El escritor Arturo Pérez-Reverte (Cartagena, 1951) acumula un 2026 -otro más- de éxitos. Este pasado 25 de septiembre llegó a Netflix la adaptación en formato miniserie de su best-seller El problema final, una intriga detectivesca de cuatro episodios liderada por José Coronado, quien da vida a un actor en declive que en sus tiempos interpretó a Sherlock Holmes. Un crimen imposible desarrollado en un hotel donde sus huéspedes y sospechosos quedan incomunicados por un temporal.

A esta ficción hay que sumarle que el académico y miembro de la Real Academia Española (RAE) está a días de estrenar su nueva novela, La hipótesis más peligrosa, que llega a librerías este 20 de octubre. Publicada por Alfaguara, se trata de una historia de viaje e iniciación protagonizada por Cal Gadea, un adolescente de 16 años que emprende la búsqueda del padre al que nunca conoció y termina encontrándolo en un puerto del Mediterráneo.

Pero entre estreno y estreno, Pérez-Reverte también encuentra tiempo para compartir algunas de sus recomendaciones culturales. El pasado 20 de septiembre, el escritor dio su opinión sobre Amici miei (Habitación para cuatro en España), la comedia italiana dirigida por Mario Monicelli en 1975. “Es una obra maestra”, dijo en respuesta al usuario de X @erosvelvetuuyv, que le preguntó si conocía la obra del cineasta, nominado en seis ocasiones a los premios Oscar.

Ambientada en Florencia, sigue a un grupo de amigos de 50 años que intenta escapar de sus problemas a través de lo que llaman zingaratas: bromas, en ocasiones disparatadas y crueles, con las que se divierten. Ugo Tognazzi, Gastone Moschin, Philippe Noiret, Duilio Del Prete y Adolfo Celi encabezaron su reparto.

Una comedia de un director nominado a seis Oscar

Dirigida por Monicelli , en realidad la idea partía de otro de los grandes nombres de la comedia italiana, Pietro Germi, ganador del Oscar en 1963 a Mejor Guion Original por la película Divorcio a la italiana. El cineasta llevaba tiempo trabajando en la película junto a los guionistas Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi y Tullio Pinelli, pero murió en 1974 antes de poder rodarla. La propia cinta conservó su nombre en los títulos de crédito como homenaje antes de señalar a Monicelli como director.

La cinta no solo contó con una enorme acogida en Italia -se situó entre los mayores éxitos comerciales de la temporada 1975-1976- sino que dio origen a otras dos películas: Amici miei - Atto II, estrenada en 1982 y también dirigida por Monicelli, y Amici miei - Atto III, que llegó en 1985 con Nanni Loy como director. En la temporada de premios, también fue un éxito: Mario Monicelli recibió el premio a mejor dirección por la película y Ugo Tognazzi fue reconocido como mejor actor protagonista. Además, el filme obtuvo los Nastri d’Argento al mejor guion y al mejor argumento original, entre otros reconocimientos. Monicelli acabaría consolidándose como uno de los grandes nombres de la commedia all’italiana, con una carrera de más de medio siglo y seis películas vinculadas a candidaturas al Oscar.

Apenas lleva unos días en los cines, pero ya ha emocionado a millones de espectadores. La bola negra se ha convertido en uno de los mejores estrenos en la historia del cine en España, todo un fenómeno cinematográfico que ha dejado huella a todo aquel que la ha podido disfrutar.

Su música, su emocionante historia, sus apabullantes actuaciones o su impresionante fotografía son solo algunos de los elementos que han embelesado al público español y extranjero. Pero, además de todo eso, la nueva película de Los Javis también tiene un momento gastronómico que seguro ha llamado la atención a muchos.

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Si la has visto, sabrás de la escena de la que a continuación trataremos. En pleno desarrollo de la trama, el personaje de Alberto (el joven historiador interpretado por Carlos González) y su madre, Teresa (Lola Dueñas), protagonizan un tenso almuerzo con una fabada de por medio que termina mal y pronto, con lanzamiento de cerveza incluido. El telón de fondo de esta discusión familiar es un restaurante asturiano de Madrid, un local que no solo existe, sino que lleva más de medio siglo haciéndolo.

Su nombre es La Copita Asturiana (C. de Tabernillas, 13) y es un pedazo vivo de la historia de la hostelería madrileña. Este pequeño restaurante, ubicado en el castizo barrio de La Latina, lleva décadas sirviendo auténtica cocina asturiana a sus clientes habituales, que ocupan las pocas mesas que permite este estrecho e icónico local.

Quienes hayan probado su cocina y hayan visto esta escena en la gran pantalla lo habrán reconocido por sus inconfundibles puertas de carpintería roja, sus ventanales, su barra de estaño, el interior revestido de azulejos y las cecinas, chorizos y chacinas que cuelgan en un rincón. Quizá también por la propia fabada, que los personajes se sirven de un enorme bol de cristal desde el que se aprecia el que es el plato estrella de la casa.

Los fundadores de este restaurante, María Mayo y Pepe Bueno, llegaron desde Asturias, ambos de una pequeña aldea del concejo de Valdés, y abrieron La Copita Asturiana el 20 de mayo de 1959. El local ya había sido despacho de vinos desde 1904 y conserva aún hoy su fachada original, lo que le ha valido estar catalogado como elemento protegido por el Ayuntamiento de Madrid.

Fabada y cachopo en este mítico local madrileño

Aquí sigue aún María, acompañada por su hija Olga, desde 2018 al frente del negocio. María y Olga dan vida a los fogones y atienden al público junto con José María, el yerno de la fundadora. La cocina del ‘chup chup’ y los sabores tradicionales siguen siendo bandera en este pequeño local de puertas rojas, que ha conseguido un Solete en la Guía Repsol y ser el destino favorito de populares vecinos del barrio como el televisivo Arturo Valls.

Su plato estrella es la fabada (21 €), acompañada de otros potajes como las fabes con almejas (22 €) o los callos con garbanzos (18 €), y una selección de pescados frescos y carnes seleccionadas como chuletillas de lechal, chuletón, cabrito asado o manitas de cerdo. que se acompañan de una cuidada variedad de vinos. Cómo no, no falta el cachopo, relleno de jamón y queso de nata de Vidiago (37 €/2 p.), ni tampoco los embutidos como la cecina de León.

El broche de oro lo ponen postres como su mítico arroz con leche (6,50 €). El ticket medio se mueve entre los 30 y 40 euros por comensal. Solo abren a mediodía y los sábados descansan, por lo que es conveniente reservar.

El actor y director Ben Affleck ha reconocido recientemente haber utilizado inteligencia artificial en Animales, su próximo thriller para Netflix, pero ha evitado detallar en qué partes de la película la aplicó para no romper la ilusión de realidad que persigue el cine. El director considera que el resultado demuestra un empleo ético de esta tecnología porque se trata de una obra «muy humana».

Animales, el thriller de Netflix dirigido por Affleck, se estrenará el próximo 9 de octubre y contará con Gillian Anderson, Steven Yeun y Kerry Washington en el reparto.

Affleck ha expuesto su postura durante el evento Screentime 2026 de Bloomberg, en una conversación con el periodista Lucas Shaw. El actor y director ha vendido además su empresa de inteligencia artificial InterPositive a Netflix por cerca de 600 millones de dólares, una operación que le ha situado entre las voces más favorables a la adopción de esta tecnología en Hollywood.

Cómo ha usado Ben Affleck la inteligencia artificial

El director no ha precisado qué herramientas ni qué escenas de Animales recurrieron a inteligencia artificial. Ha explicado que revelar esos mecanismos tendría el mismo efecto que un mago que, antes de empezar su número, anunciase que esconde otro conejo o que alguien del público es su cómplice.

“He usado [inteligencia artificial] para muchas cosas en esa película. Me resisto un poco a señalar cuáles son, o siquiera a hablar de ello, porque en mi trabajo intentamos fomentar la ilusión de la realidad”, ha dicho Affleck. “Sí la usamos y, de hecho, me pareció un buen ejemplo de cómo utilizar la inteligencia artificial éticamente, porque es una película muy humana”.

El cineasta cree que el temor inicial a estas herramientas disminuye cuando los profesionales las prueban y adquieren “una sensación de control”. Para Affleck, la tecnología deja entonces de parecer una amenaza abstracta y desconocida asociada a la idea de que “va a matarnos a todos”.

Affleck sostiene que la inteligencia artificial es “otra forma de computación” y una mejora tecnológica coherente con la larga serie de avances que ha incorporado la industria del cine y la televisión. También descarta que permita a un director escribir una instrucción y obtener automáticamente una película que el público quiera ver.

Affleck niega que Netflix imponga explicar las tramas

Affleck ha rechazado la interpretación de unas declaraciones de Matt Damon sobre El botín, otra película vinculada a Netflix. Según el director, ambos acudieron al pódcast de Joe Rogan para explicar que su experiencia con la plataforma había sido “completamente contraria” a la frase de Damon que se difundió rápidamente.

La polémica nació a raíz de una intervención de Damon en The Joe Rogan Experience sobre el modelo habitual de las películas de acción. El actor explicó que suelen incluir tres grandes secuencias: una en cada acto, con el mayor despliegue y la mayor parte del presupuesto reservados para el final.

Damon añadió que Netflix preguntaba si podían situar una gran secuencia en los primeros cinco minutos para retener a la audiencia. También afirmó que la plataforma sugería repetir la trama tres o cuatro veces en los diálogos porque algunos espectadores ven las películas mientras usan el móvil. Affleck ha negado que Netflix formule indicaciones de ese tipo. “Netflix nunca haría eso”, ha afirmado.

