build it up', 'Evil eye' o 'Jaqueline'. Casi una veintena de temas de todo su repertorio para llenar más de una hora de concierto que ha finalizado con otro de sus grandes éxitos, 'This Fire'.

Y después de todo esto, aún ha quedado tiempo para Nena Daconte, el ritmo de Carlos Jean y recuperar fuerzas para la jornada central del festival donde se espera con especial interés el concierto que ofrecerá Arde Bogotá, donde presentará su espectáculo 'Eclipse'. EFE

nlv/mam

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El 8 de agosto de 1998 nació el artista Shawn Mendes. Sus fans en todo el mundo se unen para celebrar su cumpleaños recordando sus logros, anécdotas personales y detalles poco conocidos de su vida.

El cantante y compositor, nacido en Toronto en 1998, se ha consolidado como una de las figuras más influyentes del pop juvenil contemporáneo y ha marcado una diferencia en la industria musical con su estilo cercano, su talento autodidacta y su carisma inconfundible.

Su infancia en Pickering: familia, raíces y primeros recuerdos

Shawn Peter Raul Mendes vio la luz por primera vez en Toronto, Canadá, pero su historia y los cimientos de su personalidad y carrera se forjaron en Pickering, una localidad suburbana donde creció junto a su hermana menor, Aaliyah, y sus padres, Manuel y Karen Mendes.

Manuel Mendes, de origen portugués, dirige un negocio de suministros para bares y restaurantes en Toronto, mientras que Karen nació en Inglaterra y es agente inmobiliaria.

Según Capital UK, Shawn y su madre han mantenido siempre una conexión muy estrecha, con gestos compartidos como tatuajes iguales de elefantes en los dedos y dedicatorias públicas en redes sociales con frases como: “Te amo, ¡no sé cómo viviría sin ti! Feliz Día de la Madre, mamá x”.

Este entorno hogareño ha jugado un papel relevante en el desarrollo emocional de Shawn, quien, además de destacar por su talento, ha sido reconocido en entrevistas por su perfil familiar y la unión con sus seres queridos.

La influencia de sus orígenes se percibe en la mezcla cultural que caracteriza a Mendes: su herencia incluye raíces portuguesas por parte de su padre y británicas por parte de su madre.

Estos antecedentes se combinan con una educación en valores y una inclinación religiosa, según relató el propio artista al medio The Canadian Encyclopedia.

En su hogar convivió el espíritu de superación con la tradición, y Shawn reconoció públicamente que creció en un ambiente de fe, lo que contribuyó a su serenidad y a la confianza con la que afronta los retos del estrellato internacional.

Durante su etapa escolar en Pine Ridge Secondary School, el joven Mendes participó activamente en deportes como fútbol y hockey sobre hielo, además de integrar grupos de teatro.

Su paso por la educación formal no fue convencional; debió adaptar su cursada debido a sus compromisos musicales, pero aun así finalizó sus estudios en 2016, realizando la mayor parte de las tareas y exámenes a través de cursos online, sin perder el contacto con las actividades que lo entusiasmaron desde pequeño.

Sus relaciones sentimentales

La relación más mediática de su vida fue la que mantuvo con Camila Cabello. Comenzaron su vínculo laboral cuando ambos coincidieron abriendo la gira de Austin Mahone en 2014.

Sin embargo, fue en 2019 cuando formalizaron el romance, que ya era objeto de especulaciones y se reflejaba también en éxitos musicales como “Señorita”.

El noviazgo acaparó portadas y ambos compartieron aspectos de su vida privada y profesional, llevando su complicidad a grabaciones, viajes y presentaciones. A mediados de noviembre de 2021, la pareja anunció su separación tras más de dos años de relación, según informes de E! News.

En la actualidad, Mendes ha sido vinculado sentimentalmente con la activista ecuatoriana Helena Gualinga. Se los vio juntos en su visita en enero a Machu Picchu, viaje durante el cual diferentes videos y fotos confirmaron su cercanía y complicidad.

La relación con Gualinga, según US Weekly y las imágenes difundidas en redes sociales a inicios de 2025, parece situar a Shawn en una fase más privada y comprometida, alejada del ruido mediático, pero igualmente bajo el escrutinio de los fans.

La primera canción de su carrera y el inicio en redes sociales

El salto inicial de Mendes a la fama tiene un origen bien documentado: su debut en las redes sociales, específicamente Vine. A los 14 años, Shawn subió un clip de apenas seis segundos interpretando un tema de Justin Bieber, “As Long as You Love Me”.

