La artista colombiana Greeicy, conocida por temas que han superado el umbral de los miles de millones de reproducciones, como “Más fuerte”, “Los besos” y “Destino”, realizará su primer concierto en el archipiélago canario el próximo 17 de julio, sumándose a la programación del Tenerife Cook Music Fest 2026. Según detalló el propio festival a través de un comunicado difundido y recogido por la empresa organizadora, la cantante ha elegido el escenario del Puerto de Santa Cruz para ofrecer una puesta en escena inédita en las islas, con un espectáculo donde combinará una producción técnica avanzada, un despliegue coreográfico con estándares internacionales y una narrativa visual innovadora.

El Tenerife Cook Music Fest 2026, que celebra en esta edición uno de sus aniversarios más destacados, ha incluido a Greeicy en un cartel que reúne a figuras internacionales como Don Omar, Chayanne, Myke Towers, Farruko y Lola Índigo, entre otros nombres ya anunciados. La presencia de la artista, quien ha acumulado varias nominaciones a los Latin Grammy y se ha consolidado como un referente del pop latino contemporáneo, forma parte de la estrategia del festival para ofrecer una experiencia de gran escala que combine música en vivo con otros atractivos culturales y de ocio. Tal como informó Cook Music Fest 2026, esta será la primera ocasión en la que Greeicy actuará ante el público canario, lo que añade carácter histórico a la cita.

De acuerdo con lo consignado por Cook Music Fest, la producción preparada para el debut de Greeicy en Tenerife incluirá elementos visuales de última generación y un espectáculo centralizado en la fusión de los ritmos urbanos y el pop, estilos que han marcado la carrera de la colombiana en los últimos años. El festival resaltó que la presentación se concibe como una experiencia diseñada para que el público perciba la propuesta visual y musical desde múltiples perspectivas, integrando iluminación avanzada, escenografía dinámica y un cuerpo de baile con coreografías de alto impacto.

La edición 2026 del festival, según informó la organización, se celebrará en el Puerto de Santa Cruz y contará con un enfoque especial no solo en la propuesta musical, sino también en la oferta gastronómica. Cook Music Fest ha destacado la integración de productos locales en el menú gourmet del evento, al tiempo que mantiene como uno de sus iconos la noria panorámica, considerada un elemento emblemático del encuentro y parte de la identidad visual del festival. Según registro del propio Cook Music Fest 2026, la combinación de estos elementos busca situar al evento como una experiencia sensorial completa, sumando la música en directo a la cultura gastronómica y a la ambientación visual característica del recinto.

El evento cuenta con el respaldo de varias instituciones de relevancia del archipiélago, como el Gobierno de Canarias, Turismo Islas Canarias, la Autoridad Portuaria de Santa Cruz de Tenerife, el Cabildo de Tenerife, Turismo de Tenerife y el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife. La organización ha informado que estas alianzas han permitido consolidar la propuesta del festival y atraer a artistas de reconocimiento internacional, ampliando la proyección del evento más allá del ámbito local y nacional.

El cartel anunciado por Cook Music Fest 2026 refleja la apuesta por reunir a nombres que representan diferentes géneros y corrientes dentro de la música latina y urbana, situando a Tenerife como un punto de referencia en el circuito de festivales musicales. En el caso de Greeicy, la organización subrayó que su elección como cabeza de cartel responde tanto a su relevancia actual en la industria musical como al interés de incorporar a artistas que aún no habían actuado en Canarias.

Fuentes del festival agregaron que los preparativos para el espectáculo se encuentran en marcha y que la producción técnica contempla la utilización de recursos audiovisuales avanzados, así como la participación de profesionales en puesta en escena procedentes de diversos países. El objetivo, según subraya Cook Music Fest, consiste en proyectar la imagen de Tenerife como destino internacional para artistas y público afín a los grandes eventos musicales.

Piso 21 atraviesa una etapa marcada por la transformación y el crecimiento, factores que dieron origen a Trescender, su más reciente álbum. El nombre, que combina la palabra “trascender” con la presencia actual de tres integrantes, resume una visión colectiva en la que la banda reconoce que su identidad va más allá del número de miembros, a la vez que es su primera placa desde que se anunció la salida de Lorduy que inició una carrera en solitario.

Esta producción incluye colaboraciones con artistas de distintas generaciones y géneros, como Marc Anthony, Fonseca, Andrés Cepeda y Bacilos, lo que refuerza la apuesta de Piso 21 por la diversidad y el intercambio musical, siempre orientado a equilibrar sensibilidad y accesibilidad, mostrando diversidad y sorpresas en cada pista.

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David Escobar, Pablo Mejía y Juan David Huertas contaron detalles de la producción en diálogo con Infobae Colombia, desde su amor por las baladas hasta el riesgo que asumieron con la canción que abre Trescender. También relataron experiencias creativas y profesionales que atravesaron como proyecto musical, compartieron reflexiones el papel de Colombia en el panorama musical latino, y se internaron en consideraciones sobre artistas que van desde Bruno Mars hasta Aria Vega.

Infobae Colombia: ¿Por qué Trescender?

David Escobar: Como el nombre lo dice, viene de los tres, de una nueva etapa de Piso en la que estamos haciéndole un pequeño homenaje a este nuevo momento. El nombre llegó de una búsqueda en la que nosotros siempre como que al principio nos preguntaban: “Hey, ¿se van a quedar ustedes tres solos?“. Y nosotros decíamos: ”Es que no somos tres".