El director ha reconocido que ha escuchado muchas indicaciones desacertadas de estudios, aunque ha subrayado que ese problema existía antes de Netflix. “Es un negocio con una larga historia de ejecutivos que te dicen que hagas exactamente lo equivocado, lo que va a arruinar tu película”, ha sostenido.

Jennifer Lawrence protagonizará The Flood, el thriller de ciencia ficción que Zach Cregger escribirá, dirigirá y producirá para New Line y Warner Bros.. La película se rodará en Europa durante los primeros meses de 2027 y llegará a los cines el 11 de agosto de 2028, después de que el proyecto cambiara de estudio durante su etapa de desarrollo.

Una señal, un artefacto y un papel sin confirmar

La historia seguirá a una capitana del espacio profundo y su tripulación durante la investigación de una señal críptica procedente de un planeta lejano. Allí descubrirán un artefacto alienígena capaz de alterar el tiempo, la realidad y la cordura, mientras intentan comprender una amenaza que desafía sus conocimientos.

Aunque Lawrence ya está confirmada como protagonista, el nombre de su personaje todavía no fue anunciado oficialmente. Los primeros reportes indican que podría interpretar a Elena Voss, la capitana situada en el centro del misterio, pero New Line mantiene bajo reserva ese dato y la identidad del resto del reparto.

La premisa permitirá a Cregger trasladar al terreno de la ciencia ficción los cambios de perspectiva y revelaciones que marcaron sus anteriores películas de terror. El director parte de una idea original y también estará involucrado en la producción, por lo que mantendrá el control creativo desde el guion hasta el rodaje.

The Flood representará el regreso de Lawrence a la ciencia ficción espacial doce años después de Passengers, película que coprotagonizó con Chris Pratt. A diferencia de aquel drama sobre dos pasajeros que despiertan antes de tiempo durante un viaje interestelar, el nuevo proyecto estará centrado en una expedición, una señal desconocida y los efectos psicológicos de un hallazgo alienígena.

Del desarrollo en Netflix al regreso con Warner Bros.

The Flood estuvo inicialmente en desarrollo dentro de Netflix, pero quedó fuera de los planes de la plataforma. New Line adquirió entonces el proyecto y lo incorporó a su calendario cinematográfico, con distribución de Warner Bros. y una fecha de estreno fijada con más de un año de anticipación respecto del inicio previsto del rodaje.

Amblin Entertainment participará en la producción junto con Roy Lee y Miri Yoon, de Vertigo Entertainment. Lee y Yoon ya colaboraron con Cregger, mientras que la incorporación de Amblin suma a la película un estudio con experiencia en relatos de ciencia ficción, criaturas y aventuras de gran escala.

El largometraje será el siguiente trabajo de Cregger después de Resident Evil, su adaptación de la saga de videojuegos de Capcom, que superó los 200 millones de dólares en la taquilla mundial según la información disponible. También prolongará su relación con Warner Bros. después de Weapons, estrenada en 2025.

Weapons recaudó 270 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto inferior a 40 millones. La película obtuvo además el Óscar a mejor actriz de reparto para Amy Madigan, quien interpretó a la tía Gladys, responsable dentro de la historia de la desaparición nocturna de una clase entera de niños. Cregger había iniciado su trayectoria como director de terror con Barbarian en 2022.

En declaraciones recientes, el cineasta celebró el reencuentro con el equipo del estudio y destacó la incorporación de su protagonista. “Jennifer es única y estoy enormemente ilusionado por verla en este papel”, afirmó. Los responsables de Warner Bros., Mike De Luca y Pam Abdy, también señalaron que la película fue concebida para colocar a Lawrence en el centro de la historia.

El calendario de Jennifer Lawrence antes de 2028

Lawrence ganó el Óscar por El lado bueno de las cosas y alcanzó una audiencia global como Katniss Everdeen en Los juegos del hambre. También interpretó a Mystique en varias entregas cinematográficas de X-Men, una franquicia que la mantuvo vinculada durante años a producciones de fantasía y ciencia ficción.

Entre sus trabajos recientes figura Die My Love, drama sobre el posparto que coprotagonizó con Robert Pattinson y por el que recibió una nominación al Globo de Oro. Su filmografía más cercana incluye además la comedia romántica Hazme el favor, dirigida por Gene Stupnitsky, y Causeway, drama distribuido por A24.

Antes del estreno de The Flood, Lawrence compartirá pantalla con Leonardo DiCaprio en What Happens at Night, drama de terror dirigido por Martin Scorsese. También formará parte de Amanecer en la cosecha, la próxima precuela cinematográfica de Los juegos del hambre, donde se espera que reaparezca como Katniss Everdeen.

Durante una conversación en el podcast Modern Wisdom, Efron también habló de la preparación que siguió para Baywatch, de las limitaciones de los rodajes y sus dificultades para descansar. “Vivir como un fisicoculturista es extraordinariamente duro”, sostuvo al referirse a las rutinas que adoptó para ciertos papeles.

Efron llegó a los 93 kilos para “The Iron Claw”

Para interpretar el papel de Kevin Von Erich en The Iron Claw, película centrada en la familia de luchadores Von Erich, Efron elevó su peso hasta 93 kilos. Según contó en diálogo con Chris Williamson, luego volvió a 79 kilos, que identificó como su peso actual durante la entrevista.

El intérprete de 38 años explicó que su plan combinaba ejercicios de fuerza, funcionales y períodos de actividad cardiovascular de alta intensidad. “Lo convertí en dos sesiones diarias porque el volumen era demasiado”, afirmó sobre la programación que recibió para el personaje.

La rutina incluía circuitos de dos minutos a máxima intensidad, seguidos por levantamientos de peso muerto, curls nórdicos, dominadas, jalones y variantes de press de pecho. Luego regresaba al trabajo aeróbico. “Era ir y venir todo el tiempo”, recordó.

Efron señaló que consumía alrededor de 6.000 calorías diarias durante los primeros cuatro meses de la preparación. Su alimentación se basaba en pollo, arroz, batata, pescado y carne. También indicó que comió salmón en exceso y vinculó esa práctica con un cuadro de intoxicación por mercurio. “No aconsejaría comer tanto salmón como yo comía”, comentó.

La incorporación de entrenamientos de lucha aumentó la exigencia física del actor. Efron explicó que esta disciplina representó una demanda adicional a las sesiones de gimnasio y al plan de alimentación.

La preparación para “Baywatch” incluyó diuréticos y cardio intenso

El actor comparó aquel proceso con el que realizó para Baywatch, donde encarnó a Matt Brody. Para esa producción, aseguró que priorizó el cardio y las superseries después de una etapa previa de musculación que se extendió durante unos tres meses.

Afirmó que recurrió a diuréticos en exceso para ese papel. “Tomé demasiados diuréticos para ese rol. Fue realmente malo”, expresó en Modern Wisdom. Agregó que su organismo logró recuperarse, aunque definió esa etapa como una preparación extrema.

El actor explicó que debía aparecer sin remera con frecuencia durante el rodaje, una circunstancia que lo llevó a mantenerse en una condición física muy restringida. Relató que empezaba el día con un aspecto “desinflado” y recurría a flexiones, bandas elásticas y dominadas antes de filmar.

Sobre el nivel de grasa corporal que alcanzó, Efron indicó que llegó al 2% durante la preparación para Baywatch. “Era solo piel sobre músculo”, sostuvo. También señaló que nunca había atravesado una preparación tan exigente como la de The Iron Claw, pese a que en Baywatch se mostró más definido.

El sueño y los horarios de rodaje, sus principales dificultades

Además de las rutinas físicas, se refirió a las condiciones laborales de la industria cinematográfica. Según explicó, los protagonistas suelen ser los primeros en llegar al set y los últimos en retirarse, dentro de cronogramas de entre 10 y 12 horas que con frecuencia se extienden.

“Olvidas cómo dormir”, subrayó al describir los cambios constantes de horario. Puso como ejemplo una semana de filmación que puede comenzar con una convocatoria a las 4:00 A.M. y terminar, pocos días después, con jornadas que se prolongan hasta la medianoche.

El actor comparó ese ritmo con el trabajo por turnos y sostuvo que la variación permanente afecta el descanso. También mencionó que el insomnio forma parte de los problemas que enfrenta, con despertares repetidos a lo largo de la noche.

En ese contexto, explicó cómo intenta favorecer la recuperación física después de las sesiones de entrenamiento. Entre los recursos que utiliza, mencionó las bandas elásticas como una alternativa práctica para viajar y entrenar en cualquier lugar.

También citó la cámara hiperbárica, aunque reconoció que se trata de una opción costosa y poco accesible por el tiempo que demanda.

“Se ve que todavía esa es palabra tabú en España, en ciertos medios, como si el confesarlo fuese un descrédito para el poeta”. Así hablaba Vicente Aleixandre sobre cómo en España, en los años 80, todavía había medios de comunicación que no se atrevían a hablar abiertamente de la homosexualidad de Lorca.

El Nobel de Literatura hablaba entonces con José Luis Cano en unas conversaciones que figuran recogidas en Los cuadernos de Velintonia (Fundación Municipal de Cultura José Luis Cano), y siguen resonando a día de hoy tras el estreno de La bola negra, una película que aborda directamente la orientación sexual del poeta y dramaturgo granadino.

Sobre ello también ha querido pronunciarse uno de los guionistas de la película, Alberto Conejero, quien además es autor de la obra de teatro La piedra oscura, la historia de Sebastián y Rafael que Javier Calvo y Javier Ambrossi adaptan en su película. “Medio siglo después del asesinato de Lorca, Vicente Aleixandre lamentaba el silencio en España sobre la homosexualidad del granadino”, escribía hace unos días en una publicación en X.

