Once años después, casi todo cambió. Trump atraviesa su segundo mandato y, para Carrère, parece “un personaje de Philip K. Dick”. Sus padres murieron en 2023. Limónov también murió, en 2020. Y Rusia, ese país que fue durante décadas una pasión familiar, literaria y personal, se convirtió después de la invasión a Ucrania en el centro de una ruptura íntima.

“Estaba enamorado de Rusia y hubo una desilusión amorosa”, dice Carrère en diálogo con Infobae.

El escritor llegará en septiembre a la Argentina para presentar Koljós (Anagrama), su último libro, una obra que cruza la muerte de sus padres, la historia familiar, la herencia rusa y georgiana, la guerra en Ucrania y la pregunta moral que atraviesa toda su obra: hasta dónde tiene derecho un escritor a contar la vida de los otros.

“Estoy feliz de volver a Argentina”, dice. La frase abre una conversación que va de la madre al poder, de Limónov a Trump, de la no ficción a la inteligencia artificial, de la intimidad familiar a la geopolítica.

Infobae: Koljós gira, entre otras cosas, en torno a la figura de su madre, Hélène Carrère d’Encausse, una intelectual central en Francia. ¿Sintió alguna presión especial al retratarla?

Emmanuel Carrère: Como escritor, nunca escribí bajo la influencia de mi madre, aunque tuvo una enorme importancia en mi vida. Afortunadamente, nunca sentí esa influencia o esa presión. Puede ser muy difícil ser hijo de una escritora muy conocida, pero estábamos en campos distintos: ella era historiadora, pertenecía al mundo académico. Yo pude desarrollar mi escritura fuera de su zona de influencia. Y con este libro me acerqué a ella.

I: ¿Cree que le habría gustado el libro?

EC: Las cosas verdaderamente difíciles de digerir para ella ya estaban en Una novela rusa, un libro por el que estuvimos distanciados durante un tiempo. En Koljós, sí, hay cosas que no le habrían gustado, sobre todo las que tienen que ver con la familia o con la intimidad de su relación con mi padre. Pero también es un retrato evidentemente contrastado. Para que haya un retrato tiene que haber zonas de sombra. Y, sin embargo, tengo la impresión de que, en conjunto, es un retrato bastante luminoso. Creo que mi madre habría sido sensible a eso.

Carrère habla de su madre sin solemnidad, pero con una admiración que no oculta las contradicciones. En el libro, Hélène Carrère d’Encausse aparece como una figura imperial: secretaria perpetua de la Academia Francesa, historiadora de Rusia, interlocutora del poder político francés y, durante años, una voz indulgente con el Kremlin.

“Siempre es necesario ese juego de luces y sombras”, dice. “Me considero un retratista, y mostrar luces y sombras es lo que me sale natural. La muerte de mi madre me impresionó mucho. Tuvo una muerte estoica, para la que se preparó y a la que se enfrentó. Hubo algo hermoso en eso. Lo admiro”.

I: En el libro aparece una idea muy fuerte: la vida horizontal —amigos, amores, contemporáneos— y la vida vertical —padres, descendencia, genealogía—. ¿Este es el libro en el que más se acercó a esa dimensión vertical?

EC: Creo que es bastante natural cuando uno envejece. Cuando tus padres mueren, te encuentras en otro lugar de la vida.

I: Sin embargo, dentro de esa dimensión vertical, sus hijos casi no aparecen. La genealogía va más hacia arriba que hacia abajo. ¿Es una decisión suya? ¿Algo hablado con ellos?

EC: Es una decisión mía, pero no demasiado reflexionada. Tengo la impresión de que hay un tabú en hablar de los jóvenes, de los hijos. Las vidas que están detrás de uno se pueden contar, pero aquellas que todavía están abiertas siento que tienen algo de tabú.

I: Uno de los pocos tabúes que resisten en la literatura de Carrère.

EC: Quizá sí. Si hay un tabú, es eso de lo que acabamos de hablar. Me cuesta un poco explicarlo, pero si queda un tabú, sería ese.

“Koljós funcionó”

La pregunta moral es inseparable de la obra de Carrère. En El adversario, el proyecto en el que trabajó casi una década buscando la forma ideal, decidió no escribir desde el punto de vista de Jean-Claude Romand, el hombre que mintió durante años a su familia antes de asesinarla. En Una novela rusa, contó la historia de su abuelo materno, un georgiano colaboracionista, y esa decisión le costó una ruptura temporal con su madre. En Yoga, la exposición de su vida privada también abrió heridas.

I: Usted ha sido muy enfático con ciertos límites morales. Por ejemplo, no escribir desde el punto de vista del asesino en El adversario. ¿Cómo es ese diálogo interno sobre qué sí y qué no escribir?

EC: En este libro había cosas que podría haber decidido no contar, especialmente lo que tiene que ver con la vida conyugal de mis padres. Hubo algo que me ayudó: decidí hacer leer el libro no solo antes de la publicación, sino cuando todavía era posible cambiar muchas cosas, no simplemente quitar una frase. Se lo di a mis dos hermanas y a mi tío Nicolás. Eran las tres personas de las que quería no solo la autorización, sino también que se sintieran cómodas.

Carrère esperó con ansiedad, sobre todo, la reacción de su hermana Nathalie.

