“Es peor de lo que esperaba”, “una trampa para incautos”, “es la basura más grande que recuerdo haber visto jamás”. Este tipo de comentarios en redes sociales y foros de cine van dirigidos a la nueva película de La Odisea. Solo que, contra lo que cabría pensar en un primer momento, no se trata del último éxito cinematográfico de Christopher Nolan, todavía en cines, sino de una versión mucho más corta, barata y cutre que está aprovechando el tirón de la primera para triunfar en Prime Video.

La explicación de por qué esta película, a la que acompañan palabras como “chusco”, “infumable” o “naufragio audiovisual”, se ha colocado como la segunda más vista en España no se debe a su calidad ni, probablemente, al gusto por el cine de serie B de sus usuarios. La razón la da un usuario que asegura haber entrado en la aplicación de Prime Video y haber visto la película de Nolan: “No pasé del minuto 15, un sueño del diablazo que me dio”, contaba en un post en X.

Solo las advertencias de otros usuarios le sacaron del engaño: esta no era la película del cineasta británico, sino una producida por The Asylum, compañía especializada en hacer versiones mucho más baratas de grandes éxitos, tratando de generar confusión y, de paso, llevarse a algún espectador confundido. Así lo hicieron también en su momento con Transmorphers (versión de Transformers), Atlantic Rim (Pacific Rim), Planet Dune (Dune) o Top Gunner (Top Gun: Maverick), entre muchas otras.

Así es ‘La Odisea’ de The Asylum

Con una duración de 82 minutos, menos de la mitad que la película de Nolan, La Odisea de The Asylum muestra imágenes en su mayoría creadas con inteligencia artificial, una herramienta muy útil si lo único que te importa es abaratar al máximo los costes de producción. Así, toda la ambientación de las playas de Troya, las ciudades antiguas, los barcos en el mar y las tormentas no son decorados ni CGI tradicional renderizado en 3D; son imágenes fijas y secuencias cortas animadas mediante herramientas de IA generativa. Lo mismo ocurre con las criaturas mitológicas del mito de Homero, e incluso con algunas voces de apoyo y doblaje.

El guion también acusa los recortes de presupuesto: Odiseo solo viaja con otras tres personas, Penélope tiene solo un pretendiente y las aventuras que vive el protagonista antes de llegar a Ítaca no pasan ni por Circe, ni por el Hades, ni por Calipso. “Lo que otros necesitan casi tres horas de explicación, aquí los amigos de The Asylum lo fulminan en una hora y media de metraje, destrozando mitos y haciendo arreglos chapuceros para que todo sea mucho más digerible”, escribe un usuario en una crítica del portal Filmaffinity.

Eso sí, también hay quien ha querido ensalzar la película, aunque más por criticar la cinta de Nolan. “La mejor adaptación de Homero, históricamente precisa, y Helena es blanca como debe ser. Eso es todo, 10/10 en mi opinión”, escribe otra persona en IMDb en una crítica con dos valoraciones positivas y 17 negativas. Por último, también están los que se lo toman con humor, como este usuario de X, que publica: “Estoy viendo en Prime Video La Odisea, la buena, la de Asylum, no la de Christopher Nolan. Insuperable. Homero estaría orgulloso”.

La próxima película del reconocido director Makoto Shinkai llegará a Crunchyroll. Así lo confirmó Sony, dueño de la plataforma, con el objetivo de seguir ampliando el catálogo de la aplicación de streaming sobre anime, en donde ya hay otras producciones del director japonés.

Shinkai es recordado por ser el creador de películas como Your Name (2016), Weathering With You (2019) y Suzume (2022). Por lo que su estilo se caracteriza por tener historias románticas, fantásticas y llenas de nostalgia.

Detalles del acuerdo de distribución entre Shinkai, Crunchyroll y Sony

Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment han adquirido los derechos de distribución mundial de la próxima obra de Makoto Shinkai, con la única excepción de Asia, aunque el contrato sí incluye la India. El anuncio fue realizado por las propias compañías, que ya habían colaborado en la distribución global de Suzume en 2023.

La nueva película aún no tiene título, fecha de estreno ni detalles públicos sobre la trama. No obstante, la expectativa es alta, ya que cada proyecto de Shinkai suele situarse entre los más vistos y comentados del cine animado.

El acuerdo contempla que Crunchyroll y Sony Pictures Entertainment serán los únicos encargados de la distribución fuera de Asia, mientras que en mercados asiáticos puntuales, la labor recaerá en otras distribuidoras: Media Castle en Corea del Sur, Kadokawa en Tailandia e Indonesia, y Aeon Beta en Vietnam.

El catálogo de Makoto Shinkai ya disponible en Crunchyroll

La relación entre Makoto Shinkai y Crunchyroll no es nueva. Actualmente, la plataforma ofrece varias de las películas más reconocidas del director, incluyendo su último gran éxito, Suzume.

Esta cinta, estrenada en 2022 y distribuida mundialmente por Crunchyroll y Sony, narra la historia de Suzume Iwato, una estudiante de secundaria que se ve involucrada en una serie de eventos sobrenaturales tras conocer a un misterioso forastero. Juntos, deben cerrar puertas mágicas que amenazan con liberar fuerzas oscuras en distintas regiones de Japón.

Suzume fue recibida con entusiasmo tanto por la crítica como por el público. La película recaudó aproximadamente USD 323 millones en todo el mundo y formó parte de la competencia oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín. Además, obtuvo una nominación a los Globos de Oro en la categoría de Mejor Película Animada, consolidando aún más la reputación internacional de Shinkai.

El catálogo de Crunchyroll incluye también otras obras del director, como Your Name (2016), que se convirtió en la sexta película más taquillera en la historia del cine japonés y logró una recaudación global de USD 405,6 millones.

Este filme también fue un punto de inflexión para la música de anime, ya que el grupo RADWIMPS alcanzó notoriedad internacional gracias a su participación en la banda sonora, con presentaciones en países como México.

Entre los títulos previos de Shinkai disponibles en la plataforma destacan Weathering With You (2019), que recaudó cerca de USD 193 millones y fue seleccionada como la representante oficial de Japón para los premios Oscar, así como otras producciones que han sido reconocidas en festivales de cine internacionales: 5 Centimeters Per Second (2007), galardonada como mejor película animada en los Asia Pacific Screen Awards, y The Garden of Words (2013), premiada en el Stuttgart International Festival of Animated Film.

Cómo encontrar y ver películas en Crunchyroll

Encontrar películas en Crunchyroll no es tan sencillo como parece, porque la plataforma destaca principalmente sus series y simulcasts. Sin embargo, existe una forma rápida y sencilla de filtrar el contenido para ver únicamente películas.

• Desde el sitio web

1. Inicia sesión en tu cuenta de Crunchyroll en tu navegador.
2. En la barra de navegación superior, haz clic en la pestaña “Explorar” (o “Browse” si lo tienes en inglés).
3. En el menú desplegable, selecciona “Todo” (All Anime) o “Alfabético”. Esto te llevará a la lista completa del catálogo.
4. En la parte superior derecha de la lista de animes, busca el icono de filtro (suele verse como unas líneas de control o un embudo).
5. Haz clic en el filtro y busca la sección de “Tipo” o “Formato”.
6. Selecciona la opción “Películas” (Movies).

• Desde la aplicación móvil:

1. Abre la aplicación de Crunchyroll.
2. En el menú inferior, toca el icono de “Explorar” (los cuatro cuadrados) o directamente el icono de la lupa para ir a la sección de búsqueda.
3. Dirígete a la sección de “Todo el anime” o simplemente realiza una búsqueda en blanco.
4. Toca el icono de filtro que aparece en la esquina superior derecha de la pantalla (al lado de la barra de búsqueda o encima de los resultados).
5. En las opciones de filtrado, desplázate hasta encontrar la categoría de formato y selecciona “Películas”.
6. Toca “Aplicar” para actualizar los resultados.

La nueva entrega protagonizada por Tom Holland sumó USD 1.680 millones a nivel global en menos de dos semanas, según informó The Hollywood Reporter.

La película marca un punto de inflexión en el Universo Cinematográfico de Marvel (MCU) al presentar a Jean Grey, interpretada por Sadie Sink, como la primera integrante del renovado equipo de los X-Men.

La dupla de guionistas Chris McKenna y Erik Sommers volvió a liderar el desarrollo de la historia tras su participación en las tres películas previas del personaje.

Ambos abordaron en entrevista con The Hollywood Reporter los desafíos de combinar la evolución de Peter Parker con la introducción de nuevos personajes y la creación de conflictos más complejos.

Estrategia narrativa y construcción del villano

El guion de Spider-Man: Un nuevo día apostó por elevar la tensión a través de la figura de Jean Grey. Desde el inicio, la trama muestra a la mutante en busca de su hermana, Sara Grey (Olivia Booth-Ford), quien permanece cautiva en las instalaciones de la organización Damage Control.

Este grupo gubernamental utiliza los poderes psíquicos de Sara, lo que desencadena una serie de eventos que afectan a Peter Parker y ponen en peligro a transeúntes inocentes.

Sommers explicó a The Hollywood Reporter que era fundamental que Jean se percibiera como una amenaza genuina: “Incluso si vas a tener un villano que realmente se redime al final o experimenta una transformación, tienes que empezar con él en un punto en el que parezca formidable”.

Según el guionista, aunque la película muestra escenas de gran destrucción, no existe evidencia de que Jean haya causado muertes: “Técnicamente, creo que ella no es responsable de ninguna muerte. Pero sin duda, uno se queda con la impresión de que ha causado mucha destrucción y caos”.

Un enfoque diferente para Peter Parker y Frank Castle

Uno de los ejes de la película es la relación entre Peter Parker y Frank Castle (The Punisher), interpretado por Jon Bernthal. Los guionistas relataron que desde el inicio del desarrollo querían evitar repetir la estructura de mentor que caracterizó a las entregas previas.

Chris McKenna comentó que la dinámica entre Peter y Frank se acerca más a la de dos iguales: “No queríamos que la relación entre Peter y Frank fuera como la que tenía con Tony Stark. Aunque Frank lo llame niño o lo que sea, se acercan más como iguales, como amigos con el tiempo”.

La película incluye referencias a un pasado compartido entre ambos personajes en Staten Island, aunque, según los guionistas, el detalle de ese episodio permanece sin revelar. “No creo que nadie sepa qué pasó en Staten Island”, apuntó Sommers a The Hollywood Reporter.

El misterio en torno a Jean Grey y los X-Men

La identidad de Jean Grey fue uno de los secretos mejor guardados durante la promoción de la cinta. Aunque circulaban rumores sobre la participación de Sink, los guionistas priorizaron que el público experimentara la revelación en sincronía con Peter Parker.

“Nos pusimos en el lugar de Peter. No antepusimos las reacciones del público a las suyas, así que él reaccionaba a todo, y nosotros reaccionábamos con él”, detalló McKenna a The Hollywood Reporter.

El desarrollo de la historia de la mutante se apoyó en el vínculo con su hermana y en el uso de recursos narrativos como mensajes telepáticos y secuencias de acción que, según McKenna, evolucionaron a lo largo del proceso creativo.

Las nuevas etapas de Ned y MJ

La película también dedica espacio a la evolución de los personajes secundarios. Ned y MJ enfrentan los retos de la vida adulta en Nueva York, alejándose de la imagen escolar de entregas anteriores.

Sommers describió este proceso como una muestra de transición: “Además de ser una historia sobre la soledad de Peter y cómo aprende que no puede seguir adelante solo, también es una historia sobre cómo es pasar a la siguiente etapa de la vida”.

Uno de los momentos destacados involucra la revelación de la verdad a MJ a través de una carta escrita por Peter en la película anterior. McKenna relató que la ubicación de esa escena fue objeto de múltiples pruebas en el montaje final, buscando maximizar el impacto emocional.

Impacto y próximos pasos en el MCU

El éxito de Spider-Man: Un nuevo día refuerza la posición de la franquicia dentro de Marvel Studios y abre interrogantes sobre el futuro de los X-Men en el MCU.

Los guionistas confirmaron su colaboración con productores clave como Amy Pascal y Kevin Feige, además del interés de continuar expandiendo el universo compartido.

Según detalló The Hollywood Reporter, tanto McKenna como Sommers evitaron adelantar detalles sobre futuras películas de los Avengers, aunque manifestaron su entusiasmo por seguir trabajando con Marvel y mantener la colaboración con los hermanos Russo, responsables de entregas anteriores.

El adelanto, mostrado exclusivamente durante la presentación del estudio en el Honda Center de Anaheim, California, permitió conocer por primera vez a Teagan Croft como Rapunzel y Kathryn Hahn como Madre Gothel. Tras el evento, fragmentos de las imágenes comenzaron a circular en redes sociales y provocaron una entusiasta reacción entre los seguidores de la historia.

El breve material comenzó con una imagen de la característica cabellera rubia de Rapunzel extendiéndose por unas escaleras de apariencia medieval. La cámara recorrió el cabello hasta mostrar a Croft caracterizada como la princesa, con el vestuario inspirado en el personaje de la cinta animada.

Sin embargo, el momento que sacudió la sala fue la aparición de Madre Gothel en una fugaz escena. La mano del personaje se asoma primero por una puerta oscura. Poco después, la figura sale a escena y se revela como el personaje interpretado por Hahn, quien pronuncia el nombre de Rapunzel.

La secuencia provocó gritos y aplausos entre los asistentes, pues la estrella de Agatha All Along había sido la elección favorita del público para este personaje desde hace largo tiempo.

Tras sentir la calurosa ovación de los espectadores, Hahn subió al escenario y y bromeó sobre la personalidad de su personaje: “Soy Madre Gothel: impresionante, divertida, fabulosa, amable, generosa… hasta el exceso. Puede que sea un poco sobreprotectora, pero es porque la cuida muchísimo”.

Asimismo, dijo que para ella Gothel es “el mejor tipo de villana, la que cree que en realidad es la heroína”.

Por otro lado, en diálogo con Deadline, la actriz explicó su vínculo personal con la versión animada. “Adoro a Donna Murphy, la Madre Gothel original, y creo que Madre Gothel es una de mis villanas favoritas de Disney, así que ha sido muy divertido entrar en ese mundo”, declaró Hahn.

Nuevos integrantes del reparto

Croft y Manheim no pudieron asistir personalmente a D23 porque se encuentran rodando la película en España. Ambos enviaron un saludo en video desde el set.

Asimismo, Disney aprovechó la presentación para confirmar además nuevas incorporaciones al elenco. Caitríona Balfe, conocida por Outlander, interpretará a Queen Arianna, la madre de Rapunzel. Elliot Cowan será King Frederic, mientras que Patrick y Hugo McPherson darán vida a los gemelos Stabbington. Diego Luna también participa en la película en un personaje nuevo creado para esta adaptación.

La película está dirigida por Michael Gracey, responsable de The Greatest Showman y Better Man, y cuenta con un guion de Jennifer Kaytin Robinson y Michael Montemayor. Kristin Burr es la productora. Al igual que la cinta animada, el proyecto mantendrá un importante componente musical.

La versión original de Enredados, estrenada en 2010, contó con las voces de Mandy Moore como Rapunzel y Zachary Levi como Flynn Rider. La película se convirtió en uno de los títulos destacados de la segunda etapa de renovación de Disney Animation y posteriormente dio origen a una serie de televisión y al cortometraje Enredados por siempre.

En la memoria del Cine de Oro mexicano, la Ciudad de México ocupa un lugar especial. Sus calles, iglesias y vecindades fueron el escenario de historias protagonizadas por Pedro Infante y que hoy siguen vivas en la pantalla y en el recuerdo colectivo.

En este Día Nacional del Cine Mexicano, recorrer estos lugares es también hacer un viaje por el corazón nostálgico de la cultura nacional.

La Capilla de la Conchita en Coyoacán: testigo de un amor imposible

En el tranquilo barrio de Coyoacán, la Capilla de la Inmaculada Concepción, conocida popularmente como La Conchita, permanece casi idéntica a como lucía en 1957.

Allí, Pedro Infante y María Félix protagonizaron el baile más recordado de Tizoc: Amor indio, consolidando una de las escenas más emblemáticas del cine mexicano.

A pesar de los siglos y de los embates del tiempo, la capilla ha sido restaurada y hoy sigue en pie, conservando su arquitectura barroca y una historia que se remonta a tiempos prehispánicos. Este recinto fue declarado monumento nacional en 1932 y, tras el sismo de 2017, se sometió a nuevas restauraciones que le devolvieron su esplendor.

Las calles de San Ángel: el escenario de “Dos tipos de cuidado”

Al sur de la ciudad, el barrio de San Ángel en la alcaldía Álvaro Obregón mantiene el mismo aire colonial y las calles adoquinadas que vieron pasar a Pedro Infante y Jorge Negrete en Dos tipos de cuidado.

Las escenas se filmaron en torno a la Parroquia de San Jacinto y las propiedades privadas cercanas, que han conservado su esencia.

El vecindario, hoy uno de los más exclusivos y cotizados de la capital, preserva la atmósfera de pueblo antiguo que sirvió de telón de fondo para varios de los éxitos de Infante, como Cuidado con el amor y Ansiedad.

El edificio de Pepe el Toro: una pelea que quedó en la memoria

Uno de los momentos más recordados de Nosotros los ricos es la pelea entre Pepe el Toro (Pedro Infante) y El Tuerto, una escena que se desarrolló en el emblemático edificio de la Comisión Federal de Electricidad (CFE) en Avenida Juárez #90, esquina con Humboldt.

El inmueble, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, fue testigo de este enfrentamiento que subió hasta el techo, simbolizando la lucha y la resiliencia de los personajes.

Actualmente, el edificio ha cambiado de uso y apariencia. Tras varias remodelaciones y revisiones estructurales, perdió parte de sus niveles originales y su aspecto es más sobrio, con cortinas metálicas y la señalización de un “Centro de atención de usuarios del Sindicato Mexicano de Electricistas”.

Aunque hoy su fachada es gris y su actividad es incierta, el lugar sigue despertando recuerdos en quienes reconocen el valor histórico de sus muros para el cine nacional.

El significado de estos escenarios para el público actual

Hoy, muchos de estos lugares siguen en pie, convertidos en puntos de interés tanto turístico como cultural. Sus fachadas, calles y altares son testigos silenciosos de la transformación de la ciudad, pero también de la permanencia de una identidad que se forjó entre cámaras, luces y la pasión de sus intérpretes.

Visitar la Capilla de la Conchita, las calles de San Ángel o las viejas vecindades es revivir, aunque sea por un momento, el esplendor y la nostalgia del cine de oro mexicano. La Ciudad de México se convierte así en un gran set de filmación, donde el pasado y el presente se encuentran para seguir contando historias.

El primer vistazo al nuevo corte de cabello de Miguel en Coco 2 provocó una oleada de memes y bromas en redes sociales, donde usuarios mexicanos respondieron con humor al radical cambio del protagonista.

La secuela de Pixar se estrenará en noviembre de 2029 y desde el anuncio, el debate sobre el “fade” que ahora luce el personaje desplazó incluso la conversación sobre la trama.

La primera película rompió récord de audiencia en México y superó los 21.6 millones de asistentes en sus primeras cinco semanas.

La secuela regresa con Miguel convertido en adolescente y acompañado por Dante, su xoloitzcuintle, en lo que será su segundo viaje al mundo de los muertos, de acuerdo con la información presentada en la convención D23.

¿Cómo luce Miguel ahora?

En el arte conceptual revelado por el estudio, Miguel aparece con guitarra y un corte de cabello que detonó la creatividad de los internautas. La imagen, difundida por Pixar, muestra al protagonista con un estilo fresco, cercano a lo que se ve en barrios populares de la Ciudad de México.

La reacción fue inmediata y viral. Usuarios en X (antes Twitter) aprovecharon la revelación para lanzar bromas que mezclan la cultura popular con el folclor mexicano: “Ese corte de pelo no va a volver al mundo de los vivos porque yo y ese barbero estamos muertos del todo”, escribió uno de los comentarios destacados.

Los comentarios más virales sobre el nuevo look de Miguel

La comparación con modas urbanas y géneros musicales no tardó en aparecer. Un usuario señaló: “Miguel fue a la Tierra de los Muertos, regresó y de inmediato se hizo un fade fresco como transformación, como influencer”. Otros bromearon sobre la semejanza con familiares: “Se parece exactamente a mi primo jaja eso es horrible”.

El nuevo corte también generó referencias a la escena musical actual. “Ya parece de corridos sierreños”, escribió un internauta, mientras otro aseguró: “Por lo que se ve, va a cantar corridos tumbados”. En la misma línea, la frase “Todo un chacalón de Tepito” fue de las más compartidas, aludiendo a la estética urbana de la capital.

Comparan a Coco con Eugenio Derbez y El Piojo Alvarado

No faltaron los comentarios sobre la omnipresencia de celebridades mexicanas:

“Por qué Eugenio Derbez sale en todas las películas del país”, se lee entre las respuestas. Y el humor absurdo también tuvo espacio: “Para esas fechas creo que yo también andaré con GomiCoco”.

También se resaltó el parecido del personaje con el futbolista Roberto El Piojo Alvarado.

Algunos usuarios dudaron de la autenticidad del diseño: “No manches wey pensé que era IA”, se lee en otra reacción viral.

La tradición detrás del fenómeno

El Día de Muertos inspiró la saga, que en su primera entrega rompió paradigmas sobre la representación de la cultura mexicana en Hollywood. La película original recaudó 792 millones de pesos en México y se mantuvo como la animación más exitosa en la historia del país.

El trabajo de investigación de Pixar incluyó viajes a pueblos y mercados mexicanos para documentar de primera mano las tradiciones. El consenso de la crítica fue inmediato y la película obtuvo un 97% de aprobación en Rotten Tomatoes, además de dos premios Óscar, incluido el de mejor película animada.

El actor Benjamin Bratt confirmó que Ernesto de la Cruz vuelve en busca de venganza y que Miguel deberá unir fuerzas con él, según reveló en el panel de D23. El equipo creativo original, encabezado por Lee Unkrich y Adrian Molina, retoma el proyecto tras el éxito de la primera entrega.

La reacción en redes adelanta que el corte de cabello será un tema recurrente cuando la película llegue a los cines. Por ahora, los memes y comentarios en X mantienen vivo el debate sobre si Miguel está listo para cantar corridos tumbados o si de plano “ya parece de Tepito”.

The End of Oak Street es una película estadounidense de ciencia ficción y supervivencia dirigida y escrita por David Robert Mitchell y producida por J.J. Abrams, con Anne Hathaway, Ewan McGregor, Maisy Stella y Christian Convery como protagonistas. La historia transcurre en 1982 y sigue a Denise Platt, una aspirante a novelista que vive en un barrio suburbano junto a su esposo Greg, sus hijos Audrey y Brian y su perro Starbuck. La vida familiar atraviesa un momento complicado, mientras una serie de fenómenos inexplicables comienza a alterar la rutina del vecindario.

Todo cambia durante una tormenta, cuando una enorme luz blanca envuelve Oak Street y a la mañana siguiente, Denise y Greg descubren que sus casas ahora están rodeadas por un paisaje prehistórico. La aparición de dinosaurios, que comienzan a atacar y matar a habitantes del lugar, convierte la supervivencia de la familia en el centro de la historia.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con J.J. Abrams y David Robert Michell en video, o a leer una transcripción.

—Bueno, en primer lugar, felicidades por la película. Me encantó. Me pareció simplemente genial y muy divertida. Y quiero empezar contigo, David, porque leí que siempre habías querido hacer una película de dinosaurios y estamos algo acostumbrados a ver a los dinosaurios venir a nuestra época. Así que, ¿por qué te pareció interesante adoptar este enfoque, es decir, al revés?

David Robert Mitchell: —Bueno, hay varias cosas. Pensé que era simplemente la idea de que el lugar donde te sientes más seguro, ya sabes, tu hogar, de repente se vea rodeado de dinosaurios; que no sea un, ya sabes, un lugar lejano, sino que es el lugar donde te sientes seguro, donde estás con tu familia, con todo lo que es tu vida, y que de repente, la idea de que los dinosaurios crucen tu jardín delantero o, más allá del garaje y la piscina del patio trasero, que haya un dinosaurio ahí. Simplemente me parecía emocionante. Es que me gusta el choque entre esos dos mundos.

—Y bueno, J.J., ¿qué es lo que más te interesó de esta película en particular, de este proyecto? ¿Qué hizo que encajara tan bien con Bad Robot?

J.J. Abrams: —Bueno, para mí, en primer lugar, fue poder trabajar con David. En segundo lugar, la premisa era muy divertida. Y como acaba de decir David la idea de los dinosaurios en un entorno familiar, para mí, es como la escala relativa, esa especie de extrañeza relativa de ver algo, ya sabes, tener un dinosaurio en tu patio trasero o en ese columpio o ver un camión de helados y un dinosaurio comiéndose un helado de ahí. Es como que… es tan raro. Y simplemente pensé que era tan… solo quería ver la película. Me encantan los personajes. Pensé que la historia era… era una aventura llena de emociones. Fue tan divertida, aterradora, graciosa y alocada, pero al final muy conmovedora y con ese maravilloso tipo de miedo “seguro” que sientes, ya sabes, en una montaña rusa. Eso es lo que sentí cuando lo leí. Y sin duda creo que lo sientes cuando lo ves.

—Sí, totalmente. Sí lo sentimos. Y quiero hablar de la familia porque me encanta que ninguno de ellos se convierta en Liam Neeson en ningún momento. Como que él no sabe cómo lanzar una flecha y sigue sin saber cómo lanzar una flecha. Y el papá está haciendo lo mejor que puede. Eso me encanta. Me sentí tan, tan identificada con esa idea. ¿Por qué crees que es tan importante tener familias reales en este tipo de escenarios?

David Robert Mitchell: —Bueno, creo que, en el fondo, quieres que el público lo experimente a través de los personajes y que se identifique con ellos. Tenemos que poder imaginarnos a nosotros mismos en estas situaciones en las que harías lo que fuera necesario para proteger a tus hijos, para tratar de sobrevivir a una situación como esta. Habría desesperación y tal vez momentos de heroísmo, pero dentro de los límites de lo que... ya sabes, hay un rango de lo que una persona probablemente podría hacer sin un entrenamiento especializado. Y entonces, como decías, se trata simplemente de darle un fundamento para que, cuando experimentemos el espectáculo, nos identifiquemos con él y nos parezca real porque los personajes están arraigados de esa manera.

—Y hay una frase en la película que me dio escalofríos y es igual a cómo recuerdo ese momento en Lost, la mejor serie de todos los tiempos, por cierto, que me dio escalofríos cuando Charlie dice algo así como: “Oigan, chicos, ¿dónde estamos?” Ese momento. Y en este caso, cuando Denise dice algo así como: “Oigan, creo que nuestro barrio se ha mudado”, ese momento es simplemente... increíble en ambos casos, simplemente los asocia a los dos. ¿Y cómo ya sabes, ¿cómo sabes cuándo decir esa frase exacta para crear esa tensión y lograr eso, porque, en cierto modo, resume a Lost por un lado, en este caso, The End of Oak Street. Entonces, ¿cómo sabes cuáles serán los momentos perfectos para esa frase?

David Robert Mitchell: —Ah, no lo sé. Quiero decir, es simplemente la estructura del guión. No sé de qué otra manera decirlo, más que simplemente escribiendo muchos guiones a lo largo de muchos años y simplemente tener un sentido de la estructura y saber cuándo las cosas se sienten bien. Es solo que cuando escribo, empiezo con una idea de todo lo que va a pasar. Y empiezas por el principio y vas avanzando, y lo vives a medida que vas en la página. Y luego pasas por algo similar cuando revisas las reescrituras y también las ediciones. No sé si tú...

J.J. Abrams: —No, creo que eso es todo. También creo que hacer que los personajes a veces digan lo que más... ya sabes, como cuando tienes personajes que están pasando por algo extraordinario, a veces hacer que digan lo más discreto... ya sabes, como cuando Charlie dijo esa frase, fue claramente la subestimación del siglo, ya sabes, porque era una situación tan, tan loca. Pero también hacer que los personajes digan algo que parece imposible y luego no solo fue, creo, que la frase en esta película fuera la correcta frase, sino que Anne fuera capaz de interpretarla con tal... El nivel de actuación es increíble. Sí, eso es, eso también es una parte muy importante. Es como… Tener grandes actores de ese nivel, entonces piensas: “Bueno, ellos, ya sabes…”. Tenerla a ella, ya sabes… porque creo que ella hace lo que cualquier gran actor puede hacer, que es como elevar la escena, hacerla tan creíble y tangible, y que se sienta tan real. Así que yo creo que eso también es parte de ello.

—Sí, estoy de acuerdo. Anne Hathaway lo expresa de una manera tan genial. Es simplemente, es increíble. Una cosa de la que quería hablar contigo es sobre la duración, porque dura exactamente una hora y 39 minutos. Y realmente se siente refrescante en un momento en el que tantas películas parecen durar alrededor de dos horas y 20 minutos. Así que quería preguntarte, en primer lugar, si esta fue una decisión deliberada y qué opinas, ¿crees que hay como una, no sé si es una tendencia o algo así, pero como una tendencia hacia hacer películas más largas en general?

David Robert Mitchell: —Sí, no, no lo sé. Quiero decir, creo que realmente se trataba simplemente de contar la historia de manera concisa. Y, de nuevo, en el proceso de armar la película es posible que se recorten algunas cosas, pero creo que al principio, incluso el núcleo de la misma era bastante conciso, pero ya sabes... y luego, en el proceso de edición, te das cuenta: “Ah, ya sabes, esto, hicimos este pequeño fragmento que no necesitamos”. Y así es como, de alguna manera, llegas a lo esencial con eso. En cuanto a que la gente haga películas más largas, no puedo opinar al respecto. Yo… Quiero decir, sin duda sucede. Creo que es lo que sea adecuado para tu película. Yo... no quiere decir que no vaya a hacer una película más larga en algún momento. No me opongo a ello. Creo que se puede hacer, solo depende de lo que la película pueda sostener.

—Claro. Sí. Perfecto. Y también quiero hablar sobre el diseño original de los dinosaurios.Me pareció muy interesante que veamos un diseño que es muy diferente de lo que estamos acostumbrados a ver, o de Jurassic Park. Es como un diseño totalmente diferente. Vemos el pelo, sabemos que los diseños originales eran así. Así que tenía muchas ganas de preguntarte sobre esto y cuál fue el proceso para crear a los dinosaurios de esta manera.

David Robert Mitchell: —Sí, queríamos divertirnos con ello. Parte de ello está inspirado en la ciencia, pero también hay un cierto grado de, bueno, simplemente, ser creativos y tratar de crear algo único para nuestra película. Así que el… Quiero decir, en el proceso que llevamos a cabo, se creó mucho arte conceptual. Trabajamos con Jay Cooper y el equipo de ILM, y con muchos artistas realmente, realmente talentosos que crearon todo tipo de diseños, los revisamos y hubo muchas idas y venidas. ¿Qué tal si, qué tal si hiciéramos esto y qué tal si nos inspiráramos en este animal o en esta cosa? Y bueno, ese fue el proceso.

—Y finalmente, para concluir, hay un momento en el que, sin revelar nada, se toma una foto y es muy significativo porque quieren recordar ese momento loco, realmente extraño. Así que quería preguntarles, sin entrar en lo personal, solo hablando de cosas profesionales, por ejemplo: ¿hubo alguna foto que recuerdns haber tomado en un trabajo durante una sesión fotográfica o algo por el estilo? En el que piensen: “Bueno, esta foto es tan, tan genial, tan buena, que tomamos esta foto en ese momento”.

David Robert Mitchell: —No sé si se me ocurre algo en particular que se relacione, que esté al nivel de la foto de esta película. Pero es que realmente fue simplemente encontrar una manera de expresar la alegría y la tontería de eso a través de esa fotografía. Y realmente surgió del personaje, eso que yo creo que ella haría.

J.J. Abrams: —Además, quiero decir que refleja ese equilibrio que, en mi opinión, logra esta película: ser a la vez loca y tierna y aterradora y divertida. Y es como ese tono único, realmente interesante, ya sabes, un tono único. Y ese momento al que te refieres lo ejemplifica de alguna manera. Es algo que solo esta película podría lograr. Me encanta porque es tan único y tan específico.

David Robert Mitchell: —Hubo un momento en el que pensé: “Oh, está, está en la película”. Estoy tan feliz de que esté en la película.

—Simplemente, me encanta ese momento. Lo voy a recordar para siempre. Muchísimas gracias de nuevo por tu tiempo. Felicidades por una gran película y realmente espero verlos en otra entrevista.

Más de dos décadas después de su estreno, How to Lose a Guy in 10 Days (Cómo perder a un hombre en 10 días) continúa inyectando alegría a Matthew McConaughey. La comedia romántica de 2003, protagonizada junto a Kate Hudson, es la película que más ingresos residuales le genera al actor, incluso por encima de títulos de etapas posteriores de su carrera.

McConaughey reveló el dato durante su participación en el pódcast Happy Sad Confused, donde describió a la cinta como “un regalo perpetuo” gracias al dinero que cobra por residuales (pagos por exhibiciones posteriores a su estreno).

“Todavía me paga el mejor dinero de todos los filmes que he hecho. Por mucho. Por muchísimo”, afirmó.

El actor no reveló cuánto recibe actualmente por esos pagos, pero recordó que hubo una época en la que podía anticipar un importante ingreso después de San Valentín. “Cuando antes eran solo los DVD o el cable, cada marzo recibía un gran cheque”, explicó.

Una historia de dos apuestas

Dirigida por Donald Petrie, la película presenta a Benjamin Barry, un ejecutivo de publicidad interpretado por McConaughey que apuesta con sus compañeros de trabajo que puede conseguir que cualquier mujer se enamore de él en diez días.

Su objetivo termina siendo Andie Anderson, una periodista de una revista femenina interpretada por Kate Hudson. Ella tiene su propio plan: escribir un artículo sobre las cosas que una mujer puede hacer para conseguir que un hombre termine una relación en diez días.

Ninguno conoce las verdaderas intenciones del otro cuando comienzan a salir. Andie intenta alejar a Ben con una serie de comportamientos cada vez más exagerados, mientras él busca que ella se enamore de él para ganar la apuesta. Sin embargo, la estrategia de ambos empieza a complicarse cuando la relación deja de ser un simple juego y aparecen sentimientos genuinos.

La cinta fue estrenada en febrero de 2003 y recaudó US$177,5 millones a nivel mundial frente a un presupuesto de producción de US$50 millones.

Para McConaughey, el éxito de la cinta llegó en un momento decisivo de su carrera. Después de The Wedding Planner, continuó protagonizando comedias románticas como Failure to Launch, Fool’s Gold y Ghosts of Girlfriends Past. El género se convirtió en su principal territorio profesional durante los años 2000.

El propio actor considera que How to Lose a Guy in 10 Days fue el punto más alto de esa etapa. “Creo que probablemente es mi comedia romántica favorita de las que he hecho y a mucha gente le encanta esa comedia romántica”, afirmó.

Una decisión que tomó tras un curioso encuentro

Años después, McConaughey también contó que su llegada a How to Lose a Guy in 10 Days tuvo un componente insólito. Una adivina se le acercó en la calle y le aseguró que debía aceptar una comedia romántica que estaba considerando.

Según recordó el actor, la mujer le dijo que debía hacerla porque, de lo contrario, sería uno de los mayores arrepentimientos de su vida, que sería una experiencia extraordinaria y que le permitiría ganar mucho dinero. McConaughey pensó inicialmente que podía tratarse de alguien enviado por el estudio para convencerlo, pero el encuentro se quedó en su cabeza.

“Me reí ante la idea, pero también recuerdo que lo consideré con más seriedad”, explicó en 2023. Según su relato, aceptó la oferta al día siguiente.

Esa misma implicación es la que la actriz de éxitos como Vis a vis o Las chicas del cable muestra en su nueva película, Días de agosto. En ella, interpreta a Mónica, una mujer que, tras conocer a Juan, el hijo de su pareja, con el que coincide en la casa familiar de la playa, empieza a sentir una fuerte atracción por él. Con todo, este no es el único foco de tensión que se vive: el joven y su padre no parecen llevarse nada bien, condicionados tanto por el carácter caprichoso y peterpanesco de uno como por los secretos y las mentiras del otro.

“Creo que mi personaje tiene mucha fuerza por su misterio: hay algo muy contradictorio, muy emocional en una persona que normalmente no sería emocional, en el torrente de deseo que siente”, describe Maggie Civantos. La actriz confiesa que lo que la convenció para trabajar en la película fue que “no terminaba de entender” a Mónica, “y en eso había algo que me gustaba”. Ese algo acabaría de concretarse tras hablar con Chema de la Peña, el director, quien la convenció definitivamente para entrar en un proyecto en el que él mismo llevaba mucho tiempo interesado.

Un guion premiado

David Sueiro escribió el guion de Días de agosto y se lo presentó a Chema de la Peña. En aquel primer momento ya le interesó al director de películas como Isi/Disi: Amor a lo bestia o 23-F: La película, pero no fue hasta que el texto salió ganador un concurso organizado por ISII Group, Break On Time 59, que llamó a la productora Lydia Palencia para decirle: “Mira, conozco bien este guion y me apetece muchísimo hacerlo”.

Por su parte, la directora de producción de ISII Group reconoce que el guion de Días de agosto “encandiló” a todo el mundo. “Tenía esa parte de thriller, esa parte de erotismo y conflicto familiar que nos interesaba mucho”. Así, la productora se encontró con una idea que juntaba “todos los ingredientes para ser una gran película y además planteaba una producción ágil y sencilla, por las pocas localizaciones y los pocos personajes que tenía”.

Con todo, se tomaron su tiempo para hacerlo bien, sobre todo en la elección de los actores. Maggie Civantos y Roberto Álamo fueron los primeros en llegar, pero para los más jóvenes se hizo “un casting muy exhaustivo” que resultó en la elección de Pau Simón (El refugio atómico) y Berta Galo (El nudo). Ambos intérpretes tuvieron que superar un proceso en el que no solo hubo pruebas, sino también entrevistas personales con el propio De la Peña y otros ensayos con los mayores. “Maggie y Roberto sabes que van a funcionar, pero, para mí, ellos dos son uno de los grandes hallazgos de la película”, asegura el director.

La falta de inteligencia emocional en los personajes masculinos

En Días de agosto, Pau Simón y Berta Galo son la pareja joven de la casa. De vacaciones, tras acabar el curso en la universidad, llegan a la casa pensando que les espera un verano de amor, pasión y, sobre todo, intimidad, pero se encuentran con que el padre de Juan y su pareja también habían pensado algo parecido. Especialmente complicada es la situación de Gabriela, la joven que ve cómo su novio Juan parece odiar, primero, y acercarse, después, a esa enigmática mujer que muestra también una conducta muy extraña.

Galo destaca el trabajo previo de ensayos que realizaron todos los actores para equilibrar el trabajo de cada uno en una historia llena de tensiones y cosas no dichas. “Cada uno venía con una propuesta, y al final, siento que tuvimos una aportación muy personal todos y cada uno de nosotros para que nos sintiéramos cómodos con lo que estábamos interpretando”. Al fin y al cabo, se trata de una película donde los personajes y su carga psicológica llevan todo el peso de la historia. “Lo que más nos atraía eran esos conflictos tan humanos y cómo se desenvuelven, lo que querían contar con la película”, añade Pau Simón.

El actor, que reconoce que al principio no le caía demasiado bien su personaje (“pero la regla número uno de un actor es no juzgar”, dice a continuación), ve como una de las claves de la película cómo se representa la relación paternofilial de los protagonistas. “Cuando me llegó el personaje, empecé a tener debates conmigo mismo y rebusqué en la sociedad cómo funciona esto. ¿Es un caso aislado o concreto? Te das cuenta de que, en general, existe una escasa habilidad entre los hombres para compartirse cosas. Son las mujeres las que luchan un poco con ellos para que les cuenten lo que pasa; están ahí, sosteniendo la puñetera incapacidad de ellos para decir cuatro cosas emocionales“.

“Me di cuenta de que era bonito no entender a mi personaje”

La relación entre los cuatro intérpretes principales fue muy buena. “Es un tema que hemos comentado porque, a veces, siendo una persona más joven, se te puede dar menos voz. Están los adultos del rodaje y los niños. Nosotros también tenemos cosas que aportar a nivel creativo y de opinión y siento que aquí se nos ha dado el espacio y la voz”, agradece Berta Galo, que no olvida la experiencia y la trayectoria de sus compañeros más veteranos. “Tenemos muchísimo que aprender de ellos, pero tampoco minimicemos lo que tenemos que aportar”.

“Yo no conocía a Pau ni a Berta”, reconoce Maggie Civantos, “pero trabajar con ellos ha estado muy bien. Aparte de que son muy frescos en la forma de interpretar, creo que tienen una mirada muy natural y muy sensible. Además, personalmente, son dos amores, así que fue muy fácil y muy bonito”. Señala, en ese sentido, que trabajar con Pau Simón fue “muy fácil” porque “es un apasionado de su trabajo y está cien por cien en la escena. Él me daba mucho y podía perderme en él y perderme en cómo me mira”.

A la actriz, antes del rodaje, le daban miedo los motivos que podía tener el personaje de Mónica. Sin embargo, al final acabó comprendiendo que eso era parte del reto. “Todos la juzgan de alguna manera, incluso el espectador o ella misma. Me di cuenta de que era muy bonito no entenderla. Tenía que sentirla. En la vida muchas veces hacemos cosas que no comprendemos, sino que las hacemos porque forman parte de la humanidad”.

Una escritora atrapada entre ficción y realidad

La historia sigue a Lowen Ashleigh, interpretada por Johnson, una escritora con problemas profesionales que recibe una oportunidad difícil de rechazar: continuar el trabajo de la reconocida autora Verity Crawford, encarnada por Hathaway, quien ya no puede escribir. Para completar el encargo, Lowen se instala en la remota finca donde vive la familia Crawford.

Su función será trabajar como escritora fantasma, es decir, escribir textos que serán publicados bajo el nombre de otra persona. La tarea exige estudiar la obra y los documentos personales de Verity para reproducir su voz, pero el acceso a ese material conduce a un descubrimiento perturbador.

Lowen encuentra unas notas que parecen ser autobiográficas y contienen confesiones relacionadas con Jeremy Crawford, el esposo de Verity, interpretado por Hartnett. A partir de allí, la protagonista comienza a dudar de la naturaleza de los documentos y de las intenciones de quienes la rodean.

La sinopsis plantea varios conflictos que avanzan al mismo tiempo: Lowen debe decidir si las páginas cuentan hechos reales o forman parte de una ficción, mientras intenta distinguir la manipulación de la atracción y una oportunidad profesional de una obsesión. Esa incertidumbre sostiene el componente psicológico del relato y coloca el vínculo entre las dos escritoras en el centro de la película.

Michael Showalter dirige al elenco

La dirección está a cargo de Michael Showalter, responsable de La idea de tenerte. El cineasta vuelve a trabajar con Hathaway, que aquí interpreta a la autora cuya presencia domina la historia incluso cuando Lowen intenta ocupar su lugar profesional.

Johnson encabeza el relato como la escritora que llega a la finca y encuentra los documentos. Hartnett completa el triángulo principal como Jeremy, el hombre sobre el que giran las confesiones atribuidas a Verity. El reparto anunciado incluye además a Ismael Cruz Cordova y Brady Wagner, aunque los materiales difundidos todavía no detallan sus personajes.

El adelanto promocional presenta la película como un thriller psicológico de tono sensual. La tensión surge del aislamiento de la finca, de los secretos familiares y de la creciente dificultad de Lowen para saber qué información puede creer. Verity permanece en el centro del conflicto: su incapacidad para escribir abre la puerta a la protagonista, pero sus notas cambian el sentido del trabajo.

Del best-seller de Colleen Hoover a los cines

La película adapta uno de los libros más conocidos de Hoover, autora cuyas obras han impulsado varias producciones cinematográficas. En este caso, la trama abandona el romance directo como motor principal y utiliza la atracción entre los personajes dentro de una historia marcada por documentos secretos, posibles engaños y versiones contradictorias.

Las fuentes promocionales identifican a Amazon MGM Studios como productora, mientras Sony Pictures fue la encargada de compartir el nuevo tráiler. El lanzamiento será exclusivamente en salas de cine según la información disponible; todavía no se anunció una fecha para plataformas de streaming.

Un negocio que amenaza a toda la familia

Paper Tiger sigue a Gary Pearl e Irwin Pearl, dos hermanos que quedan involucrados en un plan presentado como una oportunidad demasiado buena para ser verdad. La operación los lleva hasta una organización criminal rusa y transforma el problema inicial en una amenaza contra sus parejas e hijos.

Driver interpreta a Gary, un expolicía convencido de que puede enfrentar el peligro y mantener el control. Teller encarna a Irwin, quien queda obligado a reaccionar ante las decisiones de su hermano mientras intenta proteger a su esposa, Linda, interpretada por Johansson, y al resto de su familia.

La sinopsis difundida por Neon adelanta que los Pearl buscarán abrirse camino dentro del peligroso entorno de la mafia rusa. La presión empieza a romper su relación y deja consecuencias que cambiarán sus vidas. El conflicto familiar ocupa así el centro del relato: el riesgo no queda limitado a quienes participaron del negocio, sino que alcanza a todos sus seres cercanos.

Linda tiene un papel directo dentro de esa tensión. El avance la muestra preocupada por sus hijos y enfrentada a la posibilidad de que las promesas de protección de Irwin no sean suficientes. Uno de los nombres mencionados es Nate, cuya seguridad se convierte en parte de la discusión entre los hermanos.

Las amenazas del tráiler de Paper Tiger

El avance comienza con una llamada nocturna para Irwin. “Es tu hermano. Tuvimos un problema que ha dado lugar a algunas cosas”, le advierten antes de que Gary aparezca para intentar resolver la situación. La conversación conduce a los hermanos hasta un jefe de la mafia, señal de que el conflicto ya superó cualquier arreglo sencillo.

Gary también aparece hablando ante un grupo de policías. Su pasado como integrante de la fuerza le da experiencia y contactos, pero su seguridad abre otra grieta con Irwin. “No me van a tocar”, afirma. La respuesta de su hermano introduce el costo familiar de esa postura: “¿Qué hay de mí? Podrían tocar a Nate”.

La amenaza se vuelve explícita cuando un sicario le cuenta a Gary lo que escuchó decir a los criminales rusos: “Iremos tras toda su familia”. Mientras Linda observa con preocupación, Irwin insiste frente a su esposa y sus hijos: “Puedo protegernos”. El montaje contrapone esa promesa con discusiones, armas y escenas de huida.

Los últimos segundos muestran una escalada entre Gary e Irwin. Ambos discuten mientras la situación parece escapar de su control, y Gary termina apuntando un revólver en una zona cubierta de vegetación. El tráiler no aclara quién está frente al arma, pero deja planteada la posibilidad de que el choque entre los hermanos llegue a ser tan peligroso como la persecución criminal.

El regreso de James Gray y el reparto

Paper Tiger marca el regreso de Gray a los cines después de Armageddon Time, el drama autobiográfico estrenado en 2022. Antes había dirigido Ad Astra, la película espacial de 2019 protagonizada por Brad Pitt y Tommy Lee Jones. Su nuevo trabajo cambia ese escenario por un relato criminal urbano centrado en deudas, lealtades familiares y amenazas concretas.

La película fue presentada durante el Festival de Cannes antes de la difusión de su tráiler y su estreno comercial. Neon confirmó que tendrá lanzamiento en salas, aunque las fuentes disponibles no detallan todavía su distribución por países ni una fecha para plataformas digitales.

El reparto también representa un reencuentro entre Driver y Johansson tras Historia de un matrimonio, donde interpretaron a una pareja atravesada por un divorcio. En Paper Tiger vuelven a compartir una producción dramática, aunque ahora Johansson interpreta a la esposa del personaje de Teller y el vínculo con Driver queda atravesado por el problema entre los dos hermanos.

Junto al trío principal aparecen Roman Engel, Gavin Goudey, Roman Blat y Cindy Katz. Neon mantiene el estreno de Paper Tiger en cines para el 13 de noviembre.

Del programa televisivo al conflicto ético

La historia se remonta a 2006, cuando Hansen ya trabajaba en To Catch a Predator, un programa de televisión dedicado a identificar a adultos que buscaban mantener relaciones sexuales con menores de 16 años. El periodista acudía al lugar acordado para la cita y confrontaba directamente a los involucrados frente a las cámaras.

El formato se convirtió en un fenómeno de audiencia en Estados Unidos, pero también generó controversia por la manera en que mezclaba investigación periodística, exposición pública y procedimientos cercanos a una operación policial. Esa tensión ocupa el centro de Primetime, que no está planteada como una biografía convencional de Hansen.

La película presenta a su protagonista cada vez más obsesionado con aumentar la audiencia. Esa búsqueda lo empuja a cruzar límites éticos mientras transforma la persecución de posibles abusadores en espectáculo televisivo. El conflicto surge de una pregunta concreta: hasta dónde puede llegar un periodista cuando la investigación, la justicia mediática y el rendimiento de un programa dependen de las mismas imágenes.

Aunque toma como punto de partida hechos y figuras reales, Primetime construye una narración dramatizada. El guion se basa en un artículo que Luke Dittrich publicó en la revista Esquire en 2007, un año después del período en el que se desarrolla la historia.

El salto de Lance Oppenheim a la ficción

Lance Oppenheim dirige Primetime en el que será su primer largometraje narrativo. Hasta ahora, su carrera estaba vinculada al documental, con trabajos como Una clase de cielo y Spermworld. El nuevo proyecto conserva un tema relacionado con sus antecedentes: personas reales sometidas a la mirada de una cámara y sistemas que convierten su intimidad en contenido público.