El robo de una identidad

Desde que se estrenó en cines La bola negra, Alberto Conejero se ha pronunciado en diferentes ocasiones sobre la homofobia que, durante mucho tiempo, hizo que no se hablara abiertamente sobre la homosexualidad de Lorca. No ha sido el único, ya que Javier Calvo y Javier Ambrossi también han abordado el tema en numerosas entrevistas. “A mí me robaron un referente cuando yo era pequeño y estudiaba a Lorca”, afirmaba el primero en una de las presentaciones de la película.

Del mismo modo, Alberto Conejero ha querido incidir en la idea de que en las escuelas y los institutos no se enseñaba que Lorca era un poeta homosexual, y ha señalado la homofobia que imperaba entonces en la sociedad española. Lo ha hecho, por ejemplo, compartiendo vídeos de entrevistas en televisión de la época, donde se trata esta orientación sexual como una “anomalía” a condenar. “Claro que nos robaron a Lorca: sus asesinos, sus censores y los que creen que su homosexualidad es vergonzante o irrelevante”.

A pesar de todas esas evidencias, son muchos los usuarios que han discutido con el escritor y guionista, tratando de negar la homofobia en España. Tras esto, Conejero ha sacado a colación una conversación mantenida con “un compañero de instituto” que se puso en contacto con él por redes sociales y con el que habló de cómo él mismo vivió su homosexualidad en aquella época.

En una captura compartida, se puede ver cómo el autor confiesa que “no fueron años fáciles” para él. La respuesta de ese compañero, lejos de reconocer todo lo sufrido por Conejero, se limita un “ya...”, y a un mensaje más bien genérico que habla de todo el “aprendizaje” que le ha llevado a “donde está hoy”. “Un breve tratado de la romantización del daño y de la imposibilidad de nombrar el mal causado, sí. Todavía nos tocará dar las gracias”, ha lamentado finalmente.

Una amistad quebrada por un hecho desconocido

La pieza, titulada Ken vs. Ryu, funciona como un featurette: un video breve que mezcla imágenes de la producción, fragmentos de la película y declaraciones de sus responsables. El material comienza con una referencia a las raíces de los personajes en los videojuegos antes de pasar a nuevas escenas de entrenamiento y enfrentamientos.

Koji, encargado de interpretar a Ryu, y Centineo, quien encarna a Ken, describen a los peleadores como dos personas que crecieron prácticamente como hermanos. Esa relación cercana terminó después de un acontecimiento que todavía no fue explicado y que los llevó a seguir caminos separados.

Sakurai presenta ese vínculo pendiente como una de las preguntas dramáticas centrales de la película. El conflicto no se limitará a determinar cuál de los dos es mejor luchador: el guion también deberá explicar qué ocurrió entre ellos, por qué se distanciaron y qué los obliga a encontrarse otra vez.

Las imágenes muestran a Ryu y Ken practicando juntos y enfrentándose en combate. El contraste entre ambos también aparece en una fotografía de su juventud: Ryu mantiene una actitud disciplinada, mientras Ken exhibe el comportamiento festivo asociado con el personaje. Gouken posa junto a los dos y lleva un gi negro, nombre que recibe el uniforme utilizado en distintas artes marciales.

El adelanto se suma a avances anteriores que ya habían mostrado movimientos especiales, vestuarios reconocibles y una estructura basada en un torneo. El nuevo material reduce el foco sobre esos elementos para explicar cuál será el conflicto personal que sostendrá la historia.

Gouken conecta el pasado de Ryu con Akuma

La presencia de Gouken es breve y, por ahora, queda vinculada a una imagen del pasado. El personaje es el maestro tradicional de Ryu y Ken dentro de la historia de los juegos de Capcom, por lo que su inclusión ayuda a explicar el entrenamiento compartido y la relación casi fraternal entre los protagonistas.

Su aparición también puede estar relacionada con otro elemento mostrado en avances previos: Ryu pierde el control y permite que el Satsui no Hado domine su conciencia. Dentro de la mitología de Street Fighter, esa fuerza oscura está asociada con el impulso de pelear y matar sin restricciones, así como con el camino seguido por Akuma.

Akuma será interpretado por Roman Reigns y ya apareció en materiales promocionales con un rosario alrededor del cuello. Ese objeto resulta relevante porque, según la historia presentada en los videojuegos, Akuma se queda con él después de matar a Gouken.

El avance no confirma si Gouken estará presente únicamente mediante recuerdos, si aparecerá en más escenas o cuál será su situación durante la historia principal. Los juegos ofrecen un antecedente para modificar su destino: Street Fighter 4 recuperó al personaje mediante el Poder de la Nada, una técnica que le permitió sobrevivir a su enfrentamiento con Akuma.

La fotografía, el descontrol de Ryu y el rosario de Akuma forman una conexión posible, pero Paramount Pictures todavía no explicó cuánto de esa parte de la historia será adaptado. Tampoco se informó quién interpreta a Gouken en la película.

El respaldo de Capcom y la fecha de estreno

Sakurai, director japonés a cargo de la adaptación, recibió comentarios favorables del elenco y de Capcom por su conocimiento del material original. Takayuki Nakayama, director de Street Fighter 6, también expresó confianza en el trabajo realizado por la producción.

Ese respaldo resulta relevante después de las anteriores adaptaciones cinematográficas de la saga, aunque el nuevo video evita comparaciones y se concentra en los dos personajes principales. El material tampoco revela el hecho que provocó su separación, uno de los datos que la campaña promocional mantiene en reserva.

Street Fighter llegará a los cines estadounidenses el 16 de octubre. Hasta ahora, Paramount Pictures no detalló en estos adelantos las fechas de estreno para otros territorios.

Con solo cinco días en cartelera, La bola negra sigue siendo la película de la que todo el mundo habla en España: de ser el segundo mejor estreno del cine español en la última década (recaudó 4,67 millones de euros y reunió a más de 610.000 espectadores en su primer fin de semana) a conseguir el mejor martes de la historia en taquilla para una película española.

Por ese éxito, son muchos los detalles que han ido trascendiendo sobre cómo se hizo la película y sobre todo lo que en ella aparece. Entre ellos, los múltiples cameos que aparecen, que van desde la escritora Alana S. Portero a parte del entorno más íntimo de los Javis y el propio reparto.

En este sentido, uno de los nombres que más ha sorprendido ha sido el de Leo Encinas Cruz, el hijo mayor de Javier Bardem y Penélope Cruz, que figura en los créditos de la película, tal y como atestigua la base de datos de IMDb. Su intervención, con todo, es tan discreta que casi nadie del público la advirtió, y hasta ahora han trascendido muy pocos detalles sobre cuál es su papel en la producción.

Un debut que nadie detectó en el estreno

A pesar de su corta edad (nació en enero de 2011), lo cierto es que no es el primer trabajo de Leo Encinas Cruz en el mundo del cine: este mismo año prestó su voz a un personaje secundario de Toy Story 5, la última entrega de la saga animada de Disney, donde su madre también tenía un papel muy destacado.

Su paso por la película de los Javis, sin embargo, tiene un peso distinto. Su intervención es una figuración sin líneas de diálogo dentro de una escena coral, por lo que resulta prácticamente imposible identificarlo en el metraje sin conocer previamente el dato, comparte créditos con su madre y figura oficialmente en el elenco de la cinta.

Con todo, la familia ha guardado silencio sobre este debut. Ni Bardem ni Cruz se han referido públicamente a la participación de su hijo, y el adolescente no ha aparecido en ninguna alfombra roja ni acto de promoción de la película, ni siquiera en el estreno. Esto puede deberse, entre otras razones, a la protección del rostro de sus dos hijos que la pareja más famosa del cine español siempre ha ejercido.

Nunca ha posado con sus hijos en un estreno ni en ningún acto público, y son contadas las ocasiones en que se ha referido a ellos en entrevistas. Incluso han mantenido litigios judiciales con aquellos medios que han publicado el rostro de Leo y Luna y, según han explicado en algunas entrevistas, no les permiten tener redes sociales hasta que cumplan 16 años.

Los cameos que sí ha reconocido el público

La bola negra, seleccionada por la Academia de Cine para representar a España en los Oscar de 2027, contiene otras muchas apariciones tan breves como estelares. De la hermana de Miguel Bernardeau hasta la madre de Guitarricadelafuente (interpretando, por cierto, a la madre de Sebastián, el personaje interpretado por su hijo), pasando por Custodio Pastor, mánager de los Javis, la cantante Judeline o el diseñador Palomo Spain.

Entre todos esos cameos destaca también el de Teo Lucadamo, hijo de Aitana Sánchez-Gijón, quien interpreta a un soldado llamado Frasquito. “Nació en Barruelo de Santullán y, como a todos estos chavales, la guerra le quitó todo lo bonito de la juventud”, cuenta el joven en una publicación de su cuenta de Instagram, donde también ha compartido imágenes del rodaje caracterizado como militar. “Gracias, Javis, por darme esta oportunidad junto a mis compañeros de #elpelotón y felicidades por la maravilla de película que habéis hecho”.

La película, titulada originalmente Fall 2, presenta a un grupo de personajes que emprende una caminata en altura como parte de un homenaje a un ser querido. El recorrido se interrumpe cuando un desprendimiento de rocas los deja atrapados sobre una construcción precaria, sin una salida inmediata y con el vacío como amenaza constante.

Harriet Slater, conocida por Outlander: Blood of My Blood; Arsema Thomas, integrante de Queen Charlotte; y Tom Brittney, quien participó en Greyhound, encabezan el reparto. La historia parte de un vínculo marcado por el duelo y enfrenta a los protagonistas a una situación en la que deberán cooperar, pese a sus diferencias, para intentar abandonar la estructura.