“Ella era más cercana a nuestros padres, la que de algún modo ‘custodiaba el templo’ de la familia. Mis hermanas me dijeron: ‘Sí, hay cosas que a mamá no le habrían gustado, pero cuentas la historia desde un lugar donde hay amor, y nos sentimos bien con eso’. De hecho, no solo están felices por el éxito del libro: se creó algo común entre nosotros tres. Nos vemos más ahora. Nos acercamos después de la muerte de nuestros padres. En ese sentido, Koljós funcionó.”

I: El título remite a una escena de infancia, a un momento de unión familiar, pero también a la gran historia rusa que atraviesa el libro. ¿Lo tuvo desde el comienzo?

EC: No. Apareció al final. El título es muy importante para un escritor. Si no tenés el título… Yo tenía títulos feos, banales, del tipo Una historia familiar. Y en un momento, cuando llegué al final del libro, cuando estamos los tres alrededor de nuestra madre, entendí que el libro se llamaba Koljós. Me dio mucho placer. No era solo que había encontrado un título: era ese título. Una palabra que mezcla la dimensión histórica del libro con la pequeña historia familiar, infantil, con su calor, su dulzura. Surgió al final.

“Estaba enamorado de Rusia y hubo una desilusión amorosa”

Rusia fue durante décadas una constante en la vida y la obra de Carrère. Su madre lo formó en esa fascinación. De chico, le hizo leer a Dostoievski. De adulto, él volvió una y otra vez a ese país: para filmar, para escribir reportajes, para contar historias como la del soldado húngaro perdido durante décadas en un hospital psiquiátrico ruso, para escribir Una novela rusa y luego Limónov.

Pero la invasión a Ucrania quebró algo.

I: Rusia aparece en Koljós como punto de encuentro entre su historia y la de su madre. ¿Cambió su idea de Rusia después del inicio de la guerra?

EC: Amé la literatura rusa de niño, y fue mi madre quien me hacía leerla. Después, durante gran parte de mi vida adulta, preferí no acercarme demasiado a ese mundo, porque era el mundo de mi madre. El mundo es lo bastante grande como para no estar los dos en el mismo terreno. Pero hacia el año 2000, cuando me propusieron hacer el reportaje sobre ese húngaro, me encontré en un pequeño pueblo ruso y comenzó una fascinación. Me gustaba mucho. Volvía, volvía y volvía. Hice una película, después Una novela rusa, después Limónov.

Carrère no idealiza esa etapa. Sabía, dice, que Rusia era un mundo brutal, pero lo vivía también como una forma paradójica de libertad.

“Era la libertad de los extranjeros, y de los extranjeros más o menos ricos. Pero no puedo negar que esa experiencia me gustaba mucho. Me encantaba llegar a Moscú, encontrar amigos, gente no demasiado políticamente correcta. Pero algo cambió con la guerra en Ucrania. Apareció otra cara de Rusia. Yo debería haberla visto antes. No la vi porque estaba prisionero de una visión romántica. Estaba enamorado de Rusia y hubo una desilusión amorosa.”

El viaje a Ucrania profundizó esa ruptura.

“Hice amigos ucranianos y empecé a ver las cosas desde su punto de vista. La idea de que las relaciones entre Rusia y Georgia o Ucrania eran relaciones coloniales era evidente, pero yo nunca la había pensado así. En mi familia, la relación entre la parte georgiana y la rusa es exactamente así: los rusos son los aristócratas, los ricos; y los georgianos representan esa pequeña burguesía intelectual tan importante en los países colonizados. Eso me hizo cambiar el punto de vista.”

I: ¿La guerra en Ucrania es también una batalla de relatos?

EC: Sí, claro. Y también es una batalla sobre qué cultura ocupa el espacio. Cuando los ucranianos se preguntan por qué tienen estatuas de Pushkin en todas las plazas, hay que entenderlo. No hace falta explicar que Pushkin es Pushkin, pero también hay que admitir que los grandes escritores rusos forman parte de una civilización colonial. Los ucranianos podrían preguntar: ¿los franceses estarían felices si hubiera estatuas de Goethe en todas partes?

Limónov, el héroe imposible

En la Argentina, Limónov tuvo un impacto enorme. La biografía del escritor, disidente, aventurero, nacionalbolchevique y agitador ruso se convirtió en uno de los libros más leídos de Carrère en el país.

I: De las biografías que escribió, Limónov fue una de las pocas sobre un personaje vivo. ¿Cómo vivió su muerte?

EC: Me dio pena, pero no tanta, porque él no quería morir viejo ni enfermo. Y creo que en los últimos años de su vida se enojaba. Vivía su vida como un destino, como una historia, y pienso que el capítulo final ya no era tan interesante. Era esa figura de agitador político que estaba contra Putin, pero que al mismo tiempo estaba de acuerdo con casi todo.

Limónov nunca quiso opinar demasiado sobre el libro. Al menos no directamente.

“Por principio, no quería decir nada de mi libro. No quería hacer comentarios, ni siquiera a mí. Jamás me dijo algo. Sí reconocía como absolutamente positivo que su fama había crecido mucho en el mundo. Decía que se consideraba un escritor muerto que había renacido gracias al libro. Aunque también jugaba conmigo y me decía que yo era un escritor burgués, socialdemócrata, blando, y que si él tuviera el poder me haría fusilar. Me trataba como si hubiéramos robado un banco juntos.”

