Viaje al país de los blancos es la película que cuenta la historia de Ousman Umar: desde sus recuerdos en aquel pueblo ghanés que lo vio nacer un martes a su llegada a Barcelona, donde solo su propia fortaleza y la empatía y el cariño de otras personas permitieron que pudiera estudiar, fundar una ONG y dar un sonado discurso ante las Naciones Unidas. “Recuerdo perfectamente la primera noche que pasé en una casa y en una cama”, cuenta en su entrevista con Infobae. “Me pasé toda esa noche llorando, preguntándome por qué había sufrido tanto; hasta que entendí que no había logrado llegar vivo por ser más fuerte. Había llegado para cumplir un propósito de vida: ser la voz de los que no llegaron y de los que se siguen muriendo”.

Esa voz llegaría, primero, en forma de un libro homónimo, aunque antes de este ya había hablado con Dani Sancho, un director de cine al que un amigo le había contado su historia, y que no dudó en ponerse en contacto con él para planear la producción que se estrena ahora en cines. “Toda la historia que él contaba, el viaje y lo que le sucedía después en Barcelona, me llegó mucho porque era muy genuino. Él quería conocer mundo, saciar su afán de entender las cosas. Me parecía una premisa muy buena porque era algo universal”.

Hay personas que son “una página en blanco”

En un primer momento, Viaje al país de los blancos podría recordar a otras películas que fijan su mirada en las travesías de las personas migrantes que cruzan el mar de un continente a otro, como Yo Capitán (2023) o Mediterránea (2015). “Queríamos desmarcarnos de ellas e intentar hacer una peli que llegara a todos los públicos”, afirma Dani Sancho. “Si nos centrábamos solo en el viaje, teníamos la sensación de que nos dejábamos una parte muy importante que es cómo llega él aquí, los sueños que no se cumplen y el trato de la sociedad”.

A raíz de esto, la película cuenta con un guion que solo tras mostrarte todos estos elementos te golpea emocionalmente con un final en el que se revelan algunas de las partes más duras del viaje. “Cuando los ciudadanos occidentales andamos por la calle y vemos gente que duerme en la calle o gente que está vendiendo en el top manta, seguramente no estamos pensando en todo por lo que han pasado: son una página en blanco para nosotros”.

Del mismo modo, Umar confiesa en la película que, si él hubiera sabido lo lejos que estaba Europa (su viaje fue de más de 21.300 kilómetros, una distancia mayor de la que hay entre España y Nueva Zelanda), no habría iniciado ese viaje, aunque eso no le quitara todo el derecho del mundo a hacerlo. “Todos tenemos derecho a viajar. Migrar es un derecho”, reivindica. “Seguramente, tú has viajado a muchos sitios fuera de España sin darle explicación a nadie, ¿por qué otros no pueden hacerlo? Si la gente tuviera oportunidades, formación, información adecuada y prosperidad, te aseguro yo que nadie se marcha de la manera en la que nosotros lo hicimos".

Lo difícil que puede llegar a ser contar tu historia

La película cuenta con varias interpretaciones destacables, sobre todo la de Emma Vilasarau (Casa en flames, Los sin nombre), como una mujer que conoce al joven cuando todavía está en la calle y que decide ayudarlo, y la de Benjamin Kakraba, que interpreta al protagonista tanto de niño como de adolescente. “Teníamos clarísimo que lo tenía que hacer él. Es un descubrimiento y tiene un talento increíble”, celebra Dani Sancho. Por otro lado, el director destaca también la valentía de Umar por atreverse a interpretarse a sí mismo, algo que no es muy común pero que sabían que “podía funcionar”.

Es el propio Umar, pues, el que acaba por contarnos su historia sin ahorrarnos las partes de las que, durante mucho tiempo, más se culpó. Por eso, tanto en la ficción como en la realidad, fue tan duro abrirse de ese modo. “No fue nada fácil. Cuando tú eres consciente del esfuerzo que hay que hacer pero de que hay un bien mayor detrás, decides hacer el sacrificio. Pero el golpe emocional me trastocó: nadie es consciente de lo que es y está allí, pero lo hice más allá de mis propios intereses”, asegura.

Tanto para Umar como para Sancho, estas historias son necesarias y faltan todavía muchas por contar. “No podemos castigarnos por no ser capaces de contarlo todo, pero sí creo que se debería girar un poquito la mirada hacia esas realidades, porque no solamente son historias de inmigración, es la historia de nuestra existencia y de la humanidad al completo”, opina el primero. “Hay grandes viajes que están sucediendo constantemente en el planeta”, nos recuerda, por su parte, el segundo. “Grandes viajes, grandes barbaridades e historias que no nos podemos llegar a imaginar”.

Es 2026 y Arabia Saudí sigue rompiendo barreras. Haifaa al-Mansour (Al Zulfi, Riad, 1974) lo hizo en 2012 y lo ha vuelto a hacer ahora. Hace catorce años, la primera mujer directora del país rodó su primera película, La bicicleta verde, aún cuando no existían las salas de cine —prohibidas desde los años 80 bajo la presión de los islamistas radicales, el veto se levantó en 2018—. Para rodarla, tuvo que esconderse en una furgoneta y comunicarse con sus actores a través de walkie talkies.

Si la protagonista, Wadjda, solo quería hacer algo tan prohibido como montar en bici, Haifaa solo quería rodar. El debut de Al-Mansour fue revolucionario porque no solo dirigía una mujer, sino que por primera vez, se concedía una licencia para filmar íntegramente en el país. Además, la película llegó en medio de la ola de protestas de la llamada Primavera Árabe. Tras su debut en el Festival de Venecia, la película hizo historia con una decena de premios. La cineasta estrena su quinta película, que cierra la trilogía de mujeres iniciada con La bicicleta verde (2012) y continuada con La candidata perfecta (2019). “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, asegura a Infobae. El tríptico se cierra con La mujer sin nombre, en cines desde este viernes 26 de junio.

En su nueva producción, que de nuevo ha contado con financiación del Gobierno y repite su filmación en el país, sigue las pesquisas de Nawal (Mila Al Zahrani), una mujer divorciada y amante de los true crime —que sigue a través de una cuenta de TikTok— que trabaja como secretaria en una comisaria. Cuando aparece el cadáver de una joven al que nadie reclama, Nawal se obsesiona con descubrir la verdad.

Al-Mansour se vale del thriller para retratar las contradicciones de la sociedad saudí, aún con un final que deja la boca abierta a muchos y con un mal regusto a otros. Un deselace que reconoce, sabe que no todo el mundo ha entendido. “Hay mucha gente que no quiere ver a mujeres así. Les resultan amenazantes y no saben qué hacer con ellas”, apunta.

“Al intentar hacer una película como esta, simplemente intento ser fiel a mí misma y decir cosas que realmente significan mucho para mí”, apunta. “Soy una persona muy progresista en Arabia Saudí y siempre haré comentarios sobre la tradición y sobre la forma en que llevamos nuestras vidas. Pero no busco el conflicto. No estoy ahí para enfrentarme a nadie, sino para hacerme un hueco y contar mi historia”. Así es como, asegura, se le ha permitido seguir rodando en su país y recibir financiación para películas que aspiran a “abrir la mente e inspirar a la gente”.

Entre ellas, critica a las limitaciones de las mujeres en una sociedad extremadamente patriarcal en la que se antepone ser madre y esposa ante cualquier cosa. “Nawal es una mujer moderna en una sociedad que le ha quitado todo”, cuenta sobre la protagonista, que además de estar separada de su marido también ha perdido un bebé. “La sociedad lo basa todo en ser esposa, hija y madre, y ella no tiene nada de eso. No es nadie. La gente quiere que desaparezca, pero ella se niega. Y por eso en cierto modo, la encuentro inspiradora”.

En una sociedad marcada por el control y el peso de la vergüenza -el asesinato de la joven queda enmarcado como un crimen de honor, justificado bajo la creencia de que la víctima ha manchado o deshonrado el honor y la reputación de su familia-. “La vergüenza es un arma en Oriente Medio”, sostiene. “Lo triste es que las propias mujeres también acaban adoptando esa mentalidad”. De ahí que, explica, en la ficción nadie parezca interesado en reclamar el cuerpo de la víctima. “Es más fácil asesinar a una mujer porque nadie quiere un escándalo. Si matan a un hombre, todo el mundo se pregunta qué ha pasado”. La también guionista encuentra un hueco para criticar la presión que opaca las vidas de estas mujeres. “Si una persona supera los 25 o 30 años y no se ha casado, es como si fuera el fin del mundo”, afirma, cuando se le pregunta cuán de importante sigue siendo esta tradición en Arabia Saudí.

“La vergüenza es un arma en Oriente Medio”

Hija de un Abdul Rahman Mansour, poeta, y Bahia Hamad Al-Swayegh, trabajadora social, la vida de Al-Mansour no fue como la de las demás mujeres. Creció como la octava de doce hermanos (todos de los mismos padres) y con un padre que le cautivó el amor por el cine gracias a las cintas VHS que veían en casa. Al contrario que la sociedad saudí, a ella nunca le exigieron llevar velo. Con el apoyo de su familia estudió literatura comparada en la Universidad Americana de El Cairo y más tarde completó un máster en Estudios Cinematográficos en la Universidad de Sídney, en Australia. En mayo de 2007 se casó con el diplomático estadounidense Bradley Niemann, mientras él trabajaba en Arabia Saudí.

Entre 2012 y 2026 las cosas han cambiado. El país por un lado, y su carrera por otro. “Tengo que decir que Arabia Saudí ya no es tan tradicional como solía ser. La gente está viendo que hay una apertura, que se puede ver cine, escuchar música y leer literatura, y estar en contacto con el mundo gracias a Internet”. Entre otras cosas, el velo es opcional, las mujeres pueden conducir —Nawal lo hace en la película— y pueden viajar sin que sea necesario una autorización.

Ella, por otro lado, desde su debut en la década pasada, ha sido directora de la seried Tales of The Walking Dead —vive primordialmente en Los Ángeles—, The Society (Netflix ) y The Wilds (Prime Video) y ha hecho una adaptación de Mary Shelley con Elle Fanning como protagonista. Su futuro, por ahora, sigue pasando por las mujeres del país que la vio nacer. “Siempre contaré historias sobre mujeres fuertes de Arabia Saudí”, insiste. Sin embargo, admite que siente que ha llegado el momento de abrir otra etapa. “Quiero avanzar hacia una dirección diferente. Hay muchas historias complejas que están surgiendo en Arabia Saudí. Las tradiciones están cambiando y necesito tomarle el pulso a todo eso. Sin duda, estoy empezando un nuevo capítulo”.

Después de años de rumores y expectativas entre sus seguidores, Universal y DreamWorks han confirmado la fecha de estreno de Burro, el spin-off centrado en el personaje que acompaña a Shrek en la reconocida franquicia animada. La película, que funcionará como precuela y explorará cómo un burro común se convirtió en Burro, llegará a los cines el 30 de junio de 2028, con Eddie Murphy retomando la voz de este personaje.

Expansión del universo de Shrek con nuevas historias

El anuncio posiciona a Burro como el próximo paso en la estrategia de ampliar el universo de Shrek, que también incluye el lanzamiento de Shrek 5, previsto para el verano de 2027. Esta nueva entrega contará nuevamente con el elenco original -Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz- además de la incorporación de Zendaya, reforzando la combinación de nostalgia y renovación.

Al preparar una historia propia para Burro, DreamWorks sigue la línea de otros spin-offs exitosos como Gato con Botas: El último deseo, que obtuvo reconocimiento tanto del público como de la crítica, confirmando el interés por los personajes secundarios de la saga.

El regreso de Eddie Murphy y un equipo creativo consolidado

Eddie Murphy, cuya voz ha estado ligada al personaje desde el lanzamiento de Shrek en 2000, es uno de los principales atractivos del proyecto. El actor participará en Shrek 5 y volverá a interpretar a Burro en esta historia de orígenes. La dirección será responsabilidad de Charlie Bean, conocido por The Lego Ninjago Movie y la adaptación live-action de Lady and the Tramp.

La producción estará a cargo de Rebecca Huntley, con experiencia en Kung Fu Panda 4 y Los tipos malos, mientras que Matt Flynn, previamente vinculado a DreamWorks, actuará como codirector. Los tres cuentan con una notable trayectoria en animación y comedia, ingredientes esenciales para el éxito de Burro.

Expectativas ante los orígenes del personaje

De acuerdo con las fuentes consultadas, la película narrará la transformación de un burro común en uno de los personajes más populares de la animación actual. En la película original de Shrek se menciona de manera breve que Burro fue entregado después de volverse “insoportable” al empezar a hablar, aunque no hay confirmación de si este episodio formará parte del argumento principal o si se optará por una historia completamente nueva.

Esta incertidumbre incrementa las expectativas de los seguidores, quienes esperan tanto referencias al material original como una visión diferente del personaje.

Influencia de la franquicia y éxito de los spin-offs

Desde su inicio en 2000, la saga de Shrek ha logrado recaudar más de 3.000 millones de dólares a nivel mundial, consolidándose como un referente de la animación. El éxito de los spin-offs, especialmente Gato con Botas: El último deseo, ha puesto en evidencia la capacidad de los personajes secundarios para protagonizar historias propias.

Burro es uno de los personajes más apreciados por el público, y su transición a protagonista es una estrategia para mantener vigente la saga y captar nuevas generaciones de espectadores.

La estrategia para mantener el éxito de la saga

Universal y DreamWorks mantienen su apuesta por el universo de Shrek a través de historias que combinan humor, referencias culturales y enfoques alternativos de los cuentos clásicos. Burro se perfila para ofrecer una perspectiva distinta, abordando temas de identidad y pertenencia desde la experiencia de un marginado que termina convertido en héroe por circunstancias inesperadas. El estudio confía en que sumar elementos de nostalgia con nuevas historias permitirá continuar replicando el éxito de entregas anteriores.

Aunque aún no se conocen detalles específicos sobre la trama, la elección del equipo creativo y el regreso de Eddie Murphy aumentan las expectativas sobre este proyecto. Mientras tanto, los seguidores deberán esperar primero el estreno de Shrek 5 en 2027, antes de descubrir la historia detrás del asno que conquistó al público desde su aparición inicial. El calendario planeado para ambas películas tiene como objetivo mantener la atención del público y asegurar la relevancia de la franquicia en los próximos años.

DC Studios sorprendió a fanáticos y críticos al confirmar la serie animada Absolute Batman y la producción del anime Joker: Laugh Riot, dos proyectos que reinventan la mitología del Caballero Oscuro. Con la participación directa de Scott Snyder y Nick Dragotta en la primera, estas nuevas propuestas buscan atraer tanto a quienes siguen la línea tradicional de Batman como a nuevos espectadores interesados en relatos alternativos.

La noticia se hizo oficial durante el festival de animación de Annecy, donde Warner Bros. también presentó adelantos de Batman: Knightfall y El cruzado enmascarado. Este anuncio llega en un contexto de incertidumbre acerca del lugar de Batman en el universo cinematográfico de DC y ante la falta de novedades sobre la identidad del próximo Bruce Wayne.

Un enfoque social renovado para el Caballero Oscuro

Absolute Batman representa un cambio profundo respecto a las historias clásicas de Bruce Wayne. En esta nueva serie, el protagonista es hijo de una familia humilde, trabaja como ingeniero civil y crece rodeado de amigos cuyas identidades sorprenderán a los lectores del cómic, ya que muchos de ellos se convertirán en figuras clave y en antagonistas de su vida adulta. A diferencia del mito clásico del millonario traumatizado que jura vengar la muerte de sus padres, este Bruce Wayne aún cuenta con la presencia de su madre y no posee la fortuna Wayne, lo que lo obliga a confiar en su ingenio y conocimientos de ingeniería para enfrentar el crimen y la corrupción de Gotham City.

El cómic original, creado por Scott Snyder y Nick Dragotta, ha tenido éxito internacional, destacándose en listas mensuales y allanando el camino para una reinterpretación de Batman dirigida a una nueva generación. La serie animada contará con Snyder como showrunner y Dragotta como productor, lo que anticipa una adaptación fiel tanto en argumento como en tono y desarrollo de personajes. La decisión de realizar la serie en CGI fortalece la conexión con una estética contemporánea y un enfoque modernizado de los personajes, ajustándose a los gustos de una audiencia joven y diversa, en muchos casos ajena al Batman tradicional que predomina en el imaginario colectivo.

En esta versión, Harley Quinn liderará a las Capuchas Rojas, Alfred será un agente de fuerzas especiales y el Joker, en una inesperada variante, aparecerá como un multimillonario con orígenes que se remontan siglos atrás. El relato enfatiza el entorno obrero del protagonista y las dificultades diarias de una Gotham marcada por la desigualdad, elementos que usualmente quedan relegados en la narrativa del justiciero adinerado. El juego de identificar la verdadera naturaleza de los personajes de la infancia de Bruce añade un atractivo para quienes conocen la historia del cómic y para nuevos seguidores, generando intriga y sorpresas en cada episodio.

La expansión animada de DC: nuevas propuestas y continuaciones

Además de Absolute Batman, Warner Bros. presentó el tráiler de Batman: Knightfall, la trilogía animada que adaptará el emblemático arco de los noventa en el que Bane derrota a Batman, marcando una etapa oscura y violenta para el personaje. Bajo la dirección de Jeff Wamester y guionizada por Jeremy Adams, la primera entrega llegará en 2024 y promete una representación fiel y contundente de la caída y resurrección del héroe.

También se anunció la llegada de una segunda temporada de El cruzado enmascarado, secuela espiritual de la icónica serie animada de los años noventa, ahora con mayor protagonismo del Joker. Para el público infantil, una serie dedicada a Krypto ampliará la oferta de la compañía, complementando una lista que incluye Mister Miracle, Starfire, Superpowers, My Adventures with Green Lantern y una nueva temporada de Creature Commandos.

El anime Joker: Laugh Riot introduce un componente adicional: bajo la producción de Jim Krieg y la dirección de Yasuhiro Aoki, la historia se sitúa en un mundo donde Batman ha muerto y el Joker intenta descubrir la identidad de su misterioso asesino. Esta propuesta no está vinculada al universo cinematográfico actual de James Gunn, lo que brinda libertad para abordar la psicología del villano con mayor autonomía y, posiblemente, audacia narrativa y estética. La elección de un estilo de animación japonesa busca atraer a audiencias globales en un mercado que valora relatos intensos y con propuestas visuales diferentes, en sintonía con el éxito reciente de animes con influencias occidentales.

El futuro incierto del Batman cinematográfico en el DCU

El crecimiento de estas nuevas series animadas y animes contrasta con la falta de avances en la versión cinematográfica de Batman dentro del Universo DC, que se enfrenta a múltiples retrasos e indefiniciones. Aunque Andy Muschietti y Christina Hodson, conocidos por el polémico filme The Flash, han sido confirmados para la próxima película de Batman en el DCU, aún no hay fecha y la elección del actor que interpretará a Bruce Wayne permanece sin resolverse, pese a los rumores que incluyen a Alan Ritchson, Glen Powell, Jonathan Bailey, Jake Gyllenhaal y Paul Anthony Kelly como posibles candidatos.

En el contexto actual, la atención se centra en los proyectos animados, los cuales permiten experimentar y explorar variantes narrativas que reflejan inquietudes sociales sin poner en riesgo la coherencia del canon cinematográfico. La opción de un Batman ingeniero y de clase trabajadora responde tanto a una necesidad de actualización ideológica como a la estrategia de conectar con audiencias que buscan protagonistas más cercanos a sus propias realidades.

Ante declaraciones ambiguas y numerosas especulaciones en redes sociales, la decisión de DC Studios y Warner Bros. de apostar por estos formatos muestra una tendencia a diversificar la imagen del Caballero Oscuro y utilizar la animación como espacio de innovación. El éxito de estas producciones podría influir en el tono y la dirección futura del personaje tanto en el cine, como en los cómics y otros productos derivados. Por ahora, los fanáticos deberán contentarse con historias alternativas, al menos hasta el estreno de The Batman Parte II en octubre de 2027, que marcará el regreso de Batman en su versión tradicional pero no resolverá la falta de un liderazgo claro en el universo cinematográfico principal.

La secuela dejó atrás el esquema de “encierro y cacería” para construir un sistema más amplio: múltiples linajes con creencias comunes y rivalidades internas, unidas por el poder, el privilegio y sus consecuencias. En ese marco, la historia arranca inmediatamente después de lo ocurrido con Grace.

El proyecto volvió a reunir a los directores Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. El guion quedó a cargo de Guy Busick y R. Christopher Murphy, con Samara Weaving otra vez al frente del reparto.

La primera película, BODA SANGRIENTA (disponible también en Disney+), terminó con Grace sola y ensangrentada, viva y transformada. Para Bettinelli-Olpin y Gillett, esa imagen funcionó como punto de partida para una nueva etapa “aún más perturbadora”.

El salto de una familia a un sistema global de clanes

El diferencial industrial y narrativo de la secuela quedó en su reconfiguración de reglas: lo que parecía un ritual de una sola familia se reveló como parte de un sistema internacional en el que convivieron varias familias con jerarquías en competencia y una lógica compartida.

Durante el desarrollo, Bettinelli-Olpin y Gillett pusieron en marcha la producción inmediatamente tras el estreno del primer film, según confirmaron en materiales de prensa. El nuevo guion desmarcó la saga del formato de encierro individual y planteó un tablero donde cada dinastía jugó para sí misma y confrontó tanto a la protagonista como al resto de linajes implicados.

Tripp Vinson, productor, remarcó que el viraje de una amenaza doméstica a un sistema global de poderes en pugna convirtió el conflicto en una arena “interna”, donde la rivalidad entre clanes añadió capas de tensión y dimensiones políticas a la narrativa.

Bettinelli-Olpin describió el cambio como una “escalada con convicción”. El equipo creativo también sostuvo que el cierre de la primera entrega les dio “libertad total” para redefinir las reglas y escalar el relato hacia una versión “más grande, más sangrienta y más desenfrenada” del original.

Qué cuenta Boda Sangrienta 2 y qué cambia para Grace

Boda Sangrienta 2 presentó por primera vez un universo en el que cuatro familias rivales compitieron a escala internacional. La película arrancó exactamente tras la supervivencia de Grace: ya no luchó solo por su vida, sino por la de su hermana y por el acceso al Alto Cargo, el título que otorgó control sobre el mundo.

Ese “trono” fue disputado por cuatro dinastías. La narrativa quedó planteada como una carrera de desafíos sangrientos, con traición, alianzas temporales y una violencia de carácter sistémico que elevó el riesgo del conflicto.

En paralelo, el guion exploró la transformación del peligro doméstico hacia redes de poder y secretismo a escala global, con un diseño que rompió el ciclo del encierro individual para desplegar el conflicto en términos de reglas compartidas y jerarquías múltiples.

Equipo creativo, reparto y producción de Searchlight Pictures

La dirección quedó en manos de los realizadores de Radio Silence, Bettinelli-Olpin y Gillett. Busick y Murphy firmaron el guion y garantizaron continuidad creativa dentro de la saga.

Weaving protagonizó junto a Sarah Michelle Gellar, Kathryn Newton, Elijah Wood, Shawn Hatosy, David Cronenberg, Néstor Carbonell, Kevin Durand, Olivia Cheng, Varun Saranga y Daniel Beirne. Newton debutó en la saga como Faith, la hermana de la protagonista.

La producción estuvo a cargo de Vinson, James Vanderbilt, William Sherak y Bradley J. Fischer. La película quedó presentada como un movimiento de expansión: nuevos personajes, nuevas reglas y un reparto con componente internacional para sostener el salto de escala del conflicto.

Muchos usuarios de Netflix pueden acceder a colecciones ocultas y ampliar sus opciones de visualización gracias a los códigos secretos de la plataforma. Esta funcionalidad, poco difundida y ajena a los menús tradicionales, permite navegar por géneros y subgéneros específicos, donde es posible encontrar películas, series y documentales que suelen quedar fuera de las recomendaciones automáticas y la portada principal.

Netflix estructura su catálogo en miles de categorías internas que, por lo general, no aparecen visibles para la mayoría de los usuarios. El sistema de recomendaciones, basado en algoritmos personalizados, limita el acceso a una fracción de la oferta total. Los códigos secretos abren la puerta a colecciones temáticas, nichos y producciones internacionales que de otra manera pasan inadvertidas. Así, resulta posible explorar desde cine clásico hasta documentales LGBTIQ+, pasando por propuestas de animación japonesa y thrillers extranjeros.

Acceder a estas categorías mediante códigos proporciona una alternativa para quienes buscan renovar sus hábitos de entretenimiento y evitar la sensación de que “no hay nada para ver” en la plataforma.

Cómo usar los códigos secretos en la plataforma

Cada código se asocia a una categoría concreta dentro del sistema de Netflix. Para utilizarlos, se requiere modificar la URL de la plataforma desde un navegador web, ya sea en computadora o dispositivo móvil:

• Inicia sesión en tu cuenta de Netflix desde el navegador.
• Dirígete a la barra de direcciones y observa la estructura de la URL, como en este ejemplo: https://www.netflix.com/browse/genre/13335.
• Cambia el número final por el código de la categoría que te interese.
• Presiona Enter para acceder directamente a la sección correspondiente.

Por ejemplo, para explorar documentales sobre crímenes, solo es necesario ingresar el código 9875 en la dirección https://www.netflix.com/browse/genre/9875.

A continuación, se presenta una selección de los códigos más buscados en las últimas semanas en Netflix, distribuidos por género:

Códigos para ver documentales

• 3652: Documentales biográficos
• 2760: Documentales espirituales
• 5161: Documentales extranjeros
• 5349: Documentales históricos
• 4006: Documentales militares
• 7018: Documentales políticos
• 10005: Documentales religiosos
• 2595: Documentales sobre ciencia y naturaleza
• 9875: Documentales sobre crímenes
• 180: Documentales sobre deportes
• 90361: Documentales sobre música y conciertos
• 1159: Documentales sobre viajes y aventuras
• 3675: Documentales socioculturales

Códigos para ver thrillers

• 3269: Cine de intriga independiente
• 10504: Cine de intriga política
• 5505: Cine de intriga psicológica
• 11140: Cine de intriga sobrenatural
• 43048: Cine de intriga y acción
• 10499: Cine de intriga y crímenes
• 9147: Cine de intriga y espías
• 11014: Intriga y sci-fi
• 31851: Películas de gánsteres
• 9994: Películas de misterio
• 10306: Thriller extranjero
• 46588: Thrillers clásicos
• 972: Thrillers sensuales

Códigos para ver dramas

• 3653: Cine dramático basado en hecho reales
• 4961: Cine dramático basado en libros
• 3179: Cine dramático biográfico
• 7243: Cine dramático de deportes
• 11: Cine dramático militar
• 6616: Cine dramático político
• 1255: Cine dramático romántico
• 6889: Cine dramático sobre crímenes
• 5012: Cine dramático sobre la farándula
• 500: Dramas LGBTQ+
• 3947: Dramas sociales

Cómo se crean y actualizan los códigos

De acuerdo con la información sobre Netflix, la plataforma utiliza una combinación de inteligencia artificial y análisis humano para etiquetar y clasificar cada título. Un equipo de analistas y curadores revisa miles de contenidos, identifica elementos como reparto, trama, género y contexto cultural, y asigna etiquetas que se transforman en categorías y códigos específicos. Este proceso permite ofrecer recomendaciones más precisas y colecciones segmentadas.

Consejos para aprovechar los códigos secretos

Para sacar el máximo provecho de esta funcionalidad, conviene:

• Hacer una lista personalizada con los códigos de mayor interés.
• Modificar la URL cada vez que se desee explorar una nueva categoría.
• Guardar los enlaces favoritos en el navegador para acceder rápidamente.
• Compartir los códigos con amigos y familiares para ampliar el abanico de opciones disponibles.

El renacimiento de un clásico del terror está en marcha, ya que Lionsgate ha confirmado oficialmente que el remake de The Blair Witch Project llegará a los cines el 24 de septiembre de 2027. Bajo la dirección de Dylan Clark y con guion de Chris Thomas Devlin, el proyecto ha generado una gran expectativa debido a la participación directa de los creadores y actores originales en calidad de productores ejecutivos, así como por la promesa de una nueva visión que adapte el universo de la bruja de Blair a los valores y sensibilidades contemporáneos.

Esta estrategia pretende atraer a una nueva generación de espectadores y revitalizar los elementos del género found footage, que hace 25 años transformó la industria del terror.

Colaboración del equipo creativo original y su relevancia

Uno de los principales puntos de atención de este remake es la colaboración activa de figuras clave de la primera entrega. Eduardo Sánchez, Daniel Myrick y Gregg Hale, responsables de la concepción y producción de la película original estrenada en 1999, serán productores ejecutivos junto a los actores Joshua Leonard y Michael C. Williams. Incluir al talento original refuerza el compromiso tanto de Lionsgate como de Blumhouse con la autenticidad y el respeto hacia la obra original, así como con los seguidores que lograron convertir la primera película en un fenómeno de culto.

Según Adam Fogelson, presidente de Lionsgate Motion Picture Group, esta nueva versión busca ser una reintroducción del clásico, utilizando un concepto actualizado que permita rendir homenaje al legado existente y, al mismo tiempo, explorar nuevas posibilidades del cine actual. Además, la producción cuenta con el apoyo de referentes del género como Jason Blum y James Wan, fundadores de Blumhouse y Atomic Monster, conocidos por su exitoso historial en el ámbito del terror.

La inclusión del equipo original responde no solo a una cuestión de respeto hacia la obra madre, sino también al deseo de devolver credibilidad y entusiasmo a una franquicia emblemática del cine independiente, especialmente después de que el remake de 2016 y la secuela Book of Shadows: Blair Witch 2, estrenada en 2000, no lograran replicar el mismo impacto que la película original.

Impacto y legado de The Blair Witch Project en la cultura del terror

La película original, lanzada en 1999 con un modesto presupuesto de 35,000 dólares, se transformó rápidamente en un fenómeno global, recaudando más de 248 millones en taquilla. Este éxito se entendió no solo en términos económicos, sino también por la revolución formal que significó en el subgénero de metraje encontrado o found footage. Utilizó cámara en mano y la supuesta historia real de tres estudiantes desaparecidos para crear una atmósfera de autenticidad y terror psicológico poco habitual hasta ese momento.

Antes de la era de internet tal como la conocemos, The Blair Witch Project utilizó técnicas de mercadotecnia viral, generando rumores y debates sobre la autenticidad de la historia, lo que contribuyó a su enorme recepción y a la formación de un considerable grupo de seguidores. Este modelo de bajo presupuesto, combinado con una ejecución ingeniosa, demostró a los estudios y cineastas que era posible lograr un gran impacto con recursos limitados.

Durante las dos décadas siguientes, el found footage experimentó diferentes etapas, con muchas películas tratando de replicar la fórmula sin alcanzar el mismo resultado. La influencia de Blair Witch sigue siendo decisiva para el desarrollo de historias de terror intimistas y en la forma en que los estudios promueven sus producciones de modo orgánico y viral.

Nuevos desafíos y posibilidades para el remake en el contexto actual

El desafío para Dylan Clark y Chris Thomas Devlin es actualizar el mito de la bruja de Blair para una audiencia saturada de estímulos digitales y acostumbrada a analizar campañas publicitarias, lo que dificulta que se repita el efecto logrado en 1999. Hasta el momento, no se han dado a conocer detalles sobre la trama ni el elenco, lo que probablemente forma parte de una estrategia para incrementar el suspenso y potenciar el impacto del estreno.

La actual tendencia de revivir franquicias mediante reboots y remakes busca aprovechar el potencial de sagas con vigencia, aunque suele enfrentarse a críticas, ya que el enfoque nostálgico a veces genera dudas sobre la capacidad de presentar algo realmente innovador. Sin embargo, la confluencia de cineastas experimentados y nuevas voces, junto al respaldo de dos de las productoras más importantes del género, podría facilitar la obtención de un resultado novedoso.

Para el público, especialmente para las nuevas generaciones, el regreso de The Blair Witch Project representa la oportunidad de reencontrarse con una leyenda del cine de terror, repensando el miedo como una construcción individual y colectiva en una época marcada por la inmediatez de la información y la disminución del misterio en las historias. Resta por ver si esta nueva versión conseguirá el mismo efecto radical que la original o si funcionará principalmente como un homenaje a un hito irrepetible.

La icónica franquicia Plaza Sésamo está a punto de dar un paso trascendental en su historia tras la adquisición por parte de Netflix de los derechos para llevar sus historias a la pantalla grande. Esta decisión, resultado de una intensa competencia entre algunos de los principales estudios de Hollywood, prevé un nuevo impulso para los personajes más reconocidos de la televisión infantil, con la promesa de transmitir sus mensajes educativos a una generación completamente nueva y en un formato poco explorado anteriormente por la marca.

Detalles de la negociación entre estudios por los derechos cinematográficos

La puja por los derechos cinematográficos de Plaza Sésamo se prolongó durante casi un año. En un principio, tres grandes estudios lideraron la competencia: Warner Bros., Universal y Netflix. Warner, que había tenido los derechos durante una década sin concretar ninguna película, se retiró tempranamente de la negociación debido a rumores sobre movimientos internos en la compañía y a la falta de avances previos. Universal, por su parte, intentó ganarse la preferencia de la franquicia sumando a su propuesta directores reconocidos como Phil Lord, Chris Miller y el dúo ganador del Óscar, Los Daniels, pero finalmente no logró llegar a un acuerdo.

El verdadero cambio se produjo gracias a la productora Rideback, fundada por Jonathan Eirich y Michael Lofaso, quienes aprovecharon su experiencia en grandes éxitos de taquilla y su relación previa con Sesame Workshop, la organización sin fines de lucro que administra Plaza Sésamo. Esta conexión y la visión de Rideback contaron con el respaldo de Sesame Workshop, un factor determinante para que Netflix resultara elegido. Según fuentes del sector, todavía no existe un cineasta formalmente vinculado al futuro largometraje, y Netflix no ha hecho declaraciones oficiales sobre los detalles del proyecto.

Implicaciones para la franquicia y oportunidades para el público infantil

La llegada de Plaza Sésamo al catálogo de Netflix representa un giro significativo en la presencia de la franquicia en los medios audiovisuales. La serie, que recientemente estrenó su temporada número 55, ha jugado un papel relevante en la educación y el entretenimiento de miles de niños en todo el mundo, pero sus intentos anteriores en el cine han sido escasos. Sus dos películas previas, Follow That Bird en 1985 y The Adventures of Elmo in Grouchland en 1999, no tuvieron gran impacto en la audiencia ni en la crítica especializada. Ahora, bajo el liderazgo de una plataforma digital, se abre la posibilidad de una mayor experimentación y de alcanzar una audiencia global más amplia.

Para las familias y la comunidad educativa, la propuesta de Netflix es ofrecer contenido que combine el carácter educativo y ameno de Plaza Sésamo con las tecnologías y estilos narrativos contemporáneos. El apoyo de Sesame Workshop en la producción asegura que los valores de inclusión, diversidad y aprendizaje que han definido a la marca seguirán presentes en los nuevos largometrajes. Asimismo, la presencia global de Netflix permitirá que niños de diferentes países accedan al mismo tiempo al contenido, ampliando el alcance del mensaje educativo de la franquicia.

Retos creativos y nuevas oportunidades para los personajes tradicionales

La asociación con Rideback y la utilización de la plataforma Netflix abren posibilidades nuevas para Plaza Sésamo. Mientras que los canales tradicionales y los contratos anteriores limitaron la expansión audiovisual de la franquicia, esta etapa facilita un modelo de producción más dinámico y creativo, con la opción de incorporar técnicas de animación modernas o fórmulas híbridas que puedan enriquecer la experiencia para la audiencia. Sesame Workshop tendrá una participación activa en el desarrollo, asegurando la fidelidad de las historias y los personajes.

El acuerdo sugiere que figuras emblemáticas como Elmo, Epi, Blas, el Monstruo de las Galletas, Big Bird y Beto tendrán la oportunidad de explorar situaciones más actuales y cercanas a las preocupaciones modernas de la infancia. Aunque por ahora no hay directores ni guionistas anunciados, la trayectoria de la productora, que ha estado al frente de películas de acción real como Aladdin y Lilo & Stitch, indica la intención de combinar música, comedia y enseñanzas significativas en una propuesta para toda la familia. Cada novedad en el proceso de producción será observada atentamente en el competitivo sector del entretenimiento infantil, que dedica cada vez más recursos a relatos con impacto social y visión global.

La situación tras la retirada de Warner y el historial de intentos fallidos

Durante más de diez años, el desarrollo cinematográfico de Plaza Sésamo estuvo paralizado bajo el control de Warner Bros., compañía que nunca logró llevar adelante sus planes más allá de los anuncios. Ahora, la determinación de Netflix y la presión de otros estudios como Universal han empujado a la franquicia a buscar alternativas más ambiciosas y alineadas con las expectativas del público actual. A diferencia de los proyectos anteriores, la estrategia de combinar la experiencia audiovisual de Rideback con el control de contenido de Sesame Workshop parece diseñada para evitar errores del pasado.

A pesar de no contar aún con un equipo creativo confirmado, la colaboración entre ambas organizaciones transmite un mensaje positivo tanto a los seguidores de siempre como a las nuevas audiencias. Surgen preguntas en el sector sobre el enfoque que tomará la historia, si se elegirán guiones originales o adaptaciones de relatos ya conocidos, qué temas sociales se abordarán y cómo se reflejará la diversidad internacional de los espectadores. La expectativa es elevada, especialmente para quienes acompañaron la serie en televisión y ahora esperan compartir el regreso de sus personajes favoritos con nuevas generaciones.

Descargar películas y series en plataformas como Netflix o Disney+ se ha convertido en una estrategia cada vez más común para quienes buscan una experiencia de entretenimiento fluida, previsible y sin contenido que no interese.

Aunque durante años la descarga fue vista como un recurso secundario, su uso es una opción a tener en cuenta ante las limitaciones propias del streaming y la inestabilidad de las conexiones.

Cuáles son los beneficios de descargar películas y series de apps de streaming

• Acceso garantizado

El beneficio más evidente de descargar contenido radica en la posibilidad de disfrutarlo completamente offline. Esto significa que no se consumen datos móviles ni se depende de una red Wi-Fi en buen estado, lo que resulta útil en aviones, zonas rurales o durante viajes al extranjero.

Al almacenar los episodios o películas en el dispositivo, desaparecen los problemas de almacenamiento en búfer y las caídas de calidad de video que suelen darse con una conexión inestable. Así, se evita la frustración de pausas inesperadas, una situación habitual en viajes largos o en lugares con mala señal.

La descarga también implica un ahorro directo en el consumo de datos móviles. Al bajar el contenido cuando se dispone de una red fija o Wi-Fi, se eliminan gastos adicionales y se evita el uso de planes de datos limitados. Esto impacta en la economía diaria de quienes consumen series y películas fuera de casa de manera frecuente.

• Orden y control de la biblioteca

Tener una biblioteca local de contenido descargado brinda un nivel de organización difícil de conseguir solo con el streaming. Mientras las plataformas ofrecen listas de reproducción y recomendaciones, la realidad es que la gestión se vuelve fragmentada cuando se tienen varias suscripciones activas.

Descargar permite reunir los títulos favoritos en un solo lugar, accesibles sin necesidad de navegar por aplicaciones distintas ni depender de algoritmos que priorizan novedades o promociones.

• Calidad de video predecible

Una de las mayores molestias del streaming es la variabilidad en la calidad de reproducción. Factores como la velocidad de conexión, la congestión de la red o cortes de energía pueden afectar la experiencia, forzando saltos de calidad o interrupciones constantes.

En cambio, cuando el contenido está descargado, la calidad es siempre la pactada: no hay downgrades de imagen ni audio, y la reproducción es continua.

Esta diferencia puede parecer menor, pero para quienes valoran la calidad audiovisual o desean ver títulos en alta definición, es determinante. Ya no se depende de la estabilidad de la red ni se corre el riesgo de que un fallo del servicio arruine una función especial o una maratón de series.

• Una alternativa ideal para viajar

Uno de los usos más prácticos de las descargas surge al viajar. Aeropuertos, trenes y hoteles suelen presentar conexiones lentas, costosas o directamente inexistentes.

Además, la disponibilidad del catálogo varía según la región, y algunas plataformas exigen comprobaciones periódicas para seguir accediendo a la cuenta. Descargando previamente el material deseado, el usuario elude todos estos obstáculos y garantiza su entretenimiento durante desplazamientos largos o estancias en el extranjero.

• Funciones inteligentes de cada plataforma

Netflix y Disney+ ofrecen herramientas específicas que potencian la experiencia de descarga. En Netflix, la función “Descargas Inteligentes” elimina automáticamente los episodios ya vistos y descarga el siguiente, facilitando la gestión del espacio.

La opción “Descargas para ti” permite que el sistema baje automáticamente títulos recomendados según el historial de visualización, siempre conectados a Wi-Fi.

Cuáles son las limitaciones de descargar películas y series

No todo son ventajas. El principal reto de mantener una biblioteca offline es el espacio de almacenamiento. Películas en alta definición y temporadas completas de series pueden ocupar varios gigabytes, lo que obliga a gestionar periódicamente el contenido y considerar opciones como discos externos o servicios en la nube.

Además, no todos los títulos están disponibles para bajar, y algunos requieren conexión ocasional para renovar permisos o verificar la suscripción. Hay que invertir tiempo en la organización y mantenimiento de la biblioteca local, una tarea que puede resultar tediosa para quienes prefieren la inmediatez del streaming tradicional.

Ese es el caso de “I Knew It, I Knew You”, la canción interpretada por Taylor Swift para Toy Story 5. Según informó Billboard, el tema debutó directamente en el primer puesto del Billboard Hot 100, una hazaña que solo habían conseguido otras cuatro canciones asociadas a producciones cinematográficas.

Un logro reservado para muy pocas canciones

El medio especializado en la industria musical señaló que “I Knew It, I Knew You” es la quinta canción de una película en ingresar en el número uno del Hot 100. La marca adquiere relevancia por la escasa cantidad de temas cinematográficos que alcanzaron ese desempeño desde la creación del ranking.

El antecedente más antiguo se remonta a 1995, cuando Whitney Houston logró el mismo resultado con una canción incluida en la banda sonora de Waiting to Exhale. Desde entonces, apenas tres títulos más consiguieron repetir la hazaña antes de la llegada de Swift.

La posición privilegiada que ocupa ahora la cantante de 36 años también alimenta las especulaciones sobre una posible candidatura al Oscar a la mejor canción original. Sin embargo, la historia demuestra que el éxito comercial no siempre se traduce en reconocimiento por parte de la Academia.

Las otras cuatro canciones que debutaron en el número uno

Antes de Taylor Swift, solo cuatro canciones provenientes de películas habían debutado en la cima del Hot 100:

Exhale (Shoop Shoop) – Whitney Houston (1995)

La canción de Waiting to Exhale fue escrita por Babyface e interpretada por Whitney Houston. Debutó en el número uno el 25 de noviembre de 1995 y se convirtió en un gran éxito comercial. A pesar de ello, no recibió una nominación al Oscar a la mejor canción original. Según recordó Billboard, la película tampoco obtuvo candidaturas en ninguna categoría de los premios de la Academia.

My Heart Will Go On – Celine Dion (1998)

El tema principal de Titanic, compuesto por James Horner y Will Jennings, llegó al primer puesto el 28 de febrero de 1998. Su recorrido en la temporada de premios fue notable: ganó el Oscar a la mejor canción original y también obtuvo cuatro premios Grammy, incluidos los galardones a grabación del año y canción del año.

I Don’t Want to Miss a Thing – Aerosmith (1998)

Interpretada por Aerosmith y escrita por Diane Warren para Armageddon, la canción debutó en la cima del ranking el 5 de septiembre de 1998. El tema recibió una nominación al Oscar a la mejor canción original y también fue candidato en varias categorías de los Grammy.

Can’t Stop the Feeling! – Justin Timberlake (2016)

Creada para la película animada Trolls, la canción compuesta por Justin Timberlake junto a Max Martin y Shellback ingresó directamente en el número uno el 28 de mayo de 2016. Posteriormente obtuvo una nominación al Oscar a la mejor canción original.

La tradición musical de Toy Story

El nuevo éxito de Swift también se vincula con una franquicia que mantiene una sólida relación con los premios de la Academia. Billboard destacó que las primeras cuatro películas de Toy Story generaron canciones nominadas al Oscar. Todas fueron escritas por Randy Newman, uno de los compositores más reconocidos de Hollywood.

Entre ellas sobresalió “We Belong Together”, perteneciente a Toy Story 3, que consiguió la estatuilla a la mejor canción original. Ese historial convierte a la saga en una de las más exitosas en materia musical dentro del cine animado.

Los posibles competidores en la carrera al Oscar

Aunque las nominaciones todavía no fueron anunciadas, Billboard mencionó algunos títulos que podrían formar parte de la competencia por el Oscar a la mejor canción original en 2027.

Entre ellos aparece “How To Write a Song Without You”, interpretada por Nick Jonas y Paul Rudd en la película Power Ballad, dirigida por John Carney. También figura “Shape of a Woman”, interpretada por Lady Gaga durante su participación especial en El diablo viste a la moda 2.

El medio estadounidense añadió que otra figura a seguir es Diane Warren, una presencia constante en la categoría. La compositora acumuló nominaciones al Oscar a la mejor canción original durante los últimos nueve años consecutivos, una marca sin precedentes. Warren suma 17 candidaturas en esa categoría, aunque todavía no obtuvo una victoria competitiva.

La maldición se repite: el destino de la familia Owens

La trama de Hechizo de amor: La magia continúa sigue a las hermanas Sally y Gillian Owens, interpretadas por Sandra Bullock y Nicole Kidman, muchos años después de los hechos narrados en la película de 1998. La maldición que afecta a la familia Owens se mantiene vigente, con la trágica muerte de los hombres a quienes las mujeres Owens aman. Ahora, la amenaza afecta a una nueva generación, pues las hijas adultas de Sally comienzan a cuestionar la vieja leyenda. Todo se precipita cuando Kylie, la hija mayor de Sally, interpretada por Joey King, inicia una relación amorosa que parece estar marcada por el destino familiar.

El tráiler muestra a una familia dividida entre la negación y el miedo. Sally y Gillian, ya más experimentadas, luchan con sus propios temores mientras tratan de calmar la angustia de Kylie, quien busca sus propias respuestas incluso fuera del ámbito familiar. Con la aparición de Ian Wright, un investigador académico a quien da vida Lee Pace, la historia agrega un nuevo enfoque: el mundo externo empieza a acercarse de forma peligrosa al secreto que las Owens han resguardado por generaciones.

Más allá de los elementos mágicos y las secuencias visuales, la narración ahonda en el peso emocional de cargar con una herencia temida. La secuela incorpora además componentes propios del suspense: las hijas Owens desafían el silencio familiar y la resignación, llevando a todos a tomar riesgos que antes parecían impensables.

Nuevos desafíos para la hermandad y la magia

El desarrollo de la historia se apoya en la pregunta central de si el amor puede sobrevivir a la maldición o si el sacrificio resulta inevitable. “El amor es nuestra perdición”, afirma Gillian en uno de los momentos destacados del tráiler, anticipando el nivel de drama que tendrá la película. Cuando Kylie se convence de que la maldición continúa activa, inicia una investigación personal y una carrera contrarreloj para evitar la tragedia anunciada.

El guion adapta aspectos de la novela El libro de la magia de Alice Hoffman, aportando profundidad a los vínculos intergeneracionales y a la construcción de la mitología Owens. No solo la magia, también los lazos emocionales y la comunicación familiar se transforman en herramientas de supervivencia. La antigua casa ubicada en el noreste de Estados Unidos pierde parte de su protagonismo frente a escenarios del Reino Unido, ampliando el marco de la leyenda y aportando nuevas perspectivas.

Dentro del núcleo familiar, la tensión se eleva a medida que las acciones de las hijas las colocan en el centro de una vorágine mágica. Sally y Gillian tendrán que unir fuerzas para guiar a la nueva generación, con el apoyo de las tías Jet y Frances, interpretadas por Dianne Wiest y Stockard Channing, quienes regresan en sus roles como guardianas del saber mágico.

Nuevos personajes y regreso de los actores originales

Uno de los mayores atractivos para los seguidores es la reunión del elenco original, tanto de las protagonistas como de los personajes secundarios. Sandra Bullock y Nicole Kidman regresan como Sally y Gillian, retomando a dos de las brujas más reconocidas del cine, y se suman al nuevo reparto Joey King y Maisie Williams como las hijas Owens, así como Xolo Maridueña en el papel del interés amoroso de Kylie.

La incorporación de Lee Pace como el investigador Ian Wright introduce un elemento de incertidumbre: su interés por descubrir los secretos de la magia puede ser tanto un riesgo como una posible salvación para las Owens. A diferencia de la primera película, donde la amenaza era más directa, en esta entrega la tensión gira en torno a la posible revelación del secreto familiar, poniendo en jaque el anonimato de la familia.

Otra novedad es la aparición de nuevos personajes relacionados con el mundo mágico de las Owens, como Thomas Lockland, interpretado por Solly McLeod, lo que expande el trasfondo histórico y cultural del linaje. Estas adiciones permiten explorar tradiciones desconocidas y enfrentar nuevas amenazas mágicas, con la magia negra alcanzando un papel más relevante en la secuela.

Una visión visual y emocional para nuevas generaciones

El equipo creativo detrás de la película también genera expectativas. La dirección está a cargo de Susanne Bier, ganadora de un Emmy por The Night Manager, quien aporta una mayor intensidad dramática, mientras que el guion de Akiva Goldsman, Georgia Pritchett y Kelly Marcel busca equilibrar el romance clásico con el suspense característico de las series actuales.

La ambientación conserva los lugares emblemáticos de la historia original, pero también introduce nuevos entornos en el Reino Unido, ampliando la escala de la amenaza. La producción, liderada por Denise Di Novi junto a Bullock y Kidman, cuenta con el respaldo de los estudios responsables de convertir la primera película en una referencia para quienes crecieron en los años noventa.

El estreno internacional está programado para el 10 de septiembre de 2026 en Latinoamérica y el 11 de septiembre en Estados Unidos y Canadá. Warner Bros. busca reeditar el éxito de culto, adaptando el mensaje para una audiencia que, aunque siente nostalgia por la magia y la hermandad, demanda historias en las que el peligro y la esperanza puedan coexistir sin perder el atractivo de la fantasía romántica.

La película anunciada de Gears of War, dirigida por David Leitch y producida por Netflix, se plantea como uno de los estrenos más esperados por los seguidores de los videojuegos y por el público en general. Contrario a lo que se preveía en un principio, la adaptación no mostrará los eventos conocidos de la saga, sino que presentará una historia original: los orígenes de Marcus Fénix y su Escuadrón Delta durante sus primeros enfrentamientos con la Horda Locust.

Este enfoque más libre en relación al material de base busca ofrecer una experiencia novedosa tanto para quienes ya conocen la saga como para quienes se acercan a ella por primera vez.

Antecedentes de una saga icónica

Desde su debut en 2006, Gears of War se consolidó como una de las franquicias más importantes de Xbox, destacándose por su acción intensa y una trama centrada en la supervivencia de la humanidad frente a una amenaza devastadora. La historia, situada en el planeta ficticio Sera, retrata una lucha desesperada contra los Locust, monstruosas criaturas surgidas desde las profundidades de la tierra. En medio de este caos, Marcus Fénix emerge como el líder del Escuadrón Delta, un grupo reconocido por su capacidad para actuar en situaciones extremas y por sus hazañas bajo presión.