La altura vuelve a marcar el conflicto de la secuela

La primera entrega instaló el temor a las alturas como el motor de una historia de supervivencia. En esta continuación, los directores trasladaron la premisa a un escenario inspirado en una caminata sobre tablas del monte Huashan, en China, una atracción conocida por su recorrido junto a un precipicio.

“Éramos grandes admiradores de la primera película, así que nos entusiasmaba mucho la posibilidad de participar en este nuevo capítulo”, señalaron los Spierig en declaraciones difundidas por BF Paris. Los cineastas explicaron que evaluaron distintas alternativas antes de optar por recrear una caminata sobre una viga suspendida.

Según los directores, la referencia del monte Huashan ofrecía una base para construir el nuevo relato. “Está considerada una de las caminatas más peligrosas del mundo, y cuando la vimos supimos que teníamos la base para una historia intensa y cinematográfica”, afirmaron.

La acción se sitúa en Tailandia, donde el paisaje y la lejanía del entorno acentúan el aislamiento de los personajes. El derrumbe que interrumpe el recorrido reduce sus opciones y convierte cada decisión en un factor de riesgo. La película sostiene su tensión a partir de la altura, la fragilidad de la estructura y la necesidad de desplazarse sin margen para errores.

Los directores priorizaron efectos prácticos durante el rodaje

Los hermanos Spierig buscaron que las condiciones del rodaje transmitieran parte del peligro que atraviesan los personajes. Por eso, según explicaron, redujeron al mínimo el uso de pantallas azules y trabajaron con elementos físicos para las secuencias desarrolladas sobre la caminata.

“Filmamos prácticamente sin pantalla azul, algo que era muy importante para nosotros”, indicaron. La intención fue que el elenco quedara expuesto al sol, al calor y a las condiciones del ambiente. Para los realizadores, esa decisión permitió incorporar una reacción física de los intérpretes a las escenas de riesgo.

Los protagonistas permanecieron sujetos con arneses y elevados a unos 12 metros sobre el suelo durante extensos períodos de filmación. Esa dinámica complicó la comunicación en algunos momentos y exigió una preparación específica para que el equipo pudiera registrar las escenas en altura.

Los directores también destacaron la participación del elenco en las secuencias de acción. “Cada vez que hacían sus propias escenas de riesgo, aportaban mucho a las secuencias y nos daban una gran cantidad de material para trabajar en la sala de edición”, señalaron.

La apuesta por recursos prácticos se vincula con la intención de sostener una experiencia física en pantalla. La película no plantea la altura únicamente como un fondo visual, sino como una condición que afecta los movimientos, las conversaciones y las decisiones de quienes quedan atrapados.

Una historia de duelo y supervivencia para la pantalla grande

Además del conflicto generado por el derrumbe, Vértigo 2 incorpora una dimensión emocional relacionada con la pérdida. El grupo inicia el trayecto para recordar a una persona cercana, pero la situación cambia cuando el recorrido deriva en una emergencia. A partir de ese momento, la trama concentra su desarrollo en la posibilidad de salir de la estructura.

La película tiene una duración aproximada de 100 minutos y pertenece al género de thriller de supervivencia. Su distribución en el país estará a cargo de BF Paris, que programó el estreno para el 1 de octubre.

Los Spierig señalaron que el proyecto fue concebido para una exhibición en salas. “Queremos que el público sienta el mismo vértigo y miedo que experimentó con la primera película”, expresaron. La secuela llegará a 82 cines con una nueva historia, un elenco distinto y un recorrido suspendido que concentra el peligro de principio a fin.

La película La bola negra está llena de escenas donde se habla de la importancia de la memoria democrática en España y de la falta de concienciación que hay al respecto. Frases como “has heredado algo y no sabes qué hacer con ello; ya eres español” muestran hasta qué punto cuestiones como la Guerra Civil o la Dictadura posterior marcan la identidad de nuestro país, algo que también queda bien reflejado gracias al papel que interpreta en la cinta de los Javis la actriz estadounidense Glenn Close.

Conocida mundialmente por películas como Mars Attacks!, Las amistades peligrosas, Atracción fatal o 101 dálmatas. ¡Más vivos que nunca!, Glenn Close fue una de las incorporaciones más sonadas a la película que adapta una de las obras de teatro que Federico García Lorca nunca llegó a terminar. Además, su personaje es especialmente importante, ya que interpreta a una hispanista extranjera (al estilo de Ian Gibson o Paul Preston) experta en el poeta granadino.

Contar con alguien de fuera de España para interpretar ese papel no fue casualidad, ya que en la propia película se llama la atención sobre el hecho de que los mayores expertos en este periodo de la historia de España sean extranjeros; una realidad que evidencia la falta de cuidado por la memoria democrática tanto desde las instituciones como muchas veces desde la propia ciudadanía.

“Los dioses del cine están de nuestro lado”

Los Javis transformaron un personaje masculino de La bola negra para escribirlo pensando en Glenn Close. La actriz estadounidense aceptó participar en la película con una condición: quería interpretar su papel íntegramente en castellano. La decisión obligó a Javier Calvo y Javier Ambrossi a organizar una preparación lingüística para Close mientras ella trabajaba en Alemania, y de hecho, recibió clases de español incluso mientras se encontraba rodando la nueva película de Los juegos del hambre, con una profesora enviada por el Instituto Cervantes.

Close aceptó sumarse a La bola negra pese a que su participación era breve y eligió afrontar el personaje en un idioma que no hablaba. “Lo hago sí o sí, los dioses del cine están de nuestro lado. Pero lo haré en español porque necesito un reto”, recuerdan Javier Calvo y Javier Ambrossi que les dijo la actriz. “Cuando estábamos escribiendo La bola negra teníamos el personaje de un historiador que era un hombre. No era muy apetecible”, explicaron los Javis en el pódcast The Script. Los directores necesitaban “a alguien emocional para un texto algo frío”. Su respuesta fue inmediata: “Y esa era Glenn Close”.

El vínculo nació con un correo recibido a las tres de la mañana

La participación de Close en la película se originó mucho antes de que existiera el personaje pensado para ella. La actriz había visto La Mesías, la serie creada por los Javis, y decidió escribirles personalmente. Los dos directores estaban en la cama cuando recibieron el mensaje, enviado durante la madrugada. El correo incluía una carta de tres páginas dedicada a la serie. “Era un mail con una carta, PDF, adjunto, de tres páginas en el que se hablaba de La Mesías. Firmado por Glenn Close”, explicaron los Javis al citado medio.

Antes de recibir el guion de la película inspirada en la obra inacabada de Lorca, Close había planteado a los directores otro proyecto. Quería llevar al cine el musical Sunset Boulevard, basado en la película El crepúsculo de los dioses, de Billy Wilder. “Le dijimos: ‘No podemos hacer un remake de Billy Wilder. Nos parece una peli sagrada, no podemos mejorar esa película’”. La negativa no interrumpió el contacto con la actriz, que no dudó en aceptar el papel de La bola negra cuando le hicieron llegar la propuesta.

De hecho, tan buena es la relación entre los cineastas españoles y la actriz estadounidense que, durante el Festival Internacional de Cine de Cannes, se vivió un momento surrealista cuando estos llamaron a la intérprete para contarle la respuesta del público a la película. La intérprete respondió con un mensaje de respaldo al equipo. “Estoy muy orgullosa de vosotros”, les felicitó entonces Close.

Penélope Cruz aparece un total de 18 minutos en La bola negra, pero su personaje basta para abrir una de las puertas más fascinantes de la nueva película de Javier Calvo y Javier Ambrossi e impulsar el camino que va descubriendo Sebastián (Guitarricadelafuente). La actriz ganadora del Oscar tiene dos números musicales y una conversación con el personaje que centra la línea temporal ambientada en 1937, en plena Guerra Civil.

Durante su escaso intercambio de palabras, la actriz que da vida a la cupletista Nené Romero anima al batallón durante una de las noches en el cuartel con dos temas. Entre las canciones que interpreta está Las tardes del Ritz, un fox-trot que interpretó en la vida real Edmond de Bries, uno de los transformistas más célebres del Madrid de comienzos del siglo XX, a quien la propia Nené menciona durante su conversación con Sebastián.

Detrás de aquel nombre artístico estaba Asensio Marsal Martínez, nacido en Cartagena a finales del siglo XIX. Según recoge la Real Academia de la Historia, su interés por el escenario comenzó cuando tenía 14 años y vio actuar en su ciudad al imitador de estrellas Ernesto Folliers. Días después, durante una fiesta familiar, Asensio se caracterizó como él. El público se divirtió tanto que decidió dedicarse al teatro. Incluso, llegó a aprender a coser para hacerse su propia ropa.

El transformista que menciona Penélope Cruz

Así, se marchó a Madrid para debutar en el ya extinto Teatro de la Encomienda, situado en el número 16 de la calle del mismo nombre, en el actual barrio de La Latina. Primero actuó simplemente como Marsal, su apellido; después adoptó el nombre de Salmar y, finalmente, adoptó su seudónimo con el que entraría en la historia: Edmond —o Egmont— de Bries.

El éxito, sin embargo, no llegó a la primera. El propio artista reconocería más tarde que aquellas primeras actuaciones eran “verdaderas patochadas”. Fue entonces cuando entró en escena Consuelo Vello Cano, La Fornarina, una de las grandes cupletistas de la época y amiga de De Bries, que le aconsejó refinar sus imitaciones y cuidar mucho más la puesta en escena.

Él le hizo caso. Renovó su vestuario, perfeccionó sus números y convirtió la transformación en el centro de su espectáculo. A partir de ahí comenzó a imitar a algunas de las artistas más populares del momento, como La Goya, La Bella Chelito o Pastora Imperio. “Fue calificado como el número uno, pues logró no vulgarizar sus actuaciones, demostrando siempre un gran respeto hacia sus imitadas. Tal era su perfección que, en cierta ocasión en Barcelona, el público se pasó una semana dudando si quien actuaba en escena era hombre o mujer”, recoge la Real Academia de la Historia. La curiosidad fue tal que un grupo de caballeros acudió hasta su hotel para salir de dudas. De Bries los recibió y, al día siguiente, ya no quedaba misterio alguno.