Después de la publicación de Limónov, Carrère siguió viéndolo.

“Cuando iba a Moscú, lo primero era ir a verlo”.

I: ¿En el mundo actual es más difícil que aparezca otro Limónov?

EC: Lo bello de Limónov es que no necesitaba condiciones sociales óptimas. Se pueden decir muchas cosas sobre él, pero hizo su vida con un coraje impresionante, contra todas las adversidades.

“El poder me da curiosidad”

En los libros de Carrère, el poder aparece de muchas formas: el presidente francés en el funeral de su madre, los servicios secretos rusos en Una novela rusa, la policía y la justicia en El adversario, la política en Limónov y en Koljós.

I: ¿Qué le provoca el poder?

EC: El poder me da curiosidad. Mi relación ideal con el poder es no ejercerlo y no ser objeto de él. Afortunadamente, estoy más o menos en esa situación. Mi trabajo es escribir de modo independiente. Dependo de los lectores. El poder político me interesa, pero desde afuera.

I: ¿Nunca estuvo tentado?

EC: No. Ni siquiera lo pensé.

Carrère participó en la adaptación de El Mago del Kremlin, basada en la novela de Giuliano da Empoli. Pero aclara que la fascinación por el poder no es exactamente la suya.

“Giuliano da Empoli está muy interesado en el poder. Tiene un verdadero conocimiento del poder, y yo no. Trabajé como colaborador, tratando de ser fiel al libro. Pero no es una fascinación mía. Si yo tenía que escribir un libro sobre un personaje ruso, era Limónov, que es exactamente lo contrario: alguien que nunca tuvo poder. Quizá soñó con estar en situaciones de poder, pero hizo todo lo posible para no acceder a esa situación. Es algo que admiro de él.”

Para Carrère, Limónov permaneció fiel a una idea infantil del héroe.

“Murió pobre como había nacido. Permaneció fiel al sueño que un niño puede hacerse de un héroe. En ese sentido fue un héroe. Y siempre pagó el precio más alto. Era un fascista, muchas cosas, pero también era eso, y eso lo respeto absolutamente”.

La conversación transcurre en el departamento de Carrère con una naturalidad poco solemne. Antes casi de dar la mano, al abrir la puerta, pregunta si quiero café. Mientras va a la cocina, la vista se pierde por un momento en los estantes de su biblioteca. Más tarde, ya en plena charla, se descalza y se acomoda en el sillón con las piernas cruzadas. La entrevista alterna entre el francés y el italiano, con algunas precisiones en inglés. Habla durante casi una hora con una gentileza que contrasta con la dureza de los temas: la muerte de sus padres, la guerra en Ucrania, Trump, los límites morales de la escritura.

Trump, Elon Musk y Philip K. Dick

La conversación deriva hacia Donald Trump, Elon Musk y el mundo contemporáneo.

I: ¿Donald Trump sería una especie de contrafigura de Limónov?

EC: Es una figura muy inverosímil. Todos vivimos en ese sueño de despertarnos cada día y leer o ver la última cosa que inventó o dijo Trump. Tiranos vanidosos y pueriles hubo en toda la historia del mundo, pero estaban localizados. En cambio, esta es una persona que maneja buena parte del mundo, de la que dependemos.

Carrère no duda en ubicarlo en el universo de Philip K. Dick.

“Pienso que es un personaje de Dick. Él y Elon Musk. Este mundo de verdades alternativas, este mundo grotesco, da miedo. La alianza entre el tirano y los gigantes tecnológicos, una alianza objetiva, es quizá el fenómeno nuevo y monstruoso.”

I: Con todo esto, ¿qué espacio queda para la ficción?

EC: No lo sé. Es muy difícil hoy escribir cualquier cosa sobre el mundo. No sé cómo hacerlo. De hecho, por eso decidí escribir la historia de mi familia.

I: ¿Cuándo vuelve Emmanuel Carrère a la ficción?

EC: No lo sé. No tengo ninguna posición ideológica del tipo “la ficción está muerta”. Soy lector de novelas, me gustan mucho y las leeré hasta mi muerte. Pero personalmente me siento cómodo en este modo de escribir. Si me viene una idea de ficción, vuelvo con placer. Pero no tengo ninguna.

Leer sin televisión

Koljós también permite volver al origen del lector. Carrère cuenta que en su infancia no había televisión en su casa.

I: En el libro relata que cuando era chico no había televisión en su casa.

EC: Era un principio casi militante no tener televisión.

I: ¿Eso lo acercó a la literatura o son dos hechos sin conexión?

EC: Quizá sí. En mi familia, especialmente del lado de mi madre, había una idea: había que leer. Si uno leía, todo iba a estar bien. No importaban tanto las buenas notas en la escuela. “Si lees, todo estará bien”. Y yo fui un niño muy dócil. Fui fiel a esa educación. Hasta ahora, mi vida se basó en leer, y también un poco en escribir.

I: ¿Aplicó eso con sus hijos?

EC: Mis dos hijos, que ahora tienen 36 y 39 años, son grandes lectores. Pero con mi hija, que tiene 20 años, es distinto. Lee mucho en internet, está muy bien informada, lee muchas cosas, pero el libro no es el vector. Me parece extraño, porque el libro fue siempre el centro de mi mundo.