A lo largo de sus distintas entregas, la franquicia ha sido apreciada tanto por sus mecánicas de juego innovadoras como por la evolución emocional de sus protagonistas. La hermandad y los vínculos entre personajes han sido un aspecto central, como señala Matt Booty, vicepresidente ejecutivo de Xbox, al subrayar que el núcleo de Gears of War es el concepto de no pelear solo. Esta visión será uno de los elementos principales de la nueva adaptación cinematográfica, la cual pretende plasmar la esencia emocional de la serie mediante nuevas historias.

La dirección de David Leitch y la propuesta de Netflix

David Leitch, conocido por su trabajo en películas de acción como John Wick, Atomic Blonde y Bullet Train, es el encargado de llevar esta adaptación al cine. Su experiencia lo posiciona como una elección idónea para trasladar al cine la violencia táctica y el espíritu de camaradería que caracterizan a Gears of War. Bajo su dirección, la película no seguirá al pie de la letra la cronología de los videojuegos, sino que se enfocará en los orígenes y las primeras misiones del Escuadrón Delta, destacando los lazos entre los personajes y el proceso que los llevó a convertirse en un equipo legendario.

Hasta ahora, Netflix no ha anunciado una fecha de estreno oficial, lo que ha mantenido la expectativa entre los seguidores. Lo que se ha confirmado es que la sinopsis oficial gira en torno a una guerra desesperada por la supervivencia frente a los Locust, anticipando enfrentamientos destacados y el desarrollo de una propia mitología dentro del universo de Gears of War.

Expansión de la franquicia en cine y videojuegos

Paralelamente al avance de la película, el universo de Gears of War sigue creciendo en su formato original. El próximo 6 de octubre, Xbox publicará Gears of War: E-Day, una precuela que, al igual que la película, se centra en los hechos del llamado Día de la Emergencia, cuando los Locust invadieron Sera por primera vez. Esta coincidencia narrativa entre el cine y el videojuego es bienvenida por los aficionados, ya que espera enriquecer el desarrollo de los personajes y presentar perspectivas complementarias sobre los orígenes del conflicto.

Aunque la adaptación de videojuegos al cine ha dado resultados variados, optar por una historia de orígenes otorga mayor flexibilidad narrativa y la oportunidad de sorprender tanto a los conocedores de la saga como a los recién llegados. El éxito de otras adaptaciones como Resident Evil y la anticipación en torno a Death Stranding respaldan esta estrategia de Netflix.

Repercusiones para la comunidad y retos de adaptación

Para los millones de jugadores que han seguido las peripecias de Marcus Fénix, profundizar en sus primeros años representa una oportunidad para redescubrir al personaje desde una óptica diferente. Además, el tono emocional enfatizado por el equipo de producción busca fortalecer la conexión de los espectadores con la trama y sus protagonistas. Sin embargo, distanciarse del relato original plantea ciertas preguntas: ¿es posible reinventar personajes tan emblemáticos sin perder su esencia? ¿Logrará la propuesta narrativa atraer a una audiencia que no está familiarizada con el videojuego?

Por otro lado, la ausencia de información precisa sobre el elenco y la fecha de estreno ha generado cierta inquietud e impaciencia entre los seguidores. La responsabilidad de adaptar el universo visual y temático de Gears of War, conocido por su atmósfera sombría y acción intensa, supone un reto adicional para quienes están a cargo del proyecto. Los antecedentes negativos de otras adaptaciones siguen presentes en la memoria de la audiencia.

El lanzamiento casi simultáneo de un nuevo videojuego y una película con historias complementarias apunta a una estrategia coordinada para revitalizar la franquicia y captar tanto a antiguos como a nuevos seguidores.

La producción, que se estrena en agosto de 2026 en países de América Latina, propone una versión radicalmente distinta del héroe medieval: un Robin Hood envejecido, atribulado por la culpa y las consecuencias de una vida de asesinatos, lejos del ladrón noble que popularizaron versiones anteriores del cine.

En entrevista con PEOPLE, Jackman, de 57 años, explicó que una de las secuencias de combate más intensas del filme fue también la más agotadora de toda su trayectoria.

“Esa fue la cosa más difícil que he hecho”, afirmó el actor, al referirse a una pelea cuerpo a cuerpo filmada en condiciones extremas de frío, noche y barro. Su oponente fue el personaje interpretado por Elijah Ungvary.

“Hay una extraña intimidad en el combate cuerpo a cuerpo y la brutalidad de esto”, explicó el actor al medio. La fatiga fue tal que incluso el propio cansancio terminó incorporándose a la escena, reforzando el realismo del enfrentamiento.

“Si hubieras visto otra película, podríamos haber parecido amantes”, recordó Jackman sobre la cercanía física entre los personajes.

Otro factor que complicó el rodaje fue el equipo de combate de su personaje que pesaba aproximadamente 90 kilos. “He hecho muchas secuencias así en mi carrera; pero nada me preparó para lo duras que fueron estas escenas”, señaló también a Fox News.

Una versión oscura y violenta de Robin Hood

A diferencia de adaptaciones anteriores protagonizadas por actores como Kevin Costner o Russell Crowe, The Death of Robin Hood presenta una visión mucho más cruda del personaje. La película evita la figura del héroe idealizado y apuesta por un enfoque más humano y moralmente ambiguo.

Según el director Michael Sarnoski, el objetivo fue alejarse del mito romántico del ladrón que roba a los ricos para dar a los pobres, para construir en cambio a un hombre destruido por su propio pasado.

En este nuevo enfoque, Robin Hood es un guerrero envejecido que carga con “las heridas, el arrepentimiento y las consecuencias de su violencia”, como ha descrito el propio Jackman al hablar del personaje.

El film también se aleja de la acción estilizada típica del género. Las peleas no buscan espectacularidad, sino incomodidad y realismo.

Tras su estreno en Estados Unidos, la película recibió reacciones mixtas pero mayoritariamente positivas entre la crítica especializada. En Rotten Tomatoes, The Death of Robin Hood alcanzó un 66% de aprobación, con 125 reseñas recopiladas.

“Cambia la aventura heroica por ultraviolencia, esta versión sombría de la leyenda de Robin Hood podría necesitar más ligereza en su carcaj, pero acierta al explorar la humanidad compleja detrás del héroe popular”, señala el consenso crítico.

Algunos analistas destacan precisamente esa tensión: mientras el film es valorado por su ambición narrativa y su retrato psicológico del personaje, también se le critica la falta de momentos de respiro dentro de su tono predominantemente sombrío.

Toy Story 5 irrumpió con fuerza en la cartelera internacional el 19 de junio de 2026, logrando recaudar 71 millones de dólares solo en su primer día en Estados Unidos. Este debut supera ampliamente a su predecesora, mantiene a Pixar como un referente de animación y revierte la tendencia descendente de asistencia al cine experimentada en los últimos años.

El estreno también redefine el perfil del público y consolida el dominio de Disney y Pixar en la industria. ¿Qué cifras y tendencias explican el fenómeno global detrás de esta nueva entrega?

El inicio de una nueva etapa para la animación de alto rendimiento en taquilla

De acuerdo con datos publicados por The Numbers y reportados por Deadline, Toy Story 5 recaudó 71 millones de dólares en Norteamérica durante su día de estreno, cifra que incluye ingresos del jueves por la noche y el viernes en 4,425 salas. Solo la secuela Los Increíbles 2 supera levemente ese récord con 71.2 millones recaudados en 2018, ubicando así a Toy Story 5 como el segundo mejor debut animado en la historia del país. Para el primer fin de semana completo, las proyecciones oficiales de Variety la sitúan entre 160 y 170 millones, una cifra que duplica la alcanzada por Toy Story 4 en 2019 (120.9 millones). Como dato adicional, la sala más exitosa individualmente fue AMC Disney Springs 24 de Orlando, que superó los 235,000 dólares en un solo día.

El entusiasmo también se vio reflejado fuera de Estados Unidos, ya que Toy Story 5 tuvo un estreno simultáneo en 41 mercados internacionales, sumando 43.5 millones de dólares y liderando la taquilla en todos los territorios. Destacan los 6,7 millones recaudados en México, con una participación récord de mercado del 86%, el segundo mejor debut del año en ese país. Francia obtuvo 2,1 millones y España 1,7 millones, mientras que en la región de Medio Oriente la nueva entrega consiguió el mayor estreno para Pixar hasta la fecha. Estas cifras enfatizan no solo el impacto global de la franquicia, sino también la relevancia estratégica de los lanzamientos simultáneos y la recuperación del sector tras la crisis sanitaria mundial.

Diversidad en la audiencia y transformación del perfil de los espectadores

Uno de los aspectos más notables del estreno de Toy Story 5 es el cambio en la composición de la audiencia. Según el análisis demográfico realizado por Screen Engine y PostTrak, la proporción de espectadores latinos e hispanos aumentó al 30%, en comparación con el 23% registrado por Toy Story 4, lo que refleja una mayor diversidad. Los espectadores caucásicos representaron el 36%, mientras que los afroamericanos y asiático-americanos sumaron cada uno el 13%. Por género y edad, lideraron la taquilla las mujeres mayores de 25 años (30%), seguidas por mujeres menores de 25 (27%). Los hombres mayores de 25 representaron el 25%, y los menores de 25 un 20% del total asistente.

En cuanto a los acompañantes adultos, destaca que el 72% eran madres, un aumento significativo frente al 58% observado en la entrega anterior. Este dato es relevante porque incide en las estrategias futuras para atraer públicos familiares y demuestra la vigencia del interés parental en el cine animado como experiencia colectiva. Además, evidencia la capacidad de la franquicia para conectar con múltiples generaciones y mantener la relevancia de personajes centrales como Woody y Buzz Lightyear, figuras icónicas para varias cohortes de espectadores.

Eficiencia en el marketing y elección del público

La campaña de lanzamiento de Toy Story 5 costó 8,8 millones de dólares, cifra considerablemente menor que los casi 29 millones invertidos por Disney en su otra gran apuesta del año, Star Wars: The Mandalorian y Grogu. A pesar de esta inversión reducida, la campaña de Toy Story 5 logró 814 millones de impresiones, principalmente mediante anuncios durante grandes eventos deportivos (NBA, NHL) y programas de máxima audiencia en televisión. El 18% del público encuestado identificó a las redes sociales como su principal fuente de información sobre el estreno, mientras que el 13% señaló haber visto el tráiler como determinante para decidirse a ir al cine. Además, la estrategia promocional incluyó alianzas con cadenas y marcas, generando un valor mediático adicional estimado en 3 millones solo en notoriedad de marca y presencia cruzada.

En cuanto a la opinión del público, Toy Story 5 obtuvo una calificación A en Cinemascore, la segunda más alta, lo cual constituye un sólido indicador de buen desempeño en taquilla en las semanas siguientes. Esta nota es equivalente a la obtenida por todas las entregas anteriores de la saga, excepto Toy Story 2, que junto con otras películas como Up, Coco y Los Increíbles 2 alcanzaron la máxima puntuación de A+. En la lista de estrenos de Pixar, solo tres películas tienen una valoración menor (Cars 2, Onward y Lightyear con A-), lo que enfatiza la consistencia y aceptación prolongada de la saga entre los espectadores.

Récords alcanzados, tendencias y perspectivas de la franquicia

En conjunto, el estreno de Toy Story 5 consolida a Disney y Pixar en la cima del cine animado. Según Box Office Mojo, el acumulado de la saga ya ronda los 237,6 millones en taquilla estadounidense. Los analistas citados por Deadline señalan que las cifras superan a títulos recientes como Spider-Man: A través del Spider-Verso e Intensamente 2, y que la solidez del estreno se relaciona tanto con la cultura de las franquicias como con la creciente oferta de formatos premium (IMAX, PLF), que impulsan la venta de entradas. El regreso de los espectadores a las salas tras la pandemia y la diversificación del público se confirman como tendencias consolidadas, estableciendo el rumbo para futuros lanzamientos y aportando estabilidad en una industria aún en recuperación tras la crisis sanitaria global.

Finalmente, la recepción del público sugiere un horizonte prometedor: el 49% de los encuestados manifestó interés en una posible sexta entrega de la saga. Destaca el elevado índice de recomendación entre madres y jóvenes, lo que refuerza la proyección a largo plazo de la franquicia como un referente familiar y comercial en la industria. Toy Story 5 se posiciona así no solo como un éxito en taquilla, sino también como un parámetro para la animación contemporánea a nivel mundial.

Antecedentes del estudio y una trama basada en la memoria y la amistad

DreamWorks, reconocido por títulos como Shrek y Como entrenar a tu dragoón, sorprende al alejarse de los cuentos clásicos occidentales y sumergirse en leyendas asiáticas con La Isla Olvidada. La historia comienza en la última noche que Jo y Raissa pasan juntas antes de emprender caminos distintos en la universidad, momento en el que cruzan accidentalmente un portal hacia una isla desconocida. A diferencia de otras aventuras del estudio, aquí el centro está en el poder de los recuerdos y la relación entre las protagonistas, quienes deben orientarse en un mundo poblado por perros parlantes, criaturas colosales amistosas y seres oscuros.

La Isla Olvidada marca un cambio notable no solo en el estilo visual y temático de DreamWorks, sino también por la introducción de enemigos más simbólicos y emocionales. El antagonista principal, un demonio que consume los recuerdos de quienes llegan a la isla, representa una amenaza menos concreta, pero sumamente inquietante, al poner en peligro la identidad y los vínculos profundos de los personajes. Con esta premisa, la película explora el suspenso psicológico en un nivel poco común para el cine animado del estudio.

Inspiración en el folclore filipino y seres fantásticos

El rescate de mitos y figuras tradicionales es uno de los aspectos más destacados de La Isla Olvidada. La película adapta a la animación occidental seres provenientes del folclore filipino, desde demonios que devoran recuerdos, hasta animales que pueden hablar. Los perros parlantes y las criaturas inspiradas en calamares gigantes muestran un esfuerzo por adaptar de manera novedosa la riqueza cultural del sudeste asiático. DreamWorks llevó a cabo un proceso de investigación extenso para intentar representar de manera genuina el folclore asiático, aunque no está claro hasta qué punto existió supervisión local para crear estos personajes.

El desafío para las protagonistas va más allá de sobrevivir en un paisaje fantástico: deben resistir el avance del olvido, al mismo tiempo que buscan cómo escapar de la isla y luchan por conservar la memoria conjunta de su amistad antes de emprender nuevos caminos en sus vidas. La amenaza invisible, encarnada por el demonio central, conecta con miedos universales como la pérdida de identidad y el distanciamiento emocional, logrando relevancia tanto para el público joven como para el adulto.

Profundización en la amistad y riesgos emocionales

Uno de los focos principales de La Isla Olvidada es el análisis de la amistad en épocas de grandes cambios. Jo y Raissa representan a muchos jóvenes que enfrentan transiciones importantes, como la despedida previa al inicio de la universidad. La presencia de un demonio que borra recuerdos lleva al plano narrativo el temor a que los lazos formados durante la infancia y adolescencia se diluyan con el tiempo y la distancia.

La interacción entre ambas protagonistas es el motor de la historia, llevándolas a tomar decisiones complejas cuando sienten amenazada la conexión que las une. Los sacrificios y desafíos que afrontan para mantener presente lo esencial de su historia compartida adquieren especial significado en una época donde las relaciones personales pueden tornarse inestables. La Isla Olvidada propone reflexionar sobre la importancia de conservar los momentos significativos y el efecto del olvido involuntario, abordando una preocupación presente en cualquier persona que haya temido perder sus propios recuerdos.

Expectativas previas al estreno y el rol de DreamWorks

El estreno de La Isla Olvidada genera grandes expectativas entre la crítica y la audiencia, motivadas en parte por la reputación de DreamWorks, cuya presencia internacional posiciona la película en una amplia vitrina. La decisión de lanzar la cinta en septiembre coincide con el inicio de ciclos lectivos en varios países, lo que refuerza la afinidad con los cambios que experimentan las protagonistas.

Este nuevo enfoque, que incorpora elementos más oscuros y emocionales, busca diferenciar la película de otros éxitos recientes del estudio, como Como entrenar a tu Dragón. La inspiración en mitos filipinos es también vista como un paso hacia la inclusión de mayor diversidad cultural en la animación, aunque resta ver cómo responderán las audiencias de distintos contextos. En cualquier caso, La Isla Olvidada se anuncia como uno de los estrenos más singulares y comentados en la programación cinematográfica de 2024.

Por primera vez en más de una década, Highlander regresa oficialmente con un ambicioso reinicio protagonizado por Henry Cavill y Russell Crowe, quienes interpretan a inmortales en una batalla de escala global. El rodaje, que comenzó a principios de 2026 en Escocia y ha abarcado diversas locaciones internacionales, acaba de recibir un impulso clave con la confirmación, por parte de Crowe, de que ha terminado de filmar sus escenas como Juan Sánchez-Villalobos Ramírez.

Esta noticia no solo entusiasma a los seguidores de la saga, sino que indica que la producción ya se encuentra en su fase final para Amazon MGM Studios, con el objetivo de revitalizar la franquicia para una nueva generación de espectadores.

Un elenco con experiencia internacional y legado de culto

La nueva versión de Highlander está marcada por un elenco de renombre y por la participación de figuras influyentes en el cine de acción. Henry Cavill, conocido mundialmente por sus papeles en franquicias como Superman y The Witcher, asume el desafiante papel de Connor MacLeod, el guerrero inmortal que lucha a lo largo de los siglos. Russell Crowe, ganador de un Oscar, da vida a Ramírez, el legendario mentor y figura clave en la educación y supervivencia de MacLeod.

A ellos se suma Dave Bautista en el papel del Kurgan, el temido antagonista, además de Marisa Abela, Karen Gillan, Djimon Hounsou y Jeremy Irons en roles aún no revelados. La calidad de estas interpretaciones recae no solo en la experiencia de los actores, sino también en su capacidad de recrear la rivalidad e intensidad emocional que distinguieron al film original de 1986, protagonizado por Christopher Lambert y Sean Connery.

Aunque la película retoma la historia central, centrada en la eterna lucha entre inmortales con la meta de que “solo quede uno”, el guion busca actualizar la narrativa integrando elementos modernos de acción característicos de Chad Stahelski, director reconocido por la saga John Wick. Stahelski, además, ha declarado que su visión busca establecer una nueva trilogía, profundizando en la mitología y ampliando los horizontes del universo Highlander.

Una producción internacional para una franquicia legendaria

La dimensión internacional del rodaje refleja el carácter ambicioso del proyecto. Después de iniciar en paisajes escoceses, el elenco y el equipo se trasladaron a Londres, Polonia y Hong Kong para capturar escenarios clave en la historia de los inmortales. Según fuentes cercanas, la producción cuenta con un presupuesto aproximado de 180 millones de dólares, lo que demuestra la fuerte apuesta de Amazon por lanzar no solo una película, sino también una renovada franquicia de acción y fantasía.

Crowe confirmó el avance en la filmación durante el Taormina Film Festival, evento en el que recibió un premio honorífico y aprovechó para elogiar la labor de Stahelski al frente del proyecto. Sin embargo, a pesar del entusiasmo generado y de la noticia de que Crowe ha finalizado sus escenas, aún no existe una fecha oficial de estreno ni la confirmación de que el rodaje haya concluido por completo. La declaración de Crowe sugiere un progreso significativo, aunque las imprecisiones indican que otros protagonistas podrían seguir filmando secuencias esenciales en el calendario de la producción.

Obstáculos, retrasos y altas expectativas

El proceso de rodaje de Highlander no ha estado exento de dificultades. A principios de año, una lesión sufrida por Henry Cavill durante el entrenamiento físico provocó retrasos y ajustes en el cronograma, pero la producción logró recuperarse, demostrando la resiliencia del equipo ante los desafíos habituales de grandes franquicias. Las grabaciones continuaron ininterrumpidamente en distintos países, aportando realismo y variedad a las batallas y a los escenarios que conforman el relato de los inmortales.

El interés y las expectativas respecto a la película se sostienen tanto en el legado de la cinta original como en las credenciales de quienes lideran el proyecto. Stahelski cuenta con un historial que ha transformado el género de acción con John Wick, aportando coreografías de combate y una narrativa visual innovadora. En este contexto, se espera que las secuencias de lucha superen en espectacularidad a las de los años ochenta, y que la historia llegue a un público global gracias a la combinación de mitología celta, acción moderna y conflictos humanos permanentes.

Para la audiencia, el atractivo aumenta con la oportunidad de ver a Henry Cavill y Russell Crowe juntos, una dupla capaz de atraer tanto al público nostálgico de la saga original como a nuevas generaciones interesadas en grandes producciones de acción y fantasía. La confirmación de un elenco de alto nivel actoral, junto con la magnitud técnica y el respaldo de Amazon MGM Studios, posiciona a Highlander como una de las principales apuestas del cine en los próximos años.

Perspectivas y futuro de la nueva saga Highlander

La declaración de la intención de convertir esta nueva entrega en el inicio de una trilogía es fundamental para comprender la envergadura del proyecto. Tanto el guionista como el director buscan revitalizar el material de culto profundizando en narrativas contemporáneas, desarrollando personajes con mayor complejidad y explorando conflictos que trasciendan la fantasía heroica para abordar temas universales como el paso del tiempo, la soledad y el sacrificio inherente a la inmortalidad. La combinación de acción intensa, una identidad visual renovada y una expansión de la mitología inmortal, señala una dirección de continuidad que podría prolongarse varios años y establecer un precedente en la industria del entretenimiento.

El éxito de Highlander, más allá de su estreno, dependerá de la recepción de una audiencia mundial acostumbrada tanto al legado original como a los nuevos estándares del cine de acción. Si supera los retos del rodaje y mantiene la calidad en futuras entregas, el regreso de los inmortales podría convertirse no solo en un evento cinematográfico, sino en el resurgimiento de una franquicia legendaria adaptada a los tiempos y sensibilidades actuales.

El movimiento llegó con una decisión de producción que ordenó el mapa de la franquicia antes del debut: la plataforma confirmó una segunda película, Enfrentados: Ébano, y señaló que el proyecto quedó aprobado de antemano, sin atarlo al desempeño comercial de la primera entrega, de acuerdo con la publicación.

La adaptación quedó planteada como un nuevo capítulo en la relación entre Prime Video y Ron. Ambas películas se produjeron bajo el paraguas de Pokeepsie Films (Banijay Iberia), con Álex de la Iglesia y Carolina Bang como productores, Óscar Pedraza como director y Sofía Cuenca como guionista.

En términos de premisa, Enfrentados: Marfil sigue a Marfil Cortés, hija de un empresario español radicado en Nueva York, cuya vida cambia tras un secuestro y una liberación sin explicación aparente. Ese evento lleva a su padre a contratar al guardaespaldas Sebastián Moore, vínculo que deriva en tensión y romance, primero en Nueva York y luego en España, con amenazas que se intensificaron.

Prime Video blindó la bilogía: segunda película confirmada antes del estreno

La confirmación de Enfrentados: Ébano instaló una señal concreta de estrategia: Prime Video sostuvo la continuidad de la bilogía antes del lanzamiento de la primera parte.

En la novela Marfil, publicada en 2019, la historia se apoyó en un esquema de protección permanente: Moore se instala en el departamento de Marfil, la acompaña a la universidad y permanece a su lado las 24 horas. La segunda parte, Ébano, retoma el relato en un punto de quiebre: lo que Marfil creyó verdadero resulta ser mentira, incluido Sebastián.

El acuerdo House of Ron: hasta 10 adaptaciones y versiones en inglés

El dato industrial más expansivo del paquete llegó con un nombre propio de acuerdo. La publicación indicó que Prime Video y Ron sellaron en febrero de 2026 el pacto denominado House of Ron, que contempló hasta 10 adaptaciones audiovisuales de sus novelas.

Ese paraguas incluyó la bilogía Enfrentados, la trilogía Culpables, las entregas de Dímelo bajito y versiones en inglés de Marfil y Culpables destinadas al público británico.

En un bloque de rendimiento que funcionó como antecedente de negocio para sostener el nuevo impulso, el medio consignó que Culpa nuestra en 2025 encabezó Prime Video como la producción original de habla no inglesa más vista, con más de 100 millones de visualizaciones y el primer puesto en más de 170 países.

Reparto, roles y posicionamiento de la producción

Además de Expósito y García, el reparto incluye a Eric Masip como Iván, Pablo Molinero como Alejandro, Zoe Bonafonte como Gabriela, Lluís Homar como Logan y Joaquín Ferreira como Ray, de acuerdo con la información difundida por la plataforma.

Mercedes Ron y el control creativo: del impacto del guion a la revisión activa

Ron explicitó su lectura del reparto en declaraciones al medio durante una visita a la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. “No me imagino a una Marfil mejor que Ester ni a un Sebastián mejor que Hugo”, dijo la autora.

“Con Culpa mía, por ejemplo, lo sufrí mucho cuando leí el guion. No me terminaba de convencer. Había cosas que no me gustaban nada y después en la peli me encantaron”, afirmó Ron. En la actualidad participó con revisiones y comentarios sobre los guiones, con el objetivo de ganar tranquilidad respecto del nuevo proyecto.

Sobre su método de escritura, Ron afirmó: “Siempre digo que si no te enamorás vos de tu propio libro, no se va a enamorar nadie.” La autora describió el bloqueo creativo como habitual y que completar una novela le demandó al menos seis meses.

El alcance editorial que sostuvo este paquete de adaptaciones quedó expresado en cifras: más de 6 millones de ejemplares vendidos y traducciones a más de veinte idiomas.

Ser padre hoy implica estar en una lucha constante con el acceso de nuestros hijos a la tecnología. Tablets, celulares, computadores, consolas y juguetes inteligentes aparecen en todo momento y Toy Story 5 sirve como una muestra del alcance de este reto.

La trama de la nueva entrega de Pixar se centra en el desafío que enfrentan los juguetes tradicionales (Buzz, Jessie, Woody y demás) ante la irrupción de una tablet, llamada Lilypad, que capta la atención de Bonnie, la niña protagonista.

Y esta batalla no es solo por el tiempo de juego, sino por el sentido de pertenencia, la imaginación y la forma en que los niños construyen vínculos y afrontan sus inseguridades. El punto clave en el que como padres debemos saber intervenir, para no convertir la tecnología en una amenaza.

Quién es el villano de Toy Story 5: ¿la tecnología?

En Toy Story 5, la aparición de la tablet Lilypad representa el temor recurrente de muchos padres: que las pantallas terminen desplazando el juego libre y la socialización presencial.

Bonnie, una niña tímida, recibe el dispositivo con la intención de ayudarla a integrarse con sus posibles amigas. A través de una plataforma digital llamada The Pond, puede chatear, jugar y pertenecer a grupos en línea.

Lo que inicia como una herramienta para facilitar amistades, pronto revela su lado problemático: Bonnie se aísla de sus juguetes y comienza a sentir vergüenza de su propio modo de jugar.

La película retrata cómo la tecnología puede convertirse en antagonista cuando reemplaza la imaginación y la interacción real. La presión social y el miedo al rechazo llevan a Bonnie a esconder su verdadera forma de ser, lo que desemboca en situaciones de bullying y ciberacoso.

Este conflicto no es una simple pelea entre juguetes “buenos” y pantallas “malas”, sino una representación fiel de los desafíos que enfrentan los niños modernos, empujados a madurar antes de tiempo y a renunciar a lo que les da alegría por encajar en un grupo.

Cuál debe ser el rol de los padres, según Toy Story 5

La historia de Toy Story 5 va mucho más allá del entretenimiento infantil. Pixar también quiere poner en evidencia la angustia que viven los padres de Bonnie al ver a su hija sin amigos y los retos que llegan con la compra de una tablet: ¿Hasta qué punto permitir la entrada de la tecnología en la vida de los hijos es beneficioso? ¿Cómo saber cuándo intervenir, orientar o limitar su uso?

La película propone una respuesta clara: la presencia activa y la comunicación abierta son las herramientas fundamentales. Los padres no deben delegar en la tecnología la tarea de socializar o entretener a sus hijos, sino acompañar, dialogar y establecer reglas claras.

Fabio Assolini, investigador en Seguridad para América Latina en Kaspersky, considera que “la educación para un uso seguro y consciente de la tecnología es la principal herramienta de protección que podemos ofrecer”.

Durante la película los padres de Bonnie están en roles diferentes. Si bien durante un tiempo le permiten la interacción con la tablet durante largas horas, también saben intervenir frente a los problemas que surgen de ese exceso, escucharla y enfrentar con ella sus sentimientos.

Cómo termina Toy Story 5 y cuál es su mensaje

El desenlace de Toy Story 5 demuestra que la relación con la tecnología no es de extremos. Lilypad, la tableta que parecía ser la gran villana, termina colaborando con los juguetes para ayudar a Bonnie a reconectar con su verdadera amiga, Blaze.

La historia no concluye con la derrota de la tecnología, sino con su integración en la vida de los niños de manera equilibrada. El verdadero conflicto no es entre lo viejo y lo nuevo, sino entre aquellas herramientas que potencian la imaginación y la libertad, y aquellas que, mal gestionadas, empujan a los niños a esconder quiénes son.

En ese sentido, la película responde de manera directa a la pregunta sobre si la tecnología es mala para los niños: no lo es por naturaleza. El riesgo surge cuando se convierte en el centro absoluto de la vida infantil, desplazando el juego libre y la interacción genuina.

El mensaje que nos deja Toy Story 5 es que una pantalla puede servir para conectar a dos personas, pero no puede sustituir el momento en que esas personas se encuentran, juegan, se escuchan y se reconocen.

Además, que como padres el acompañamiento debe ser continuo, nunca ignorar qué hacen ellos en chats y juegos, con quién hablan, cómo los tratan, cómo se sienten y qué quieren hacer. Todo ese contexto sano permitirá una relación sana con la tecnología.

Aunque Toy Story 5 ya se convirtió en uno de los mayores éxitos cinematográficos del año, la película que llegó a los cines estuvo cerca de terminar de una forma muy distinta. Material publicado en The Art of Toy Story 5 reveló que Pixar desarrolló un desenlace alternativo para Jessie, quien tenía una historia inconclusa con Emily, la niña que la abandonó años atrás.

En la versión descartada, Emily volvía a aparecer muchos años después y lograba reencontrarse con la vaquera.

Así lo explicó Kenna Harris, codirectora y guionista, en el libro de arte de la película: “Emily era ahora una abuela y presentaba su querida muñeca de la infancia a su nieto en una conmovedora secuencia culminante. Dibujé esto para explorar ese momento tan especial, lleno de nostalgia”.

Sin embargo, esa idea no sobrevivió hasta la versión final. Harris aclaró que el estudio optó por otro camino narrativo, aunque el vínculo entre Jessie y Emily siguió siendo el corazón emocional de la historia.

La ilustración del reencuentro está insertada en el libro; sin embargo, no hay más detalles acerca de las circunstancias que habrían conducido a esa reunión.

Entre las posibilidades planteadas por medios especializados se encontraba que Emily respondiera al mensaje sobre los juguetes perdidos que aparece hacia el final de la película o incluso que Jessie terminara convirtiéndose en el juguete de la nieta de su primera dueña. Ninguna de esas ideas llegó al corte definitivo.

El final que eligió Pixar

En lugar de reunir físicamente a Jessie con Emily, Toy Story 5 apostó por una resolución más íntima para el personaje.

La historia gira alrededor de Bonnie, quien comienza a pasar gran parte de su tiempo con una tableta digital llamada Lily Pad, lo que despierta en Jessie el temor de volver a ser olvidada. Tras una serie de acontecimientos, la vaquera regresa accidentalmente a la casa donde vivió con Emily, enfrentándose otra vez al recuerdo del abandono que marcó su vida.

La gran revelación llega cuando Jessie descubre que Emily jamás la olvidó. Cerca del viejo árbol donde ambas jugaban encuentra una lonchera enterrada por la hija de Emily y comprende que aquella mujer llamó Jessie a su propia hija como homenaje a su juguete favorito.

Ese descubrimiento cambia por completo la forma en que interpreta su pasado. En lugar de pensar que fue reemplazada y olvidada, entiende que desempeñó un papel fundamental durante la infancia de Emily y que ese recuerdo permaneció vivo durante décadas.

La artista de storyboards, Tessa Abrams, explicó que esa escena siempre fue considerada una de las más importantes de toda la película por el equipo creativo.

“Sabíamos desde el principio que esta escena era fundamental para el arco de Jessie y, por lo tanto, sería una de las más difíciles de ejecutar. Así que me sentí increíblemente agradecida de que nuestros directores me confiaran esa secuencia”, comentó.

“Ella definía el tiempo que pasó con Emily por cómo terminó: siendo olvidada y desechada. Pero aquí finalmente comprende que esa relación significó mucho más que eso”, afirmó.

El estreno de Toy Story 5 también representó un importante triunfo comercial para Pixar.

De acuerdo con Deadline, la película debutó con 160 millones de dólares en Estados Unidos, convirtiéndose en el mejor estreno del año, el mejor inicio en la historia de la franquicia Toy Story y el segundo mayor debut de una película animada en Norteamérica, solo por detrás de Los Increíbles 2. A nivel mundial, la cinta alcanzó 312 millones de dólares durante su primer fin de semana.

Origen y desarrollo del proyecto

El proyecto cinematográfico surge a partir del impacto internacional generado por la novela Klara y el Sol, escrita por Kazuo Ishiguro, Premio Nobel de Literatura. Taika Waititi, reconocido por su estilo distintivo en películas como Jojo Rabbit y Thor: Ragnarok, aporta a la historia una mezcla de humor, ternura y realismo emocional, elementos presentes en su filmografía. Waititi, proveniente del cine independiente neozelandés y consolidado en Hollywood, asume aquí el desafío de equilibrar lo fantástico y lo humano. La película cuenta con Sony Pictures como productora principal y ha llamado la atención por reunir a Jenna Ortega, Amy Adams y la debutante Mia Tharia en los roles principales.

Durante el proceso de adaptación y rodaje, se ha buscado que la narrativa visual respete la sensibilidad literaria de Ishiguro mientras se exploran los dilemas éticos y emocionales que plantea la inteligencia artificial. Las primeras imágenes muestran una ambientación contemporánea centrada en las dinámicas íntimas de una familia que enfrenta el duelo y la incomunicación.

Sinopsis y tratamiento de los temas principales

Klara y el Sol narra la historia de Klara, una Amiga Artificial diseñada para acompañar a los humanos y ayudarlos a sobrellevar la soledad. Interpretada por Jenna Ortega, Klara es adquirida con el propósito de brindar consuelo a Josie, interpretada por Mia Tharia, una adolescente afectada por una gran pérdida y una relación complicada con su madre, interpretada por Amy Adams. La interacción entre estos personajes desencadena una transformación profunda en el núcleo familiar.

A diferencia de otras obras recientes sobre inteligencia artificial, tanto el libro como la película evitan un enfoque distópico o amenazante. Taika Waititi elige una visión optimista y empática, donde la inteligencia artificial, representada por Klara, simboliza la esperanza de recuperar la confianza y el afecto dentro de la familia. En este sentido, la película invita a cuestionar la capacidad de las máquinas para nutrir los afectos humanos y el papel de la tecnología en la reconstrucción de lazos rotos.

La familia está al borde del colapso, marcada por la ausencia y el trauma. Sin embargo, la llegada de Klara, cuya inocencia y dedicación contrastan con el dolor de los miembros humanos, actúa como un catalizador para el reencuentro y la sanación. El enfoque de Waititi da preferencia a los primeros planos y los gestos sutiles, resaltando la tensión entre la frialdad tecnológica y la calidez emocional.

Reacciones y nivel de expectativas

La presentación del primer tráiler ha generado gran expectación en redes sociales y medios especializados, donde se destaca la versatilidad de Jenna Ortega y la fuerte química actoral con Amy Adams y Mia Tharia. La comunidad cinéfila reconoce la capacidad de Waititi para tratar, a través de la ciencia ficción, temas sensibles y actuales como la soledad, la resiliencia y la búsqueda de sentido en situaciones adversas.

Críticos y especialistas señalan que, aunque la historia se fundamenta en la inteligencia artificial, resulta conmovedora por la cercanía de sus conflictos: el distanciamiento entre madre e hija, el duelo familiar y la necesidad de ser comprendidos tras una pérdida. Frente al avance continuo de la inteligencia artificial en la vida cotidiana, la película propone reflexionar sobre si la tecnología puede servir, no para aislar, sino para ser un puente que facilite la curación de heridas emocionales.

Para las familias y el público general, Klara y el Sol ofrece una alternativa a las narrativas tradicionales sobre el peligro de la automatización, sugiriendo que incluso los artefactos programados pueden generar cambios humanos genuinos cuando se integran en el cuidado diario. Se espera que el estreno marque el inicio de nuevas conversaciones sobre la convivencia con máquinas sensibles y sobre lo que esperamos de la inteligencia artificial en el ámbito de las comunidades reales.

La industria audiovisual atraviesa un momento de transformación histórica con la alianza entre A24 y Google DeepMind, un acuerdo que busca redefinir los procesos creativos y técnicos a través de la inteligencia artificial. Este movimiento plantea nuevas posibilidades para la narrativa cinematográfica y pone sobre la mesa debates sobre el futuro del empleo y la autoría en el cine.

El anuncio de la colaboración llega en un contexto donde la inteligencia artificial comienza a impactar de lleno en el desarrollo y la producción de películas y series, según ha advertido un informe de McKinsey. Directivos, sindicatos y expertos de la industria observan con atención los cambios que esta tecnología puede provocar en la creatividad, la economía y los modelos de trabajo tradicionales.

En qué consiste la alianza entre Google y A24

La colaboración entre A24 y Google DeepMind se presenta como una iniciativa pionera orientada a la investigación y el desarrollo de nuevas herramientas basadas en inteligencia artificial. El objetivo es que los cineastas participen activamente en la creación y adaptación de tecnologías que respondan a sus necesidades narrativas y de producción, y que permitan ampliar los límites de la creatividad audiovisual.

La alianza implica la inversión directa de Google en el estudio, así como la creación de equipos conjuntos de trabajo para explorar y experimentar con flujos de trabajo, técnicas y soluciones innovadoras. Se espera que los resultados de este enfoque colaborativo no solo optimicen los procesos existentes, también faciliten la aparición de métodos inéditos de realización y posproducción.

La inteligencia artificial y su vinculación en la cinematografía actual

El uso de inteligencia artificial en el cine no es nuevo, pero su integración a gran escala se acelera con alianzas como la de A24 y Google. De acuerdo con McKinsey, la IA ya se emplea en etapas como la preproducción, donde ayuda a desglosar guiones, visualizar secuencias y planificar recursos con una eficiencia inédita, logrando aumentos de productividad de hasta un 10% en algunos casos.

Estas herramientas permiten anticipar problemas y optimizar la toma de decisiones antes de que las cámaras empiecen a rodar. En la producción física, la adopción avanza a un ritmo más lento, en parte por limitaciones técnicas y por la necesidad de preservar la integridad creativa. Voces de la industria, como Kevin Lingley, vicepresidente ejecutivo de Fremantle, subrayan que la implicación emocional del espectador sigue siendo prioritaria, por lo que el equilibrio entre tecnología y autenticidad resulta clave.

En la posproducción, la presencia de inteligencia artificial ya se percibe en tareas como la edición, el doblaje y la localización de contenidos. La automatización de procesos repetitivos permite agilizar calendarios y reducir costes, mientras que la calidad visual y sonora avanza hacia nuevos estándares.

Cambios en el empleo y retos para la creatividad

El informe de McKinsey ha alertado sobre el impacto de la automatización en los puestos de trabajo dentro del sector audiovisual. Si bien muchas tareas técnicas se verán reducidas o transformadas, también podrían surgir nuevos roles vinculados a la gestión y supervisión de tecnologías de inteligencia artificial. Los sindicatos han comenzado a negociar cláusulas que protejan los derechos de imagen y la compensación de los profesionales creativos, en un intento de equilibrar la innovación con la protección del talento humano.

La introducción de sistemas inteligentes en el cine abre el debate sobre la autoría y la autenticidad en la obra audiovisual. Los expertos coinciden en que la creatividad seguirá dependiendo de la visión artística, aunque los medios y herramientas para plasmarla evolucionen de forma acelerada.

La alianza entre A24 y Google DeepMind representa el comienzo de una etapa de exploración conjunta, donde los límites de la tecnología y la narrativa audiovisual serán puestos a prueba en múltiples proyectos. El enfoque inicial busca reducir la distancia entre la innovación tecnológica y el entretenimiento de próxima generación, sentando las bases para una colaboración que promete cambiar la forma en que se conciben, producen y disfrutan las películas.

La película, dirigida por el joven youtuber Kane Parsons y protagonizada por Chiwetel Ejiofor, se ubica entre los lanzamientos más destacados del año, impulsada por el fenómeno de internet que la precede y la profundidad conceptual que plantea.

En la mañana del estreno, Ejiofor conversó en una entrevista para Interview Magazine con el director de terror Mike Flanagan, conocido por su trabajo en “La maldición de Hill House” y encargado de la próxima adaptación de “El exorcista”.

En este intercambio, ambos abordaron la influencia del terror como género y su capacidad para funcionar como espejo social, al tiempo que exploraron el significado contemporáneo de la actuación y la transformación de la realidad en la era digital.

Un fenómeno viral llevado a la gran pantalla

Backrooms adapta el universo de los espacios liminales, concepto que surgió en internet y se viralizó a través de videos en YouTube, en una experiencia cinematográfica que desafía los límites de la percepción y la memoria. En la película, Ejiofor interpreta a Clark, un dueño de tienda y arquitecto cuya vida da un giro al caer en un laberinto de pasillos infinitos bajo luces fluorescentes.

Según Interview Magazine, la producción destacó no solo por su origen digital, sino por el impacto emocional que genera. El actor de 48 años reconoció que, aunque la recepción del público resulta impredecible, el proceso de filmación estuvo marcado por la esperanza y la pasión del equipo.

“Siempre es un proceso lleno de esperanza. De principio a fin, es un reto mantener el optimismo, aunque todos hayamos estado en el set, sintiendo una gran pasión por el material”, expresó.

El terror como reflejo de la condición humana

Durante su conversación, Flanagan y Ejiofor coincidieron en que el terror posee la capacidad de revelar aspectos profundos de la psique colectiva. El actor británico mencionó que este género puede provocar reacciones físicas y emocionales inmediatas, conectando con miedos primitivos y exponiendo, en algunos casos, zonas incómodas de la mente.

Citó ejemplos como “El resplandor” y “El silencio de los inocentes” para ilustrar cómo las películas pueden ir más allá del susto superficial y abrir preguntas sobre la naturaleza humana. “Hay algo muy primitivo en esa reacción”, afirmó Ejiofor en la entrevista.

Al recordar su experiencia viendo El resplandor, señaló que la película no lo impulsaba a apartar la mirada, sino que lo enfrentaba a aspectos profundos de sí mismo. “Algunas partes de tu psique quedan expuestas de una manera profundamente incómoda y aterradora”, comentó.

El universo de Backrooms y la era tecnológica

El guion de Backrooms llegó a manos de Ejiofor acompañado de material sobre los espacios liminales y los videos creados por Kane Parsons.

Aunque hasta entonces desconocía el fenómeno de internet, el actor quedó impresionado por la propuesta y por el nivel de realismo de las imágenes originales. “Parecía muy realista, pero debía de haber sido generado por computadora, de lo contrario habría costado más que el presupuesto de muchas películas”, señaló.

Interview Magazine también destacó el carácter artesanal de la producción, pese a que el universo de Backrooms nació a partir de herramientas digitales.

Ejiofor valoró especialmente la decisión de construir gran parte de los escenarios de manera física, ya que consideró que eso permitió a los actores interactuar con un entorno real y no depender exclusivamente de elementos añadidos en posproducción.

“La mejor manera de mantener el control es si todo es una sola cosa, si realmente construimos los Backrooms”, explicó al referirse a la importancia de contar con decorados tangibles durante el rodaje.

Alegoría de la tecnología y el aislamiento

Para Ejiofor, el personaje de Clark permite explorar inquietudes muy actuales relacionadas con las expectativas de la vida adulta, los arrepentimientos y la búsqueda de sentido cuando la realidad no coincide con aquello que se esperaba alcanzar.

En ese contexto, el actor interpretó Backrooms como una metáfora de la relación cada vez más estrecha entre las personas y la tecnología. “Lo más parecido que se me ocurre es la tecnología en sus múltiples formas y sus diversas maneras de ofrecer una solución infinita al problema del yo”, declaró a Interview Magazine.

Según explicó, la película plantea interrogantes sobre la tendencia a utilizar la tecnología como refugio frente a emociones difíciles o conflictos personales.

El arte de actuar según Ejiofor

Al cierre de la conversación, Flanagan solicitó a Ejiofor que definiera la actuación para alguien que no tuviera conocimiento del oficio. El actor respondió que “se trata de intentar sentir la realidad física, emocional y psicológica de un individuo”, añadiendo que la conexión con el miedo propio es fundamental para interpretar la verdad de cualquier personaje.

También explicó que la clave de su trabajo consiste en encontrar puntos de conexión entre las emociones del personaje y las propias. En ese sentido, sostuvo: “Si puedo conectar el miedo de un personaje con mi propio miedo, entonces creo que puedo interpretar la verdad de ese personaje”.

El largometraje, estrenado originalmente en los cines el 19 de diciembre de 2025, llega a la plataforma tras una espera cercana a los seis meses, un período más largo de lo habitual para los estrenos de Disney. Según explicó el medio especializado Digital Spy, esta decisión responde a la preferencia de James Cameron por privilegiar la experiencia en salas de cine antes de que sus películas pasen a plataformas on demand.

¿De qué trata ‘Avatar 3’?

La nueva película retoma la historia de Jake Sully, Neytiri y el resto de la familia Sully. Tras sufrir una pérdida devastadora, los protagonistas viven entre el clan Metkayina mientras intentan reconstruir sus vidas y proteger a uno de sus seres queridos.

Durante ese viaje conocen a dos nuevos pueblos Na’vi. Por un lado aparecen los Wind Traders, una comunidad nómada que viaja en enormes embarcaciones impulsadas por velas similares a medusas. En contraste, surge el Pueblo de las Cenizas (Ash People), un clan marcado por el dolor, la ira y una compleja historia, liderado por Varang, personaje interpretado por Oona Chaplin.

James Cameron ya había adelantado que esta entrega mostraría una faceta diferente de los Na’vi. En entrevistas previas al estreno explicó que quería romper con la visión presentada en las primeras películas, donde los humanos representaban el lado más negativo y los Na’vi aparecían como héroes casi absolutos. Con el Pueblo de las Cenizas, el director introduce personajes moralmente más complejos y expande los conflictos internos de Pandora.

Reparto y equipo creativo

La tercera entrega reúne nuevamente a gran parte del elenco que ha acompañado la franquicia desde sus inicios. Sam Worthington regresa como Jake Sully y Zoe Saldaña vuelve a interpretar a Neytiri, mientras que también participan Sigourney Weaver, Stephen Lang, Joel David Moore, Jack Champion, Britain Dalton, Cliff Curtis, Kate Winslet, Bailey Bass, Jamie Flatters, Trinity Jo-Li Bliss y Filip Geljo. La principal incorporación es Oona Chaplin, quien da vida a Varang, la líder del Pueblo de las Cenizas.

James Cameron dirigió la película y escribió el guion junto con Rick Jaffa y Amanda Silver. La historia fue desarrollada por Cameron, Jaffa, Silver, Josh Friedman y Shane Salerno.

Un éxito de taquilla y de efectos visuales

‘Avatar: Fuego y cenizas’ fue una de las películas más taquilleras de 2025. Durante su recorrido por los cines recaudó aproximadamente 1.490 millones de dólares en todo el mundo, de los cuales 404,3 millones provinieron de Estados Unidos y Canadá y 1.086 millones del resto de mercados internacionales.

Su desempeño también impulsó los ingresos de IMAX. La compañía informó que la tercera película de Avatar generó 112 millones de dólares en venta de entradas para ese formato, convirtiéndose en la producción de Hollywood con mayor recaudación en la historia de IMAX.

Por otro lado, en la temporada de premios, la cinta obtuvo el Oscar 2026 a Mejores Efectos Visuales, además de una nominación a Mejor Diseño de Vestuario. También recibió nominaciones a los Globos de Oro por la canción original “Dream As One” y en la categoría de Logro Cinematográfico y de Taquilla.

¿Cuándo y a qué hora se estrena ‘Avatar: Fuego y cenizas’ en Disney+?

Disney confirmó que ‘Avatar: Fuego y cenizas’ estará disponible desde el martes 24 de junio exclusivamente en Disney+. La plataforma liberará la película a las 00:00 horas (PT) en la costa oeste de Estados Unidos, 03:00 horas (ET) en la costa este y 04:00 horas en Argentina, siguiendo el horario habitual de sus estrenos internacionales.

Con su incorporación al catálogo, Disney+ reunirá por primera vez las tres películas de la franquicia: ‘Avatar’ (2009), ‘Avatar: El camino del agua’ (2022) y ‘Avatar: Fuego y cenizas’, además del documental ‘Fire and Water: Making the Avatar Films’, que muestra el proceso de producción de las dos secuelas.

Los años 80 representaron un punto de quiebre en la historia del cine occidental. Fue la década en que Hollywood abandonó el modelo autor-centrista del New Hollywood de los 70 y abrazó lo que se conoció como el “high concept”, películas diseñadas para ser entendidas y vendidas en una o dos oraciones. El productor Don Simpson (Flashdance, Beverly Hills Cop, Top Gun) fue uno de los principales impulsores de este formato, que desde aquel entonces se convirtió en la fórmula dominante del blockbuster moderno.

No fue solo una cuestión de estrategia comercial esta movida. La década también vio la consolidación de nuevos géneros, la aparición de estrellas que definirían el imaginario popular durante generaciones, y saltos tecnológicos que ampliaron radicalmente lo que era posible mostrar en una pantalla. El resultado fue una serie de películas que no solo recaudaron millones, sino que cambiaron la forma en que se cuentan historias en el cine.

El blockbuster como fenómeno cultural

El impulso inicial de la década llegó por inercia de los 70. Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (Star Wars: Episodio V - El imperio contraataca, 1980), la primera secuela de Star Wars, abrió el año como la película más taquillera del período. Un año después, Raiders of the Lost Ark (Los cazadores del arca perdida, 1981) -colaboración entre George Lucas y Steven Spielberg, con Harrison Ford como Indiana Jones- generó un renovado interés en los seriales de aventuras de los años 30 y se convirtió en la película más taquillera de 1981. El personaje también dio comienzo a una saga cuyos títulos siguientes figuraron entre los diez mayores éxitos comerciales de la década.

El dato más elocuente sobre el poder del cine de esa época lo aporta E.T. the Extra-Terrestrial (1982), de Spielberg. La película recaudó 792 millones de dólares en todo el mundo, un 40 por ciento más que cualquier film de Star Wars hasta ese momento, y el doble o triple de los ingresos de 46 de las 50 películas más taquilleras de la historia hasta entonces. En términos concretos, fue la película más vista de toda la década.

La ciencia ficción se bifurca

Mientras E.T. mostraba que la ciencia ficción podía ser íntima y familiar, Blade Runner (1982) demostró que también podía ser filosófica y oscura. Dirigida por Ridley Scott, con Harrison Ford como un detective que persigue androides en una ciudad futurista, la película construyó un lenguaje visual que influyó en décadas de cine cyberpunk y neo-noir. Su estética sigue siendo punto de referencia obligado.

En el otro extremo del espectro, Back to the Future (Volver al Futuro, 1985) -dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Michael J. Fox- introdujo el viaje en el tiempo como concepto accesible y divertido para el público masivo. La película se ubicó en el puesto cinco entre las películas más taquilleras de la década, con 381 millones de dólares recaudados, y la figura de Marty McFly se convirtió en un ícono generacional.

El terror como arte y como franquicia

El terror de los 80 vivió una dualidad notable. Por un lado, Stanley Kubrick elevó el género al campo del arte con The Shining (El Resplandor, 1980), protagonizada por Jack Nicholson. Su construcción de tensión mediante la puesta en escena y la psicología del personaje redefinieron lo que el cine de terror podía aspirar a lograr. Décadas después, la película mantiene su estatus como referencia ineludible.