Al día siguiente, había recibido 10.000 likes, catapultando su presencia entre millones de jóvenes que encontraron en su voz y estilo un referente nuevo. De acuerdo con Billboard, Mendes se convirtió muy pronto en uno de los músicos más seguidos en la aplicación Vine, alcanzando tres millones de seguidores antes de cumplir 15 años.

Su primer sencillo oficial, “Life of the Party”, marcado por su emotividad y profundidad, supuso un debut impresionante. La canción, lanzada con Island Records en junio de 2014, alcanzó el puesto 24 en el Billboard Hot 100, lo que hizo a Shawn el artista más joven en debutar en el Top 25 de esa lista, tal como lo relató Biography.

El impulso inicial se amplificó con la edición de un EP propio y la preparación de una gira junto a artistas emergentes, lo que sentó las bases para una carrera profesional sólida.

Fascinación por Harry Potter: confesiones y guiños a una saga mágica

Shawn Mendes no ha ocultado nunca su admiración por el universo de Harry Potter. En una edición reciente de Carpool Karaoke junto a James Corden, el cantante sorprendió al afirmar, cuando fue consultado sobre su nivel de fanatismo, situándose en un 9.5 de 10.

La conversación derivó en un simpático guiño televisivo al verlo aparecer con la icónica cicatriz en forma de rayo y el uniforme de Gryffindor, elemento que el propio Shawn describió como su casa de Hogwarts.

Amistad y afinidad con Ed Sheeran: consejos y colaboraciones

El papel de Ed Sheeran en el recorrido de Mendes ha sido central y está documentado en diversas entrevistas. Según Billboard, todo parte en la primera mitad de la década pasada, cuando, tras ver videos enviados por el mánager de Shawn, Andrew Gertler, invitó al joven canadiense a Los Ángeles para una cena privada.

“Es la persona más humilde que he conocido. Olvidé que es mi ídolo. Me sentí como si estuviera en la misma habitación con uno de mis colegas”, dijo Mendes a Billboard.

Si bien no se trata de una relación de mentorización formal, Mendes ha recogido y aplicado los consejos de Sheeran en su recorrido creativo, priorizando la autenticidad sobre la producción masiva, algo que el propio Shawn ha contado en entrevistas y que forma parte del imaginario de sus fans.

El repertorio inicial: primeras canciones y el salto a la profesionalización

Luego de su viralización en Vine y su precoz éxito con “Life of the Party”, Mendes continuó perfeccionando su técnica y estilo musical a través de una secuencia de temas que marcaron su primera etapa artística.

Tras firmar con Island Records en 2014, editó su primer EP, “The Shawn Mendes EP”, que alcanzó el puesto No. 5 en ventas y sentó las bases para su álbum debut “Handwritten” (2015), el cual debutó en el primer lugar del Billboard 200 y superó el millón de copias vendidas en Estados Unidos, de acuerdo a The Canadian Encyclopedia.

El sencillo “Stitches” se transformó en un ícono inmediato al llegar al Top 10 en América del Norte y consolidarse como uno de los tracks más coreados en Europa.

La evolución continuó con el álbum “Illuminate” en 2016, que fue celebrado por críticos y fans por su aproximación cercana a la escuela musical de John Mayer y Ed Sheeran, con el propio Mendes firmando la casi totalidad de las canciones del disco.

“Treat You Better” se elevó como uno de sus grandes éxitos al mantenerse en el Top 10 del Billboard Hot 100 y convertirse en tema recurrente en festivales y presentaciones alrededor del mundo.

Un arsenal musical: su colección de guitarras

La pasión de Shawn Mendes por la guitarra se remonta a su infancia, cuando comenzó a aprender de manera autónoma viendo tutoriales en YouTube, una travesía musical que detalló en su charla con The Telegraph:

“Estaba obsesionado. Todos los días tocaba y pensaba: Todavía no soy lo suficientemente bueno; necesito mejorar. Entonces tocaba durante horas y horas”

A los 13 años ya tocaba con soltura, desarrollando una disciplina musical poco frecuente entre jóvenes de su edad.

Con el paso de los años, Mendes no solo perfeccionó su destreza, sino que también desarrolló una especial afición por coleccionar guitarras.

En una entrevista de 2018 con GQ, afirmó: “¿Cuántas guitarras tengo? Demasiadas para el tiempo que llevo coleccionándolas. Tengo unas 35 o 40, lo cual es una barbaridad para solo tres o cuatro años coleccionándolas”.

