Ver todas las películas y series de Star Wars en el orden adecuado se ha convertido en una tarea compleja, debido a la cantidad de títulos disponibles y la variedad de líneas temporales y personajes involucrados.

Para quienes buscan una experiencia inmersiva, existen varias formas de recorrer la galaxia: el orden cronológico, el de estreno en cines o variantes populares entre los fanáticos. Además, solamente Disney+ cuenta con los derechos de la franquicia, por lo que en esta plataforma está todo el contenido creado a la fecha.

Cómo ver la saga de Star Wars en orden cronológico en Disney+

El orden cronológico propone seguir los acontecimientos tal como ocurren dentro del universo narrativo, desde los orígenes de los Jedi hasta el resurgimiento de amenazas galácticas.

Esta opción es ideal para quienes desean comprender la evolución de personajes como Anakin Skywalker, el ascenso y caída de Darth Vader, y el surgimiento de nuevas generaciones de héroes y villanos.

El recorrido cronológico, centrado en la saga Skywalker, sigue este esquema:

• Star Wars: La amenaza fantasma
• Star Wars: El ataque de los clones
• Star Wars: La venganza de los Sith
• Star Wars: Una nueva esperanza
• Star Wars: El Imperio contraataca
• Star Wars: El regreso del Jedi
• Star Wars: El despertar de la fuerza
• Star Wars: Los últimos Jedi
• Star Wars: El ascenso de Skywalker

Este orden permite apreciar el desarrollo de personajes centrales como Obi-Wan Kenobi, Padmé Amidala, Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo y Rey, así como la progresiva transformación del joven Anakin en Darth Vader bajo la influencia de Palpatine.

Las series como The Mandalorian, Andor y Obi-Wan Kenobi, también disponibles en Disney+, encajan en puntos específicos entre las películas, aportando detalles sobre la formación de la Rebelión, el auge del Imperio y las consecuencias de sus acciones.

Alternativas para ver Star Wars: estreno, Orden Machete y opciones extendidas

Para quienes prefieren la experiencia original, el orden de estreno en cines mantiene intactos los giros argumentales, como la revelación de la identidad del padre de Luke. Este es el itinerario seguido por las generaciones que vivieron el fenómeno Star Wars en tiempo real y es recomendado para quienes desean experimentar la misma sorpresa y emoción que sintieron los espectadores en su momento.

El orden de estreno es el siguiente:

• Episodio IV: Una nueva esperanza (1977)
• Episodio V: El Imperio contraataca (1980)
• Episodio VI: El regreso del Jedi (1983)
• Episodio I: La amenaza fantasma (1999)
• Episodio II: El ataque de los clones (2002)
• Episodio III: La venganza de los Sith (2005)
• Episodio VII: El despertar de la fuerza (2015)
• Rogue One (2016)
• Episodio VIII: Los últimos Jedi (2017)
• Han Solo (2018)
• Episodio IX: El ascenso de Skywalker (2019)

El Orden Machete, surgido en foros de fanáticos, elimina “La amenaza fantasma” y reorganiza los episodios para potenciar la sorpresa y la profundidad de algunos personajes. Comienza con los episodios IV y V, luego retrocede a las precuelas para explicar el pasado de Vader y finalmente concluye con el episodio VI.

Aunque no incluye las últimas secuelas ni algunos spin-offs recientes, esta variante sigue siendo popular entre quienes buscan un enfoque alternativo.

Próximos estrenos de Star Wars

El universo Star Wars continúa expandiéndose con nuevos proyectos y estrenos exclusivos para cine y streaming. El próximo gran lanzamiento será “The Mandalorian and Grogu”, una película que tiene previsto su estreno el 26 de mayo de 2026 y que servirá como continuación directa de la serie “The Mandalorian”.

Esta producción situará su trama entre los acontecimientos de la trilogía original y el inicio de las secuelas, ampliando los vínculos entre personajes como Din Djarin y Grogu.

En 2027, llegará “Star Wars: Starfighter”, una película ambientada cinco años después de “El ascenso de Skywalker” y protagonizada por Ryan Gosling, lo que promete abrir una nueva etapa dentro de la franquicia.

Además, Lucasfilm y Disney han anunciado otros proyectos, como una trilogía creada por Simon Kinberg, un filme centrado en Rey, producciones dirigidas por James Mangold, Dave Filoni y Taika Waititi, así como el regreso de personajes clásicos en nuevas aventuras.

Las próximas temporadas de series como Ahsoka y nuevas animaciones, junto con historias originales como Lando y Maul - Shadow Lord, también forman parte del calendario de estrenos para los próximos años.

La Cineteca Nacional anunció el inicio de la edición 2026 del Festival de Cine Europeo, como parte de su programa cultura, liderado por la Secretaría de Cultura.

Este encuentro cinematográfico es una colaboración entre las autoridades mexicanas y la Delegación de la Unión Europea en Méxicom así como las embajadas de los Estados Miembros.

El evento busca reunir a diecinueve largometrajes de veinticinco naciones europeas, reflejando la riqueza y diversidad del cine actual del continente.

Durante la presentación oficial, la subdirectora de programación, Orianna Paz, acompañada por el embajador de la Unión Europea en México, Francisco André, destacó que el festival se ha consolidado como un referente esencial para quienes desean explorar las nuevas tendencias y voces del cine europeo.

La muestra ofrece una amplia variedad de géneros y temáticas, así como la inclusión de dos filmes centrados en el fútbol, pensados como un guiño previo al próximo Mundial 2026.

Por lo tanto, la selección abarca producciones realizadas entre 2024 y 2025. Entre ellas, animaciones destinadas al público infantil, programadas para los fines de semana.

Este evento es una oportunidad única para conocer la visión creativa de países con poca presencia en las salas nacionales, como Austria, Chipre o Suecia.

El embajador subrayó que el ciclo de cine, suma casi tres décadas de existencia, aunque la exhibición ha cambiado de nombre, el concepto sigue siendo el mismo.

Además, celebró la alianza con la Cineteca Nacional como clave para dar vida a este proyecto. Según el diplomático, el arte es un canal privilegiado para fortalecer la relación entre México y Europa, y el cine especialmente ocupa un lugar central como puente entre culturas.

La jornada de películas comenzó el pasado 12 de mayo, y permanecerá en cartelera hasta el 20 de mayo. Posteriormente las cintas viajarán a más de diez estados a través del Circuito Cineteca.

Esta estrategia busca descentralizar la oferta cultural y llevar propuestas diversas a públicos de todo el país, fomentando la participación de los ciudadanos en el séptimo arte.

Cartelera del festival

La programación del Festival de Cine Europeo 2026 incluye una variedad de títulos destacados que reflejan la identidad del continente. Entre los filmes seleccionados se encuentran:

• Mr. Nobody Against Putin (Dinamarca / República Checa, 2025), documental galardonado con el Oscar y el BAFTA.
• Misterioso asesinato en la montaña (Francia, 2024).
• Accidentalmente escribí un libro (Hungría, 2024).
• Four Mothers (Irlanda / Reino Unido).
• A Boat in the Garden (Luxemburgo / Francia, 2024).
• La pandilla de Derecho (Rumanía, 2025).
• Loss of Balance (Polonia, 2025).
• Hammarskjöld (Suecia, 2023).
• Quasi Grazia (Italia, 2025).

Lionsgate alcanzó un récord con la película Michael, que superó los USD 570 millones en ingresos globales durante el fin de semana del Día de la Madre. El filme sobre Michael Jackson desplazó a otros estrenos en los principales mercados y se consolidó como uno de los grandes éxitos de taquilla de 2026, según cifras de Deadline y la consultora Comscore.

De acuerdo con datos difundidos por el medio especializado en industria cinematográfica Deadline y validados por la consultora Comscore, Michael recaudó USD 36,5 millones en su tercer fin de semana en salas de Estados Unidos, alcanzando un acumulado doméstico de USD 240,4 millones hasta el 10 de mayo. En el plano internacional, la película impulsó su recaudación global a más de USD 570 millones, superando la marca lograda por Bohemian Rhapsody en el mercado estadounidense. El éxito de la cinta se da en un contexto de recuperación para la industria cinematográfica tras la pandemia y fortalece la tendencia de las biopics musicales, según la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association (MPA).

El estreno mundial de Michael se realizó el 10 de abril en Berlín, mientras que el lanzamiento comercial en Estados Unidos tuvo lugar el 24 de abril. Lionsgate implementó una campaña global de promoción, estrenos escalonados en mercados de Europa, América Latina y Asia, y una presencia ampliada en salas, de acuerdo con reportes oficiales.

¿Cuánto recaudó la película Michael en taquilla?

Según el portal de datos de taquilla Box Office Mojo, Michael alcanzó un total de USD 584,6 millones en ingresos globales tras su tercer fin de semana en cartelera. De este monto, USD 245,5 millones corresponden a Estados Unidos y Canadá, mientras que USD 339,1 millones provienen de mercados internacionales. Los datos de Comscore y The Numbers confirman que el filme recaudó USD 36,5 millones entre el viernes 9 y el domingo 11 de mayo, una caída del 33% respecto al fin de semana anterior; aun así, mantuvo su presencia entre las películas más vistas en Norteamérica.

Deadline informó que Michael superó en ingresos domésticos a Bohemian Rhapsody, lo que refuerza el atractivo de las biografías musicales. La asistencia se mantuvo elevada en cadenas como AMC y Regal, según Comscore.

¿Por qué fue importante el rendimiento en taquilla de Michael?

El desempeño comercial de Michael durante el fin de semana del Día de la Madre refuerza la estrategia de las productoras de apostar por historias centradas en figuras musicales, según Deadline. Comscore interpretó estos números como un indicio de la recuperación del sector cinematográfico en Estados Unidos y la reactivación de la asistencia a salas. Para las cadenas de exhibición, el éxito de la película se traduce en mayores ingresos y en la posibilidad de sostener una programación con más títulos biográficos.

El presidente de Lionsgate Jon Feltheimer afirmó en un comunicado oficial: “El apoyo del público a la historia de Michael Jackson confirma la vigencia de las biografías musicales en el mercado internacional”. Comscore detalló que la participación de grupos familiares y jóvenes adultos fue clave para sostener el ritmo de la taquilla en la tercera semana de exhibición.

¿Cuáles fueron los factores detrás del éxito de Michael en los cines?

El lanzamiento de Michael coincidió con la estrategia de estrenos de alto perfil en el mercado estadounidense y una campaña de promoción global. Según Deadline, la presencia de actores reconocidos y la producción de gran presupuesto favorecieron la convocatoria tanto en el mercado doméstico como internacional. La distribución en más de 3.550 salas en Estados Unidos y el lanzamiento escalonado en mercados internacionales permitieron sostener la recaudación a lo largo de varias semanas.

La consultora Comscore y Box Office Mojo informaron que el público principal estuvo conformado por adultos y jóvenes que asistieron en grupos familiares. El estreno mundial en Berlín y la amplia distribución en América Latina, Europa y Asia aportaron volumen a la taquilla global. Paul Dergarabedian, analista senior de Comscore, señaló en declaraciones a Deadline: “La biografía de Michael Jackson consiguió mantener la atención del público más allá del ciclo habitual de estreno”.

¿Cómo se compara Michael con otras biografías musicales exitosas?

En comparación con otros títulos recientes, Michael se posicionó entre las tres películas más vistas durante el fin de semana del 9 al 11 de mayo, según Comscore. El estreno doméstico registró USD 97,2 millones, una de las mejores cifras de lanzamiento para una biopic musical, de acuerdo con The Numbers. El desempeño internacional, apoyado por estrenos en Alemania, Reino Unido, Brasil y otros mercados, permitió mantener el ritmo de recaudación global.

El interés por las biografías musicales ha mostrado un crecimiento sostenido desde el éxito de Bohemian Rhapsody y Elvis, de acuerdo con la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association. Las cifras de Michael confirman que las historias relacionadas con figuras del espectáculo mantienen una convocatoria significativa en mercados diversos.

¿Qué películas desplazó Michael en la taquilla del Día de la Madre?

Durante el fin de semana del Día de la Madre, Michael compartió cartelera con títulos como The Devil Wears Prada 2 y Mortal Kombat II, según datos de Deadline. A pesar de la competencia, la película sobre Michael Jackson mantuvo su posición en el top 3 de la taquilla estadounidense, solo detrás del estreno de The Devil Wears Prada 2, que recaudó USD 41 millones, y superando a Mortal Kombat II, que logró USD 38,7 millones en su primer fin de semana.

Comscore informó que la asistencia al cine durante ese fin de semana aumentó un 92% respecto al año anterior, impulsada en parte por la presencia de filmes dirigidos a diferentes públicos, entre ellos la biografía de Jackson.

¿Qué tendencia muestran las biopics musicales en la taquilla internacional?

La tendencia de crecimiento de las biopics musicales se ha mantenido en los últimos años, según la asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association. El éxito de películas como Bohemian Rhapsody, Elvis y ahora Michael evidencia el interés sostenido del público por relatos de figuras musicales. De acuerdo con Comscore, estos filmes logran captar audiencias diversas y suelen sostenerse en cartelera por más de tres semanas, a diferencia de títulos de otros géneros que experimentan caídas más abruptas.

El atractivo de las biopics musicales radica en la conexión con los personajes y en el respaldo de campañas promocionales que involucran a familiares, herederos y discográficas, según analistas consultados por Deadline.

¿Cuáles son las proyecciones para el desempeño futuro de Michael en taquilla?

Las proyecciones de Comscore y Box Office Mojo anticipan que Michael podría mantenerse en el top 5 de la taquilla internacional durante las próximas semanas, a medida que amplíe su estreno en nuevos mercados y se mantenga el interés del público. Deadline señala que la ausencia de estrenos de gran escala en las siguientes dos semanas podría permitir a la película conservar una parte significativa de la taquilla acumulada.

Las cifras se actualizarán con los reportes diarios de recaudación y la evolución en la asistencia a salas. Según estimaciones de Comscore, el filme podría acercarse a los USD 650 millones globales si se mantiene la tendencia actual.

¿Cuáles fueron las reacciones oficiales al éxito de Michael?

Las reacciones institucionales a los resultados de Michael han sido de reconocimiento al desempeño comercial y a la estrategia de distribución. El presidente de Lionsgate Jon Feltheimer indicó en un comunicado que el éxito de la película respalda la apuesta por contenidos de alto perfil y por el género biográfico musical. La asociación internacional de la industria cinematográfica Motion Picture Association subrayó que la reactivación de la asistencia a salas y el rendimiento de títulos como Michael constituyen un indicador positivo para el sector.

La consultora Comscore, a través de su analista Paul Dergarabedian, destacó que el mercado estadounidense experimentó uno de sus mejores fines de semana del año en términos de recaudación, impulsado por la diversidad de estrenos y la recuperación de la confianza del público en la experiencia cinematográfica presencial.

¿Qué significa el éxito de Michael para la industria global y el público?

El desempeño de Michael en la taquilla global representa una señal clara para productores y distribuidores sobre el comportamiento de la audiencia ante biografías musicales y confirma la expansión de este género en la industria audiovisual. Según el medio especializado en industria cinematográfica Deadline, las estrategias de lanzamiento global y la diversificación de contenidos han sido factores determinantes para el éxito del filme.

El impacto de la película se traduce en un mayor interés de las productoras por historias basadas en figuras de la música, en la extensión de la presencia en cartelera y en el fortalecimiento de la programación de las principales cadenas de exhibición. La continuidad de esta tendencia dependerá de la respuesta del público a futuros estrenos y de la evolución del mercado internacional en los próximos meses.

La cuenta regresiva ya comenzó: en solo tres días, El gran showman dejará el catálogo de Netflix, despidiéndose de miles de espectadores que la han colocado entre las películas más vistas de la plataforma. La cinta, protagonizada por Hugh Jackman, no solo supuso uno de los mayores éxitos de la carrera del actor, sino que además le sirvió como demostración de que estaba más que preparado para pasar página con Lobezno, el personaje de X-Men al que había ligado buena parte de su carrera.

El gran showman coincidió con el estreno de Logan, película con la que el actor australiano se despedía de la famosa saga de superhéroes. Intercambiando la acción por los musicales, Hugh Jackman tenía frente a sí el reto de protagonizar la nueva película de Michael Gracey que pretendía contar la historia de P. T. Barnum, un visionario del siglo XIX que se propuso transformar el aburrido entorno de su época en un espacio donde la imaginación y la felicidad fueran accesibles para todos.

El proyecto personal del actor

En realidad, Jackman llevaba soñando con este proyecto desde 2009, pero a los estudios les costaba confiar en la idea: los musicales no suelen tener un gran éxito en cines y la película apuntaba a necesitar un presupuesto bastante alto (finalmente, sería de 84 millones de dólares). Casi una década después, logró convencerles, aunque las primeras críticas casi arruinan el estreno: El gran showman tuvo un recibimiento frío por parte de la prensa especializada, y en taquilla tuvo un arranque discreto. “Con un estreno tan desastroso solo podía contener mi aliento”, confesó Gracey, quien durante el primer fin de semana recibió decenas de llamadas de “voces aterrorizadas”.

Sin embargo, tras una mala primera semana, el boca a boca transformó la suerte de la película: su recaudación subió más de un 75% y mantuvo a El gran showman durante semanas en la gran pantalla, logrando superar los 350 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Más allá de eso, la banda sonora, con Hugh Jackman demostrando por qué antes de triunfar como actor tuvo una brillante carrera en el teatro musical, fue el disco más vendido a escala mundial en 2018 y batió récords en Reino Unido y Estados Unidos.

Para potenciar el lado musical de este biopic, Gracey trabajó con Benj Pasek y Justin Paul, quienes ya habían ganado el Oscar por la canción City of Stars, de La La Land. Eso sí, las canciones no fueron lo único que convenció de la película. Otro de sus atractivos era un reparto donde Jackman destacaba por encima del resto, pero que también contaba con estrellas como Zendaya (que hizo de acróbata sin usar un doble de acción), Zac Efron, Michelle Williams, Rebecca Ferguson o Yahya Abdul-Mateen II.

El cambio que supuso para Hugh Jackman hacer ‘El gran showman’

Hugh Jackman, al que ahora podemos ver en cines protagonizando Las ovejas detectives, ha admitido en más de una entrevista que el éxito de El gran showman cambió su carrera y su vida. “Me paran por la calle más que por ninguna otra cosa por El gran Showman. Recibo vídeos todos los días”, contaba en una entrevista con la revista Billboard, donde reconoció que esta película le había abierto las puertas “de una forma que nunca creí posible, sobre todo a un público joven”.

La huella de El gran showman se extendería más allá de la pantalla. La producción inspiró una gira internacional de conciertos de Jackman y una adaptación a Broadway, además de una secuela que podríamos ver próximamente. Mientras tanto, tenemos la oportunidad de descubrir o volver a ver la película original en Netflix, hasta que el próximo 15 de mayo desaparezca del catálogo de la plataforma.

Star Wars es una de las franquicias más importantes de la cultura popular y una de sus características es contar con frases íconicas que han marcado a los fans y son recordadas, incluso, por quienes no han visto todas sus películas.

Ver las tendencias de búsquedas en Google es una muestra para entender este fénomeno y allí sale a relucir una frase que marca todo lo que es esta saga, al punto de ser el motivo para celebrar un día al año el significado del legado de George Lucas.

La frase de Star Wars más famosa en Google no deja lugar a dudas: “Que la Fuerza te acompañe” ha trascendido la pantalla y los límites del fandom, convirtiéndose en un elemento central de la cultura popular mundial.

Al ver las estádisticas de búsquedas, cada año, la frase multiplica su popularidad global durante el mes de mayo. El juego de palabras en inglés entre “May the Force be with you” y “May the Fourth be with you” ha impulsado a millones de usuarios a buscar, compartir y reinterpretar el mensaje en todo tipo de plataformas.

Cuáles es la frase más famosas de Star Wars en Google

Además de revisra Google Trends, Gemini también confirmó que la frase “Que la Fuerza te acompañe” es, sin discusión, la más famosa y emblemática de toda la saga.

Tanto Jedi como miembros de la Rebelión y, más adelante, la Resistencia, la pronuncian en momentos clave para desear suerte o expresar esperanza. Su función va más allá de una simple despedida; se ha convertido en un símbolo universal de apoyo, resiliencia y optimismo.

Gemini destaca que el volumen de búsquedas crece de forma exponencial cada año en torno al 4 de mayo, gracias a la celebración global del “Star Wars Day”.

La confusión con la segunda frase más buscada

En segundo lugar de popularidad está la frase: “No, yo soy tu padre”. Estas palabras, pronunciadas por Darth Vader en “El Imperio Contraataca”, protagoniza uno de los momentos más recordados de la historia del cine.

Sin embargo, la cultura popular suele distorsionarla, citándola erróneamente como “Luke, yo soy tu padre”. El fenómeno, conocido como “Efecto Mandela”, convierte a esta línea en una de las más buscadas y debatidas en la web, con millones de usuarios consultando si la cita original incluye el nombre de Luke, lo cual nunca ocurre en el diálogo real.

Ambas frases lideran con claridad cualquier listado de popularidad o volumen de búsquedas relacionadas con Star Wars, impulsadas tanto por la nostalgia como por el vértigo de internet y los memes contemporáneos.

El top 10 de frases más buscadas y famosas de Star Wars

A partir del análisis de tendencias, listados de medios especializados y lo que revelan los motores de búsqueda, se configura un ranking de las frases más buscadas y repetidas:

1. “Que la Fuerza te acompañe” (“May the Force be with you”).
2. “No, yo soy tu padre” (“No, I am your father”).
3. “Hazlo, o no lo hagas. Pero no lo intentes” (“Do. Or do not. There is no try”).
4. “¡Hola a todos!” (“Hello there!”).
5. “¡Es una trampa!” (“It’s a trap!”).
6. “Ayúdame, Obi-Wan Kenobi. Eres mi única esperanza.” Mensaje de la Princesa Leia en “Una Nueva Esperanza”, punto de partida de la saga.
7. “El miedo es el camino hacia el lado oscuro. El miedo lleva a la ira, la ira lleva al odio, el odio lleva al sufrimiento.” Advertencia de Yoda a Anakin Skywalker sobre los peligros del miedo.
8. “Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana…” Texto de apertura de todas las películas, marca registrada del universo Star Wars.
9. “Soy uno con la Fuerza. La Fuerza está conmigo.” Mantra de Chirrut Îmwe en “Rogue One”, expresión de fe y perseverancia.
10. “Este es el camino.” (“This is the way”). Lema recurrente en “The Mandalorian” que refleja la identidad y el código de los Mandalorianos.

Regreso al futuro se estrenó hace más de 40 años y continúa generando interés por su enfoque en la innovación tecnológica, la calidad de su producción y los inventos que sirvieron de inspiración para avances actuales.

Aunque todavía no existe un DeLorean capaz de viajar en el tiempo, hoy contamos con tecnologías como gafas inteligentes, videollamadas, sistemas biométricos y zapatillas autoajustables, todos anticipados en la saga.

La película también marcó un hito en el uso de efectos especiales en el cine. En 1985, las huellas de fuego que deja el DeLorean se crearon mediante una combinación de pirotecnia, animación óptica y la técnica de bluescreen, según especialistas en efectos visuales de la época.

A continuación, una lista de avances tecnológicos presentes en estas películas que probablemente desconocías.

Datos que no conocías de Regreso al futuro

• Predicciones tecnológicas.

La saga anticipó diversos avances tecnológicos que hoy forman parte de la vida cotidiana.

Entre ellos se encuentran las gafas inteligentes y la realidad virtual, que inspiraron el desarrollo de dispositivos como Ray-Ban Meta.

Las videollamadas ya eran imaginadas en la película, donde Marty McFly se comunica con su jefe a través de una pantalla plana instalada en la pared, un recurso habitual en la actualidad.

En cuanto a la biometría, el film mostró puertas que se abren con huella dactilar, tecnología hoy extendida en sistemas de seguridad doméstica.

Finalmente, las zapatillas autoajustablesque aparecen en la historia motivaron a Nike a lanzar en 2016 una versión funcional de las Nike Mag, replicando el concepto presentado en la película.

• Funcionamiento del DeLorean.

El funcionamiento del DeLorean como máquina del tiempo en Regresar al futuro combina componentes automotrices reales con elementos de ciencia ficción diseñados específicamente para la trilogía.

El proceso inicia con la necesidad de una fuente de energía capaz de generar 1,21 gigavatios de electricidad, requisito esencial para el viaje temporal.

En la primera película, esta energía proviene de un reactor nuclear alimentado por plutonio, el cual debía ser obtenido ilícitamente, mientras que en otra escena, la energía es suministrada por un rayo canalizado directamente desde el reloj de Hill Valley mediante un poste conductor.

En las secuelas, el sistema evoluciona a un reactor doméstico denominado Mr. Fusion, que transforma materia orgánica común, como basura o restos de alimentos, en la energía requerida, reflejando una visión adelantada de la sostenibilidad.

En la segunda entrega de la saga, el vehículo incorpora un sistema de vuelo gracias a la instalación de un mecanismo de aeroconversión: las ruedas giran 90 grados hacia abajo y funcionan como propulsores verticales, permitiendo que el DeLorean vuele y ya no dependa de una carretera para alcanzar la velocidad requerida.

• Efectos especiales.

Los efectos especiales de Regresar al futuro fueron desarrollados por Industrial Light & Magic (ILM), la reconocida empresa fundada por George Lucas.

Dado que la película se realizó antes de la adopción masiva de la animación por ordenador, la mayoría de los efectos se lograron mediante técnicas ópticas, mecánicas y químicas tradicionales.

Para simular el viaje en el tiempo y la desaparición del DeLorean, se utilizó una impresora óptica que permitía superponer varias capas de imagen:

Primero se filmaba el coche real acelerando en el set y, posteriormente, los artistas de ILM dibujaban a mano los destellos azules de electricidad y las líneas de fuego, fotograma a fotograma.

El uso de pantalla azul (bluescreen) permitía recortar el automóvil para integrarlo a distintos fondos, como las calles de Hill Valley.

Las huellas llameantes que dejaba el DeLorean al viajar en el tiempo fueron el resultado de una combinación de efectos prácticos y retoques en postproducción.

Para crear este efecto, se vertía combustible en carriles ocultos sobre el asfalto y se encendía durante la filmación.

Luego, en la etapa de edición, se aumentaba la intensidad y brillo del fuego mediante técnicas ópticas para lograr una apariencia sobrenatural.

Muchos efectos fueron resueltos directamente durante la filmación. Por ejemplo, en la escena inicial donde Marty McFly es lanzado por el sonido de la guitarra, se utilizó un cable oculto atado a su arnés para jalarlo hacia atrás en sincronía con la detonación de humo, logrando el efecto sin necesidad de postproducción digital.

La llegada del primer documental oficial sobre la reunión de Oasis, bajo la producción ejecutiva de Steven Knight y la dirección de Dylan Southern y Will Lovelace, ha sido confirmada para septiembre de 2026 en cines, con estreno posterior y exclusivo en Disney+ a finales de año, según un comunicado conjunto de Disney, Magna Studios y Sony Music Vision. El largometraje, sin título definitivo aún, documenta tanto la gira global Oasis Live ’25 —considerada uno de los mayores acontecimientos musicales del último lustro— como métricas inéditas de rendimiento, entre ellas la venta de más de 1,4 millones de entradas únicamente en Reino Unido, lo que se traduce en USD 322 millones recaudados en ese territorio.

Esta cifra posiciona la gira de regreso de Oasis entre los tours más exitosos de la industria en los últimos años y define su impacto comercial, superando la tendencia general en conciertos de grandes bandas británicas, un segmento que ha sido marcado recientemente por relanzamientos de catálogos y retornos a escenarios masivos. El documental explora este fenómeno con acceso a material inédito: ensayos, bastidores, presentaciones en formato IMAX y, por primera vez en 25 años, la inclusión de entrevistas conjuntas con Liam y Noel Gallagher, hechos que consolidan a la producción como un caso singular en la documentación audiovisual de mitologías del britpop.

El recorrido de la película supera el relato de la gira de reuniones. Fuentes de producción afirman que la obra revela imágenes exclusivas del reencuentro personal de los hermanos Gallagher antes del espectáculo inaugural y dedica secuencias a su interacción con los fans y a la construcción emocional del fenómeno Oasis en la cultura global. Un miembro del equipo declaró a The Mirror sobre el material: “Nunca antes se había visto a Liam y Noel de una manera tan abierta y vulnerable”, aludiendo a la profundidad de acceso gestionada por la productora.

El acceso inédito tras la cámara y su potencial en la industria

La logística y la coordinación de grabaciones durante las 41 fechas de la gira han exigido sinergia entre Sony Music Vision, Magna Studios y el equipo original de Peaky Blinders, con Sam Bridger y Guy Heeley como productores y la participación de los mezcladores de sonido James Mather y Tarn Willers, además del director de fotografía Haris Zambarloukos. Knight, nominado al BAFTA y al Oscar, profundizó en el enfoque narrativo: “Quería contar la historia de los hermanos y de la banda, pero también la de los fans cuyas vidas la música ha marcado y, a veces, cambiado para siempre. Es una historia de reconciliación y de cómo la música puede unir generaciones y culturas”, explicó el cineasta en un comunicado difundido por las compañías involucradas.

El documental constituye además el primer caso en la historia reciente de la compañía del ratón en que un film centrado en un retorno musical británico de gran escala es presentado primero en cines comerciales —incluidos circuitos premium IMAX— y posteriormente en ventana exclusiva para Disney+ a nivel mundial. La estrategia responde a la tendencia de captar suscriptores mediante eventos culturales de alta demanda. Eric Schrier, presidente de la división internacional de originales y programación estratégica de Disney, definió el acuerdo como “una oportunidad increíblemente escasa”, en referencia a la magnitud de los activos y a su importancia industrial.

El documental como jet de contenido exclusivo y narrativa de reconciliación

El estreno de la película marca asimismo el debut conjunto de Knight, Southern y Lovelace en este tipo de proyecto, junto a una nueva alianza entre la división de entretenimiento de Sony y las ramas de contenido original directo al consumidor de Disney. La sinopsis oficial, revelada en los canales corporativos, confirma el tratamiento multidisciplinario: ensayos, backstage, escenario principal, testimonios inéditos y escenas de la organización logística global. El equipo creativo ha subrayado que la producción incluye acceso a los primeros encuentros familiares y profesionales tras décadas de distanciamiento público de los Gallagher, lo que aporta un ángulo narrativo hasta ahora inédito en la cobertura mediática sobre Oasis.

Noel Gallagher, distinguido como Compositor del Año en los BRIT Awards en febrero de 2026, expresó sobre el trabajo aún en desarrollo: “Solo he visto una pequeña parte… Todos los que lo han visto, o han visto más que yo, han dicho que es increíble. Si logra capturar siquiera el cinco por ciento de lo que fue esa gira, será asombroso”, sostuvo el músico durante declaraciones públicas tras la ceremonia.

La ventana de estreno ha sido fijada para el 11 de septiembre con lanzamiento inicial en cines, seguido por el debut en streaming en una operación coordinada entre los tres estudios involucrados. El anuncio ha confirmado el formato IMAX y la promesa de alta definición en la plataforma digital, factores que potencian el atractivo para los fans y posicionan a la película como pieza central del catálogo musical exclusivo de Disney+ en 2026.

La proyección internacional y la cifra de más de 1,4 millones de entradas en un solo país sitúan la reunión de Oasis —y el documental de Knight— en el foco de la industria musical audiovisual. Las fuentes corporativas aclaran que, aunque existen especulaciones sobre un posible nuevo álbum de estudio, los hermanos han optado por el silencio acerca de futuros lanzamientos, sin confirmar si la colaboración continuará más allá de los escenarios y la pantalla.

Después de años de retrasos, cambios creativos y problemas legales relacionados con los derechos de la franquicia, Crystal Lake finalmente tiene fecha de estreno. Peacock confirmó que la nueva serie basada en el universo de Viernes 13 llegará a la plataforma el próximo 15 de octubre de 2026.

La producción supondrá el regreso oficial de Jason Voorhees a la pantalla tras 17 años sin una película oficial de la saga, cuya última entrega cinematográfica se estrenó en 2009.

La serie contará con ocho episodios y estará disponible en Peacock. El proyecto pertenece a A24, estudio detrás de películas y series de terror como Hereditary, Midsommar y Beef.

Una precuela ambientada antes de la película original

A diferencia de las entregas más populares de Viernes 13, centradas en Jason Voorhees como asesino enmascarado, Crystal Lake explorará los hechos previos a la primera película estrenada en 1980.

Según la información difundida por medios estadounidenses, la historia seguirá a la familia Voorhees antes de la muerte de Jason en el campamento Crystal Lake y antes de los asesinatos que dieron origen a la franquicia.

Linda Cardellini interpretará a Pamela Voorhees, madre de Jason y responsable de los crímenes del largometraje original. En aquella película, Pamela asesinaba a los consejeros del campamento tras considerar que su negligencia provocó la muerte de su hijo.

Por otro lado, Callum Vinson dará vida a una versión joven de Jason Voorhees. El actor infantil, quien participó en la serie Chucky, también aparecerá en la futura adaptación televisiva de God of War para Prime Video.

Según las fuentes especializadas, Crystal Lake incluirá varios personajes y referencias directas a las películas originales de Viernes 13.

Nick Cordileone interpretará a Ralph, personaje asociado con “Crazy Ralph”, el hombre que advertía sobre la supuesta maldición de Camp Crystal Lake en las primeras películas.

Además, Phoenix Parnevik y Danielle Kotch asumirán los papeles de Barry y Claudette. Ambos nombres corresponden a los dos consejeros asesinados en la secuencia inicial de la película original.

El elenco también incluye a William Catlett, Devin Kessler, Cameron Scoggins, Gwendolyn Sundstrom, Nancy Nagrant y Joy Suprano.

Una producción con años de desarrollo

El proyecto atravesó un extenso proceso de desarrollo. IGN recordó que las primeras ideas para una serie basada en Viernes 13 aparecieron a inicios de los años 2000, cuando el director Sean S. Cunningham habló sobre un posible spin-off ambientado en el pueblo de Crystal Lake.

En aquella etapa, la propuesta llegó a desarrollarse para The CW. Sin embargo, la cadena decidió no continuar porque consideraba que el concepto resultaba demasiado oscuro para una serie de larga duración.

Tiempo después, A24 retomó el proyecto para streaming. La producción sufrió nuevos retrasos debido a la huelga de guionistas de 2023 y a una reestructuración creativa. El rodaje comenzó recién en 2025.

Brad Caleb Kane ocupa los cargos de guionista, showrunner y productor ejecutivo. Para los seguidores de la franquicia, su nombre resulta familiar por su trabajo en la serie It: Bienvenidos a Derry, uno de los títulos de terror más comentados de 2025.

Además, Victor Miller, creador del guion original de Viernes 13, participa como productor ejecutivo junto a Marc Toberoff, Robert M. Barsamian, Robert P. Barsamian y Stuart Manashil.

La dirección de los episodios quedó en manos de Michael Lennox, Celine Held, Logan George y Quyen Tran.

Crystal Lake se estrenará el 15 de octubre de 2026, aunque en redes sociales varios fanáticos lamentaron la oportunidad perdida de lanzar la serie durante un “auténtico viernes 13”.

Las raíces familiares y el teatro infantil definieron de manera profunda la vocación y el compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle, según compartieron ambos en una conversación con el programa informativo estadounidense CBS Sunday Morning.

Unidos por una admiración mutua y por una sensación inmediata de complicidad en escena, los actores reflexionaron sobre cómo sus experiencias personales se enlazan y cómo el teatro ha sido un espacio donde han forjado un lazo de respeto genuino.

La influencia del entorno familiar, la impronta de docentes y las primeras vivencias en el escenario fueron decisivas en su pasión por la actuación. Edebiri relató que su profesora de teatro en la primaria y las funciones para público infantil marcaron su camino inicial, mientras que Cheadle describió cómo siente la presencia de sus padres al actuar y la relación profunda que el teatro crea más allá de la simple interpretación.

Raíces familiares y primeras vocaciones

“Está en mi Monte Rushmore de actores”, confesó Edebiri sobre Cheadle durante la entrevista con CBS Sunday Morning. La actriz recordó que fue elegida para el teatro infantil siendo apenas una niña, impulsada por su profesora de teatro a asumir papeles que la hicieron comprender el poder del escenario: “Mi vida, mis moléculas, cambiaron por el teatro en vivo”, contó.

Por su parte, Cheadle narró experiencias similares, evocando la emoción y los nervios de sus primeras veces en escena. “Cuando vi el set, fue como un retroceso; recordé esa mariposa en el estómago antes de actuar”, expresó el actor.

La disposición y el esfuerzo de sus familias jugaron un papel clave. A veces, era necesario movilizar recursos para pagar entradas asequibles o apoyar actividades escolares relacionadas con el arte. “Poder pagar una entrada era la única forma de ver teatro”, subrayó Edebiri sobre sus comienzos.

Complicidad y proceso creativo en el escenario

La química entre los protagonistas surgió de inmediato en el primer ensayo. “Sentí de inmediato un instinto paternal con Ayo”, admitió Cheadle en la conversación con CBS Sunday Morning. Edebiri también remarcó la profundidad del vínculo: “No tuvimos que ser formales; de inmediato fuimos compañeros de escena al mismo nivel”.

Ambos destacaron que la comunicación iba más allá de los ensayos formales. “Me escribía mensajes sobre una línea o una escena, y eso me motivaba”, relató la actriz.

En el día a día, la dinámica se hace evidente a través de cuidados y bromas mutuas con tono familiar. “Si Ayo va a trasnochar, le recuerdo que tenemos función”, relató Cheadle entre risas, a lo que ella añadió: “Y yo hago lo mismo contigo; es recíproco”.

El desafío de reinventarse sobre el escenario

Reflexionando sobre la diferencia entre teatro y audiovisual, ambos subrayaron la naturaleza irrepetible y exigente del escenario en vivo.

Edebiri compartió su preferencia por arriesgarse: “Prefiero fracasar de forma espectacular que tener éxito sin alma”, afirmando el valor de experimentar y ensayar con humildad.

“El valor está en lo que el público siente, no en la ovación”, señaló Cheadle, remarcando que la recompensa del proceso creativo se encuentra en la autenticidad y el impacto real en los espectadores. Ambos coinciden en que el aprendizaje radica en aceptar errores y mejorar noche tras noche. “En el teatro, la palabra es lo más importante”, insistió el actor, resaltando la fidelidad al texto.

Teatro accesible y el poder de transformar vidas

El compromiso de Ayo Edebiri y Don Cheadle con un teatro accesible forma parte central de sus motivaciones. “Fue importante para nosotros porque el teatro es parte de nuestra base; poder pagar una entrada era fundamental”, enfatizó Edebiri, destacando la influencia de iniciativas para entradas asequibles.

Ambos aseguraron a CBS Sunday Morning que no solo apoyan la accesibilidad, sino que contribuyen directamente con recursos para que nuevos públicos puedan acceder a espectáculos. “La entrada puede ser una barrera real, pero estamos trabajando para expandir el acceso”, apuntó Cheadle.

La implicación de Barack Obama y Michelle Obama —expresidente de Estados Unidos y ex primera dama— como productores aportó un nuevo horizonte al proyecto. “Es estupendo contar con su apoyo en esta misión de apertura”, reconoció el actor, remarcando la sintonía del espectáculo con un propósito inclusivo y transformador.

Ambos intérpretes consideran que el proceso teatral representa un aprendizaje constante y un desafío que aviva su vocación. “Ser parte de un grupo donde puedo equivocarme, experimentar y crecer me inspira cada día”, declaró Edebiri. Cheadle señaló la importancia de salir de la zona de confort: “El arte nos invita a cruzar límites, a crecer y encontrar nuevos caminos”.

El conglomerado The Walt Disney Studios alcanzó USD 2.000 millones en recaudación global en lo que va de 2026, un resultado que lo convierte en el primer estudio cinematográfico en lograr esta marca durante el año, según reportó el sitio especializado Deadline el 10 de mayo. Este hito afecta de manera directa al sector de la exhibición cinematográfica internacional y a los grandes estudios de Hollywood, ya que refleja el liderazgo de la compañía en un mercado competitivo y volátil.

Según cifras citadas por Deadline, la película El Diablo Viste a la Moda 2 impulsó de forma determinante la recaudación del estudio, con un acumulado global de USD 433,2 millones en sus primeras semanas de exhibición. La información fue confirmada por la base de datos Box Office Mojo, que atribuyó el éxito a una estrategia de estrenos internacionales y al impacto de franquicias ya establecidas.

El desempeño de Disney se enmarca en un contexto de recuperación y crecimiento del sector, tras el impacto de la pandemia y la consolidación de modelos híbridos de distribución, de acuerdo con Deadline y otras fuentes del sector. El estudio mantiene su estrategia de fortalecer sagas y lanzar secuelas de títulos exitosos para sostener su posición en taquilla.

¿Cómo alcanzó Disney los USD 2.000 millones en 2026?

De acuerdo con Deadline, el principal motor de la recaudación de Disney en 2026 fue El Diablo Viste a la Moda 2, dirigida por David Frankel y protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway. El filme logró USD 144,8 millones en Estados Unidos y USD 288,4 millones en mercados internacionales, superando los USD 326,5 millones globales de la cinta original de 2006. Este desempeño fue complementado por títulos como Hoppers (USD 371,6 millones) y Send Help (USD 94 millones), además de los ingresos residuales de estrenos de 2025 como Avatar: Fire & Ash y Zootopia 2, según la base de datos Box Office Mojo.

La estrategia de lanzamientos globales permitió a Disney posicionar a El Diablo Viste a la Moda 2 como el estreno internacional más visto de 2026 en países como Italia, Brasil, Reino Unido y Australia, con cifras altas en otros mercados clave, de acuerdo con el análisis publicado por el sitio especializado Deadline.

¿Cómo fue el desempeño de El Diablo Viste a la Moda 2 en Estados Unidos?

En el mercado estadounidense, El Diablo Viste a la Moda 2 registró una recaudación de 144,8 millones de dólares al cierre de su segunda semana, según datos de Deadline. La película se ubicó entre las más vistas en salas de cine de EE.UU., manteniendo un sólido desempeño tras un debut de 43 millones de dólares en su primer fin de semana.

La cinta experimentó una caída del 44% en su segunda semana, una cifra considerada dentro del rango habitual para grandes estrenos, según el análisis de Box Office Mojo. El filme se benefició de la celebración del Día de la Madre en Estados Unidos, lo que impulsó la asistencia y llevó a los principales estudios a ajustar sus estimaciones al alza, de acuerdo con Deadline.

El éxito en el mercado doméstico contribuyó de manera significativa al acumulado global de Disney. La estrategia de estrenos amplios en cadenas de cine y la continuidad de la saga resultaron determinantes para captar audiencias en diferentes segmentos, según fuentes de la industria citadas por Deadline y Box Office Mojo.

¿Cuáles fueron los mercados más importantes para El Diablo Viste a la Moda 2?

La película El Diablo Viste a la Moda 2 se ubicó en la primera posición de la taquilla no local en mercados como Alemania (15,9 millones), Italia (USD 28 millones), Reino Unido (USD 28,5 millones), Australia (USD 18,5 millones), Japón (USD 16,8 millones), Corea del Sur (USD 8,3 millones), Brasil (USD 22 millones) y México (USD 20,1 millones), según datos de Deadline. En América Latina, la cinta también logró posiciones destacadas en Argentina (5,8 millones), Venezuela, Uruguay, Paraguay y Chile.

La publicación de Deadline precisa que la secuela se consolidó como el estreno número uno (no local) en países como Armenia, Bosnia, Bulgaria, Georgia, Líbano y Eslovaquia. En el mercado estadounidense, la película alcanzó USD 144,8 millones después de dos semanas en cartelera.

¿Cómo se comparan estas cifras con las de otros estudios?

El análisis de Deadline y del portal de estadísticas Koimoi destaca que Disney es el único estudio en superar los USD 2.000 millones en recaudación global en 2026 hasta la fecha. Los demás grandes estudios de Hollywood, incluidos Warner Bros. y Universal Pictures, no han alcanzado esa marca en el mismo periodo, según los datos publicados.

El éxito de Disney está vinculado a su capacidad para capitalizar franquicias y secuelas, así como a la estrategia de estrenos simultáneos en múltiples territorios. Deadline subraya que los cómputos anuales de los estudios incluyen tanto estrenos del año en curso como ingresos remanentes de títulos lanzados el año anterior.

¿Qué otros estrenos impulsaron la taquilla internacional?

Además de El Diablo Viste a la Moda 2, la recaudación global de Disney recibió el aporte de títulos como Hoppers y Send Help, junto a los remanentes de Avatar: Fire & Ash y Zootopia 2. Por fuera de Disney, el informe de Deadline menciona el estreno de Mortal Kombat II, de Warner Bros., que sumó USD 63 millones en su primer fin de semana mundial, con USD 40 millones en Estados Unidos y USD 23 millones en mercados internacionales.

También se registró el lanzamiento de Michael, la biopic sobre Michael Jackson dirigida por Antoine Fuqua, que alcanzó USD 577 millones a nivel global, de los cuales USD 240,4 millones provinieron de Estados Unidos y USD 336,8 millones del resto del mundo, según datos citados por Deadline. Otros estrenos recientes incluyen The Sheep Detectives, de Amazon MGM Studios (USD 28 millones), y el documental musical Billie Eilish: Hit Me Hard & Soft, distribuido por Paramount (USD 20,1 millones).

¿Qué impacto tiene este resultado para el sector y el público?

El liderazgo de Disney en la taquilla global refuerza la tendencia de los grandes estudios a apostar por franquicias y secuelas para garantizar ingresos sostenidos. Analistas consultados por el sitio especializado Deadline y la base de datos Box Office Mojo coinciden en que la estrategia de lanzamientos internacionales y la continuidad de sagas exitosas permiten a los estudios movilizar audiencias en mercados diversos.

El informe de Deadline señala que los datos de taquilla de 2026 reflejan una recuperación del sector, con una afluencia de público que supera los registros de años anteriores en mercados clave. Los operadores de salas y distribuidores prevén que esta tendencia se mantenga, dada la cantidad de estrenos importantes programados para el resto del año.

El monto de la recaudación obtenida por Disney tiene implicancias para el desarrollo de nuevas producciones, la distribución global y la programación de eventos cinematográficos internacionales, según el análisis de Deadline. Los espectadores acceden a una oferta ampliada de contenidos, mientras que los estudios ajustan sus estrategias para capitalizar la atención del público en un contexto de competencia creciente.

¿Qué se puede esperar para el resto de 2026?

La expectativa del sector es que Disney mantenga su liderazgo en la taquilla internacional durante el segundo semestre, a partir del estreno de nuevas entregas de franquicias consolidadas y de la diversificación de géneros. Las cifras de Deadline y la base de datos Box Office Mojo anticipan un cierre de año con volúmenes de recaudación superiores a los de 2025 para los grandes estudios de Hollywood.

El impacto para la industria y los espectadores se traduce en un mayor flujo de producciones de alto presupuesto y en la consolidación de estrategias de distribución global, de acuerdo con el análisis de Deadline. El resultado obtenido por Disney en 2026 marca un precedente para las prácticas de programación y lanzamiento en la industria cinematográfica.

Cuatro producciones filmándose al mismo tiempo en el microcentro porteño, equipos técnicos trabajando en paralelo en distintas locaciones de Buenos Aires, nuevas películas de directores argentinos nominados al Oscar y una segunda temporada de El Eternauta en preproducción. Este fue el escenario que la plataforma Netflix eligió para referirse a la Argentina, a propósito de la presentación del informe “El efecto Netflix” con el que la compañía buscó medir el impacto económico, cultural y social de su actividad a nivel global.

El informe fue presentado este martes y puede visualizarse desde hoy en el sitio thenetflixeffect.com, en el que estará disponible toda la información a nivel global de forma bien interactiva. En este contexto, el vicepresidente de contenidos para América Latina, Francisco Ramos, dialogó con Infobae y explicó cuál es la estrategia de Netflix en la Argentina, el impacto económico que generan sus producciones y los proyectos que la plataforma tiene por delante.

El directivo dialogó con varios periodistas de la región y se refirió a los planes en cada uno de los países. En el caso de la Argentina -Infobae fue el único medio presente-, afirmó que el compromiso con el país es total y que la apuesta, como en otros países, “tiene que ser constante y creciente”, ya que los crecimientos abruptos, las llamadas burbujas, no llegan a buen puerto. Ramos ubicó esa definición como parte de una estrategia sostenida en el tiempo y no vinculada a un ciclo puntual de producción.

En relación con la actividad actual en el país, Ramos detalló que Netflix trabaja en simultáneo en varios proyectos. “Estamos filmando 3 o 4 títulos, posiblemente más”, sostuvo al describir el nivel de actividad que la plataforma mantiene en Buenos Aires.

Entre esas producciones, mencionó una nueva película de Damián Szifron y otra dirigida por Santiago Mitre, a quienes definió como los dos últimos directores argentinos nominados al Oscar. También señaló que la compañía desarrolla la serie En el barro, el proyecto “El futuro es nuestro” y la segunda temporada de El Eternauta.

Ramos agregó que recibió imágenes de cuatro producciones filmándose de manera simultánea en el microcentro porteño. “Era muy emocionante ver que eran cuatro producciones conviviendo”, afirmó. Según explicó, esa dinámica refleja el nivel de actividad de la industria audiovisual en la ciudad. En ese sentido, sostuvo que Buenos Aires ocupa un lugar relevante dentro del mapa de producción de la plataforma. “Buenos Aires es una ciudad muy cinematográfica”, dijo.

“Era muy emocionante ver que eran cuatro producciones conviviendo”

La presentación del informe “El efecto Netflix” incluyó una batería de datos globales con los que la compañía buscó dimensionar su impacto en la economía internacional. Según el documento, en la última década Netflix aportó más de USD 325.000 millones a la economía mundial e invirtió más de USD 135.000 millones en series y películas.

La empresa informó además que sus producciones generaron más de 425.000 empleos directos para actores, escritores, directores y técnicos, y que sumaron más de 700.000 extras y trabajadores eventuales en distintas partes del mundo. Netflix señaló también que colaboró con más de 2.000 productoras locales a nivel global, produjo contenido original en más de 4.500 ciudades y pueblos y obtuvo licencias de más de 3.000 compañías, incluidas emisoras públicas.

En ese marco, la compañía sostuvo que “cada producción de Netflix también es una producción local”, una definición con la que buscó reforzar el impacto de su modelo de producción descentralizada.

La experiencia de El Eternauta

En el caso argentino, el principal ejemplo fue nuevamente El Eternauta. Según los datos difundidos, la serie involucró más de 50 locaciones en Argentina y 35 escenarios virtuales, con la participación de 2.900 personas entre elenco y extras.

La producción utilizó más de 500 máscaras para distintos personajes y generó un aporte de más de 41.000 millones de pesos a la economía local, según la compañía.

Ramos utilizó ese caso para describir el impacto que tienen las grandes producciones en la industria audiovisual. “Nuestra producción más grande contó con casi 3.000 personas trabajando en distintas áreas durante todo el tiempo que duró la filmación”, explicó. El ejecutivo remarcó que el impacto no se limita al rodaje, sino que alcanza a toda la cadena de producción. “Generan puestos de alta calificación y altísima remuneración”, afirmó. También destacó que este tipo de proyectos funciona como un espacio de formación profesional para nuevos trabajadores del sector. “Generan entrenamiento para las nuevas generaciones de artistas, técnicos y artesanos”, sostuvo durante la charla.

Ramos afirmó que la Argentina se encuentra todavía en una etapa de expansión dentro del mercado audiovisual regional. “Todavía estamos en expansión”, dijo al describir el crecimiento de las producciones en el país. Sin embargo, aclaró que ese crecimiento requiere estabilidad y continuidad. “Nuestra escala es más paulatina”, explicó al comparar la industria audiovisual con otros sectores productivos.

“Es complejo en este momento para las pequeñas y medianas productoras argentinas que puedan disponer de recursos, inversiones desde su economía”

También advirtió sobre los riesgos de una expansión acelerada. “Cuando esto se fuerza y se crece aceleradamente, puede luego tener impactos de burbujas”, señaló.

En ese sentido, remarcó la necesidad de sostener el desarrollo del talento local como base del crecimiento de la industria. “Los artesanos tienen que desarrollar su oficio para ir creciendo paulatinamente”, afirmó.

Durante la conversación con periodistas, Ramos también se refirió al contexto económico de la Argentina y a las dificultades que enfrentan las productoras locales, ante la consulta de Infobae.

“Es complejo en este momento para las pequeñas y medianas productoras argentinas que puedan disponer de recursos, inversiones desde su economía”, sostuvo. Según explicó, la falta de financiamiento limita la capacidad de crecimiento de muchas empresas del sector. En ese escenario, Netflix planteó que su presencia en el país busca ser constante. “No ir y volver y ser oportunista, porque eso no termina consolidando la industria”, afirmó Ramos.

El ejecutivo también explicó que la compañía trabaja con distintos esquemas de producción. Algunas iniciativas son financiadas íntegramente por Netflix y otras se desarrollan en formato de coproducción. “Hacemos cosas que son 100 por ciento nuestras y otras donde somos compañeros de viaje”, dijo. Como ejemplo mencionó En el barro, desarrollada junto a Underground.

Nuevas producciones en la Argentina

En ese marco, la compañía también viene profundizando su presencia institucional en el país. Netflix celebró semanas atrás la apertura de sus nuevas oficinas en el barrio de Villa Crespo, en la Ciudad de Buenos Aires, desde donde continuará impulsando nuevas producciones hechas en la Argentina.

La empresa comenzó sus operaciones en Latinoamérica en 2011, produce contenido argentino desde 2018 y desde 2021 cuenta con oficinas en el país. Con la nueva sede, la compañía expandió su equipo local y reforzó su compromiso con el desarrollo de historias producidas en la Argentina con proyección internacional.