El derecho a contar una vida

I: Su pelea con su madre tuvo que ver con que ella no estaba de acuerdo con que usted escribiera la historia de su abuelo. ¿Estaría de acuerdo con que alguien escribiera su biografía?

EC: Lo dejaría hacer sin problemas. Algunos escritores norteamericanos eligen en vida un biógrafo oficial, le dan archivos, autorizaciones, lo habilitan a hacer preguntas a personas de la infancia. No estoy seguro de que yo haría eso. En general, no me interesaría colaborar demasiado. No por desconfianza, sino porque es mi trabajo. Si alguien quiere escribir sobre mi vida, que lo haga, pero no quiero especialmente ayudarlo.

Lo compara con una adaptación cinematográfica.

“Cuando se hace una película de un libro mío, no espero que sean fieles al libro. Espero que hagan lo más interesante para ser fieles a quien hace la película. Si mi libro ayuda, está bien. No es mi problema, es del otro. Mi libro ya existe.”

¿Y si la biografía fuera severa?

“Si dijera que soy un mal escritor, quizá tiene razón. No me pondría feliz, pero son las reglas del juego. Soy una persona pública.”

I: De todos modos, con el modelo de autor en primera persona que usted utiliza, sus últimas obras parecen ir dejando una especie de autobiografía fragmentada.

EC: Sí, es cierto. No lo pensé así, pero desde hace algunos años me lo hacen notar. No es un proyecto consciente como el de Karl Ove Knausgård y sus seis volúmenes, que fue un proyecto desde el inicio. En mi caso es algo que sucedió sin que lo quisiera.

I: ¿Ya se habituó a insertar su punto de vista, sea como periodista o escritor?

EC: Sí, pero cuando decís escritor o periodista, yo no hago ninguna diferencia. Escribo exactamente de la misma forma si escribo un artículo, un reportaje o un libro. La única diferencia es la longitud. Escribo libros de no ficción y reportajes con el mismo estilo. También porque tengo la suerte de poder escribir artículos largos en diarios y revistas. Se necesita un mínimo de espacio, y también un máximo.

En Koljós, Carrère vuelve a la historia familiar para hablar de la muerte de sus padres, pero también de Rusia, de la guerra, de la culpa, del amor y de los límites de la escritura. Lo hace en un momento en que la realidad, dice, parece cada vez más difícil de narrar.

Quizá por eso eligió volver a lo más cercano.

La familia, para Carrère, no es un refugio apacible sino un territorio de riesgo. Un lugar donde la literatura puede herir, pero también reparar. En el caso de Koljós, al menos, el escritor parece haber encontrado una forma de hacer las dos cosas: contar lo que dolía y, al mismo tiempo, acercarse a los suyos.

“Koljós funcionó”, dice.

Y sonríe.

Se conoce como ucronía a toda reconstrucción histórica que explore el resultado hipotético de unos acontecimientos concretos. Por ejemplo, ¿qué habría ocurrido si los países del Eje (Alemania, Italia y Japón) hubiesen ganado la Segunda Guerra Mundial? Probablemente, el mundo sería tan distinto del de hoy que sería digno de cualquier novela de ciencia ficción, si bien no todo sería inventado, sino que partiría de hechos reales cuyo resultado fue distinto del que conocemos.

Lo cierto es que sí que existen varias novelas que imaginen ese escenario en particular: de Patria, de Robert Harris, a SS-GB, de Len Deighton, son muchos quienes han hipotetizado sobre cómo sería el mundo bajo ese supuesto, algo que no es de extrañar, dado el impacto en la historia y la geopolítica que supuso el desenlace de la Segunda Guerra Mundial. Sin embargo, todos estos títulos no se acercan al nivel de fama y reconocimiento que obtuvo otra ucronía similar, escrita, eso sí, por uno de los padres de la ciencia ficción: El hombre en el castillo, de Philip K. Dick.

En este clásico del género, se nos presenta la historia de diversos personajes en este mundo alternativo, marcado por la vigilancia, la opresión y la tensión política. Todo se ve sacudido, de pronto, cuando una misteriosa novela prohibida, que describe un mundo distinto, comienza a circular y a influir en quienes la leen. Así, la línea que separa realidad y ficción se difumina tanto como la que distingue el poder de la identidad, algo que afectará por completo a una sociedad dominada por el totalitarismo.

La serie de Prime Video que adapta el libro y que muy pronto podrá verse en Netflix

Quizá la historia de Philip K. Dick (a quien le debemos otras famosas adaptaciones como Blade Runner) les suene a los usuarios de Prime Video, ya que es en esta plataforma donde se encuentran disponibles las cuatro temporadas de la serie que adapta la novela. Creada y dirigida por Frank Spotnitz (guionista de Expediente X), esta producción recoge lo mejor del espíritu del escritor para explorar y ampliar este universo paralelo, convirtiéndose en una de las opciones favoritas para los amantes de la ciencia ficción.

Lo que quizá muchos no conocían era que, muy pronto, El hombre en el castillo también podrá verse en Netflix. Esto se debe al contrato firmado entre ambas plataformas a finales de 2025, cuando acordaron la cesión de Prime Video de contenidos exclusivos a cambio de una cantidad económica que no ha sido revelada. Una estrategia muy similar a la que ya habíamos visto entre el servicio de streaming de la N roja y HBO Max.