Nosotros nunca hemos sido solamente tres, ni fuimos solamente cuatro. Detrás de Piso hay mucha más gente. Y todo eso fue mutando, y el resultado fue Trescender, que es ser mucho más que solamente tres individuos que están aportando a un conjunto. Somos más y estamos intentando hacer la mejor música posible, y es un álbum que es una muestra de nuestra esencia. Es un álbum que, que tiene mucho tinte pop, pop urbano, romántico, evocamos mucho las épocas de nuestros comienzos con nuestro primer productor y gran amigo, Pablo Uribe, que en paz descanse.

Fue un álbum que nos llevó por, por un viaje increíble, colaborar con gente que tanto soñábamos, como Andrés Cepeda, Marc Anthony, poder trabajar con Bacilos y también, como siempre, apoyándonos talentos que les creemos del todo, como Beéle, Juan Duque, Yami de Argentina.

Para el artista siempre está ese dilema o esa situación en la que tienen que saber cuándo entrar, pero sobre todo cuándo salir del estudio, cuándo dar por terminada una canción, cuándo no volverse loco arreglando y arreglando y arreglando las canciones. ¿Cómo lo manejan ustedes?

David Escobar: Yo, por ejemplo, no sé que hacer cuando pasa. [risas]. Yo podría quedarme arreglando una canción hasta el final, si no es porque me dicen: “Ya, entregue la mezcla, parce”. En lo personal, yo creo que una canción siempre puede ir más allá, pero creo que también es un error, porque creo que, que uno tiene que aprender a diferenciar ese momento.

Pablo es muy bueno para eso, creo, porque Pablo le cree mucho a las ideas. Por ejemplo, Pablo es de los que dice: “Parce, esa idea está muy chimba con esa maqueta”. Y yo soy de los que dice: “Pero hay que meterle la ficha a la maqueta”. Él dice como: “Parce, no toquen tanto esa maqueta, que eso es la magia”. Pero yo creo que eso es la capacidad de trabajar en equipo y de uno llevar tanto de acá como de allá y, y llegar al punto medio en el que, en el que todos estemos felices.

Pablo Mejía: Sí, total. Es trabajar en equipo. Hay veces que ni siquiera es que alguno tenga una manera de ser. Alguno está enamorado de algo y siente la magia en algo especial o sentimos que podemos llevar la canción a otro punto. Hay canciones que hay que soltarlas y definitivamente si la canción no llegó al punto que uno quería, se deja y ya.

Juan David Huertas: Hay algo que se llama “demotitis”, y es cuando vos hacés un demo inicial y lo escuchás tantas veces que te enamorás de ese demo. Y ya cuando está produciéndose y la sobreproducen, ya empieza a desdibujarse. Uno debe tener la sensatez de decir: “Dejen eso quieto”. O decir “¿sabes qué? Suena mejor con toda la producción y no como había nacido". Es muy difícil.

Infobae Colombia: Hablando de Trescender, la primera canción es Bruno Mars que un poco se aleja del pop latino que representan. Suena más guitarrera, más cercana al pop rock. ¿Cómo surgió la canción?

David Escobar: Surgió de un riff de bajo. Alguno de ellos decía: “Parce, qué chimba arrancar una canción con un motivo de bajo”. Mirá, los dos están diciendo que yo [risas].

Juan David Huertas: No, fui yo, fui yo porque quería grabarlo.

David Escobar: Alguno dijo eso y entonces yo escuché ese bajo, y en menos de cinco minutos le tenía ya unos drums, omo una idea rítmica que es la que quedó al final, con unas pandereticas. Pero era una base que desde el comienzo hacía sentir cosas muy positivas y como que teníamos la necesidad de escribir algo diferente.

Cuando escuchamos eso que era tan diferente, un poco más ajeno a lo que hace Piso, dijimos: “Parce, entusiasmémonos a escribir también algo diferente, que salga del alma”. Y te voy a decir, en menos de media hora estaba desde el principio hasta el coro, ya listo. Fue un proceso creativo muy bonito, como una catarsis, fue sacar algo que hace mucho tiempo queríamos decir.

Y escribir de Bruno Mars es como escribir de los sueños, como que listo, estamos en un punto de la carrera bonito, damos gracias por lo que está pasando, pero la vista la tenemos es arriba y que pase lo que tenga que pasar por seguir alcanzando los sueños. Y, como lo dijimos, Bruno Mars es los sueños. Bruno Mars puede ser para otra persona comprarle la casa a la mamá, Bruno Mars puede ser tenerle cubierta la educación a sus hijos, Bruno Mars puede tener una pareja ideal, pero para nosotros es Bruno Mars, los sueños, cantar con Bruno Mars. [risas].

Infobae Colombia: Justamente la canción destaca por todas esas referencias, ¿no? Cómo sería grabar un hit con el tipo en español. Y vea cómo es la vida. Hace como una semana sacó Risky Road que tiene esa vibra medio ranchera y estos guiños a México. Con ese precedente, ¿Ustedes ven factible hacer realidad el sueño de hacer un tema con Bruno Mars?

Juan David Huertas: ¿Por qué no? ¿Por qué no?

Pablo Mejía: No, si nosotros hemos cumplido muchos sueños.

David Escobar: ¿Quién nos dice que no? [risas]

Pablo Mejía: Nosotros hemos cumplido muchos sueños que no eran factibles en su momento, o sea, que se veían como un imposible. Hemos hecho no una, sino dos canciones con Black Eyed Peas...

Juan David Huertas: Y los hemos hecho cantar en español también .