El libreto fue escrito por Ajon Singh a partir del texto de Dittrich. La participación de A24 sitúa la película dentro de la línea de thrillers del estudio centrados en personajes incómodos, decisiones morales y situaciones donde resulta difícil separar la ambición profesional de las consecuencias personales.

Pattinson encabeza un reparto que incluye a Merritt Wever, Skyler Gisondo, Phoebe Bridgers, Matthew Maher, Bokeem Woodbine, Anna Faris, Jonathan Lipnicki y Tony Revolori. La información disponible todavía no detalla los personajes interpretados por cada integrante del elenco.

El primer avance concentra su atención en el trabajo de Hansen y en la presión por obtener resultados frente a las cámaras. Más que limitarse a recrear las confrontaciones televisivas, la película examina el proceso mediante el cual una investigación puede quedar condicionada por los números de audiencia y la necesidad de producir imágenes cada vez más fuertes.

Un año cargado para Robert Pattinson

Primetime será el cuarto estreno importante de Pattinson durante 2026. El actor también aparece en El drama, junto a Zendaya; en La odisea, dirigida por Christopher Nolan; y en Dune: Parte tres. Esa agenda llega después de una etapa marcada por títulos como El faro, Tenet, The Batman, Mickey 17 y Die, My Love.

En esos proyectos trabajó con cineastas como Bong Joon-ho y Lynne Ramsay, además de retomar su colaboración con Nolan después de Tenet. Primetime suma un papel inspirado en una figura pública reconocible, pero bajo una mirada que evita presentar al periodista únicamente como un perseguidor de depredadores sexuales.

La primera proyección en Venecia permitirá conocer la recepción crítica de la película antes de su distribución comercial. A24 fijó el estreno en los cines estadounidenses para el 25 de septiembre de 2026.

De acuerdo con la información publicada por The Hollywood Reporter,la cinta, dirigida por Andrew Patterson, llegará a salas selectas este viernes 14 de agosto y representa una elección singular en la carrera del actor ganador del Oscar, quien optó por este proyecto de cine independiente dejando de lado otras propuestas más lucrativas.

Un regreso marcado por la convicción

La decisión de McConaughey de volver a la pantalla en “Los rivales de Amziah King” se produjo tras un período centrado en la escritura y lejos del cine. El actor relató a The Hollywood Reporter que buscaba un proyecto que lo entusiasmara: “Estaba conscientemente abierto y buscando el papel adecuado. Este guion es un logro original”.

Destacó la singularidad del universo planteado por el director: “Qué época, lugar, espacio e idioma tan originales. Es poético, musical, divertidísimo y una historia para los marginados”.

También encontró en la historia una combinación de elementos que coincidía con lo que buscaba en ese momento de su carrera. “El mundo necesita un poco de inocencia, amor y humor, y yo también”, afirmó el actor al explicar las razones que lo llevaron a aceptar el papel.

Esta producción no solo marca un retorno sino también una apuesta por un cine de riesgo, menos respaldado por grandes estudios. “Elegí esta en lugar de otras películas que podría haber hecho por mucho más dinero”, sostuvo el actor de 56 años. También subrayó el atractivo de trabajar en un entorno con tiempo y recursos limitados, donde predomina la libertad creativa.

Una historia en la Oklahoma rural

La trama de la película se sitúa en la Oklahoma rural y explora la vida de un apicultor, cristiano renacido y músico de bluegrass, interpretado por McConaughey. Su personaje, Amziah, establece una relación central con Kateri, interpretada por Angelina LookingGlass, quien vivió con él como hija adoptiva hasta que la vida los separó.

La historia profundiza en las dinámicas de la producción de miel, el tejido social de la región y los vínculos que se reencuentran en medio de la adversidad.

El director Patterson compartió que la idea surgió tras su primer largometraje y que buscó inspiración en su entorno inmediato: “Quería hacer una película sobre una mujer nativa americana que toma el control de la narrativa y se convierte esencialmente en la protagonista. Literalmente surgió de lo que tenía a mi alcance, de a quién conocía y de lo que quería hacer”.

Elección de reparto y desafíos del rodaje

El proceso de casting para el papel de Kateri estuvo a cargo de Angelique Midthunder, quien se enfocó en encontrar una actriz nativa americana. LookingGlass fue seleccionada tras meses de búsqueda y sesiones de trabajo conjunto con el director. Patterson resaltó la mirada hipnotizante de la actriz y su capacidad para construir el personaje a lo largo de varios meses.

Durante la producción, el equipo enfrentó condiciones exigentes, con rodajes al aire libre y constantes interrupciones por el clima y la presencia de abejas. McConaughey describió la experiencia como “divertida por la tensión” y valoró la intensidad de trabajar fuera de los espacios convencionales de Hollywood: “Mi lugar menos favorito en el set es mi camerino”.

El director también valoró la colaboración estrecha con el actor: “Matthew y yo nos involucramos mucho. Estábamos metidos en los asuntos del otro 15 o 16 horas al día para la producción”.

Un guion con estructura atípica

La película se distingue por una narrativa con múltiples giros y una estructura poco convencional. Patterson señaló que se inspiró en formas narrativas de la literatura, la ópera y la música popular, buscando romper con las reglas tradicionales de los estudios.

“Sabía que tenía que ser una película independiente para poder jugar con diferentes tipos de géneros y pasar de perspectivas cambiantes en la narrativa”, relató a The Hollywoo Reporter.

En la etapa de montaje, el director enfrentó diferencias de visión, pero terminó imponiendo su enfoque creativo: “Había diferentes visiones, y al final, la mía fue la que prevaleció. Así que estoy muy contento y agradecido por ello”.

Una mirada sobre el cine independiente

McConaughey expresó que para él, trabajar en una producción de este tipo implica una conexión con los marginados y con el espíritu de equipo: “Cuando tomo una decisión creativa, hablamos del amor por los desvalidos, y con una película independiente, inherentemente amas a un desvalido solo por hacer una”.

Por su parte, Patterson defendió el valor del cine independiente en la industria actual, destacando que estas producciones sacuden a los grandes estudios y abren nuevas posibilidades narrativas.

Rosario Dawson estuvo a punto de aparecer en Spider-Man: Brand New Day como Claire Temple; sin embargo, su participación fue eliminada antes del estreno.

Durante un evento reciente para fans en Carolina del Norte, la actriz confirmó que llegó a filmar una escena para la nueva película protagonizada por Tom Holland y contó cómo recibió la noticia de que su regreso al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM) finalmente no formaría parte del montaje definitivo.

Cuando un fan en el GalaxyCon le preguntó con qué superhéroe le gustaría trabajar a Claire, la intérprete señaló que el hombre araña habría sido una respuesta evidente porque, en realidad, ya había compartido una escena con él.

“Podría haber dicho Spider-Man. Incluso grabé una escena en la nueva película de Spider-Man, pero me cortaron”, contó la actriz, según los medios locales.

La noticia también tomó por sorpresa a la madre de Dawson. La actriz explicó que ambas esperaban compartir en redes sociales fotografías detrás de cámaras del rodaje. Sin embargo, al saber que la escena había sido eliminada, esos planes quedaron descartados.

“Se lo conté a mi mamá y ella dijo: ‘Qué mal. Ahora no puedo publicar las fotos’. Y yo le dije: ‘Sí, mamá. A mí me cortaron de la película cuyo tráiler es el más visto, y el problema es que tú no puedes publicar tus fotos detrás de cámaras’”, explicó Dawson entre risas.

“Mi publicación también ya estaba lista, con mis fotos detrás de cámaras y mi nieto usando todas sus cosas de Spider-Man porque le encanta Spider-Man. Entonces recibí el correo”, recordó. “Así que soy un descarte de ‘Spider-Man’ y un descarte de ‘The Devil’s Rejects’”.

La aparición especial junto al héroe arácnido habría significado mucho para Dawson por cuestiones personales, precisó la actriz. Su tío es artista de cómics y que Spider-Man fue el primer personaje que aprendió a dibujar. Además, uno de los nuevos cómics incluye una escena en la que un joven Spider-Man acude a PS19, una escuela del Lower East Side de Nueva York a la que ella asistió durante su niñez.

¿Qué papel tenía Claire en la película?

Inicialmente, la ubicación de la escena de la enfermera Claire Temple no estaba clara y llegó a especularse que su aparición habría tenido lugar durante una secuencia del hospital cercana al final de la película.

Sin embargo, los guionistas Chris McKenna y Erik Sommers aclararon a The Wrap que no era así. La escena de Dawson estaba situada mucho antes, después de la pelea de Spider-Man contra Scorpion. Peter habría llegado herido al hospital, donde Claire debía atenderlo antes de que el héroe acudiera a Bruce Banner en busca de ayuda.

Este momento habría implicado el retorno esperado de Claire con su función habitual dentro del UCM: apoyar a personajes con habilidades sobrehumanas cuando resultaban heridos. Dawson la interpretó por primera vez en Daredevil y posteriormente retomó el papel en Jessica Jones, Luke Cage, Iron Fist y The Defenders.

Los guionistas también descartaron que la secuencia hubiera sido eliminada porque consideraran que no funcionaba. McKenna destacó que la película tenía una duración de aproximadamente dos horas y media y una gran cantidad de personajes y escenas.

“La escena que hicieron era buena. Creo que la única razón por la que no está en el montaje final es que probablemente se cortó por tiempo, porque era muy buena”, precisó Sommers en la entrevista.

A pesar de la decepción de este recorte, la actriz no parece cerrar la puerta a una futura aparición como Claire Temple. Dawson dijo sentirse feliz por la idea de que “mi personaje esté en algún lugar de ese mismo universo”, afirmó. “Espero poder volver a ser Claire”.

Con el paso de los años, la trilogía de El señor de los anillos de Peter Jackson ha pasado a ser considerada como una de las mejores sagas cinematográficas de aventuras y fantasía de todos los tiempos. La adaptación del clásico de J. R. R. Tolkien se convirtió en un hito para la gran pantalla, elevando a personajes como Frodo, Aragorn, Gollum o Gandalf a iconos culturales todavía muy recordados, al margen de otras películas o series que hayan podido hacerse sobre la Tierra Media.

Esto ha hecho que las tres películas hayan sido analizadas por los fans hasta el más mínimo detalle, conscientes del gusto de Peter Jackson por hacer pequeños guiños a sus seguidores. Muchos de estos guiños son cameos del propio equipo de la película (el propio cineasta aparece en más de una ocasión), entre los que destaca una breve aparición de apenas un segundo de una figura clave de la saga de la que muchos aficionados no se han dado cuenta.

Esta breve aparición tiene lugar en la versión extendida de El señor de los anillos: El retorno del rey, en la secuencia que recrea el banquete de Edoras, una gran fiesta en el palacio del rey Théoden de Rohan. En el minuto 19:32 de la película, si el espectador presta atención, puede ver a Howard Shore interpretando a uno de los guardias. Para quien no le suene el nombre, se trata del principal responsable de la banda sonora de las tres películas, un trabajo memorable por el que fue reconocido por el propio equipo con este homenaje silencioso.

La contribución de Howard Shore a las películas de Peter Jackson

Antes de embarcarse en la Tierra Media, Howard Shore ya había dejado huella en la música cinematográfica. Fue el primer director musical de Saturday Night Live y colaboró en películas como Señora Doubtfire de Chris Columbus, Seven de David Fincher y El silencio de los corderos de Jonathan Demme. Con ese pedigrí llegó a su colaboración con Peter Jackson, quien le explicó la idea que tenía en mente para que elaborara una partitura a la altura. “No pensé en tres películas, sino en una ópera dividida en tres actos”, confesaría más adelante.

Así, el compositor aplicó la técnica del leitmotiv wagneriano, creando más de 90 temas musicales asociados a personajes y lugares, que evolucionan y se entrelazan a lo largo del relato. Shore compuso más de 12 horas de música original, transformando la narrativa literaria de J. R. R. Tolkien en una experiencia musical sin precedentes en la que participaron la Orquesta Filarmónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Nueva Zelanda y coros tanto infantiles como adultos. Además, insistió en la autenticidad lingüística al trabajar con el lingüista David Salo para traducir los textos corales a sindarin, quenya y otras lenguas ficticias creadas por Tolkien.

Tras todo ese trabajo, Howard Shore no solo fue galardonado con tres premios Óscar por su labor en la trilogía (dos por Mejor Banda Sonora y uno por Mejor Canción Original con Into the West, interpretada por Annie Lennox), sino que también recibió cuatro premios Grammy y tres Globos de Oro. Por si fuera poco, su obra fue adaptada en La Sinfonía de El señor de los anillos, la cual sigue sonando a día de hoy en salas de concierto de todo el mundo.

Han pasado casi 30 años desde que se publicó Harry Potter y la piedra filosofal, primera parte de la famosa saga literaria. Una década más tarde, en 2007, llegaría el séptimo y último libro, al que seguiría también la conclusión de su adaptación cinematográfica en 2011. Pero, a pesar del tiempo transcurrido desde entonces, el mundo mágico de J. K. Rowling sigue teniendo una gran masa de fans dispuestos a no dejar que ni la historia ni los personajes sean ‘barridos’ por la realidad.

El apego de esta comunidad al universo de Harry Potter ha quedado patente después de que esta consiguiera reubicar un interconector sumarino y subterráneo de 200 kilómetros cuya instalación se había planeado cerca de la playa de Freshwater West, en Gales. Este sitio es conocido por los fans como la “tumba” de Dobby, personaje que fallece en Las Reliquias de la Muerte (séptimo libro y séptima película) y que era uno de los más queridos por los seguidores de la historia tras su aparición en La Cámara de los Secretos.

Tras saberse el destino del cable de alta tensión, proyecto valorado en 430 millones de libras (más de 500 millones de euros), la empresa responsable, Greenlink, empezó a recibir una gran cantidad de llamadas y mensajes de aficionados preocupados. Así lo recordaba el director de la iniciativa, Simon Ludlam, en una reciente entrevista para el pódcast Energy Revolution: “Un colega me dijo: ‘Por lo visto, vamos a pasar directamente por la tumba de Dobby’. Le dije: ‘Dobby, ¿quién es Dobby? No conozco a Dobby’. Me respondió que era muy, muy serio".

Su nueva ubicación, cerca de un posible asentamiento prehistórico

La presión recibida fue tal que la empresa contrató entonces a planificadores para encontrar una ruta alternativa que evitara el memorial, colocado en noviembre de 2010 en la misma playa donde se había rodado la escena de la película. La modificación del trazado ha generado satisfacción entre los fans y permitió avanzar con la obra, pero su nueva ubicación también podría dar que hablar: el cable se puso cerca de un yacimiento de la Edad de Bronce. “Nos acercamos bastante a algunos restos reales, pero evitamos la tumba de Dobby”, razona Ludlam.

Entre los elementos prehistóricos que se han encontrado en la zona hay un recipiente de cerámica de casi 4.000 años de antigüedad “típicamente asociado a entierros humanos”, tal y como detalla un estudio perteneciente al año 2020. Además, también se encontraron lo que se cree que son fosas funerarias y lo que podría ser una franja de conchas que podrían ser algún tipo de asentamiento humano, entre otros restos. Sin embargo, lo cierto es que la empresa se comprometió a respetar este yacimiento. “Mucha gente se alegró mucho, el proyecto sigue adelante y Dobby está contento”.

El cable de Greenlink está diseñado para compartir energía entre la red eléctrica británica y su equivalente irlandesa, con una capacidad suficiente para suministrar energía a 380.000 hogares. “Tendemos el cable en el lecho marino, pero a medida que nos acercamos a la costa galesa debemos tener cuidado, debido al peligro de que haya munición sin explotar en el fondo del mar”, explicaba a la BBC en 2018 el ingeniero Norman Macleod. Por su parte, los fans de Harry Potter han seguido visitando la tumba de Dobby todos estos años con el visto bueno del propietario del terreno que, eso sí, pidió respeto por la zona, ecológicamente vulnerable.

Spider-Man: Un nuevo día, de Marvel Studios, alcanzó una recaudación mundial de 1.665 millones de dólares tras su segundo fin de semana en los cines. La película sumó alrededor de 500 millones entre el viernes y el domingo y ya ocupa el puesto 12 entre los mayores éxitos de taquilla de la historia, según los datos publicados por Box Office Mojo.

Un segundo fin de semana de 500 millones

El resultado llega menos de dos semanas después de un estreno mundial cercano a los 920 millones de dólares, el segundo mejor debut cinematográfico registrado, únicamente por detrás de Avengers: Endgame. A esa apertura se agregaron los ingresos obtenidos durante los días laborables y otros 500 millones recaudados en el segundo fin de semana.

En Estados Unidos, la película agregó 145 millones de dólares durante ese período. La cifra estuvo acompañada por una caída del 59,7% respecto del fin de semana de estreno, un descenso habitual para las producciones de Marvel después de aperturas especialmente altas.

La diferencia entre ambos porcentajes responde al comportamiento de los mercados: mientras la recaudación estadounidense sufrió una reducción pronunciada, el total internacional permitió que el segundo fin de semana global equivaliera aproximadamente a la mitad de los 920 millones obtenidos durante el debut.

El desempeño sobresale en un período en el que varias películas de Marvel Studios quedaron por debajo de los resultados previos a la pandemia de COVID-19 y al cierre de la Saga del Infinito. Antes de completar sus primeras dos semanas, Un nuevo día ya ingresó entre las 15 películas más taquilleras y quedó cerca de avanzar varios lugares.

Los récords que Spider-Man todavía puede superar

El objetivo inmediato es entrar en el top 10 histórico. El décimo puesto pertenece actualmente a Intensamente 2, con 1.698 millones de dólares. Un nuevo día necesita alrededor de 33 millones adicionales para superar esa cifra, una distancia pequeña frente a los 500 millones reunidos durante su segundo fin de semana.

El siguiente récord está dentro de la propia franquicia. Spider-Man: Sin camino a casa terminó su recorrido comercial con 1.921 millones de dólares y continúa como la película del personaje con mayor recaudación. Para desplazarla, la nueva entrega necesita sumar unos 256 millones.

Después aparece la barrera de los 2.000 millones de dólares. Un nuevo día está a 335 millones de alcanzar esa marca y podría transformarse en la octava película de la historia que lo consigue. El rendimiento de las próximas semanas determinará si conserva suficiente impulso para ingresar en ese grupo.

Si continúa avanzando, otro punto de referencia será Avengers: Infinity War, que obtuvo 2.052 millones de dólares. Superar esa cifra convertiría a Un nuevo día en la segunda película de Marvel con mayor recaudación, detrás de Avengers: Endgame y sus 2.799 millones. Esa última cantidad permanece a más de 1.100 millones del total actual del arácnido.

Una proyección más ambiciosa la acercaría a Avatar: El camino del agua, que acumuló 2.334 millones de dólares. Para llegar hasta allí todavía necesitaría cerca de 669 millones, por lo que esa posibilidad depende de cuánto tiempo pueda sostener sus ingresos en los principales mercados.

Estados Unidos y España mantienen el impulso

El estreno encabezó un fin de semana especialmente fuerte para las salas estadounidenses. A pesar de la caída del 59,7%, sus 145 millones adicionales mantuvieron a Spider-Man por encima del resto de los títulos y le permitieron ampliar rápidamente su recaudación mundial.

Spider-Man: Un nuevo día necesita 33 millones de dólares para entrar en el top 10 histórico, 256 millones para convertirse en la película más taquillera de Spider-Man y 335 millones para alcanzar la barrera de los 2.000 millones.

Uma Thurman y Quentin Tarantino se conocieron en 1992, cuando el director se encontraba en pleno casting para Pulp Fiction (1994). Él era un director convertido en estrella del cine independiente tras el éxito de Reservoir Dogs, mientras ella era una joven promesa tras destacar en películas como Las aventuras del barón Munchausen o Las amistades peligrosas. Fue el cineasta quien insistió en conocer a la actriz tras ver su trabajo, lo que condujo a que se vieran en una cena donde pasaron horas hablando de la película.

Ese primer encuentro no solo dio lugar a la inolvidable interpretación de Mia Wallace (con su mítico póster y el baile junto a John Travolta), sino que inauguró una de las relaciones director-actriz más célebres de la historia del cine. Tarantino quedó fascinado por la presencia, la voz y la compostura de Uma Thurman y llegó a compararla con las grandes divas del cine, como Greta Garbo, Marlene Dietrich o Anna Karina. Por otro lado, fue precisamente rodando Pulp Fiction cuando, charlando en un bar, a ambos se les ocurrió la idea de lo que años más tarde se convertiría en Kill Bill: la historia de una novia ensangrentada que busca venganza.

Es así como surgió el segundo proyecto en el que ambos se embarcaron y que cambiaría la historia del cine de acción, al mezclar cine de serie B con artes marciales, spaghetti western y anime, y elevar la cultura pop y el pastiche posmoderno a la gran pantalla con un estilo visual difícil de olvidar. Pero, a pesar de su éxito tanto en taquilla como en crítica, Kill Bill supondría también el fin de la relación profesional entre Uma Thurman y Tarantino, precipitado tras un accidente en el rodaje que el director definiría como “el mayor error de su vida”.

El accidente que lo cambió todo

En el año 2003, mientras se encontraban en pleno rodaje de la película (que se rodó como un único filme y luego fue dividida en dos partes para su estreno en cines), Tarantino le dijo a Uma Thurman que debía conducir un coche a 65 kilómetros por hora en una carretera de tierra. La actriz no vio esta idea con buenos ojos y le pidió al cineasta que utilizaran un doble, petición por la que recibió una bronca del director, convencido de que sin ella no sería lo mismo. “Te prometo que el coche está bien. Es una carretera recta”, le aseguró él, tal y como la intérprete revelaría más adelante en una entrevista con The New York Times.

Finalmente, Uma Thurman accedió, pero durante la grabación perdió el control del vehículo y sufrió un accidente. “Sentí un dolor abrasador y pensé que no iba a volver a caminar. Cuando salí del hospital con un collarín, mis rodillas magulladas y una contusión, quise ver el coche; estaba muy enfadada. Tuve una pelea enorme con Quentin y le acusé de haber intentado matarme”. Aquel incidente supondría el fin de la confianza entre ambos, haciendo que no volvieran a trabajar juntos.

Sin embargo, pese a los años que pasaron distanciados, aquel incidente no supuso el fin de su relación. Además de mostrarse siempre un gran cariño y respeto mutuos, en 2018, Uma Thurman hizo público el vídeo del accidente en la entrevista con el citado medio, después de que el director consiguiera recuperarlo tras meses de búsqueda en los archivos. Se lo entregó a la actriz a sabiendas de que publicar el material le acarrearía duras críticas, pero fue la propia actriz quien eximió a Tarantino de haber hecho algo con mala intención. En vez de eso, la intérprete culpó directamente a los productores por el encubrimiento y destacó el valor de Tarantino al darle las pruebas para exponer la verdad.

Juliano Valdi tiene 12 años e interpreta a Michael Jackson durante su infancia en Michael, la película dirigida por Antoine Fuqua que repasa las primeras tres décadas de la vida del Rey del Pop. Tras el impacto de la producción, el joven ya piensa en su próximo desafío cinematográfico.

En una entrevista exclusiva con Entertainment Weekly, Valdi contó que existe un personaje de Marvel al que le gustaría interpretar en el futuro: Miles Morales, la identidad de Spider-Man que protagoniza las películas animadas de Spider-Verse.

El actor también explicó de dónde surgió su interés por el superhéroe y expresó su deseo de incorporarse al Universo Cinematográfico de Marvel (UCM).

El próximo desafío que Valdi imagina para su carrera

Después de encarnar a una figura histórica de la música, Valdi ya tiene en mente otro personaje popular. Durante la conversación con Entertainment Weekly reveló que Miles Morales es el papel que espera interpretar cuando llegue el momento de dar el salto al cine de superhéroes.

“Estoy llegando a la edad en la que realmente quiero interpretar a Miles Morales, así que espero poder hacerlo”, afirmó el actor. En la misma declaración, agregó: “Todavía no tengo 15 años, pero me encantaría unirme al UCM”.

Miles Morales es actualmente el protagonista de las películas animadas de Spider-Verse, donde cuenta con la voz de Shameik Moore. El personaje también aparece como una de las posibilidades para una futura adaptación en acción real dentro del universo de Marvel.

Según la información citada por Entertainment Weekly, Kevin Feige, jefe de Marvel, y Tom Holland, protagonista de Spider-Man: Brand New Day, manifestaron públicamente su interés en llevar a Miles Morales al formato de acción real. Holland incluso planteó la posibilidad de acompañar al futuro intérprete del personaje.

“Sin duda, tengo muchas ganas de llevar a Miles Morales a la pantalla y guiar al joven afortunado que consiga el papel, tal como Robert Downey Jr. lo hizo conmigo”, declaró Holland recientemente a Associated Press. El actor también resaltó que “sería una forma fantástica de poner fin a mi etapa como Spider-Man”.

La admiración de Valdi por Spider-Man

El interés de Valdi por Miles Morales no surgió recientemente. El actor explicó que su vínculo con Spider-Man comenzó durante su infancia, cuando descubrió las películas protagonizadas por Tobey Maguire.

“Mi afición por Spider-Man surgió desde muy pequeño”, contó a Entertainment Weekly. Como parte de ese recuerdo, destacó el impacto que tuvo en él la película protagonizada por Maguire: “Recuerdo cuando vi la primera película de Spider-Man, y fue el mejor film de acción que he visto en mi vida”.

La transformación profesional de Valdi tras interpretar a Michael Jackson

El papel en Michael significó un cambio importante para Valdi. La película comienza con el personaje de Jackson durante su infancia y los primeros años de los Jackson 5, etapa que queda a cargo del joven intérprete. Luego, Jaafar Jackson, sobrino del cantante, interpreta al artista durante su adultez.

Aunque ambos actores no compartieron escenas, Valdi aseguró que la experiencia los vinculó de manera especial. Según explicó a Entertainment Weekly, revista estadounidense, él y Jaafar quedaron unidos para siempre como “hermanos”, mientras que calificó la transformación de su compañero en Michael Jackson como “mejor de lo que nadie podría haber imaginado”.

La repercusión de su trabajo también llegó desde figuras cercanas a la trayectoria del Rey del Pop. Durante el estreno de la película en Los Ángeles, Valdi conversó con Stevie Wonder, quien elogió su interpretación.

“En el estreno en Los Ángeles, estuve hablando con Stevie Wonder, y me dijo que había hecho un trabajo maravilloso”, relató el actor a Entertainment Weekly. Valdi explicó que esas palabras tuvieron un significado especial para él porque considera a Wonder “una leyenda absoluta” y agregó que “me sentí completamente realizado”.

El joven también se refirió al impacto personal que tuvo su participación en la producción. “Es algo surrealista, jamás pensé que estaría en una película”, declaró. Sobre los cambios derivados de la exposición, señaló: “Mi vida ha cambiado mucho, pero puedo con ello. Estoy muy agradecido por el cariño”.

La posibilidad de una futura segunda parte de Michael también permanece entre los deseos del joven intérprete. La película se convirtió en la primera biopic en superar los USD 1.000 millones en la taquilla mundial, mientras continúa disponible en streaming a través de Starz y en formatos digitales y 4K con contenido adicional sobre su realización.

La odisea, dirigida por Christopher Nolan, alcanzó los $1.104 millones en la taquilla mundial durante 2026 y se convirtió en la película más exitosa de su filmografía. La adaptación del poema de Homero también desplazó a Avatar como el título con mayor recaudación histórica en salas IMAX, donde ya acumula cerca de $290 millones.

El nuevo techo de Christopher Nolan

El resultado supera las recaudaciones de las dos películas de Batman que hasta ahora funcionaban como referencia dentro de la carrera de Nolan. Las fuentes utilizan distintos puntos de comparación: una señala los $1.008 millones de Batman: El caballero oscuro, mientras que otra identifica como anterior líder a Batman: El caballero de la noche asciende, con $1.085 millones. Con $1.104 millones, La odisea queda por encima de ambas.

La producción está protagonizada por Matt Damon como Odiseo y traslada al cine el relato clásico sobre el extenso viaje del héroe griego. Su rendimiento comercial ubica a Nolan dentro del grupo de directores con una película que cruzó los $1.000 millones sin depender de una franquicia contemporánea de superhéroes o animación.

El otro récord está en IMAX, un formato premium de exhibición diseñado para pantallas de gran tamaño. La odisea reunió entre $289 millones y $290 millones en esas salas, según el redondeo de cada reporte. La primera Avatar, dirigida por James Cameron, tenía la marca anterior con aproximadamente $270 millones, mientras que Avatar: El camino del agua había conseguido $257,8 millones.

La película ya perdió la exclusividad general en IMAX, aunque continúa disponible en las pocas salas que pueden proyectarla en 70 mm. Aun con esa reducción de pantallas, sus ingresos en el formato podrían superar los $300 millones mientras siga en cartelera.

Cinco películas por encima de los $1.000 millones

La odisea es el segundo estreno más taquillero de 2026. El primer lugar pertenece a Spider-Man: Un nuevo dìa, que suma $1.665 millones a nivel mundial. La nueva película del personaje de Marvel tuvo además el mayor estreno de la historia en Estados Unidos y tardó siete días en cruzar los $500 millones en Norteamérica, uno menos que Avengers Endgame.

El tercer puesto anual corresponde a Toy Story 5, con $1.093 millones. Después aparecen Michael, la película biográfica musical, con $1.016 millones, y Super Mario Galaxy, con $1.012 millones. De esta manera, cinco producciones estrenadas en 2026 ya rompieron la barrera de los $1.000 millones.

La cifra iguala lo ocurrido en 2018, aunque la composición de la lista es diferente. Aquel año estuvo dominado por adaptaciones de superhéroes y franquicias de acción: Avengers: Infinity War recaudó $2.048 millones, Black Panther llegó a $1.346 millones, Los increíbles 2 obtuvo $1.242 millones, Jurassic World: El reino caído alcanzó $1.208 millones y Aquaman cerró con $1.151 millones.

En 2026, los cinco títulos incluyen una película de superhéroes, una aventura épica, dos producciones animadas y una biografía musical. El registro todavía está por debajo de 2019, cuando nueve estrenos superaron los $1.000 millones antes de que la pandemia alterara la asistencia a los cines durante 2020.

Los mercados que todavía faltan

La recaudación de La odisea puede crecer porque aún tiene dos lanzamientos importantes pendientes. Su estreno en China está programado para el 14 de agosto y llegará a Japón el 11 de septiembre. Durante el último fin de semana informado, la película añadió otros $31,5 millones solamente en Estados Unidos.

A partir de esos mercados pendientes y de su continuidad en otras regiones, una de las proyecciones citadas estima que podría acercarse a los $1.500 millones. Esa cifra dependerá de su permanencia en cartelera y del rendimiento que consiga en China y Japón.

Otras dos producciones podrían ingresar al grupo de los $1.000 millones antes de que termine 2026. Dune 3, de Denis Villeneuve, y Avengers: Doomsday tienen su estreno previsto para el 18 de diciembre. Como referencia, Dune 2 terminó su recorrido comercial con $714,8 millones en todo el mundo.

La reciente entrevista en el podcast Happy, Sad and Confused, conducido por Josh Horowitz, reveló el recorrido de una artista que se mueve entre géneros y formatos, sin perder la autenticidad ni la curiosidad.

Según relató Barbaro, la transición profesional fue una experiencia cargada de dudas y aprendizajes. “He querido hacer teatro desde que tenía 12 años”, explicó sobre su incursión en el escenario londinense.

Además, detalló cómo logró posicionarse en producciones de gran escala y reconocimientos como la nominación al Oscar, a partir de una mentalidad enfocada en el trabajo constante y la búsqueda de nuevos retos.

La formación en danza y el salto a la pantalla

La actriz de 36 años inició su trayectoria artística con la danza como eje central. Nacida en Mill Valley, California, estudió en la Universidad de Nueva York (NYU), donde se especializó en baile. Para la actriz, la danza representaba una disciplina respetada dentro de su familia y una forma de expresión cercana a la interpretación.

Sin embargo, el deseo de actuar fue creciendo y finalmente optó por probar suerte en la actuación, primero en pequeños proyectos y comerciales, mientras afinaba su técnica en talleres de teatro.

De acuerdo con Happy, Sad and Confused, la decisión de dejar la danza no resultó sencilla. Barbaro describió el proceso: “Era el equivalente a una relación en la que sabes que no es la indicada”. Aunque reconoció que el salto le permitió descubrir una nueva pasión y abrirse camino en un entorno competitivo.

El impacto de Top Gun: Maverick y la cultura de trabajo en grandes producciones

La llegada de Top Gun: Maverick marcó un hito en la carrera de Barbaro. La actriz compartió detalles sobre el rodaje, la preparación física y la convivencia con figuras como Tom Cruise. “Sabía que íbamos a estar volando en jets y que, si había una emergencia, tendríamos que eyectarnos y nadar para sobrevivir”, señaló.

La exigencia del proyecto se reflejó tanto en lo físico como en lo mental, y el elenco desarrolló una relación de apoyo mutuo durante la espera por el estreno.

De acuerdo con la actriz, el entorno de trabajo en grandes producciones obliga a los actores a encontrar un equilibrio entre la exigencia técnica y la libertad creativa.

Al referirse a sus primeras experiencias en sets de alto perfil, admitió sentirse intimidada al interactuar con productores como Jerry Bruckheimer y directores como Christopher McQuarrie: “Era un rito de paso poder mantener una conversación con ellos”.

El desafío de interpretar a Joan Baez y el reconocimiento académico

Uno de los momentos más destacados en la carrera de Barbaro fue su actuación en “A Complete Unknown”, donde interpretó a Joan Baez. La intérprete describió el proceso de preparación para ese papel, que implicó superar el miedo escénico y aprender a cantar y tocar la guitarra sin experiencia previa.

La colaboración con el director James Mangold resultó clave para su desarrollo actoral. “Me dijo: ‘Veo que tienes un impulso y no lo sigues’”, recordó sobre un consejo que recibió en el set.

El reconocimiento obtenido por su interpretación también tuvo un significado particular para Barbaro, quien vinculó la experiencia con la exigencia que había marcado sus años de formación en ballet.

“Creo que fue la primera vez… el ballet puede ser un juego mental caótico, donde nunca eres suficiente, nunca haces lo suficiente. Y creo que hacer esa película fue la primera vez que pude escuchar a la gente cuando decían que trabajo duro”, explicó.

La nominación al Oscar por su trabajo en la película representó así un reconocimiento a un esfuerzo que, según la actriz, durante años estuvo atravesado por una sensación constante de insuficiencia.

Versatilidad y nuevos proyectos: comedia, teatro y grandes franquicias

El presente de la actriz se caracteriza por la versatilidad. El estreno de “One Night Only”, una comedia romántica de alto concepto, la posiciona en el centro de un género clásico que regresa a las salas de cine.

Al describir el proyecto, relató que sus representantes le presentaron la idea como “La Purga, pero con sexo”. La película, dirigida por Will Gluck, permitió a la actriz explorar el humor y la improvisación junto a Callum Turner y figuras como Molly Ringwald y LeVar Burton.

Además, confirmó su participación en el nuevo proyecto de Luca Guadagnino, titulado “Artificial”, y en la precuela de “Ocean’s”, al lado de Bradley Cooper y Margot Robbie. El interés por el teatro también sigue vigente, tras su paso por el National Theatre de Londres junto a Lesley Manville y bajo la dirección de Marianne Elliott.

La artista considera que cada proyecto, desde series hasta películas taquilleras, contribuye a ampliar su rango interpretativo y a evitar la repetición de personajes. “Me di cuenta de que cada vez que hacía algo, me ofrecían más roles iguales, así que tuve que hacer un esfuerzo consciente para cambiar”, explicó en la entrevista.

La realizadora aprovechó la ocasión para abordar públicamente la presión que enfrentan los cineastas ante el auge del streaming y la relevancia de proyectar películas en salas tradicionales.

Desde el escenario, Wilde manifestó su sorpresa ante la cantidad de asistentes y agradeció la oportunidad de presentar la película en un entorno tan destacado.

El interés del público se reflejó en el agotamiento total de localidades, lo que llevó a la organización del festival a anticipar la apertura de puertas para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la función.

El desafío de mantener el estreno en cines frente al streaming

Durante una rueda de prensa previa a la proyección, la actriz de 42 años abordó de manera directa los desafíos que implica para los creadores defender el estreno en cines frente a las ofertas del streaming.

La directora destacó en la conferencia de prensa que “te sobornan para que no estrenes en cines. Tenemos que luchar para que las películas se proyecten en las salas”.

Wilde explicó que las plataformas suelen ofrecer mayores ganancias a los inversores que a los cineastas y actores, lo que puede favorecer la decisión de optar por una distribución exclusivamente digital.

La cineasta subrayó que la decisión de mantener el estreno en cines no fue sencilla, aunque contó con el respaldo de la principal inversora del proyecto.

“Tuvimos mucha suerte de que nuestra inversora me diera la oportunidad de tomar esta decisión, algo que no me tomo a la ligera. Podría haber dicho que no fácilmente”, remarcó.

Apoyo de A24 y FilmNation

De acuerdo con información compartida por The Hollywood Reporter, la cineasta destacó el rol de A24, la distribuidora estadounidense, y de FilmNation en la estrategia de lanzamiento global.

Señaló que ambas compañías apostaron por acuerdos de exhibición en salas a nivel internacional. “A24 fue extraordinaria porque realmente creen en el éxito en salas de cine. FilmNation cerró los acuerdos internacionales en todo el mundo, todos para estrenos en cines”, puntualizó.

También hizo énfasis en la importancia de la experiencia colectiva, especialmente para el género de la comedia. “No hay género que se beneficie más de la experiencia colectiva de ver la película que la comedia”, expresó Wilde, quien además lamentó que este tipo de producciones suelen quedar relegadas al streaming.

Una comedia sobre los vínculos y la convivencia

“The Invite” cuenta con un guion de Will McCormack y Rashida Jones, y reúne en su elenco a Seth Rogen, Penélope Cruz y Edward Norton, además de la propia Wilde.

La trama gira en torno a Joe (Rogen) y Angela (Wilde), un matrimonio en crisis que invita a cenar a sus enigmáticos vecinos, Piña (Cruz) y Hawk (Norton). La velada desencadena acontecimientos inesperados que ponen a prueba la relación de la pareja y redefinen los límites de su convivencia.

Consultada sobre el proceso creativo, Wilde comentó que la película la volvió “mucho más romántica” y le permitió dejar atrás su visión cínica sobre las relaciones. “Me quitó el cinismo que llevaba dentro”, explicó ante la prensa, según informó The Hollywood Reporter.

La directora añadió que la historia explora el “ridículo experimento de la convivencia”, así como la vergüenza asociada al fracaso sentimental.

Éxito de público y ambiente colaborativo

La noche del estreno, la organización del festival envió un comunicado a los asistentes informando que todas las localidades estaban agotadas. El correo recomendaba llegar con antelación para facilitar el acceso y garantizar el inicio puntual de la proyección.

La respuesta del público convirtió el evento en uno de los puntos más destacados del festival, de acuerdo con el reporte de The Hollywood Reporter.

Wilde, visiblemente emocionada, elogió a sus compañeros de elenco y describió la experiencia como una “clase magistral” de actuación. “Nunca había formado parte de algo tan colaborativo”, sostuvo. Al ser consultada sobre su rol detrás de cámara, respondió que “dirigir es el mejor trabajo del mundo”.

No hay muchos directores cuyas películas seamos capaces de reconocer con apenas un vistazo. Tim Burton, Pedro Almodóvar o Christopher Nolan podrían ser algunos de ellos, aunque en esta lista no podría faltar tampoco Wes Anderson, el director estadounidense cuyas producciones suman hasta cinco premios Oscar y se han convertido en obras de culto para los fans de su filmografía.

El director nacido en Houston (Texas) tiene una de las puestas en escena más fácilmente identificables del cine actual. De hecho, casi podría decirse que su nombre es prácticamente un género cinematográfico en sí mismo, caracterizado por composiciones perfectamente simétricas, paletas de colores pastel, un sentido del humor seco y melancólico y la recurrencia de familias disfuncionales de genios incomprendidos.

Hasta ahora, algunos de sus títulos más conocidos (El Gran Hotel Budapest, La crónica francesa, Los Tenenbaums. Una familia de genios y Viaje a Darjeeling) se encontraban en Netflix, pero ahora la plataforma eliminará estas obras de su catálogo. Solo quedarán, pues, los cortometrajes exclusivos que el director hizo para la compañía, inspirados todos ellos en la obra de Roald Dahl, de los cuales uno (La maravillosa historia de Henry Sugar) fue merecedor del premio Oscar al Mejor cortometraje de ficción.

Su película más exitosa

A pesar de que el único Oscar que ha ganado Wes Anderson a título personal fue por este corto, no es la única estatuilla que han recibido sus películas. Una de ellas, El Gran Hotel Budapest, consiguió ganar cuatro: Mejor banda sonora, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario y Mejor maquillaje y peluquería. Estas distinciones la consagraron como una de las películas más premiadas de su año, a pesar de no lograr triunfar en otras categorías como Mejor fotografía, Mejor montaje, Mejor guion original, Mejor dirección o Mejor película.

En esta producción, quizá la más conocida del cineasta, se cuenta la historia de Gustave H., un legendario conserje de uno de los hoteles más famosos de la Europa de entreguerras. Este hombre recibe por parte de una mujer millonaria un cuadro de gran valor, herencia que hará que él y su protegido, el joven botones Zero Moustafa, vivan una gran aventura en Europa perseguidos por el resto de la familia de la difunta.

El resto de títulos de Wes Anderson que no deberías perderte

Hasta el 11 de agosto, día en el que los títulos de Wes Anderson se despedirán de Netflix, es igual de recomendable ver otros títulos como Los Tenenbaums. Una familia de genios, considerada por muchos como la obra maestra que definió definitivamente su estética. Esta película sigue a tres hermanos prodigio venidos a menos y a su padre manipulador que intenta reconquistarlos. La fórmula es la misma que en otras películas: melancolía, humor seco y una estética muy marcada, aunque su frescura resulta mucho más evidente que quizá en los últimos títulos del director.

Por su parte, Viaje a Darjeeling sigue a tres hermanos distanciados que realizan un viaje en tren por la India tras la muerte de su padre. Esta cinta explora el duelo y la reconciliación familiar con una paleta de colores vibrante y un tono más introspectivo. Finalmente, La crónica francesa es quizá el título que más estrellas de Hollywood reúne (otro de sus rasgos más característicos) de toda su filmografía, con varias historias cruzadas que tratan de reconstruir los sucesos que se publican en una gaceta ficticia directamente inspirada en la revista The New Yorker.

El actor, conocido por su trabajo en la serie Better Call Saul, se reincorporó a la franquicia casi una década después de su última aparición, y lo hace en un contexto de gran expectativa por parte de los seguidores del personaje.

Según informó The Hollywood Reporter, Mando se reencontró con el set de Spider-Man tras su participación en Homecoming en 2017, cuando Escorpión fue presentado como uno de los posibles antagonistas futuros del héroe interpretado por Tom Holland.

La nueva entrega, dirigida por Destin Daniel Cretton, marcó un giro relevante para el personaje, que adquiere un rol más activo en la trama y abre interrogantes sobre su evolución en el universo Marvel.

Un salto en el tiempo y una historia renovada

De acuerdo con el reporte de The Hollywood Reporter, la historia de Spider-Man: Un Nuevo Día se sitúa cuatro años después de la última película protagonizada por Holland.

El director optó por representar el paso del tiempo a través de una secuencia en la que Spider-Man enfrenta a varios villanos de su repertorio, entre ellos el propio Escorpión. Este regreso no solo significó una revancha para el personaje, sino el inicio de una etapa con mayor profundidad dramática y peso narrativo.

La película introduce además la participación de Jean Grey, interpretada por Sadie Sink, quien recurre a Escorpión en un intento por rescatar a su hermana, capturada por el Departamento de Control de Daños (DODC).

En una de las escenas centrales, la mutante controla la mente de Escorpión, lo que da lugar a un enfrentamiento con un Spider-Man desconcertado y vulnerable.

Mando reveló a The Hollywood Reporter que este cruce le permitió “conectar con el deseo de Jean de salvar a su hermana”, ya que ambos personajes comparten una historia marcada por la tragedia y la desconfianza hacia las instituciones.

El potencial de Escorpión y el vínculo con Venom

Uno de los puntos de mayor interés para los fanáticos es el futuro de este villano dentro del universo Marvel. Mando reconoció que, junto a Cretton, discutió la posibilidad de explorar las diferentes etapas del personaje, incluida su transformación en Venom, tal como sucede en los cómics.

“El potencial de crecimiento de Escorpión es enorme. Esta película es solo el primer nivel del potencial de este personaje, y tiene al menos dos o tres niveles más por explorar, uno de ellos la forma definitiva de Venom”, declaró el actor de 45 años a The Hollywood Reporter.

Mando insistió en que el destino del personaje dependerá de las decisiones de Kevin Feige y Amy Pascal, figuras centrales en el desarrollo de la franquicia.

Un rodaje exigente y una experiencia única

La producción de Spider-Man: Un Nuevo Día incluyó escenas de acción intensa grabadas en los estudios Pinewood de Londres. El actor relató a The Hollywood Reporter que el trabajo físico fue exigente, ya que el equipo apostó por efectos prácticos y coreografías reales para las peleas, dejando a la animación digital solo la cola del Escorpión.

“Todo lo que ves es real, excepto la cola generada por computadora. El fuego, las explosiones, los golpes y movimientos son reales”, destacó el actor, quien consideró el rodaje como una experiencia estimulante y desafiante.

El reencuentro con el equipo de Spider-Man, incluyendo a Tom Holland, Zendaya y Jacob Batalon, fue descrito por Mando como un momento especial.

El actor expresó su satisfacción por volver a trabajar con un elenco y un grupo de producción que, en sus palabras, siempre lo recibieron con entusiasmo.

Escorpión y Spider-Man: un duelo psicológico

En la película, el conflicto entre Escorpión y Spider-Man se desarrolla en varios niveles. Mando explicó que “el objetivo de Escorpión era ver a Peter Parker perder su estatus de héroe. Lo logra al demostrarle al mundo, a través de Jean, que cualquiera que sea llevado al límite puede convertirse en el villano”.

Según el actor, de este modo, aunque Escorpión termina derrotado en el enfrentamiento, consigue cumplir su verdadero propósito: poner en duda la condición de héroe de Peter Parker.

Proyectos paralelos y futuro profesional

Mientras espera definiciones sobre la evolución del personaje en Marvel, Mando participa en otros proyectos de alto perfil, como la adaptación de Gundam para Netflix y la trilogía animada Batman: Knightfall, donde presta su voz al personaje de Bane. Además, integra el reparto de Criminal, serie basada en el cómic de Ed Brubaker para Amazon Prime Video.

La presencia de Escorpión en la nueva película amplía el horizonte de posibilidades para el universo de Spider-Man, mientras que el regreso de Mando aporta una nueva dimensión al personaje y anticipa oportunidades para futuras exploraciones en la franquicia, según lo detallado por The Hollywood Reporter.

Las primeras semanas de agosto han traído el que apunta a ser uno de los éxitos del verano en Netflix: la película La última casa, dirigida por Louis Leterrier y protagonizada por Wagner Moura y Greta Lee, la cual se estrenó el pasado viernes 7 de agosto y ya es la más vista en la plataforma en 89 países diferentes, incluida España.

En la cinta, una familia queda atrapada en su propia vivienda sin posibilidad de salir. “Por si esto no fuera ya una pesadilla, sus recursos se agotan y deben unir fuerzas para sobrevivir no solo a la falta de artículos de primera necesidad, sino también a la misteriosa y amenazante presencia que los mantiene atrapados en el interior”, reza la sinopsis oficial.

Así, a lo largo de 110 minutos se sitúa al espectador en un contexto cada vez más angustiante que, según adelantaba el propio Wagner Moura en una entrevista con Tudum, “evolucionará de formas que el público sin duda no espera”. “Hay capas y giros que me muero de ganas de que todos vean”, decía a continuación el intérprete brasileño, nominado al Oscar al mejor actor en la última edición de los premios por El agente secreto.

Cuestión de supervivencia

La última casa ofrece una premisa a medio camino entre el suspense, la ciencia ficción y el terror. Ni la familia ni los vecinos saben lo que ocurre fuera y el aislamiento se prolonga durante días, semanas y hasta años, mientras la supervivencia se convierte en un reto extremo. No es de extrañar, pues, que la campaña promocional de la película incluyera una casa elevada sobre una estructura en Sunset Boulevard (Los Ángeles) con un hombre en su interior asomado a la ventana y una pregunta: “¿Cuánto puedes sobrevivir?”.

Del mismo modo, la producción de Louis Leterrier (quien antes ya había dirigido éxitos como Ahora me ves..., El increíble Hulk o Transporter) invita al público a reflexionar sobre el confinamiento y la resistencia, al tiempo que plantea un misterio sin respuesta inmediata sobre la causa de esta situación. “Es una película muy personal para todos nosotros”, explicaba el cineasta en una entrevista con Variety al hablar sobre la sensación de “no poder controlar el mundo exterior o estar completamente perdido en la situación”.

Inspirada en el confinamiento por el Covid

La historia, escrita por Matthew Robinson (De amor y monstruos), se inspiró en lo ocurrido durante la pandemia por coronavirus, pero cuando el director leyó el guion, sintió que la historia tenía algo más: “Aprovechemos la experiencia y la comprensión global que la pandemia generó en la gente: cómo sobrevivimos físicamente al principio, pero, sobre todo, cómo sobrevivimos psicológica y emocionalmente después”, concluye el director en la entrevista con el citado medio.