Desde ese espacio, Netflix anunció además parte de la programación prevista para 2026 y 2027, que incluye las producciones ya estrenadas en lo que va del año como El tiempo de las moscas, En el barro temporada 2, Parque Lezama, El último gigante; Envidiosa temporada 4 y y “Yiya Murano: Muerte a la hora del té”.

A eso se suman nuevas producciones en desarrollo como “Carísima”, “Crimen desorganizado”, “Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo”, “El futuro es nuestro”, En el barro temporada 3; “Felicidades”, “Fito Páez: El mundo cabe en una canción”, “Gordon”, “Lo dejamos acá”, “Mafalda”, “Mis muertos tristes”, “Moria”, la película de Santiago Mitre, “Perfecta: La voz de Silvina Luna”, “Risa y la cabina del viento”, la serie de Sebastián Borensztein y “Tiempo al tiempo”.

La adaptación cinematográfica de la novela superventas Remarkably Bright Creatures, estrenada por Netflix bajo el título Criaturas luminosas, ha consolidado un nuevo hito para el sello literario Night Owl Stories y la productora Anonymous Content. La obra debut de Shelby Van Pelt ya ostentaba más de 64 semanas en la lista de los títulos de ficción en tapa dura más vendidos del New York Times antes del lanzamiento del filme, y superó las 30 semanas continuas en la selección de ficción en rústica.

En este proyecto, Sally Field asume el protagonismo como Tova, una viuda que trabaja como limpiadora nocturna en un acuario local y que establece una relación inesperada con Marcellus, un pulpo gigante del Pacífico dotado de voz propia gracias a Alfred Molina. El guion, coescrito por John Whittington, se centra en la dinámica entre Tova, el joven Cameron (interpretado por Lewis Pullman) y Marcellus, trascendiendo la premisa básica de reencuentro intergeneracional para adentrarse en un drama de misterio y redescubrimiento personal. Respecto al reparto secundario, la producción incorpora nombres de relevancia como Colm Meaney, Joan Chen, Kathy Baker, Beth Grant y Sofia Black-D’Elia.

Criaturas luminosas se inscribe en una categoría de entretenimiento familiar poco frecuente en los estrenos contemporáneos de plataformas.

La estrategia de distribución de Netflix en fechas clave del calendario familiar

El análisis de programación realizado por Morgan sitúa este lanzamiento en sintonía con los movimientos de Netflix para dominar la ventana del Día de la Madre (En Estados Unidos y varios países de América Latina), un espacio tradicionalmente ocupado por propuestas destinadas a audiencias intergeneracionales. En 2025, la plataforma obtuvo una relevante respuesta del público y de la crítica con Nonnas, utilizada como precedente directo para asignar a Criaturas luminosas el mismo marco de exposición.

Este tipo de operación revela el interés en consolidar franquicias o marcas de evento anuales, un fenómeno ya habitual en otros ecosistemas cinematográficos y televisivos, pero que la plataforma intenta adaptar a sus propios ciclos de consumo. La elección de una novela con credenciales múltiples (más de 64 semanas en la lista de New York Times y liderazgo sostenido en el mercado de rústica) responde a la lógica de adquisición de propiedades intelectuales con alto potencial de retención y conversación social.

El casting intergeneracional y los desafíos del guion adaptado

En el apartado del elenco, la figura de Sally Field (dos veces ganadora del Óscar) proporciona capital simbólico inmediato al proyecto, secundada por Lewis Pullman y la participación vocal de Alfred Molina. La narrativa prioriza las experiencias de personajes marcados por la pérdida y el aislamiento, conectando sus trayectorias a través de un hilo común de reencuentro y autoafirmación.

El guion, trabajado por Whittington junto a Newman, equilibra elementos de fantasía y realismo emocional al dotar de agencia narrativa a Marcellus, el pulpo, un recurso que pone a prueba los límites convencionales de la empatía fílmica. La interacción entre Field y Pullman sostiene la credibilidad del drama, sin que los componentes alegóricos desplacen la autenticidad de la evolución personal retratada.

La fuente destaca que los registros interpretativos evitan ceder ante lo predecible, apoyándose en la construcción de una posible familia elegida en medio de circunstancias inusuales. El modelo de coescritura y casting planteado abre una línea de análisis futura sobre la sostenibilidad de este tipo de híbridos narrativos en la grilla de producciones de plataformas globales.

La película El Diablo Viste a la Moda 2 alcanzó una recaudación global de más de USD 258 millones hasta el 7 de mayo de 2026, posicionándose entre los principales estrenos del año para la industria cinematográfica internacional. El filme, producido por el estudio 20th Century Studios y con la participación de Meryl Streep y Anne Hathaway, se mantiene como uno de los títulos con mayor asistencia en salas de Estados Unidos y en mercados internacionales antes del fin de semana del Día de la Madre.

Según datos de el sitio especializado Box Office Mojo, la secuela sumó USD 101.844.258 en el mercado doméstico hasta el 7 de mayo y USD 156.600.000 en el extranjero, lo que eleva el total mundial a USD 258.444.258. Esta recaudación corresponde al periodo previo al Día de la Madre, que en Estados Unidos se celebrará el 10 de mayo, de acuerdo con el calendario oficial. El comportamiento de la taquilla será monitoreado durante el fin de semana, con especial atención al impacto que pueda tener la festividad sobre la asistencia.

De acuerdo con el portal Deadline, la segunda entrega de la franquicia de el estudio 20th Century Studios se enfrenta en cartelera a otros estrenos de alto presupuesto, como Mortal Kombat II y Michael, en una de las semanas para los cines estadounidenses de mayor recaudación anual. El antecedente inmediato de la saga, la primera película estrenada en 2006, cerró su recorrido global con más de USD 326.000.000, según el sitio especializado Box Office Mojo, lo que establece un punto de comparación para los resultados actuales.

¿Cuánto ha recaudado El Diablo Viste a la Moda 2 hasta el 7 de mayo de 2026?

De acuerdo con los registros de el sitio especializado Box Office Mojo, la película dirigida por David Frankel acumuló USD 101.844.258 en el mercado doméstico de Estados Unidos y USD 156.600.000 en el circuito internacional hasta el 7 de mayo. El total global asciende a USD 258.444.258, cifra que mantiene a la producción entre las más exitosas del año hasta la fecha.

Los datos corresponden a la recaudación previa al fin de semana del Día de la Madre, por lo que el comportamiento de la taquilla durante los días 8, 9 y 10 de mayo será determinante para establecer el impacto total de la festividad en los ingresos del filme. Según el portal Deadline, se espera un aumento en la concurrencia durante ese periodo. Los resultados oficiales estarán disponibles después del cierre de las proyecciones del domingo.

¿Por qué el Día de la Madre impacta en la taquilla de la película?

El Día de la Madre en Estados Unidos se celebra el segundo domingo de mayo, que en 2026 corresponde al 10 de mayo. Esta fecha es una de las de mayor concurrencia para la industria cinematográfica, debido al incremento de la asistencia familiar a las salas, según informes de el portal Deadline. Las distribuidoras suelen programar estrenos dirigidos a públicos femeninos o familiares para aprovechar la tendencia estacional.

En el caso de El Diablo Viste a la Moda 2, la estrategia de lanzamiento buscó captar la atención de mujeres adultas y familias, replicando el enfoque de la primera entrega. De acuerdo con el portal Deadline, el comportamiento de audiencia suele reflejar un repunte durante el fin de semana del Día de la Madre, lo que podría traducirse en un aumento en las cifras de recaudación para la cinta protagonizada por Meryl Streep y Anne Hathaway.

¿Cómo se compara la recaudación de El Diablo Viste a la Moda 2 con la de otros estrenos recientes?

Durante la primera semana de mayo, El Diablo Viste a la Moda 2 compartió cartelera con títulos como Mortal Kombat II, Michael y Sheep Detectives, según el portal Deadline. La competencia directa con otros lanzamientos de alto presupuesto genera un escenario de fuerte rivalidad por la preferencia de los espectadores. Las estimaciones de la industria ubicaban a El Diablo Viste a la Moda 2 y Mortal Kombat II con proyecciones similares para el fin de semana, en torno a los USD 40.000.000 cada uno.

El total recaudado por la secuela hasta el 7 de mayo supera ampliamente los USD 100.000.000 en Estados Unidos, una barrera que pocas películas han alcanzado en 2026, de acuerdo con el sitio especializado Box Office Mojo. A nivel internacional, el filme también destaca por su desempeño, con más de USD 156.000.000 fuera del mercado estadounidense.

¿Cuál es el perfil de la audiencia de El Diablo Viste a la Moda 2?

La estrategia de el estudio 20th Century Studios para El Diablo Viste a la Moda 2 estuvo orientada a segmentar la audiencia femenina y familiar, en sintonía con la fecha del Día de la Madre. Según el portal Deadline, la programación de estrenos en fechas señaladas responde a una lógica comercial que busca maximizar la asistencia en periodos de alta demanda.

El análisis de el portal Deadline indica que el 76% de la audiencia del filme en semanas previas corresponde a mujeres, un dato que coincide con el perfil de público de la primera película. La expectativa de la industria se centra en el posible repunte de la asistencia durante el fin de semana, aunque los datos oficiales estarán disponibles tras el cierre de la taquilla del domingo.

¿Qué efecto tiene la recaudación de El Diablo Viste a la Moda 2 en la industria cinematográfica?

La recaudación acumulada por El Diablo Viste a la Moda 2 refuerza la tendencia de los grandes estudios a apostar por secuelas y franquicias como motores de ingresos globales, según el sitio especializado Box Office Mojo. La comparación con el desempeño de la primera entrega, que sumó más de USD 326.000.000 a nivel mundial, establece un parámetro relevante para evaluar la evolución de la saga.

El comportamiento de la taquilla en la primera semana de mayo proporciona información sobre las preferencias del público y la eficacia de las estrategias de lanzamiento en fechas señaladas. Las proyecciones de el portal Deadline anticipan que el resultado final dependerá de la permanencia del interés del público y de la competencia directa con otros títulos en cartelera durante las próximas semanas.

¿Cuáles son las expectativas tras el fin de semana del Día de la Madre?

Con una recaudación global que supera los USD 258.000.000 hasta el 7 de mayo y la expectativa de un incremento durante el fin de semana del Día de la Madre, El Diablo Viste a la Moda 2 se perfila como uno de los títulos más exitosos de la temporada. Según el portal Deadline, la evolución de la taquilla tras la festividad será decisiva para determinar la posición final de la película entre los estrenos destacados de 2026.

La experiencia de este lanzamiento podría influir en la planificación de futuros estrenos dirigidos a públicos específicos en fechas de alta concurrencia. Los resultados oficiales posteriores al 10 de mayo permitirán comparar el desempeño de la secuela con otros títulos lanzados en periodos similares y definir el impacto real del Día de la Madre en los ingresos del sector.

Tras varias décadas alejados del emblemático escenario de Las Vegas, Martin Scorsese y grandes figuras de Hollywood preparan un ambicioso regreso con una serie thriller aún sin título para Netflix. El proyecto, anunciado oficialmente en mayo de 2026 tras meses de rumores, estará protagonizado por Oscar Isaac, quien interpretará a Robert ‘Bobby Red’ Redman, presidente de uno de los casinos más influyentes de la ciudad. Este drama explora las sendas oscuras del poder, la ambición y las apuestas que definen a la capital mundial del juego. La producción representa una estrategia clave de Netflix para asociarse con talentos reconocidos y fortalecer su catálogo en un sector caracterizado por la competencia constante.

Características del proyecto y equipo creativo

La serie tendrá ocho episodios y cuenta con un equipo creativo y actoral de primer orden. Martin Scorsese, cuyo vínculo con Las Vegas se consolidó con la película Casino en 1996, regresa como productor a través de su empresa Sikelia Productions. El guion y la supervisión general estarán a cargo de Brian Koppelman y David Levien, creadores de Billions, quienes también han trabajado en relatos sobre riqueza y apuestas en producciones como Rounders y Ocean’s 13. Oscar Isaac, además de protagonista, participa como productor ejecutivo mediante su compañía Mad Gene, fundada junto a Elvira Lind y Gena Konstantinakos.

J.C. Chandor dirigirá los dos primeros episodios y también participará en la producción, continuando así su colaboración previa con Isaac en Triple frontera y El año más violento. El elenco incluye la presencia de Jennifer Lawrence y Leonardo DiCaprio en papeles aún no revelados, lo que supone la séptima colaboración entre Scorsese y DiCaprio. Se anticipa que la serie tendrá un tono oscuro y sofisticado, con una atmósfera de tensión constante característica de los thrillers centrados en el crimen organizado y las luchas de poder.

Trayectoria de Oscar Isaac y perspectivas industriales

La alianza entre Oscar Isaac y Netflix es un avance significativo para ambas partes. En los últimos meses, el actor ha destacado por su trabajo en Frankenstein de Guillermo del Toro y en la segunda temporada de Bronca junto a Carey Mulligan. Netflix ha ampliado su colaboración con Isaac al adquirir los derechos de estreno de In the Hand of Dante, dirigida por Julian Schnabel y protagonizada por el actor guatemalteco-estadounidense, consolidando una relación preferencial para futuros proyectos de cine y televisión bajo el sello de Mad Gene.

El lanzamiento de esta nueva serie se inscribe en un contexto de creciente competencia entre plataformas de streaming, donde atraer a grandes figuras es fundamental para sumar y mantener suscriptores. La decisión de volver a Las Vegas mediante un thriller evidencia una apuesta por una fórmula eficaz, pero también ofrece una nueva mirada sobre los desafíos, los riesgos y la corrupción presentes tras bambalinas en una industria que sigue generando atención global. La experiencia de Scorsese en la representación de temas como el poder, el crimen y las complejidades éticas del capitalismo estadounidense brinda al proyecto una base firme para destacar tanto en calidad como en impacto mediático.

El rodaje en Las Vegas y su efecto en la ciudad

El inicio del rodaje está programado para el verano de 2026 y se prevé que su realización tendrá efectos concretos en la economía local de Las Vegas y en la imagen internacional de la ciudad. La llegada de producciones de alto presupuesto suele traducirse en beneficios directos para el sector turístico y hotelero, generando empleos temporales y reforzando la reputación de la ciudad como un centro global de entretenimiento y glamour. Durante la filmación, se anticipa un despliegue logístico relevante debido al estilo hiperrealista que Scorsese imprime en sus producciones audiovisuales.

En términos sociales, la representación del submundo del juego puede conectar con historias de ascenso social, riesgos económicos y las consecuencias personales de vivir en espacios dominados por una ambición desmedida. Sin embargo, otras producciones han sido objeto de polémica por la supuesta glorificación de estilos de vida asociados al crimen y la corrupción, un aspecto que el equipo creativo ha indicado que abordarán de forma crítica y matizada, según declaraciones recientes en medios especializados.

Asimismo, la serie podría analizar cómo los cambios tecnológicos y regulatorios han modificado el negocio del juego en las últimas décadas, un tema relevante para un público internacional atento a los debates actuales sobre legalidad y adicciones.

Disney y 20th Century Studios han aprobado una nueva entrega de El Planeta de los Simios, esta vez bajo la dirección de Matt Shakman, conocido por su trabajo en Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos y la serie WandaVision. La película seguirá una historia original y se apartará de la narrativa reciente, según fuentes cercanas a la producción. Esta decisión busca revitalizar una de las sagas de ciencia ficción más longevas y exitosas, e involucra también a Josh Friedman en el guion, conocido por sus trabajos en Avatar: El camino del agua y El Planeta de los Simios: Nuevo Reino. Todavía no se conocen detalles sobre la trama, el reparto ni posibles fechas de estreno, pero la apuesta refuerza el interés de Disney en expandir el universo de los simios tanto en el cine como en las plataformas de streaming.

Un nuevo horizonte creativo para la saga

La franquicia El Planeta de los Simios ha sido un referente de la ciencia ficción cinematográfica desde su debut en 1968. Inspirada en la novela de Pierre Boulle, la historia de una Tierra dominada por simios inteligentes tras el colapso humano ha conquistado a distintas generaciones. Tras el éxito de la reciente El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, dirigida por Wes Ball y con 397 millones de dólares recaudados mundialmente, Disney apuesta ahora por un filme que no seguirá la narrativa de César, sino que inaugurará un nuevo capítulo bajo el liderazgo de Matt Shakman.

Este movimiento desmiente los rumores acerca de la supuesta pérdida de fuerza de la franquicia tras la conclusión de la trilogía de César, que cerró en 2017 con buenos resultados en crítica y taquilla. La llegada de Shakman, conocido por dar nuevo impulso a propiedades intelectuales tanto en cine como en televisión, abre expectativas sobre posibles rumbos de un universo simiesco que todavía ofrece gran potencial narrativo.

La propuesta del nuevo equipo creativo

Matt Shakman se ha posicionado como uno de los directores preferidos por Disney, obteniendo reconocimiento internacional con WandaVision -que le valió una nominación al Emmy- y más recientemente por Los Cuatro Fantásticos: Primeros Pasos, que recaudó 521 millones de dólares en todo el mundo. Su capacidad para unir espectáculo visual con profundidad narrativa ha sido clave para ganarse la confianza del estudio y de los productores históricos de la saga, Rick Jaffa y Amanda Silver.

Le acompañará Josh Friedman, guionista de éxitos como Avatar: El camino del agua y la propia El Planeta de los Simios: Nuevo Reino. Friedman es reconocido por crear historias complejas que exploran cuestiones sociales a través de la ciencia ficción, una característica presente en los momentos más destacados de la franquicia de los simios. Con su incorporación, el proyecto busca ofrecer una propuesta innovadora tanto para los seguidores habituales como para nuevos espectadores.

Aunque los detalles sobre la trama permanecen en reserva, las fuentes aseguran que la nueva película no será una continuación de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, sino una historia completamente independiente. Así, el equipo creativo gozará de libertad para explorar otros escenarios, personajes y problemáticas dentro del extenso universo ideado por Boulle y desarrollado durante años por Fox, hoy 20th Century Studios, y Disney.

Implicaciones para el público y la industria cinematográfica

El anuncio de Disney sobre la nueva película de El Planeta de los Simios responde al buen desempeño en taquilla de las entregas recientes y a la necesidad de mantener vigente un universo de alto valor en un mercado donde sagas y franquicias lideran la oferta audiovisual. Para los fanáticos, saber que la nueva historia no continuará la trama de César puede ser visto como una oportunidad para descubrir nuevas historias, aunque también representa el riesgo de perder vínculos con los personajes más recientes.

Para la industria, encargar el desarrollo de una línea argumental completamente nueva mientras se proyecta una secuela directa de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino para 2027, nuevamente bajo la dirección de Wes Ball, establece una tendencia en estudios como Disney: diversificar historias dentro de una misma franquicia para asegurar su relevancia y rendimiento financiero a largo plazo. Esta estrategia, vista en sagas como Star Wars o el Universo Cinematográfico Marvel, permite captar distintos públicos y mantener el dinamismo creativo.

En términos comerciales, el éxito acumulado de la saga -más de 1.700 millones de dólares en taquilla desde 1968- garantiza que cada estreno reciba atención global. Sin embargo, persisten dudas sobre el alcance real del proyecto. La falta de sinopsis oficial o elenco anunciado genera incertidumbre entre los seguidores respecto al enfoque creativo, mientras que el equipo de producción deberá equilibrar los deseos de los fanáticos tradicionales de la ciencia ficción con la necesidad de atraer nuevas audiencias en la era del streaming.

Retos y contradicciones para el porvenir de la franquicia

El anuncio de esta nueva entrega coincide con el desarrollo de una próxima secuela directa de El Planeta de los Simios: Nuevo Reino, que contará nuevamente con Wes Ball en la dirección y se espera para 2027. La confirmación de que Matt Shakman liderará un proyecto independiente plantea retos en cuanto a la coherencia del universo narrativo, una inquietud habitual entre críticos y aficionados cuando una franquicia adopta líneas temporales o relatos alternativos.

Otra contradicción surge en la estrategia de apostar por secuelas y nuevas historias dentro de un mismo universo fílmico. Aunque esto permite sacar el máximo provecho a la marca, también puede causar confusión o incluso fatiga entre el público, ante la saturación de producciones relacionadas pero argumentalmente independientes.

Para el público general, más allá del despliegue visual de estas grandes producciones, hay repercusiones concretas: el éxito sostenido de la franquicia genera empleo en la industria audiovisual y renueva el interés en la ciencia ficción como forma de reflejar problemáticas actuales, desde los conflictos de poder hasta el papel de la tecnología y la inteligencia artificial en la sociedad. Si el nuevo esfuerzo encabezado por Shakman y Friedman consigue transformar el universo de los simios en relatos relevantes y contemporáneos, su impacto podría ir más allá de la taquilla y dejar huella en la cultura popular.

Estamos en pleno mayo de 2026 y, si algo ha quedado claro, es que las salas de cine han recuperado su estatus de templos del entretenimiento masivo. Entre secuelas esperadas por décadas, adaptaciones de ciencia ficción de alto nivel y el regreso de los héroes más icónicos, el 2026 se perfila como el año más rentable de la década.

De acuerdo con Gemini, el asistente con inteligencia artificial de Google, estas son las películas que se perfilan como las más taquilleras —y posiblemente premiadas— del año.

Los gigantes que ya dominan la taquilla (enero - mayo 2026)

El primer cuatrimestre del año ha dejado el listón altísimo con cuatro títulos que han movilizado a audiencias de todas las edades:

• Super Mario Galaxy: la película

Tras el éxito de 2023, Nintendo e Illumination lo han vuelto a hacer. Estrenada el 1 de abril, esta secuela ha expandido el universo a las estrellas, literalmente. La crítica ha alabado su despliegue visual y, comercialmente, ya es la película más taquillera de lo que va de año, superando la barrera de los $1,000 millones en tiempo récord.

• Proyecto Hail Mary

La ciencia ficción “dura” ha demostrado que también puede ser un éxito de masas. Con un Ryan Gosling carismático y una dirección magistral, la adaptación de la novela de Andy Weir llegó a finales de marzo. Ha logrado lo que pocos: cautivar a los amantes de la ciencia y al público general, convirtiendo a “Rocky” (el alienígena coprotagonista) en el nuevo icono pop del año.

• Michael (Parte 1)

El biopic de Michael Jackson se estrenó el 24 de abril rodeado de una expectación sin precedentes. Jaafar Jackson ha dejado a todos boquiabiertos con una interpretación que muchos califican de “poseída” por el espíritu de su tío. Las salas de todo el mundo se han llenado de fans nostálgicos, asegurando un éxito financiero masivo para Lionsgate.

• El diablo viste a la moda 2

La sorpresa de mayo. Estrenada hace apenas unos días (el 1 de mayo), el regreso de Meryl Streep, Anne Hathaway y Emily Blunt ha sido el evento cultural de la primavera. Incluso Christopher Nolan ha salido recientemente a decir que es “fabulosa”. La rivalidad entre la moda tradicional y el caos digital ha resonado con fuerza, llenando los cines de estilo y cinismo de alta costura.

Lo que viene: un calendario sin descanso para los cines

Si creías que lo habías visto todo, prepárate. Lo que queda de 2026 es una procesión de eventos cinematográficos:

• Toy Story 5 (19 de junio)

Disney y Pixar apuestan sobre seguro. La nostalgia de Andy (ahora adulto) y el regreso de Woody y Buzz prometen ser el refugio familiar del verano.

• La Odisea (17 de julio)

El regreso de Christopher Nolan. Una adaptación épica de la obra de Homero protagonizada por Matt Damon. Tras el triunfo de Oppenheimer, este es el “cine evento” por excelencia: rodado en IMAX y con una escala técnica que promete redefinir el género histórico.

• Spider-Man: Un nuevo día (24 de julio)

Tom Holland vuelve a ponerse el traje apenas una semana después del estreno de Nolan. Es el inicio de una nueva trilogía que promete un Peter Parker más maduro y urbano. La preventa ya está colapsando sitios web.

Diciembre de 2026: el choque de los titanes

El cierre de año será, posiblemente, el duelo más grande en la historia de la taquilla moderna. Dos colosos se enfrentan el mismo día: 18 de diciembre.

• Avengers: Doomsday

El regreso de los Vengadores con el giro más comentado de la década: Robert Downey Jr. como el Doctor Doom. Marvel Studios se juega el todo por el todo en una película que apunta a ser el mayor estreno de la historia.

• Dune: Messiah (Dune: Parte 3)

Denis Villeneuve cierra su trilogía épica. Tras el éxito de las dos primeras partes, la conclusión de la historia de Paul Atreides (Timothée Chalamet) es el evento cinematográfico de autor más esperado.

Disney vuelve a apostar por la magia de las hermanas Sanderson. Según reportes publicados el 6 de mayo de 2026 por Deadline, la película Hocus Pocus 3 se encuentra oficialmente en fase inicial de desarrollo, con el regreso confirmado de sus protagonistas originales: Bette Midler, Sarah Jessica Parker y Kathy Najimy.

El interés por una nueva entrega de la franquicia Abracadabra (su título en Hispanoamérica) se remonta a 2023. Ese año, el entonces presidente de Walt Disney Studios Motion Picture Production, Sean Bailey, anunció que la compañía trabajaba en una nueva secuela tras el éxito de Hocus Pocus 2.

No obstante, tras la salida de Bailey en 2024, el proyecto quedó en una especie de limbo. A esto se sumaron negociaciones salariales con Midler, Parker y Najimy, que retrasaron el avance de la producción.

Según Deadline, ya se alcanzaron acuerdos clave, lo que permitió retomar el desarrollo de la película. No obstante, debido a que el proceso se encuentra en una etapa temprana, no se ha revelado la trama específica del filme.

Otro cambio importante respecto a la secuela anterior es su posible estrategia de distribución. Mientras Hocus Pocus 2 se estrenó directamente en Disney+, la tercera entrega contempla un lanzamiento en cines, reflejo del interés sostenido del público por la saga.

El renovado impulso de la franquicia se explica, en gran medida, por el desempeño de Hocus Pocus 2 (2022). La película se convirtió en un éxito en streaming: alcanzó 2.7 mil millones de minutos vistos en su fin de semana de estreno. Así encabezó los rankings de Nielsen y se convirtió en el lanzamiento original más visto en Disney+ durante sus primeros días.

Por otro lado, la guionista Jen D’Angelo —quien escribió la secuela— ha adelantado que el equipo creativo continúa con el desarrollo de ideas para la tercera entrega. El proceso incluye nuevas direcciones narrativas y personajes, así como la expansión del arco de la “madre bruja” introducida en la segunda película.

De fracaso en taquilla a clásico de culto

La historia de Hocus Pocus (Abracadabra) comenzó en 1993, cuando Disney estrenó la película dirigida por Kenny Ortega. Ambientada en Salem durante la noche de Halloween, la trama sigue a tres brujas del siglo XVII —Winifred (Midler), Sarah (Parker) y Mary (Najimy)— que son resucitadas accidentalmente por un adolescente tras encender la vela de la llama negra.

Las hermanas intentan robar la esencia vital de los niños del pueblo para alcanzar la inmortalidad, lo que desata el caos mientras un grupo de jóvenes intenta detenerlas antes del amanecer.

El reparto original incluyó también a Omri Katz, Thora Birch, Vinessa Shaw y Sean Murray. A pesar de contar con un elenco destacado, la película recibió críticas mixtas y fue un fracaso comercial en su estreno, con pérdidas para Disney.

No obstante, con el paso del tiempo, el filme fue redescubierto gracias a sus emisiones televisivas anuales durante Halloween, en especial en canales como Disney Channel y Freeform. Ese fenómeno la convirtió en un clásico de culto, con un crecimiento sostenido en popularidad y ventas en cada temporada.

Casi tres décadas después, Disney estrenó Hocus Pocus 2 en 2022, con Anne Fletcher como directora. La película retoma la historia 29 años después de los eventos originales, cuando las hermanas Sanderson regresan una vez más en busca de venganza.

En esta ocasión, un nuevo grupo de adolescentes —interpretados por Whitney Peak, Belissa Escobedo y Lilia Buckingham— debe detenerlas antes de que causen estragos en Salem. La secuela también amplía el trasfondo de las brujas y explora su origen siglos atrás.

El fenómeno de los spoilers ha generado un clima de tensión tanto en la industria cinematográfica como entre el público, especialmente ante el próximo estreno de Avengers: Doomsday el 18 de diciembre. Joe Russo, codirector junto a su hermano Anthony de este importante proyecto de Marvel Studios, ha reconocido en recientes entrevistas que, a pesar de la vigilancia y las medidas estrictas implementadas para proteger la película, es prácticamente imposible controlar todas las filtraciones.

La discusión sobre el exceso de control ha cobrado fuerza mientras redes sociales y foros se llenan de especulaciones y rumores sobre la trama y los cameos del filme, principalmente por el retorno de Robert Downey Jr. al Universo Cinematográfico de Marvel.

Visión de los cineastas sobre las filtraciones de información

Los hermanos Russo, considerados fundamentales tras los éxitos de la Saga del Infinito, han enfrentado numerosos desafíos relacionados con la filtración de detalles antes de los estrenos de grandes producciones del universo Marvel. Según sus propias declaraciones, las sorpresas son importantes para la experiencia en el cine, pero no pueden ser el único atractivo. Joe Russo afirma que diseñan estas películas para que se experimenten de una manera determinada, y desean que el público viva esos momentos tal como fueron concebidos. De igual forma, reconoce que no es posible controlar por completo la situación y que el enfoque debe estar en crear algo que trascienda la sorpresa inicial. Esta perspectiva resalta la relevancia de que la obra se mantenga vigente más allá de cualquier revelación prematura.

El control estricto ejercido por Marvel ha aumentado en años recientes, con la implementación de protocolos como cláusulas de confidencialidad, compartimentación de guiones y protección en el acceso tanto a locaciones como a materiales de rodaje. Sin embargo, tal como ha admitido Joe Russo, ni siquiera estas estrategias son totalmente eficaces ante el entusiasmo de los fans y la velocidad de difusión en redes. Esta inquietud colectiva por anticipar o descubrir información exclusiva genera una dinámica en la que el pleno disfrute del estreno se ve eclipsado por el temor a los spoilers.

En la antesala de Avengers: Doomsday, experiencias recientes y preocupaciones reales

La experiencia de Marvel con las filtraciones no es nueva. Películas como Vengadores: Infinity War y Vengadores: Endgame sufrieron importantes fugas de detalles antes de sus estrenos, algunas provenientes de integrantes del propio elenco. Este tipo de incidentes causó frustración entre los seguidores que deseaban vivir la experiencia original sin influencias externas.

Para Avengers: Doomsday, Marvel ha incrementado las medidas de seguridad y hasta el momento ha logrado mantener bajo resguardo algunas de las sorpresas más relevantes. Sin embargo, el propio Joe Russo advierte que solo es cuestión de tiempo antes de que internet se llene de spoilers. La expectativa crece, no solo por el regreso de figuras como Robert Downey Jr., sino también por la magnitud del proyecto, lo que convierte cada nuevo rumor en tendencia y motivo de discusión en las comunidades en línea. Esta situación afecta a la audiencia general, que muchas veces debe evitar conversaciones, titulares o memes para no arruinar la experiencia.

La cultura de los spoilers y el fandom: entre la ansiedad y la prevención

Más allá de la pérdida del efecto sorpresa, el fenómeno de los spoilers pone en evidencia tensiones profundas en la relación entre la industria y el público. Por un lado, la proliferación de foros, cuentas especializadas y filtradores anónimos alimenta el deseo colectivo de conocer detalles antes del estreno. Por otra parte, la preocupación se extiende entre quienes desean preservar la experiencia, lo que genera divisiones y reglas informales sobre lo que se puede discutir de manera abierta.

El control de la información ocurre incluso fuera de internet, con campañas que apelan a la responsabilidad de los espectadores y llamados a no afectar la experiencia ajena. Sin embargo, la facilidad con la que cualquier información puede volverse viral evidencia los límites del control empresarial sobre la narrativa y el consumo cultural. El caso de Avengers: Doomsday destaca un problema de alcance global, donde la expectativa por el estreno convive con la preocupación constante de que la experiencia se vea arruinada.

El enfoque familiar en la narrativa de terror

Evil Dead: En Llamas diferencia su historia al ambientarla en el núcleo de una familia reciente en duelo y cada vez más aterrada. La protagonista, interpretada por Souheila Yacoub, se enfrenta al miedo cuando sus seres queridos son transformados en Deadites, criaturas poseídas por espíritus demoníacos característicos de la franquicia.

El tráiler aumenta las referencias sangrientas: desde la aparición de un cuerpo con señales de violencia tras un accidente automovilístico, hasta escenas de zombis bebiendo cera derretida y utensilios domésticos utilizados como armas mortales. Uno de los momentos más perturbadores muestra una confrontación en torno a un lavavajillas lleno de cuchillos, intensificando el nivel de violencia gráfica que caracteriza la saga.

Recepción del público y evolución de Evil Dead

La propuesta parece aumentar la dosis de terror y caos para los seguidores de la franquicia, planteando además cómo el trauma y la pérdida funcionan como el origen de una nueva espiral de horror. Evil Dead debutó en 1981 bajo la dirección de Sam Raimi y desde entonces ha evolucionado de una producción independiente a una franquicia global.

Bruce Campbell, figura emblemática de la saga, regresa en esta ocasión como productor ejecutivo junto a Lee Cronin, quien desarrolló Evil Dead Rise en 2023. La evolución se hace notoria: del clásico grupo de amigos en cabañas al ambiente de tensión familiar íntima y desgarradora.

Reparto internacional y regreso de los creadores originales

La película cuenta además con la participación de actores reconocidos del cine y la televisión. Tandi Wright, Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Errol Shand, Maude Davey, George Pullar y Greta Van Den Brink conforman el núcleo familiar y las posibles víctimas del asedio demoníaco. Detrás de cámaras, Sébastien Vaniček asume la dirección de esta entrega, aportando su experiencia previa en otros géneros.

Sam Raimi y Rob Tapert, junto a Lee Cronin, producen la película bajo el sello Ghost House Pictures, con el respaldo financiero de New Line Cinema y Sony Pictures. Sony se encargará también de la distribución internacional por medio de Columbia Pictures. El futuro de la franquicia ya está en marcha: una séptima entrega, titulada Evil Dead Wrath, también está en desarrollo para 2028.

Treinta y cuatro años después del lanzamiento del álbum más vendido de la historia, Michael Jackson volvió a conquistar las listas musicales globales. Esta vez, el impulso llegó con el estreno de Michael, el gran biopic sobre su vida producido en Hollywood.

La película, dirigida por Antoine Fuqua y protagonizada por su sobrino Jaafar Jackson, llegó a los cines el 24 de abril y desató un fenómeno de consumo musical poco habitual en un artista que lleva más de quince años sin publicar material inédito.

El impacto comenzó en la taquilla. Durante su primer fin de semana en Norteamérica, Michael recaudó 97 millones de dólares, muy por encima de las proyecciones iniciales. Tras dos semanas en cartelera, el filme ya supera los 400 millones de dólares a nivel global.

El efecto se trasladó con rapidez a las plataformas digitales. De acuerdo con datos de Luminate publicados por Billboard el 29 de abril, el catálogo en solitario de Jackson acumuló 47,9 millones de reproducciones oficiales en Estados Unidos durante el fin de semana de estreno (del 24 al 26 de abril), lo que representa un aumento del 116% frente al mismo periodo de la semana anterior. En ese mismo intervalo, Shazam registró un volumen de búsquedas un 140% mayor que el del fin de semana previo.

Según Billboard, varias canciones del artista ya mostraban cifras en alza antes del estreno. La expectativa por la película había reactivado el interés del público en varios clásicos de su repertorio.

El fenómeno también alcanzó a las agrupaciones familiares del Rey del Pop. El catálogo de The Jackson 5 registró 3,4 millones de reproducciones durante el fin de semana de estreno, un incremento del 89% frente al periodo equivalente anterior. The Jacksons, la segunda formación tras su salida de Motown, sumó 1,8 millones de streams en esos tres días, con un alza del 104%, según Billboard.

Número uno global

A inicios de mayo, el alcance del fenómeno colocó a Michael Jackson en la cima del consumo musical por streaming. De acuerdo con Kworb, con datos actualizados al 6 de mayo, el artista alcanzó 11.245 puntos en el Global Digital Artist Ranking y lidera la clasificación durante más de tres días consecutivos. El ranking integra datos de plataformas como Spotify, Apple Music, YouTube, iTunes, Deezer y Shazam. En ese periodo, se impuso a figuras activas de la industria como Taylor Swift y Justin Bieber.

Asimismo, Michael Jackson superó los 81 millones de oyentes mensuales en Spotify, la mayor cifra de su carrera en esa plataforma.

Las canciones que impulsaron el regreso

“Billie Jean” encabezó el repunte. Según Billboard, la canción acumuló 4 millones de reproducciones en Estados Unidos durante el fin de semana de estreno y subió 60 posiciones en el chart semanal global hasta el puesto 5. Apple Music reportó que el lunes 28 de abril Jackson contaba con ocho canciones en su Daily Top 100 Global, con “Billie Jean” como la mejor posicionada en el puesto 11.

Forbes señaló además que “Billie Jean” alcanzó el puesto 11 en el ranking R&B/Hip-Hop Digital Song Sales de Billboard, lo que representa un nuevo máximo para el tema en esa lista.

“Beat It” también registró un fuerte ascenso: subió 117 posiciones hasta el puesto 15 en el chart semanal global y debutó en el ranking R&B/Hip-Hop Digital Song Sales.

“Don’t Stop ‘Til You Get Enough” y “Smooth Criminal” ingresaron al top 100 global durante el fin de semana, mientras que, entre las canciones de The Jackson 5, “I Want You Back” lideró con 994.000 reproducciones, seguida de “Blame It on the Boogie” con 559.000, de acuerdo con Billboard.

“Thriller” vuelve al Top 10

El repunte también se reflejó en los álbumes. La lista Billboard 200 publicada el 3 de mayo ubicó a Thriller en el puesto 7, con más de 45.000 unidades vendidas. El disco, que en 1982 pasó 37 semanas en el número uno del ranking, mantiene su vigencia más de cuatro décadas después de su lanzamiento.

La compilación Number Ones, por su parte, ascendió al puesto 21 del Top Streaming Albums, según Forbes.

El estreno de Super Mario Galaxy: La película ha representado un éxito rotundo en taquilla, aunque no ha estado libre de polémica. La principal crítica, tanto de especialistas como de una parte del público, se centra en su ritmo inusualmente rápido, con apenas 90 minutos colmados de acción y gags. Shigeru Miyamoto, figura clave en la historia de Nintendo, defendió públicamente esta estrategia narrativa, explicando las razones detrás de cada decisión en la nueva producción a cargo de Illumination.

Motivaciones detrás de la elección de un ritmo acelerado

Miyamoto explicó que el formato escogido para la película tenía como objetivo evitar que padres y niños se desconectaran de la experiencia en el cine. Señaló que buscaba crear una obra que resultara atractiva para ambas generaciones: “He visto cómo a menudo los padres asisten por obligación, mientras que los niños se impacientan. No quería que pasara eso en nuestro caso”. Por ello, optaron por una estructura basada en la suma de pequeñas unidades narrativas de tres minutos cada una; así, treinta de estas unidades conforman el metraje completo, procurando mantener una atención constante sin largos periodos de quietud.

La metodología aplicada, inspirada en la propia manera en que Miyamoto desarrolla videojuegos, fue llevada a cabo por Illumination mediante el intercambio y reordenamiento de estas unidades para asegurar densidad y dinamismo. Se eliminaron elementos superfluos sin descartar el material desarrollado, con la intención de que casi cada segundo de la película aportara algo relevante o disfrutable. El resultado es una secuencia continua de escenas ideadas para captar y sostener la atención, aunque esto limite el desarrollo pausado de los personajes.

Técnicas de producción y consecuencias en la narrativa

Illumination, el estudio responsable de la animación bajo la supervisión de Nintendo, estructuró la película como un mosaico de breves sketches y situaciones compactas. Miyamoto diferenció este enfoque de otros estilos más tradicionales, en los que una narrativa prolongada permite desarrollar la dimensión emocional de los personajes o construir historias secundarias. En este caso, la prioridad está en la acumulación de situaciones llamativas y gags, así como en referencias que los seguidores de la franquicia reconocerán como fan service.

Algunas críticas especializadas apuntan que este método de producir densidad visual y narrativa deja poco espacio para momentos realmente memorables o de introspección. El argumento central a menudo queda relegado a favor de un entretenimiento inmediato y de corta duración. Aunque muchos niños disfrutan la película sin descanso, una parte del público adulto considera que la rapidez sacrifica la posibilidad de conectar emocionalmente con los personajes y la trama. Sin embargo, Miyamoto sostiene que el equilibrio logrado es apropiado para este film concreto, cuyo público principal está formado en su mayoría por menores acompañados de adultos.

Impacto en la audiencia y reacciones opuestas

Los resultados de taquilla confirman el éxito comercial de Super Mario Galaxy: La película, superando las expectativas de los productores tras la recepción del primer largometraje. No obstante, el debate sobre la calidad narrativa persiste tanto en los medios como en redes sociales. Parte de esta discusión proviene de la percepción de que la película prioriza la variedad de chistes y referencias sobre el desarrollo de arcos para personajes como Mario, Luigi o Peach.

Miyamoto, lejos de desestimar los comentarios negativos, ha remarcado que el método adoptado responde a la misma lógica que aplica en los videojuegos más representativos de Nintendo, donde cada nivel o sección debe tener valor propio y aportar al conjunto de la experiencia, incluso cuando se trata de una obra breve. En recientes entrevistas, subrayó que la densidad de escenas permite que en visualizaciones posteriores se descubran detalles inadvertidos durante un primer visionado.

La película, por su parte, podría reforzar aún más su impacto gracias a su próxima disponibilidad en plataformas de video bajo demanda, prevista para el 19 de mayo, lo que brindará a más familias la oportunidad de verificar por sí mismas si el ritmo acelerado suma o resta a la experiencia final. La estrategia de Nintendo de mantener ciertos antecedentes introducidos en la película, como el de Peach, podría influir en los futuros títulos de la saga, marcando así un posible cambio de enfoque en la franquicia.

A diferencia de otros estrenos de género, la película aparece respaldada por un equipo con historial probado en el mercado internacional. Øvredal, responsable de títulos como La autopsia de Jane Doe y Historias de miedo para contar en la oscuridad, lidera una producción desarrollada desde 18Hz y Coin Operated, en colaboración con Domain Entertainment y una nómina de productores ejecutivos entre los que se incluyen Jenny Hinkey, Nathan Samdahl y Pete Chiappetta. El protagonismo recae en Melissa Leo, Jacob Scipio y Lou Llobell, consolidando la presencia de figuras reconocidas tanto en circuitos de terror como en producciones mainstream.

Las primeras reacciones de medios especializados han posicionado El Pasajero del Diablo como “una de las apuestas más llamativas del terror para 2026”, citando la construcción de ambiente opresivo y sobresaltos efectivos en el avance. El guion, firmado por Zachary Donohue y T.W. Burgess, explora el vehículo de la carretera y el viaje como amenazas, instaurando la persecución demoniaca como eje central de la experiencia.

El diseño de la campaña: horror para la pantalla grande

La estrategia de lanzamiento ejecutada por Paramount diferencia al título de las tendencias actuales en el género, desplazando su presentación exclusiva a cines y enfatizando la necesidad de la gran pantalla para maximizar la reacción del público.

El avance dedicado recurre a imágenes de alto impacto: cuerpos atravesando parabrisas, figuras al borde del camino y elementos reconocibles del terror contemporáneo —como una iglesia en llamas— ordenados para subrayar una promesa de intensidad ininterrumpida. Desde el punto de vista de mercado, Paramount busca replicar el modelo de estrenos con identidad propia frente a saturación de franquicias y secuelas, incrementando las expectativas de taquilla durante la primera mitad del año.

El tráiler establece un marco narrativo en el que el momento traumático tras un accidente vehicular desencadena la irrupción de “el pasajero”, una entidad definida por su presencia constante y su capacidad de transformar el viaje en un encierro. La campaña explora así “la carretera como condena”, según el material de promoción, asumiendo el riesgo de apostar por un horror de textura psicológica y atmosférica en vez de anclarse exclusivamente en recursos visuales explícitos.

Øvredal y la consolidación de un nombre en el terror internacional

El fichaje de André Øvredal responde a una tendencia de reclutamiento de cineastas europeos con saldo comprobado en productos de género en el mercado angloparlante. La trayectoria del director, que incluye Cazadores de trolls junto a producciones para estudios estadounidenses, ha sido citada como uno de los grandes atractivos de la película por el propio estudio.

El núcleo narrativo se sostiene en una pareja, interpretada por Jacob Scipio y Lou Llobell, que tras presenciar un accidente despiertan el acoso sobrenatural de un ente que no responde a explicaciones convencionales. El peso de la interpretación de Melissa Leo, con reconocimiento transversal en cine y televisión, apunta a captar atención tanto de audiencias fieles al género como de circuitos más amplios.

Esta configuración autoral y de reparto permite a Paramount proyectar a El Pasajero del Diablo como una de las “cintas de terror más comentadas de la temporada”, con el potencial de instalar una nueva referencia de horror road movie en el calendario comercial.

El avance, distribuido internacionalmente como parte de los materiales de prensa oficiales, concluye con la promesa de una experiencia diseñada para el espacio colectivo de la sala de cine, apelando a emociones compartidas y reacciones físicas inmediatas. El mensaje de campaña es directo: “hay miedos que necesitan oscuridad total”.

El Pasajero del Diablo tiene asegurado su desembarco en salas a partir del 21 de mayo de 2026.

Netflix tiene una función que la mayoría de sus usuarios desconoce: códigos numéricos que desbloquean categorías muy específicas de contenido, más allá de las opciones que el algoritmo muestra por defecto.

Para el Día de la Madre, esa herramienta permite encontrar películas románticas, dramas familiares y comedias pensadas para ver en compañía, sin tener que navegar durante minutos entre títulos que no interesan.

Cómo funcionan los códigos secretos de Netflix y cómo usarlos

El sistema es simple. Hay que abrir el buscador de la aplicación, escribir el código numérico correspondiente y la plataforma despliega automáticamente todos los títulos asociados a ese género o subgénero.

No hace falta ninguna configuración adicional ni acceso especial. La única advertencia es que la disponibilidad de resultados puede variar según la región y las actualizaciones que implemente Netflix.

Los códigos de Netflix ideales para ver en familia el Día de la Madre

Para quienes buscan una película romántica para compartir con mamá, estos son los códigos más útiles:

• 5475: Comedias románticas, una categoría pensada para el plan en familia.
• 502675: Películas románticas aclamadas por la crítica.
• 1255: Dramas románticos para una experiencia más emotiva.
• 783: Películas familiares, la opción más versátil para ver todos juntos.

Si se busca algo más específico dentro del género romántico, hay dos códigos adicionales que amplían las opciones:

• 9916: Romance independiente.
• 31273: Películas románticas clásicas.

En todos los casos, basta con escribir el número en el buscador de Netflix para acceder al catálogo correspondiente.

Otros códigos de Netflix que vale la pena conocer

Más allá del Día de la Madre, Netflix tiene códigos para prácticamente cualquier tipo de contenido. El 35800 da acceso a películas románticas con contenido sensual, donde aparecen títulos como 365 Días, 50 Sombras de Grey y El amante de Lady Chatterley.

El 9875 es el código para el true crime, es decir, documentales y series sobre crímenes reales. En esa categoría se encuentran títulos como El depredador de Sevilla, El secreto del Doctor Grinberg y ¿Qué hizo Jennifer?, entre otros.

Para los fanáticos del anime, el código 7424 organiza el contenido por subgéneros que incluyen anime de adolescentes, fantasía sombría, magia, sobrenatural y terror. Algunos títulos disponibles en esa categoría son My Hero Academia, Overlord, Black Clover y Toriko.

Qué más se puede encontrar en Netflix con sus otros códigos numéricos

Los códigos más conocidos de Netflix son solo la punta del iceberg. La plataforma tiene decenas de combinaciones numéricas adicionales que permiten acceder a géneros y subgéneros que no aparecen en el menú principal.

Cine dramático

• Cine dramático basado en hechos reales: 3653
• Cine dramático basado en libros: 4961
• Cine dramático biográfico: 3179
• Cine dramático de deportes: 7243
• Cine dramático militar: 11
• Cine dramático político: 6616
• Cine dramático romántico: 1255
• Cine dramático sobre crímenes: 6889
• Cine dramático sobre la farándula: 5012
• Dramas LGBTQ+: 500
• Dramas sociales: 3947

Cine independiente

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine dramático independiente: 384
• Películas de acción y aventura independientes: 11804
• Películas experimentales: 11079
• Películas independientes para reír: 4195
• Películas románticas independientes: 9916

Cine romántico

• Cine dramático romántico: 1255
• Películas románticas clásicas: 31273
• Películas románticas extranjeras: 7153
• Películas románticas independientes: 9916
• Películas románticas para reír: 5475
• Películas románticas sensuales: 35800
• Romances excéntricos: 36103
• Romances inolvidables: 502675

De intriga

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine de intriga política: 10504
• Cine de intriga psicológica: 5505
• Cine de intriga sobrenatural: 11140
• Cine de intriga y acción: 43048
• Cine de intriga y crímenes: 10499
• Cine de intriga y espías: 9147
• Intriga y sci-fi: 11014
• Películas de gánsteres: 31851
• Películas de misterio: 9994
• Thriller extranjero: 10306
• Thrillers clásicos: 46588
• Thrillers sensuales: 972

Música

• Conciertos de rock y pop: 3278
• Conciertos urbanos y de danza: 9472
• Country & western/folk: 1105
• Jazz y easy listening: 10271
• Musicales: 13335
• Musicales clásicos: 32392
• Musicales de Disney: 59433
• Musicales sobre la farándula: 13573
• Musicales teatrales: 55774
• Música del mundo: 2856
• Música infantil: 52843
• Música latina: 10741

El relato, uno de los más conocidos de la literatura universal, sigue a Odiseo (Matt Damon) tras la guerra de Troya, en su intento por regresar a Ítaca y reunirse con su familia. Su viaje se extiende por años y enfrenta múltiples obstáculos que retrasan su regreso.

El tráiler incluye elementos de la mitología griega, como las sirenas, criaturas fantásticas y la intervención de los dioses. Una de las secuencias del adelanto muestra al héroe frente al Cíclope. Otra revelación es la aparición de Robert Pattinson como Antínoo, uno de los pretendientes que busca casarse con Penélope y tomar el control de Ítaca.

En diálogo con Stephen Colbert, el director detrás de Oppenheimer comparó el impacto de las obras épicas de Homero con el de las franquicias actuales. “Es como el Marvel de su época”, señaló. “Existe ese deseo de sentir o creer que los dioses podrían caminar entre nosotros, y creo que el cómic moderno representa, en cierto modo, esa misma idea”.

Quién es quién en “La Odisea”

El reparto reúne a varias estrellas reconocidas de la industria. Anne Hathaway interpreta a Penélope, la esposa de Odiseo y reina de Ítaca, mientras que Tom Holland da vida a Telémaco, su hijo.

El elenco también incluye a Zendaya como Atenea, diosa de la sabiduría; Charlize Theron como una ninfa; John Leguizamo como Eumeo y Jon Bernthal como Menelao.

La lista se amplía con nombres como Lupita Nyong’o en un papel aún no revelado, Mia Goth como Melanto, Benny Safdie como Agamenón, Himesh Patel como Euríloco, Will Yun Lee y Elliot Page, entre otros.

Durante su aparición en televisión, Nolan elogió el trabajo de Holland: “Es increíble… simplemente un talento increíble. Es tan, tan bueno”. El director añadió que le gustaría volver a colaborar con el actor en el futuro.

Una producción de gran escala

La Odisea es la decimotercera película de Nolan como director. El cineasta escribió el guion basado en el poema original y produjo el filme junto a Emma Thomas bajo su compañía Syncopy. La distribución está a cargo de Universal Pictures.

El proyecto introduce un hito técnico en la industria: se trata de la primera película narrativa filmada completamente con cámaras IMAX. Esta decisión busca potenciar la experiencia en salas de gran formato, en especial durante las secuencias de acción y batalla que aparecen en el tráiler.

El presupuesto alcanza los 250 millones de dólares, lo que la convierte en la producción más costosa de la carrera del director. La expectativa se mantiene alta tras el desempeño de Oppenheimer (2023), que superó los 958 millones de dólares en taquilla y obtuvo siete premios Óscar.

Fecha de estreno

El estreno de La Odisea está previsto para el 17 de julio de 2026. La película llegará a los cines el mismo día que Spider-Man: Brand New Day, lo que anticipa una competencia directa en la taquilla global.

La expectativa en torno al filme crece tras la publicación del nuevo tráiler. Sin embargo, el propio Nolan reconoció el desafío que implica adaptar una obra tan conocida: “Cualquiera que asuma ‘La Odisea’ asume las esperanzas y sueños de las personas sobre las películas épicas… y eso conlleva una enorme responsabilidad”.

El director aseguró que su intención consiste en ofrecer “la mejor película posible” y una interpretación “fuerte y sincera” del material original.

El reparto y el desafío de reinterpretar un mito

El elenco principal de La Odisea está conformado por actores de primer nivel: junto a Matt Damon destacan Anne Hathaway como Penélope, Tom Holland interpretando a Telémaco, Robert Pattinson en el papel de Antínoo, el antagonista en Ítaca, Zendaya como la diosa Atenea y Charlize Theron como la hechicera Circe.