Lo que faltaba por saber era cuándo se iba a hacer efectivo ese acuerdo, algo que se ha resuelto esta misma semana después de que ambas plataformas hayan anunciado que la llegada de El hombre del castillo a Netflix se producirá el próximo 11 de marzo, fecha a partir de la cual permanecerá en el catálogo hasta marzo de 2027, momento en el que podrá verse de nuevo solo en Prime Video.

La primera adaptación audiovisual en español de una obra de Philip K. Dick se materializa con El futuro es nuestro, una miniserie distópica de ocho episodios que Netflix ha puesto en marcha con un equipo creativo y técnico de primer nivel en América Latina. La producción, basada en la novela The World Jones Made, cuenta con la dirección de Mateo Gil como showrunner y la participación de los directores Vicente Amorim, Daniel Rezende y Jesús Braceras.

La trama de El futuro es nuestro se sitúa en el año 2047, en un contexto donde el colapso ecológico ha forzado la creación del FedSur, una coalición de países sudamericanos que implementa políticas extremas para preservar el medio ambiente y combatir el hambre y la violencia. En este escenario, una voz en internet, capaz de anticipar el futuro, comienza a ejercer una influencia sin precedentes. El policía Hugo Crussí identifica al joven predicador Jonás Flores como el responsable de esa voz, pero su detención lo transforma en líder espiritual del continente. Jonás, al predecir la caída del FedSur y prometer la superación del cambio climático, moviliza a la población latinoamericana y encabeza una revolución de carácter reaccionario. Mientras tanto, Crussí, convertido en fugitivo y miembro de la resistencia, asume la misión de eliminar al tirano, quien, anticipando el atentado, lo espera.

El elenco principal reúne a figuras destacadas de la región: Enzo Vogrincic (Uruguay), Emiliano Zurita (México), Delfina Chaves (Argentina), Marleyda Soto (Colombia) y Marco Antonio Caponi (Argentina), acompañados por Fernán Mirás, Alfredo Castro, Antonia Zegers, Angela Rodríguez, María Gracia Omegna, Rellén Montenegro, Juan Palomino, Ilay Perales y Paloma Contreras.

La producción ejecutiva está a cargo de Isa Dick Hackett, hija del autor, junto a Sarah Scougal, Matías Mosteirín, Diego Copello, Emiliano Torres, Micky Buye y Analía Castro. La serie es una coproducción entre K&S Films (responsable de El Eternauta) y Electric Shepherd Productions (productora del patrimonio de Philip K. Dick y de The Man in the High Castle).

El equipo técnico incluye a los directores de fotografía Adrián Teijido (Ainda Estou Aqui) y Luis Sansans (Narcos, Narcos México), el diseñador de producción Carlos Y Jacques (Pedro Páramo), el director de arte Julián Romera (El Eternauta), la directora de vestuario Patricia Conta, el compositor Roque Baños y el editor David Gallart. El guion está firmado por Mateo Gil, Laura Santullo, Camila Brugés Gómez (Cien años de soledad) y Kyzza Terrazas.

Francisco Ramos, vicepresidente de contenidos de Netflix para Latinoamérica, destacó la magnitud del proyecto: “Nos hemos acercado a la obra de Philip K. Dick con muchísimo respeto y admiración, encontrando temas contundentemente relevantes en la actualidad. Sin lugar a dudas, el desafío es inmenso pero nos llena de orgullo poder contar una historia que mostrará a Latinoamérica como fuerza de resistencia en el nuevo orden. Será una producción de máxima ambición, sin precedentes en América Latina, que demostrará que este tipo de historias también pueden ser contadas desde nuestros países, en español y con la máxima calidad”, afirmó Ramos en declaraciones difundidas por Netflix.

Por su parte, Isa Dick Hackett subrayó el valor de la adaptación: “Es un honor y un privilegio colaborar con Netflix, con Francisco Ramos y con este extraordinario equipo creativo en la primera adaptación audiovisual en español de la obra de mi padre. La adaptación de la novela realizada por Mateo es ingeniosa y audaz, y mantiene la esencia de la historia original. Siempre he creído que la rica cultura y el increíble talento de América Latina brindan un escenario extraordinario para este tipo de proyectos ambiciosos, y la pasión expresada por todo el equipo es realmente inspiradora”, expresó Hackett como productora ejecutiva en el comunicado de Netflix.

El futuro es nuestro representa un hito para la ficción latinoamericana, al conjugar una narrativa de ciencia ficción con un enfoque regional y un equipo artístico y técnico de amplia trayectoria.

• Blade Runner
• Soy Leyenda
• Sector 9
• Al filo del mañana
• Ready Player One

Las historias ambientadas en escenarios distópicos han capturado la imaginación de los cinéfilos durante décadas. Estas narrativas nos transportan a mundos donde la humanidad enfrenta los peores resultados posibles, desde sociedades opresivas hasta catástrofes globales y avances tecnológicos que salen de control. A partir de estas producciones, la ciencia ficción ha encontrado una forma poderosa de explorar las inquietudes y los miedos contemporáneos, al tiempo que nos invita a reflexionar sobre las posibles consecuencias de nuestras acciones en el presente.