Canciones más importantes: éxitos que definieron una generación

La colaboración con Camila Cabello en “Señorita” marcó un capítulo especial, tanto por el fenómeno comercial como por el romance mediático que rodeó su lanzamiento.

La canción obtuvo premios y nominaciones a nivel global, incluyendo el Juno Award a Sencillo del Año en 2020. A lo largo de su carrera, Mendes fue distinguido por tener cuatro sencillos número uno en la lista Adult Pop Songs de Billboard antes de cumplir 20 años y por debutar sus cuatro primeros álbumes en el puesto número uno de las listas estadounidenses y canadienses, como indica The Canadian Encyclopedia.

Además, canciones como “In My Blood”, “If I Can’t Have You” y “There’s Nothing Holdin’ Me Back” continuaron cimentando una discografía repleta de éxitos y convirtiendo a Mendes en uno de los artistas canadienses más exitosos de la historia reciente, con más de 120 premios profesionales a su nombre.

Según People, todo comenzó alrededor de 2008, cuando ambas coincidieron en las mismas circunstancias: sus noviazgos fugaces con los hermanos Jonas, Selena con Nick y Taylor con Joe.

Según relató Selena Gomez en el pódcast Therapuss, hace unos meses, con Jake Shane, “Todo era lindo, éramos jóvenes”, recordó la cantante, remarcando que este escenario adolescente fue el puntapié inicial de su lazo con Taylor, una relación cuyo inicio siempre marcaron como “lo más valioso” que obtuvieron de esas parejas.

Ambas tenían apenas 15 y 18 años, respectivamente, cuando este primer encuentro, que se dio en parte gracias a la entonces emergente fama de cada una y a la intensa sociabilidad dentro del círculo Disney y la música pop juvenil estadounidense.

Para Selena, Taylor era “la chica del pelo rizado, llena de pulseras hasta arriba del brazo”; recuerda incluso los detalles visuales de esos momentos, que para ambas representaron complicidad y una conexión inmediata “sin saber bien qué hacían”, según relató Selena.

Cuando sus respectivas relaciones sentimentales con los Jonas terminaron, la afinidad entre Gomez y Swift se fortaleció de manera natural; compartieron las experiencias de rupturas amorosas adolescentes.

Según Elle, no pasó mucho tiempo hasta que su amistad trascendió lo privado y comenzó a reflejarse en momentos públicos, como la aparición de ambas en el estreno de la película Another Cinderella Story en 2008, donde las cámaras las captaron por primera vez juntas.

Desde entonces, la serie de eventos compartidos fue en aumento: acompañamientos en ceremonias como los People’s Choice Awards, Vanity Fair Oscars Party, Teen Choice Awards y American Music Awards.

Estas presencias conjuntas eran señales inconfundibles de confianza y admiración recíproca, y se repitieron durante toda la década siguiente, con constantes muestras de apoyo y celebración de los logros ajenos.

Uno de los recuerdos más íntimos que Selena Gomez conserva de aquellos primeros años es cuando Taylor le hizo escuchar en privado, en un cuarto de hotel, una canción inédita que luego sería uno de los mayores éxitos de la artista: “Love Story”.

La impresión fue tan profunda que para Selena “era una de las canciones más bellas que había oído jamás”.

A lo largo de los años, la dinámica de la amistad se transformó en un soporte constante frente al escrutinio mediático y los desafíos personales.

En 2009, cuando Selena fue entrevistada por Seventeen, aseguró que “cualquier problema de amor que tuviera, Taylor ya lo había pasado primero”, lo que convertía a Swift en su consejera infalible, alguien que además sostenía una fe inquebrantable en el amor y los sueños románticos, según justificó en ese entonces. Las charlas diarias entre ambas, la complicidad fuera del escenario y la defensa ante las críticas del entorno consolidaron al máximo la confianza.

Según Elle, la visibilidad de este vínculo se extendió hacia 2011, con instancias compartidas en espectáculos y celebraciones, incluidas actuaciones conjuntas en los shows de Taylor, como cuando Selena fue invitada especial en el marco del 1989 Tour en 2015, experiencia que Gomez definió como “inolvidable” y testimonio de la evolución de su amistad desde la adolescencia.

Las redes sociales se convirtieron en un archivo paralelo de este lazo: fotos, dedicatorias, collages o retratos improvisados daban cuenta, según ambas mencionaban en Instagram, de interminables sesiones de música, bailes improvisados y largas conversaciones.