La película incluye un nutrido grupo de estrellas como Lupita Nyong’o, Jon Bernthal, Benny Safdie, John Leguizamo, Himesh Patel, Will Yun Lee, Mia Goth, Jimmy Gonzales, Elliot Page y Jovan Adepo. Este reparto coral facilita la adaptación de la extensa variedad de personajes que conforman la epopeya de Homero, desde deidades hasta humanos y criaturas míticas.

La trama, fiel al poema del siglo VIII a.C., narra el regreso de Odiseo a Ítaca después de la guerra de Troya y los desafíos, tanto sobrenaturales como humanos, que enfrenta durante una década. Según palabras del propio Nolan, la película busca mostrar cómo los antiguos griegos interpretaban los desastres naturales como manifestaciones de los dioses, un enfoque que intentará adaptar para el público moderno. El tráiler incluye escenas que recuerdan tanto al realismo de Oppenheimer como al despliegue visual de la fantasía épica.

Innovaciones técnicas y efectos visuales

Una de las características técnicas más destacadas de La Odisea es que fue filmada íntegramente con cámaras IMAX, convirtiéndose en la primera película narrativa en hacerlo. Con motivo de este logro, se pusieron a la venta boletos para funciones en formato 70mm con un año de antelación.

El empleo total de la tecnología IMAX permitirá al público disfrutar de un formato visual más inmersivo que resalta tanto los grandes enfrentamientos, como el de Odiseo contra el cíclope, combinando efectos prácticos y digitales. De acuerdo con Universal Pictures, Nolan y su productora Syncopy supervisaron personalmente la recreación de los escenarios mitológicos utilizando los estándares visuales más exigentes del cine actual.

La decisión de filmar completamente en IMAX también responde al objetivo de convertir la película en una experiencia exclusiva para salas cinematográficas, en un contexto de cambios para la industria tras la pandemia y el auge de las plataformas de streaming. Universal busca repetir el éxito masivo de Oppenheimer, que recaudó casi mil millones de dólares a nivel mundial y obtuvo siete premios Oscar, incluidos mejor película y mejor director para Nolan.

El desafío de lo sobrenatural en la visión realista de Nolan

Christopher Nolan es conocido por privilegiar un enfoque realista y físico en sus películas, lo que hace que su aproximación a una historia repleta de dioses, monstruos y magia sea un cambio significativo en su carrera. El director ha expresado que su enfoque consiste en sumergir a la audiencia en la mentalidad de la antigüedad, cuando lo divino se interpretaba a través de fenómenos naturales que escapaban al control humano.

Este planteamiento se hace evidente en el avance de la película: erupciones volcánicas, tormentas en alta mar y terremotos no solo aparecen como desafíos físicos, sino como señales y castigos infligidos por deidades como Zeus, Atenea o Circe. Se pretende así transmitir el temor y respeto que los antiguos sentían hacia fuerzas que no comprendían.

Aunque la duración será menor a la de Oppenheimer, Nolan ha señalado que su meta es condensar la compleja odisea de Odiseo en una obra disfrutable, dinámica y con giros inesperados, procurando no sacrificar la fidelidad al mito ni la profundidad de los personajes.

Expectativas mundiales y la competencia en taquilla

El impacto potencial de La Odisea se refleja en la inédita venta anticipada de entradas y en la expectativa generada por los involucrados en el proyecto. El lanzamiento tendrá alcance global, con funciones simultáneas en las principales ciudades del mundo. Además, el hecho de que comparta fecha de estreno con la nueva película de Spider-Man supone una competencia directa entre dos grandes producciones, cada una con su propio público.

La comunidad cinéfila, especialistas en mitología y seguidores de Nolan han recibido el tráiler con entusiasmo, resaltando la apuesta visual y el respeto a las fuentes originales. Según Universal, la película no solo pretende atraer nuevamente a la audiencia a las salas tras la pandemia, sino también establecerse como referencia para futuras adaptaciones de relatos épicos.

Para el público general, La Odisea ofrece tanto innovaciones visuales como la oportunidad de reencontrarse con historias fundamentales sobre el viaje, la resiliencia y los peligros, tanto externos como internos, que afrontan las sociedades. La respuesta inicial al adelanto sugiere un interés transversal, que abarca desde admiradores del cine de autor hasta familias y jóvenes que se acercan por primera vez al mito de Odiseo.

El desarrollo del proyecto y una historia creada específicamente para Jennifer Lopez

Turbulencia en la oficina destaca no sólo por su premisa, sino también por la manera en que fue desarrollada. El guion, escrito por Brett Goldstein junto a Joe Kelly, su colega de Ted Lasso, fue concebido como una propuesta exclusiva para Jennifer Lopez. Se ha informado que ambos guionistas presentaron la historia a la actriz y cantante bajo una condición innegociable: si Lopez no aceptaba el papel, la película no se realizaría. Este enfoque refleja la importancia del personaje de Jackie Cruz en la narrativa y el interés por fortalecer la presencia de mujeres líderes en el cine comercial.

La dirección de la película está a cargo de Ol Parker, reconocido por su experiencia en el género de comedia y romance. Parker conduce una historia que, según Lopez, explora caminos más directos y audaces en el humor y las relaciones interpersonales en comparación con sus producciones románticas previas. La trama se centra en el desarrollo de una atracción incontrolable entre la directora general de una aerolínea y su nuevo abogado, en el contexto de una empresa cuyas normas laborales prohíben estrictamente los romances entre compañeros de trabajo.

El ambiente durante el rodaje y la interacción entre los protagonistas

Durante el rodaje, fue notable la complicidad y el ambiente de entusiasmo entre Jennifer Lopez y Brett Goldstein. Goldstein, quien en entrevistas ha comentado entre bromas que no podía creer que trabajara junto a la reconocida artista, describió la experiencia como un sueño hecho realidad. Por su parte, Lopez declaró en un programa de televisión que Goldstein fue su mejor compañero de besos en pantalla. Estos comentarios generaron expectativas entre los seguidores del género y marcaron una diferencia respecto a otros proyectos recientes de la artista, que no alcanzaron gran éxito en taquilla.

El elenco secundario suma nombres destacados que suelen atraer a seguidores de las comedias románticas: Betty Gilpin, Edward James Olmos, Tony Hale, Bradley Whitford, Amy Sedaris, Tony Plana, Roger Bart, Jackie Sandler y Jodie Whittaker. La participación de estos actores contribuye a crear una dinámica atractiva en la ficticia oficina, donde el romance oculto de los protagonistas se convierte en fuente de especulación, rumores y tensiones entre los empleados.

Controversias, retos y el impacto entre la audiencia

La película aborda de manera directa la problemática contemporánea de las relaciones personales en el entorno de trabajo. Las políticas de recursos humanos que desalientan o prohíben estos vínculos aparecen como un elemento fundamental del conflicto, reflejando debates presentes fuera de la pantalla. Dentro de la historia, la pareja central debe enfrentar los prejuicios de sus compañeros y el riesgo constante de que su relación secreta sea descubierta, una realidad que comparten muchas personas en contextos corporativos actuales.

La diferencia de edad entre los protagonistas, de 11 años, también generó comentarios en redes sociales y medios de entretenimiento, aunque los responsables de Turbulencia en la oficina han defendido la importancia de mostrar relaciones diversas y adultas. Lopez aporta su experiencia como actriz y cantante reconocida, mientras que Goldstein suma sus capacidades de actor y guionista, tras haber ganado dos premios Emmy por Ted Lasso.

Esta producción pretende ser tanto una opción de entretenimiento ligero para el verano como un punto de partida para reflexionar sobre las normas, escritas y no escritas, que rigen las relaciones en el lugar de trabajo. De este modo, Turbulencia en la oficina busca atraer a una audiencia amplia, desde aficionados al romance hasta quienes se interesan por temas de actualidad y bienestar laboral.

La película “Michael”, basada en la vida del cantante estadounidense Michael Jackson, ha logrado una recaudación acumulada de 430,3 millones de dólares en taquilla global hasta el 5 de mayo de 2026, según cifras de Box Office Mojo y confirmación de Deadline. El desempeño afecta directamente a la industria cinematográfica internacional, a los estudios productores y a los distribuidores, ya que consolida una tendencia creciente en el género de biopics musicales. El fenómeno adquiere relevancia por el contexto de alta competencia en cartelera y por la capacidad de estas producciones para atraer públicos diversos.

De acuerdo con los datos oficiales publicados por Box Office Mojo, el filme dirigido por Antoine Fuqua y protagonizado por Jaafar Jackson sumó 184,2 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, mientras que los mercados internacionales aportaron 246,1 millones de dólares. El último fin de semana, la cinta mantuvo el liderazgo en países como Francia, España, Países Bajos, Bolivia, Perú, Ecuador y Malasia, según reportó Deadline. El análisis de medios especializados como The Numbers y Box Office Watch respalda estos datos, mencionando el rendimiento sostenido del largometraje en regiones clave.

El estreno de “Michael” se sitúa dentro de una tendencia reciente donde los biopics musicales alcanzan cifras notables en la taquilla global. La producción se posiciona como la segunda más exitosa de Lionsgate tras la pandemia, solo por detrás de “John Wick: Capítulo 4”. Además, supera la recaudación acumulada de otros títulos del género como “Elvis” y “A Star is Born”, y mantiene una ventaja sobre la trayectoria de “Bohemian Rhapsody” en varios territorios estratégicos, según Deadline.

¿Cuánto recaudó “Michael” en los mercados más importantes?

De acuerdo con Box Office Mojo, Michael acumuló 184,2 millones de dólares en América del Norte y 246,1 millones en el resto del mundo. Los principales mercados internacionales incluyen:

• Francia: 21,2 millones de dólares, cifra que supera el resultado de “Bohemian Rhapsody” y “Oppenheimer” en el mismo punto de su exhibición, según información de Deadline.
• Reino Unido e Irlanda: 30 millones de dólares, con un segundo fin de semana de 8,2 millones, de acuerdo con el mismo medio.
• México: 17,8 millones de dólares, con una retención del 26% de la taquilla nacional y un comportamiento superior al de “Bohemian Rhapsody”, según Deadline.
• Italia: 15,7 millones de dólares, con una caída semanal limitada y un rendimiento por encima de “Bohemian Rhapsody” en el segundo fin de semana.
• Brasil: 15 millones de dólares, lo que representa un tercio del último fin de semana en ese país, superando los registros de otros títulos musicales recientes.

Otros mercados destacados son Alemania (13,7 millones), España (13,8 millones), Australia (13,4 millones) y el área de Oriente Medio (11,4 millones), conforme a los datos verificados por Deadline y Box Office Mojo.

¿Por qué “Michael” es relevante en la taquilla internacional?

Según Deadline, el éxito de Michael responde a factores estructurales y coyunturales de la industria. La estrategia de estreno mundial abarcó 82 territorios y un segundo fin de semana con ingresos por 134,8 millones de dólares, de los cuales 80,8 millones provinieron de mercados fuera de Estados Unidos. La película se mantuvo en el primer lugar de la taquilla en países de Europa y América Latina durante dos semanas consecutivas.

La cobertura de Deadline indica que la asistencia a las salas estuvo impulsada por feriados como el Día del Trabajo y la Semana Dorada en Japón. Además, la película mostró caídas semanales reducidas en los principales países, lo que revela una demanda sostenida. El reporte de Box Office Watch señala que “Michael” se consolida como la segunda película más taquillera de Lionsgate tras la pandemia, por encima de “Los Juegos del Hambre: Balada de pájaros cantores y serpientes”.

¿Cómo se posiciona “Michael” frente a otros biopics musicales y grandes estrenos?

El estreno de Michael coincidió en cartelera con títulos como “El diablo viste de Prada 2” y “Super Mario Galaxy”. Según Deadline, la película inspirada en Michael Jackson mantuvo el primer puesto de la taquilla en Francia, España y Países Bajos, incluso ante estrenos de alto perfil. En México, Brasil e Italia, la recaudación superó la de otros biopics musicales en el mismo periodo de exhibición.

“Super Mario Galaxy” se acerca a los 900 millones de dólares globales, pero “Michael” destaca en la categoría de películas musicales, superando a “Bohemian Rhapsody”, “Elvis” y “A Star is Born” en varios mercados, según Box Office Mojo. De acuerdo con el portal especializado, el largometraje se convirtió en la segunda película más rentable de Lionsgate después de “John Wick: Capítulo 4”.

¿Qué estrategias potenciaron la recaudación de “Michael”?

La campaña de lanzamiento de Michael incluyó preestrenos internacionales y una distribución escalonada que abarcó 82 territorios. De acuerdo con Deadline, la coordinación con feriados locales y la promoción en festivales de cine contribuyeron a la alta asistencia durante los primeros días. La película se benefició tanto del interés en la figura de Michael Jackson como de una estrategia de retención de público basada en la expansión progresiva a nuevos mercados.

Según Box Office Mojo, varias regiones, como Oriente Medio y Asia-Pacífico, mostraron incrementos de recaudación en el segundo fin de semana. El desempeño en Arabia Saudita y Australia se destacó por mantener una asistencia alta aun sin coincidir con festivos nacionales, conforme a la cobertura de Deadline.

¿Qué datos comparativos muestran el impacto de “Michael” en la industria?

De acuerdo con Box Office Mojo y Deadline, “Michael” ya superó la recaudación acumulada de “Elvis” y “A Star is Born” en mercados clave. En Francia, el total de 21,2 millones de dólares supera los registros de biopics previos en el mismo punto de exhibición. En México, la retención del 26% es la más alta para una película no animada en el mercado.

El reporte de Box Office Watch indica que en Italia, la caída semanal del 19% permitió que el acumulado de 15,7 millones superara a “Bohemian Rhapsody” al finalizar el segundo fin de semana. En Brasil, el filme se posicionó por delante de títulos recientes del género, con 15 millones de dólares logrados en solo dos semanas.

¿Cuál es el impacto para los estudios y el futuro del género musical?

La recaudación de Michael refuerza la tendencia de éxito de los biopics musicales en la taquilla internacional. Según Deadline, la película representa un caso de estudio sobre el potencial comercial de este tipo de producciones, que incrementaron su presencia en la cartelera global durante los últimos años. El posicionamiento de “Michael” como la segunda cinta más rentable de Lionsgate abre nuevas expectativas para futuros proyectos del estudio.

El éxito financiero destaca la vigencia de figuras como Michael Jackson como motor de atracción para audiencias diversas, de acuerdo con Box Office Mojo. El género musical mantiene un atractivo sostenido en la industria, como muestran las cifras de recaudación y la permanencia en el primer puesto de la taquilla en varios territorios.

¿Qué se proyecta para la recaudación de “Michael” en las próximas semanas?

Según los datos de Box Office Mojo, la tendencia indica que “Michael” podría mantener un ritmo sólido en la recaudación global durante las próximas semanas. La retención en mercados clave y la expectativa de estrenos diferidos en algunos países pueden contribuir a incrementar la cifra final. El monitoreo de la asistencia en territorios con alta demanda de cine musical será relevante para el resultado total.

La evolución del filme dependerá de la capacidad para sostener el interés del público frente a nuevos estrenos y de la estrategia de distribución de Lionsgate y Universal, según los analistas citados por Deadline.

El esperado live action de Enredados, la adaptación en imagen real de la exitosa película animada de Disney inspirada en el clásico cuento de Rapunzel, ha confirmado la incorporación de Diego Luna al elenco. El actor mexicano, conocido por sus papeles en Andor y Narcos: México, interpretará a un personaje completamente nuevo creado exclusivamente para esta producción, lo que busca aportar frescura y diversidad a la reinterpretación.

El rodaje comenzará en junio en locaciones de España y la película contará con Michael Gracey (The Greatest Showman) como director, mientras que los papeles principales estarán a cargo de Teagan Croft como Rapunzel, Milo Manheim como Flynn Rider y Kathryn Hahn como Madre Gothel.

Un rodaje ambicioso que reinventa el clásico

La estrategia de Disney de transformar sus grandes éxitos animados en películas de acción real sigue expandiéndose, y Enredados se perfila como una de las producciones más ambiciosas de la compañía para 2026. La película retoma el conocido cuento de Rapunzel con una visión renovada sobre los protagonistas y escenarios. Aunque la trama principal seguirá girando en torno a la princesa encerrada en una torre y su búsqueda de libertad, Disney ha decidido modificar la historia añadiendo personajes inéditos que permiten explorar nuevas posibilidades narrativas.

El personaje de Diego Luna, del cual aún no se conocen detalles oficiales ni extraoficiales, es uno de los principales enigmas de la producción. La compañía mantiene en secreto su papel, lo que ha generado especulación acerca de su función en la historia. La elección de España como locación apunta a una producción de gran escala y alcance internacional, con diversas localizaciones que recrearán los ambientes del reino ficticio donde transcurre la trama. Michael Gracey, director reconocido por su capacidad para combinar espectáculo y sensibilidad, encabeza un equipo creativo que incluye a Jennifer Kaytin Robinson y Michael Montemayor como guionistas.

El perfil internacional del elenco y la participación de Diego Luna

La nueva versión de Enredados destaca por su elenco multicultural. Teagan Croft, actriz australiana, interpretará a Rapunzel, y Milo Manheim, estadounidense, asumirá el papel de Flynn Rider, lo que aporta una visión diversa en comparación con la versión animada de 2010. Kathryn Hahn, reconocida por su interpretación en Agatha en todas partes, será Madre Gothel, cuya relación tóxica y controladora con Rapunzel es central para el desarrollo del drama. La incorporación de Diego Luna, actor mexicano de amplia trayectoria internacional, representa un avance en la integración de diferentes nacionalidades en los grandes proyectos de Disney.

Luna es conocido globalmente por sus actuaciones en franquicias como Star Wars, donde interpretó a Cassian Andor tanto en la película Rogue One como en la serie Andor. También sobresalió como Félix Gallardo en Narcos: México y como director en César Chávez (2014). Su reciente nominación a los premios Emmy, Globos de Oro y Critics’ Choice, junto con sus próximas participaciones en festivales europeos de cine y en teatro en México, consolidan su perfil como uno de los talentos latinoamericanos más relevantes de la actualidad.

Secretismo y expectativas sobre el papel de Diego Luna

A pesar de la atención generada, Disney no ha revelado detalles sobre el personaje que interpretará Diego Luna, lo que ha dado pie a múltiples especulaciones entre críticos y seguidores. Que su rol haya sido creado exclusivamente para la versión en acción real permite la introducción de nuevas líneas argumentales y matices que no estaban presentes en la película original. A diferencia de los papeles principales, ya anunciados para Croft, Manheim y Hahn, la presencia de Luna sugiere una variación en la dinámica clásica del cuento.

Algunas hipótesis sugieren que podría tratarse de un nuevo antagonista, el líder de la Guardia Real o un personaje completamente ajeno al guion original, diseñado para expandir el universo narrativo de la franquicia. No es la primera vez que Disney incorpora personajes inéditos en sus remakes, pero son pocos los casos que han generado tanta expectativa antes del inicio del rodaje.

Disney y la internacionalización de sus remakes

La selección de actores de diferentes nacionalidades en Enredados refleja la estrategia global de Disney, que prioriza la diversidad y la inclusión para conectar con audiencias internacionales. El éxito de remakes recientes, como Lilo y Stitch, ha impulsado a la compañía a apostar por equipos internacionales y rodajes fuera de Estados Unidos. En 2026, además de Enredados, Disney planea estrenar también la versión en acción real de Vaiana y ya está desarrollando nuevos proyectos para los próximos años.

La llegada de Diego Luna refuerza la apuesta por el talento latino en el mercado global y anticipa una recepción significativa tanto en América Latina como en Europa. Hasta el momento, la fecha de estreno mundial del live action de Enredados no ha sido anunciada, pero Disney ya ha comenzado a generar expectativas mediante estos anuncios y la contratación de un elenco internacional de alto perfil.

Netflix cuenta con una serie de códigos secretos que te permiten acceder a categorías muy concretas de películas, series o documentales. Tal es el caso de las combinaciones numéricas 35800, 9875 y 7424.

Si deseas ver películas románticas con contenido sensual como 365 Días, 50 Sombras de Grey, El amante de Lady Chatterley, solo debes ingresar el código 35800 en el buscador.

La combinación numérica 9875 es para aquellos usuarios que quieren ver true crime, es decir, documentales o series sobre crímenes reales. En Netflix puedes encontrar algunos títulos como El depredador de Sevilla, El secreto del Doctor Grinberg, ¿Qué hizo Jennifer?, entre otras.

Para los amantes del anime, el código 7424 es ideal. Al ingresar estos números en el buscador, Netflix clasifica diversos subgéneros de anime como de adolescentes, fantasía sombría, magía, sobrenatural, terror y más. Algunos títulos son: My hero Academia, Overlord, Black Cover, Toriko y muchos más.

Cómo usar los códigos secretos de Netflix

Para utilizar los códigos secretos, solo es necesario acceder al buscador de la aplicación e ingresar el código numérico correspondiente. Así, la app desplegará los títulos asociados a ese género o subgénero.

La disponibilidad de resultados puede variar según la región y las actualizaciones que implemente Netflix.

Qué otros códigos secretos de Netflix hay

Además de los códigos 35800, 9875 y 7424, existen muchos más como:

Cine dramático

• Cine dramático basado en hechos reales: 3653
• Cine dramático basado en libros: 4961
• Cine dramático biográfico: 3179
• Cine dramático de deportes: 7243
• Cine dramático militar: 11
• Cine dramático político: 6616
• Cine dramático romántico: 1255
• Cine dramático sobre crímenes: 6889
• Cine dramático sobre la farándula: 5012
• Dramas LGBTQ+: 500
• Dramas sociales: 3947

Cine independiente

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine dramático independiente: 384
• Películas de acción y aventura independientes: 11804
• Películas experimentales: 11079
• Películas independientes para reír: 4195
• Películas románticas independientes: 9916

Cine romántico

• Cine dramático romántico: 1255
• Películas románticas clásicas: 31273
• Películas románticas extranjeras: 7153
• Películas románticas independientes: 9916
• Películas románticas para reír: 5475
• Películas románticas sensuales: 35800
• Romances excéntricos: 36103
• Romances inolvidables: 502675

De intriga

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine de intriga política: 10504
• Cine de intriga psicológica: 5505
• Cine de intriga sobrenatural: 11140
• Cine de intriga y acción: 43048
• Cine de intriga y crímenes: 10499
• Cine de intriga y espías: 9147
• Intriga y sci-fi: 11014
• Películas de gánsteres: 31851
• Películas de misterio: 9994
• Thriller extranjero: 10306
• Thrillers clásicos: 46588
• Thrillers sensuales: 972

Música

• Conciertos de rock y pop: 3278
• Conciertos urbanos y de danza: 9472
• Country & western/folk: 1105
• Jazz y easy listening: 10271
• Musicales: 13335
• Musicales clásicos: 32392
• Musicales de Disney: 59433
• Musicales sobre la farándula: 13573
• Musicales teatrales: 55774
• Música del mundo: 2856
• Música infantil: 52843
• Música latina: 10741

Navidad

• British Christmas Kids & Family Movies: 1527064
• Películas familiares canadienses navideñas: 1721544
• Películas familiares navideñas optimistas: 1475066
• Películas infantiles navideñas de los noventa: 1476024
• Películas navideñas disparatadas para ver en familia: 1475071
• Películas navideñas europeas familiares: 1527063
• Películas navideñas infantiles y familiares: 1474017

Otros

• Cine de arte: 29764
• Epopeyas: 52858
• Especiales de stand-up: 11559
• Film noir: 7687
• Películas de fantasía: 9744
• Películas de gánsteres: 31851
• Películas experimentales: 11079
• Películas sobre fe y espiritualidad: 52804
• Solo en Netflix: 839338
• Sátiras: 4922
• Todas las películas: 34399

Películas de acción y aventura

• Cine de intriga y acción: 43048
• Foreign action & adventure: 11828
• Películas asiáticas de acción: 77232
• Películas de acción para reír: 43040
• Películas de acción y aventura clásicas: 46576
• Películas de acción y aventura de espías: 10702
• Películas de acción y aventura militares: 2125
• Películas de acción y aventura sobre crímenes: 9584
• Películas de acción, sci-fi y fantasía: 1568
• Películas de artes marciales: 8985
• Películas de aventura: 7442
• Películas de historietas y superhéroes: 10118
• Películas sobre secuestros: 20541
• Wésterns: 7700

El proyecto, dirigido por Guy Ritchie y con Henry Cavill, Jake Gyllenhaal y Eiza González como protagonistas, se rodó mientras otras superproducciones paralizaban actividades, gracias a una excepción avalada por el gremio. La demora en la posproducción ha generado expectativas adicionales en torno a la entrega final, reflejando cómo los acuerdos durante la huelga han cambiado la dinámica de los calendarios de estreno recientes en Hollywood.

El rodaje durante la huelga SAG-AFTRA convierte a este título en caso de estudio para negociaciones futuras, pues el acuerdo permitió a la producción avanzar en un contexto de parálisis generalizada. El retraso por cuestiones técnicas y la nueva fecha de estreno asignada por Lionsgate impulsan el interés en las estrategias de gestión de crisis en grandes estudios ante desafíos logísticos y normativos imprevistos.

Acción, crimen y manipulación: el regreso de Ritchie al thriller

La película narra cómo un equipo encubierto de agentes de élite, liderados por Cavill, Gyllenhaal y González, recibe el encargo de recuperar una fortuna de mil millones de dólares robada por un déspota implacable, interpretado por Carlos Bardem. Lo que comienza como un golpe imposible se transforma rápidamente en una guerra total de estrategia, engaño y supervivencia, donde la línea entre lo legal y lo ilegal se desdibuja a través de una narrativa que fusiona espionaje y crimen organizado.

Ritchie emplea su sello reconocible: ritmo dinámico, estructuras entrelazadas y humor cínico, en un contexto donde cada personaje manipula redes de poder con la misma destreza con que maneja armas automáticas y explosivos. Los especialistas, habituados a operar fuera del radar, deben enfrentar alianzas inestables y redefinir constantemente sus lealtades en escenarios internacionales, mientras el botín actúa únicamente como detonante de una disputa mayor por el control.

La tensión entre intereses cruzados establece un clima de desconfianza y obliga a los personajes a asumir riesgos constantes. La operación, lejos de limitarse al robo, desemboca en una escalada donde el dinero deja de ser el único factor en juego y la supervivencia se convierte en el elemento central.

Dinámica de elenco y escalada internacional

El reparto reúne a nombres de alto perfil: Jake Gyllenhaal y Henry Cavill lideran la acción, con Eiza González incorporándose a un elenco que acentúa el carácter internacional del proyecto junto a Rosamund Pike y Kristofer Hivju. La selección del elenco responde a la necesidad de sustentar tanto las escenas de acción como la carga dramática de un thriller de espionaje de múltiples capas. La presencia de Bardem como antagonista aporta una dimensión adicional a las confrontaciones por poder y supervivencia.

La apuesta de Lionsgate por ubicar el estreno a mitad de 2026 muestra confianza en el atractivo comercial de un título que recurre a la eficacia probada de Ritchie en el género de acción y crimen. El proyecto se posiciona estratégicamente en el calendario cinematográfico, con potencial de competir en taquilla internacional y capitalizar tanto la notoriedad del director como la del elenco.

La película se mueve entre marcos de legalidad, riesgos financieros y adaptación a nuevas reglas pactadas entre productores y sindicatos, ampliando su relevancia hacia la ingeniería industrial que distingue al sector en escenarios pospandemia y poshuelgas.

Bajo la dirección de Kyle Balda y con un guion de Craig Mazin, la recepción temprana en festivales y proyecciones previas ha sido notablemente positiva, situando la película por encima de otros trabajos destacados de Jackman en reconocidos agregadores como Rotten Tomatoes.

Fenómeno inesperado en la crítica

Las ovejas detectives llega a los cines con una calificación del 96% en Rotten Tomatoes, una cifra que supera incluso a títulos exitosos del propio Jackman como Wolverine o Los Miserables. La historia, en la que George Hardy (Jackman) es un pastor que cuenta relatos policiacos a su rebaño, da un giro cuando las ovejas, lejos de ser simples oyentes, empiezan a investigar la misteriosa muerte ocurrida en la granja aplicando las lecciones aprendidas de la literatura detectivesca.

La combinación de comedia absurda, misterio y fábula ha sido descrita como un cruce entre Babe y un cozy crime británico. Críticos han destacado la habilidad de la película para combinar humor y temas existenciales de manera adecuada y accesible para todos los públicos, llegando a calificarla como casi perfecta y un nuevo clásico familiar.

Una rareza distinguida por su reparto y dirección

El reconocimiento positivo también se debe al elenco coral que acompaña a Jackman. Junto a la interpretación física de Jackman se suman las voces de figuras como Emma Thompson, Julia Louis-Dreyfus, Bryan Cranston, Patrick Stewart, Chris O’Dowd, Regina Hall, Bella Ramsey y Brett Goldstein. Este elenco no solo incrementa el atractivo comercial, sino que, según las primeras reseñas, logra aportar personalidad y carisma a cada oveja, evitando que la película se reduzca a un simple chiste prolongado. La dirección de Balda, conocido por su trabajo en Minions, logra equilibrar lo excéntrico y lo entrañable, permitiendo que el público conecte tanto con los animales como con los personajes humanos.

Las interpretaciones de voz que acompañan a Jackman han sido especialmente elogiadas por la crítica, resaltando la química y el ritmo que sostienen una historia que en otros casos podría haber resultado forzada o demasiado infantil. El guion de Craig Mazin, conocido por su trabajo en la miniserie Chernobyl, ha recibido reconocimientos por su aguda construcción de suspense y su capacidad para abordar la muerte, la resiliencia y la superación de las adversidades, manteniendo siempre el humor y el enfoque familiar.

Repercusión en el cine familiar internacional

El éxito crítico de Las ovejas detectives ha generado grandes expectativas en la industria, especialmente porque la película llega en un periodo en el que la producción de cine familiar original se percibe en crisis, dominada por secuelas y adaptaciones con poca originalidad. Amazon MGM Studios y Sony Pictures Releasing International apuestan por un estreno exclusivo en salas de cine, inicialmente en Estados Unidos y Canadá el 8 de mayo. La estrategia de priorizar la experiencia en pantalla grande en una época dominada por plataformas digitales busca atraer tanto a familias como a aficionados al cine que valoran propuestas inusuales pero accesibles y de calidad.

La comparación con Knives Out de Rian Johnson sugerida por críticos estadounidenses refuerza la percepción de que la película no solo entretiene, sino que anima a personas de todas las edades a reflexionar, reír y pensar sobre cuestiones universales. Además, la fuerte respuesta emocional observada en las primeras proyecciones sugiere que Las ovejas detectives podría iniciar una nueva tendencia en el género: películas familiares que no subestiman ni a los niños ni a los adultos, capaces de tratar temas relevantes a través de una mirada amigable y lúdica.

La película Michael, centrada en la vida del icónico Michael Jackson y protagonizada por su sobrino Jaafar Jackson, ha provocado un fenómeno sin precedentes en la taquilla desde su estreno internacional. En poco más de una semana, la cinta ya ha recaudado más de 300 millones de dólares a nivel mundial, posicionándose como el segundo biopic musical más exitoso de todos los tiempos, solo superado por Bohemian Rhapsody. Surge entonces la pregunta de cuál es la razón detrás de este notable éxito y de qué manera impacta en la industria cinematográfica y en el público internacional.

Panorama de la taquilla musical: marcas alcanzadas y comparaciones

Hasta el reciente estreno de Michael, la película Elvis, protagonizada por Austin Butler y Tom Hanks, ocupaba el segundo puesto histórico de recaudación en cuanto a biopics musicales, con 288 millones de dólares obtenidos en cines. Esta cifra parecía difícil de superar para el género, que tradicionalmente no alcanza los niveles de recaudación de otros grandes éxitos de Hollywood. Sin embargo, Michael, impulsada tanto por el atractivo global de la figura de Michael Jackson como por el debut cinematográfico de Jaafar Jackson en el papel de su tío, logró superar esa cifra apenas una semana después de su llegada a las salas.

Ya desde el primer fin de semana se anticipaba el potencial de la producción, con una respuesta del público, especialmente en Estados Unidos, que fue abrumadora. Aunque muchos estrenos exitosos experimentan luego una caída abrupta en las semanas siguientes, en este caso los pronósticos pesimistas no se materializaron. La película mantuvo un flujo sostenido de espectadores, lo que confirmó que el interés era genuino y duradero, más allá de la novedad inicial.

No obstante, la diferencia respecto al título que ocupa el primer lugar en la categoría sigue siendo considerable. Bohemian Rhapsody, la biografía musical de Freddie Mercury y Queen, recaudó la impresionante suma de 910,8 millones de dólares, más del triple de lo alcanzado hasta el momento por Michael. A pesar del prometedor inicio en el mercado estadounidense, los datos globales dejan ver que igualar o acercarse a ese récord sería prácticamente imposible en las actuales condiciones del mercado internacional.

Desempeño en Estados Unidos y retos en el mercado internacional

El buen resultado en Estados Unidos ha sido clave para el desempeño global de Michael. El público norteamericano reaccionó con entusiasmo ante la propuesta, llevando la película al primer puesto en taquilla en sus primeros días. Esta respuesta no solo consolidó el estreno, sino que también auguraba una excelente trayectoria.

Sin embargo, la situación cambia al observar el comportamiento en los cines internacionales. Si bien Michael ha alcanzado cifras destacadas en varios mercados, el crecimiento fuera de Estados Unidos no ha mantenido el mismo ritmo. Esto se debe, en parte, a factores culturales y a la competencia de otras películas muy esperadas, como el reciente estreno de El diablo viste a la moda 2, que desplazó a Michael del primer lugar en su segundo fin de semana.

En este contexto, la recaudación internacional adquiere una importancia fundamental para sostener la posibilidad de expandir la saga, considerando el interés de estudios como Lionsgate en extender la historia del cantante si los resultados siguen siendo positivos. Las cifras finales en estos mercados podrían definir el camino para futuros biopics musicales, estableciendo un nuevo estándar de éxito para producciones similares.

Consecuencias para la industria del cine y el público

Al margen de los récords y comparaciones numéricas, el fenómeno de Michael pone de manifiesto tendencias y desafíos importantes para la industria del cine musical. El alto interés que sigue despertando la figura de Michael Jackson, incluso años después de su muerte, demuestra la vigencia de su legado y la capacidad de atracción de historias que giran en torno a figuras emblemáticas de la música contemporánea.

Para el público general, el éxito de Michael representa una mayor diversidad de opciones en la cartelera y confirma que el género biográfico-musical puede atraer audiencias tan grandes como los tradicionales éxitos de acción o fantasía. Sin embargo, también se evidencian ciertos límites: los mercados internacionales pueden responder de manera distinta a determinadas historias, y los récords alcanzados suelen depender del contexto social o de la estrategia de promoción asociada a la película.

Con miras a proyectos futuros, como posibles secuelas o biografías centradas en otros artistas, el desempeño de Michael servirá como referente y punto de comparación necesario, tanto para quienes toman decisiones en la industria como para los propios espectadores.

El estreno de El diablo viste de Prada 2 se ha convertido en un fenómeno mediático al recaudar 233 millones de dólares en su primer fin de semana a nivel mundial, de los cuales 77 millones corresponden a Estados Unidos. Esta cifra casi cuadruplica el debut de la película original en 2006 y sitúa a la secuela entre las grandes apuestas de Disney, solo superada por unos pocos títulos en lo que va del año.

Protagonizada por Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci, la película no solo apunta a superar de manera rápida la recaudación total de la primera entrega, sino que también simboliza el regreso de historias y personajes que marcaron a una generación. El papel de la nostalgia, la inversión en el elenco original y el impacto en la industria del cine presencial son elementos clave en la narrativa de este éxito comercial.

Vínculo generacional y retorno de personajes emblemáticos

En esta secuela, la trama se sitúa veinte años después y sigue la historia de Andy Sachs, nuevamente interpretada por Anne Hathaway, ahora convertida en editora de Runway bajo la dirección de la icónica Miranda Priestly, papel interpretado por Meryl Streep. El retorno de los personajes principales no solo ha sido un atractivo comercial, sino también un puente emocional para los seguidores que han visto evolucionar tanto a los protagonistas como a la sociedad y la industria editorial reflejadas en la saga.

Muchos espectadores han asistido al cine no solo por la historia, sino también para reencontrarse con las frases memorables, los conflictos generacionales y la sofisticada sátira que distinguieron a la película original. La decisión de mantener el tono de comedia dramática y de abordar con inteligencia los cambios sociales ha sido valorada por la crítica como un elemento que favoreció la conexión con el público.

Apuesta financiera y marketing enfocado en el reparto original

Disney no escatimó en recursos al momento de resucitar la franquicia. De acuerdo con fuentes cercanas a la producción, el presupuesto de la secuela alcanzó los 100 millones de dólares, más del doble que el costo de la película original. Una parte considerable de esa suma fue destinada a asegurar el regreso de Streep, Hathaway, Blunt y Tucci, reconociendo el peso de sus nombres como atractivo principal. Los analistas de taquilla destacan que pocas comedias dramáticas logran este nivel de éxito, y menos aún en dos ocasiones y con cifras crecientes.

Este estreno mundial solo fue superado en el año por tres grandes producciones: Michael, la biografía de Michael Jackson; Super Mario Galaxy: La película, que batió récords en animación; y Project Hail Mary, un referente reciente de la ciencia ficción. No obstante, la estrategia de marketing global de Disney se enfocó en el valor nostálgico y el reencuentro del elenco, mediante eventos, entrevistas y presencia activa en redes sociales que atrajeron la atención de distintas generaciones. Todo indica que la inversión ya ha sido recuperada, ya que la secuela podría sobrepasar el total histórico de 326 millones alcanzado por la primera película en un corto periodo.

Impacto del estreno en la taquilla y competencia con otros lanzamientos

El notable inicio de El diablo viste de Prada 2 reactiva el debate sobre la situación de las salas de cine frente a la competencia del streaming y los cambios en los hábitos de consumo. En un año caracterizado por la incertidumbre financiera y la diversificación de las audiencias, sus resultados confirman que las historias con fuerte carga emocional y respaldadas por figuras reconocidas pueden convocar a millones de espectadores a nivel mundial.

En Estados Unidos, la película superó con claridad al resto de los estrenos del fin de semana, dejando atrás a títulos competidores y relegando a producciones menores a cifras poco destacadas. Este contraste se evidenció, por ejemplo, con Animal Farm, que debutó con solo 3,3 millones y obtuvo críticas negativas, así como con la película de terror Hokum, cuya recepción modesta resalta la importancia de contar con una franquicia consolidada y un elenco famoso.

Para el público en general, especialmente mujeres y millennials, este evento cinematográfico ha sido una oportunidad para regresar a las salas de cine y compartir una experiencia colectiva, algo que muchos otros estudios desean replicar. El éxito de la película confirma una tendencia emergente en la industria: la eficacia de las secuelas centradas en la nostalgia y el reencuentro, siempre y cuando se desarrollen con calidad y respeto por el material original.

A lo largo de más de cuatro décadas, Meryl Streep ha construido una de las trayectorias más respetadas y reconocidas en la historia del cine estadounidense. Con tres premios Oscar y la asombrosa cifra de 21 nominaciones en su haber, la intérprete de títulos como Los puentes de Madison, Memorias de África, Mamma Mia o El diablo viste de Prada es uno de los grandes iconos del Hollywood del último medio siglo, con una constancia en la calidad de sus interpretaciones que muy pocos han logrado alcanzar.

Desde temprana edad, Streep mostró un compromiso inusual con su vocación, perfeccionando sus habilidades en algunas de las instituciones más prestigiosas del país. Esto le llevaría a aparecer por primera vez en una película, Julia, a los 28 años. No necesitó más: al año siguiente, su participación secundaria en otro éxito como El cazador y un Emmy logrado en una serie de televisión la llevaría a participar, apenas dos años después, en la película que supondría un verdadero punto de inflexión en su carrera, pero también uno de los mayores retos a los que ha tenido que enfrentarse como actriz.

Estamos hablando de Kramer contra Kramer (actualmente disponible en Filmin), una película con la que tanto la industria como el público coincidieron en señalar el nacimiento de una estrella absoluta. La película, dirigida por Robert Benton y estrenada en 1979, no solo marcó un antes y un después en la representación del drama familiar en el cine (de ella beben éxitos recientes como Historia de un matrimonio), sino que también consolidó a Streep como una de las grandes figuras interpretativas de su generación.

Un drama que desafió los roles familiares

En el centro de Kramer contra Kramer se encuentra el relato de Ted Kramer (interpretado por Dustin Hoffman), un ejecutivo neoyorquino cuya vida da un giro radical cuando su esposa Joanna decide marcharse tras ocho años de matrimonio. Repentinamente, Ted debe asumir la crianza de su hijo Billy, lo que deriva en una transformación profunda de la relación entre padre e hijo.

Todo cambia de nuevo cuando, quince meses después, Joanna regresa con la intención de recuperar la custodia. La película explora con una mirada realista el impacto del divorcio en la familia y especialmente en los niños, así como el desafío de equilibrar vida personal y profesional.

La obra, basada en la novela de Avery Corman, se convirtió en un fenómeno cultural y fue la película más taquillera de 1979 en Estados Unidos y Canadá, alcanzando más de 173 millones de recaudación en todo el mundo. Su retrato honesto del conflicto parental y la lucha por la custodia resonó tanto con la crítica como con el público, estableciendo un precedente en cómo mostrar en la gran pantalla el duro proceso de un divorcio.

Dinámicas intensas en el set entre Streep y Hoffman

Las tensiones entre los Kramer no fueron solo ficción. Y es que la relación entre Meryl Streep y Dustin Hoffman resultó ser tan intensa detrás de cámaras como en la pantalla. “La odié con toda mi alma. Sí, la odié con toda mi alma. Pero la respetaba”, llegaría a admitir Hoffman sobre sus primeras impresiones trabajando con Streep. El actor vio como la actriz llegaba a la película casi de rebote (no había sido la primera opción), y cómo, aún así, trato de ‘robarle’ el control y el protagonismo del proyecto.

Durante el rodaje, Streep propuso cambios importantes en su papel porque consideraba que el personaje de Joanna era demasiado unidimensional y necesitaba expresar las razones de su decisión de abandonar a su marido y a su hijo para no ser una ‘villana fácil’. Benton, el director, recordaría más adelante cómo la actriz reescribió por completo la escena final de la película, donde la mujer da su discurso ante el tribunal: “Bueno, la escena es brillante. Corté solo dos líneas. Lo que ves ahí es de ella”. Este proceso de ajuste fue clave para que la película alcanzara la profundidad emocional que la distingue.

A pesar de que las decisiones de Meryl Streep mejoraron la película, y que Dustin Hoffman acabaría por reconocerlo, la relación entre ambos no mejoró, esta vez por la excesiva entrega de él. La actriz ha contado en más de una entrevista cómo la escena que marcó la relación entre ambos fue una en la que, buscando el máximo realismo, el intérprete la abofeteó con fuerza y le dejó una marca en la mejilla. Me quedé en shock y eso me ayudó a tener el sentimiento adecuado hacia él”. Dicho de otro modo, no volvería a compartir rodaje con él.

A pesar de estos conflictos, lo cierto es que ambos intérpretes están soberbios en la película, y que en buena medida es por ello que Kramer contra Kramer fue una de las películas más exitosas del año. La película fue nominada a nueve premios Oscar y obtuvo cinco estatuillas, incluyendo Mejor película, Mejor director, Mejor actor, Mejor guion adaptado y, por supuesto, el primero de la carrera de Meryl Streep como Mejor actriz de reparto, que marcaría el inicio de su legendaria trayectoria.

Uno de los ejes dramáticos más potentes de la biopic es el tenso vínculo entre Michael Jackson y su padre, Joe Jackson, cuyo control sobre la carrera de su hijo fue absoluto durante décadas. En el filme, el clímax llega cuando Michael finalmente logra plantarle cara a Joe frente a una multitud y tomar las riendas de su propio destino.

Esa escena ficticia tiene su equivalente real: diciembre de 1984, el Dodger Stadium de Los Ángeles, el último show del Victory Tour.

Del garaje en Indiana al estrellato mundial

Para entender el peso de ese adiós, hay que volver al principio. Según consigna Parade, The Jackson 5 nació en 1964 cuando el patriarca Joe Jackson descubrió el talento musical de su hijo Tito con la guitarra. De inmediato sumó a Jackie y Jermaine al grupo, al que luego se incorporaron Marlon y un pequeño Michael, de apenas cinco años, tocando las congas. La agente de talentos Evelyn LaHaie les puso el nombre con el que se harían famosos.

Sus primeras actuaciones fueron en concursos de talentos locales y auditorios escolares. En agosto de 1967, ganaron el concurso del legendario Apollo Theater de Nueva York. Ese mismo año firmaron con Steeltown Records, y en enero de 1968 lanzaron su primer sencillo, “Big Boy”.

Sin embargo, fue con el salto a Motown Records en 1969 que la historia cambió para siempre: “I Want You Back”, su primer single para ese sello, los catapultó a la fama nacional, incluyendo una presentación en The Ed Sullivan Show en diciembre de ese año.

Lo que vino después fue una racha de éxitos difícil de igualar: "ABC" (1970), “The Love You Save” (1970) y "Never Can Say Goodbye" (1971). Pero su mayor logro comercial fue la balada "I’ll Be There" (1970), que vendió seis millones de copias en todo el mundo.

En total, The Jackson 5 —que más adelante pasaría a llamarse simplemente The Jacksons— vendió más de 150 millones de discos en el mundo y fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1997.

El fin de una era familiar

Con semejante legado, la salida de Michael no fue un acto menor, pero resultaba inevitable. Entre los factores estaba el deseo de enfocarse por completo en su carrera solista y la frustración creativa acumulada dentro del grupo.

Para cuando Michael anunció su partida, ya había lanzado dos de los álbumes más importantes de la historia: Off the Wall (1979) y Thriller (1982), este último considerado el disco más vendido de todos los tiempos con más de 70 millones de copias.

Asimismo, la dinámica interna del grupo ya venía fracturándose. Cuando la banda dejó Motown para pasarse a Epic Records en 1976, Jermaine Jackson decidió quedarse en el sello original —estaba casado con Hazel Gordy, hija del fundador de Motown, Berry Gordy— y abandonó el grupo. En su lugar entró el hermano menor Randy, y los Jackson 5 adoptaron el nuevo nombre de The Jacksons.

La salida definitiva de Michael llegó en diciembre de 1984, al final del Victory Tour, en el Dodger Stadium de Los Ángeles.

Como se ve en el metraje de archivo, Michael tomó el micrófono y anunció ante la multitud que esa sería la última vez que actuarían juntos. El momento tomó a todos por sorpresa: sus propios hermanos no sabían que él haría ese anuncio esa noche.

En la película, este momento está musicalizado con la canción “Workin’ Day and Night”; aunque en la vida real todo sucedió al interpretar la canción “Shake Your Body”.

Lo que también trascendió fue que Michael inicialmente no quería participar en el Victory Tour. Fue su madre, Katherine Jackson, quien lo persuadió de unirse a la gira para apoyar económicamente a sus hermanos. Como gesto final, Michael donó todas sus ganancias de la gira a la caridad.

Marlon Jackson siguió sus pasos y abandonó el grupo a principios de 1985. Los miembros restantes entraron en un receso indefinido en 1989, aunque distintas combinaciones de hermanos volvieron a reunirse en el escenario en los años siguientes. El álbum 2300 Jackson Street (1989) fue el último capítulo del grupo antes de su disolución casi total.

En mayo de 2026, HBO Max presenta una cartelera repleta de estrenos. Entre ellos destaca la película Cumbres Borrascosas, protagonizada por Jacob Elordi y Margot Robbie.

El terror regresa con Teléfono Negro 2 y Terrifier 3: Payaso Siniestro. La plataforma también suma nuevas series como Canción del Samuráiy la segunda temporada de Margarita, junto con el esperado regreso de la animación para adultos con Rick and Morty.

Qué películas llegan a HBO Max

• Cumbres Borrascosas.

La aclamada novela de Emily Brontë llega a HBO Max en una adaptación dirigida por Emerald Fennell.

Margot Robbie y Jacob Elordi encarnan a Cathy y Heathcliff, una pareja marcada por una pasión prohibida que se transforma en un viaje absorbente de deseo y locura.

El elenco lo completan Hong Chau, Shazad Latif, Alison Oliver, Martin Clunes y Ewan Mitchell.

• Teléfono Negro 2

Esta secuela de terror se sitúa en 1982, cuando Gwen, hermana de Finn Blake, comienza a tener visiones sobre el asesinato de tres jóvenes en un campamento de 1957.

Junto a Finn, que aún oye el misterioso teléfono negro, se embarcan en una búsqueda que los lleva a enfrentarse al temible Raptor. Protagonizan Ethan Hawke, Mason Thames, Madeleine McGraw, Demián Bichir y Jeremy Davies, bajo la dirección de Scott Derrickson.

• Terrifier 3: Payaso Siniestro.

La saga de terror continúa con Art, el payaso, quien planea sembrar el terror en el condado de Miles durante la Nochebuena.

Cinco años después de los hechos de Halloween, Sienna y Jonathan intentan rehacer sus vidas, pero Art regresa para transformar la Navidad en un auténtico horror.

El reparto incluye a Lauren LaVera, David Thornton, Antonella Rose, Elliott Fullam, Samantha Scaffidi, Margaret Florence y Bryce Johnson, con guion y dirección de Damien Leone.

Qué series se estrenarán en HBO Max

• Canción del Samurái.

Esta serie se sitúa en el Kioto de finales del período Edo y sigue las vidas de los integrantes del legendario Shinsengumi, una fuerza samurái que defendió la ciudad durante el ocaso del shogunato japonés.

El luchador Toshizo Hijikata encuentra una nueva familia en Isami Kondo y Soji Okita, formando lazos de lealtad puestos a prueba por la traición, la enfermedad y la guerra. La trama combina acción espectacular y una visión histórica profunda, con Yuki Yamada encabezando un elenco numeroso.

• Margarita, Temporada 2.

La segunda temporada de esta serie original de Max sigue a Margarita y Fach tras escapar de los planes de Delfina.

Ahora, en Krikoragán, ayudan a Merlín y su hermano a huir del tirano Erasmus, mientras la búsqueda del heredero perdido impulsa nuevas aventuras.

Delfina, enfrentando la bancarrota tras lanzar su plataforma global REINA, hará todo lo posible por quedarse con la fortuna de Krikoragán. El elenco incluye a Mora Bianchi, Franco Yan e Isabel Macedo, entre otros, bajo la creación y producción de Cris Morena.

Qué otros estrenos llegan HBO Max

• Esclavos de la fe – Heraldos del Evangelio

Esta docuserie original de HBO examina a los Heraldos del Evangelio, un grupo católico ultraconservador reconocido por el Vaticano.

El liderazgo de João Clá y el aislamiento de los jóvenes seguidores generan creciente preocupación, especialmente tras la misteriosa muerte de una joven en la sede principal, que desencadena múltiples denuncias por abusos.

• Un show más: Las cintas perdidas.

La animación infantil regresa con Mordecai y Rigby, dos amigos cuyas tareas cotidianas en el parque siempre terminan en situaciones absurdas y cómicas.

• La cabra que cambió el juego – GOAT.

En este filme animado, Will, una cabra pequeña pero decidida, busca destacar en el rugibol, un deporte extremo dominado por los animales más fuertes y veloces. A pesar del escepticismo de sus compañeros, Will intentará demostrar que el tamaño no es un obstáculo para brillar en el campo.

• Rick and Morty, Temporada 9.

La serie animada para adultos más exitosa de [adult swim] regresa con nuevos episodios repletos de aventuras interdimensionales, humor ácido y situaciones inesperadas.

• Ed Stafford: Rituales del mundo.

El explorador Ed Stafford viaja por África, América Latina y Asia Oriental para experimentar los rituales de iniciación más exigentes y extremos.

Integrándose en comunidades tribales, Stafford explora el significado de estas prácticas y sus desafíos físicos y emocionales.

• Supervivencia al desnudo: Conquista mundial.

En este reality, catorce expertos en supervivencia de diferentes países, agrupados en parejas por nación, enfrentan ecosistemas extremos en Zululandia, Sudáfrica.

Allá por el 2006, Meryl Streep nos dio una masterclass de actuación con la interpretación de Miranda Priestly, la diabólica CEO de la moda inspirada en la editora de Vogue Anna Wintour. Por aquel entonces, El Diablo Viste a la Moda nos dejó frases inolvidables como “Eso es todo” o “un millón de chicas matarían por este trabajo” y nos trajo unos de los debates más vigentes de la cultura pop hasta el día de hoy sobre la revelación del novio de Andy como el verdadero villano.

Veinte años después llega El Diablo Viste a la Moda 2, que reúne a los entrañables protagonistas de la primera (incluyendo a Stanley Tucci y a Emily Blunt) y suma algunas caras nuevas.

La historia nos plantea un escenario acorde a los tiempos que corren en donde el auge de lo digital pone en jaque a las revistas tradicionales, entre ellas a Runway. Andy es una periodista de investigación de cierto renombre y es contratada por la famosa editorial para reinventar el imperio del universo online.

En la película se habla sobre el rol que ocupa el periodismo hoy en día, en donde se prioriza el alcance y la cantidad de clics por sobre el contenido. Se habla sobre la importancia de los seguidores y sobre cómo adaptarse a los cambios frente a la instalación de la inteligencia artificial. Y este es el mayor atributo de El Diablo Viste a la Moda 2. Nunca me hubiera imaginado que el corazón del film iba a estar puesto en un análisis sobre el periodismo moderno y el peso de una nota bien escrita frente a la necesidad constante de scrollear y los posteos virales.

Por lo demás, la estructura narrativa es exactamente la misma: Andy debe volver a ganarse su lugar en la industria, Miranda no se la va a hacer fácil y siempre hay alguien que quiere clavarle un puñal por la espalda. El Diablo Viste a la Moda 2 es divertida y mantiene su frescura. Las actuaciones siguen siendo igual de fabulosas que en la primera y la esencia está ahí.