Pablo Mejía: Hemos estado en Rock in Río con ellos, ellos han estado en el Auditorio Nacional de México con nosotros, en show nuestro. Tenemos una carrera que ya va para 19 años, hemos llenado escenarios en muchas partes del mundo que no nos imaginábamos, hemos ido a países que no hablan español y han estado llenos nuestros conciertos.

Entonces, ya si a mí me hablas de un sueño ilógico, no tiene sentido, porque esto hace 20 años no tenía sentido en mi cabeza. Todavía queda mucho por lograr, todavía se pueden lograr muchas cosas inimaginables.

Infobae Colombia: Piso 21 es más reconocible por tener ritmos bien arriba, animados, pero ustedes siempre han tenido su corazoncito. Y hay baladas en Trescender, particularmente Te elijo con Yami Safdie y Cuidado con lo que pides. Para ustedes, ¿Qué hace que una balada funcione y resuene en la gente? ¿Cuáles son las claves para eso?

Juan David Huertas: Latinoamérica de por sí tiene como esa tendencia a identificarse con baladas. O sea, estamos hablando desde los 50, 60 y 70, las baladas de la música pa’ planchar. En Colombia crecimos escuchando ese tipo de música. Entonces, no es algo tan ajeno y es que precisamente cuando vos hablás de amor y desamor, es muy bonito. Todo el mundo lo ha sentido, en algún momento de su vida, pero cuando vas a hablar de desamor es como que vos estás en ese sentimiento y todo te queda bien. Y eso le mezclás una baladita y eso entra fácil.

Para nosotros ha sido, no te voy a decir que fácil, pero ha sido muy bonito siempre identificarnos con estas letras, porque nos gusta ser muy, muy prácticos a la hora de hablar. Más que poetizar todos esos sentimientos, nos gusta ponerlo con palabras que la gente en ese momento lo está sintiendo. Si alguien quiere decirle algo lindo a su pareja, se lo ponemos con las palabras que uno realmente diría en ese momento. O si alguien está entusado o está despechado, también sabemos cómo se siente eso y lo ponemos en, en su idioma. Entonces, alguien simplemente escucha y dice: “Parce, sí, eso es lo que yo estoy viviendo, eso es lo que estoy sintiendo”. Y al no estar tan adornado, creo que también llega a cualquier tipo de persona, a cualquier edad, cualquier estrato, cualquier oficio. La gente simplemente habla el mismo idioma, que es el, el idioma del amor. Y si tú lo estás sintiendo, te vas a ver identificado con estas canciones, sea cual sea la situación.

Infobae Colombia: Entre las colaboraciones de Trescender tienen una con Fonseca en Felices de mentira. ¿Cómo surgió este vallenato?

David Escobar: No, parce, estábamos en el estudio con Andy Clay, que es un gran compositor amigo de nosotros, con el que compusimos Volver precisamente, y también compusimos Puntos suspensivos.

Nos metimos con la vaga idea de hacerle un pequeño homenaje al vallenato de Omar Geles, ese vallenato de Los Inquietos, de Jorge Celedón, del Binomio de Oro, Jean Carlos Centeno y Jorge Celedón, el romántico que nos tocó a nosotros. De ese que uno cantaba: “Ella es el sueño de aquellos que pueden”, así duro, con el dolor [risas]. Y entonces dijimos: “Parce, vamos a hacer un, un vallenato al corazón”.

Y con guitarrita de la mano de un maestro, pues que es Fonseca, que conoce ese subgénero. Dijimos: “Parce, es la persona perfecta para hacerlo”. Y él estuvo super de acuerdo y nos salió esa canción así, inspirados como de la nada, una canción muy bonita.

Estábamos pasando por un momento profesionalmente que nos daba todo el pie para escribir sobre eso. No estábamos felices ahí en ese momento y le pusimos así a esa canción, Felices de mentira, con ese sentimiento vallenato. Después, obviamente involucramos a los masters del acordeón, ahí estuvo Lucas Dangond en el acordeón, unos percusionistas y bajistas increíbles y obviamente le pusimos el toque urbano para hacer ese contrapeso de nuestro lado, que también se sintiera algo natural para nosotros.

Infobae Colombia: Cuando uno mira las colaboraciones en Trescender, buena parte de los artistas invitados son colombianos. No es que sea extraño, pero si ustedes tuviesen que comparar el estado de la industria musical del país cuando ustedes empezaron en 2007 a lo que sucede hoy, ¿qué cambió? ¿Por qué hoy Colombia es prácticamente ineludible para entender el éxito de la música latina a nivel mundial en este momento?

Pablo Mejía: Yo creo que los retos que teníamos en ese momento hacen que hoy seamos tan fuertes. Podemos separar por generaciones: Shakira, Carlos Vives y Juanes yo creo que nos abrieron un camino a todos y ellos sí que pelaron machete. A ellos sí que les tocó difícil. Entonces, no es queja.

Pero hablando de esta generación de ahora, que en esta generación podemos meter a la misma Karol G, a Balvin, a Maluma, a nosotros, a Feid, a Yatra, a Turizo, a Camilo... bueno, tantos de la música colombiana. Estoy hablando pues de los más cercanos a nosotros, pero pues hay muchos más.

Yo creo que nos tocó empezar en un momento donde la piratería mandaba, no había firmas, no había disqueras, no había ni una sola multinacional en Colombia firmando gente, no existía industria. Nuestro sueño más grande era poder pegar en Bogotá, ir a cantar a Muy Buenos Días y de pronto ir a un Nuestra Tierra, que era gigante en ese momento. Pero digamos que ese era el tope, de una carrera en Colombia en ese momento para artistas que éramos independientes, porque no había firmas, no había dinero en la industria. La plata que conseguíamos en los shows era para reinvertirnos, y costaba mucho.