La amistad superó escollos de vida y también estuvo presente en las crisis personales de ambas, como el mediático enfrentamiento de Taylor con Kanye West en 2016, donde Selena no dudó en defender a su amiga en público.

A su vez, en cada cumpleaños, premiación o lanzamiento importante, no faltaban los mensajes de admiración, como aquel texto de Selena para el cumpleaños número 25 de Taylor: “Feliz de conocerte y de conocer tus diarios”, escribió para celebrar el significado que tenía Swift en su vida más allá de la industria.

La relación continuó alimentándose de gestos personales y pequeños rituales privados; por ejemplo, Swift solía regalarle discos inéditos antes de su estreno y, según Us Weekly, en julio de 2025 le regaló a Selena y Benny Blanco un pan artesanal, bromeando con el título de una de sus canciones

Las celebraciones familiares y los hitos personales ampliaron el círculo de la amistad, como cuando Swift fue una de las primeras en felicitar el compromiso de Gomez con Benny Blanco y se ofreció espontáneamente a ser la “dama de las flores” en la boda, comentario que revolucionó las redes y que ambas reiteraron con picardía en Instagram.

Del mismo modo, Taylor y Selena desplegaron su camaradería en reuniones exclusivas, fiestas de cumpleaños, parte de las imágenes que Selena compartió en su Instagram el día de su 33 aniversario incluyeron a Taylor “rodeadas de globos metálicos” y mostrando su alegría juntas.

El acompañamiento cotidiano sigue siendo una constante, incluso mediante gestos aparentemente simples, como cenas íntimas, comentarios cariñosos en redes y dedicatorias musicales.

Así, la amistad entre Selena Gomez y Taylor Swift es el testimonio de una hermandad atípica en el escenario del pop internacional: dos mujeres que crecieron delante de millones, se acompañaron sin condiciones y convirtieron su vínculo, nacido de la casualidad y de historias de amor adolescente, en uno de los lazos personales más duraderos, admirados y auténticos de las últimas décadas.

Fue la astucia de los jueces, encabezados por Simon Cowell y Nicole Scherzinger, lo que vio el potencial de unir sus talentos, transformando a aquellos chicos rechazados en un fenómeno global.

La inesperada formación resultó en una química desbordante que, aunque no los llevó al primer puesto, sí les valió terminar en tercer lugar y firmar contrato con Syco Music, el sello de Cowell.

El nacimiento de One Direction marcó rápidamente el inicio de un fenómeno internacional. Según la revista Rolling Stone, su debut con “What Makes You Beautiful” en 2011, lanzado después de una intensa gira con The X Factor Live Tour, resultó en un impacto inmediato: la canción alcanzó el número uno en Reino Unido.

El álbum debut, Up All Night, llegó el mismo año y batió récords al posicionarse en el primer puesto del Billboard 200, siendo los primeros británicos en lograrlo con su primer disco, según Screen Rat.

También unieron fuerzas con Columbia Records y se convirtieron en la banda británica de más rápida venta en su estreno discográfico en 2011.

El salto global fue inmediato. One Direction desembarcó en Estados Unidos en 2012, teloneando a Big Time Rush y alcanzando cifras inéditas para una artista británica con “What Makes You Beautiful” debutando en el Billboard Hot 100 dentro del Top 30.

Su éxito quedó plasmado con lleno total en el Today Show y ventas masivas de más de tres millones de copias del disco Up All Night en menos de un año, afianzando su estatus como la boyband del momento según Rolling Stone.

Este segundo trabajo los convirtió en récord mundial al lograr dos discos número uno en Estados Unidos en el mismo año, algo nunca antes visto para un grupo masculino, según J-14.

Para 2013, One Direction había perfeccionado la fórmula del éxito planetario. El lanzamiento de Midnight Memories supuso también una transición sonora: del bubblegum pop a guiños claros al rock clásico y folk, marcando una maduración musical como remarca Music and Gigs.

Temas como “Story of My Life” y “Best Song Ever” fueron el nuevo rostro de una agrupación que supo crecer con su público, al tiempo que lideraba conciertos multitudinarios con giras que recaudaron, solo en 2014, un total de $290 millones de dólares. Además, su película documental This Is Us se situó como la cuarta más taquillera de su categoría.

El vínculo con los fans, los llamados “directioners”, fue el verdadero combustible de la banda. Movilizados por Twitter, Tumblr y YouTube, no solo compraron discos, sino que instauraron la cultura de fandom al nivel planetario.