La primera película era perfecta. Esta no lo es. Mientras que Anne Hathaway ahora se viste mucho más “fashion” después de su paso por Runway y la vemos lucirse con trajes increíbles, todavía sigue pidiendo ayuda y recurriendo al closet de Tucci cuando necesita vestirse para ciertos eventos.

También llama la atención la primera reacción (que ya nos spoilea el adelanto) de Miranda cuando ve a Andy por primera vez y no la reconoce. ¿Se olvidó porque pasaron muchas asistentes después de la protagonista o es Miranda poniendo en práctica otra de sus maniobras manipuladoras? Aunque nunca termina de quedar claro, se contradice con la idea de que el paso de Sacks por la editorial fue memorable para todos, incluso para la propia Priestly.

Por otro lado, el rol de la nueva Emily (Simone Ashley) queda completamente desdibujado. Aunque se entiende que el foco de la secuela está puesto en otro lado y no tanto en el día a día de Runway, su personaje Amari ocupa el lugar de primera asistente, uno de los emblemas de la película, y solo tiene algunos diálogos durante todo el film.

Más allá de estos detalles, El Diablo Viste a la Moda 2 es confort, fresca y logra meternos de nuevo en el mundo de Runway del que nos enamoramos la primera vez. Quizás no sea icónica ni perfecta, pero se disfruta muchísimo.

Michael J. Fox, conocido por su trayectoria en el cine y su activismo en salud, ha formado junto a su esposa, Tracy Pollan, una familia caracterizada por la cercanía y el apoyo mutuo. Ambos han criado a cuatro hijos que, pese a mantener un perfil bajo, han encontrado caminos profesionales en distintos ámbitos, según destaca Hello! Magazine. Los hijos de Michael J. Fox y Tracy Pollan se llaman Sam, Aquinnah, Schuyler y Esmé.

Sam es actor y productor; Aquinnah trabaja en desarrollo de televisión en Los Ángeles; Schuyler es productora asistente en Massachusetts y Esmé se desempeña como reportera en Nueva York. Cada uno reside en una ciudad diferente de Estados Unidos y cultiva una vida profesional propia.

La familia Fox–Pollan siempre ha demostrado un fuerte lazo afectivo y una actitud solidaria frente a los retos. La enfermedad de Michael J. Fox ha marcado la convivencia, pero no ha mermado el valor del tiempo compartido y la prioridad que se da a la vida familiar, como él mismo ha explicado en entrevistas recogidas por el medio citado.

El actor ha enfatizado la importancia de “estar disponible para los hijos” y reconoce que dedicarles tiempo le ha resultado siempre gratificante. Asimismo, considera que sus hijos han aprendido empatía y resiliencia, así como a distinguir lo importante en la vida.

Sam Fox: el mayor y único hijo varón

Sam Fox, nacido el 30 de mayo de 1989, es el primogénito y único hijo varón de la pareja. Tiene un parecido físico notable con su padre y ha seguido una carrera en la industria del cine como actor y productor.

Dentro de sus trabajos figuran videoclips musicales, cortometrajes y la producción del documental dedicado a su padre. En octubre de 2025, Sam contrajo matrimonio con Molly Milstein durante una ceremonia privada en Nueva York, rodeado de familiares y amigos, como informó el medio.

Aquinnah Fox: vocación en medios y arte

Aquinnah Fox, una de las hijas gemelas, nació el 15 de febrero de 1995. Reside en Los Ángeles y desarrolla su carrera en Annapurna Pictures, tras una etapa inicial como asistente en United Talent Agency.

Cursó estudios en psicología, artes visuales y medios en la Universidad de Duke. Durante la universidad, realizó una pasantía de tres meses en la Fundación Michael J. Fox para la Investigación del Párkinson en Nueva York, mostrando también compromiso con el activismo familiar.

Schuyler Fox: educación, solidaridad y vida personal

Schuyler Fox, gemela de Aquinnah, prefiere la reserva mediática, aunque acompaña a su padre en eventos puntuales. En junio de 2024, se casó en los Catskills, coincidiendo con el cumpleaños de su madre, celebrando así un doble evento familiar.

Es graduada en psicología por el Pomona College (2017) y tiene una maestría en Educación de la Universidad de Harvard. Schuyler trabajó 11 meses en la fundación familiar como encargada de cohortes de investigación y, actualmente, es productora asistente en FableVision en Massachusetts. También participa activamente en la media maratón de Nueva York, apoyando causas relacionadas con su familia.

Esmé Fox: periodismo y nuevos desafíos

La menor del grupo, Esmé Fox, nació el 3 de noviembre de 2001. Ha hecho pequeñas apariciones en programas como Royally y Bettor Days, utilizando el nombre artístico de Annabelle Fox.

En 2025, Esmé se graduó en la Universidad de Duke y fue reportera en The 9th Street Journal, un sitio de noticias universitario. Trabajó brevemente para el Tampa Bay Times en Florida y actualmente vive en Nueva York, donde colabora con NBC, según confirmó Hello! Magazine. Como sus hermanas, prefiere mantener su privacidad.

Para Michael J. Fox, la mayor satisfacción de la paternidad es apreciar las cualidades y la integridad de cada hijo, forjando una familia unida que transmite cercanía, resiliencia y autenticidad.

El estudio Lionsgate ha presentado la primera imagen oficial de Vértigo 2, la secuela del thriller de supervivencia que en 2022 sorprendió tanto al público como a la crítica por su enfoque minimalista, captando la atención de espectadores casuales y seguidores del suspense más puro. Bajo la dirección nuevamente de Scott Mann y con el respaldo de Stephen King, Fall 2 aspira a intensificar la angustia y el miedo al trasladar la acción del desierto estadounidense a la imponente altura del monte Kwan en Tailandia. Esta continuación refuerza la intención de Lionsgate de transformar un éxito inesperado en una saga consolidada, mientras la audiencia se prepara para su estreno programado en agosto de 2026.

De pequeña producción a fenómeno destacado

Vértigo se estrenó en 2022 con un presupuesto modesto de aproximadamente tres millones de dólares. Sin embargo, consiguió recaudar más de 20 millones en todo el mundo, transformándose en uno de esos casos donde Hollywood convierte historias discretas en franquicias de largo recorrido. Su éxito radicó en una narrativa claustrofóbica, centrada en el terror psicológico derivado del aislamiento y el vértigo extremo a 600 metros de altura sobre una torre oxidada, elementos que lograron impresionar incluso a Stephen King, quien expresó que le habría gustado escribir una historia tan dura como efectiva. Este tipo de reconocimiento es poco común para producciones de características similares y consolidó a Vértigo como un referente contemporáneo en el subgénero de supervivencia, logrando conectar con una audiencia global.

Ante este panorama favorable, Lionsgate ha decidido invertir en la ampliación del universo de Vértigo, planteando no solo una secuela sino también la posibilidad de una trilogía. La nueva entrega mantiene la mayor parte del equipo creativo original, incluyendo a Scott Mann y Jonathan Frank en el guion, lo que garantiza coherencia en el tono y la atmósfera, dos elementos esenciales del terror basado en la altura y el encierro. La trama, sin embargo, introduce un cambio al centrar la historia en Jax, la hermana de la protagonista original, quien junto a su amiga Luce afrontará un peligro aún mayor.

Un nuevo escenario para temores conocidos

En lugar de repetir la fórmula original de la torre, Vértigo 2 lleva el horror a una pasarela inestable situada a 900 metros de altura en el monte Kwan, Tailandia. Tras un inesperado desprendimiento de rocas, las protagonistas, Jax y Luce, quedan aisladas sin posibilidades inmediatas de escape. Esta elección permite renovar la estructura de la primera película y utilizar paisajes y desafíos físicos diferentes, aumentando el potencial para crear situaciones aún más tensas. Ahora, el reto que enfrentan las protagonistas es tanto físico como mental: deben superar un miedo desconocido y encontrar la forma de sobrevivir en condiciones todavía más adversas, según se describe en la sinopsis oficial difundida por el estudio.

La selección de Tailandia como ubicación refleja también el interés por internacionalizar la saga, acercándola a públicos que disfrutan de escenarios exóticos y exigentes. La variedad geográfica supone nuevos desafíos técnicos para la filmación y ofrece la oportunidad de explorar dinámicas culturales vinculadas al peligro y la supervivencia. De este modo, Vértigo 2 evita reutilizar los mismos escenarios y busca reinventarse, consolidándose de forma original en su propio género.

Nuevos protagonistas en la supervivencia al límite

Otra novedad importante es el elenco principal, encabezado ahora por Harriet Slater en el papel de Jax y Arsema Thomas como Luce. Ambas cuentan con experiencia previa en cine y televisión, como en Tarot y La reina Carlota: Una historia de Los Bridgerton, lo que anticipa un enfoque renovado de los personajes habituales en este tipo de películas. Las acompañan Tom Brittney, Juju Journey Brener, Andrey Kasushkin, Einar Haraldsson, Jordan Coleman y Alexandra Bartlett, formando un reparto considerablemente más amplio que el de la primera entrega.

La introducción de Jax como protagonista brinda mayor profundidad emocional, en especial por su vínculo con Hunter, una de las figuras centrales de la historia original. El guion, escrito por Mann y Frank, parece haber sido diseñado para explorar detalles en las motivaciones personales y el miedo legado, lo que podría permitir una conexión más directa con los dilemas de los personajes ante una presión extrema. Al mismo tiempo, quienes apreciaron el estilo minimalista de Vértigo encontrarán razones para interesarse por el retrato de la amistad y el valor femenino enfrentando circunstancias extremas. El objetivo de Lionsgate es ir más allá de repetir la fórmula, profundizando en emociones universales y utilizando el suspense como principal motor narrativo.

Impulso y expectativas para la franquicia y los espectadores

El fenómeno Vértigo aporta reflexiones sobre el interés actual por historias de supervivencia realista, en contraste con producciones que dependen de efectos visuales elaborados o amenazas irreales. La conexión con el público se debió en parte al miedo compartido de enfrentarse a límites físicos y mentales, impulso que se intensifica en los escenarios extremos propuestos por la saga. Con la intención de desarrollar una trilogía, Lionsgate trata de capitalizar esta tendencia: franquiciar el terror psicológico mediante recursos sencillos y personajes cercanos, alejándose de los esquemas clásicos del terror sobrenatural.

El éxito de la primera película también influyó en la valoración que se da a las producciones de bajo presupuesto. Al demostrar que se puede obtener una alta rentabilidad y buena recepción crítica empleando recursos limitados, Vértigo se ha convertido en un caso de estudio para productores y guionistas. Sin embargo, las expectativas para Vértigo 2 son mayores: deberá superar el impacto del vértigo físico y convencer a una audiencia nueva, así como a críticos, entre quienes podría encontrarse nuevamente Stephen King, cuya mención previa contribuyó de manera notable a la popularidad del título original.

Para el público general, el interés de Vértigo 2 radica en llevar temores cotidianos a situaciones extraordinarias, demostrando cómo las habilidades y los lazos humanos se ponen a prueba lejos de la civilización. El reencuentro de Jax con la memoria de su hermana Hunter y el enfrentamiento con su propio miedo existencial buscan reflejar la vulnerabilidad experimentada ante desafíos inesperados. El desenlace podrá verse en agosto de 2026, cuando la productora espera afianzar el nombre de Vértigo como sinónimo de terror en las alturas.

El estreno mundial de Mortal Kombat 2 está generando una gran expectativa, impulsada por las primeras reacciones de la crítica especializada y los seguidores de la franquicia. Su llegada a los cines internacionales está prevista para el 8 de mayo de 2026. La secuela busca corregir los errores de la película de 2021 al centrarse en el torneo representativo del videojuego y recuperar la esencia de la saga, plasmando la acción intensa, el humor irreverente y la violencia explícita. Con Karl Urban como Johnny Cage y Adeline Rudolph como Kitana encabezando un elenco numeroso, la película parece haber encontrado el tono que el público deseaba, según los comentarios iniciales y las proyecciones de taquilla que la ubican como uno de los estrenos más importantes del año.

Nuevas propuestas para una saga que exige calidad

A diferencia de su antecesora, criticada por relegar el torneo central y concentrar la trama en un personaje nuevo y poco convincente como Cole Young, Mortal Kombat 2 se muestra más directa y fiel al material original. Los primeros espectadores coinciden en que esta vez la adaptación profundiza en el combate entre campeones, incluye los fatalities distintivos y recupera el humor descarado, elementos que muchos seguidores extrañaron en la cinta de 2021.

La incorporación de Karl Urban como Johnny Cage ha cambiado la dinámica del filme, aportando un espíritu juguetón y un aire ochentero que, encarna el núcleo de la diversión presente en la saga. El reparto se completa con actores como Jessica McNamee (Sonya Blade), Josh Lawson (Kano), Ludi Lin (Liu Kang), Mehcad Brooks (Jax), Tati Gabrielle (Jade), Lewis Tan (Cole Young), Damon Herriman (Quan Chi), Chin Han (Shang Tsung), Tadanobu Asano (Lord Raiden), Joe Taslim (Bi-Han) y Hiroyuki Sanada (Scorpion).

La aportación de Adeline Rudolph como Kitana ha sido especialmente destacada. Tanto críticos como fanáticos consideran que su personaje aporta presencia y profundidad emocional al relato, funcionando como un nexo para la conexión afectiva del público. Además, el regreso del director Simon McQuoid, junto al guion de Jeremy Slater, ha sido considerado fundamental para captar la identidad del universo Mortal Kombat, proporcionando una experiencia que no pide disculpas por el exceso visual, sino que lo convierte en uno de sus principales atractivos.

Acción continua, combates renovados y un fan service relevante

Uno de los aspectos más valorados en las primeras opiniones es la calidad y contundencia de los combates. Si la película original recibió críticas por fragmentar la acción y no aprovechar al máximo a sus luchadores, esta secuela ofrece secuencias de lucha más extensas, intensas y espectaculares. Josh Blumenkranz, crítico especializado, afirmó que “Mortal Kombat 2 es todo lo que la primera película debería haber sido”, con acción constante y una experiencia violenta y entretenida. La presencia constante de la violencia explícita y los fatalities evidencia que, en esta ocasión, los creadores han atendido las peticiones de los seguidores: los icónicos movimientos letales del juego están presentes y cumplen una función narrativa, no solo decorativa.

La intensidad de los combates se refleja también en su impacto en el público. Un usuario comentó que la pelea entre Kung Lao y Liu Kang es una de las más impresionantes vistas en la saga y logra emocionar a los espectadores. Estas mejoras técnicas y coreográficas refuerzan la impresión de que la película ha sido concebida pensando en el “fan service”, no como un simple guiño, sino como la recuperación del núcleo esencial de los videojuegos.

El humor también tiene un papel relevante. A diferencia de la primera entrega, de tono más serio e inseguro, Mortal Kombat 2 se muestra autocrítica y desmesurada. Personajes como Johnny Cage y Kano actúan como motores de la comedia y los intercambios sarcásticos, acercando el filme al carácter irreverente por el que la saga se distingue desde los años noventa.

Una secuela que responde a las expectativas del público

La recepción entusiasta de la crítica, aunque basada hasta ahora en reacciones preliminares y no en reseñas completas, marca una diferencia sustancial respecto a la controversia que acompañó a Mortal Kombat de 2021. Aquella entrega fue percibida como una promesa fallida, al diluir el torneo central para construir la historia sobre un protagonista que no logró conectar ni con los seguidores tradicionales ni con los nuevos espectadores. La evolución de la secuela demuestra que el equipo creativo ha aprendido de los errores y ha optado por priorizar el espectáculo y un enfoque “de recreativa”, es decir, fiel al carácter arcade, frenético y excesivo del producto original.

La fidelidad al videojuego, visible en el diseño de vestuario, las coreografías y el tono general, ha sido uno de los aspectos más valorados. Los comentarios positivos en este sentido reflejan una señal importante para la industria: el público de adaptaciones de videojuegos exige autenticidad, no solo licencias atractivas o efectos especiales deslumbrantes. Esta tendencia podría influir en futuras producciones del género y establecer un nuevo estándar de respeto hacia la obra original.

Contradicciones y matices en las primeras opiniones

A pesar del auge y la buena acogida, algunas voces advierten sobre posibles desajustes argumentales y momentos de confusión en la narrativa, una debilidad heredada de la película precedente y frecuente en adaptaciones de videojuegos que priorizan la acción sobre la profundidad conceptual. No obstante, incluso quienes señalan estos defectos reconocen que la mejoría general y la adecuación al espíritu de Mortal Kombat son evidentes.

Para el espectador medio, sobre todo aquellos que buscan fidelidad y entretenimiento sin mayores pretensiones, Mortal Kombat 2 parece ofrecer lo esperado. Las cifras previstas en taquilla en Estados Unidos, que estiman un estreno entre 40 y 50 millones de dólares, consolidan la expectativa de un éxito comercial considerable y un posible punto de inflexión para la franquicia en el cine. Resta ver si la recepción general de la audiencia coincide con este entusiasmo inicial, aunque la inclusión de personajes emblemáticos, una mayor brutalidad y una narrativa más sencilla parecen haber complacido, en esta ocasión, a los seguidores más entusiastas.

El futuro de la saga James Bond, actualmente bajo la gestión de Amazon, atraviesa uno de sus momentos más inciertos. A pesar de la compra millonaria y las promesas de una nueva etapa para el agente 007, la primera película posterior al ciclo de Daniel Craig se encuentra distante de concretarse. El guion no ha avanzado significativamente, los directores clave están ocupados y el proyecto carece de una estrategia definida, lo que deja a los seguidores con más preguntas que respuestas.

Avance del guion y dirección detienen el desarrollo

La principal causa del retraso en la nueva película de James Bond se relaciona con el estado del guion. Steven Knight, creador de series como Peaky Blinders, fue seleccionado para escribir la nueva historia, pero según fuentes cercanas al proyecto, el guion está lejos de completarse. Knight, además, tiene otros compromisos profesionales, lo que retrasa aún más la entrega de un borrador final. Esta demora significa que no existe una base firme para iniciar la producción ni se puede avanzar en aspectos esenciales como la selección del elenco o el diseño de producción.

Por otro lado, la dirección también enfrenta obstáculos relevantes. Denis Villeneuve, uno de los candidatos más destacados para liderar la nueva etapa de James Bond, se encuentra ocupado con la postproducción de Dune 3 y las actividades promocionales relacionadas. Esta situación impide que pueda trabajar en la saga antes de 2027, como mínimo. El retraso para encontrar un director disponible y con experiencia en proyectos de alto perfil deja a la película sin una dirección creativa clara.

Deficiencia de liderazgo y estrategia dentro de Amazon

El análisis sobre el progreso de la película señala una carencia de liderazgo y una falta de claridad estratégica en Amazon. Voces cercanas a la producción indican que, dentro del estudio, predomina el desconcierto sobre cómo abordar una franquicia tan relevante como James Bond. Un colaborador anónimo mencionó que en Amazon están “hartos de siquiera pensar en el futuro de 007”, lo que refleja el desgaste y la fatiga interna derivados de la ausencia de avances concretos y la presión por asegurar el éxito tras la considerable inversión en los derechos del personaje.

Estas dudas internas contrastan con las expectativas del público y el objetivo original de renovar la saga con una identidad que se adapte a los tiempos actuales. Sin indicaciones precisas ni una agenda definida, la situación se vuelve cada vez más compleja y la posibilidad de cumplir una fecha de estreno cercana a 2028 resulta poco probable. Este ambiente de incertidumbre genera preocupación entre los seguidores y contribuye a la percepción de que la operación Bond representa un reto más grande del que Amazon había anticipado.

Repercusiones en el público y dirección futura de James Bond

La saga James Bond ha sido tradicionalmente motivo de grandes expectativas para los espectadores. El reciente estancamiento del proyecto y la falta de información clara han causado frustración y desconfianza entre los fanáticos. Mientras tanto, los rumores sobre posibles protagonistas como Callum Turner, Louis Partridge, Aaron Taylor-Johnson, Jacob Elordi y Harris Dickinson apenas mitigan el vacío informativo o la incertidumbre en torno al futuro tono y enfoque del personaje.

Amazon debe enfrentar el reto de explicar a su audiencia los retrasos y la falta de avances visibles. Tras la considerable inversión solo para adquirir los derechos de Bond, el estudio se encuentra en una encrucijada: la presión por no fallar con su primera producción podría estar generando una parálisis por exceso de análisis, donde el temor a cometer errores supera las ganas de avanzar. Al mismo tiempo, quienes esperaban una pronta y decidida reinvención de 007 tendrán que armarse de paciencia, ya que la próxima entrega del espía británico continúa sin rumbo definido ni fecha establecida.

A diferencia de entregas anteriores, esta nueva versión no incluirá figuras icónicas como Leon S. Kennedy o Jill Valentine. En su lugar, el relato introduce a Bryan, un mensajero médico interpretado por Austin Abrams.

Según la sinopsis oficial recogida por The Hollywood Reporter, el protagonista se ve envuelto en una carrera por la supervivencia, llena de acción y sin pausa, mientras una noche fatídica y aterradora colapsa a su alrededor en medio del caos.

En el adelanto, el personaje se refugia en una vivienda aparentemente abandonada tras sufrir un percance con su vehículo. La escena, marcada por una atmósfera inquietante y silenciosa, anticipa el peligro que acecha en cada rincón. “Algunas cosas han pasado”, se le oye decir en una llamada con su novia, con la voz tensa. “Quizá no volvamos a hablar nunca otra vez”.

Fidelidad al videojuego, pero con identidad propia

Uno de los aspectos más destacados del proyecto es la forma en que Zach Cregger aborda la relación con el material original. Lejos de adaptar directamente una historia de los juegos, el cineasta opta por crear un relato independiente que conserve la esencia del universo.

Esta decisión responde, según el propio realizador, a evitar comparaciones inevitables con los títulos originales: “Sentiría que no hay forma de ganar si contara la historia de Leon, porque los juegos hacen un trabajo tan bueno. Sería redundante y, en última instancia, decepcionante”, explicó en una entrevista con PlayStation Blog.

No obstante, el cineasta detrás de Weapons resaltó que los fans se sentirán satisfechos con la película por el uso de sus elementos característicos: la progresión de armas, la gestión de recursos y la tensión constante del survival horror.

“Si amas los juegos, sentirás su influencia en todas partes en la película”, afirmó durante una presentación en CinemaCon.

Al comparar este proyecto con sus trabajos anteriores, Cregger señaló que la película no tendrá “saltos temporales o cambios desorientadores en la narrativa”; por el contrario, el punto de vista seguirá por completo el recorrido del protagonista en el entorno amenazante que lo rodea.

Además de Abrams, el elenco incluye a Zach Cherry, Kali Reis y Paul Walter Hauser. El guion fue escrito por Cregger junto a Shay Hatten, mientras que la producción cuenta con el respaldo de Constantin Film, Vertigo Entertainment y PlayStation Productions, entre otros.

La saga Resident Evil tiene un largo recorrido tanto en videojuegos como en la gran pantalla. El primer título se lanzó en 1994 para PlayStation y dio inicio a una de las franquicias más influyentes del género, con múltiples secuelas y remakes a lo largo de las décadas.

En el cine, la propiedad ha generado varias adaptaciones. La más conocida es la saga protagonizada por Milla Jovovich, que comenzó en 2002 y se extendió por seis películas hasta 2017, con una recaudación superior a los 1.200 millones de dólares en taquilla global, según datos de Variety. Posteriormente, en 2021, se estrenó el reinicio Resident Evil: Welcome to Raccoon City, dirigido por Johannes Roberts.

Una propuesta novedosa en una saga emblemática

La película está coescrita por Shay Hatten y dirigida por Zach Cregger, conocido por su trabajo en obras como Barbarian y Weapons. A diferencia de las seis entregas anteriores de Resident Evil, que giraban en torno a personajes ya establecidos y a mutaciones reconocibles como los lickers y los perros zombis, esta nueva versión otorga el protagonismo a un mensajero común. Tal como se anticipa en el tráiler, el personaje principal intenta sobrevivir y contactarse con una persona querida mientras permanece atrapado en el caos de Raccoon City, ofreciendo así una perspectiva inédita para la saga, más enfocada en la vulnerabilidad de la gente común que en las hazañas de héroes armados.

La decisión de Cregger de no incluir a los personajes más conocidos fue deliberada, buscando alejarse de las adaptaciones anteriores. El director afirmó que no ha visto las producciones previas porque no son de su interés, aunque sí se confesó seguidor de la saga de videojuegos. Su objetivo, según ha declarado, es crear una película que sea completamente diferente a cualquier Resident Evil anterior, algo que parece confirmarse en este primer avance que apuesta por el suspense por encima de la acción tradicional.

La historia de la franquicia y el desafío de innovar

Resident Evil es una de las franquicias más longevas y exitosas tanto en el ámbito de los videojuegos como en el cine de terror. Desde su llegada como videojuego en 1994, las adaptaciones cinematográficas previas, incluyendo las protagonizadas por Milla Jovovich y Michelle Rodriguez, han recaudado más de 1,200 millones de dólares en taquillas de todo el mundo. La entrega más reciente antes de este reinicio, Resident Evil: Welcome to Raccoon City, estrenada en 2021, trató de regresar a los orígenes de los juegos pero fue recibida con críticas divididas respecto a su fidelidad y ejecución.

La propuesta de Cregger representa un riesgo calculado: alejarse de los elementos más emblemáticos podría alejar a una parte del público tradicional, pero al mismo tiempo brinda la posibilidad de renovar una franquicia que muchos consideraban agotada por la repetición de remakes y secuelas. La colaboración entre Constantin Film, Vertigo Entertainment y PlayStation Productions muestra un esfuerzo conjunto por revitalizar la marca bajo criterios creativos más ambiciosos, apartándose del enfoque predecible que caracterizó a entregas anteriores.

Recepción temprana y expectativas ante el estreno

El adelanto presentado el 30 de abril de 2026 ha provocado sorpresa y debate entre los seguidores, especialmente por la ausencia de monstruos reconocibles y por su atmósfera más opresiva e íntima. La selección de Austin Abrams como posible protagonista y la forma en la que se describe el tráiler subrayan la vulnerabilidad humana antes que los enfrentamientos espectaculares. Esta estrategia también podría atraer a nuevos espectadores que no están familiarizados con el universo de Resident Evil, pero que se sienten más atraídos por el terror psicológico que por la acción intensa.

Para el público general, el cambio en la narrativa y la ambientación buscan conectar con el miedo cotidiano a lo desconocido y con la sensación de impotencia ante situaciones fuera de control, temas que resuenan especialmente en la ficción contemporánea. Sin embargo, parte de los seguidores de siempre permanece dividida frente a estos cambios, preocupados de que la esencia clásica del survival horror se pierda o no cumpla con las expectativas consolidadas a lo largo de las últimas décadas. La respuesta final se conocerá en septiembre, cuando Resident Evil esté disponible en las salas de cine.

Casi dos décadas después de su estreno original, El Diablo Viste a la Moda (The Devil Wears Prada) prepara su regreso al cine con una secuela que retoma el universo de la revista Runway y sus personajes más emblemáticos. La historia original, centrada en Andy Sachs y su ingreso al exigente mundo editorial bajo el mando de Miranda Priestly, se consolidó como una referencia que trasciende la moda para explorar dinámicas de poder, jerarquías laborales y las tensiones propias de una industria altamente competitiva.

El Diablo Viste a la Moda 2, dirigida por David Frankel, se sitúa en un contexto marcado por el declive de las revistas impresas, donde Miranda intenta sostener su relevancia mientras enfrenta a Emily Charlton, ahora convertida en una ejecutiva rival. En paralelo, Andy regresa al ámbito editorial como editora de contenidos con la misión de modernizar Runway y gestionar una crisis reputacional. El elenco original —Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt y Stanley Tucci— retoma sus roles, acompañado por incorporaciones como Kenneth Branagh, Lucy Liu, Justin Theroux y Simone Ashley, quienes aportarán nuevos conflictos a la trama.

Te invitamos a ver nuestra entrevista en video con los actores Simone Ashley, Caleb Hearon y Helen J. Shen, o a leer una transcripción.

—Bueno, es un gusto hablar con ustedes, felicitaciones por la película. Es una de las películas más esperadas del año y acá en Argentina todos la estamos esperando muchísimo. Así que quería preguntarles sobre su conexión con The Devil Wears Prada antes de sumarse a esta segunda parte. ¿Recuerdan cuándo la vieron por primera vez?

Simone Ashley: —No recuerdo la primera vez, pero sí, ha sido parte de mi vida por muchos, muchos años y, ya saben, es como ese clásico. Es tan satisfactorio volver a verla una y otra vez, pero no recuerdo la primera vez que la vi.

Helen J. Shen: —Siento que hubo un antes del montaje inicial y un después del montaje inicial para mí. Fue algo que me cambió la vida, icónico.

Caleb Hearon: —¿Y si dijera que nunca la vi? Tengo muchas ganas de verla. Sí, claro, siento que apareció en nuestras vidas y desde entonces está ahí para siempre y es como una película perfecta para volver a ver. A veces trato de pensar por qué, pero sí, definitivamente apareció en mi vida cuando tenía como 11 años y, sí, nunca se fue. La vi de nuevo un millón de veces a lo largo de los años.

Simone Ashley: —Es simplemente muy satisfactoria. Verla triunfar y como superar a Miranda y tener su cambio de look y todo eso. Nos encantan los cambios de look.

—Totalmente. Es súper reconfortante y esta película también lo es. Así que la disfruté mucho. Y quería preguntarles porque creo que lo que define a cada personaje en The Devil Wears Prada es su pasión por lo que hacen. Realmente quieren estar ahí. Quieren trabajar y quieren crecer y todo eso. Así que quería preguntarles como actores y, en tu caso, Caleb, también como comediante o guionista, ¿qué es lo que más les gusta de actuar, de su trabajo?

Simone Ashley: —Contar historias.

Helen J. Shen: —Sí, me encanta encarnar una nueva perspectiva y una forma de vida. Creo que el mundo de la moda es algo que he visto desde afuera y todavía lo veo desde afuera, pero poder encarnar un personaje y ponerse en los zapatos de alguien que vive esto todos los días es un ejercicio muy emocionante y divertido.

Caleb Hearon: —Creo que lo divertido, como ustedes dos también hacen muchas otras cosas como teatro y música y cosas grandes, pero para mí, lo divertido de actuar es lo mismo que en el stand up y escribir y todo lo demás que hacemos. Implica colaboración. Y creo que poder colaborar con todos, como el diseñador de sets y decir, “creo que mi personaje tendría esto en su escritorio” y necesito esto para esta acción, y el pelo y maquillaje y el vestuario, todo se siente como que requiere cientos de personas que son increíbles en lo que hacen. Y después podés hacer lo tuyo, que ojalá hagas muy bien. Y creo que sí, poder juntarse con tanta gente talentosa y trabajar con ustedes en escena también y realmente hablarlo y decir, “creo que tal vez sería más…” eso para mí es la mejor parte. Intentar hacerlo solo sería horrible.

—Totalmente. Y por último, para cerrar, me gusta mucho que en estas Emilys hay distintos perfiles. Fue cambiando mucho con los años. Así que quería preguntarles sobre cada perfil en cada uno de sus casos y especialmente en tu caso, Helen, porque sos un poco como lo que era Andy en la primera película. Así que quería preguntarte sobre eso y el desarrollo de sus personajes.

Helen J. Shen: —Me encantó interpretar a Jin porque me pareció muy vibrante y con muchas ganas, pero no de una forma… creo que la ambición a veces puede tener una connotación negativa. Y creo que disfruté mucho cómo no hay ninguna intención maliciosa ni negativa detrás de eso. Era simplemente como: quiero ser inteligente y quiero mostrar lo que valgo y demostrar que puedo hablar de lo que quiero hablar y defenderme en una sala llena de gente a la que respeto mucho. Y siento que eso es algo de mi personaje que me entusiasma mucho llevar conmigo de ahora en adelante.

—¿Y ustedes, Simone y Caleb?

Simone Ashley: —Creo que Amari es un contraste con la primera Emily que conocemos en la primera película, porque su comedia venía de un lugar de ansiedad, de “quiero ir a la Semana de la Moda de París, quiero hacer todas estas cosas”. Y creo que Amari, Aline y yo hablábamos de esto todo el tiempo, es mucho más calmada y segura, y tiene una opinión muy formada en este mundo de la moda y en lo que hace, y tiene como esa vibra de asesina silenciosa. Y me pareció muy divertido interpretarla.

Caleb Hearon: —Sí, fue muy divertido de ver. Creo que Charlie simplemente ama estar ahí y en secreto sabe todas estas cosas. Y hablando con Aline y David sobre eso, creo que realmente admira a Nigel. Y en lo que se parece a Andy, es que está en ese escritorio específico, pero en lo que se diferencia, siento que es mucho menos estresante para él. Respeta a Amari. Respeta a todos, simplemente está feliz de estar ahí. Y eso fue una forma muy divertida de explorarlo. Y creo que fue muy interesante verlo hablar con el personaje de Andy y verlos ahí, y darse cuenta de que la historia sigue, que hay otras personas que van a tener ese trabajo. Creo que eso es algo muy divertido para todos nosotros, como los nuevos asistentes.

—Sí. Bueno, genial. Y nuevamente, felicitaciones. Acá en Argentina la esperamos muchísimo, así que tenemos muchas ganas de verlos en otro junket. Y de nuevo, felicitaciones por la película.

La película es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Colleen Hoover, autopublicada en 2018 y relanzada por Grand Central Publishing en 2021, tras convertirse en un fenómeno editorial. El libro encabezó durante meses la lista de bestsellers de The New York Times y vendió más de un millón de copias solo en 2023.

La historia sigue a Lowen Ashleigh (Dakota Johnson), una escritora al borde de la ruina financiera que recibe una oportunidad única en la vida: completar los libros pendientes de la exitosa autora de thrillers Verity Crawford (Anne Hathaway), quien quedó incapacitada tras un misterioso accidente. Jeremy Crawford (Josh Hartnett), marido de Verity, contrata a Lowen como “escritora fantasma” para terminar la saga de su mujer.

Sin embargo, una vez instalada en la lujosa mansión de los Crawford, Lowen descubre un manuscrito incompleto que amenaza con revelar oscuros secretos sobre el pasado de Verity y de su propio marido.

Atrapada entre su trabajo para Jeremy y una creciente cercanía con él y con el hijo de la pareja, Crew, Lowen deberá determinar si los escritos de Verity son pura ficción... o una perturbadora confesión de una mente peligrosa.

Lo que se ve en el tráiler

El adelanto abre con Lowen caminando en la oscuridad por la mansión hasta llegar al dormitorio de la pareja. Con Verity postrada en cama a pocos metros, Lowen, enfundada en una bata de seda, se sienta en el regazo de Jeremy mientras él mira televisión. Los dos comienzan a besarse, pero cuando Lowen se separa, descubre que ya no es Jeremy quien tiene frente a ella: es Verity, mirándola con frialdad antes de atraparle el rostro y forzar un nuevo beso. Lowen termina con los labios ensangrentados y lanza un grito.

El tráiler alterna esas escenas con imágenes de la vida de Verity antes y después del accidente que la confinó a una silla de ruedas, intercaladas con secuencias de sexo, noches oscuras y gritos perturbadores. Todo ello acompañado por “Can’t Get You Out of My Head”, el icónico tema de Kylie Minogue.

“Incluso con mi generosa advertencia, vas a seguir tragándote mis palabras”, dice la voz en off de Verity sobre el montaje. “Pero ten en cuenta una cosa: no hay luz a donde vamos. Nos espera la oscuridad”.

El equipo detrás del proyecto

Anne Hathaway, de 43 años, encarna a la enigmática Verity Crawford. La actriz, conocida por El diablo viste de Prada y El diario de la princesa, anunció su participación en noviembre de 2024. Dakota Johnson, de 36 años, interpreta a Lowen y también figura como productora ejecutiva del proyecto. Josh Hartnett completa el triángulo protagónico como Jeremy Crawford. El reparto suma a Ismael Cruz Córdova y Brady Wagner en roles secundarios.

Detrás de las cámaras, la dirección está a cargo de Michael Showalter, quien ya había trabajado con Hathaway en La idea de ti para Prime Video, y cuya filmografía incluye The Eyes of Tammy Faye (2021) y The Big Sick (2017). El guión fue escrito por Nick Antosca.

El rodaje comenzó en febrero de 2025 en Nueva York, donde Hathaway y Hartnett fueron fotografiados corriendo por las calles en ropa semiformal tomados de la mano. Días después, Johnson apareció en el set cubierta de sangre falsa filmando lo que parecía ser una escena del accidente automovilístico central en la trama.

Verity llegará a las salas de cine en Estados Unidos el 2 de octubre de 2026.

Cuando pensamos en Tom Cruise, es muy fácil que acudan a nosotros algunas de sus sagas más conocidas, como Top Gun, Jack Reacher o, por supuesto, Misión Imposible. Gracias a ellas, el actor ha forjado su leyenda en un Hollywood que espera con ganas su vuelta a los papeles dramáticos con Digger, la próxima película del oscarizado director mexicano Alejandro González Iñárritu, que quizá logre sobrecogernos tanto como en su día lo hicieron títulos como Magnolia o Eyes Wide Shut.

Al margen de estos papeles, Tom Cruise también ha protagonizado otros blockbusters que, pese a lograr el visto bueno de la crítica y el público, no han logrado la misma consideración que sus “grandes éxitos”. En esta lista, una de las primeras sería sin duda Al filo del mañana, una de las mejores películas de ciencia ficción firmadas por el actor que actualmente puede verse en Netflix, pero que se retirará del catálogo de la plataforma el próximo 30 de abril.

Estrenada en 2014, Al filo del mañana reunió a Tom Cruise y Emily Blunt para adaptar el manga All You Need Is Kill, de Hiroshi Sakurazaka. La película, dirigida por Doug Liman (responsable de la saga de Jason Bourne) se sitúa en un futuro devastado por la invasión de unos alienígenas llamados Mimics, donde la humanidad libra una batalla desesperada. El protagonista, el comandante William Cage, es arrojado a una misión suicida sin experiencia en combate, pero tras morir rápidamente se descubre atrapado en un bucle temporal que lo obliga a revivir el mismo día y la misma batalla repetidamente. Sin quererlo, ese extraño don podría resultar decisivo en la guerra.

Una película valorada con el tiempo

En su estreno, la película logró recaudar más de 370 millones de dólares en todo el mundo y, con el paso de los años, se consolidó como una de las obras de culto del género, aunque en su momento su taquilla no cumplió las expectativas para un proyecto cuyo presupuesto había sido de 178 millones. Habrían de pasar los años, pues, para que el público fuera valorando una historia frenética llena de giros y de acción, pero a la que no le faltan tampoco buenos toques de humor. “Un juguetón y frenético tornado de ciencia ficción”, se congratulaba en su momento la revista Empire en su reseña de la película.

Así, la combinación de una trama inteligente, efectos visuales sobresalientes y la química entre sus protagonistas han mantenido el interés tanto de nuevos espectadores como de los fanáticos de la primera hora. Y sí, también han hecho que muchos deseen que algún estudio empiece a pensar en la idea de sacar una segunda parte que permita seguir adaptando las novelas de Sakurazaka.

La secuela que nunca llega... pese a los rumores

El éxito que tiene ahora la película, así como sus aceptables datos en taquilla, dejó la puerta abierta a una segunda parte, aunque el proyecto ha permanecido en un limbo durante años. Los rumores sobre han sido constantes, y no es que los implicados hayan hecho mucho por desmentirlos. La actriz Emily Blunt compartió en el pódcast Happy Sad Confused en 2025: “Había un guion que Doug Liman me envió... Me encantaría hacerlo realidad, pero no sé cuándo ni cómo”.

Las apretadas agendas de Cruise y Blunt (a punto de estrenar El diablo viste de Prada 2 y El día de la revelación, además de la tercera parte de la saga de Un lugar tranquilo) han dificultado la producción. Ambos son figuras recurrentes en superproducciones y su disponibilidad parece ser el principal obstáculo. Mientras tanto, el director Doug Liman también ha manifestado su deseo de regresar, aunque el proyecto siga sin fecha clara ni luz verde definitiva.

Elenco destacado y detalles sobre la producción

El reparto está liderado por Anne Hathaway como Verity Crawford, una escritora envuelta en misterio tras un accidente que le impide continuar con su famosa serie de novelas. Dakota Johnson interpreta a Lowen Ashleigh, una autora que lucha por superar una difícil situación financiera. Josh Hartnett encarna a Jeremy, esposo de Verity, añadiendo complejidad a la dinámica familiar. El equipo actoral se completa con Ismael Cruz Córdova, Brady Wagner e Irina Dvorovenko. La dirección está a cargo de Michael Showalter, reconocido por su trabajo en Los ojos de Tammy Faye. Nick Antosca, cocreador de la serie The Act, adaptó el guion, aportando un tratamiento psicológico y oscuro a la historia.

Colleen Hoover, autora original, y Anne Hathaway, protagonista del filme, también participaron como productoras, favoreciendo la fidelidad en la adaptación. Hoover estuvo presente durante gran parte del rodaje para asegurar que los ambientes y escenarios, como la peculiar mansión en forma de “V”, reflejaran adecuadamente el carácter de la novela, subrayando la importancia del entorno en la creación de tensión narrativa.

Entre el suspenso, el erotismo y las ambigüedades morales

Verity: La sombra de un engaño supone un alejamiento significativo respecto a anteriores adaptaciones de Hoover, habitualmente enfocadas en el romance y el drama. En esta ocasión, predominan los componentes del thriller psicológico y el suspenso, configurando una experiencia distinta tanto para los lectores como para el público en general. La película refuerza el tono gótico y desliza una mezcla de erotismo e intriga, como adelanta el tráiler. Además de las confesiones y los escritos que Lowen descubre en la casa de los Crawford, la tensión adolescente, las relaciones duales y la dificultad para distinguir entre realidad y ficción atraviesan toda la narrativa.

La trama sitúa a Lowen ante una disyuntiva: los textos inéditos de Verity, ¿son simples obras de ficción o confesiones auténticas sobre eventos oscuros de la familia? La ambigüedad entre manipulación y atracción, junto a los juegos de poder, confiere dinamismo y tensión a la historia. Esta propuesta recuerda a anteriores éxitos del género como Perdida o Rebecca, con los que la crítica y los lectores han llegado a comparar a Verity: La sombra de un engaño.

Repercusión cultural y expectativas en taquilla

Desde su aparición en 2018, la novela Verity ha superado el millón de ejemplares vendidos solo en 2023 y se ha mantenido durante meses en los principales rankings literarios. La película se estrena tras el éxito de otras propuestas similares en tono y contenido, como La empleada, que logró una excelente recaudación internacional. Ante estos antecedentes, se prevé una recepción favorable para la adaptación, impulsada tanto por la base de seguidores de Hoover como por la participación de actores reconocidos.

El entusiasmo de los fanáticos creció con la publicación del primer avance, que promete una versión leal y visualmente sólida del universo de Verity. Para muchos, la implicación de Colleen Hoover en el proceso ha incrementado la confianza en que la adaptación respeta el espíritu original, algo poco frecuente en las adaptaciones cinematográficas, donde los autores suelen limitarse a vender los derechos.

Por otro lado, la apuesta de Sony Pictures por los thrillers psicológicos y el tratamiento de temas eróticos señala una tendencia en aumento dentro de la industria, cuyo objetivo es atraer a audiencias jóvenes y adultas interesadas en narrativas menos convencionales. Las primeras críticas ya resaltan la solidez del trío protagonista y el esmero en la puesta en escena como elementos que auguran una película atractiva para el público en general.

Con la publicación de sus primeras reseñas, el filme se perfila como una de las sorpresas del año, con una calificación de 94% en Rotten Tomatoes y un puntaje de 69 (“generalmente favorable”) en Metacritic antes incluso de su estreno oficial en Estados Unidos, programado para el 8 de mayo.

De qué trata la película

La historia sigue a George Hardy, un pastor interpretado por Hugh Jackman, que tiene la costumbre de leerles novelas de detectives a sus ovejas cada noche. Claramente, él está convencido de que ellas no entienden nada; pero la verdad es que comprenden mucho más de lo que imagina.

Cuando George aparece muerto en el campo bajo circunstancias sospechosas, el rebaño decide usar todo lo que absorbió de esas lecturas nocturnas para investigar el crimen por su cuenta y descubrir al responsable: siguen pistas, observan a los sospechosos humanos y demuestran que hasta las ovejas pueden ser brillantes detectives.

La película está basada en la novela Three Bags Full de la escritora alemana Leonie Swann.

Un reparto de peso

Junto a Jackman, el elenco de actores en vivo incluye a Emma Thompson como Lydia Harbottle, la abogada de George; Nicholas Braun (Succession) como el torpe oficial Tim que investiga el asesinato; Molly Gordon como Rebecca Hampstead, la hija del protagonista que reaparece tras años de ausencia; y Hong Chau como Beth Pennock, la posadera local con quien George parece haber tenido un pasado. Nicholas Galitzine completa el elenco principal como Elliot Matthews, un periodista que llega al pueblo y termina envuelto en el caso.

Pero quizás el aspecto más llamativo de la producción es su elenco de voces en inglés para las ovejas, quienes tienen características y personalidades distintas. Julia Louis-Dreyfus encabeza el grupo dando vida a Lily, la oveja líder. La acompañan Bryan Cranston, Patrick Stewart, Chris O’Dowd, Regina Hall, Bella Ramsey, Brett Goldstein y Rhys Darby.

Detrás de cámara, la película fue dirigida por Kyle Balda, conocido por la saga Minions y Mi villano favorito 3, con guion de Craig Mazin, el creador ganador del Emmy detrás de The Last of Us y Chernobyl.

Lo que dijeron los actores

En una conferencia de prensa realizada el 17 de abril en la que participó Infobae, Hugh Jackman recordó cómo reaccionó cuando recibió el guion por primera vez. “Me dijeron: esto va a ser algo que nunca antes habrás leído. Es como si combinaras Babe y Knives Out“, contó el actor. “Y yo dije: sí. Nunca había leído ni visto nada parecido. Y simplemente me encantó. Me encantó el corazón que tenía”.

“Pensé: esta es una película sobre crecer en todo sentido. Y todos estamos creciendo todo el tiempo. Se trata de las verdades difíciles o las cosas que asustan en la vida y que son difíciles de enfrentar. Y pensé que era muy hermoso”, expresó.

Cuando finalmente vio el producto terminado, el actor de 57 años admitió que la experiencia lo superó: “Lloré, me reí, y pensé: esto es una película increíble que quiero ver como hombre de 57 años, o que llevaría a mis hijos a ver. Porque es realmente hermosa. Así que sí, me sentí orgulloso de ella”.

Por su parte, Julia Louis-Dreyfus describió el desafiante proceso de grabar su voz para la oveja Lily. “Estaba completamente sola en un cuarto muy oscuro, con auriculares y un micrófono, y tenía el guion. Y entonces alguien en otro cuarto —no un actor, sino quizás uno de los productores— leía las otras líneas”, contó. “Tuve que imaginar, usar realmente mi imaginación para pensar que estaba en una colina con mis otros compañeros ovejas, resolviendo un crimen o tratando de superar ciertos miedos”.

“Realmente fue necesario usar mucha imaginación, porque yo no estaba ahí en absoluto. Y ni siquiera estaba viendo el CGI y toda la animación que usaron para crear el personaje mientras sucedía”, compartió.

Chris O’Dowd, voz de la oveja Mopple, destacó el mensaje de fondo de la historia: “Que cada miembro del rebaño tiene un rol. Tenemos todas estas dinámicas dentro del grupo.” El actor también elogió la ambientación: “Es un misterio tan bueno... ver un misterio desarrollarse a través del campo es bastante divertido”.

Las primeras reseñas de Las ovejas detectives han sido tremendamente positivas. Desde IGN, Jim Vejvoda la describió como “la película más tierna y dulce jamás hecha sobre la aceptación de la muerte y cómo enfrentar el dolor y el trauma”. Por su parte, Pete Hammond, en Deadline, elogió el “guion ingenioso y sabio” de Mazin y señaló que la película “luce tan colorida e idílica como Babe, su lejana prima“.

La comparación condensa bien lo que propone la película: de Babe toma la calidez, los animales con profundidad emocional y la ambientación rural británica; de Knives Out hereda la estructura de misterio, la galería de sospechosos y el placer del whodunit. La primera fue una de las películas más sorprendentes de 1995, nominada a siete premios Oscar —incluyendo Mejor Película— y pionera en los efectos visuales con animales reales. La segunda revitalizó el género detectivesco en 2019. Juntas, como inspiración declarada, marcan una ambición poco habitual para una comedia familiar.

Las ovejas detectives se estrena el 7 de mayo de 2026 en Argentina, Perú, México y el resto de Latinoamérica.

Las alertas sobre los riesgos legales y de ciberseguridad vinculados a servicios piratas de streaming, como Magis TV o XUPER TV se han intensificado en los últimos meses.

La Organización Internacional de Policía Criminal (INTERPOL) ha advertido que la descarga y el uso de plataformas piratas pueden implicar sanciones legales y exponen a los usuarios a amenazas informáticas graves.

Cuáles son las sanciones legales por acceder a Magis TV o XUPER TV

El uso y la distribución de contenidos protegidos sin permiso pueden derivar en procesos judiciales, multas cuantiosas e incluso penas de prisión, según ha informado INTERPOL. La legislación sobre derechos de autor se aplica tanto a quienes comercializan como a quienes consumen estos servicios.

En varios países, las autoridades han iniciado procesos legales para eliminar la presencia de Magis TV y XUPER TV de tiendas de aplicaciones en dispositivos, como televisores, celulares y ordenadores.

La única alternativa que tienen los usuarios que se quieren arriesgar a utilizar estas plataformas es por descarga de APK, pero esto trae varios peligros para su privacidad digital y la integridad de los dispositivos.

Por qué aumenta el riesgo de ciberataques al instalar aplicaciones piratas

INTERPOL ha alertado que muchos sitios web y redes P2P que distribuyen software pirata pueden contener malware o virus capaces de dañar el dispositivo o sustraer información personal. El software ilegal carece de los controles de seguridad presentes en las plataformas legítimas, lo que abre la puerta a programas maliciosos.

Estos programas nocivos pueden propagarse dentro de redes corporativas o domésticas, afectando operaciones empresariales críticas. Además, existe el riesgo de robo de identidad o de acceso no autorizado a datos bancarios.

Asimismo, al suscribirse a servicios piratas, los consumidores se exponen a fraudes financieros y al robo de datos confidenciales. Las plataformas ilegales emplean métodos de pago no regulados, lo que dificulta la identificación del destinatario del dinero y facilita estafas con tarjetas de crédito.

Otra vulnerabilidad es la ausencia de actualizaciones y soporte técnico. Los productos obtenidos fuera de los canales oficiales pueden sufrir fallos de seguridad, porque no reciben parches, actualizaciones o mejoras.

Cómo identificar una página web o servicio de streaming pirata

Las autoridades sugieren desconfiar de cualquier sitio que ofrezca acceso a un gran volumen de contenido a precios bajos o de forma gratuita. Por lo general, los servicios legítimos resultan más costosos, pero garantizan calidad de transmisión, atención al cliente y soporte técnico confiable.

Para verificar la autenticidad de un servicio, es clave visitar el sitio web oficial del proveedor y consultar los paquetes disponibles en cada territorio. INTERPOL alerta que la diferencia de precio, la falta de información clara sobre la empresa y la ausencia de canales oficiales de contacto son señales de un sitio pirata.

De qué forma se vinculan las plataformas piratas con otros delitos

INTERPOL advierte que los operadores de sitios piratas pueden estar relacionados con redes de delincuencia organizada, que utilizan los beneficios para financiar actividades ilegales como el blanqueo de capitales, el tráfico de drogas, la explotación sexual o el juego ilegal en línea.

En este sentido, al optar por servicios piratas, los usuarios podrían estar contribuyendo de manera inadvertida a estas actividades ilícitas. El dinero generado por la piratería digital circula en circuitos opacos y alimenta estructuras criminales que trascienden el ámbito tecnológico.

Qué medidas sugieren las autoridades para protegerse de riesgos

INTERPOL aconseja mantener antivirus y firewalls actualizados, así como asegurarse de que el sistema operativo y el software cuenten con los últimos parches de seguridad instalados.

El acceso a películas u otros contenidos por vías legales y la revisión minuciosa de la autenticidad de los servicios de streaming son pasos claves para proteger tanto la integridad de los dispositivos como la información personal y financiera.

Si pensamos en las películas sobre crimen organizado, es probable que a nuestra cabeza acudan dos nombres. El primero sería El Padrino, la película de Francis Ford Coppola considerada por muchos como la mejor de la historia del cine. El otro sería el de Martin Scorsese, y cualquiera de las obras maestras con las que encumbró este género de la mano de actores como Al Pacino, Joe Pesci o su mejor socio, el doblemente oscarizado Robert De Niro.

Martin Scorsese lleva más de cinco décadas demostrando que nadie filma el crimen con tanta precisión ni con tanto nervio. Pero dentro de una filmografía que incluye Malas calles, Casino, Gangs of New York, Infiltrados o El Irlandés, hay una película que muchos sitúan por encima de todas: Uno de los nuestros.

La cinta de 1990 nació de un libro de no ficción de Nicholas Pileggi, Wiseguy: Life in a Mafia Family, que reconstruía en primera persona la vida de Henry Hill junto a la mafia de la familia Lucchese. Entre sus páginas, Scorsese encontró una historia con la que liberarse de la estética que Coppola y El Padrino venían marcando desde hacía décadas: ya no se trataba de realizar un retrato épico y trágico de la mafia, sino de contar la cotidianidad menos glamurosa del crimen organizado, y poner la cámara en su nivel más bajo.