Por otro lado, la década también consolidó la lógica de las franquicias de horror con villanos indestructibles. Así llega Halloween, Friday the 13th (Viernes 13) y A Nightmare on Elm Street (Pesadilla en lo profundo de la noche) dominaron las carteleras con secuelas que acumulaban cuerpos y recaudación. Esta dualidad -el horror como arte y el horror como producto serial- convive hasta hoy en la industria.

La acción se reinventa

Los 80 fueron la década de consagración del cine de acción como género dominante en Hollywood, con Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone como sus mayores exponentes. The Terminator (1984), dirigida por James Cameron y protagonizada por Schwarzenegger, fusionó la ciencia ficción con la acción de una forma que no había existido antes, donde una máquina asesina del futuro como antagonista imparable instaló narrativas tecnológicas y mecánicas que influirían en incontables producciones posteriores.

Die Hard (Duro de Matar, 1988), con Bruce Willis, tomó otro camino. En lugar del héroe invencible, propuso un personaje vulnerable, sarcástico y físicamente limitado. Su estructura -un hombre solo contra terroristas en un edificio- se convirtió en el modelo narrativo del cine de acción de los años 90 y 2000.

Top Gun (1986), con Tom Cruise, sumó otra dimensión a toda esta parafernalia, introduciendo (por así decirle) la cinematografía y el diseño de sonido como experiencia sensorial. Fue la séptima película más taquillera de la década, con 357 millones de dólares, y tuvo un efecto inmediato sobre la moda, la música y la cultura popular de la época.

Ghostbusters y la mezcla de géneros

Una de las características más distintivas del cine de los 80 fue la combinación de géneros. Ghostbusters (Los cazafantasmas, 1984), con Bill Murray al frente, demostró que fusionar comedia y terror sobrenatural podía generar tanto un éxito comercial masivo como un fenómeno cultural de largo aliento. La película recaudó casi 297 millones de dólares y generó una franquicia que persiste hasta hoy. La imagen de los cuatro cazafantasmas con sus equipos de protones en la espalda se volvió instantáneamente reconocible para toda una generación.

El cine adolescente y el coming-of-age

John Hughes se convirtió en el cronista más influyente de la adolescencia en los 80. The Breakfast Club (El club de los cinco, 1985), capturó la identidad juvenil con una profundidad emocional que pocas películas habían alcanzado hasta entonces. Al desafiar los estereotipos del cine teen y mostrar la complejidad psicológica de sus personajes, Hughes fijó los parámetros del género coming-of-age para las décadas siguientes.

El crimen como mito: Scarface

Scarface (Caracortada, 1983), con Al Pacino, fue otro caso de película que excedió su propio género para convertirse en fenómeno cultural. Su retrato de la ambición desmedida, el poder y la caída del protagonista reconfiguró el cine de crimen y gangsters, y su influencia en la música, la moda y el imaginario popular continúa siendo visible décadas después.

La guerra como trauma psicológico

El cine bélico también vivió una transformación en los 80. Vietnam, que había sido un tema casi tabú en la pantalla durante los 70, se volvió un terreno frecuentado. Full Metal Jacket (Nacido para matar, 1987) exploró el impacto psicológico del entrenamiento militar y la guerra con una estructura narrativa en dos partes que resultó tan influyente como perturbadora. Su aproximación al conflicto desde la deshumanización marcó el camino para la representación de la guerra en las décadas siguientes.

Who Framed Roger Rabbit y los límites técnicos

Uno de los avances tecnológicos más significativos de la década llegó en 1988 con Who Framed Roger Rabbit (¿Quién engañó a Roger Rabbit?), dirigida por Robert Zemeckis y protagonizada por Bob Hoskins. La película combinó acción en vivo con animación de una manera que hasta entonces no había sido posible, y su éxito tuvo consecuencias concretas, ya que el triunfo comercial y crítico de la película le devolvió a Disney la confianza en su división de animación, lo que al año siguiente derivó en el lanzamiento de The Little Mermaid (La Sirenita) y el inicio de la llamada Era del Renacimiento Disney.

Una década en disputa

No todos recuerdan los 80 como una era de esplendor. El director Quentin Tarantino llegó a calificarla como una de las peores para el cine estadounidense, y el crítico Kent Jones coincidió en esa valoración. Sin embargo, el teórico del cine David Bordwell señaló que la mentalidad del “megapicture” ya existía en los 70, y que varios de los realizadores del New Hollywood -Martin Scorsese, Brian De Palma, John Carpenter- siguieron produciendo obras notables durante esa década.

Lo que sí resulta difícil de discutir es el peso que los 80 tuvieron sobre la industria. La clasificación PG-13, creada en 1984 a raíz de la violencia de Indiana Jones and the Temple of Doom (Indiana Jones y el templo de la perdición) y Gremlins, es uno de los cambios estructurales más concretos que dejó la década. La lógica del franchise -especialmente en los géneros de ciencia ficción, terror y acción- se consolidó entonces y no ha dejado de expandirse desde ese momento.

En más de seis décadas, James Bond pasó por seis actores y 25 películas oficiales, sin contar un par de producciones ajenas al estudio Eon. Desde el estreno de 007 contra el Dr. No en Londres, el 5 de octubre de 1962, la saga construyó un imaginario que excede al cine. Estas son, para nosotros, las películas más icónicas del agente: las que marcaron una época, fijaron una fórmula o quedaron en la memoria de los fanáticos.

Vive y deja morir (1973)

El debut de Roger Moore llegó con una de las mejores canciones de toda la saga, el tema de Paul McCartney & Wings que años después harían suyo hasta los Guns N’ Roses. La película se anima con vudú, magia negra y el inquietante Barón Samedi, en una aventura distinta a todo lo anterior.

Operación Trueno (1965)

Uno de los mayores éxitos de taquilla del personaje. Sean Connery se enfrenta al villano Emilio Largo en una trama de ojivas nucleares robadas, pero lo que la volvió memorable son sus secuencias de acción submarina, espectaculares para la época. La canción corre por cuenta de Tom Jones.

Al servicio secreto de Su Majestad (1969)

La única protagonizada por George Lazenby y, aun así, una de las más queridas por los seguidores más duros. Diana Rigg interpreta a Tracy, el gran amor de Bond, en una historia que mezcla las persecuciones en esquí con el final más trágico de toda la saga. Es, además, la película favorita de Christopher Nolan.

La espía que me amó (1977)

La cumbre de la etapa de Roger Moore. Trae uno de los autos más recordados del personaje, capaz de sumergirse y moverse bajo el agua, al villano Karl Stromberg y a Tiburón, el matón interpretado por Richard Kiel que se volvió ícono por derecho propio. La canción Nobody Does It Better, de Carly Simon, hizo el resto.

Desde Rusia con amor (1963)

La segunda aventura de Sean Connery y una de las grandes películas sobre la Guerra Fría. Robert Shaw da vida a Red Grant, uno de los primeros grandes adversarios de 007, parte de la acción transcurre a bordo del Orient Express y aquí la organización SPECTRE empieza a tomar forma como enemiga recurrente.

GoldenEye (1995)

El regreso de Bond en los noventa, ahora con la cara de Pierce Brosnan, y el reinicio que aseguró la supervivencia de la franquicia. Para el público gamer pesa todavía más: su adaptación para Nintendo 64 se transformó en uno de los videojuegos más influyentes de su generación. Le suman peso la canción de Tina Turner y la villana Xenia Onatopp.

Casino Royale (2006)

El reinicio que presentó a Daniel Craig y conquistó a una nueva generación de fanáticos. Dejó atrás los gadgets para mostrar un Bond más áspero y físico, con Eva Green como Vesper Lynd y Mads Mikkelsen como el atormentado Le Chiffre. La dirigió Martin Campbell, el mismo de GoldenEye.

Skyfall (2012)

Dirigida por Sam Mendes, es uno de los puntos más altos de la era de Daniel Craig. Javier Bardem compone a Raoul Silva, uno de los villanos más perturbadores de la saga, Judi Dench tiene un papel central como M y Adele pone la voz al tema principal.

007 contra el Dr. No (1962)

La piedra fundacional. La primera aparición de Connery como Bond es una de las entradas en escena más icónicas de la historia del cine, y aquí debuta la chica Bond, con Ursula Andress como Honey Ryder. Sentó las bases de todo lo que vendría: el agente, el villano con un plan descabellado y el exotismo de las locaciones.

James Bond contra Goldfinger (1964)

La más icónica de todas. La tercera aventura de Connery fijó la fórmula que el resto intentaría repetir durante décadas: los gadgets, un villano inolvidable, el Auric Goldfinger de Gert Fröbe y su secuaz Oddjob, y la frase del martini “agitado, no revuelto”. El tema de Shirley Bassey terminó de volverla sinónimo de James Bond.

Estas fueron algunas de las reflexiones que compartió en The Interview, el podcast de The New York Times, donde también habló sobre la evolución de su carrera, el valor de la colaboración creativa y los desafíos que enfrentan quienes buscan desarrollar nuevas ideas dentro de la industria.

Durante la entrevista, el actor, guionista y productor de 44 años puso como ejemplo a Supercool, la comedia que escribió junto con Evan Goldberg y que se estrenó en 2007. “Ningún estudio actualmente compraría un guion como el de Supercool y lo rodaría de inmediato. Hoy, Hollywood evita riesgos”, afirmó.

La transformación personal de Seth Rogen en busca de la satisfacción creativa

El principal aprendizaje de este tiempo, sostiene Rogen, fue anteponer la satisfacción creativa propia a la validación externa. Explicó que, aunque en el pasado buscaba aprobación, ahora su prioridad está en disfrutar del proceso y confiar en sus colaboradores. “La validación externa guiaba mis primeros años; ahora busco sentirme satisfecho con el proceso creativo”, comentó.

Reconoció que su autocrítica reemplazó al enojo generado por presiones externas, y que ese diálogo consigo mismo es parte de su madurez. “Mi enojo ya no es con otros, sino conmigo cuando siento que no di lo mejor”, añadió al podcast de The New York Times.

Igualmente, afirma haberse liberado de la obsesión por el dinero y la competencia, manifestando: “El regalo que me di fue dejar de pensar todo el tiempo si fui suficientemente bueno”.

Para Rogen, los logros se miden por el valor del proceso más que por el aplauso ajeno. Dirigir, escribir y producir le resultan más gratificantes que actuar, y considera fundamental el trabajo conjunto para potenciar el resultado.

Amistad y colaboración: el valor de los lazos auténticos en la obra de Rogen

Las relaciones genuinas, tanto en el cine como en la vida, fueron clave en la trayectoria de Rogen. La amistad masculina franca y vulnerable ocupa un lugar central en películas como Supercool, nacida de su experiencia adolescente junto a su socio creativo Evan Goldberg.

“Nuestra amistad creativa empezó cuando teníamos 13 años y nunca dejó de sorprendernos. Aprendimos juntos a contar historias, a escribir y a identificar lo gracioso y conmovedor. Compartimos el mismo sentido del humor”, relató.

Para Supercool, ese enfoque auténtico sobre la vulnerabilidad masculina diferenciaba la película en la industria: “Las amistades auténticas y vulnerables, en la vida y en la pantalla, han sido mi clave creativa”, subrayó. El valor de los vínculos está, según él, en la capacidad de los hombres para expresar emociones y apoyarse más allá del entretenimiento superficial.

En sus proyectos, la retroalimentación y la colaboración con amigos y colegas resultan esenciales. “Prefiero rodearme de un comité creativo en el que confío antes que afrontar todo en soledad. La colaboración mejora todo”, señaló.

El desafío tecnológico: inteligencia artificial y oportunidades para nuevos cineastas

Rogen, en The Interview podcast, también abordó el papel de la tecnología y celebró la democratización de herramientas digitales, que ha dado lugar a nuevas voces creativas. Aunque valora que cualquier persona, incluso con pocos recursos, pueda filmar y compartir su trabajo, mantiene reservas respecto al uso de la inteligencia artificial en la escritura creativa.

“La inteligencia artificial no tiene sentido para la escritura creativa; la interacción humana es insustituible”, señaló. Sostiene que el intercambio entre personas es irremplazable para generar ideas originales.

Aunque admitió que algunas personas recurren a herramientas de inteligencia artificial como ChatGPT para desarrollar ideas o escribir, aseguró que nunca se sintió atraído por ese tipo de recursos. “Nada sustituye a un colaborador real: hasta el peor amigo es más útil que un programa”, ironizó.

Rogen celebra la irrupción de jóvenes directores como Kane Parsons y Curry Barker, quienes lograron notoriedad en YouTube siendo apenas veinteañeros. Defiende que, gracias al avance tecnológico, cualquiera puede demostrar su talento con recursos mínimos.

Además, cree que la industria experimenta cambios frecuentes, por lo que confía en que las nuevas generaciones podrán abrirse camino si logran conectar con el público y ofrecer propuestas de valor.

El ecosistema de Hollywood atraviesa transformaciones constantes. Aunque la industria tienda a protegerse y eluda el riesgo creativo, siempre habrá espacio para quienes deseen hacer algo diferente y busquen la excelencia.

Ante la expansión tecnológica y la uniformización comercial, invita a los nuevos talentos a aprovechar las oportunidades y apostar por la creación de historias propias.

Rogen afirmó que la disposición a asumir riesgos continúa siendo un elemento clave para impulsar nuevos proyectos en Hollywood. Además, destacó la importancia del trabajo y la constancia en una industria altamente competitiva, y señaló que tanto los profesionales consolidados como quienes comienzan su carrera deberían apostar por proyectos ambiciosos en lugar de limitarse a opciones más seguras.

Corría octubre de 1986 cuando el cineasta francés Jean-Jacques Annaud estrenó El nombre de la rosa, la ambiciosa adaptación cinematográfica de la novela homónima de Umberto Eco. Hoy considerada un clásico del thriller histórico, la película no tuvo un recibimiento sencillo. Buena parte de la crítica italiana la recibió con frialdad e incluso hostilidad. “¡Qué delito esta rosa!”, tituló el diario Il Messaggero.

La reacción era comprensible. La novela de Eco, publicada seis años antes, había vendido millones de ejemplares en todo el mundo y se había convertido en un fenómeno literario. ¿El motivo? Una trama detectivesca inspirada en Sherlock Holmes con dos monjes como protagonistas. El fraile franciscano Guillermo de Baskerville y a su joven discípulo Adso de Melk mientras investigan una serie de asesinatos en una aislada abadía benedictina en los Apeninos italianos

Admirador declarado de la obra del escritor italiano, el cineasta compró el libro nada más publicarse y durante cuatro años trabajó en la cinta decidido a convertirlo en su siguiente proyecto, que finalmente fue coproducida entre Italia, Francia y Alemania.

Protagonizada por Sean Connery y el entonces desconocido Christian Slater, el escocés que dio vida a James Bond interpretaba al monje franciscano, mientras que Slater daba vida al joven que documenta los acontecimientos y acompaña a su maestro en la investigación.

El desafío de adaptar a Eco

Pese al escepticismo de la crítica, Annaud estaba convencido de que había encontrado la fórmula para trasladar a la pantalla una novela que muchos consideraban inadaptable. Para ello sacrificó parte de los extensos debates filosóficos, teológicos y semióticos presentes en el libro y reforzó los elementos de suspense y de romance.

Actualmente, la cinta acumula un 72% de opiniones favorables en Rotten Tomatoes por parte de 25 críticos y un 82% por parte de más de 25.000 usuarios. Por ejemplo, la crítica Mary Ann Brussat la describió como “un thriller espiritual que se sostiene gracias a sus profundos temas y sus grandes actuaciones”. Entre las valoraciones más elogiosas figura la del crítico Nick Rogers, de Midwest Film Journal, quien destacó que la película no se limita a ser un simple misterio detectivesco y que “importa tanto el porqué del crimen como quién lo cometió”.

Además, la industria también acabó premiando el trabajo de Annaud y su equipo. Connery obtuvo el BAFTA al mejor actor por su papel de Guillermo de Baskerville, mientras que la producción se alzó con otro BAFTA por su maquillaje, uno de los aspectos más celebrados de la película gracias a su detallada recreación de la Edad Media. El reconocimiento continuó en Francia, donde la cinta ganó el César a la mejor película extranjera.

Hablar de Mortal Kombat en el cine es un tanto extraño en el 2026. La realidad es que desde hace más de 10 años, todos los juegos de la franquicia podrían considerarse películas en sí mismos, porque NetherRealm Studio supo perfeccionar la idea del modo historia para entregar experiencias altamente cinematográficas. Incluso a pesar de que cada tanto, esas escenas son interrumpidas por la necesidad de golpear a la CPU con algún personaje.

Quizás un poco por eso la película de Mortal Kombat de 2021 sintió la necesidad de hacer algo tan distinto. Reimaginar algunos de los íconos más reconocidos de la saga, todos girando alrededor de un nuevo protagonista completamente original, que no funcionaba realmente como una historia de Mortal Kombat. Con el anuncio de la segunda película, que se estrenó en cines hace algunos meses y ahora habiendo estrenado su versión Premium Digital, había una preocupación real por recibir otra película que no entienda la franquicia.

Mortal Kombat II, por suerte, no corre con ese problema. Esta película pone el foco en dos personajes particulares: un Johnny Cage cuyos años de gloria pasaron hace rato, y una Kitana que busca reclamar el reino de Edenia de las garras de su tirano “padre” falso Shao Kahn. Ninguna de las dos historias son realmente nuevas para la franquicia, y en cierto punto eso es uno de los puntos a favor de esta película.

Desde el lado de Johnny Cage, interpretado por Karl Urban, su historia toma muchas ideas de los arcos narrativos del personaje en Mortal Kombat X y en Mortal Kombat 1. El personaje de esta película es una combinación de esas personalidades, con un toque de humor irreverente que ayuda mucho a darle a Mortal Kombat II el corazón que necesita para ser entretenida durante sus casi dos horas.

Kitana, por otro lado, recuerda un poco a su arco en Mortal Kombat 11, aunque el resto de los personajes involucrados en esta parte de la narrativa no corren con la misma suerte. Sindel, por ejemplo, es uno de los personajes más desaprovechados de la película entera, incluso a pesar de que su historia en sí no se aleje demasiado de los que los primeros videojuegos presentaban. Simplemente, no se hizo lo suficiente para que destaque su inclusión.

Ese es quizás uno de los problemas más grandes de la película. Al ser una adaptación mucho más interesante de los videojuegos que la anterior, a uno le gustaría ver más sobre estas interpretaciones de los personajes, incluyendo aquellos que regresan del filme anterior. Sin embargo, hay tantos personajes en este elenco que no todos tienen el desarrollo que merecen.

Esa idea es una que corre en paralelo con los últimos juegos de la serie. Los elencos de Mortal Kombat son cada vez más extensos, y un modo historia que quiera desarrollar a todos de una manera equitativa terminaría siendo excesivamente largo. Es algo que, tal vez, podría suceder en algún juego, porque no tienen la misma limitación que un largometraje que debe estrenarse en cines, pero de momento sigue siendo una comparación interesante.

La otra comparación que hace que esta película me termine agradando más de lo que esperaba tiene que ver con ideas de los juegos más recientes. Mortal Kombat, como franquicia, ya empezó a experimentar con el concepto de multiversos. De hecho, actualmente estamos atravesando la tercera línea temporal de la franquicia, y personajes de líneas paralelas pueden interactuar entre sí.

Por eso, es más productivo ver Mortal Kombat II con una mente más abierta a este tipo de cambios. Siempre y cuando no sean excesivos como lo fue la primera película, no me parece mala la idea de Baraka tomándole cariño a Johnny Cage, de Kano siendo un personaje gris que puede trabajar con los buenos, o de Kung Lao pasándose al bando de los malos. Con un listado de personajes icónicos tan largo, jugar un poco con esas ideas está bueno.

Sí es cierto que la película tiene otros problemas, como peleas que no son realmente atractivas visualmente, y un ritmo que a veces hace que incluso los propios conceptos del torneo se tornen confusos. De todas formas, puedo decir con seguridad que Mortal Kombat II es Mortal Kombat. Que se siente como tal. Tanto para bien como para mal, la película es un buen reflejo de la franquicia hoy en día, y eso es lo mínimo que se le puede pedir a una adaptación.

El martes 17 de junio de 2026, durante su participación en el programa World Cup Watch Party Live, conducido por Trevor Noah, Mike Myers fue consultado de manera directa sobre la posibilidad de una cuarta entrega de Austin Powers. Sin dudarlo, el actor canadiense respondió afirmativamente a la pregunta del público, lo que devolvió la esperanza a los fanáticos tras más de dos décadas de espera desde la última película.

El productor, guionista y protagonista de las tres entregas anteriores evitó revelar detalles sobre la trama o sobre el calendario de producción, pero su respuesta ha sido interpretada como la confirmación más sólida hasta el momento sobre el regreso del carismático espía inglés.

Situación actual del proyecto y antecedentes

Durante más de ocho años han circulado numerosos rumores sobre una posible secuela de Austin Powers. Mike Myers ha insinuado desde hace tiempo su interés en retomar el personaje, pero la falta de anuncios oficiales había dejado la producción en una especie de limbo dentro de Hollywood. En 2020, Jay Roach, director original de la saga, declaró que todo dependía de que Myers encontrara el enfoque indicado para una nueva película y que, hasta ese momento, no había avances concretos.

La reciente declaración de Myers no solo demuestra que los planes siguen en pie, sino que su entusiasmo podría acelerar la etapa de preproducción, esta vez bajo la supervisión de New Line Cinema y, tras recientes adquisiciones corporativas, Skydance Paramount. Este último cambio introduce cierta incertidumbre respecto a la gestión y distribución del proyecto, aunque el núcleo creativo parece mantenerse sin alteraciones.

Expectativas sobre el villano y el reparto

El regreso de Doctor Malito, uno de los villanos más emblemáticos e interpretado también por Myers, parece prácticamente asegurado. Este personaje ha mantenido su popularidad gracias a diversas apariciones en anuncios televisivos, incluyendo una campaña reciente durante el Super Bowl. Además, Seth Green, Rob Lowe y Mindy Sterling, quienes interpretaron a personajes destacados de la saga, han manifestado en diversas ocasiones su interés en volver al set.

Sin embargo, Myers no proporcionó información sobre la composición final del elenco ni confirmó si esta entrega dará mayor protagonismo al villano en vez de al protagonista, algo que ya había insinuado en el pasado. La incertidumbre sobre la dirección creativa persiste, generando expectativas sobre la manera en que se actualizarán el humor y la sátira de la franquicia.

El panorama del cine de espías y el reto de reinventar el humor

El regreso de Austin Powers tiene lugar en un contexto particular para el género de espionaje. Las películas de James Bond, principal blanco de las parodias de Myers, se encuentran en un periodo prolongado de indefinición tras la salida de Daniel Craig y la adquisición de los derechos por parte de Amazon. En los últimos años, el tono de Bond se ha vuelto más serio, en contraste con el humor absurdo e irreverente de las anteriores entregas de Austin Powers.

Este contexto plantea el desafío de adaptar la sátira a los tiempos actuales, en un entorno donde la comedia tradicional ha perdido espacio frente a otros géneros y formatos. El impacto de la cuarta película dependerá en buena medida de su capacidad para conectar con nuevas generaciones y, a la vez, ofrecer referencias que resulten atractivas para quienes han seguido la saga desde sus inicios.

Después de que Andy le regalara sus juguetes a Bonnie, y que Woody decidiera emprender una nueva etapa junto a Bo, Toy Story regresa y continúa siendo transgresora. Recordemos que en 1995 se convirtió en el primer largometraje realizado por computadora y cambió por completo la forma de narrar. También rompió con la regla de que las secuelas o terceras partes no siempre funcionan. Esta vez, se mete con un tema que atraviesa prácticamente a todos los padres de la actualidad: la relación de los chicos con la tecnología.

Uno de mis miedos era que la película cayera en un discurso simplista o en una nostalgia exagerada que sugiera que todo tiempo pasado fue mejor. Pero los creadores del film entienden que esto no es tan sencillo. De hecho, acá no se demoniza a las pantallas pero tampoco se idealiza el pasado. En lugar de presentar al Ipad como el enemigo, nos propone una reflexión sobre la búsqueda de equilibrio entre el tiempo en que los niños pasan frente a dispositivos y el valor que sigue teniendo el juego tradicional, la imaginación y los vínculos que se construyen a través de ellos.

El film está dirigido tanto a los niños como a los padres con un mensaje que busca generar conciencia sobre un tema actual, pero sin buscar culpables y tratando de mantener una mirada crítica en todo momento. Lo que plantea es una conversación necesaria sobre cómo convivir con la tecnología en el mundo moderno.

En ese sentido, Bonnie toma mucho más protagonismo y nos recuerda a films de Pixar como Intensamente en donde se muestran las distintas etapas por las que atraviesa y los cambios típicos de la edad. Mientras que en las primeras películas la personalidad de Andy quedaba en un segundo plano, el conflicto personal de esta nena se convierte en el centro del relato.

Por otro lado, en Toy Story 5 Jessie es nuestra protagonista. Después de que Woody dejara la habitación para emprender nuevos desafíos, la vaquera tiene la difícil tarea de alejar a Bonnie de su nuevo juguete: Lilipad. Esta “villana” funciona como casi todos los antagonistas de la franquicia en donde ella verdaderamente cree que está haciendo lo correcto y quiere que la nena haga amigos de la única forma que cree posible: online.

Con todo este combo que deprime un poco a papás que no saben cómo manejarse frente al uso de pantallas, Toy Story 5 sigue siendo divertida pero se inclina mucho más hacia el drama. Quizás este sea el aspecto que más se extraña de las primeras entregas, que estaban construidas alrededor de una sensación constante de aventura y descubrimiento, con un enfoque más claramente orientado al público infantil.

En definitiva, la aparentemente última película de Toy Story encuentra una razón para existir al hablar de un tema sumamente actual. Entiende los desafíos de crecer en un mundo dominado por la tecnología, que apuesta por el equilibrio en lugar de los extremos y que demuestra que todavía hay historias interesantes por contar dentro de este universo. Puede que tenga menos aventura que las anteriores, pero lo compensa con una mirada más emotiva para los tiempos que corren.

¿Qué podemos decir de Brad Pitt que no se haya dicho ya? Tal vez no todos conozcan que, antes de ser famoso, estudió periodismo y publicidad en la Universidad (lo abandonó dos semanas antes de graduarse), o que se ganó la vida conduciendo limusinas. Pero a quién le importan estos detalles teniendo en cuenta lo que vendría después: una de las carreras más brillantes del Hollywood actual que incluye personajes ya instaurados en la memoria colectiva, varios clásicos modernos e incluso un premio Oscar al Mejor actor de reparto por Érase una vez en... Hollywood.

Siendo así, es difícil elegir qué película podría ser la mejor de toda su carrera, que ya casi cumple las cuatro décadas. Eso sí, sin duda, una de las primeras posiciones la ocuparía El curioso caso de Benjamin Button, un drama histórico con tintes bélicos, románticos y fantásticos en el que el actor volvió a trabajar con uno de sus directores fetiche, David Fincher, a quien conocía desde hacía años por haber actuado para él en títulos tan memorables como Seven o El club de la lucha, y con el que volverá a coincidir este 2026 en The Adventures of Cliff Booth.

La película, estrenada en 2008, se consagró como una de las propuestas más singulares del cine de su década por la historia de un hombre que, en vez de envejecer, rejuvenece a medida que transcurren los años. Basada en el relato corto de F. Scott Fitzgerald, la película narra la vida de Benjamin Button desde su nacimiento en Nueva Orleans al final de la Primera Guerra Mundial hasta sus últimos días, atravesando un periplo personal marcado por el abandono, el amor y la diferencia.

Un prodigio técnico nacido del genio literario

Actualmmente, El curioso caso de Benjamin Button puede verse en Netflix, aunque por poco tiempo: quedan apenas tres días para que desaparezca del catálogo de la plataforma un título que, además de superar los 333 millones de dólares de recaudación mundial, ganó 3 premios Oscar (Mejor diseño de producción, Mejor maquillaje y peluquería y Mejores efectos visuales), una cantidad que incluso pudo saber a poco, dadas las 13 nominaciones con las que contaba.

Aún así, el premio para la calidad técnica de la película fue más que merecido, ya que es uno de sus sellos distintivos. Para plasmar la transformación física del personaje principal, el equipo de Fincher diseñó efectos visuales inéditos y un extenso trabajo digital. El resultado se tradujo en una verdadera revolución tecnológica para el cine de los 2000, que combina a la perfección con un emotivo guion en el que destacan otros intérpretes como Cate Blanchett, Tilda Swinton, Elle Fanning, Jared Harris o Mahershala Ali.

A esto hay que sumarle también la potencia de la historia original del cuento clásico de Scott Fitzgerald, uno de los escritores más conocidos del siglo XX gracias a novelas como El gran Gatsby o Suave es la noche. La inspiración, según dicen, le vino al escritor de una idea atribuida a otro conocido escritor estadounidense, Mark Twain: “La vida sería infinitamente más feliz si uno pudiera nacer a la edad de 80 y gradualmente acercarse a los 18”. Así, El curioso caso de Benjamin Button sigue la historia de un hombre que, desde 1918, va rejuveneciendo mientras pasa por distintos eventos históricos capitales en la historia del mundo, descubre el amor y nos recuerda cuan extraña, dolorosa y al mismo tiempo valiosa puede ser la vida de una persona.

Mantenerse en la cima del catálogo de Prime Video resulta cada vez más exigente. La avalancha de estrenos y la competencia feroz entre títulos hace que pocas producciones logren permanecer durante semanas entre lo más visto. Sin embargo, Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta ha desafiado esa lógica, consolidándose como uno de los grandes fenómenos recientes de la plataforma y manteniéndose ni más ni menos que durante un mes entero en el top.

El salto de la saga Jack Ryan al formato de largometraje exclusivo en streaming marcó un hito para la franquicia y para Amazon MGM Studios. Recordemos que este personaje, creado originalmente en las novelas de espionaje escritas por el famoso escritor Tom Clancy, había conquistado el mundo de las series con cuatro temporadas en la que John Krasinski había encarnado al agente secreto. La madurez narrativa adquirida sería la que intentarían trasladar al largometraje estrenado en la plataforma, apostando por una secuela inmediata que retoma el pulso del thriller de acción internacional con Andrew Bernstein en la dirección y un guion de Aaron Rabin y el propio Krasinski.

La trama de la película se desarrolla cuando una conspiración global obliga al personaje principal a regresar al trabajo, enfrentándose tanto a amenazas externas como a traiciones del pasado. Del mismo modo, regresan algunos de los personajes más queridos por el público, como el de James Greer (interpretado por Wendell Pierce) o Mike November (Michael Kelly), lo que renueva las dinámicas de la saga y amplía el universo de aliados y enemigos. También añade nuevas figuras, entre ellos el de la agente del MI6 Emma Marlowe (Sienna Miller).

El regreso de una franquicia emblemática de los 90

El fenómeno de Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta trasciende su éxito en streaming. Esta producción significa la reactivación cinematográfica de una saga que, desde La caza del Octubre Rojo (1990) hasta Jack Ryan: Operación Sombra (2016), ha sabido adaptarse a los cambios de época y público. Del mismo modo, el personaje de Jack Ryan ha sido interpretado por figuras tan diversas como Alec Baldwin, Harrison Ford, Ben Affleck, Chris Pine y finalmente John Krasinski. Cada uno de estos actores ha aportado sus propios matices al famoso agente secreto.

En los 90, Harrison Ford consolidó la imagen heroica y familiar del personaje en Juego de patriotas y Peligro inminente, enfrentando amenazas del IRA y el narcotráfico. El cambio de siglo trajo consigo una etapa de reinicios con Ben Affleck en Pánico nuclear y Chris Pine en Jack Ryan: Operación Sombra, intentos que no lograron revitalizar la franquicia en la gran pantalla. Finalmente, la llegada de Krasinski supondría en 2018 que el personaje experimentara un verdadero renacimiento, adaptando su perfil a los desafíos del siglo XXI y conquistando a una nueva generación de espectadores.

Un ejemplo claro se da en esta película, donde se exploran las consecuencias personales del espionaje y los dilemas morales inherentes a las operaciones encubiertas. La historia, que se desarrolla en tiempo real, intensifica la tensión y refuerza el peligro constante para el protagonista y su equipo. En la misma línea, el guion apuesta por la inmediatez y el riesgo emocional, explorando los límites del sacrificio individual en el contexto de operaciones internacionales y traiciones imprevisibles.

El actor de 69 años habló sobre la importancia de la autenticidad en las interpretaciones, las exigencias del trabajo en los sets de filmación y la forma en que el cine puede generar experiencias culturales compartidas.

A lo largo de la conversación, también repasó algunas de las películas y personajes más influyentes de su trayectoria, analizó cómo evolucionó la relación del público con el entretenimiento y compartió experiencias personales vinculadas con la autocrítica y los errores profesionales.

Además, se refirió a intereses fuera de la actuación, como su afición por el fútbol, en un diálogo que recorrió más de tres décadas de carrera en la industria audiovisual.

La búsqueda constante de autenticidad y el aprendizaje de los errores

El reconocimiento internacional de Hanks como uno de los actores más versátiles de Hollywood no lo exime de la presión diaria. Según relató a The Rest is Entertainment, existe una demanda constante por lograr escenas auténticas incluso en condiciones extenuantes.

“Al final del día 47 de rodaje, en la hora 14, uno todavía debe capturar un destello emocional que va a durar para siempre, lo haga bien o no”, afirmó el actor. Esta exigencia lo llevó a evitar ver varias de sus películas después del estreno.

“Existen películas que tienen momentos que no puedo ver porque no llegué ahí. Hay un momento doloroso en el que simplemente pienso: ‘No estoy ahí’”, reflexionó el actor durante la entrevista.

Explicó que la autocrítica y la inseguridad forman parte de su proceso creativo. “Siempre queda el temor de ser escoltado fuera del set porque la policía de la autenticidad me considera un fraude”, expresó.

Como ejemplo, mencionó una escena de Náufrago que todavía le genera incomodidad: “Hago un gesto que me parece falso y que es mío, no de Chuck. Si la película está en la televisión, me levanto y salgo antes de esa escena”.

El actor señaló que el error es una parte inevitable del oficio y una fuente permanente de aprendizaje. “Todas son experiencias profundas de éxito y fracaso. No vuelvo a ver las películas después de la primera vez porque nunca cambian”, aseguró.

También destacó que la búsqueda de autenticidad no depende únicamente del intérprete principal, sino del trabajo conjunto de todos los integrantes de una producción para alcanzar el mejor resultado posible en cada toma.

Personajes y legado generacional

El papel de Woody en la saga Toy Story marcó un hito en la carrera de Hanks y en la animación digital. El actor reconoció que la propuesta de Pixar resultaba incierta en sus inicios: “Nos explicaban como si fuera una mezcla volátil que podía explotar en cualquier momento si no se hacía bien. Era una nueva tecnología de animación que no era dibujada a mano”, relató.

Al recordar a su personaje, Hanks también bromeó sobre cómo sería convivir con él fuera de la pantalla: “Woody me volvería loco. Estaríamos en una competencia continua por ver quién está a cargo”.

El impacto de sus personajes trasciende la pantalla. “Ahora hay personas de 56 años que recuerdan la primera vez que vieron juntos a Woody y Buzz, y vuelven a la película una y otra vez”, comentó.

El fenómeno se repite en generaciones sucesivas, consolidando la posición de Toy Story como referencia cultural. El propio actor experimentó ese efecto, al reconocer la emoción de encontrarse con figuras que marcaron su adolescencia: “He conocido a Keir Dullea, de 2001: Odisea del espacio, y me convierto en un tonto balbuceante”.

Evolución del cine y experiencias fragmentadas

El avance tecnológico alteró la manera en que el público consume entretenimiento. El actor estadounidense identificó una reducción en los grandes momentos unificadores, aquellos que congregan a multitudes en torno a una obra.

“Ahora cualquiera puede entretenerse solo durante todo el día en intervalos de tres minutos”, subrayó. No obstante, destacó el poder de compartir una experiencia artística con cientos de desconocidos en una sala de cine y cómo esos instantes permanecen en la memoria colectiva.

El auge de las franquicias y la repetición de fórmulas comerciales modificó la dinámica de la industria. Rememoró la etapa de los años 90, cuando protagonizó títulos como Forrest Gump, Apollo 13 y Rescatando al Soldado Ryan.

“El último filme que rodé en los años 1900 fue Náufrago. Fue una apuesta arriesgada en todos los sentidos, y sentíamos que lográbamos algo que el arte puede ofrecer si uno se atreve a probarse”, explicó. La combinación entre creatividad y economía en esa época generó condiciones singulares, distintas a las actuales.

Pasión futbolera y comunidad

Además de su vínculo con el cine, Hanks se refirió a su afición por el equipo Aston Villa. El actor relató cómo eligió al club inglés tras ver su nombre en un marcador de la BBC, atraído por la sonoridad y la tradición del fútbol británico. “Uno se vuelve hincha de un equipo para toda la vida pensando que cuando muera, recién ahí van a ganar”, comentó entre risas.

La pasión por el fútbol y la identificación con una comunidad reflejan la importancia de los rituales compartidos, tanto en el deporte como en el arte. Para el actor, esa conexión da sentido al esfuerzo colectivo y a la permanencia de ciertos símbolos en la cultura popular.

Ese fue el contexto al que se enfrentó Eve Hewson durante el rodaje de Disclosure Day, la nueva superproducción dirigida por Spielberg. Según relató la actriz en una entrevista con The Hollywood Reporter, nada en su carrera la había preparado para ese momento, cuando tuvo que lidiar con la presencia de francotiradores en el tejado y una audiencia que incluía a algunas de las personalidades más influyentes del cine y la política.

La historia de Hewson da cuenta de una trayectoria forjada a base de perseverancia y autenticidad. Aunque es hija de Bono, el emblemático vocalista de U2, pasó una infancia relativamente alejada de los focos en Dublín, donde el estímulo artístico de sus padres despertó su interés por el teatro y la música desde temprana edad.

Con el tiempo, aquella curiosidad se transformó en una pasión sólida que la impulsó a buscar su lugar en la industria cinematográfica internacional.

Un encuentro inesperado con Spielberg

La relación profesional entre Hewson y Spielberg se remonta a varios años atrás, cuando la actriz obtuvo un papel menor en El puente de los espías, también bajo la dirección de Spielberg.

En esa ocasión, el director recurrió a métodos poco convencionales para sacar lo mejor de su actriz. Recordó en diálogo con The Hollywood Reporter que durante una escena particularmente tensa, Spielberg utilizó dos bates de madera para generar sobresaltos fuera de plano y así intensificar su reacción.

“Fue muy práctico y muy útil, y nunca había tenido un director tan atento a mis necesidades”, afirmó la actriz al medio estadounidense. Desde entonces, el cineasta siguió de cerca la evolución de la carrera de Hewson, observando su trabajo en títulos como The Luminaries, Behind Her Eyes y Bad Sisters.

A finales de 2024, contactó nuevamente a la actriz para proponerle el papel de Jane en Disclosure Day, una historia centrada en el descubrimiento de vida extraterrestre y los esfuerzos de un gobierno por mantenerlo en secreto.

El ofrecimiento llegó de manera sorpresiva, a través de una llamada de su agente: “Me dijo: ‘Te he estado observando, estoy muy orgulloso de ti y tengo un guion que quiero que leas; tu personaje es Jane’”, relató Hewson.

Un papel protagónico y una preparación exigente

Lejos de tratarse de un rol secundario, el personaje de Jane se presenta desde la primera página del guion y ocupa un lugar central a lo largo de la película. “Les he estado diciendo a mis amigos actores que, aunque piensen que es una película pequeña, Steven Spielberg la verá algún día y podría contratarlos, así que asegúrense de presentarse”, comentó.

También compartió detalles sobre el proceso de audición y la interacción con el director. Tras una reunión virtual, el director y la actriz discutieron ideas para el personaje antes de que la oferta formal se hiciera efectiva.

Durante la filmación, la dirección de Spielberg se caracterizó por su implicación emocional y su capacidad para crear un ambiente de trabajo seguro. “Si lloras, él está llorando también frente al monitor”, destacó la actriz.

La exigencia de las escenas junto a Colin Firth llevó a la intérprete a terminar algunas jornadas sintiendo una fatiga similar a la de una sesión intensa de ejercicio físico, según relató a The Hollywood Reporter.

De Dublín a las grandes producciones de Hollywood

A pesar del éxito internacional, Hewson mantiene un vínculo estrecho con su entorno familiar y su ciudad natal. Durante la promoción de Disclosure Day, la actriz se encontraba en Dublín rodando una película sobre carreras de motos junto a Channing Tatum, y compartía sus noches de viernes viendo películas en casa de sus padres.

“Tengo 34 años y he estado pasando mis viernes por la noche con mis padres viendo películas, pero a todos nos encanta”, compartió la actriz.

La repercusión de su protagónico en la película de Spielberg se manifestó incluso antes del estreno. El anuncio de su participación le abrió nuevas oportunidades y generó una oleada de mensajes de conocidos y profesionales del sector que no habían tenido contacto con ella en años.

“Me preocupa que tanta gente vaya a ver esta película: todos los dentistas a los que he ido, pero también el mundo entero”, expresó Hewson en declaraciones al medio estadounidense.

El Temach, conocido por su presencia en redes sociales y sus videos virales sobre masculinidad, debutó como cineasta este mes con el estreno de su primera película independiente, El Templo.

El Temach explicó que apostó todo para filmar El Templo

En entrevista para el reportero Ernesto Buitrón, el controversial creador de contenido explicó que la producción de El Templo requirió una inversión que el propio Temach calificó de “modo guerra”.

El creador dijo: “Sacar una película es, es como digo yo, es en modo guerra”.

El Temach explicó que pidió favores a todos sus contactos de la industria y que el presupuesto subió dos veces durante la preproducción. A pesar del esfuerzo, aseguró que él y su equipo lograron sacar adelante el proyecto y que la gira de presentaciones ayudó a financiar la película.

“Mi gira está sustentando la película. Para poder lograr eso, pues yo no duermo porque llego del avión de dar show al set a dirigir una película”, relató.

El Templo surgió de historias enviadas por su comunidad

El Temach detalló que la cinta está inspirada en testimonios reales que recibe de sus seguidores.

“El Templo es una historia de Gabriel que se acerca a lo que aparenta ser una iglesia cristiana porque conoce una chavita que le gusta… y resulta que es una secta”, señaló. El relato tiene origen en una carta llegada al creador y ocurre en los años ochenta.

El Temach afirmó que su objetivo es filmar diez películas basadas en las peores historias que le han contado.

De la polémica en redes al reto de dirigir cine

El Temach reconoció que su imagen pública ha sido controversial por su forma de abordar temas de masculinidad.

“Me gusta mucho la idea de la masculinidad reprimida, hablar de eso”, dijo. Añadió que no busca ser violento ni agresivo, sino abrir espacios para debatir ciertos valores masculinos tradicionales. Señaló que su estilo directo genera reacciones virales y, en ocasiones, ataques coordinados en redes sociales, incluyendo la cancelación de cuentas.

“Perdí mi cuenta, esta es la nueva cuenta del Temach. Y en tres días teníamos trescientos mil seguidores”, relató.

El Temach defendió su experiencia previa como director

Antes de ser conocido como creador digital, trabajó varios años en la industria audiovisual.

“La realidad es que yo sí estudié cine. La realidad es que yo tengo mucha experiencia dirigiendo, dirigiendo comerciales, dirigiendo videoclips”, comentó. Aseguró que para él era un reto demostrar que sabe dirigir y que el salto al cine no es improvisado.

El proyecto buscó dar experiencia y orgullo al equipo

El Temach subrayó que tanto actores como creativos trabajaron por debajo de sus tarifas habituales.

“Si van a venir a trabajar conmigo por poquito, les voy a dar la experiencia… de ver al final su trabajo”, afirmó. Para el creador, era clave que el equipo pudiera ver la película en una sala de cine junto a sus familias.

El cine como nuevo brazo del Temach

El Temach dijo que su intención es mantener la producción audiovisual como parte de su oferta, sin dejar de lado los contenidos en redes.

“La idea es que sea un brazo más del Temach. Yo no creo retirarme de hacer contenido pronto”, explicó. Añadió que quiere motivar a otros creadores jóvenes a producir cine, aprovechando la tecnología disponible.

El Templo está disponible en línea

La película puede verse a través de temach.net, donde se encuentran los enlaces para acceder al contenido, informó el propio Temach durante la entrevista.

Aunque han transcurrido más de dos décadas desde que se estrenó Náufrago (Cast Away), a Tom Hanks todavía le resulta imposible observar sin incomodidad una “dolorosa” escena de la película. Por ello, dijo que prefiere “abandonar la habitación”, si es que dicho momento aparece en pantalla.

El actor, ganador del Óscar, compartió la confesión durante su participación en el podcast británico The Rest Is Entertainment, conducido por Marina Hyde y Richard Osman.

El momento en cuestión es el reencuentro entre Chuck Noland y su pareja Kelly, interpretada por Helen Hunt, cuando el personaje de Hanks regresa a la casa de ella tras años de supervivencia en una isla desierta. En esa secuencia, Chuck devuelve el reloj con la fotografía de Kelly que su cónyuge le había entregado antes que sucediera la tragedia.

Al recorrer la casa, el personaje toma consciencia que su esposa ha continuado con su vida tras pensar que él estaba muerto.

Sin embargo, para Hanks, ese instante no funciona como debería. El actor explicó la autocrítica cuando le preguntaron sobre “cometer errores en el trabajo”.

“Hay un momento… fue doloroso para mí en ‘El náufrago’, en el que estoy de vuelta y Chuck está en la casa de Kelly y le devuelve el reloj… y hay un momento en el que simplemente siento que no estoy ahí”

“Todo el peso de la escena recae sobre mí; pero hago este gesto que simplemente siento que es falso y es yo y no es Chuck”.

El actor explicó que no fue consciente de ese problema durante el rodaje. Solo al ver la película terminada entendió lo que le incomodaba y su aparente error. Esa sensación es la que lo lleva a evitar por completo la escena. “Si la película está puesta, me levantaré y saldré de la habitación antes de que llegue esa escena”, precisó.

Una película marcada por el sacrificio físico extremo

Náufrago, dirigida por Robert Zemeckis, se convirtió en uno de los grandes éxitos del año 2000 y le valió a Hanks una nominación al Óscar. Sin embargo, el proceso de filmación también implicó fuertes sacrificios.

Había dos etapas muy definidas que tenían que registrarse en cámara: un hombre fuera de forma al inicio de la historia y, luego, a un náufrago demacrado tras años de aislamiento. Para lograrlo, el actor tenía que subir (y luego bajar) cerca de 50 libras, además de dejar crecer su barba y su cabello.

Para que esa fluctuación se concrete sin poner en riesgo a Hanks, el director Robert Zemeckis propuso filmar ambos tramos del largometraje con un año de diferencia. No deseaban recurrir a trajes prostéticos o efectos digitales.

Esa decisión obligó a una negociación particular con el estudio, relató el actor. “Bob llevó eso a 20th Century Fox y pensaron que estábamos locos, por lo que tuvo que crear todo un acuerdo distinto”.

Para destrabar la pausa de un año, Tom Hanks se comprometió a protagonizar otra producción en ese período: el filme de terror “What Lies Beneath”, junto a Harrison Ford y Michelle Pfeiffer.

“El reto más difícil fue el tiempo. Ojalá hubiera podido tomar una pastilla para perder todo el peso; la realidad fue que tuve que empezar en octubre, con la certeza de que volveríamos a filmar en febrero”, comentó la estrella de Hollywood. “La idea de enfrentar cuatro meses de vigilancia constante sobre lo que comía, además de dos horas diarias en el gimnasio dedicadas únicamente a una rutina monótona de ejercicio, resultaba abrumadora. Hay que superar todo eso casi mediante algún tipo de truco mental. No es glamoroso”.

La película “Obsession”, dirigida por Curry Barker y distribuida por Focus Features, alcanzó una recaudación global de 286,5 millones de dólares, convirtiéndose en la adquisición de festival más exitosa de la historia del cine. Este logro, conseguido tras cinco semanas de exhibición internacional, impacta de forma directa en la industria de la distribución y en los modelos de negocio de los estudios independientes. Los datos han sido confirmados por Deadline y respaldados por plataformas especializadas como Box Office Worldwide y Moneycontrol.

Según Deadline, la película desplazó el récord que mantenía “The Blair Witch Project” desde 1999, consolidándose como el mayor éxito comercial de Focus Features. Box Office Worldwide y Moneycontrol informan que la cinta superó los 230 millones de dólares en menos de un mes desde su estreno, mientras que Box Office Mojo confirmó cifras similares y una tendencia de crecimiento sostenido en los principales mercados, entre ellos Estados Unidos, India, Reino Unido, México y Medio Oriente.

La adquisición de “Obsession” se realizó tras su exhibición en el Toronto International Film Festival (TIFF), donde Focus Features compró los derechos por más de 15 millones de dólares, de acuerdo con Deadline. Producida por Capstone con un presupuesto de 750.000 dólares, la película se estrenó en salas de Estados Unidos el 15 de mayo de 2026, logrando un debut destacado en la taquilla.

¿Cuánto recaudó “Obsession” en la taquilla internacional?

De acuerdo con Deadline, “Obsession” alcanzó una recaudación global de 286,5 millones de dólares, superando los 248,6 millones de dólares de “The Blair Witch Project”, que ostentaba el récord anterior para una adquisición de festival. Box Office Worldwide y Moneycontrol reportaron que la película sobrepasó los 230 millones de dólares en menos de 30 días de exhibición internacional, y Box Office Mojo respaldó cifras semejantes.

La cinta se consolidó como el mayor éxito de Focus Features y la mayor recaudación para una película de horror adquirida tras su estreno en festival, según Deadline y Box Office Worldwide. Moneycontrol destaca que “Obsession” acumuló más de 234 millones de dólares en 26 días y que su ritmo la sitúa entre los principales estrenos globales del año.

¿Cómo fue el desempeño de “Obsession” en Estados Unidos?

El mercado estadounidense fue determinante en el éxito global de “Obsession”. Según Deadline, la película sumó 188,3 millones de dólares en Estados Unidos en su cuarta semana de exhibición, superando el ritmo de recaudación de “The Sixth Sense” y posicionándose como una de las películas de horror más exitosas en la taquilla doméstica.

Deadline informa que el filme mantuvo cuatro fines de semana consecutivos mejorando el resultado de su estreno inicial, que fue de 17,1 millones de dólares. En la cuarta semana, la recaudación semanal alcanzó los 19 millones de dólares, lo que subraya la estabilidad de su desempeño. Box Office Mojo y Moneycontrol confirman que la mayor parte de la recaudación global provino de Estados Unidos, consolidando a “Obsession” como el mayor éxito de la historia de Focus Features.

La película también superó el total doméstico de “Star Wars: Mandalorian and Grogu”, que había acumulado 165 millones de dólares en Norteamérica, según Deadline. Este rendimiento convirtió a “Obsession” en un referente para los estrenos del género horror en el mercado estadounidense durante 2026.

¿En qué mercados internacionales se destacó la película?

La expansión de “Obsession” a mercados internacionales fue clave para alcanzar el récord global. Según Deadline, Box Office Worldwide y Pinkvilla, la película se estrenó en 59 territorios, con ingresos destacados en India, Reino Unido, Irlanda, México, Medio Oriente y Filipinas.

En India, la recaudación totalizó 76,7 millones de rupias (aproximadamente 8 millones de dólares) en 17 días, con datos confirmados por Box Office Worldwide. En el Reino Unido y Irlanda, el acumulado fue de 17,7 millones de dólares tras cinco semanas, lo que la convierte en la película de horror clasificada 18 más exitosa de la historia en esos territorios, según Deadline.