A pesar de triunfar entre los usuarios de Netflix, La última casa no ha convencido del mismo modo a la crítica. “No es lo suficientemente buena como para merecer una pantalla más grande, pero, si te ves atrapado en casa por razones sobrenaturales o no, es lo bastante buena como para darle al ‘ver’”, razonan en The Guardian. Por su parte, en TheWrap se muestran más convencidos y señalan que La última casa “está magistralmente dirigida y cuenta con un reparto excepcional, lo que compensa la mayor parte de sus evidentes deficiencias”.

En 2025, el periódico estadounidense The New York Times elaboró una lista con las que consideraba “las 100 mejores películas del siglo XXI”. Pocos directores repitieron en este ranking de lo mejor en el cine de los últimos 25 años, aunque algunos incluso cuentan con tres títulos en el mismo. Entre ellos, destaca David Fincher, cineasta que en los 2000 ya era mundialmente famoso gracias a Seven (1995) y El club de la lucha (1999), y que en el nuevo milenio ha liderado producciones tan memorables como Perdida (puesto número 64), La red social (puesto 10) y Zodiac (19).

Este último filme de Fincher se inspira en la escalofriante historia real del asesino del Zodiaco. Este criminal sembró el terror en el área de San Francisco (Estados Unidos) durante las décadas de 1960 y 1970, asesinando a cinco personas e hiriendo a dos mientras enviaba cartas firmadas tanto a la prensa como a las autoridades, sin que nadie nunca pudiera descubrir su identidad. Fincher coge esta historia y la traslada a la pantalla con una película de atmósfera inquietante y opresiva. La película sigue la obsesiva persecución del criminal por parte de un periodista, un policía y un dibujante, cuya investigación se prolonga durante más de dos décadas.

A diferencia de otros thrillers convencionales, Zodiac evita el camino fácil: su ritmo pausado y su estructura clásica terminan por sumergir al espectador en un estado de incertidumbre. El impacto de la película reside en la forma en que transita entre el horror y la cotidianidad, logrando que el público experimente la misma obsesión y desconcierto que sus protagonistas. Así, Fincher regresaba a la esencia de sus primeros éxitos en el cine de suspense como Seven y The Game (1997) para rodar una película cuyo éxito fue inmediato.

Las aplaudidas interpretaciones de los protagonistas

Con una puesta en escena sobria y una planificación perfecta, en la que plano y cada transición están cuidadosamente calculados, Zodiac centra gran parte de la intensidad de su historia en el meticuloso guion de James Vanderbilt. Este está basado a su vez en el libro que escribió Robert Graysmith, uno de los protagonistas de la película (interpretado por Jake Gyllenhaal), donde se aportan un gran número de detalles y matices que permiten al espectador convertirse en parte de la investigación para identificar a uno de los asesinos más célebres de la historia de Estados Unidos.

De este modo, el impacto y la tensión de Zodiac no solo se construyen a partir de los hechos, sino también de los pequeños gestos, las miradas y los silencios. La película atrapa desde el principio, con un crimen que da paso a una obsesión por atrapar a un fantasma. En este sentido, el trío protagonista (Jake Gyllenhaal, Mark Ruffalo y Robert Downey Jr.) destaca por sus interpretaciones, representando cada una faceta distinta de la investigación y sus consecuencias.

Por todo ello, la crítica se mostró muy entusiasmada con el trabajo de Fincher en la película, actualmente disponible tanto en Netflix como en Filmin. “Magníficamente obsesiva”, celebraban en el ya mencionado The New York Times. “Rara vez una película con tanta sangre en sus manos ha parecido tan insistentemente viva”. Por su parte, The Guardian describió Zodiac como “un thriller muy convincente y entretenido” en el que “las escenas de asesinatos son espeluznantes”.

Este fin de semana, Spider-Man: Brand New Day ha superado a Toy Story como la película más taquillera del año. La nueva película del superhéroe interpretado por Tom Holland ya ha superado los 1.200 millones de dólares de recaudación en todo el mundo, convirtiéndose en la segunda más exitosa de toda la saga, solo detrás de Spider-Man: No Way Home. Más allá de estas cifras, parece que la gran noticia para Marvel han sido las buenas valoraciones por parte de los espectadores, que han elevado este nuevo título a uno de los mejores de su universo cinematográfico de los últimos años.

A raíz de esta buena recepción, la plataforma de cinéfilos Letterboxd ha querido hacer un ranking de todas las películas protagonizadas por Spider-Man en solitario: desde aquellas en las que Tobey Maguire consagró al superhéroe en la gran pantalla a las que protagonizó Andrew Garfield, pasando por los éxitos de animación centrados en Miles Morales y por todos los títulos de Tom Holland. La comunidad entera de esta red social, que actualmente supera los 30 millones de usuarios, ha podido valorar todos estos títulos, de modo que la lista final los ordena de menor a mayor puntuación.

“Con Brand New Day arrasando en taquilla, es el momento perfecto para evaluar cuál de las aventuras cinematográficas del trepamuros se corona como la mejor según la calificación media”, afirman desde la plataforma. Cabe destacar, en este sentido, que incluso en los últimos puestos la puntuación supera las tres estrellas (sobre cinco), por lo que todas ellas han gustado bastante a los usuarios y no hay ninguna que se haya considerado verdaderamente mala. Ahora bien, las mejor posicionadas rozan las cuatro y media, por lo que estaríamos hablando de que algunas producciones sobre Spider-Man han supuesto, para los espectadores, una verdadera experiencia cinematográfica.

11. ‘The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro’

En la última posición nos encontramos con The Amazing Spider-Man 2: el poder de Electro, la segunda (y última) película de Andrew Garfield en la piel de Peter Parker. A pesar de contar con Jamie Foxx como villano, este título de dos horas y media no convenció a los fans por sus excesos: de subtramas, de villanos y de efectos especiales. Por otro lado, Garfield no convenció a todo el mundo con un personaje al que muchos comparaban con el Edward Cullen de Crepúsculo, reconvertido en chulito detrás de la máscara. Eso sí, la película logró reunir al suficiente público como para superar los 700 millones de dólares de recaudación, lo que compensó de sobras los 200 que costó la producción. Nota en Letterboxd: 3,3 sobre 5.

10. ‘Spider-Man 3′

La última película de Tobey Maguire con el traje del Hombre Araña tuvo un presupuesto de entre 258 y 350 millones de dólares, lo que la convirtió en la película más cara de la historia del cine en su momento. A pesar de eso, los efectos especiales no resultaron demasiado creíbles, como tampoco lo fue ese Peter Parker arrogante que, entre enemigos, intereses amorosos y rivalidades periodísticas, nos regala solos de batería o bailes en plena calle que ya son un clásico de los memes de Internet. Con todo, su puntuación en Letterboxd no es mala, aunque la sitúa como una de las peores del superhéroe: 3.3 sobre 5.

9. ‘Spider-Man: Lejos de casa’

Las películas de Tom Holland llegaron a Marvel mostrando un extraño contraste entre un adolescente con problemas (y actitudes) de adolescente que, entre medias, salva el universo junto al resto de Vengadores. Spider-Man: Lejos de casa da buena cuenta de ello, con unas vacaciones a Europa que acaban de la peor manera para Peter Parker. Jake Gyllenhaal en la piel de Mysterio le da un punto extra a la película, aunque a nadie se le escapa que, después de Endgame, el multiverso de Marvel inició una etapa de escasez de ideas donde los efectos especiales cada vez resultaban menos alucinantes. Nota en Letterboxd: 3,4 sobre 5.

8. Spider-Man: Homecoming

Tras el fracaso de crítica que supuso The amazing Spider-Man 2, Marvel tenía claro que el futuro del superhéroe pasaba, en primer lugar, por vincularlo al unvierso cinematográfico de Marvel y, en segundo lugar, por darle un nuevo rostro. Tom Holland fue el escogido para protagonizar una saga que inicia con Michael Keaton como villano y que Robert Downey Jr. en la piel de Iron Man termina de aderezar. El resultado: una película entretenida con un superhéroe gracioso y más infantil que sus predecesores, que logró el consenso como para iniciar una saga que sigue hasta nuestros días. 3,5 sobre 5.

7. ‘The Amazing Spider-Man’

Apenas cinco años después de Spider-Man 3, Columbia Pictures y Marvel estrenaron una nueva película del Hombre Araña con Andrew Garfield como protagonista y Emma Stone en la piel de Gwen. La química entre la pareja, a la que se le dedicó mucho más espacio que en la saga anterior, fue uno de los puntos que más convenció a los fans. Con todo, no lograron el mismo éxito ni el villano interpretado por Rhys Ifans, que en su piel de lagarto resultó demasiado poco creíble, ni la trama de la película, que muchos consideraron un tanto plana. Nota: 3,6 sobre 5.

6. ‘Spider-Man: No Way Home’

Quizá la película de Spider-Man que más expectación haya generado antes de su estreno y, por lo tanto, la que más reacciones extremas provocó después. La tercera película del superhéroe dirigida por Jon Watts tenía todos los ingredientes necesarios para triunfar: unos protagonistas consolidados (Tom Holland y Zendaya), un Vengador como aliado (Benedict Cumberbatch como Doctor Strange) y, sobre todo, a los dos anteriores Spider-Man, Tobey Maguire y Andrew Garfield, para encumbrar las posibilidades del multiverso. A pesar de todo, el fan service acabó resultando excesivo, y la trama y su resolución resultaron, como poco, decepcionantes. Nota: 3,9 sobre 5.

5. ‘Spider-Man’

La primera vez que Spider-Man pudo verse en carne y hueso en una película marcó un antes y un después en la historia del cine de superhéroes. Tobey Maguire, Kirsten Dunst y James Franco están geniales en sus juveniles papeles, por no hablar de un Willem Dafoe en el papel del Duende Verde que también sentaría las bases de todo lo que llegaría después. En la dirección, Sam Raimi sorprendió a todo el mundo pasando del terror hiperactivo de serie B a un blockbuster comercial que superó los 800 millones de dólares con pocos peros y muy fiel a los cómics. En Letterboxd, los usuarios le dan un 3,9 sobre 5.

4. ‘Spider-Man 2′

Para muchos, la mejor película de Spider-Man jamás hecha. Igual de entretenida que la primera de su saga, pero además, con la capacidad de mostrar el lado más humano tanto de su protagonista como de su villano, el Doctor Octopus al que da vida Alfred Molina. Al guion no le faltan momentos de humor ni un interesante desarrollo de la historia romántica, y Sam Raimi mejoró además los efectos especiales y brindó estupendas escenas de acción acompañadas de una ya icónica banda sonora. Nota: 3,9 sobre 5.

3. ‘Spider-Man: Brand New Day’

Venía avisando Marvel de que esta película no iba a ser como todas las anteriores del Spider-Man de Tom Holland. Con una reducción del CGI y más acrobacias reales, el Hombre Araña cambia de director (Destin Daniel Cretton sustituye a Jon Watts) para ofrecernos una película que nos habla de soledad y precariedad, recuperando la dimensión psicológica del superhéroe. La mayor madurez de Peter Parker ayuda también a que el público haya conectado más con él que en anteriores entregas, un paso también vital para que el personaje, sin el respaldo directo de los Vengadores, también nos resulte creíble. En Letterboxd tiene 4,1 estrellas sobre 5.

2. ‘Spider-Man: Un nuevo universo’

Poco después de conocer a Tom Holland como Peter Parker, Marvel nos regaló la primera película sobre el Spider-Man de Miles Morales, que no solo eleva a nuevas cotas al Hombre Araña, sino que también destaca como una de las mejores películas de animación de la última década. Al humor más que reconocible de Phil Lord y Christopher Miller (que este año ya han triunfado con Proyecto Salvación) se le suma un estilo caracterizado por la mezcla de distintos estilos y una emocionante historia sobre los orígenes de este superhéroe tan bien acompañado. La nota en Letterboxd habla por sí sola: 4,4 sobre 5.

1. ‘Spider-Man: Cruzando el Multiverso’

Parecía imposible superarla, pero la continuación de Spider-Man: Un nuevo universo consiguió mejorar, en todos los aspectos, a su predecesora. Con una animación todavía más espectacular que la primera y una historia que ahonda en lo que realmente significa ser Spider-Man, se consagró como la más abrumadora y emocionante de todas las que se han hecho sobre este personaje. Los fans tuvieron que esperar cinco años para que llegara y habrán esperado casi otro lustro para ver el cierre de la trilogía (programado para 2027), pero quienes han visto ya las dos entregas lo tienen claro: la espera, si se trata de Miles Morales, siempre vale la pena. Nota: 4,4 sobre 5.

El ranking de las películas más taquilleras de la historia volvió a moverse con el ingreso de Ne Zha 2, que alteró una lista dominada durante años por Hollywood y reabrió una pregunta sobre el negocio global del cine: qué factores explican que solo un puñado de títulos supere los USD 2.000 millones de recaudación mundial, según informó People.

La novedad no pasa solo por el monto. El ascenso de la secuela animada china empujó otra vez la discusión sobre el peso de las franquicias, la expansión del mercado asiático, el efecto de los reestrenos y la dificultad de comparar fenómenos separados por décadas. En ese terreno, el ranking deja de ser una simple lista de éxitos y ofrece una radiografía del modelo de taquilla que domina la industria.

El dato común entre casi todos los títulos es la pertenencia a universos narrativos ya instalados. Avatar, Avengers, Star Wars y Spider-Man integran una conversación global que las grandes productoras sostienen con campañas simultáneas, estrenos masivos y circulación internacional.

Otra variable clave es el criterio de medición. La lista se ordena por recaudación bruta mundial, sin ajuste por inflación. Eso favorece a estrenos recientes, a mercados internacionales más amplios y a películas que regresaron a salas con relanzamientos.

8. Spider-Man: No Way Home y el futuro de la franquicia

La película estrenada en 2021 recaudó USD 1.921 millones y quedó como la entrega más exitosa de la saga de Spider-Man. El cruce entre distintas etapas del personaje funcionó como motor de convocatoria y convirtió a la nostalgia en parte central de la propuesta comercial.

Su presencia en este ranking muestra que una película puede quedar fuera del umbral de los USD 2.000 millones y aun así instalarse entre los mayores fenómenos recientes de la taquilla.

7. Avengers: Infinity War y el ascenso de los superhéroes en taquilla

Estrenada en 2018, sumó USD 2.052 millones y se convirtió en la primera película de superhéroes en superar esa barrera a escala mundial. Su lugar en la lista no se explica solo por el volumen de personajes reunidos, sino por una estrategia de continuidad narrativa que el Universo Cinematográfico de Marvel había construido durante años. El título marcó un punto de inflexión para un género que pasó de ser un segmento fuerte a ocupar el centro del negocio global.

6. Star Wars: The Force Awakens y su hito para la franquicia

El regreso de la saga a los cines en 2015 alcanzó USD 2.071 millones de recaudación mundial. La película unió personajes históricos con una nueva generación de protagonistas y reactivó una franquicia con peso propio en la cultura popular. Su desempeño confirmó que el valor de una marca consolidada puede traducirse en un arranque excepcional cuando existe expectativa acumulada durante años.

5. Ne Zha 2: éxito internacional del cine animado chino

Estrenada en 2025, la secuela china reunió cerca de USD 2.260 millones y se convirtió en el elemento disruptivo del ranking.

Su aparición amplió el mapa habitual de la taquilla internacional, dominado por producciones en inglés, y expuso la magnitud del mercado cinematográfico chino. También planteó una señal para la industria: el techo de recaudación ya no depende de forma exclusiva de las franquicias nacidas en Estados Unidos.

4. Titanic: pionera en romper récords de recaudación

La película de 1997 alcanzó USD 2.264 millones con el impulso de su estreno original y de posteriores reestrenos. Fue la primera en superar los USD 1.000 millones, un antecedente que modificó la escala con la que la industria empezó a medir los grandes éxitos.

Su caso conserva un rasgo singular dentro de la lista: a diferencia de muchas producciones posteriores, no se apoyó en un universo expandido ni en una saga previa para construir su alcance global.

3. Avatar: The Way of Water y su desempeño

La secuela lanzada en 2022 recaudó USD 2.334 millones y confirmó la capacidad de Avatar para volver a convocar público más de una década después de la primera película.

El título reforzó una lógica conocida en el ranking: cuando una marca combina escala visual, distribución global y expectativa prolongada, conserva margen para movilizar audiencias masivas incluso en un mercado más fragmentado.

2. Avengers: Endgame y su impacto en la taquilla

Con USD 2.799 millones desde su estreno en 2019, quedó durante un período como la película más taquillera del mundo. El cierre de una saga desarrollada durante más de diez años condensó una expectativa poco frecuente incluso para los estándares de Marvel.

Su recorrido mostró hasta dónde puede llegar una franquicia cuando convierte cada estreno en un episodio central de una historia más amplia.

1. Avatar: la película más taquillera de la historia

Con más de USD 2.900 millones desde su lanzamiento en 2009, sigue al frente del ranking mundial. La película combinó innovación tecnológica, una permanencia extensa en cartel y varios relanzamientos que ampliaron su recaudación total. Su liderazgo funciona también como referencia de una etapa del negocio en la que el estreno en salas todavía concentraba una escala de consumo difícil de replicar.

La composición de esta lista deja una conclusión operativa para la industria: los récords de taquilla surgen, en casi todos los casos, de marcas globales, ventanas de exhibición amplias y campañas capaces de transformar cada estreno en un acontecimiento internacional. La irrupción de Ne Zha 2 añadió una variable nueva a ese patrón y volvió a poner en discusión quiénes pueden disputar el dominio histórico de Hollywood en la recaudación mundial.

El empresario Elon Musk se pronunció sobre la crisis migratoria que atraviesa España tras la llegada irregular de miles de personas a Ceuta desde Marruecos. A través de una publicación en su red social X, comparó las imágenes del flujo migratorio con escenas de la película Guerra Mundial Z, una producción de ficción centrada en una pandemia de zombis.

La publicación se produjo después de que se conocieran las primeras estimaciones sobre el ingreso irregular de migrantes a la ciudad autónoma española. Según datos difundidos por las autoridades, alrededor de 69.000 personas cruzaron desde Marruecos hacia Ceuta el 30 de julio y al menos 24 fallecieron ahogadas mientras intentaban alcanzar la costa.

Junto a un video de la llegada de migrantes, Musk escribió: “¡Vaya, la situación en España parece una locura!”, acompañando el mensaje con una referencia visual a Guerra Mundial Z, película estrenada en 2013 y protagonizada por Brad Pitt.

También estableció un paralelismo con la migración en Estados Unidos

Después de esa publicación, Musk compartió nuevas imágenes relacionadas con la frontera entre Estados Unidos y México durante la administración del expresidente Joe Biden.

El empresario acompañó ese contenido con el mensaje: “Esto era Estados Unidos con Biden”, estableciendo una comparación entre la situación migratoria registrada recientemente en Ceuta y los episodios ocurridos en la frontera estadounidense durante los últimos años.

Las publicaciones alcanzaron una amplia difusión debido a la elevada cantidad de seguidores que Musk posee en X, plataforma que utiliza con frecuencia para comentar temas tecnológicos, económicos y políticos.

¿Quién es Elon Musk?

Elon Musk nació el 28 de junio de 1971 en Pretoria, Sudáfrica. Posteriormente obtuvo la nacionalidad canadiense y estadounidense y desarrolló una carrera empresarial vinculada al sector tecnológico.

Su primer gran éxito llegó tras participar en la creación de X.com, empresa que más tarde se convertiría en PayPal. La venta de esta plataforma a eBay le permitió financiar nuevos proyectos centrados en la exploración espacial, los vehículos eléctricos y la inteligencia artificial.

En la actualidad es una de las figuras más influyentes de la industria tecnológica y participa en empresas que abarcan sectores muy diversos.

Las compañías tecnológicas que lidera

Musk es director ejecutivo de Tesla, fabricante de vehículos eléctricos y soluciones de almacenamiento energético.

También dirige SpaceX, compañía aeroespacial especializada en cohetes reutilizables, misiones espaciales y el desarrollo de la red de internet satelital Starlink.

Desde 2022 es propietario de X, la plataforma anteriormente conocida como Twitter, donde impulsa nuevas funciones relacionadas con pagos digitales, contenido multimedia e inteligencia artificial.

Además, fundó xAI, empresa responsable del desarrollo del chatbot Grok y de otros modelos de inteligencia artificial.

Su cartera empresarial también incluye Neuralink, enfocada en interfaces cerebro-computadora, y The Boring Company, dedicada al desarrollo de sistemas de transporte mediante túneles.

¿A cuánto asciende su fortuna?

El patrimonio de Elon Musk varía constantemente debido al comportamiento del mercado bursátil y al valor de sus empresas privadas.

Las estimaciones más recientes de los principales rankings financieros sitúan su fortuna por encima de los 800.000 millones de dólares, impulsada principalmente por sus participaciones en Tesla y SpaceX.

Gracias a ese patrimonio, Musk se mantiene como la persona con mayor riqueza del mundo y continúa siendo una de las figuras más influyentes del sector tecnológico, donde sus declaraciones y publicaciones suelen tener una amplia repercusión internacional.

Dwayne Johnson no esperaba que Moana recibiera una reacción tan negativa. El actor recuerda que las primeras reseñas de la nueva película de Disney parecían anunciar un panorama favorable, pero la situación fue totalmente distitna. Ahora, mientras la cinta enfrenta un desempeño comercial por debajo de las expectativas, Johnson decidió responder a quienes cuestionaron el remake.

“Nuestras dos primeras reseñas salieron. Nunca lo olvidaré… Fueron increíbles. Yo estaba como: ‘Guau’”, contó Johnson a PEOPLE. “Luego tomó otro rumbo, como a veces sucede”, reconoció entre risas.

La situación también tuvo un impacto comercial. La versión de acción real de Moana, dirigida por Thomas Kail y protagonizada por Catherine Lagaʻaia, llegó a los cines el 10 de julio con un presupuesto de producción de 250 millones de dólares. Hasta el momento, ha recaudado más de 263 millones de dólares a nivel mundial, una cifra que quedó por debajo de lo esperado para una superproducción de Disney.

Las cifras tampoco favorecieron al remake en el terreno de la crítica. Moana consiguió apenas un 31% de aprobación de los críticos en Rotten Tomatoes, aunque la valoración del público fue considerablemente más alta, con un 88%. En Metacritic obtuvo 42 puntos.

El resultado contrasta con el de la película animada estrenada en 2016, que alcanzó un 95% de aprobación de los críticos en Rotten Tomatoes. Parte de los comentarios de reproche hacia la nueva versión apuntan precisamente a que el remake reproduce gran parte de la historia original sin introducir cambios suficientes para justificar una nueva adaptación.

Un análisis publicado por ScreenRant también señaló problemas con el aspecto de algunos personajes creados mediante CGI, la pérdida del encanto de determinadas criaturas y la dificultad de la producción para reproducir la calidez de la cinta animada. Incluso el regreso de Johnson como Maui fue cuestionado por algunos críticos, quienes consideraron que su interpretación no funcionaba igual que en la versión animada.

Pese a todo, Johnson no parece dispuesto a reducir el valor de la película a sus puntuaciones. “Eso es simplemente lo que ocurre porque estamos en este negocio”, explicó el actor a PEOPLE.

El exluchador profesional contó que él y su esposa, Lauren Hashian, conversaron en casa sobre las críticas, especialmente durante las noches, cuando sus hijos ya estaban dormidos.

“El desafío era: ‘Está bien, recordemos qué habrá después de este fin de semana de estreno. Recordemos qué está pasando ahora y el ruido que está ocurriendo ahora’”, relató.

Su respuesta hacia quienes no disfrutaron de la película también fue clara: “Si te encanta, genial. Si no, no hay problema”.

Por qué Dwayne Johnson sigue defendiendo “Moana”

Para Johnson, el valor de la película no depende únicamente de las reseñas o de cuánto dinero consiga en los cines. Su enfoque estaba en la representación de la cultura polinesia.

“Lo que realmente importaba” era que “la cultura realmente se levantó”, afirmó. Johnson, cuya madre, Ata, es de ascendencia samoana, explicó que uno de los motivos por los que considera importante la película es la posibilidad de que las nuevas generaciones puedan verse representadas en una producción de gran escala.

“Porque mis hijos y yo ahora podemos mirar la pantalla grande y decir: ‘Esa somos nosotros por primera vez en una pantalla grande. Ahí estamos. ¿Qué tan genial es eso?’”, sostuvo.

Dicen que los polos opuestos se atraen. Tal vez por eso Alejandro, un machito que triunfa en Internet presumiendo de su habilidad para la seducción, se piensa que le bastan tres días para conquistar a Mariela, una activista feminista que no tarda en olerse las intenciones de su archienemigo. Con esta premisa arranca El último mono, la última comedia romántica de Joaquín Mazón (La familia Benetón, El casoplón) que se ha estrenado en cines este viernes 7 de agosto.

Dando vida a esta peculiar pareja están también dos actores bien distintos. A un lado, el archiconocido humorista Juan Dávila, que intercambia sus millones de seguidores en redes sociales por la cámara de cine; al otro, Susana Abaitua, actriz más que consolidada en cine y televisión, cuyos papeles dramáticos más conocidos (Patria, Un fantasma en la batalla) le han valido sendas nominaciones a los premios Feroz y a los Goya.

Así, el contraste en la pantalla está servido, pero también la química. “Es porque nos lo hemos currado y porque desde el minuto uno en los ensayos nos hemos llevado muy bien”, afirma ella. Juan Dávila asiente, pero no tarda en añadir que la parte física de Susana Abaitua lo ha puesto “más fácil”. “Quiero decir que hay veces que te tienes que enamorar de una persona a la que le huele el aliento y entonces tienes que hacer un poco más de esfuerzo centrándote en lo positivo, pero aquí no ha habido que hacer ningún trabajo extra”, se explica ante las risas de su compañera. “Ves, te estamos resumiendo la película: yo te digo que nos hemos llevado bien y él fijándose en mi físico”.

Una película para que el espectador se pregunte dónde está

A nadie se le escapa que, a pesar de tratarse de una comedia romántica ligera, el tema que aborda El último mono es delicado. Establecer una relación romántica entre un líder de la machosfera y una activista del feminismo corre el riesgo de equiparar a ambos personajes cuando no son lo mismo ni intelectual ni moralmente. Por eso, a la actriz Conchi Espejo (Valenciana), amiga de Mariela en la película, le preocupaba que algunos espectadores más concienciados pudieran considerarla “poco politizada”.

Sin embargo, la actriz no pone el foco en este grupo de espectadores, y considera que El último mono “es perfecta para que la gente que menos se suele hacer preguntas empiece a hacérselas”. Al fin y al cabo, pese a protagonizar un romance lleno de gags, la evolución de ambos personajes es muy distinta al final de la historia. “Creo que, en la sociedad en la que estamos hoy en día, esta película es una herramienta muy potente para llegar al máximo de espectadores posibles y que se pregunten: ‘Uy, pero ¿yo dónde estoy? ¿Qué personaje de los dos me representa más?’“.

Por su parte, Joaquín Mazón afirma que el feminismo no es el tema de la película, sino “las contradicciones del ser humano”. “Lo que hemos intentado es desmontar la figura de un hombre que, ahora, se está aprovechando de gente perdida en redes sociales, porque la gran pregunta que nos hacemos es quién hay detrás de todos esos movimientos de la machosfera”. Por eso, para él, El último mono habla de nuestra propia sociedad y “la va a disfrutar todo el mundo”, aunque al mismo tiempo sea “ciertamente generacional”.

Un machista de manual y un ejemplo de “nuevas masculinidades”

A la hora de interpretar a sus respectivos personajes, cada intérprete ha tenido que hacer un trabajo distinto. Mientras Abaitua explica que se sintió completamente identificada con el personaje, Espejo asegura que interpretar a Leire le ha hecho ser consciente de sus propias contradicciones y, además de corregirlas, aprender a reírse de ellas. Más difícil lo tenía Dávila, a quien le tocó “disociarse” del personaje. “Más que entenderlo, hice un trabajo para ir encontrando un poco la naturalidad en él”, explica. Su compañera protagonista destaca de él que “no ha apretado en la parte machista del personaje y le ha dado una esencia muy bonita, sin querer salvarlo tampoco de ridiculizarlo”.

Esos toques de humanidad en Alejandro llegan sobre todo por la relación que este tiene con su hermano Samuel, interpretado por Óscar Lasarte (¿Es el enemigo? La película de Gila), y en su necesidad de ‘enseñarle a triunfar’ que acaba convirtiéndose en fuente de ruptura entre ambos. “Yo creo que Samu es una persona muy perdida, que por pertenecer a algo se ha acogido al club este de ligar”, comenta este actor nominado al Goya a Mejor actor revelación en 2025. “El chico no se siente identificado con este tipo de cosas, es un poco el hombre deconstruido, y es interesante explorarlo porque da voz a una nueva masculinidad, adaptada a la evolución natural de la sociedad”.

“El personaje de Samu me gusta mucho porque tiene mucha ternura y porque busca un referente en el lugar equivocado”, completa Joaquín Mazón. “Y, quizá, él se acaba convirtiendo en el referente de su hermano, de modo que todos los personajes suman mucho y aportan a la película; no hay nada gratuito”. El último mono no intenta “adoctrinar”. “Yo creo que hay que focalizarse en hablar de los seres humanos”, explica un cineasta que aprovecha cuestiones sociales cotidianas (la vivienda y la conciliación en El casoplón, por ejemplo) como marco para sus comedias. “Me focalizo en personajes con contradicciones, más en las personas que en el mensaje”.

Sam Neill formará parte de The Legend of Zelda, la película de imagen real basada en los videojuegos de Nintendo, según informó Deadline. El actor alcanzó a filmar sus escenas antes de morir el 13 de julio a los 78 años, pero su personaje todavía no fue revelado. El mismo reporte vincula al proyecto con Uli Latukefu, Dichen Lachman e Yvonne Strahovski. El estreno está previsto en cines para el 30 de abril de 2027.

Sam Neill alcanzó a rodar sus escenas

La participación de Neill convierte a la adaptación en uno de los últimos trabajos pendientes de estreno del actor. La estrella de Jurassic Park murió pocos meses después de anunciar que había superado el cáncer contra el que había luchado durante cinco años.

Antes de su fallecimiento, Neill había trabajado en varias producciones que todavía no llegaron a los cines. Entre ellas se encuentra Godzilla x Kong: Supernova, otra de las películas que permitirán volver a verlo en pantalla después de su muerte.

Deadline señala que el intérprete completó sus escenas para The Legend of Zelda. No hay detalles sobre el personaje, su importancia dentro de la historia ni la cantidad de tiempo que aparecerá en pantalla. Tampoco se informó si su participación requerirá algún ajuste durante la etapa de posproducción.

La película será un live action, es decir, una adaptación realizada con actores y escenarios reales en lugar de la animación utilizada en la anterior producción cinematográfica de Nintendo, Super Mario Bros. La película. La historia concreta y el videojuego que servirá como principal referencia siguen sin anunciarse.

Los posibles rostros de Ganondorf e Impa

El reporte indica que Uli Latukefu interpretará a Ganondorf, el antagonista recurrente de la franquicia. El actor australiano de ascendencia tongana es conocido por encarnar a la versión joven de Dwayne Johnson en la serie Young Rock. También trabajó en Alien: Covenant, Black Adam, MaXXXine y Countdown.

La elección todavía no fue anunciada formalmente por Nintendo. Esa distinción resulta importante porque, hasta ahora, los únicos protagonistas confirmados son Benjamin Evan Ainsworth como Link y Bo Bragason como la princesa Zelda. Latukefu aparece ligado al papel a través de fuentes cercanas al proyecto, citadas inicialmente por el periodista de The New York Times Kyle Buchanan.

Dichen Lachman, conocida por Separación, también estaría dentro del reparto. Fotografías tomadas durante el rodaje alimentaron los reportes que la señalan como Impa, guardaespaldas y consejera de Zelda en diferentes entregas de los videojuegos. Su papel tampoco tiene confirmación oficial.

La otra incorporación mencionada es Yvonne Strahovski, actriz de La guerra del mañana. Según la información publicada, interpretaría a una reina, aunque no se especificó el nombre del personaje. El elenco reportado incluye además a Latukefu, cuya presencia daría a la película uno de los principales villanos de la saga.

Dirección, información pendiente y fecha de estreno

La adaptación está dirigida por Wes Ball, responsable de El corredor del laberinto. Nintendo ha ofrecido pocos detalles sobre el argumento, el diseño de los personajes o el periodo de la cronología que tomará como base. Tampoco presentó oficialmente a los nuevos integrantes señalados por Deadline.

La diferencia entre los reportes y los anuncios formales deja varios datos sujetos a cambios. La participación de Neill aparece respaldada por la información de que ya rodó sus escenas, mientras que los personajes atribuidos a Latukefu, Lachman y Strahovski permanecen sin validar por los responsables de la producción.

The Legend of Zelda mantiene su estreno cinematográfico previsto para el 30 de abril de 2027.

Gareth Edwards no dirigirá la próxima película de Jurassic World después de abandonar el proyecto por diferencias creativas. La salida fue reportada el jueves por Deadline y The Hollywood Reporter, mientras Universal Pictures y Amblin comenzaron la búsqueda de un reemplazo. El desarrollo continúa con la intención de rodar en 2027 y llegar a los cines, probablemente, en 2028.

El proyecto continúa sin Gareth Edwards

La partida del director no detuvo los planes para continuar la historia iniciada en Jurassic World: El renacer. David Koepp permanece al frente del guion después de escribir la entrega anterior y de haber trabajado en la película original de 1993. Su permanencia garantiza que el libreto seguirá avanzando mientras los productores eligen a otro cineasta.

También se espera que Scarlett Johansson, Mahershala Ali y Jonathan Bailey retomen sus respectivos papeles. Los tres encabezaron el nuevo reparto presentado en El renacer, aunque sus contratos para la siguiente película todavía no fueron confirmados públicamente.

Steven Spielberg y Frank Marshall seguirán como productores ejecutivos, una función centrada en la supervisión general del proyecto. Universal considera la secuela una producción prioritaria y mantiene el calendario preliminar pese a la vacante en la dirección.

Edwards, en cambio, concentrará su trabajo en proyectos originales propios. No se dieron detalles sobre esas producciones ni sobre cuánto tiempo llevaba involucrado en el desarrollo de la nueva Jurassic World antes de su salida.

Una salida después de 872 millones de dólares

El cambio ocurre después del rendimiento comercial de El renacer, que recaudó alrededor de 872 millones de dólares en la taquilla mundial. La película presentó un nuevo grupo protagonista y abrió otra etapa para la franquicia después del cierre de la trilogía anterior en 2022.

Universal evitó explicar cuáles fueron los desacuerdos con Edwards. En un comunicado, el estudio se limitó a señalar que tuvo “una experiencia increíble trabajando con Gareth”. Los informes de Deadline y The Hollywood Reporter atribuyen la separación a diferencias creativas, sin especificar si estaban relacionadas con el guion, el enfoque narrativo o el calendario de producción.

La recaudación y el regreso previsto del elenco muestran que Universal busca mantener la base de El renacer. La salida de su director introduce, sin embargo, una variable importante: la persona elegida deberá incorporarse a una película que ya cuenta con guionista, productores ejecutivos, posibles protagonistas y una ventana tentativa de rodaje.

El antecedente de David Leitch

Edwards tampoco había sido la primera opción para dirigir El renacer. Cuando Universal decidió continuar la saga después de que Colin Trevorrow cerrara la segunda trilogía en 2022, el nombre inicialmente asociado con el proyecto fue David Leitch, director vinculado con John Wick.

Leitch terminó alejándose antes de incorporarse formalmente, también por diferencias creativas. Universal contrató entonces a Edwards, quien trabajó sobre el guion de Koepp y llegó al proyecto con experiencia en grandes producciones como Godzilla, Rogue One y The Creator.

La nueva búsqueda repite parte de ese proceso, aunque esta vez Universal cuenta con una entrega reciente de fuerte rendimiento comercial y un reparto que podría regresar. El nombre del próximo director todavía no fue informado, y tampoco existe un título oficial para la película.

Si el calendario previsto se mantiene, la producción comenzará durante 2027. El estreno se proyecta para 2028, tres años después de Jurassic World: El renacer.

Los códigos secretos de Netflix son una forma de acceder a categorías “ocultas” (microgéneros) que no aparecen como una pestaña visible dentro de la plataforma, pero que existen en su sistema de clasificación.

La lógica es simple: cada categoría tiene un número y, si lo usas en una URL específica, Netflix te lleva directo a ese catálogo. También funciona si lo agregas directamente en el buscador de la plataforma.

Por ejemplo, Anime se agrupa bajo el código 7424 y Películas de terror bajo el código 8711. En ambos casos, al entrar a la categoría se despliegan subcategorías aún más específicas.

Animes

El código general de la categoría es 7424.

Entre sus subcategorías aparecen, por ejemplo:

• Anime de ciencia ficción (2729).
• Anime de comedia (9302).
• Anime de drama (452).
• Anime de terror (10695). 
• Animes de acción (2653). 
• Animes de fantasía (11146).
• Películas de anime (3063).
• Series de anime (6721).

Documentales

El código general de la categoría es 6839. Dentro de esa sección figuran subgéneros como:

• Documentales biográficos (3652).
• Documentales históricos (5349).
• Documentales políticos (7018).
• Documentales sobre ciencia y naturaleza (2595).
• Documentales sobre crímenes (9875).
• Documentales sobre música y conciertos (90361).

LGBTQ+

El código general de la categoría es 5977. A partir de ahí, Netflix agrupa opciones como:

• Comedias LGBTQ+ (7120). 
• Documentales LGBTQ+ (4720).
• Dramas LGBTQ+ (500).
• Películas LGBTQ+ románticas (3329).
• Series LGBTQ+ (65263).

Música

El código general de la categoría es 1701. En la lista aparecen, por ejemplo, Conciertos de rock y pop (3278), Conciertos urbanos y de danza (9472), Jazz y easy listening (10271), Musicales (13335), Música latina (10741) y Música infantil (52843).

Películas de acción y aventura

El código general de la categoría es 1365. Algunos títulos dentro del género incluyen:

• Películas de artes marciales (8985).
• Películas de historietas y superhéroes (10118).
• Wésterns (7700).
• Películas de acción y aventura de espías (10702).

Películas de terror

El código general de la categoría es 8711. Entre las subcategorías figuran Películas de monstruos (947), Películas de terror con vampiros (75804), Películas de terror de zombis (75405), Películas de terror sobrenatural (42023) y Películas sobre psicópatas y asesinos seriales (8646).

Películas para reír

En el listado se incluyen subgéneros como Comedias de adolescentes (3519), Comedias de enredos (9702), Comedias físicas (10256), Películas de humor negro (869), Especiales de stand up (11559) y Sátiras (4922).

Películas para ver en familia

Las subcategorías disponibles incluyen Contenido infantil (27346), Dibujos animados (11177), Educación para niños (10659) y segmentaciones por edad, como Películas para niños de 5 a 7 años (5455) o Películas para niños de 11 a 12 años (6962).

Netflix ha usado IA en 300 de sus películas y series

Netflix reconoció que alrededor de 300 títulos de su catálogo usaron inteligencia artificial generativa en algún punto del proceso de producción.

La compañía lo informó en su reporte financiero del segundo trimestre de 2026, donde vinculó esta tecnología con una estrategia para optimizar calidad, costos y tiempos de entrega en un mercado cada vez más competitivo.

En ese mismo marco, indicó ingresos por USD 12.560 millones en los últimos meses y sostuvo su objetivo de duplicar su facturación publicitaria hasta llegar a USD 3.000 millones.

Según explicó Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, la IA permite trabajar “el doble de rápido y a la mitad de coste”.

La herramienta interviene de punta a punta: desde el desarrollo de ideas y la previsualización hasta la posproducción y la entrega final.

Entre los usos mencionados aparecen la creación de multitudes digitales, la recreación de secuencias históricas y la generación de planos generales para construir mundos ficticios.

Como ejemplos, Netflix citó The American Experiment, Glory y Brasil 70: A Saga do Tri.

En The American Experiment, 17 minutos se optimizaron para recrear batallas y planos generales; en Brasil 70, la IA sirvió para llenar estadios con público digital. La empresa insistió en que la IA apoya a los creadores y que las decisiones artísticas siguen en manos humanas.

Josh D’Amaro, director ejecutivo de Disney, reconoció durante la presentación más reciente de resultados financieros que The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana rindieron por debajo de las expectativas en los cines durante 2026. El ejecutivo rechazó tratarlas como fracasos absolutos: aseguró que ambas producciones impulsaron el merchandising, los parques temáticos, los videojuegos y el streaming.

Dos resultados por debajo de lo esperado

Las cifras explican la admisión de D’Amaro. The Mandalorian and Grogu recaudó alrededor de 345 millones de dólares en taquilla. Aunque se trata de una suma considerable, quedó lejos del rendimiento de anteriores películas de Star Wars y fue señalada como el largometraje de acción real menos taquillero de la franquicia.

La película trasladó al cine la historia iniciada en la serie de Disney+, con el mandaloriano Din Djarin y Grogu como protagonistas. Su vínculo directo con una producción televisiva exitosa no fue suficiente para alcanzar las previsiones que Disney había establecido para su estreno en salas.

El caso de Moana presenta una diferencia más estrecha entre recaudación y costo de producción. El remake obtuvo unos 262 millones de dólares en todo el mundo frente a un presupuesto cercano a los 250 millones. Esa comparación no incluye la inversión en publicidad y distribución, por lo que igualar el presupuesto con la venta de entradas no implica recuperar todos los costos.

Las estimaciones citadas ubican las pérdidas netas de Moana entre 100 y 125 millones de dólares. La cifra convierte al remake en uno de los tropiezos más costosos del año para Disney, especialmente frente al buen desempeño atribuido a otros estrenos como Toy Story 5 y Spider-Man: Un nuevo día.

D’Amaro resumió la situación con una admisión directa recogida por Variety: “Incluso cuando nuestras películas de franquicia no cumplen con nuestras expectativas de taquilla, como ocurrió con The Mandalorian and Grogu y la versión de acción real de Moana, nuestras inversiones en estas propiedades clave impulsan otras áreas de Disney”.

Star Wars encontró ingresos fuera de las salas

Disney sostiene que el desempeño comercial de una producción no termina cuando deja la cartelera. En el caso de The Mandalorian and Grogu, D’Amaro afirmó que el estreno produjo un crecimiento sólido en las ventas minoristas vinculadas con Star Wars. Grogu, el personaje conocido popularmente como Baby Yoda, continúa siendo una pieza importante del catálogo de productos derivados.

El ejecutivo también relacionó la película con una mayor asistencia a la atracción renovada del Halcón Milenario, disponible en Disneyland y Walt Disney World. Disney utiliza sus estrenos para dirigir público hacia sus parques, donde una franquicia puede generar ingresos mediante entradas, hoteles, alimentos y productos. D’Amaro no informó cuánto dinero produjo ese movimiento ni si fue suficiente para compensar el resultado cinematográfico.

La película también habría generado una participación relevante en videojuegos relacionados con Star Wars. El reporte no identifica títulos concretos ni ofrece cifras de jugadores o ventas, pero incluye esa actividad entre los beneficios derivados del estreno.

Este argumento permite a Disney separar dos mediciones. La primera corresponde al balance específico de la película en cines, donde The Mandalorian and Grogu quedó bajo lo esperado. La segunda reúne los ingresos y la actividad producidos en divisiones conectadas con la misma propiedad, desde artículos de consumo hasta visitas a parques y participación en juegos.

Vaiana tendrá una segunda prueba en Disney+

Disney espera que Moana encuentre una audiencia mayor cuando llegue a Disney+. La previsión se apoya en el rendimiento de la película animada original, descrita por D’Amaro como uno de los títulos más vistos de la historia del streaming.

El paso a Disney+ puede aumentar las reproducciones y ayudar a retener suscriptores, aunque Disney no comunicó una fecha de estreno en la plataforma ni una estimación económica. Tampoco indicó cuántas visualizaciones necesitaría el remake para compensar las pérdidas asociadas con su recorrido en salas.

“Estas inversiones en franquicias contribuyeron a la creación de valor más allá de sus estrenos en cines”, explicó D’Amaro ante los inversores. La declaración reconoce la brecha entre las expectativas y la recaudación, pero desplaza parte de la evaluación hacia áreas cuyos resultados no fueron detallados públicamente.

Ese criterio no modifica las cifras de taquilla: Moana quedó expuesta a una pérdida estimada de hasta 125 millones de dólares y The Mandalorian and Grogu terminó por debajo de anteriores películas de Star Wars. La previsión comunicada por Disney es que Moana se convierta en un título fuerte de Disney+ después de su paso por los cines.

Entre las muchas comodidades que nos brindan las plataformas de streaming, se cuenta la de poder ver películas que tuvieron un gran impacto tras su estreno y que, en otras circunstancias, nos habría costado más encontrar. Buen ejemplo de ello es Diarios de motocicleta, una de las mejores películas argentinas de este siglo, recién recuperada por Prime Video.

Este filme, dirigido por Walter Salles (Aún estoy aquí), se centra en la juventud del revolucionario Ernesto Che Guevara, reconstruyendo el viaje que, mucho antes de alzar las armas, recorrería gran parte de Sudamérica junto a su amigo Alberto Granado. Así, durante dos horas seguimos a estos compañeros haciendo un viaje improvisado en motocicleta por países como Argentina, Chile, Perú o Venezuela, descubriendo realidades sociales que marcan un antes y un después en su visión del continente. El relato, lejos de situarse en la épica revolucionaria, opta por la mirada íntima y el asombro ante el mundo.

Salles elige mostrar los paisajes de Latinoamérica con una sensibilidad que explota el placer de contemplar la película. Junto a Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna, actores que dan vida a los protagonistas, observamos escenarios naturales que van desde los Andes hasta la selva amazónica. Esto es posible gracias a una colaboración inédita entre instituciones cinematográficas de varios países para producir una cinta que es, a la vez, testimonio de una identidad colectiva capaz de trascender fronteras. “Una reconstrucción emocionante y tierna”, opinaron The New York Times cuando se estrenó.

Una reivindicativa intervención en los Oscar

A pesar del carácter político de un personaje como el Che, la película de Walter Salles es de todo menos panfletaria. Al contrario, se enfoca más en la parte humanista y social de la historia que cuenta. Diarios de motocicleta tiene la estructura de una road movie que conecta escenarios y experiencias, pero se centra en subrayar la emoción y la transformación personal antes que cualquier análisis político. Además, Gael García Bernal nos ofrece un personaje simpático y cercano, que nos engancha en todo momento a la historia.

Pero si algo nos engancha es, sobre todo, la música. A las composiciones del dos veces ganador de un Oscar a la Mejor banda sonora, Gustavo Santaolalla, hay que añadirle la canción que le dio una estatuilla a la película, Al otro lado del río, obra de Jorge Drexler. El hito no es menor: el cantautor uruguayo consiguió que un tema en español ganara por primera vez el premio, aunque hubo cierta polémica después de que la Academia decidiera no hacer el tradicional concierto en la gala del ganador en la categoría, al considerar que este músico no era lo bastante conocido en Estados Unidos.

Aunque Drexler aceptó la decisión, el gesto molestó bastante al público latinoamericano, que percibió la medida como una falta de reconocimiento. Sin embargo, cuando se le entregó el premio (a manos de Prince, ni más ni menos), el cantautor subió al escenario y, tras hacerle una reverencia a su ídolo, sorprendió al público interpretando a cappella varios versos de la canción: “Clavo mi remo en el agua / Llevo tu remo en el mío / Creo que he visto una luz / al otro lado del río”. Su breve intervención, sin discurso ni agradecimientos convencionales, fue leída como un acto de dignidad y reivindicación cultural. “Gracias, chao”, dijo el artista justo antes de retirarse con el premio.

La presencia del puerto USB en la mayoría de los televisores modernos ha expandido las posibilidades para ver películas y series sin depender de una conexión a internet.

Este conector permite acceder a archivos multimedia almacenados en memorias externas, una alternativa para quienes buscan reproducir contenido más allá de las aplicaciones streaming.

Aunque muchos usuarios asocian el puerto USB únicamente con la recarga de dispositivos, sus funciones son mucho más variadas. Desde la visualización de videos hasta la actualización de software, el USB se convierte en una herramienta práctica para aprovechar el televisor en contextos sin acceso a la red WiFi.

Cómo descargar películas o capítulos de una serie en una unidad USB

El primer paso consiste en obtener los archivos de video, ya sean películas completas o capítulos de series, y guardarlos en una memoria USB. Es clave asegurarse de que el archivo esté en un formato compatible con el televisor, como MP4 o AVI para video y MP3 para audio.

El procedimiento habitual es descargar el archivo en una computadora y copiarlo a la memoria USB, que conviene formatear previamente en un sistema reconocido por el televisor, como FAT32 o exFAT.

Para facilitar la navegación desde el menú del televisor, se sugiere organizar los archivos en carpetas y evitar nombres largos o caracteres especiales.

Algunos dispositivos pueden no reconocer archivos a pesar de tener la extensión adecuada, por variables como la compresión o la estructura interna de las carpetas. Por eso, es útil revisar la lista de formatos admitidos en el manual del fabricante antes de transferir contenidos.

De qué forma conectar la memoria USB al televisor y acceder a películas o series

Una vez copiados los archivos en la memoria, el siguiente paso consiste en introducir la memoria USB en el puerto correspondiente del televisor. Algunos dispositivos de almacenamiento cuentan con su propio interruptor de encendido, que debe activarse antes de la conexión.