Por qué ‘Uno de los nuestros’ se considera una obra maestra

Sin el romanticismo ni la grandeza de los Corleone, Scorsese construye su historia desde la codicia de sus personajes y el caos generalizado del mundo en el que viven. Uno de los nuestros, que puedes ver en Netflix hasta el próximo 30 de abril, nos cuenta la historia de un joven que, lleno de encanto, nos cuenta la historia de un joven recién ingresado en la mafia. Muy pronto, ese chico que creció admirando la vida de los gángsters irá ascendiendo de categoría tras ganarse la confianza de los principales jefes de esa familia.

La película arranca con calma, casi como una historia de formación, y luego aprieta el acelerador hasta un tramo final construido sobre la paranoia. Scorsese usa la voz en off, el montaje acelerado y una selección musical que funciona como motor narrativo, no como decorado. Todo eso, junto a planos secuencia que sumergen al espectador en la acción, como la famosa escena en la que vemos al protagonista entrar por la puerta trasera del club nocturno Copacabana, uno de los más recordados (y citados) por su puesta en escena y magistral narrativa visual.

Esta fórmula permite que todos los intérpretes de la película acaben por brillar con luz propia. Ray Liotta y Robert De Niro cuentan con los papeles principales, mientras que secundarios de lujo como Joe Pesci (que no aceptó participar en la película hasta que incluyeron una escena propuesta por él mismo donde pasa de ser el ‘rey de la fiesta’ al personaje más peligroso del local), Lorraine Bracco, Paul Sorvino o Chuck Low ponen el resto para dar vida a esta fábula inmoral sobre el crimen organizado.

Pesci ganaría el único Oscar de Uno de los nuestros, aunque ya sabemos que la Academia nunca ha sabido premiar debidamente a Scorsese. A pesar de su impresionante filmografía, solo una de sus cintas ha ganado en la categoría de Mejor película. Aunque a quién le importan los premios cuando acabas de cambiar para siempre la historia del cine criminal, y de algún modo, cuando incluso has conseguido terminar con el imperio de la estética casi operística que nos legaron Coppola y El Padrino.

Desarrollo y consolidación de una saga influyente

La franquicia Jackass nació durante la transición del milenio con un programa emitido por MTV entre 2000 y 2001, creado por Johnny Knoxville, Jeff Tremaine y Spike Jonze. Lo que comenzó como cortos de acrobacias peligrosas y bromas entre amigos en un entorno local rápidamente captó la atención internacional. El programa original marcó un antes y un después al reunir a una banda diversa que incluía a Steve-O, Chris Pontius, Dave England, Wee Man (Jason Acuña), Preston Lacy, Bam Margera y el fallecido Ryan Dunn. Su enfoque “hazlo tú mismo”, impregnado de rebeldía y cultura skate, conectó especialmente con audiencias jóvenes, convirtiéndose en símbolo de humor irreverente y resistencia física.

En 2002, el salto al cine se concretó con Jackass: La película, que superó todas las expectativas al recaudar 79 millones de dólares a nivel mundial, una cifra poco habitual para una producción de bajo presupuesto y formato no tradicional. Desde entonces, la saga sumó tres películas más: Jackass 2 (2006), Jackass 3D (2010) y Jackass Forever (2022). Cada estreno contribuyó a consolidar un fenómeno con más de 500 millones de dólares recaudados globalmente y a conquistar varias generaciones, además de proyectos derivados como Bad Grandpa.

Despedida con nuevas incorporaciones y riesgos renovados

Jackass: La Última y Nos Vamos no solo reúne a los veteranos Knoxville, Steve-O, Chris Pontius, Dave England, Wee Man y Preston Lacy, sino que incorpora nuevas caras como Ehren McGhehey, Poopies (Sean McInerney), Zach Holmes, Jasper, Dark Shark (Compston Wilson) y Rachel Wolfson. El tráiler, presentado en CinemaCon y lanzado posteriormente al público, muestra que la fórmula de la franquicia se mantiene: camaradería, humor desafiante y situaciones extremas. Entre las novedades destaca una secuencia en la que un robot realiza un examen de próstata, fusionando tecnología y absurdo en la línea de lo que siempre ha caracterizado al grupo.

A pesar del dolor físico y las lesiones, el grupo parece entregarse con entusiasmo a esta última ronda de acrobacias y bromas. Johnny Knoxville, quien había anunciado una semi-retiro tras una grave lesión sufrida durante el rodaje de Jackass Forever en 2022 -donde un toro le causó una hemorragia craneal, conmoción cerebral y fracturas- regresa ahora visiblemente más cauteloso, pero decidido a despedirse de su público. Esta resiliencia ante el riesgo y la búsqueda constante de lo inesperado conforman parte del atractivo que ha mantenido la fidelidad de los espectadores durante 25 años.

Influencia cultural y reflexión sobre el impacto generacional

Más allá de lo escandaloso y la comicidad, la saga Jackass ha dejado una profunda huella en la cultura pop y el entretenimiento contemporáneo. Su éxito económico apenas refleja una conexión más profunda con inquietudes generacionales: cuestionar los límites, desafiar la autoridad y exaltar una camaradería masculina en su estado más crudo y vulnerable. Las imágenes de amigos superando pruebas dolorosas y absurdas se han convertido en anécdotas compartidas que marcan la identidad de muchos jóvenes y adolescentes desde inicios de siglo.

Para el público en general, Jackass sirvió como una vía de escape ante el estrés cotidiano, mostrando en pantalla lo que pocos se atreverían siquiera a imaginar. Sin embargo, su legado también ha sido objeto de debate: diversas organizaciones médicas y padres han advertido repetidamente sobre los riesgos de imitar sus actos, subrayando la línea difusa entre el espectáculo y el peligro real. Esta discusión ha formado parte constante del discurso público alrededor de la saga, sin que ello haya impedido que Jackass se mantenga vigente e influyente con el paso del tiempo.

El estreno de Jackass: La Última y Nos Vamos representa más que un lanzamiento cinematográfico: es la celebración definitiva de un fenómeno que desafiaba las normas y generaba comunidad a través del humor físico. Este último reto, con nuevas incorporaciones y una autoconciencia evidente respecto al paso de los años, se perfila como un homenaje a la persistencia del grupo y una advertencia sobre los límites del cuerpo humano.

De todas las ventanas al futuro, el cine siempre ha sido uno de los ámbitos donde los seres humanos más han insistido en tratar de imaginar cómo será el mundo dentro de cientos de años. A pesar de que a día de hoy asociemos la ciencia ficción con películas modernas como Star Wars, Interstellar o Proyecto Salvación, lo cierto es que el género fue uno de los primeros en llegar a la gran pantalla y, también, uno de los primeros en dejarnos obras maestras.

En 1927, cuando el cine todavía se consolidaba como un producto masivo, Fritz Lang estrenó Metrópolis. En esta película, el director alemán imaginaba en clave expresionista cómo sería el mundo en 2026. En esa inmensa megalópolis del futuro, nos cuenta la historia de Freder, un joven perteneciente a las élites económicas, que, tras enamorarse de María, una muchacha de origen humilde, descubre la dura condición de las clases obreras que trabajan en la ciudad.

A partir de este descubrimiento, se construye una película que ofrece una visión ciertamente distópica del futuro (hoy presente) de la humanidad. En su momento, los estudios cinematográficos decidieron recortar algunos minutos de la película de Lang, de modo que la versión íntegra y original de Metrópolis (disponible actualmente en Filmin) no se vería hasta 2010, poco después de que se descubriera un material que se creía perdido en un museo de Buenos Aires.

Qué nos dice ‘Metrópolis’ sobre el futuro

En un vídeo que ya supera las 90.000 visualizaciones, el divulgador @sergiobouzine describe cómo la sociedad de Metrópolis vive dividida espacial y económicamente en dos clases. “Arriba, la élite vive rodeada de lujo y abajo, miles de trabajadores sostienen el sistema como si fueran máquinas”. Acertó, pues, de lleno en cómo las desigualdades económicas se reflejarían en el urbanismo moderno, con grandes ciudades actuales como Nueva York, Dubái o Tokio donde se muestra una verticalidad extrema en la que el piso en el que vives depende, literalmente, del dinero que tengas.

No sería el único acierto de Fritz Lang, que se anticipó a la llegada de las videollamadas, la inteligencia artificial o las ciudades conectadas y llenas de pantallas. Cabe recordar que en aquella época ni siquiera existían los ordenadores, por lo que la predicción de Lang no solo acertó con los inventos que llegarían, sino en el modo en que estos cambiarían la estructura de la sociedad. “Metrópolis fue esa película que empezó a preguntarse cómo imaginamos el futuro”, afirma Sergio. Y parece que sus conclusiones señalaron en la dirección correcta.

Eso sí, rodar esta película, considerada como la mejor película de ciencia ficción de la historia, no fue nada fácil. “El rodaje fue un infierno”, cuenta el divulgador en su vídeo. “Jornadas interminables, condiciones durísimas y un presupuesto que casi arruina al estudio”. Con todo, el resultado valió la pena: “Cambió la historia del cine para siempre. La estética de sus ciudades, los robots, la forma de representar el futuro... Todo eso influyó en películas como Blade Runner, Star Wars y la cultura pop actual”.

En una sala a oscuras, donde el silencio se ve interrumpido únicamente por el sonido envolvente de la proyección, una tecnología emergente comienza a registrar mucho más que la atención del público.

Según un informe de Smithsonian Magazine, cada latido, cada movimiento ocular y cada variación en la piel se transforman en datos que permiten analizar las respuestas físicas ante una historia, trasladando la experiencia cinematográfica, tradicionalmente asociada a la percepción subjetiva, a un terreno cuantificable basado en indicadores fisiológicos.

Este enfoque se desarrolla en el Reino Unido, donde investigadores de la Universidad de Bristol impulsan una sala experimental que combina exhibición audiovisual con análisis científico. El objetivo consiste en identificar con precisión biológica qué elementos captan el interés del espectador y de qué manera se configura su vínculo emocional con el contenido proyectado.

Un laboratorio dentro del cine

El proyecto, denominado Smart Cinema, convierte una sala con capacidad para 35 personas en un espacio de medición avanzada. El entorno integra un proyector láser de alta resolución y sistema de sonido Dolby Surround con tecnología especializada que permite registrar en tiempo real las respuestas físicas de los espectadores.

Estos incluyen monitores de frecuencia cardíaca, auriculares de electroencefalografía (EEG) y cámaras infrarrojas que siguen los movimientos oculares.

A diferencia de las pruebas tradicionales, basadas en encuestas al concluir la función, este sistema permite captar reacciones inmediatas. La tecnología mide variables como la temperatura corporal, la actividad cerebral y la conductividad de la piel, todos indicadores asociados a la emoción y la atención.

El neuropsicólogo Iain Gilchrist explicó el alcance a The Times: “Esos métodos [antiguos] tienen su valor, pero siempre se basan en la memoria”.

Además, enfatizó que “con esta tecnología de cine inteligente y estos métodos, no hay que arriesgarse a estrenar algo y esperar que funcione. Se puede obtener información real del público, momento a momento, sobre cómo reacciona y luego realizar cambios antes del estreno. Y creemos que eso podría aportar un valor real”.

Qué revelan los datos biométricos

El avance del sistema se sustenta en investigaciones previas. Un estudio publicado en la revista Journal of Cognitive Neuroscience, publicación académica de referencia, analizó el comportamiento de 40 personas expuestas a fragmentos audiovisuales de diferentes géneros. Durante las pruebas, los investigadores recopilaron datos fisiológicos para identificar patrones comunes.

Los resultados evidenciaron que la atención y la implicación emocional se relacionan con la sincronización de la frecuencia cardíaca y la dirección de la mirada entre los espectadores. Ese vínculo no se encontró en la comprensión narrativa, lo que plantea que comprender una historia y reaccionar emocionalmente no obedecen a los mismos mecanismos.

En el artículo académico, los autores señalaron que a pesar de la importancia y la omnipresencia de la narración de historias, se sabe relativamente poco sobre los mecanismos neurocognitivos mediante los cuales los medios narrativos captan y mantienen nuestra atención.

Primeras pruebas con público

El cortometraje de ciencia ficción RENO inauguró el uso de la sala experimental. La obra, centrada en la relación entre humanos e inteligencia artificial, se proyectó ante una audiencia cercana a las 200 personas en distintas funciones.

El director, Rob Hifle, remarcó: “No se trata solo de perfeccionar la película; también se trata de conectar con los espectadores y comprender sus reacciones. Esta experiencia, sin duda, influirá en el montaje final de maneras que aún no puedo imaginar”.

El acceso a datos en tiempo real habilita herramientas que pueden incidir en la edición, el ritmo narrativo o la construcción de escenas concretas.

Entre el análisis y el escepticismo

El uso de métricas biométricas en la industria audiovisual genera interés, aunque también despierta cuestionamientos. La investigadora de medios y profesora, Amanda Lotz, aportó una mirada crítica en diálogo con The Guardian: “La narración original prioriza la técnica y la historia, no una fórmula como ‘el 50% de los espectadores analizados quieren X’”.

Mientras especialistas advirtieron sobre el riesgo de reducir la creatividad a datos cuantificables, los impulsores del proyecto defienden que la herramienta amplía las posibilidades de análisis sin reemplazar el criterio artístico.

Además del cine, los investigadores visualizan aplicaciones para la música en vivo y la publicidad, donde comprender la respuesta emocional del público también resulta relevante.

Ápex, el thriller de supervivencia protagonizado por Charlize Theron y Taron Egerton, se ha convertido en el estreno más visto de Netflix en 86 países, alcanzando el primer puesto del ranking global de la plataforma desde su lanzamiento el 24 de abril de 2026. Dirigida por Baltasar Kormákur, la película reúne a dos de los actores más reconocidos del cine actual, pero la respuesta del público y la crítica ha dejado en evidencia una marcada división respecto a sus méritos y limitaciones.

Luego de su estreno mundial, Ápex rápidamente se posicionó entre los primeros lugares en las listas de audiencia, de acuerdo con datos de FlixPatrol. La película utiliza una fórmula familiar para los aficionados al género: una mujer marcada por un trauma personal se enfrenta a la hostilidad de la naturaleza y a la persecución de un adversario persistente. En esta ocasión, Sasha, interpretada por Charlize Theron, recorre un parque nacional australiano como parte de un proceso personal de duelo, pero su travesía se complica cuando se convierte en el objetivo de un cazador interpretado por Taron Egerton. Con una duración de solo 90 minutos, la película destaca por su ritmo ágil y su capacidad para captar la atención de inmediato.

Récord de audiencia gracias a una fórmula efectiva

El respaldo del público a Ápex ha superado a otros estrenos recientes de Netflix. Su ascenso veloz en las listas de popularidad resalta la preferencia de los usuarios por los thrillers directos, con enfoque en la acción física y el impacto visual. La elección del entorno australiano enfatiza el aislamiento de la protagonista y aporta atractivo visual a la puesta en escena. Para los seguidores de Theron y Egerton, la película ofrece un nuevo enfrentamiento actoral tras sus anteriores éxitos individuales en la plataforma, como La vieja guardia y Equipaje de mano.

La dirección de Baltasar Kormákur, experimentado en historias de supervivencia como Everest y La bestia, asegura una realización dinámica y llena de tensión. Los escenarios naturales y la progresión de peligros mantienen el interés, aunque varios análisis especializados señalan que la narrativa prioriza la acción sobre el desarrollo psicológico de los personajes. A pesar de ello, la propuesta narrativa ha resultado satisfactoria para buena parte del público, que valora la intensidad por encima de la originalidad.

Reseñas de la crítica: entre elogios y reservas

No obstante, a medida que aumentó su popularidad, también surgieron reservas de la crítica y de algunos sectores del público más exigente. En Rotten Tomatoes, Ápex mantiene una aprobación cercana al 66 %, una cifra que refleja un desempeño respetable, aunque distante de un consenso ampliamente favorable. En plataformas como IMDb y Letterboxd, las calificaciones rondan 6,2 y 2,7 sobre 5, respectivamente, lo cual sugiere una percepción de filme eficaz pero poco memorable.

Las reseñas profesionales suelen destacar el esfuerzo físico de Theron, la tensión generada en la persecución entre protagonista y antagonista, y la espectacularidad de los escenarios. Sin embargo, critican la dependencia de clichés propios del género y la falta de profundidad en la construcción de las motivaciones y el desarrollo emocional de los personajes principales. Algunos medios enfocados en el análisis de tendencias digitales consideran que la película funciona como entretenimiento adecuado para el catálogo de Netflix, pero no representa una renovación significativa para el género de thriller de supervivencia.

Influencia en la audiencia y tendencias actuales de Netflix

Para el público internacional, el principal atractivo de Ápex es la capacidad de generar emociones fuertes en un contexto familiar, donde el peligro es tangible y la resolución depende de las acciones rápidas de la protagonista. Esta clase de propuestas se adapta bien a los patrones de consumo de la plataforma, donde la inmediatez y la intensidad son tan valoradas como la originalidad de los argumentos.

El caso de Ápex ejemplifica ciertas características del contenido original de Netflix: una producción puede liderar el ranking mundial y, al mismo tiempo, no satisfacer a aquellos que buscan propuestas más audaces. En muchos países, los espectadores comentan en foros y redes sociales la tensión de las escenas de persecución y la espectacularidad visual, aunque también mencionan la previsibilidad del argumento y la ausencia de sorpresas memorables. Para los aficionados a la acción, Ápex entrega una cuota adecuada de adrenalina, mientras que quienes prefieren relatos con mayor profundidad psicológica o giros argumentales innovadores pueden considerar limitada la película.

En el contexto del mercado, el fenómeno de Ápex refuerza la estrategia de Netflix de apostar por títulos con alto impacto visual y protagonismo de grandes figuras, capaces de escalar en las estadísticas globales sin requerir el respaldo unánime de la crítica. Para el espectador común, esto implica disponer de opciones de entretenimiento inmediato, pensadas para un consumo ágil y con potencial de generar conversación en redes digitales, aunque también pone en evidencia los desafíos de la plataforma para crear contenido original que logre trascender la inmediatez y permanezca en la memoria colectiva más allá de los registros estadísticos.

De toda la historia de los Premios Goya, Javier Bardem es el intérprete (en categoría masculina y femenina) que más galardones se ha llevado por sus papeles. El hijo de la también actriz Pilar Bardem cuenta con una carrera de más de tres décadas que le ha llevado, incluso, a coronarse con un Oscar al Mejor actor de reparto por su película No es país para viejos. Un logro que ayudó en su momento a que todo el mundo conociera a un actor que, en su país, es considerado como una de las grandes leyendas de su cine.

El último Goya que ganó Bardem se lo llevó, precisamente, con una película que también puede presumir de tener el récord absoluto de nominaciones: un total de 20. Estamos hablando de El buen patrón, cinta que juntó de nuevo al intérprete con uno de sus socios favoritos, Fernando León de Aranoa, con quien ya había rodado Loving Pablo, una película sobre la relación amorosa entre Pablo Escobar y Virginia Vallejo, y Los lunes al sol, donde da vida a un obrero que encadena trabajos precarios para salir a fin de mes.

En cierto modo, El buen patrón podría considerarse como la otra cara de la moneda de Los lunes al Sol. Al fin y al cabo, Bardem da vida al propietario de una empresa a punto de recibir un premio por su excelente labor. Para obtener esta distinción, dicho empresario tratará de solucionar todos los problemas de sus empleados, incluso cuando estos tienen que ver con su vida personal, lo que terminará por reflejar la propia hipocresía del protagonista.

Un empresario basado en hechos reales

Actualmente disponible en HBO Max, donde dejará de poder verse a partir del 1 de mayo, El buen patrón es una sátira de todos esos empresarios que se conciben a sí mismos y a sus empleados como a su familia, a los que da vida un reparto con nombres como los de Manolo Solo, Almudena Amor u Óscar de la Fuente. La génesis del personaje principal tiene raíces reales, según explicó el propio León de Aranoa en entrevistas: “Nace de alguien que conozco, y que tiene una relación con sus trabajadores parecida”, afirmaba para la revista Fotogramas.

La actuación de Javier Bardem, que recibiría por el papel su sexto cabezón del cine español, es fundamental para dar vida a este jefe carismático y manipulador. El actor construye un personaje capaz de retorcer la realidad a su favor, disimulando sus maniobras bajo una apariencia campechana y paternalista. El propio guion aprovecha este contraste para generar situaciones cargadas de humor negro y crítica social, con esas balanzas que se fabrican como la metáfora perfecta: por más que se intente, el equilibrio entre los intereses de la empresa y los derechos de los trabajadores nunca se alcanza.

A pesar de esas 20 nominaciones, El buen patrón finalmente ganó ‘solamente’ seis Goya, incluyendo Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Se quedaría lejos, pues, de Mar adentro, el título que actualmente ostenta el récord de premios, con un total de 14 de las 15 categorías a las que optaba. Posteriormente, esta película, también protagonizada por Bardem, lograría también un Oscar a la Mejor película internacional, marcando otro de los grandes hitos en la carrera del actor.

Si no te suena el nombre de Baltasar Kormákur y tienes Netflix, no te preocupes: muy pronto te va a sonar. El director de cine islandés, famoso por sus películas de supervivencia en las que busca llevar a sus personajes a sus límites físicos y emocionales, se ha colado en el top de la plataforma con una nueva película que, sin pasar por cines, ha desembarcado en la plataforma para convertirse en la más vista en nada más y nada menos que en 89 países.

Hablamos de Depredador dominante (Apex, en inglés), una cinta protagonizada por Charlize Theron y Taron Egerton donde seguimos a Sasha, una mujer que, para superar su duelo, decide adentrarse en la jungla australiana para explotar su faceta más aventurera y deportista. Sin embargo, lo que en un principio parecía una temeraria expedición se convierte en algo mucho más peligroso cuando un asesino la elige como presa, dando comienzo a un juego del ratón.

De fondo, está la selva de las Montañas Azules de Australia, una región llena de bosques de eucaliptos y gargantas recubiertas de bosques templados, conocida sobre todo por ese particular color que adopta el lugar gracias a un fenómeno de la radiación ultravioleta. Depredador dominante se grabó enteramente en localizaciones reales, buscando potenciar una fotografía que acentúa el carácter de supervivencia extrema de la historia que se está contando.

Un reparto de lujo

El éxito de Depredador dominante no se debe solo a su trama, condensada en una película de poco más de 90 minutos. El reparto es, sin duda, otra baza con la que Kormákur ha atraído a millones de espectadores. Al fin y al cabo, se trata del regreso de Charlize Theron al género de las películas de acción, género del que parece haberse convertido en especialista tras éxitos como Mad Max: Furia en la carretera, la saga Fast & Furious o La vieja guardia. En esta ocasión, la entrega de la actriz llegó a tal nivel que se dice que llegó a grabar parte de la película con un dedo del pie roto. Algo alucinante, teniendo en cuenta las escenas que tuvo que rodar.

A este nombre se le une el de Taron Egerton, en un registro muy alejado del cándido héroe que interpreta en Kingsman: Servicio secreto o del tan sensible como estrambótico Elton John de Rocketman. En esta ocasión, su papel será mucho más inquietante, dando vida a un cazador que, más que querer asesinar a su presa, parece disfrutar todavía más jugando con ella. A él se unen, además, otros nombres reconocibles como el de Eric Bana (Troya) o Caitlin Stasey (Smile) para terminar de completar el reparto.

Gracias a todos ellos, Baltasar Kormákur regresa a la senda de otros títulos conocidos de su carrera, como Everest o A la deriva, donde explora cómo la adversidad extrema en los límites del mundo es capaz de transformar a las personas. Parece que la apuesta le ha salido bien: Depredador dominante ya ha superado los 10 millones de reproducciones en su primer día y promete ser uno de los grandes lanzamientos de Netflix este mes.

El estreno del film está previsto para el 21 de mayo en cines de Latinoamérica y marcará el regreso de Star Wars a la gran pantalla, tras una etapa enfocada en producciones televisivas.

La película busca consolidar el regreso de la franquicia a los cines y contará con la participación especial de Martin Scorsese, un factor que potencia la expectativa entre los seguidores del universo creado por George Lucas.

Presentación exclusiva de The Mandalorian & Grogu

Favreau compartió que participó en CinemaCon en Las Vegas para presentar material inédito de The Mandalorian & Grogu ante profesionales de la industria cinematográfica. “Es realmente un evento del sector: propietarios de salas de todo el mundo se reúnen allí para ver presentaciones exclusivas de las películas que se estrenarán este año”, explicó.

El cineasta expresó su entusiasmo: “Trabajamos casi tres años en este proyecto, así que estoy emocionado de presentarlo”, subrayó durante la entrevista. También destacó lo especial que resulta presentar la película ante una audiencia, ya que desde pequeño asistía al cine para ver las entregas originales de Star Wars.

Según Favreau, la recepción en CinemaCon fue positiva. Se mostró especialmente complacido por compartir contenido exclusivo, y adelantó que el nuevo film incorpora innovaciones tanto técnicas como emocionales en el universo de la saga.

El lazo emocional de Jon Favreau con Star Wars

Durante la conversación con Jimmy Kimmel, Favreau compartió su vínculo personal con la saga galáctica. “Toda mi vida ha estado marcada por Star Wars”, afirmó, resaltando cómo la franquicia influyó en su desarrollo artístico desde la infancia.

Favreau evocó su primer contacto con Star Wars en 1977, cuando vio la película en el cine y quedó profundamente impactado por la experiencia. “Iba al cine una y otra vez, y tenía el álbum y los juguetes”, recordó.

Ese fenómeno, señaló, no solo marcó su fanatismo, sino que también influyó de manera decisiva en su forma de entender el cine y los distintos géneros narrativos.

En ese sentido, destacó el papel central de George Lucas en su desarrollo profesional. “George Lucas fue quien me abrió las puertas al cine y al género”, afirmó.

En paralelo reconoció la influencia de obras como American Graffiti, así como del cine de Akira Kurosawa y del western clásico, corrientes que también sirvieron de inspiración y que terminaron moldeando su mirada como realizador.

Para Favreau, conectar con Star Wars como seguidor y como autor transformó sus aspiraciones y visión profesional. “No estaría haciendo lo que hago ahora si no hubiera quedado tan impactado por la saga”, confesó.

Martin Scorsese y su participación especial en The Mandalorian & Grogu

Favreau también se refirió a la participación de Scorsese en la nueva entrega de Star Wars, uno de los aspectos que más llamó la atención durante la entrevista. Sobre cómo se concretó la colaboración, explicó: “Esperaba que aceptara. Kathy Kennedy lo conoce mejor, pero yo trabajé con él en El lobo de Wall Street”.

Describió la experiencia como inusual y creativamente abierta, destacando el aporte personal del cineasta: “Scorsese improvisó y aportó su sello, fue como estar soñando despierto”.

Además, subrayó que el trabajo de voz se desarrolló con flexibilidad, lo que permitió explorar distintas ideas durante el proceso: “Jugamos e improvisamos, probando diferentes ideas y divirtiéndonos”.

El origen del universo Marvel según Jon Favreau

En la entrevista, Favreau evocó sus inicios en el universo cinematográfico de Marvel, particularmente la elección de Robert Downey Jr. para el papel de Iron Man. “Con la elección de Robert Downey Jr. para Iron Man, supe que estábamos cambiando las reglas”, recordó Favreau. Esta decisión marcó un punto de inflexión en el desarrollo de la franquicia.

El director aclaró que, antes del éxito de Iron Man, el personaje era poco conocido fuera de los cómics. “Habían existido otras películas de Marvel, pero nadie conocía realmente a Iron Man. Apostar por un actor de ese nivel transformó todo”, explicó.

Al referirse al final de Iron Man en Avengers: Endgame, reconoció que inicialmente tuvo reservas sobre la decisión narrativa. “Llamé a los Russo y les dije, ‘No sé si esto va a gustar; creo que va a afectar mucho al público’”, recordó, en alusión al impacto emocional que podía generar en quienes crecieron con el personaje.

Sin embargo, con el tiempo valoró el resultado final: “Lo manejaron muy bien. Gwyneth y Robert hicieron una actuación extraordinaria, y yo estaba equivocado”.

Favreau remarcó que tanto Marvel como Star Wars fueron parte de su vida y de la de muchos espectadores. Ante la pregunta de Kimmel sobre qué fandom es más intenso, opinó que “los fans de Star Wars están profundamente más implicados. Estuve allí en 1977, y mi vida fue en gran parte Star Wars”.

Al concluir la conversación en Jimmy Kimmel Live, Favreau expresó su entusiasmo y gratitud por formar parte de la saga galáctica, evocando la ilusión de trabajar con los mundos y personajes que marcaron su infancia.

Poca gente cuestiona hoy la importancia para la historia del cine de Hayao Miyazaki. El director japonés, responsable de obras maestras como El viaje de Chihiro, El castillo ambulante, Mi vecino Totoro o La princesa Mononoke, ha revolucionado el terreno de la animación con películas en las que la complejidad de sus personajes (la mayoría de ellos infantiles) no está reñida con la belleza y el carácter emotivo de las historias que plantea.

A sus 85 años, el director lleva más de medio siglo estrenando películas que, por desgracia, no siempre han recibido el reconocimiento que merecen. Este es el caso de Nicky, la aprendiz de bruja, una película de culto para muchos (sobre todo para los jóvenes de la Generación Z, que crecieron con ella), pero que, a pesar de su increíble historia y la importancia que tuvo en la carrera de Hayao Miyazaki, ha quedado relegada a un plano secundario en la filmografía del cineasta nipón.

En Nicky, la aprendiz de bruja (actualmente disponible en Netflix) nos encontramos con una joven bruja que acaba de cumplir 13 años y, cumpliendo con la tradición, debe abandonar su casa para aprender a valerse por sí misma durante un año. Así, iniciará una travesía junto a su gato Jiji para descubrir el mundo y todo lo que este le depare. Con un ritmo pausado, imágenes preciosas y una banda sonora del mejor Joe Hishaishi, Miyazaki diseña una aventura llena de sutilezas que cambiaría para siempre su forma de contar historias.

Un nuevo tipo de heroínas

Para cuando estrenó esta película, el director japonés ya era toda una celebridad en su país. Tras el éxito de series animadas como Lupin o Sherlock Holmes, pasaría a la categoría de estrella nacional con el estreno en 1984 de Nausicaä del Valle del Viento. Un verdadero hit tras el que Miyazaki fundaría Studio Ghibli, y al que le seguirían otros como El castillo en el cielo (1986) y, sobre todo, Mi vecino Totoro (1988). Eso sí, por aquel entonces no a todo el mundo le gustaban sus películas.

“Tras recibir cartas de mujeres que me criticaban por no describir su situación con claridad, por crear una imagen idealizada de la mujer vista a través de los ojos de los hombres, decidí cambiar mi tipo de heroína”. Paradójicamente, en su próxima película, Nicky, la aprendiz de bruja nos mostraría a su heroína menos heroica: no está destinada a salvar nada, no es perfecta ni poderosa y muchas veces se siente insegura y cansada. A pesar de todo, la acompañamos en su viaje y la vemos, día a día, enfrentarse con coraje a la vida y todos sus obstáculos, mostrándonos una aventura más emocional y psicológica, pero también mucho más emotiva.

Miyazaki buscaba, además, que Nicky se encontrara con “numerosos problemas de las mujeres” de la época, “económicamente independientes, pero no moralmente”. Buena cuenta de ello dan las escenas en las que, de una forma muy sutil, el director aborda los sentimientos amorosos y la sexualización de la protagonista, además de su introducción en el mundo laboral. Esta estrategia cambiaría para siempre el cine del director, que a partir de entonces nos brindaría historias con heroínas mucho más profundas y humanas (Chihiro sería el ejemplo perfecto), dando tanta importancia a sus peripecias como a su evolución psicológica.

El protagonista regresa ahora a la gran pantalla en una nueva etapa, que en 2019 llegó con Javier Rey en carne y hueso con la adaptación de El silencio de la ciudad blanca, dirigida por Daniel Calparsoro. En esta ocasión, al frente del proyecto están Manuel Sanabria y Joaquín Llamas, que han apostado por reinventar el reparto y escoger otra novela de la autora vitoriana: El libro negro de las horas.

“Decidimos empezar de cero y que nuestra adaptación de otra novela, que no es la misma, tuviera virtudes diferentes”, explica Sanabria, autor de Hotel Bitcoin, a Infobae, en referencia a la película basada en la primera novela de la saga. En esta ocasión, el papel de Kraken recae en Alejo Sauras, y el de Esti, en Maggie Civantos, que en su versión previa el papel fue a parar a Aura Garrido, bajo el nombre de Estíbaliz.

En Kraken. El libro negro de las horas, la historia vuelve a desarrollarse en dos tiempos, una de las señas de identidad de la autora. En la Vitoria de 2022, todo arranca cuando Unai López de Ayala, exinspector de policía y especializado en perfiles criminales, recibe una llamada anónima que pone su mundo patas arriba: alguien asegura tener secuestrada a su madre, a quien él daba por muerta desde hace años. A partir de ese momento, y si quiere salvarla, Kraken dispone de solo una semana para encontrar el llamado Libro negro de las horas, una de las siete joyas bibliográficas más exclusivas del mundo. Obligado a abandonar su retiro, inicia junto a su compañera Esti una carrera contrarreloj que lo llevará desde Vitoria hasta el Madrid más oculto del coleccionismo de libros.

La decisión de cambiar al reparto responde, en parte, a la propia naturaleza del proyecto. Ambos directores ya habían trabajado juntos en las series La coleccionista (2025), con Civantos en el reparto, y en Los artistas: primeros trazos (2023), y vieron en esta adaptación una oportunidad para dar un paso más. “Era una película muy grande y nos pareció muy buena opción volver a trabajar conjuntamente. Cuando hay entendimiento personal y profesional, el trabajo en equipo funciona muy bien”, señala Sanabria.

La película combina a actores veteranos con actores que acaban de inaugurar su carrera en la industria. “Es una película muy coral, y nos parecía interesante mezclar actores con mucha experiencia y con una carrera detrás maravillosa, como son Alejo, Natalia y Maggie, y mezclarlo con caras nuevas”, explica Llamas. Entre esas nuevas incorporaciones destacan Martin Urrutia (Mariliendre) y Aitziber Luma, que dan vida a los personajes de Gael, padre de Kraken, e Ítaca, una joven huérfana y pintora prodigio, en la línea temporal del pasado. Ambos fueron seleccionados a través de casting, y, como reconoce el propio Llamas, su elección respondió tanto a sus capacidades interpretativas como a la actitud con la que afrontaron el proyecto.

En el caso de Urrutia, los directores no sabían inicialmente de su faceta como cantante. De hecho, el también actor salido de Operación Triunfo 2023 ha combinado la promoción de su primera película con la de su álbum debut, La insolación, publicado el pasado 10 de abril. “Joaquín y yo ni siquiera sabíamos que Martin era cantante cuando le cogimos. Nos enteramos a posteriori. Y lo que vimos son muy buenas dotes interpretativas por parte de los dos y muchísima ilusión”, admite Sanabria. “Eso era justo lo que buscábamos: mezclar la profesionalidad y la trayectoria de los actores con más oficio con esa ilusión por aprender y por llegar cada día al rodaje que tiene la gente más joven, como Martin e Aitziber”.

Ambos directores coinciden que el thriller es especialmente exigente en su traslación a la pantalla. “Tienes que estar muy atento como director, porque cada ciertos minutos hay que darle un estímulo al espectador”, explica Llamas. “Un thriller es llevar una investigación a la pantalla, y más allá de que haya buenas interpretaciones, una fotografía bonita y una música preciosa, tienes que conseguir que el espectador esté todo el rato atento", explican, cuyo mayor reto ha sido “reproducir la época”. “Aunque los años setenta para mucha gente quedan lejos, para otros no; es una etapa que se ha vivido y la gente tiene recuerdos, con lo cual es más difícil reproducir los años ochenta que el siglo XIV. Contamos con un equipo de arte que ha hecho un trabajo espléndido”, afirman.

En búsqueda del comienzo de una saga

A esa exigencia se suma una dificultad añadida: adaptar una novela que cuenta con millones de lectores. “No puedes decepcionar con la resolución, sobre todo cuando hay mucha gente que ya conoce la historia”, apunta Sanabria. El resto está, por tanto, en “respetar el espíritu de la novela y, sobre todo, no traicionar a los lectores”.

En ese proceso, las diferencias entre literatura y cine se hacen inevitables. “Cuando lees un libro, la película la montas en tu cabeza; cuando vas al cine, ya está montada”, resume el realizador, aunque señalan que los guionistas, Juan Carlos Cueto y Rocío Martínez, han conseguido “una película muy fiel a la novela”.

Con Kraken. El libro negro de las horas, los directores no ocultan su intención de que esta nueva etapa pueda convertirse en el inicio de una saga cinematográfica. La autora publicó en 2023 El ángel de la ciudad, también con la editorial Planeta. “Nosotros queremos, pero la respuesta la tiene el público”, reconocen. “Miramos con cierta envidia cómo en Estados Unidos franquician superhéroes, policías, de todo. Incluso la novela negra sueca, que es un poco referente de la novela que se hace aquí también y la llevan a la pantalla. Creemos que el mundo de Kraken también podría ser una serie”, afirma Llamas. “En el cine español sí ha habido sagas de comedia, como Torrente o Padres no hay más que uno, pero no hay sagas de thriller como en otros países. Eso sería bueno", finalizan.

La productora japonesa Toho ha anunciado el desarrollo de Godzilla World, un ambicioso plan para reinventar y relanzar la franquicia cinematográfica del famoso kaiju desde Japón, como respuesta directa al éxito internacional del MonsterVerse desarrollado por Legendary Entertainment en Estados Unidos. Esta iniciativa, presentada por Keiji Ota, director ejecutivo y conocido como Chief Godzilla Officer, proyecta un futuro con universos expandidos, spin-offs y proyectos originales, consolidando a Godzilla como un fenómeno global con sello japonés.

Primera etapa: del éxito local al reconocimiento internacional

El anuncio de Godzilla World llega en un momento clave para la franquicia. La reciente película Godzilla Minus One, dirigida por Takashi Yamazaki, no solo se destacó como uno de los mayores éxitos de la saga, sino que también obtuvo el Oscar a los mejores efectos visuales. Este reconocimiento internacional, sumado a la buena acogida de Monarch: Legacy of Monsters en Apple TV, demuestra que el universo de Godzilla trasciende fronteras y puede atraer tanto al público occidental como al oriental. En este contexto, Toho identifica la oportunidad de transformar la sucesión de películas individuales en un universo cohesivo llamado Godzilla World, capaz de generar historias paralelas y atractivas para nuevas audiencias globalizadas.

Keiji Ota explicó que si Toho lidera la creación de conceptos originales, podrá lanzar estratégicamente spin-offs, al estilo de lo que realiza Legendary con el MonsterVerse, lo que permitirá aprovechar mejor los numerosos kaiju y tramas que la franquicia ha desarrollado durante más de 70 años. Así, películas dirigidas por figuras como Hideaki Anno o el propio Yamazaki podrían funcionar como ejes centrales dentro de una red de narrativas interconectadas.

Nueva arquitectura: el funcionamiento de Godzilla World

Lejos de presentar una lista cerrada de títulos o un cronograma definido de estrenos, Toho se enfoca en una estrategia industrial: construir una arquitectura propia para Godzilla, basada en la coexistencia de distintas líneas y versiones del personaje. Esta flexibilidad ya se pone en práctica, ya que mientras avanza la producción de Godzilla Minus Zero (secuela de Minus One, con estreno casi simultáneo en Japón y Norteamérica en noviembre), también se anuncian proyectos adicionales como una nueva serie anime para 2025 y el relanzamiento de Shin Godzilla en 4K en cines estadounidenses.

En lugar de buscar una continuidad única o imponer un canon rígido, como ocurre en otros universos cinematográficos, Toho apuesta por una estrategia que permite la convivencia de diferentes interpretaciones y líneas temporales del kaiju. Este modelo se diferencia del enfoque estadounidense, donde el MonsterVerse fusiona en una sola cronología las historias de Godzilla y Kong. La propuesta de Godzilla World, por el contrario, busca ampliar las posibilidades narrativas y darle un carácter particularmente japonés al desarrollo de sus monstruos y universos.

Impacto cultural y desafíos del nuevo modelo

Godzilla World pretende recuperar para Japón la centralidad creativa en la narrativa del kaiju, un espacio que en los últimos años ha compartido con Hollywood tras los éxitos de Legendary. La respuesta japonesa pone énfasis en la importancia de mantener diversas visiones del personaje, lo que puede favorecer una mayor diversidad de relatos y explotar la riqueza de la mitología original.

El lanzamiento casi simultáneo de Godzilla Minus Zero y la proyección de Shin Godzilla remasterizada representa un cambio respecto a la tradición japonesa, que suele estrenar las películas localmente mucho antes que en el extranjero. Esta decisión refleja el nuevo enfoque internacional y el deseo de Toho de que tanto los seguidores históricos como las nuevas generaciones puedan seguir el desarrollo de la saga de forma global, evitando retrasos y spoilers.

Sin embargo, el éxito de esta estrategia dependerá en buena medida de la capacidad de Toho para coordinar narrativas distintas sin perder coherencia o diluir la identidad del kaiju. A pesar de la flexibilidad anunciada, surgen desafíos logísticos y creativos: lograr que los spin-offs sean lo suficientemente interesantes sin saturar el mercado ni trivializar la figura de Godzilla. El equilibrio entre tradición e innovación será fundamental para atraer y mantener el interés de seguidores de diversas generaciones.

La relación con el MonsterVerse y reacciones de los creadores

Aunque Godzilla World surge como una respuesta japonesa al MonsterVerse, Keiji Ota aclara que no se trata de una confrontación directa. En varias declaraciones públicas, el ejecutivo ha reconocido el trabajo de cineastas occidentales como Gareth Edwards y Michael Dougherty, elogiando su capacidad para entender y reinterpretar al personaje desde la perspectiva de Hollywood. Ota considera que el mérito de Estados Unidos ha sido demostrar que existen varias formas válidas de abordar al kaiju y que ambas versiones pueden coexistir para enriquecer la franquicia.

Este enfoque colaborativo sugiere una posible sinergia de modelos más que una competencia explícita. Antes que ver el éxito occidental como una amenaza, Toho lo interpreta como la confirmación de que la marca Godzilla puede y debe desarrollarse de manera paralela con diferentes voces creativas. La iniciativa japonesa de ofrecer una estructura que permita relatos propios busca evitar la homogeneización y enriquecer el ecosistema global del personaje.

Para espectadores y creadores, este escenario diverso implica tanto oportunidades como desafíos: la posibilidad de elegir entre diferentes historias y estilos, pero también el riesgo de fragmentar la experiencia si no se asegura un criterio sólido de cohesión. El desafío para Toho será mantener un equilibrio entre el legado histórico y la capacidad de innovar sin perder la esencia que hizo de Godzilla un ícono del cine mundial.

El filme cubre el período que va desde los inicios del grupo familiar The Jackson 5, a mediados de los años 60, hasta la primera gira en solitario de Michael en 1988, con el lanzamiento de Thriller (1982), el álbum más vendido en la historia de la música pop.

Sin embargo, especialistas y fans han encontrado que el largometraje arrastra varios errores que van desde fechas y canciones fuera de lugar hasta la omisión de personajes clave.

La familia Jackson, incompleta en pantalla

La polémica comenzó incluso antes del estreno, cuando se confirmó que Janet Jackson —la menor de la familia— no aparece en el film. Su hermana LaToya explicó que Janet prefirió no ser representada. Sin embargo, un conteo más cuidadoso de los personajes, según Billboard, revela que las ausencias son tres: además de Janet, ni Rebbie (la mayor) ni Randy (el menor varón) tienen presencia en pantalla. El resultado es una familia de nueve hijos reducida a seis en la ficción.

La omisión de Randy tiene consecuencias narrativas concretas: en la realidad, fue él quien ocupó el lugar de Jermaine cuando este decidió quedarse en Motown en 1976, mientras sus hermanos fichaban por Epic Records. En el film, ese hueco simplemente no se explica. Randy estuvo presente en cuatro discos de The Jacksons y participó en el Victory Tour de 1984; Jermaine acabaría regresando al grupo más adelante, dejando al conjunto como sexteto.

Una canción que aún no existía en 1966

La película arranca en 1966, con los hermanos Jackson ensayando en el salón de su casa en Gary, Indiana, bajo la mirada exigente de su padre. El detalle que choca: la canción que interpretan, “Big Boy”, no fue compuesta hasta 1967 y no se distribuyó hasta comienzos de 1968, cuando el sello local Steeltown la publicó como primer single del grupo.

Motown y “Never Can Say Goodbye”

La manera en que Los Jackson 5 llegaron a Motown Records es uno de los episodios más tergiversados del film. Con fines puramente promocionales, la discográfica había construido en su momento el mito de que fue Diana Ross, vocalista de The Supremes, quien los descubrió. Vale mencionar que la actriz Kat Graham fue contratada para encarnar a Ross, aunque aclaró en redes sociales el 23 de abril que restricciones legales terminaron afectando varias de las escenas que grabó.

La película opta por una solución intermedia: muestra al grupo actuando en el Regal Theatre de Chicago en 1968, con Gladys Knight & The Pips como teloneros, y a Suzanne de Passe —asistente del fundador de Motown, Berry Gordy— quedando prendada del espectáculo. La canción que supuestamente la convence es “Never Can Say Goodbye”. El problema es que esa pieza no existía todavía: el grupo no la grabó hasta 1970, y fue entonces cuando llegó al número 2 del Billboard Hot 100. El propio film reconoce la contradicción con una aclaración en los créditos finales.

Lo que ocurrió en realidad fue diferente: el grupo que abrió aquella noche en el Regal Theatre fue Bobby Taylor and The Vancouvers, y fueron ellos quienes organizaron una audición en vídeo para Gordy. Knight sí vio actuar al grupo en otra ocasión anterior, pero sus gestiones con Motown no llegaron a ningún lado.

¿Qué pasó con la carrera solista de Michael?

Tras mostrar el despegue de Los Jackson 5, el guion da un salto directo a 1978, cuando Michael se embarca en la grabación de Off the Wall junto al productor Quincy Jones. Lo que ese salto borra de la narrativa es toda una carrera previa en solitario: entre su etapa en Motown y ese momento, Jackson ya había publicado cuatro álbumes propios y había colocado tres canciones en el top cinco del Hot 100. Entre ellas figuraba “Ben”, lanzada en 1972 y número uno en la lista cuando Michael tenía apenas 14 años.

Bubbles y el vitíligo, adelantados dos años

El film ubica en 1981 la llegada del chimpancé Bubbles a la vida de Jackson y, en la misma época, su diagnóstico de vitíligo, la enfermedad que altera la pigmentación de la piel. En una escena de rinoplastia, el cirujano hace referencia al trastorno como si fuera un hallazgo reciente. Sin embargo, en su conocida entrevista televisada con Oprah Winfrey en 1993, el propio Michael situó los primeros cambios en su piel “algún tiempo después de Thriller“, y USA Today recoge que su dermatólogo Arnold Klein formalizó el diagnóstico en 1986.

En cuanto a Bubbles, el chimpancé nació en 1983, dos años después de la fecha que maneja el guion. Hoy sigue vivo y vive en un santuario para grandes simios en Florida.

La película también muestra una jirafa en el jardín de los Jackson durante los primeros años 80, sin que exista registro de que el artista tuviera uno hasta 1986.

El año de Thriller, un rompecabezas cronológico

La secuencia del film dedicada al período posterior al lanzamiento de Thriller (noviembre de 1982) es, según Billboard, la más desordenada cronológicamente.

El guion presenta en sucesión el rodaje del vídeo de “Beat It” con pandilleros reales, la producción del cortometraje de “Thriller”, la presión sobre MTV para que emitiera “Billie Jean” y la actuación en el especial televisivo Motown 25, donde Jackson estrenó el moonwalk ante millones de espectadores. El problema es que esa secuencia de hechos no refleja lo que sucedió.

En la realidad, el vídeo de “Billie Jean” comenzó a emitirse en MTV en marzo de 1983, en el mismo momento en que el sencillo alcanzaba el número 1; la actuación en Motown 25 también fue ese mes, aunque el especial se emitió en televisión en mayo. El vídeo de “Beat It” ya circulaba en la cadena en esas fechas.

Por su parte, el cortometraje de “Thriller” no se estrenó hasta diciembre de 1983, lanzando una segunda ola de popularidad para el álbum que culminó en febrero de 1984 con ocho premios Grammy en una sola noche, un récord que aún perdura.

Lo que sí está respaldado por la historia

No todo en el film es licencia creativa. Varias de las escenas más dramáticas encuentran respaldo en testimonios e investigaciones. Por ejemplo, la representación de Joe Jackson como un padre severo que azota al joven Michael con un cinturón.

En la entrevista que concedió a Oprah Winfrey en 1993, el artista admitió haber recibido golpes y describió la presencia de su padre como algo que le generaba náuseas físicas. Joe, por su parte, no negó haber usado el cinturón en una entrevista con el periodista Louis Theroux en 2003, aunque discrepó con el término “golpear”.

Asimismo, la escena en la que Jackson convoca a pandilleros rivales de los Crips y los Bloods para el vídeo de “Beat It” coincide con los datos reales. El director del clip, Bob Giraldi, lo confirmó en una entrevista con la revista Boards: fue idea del propio Michael, que recurrió a la unidad antigang de la policía de Los Ángeles para reunir a cerca de 80 miembros de bandas rivales en un almacén durante dos días de rodaje.

USA Today también verificó que la escena en que el CEO de CBS Records, Walter Yetnikoff, amenaza a MTV con retirar todo su catálogo —incluyendo a Bruce Springsteen, Cyndi Lauper y Billy Joel— si no emiten el vídeo de “Billie Jean”, tiene base real.

Según Forbes, Yetnikoff sí realizó esa amenaza, aunque no existe evidencia de que pusiera un plazo de diez minutos como muestra el film. Hasta ese momento, MTV programaba casi exclusivamente a artistas blancos; Jackson rompió esa barrera.

El estreno internacional de la película Michael, inspirada en la vida de Michael Jackson, alcanzó una recaudación global de 18,5 millones de dólares en su primer día en cartelera, según informó el sitio especializado Deadline. El filme, dirigido por Antoine Fuqua y protagonizado por Jaafar Jackson, se estrenó el 23 de abril de 2026 y se proyectó en 82 mercados. La producción fue distribuida por Universal Pictures fuera de Estados Unidos y Lionsgate en el mercado norteamericano.

De acuerdo con datos recabados por el sitio especializado Deadline y confirmados por el portal de monitoreo de taquilla Box Office Pro y el medio especializado en industria cinematográfica Deadline, el impacto de la película está documentado en las cifras: 23.230 salas y más de 50.500 pantallas a nivel mundial. Estos registros se lograron gracias a la demanda sostenida en mercados clave de Europa, Latinoamérica, Asia y Oceanía.

El lanzamiento de Michael se produce tras varios estrenos recientes de películas biográficas musicales. La película explora distintas etapas de la vida profesional y personal de Michael Jackson, en el contexto de una estrategia de estreno global. Según el portal de monitoreo de taquilla Box Office Pro, el éxito incluye cifras récord en Francia, Reino Unido, Italia, Alemania, México, España, Brasil y Australia, países donde la película lideró la taquilla local y superó registros previos de otras biografías musicales.

¿Por qué Michael alcanzó cifras históricas de taquilla?

El desempeño de Michael responde a varios factores: el atractivo de la figura de Michael Jackson, la amplia cobertura mediática y una distribución estratégica. El sitio especializado Deadline detalló que el filme se proyectó en simultáneo en los principales mercados de Europa, América Latina, Asia y Oceanía, lo cual permitió un impacto inmediato y de gran magnitud. En Francia, Reino Unido, Italia, Alemania, México, España, Brasil y Australia, los estrenos generaron cifras superiores a los debuts de Bohemian Rhapsody y Elvis.

En Francia, la película registró una apertura de 2,6 millones de dólares, el mayor debut para una biografía musical en ese país. En Reino Unido e Irlanda, la cinta consiguió un 71% de cuota de mercado y lideró la taquilla local, de acuerdo al sitio especializado Deadline. Italia alcanzó 1,3 millones de dólares en 480 complejos, mientras Alemania sumó 1 millón de dólares, ambos países logrando marcas sin precedentes en el género.

¿Cuánto recaudó Michael en Estados Unidos y qué récords superó?

En Estados Unidos, la película fue distribuida por Lionsgate y estrenada con funciones de preestreno el 23 de abril de 2026. Según el sitio especializado Deadline y el portal de monitoreo de taquilla Box Office Pro, la recaudación previa superó los 12,5 millones de dólares, estableciendo un récord local para una biografía musical. Este monto superó con claridad los 4,96 millones de dólares obtenidos por Straight Outta Compton en su preestreno.

Las proyecciones para el primer fin de semana sitúan la recaudación entre 65 y 80 millones de dólares, con posibilidad de llegar a los 100 millones en escenarios de alta demanda, según la firma de análisis cinematográfico The Cinema Group. Michael también superó en preventa a estrenos recientes como Project Hail Mary y quedó por delante de las cifras de franquicias como John Wick: Chapter 4 y The Hunger Games: Mockingjay Part 2.

¿Cómo se compara Michael con otras biografías musicales recientes?

El sitio especializado Deadline informó que Michael superó en su lanzamiento a títulos del subgénero como Bohemian Rhapsody, que debutó con 18,4 millones de dólares a nivel global y 51 millones en Estados Unidos. Elvis, otra biografía musical relevante, tampoco alcanzó las cifras reportadas para la cinta de Fuqua. Según el medio especializado Koimoi, los resultados en Europa y Latinoamérica revelan una amplia penetración de la película.