Cuando la industria empieza a crecer con el streaming, encuentra una industria muy madura dentro de Colombia. Entonces no fue como que: “Uy, un solo artista que firmamos y podemos llevar”, sino que encontró un movimiento. Entonces se empezaron a pelear las disqueras por un artista y por el otro, y por el otro. Y de un momento a otro todos quedamos firmados y con la posibilidad de mostrar nuestra música afuera. Éramos artistas que ya llevábamos unos seis años, otros cinco, otros 12, otros 10... no éramos nuevos, ya teníamos conocimiento de lo que estaba pasando, de lo que hacíamos, de cómo era el negocio, de muchas cosas, y yo creo que fue muy importante encontrar una industria madura.

Ahora vino después una generación un poco más pequeña, donde ya pegar una canción en Colombia significaba tener una canción importante en Latinoamérica y creo que es lo que pasa un poco ahora. Un artista ahora que, que empiece en Medellín, en Bogotá, en Cali, si logra meter una canción en número uno en nuestro país.

David Escobar: Ejemplo, Aria Vega.

Pablo Mejía: Aria Vega en este momento, por ejemplo. Pongamos el ejemplo. Aria hace unos 20 años posiblemente hubiera sido una artista número uno en Colombia y ya. Pero ahora un artista número uno en Colombia como Aria, que además es talentosísima, tiene la posibilidad de que el mundo la está mirando. Y ahora yo estoy viendo gente aquí en Miami, gente en España, gente en México con el pasito, con el trend de Aria. O sea, ya se está volviendo un movimiento mundial y eso yo creo que es lo que ha cambiado.

Pero creo que lo que pasó es que cuando la industria vuelve a renacer, vuelve a haber como dinero en la industria y posibilidades de firmar artistas, se encuentran en Colombia una industria muy madura, que llevábamos rato luchando y no era cuestión de un artista o dos, era un movimiento gigante de géneros. Yo estoy muy enfocado en el género de nosotros, pero también estaba Bomba Estéreo y también está Monsieur Periné.

David Escobar: Los populares. Pipe Bueno...

Voz 1: Estaba Manuel Medrano, por otro lado. En todos los géneros había una industria muy madura. Encontraron una industria que estaba sobreviviendo sola, pero lo estaba haciendo muy bien.

Infobae Colombia: Ustedes son referentes del pop latino desde hace casi dos décadas. ¿Qué les queda por hacer? ¿Qué los motiva a seguir como Piso 21, más en esta nueva era como trío?

Juan David Huertas: Nos motiva que la gente siga amando nuestra música, desde la primera hasta la que seguimos haciendo. Nos motiva el hecho de pensar que todavía podemos seguir viviendo de la música 20, 30, 40 años más. Nadie nos está impidiendo o nos está diciendo: “No, es que ya ha pasado mucho tiempo, es que ya no suenan lo mismo”. No, nadie nos lo está diciendo y por el contrario, están amando lo que hacemos y nosotros, por ende, cada vez amamos más lo que hacemos. Cada vez amamos más la loca idea de haber hecho música tres amigos y decidir crecer con esto.

Nos llena mucho el corazón ver en shows, no solamente la gente que nos creyó desde el comienzo, sino que ahora están con sus hijos, y sus hijos consumen nuestra música y mandan videos bailando nuestra música. Y pensar que eso puede pasar hasta con los hijos de sus hijos, que podemos estar haciendo como los grandes artistas, Maná, Rolling Stones, Bon Jovi, gente que ve en su público tres generaciones completas y la gente sigue emocionada de verlos. Tener una de las carreras más longevas como grupo a nivel Latinoamérica, creo que se ha convertido en nuestro objetivo.

Kike Santander, figura clave del pop latino, ha escrito y producido canciones para reconocidos artistas, lo que le ha valido un lugar como uno de los compositores más influyentes en la música en español.

Su reciente rol como jurado central en la actual temporada de A Otro Nivel de Caracol Televisión, puso sobre la mesa el interés de los televidentes alrededor de su trayectoria, con la que se constituyó como pieza central en la creación de éxitos que moldearon la forma en que se entendió el pop latino durante los años 90 y 2000.

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Nacido el 11 de mayo de 1960 en Cali, inició su formación musical a los 8 años con el acordeón y luego dominó la guitarra, el piano y el bajo. Sin embargo, dejó esa faceta a un lado para ir a la Universidad del Valle a estudiar para volverse médico cirujano, cosa que logró en 1985.

Tras ejercer la medicina por un año, Santander decidió volcarse por completo a su pasión artística, inicialmente creando jingles publicitarios, hasta que se radicó en Miami en 1995 para iniciar una carrera como compositor y productor bajo el amparo de Emilio Estefan.

Es así que mientras en Colombia figuras como Carlos Vives, Shakira, Aterciopelados y Ekhymosis (con Juanes en sus filas) se volvían artistas de talla internacional, Kike seguía un camino similar desde otra faceta en la industria musical.

Y en ese mismo 1995 que llegó a Miami, Kike tuvo su gran oportunidad siendo el compositor de todos los temas de Abriendo Puertas, segundo álbum en español de Gloria Estefan que vio a la cubano-estadounidense cantando salsas, merengues, vallenatos, cumbias, currulaos, y boleros, siendo un trabajo de gran éxito en Latinoamérica.