Según manuales de fabricantes como Sony, tras insertar la memoria, se debe utilizar el control remoto para acceder al menú principal y buscar la opción de Reproductor Multimedia.

Al ingresar a este menú, el televisor muestra las carpetas y archivos almacenados en la memoria USB. El usuario puede navegar por las carpetas y seleccionar la película, capítulo o archivo musical que desea reproducir.

En la mayoría de los modelos, la reproducción comienza automáticamente tras la selección, aunque algunos sistemas ofrecen opciones adicionales como subtítulos o selección de idioma, si el archivo lo permite.

Qué formatos de archivo permite el puerto USB del televisor

La compatibilidad de formatos es uno de los aspectos más claves al elegir los archivos que se desean reproducir. Los televisores de marcas como Sony suelen aceptar extensiones JPEG y PNG para imágenes, MP3 para música, y MP4 o AVI para video.

Si un archivo no es reconocido, el primer paso sugerido es consultar el manual específico del modelo o la página web oficial del fabricante, donde figura la lista de formatos admitidos. La incompatibilidad suele estar relacionada con el tipo de compresión o con la organización interna de los archivos en la memoria.

Cómo actualizar el televisor a través del puerto USB

Una de las funcionalidades menos conocidas del puerto USB es la posibilidad de actualizar el software o firmware del televisor. Este proceso requiere descargar el archivo de actualización desde el sitio web oficial del fabricante y guardarlo en una memoria USB vacía.

Después, se debe conectar la memoria al televisor, acceder al menú de configuración y seleccionar la opción de actualización manual. El sistema detecta el archivo y ejecuta la actualización siguiendo las indicaciones que aparecen en pantalla.

Esta función resulta muy valiosa para quienes utilizan modelos sin acceso a internet, porque permite corregir errores y acceder a mejoras de funcionamiento sin depender de la red WiFi.

Gemma abre una puerta desde el Más Allá

La historia sigue a Gemma, una madre joven que vuelve a instalarse con su hija en la casa donde creció. Allí descubre que puede viajar al Más Allá, el plano purgatorial habitado por las almas perdidas que ha servido como escenario sobrenatural de la franquicia desde su primera entrega.

Gemma cuenta con una capacidad que cambia las reglas conocidas por los personajes: además de entrar en ese territorio, puede devolver al mundo real a quienes permanecen atrapados allí. Esa habilidad ofrece una posible vía de escape para las almas, pero también abre una puerta para las entidades malignas.

Cuando los demonios descubren lo que Gemma puede hacer, comienzan a perseguirla. El peligro deja entonces de estar limitado al Más Allá, ya que sus habitantes encuentran una forma de acceder al mundo de los vivos. El tráiler final concentra su conflicto en esa consecuencia y en el riesgo que enfrenta la protagonista junto con su hija.

El poder de Gemma funciona así como el eje de la nueva película. Su capacidad podría ayudar a quienes quedaron encerrados en el plano purgatorial, aunque cada intento de traer a alguien de regreso también puede permitir el paso de una presencia hostil.

Lin Shaye regresa como Elise Rainier

La película recupera a Elise Rainier, la médium interpretada por Lin Shaye desde la primera entrega. El personaje ha sido una figura recurrente de la saga y uno de sus principales vínculos entre las distintas historias relacionadas con el Más Allá.

El regreso de Elise conecta la trama de Gemma con las reglas y amenazas establecidas en las películas anteriores. La información difundida junto con el adelanto la ubica otra vez en el centro del relato, aunque no detalla cómo se producirá su encuentro con la nueva protagonista ni cuál será su participación frente a los demonios que cruzan al mundo real.

Amelia Eve encabeza el nuevo reparto después de interpretar a Jamie en La Maldición de Bly Manor, serie de terror en la que también trabajó con una historia atravesada por casas, recuerdos y presencias sobrenaturales. En esta ocasión, su personaje debe comprender una habilidad desconocida mientras intenta proteger a su hija dentro del mismo hogar donde pasó su infancia.

La combinación entre Gemma y Elise permite que la película introduzca a una protagonista nueva sin apartarse de uno de los rostros más reconocibles de La Noche del Demonio. El adelanto reserva detalles sobre la relación entre ambas y sobre las entidades específicas que aprovecharán la apertura creada desde el Más Allá.

James Wan, Leigh Whannell y Blumhouse vuelven a la saga

El equipo creativo reúne nuevamente a James Wan y Leigh Whannell, creadores de la franquicia. Wan también es reconocido por dirigir El Conjuro, mientras que Whannell estuvo a cargo de la nueva versión de El Hombre Invisible.

A ellos se suma Jason Blum, responsable de Blumhouse, productora vinculada con numerosos títulos de terror de las últimas dos décadas. La participación de estos nombres mantiene detrás del proyecto al equipo relacionado con el origen y el desarrollo de la saga.

La Noche del Demonio ha construido sus historias alrededor de viajes espirituales, posesiones y contactos con un plano ocupado por almas y demonios. La nueva entrega modifica uno de esos elementos: el cruce ya no funciona únicamente como un viaje hacia ese territorio, porque Gemma también puede trasladar a sus habitantes en la dirección contraria.

Sony Pictures no reveló más detalles sobre las consecuencias de ese poder ni sobre el papel concreto de Elise en el enfrentamiento. La Noche del Demonio: Están entre Nosotros se estrenará exclusivamente en salas de cine el 20 de agosto.

La historia de Good Will Hunting (Mente indomable) está marcada por una de las grandes paradojas de Hollywood: una película que convirtió a Ben Affleck y Matt Damon en nombres reconocidos de la industria también les dejó una lección temprana sobre el manejo del dinero. Casi tres décadas después del estreno del filme, Damon recordó cuánto recibieron por vender el guion de la cinta y reveló que, pese al éxito del proyecto, ambos estuvieron cerca de quedarse sin fondos poco después.

La confesión surgió en una entrevista realizada a inicios de 2026 en el podcast New Heights, conducido por Travis y Jason Kelce. El fragmento volvió a circular en redes sociales meses después y generó interés por la inesperada situación económica que vivieron los dos actores al comienzo de sus carreras.

“Vendimos el guion por 600.000 dólares, lo que fue simplemente… mucho más dinero del que cualquiera de los dos había imaginado”, explicó Damon durante la conversación. Sin embargo, esa cifra no representó la cantidad final que llegó a sus cuentas bancarias.

El actor de La Odisea detalló que él y Affleck dividieron el pago, pero luego ese monto se redujo considerablemente al descontarle “impuestos, agentes, abogados y todo eso…”. Damon señaló que cada uno terminó con menos de 150.000 dólares.

La primera decisión que tomaron con ese dinero fue una compra que ambos recordarían años después: nuevos vehículos. “Lo primero que hicimos fue comprar nuevos Jeep Grand Cherokees”, contó el actor. Después, la renta de una vivienda de lujo cerca del Hollywood Bowl aceleró el gasto de sus ingresos iniciales.

“Estábamos alquilando este lugar en Los Ángeles y no pasó mucho tiempo hasta que dijimos: ‘Amigo, tenemos que conseguir otro trabajo’”, relató Damon.

“Cuando vendimos Mente indomable, pensamos que eso era absolutamente todo. Y un año después estábamos sin dinero”, afirmó, aunque aclaró entre risas que no estaban “100% quebrados”.

El éxito de una película que cambió sus carreras

Estrenada en 1997, Mente indomable fue escrita por Damon y Affleck, quienes además interpretaron papeles principales en la historia dirigida por Gus Van Sant. La película siguió la vida de Will Hunting, un joven con un talento extraordinario para las matemáticas que trabaja como conserje y comienza un proceso de transformación personal con la ayuda de un terapeuta.

La película contó con las actuaciones de Robin Williams, Minnie Driver y Stellan Skarsgård, y se convirtió en un éxito tanto de crítica como de taquilla. La producción, realizada con un presupuesto estimado entre 10 y 16 millones de dólares, recaudó alrededor de 225 millones de dólares a nivel mundial.

Además, Mente indomable recibió nueve nominaciones a los Premios Óscar y ganó dos estatuillas en la ceremonia de 1998: Robin Williams obtuvo el premio a Mejor actor de reparto, mientras que Damon y Affleck ganaron el galardón a Mejor guion original por su trabajo como escritores.

Después del impacto de Mente indomable, Damon y Affleck establecieron una de las colaboraciones creativas más conocidas de Hollywood. A lo largo de los años volvieron a trabajar juntos en proyectos como The Last Duel (2021), Air (2023) y The Rip (2026).

Además, ambos fundaron en 2022 su propia compañía de producción, Artists Equity, con la intención de desarrollar nuevos proyectos dentro de la industria cinematográfica.

Disney y TikTok anunciaron un acuerdo para que creadores de contenido puedan acceder a escenas y momentos de títulos de Pixar, Marvel, Star Wars, FX, entre otros y usarlos para producir videos cortos.

Esos clips se publicarán en dicha red social y también estarán disponibles en Verts, la sección de videos verticales dentro de la aplicación de Disney+.

Los creadores, por ejemplo, podrán hacer un video con un fragmento de la película Star Wars: El ataque de los clones o Intensamente y sumarle algún comentario, reacción, explicación o edición.

Según el anuncio, los videos serán de creadores que opten por participar en el programa piloto que se desplegará en Estados Unidos en los próximos meses. Disney señaló que su intención es extender este programa a otros mercados más adelante.

“A través del Programa de Embajadores Creadores de Disney, gestionado conjuntamente, Disney y TikTok permitirán a los creadores más destacados acceder a recompensas especiales, mayor visibilidad, acceso a eventos exclusivos y oportunidades de desarrollo profesional”, explicó la compañía de entretenimiento.

Disney no ha especificado el proceso mediante el cual los creadores pueden acceder a este contenido licenciado.

Según un estudio citado por Disney, casi la mitad de los espectadores afirmaron haber visto una película o serie en un servicio de streaming o en televisión después de descubrir contenido de entretenimiento en la red social mencionada.

Además, los fans compartieron un promedio de 6,5 millones de publicaciones relacionadas con el cine y la televisión cada día el año pasado.

“Esta colaboración crea un nuevo vínculo entre las historias que contamos y la creatividad que inspiran, brindando a los creadores un mayor espacio para compartir sus obras y al público más contenido por descubrir en Disney+ cada día”, firmó Asad Ayaz, director de marketing y marca de The Walt Disney Company.

Dónde se verán los videos

El contenido de formato vertical estará disponible en TikTok y, en paralelo, en Verts dentro de Disney+, como una colección curada de videos centrados en el universo Disney.

La idea es que ese espacio se actualice de manera regular para acompañar conversaciones de fans y fomentar el descubrimiento de historias dentro de la plataforma.

Cómo funciona Verts de Disney+

Verts es una función de Disney+ pensada para el consumo en celular: un feed de video vertical que permite descubrir escenas y momentos de películas y series disponibles en la plataforma.

Para entrar, el usuario toca el ícono de Verts en la barra de navegación de la app móvil y accede a una secuencia de clips que se recorren con el gesto de deslizar.

La mecánica busca que el descubrimiento sea rápido y directo. Mientras mira un clip, el suscriptor puede sumar ese título a su Watchlist o saltar de inmediato a la reproducción completa dentro de Disney+.

Disney plantea a Verts como una primera etapa para incorporar video vertical a la experiencia de streaming y como una herramienta para ayudar a elegir “qué ver” desde el inicio de la navegación.

Por ahora, el lanzamiento mencionado es para suscriptores en Estados Unidos y dentro de la aplicación móvil.

HBO Max agrega videos verticales

HBO Max también había anunciado recientemente que sumaría a su app móvil una sección de videos verticales pensada para facilitar la elección de un título. El ingreso se hace desde un ícono llamado “Shorts”, ubicado en el menú de navegación inferior.

En ese espacio, los suscriptores pueden desplazarse por tráilers, fragmentos y contenidos extra. Si algo les llama la atención, tienen la opción de empezar a verlo en el momento o agregarlo a “My List” sin abandonar el feed.

Además, la selección de videos se adapta a cada perfil en función de sus preferencias y su historial de reproducción.

Un Santa sin magia en Silver Bell

La historia continuará después de los acontecimientos de Violent Night, estrenada en 2022. En aquella película, el Santa interpretado por Harbour estaba cansado de la Navidad y consideraba abandonar definitivamente su trabajo. Sus planes cambiaron cuando un grupo de mercenarios atacó a una familia y tomó como rehén a una niña, lo que lo obligó a recurrir a sus habilidades de combate.

La mezcla de violencia exagerada, acción y comedia convirtió a la primera entrega en un éxito de taquilla. La secuela mantendrá esa fórmula, pero trasladará el conflicto al centro comercial Silver Bell, cuyos comerciantes son amenazados por un gánster despiadado y sus hombres.

El nuevo problema para Santa es que aparece en la lista de los niños malos después de olvidar el verdadero significado de la Navidad. Como consecuencia, pierde su magia y es enviado al centro comercial para buscar su redención. Allí encuentra una comunidad que necesita ayuda mientras el tiempo para detener a los criminales comienza a agotarse.

Sin sus poderes, Santa deberá encontrar otra manera de enfrentar a la banda. La sinopsis anticipa que la solución será pedir refuerzos a la única persona con la que los atacantes preferirían no cruzarse: la Señora Claus.

El equipo creativo regresa para la secuela

Tommy Wirkola vuelve como director después de encargarse de la primera película. El cineasta conservará el cruce entre relato navideño, humor y enfrentamientos físicos que definió la entrega original, ahora con el desafío de mostrar a su protagonista sin las ventajas de la magia.

El guion vuelve a estar en manos de Pat Casey y Josh Miller. Los escritores retoman a un personaje que, pese a ser el auténtico Santa Claus, combate como un héroe de acción y utiliza cualquier recurso disponible para detener a sus enemigos.

La continuidad del director, los guionistas y el protagonista conecta directamente ambas películas. También permite que la nueva historia avance sobre el conflicto personal de Santa: en la primera entrega recuperó parte de su espíritu navideño, mientras que ahora deberá reconstruir su fe en la bondad para recuperar aquello que perdió.

El cambio de escenario amplía las posibilidades para los enfrentamientos. La casa familiar de la primera película es reemplazada por un centro comercial ocupado por comerciantes, visitantes y criminales. La amenaza deja de concentrarse en una sola familia y afecta a toda la comunidad de Silver Bell.

Kristen Bell y Jared Harris se suman al reparto

Kristen Bell interpretará a la Señora Claus, un personaje presentado como el refuerzo decisivo frente a la banda que controla el centro comercial. Su incorporación permitirá mostrar la relación entre ambos personajes y explicar qué clase de habilidades puede aportar cuando Santa ya no cuenta con sus poderes.

Jared Harris encarnará al gánster que aterroriza a los comerciantes de Silver Bell. El reparto anunciado también incluye a Joe Pantoliano, Daniela Melchior y Andrew Bachelor, aunque las fuentes todavía no detallan los personajes que interpretarán ni su relación con el conflicto principal.

Harbour encabezará otra vez el elenco como el Santa amargado y violento de la película de 2022. El primer avance confirma su regreso al traje rojo, mientras que la sinopsis establece que deberá recuperar el significado de la Navidad y detener a los atacantes antes de que sea demasiado tarde. Violent Night 2 llegará exclusivamente a los cines en diciembre.

La película que Fox consideró demasiado aterradora

Carter concibió la segunda película de Los expedientes secretos X como una historia de terror más gráfica, con elementos inspirados en La cosa, el clásico dirigido por John Carpenter en 1982. Fox consideró que ese tratamiento podía impedir la clasificación PG-13, por lo que pidió reducir las escenas sangrientas y suavizar el montaje destinado a los cines.

El creador explicó que los directivos le hicieron saber que la película era “demasiado aterradora”. Según Carter, el objetivo de esta edición no es publicar un corte alternativo por rutina, sino llevar a la pantalla material y decisiones que estaban presentes en el guion original.

El subtítulo Vrach Frankenshteyn significa Doctor Frankenstein en ruso y remite a la idea que guio la producción. Carter describió el proyecto como una película sobre un Frankenstein de la vida real y reconoció que esa intención quedó incompleta en el estreno de 2008. La nueva edición le permitió, en sus palabras, “volver a aplicar los electrodos” al material.

Las fuentes presentan el lanzamiento como una versión extendida y sin censura, aunque todavía no detallan su duración, la cantidad exacta de escenas restauradas ni todas las diferencias con el corte estrenado en salas. El tráiler difundido para esta edición sí anticipa un tono más cercano al horror corporal y a la propuesta original de Carter.

El regreso de Mulder y Scully después de la serie

La película original llegó seis años después del cierre inicial de Los expedientes secretos X y reunió nuevamente a Fox Mulder y Dana Scully. En ese momento de la historia, Scully trabaja como médica, mientras Mulder vive oculto y continúa perseguido por el gobierno.

El caso comienza con la desaparición de varias mujeres en una zona rural de Virginia Occidental. Un sacerdote expulsado de la Iglesia, que asegura experimentar visiones sobrenaturales, conduce a la policía hasta unas fosas con restos humanos congelados. Las autoridades sospechan que los hallazgos pueden estar relacionados con un experimento secreto y con las mujeres desaparecidas.

El gobierno ofrece retirar la persecución contra Mulder si Scully consigue que colabore con la investigación. Los dos aceptan y vuelven a trabajar juntos, esta vez frente a un caso que mezcla secuestros, procedimientos médicos y fenómenos difíciles de explicar.

Los expedientes secretos X: Quiero creer estuvo lejos de alcanzar el éxito comercial y crítico esperado tras su estreno. También llegó en una etapa particular de la franquicia: la serie había terminado su recorrido original, Mulder había tenido una presencia limitada durante las últimas temporadas y el regreso televisivo de 2016 todavía no existía. Años después, la producción volvió con dos temporadas protagonizadas por Duchovny y Anderson.

El reinicio de Ryan Coogler sigue en desarrollo

El lanzamiento de Vrach Frankenshteyn coincide con el trabajo en una nueva serie de Los expedientes secretos X encabezada por Ryan Coogler, director de Los pecadores y Black Panther. El proyecto tendrá nuevos personajes y misterios, aunque Coogler aseguró que su intención es respetar la esencia de la producción creada por Carter.

Los reportes disponibles difieren sobre el estado exacto del reinicio. Uno señala que Hulu encargó el desarrollo de un episodio piloto antes de decidir si aprueba una temporada completa. Otro afirma que el piloto ya está terminado, dura cerca de dos horas y podría proyectarse en cines o presentarse directamente como una película.

Danielle Deadwyler y Himesh Patel aparecen vinculados a los papeles principales de esta nueva versión. Por ahora no se informó una fecha de estreno ni se confirmó una temporada completa. Mientras ese proyecto avanza, The X-Files: I Want to Believe - Vrach Frankenshteyn llegará a Hulu el 14 de agosto de 2026.

El estudio estadounidense Universal Pictures se convirtió en el primer estudio en superar los 4.000 millones de dólares en recaudación global durante 2026, una cifra alcanzada a comienzos de agosto y atribuida al sólido desempeño de sus principales estrenos internacionales. Según informes de la propia compañía y de medios como NBCUniversal y Deadline, este logro vuelve a situar a Universal a la cabeza de la industria cinematográfica mundial.

De acuerdo con datos oficiales de NBCUniversal y reportes de International Business Times, la película La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, junto con títulos como Super Mario Galaxy: La Película y Michael, fueron determinantes para alcanzar esta marca. Universal sumó 1.530 millones de dólares en el mercado doméstico de Estados Unidos y 2.480 millones en el resto del mundo al cierre del primer fin de semana de agosto.

El récord se produce en un contexto de competencia entre los principales estudios de Hollywood, donde el liderazgo en taquilla global es un indicador clave para la industria. Warner Bros. había logrado este hito en 2025, mientras que Universal no lo conseguía desde 2023, según consignó Deadline.

¿Cuánto recaudó Universal en cada mercado y qué películas fueron las más exitosas?

Universal Pictures registró ingresos de 1.530 millones de dólares en Estados Unidos y 2.480 millones en mercados internacionales, según cifras de NBCUniversal. El total de 4.010 millones de dólares alcanzado para la fecha corresponde a la suma de los principales estrenos del año.

Entre las producciones que lideraron la recaudación mundial se encuentran:

• La Odisea (Christopher Nolan): 911 millones de dólares acumulados en tres semanas, de acuerdo con NDTV.
• Michael (biografía de Michael Jackson): 1.016 millones de dólares.
• Super Mario Galaxy: La Película: 1.011 millones de dólares.
• Obsesión (Focus Features): 475 millones de dólares.
• Minions y Monstruos: 449 millones de dólares.

La Odisea, según International Business Times, está próxima a superar los 1.000 millones de dólares, lo que la ubicaría junto a Michael y Super Mario Galaxy: La Película como las únicas películas de 2026 en rebasar esa cifra.

¿Por qué La Odisea fue clave en el récord de Universal en taquilla?

El estreno internacional de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, marcó la diferencia para Universal en 2026. Según NBCUniversal, la película debutó con 263,8 millones de dólares en su primer fin de semana a nivel global, ubicándose en el primer lugar de la taquilla mundial. Datos de NDTV confirman que, tras tres semanas en cartelera, La Odisea alcanzó los 911 millones de dólares y mantiene una proyección de crecimiento que podría llevarla a terminar su recorrido comercial con entre 1.300 y 1.500 millones de dólares.

La película utilizó tecnología IMAX y fue proyectada en la mayoría de pantallas de gran formato en todo el mundo, excepto en China, Japón y Corea, donde aún no se ha estrenado. Solo en salas IMAX, La Odisea generó 68 millones de dólares durante su tercer fin de semana global, el segundo mejor resultado histórico para el formato, según IBTimes.

¿Cuáles son las películas más taquilleras de Universal en 2026?

Según datos de Universal Pictures y Focus Features lograron posicionar cinco películas entre las diez más exitosas del año a nivel global:

1. Michael (biografía musical): 1.016 millones de dólares.
2. Super Mario Galaxy: La Película: 1.011 millones de dólares.
3. La Odisea: 911 millones de dólares.
4. Obsesión: 475 millones de dólares.
5. Minions y Monstruos: 449 millones de dólares.

De acuerdo con NBCUniversal, tres de las cinco películas más taquilleras de 2026 son distribuidas internacionalmente por Universal, lo que refuerza su liderazgo en el mercado global.

¿Cómo afectan estos resultados a la industria del cine?

El récord de Universal Pictures influye directamente en la dinámica de la industria cinematográfica internacional. Según NBCUniversal, la compañía lideró la recaudación mundial durante diez fines de semana consecutivos en 2026. Este desempeño consolidó a Universal como el primer estudio en cruzar la barrera de los 4.000 millones en el año, por delante de Disney y Warner Bros.

La diversificación de géneros fue determinante en el éxito de Universal. La Odisea representa una apuesta por el cine épico, Super Mario Galaxy: La Película por la animación y Michael por el biopic musical. Esta variedad permitió captar distintos públicos y sostener el interés global durante el año, según IBTimes.

¿Qué récords adicionales consiguió Universal en 2026?

De acuerdo con Deadline y NBCUniversal, Universal y Focus Features se ubicaron en cinco de las diez películas más exitosas de 2026. Obsesión se convirtió en la película de mayor recaudación de la historia de Focus Features y en la producción más exitosa de Blumhouse Atomic Monster, con 475 millones de dólares.

Además, La Odisea estableció nuevos récords para una producción de Nolan en formato IMAX. La película generó 68 millones de dólares en ese formato solo en su tercer fin de semana, según IBTimes, y fue recibida con altas calificaciones tanto por críticos como por el público, de acuerdo con datos de NBCUniversal.

¿Qué se espera para Universal y la taquilla global en lo que resta de 2026?

Analistas citados por NDTV prevén que La Odisea continuará sumando recaudación a medida que se estrene en nuevos mercados, especialmente Asia, donde su lanzamiento aún está pendiente. Universal mantiene varias producciones en cartelera y nuevos títulos en agenda para el último cuatrimestre del año, lo que podría ampliar la distancia respecto a otros estudios.

El desempeño de Universal en 2026 marca un parámetro de referencia para la industria y anticipa una competencia intensa de cara al cierre de año, con estudios rivales como Disney y Warner Bros. buscando reposicionarse en la taquilla global.

¿Qué significa este logro para la industria y los espectadores?

El récord de Universal Pictures, de acuerdo con NBCUniversal y Deadline, implica una movilización masiva de espectadores a nivel global y la consolidación de una estrategia de franquicias y estrenos internacionales. La industria observa con atención la evolución de la taquilla global, mientras las compañías productoras y distribuidoras ajustan sus calendarios en función de estos resultados.

El impacto para los espectadores se traduce en una oferta más amplia y diversa de películas en cartelera, tanto en géneros como en formatos. Universal, con su actual liderazgo, marca el ritmo para el resto del año y establece nuevos estándares de recaudación y presencia global.

El esperado regreso de La Momia ya tiene fecha y buena parte del elenco confirmado. El nuevo capítulo de la saga, que se estrenará el 15 de octubre de 2027, reunirá a Brendan Fraser y Rachel Weisz tras casi dos décadas lejos de la franquicia, cuya última película, La momia: La tumba del emperador Dragón, se estrenó en 2008.

A ellos se sumarán rostros muy recordados del universo original, dando forma a un reparto que despierta la nostalgia de los seguidores más fieles. La cuarta entrega contará también con Oded Fehr y Kevin J. O’Connor, quienes recuperarán sus papeles de Ardeth Bay y Beni Gabor, respectivamente. La noticia ha sido confirmada por el medio estadounidense Entertainment Weekly, que además ha adelantado el regreso de John Hannah y la incorporación de nuevos nombres como Michael Johnston (Obsession) y Numan Acar, conocido por su papel en El joven Sherlock.

En lo que se refiere a la trama de la película, todavía no se ha detallado nada del argumento. Lo que sí se sabe es que el equipo creativo apuesta por una mezcla de acción, aventura y un tono más oscuro de lo que tenían las primeras partes (disponibles en Prime Video), aprovechando el estreno en la temporada de Halloween. De dirigir la película se encargará, de hecho, el conocido dúo Radio Silence (Tyler Gillett y Matt Bettinelli-Olpin), conocidos por títulos como Scream VI o Noche de bodas.

“Es hora de darles a los fans lo que quieren”

La reunión de Fraser y Weisz implica el retorno de la pareja protagónica que conquistó al público en los años 2000. En la tercera entrega, el personaje de Weisz fue interpretado por otra actriz (Maria Bello, que llegó a la producción después de que la actriz original rechazara el guion y la idea de pasar cinco meses rodando en China), pero ahora ambos volverán a compartir pantalla en una producción que promete homenajear a la saga original. Pese a estas intenciones, destaca la ausencia de Stephen Sommers, director de las dos primeras (y más exitosas) partes de la saga.

El cineasta lleva más de una década sin dirigir ningún proyecto, después de algunos fracasos como Van Helsing y, sobre todo, Odd Thomas, producción que, tras pasar por un calvario de problemas legales, vio lastrado su lanzamiento y tuvo una distribución casi invisible que perjudicó gravemente su viabilidad comercial, condenando de paso el perfil comercial de Sommers. Este, habiendo acumulado una gran fortuna durante la cima de su carrera a finales de los 90 y principios de los 2000, ha optado por una jubilación paulatina alejada de la presión de los grandes rodajes.

La película se desmarca completamente de otros proyectos recientes, como la versión dirigida por Lee Cronin, actualmente en cartelera y de la que en Infobae afirmamos que era la “más salvaje y desagradable del año”, y apuesta por revitalizar la fórmula original con sus protagonistas más célebres. “He estado esperando esta llamada durante 20 años”, aseguraba a Variety Brendan Fraser. “A veces era fuerte, a veces era un leve mensaje. ¿Y ahora? Es hora de darles a los fans lo que quieren".

El reciente estreno de la serie Cape Fear en Apple TV ha puesto otra vez en primer plano su trabajo, pero también su filosofía sobre el entrenamiento físico y la resiliencia creativa, según detalló Men’s Health.

En la industria audiovisual, son pocos los actores que compaginan proyectos internacionales con rutinas de entrenamiento exigentes. Wilson, de 53 años, es uno de estos casos.

De acuerdo con Men’s Health, distribuye su tiempo entre rodajes, competencias como HYROX y presentaciones musicales, lo que demanda una organización rigurosa y una clara definición de prioridades.

Una carrera atravesada por el esfuerzo físico

La trayectoria de Wilson abarca títulos del terror moderno, como las franquicias Insidious y El Conjuro, además de trabajos reconocidos en teatro y cine. En la entrevista con Men’s Health, el actor remarcó que su vínculo con la actividad física no es reciente ni superficial.

“Si tengo una carrera de HYROX pero mañana me voy a Europa a rodar una película durante tres semanas, busco algunos gimnasios por el camino y me preparo para entrenar aún más duro cuando vuelva. Es cuestión de prioridades”, señaló.

Detalló que su entrenamiento no responde a una moda ni a una tendencia pasajera. Lo considera una herramienta para potenciar su rendimiento creativo y su fortaleza mental.

“La condición física es algo muy personal. No soy de los que gritan que todo el mundo debería levantar pesas, o CrossFit, o correr maratones. Para mí, ayuda muchísimo estar en forma para los papeles, pero la fortaleza mental es la parte más importante”, afirmó.

El rodaje de Cape Fear en Atlanta implicó una logística especial para Wilson, quien seleccionó su alojamiento en función de la cercanía a un gimnasio y una cafetería. “Son las dos cosas más importantes para mí cuando estoy en exteriores: ¿Dónde puedo tomar un buen café? ¿Dónde puedo encontrar un buen gimnasio?”, explicó.

El terror como espacio creativo y físico

El vínculo de Wilson con el género de terror trasciende lo actoral y se conecta con su experiencia en el teatro. “Me gustan los altibajos, así que me encanta el buen terror que tiene esa tensión y liberación. Eso es lo que busco en mi propia vida”, describió el actor. La relación profesional con el cineasta James Wan y su participación en franquicias exitosas consolidaron su perfil dentro del género.

El físico de los personajes fue otro aspecto trabajado con el equipo de producción. Destacó la importancia de que los protagonistas tuvieran una presencia física creíble en pantalla, especialmente frente a Javier Bardem, quien interpreta al antagonista Max Cady.

El actor remarcó que la diferencia entre ambos surge más de la puesta en escena y la indumentaria que de un contraste físico real: “Nuestra complexión no es tan diferente. Así que fue nuestra ropa, interpretación en las escenas y la forma en que nos filmaron lo que ayudó a diferenciarnos físicamente”.

Dinámica en el set y decisiones creativas

La química entre los protagonistas fue un aspecto central durante la filmación. Según Wilson, la experiencia y la madurez de los actores permitió establecer relaciones creíbles y evitar conflictos de ego. “La química se crea a través de la ausencia de egoísmo, a través del interés por el otro. ¿Qué puedo aprender de ti?”, reflexionó el actor durante la entrevista.

El desenlace de la serie presenta una diferencia respecto a las versiones cinematográficas anteriores. En Cape Fear, los personajes principales eligen no tomar justicia por mano propia y dejan con vida al antagonista. Sobre esa decisión, afirmó: “Por muy defectuoso que sea el sistema judicial, para eso existe. Si lo hubieran matado, creo que habrían cargado con la culpa”.

El actor también se refirió a la posibilidad de una continuación de la historia. Ante la pregunta sobre una segunda temporada, expresó: “No tengo ni idea de qué más podríamos hacer. No sé qué más podría hacernos Max Cady aparte de matar a nuestros hijos o a alguno de nosotros para subir la apuesta”.

Proyectos personales y futuro creativo

La inquietud artística de Wilson se mantiene vigente. Entre sus proyectos personales figura el deseo de escribir, dirigir y protagonizar su propio western, un objetivo que espera concretar en el futuro. “Me encantaría hacer un western. Realizar mi propia versión de lo que hizo Clint Eastwood”, afirmó, destacando su admiración por los guionistas y directores.

La entrevista publicada por Men’s Health presentó a un actor que integra el desarrollo físico con el crecimiento creativo, y que aplica el esfuerzo cotidiano como herramienta para afrontar los desafíos profesionales y personales.

El acceso gratuito a películas, series y anime en alta definición ha convertido a Cuevana 8 en una de las plataformas más buscadas por quienes desean evitar el pago de suscripciones. Sin embargo, esta aparente ventaja esconde riesgos significativos tanto para la seguridad informática como para la privacidad de los usuarios.

Empresas especializadas en seguridad, como ESET, advierten que recurrir a servicios de streaming no oficiales puede exponer a los dispositivos y redes domésticas a virus y malware, abriendo la puerta a la pérdida de datos personales y a posibles problemas legales.

Cómo funcionan las plataformas de streaming no oficiales y sus riesgos

El atractivo de sitios como Cuevana 8 reside en la promesa de acceso ilimitado y gratuito a contenidos audiovisuales. Para lograrlo, muchas veces requieren que el usuario descargue extensiones, aplicaciones externas o complementos que no están disponibles en las tiendas oficiales, como Google Play Store o App Store.

La instalación de este tipo de software, proveniente de fuentes desconocidas, representa el primer gran riesgo: estos programas eluden los controles de calidad y seguridad, aumentando la probabilidad de que el dispositivo quede vulnerable a códigos maliciosos.

ESET señala que uno de los principales indicadores de que una aplicación es peligrosa es la cantidad y el tipo de permisos que solicita al usuario. El investigador David González Cuautle, de ESET Latinoamérica, advierte que muchas de estas aplicaciones piden habilitar permisos críticos, lo cual puede comprometer no solo el dispositivo en el que se instalan sino también toda la red doméstica.

A través de estos permisos, es posible la instalación de malware como spyware, troyanos y herramientas orientadas al robo de información personal.

En 2012, la misma empresa de ciberseguridad documentó que un plugin de Cuevana para Firefox distribuía código malicioso capaz de capturar contraseñas en formularios web. Las credenciales afectadas incluían tanto cuentas de correo electrónico como accesos a entidades bancarias, lo que demostró que el problema no es reciente ni aislado.

Aunque el episodio ocurrió hace años, puso en evidencia un patrón que se mantiene vigente: las plataformas gratuitas pueden ser vehículos frecuentes para la propagación de malware.

Permisos peligrosos y robo de información en aplicaciones similares a Cuevana 8

No solo Cuevana 8 está bajo la lupa. El análisis de ESET sobre Magis TV, otra plataforma gratuita popular en Argentina, Colombia y México, muestra que la amenaza se extiende a todo el ecosistema de servicios de streaming no oficiales.

Estas aplicaciones suelen solicitar permisos que exceden por mucho lo que sería necesario para reproducir videos en línea. Entre los permisos solicitados se encuentran la capacidad de leer y escribir en el almacenamiento externo, acceder a archivos de audio, enviar notificaciones y, de manera especialmente preocupante, instalar paquetes adicionales sin intervención del usuario.

Este último permiso es especialmente riesgoso porque permite que una aplicación se haga pasar por una actualización legítima y, en segundo plano, instale programas espía o herramientas para robar información. David González Cuautle precisa que el robo de información es teóricamente factible cuando las aplicaciones cuentan con esos permisos.

Así, pueden instalar otras herramientas encargadas de rastrear la ubicación del usuario, acceder a fotos, mensajes, audios y videos, y transferir estos datos a servidores externos sin conocimiento ni consentimiento del usuario.

Set-Top Boxes: otra vía de infección y los riesgos para la red doméstica

Los dispositivos conocidos como Set-Top Boxes, diseñados para acceder a contenido audiovisual sin suscripciones pagas, representan una vía adicional de exposición a amenazas informáticas. Estos equipos pueden infectarse con distintos tipos de malware, desde publicidad invasiva hasta programas de robo de datos y software para acceso remoto no autorizado.

El riesgo se incrementa si el Set-Top Box infectado comparte red Wi-Fi con otros dispositivos del hogar, ya que el malware puede propagarse lateralmente y comprometer toda la red.

La forma de infección puede ser tan sencilla como la instalación de firmware no oficial mediante una memoria USB. Además del peligro informático, existe un riesgo legal: retransmitir contenido sin los derechos correspondientes constituye una violación a la propiedad intelectual, lo que puede derivar en bloqueos por parte de proveedores de internet e incluso en acciones judiciales contra los usuarios.

Consecuencias de utilizar plataformas de streaming gratuitas sin licencia

El panorama es claro: el deseo de evitar pagar una suscripción puede derivar en consecuencias que van mucho más allá del ahorro económico inicial. Según ESET, quienes recurren a Cuevana 8 y servicios similares se exponen a la pérdida de credenciales bancarias, el robo de archivos personales y el compromiso de la seguridad de toda la red del hogar.

A largo plazo, los costos derivados de un incidente de seguridad pueden superar ampliamente cualquier beneficio obtenido por acceder a contenido gratuito de forma ilegal.

El patrón de funcionamiento de estas plataformas y los riesgos asociados han sido documentados durante más de una década, demostrando la persistencia de la amenaza. La recomendación de los especialistas es evitar la descarga de aplicaciones o complementos fuera de las tiendas oficiales y desconfiar de los permisos excesivos que solicitan los servicios de streaming no oficiales.

La película de La bola negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo (el conocido dúo de Los Javis), es uno de los títulos que más expectación despierta entre los próximos estrenos que cerrarán el año. Inspirada en una obra inacabada de Federico García Lorca, esta producción llegará a las salas de cine en España el próximo 25 de septiembre. Semanas después, podrá verse en el resto del mundo, aunque la fecha de su exhibición internacional se ha visto modificada después de que Netflix haya decidido apostar por ella como nunca antes había hecho con ningún otro filme.

La plataforma de streaming, que adquirió los derechos de distribución en Estados Unidos, ha decidido dar a La bola negra una exposición sin precedentes en su calendario de estrenos. Desde la compañía son conscientes de que la película aspira a competir en los próximos premios Oscar, y por eso han decidido otorgarle la ventana de exhibición en cines más larga de su historia. Así, el largometraje llegará a las salas de Estados Unidos el 16 de octubre, pudiendo verse en streaming solo a partir del 2 de diciembre.

En otras palabras, La bola negra pasará 47 días exclusivamente en cines, superando ampliamente el récord anterior de la compañía, establecido por Historia de un matrimonio, de Noah Baumbach, con 30 jornadas, y seguido por El irlandés de Martin Scorsese (27 días) y Roma (21 días). Además, esto supone un adelanto de la fecha de estreno inicial, programada para el 6 de noviembre, cambio que responde, según ha informado la revista Variety, a la “selectividad y agresividad” con la que Netflix busca posicionar sus películas de prestigio.

La película despertó un gran interés tras su éxito en Cannes

En el Festival de Cannes, La bola negra causó un gran impacto, recibiendo un prolongadísimo aplauso en su primera proyección, elogios por una gran mayoría de la crítica especializada y logrando el premio a la Mejor dirección. Dado este éxito, se desató una intensa puja por sus derechos de distribución, finalmente adquiridos por Netflix en el mercado estadounidense a cambio de una cantidad superior a los 4 millones de euros. Además de Estados Unidos, la plataforma aseguró la distribución también en Canadá, mientras que la distribuidora Goodfellas se encargará de que se pueda ver en cines de otros 50 países.

La cinta, de hecho, formará parte de la sección Presentaciones Especiales en el próximo Festival Internacional de Cine de Toronto (del 10 al 20 de septiembre), donde Penélope Cruz, protagonista de la historia, será homenajeada con un premio especial. Junto a la actriz, destacan en el reparto otros nombres como el del músico Guitarricadelafuente, que debuta como actor, o el de los intérpretes Miguel Bernardeau, Carlos González, Milo Quifes, Lola Dueñas y Julio Torres, además de la estadounidense Glenn Close. Todos ellos contribuyen a una película que narra las vidas interconectadas de tres hombres en tres épocas distintas, ligadas por la sexualidad, el deseo, el dolor y la herencia.

Eso sí, La bola negra no será el único gran estreno que prepara Netflix para la próxima temporada cinematográfica. En el calendario de novedades de la plataforma hay otros títulos que han generado un gran interés, como la secuela de Érase una vez en Hollywood, dirigida por David Fincher y escrita por Quentin Tarantino, que tendrá una proyección exclusiva en IMAX, Las Crónicas de Narnia: El sobrino del mago (dirigida por Greta Gerwig), Ink (David Fincher), The Mosquito Bowl (Peter Berg) y Gentle Monster (Marie Kreutzer).

Una institutriz bajo sospecha

Monroe interpreta a Winifred Notty, una joven contratada para educar a los hijos de la acomodada familia Pounds. Su nuevo trabajo la lleva hasta Ensor House, una remota mansión donde se presenta como una institutriz educada, eficiente y de modales impecables.

Esa imagen comienza a desmoronarse cuando salen a la superficie sus obsesiones, delirios y deseos de integrarse a la familia sin importar las consecuencias. Mientras Winifred libera sus impulsos más violentos, distintos integrantes del personal desaparecen en circunstancias misteriosas y las sospechas se concentran en la recién llegada.

La sinopsis mantiene parte de la intriga y evita explicar el origen de su comportamiento. Su descripción se limita a señalar que varios acontecimientos extraños despiertan dudas sobre la verdadera identidad de la institutriz. El avance, en cambio, muestra con mayor claridad una combinación de asesinatos, conductas excéntricas y una creciente paranoia dentro de la casa.

El contraste central está entre la elegancia asociada con la Inglaterra victoriana y la brutalidad que Winifred esconde detrás de su sonrisa. La mansión, sus habitaciones y el aislamiento de la campiña funcionan como el escenario de una historia donde las reglas sociales pierden fuerza a medida que aumenta la cantidad de víctimas.

De la novela de Virginia Feito al cine

La película adapta la novela homónima de la escritora española Virginia Feito, publicada en 2025. La autora de La señora March escribió el guion y participa como productora ejecutiva, por lo que estuvo involucrada directamente en el traslado de su historia al cine.

La versión dirigida por Wigon mezcla thriller psicológico, sátira, terror de época y humor negro. También incorpora gore, término utilizado para describir escenas de violencia gráfica y abundante contenido sangriento. Esa combinación le valió una calificación R en Estados Unidos por la violencia y algunas secuencias de contenido sexual.

Las primeras impresiones aparecidas después de su estreno mundial en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes destacaron el trabajo de Monroe y el tono cambiante de la protagonista. Winifred puede pasar de una conducta inquietante a situaciones absurdas, mientras el relato utiliza su obsesión con la familia como motor de la violencia.

Según esas reacciones, la adaptación modera algunos de los excesos más extremos del libro, pero conserva su mezcla de horror psicológico, sátira y asesinatos explícitos. El tráiler sigue esa línea: comienza con una apariencia de orden doméstico y deja que las imágenes se vuelvan más perturbadoras conforme crecen las sospechas sobre la institutriz.

Wigon llega al proyecto después de dirigir Sanctuary y The Heart Machine. En esta ocasión trabaja con un guion supervisado por la propia novelista, una diferencia relevante frente a otras adaptaciones en las que el autor original queda fuera del proceso cinematográfico.

El reparto y el regreso de Maika Monroe al terror

Junto a Monroe aparecen Thomasin McKenzie, Jason Isaacs, Ruth Wilson, Amy De Bruhn, Jacobi Jupe y Evie Templeton. El elenco interpreta a los integrantes de la familia y al personal de Ensor House, quienes quedan atrapados en el deterioro de Winifred y en la cadena de desapariciones que sacude la propiedad.

El papel prolonga la relación de Monroe con el cine de terror. La actriz alcanzó reconocimiento dentro del género con It Follows y recientemente encabezó Longlegs. También participó en La mano que mece la cuna y en Evil Has Always Had a Name, el cortometraje promocional de acción real realizado para el videojuego Resident Evil: Requiem.

A diferencia de varios de esos trabajos, Victorian Psycho coloca a Monroe del lado de la amenaza. Winifred no ocupa el lugar de una víctima que intenta escapar, sino el de una figura que altera la vida de todos los habitantes de la mansión y alimenta las dudas sobre cada desaparición.

La película tendrá exhibición en salas durante la primavera de 2026. Bleecker Street todavía no comunicó el día exacto ni el calendario de estreno para cada mercado.

Spider-Man: Un nuevo día, la nueva película en solitario del héroe interpretado por Tom Holland, recaudó US$355 millones en Estados Unidos y Canadá durante su primer fin de semana de 2026. El resultado deja al estreno de Sony Pictures y Marvel Studios a apenas US$2 millones del récord norteamericano de Avengers: Endgame, mientras los datos mundiales más recientes citados por The Numbers elevan su total a US$927 millones.

Un estreno cerca de los mayores récords

Los $355 millones obtenidos en Estados Unidos y Canadá representan el segundo mejor debut de la historia en ese mercado, sin ajustar las cifras por inflación. Avengers: Endgame conserva el primer puesto con $357 millones desde 2019, aunque el recuento definitivo de Spider-Man: Un nuevo día todavía podría modificar la distancia entre ambas películas.

La diferencia frente a otros grandes lanzamientos de Marvel es amplia. Spider-Man: Un nuevo día abrió con $260 millones en Norteamérica, mientras Avengers: Infinity War consiguió $257 millones. De esta manera, las cuatro mejores aperturas registradas en la región corresponden a producciones vinculadas con Marvel Studios.

Los primeros cálculos internacionales situaban la recaudación fuera de Norteamérica cerca de $550 millones. Esa estimación llevaba el estreno mundial a unos $875 millones, el segundo mayor debut global detrás de los $1.200 millones obtenidos por Avengers: Endgame en su primer fin de semana.

Un reporte posterior, basado en datos de The Numbers, ubica la recaudación mundial en $927 millones. La diferencia entre ambas cifras responde al carácter preliminar de las estimaciones iniciales y a la actualización de los mercados internacionales. Con el dato más reciente, la película quedó a $73 millones de ingresar al grupo de producciones que superaron los $1.000 millones.

Sony Pictures destinó alrededor de $225 millones a la producción, sin incluir los costos de publicidad y distribución. La película también alcanzó un 90% de aprobación en Rotten Tomatoes y recibió una calificación A entre los espectadores encuestados por CinemaScore.

El nuevo comienzo de Peter Parker

La película está dirigida por Destin Daniel Cretton, responsable de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos, y presenta una nueva etapa para Peter Parker después del desenlace de Spider-Man: Sin regreso a casa. En aquella historia, el personaje decidió borrar su identidad de la memoria de todas las personas para evitar una catástrofe, lo que provocó que MJ y Ned olvidaran su relación con él.

Spider-Man: Un nuevo día reduce la escala de ese conflicto y devuelve al protagonista a una aventura centrada en amenazas callejeras. La historia se aleja de los cruces entre realidades que dominaron la entrega anterior y enfrenta a Parker con un peligro invisible y más cercano a su vida cotidiana.

Tom Holland comparte pantalla con Jon Bernthal, quien vuelve como Punisher, y Mark Ruffalo, nuevamente en el papel de Hulk. La presencia de ambos personajes mantiene los vínculos con otras producciones de Marvel, aunque el argumento coloca el foco en la reconstrucción personal de Peter después de quedar aislado de sus antiguos amigos.

La progresión comercial de las películas protagonizadas por Holland ayuda a dimensionar el nuevo resultado. Spider-Man: Homecoming comenzó con $117 millones en Estados Unidos y terminó por encima de $880 millones en todo el mundo. Spider-Man: Lejos de casa abrió con $92 millones en Norteamérica y alcanzó $1.130 millones globales.

Spider-Man: Sin regreso a casa fue mucho más lejos: superó los $1.900 millones durante su recorrido por salas. Su desempeño estuvo impulsado por el regreso de Tobey Maguire y Andrew Garfield, quienes retomaron sus respectivas versiones de Spider-Man junto a Holland.

Marvel vuelve a superar una etapa irregular

El estreno llega después de varios años de resultados desiguales para Marvel Studios. Tras Avengers: Endgame, títulos como Ant-Man y la Avispa: Quantumanía, The Marvels, Capitán América: Brave New World, Thunderbolts y Los cuatro Fantásticos: Primeros pasos quedaron lejos del rendimiento que habían alcanzado las entregas más populares de la franquicia.

Deadpool y Wolverine fue una de las principales excepciones: la película estrenada en 2024 cruzó los $1.000 millones mundiales. Spider-Man: Un nuevo día amplía esa recuperación comercial con cifras que muy pocas producciones alcanzan incluso después de varias semanas en cartelera.

El lanzamiento coincidió con el fuerte desempeño de La Odisea, dirigida por Christopher Nolan. Esa película ya acumulaba más de $911 millones, repartidos entre $395,5 millones en Norteamérica y otros $515 millones procedentes de los mercados internacionales. La actividad conjunta de ambos títulos impulsó un fin de semana récord, con más de $425 millones recaudados entre todas las películas exhibidas.

Marvel Studios continuará su calendario con Avengers: Doomsday, una producción que reunirá a numerosos personajes y traerá de regreso a Robert Downey Jr. El actor no interpretará a Iron Man esta vez, sino al villano Doctor Doom.

Ambientada en el año 1247, la historia presenta a un Robin Hood completamente alejado del mito. Interpretado por Hugh Jackman, el legendario forajido es ahora un hombre envejecido, aislado y consumido por la culpa. Ya no quedan rastros del héroe popular. Los Hombres Alegres desaparecieron hace tiempo y las gestas que alimentaron la leyenda fueron reemplazadas por una vida marcada por asesinatos, traiciones y una violencia que dejó cicatrices imposibles de borrar.

Sarnoski propone una pregunta tan incómoda como fascinante: ¿qué ocurre cuando el hombre detrás del mito descubre que nunca fue el héroe que el mundo creyó? Esa reflexión atraviesa toda la película y convierte al relato en una exploración sobre la culpa, la memoria y la posibilidad de encontrar redención cuando el tiempo parece agotarse.