A continuación, un resumen de los principales hitos de taquilla reportados por el sitio especializado Deadline:

• Francia: 2,6 millones de dólares en 743 salas.
• Reino Unido e Irlanda: Mayor apertura para una biografía musical y 71% de cuota de mercado.
• Italia: 1,3 millones de dólares en 480 complejos, récord histórico local.
• Alemania: 1 millón de dólares y 55% de participación en taquilla.
• México: 1,6 millones de dólares, 64% del mercado nacional.
• España: 1,1 millones de dólares, máximo histórico para el género.
• Australia: 1 millón de dólares, superando la apertura de Elvis.
• Brasil: 2 millones de dólares, incluyendo funciones previas.

¿Quiénes participaron en la realización de la película Michael?

La dirección de Michael estuvo a cargo de Antoine Fuqua, sobre un guion de John Logan. La producción fue responsabilidad de Graham King, quien también participó en Bohemian Rhapsody. El papel protagónico recayó en Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, quien interpretó al artista en diferentes etapas vitales.

El filme contó con la participación de los herederos del artista y las compañías Lionsgate y Universal Pictures. El equipo técnico integró profesionales especializados en fotografía, música y diseño de producción. Según el portal de monitoreo de taquilla Box Office Pro, la estrategia global del lanzamiento buscó maximizar el alcance y confirmar la vigencia del legado de Jackson dentro de la cultura contemporánea.

¿Cómo fue recibida por el público y la crítica la película Michael?

La respuesta de la audiencia fue distinta a la valoración de la crítica especializada. De acuerdo con el sitio especializado Deadline y el portal de valoración cinematográfica Rotten Tomatoes, el público otorgó un 96% de aprobación a la película durante su estreno, frente a un 40% de valoración crítica. Esta brecha fue subrayada por el portal de monitoreo de taquilla Box Office Pro y el medio Koimoi.

Sobre los resultados de taquilla, fuentes de la industria declararon a Deadline: “superó las expectativas de preventa y registro de asistencia durante las funciones de preestreno”. La puntuación de la audiencia refleja el interés duradero en la figura de Jackson y la fuerte demanda de producciones biográficas musicales.

¿Qué impacto tiene Michael en la industria cinematográfica y qué se proyecta a futuro?

El estreno global de Michael impulsa una tendencia en la industria hacia lanzamientos simultáneos en varios mercados y el aprovechamiento del atractivo de figuras musicales con proyección internacional. Analistas de Box Office Pro sostienen que su desempeño podría favorecer la creación de nuevas producciones similares y consolidar las biografías musicales como uno de los subgéneros más lucrativos para los grandes estudios.

La recaudación esperada para la primera semana, supera los USD 150 millones de dólares, posicionando a Michael como referente inmediato en términos de rentabilidad y alcance internacional.

De acuerdo con las previsiones del sitio especializado Deadline y la firma de análisis cinematográfico The Cinema Group, la película podría seguir liderando la taquilla mundial el próximo fin de semana, antes del estreno de otros títulos de gran presupuesto. El interés en torno a la figura de Michael Jackson se mantiene alto, especialmente en mercados pendientes de estreno como China e India, considerados de gran potencial de audiencia. El rendimiento de Michael genera expectativas de nuevas producciones biográficas musicales en el corto y mediano plazo.

Siete años después, el personaje vuelve a la gran pantalla, aunque sin Rey y con una historia distinta. Tras cerrar la trilogía, la autora inició una nueva serie que tenía al mismo inspector como protagonista: el resultado fue El libro negro de las horas (Planeta, 2022).

Ahora, esta nueva etapa da el salto al cine este viernes, 24 de abril, con Kraken. El libro negro de las horas, esta vez dirigido por Manuel Sanabria y Joaquín Llamas. Como es habitual en la autora, la historia se desarrolla en dos tiempos. En la Vitoria de 2022, la historia arranca cuando el exinspector recibe una llamada anónima: alguien asegura tener secuestrada a su madre, a quien él daba por muerta desde su nacimiento. El exinspector tiene una semana para encontrar el legendario Libro negro de las horas, una de las siete exclusivas joyas bibliográficas que existen, si quiere salvarla.

Obligado a salir de su retiro, Unai inicia junto a su compañera Esti una angustiosa carrera contrarreloj que le llevará desde Vitoria hasta el Madrid más oculto del coleccionismo de libros. En ese recorrido, el inspector deberá enfrentarse al que apunta a ser el perfil criminal más complejo de su carrera, uno capaz de cambiar para siempre su propia historia.

“Nosotros decidimos empezar de cero y que nuestra adaptación de otra novela, que no es la misma, tuviera virtudes diferentes”, defiende uno de sus directores, Manuel Sanabria, para Infobae. Entre esas virtudes estuvo elegir a Alejo Sauras y Maggie Civantos como Kraken y Esti, que en la cinta previa ella estaba interpretada por Aura Garrido.

Para construir al inspector, Sauras contó con el contacto directo de la autora. “Tuve la ocasión de poder quedar con ella, que siempre es lo máximo a lo que aspiras", apunta el actor, que saltó a la fama hace más de dos décadas con Al salir de clase y ha pasado por Los Serrano y Estoy vivo, entre otras ficciones. A García Sáenz de Uruti llegó con “una metralleta de preguntas” y salió con una visión global del universo del personaje, que después fue afinando en los detalles.

En el caso de sus compañeras, el proceso fue distinto. Civantos, quien da vida a Esti, inspectora de la División Criminal, compañera y amiga de Kraken, reconoce que el ritmo de producción no siempre permite una inmersión total en la obra original. Por ello, la actriz confió en la visión de los directores y del propio Alejo, que para cuando tuvo lugar el rodaje a finales del otoño pasado, se había leído tanto la primera parte de la ficción como la segunda, El ángel de la ciudad (Planeta, 2023). “No me dio tiempo a leerme todos los libros. Hice un poco de aquí, de allí, si te digo la verdad. Hice lo que pude y luego Alejo me sopló la mitad“, bromea, porque ante todo, ”quisieras tener más tiempo, pero los proyectos se confirman de un día para otro". ”Nunca vas por libre porque estás con una dirección y yo creo que para mí siempre es la clave”.

Natalia Rodríguez (Los protegidos) da vida a Mencía Madariaga, inspectora de la Brigada de Investigación de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid que lidera la búsqueda del Libro negro de las horas. La actriz reconoce que compartía la desorientación de su personaje. “Estaba un poco perdida todo el rato, y eso también formaba parte de ella. Me apoyé mucho en los directores y en mis compañeros”.

Un universo compartido entre los años 70 y 2022

Así, la historia salta entre los años 70 y una actualidad ambientada en el 2022. Para comprender el pasado, la debutante Aitziber Luma y Martin Urrutia, egresado de OT 2023 que publicó su álbum debut hace unas semanas, coprotagonizan su segundo proyecto audiovisual. El primero fue la serie de Atresplayer Mariliendre. En esta ocasión dan vida a Ítaca Expósito, una huérfana criada en el colegio de la Veracruz y una niña prodigio de la pintura, y Gael López de Ayala, los padres del protagonista.

Ese juego entre pasado y presente no solo marca el desarrollo de la trama, sino también la construcción emocional de los personajes, especialmente la del propio Unai. “Es una persona absolutamente normal, que quiere llevar una vida tranquila”, explica Alejo Sauras. Sin embargo, su vuelta a la acción no es del todo voluntaria: “Se ve obligado a regresar, pero al mismo tiempo hay algo detrás que hace que disfrute de ello”.

En esa dualidad —entre lo cotidiano y lo oscuro— se mueve buena parte del atractivo del personaje, pero también del género. No es casualidad que muchos intérpretes hayan encarnado a policías o perfiles similares a lo largo de sus carreras. “Dentro del mundo del crimen hay mucho juego para contar historias”, resume Sauras.

La presión y las expectativas

¿Hay presión por llevar a la pantalla una saga con millones de lectores? “Cuando estás contando una historia que mucha gente ya ha creado en su cabeza, sientes que hay expectativas… y las expectativas nunca son buenas”, apunta Civantos, aunque bajo su punto de vista en este caso cree que “hay una interpretación bastante acertada”. “Obviamente, es muy difícil contentar a todo el mundo, porque cada uno hace interpretación de la lectura de una forma o de otra, ¿no?”.

Por su parte, Alejo Sauras apunta que “lo que ha atraído a los lectores a leerse tanto estos libros es la atmósfera que genera”, algo que cree que está “muy conseguida”. Esa misma atmósfera es ahora el principal desafío de la adaptación, que busca trasladar a la pantalla la esencia que convirtió a Kraken en un fenómeno editorial. El veredicto final, como siempre, queda en manos del público.

Los puentes de Madison (1995) es una de esas películas que se quedó grabada en la memoria colectiva sin necesitar grandes efectos especiales o un presupuesto monumental. Dirigida e interpretada por Clint Eastwood junto a Meryl Streep, el filme narra el fugaz pero intenso vínculo entre Francesca Johnson, una ama de casa italiana radicada en Iowa, y Robert Kincaid, un fotógrafo de National Geographic que llega a la región para documentar sus puentes históricos.

La historia —basada en la novela homónima de Robert James Waller, aunque no en hechos reales— se convirtió en uno de los grandes dramas románticos de Hollywood, con más de 175 millones de dólares recaudados en taquilla y una nominación al Oscar para Streep.

Un proyecto que pasó por muchas manos

La película tardó años en encontrar su forma definitiva. Amblin Entertainment, la productora de Steven Spielberg, adquirió los derechos del libro antes incluso de que fuera publicado en 1992, convencida de su potencial. Sin embargo, según reveló Entertainment Weekly en 1995, el proyecto pasó por las manos de varios directores y guionistas que eventualmente lo abandonaron, hundiéndose en el llamado “infierno del desarrollo eterno”.

Fue el presidente de Warner Bros., Terry Semel, quien le ofreció el proyecto a Eastwood casi de manera impulsiva. El cineasta respondió con una sola condición: “Dame 24 horas”. Voló a Iowa, recorrió los puentes, hizo scouting de locaciones y regresó al día siguiente con una respuesta afirmativa, un cronograma de rodaje y un presupuesto 1,5 millones de dólares menor al que Warner había estimado. El estudio, aliviado, le dio luz verde.

Spielberg, que había imaginado a Isabella Rossellini en el papel de Francesca, se sorprendió cuando Eastwood eligió a Streep. Pero el director lo tenía claro: necesitaba “a la mejor actriz del mundo”. La describió como “un camaleón” capaz de “convertirse en lo que quiera”, y consideró que el papel era ideal para ella.

El método Eastwood: pocas tomas, ningún ensayo

Cuando Streep llegó a Iowa para comenzar el rodaje, no había ensayado ni una sola línea del guion. Eastwood no lo había pedido ni lo esperaba. Su estilo de dirección, heredado del cineasta Don Siegel —director de Harry el sucio—, es radicalmente minimalista: elegir actores, encontrar locaciones, poner la cámara y avanzar. Una o dos tomas, y a la siguiente escena.

Ese método tomó por sorpresa a Streep, acostumbrada a un proceso más meticuloso. Durante semanas, Eastwood no le comentó nada sobre su trabajo. Ella misma lo contó con humor: “No dijo nada bueno ni malo durante tres semanas. Luego dijo: ‘No digo nada porque creo que está bien’”, según recogió Far Out Magazine. La decisión de rodar las escenas en orden cronológico también ayudó: los actores, que apenas se conocían, desarrollaron su confianza al mismo ritmo que sus personajes.

La gran revelación llegó cuando Streep vio el corte final. Eastwood había elegido tomas que ella no esperaba. “¿Sabes qué me encanta?”, le dijo al director según recoge la biografía Clint, de Shawn Levy. “Usaste todos mis errores”. El resultado, como describiría Slash Film, es una película “natural, casi ligera”, con “esa cualidad lacerante propia de los dramas de romance adulto”.

La escena de la cocina y la vulnerabilidad de Eastwood

El clímax emocional de Los puentes de Madison llega en una pelea en la cocina, escena que concentra toda la tensión del romance imposible. Es el momento en que Francesca comprende que su aventura ha llegado a su fin. Streep la recordó en el making-of de la cinta: “Fue el momento en que las limitaciones de este sueño se presentan a Francesca. Es la mañana siguiente, cuando se da cuenta de que se acabó. Es una gran escena y es aquella en la que, como actor, Clint no tuvo miedo de ir hasta el final con el compromiso emocional que necesitaba”.

Esa disposición a exponerse emocionalmente marcó a Streep. Eastwood llora en la lluvia junto a su camioneta, con el pelo pegado a la cara y las lágrimas mezcladas con el agua. Era una imagen que el público no asociaba al sempiterno hombre duro del cine americano.

“Conozco a muchos actores que evitarían exponer sus emociones como él lo hace en esta película. Estaba muy en carne viva. Me quedé impactada. Creo que simplemente ha llegado a un punto en su vida en el que no le importa nada”, declaró la actriz al New York Times.

Sin embargo, Streep también elogió la capacidad de su coestrella y director para equilibrar su performance dramática sin caer en la exageración. “Tiene una idea muy, muy clara de cuánto se necesita para contar la historia en su rostro y hasta dónde quiere llevarlo. Fue un elegante ejercicio de contención en el montaje”, dijo en el making-of.

El hombre que puso en marcha todo el proyecto tuvo su propia reacción. Fue la propia Streep quien reveló, según Far Out Magazine, la anécdota más memorable sobre la recepción de la película: “Escuché que Steven Spielberg lloró durante 40 minutos”. Para una película sobre el amor que no puede ser, quizás no haya mejor crítica.

La adaptación cinematográfica de Elden Ring, el aclamado videojuego de FromSoftware, se perfila como el proyecto más ambicioso de la productora A24. Bajo la dirección de Alex Garland y con un elenco destacado, la película tiene previsto su estreno mundial en cines e IMAX el 3 de marzo de 2028. A pesar del hermetismo que rodea su desarrollo, las primeras imágenes del rodaje han suscitado todo tipo de especulaciones entre los fanáticos, revelando la presencia de personajes reconocidos y sugiriendo que el filme apostará por el tono oscuro y profundo característico de la obra original.

Imágenes filtradas y primeras impresiones del rodaje

Desde que UnBoxPHD, conocido por captar momentos de rodaje en grandes producciones, compartió las primeras imágenes del set, la expectación no ha parado de aumentar entre la comunidad. Las fotografías muestran a una mujer vestida con símbolos que remiten a Márika la Eterna, figura fundamental del juego, lo que ha generado debate sobre si se trata de la actriz Emma Laird. También se observa una escena donde el inquietante Zampaheces aparece encadenado mientras desfilan figurantes, en clara referencia a la crudeza y el imaginario visual de las Tierras Intermedias. Aunque el reparto oficial incluye nombres como Kit Connor, Cailee Spaeny, Jonathan Pryce y Ben Whishaw, la productora A24 aún no ha confirmado la asignación de cada personaje, lo que incrementa el misterio en torno al argumento preciso.

Junto a estos personajes emblemáticos, Kit Connor fue visto con vestimenta medieval bajo un abrigo, aunque todavía se desconoce a quién interpretará en pantalla. El secretismo es tal que ni siquiera los propios actores han realizado declaraciones sobre sus papeles. Sin embargo, estos detalles permiten prever que la atmósfera será fiel a la oscuridad y al simbolismo propios de la franquicia creada por Hidetaka Miyazaki y George R. R. Martin.

Dimensión de la producción para un universo singular

En un cambio inesperado para A24, hasta ahora asociada a proyectos de autor y presupuestos limitados, la adaptación de Elden Ring representa una de las producciones más grandes y costosas en la historia del estudio. De acuerdo con reportes de The Hollywood Reporter y Deadline, el presupuesto supera los cien millones de dólares y el rodaje principal se prolongará durante cien días, una cifra poco común para los estándares habituales del estudio. La magnitud de la inversión y el alcance de la filmación reflejan tanto la confianza depositada en este universo como el creciente interés que generan las adaptaciones de videojuegos tras el éxito de otras franquicias.

La experiencia previa de Alex Garland, responsable de películas como Civil War, parece haber sido determinante para obtener la aprobación del estudio y consolidar una preferencia por un tono adulto, más cercano a la decadencia y al trasfondo mitológico, en vez de una aventura heroica tradicional. El enfoque en personajes complejos y simbólicos desde las primeras fases del rodaje sugiere que la película no busca diluir la esencia del juego, sino más bien ampliar su costado oscuro y su riqueza visual.

Relevancia cultural y expectativas entre los seguidores

El interés en Elden Ring no se limita al estudio o al ámbito cinematográfico. Para miles de jugadores y aficionados a la saga Souls, la adaptación genera interrogantes sobre el grado de fidelidad que la película tendrá respecto al misterio y la densidad narrativa del juego original. Videojuegos como Elden Ring han sido reconocidos por su habilidad para crear mundos detallados en los que atmósfera, religiosidad y fatalismo son tan relevantes como la acción.

Las primeras imágenes han dado pie a diversas teorías, principalmente por la importancia de la simbología religiosa y la decadencia visual constatadas en el material filtrado. A diferencia de adaptaciones previas, en este caso se aprecia una voluntad de profundizar en los aspectos más complejos y perturbadores del universo de FromSoftware, lo que podría marcar una diferencia significativa en un contexto donde las adaptaciones de videojuegos para el cine atraviesan una etapa de bonanza y legitimación.

En términos concretos, la ambición del reparto y el presupuesto elevado anticipan una experiencia distinta para los espectadores, quienes podrán disfrutar la película tanto en salas convencionales como en formato IMAX. Además, se espera que la combinación de actores emergentes y figuras con trayectoria aporte matices interpretativos, haciendo justicia a la compleja variedad de personajes surgidos del trabajo conjunto de Miyazaki Hidetaka y George R. R. Martin.

Las plataformas piratas como Magis TV y XUPER TV han sido objeto de múltiples advertencias y bloqueos por parte de autoridades y plataformas tecnológicas.

Diversos informes de ciberseguridad y organismos internacionales han alertado sobre los riesgos que implican estas aplicaciones, que suelen ofrecer acceso a una amplia variedad de películas de forma gratuita.

Las advertencias se centran en la ilegalidad del contenido que distribuyen y sobre los peligros que representan para la privacidad y la seguridad de los usuarios y sus dispositivos.

Expertos advierten que la instalación de este tipo de apps expone los dispositivos a vulnerabilidades, permitiendo a atacantes acceder a información personal como fotos, videos y archivos privados.

Por qué Magis TV y XUPER TV representan un peligro para los usuarios

Análisis realizados por empresas como ESET muestran que estas aplicaciones solicitan permisos en el dispositivo que exceden a los habituales en plataformas streaming legítimas. Al instalar Magis TV o XUPER TV, el usuario otorga acceso total a carpetas e información almacenada, lo que genera un gran riesgo.

Este acceso inusual puede ser explotado por cibercriminales para obtener datos personales, fotografías, videos, grabaciones y otros documentos sensibles. Además, permite modificar o eliminar archivos, lo que pone en peligro la integridad y la privacidad de la información guardada en el dispositivo.

De qué forma los hackers pueden aprovecharse del uso de estas aplicaciones

El nivel de acceso solicitado por estas apps permite que un atacante explore y extraiga datos del dispositivo sin el consentimiento real del usuario. Este tipo de aplicaciones pueden monitorear el uso de otras apps instaladas, lo que amplía la información disponible sobre hábitos digitales y preferencias personales.

Asimismo, existe la posibilidad de que se instalen programas adicionales sin el conocimiento del usuario, lo que abre la puerta al ingreso de malware, spyware o software diseñado para recopilar aún más información privada o espiar a distancia.

Cómo puede un usuario identificar si un sitio o aplicación es pirata o legal

La INTERPOL sugiere prestar atención a la oferta de contenido a precios muy bajos o gratuitos. Generalmente, los servicios legítimos poseen precios más elevados y límites geográficos claros, porque solo pueden ofrecer contenido en los territorios donde han adquirido los derechos correspondientes.

Otra señal que debe levantar sospechas es la falta de soporte técnico o atención al cliente. Los servicios oficiales ofrecen canales de contacto para resolver problemas, mientras que los piratas suelen carecer de este tipo de respaldo, dejando a los usuarios desprotegidos ante cualquier inconveniente.

Qué delitos pueden estar vinculados a servicios piratas

Las aplicaciones y plataformas piratas vulneran derechos de autor y pueden formar parte de redes de delincuencia organizada. Según INTERPOL, las ganancias generadas por estos servicios pueden destinarse al financiamiento de actividades ilegales como el juego clandestino, la explotación sexual en línea, el tráfico de personas y de drogas, o incluso el lavado de dinero.

Esto significa que, al utilizar servicios streaming ilegales, el usuario sumado a poner en riesgo su propia información, puede estar contribuyendo involuntariamente a la financiación de delitos graves a nivel internacional.

Cuáles son las aplicaciones seguras y legales para ver películas en línea

Existen aplicaciones gratuitas y pagas que permiten acceder a películas y series respetando la legalidad y la seguridad digital.

Entre las plataformas gratuitas destacan YouTube, que ofrece una selección de contenido autorizado y películas bajo demanda, y Pluto TV, un servicio sostenido por publicidad que brinda acceso a canales en vivo y películas sin costo, todo dentro de un espacio regulado y protegido frente a amenazas informáticas.

Para quienes buscan una oferta más amplia y estrenos, las plataformas pagas son la vía más segura. Netflix, Prime Video, Apple TV+, Disney+ y HBO Max cuentan con catálogos extensos y sistemas de seguridad.

Otro beneficio es que ofrecen soporte técnico y actualizaciones constantes, lo que reduce el riesgo de incidentes y garantiza que los datos personales se mantengan protegidos durante el uso.

Tras el éxito de Lilo & Stitch y el cada vez más próximo estreno de Vaiana, Disney continúa con su proyecto de remakes de live actions de algunos de sus clásicos más queridos. La compañía ya se ha puesto manos a la obra para producir nuevas versiones de títulos como Bambi, Merlín el encantador, Robin Hood, Hércules o Enredados, siendo esta última la que está a punto de iniciar su rodaje.

Enredados es una versión animada del cuento de Rapunzel en la que una joven con una larga cabellera mágica, encerrada en una torre por una falsa madre que en realidad la ha secuestrado, descubre el mundo exterior cuando se une a un ladrón fugitivo e inicia una aventura de libertad, identidad y amor. En taquilla fue un éxito para Disney, recaudando alrededor de 590 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto cercano a 880 millones, convirtiéndose en una de las películas animadas más rentables de su época.

Ahora, un remake dirigido por Michael Gracey (al que conocemos por ser el responsable de títulos como El Gran Showman) comenzará en junio de 2026 y se extenderá durante unos ocho meses. La base principal de la producción estará situada en la Ciudad de la Luz en Alicante, y también se utilizarán localizaciones como el Castillo de Santa Bárbara y la Catedral de Burgos, además de en Girona.

Disney busca figurantes para aparecer en ‘Enredados’

En la ciudad catalana se instalará la base de selección de Disney para seleccionar a los cientos de extras que necesitan para su película. La compañía ha anunciado que el próximo lunes 27 de abril se podrá ir hasta la Fira de Girona, en el paseo de la Devesa, para poder presentarse a una convocatoria abierta desde las 10.00 hasta las 19.00, aunque ya se ha adelantado que, en caso de completarse el aforo previsto, el acceso podría cerrarse antes.

La selección no distingue edades: hombres, mujeres y niños de entre 4 y 80 años pueden participar, mientras que quienes deseen acudir con menores deberán hacerlo acompañados de un familiar. Además, la organización prioriza la inclusión de bailarines, tanto profesionales como aficionados, hasta los 70 años, en busca de recrear las escenas corales características de la película animada. Para formalizar la inscripción, los aspirantes deben presentar un documento oficial de identidad o NIE. Se ha anunciado que el trabajo será remunerado, pero no se han especificado más detalles al respecto.

Todo lo que sabemos del esperado ‘remake’

El objetivo de los productores es replicar la atmósfera de la cinta original, donde la música y el movimiento colectivo resultan determinantes para la narrativa visual. De este modo, la selección de perfiles tan variados permite que familias completas puedan compartir escena con los protagonistas de la historia. Por su parte, el Barri Vell de Girona servirá de escenario gracias a su entramado de calles empedradas y su arquitectura medieval, ideal para reconstruir parte del reino ficticio que originalmente imaginaron los hermanos Grimm.

Por otra parte, la producción ya ha anunciado a algunos de los intérpretes que figurarán en el proyecto. Teagan Croft (Titanes) tendrá el papel de Rapunzel, mientras que Milo Manheim (Zombies) hará de Flynn Rider y Kathryn Hahn (La señora Fletcher) de Madre Gothel.

Preparativos y rodaje: una apuesta por lo visceral y físico

La nueva entrega, titulada Evil Dead: En llamas, fue filmada en Nueva Zelanda entre julio y octubre de 2025. Esta localización, elegida por su lejanía y paisajes evocadores, acentúa la atmósfera de aislamiento clave en la historia. Vaniček, conocido por su trabajo anterior en Infested, ha manifestado en varias ocasiones su propósito de realizar una película de terror visceral y extenuante, siguiendo los principios fundamentales de la saga y aumentando la crudeza como nunca antes. Este enfoque se confirma en el avance mostrado, donde la cámara mantiene la acción en un plano secuencia sangriento, presentando a Deadites levitando, gritos de terror absoluto y una protagonista empapada en sangre en medio de la destrucción familiar.

Según la información divulgada tras la CinemaCon 2026, el filme no será una secuela directa de la entrega anterior, Evil Dead Rise, sino un capítulo independiente dentro del universo compartido de los Deadites. El proyecto es una colaboración de New Line Cinema, Ghost House Pictures y Sam Raimi, junto a Warner Bros., responsable de la distribución en Norteamérica, mientras que Sony Pictures gestionará la distribución en varios mercados internacionales.

Trama y personajes: terror en el entorno familiar

De acuerdo con fuentes fiables, la historia transcurre en una vivienda apartada, donde una joven, interpretada por Souheila Yacoub, busca refugio tras la reciente muerte de su esposo. Está acompañada de sus suegros, interpretados por Tandi Wright y otros actores como Hunter Doohan, Luciane Buchanan, Errol Shand, Maude Davey, George Pullar y Greta Van Den Brink. La reunión familiar pronto se transforma en pesadilla. El descubrimiento de un libro antiguo, elemento recurrente y central en la saga, desencadena la posesión demoníaca de los presentes, convirtiendo progresivamente el dolor del duelo en una situación agobiante donde los lazos familiares se desdibujan.

Los Deadites, antagonistas históricos de esta franquicia, regresan para ocupar un lugar primordial. Su aparición creciente genera caos y desesperación entre los personajes, reflejando la tensión psicológica de una familia atrapada y expuesta a su propia destrucción. Vaniček aprovecha el espacio cerrado y el conflicto familiar para incrementar la intensidad dramática, enfatizando los temas de aislamiento, culpa y necesidad de supervivencia. Mediante escenas sangrientas y transformaciones físicas, el director busca que el público sienta el agotamiento emocional y físico propio del terror más puro.

Expectativas, contradicciones en la información y recepción por el público

La promesa de un capítulo más brutal ha sido reiterada tanto en declaraciones del director como en las impresiones iniciales del avance, alimentando grandes expectativas entre los seguidores de la saga y los aficionados al terror en general. Sin embargo, algunos materiales promocionales han presentado cierta confusión respecto al elenco: aunque el núcleo principal está confirmado, han circulado nombres y descripciones adicionales que no cuentan con confirmación en fuentes oficiales. Este aspecto ha generado dudas y especulaciones sobre la dimensión real del reparto y el papel que desempeñarán algunos actores en la historia.

Además, la alteración de la fecha de estreno, previamente establecida para el 24 de julio y finalmente fijada para el 10 de julio de 2026 en Estados Unidos, sugiere que Warner y Sony consideran este lanzamiento de gran importancia estratégica y confían en su potencial comercial.

Para el público general, Evil Dead: En llamas no solo representa la continuidad de una tradición dentro del cine de terror, sino también una experiencia extrema que explora temores profundos dentro del ámbito familiar. Se anticipa que la intensidad y la violencia gráfica tendrán un fuerte impacto, tanto en los seguidores históricos de la saga como en nuevas audiencias, quienes encontrarán en esta historia una representación distorsionada de la pérdida, el encierro y la lucha contra un mal desatado. En particular, quienes hayan pasado por procesos de duelo o situaciones familiares conflictivas podrían sentirse identificados con la espiral de horror que se desarrolla en la pantalla.

El Festival de Cine de Cannes 2026 ha anunciado una nueva ola de incorporaciones a su selección oficial, entre las que destacan Paper Tiger, dirigida por James Gray y protagonizada por Adam Driver y Scarlett Johansson, y Victorian Psycho, adaptación de la novela homónima de la autora española Virginia Feito, quien además firma el guion. La programación refuerza la apuesta del certamen por la diversidad de voces creativas y la adaptación literaria. Paper Tiger forma parte de la competencia oficial por la Palma de Oro. El filme, dirigido por James Gray, reúne en su elenco principal a Scarlett Johansson, Adam Driver y Miles Teller. La historia sigue a dos hermanos que, en busca del sueño americano, se ven atrapados en una operación criminal que los enfrenta a la “Mafiya” rusa, según la sinopsis oficial. El conflicto pone a prueba los lazos familiares y plantea la traición como un desenlace posible.

La inclusión de Paper Tiger representa el regreso de Gray a la primera línea del cine internacional. Neon adquirió los derechos para América del Norte, lo que anticipa una fuerte presencia en la temporada de premios y una alta expectativa entre la crítica y el público del festival. El filme aparece como uno de los títulos más esperados en la Croisette para esta edición. Entre las novedades, destaca la adaptación de Victorian Psycho, novela de la autora española Virginia Feito. La propia Feito se encarga del guion de la película dirigida por Zachary Wigon, que será presentada en Cannes. El filme narra la llegada de Winifred Notty, una institutriz excéntrica, a la mansión gótica conocida como Ensor House. A medida que se integra en la vida del lugar, comienzan a desaparecer miembros del personal, generando sospechas sobre su presencia.

La actriz Maika Monroe lidera el reparto como Winifred Notty, acompañada por Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Amy De Bruhn y Jacobi Jupe. La producción corre a cargo de Dan Kagan y Sebastien Raybaud, con la participación de compañías internacionales. La selección de Victorian Psycho en Un Certain Regard subraya la atención creciente hacia la literatura española contemporánea adaptada al cine global. Para responder a la pregunta sobre el papel de la literatura española y su impacto en Cannes 2026, Victorian Psycho representa la consolidación internacional de Virginia Feito como guionista y novelista, al tiempo que la película se posiciona entre las propuestas más intrigantes del festival por su fusión de terror gótico y psicología.

Diego Luna vuelve a la dirección

El anuncio de Cannes abarca también la llegada de Ashes, dirigida por Diego Luna y basada en la novela Eating Ashes de la autora mexicana Brenda Navarro. El drama, rodado en español, cuenta con la participación de Anna Díaz, Adriana Paz, Laura Gómez y Charlie Rowe, y será exhibido en la sección Special Screenings. En Un Certain Regard, se suma A Girl’s Story, ópera prima de Judith Godrèche basada en la novela autobiográfica de Annie Ernaux, que explora la juventud, el descubrimiento sexual y las relaciones de poder en la Francia de 1958. La programación también incluye Titanic Ocean, dirigida por Konstantina Kotzamani, una historia sobre adolescentes que entrenan para ser sirenas en Japón.

La oferta de animación se amplía con Tangles, de Leah Nelson, en la sección de Special Screenings, y Lucy Lost, de Olivier Clert, destinada al público familiar en Family Screening. Estas adiciones refuerzan la variedad de géneros y estilos presentes en la edición. El Festival de Cannes celebrará su 79ª edición entre el 12 y el 23 de mayo de 2026. El certamen reafirma su relevancia con una programación que combina nombres consagrados como James Gray y figuras emergentes como Virginia Feito. La presencia de adaptaciones literarias y propuestas internacionales consolida a Cannes como un escaparate clave para las tendencias del cine mundial.

Utilizar plataformas como Cuevana y Magis TV para ver películas, series o partidos de forma gratuita representa un riesgo considerable tanto para la seguridad de tu información personal como para la integridad de tu dispositivo. Por este motivo, es fundamental optar por servicios legales y seguros, ya sean de pago o gratuitos.

Entre las alternativas gratuitas se encuentran YouTube, Pluto TV, Rakuten TV, RTVE Play y FilmRise.

Por otro lado, existen opciones de pago como Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max, Disney+ y Apple TV+. Muchas de estas plataformas ofrecen periodos de prueba gratuitos que permiten acceder a su catálogo de contenidos sin costo inicial.

Alternativas gratuitas a Cuevana, Magis TV y Xuper TV

Algunas alternativas gratuitas a Cuevana, Magis TV y Xuper TV son:

• YouTube.

Propiedad de Google, permite acceder gratuitamente a millones de videos, incluyendo documentales, series web, conciertos y material educativo. No exige suscripción; basta con instalar la aplicación, iniciar sesión y explorar su extenso catálogo.

• Pluto TV.

Ofrece canales en vivo y una amplia variedad de películas, series y programas como CSI Miami, The Walking Dead, Daredevil y Naruto. Entre sus ventajas destaca que no requiere registro para disfrutar de sus contenidos.

• Rakuten TV.

Es posible ver películas sin costo en la sección “Free”, con títulos como Alvin y las ardillas 2, El justiciero y Sin rastro. Esta plataforma se distingue por incluir filmes que fueron éxitos de taquilla en años anteriores.

• RTVE Play.

El servicio digital de Radio Televisión Española, permite acceder gratuitamente a series, películas, documentales, noticieros y programas como MasterChef, todos emitidos por la televisión pública de España.

• FilmRise.

Plataforma estadounidense, ofrece contenido financiado con publicidad, incluyendo títulos como Medici, The Dick Van Dyke Show y Hot Ones.

Qué opciones de pago existen que sean alternativas a Cuevana y Magis TV

Algunas opciones de pago que existen y son alternativas a Cuevana y Magis TV son:

• Netflix.

Es posible acceder a un catálogo amplio que abarca géneros como drama, suspenso, ciencia ficción y comedia. Entre las series más populares se encuentran Emily in Paris, Bridgerton, Stranger Things, La Casa de Papel, Élite y The Crown.

El servicio también incluye producciones internacionales de gran éxito, como El juego del calamar, y series aclamadas de ciencia ficción, como Dark. Además, la plataforma suma estrenos frecuentes y transmisiones especiales en su programación.

• Amazon Prime Video.

En Amazon Prime Video se encuentran series destacadas como The Boys, así como la opción de alquilar películas y series provenientes de otras plataformas. Los usuarios pueden acceder a una prueba gratuita de 30 días para explorar el catálogo completo del servicio.

• HBO Max.

En HBO Max se encuentran disponibles series reconocidas como Succession, Euphoria, The Last of Us, Game of Thrones y The White Lotus.

La plataforma ofrece un catálogo que incluye estrenos exclusivos, películas recientes y producciones originales de HBO, junto con la posibilidad de acceder a una prueba gratuita según la región.

• Disney+.

En Disney+ se puede acceder a producciones originales de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars y National Geographic.

El catálogo incluye series y películas como The Mandalorian, Loki, Encanto, Frozen II y documentales exclusivos. La plataforma también ofrece estrenos simultáneos y contenido para todas las edades.

• Apple TV.

En Apple TV+ se encuentran series originales como Ted Lasso, The Morning Show, Severance y For All Mankind. La plataforma destaca por su producción exclusiva de alta calidad, películas premiadas y documentales. Los nuevos usuarios pueden acceder a una prueba gratuita limitada para explorar el catálogo completo.

Por qué usar Cuevana y Magis TV es peligroso

Utilizar Cuevana y Magis TV para ver películas, series o eventos deportivos representa un riesgo para la seguridad digital. Estas plataformas operan sin licencias legales y suelen distribuir archivos infectados con malware, lo que puede comprometer tanto tu información personal como la integridad del dispositivo.

Además, el acceso a estos servicios implica exponerse a fraudes, robo de datos y posibles repercusiones legales por consumo de contenido pirata.

Una parodia judicial protagonizada por estrellas y personajes animados

Coyote vs. Acme parte de un planteamiento inusual pero lógico: el Coyote, cansado de que los productos de la Corporación Acme siempre fallen, decide demandar a la gigantesca empresa. Con una combinación de animación y acción real, la película sigue a Wile E. Coyote, asesorado por el abogado Kevin Avery, interpretado por Will Forte, un especialista en demandas colectivas contra Acme, y lo enfrenta en el tribunal con Buddy Crane, el carismático defensor de la compañía, interpretado por John Cena. El elenco se completa con Lana Condor en el papel de Paige, la sobrina de Avery, quien actúa como la voz de la conciencia alentando a su tío a luchar realmente por la justicia y no conformarse con arreglos mínimos.

El tráiler, presentado recientemente, adelanta que la película no solo llevará al Coyote al banquillo, sino que también contará con personajes como Porky Pig, Daffy Duck, Foghorn Leghorn, y presentará a Bugs Bunny en un papel enigmático y de informante, asesorando desde las sombras. Estas apariciones prometen una experiencia llena de referencias tanto para seguidores antiguos como para nuevos espectadores.

El recorrido accidentado desde el archivo hasta la pantalla grande

Coyote vs. Acme estaba originalmente planeada para estrenarse en HBO Max y fue completada en 2023 con un presupuesto estimado de 70 millones de dólares. Sin embargo, Warner Bros., bajo la dirección del CEO David Zaslav, tomó la polémica decisión de archivar el proyecto junto a otras producciones finalizadas, como Batgirl y Scoob! Holiday Haunt, priorizando recortes fiscales y estrategias corporativas. El anuncio causó descontento tanto en la industria como entre parte del público y el equipo creativo, pues la película estaba lista para su distribución y había generado expectativas dentro del público de Looney Tunes.

A diferencia de otros títulos que nunca llegaron a estrenarse, Warner puso Coyote vs. Acme en venta. Durante meses, ninguna empresa estuvo dispuesta a cubrir el precio solicitado. Solo en 2025, Ketchup Entertainment formalizó la compra por cerca de 50 millones de dólares, garantizando su estreno global y dándole una segunda oportunidad al proyecto casi tres años después de la fecha original prevista.

Consecuencias en la industria y los riesgos de la estrategia de Warner Bros.

El caso de Coyote vs. Acme se ha convertido en un ejemplo paradigmático de cómo las decisiones empresariales pueden silenciar o transformar producciones ya finalizadas. Esta práctica, adoptada recientemente por Warner Bros. bajo el argumento de eficiencia económica y reducción de riesgos, ha generado un intenso debate sobre los límites entre la gestión empresarial y la creación artística. Entre los hechos más relevantes destaca que, a diferencia de Batgirl, destinada a no ser exhibida y aprovechada como deducción fiscal, Coyote vs. Acme fue finalmente ofrecida a compradores interesados, lo que posibilitó su salvación posterior.

Este antecedente plantea interrogantes sobre la estabilidad laboral en la industria cinematográfica y el papel de los estudios en la viabilidad de proyectos arriesgados o costosos, así como su impacto directo en quienes participan en ellos creativamente. Will Forte ha expresado sentirse orgulloso de la película y espera que este accidentado proceso despierte la curiosidad de un público amplio, no solo de los seguidores tradicionales de Looney Tunes. El caso también lleva a reflexionar cuántos otros proyectos archivados por motivos financieros podrían recuperarse en el futuro y en qué condiciones.

Paralelamente, para el público, el regreso de los personajes clásicos y la posibilidad de ver Coyote vs. Acme en la pantalla grande representa una pequeña victoria frente a la lógica, muchas veces impredecible y opaca, de la industria cinematográfica.

El cine español se encuentra en su mejor momento. La nueva edición del Festival de Cannes lo avala. Este miércoles, se ha añadido una nueva cinta nacional a las anunciadas previamente en la Sección Oficial —con un triplete protagonizado por Los Javis, Pedro Almodóvar y Rodrigo Soroyen— o las incluidas en las secciones paralelas como la de la Semana de la Crítica, con Aina Clotet. Ahora es el turno de la ópera prima de María Martínez Bayona, The End of It.

La película formará parte de la sección Cannes Première, cuya 79.ª edición del certamen tendrá lugar entre el 12 y el 23 de mayo. La cinta cuenta con un reparto de lujo: Rebecca Hall (Vicky Cristina Barcelona), Noomi Rapace (Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres, Prometheus), Gael García Bernal (Y tu mamá también), Beanie Feldstein (Súper empollonas, Lady Bird) y el catalán David Verdaguer (Siempre es invierno, Verano 1993).

La ficción se sitúa en un futuro cercano en el que el envejecimiento ha sido erradicado y la muerte se ha convertido en una decisión voluntaria. Así, Claire, una artista retirada que se aproxima a su 250 cumpleaños, decide que ha llegado el momento de poner fin a su vida. Su determinación desencadena un conflicto íntimo y familiar que afecta a su marido, a su hija y a su asistente de inteligencia artificial.

Rodada en Canarias, la cinta es una coproducción entre España, Reino Unido y Noruega. “Después de cuatro años intensos, el estreno en Cannes supone un gran reconocimiento al enorme talento y trabajo de Maria, así como de todo un equipo que se ha volcado para hacerlo posible y al que estamos profundamente agradecidos”, han escrito desde Fasten Films, productora del largometraje.

La presencia española en Cannes no se limita a este título. En la sección Cannes Première también se ha confirmado Aquí, del portugués Tiago Guedes, con participación de actores españoles como Manolo Solo o Patricia López Arnaiz. En Una Cierta Mirada competirá Victorian Psycho, de Zachary Wigon, basada en la novela de la española Virginia Feito, mientras que en las proyecciones especiales se presentará Ashes, dirigida por el mexicano Diego Luna y con participación española.

Quién es María Martínez Bayona

Nacida en Reus y establecida en Londres desde hace más de una década, María Martínez Bayona ha construido una sólida trayectoria en el formato corto antes de dar el salto al largometraje. Formada en la National Film and Television School gracias a una beca de La Caixa, su cortometraje de graduación, MIA, fue presentado en el BFI London Film Festival y obtuvo reconocimiento en premios como los RTS Student Awards. Posteriormente, trabajos como Such Small Hands, adaptación de una obra de Andrés Barba, consolidaron su perfil en el circuito internacional de festivales.

“Esta película plantea una pregunta: ¿qué supondría vivir eternamente? Y lo que es más importante: ¿qué significa sentirse vivo? Una cuestión profundamente humana, paradójica y también absurda", comentó la cineasta en declaraciones recogidas por Audiovisual451.

El universo de acción protagonizado por Jason Statham retoma impulso tras la presentación en CinemaCon del primer adelanto de Beekeeper 2, la secuela de uno de sus mayores éxitos de taquilla. MGM ha programado el estreno para el 15 de enero de 2027, confirmando así el regreso de Adam Clay, ex agente secreto y ahora fugitivo, inmerso en una nueva misión que lo enfrenta directamente con el gobierno de Estados Unidos.

Beekeeper: de éxito inicial a franquicia en expansión

La primera entrega, estrenada en 2024, llevó a Beekeeper: Sentencia de muerte a liderar la taquilla mundial, con una recaudación de 162 millones de dólares. Este resultado inesperado impulsó a MGM a aprobar una secuela de mayor alcance. En la historia original, Adam Clay (Jason Statham) es un apicultor que parece llevar una vida común, hasta que su pasado como agente de élite sale a la luz tras una serie de crímenes, incluido el suicidio de una anciana amiga víctima de una estafa.

La narración y el carisma de Statham lograron atraer tanto al público aficionado a la acción como a quienes se interesan por las referencias a conspiraciones gubernamentales y fraudes digitales, temas que conectan con la desconfianza general hacia las estructuras de poder. La combinación de humor negro, violencia con estilo y una estructura basada en la venganza consolidaron la película como un producto de culto moderno dentro del género.

Primeras imágenes y desarrollo argumental: secuestro presidencial y escenas con abejas

En CinemaCon, uno de los principales encuentros de la industria cinematográfica en Estados Unidos, se presentó un adelanto exclusivo de Beekeeper 2, aún no disponible para el público. Según la información de los medios presentes, la película eleva la acción: la nueva misión de Adam Clay lo enfrenta al secuestro del Presidente de Estados Unidos.

En una de las escenas descritas, Statham participa en un intenso enfrentamiento. Después de tender una emboscada a sus adversarios en un bosque, utiliza lanzallamas y muestra una destreza física sobresaliente. Además, se destaca el llamado “tratamiento curativo con abejas”, donde el protagonista aparece con una singular barba formada por estos insectos, insinuando una relación simbiótica y misteriosa que le confiere cierta invulnerabilidad.

Estas decisiones en cuanto a narrativa y estética buscan reforzar la imagen del personaje, otorgándole atributos casi míticos y diferenciándolo de otros héroes recurrentes en el cine. La dirección de Timo Tjahjanto, conocido por un estilo intenso y dinámico, parece potenciar aún más la espectacularidad, con escenarios más impactantes y una violencia explícita que no se toma demasiado en serio.

Compromiso creativo y expectativas del público

Jason Statham, en declaraciones recientes, ha prometido una secuela “absolutamente loca”, indicando que la película apuesta por el exceso y la espectacularidad sin reservas. Por su parte, Timo Tjahjanto, encargado de dirigir la secuela tras la primera entrega, cuenta con un historial en películas de acción intensa como Nadie 2.

La combinación de ambos ha generado una alta expectativa no solo entre los seguidores del género, sino también entre críticos, quienes ven en la película una posible heredera del espíritu de la saga Crank: un título de acción pensado para entretener al máximo, explotando a fondo la figura del héroe poco convencional.

Lo presentado en CinemaCon permite intuir el tono de Beekeeper 2: diálogos agudos, coreografías meticulosas y una autoconciencia irónica que transforma el exceso en un atractivo diferenciador. En una época en la que las grandes producciones priorizan el realismo, la apuesta por el desenfreno se establece como una propuesta distinta.

Impacto cultural y consecuencias en el cine de acción actual

El éxito de Beekeeper no se entiende solo por la acción o la popularidad de Statham, sino por la forma en que aborda preocupaciones actuales como el fraude digital, la pérdida de confianza en las instituciones y el deseo de hacer justicia por mano propia ante situaciones de injusticia. Adam Clay se convierte en un símbolo contemporáneo de justicia individual, lo que conecta especialmente con públicos que perciben lejanía o desprotección por parte de las autoridades.

La saga se consolida ante espectadores que buscan historias de redención y castigo personal, cargadas de adrenalina y humor autorreferencial. Aunque algunos señalan la superficialidad del argumento o la resolución de situaciones imposibles, el enfoque lúdico del filme surge como una alternativa consciente frente al agotamiento de las fórmulas más tradicionales de acción.

La propuesta de Beekeeper 2 es continuar esta dinámica, respaldada por una producción visual y sonora aún más exagerada, reafirmando a Jason Statham como uno de los referentes del género en la actualidad. Queda pendiente el lanzamiento del teaser oficial y la reacción a las primeras proyecciones, pero la expectación ya es notable tanto en la industria como entre los aficionados al cine.

El joven cineasta Curry Barker, conocido por su trabajo recientemente aclamado en Obsession, ha sido seleccionado por A24 para dirigir una nueva versión de la clásica película de terror La masacre de Texas. Este proyecto representa un avance significativo tanto en la carrera de Barker como en la industria del cine de horror en Hollywood, ya que se trata de una actualización de una de las franquicias más influyentes del género. La noticia, confirmada en exclusiva por Variety, coincide con el creciente interés en expandir la saga, que también contempla una serie de televisión en desarrollo, aunque contará con un equipo distinto al de la película.

Desarrollo profesional de Curry Barker

Curry Barker ha pasado en muy poco tiempo de realizar películas independientes y videos para YouTube a convertirse en uno de los nombres más prometedores dentro del cine de género. Su obra más reciente, Obsession, fue reconocida en festivales internacionales y adquirida por Focus Features tras una intensa competencia en el Festival de Toronto, alcanzando una suma de 14 millones de dólares. En Obsession, Barker explora los límites del deseo humano y las consecuencias trágicas de la obsesión amorosa, atrayendo así la atención de los grandes estudios. Su habilidad para combinar la tensión narrativa con la profundidad psicológica ha sido determinante en su rápido crecimiento profesional. Actualmente, se encuentra trabajando en Anything But Ghosts para Blumhouse, donde participa como director, coguionista y actor, demostrando una notable versatilidad.

El nuevo proyecto en A24 lleva a Barker desde sus humildes comienzos, marcado por un debut de apenas 800 dólares con Milk & Serial, hasta ubicarlo como el responsable de reinventar una franquicia icónica. Su colaboración con A24, que obtuvo los derechos de la saga en una disputada subasta, implica un enfoque creativo diferente para la propiedad intelectual, con la intención de atraer tanto a aficionados veteranos como a nuevas audiencias.

Evolución de la franquicia La masacre de Texas

La saga La masacre de Texas fue inaugurada en 1974 con la película homónima dirigida por Tobe Hooper y escrita junto a Kim Henkel. Esta producción se convirtió en un clásico inmediato del cine de terror estadounidense y generó un extenso legado que incluye nueve largometrajes oficiales, novelas, cómics y tres videojuegos. A lo largo de los años, el personaje de Leatherface, interpretado por Gunnar Hansen en la versión original, se ha consolidado como uno de los grandes íconos de la cultura popular y del cine de horror.

En la secuela de 1986, La masacre de Texas 2, Hooper regresó a la dirección, intensificando la naturaleza perturbadora y satírica de la franquicia. El canon se expandió con títulos como Masacre de Texas: La nueva generación, que en 1995 contó con las actuaciones de Renée Zellweger y Matthew McConaughey, quienes más tarde serían reconocidos en Hollywood.

El interés por renovar la franquicia resurgió en 2023 cuando A24 anunció la adquisición de los derechos, tras competir con estudios como Blumhouse. El objetivo principal es preservar la esencia del material original y, al mismo tiempo, actualizarlo para adecuarse a las sensibilidades actuales, tanto en estilo como en contenido.

Reacciones al nuevo proyecto y detalles iniciales

El anuncio de que Curry Barker dirigirá la nueva versión de La Masacre de Texas ha generado expectativas entre los seguidores del terror clásico y quienes observan la evolución del género hacia propuestas más sofisticadas y personales. Aunque los detalles sobre la visión de Barker para la cinta no se han hecho públicos, fuentes cercanas al proyecto afirman que se tratará de una reimaginación, es decir, irá más allá de un simple remake o secuela. Esto sugiere la posibilidad de explorar nuevas dimensiones psicológicas, enfocar más el trasfondo de los personajes y generar atmósferas inquietantes, algo característico de los trabajos previos de Barker.

La producción ejecutiva contará con destacadas figuras del cine de terror como Roy Lee y Steven Schneider de Spooky Pictures, junto a Stuart Manashil, Pat Cassidy, Ian Henkel y Kim Henkel, cocreador del filme original. Ben Ross de Image Nation también participará como productor ejecutivo. La combinación de expertos veteranos y nuevas voces busca garantizar un equilibrio entre la tradición y la innovación.

Simultáneamente, A24 está desarrollando una serie de televisión basada en la misma franquicia, dirigida por JT Mollner y producida por Glen Powell y Dan Cohen para Barnstorm. Aunque las versiones de cine y televisión avanzan por caminos creativos independientes, este desarrollo paralelo refleja el interés de la industria por revitalizar una propiedad que mantiene su relevancia cultural.

Significado cultural y expectativas ante el regreso de la franquicia

La Masacre de Texas ha dejado una huella en varias generaciones, abordando temas como el miedo, el aislamiento y la violencia irracional, impactando especialmente a espectadores jóvenes y a los aficionados del terror. Las adaptaciones a otros medios, como cómics y videojuegos, han ampliado la interacción del público con la franquicia. El regreso de Leatherface, bajo la dirección de un renovador del género como Barker, plantea interrogantes sobre el tratamiento de problemáticas actuales, tales como la ansiedad social y los límites entre víctima y victimario en contextos marcados por la incertidumbre.

La apuesta de A24 por propuestas innovadoras sugiere que el reinicio de La Masacre de Texas pretende ir más allá del impacto superficial, proponiendo un terror de autor que dialogue con preocupaciones contemporáneas. Para el público, esta estrategia abre la oportunidad de encontrar nuevas interpretaciones en un clásico, mientras los creadores asumen el reto de no distanciar a quienes consideran la película original como una obra intocable. Las expectativas, sobre todo entre aquellos que crecieron temiendo a Leatherface, son elevadas.

El proyecto aún se encuentra en etapas tempranas y no se han dado a conocer detalles sobre el elenco ni la fecha de estreno. Sin embargo, la apuesta de A24 y la incorporación de Curry Barker garantizan que la franquicia sigue activa y en constante evolución, preparada para sorprender a las nuevas generaciones.

James Gunn ha iniciado el rodaje de la secuela Superman: Man of Tomorrow, compartiendo la primera imagen del set y revelando detalles clave sobre la trama y la inclusión de villanos icónicos. La película, que está programada para estrenarse en julio de 2027, vuelve a reunir a David Corenswet como Superman y Nicholas Hoult como Lex Luthor. En esta ocasión, ambos deberán unir fuerzas ante una amenaza que pone en peligro no solo a Metrópolis, sino al mundo entero: la llegada de Brainiac.

El comienzo del rodaje estuvo acompañado por una publicación de James Gunn en la que mostró algunos objetos del set, entre ellos un tablero de ajedrez y una placa de identificación de prisión para A. Luthor, lo cual sugiere que Lex Luthor inicia la historia encarcelado. Gunn, conocido por equilibrar acción, humor y desarrollo de personajes, apuesta nuevamente por imprimir su propio estilo, combinando elementos clásicos del cómic con un enfoque renovado y más humano para sus protagonistas. Entre las novedades del reparto destaca la incorporación de Adria Arjona como Maxima, una reina alienígena con intenciones ambiguas hacia Superman que añade tensión romántica y conflicto a la historia.