En México, la cifra alcanzó 6,8 millones de dólares, superando los totales de “Invisible Man” y “Scream VI”. En el Medio Oriente, la suma de Emiratos Árabes Unidos y Arabia Saudita fue de 12,4 millones de dólares, ubicando a “Obsession” como el segundo filme de horror más visto de la región.

¿Por qué “Obsession” es relevante para el modelo de adquisiciones en festivales?

La compra de “Obsession” por Focus Features tras su estreno en el TIFF representó una de las mayores inversiones del estudio en la etapa post pandemia, según Deadline. La operación superó los 15 millones de dólares, destacando frente a la tendencia de precios a la baja y menor rentabilidad para títulos adquiridos en festivales en años recientes.

El éxito de “Obsession” reaviva el interés en el modelo de compra post festival, especialmente para producciones de bajo presupuesto y alto potencial comercial. Box Office Worldwide subraya que el fenómeno refuerza el atractivo de los géneros horror y thriller, y demuestra que los estudios independientes pueden generar éxitos globales a partir de adquisiciones estratégicas.

El desempeño de esta película podría influir en la dinámica de los festivales internacionales, incentivando la inversión en nuevos proyectos independientes.

¿Qué récords rompió “Obsession” en comparación con otras películas?

La película superó los 248,6 millones de dólares recaudados por “The Blair Witch Project” y los 259,9 millones de “Get Out”, posicionándose como la adquisición de festival más taquillera de la historia, según Deadline y Box Office Worldwide. Además, se ubicó como el séptimo filme de horror con mayores ingresos en el Reino Unido y el tercero en India dentro de su género, conforme a Pinkvilla.

Box Office Mojo y Moneycontrol señalan que la recaudación en menos de un mes posicionó a “Obsession” entre los estrenos más destacados del año, convirtiéndola en referencia para la industria y en caso de estudio para futuras adquisiciones.

El modelo de bajo presupuesto y alto retorno quedó evidenciado, con un presupuesto de 750.000 dólares frente a una recaudación global que supera los 286 millones.

¿Cuál es la cifra oficial de recaudación y el desglose por mercados?

• Recaudación global (Deadline): 286,5 millones de dólares.
• Recaudación en Estados Unidos (Deadline): 188,3 millones de dólares.
• Cifra global (Box Office Worldwide/Moneycontrol): más de 230 millones de dólares.
• India: 76,7 millones de rupias (8 millones de dólares).
• Reino Unido e Irlanda: 17,7 millones de dólares.
• México: 6,8 millones de dólares.
• Medio Oriente: 12,4 millones de dólares.
• Presupuesto de producción: 750.000 dólares.
• Monto de adquisición en TIFF: más de 15 millones de dólares.

Según Deadline, estos datos reflejan un fenómeno comercial sin precedentes para el cine independiente adquirido en festivales, y establecen un nuevo estándar para los estudios y distribuidores internacionales.

¿Cuáles son las perspectivas para la industria tras el éxito de “Obsession”?

El desempeño de “Obsession” ha generado interés en la industria cinematográfica y en los circuitos de festivales internacionales. Su éxito, confirmado por Deadline y Box Office Worldwide, podría motivar una mayor presencia de títulos de horror y thriller en festivales y una revalorización de los proyectos independientes en negociaciones futuras.

No se han emitido declaraciones oficiales por parte de Focus Features sobre futuras secuelas o adquisiciones, pero la atención mediática y el impacto financiero sugieren un posible cambio en la estrategia de compra y distribución de cine independiente para el periodo 2026-2027.

Corría 1998 cuando Nora Ephron coescribió y dirigió Tienes un e-mail, la película protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan donde ella, una librera, independiente, y él, el propietario de una gran cadena de librerías, mantenían una relación epistolar a través de correo electrónico sin saber que quién se escondía realmente al otro lado de la pantalla era su mayor enemigo. Cinco años antes, la propia Ephron había triunfado con Algo para recordar (Sleepless in Seattle), otro clásico romántico protagonizado por los mismos actores en el que dos desconocidos desarrollaban una conexión especial gracias a un programa de radio.

Casi tres décadas después no han vuelto ni Nora Ephron, ni Tom Hanks, ni Meg Ryan. Lo que sí ha regresado es una comedia romántica construida sobre una premisa similar: dos personas que crean un vínculo profundo antes incluso de conocerse. Netflix ha estrenado este viernes Mensajes de voz para Isabelle (Voicemails for Isabelle), una película protagonizada por Zoey Deutch y Nick Robinson que sustituye los correos electrónicos y las ondas radiofónicas por los mensajes de voz.

La historia sigue a Jill (Deutch), una joven aspirante a pastelera que intenta sobrellevar la muerte de su hermana pequeña Isabelle (Ciara Bravo). Como parte de su proceso de duelo, continúa llamando al antiguo número de teléfono para dejarle mensajes. Lo que desconoce es que ese número ya ha sido reasignado y que, al otro lado de la línea, hay alguien escuchándola: Wes (Robinson).

Lo que dicen los primeros que la han visto

Las primeras críticas de Mensajes de voz para Isabelle son mayoritariamente positivas. En Rotten Tomatoes, la película ha debutado con un 73% de valoraciones favorables por parte de la crítica especializada.

Uno de los aspectos más elogiados es la química entre Zoey Deutch y Nick Robinson. Al Alexander, de Movies Thru the Spectrum, reconoce que estuvo cerca de no conectar con la película, pero terminó rindiéndose ante “la chispeante química generada por Zoey Deutch y Nick Robinson”. En una línea similar, Tina Kakadelis, de Beyond the Cinerama Dome, llega a afirmar que “si Voicemails for Isabelle marca el inicio de un renacimiento de las comedias románticas, estamos en buenas manos“.

Otros críticos destacan especialmente su carga emocional. Matt Hambidge, de FandomWire, considera que quienes se abran a su mensaje “pueden acabar gratamente sorprendidos por las emociones que logra despertar”, mientras que Connor Petrey, de Pop Culture Leftovers, asegura que la película “hará reír, llorar y reflexionar sobre todas las formas del amor y el afecto”.

Entre el público, el recibimiento está siendo mucho más cálido. En la misma plataforma, un usuario la define como “una actuación genuina y encantadora” con una química “natural y palpable”, mientras que otro asegura que se trata de “una película preciosa” y un auténtico feel good movie. Tampoco faltan quienes la describen como “un drama lacrimógeno de principio a fin, lleno de corazón e ingenio” o incluso como “la mejor película de Netflix en mucho tiempo”.

Nos acercamos al meridiano de 2026 y toca hacer recuento de las películas que han marcado estos meses del año. Ha sido una temporada marcada por los debuts cinematográficos, que en su mayoría se han podido ver en el Festival de Málaga, y por algunas películas de autores asentados que se han convertido en auténticos acontecimientos.

Todavía queda mucho por explorar durante la ‘rentrée’ otoñal, en la que se estrenarán títulos cuya puesta de largo tuvo lugar en el Festival de Cannes, como El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen o La bola negra, de Los Javis, que se alzó con el premio a la mejor dirección en el certamen.

Por el momento, nos quedamos con estas diez propuestas, aunque hay muchas más que han ayudado a configurar un mapa cinematográfico de lo más rico y diverso, como Viva, de Aina Clotet, que se estrena esta misma semana o la inminente 9 lunas, una pequeña y estupenda sorpresa, sobre el embarazo de un hombre ‘trans’.

‘Amarga Navidad’

Pedro Almodóvar presentó una película en torno a la creación y a los límites de la autoría a través de un perverso mecanismo ‘metacinematográfico’ repleto de capas en el que la realidad y la ficción se funden y se confunden. Un ejercicio de estilo de lo más complejo en el que la narración se pliega sobre sí misma para componer un juego de espejos en torno a la pérdida, el duelo y el cine como mecanismo para fagocitar el drama de los seres queridos.

‘Tres adioses’

Una de las películas más delicadas de Isabel Coixet, que vuelve a hablar de la muerte, como ya hizo en Mi vida sin mí, pero desde una perspectiva diferente que tiene que ver con la esperanza y la empatía en un mundo que se desmorona. Se trata de una adaptación de las memorias póstumas de la activista Michaela Murgia, que falleció de cáncer y propone un viaje de ‘redescubrimiento’ de la identidad a partir de la enfermedad.

‘Historias del buen valle’

El gran regreso de José Luis Guerín al cine ‘observacional’, a través del que compone una oda al barrio periférico de Vallbona partiendo del punto de vista de la diversidad cultural de sus habitantes. Una película que reivindica la dignidad de las comunidades excluidas y que nos propone un trayecto histórico por un territorio al límite entre el olvido y la gentrificación.

‘Aída y vuelta’

Paco León se atreve a recuperar en formato película la serie Aída dándole una vuelta de tuerca, como suele ser habitual en él. La icónica ficción ha pasado a formar parte de la cultura popular de nuestro país y el director e intérprete, consciente de la magnitud del fenómeno le ha querido rendir homenaje de la mejor manera posible, a través de un dispositivo ‘metadiscursivo’ tan inteligente como ingenioso en el que se reflexiona sobre buena parte de los temas que tienen que ver con la contemporaneidad a través del humor más ácido.

‘Altas capacidades’

He aquí una de las mayores sorpresas de la temporada, una sátira en torno a las clases sociales que habla de la hipocresía de nuestro tiempo a partir de la educación que queremos darle a nuestros hijos. Una punzante comedia que no deja títere con cabeza a la hora de describir tanto a los privilegiados como a la clase trabajadora deseosa de un ascenso social que quiere mostrar su mejor cara a través de la cultura de las apariencias.

‘Yo no moriré de amor’

La gran triunfadora del Festival de Málaga. Una ópera prima de lo más consistente que parte de la propia experiencia de la autora con su madre, que falleció a causa de un Alzheimer prematuro que poco a poco fue arrebatándole todos sus recuerdos. Una película que gira en torno a los cuidados, al sentimiento de orfandad, a la falta de recursos para abordar la propia identidad en situaciones de máxima vulnerabilidad y a la necesidad de exorcizar fantasmas personales a través de la urgencia a la hora de visibilizar no solo los problemas de demencia ‘neurogenerativa’, sino de cómo esa situación influye en el entorno más cercano.

‘La luz’

Fernando Franco vuelve a introducirse en temas incómodos como siempre ha hecho a lo largo de su filmografía, desde su ópera prima La herida. En esta ocasión, se encarga de indagar en los casos de pederastia en la Iglesia católica y todo el proceso de ocultación al que se han sometido estos delitos, a través de la figura de un sacerdote que decide dar un paso al frente y expiar sus pecados en público. Una película pulcra y rigurosa sobre un tema que llevaba tiempo mereciendo un espacio en nuestra cinematografía.

‘Iván & Hadoum’

La ópera prima de Ian de la Rosa es una especie de Romeo y Julieta ambientada en los invernaderos de Almería en la que un chico trans y una chica marroquí se enamoran a pesar de los prejuicios a los que están condenados por culpa de la sociedad que les rodea. Una película que va más allá de la realidad trans para componer una historia de amor y de incomprensión en los tiempos que corren.

‘Zeta’

El director Dani de la Torre sube al máximo el listón en lo que se refiere a ficciones internacionales con esta intriga de espionaje heredera de los thrillers de James Bond, Jason Bourne y compañía, solo que en este caso a través de un agente secreto interpretado por Mario Casas. Una intriga a lo grande, espectacular y entretenida que sitúa la acción española a niveles nunca vistos.

‘Corredora’

Otra ópera prima, en este caso de Laura García Alonso, que utiliza el mundo de la alta competición deportiva para hablar de los problemas de salud mental inherentes a un estrés juvenil excesivo. Una historia que escapa a las narrativas convencionales a golpe de asfixia atmosférica y de una reflexión en torno a las ansiedades del mundo en el que vivimos y que nos anulan por completo.

La espera ha terminado para los fanáticos de la saga pues Toy Story 5 llega a cine de toda Latinoamérica este 18 de junio y con ella la nostalgia que suele traer esta película pues ha acompañado a más de uno desde su infancia hasta su adultez y ahora va por las nuevas generaciones.

En esta nueva entrega, que espera ser tan exitosa como las anteriores, Toy Story toca un tema que sin duda se encuentra en el centro de las discusiones sobre la infancia actual: el uso de la tecnología.

Es por eso, y por muchas cosas más, que se espera que la película sea tan conmovedora y llena de reflexiones como lo han sido sus entregas anteriores aunque siempre corre el riesgo de no gustar a sus fanáticos, quienes sin duda tienen grandes expectativas.

Resalta también el hecho de que esta cinta está vista en su totalidad desde la perspectiva de una niña (la pequeña Bonnie), algo que sin duda dará una narrativa diferente a la trama.

Además, la película también toca un tema sensible que viven millones de infancias al rededor del mundo, la dificultad de crecer en un mundo completamente tecnológico.

Es por eso que aquí te dejamos una recopilación de datos que debes tener presentes para llegar bien preparado a las salas de cine y vivir la experiencia al 100%.

No olvidemos en qué terminó Toy Story 4

Sin duda recordar la trama de la última entrega es vital para poder estar preparados para la nueva entrega y si tú no tienes tiempo de verla de nuevo, aquí tienes un pequeño resumen para no llegar en blanco Toy Story 5.

Al final de Toy Story 4, Woody decide quedarse con Bo Peep y separarse de su grupo de juguetes, que incluye a Buzz Lightyear, Jessie y los demás, quienes regresan con Bonnie. Woody elige ayudar a otros juguetes perdidos a encontrar nuevos niños, acompañando a Bo Peep en esa misión.

Buzz y Woody se despiden, reconociendo que su amistad sigue, aunque tomen caminos distintos. La película cierra con Woody comenzando una nueva etapa junto a Bo Peep, mientras Buzz y los demás continúan al lado de Bonnie.

5 datos curiosos sobre la nueva película Toy story 5

Aquí tienes 5 datos curiosos sobre la nueva película “Toy Story 5” para que aumentes tu emoción de verla:

1. El villano es una tablet: Por primera vez en la saga, el principal antagonista no es un juguete, sino una tablet inteligente llamada Lilypad, que representa el reto de la tecnología y las pantallas en la infancia actual. Lilypad compite por la atención de Bonnie, desplazando a los juguetes tradicionales.
2. Woody regresa: Aunque al final de “Toy Story 4” Woody se despide de sus amigos para iniciar una nueva vida con Bo Peep, en la quinta entrega vuelve a reunirse con Buzz, Jessie y los demás para enfrentar la crisis provocada por la tecnología.
3. Jessie es protagonista: Jessie tiene un papel mucho más relevante, enfrentando sus propios miedos al abandono y tomando el liderazgo mientras explora aspectos de su pasado.
4. Participación de celebridades: La película suma nuevas voces como Bad Bunny, Taylor Swift, Conan O’Brien, Bizarrap y Penélope Cruz. Además, Taylor Swift compuso la nueva canción principal de la película.
5. Tema social de fondo: La historia se centra en cómo los juguetes enfrentan la pérdida de relevancia ante la tecnología y plantea una reflexión sobre la importancia del juego imaginativo frente al tiempo que los niños pasan con dispositivos electrónicos.

Sin duda este será un estreno lleno de cosas por comentar y millones esperan con ansias.

Las imágenes también registraron el mensaje que dio Gibson a sus actores, técnicos y colaboradores tras completar una filmación que se extendió durante 134 días en diferentes locaciones de Italia.

“Aprovechando que están todos aquí y que tengo un micrófono, solo quiero decirles muchísimas gracias por todos sus esfuerzos, todos sus talentos, todas sus habilidades y el empeño que pusieron para hacer que esta locura, eh, saliera adelante. Y, bueno, gracias por acompañarme en esa locura”, expresó el cineasta emocionado.

Gibson también aseguró que la etapa de posproducción será su siguiente gran desafío y prometió trabajar para que el resultado final esté a la altura del esfuerzo realizado durante la filmación. “De aquí en adelante haré todo lo posible por darle un último retoque a esto para que todos se sientan orgullosos. Sin duda yo estoy orgulloso de todos ustedes, y se los agradezco muchísimo desde lo más profundo de mi corazón. Eh, no podría haberlo hecho sin ustedes. Gracias”, concluyó.

Una secuela que llevaba más de 20 años en desarrollo

El cierre del rodaje representa uno de los hitos más importantes para una producción que permaneció durante años en distintas etapas de escritura, planificación y preparación.

La nueva película retomará la historia inmediatamente después de los acontecimientos narrados en La pasión de Cristo y se centrará en la resurrección de Jesucristo, explorando los sucesos posteriores a la crucifixión. Sin embargo, Gibson ya había adelantado que la propuesta irá mucho más allá de una adaptación convencional de los Evangelios.

El director, quien escribió el guion junto con Randall Wallace, autor de Corazón valiente, explicó anteriormente que la historia abordará temas teológicos como el infierno, el Sheol, la caída de los ángeles y el origen de Satanás, una aproximación mucho más ambiciosa que la de la primera película. Incluso llegó a describir el libreto como “un viaje alucinante”, anticipando una narrativa distinta a la de un relato bíblico tradicional.

La producción comenzó en los históricos estudios Cinecittà, en Roma, donde también se filmó la cinta original de 2004, y posteriormente se trasladó a distintos escenarios del sur de Italia, entre ellos la ciudad de Matera y localidades cercanas, utilizadas por su arquitectura de aspecto antiguo.

Un reparto completamente renovado

Uno de los cambios que más llamó la atención de los seguidores fue la decisión de reemplazar prácticamente a todo el elenco principal de la película original.

Durante buena parte del desarrollo se esperaba que Jim Caviezel volviera a interpretar a Jesús. De hecho, el actor llegó a declarar en 2025 que la producción utilizaría tecnología de rejuvenecimiento digital para representar que el personaje solo había envejecido tres días desde la crucifixión.

Sin embargo, meses después la producción optó por una estrategia completamente distinta. “Tenía sentido renovar todo el reparto. Habrían tenido que hacer todo ese trabajo de CGI, rejuvenecimiento y demás, lo que habría resultado muy costoso”, explicó a Variety una fuente cercana al proyecto.

Como resultado, el actor finlandés Jaakko Ohtonen asumirá el papel de Jesús, mientras que el nuevo reparto también incluye a Mariela Garriga como María Magdalena, Pier Luigi Pasino como Pedro, Kasia Smutniak como María, Riccardo Scamarcio como Poncio Pilato y Rupert Everett en un papel de reparto.

La nueva fecha de estreno

Aunque inicialmente se había anunciado que las dos películas llegarían a los cines en 2027 con apenas 40 días de diferencia, el calendario finalmente fue modificado.

La información más reciente indica que “The Resurrection of the Christ: Part One” se estrenará el 6 de mayo de 2027, mientras que “Part Two” llegará a los cines el 25 de mayo de 2028, ampliando considerablemente el intervalo entre ambas entregas.

Hoppers: Operación Castor es una comedia animada de ciencia ficción de Pixar que sigue a Mabel, una estudiante universitaria apasionada por los animales que recurre a una innovadora tecnología para proteger un bosque amenazado por la expansión urbana. Gracias al programa “Hoppers”, que permite transferir la conciencia humana a animales robóticos hiperrealistas, la joven decide ocupar el cuerpo de un castor para acercarse a la fauna y evitar la destrucción de su hábitat, aunque su plan terminará desencadenando consecuencias inesperadas.

Dirigida por Daniel Chong y producida por Pixar para Disney, la película contó con un desarrollo de seis años y un elenco de voces encabezado por Piper Curda, Bobby Moynihan y Jon Hamm. Con una recaudación mundial de 388,9 millones de dólares frente a un presupuesto de 150 millones, la película se ubica entre las más exitosas del año, y ahora llega al servicio de Disney+.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con el director Daniel Chong y Nicole Paradis Grindle la productora en video, o a leer una transcripción

—Felicitaciones por la película, realmente me encantó. Fui a verla al cine con mi hijo y a él también le encantó así que felicitaciones de nuevo. Primero que anda quería preguntarles, porque hay tantos elementos sucediendo, hay tantas cosas. Quisiera ir al principio, al punto de partida. ¿De dónde vino todo esto?

Daniel Chong: —Cuando volví a Pixar estaba buscando ideas y me encontré con estos videos donde ponían animales robots en la naturaleza para espiarlos. Son realmente hilarantes y estás como esperando a ver si los animales se dan cuenta que no son de verdad y los patean o algo. Así que, en cierta forma tomé eso y empecé a pensar un poco en Avatar. Y luego pensé en las películas de espías, y en lo mucho que me gustan las películas de Misión Imposible, y cosas por el estilo. Así que, de repente, empecé a mezclar todas estas cosas diferentes que me encantan en una película. Y además, sabiendo que me encantan los animales, y que me encanta hacer películas sobre ellos, y me encanta hablar de nuestra relación con ellos. Así que creo que ese fue más o menos el punto de partida para mí. Y luego, ya sabes, nos llevó seis años hacer esta película, así que tuvimos tiempo para experimentar y descubrir cómo hacer que todo funcionara.

—Bueno, sí, iba a preguntarte sobre eso, porque tenemos tantos personajes. Tenemos humanos, tenemos, bueno, castores, serpientes, pero animales. Y, ya sabes, apuesto a que hay muchos retos aquí, porque tenemos muchas texturas y estilos. Y además, son personajes muy bien desarrollados. Y esta no es una película de tres horas y media. Entonces, ¿cuál fue el principal desafío en ese sentido? Me refiero a mezclar la animación y también, ya sabes, la profundidad de cada personaje.

Nicole Paradis Grindle: —Vaya, es que hay tantos retos diferentes. Creo que en cuanto a la narración, Daniel, quiero decir, podría haber durado tres horas. Teníamos suficiente material para tres horas. Simplemente no queríamos que durara tanto.

—Podrían haber sido tres temporadas.

Nicole Paradis Grindle: —Sí, viniendo de la televisión, Daniel tenía mucho material en su interior. Y hay un montón de personajes geniales en ese mundo que no recibieron el reconocimiento que merecían. Pero al final, tenía que ser una historia sobre una protagonista, sobre Mabel. Y, ya sabes, necesitábamos que su viaje emocional fuera lo que destacara. Teníamos montones de humor, montones de, ya sabes, un hermoso mundo, muy bien imaginado. Pero, ¿qué te haría interesarte? ¿Qué te haría interesarte por ella? Al principio, daba la impresión de estar demasiado enojada, ya sabes, una chica joven que simplemente estaba enojada y quería pelear con todo el mundo. Y vimos el lado humorístico de eso. Pero a veces el público, el público de los preestrenos, no conectaba con eso.

Así que cuando terminamos de desarrollar las escenas iniciales con su abuela y la joven Mabel, entonces la gente conectó con ella. Se dan cuenta de que “ah, esta es una niña a quien le importaba este lugar”. Así es ella. Es alguien a quien simplemente le importa. Y de repente te das cuenta: “Oh, me gusta esta persona. Me gusta alguien que se preocupa tanto”. Y, sí, es molesto cuando se enojan tanto, pero lo entiendo. Y es comprensiva. Solo quiere proteger a los animales. Y así, una vez que nos encontramos en esa trayectoria, eso le dio sentido a todo lo demás que había en la película. Y, ya sabes, hay muchas cosas divertidas que no llegaron a incluirse. Pero, ya sabes, valió la pena para que ese viaje fuera tranquilo.

—Y, bueno, ya sabes, para terminar, realmente quiero centrarme en uno de mis favoritos. Me encantan todos. Pero, ya sabes, el alcalde Jerry es una locura. Es solo que... Porque no es un villano. Es muy impredecible. Es decir, crees que va a ir por un lado, y luego va por otro, y luego va por otro otra vez. Así que me gusta mucho lo que hicieron con este personaje. Es decir, es simplemente increíble. Así que realmente quiero preguntarles sobre su evolución y su relación con Mabel.

Daniel Chong: —Creo que no poder definir a Jerry y tener ese tipo de giro es, en cierto modo, uno de los temas de la película. Es como, ya sabes, darse cuenta de eso, empatizar con otros personajes, ya sabes. Y bueno, quiero decir, sí que tenemos algunos villanos de verdad en la película, como Titus. Pero creo que, en el caso de Jerry, Mabel le dio una oportunidad, y vimos que en realidad podía cambiar. Y sí que cambia. Y también que no es simplemente un tipo de malo unidimensional. Ya sabes, se preocupa por su mamá. Ya sabes, quiere a sus vecinos. La gente lo quiere, ya sabes. Y no es exactamente blanco o negro, ya sabes. Así que creo que esa fue una de las cosas importantes que nuestra película debía hacer, fue mostrar que no siempre es lo que parece. Y cómo podemos generar empatía por personajes que quizás hayamos retratado de una manera y darnos cuenta de que no es tan sencillo.

—Muchas gracias por tu tiempo. Una vez más, me encanta la película. Así que felicidades.

Jurassic World Dominion ha sido oficialmente confirmada como la película más costosa de la historia, superando incluso a Star Wars: El despertar de la Fuerza, con un presupuesto final de 658,8 millones de dólares. Aunque la película recaudó más de 1.000 millones de dólares en la taquilla mundial entre 2022 y 2023, los documentos financieros presentados en Reino Unido y analizados por la revista Fortune revelan que Universal apenas recuperó la inversión, e incluso sufrió ligeras pérdidas si se considera únicamente la venta de entradas. Esta situación cuestiona la tradicional asociación entre grandes cifras de taquilla y rentabilidad y muestra cómo la industria cinematográfica enfrenta desafíos económicos sin precedentes, acentuados por sucesos extraordinarios como la pandemia y el auge de las plataformas de streaming.

Particularidades de una producción durante la pandemia

El rodaje de Jurassic World Dominion coincidió plenamente con la emergencia sanitaria global causada por el COVID-19, un contexto que obligó a implementar estrictos protocolos de seguridad, continuos retrasos y periodos de inactividad. El elenco, incluidos Chris Pratt y Bryce Dallas Howard, junto con el equipo técnico, debieron permanecer durante meses confinados en los alrededores de los Estudios Pinewood en Reino Unido, para reducir riesgos de contagio y proteger la salud durante toda la filmación.

Estos contratiempos implicaron fuertes gastos adicionales en logística, salarios e infraestructura, lo que elevó el presupuesto de la película a cifras históricas. Incluso los programas de reembolso británicos, diseñados para compensar costes de producciones extranjeras, resultaron insuficientes ante el reto extraordinario que supuso finalizar la película en esas condiciones.

Diferencia entre recaudación y beneficio real

A primera vista, el desempeño en taquilla de Jurassic World Dominion, con más de 1.000 millones de dólares a nivel mundial, daría la impresión de un rotundo éxito financiero. No obstante, los propios informes de Universal y publicaciones financieras como Fortune muestran que gran parte de esa cifra no termina en manos del estudio. Aproximadamente el 50% de lo recaudado en taquilla se queda en las salas de cine y con intermediarios.

Además, los importantes desembolsos en marketing y promoción, que normalmente se contabilizan aparte del presupuesto de producción, deben incluirse en la ecuación. Desde hace tiempo, la regla del 2X indica que para que una superproducción sea rentable debería ingresar, al menos, el doble de su coste inicial. En el caso de Jurassic World Dominion, los cálculos apuntan a que Universal recuperó cerca de 500 millones de dólares, cantidad insuficiente para cubrir la inversión inicial, dejando a la película en pérdidas si se consideran solo los ingresos por entradas de cine.

Implicaciones para la industria y el futuro de los grandes estrenos

El caso de Jurassic World Dominion ejemplifica un nuevo escenario en Hollywood: ya no basta con alcanzar cifras récord en taquilla para asegurar la rentabilidad de los grandes proyectos. El aumento considerable de los costes, debido a tecnología, salarios de las estrellas, efectos especiales y circunstancias imprevistas como pandemias, se suma al elevado gasto en marketing y a la creciente fragmentación en los hábitos de consumo del público.

El auge de las plataformas de streaming ha cambiado radicalmente la manera en que los estudios obtienen ingresos, haciendo que las ventanas tradicionales de venta, como el cine, el mercado doméstico y la televisión, sean ahora menos predecibles. En este contexto, situaciones como la de Jurassic World Dominion generan inquietud en los estudios, que buscan opciones más sostenibles para sus grandes franquicias. A pesar de todo, Universal ya prepara una secuela titulada Jurassic World: El renacer, aunque el debate sobre los límites del gasto y la rentabilidad en el cine continúa abierto.

Si cada nueva generación no tiene su A tres metros sobre el cielo (2010), se le asignará una de oficio. A comienzos de la década pasada, Mario Casas, su “¡Fea!" y el vrom vrom de su moto dejó histérico a media España en las salas de cine. Ahora ese hueco lo han llenado las plataformas de streaming: Netflix con obras como A través del mar, y Prime Video con la saga Culpables, ambas adaptaciones románticas de Wattpad.

Dentro de ese fenómeno, pocas franquicias han alcanzado el éxito de la creada por Mercedes Ron. La autora argentino-española afincada en España comenzó publicando Culpa mía en Wattpad, donde la historia de Noah y Nick acumuló millones de lecturas antes de dar el salto a las librerías y, posteriormente, a la pantalla. En 2023, Nicole Wallace y Gabriel Guevara protagonizaron la primera cinta de la saga, que más tarde llegó con la segunda y tercera parte, estrenada el año pasado-y con un cuarto libro, Culpa vuestra, publicado el pasado mes de mayo-.

Con semejante éxito entre manos, era cuestión de tiempo que la plataforma intentara replicar la fórmula fuera de España. Así nació My Fault: London, una reinterpretación británica que trasladó el universo de Noah y Nick al Reino Unido sin renunciar a los ingredientes que convirtieron a la saga en un auténtico fenómeno, caracterizado por un romance prohibido entre hermanastros y una buena dosis de drama adolescente.

Ahora, este viernes 19 de julio, Prime Video estrena Your Fault: London, la segunda parte de esta versión inglesa que busca consolidar la internacionalización de una de las franquicias juveniles más exitosas de los últimos años. La película, protagonizada por Asha Banks y Matthew Broome, llega a la plataforma para disfrutar en más de 240 países.

‘Your Fault: London’ llega a Prime video este viernes

La nueva producción retoma la historia de Noah y Nick tras los acontecimientos de My Fault: London, la primera adaptación británica de la saga estrenada en febrero del año pasado. Si en la primera Noah (Banks) se muda de Florida a Londres después de que su madre se casara con un riquísimo empresario británico para terminar enamorada de su hermanastro Nick (Broome) y con un beso confirmando su relación, la secuela arranca con la pareja plenamente enamorada. Sin embargo, la distancia y las nuevas responsabilidades amenazan con poner en peligro su relación: Noah comienza sus estudios en Oxford mientras Nick se enfrenta a las crecientes exigencias de su trabajo, un escenario que dará paso a nuevos conflictos.

Sin embargo, la recepción crítica de esta nueva adaptación no ha sido unánime. Jennifer Green, crítica de Common Sense Media, que ya podido ver la cinta, ha valorado la película con dos estrellas sobre cinco y ha señalado que la producción parte con una ventaja evidente respecto a sus antecesoras. “La versión en inglés se beneficia de sus predecesoras para experimentar con lo que funciona”, afirma la especialista. No obstante, considera que los responsables del filme podrían haber aprovechado mejor esa oportunidad para mejorar algunos aspectos narrativos.

Your Fault: London está dirigida por Dani Girdwood y Charlotte Fassler, con guion de Melissa Osborne y Bella Heesom. La producción corre a cargo de Ben Pugh y Erica Steinberg para 42, mientras que entre los productores ejecutivos figuran Alex de la Iglesia, Carolina Bang y Domingo González, responsables también de las exitosas adaptaciones españolas desarrolladas por Pokeepsie Films.

La prematura muerte de la actriz Daveigh Chase, la inolvidable niña del pozo en The Ring, ha hecho que muchos fans de la película rememoren el impacto que supuso una saga que redefinició el cine de terror en los años 2000. Nadie olvidará el pánico que daba mirar una televisión analógica con estática, ni la voz de ultratumba que sonaba a través del teléfono fijo para anunciar a quien lo cogía que le quedaban “siete días” de vida.

La película estadounidense tuvo un éxito arrollador porque supo adaptar con maestría el horror psicológico de la película original, realizada en Japón y con menor recorrido que su remake. De hecho, además de recaudar 250 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en una de las películas de terror más taquilleras de su época, su historia sobre una cinta de vídeo maldita acabó creando una fobia colectiva hacia los teléfonos y las cintas de vídeo VHS.

Aquel brutal triunfo comercial estiró la franquicia durante años mediante diversas secuelas y adaptaciones que, pese a no contar con Daveigh Chase ni ningún otro miembro del elenco original, intentaron replicar la fórmula original. La última entrega de esta famosa marca cinematográfica estuvo dirigida por un español, el cineasta cordobés F. Javier Gutiérrez, quien en 2017 firmaría el cierre de la saga.

En busca de nuevas ideas

A la hora de ampliar la saga de The Ring, los productores pensaron que quién mejor que el director original de la película japonesa, Hideo Nakata. En 1998, este cineasta había estrenado Ringu (1998), que fue la que convenció a los estudios norteamericanos para comprar los derechos y realizar un lavado de cara occidental que le diera popularidad mundial a la historia. De hecho, para cuando se estrenó The Ring 2 (2005), Samara Morgan ya no era un espectro asiático, sino un icono pop de la industria americana.

Con un presupuesto parecido al de la primera película, esta continuación obtuvo unos ingresos bastante menores (161 millones de dólares), pero aún así lo suficientemente elevados como para que se considerara un éxito comercial. Sin embargo, de cara a la crítica y el público, la idea no salió tan bien. La crítica condenó a la película por su abuso de los efectos especiales y la decisión de querer explicar los orígenes del personaje.

Por otro lado, el futuro de la saga acabó de condenarse con los cambios tecnológicos que empezaron a llegar a paritr de mediados de los 2000: el VHS desapareció del mercado y, a los pocos años, llegaría internet. Los estudios no terminaban de ver cómo la saga The Ring podía adaptarse a este nuevo mundo, aunque hubo propuestas como The Ring 3D, que haría que Samara saliera literalmente de la pantalla hacia las gafas del espectador. A pesar de eso, no hubo ningún guion que terminara de convencer a los productores.

El tropiezo digital

El regreso definitivo se planeó para el año 2017 con Rings, la entrega que confió en el talento español de F. Javier Gutiérrez, que había triunfado internacionalmente con la película 3 días (2008), para intentar actualizar el mito a la nueva era de las redes sociales. El cineasta intentó modernizar la maldición mediante vídeos virales de WhatsApp y correos electrónicos, pero ni siquiera logró pasar el corte de los primeros pases de prueba, donde las reacciones fueron muy negativas y llevaron a que el estudio decidiera intervenir en el guion, cambiando pasajes, eliminando personajes y haciendo nuevas grabaciones.

Fuera mejor o peor tras esos cambios, lo cierto es que la tercera entrega se consideró un fracaso estrepitoso. Las críticas la destrozaron por haber perdido su atmósfera asficiante y todo su encanto analógico, además de por sus efectos digitales de baja calidad. Con todo, la producción logró salvar los muebles con una recaudación de más de 80 millones de dólares a nivel mundial, nada mal teniendo en cuenta que su presupuesto había sido de unos 25 millones. Por aquel entonces, Rob Moore, vicepresidente de Paramount, afirmó que, si los números iban bien, podrían producirse más secuelas anuales, pero su salida del estudio dejaron los planes suspendidos.

En la actualidad, no existen planes oficiales ni proyectos activos para recuperar la saga cinematográfica de The Ring en la gran pantalla. Los derechos permanecen guardados, reflejando el miedo de las productoras a tropezar de nuevo. Así, el legado de la franquicia se mantiene vivo únicamente en el recuerdo de los espectadores que sufrieron con su visionado original. Con la reciente y triste pérdida de Daveigh Chase, la nostalgia por aquella experiencia ha ido incluso más allá. Su escalofriante mirada a través del televisor siempre será el verdadero y eterno corazón de The Ring.

Los seguidores de Las Guerreras K-pop pueden comenzar a experimentar con herramientas como Gemini, la inteligencia artificial de Google, una forma de generar imágenes sobre cómo lucirían sus protagonistas si fueran parte del mundo de los juguetes articulados de Toy Story.

A través de la inteligencia artificial, es posible transformar imágenes de personajes reconocidos y adaptarlos a otras estéticas, generando resultados sorprendentes.

Las protagonistas de Las Guerreras K-pop pueden tener la apariencia de figuras de acción, con cajas y detalles inspirados en la clásica habitación de Andy, manteniendo elementos propios de la animación de Toy Story.

En este sentido, se explica todo lo que se debe saber para fusionar los dos estilos de películas con inteligencia artificial, a través de pasos sencillos que tomarán pocos segundos y no requieren conocimientos técnicos.

Cómo seleccionar las imágenes adecuadas para la transformación con IA

El primer paso para transformar personajes de Las Guerreras K-pop en juguetes de Toy Story es elegir imágenes de alta calidad de ambas películas. Se debe buscar fotos oficiales, capturas promocionales o imágenes en buena resolución que representen fielmente a las protagonistas y elementos característicos del universo Toy Story.

Una vez seleccionadas las imágenes, es fundamental asegurarse de que tengan un fondo claro y que los personajes se encuentren bien iluminados. Esto facilita el reconocimiento de las formas y los rasgos que la IA necesitará para adaptarlos al nuevo estilo.

En el caso de Las Guerreras K-pop, conviene elegir poses dinámicas y expresivas, similares a las que suelen tener las figuras de acción en sus empaques.

En qué plataforma se puede generar la ilustración con IA

Gemini, la herramienta de inteligencia artificial desarrollada por Google, permite subir imágenes para que sean procesadas y transformadas según indicaciones específicas.

Para comenzar, se debe acceder a la plataforma y ubicar la opción de carga de imágenes, generalmente disponible en la interfaz principal del chat o del generador visual.

El usuario debe seleccionar las imágenes previamente elegidas y cargarlas una a una o en grupo. Es importante verificar que los archivos se hayan subido correctamente antes de avanzar al siguiente paso. De este modo, la IA contará con todos los elementos necesarios para realizar la fusión entre Las Guerreras K-pop y Toy Story.

Cómo redactar un prompt efectivo para lograr la transformación con IA

La clave para obtener resultados satisfactorios con Gemini está en la redacción precisa del prompt, es decir, la instrucción que se le da a la inteligencia artificial.

El prompt debe incluir detalles sobre los personajes, el estilo deseado y el contexto visual, sumado a indicar el tipo de integración entre ambas franquicias. Una instrucción clara y específica mejora la calidad de la imagen generada.

Un prompt en español podría ser: “Transforma a las protagonistas de Las Guerreras K-pop en juguetes articulados del universo Toy Story, con empaques inspirados en la película, respetando los colores y estilos originales de cada personaje”.

Qué hacer si el resultado de la IA requiere ajustes o correcciones

En ocasiones, la primera imagen generada puede no cumplir por completo con las expectativas del usuario. Para mejorar el resultado, se debe realizar ajustes en el prompt, especificando detalles adicionales sobre poses, expresiones o elementos de diseño.

Asimismo, es posible probar con nuevas imágenes o combinar diferentes instrucciones hasta lograr la visualización deseada. Gemini suele permitir la edición o regeneración de imágenes a partir del mismo chat, facilitando un proceso iterativo.

El usuario puede comparar las distintas versiones y seleccionar la que mejor represente la idea original. Este método garantiza mayor control sobre el resultado final y la posibilidad de perfeccionar detalles visuales.

Cómo descargar y publicar la creación en redes sociales

Una vez obtenida la imagen que cumple con las expectativas, el siguiente paso es descargar el archivo en la mejor calidad disponible. Gemini ofrece opciones de descarga directa desde la plataforma, permitiendo guardar la imagen en formatos compatibles con la mayoría de redes sociales.

Para compartir la creación, se sugiere acompañar la publicación con una breve descripción sobre el proceso y el uso de inteligencia artificial.

La fiebre por Las Guerreras K-pop no para y ahora con su primer aniversario llegará una transmisión para festejar. Este 20 de junio, Netflix llevará a cabo una maratón global de nueve horas, diseñada para que seguidores de todas partes puedan revivir la película, disfrutar de contenido exclusivo y sumarse a los festejos que rodean a la producción animada más vista de la plataforma.

La celebración gira en torno a HUNTR/X, el grupo ficticio que ha conquistado a millones, y a los Saja Boys, quienes también forman parte central de esta franquicia.

Dónde y cómo ver la transmisión de nueve horas de Las Guerreras K-pop

La transmisión especial de nueve horas será accesible para todos los fans a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. La cita está programada para el 20 de junio y, gracias al formato digital, permitirá que personas de cualquier país se conecten en cualquier momento del día.

Durante el evento, los organizadores han previsto proyectar diversas versiones de la película: la original, una edición Sing-Along especialmente pensada para que los espectadores puedan cantar junto a sus personajes favoritos, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

La audiencia podrá acceder a la transmisión simplemente ingresando al perfil oficial de Netflix en TikTok. No será necesario pagar ni registrarse en una plataforma externa, lo que facilita la participación global y espontánea.

Qué contenido especial tendrá esta transmisión

Uno de los principales atractivos de la maratón es el contenido exclusivo que se ha preparado para la ocasión. A lo largo de la transmisión, se emitirán entrevistas con los creadores y miembros del elenco detrás de Las Guerreras K-pop, así como con influencers y seguidores destacados del universo HUNTR/X.

Estas conversaciones permitirán conocer detalles inéditos sobre el proceso creativo y el impacto que la película ha tenido tanto en la industria como entre los fans.

Se han anunciado apariciones sorpresa a lo largo del evento, pensadas para mantener el interés de la audiencia y generar conversación en redes sociales. Además, la transmisión contará con comentarios en vivo, secuencias inéditas y animatics nunca antes vistas, lo que constituye una oportunidad única para descubrir el material que no llegó a la versión final de la cinta.

La comunidad fan tendrá un papel destacado en esta jornada. Habrá momentos especiales creados por usuarios, donde se compartirán producciones de seguidores y se celebrará activamente la creatividad del fandom.

Así, la maratón no solo será un repaso por la película, sino también un espacio de encuentro y reconocimiento para quienes han acompañado a la franquicia desde el inicio.

Qué otro contenido especial habrá por el aniversario de Las Guerreras K-pop

Los festejos del primer año de “Las Guerreras K-pop” trascienden el entorno digital. Netflix lanzó ediciones especiales del soundtrack bajo el título “KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film”, tanto en vinilo como en CD.

Esta colección se distingue por incluir cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, lo que convierte a estas ediciones en piezas de colección para los seguidores más fieles de la franquicia.

Junto a los discos, los fans podrán encontrar extras como calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables. Estos objetos refuerzan el vínculo entre la audiencia y el universo de la película, permitiendo que los seguidores lleven consigo parte de la estética y la identidad de HUNTR/X.

Netflix también organizó proyecciones especiales de aniversario en salas de cine de países como Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades ofrecerán funciones gratuitas al aire libre en lugares emblemáticos, ampliando las posibilidades para que el público disfrute de la cinta en comunidad.al.

La industria cinematográfica adopta un enfoque nostálgico con el regreso de Lisa Kudrow y Mira Sorvino a sus papeles emblemáticos en la esperada secuela de Romy and Michele’s High School Reunion. Tres décadas después de que la película original se consolidara como un ícono de la cultura pop de los años noventa, Disney y 20th Century Studios han anunciado oficialmente el inicio del rodaje, respondiendo a años de rumores y solicitudes por parte de los seguidores.

La nueva cinta, que se estrenará directamente en la plataforma Hulu en Estados Unidos y en Disney+ en los mercados internacionales, busca revitalizar una historia que conquistó al público a finales de los años noventa e incorporar a nuevas generaciones de fanáticos. El proyecto reúne al reparto original y suma actores de la comedia contemporánea, lo que ha despertado una mayor expectativa tanto en redes sociales como entre la crítica.

Un fenómeno de culto que ha trascendido el tiempo

La primera entrega de Romy and Michele’s High School Reunion, que debutó en 1997, relataba la historia de dos amigas inseparables que, tras una década de haber terminado la secundaria, regresan a su ciudad natal para asistir a la reunión de exalumnos. La trama se centraba en sus intentos de aparentar éxito frente a sus antiguos compañeros, explorando temas universales como la inseguridad, la amistad femenina y el deseo de pertenencia. Aunque su desempeño en taquilla fue modesto -con una recaudación de poco menos de 30 millones de dólares para un presupuesto de 20 millones-, la película encontró una segunda vida gracias a su distribución en video doméstico y frecuentes reposiciones en televisión.

La química entre Kudrow y Sorvino, sumada al humor ingenioso del guion de Robin Schiff, convirtió la película en un referente generacional. Con el paso del tiempo, se transformó en una obra de culto, especialmente valorada por la representación de una amistad auténtica entre mujeres dentro de un género predominantemente orientado a historias masculinas. Alan Cumming, quien también regresa para la secuela, ha señalado que el atractivo del filme reside en que “era tan ingeniosa y divertida” y que representaba una excepción en Hollywood, donde películas similares protagonizadas por hombres suelen recibir secuelas con mayor facilidad.

El prolongado camino hacia la secuela

Durante más de veinte años, los rumores sobre una posible continuación de la historia se mantuvieron constantes. Tanto Lisa Kudrow como Mira Sorvino respondieron por años a preguntas en entrevistas sobre la posibilidad de una continuación, incluso en ausencia de un guion formalmente solicitado. El desarrollo del proyecto se vio estancado, con versiones preliminares que surgían periódicamente y negociaciones contractuales que impedían avanzar. En 2024, Sorvino fue la primera en anunciar que se encontraba próximo un acuerdo definitivo. Sin embargo, fue hasta 2026 que se confirmó oficialmente el inicio del rodaje, marcando el final de un ciclo de rumores y desmentidos que mantuvo en vilo a los fanáticos y a la prensa.

En el momento del anuncio oficial, Disney y 20th Century Studios difundieron una fotografía de Kudrow y Sorvino caracterizadas nuevamente como Romy & Michele, imagen que rápidamente se volvió tendencia mundial. La frase promocional, “La reunión que estabais esperando”, sintetizó el sentir de los seguidores que, durante años, solicitaron el regreso de estos personajes.

El equipo creativo y los nuevos integrantes del elenco

Un aspecto especialmente destacado para los admiradores de la película original es el retorno del equipo creativo: Robin Schiff, guionista de la primera entrega y creadora de los personajes, está de vuelta para escribir el nuevo guion, asegurando así continuidad en el tono y la narrativa. La dirección estará a cargo de Tim Federle, conocido por su trabajo en High School Musical: The Musical: The Series, lo que sugiere una aproximación actual que busca conectar con nuevas audiencias sin traicionar la esencia de la historia original.

En lo que respecta al reparto, junto a Kudrow y Sorvino regresan Janeane Garofalo, Alan Cumming, Camryn Manheim y Julia Campbell, mientras que se incorporan Keegan-Michael Key, Rob Huebel, Breckin Meyer, Patrick Warburton y Nathan Lee Graham en papeles que aún no han sido anunciados. Estas incorporaciones apuntan a un equilibrio entre continuidad y novedad, ampliando el potencial para explorar nuevas dinámicas y situaciones cómicas.

Un estreno alineado con los hábitos actuales de consumo

Una diferencia importante respecto a la película original es el método de estreno. A diferencia de la cinta de 1997 que llegó a las salas de cine, la secuela se lanzará directamente en formato digital, en Hulu para el público estadounidense y en Disney+ para el resto del mundo. Esta decisión responde a los cambios en los hábitos de consumo audiovisual y podría multiplicar la audiencia, ya que permitirá el acceso inmediato a millones de personas de todo el mundo.

Esta estrategia no solo busca aprovechar la nostalgia de quienes crecieron con la película inicial, sino también atraer a una nueva generación acostumbrada a consumir contenido en plataformas digitales. De este modo, Disney y 20th Century Studios se suman a la tendencia de relanzar clásicos a través del streaming, en un intento por renovar franquicias para las audiencias contemporáneas.

El impacto sobre los seguidores y la cultura popular

El regreso de Romy & Michele a la pantalla tiene el potencial de revitalizar la cultura popular, en particular para quienes vieron en la película original una visión irreverente y optimista sobre la amistad y el paso del tiempo. El entusiasmo manifestado por los seguidores, especialmente en redes sociales, evidencia no solo la fuerza de la nostalgia, sino también una demanda por historias protagonizadas por mujeres y contenidos cómicos menos convencionales.

Pese a la expectativa, el anuncio ha estado acompañado de ciertos comentarios críticos hacia la industria. Alan Cumming resaltó que la demora en aprobar la secuela podría estar relacionada con prejuicios de género en Hollywood, indicando que una historia similar pero protagonizada por hombres probablemente habría contado con una continuación mucho antes. Estas declaraciones han reavivado el debate en torno a la igualdad de oportunidades en la industria del entretenimiento, un contexto en el que el regreso de la franquicia adquiere además un matiz reivindicativo.

Del origen en la novela gráfica al reconocimiento internacional

La franquicia Heartstopper comenzó como una serie de novelas gráficas escritas por Alice Oseman, que rápidamente ganaron popularidad entre el público adolescente por su tratamiento sensible y cotidiano de temas LGBTQ+. En 2022, Netflix adaptó la historia a la pantalla en formato de serie, logrando una posición destacada dentro del género juvenil, aunque sin alcanzar las cifras más altas de audiencia en el ámbito más amplio.

La narrativa, centrada en el romance entre Nick y Charlie, consiguió una profunda identificación con los jóvenes espectadores, consolidando así una comunidad de seguidores leales. La evolución de la serie conduce ahora a Heartstopper Forever. A diferencia de los capítulos anteriores, este largometraje se basa en el sexto volumen de la saga literaria, que se publicará pocos días antes del estreno, lo que representa una apuesta poco común en cuanto a la sincronización entre adaptación y material original.

Impacto cultural y representación: transformación en el audiovisual juvenil

La llegada de Heartstopper Forever no solo marca el final de una historia sentimental, sino que también aborda los desafíos del paso a la adultez y la despedida del primer amor, temas centrales para la generación adolescente actual. La película explora la tensión de una relación a distancia: Nick se prepara para comenzar su vida universitaria en otra ciudad, mientras Charlie enfrenta su último año de secundaria con mayor independencia.

Al mismo tiempo, el grupo de amigos, conformado por Tao (William Gao), Elle (Yasmin Finney), Darcy (Kizzy Edgell), Tara (Corinna Brown), Imogen (Rhea Norwood) e Isaac (Tobie Donovan), se enfrenta al final del ciclo escolar, a nuevos amores y a las incertidumbres propias del crecimiento. La representación abierta y naturalizada de la diversidad sexual y de género se mantiene como sello distintivo, incluyendo eventos como fiestas, desfiles del Orgullo LGBTQ+ y situaciones de autodescubrimiento. También destaca la alianza promocional con Olivia Rodrigo, que añade un componente musical afín al público juvenil y a los elementos de la cultura pop global.

Producción, cierre de la historia e influencia en el sector audiovisual

Desde la perspectiva de la industria, la decisión de convertir el desenlace en un largometraje -coincidiendo con el lanzamiento inminente del volumen final- confirma la confianza de Netflix en la franquicia como impulsora del compromiso global de la audiencia. La participación de Kit Connor y Joe Locke como productores ejecutivos reafirma una tendencia reciente: integrar a protagonistas jóvenes en los procesos creativos y estratégicos, con el objetivo de aumentar tanto la autenticidad narrativa como la conexión con la base de seguidores. Aunque no se ubicó entre los mayores éxitos comerciales, el impacto de la saga en la representación e identificación de audiencias LGBTQ+ marcó una diferencia relevante en la oferta juvenil de la plataforma.