Temas como la canción que da título al disco, Tres Deseos, Dulce Amor o La Parranda sirvieron para que Kike se volviera un compositor ampliamente solicitado, además de establecer la pauta que siguió su carrera desde entonces: la fusión de pop contemporáneo con ritmos tradicionales latinoamericanos, especialmente afrocaribeños.

Ese mismo año trabajó con Thalía en su álbum En Éxtasis, donde también apareció como productor. Allí, Santander aportó los temas Me faltas tú y Piel Morena, uno de los mayores éxitos de la mexicana.

La sociedad se mantuvo para el siguiente larga duración, Amor a la mexicana (1997), en el que el colombiano aportó los temas Por amor, Noches sin luna (coescrita con José Miguel Velásquez), Mujer latina y Es tu amor.

Otra de las figuras con las que su trabajo dio frutos de forma rutilante fue Alejandro Fernández. En este caso particular, Kike destacó por las baladas, siendo de su autoría las clásicas Si tu supieras (coescrita con Ricardo Martínez), Yo nací para amarte, No sé olvidar y En el jardín.

Algo similar sucedió con Cristian Castro, para el que compuso cinco de los 10 temas de Mi vida sin tu amor, incluida la pista que da nombre al disco; y más tarde colaboró estrechamente en su exitoso álbum Azul (2001). Allí Kike coescribió la canción que da título al disco junto a su hermano Gustavo, y que se convirtió en uno de los mayores éxitos del mexicano.

Santander llegó a tener una participación en el debut de Jennifer Lopez, On the 6 (1999) que obtuvo certificación triple platino. Gracias al apoyo de Emilio Estefan, Kike tuvo la oportunidad de sumar ni más ni menos que con uno de los grandes éxitos de la estadounidense de ascendencia puertorriqueña: Let’s Get Loud.

Curiosamente, Santander la escribió para Gloria Estefan, pero esta la descartó y eso le dejó la oportunidad a JLo de transformarla en uno de los temas más celebrados por su fanaticada en Latinoamérica.

A la fecha, Santander tiene registradas en su nombre más de 700 canciones.

El libro argumenta que el puertorriqueño, siempre desinhibido en su amor y apoyo a la isla, ha participado en una “política de resistencia” al combinar la celebración con el activismo, trayendo los problemas del archipiélago al centro de la cultura popular y defendiendo constantemente la independencia de Puerto Rico. Para muchos oyentes que se encuentran con la obra de Bad Bunny —especialmente aquellos que no hablan español ni conocen la historia de Puerto Rico— los matices de su activismo pasan desapercibidos. La mayoría de los más fanáticos fuera del Caribe saben que su primera aparición en televisión ocurrió casi exactamente un año después de que el huracán María devastó la isla, pero pocos conocen su participación directa en El Verano Boricua (el nombre dado a las protestas a gran escala en la isla en el verano de 2019, que lograron destituir al entonces gobernador Ricardo Rosselló) o los anuncios políticos que compró previo a la elección para gobernador de Puerto Rico en 2024.

P FKN R examina estos casos, y muchos más, para demostrar que Bad Bunny no existe en un vacío. En cambio, las autoras postulan que el artista nacido como Benito Antonio Martínez Ocasio —quien usualmente es conocido solo como “Benito”— es producto del trato inhumano y despectivo del gobierno de Estados Unidos hacia Puerto Rico y el proyecto colonial que allí perpetra. “Al crecer durante las últimas tres décadas, esta generación ha experimentado una rápida y dramática disminución en su calidad de vida y en las oportunidades disponibles para ellos”, escriben Díaz y Rivera-Rideau sobre el Puerto Rico contemporáneo al inicio del libro. Para Benito, nacido y criado en el norte de la isla, las imposiciones gubernamentales estadounidenses, como la Junta de Supervisión y Administración Financiera, según escriben las autoras, han “hecho imposible ignorar las conexiones entre las luchas cotidianas de los puertorriqueños y la larga historia del colonialismo estadounidense en el archipiélago. Este es el contexto sociopolítico que moldeó los años formativos de Bad Bunny”.

Es un tema complejo para un artista que también canta sobre placeres hedonistas. Pero P FKN R celebra esa dualidad, señalando frecuentemente que los pánicos moralistas sobre el contenido de la música de reggaetón han suprimido históricamente las voces más radicales de la isla. Incluso el título del libro, que proviene de una canción de YHLQMDLG, tiene un doble significado. Las autoras sostienen que la implicación profana y burlona de la frase P FKN R es tanto un lamento por los problemas de la isla —apagones frecuentes, corrupción gubernamental, pobreza extrema provocada por las realidades de ser una colonia— como, de manera más explícita, una expresión arrogante de orgullo. El libro abarca toda la carrera de Bad Bunny, desde sus inicios trabajando en un supermercado en Vega Baja hasta el reciente lanzamiento de su disco Debi Tirar Más Fotos.

Pero P FKN R no es una biografía. Díaz y Rivera-Rideau suelen comenzar los capítulos enfocándose en una canción, video o momento específico del reggaetón para luego alejarse y considerar el panorama más amplio de la política puertorriqueña de ese momento. Aquí, incluso los gestos pequeños se recontextualizan. Las autoras discuten el tema “Te Boté”, en el que Bad Bunny participa, como una canción de ruptura amorosa pero también como un himno de desafío puertorriqueño tras el huracán María. La decisión de Bad Bunny de pintarse las uñas en el video de “Caro” se enmarca como revolucionaria dentro del trap latino, ya que, según señalan las autoras, “la hipermasculinidad es central en la ética del género”.