El punto de partida llega con la aparición de Juan el Pequeño, interpretado por Bill Skarsgård, quien obliga a Robin a embarcarse en una última misión. Gravemente herido tras una batalla, el antiguo forajido despierta en un remoto priorato donde es cuidado por la Hermana Brígida, personaje interpretado por Jodie Comer. Allí encuentra algo desconocido para él: compasión.

Lejos del campo de batalla, el priorato funciona como un refugio espiritual donde conviven un misterioso leproso, interpretado por Murray Bartlett, y Margarita, una niña huérfana encarnada por Faith Delaney. Es en ese espacio donde Robin comienza a cuestionar toda su existencia y comprende que la leyenda construida alrededor de su nombre fue también una prisión.

Sin embargo, el pasado nunca permanece enterrado demasiado tiempo. La llegada de Arturo, un joven interpretado por Noah Jupe que busca ajustar cuentas por las atrocidades cometidas durante las guerras de Robin, obliga al protagonista a enfrentarse definitivamente con las consecuencias de sus actos.

Uno de los grandes atractivos del proyecto reside en el enfoque de Michael Sarnoski. El director se inspiró tanto en antiguas crónicas medievales como en las baladas originales sobre Robin Hood para imaginar un personaje mucho más cercano a un criminal que a un salvador popular. También tomó referencias de El manantial de la doncella, de Ingmar Bergman, para construir un universo donde lo espiritual convive permanentemente con la brutalidad.

Visualmente, la película apuesta por una Edad Media sucia, hostil y profundamente realista. No hay castillos idealizados ni bosques encantados. La supervivencia domina cada escena y la violencia aparece como una consecuencia inevitable de un mundo gobernado por la miseria.

Para Hugh Jackman, el papel representa uno de los mayores desafíos de su carrera. El actor atraviesa una transformación física notable y entrega una interpretación cargada de vulnerabilidad, rabia y agotamiento. Si Logan mostraba a un héroe enfrentando el final de su camino, La muerte de Robin Hood lleva esa idea todavía más lejos al preguntarse si un hombre responsable de incontables atrocidades puede encontrar algún tipo de paz antes de morir.

Jodie Comer aporta el contrapunto emocional de la historia. Su Hermana Brígida nunca juzga a Robin; simplemente lo obliga a mirarse por primera vez sin la máscara del mito. Esa relación se convierte en el corazón de una película que encuentra en los silencios y en los pequeños gestos tanta fuerza como en sus brutales escenas de acción.

Más que una nueva adaptación del clásico personaje inglés, La muerte de Robin Hood funciona como una deconstrucción del concepto mismo de héroe. Michael Sarnoski desmonta una leyenda centenaria para revelar al hombre imperfecto que siempre permaneció oculto detrás del arco, recordando que las historias que sobreviven al tiempo muchas veces esconden verdades mucho más incómodas que los propios mitos.

Warner Bros. debe cerrar antes de diciembre de 2026 los contratos para Barbie 2 con Greta Gerwig, Noah Baumbach, Margot Robbie y Ryan Gosling, según un reporte publicado el 31 de julio por The New York Times. Las conversaciones llevan meses estancadas por diferencias económicas y, si no hay acuerdo dentro del plazo, los derechos cinematográficos regresarán a Mattel. Una eventual secuela realizada después de ese vencimiento podría quedar sin el elenco, la directora, el guionista y los elementos argumentales de la película de 2023.

Una negociación trabada por dinero

Warner Bros. ofreció aumentos salariales y participaciones en la recaudación vinculadas al desempeño comercial de la secuela. Este tipo de acuerdo permite que actores y realizadores reciban una parte de los ingresos cuando una película alcanza determinados objetivos de taquilla.

Entre las cifras mencionadas aparece un pedido de 20 millones de dólares para Gosling. El actor interpretó a Ken en la primera entrega y fue nominado al Oscar por su trabajo. Las fuentes citadas por el periódico sostienen que el director ejecutivo David Zaslav consideró que el paquete preparado para el talento era “demasiado generoso” y se negó a aprobarlo.

Warner Bros. presentó una versión diferente. Un representante del estudio aseguró que los agentes de los actores rechazaron en mayo una oferta formal y todavía no entregaron una contraoferta. Los representantes de Gerwig, Robbie y Gosling no hicieron declaraciones públicas sobre el estado de las conversaciones.

Los copresidentes Pam Abdy y Michael De Luca confirmaron que existe un acuerdo de derechos con Mattel y que ya se realizaron varias propuestas. “Tenemos un acuerdo de derechos con Mattel y hemos realizado una serie de ofertas importantes para intentar cerrar acuerdos que permitan realizar la próxima película de Barbie”, indicaron en un comunicado conjunto. “Lamentablemente, hasta el momento no hemos podido llegar a un acuerdo”.

La diferencia entre ambas versiones concentra la tensión actual. El reporte atribuye a Zaslav el rechazo de una propuesta por su costo, mientras que la respuesta oficial de Warner Bros. señala a los representantes del talento por haber descartado la oferta de mayo sin presentar otra cifra.

Qué ocurrirá si vence el plazo

El acuerdo vigente concede a Warner Bros. tiempo hasta diciembre de 2026 para asegurar la continuidad del proyecto. Si el estudio no logra cerrar los contratos, los derechos volverán automáticamente a Mattel, propietaria de la marca.

Mattel podría buscar más adelante otro estudio para producir una nueva película de acción real. Esa producción tendría que avanzar sin Gerwig, Baumbach, Robbie y Gosling, salvo que se negociaran acuerdos separados bajo nuevas condiciones. Tampoco podría utilizar los elementos narrativos creados específicamente para la cinta estrenada en 2023, de acuerdo con la información publicada.

Eso obligaría a reiniciar el desarrollo creativo, incluso si la intención fuera mantener a Barbie en el cine. La secuela actual todavía no entró en la etapa de escritura: Gerwig y Baumbach tienen una idea para la historia y están preparados para trabajar en el guion, pero esperan la resolución contractual.

El vencimiento afecta así mucho más que el nombre del estudio distribuidor. Sin un acuerdo, la siguiente adaptación podría perder la continuidad directa con la película anterior y requerir un nuevo elenco, otra dirección y una trama independiente.

El éxito que impulsa la secuela

El interés de Warner Bros. responde al rendimiento de Barbie, estrenada en 2023. La película dirigida por Gerwig y coescrita con Baumbach recaudó cerca de 1.500 millones de dólares en todo el mundo, según Box Office Mojo. También consiguió ocho nominaciones al Oscar y ganó el premio a mejor canción original.

Su estreno simultáneo con Oppenheimer dio origen al fenómeno conocido como Barbenheimer, que llevó a numerosos espectadores a ver ambas producciones durante el mismo fin de semana. La campaña de marketing y la estética rosa asociada a la muñeca ayudaron a mantener la película en la conversación pública durante su paso por los cines.

Gerwig confirmó a Deadline en marzo de 2024 que estaba interesada en regresar. “Quiero hacerla”, dijo entonces sobre una segunda entrega. Robbie y otros integrantes del equipo habían sido más cautos y advertían que una continuación no estaba garantizada pese al resultado comercial.

Tres años después del estreno, Warner Bros. todavía no anunció una fecha de rodaje ni de lanzamiento. Gerwig y Baumbach no comenzarán a escribir mientras falte el acuerdo, por lo que incluso una resolución favorable antes de diciembre podría dejar el estreno de Barbie 2 a varios años de distancia.

En los años 80, Quentin Tarantino todavía no era famoso, pero ya tenía claro que el cine era su vida. Por eso, escribió en el videoclub en el que trabajaba el guion de una película que pensaba rodar con sus amigos, pero que al no conseguir financiación, decidió vender por 10.000 dólares a unos productores independientes que conocía. Ese texto acabaría olvidándose, pero cuando Tarantino se hizo famoso por el éxito de su primera película, Reservoir Dogs, se rescató para venderlo a algún gran estudio al que le interesara.

La película de ese guion se llamaba Natural Born Killers, Asesinos natos, que finalmente llegaría a las manos del director Oliver Stone. Este venía de dirigir el gran éxito JFK: Caso abierto y de ganar dos Oscars como director (por Platoon y Nacido el cuatro de julio), pero buscaba algo más ligero para descansar de su habitual tono político. Sin embargo, al leer la premisa de la pareja de asesinos, vio el potencial para convertirla en algo mucho más ambicioso.

Así llegamos a la Asesinos natos que todos conocemos: una de las películas más polémicas, divisivas y visualmente agresivas de la década de 1990. La historia sigue a Mickey (Woody Harrelson) y Mallory Knox (Juliette Lewis), una pareja de amantes sociópatas golpeados por infancias traumáticas que se embarcan en un sangriento viaje por Estados Unidos. Su historia, así como el hecho de que se conviertan en estrellas gracias a un programa de televisión sensacionalista, lanza un ataque frenético a la cultura del sensacionalismo mediático, la obsesión americana por la violencia y la mercantilización del crimen.

El enfado de Quentin Tarantino

Asesinos natos, disponible en Prime Video hasta el próximo 7 de agosto, es una película que destaca por un estilo visual frenético. Si en la época se utilizaban unos 1.000 cortes de grabaciones para el montaje, en esta se utilizaron más de 3.000, donde además se alternan formatos, colores y hasta animaciones proyectadas e imágenes de telediarios. Para contar la historia tal y como quería Oliver Stone, los guionistas David Veloz y Richard Rutowski lo reescribieron profundamente para enfocar la historia en la crítica a los medios más que en la relación de la pareja, unos cambios que dieron identidad a la película, pero que no gustaron nada a su creador original, Quentin Tarantino.

Cuando Tarantino leyó la versión reescrita de Stone, se sintió completamente traicionado. Consideraba que Stone había malinterpretado su concepto, añadiendo un tono moralizante y destruyendo el estilo de diálogo y la estructura original. De hecho, el director de Pulp Fiction intentó publicar su guion original en forma de libro antes del estreno de la película, lo que derivó en disputas legales con los productores. Finalmente, no lo logró, pero pidió oficialmente que retiraran su nombre de los créditos como guionista. Por eso, aunque él escribiera el texto original, al final de la película su nombre solo aparece como responsable de la historia.

Con todo, y pese a la división de opiniones que generó, Asesinos natos obtuvo un gran reconocimiento internacional, con el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia. Además, las interpretaciones de su elenco, donde junto a Woody Harrelson y Juliette Lewis destacan otros nombres como los de Jared Harris, Tommy Lee Jones o Robert Downey Jr., también fueron muy aplaudidas. Con el paso del tiempo, Asesinos natos se percibe como una obra casi profética sobre la era de la sobreproducción de noticias de impacto, las redes sociales, el consumo de true crime y el culto desmedido a las celebridades sin mérito.

Marvel Studios habría elegido a Samara Weaving para interpretar a Emma Frost en la nueva película de X-Men, dirigida por Jake Schreier. Los reportes atribuidos a Deadline y Variety presentan a la actriz como el primer nombre destacado del reinicio, aunque el estudio y sus representantes todavía no realizaron un anuncio oficial ni comunicaron cuándo llegará la producción a los cines.

Un casting avanzado, pero sin confirmación oficial

Según la información publicada, Marvel Studios evaluó a distintas actrices durante varias semanas antes de inclinarse por Weaving. Emma Frost habría sido uno de los papeles que demandó más pruebas dentro del proceso de selección, con una ronda final realizada poco después del 4 de julio.

La audición de Weaving habría convencido tanto a Schreier como a Kevin Feige, presidente de Marvel Studios. El proyecto lleva meses avanzando entre bastidores, pese a que el estudio evitó presentar detalles durante la Comic-Con de San Diego y mantiene bajo reserva la historia, el reparto completo y el calendario de producción.

La falta de confirmación obliga a tratar la incorporación como un fichaje reportado, no como un anuncio cerrado. Ninguno de los representantes involucrados ofreció comentarios públicos. Aun así, las fuentes coinciden en que Weaving sería la primera pieza importante de la nueva generación de mutantes preparada para el MCU.

La actriz australiana cuenta con experiencia en terror, acción y comedia negra. Su filmografía reciente incluye Noche de bodas 2, Over Your Dead Body, The Babysitter, Scream VI y Bill & Ted Face the Music. Durante 2026 también retomó el papel de Grace MacCaullay en Ready or Not 2: Here I Come, que se ubicó entre los contenidos más vistos de Hulu y Disney+, según la información citada.

Después participó junto a Jason Segel en Over Your Dead Body, una producción de IFC premiada por el público en SXSW, y protagonizó el thriller romántico Carolina Caroline. El papel de Emma Frost representaría su entrada a una de las franquicias centrales de Marvel.

Quién es Emma Frost y cuándo apareció en el cine

Emma Frost debutó en las historietas de Marvel Comics durante la década de 1980 como integrante del Club Fuego Infernal. El personaje comenzó como antagonista, pero con el paso de los años se convirtió en aliada y miembro relevante de los X-Men.

Entre sus capacidades se encuentran la telepatía y la transformación de su cuerpo en diamante orgánico. Esta segunda mutación le permite adquirir una resistencia física extraordinaria, aunque suele limitar el uso simultáneo de sus poderes mentales. Su recorrido también está relacionado con figuras como Charles Xavier y Cíclope, además de distintas etapas de liderazgo dentro del grupo.

Esa trayectoria permite que la película la presente como rival, aliada o una figura situada entre ambos extremos. Los reportes no detallan qué versión utilizará el guion ni cuánto peso tendrá dentro de la historia, pero su presunta elección durante una etapa temprana del casting indica que formaría parte de la alineación principal.

La última aparición cinematográfica de Emma Frost fue en X-Men: Primera generación, estrenada en 2011. Allí fue interpretada por January Jones y trabajaba junto a Sebastian Shaw, el antagonista encarnado por Kevin Bacon. Si el fichaje de Weaving se confirma, el personaje regresará a la pantalla grande después de quince años y con una nueva continuidad.

El reinicio de X-Men bajo la dirección de Jake Schreier

El regreso del equipo comenzó a tomar forma después de que Disney adquiriera 20th Century Fox en 2019 y recuperara los derechos cinematográficos de los mutantes. Hasta entonces, las películas de X-Men habían sido desarrolladas fuera del MCU, con distintas líneas temporales y una serie de producciones centradas en Wolverine.

Marvel Studios eligió a Schreier para dirigir el reinicio después de su trabajo en Thunderbolts. El equipo creativo también incluye a Lee Sung Jin, creador de Beef, y Joanna Calo, cocreadora de The Bear, como responsables vinculados al guion.

La película todavía no tiene una trama revelada. Tampoco se conocen los intérpretes elegidos para personajes centrales como Charles Xavier, Magneto, Cíclope, Jean Grey o Tormenta. El posible fichaje de Weaving ofrece así la primera referencia concreta sobre la clase de alineación que Marvel Studios prepara.

El proyecto convivirá con el regreso de actores de las películas anteriores. Ian McKellen, Patrick Stewart y James Marsden están anunciados para Avengers: Doomsday donde retomarán personajes asociados a la etapa previa de X-Men. Esa participación será independiente del nuevo reparto que Schreier está reuniendo para el reinicio.

Por ahora, Marvel Studios no informó una fecha de estreno para X-Men ni confirmó cuándo comenzará el rodaje. La presentación formal de Samara Weaving y del resto del elenco continúa pendiente.

El brutal éxito de películas como La Odisea y Spider-Man: Brand New Day ha situado ambas películas en lo más alto de las listas de grandes éxitos cinematográficos del año. La película de Christopher Nolan ya ha superado los 9 millones de euros en España y el millón de espectadores, mientras la del superhéroe de Marvel ha ido incluso más lejos y ha conseguido, en menos de una semana, una recaudación de 13 millones de euros.

A ambos títulos les queda mucho recorrido todavía, por lo que es fácil imaginar que sus cifras seguirán aumentando y quizá, incluso, superar a Michael (15,9 millones de euros) o Torrente presidente (19 millones de euros), los títulos más exitosos en lo que va de año. Eso sí, aunque todo el mundo esté yendo a ver las dos películas del momento, no significa que no haya otras igual de interesantes que quizá estén pasando algo desapercibidas.

Este es el caso de Obsession, una película de terror que recibió bastante atención cuando se estrenó a finales del mes de junio, pero que finalmente no ha tenido todo el éxito que merecería. A pesar de estar considerada como una de las mejores películas del género de los últimos años y de durar mucho menos que La Odisea y Spider-Man (menos de dos horas frente a las casi tres de la película de Nolan y las dos y media del Hombre Araña), la cinta dirigida por Curry Barker no figura entre las diez producciones más vistas del año, según datos de Comscore Movies Spain. Por eso, desde Infobae defendemos que esta es la mejor película que puedes ir a ver este verano, y te ofrecemos varias razones para ello.

Algo más que la ‘típica’ película de terror

La premisa de Obsession es muy simple: un joven llamado Michael se encuentra desesperado por el presunto desinterés romántico de Niki, la chica de la que está enamorado. Frente a esto, decide probar suerte con una rama del Sauce de los deseos, un artículo comprado en una tienda que, supuestamente, al quebrarse concede cualquier deseo. Michael pide que Niki “le quiera más que a nadie”, lo que en un principio parece que se cumple. Sin embargo, con el paso de los días se da cuenta de que la obsesión que ahora sufre esta joven por él es mucho más peligrosa de lo que imaginaba.

Puede que la historia en sí no parezca suficiente como para que la película haya recibido excelentes críticas ni batido récords en Estados Unidos. Con solo 750.000 euros de presupuesto, ha superado los 250 millones de dólares de recaudación en el país norteamericano. La razón es que Obsession no es solo una película de terror, o al menos, no es solo la idea que solemos hacernos de este género. En efecto, la película de Curry Barker da miedo, y mucho, pero a medida que avanza la trama nos damos cuenta de cómo el hechizo al que está sometida la joven nos habla de temas tan actuales como el consentimiento o los peligros de desear lo que no se tiene.

Por eso, aunque la increíble interpretación de Inde Navarrette en la piel de Niki sea lo que más nos asuste, es probable que salgamos de la sala preguntándonos quién da más miedo realmente: si la joven hechizada o el joven que, sabiendo lo que ocurre, decide mantenerlo todo como está. Puede que la mujer obsesionada no sea más que el reflejo de los deseos más oscuros que él tiene. La película de Barker cuenta, además, con un final a la altura y completamente inesperado, que pone la guinda a uno de los títulos más sorprendentes de la temporada.

La mayoría de los usuarios de internet doméstico desconoce las diferencias entre las dos bandas principales que ofrece el estándar WiFi. Al conectar un televisor inteligente o cualquier dispositivo para ver contenido en streaming, elegir entre 2.4 GHz o 5 GHz puede marcar una diferencia sustancial en la experiencia.

Esta decisión influye directamente en la velocidad, el alcance y la estabilidad de la conexión, factores que determinan si la reproducción de películas o series se realiza sin interrupciones.

Tanto los proveedores de servicios de internet como los fabricantes de routers modernos permiten seleccionar entre ambas frecuencias. Aunque la mayoría de los dispositivos recientes admite las dos opciones, la elección adecuada depende de las características físicas del ambiente y las necesidades de cada usuario.

Qué diferencia hay entre 2.4 GHz y 5 GHz en una red WiFi doméstica

Según expertos como Optimun, la diferencia fundamental entre 2.4 GHz y 5 GHz radica en la frecuencia de las ondas electromagnéticas que utilizan para transmitir datos. 2.4 GHz es una frecuencia más baja, lo que permite que la señal viaje a mayor distancia y atraviese obstáculos como paredes y techos con mayor facilidad.

5 GHz, en cambio, utiliza una frecuencia más alta, lo que posibilita transportar más datos de manera simultánea y alcanzar velocidades superiores, aunque su alcance es más limitado.

La banda de 2.4 GHz es más adecuada para cubrir áreas extensas o viviendas con muchas divisiones, mientras que 5 GHz ofrece mejor desempeño a corta distancia. Esta diferencia se traduce en una mayor flexibilidad para adaptar la red WiFi a las condiciones físicas del lugar y al tipo de dispositivos conectados.

Qué banda garantiza mejor velocidad para ver películas en streaming

La frecuencia de 5 GHz puede alcanzar velocidades de hasta 1300 Mbps en condiciones ideales, frente a los 300 Mbps máximos que ofrece la banda de 2.4 GHz.

Esta superioridad en velocidad permite reproducir contenido en alta definición y 4K sin interrupciones, siempre que los dispositivos y la distancia al router lo permitan.

Asimismo, el mayor número de canales no superpuestos en 5 GHz, de hasta 23, ayuda a gestionar múltiples conexiones simultáneas, evitando la congestión habitual en 2.4 GHz, que solo ofrece tres canales de este tipo.

Para quienes buscan una experiencia de streaming fluida, la banda de 5 GHz es la opción más útil, siempre que se utilice cerca del router y sin muchos obstáculos de por medio.

Cómo afecta el alcance de la señal WiFi en cada banda

El alcance constituye una de las diferencias más notorias entre ambas frecuencias. 2.4 GHz puede cubrir áreas más grandes y mantener la calidad de señal en habitaciones alejadas o separadas por paredes gruesas. Esta característica la convierte en una alternativa para casas grandes o pisos con múltiples divisiones.

Por su parte, 5 GHz pierde fuerza con rapidez al atravesar obstáculos sólidos y su cobertura se limita a espacios cercanos al router. Esta limitación obliga a ubicar el router en un punto estratégico o considerar repetidores si se desea aprovechar la mayor velocidad sin sacrificar cobertura.

En cuál banda son más comunes las interferencias

La interferencia afecta de manera diferente a cada frecuencia. 2.4 GHz comparte el espectro con varios dispositivos domésticos, como microondas, teléfonos inalámbricos y otros routers cercanos. Esta saturación puede generar congestión, cortes y una experiencia streaming menos estable.

En cambio, 5 GHz cuenta con más canales disponibles y menos interferencia de aparatos externos, lo que permite mantener conexiones más limpias y eficientes. Esta ventaja es muy útil en zonas densamente pobladas, donde abundan las redes inalámbricas.

Para minimizar las interrupciones y la pérdida de calidad durante la reproducción de películas, 5 GHz ofrece mejores garantías, siempre que los dispositivos sean compatibles.

La producción reúne por primera vez en la pantalla a Natalia Oreiro y Gael García Bernal, dos de los actores más prestigiosos de Latinoamérica, en una historia íntima que encuentra su mayor fortaleza en la humanidad de sus personajes. Lejos de los lugares comunes de la comedia romántica, la película propone una reflexión sobre el deseo, las decisiones y la posibilidad de reinventarse cuando todo parece estar definido.

Oreiro interpreta a Mercedes “Mechi”, una ejecutiva argentina que atraviesa un momento complejo. Su matrimonio atraviesa una crisis, mantiene una relación difícil con su hija adolescente y carga con el peso económico de su familia. Del otro lado está Guillermo, interpretado por García Bernal, un exitoso ejecutivo mexicano casado, con un hijo y una situación económica estable, aunque marcado por una insatisfacción que apenas logra ocultar detrás de la rutina cotidiana.

Los dos trabajan para distintas divisiones de una multinacional alimentaria y sus caminos se cruzan cuando una crisis corporativa los obliga a viajar a un exclusivo resort en México. Allí, lejos de sus hogares y de las responsabilidades diarias, descubren una conexión inesperada que comienza a modificar la manera en la que ambos observan sus propias vidas.

Uno de los mayores aciertos del film es evitar transformar esa relación en un simple relato sobre la infidelidad. Taratuto, quien también firma el guion junto a Matías Scartascini, pone el foco en otra cuestión: qué sucede cuando alguien aparece para recordarnos quiénes éramos antes de convertirnos en la versión de nosotros mismos que simplemente cumple con las obligaciones.

Durante los días que comparten resolviendo la crisis empresarial, Mechi y Guillermo conversan, se conocen y encuentran un espacio de sinceridad que hace tiempo no experimentaban. Él convive con un extraño zumbido permanente en el oído, una metáfora de un malestar que nadie logra explicar. Ella intenta sostener una familia que parece depender exclusivamente de su esfuerzo. Ambos sienten que algo dejó de funcionar mucho antes de conocerse.

Con una duración de 90 minutos, Nada entre los dos encuentra el equilibrio entre el humor, la emoción y el drama sin caer en excesos melodramáticos. La química entre Oreiro y García Bernal sostiene una historia donde los silencios dicen tanto como los diálogos y donde los pequeños gestos resultan más importantes que los grandes discursos.

Aunque la historia transcurre en la costa mexicana, gran parte del rodaje se realizó en Punta del Este y Montevideo, escenarios que recrean con solvencia los paisajes del Caribe. La fotografía aprovecha esos espacios abiertos para reforzar la sensación de libertad que comienzan a experimentar los protagonistas.

El elenco se completa con Guillermina Fabbiani, Peto Menahem, Leonardo Daniel, Axel Madrazo y Pía Watson, quienes aportan personajes cercanos que enriquecen un relato centrado en los conflictos cotidianos de la adultez.

Producida por Cimarrón (The Mediapro Studio) y Concreto Films, en coproducción con Particular Crowd para Warner Bros. Discovery, la película confirma el estilo que convirtió a Juan Taratuto en uno de los grandes narradores del cine romántico argentino: historias simples en apariencia, pero atravesadas por preguntas profundas.

Más que hablar de un romance, Nada entre los dos invita a reflexionar sobre esos encuentros inesperados que obligan a replantear el presente. Porque, a veces, las personas no llegan para quedarse. Llegan para transformarnos.

Una pelea dentro de la jaula de M. Bison

La escena comienza con varios guardias que arrastran a Ryu hasta una sala ocupada por prisioneros. Allí aparece M. Bison, quien habla sobre las capacidades de su cautivo antes de presentar a tres hombres encadenados. La situación cambia cuando Blanka entra en acción y derrota al grupo en pocos segundos.

El personaje de Momoa utiliza entonces su clásica descarga eléctrica. El efecto es tan intenso que deja visible el esqueleto de uno de los reclusos, una imagen que recupera el tono exagerado de los videojuegos. Ryu responde con un Hadouken, el proyectil de energía que funciona como uno de sus movimientos más reconocibles.

La secuencia ofrece una primera muestra extensa de la coreografía entre ambos luchadores. El diseño de Blanka generó opiniones divididas desde sus apariciones iniciales, principalmente por el uso de CGI, es decir, imágenes generadas por computadora. La ejecución del combate, en cambio, recibió comentarios favorables entre seguidores familiarizados con los movimientos y las poses de los juegos.

El adelanto también deja ver el enfoque elegido para los poderes. La electricidad de Blanka y el Hadouken mantienen su aspecto desmesurado en lugar de buscar una representación realista, una decisión acorde con el tono caricaturesco y extravagante planteado para la película.

Capcom participó en la reescritura

La adaptación está dirigida por Kitao Sakurai y fue desarrollada por Legendary desde 2023. En lugar de convertir el material en un relato completamente serio, el equipo eligió una comedia de acción que conserva las personalidades, los atuendos y los rasgos visuales más reconocibles de los personajes creados por Capcom.

La historia estará ambientada en 1993. Su punto de partida tendrá a Chun-Li reclutando a Ryu y Ken Masters para participar en el torneo World Warrior, uno de los elementos centrales de la franquicia. La presencia de M. Bison en el nuevo video anticipa que los luchadores terminarán bajo su control o dentro de una de sus instalaciones.

Capcom tuvo participación en el desarrollo del libreto. Takayuki Nakayama, director de Street Fighter 6, colaboró en la reescritura del guion, un dato que ayuda a explicar la atención puesta en ataques, poses y referencias dirigidas a quienes conocen los videojuegos.

El avance de Ryu y Blanka no es el primer material promocional. Paramount presentó el primer tráiler oficial en abril y desde entonces difundió fragmentos centrados en personajes y combates antes del estreno.

Un reparto amplio y tres cameos para los jugadores

El elenco incluye a Noah Centineo como Ken Masters y a Callina Liang como Chun-Li. También participan Roman Reigns, David Dastmalchian, Cody Rhodes, Andrew Schulz, Eric André, Vidyut Jammwal y Curtis 50 Cent Jackson, además de Koji y Momoa como los protagonistas del enfrentamiento mostrado.

La escena incorpora tres cameos vinculados con la comunidad competitiva. La voz de Maximilian Dood puede escucharse con su grito habitual alrededor del segundo 14. Más adelante, cerca de los treinta segundos, Justin Wong e IFC Yipes aparecen fuera de la jaula. Wong celebró su participación con una declaración directa: “No me puedo creer que ahora pueda decir que salgo en una película”.

Estos invitados están relacionados con años de competencias y transmisiones dedicadas a Street Fighter, por lo que sus apariciones funcionan como referencias específicas para los seguidores de los torneos. Paramount las integró dentro de la escena sin interrumpir el combate principal.

Street Fighter se estrenará exclusivamente en cines el 16 de octubre de 2026. Mientras llega esa fecha, Street Fighter 6 continúa activo en Nintendo Switch 2 y otras plataformas.

Mike Flanagan se incorporó al desarrollo de la adaptación de Warhammer 40.000 que preparan Amazon MGM Studios y Games Workshop, con Henry Cavill como productor y figura central del proyecto. El creador de La maldición de Hill House ya habría completado los primeros esquemas argumentales y pronto comenzará el trabajo sobre los guiones, aunque todavía no existe una fecha de estreno y Games Workshop advierte que sus producciones para cine y televisión tardarán años en llegar al público.

El trabajo de Mike Flanagan

La participación de Flanagan fue revelada por Kevin Rountree, director ejecutivo de Games Workshop, dentro del informe anual de la empresa. Según la información difundida, el realizador ya está implicado en el desarrollo y terminó una primera etapa centrada en delinear la historia. El siguiente paso será transformar esos esquemas en guiones completos.

Todavía no se precisó si Flanagan dirigirá episodios, ejercerá como responsable creativo o asumirá otra función durante la producción. La información disponible se limita a su trabajo en la historia y al próximo inicio de la escritura, por lo que el alcance definitivo de su participación permanece bajo reserva.

Su incorporación suma a un cineasta y guionista ligado al terror psicológico y a las adaptaciones literarias. Flanagan creó series como Misa de medianoche, La maldición de Bly Manor y La caída de la casa Usher. También escribió el guion de la futura película Clayface para DC Studios.

Ese recorrido encaja con varios elementos de Warhammer 40.000. La franquicia combina guerras a escala galáctica, fanatismo religioso, regímenes autoritarios, criaturas monstruosas y horror cósmico. Trasladar ese material a imagen real exige definir un punto de entrada entre décadas de novelas, juegos de mesa, videojuegos y relatos vinculados entre sí.

Henry Cavill continúa al frente

Cavill sigue tan implicado como desde el anuncio inicial del acuerdo, según los reportes sobre el estado del proyecto. El actor es un aficionado declarado de Warhammer desde hace años y participó en el proceso para encontrar una historia capaz de funcionar como comienzo de las adaptaciones audiovisuales.

Más de tres años después de anunciarse el acuerdo entre Amazon y Games Workshop, la producción continúa en una etapa temprana. Cavill explicó anteriormente que el equipo había estudiado personajes, novelas y material oficial antes de elegir un punto de partida. Esa elección ya habría recibido la aprobación de ambas partes, pero todavía se mantiene en secreto.

La actualización confirma avances concretos, aunque también enfría cualquier expectativa de un estreno cercano. Rountree describió el acuerdo como “una colaboración a largo plazo con Amazon” y señaló que las películas y series previstas “tardarán años en llegar al mercado con éxito”.

La declaración deja claro que el trabajo actual está concentrado en el desarrollo creativo, antes de etapas como la selección del reparto, la construcción de escenarios, el rodaje y la posproducción. Tampoco se anunciaron directores, personajes, cantidad de episodios o una ventana aproximada de lanzamiento. Aunque algunas informaciones presentan a Cavill como protagonista, Games Workshop todavía no detalló qué papel interpretará frente a cámara.

Las otras producciones de Warhammer

El proyecto de imagen real forma parte de un plan más amplio entre Games Workshop y Amazon. El informe anual confirmó una serie animada centrada en Deathwatch, una fuerza de Marines Espaciales especializada en combatir amenazas alienígenas. El guion estará a cargo de John Orloff, conocido por su trabajo en Masters of the Air.

Deathwatch todavía no tiene reparto, argumento detallado ni fecha de estreno. El anuncio permite distinguir esta producción de la adaptación encabezada por Cavill y Flanagan: será una serie animada con su propio equipo creativo, aunque ambas parten de la misma franquicia de ciencia ficción.

Amazon también prepara otro episodio de Secret Level, su antología animada dedicada a distintas propiedades de videojuegos y fantasía. La segunda temporada incluirá una historia basada en Warhammer: Age of Sigmar, la línea fantástica de Games Workshop. A diferencia del tono futurista de Warhammer 40.000, Age of Sigmar presenta reinos de fantasía, magia y ejércitos enfrentados.

La producción de ese episodio estaría casi terminada, pero aún no se comunicaron su trama, duración ni fecha exacta de lanzamiento.

A lo largo de la historia del cine, es muy habitual que detrás de las mejores películas haya también historias increíbles sobre cómo surgieron. En ocasiones, estas no pasan de felices anécdotas, pero en otras se trata de tragedias, como en el caso de El cazador, el filme de 1978 dirigido por Michael Cimino, cuyo reparto estuvo marcado por la enfermedad terminal del actor John Cazale y la bondad de uno de sus amigos, Robert De Niro.

La historia empieza, en realidad, un año antes. En 1977, como explica el divulgador cultural Mati Rampoldi (@mati.rampoldi) en un vídeo publicado en sus redes sociales, John Cazale fue diagnosticado con cáncer de pulmón. Tanto él como su pareja, la por aquel entonces desconocida actriz Meryl Streep, quedaron devastados, no solo por el carácter terminal de la enfermedad, sino porque ninguno de los dos tenía dinero para pagar un seguro que le permitiera a él “postergar lo inevitable”.

“Al enterarse de esta situación, Robert De Niro, quien había construido una amistad con el actor durante el rodaje de El padrino 2 (Cazale interpreta a Fredo, el hermano de Michael Corleone, mientras De Niro encarna a un joven Vito Corleone), decidió ofrecerle un papel en su próxima película a él y a su novia", explica Rampoldi. “Eso le daría la posibilidad de seguir haciendo lo que amaba y, además, el seguro médico para cubrir el tratamiento”. Esa cinta no sería otra que El cazador, considerada como una de las mejores de la década de los 70.

El ultimátum de Robert De Niro

Como cuenta el divulgador, a los productores de la producción de Cimino “no les gustaba nada la idea de contratar a Cazale porque solamente los gastos del seguro médico iban a ser enormes. De Niro contestó que sin Cazale no iba a hacer la película. Ofreció reducir su salario, firmó un cheque enorme por la cantidad que era requerida para cubrir a un enfermo terminal y acordó que todas las escenas de Cazale se iban a filmar al principio de la película”.

De este modo, gracias a la insistencia de De Niro, Cazale fue contratado para uno de los papeles más importantes del filme, mientras que Meryl Streep obtuvo también trabajo en el mismo, aunque no terminara de convencerle la historia. El actor pudo terminar la producción y falleció poco antes de su estreno, de modo que no pudo comprobar el gran éxito que cosechaba El cazador. La cinta no solo obtuvo cinco premios Oscar, incluyendo el de Mejor película, sino que además acumuló en las taquillas tres veces más de lo que había costado hacerla.

“Además”, concluye Rampoldi, “le dio a Meryl Streep la primera nominación para estos premios y nunca olvidó, obviamente, el gesto que De Niro tuvo para con ellos y forjó una amistad que dura hasta el día de hoy”. Seis años después, ambos intérpretes volverían a cruzar sus caminos en Enamorarse, donde interpretarían a una pareja de casados. Por aquel entonces, sin embargo, ella ya sería una estrella absoluta de Hollywood, tras aparecer en Manhattan, de Woody Allen y, sobre todo, de ganar su primer Oscar en Kramer contra Kramer.

Un ladrón con una misión personal

La película gira alrededor de Thomas Crown, un hombre rico que roba objetos de gran valor y se mueve entre museos, grandes ciudades y castillos europeos. El avance presenta persecuciones, una vida marcada por el lujo y secuencias en las que Jordan utiliza cables para desplazarse por el aire. El eje, sin embargo, será el duelo entre Crown y la investigadora interpretada por Arjona.

Los dos personajes quedan atrapados en una dinámica de persecución mientras desarrollan una relación sentimental. Jordan explicó que buscaba una actriz capaz de transmitir fuerza y vulnerabilidad, además de interpretar a alguien que comprende el juego de Crown, puede desafiarlo y termina enamorándose de él.

Los detalles completos del argumento permanecen reservados. El material exhibido previamente en CinemaCon adelantó que el objetivo del protagonista será personal y que la venganza tendrá un lugar central en la historia. Una de las frases promocionales resume esa idea: “La venganza es una obra de arte”.

El blanco de Crown será el personaje encarnado por Kenneth Branagh, aunque todavía no se reveló cuál es su vínculo con el ladrón ni qué hecho origina el conflicto. Esa motivación separará parcialmente a esta versión de la fórmula básica de las películas anteriores, centradas en el robo, la investigación y la atracción entre perseguidor y perseguido.

Jordan aclaró que considera al proyecto una reinterpretación, en lugar de una remake o un reinicio. Según el actor y director, su intención fue conservar el estilo y la rebeldía asociados con Thomas Crown, pero darle al personaje una misión concreta. También definió la película como un proyecto personal que llevaba mucho tiempo intentando realizar.

La tercera versión de Thomas Crown

La historia llegó por primera vez al cine en 1968, con Steve McQueen como el millonario que robaba arte y Faye Dunaway como la investigadora de seguros que intentaba atraparlo. La tensión romántica entre ambos personajes formaba parte del enfrentamiento, planteado como una partida de ajedrez en la que cada uno buscaba anticipar el siguiente movimiento del otro.

Aquella producción ganó el Oscar a mejor canción original por Windmills of Your Mind. El tema quedó asociado a una película que combinaba crimen, romance y una puesta visual centrada en la elegancia de sus protagonistas.

En 1999 llegó una segunda adaptación encabezada por Pierce Brosnan y Rene Russo. Brosnan interpretó a una nueva encarnación del ladrón, mientras Russo asumió el papel de la investigadora que se convertía en su rival y posible interés amoroso. La próxima película será, entonces, la tercera versión cinematográfica de la premisa.

El nuevo guion parte de un texto original de Alan R. Trustman y de una historia desarrollada por Trustman junto con Drew Pearce. La versión final fue escrita por Pearce y Jason Hall. Jordan anticipó que el resultado no será exactamente lo que espera el público familiarizado con las adaptaciones anteriores.

El caso Thomas Crown será el segundo largometraje de Jordan como director. Al mismo tiempo, volverá a ocupar el centro del elenco y asumirá tareas de producción, una combinación que le permite controlar tanto la interpretación del protagonista como el enfoque de esta nueva lectura.

El reparto y la música de la película

Junto con Jordan, Arjona y Branagh, el elenco incluye a Lily Gladstone, Danai Gurira, Pilou Asbæk y Aiysha Hart. Las fuentes todavía no detallan los personajes que interpretarán ni el lugar que ocuparán dentro del robo y la persecución principal.

La música estará a cargo de Jon Batiste, ganador del Oscar, el BAFTA, el Globo de Oro y ocho premios Grammy. Su participación adquiere un peso particular por el antecedente musical de la película de 1968, cuya canción original obtuvo el reconocimiento de la Academia.

El primer tráiler concentra la atención en el enfrentamiento entre Crown y la investigadora, con robos, desplazamientos internacionales y escenas de acción física. El estreno de The Thomas Crown Affair está programado para el 5 de marzo de 2027.

Dirigida por Daniela Goggi (El Rapto), la producción propone una revisión contemporánea de uno de los expedientes criminales más recordados del país. A diferencia de los numerosos documentales, informes y programas televisivos que durante décadas privilegiaron la figura de Ricardo Barreda, esta versión reconstruye la vida de Gladys McDonald, Elena Arreche, Cecilia y Adriana, las cuatro mujeres asesinadas por el odontólogo.

El tráiler presenta una ambientación minuciosa, una fotografía oscura y una tensión que se sostiene durante todo el avance. Más que anticipar un policial tradicional, las imágenes muestran un drama psicológico atravesado por la violencia doméstica y por el silencioso deterioro de los vínculos familiares.

Luis Machín encarna a Ricardo Barreda, mientras que Carla Peterson interpreta a Gladys McDonald, su esposa. Mercedes Morán da vida a Elena Arreche, la suegra del odontólogo, y Maite Lanata junto a Margarita Páez interpretan a Cecilia y Adriana, las hijas del matrimonio. Completan el elenco Marcelo Subiotto, Paola Barrientos y Alberto Ajaka.

La película es una coproducción entre About Entertainment, Infinity Hill y Amazon MGM Studios y estará disponible en más de 240 países y territorios. Desde la plataforma señalaron que el proyecto busca recuperar la identidad de las víctimas y revisar la manera en que el caso fue narrado durante décadas por buena parte de los medios.

Durante muchos años, Ricardo Barreda llegó a convertirse en un personaje de la cultura popular. Mientras cumplía condena recibió numerosas cartas de admiradores, inspiró merchandising y hasta fue presentado en distintos programas como un hombre sometido a permanentes humillaciones familiares. Esa construcción pública es precisamente uno de los aspectos que la película busca cuestionar.

En lugar de profundizar sobre la personalidad del femicida, Barreda reconstruye la cotidianeidad de las mujeres asesinadas, los vínculos dentro de la casa y la violencia que permanecía oculta puertas adentro. El objetivo es revisar el caso desde una perspectiva atravesada por los cambios sociales y culturales ocurridos en las últimas décadas respecto de la violencia de género.

La historia real

El 15 de noviembre de 1992, Ricardo Barreda asesinó con una escopeta a su esposa Gladys McDonald, a su suegra Elena Arreche y a sus hijas Cecilia y Adriana en la vivienda familiar de La Plata. Después de cometer los crímenes intentó sostener una rutina habitual antes de ser detenido.

Durante el juicio argumentó que sufría constantes humillaciones dentro de su hogar y popularizó el apodo “Conchita”, con el que afirmaba que su familia lo descalificaba. En 1995 fue condenado a prisión perpetua por el cuádruple homicidio. Años más tarde obtuvo arresto domiciliario, luego la libertad condicional y finalmente la extinción de la pena. Murió en mayo de 2020, a los 84 años.

Con el lanzamiento del tráiler, Prime Video anticipa una de las producciones argentinas más esperadas del año. Lejos de glorificar al asesino, Barreda propone revisar cómo una sociedad construyó el relato alrededor del femicida mientras las historias de las víctimas quedaban relegadas. Ese cambio de mirada aparece como el gran diferencial de una película que promete reabrir el debate sobre uno de los casos criminales más emblemáticos de la historia argentina.

Un verano atravesado por el romance y la enfermedad

La historia sigue a Ry, una estudiante universitaria que padece una enfermedad crónica. La joven viaja a Mallorca para pasar unas vacaciones de verano junto a su madre, interpretada por Longoria, pero la escapada toma un rumbo diferente cuando conoce a Julián, el personaje de Líndez.

El vínculo entre ambos lleva a Ry a enamorarse y a intentar vivir el presente mientras recorre la isla. Ese romance queda condicionado por el empeoramiento de su salud, uno de los conflictos centrales de la película. Las fuentes difundidas por Prime Video no especifican qué enfermedad padece la protagonista ni qué tratamiento sigue.

A esa situación se suman varios secretos familiares que permanecieron ocultos durante mucho tiempo. Su posible revelación amenaza la relación entre madre e hija y puede alterar los planes de Ry antes de que termine el verano. Así, la trama combina el romance juvenil con un drama familiar marcado por una condición médica que limita el tiempo y las decisiones de la protagonista.

El primer avance se concentra en esa estadía en Mallorca y presenta a Reficco, Longoria y Líndez como los tres rostros centrales del relato. La película utiliza el viaje como marco para enfrentar a Ry con una relación inesperada, el deterioro de su salud y la información que su familia evitó compartir con ella.

La adaptación de una novela de Anna Todd

Sunrise: El último amanecer adapta la novela homónima de Todd, escritora conocida por la serie literaria After. La autora participa además como productora del largometraje, aunque el guion fue escrito por Anna Klassen, responsable de trasladar la historia al formato cinematográfico.

La dirección quedó en manos de Carlson Young. El equipo de producción incluye a Jennifer Gibgot, Lena Roklin, Andrew Panay y Brian Pitt, además de Todd. Prime Video no informó en los materiales compartidos la duración de la película ni una posible clasificación por edades.

El proyecto es una producción de Amazon MGM Studios en asociación con Ethea Entertainment, Pitt Street Productions y Luber Roklin Entertainment. Esta colaboración reúne a cuatro productoras para llevar la obra de Todd directamente al catálogo internacional de Prime Video, sin que se haya anunciado un paso previo por salas de cine.

La presencia de Todd entre los productores permite que la autora forme parte del proceso de adaptación, mientras que Klassen y Young ocupan las funciones creativas principales como guionista y directora. La información oficial no detalla cuánto cambiará la versión cinematográfica respecto del libro.

Cuándo y dónde ver Sunrise: El último amanecer

Sunrise: El último amanecer estará disponible en Prime Video desde el 26 de agosto de 2026. El lanzamiento abarcará más de 240 países y territorios, por lo que los suscriptores de distintas regiones podrán acceder a la película durante la misma ventana global.

El estreno incorpora al catálogo un drama romántico encabezado por Reficco, con Longoria en el papel de la madre de Ry y Líndez como su interés amoroso. El tráiler ya permite ver el escenario de Mallorca y los primeros encuentros entre los personajes antes de la llegada del largometraje.

Prime Video distribuirá la película directamente por streaming. Hasta el momento, no fueron comunicados horarios específicos de disponibilidad para cada país ni un estreno en cines; la fecha global confirmada sigue siendo el 26 de agosto.

Una nueva tragedia en las alturas

La historia presenta a Jax, hermana de Hunter, una de las jóvenes que quedó atrapada en lo alto de una torre durante los acontecimientos de la primera película. Hunter murió en aquel incidente mientras intentaba sobrevivir junto a su amiga Becky, y esa pérdida funciona como vínculo directo entre las dos entregas.

Jax todavía atraviesa el duelo, pero decide honrar la memoria de su hermana con una peligrosa escalada en el monte Kwan. La acompaña Luce, mejor amiga de Hunter y una escaladora dispuesta a recorrer una frágil pasarela instalada sobre la montaña. El viaje vuelve a colocar a los personajes en un lugar elevado, aislado y con pocas alternativas para escapar.

El problema comienza cuando un desprendimiento de rocas destruye una sección de los tablones. Jax y Luce quedan varadas a unos 1.500 metros de altura, expuestas al terreno inestable y sin un refugio cercano. El adelanto muestra pasarelas dañadas, caídas y desplazamientos sobre superficies estrechas, elementos que recuperan el miedo a las alturas empleado por la película de 2022.

La secuela traslada el peligro desde una torre hasta un entorno natural de Tailandia. El cambio agrega desprendimientos, condiciones impredecibles y una estructura que puede ceder bajo los pies de las protagonistas. El thriller de supervivencia, género centrado en personajes que deben resistir con recursos limitados, mantiene así una premisa sencilla: un accidente convierte una actividad extrema en una lucha por seguir con vida.

El nuevo elenco de Fall 2: Deadpoint

Harriet Slater interpreta a Jax después de participar en Tarot, mientras que Arsema Thomas, conocida por La reina Carlota: Una historia de Los Bridgerton, asume el papel de Luce. Las dos reemplazan como figuras centrales a las protagonistas de la entrega anterior, aunque la relación familiar de Jax con Hunter permite continuar las consecuencias de aquella historia.

El reparto incluye a Tom Brittney, visto en Black Box: Vuelo 298; Juju Journey Brener, de El retorno de las brujas 2; y Andrey Kasushkin, de Affinity. También participan Einar Haraldsson, de Sisu: Camino a la venganza; Jordan Coleman, de Rebel Moon Parte uno: La niña del fuego; y Adam Rose, de Go West!.

El nuevo tráiler concentra su atención en Slater y Thomas, el derrumbe de la pasarela y la escala del monte. Lionsgate presenta la exposición extrema y la falta de refugio como los principales obstáculos, además del impacto emocional que tiene para Jax regresar a una actividad asociada con la muerte de su hermana.

Nuevos directores y el regreso de Scott Mann

Scott Mann coescribió y dirigió la película original, pero en esta ocasión permanece en el proyecto únicamente como guionista. La dirección pasó a los hermanos Michael y Peter Spierig, responsables de títulos vinculados con el suspenso, el terror y la ciencia ficción.

Entre sus trabajos anteriores se encuentran Saw VIII, continuación de la saga de trampas y asesinatos; Predestination, relato de viajes temporales; y Winchester: La casa que construyeron los espíritus, película de terror protagonizada por una mansión marcada por presencias sobrenaturales. En Vértigo 2, los cineastas trabajan con espacios abiertos y una amenaza física inmediata en lugar de escenarios cerrados.

La producción conserva la fórmula central de la primera entrega, pero cambia el lugar, el elenco y el equipo de dirección. La fecha anunciada corresponde a los cines de Argentina, donde Vértigo 2 se estrenará el 1 de octubre de 2026.

La nueva entrega recupera el universo de la revista Runway y reúne nuevamente a Miranda Priestly, Andy Sachs, Emily Charlton y Nigel, los personajes que conquistaron al público con la primera película. La producción vuelve a explorar el mundo de la moda, aunque esta vez con una industria transformada por los cambios tecnológicos y la crisis de los medios tradicionales.