El principal antagonista de Superman en esta entrega será Brainiac, interpretado por Lars Eidinger. Este personaje es una de las entidades más inteligentes y peligrosas del universo DC, superando incluso el intelecto de Lex Luthor y poseyendo tecnología capaz de reducir y almacenar ciudades enteras, como ha hecho con la ciudad kryptoniana Kandor. En los cómics, Brainiac es responsable de vastas destrucciones y es temido como el Coleccionista de Civilizaciones. Su aparición en la gran pantalla representa la primera vez que este villano se plantea como amenaza principal en una película de Superman, lo que eleva el nivel de peligro y la escala de la historia.

Para derrotar a Brainiac, la película desarrolla una colaboración forzada entre Superman y su archienemigo Lex Luthor. Esta idea, presente en algunos arcos del cómic, será mostrada desde una perspectiva más íntima y personal, según han señalado fuentes cercanas a la producción. Luthor, interpretado por Hoult, comienza la historia en prisión, lo que promete una dinámica interesante basada en la desconfianza y la necesidad de trabajar juntos ante un peligro común. La tensión entre ambos personajes impulsará el desarrollo dramático de la película, aportando profundidad al argumento y superando los enfrentamientos convencionales entre el bien y el mal. El director también cuenta con un elenco extenso: Rachel Brosnahan interpretará a Lois Lane, Skyler Gisondo a Jimmy Olsen, Sara Sampaio a Eve Teschmacher, Isabela Merced a Hawkgirl y Nathan Fillion a Guy Gardner. Además, Edi Gathegi y Aaron Pierre darán vida a Mister Terrific y John Stewart/Green Lantern, respectivamente.

La producción de Man of Tomorrow marca una nueva etapa en el desarrollo del universo DC bajo el liderazgo de James Gunn y Peter Safran. Tras el éxito de la primera entrega de Superman, que recaudó más de 600 millones de dólares y revitalizó la franquicia, DC Studios apuesta por proyectos que expanden la narrativa y el nivel de interconexión entre películas, siguiendo de cierto modo la estrategia de Marvel, aunque con contenido y tono propios. Este enfoque busca atraer tanto a fanáticos como a nuevos espectadores, ofreciendo historias más complejas y personajes con mayor profundidad emocional.

Para el público, este cambio pretende incrementar la identificación con los dilemas y decisiones de los protagonistas. Temas como la desconfianza, la colaboración entre opuestos y la amenaza de fuerzas incontrolables se reflejan en un contexto global de incertidumbre. La presencia de Brainiac, capaz de apoderarse o destruir ciudades enteras, añade un sentido de urgencia y escala mundial poco común en adaptaciones anteriores. Además, la diversidad del elenco y la presencia de personajes femeninos fuertes, como Hawkgirl y Maxima, evidencian un esfuerzo por actualizar y adaptar el catálogo de personajes para nuevas audiencias.

La noticia de que Charles Dance se encuentra en negociaciones finales para unirse a The Batman Part II en el papel del padre de Harvey Dent ha generado gran expectativa entre los seguidores del universo DC. Aunque todavía no hay confirmación oficial por parte de DC Studios, diversos informes indican que su participación podría ser clave en la nueva entrega dirigida por Matt Reeves. Dance, conocido por su trabajo como Tywin Lannister en Juego de Tronos, aportaría un fuerte componente dramático al personaje de Christopher Dent, figura central en el desarrollo del villano Dos Caras.

La película, cuyo estreno está previsto para octubre de 2027, contará con la participación de actores como Sebastian Stan en el papel de Harvey Dent y Scarlett Johansson como su esposa, lo que pondrá énfasis en la compleja dinámica familiar que antecede la transformación del fiscal de Gotham en el conocido antagonista.

Significado del fichaje de Charles Dance

La incorporación de Charles Dance como patriarca de la familia Dent no solo suma una figura de gran presencia al reparto de The Batman 2, sino que también define el enfoque psicológico y oscuro de la secuela. En los cómics, Christopher Dent se muestra como un hombre violento y alcohólico, responsable en buena medida de los traumas y la personalidad dividida de su hijo Harvey.

La decisión de Matt Reeves de abordar estos orígenes sugiere una exploración profunda de las raíces del conflicto de Dos Caras, en sintonía con el tono sombrío ya establecido en la primera cinta. La trayectoria de Dance, conocido por encarnar a personajes autoritarios y complejos en producciones como Juego de Tronos y Alien 3, lo coloca como un candidato ideal para interpretar a este nuevo antagonista.

El proceso de casting y sus complicaciones

La selección del actor para el papel del padre de Harvey Dent ha estado marcada por la negativa de varias figuras reconocidas. De acuerdo con fuentes como World of Reel, actores de la talla de Brad Pitt, Robert De Niro, Daniel Craig y Stellan Skarsgård rechazaron inicialmente la propuesta. Las razones parecen estar relacionadas con la exigencia emocional y el nivel de oscuridad que el papel requiere, además de la relevancia que podría tener dentro de la trama principal.

El hecho de que Dance continúe en conversaciones evidencia la alta exigencia del equipo creativo, que busca intérpretes capaces de sostener la dimensión trágica y familiar que la historia necesita. Esta atención al detalle ha incrementado aún más las expectativas tanto en los aficionados como en la industria.

La influencia en la narrativa y en Gotham

La posible incorporación de Dance impulsa a The Batman 2 hacia una narrativa de corte más introspectivo. La inclusión de la historia pasada de Harvey Dent como elemento central marca una diferencia significativa con respecto a otras producciones del género, donde suelen prevalecer los conflictos externos y las escenas de acción. En esta ocasión, la destrucción psicológica y los traumas familiares serán elementos fundamentales para comprender la transformación de Harvey Dent en Dos Caras.

Esta perspectiva afecta a los personajes principales y promete ofrecer una visión más compleja y matizada de Gotham y sus habitantes. El guion, coescrito por Matt Reeves y Mattson Tomlin, podría así brindar una interpretación menos superficial de los antagonistas, situando el mal tanto en los individuos como en los entornos que los forman. Además, la presencia en pantalla de actores como Robert Pattinson, Sebastian Stan, Scarlett Johansson y posiblemente Andy Serkis refuerza el atractivo de una franquicia que sigue apostando por la calidad interpretativa y la profundidad de sus personajes.

Si eres fan de películas como Ocean’s Eleven, El secreto de Thomas Crown o, en su versión más mágica, Ahora me ves, sabrás bien a qué nos referimos cuando hablamos de ladrones de guante blanco. El cine criminal también guarda su espacio para las historias de aquellos criminales cuya mayor arma es su inteligencia y que, lejos de desechar la elegancia en todos sus golpes, la convierten en una seña de identidad.

Sin embargo, por muy buenas que resulten todas estas películas, no le hacen sombra al que se considera el gran clásico del género: El golpe. Esta cinta, con Robert Redford y Paul Newman en los papeles principales, se aseguró un puesto privilegiado en la historia del cine al contar la historia de dos timadores ‘de mala muerte’ que deciden sacar lo mejor de sus mentes (y de sus trajes) para vengar la muerte de un amigo en común.

Pero El golpe era algo más que eso. Fue también el reencuentro de dos leyendas absolutas de Hollywood, Robert Redford y Paul Newman, que ya habían cosechado un gran éxito con su anterior trabajo juntos, Dos hombres y un destino. Su química no podría ser mayor, y si a esta le sumamos el inteligentísimo guion de David S. Ward (al que también le debemos parte del texto de la gran comedia romántica Algo para recordar), la estupenda dirección de George Roy Hill y la maravillosa banda sonora de Marvin Hamlisch, ganador de tres (¡tres!) premios Oscar por su música ese mismo año, el resultado es la mejor película de ladrones de la historia.

“Imaginen vestir a los dos hombres más guapos del mundo y luego conseguir esto”

El golpe, que acaba de convertirse en la nueva y flamante apuesta de Netflix por los grandes clásicos, no solo marcó un antes y un después en las películas de atracos, sino que además resultó ser un éxito comercial rotundo. Con un presupuesto de cinco millones y medio de dólares (de los cuales uno fue, exclusivamente, para pagar a Redford y Paul Newman), logró alcanzar una recaudación mundial de 257 millones, sumando más de 3,8 millones de espectadores solo en España.

El éxito de El golpe no se detendría allí. Meses después de su estreno, la película se ganaría con la consecución de siete premios Oscar, incluyendo el de Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Quien, por desgracia, no se llevaría la estatuilla, sería Robert Redford, siendo esta película la única en la que saldría nominado para poder llevarse una estatuilla por sus interpretaciones. El cine resolvería esta injusticia por partida doble: en 1981 con un Oscar a la Mejor dirección por Gente corriente, y en 2002 con un premio honorífico por toda su carrera.

Quien sí se llevaría la estatuilla, y por octava vez en toda su carrera, sería Edith Head, la responsable de vestuario en El golpe y una de las grandes referentes de este ámbito en la industria. Para la historia del cine quedarían las palabras de su discurso. “Imagínense vestir a los dos hombres más guapos del mundo (Redford y Newman) y luego conseguir eso”.

Netflix ha comenzado la filmación de su ambicioso proyecto: la primera película en acción real basada en la icónica franquicia japonesa Gundam, protagonizada por Sydney Sweeney y Noah Centineo. El rodaje se está llevando a cabo en Queensland, Australia, y representa el inicio de una producción que, según la plataforma y las productoras involucradas (Legendary Pictures y Bandai Namco Filmworks), se perfila como una de las mayores apuestas de ciencia ficción del servicio de streaming. Aunque todavía no hay una fecha de estreno confirmada, es posible que el lanzamiento ocurra en 2027, considerando el inicio actual de las grabaciones y la envergadura del proyecto.

El desafío de adaptar un fenómeno cultural

La decisión de llevar Gundam al formato de acción real es significativa. La saga, que comenzó como serie animada en 1979, es una referencia fundamental del subgénero mecha en la ciencia ficción japonesa. Su universo ha crecido durante décadas a través de numerosos spin-offs en televisión, cine, novelas gráficas y modelos coleccionables, creando un fandom internacional muy entusiasta. La colaboración de Legendary Pictures con Bandai Namco y la adquisición de los derechos por parte de Netflix tienen como objetivo atraer tanto a los seguidores veteranos como a una nueva audiencia global que podrá acceder a la película a través de la plataforma.

Jim Mickle, conocido por su trabajo en Sweet Tooth, se encarga de la dirección y el guion. La película cuenta con un equipo de producción que tiene grandes expectativas y que incluye figuras destacadas, tanto frente como detrás de las cámaras. Mickle produce junto a Linda Moran, Sydney Sweeney, Noah Centineo, Enzo Marc, Cale Boyter y Ali Mendes. En el ámbito internacional, la lista de productores ejecutivos incluye a Matthew Jenkins desde Legendary, así como a Makoto Asanuma y Naohiro Ogata, dos figuras clave de Japón. Las grabaciones han comenzado recientemente y aún se mantiene en secreto el papel de cada actor, una medida habitual en proyectos de alto perfil para aumentar la expectativa y el interés.

Un reparto internacional y la incógnita sobre los personajes

El elenco reunido por Netflix y Legendary busca atraer tanto al público habitual de la televisión como a los aficionados al cine. Sydney Sweeney, conocida por su participación en Euphoria y en otros títulos exitosos, fue el primer nombre anunciado y encabeza la lista junto a Noah Centineo, quien se dio a conocer por su trabajo en producciones juveniles y ahora asume un desafío actoral con mayor complejidad.

A ellos se suman actores como Jason Isaacs (The White Lotus), Shioli Kutsuna, Michael Mando, Gemma Chua-Tran, Jackson White (Tell Me Lies), Nonso Anozie (Sweet Tooth), Javon Walton (Under the Bridge), Oleksandr Rudynskyi (The Agency) e Ida Brooke (Dune: Parte Tres). Aunque Netflix no ha revelado qué personajes interpretará cada actor, ha confirmado que la trama se centrará en dos pilotos de mechas, rivales entre sí y pertenecientes a bandos opuestos en un conflicto que enfrenta a la Tierra y a sus antiguas colonias espaciales. Como ocurre habitualmente en la franquicia Gundam, la relación personal entre los protagonistas permitirá explorar temas más profundos, como la lealtad, el sacrificio y la ambigüedad moral de la guerra.

El reto de Netflix: fidelidad a la saga y expectativas del público

La adaptación de Gundam surge en un contexto particular para las producciones de anime llevadas a acción real, conocidas por generar inquietudes tanto entre los fanáticos como entre quienes se acercan por primera vez a este tipo de historias. Las experiencias negativas de adaptaciones previas obligan a Netflix y su equipo a prestar especial atención a la fidelidad con los temas originales: los dilemas éticos y sociales, la alta política durante la guerra y la reflexión sobre la condición humana son elementos centrales de la franquicia, mucho más allá del espectáculo visual de las batallas de robots.

Esta incertidumbre afecta principalmente a los seguidores de las distintas etapas de Gundam, que esperan que la película respete la complejidad del material original y no se limite a mostrar efectos especiales. Datos recientes del sector del entretenimiento señalan que las adaptaciones exitosas suelen centrarse en la profundidad narrativa y el desarrollo de sus protagonistas.

Por ello, la forma en que Mickle y su equipo exploren la interacción entre los pilotos rivales y el trasfondo político de la guerra espacial será determinante para la recepción de la película. La apuesta de Netflix por una distribución global garantiza que la obra obtendrá una visibilidad pocas veces alcanzada por producciones japonesas originales, lo que aumenta la presión sobre los responsables de este nuevo enfoque de Gundam.

La cancelación definitiva de Perfect, la película biográfica sobre la gimnasta estadounidense Kerri Strug, tomó por sorpresa tanto a la industria como a los aficionados al cine deportivo. Netflix decidió detener el proyecto luego de que la actriz Millie Bobby Brown, quien iba a protagonizar y producir la cinta, se retirara debido a diferencias creativas con el equipo de producción. La ambición de contar la emblemática hazaña de Strug se vio frustrada por una serie de desacuerdos artísticos y cambios de liderazgo, desconectando a la plataforma de uno de sus proyectos más destacados en el género.

Inicio y objetivos de la película

Perfect surgió con la intención de relatar uno de los momentos más representativos del deporte olímpico: la competencia de Kerri Strug en Atlanta 1996, cuando la gimnasta, pese a una lesión en el tobillo, aseguró la medalla de oro por equipos para Estados Unidos con un salto memorable. El guion, escrito por Ronnie Sandahl, buscaba retratar tanto la proeza deportiva como las presiones personales, mediáticas y sociales que marcaron la vida de Strug.

Desde el anuncio del filme en septiembre de 2025, la designación de Millie Bobby Brown como Strug generó grandes expectativas. El proyecto contaba inicialmente con Gia Coppola como directora, reconocida por su sensibilidad al retratar personajes adolescentes, lo que coincidía con el propósito de mostrar una Strug vulnerable y decidida más allá de los logros atléticos. Brown, quien se había destacado en papeles de ciencia ficción como en Stranger Things, asumía el reto de liderar su primer drama deportivo, lo que representaba una extensión de su colaboración creativa con Netflix.

Sin embargo, la estabilidad del proyecto se quebró pronto. Gia Coppola abandonó la dirección en las primeras etapas y fue reemplazada por Cate Shortland, directora australiana conocida por su experiencia en acción y thriller. El cambio de liderazgo provocó debates sobre el enfoque narrativo y el tono de la película.

Conflictos creativos y salida de Millie Bobby Brown

Los cambios en la dirección propiciaron divergencias sobre la visión artística de Perfect. Cate Shortland aplicó modificaciones que distanciaron la producción de la idea original, generando pronto discrepancias respecto a qué aspectos debían dramatizarse y el nivel de realismo que debía prevalecer en el retrato de Strug.

Entretanto, Ronnie Sandahl realizó varias revisiones del guion para atender diferentes expectativas: la fidelidad a los hechos, la intensidad personal y la espectacularidad cinematográfica. La dificultad para equilibrar estos elementos produjo tensiones entre el equipo de producción de Brown y la dirección.

Millie Bobby Brown, además de protagonista, ejercía funciones de producción a través de PMCA, su propia compañía, junto a Nik Bower (Riverstone Pictures) y Thomas Benski (Magna Studios). Su doble responsabilidad aumentó la relevancia de su retiro: cuando la actriz decidió abandonar el proyecto a comienzos de 2026, Netflix optó por cancelar la película de manera definitiva. Fuentes cercanas, citadas por portales como SensaCine y Deadline, coinciden en que la salida de Brown hizo imposible continuar con la biopic.

Consecuencias para la industria y los involucrados

La abrupta cancelación de Perfect es un ejemplo del patrón frecuente en la industria audiovisual contemporánea, donde la permanencia de las grandes estrellas es esencial para asegurar la viabilidad financiera y artística de las producciones. En los últimos años, varias obras han quedado inconclusas tras perder a su figura principal, afectando la programación de estrenos y dejando en suspenso a equipos técnicos y creativos que ya habían invertido meses de trabajo.

En el caso de Perfect, la cancelación interrumpió un proceso avanzado de preproducción. Los equipos de guion, dirección, arte y producción ya habían iniciado la selección de locaciones y el casting de secundarios, a la par que enfrentaban el desafío de recrear con detalle tanto la atmósfera olímpica de 1996 como la complejidad emocional de Strug. La decisión inesperada de cancelar la película no solo aplaza las expectativas de su estreno, sino que también pone en evidencia la vulnerabilidad de los profesionales detrás de cámaras, quienes ven afectados sus proyectos y fuentes de ingreso por decisiones tomadas en los altos mandos del streaming.

Netflix, que en los últimos años ha apostado por las biografías deportivas con títulos como Rustin, The Swimmers y Pelé: el nacimiento de una leyenda, buscaba consolidar con Perfect una tendencia de dramatizaciones históricas, reforzando su catálogo de contenidos originales basados en hechos reales. La cancelación introduce incertidumbre sobre el futuro de este tipo de producciones en la plataforma y sobre sus criterios de inversión en proyectos complejos y de alto riesgo creativo.

El futuro profesional de Millie Bobby Brown tras la cancelación

Si bien la salida de Perfect representa un cambio inesperado, la relación profesional entre Millie Bobby Brown y Netflix sigue siendo sólida. La actriz británica, reconocida desde 2016 por su papel principal en Stranger Things y reforzada por éxitos como la saga Enola Holmes y Damsel, ya tiene prevista la tercera entrega de las aventuras de Enola junto a Henry Cavill. Aunque estos proyectos todavía no cuentan con fecha de estreno confirmada, muestran el compromiso de ambas partes con el desarrollo de nuevas producciones de gran alcance.

Brown también se prepara para el estreno de la comedia romántica Just Picture It, dirigida por Lee Toland Krieger y escrita por Jesse Lasky, en línea con la estrategia de Netflix de posicionar a artistas jóvenes en distintos géneros.

A pesar del contratiempo sufrido con la biografía de Strug, la amplia gama de proyectos en la carrera de Brown y su capacidad para alternar entre roles juveniles, dramáticos y de acción la consolidan como una figura imprescindible en el catálogo de la plataforma. Esta situación pone de manifiesto tanto la inestabilidad de los grandes proyectos como la continua adaptación de actores y estudios en un panorama cambiante, donde el talento y la proyección individual son factores decisivos para el desarrollo de historias de alcance global.

Entertainment Weekly reveló este martes que la escena que grabó Sydney Sweeney quedó fuera del metraje que se proyectará en todas las salas.

De acuerdo con fuentes del medio, la actriz de Euphoria rodó una escena que formaba parte del inicio del filme. Su aparición duraba aproximadamente tres minutos y en ella interpretaba una versión de sí misma. El cameo se vinculaba directamente con la reintroducción de Emily Charlton, el personaje de Emily Blunt.

En concreto, esta parte mostraba a Charlton en su nuevo rol como ejecutiva de alto nivel en Dior en Estados Unidos, atendiendo a una clienta famosa: Sweeney. Este momento ampliaba la presentación del personaje y reforzaba su estatus dentro de la industria de la moda. Sin embargo, el material no encajó con el ritmo narrativo.

Como la escena “no funcionaba estructuralmente con el resto de la secuencia”, el equipo tomó la decisión de excluirla del montaje final. “El equipo estaba agradecido por su participación”, indicó la fuente citada por Entertainment Weekly.

El diablo viste a la moda 2 retoma la historia dos décadas después de los eventos de la película original de 2006. En esta nueva entrega, Andy Sachs (interpretada por Hathaway) se ha establecido como periodista, pero enfrenta un escenario adverso en una industria en transformación.

La propia Streep adelantó detalles de la trama en conversación con Stephen Colbert. “Han pasado veinte años. Andrea ha salido y ha hecho un buen trabajo en el periodismo”, explicó. Sin embargo, “al comienzo de la película, todos los medios —incluso Runway— están bajo asedio por nuestros nuevos amos digitales. Así que está sin trabajo”.

Este contexto lleva a Andy de regreso a la órbita de Runway, donde vuelve a cruzarse con Miranda Priestly, la temida editora en jefe.

En paralelo, Emily Charlton asciende hasta convertirse en una figura clave dentro del mundo corporativo de la moda, lo que la coloca en una posición de poder frente a su antigua jefa. La trama se centra en la lucha por sostener la revista en medio de un entorno mediático volátil y en la búsqueda de financiamiento que permita su supervivencia.

El núcleo del elenco original retorna con figuras clave: además de Streep, Hathaway y Blunt, también vuelve Stanley Tucci como Nigel Kipling. A ellos se suman Tracie Thoms y Tibor Feldman, quienes retoman sus respectivos papeles.

La secuela incorpora nuevos nombres al reparto, entre ellos Kenneth Branagh, quien interpretará al esposo de Miranda Priestly, así como Lucy Liu, Justin Theroux, B.J. Novak, Simone Ashley, Caleb Hearon, Patrick Brammall y Rachel Bloom.

Detrás de cámaras, el equipo creativo original también regresa: David Frankel dirige nuevamente, con guion de Aline Brosh McKenna y producción de Wendy Finerman.

Aunque el cameo de Sweeney no llegará a la pantalla, la película sí contará con otras apariciones especiales. Entre ellas destaca la de Lady Gaga, quien además participa en la banda sonora con la canción “Runway”, en colaboración con Doechii.

El diablo viste a la moda 2 llegará a los cines el 1 de mayo de 2026 en Estados Unidos, mientras que en varios países de América Latina su estreno está previsto para el 30 de abril de 2026.

Diversas advertencias han puesto en la mira a Magis TV y XUPER TV, dos plataformas ilegales que ofrecen la posibilidad de ver películas y contenidos audiovisuales sin costo.

La facilidad de acceso y el ahorro económico pueden resultar tentadores, pero el uso de plataformas ilegales expone a los usuarios a malware, fraudes digitales y robo de información confidencial.

En este sentido, para reducir riesgos asociados a la descarga de apps fraudulentas, es necesario elegir alternativas legales y seguras para proteger tanto los dispositivos como los datos personales y financieros.

Qué riesgos conlleva descargar Magis TV o XUPER TV

La descarga y utilización de Magis TV o XUPER TV en diferentes dispositivos como celulares, televisores o computadores, implica que los aparatos quedan expuestos a amenazas informáticas que pueden comprometer la integridad de los sistemas y la privacidad de los usuarios.

Análisis de empresas como ESET han advertido que estas aplicaciones suelen contener archivos maliciosos que, una vez instalados, permiten el acceso remoto a información sensible.

Asimismo, está el componente legal. Autoridades como INTERPOL han lanzado alertas sobre la necesidad de evitar plataformas piratas que vulneran la propiedad intelectual y quienes sean usuarios de estos servicios pueden tener sanciones.

Cuáles son algunas opciones gratuitas para ver películas sin riesgos

Entre las alternativas gratuitas y seguras, YouTube y Pluto TV destacan por ofrecer catálogos legales y una experiencia de usuario transparente. YouTube permite acceder a títulos de dominio público, cine clásico y documentales publicados por canales verificados, lo que garantiza la legitimidad del contenido.

El proceso para buscar películas es sencillo: solo hay que ingresar a la aplicación y seleccionar canales oficiales o listas temáticas, sin necesidad de entregar información personal ni realizar pagos ocultos.

Por su parte, Pluto TV ofrece una selección de canales en vivo y contenido bajo demanda. La descarga y uso de Pluto TV se realiza exclusivamente a través de tiendas oficiales, lo que asegura la integridad del archivo y elimina la amenaza de virus o programas espía.

Su modelo económico, basado en la publicidad no invasiva, permite que los usuarios disfruten de películas y series sin exponer datos sensibles ni quedar sujetos a prácticas fraudulentas.

Qué ventajas ofrecen las plataformas de pago como Netflix y Prime Video

Netflix, Prime Video y otras plataformas de pago ofrecen estrenos, funciones premium y amplias opciones de personalización. Para acceder al catálogo de Netflix, es necesario contar con una suscripción activa e iniciar sesión desde un dispositivo compatible.

Una vez dentro, los usuarios pueden explorar géneros, buscar títulos específicos y reproducir contenido en alta definición, con la garantía de una transmisión estable y segura.

En el caso de Prime Video, la suscripción a la plataforma de Amazon habilita el acceso a un repertorio diverso de películas y series, algunas de las cuales pueden requerir un pago adicional para alquiler o compra.

Ambas aplicaciones destacan por brindar listas personalizadas, visualización en varios idiomas y la posibilidad de descargar títulos para consumo sin conexión.

Por qué se debe evitar cualquier descarga fuera de tiendas oficiales

El mayor riesgo de recurrir a plataformas como Magis TV o XUPER TV radica en la ausencia de controles y garantías sobre el software distribuido. Estas aplicaciones solo pueden ser descargadas como APK fuera de tiendas oficiales, así que escapan de la revisión de seguridad y pueden contener código malicioso.

En contraste, las aplicaciones legales y gratuitas, como YouTube y Pluto TV, y los servicios de pago, como Netflix, Prime Video, Disney+, HBO Max y Apple TV, ofrecen la tranquilidad de una experiencia segura y transparente.

Por esta razón, siempre debe descargar cualquier aplicación desde fuentes verificadas, como Google Play Store, o la App Store, porque solo así se reduce de manera efectiva el peligro de fraudes o infecciones digitales.

El regreso de Jim Carrey como Ivo Robotnik en Sonic 4: La película se ha confirmado oficialmente en CinemaCon 2026, disipando finalmente las dudas que surgieron tras el último adelanto y meses de especulaciones entre los seguidores. Paramount presentó nuevas imágenes durante el evento, mostrando a Jim Carrey en el papel del emblemático villano, lo que sugiere un desarrollo notable respecto a las entregas previas. Además, la saga afronta cambios relevantes con el regreso de personajes conocidos y la incorporación de nuevos miembros al elenco, con un estreno previsto para marzo de 2027.

Desarrollo de Robotnik en la franquicia

La saga de Sonic ha tenido a Ivo Robotnik como uno de sus personajes esenciales desde sus orígenes, interpretado por Jim Carrey, quien le ha dado un toque de humor y una excentricidad característica. En la tercera película, Carrey asumió el doble papel de Ivo y Gerald Robotnik, lo que permitió mostrar la versatilidad del actor y anticipó una evolución en la narrativa.

En esa entrega, Ivo sorprendió al público al sacrificarse para ayudar a Sonic y Shadow a detener los planes de Gerald, su propio abuelo; esto introdujo una ambigüedad moral en la figura del tradicional enemigo del erizo azul. Esta tendencia se afianzará en Sonic 4, donde los avances sugieren que Robotnik podría recibir un papel con matices de redentor, profundizando en la dualidad moral de su personaje.

Paramount refuerza la fidelidad al videojuego y amplía el universo de Sonic

Las imágenes mostradas destacan que Robotnik regresa con una apariencia más cercana al villano clásico de los videojuegos, lo que fortalece la conexión del público con el material original de SEGA. Uno de los aspectos más discutidos es la frase “Robotnik saves the world!” (“¡Robotnik salva el mundo!”), pronunciada en el avance, que sugiere una trama en la que Robotnik debe colaborar con los héroes, difuminando la línea tradicional entre antagonista y protagonista.

Durante CinemaCon también se confirmó la presencia de personajes recurrentes como Sonic (Ben Schwartz), Tails (Colleen O’Shaughnessey), Knuckles (Idris Elba) y Amy Rose (Kristen Bell), junto a nuevas incorporaciones como Keanu Reeves (Shadow), Ben Kingsley, Matt Berry, Nick Offerman y Richard Ayoade, aunque los papeles de algunos aún no se han revelado. Este conjunto demuestra la intención de Paramount de expandir el universo cinematográfico de Sonic, apostando por una renovación tanto visual como narrativa para mantener la atención del público y abrir la puerta a nuevas historias.

Repercusión del regreso de Jim Carrey en la saga y entre los seguidores

La noticia del regreso de Carrey llega tras un periodo de incertidumbre. Después del sacrificio de Robotnik en la tercera entrega y los constantes rumores acerca del posible retiro del actor, muchos fanáticos mantenían sus reservas con respecto a su regreso. La aparición de Carrey narrando el adelanto alimentó el escepticismo, ya que se pensaba que podía tratarse únicamente de una estrategia promocional. Sin embargo, la confirmación visual directa en CinemaCon cambió la situación de manera definitiva: Jim Carrey retomará un rol principal y activo, aportando su carisma y experiencia a una trama que promete ahondar en dilemas morales y presentar giros inesperados.

Para el público en general y las nuevas generaciones de aficionados, la presencia del actor es vista como una garantía de calidad y diversión. Carrey, gracias a su interpretación de Robotnik, ha logrado conectar con varias generaciones. El regreso de su personaje, ahora con la posibilidad de una redención, despierta interrogantes sobre la naturaleza del bien y el mal en historias dirigidas a todos los públicos y actualiza el papel del villano tradicional para adaptarlo a nuevas perspectivas. La saga, reconocida por el carisma de Sonic y el impacto visual de sus efectos, refuerza así su atractivo gracias a la profundidad y la ambigüedad moral que solo un actor como Carrey puede proporcionar.

Resulta evidente que Paramount apuesta por aprovechar tanto la popularidad del universo Sonic como el atractivo de su elenco. Con una estrategia promocional enfocada en la expansión del reparto, la compañía busca consolidar la franquicia en el ámbito internacional, preparando el camino para futuras entregas y eventuales proyectos derivados. El desarrollo del personaje de Robotnik, la recuperación de la fidelidad a las fuentes originales y la llegada de figuras destacadas del cine y la televisión son los pilares de esta renovada propuesta de Paramount.

Adria Arjona ha sido seleccionada oficialmente para interpretar a Maxima en Superman: Man of Tomorrow, la próxima secuela que definirá el rumbo del renovado universo cinematográfico de DC (DCU). Esta decisión, confirmada por The Hollywood Reporter y Variety, coloca a Arjona junto a figuras relevantes como David Corenswet, quien dará vida a Superman, y Nicholas Hoult, en el papel de Lex Luthor, bajo la dirección de James Gunn. El estreno de la película está previsto para el 9 de julio de 2027, y el anuncio ha incrementado las expectativas entre los fanáticos, ya que modifica la disposición habitual de superhéroes y villanos en el cine.

Perfil y trayectoria de Adria Arjona

La elección de Adria Arjona responde a su sólida carrera en ascenso, respaldada por una serie de proyectos tanto en cine como en televisión. En el ámbito de la ciencia ficción, uno de sus trabajos más reconocidos fue su participación en la serie Andor del universo Star Wars, donde su desempeño recibió elogios. También ha tenido roles en películas como Hit Man, Morbius, Parpadea dos veces, 6 en la sombra, Splitsville y Father of the Bride. Próximamente, integrará el reparto de una nueva versión de The Thomas Crown Affair, producida por Amazon MGM Studios, junto a Michael B. Jordan.

Este ingreso al universo DC implica para Arjona la oportunidad de afianzarse en una franquicia de alcance global y de expandir su audiencia más allá de los seguidores de la ciencia ficción, dirigiéndose a un público más amplio que ha apoyado el ascenso de otros intérpretes latinoamericanos en Hollywood. De acuerdo con medios especializados, Arjona fue seleccionada después de realizar pruebas junto a otras finalistas, entre ellas Eva De Dominici, Sydney Chandler y Grace Van Patten, lo que evidencia la competencia que hubo por el papel.

La nueva interpretación de Maxima en el universo DC

El personaje de Maxima, asumido por Arjona, es una reina alienígena proveniente del planeta Almerac, creada por Roger Stern y George Pérez en 1989 para los cómics. Maxima destaca por su fuerza excepcional, telepatía y habilidades de manipulación de energía. En la versión original de los cómics, su llegada a la Tierra responde al deseo de encontrar a Superman, quien considera el candidato ideal para perpetuar su linaje real. Su presencia suele implicar conflicto, y el personaje ha alternado entre ser antagonista y aliada, llegando a formar parte de la Liga de la Justicia. Esta capacidad de adaptación abre diversas posibilidades narrativas para futuras entregas del DCU.

El director James Gunn ha expresado recientemente su interés por la trayectoria de Arjona. Aunque en redes sociales se la vinculaba como posible opción para el papel de Mujer Maravilla, Gunn desmintió estos rumores y mencionó su relación profesional con la actriz desde 2016, cuando estuvo cercana a ser elegida para su película El experimento Belko. Según Gunn, la decisión de incluirla en Superman: Man of Tomorrow se basa tanto en su talento como en los vínculos desarrollados previamente en el ámbito profesional.

Detalles del rodaje y reparto confirmado

La producción de Superman: Man of Tomorrow, actualmente en fase de casting y preparación en Atlanta, ha confirmado un reparto que incluye a Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner, Edi Gathegi como Mister Terrific y Aaron Pierre como John Stewart (Linterna Verde). El antagonista principal será Brainiac, interpretado por Lars Eidinger, ofreciendo la promesa de un enfrentamiento entre Superman y un villano caracterizado por su complejidad e inteligencia sobresaliente.

En la trama de la película, Superman y Lex Luthor se verán obligados a unir fuerzas frente a la amenaza de Brainiac, un desarrollo argumental que plantea a dos viejos rivales como aliados por la supervivencia global. Este enfoque representa una variación dentro del género, que usualmente mostraba a estos personajes en oposición permanente.

Impacto y expectativas del público

La integración de Adria Arjona, de origen latinoamericano, ha generado una reacción positiva entre las comunidades que promueven una mayor diversidad en el cine de superhéroes. Para el público general, la elección de una actriz conocida pero no completamente vinculada al circuito comercial principal aporta frescura y un interés renovado a una saga que ha experimentado altibajos tanto en taquilla como en la crítica en los últimos años.

Por otro lado, la participación de Jason Momoa, pareja de Arjona, añade un elemento adicional de conexión en el universo DC: Momoa, quien interpretó a Aquaman en seis películas, dará vida a Lobo en Supergirl, cuyo estreno está previsto para junio. Esto apunta a una integración creciente entre historias y personajes en el nuevo enfoque dirigido por James Gunn.

Hasta el momento, los anuncios han sido recibidos con optimismo, aunque continúa la curiosidad en torno a la interpretación final que se dará de Maxima. Según declaraciones oficiales, tanto el guion como la organización de la producción mantienen el calendario previsto, posicionando la película como un evento central para Warner Bros. en el verano de 2027. Ante un público habituado a filtraciones y cambios de elenco en grandes franquicias, la expectativa es que las propuestas de consolidación e interconexión del DCU se materialicen y marquen el inicio de una etapa más estable y exitosa para estos universos compartidos.

La anticipada precuela de la saga La Gran Estafa ya cuenta con luz verde definitiva, con el inicio del rodaje programado para este año y un estreno previsto para el 25 de junio de 2027. Bradley Cooper, reconocido tanto por su trayectoria como actor como por su consolidación reciente como director, asumirá el triple rol de director, guionista y coprotagonista en este proyecto, acompañado por Margot Robbie, quien también participa como productora a través de su compañía LuckyChap. La película estará ambientada en el icónico Gran Premio de Mónaco de 1962 y se enfocará en los padres de Danny Ocean, explorando los orígenes criminales y familiares que moldearon al personaje interpretado por George Clooney en la trilogía moderna de la franquicia.

Regreso al estilo y ambiente de los años sesenta

Mientras que las entregas previas de La Gran Estafa situaban la acción en la lujosa Las Vegas contemporánea, esta precuela traslada la historia al glamur europeo de los años sesenta y a uno de los acontecimientos más reconocidos del automovilismo. En una presentación virtual en CinemaCon, Margot Robbie describió el núcleo de la trama como “un épico robo durante el Gran Premio de Mónaco en 1962”, detalle que aporta al relato una atmósfera de lujo, sofisticación y peligro a alta velocidad. La elección del lugar y la época no solo constituye un cambio de estilo para la franquicia, sino que también permite ahondar en los antecedentes familiares y en las estrategias originales que, más adelante, inspiraron las hazañas de Danny Ocean en Las Vegas.

La saga Ocean’s nació como un homenaje nostálgico al Hollywood clásico y tuvo un resurgimiento en 2001 con la versión dirigida por Steven Soderbergh. Actualmente, el reto consiste en proponer una ambientación que refuerce la relación con la época dorada del cine y redefina el modelo de atraco, con escenarios suntuosos, vehículos icónicos y una sofisticación nunca antes vista dentro de la franquicia.

Evolución creativa y cambios en la dirección

El anuncio oficial realizado en CinemaCon despeja meses de rumores y confirma el nuevo rumbo creativo tras la salida de los directores Lee Isaac Chung y Jay Roach, quienes estuvieron vinculados en fases previas del desarrollo. Warner Bros. depositó finalmente su confianza en Bradley Cooper para liderar el proyecto no solo como protagonista, sino también detrás de cámaras, aportando la experiencia adquirida en producciones como Ha nacido una estrella y Maestro.

Esta decisión surge en respuesta a diferencias creativas surgidas durante la preproducción. Con Cooper en la dirección y Carrie Solomon como guionista, el largometraje busca consolidar una identidad definida y alejarse del simple reciclado de las fórmulas anteriores. Para Margot Robbie, esta iniciativa representa la oportunidad de protagonizar y, al mismo tiempo, fortalecer la posición de LuckyChap entre las productoras más dinámicas e influyentes del panorama de Hollywood.

Valor de la franquicia y llegada a nuevas generaciones

El regreso de Ocean’s mediante una precuela supone para Warner Bros. el propósito de renovar y expandir una de sus propiedades intelectuales más exitosas y reconocibles. Tras el éxito de la trilogía moderna protagonizada por George Clooney, Brad Pitt, Matt Damon y Julia Roberts, que contó con el spin-off Ocean’s 8: Las Estafadoras, liderado por Sandra Bullock y Cate Blanchett, el estudio asegura la continuidad del universo cinematográfico al explorar los antecedentes familiares y el legado criminal del mundo Ocean’s.

Centrar la narrativa en los padres de Danny Ocean no solo transforma el eje argumental, sino que también busca atraer a nuevas generaciones y mantener el interés de los seguidores históricos. El contexto del Gran Premio de Mónaco, impregnado de lujo, velocidad y peligro, constituye un escenario idóneo para desarrollar una trama de atraco que integre drama y espectacularidad visual, superando los límites convencionales del género.

La apuesta de Warner Bros. representa, además, una declaración de intenciones sobre el futuro del entretenimiento. El éxito comercial de las entregas previas, sumado a la tendencia actual de revitalizar franquicias mediante relatos de origen y precuelas, señala un camino en la industria donde se busca equilibrar el aprovechamiento de marcas reconocidas con la innovación narrativa.

Importancia para el público y vínculos con el pasado

La decisión de ambientar la historia en el Gran Premio de Mónaco de 1962 conecta con la imagen de glamur, riesgo y sofisticación de la época, así como del famoso evento automovilístico. Para los espectadores actuales, el interés reside no solo en la espectacularidad del atraco y en la recreación histórica, sino también en la oportunidad de comprender los orígenes de figuras emblemáticas dentro del género de robos cinematográficos.

Al narrar cómo los padres de Danny Ocean fueron los creadores de técnicas y estrategias delictivas, la película introduce un enfoque generacional y familiar. Este desplazamiento temporal permite reinterpretar el legado moral y profesional transmitido dentro del universo Ocean’s, agregando matices al personaje familiar para los fanáticos y subrayando el origen de sus habilidades y encanto.

Por otro lado, los cambios recientes en la dirección tras una etapa de incertidumbre reflejan las dificultades frecuentes en la industria para satisfacer a estudios, creadores y público. Las modificaciones en el liderazgo y el guion evidencian los retos para ofrecer una propuesta novedosa sin perder la esencia original de la saga, desafío que Bradley Cooper y Margot Robbie parecen decididos a enfrentar.

En consonancia con la estrategia de diversificación, Warner Bros. ha anunciado más contenidos relacionados con Ocean’s, incluyendo una secuela con el elenco clásico retomando sus papeles, lo que confirma la intención de expandir el universo narrativo en varias direcciones y para públicos diversos.

La esperada confirmación del regreso de Tom Cruise a Top Gun 3 fue anunciada por Paramount Pictures durante su presentación en la CinemaCon 2026, celebrada en Las Vegas. El estudio reveló que el actor volverá a interpretar a Pete “Maverick” Mitchell, líder carismático de la saga. La noticia pone fin a años de especulación sobre el futuro de la franquicia, tras el enorme éxito de Top Gun: Maverick, película que recaudó más de 1,490 millones de dólares a nivel mundial. Además, Paramount aseguró que los fanáticos no tendrán que esperar décadas, como ocurrió entre la primera y la segunda entrega, para ver nuevamente en pantalla la emblemática historia de aviadores.

Inicio de la saga y su influencia generacional

La trayectoria de Top Gun comenzó en 1986, centrada en la historia de Maverick, un piloto destacado y rebelde de la Marina estadounidense. El personaje interpretado por Tom Cruise se convirtió rápidamente en un ícono de la cultura popular, atrayendo a millones de espectadores a las salas de cine gracias a una combinación de acción aérea, música memorable y drama.

Décadas después, el estreno de Top Gun: Maverick revivió la saga, situando al protagonista como instructor de una nueva generación de pilotos. El filme, lanzado en 2022 tras diversos retrasos, no solo rindió homenaje al pasado, sino que revitalizó el interés en el cine de gran espectáculo justo cuando la industria buscaba recuperarse de la crisis generada por la pandemia de COVID-19.

Progreso del guion y estado de las negociaciones

El desarrollo de Top Gun 3 se venía planificando desde 2024, cuando Paramount encargó al guionista Ehren Kruger, responsable de la segunda entrega, la elaboración del nuevo capítulo. De acuerdo con declaraciones de los codirectores del estudio, el proyecto ya cuenta con un guion avanzado e incluye la participación de Jerry Bruckheimer como productor, quien trabajó junto a Cruise en las dos películas anteriores.

Christopher McQuarrie, colaborador habitual de Cruise, anunció en 2025 que habían encontrado la historia que buscaban contar, aunque aún está pendiente de confirmar el regreso de Joseph Kosinski en la dirección, un tema relevante tras el éxito logrado por Top Gun: Maverick bajo su liderazgo. El estudio también está enfocado en asegurar la vuelta de actores clave como Miles Teller y Glen Powell, quienes representaron a la nueva generación de pilotos en la última entrega. Ninguno de estos nombres ha sido confirmado hasta el momento, pero fuentes cercanas a la producción indican que existen negociaciones avanzadas para su retorno.

Importancia económica y repercusión cultural

La relevancia de Top Gun va más allá del mero entretenimiento. El fenómeno generado por la segunda película fue fundamental para reactivar las salas de cine tras la pandemia; solamente Top Gun: Maverick recaudó cerca de 1,500 millones de dólares en el mundo, consolidándose como el mayor éxito en la carrera de Tom Cruise. Este logro ha llevado a Paramount a priorizar la producción de la tercera parte.

El reciente nombramiento de David Ellison como nuevo dueño de Paramount también ha acelerado el proyecto: en 2025, Ellison ya había señalado que Top Gun 3 figuraba entre sus mayores prioridades para la compañía, por lo que se espera un avance ágil en los próximos meses. Este nuevo episodio busca aprovechar la nostalgia y el renovado interés del público con la intención de igualar o incluso superar los números obtenidos por la entrega anterior, aunque el desafío es considerable, dado el alto estándar dejado por Maverick.

Tom Cruise como eje central de Paramount

Durante el reciente evento de CinemaCon, aunque Tom Cruise no estuvo presente en el escenario para el anuncio oficial, su participación fue destacada a través de un video especial dirigido por Jon M. Chu. En la grabación, realizada en la torre de agua de Paramount, Cruise relató la historia del estudio y anticipó un futuro prometedor, mientras se alternaban imágenes emblemáticas de la productora y apariciones de otras figuras relevantes de la industria.

Aprovechando la reputación de Cruise como actor que realiza sus propias acrobacias, el segmento final lo mostró en las alturas, concluyendo con la frase: El futuro se ve bastante bien desde aquí. La relación entre la imagen de Cruise, sus hazañas arriesgadas y la franquicia Top Gun continúa siendo un elemento clave en la estrategia promocional del estudio. El objetivo es no solo retener a los seguidores de siempre, sino también atraer a nuevas generaciones interesadas en el regreso del héroe clásico, ahora con una resonancia adaptada a los tiempos actuales.

David Cross, conocido por sus papeles en Arrested Development y la serie de sketches Mr. Show with Bob and David, acaba de reavivar una vieja herida. En una reciente entrevista con el podcast Obsessed, conducido por Kevin Fallon, el comediante fue categórico al hablar de su experiencia en la saga Alvin y las ardillas: “Nunca volvería a trabajar con ninguna de esas personas por el resto de mi vida. Fueron simplemente horribles conmigo”.

Las declaraciones no sorprenden del todo a quienes han seguido la carrera de Cross. Durante años, el actor ha sido abiertamente crítico sobre su paso por la franquicia infantil de Fox, una experiencia que describió en múltiples ocasiones como la más desagradable de su vida profesional.

El villano que nadie quería ser

Cross interpretó a Ian Hawke en las tres primeras películas de Alvin y las ardillas (2007, 2009 y 2011). Ian es el antagonista principal de la saga: un ejecutivo musical codicioso y sin escrúpulos que explota a las ardillas para su propio beneficio. Un papel que, irónicamente, Cross también tomó por razones económicas.

Según explicó el actor en el podcast Life is Short, conducido por Justin Long, cuando le llegó el guion de la primera película en 2007 llevaba seis meses sin trabajo.

“Piensen en estar desempleado durante dos meses sin esperanza de nada en el horizonte. Ahora tripliquen eso”, escribió en aquel entonces en su blog personal, respondiendo a las críticas de colegas como Patton Oswalt, quien había bromeado públicamente con que Cross había “atrapado” el guion después de que él y Brian Posehn lo lanzaran al otro lado de la habitación con disgusto.

Cross nunca pretendió ocultar sus motivaciones. Lo hacía por dinero, y así lo dijo. Esa honestidad, sin embargo, le costaría caro.

La tercera película: el límite

El punto de quiebre llegó con Alvin y las ardillas: Náufragos (Chipwrecked, 2011), una comedia musical en la que los protagonistas animados terminan varados en una isla tropical tras caer de un crucero. Para Cross, el rodaje fue una pesadilla de principio a fin.

Todo comenzó con un ultimátum navideño. En el podcast Obsessed, Cross relató que llevaba más de un año preguntando a los productores si lo necesitarían para la tercera entrega, sin obtener una respuesta clara. El motivo era urgente: estaba en Londres en plena preproducción de la segunda temporada de su serie The Increasingly Poor Decisions of Todd Margaret, un proyecto del que dependían entre 50 y 75 personas.

La respuesta llegó de la peor manera posible. “Mi teléfono sonó. Era mi mánager, mi agente y mi abogado, y eso solo puede ser una muy buena noticia o una muy mala noticia”, contó Cross. “Mi mánager me dijo: ‘¿Estás sentado? Van a usarte en la tercera película de los Chipmunks’. Y mientras hablábamos de cómo podríamos gestionar un descanso en la preproducción, de repente me dijo: ‘Te necesitan en un avión el 3 de enero’”. Era casi Navidad.

“¿Qué?”, reaccionó el actor. “Dijeron que si no estabas allí, te demandarían. Y ni siquiera habíamos tenido esa conversación”.

Obligado por contrato a cumplir, Cross tuvo que frenar su propio proyecto, perder locaciones y opciones de casting para Todd Margaret, y presentarse a filmar una película en la que pasó gran parte del tiempo disfrazado de pelícano a bordo de un crucero.

En su famosa aparición en el programa de Conan O’Brien en 2012, describió la experiencia como haber sido “forzado a punta de pistola legal” a pasar una semana en ese barco. “No había ninguna razón para que yo estuviera allí”, declaró. Además, remató su entrevista con un llamado público a no ver la película.

Esa recomendación le salió cara. Según relató en el podcast de Justin Long, su contrato incluía una cláusula de no difamación vinculada a un bono económico. Los productores consideraron que Cross la había violado con sus declaraciones en televisión nacional, por lo que el actor perdió 150.000 dólares del bono acordado.

En el podcast, Cross también denunció un trato deliberadamente hostil por parte de la producción durante el rodaje. “Estaban haciendo cosas [ofensivas] a propósito. No sé qué decirte. Me dieron un tráiler horrible que tenía goteras... ese tipo de cosas”, recordó el actor.

El actor evitó señalar directamente a los responsables —aclaró que no se refería a los actores del reparto ni al director Mike Mitchell, con quien aseguró llevarse bien— pero dejó claro que hubo personas específicas en la producción con quienes la relación fue irrecuperable. Con ellos, enfatizó que “no volvería a trabajar nunca más”.

La esperada adaptación cinematográfica de Elden Ring ha comenzado oficialmente su producción esta semana en el Reino Unido, bajo la dirección del reconocido cineasta y guionista Alex Garland. La película cuenta con un presupuesto estimado que supera ampliamente los 100 millones de dólares, estableciendo un nuevo estándar de ambición y escala para el estudio independiente A24. Con la participación directa de Bandai Namco Entertainment, productora del videojuego original, y de George R. R. Martin en calidad de productor, la fecha de estreno está programada para el 3 de marzo de 2028, exclusivamente en salas IMAX.

Elenco y equipo de producción destacados

El elenco de Elden Ring reúne a algunas de las figuras más reconocidas y prometedoras del panorama actual de la actuación. Kit Connor, conocido por su papel en Heartstopper, encabeza la lista y estará acompañado por Cailee Spaeny, protagonista de Alien: Romulus, y Ben Whishaw, quien presta su voz a Paddington y es conocido por su rol como Q en las más recientes películas de James Bond. También están presentes Nick Offerman, Tom Burke, Havana Rose Liu, Sonoya Mizuno, Jonathan Pryce, Ruby Cruz, John Hodgkinson, Jefferson Hall, Emma Laird y Peter Serafinowicz.

La elección de Alex Garland como director resalta especialmente por su experiencia tanto en el género como en el ámbito de los videojuegos. Además de sus trabajos cinematográficos, como Annihilation, Men y la reciente Civil War, Garland ha colaborado directamente con la industria de los videojuegos, destacando su labor como coguionista y supervisor narrativo en diversos títulos destacados del sector. Este trasfondo le aporta un enfoque adicional en la compleja tarea de adaptar la mitología y la atmósfera del universo de Elden Ring al lenguaje del cine.

Una producción de magnitud sin igual

A24, tradicionalmente ligado a producciones independientes y presupuestos más modestos, apuesta esta vez por una superproducción de gran envergadura. El presupuesto final, informado como “muy por encima” de los 100 millones de dólares según fuentes cercanas al proyecto, convierte a Elden Ring en la iniciativa más costosa y ambiciosa que ha emprendido la compañía. Este notable incremento responde tanto a la popularidad del videojuego, desarrollado por Hidetaka Miyazaki de FromSoftware, como a la intención de crear una experiencia visual que iguale el impacto de jugar. Las primeras imágenes filtradas desde el set de rodaje, situado en las afueras de Londres, muestran paisajes y decorados diseñados para replicar la escala y el tono oscuro que distinguen al universo del juego.

La inclusión de George R. R. Martin en la producción eleva la relevancia mediática y creativa de la película, sumando su experiencia en la creación del mundo y la mitología del juego original junto al director Miyazaki. El elenco y el equipo técnico comprenden tanto figuras consolidadas del cine como profesionales asociados al ámbito de los videojuegos, una combinación que genera expectativas elevadas en el público aficionado al gaming y en la audiencia habitual de A24.

La influencia cultural de Elden Ring y el reto de llevarlo al cine

Elden Ring se lanzó en 2022 y rápidamente se convirtió en un fenómeno a nivel mundial, superando las 30 millones de copias vendidas y obteniendo más de 400 premios al mejor videojuego del año. Su universo de fantasía oscura, dirigido por Miyazaki y enriquecido por las aportaciones de Martin, es ampliamente reconocido como uno de los más complejos y envolventes del género.

El proceso de adaptación al cine enfrenta el desafío de trasladar no solo la narrativa y los personajes, sino también la atmósfera y la libertad de exploración que caracterizan al juego. Para los aficionados, la experiencia de interactuar con el entorno y descubrir la historia mediante la acción resulta fundamental; para la película, implica la necesidad de innovar en lo relativo a narrativa visual y ambientación. A24 y Garland apuestan por rodar en formato IMAX, lo que permitirá plasmar la escala imponente y el detallismo visual del mundo de Elden Ring en la pantalla grande.

Repercusión y expectativas en torno a la película

Los seguidores del videojuego y la crítica especializada están atentos al avance de la producción, observando cómo Garland y su equipo logran equilibrar la expectativa existente con el respeto a la esencia del material original. En foros y redes sociales, los usuarios manifiestan tanto entusiasmo como ciertas inquietudes, recordando adaptaciones previas de videojuegos que no alcanzaron la calidad esperada. No obstante, la participación de figuras como Martin y Miyazaki, junto al respaldo financiero, genera optimismo y atención internacional.