Max ofrece una variedad de propuestas relacionadas con esta rama de la ciencia ficción. Desde Blade Runner y Ready Player One, hasta Sector 9 y Soy Leyenda, hoy en Malditos Nerds repasamos cinco películas ambientadas en escenarios sombríos y desoladores.

Blade Runner (1982) – Dir. Ridley Scott

Blade Runner es un clásico del cine de ciencia ficción dirigido por Ridley Scott, inspirado en la novela de Philip K. Dick, ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? de 1968. Su historia transcurre en un futuro distópico en el que los humanos coexisten con replicantes, seres artificiales creados para servir en las colonias espaciales. La trama sigue los pasos de Rick Deckard, miembro de un cuerpo especial de la policía, que es sacado de su retiro para cazar a los replicantes que se rebelan.

Aunque inicialmente recibió críticas mixtas, Blade Runner ha sido revalorizada a lo largo de los años, ganándose un lugar como una de las películas más influyentes de su género. Entre sus puntos a destacar se encuentran efectos visuales que han resistido la prueba del tiempo, un diseño de producción impresionante y una profunda exploración de temas como la humanidad, la identidad y la moralidad.

Soy Leyenda (I Am Legend, 2007) – Dir. Francis Lawrence

Inspirada libremente en el relato de Richard Matheson, El último hombre en la Tierra (The Last Man on Earth), Soy Leyenda (I Am Legend) ambienta su historia en una Nueva York post-apocalíptica. Will Smith da vida a Robert Neville, un virólogo que intenta sobrevivir en un mundo en decadencia, mientras trabaja para encontrar la cura para una plaga que arrasó con la sociedad.

Dirigida por Francis Lawrence a partir de un libreto de Akiva Goldsman, Soy Leyenda combina de manera efectiva elementos de terror, acción y ciencia ficción, algo que la convierte en una propuesta perfecta para aquellos que disfrutan de historias de supervivencia con un enfoque en la condición humana y la esperanza en medio del desespero.

Sector 9 (District 9, 2009) – Dir. Neill Blomkamp

Otra propuesta disponible en el catálogo de Max es Sector 9 una película de ciencia ficción que desafía las convenciones del género y ofrece una visión única y provocadora de la interacción entre humanos y alienígenas.

Ambientada en un Johannesburgo en un ucrónico, la película sigue a Wikus van de Merwe, un funcionario que se ve atrapado en medio de un conflicto entre extraterrestres confinados en campos de refugiados en Sudáfrica y humanos. Con un estilo de falso documental y una narrativa cargada de comentarios sociales, Sector 9 fue aclamada por su originalidad, sus efectos visuales innovadores y su capacidad para abordar problemas sociales. Producida por Peter Jackson y dirigida por Neill Blomkamp, la cinta también recibió cuatro nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película, mejor guion adaptado, mejor montaje y mejores efectos visuales.

Al filo del mañana (Edge of Tomorrow, 2014) – Dir. Doug Liman

Dirigida por Doug Liman e inspirada en el cómic All you need is kill de Hiroshi Sakurazaka, Al filo del mañana nos sitúa en un futuro en el que la humanidad está al borde de la extinción debido a una invasión alienígena. Tom Cruise interpreta a Cage, un comandante que se ve obligado a participar en una operación de desembarco y se ve atrapado en un bucle temporal. Con la ayuda de una guerrera experta, interpretada por Emily Blunt, intenta perfeccionar sus habilidades para derrotar al enemigo y cambiar el curso de la guerra.

Al filo del mañana es otra excelente opción disponible en Max, ideal para quienes buscan entretenimiento a partir de una historia que mezcle acción y ciencia ficción, con una trama inteligente y personajes carismáticos.

Ready Player One (2018) – Dir. Steven Spielberg

Aunque la novela de ciencia ficción de Ernest Cline ya era bastante popular, Ready Player One se volvió en una propiedad muy reconocida a partir de una adaptación cinematográfica dirigida por Steven Spielberg que llegó a salas en 2018.

Esta película protagonizada por Tye Sheridan y Olivia Cooke que también está presente en el catálogo de Max, nos lleva a un futuro distópico donde la mayor parte de la humanidad escapa de la realidad a través de un mundo virtual bautizado como el Oasis. La historia sigue a Wade Watts, un joven que se une a una competencia para ganar la fortuna de su creador.

Con referencias a la cultura pop de los años 80 y una estética visual impresionante, Ready Player One resulta ser una fiesta para los fanáticos del cine y los videojuegos. No solo es un viaje nostálgico con guiños constantes a propiedades muy queridas, sino también una reflexión sobre la dependencia de la tecnología y el impacto que puede tener en nuestras vidas.

No hay duda de que Tom Cruise es una de las grandes estrellas de Hollywood, con una carrera llena de papeles icónicos que se han convertido en clásicos. Además, ha tenido el privilegio de trabajar con algunos de los cineastas más aclamados de la industria. Desde Joseph Kosinski en las entregas de Top Gun hasta la franquicia Misión Imposible, que ha contado con directores como John Woo (Contracara), Brian De Palma (Los intocables, Scarface), J.J. Abrams (Star Wars: el despertar de la fuerza), Christopher McQuarrie (Jack Reacher) y Brad Bird (Los Increíbles, El gigante de hierro).