¿De qué trata ‘El diablo viste a la moda 2’?

En la secuela, Anne Hathaway vuelve como Andy Sachs, quien dejó atrás su etapa como asistente de Miranda para convertirse en una exitosa periodista. Sin embargo, su carrera atraviesa un giro inesperado cuando ella y sus compañeros son despedidos debido al impacto de los cambios digitales en el sector de los medios impresos.

La situación la lleva a reencontrarse con Runway, la revista dirigida por Miranda Priestly (Meryl Streep), que también enfrenta dificultades y necesita recuperar relevancia. Para encontrar una salida, Andy vuelve a cruzarse con Emily Charlton (Emily Blunt), quien pasó de ser la asistente de Miranda a convertirse en una importante ejecutiva de Dior y una rival dentro de la industria de la moda.

Además del retorno de Stanley Tucci como Nigel, el filme suma a actores como Lucy Liu, Kenneth Branagh, Justin Theroux y Simone Ashley. Además, incluye apariciones especiales de reconocidas figuras de la moda, entre ellas Donatella Versace, Marc Jacobs, Domenico Dolce, Stefano Gabbana, Naomi Campbell, Heidi Klum y Ashley Graham.

El regreso de Miranda Priestly y Andy Sachs tuvo una gran respuesta comercial. Según los datos recopilados por Forbes, la película cerró su recorrido en cines con una recaudación mundial de 690,3 millones de dólares.

La cifra se divide entre 220,6 millones de dólares en Norteamérica y 469,7 millones de dólares en los mercados internacionales. Con un presupuesto estimado de 100 millones de dólares, la secuela superó ampliamente su punto de equilibrio, calculado en alrededor de 250 millones de dólares.

Asimismo, la nueva historia de Runway también obtuvo una respuesta favorable por parte de críticos y espectadores. En Rotten Tomatoes, El diablo viste a la moda 2 cuenta con una aprobación del 78 % en el Tomatometer, basada en 343 reseñas de críticos.

El consenso de la crítica destaca el regreso de Meryl Streep como Miranda Priestly y señala que la película combina entretenimiento con un debate necesario sobre la situación actual de los medios de comunicación. En tanto, la valoración del público alcanza el 84 % en el Popcornmeter, con elogios al elenco y a la manera en que amplía la historia original.

Curiosidades del rodaje de ‘El diablo viste a la moda 2’

Con motivo de su llegada a streaming, Disney compartió algunos detalles del detrás de cámaras. Uno de los más llamativos es que las nuevas oficinas de Runway fueron construidas con un tamaño ocho veces mayor al set utilizado en la primera película. El diseñador de producción Jess Gonchor explicó que el equipo creó un espacio más grande, inspirado en las oficinas de Vogue, aunque con una versión más exagerada.

Otro momento destacado ocurrió durante el rodaje de una escena de Miranda en Milán. Aunque Andy Sachs no aparecía en esa secuencia, Anne Hathaway decidió asistir a la filmación y, después de la primera toma, se acercó a Meryl Streep para decirle que nunca la había visto más hermosa.

La producción también recuperó uno de los objetos más recordados de la película original: el suéter azul cerúleo de Andy. Sin embargo, el vestuario tuvo que reproducirse como un duplicado debido a que la prenda original tenía la conocida mancha de sopa.

El diablo viste a la moda 2 está disponible desde el 29 de julio de 2026 en Disney+.

La filmografía de Manolo Solo, actor fallecido este mismo jueves a los 62 años, destaca por una combinación de papeles secundarios en títulos de gran éxito (El laberinto del fauno, Celda 211, La isla mínima) y otros trabajos con mayor protagonismo en producciones independientes de gran aceptación (Cerrar los ojos, Una quinta portuguesa). Sin embargo, tras su muerte, la lista de películas en las que participó el ganador de un Goya en 2016 todavía está incompleta, ya que algunos de sus últimos proyectos todavía no han pasado por los cines.

Este es el caso de Aquí, una película diririgda por el director portugués Tiago Guedes en la que Manolo Solo tenía el papel protagonista. Esta película se ambienta en un mundo del futuro donde la memoria ha sido borrado y se impone la conformidad. Sin embargo, David, un niño curioso y desafiante, llega como refugiado con su tutor, Simón, para enfrentarse a una sociedad que reprime a los individuos. A medida que David desafía el sistema, Simón e Inés, su supuesta madre, se enfrentan a las complejidades de la paternidad para protegerlo.

La película adapta la famosa trilogía de Jesús escrita por J. M. Coetzee, escritor sudafricano ganador del premio Nobel de Literatura en 2003. Esta comprende los libros La infancia de Jesús, Los días de Jesús en la escuela y La muerte de Jesús, donde puede seguirse el crecimiento del personaje de corte mesiánico hasta su destino inevitable. Aquí adapta el arco completo, razón por la que la película tiene una duración de tres horas y 20 minutos.

Un reparto español con Patricia López Arnaiz y Sergi López

Aquí se trata de la nueva película de Tiago Guedes, uno de los directores con más renombre internacional del cine portugués actual. Este cineasta saltó a la fama sobre todo por la película A Herdade, que fue estrenada en la Sección Oficial del Festival de Venecia y seleccionada por Portugal para los Oscar en 2019. Otros títulos como Restos do Vento o la serie Glória terminaron de consagran a un cineasta que, con su nuevo proyecto, afronta el reto de rodar una película en español.

Y es que, junto a Manolo Solo, aparecen otros intérpretes españoles. Algunos de ellos de gran renombre, como Patricia López Arnaiz, coprotagonista de la película, o Sergi López. Adermás, también figuran otros nomres como Teresa Rabal. Itsaso Arana o Álex Peláez. Todos ellos forman un equipo que trabaja para llevar a buen puerto una adaptación que busca ser fiel a la obra literaria original, y que todavía no tiene fecha de estreno en España debido a su presentación previa en diferentes festivales.

La película se pudo ver por primera vez en la Sección Oficial del Festival de Cannes, más concretamente en la categoría específica de Cannes Première, reservada a cineastas consagrados para presentar obras de autor destacadas fuera de la competición por la Palma de Oro. La proyección, que el Propio Manolo Solo destacó como “emocionante”, contó on la presencia del propio director Tiago Guedes, el productor Paulo Branco, los actores protagonistas y, de forma excecional, del propio autor de las novelas, el Premio Nobel J.M.Coetzee.

Tony, la película biográfica de Anthony Bourdain, narra la historia de madurez de un gigante de la gastronomía moderna. Ambientada en tan solo un verano, es claramente un aperitivo. Y como todo primer plato, te deja con una buena primera impresión, pero aún con hambre.

El director y coguionista Matt Johnson se ha tomado ciertas libertades, para nuestra frustración, con un período formativo en la vida de Bourdain, pero aun así solo logra contar la historia de cómo un joven inexperto se convirtió en un joven algo menos inexperto después de trabajar arduamente en la cocina de un restaurante en Cape Cod en 1975.

En Tony, el Bourdain hastiado del mundo, eternamente romántico y amante de los fideos, del que nos enamoraríamos décadas después gracias a programas de viajes como Parts Unknown, permanece completamente fuera de nuestro alcance. Lo más frustrante, quizás, es que esta podría haber sido una buena película sin Bourdain como protagonista. ¿A quién no le gusta una buena historia de iniciación? ¿Por qué tenía que ser Bourdain si Bourdain nunca llega a ser Bourdain?

Dominic Sessa interpreta al joven chef viajero como un inadaptado anguloso, con su alta figura encorvada, observando a la gente a través de una mata de rizos rebeldes, con la barbilla siempre hacia abajo: un Bob Dylan hosco con uniforme de cocina. Rara vez vemos destellos de alegría en su rostro, ni siquiera por placer o comida. Nunca se libera. Ni siquiera un momento bellamente documentado de la vida de Bourdain —cuando el mar ese verano se llenó de lubinas rayadas, lo que provocó una frenética pesca nocturna— despierta admiración.

Bourdain dedicó dos capítulos a hablar de esta época en Provincetown, Massachusetts, en sus memorias de 2000, que lo catapultaron a la fama, Kitchen Confidential, y volvería a mencionarla en episodios de las series de televisión A Cook’s Tour y Parts Unknown. Sin duda, fue una época importante en la vida del joven Bourdain, pero si uno se aferra demasiado a ella, parece que el recuerdo se desvanece.

La nueva película comienza con una cita de Kitchen Confidential: “Para ser sincero, yo era un joven malcriado, miserable, narcisista, autodestructivo e irreflexivo, que necesitaba urgentemente una buena paliza”. La recibió al pasar de lavaplatos a emplatar cócteles de camarones y aprender las costumbres de la cocina, basadas en insultos y llenas de testosterona.

Durante aquel fatídico verano, Bourdain desarrolló dos pasiones: una, la pasión por la cocina —la presión, la camaradería, el espíritu artístico, la fascinación pirata por el calor y los cuchillos— y otra, las drogas duras. “Aquí compré mi primera dosis de heroína”, afirma en Parts Unknown. Pero, como un soufflé que se desinfla, fracasa en su primer intento: nunca nos muestra cómo aquel aspirante a escritor con cartera de velcro y camiseta de los Stooges se convirtió en un narrador culinario de renombre mundial. Y tampoco describe el propio consumo de heroína de Bourdain.

Johnson, quien coescribió el guion con Matthew Miller, Todd Bartels y Lou Howe, intensifica lo que debería ser un pequeño y hermoso despertar al crear un mentor culinario completamente nuevo para Bourdain y añadir referencias llamativas al chef del siglo XVII François Vatel y a los “devoradores de pecados” de los siglos XVIII y XIX. ¿Era necesario un devastador incendio en la cocina al estilo de una película de acción de Hollywood? No. Casi se puede sentir cómo los cineastas intentan justificar una persecución de coches.

Antonio Banderas asume el papel de mentor, pero la imagen resulta difusa. Su personaje es espiritual, puntual y profundamente religioso, pero supervisa en silencio a una plantilla misógina, racista y adicta a las drogas. El Bourdain de la película lo inspirará a superarse añadiendo una langosta termidor al menú, uno de esos recursos manidos por los que el aprendiz se convierte en mentor. (El apuesto Banderas no logra capturar del todo la esencia del mentor del libro, con su rostro curtido por la ginebra y su barriga de bebedor.)

Lo más frustrante es que nunca sentimos que la inspiración de Bourdain cobre vida. A lo largo de más de 100 minutos, no se convierte en un evangelista de la gastronomía ni de su poder para sanar, celebrar y conectar con el mundo. Reconoce —en un capítulo sobre su infancia de Kitchen Confidential— que las ostras sabían “al futuro”, pero la rata de Ratatouille tenía más pasión.

Hay momentos encantadores, como cuando se usan ostras abiertas para coquetear, cuando el chef Eric Ripert, amigo de Bourdain desde hace mucho tiempo, hace un cameo, o cuando aparece la actriz Emilia Jones interpretando al interés amoroso de Bourdain. Leo Woodall también hace una actuación fantástica como Sal, el compañero de cocina y de drogas de Bourdain.

Centrarse en un momento específico de la vida de un ícono cultural —como se hizo recientemente con Bruce Springsteen en Springsteen: Deliver Me From Nowhere— es una alternativa ingeniosa a las típicas películas biográficas que abarcan toda su vida. Pero Tony fracasa como historia de origen. No funciona.

Tony, una producción de A24 que se estrena en cines de Los Ángeles y Nueva York el 7 de agosto y se proyectará en más ciudades el 21 de agosto, está clasificada como R por la Motion Picture Association por su lenguaje explícito, consumo de drogas y contenido sexual/desnudez. Duración: 106 minutos. Dos estrellas de cuatro.

Fuente: AP.

Fotos: Andy Kropa/Invision/AP; A24 vía AP; Andy Kropa/Invision/ AP

* Es redactor de entretenimiento de AP.

El actor Manolo Solo ha fallecido este jueves a los 62 años a causa de un cáncer. La noticia ha sido recibida con una gran pena en el mundo cinematográfico, donde el intérprete ganador de un Goya en 2016 era muy querido. Por parte de los espectadores, su rostro también les era muy familiar después de aparecer en papeles secundarios en éxitos como Celda 211 o El laberinto del fauno.

Sin embargo, a pesar de contar con una trayectoria que destaca en su mayoría por papeles breves, Solo demostró también una gran capacidad para tener personajes de más peso en las historias, de modo que en Infobae España hemos querido recordar algunas de las mejores películas en las que trabajó. El resultado es una lista ideal para todos aquellos que quieran recordar al actor viendo algunos de sus trabajos más reconocidos.

Tarde para la ira

La película con la que Manolo Solo ganaría el Goya a Mejor actor de reparto fue la del debut como director de otro conocido intérprete del cine español: Raúl Arévalo. Tarde para la ira es un thriller de venganza en el que un exconvicto que desea empezar una nueva vida se ve envuelto en un meticuloso plan de alguien que lleva años esperando el momento para hacerles pagar a él y a sus socios el daño que provocaron antes de su arresto. La aparición de Manolo Solo como Triana, un hombre de los bajos fondos, es tan breve como memorable, hasta el punto de ser premiado por él.

El buen patrón

Si pensamos en El buen patrón lo más probable es que pensemos en nombres como Javier Bardem, su protagonista indiscutible, o Fernando León de Aranoa, su director. Sin embargo, en la película que batió el récord de nominaciones en los Goya (logró un hito histórico al alcanzar las 20 candidaturas) también destaca Manolo Solo en el papel de Fidel Miralles, mano derecha del patrón de la fábrica que, pese a haber sido siempre un trabajador ejemplar, atraviesa una severa crisis matrimonial que le afecta en su desempeño.

Cerrar los ojos

Uno de los papeles protagonistas del actor es en Cerrar los ojos. Esta película supuso el regreso del director Víctor Erice 40 años después de su último largometraje en solitario. La espera valió la pena, con una conmovedora historia donde vemos a Manolo Solo interpretar a un director en busca de un actor con el que trabajó y con el que desarrolló una íntima amistad, interpretado por José Coronado). Este último ganó el único Goya que se llevó la película tras obtener nueve nominaciones, entre ellas la de Mejor actor protagonista para Solo.

Una quinta portuguesa

Esta fue una de las últimas apariciones de Manolo Solo en una película. En ella, asistimos a una familia española que, tras heredar una antigua propiedad agrícola en Portugal, inician un viaje melancólico y revelador en el que rehabilitar la finca empieza a transformar sus vidas y su relación entre ellos. El actor interpreta a Fernando, patriarca y pilar dramático sobre el que se apoya buena parte de la historia. A su lado está, por cierto, María Medeiros, actriz portuguesa conocida por su papel en películas como Pulp Fiction, Airbag o Mi vida sin mí.

Anatomía de un instante

Aquí hacemos un poco de trampa, porque Anatomía de un instante es una serie. No obstante, no podíamos despedirnos sin uno de los últimos grandes trabajos de Solo interpretando nada más y nada menos que al general Gutiérrez Mellado, personaje mítico de la Transición y el golpe de Estado del 23-F. La serie, inspirada en el libro de Javier Cercas y una de las más aclamadas de 2025, sigue los pasos de algunos de los principales implicados de este evento. Solo dota al personaje de un enorme porte, dignidad y firmeza institucional, reflejando a la perfección el valor físico y moral de un hombre mayor frente a la violencia irracional de las armas.

Una adaptación preparada durante ocho años

El proyecto cinematográfico comenzó a desarrollarse en 2018, antes de que la novela de Tomi Adeyemi llegara a las librerías. Los ejecutivos de Fox 2000 Pictures adquirieron temprano los derechos de una historia que después ingresó en la lista de libros más vendidos de The New York Times y ganó visibilidad dentro de la ficción Young Adult, categoría orientada principalmente a lectores adolescentes y adultos jóvenes.

La historia sigue a Zélie, una joven que emprende una misión para recuperar la magia que fue arrebatada violentamente a su pueblo. Durante el viaje se une a su hermano y a dos hijos del rey para enfrentar al monarca responsable de ese régimen. El conflicto combina persecuciones, poderes sobrenaturales y una lucha política dentro de un territorio inspirado en distintas culturas africanas.

Prince-Bythewood reveló durante la presentación del adelanto en Nueva York que rechazó dos veces la propuesta de dirigir la película a lo largo de siete años. Según explicó, todavía no se sentía preparada emocionalmente ni sabía cómo abordar una producción de esa escala. Aceptó la tercera oferta después de haber dirigido La vieja guardia y La mujer rey, dos experiencias que le permitieron trabajar con acción, grandes repartos y extensas secuencias de combate.

Orïsha fue construida entre Nigeria y Sudáfrica

El diseño visual fue desarrollado junto con Hannah Beachler, responsable del diseño de producción de Black Panther. El equipo tomó como referencia elementos culturales de Nigeria, además de estudiar antiguos palacios de Etiopía para definir la arquitectura. La intención era crear una fantasía con raíces reconocibles, alejada de los escenarios medievales europeos frecuentes en el género.

La magia también fue vinculada con rasgos culturales y físicos de sus personajes. Prince-Bythewood explicó que Beachler investigó cómo la piel humana emite cantidades mínimas de luz y empleó esa idea como punto de partida visual. El diseño incorporó patrones inspirados en la escarificación, una práctica de modificación corporal mediante marcas en la piel que tiene significados sociales y culturales en distintos pueblos.

La producción se filmó en entornos naturales de Sudáfrica y utilizó decorados físicos para reducir la dependencia de las pantallas verdes. Esa técnica permite reemplazar digitalmente el fondo durante la posproducción, pero obliga a los intérpretes a actuar frente a superficies vacías. Prince-Bythewood buscó que el reparto pudiera desplazarse dentro de escenarios completos y observar directamente buena parte de los espacios que aparecerán en pantalla.

La directora definió el enfoque como una fantasía realista: la magia y los reinos ficticios permanecen, pero se apoyan en paisajes, edificios, vestuario y referencias históricas tangibles. El primer adelanto permite ver parte de esos decorados, las habilidades de Zélie y el enfrentamiento contra las fuerzas del rey.

Un reparto entrenado para sus propias peleas

Mbedu interpreta a Zélie y encabeza un elenco que incluye a Damson Idris como el príncipe Inan, Amandla Stenberg como la princesa Amari, Idris Elba como Lekan, Cynthia Erivo como Kaea, Viola Davis como Mama Agba y Lashana Lynch como Jumoke. También participan Tosin Cole, Chiwetel Ejiofor, Regina King, Zackary Momoh y Richard Mofe-Damijo, entre otros.

Prince-Bythewood quería reducir el uso de dobles en las secuencias de acción, por lo que los protagonistas atravesaron una preparación física prolongada. Mbedu comenzó a entrenar seis meses antes del rodaje, mientras que Stenberg, Idris y Cole iniciaron sus rutinas con varios meses de anticipación. El trabajo incluyó coreografías, acrobacias y manejo de armas; Mbedu, por ejemplo, tuvo que aprender a combatir con un bastón.

Las peleas fueron diseñadas para sostener tomas más largas y evitar cortes constantes. La directora señaló que cada enfrentamiento debía tener un principio, un desarrollo y un final, además de aportar información sobre los personajes. Ese criterio exige que los actores ejecuten una parte importante de la coreografía frente a cámara, en lugar de depender del montaje para construir la acción.

El estreno llega acompañado por una ruptura entre la producción y la creadora del material original. Adeyemi confirmó que no tiene intención de ver la película y ha buscado desvincularse de las personas involucradas, aunque las fuentes disponibles no detallan las razones del conflicto. Paramount mantiene programado el estreno en cines para el 15 de enero de 2027.

Brandon Sanderson anunció en julio de 2026 que terminó el primer borrador del guion de Nacidos de la bruma, la adaptación cinematográfica que desarrolla junto con Apple TV. El escritor comunicó la noticia a través de X, justo cuando se cumplen 20 años de la publicación de la primera novela, aunque aclaró que el proyecto todavía atraviesa una etapa inicial y necesitará revisiones antes de avanzar hacia el rodaje.

Un primer guion sujeto a cambios

Sanderson llevaba varios meses informando públicamente sobre el progreso de la escritura. Su objetivo era completar esta primera versión durante julio, el mes del vigésimo aniversario de El Imperio Final, publicado originalmente el 17 de julio de 2006. El autor confirmó que llegó al plazo previsto.

“Después de muchos meses de trabajo, estoy encantado de anunciar que el primer borrador del guion de Nacidos de la Bruma está terminado. Justo a tiempo para celebrar la publicación original del libro, hace veinte años este mes. Por favor, recuerden que esto es solo un paso inicial en un proceso muy largo, pero estoy tremendamente emocionado con el resultado”.

Un primer borrador es la versión inicial y completa del libreto, pero todavía puede recibir notas, reescrituras y cambios de estructura. El texto deberá ser evaluado antes de que la producción pueda cerrar otros elementos esenciales, como la contratación de un director, la selección del elenco, el presupuesto definitivo y el calendario de filmación.

La participación directa de Sanderson forma parte del acuerdo alcanzado con Apple TV para adaptar sus propiedades. El escritor ha mantenido un control cercano sobre sus historias y aceptó trasladarlas a la pantalla con la condición de estar implicado en el proceso creativo. En este caso, asumió personalmente la escritura de la primera versión del guion.

El anuncio tampoco implica que la película haya recibido luz verde para comenzar su rodaje. Apple TV no comunicó una fecha de producción ni confirmó quiénes interpretarán a los personajes principales. Tampoco existe una ventana de estreno, por lo que el desarrollo podría extenderse mientras el libreto atraviesa las correcciones necesarias.

La historia de Vin y Kelsier

Nacidos de la bruma forma parte del Cosmere, el escenario compartido que conecta varias obras de Sanderson mediante épocas, personajes e historias diferentes. La adaptación comenzaría con El Imperio Final, el libro que inauguró la saga y presentó su conflicto principal.

La trama ocurre en un mundo postapocalíptico donde el héroe destinado a derrotar al mal fracasó. El vencedor, conocido como el Lord Legislador, lleva aproximadamente mil años gobernando como un tirano inmortal. La sociedad permanece sometida a su régimen hasta que un grupo de criminales prepara un golpe contra el poder establecido.

La protagonista es Vin, una joven ladrona que descubre que posee grandes capacidades mágicas. Su vida cambia cuando se une a una banda liderada por Kelsier, un prisionero fugado y revolucionario que busca derrocar al gobierno. El plan combina robos, infiltraciones y asesinatos con una rebelión contra el Imperio Final.

Según la información disponible, la primera película abarcaría los acontecimientos del libro inicial. Esa novela integra la llamada Primera Era, formada por tres entregas. La serie literaria continuó después con una Segunda Era compuesta por cuatro libros ya publicados.

Apple TV planea desarrollar Nacidos de la bruma como una saga cinematográfica, pero la cantidad de películas todavía no fue detallada. El resultado de la primera entrega será clave para determinar hasta dónde llegará la adaptación de las siguientes novelas.

El futuro de las adaptaciones de Sanderson

El acuerdo entre Sanderson y Apple TV contempla más obras del autor. Entre ellas aparece El Archivo de las Tormentas, otra de sus series de fantasía, pensada para la televisión en lugar del cine. Los reportes indican que el proyecto podría adaptar un libro por temporada y contar con un presupuesto elevado para cada episodio.

Las fuentes disponibles difieren sobre cuánto avanzó esa segunda producción. Una versión la ubica en preproducción, la fase en la que se preparan guiones, presupuesto y equipos antes de filmar. Otra señala que su desarrollo efectivo dependerá del desempeño de Nacidos de la bruma, que funcionaría como la primera prueba del acuerdo con Apple TV.

Esa dependencia deja a El Archivo de las Tormentas en una situación menos definida que la película. Tampoco fueron anunciados un reparto, responsables creativos, fechas de rodaje o una ventana de lanzamiento para la serie.

El avance concreto, por ahora, es la finalización del borrador de Nacidos de la bruma. Sanderson y Apple TV deberán revisar el texto antes de iniciar la búsqueda formal de director y elenco, mientras la producción continúa sin fecha de estreno confirmada.

Si alguna vez has escuchado la frase: “Siempre nos quedará París”, entonces, consciente o inconscientemente, ya has estado en el mundo de Casablanca. La película de Michael Curtiz, que narra el romance entre los examantes Rick e Ilsa en la ciudad marroquí, a la que llegaba gente de todas partes huyendo del nazismo en plena Segunda Guerra Mundial, es todo un clásico de la historia del cine y dejó para la posteridad esta y otras sentencias.

Más de 80 años después de su estreno, sigue siendo un título muy atractivo para ver. Prueba de ello ha sido su exitoso paso por HBO Max, plataforma de la que, sin embargo, desaparecerá a partir del próximo 31 de julio. Por eso, desde Infobae no hemos querido dejar de recomendar esta obra maestra que combina drama, romance, sátira y tensión política en una fórmula que cambió la historia del cine.

Y es que la película, que se pensó como “un trabajo más” para Hollywood, superó las limitaciones y la apatía inicial para convertirse en un referente capaz de emocionar a varias generaciones. ¿Las razones? Tal vez la brillantez de un guion en muchas partes improvisado durante el mismo rodaje, o la química entre dos intérpretes (Humphrey Bogart e Ingrid Bergman) destinados al Olimpo de Hollywood, o esa genial combinación de temáticas que capturó el miedo, o puede que la esperanza y la tragedia del mayor conflicto bélico en el que se ha visto la humanidad.

Cómo se hizo ‘Casablanca’

En las primeras semanas de 1942, Warner Bros. adquirió los derechos de una obra teatral inédita titulada Everybody Comes to Rick’s. El guion, con un Rick dueño de un café en una ciudad bajo dominio nazi y de la Francia de Vichy, pasó por las manos de hasta seis personas diferentes. Dada su ambientación, el productor Hall B. Wallis dirigió el proyecto con el objetivo de repetir el éxito de otras películas como Argel (1938), pero con menos ambición y opulencia, apostando por el blanco y negro y un tono cínico.

Dadas las limitaciones, el filme se rodó casi en orden cronológico, no por elección artística sino por necesidad: el guion se reescribía cada noche, lo que obligó a terminar algunas jornadas sin saber cómo seguiría la historia al día siguiente. El propio Julius Epstein, uno de los guionistas, describió el proceso como “lanzar un rompecabezas al aire cuando se trataba de que todas las piezas encajaran”. Curiosamente, el final no lo elegirían como tal los guionistas.

Por otra parte, los actores también sufrieron el proceso. Humphrey Bogart lidiaba con los celos y la hostilidad de su esposa Mayo Methot, frecuente visitante del set. En el caso de Ingrid Bergman, que ni siquiera se sentía atraída al principio por el proyecto y acabó eligiéndolo por descarte, se encontró con una producción que le impedía prepararse bien el personaje, dados los constantes cambios de guion. En Casablanca hay un triángulo amoroso entre Rick, Ilsa y el marido de esta, Victor Laszlo. Confundida, Bergman le preguntó un día a Curtiz a cuál de los dos amaba realmente su personaje. “A los dos”, contestó tajante el director.

Por fortuna para ella, el final sí parecía estar claro gracias al Código Hays: un estricto conjunto de normas de autocensura moral que rigió a la industria cinematográfica de Hollywood entre 1934 y 1968 y que exigía normas de autocensura moral a la industria cinematográfica de Hollywood entre 1934 y 1968. Ideado por Will H. Hays, exigía que las películas no ridiculizaran la ley, mostraran el triunfo del bien sobre el mal y evitaran desnudos, besos apasionados, lenguaje soez o referencias a la homosexualidad. En otras palabras, en ningún momento se contempló que los amantes acabaran juntos.

“Es la quintaesencia de las producciones de la época de los estudios”

Pese al caos que supuso la producción de Casablanca, esta resultó ser un éxito inmediato. Ganó el Oscar a mejor película, guion y dirección, y se ubicó entre las más taquilleras de su año. Más allá de estos logros, la cinta pasó a formar parte de la cultura colectiva. Como explica una reseña en el periódico británico The Telegraph: “Es la quintaesencia de las producciones de la época de los estudios: una obra en la que elementos convencionales y un material de partida poco prometedor (una obra de teatro nunca representada) se fusionaron misteriosamente para dar lugar a un clásico”.

Así, a pesar del tiempo que ha pasado desde su estreno, Casablanca sigue ganando adeptos en su paso por los catálogos de las plataformas de streaming. Además de en HBO Max, puede verse en Filmin y Movistar Plus. En cualquiera de estas, pues, puede volver a escuchar a Humphrey Bogart decir aquello de que “siempre nos quedará París” y ver cómo un avión levanta el vuelo con una historia de amor que no volverá jamás, pero que se quedará eternamente con nosotros en forma de película.

“Sadie tuvo un trabajo muy difícil al entrar en esta enorme película con una familia ya establecida, y encajó perfectamente”, afirmó Holland durante el evento al que Infobae tuvo acceso. “Ella ofrece una actuación absolutamente maravillosa, y la emoción que aporta, el profesionalismo y el corazón son exactamente lo que esta película necesitaba. Es un soplo de aire fresco. Es algo fresco y único, y no lo habíamos visto antes en una de estas películas”, señaló.

El actor también dio crédito a su colega por la difícil tarea de mantener el secreto de su personaje durante la promoción de la película y así “proteger” la experiencia del público. “Para mí, Sadie es una heroína silenciosa porque no puede hablar de nada”, resumió Holland.

Sadie Sink y el secreto que Marvel quiere proteger

Desde que fue anunciada como parte del reparto, Sadie Sink ha evitado revelar detalles sobre su papel. Durante la conferencia, la actriz reconoció que guardar la información en reserva fue una de las partes más complejas de su incorporación a la franquicia.

“No tuve el guion durante un tiempo, pero hablé mucho con Destin sobre el personaje, así que tenía una buena idea de hacia dónde iban las cosas”, explicó Sink, quien ya había trabajado con el director Destin Daniel Cretton antes de sumarse a la película.

“Ha sido un gran secreto que he tenido que guardar, pero soy una gran fan de Spider-Man, especialmente del Spider-Man de Tom, así que se siente muy surrealista formar parte de esto”, comentó la estrella de Stranger Things.

Cuando el moderador Josh Horowitz intentó obtener información sobre el desafío de interpretar a su personaje, Sink mantuvo la postura del estudio y respondió únicamente: “No”. La reacción provocó risas entre el elenco, que tampoco quiso adelantar detalles de la trama.

Hasta el momento, una de las teorías más comentadas en redes sociales relaciona a Sink con Jean Grey, integrante de los X-Men. A pocas horas del estreno mundial, algunos comentarios realizados por el músico Steven Lacy durante la premiere de Los Ángeles alimentaron las especulaciones, aunque Marvel no ha confirmado oficialmente la identidad del personaje.

Marvel eligió a Sadie Sink sin una audición

Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, explicó durante la conferencia cómo surgió la incorporación de Sink al proyecto y reveló que la actriz no tuvo que realizar una audición para obtener el papel.

“Estábamos hablando sobre qué personaje incorporar, qué tipos de personajes y qué agendas de villanos. Teníamos una idea para una historia y pensábamos en diferentes actores”, explicó Feige.

Según el productor, la decisión llegó cuando la coproductora Emily Fong mencionó que Sink como una opción ideal para un rol específico.

Después de esa conversación, el equipo creativo decidió que la actriz era la elección correcta. “Destin había trabajado con ella antes y en ese momento dijimos: sí, debería ser ella y debería ser este personaje. Por eso no hubo proceso de audición”, afirmó Feige.

Una historia sobre la soledad de Peter Parker

Spider-Man: Un nuevo día retoma la historia de Peter Parker después de los acontecimientos de Spider-Man: Sin camino a casa, cuando el héroe decidió borrar su existencia de la memoria de todos para proteger a sus seres queridos. La película muestra a un Peter que enfrenta las consecuencias de ese sacrificio mientras intenta encontrar un nuevo equilibrio entre su vida personal y su identidad como Spider-Man.

Durante la conferencia, Holland explicó que la película presenta una versión más vulnerable del personaje, quien perdió la conexión con las personas más importantes para él, entre ellas MJ (Zendaya) y Ned (Jacob Batalon).

“Realmente encuentras a Peter Parker al comienzo del capítulo más oscuro de su vida”, afirmó el protagonista. “Para mí, lo que más me gusta de la película es que representa una historia de advertencia sobre los peligros de vivir una vida solo, sin una comunidad y sin amigos”.

En esa misma línea, Amy Pascal explicó que la experiencia de aislamiento es un elemento que conecta a varios personajes de la película, incluido el de Sadie Sink.

“Lo que es cierto para su personaje y para todos los demás personajes de la película es que todos están pasando por lo mismo. Todos atraviesan una sensación de aislamiento, de sentirse diferentes, de sentirse alienados y de estar en negación sobre las vidas que están viviendo”, explicó la productora.

Spider-Man: Un nuevo día llegará a los cines de América Latina el 29 de julio.

Christopher Nolan ha dejado al mundo boquiabierto con La Odisea. El cineasta británico, autor de obras como Origen u Oppenheimer, ha adaptado el poema épico atribuido a Homero en una película de casi tres horas, con un reparto de lujo encabezado por Matt Damon y un presupuesto de 250 millones de dólares. El resultado es uno de los mayores fenómenos cinematográficos del año.

La cinta, al igual que la epopeya, narra las dificultades de Odiseo para regresar a su hogar tras la caída de Troya. Durante su viaje debe enfrentarse al cíclope Polifemo, permanece siete años cautivo junto a la ninfa Calipso y desciende al inframundo liderado por Hades. Sin embargo, hay un episodio que ha dejado huella entre los espectadores: el encuentro con las sirenas, uno de los episodios más célebres de la literatura universal.

En la obra original esta es la octava parada de su viaje, después de que Circe le indique que su nuevo desafío es su encuentro con las sirenas. Para sobrevivir a ellas y a su voz, puesto que estas “encantan a cuantos hombres van a su encuentro”, deberán taparse los oídos con cera. Odiseo es la excepción: “Pasa de largo y tapa las orejas de tus compañeros con cera blanda, previamente adelgazada, a fin de que ninguno las oiga; mas si tú desearas oírlas, haz que te aten en la velera embarcación de pies y manos, derecho y arrimado a la parte inferior del mástil, y que las sogas se liguen al mismo; y así podrás deleitarte escuchando a las sirenas. Y caso de que supliques o mandes a los compañeros que te suelten, átente con más lazos todavía“, le dijo la hechicera.

En la obra, según la versión de Samuel Butler (Blackie Books), Homero escribió lo siguiente:

“—Ven —decían—, célebre Ulises, honra de los griegos y escucha nuestras voces. Nadie ha pasado jamás sin quedarse a oír la encantadora dulzura de nuestros canto, y quien lo escucha se va no solo embelesado, sino también más sabio, pues conocemos todos los males con que los dioses aquejaron a los griegos y a los troyanos ante Troya, y podemos contarte todo lo que va a suceder en el mundo”.

El monólogo de Matt Damon

Christopher Nolan convierte esa promesa de sabiduría en una reflexión sobre la culpa. En su adaptación, las sirenas no tientan a Odiseo ofreciéndole respuestas sobre el pasado y el futuro, sino enfrentándolo a aquello que más anhela -su familia- y a los horrores que ha cometido tras asaltar Troya.

En la película, Matt Damon pronuncia uno de los monólogos más memorables de la cinta después de que Odiseo sobreviva al encuentro con las sirenas. Cuando Euríloco (Himesh Patel) le pregunta qué escuchó mientras permanecía atado al mástil, este responde:

“Era todo lo que quieres que sea. Y luego, todo aquello que desearías no haber deseado jamás. Era ese delicioso picor que intentas rascarte, pero descubres que está bajo la piel, que no puedes alcanzarlo. Así que ese delicioso picor se vuelve insoportable. Te dice que lo que más deseas es lo que menos puedes tener. Y lo que menos puedes tener es lo que ya tuviste… y perdiste… Era la canción de todas las promesas que no logré cumplir. Y me decía que, en realidad, no quiero volver a casa”.

Es en este momento cuando Odiseo se enfrenta a sus propios miedos, más de una década después de la guerra de Troya. Finalmente, comprende que el verdadero obstáculo para regresar a Ítaca no son los monstruos, sino la culpa que arrastra por todas las vidas que ha segado durante el conflicto.

Jumanji escapa de la consola

La nueva entrega cambia las reglas que organizaron las dos películas anteriores. Esta vez, Jumanji sale de la consola y lleva sus peligros al entorno de los protagonistas humanos. El Dr. Smolder Bravestone, Ruby Roundhouse, Sheldon Oberon y Franklin Finbar aparecen físicamente en la ciudad mientras criaturas salvajes y enemigos del juego provocan destrozos.

Los héroes humanos deberán colaborar con sus contrapartes digitales para contener el caos y devolver Jumanji a su forma original. Los avatares -representaciones de los jugadores dentro del videojuego- conservarán las habilidades especiales y debilidades que impulsaron buena parte de la comedia en las entregas previas.

El tráiler combina persecuciones, animales sueltos y enfrentamientos en escenarios urbanos con nuevas secuencias dentro de Jumanji. Allí entrará un grupo casi completamente nuevo de jugadores humanos, obligado a aprender sobre la marcha cómo controlar a los poderosos personajes que recibió.

El intercambio de identidades seguirá siendo central. Johnson vuelve como Bravestone, Gillan como Ruby Roundhouse, Black como el profesor Oberon y Hart como Finbar, aunque las personas que ocupan esos cuerpos pueden cambiar. Esa mecánica permite que los actores modifiquen sus gestos, voces y relaciones según el jugador que controla cada avatar.

La sinopsis oficial presenta la historia como la ocasión en que Jumanji se libera de su consola después de que los protagonistas ya consiguieran escapar de sus selvas. La misión dejará de limitarse a sobrevivir dentro del juego: ahora deberán impedir que sus reglas y amenazas permanezcan activas en el mundo real.

El reparto y el equipo creativo

El elenco recupera a varios intérpretes de las películas anteriores. Danny DeVito, Nick Jonas, Awkwafina, Marin Hinkle, Bebe Neuwirth, Lamorne Morris y Rhys Darby regresarán para el cierre, mientras que Dan Hildebrand y Jack Jewkes se incorporan como nuevos integrantes.

La dirección vuelve a estar en manos de Jake Kasdan, responsable de las dos entregas previas. Kasdan también firma el guion junto con Jeff Pinkner y Scott Rosenberg, quienes ya habían trabajado en los libretos de esta etapa de la franquicia.

La producción reúne a Matt Tolmach, Johnson, Dany Garcia, Hiram Garcia y el propio Kasdan. La permanencia del director, los guionistas y los cuatro actores principales mantiene la misma base creativa para una película planteada como desenlace de la trilogía iniciada en 2017.

El avance conserva la combinación de acción, comedia física y aventura familiar de sus antecesoras. La diferencia principal está en la convivencia directa entre jugadores y avatares, que permitirá reunir en una misma escena a los personajes humanos con las figuras que habitualmente los representaban dentro del juego.

Una Navidad con varios estrenos

Jumanji: En el mundo real continuará los acontecimientos de Jumanji: En la selva, estrenada en 2017, y Jumanji: El siguiente nivel, lanzada en 2019. Entre ambas recaudaron más de 1.700 millones de dólares en todo el mundo, un resultado que convirtió esta etapa en una de las propiedades comerciales más fuertes de Sony.

Las dos películas trasladaron a un entorno digital el concepto de Jumanji, el largometraje de 1995 protagonizado por Robin Williams y Kirsten Dunst. En aquella historia, los peligros surgían de un juego de mesa. El reinicio sustituyó el tablero por una consola y transformó a sus jugadores en avatares con capacidades específicas.

El estreno de la tercera parte estaba previsto inicialmente para el 11 de diciembre, pero fue trasladado al 25 de diciembre. La modificación coloca a la película en plena temporada navideña y una semana después de Dune: Parte tres y Avengers: Doomsday, programadas para el 18 de diciembre.

Los tres títulos competirán por espectadores durante uno de los períodos de mayor asistencia a las salas. Jumanji: En el mundo real llegará siete días después que las producciones de Dune y Marvel, con el regreso de su elenco principal y una recaudación acumulada de más de 1.700 millones de dólares como antecedente inmediato.

Llevaba muchos años intentándolo y parece que al fin lo ha conseguido. Michael B. Jordan interpretará al ladrón multimillonario Thomas Crown en su nueva película, de la que Amazon MGM Studios acaba de lanzar su primer tráiler. El actor ganador de un Oscar por Los pecadores interpretará a un icónico personaje del cine de ladrones, que ya interpretaron Pierce Brosnan en 1999 y Steve McQueen en 1968.

El avance de El secreto de Thomas Crown ya muestra que B. Jordan, quien repite como director tras el éxito que tuvo en este mismo rol en Creed III, ha apostado por imágenes espectaculares que mezclen acción, elegancia y suspense. Nada mejor para Thomas Crown, un multimillonario que decide robar un cuadro y que es seguido por una investigadora de seguros, en un juego del gato y el ratón en el que ambos acaban enamorándose.

Además, el tráiler también ha permitido comprobar a parte del elenco de la película, con Adria Arjona (Wonder Woman) y Kenneth Branagh (Asesinato en el Orient Express) como principales atractivos. Además, la productora ya ha confirmado otros nombres, como el de Lily Gladstone (Los asesinos de la luna), Danai Gurira (Black Panther) o Pilou Asbæk (Borgen). Todos ellos participarán en este esperado remake que mezcla drama, romance e intriga.

Tras los pasos de Steve McQueen y Pierce Brosnan

Thomas Crown es uno de los ladrones de guante blanco más conocidos de la historia del cine. Con esto nos referimos a que se trata de un criminal al que no le gusta mancharse las manos con violencia, sino que, al contrario, aprovecha su ingenio para resolver todos los obstáculos que se le presentan en sus operaciones. Otros ejemplos podrían ser los de Danny Ocean (protagonista Ocean’s Eleven) o el de Arsenio Lupin (interpretado por Omar Sy en la serie de Netflix).

Originalmente, Crown fue encarnado por el conocido actor Steve McQueen, quien, aburrido del éxito convencional, organiza un atraco perfecto a un banco. Treinta años después, Pierce Brosnan protagonizaría una aclamada adaptación de la historia, convirtiendo al personaje en un magnate de arte en Nueva York que orquesta un robo a plena luz del día en el Museo Metropolitano. Tanto en una como en otra película, figura también la investigadora de seguros con la que acaban manteniendo el romance, ya que este juego del gato y el ratón es uno de los principales atractivos de la historia.

Tanto Steve McQueen como Pierce Brosnan fueron iconos de la elegancia en su época, lo que da una idea de lo mucho que ha confiado Amazon MGM en el perfil de Michael B. Jordan, un actor cuyos papeles en Creed y en Los pecadores le han valido fama mundial. En estos proyectos, el actor ha protagonizado el relanzamiento de algunos de los grandes arquetipos del cine blanco, como el de Rocky, el boxeador. Con Thomas Crown la estrategia se repite, aunque todavía queda por ver si el éxito de la propuesta será también el mismo. La película se estrenará en 2027, por lo que solo entonces podremos dar una respuesta.

El anunciado regreso de Tom Cruise al papel de Cole Trickle en la secuela de Días de trueno ha generado una ola de expectativa entre los aficionados al cine deportivo y de acción. Paramount está afinando los últimos detalles para esta nueva entrega, cuya dirección estaría a cargo de Jonathan Levine, reconocido por su habilidad para transmitir emociones en la pantalla.

Si bien la confirmación de Cruise como protagonista ya es oficial, las negociaciones continúan para asegurar a Levine como director. El inicio del rodaje podría darse a principios de 2027, siempre y cuando la preproducción avance sin contratiempos en sus próximas etapas.

Un regreso respaldado por experimentados de la industria

Paramount relanza la franquicia de Días de trueno apostando nuevamente por el carisma de Tom Cruise, figura consolidada en el cine de acción desde los años ochenta y noventa. Jerry Bruckheimer, el productor que impulsó la entrega original y recientes éxitos como Top Gun: Maverick, garantiza una continuidad en el tono espectacular y en la sensibilidad deportiva característica de la saga. Cruise no solo protagonizará, sino que también tendrá un papel activo como productor, con el objetivo de recrear la misma química que ha asegurado su éxito en colaboraciones previas.

No es la primera vez que Cruise retoma personajes emblemáticos tras largos periodos de ausencia; la reciente secuela de Top Gun demostró el potencial de esta estrategia para atraer tanto a los nostálgicos como a nuevas generaciones de espectadores. El regreso de Días de trueno se suma a esta tendencia en Hollywood de resucitar sagas clásicas, una apuesta que suele renovar el interés incluso en franquicias que, como esta, no alcanzaron un éxito rotundo en taquilla durante su estreno original, pero que con el tiempo han adquirido estatus de culto.

Selección de Jonathan Levine: trayectoria versátil y resultados prometedores

El estudio ha depositado su confianza en Jonathan Levine, quien estaría próximo a firmar como director de la nueva historia de carreras. Levine posee una filmografía variada: ha dirigido cintas de terror como All the Boys Love Mandy Lane, comedias junto a Seth Rogen como The Night Before y Long Shot, y dramas reconocidos en festivales como The Wackness. Recientemente dejó una buena impresión en Paramount tras dirigir Mr. Irrelevant, un drama deportivo aún pendiente de estreno que ha recibido evaluaciones internas positivas y buenos resultados en las primeras pruebas de audiencia.

La versatilidad de Levine destaca en la industria: desde series de televisión de alto perfil como Nine Perfect Strangers con Nicole Kidman, hasta relatos híbridos como Warm Bodies, su carrera demuestra una notable capacidad de adaptación y manejo de narrativas emocionales complejas. Este conjunto de cualidades parece ajustarse a las necesidades de la franquicia, donde el drama humano y la rivalidad deportiva se entrelazan en secuencias dinámicas de automovilismo.

Próximos pasos y dudas sobre la trama

Aunque el nombramiento de Levine aún está en proceso de negociación, Paramount ya cuenta con un guion finalizado, escrito por Will Staples. Este guionista ha trabajado en videojuegos exitosos como Call of Duty: Modern Warfare 3 y en el thriller militar Sin remordimientos, lo que sugiere una posible renovación en el enfoque narrativo de Días de trueno 2. No se han dado a conocer detalles concretos sobre el argumento ni sobre qué elementos del universo original serán retomados; únicamente se ha confirmado el regreso de Cruise en su emblemático papel.

La participación de otros miembros del elenco original, como Nicole Kidman o Michael Rooker, continúa siendo un misterio. Tanto Paramount como los representantes de los actores mantienen discreción sobre posibles negociaciones para reforzar el factor nostálgico. La producción, apoyada por figuras con experiencia y nuevos talentos, enfrenta el reto de reinterpretar las emociones de la pista para una audiencia global, cuyos hábitos de consumo audiovisual han cambiado considerablemente desde 1990.

Consecuencias en la industria y entre los fanáticos

El anuncio de esta secuela no solo reaviva el interés de los amantes del cine por las carreras automovilísticas, sino que también constituye una señal importante para la industria: Paramount busca replicar el impacto alcanzado recientemente por franquicias asociadas a Cruise. La activa participación de Jerry Bruckheimer y el propio Tom Cruise en la producción sugiere una estrategia orientada a maximizar la conexión entre distintas generaciones, aunque todavía no se sabe si el elenco original volverá a reunirse en pantalla.

En el ámbito social, la primera Días de trueno contribuyó a que el automovilismo NASCAR ganara popularidad entre públicos internacionales, incluidos muchos que no habían seguido una carrera real antes. Los seguidores del género, ahora con acceso a una oferta global de entretenimiento en streaming, esperan que la secuela iguale el impacto visual y la intensidad emocional de la original. La expectativa crece, alimentada tanto por la escasa información divulgada como por los recientes éxitos de quienes participan en el proyecto y la promesa de nuevas acrobacias, altos valores de producción y elevada tensión dramática.

Los fans de Spider-Man están de enhorabuena, porque hoy se estrena la esperadísima cuarta entrega de la saga de Marvel protagonizada por Tom Holland y Zendaya. Spider-Man: Brand New Day llega a los cines precedida por el entusiasmo de la crítica, que califica esta producción como una de las mejores que el multiverso de Los Vengadores ha dado en años. Con todo, no es lo único que ilusiona a quienes piensan ver la película, pues el foco también estará en lo que ocurre después de la misma.

La escena de poscréditos en las películas de Marvel ya es toda una tradición, y sirve a los fans para saber qué esperar de los próximos títulos del mundo superheroico. Así, la expectación por esta secuencia en Spider-Man: Brand New Day es máxima, pues la película llega apenas cuatro meses antes de Los Vengadores: Doomsday, otro gran estreno con el que el multiverso espera recobrar la popularidad que alcanzó con Inifinity War y Endgame.

La nueva película parte inmediatamente después de Spider-Man: No Way Home, con Peter Parker enfrentando el olvido colectivo. Nadie lo recuerda y, al mismo tiempo, experimenta problemas con sus poderes, lo que añade tensión a su vida personal y heroica. El guion deja de lado los grandes eventos multiversales para centrarse en una historia más cercana al espíritu original de los cómics. En su aventura, además, se cruzan otros personajes como Frank Castle, también conocido como The Punisher (Jon Bernthal) o Bruce Banner, Hulk (Mark Ruffalo).