Su gran consagración llegó en Madrid, especialmente en el Teatro Fuencarral, donde obtuvo algunos de sus mayores éxitos. Allí estrenó Las tardes del Ritz, compuesta para él por Álvaro Retana, uno de los números que ahora ha recuperado La bola negra. El vestuario seguía siendo una parte fundamental de su propuesta: llegó a invertir auténticas fortunas en ropa y complementos, hasta el punto de que su guardarropa fue valorado en unas 35.000 pesetas de la época.

Su popularidad llegó incluso hasta la Casa Real, donde en 1919 actuó ante los reyes en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián, Alfonso XIII y su mujer, la reina consorte Victoria Eugenia de Battenberg. Sin embargo, tres años después, durante una actuación en el Teatro Lara de Madrid, varios jóvenes protestaron contra su espectáculo al considerar que atentaba contra su “dignidad de varones”. El altercado terminó teniendo consecuencias: la Dirección General de Seguridad le prohibió actuar vestido de mujer al considerarlo “inmoral”.

No sería la última vez. Apenas unos meses después, un nuevo altercado durante su regreso al Teatro Fuencarral provocó otra prohibición por parte de la Dirección General de Seguridad. De Bries decidió entonces defenderse públicamente en una carta enviada a El Imparcial. “Mi repertorio es culto, moral y propio para familias”, escribió el transformista, que denunciaba que una docena de personas había provocado el alboroto y preguntaba: “¿Por qué razón se me atropella a mí, que me he gastado todo cuanto he ganado en perfeccionar mi trabajo?”.

Su historia terminó muy lejos del brillo de aquellos años. Después de ganar fortunas y convertirse en uno de los nombres más populares del transformismo español, Edmond de Bries murió en Barcelona arruinado y todavía soñando con volver a los escenarios. Más de un siglo después, La bola negra rescata su nombre y también una de sus canciones más célebres.

Wanda Nara tendrá su debut cinematográfico en la adaptación argentina de ¿Querés ser mi hijo?, una comedia romántica dirigida por Hernán Guerschuny que retoma la trama de la producción mexicana ¿Quieres ser mi hijo?, estrenada en 2023 en la plataforma ViX.

La película reúne a Nara con Agustín Bernasconi, Jean Pierre Noher y Charo López. La historia pone el foco en Lucía, una mujer de 42 años que descubre la infidelidad de su pareja luego de 15 años de relación y debe reordenar su vida personal y laboral.

El proyecto está producido por Amazon MGM Studios, IP4 Media, Zeppelin Studio, Cimarrón Cine, FilmSuez y Telefe Studios. Según la información difundida por la producción, tendrá una duración de 95 minutos y fue realizada en formato DCP 4K.

La versión argentina conserva el punto de partida mexicano

La trama argentina parte de una situación similar a la del largometraje mexicano dirigido por Ihtzi Hurtado. Tras separarse, Lucía vuelve a su antiguo departamento de soltera, donde se cruza con Javier, un vecino de 22 años que organiza fiestas de manera frecuente.

En paralelo, ella busca el empleo que considera decisivo para su futuro. Durante una entrevista, Lucía asegura que es madre y que tiene un hijo de la misma edad que Javier. La mentira se complica cuando la empresa organiza un encuentro con los directivos y sus familias, y ella necesita sostener su relato.

Entonces le propone un acuerdo al joven: Javier deberá hacerse pasar por su hijo y, a cambio, podrá usar el departamento para sus reuniones. El vínculo ficticio que ambos arman para el family day se transforma en el eje de la historia y abre paso a un romance que enfrenta la diferencia de edad y las expectativas de quienes los rodean.

Ludwika Paleta y Juanpa Zurita encabezaron la película original

La película que inspira la adaptación local fue protagonizada por Ludwika Paleta y Juanpa Zurita. En aquella versión, Paleta interpretó a Lu, una mujer de 40 años que atraviesa una ruptura después de descubrir que su novio le fue infiel. Zurita encarnó a Javier, el vecino joven que acepta representar el papel de su hijo.

La diferencia de edad entre los personajes fue uno de los elementos centrales de la campaña de la producción mexicana. En la ficción, los separan cerca de 20 años; fuera de la pantalla, Paleta y Zurita tienen una diferencia de aproximadamente 17 años.

¿Quieres ser mi hijo? fue una producción de Elefantec Global y Fox Entertainment para ViX. La película se presentó como una comedia romántica centrada en las segundas oportunidades, la reconstrucción personal después de una separación y una relación que no responde a los modelos convencionales.

Wanda Nara asumirá el papel de Lucía

En la versión argentina, Wanda Nara interpretará a Lucía, el personaje que atraviesa el quiebre de una relación extensa y que, sin empleo, intenta recuperar una vida que había postergado. El papel marca su llegada al cine como protagonista.

Bernasconi será Javier, el joven que inicialmente acepta participar de la mentira a cambio de obtener mayor libertad para organizar sus fiestas. La dinámica entre ambos personajes se modifica a medida que el acuerdo deja de ser solo una estrategia para superar una jornada laboral.

La adaptación del guion estuvo a cargo de Sofía Szelske y Hernán Guerschuny, quien también dirige la película. La ficha técnica acredita la idea original a Ihtzi Hurtado, responsable del guion y la dirección de la producción mexicana.

Una comedia romántica sobre prejuicios y diferencias de edad

La nueva versión traslada a la Argentina una premisa que ya tuvo recorrido en México: una mujer adulta que inicia un vínculo afectivo con un hombre menor, después de que ambos se conocen bajo una identidad falsa. La diferencia de 20 años entre Lucía y Javier constituye el conflicto principal de la película.

El relato aborda, además, el momento en que Lucía debe decidir si continúa con la vida que llevaba o si modifica sus prioridades tras la separación. Para Javier, el encuentro implica la posibilidad de revisar su forma de relacionarse y de asumir sentimientos que hasta entonces evita reconocer.

Con calificación apta para todo público, ¿Querés ser mi hijo? se presenta como una comedia romántica argentina basada en un título mexicano que ya había instalado la discusión sobre las relaciones intergeneracionales. La producción todavía no informó la fecha de estreno ni la plataforma o las salas en las que estará disponible.

En el podcast Big Bro with Kid Cudi, el músico Scott Mescudi, conocido como Kid Cudi, anunció la participación de Benny X en la banda sonora de Slime, la película animada en la que trabajó junto con la cantante, guitarrista y artista Willow Smith.

Cudi y Smith confirmaron que ya habían terminado las grabaciones de voz. El rapero también contó que preparaba la música de la producción, mientras la animación seguía en proceso. Durante la conversación, ambos reflexionaron sobre la libertad creativa y sobre la manera en que buscan desarrollar sus proyectos sin quedar condicionados por las exigencias de la industria.

Los artistas explicaron que buscaban tomar decisiones que no dependieran de las exigencias comerciales, de las comparaciones sobre sus capacidades o de las formas de promoción en redes sociales.

Smith explicó por qué aceptó participar en “Slime”

Particularmente, reunía dos intereses que había tenido desde joven: la animación y la música. Durante su adolescencia, había escrito dos temporadas de una serie animada, aunque ese proyecto no llegó a realizarse.

Cudi señaló que ambos ya habían terminado las grabaciones de voz y que pudieron trabajar en el mismo estudio.

Smith también valoró que la película pusiera en primer plano a personajes afrodescendientes en un mundo futurista. La cantante sostuvo que ese enfoque coincidía con el tipo de animación en el que quería participar.

Smith y Cudi defendieron la libertad para crear en sus nuevos proyectos

Al hablar de su álbum PETAL rocks BLACK, Smith dijo que tocó la batería, el piano, el bajo y la guitarra, además de participar en los arreglos. Había tomado esa decisión porque sentía que todavía no había desarrollado por completo sus capacidades como instrumentista.

La cantante describió ese proceso como una forma de enfrentar sus inseguridades, sobre todo cuando se comparaba con artistas que admiraba. Cudi retomó esa idea y sostuvo que las influencias no debían convertirse en copias.

Smith citó un consejo que Donald Glover le había dado: “Cuando tenés un espíritu y una personalidad fuertes, si intentás imitar a otra persona, automáticamente va a salir algo que nadie hubiera escuchado antes”.

La charla sobre TikTok mostró dos miradas sobre los cambios en la industria

Cudi dijo que el pedido de su sello discográfico de crear contenido para TikTok reforzó su deseo de dejar atrás ese modelo de trabajo.

En ese sentido, relató que intentó promocionar su obra de una forma que sintiera propia, pero luego sintió que había cedido a una dinámica que no lo representaba. “No puedo esperar a publicar Free. Estoy por ser realmente libre”, expresó.

Smith consideró que la relación entre la industria y el contenido para redes podía resultar asfixiante, aunque introdujo un matiz. Dijo que los artistas debían adaptarse a los cambios si encontraban una manera acorde con su forma de crear.

La diferencia también apareció cuando hablaron de sus discos. Cudi defendió las canciones más festivas de Insano y Nitro Mega, mientras Smith admitió que al principio esperaba de él temas más personales.

Los dos músicos hablaron de tocar “Rose Golden” en una próxima presentación

El diálogo recuperó “Rose Golden”, la canción que grabaron juntos cuando Smith tenía 16 años. Cudi la describió como una colaboración en la que ambos participaron desde el comienzo y sostuvo que sus voces se complementaron.