En esta ocasión, nos centraremos en las colaboraciones de Tom Cruise con directores como Steven Spielberg, Paul Thomas Anderson, Stanley Kubrick y Ridley Scott.

Tom Cruise y sus películas junto a Steven Spielberg

En primer lugar, Tom Cruise y Steven Spielberg han formado una colaboración cinematográfica destacada, con dos proyectos memorables que han dejado una marca en la historia del cine. En 2002, el dúo se unió para Sentencia previa (Minority Report), una película de ciencia ficción basada en el relato de Philip K. Dick. Cruise interpreta a John, un oficial de la policía en un futuro donde los crímenes son prevenidos antes de que ocurran gracias a una tecnología avanzada. Su actuación, junto con la visión innovadora de Spielberg, resulta en una exploración profunda de temas como el libre albedrío y la privacidad, marcando un hito en el género.

Tres años después, en 2005, Cruise volvió a colaborar con el realizador en La guerra de los mundos (War of the Worlds), una adaptación moderna de la novela clásica de H.G. Wells. En esta película, Cruise encarna a Ray Ferrier, un padre que lucha por proteger a su familia en medio de una invasión extraterrestre devastadora. Junto al actor, el elenco se completa con Dakota Fanning (Observados, Hombre en llamas) y Justin Chatwin (Dragonball Evolution, Shameless).

Tom Cruise en Magnolia (Dir. Paul Thomas Anderson)

En segundo lugar, la colaboración entre Cruise y Paul Thomas Anderson en Magnolia (1999) emerge como una de las más notables en la carrera del actor. Anderson, conocido por su visión audaz y su capacidad para explorar la complejidad humana, ha creado obras emblemáticas como Petróleo sangriento (There Will Be Blood - 2007), Boogie Nights y El hilo fantasma (Phantom Thread - 2017). Sin embargo, Magnolia se mantiene como una pieza central en su filmografía, un ambicioso drama que entrelazan múltiples historias en un retrato épico de la vida y las relaciones en Los Ángeles.

En Magnolia, Tom Cruise interpreta a Frank T.J. Mackey, un carismático y polémico conferencista de autoayuda que promueve una filosofía oscura sobre las relaciones y el poder.

El elenco de Magnolia se completa con una un elenco de primer nivel, incluyendo a Julianne Moore (Secretos de un escándalo), John C. Reilly (Kong: la Isla Calavera), Jason Robards (Érase una vez en el Oeste), Melinda Dillon (Encuentros cercanos del tercer tipo), April Grace (Jugando con el corazón), Philip Seymour Hoffman (The Master) y William H. Macy (Shameless). Cada actor aporta una dimensión única a sus respectivos papeles, creando una red intrincada de historias que exploran temas de redención, amor y el impacto del pasado en el presente. La combinación de un guión poderoso y actuaciones magistrales, junto con la dirección de Anderson, convierte a Magnolia en una obra cinematográfica que sigue resonando con el público.

Tom Cruise en Ojos bien cerrados - Eyes Wide Shut (Dir. Stanley Kubrick)

Seguimos con Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut), un filme lanzado en 1999 bajo la dirección de Stanley Kubrick, conocido por sus obras maestras como El resplandor (The Shining - 1980), 2001: odisea del espacio (2001: A Space Odyssey - 1968) y La naranja mecánica (A Clockwork Orange - 1971). Este trabajo, que resultó ser el último de Kubrick antes de su fallecimiento, explora temas de deseo, poder y la vida secreta de la élite a través de una narrativa intrigante y visualmente impactante.

Tom Cruise interpreta a Bill Harford, un médico cuya vida aparentemente perfecta se ve sacudida por una serie de eventos que lo llevan a descubrir un mundo oculto de decadencia y rituales secretos. Nicole Kidman (Big Little Lies), en el papel de Alice Harford, la esposa de Bill, también ofrece una actuación destacada, aportando una perspectiva crucial al drama de la película y enriqueciendo la exploración de las tensiones dentro de su relación.

La combinación de las actuaciones de Cruise y Kidman con el enfoque meticuloso de Kubrick y su estilo visual distintivo crea una experiencia cinematográfica que invita a la reflexión sobre las capas ocultas de la sociedad y las complicaciones de las relaciones humanas.

Leyenda - Legend (Dir. Ridley Scott)

En último lugar, está el protagonismo de Tom Cruise en Leyenda (Legend), un divertido proyecto de fantasía dirigido por Ridley Scott, conocido por sus obras como Alien: El octavo pasajero, Gladiator y Napoleón. Estrenada en 1985, Leyenda transporta a los espectadores a un mundo mágico y oscuro, donde Cruise interpreta a Jack, un joven héroe destinado a luchar contra el mal para salvar a la princesa Lili y restaurar el equilibrio en su reino. La dirección de Scott, combinada con la atmósfera onírica y visualmente rica, da vida a un universo lleno de criaturas fantásticas y paisajes encantados, creando una experiencia inmersiva y divertida.

El largometraje contó con actuaciones notables de otros talentosos actores, incluyendo a Mia Sara (Un experto en diversiones) en el papel de la princesa Lili y Tim Curry (The Rocky Horror Picture Show) como el temible señor de las sombras, una figura icónica con un maquillaje impresionante.