Así es la escena después de los créditos

Ojo que aquí vienen los spoilers. Al cierre de Spider-Man: Brand New Day, se confirma que la tradición del estudio se mantiene. Marvel apuesta por dejar abierto el destino del superhéroe, alimentando la incertidumbre sobre su próxima aparición. La escena postcréditos muestra a Ned Leeds (Jacob Batalon), manipulando un rastreador que debería localizar a su amigo superhéroe. Sin embargo, la máquina falla de forma inesperada. El mensaje es claro: Spider-Man podría no estar ya en la Tierra, ni siquiera en su propio universo. La secuencia concluye con el clásico letrero que promete el regreso del personaje, aunque sin aclarar si será en Los Vengadores: Doomsday, Secret Wars o en otra película centrada en el hombre-araña.

La escena ya se ha podido ver en redes sociales, puesto que en Estados Unidos ya ha habido algunas proyecciones anticipadas a su estreno definitivo el 31 de julio. De este modo, ya son muchos los fans que se preguntan cómo Peter Parker ha podido desaparecer de su mundo, algo que se esclarece en una película donde el superhéroe se enfrenta a villanos como Escorpión (Michael Mando), Tombstone (Lonnie Lincoln) o la organización de La Mano, además de otro gran enemigo revelado en el último tercio de la cinta. Tras el final, la escena poscréditos nos asegura que el personaje volverá, una pista clave para saber que seguiremos contando con el personaje en el futuro del UCM, aunque esta vez muy, muy lejos de casa.

Eso sí, de momento habrá que ver qué tal le va a Spider-Man Brand New Day en taquilla, aunque las previsiones no son precisamente malas. Cada película del superhéroe interpretado por Tom Holland ha recaudado más que la anterior. Homecoming acabó acumulando más de 880 millones, Far From Home superó los 1.132 millones y No Way Home rozó los 2.000 millones. Habrá que ver si el cuarto título consigue superar esa franja, lo que la convertiría en una de las películas más taquilleras de la historia.

Tras dos semanas en cartelera, La Odisea sigue llenando las salas de cine de todo el mundo. La nueva película de Christopher Nolan ha recaudado hasta la fecha unos 640 millones de dólares, lo que la convierte en clara candidata a ser una de las películas más taquilleras del año. Las razones de su éxito son varias: un clásico de la literatura de telón de fondo, un reparto lleno de estrellas, un director consagrado... y un buen puñado de escenas que los espectadores tardarán en olvidar.

Sin entrar en spoilers, diremos que La Odisea tiene varias secuencias capaces de que, incluso quienes han leído el texto original de Homero, sientan que es la primera vez que ven a Ulises sobrevivir en el Mediterráneo, o que asisten a los últimos días de la guerra de Troya. Precisamente en este conflicto bélico se da una de las imágenes más icónicas de la película de Nolan. La imagen del famoso caballo de madera, encabritado y semienterrado en la arena, se ha transformado en un nuevo hito visual del cine contemporáneo. Incluso se han hecho cubos de palomitas con su forma.

A pesar de que Christopher Nolan comenzó a trabajar en esta producción hace apenas dos años, lo cierto es que esta escena estaba en la mente del director desde hacía mucho más tiempo. Concretamente, dos décadas antes ya se había planteado la mejor manera de mostrar en imágenes el caballo de Troya. La razón la desvelaría el guionista David S. Goyer, quien trabajó con el director británico en su trilogía de Batman. Lo cierto es que, tras el éxito de Memento e Insomnia, Nolan apuntaba a dar el salto a una película de alto presupuesto. La primera candidata no fue la del hombre murciélago, sino Troya (2004). Sin embargo, finalmente el elegido sería Wolfgang Petersen, director de títulos como La historia interminable o El submarino.

Una apuesta por el realismo

La decisión de que Christopher Nolan dirigiera Troya ya estaba prácticamente tomada, y solo un cambio inesperado en Warner Bros precipitó los acontecimientos. En aquellos años, la productora ya estaba trabajando en Batman vs. Superman, proyecto que finalmente decidieron cancelar, por lo que se decidió que Petersen, quien estaba al mando, fuera el director de Troya, puesto que era este cineasta alemán quien había trabajado inicialmente en la adaptación de La Ilíada. Como compensación, a Nolan le dieron la oportunidad de dirigir Batman Begins.

En cualquier caso, Nolan ya había dedicado una gran cantidad de tiempo a pensar en algunos pasajes claves del relato épico. “Pensé mucho en el caballo de Troya y en cómo representarlo para que pareciera creíble”, según declaró en una entrevista con el diario The Independent. Esa duda estaría presente en su mente durante años, y quién sabe si, finalmente, sería lo que hizo decidirse al cineasta por La Odisea al poco tiempo de recoger su Oscar por Oppenheimer. Cuando tuvo la oportunidad de adaptar el clásico de Homero, Nolan recuperó aquella antigua obsesión y desafió la tradición visual con un caballo medio hundido en la playa, con una postura desafiante y su presencia casi antinatural.

La fuerza que transmite la imagen se debe a que la mayoría de elementos de esa escena están realizados artesanalmente, como es costumbre en un director que siempre ha preferido lo real en vez de lo digital. La decisión de apostar por construcciones físicas refuerza el compromiso del cineasta con una puesta en escena que privilegia la autenticidad y la experiencia sensorial directa. Lo mismo ocurre con otros pasajes, como el cíclope Polifemo, que en realidad es una marioneta de grandes dimensiones, o Caribdis, un gigante remolino generado inicialmente con motos acuáticas que no se ven en la pantalla, y que luego los efectos especiales se encargaron de magnificar.

La Odisea mantiene la prioridad por el espectáculo tangible porque, de hecho, es una película que reduce bastante la parte sobre los dioses de la historia original para centrarla en un relato sobre el ser humano. Podemos empatizar con lo que vive Odiseo durante todos los años en los que intenta volver a su casa, del mismo modo que, desde las murallas de Troya, podemos quedarnos impresionados por ese caballo de madera que, tres mil años después, se aparece ante nosotros más real que nunca.

Después de varios años desarrollando el proyecto, la directora Lucía Puenzo llevará a la pantalla grande una de las historias más polémicas de la crónica policial argentina. “Pepita, la Pistolera”, protagonizada por Luisana Lopilato, llegará a los cines el 3 de septiembre con una propuesta que combina drama, thriller y reconstrucción histórica para revisitar la vida de Margarita Di Tullio, una mujer que pasó de convertirse en una figura marginal de la noche marplatense a transformarse en una leyenda popular.

Inspirada en hechos reales, la película evita el camino de la biografía tradicional para explorar el origen del mito. La historia transcurre durante el invierno de 1985 en Mar del Plata, donde una trabajadora sexual embarazada decide enfrentarse a las redes de explotación, la corrupción policial y el poder mafioso que dominaban la ciudad. A partir de ese momento comienza el ascenso de una mujer que terminaría siendo conocida como “Pepita, la Pistolera”.

La película encuentra en Luisana Lopilato uno de los desafíos más importantes de su carrera. Alejada de los personajes que marcaron gran parte de su trayectoria, la actriz asume un rol oscuro, complejo y cargado de matices. Además de protagonizar la historia, también debuta como productora ejecutiva, un paso que marca una nueva etapa profesional.

“Interpretar la historia de Pepita es un deseo en el que vengo trabajando desde hace varios años”, explicó Lopilato al anunciar el proyecto. La actriz también destacó la posibilidad de trabajar junto a Lucía Puenzo, una de las realizadoras argentinas con mayor reconocimiento internacional.

Para Puenzo, la película representa el regreso al cine argentino con un relato donde las fronteras entre heroína y criminal se vuelven deliberadamente difusas. La directora, responsable de títulos como XXY, El niño pez y Wakolda, vuelve a interesarse por personajes femeninos que desafían los mandatos sociales y las estructuras de poder.

El guion, escrito por la propia Puenzo junto a Andrés Gelós y Tatiana Mereñuk, reconstruye una época atravesada por la violencia institucional y el funcionamiento clandestino de las redes de prostitución. Sin embargo, la película no se limita a narrar un caso policial. También explora las decisiones morales de una mujer que buscó proteger a otras víctimas dentro de un universo dominado por hombres.

El elenco reúne a algunas de las figuras más destacadas del cine y el teatro argentino. Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto, Camila Peralta, Esteban Bigliardi y Gustavo Bassani acompañan a Lopilato en una producción que apuesta por una reconstrucción realista del Mar del Plata de mediados de los años ochenta.

Detrás del proyecto también existe una de las alianzas de producción más importantes del cine argentino reciente. La película reúne a Zeppelin Studios, Historias Cinematográficas, Pampa Films, Life Is One y The Remake, en un modelo de coproducción que refleja la transformación que atraviesa actualmente la industria audiovisual.

Lucas Jinkis, uno de los productores, definió esta nueva etapa como “la era del CO”: coproducción, colaboración y cofinanciación. Una estrategia que busca potenciar proyectos de gran escala capaces de recorrer primero las salas de cine y luego las plataformas de streaming.

La figura de Margarita Di Tullio continúa despertando interés más de cuatro décadas después de haber ocupado las portadas de los diarios. En 1985 fue juzgada por matar a tres hombres que ingresaron armados a su vivienda. La Justicia consideró que actuó en legítima defensa y la absolvió, aunque aquel episodio apenas fue el comienzo de una historia marcada por la controversia.

Durante años también fue señalada por su presunta participación en otros casos resonantes, entre ellos la investigación por el crimen del fotógrafo José Luis Cabezas y distintas causas vinculadas a corrupción judicial. Esa mezcla de realidad, rumores y leyenda terminó convirtiéndola en uno de los personajes más enigmáticos del imaginario criminal argentino.

Más que reconstruir una sucesión de hechos policiales, Pepita, la Pistolera propone revisar el contexto que permitió el nacimiento de ese mito. En tiempos donde el cine vuelve a interesarse por personajes femeninos complejos, ambiguos y contradictorios, la nueva película de Lucía Puenzo busca ofrecer una mirada que trascienda el expediente judicial para preguntarse qué ocurre cuando una mujer decide desafiar las reglas de un sistema construido para mantenerla al margen.

Con una protagonista decidida a romper sus propios límites y una directora acostumbrada a explorar las zonas grises del comportamiento humano, Pepita, la Pistolera se perfila como una de las producciones argentinas más esperadas del segundo semestre.

Warner Bros. Discovery incorporó a HBO Max un feed de video vertical llamado HBO Max Shorts, una nueva función para celulares pensada para que los usuarios descubran contenido del catálogo (como series o películas) a partir de clips breves que se desplazan en pantalla.

El acceso se realiza desde un ícono de “Shorts” ubicado en el menú de navegación inferior. Allí, los suscriptores pueden explorar tráilers, fragmentos y material adicional; y, si un título les interesa, iniciar la reproducción de inmediato o sumarlo a “My List” sin salir del feed.

El contenido que se muestra se personaliza según los gustos y el historial de visualización de cada usuario.

Cómo funciona HBO Max Shorts dentro de la app

El feed reúne clips verticales de escenas y piezas promocionales extraídas de la biblioteca de HBO Max. La compañía lo presentó como una herramienta para “browse, sample, and explore” su programación, con una lógica de consumo breve orientada a facilitar la elección de qué ver.

Según explicó Warner Bros. Discovery, la función apunta a replicar un comportamiento ya extendido en el uso cotidiano del celular: desplazarse por contenidos cortos para encontrar algo que resulte atractivo y, desde allí, pasar al contenido completo.

La plataforma indicó que el feed se adapta a cada cuenta en función de preferencias individuales y del historial de consumo. En la práctica, esto implica que el conjunto de clips sugeridos no es igual para todos los suscriptores: cambia según lo que cada usuario vio previamente dentro del servicio.

Además, desde el propio feed se habilitan acciones directas: comenzar a ver un título en el momento o guardarlo para más tarde en la lista personal.

Warner Bros. Discovery señaló que los clips se apoyan en una herramienta de inteligencia artificial desarrollada por ellos mismos. Ese sistema utiliza algoritmos de aprendizaje automático y metadatos a nivel de escena para analizar miles de horas de contenido y sugerir fragmentos con potencial de descubrimiento.

Luego, editores de HBO Max eligen qué clips representan mejor cada historia y, una vez seleccionados, se “verticalizan” y se renderizan para integrarse al nuevo formato de reproducción dentro de la app.

De acuerdo con la compañía, HBO Max Shorts comenzó como una prueba con “select iOS users” en Estados Unidos. La hoja de ruta prevé una expansión a más dispositivos y mercados.

Warner Bros. Discovery también anticipó que la función sumará contenido deportivo y se ajustará con base en el modo en que los usuarios interactúen con el feed.

El formato de feed vertical ya es utilizado por otras plataformas de streaming como Netflix, Disney Plus y Peacock para recomendar títulos y destacar contenido del catálogo.

HBO Max también está probando una “experimental conversational search experience” para búsquedas con lenguaje natural, disponible primero para usuarios adultos en Android en Estados Unidos, a través de la opción “Ask HBO Max”.

Prime Video agrega videojuegos

Amazon integró Luna, su plataforma de videojuegos en la nube, directamente en la aplicación de Prime Video para Fire TV, lo que permite a los suscriptores de Amazon Prime jugar títulos como Hogwarts Legacy y EA Sports FC 26 sin descargas, sin consola y sin costo adicional.

Los usuarios que abran la app en su Fire TV encontrarán una nueva pestaña llamada “Juegos”. Al seleccionarla, pueden elegir cualquier título del catálogo y comenzar a jugar en segundos desde la nube. El servicio ya está disponible en Estados Unidos y Reino Unido.

La selección inicial incluye juegos AAA junto a propuestas de entretenimiento grupal: Hogwarts Legacy, EA Sports FC 26, Indiana Jones y el Gran Círculo, Fallout 4, Marvel’s Guardians of the Galaxy, Shadow of the Tomb Raider y Goat Simulator 3, entre otros. El catálogo también suma clásicos de mesa digitalizados como Clue, Ticket to Ride y Taboo.

Para jugar solo se necesita una suscripción activa a Amazon Prime y un control conectado al televisor o el teléfono celular como mando alternativo.

Un regreso bajo la mirada internacional

Después de un largo periodo alejado de Hollywood, motivado por temas personales y legales que afectaron su carrera, Johnny Depp regresa de manera destacada con Ebenezer. El actor, conocido por sus papeles en personajes excéntricos como Jack Sparrow, Edward Manos de Tijera y el Sombrerero Loco, ha generado sorpresa entre el público y la crítica por la notable transformación física que revela el primer tráiler. Con cabello largo y canoso, patillas pronunciadas, una nariz prominente y un sombrero gastado, el Scrooge de Depp luce radicalmente distinto a cualquier personaje anterior en su filmografía, en un intento de dejar atrás polémicas y centrarse en una interpretación de gran nivel.

El avance, presentado en la reciente edición de la San Diego Comic Con, generó comentarios inmediatos sobre el enfoque más oscuro que propone sobre el clásico de Dickens. El personaje aparece, en las primeras escenas, como un hombre desagradable y cruel, que maltrata a los transeúntes arrojándoles bolas de nieve y con un humor cortante, lo que confirma que la película se distanciará de las interpretaciones infantiles y moralistas de la historia.

Una reinterpretación que combina terror y excentricidad

La dirección de Ti West, reconocido por impulsar el género del terror en la saga X, Pearl y MaXXXine, aporta a Ebenezer una atmósfera inquietante. El tráiler muestra que los espectros que visitan a Scrooge no solo cumplen una función narrativa, sino que se presentan como presencias amenazantes que lo persiguen durante el día y la noche. Este aspecto, claramente influido por el cine de terror contemporáneo, rompe con la tradición navideña y familiar que caracteriza otras adaptaciones. En entrevistas anteriores, West ha manifestado su interés por explorar la psicología de la avaricia y el egoísmo desde una perspectiva más perturbadora y satírica.

Este nuevo enfoque también se refleja en la combinación de elementos oscuros con humor absurdo, evidente en las reacciones exageradas del protagonista hacia quienes lo rodean y en el tono grotesco de los encuentros sobrenaturales. Las breves apariciones de los fantasmas en el tráiler incorporan recursos visuales típicos del terror actual, como movimientos desconcertantes y una iluminación de estilo gótico mucho más acentuada que en versiones anteriores. Sin embargo, el avance no revela detalles sobre la transformación moral de Scrooge, que constituye el núcleo del relato de Dickens.

Un reparto seleccionado para generar impacto

Junto a Johnny Depp, Ebenezer cuenta con un elenco de actores reconocidos internacionalmente. Entre ellos destacan Ian McKellen, famoso por su papel de Gandalf en El Señor de los Anillos, y Rupert Grint, conocido mundialmente por interpretar a Ron Weasley en Harry Potter. Se suman Daisy Ridley, protagonista de las más recientes películas de Star Wars, Andrea Riseborough, nominada al Oscar por To Leslie, Sam Claflin, Arthur Conti, Ellie Bamber, Charlie Murphy y Tramell Tillman, conformando un reparto que sugiere un enfoque coral con nuevas perspectivas sobre el universo de Dickens.

La participación de actores británicos de renombre aporta autenticidad y peso dramático a la propuesta, mientras que actores versátiles como Grint y Ridley prometen un grado de irreverencia. Hasta ahora, la campaña de promoción se ha caracterizado por un estricto control sobre la información de los personajes, incrementando la expectación por ver cómo se integrarán los distintos roles en esta adaptación. La elección de Ti West como director indica la intención del estudio de atraer tanto al público habitual como a quienes buscan una experiencia cinematográfica diferente.

Un fenómeno cultural que dialoga con la realidad actual

El estreno de Ebenezer representa no solo la reinvención de un clásico literario. Para Johnny Depp, es una oportunidad de reivindicación en la industria tras años de controversias legales y la pérdida de roles en grandes franquicias, como resultado de su mediático juicio con Amber Heard. Su regreso es observado por los medios y la industria como una especie de termómetro sobre la posibilidad de que un actor pueda superar la cancelación pública y recuperar su estatus previo. El desempeño en taquilla y la recepción crítica de su interpretación podrían influir en futuras decisiones respecto a figuras controversiales.

La película también ejemplifica la tendencia de los grandes estudios a reinterpretar relatos clásicos con un enfoque más adulto y transgresor para captar la atención de nuevas generaciones, que buscan propuestas distintas a las fórmulas tradicionales. En el caso de Ebenezer, surgen interrogantes sobre los límites entre la reinterpretación creativa y la fidelidad al legado literario de Dickens, cuyo mensaje original sobre la redención y la empatía adquiere nuevos matices cuando se explora desde el trauma y el terror psicológico. Para el público, la expectativa se centra en descubrir si estas adaptaciones logran conectar emocionalmente o se quedan en meros ejercicios de estilo.

El regreso de Macaulay Culkin como Kevin McCallister podría estar más cerca de convertirse en realidad. Disney habría iniciado conversaciones con el actor para desarrollar una nueva película de Mi pobre angelito (Home Alone), una posibilidad que llega después de años de distancia entre Culkin y el personaje que lo convirtió en una estrella mundial.

La información fue revelada por el periodista Matt Belloni en su podcast The Town. Según explicó, Culkin fue visto recientemente en los estudios de Disney, una señal que habría despertado entusiasmo dentro de la compañía por la posibilidad de recuperar la franquicia con su protagonista original.

“Disney está salivando” ante la idea de una nueva película con Culkin, aseguró Belloni, quien afirmó que el estudio estaría “cortejándolo como nunca antes”. De acuerdo con el periodista, Disney incluso estaría dispuesto a ofrecerle otro proyecto personal si acepta regresar a interpretar a Kevin McCallister.

“Tienen una buena idea. He hablado con personas que han escuchado la idea y es una muy buena idea para un reboot de Mi pobre angelito con Macaulay Culkin”, comentó Belloni.

El enorme interés del estudio estaría relacionado con la vigencia de la franquicia. Las primeras dos películas, estrenadas en 1990 y 1992, siguen siendo clásicos navideños y mantienen una fuerte presencia cada temporada en las listas de contenidos más vistos en streaming.

La secuela que imaginó Macaulay Culkin

La posibilidad de una nueva entrega también parte de una idea que el propio Culkin compartió anteriormente. Durante los eventos por el aniversario número 35 de Mi pobre angelito, el actor reveló cómo imagina una continuación de la historia de Kevin McCallister, esta vez con el personaje convertido en adulto.

La propuesta cambiaría la dinámica de las películas originales: Kevin ya no sería el niño que protege su casa de los ladrones, sino un padre que enfrenta problemas familiares y termina viviendo una situación similar a la que experimentó en su infancia.

“Soy viudo o divorciado. Estoy criando a un hijo y todo eso. Estoy trabajando muy duro y realmente no le estoy prestando suficiente atención, y el niño empieza a molestarse conmigo, y entonces me quedo fuera [de la casa]”, explicó Culkin.

“Mi hijo no me deja entrar… y él es quien está poniendo las trampas para mí”, agregó el actor. Para Culkin, la casa funcionaría como una metáfora de la relación entre padre e hijo y de la necesidad de Kevin de recuperar el vínculo con su familia.

Durante décadas, Culkin evitó regresar al papel que marcó su infancia. Después del éxito de Mi pobre angelito y Mi pobre angelito 2: Perdido en Nueva York, el actor se alejó de la actuación durante un periodo y no participó en las siguientes entregas de la franquicia.

Sin embargo, en los últimos años su relación con Kevin McCallister cambió. Culkin volvió a interpretar al personaje en campañas publicitarias y participó en actividades relacionadas con el aniversario de la primera película. Se le notó más optimista sobre la posibilidad de regresar. En una presentación por los 35 años del estreno, el actor reconoció que deja la puerta abierta a esa opción con la condición de que le ofrezcan una buena historia.

Pasada la mitad de 2026, ya podemos hacernos una idea de los mejores estrenos de cine que se han producido y que están por venir en lo que queda de año. Será en diciembre cuando toque sacar conclusiones, aunque desde ya nos atrevemos a decir que Proyecto Salvación apunta a ser una de las fijas en las listas de lo mejor de la temporada cinematográfica, tras haber enamorado a la crítica y haber logrado una recaudación de más de más de 684 millones en todo el mundo.

La película de Ryan Gosling ha demostrado que las epopeyas en el espacio a lo Christopher Nolan también pueden ser enormemente divertidas, lo que es mérito directo de sus dos directores, Phil Lord y Christopher Miller. Esta pareja de cineastas, conocidos sobre todo por ser los guionistas de la saga de Spiderman: Un nuevo universo, ya habían demostrado su don para las comedias con tintes épicos en títulos de animación como Lluvia de albóndigas o La LEGO película, así como en su serie El último hombre en la Tierra.

Con todo, si tuviéramos que destacar una película donde este singular dúo se desata completamente, esta sería otro de sus grandes éxitos, Infiltrados en clase. Este filme, disponible en Prime Video hasta el próximo 31 de julio (por lo que quedan solo tres días para verla), es donde más se desatan a nivel de humor, logrando que una historia sobre policías que vuelven al instituto nos resulte tan sorprendente como divertida.

Una ‘secuela’ de la serie que hizo famoso a Johnny Depp

Estrenada en 2012 y protagonizada por Channing Tatum y Jonah Hill (quien también figura como guionista), Infiltrados en clase cuenta cómo dos jóvenes agentes se hacen pasar por dos alumnos de un instituto para desarticular una red de narcotráfico. Para ambos, esta es la oportunidad perfecta de demostrar su valía, pero todo lo que creían saber sobre los adolescentes ya ha pasado de moda. Con este choque intergeneracional deberán lidiar, mientras siguen tratando de que la operación se complete, a pesar de quecada vez todo se va desmadrando más y más.

La historia de Infiltrados en clase no surge de la nada: la película retoma los hechos de una serie muy famosa de los 90, Nuevos policías, que entre otras cosas impulsó al actor Johnny Depp como nueva estrella emergente, lo cual explica su pequeño papel en esta producción. Lo que ocurre es que, si esta serie contaba los hechos con un tono mucho más serio y dramático, la cinta de Christopher Lord y Miller tira mucho más del humor, aprovechando el guion de Jonah Hill y compañía.

De Han Solo a ‘Proyecto Salvación’

La crítica de cine no dudó en calificar Infiltrados en clase de “irresistiblemente divertida”, tal y como se escribía en una reseña de The Wall Street Journal tras el estreno. La película lograría recaudar más de 200 millones de dólares (con un presupuesto de 42) y dio pie a que tanto los directores como el reparto repitieran en su secuela, Infiltrados en la universidad, que también resultó ser un éxito comercial.

Tras este éxito, el nombre de Lord y Miller se hizo mucho más conocido, lo que haría que Disney llamara a su puerta para dirigir Han Solo: Una historia de Star Wars. Grabaron algunas escenas, pero el exceso de comedia hizo que la compañía los sustituyera por otro director, Ron Howard. Sin embargo, parece que la pareja de directores se quedó con las ganas de hacer películas sobre aventuras en el espacio, por lo que no dudaron en aceptar sumarse a Proyecto Salvación cuando les llegó la oferta. Curiosamente, Ryan Gosling, actor protagonista de esta última película, ya está trabajando en su entrada en el universo de Star Wars.

El director británico Christopher Nolan acaba de dejar al mundo ojiplático —para bien y para mal— con La Odisea. Su ambiciosa adaptación del poema épico de Homero ha conquistado a buena parte de la crítica y del público, pero, ¿es su mejor película? Para buena parte del reparto de su último trabajo, la respuesta está clara. Y no, no es Oppenheimer, ni Interstellar ni Origen, tres de las obras cumbres del director.

Durante la premiere londinense de La Odisea, el creador de contenido Iván Háchez planteó esta pregunta a todos sus protagonistas: Matt Damon, Robert Pattinson, John Leguizamo y Benny Safdie señalaron El truco final (The Prestige, 2006) como una de las cumbres de la filmografía del director.

“Es imposible responder”, comenzó admitiendo Damon, quien da vida a Odiseo, antes de descartar las películas en las que él mismo participa. “Creo que tus seguidores probablemente ya hayan visto Origen, así que les animaría a ver El truco final, una película que adoro", afirmó. John Leguizamo, quien interpreta a Eumeo, tampoco dudó: “Me gusta la magia y Christian Bale es uno de mis actores favoritos”. La misma respuesta dieron Robert Pattinson, que interpreta al villano Antínoo, y Benny Safdie, que encarna a Agamenón.

La película abandona HBO Max este viernes 31 de julio

Estrenada en 2006 y basada en la novela homónima de Christopher Priest, la película narra la obsesiva rivalidad entre dos magos del Londres de finales del siglo XIX: Robert Angier (Hugh Jackman) y Alfred Borden (Christian Bale). Pese a que empiezan como compañeros, el fracaso de un truco ideado por ambos, hace que conviertan en enemigos irreconciliables. Cada uno de ellos intentará por todos los medios superar al otro y acabar con él.

Además de reunir a Jackman y a Bale, la cinta cuenta con un reparto de lujo formado por Michael Caine (uno de los actores habituales de Nolan), Scarlett Johansson, Rebecca Hall y Andy Serkis. Por si fuera poco, Nolan también contó con David Bowie en el papel de Nikola Tesla. “Era realmente el único que tenía en mente para interpretar a Tesla, porque su papel en la historia es pequeño, pero muy importante”, afirmó el director para IGN. En un principio, el cantante, que para entonces tenía 59 años, rechazó el papel, pero tras la insistencia del cineasta, finalmente aceptó.

La cinta recibió dos nominaciones a los premios Oscar —mejor fotografía y mejor dirección artística— y, pese a no alzarse con ninguna estatuilla, hoy figura entre las obras más valoradas del cineasta. Sin embargo, el crítico Kevin Nguyen, de GQ, la definió en 2017 como “la mejor y más infravalorada película de Christopher Nolan”. En Rotten Tomatoes cuenta con un 77% de valoraciones positivas por parte de la crítica, una de las puntuaciones más discretas de toda su filmografía, mientras que entre el público alcanza un 92%.

En España, la película puede verse en HBO Max, aunque no por mucho tiempo. El próximo 31 de julio abandonará el catálogo de la plataforma, por lo que quedan apenas tres días para disfrutar de este thriller de ilusionismo.

No podría haber una noticia peor para los fans de las películas de Studio Ghibli. A partir de este sábado, la plataforma que tenía todos los títulos en su catálogo, Netflix, dejará de contar con obras maestras como El viaje de Chihiro (ganadora de un premio Oscar), El castillo ambulante o La princesa Mononoke: más de una veintena de títulos del considerado como uno de los mejores estudios de animación del mundo dejarán de estar disponibles.

La marcha de tantas y tantas obras maestras supone una importante pérdida también para Netflix, plataforma que se había convertido en lugar de referencia para todos los que quisieran ver los títulos de Ghibli. Desde febrero de 2020, la llegada progresiva de estos títulos permitió que una nueva generación descubriera sus historias. En su momento, la plataforma integró las producciones en tres tantas, comenzando por siete filmes iniciales como Mi vecino Totoro y Porco Rosso, a los que siguieron otros siete en marzo con El viaje de Chihiro y La princesa Mononoke, y finalmente siete más en abril, donde se sumaron El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Sin embargo, la última película en incorporarse al catálogo sería El chico y la garza, que llegaría a finales de 2024 tras su exitoso paso por cines a finales del año anterior. Esta es, hasta la fecha, la última película de Hayao Miyazaki, el aclamado director que, por aquel entonces con 83 años, ganaría su segundo premio Oscar (tres si contamos el honorífico por toda su carrera). Esta, al igual que todas las demás, dejará de poder verse en Netflix a partir del 1 de agosto.

Cuáles son las películas que tengo que ver sí o sí antes del adiós de Ghibli

Studio Ghibli tiene un total de 23 largometrajes animados, de modo que, si has pensado en verlas todas quizá sea un poco difícil en los tres días que quedan para su despedida. Sin embargo, aquí dejamos algunas recomendaciones para quienes no hayan visto nada o para quienes busquen alguna joya escondida entre toda la colección. Cabe recordar que, aunque la mayoría de estas producciones son para todos los públicos, se trata de historias con la profundidad emocional suficiente como para que los adultos puedan disfrutar (igual o más) que los más pequeños.

Dicho esto, lo primero que hay que ver de Ghibli son los clásicos de Miyazaki: Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke y El castillo ambulante serían las más famosas, pero a estas habría que añadir también otros títulos de otros directores igual de importantes, como La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, Susurros del corazón, de Yoshifumo Kondo, o Arrietty y el mundo de los diminutos, de Hiromasa Yonebayashi.

Junto a estos títulos, también hay películas mucho menos reconocidas que deberían ser consideradas imprescindibles, como la preciosa El cuento de la princesa Kaguya, donde el estudio incluso cambia su estilo de animación, o la emocionante Porco Rosso, donde quizá Miyazaki explota más su conocido amor por los aviones. Además, no podemos dejar de recomendar las dos últimas películas de este director, El viento se levanta y El chico y la garza, dos filmes que, a través del realismo o la fantasía, escenifican a la perfección algunas de sus principales obsesiones.

La historia narra la vida de una joven marginada que enfrenta la hostilidad de su entorno escolar, en medio de un escándalo de acoso que se vuelve viral y provoca consecuencias devastadoras en su comunidad.

Actualización de un clásico: Carrie entre la exposición digital y el acoso viral

La novela original de Stephen King, publicada en 1974, fue llevada al cine en 1976 y ha sido adaptada en varias ocasiones desde entonces. Sin embargo, la versión de Mike Flanagan se distancia tanto del largometraje clásico como del libro, optando por una nueva interpretación para las audiencias actuales. En esta adaptación, la experiencia de la secundaria se intensifica debido a la omnipresencia de los teléfonos móviles y la cultura digital.

Carrie White comienza el instituto tras la muerte repentina de su padre y pronto se convierte en el foco de un acoso escolar que va más allá de las aulas. Sus compañeros crean una cuenta falsa de Instagram a su nombre y utilizan sus teléfonos para grabar y viralizar las agresiones que sufre, aumentando la exposición y el sufrimiento de la protagonista. Esta perspectiva añade un nivel de crueldad que la novela original no pudo prever y retrata los riesgos del ciberacoso actual, donde la humillación se amplifica y perpetúa ante una audiencia invisible e incontrolable.

Summer H. Howell obtuvo el papel de Carrie tras un proceso de selección en el que participaron más de mil actrices, mostrando la importancia de encontrar una protagonista que pudiera transmitir la vulnerabilidad y la fuerza de Carrie en un contexto marcado por la hiperconectividad. La presencia de Samantha Sloyan como Margaret White aporta un tono adicional de intensidad a la relación madre-hija, caracterizada por el aislamiento y una sobre protección llevada al extremo.

Reparto diverso para una sociedad dividida

La adaptación dirigida por Flanagan destaca también por un elenco variado y multidimensional. Siena Agudong interpreta a Sue Snell, Alison Thornton a Chris Hargensen, Joel Oulette es Tommy Ross, Josie Totah da vida a Tina, Arthur Conti interpreta a Billy, Thalia Dudek a Emaline, Amber Midthunder a la señorita Desjardin y Matthew Lillard al director Grayle. Así, la serie reúne a actores emergentes y de trayectoria reconocida, con el objetivo de reflejar las distintas realidades de la adolescencia actual y del sistema escolar estadounidense.

Uno de los elementos más notables del primer avance es la ambigüedad en las relaciones entre los personajes jóvenes. Los compañeros de Carrie aparentan cercanía y empatía, sólo para traicionarla y convertirla en objeto de burla y ataques frente a miles de personas en las redes sociales. Flanagan profundiza la tensión al mostrar cómo la aparente amistad puede transformarse en crueldad colectiva bajo la presión social digital, fenómeno común en los entornos escolares del siglo XXI.

La serie también aborda la responsabilidad de los adultos, como la señorita Desjardin (Amber Midthunder) y el director Grayle (Matthew Lillard), cuyas decisiones y omisiones influyen en el contexto donde se desarrollan las alianzas y traiciones que determinarán el destino de Carrie.

El terror renovado de Flanagan: miedo y vigilancia en la era digital

Aunque la historia de poderes sobrenaturales y venganza en Carrie sigue siendo central, Flanagan elige enfocarse en el miedo real que genera la sobre exposición y la soledad, agravadas por la tecnología. Los poderes telequinéticos de Carrie afloran al mismo tiempo que atraviesa la adolescencia y el agravamiento del acoso, sugiriendo que la rabia y el sufrimiento pueden adoptar formas imposibles de anticipar en personas marginadas bajo una presión constante.

La presencia continua de cámaras, la creación de identidades falsas y el clima opresivo de las redes sociales generan nuevas fuentes de ansiedad y peligro, pero también de posible reacción frente a la injusticia. El horror no solo se origina en los dones extraordinarios de la protagonista, sino en la crueldad anónima y masiva ejercida a través de la cultura digital.

Flanagan, reconocido por equilibrar el terror y el drama en series anteriores, apuesta por una reinterpretación del mito de King que dialoga con los miedos y contradicciones de la generación TikTok: el deseo de ser visto frente al temor de la exposición; la búsqueda de aceptación ante el riesgo de la brutalidad digital.

Han pasado cinco años desde que vimos por última vez al Spider-Man de Tom Holland. Desde entonces, Peter Parker ha desaparecido de la memoria de todo el mundo por culpa del último hechizo del Doctor Strange (Benedict Cumberbatch) al final de Spider-Man: No Way Home. Este miércoles, el superhéroe regresa con Spider-Man: Brand New Day, la cuarta entrega protagonizada por el actor británico y la primera dirigida por Destin Daniel Cretton.

La expectación es máxima: las primeras estimaciones apuntan a que podría superar los 800 millones de dólares de recaudación mundial durante su primer fin de semana en cartelera. De cumplirse esa previsión, firmaría el segundo mejor estreno global de la historia, solo por detrás de Avengers: Endgame, que debutó con más de 1.200 millones.

Si quieres llegar al estreno con las tramas bien frescas, todavía estás a tiempo de hacer un maratón. Estas son las plataformas en las que puedes ver las tres películas protagonizadas por Tom Holland.

‘Spider-Man: Homecoming’ (2017)

Pese a que Tom Holland debutó en el Universo Cinematográfico de Marvel un año antes, en Capitán América: Civil War (2016), fue Spider-Man: Homecoming la que presentó por primera vez a su Peter Parker en solitario. Dirigida por Jon Watts, la película muestra a un adolescente que intenta compaginar las clases del instituto con su nueva vida como superhéroe mientras busca demostrarle a Tony Stark (Robert Downey Jr.) que está preparado para convertirse en un Vengador.

La película también supuso el salto de Zendaya a la gran pantalla, que venía de despuntar en Disney con Shake it Up, K.C Undercover o Zapped. El final dejó a más de uno con la boca abierta: aunque la actriz apenas tiene 10 minutos en pantalla, la escena final reveló que Michelle Jones es la Mary Jane de esta saga, un giro con el que Marvel reinventó a uno de los personajes más icónicos del universo de Spider-Man.

Dónde verla: Disney+, HBO Max y Movistar Plus+.

‘Spider-Man: Lejos de casa’ (2019)

Tras los acontecimientos de Vengadores: Endgame, Peter Parker intenta disfrutar de su viaje de fin de curso por Europa junto a sus amigos. Sin embargo, sus planes -declararse a MJ- cambian cuando Nick Furia le pide ayuda para enfrentarse a una nueva amenaza. En el camino aparece Quentin Beck, más conocido como Mysterio, al que da vida Jake Gyllenhaal. Su escena poscréditos cambió por completo el futuro del personaje dentro del Universo Marvel: la identidad de Spider-Man salía a la luz.

Dónde verla: Disney+, HBO Max, Movistar Plus+.

‘Spider-Man: No Way Home’ (2021)

La tercera entrega es, hasta la fecha, la más ambiciosa de la saga. Después de que el mundo descubra la identidad de Spider-Man, Peter Parker recurre al Doctor Strange para intentar revertir la situación. Sin embargo, el hechizo sale mal y abre las puertas del multiverso. El resultado fue uno de los mayores acontecimientos cinematográficos de la historia del cine: la película reunió por primera vez a Tom Holland, Tobey Maguire y Andrew Garfield como las tres generaciones de Spider-Man y recuperó a algunos de los villanos más icónicos de las sagas anteriores, como el Doctor Octopus de Alfred Molina, el Duende Verde de Willem Dafoe, Electro (Jamie Foxx), el Hombre de Arena (Thomas Haden Church) y el Lagarto (Rhys Ifans).

El resultado fue especular: recaudó 1.952 mil millones de dólares en todo el mundo y se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia de Sony Pictures.

Dónde verla: Disney+, HBO Max, Movistar Plus+.

La cuarta entrega, en cines en España desde este miércoles 29 de junio y en todo el mundo a partir de este viernes, abrirá una nueva etapa para el personaje, que vuelve con Zendaya y Jacob Batalon. Además, incorporará por primera vez al Universo Spider-Man de Holland al antihéroe Frank Castle / Punisher, interpretado por Jon Bernthal, y recuperará a Bruce Banner / Hulk, de nuevo encarnado por Mark Ruffalo. Todo ello bajo la dirección de Destin Daniel Cretton, responsable de Shang-Chi y la leyenda de los Diez Anillos.

El regreso del género cyberpunk a la televisión

En un contexto de creciente interés por las historias distópicas, Apple TV se une a la tendencia presentando uno de los relatos fundamentales del cyberpunk. Neuromancer, publicada en 1984 por William Gibson, no solo revolucionó la literatura de ciencia ficción, sino que instauró conceptos como el ciberespacio y posicionó a los hackers como figuras centrales en la narrativa futurista. Con esta nueva adaptación televisiva, el género renueva su atractivo al retomar temas esenciales: la confrontación entre individuos y megacorporaciones, la supremacía tecnológica y la fusión entre humanidad y máquina.

El primer tráiler, con una duración ligeramente superior a un minuto, expone ese escenario distintivo: calles saturadas de neones, edificios que se elevan y vestimentas que aluden a una sociedad donde la moda y la funcionalidad se entrelazan desde una perspectiva tecnológica. Esta presentación inicial busca recuperar la crudeza del mundo descrito por Gibson, mostrando a un Case marcado por traumas del pasado e impulsado por la promesa de una última gran estafa digital.

Personajes principales y elenco de la serie

La serie está protagonizada por Callum Turner en el papel de Case, un hacker de élite con un pasado problemático y adicto al desafío de vulnerar sistemas de seguridad considerados impenetrables. Molly, su compañera en la misión y conocida como Razor-girl, es interpretada por Briana Middleton, quien da vida a una letal mercenaria con características tecnológicas únicas, aspecto que la convierte en un pilar fundamental para el golpe que sostiene la trama. Juntos, desafían las normas de una sociedad dominada por el poder corporativo y se adentran en un objetivo que trasciende los límites de la legalidad y la ética.

El reparto incluye tanto figuras reconocidas como nuevas promesas. Entre los nombres mencionados se encuentran Max Irons, Peter Sarsgaard, Clémence Poésy, Dane DeHaan, Junia Rees, Jordan Kouamé, Emma Laird, Marc Menchaca, André De Shields e Isabella Pappas. Conforme a otros comunicados, también se anuncian Mark Strong y Sam Woolf en papeles aún no especificados oficialmente, lo que evidencia la dimensión internacional del proyecto y su apuesta por reunir talentos diversos para construir un universo coral y fragmentado.

Los retos de adaptar una obra emblemática

Trasladar el universo de Neuromancer a la pantalla supone el desafío de recrear conceptos pioneros que definieron el cyberpunk en los años ochenta y que siguen siendo relevantes cuarenta años después. Para la audiencia contemporánea, habituada a una constante oferta de historias tecnológicas, esta nueva versión debe equilibrar la fidelidad al texto original con un atractivo visual y narrativo acorde a los estándares actuales. La serie se propone capturar la atmósfera opresiva y la acción constante, situando a Case y Molly en medio de engaños, espionaje digital y enfrentamientos violentos contra las fuerzas de seguridad al servicio de grandes corporaciones.

El tráiler deja entrever que uno de los puntos clave de la producción son los efectos: desde la representación del ciberespacio, el entorno virtual donde los datos se trafican y sustraen, hasta la estación espacial que se insinúa en algunas escenas, otro de los elementos emblemáticos del libro. Vestuarios llamativos y una arquitectura imposible completan la estética característica del cyberpunk, si bien el adelanto todavía no muestra grandes giros argumentales o secuencias de acción completas, manteniendo el misterio para las próximas campañas de promoción.

Recepción y contexto dentro del mercado de las series

El estreno de Neuromancer se ubica en un momento en que Apple TV busca consolidarse como referente de la ciencia ficción mediante propuestas visualmente ambiciosas basadas en obras literarias de culto. Este lanzamiento, junto con la anunciada Blade Runner 2099, coincide con un auge de producciones distópicas que aspiran a captar la atención de nuevas audiencias. En especial, el enfoque en temas como la vigilancia digital, el crimen corporativo y la rebeldía individual resulta relevante en una época donde el debate sobre privacidad y tecnología sigue muy presente.

Tanto para los seguidores de William Gibson como para quienes se acercan por primera vez a la narrativa cyberpunk, Neuromancer representa la posibilidad de explorar conceptos visionarios sobre la era digital. La presencia de un elenco variado y la promesa de una realización técnica avanzada alinean a la serie con otras grandes producciones televisivas, aunque el éxito dependerá de su capacidad para interpretar fielmente los principios fundamentales del libro.

Por último, la estrategia de Apple TV subraya el potencial de las plataformas para rescatar piezas fundamentales de la ciencia ficción, acercando estos universos a públicos globales y contribuyendo a ampliar la diversidad de historias disponibles en la era del streaming.

El encuentro entre Jorge Campos y Tom Holland captó la atención de los aficionados tanto del fútbol como del cine internacional. El exguardameta mexicano, célebre por sus uniformes multicolores y su estilo irreverente, decidió regalar a Holland una de sus camisetas más emblemáticas durante una actividad promocional relacionada con el estreno de la nueva película Spider-Man: Brand New Day.

La reunión se desarrolló en un ambiente distendido, donde ambos compartieron risas y anécdotas. Campos, originario de Acapulco, entregó personalmente la prenda al actor británico, quien interpreta a Peter Parker, como símbolo de su carrera en el deporte mexicano. El momento quedó documentado en las redes sociales del propio Campos.

Jorge Campos y su propuesta para Spider-Man

El gesto de regalar la camiseta fue acompañado por un mensaje humorístico. “Mucho éxito Tom Holland en la nueva película de Spider-Man: Brand New Day. Tengo unas ideas para el nuevo traje”, escribió Jorge Campos en sus redes, sugiriendo, entre bromas, que los icónicos uniformes que utilizó como portero podrían inspirar una versión alternativa del atuendo del superhéroe.

Este intercambio no solo celebró el lanzamiento del filme, sino que también reflejó la vigencia y popularidad de la figura de Campos. Décadas después de su retiro, sigue generando conversación tanto dentro como fuera del ámbito deportivo.

El legado de Campos y su alcance internacional

El episodio refuerza la imagen de Jorge Campos como uno de los personajes más reconocibles del fútbol mexicano. Además de su trayectoria bajo los tres postes, su estilo y personalidad han cruzado fronteras, permitiéndole establecer vínculos con figuras del entretenimiento mundial como Tom Holland.

La camiseta entregada a Holland es un recordatorio de la época en la que Campos marcó tendencia con sus diseños audaces, y del impacto que aún tiene en el imaginario colectivo. Ahora, su imagen se asocia no solo al deporte, sino también a la cultura pop internacional, en un contexto donde el fútbol y el cine convergen.

Spider-Man: Brand New Day: de que trata y cuando se estrena

La llegada de Spider-Man: Brand New Day a las salas de cine mexicanas marca un nuevo capítulo para el universo del superhéroe arácnido. Tom Holland retoma el papel de Peter Parker justo cuando el personaje atraviesa uno de los momentos más difíciles de su vida: la completa desaparición de su identidad pública.

La película, dirigida por Destin Daniel Cretton, presenta a un Spider-Man forzado a reconstruirse desde cero. Tras los sucesos que provocaron que el mundo entero olvide quién es Peter Parker, el joven héroe recorre las calles de Nueva York sin más aliados ni reconocimiento. En este contexto, debe enfrentarse no solo al crimen común, sino también a una amenaza que permanece en las sombras.

El estreno está programado para el 29 de julio de 2026 en México. La expectativa entre los seguidores es alta, ya que la trama explora una faceta inédita de Spider-Man: la de un justiciero anónimo que debe redescubrir su propósito y su lugar en el mundo, mientras el peligro acecha desde rincones desconocidos de la ciudad.

El esperado anuncio de Marvel Studios durante la Comic-Con de San Diego ha confirmado el estreno de Black Panther 3 para el 15 de diciembre de 2028. El sucesor de Chadwick Boseman será David Jonsson, quien interpretará a Toussaint, el hijo adulto de T’Challa, consolidando el relevo generacional en una de las franquicias de mayor trascendencia social del Universo Cinematográfico de Marvel.

Ryan Coogler, director de todas las entregas de la saga, subió al escenario acompañado por el presidente de Marvel Studios, Kevin Feige, y varios miembros del reparto original, como Letitia Wright y Winston Duke. Ante una multitud, Coogler presentó a Jonsson, actor británico de reconocida trayectoria reciente, como el próximo portador del manto de Black Panther.

La presentación ante miles de fanáticos en San Diego tuvo lugar en el famoso Hall H del Centro de Convenciones, el escenario habitual de los anuncios más relevantes de la industria del entretenimiento. Entre ovaciones y el coro de Wakanda Forever, Coogler resaltó el talento y la historia de Jonsson, quien recibió el aplauso del público. Jonsson, al asumir públicamente este papel representativo para la cultura popular, declaró: “Gracias a esta familia que tengo el honor y la bendición de integrar. No quiero decir demasiado, porque quiero dejar que la pantalla hable”.

Durante el panel, se detalló que Black Panther 3 se centrará en el personaje Toussaint, conocido también como T’Challa II, cuya existencia ya había sido insinuada en la escena poscréditos de Black Panther: Wakanda Forever de 2022, donde Nakia, interpretada por Lupita Nyong’o, revelaba la existencia del hijo de T’Challa. La historia avanzará en el tiempo y se enfocará en el joven Toussaint, que aspirará a tomar el trono de Wakanda y proteger el legado de su padre.

Apuesta tecnológica y legado de la saga

Uno de los aspectos destacados por Coogler durante el anuncio fue la elección de un formato técnico novedoso para la franquicia: toda la película se filmará en celuloide de formato grande de 70mm. Este tipo de película ofrece una resolución y escala visual superiores, característica tradicionalmente vinculada a superproducciones y grandes espectáculos cinematográficos, lo que sitúa a Black Panther 3 en dicha categoría.

La franquicia de Black Panther continúa como una de las más exitosas y de mayor repercusión social dentro del cine de superhéroes. La primera película, estrenada en 2018 y protagonizada por Chadwick Boseman, recaudó más de 1.300 millones de dólares en todo el mundo, fue la primera del género en obtener una nominación al Oscar a Mejor Película y se llevó tres premios de la Academia. El reparto incorporó a figuras como Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira, Martin Freeman, Daniel Kaluuya, Letitia Wright, Winston Duke y Angela Bassett. El fallecimiento de Boseman en agosto de 2020, tras una lucha privada contra el cáncer de colon, dejó un impacto significativo en sus compañeros y en el director, así como un vacío importante en la serie.

La respuesta de Marvel y proyecciones para el MCU

La continuidad de la historia se llevó a cabo en Black Panther: Wakanda Forever, estrenada en 2022, donde la ausencia de T’Challa fue tratada en la trama y el manto de Black Panther pasó temporalmente a Shuri, la hermana del protagonista interpretada por Letitia Wright.

Esta segunda película también recibió elogios, recaudó más de 850 millones de dólares y obtuvo el segundo Oscar consecutivo al mejor vestuario para Ruth E. Carter, quien se convirtió en la primera mujer negra en recibir dos premios de la Academia. Angela Bassett, por su parte, fue nominada como mejor actriz, siendo la primera vez que un intérprete de una película de Marvel recibe este reconocimiento.