Los artistas dijeron que querían interpretarla en una próxima presentación, aunque no dieron fecha ni lugar.

Cudi también recordó que, después de una presentación ante más de 70.000 personas que cantaron “Pursuit of Happiness”, escuchó la última canción de un álbum en el que trabajaba y se emocionó al pensar en sus 18 años de carrera. “No eran lágrimas de tristeza. Eran lágrimas de triunfo”, dijo.

Pocas leyendas del cine representan mejor la esencia del western que Clint Eastwood. El actor construyó su carrera a base de protagonizar algunas de las películas más importantes de este género en territorio europeo junto al cineasta italiano Sergio Leone. Más tarde, ya como director, agrandaría su leyenda con otras obras maestras como Sin perdón.

A sus 96 años, Clint Eastwood ya se encuentra retirado, pero no deja de ser poético que la película con la que decidiera retirarse de la actuación fuera, precisamente, un western. Estamos hablando de Cry Macho, una película con la que el legendario intérprete y cineasta se puso por última vez en la piel de un vaquero; en este caso, una exestrella de rodeo y criador de caballos retirado.

En la película, disponible en plataformas como Prime Video (donde se irá el próximo 30 de septiembre) o Movistar Plus, Eastwood nos muestra a un hombre profundamente herido por una caída, varias pérdidas personales y todos los recuerdos que le atormentan. Sin embargo, el encargo de un antiguo jefe (viajar a México para traer de vuelta al hijo de este) deriva pronto en un viaje crepuscular alejada de la acción propia de lo que podría ser un western clásico.

Un proyecto que no se materializaba nunca

Cry Macho, en realidad, llevaba décadas intentando realizarse. Del mismo modo, en 2011, se intentaría relanzar el proyecto con Arnold Schwarzenegger en el papel principal, en el que habría sido el regreso del actor de Terminator tras su mandato como gobernador de California, pero la producción se canceló antes de avanzar. Incluso al propio Eastwood le ofrecieron en los años 90 encabezar la producción, si bien él descartó la idea por estar trabajando en otros proyectos.

De este modo, habría que esperar a 2021 para que Eastwood decidiera hacerse cargo del proyecto, como actor y también como director, y estrenara finalmente la película, la cual cosechó críticas mixtas tras su estreno. “Un corte profundo para los conservadores, un filme para pasar el rato sin nada que demostrar y con suficiente que decir, con buena nota y paisajes desérticos y bonitos”, ensalza una de las reseñas más entusiastas, escrita por el periodista A. O. Scott en The New York Times. “Si conduce el viejo, te aconsejo que subas y lo disfrutes”.

Buena parte del peso de la película recae en Milo, el personaje principal interpretado por Eastwood. Este es un hombre que no presume de fuerza ni de autoridad, sino de experiencia. Además, en su relación con el joven Ragfo retoma uno de los clásicos del cine de Eastwood: el de la paternidad (no necesariamente sanguínea) como una forma de redención para personajes atormentados.

Por otro lado, el relato construye una mirada hacia México como espacio de acogida y comunidad, en contraste con el aislamiento que vive el protagonista, transformado en una convivencia marcada por el afecto y el cuidado mutuo, incluso en la vejez. Eastwood solo dirigiría una película más, Jurado nº 2, aunque en ella no se le volvería a ver frente a las cámaras.

“Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero”. Quienes hayan visto ya La bola negra reconocerán fácilmente estas palabras de la hermana de Carlos (Milo Quifes) en la película de los Javis. Ahora bien, muy pocos espectadores sabrán que, en realidad, esta escena es la única verdaderamente escrita por Federico García Lorca, el poeta y dramaturgo autor del texto original que inspira la obra cinematográfica.

La adaptación de esta obra de teatro incompleta (y de la que apenas se conservan unas pocas páginas mecanografiadas) ha protagonizado el segundo mejor estreno para el cine español en diez años. Más de 600.000 espectadores han hecho que la producción haya conseguido rozar los 4,7 millones de euros en su primer fin de semana en la gran pantalla. En esto ha contribuido, sin duda, el éxito cosechado por los Javis en la presentación de la película en festivales como el de Cannes (donde fueron premiados por su labor como directores) o el de San Sebastián.

Sin embargo, el éxito de la película también se debe a la popularidad del propio Lorca, un autor tan reivindicado como leído en los últimos años, del que muchos se han preguntado cuánto escribió, en realidad, de todo lo que aparece en La bola negra. En realidad, muy poco: la producción de los Javis se divide en varias líneas temporales y solo en una de ellas se imagina cómo habría podido ser la obra de teatro del escritor granadino, la cual solo tiene mecanografiadas unas pocas páginas donde figuran sus personajes y un breve diálogo entre Carlos y su hermana.

El único diálogo conservado de ‘La bola negra’

De La bola negra se conserva, pues, el dramatis personae, nombre con el que se conoce la lista de personajes que intervienen en una obra literaria y que suele colocarse en las primeras páginas de un texto dramático. Tal y como se puede leer en el Teatro completo de Lorca (publicado por editoriales como Galaxia Gutenberg), en este figuran personajes que también aparecen en la película de los Javis: Carlos, sus amigos Enrique y Lorenzo, su familia, los socios del casino e incluso los esquiadores y la propia nieve, que debía intervenir en la obra con una o más líneas de diálogo.

Del mismo modo, la obra cuenta con una escena para su primer acto, donde Carlos aparece sentado en un diván, donde lo encuentra su hermana diciéndole que debería salir. Es ahí cuando ella le comenta que, si de ella dependiera, saldría siempre a la calle. “¿Y por qué no lo haces?“, le pregunta Carlos. ”Porque soy mujer. Y me conformo con ser mujer. Por mi gusto, tiraría a la jabalina, pero debo endulzar naranjas. Debo y quiero", responde ella, en una línea que también puede escucharse en la película.

Por otro lado, sabemos más de la obra por una carta que Lorca le escribió a su amigo Cipriano Rivas Cherif. En este texto, Lorca detalla la historia de un joven burgués de Granada que intenta ingresar como socio en un casino de la ciudad. Al regresar a casa rechazado, el joven conversa con su padre y da a entender que la verdadera razón de haber recibido la bola negra que lo había excluido en la votación es su homosexualidad. Lorca comentaba en la carta su intención de construir un ambicioso friso social que contaría con 36 personajes. Habría sido la primera obra narrativa del autor en colocar la homosexualidad y el estigma social en el centro de la trama de forma explícita.

Una de las escenas más impactantes de La bola negra se aprecia en sus primeros 15 minutos. Un inocente y trompetista Sebastián (Guitarricadelafuente) huye como puede de los bombardeos que los fascistas italianos riegan por su pueblo, que pertenece al bando nacional. En medio de la destrucción, consigue adentrarse en una iglesia de la que ya quedan escombros: para avanzar tiene que trepar una estatua del santo que lleva su nombre: San Sebastián, el mártir cristiano que terminó convirtiéndose en uno de los grandes iconos de la cultura LGTB.

Más allá de las connotaciones que tiene la propia escena —no se desarrollará más para no hacer spoilers—, la imagen que construyen sus directores, Los Javis, es un símil de La mirada de Ulises (1995), de Theo Angelopoulos, película protagonizada por Harvey Keitel que contiene una de las estampas más recordadas de la filmografía del cineasta griego: una gigantesca estatua de Lenin desmontada en varias piezas es transportada en una barca por el Danubio.

Esta solo es una de las películas que Javier Calvo y Javier Ambrossi utilizaron como referencia para construir su segunda película. En cines desde este viernes 25, lleva meses encandilando a la crítica internacional desde que pasó por Cannes. Toronto y el Festival de San Sebastián solo están señalando aún más lo inevitable: que la presencia de España este año en los Oscar será mucho más que optar a la categoría de Mejor película internacional.

‘La bola negra’ y sus influencias

En una entrevista con Elástica, la distribuidora de la cinta en España —en Estados Unidos lo hace Netflix—, Los Javis han desgranado algunas de las películas que sirvieron como brújula para levantar una obra catalogada de “magna” y señalada como una de las grandes películas españolas del año. “Trabajamos con un documento que le enviamos a todo nuestro equipo de pelis que hay que ver y lecturas que hay que hacer”, han explicado.

Entre las referencias utilizadas está el cine del polaco Paweł Pawlikowski, autor del dúo formado por Cold War (2018) —especialmente por la secuencia del baile en la taberna que en la cinta de Los Javis protagoniza Milo Quifes (el personaje de Carlos) junto a María Terremoto— e Ida (2013), que se completa ahora con Fatherland (2026), sobre la memoria del holocausto y la Guerra Fría.

Pero la grandeza que rodea La bola negra no es solo obra de la ambición de Los Javis; también de su directora de fotografía, Gris Jordana (Manlleu, Barcelona, 1981), que medios como Variety o The Hollywood Reporter ya la colocan como una aspirante fija para llevarse el Oscar. En una entrevista con Esquire, ha explicado que en lenguaje que utilizaron para toda la trama sobre la Guerra Civil que lideran Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau “es un lenguaje propio que se centra más en lo humano que en planos de mil explosiones y todo eso”. Por ello, se fijaron en el cine antibélico previamente mencionado, pero en otras cintas como Ven y mira (1985), de Elem Klímov, “donde la guerra es profundamente violenta, pero no está glorificada”.

“Javi Calvo me mandó ver 3.500 películas de Rusia, de Ucrania, del este… de las que luego me confesó que él solo había visto el tráiler. Tomamos la decisión de que queríamos diferenciar las tres épocas a través del lenguaje audiovisual, no de la fotografía. Lo típico del pasado más cálido, el presente más azulado… No queríamos eso", añadió Jordana.