Las películas de robots han estado presentes en la historia del cine desde Metropolis (1927), de Fritz Lang, la adaptación de un libro escrito por su esposa, Thea von Harbou que se convirtió en la primera obra audiovisual que utilizó este término para denominar a un humanoide o, lo que es lo mismo, a un androide con apariencia humana.

La palabra en sí procede del checo “robota”, que vendría a significar algo así como “servidumbre” con connotaciones de ‘esclavitud’. Se utilizó en una obra de Karel Čapek titulada Los robots universales de Rossum, estrenada en 1920, por lo que, en este caso, la ficción, la imaginación humana, se adelantó a la ciencia ya que, el primer robot industrial no aparecería hasta los años 60, destinado, precisamente, a hacer labores pesadas que el ser humano no podía.

La Inteligencia Artificial en las nuevas ficciones

Lo que conocemos como ‘inteligencia artificial’ se acuñó en los años cincuenta, también después de haberse utilizado en el género de ciencia ficción. Y, lo cierto es que, de una forma u otra, siempre ha servido para generar fábulas políticas y sociales en torno al concepto de identidad, de evolución y de deshumanización de la especie.

En los últimos años hemos asistido a una proliferación de películas que abordan precisamente la relación entre el hombre y la IA, de manera que este mismo año se han estrenado películas como Intruso, en la que una mujer (Saoirse Ronan) se enamoraba de la réplica de su marido (Paul Mescal) y, sobre todo, la gran producción de Disney The Creator, así como la cinta de Netflix protagonizada por Jennifer Lopez titulada Atlas.

Estas dos últimas parten del mismo supuesto: las Inteligencias Artificiales toman propia conciencia, se revelan contra nosotros e intentan generar un Apocalipsis.

Referentes de culto: de ‘Terminator’ a ‘Blade Runner’

Precisamente, ese punto de partida, era el que ya estaba presente en la película Terminator de 1984, donde James Cameron demostró su estirpe visionaria a través de esa rebelión de las máquinas que protagonizaría Arnold Schwarzenegger, a través de esa mítica escena en la que el personaje de Sarah Connor, veía en sueños la imagen de una explosión nuclear causada por los robots para aniquilarnos.

Y es que, precisamente, a mediados de los ochenta, hubo una serie de corrientes estéticas que contribuyeron a que todos estos conceptos, la dicotomía entre lo real y lo digital, el individuo y la máquina alcanzaran una nueva dimensión.

Comenzaron a adaptarse clásicos del género de la ciencia ficción, como Philip K. Dick, surgiendo obras como la fundamental Blade Runner o Desafío total. Se desarrollaron con fuerza las teorías ‘cyberpunk’, que sirvieron como subgénero en el que se proponían ‘distopías’ basadas en la tecnología avanzada y en la hecatombe de los valores de la humanidad. Comenzó en la literatura, y se traspasó al medio audiovisual. Así, Isaac Asimov o Frank Herbert se convirtieron en autores claves a la hora de trasladar sus universos a la pantalla.

El caso de ‘Dune’: cómo conecta el pasado con el presente

En ese sentido, no resulta casual que también fuera en los ochenta, en 1984, cuando David Lynch se embarcó en la titánica tarea de poner en marcha la primera versión de Dune. Y tampoco es de extrañar que, ahora, esa misma historia se haya recuperado en una majestuosa trilogía de la mano de Denis Villeneuve porque, de alguna manera, los intereses de aquél momento son extrañamente similares a los de ahora en lo que se refiere a la incertidumbre que existe en muchas esferas fundamentales.

Eran películas que hablaban del derrumbe de las civilizaciones, a menudo con trasfondos ecologistas adelantados a su tiempo, y en los que estaban presentes de forma muy explícita el auge del fanatismo y del totalitarismo.

Del ‘multiverso’ a los robots con sentimientos

De todo ese magma, nacieron conceptos que han constituido la materia fundamental de buena parte de las ficciones de estirpe fantástica que han acaparado las pantallas en los últimos años, como es el caso de ‘Metaverso’, tan explotado por Marvel o por películas como Todo a la vez en todas partes, la “Matriz”, que dio lugar a Matrix, de las hermanas Wachowki o todas las teorías sobre la ‘nueva carne’ que nos llevan del Manifiesto Cyborg de Donna Haraway a Titane de Julia Ducournau en torno al feminismo y las identidades ‘queer’.

Todas estas reflexiones se encuentran conectadas a través de redes subterráneas que nos llevan inevitablemente a la evolución del ser humano, hasta dónde podemos establecer sus límites y cómo sería un futuro en el que se fusionaran las células con la tecnología para la creación de un ser más completo.

Resulta, en cualquier caso interesante que, tanto Intruso, como Atlas, The Creator u otras pequeñas joyas como Despidiendo a Yang, de Kogonada (Prime Video), clásicos instantáneos como Ex-Machina, series como West World o películas tan esperadas como Mickey 17, de Bong John-ho (Parásitos) protagonizada por Robert Pattinson demuestren que el pasado, el presente y el futuro se encuentran conectados por este tema en el que también resulta fundamental la adquisición de emociones o de conciencia sentimental por parte de los ingenios tecnológicos al mismo tiempo que el ser humano se encuentra cada vez más perdido dentro de sus propias contradicciones.