David Jonsson, nuevo protagonista y su trayectoria

David Jonsson, de 32 años, fue seleccionado como protagonista de la tercera entrega debido a su trayectoria reciente. Jonsson ha ganado reconocimiento internacional luego de participar en la serie Industry de HBO y en las películas Rye Lane de 2023, Alien: Romulus de 2024 y The Long Walk, una adaptación de una novela de Stephen King que fue mencionada por Coogler durante el panel. El objetivo de Marvel es dar continuidad al legado de Boseman y, al mismo tiempo, refrescar la saga con nuevos actores y argumentos que aborden temas contemporáneos sobre identidad, herencia y liderazgo.

La incorporación de Jonsson no significa un corte definitivo con el pasado. Letitia Wright continuará vinculada al papel en al menos una entrega futura fuera de la trilogía, y el traspaso del manto será desarrollado en la narrativa, según confirmó Marvel, dejando abierta la posibilidad de cameos que mantengan la conexión entre los protagonistas originales y el nuevo capítulo de Wakanda.

Elenco ampliado y el contexto social de la saga

Al elenco habitual de la franquicia, se suma la presencia confirmada de Denzel Washington en un papel aún no revelado, afianzando a Black Panther 3 como una de las producciones más esperadas del próximo calendario de Marvel Studios. Más allá de los récords de taquilla y el reconocimiento recibido, la saga se ha convertido en un fenómeno cultural de gran impacto, relevante tanto en la representación mediática como en el debate sobre diversidad y liderazgo afrodescendiente en el cine global.

Los seguidores de Marvel y la audiencia internacional esperan nuevos detalles sobre la historia y la evolución del reparto, especialmente en torno a cómo afectará el relevo generacional al universo ficticio de Wakanda y a los millones de fanáticos que se identificaron con la etapa encabezada por Chadwick Boseman. El reto para la saga es mantener la coherencia y profundidad emocional mientras se reinventa ante las expectativas de un público global exigente.

El regreso de Rick Moranis al cine fue uno de los grandes acontecimientos en la San Diego Comic-Con 2026, donde su participación en Spaceballs: The New One marcó el reencuentro con una generación de admiradores que lo considera un referente de la comedia familiar y de culto.

Tras casi treinta años alejado de los escenarios, Moranis no solo retoma su emblemático papel de Dark Helmet, sino que también ha dado pie a un debate público sobre los motivos de su larga ausencia y sobre lo que significa este regreso para su propio legado y para el género de la comedia paródica en el cine.

Aparición de Rick Moranis en Comic-Con y respuesta del público

La expectativa era muy alta el día que Amazon MGM Studios organizó el evento en el emblemático Hall H de la Comic-Con para mostrar las primeras imágenes de Spaceballs: The New One. Los presentes vivieron un momento memorable cuando, tras mantener el suspense, Rick Moranis apareció en el escenario llevando el icónico casco de Dark Helmet. Los aplausos y vítores se prolongaron varios minutos, dejando claro el profundo afecto del público hacia el actor, ausente durante casi treinta años.

No fue solo la reaparición lo que generó emoción: Moranis y Mel Brooks, director y figura principal de la saga, protagonizaron un afectuoso abrazo frente a miles de asistentes. La ovación fue total. Según Moranis, la energía y el cariño recibidos en ese momento confirmaron que regresar a la actuación fue “la mejor decisión que he tomado en mi vida”. Para muchos, la presencia de Moranis representó una reunión generacional y la posibilidad de redescubrir viejas historias bajo una nueva perspectiva. Comic-Con, evento fundamental para la industria del entretenimiento, demostró nuevamente su papel como escenario de anuncios importantes y como espacio para la conciliación entre celebridades y admiradores.

Razones del regreso de Rick Moranis e impacto en la franquicia

Uno de los temas más comentados durante el panel fue la razón que llevó a Rick Moranis a volver al cine después de tantos años apartado del medio. El propio Moranis explicó durante el evento que, simplemente, sintió que era el momento oportuno y que el proyecto de la secuela, con su humor autorreferencial, tenía la capacidad de conectar con nuevos públicos sin perder la esencia de la obra original.

Moranis, que alcanzó la fama en los años ochenta y noventa con películas como Los Cazafantasmas, Querida, encogí a los niños y Los Picapiedra, siempre mantuvo una relación especial con su audiencia, pero optó por retirarse cuando consideró que debía priorizar su vida personal sobre la artística. La oportunidad de interpretar de nuevo a Dark Helmet llegó en una época dominada por revivals y remakes, aunque el propio Moranis destacó que fueron la calidad del guion, la presencia de Mel Brooks y el entusiasmo del público lo que finalmente lo convencieron.

El impacto de su retorno no pasó desapercibido. La nueva entrega de Spaceballs ha entusiasmado no solo a los seguidores tradicionales, sino que también ha despertado el interés de un público joven que está descubriendo a un icono de la comedia a través de redes sociales y plataformas de streaming. La participación de Moranis en eventos y actividades promocionales ha puesto de relieve la importancia del carisma y la autenticidad de los intérpretes en una época en que las franquicias dependen en gran medida de la reacción inmediata del público.

Novedades sobre la secuela y regreso de actores principales

Amazon MGM Studios confirmó durante el panel que Spaceballs: The New One se estrenará en los cines en abril de 2027. El largometraje estará dirigido por Josh Greenbaum y sumará nuevos integrantes al elenco. Keke Palmer y Lewis Pullman destacaron el reto profesional de formar parte de una comedia que parodia grandes sagas como Star Wars.

Lewis Pullman, hijo del experimentado Bill Pullman -quien regresará como el capitán Lone Starr-, destacó el significado especial de poder compartir una franquicia a nivel familiar, a pesar de la ausencia física de su padre en el panel. Por su parte, Daphne Zuniga, quien ahora interpreta a una reina Vespa más madura, compartió historias sobre el afecto persistente de los admiradores y cómo su personaje ha evolucionado hasta ser la líder de todo un reino.

Otra noticia relevante fue el anuncio de Josh Gad en el papel de un nuevo mog, criaturas mitad hombre y mitad perro, personajes recordados especialmente por la interpretación de John Candy en la cinta original. Gad, quien ya había mostrado interés en revivir otros universos en los que apareció Moranis, comentó que su motivación surgió tras compartir la comedia con su esposa, quien le señaló la falta de continuaciones para esta saga.

La producción mostró material exclusivo, un corto similar al presentado meses atrás en CinemaCon, permitiendo a los asistentes apreciar el tono humorístico y autorreferencial propio de la película original de 1987. Este adelanto no se distribuyó en redes, aumentando el interés respecto al estreno y manteniendo activa la conversación en torno al regreso de la franquicia.

Relevancia de la saga Spaceballs y expectativa por el estreno

El regreso de Spaceballs coincide con un renovado interés por las comedias de ciencia ficción y los productos nostálgicos de los años ochenta y noventa. La entrega original, dirigida por Mel Brooks, se estableció como una película de culto por su acertada parodia de Star Wars y la cultura popular de su tiempo. La secuela aspira a mantener este espíritu, incorporando referencias actuales y comentarios sobre las nuevas trilogías galácticas.

El elenco de Spaceballs: The New One también incluye a Mel Brooks, que volverá a interpretar a Yogurt, junto a otros actores centrales que consolidan la relación con la película original. Para el público, estos reencuentros representan la oportunidad de compartir historias importantes con nuevas generaciones, subrayando el papel de la nostalgia en el consumo audiovisual de nuestro tiempo.

Por otro lado, este fenómeno refleja la tendencia de los estudios a apostar por franquicias seguras y grandes eventos para relanzar carreras y productos. El caso de Rick Moranis demuestra cómo la expectativa y la respuesta del público pueden influir en el destino de una película incluso antes de su estreno, y pone de relieve la importancia del vínculo emocional entre grandes figuras y su audiencia. El estreno programado para abril de 2027 ya genera entusiasmo tanto entre quienes crecieron con la película original como entre quienes la descubren ahora, demostrando la vigencia de la sátira y la comedia en la actualidad.

El final de julio le ha traído a Netflix un nuevo éxito por parte del cine español. Se trata de Los creyentes, una película de suspense dirigida por Roger Gual y dirigida por José Coronado que, desde su lanzamiento el pasado 24 de julio, ha conseguido escalar a lo más alto de la lista de lo más visto en la plataforma.

Esa producción narra el regreso de Ruth, una mujer de 30 años interpretada por Stéphanie Magnin, a la casa familiar tras dos años de ausencia. La muerte de su madre en un aparente resbalón doméstico desencadena una serie de sospechas que la llevan a mirar con recelo a su padre, Martín, encarnado por José Coronado, quien parece estar obsesionado con una teoría de la conspiración.

De este modo, Los creyentes se adentra en la desconfianza entre padre e hija, cuya relación es cada vez más tensa, si bien pronto evoluciona hacia un relato paranoico sobre nuestra época, donde las teorías sobre niños secuestrados y experimentos clandestinos reflejan el auge de la desinformación y las fake news.

Un juego entre la desconfianza dentro y fuera del hogar familiar

La trama de la película, lejos de inventar nuevos códigos para el género, utiliza recursos clásicos del thriller psicológico: la sospecha, la ambigüedad y el cuestionamiento constante de la realidad. El guion, escrito por Carlos Montero y Darío Madrona, destaca por la verosimilitud de sus personajes, algo en lo que también ayuda un reparto completado por nombres como Alberto Olmo, Mabel del pozo o Fanny Gautier.

La obra explora cómo el aislamiento y la desinformación pueden empujar a las personas a sumergirse en los rincones más oscuros de internet. La desconfianza entre familiares se convierte en un espejo de las paranoias teorías de la conspiración más recientes, desde los movimientos terraplanistas hasta los negacionistas de la pandemia.

Por otra parte, la atmósfera otoñal de Asturias, combinada con localizaciones en Madrid y Berlín, refuerza la tensión y el misterio que rodean los secretos familiares de la protagonista. La elección de escenarios refuerza la conexión entre el clima emocional de los protagonistas y el contexto físico en el que se desarrolla la historia. A la historia la envuelve una atmósfera grisácea y húmeda, típica del norte de España.

El problema de la verdad

Los creyentes no aspira a convertirse en una sátira política o social de gran calado, pero sí plantea preguntas sobre el impacto de las paranoias colectivas y la sobreabundancia de información falsa en la vida cotidiana. La película invita a cuestionar las certezas y a reflexionar sobre los límites entre realidad y creencias personales.

La dinámica entre los personajes permite que el espectador se cuestione constantemente quién dice la verdad y qué se esconde detrás de cada gesto o silencio. De hecho, el desenlace, aunque discutido por algunos por su afán de cerrar todas las tramas, deja abierta la puerta a la interpretación sobre el poder de las narrativas alternativas y la fragilidad de los vínculos familiares en tiempos de incertidumbre.

Ahora, solo falta por ver cuán lejos llegará Los creyentes en Netflix. La película española apunta a ser uno de los éxitos del verano, algo que no sería extraño para José Coronado, quien ya ha protagonizado otros lanzamientos masivamente reproducidos como las series de Entrevías o El inocente.

El reto de Motorcity: acción sin palabras

“Motorcity” representa una excepción dentro del género. Ritchson relató que, al recibir el guion, se sorprendió por su estructura: “Abrí el guion y solo había escenas de acción. No había diálogos en la película. Pensé, ‘¿qué es esto?’”.

El texto, con apenas 87 páginas y sin diálogos, requería de un enfoque interpretativo distinto. “Lo leí probablemente más rápido que cualquier otro, y eso para mí es señal de que es un buen guion”, explicó durante la entrevista.

La producción enfrentó obstáculos desde sus primeras etapas. El propio Ritchson describió las dificultades para conseguir financiación, el escepticismo de estudios ante la idea de un film sin líneas habladas, y los constantes ajustes presupuestarios.

“Tuvimos que armar la financiación independiente. Eso es complicado porque de repente alguien no deposita el dinero y hay que rehacer todo el plan”, detalló. El actor defendió personalmente la inclusión de escenas clave, como la del combate en el ascensor: “Peleé por esa escena. Estaba dispuesto a pagarla de mi bolsillo porque sabía que el público la iba a valorar”.

La propuesta de esta película busca, según Ritchson, mostrar que el diálogo no es la única herramienta para contar historias y abrir la puerta a nuevas formas de narrativa audiovisual. El film, dirigido por Potsy Ponciroli, incorpora la música como elemento central y apuesta por el impacto visual, en un homenaje a los thrillers de los años 70.

Selección de proyectos y control creativo

El ascenso del actor de 43 años en la industria está marcado por una filosofía clara: priorizar proyectos originales frente a secuelas o repeticiones de fórmulas exitosas.

“Sueñas con llegar a un punto donde puedes elegir lo que haces. Cuando llega esa oportunidad, hay que aprovecharla”, aseguró el actor, quien destacó la importancia de “crear propiedad intelectual original y aventuras nuevas para el público”.

Tras el éxito de “Reacher”, accedió a un nivel de influencia donde recibe guiones antes de su publicación. “Somos uno de los pocos equipos que recibe IP (propiedad intelectual) antes que nadie. Eso es porque la industria empieza a confiar en mi gusto y en la capacidad de ejecutar proyectos grandes”, comentó el actor.

Posicionamiento social y mirada política

Las convicciones de Ritchson trascienden lo artístico. Durante la conversación en Happy, Sad, Confused, el actor abordó temas sociales y políticos, cuestionando la pasividad de otras figuras públicas.

“La gente siente miedo de hablar. Yo digo lo que hay que decir si uno se preocupa por la humanidad”, afirmó. Ritchson también criticó la corrupción y la falta de justicia: “Veo injusticias por todos lados y me frustra. Vivo con mucho descontento frente a cómo están las cosas”.

Su interés por la política y la justicia social surgió de experiencias personales y de su lucha con el trastorno de déficit de atención e hiperactividad (TDAH). Mencionó que trabaja con un coach para gestionar la sensibilidad frente al rechazo y la injusticia, aspectos que influyen en su carácter y en su deseo de buscar un mundo más equitativo.

“Si algún día entro en política, lo haría con la intención de hacer el mundo más justo y limpiar la ley para que sea más difícil que los corruptos abusen del sistema”, expresó en el podcast.

Trayectoria, aprendizajes y rumores sobre Batman

La carrera de Ritchson comenzó en el universo de las series juveniles, con su aparición en “Smallville” como Aquaman. El actor recordó que aquella experiencia fue un “golpe de realidad” sobre la volatilidad de la industria: “Me ofrecieron un spin-off, pero el proyecto se cayó por decisiones ejecutivas. Aprendí a no dar nada por sentado”.

El camino estuvo marcado por rechazos, como el fallido casting para interpretar a Thor, y por la consolidación de su imagen en producciones como “Titans” y la citada “Reacher”.

Además, circulan especulaciones sobre una posible incorporación al universo de Batman bajo la dirección de James Gunn. Ritchson evitó confirmaciones pero subrayó su exigencia al elegir proyectos: “Cualquier cosa que haga con DC debe cumplir con mis estándares”.

El actor también compartió anécdotas sobre su vínculo con Arnold Schwarzenegger, quien le sugirió incursionar en la política, y sobre su compromiso con cada personaje, incluyendo la realización de sus propias escenas de riesgo, pese a lesiones: “Me rompí la espalda dos veces el año pasado. Pero siento que le debo al público dar siempre lo mejor”.

La publicación de El gran Gatsby en 1925 marcó un punto de inflexión en la literatura universal. La novela de F. Scott Fitzgerald ofrece un retrato minucioso de la sociedad estadounidense de los años veinte, explorando la prosperidad y la decadencia moral detrás del llamado sueño americano. Su protagonista, el tan misterioso como millonario Jay Gatsby, quien pretende reconquistar a Daisy Buchanan, un amor del pasado emerge como el símbolo de una época de excesos, negocios ilícitos y fiestas interminables, todo con el único objetivo de recuperar el amor de Daisy Buchanan.

La obra, considerada por una lista de la conocida editorial Modern Library como la mejor novela de Estados Unidos de todo el siglo XX, fue gestada entre 1923 y 1924. En ese proceso, el propio Fitzgerald, que por aquel entonces tenía apenas 27 años, encontró inspiración en episodios personales, como el tormentoso romance entre el autor y su esposa Zelda, el cual habría impregnado de autenticidad la obsesión romántica y la melancolía que envuelven a Gatsby y a Daisy.

Su popularidad hizo que, en las décadas siguientes, fueran varias las adaptaciones que se hicieran sobre este clásico: una en 1949 protagonizada por Alan Ladd, otra en 1974 con un reparto encabezado por Robert Redford, y quizá la más conocida, la versión dirigida por Baz Luhrmann (Moulin Rouge, Elvis), quien revitalizó la historia con una estética exuberante y una de las interpretaciones más memorables de Leonardo DiCaprio.

La adaptación de Baz Luhrmann y el fenómeno DiCaprio

DiCaprio no es el único nombre propio que llama la atención en el reparto de El gran Gatsby. A su lado, uno de sus mejores amigos en la vida real, Tobey Maguire, interpreta a Nick Carraway, amigo del personaje principal desde cuya perspectiva se narra la historia. Por su parte, Carey Mulligan también se muestra impecable en su interpretación de Daisy, ese objeto de deseo supuestamente inalcanzable que define el destino del carismático multimillonario.

Junto a ellos, completan el elenco otros intérpretes como Joel Edgerton, Isla Fisher, Elizabeth Debicki, Jason Clarke o Jack Thompson. Todos ellos potencian una historia en la que Baz Luhrmann decidió introducir algunas variaciones respecto al texto original para intensificar el tono trágico de la historia y darle, también, un toque más esperanzador que el que alberga la novela.

Además, como el cineasta quería uería que el público contemporáneo sintiera las fiestas de Gatsby como las sintieron los jóvenes de 1922, decidió crear una banda sonora que mezcla hip-hop (el rapero Jay-Z participó en el proceso) y jazz moderno. Estas elecciones polarizaron a la crítica, pero conectaron con una audiencia que valoró la combinación de clasicismo narrativo y exceso visual. Así lo demuestran, al menos, los más de 350 millones de dólares que recaudó a nivel mundial.

Una superproducción de éxito y premios

Más allá de las cifras de espectadores, la película también fue ampliamente reconocida especialmente por su despliegue técnico. En la ceremonia de los Oscar de 2014, El gran Gatsby obtuvo dos premios a Mejor diseño de producción y Mejor vestuario, ambos a cargo de Catherine Martin, colaboradora habitual de Luhrmann. “Más que una convencional adaptación, es una coloreada ópera trash, una celebración excesivamente teatral de la extravagancia emocional y material que Fitzgerald observó con una fascinante ambivalencia", la describían en críticas como The New York Times.

Tras su exitoso paso por la gran pantalla, las plataformas de streaming se han encargado de mantener la vigencia de El gran Gatsby. Hasta ahora, la película había estado disponible en HBO Max. Sin embargo, abandonará su catálogo el próximo 28 de julio, por lo que si todavía no la has visto, estos son los últimos días para disfrutar de esta adaptación de una de las grandes novelas del siglo pasado.

En una era del entretenimiento cada vez más dependiente de las franquicias, Christopher Nolan ha convertido su nombre en una de ellas.

Convirtió una serie policíaca sobre un científico en un éxito de taquilla multimillonario. Ha forjado su carrera creando películas que conquistan al público, que desafían, impresionan y cobran vida propia más allá de los fines de semana o veranos en los que se estrenan y dominan.

Sus 13 películas cambiaron las ambiciones de las superproducciones, desde la ingeniosidad independiente de Memento hasta la escala mítica y de otro mundo de La Odisea, que se estrena el viernes con funciones con entradas agotadas.

A pesar de su versatilidad, Nolan siempre vuelve a las obsesiones y la arrogancia de los hombres que creen (a menudo con razón) ser los más inteligentes. Persiguen recuerdos, sueños, universos ocultos y, con frecuencia, a las mujeres de sus vidas. Cada obra se siente como parte de un diálogo constante sobre estos temas.

Al igual que Alfred Hitchcock antes que él, Nolan crea películas intelectualmente ambiciosas y bellas que sirven como entretenimiento de masas a la vez que traspasan los límites de la excelencia cinematográfica. Hoy en día, es un talento singular.

No todos los proyectos resultan perfectos. Algunos sucumben ante el peso de su propia ambición. Pero pocos directores han logrado una filmografía tan diversa y que genere tantos debates. Aquí les presentamos una clasificación.

13. ‘El seguidor’ (1998)

“Following” es la piedra Rosetta de Nolan en 70 minutos. Su ópera prima es también un esbozo de la carrera que le seguiría, con todas las tendencias ya presentes. Está el protagonista masculino obsesionado, aquí como escritor que acecha a la gente en busca de inspiración y que, finalmente, traspasa los límites. Está la narrativa no lineal que fragmenta el tiempo en un rompecabezas, la banda sonora sincopada (no es casualidad que la productora de Nolan se llame Syncopy) y la identidad utilizada como una performance artística letal. El presupuesto es mínimo (usó las casas de amigos como decorados), la ambición está presente, pero carece de personajes y de emoción, otra arruga más que persistiría a lo largo de su carrera.

12. ‘El Caballero Oscuro: La leyenda renace’ (2012)

El Bane de Tom Hardy es un villano de clase trabajadora inolvidable, despojado de su fuerza por un guion más interesado en giros argumentales y el impacto que en la coherencia política. Un superhéroe multimillonario siempre fue un personaje difícil de integrar en una historia sobre la lucha de clases y la revolución, y la reticencia inicial de Nolan a hacer una tercera película de Batman se hace evidente. Sus maravillosos primeros seis minutos son la película en miniatura: un guion a veces torpe (“Para ti”) eclipsado por un asombroso espectáculo práctico que solo Nolan y su equipo pueden concebir.

11. ‘Insomnio’ (2002)

Tras experimentar con el lenguaje cinematográfico en Memento, Nolan abordó la adaptación de un thriller noruego como una historia de detectives más convencional. Pacino ofrece uno de los papeles más sobrios y perspicaces de su carrera, mientras que Robin Williams transforma su calidez en una amenaza latente. La cinematografía de Wally Pfister utiliza la luz diurna infinita de Alaska como luz de interrogatorio, blanqueando cada plano hasta que la culpa resulta imposible de ocultar.

10. ‘Batman Begins’ (2005)

Su secuela proyecta una sombra tan larga que es fácil olvidar la influencia que tuvo Batman Begins. Nolan no solo reinició a Batman, sino también el concepto mismo de reinicios, dando paso a una era en la que innumerables historias debían ser repentinamente más oscuras, crudas y psicológicamente sólidas. Begins es una historia breve, repleta de información, pero es una obra amenazante y autoconclusiva, incluso mientras prepara el terreno para su legendaria secuela.

9. ‘Oppenheimer’ (2023)

En un drama policial sobre la culpa que atormenta a un hombre con un pasado tan complejo como el nuclear, Nolan transforma las audiencias de comités, las autorizaciones de seguridad y la física teórica en un thriller trepidante. Las interpretaciones ganadoras del Oscar de Cillian Murphy y el compositor Ludwig Göransson dan vida a la trama. La inquietante banda sonora de Göransson narra la carga emocional que la historia, a veces fría y distante, oculta. Murphy se sumerge en Oppenheimer, un hombre tan atormentado por visiones de un universo oculto que creó una nueva realidad: la que vivimos hoy.

8. ‘Tenet’ (2020)

Otra película que se centra por completo en el proceso, Tenet es la obra más frustrante de Nolan, una historia obstinada que exige ser vista varias veces. Nolan siempre ha escrito sobre hombres obsesionados, pero esta vez es su propia obsesión la que enfrentamos, mientras lucha con ahínco por demostrar que esta historia, que sigue líneas temporales hacia adelante y hacia atrás simultáneamente en el mismo plano, puede existir. Sacrifica personajes y emociones en aras de la arquitectura y la estructura. Absolutamente frustrante, pero una vez que veas cómo encajan las piezas, quizás Tenet también se convierta en tu obsesión.

7. ‘El caballero oscuro’ (2008)

La secuela de Batman de Nolan fue una muestra del superhéroe como una epopeya criminal; no es exactamente El Padrino, pero no hay ningún Corleone como estos personajes, y menos aún el Joker de Heath Ledger, una interpretación que dio origen a generaciones de memes e imitaciones. Esto demuestra que las películas de cómics pueden ser una fascinante reflexión moral sobre la decadencia institucional y las ansiedades posteriores al 11-S, y aun así batir récords de taquilla. Casi dos décadas después, sigue siendo inigualable en el género.

6. ‘Dunkerque’ (2017)

En su película más bella, Nolan prescinde de la historia de fondo, el sentimentalismo e incluso los diálogos en su particular visión del cine bélico. El ritmo y la estructura no lineal sumergen al espectador en la aterradora elasticidad del tiempo cuando la supervivencia es el único objetivo.

5. ‘Memento’ (2000)

Es la película que redefinió el concepto de volver a ver una película. Una vez que la ves, querrás verla de nuevo. Tenet lo intenta y se excede, pero esta obra maestra protagonizada por Guy Pearce es lo suficientemente desconcertante y fascinante. Esta es la primera vez que una película de Nolan va más allá de contar una historia: sumerge al público en la experiencia de vivir con fragmentos incompletos de memoria. No sería la última vez que usaría semejante recurso.

4. ‘La Odisea’ (2026)

Lo más sorprendente de la adaptación de Nolan de este relato fantástico occidental fundamental es que, en esencia, es una precuela de Oppenheimer. Ambas películas exploran la civilización al borde del caos. (Nolan confirmó esta semana en The Daily Show que la conexión entre ambas reside en ver la película “como yo la concebí”). La Odisea es la epopeya fantástica más rica de Hollywood en al menos una década, con imágenes que evocan las mejores películas épicas. La precisión arquitectónica y la ambición emocional de Nolan se entrelazan a la perfección, dando como resultado lo que parece ser su proyecto más completo, con el tercer acto más satisfactorio de su carrera.

3. ‘Interstellar’ (2014)

A menudo se critica a Nolan por usar la emoción como recurso argumental (hay muchos ejemplos en esta lista). Interstellar gira en torno a la emoción. Sigue siendo un rompecabezas, pero cada paradoja y ecuación, cada imagen bella y realista del espacio y sus misterios, se sitúa en la encrucijada entre la fe y la ciencia. Nolan aspiraba a la grandeza de 2001: Una odisea del espacio, de Stanley Kubrick. Con Interstellar se distingue por llenar el frío y oscuro vacío del espacio con la historia más cálida y reconfortante de su carrera.

2. ‘El truco final’(2006)

Aquí reside el mayor éxito de Nolan: sumergir al público en la narrativa. La película en sí es un truco que te engaña haciéndote creer que trata sobre magos rivales. Hugh Jackman y Christian Bale se funden con los protagonistas, y cada vez que la vuelves a ver, descubres una pista oculta a plena vista. El talento de Nolan para la abreviatura visual transforma sus adaptaciones, como la epopeya de Homero, en destilaciones concisas de temas e ideas. El truco final es una adaptación aún mejor, una tragedia sobre cómo las obsesiones pueden consumirlo todo en la vida, como un agujero negro.

1. ‘El origen’ (2010)

En su película más emblemática, el héroe de Nolan lleva el nombre de su primer villano. El origen es una película imposible de replicar por su carácter personal y original. Una vez más, se trata de una historia sobre ladrones: esta vez roban (o implantan) ideas en sueños. El resultado es un equilibrio perfecto para las obsesiones de Nolan, donde la estructura impresionante nunca eclipsa a los personajes, y donde su amor por James Bond se reinventa en un laberinto de memoria y dolor. Hay algo de Nolan en cada una de estas historias, pero en ninguna más que en Cobb, el personaje de Leonardo DiCaprio, un arquitecto de sueños cuyas obsesiones persiguen las fantasías míticas e increíblemente bellas que crea y de las que no puede escapar. Por suerte, nosotros tampoco.

* Gene Park es el crítico de videojuegos de la sección de Estilo de The Washington Post, donde cubre temas relacionados con los videojuegos y la cultura gamer. Se unió a The Post en 2015.

Fuente: The Washington Post.

Fotos: Reuters/ Francis Mascarenhas; Snap Stills/ Shutterstock; Warner Bros.; IMBD; Universal Pictures; Paramount Pictures vía AP.

El filme sigue a Aang, el último maestro aire del mundo, quien descubre la existencia de un antiguo poder que podría ayudar a recuperar la cultura de los Nómadas Aire, prácticamente desaparecida tras la guerra. Junto a sus amigos Katara, Sokka y Zuko, el Avatar emprende una búsqueda global para encontrar este poder antes de que caiga en manos equivocadas y ponga en riesgo la paz que consiguieron después del conflicto.

La historia está ambientada varios años después de los acontecimientos de la serie animada estrenada entre 2005 y 2008. En esta nueva aventura, Aang aparece con aproximadamente 25 años. Bryan Konietzko, uno de los creadores de la franquicia, explicó que el personaje “es guapo, es alto y fuerte”, pero aclaró que todavía no es completamente el Avatar adulto que debe convertirse.

¿Dónde ver ‘Avatar Aang: The Last Airbender’?

La película está disponible exclusivamente en Paramount+ desde este 25 de julio para su lanzamiento global. Originalmente, Paramount había planeado un estreno en salas de cine para octubre de 2026, pero la compañía decidió modificar la estrategia y trasladarla directamente al servicio de streaming.

Tras las críticas de los seguidores que querían verla en pantalla grande, el estudio confirmó una proyección limitada en dos salas de Estados Unidos, una en Los Ángeles y otra en Nueva York, con el objetivo de que pueda ser considerada en premios. Sin embargo, su lanzamiento principal quedó reservado para la plataforma digital.

El camino hasta el estreno no estuvo libre de dificultades. La situación se complicó en abril, cuando la película completa apareció filtrada en internet antes de su estreno oficial. Por este caso, un sospechoso de 26 años fue detenido en Singapur y enfrenta posibles consecuencias legales.

Durante el panel de San Diego Comic-Con 2026, el equipo hizo referencias indirectas a la filtración. La directora Lauren Montgomery recordó que había dudado en mostrar una imagen promocional del filme porque temía que pudiera difundirse antes de tiempo. El productor Bryan Konietzko respondió con ironía: “Nada nunca se filtra”, antes de que Montgomery añadiera que, efectivamente, la imagen terminó circulando en internet.

El encuentro también permitió conocer detalles emocionales sobre la nueva versión de Aang. Michael Dante DiMartino, cocreador de la franquicia, describió la película como “un viaje muy emocional para sanar los traumas de su pasado”. Eric Nam, quien presta su voz al personaje, relacionó esa lucha con sus propias experiencias frente a la presión pública.

“Hay momentos de extrema soledad y de intentar mostrar una cara para todos, mientras sientes algo completamente contradictorio”, explicó el actor durante la presentación en Comic-Con.

Primeras críticas positivas para el regreso de Aang

Antes del estreno oficial, Avatar Aang: The Last Airbender recibió una recepción inicial favorable entre algunos críticos. Según Comic Book Resources, la película debutó con un 92% de aprobación en Rotten Tomatoes con 12 reseñas registradas en sus primeras evaluaciones. Posteriormente, el marcador del agregador continuó actualizándose con más críticas.

La película cuenta con las voces de Eric Nam como Aang, Jessica Matten como Katara, Román Zaragoza como Sokka, Steven Yeun como Zuko, Dionne Quan como Toph y Dave Bautista como Tagah, un nuevo personaje dentro del universo de la franquicia.

Dirigida por Lauren Montgomery junto a Steve Ahn y William Mata, la producción representa el primer proyecto de Avatar Studios, compañía creada por Nickelodeon para ampliar el mundo de la saga. Además, la franquicia continuará con Avatar: Seven Havens, una nueva serie que explorará a otra Avatar después de los acontecimientos de The Legend of Korra.

Ella lleva más de dos décadas convertida en una de las caras más reconocidas de nuestro país. Él terminó de consolidarse el año pasado al alzarse con el Goya a Mejor Actor de Reparto por El 47. Kira Miró (Las Palmas de Gran Canaria, 1980) y Salva Reina (Las Palmas de Gran Canaria, 1978) no solo son dos portentos artísticos tanto en el drama como en la comedia, sino que también son una de las parejas más queridas de nuestro país.

Su historia comenzó precisamente en un rodaje, el de Todos lo hacen (2021). Aquella fue la primera de las seis películas en las que han coincidido, una lista que completan Vienes o voy (2022), Cuánto me queda (2023), ¿Quién es quién? (2024), Solos (2026) y, ahora, Tres de más. Cinco años después, y tan enamorados como entonces, vuelven a compartir pantalla en Tres de más, su sexta película juntos, en la que interpretan a una pareja en la ficción. En ella dan vida a un exitoso matrimonio que no quiere tener hijos, hasta que una mañana despiertan con tres niños en casa. Una situación que pondrá su vida patas arriba cuyo filme, dirigido por Mar Olid (Sin Cobertura, Los Serrano, Aída), pone sobre la mesa la presión social por no tener hijos, el mito de la paternidad perfecta o la reivindicación de que los padres también son personas.

Sin embargo, su reencuentro delante de las cámaras no fue algo buscado. Miró ya formaba parte del proyecto cuando Olid comenzó a buscar al actor protagonista. “Fueron tanteando a gente y, de repente, llegó la propuesta a mi representante”, explica Reina en una entrevista con Infobae España. Tras pasar una serie de pruebas y ver que la química era innegable, el papel fue suyo.

Lejos de preocuparse por volver a compartir rodaje con su pareja, el actor reconoce que trabajar junto a Miró es “un placer”. “Es una estupenda persona, una gran compañera y una excelente actriz”, asegura. Un sentimiento compartido por la intérprete canaria, que no encuentra ningún inconveniente a mezclar su vida personal y profesional. “Nos llevamos súper bien, nos conocemos, nos respetamos, nos sumamos. ¿Qué más se puede pedir de un compañero?, relata Miró a este medio con motivo del estreno de la cinta. “Nos gusta pasar el rato juntos. Siempre que podemos buscamos los huequitos para estar juntos”, añade por su parte el actor.

Quién es quién en ‘Tres de más’

Tres de más, que llegará a los cines este viernes 24 de julio, está dirigida por Mar Olid, con guion de Efrén Tarifa y Almudena Vázquez. La cinta es el remake de la exitosa comedia italiana Tre di troppo (2023), del humorista Fabio De Luigi, que superó el millón de espectadores y recaudó 4,7 millones de euros en Italia gracias a una historia que convertía los sinsabores de la paternidad en una sátira sobre los prejuicios en torno a tener —o no tener— hijos.

La película sigue a Julia y Ernesto, una pareja con una vida perfecta sin hijos. Todo cambia cuando una mañana despiertan con tres niños que insisten en llamarlos “mamá” y “papá”, estos últimos encarnados por Luna Fulgencio (Padre no hay más que uno), Ian Cortegoso y Adriana Bidae. A partir de ese momento tendrán que aprender a ejercer como padres mientras intentan descubrir quiénes son y cómo han llegado hasta su casa. Junto a ellos, el reparto lo completan Antonio Pagudo, Marta Hazas, David Lorente, Carmen Ruiz, Raquel Guerrero, Félix Gómez, Norma Ruiz y Adam Jezierski.

El nuevo tráiler, estrenado poco más de un mes antes del lanzamiento oficial en Estados Unidos, muestra a un Coyote cansado de los desastres provocados por los productos de la marca Acme y decidido a buscar justicia. Junto a él aparece un abogado interpretado por Will Forte, y el elenco incluye a Lana Condor y John Cena.

Controversia corporativa y rescate cinematográfico

La historia de Coyote vs Acme es irónica considerando el mensaje que transmite. Cuando la directiva de Warner Bros decidió cancelar varias producciones ya terminadas para reducir costos, proyectos como Batgirl y la propia Coyote vs Acme fueron removidos del calendario de estrenos.

Sin embargo, a diferencia de otras películas, la presión popular en redes sociales y campañas bajo el hashtag #SaveCoyoteVsAcme captaron la atención de Ketchup Entertainment, empresa que adquirió los derechos y se arriesgó a exhibirla en cines. De esta manera, se evidencia el impacto real que la movilización de una comunidad de seguidores puede tener en la industria cinematográfica.

La trama: sátira social y humor clásico

La trama de Coyote vs Acme gira en torno al cansancio de Wile E. Coyote, personaje que durante décadas ha sufrido accidentes debido a productos defectuosos de la empresa Acme en sus intentos por atrapar al Correcaminos. Sin rendirse, decide emprender una demanda legal en busca de compensación, lo que desencadena un proceso judicial en el que participan otros personajes populares de los Looney Tunes.

La película combina humor y sátira a lo largo de la historia, abordando con ingenio las complicaciones de enfrentarse a grandes corporaciones que rara vez asumen sus responsabilidades. Con las actuaciones de Will Forte, Lana Condor, John Cena y Eric Bauza, el filme recupera un argumento clásico: la lucha del individuo contra un adversario poderoso, presentándolo con un enfoque renovado que refleja el descontento social ante los abusos empresariales.

Repercusión en el público y expectativas para el estreno

Coyote vs Acme se ha convertido en un fenómeno incluso antes de su estreno debido a la interacción entre los fanáticos y las productoras en redes sociales. Muchos espectadores consideran esta situación como una reivindicación de su capacidad de influencia colectiva y esperan con interés el estreno programado en Estados Unidos para el 28 de agosto, tanto desde la nostalgia como desde el interés de nuevas generaciones.

El lanzamiento en Argentina está previsto para el 27 de agosto, lo que ampliará su proyección internacional. El caso pone en evidencia tendencias preocupantes dentro de la industria: decisiones corporativas que afectan al ámbito cultural y generan malestar entre los seguidores, en contraste con la capacidad de movilización digital para revertir tales decisiones. De esta manera, Coyote vs Acme no solo ofrece entretenimiento y crítica, sino que también establece un precedente acerca del poder de los seguidores en la era de las redes sociales.

El debate sobre qué formato conserva mejor las series y las películas: el físico o el digital, se ha vuelto cada vez más relevante con la transformación de los hábitos de consumo y tras decisiones como las de Sony de dejar de fábricar formatos como el Blu-ray.

La aparición de plataformas de streaming, la facilidad de acceso a títulos recientes y la desaparición progresiva de los soportes ópticos han cambiado la relación del público con sus obras favoritas.

Sin embargo, detrás de la comodidad de un clic, existen diferencias profundas entre las versiones que se pueden ver y conservar en cada formato, así como riesgos y ventajas que es fundamental conocer antes de decidir dónde invertir tiempo y dinero.

Cuáles son las diferencias entre el formato físico y digital

• Propiedad y control sobre los contenidos

Uno de los argumentos principales a favor del formato físico radica en el concepto de propiedad. Cuando una persona adquiere una película o serie en DVD o Blu-ray, obtiene un objeto tangible que puede reproducir, prestar o conservar sin depender de terceros.

En el caso del digital, la situación es diferente: aunque se pague por una copia, lo que realmente se obtiene es una licencia temporal para acceder al contenido. Si la plataforma de streaming pierde los derechos o decide retirar el título, el usuario se queda sin acceso, a pesar de haber pagado.

• Alteraciones y ediciones entre formatos

El valor documental del formato físico también se refleja en la conservación de versiones originales. Por ejemplo, las bandas sonoras originales pueden ser sustituidas por cuestiones de derechos. Series como “The Wonder Years” y “Friday Night Lights” sufrieron la pérdida de canciones emblemáticas en sus primeras ediciones digitales y en DVD, como cuenta How to Geek.

Solo años después, algunas plataformas de streaming lograron restaurar parte del material original, aunque siempre persiste la posibilidad de que los derechos vuelvan a cambiar y la música se modifique o elimine nuevamente.

• Calidad técnica: Blu-ray frente a streaming

La diferencia en calidad de imagen y sonido entre Blu-ray y streaming es considerable desde un punto de vista técnico. Un disco Blu-ray estándar puede almacenar hasta 50 GB de datos y reproducir contenido en alta definición real, con tasas de transferencia de 35 megabits por segundo.

En comparación, la mayoría de los servicios de streaming transmiten películas en alta definición a una tasa de solo 5 megabits por segundo.

La diferencia se vuelve aún más notoria en el caso de películas largas y visualmente complejas. Un ejemplo es “2001: Odisea del espacio”, que en Blu-ray utiliza cerca de 40 GB para la película completa, frente a los aproximadamente 5 GB que requiere en streaming.

Esta distancia en la cantidad de datos se traduce en imágenes más nítidas, colores más vivos, menos artefactos de compresión y audio de mayor calidad en el soporte físico.

En el caso del 4K, la brecha se amplía todavía más. Los discos Blu-ray Ultra HD pueden contener hasta 100 GB y ofrecer tasas de transferencia muy superiores a las del streaming, donde la compresión es indispensable para poder transmitir películas a través de conexiones domésticas.

• Accesibilidad y compatibilidad de los equipos

El DVD ha sido, históricamente, el formato más accesible y difundido, con reproductores aún presentes en muchas computadoras y hogares. El Blu-ray, aunque es superior en calidad, requiere equipos compatibles. Para quienes buscan versatilidad, existen reproductores multirregión que permiten acceder a ediciones exclusivas de otros países, ampliando así el universo de títulos disponibles.

Invertir en un reproductor multirregión puede ser la mejor opción si se desea una colección variada, ya que algunos lanzamientos solo están disponibles en mercados específicos. Además, los reproductores Blu-ray suelen ser retrocompatibles con DVD, lo que facilita la transición y el acceso a una biblioteca más amplia.

Riesgos del streaming y el futuro del formato físico

El streaming, sin duda, ofrece una comodidad incomparable para el usuario promedio y promueve el descubrimiento de nuevos títulos. Sin embargo, la dependencia de licencias y la volatilidad de los catálogos implican riesgos para los aficionados que buscan conservar sus películas y series favoritas en su versión más fiel.

A corto plazo, el formato físico sigue siendo la opción preferida para quienes valoran la calidad, la integridad y la permanencia de las obras. No obstante, la tendencia de la industria apunta hacia una reducción progresiva de la producción de discos.

Empresas como Sony han anunciado el cese de fabricación de copias físicas de ciertos productos, lo que anticipa un futuro en el que acceder a las versiones originales dependerá cada vez más de la disponibilidad digital y de las decisiones empresariales.

Orígenes y trasfondo de Matt Hagen

Antes de convertirse en Clayface, Matt Hagen es una estrella en ascenso que lucha por dejar atrás una infancia marcada por la adversidad en las calles de Gotham. Su sueño de triunfar en Hollywood se transforma en una pesadilla cuando un jefe criminal atenta contra él, desfigurando su rostro y fracturando su identidad. La película posiciona a Hagen como víctima de un entorno hostil, donde los logros individuales pueden desmoronarse por un solo acto de violencia. La narrativa se ajusta a una sensibilidad contemporánea, mostrando las consecuencias de la obsesión por la apariencia y el estigma asociado al trauma físico, aspectos poco explorados en anteriores adaptaciones de DC.

La promesa de sanación aparece como una solución atractiva, aunque peligrosa. En un momento de desesperación, Hagen recurre a una científica interpretada por Naomi Ackie, quien le ofrece un tratamiento experimental. Lo que comienza como una esperanza se convierte en una trampa biológica: el medicamento restituye temporalmente su belleza, pero pronto el cuerpo de Hagen reacciona de manera grotesca, perdiendo capas de piel y transformándose en una entidad de arcilla en constante cambio.

Transformación y expansión del terror en el universo DC

El tráiler oficial de Clayface no elude el horror visual. Destaca una escena en la que el protagonista se corta los párpados con unas tijeras, llevando el género de superhéroes al terreno del body horror, caracterizado por la transformación extrema del cuerpo y la disolución de sus límites. Esta propuesta se distingue de otras adaptaciones recientes de DC e indica un esfuerzo consciente por diversificar la propuesta cinematográfica del estudio.

Las imágenes impactantes están diseñadas para generar empatía ante la tragedia personal de Hagen, abordando temas actuales como la identidad, la presión social y los llamados “monstruos” generados por el rechazo colectivo. El avance se detiene antes de mostrar la transformación completa de Hagen en Clayface, ofreciendo solo un indicio de la figura monstruosa que emerge en el climax de la película.

Desafíos y recepción de la propuesta de DC Studios

Clayface supone un reto tanto creativo como comercial para DC Studios, que aspira a atraer a los aficionados al terror y a quienes siguen el cómic tradicional. La elección de James Watkins, conocido por La mujer de negro, para la dirección, y de Mike Flanagan, un referente en terror psicológico, para el guion, revela el deseo de distanciarse de la fórmula heroica clásica y llegar a nuevas audiencias.

El estreno del avance generó respuestas intensas en redes sociales y medios especializados, donde se discute el impacto que las escenas gráficas podrían tener en la clasificación de la película y en su desempeño en taquilla. Para algunos espectadores, la propuesta podría resultar excesivamente perturbadora, mientras que otros consideran que representa un avance en la forma en que el miedo y la compasión se abordan en el cine de superhéroes.

La historia también plantea críticas a la industria del entretenimiento, poniendo en cuestión la superficialidad del éxito y el coste humano de perseguir estándares inalcanzables. La contradicción entre la promesa de “belleza recuperada” y la posterior monstruosidad señala los riesgos de una industria que exige perfección física sin tregua.

Perspectivas y el estreno en octubre

Clayface llegará a los cines el 22 de octubre, aunque algunas fuentes indican el 23 de octubre como fecha general de estreno, en el marco de la tendencia de los grandes estudios de expandir los géneros dentro de las franquicias de superhéroes. La película aspira a atraer tanto a seguidores de DC como a espectadores interesados en historias que exploran emociones profundas y van más allá del clásico conflicto entre el bien y el mal.

Las primeras imágenes muestran una obra dirigida a un público adulto, tanto en tono como en contenido, que indaga en los riesgos de perseguir sueños de belleza y éxito a cualquier precio. El filme tiene el potencial de influir en futuras producciones del género, recordando que la monstruosidad no siempre es ajena y que, en ocasiones, reside en los miedos y deseos cotidianos.

Referencias sutiles al videojuego

A pesar de las críticas iniciales debido a la aparente desvinculación con la franquicia original, el último tráiler incluye referencias que los seguidores de Resident Evil podrán reconocer. Una de ellas es la ambientación en el hospital general de Raccoon City, un escenario clave en los videojuegos y fuente constante de misterio y terror. Además, en las imágenes se pueden ver detalles como la clásica máquina de escribir, tradicional punto de guardado en los juegos, así como cajas de munición de escopeta, lo que refuerza el ambiente propio del survival horror presente desde los orígenes de la saga.

La mención explícita de Raccoon City hacia el final del tráiler resulta especialmente relevante, dado que hasta ese momento la película había mostrado pocos indicios de su vínculo real con el universo de Capcom. Esta inclusión parece buscar un equilibrio entre narrar una historia original y tranquilizar a los seguidores por la ausencia de figuras como Leon S. Kennedy o Chris Redfield. El director Zach Cregger ha reiterado su deseo de contar un argumento periférico y no realizar una adaptación fiel, situando la acción en paralelo a los hechos de Resident Evil 2, aunque modernizando algunos elementos, como el uso de teléfonos inteligentes.

Una historia alternativa: Bryan y la noche decisiva

El protagonista de la película es Bryan, interpretado por Austin Abrams, conocido por su participación en Euphoria y por haber trabajado previamente con Cregger en Weapons. Bryan es un joven mensajero encargado de transportar órganos para trasplantes urgentes entre hospitales. Su próxima entrega, que promete el doble de paga, lo lleva al hospital de Raccoon City. Sin embargo, su misión se ve interrumpida cuando un contratiempo en el camino altera radicalmente el curso de su noche y lo involucra en una lucha por la supervivencia.

Esta elección de protagonista evidencia la intención de explorar nuevos enfoques dentro del universo Resident Evil. Al centrar la historia en alguien ajeno al perfil típico de agentes y militares, la narrativa busca resaltar la vulnerabilidad y el desconcierto de personajes comunes enfrentados a situaciones extremas. Detalles como la constante búsqueda de munición en los cajones y la presencia constante del peligro, junto con múltiples referencias visuales a criaturas y ambientes reconocibles, refuerzan la familiaridad del espectador con el género, aunque el entorno y los protagonistas sean nuevos.

Reacción del público y expectativas ante el estreno

La recepción de la película ha sido mixta dentro de la base de seguidores. El escepticismo surgió rápidamente al confirmarse la ausencia de personajes icónicos de los videojuegos y al percibirse un tono diferente en los primeros avances. Sin embargo, la reintroducción de elementos característicos en el tráiler más reciente, como Raccoon City y objetos distintivos, ha moderado algunas críticas y abierto la posibilidad de atraer a un público potencialmente más amplio.

La apuesta de Sony también se basa en el reconocimiento del director y en el potencial comercial de una franquicia con millones de seguidores en todo el mundo. Sin embargo, la decisión de no apegarse estrictamente a las líneas argumentales ya conocidas implica ciertos riesgos. El consenso entre los aficionados parece ser que la ambientación y las referencias pueden ser suficientes para asegurar una experiencia auténtica, siempre y cuando se respete el espíritu del survival horror.

Entre los desafíos señalados por los seguidores destaca la falta de una ambientación propia de los años noventa, un detalle que algunos consideran fundamental para situar la historia en paralelo a los acontecimientos de Resident Evil 2. No obstante, el director ha optado por adaptar la narrativa con elementos actuales, como el uso de smartphones. Este tipo de decisiones narrativas y visuales podría marcar una pauta para futuras adaptaciones, donde lo esencial sea transmitir las sensaciones del juego más allá de la fidelidad absoluta a las tramas originales.