A esa mirada se sumaron otras referencias menos evidentes, como la forma en la que la directora Claire Denis retrata el cuerpo masculino en Beau Travail (1999) y en la relación con la naturaleza de Lazzaro feliz (2018), de Alice Rohrwacher, como aparece, por ejemplo, en las escenas donde Carlos pasea de camino al casino o la película muestra a los salados desnudos en las playas de Cantabria.

También hubo hueco para la familia Coppola. En la mencionada entrevista con Elástica, los Javis han explicado que se inspiraron en una de las escenas de La conversación (1974), de Francis Ford Coppola, para retratar la secuencia donde Sebastian toca, desolado, su trompeta en un cuarto de baño —una muy similar a la que interpreta el personaje de Gene Hackman—, y en Apocalypse Now (1979) para ‘imitar’ la protagonizada por Penélope Cruz. “Con Penélope buscábamos una situación violenta, en plan Apocalypse Now, con peligro. Fue muy complejo crear la luz porque tenía que estar espectacular, pero con mucho movimiento. Al ver el resultado, flipamos”, añadió la directora de fotografía.

A ese mapa de referencias se suman también Sebastiane (1976), de Derek Jarman y Paul Humfress, y Las horas (2002), de Stephen Daldry. Ambas aparecen en una selección elaborada por Jaume Ripoll, cofundador y director editorial de Filmin, en torno a las películas que dialogan con La bola negra. La primera resulta especialmente evidente por su relectura de San Sebastián como icono homosexual. Por su parte, Las horas coincide en forma con la estructura de La bola negra: tres historias interconectadas por La señora Dalloway, obra de Virginia Woolf. Además, tiene un reparto de lujo: está protagonizada por Meryl Streep, Julianne Moore y Nicole Kidman y le dio a esta última su primer y único Óscar.

Dónde verlas

• Ven y mira: Filmin
• Cold War: Filmin y Prime Video
• Ida: no disponible actualmente en streaming en España
• Beau Travail: no disponible actualmente en streaming en España
• Lazzaro feliz: Filmin
• Apocalypse Now: Filmin
• La conversación: Filmin
• La mirada de Ulises: Filmin
• Sebastiane: Filmin
• Las horas: Filmin

El director definió la película como una obra distinta de Armageddon Time, aunque ambas parten de elementos vinculados con su infancia en Queens.

Ante el público del Lincoln Center, Gray explicó que buscó una narración de suspenso con referencias al cine de Alfred Hitchcock. El realizador situó a la familia en el centro de un conflicto que altera su vida cotidiana y deja a los personajes sin una comprensión completa de lo ocurrido.

“Quería hacer algo en esa tradición de una familia que amamos, que se ama entre sí, y que se encontrará con el desastre”, afirmó Gray.

James Gray buscó un registro inspirado en Hitchcock

El cineasta explicó que buscó construir el suspenso a partir de distintas situaciones y espacios, entre ellos escenas entre malezas, una irrupción en una casa y una secuencia dentro de un automóvil. Su intención era llevar el relato hacia un registro más intenso y apoyarse en una tradición del cine estadounidense que tomó como referencia.

Entre las películas que mencionó estuvo The Man Who Knew Too Much, la versión dirigida por Hitchcock y protagonizada por James Stewart y Doris Day.

Gray también vinculó esa influencia con el modo en que el cine estadounidense de la década de 1950 abordó indirectamente las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial, en parte debido a las restricciones del código de producción de Hollywood. “Quería hacer algo, francamente, un poco más intenso desde el punto de vista dramático”, sostuvo el director.

El director recurrió a experiencias de su propia vida

El guion incorpora aspectos reconocibles de la biografía de Gray, aunque el realizador insistió en que no se trata de un relato documental. Indicó que su hermano podría identificar elementos familiares, pero aclaró que la película no reproduce los hechos de manera literal.

Para el director, el uso de experiencias personales forma parte de su responsabilidad frente al público. “Es mi trabajo mostrarles lo que tengo, con defectos y todo”, expresó. También sostuvo que el propósito de su cine consiste en ofrecer una visión sincera del mundo y ampliar la empatía hacia sus personajes.

La historia se sostiene en una familia formada por los personajes interpretados por Johansson, Driver y Teller. Gray contó que el proceso de selección avanzó con rapidez debido al calendario de producción y a la disponibilidad de financiación.

El realizador destacó trabajos previos de sus intérpretes. Sobre Teller, mencionó su actuación en Bleed for This, película sobre el boxeador Vinny Pazienza. “No pensé que fuera buena; pensé que era brillante”, afirmó.

Johansson, Driver y Teller construyeron el vínculo familiar en un espacio reducido

Teller explicó que las primeras jornadas de rodaje se concentraron en las escenas dentro de la casa familiar. Según el actor, ese orden ayudó a establecer la cercanía entre los personajes antes de que el conflicto modificara la situación.

“Sabíamos que no había muchos momentos antes de que todo se descontrolara”, comentó Teller. También destacó el trabajo con sus compañeros: “Con Adam, en cada toma, hay algo diferente y está muy vivo”. Sobre Johansson, señaló que su presencia volvía innecesario forzar la actuación.

La actriz relató que el equipo filmó gran parte de las secuencias iniciales en un decorado pequeño y caluroso. Describió la dinámica de trabajo como una convivencia estrecha entre intérpretes y técnicos, quienes debían reorganizarse de manera constante dentro de un espacio limitado.

“Hay que sobrevivir al día porque hacer películas es difícil, y es muy difícil hacerlas en espacios pequeños y cerrados”, manifestó Johansson. Aun así, destacó que esa proximidad permitió fortalecer el vínculo entre quienes participaban del rodaje: “Terminas pasando el rato, hablando, compartiendo historias y sintiéndote más cerca”.

Por su parte, Driver atribuyó la facilidad para crear esa dinámica a la relación entre los protagonistas y a la conducción de Gray. “Hay una admiración mutua entre los cuatro”, afirmó. También consideró que el ambiente de un rodaje depende de quien dirige: “James establece esa cultura, donde todos se sienten libres y seguros”.

El desenlace deja a los personajes sin todas las respuestas

Gray explicó que eligió un final abierto porque le interesa que el relato continúe fuera de la pantalla. El director señaló que ningún personaje posee una visión total de los hechos, una decisión que vinculó con la experiencia de la vida cotidiana.

“En las películas, por lo general, alguien tiene toda la historia”, afirmó. En esta trama, en cambio, los personajes permanecen ajenos al destino de los demás en el cierre.

Driver indicó que el trabajo previo incluyó referencias a tragedias griegas como Áyax y Filoctetes. Según el actor, esas obras ayudaron a pensar el recorrido de Gary, un hombre que pierde el lugar de reconocimiento que antes ocupaba y busca recuperar parte de ese poder.

Johansson destacó que su aproximación se concentró en la condición de su personaje como mujer y en los mensajes que atraviesan varias generaciones. “Pensé en cómo fue criada esta mujer, cómo fue criada su madre y cómo fue criada la madre de su madre”, explicó.

Teller, a su vez, vinculó su participación con la dimensión familiar de la filmografía de Gray. “Sentí una inmensa empatía por esta familia cuando leí el guion”, sostuvo durante la presentación del Festival de Cine de Nueva York.

El animal interpreta a Odin, un perro de combate que acompaña al personaje de Pitt durante una historia de supervivencia en la naturaleza de Alaska.

Detrás de su elección hubo semanas de búsqueda y un proceso de preparación que incluyó entrenamiento, escenas de acción y trabajo específico para conseguir que el animal estableciera un vínculo creíble con el protagonista.

Andrew Simpson, coordinador de animales de Hollywood, fue quien encontró a Uber en Nueva Zelanda después de recorrer criaderos y refugios en busca del perro que pudiera asumir el papel.

Cómo encontraron al perro que interpreta a Odin

Simpson, quien trabajó en producciones como Juego de Tronos, El Renacido y John Wick: Capítulo 3, llegó hasta Heisenberg Kennels, donde encontró a Uber, un pastor alemán de seis años que había trabajado en tareas de búsqueda y rescate.

El animal llamó su atención desde el primer encuentro. “Él simplemente tenía esa madurez que necesitábamos”, explicó a GQ sobre las características que lo llevaron a elegirlo.

La película exigía que el perro pudiera participar tanto de escenas emocionales como de secuencias físicas. Por eso, el equipo necesitó otros animales para determinadas acciones. Uber había sido padre de más de diez camadas, lo que permitió localizar a Ryker y Zika, hermanos de camada, y a Hondo, su medio hermano menor.

Los tres funcionaron como dobles de acción del protagonista canino. “A menudo tenemos que hacer una coloración extensa o cambiar el pelaje y los patrones”, explicó Simpson. En este caso, señaló que los perros tenían rostros tan parecidos que “fueron los reemplazos más parecidos que hemos tenido en cualquier película”.

Tres semanas para crear el vínculo con Brad Pitt

Uno de los principales desafíos fue conseguir que Uber pudiera comportarse frente a Pitt como si existiera entre ambos una relación previa. El actor tuvo apenas tres semanas de entrenamiento junto a los perros.

“Lo más difícil es tomar un perro y de repente hacer que parezca que pertenece a otra persona”, explicó Simpson. El coordinador detalló que Pitt comenzó a acercarse al animal de manera progresiva: se sentaba en la jaula de Uber, trabajaba con su computadora y realizaba llamadas para que el perro se acostumbrara a su presencia.

Después, el actor empezó a trabajar con órdenes básicas como sentarse, tumbarse, acercarse y rodar. El objetivo era que ambos entendieran sus tiempos antes de incorporar la coreografía de las escenas.

Para Simpson, la predisposición del intérprete fue determinante. “No hay nada peor que trabajar con un actor que no quiere ensuciarse contigo. Eso es lo que crea la conexión”, sostuvo. Según su relato, Pitt se involucró desde el comienzo y terminó generando un vínculo con Uber.