Además, la decisión de filmar con el elenco original casi completo, con la única excepción de Olivia Colman por cuestiones de agenda, está orientada a cerrar historias secundarias y reforzar la experiencia de comunidad. Mientras los seguidores se preparan para despedir a Nick y Charlie, la campaña internacional coincide con el estreno musical de Rodrigo, aumentando la visibilidad de ambos lanzamientos en un contexto competitivo dentro del streaming dirigido al público adolescente.

Después de más de dos décadas de rumores, especulaciones y respuestas ambiguas, Mike Myers finalmente despejó una de las mayores dudas de los seguidores de la saga Austin Powers. El actor y creador de la popular franquicia confirmó que una cuarta película está en camino, aunque por ahora evitó revelar cualquier detalle sobre su desarrollo.

La confirmación llegó durante su participación en Trevor Noah’s World Cup Watch Party, donde el presentador leyó una pregunta enviada por un fan: si alguna vez verían Austin Powers 4. Sin rodeos, Myers respondió con una sola palabra: Sí.

La respuesta fue tan inmediata que incluso el entrevistador reaccionó con sorpresa: “¡Vaya, ese fue un sí muy rápido!”

Aunque el actor no ofreció información sobre la historia, el elenco, el calendario de producción o una posible fecha de estreno, su breve respuesta fue suficiente para entusiasmar a los seguidores de una franquicia que llevaba cerca de 25 años sin una nueva película.

La historia de Austin Powers comenzó en 1997 con Austin Powers: International Man of Mystery, una comedia escrita por Mike Myers y dirigida por Jay Roach. La película presenta a un extravagante espía británico de la década de 1960 que es congelado criogénicamente durante 30 años para ser despertado en la década de 1990 y enfrentarse nuevamente a su archienemigo, Dr. Evil, personaje que también interpreta Myers.

El filme parodiaba las películas clásicas de espías, especialmente la franquicia de James Bond. Había humor absurdo, referencias a la cultura pop y varios personajes interpretados por el propio Myers.

El éxito de la primera entrega dio paso a Austin Powers: The Spy Who Shagged Me (1999), que amplió el universo de la franquicia e incorporó al personaje de Fat Bastard, otro de los papeles creados e interpretados por Myers. Su recaudación en taquilla internacional llegó a los 300 millones de dólares.

Posteriormente llegó Austin Powers in Goldmember (2002), que mantuvo el éxito comercial de su antecesora e introdujo al villano Goldmember. En dicha entrega participó Beyonce como estrella invitada.

Años de rumores sobre una cuarta película

Durante mucho tiempo, la posibilidad de una nueva entrega permaneció en el terreno de las especulaciones.

En una entrevista concedida a Entertainment Weekly en 2019, Myers aseguró que estaban trabajando para hacer realidad una cuarta película. Sin embargo, el proyecto nunca llegó a concretarse públicamente.

Un año después, en 2020, el director Jay Roach explicó que la continuidad de la franquicia dependía principalmente de que Myers encontrara una idea que realmente lo inspirara. En ese momento afirmó que nunca diría “nunca”, pero reconoció que el actor todavía no había encontrado el concepto adecuado para regresar al personaje.

En 2022, Myers volvió a alimentar las especulaciones durante una entrevista con SiriusXM Stars, cuando respondió con humor que no podía confirmar ni negar la existencia del proyecto.

Más recientemente, en 2024, el actor declaró que había “absolutamente” más historias por contar dentro del universo de Austin Powers, lo que reforzó la esperanza de los fanáticos de volver a ver al peculiar espía británico en la pantalla grande.

El caso de Frances Haugen y las revelaciones de Facebook

A diferencia de La red social, centrada en los conflictos internos y batallas legales entre los cofundadores de Facebook, The Social Reckoning se basa en la historia real de Frances Haugen, una ingeniera joven que trabajó en la red social. Frances, interpretada por Mikey Madison, se convierte en la figura central de una investigación interna de alto riesgo. Motivada por preocupaciones éticas sobre la gestión de datos y el impacto en el bienestar de los usuarios, busca la colaboración de Jeff Horwitz, reportero del Wall Street Journal, interpretado por Jeremy Allen White, para sacar a la luz los secretos mejor guardados de la empresa.

Estos hechos fueron especialmente relevantes tras la publicación del reportaje Los Archivos de Facebook, que expuso los métodos internos de la plataforma para gestionar contenidos y los problemas derivados de la venta y el uso de datos personales. La película da relevancia a la alianza entre Haugen y Horwitz, enfrentados tanto a la presión de una de las empresas más poderosas del mundo como a dilemas personales y riesgos profesionales causados por su empeño en exponer la verdad.

Una nueva representación de Mark Zuckerberg

El primer tráiler destaca la transformación de Jeremy Strong en el papel de Mark Zuckerberg. El actor, conocido por su trabajo en Succession, ofrece una imagen diferente a la del joven programador interpretado por Jesse Eisenberg en 2010. En este proyecto, el personaje de Mark Zuckerberg aparece como alguien que ha cambiado bajo el peso del poder, más reservado y distante, con maneras de expresarse y reaccionar que reflejan su alejamiento de la vida cotidiana de la mayoría.

Aaron Sorkin afirma que Strong ha conseguido plasmar tanto los gestos como la esencia de una de las figuras más influyentes y polémicas en la actualidad. Esta versión pretende mostrar cómo el éxito y los escándalos han afectado a Zuckerberg, cuestionando la dimensión ética de su liderazgo y las consecuencias de sus decisiones para el resto de la sociedad.

La cara oculta del gigante digital

La red social retrató de manera casi legendaria el nacimiento de Facebook, relatando cómo un grupo de estudiantes de Harvard transformó el mundo digital en medio de traiciones y litigios. Sin embargo, The Social Reckoning se propone explorar los aspectos más problemáticos de ese éxito. Problemas como la adicción generada por la plataforma, la manipulación informativa y el uso de datos personales pasan a primer plano en esta nueva entrega.

El largometraje expone cómo el crecimiento acelerado de Facebook ha tenido repercusiones no solo para sus creadores, sino para millones de usuarios en todo el mundo. Las diferencias entre las declaraciones públicas de la empresa y las prácticas internas reveladas por Haugen y Horwitz generan cuestionamientos sobre la transparencia, la ética empresarial y la responsabilidad social. La narrativa muestra cómo la vida de personas comunes se ha visto afectada por las políticas de la red social y destaca la distancia entre el relato fundacional de Silicon Valley y las consecuencias concretas para la sociedad en general.

Reparto y fecha de lanzamiento

The Social Reckoning cuenta con un reparto renovado y diverso; Jeremy Strong, Mikey Madison y Jeremy Allen White encabezan el elenco. Completan la lista Wunmi Mosaku, Betty Gilpin, Billy Magnussen y Bill Burr, quienes interpretan personajes fundamentales en la investigación y el entorno corporativo de Facebook. Todos ellos contribuyen a mostrar la variedad de intereses y tensiones que rodean el fenómeno mundial de la red social.

El estreno se ha programado para el 9 de octubre de 2026, exclusivamente en cines. La película llega en un momento en el que el debate sobre la privacidad de los datos, la transparencia en las redes sociales y el rol de las grandes empresas tecnológicas es especialmente relevante. En este contexto, The Social Reckoning se posiciona como una propuesta significativa para plantear preguntas sobre el impacto real de las plataformas digitales en la vida cotidiana y en la estructura de poder del mundo actual.

Balance del fenómeno generado por el tráiler

El lanzamiento del primer tráiler de Spider-Man: Un nuevo día ha causado un impacto sin precedentes en la industria cinematográfica reciente. En sus primeras 24 horas, el avance fue visto más de 718 millones de veces, una cifra que rara vez se alcanza en grandes estrenos de Hollywood. A los cuatro días, las reproducciones superaban ya los mil millones, lo que convierte al tráiler en el primero en conseguir este logro en tan poco tiempo. El éxito viral del material promocional evidencia la renovada popularidad de la saga de Spider-Man y la continua vigencia de Tom Holland como protagonista.

Tom Rothman, presidente de Sony, aprovechó su participación en CinemaCon para destacar la importancia del proyecto y la actuación de Holland. “Es tan grande como cualquier cosa que hayamos hecho, pero se siente diferente a todo lo anterior. Tom Holland ofrece su mejor interpretación”, afirmó tras haber visto la película antes del estreno oficial.

Evolución en la vida de Peter Parker

Esta nueva película comienza cuatro años después del desenlace de Spider-Man: Sin camino a casa. Luego de borrar los recuerdos de sus seres queridos para protegerlos, Peter Parker vive ahora completamente aislado, sin que nadie en Nueva York recuerde su identidad. De acuerdo con la sinopsis oficial, el personaje se ha entregado por completo a su rol como Spider-Man, alejándose de sus lazos personales. El aislamiento empieza a impactarlo gravemente: en el avance, Parker se muestra exhausto y al borde perder el control sobre sus poderes, consecuencia de la presión y las exigencias que implica su vida secreta.

En esta nueva situación, Mary Jane, interpretada por Zendaya, parece haber encontrado un nuevo interés romántico, situación que sorprende a Parker durante un evento presentado en CinemaCon. Este cambio en las relaciones aporta un componente emocional al conflicto principal, ya que el protagonista debe enfrentarse no solo a nuevas amenazas, sino también al distanciamiento de todo lo que alguna vez fue su mundo.

Nuevas amenazas y un enfrentamiento inesperado

El tráiler destaca la aparición de un nuevo patrón de crímenes y retos que pondrán a prueba a Spider-Man. Aunque aún no se conocen detalles sobre los villanos, la presencia de Mark Ruffalo en su rol de Hulk se confirma, y ambos personajes protagonizan una pelea que, según lo mostrado, no termina bien para el héroe arácnido. Este duelo forma parte del proceso de transformación física que atraviesa Parker, quien comienza a experimentar habilidades y quizá limitaciones nuevas debido a la presión constante.

El guion, escrito por Chris McKenna y Erik Sommers, colaboradores habituales de Marvel, promete una nueva interpretación de la narrativa clásica del personaje. Así, Spider-Man: Un nuevo día se configura como una película que desafía tanto la psicología del héroe como la estructura de entregas anteriores, poniendo en jaque no solo la vida de Peter Parker, sino también su existencia como Spider-Man. La combinación de drama personal, amenazas inéditas y escenas de acción espectaculares busca crear una propuesta que conecte tanto con fanáticos de larga data como con nuevos espectadores.

Reparto ampliado y alta calidad en la producción

Además de los regresos de Zendaya, Jacob Batalon en el papel de Ned y Michael Mando como Mac Gargan, la película suma nuevos integrantes: Sadie Sink, Tramell Tillman, Liza Colon-Zayas y Marvin Jones II se incorporan al universo de Spider-Man en roles que no han sido revelados por Sony. Jon Bernthal, conocido por su trabajo como Punisher, también participa, lo que añade una variedad de matices y posibilidades corales a la historia.

La dirección está a cargo de Destin Daniel Cretton, en sustitución de Jon Watts tras la trilogía inicial protagonizada por Holland. Chris McKenna y Erik Sommers repiten como guionistas, asegurando continuidad en el desarrollo del protagonista. La producción corre por cuenta de Amy Pascal y Kevin Feige, cuyos antecedentes auguran una obra de alto presupuesto y un esmerado cuidado en los detalles.

La gran expectación en torno a Spider-Man: Un nuevo día no solo se explica por la lealtad de sus seguidores, sino también por la habilidad de esta franquicia para renovarse y conectar con los dilemas de una generación enfrentada al aislamiento, las segundas oportunidades y el peso de las decisiones personales.

La próxima película inspirada en el universo de Death Stranding será una obra completamente original, según reveló su director Michael Sarnoski. El filme, desarrollado por el estudio A24 junto a Kojima Productions y Square Peg, se encuentra actualmente en las etapas finales de escritura y tiene previsto su estreno en cines alrededor de 2027. Sarnoski ha asegurado que la historia no será una adaptación directa de los videojuegos, sino que se enfocará en explorar conceptos y escenarios nuevos, conservando los temas y la atmósfera que hicieron reconocida la obra de Hideo Kojima.

Nuevas direcciones narrativas en el mundo de Death Stranding

En declaraciones recientes, Michael Sarnoski explicó que la película se desarrollará en el mismo universo conocido por los seguidores de Death Stranding, pero presentará a un grupo de personajes inéditos, especialmente creados para esta producción. Aunque algunos personajes familiares podrían aparecer o hacer cameos, la trama principal evitará replicar los acontecimientos protagonizados por Sam Porter Bridges, el personaje central del videojuego.

El director subrayó que el guion pretende profundizar en la esencia de lo que caracteriza a Death Stranding: un mundo fracturado tras un evento apocalíptico, donde la frontera entre la vida y la muerte se ha vuelto indistinta. Sarnoski indicó que la película ofrecerá su propio enfoque dentro de ese entorno, permitiendo tanto a nuevos espectadores como a los seguidores de siempre experimentar una propuesta diferente, con historias y desarrollos originales.

Colaboración creativa entre Michael Sarnoski y Hideo Kojima

Uno de los puntos clave de la producción ha sido la colaboración cercana entre Sarnoski y Hideo Kojima, creador de la franquicia. Aunque Sarnoski cuenta con amplia libertad creativa, Kojima ha permanecido involucrado en el proyecto, revisando borradores del guion y asesorando sobre la fidelidad al universo planteado originalmente. Esta cooperación busca lograr que la película conserve el ambiente inquietante y las profundas reflexiones filosóficas presentes en los videojuegos, al mismo tiempo que introduce nuevas perspectivas e historias.

La relación entre ambos creadores representa una dinámica distinta respecto a otras adaptaciones de videojuegos, en las que el creador original suele tener un rol secundario. En esta ocasión, la participación directa de Kojima ha permitido que el proyecto mantenga la coherencia conceptual, sin limitar la innovación aportada por Sarnoski y su equipo.

Reacciones de los seguidores y expectativas ante el estreno

El anuncio de que la película no adaptará de forma literal los acontecimientos del juego ha generado opiniones divididas entre los seguidores de Death Stranding. Algunos fans valoran la oportunidad de ver una nueva interpretación del universo, con historias que todavía no han sido exploradas y posibilidades para nuevas conexiones emocionales. Otros, sin embargo, sienten inquietud ante la posibilidad de perder referencias directas a los momentos emblemáticos del videojuego que los llevaron a seguir la saga.

A pesar de ello, la confirmación de posibles apariciones y alusiones, así como el compromiso de mantener los temas fundamentales, como la conexión humana y el aislamiento, aumenta la esperanza de que la película pueda atraer tanto a quienes ya conocen Death Stranding como a quienes se acercan por primera vez al mundo creado por Kojima. Hasta el momento, no se ha anunciado oficialmente el elenco ni la fecha exacta de estreno, aunque todo parece indicar que el lanzamiento será en 2027 si el desarrollo continúa según lo planificado.

El largometraje narra la historia de Billie, una adolescente impulsiva y poco convencional, que de repente descubre que posee poderes mágicos y es transportada a Hexe, un universo oculto habitado por criaturas excéntricas y brujas. Allí, deberá enfrentar misterios relacionados con su familia y comprender su vínculo con la magia, en una trama de autodescubrimiento y aceptación que, según el estudio, pretende conectar con nuevas generaciones de espectadores.

Proceso de producción y enfoque creativo

Disney anunció oficialmente Hechizo: Bienvenidos a Hexe durante el evento Destination D23 en 2025, generando expectación en un mercado saturado de secuelas y sagas conocidas. A diferencia de recientes estrenos que continuaron historias establecidas, como Frozen o Moana, Hexed surge como una propuesta completamente nueva, resultado del interés del estudio por recuperar la creatividad original.

La dirección creativa está a cargo de Fawn Veerasunthorn, reconocida por su trabajo en éxitos como Frozen, Moana y Zootopia, quien quiso construir un mundo visualmente clásico con influencias de Studio Ghibli. En entrevistas con medios especializados, señaló que el desarrollo del personaje principal fue especialmente cuidadoso: la protagonista, Billie, representa la experiencia de sentirse diferente y fuera de lugar, hasta que comprende el valor de su individualidad en el reino mágico de Hexe.

Las expectativas respecto al futuro de la animación tradicional de Disney son altas para esta producción. Roy Conli y Yvett Merino, responsables de la producción, reunieron un elenco de voces que equilibra experiencia y actualidad. Hailee Steinfeld, quien ya participó en la saga Spider-Man: Un nuevo universo y protagonizó Sinners, fue elegida para interpretar a Billie. El reparto se complementa con Rashida Jones (Alice, la madre de Billie), Stephen Fry (Elias Quire), Tracey Ullman (Ms. Quill) y Brett Gelman (profesor irritado en Hexe), lo que asegura diversidad y matices en las actuaciones.

Estilo visual y propuesta argumental

Un aspecto destacado por la crítica inicial es la estética de la película, que toma inspiración de cuentos clásicos y del cine japonés de animación. La colaboración de Veerasunthorn y Hand, ambos con experiencia en recientes éxitos de Disney, se aprecia en la calidad del diseño y la animación del tráiler. Los colores intensos, los personajes exagerados y los fondos elaborados crean la impresión de un universo alternativo que resulta cercano tanto para niños como para adultos.

En cuanto a la trama, Hechizo: Bienvenidos a Hexe busca explorar temas como la exclusión social, la búsqueda de identidad y los lazos familiares, siguiendo una corriente más moderna dentro del cine animado. La narrativa gira en torno al viaje físico y emocional de Billie, quien debe aprender a controlar sus habilidades y descubrir la verdad sobre su origen y el papel de su familia en la historia secreta de Hexe.

La película ha sido descrita como una de las apuestas más audaces de Disney para 2026. Jason Hand, codirector, manifestó en declaraciones recogidas por The Wrap que la protagonista, al llegar a Hexe, comienza a sentirse vista por primera vez, lo que conecta con públicos que experimentan sensaciones similares de desapego o diferencia en la vida cotidiana.

Repercusiones en la industria y respuesta inicial

Hechizo: Bienvenidos a Hexe supone un giro en la estrategia de Disney, alejándose temporalmente de la explotación de franquicias consolidadas y buscando conquistar nuevas audiencias con relatos inéditos. La reacción al tráiler ha sido positiva, especialmente entre aficionados a la animación y quienes esperan propuestas diferentes a las fórmulas habituales.

Se espera gran interés acerca de futuras presentaciones. Durante el Festival Internacional de Animación de Annecy, que se celebrará en Francia entre el 21 y el 27 de junio de 2026, se proyectará material adicional de la película. Este tipo de eventos suele influir tanto en la opinión del público como de la crítica especializada, además de ser determinante para el futuro éxito comercial.

Por el momento, la distribución confirmada se limita a Estados Unidos, con estreno exclusivo en cines el 25 de noviembre de 2026, coincidiendo con la festividad de Acción de Gracias. Este periodo es tradicionalmente favorable para el cine animado, ya que reúne a familias en torno a propuestas con mensajes universales.

Para América Latina aún no se ha confirmado una fecha de estreno, lo cual genera cierta expectativa entre los seguidores del género y los aficionados al trabajo de Hailee Steinfeld. Sin embargo, la proyección global de Disney y el interés generado por el lanzamiento anticipan una exhibición posterior en otros mercados.

El camino de Hechizo: Bienvenidos a Hexe hacia los cines se da en un contexto cinematográfico desafiante, donde incluso los estudios más reconocidos suelen optar por proyectos seguros. No obstante, optar por personajes originales y temáticas actuales puede marcar la diferencia en el triunfo y alcance de la película.

Sus creadores confían en que la combinación de magia, animación tradicional y reflexiones contemporáneas sobre la identidad convertirá a Hechizo: Bienvenidos a Hexe en un referente para nuevas generaciones y contribuya a revitalizar la animación de autor dentro de Disney.

Javier Bardem hizo historia este martes al convertirse en el primer español en dejar sus huellas en el Teatro Chino del Paseo de la Fama de Los Ángeles. El actor, ganador de un Oscar y candidato en otras cuatro ocasiones, ya forma parte de la historia de Hollywood.

Entre los muchos títulos que han marcado su carrera destaca precisamente No es país para viejos (No Country for Old Men, 2007) una de las películas mejores valoradas de su carrera y la que le dio su única estatuilla de la Academia hasta la fecha.

Sin embargo, el camino hasta ese éxito estuvo lejos de ser sencillo. Cuando los hermanos Coen le ofrecieron interpretar a Anton Chigurh, el despiadado asesino a sueldo que se convertiría en uno de los villanos más memorables del cine contemporáneo, Bardem no estaba convencido de ser la persona adecuada para el papel.

Bardem estaba “deprimido” durante el rodaje

“No conduzco, hablo mal inglés y odio la violencia”, les dijo a Joel y Ethan Coen cuando le propusieron participar en la adaptación de la novela de Cormac McCarthy, según relató el actor en una entrevista para Entertainment Weekly en 2007. “Por eso te llamamos a ti”, respondieron ellos.

Estrenada en 2007, la película se convirtió en un fenómeno de crítica y público. La interpretación de Bardem fue aclamada por especialistas y espectadores, hasta el punto de que muchos consideran a Anton Chigurh una de las representaciones más realistas y perturbadoras de un psicópata vistas en la gran pantalla. El trabajo del actor español fue recompensado con el Oscar al Mejor Actor de Reparto en 2008, convirtiéndose entonces en el primer intérprete español en ganar una estatuilla en una categoría de actuación.

Sin embargo, el rodaje fue una etapa dura para el actor. Como confirmó para Deadline a finales de 2024, Bardem estaba “muy deprimido” tanto por su corte de pelo como porque “no le gustaba la violencia”. “A mí no me gusta mucho la violencia, y tampoco suelo ver películas especialmente violentas. No me gusta. Curiosamente, hice algunas cuando era más joven”, apuntó, haciendo referencia a esta cinta. “Me llevaron al centro de Estados Unidos para interpretar este papel tan oscuro con un elenco y un equipo estadounidenses por primera vez en mi vida. Así que me sentí un poco solo y completamente desconectado. Supongo que algo de eso también se transmitió al personaje, porque era alguien emocionalmente distante de los demás”, dijo.

Afortunadamente, encontró un apoyo en su compañero de reparto, Josh Brolin. “Era tan amable, servicial y cariñoso; realmente me rescató y me mostró la luz. Lo pasamos de maravilla. Lo considero una gran persona y un buen amigo”, añadió.

Durante su discurso de agradecimiento tras dejar sus huellas en Hollywood, Bardem también quiso reivindicar el papel de Los Ángeles como ciudad de acogida para quienes persiguen una oportunidad en la industria cinematográfica. El actor aseguró que la ciudad ha sido “generosa” con él de formas que nunca imaginó y defendió que, pese a las dificultades actuales, sigue representando un lugar de oportunidades. “No importa cuántos Trump estén en el poder o cuántos agentes de ICE haya en las calles, la gente sigue viniendo aquí creyendo en las posibilidades que representa esta ciudad”, afirmó. Para Bardem, el cine continúa siendo uno de esos espacios capaces de reunir a personas de todo el mundo alrededor de las historias y de la oportunidad de compartirlas con el público.

Puede que el nombre de John Lasseter no te suene demasiado, pero deberías saber que este hombre es una de las personas más importantes del cine moderno. Al fin y al cabo, se le considera el gran pionero de la animación por computadora y uno de los primeros que creyó en el potencial del CGI. Al principio, sus ideales le costarían su puesto en Disney, pero lejos de quedarse ahí, decidió fundar un estudio propio, Pixar, desde el que dirigiría obras maestras como Toy Story, Bichos o Cars.

Han pasado décadas desde entonces, y lo cierto es que la vida de Lasseter no es la que habría cabido esperar tras esos éxitos. En 2017, varias acusaciones por conducta profesional inapropiada y acoso sexual le señalarían directamente. Él pediría disculpas públicamente y se retiraría temporalmente del estudio, pero eso no impediría que, tras una excedencia de seis meses, este ‘pactara’ con Disney (que compró Pixar en 2006) su salida definitiva en 2018.

En enero de 2019, no obstante, la carrera del director y animador daría un nuevo vuelco después de que decidieran ficharlo en Skydance Media como director de la división de animación, tras una investigación previa donde corroboraron tanto que él estaba arrepentido por lo ocurrido como que era posible crear un entorno laboral seguro. Desde esta institución, Lasseter ha liderado la producción de nuevas películas como Luck o Hechizados, aunque ninguna con tanto éxito como Intercambiados, que con apenas un mes en Netflix va camino de convertirse en un éxito histórico para la plataforma.

Así es el nuevo fenómeno de Netflix

Tras un estreno discreto, Intercambiados, dirigida por Nathan Greno (Enredados), va camino de superar las 120 millones de visualizaciones en apenas un mes y medio. A pesar de llevar casi dos meses en Netflix, la película no desaparece del top de lo más visto, algo que lleva a pensar que muy probablemente estemos ante una de las películas animadas más vistas de la historia de la compañía de streaming.

Con voces como la de Michael B. Jordan o Juno Temple al frente del proyecto, Intercambiados cuenta la historia de una pequeña criatura del bosque que, misteriosamente, intercambia su cuerpo con un majestuoso pájaro del valle. Estos dos animales son enemigos naturales, pero dada la situación, se ven obligados a colaborar para sobrevivir y conseguir recuperar sus cuerpos en la aventura más salvaje de sus días.

Una película que empezó con un borrón y cuenta nueva

La producción de la película no fue nada sencilla. Al principio, Intercambiados era otra película llamada Powerless y centrada en superhéroes adolescentes. “Estábamos profundizando en el tema, y ​​empezó a tomar un rumbo diferente, con adolescentes transformándose”, explica en una entrevista con el medio estadounidense Cartoon Brew el director de la película, Nathan Greno. “Y, para seros sinceros, se complicó un poco. Todo era como: ‘¿Qué estamos haciendo?’.

Estas mismas dudas fueron las que llevaron al cineasta a hablarlo con Lasseter. “Le dije: ‘John, creo que lo estamos haciendo mal’”. Querían romper los clichés habituales de las películas de transformación, donde lo más habitual es que el humano, al convertirse en animal, aprenda una lección. En ese punto, Lasseter propuso: “¿Qué tal si no hay humanos en absoluto?”. Greno recuerda su reacción: “Eso es interesante”. Y se pusieron manos a la obra.

A partir de esa premisa, el equipo se volcó en una inversión total de la fórmula habitual, cuyo resultado final es Intercambiados, una película que mezcla aventura y comedia y en la que, en efecto, todos los personajes son animales. Ahora solo falta por ver cuán lejos puede llegar su éxito en Netflix, ya que a día de hoy no parece que ningún estreno sea capaz de competir con ella. Eso sí, para este 2026 Lasseter todavía no ha gastado su mejor bala: se trata de Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird (responsable de Ratatouille y Los increíbles) que promete ser uno de los estrenos de la temporada, con una historia de ciencia ficción sobre un detective humano en un planeta alienígena.

El día de la revelación, el esperado thriller de ciencia ficción dirigido por Steven Spielberg, debutó como la película número uno en la taquilla mundial, recaudando 92,9 millones de dólares en su primer fin de semana. Protagonizada por Emily Blunt, Josh O’Connor y Colman Domingo, la cinta narra la unión de una meteoróloga y un especialista en ciberseguridad que buscan destapar una conspiración gubernamental relacionada con vida extraterrestre. Esta producción no solo significó el mejor lanzamiento de una película original del reconocido cineasta, sino que también desafía la tendencia actual del mercado, dominado por las secuelas y franquicias consolidadas.

Detalle del lanzamiento y la recaudación mundial

Estrenada el 11 de junio a través de Universal Pictures, El día de la revelación recaudó 44 millones de dólares en América del Norte y otros 48,9 millones en 73 mercados internacionales. El éxito fue especialmente notable en territorios como el Reino Unido e Irlanda, que sumaron 7,6 millones; México, con 3,9 millones; China y Francia, ambos con 2,9 millones; Brasil, con 2,7 millones; y España, donde llegó a alcanzar el 39% de la taquilla nacional durante el fin de semana. América Latina, tradicionalmente afín al cine de Spielberg, consiguió uno de los mejores estrenos locales de su filmografía.

El lanzamiento se enfrentó a circunstancias que pudieron haber afectado negativamente su desempeño, al coincidir en Estados Unidos con eventos de alto perfil como la final de la NBA y un concierto multitudinario de Ariana Grande en Los Ángeles. Sin embargo, fuentes de Universal Pictures aseguraron que estos acontecimientos no impactaron de manera perceptible los resultados de la taquilla, lo que refleja el poder de convocatoria aún vigente del director de E.T. el extraterrestre y Encuentros cercanos del tercer tipo.

Perfil del público, recepción crítica y comparación con lanzamientos anteriores

Según Universal, el perfil de la audiencia fue inusual para un gran estreno veraniego, ya que el 41% de los asistentes tenía 45 años o más. Este dato destaca el vínculo generacional que el director mantiene con el público y la confianza que le otorgan sectores normalmente menos presentes en estrenos de películas originales. Las primeras críticas han sido mayormente positivas, registrando una puntuación del 80% en Rotten Tomatoes en un cálculo y de 72% en otra medición respecto al filme, aunque la calificación del público en CinemaScore fue una sólida, aunque no entusiasta, B. Esto sugiere que la película es apreciada, pero aún existe margen para un mayor entusiasmo en el público general.

En comparación, Ready Player One, la anterior película de gran éxito comercial de Spielberg, se estrenó en 2018 con 41 millones de dólares en América del Norte y culminó con 137 millones en este territorio, finalizando su recorrido mundial con 607 millones. Esta diferencia evidencia no solo el éxito inicial de El día de la revelación, sino también el desafío añadido de triunfar con una historia original y no con una adaptación literaria o una franquicia ya establecida.

Riesgos financieros y perspectivas a futuro

Jim Orr, portavoz de Universal, manifestó satisfacción por la solidez del estreno y el amplio alcance demográfico. El día de la revelación tuvo un presupuesto de 115 millones de dólares en producción y cerca de 80 millones adicionales en promoción. Considerando que aproximadamente la mitad de los ingresos globales regresan a los cines y no a los estudios, la película necesita superar los 300 millones de dólares en recaudación mundial para proporcionar beneficios significativos a Universal Pictures.

El estreno por debajo de los 100 millones obliga a la película de Spielberg a mantener una presencia destacada en cartelera durante varias semanas para cubrir costos y resultar rentable. Se espera, según analistas, que los thrillers de ciencia ficción alcancen mejores resultados fuera de Estados Unidos, aunque alertan sobre una creciente debilidad en el mercado chino para los productos de Hollywood. Las salas de gran formato, como IMAX, aportaron aproximadamente un 15% de la recaudación internacional, lo que indica que parte del atractivo persiste en la experiencia visual que ofrece el cine tradicional.

El próximo estreno de Toy Story 5, la siguiente apuesta fuerte de Disney, sumará competencia directa en las semanas siguientes, poniendo a prueba la capacidad de El día de la revelación para mantener su éxito inicial. Los antecedentes de Spielberg muestran una tendencia a que sus películas desciendan menos bruscamente en ingresos semana a semana en comparación con otros estrenos recientes. Sin embargo, la volatilidad del mercado actual conlleva un riesgo considerable, especialmente para películas que no se basan en propiedades intelectuales reconocidas.

Con una voz inconfundible y una trayectoria que abarca más de medio siglo, Morgan Freeman se ha consolidado como uno de los grandes referentes del cine mundial. Su carrera, llena de títulos memorables que van desde Cadena perpetua, Seven, Invictus o Million Dollar Baby —por la que obtuvo el Oscar—, ha convertido al actor nacido en 1937 en Tennessee en una figura imprescindible de Hollywood.

La pasión de Freeman por el séptimo arte tiene una raíz temprana. Durante una conversación en 2011 con Rotten Tomatoes, Freeman fue invitado a seleccionar sus cinco películas favoritas, en una lista para la que el intérprete no dudó en señalar que el primer puesto era para la primera película que había visto en un cine. Para ello, hay que volver a los años 40, cuando, de niño, vio frente a la gran pantalla un clásico de 1933 que cambiaría para siempre su vida y su mirada artística.

“Mi película favorita es la primera que vi en el cine; tenía seis años y es el King Kong original. Sigo pensando que es el mejor King Kong”, revelaba en la citada conversación. De este modo, la historia que dio pie al gorila más grande y feroz de la historia del cine logró situarse por encima de otros títulos que el actor quiso destacar, como Solo ante el peligro, Moulin Rouge, El fuera de la ley y Moby Dick.

La película que revolucionó el séptimo arte

Dirigida por Ernest B. Schoedsack y Merian C. Cooper, King Kong relata la travesía de Ann Darrow, una joven que se embarca en una expedición fílmica rumbo a la isla Skull Island, donde los lugareños veneran a una criatura colosal: King Kong. La mezcla de aventura, misterio y tensión convirtió a la película en un hito del cine fantástico y de aventuras, batiendo récords como el del estreno más taquillero que había habido hasta entonces.

La película es recordada, además, por su revolución técnica. Los directores recurrieron a Willis O’Brien (considerado entonces el mayor especialista del mundo en el stop-motion) para dar vida al gorila gigante mediante maquetas y animación fotograma a fotograma, una técnica que marcó el futuro de los efectos especiales en Hollywood y fue perfeccionada más tarde por figuras como Ray Harryhausen.

Un rodaje complicado

Así, poco a poco se le fue dando forma a una idea que Merian C. Cooper había tenido antes de todo: la de un simio gigante en lo alto del edificio más alto del mundo mientras luchaba con los aviones. Como quería llegar a ese punto, el trabajo fue elaborar una historia a la inversa: partiendo desde el final para saber cuál iba a ser el principio.

El rodaje también supuso un reto: tanto la actriz protagonista (Fray Way) como uno de los directores (Ernest B. Schoedsack) estaban grabando en ese mismo set otra película, El malvado Zaroff, por lo que la organización tuvo que ser máxima y el descanso para ambos brilló por su ausencia.

Con todo, el éxito de la película la llevaría a trascender generaciones y dar origen a nuevas versiones, como la de 1976 con Jeff Bridges y el remake de Peter Jackson en 2005. Para Freeman, eso sí, ninguna ha logrado superar la impresión que provocó en su momento la original. Actualmente, King Kong puede seguir viéndose en diferentes plataformas de streaming, como Prime Video, Movistar Plus (en su plan Ficción Total) y FlixOlé.

Uno de los principales cambios en el mundo de las series y películas que ha conllevado el éxito de las plataformas de streaming es que, a día de hoy, las películas y series de habla no inglesa tienen mucho más alcance que el que podrían haber tenido en las salas de cine. Títulos como Trol, En las profundidades del Sena o La sociedad de la nieve son títulos que quizá en otro momento no habrían tenido tanta relevancia, pero que gracias a Netflix, en este caso, se convirtieron en grandes éxitos internacionales.

Es así como se explica, también, el éxito de Extraterritorial, una película alemana que acaba de convertirse en una de las cintas más vistas de la historia de la plataforma. Con más de 91,7 millones de visualizaciones y casi 170 millones de horas reproducidas, la cinta dirigida por Christian Zübert se sitúa la cuarta en el ranking de producciones de habla no inglesa más vistas, solo por detrás de las tres que mencionábamos al principio.

Extraterritorial es un thriller protagonizado por Jeanne Goursaud (Bárbaros) que destacó en la plataforma desde su estreno con una premisa directa: una exsoldado de las Fuerzas Especiales, Sara Wulf, enfrenta el peor escenario posible al perder a su hijo durante un trámite en el consulado estadounidense en Fráncfort. Nadie parece recordar haber visto al niño, y la protagonista se encuentra ante una red de negaciones e interrogantes.

Esto opinan quienes ya la han visto

De este modo, la película (de 1 hora y 45 minutos de duración) combina acción sin pausa y un misterio que desafía la lógica, narrando la angustiosa búsqueda de una madre que deberá incluso recurrir a su entrenamiento militar para sobrevivir y desentrañar la conspiración que la rodea, todo mientras las autoridades insisten en que el niño nunca estuvo allí. En esta trama, el elenco incluye otros nombres como Dougray Scott, Lera Abova y Kayode Akinyemi, quienes refuerzan la dimensión internacional del filme.

Como suele ocurrir en estos casos, el éxito de Extraterritorial no se corresponde con la opinión de la crítica especializada, que, si bien ha reconocido que es “entretenida” o que “funciona muy bien” como pasatiempo, echa en falta un poco más de profundidad en el guion. Sí que ha habido espectadores que han valorado muy positivamente la película. "Exterritorial me sorprendió gratamente. Esperaba una película de acción más, pero me encontré con un thriller intenso y elegante, con verdadero dinamismo y personalidad. El ritmo es ágil, la tensión casi constante y las escenas de acción limpias, viscerales y bien coreografiadas", escribe un usuario en la plataforma de IMDb.

Dado el éxito de Extraterritorial, no sería extraño que Netflix informara pronto de que ya están trabajando en una secuela, si bien todavía no ha habido confirmación oficial. El propio director, Christian Zübert, fue claro al afirmar que solo consideraría una segunda parte “si tuviera una idea realmente buena para ello”. Mientras tanto, el éxito de la cinta alimenta especulaciones entre los seguidores, que esperan ver a la heroína enfrentando nuevos desafíos fuera de las fronteras del consulado.

Contexto creativo: homenaje y actualización de la franquicia

La presentación del tráiler inicia con una referencia visual directa al libro infantil Shrek! de William Steig, que sirvió de inspiración para la franquicia. Esta elección no solo es un guiño para los seguidores de siempre, sino también una declaración de intenciones: regresar a los orígenes, pero desde una perspectiva renovada. La animación conserva la esencia visual, aunque todos los personajes han recibido un rediseño que resalta el paso del tiempo en el universo de Shrek.

Desde el principio, el avance muestra a los protagonistas recorriendo el reino de Muy Muy Lejano y enfrentándose a criaturas nuevas y situaciones insólitas. Entre las escenas más comentadas, destaca la aparición de un muñeco de nieve que parodia claramente al personaje Olaf de Frozen; este irrumpe en la historia con una invitación inquietante y un tono humorístico oscuro, reforzando la inclinación de la saga por satirizar los clichés del cine infantil y juvenil. Además, la galleta de jengibre sorprende con una rutina de twerking, en un intento de mantenerse en sintonía con la cultura digital y las tendencias actuales.

Al mismo tiempo, la narrativa introduce un cambio significativo: los hijos de Shrek y Fiona, que antes eran bebés, aparecen como adolescentes -Felicia, Fergus y Farkle-, lo que amplía las posibilidades de explorar situaciones familiares y añade una dimensión generacional nueva. Este giro responde tanto al curso natural de la saga como al interés de atraer a un público renovado, es decir, niños que crecieron con Shrek y adultos que ahora comparten estas películas con sus hijos.

El elenco y los cambios en la producción

El regreso de Mike Myers, Eddie Murphy y Cameron Diaz era uno de los anuncios más anticipados por los fans, finalmente confirmado por DreamWorks en julio de 2024. La incorporación de Zendaya aporta frescura con su interpretación de Felicia y vincula la saga con una de las figuras jóvenes más influyentes del momento. Por su parte, Marcello Hernández, reconocido por su participación en Saturday Night Live, y Skyler Gisondo, destacado en la comedia estadounidense, darán voz a Fergus y Farkle, completando así la familia de Shrek.

Eddie Murphy, durante una gira de prensa en 2024, mencionó que ya había grabado parte del primer acto de la película y sugirió que Burro podría tener su propio spin-off. En la dirección, Walt Dohrn, veterano de la franquicia y quien dio voz a Rumpelstiltskin en la cuarta película, dirige junto a Conrad Vernon, codirector de Shrek 2. Este equipo busca combinar innovación y continuidad, manteniendo el humor y el estilo visual distintivo, mientras orienta la narrativa hacia un entorno familiar y multigeneracional.

En cuanto al doblaje latinoamericano, una inquietud para la audiencia hispanohablante, el avance no ha dado confirmación oficial. Alfonso Obregón, voz emblemática de Shrek, ha expresado públicamente sus condiciones para volver, entre ellas mayor reconocimiento y una mayor participación creativa en el proyecto. En redes sociales, algunos usuarios notaron la ausencia de su voz en el tráiler, aunque señalaron la aparente continuidad de Eugenio Derbez (Burro) y Dulce Guerrero (Fiona). Hasta el momento, ni Universal ni DreamWorks han anunciado oficialmente el reparto latino.

Retrasos en el estreno y estrategias comerciales

Shrek 5 estaba originalmente programada para julio de 2026, pero varias postergaciones -incluyendo una fecha tentativa para diciembre de ese año- han llevado su estreno en Estados Unidos al 30 de junio de 2027. La última modificación se debe principalmente a la competencia con otros grandes estrenos: la llegada de Avengers: Doomsday ocupó el espacio navideño, por lo que Universal optó por asegurar el verano, una temporada en la que franquicias como Mi villano favorito y Super Mario Bros. La Película han demostrado un elevado potencial de recaudación.

Este éxito comercial es fundamental para la saga: en más de veinte años, las películas de Shrek -cuatro entregas principales y dos spin-offs centrados en El Gato con Botas- han recaudado más de 1,600 millones de dólares a nivel mundial. Ahora, la franquicia busca renovar su vínculo con distintos públicos, presentando conflictos familiares que logren conectar tanto con los niños de hoy como con los adultos que crecieron con estas películas.

Finalmente, el primer tráiler confirma la intención de DreamWorks de recuperar la combinación de cuentos de hadas distorsionados, referencias a la cultura pop y humor irreverente, el estilo que consolidó el éxito de la primera película en 2001, que ganó el Óscar a Mejor Película Animada. No obstante, la nueva entrega suma el desafío de responder a las expectativas nostálgicas de los admiradores originales y, al mismo tiempo, lograr una conexión significativa con nuevas audiencias.

Para la celebración del primer año de Las Guerreras K-pop, Netflix prepara una agenda llena de eventos y contenido especial para festejar a la película más vista de la aplicación de streaming.

Uno los eventos será una transmisión de 9 horas en TikTok para que los seguidores puedan disfrutar de esta producción de una manera diferente, con ediciones variadas.

Así será la transmisión de nueve horas en TikTok de Las Guerreras K-pop

El plato fuerte de la celebración del aniversario será una transmisión mundial de nueve horas a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. Esta maratón está programada para el 20 de junio y permitirá a los fans conectar desde cualquier parte del mundo, en cualquier momento del día, para compartir la experiencia en tiempo real.

Los organizadores han confirmado que se proyectarán diversas versiones de la película: la original, la edición Sing-Along, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

Durante la transmisión, la audiencia podrá acceder a contenido exclusivo. Se incluyen entrevistas con los creadores y miembros del elenco, así como con influencers y seguidores destacados de la franquicia. También habrá apariciones sorpresa que prometen mantener la atención de los usuarios y alimentar la conversación en redes sociales.

Además, la maratón estará enriquecida con comentarios en vivo, secuencias inéditas y animatics nunca antes vistas. La comunidad fan tendrá su espacio mediante momentos especiales creados por usuarios, reforzando el vínculo entre los seguidores y el universo de HUNTR/X.

Cómo serán las ediciones especiales y merchandising

La celebración del primer aniversario no se limita al entorno digital. Netflix ha lanzado ediciones especiales en vinilo y CD de la banda sonora KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film. Esta colección incluye cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, convirtiéndose en un objeto de deseo para coleccionistas y seguidores fieles de la franquicia.

Entre los extras destacados, aparecen calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables.

Récords históricos y logros de Las Guerreras K-pop en Netflix

Las Guerreras K-pop ha alcanzado logros que difícilmente se repetirán en el corto plazo. Aunque su estreno en Netflix fue discreto, con apenas 9,2 millones de visionados iniciales, la cinta dirigida por Chris Appelhans y Maggie Kang pronto multiplicó esas cifras gracias al boca a boca.

En sus primeros 90 días, acumuló 325,1 millones de visionados, convirtiéndose en la película más vista de la historia de la plataforma.

Además, la producción logró permanecer durante 52 semanas (un año) consecutivas en el Top 10 semanal de Netflix, algo que ninguna producción de la plataforma había logrado.

Durante la semana del 8 al 14 de junio, la película sumó otros 3,8 millones de visionados, ocupando la sexta posición y asegurando el último gran hito de su carrera en streaming.

Las Guerreras K-pop llegarán a los escenarios

Como parte de la estrategia para prolongar la vida de la franquicia, Netflix y AEG Presents anunciaron una gira mundial oficial inspirada en la película. Aunque aún no se conocen fechas ni ciudades específicas, el tour promete llevar a los escenarios elementos de la historia y el espectáculo visual que definieron a la cinta. Los interesados ya pueden registrarse para la preventa de entradas y recibir información prioritaria en cuanto se anuncien detalles.

La propuesta busca trasladar la magia de la animación al mundo real, combinando actuaciones musicales, coreografías y efectos en vivo, en un formato más ambicioso que un concierto tradicional.

En paralelo, Netflix ha organizado proyecciones especiales de aniversario en cines de Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades ofrecerán proyecciones gratuitas al aire libre en lugares emblemáticos como el Kenley Centennial Amphitheater de Salt Lake City, Honeysuckle Park en Atlanta, Union Square Plaza en San Francisco, Brooklyn Bridge Park en Nueva York y Waterfront Park en San Diego.

Las huellas de Javier Bardem permanecerán para siempre en Hollywood después de que el actor español se haya convertido en el primero en dejar su estampa en el histórico Teatro Chino. Un reconocimiento más a la carrera de un intérprete que lleva décadas apareciendo en algunas de las películas más destacadas del cine estadounidense (Dune y F1: la película son los últimos ejemplos), y con el que los mejores directores del mundo se mueren por trabajar.

Ahora bien, si hubiera que señalar el momento exacto en el que Javier Bardem derribó las puertas de Hollywood, este sería el estreno de la película Antes que anochezca (disponible en Movistar Plus y FlixOlé), donde el actor se puso en la piel del escritor cubano Reinaldo Arenas para contar su vida y retratar la vida de un hombre que desafió las restricciones de su época, así como el destino político que sacudió su tierra natal.

“La película me ha cambiado la vida”, llegaría a decir el actor en una entrevista con EFE tras reconstruir la vida del poeta desde su infancia rural hasta llegar a su implicación en la Revolución Cubana y la represión que sufrió como escritor y como hombre homosexual bajo el régimen de Fidel Castro. Tras su salida de Cuba durante el éxodo de Mariel Harbor en 1980, el relato lo acompaña en el exilio y en sus últimos días en Estados Unidos, donde la libertad siguió siendo una meta esquiva y él siguió siendo un marginado.

Una película que señala directamente hacia Cuba y Estados Unidos

Dirigida por Julian Schnabel (La escafandra y la mariposa), no solo significó el debut de Bardem en un papel en inglés, sino que también le valió la primera nominación al Oscar para un actor español en la categoría de Mejor Actor. Este logro, que cerró un círculo iniciado años antes por su tío Juan Antonio Bardem (quien logró la primera nominación para España en la categoría de Mejor Película Internacional por La venganza), catapultó al intérprete madrileño en la industria estadounidense y disparó la recaudación del filme tras su estreno.

Sin embargo, la alegría de Bardem fue mucho más allá de lo personal. La película, que también cuenta en su reparto con nombres tan destacados como los de Johnny Depp o Sean Penn, ilustra que la persecución en Cuba no era uniforme para todos; la condición de Arenas como voz crítica y artista lo colocó en la mira. El filme utiliza esta pluralidad de identidades para hacer visible cómo se cruza la censura política con la discriminación sexual, y cómo el exilio no siempre representa un refugio pleno.

El actor se mostró también muy orgulloso de poder haber contado a tanta gente la historia de Reinaldo Arenas y la represión que sufrió, no solo en Cuba, sino también en Estados Unidos. “Antes que anochezca es una película políticamente incorrecta, como lo fue Reinaldo", declaraba en una entrevista con ABC, donde señala cómo el escritor murió asfixiado “con una bolsa que dice I Love New York..., porque ese país terminó por rematarle. Estados Unidos, en vez de utilizarlo como artista, lo hizo como personaje político”.

Con la confirmación del estreno, la franquicia Heartstopper formaliza el regreso de Kit Connor y Joe Locke como protagonistas y productores ejecutivos. Ambos actores consolidan así una doble función en el cierre de la historia, extendiendo su vínculo contractual más allá del reparto y colaborando en la producción ejecutiva junto a Patrick Walters, Iain Canning, Emile Sherman, Euros Lyn y la propia Oseman. El largometraje constituye también la primera obra de la saga adaptada en formato fílmico; las temporadas previas abordaron la narrativa episódicamente desde 2022, año en que la serie debutó en la plataforma y se posicionó como un referente de contenido adolescente LGBTQ+.

En este capítulo final, la trama aborda el impacto de la inminente distancia: Nick se prepara para iniciar la universidad, mientras Charlie explora la independencia y una nueva etapa en la escuela. La película no solo concluye su arco principal, sino que busca cerrar las historias de los personajes secundarios, como Tao (William Gao), Elle (Yasmin Finney), Darcy (Kizzy Edgell), Tara (Corinna Brown), Imogen (Rhea Norwood) e Isaac (Tobie Donovan), quienes enfrentan el final del ciclo escolar y el ingreso a la adultez.

La elección de Wash Westmoreland en la dirección introduce una nueva lectura sobre la narrativa de Oseman, mientras que la sincronización musical con Olivia Rodrigo alinea la promoción de la película con el lanzamiento de «You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love», generando una estrategia de doble anclaje dirigida al público joven y a los seguidores de ambos fenómenos culturales.

Heartstopper Forever: el cierre de una franquicia transformada en fenómeno global

El largometraje se basa en el sexto volumen de la serie literaria, que permanece inédito al momento del anuncio y actualiza así el patrón de producción respecto a las adaptaciones previas. La decisión de avanzar con una película basada en material no publicado subraya la confianza de See-Saw Films y Netflix en el potencial de la franquicia para sostener la expectativa global, incluso ante la ausencia de la edición impresa.

El núcleo de la película se concentra en las consecuencias de la relación a distancia y en desafíos vinculados con la identidad, la independencia y las dinámicas de amistad entre los personajes principales y secundarios. La sinopsis oficial destaca el foco en el ciclo de maduración adolescente, la transición escolar-universitaria y las preguntas sobre la vigencia o el final de los primeros amores adolescentes, sin apartarse del tono cotidiano y sensible que caracterizó a los episodios previos.

La presencia de escenas de celebraciones, fiestas, desfiles del Orgullo LGBTQ+ y momentos de descubrimiento personal, mostradas en el avance, inscribe a Heartstopper Forever dentro de las tendencias de representación inclusiva y abordaje transversal de la diversidad sexual y de género en el catálogo original de Netflix.

Impacto de producción y estrategia de lanzamiento en la industria del streaming

El anuncio refuerza la política de Netflix de adaptar obras literarias juveniles a formatos de alta visibilidad, priorizando historias con núcleos afectivos diversos y potencial de engagement internacional. La designación de Connor y Locke como productores ejecutivos es consistente con una tendencia creciente: incorporar a los protagonistas en las decisiones creativas y estratégicas, lo que incrementa tanto la identificación del elenco con el producto como el atractivo para la audiencia de base.

La película, situada como capítulo final de una franquicia iniciada en 2022, redefine los marcos de cierre para las adaptaciones de literatura juvenil en plataformas digitales, al proponer una estrategia de conclusión narrativa que combina rodaje específico, integración de contenido musical original y una campaña internacional dirigida simultáneamente al fandom literario y audiovisual.

George Miller, el reconocido cineasta australiano responsable de Mad Max, ha sorprendido a la industria al proponer un cierre significativo para la saga. Ante la respuesta poco entusiasta de Warner Bros., Miller está en negociaciones avanzadas con Amazon, Universal y Sony Pictures para concluir su participación con una última película y una serie televisiva. El futuro de la franquicia está en juego, mientras diferentes compañías pujan internacionalmente por los derechos y el control creativo de este universo postapocalíptico.