Un capítulo cercano al final está organizado en torno a la actuación de Bad Bunny como cabeza de cartel en Coachella en 2023 (la primera de un artista latino de habla hispana), en la que ambas autoras estuvieron presentes y que Rivera-Rideau ayudó a crear. Las autoras son profesoras universitarias, y su fama compartida se debe al Bad Bunny Syllabus, un repositorio online destinado a ayudar a “contextualizar la obra de Bad Bunny. Ambas han desarrollado y enseñado cursos sobre el cantante en sus respectivas universidades, y P FKN R es, esencialmente, una consolidación de todo lo que aparece en ese sitio web, en la práctica un registro escrito de sus conferencias. Algunos textos académicos tienden a lo pedante, pero ellas evitan en su mayoría la condescendencia o el distanciamiento al incluir reportes anecdóticos de primera mano que ofrecen una refrescante perspectiva personal.

En una sección particularmente humorística, Díaz relata cómo acompañó a un paparazzi tratando de conseguir fotografías de Benito con su entonces novia, Kendall Jenner. Luego aprovechan esa experiencia como punto de partida para hablar sobre las jerarquías raciales de la industria del entretenimiento en la que el artista está inmerso. Las autoras también desafían abiertamente las críticas habituales al artista. El libro dedica un capítulo entero a desmontar las acusaciones de queerbaiting, por ejemplo, mostrando su compromiso de largo plazo con el apoyo a la comunidad LGBTQ+. También reinterpreta sus muy criticados comentarios en la revista Time sobre el colorismo en el reggaetón. Los artistas pop tienden a buscar una base de fans con un enfoque globalista, apelando al mayor número posible de personas y cambiando lo que sea necesario para alcanzar nuevos mercados.

Mucho se ha escrito sobre el “boom latino” de la música estadounidense en la década de los años noventa y la consiguiente anglicización de los artistas de habla hispana para que pudieran llegar al público general. Pensemos en las dos versiones de “Livin’ la Vida Loca” de Ricky Martin, o Luis Fonsi uniéndose a Justin Bieber para remixar “Despacito”. A lo largo de su carrera, Bad Bunny ha hecho un esfuerzo deliberado para rechazar ese camino hacia la fama, cambiando el globalismo por un hiperlocalismo dedicado. La crítica a la música pop a menudo exige una suspensión de la incredulidad. Críticos y académicos suelen proyectar su propia erudición sobre artefactos de la cultura popular que no la merecen. Pero Díaz y Rivera-Rideau aciertan al decir que Bad Bunny pretende sacudir el sistema; su obra, que alcanza a millones de latinos, intenta deliberadamente conmover y radicalizar a los oyentes. Quiere motivar a su gente a mejorar sus vidas.

El trabajo que han realizado para comprender a Benito resulta cada vez más necesario, especialmente a medida que su fama e influencia política siguen creciendo exponencialmente. Ha pasado un año desde el lanzamiento del exitosísimo Debi Tirar Más Fotos, que impulsó a Bad Bunny al espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LX. Sin embargo, como destaca el libro, su celebridad y éxito musical no son a pesar de su origen, sino gracias a él. P FKN R enfatiza que escuchar a Bad Bunny es un acto radical, conectándonos con la lucha de siglos y la resistencia continua del pueblo puertorriqueño.

Fuente: The Washington Post

Entre las nuevas piezas que integran el repertorio, el trabajo discográfico “Mi Norte & Mi Sur” incluye colaboraciones junto a destacados artistas como Estopa, Miranda!, Edén Muñoz y Manuel Carrasco. El Auditorio Roig Arena dio a conocer que Diego Torres ofrecerá el 19 de abril un concierto en sus instalaciones como parte de la gira donde el cantante argentino presentará este nuevo álbum, según informó la misma organización en un comunicado recogido por diversos medios.

Durante la cita programada en Valencia, Torres alternará la interpretación de sus grandes éxitos con la presentación de los temas inéditos que componen “Mi Norte & Mi Sur”. El disco, integrado por once canciones, es resultado de una etapa creativa donde el músico incorpora influencias de géneros variados, experimentando con sonoridades acústicas, pop alternativo y ritmos latinos. De acuerdo con la información difundida por el Auditorio Roig Arena, este proyecto muestra una combinación de estilos que mantiene la identidad ya reconocida de Torres en el panorama musical latinoamericano.

El set de canciones seleccionadas para el disco incluye títulos como “Vas a Quedarte”, “Mi Norte & Mi Sur”, “Trepando Paredes” y “La Última Noche”, temas que reflejan la evolución sonora del artista. Según puntualizó el auditorio en su comunicado, la energía del álbum responde al momento artístico actual que vive Diego Torres, manifestado en la variedad de sonidos y enfoques musicales sin apartarse del tono característico que acompaña su carrera.

La gira supone la primera oportunidad para el público español de escuchar en directo las nuevas composiciones del cantante junto a piezas emblemáticas de su catálogo. En “Mi Norte & Mi Sur”, las colaboraciones reúnen voces y estilos de artistas de diferentes áreas musicales, contribuyendo a la diversidad de matices presentes en el álbum. Estopa aporta su sello en uno de los temas incluidos, mientras Miranda!, Edén Muñoz y Manuel Carrasco integran paletas sonoras procedentes del pop, la cumbia y el cancionero melódico latino.