La revista Music and Gigs subraya que los “Directioners” establecieron las bases del stan culture, organizando campañas de tendencia mundial, teorías virales y una lealtad impensada con anterioridad.

Eventos como el 1D Day en noviembre de 2013, un streaming global de siete horas, marcaron la conexión entre la banda y su comunidad, donde la identificación era tan fuerte que distinguirse como directioner era llevar una insignia de honor.

El mes de marzo de 2015 fue el punto de quiebre. Zayn Malik, hasta entonces pieza clave del grupo, anunció su abrupta salida, conmocionando a fanáticos y compañeros.

Tras un comunicado conciliador donde afirmaba que tenía “cuatro amigos para toda la vida”, según su post en Facebook recogido por Cosmopolitan y Billboard, sus declaraciones posteriores dibujaron otra realidad.

En entrevistas posteriores, Malik expresó sentirse sofocado creativamente e insatisfecho durante casi toda su estadía y, en diálogos con Us Weekly y GQ, reconoció que jamás forjó amistades reales con ninguno de sus compañeros, ni siquiera con Harry Styles con quien, según palabras propias, “nunca cruzó palabra, ni mantuvo contacto luego de irse”.

La marcha de Malik dejó huella. Sin embargo, el resto del grupo editó el álbum Made in the A.M. a finales de 2015, afianzando un sonido más maduro y consolidando a One Direction como una fuerza en la industria, incluso sin uno de sus fundadores, como recalca la revista Rolling Stone.

Pero el mensaje era claro: agradecimiento, despedida y cierre de ciclo, según Rolling Stone y Music and Gigs. Pese al continuo éxito, las tensiones y el desgaste se hicieron ineludibles. A finales de 2015, One Direction anunció su “descanso indefinido”, en el año próximo.

De acuerdo con E! News, la decisión no obedecía a conflictos internos, sino al agotamiento físico y mental tras años de giras maratónicas y presiones comerciales.

Niall Horan explicó a ese medio que “estaban solo exhaustos”, mientras que Liam Payne relató a Men’s Health que el ritmo frenético lo llevó a situaciones autodestructivas con el alcohol, al punto de perder el rumbo personal en ese momento.

Por su parte, Louis Tomlinson reveló en entrevista con The Guardian que la pausa lo tomó de sorpresa, justo cuando se sentía más seguro dentro del grupo.

Harry Styles, en conversación con Entertainment Tonight, admitió que había llegado el momento de viajar y reconectar con su individualidad, algo semejante a lo manifestado por Niall vía Twitter.

La pausa marcó un desconcierto hondo en todos, especialmente en Niall, quien describió una entrevista en The Sun el vacío y el “shock” al dejar atrás una rutina que se había vuelto “lo normal”.

Lejos de la narrativa conflictiva, la mayoría de los integrantes han insistido repetidas veces en que nunca existió una pelea encarnizada.

De hecho, a excepción de los primeros roces entre Louis y Liam, según contó Payne a Hits Radio, los cruces fueron más bien de bandas familiares y humor, como recordó en entrevistas posteriores.

Una vez fuera del circuito grupal, cada miembro exploró caminos solistas. Zayn Malik encabezó esta transición lanzando su disco Mind of Mine, que debutó número uno en varios países.

Harry Styles apostó por el éxito con dos álbumes y protagonizó la película Dunkirk, mientras Niall lanzó Flicker y Heartbreak Weather. En tanto, Louis Tomlinson editó “Walls” y se sumó al jurado de The X Factor, y Liam Payne se dedicó a la música y la paternidad.

Las rivalidades de antaño, como la distancia con Zayn o los comentarios cruzados sobre las carreras musicales del otro, pasaron a ser anécdotas.

En paralelo, el vínculo público se diversificó: saludos espontáneos en redes, presencias en los conciertos solistas del otro como el caso de Niall apareciendo en el show de Harry en el “Live On Tour” o Louis recibiendo el apoyo de los excompañeros tras la muerte de su madre, tal como reconstruye Billboard.

La muerte de Liam Payne

El 16 de octubre del 2024, sucedió un golpe tremendo para One Direction, como también para los fanáticos, con la trágica muerte de Liam Payne,

Según The New York Times, Payne falleció tras caer accidentalmente desde el balcón de un hotel en Buenos Aires, ocasión en la que se hallaron rastros de cocaína, alcohol y antidepresivos en su organismo. El hecho fue calificado de shock cultural para una generación entera.

El registro legal reveló detalles personales, como la composición de su herencia y el futuro de su familia.