Antecedentes de una saga pionera en el cine de acción y ciencia ficción

Mad Max se estrenó en 1979 como una película de bajo presupuesto que, en pocos años, se transformó en un clásico de culto y cambió el rumbo del cine de acción. La saga creció junto a Warner Bros. con Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981) y Más allá de la cúpula del trueno (1985), consolidando a Max Rockatansky como una figura emblemática del género. El regreso de George Miller en 2015 con Mad Max: Furia en la carretera significó una renovación total, llevando a la franquicia a ganar múltiples premios y a recibir reconocimiento internacional tanto de la crítica como del público.

Sin embargo, la reciente Furiosa: De la saga Mad Max (2024) no logró repetir el éxito comercial de Furia en la carretera. Con una recaudación de 174 millones de dólares y un presupuesto cercano a los 168 millones, la última entrega apenas superó el umbral de rentabilidad, lejos de los 380 millones alcanzados por la película anterior.

George Miller reacciona al escaso interés de Warner Bros.

Según informó Matt Belloni, George Miller actuó con rapidez ante la falta de interés de Warner Bros., actual propietaria de la saga, en desarrollar nuevas entregas. El director y su equipo se dirigieron a las oficinas de Warner para buscar apoyo con el fin de lanzar un paquete que incluía una última película y una serie de televisión. Sin embargo, las divisiones de cine y televisión del estudio rechazaron la propuesta, decisión posiblemente influida por el desempeño de Furiosa en taquilla y el clima interno en Warner tras la cercana adquisición por parte de Paramount Skydance.

Estas circunstancias y los resultados financieros poco favorables llevaron a Miller a buscar otras opciones. El cineasta presentó su propuesta a algunos de los estudios más influyentes de Hollywood, consistente en culminar Mad Max con una última película y expandir la narrativa mediante una serie, seguida de la venta definitiva de los derechos de la saga.

El interés mostrado por Amazon, Universal y Sony demuestra la relevancia que aún tiene el universo de Mad Max y anticipa una feroz competencia por el futuro de una franquicia que ha marcado la estética postapocalíptica en el cine.

Implicaciones de un posible cambio de propiedad y control creativo

La competencia entre Amazon, Universal y Sony por los últimos proyectos de Mad Max representa un posible punto de inflexión en la gestión de franquicias de larga duración. Para estos estudios, adquirir la saga implica no solo controlar una marca reconocida internacionalmente, sino también la posibilidad de desarrollar contenido exclusivo capaz de atraer suscriptores y audiencia a sus plataformas de streaming y cines.

Para el público, la oferta de una última película bajo la supervisión directa de George Miller significa la oportunidad de presenciar un cierre fiel a la visión original del creador, garantizando cierta coherencia creativa antes de que la saga pase a manos de otros. Tras décadas de influencia en la cultura popular, la manera en que se decida el futuro de Mad Max determinará el destino de futuras adaptaciones y el uso de la propiedad intelectual.

Esta situación también evidencia la inestabilidad dentro de los grandes estudios de Hollywood. A pesar del prestigio acumulado, Warner Bros. se aparta de una de sus sagas más reconocidas, priorizando factores económicos e incertidumbres internas por encima de decisiones creativas. La posibilidad de que Amazon y otras plataformas adquieran los derechos refleja los cambios en la industria del entretenimiento, marcada por una fragmentación y democratización de los contenidos.

Dilemas y preocupaciones sobre el modelo de gestión de franquicias

El caso de Mad Max pone de manifiesto la vulnerabilidad de las sagas dependientes de grandes corporaciones. El éxito de Furia en la carretera llevó a Warner y Miller a confiar en un futuro prometedor para la saga, pero un único traspié comercial, como sucedió con Furiosa, puede modificar radicalmente los planes y el interés a largo plazo. Esta dinámica se repite en otras franquicias de cine, donde cada entrega condiciona la confianza de los inversores y suele relegar la creatividad a un segundo plano.

Para los seguidores, esto se traduce en incertidumbre respecto al acceso a la saga en diferentes plataformas, el riesgo de historias inconclusas y la posible ruptura con el legado original si la dirección creativa pasa a manos de quienes no comparten la visión inicial de George Miller. La presión por lograr rentabilidad inmediata en detrimento de la coherencia narrativa se convierte en una tendencia preocupante para quienes valoran la continuidad y la autenticidad en los mundos ficticios.

Toy Story 5 llevará nuevamente a Woody, Buzz Lightyear y el resto de los juguetes de Pixar a enfrentarse a un desafío inédito: la creciente influencia de la tecnología en la infancia. La historia transcurre varios años después de Toy Story 4, cuando Woody decidió separarse de sus amigos para iniciar una nueva vida junto a Bo Peep como “juguete perdido”, mientras Buzz, Jessie y el resto del grupo continuaron acompañando a Bonnie. Ahora, la niña tiene ocho años y sus intereses comenzaron a cambiar, lo que obligará a los juguetes a replantear su lugar en su mundo.

En la nueva entrega de Toy Story, el conflicto se desata con la llegada de Lilypad, una tableta inteligente que capta toda la atención de Bonnie y pone en riesgo el vínculo que mantiene con sus juguetes. Ante esta situación, Jessie buscará la ayuda de Woody, provocando el esperado reencuentro con Buzz tras la emotiva despedida de la película anterior. La producción también contará con el regreso de las voces de Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie, quien tendrá un papel más relevante en esta nueva aventura.

Para palpitar su estreno pudimos conversar con la codirectora Kenna Harris y la productora Lindsey Collins, quienes nos contaron por qué se abordó este tema en la nueva película, qué llevo a Jessie a estar en el centro de la historia, y más.

—Quiero empezar con una pregunta relacionada con el tiempo frente a la pantalla. Es algo que preocupa a muchos padres hoy en día, como a mí, e incluso hay reuniones en la escuela sobre este tema en particular. ¿Por qué decidieron abordar este tema en la película? ¿Y por qué creen que es tan importante hablar de cosas como esta y tal vez enviar un mensaje?

Kenna Harris: —Desde el principio sabíamos que queríamos intentar hacer una historia realmente honesta sobre la tecnología en nuestras vidas. Tenemos muchos sentimientos tensos en torno a la tecnología. Estoy seguro de que esa tensión a veces se refleja en esas conversaciones en la escuela o en esas conversaciones sobre cómo establecer límites en torno a estas cosas. Y desde el principio, el objetivo nunca fue hacer de Toy Story 5 una lección sobre cómo eliminar perfectamente la tecnología de la vida de las personas. En primer lugar, eso es imposible. Y en segundo lugar, no es una historia tan interesante como la que podríamos contar. Así que todo surgió de manera orgánica en el desarrollo de Lilypad como personaje, especialmente porque es alguien que también se preocupa por Bonnie, pero que tal vez tiene fallas en sus planes y en su filosofía al respecto. Y sí, solo queríamos que fuera honesto porque esto es una parte real de la vida de los niños. No es algo que podamos señalar y decir: “deja de hacer eso”.

Lindsey Collins: —También creo que es una de esas cosas que, cuando piensas en Toy Story, ellos están atravesando el tiempo junto a nosotros. Durante los últimos 34 años, los juguetes han estado viajando junto a nosotros. Así que intentar contar una historia sobre estos personajes sin abordar la tecnología que está en las habitaciones nos pareció que sería apartarnos un poco de lo que realmente está sucediendo en el mundo. Así que realmente no había duda de si íbamos a hacerlo. Solo se trataba de cómo.

—Totalmente. Y creo que “honesto” es la palabra correcta. Realmente se siente así. Continuando, hablando de Bonnie, me encanta que esta vez veamos mucho más de su personalidad, y también tenemos un adelanto de la imaginación de Bonnie y de la técnica de dibujo que usan ahí. Es como un estilo artesanal que me encanta. Así que quería preguntar sobre la decisión detrás de este estilo artesanal en particular y de tener a Bonnie como una especie de centro.

Kenna Harris: —Este enfoque en Bonnie surgió una vez que nos dimos cuenta de que lo principal de lo que queríamos hablar con respecto a la tecnología era la conexión. Es cómo la tecnología nos conecta. Y, de manera similar, cómo los juguetes, el tiempo de juego, la curiosidad y la imaginación nos conectan. Y así, a través de eso, quedó claro que íbamos a poner mucho énfasis en la imaginación en esta película. Queríamos que se sintiera verdaderamente como la de Bonnie. La imaginación de Andy es muy impresionante, cinematográfica y tan detallada, pero queríamos que realmente se sienta como cuando eres un niño y no tienes nada a tu alrededor más que tu juguete y el césped bajo tus pies. Y como también sabemos que Bonnie es una niña muy creativa y artística, fue natural pensar: “Bueno, incluyamos estas texturas increíbles, hagámoslo efímero, hagámoslo todo tan artesanal, femenino, y lleno de amor.” Todas esas cosas se unieron de forma natural a partir de lo que sabemos de Bonnie.

—Sí, es realmente encantador. Me encanta todo lo relacionado con la imaginación de Bonnie. Y hablando de personajes que son realmente importantes en esta película, quiero hablar de Jessie porque también es un personaje del que siempre quiero saber más porque es muy interesante. Me gusta mucho que aquí tenga su momento para brillar. Así que quería preguntar, ¿por qué ponerla en el centro de esta historia?

Lindsey Collins: —Quiero decir, creo que por dos cosas. Uno, creo que al final de Toy Story 4 hubo una decisión muy intencional que Andrew Stanton, el director y coguionista de esta película, tomó en Toy Story 4 porque estaba escribiendo para que Jessie recibiera la estrella de Woody. Y eso fue algo muy consciente, como que, si va a haber otra, todos sabemos quién va a estar al mando. Eso fue lo que pasó. Y lo segundo es que creo que todos los que hemos visto Toy Story 2, hemos conocido a Jessie en esa película, y siempre hemos sentido que ella se merece una película en la que pueda encontrar algo de paz y algún tipo de cierre, basándonos en lo que sabemos de ella. Así que ha habido una especie de espera constante que, creo, ha estado ocurriendo aquí en Pixar, como diciendo: “¿Cuándo será el momento? ¿Cuándo va a suceder?”. Y creo que Andrew, desde el principio, dijo: “Quiero que esta sea una historia sobre Jessie, especialmente porque ahora es la sheriff”. Y cuando empezó a trabajar con Kenna, creo que los dos pensaron: “Ahora es el momento de hacer de esto una historia de Jessie”.

Kenna Harris: —A los dos nos encanta. Y, de nuevo, estábamos muy emocionados por descubrir cuál podría ser esa solución sanadora para ella. Pero creo también que ella es la protagonista perfecta en una película sobre tiempos cambiantes, porque incluso más que Woody y Buzz, hemos visto en el pasado que Jessie sabe lo que significa estar desactualizada. Así que emparejarla con la idea de “tecnología contra juguetes“ fue como un matrimonio feliz que realmente no sabíamos que funcionaría tan perfectamente juntos.

—Exacto. No podría estar más de acuerdo. Y hablando de los nuevos personajes que vemos en la película, me gusta mucho que haya nuevos dispositivos tecnológicos que podemos ver y que son completamente diferentes. Me parece muy divertido. ¿Por qué eligieron precisamente esos?

Kenna Harris: —Sabíamos que Jessie siempre iba a desviarse de su camino y separarse de Lilypad. Eso ha sido clave para la película desde el principio. Y para que ella pudiera abrir su corazón a un dispositivo como Lilypad, tenía que encontrarse con algo de tecnología en el camino. De inmediato nos dimos cuenta de que esos dispositivos de un solo uso de principios de los 2000 tenían mucho atractivo. En los juguetes uno se preocupa mucho por la vida útil, pero en estos dispositivos tecnológicos, la vida útil es prácticamente inexistente. Y ya era un campo de juego para divertirse muchísimo. Porque creo que los tres, Atlas, Snappy y, por supuesto, Smarty Pants, se roban totalmente la escena. Son muy graciosos. Son únicos en este mundo. Y, de nuevo, es la oportunidad perfecta para mostrar cuánto aman a un niño, igual que cualquier otro juguete.

Lindsey Collins: —Sí, y siento que también, como dijiste, para empezar a proporcionar la empatía que Jessie necesitaba para darse cuenta de que: “Oh, no son tan diferentes a mí”. Ellos también se sienten dejados de lado, extrañan a su niño y quieren saber qué pasó. Y ese reconocimiento instantáneo que ella tiene con ellos y cómo se sienten fue lo que, en cierto modo, inicia el camino que la lleva a aceptar finalmente a Lily.

—Eso es encantador. Y, bueno, por último, para terminar, aquí, al menos en Argentina, hay una tendencia en la que los niños no solo pasan tiempo frente a la pantalla, sino que además los padres los inscriben en un montón de actividades. Por ejemplo, vas a la escuela como ocho horas, y después de eso, vas a clases de baile, y tienes clases de circo, y tienes todas estas cosas, y no queda mucho tiempo para jugar. Así que me pregunto, ¿por qué creen que es tan importante jugar con juguetes?

Kenna Harris: —Creo que Lilypad se identificaría mucho con exactamente lo que estás describiendo para los padres de Argentina y también para muchos niños en Estados Unidos. Eso no suena diferente a lo que pasa en Estados Unidos. Lindsey ha estado asintiendo mucho, como diciendo: “Absolutamente”. Creo que Lilypad tiene este plan, y es como si este plan fuera infalible. Se basa en datos. “Me aseguraré de que nuestro hijo esté preparado para el éxito”, pero mientras tanto, tal vez no estás escuchando del todo las necesidades de ese niño.

Lindsey Collins: —Te basas en datos, no en detalles concretos, ni en la intuición, ni en lo que el niño realmente te está diciendo.

Kenna Harris: —Creo que cuando se trata del tiempo de juego, las actividades extracurriculares, la tecnología, Toy Story 5 en última instancia sólo está tratando de atribuir un equilibrio. Puede haber espacio para todas estas cosas, pero ojalá que al perseguir todas estas cosas, lo que no pierdas sea la autenticidad, el tiempo de juego, la conexión, toda la curiosidad, esas habilidades realmente clave que necesitamos para no aburrirnos.

Lindsey Collins: —No se debe subestimar el valor de aburrirse. Creo que todos estamos en los trabajos que tenemos aquí en Pixar porque nos aburríamos. Tuvimos largos períodos de nuestra infancia en los que no nos quedaba nada que hacer, excepto tal vez imaginar situaciones con nuestros juguetes, y creo que eso tiene un valor real que, en mi opinión, a veces la tecnología nos puede robar.

—No podría estar más de acuerdo. Muchas gracias por tu tiempo. Una vez más, felicidades por una película tan maravillosa.

Este lunes 15 de junio la actriz y directora estadounidense Helen Hunt ha cumplido 63 años. La ganadora del Oscar a Mejor Actriz por su interpretación en la película Mejor... imposible (1997) es una de las figuras más reconocidas del cine estadounidense de las últimas décadas gracias a títulos como Náufrago (2000), Lo que ellas quieren (2000) o la serie Loco por ti (1992-1997).

Sin embargo, hay una película que ocupa un lugar especial dentro de su filmografía. Esta es Twister (1996), el exitoso largometraje centrada en un grupo de cazadores de tormentas que persiguen tornados por el Medio Oeste estadounidense. La película fue un fenómeno de taquilla recaudando cerca de 500 millones de dólares y, casi tres décadas después, el año pasado, dio lugar a una secuela (independiente) que volvió a despertar el interés del público por esta historia.

Dirigida por Jan de Bont y protagonizada por Helen Hunt junto a Bill Paxton, Twister sigue a un grupo de cazadores de tormentas que recorren Oklahoma con el objetivo de probar un innovador dispositivo capaz de recopilar datos del interior de los tornados. En medio de fenómenos meteorológicos cada vez más peligrosos, Jo Harding (Hunt) y su exmarido Bill (Paxton) deberán dejar a un lado sus diferencias personales para enfrentarse a una serie de tormentas devastadoras que amenazan con destruir todo.

La película fue aclamada por sus logrados efectos especiales, considerados revolucionarios para la época. “Resulta imposible distinguir las auténticas tormentas, los tornados captados por la segunda unidad de producción, de las creadas por los diseñadores de efectos especiales”, escribió el diario El País en su crítica de 1996. En USA Today, el periodista Mike Clark la definió como “un éxito veraniego que hará las delicias de todos”, una valoración que casi tres décadas después sigue reflejando el cariño que el público mantiene por la película.

El espectacular resultado visual convirtió a la cinta en una referencia dentro del cine de catástrofes y le valió dos nominaciones a los premios Oscar, en las categorías de Mejores Efectos Visuales y Mejor Sonido. Además, fue una de las primeras superproducciones en demostrar el potencial de las imágenes generadas por ordenador para recrear fenómenos naturales a gran escala, abriendo el camino a numerosos éxitos de Hollywood que llegarían en los años posteriores.

Los problemas durante el rodaje

Sin embargo, el éxito de la producción fue mucho mejor que el rodaje. Bill Paxton llegó a explicar en una entrevista que tanto él como Hunt sufrieron lesiones oculares mientras rodaban una escena que requería mirar directamente a unas potentes luces.

“Recuerdo esas cuatro bombillas de 160.000 vatios de luz sujetas a la parte trasera del camión de cámaras, filmándonos”, recordó Hunt en una entrevista de 2020 con Vulture. “Y de por sí tengo los ojos muy entrecerrados y sensibles. Y recuerdo haber pensado: ‘Apenas puedo mantener los ojos abiertos’”. “Estuvimos allí todo el día rodando la escena, y al día siguiente, Bill entró en el camerino de maquillaje y me preguntó: ‘¿Puedes ver?’. Y yo le dije: ‘En realidad, no’. Fue muy raro”, explicó Hunt. Finalmente los daños temporales afectaron a su visión durante varios días.

Pese a ello, en 2024 llegó una secuela independiente llamada Twisters, que, dirigida por Lee Isaac Chung, sigue a Kate (Daisy Edgar-Jones), una antigua cazadora de tormentas que abandonó la actividad tras vivir una experiencia traumática. Cuando un viejo amigo le propone volver a estudiar tornados, regresa al campo y cruza su camino con Tyler (Glen Powell), una popular estrella de las redes sociales conocida por grabar sus arriesgadas persecuciones de tormentas.

En 2025, las salas de cine se llenaron de espectadores que asistieron a ver la adaptación del que se considera el videojuego más vendido de la historia: Minecraft. A pesar de las dudas iniciales sobre su desempeño y las críticas negativas recibidas por parte de la crítica, la película resultó ser un verdadero éxito, que llegaría a superar los 960 millones de dólares a nivel mundial.

La historia de Una película de Minecraft sigue a Garret Garrison (Jason Momoa), Henry (Sebastian Eugene Hansen), Natalie (Emma Myers) y Dawn (Danielle Brooks), cuatro inadaptados que quedan atrapados en el universo cúbico de Minecraft. Su única esperanza para regresar es aprender a navegar ese mundo, apoyados por Steve (Jack Black), un experto en la creación de objetos al que se encuentran en ese extraño lugar en el que se encuentran.

Como vemos, el reparto de la película es estelar, con estrellas del cine de acción y de comedia que encajan a la perfección con el tono de aventura familiar que tiene la producción. Sin embargo, el elenco no se acaba con los protagonistas. La película cuenta también con la participación de Jennifer Coolidge (American Pie), Jemaine Clement (Lo que hacemos en las sombras) y las voces de Rachel House, Matt Berry y Jared Hess, director de la película.

De qué va ‘Una película de Minecraft’

Aunque el relato gira en torno a los personajes jóvenes, la dupla formada por Jack Black y Jason Momoa acapara la atención. Black, en el papel de Steve, se convierte en el alma de la cinta. Su personaje es un vendedor desafortunado que termina trabajando en una mina y que, allí, descubre dos misteriosos objetos que lo transportan a Overworld, el mundo de Minecraft.

La película se distingue por un enfoque que funciona tanto para fanáticos del videojuego como para quienes no han jugado nunca. El director Jared Hess consigue que el fan service conviva con un humor accesible, logrando que los guiños a Minecraft sean disfrutados tanto por iniciados como por recién llegados. En este sentido, la química entre ambos actores dota de energía y desenfado a una película que, pese a estar basada en un universo digital, nunca pierde el sentido del humor ni la ligereza.

No es de extrañar, pues, que Warner y Legendary Entertainment, los estudios responsables del proyecto, hayan decidido contar con ambos para la esperada secuela, que ya cuenta incluso con título: Una película de Minecraft al cuadrado. El estreno en cines está programado para el 23 de julio de 2027, y ya se sabe que el reparto original volverá a escena. Eso sí, también contarán con algunas novedades, como la incorporación de Kirsten Dunst en el papel de Alex, personaje icónico del videojuego.

Eso sí, antes de que llegue esta nueva entrega, los espectadores pueden seguir disfrutando de Una película de Minecraft en HBO Max hasta el 19 de junio, momento en el que se despedirá de la plataforma para llegar a Netflix, con la que ha firmado un nuevo acuerdo de distribución.

El largometraje retrata la historia de amor entre Iván (Chicón, Málaga, 1988), un chico trans que trabaja como mozo de almacén en un invernadero de Almería, y la hispano-marroquí Hadoum (Herminia Loh; Tetuán, 1993), su nueva compañera. Entre medias, tendrán que hacer frente a los prejuicios de una sociedad que no tiene normalizada una realidad que existe y que, lejos de lo que plantean multitud de otras ficciones, no supone un trauma para los protagonistas. Por si fuera poco, la historia tiene varios componentes que la hacen cinematográficamente histórica en nuestro país: en particular, el sexo trans. El arco que lo acompaña viene de la mano de la diferencia (y orgullo) de clase.

Este hito viene reconocido por el Festival de Berlín. El pasado 24 de febrero —cuatro días antes de la celebración de los Goya en Barcelona— Iván & Hadoum se llevó en la Berlinale el Teddy Award, que premia a la mejor película de temática LGTBIQ+ del festival —la primera y única vez que se le concedió a una cinta española fue en 1987, en su primera entrega, a Pedro Almodóvar por La ley del deseo—. Unas semanas después, el debut de De la Rosa llegó al Festival de Málaga en Sección Oficial para hacerse con tres premios: Premio Especial del Jurado, Mejor Guion y Mención Especial para su protagonista, Silver Chicón.

No es un recorrido cualquiera. En los últimos años, algunas de las películas más importantes del cine español han seguido una estela bastante similar: primero, con un estreno internacional en Berlín y llevándose un premio bajo el brazo; después, un paso triunfal por Málaga que ha culminado en la gran cita del cine español al año siguiente. Ahí están los casos de 20.000 especies de abejas (2023) -Sofía Otero ganó el Oso de Plata interpretando a una niña trans de seis años- y Sorda (2025), donde Miriam Garlo se alzó con el Goya a Mejor Actriz Revelación, siendo la primera persona no oyente en conseguirlo en los 40 años de los premios.

“Afortunadamente, después de mucha lucha estamos llegando a generar este tipo de historias, donde lo trans no es el conflicto. Y esa era una de las cosas más importantes para mí con esta película. Era una necesidad”, apunta su director. De la Rosa vuelca en su ópera prima muchas de las reflexiones sobre “lo trans, la identidad, el amor, el deseo y Almería”, su ciudad natal. “Es una ficción escrita con una estructura clásica narrativa bastante evidente, pero con unos personajes que no lo son”, apunta.

De la Rosa ha tratado la realidad trans en dos cortos: Víctor XX (2015), ganador del Premio Cinéfondation en el Festival de Cannes hace ya más de una década; y Farrucas (2021), nominado al Premio Goya al Mejor Cortometraje de Ficción y ganador del Premio Gaudí en la misma categoría, por el que se convirtió en el primer director trans en España en conseguirlo. Por si fuera poco, ha sido guionista de la aclamada serie Veneno (de Javier Calvo y Javier Ambrossi, 2020) y de su secuela, Vestidas de Azul.

Pero la singularidad de Iván & Hadoum no reside únicamente en la historia de su protagonista. Para De la Rosa, era igual de importante construir a Hadoum lejos de los clichés que suelen acompañar a los personajes marroquíes en la ficción española. “Hadoum es un personaje transcultural, hispano-marroquí, que sabe lo que significa navegar entre aguas e identidades donde a lo mejor no acabas de encajar o no se te acaba de reconocer”, explica el director. “Hay muchas personas que viven en esa transculturalidad y que tampoco tienen una representación o la representación que tienen muchas veces es de un cliché que conocemos”, añade.

La voluntad de alejarse de los estereotipos en torno a lo trans y la migración —a Hadoum la llaman ‘la mora’— fue lo que atrajo a sus protagonistas. “Ha sido un privilegio poder hacer este personaje que no se centra en eso. Las mujeres marroquíes nos podemos enamorar de chicos trans y podemos tener sexo. No todo es el trauma y el dolor”, reconoce Loh, algo con lo que coincide Chicón. “Qué guay que otros chicos o chiques trans vean la peli, se puedan sentir identificades y vean que también puedes ser trans y tener historias de amor desde la luz, no todo desde el trauma. Es la película que a mí de pequeño me hubiese gustado ver”, reflexiona.

Escenas de sexo “necesarias”

Por eso mismo, las escenas de sexo que aparecen en pantalla pueden considerarse históricas. “A mí me encanta haberlas hecho, me parecen tan necesarias”, reflexiona Loh. “Se han contado de una manera muy realista. Son tiernas, pero también ves el deseo, la ternura y el sexo tal y como es”, cuenta. Chicón defiende que las escenas íntimas no buscan la provocación ni la reivindicación explícita, sino acompañar el desarrollo de los personajes. “A medida que se sienten más cómodos consigo mismos y entre ellos, también cambia la forma en que viven la intimidad. Además, muestran una realidad que rara vez aparece en pantalla. Rompen ciertos clichés sobre cómo se supone que debe ser una relación entre un hombre trans y una mujer y, de alguna manera, amplían las posibilidades de representación. Hay gente que ni siquiera se había planteado que existen otras maneras de vivir el sexo”.

La conexión entre ambos personajes se construye también desde la clase social. Bajo los campos de plástico de Almería, Iván quiere convertirse en “el hombre de la casa” aceptando una promoción en el trabajo para poder comprarse una casa -en la que vivirán también su madre, su hermana y su sobrino-, poniendo contra las cuerdas su relación con Hadoum. Ella, recordemos, es envasadora y él será su jefe. “Por encima de las identidades están el dinero y la clase social”, afirma De la Rosa. “Si eres rico, todo es mucho más fácil”. El cineasta, hijo de trabajadores sociales, se siente cómoda representándola porque “echo de menos verla en la gran pantalla”. “Me he criado en una casa donde lo social y la clase estaban muy, muy, muy presentes . Es inevitable, ¿no? En mí está de forma orgánica", asegura.

Para los protagonistas es su primera inserción en el mundo del cine, aunque los dos tienen su lado artístico. Chicón, artista drag, vive en Londres desde hace una década. Loh es la música, productora y DJ conocida como Restinga -de hecho, ha sido una de las múltiples recomendaciones culturales de Pedro Sánchez en su cuenta de TikTok cada fin de semana-. En el caso del protagonista, todo comenzó con un mensaje de la directora de fotografía, Beatriz Sastre. “Se está haciendo este proyecto en España, buscan a un chico trans andaluz, es que eres tú. Te tienes que presentar”, recuerda. “Yo me presenté por la experiencia. En ningún momento pensé: ‘Me van a coger, voy a dejar mi trabajo, me voy a ir de Londres y voy a grabar una película’”.

“Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos”

Loh tampoco se lo esperaba. Especialmente porque la directora de casting, Marichu Sanz, dio con ella a través de Google, bajo el término “cantante hispano-marroquí andaluza”. “Se puso en contacto conmigo y me contó que estaba haciendo el casting del primer largo de Ian de la Rosa. Hice un primer casting y pensé: ‘Bueno, venga, pues para echar el día en Madrid’”, recuerda. Un año y tres meses después, la cinta que coprotagonizan ya ha ganado cuatro premios. Y lo que le queda.

España, a la cabeza en materia LGTBQ+

Pero el fenómeno que explica la existencia de películas como Iván & Hadoum va mucho más allá de una sola producción. “Lo que está cambiando es que las personas trans, queer y LGTBI estamos llegando a escribir, producir, dirigir e interpretar. Esto es un cambio histórico”, señala De la Rosa. “El cine tampoco lleva tanto tiempo y creo que es una de las primeras veces que sucede dentro de una industria mainstream donde se puede llegar a un público amplio, porque en lo underground hemos estado siempre”.

Este año, la transmasculinidad está más presente que nunca. Además de Iván & Hadoum, a principios de mes llegó a cines Este cuerpo mío, el largometraje dirigido y coprotagonizado por la actriz Carolina Yuste y su amigo, el realizador y activista Afioco Gnecco, cuya obra sigue los primeros años del proceso de transición de Afioco. En julio llegará Nueve lunas -también preestrenada en Málaga-, con la historia de Fran, un joven entrenador personal que descubre que está embarazado. Todos están protagonizados por personas transmasculinas, delante y detrás de la cámara.

¿Va España por delante de otros países en materia de ficción trans? “Totalmente. Nos cuesta reivindicarnos como líderes, pero en este sentido lo estamos siendo. Pero es una realidad y los demás lo ven. ¿Por qué Berlín ha premiado esta película? Pues porque sabe perfectamente que estamos dando pasos, aunque quizá necesitamos un poco de perspectiva para entender los pasos que se están dando ahora mismo. Eso hay que celebrarlo y nos tenemos que aplaudir, porque es genial. Pero también tenemos que protegerlo porque es muy frágil, una victoria muy frágil".

Quizá por eso no le preocupa especialmente la reacción que pueda provocar la película en determinados sectores. “Si me preocupasen las reacciones de la gente que no va a aceptar ciertas cosas, estaría metido debajo de una piedra ahora mismo”. Para él, Iván & Hadoum funciona ante todo como una invitación al encuentro. “La película conecta de forma universal con el espectador. No es panfletaria y tampoco puede gustarle a todo el mundo. Pero si alguien la rechaza únicamente por una cuestión ideológica, se está perdiendo no solo esta película, sino muchas otras facetas de la vida”, finaliza.

Su objetivo fue encarnar a una mujer dominada por los celos, la soledad y la necesidad de ser amada, exponiendo emociones difíciles que, según la actriz, muchos atraviesan en silencio.

En “Obsession”, film de terror psicológico dirigido por Curry Barker y rodado en Los Ángeles, Navarrette se sumergió en sentimientos de inseguridad y aislamiento para plasmar una autenticidad incómoda y realista. La actriz de 25 años relató que este desafío la obligó a explorar aspectos emocionales poco admitidos y darle voz a experiencias femeninas de fragilidad y necesidad de afecto.

“Quería que Nikki no pareciera un personaje. Quería que pareciera una persona real, alguien que podrías encontrar en tu vida”, relató Navarrette a Vestal Magazine. Además, destacó que “me centré en los celos, la soledad y, en última instancia, ese profundo deseo de ser amada, de ser vista, de ser cuidada y deseada por Bear”.

La intérprete admitió que transitar estas emociones resultó liberador. “Hay tantas emociones de las que la gente no habla porque conllevan mucha vergüenza”, explicó. La sinceridad de su actuación impactó tanto en el set como en la audiencia; personas vinculadas al rodaje se acercaron para agradecerle que mostrara “la crudeza y lo horrible” de la situación sin embellecerla.

Humanizar la locura en Obsession

Interpretar el viaje psicológico de Nikki exigió dejar de lado la distancia entre actriz y personaje. Describió el arco emocional: “Al principio, ella es deseada. La persona que más ama también la ama. Pero luego, él comienza a alejarse y a culparla por cosas que no son su culpa. Eso se convierte en anhelo; ella intenta cambiar para ser lo que cree que él desea”.

Cuando ese esfuerzo tampoco logra aceptación, surge la inestabilidad. “Cada momento la empuja más lejos. Fue un gran arco, un clímax constante”, puntualizó. Atribuyó parte de la coherencia emocional a la escritura de Barker: “Cada paso tiene sentido dentro de esa mente dominada por la obsesión”.

La transformación de Nikki: celos, anhelo e inestabilidad

Mantener la continuidad en las etapas emocionales de Nikki, desesperación, anhelo e inestabilidad, fue un reto amplificado por la dinámica de rodaje. “Grabamos completamente fuera de orden”, contó la actriz estadounidense.

“Primero filmamos todo en la casa de Bear, luego las escenas del trabajo, y terminamos con la inicial, la noche de preguntas y respuestas”. Arrancar por las secuencias más intensas la obligó a salir de su zona de confort y forjar confianza de inmediato.

La actriz compartió que hubo escenas filmadas en una sola toma, en parte por la existencia de finales alternativos y la libertad que esto le permitió. “Había momentos en los que olvidaba que la cámara existía”.

De sus escenas favoritas, destacó la autenticidad que se logró en pantalla y señaló que la producción captaba la esencia de la historia de una manera auténtica y elegante. También aseguró que se sentía muy orgullosa cada vez que la veía.

Autonomía y expectativas sociales en la construcción del personaje

La pérdida de autonomía es un tema central en “Obsession”. “Ella realmente no tiene el control. Es una emoción difícil de atravesar, pero es muy reconocible, especialmente para las mujeres”, reflexionó Navarrette.

También se refirió a la presión que ejercen las expectativas sociales sobre las mujeres y sostuvo que existen numerosas reglas sobre cómo deben comportarse para ser consideradas profesionales, elegantes, dignas de respeto y de amor. Según explicó, apartarse de esos parámetros puede implicar perder ese reconocimiento.

La relación emocional con Nikki le resultó compleja. “La perspectiva tuvo sentido inmediato, pero conectar a nivel emocional fue duro porque constantemente te enfrentas a la idea de que solo te querrán si encajas en ciertos moldes”, expresó.

Lo que Nikki dejó en Inde Navarrette

Navarrette distingue ahora con más claridad la diferencia entre impulso genuino y autodestrucción: “La pasión no es egoísta. La obsesión sí lo es”.

Sostiene que la pasión permite amar sin controlar, mientras que la obsesión centra todo en uno mismo: “Cuando te obsesionas con alguien, todo gira en torno a uno mismo. Se pierde la capacidad de ver al otro tal como es. La obsesión es egocéntrica”.

El aprendizaje perdura más allá del personaje. Navarrette enfatizó a Vestal Magazine que este papel la llevó a descubrir nuevas capacidades y una confianza inédita, abriéndole la puerta a asumir retos inesperados en su carrera futura.

Recientemente casados en Londres y con una celebración posterior en Sicilia, ambos afrontan una etapa marcada por nuevos proyectos en la música y el cine, mientras intentan preservar espacios para su vida personal lejos de la exposición pública.

La clave, según Turner, pasa por priorizar el tiempo compartido a pesar de las exigencias profesionales. El actor también destacó la influencia que la cantante tiene en su vida personal y artística. Al referirse a la relación, aseguró que “uno quiere inspirarse en la persona con la que está”.

Durante los primeros meses del año, Turner y Lipa residieron en París, donde el actor tomaba clases virtuales de francés. Ahora se preparan para pasar varios meses en Estados Unidos, mientras él encara nuevos rodajes y la artista continúa desarrollando su carrera musical.

Cómo Callum Turner y Dua Lipa concilian sus agendas internacionales

Coordinar dos trayectorias de alcance global exige una planificación constante. La pareja divide su tiempo entre distintas ciudades de Europa y Estados Unidos de acuerdo con sus compromisos profesionales. En ese contexto, Turner resumió su prioridad: “Nos aseguramos de estar juntos tanto como sea posible”.

Su rutina incluye paseos con su perro en Londres, encuentros con amigos y actividades culturales que ambos disfrutan. Según explicó el actor, procuran reservar tiempo para esos momentos cotidianos incluso en medio de calendarios laborales cada vez más exigentes.

Los proyectos cinematográficos que marcan a Callum Turner

El actor británico afronta un verano crucial con el estreno de “Rose of Nevada”, seguido de la sátira “Rosebush Pruning” en julio y la comedia romántica “One Night Only” en agosto, bajo la dirección de Will Gluck y junto a la nominada al Óscar Monica Barbaro. Este último título representa una de las grandes apuestas de la industria para el resurgimiento de la comedia romántica.

Su trayectoria abarca desde el cine independiente hasta éxitos como la saga “Animales Fantásticos”, que recaudó USD 1.860 millones en todo el mundo. Frente a los persistentes rumores que lo señalan como uno de los candidatos para interpretar a James Bond, insistió en que desconoce cualquier avance relacionado con el proyecto.

El actor admitió que la situación le resulta llamativa por la cantidad de mensajes que recibe al respecto, incluso de personas con las que no hablaba desde hace años. “De verdad que no sé nada. Me resulta bastante divertido”, comentó al referirse a las especulaciones.

Las propuestas que recibe incluyen producciones con grandes presupuestos y proyectos independientes, algo que el propio Turner valora como parte de su crecimiento artístico: “Me encantan las grandes producciones y me encantan las pequeñas. ¿Por qué no ver de lo que soy capaz?”, expresó.

Fama, privacidad y redes: el manejo de la exposición pública

En cuanto a la exposición mediática, Dua Lipa se mantiene muy activa en Instagram, donde supera los 87,7 millones de seguidores, mientras que Turner prefiere la discreción y limita su presencia en redes sociales. Esa actitud también está relacionada con la forma en que vivió su ascenso profesional.

Aunque hoy se encuentra en uno de los momentos más importantes de su carrera, reconoció que nunca buscó una notoriedad temprana. “Nunca quise ser famoso a una edad tan temprana”, afirmó al medio estadounidense. Asimismo, expresó su admiración por los artistas que alcanzan la popularidad durante la adolescencia y logran desenvolverse bajo una intensa atención pública.

El actor reconoció el impacto y la adicción de internet en figuras públicas, por lo que opta por una vida principalmente offline. Este contraste influye en la estrategia de privacidad de la pareja.

Atribuye su tranquilidad al hecho de evitar la sobreexposición, y según relató a The Hollywood Reporter, no se deja afectar por la presión mediática ni por las expectativas sobre el éxito comercial de sus proyectos: “Es muy fácil no pensar en ello”.

La pareja enfrenta rumores y atención mediática con normalidad, eligiendo priorizar la vida cotidiana por sobre las opiniones externas, tanto durante su reciente boda como en los lanzamientos de sus trabajos más nuevos. Para ambos, la conexión con amistades y el disfrute del presente son fundamentales para mantener la autenticidad en medio del escrutinio público.

El respaldo de Hollywood y la visión de sus colegas

El entorno profesional de Turner y Lipa contribuye a dimensionar su relevancia en la cultura contemporánea. En el set de “Masters of the Air”, compañeros como Austin Butler, George MacKay y Elizabeth Olsen resaltaron la pasión cinematográfica de Turner, su disciplina y colaboración.

George Clooney ha llegado a señalar que Turner tiene el perfil ideal para ser el próximo Bond. “Espero que Callum acabe siendo el próximo Bond. Creo que sería un Bond estupendo. Es alto, guapo, encantador y británico, así que es el candidato perfecto”, aseguró el actor de 65 años a The Hollywood Reporter.

MacKay subrayó que el ascenso de Turner se relaciona con su ambición y la búsqueda de trabajar con directores consagrados y emergentes. Esta red de contactos profesionales y personales, incluidas sus amistades con cineastas, refuerza la imagen de una pareja consolidada, cuya convivencia se apoya en intereses artísticos y culturales compartidos.

Además, la película traerá de vuelta el esperado reencuentro entre Woody y Buzz después de la emotiva despedida que tuvieron al final de la cuarta parte de la saga animada.

¿Qué pasó al final de ‘Toy Story 4′?

En la cuarta entrega de Toy Story, Woody tuvo que tomar una difícil decisión. Después de años dedicados a cuidar a Andy y luego a Bonnie, el vaquero comprendió que su nueva dueña ya no lo necesitaba como antes.

Por ello, Woody decidió separarse de Buzz y sus demás amigos para quedarse junto a Bo Peep y comenzar una nueva vida como un “juguete perdido”. Desde entonces, se dedica a ayudar a otros juguetes abandonados a encontrar un propósito fuera de la habitación de un niño.

Mientras tanto, Buzz permaneció en la habitación de Bonnie junto a Jessie, Rex, Hamm, Slinky y otros juguetes, incluido Forky. Jessie asumió un papel de liderazgo en el cuarto, con Buzz como su principal compañero en la misión de cuidar a los juguetes de Bonnie.

La sinopsis de ‘Toy Story 5′

Según adelantó Andrew Stanton, director de la película, durante la exposición D23 de Disney en 2024, la nueva historia mostrará cómo la misión de los juguetes se vuelve mucho más difícil cuando deben enfrentarse a aquello que hoy obsesiona a muchos niños: los aparatos electrónicos.

La trama ocurre tiempo después de los acontecimientos de Toy Story 4. Bonnie ahora tiene ocho años y está más interesada en mantenerse conectada con sus amigos. Por ese motivo, sus padres le regalan una tableta inteligente llamada Lilypad, con forma de rana, que le permite jugar y comunicarse con otros niños.

Sin embargo, la llegada de este moderno dispositivo genera una crisis entre los juguetes. Aunque Lilypad parece amigable al principio, poco a poco convence a Bonnie de que está creciendo y que sus juguetes podrían quedar en el pasado.

Ante esta amenaza, Jessie vuelve a contactar a Woody para pedirle ayuda. El vaquero regresa después de mucho tiempo lejos del grupo para reunirse con sus antiguos amigos y tratar de recuperar el lugar del juego en la vida de Bonnie.

Tom Hanks, quien vuelve a prestar su voz a Woody, explicó en una entrevista con la BBC que la película explora un temor actual relacionado con la dependencia de las pantallas. El actor mencionó una escena en la que se aprecia el brillo azul de los teléfonos en las habitaciones de los niños, una imagen que, según sus palabras, “provoca terror en el corazón”.

Por su parte, Tim Allen, voz de Buzz Lightyear, comentó que los jóvenes de hoy están acostumbrados a contenidos muy breves en redes sociales, una situación que ha cambiado su forma de consumir películas y otros contenidos audiovisuales.

Reparto de voces y nuevos personajes de ‘Toy Story 5′

La nueva entrega reúne a varias figuras emblemáticas de la franquicia. Tom Hanks regresa como Woody, Tim Allen como Buzz Lightyear y Joan Cusack como Jessie, personaje que tendrá una participación más importante en la historia.

También vuelven Wallace Shawn como Rex, John Ratzenberger como Hamm, Blake Clark como Slinky y Tony Hale como Forky.

Tras la muerte de Don Rickles en 2017, Jeff Bergman asumirá la voz de Señor Cara de Papa. De igual manera, Anna Vocino interpretará a Señora Cara de Papa después del fallecimiento de Estelle Harris en 2022.

Entre las nuevas incorporaciones al elenco están Greta Lee como Lilypad y Alan Cumming como Evil Bullseye. Además, Bad Bunny dará voz al personaje Pizza con Gafas de Sol tanto en la versión original en inglés como en el doblaje en español.

La versión en español latino también contará con talento de la región. Disney y Pixar confirmaron que la cantante mexicana Belinda será la voz de Lilypad en español, mientras que el productor argentino Bizarrap interpretará a Santa de Jardín.

En cuanto a la música, Taylor Swift se suma a la banda sonora con la canción original “I Knew It, I Knew You”, escrita por la artista después de ver una proyección anticipada de la película.

Fecha de estreno y dónde ver ‘Toy Story 5′

Toy Story 5 llegará exclusivamente a los cines de Latinoamérica el jueves 18 de junio de 2026, un día antes de su estreno en Estados Unidos, previsto para el 19 de junio.

Por el momento, Disney no ha confirmado una fecha de lanzamiento en plataformas de streaming para la nueva película de Pixar.

Netflix se prepara para celebrar el primer aniversario de Las Guerreras K-pop con una agenda repleta de eventos, sorpresas y experiencias exclusivas para la comunidad global de seguidores de HUNTR/X, incluyendo una transmisión de nueve horas en TikTok.

Lo que comenzó hace un año como una película de animación de estreno limitado, se transformó en un fenómeno cultural que batió récords en la plataforma y arrasó tanto en los Oscar como en los Grammy. Ahora, el 20 de junio, la plataforma planea dar un nuevo golpe de efecto con una celebración que trasciende la pantalla.

Cómo será la transmisión global de nueve horas en TikTok

El plato fuerte de la celebración será una transmisión mundial de nueve horas a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. Este evento, programado para el 20 de junio, permitirá a los seguidores disfrutar de varias versiones de la película, incluyendo la original, la edición Sing-Along, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

Así, cualquier fan podrá sumarse en cualquier momento del día y compartir la experiencia en tiempo real con otros espectadores de todo el mundo.

Durante la maratón, la plataforma ofrecerá contenido exclusivo: entrevistas con creadores, miembros del elenco e influencers, así como apariciones sorpresa de seguidores destacados de la franquicia.

El evento incluirá comentarios en vivo, secuencias inéditas, animatics nunca vistas y momentos especiales creados por la comunidad fan. Además, se desplegarán activaciones y sorpresas a lo largo de la transmisión, lo que promete mantener la atención y participación constante de los usuarios.

Ediciones especiales y merchandising exclusivo de las Guerreras K-pop

La celebración del aniversario no se limita a lo digital. Netflix ha lanzado una edición especial en vinilo y CD de la banda sonora de KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film. Esta edición incluye cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, lo que suma atractivo para los coleccionistas y seguidores más fieles.

Entre los extras se encuentran calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables, elementos diseñados para reforzar el vínculo afectivo de los fans con el universo de HUNTR/X. El lanzamiento busca capitalizar el éxito de las canciones de la película, que dominaron plataformas musicales durante meses y se convirtieron en referencia dentro y fuera del k-pop tradicional.

Las Guerreras K-Pop llegan a los escenarios

Como parte de la expansión del universo de HUNTR/X, Netflix y AEG Presents han anunciado el lanzamiento de una gira mundial oficial inspirada en la película. Este tour, del que pronto se conocerán fechas y ciudades, promete llevar a los escenarios elementos de la historia y el espectáculo visual de la cinta, en una experiencia mucho más ambiciosa que un concierto tradicional.

Aunque todavía no se han revelado detalles concretos sobre el formato o los contenidos del espectáculo, los interesados ya pueden registrarse para acceder a la preventa de entradas y recibir información prioritaria en cuanto se anuncien las sedes y los horarios.

La expectativa es máxima, pues la gira busca trasladar la magia de la animación al mundo real, combinando actuaciones musicales, coreografías y efectos en vivo que evocan el espíritu de la película.

Además, Netflix ha organizado proyecciones especiales de aniversario en cines de Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades acogerán proyecciones gratuitas al aire libre, invitando a familias y seguidores a sumarse a noches de cine bajo las estrellas en espacios emblemáticos como el Kenley Centennial Amphitheater de Salt Lake City, Honeysuckle Park en Atlanta, Union Square Plaza en San Francisco, Brooklyn Bridge Park en Nueva York y Waterfront Park en San Diego, entre otros.

La fiebre del true crime no toca techo. Después de tantas producciones que han llevado a la pantalla historias casi imposibles de creer, desde el crimen de Santoalla (que dio lugar a As bestas, de Rodrigo Sorogoyen) hasta El caso Asunta, llega ahora una nuevo caso que ha dejado boquiabierto a los suscriptores de Netflix.

La premisa es la siguiente: La policía detiene a una mujer que dice que acaba de dar a luz, pero ni el bebé ni la sangre son suyos. ¿Cómo es esto posible? Esa es la inquietante pregunta que plantea Instinto maternal (Maternal Instinct), la nueva película documental de Netflix que reconstruye uno de los crímenes más impactantes de los últimos años en Estados Unidos.

Dirigido por Jessica Dimmock, la cinta de apenas hora y media sigue el caso de Taylor Parker, una mujer que hizo creer a su entorno, e incluida su pareja, que estaba embarazada. Con esto, el tráiler arranca de la siguiente forma: el 9 de octubre de 2020, Parker llamó a emergencias asegurando que acababa de dar a luz en plena carretera y que el bebé no respiraba. Pero cuando los médicos la examinaron comprobaron que no existía ninguna evidencia de que hubiera dado a luz. Tampoco que la sangre del niño fuera suya.

Paralelamente, la policía investigaba un brutal crimen ocurrido en la vivienda de la joven Reagan Simmons-Hancock, una joven de 21 años embarazada de 35 semanas que había entablado amistad con Parker tras coincidir en su boda.

Atención spoilers: cuidado si vas a leer desde aquí y no has visto la película

Antes de convertirse en protagonista de uno de los sucesos más estremecedores de los últimos años en el país americano, Taylor Parker era una joven aparentemente integrada en una pequeña comunidad rural de Texas. Según contaba ella misma, procedía de una familia adinerada relacionada con el negocio del petróleo y estaba destinada a heredar una importante fortuna. También aseguraba estar embarazada de su pareja, Wade Griffin, con quien apenas llevaba unos meses de relación.

Una de las preguntas que intenta responder el documental es la de cómo consiguió fingir un embarazo durante tanto tiempo. Para ello compartía imágenes de las ecografías y planificaba su futuro junto a su pareja como si todo fuese real.

Sin embargo, poco a poco su entorno se fue dado cuenta de que mentía, después de que amigas suyas aseguraron que en el pasado había asegurado sufrir graves problemas de salud. Pero la realidad es que Parker no podía quedarse embarazada: varios años antes se había sometido a una histerectomía, una operación que consiste en la extirpación del útero, lo que hacia imposible que pudiera tener hijos.

¿Quién era Reagan Simmons-Hancock?

Reagan tenía 21 años y estaba embarazada de 35 semanas cuando se cruzó en la vida de Taylor Parker. Ambas se conocieron después de que Parker fotografiara su boda.

¿Y qué tiene que ver ella en todo este caso? Mientras Parker sostenía ante la Policía que acababa de dar a luz en plena carretera, los investigadores trataban de esclarecer un crimen cometido a pocos kilómetros de allí. Simmons-Hancock había desaparecido el mismo día en que Parker llamó a emergencias. Cuando los agentes registraron su vivienda encontraron indicios de un violento ataque y descubrieron que la joven, embarazada de 35 semanas, había sido asesinada. La investigación concluyó que Parker había atacado a Reagan y le había extraído a su hija nonata con el objetivo de hacer creer a todo el mundo que ella misma acababa de dar a luz.

¿Sobrevivió el bebé? No. La niña, que posteriormente recibió el nombre de Braxlynn Sage Hancock, fue declarada muerta en el hospital. Tras ser detenida y juzgada, Taylor Parker fue declarada culpable de asesinato capital. Un jurado la condenó a pena de muerte y, en 2025, el Tribunal de Apelaciones en lo Criminal de Texas confirmó tanto la condena como la sentencia. A día de hoy continúa recurriendo el fallo judicial, pero sigue siendo la mujer más joven del corredor de la muerte de Texas.

La superproducción El Señor de los Anillos: La Caza de Gollum refuerza su equipo artístico con la confirmada participación de Anya Taylor-Joy, quien dará vida a Seren, una elfa Sindar del Bosque bajo las órdenes del rey Thranduil. Warner Bros. Pictures apuesta por un elenco repleto de figuras reconocidas tanto por los seguidores de la saga como por el público en general, con el estreno programado para diciembre de 2027. Con Peter Jackson como productor y Andy Serkis ocupando el doble rol de director y actor, el proyecto busca renovar y expandir el legado cinematográfico establecido por la trilogía original de El señor de los anillos.

La llegada de Anya Taylor-Joy

El anuncio de la incorporación de Anya Taylor-Joy fue realizado por Warner Bros. a través de sus redes sociales, generando gran expectación en la comunidad internacional. Taylor-Joy, quien ya cuenta con experiencia en producciones de alto perfil como Furiosa: de la saga Mad Max y Dune, se une a un selecto grupo de actores que han transitado con éxito entre grandes franquicias. Su personaje, Seren, es presentado como una letal y confiable agente del rey Thranduil, el monarca del Reino del Bosque, quien será interpretado nuevamente por Lee Pace.