El Auditorio Roig Arena detalló que la venta de entradas para el concierto de Diego Torres estará disponible a partir del viernes 28 de noviembre a las 12:00 horas, mediante la web oficial www.roigarena.com. Desde el anuncio, la expectativa se centra en la presentación de Torres y la acogida que tendrán sus nuevas creaciones entre sus seguidores.

En el contexto de esta gira, Diego Torres busca compartir en directo los matices de su etapa actual y ofrecer una selección que abarca tanto su pasado como sus nuevas propuestas musicales. Según el comunicado del auditorio, el evento permitirá a los asistentes experimentar en una misma velada las influencias y experiencias que el artista ha sumado a lo largo de su trayectoria, reunidas en un show que combina lo tradicional con la exploración de nuevos horizontes sonoros.

Nueva York, 24 ago (EFE).- El colombiano Manuel Turizo celebró este sábado por la noche toda una fiesta latina en su concierto de la gira “201 Tour” en Nueva York, donde encendió al público a base de pop, reguetón, salsa, bachata, merengue y hasta regional mexicano.

A la pregunta de “¿Dónde están mis latinos?”, el público casi enteramente latino que llenaba el histórico teatro United Palace del Alto Manhattan, con capacidad para más de 3.000 personas, estalló en vítores y alzó carteles, camisetas y su querida bandera tricolor.

El artista de 25 años, con una simpatía y energía desbordantes, hizo un repaso a sus éxitos y un homenaje escénico al hogar de su inspiración, que es también el de su vida, y que da título a su último disco: un apartamento número 201 en la localidad de Montería (norte de Colombia).

Y es que, pese a su juventud, el cantante acumula ‘hits’ desde que despuntó en 2017, con solo 17 años, con la pegadiza “Una lady como tú”, hasta el día de hoy, y tiene numerosos temas con otras estrellas, como “Vagabundo”, compartido con Sebastián Yatra y Béele, o “Una vaina loca” con Ozuna, que causaron furor.

También dedicó a sus seguidores mexicanos "De lunes a lunes", que interpreta con Grupo Frontera, y "Una cerveza", con Fuerza Regida, y que entonó con el acompañamiento de su banda de músicos, recordando con humildad que su música "empezó a ser famosa en México".

"Espero que se lo disfruten, vinimos a gozar y a pasarla bien", declaró el artista, que hizo de maestro de ceremonias, elogiando a las "reinas" y las "lobas" antes de interpretar "Copa Vacía", compartido con Shakira, o pidiendo a la gente a expresar sus sentimientos con la balada "Quiéreme mientras se pueda".

Turizo, que lució una gorra con la enseña “201”, se movió por un escenario diseñado como las salas de una casa y decorado con una mesa, una cama en la que se tumbó, o un ropero en el que se cambió de ‘look’ protegido por un juego de sombras y luces sugerente, para deleite de sus fanáticas.

Y fue precisamente allí, entre las paredes translúcidas de la casa y bañado por focos de color, donde decidió interpretar con su potente voz solo acompañada de un piano, "Dios te cuide" y "Esclavo de tus besos", que dejaron a la audiencia con el corazón en un puño.

Una enorme pantalla horizontal retransmitía en directo los gestos del cantante, que se movía con soltura delante de un camarógrafo, como en un videoclip, y que hizo a los asistentes partícipes del espectáculo.

Por ejemplo, pidió mostrar el cómico cartel de unos fans que decía "Viva el chorizo", en un juego de palabras con su apellido, y bajó a felicitar a una joven cumpleañera que le pedía un selfi en un letrero escrito a mano.

Aunque, sin duda, los momentos estelares del recital se los llevó "La bachata", pues muchos de los allí presentes eran dominicanos, una gran población en Nueva York, y tras exhibir sus expertos pasos con una bailarina, repitió los coros 'a capella' junto al público entregado a la letra.

El ritmo continuó 'in crescendo' hasta el final, cerca de la medianoche, con Turizo descamisado y bailando sin parar con su equipo entre columnas de humo, hasta que se despidió con merengues explosivos como "Enhorabuena" y "El merengue", agradeciendo profusamente el apoyo.

El artista comenzó en junio su gira "201 Tour", que lo ha llevado por varios países de Latinoamérica; ahora está sumergido en la parte estadounidense, antes de volver en septiembre a Suramérica y emprender el vuelo hacia Europa en octubre. EFE

Definir qué nos hace los mejores en nuestro trabajo puede resultar complicado. En el mundo de la música, por ejemplo, puede ser una cuestión de éxito. ¿Cúantos discos has vendido?¿Cuántas reproducciones tienes en Spotify? Pero más allá de estas métricas, el éxito es también algo difícil de definir: un cantante puede llenar estadios para, décadas después, haber sido olvidado; y justo lo contrario, con casos de artistas cuyo reconocimiento se ha dado incluso después de su muerte.

A pesar de ello, la revista Billboard se ha atrevido a realizar una lista con “las 50 Mejores Artistas Pop Latinas de todos los tiempos”, priorizando aquellas que “han construido un catálogo que ha resistido la prueba del tiempo”, así como en aquellas “cuya música ha inspirado a otros y creado tendencias duraderas”. Por ello, algunos nombres como los de Mercedes Sosa, Celia Cruz o Paquita la del Barrio ocupan también puestos tan adelantados.