A diferencia de otros proyectos de A24, la adaptación de Elden Ring busca atraer a una audiencia variada, desde los seguidores del género soulslike hasta el público general que ha descubierto el juego a través de su éxito comercial. El estreno en 2028 será crucial no solo para el futuro de A24 como estudio, dado que representa su incursión en grandes superproducciones y franquicias internacionales, sino también para el fortalecimiento de la colaboración entre la industria de los videojuegos y el cine de Hollywood.

Casi dos décadas después del estreno del filme original, la secuela de Soy Leyenda continúa tomando forma. Tras varios meses sin novedades, una entrevista de Collider confirmó que el proyecto ya tiene director: Steven Caple Jr., un realizador que ha trabajado en producciones de gran escala en los últimos años.

Fue durante la gira de prensa de Man On Fire, remake de Netflix, que Caple Jr. reveló al medio que está desarrollando Soy Leyenda 2 para Warner Bros, estudio que fue responsable de la película original.

El cineasta debutó con The Land (2016), pero alcanzó mayor visibilidad tras dirigir Creed II. Más adelante asumió un reto dentro del cine de acción con Transformers: Rise of the Beasts.

También ha dirigido los primeros episodios de la nueva adaptación de Man On Fire y participa como productor ejecutivo.

¿De qué tratará Soy Leyenda 2?

La primera película, estrenada en 2007 y protagonizada por Will Smith, se inspira en la novela de Richard Matheson publicada en 1954. La trama presenta a Robert Neville, un virólogo que vive en una Nueva York desierta tras la propagación de un virus que eliminó a la mayor parte de la humanidad y transformó al resto en criaturas agresivas.

Neville dedica su tiempo a buscar una cura con su propia sangre mientras intenta contactar a otros sobrevivientes. El filme combinó ciencia ficción y terror, y logró recaudar cerca de 600 millones de dólares en taquilla mundial.

La película original tuvo dos desenlaces. En la versión estrenada en cines, Neville muere tras sacrificarse para salvar a otros sobrevivientes. Sin embargo, existe un final alternativo que plantea una lectura distinta.

En ese cierre, el protagonista descubre que los infectados no son seres sin conciencia, sino que mantienen vínculos y cierta organización. Este enfoque se acerca más a la novela original y deja a Neville con vida.

El guionista Akiva Goldsman, quien también escribió la primera entrega y regresa para la segunda parte, confirmó que la secuela tomará como base ese final alternativo. De este modo, la historia continuará en un escenario donde Neville sobrevivió y enfrenta nuevas consecuencias.

El proyecto contará nuevamente con Will Smith en el papel principal. A él se suma Michael B. Jordan, quien también participa como productor. Ambos nombres se confirmaron en 2022, cuando el estudio anunció el desarrollo de la secuela.

Aunque los detalles de la trama aún son limitados, Goldsman adelantó en una entrevista de 2023 que la historia se situará varias décadas después de la primera película. La narrativa explorará un mundo en el que la naturaleza ha ocupado espacios urbanos abandonados, una idea inspirada en The Last of Us.

"Se ve cómo la tierra se va apoderando del mundo, y hay algo hermoso en preguntarse qué pasará cuando el ser humano deje de ser el principal ocupante. Eso se notará especialmente en Nueva York“, dijo a Deadline.

Soy leyenda 2 se encuentra en desarrollo y todavía no tiene fecha de estreno confirmada. No obstante, la elección del director y la confirmación del equipo creativo representan avances relevantes para un proyecto anunciado oficialmente en 2022. Por ahora, se espera que en los próximos meses se conozcan más detalles sobre el reparto adicional, el inicio del rodaje y el enfoque que Caple Jr. dará a una de las secuelas más comentadas dentro del cine de ciencia ficción.

El acuerdo con Prime Video se produce en un contexto donde los contenidos deportivos en clave ficcional vuelven a ganar peso entre las majors y las plataformas. La narrativa de Marty Supreme combina drama, comedia y el retrato de una subcultura urbana, articulando su atractivo tanto para audiencias especializadas como para el público generalista que responde bien a los biopics deportivos de nicho.

Marty Supreme, la película protagonizada por Timothée Chalamet, estableció un nuevo récord en la industria al convertirse en el mayor éxito de taquilla doméstica en la historia de A24, superando los USD 80 millones recaudados en Estados Unido. El film dirigido por Josh Safdie encabezó la temporada de premios con una amplia campaña, pero se retiró de la 98° edición de los Premios Oscar sin obtener ninguna estatuilla, pese a sus nueve nominaciones, incluida mejor película.

El fenómeno de Marty Supreme no se limitó a la performance comercial o a la expectativa crítica generada durante su promoción. El proyecto, que recreó el mundo del ping-pong profesional y las apuestas clandestinas en la Nueva York de mediados del siglo XX, impulsó a Chalamet a lograr su tercera candidatura al Oscar como actor principal. De este modo, el título superó la marca precedentemente ostentada por Everything Everywhere All at Once y profundizó la estrategia de A24 de expandir su catálogo en géneros híbridos de comedia dramática y biopics deportivos.

La cinta, inspirada de forma libre en la vida de Marty Reisman, sumó en el elenco principal a Gwyneth Paltrow, Odessa A’zion, Kevin O’Leary, Tyler Okonma, Abel Ferrara y Fran Drescher. La producción se distinguió por un estilo visual elaborado y por la construcción de época, elementos que le aportaron reconocimiento crítico y una presencia continua en círculos especializados durante la temporada de premios. La performance de Chalamet como Marty Mauser fue calificada por numerosos analistas como una de las más precisas de su trayectoria.

Un caso singular en la temporada de premios y el posicionamiento de Chalamet

El paso de Marty Supreme por la 98° edición de los Premios Oscar evidenció la volatilidad de las campañas de premiación. Pese a acumular nueve nominaciones, incluyendo mejor director para Safdie y mejor actor para Chalamet, la producción no logró premios y se consolidó como uno de los grandes derrotados de la ceremonia. De acuerdo con la cobertura, su derrota resultó llamativa por el volumen de expectativas y el presupuesto invertido en promoción y lobby a lo largo de la temporada.

La nominación de Chalamet, sin embargo, fortaleció su posicionamiento industrial como actor principal recurrente en proyectos de alto riesgo y visibilidad internacional. La cinta confirmó su estatus como figura central de una generación de intérpretes asociados tanto al circuito independiente como al mainstream, y la decisión de Prime Video de incorporar el título refuerza la sinergia entre plataformas y estudios boutique en la gestión del afterlife digital de títulos con recorrido festivalero y comercial.

Enfrentar rechazos al inicio de su carrera permitió que Harington desarrollara resiliencia y una ética orientada al aprendizaje. Según relató al medio, sentirse descartado en castings y escuelas de teatro lo condujo a redefinir sus objetivos y perfeccionar sus habilidades, sentando así la base de su recorrido profesional.

La experiencia de Christopher Catesby Harington, nacido en Worcestershire, Inglaterra, está marcada por el recuerdo de aquel primer fracaso. “Recuerdo que fue como un golpe durísimo”, reconoció.

Tras una reacción inicial de frustración, decidió convertir ese malestar en empeño para demostrar “de lo que era capaz”. Familia y escuela influyeron al canalizar su energía creativa, y fue su madre, Deborah Jane Catesby, quien le recomendó solicitar plaza en el National Youth Theatre, donde comenzaron tanto su exigente formación como la serie de rechazos que lo moldearon.

El motor del rechazo y la resiliencia en la carrera de Kit Harington

Incluso tras ingresar al National Youth Theatre, Harington volvió a experimentar el rechazo. No fue seleccionado en su primera audición dentro de la institución. “Si no puedes lidiar con el rechazo no llegarás muy lejos”, afirmó a Backstage magazine.

Durante las admisiones a escuelas de arte dramático, recibió varias negativas, pero decidió aceptar que el “rechazo actoral” sería parte fundamental de su evolución.

El intérprete recordó que, tras numerosos intentos, obtuvo su primer papel protagónico en War Horse, presentada en el West End en 2009. Considera esa obra como uno de los grandes hitos de su carrera teatral, donde experimentó la reacción del público y fortaleció su vínculo con el escenario.

También subrayó que la capacidad de reponerse fue decisiva en su trayectoria, convencido de que no habría avanzado sin superar las primeras adversidades.

De Jon Snow a nuevos retos: evolución tras el éxito televisivo

La oportunidad central llegó en 2011 cuando David Benioff y DB Weiss lo eligieron para interpretar a Jon Snow en “Game of Thrones”, de HBO. Este personaje lo posicionó como una figura reconocida a nivel mundial y como uno de los actores mejor remunerados de televisión, con dos nominaciones a los premios Emmy y un Globo de Oro.

El cierre de la serie, en 2019, abrió la puerta a desafíos diferentes. Harington se integró en el mundo del cine con Eternals de Marvel y volvió a los teatros londinenses en títulos como Doctor Fausto y Enrique V.

Desde 2024, Harington se sumergió en proyectos como Industry y la miniserie Historia de dos ciudades, mostrando su versatilidad y renovando su apuesta por relatos complejos y exigentes, según destacó el medio.

Industry y la madurez personal frente a los desafíos

Su nueva etapa profesional, impulsada por su papel como Henry Muck, director ejecutivo en Industry, refleja un crecimiento personal y artístico relevante.

El propio Harington contó a Backstage magazine que sus interpretaciones parten ahora desde la introspección, influida por experiencias vitales como la “sobriedad” y la “paternidad”.

“La combinación de convertirme en padre y poner mi vida en orden me hizo pensar: ‘Vale, esto es realmente gratificante’”, compartió. El actor relató que enfrentar dificultades y limpiar su vida lo llevaron a una relación más sana con su trabajo y a sobrellevar la presión de la fama.

Los aprendizajes personales impactaron su ética laboral, apoyando la idea de que la superación de obstáculos internos, desde luchar contra adicciones hasta buscar el equilibrio emocional, enriquecen tanto la interpretación artística como el enfoque profesional.

Lecciones de un trayecto singular en la actuación

A los 39 años, Harington defendió el “aprendizaje actoral” continuo y reconoció en el teatro el espacio donde consigue calmar su mente y perfeccionar su vocación. Intenta actuar en una obra cada dos años y se inspira viendo figuras como Emma Thompson, Jared Harris o Edward Norton cuando no puede subir al escenario, según detalló al medio especializado en entretenimiento.

Al describir una escena de Thompson, subrayó: “Ella sube las escaleras, llora y vuelve a bajar. Esa secuencia resume todo lo esencial que un actor debe comprender”. Para Harington, la “mejora continua” y la humildad ante cada papel son esenciales y lo encaminan hacia desafíos creativos como Sydney Carton, el protagonista de Historia de dos ciudades.

Esta voluntad de perfeccionamiento y el aprendizaje extraído de cada experiencia delinean una carrera guiada por la superación. Harington sostuvo en diálogo con Backstage magazine que sigue buscando lo que lo transforma en mejor intérprete, motivado desde los primeros rechazos que marcaron sus comienzos.

Lejos del reconocimiento inmediato, el actor encuentra nuevas reservas de talento cada vez que se enfrenta a lo desconocido, descubriendo así logros que van más allá de cualquier expectativa previa.

Una de las franquicias más reconocidas del género survival horror, Resident Evil, regresará al cine en 2026 bajo la dirección de Zach Cregger. Sin embargo, su propuesta ya está generando un fuerte debate entre los seguidores. La nueva película, titulada simplemente Resident Evil, fue presentada en un pase exclusivo durante la CinemaCon de Las Vegas, y lo mostrado ha generado controversia. Cregger ha optado por una historia original que no incluye a ninguno de los protagonistas clásicos de Capcom: ni Leon S. Kennedy, ni Chris Redfield, ni siquiera una aparición breve de algún personaje que los aficionados pudieran esperar.

Un cambio de rumbo: ausencia de figuras clásicas en la nueva Resident Evil

La participación de Zach Cregger en la CinemaCon 2026 confirmó lo que ya se venía insinuando desde hacía meses: la película de Resident Evil programada para estrenarse el 18 de septiembre de este año no seguirá ninguna de las tramas conocidas de los videojuegos. Cregger ha reconocido que ha pasado cientos de horas jugando títulos de Capcom, pero en lugar de adaptar las historias ya conocidas, su propuesta busca transmitir el ritmo, la atmósfera y la gestión de recursos propios de la experiencia original, en una película que se presenta como una sangrienta road movie de terror, intensa y sin pausas desde el inicio hasta el final.

Para los seguidores de la saga, esto implica la ausencia total de los personajes emblemáticos que, desde 1996, han dado forma al legado de Resident Evil en videojuegos, películas y productos derivados. Esta decisión no solo evita el recurso fácil del fan service, sino que representa un riesgo creativo que no pasa desapercibido.

Respuestas del público y antecedentes en adaptaciones anteriores

El anuncio de que la película prescindirá por completo de Leon, Chris y otros personajes conocidos ha generado molestias entre parte de la comunidad. Tras la serie de películas dirigidas por Paul W. S. Anderson y los recientes fracasos como Bienvenidos a Raccoon City o la serie de Netflix, las expectativas sobre una adaptación fiel ya estaban bastante afectadas. Los asistentes al adelanto han comentado que, aunque la atmósfera y la tensión están bien logradas, pocos comprenden la decisión de eliminar cualquier vínculo directo con las historias y personajes de los videojuegos.

El informante Jeff Sneider, presente en la CinemaCon, informó que Cregger defendió su perspectiva asegurando que intenta ofrecer una experiencia cinematográfica capaz de provocar en el espectador las mismas sensaciones que los juegos, a pesar de que la trama no guarde relación con ellos. Esto ha suscitado escepticismo y cierta resignación: algunos de los presentes consideraron que la franquicia de zombis más reconocida sigue sin encontrar el rumbo adecuado en su versión de acción real.

Sin actores recurrentes ni cameos: Resident Evil 2026 apuesta por la total independencia

Una de las pocas certezas que dejó la CinemaCon es que, en esta ocasión, ni siquiera se ha contemplado la inclusión de cameos o pequeñas apariciones de los personajes más populares. En vez de adaptar alguna trama existente, la propuesta de Cregger se presenta como una reinvención que toma únicamente los elementos esenciales de Resident Evil: la lucha por la supervivencia, la sensación de inquietud constante y la administración de recursos limitados.

Quienes han visto el material adelantado describen la película como una historia de terror de carretera, cercana en espíritu a Mad Max: Furia en la carretera, aunque con zombis y una estética que, según aseguran, mantiene el característico sello de la saga en lo que respecta a atmósfera y ritmo. Este enfoque en la tensión, el silencio y escenarios opresivos recuerda a las mejores entregas de los videojuegos, aunque muchos lamentan la ausencia de los personajes más queridos.

La postura de Capcom ante la fidelidad en las adaptaciones cinematográficas

Este giro argumental responde a una cuestión más profunda relacionada con la gestión de la propiedad intelectual por parte de Capcom. A lo largo de los años, la compañía japonesa ha cedido los derechos de adaptación de Resident Evil a estudios de Hollywood sin establecer mecanismos de control o supervisión que garanticen un mínimo de fidelidad. Las adaptaciones quedan así supeditadas a los intereses de cineastas y productoras, lo que, según algunos analistas, perpetúa un modelo centrado más en la explotación comercial de la marca que en el respeto a su narrativa original.

La película de Resident Evil dirigida por Cregger no es una excepción a esta tendencia; a diferencia de otros fenómenos culturales que han intentado revitalizarse mediante producciones fieles a su canon, Capcom parece priorizar la rentabilidad de los acuerdos de adaptación sobre el cuidado de sus historias. Esto se refleja en producciones cada vez más alejadas del material de origen, lo que contribuye a distanciar la saga de sus comienzos y de sus seguidores más leales.

El reconocido actor Ryan Reynolds sorprendió a los seguidores de Marvel el pasado fin de semana al confirmar que Deadpool, uno de los personajes más carismáticos de la franquicia, no volverá a ocupar el papel principal en las películas del Universo Cinematográfico de Marvel. Las declaraciones de Reynolds marcan el inicio de una nueva etapa para Wade Wilson, quien a partir de ahora quedará relegado a apariciones como personaje secundario o miembro relevante dentro de equipos de superhéroes. Esta decisión surge tras el éxito de Deadpool y Wolverine, una película que muchos identifican como un punto fuerte tras la crisis narrativa experimentada en la llamada Saga del Multiverso.

Adiós a la era de Deadpool como solitario

En entrevistas recientes concedidas a NBC, Ryan Reynolds afirmó que “Deadpool es un personaje que funciona mucho mejor en grupo”. Además, mencionó que él mismo está involucrado en nuevos proyectos de Marvel, incluso participando en la escritura de próximas historias que incluirán a su antihéroe. Sin embargo, dejó claro que no veremos nuevamente a Deadpool liderando en solitario una producción: “No creo que vuelva a centrarme en Deadpool nunca más. Es un personaje secundario. Es un tipo que es genial cuando trabaja con un grupo”.

Esta decisión, comunicada poco después del éxito comercial de Deadpool y Wolverine, representa un cambio de estrategia tanto para Reynolds como para Marvel Studios. Detrás de este giro estaría la intención de renovar la estructura narrativa del universo cinematográfico, tras recibir críticas por la saturación de personajes y los arcos argumentales inconexos en la reciente Saga del Multiverso. Específicamente, Deadpool adoptará roles de acompañamiento, lo cual permitirá su aparición en producciones colectivas como los próximos filmes de Avengers.

Repercusiones en la franquicia Marvel

Marvel ha atravesado recientemente un periodo complicado en taquilla y en cuanto a recepción crítica. Deadpool, gracias a su humor irreverente y a la interpretación de Reynolds, fue uno de los pocos personajes que logró revitalizar el interés del público. Por esta razón, su paso a un papel secundario ha generado debate entre los seguidores. Para la franquicia, esto implica modificar la composición de sus equipos y dar prioridad a historias colectivas, dejando atrás la etapa de protagonistas exclusivos.

De acuerdo con analistas, la posible presencia de Deadpool en películas grupales como Avengers: Doomsday o Avengers: Secret Wars ofrecerá un nuevo enfoque para el Mercenario Bocón. El esquema delineado por Reynolds y los creativos de Marvel permitirá que su intervención continúe siendo un recurso cómico o un elemento disruptor, favoreciendo la interacción entre los personajes. Así, la saga busca replicar la dinámica lograda en Deadpool y Wolverine, donde la relación entre ambos personajes generó gran entusiasmo entre los fanáticos.

Divergencias y reacción de los seguidores

La noticia ha evidenciado diferencias respecto al futuro del personaje. Mientras algunos ejecutivos de Marvel habían dejado abierta la posibilidad de un eventual regreso de Deadpool como protagonista, los comentarios recientes de Reynolds han sido contundentes al manifestar su preferencia por los papeles secundarios. Este cambio de dirección se atribuye en parte a la experiencia adquirida durante las entregas previas y a la observación de que Wade Wilson, pese a su carisma, alcanza mayor impacto cuando interactúa con otros héroes.

Las reacciones del público han sido inmediatas en redes sociales, donde se manifiesta una mezcla de decepción entre quienes preferían a Deadpool como figura central y la expectativa de quienes consideran estos cambios como una oportunidad para revitalizar las películas grupales. Diferentes encuestas en plataformas especializadas reflejan que, aunque un 60 % de los fanáticos lamenta la decisión, un 30 % reconoce que la química de Deadpool en equipo ha sido su mayor atractivo a lo largo de la historia.

Próximo destino de Deadpool y sus fanáticos

De confirmarse el rumbo anunciado, Deadpool aparecerá próximamente en las películas de la saga Avengers. Sin embargo, su participación se limitará a escenas de apoyo y, probablemente, a aportar momentos de humor en medio de las tramas dominadas por conflictos de gran escala. La intención es priorizar la participación colectiva, con el objetivo de brindar una experiencia más equilibrada en pantalla.

Para los aficionados, esto implicará una menor presencia del personaje en solitario, pero mayores oportunidades de verlo interactuar con otros íconos del universo cinematográfico, como Spider-Man, Capitán América o Doctor Strange. Además, Reynolds seguirá involucrado en la escritura de los guiones, lo que garantiza que la esencia irreverente de Deadpool permanecerá intacta, aunque en un formato diferente al habitual.

La película Super Mario Galaxy: La película continúa dominando la taquilla internacional y, tras tres fines de semana consecutivos en el primer puesto en Estados Unidos, ha elevado la recaudación global de la saga Super Mario a más de 2 mil millones de dólares con solo dos entregas, estableciendo un nuevo hito para Universal, Nintendo e Illumination. Esta cifra coloca a la franquicia en el décimo lugar en la historia del cine animado en cuanto a ingresos, solo detrás de fenómenos como Mi villano Favorito y Minions. Mientras tanto, la expectativa aumenta por su próximo estreno en Japón, considerado vital para consolidar su éxito global.

Impacto y cifras globales

El fin de semana más reciente registró 35 millones de dólares en Estados Unidos y 48.2 millones en mercados internacionales, alcanzando un total de 747.4 millones desde el estreno de la secuela. En Estados Unidos, la cifra acumulada llega a 355.2 millones, mientras que internacionalmente suma 392.2 millones gracias a su presencia en 82 territorios. La franquicia Super Mario, con solo dos películas, ha superado a grandes nombres de la animación como Barbie, Moana 2 y Frozen en varios mercados clave como México, Francia y Brasil.

A nivel territorial, destacan cifras como los 55.5 millones de dólares recaudados en México, donde la película ocupa no solo el primer lugar, sino que ya ha superado historiales completos de otros éxitos. En Francia, con 34 millones, la secuela ha sobrepasado a Toy Story 4, y en Australia, con 23.5 millones, se mantiene como líder y ha duplicado a su principal competidor local. En el Reino Unido e Irlanda, a pesar del clima favorable para otras actividades de ocio, Super Mario Galaxy: La película ha logrado mantenerse con 44.1 millones acumulados. Incluso en mercados más difíciles, como China, la película suma ya 17.1 millones, igualando a la primera entrega en ese mismo momento de sus respectivos estrenos.

Recepción por parte de la crítica y del público

Uno de los aspectos más notables de este fenómeno ha sido la divergencia entre la opinión de la crítica profesional y el entusiasmo generalizado del público. En el agregador Rotten Tomatoes, la película tiene una calificación del 43% por parte de los críticos, en contraste con un 89% por parte de la audiencia. Aunque las cifras son inferiores a las obtenidas por la primera entrega (59% de los críticos y 95% del público), el apoyo de los fanáticos se mantiene fuerte.

Según reseñas como la de VGC, Super Mario Galaxy Movie es un espectáculo visual lleno de acción que, pese a sus deficiencias en la trama y el desarrollo de personajes, ofrece diversión garantizada para niños, familias y admiradores de Nintendo. Esta desconexión entre críticos y audiencia no ha impedido que la saga alcance cifras históricas, lo que plantea interrogantes sobre el verdadero peso de la crítica profesional en el éxito comercial de producciones orientadas a un público amplio y familiar.

Repercusiones en la industria y expectativas a futuro

El estreno en Japón, programado para el próximo fin de semana, es especialmente esperado dada la importancia de este mercado para la primera película, que allí recaudó casi 102 millones de dólares. Un desempeño similar podría acercar a Super Mario Galaxy: La película al selecto grupo de películas animadas que superan los mil millones de dólares en taquilla global.

Este éxito refuerza la posición de Chris Meledandri, responsable de Illumination, como una de las figuras centrales en la animación comercial del siglo XXI. La saga Super Mario se une así a otras franquicias de Meledandri en el top diez global, reafirmando la tendencia de que grandes marcas y personajes de videojuegos ocupan un lugar dominante en el cine contemporáneo.

Para el público general, estos resultados tienen efectos directos: las películas concebidas para el entretenimiento familiar, basadas en iconos culturales, seguirán predominando en la cartelera y marcando las tendencias de la industria. Al mismo tiempo, la diferencia entre la apreciación popular y la valoración crítica sugiere una evolución en la manera en que se mide el éxito y el valor cultural de estas producciones.

El final del rodaje de The Legend of Zelda representa un avance importante en la adaptación en acción real del reconocido videojuego. La película, coproducida por Nintendo y Sony Pictures, se estrenará globalmente el 7 de mayo de 2027 y estará disponible posteriormente en exclusiva en Netflix. El director Wes Ball, conocido por la saga Maze Runner, ha trabajado junto al productor Avi Arad y la participación directa de Shigeru Miyamoto, la figura creativa a cargo del juego, para llevar al cine a los personajes Link y Zelda, interpretados por Benjamin Evan Ainsworth y Bo Bragason respectivamente.

Comienzo de la producción, nombre provisional y primeras imágenes

La producción del largometraje comenzó en noviembre de 2025 en Nueva Zelanda, una locación reconocida internacionalmente por su participación en grandes producciones como El señor de los anillos. Bajo el nombre clave Umami, la filmación se mantuvo en relativo secreto, aunque algunos detalles llegaron a conocerse. Entre ellos destaca la filtración de imágenes del set ocurrida el año pasado y, más recientemente, la publicación por parte del director de fotografía Gyula Pados de una imagen de Link portando la espada y el escudo, tomada directamente de la claqueta utilizada durante toda la grabación. Esta imagen, que fue retirada poco tiempo después, permitió a los seguidores tener un primer vistazo del protagonista.

Wes Ball buscó darle a la película un equilibrio entre seriedad y fantasía, con inspiración declarada en Studio Ghibli y el director Hayao Miyazaki, según lo expresó en entrevistas especializadas. Las primeras imágenes oficiales mostraron a Ainsworth y Bragason en sus papeles principales, generando expectativa sobre la manera en que se trasladará la atmósfera del videojuego a la pantalla grande.

Selección del elenco y del equipo creativo

La elección de Benjamin Evan Ainsworth y Bo Bragason para interpretar a Link y Zelda fue anunciada con anterioridad por Nintendo y Arad Productions, en línea con la visión de Ball y Miyamoto para The Legend of Zelda. Avi Arad, con amplia experiencia en adaptaciones cinematográficas de videojuegos, acompañó el proyecto desde sus primeras fases. El director de fotografía Gyula Pados, que cuenta con experiencia en Maze Runner: La cura mortal y El planeta de los simios: Nuevo reino, aportó su visión visual tras colaborar previamente con Ball en otros proyectos.

Pese a los rumores, no se han divulgado detalles sobre la historia. Sin embargo, fuentes de la industria como Daniel Richtman aseguran que los contratos principales incluyen la posibilidad de filmar dos películas adicionales, lo que alimenta las expectativas de una posible trilogía. Esta estrategia de asegurar al reparto para varias entregas es común en franquicias que pasan del medio interactivo al cine.

Lanzamiento y expectativas de los seguidores

El estreno global está previsto para el 7 de mayo de 2027, seguido de su incorporación exclusiva al catálogo de Netflix una vez finalice su recorrido por los cines y su lanzamiento en formatos domésticos. La alianza entre compañías líderes como Nintendo, Sony Pictures y Netflix busca aprovechar la amplia base de seguidores de la franquicia, cuya popularidad se extiende tanto a los videojuegos como a productos derivados.

La noticia ha generado gran interés entre los seguidores y la industria, tanto por el historial del equipo creativo como por el hecho de que la filmación se realizó en Nueva Zelanda, país vinculado a éxitos del género de fantasía épica. La posibilidad de una trilogía contribuye además a la inversión en marketing y aumenta las expectativas comerciales, aunque hasta ahora los detalles concretos de la historia permanecen en reserva.

El proceso de adaptar obras interactivas al cine sigue siendo objeto de análisis, especialmente después de fracasos y éxitos recientes en el género. La estrategia de mantener discreción sobre la trama y los diseños puede responder tanto a prevenir filtraciones como a adaptar la película según la reacción temprana del público a los materiales promocionales o a eventuales continuaciones.

Pocas películas han sabido capturar el encanto de los grandes estafadores como Atrápame si puedes. El filme dirigido por Steven Spielberg, con Leonardo DiCaprio y Tom Hanks al frente, convirtió la historia real del defraudador Frank Abagnale Jr. en un vibrante juego del gato y el ratón que fascina a los amantes del thriller.

Un espíritu muy similar recuperó una película estrenada en 2022: El atracador perfecto. Basada en la historia real de Gilbert Galvan Jr., considerado uno de los ladrones de bancos y joyas más prolíficos de Canadá. Antes de su captura, este ladrón estadounidense logró asaltar 59 bancos en varias ciudades canadienses a finales de los años 80. La cinta adapta el libro de Robert Knuckle y Ed Arnold, con guion de Kraig Wenman y dirección de Allan Ungar.

De qué va ‘El atracador perfecto’

La historia, protagonizada por Josh Duhamel como este ladrón, según la sinopsis oficial, sigue la fuga de Galván desde una prisión en Estados Unidos, para luego asumir la identidad de Robert Whiteman en Canadá. Mientras es perseguido de cerca por la policía, este atracador crea una nueva doble vida, donde se enamora y posteriormente se casa. Aquí es donde entra Mel Gibson, que interpreta a un gángster llamado Tommy, a quien este prófugo recurre para financiar sus proyectos delincuenciales más ambiciosos.

A medida que su fama crece a un ritmo vertiginoso, acaba en el punto de mira del detective John Snydes, interpretado por Nestor Carbonell, decidido a darle caza. Entre ambos se desata un complejo juego del gato y el ratón que le valió a Galván el apodo de “bandido volador”, debido a su capacidad para escapar en vuelos a distintas ciudades, llegando a acumular hasta 160.000 millas como viajero frecuente.

El reparto lo completan Elisha Cuthbert, que da vida a la pareja del protagonista, además del propio Gibson, Nestor Carbonell y Swen Temmel, entre otros.

Lo que dicen la crítica y el público

Con una duración cercana a las dos horas, Bandit apuesta por un tono ágil y accesible, ideal para una sesión de sofá y palomitas.La película cuenta con una valoración media de 6,5 sobre 10 en IMDb y un 74% en el tomatómetro de Rotten Tomatoes por parte de la crítica, lo que refleja una acogida mayoritariamente positiva.

De hecho, el público tiene una opinión mucho más favorable de la cinta. Con más de 250 ratings, tiene un porcentaje del 80% de críticas positivas. “No esperaba que me cautivara tanto. Podría haber sido simplemente otra película de atracos con estilo, pero el guion de Kraig Wenman le aporta profundidad”, escribió el usuario Mystic Soul W. Según la crítica recogida en este portal, se trata de un thriller sólido que destaca por su ritmo y el carisma de su protagonista.

En definitiva, la cinta se presenta como una opción ideal para quienes disfrutan de historias reales llevadas al entretenimiento. Sin alcanzar el impacto de Atrápame si puedes, la película logra sostener el interés gracias a su ritmo ágil y a un protagonista que mantiene el pulso narrativo de principio a fin.

Paramount ha puesto fin a años de rumores y confirmaciones fallidas al anunciar en la CinemaCon 2026 que Guerra Mundial Z, la película de zombis más taquillera de la historia, finalmente tendrá una secuela trece años después de su estreno. Aunque muchos detalles clave siguen siendo desconocidos, este anuncio inesperado devuelve la franquicia al centro de la atención mundial.

Un desarrollo rodeado de incertidumbre

El anuncio oficial despeja las dudas acerca de la continuidad de la saga, pero a la vez abre nuevas preguntas entre los seguidores. Todavía no se ha definido si la nueva producción será una secuela directa o una precuela del relato original, ni quién será el director. Marc Forster, director de la primera cinta, aún no ha sido confirmado, al igual que Brad Pitt, protagonista y productor a través de su compañía Plan B Entertainment. Aunque la empresa de Pitt participa en el proyecto, Paramount no ha revelado si el actor retomará su papel como Gerry Lane, un detalle que ha dado lugar a numerosas especulaciones en redes sociales y entre analistas de la industria.

Esta falta de información ha sido constante en el desarrollo de la saga. Tras el éxito en taquilla, con más de 540 millones de dólares recaudados en 2013, y la repercusión mediática inicial, Paramount enfrentó varios años de rumores sobre posibles secuelas, cancelaciones de rodaje e incluso la posible participación de directores como J. A. Bayona y David Fincher, lo que demuestra la dificultad de sacar adelante un proyecto de semejante envergadura.

El camino hacia la secuela

La producción original de Guerra Mundial Z tampoco estuvo libre de complicaciones. A pesar de contar con una estrella del calibre de Brad Pitt, la primera película tuvo un proceso complicado: el guion fue reescrito en varias ocasiones y el presupuesto inicial se excedió considerablemente, generando tensiones dentro del estudio. Sin embargo, el éxito comercial y el interés global por el tema zombi consolidaron la primera entrega como un fenómeno cultural.

La película, basada de manera libre en la novela homónima de Max Brooks, que adopta la forma de una antología de testimonios de sobrevivientes a un apocalipsis zombi, se distanció notablemente de su fuente literaria para convertirse en un espectáculo de acción de gran escala, lo que resultó clave para su impacto global. Esta adaptación tan poco convencional generó debates sobre la fidelidad narrativa, pero fue eficaz al conseguir una amplia aceptación del público.

El hecho de que hayan transcurrido trece años entre el estreno de la primera entrega y la confirmación oficial de la secuela muestra las dificultades y expectativas que rodean al proyecto. Una parte importante de la audiencia expresó durante años su deseo de ver continuar el universo cinematográfico, especialmente en una época marcada por secuelas y reinicios en la industria del entretenimiento. Sin embargo, la larga espera también plantea interrogantes sobre la relevancia actual del género zombi y la capacidad de la producción para adaptarse a nuevas tendencias narrativas y tecnológicas.

Repercusiones para el público y la industria

La confirmación tuvo un impacto inmediato entre los seguidores de la saga y en la industria cinematográfica. Plataformas de streaming como SkyShowtime continúan aprovechando el atractivo de la cinta original, lo que indica que el interés por los relatos de muertos vivientes sigue presente entre el público. Para muchos espectadores, la espera de más de una década por una secuela se traduce en expectativas renovadas, pero también en estándares más altos respecto a la calidad y originalidad de la nueva película.

Desde una perspectiva comercial, la apuesta de Paramount se sitúa en un contexto donde los grandes estudios priorizan franquicias de éxito comprobado para garantizar buenos resultados en taquilla. No obstante, la falta de información concreta sobre el equipo creativo, la posible continuidad de Brad Pitt y la dirección que tomará la historia deja abierta la puerta a posibles cambios en la producción, lo que podría afectar el proyecto a mediano plazo.

Entre los fanáticos, persiste la pregunta de si la nueva entrega repetirá la fórmula del blockbuster de acción o apostará por una aproximación más fiel a la obra literaria original, enfocada en los testimonios y el drama humano por encima de la espectacularidad visual. La evolución del género y los cambios en la cultura popular desde 2013 suponen desafíos importantes para cualquier secuela que aspire a igualar o superar el éxito de la primera película.

La apuesta de Disney y Lucasfilm trasciende la simple adaptación: la producción contará con un despliegue visual aumentado y una narrativa diseñada para liderar la siguiente etapa del universo galáctico. Se trata de la primera realización Star Wars concebida simultáneamente para pantalla grande convencional e IMAX, un movimiento que apunta a retomar el impulso comercial tras los resultados desiguales de la última trilogía y a capitalizar la fanbase revitalizada por The Mandalorian. El tráiler final, presentado en CinemaCon, incluye elementos exclusivos como la musicalización de Ludwig Göransson, ganador del Premio de la Academia, y la aparición de secuencias que combinan criaturas clásicas con nuevos personajes interpretados por talentos como Weaver y Allen White.

La transición de The Mandalorian al largometraje y la configuración del elenco

Con el anuncio de la producción cinematográfica en enero de 2024, Lucasfilm confirmó el regreso del elenco central de la serie a una escala inédita. Pedro Pascal retoma su papel como Din Djarin, acompañando a Grogu, la criatura que se ha convertido en fenómeno cultural y símbolo del universo desde su introducción. Sigourney Weaver, referente de la ciencia ficción, debuta en el canon galáctico como Coronel Ward, líder dentro de la Nueva República que dirige una misión para capturar criminales de guerra imperiales.

En la otra punta, Jeremy Allen White asume el rol de Rotta el Hutt, hijo de Jabba, reforzando la influencia de los Hutt en el periodo posimperial. El guion, firmado por Jon Favreau, Dave Filoni y Noah Kloor, articula la confrontación entre los defensores de la paz y los residuos del antiguo régimen, con un eje narrativo que centraliza la colaboración intergeneracional. Según la sinopsis oficial, la Nueva República contrata a Din Djarin y a su joven aprendiz Grogu como agentes clave para estabilizar la galaxia, con la música de Göransson disponible digitalmente desde el 15 de mayo previo al estreno.

La selección del elenco responde a una estrategia de conjugar rostros ya integrados al canon Disney+ con figuras de trayectoria consolidada en Hollywood. El rodaje, enteramente concebido para aprovechar las capacidades de la tecnología IMAX, permitirá que escenas emblemáticas como el descenso de un AT-AT imperial anunciadas en el tráiler y los combates con criaturas gigantes trasciendan el estándar televisivo.

Estrategia comercial e integración de públicos tras la última trilogía

La campaña de promoción ha centrado sus esfuerzos en trasladar a las salas el núcleo emocional y el potencial visual que durante tres temporadas distinguió a la serie. Los responsables de Lucasfilm respondieron a la tibia recepción inicial de la trilogía más reciente posicionando este largometraje como un punto de reencuentro para la comunidad Star Wars: la aparición de personajes como Babu Frik y Zeb Orrelios, junto a las referencias musicales y estéticas al legado original, aspiran a atraer tanto al público de estreno como a los seguidores históricos.

La exposición del tráiler en CinemaCon y la inclusión de secuencias orientadas al fan service —X-Wing, criaturas al estilo Rancor, peleas en la arena— refuerzan la voluntad del estudio de dotar al film de una identidad dual, capaz de conmover a nuevas audiencias y recuperar el interés de quienes habían abandonado la saga tras los desacuerdos sobre entregas previas. Para los equipos de distribución, la apuesta por la experiencia IMAX implica también abrir el abanico de productos derivados y, potencialmente, instalarlos como motores de ingresos en el segmento posterior al estreno.

El bloque central de la película se estructura en torno a la evolución de la relación entre Din Djarin y Grogu, un vínculo que representa el traspaso de responsabilidades y la maduración de los protagonistas en el contexto posimprerial. El guion subraya la transición de la protección paternal hacia la autonomía del joven aprendiz, apoyándose tanto en dinámicas ya probadas como en líneas argumentales inéditas para el cine de Star Wars y respaldadas por la dirección de Favreau y la producción ejecutiva de Kathleen Kennedy.

Nuevos arcos narrativos y perspectiva de continuidad en la franquicia

El salto de The Mandalorian a la pantalla gigante no solo amplía el espectro visual y los recursos de producción, sino que inaugura un ciclo para la expansión de Star Wars en franquicias cinematográficas independientes. La presentación de Jeremy Allen White como el heredero del clan Hutt y la incorporación de diversos personajes del universo expandido delinean una estrategia de apertura a nuevas historias, posibilitando la aparición de productos secuela y spin-off centrados en figuras recién introducidas.

El debut de Sigourney Weaver en el universo galáctico ratifica la búsqueda del estudio por aproximar públicos distintos a través de perfiles secundarios con potencial de protagonismo futuro. El diseño narrativo —desarrollado por Filoni y Favreau— anticipa alianzas inusuales y nuevas amenazas que dan pie a continuaciones o ramificaciones dentro de la cronología posimperial.

El estreno del 21 de mayo de 2026, programado tanto para salas regulares como IMAX, posiciona a The Mandalorian and Grogu como la principal inversión de Disney y Lucasfilm para relanzar la experiencia Star Wars en formato evento. La recepción de las primeras imágenes y la estrategia de vinculación emocional previo al lanzamiento indican que la película encabeza una apuesta global por reposicionar la marca frente a fanáticos y nuevos espectadores, con potencial para definir el rumbo de futuras producciones en la galaxia.

¡Prepara las palomitas! A partir de este domingo 19 de abril disfrutamos del segundo día del Festival C.Á.C.A.R.O. (Creando Acceso al Cine, al Arte y a la Representación Original).

Este evento, conocido cariñosamente como “La pachanga del cine mexicano”, tiene el gran objetivo de que todas y todos en la Ciudad de México puedan disfrutar del séptimo arte desde la comodidad de sus entornos, abarcando sedes específicas en las 16 alcaldías.

¿De qué trata “La pachanga del cine mexicano”?

El festival ofrece funciones de entrada libre del sábado 18 al domingo 26 de abril de este año. Es una iniciativa impulsada por la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México, coordinada a través de PROCINECDMX y la Comisión de Filmaciones (CFILMA).

Su misión principal es materializar tu derecho humano al acceso a la cultura y garantizar que el cine sea verdaderamente un bien público, alejándolo de la lógica del consumo exclusivo. Más que solo llenar salas, el festival busca transformar la exhibición en un ejercicio de libertad, donde la gratuidad y la calidad garanticen que la pantalla sea un territorio compartido, fomentando espectadores activos y fortaleciendo nuestra identidad.

Por cierto, el nombre del festival es un merecido homenaje al oficio del proyeccionista, ese querido “cácaro” que históricamente ha custodiado la luz en la oscuridad de las salas.

¿Qué funciones se pueden ver?

Para que armes tu maratón, debes saber que el festival está dividido en cinco secciones increíbles:

• Gayola: Cortometrajes PROCINE.
• Palco (Nuestra Mirada): Cine con memoria para rendir homenaje a la herencia visual nacional y latinoamericana.
• Funciones especiales: Obras que nos permiten habitarnos en la alteridad y explorar las inquietudes del presente.
• Luneta: Una muestra representativa y plural del cine mexicano contemporáneo.
• Competencia, Imágenes jóvenes: Plataforma para el talento emergente y estudiantes de cine, dividida en las categorías Visceral, Sintético, Radicales Libres y Largometrajes.

En secciones como Luneta o las Funciones especiales, podrás encontrar obras maravillosas como Vainilla, El Guardián, Ángeles, El diablo fuma y Frankelda, las cuales ejemplifican la gran riqueza temática de nuestra cinematografía actual.

Joyas imperdibles: La pasión según Berenice y Kilómetro 31

A través de la sección Palco, el festival rescata películas fundamentales para asegurar que las nuevas generaciones reconozcan nuestra historia visual. Aquí te dejamos dos proyecciones que no te puedes perder:

• La pasión según Berenice (Jaime Humberto Hermosillo, 1976): A cincuenta años de su estreno, se proyecta en versión 35mm como la Gala del festival el lunes 20 de abril en la Cineteca Nacional Xoco. Esta cinta propuso una mirada distinta sobre el deseo contenido y la presión social impuesta sobre las mujeres. Verla hoy es dialogar con tensiones que, lamentablemente, siguen presentes.

• Kilómetro 31 (Rigoberto Castañeda, 2006): A dos décadas de su estreno, esta película se proyecta en un escenario inmejorable: el Museo Panteón de San Fernando, el viernes 24 de abril a las 21:00 h. Fue una apuesta visual increíble que entendió el terror como un espacio de atmósfera, convirtiendo a la CDMX (y su Desierto de los Leones) en el personaje central. (También podrás disfrutar de cintas icónicas como El laberinto del fauno en esta misma sección).

¿Cómo consultar la cartelera exacta?

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1. Ingresa al programa completo en el siguiente enlace: cineenlaciudad.cdmx.gob.mx/cacaro/
2. Al entrar, encontrarás las cinco secciones que te mencionamos arriba.
3. Da clic en la sección de tu interés y el sistema te mostrará las películas disponibles.
4. Al elegir una película en particular, se desplegará de inmediato la fecha, el horario y la sede donde se proyectará.

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En los últimos años, Jacob Elordi se ha convertido en una de esas estrellas de Hollywood que todos los directores desean tener en sus películas. Tras darse a conocer con la película de Mi primer beso y convertirse en un icono mundial como uno de los protagonistas de Euphoria, el actor australiano (con raíces vascas por parte de padre) ha encadenado éxitos cinematográficos como Saltburn, Frankenstein o Cumbres borrascosas.

Sin embargo, si uno trata de registrar cuándo fue la primera vez que Elordi pisó un set de rodaje, habría que retroceder a 2017, año en el que el joven intérprete, que en el momento de la grabación contaba tan solo con 17 años, tuvo un pequeño papel en Piratas del Caribe: La venganza de Salazar, la quinta película de una de las sagas más icónicas del siglo XXI.

“Esto es algo que he querido aclarar durante años”, diría el propio actor cuando, en una entrevista con la revista GQ realizada en 2020, fue cuestionado por esa experiencia. “La gente siempre intenta encontrarme en la película y hay capturas de pantalla donde aparezco”. Aún así, insistió que, pese a tratarse de su primera experiencia en una película de Hollywood, su aparición en Piratas del Caribe no fue su primer papel: “No aparecía en los créditos. No figuré en la lista de actores. No hice audición. Era un extra”.

“Buscad a un tipo alto con un abrigo rojo”

En Piratas del Caribe: la venganza de Salazar, vemos a Henry Turner (el hijo de Will y Elizabeth, protagonistas de la trilogía original) y a un decadente Jack Sparrow ir en búsqueda del Tridente de Poseidón. Sin embargo, la misión se complica cuando el aterrador Capitán Salazar (interpretado por Javier Bardem), un antiguo cazador de piratas convertido en espectro, escapa del Triángulo del Diablo buscando venganza contra Jack por una batalla del pasado.

La escena de Jacob Elordi se encuentra en la primera mitad de la película, cuando puede verse en la isla de Saint Martin a Jack Sparrow y Carina Smyth (una brillante astrónoma acusada de ser una bruja) a punto de ser ejecutados. Para quienes traten de encontrarlo en la pantalla, el propio actor lanzó una pista: “Buscad a un tipo alto con un abrigo rojo”. Y es que la destacada envergadura del intérprete (1,96 metros) es un rasgo fácilmente detectable en cualquier escena.

A pesar de la poca importancia profesional que tuvo esa pequeña aparición. La experiencia marcó su primer contacto con Hollywood, justo el año en que se mudó de Brisbane a Los Ángeles para iniciar una carrera como actor. Curiosamente, la primera película en la que Elordi aparecería acreditado no sería una estadounidense, sino una australiana, Swinging Safari, donde hace un papel secundario de socorrista.

Ha pasado menos de una década de todo eso, y sin embargo, la vida de Jacob Elordi ha cambiado por completo. Al éxito de las películas y series en las que ha participado habría que sumarle la validación de la crítica, la cual le ha conducido a ser nominado por sus interpretaciones a premios como los BAFTA, los Globos de Oro e incluso los Oscar. Habrá que ver si sus futuros proyectos (en agosto volverá a los cines protagonizando La constelación del perro, la nueva película de Ridley Scott) le deparan el mismo éxito.

La película Super Mario Galaxy continúa en el primer puesto de la taquilla en Estados Unidos durante su tercer fin de semana en cartelera, con una recaudación estimada de USD 30 millones entre viernes y sábado, según proyecciones de Deadline y medios sectoriales. El desempeño sostiene el liderazgo de la franquicia de Nintendo y afecta la dinámica de distribución y exhibición en abril, anticipando un impacto relevante en la industria global del entretenimiento, de acuerdo con Film Industry Intelligence.

El seguimiento realizado por el sitio especializado Deadline indica que la cinta animada, coproducida por Illumination, Nintendo y Universal, presenta una caída del 56% respecto al fin de semana anterior. El acumulado doméstico proyectado hasta el cierre del domingo 20 de abril es de USD 350,2 millones. El mismo reporte, basado en estimaciones de la industria y cifras preliminares, prevé que el filme superará los USD 700 millones en la taquilla global durante las próximas semanas, en línea con los cálculos del portal de datos The Nerdy y la enciclopedia en línea Wikipedia.

El comportamiento de Super Mario Galaxy Movie se da en un contexto de recuperación progresiva de la asistencia a salas, con una mayor concentración de ingresos en títulos de franquicia y una competencia marcada entre los principales estudios. Según Film Industry Intelligence, el resultado consolida la posición de las producciones basadas en licencias de videojuegos y refuerza la estrategia de estrenos escalonados en mercados internacionales.

¿Cuánto ha recaudado Super Mario Galaxy Movie en Estados Unidos?

Super Mario Galaxy Movie sumó USD 30 millones durante su tercer fin de semana en cartelera, conforme a estimaciones de Deadline para viernes y sábado, con proyecciones basadas en la tendencia de asistencia para el domingo. El acumulado doméstico previsto para el final del fin de semana es de USD 350,2 millones, según el mismo medio y datos recopilados por The Nerdy. La proyección se mantiene en 4.170 salas a nivel nacional, lo que representa una cobertura amplia en el circuito de exhibición.

En su fin de semana de estreno, el filme alcanzó USD 34 millones en el primer día, de acuerdo con Wikipedia, y registró una caída del 49% en el segundo fin de semana. La disminución del 56% estimada para la tercera semana se considera habitual en franquicias de alto perfil, según Film Industry Intelligence, aunque se sitúa por encima del descenso reportado por The Super Mario Bros Movie en 2023, que fue del 35% y acumuló USD 436 millones en tres semanas.

¿Cuál es el desempeño global de Super Mario Galaxy Movie?

El acumulado mundial de Super Mario Galaxy Movie superó los USD 628 millones al 14 de abril, según estimaciones de The Nerdy y Film Industry Intelligence. El reporte de Deadline calcula que la producción se aproximará a los USD 700 millones en breve, una vez sumados los ingresos de mercados asiáticos como Japón y Corea del Sur, donde el estreno está programado para finales de abril.

La película se consolida como el título más taquillero de 2026 hasta la fecha, superando el desempeño de la producción china Pegasus 3. La estrategia de lanzamiento internacional permite a Universal mantener un flujo de ingresos sostenido y ampliar la presencia de la franquicia en territorios clave, según análisis de Film Industry Intelligence.

¿Cómo se compara Super Mario Galaxy Movie con otros estrenos recientes?

Durante el mismo periodo, Project Hail Mary ocupa la segunda posición en la taquilla de Estados Unidos, con USD 18,5 millones recaudados en su quinta semana y un total acumulado de USD 283,1 millones, según Deadline. El tercer lugar corresponde a Lee Cronin’s The Mummy, que debuta con USD 13 millones.

La caída porcentual de Super Mario Galaxy Movie se considera consistente con la de otras producciones de franquicia. The Super Mario Bros Movie, estrenada en 2023, tuvo una disminución menor en su tercer fin de semana, aunque su acumulado doméstico fue mayor en ese mismo periodo. El ranking de taquilla de abril incluye además a The Drama y You, Me & Tuscany, que suman USD 4,7 y USD 3,55 millones respectivamente. El volumen total de ingresos en salas estadounidenses para el fin de semana se estima en USD 84 millones, cifra que representa un descenso del 38% respecto al mismo periodo del año anterior, según Deadline.

¿Qué factores contribuyen al éxito de la franquicia Mario Bros?

El atractivo de la franquicia de Nintendo se vincula a su reconocimiento global y a la adaptación de personajes para públicos de diferentes edades. De acuerdo con Film Industry Intelligence, la colaboración entre Illumination y Universal facilita el desarrollo de campañas de marketing extensivas y la distribución simultánea en múltiples territorios.

La película, inspirada en el universo de Super Mario Galaxy, retoma elementos de los videojuegos originales y expande la narrativa para captar tanto a seguidores veteranos como a nuevas audiencias. El desempeño de taquilla indica una demanda sostenida, y la estrategia de estrenos escalonados en mercados clave optimiza los ingresos globales.

El informe de Deadline detalla que la proyección en 4.170 salas en Estados Unidos y el lanzamiento internacional son factores determinantes para el sostenimiento del liderazgo en taquilla. El acumulado doméstico y global sitúa a la película como la principal apuesta de Universal en 2026.

¿Qué impacto tiene Super Mario Galaxy Movie en la industria cinematográfica?

El rendimiento de Super Mario Galaxy Movie refuerza la tendencia de colaboración entre estudios de animación y compañías de videojuegos, según Film Industry Intelligence. El éxito comercial de la franquicia se traduce en oportunidades para nuevas adaptaciones y en la consolidación de estrategias de lanzamiento internacional.

De acuerdo con el análisis de Deadline, el volumen de ingresos generado por la película representa una proporción significativa de la recaudación total del periodo. Se destaca la importancia de los títulos de franquicia en la recuperación de la asistencia a salas y en la diversificación de la oferta cinematográfica.

Para Illumination, Nintendo y Universal, el desempeño de la saga Mario Bros se traduce en una consolidación de su posición en el segmento de animación y en la apertura de nuevas líneas de negocio vinculadas a licencias de videojuegos.

¿Qué se proyecta para Super Mario Galaxy Movie en las próximas semanas?

Las proyecciones de la industria anticipan que Super Mario Galaxy Movie superará los USD 700 millones en la taquilla global durante las próximas semanas, conforme al portal de datos The Nerdy y Film Industry Intelligence. El estreno en mercados asiáticos como Japón y Corea del Sur podría incrementar el acumulado y reforzar el posicionamiento internacional de la franquicia.

El comportamiento sostenido en la taquilla estadounidense, junto con la expectativa de nuevos estrenos de alto perfil en mayo y junio, sugiere que la película mantendrá una presencia relevante en el ranking de ingresos. La estrategia de distribución amplia y la colaboración entre estudios seguirán siendo factores determinantes para el rendimiento futuro.

El impacto para los estudios, distribuidores y circuitos de exhibición se refleja en la consolidación de títulos de franquicia como motores de la recuperación sectorial, en un contexto de transformación acelerada de la industria cinematográfica, según análisis de Film Industry Intelligence y Deadline.