A 15 años de su debut, One Direction sigue presente en la memoria colectiva por su energía, su cercanía con los fans y el impacto que generaron en la cultura popular.

La huella que dejaron, con su historia de trabajo, amistad y evolución personal, continúa inspirando a nuevas generaciones y recordando que su legado trasciende cualquier etapa o desafío que hayan enfrentado.

Hoy, ellos desarrollan exitosas carreras como solistas, extendiendo el legado de la banda y manteniendo vivo el entusiasmo de millones de fans en todo el mundo.

Benny Ibarra decidió reabrir el capítulo con una declaración que ha causado revuelo entre fans y melómanos por igual: Timbiriche, uno de los grupos más representativos del pop mexicano, nació como una banda de rock infantil.

Para muchos, pensar en Timbiriche como una banda de rock puede parecer exagerado. Sin embargo, según señaló Benny, si se analiza con atención la discografía temprana del grupo (especialmente los primeros dos álbumes) hay elementos que apuntan a una base instrumental más robusta: guitarras eléctricas marcadas, bajos potentes y letras energéticas pensadas para una audiencia joven pero activa.

De acuerdo con el también actor y compositor, los primeros años de Timbiriche estuvieron marcados por una estética y un sonido mucho más rockero de lo que la mayoría recuerda, incluso si hoy el nombre del grupo suele asociarse con baladas dulces, letras pegajosas y coreografías televisivas.

“La gente del mundo del rock sabe que yo estuve en la primera banda de rock infantil que tuvo México. Ya después Timbiriche se hizo muy comercial y pop, pero al principio era una banda de rock, Memo (Méndez Guiú) la ideó como tal. Tu oyes los arreglos de los primeros discos de Timbiriche y están super rockeros; la palabra ‘Rock’ está en 10 de los títulos de la banda"

Canciones como Somos Amigos, Rock del Amor, El gato rocancolero o incluso El Baile del Sapo, llevaban en sus arreglos una chispa de rebeldía que, en retrospectiva, puede entenderse como una reinterpretación infantil del espíritu rockero de la época.

Posteriormente, Ibarra no solo apeló a la nostalgia, sino replanteó la narrativa musical alrededor de uno de los grupos más queridos de los años 80. A su vez, Benny recordó cómo los miembros originales aparecían en especiales tocando instrumentos, aunque fuera en playback, pero con la intención de figurar como un grupo de rock.

“Esa era la esencia de Timbiriche [...] Acuérdate de los especiales, hacíamos Playback obviamente, pero salíamos con la guitarra, la batería, Paulina en el bajo y todo el rollo; veías ‘El baile del sapo’ y pues se tenía esa onda de que, para esos niños que éramos, pintábamos como una banda de rock ”, apuntó uno de los integrantes fundadores de la banda.

Con el paso de los años y la entrada de nuevos integrantes, Timbiriche viró hacia el pop adolescente y romántico, abrazando un sonido más comercial que los llevó al estrellato con éxitos como Tu y Yo Somos Uno Mismo, Con Todos Menos Conmigo y Muriendo Lento. Pero, para Benny Ibarra, eso no borra lo que fueron en su origen.

La pieza, estrenada en junio de 2010 a través del canal oficial del grupo y producida por Pelo Music Group, ya acumulaba millones de reproducciones. Sin embargo, en las últimas semanas el tema resurgió con fuerza, en gran parte gracias a la interpretación en vivo que Ale Sergi y Juliana Gattas realizaron durante una emisión de La Voz Argentina (Telefe), donde ambos se desempeñan como coaches. El fragmento fue replicado en redes sociales, donde usuarios lo acompañaron con recuerdos personales y nuevas interpretaciones.

Con más de 43 millones de vistas en YouTube, el video original volvió a circular con fuerza, y la canción regresó a los rankings de lo más escuchado en el país. El fenómeno se transformó en tendencia, alimentado por mensajes de fans y figuras del medio, entre ellas Lali Espósito, quien no solo trabaja junto a Miranda! en el programa de talentos, sino que también mantiene una colaboración artística con ellos.

“Ayer, mientras grabábamos La Voz, con Miranda hablábamos emocionados de lo que pasa con nuestras canciones ‘Tu misterioso alguien’ y ‘Mejor que vos’. Una, con una historia de otras, y una nueva que hicimos juntos. ¡Estamos emocionados y agradecidos, che!”, escribió Lali en sus redes, celebrando el momento compartido. En el mismo mensaje, agregó: “¡Aguante el pop! Los Miranda son mis salvadores en esta historia. Los uno, ¡qué lindo compartir música con ellos! Gracias por escuchar mi último álbum de esta manera”. Ante las palabras de su colega, Sergi le respondió con el mismo entusiasmo. “¡Aguanto vos, Lali! Temón hicimos. Sonará para siempre. Te quiero”, en referencia a su trabajo conjunto.