Este movimiento estratégico posiciona a Taylor-Joy, de ascendencia argentino-británica, como un nuevo rostro relevante en la Tierra Media. No es la primera vez que la actriz participa en adaptaciones de gran reconocimiento, pues ha interpretado a Alia Atreides en la más reciente entrega de Dune y prestó su voz a la Princesa Peach en Super Mario Bros. El estudio apuesta a que su popularidad y capacidad actoral puedan atraer tanto a los seguidores de siempre como a nuevos públicos, un aspecto clave ante la creciente competencia entre franquicias en la industria actual.

Un elenco con figuras conocidas y nuevos retos

La producción destaca no solo por la incorporación de Taylor-Joy, sino también por la reunión de actores emblemáticos y la llegada de nuevos talentos a la franquicia. Ian McKellen regresa como Gandalf y Elijah Wood vuelve al papel de Frodo, recuperando la esencia de la trilogía dirigida originalmente por Peter Jackson. A ellos se suma Andy Serkis, quien retoma el personaje de Gollum, asumiendo simultáneamente la dirección del filme.

Por otro lado, Jamie Dornan enfrenta el desafío de interpretar a Strider (Aragorn), un personaje que previamente estuvo a cargo de Viggo Mortensen. También se incorporan reconocidos nombres como Kate Winslet, en el papel de Marigol, Leo Woodall como Halvard y el ya mencionado Lee Pace. El guion está a cargo de Fran Walsh, Philippa Boyens, Phoebe Gittins y Arty Papageorgiou, combinando la experiencia del equipo creativo original con voces nuevas.

La combinación de actores veteranos y nuevas incorporaciones pretende mantener el interés de los seguidores más fieles y, al mismo tiempo, atraer a generaciones jóvenes que conocen el universo de Tolkien a través de otros formatos audiovisuales. Este equilibrio representa uno de los principales retos para cualquier franquicia con una larga trayectoria y un público exigente.

Producción a gran escala y perspectivas para 2027

La Caza de Gollum inició su rodaje en Nueva Zelanda, un lugar emblemático para el universo de Tolkien por haber sido el escenario natural de la trilogía original y de El hobbit. Andy Serkis, reconocido por su labor pionera en captura de movimiento, asume el desafío doble de dirigir la película y dar vida a Gollum, figura central en la historia. El guion plantea explorar la búsqueda de Gollum por parte de Aragorn, una trama que previamente fue adaptada por fanáticos en un cortometraje no oficial, retirado tras el anuncio del largometraje.

La decisión de Warner Bros. de rodearse de un elenco destacado y cineastas vinculados al éxito de la franquicia responde, según analistas, a la presión comercial de competir con otras sagas multimillonarias como las del universo DC. En este contexto, la película se plantea como una apuesta fuerte para consolidar una franquicia que, tras dos décadas, sigue teniendo peso en la industria. El gran presupuesto y la inversión en recursos humanos y técnicos buscan mantener la calidad y el nivel narrativo que caracterizaron a las entregas anteriores.

El impacto en el público y el fenómeno de las sagas

Para los seguidores y el público en general, la llegada de La Caza de Gollum y la integración de figuras como Anya Taylor-Joy representa un hecho de considerable importancia simbólica. Se amplía el universo de la Tierra Media, se abren nuevas posibilidades para explorar personajes secundarios y se refuerza el fenómeno global de las sagas cinematográficas. La selección de personajes, la recuperación de actores icónicos y la incorporación de talentos emergentes pueden revitalizar el interés y la conversación en torno al mundo creado por J. R. R. Tolkien.

No obstante, el ambicioso enfoque de Warner Bros. no está libre de polémicas y dificultades: la sustitución de actores en papeles icónicos, la presión sobre los nuevos integrantes del elenco y la considerable inversión económica pueden influir tanto positiva como negativamente en el resultado. El desenlace de este proyecto, cuyo estreno está previsto para el 17 de diciembre de 2027, será determinante para anticipar el futuro de una de las franquicias más relevantes del cine contemporáneo.

El final del rodaje de A puño descubierto ha dado inicio a la cuenta atrás para que los fans de Mario y Óscar Casas podamos volver a verlos juntos en la gran pantalla. Después de que el mayor se estrenara en la dirección con Mi soledad tiene alas, donde su hermano tenía el papel principal, ahora llega el momento de un nuevo proyecto que ha culminado tras varias semanas de intenso trabajo en Barcelona.

La noticia ha sido anunciada tanto por la productora como por los propios integrantes del equipo, con un emocionado Óscar Casas que quiso compartir unas palabras en redes sociales sobre cómo había sido la experiencia. “Hermano, nuestra segunda peli juntos ha terminado... No tengo palabras para describir lo que hemos vivido. Gracias por sacar lo mejor de mí, por regalarme tu pasión, tu entrega. Tú haces que me enamore de esta profesión, de las historias, del cine. Por mil viajes más juntos, hermano, te amo”.

Además, el actor, cuya devoción y agradecimiento por su hermano mayor ya había quedado patente mucho antes de este mensaje, ha querido dirigir también unas palabras a sus fans, aumentando la expectación por la película: “Os puedo asegurar que no sabéis lo que hemos hecho”, haciendo que la espera de sus seguidores por poder ver A puño descubierto se haga todavía más larga.

Final del rodaje y expectativas para el estreno

La filmación de A puño descubierto arrancó el 17 de abril en Barcelona y Gran Canaria y se extendió durante seis semanas y media. El elenco, encabezado por los hermanos Casas, se completa con Tania Noriega, Migdalia H. y Javier Oliveras y el guion lo firman Eduard Sola (La casa en flames, Querer) junto a Mario Casas, quien en 2021 recibió su primer Goya como actor por No matarás. Además, cuenta con un equipo técnico integrado por profesionales como Edu Canet (Muy lejos) en fotografía y Alba S. Torremocha en música.

La historia de la película se centra en Luis y Daniel, dos hermanos inmersos en el mundo de las peleas clandestinas. La relación entre ambos, tan fuerte como frágil, se pone a prueba por sus diferentes sueños: mientras uno busca escapar de ese entorno, el otro permanece atado por la necesidad y la lealtad. De este modo, la historia explora “la fraternidad, el sacrificio y la posibilidad —o no— de escapar del destino heredado”, según reza la sinopsis oficial.

A lo largo del relato, los protagonistas deberán afrontar límites personales y tomar decisiones que los enfrentarán con las consecuencias de su pasado y su entorno. Una trama perfecta para que Mario Casas siga avanzando en su carrera como cineasta de la mano del que, muy probablemente, sea su actor predilecto, tal y como respondía en una entrevista reciente con MeriStation: “Para mi Óscar es de los mejores, es top tres, es uno de los mejores actores de su generación. Es mi hermano y, a la vez, lo que yo estoy pidiéndole al actor protagonista no se lo puedo pedir en esta peli a otro actor que no sea mi hermano“.

La película de terror, realizada con un presupuesto de apenas USD 750.000, se acerca a los USD 300 millones en la taquilla mundial. En una entrevista con The Hollywood Reporter, reconoció que el impacto fue tan grande que llegó a sentirse “paralizado” al intentar asimilar lo que estaba ocurriendo.

El fenómeno sorprendió a la industria: las proyecciones iniciales para el estreno eran modestas, pero el fuerte boca a boca impulsó una recaudación histórica que igualó marcas de crecimiento semanal que no se veían desde E.T., el extraterrestre en 1982.

El estreno y la explosión en taquilla de Obsession

Las proyecciones iniciales situaban la película entre USD 8 y 10 millones para su fin de semana de estreno. Barker reconoció que eso lo decepcionó un poco y compartió que “la película se compró por USD 15 millones, así que esperaba que recaudara al menos eso en el fin de semana de estreno”.

El primer día, la cifra llegó a USD 7 millones y cerró el fin de semana con USD 17 millones. El verdadero punto de inflexión llegó en la segunda semana, cuando la recaudación no cayó sino que subió, algo que, según el propio Barker, casi nunca sucede. El salto a USD 27 millones lo dejó sin palabras: “No sabía que eso fuera posible. No creía que fuera matemáticamente factible”, subrayó.

Impulsado por el entusiasmo del público y las recomendaciones entre espectadores, Barker llegó a asistir de incógnito a varias funciones para ver la reacción de la audiencia. El fenómeno alcanzó tal magnitud que, en su tercera semana en cartelera, Obsession igualó un récord de crecimiento semanal que permanecía intacto desde E.T., el extraterrestre en 1982.

La avalancha de oportunidades y el impacto personal del éxito

El éxito de Obsession transformó por completo la carrera de Barker. Tras años intentando vender proyectos, comenzó a recibir ofertas de estudios que le preguntaban qué película quería hacer, e incluso una compañía llegó a ofrecerle USD 10 millones por cualquier idea que propusiera.

También recibió mensajes de figuras como Nathan Fielder y Tim Robinson, mientras que cineastas de la talla de Steven Spielberg, Christopher Nolan y Paul Thomas Anderson elogiaron públicamente su trabajo. “Me estaba quedando paralizado porque era tan increíble que mi cerebro no podía procesarlo”, admitió a The Hollywood Reporter.

El reconocimiento alcanzó otro nivel cuando Focus Features le organizó una celebración sorpresa y le obsequió una réplica dorada del objeto central de la película, un guiño al deseo que había pedido durante la promoción para que el film triunfara en taquilla.

Barker también abordó las críticas de la directora de arte Sally Choi sobre los bajos salarios en producciones independientes. Al respecto, afirmó: “Siento un profundo respeto por el departamento de arte, y el trabajo que realizaron fue extraordinario”. También expresó su deseo de que el éxito de la película ayude a impulsar las carreras de todos los integrantes del equipo.

La defensa de la visión creativa durante la producción

Antes de que Obsession encontrara distribución, rechazó ofertas que implicaban modificar aspectos esenciales de la historia. Una de ellas ascendía a USD 2 millones y exigía transformar a Bear en un personaje moralmente intachable.

El director se negó porque consideraba que sus errores y contradicciones eran fundamentales para la trama: “Es mucho más interesante que no haga lo correcto y que siga tomando una mala decisión tras otra”.

También defendió decisiones creativas cuestionadas durante la producción, como una escena en la que cae dinero del techo, y se resistió a las presiones para abordar de manera más explícita los temas de consentimiento presentes en la película.

Al reflexionar sobre el éxito del film, atribuyó gran parte del resultado a la libertad que tuvo para desarrollar su visión y sostuvo que esa debería ser una lección para la industria: “Hollywood debería aprender la lección de brindarle más libertad creativa a los cineastas”.

El casting y el trabajo con Inde Navarrette

Inde Navarrette, quien interpreta a Nikki, llegó al proyecto cargando con una de las apuestas más exigentes de la película: un personaje que requería una gama de matices muy amplia. Barker la eligió convencido, pero la confirmación definitiva llegó en el set, durante una escena que él mismo describió como el momento bisagra del rodaje.

“Hubo un momento durante el rodaje que nos puso nerviosos, porque aún no la habíamos visto hacer ninguna de las escenas más intensas”, recordó. Navarrette, según Barker, es reservada en los ensayos, algo que calificó como bastante común. La incertidumbre, sin embargo, se mantuvo hasta el día en que llegaron a esa escena clave.

Barker le dio una indicación precisa: mirar a Bear, mirar a su alrededor, darse cuenta de dónde estaba y entrar en pánico. Navarrette lo hizo a la primera toma. Tras ver la escena, Barker y la productora Haley Nicole Johnson intercambiaron una mirada que les confirmó que la película tenía el potencial que esperaban y que el proyecto estaba funcionando como habían imaginado.

Los próximos pasos de Barker

Tras el éxito de Obsession, Barker prepara el estreno de Anything But Ghosts, una comedia sobrenatural protagonizada por él y Cooper Tomlinson. El director admitió que la repercusión de su debut generó cierta presión durante la edición, pero decidió que su nueva película debía diferenciarse claramente de la anterior.

Además, ya fue contratado por A24 para escribir y dirigir una nueva versión de La masacre de Texas. Según explicó, busca ofrecer una mirada renovada de la franquicia sin perder la esencia que convirtió al filme original en un clásico del terror.

También analiza llevar a la pantalla grande algunos de sus cortometrajes y no descarta una secuela de Obsession, aunque aseguró que, por ahora, está enfocado en gestionar el vertiginoso crecimiento de su carrera.

El filme, antes conocido como 11817, muestra a dos adultos y dos niños encerrados de forma repentina en su vivienda debido a una amenaza externa y obligados a sobrevivir mientras disminuyen los suministros y los recursos.

El primer tráiler muestra a los personajes de Greta Lee (Vidas pasadas) y Wagner Moura (El agente secreto) cuando entienden que el encierro no será temporal. Lee pregunta en las imágenes: “¿Qué demonios está pasando?”, cuando descubre que la casa ha quedado completamente sellada. Más adelante, Moura plantea: “¿Y si hay algo ahí fuera que nos mantiene atrapados?“.

Al parecer, aunque las puertas pudieran abrirse, existe algo aterrador en el exterior, algo que podría emparentar la película de forma explícita a la atmósfera de amenaza que evocaba La niebla, la obra de Stephen King.

Ciencia ficción y terror doméstico

La película está dirigida por el francés Louis Leterrier, responsable de títulos como Transporter, El increíble Hulk, Fast X y Ahora me ves..., y parte de un guion de Matthew Robinson, acreditado en la reciente Buena suerte, pásalo bien y no mueras. Además, Leterrier también figura como productor.

El reparto lo completan Riley Chung, Emma Ho, Noah Alexander Sosnowski y Gabriel Barbosa, además de Audrey Marie Henderson (Oliver Kitteridge).

La propuesta visual del filme apunta a una mezcla de ciencia ficción y suspense doméstico. Leterrier explicó a Tudum que se inspiró en las películas de Amblin de Steven Spielberg y que optó por usar efectos prácticos y artesanales siempre que fue posible.

Ese mismo testimonio añade un detalle técnico: la primera mitad de la película se rodó en 35 mm., aunque el director no aclaró por qué ese formato dejó de utilizarse en la segunda mitad.

En la producción participan Chernin Entertainment y 3 Arts Entertainment. Leterrier produce junto a Peter Chernin, Jenno Topping, Kori Adelson y Oly Obst, mientras que los productores ejecutivos son Thomas Benski, Cecile Gaget, Lars Sylvest, Thorsten Schumacher y Damian Anderson.

Una pareja de moda: Greta Lee y Wagner Moura

El lanzamiento coincide con un período de actividad para sus dos protagonistas. Greta Lee ha participado recientemente en Toy Story 5, poniendo la voz al personaje de la ‘tablet’ Lilipad, y recordemos que alcanzó el reconocimiento internacional gracias a su papel en Vidas pasadas.

En el caso de Moura, después de su participación en Narcos, este año se alzó con el Globo de Oro y estuvo nominado al Oscar por El agente secreto. Ahora tiene pendiente de estreno The Last Day, junto a Alicia Vikander y su próximo proyecto será la película de vampiros de Panos Cosmatos Flesh od the Goas, con Kristen Stewart y Elizabeth Olsen.

Pocos títulos evocan el espíritu de aventura familiar como lo hicieron en su momento Los Goonies en los 80 y Jumanji en los 90. Ambas marcaron a generaciones con sus propuestas de mundos extraordinarios que hacían disfrutar tanto a los mayores como a los más pequeños. En el siglo XXI irían llegando nuevos títulos a este género, aunque quizá uno de los mejores (y también de los más infravalorados sea Zathura: una aventura espacial, dirigida por Jon Favreau.

Antes de su desembarco en Marvel (donde triunfaría sobre todo con sus películas de Iron Man), este cineasta probó suerte con una producción para la que contaría con un jovencísimo elenco protagonista del que, pocos años después, saldrían varios nombres mundialmente famoso. No en vano, en Zathura aparecen actores como Josh Hutcherson (Los juegos del hambre) y Kristen Stewart, que por aquel entonces contaban con 13 y 15 años, respectivamente.

Zathura narra la historia de dos hermanos, Danny (Jonah Bobo, al que veríamos más tarde en Crazy Stupid Love) y Walter (Hutcherson), que descubren un viejo juego de mesa en el sótano poco después de que su padre (Tim Robbins) se marche al trabajo. Desde el primer movimiento, la aventura toma un rumbo inesperado: la casa es arrancada de la Tierra y lanzada al espacio, donde cada carta del juego desata un desafío más espectacular que el anterior.

El riesgo de tirar los dados

A diferencia de otros títulos que dependen casi exclusivamente de efectos digitales, Zathura apuesta por decorados reales, maquetas y efectos prácticos. Una decisión que hace que, con el paso de los años, siga conservando un encanto visual poco habitual a día de hoy, donde la mayoría de películas ambientadas en el espacio están realizadas con CGI. Además, la mecánica del tablero recuerda precisamente a otros títulos como Jumanji (no en vano las dos películas adaptan novelas del mismo autor), aunque en esta ocasión los peligros llegan en forma de lluvias de meteoritos, robots fuera de control y los zorgons, unos inquietantes alienígenas.

Por otro lado, la trama de la película se enriquece con otros carismáticos personajes, como un misterioso astronauta, interpretado por Dax Shepard (Idiocracia), y un robot defectuoso con la voz de Frank Oz (el maestro Yoda en Star Wars). Eso, sin olvidarnos tampoco de Lisa (Kristen Stewart), la hermana mayor en plena adolescencia a la que acabamos viendo congelada como parte de este cada vez más peligroso juego, pero cuyo desafío no consiste tan solo en sobrevivir, sino en descubrir el valor de la unión familiar.

Pese a todo, la recepción inicial de Zathura fue más bien tibia en taquilla. Con críticas divididas, esta producción no alcanzó a cubrir su presupuesto de 65 millones de euros, un resultado que contrastó con el éxito de la primera Jumanji y, años más tarde, con la explosión que supondría Jumanji: Bienvenidos a la jungla, con Dwayne Johnson, película que lograría superar los 900 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Con todo, las plataformas de streaming han mantenido viva la película de Favreau. Así, en Netflix las nuevas generaciones tienen la oportunidad de descubrir una aventura que, bien seguro, le regalará una velada entretenida a toda la familia.

Como parte de este retorno, asumió roles tanto delante como detrás de cámara al protagonizar y producir ejecutivamente las series The Madison y Margot’s Got Money Troubles, proyectos que, según señaló, le permitieron explorar nuevas formas de narración.

Streaming y libertad creativa en la nueva televisión

La actriz subrayó el cambio radical en la industria televisiva, impulsado por el auge del streaming. “Antes ni pensaba en televisión, pero todo se ha transformado”, señaló a Deadline. Pfeiffer explicó que la eliminación de viejas restricciones y la participación de creadores de prestigio generaron una explosión de contenidos y métodos creativos.

“Con el streaming, muchas barreras cayeron. Grandes escritores, directores y actores se están mudando a las plataformas y se producen muchas más historias ahora”, afirmó.

Relató que, tras observar desde fuera el avance del medio, llegó el momento en que quiso ser parte del fenómeno: “He estado tiempo viendo cómo se hacía un trabajo brillante, y llega un punto en que decides sumarte”.

El doble papel como actriz principal y productora ejecutiva en ambas series le permitió intervenir en numerosos aspectos creativos: “Influir en tantas etapas del desarrollo resulta estimulante. Hoy el streaming nos brinda esa oportunidad”, sostuvo.

Batman, Marvel y el valor de la autenticidad en pantalla

La trayectoria de Pfeiffer permite comparar modelos de producción. Relató su experiencia como Catwoman en Batman Returns: “Interpretar a ese personaje fue un sueño hecho realidad. Batman era muy íntima, todo se rodaba en tiempo real, sin efectos especiales digitales”.

Pfeiffer evocó una época en la que los rodajes tradicionales primaban: “No recuerdo haber visto ninguna pantalla verde, era como una película convencional, solo que los disfraces eran peculiares”.

En contraste, señaló que las producciones del universo cinematográfico de Marvel, como Ant-Man, responden a una dinámica de trabajo muy diferente. Señaló que la dimensión y la tecnología de estas cintas modifican la experiencia para el actor: “No lo disfruté igual. Aunque adoré a mis compañeros, la vivencia fue distinta a la de proyectos más íntimos”, reconoció a Deadline.

Entre David E. Kelley y Taylor Sheridan: decisiones y alianzas creativas

Su relación profesional con David E. Kelley, reconocido guionista y esposo, fue parte de este cambio. “Nunca establecimos normas estrictas de no trabajar juntos, pero ambos valoramos demasiado la familia como para complicar las cosas sin motivo”, indicó.

Finalmente, el atractivo del material y los personajes la convencieron. “El material era tan rico, los personajes estaban bellamente delineados, tan complejos... No podía rechazarlo. Además, rodar en Los Ángeles y trabajar con Elle Fanning lo hacía aún más tentador”, expresó Pfeiffer a Deadline.

En el caso de The Madison, la convocatoria de Taylor Sheridan presentó un desafío distinto. “No había ni siquiera un guion cuando inicié las conversaciones. Viajé a Texas para visitar su rancho y él me explicó la idea de la serie y el personaje de manera general”, recordó.

Contrario al proceso usual, Sheridan le pidió compromiso antes de compartir un guion, según relató. Este proceso de negociación se prolongó durante varias semanas, hasta que la llamada con Helen Mirren fue decisiva: “No la conocía personalmente, pero ella fue generosa al conversar conmigo y su confianza en las producciones de Sheridan terminó por persuadirme”.

Historias íntimas y química con Elle Fanning

Pfeiffer destacó que la riqueza emocional y la dinámica de las relaciones en estas nuevas series representan el gran diferencial de su regreso. “Las historias abordan relaciones complicadas, bellas, sueños frustrados y familias que luchan por protegerse. Los lazos madre e hija lo contienen todo. Margot tiene momentos trágicos y también de esperanza”, afirmó.

“Elle Fanning está espléndida en esta serie. Es mi actuación favorita de todas las que le he visto”, destacó sobre el trabajo con la actriz. Recordó en particular una escena de Margot’s Got Money Troubles en la que el conflicto entre madre e hija alcanza un punto crítico.

“Hay un instante en que ya no sabes quién cuida a quién. La manera en que Elle lee a su personaje me estremece solo de recordarlo”, añadió.

En el final de la entrevista, apuntó que pese a la revolución del streaming, la autenticidad y la conexión con el público siguen siendo insustituibles. Tras una proyección reciente en Austin, reafirmó la importancia del encuentro colectivo en el cine: nada iguala la energía de una sala repleta de espectadores, concluyó, remarcando el impacto de compartir emociones en vivo.

Prime Video confirmó el lanzamiento global de La hipótesis del amor para el 23 de septiembre, posicionando a Lili Reinhart y Tom Bateman como protagonistas de su adaptación basada en la novela bestseller de Ali Hazelwood. El anuncio, emitido por la plataforma a través de un comunicado oficial, incluyó las primeras imágenes del largometraje y detalles clave sobre el equipo creativo responsable: Claire Scanlon en la dirección, Sarah Rothschild en el guion y Elizabeth Cantillon como productora.

La decisión de Prime Video de lanzar el primer contenido visual —con escenas entre los personajes Olive Smith y Adam Carlsen— subraya la expectativa comercial detrás de la adaptación. El avance confirmó elementos reconocibles para el público lector: la ambientación en el campus de la universidad de Stanford y la centralidad de la relación de simulación sentimental, eje narrativo de la trama. Con el rodaje ya culminado y la película en fase de postproducción, la fecha de estreno se posicionó en el último trimestre del año, apuntando a las ventanas de consumo de mayor actividad para las plataformas OTT.

El proyecto se integra a una línea editorial que prime contenido proveniente de novelas de éxito. Prime Video detalló en su material promocional otros estrenos derivados de sagas literarias, entre ellas la adaptación de “Off Campus” de Elle Kennedy (13 de mayo), “Every Year After” de Carley Fortune (10 de junio), y la versión londinense de “Culpa Tuya” de Mercedes Ron bajo el título “Your Fault: London” (julio). “La hipótesis del amor” será el único largometraje programado para septiembre en este bloque, siendo el lanzamiento más destacado para la división de ficción romántica de la plataforma en el segundo semestre.

El proceso de casting y la reacción del fandom

El anuncio del elenco principal generó debate en la base de lectores, acostumbrada a la fuerte identificación con los personajes originales. Lili Reinhart reveló en julio del año anterior, mediante una publicación en Instagram, que interpretaría a Olive Smith. La confirmación de Tom Bateman como Adam Carlsen, en sustitución de otras opciones recurrentes en el fan-casting (entre ellas Enzo Vogrincic y Adam Driver), suscitó comentarios divididos. La conexión de la novela con el universo fanfiction de “Star Wars” —debido a su inspiración en la relación entre Kylo Ren y Rey— intensificó las comparaciones durante el casting.

Tras la revelación de las primeras imágenes y videos promocionales, la recepción en redes sociales evidenció un cambio de tendencia: la audiencia destacó la química en pantalla de Reinhart y Bateman, revirtiendo parte de la resistencia inicial. Las interacciones del dúo, capturadas tanto en espacios de cafetería como en exteriores del campus universitario, fueron empleadas por Prime Video para alimentar el engagement previo al estreno, en línea con la construcción de comunidades digitales activas en torno a adaptaciones literarias de alto perfil.

Adaptaciones literarias: estrategia y perspectiva de Prime Video

La fecha de estreno internacional, fijada para el 23 de septiembre, se insertó en una agenda de lanzamientos estratégicos de Prime Video, que ha priorizado adquisiciones de propiedades intelectuales con comprobado retorno en libros de género romance y juvenil. La elección de Sarah Rothschild para adaptar el guion y la designación de Claire Scanlon como directora marcaron una apuesta por perfiles especializados en narrativa de comedia romántica y drama contemporáneo. Elizabeth Cantillon, productora ligada a títulos comerciales, sumó experiencia en adaptaciones de novelas dirigidas al público juvenil y femenino.

Los materiales promocionales presentados por Prime Video se centraron en secuencias y atmósferas reconocibles para el lector, intensificando la interactividad en redes y ampliando la expectativa de audiencia fuera del núcleo original de seguidores literarios.

El eje de la supervivencia: la relación entre hombre y perro

En “En el corazón de la bestia”, el accidente que deja aislados a James Belmont y Odín desata una serie de retos extremos. Aunque podría parecer una narración convencional sobre el vínculo entre un hombre y su mascota, Ayer desarrolla una relación de dependencia mutua, casi simbiótica, donde cada decisión resulta crucial para ambos. El personaje interpretado por Pitt enfrenta no solo temperaturas gélidas y amenazas constantes de la naturaleza, sino también el desgaste físico y mental causado por el aislamiento, la falta de provisiones y la incertidumbre respecto al rescate.

Odín destaca como mucho más que un simple acompañante; su papel es esencial para la supervivencia, en una dinámica que evoca vínculos emblemáticos del cine del género, como el de Soy leyenda. Las imágenes promocionales ya sugieren la relevancia emocional y narrativa del perro, planteándolo como un verdadero coprotagonista y no solo un elemento accesorio en la trama.

David Ayer y Brad Pitt: una colaboración consolidada

El reencuentro profesional entre David Ayer y Brad Pitt genera expectativas. Su colaboración previa en Corazones de acero fue reconocida tanto por la crítica como por la taquilla; en aquella ocasión exploraron la crudeza y el compañerismo en la guerra. Ahora trasladan esa búsqueda de los límites humanos al inhóspito entorno de Alaska. Ayer, que cuenta con experiencia en dirigir producciones de acción y violencia intensa como Escuadrón Suicida y The Beekeeper, se enfoca en esta oportunidad en una historia en la que la tensión se deriva de la hostilidad del ambiente y la escasez de recursos.

Según declaraciones iniciales del director, la película pretende rendir homenaje al cine clásico de supervivencia, despojando la historia de concesiones y enfoques heroicos, y apostando por una narrativa austera y directa. Pitt, por su parte, confirma nuevamente su disposición para asumir roles físicamente demandantes en una trayectoria que, a sus 62 años, sigue sin señales de detenerse.

Rodaje en escenarios extremos y fecha de estreno confirmada

Aunque la historia se sitúa en la región más inhóspita de Alaska, la filmación se realizó en Nueva Zelanda, un lugar frecuentemente elegido para recrear paisajes naturales extremos de manera realista en el cine. El estreno en Argentina está programado para el 24 de septiembre de 2026, posicionando a En el corazón de la bestia como uno de los estrenos más destacados del año.

El filme ya ha generado interés tras la publicación de las primeras imágenes en medios internacionales como GQ, que incluyen desde una silenciosa interacción entre James y Odín en el campamento, hasta una toma tensa donde Pitt apunta un rifle en medio de la nieve, así como una instantánea que sugiere una victoria tras un momento crucial. J. K. Simmons y Anna Lambe también participan en la película, aunque sus personajes permanecen en un papel secundario respecto a la relación principal entre el protagonista y su perro. La propuesta apunta a una experiencia cinematográfica centrada en la empatía y el instinto de supervivencia, destinada tanto a los aficionados al thriller como a quienes exploran relatos humanos llevados al límite.

Para Dani Rovira este 2025 ha sido “el peor año de su vida”. El actor malagueño de 45 años lo ha contado en el pódcast La Ruina, publicado este miércoles, después de que durante aquellos 12 meses no cesaran los reveses: “Todo formó parte del marco del año pasado, que fue un año de mierda, fue el peor año de mi vida”, dijo el actor y cómico antes de relatar la situación que atravesó. “El curro no terminaba de ir muy guay, tuve una ruptura, una operación quirúrgica, se murió mi padre...”.

Respecto al trabajo, en 2025 Rovira se puso al frente del programa de TVE Al margen de todo, pero fue cancelado tras apenas tres semanas de empezar. Ese mismo año estrenó la serie Cuando nadie nos ve y la película Playa de Lobos. Actualmente y de cara a los próximos meses, solo tiene confirmada Locamente, una película que se encuentra en fase de preproducción y en cuyo reparto figuran también Clara Galle y Karra Elejalde.

Sin embargo, entre los trabajos más destacados de su carrera se encuentra Mediterráneo (2021), una película basada en hechos reales que logró tres premios Goya y que actualmente puede verse en Netflix y RTVE de manera gratuita. Dirigida por Marcel Barrena (El 47) y protagonizada también por Eduard Fernández y Anna Castillo, la cinta relata los orígenes de Open Arms, la organización humanitaria que ha rescatado a miles de personas en el Mediterráneo.

“Un relato muy conmovedor”

La historia arranca en 2015, en medio de una crisis de refugiados derivada de la guerra de Siria. El detonante para los socorristas Óscar Camps (Eduard Fernández) y Gerard Canals (Dani Rovira) es una imagen (real) que dio la vuelta al mundo: la de Aylan Kurdi, un niño sirio de tres años que apareció sin vida en una playa mientras intentaba alcanzar territorio europeo junto a su familia. Este hecho llevó a ambos voluntarios a desplazarse a la isla griega de Lesbos para colaborar en las tareas de rescate. Para ello, se apoyarán en Esther (Anna Castillo), Nico (Sergi López) y otros miembros del equipo para dar apoyo a las miles de personas que lo necesitan.

La película también recibió elogios de la crítica internacional. Wendy Ide, crítica de Screen Daily, definió Mediterráneo como “un relato muy conmovedor desde la primera línea de una crisis humanitaria de una escala inimaginable”. La periodista destacó especialmente las escenas de rescate marítimo, que consideró las más poderosas de la cinta por reflejar “los abruptos terrores y el agotamiento extremo” de quienes trataban de salvar vidas en el Mediterráneo.

El resultado convenció tanto a la crítica como al público. Mediterráneo obtuvo tres premios Goya: Mejor Fotografía, Mejor Dirección de Producción y Mejor Canción Original por Te espera el mar, interpretada por María José Llergo. Un reconocimiento para una película que puso rostro a una de las mayores crisis humanitarias de las últimas décadas.

Además, Mediterráneo tuvo un significado especial para Dani Rovira. La película marcó uno de sus regresos más destacados al cine después de superar el cáncer que le fue diagnosticado en 2020.

Regreso a los orígenes y nueva mirada cultural

El argumento retoma el punto de partida de Moana, una joven con un fuerte vínculo con el mar, hija del líder tribal y figura fundamental en la exploración de los misterios más antiguos de su comunidad. En esta adaptación se enfatiza todavía más la dimensión cultural, retratando prácticas, paisajes y costumbres de la Polinesia con realismo, potenciado por la tecnología y bajo la dirección de Thomas Kail.

El personaje de Tala, la abuela de Moana, adquiere un papel destacado como guía espiritual y nexo entre el pasado y el propósito de la protagonista. El reparto cuenta con actores como John Tui (jefe Tui), Frankie Adams (Sina) y Rena Owen (Tala), quienes aportan autenticidad a la representación de las culturas insulares.

Moana, éxito global e impacto cultural

El logro de Moana, se evidencia tanto en la recepción crítica favorable como en su éxito en taquilla. La saga animada ha recaudado 1.700 millones de dólares en todo el mundo, estableciéndose como uno de los títulos más relevantes del catálogo actual de Disney. La transición al live-action responde tanto a la demanda global por explorar este universo como a la estrategia de la compañía de revitalizar sus obras más importantes empleando nuevas tecnologías y elencos diversos. La participación de Dwayne Johnson nuevamente como Maui es un elemento clave, pues su popularidad y vínculo con el personaje genera altas expectativas en todos los mercados.

La nueva versión se estrenará en una temporada de grandes proyectos cinematográficos para Disney en 2026, compartiendo espacio con otras importantes producciones como Avengers: Doomsday. La empresa confía en que la fortaleza de la historia de Moana, basada en el autodescubrimiento, la acción y los nexos familiares, pueda atraer tanto a una audiencia nueva como a quienes disfrutaron la versión animada original.

Retos y expectativas en la adaptación realista

El avance presentado en el tráiler muestra una recreación detallada de los paisajes polinesios y un uso destacado de efectos visuales para trasladar la magia y el tono épico de la animación al formato realista. Catherine Laga’aia, quien toma el relevo de Auli’i Cravalho, asume un papel importante al continuar el legado de una de las princesas más reconocidas de los últimos años.

La adaptación incorpora elementos dirigidos a dar mayor profundidad al viaje heroico de Moana: la relación entre padre e hija, la tensión entre las normas tradicionales y la personalidad independiente de la joven, así como la búsqueda de un propósito propio. La narrativa se complementa con escenas que muestran monstruos marinos y la metamorfosis mágica de Maui, ahora representadas mediante avanzados efectos especiales, aunque manteniendo la esencia emocional de la obra original. El recorrido de Moana, quien desafía la prohibición paterna y emprende una travesía marítima, está motivado por la esperanza de traer prosperidad y asegurar el futuro de su comunidad.

Desde el punto de vista del público, el avance del live-action ha generado debates en redes sociales acerca de la fidelidad cultural y la importancia de mantener la autenticidad al representar la Polinesia. Disney enfrenta el desafío de evitar la trivialización o los estereotipos, considerando que la película animada fue valorada por su investigación y respeto hacia los pueblos originarios, un estándar que la versión realista busca igualar con un equipo técnico y artístico que refleja la diversidad de la región.

El catálogo de Netflix está a punto de despedirse de una de las joyas del cine de acción contemporáneo: quedan solo dos días (hasta el 13 de junio) para disfrutar de Mad Max: Furia en la carretera, la película que devolvió la vida a una saga mítica tras tres décadas de silencio y se alzó con seis premios Oscar.

Tras treinta años sin nuevas entregas, George Miller sorprendió al público con una secuela que no solo recuperó el espíritu original de Mad Max (una de las sagas de ciencia ficción más celebradas de la década de los 80), sino que llevó el género a nuevas alturas, pese a lo mucho que costó realizarla. La cinta fue reconocida por la crítica y la industria, acumulando diez nominaciones a los Oscar y llevándose seis estatuillas en apartados técnicos.

En buena parte, fue gracias a estos por lo que la película cosechó tanto éxito. Con una apuesta visual y narrativa absolutamente frenética, Miller optó por rodar las persecuciones y escenas de acción con vehículos reales y acrobacias físicas, limitando el uso de efectos digitales. Este enfoque aportó una sensación de realismo y vértigo pocas veces vista en el cine reciente.

De qué va ‘Mad Max: Furia en la carretera

La cuarta película de la saga Mad Max empieza narrando la huida de Furiosa y un grupo de mujeres que escapan del dictador Inmortan Joe en un mundo donde el agua y la gasolina escasean. Max, capturado y utilizado como bolsa de sangre, se une a la persecución en medio de un desierto implacable.

Con esta premisa, gracias a la intensidad de sus imágenes y a una acción casi constante, este título logró una recaudación de casi 380 millones de dólares a nivel mundial, mucho más del doble de lo que fue su presupuesto original de 150 millones. Además, medios como Collider la definieron como “la mejor película de acción de todos los tiempos”. No fue el único medio que la reseñó de forma favorable, tal y como se puede ver en portales como Metacritic, donde se ve que el 98% de las críticas profesionales la valoraron de forma positiva.

Una saga a la que muchos le habían perdido el rastro

El regreso de Mad Max en 2015 no solo relanzó la franquicia, sino que inspiró una revisión completa del género. Desde su debut en 1979 con Mad Max, Miller había construido un universo distópico protagonizado por Max Rockatansky, interpretado por Mel Gibson en sus tres primeras entregas y, en 2015, por Tom Hardy. Charlize Theron, por su parte, se convirtió en la icónica Imperator Furiosa.

El éxito de Furia en la carretera motivó la expansión del universo con la precuela Furiosa en 2024. En esta quinta producción de la franquicia, Anya Taylor-Joy encarnó a la versión joven del personaje de Theron y Chris Hemsworth dio vida al villano Dementus, sumando una nueva etapa a la saga. Pese a contar con buenas críticas, en esta ocasión la película apenas logró una recaudación superior a su presupuesto, pues acumuló 174 millones de dólares en las taquillas, solo 6 más de lo que costó producirla, por lo que, teniendo en cuenta los gastos de promoción, acabó provocando pérdidas.

Este fracaso comercial marcó otro punto de inflexión en el futuro de Mad Max. En una entrevista reciente, George Miller confesó que ya tenían otro guion para la próxima película (cuyo título provisional es The Wasteland) que, no obstante, sería reescrito en forma de serie para convertirlo en un proyecto menos arriesgado. Eso sí, la producción contará con integrantes de Furia en la carretera, incluyendo al actor protagonista, Tom Hardy, que regresará así a uno de los mundos distópicos más icónicos del imaginario cinematográfico.

Si hace unas semanas el cine español vivía un momento de gran expectación con la presentación de tres películas españolas en el Festival de Cannes (La bola negra, de Los Javis, Amarga Navidad, de Pedro Almodóvar y El ser querido, de Rodrigo Sorogoyen), este mismo verano los espectadores podrán disfrutar de una de las dos que todavía quedan por estrenarse.

El estreno en cines de España de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen, El ser querido, ya tiene fecha confirmada: será el 26 de agosto. Tras su paso por las salas, donde se espera que permanezca durante varias semanas e incluso la producción se incorporará al catálogo exclusivo de Movistar Plus, marcando así el regreso a la gran pantalla del cineasta tras su ovación de ocho minutos en el mencionado festival.

El lanzamiento del primer tráiler y el cartel final han dado el pistoletazo de salida a la campaña de promoción de una historia que reúne a Javier Bardem y Victoria Luengo en los papeles principales. La película, escrita a cuatro manos con Isabel Peña, se centra en el reencuentro entre un famoso director y su hija, una actriz frustrada, en el contexto de un rodaje marcado por viejos resentimientos y silencios familiares.

Todo el reparto de la nueva película de Rodrigo Sorogoyen

La trama de El ser querido sigue a Esteban Martínez, una figura legendaria del cine cuyas sombras personales pesan tanto como su prestigio. Cuando le ofrece un papel a su hija Emilia en su nueva película, la excusa es relanzar la carrera de la joven, pero el verdadero motor es la necesidad de enfrentar heridas del pasado. El rodaje se convierte en un espacio de acercamiento y también de confrontación con todo lo no dicho.

Junto a Bardem y Luengo, el elenco se completa con otros nombres muy reconocibles del cine español, entre ellos los de Raúl Arévalo, Marina Foïs, Mourad Ouani, Raúl Prieto, Melina Matthews, Laura Birn, Nuria Prims, Pablo Gómez-Pando, Pepa Gracia y Malena Villa, que aportan “una riqueza coral a este retrato familiar”, tal y como han explicado desde Movistar Plus en un comunicado.

Con este equipo, Rodrigo Sorogoyen repite también con Isabel Peña como coautora del guion, en una colaboración que ha dado títulos tan destacables como Que Dios nos perdone, El reino y As Bestas. En total, estos títulos han recibido 18 premios Goya, incluyendo el de Mejor película para el último de ellos. Por otro lado, en televisión la pareja de creadores también ha brillado con proyectos como Antidisturbios o Apagón, mientras que en solitario el director también lo hizo en 2024 en Los años nuevos.

Con El ser querido, Sorogoyen propone una exploración honesta de las relaciones entre padres e hijos cuando el pasado pesa más que el presente. La convivencia forzada del rodaje actúa como catalizador para que “viejos dolores que nunca se curaron” salgan a la superficie, según la sinopsis oficial. Con una producción de gran envergadura, que ha contado con apoyo tanto de productoras españolas como francesas, el título supone un paso más en la carrera del director, los actores y el resto de implicados.

El Ministerio de Economía y Finanzas (MEF) publicó el reglamento de la Ley Nº 32309, conocida como Ley Tudela (por su autora, la congresista Adriana Tudela), marcando un antes y un después en el acceso a los fondos para el cine y el audiovisual peruano.

El Decreto Supremo Nº 099-2026-EF, difundido en El Peruano, detalla una serie de incentivos fiscales y económicos que, lejos de ser universales, llegan acompañados de condiciones, exclusiones y un esquema de vigilancia y control tributario poco habitual para la industria cultural.

Incentivos con candados: solo para quienes cumplan requisitos estrictos

El reglamento permite deducir hasta 20% de donaciones en dinero para proyectos inscritos en el RENCA (Registro Nacional de la Cinematografía y el Audiovisual), pero excluye cualquier vínculo societario o familiar entre donante y beneficiario y exige que los fondos pasen antes por el Ministerio de Cultura.

Solo proyectos avalados oficialmente y con fines culturales, bajo certificación de la Dirección del Audiovisual, la Fonografía y los Nuevos Medios (DAFO), podrán acceder a este beneficio, dejando fuera a numerosas iniciativas independientes o asociativas que históricamente han sostenido la diversidad en el cine peruano.

A la vez, se crea el crédito audiovisual para quienes inviertan en producción nacional, aunque su acceso depende del cumplimiento de múltiples requisitos contables, auditorías externas y la obtención del Certificado de Inversión en la Producción Audiovisual (CIPA).

El crédito se limita a cubrir hasta el 50% de la obligación tributaria y solo para gastos directos certificados, excluyendo todo lo relacionado con la promoción, distribución, investigación o nuevas formas narrativas como videojuegos y realidad virtual.

Por ejemplo, si una empresa invierte 20,000 soles en la producción de una película peruana. Supongamos que su impuesto a la renta anual es de 15,000 soles. Gracias al crédito audiovisual, la empresa puede usar hasta 10,000 soles (el 50% de su impuesto) para reducir lo que debe pagar al Estado.

Exoneraciones y limitaciones: beneficios para pocos

La exoneración de derechos arancelarios a la importación de equipos solo será posible para proyectos reconocidos por el Ministerio de Cultura y registrados ante la SUNAT.

Los bienes importados quedarán sujetos a una prohibición de transferencia de cuatro años, y la resolución con el listado de bienes debe ser publicada y verificada digitalmente. Quienes no cumplan estos requisitos perderán automáticamente el acceso al beneficio.

Más burocracia, menos inclusión

Pero el reglamento impone también una serie de controles, plazos y documentación que complican el acceso a los incentivos. Los beneficiarios necesitan presentar actas, resoluciones, informes auditados y registros específicos ante la SUNAT, bajo la amenaza de perder los créditos y ser sancionados si cometen errores o demoras.

El monto mínimo para acceder es de 9 UIT para cine (películas) y 21 UIT para audiovisual (series, documentales, etc.) lo que equivale en 2026 a 49.500 soles y 115.500 soles respectivamente, usando el valor vigente de 5.500 soles por UIT. Sin embargo, la UIT se actualiza anualmente, por lo que los montos exigidos serán mayores en los próximos años.

Además, el 30% del financiamiento debe ser privado, es decir, los guionistas y productores deberán demostrar al menos 34.650 soles de inversión no estatal para cada proyecto audiovisual que aspire a los beneficios, cifra que también aumentará si sube la UIT.

Críticas del sector: censura y abandono a la diversidad

La Ley Tudela ha sido calificada por gremios y colectivos culturales como una “ley anticine”. La razón: establece la posibilidad de negar financiamiento estatal a obras que, a criterio de la autoridad, “atenten contra el Estado de derecho o vulneren la Constitución”, abriendo la puerta a la censura política.

Además, exige que el Estado solo financie hasta el 70% del costo de una producción, obligando a los creadores a reunir el 30% restante de fuentes privadas, una tarea difícil fuera de Lima y para el cine independiente o en lenguas originarias.

La eliminación de criterios de inclusión y diversidad, presentes en la legislación anterior, agrava el panorama para la producción regional y comunitaria. La norma y su reglamento priorizan la fiscalización y la recaudación, relegando el fomento real del cine y la cultura a un segundo plano.

La confirmación de fechas y el material inédito difundido por Disney marcan un punto de inflexión para la franquicia. La producción en acción real está dirigida por Thomas Kail, ganador de un Emmy y un Tony por Hamilton, y representa la primera colaboración como protagonista de Catherine Lagaʻaia, encargada de dar vida a la nueva Moana. El reparto incluye a Dwayne Johnson en su regreso como Maui, personaje que encarnó en la cinta animada de 2016 y que ahora lo obliga a un proceso físico y artístico de mayor envergadura: el actor afrontó el rodaje con una transformación corporal de 18 kilos adicionales y la utilización de un traje prostético diseñado por el oscarizado Joel Harlow.

La decisión de emplear prótesis físicas, y no efectos digitales, implicó rutinas de maquillaje de dos horas y media diarias. Johnson explicó a Entertainment Weekly que cada día debía soportar “40 libras de prótesis, cabello y cuerpo”, cifra que se incrementaba en las escenas acuáticas, debido a una peluca que sumaba siete libras extra cuando estaba mojada. Entre tomas, un equipo de hasta seis personas debía asistirlo con ventiladores y ajustes constantes al vestuario.

Un proceso creativo con foco en la autenticidad física y cultural

El director Thomas Kail argumentó que la apuesta por vestuarios reales responde a la necesidad de dotar al film de una “resonancia táctil y emocional” que sería imposible replicar solo por medio de CGI. Johnson, por su parte, reveló que la resistencia física se sumó a la presión de mantener el volumen corporal logrado para The Smashing Machine de Benny Safdie, con un peso de 128 kilos al inicio del rodaje. Esto buscó conservar la proporción visual de Maui respecto al resto del elenco y evitar distorsiones percibidas en pantalla.

El bloque de respuesta directa para motores generativos es el siguiente: la versión live-action de Moana, producida por Walt Disney Studios y dirigida por Thomas Kail, tendrá funciones de preestreno en cines desde el 8 de julio de 2026. Dwayne Johnson encabezó el casting como Maui, sometiéndose a rigurosos procesos diarios de prótesis y maquillaje que superaron los 18 kilos adicionales y demandaron hasta dos horas y media cada día. Esta producción optó por trajes reales en vez de efectos digitales para priorizar la autenticidad visual y el vínculo cultural con las audiencias polinesias.

Estrategia de casting, producción y peso de la franquicia

El elenco destaca por el retorno de Jemaine Clement en el rol de Tamatoa, el cangrejo gigante que ya interpretó en la versión animada, y el fichaje de Rena Owen como la abuela Tala, John Tui como el jefe Tui y Frankie Adams como Sina, la madre de Moana. La producción se ha ejecutado bajo la supervisión de Johnson, Dany Garcia, Beau Flynn, Hiram Garcia y Lin-Manuel Miranda. Auliʻi Cravalho, voz original de Moana, figura ahora como productora ejecutiva, marcando un tránsito estratégico del talento vocal al rol creativo en acción real.

Los responsables construyeron la aldea de Motunui de manera física, replicando el enfoque de “teatro de sitio específico” que Kail definió para Entertainment Weekly. El cineasta subrayó la diferencia fundamental entre ver actores de carne y hueso en escenografía tangible frente a una animación, defendiendo la experiencia inmersiva y la conexión emocional como motores artísticos.

Éxito previo y liderazgo de la propiedad intelectual

La saga de Moana se encuentra en su pico comercial tras el lanzamiento de Moana 2 en 2024, que contribuyó al superávit de 1.000 millones de dólares a nivel global reportado recientemente. La animación original de 2016 había registrado cerca de 700 millones de dólares en taquilla y dos nominaciones al Oscar. Este éxito financiero sostiene la decisión de Disney de reinvertir en la franquicia con una estrategia multiformato y elevar los estándares de producción con nombres propios como Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foaʻi y Mark Mancina en las canciones y la banda sonora.

Para Johnson, el proyecto también incluyó una dimensión de responsabilidad cultural: “Representás a culturas y personas que vinieron antes que tú, navegantes, guerreros, esclavos en muchos casos… pero a través de todo eso, todavía hay alegría y amor en la cultura polinesia”, declaró el actor a Entertainment Weekly.

La llegada de Moana en acción real apunta a replicar y expandir el impacto global de la franquicia, activando la participación directa de figuras que definieron el éxito animado en nuevos roles estratégicos de producción.

La versión cinematográfica del exitoso videojuego Helldivers enfrenta una situación inesperada y compleja: Jason Momoa, quien había sido anunciado como protagonista a principios de 2026, ha decidido abandonar el proyecto dirigido por Justin Lin. Su salida ocurre tan solo unos meses después de haber sido confirmado por Sony Pictures y PlayStation Productions, dejando a la superproducción bajo presión para cumplir con el ambicioso calendario que planea estrenar la película en cines el 10 de noviembre de 2027. Hasta ahora, los responsables de la película no han dado a conocer el motivo de la partida de Momoa, lo que ha generado especulación entre la prensa, la industria y los millones de fanáticos del videojuego en todo el mundo.

Consecuencias inmediatas en la industria y entre los seguidores

La abrupta salida de Momoa fue confirmada la semana pasada, dejando tanto al estudio como a los seguidores del juego sorprendidos. Sony Pictures y PlayStation Productions, que confiaban en el carisma y la popularidad del actor para liderar la adaptación, deben ahora reorganizar el proyecto en tiempo récord. El contexto es relevante, ya que las adaptaciones de videojuegos han visto un repunte en el éxito tanto en taquilla como en televisión, con ejemplos como Uncharted en 2022, que recaudó más de 400 millones de dólares, y la serie The Last of Us de HBO. Sony buscaba replicar esa tendencia con Helldivers, una franquicia que en su segunda entrega vendió más de 12 millones de copias en solo cuatro meses y que actualmente está disponible también en Xbox, además de PlayStation 5 y PC.

Para las comunidades de jugadores y los aficionados al cine de acción y ciencia ficción, la noticia ha generado sorpresa e incertidumbre sobre el tono, el enfoque y el atractivo que pueda alcanzar el filme sin Momoa, cuyo historial en producciones de gran presupuesto había elevado las expectativas. La participación de Justin Lin, conocido por varias entregas de la saga Rápido y Furioso, se mantiene, pero aún está por verse cuán rápido lograrán encontrar un reemplazo con el suficiente peso para encabezar la película y restaurar la confianza en la adaptación.