Nueve españolas entre las mejores

En la clasificación final de Billboard han aparecido nueve cantantes nacidas en España, una prueba de cómo este país ha sido cuna de algunas de las artistas más importantes del último siglo y de cómo la cultura “latina” va más allá de un continente. Por eso, entre nombres tan conocidos hoy en día como los de Javiera Mena, Karol G, Julieta Venegas, Shakira o Natalia Lafourcade, han aparecido los de otras cantantes españolas que lo han ‘petado últimamente’, como Rosalía.

Sobre ella, aseguran desde la revista que "Pocos artistas han redefinido el pop global" como lo ha logrado hacer esta cantante, compositora y productora “cuya audaz innovación ha desafiado las normas de la industria". “Rosalía combina sus fundamentos flamencos con una ambición global, mezclando tecnología del siglo XXI, beats de reggaetón y sonidos vanguardistas para crear algo completamente moderno”.

La cantante catalana ocupa el puesto número 14 en la lista, por delante de otras artistas de fama mundial como Rosario Flores, Natalia Jiménez o Marta Sánchez, también incluidas en la lista. Junto a ellas, están también otras que llegaron a lo más alto en el siglo pasado, como Alaska, Ana Torroja, Rocío Jurado o Isabel Pantoja.

De hecho, otro gran mito de la música española es el que ha logrado la mejor posición: Rocío Durcal. "A finales de los 70, trabajando con artistas como Juan Gabriel, Marco Antonio Solís y Joan Sebastian, se ganó el título de Reina de las Rancheras gracias a su singularidad como artista española que interpretaba música mexicana", destacan en la revista. “Su voz de mezzosoprano, suave pero intensa, ha dado vida a clásicos como Amor eterno, La gata bajo la lluvia, Como tu mujer, Ya te olvidé, El destino, Costumbres y Me gustas mucho, por nombrar algunos”.

A pesar de este reconocimiento y de que la revista cita al propio Pedro Almodóvar señalando que Rocío Dúrcal forma parte de la “biografía de este país” junto a Rocío Jurado y Lola Flores, resulta sorprendente que Billboard haya decidido dejar fuera a esta última. Al fin y al cabo, La Faraona fue muy conocida por cantar géneros como la copla andaluza, el canto flamenco o la ranchera, además de convertirse en un símbolo del cine Mexicano en los años 50.

La lista completa de las 50 mejores de la historia

50. Javiera Mena

49. Ángela Aguilar

48. Yuridia

47. Alicia Villarreal

46. Becky G

45. Anitta

44. Ednita Nazario

43. Natalia Jiménez

42. Milly Quezada

41. Carla Morrison

40. Mon Laferte

39. Alaska

38. Rocío Jurado

37. Lucero

36. Omara Portuondo

35. Kali Uchis

34. Yuri

33. Isabel Pantoja

32. Myriam Hernández

31. Rosario Flores

30. Daniela Romo

29. Julieta Venegas

28. Ana Bárbara

27. Amanda Miguel

26. Ana Torroja

25. Marta Sánchez

24. Paulina Rubio

23. Natalia Lafourcade

22. Paquita la del Barrio

21. Andrea Echeverri

20. Kany García

19. Jennifer Lopez

18. Christina Aguilera

17. Alejandra Guzmán

16. Gloria Trevi

15. Thalia

14. Rosalía

13. La India

12. Ivy Queen

11. Jenni Rivera

10. Mercedes Sosa

9. Laura Pausini

8. Olga Tañón

7. Ana Gabriel

6. Rocío Dúrcal

5. Karol G

4. Celia Cruz

3. Selena

2. Gloria Estefan

1. Shakira

Miami, 13 dic (EFE).- El grupo mexicano Camila, reconocido como uno de los referentes del pop-rock en español, anunció este viernes las fechas de 'Regresa Tour', la gira que les llevará a siete ciudades de Estados Unidos durante el 2025 con los tres integrantes originales.

El tour marca el regreso de los tres integrantes de la banda, Mario Domm, Pablo Hurtado y Samo, a los escenarios estadounidenses tras más de 10 años separados, prometiendo deleitar a sus fanáticos con un recorrido por sus mayores éxitos acumulados durante casi dos décadas de trayectoria, indica un comunicado.

"Estamos muy emocionados de volver a los escenarios los tres juntos y de compartir con todos nuestros seguidores nuestra música, la música de todos ustedes", dijeron los artistas en la nota de prensa.

Camila ha dejado una huella imborrable en la escena musical con himnos inolvidables como 'Todo cambió', 'Mientes', 'Bésame', o 'Aléjate de mí', entre otras canciones que se han convertido en la banda sonora de millones de historias de amor y desamor.

El tour incluirá en una primera fase los escenarios que han sido testigos de su éxito en giras anteriores en las principales ciudades de Estados Unidos como Los Ángeles, Hollywood, y San José en California; Newark en Nueva Jersey; Rosemont en Illinois, y Nueva York.

Camila ha sido un pilar fundamental en el pop latino, conquistando los corazones del público estadounidense desde sus inicios con canciones que se convirtieron en la banda sonora de la vida de miles de personas.

Su álbum debut 'Todo Cambió' (2006) alcanzó certificaciones de oro y platino por sus altas ventas, mientras que 'Dejarte de Amar' (2010) les valió el Grammy Latino a Mejor Álbum Vocal Pop Dúo o Grupo.

En 2024, como preludio a esta gira, la banda publicó el álbum de estudio titulado 'Regresa', una colección de temas inéditos que celebra la esencia de Camila con sus características letras apasionadas y poderosas melodías.

Los organizadores anunciaron que las entradas de 'Regresa Tour' estarán disponibles a partir de hoy en las diferentes plataformas digitales. EFE

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