El renovado interés por la canción no solo trajo de vuelta su popularidad, sino que revivió también la historia detrás de su creación, un detalle que muchos fanáticos desconocían. En 2021, durante una entrevista en el podcast 1990, Educación Sentimental de Futurock, conducido por Galia Moldavsky, los integrantes de Miranda! revelaron el origen de la letra.

“El nacimiento de la canción no tiene absolutamente nada que ver y, mil disculpas porque les voy a cag… la vida”, bromeó Ale Sergi en aquella charla. Luego explicó: “Hay una serie que se llama Lost, que en los primeros capítulos hay un personaje que se llama Locke, que encuentra a uno que estaba de antes en la isla y lo encierra en una cápsula. En un momento uno de los amigos le dice: ‘sí, ese que vos tenés ahí encerrado, tu misterioso alguien’. Y yo cuando vi eso, lo vi escrito, me gustó y me lo anoté. Dije: ‘ya lo voy a usar’, y llegó el momento”.

La letra, que para muchos remite a un romance secreto, en realidad surgió a partir de esa escena puntual. “Por eso dice ‘a quien has ocultado de mí todo el tiempo’. Puede ser una relación, pero yo me acordaba que estaban ocultando al otro...”, señaló Ale. “Hice una asociación súper libre de la situación y adapté esa historia. Le metí esas palabras y salió. A mí me encanta la letra pero no nace de una situación real y sus sentimientos”, concluyó.

Así, lo que comenzó como una escena de una serie se convirtió en una canción que atravesó el tiempo, marcó a miles de personas y, ahora, encuentra una nueva vida en las redes sociales y en los rankings musicales. Entre recuerdos, nuevas lecturas y reflexiones compartidas, “Tu misterioso alguien” vuelve a demostrar que la música no tiene fecha de vencimiento. Y que, en el universo pop de Miranda! la dupla, siempre puede haber una sorpresa más.

Lo que comenzó como un encuentro casual en Ciudad de México terminó convirtiéndose en una colaboración que promete dejar huella. El cantautor español Antoñito Molina y el reconocido argentino Abel Pintos unieron talento y sensibilidad en “Me subo por las paredes”, un tema que celebra su amistad y a su vez ilustra la conexión cultural entre España y América Latina a través de la música.

Durante una entrevista exclusiva para Infobae México, ambos artistas compartieron detalles del proceso creativo que dio vida a la canción y destacaron la naturalidad con la que fluyó la colaboración. “Uno va sin expectativas”, recordó Abel sobre su primer encuentro con Antoñito. “La conversación que tuvimos nos encontró en algunas historias en común y nos dieron enseguida ganas de poder hablar de eso en una canción”.

Para Molina, este proyecto marca una nueva etapa. “Es mi primera colaboración con un artista latinoamericano y tiene una función diferente a todas las canciones que he hecho. Me ha regalado la posibilidad de conocer a un artista grande y sobre todo a una gran persona”, expresó.

Ambos coinciden en que “Me subo por las paredes” nació desde la honestidad. Pintos destacó la forma en que Molina aborda la composición: “Él pregunta bien, le pregunta al corazón, no a la razón. Y cuando alguien te pregunta así, la respuesta sale sola. Lo que sale después es honesto”.

El tema aborda una emoción universal: la distancia. “Hace muchos años que estamos lejos siempre de alguien. Podríamos decir que la entendemos, pero no es sencillo”, explicó Pintos. La letra nace del deseo constante de regresar a casa mientras se persiguen sueños, una experiencia compartida por ambos músicos.

La canción, grabada en Argentina y nacida en México, se presenta como un símbolo de las alianzas musicales iberoamericanas. “México es un sueño compartido”, afirmó Abel. Molina lo secunda: “Era algo que ni soñaba, pero siempre sentí que iba a pasar”.

Sobre el futuro, ambos coincidieron en enfocarse en esta colaboración antes de pensar en nuevas. “Ahora lo importante es disfrutar de esta canción, compartirla y cantarla juntos todas las veces que podamos”, señaló Antoñito.

Con una letra emotiva, una melodía envolvente y la complicidad de dos artistas en sintonía, “Me subo por las paredes” no solo es una canción: es el inicio de un diálogo musical entre orillas distintas del Atlántico que se entienden con el mismo idioma del corazón.