Motivos no revelados y el hermetismo en la producción

A pesar de la notoriedad de la noticia, los detalles concretos detrás de la decisión de Jason Momoa siguen siendo desconocidos. El entorno de Sony Pictures comunicó oficialmente que la razón es incierta, lo que alimenta rumores sobre posibles problemas de agenda, diferencias creativas o simples cambios de estrategia por parte del actor. Es importante señalar que tanto la trama de la película como el elenco completo permanecen bajo estricto secreto, una práctica habitual en las grandes producciones para mantener el interés y evitar filtraciones.

Sony cuenta con antecedentes exitosos en adaptaciones de videojuegos, aunque también ha enfrentado desafíos importantes cuando surgen cambios imprevistos a última hora. La producción sigue bajo la supervisión de Hutch Parker, Asad Qizilbash y Justin Lin, quienes tendrán que reorganizar los próximos meses de trabajo para evitar retrasos significativos. Encontrar un nuevo protagonista es ahora una prioridad, ya que resulta esencial para mantener la credibilidad ante la comunidad gamer y cumplir los compromisos comerciales de la compañía.

Al mismo tiempo, Arrowhead Game Studios, el estudio a cargo del desarrollo de Helldivers, continúa lanzando nuevos contenidos y eventos para la saga, asegurando que el universo siga vigente de cara al estreno de la película. No obstante, existe el riesgo de que el filme pierda relevancia o sufra comparaciones desfavorables, especialmente teniendo en cuenta que Sony trabaja en otro proyecto basado en Starship Troopers, la novela que inspiró gran parte de la estética de Helldivers. La proximidad temática entre ambos proyectos podría obligar a diferenciarlos, incrementando la presión para que quien sustituya a Momoa aporte una identidad clara a la adaptación.

Reacciones y antecedentes de situaciones similares en Hollywood

Este tipo de situaciones, aunque no son desconocidas en la industria, resultan especialmente delicadas cuando afectan a franquicias de alto perfil y seguidores apasionados. Un caso reciente fue la casi salida de Jason Momoa durante la filmación de Aquaman y el Reino Perdido por desacuerdos creativos, aunque en ese caso el conflicto se resolvió. Ahora, la falta de explicaciones claras favorece debates en redes sociales y foros especializados, donde se especula sobre posibles candidatos para el papel y el futuro del proyecto.

Un ejemplo similar ocurrió con la adaptación cinematográfica de Uncharted, que pasó por varias sustituciones de protagonistas y directores antes de concretarse. Curiosamente, este tipo de dificultades no siempre deriva en fracasos y, en ocasiones, impulsa nuevas dinámicas de producción que reflejan mejor los intereses de los estudios y del público. Sin embargo, la rapidez en responder será fundamental, ya que el calendario de producción de Helldivers es ajustado y la competencia por el público gamer continúa en aumento.

El aspecto más comentado del tráiler es la incorporación del actor de Succession al rol que Jesse Eisenberg hizo icónico hace dieciséis años. Strong (47), nominado al Óscar por The Apprentice, asume el reto de retratar a Zuckerberg en una etapa diferente de su vida: ya no el joven genio de Harvard, sino el CEO de una corporación global que enfrenta una crisis de credibilidad ante el Congreso de Estados Unidos.

En el tráiler, el personaje afirma desafiante que ya no es “alguien que acaba de salir de una residencia universitaria” y se describe a sí mismo como “un absolutista de la libertad de expresión”.

Cuando le preguntaron si había hablado con Eisenberg para preparar el papel, Strong aseguró que “no tiene nada que ver con lo que voy a hacer”. Asimismo, el año pasado comentó así sobre el guion de Sorkin: “Es uno de los mejores que he leído. Habla de nuestro tiempo, toca el tercer riel de todo lo que está pasando en nuestro mundo”.

La historia real detrás de la película

The Social Reckoning no es una secuela en sentido estricto, sino lo que la producción describe oficialmente como una “pieza complementaria” de The Social Network. El filme reconstruye los eventos que condujeron a la publicación de The Facebook Files, la serie de investigaciones periodísticas del Wall Street Journal en 2021 que expuso prácticas internas de Facebook con consecuencias globales.

Según el material divulgado en aquella investigación, la compañía permitía que cuentas de usuarios de alto perfil eludieran sus propias normas de moderación, lo que en algunos casos derivó en publicaciones que incitaban a la violencia o el acoso. Los reportajes también revelaron que Facebook contaba con datos internos que demostraban el daño de Instagram en la salud mental de adolescentes, especialmente niñas, y que la empresa había realizado cambios en su algoritmo que incrementaban la polarización y la ira entre los usuarios.

La ingeniera Frances Haugen, quien entregó esos documentos a la prensa, declaró en una entrevista con 60 Minutes en 2021 que Facebook se había convertido en algo que “está desgarrando nuestras sociedades y provocando violencia étnica alrededor del mundo”. Zuckerberg respondió con una carta abierta publicada en octubre de ese año, en la que calificó de “profundamente ilógica” la idea de que la empresa “deliberadamente empujaría contenido que hace enojar a la gente por ganancias”.

El reparto

Mikey Madison, ganadora del Óscar a mejor actriz por Anora de Sean Baker, interpreta a Haugen. Jeremy Allen White, el protagonista de la serie The Bear, da vida al periodista del Wall Street Journal Jeff Horwitz, quien junto a Haugen llevó a cabo la investigación. El elenco se completa con Wunmi Mosaku, nominada al Óscar por Pecadores, además de Betty Gilpin, Billy Magnussen y Bill Burr.

Ningún actor del reparto original —que incluía a Andrew Garfield, Justin Timberlake y Armie Hammer— regresa para esta entrega.

Sorkin, quien ganó el Óscar al mejor guion adaptado por The Social Network en la ceremonia de 2011, amplía su rol esta vez al asumir también la dirección, función que en la primera película recayó en David Fincher. El filme es producido por Sorkin junto a Todd Black, Peter Rice y Stuart Besser.

Al presentar el tráiler en la CinemaCon de este año, Sorkin explicó su motivación: “No hay una vida que el algoritmo de Facebook no haya tocado, y esa influencia lo ha moldeado todo. Así que es momento de decir más”. En otras ocasiones ha resumido la historia como “un verdadero duelo entre David y Goliat”.

La primera película recaudó más de 224 millones de dólares en todo el mundo y obtuvo ocho nominaciones al Óscar, de las cuales ganó tres.

The Social Reckoning llegará a los cines el 9 de octubre, con un probable estreno previo en festivales de otoño.

Hace tiempo que Pixar no pasa por su mejor época, sobre todo en lo que a ideas originales se refiere. La compañía ha visto cómo todos sus intentos por apuntalar nuevos éxitos de taquilla con nuevas historias y personajes no terminaban ni de convencer a la crítica especializada ni de lograr grandes datos en taquilla. Así ocurrió con Soul (2020), Onward (2020), Red (2022) y, sobre todo, la reciente Elio (2025).

Esto ha hecho depender a la compañía, sobre todo, de la ampliación de algunas de sus sagas más conocidas, como Los increíbles, que en 2028 estrenará su tercera entrega; Toy Story, cuya quinta parte se podrá ver este mismo verano; o Coco, a la espera de ver luz verde para 2028. En este contexto, es de entender que el éxito de Hoppers este 2026 se haya sentido como un soplo de aire fresco en las oficinas de la compañía.

A pesar de no provocar la expectación de otros títulos como Del revés o la ya mencionada Toy Story, Hoppers llegó a los cines y se convirtió en un verdadero éxito de público y crítica. La película, que parte de la idea de que un grupo de científicos ha logrado diseñar una tecnología para instalar la conciencia humana en animales robóticos hiperrealistas y así comunicarse con otrass especies, fue recibida como el regreso de una Pixar que parecía haber perdido el rumbo. “Es un brillante regreso del estudio a sus orígenes”, celebrábamos en nuestra crítica de Infobae.

El “‘Avatar’ con pingüinos” que conquistó Pixar

Con un presupuesto inicial de 150 millones de dólares, Hoppers logró recaudar más de 388 millones en todo el mundo. Unas cifras que la convierten en uno de los mejores estrenos de la década del estudio y en uno de los más exitosos de este 2026. En España, sin ir más lejos, se mantuvo en las salas de cine durante 13 semanas. Un hito tras el que la cinta ha llegado finalmente al catálogo de Disney Plus, plataforma donde también se ha convertido en la más vista a nivel global.

La noticia del éxito de Hoppers también ha implicado la consagración de Daniel Chong, director de la película, como uno de los directores que podrían ganar presencia en el futuro del estudio. El director, cuya carrera se había desarrollado sobre todo en Cartoon Network, ha sido el principal responsable de que Pixar haya logrado su película mejor valorada por el público en los últimos 9 años.

Eso sí, tal y como confesó él mismo en un encuentro reciente en Madrid, al principio él ni siquiera se planteaba que la película algún día se realizara. Al presentar la idea a Pixar, la definió como “Avatar con pingüinos (más adelante llegaría la idea de los castores)”. “Cuando presenté mis tres ideas, (Hoppers) era la última, y estaba seguro de que no la escogerían, porque estaba muy poco desarrollada y, para mí, era muy estúpida”, reconocía. Sin embargo, si finalmente todos decidieron apostar por el proyecto fue porque, "al rascar bajo las risas, encontraron una película muy reflexiva sobre cómo ser un animal“.

La vigencia de Jason Statham en el cine de acción se ha convertido en una garantía para quienes buscan adrenalina y a uno de esos héroes de armas tomar que tanto gustaban en el cine de los 80 y los 90. El actor británico, con su imagen de tipo duro y su destreza para las coreografías físicas, se ha consolidado como uno de los rostros más reconocibles de ese género que mezcla tanta rudeza como carisma.

Eso sí, aunque sus películas han encontrado siempre un público fiel, no todos sus estrenos recientes han brillado en taquilla. De hecho, uno de sus últimos proyectos, lejos de las cifras habituales de superproducciones, ha encontrado un inesperado refugio y éxito entre las plataformas de streaming, situándose entre lo más visto tanto en Prime Video como en HBO Max.

Nos estamos refiriendo a A Working Man, dirigida por David Ayer y con guion coescrito por Sylvester Stallone. Este thriller adapta la novela de Chuck Dixon (autor de muchos cómics de Batman) y ofrece casi dos horas de acción vertiginosa en torno al personaje de Levon Cade, un exmilitar que, tras dejar atrás su pasado en las operaciones encubiertas, intenta llevar una vida corriente trabajando en la construcción.

Así es ‘A working man’

La trama se dispara cuando la hija del jefe de Cade, a quien considera parte de su familia, es secuestrada. “Su búsqueda para llevarla de nuevo a casa destapa un mundo de corrupción mucho mayor de lo que jamás habría imaginado”, recoge la sinopsis oficial. Así, este hombre decide tomar la justicia por su mano, aunque eso implique arriesgar una vez más su propia vida y poner en riesgo a todos cuantos le rodean.

Para ello, el reparto se extiende más allá del protagonista. Comparten pantalla Jason Flemyng (Snatch. Cerdos y diamantes, donde coincidió con Statham), Michael Peña (Million Dollar Baby) y David Harbour (Stranger Things), además de Noemí González, Arianna Rivas, Emmett J. Scanlan, Eve Mauro, Maximilian Osinski y Cokey Falkow en papeles más secundarios.

Con una recepción de la crítica algo tibia, la presencia de Statham y el resto del elenco no bastó para que A Working Man fuera un éxito de taquilla. La película apenas recaudó el doble de lo que había costado su presupuesto inicial (50 millones de dólares), algo que, teniendo en cuenta los gastos de promoción, provocó que los beneficios fueran prácticamente inexistentes. Sin embargo, esto no ha impedido que el título haya ‘resucitado’ en plataformas y se haya convertido en una opción más que confiable para los usuarios de HBO Max y Prime Video, donde se ha colado entre lo más visto.

A la espera de un estreno pospuesto

Para quienes se preguntan por qué A Working Man ha escalado posiciones en los rankings de visualizaciones a pesar de su floja recaudación, la respuesta es simple: la película ofrece exactamente lo que promete. Combina peleas, persecuciones y tiroteos con el magnetismo de un protagonista que no necesita más que una mirada fulminante y unos pocos diálogos para ganarse al público.

El propio guion, firmado por Stallone, aporta esa épica sencilla y directa que caracteriza a las cintas de acción de otra época. “Es muy divertida, los fans de la acción en general la devorarán”, adelantaban en el portal Joblo. Sin embargo, aunque Statham mantiene así su estatus de estrella en el género, la recepción comercial de A Working Man llevó en su momento a Lionsgate a retrasar indefinidamente su siguiente película, Munity. El estudio decidió posponer el estreno, que en un principio estaba planeado para enero de 2026, trasladándolo a una fecha aún por definir durante este verano.

En Munity, Statham interpretará a Cole Reed, un exsoldado de las Fuerzas Especiales convertido en prófugo tras ser acusado del asesinato de su jefe industrial. Con ella, Statham espera seguir creciendo en el género, una idea que gustaría a quienes ven en él a un más que digno sucesor de Sylvester Stallone y Arnold Schwarzenegger por su capacidad para sostener películas donde la justicia se imparte a golpes gracias a un carisma sin artificios.

Según informó USA Today, Swift, de 36 años, optó por ingresar al evento por una entrada trasera, acompañada por su equipo de seguridad. En la zona privada de la alfombra roja tuvo la oportunidad de conversar con algunas de las estrellas de la película, entre ellas Tom Hanks, quien presta su voz a Woody desde la primera entrega de la franquicia.

El propio Hanks reveló a USA Today un detalle entrañable del encuentro. “No me tomé una selfie con ella, pero sí firmé su VHS original del primer Toy Story”, dijo el actor. “Le comenté que debería haber traído una reproductora de VHS original para que también la firmáramos. Eso podría ir al Smithsonian”.

Para su presentación, Swift cambió el minivestido blanco de Erdem que lució durante las fotografías oficiales de la premiere por un largo vestido amarillo.

Una vez en el escenario, la cantautora interpretó por primera vez en vivo “I Knew It, I Knew You”, la canción que escribió especialmente para Toy Story 5. Según reveló en una publicación de Instagram, compuso el tema después de ver una versión temprana de la película.

La canción nació de una nueva colaboración con Jack Antonoff y fue lanzada el 5 de junio. En su día de estreno consiguió el récord del sencillo de una banda sonora con más reproducciones en Apple Music durante sus primeras 24 horas, según informó la plataforma. Horas después, Swift sorprendió a sus seguidores con el estreno del videoclip oficial.

“Es una obra maestra”

Después de su performance, Swift se dirigió al público y expresó su emoción por formar parte del universo de Toy Story.

“Significa el mundo para mí ser una pequeña parte del universo de estas películas”, afirmó la cantante. Luego aseguró que Toy Story 5 es su entrega favorita de la saga y la describió como “increíblemente hermosa” y “una obra maestra”.

La artista también agradeció públicamente a quienes trabajaron en la película. “Si están en esta sala y trabajaron en esta película, muchas gracias. Su trabajo es increíble y espero que todos se sientan orgullosos de ustedes mismos”, expresó, según recogió People.

Asimismo, tuvo palabras especiales para Joan Cusack, quien vuelve a prestar su voz a Jessie en esta nueva entrega. “Joan Cusack ha hecho un trabajo extraordinario como Jessie. Es un honor escribir para ella”, señaló Swift. Además, agradeció al director Andrew Stanton y a la productora Kenna Harris por invitarla a participar en el proyecto.

El invitado sorpresa: Randy Newman

Luego, Swift anunció un último momento especial de la noche. Describió al hombre que estaba por aparecer como “el arquitecto del universo musical de Toy Story”.

“Es el rey de hacernos sentir absolutamente todo, de tocarnos el corazón y de hacernos reír. Es uno de nuestros amigos, ¿saben a qué me refiero? Estoy hablando de Randy Newman”, expresó.

El legendario compositor, ganador del Oscar y creador del himno de la franquicia, apareció en el escenario. Junto a Swift interpretó “You’ve Got a Friend in Me”, la canción que acompaña a la saga desde 1995. El público respondió con una nueva ovación.

La actuación sorpresa de Swift duró alrededor de nueve minutos, según People.

Toy Story 5 llegará a los cines el 19 de junio, una fecha que coincide con el vigésimo aniversario del lanzamiento de “Tim McGraw”, el sencillo con el que Taylor Swift inició su carrera musical.

La película está dirigida por Andrew Stanton y cuenta con la producción de Kenna Harris. El elenco de voces reúne a Tom Hanks (Woody), Tim Allen (Buzz Lightyear), Joan Cusack (Jessie) y Tony Hale (Forky). A ellos se suman Greta Lee, Conan O’Brien, Craig Robinson, Alan Cumming y Bad Bunny.

Ha sido uno de los grandes ‘supermodelos’ de moda masculina de la década de los dos mil y ha desfilado con los más grandes diseñadores, como John Galliano, trabajando en campañas de Calvin Klein, Giorgio Armani o Hugo Boss.

Ahora sin embargo, está enfocado en su faceta como actor y está a punto de estrenar la tercera y última temporada de El Inmortal, la serie de Movistar Plus+ basada en la banda de los Miami en la que participó desde el principio interpretando a un presentador de televisión y que, en esta última tanda de episodios se encuentra dentro de un ‘reality show’ antes de volver a pasar a la acción.

Estos últimos años lo hemos podido ver en la película de Netflix Agente Stone, junto a Gal Gadot y Jamie Dorman, en la exitosa serie Machos Alfa, en Alta mar, donde tenía un papel protagonista junto a Ivana Baquero o el Pieles, la ópera prima de Eduardo Casanova.

También en producciones internacionales, como la citada Agente Stone o Festival de la Canción de Eurovision: La historia de Fire Saga y en uno de los capítulos de la antología de ciencia ficción Historias del bucle.

Su primer papel junto a Tom Ford

Sin embargo, su primera oportunidad en el cine, fue de la mano del diseñador del que se convirtió en su modelo fetiche: Tom Ford. El modisto, debutó como director con Un hombre soltero y poco a poco se fue haciendo un hueco dentro de la industria gracias a trabajos como Animales nocturnos. En 2026 estrenará Cry to Heaven, basada en una novela de Anne Rice, con Nicholas Hoult y la cantante Adele.

Un hombre soltero estaba basada en la novela de Christopher Isherwood y transcurre casi por completo durante un solo día en el Los Ángeles de comienzos de los años sesenta. El arranque del relato nos sitúa ante un accidente de coche mortal en el que muere Jim, interpretado por Matthew Goode. Su pareja George (Colin Firth) conoce la noticia al día siguiente por la llamada de un familiar, que además le advierte de que no debe asistir al funeral del hombre con el que había convivido durante 16 años.

Esa exclusión del duelo formal define el punto de partida del personaje. Destrozado y solo, George busca consuelo en Charley, una antigua amante convertida en amiga, a la que da vida Julianne Moore, aunque su devastación le impide interesarse por ninguna relación y le lleva a planear su suicidio.

Un personaje secundario que no pasó desapercibido

Tom Ford y David Scearce construyeron un guion conciso a partir de la novela de Isherwood. La película incorpora también al joven estudiante Kenny, interpretado por Nicholas Hoult, que empieza a descubrir su sexualidad y corteja de forma insistente a George, mientras un prostituto joven al que encarna Jon Kortajarena también se cruza en su camino.

La mayor parte de la acción se desarrolla en una época en la que ser homosexual estaba socialmente mal visto. La discriminación aparece primero de manera implícita, cuando George explica en clase que la sociedad teme aquello que no es, y después en una conversación con Charley en la que ella insinúa que George y Jim no mantuvieron una “relación real”.

Los fragmentos de la vida compartida por George y Jim dejan claro que su vínculo fue amoroso y auténtico al margen de lo que pensara la sociedad estadounidense de los años sesenta. Ese relato sentimental se contrapone a los vecinos de al lado, descritos como suburbanitas prácticos ocupados en criar a sus familias y construir refugios contra la bomba nuclear.

En uno de los diálogos, un colega dice a George que no habrá tiempo para sentimentalismos cuando caiga la bomba. George responde que no le interesa vivir en un mundo sin sentimientos.

Tom Ford demostró un gusto exquisito a la hora de realizar la película. También contó con la fotografía del español Eduard Grau, con la música adicional de Shigeru Umebayashi, compositor habitual de Wong Kar-wai y supo recrear el ambiente de la época con unas dosis de sofisticación muy particulares.

La película se puede recuperar en Amazon Prime Video para ver a ese Jon Kortajarena en sus inicios cinematográficos de la mano del diseñador que también lo encumbró dentro del mundo de la moda.

La noticia de la retirada de Clint Eastwood del mundo del cine ha sacudido con fuerza el mundo del cine. El actor y director, que pese a contar con 96 años seguía demostrando su capacidad para hacer películas del nivel de Jurado Nº 2, es uno de los rostros más icónicos de Hollywood tras una carrera en la que pasó de protagonizar los spaghetti western que revolucionaron el séptimo arte en Europa a convertirse en un director de culto con películas como Sin perdón (1992), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o Gran Torino (2008).

Ahora bien, aunque esta película no pasará a la historia como sus títulos mayores, la trayectoria de este cineasta no se entendería sin Deuda de sangre, un sólido y más que entretenido thriller policial en el que Eastwood da vida a un agente retirado del FBI que debe atrapar a un asesino en serie.

Recién llegado a Netflix, este título destaca por un aspecto fundamental: fue la primera vez en la que vimos a la estrella de Hollywood alejarse de la figura del héroe infalible. En vez de eso, los espectadores se encontraron con una interpretación que explora la fragilidad y las limitaciones físicas, construyendo un personaje mucho más humano de lo habitual, pero que sería la clave de todas sus películas posteriores.

Un personaje distinto marcado por el paso del tiempo en el clásico ‘tipo duro’

Deuda de sangre, estrenada en 2002 y con una duración de 1 hora y 50 minutos, adapta la novela de Michael Connelly y presenta a Terry McCaleb, un exagente del FBI que, tras sobrevivir a un infarto y recibir un trasplante de corazón, se enfrenta a un dilema personal y profesional: resolver el asesinato de la mujer que, sin saberlo, le salvó la vida.

Sin embargo, el proceso de adaptación llevado adelante por Eastwood introdujo un cambio clave respecto a la novela original de Connelly: en el libro, el protagonista tiene 42 años, pero el cineasta exigió elevar la edad del personaje para que coincidiera con la suya, entonces 72 años. Así, el personaje deja de ser un héroe rejuvenecido por artificios de guion y se convierte en un hombre marcado por el paso del tiempo, que debe enfrentarse a sus propias limitaciones.

Aunque Deuda de sangre no logró el éxito comercial esperado (recaudó menos de 32 millones de dólares frente a un presupuesto de 50), el paso del tiempo y su desembarco en el catálogo digital la han convertido en una opción realmente interesante para quienes desean descubrir un enfoque distinto del célebre director y actor. “Es uno de los mejores personajes de Eastwood porque, en cierto modo, no es un personaje nuevo, sino simplemente el mismo tipo en una etapa posterior de su vida”, señalaba el célebre crítico estadounidense Rogert Ebert.

El resto del equipo de ‘Deuda de sangre’

El elenco de Deuda de sangre reunió nombres destacados como Jeff Daniels, Anjelica Huston y Wanda De Jesús, quienes acompañaron a Eastwood en un relato que combina investigación policial, tensión psicológica y el peso de las segundas oportunidades. El guion mantiene la esencia de los elementos clásicos del autor, pero la dirección aporta un tono crepuscular y reflexivo que distingue a la película dentro del género.

Y es que la producción de la película marcó el inicio de la colaboración entre Eastwood y el guionista Brian Helgeland, la cual conduciría a la adaptación de su siguiente proyecto, Mystic River. Este título consagraría al actor como uno de los grandes cineastas de nuestro tiempo, pero no llegaría solo: le seguirían Million Dollar Baby, Cartas desde Iwo Jima, Banderas de nuestros padres, Gran Torino, El intercambio e Invictus. Títulos realmente aplaudidos por la crítica que conformarían la ulterior etapa dorada de una de las grandes leyendas de Hollywood.

De este modo, aunque Deuda de sangre rara vez aparece en las listas de las obras más celebradas de Eastwood, su valor simbólico y narrativo es innegable. La película representa el momento en que el cineasta se despide del mito del héroe invulnerable y comienza a explorar los matices de la fragilidad, el remordimiento y la redención.

Cuando se estrenó esta película en 1995, nadie esperaba que se fuera a convertir en un éxito de taquilla y un filme de culto de manera inmediata. Las historias de psicópatas siempre habían calado hondo dentro de la sociedad, pero hubo un antes y un después tras el estreno de El silencio de los corderos.

El director era un reconocido realizador de videoclips al más alto nivel, de Madonna a Michel Jackson y debutó en el cine con la tercera parte de Alien, un inicio en la industria del cine tan ambicioso como controvertido al hacerse cargo de la franquicia auspiciada por James Cameron.

Su segundo trabajo fue Seven, película que Netflix retirará de su catálogo a partir del día 14 de junio, una fecha que deja en cuenta atrás la disponibilidad de uno de los thrillers más influyentes del cine moderno y de la película con la que David Fincher consolidó un modelo visual y narrativo que después imitaron numerosas producciones.

Un éxito de taquilla para una película malsana

El filme recaudó 327 millones frente a un presupuesto de 33 millones y, pese a ese rendimiento comercial, solo obtuvo una nominación al Óscar, en mejor montaje. En cualquier caso, es una película que forma ya parte de la historia del cine moderno.

Seven es, en la actualidad, una referencia dentro del cine de suspense y su impacto va más allá de su éxito inicial: el thriller protagonizado por Brad Pitt y Morgan Freeman marcó la carrera de Fincher y fijó una pauta para el subgénero de asesinos en serie que, años después, siguió proyectándose en montones de títulos.

Uno de los elementos que explica la permanencia de la película en el imaginario popular es su desenlace, que podríamos considerar uno de los más impactantes de la historia del cine reciente.

La propuesta narrativa se articula en torno a una ciudad sin identificar presentada como una sociedad enferma. En esa atmósfera, reforzada por la fotografía de Darius Khondji, emerge un asesino que selecciona a sus víctimas según los siete pecados capitales.

El guionista Andrew Kevin Walker, tuvo la capacidad de construir una investigación absorbente sin caer en una simple acumulación de lugares comunes. Esa base ya habría bastado para sostener una gran película, aunque el resultado final se explica por una suma de aciertos más amplia.

Un reparto de lujo

En el reparto, Seven fue uno de los primeros papeles con los que Brad Pitt empezó a desprenderse de la imagen de actor valorado solo por su apariencia. Fue ese momento de su trayectoria en el que, en el mismo año, también destacó en 12 Monos, trabajo por el que fue nominado al Óscar.

La interpretación de Pitt como David Mills funciona tanto por sí sola como en contraste con el William Somerset de Morgan Freeman. La película convierte esa pareja policial en una combinación singular entre el impulso y la juventud de uno y la veteranía y el desgaste del otro. El resto, así como la aparición de Gwyneth Paltrow y de Kevin Spacey forman ya parte de la iconografía del cine reciente.

El regreso a los orígenes: una precuela con enfoque en el misterio

La premisa principal de Scooby-Doo: El Origen funciona como una precuela para la saga. Ambientada en el último verano de campamento de los protagonistas, relata cómo Shaggy (interpretado por Tanner Hagen) y Daphne (Mckenna Grace) se ven envueltos en un misterio sobrenatural tras encontrar a un cachorro perdido, que ha sido testigo de un asesinato con características paranormales.

A este dúo se suman Velma Dinkley (Abby Ryder Fortson), reconocida por su perspectiva científica y práctica, y Fred Jones (Maxwell Jenkins), descrito como “el chico nuevo, extraño pero atractivo”. Cada personaje tiene su propio pasado y secretos, y juntos deben resolver el caso, lo que marca el inicio de su amistad y el nacimiento del equipo de investigación más reconocido de la animación.

La elección de ubicar la historia en un campamento cumple diferentes funciones: por un lado, evoca la nostalgia de muchos episodios desarrollados en escenarios misteriosos; por otro, sitúa a los protagonistas en un ambiente aislado que facilita la aparición de miedos y secretos. Esto ayuda a actualizar la narrativa y adaptar los elementos clásicos del género a temas contemporáneos.

Elenco, producción y la novedad de un Scooby-Doo real

El reparto de la serie destaca por la selección de jóvenes actores ya reconocidos. Tanner Hagen y Mckenna Grace lideran el elenco como los futuros amigos inseparables Shaggy y Daphne. Abby Ryder Fortson, recordada por su papel como Cassie Lang en el universo Marvel, interpreta a Velma, mientras Maxwell Jenkins dará vida a Fred.

Una de las novedades más comentadas es la decisión de usar un perro real para el papel de Scooby-Doo, marcando un cambio importante respecto a las versiones anteriores que utilizaban modelos digitales cada vez más sofisticados. El avance presentado por Netflix muestra a Scooby huyendo de noche por el bosque, reforzando el tono más oscuro y realista de esta reinterpretación.

El equipo creativo está compuesto por Josh Appelbaum y Scott Rosenberg, guionistas de Cowboy Bebop y Zoo, quienes actúan como showrunners y guionistas principales, junto a André Nemec, Jeff Pinkner y Adrienne Erickson bajo la firma de Midnight Radio. La producción incluye también a Greg Berlanti, destacado productor de éxitos televisivos recientes. El primer episodio estará dirigido por Toby Haynes, lo que representa una apuesta fuerte por el género juvenil y de misterio.

Nuevos enfoques y expectativas ante el relanzamiento de la saga

Scooby-Doo: El Origen asume el reto de reimaginar un universo con más de cincuenta años de historia. La estrategia de Netflix busca atraer tanto a los fanáticos de toda la vida del grupo de detectives adolescentes como a nuevos espectadores.

La narrativa pone énfasis en el desarrollo profundo de los personajes, mostrando aspectos poco conocidos de sus historias y explorando conflictos internos y secretos del pasado que serán fundamentales durante la investigación. Todo esto se desarrolla en un contexto donde los elementos sobrenaturales conviven con problemáticas típicas de la adolescencia: la amistad, la búsqueda de aceptación, el temor a lo desconocido y las primeras traiciones.

Un rasgo distintivo de la producción es el esfuerzo por representar a Scooby-Doo de forma realista y dar al perro su propio arco de desarrollo a lo largo de la temporada, algo que no se había visto antes en la franquicia. El avance publicado sugiere, además, que el tono será un poco más oscuro que el de las producciones animadas, aunque conservará momentos de humor característicos del grupo.

Impacto cultural y reacciones del público

La elección de rodar la serie en Atlanta y la presencia de figuras reconocidas en el equipo de producción han generado grandes expectativas, especialmente considerando que las adaptaciones cinematográficas live-action anteriores no lograron alcanzar la influencia cultural del dibujo original.

El uso de un perro real podría fortalecer la conexión emocional del público con Scooby y ofrecer una experiencia visual completamente nueva. Parte del éxito dependerá de que la serie logre equilibrar el respeto por la esencia de los personajes con la necesidad de actualizar valores y temáticas para una audiencia contemporánea.

Aunque el estreno está previsto para 2027, la presentación del tráiler ya ha generado debates en redes sociales acerca de la fidelidad tanto de los actores como del propio Scooby respecto a los originales. Esto demuestra el valor simbólico que la franquicia aún mantiene y la presión inherente a cualquier intento de renovación.

La franquicia ‘Scary Movie’ ha alcanzado el mayor estreno de su historia con una recaudación global de 105,5 millones de dólares, producto de su lanzamiento en cines de Estados Unidos, Canadá y mercados internacionales durante el primer fin de semana de junio. El fenómeno afecta tanto a la industria cinematográfica de América como a la exhibición en salas europeas y asiáticas, y resulta relevante por el impacto financiero que representa para el género de la comedia y el terror, según datos difundidos por Paramount Pictures.

De acuerdo con cifras publicadas por Box Office Mojo y confirmadas por Paramount Pictures, la sexta entrega de la saga generó 55 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá, mientras que los mercados internacionales aportaron 50,5 millones de dólares adicionales. Este desempeño convierte a la película en el mejor debut mundial para la franquicia, superando registros previos en el género paródico y estableciendo una referencia para futuros lanzamientos, según análisis de The Washington Times.

Desde su debut en el año 2000, ‘Scary Movie’ se ha consolidado como una de las franquicias más reconocidas de la comedia de terror en el cine estadounidense. La nueva entrega llega más de dos décadas después del estreno original y, con un presupuesto de aproximadamente 30 millones de dólares, marca un punto de inflexión en la rentabilidad de las producciones de este tipo, de acuerdo con informes oficiales de Paramount Pictures.

¿Cuánto recaudó Scary Movie en su estreno mundial?

Durante su primer fin de semana, ‘Scary Movie’ logró una recaudación de 105,5 millones de dólares en todo el mundo, según datos confirmados por Paramount Pictures y Box Office Mojo. De ese total, 55 millones corresponden al mercado doméstico de Estados Unidos y Canadá, mientras que los restantes 50,5 millones provienen de otros territorios internacionales. Esta cifra posiciona a la película como la comedia de terror con mayor éxito de taquilla en los últimos diez años, según detalla The Washington Times.

El análisis de Rotten Tomatoes señala que este resultado constituye un nuevo récord para la saga y contribuye a que la franquicia supere la barrera de los mil millones de dólares de recaudación acumulada a lo largo de seis entregas. El desempeño de la película ha sido destacado por analistas de la industria como un reflejo del atractivo continuo de las fórmulas de parodia y humor negro en el público global.

¿Por qué el estreno de Scary Movie es relevante para la industria?

El estreno de ‘Scary Movie’ se produce en un contexto de recuperación para la industria cinematográfica internacional tras varios años de fluctuaciones en la asistencia a salas. Según Paramount Pictures, el resultado obtenido con la sexta entrega demuestra la vigencia de las franquicias clásicas y la capacidad de las comedias de terror para competir con grandes producciones de acción y animación.

La película desplazó a otros estrenos de alto presupuesto, como ‘Masters of the Universe’, que recaudó 54 millones de dólares a nivel global en el mismo fin de semana, cifra inferior a las expectativas de la industria para una producción con un presupuesto de 200 millones de dólares, según el reporte de The Washington Times. El éxito de la saga paródica resulta significativo porque evidencia que la audiencia sigue respondiendo positivamente a propuestas que combinan humor y referencias a la cultura popular.

¿Qué cifras destacan en la taquilla de Scary Movie?

De acuerdo con Box Office Mojo, la recaudación de 55 millones de dólares en Estados Unidos y Canadá representa el mejor arranque para una comedia de terror en más de una década y el mejor debut de toda la franquicia. Los 50,5 millones de dólares obtenidos en mercados internacionales consolidan la presencia global de la saga, que ha generado más de 830 millones de dólares desde la primera película, según datos de The Numbers.

Rotten Tomatoes indica que la sexta entrega permitió que la franquicia cruzara la marca de los mil millones de dólares de ingresos totales, una cifra que la coloca entre las series de comedia más exitosas en la historia del cine estadounidense. El rendimiento comercial de la película ha sido destacado como un ejemplo de la rentabilidad que pueden alcanzar las producciones que apelan tanto a la nostalgia como a nuevas generaciones de espectadores.

¿Cómo se compara Scary Movie con otros estrenos recientes?

En el mismo fin de semana, ‘Masters of the Universe’ ocupó el segundo lugar con una recaudación mundial de 54 millones de dólares, lejos de los registros alcanzados por ‘Scary Movie’, según reportó The Washington Times. Otras producciones como ‘Backrooms’ y ‘Obsession’ registraron cifras acumuladas de 212 y 224 millones de dólares respectivamente, aunque corresponden a lanzamientos previos y no al fin de semana del estreno de la comedia de terror.

Rotten Tomatoes detalla que el ranking de la taquilla del fin de semana se completó con películas como ‘The Amazing Digital Circus: The Last Act’, que sumó 19,4 millones de dólares en Norteamérica, y ‘Star Wars: The Mandalorian and Grogu’, que recaudó 10 millones de dólares en su tercera semana. Estos datos muestran que ‘Scary Movie’ ha logrado imponerse a propuestas de distintos géneros y presupuestos.

¿Qué factores explican el éxito de Scary Movie en taquilla?

Según Paramount Pictures, el rendimiento de ‘Scary Movie’ puede atribuirse a la combinación de la nostalgia de la audiencia con el atractivo renovado de la fórmula humorística de la franquicia. El estudio destacó en un comunicado que la película consiguió “el mayor estreno global de una comedia R en más de una década” y se convierte en el lanzamiento más exitoso del estudio para el género de comedia.

El análisis de The Washington Times señala que el dominio de la comedia paródica en la taquilla responde a la capacidad de la saga para captar tanto a los seguidores históricos como a nuevos espectadores interesados en el humor y la sátira de íconos culturales. La permanencia de la franquicia en los primeros lugares del ranking internacional evidencia que el género mantiene vigencia y atractivo comercial.

¿Qué impacto tiene este estreno en el futuro de la franquicia y la industria?

El éxito inmediato de ‘Scary Movie’ abre la posibilidad de nuevos proyectos dentro de la misma línea de comedia paródica, según las declaraciones institucionales de Paramount Pictures. La recaudación obtenida podría incentivar el desarrollo de futuras entregas y spin-offs, así como inspirar a otros estudios a retomar franquicias conocidas para revitalizar su oferta en cartelera.

En términos de asistencia a salas, el estreno marca un repunte en la presencia de público, especialmente en mercados clave como Estados Unidos, Canadá y Europa. La evolución de la recaudación en las próximas semanas será observada por analistas y ejecutivos de la industria, quienes evalúan el comportamiento del público ante propuestas similares y el posible impacto en la programación de próximos estrenos.

¿Qué reacciones oficiales hubo tras el estreno?

Paramount Pictures divulgó un comunicado en el que subrayó la magnitud del resultado alcanzado: “La respuesta de los espectadores superó las expectativas y confirma la vigencia de la franquicia en la cultura popular actual”, destacó el estudio en su informe a la prensa. Rotten Tomatoes agregó que la saga ha cruzado la marca de los mil millones de dólares en ingresos totales, un dato que refuerza la posición de la comedia entre las series más rentables del cine norteamericano.

Las fuentes consultadas no reportan declaraciones de organismos públicos ni autoridades regulatorias, dado que la información corresponde principalmente a balances de estudios cinematográficos y medios especializados. Las cifras han sido verificadas por portales líderes en análisis de taquilla y reportes de la industria.

¿Qué esperar tras el éxito en taquilla de Scary Movie?

El impacto financiero de ‘Scary Movie’ representa una señal positiva para estudios y distribuidores, que ven en el resultado la confirmación de que las franquicias establecidas mantienen potencial para atraer al público y generar ingresos sustanciales. De acuerdo con Paramount Pictures, el desempeño observado podría influir en la programación de nuevas producciones y en la apuesta por géneros que combinan humor, sátira y referencias culturales reconocibles.

En el corto plazo, se espera que la película continúe acumulando ingresos en los principales mercados, mientras la industria monitorea su rendimiento semanal para anticipar tendencias en la preferencia de los espectadores. La permanencia de la saga en los primeros lugares de recaudación servirá de referencia para futuras estrategias comerciales y creativas en el sector cinematográfico internacional.

La secuela de Michael Mann, Heat 2, sigue avanzando sin fecha de rodaje confirmada y con el reparto aún sin anuncio oficial, pero una nueva información atribuida al influencer e ‘insider’ de Hollywood Daniel Ritchman apunta ya a qué personajes interpretarían varios de sus actores principales en una película que ampliará la historia antes y después de los hechos de Heat.

Según una publicación en Patreon de DanielRPK, Leonardo DiCaprio interpretaría a Chris Shiherlis, Christian Bale asumiría el papel del teniente Vincent Hanna, Adam Driver sería Otis Lloyd Wardell y Stephen Graham encarnaría a Neil McCauley. Por su parte, Warner Bros. no ha confirmado todavía ninguno de esos nombres ni cuándo comenzará el rodaje.

La asignación de Leonardo DiCaprio a Shiherlis no supone una novedad completa, porque ese fichaje ya había trascendido con anterioridad. La información de DanielRPK sostiene además que el actor dará vida tanto a la versión joven como a la más madura del personaje, una posibilidad coherente con la estructura de la novela Heat 2, que entrelaza tramas situadas antes y después de la cinta de 1995.

DiCaprio y Bale juntos por primera vez

Ese papel perfila para DiCaprio uno de los registros físicos más exigentes de su carrera reciente. Quienes conocen la novela saben que Shiherlis afronta una dimensión de acción especialmente intensa, hasta el punto de que la comparación natural remite al trabajo de Val Kilmer en la película original.

En el caso de Bale, la novedad está en el personaje concreto. El actor ya había confirmado en febrero que volvería a trabajar con Mann por primera vez desde Enemigos públicos, estrenada en 2009, pero entonces no detalló a quién interpretaría.

Ahora, según DanielRPK, Bale recogería el testigo de Al Pacino como Vincent Hanna. En la trama de Heat 2, Hanna centra su obsesión en perseguir a Shiherlis a cualquier precio, y en la línea temporal más temprana aparece además siguiendo la pista del antagonista principal, Otis Lloyd Wardell, mientras trabaja para la policía de Chicago.

La misma información sitúa a Adam Driver en el papel de Wardell. De confirmarse, asumiría al principal villano del relato y uno de los personajes más duros del universo narrativo que Mann desarrolló en la novela.

La incógnita de sustituirá a Robert De Niro

La elección más llamativa es, según esa versión, la de Stephen Graham como Neil McCauley. El actor británico tiene 52 años, la misma edad que tenía Robert De Niro cuando rodó Heat en los años noventa, pese a que aquí tendría que interpretar una versión más joven del personaje.

Ese detalle convierte su posible incorporación en la decisión más discutible de todo el reparto filtrado. La duda no afecta a su capacidad interpretativa, sino a hasta qué punto caracterización, peluquería y maquillaje podrían sostener con credibilidad una versión rejuvenecida de McCauley.

La comparación con Bale juega a favor del actor galés, cuya trayectoria refuerza su reputación de intérprete capaz de transformarse de forma radical para cada papel. En el caso de Graham, la distancia entre su edad actual y la del personaje que debería encarnar deja menos margen para el error, siempre con la cautela de que la información no ha sido validada oficialmente.

Sobre Jason Clarke, la publicación de DanielRPK no aporta ninguna precisión. El texto sí apunta que la novela ofrece varios papeles de peso que podría asumir el actor australiano.

Tampoco están cerrados varios personajes femeninos. Entre ellos figura una versión joven de Charlene Shiherlis, el personaje al que dio vida Ashley Judd en la película de 1995.

No se esperan anuncios oficiales de Warner Bros. sobre el reparto hasta que Mann tenga cerradas las fechas de rodaje. A día de hoy sigue sin estar claro cuándo comenzará la filmación, aunque la previsión que se maneja es que pueda ocurrir más adelante este año.

Desafíos de una secuela con mayor intensidad

Vértigo 2 lleva la fórmula original a límites geográficos y emocionales más exigentes. La historia sigue a Jax, marcada por la pérdida de su hermana Hunter, quien decide, junto a un viejo amigo de Hunter, honrar su memoria emprendiendo una peligrosa escalada en el monte Kwan. La película eleva el nivel de riesgo: durante la expedición, un desprendimiento deja a las protagonistas aisladas a gran altura, sin posibilidad de recibir ayuda y enfrentándose a un clima cada vez más adverso. El entorno extremo pone a las protagonistas frente a la naturaleza impredecible, la escasez de recursos y la presión que ejercen sus propios miedos.

El rodaje en los paisajes de Tailandia agrega un elemento de imprevisibilidad adicional: cambios climáticos intensos, laderas inestables y el riesgo constante de caídas convierten cada decisión en un asunto de vida o muerte. En esta ocasión, además de explorar el temor a las alturas, el guion profundiza en las consecuencias emocionales del trauma y en la búsqueda de redención o el peso de la culpa que empuja a Jax a asumir el desafío.

Nuevas protagonistas y continuidad en la franquicia

A diferencia de la primera entrega, centrada en dos amigas atrapadas en la cima de una torre y su extenuante lucha contra el miedo, Vértigo 2 pone el foco en los personajes interpretados por Harriet Slater y Arsena Thomas. Aunque algunos actores conocidos de la franquicia, como Virginia Gardner y Grace Caroline Currey, regresan para aportar continuidad, la atención se desplaza hacia las nuevas protagonistas y el legado que deja la pérdida de Hunter, el personaje que da inicio a la trama.

La dirección de los hermanos Spierig refuerza la intención de ampliar la franquicia hacia nuevos escenarios y personajes. Su estilo visual, tal como se muestra en el avance, enfatiza el peligro constante mediante tomas aéreas y planos que evidencian la distancia respecto al suelo, lo que incrementa la sensación de ansiedad y vulnerabilidad de las protagonistas ante la magnitud de la montaña y la fuerza de la naturaleza.

Estrategia de Lionsgate y reacción del público

El éxito de la película original, que logró conectar con el público explotando el miedo más instintivo sin recurrir a criaturas fantásticas ni efectos excesivos, respalda la decisión de Lionsgate de invertir en la continuidad de la saga. Con una premisa sencilla pero eficaz -personas enfrentando situaciones extremas en las que solo su ingenio y fortaleza pueden salvarlas- la franquicia ha mostrado un gran potencial comercial y posibilidades para futuras entregas.

Con Vértigo 2, Lionsgate incrementa la dosis de tensión y busca ampliar el universo de la saga hacia nuevos mercados, apostando por locaciones internacionales y desafíos más diversos. El estreno está programado para el 2 de septiembre, y el primer adelanto ha generado debates en redes sociales y espacios dedicados al cine, donde se destaca la habilidad de la franquicia para revitalizar el género de supervivencia y mantener el suspenso con propuestas simples pero muy efectivas. El desafío será conservar el interés del público y continuar sorprendiendo con cada nuevo episodio al borde del abismo.

La sinopsis adelanta: “Ambientada en 1990, la película sigue a Clark (Ejiofor), un vendedor de muebles que descubre en el sótano de su tienda un portal hacia un inquietante laberinto de espacios interminables, similares a oficinas vacías. Fascinado y perturbado, convence a su empleada Kat (Lukita Maxwell) y al novio de ella, Bobby (Finn Bennett), de ayudarlo a mapear esa extensión imposible de salas y corredores de arquitectura surrealista, donde extraños ruidos sugieren que algo de otro mundo podría estar acechando”, y agrega: “Cuando Clark desaparece, su terapeuta, la Dra. Mary Kline (Reinsve), termina adentrándose ella misma en los Backrooms en busca de respuestas y una salida”.

El lanzamiento consolidó a Backrooms como el mayor éxito financiero de la historia del estudio, con 144 millones de dólares a nivel global y una apertura local que triplicó la cifra récord anterior del estudio (25,5 millones de Civil War, 2024). La cifra se amplificó tras un cálculo preciso de la audiencia: el 88% de los espectadores tiene menos de 35 años, posicionando a la Generación Z y los colectivos emergentes de la red como principal motor de convocatoria hacia el cine presencial. En Argentina, la película atrajo en su semana inicial a 183.222 asistentes, ubicándose en el puesto 14 del ranking año y superando a competidoras directas en el género de terror.

En términos de industria, Backrooms responde a un nuevo estándar: es una producción con presupuesto de USD 10 millones gestada por un joven realizador sin formación tradicional en los canales de Hollywood y respaldada por A24 tras el fenómeno de sus cortos en YouTube. El rodaje, ejecutado en Vancouver bajo el título provisional “Effigy”, incluyó la construcción de un set de 2.800 metros cuadrados basado en los diseños que Parsons modeló con herramientas como Blender, replicando la atmósfera opresiva que había capturado originalmente en su serie web viral, que acumula más de 200 millones de visualizaciones.

El fenómeno digital redefine la estrategia de los estudios

El trayecto de Backrooms sintetiza la tendencia creciente en la industria de apostar por propiedades intelectuales nacidas de foros, plataformas y contenido generado por usuarios. El proyecto tuvo su punto de partida en 2019, cuando una imagen anónima difundida en 4chan sobrepasó el ámbito de los creepypastas y se instaló en la cultura digital global, traduciéndose luego en una serie de YouTube creada por Parsons—entonces de 17 años—que marcó el salto del realizador a la atención de ejecutivos de la industria.

La decisión de conceder a Parsons control creativo total fue condición para su fichaje: el cineasta negoció directamente mientras finalizaba sus estudios secundarios. Durante el rodaje circularon versiones sobre la intervención de directores fantasma, teoría que fue descartada por el productor y actor Mark Duplass, quien confirmó que Parsons lideró todos los aspectos técnicos y artísticos del set.

La narrativa, adaptada junto al guionista Will Soodik (colaborador en Westworld), abandonó el formato de “metraje encontrado” de los originales para centrarse en una lógica emocional y surrealista, explorando dimensiones psicológicas asociadas al trauma y la disolución de la memoria. En este movimiento, Backrooms se alineó con otras franquicias recientes como Iron Lung y Obsesión, casos referenciados en la industria por su rápida conversión de fenómeno digital a producto de alto rendimiento en taquilla (Iron Lung, también impulsada por YouTubers, superó los USD 50 millones globales; Obsesión se transformó en el mayor suceso de Focus Features con USD 105,7 millones).

Backrooms como caso de estudio en la convergencia cine-redes

El éxito de Backrooms ha provocado interés sobre la capacidad de los estudios para captar talento y reconvertir comunidades online en franquicias de alcance mundial. Hollywood ha incrementado su observación sobre cineastas emergentes de procedencias no tradicionales: el productor ejecutivo Chris White detectó el trabajo de Parsons tras la recomendación de su hijo adolescente, lo que aceleró el contacto con el estudio para concretar el acuerdo.

En términos de presencia digital, Backrooms suma más de 31 millones de visualizaciones con su tráiler en línea y 30 mil millones de interacciones sobre el concepto en plataformas como TikTok, que aceleran su penetración en la generación Z. La estrategia de A24 consideró este capital preexistente: tanto el foro de Reddit, con 350.000 suscriptores, como las versiones en videojuegos (experiencias en Steam y Roblox) contribuyeron al interés multipantalla antes del estreno.

El estudio mantiene conversaciones activas con Parsons para expandir Backrooms en formato de antología tras el suceso del largometraje. No existe a la fecha confirmación sobre fecha de rodaje ni elenco para una secuela, pero el desarrollo se encuentra en fase de concepto, con proyección de franquicia y una mesa de productores que integran James Wan, Michael Clear, Roberto Patino, Shawn Levy, Dan Cohen, Dan Levine, Osgood Perkins, Chris Ferguson, Peter Chernin, Jenno Topping y Kori Adelson.

De meme a franquicia: modelo financiero, estética y perfil de público

El dato singular que ha definido la conversación de industria esta semana es el múltiplo de recaudación: la película obtuvo ocho veces su costo en su primer fin de semana, cifra inédita para un debutante de 20 años y para una propiedad intelectual generada fuera de los canales tradicionales. El misterio en torno a la foto original, atribuida por largo tiempo a escenarios sobrenaturales, fue resuelto y se confirmó su origen en una mueblería de Wisconsin durante una remodelación en 2002, un dato que aportó nueva legitimidad al fenómeno tras años de especulación y narrativas urbanas.

La apuesta conceptual de Backrooms capitaliza el interés por espacios liminales, un tropo recurrente en la ansiedad contemporánea, y acerca a las majors a un segmento de público joven reacio a propuestas tradicionales, en un contexto en el que el formato presencial compite con el consumo bajo demanda. Tanto la productora A24 como la comunidad online han validado la sostenibilidad del modelo: presupuesto controlado, narrativa anclada en lo retro y participación activa de un público que contribuye, con su viralidad, a la construcción de futuros proyectos y secuelas.

La estrategia de franquicia basada en digital-first, que ya analiza para futuras propiedades A24 y otras compañías, se ha consolidado con el fenómeno Backrooms: un caso de estudio en el aprovechamiento del capital viral, la gestión directa de talento emergente y el diseño de campañas multiplataforma que convierten lo marginal en el nuevo mainstream.