La neozelandesa de 28 años está a punto de comenzar una nueva era. Revolucionó el pop alternativo antes de cumplir los 17, impulsando Pure Heroine en días dominados por Lady Gaga, Katy Perry y LMFAO, sentando las bases para artistas como Billie Eilish y Olivia Rodrigo. Pero la magia maximalista de Melodrama de 2017 se agotó en Solar Power de 2021, un álbum veraniego desenfadado y confuso que eclipsó la intimidad e inmediatez de Lorde tras una psicodelia de fácil escucha.

Ella ha calificado la respuesta a ese disco como “realmente desconcertante y, a veces, dolorosa”, pero señaló que las lecciones aprendidas la dejaron “mucho más conectada y viva en su práctica artística y en su vida”. Ese parece ser el caso de Virgin, donde la Lorde de antaño ha regresado, mejor que nunca.

Una parada notable entre Solar Power y Virgin fue su participación en el remix de “Girl, So Confusing” de Charli XCX el verano pasado. Mientras que en el original la estrella del momento reflexionaba sobre la naturaleza de la feminidad en el mundo del pop, el remix profundizó la historia con el punto de vista de Lorde: no era la amienemigo de Charli, sino una mujer que lidiaba con sus propios demonios y sus trastornos alimenticios.

Lorde continúa el libro sobre mente y cuerpo que comenzó en ese remix a través de Virgin, un álbum que suena como el contrapunto del éxito mundial Brat de Charli XCX. Producido junto a su colaborador Jim-E Stack, Virgin se desborda con sutiles ritmos de club, cálidos sintetizadores y abundante espacio en blanco para sus fraseos y vocalizaciones característicos. Esta no es la banda sonora para las fiesteras de “365”, sino la obra maestra de auriculares para un paseo en bicicleta por Nueva York.

La Lorde de Virgin es imprudente con su amor, recordando pupilas alteradas por MDMA, cigarrillos que afirman la vida y tormentas de arena en Coachella, pero incapaz de mirarse al espejo. Salta dentro y fuera de camas en llamas y se expresa de maneras que funcionan (el “Escupió en mi boca como si estuviera diciendo una oración”, a lo Madonna) y de maneras que no funcionan (“¿Te sumergirías en el fondo del océano/ Solo para llevarte mi perla?” o “Tu detector de metales detecta mi preciado tesoro”).

En cierto modo, el amor y la lujuria la han hecho sentir más conectada con su cuerpo (“If She Could See Me Now”). En otros momentos, no está tan segura: canta “Some days I’m a woman, some days I’m a man” en “Hammer” y evoca un álter ego masculino en el sencillo “Man of the Year”, de ritmo lento. En medio de las muertes del ego y la fanfarronería de las fotos del aura del álbum, admite: “Estoy lista para sentir que no tengo las respuestas”.

Mirar a su madre, la poeta Sonja Yelich, ofrece algunas respuestas, pero también más preguntas. Son las “caderas anchas, labios suaves” de su madre las que sirven de modelo para una mujer adulta en “GRWM”, y son sus vínculos con su madre los que se iluminan en “Favourite Daughter”. Este último es el álbum en un microcosmos, conectando los puntos entre el síndrome del impostor y nuestras relaciones con nuestros padres. En la canción, Lorde canta sobre un tío perdido por un “corazón roto” y cómo, sin importar cuánto lo intente, hay una habitación de su madre a la que nunca puede entrar; el dolor de su progenitora es el suyo propio. A pesar de todos los estadios llenos, los jets privados y las medallas ganadas, Lorde todavía lucha por conocer a su madre, de la misma manera que sabe pero no puede conocer a sus amantes, a los demás y a sí misma.

Es esto último lo que más se acerca a comprender. En la optimista “Broken Glass”, Lorde recuerda el costo del trastorno alimenticio revelado en el remix de “Girl, So Confusing”: perder su “freak”, pudrirse los dientes y llorar hasta quedarse dormida, pero suena como una superviviente, no como una estadística. También parece estar aceptando ser el centro de atención (un fenómeno que también explora Charli en “Brat”). Lo ha dado todo desde los 17 años y ahora (en lo que quizás sea un guiño al final de Fight Club) canta: “Me conociste en un momento realmente extraño de mi vida”. El final de los 20 es una época extraña para todos; por suerte, Lorde está confesando en el momento perfecto.

Fuente: The Washington Post