El perro que tuvo que aprender a hacer escenas de riesgo

El rodaje incluyó secuencias con agua, troncos y ataques de lobos. Una de las escenas que más preocupó a Simpson fue el cruce de un puente de troncos ubicado a cierta altura.

El coordinador de especialistas Allan Poppleton diseñó un sistema de cables conectado a un arnés militar que el perro utilizaba durante la escena. “Le colocamos puntos de anclaje especiales en el arnés para poder controlarlo de forma segura, igual que a Brad”, explicó.

El equipo también construyó una estructura similar a la del rodaje para que los perros pudieran entrenar antes de enfrentarse al escenario real. La preparación permitió determinar cuál de ellos se sentía más cómodo con cada tipo de actividad.

Simpson remarcó que los animales no eran forzados cuando rechazaban una acción. Durante una escena que requería un salto al agua, el perro seleccionado inicialmente se negó. “Cuando un animal dice: ‘Esto no es para mí’, no tiene sentido forzarlo”, afirmó.

Cómo recrearon los ataques de lobos

La producción tampoco recurrió a los lobos que Simpson posee junto a su esposa y coentrenadora en su rancho de Alberta. El especialista explicó que no pudieron trasladarlos a Nueva Zelanda debido a las medidas de bioseguridad del país.

Para las escenas se utilizaron marionetas con aspecto de lobos, entrenadores y efectos visuales. Los perros fueron preparados para interactuar con las estructuras y realizar movimientos determinados, mientras que en otras secuencias el equipo de especialistas utilizó trajes digitales que posteriormente fueron reemplazados por lobos mediante efectos visuales.

Uber también tuvo un lugar especial en los créditos

La participación del pastor alemán terminó siendo tan relevante que Brad Pitt impulsó que Uber recibiera el primer lugar en los créditos. Simpson señaló que se trató de una situación inédita dentro de su trayectoria.

Después del rodaje, los animales regresaron con sus dueños. Simpson contó que la despedida fue especialmente emotiva para entrenadores y propietarios. “Cuando los dueños llegaron y tuvimos que devolverles los perros, todos los entrenadores lloraron”, relató.

Uber, por su parte, continúa como perro reproductor. Simpson mantiene el contacto con sus propietarios y señaló que espera poder quedarse algún día con uno de sus cachorros como recuerdo de la producción.

El largometraje se ha estrenado mundialmente en el Festival de Cine de Nueva York y las críticas coinciden en que la película combina el género kaiju con una historia familiar marcada por el Japón de posguerra.

La producción es el primer largometraje japonés rodado en IMAX. Yamazaki, que figura también como responsable de los efectos visuales, ha contado con un equipo de VFX mayor que el de Godzilla Minus One, la entrega de 2023 que ganó el Oscar por sus efectos y reactivó la franquicia de Toho.

La amenaza inicial llega a la ciudad de Matsumoto: King Ghidorah, todavía con una sola cabeza, arrasa la población antes de desarrollar su forma de dragón tricéfalo. Sus alas provocan vientos de fuerza huracanada y sus mandíbulas lanzan haces electromagnéticos capaces de elevar edificios, trenes y otros objetos antes de estrellarlos contra el suelo.

Qué ocurre en ‘Godzilla Minus Zero’

La acción transcurre dos años después de los sucesos de Godzilla Minus One. Japón intenta recuperar una apariencia de normalidad mientras Godzilla permanece en el fondo del océano, donde se le daba por destruido tras el ataque de 1947, pero Ghidorah abre una nueva crisis con su irrupción sobre Matsumoto.

El monstruo llega a las montañas japonesas tras la caída de un meteorito y el kaiju pasa periodos de hibernación en las colinas de Nagano. La película deja al margen buena parte de la mitología previa del personaje, que en otras entregas fue vinculado a invasores alienígenas, viajes temporales y la destrucción de Venus miles de años antes.

El profesor Kanji Murakami, interpretado por Min Tanaka, estudia criaturas biológicas y ha sobrevivido al bombardeo de Hiroshima, al ataque de Ginza de la película anterior y a la devastación de Matsumoto. Su experiencia conecta el relato con la historia de la guerra y con el daño físico que han dejado los ataques de los kaiju sobre la población.

Las autoridades japonesas prueban bombardear a Ghidorah con aviones y armas prestadas por Estados Unidos, pero el ataque solo despierta al monstruo. Variety describe una batalla aérea entre media docena de aeronaves y la criatura, mientras que The Hollywood Reporter destaca la capacidad de Ghidorah para regenerarse y resistir el armamento convencional.

Cuando Godzilla reaparece completamente regenerado frente a la costa, Murakami interpreta su regreso como una posibilidad para enfrentar a ambos monstruos. El plan de la Oficina de Respuesta ante Desastres a Gran Escala consiste en atraerlos al mismo lugar para que combatan entre sí: el superviviente quedaría herido y debilitado antes de que las fuerzas humanas intentasen eliminarlo.

La familia vuelve al centro de la historia

La batalla no desplaza a los personajes humanos que sostenían Godzilla Minus One. Kōichi Shikishima, el antiguo piloto kamikaze de la Segunda Guerra Mundial interpretado por Ryunosuke Kamiki, vive ahora con Noriko, encarnada por Minami Hamabe, y con Akiko, la niña huérfana a la que ambos acogieron y que ya tiene siete años.

La familia también cuenta con el apoyo de Sumiko, la vecina interpretada por Sakura Ando, que perdió a los suyos durante la guerra y ejerce como una figura de tía para Akiko. La convivencia que Kōichi ha conseguido levantar vuelve a quedar amenazada por la destrucción de Ghidorah y por el retorno de Godzilla.

Noriko arrastra las consecuencias del ataque de Ginza: sobrevivió con un parche en el ojo y presenta una recuperación física anómala. Un médico investiga los efectos de la exposición al tejido celular de Godzilla en las víctimas de los ataques, y esa condición de Noriko puede convertirse en un elemento útil para combatir a los monstruos.

Kōichi se resiste a volver a pilotar un avión de combate. Su dilema ya no se limita a la culpa por haber sobrevivido a la guerra, sino que enfrenta el deber de intervenir ante la amenaza con la responsabilidad de seguir vivo para Noriko y Akiko.

El ingeniero naval Kenji Noda, interpretado por Hidetaka Yoshioka, dirige la respuesta contra Ghidorah y reúne a antiguos compañeros junto a dos incorporaciones: la meteoróloga Makoto Aoyama, a quien da vida Masami Nagasawa, y Murakami. Aoyama detecta que el dragón responde a la fuerza electromagnética de un sistema de tormentas que se mueve con rapidez.

‘Godzilla Minus Zero’ recupera el trauma atómico

La película presenta a Godzilla como una presencia ligada a la ansiedad nuclear, los desastres naturales y la devastación de la posguerra japonesa. The Hollywood Reporter considera que esa especificidad cultural diferencia a las dos películas de Yamazaki de las producciones estadounidenses de la saga, donde el componente humano resulta menos desarrollado.

El crítico Owen Gleiberman sostiene en Variety que los monstruos adquieren una dimensión casi divina: Godzilla carga sus placas dorsales y libera una descarga radiactiva capaz de destruir una ciudad, mientras Ghidorah emite rayos anaranjados desde sus cabezas.

Yamazaki sitúa la historia en los últimos años de la década de 1940, el periodo en el que la saga encuentra su raíz espiritual antes del estreno del Gojira original en 1954. Tanaka nació el 10 de marzo de 1945, la fecha del bombardeo incendiario de Tokio, citado por Variety como el ataque aéreo más mortífero de la historia humana.

Las reseñas destacan dos grandes secuencias de monstruos: el combate aéreo sobre Matsumoto y el choque final entre Godzilla y Ghidorah. IndieWire, señala que el enfrentamiento culminante ha permitido a la franquicia obtener por primera vez una clasificación para mayores de edad R y afirma que, en todos los sentidos, esta secuela supera a su predecesora.

No entender un diálogo por ruido ambiente, una mezcla de sonido deficiente o una vocalización poco clara es habitual al ver series o películas. Cuando esto ocurre estando acompañados, lo normal es preguntar a quien tenemos al lado, pero en solitario la única opción era rebobinar manualmente. Existía un truco en Apple TV que permitía resolver esto con Siri, pero ha dejado de funcionar.

Cómo activar subtítulos automáticos en Apple TV al retroceder

El método consiste en pulsar la flecha izquierda del mando de Apple TV en el instante en que no se ha comprendido una frase. En los mandos antiguos, sin flechas físicas, la acción equivalente es tocar la esquina superior izquierda de la superficie táctil.

Al hacerlo, la reproducción retrocede automáticamente unos segundos hasta el punto exacto donde se produjo el diálogo perdido.

Durante ese fragmento rebobinado, el sistema activa los subtítulos de forma automática, incluso si el usuario los tenía desactivados en la configuración general. Esto permite leer lo que no se llegó a escuchar sin necesidad de tocar ningún ajuste adicional.

Cuando la reproducción alcanza de nuevo el punto original desde el que se retrocedió, los subtítulos se desactivan solos, restaurando el estado previo de la reproducción sin intervención del espectador.

Compatibilidad con aplicaciones de streaming

Esta función no se limita al reproductor nativo de tvOS, presente en la app Apple TV. También está disponible en aplicaciones de terceros ampliamente utilizadas, como Netflix, HBO Max o Disney+, lo que la convierte en un recurso útil independientemente de la plataforma que se esté usando en el televisor.

No obstante, la compatibilidad no es total en todos los casos. En algunas aplicaciones, el gesto de retroceder no activa los subtítulos de forma automática. Cuando esto sucede, conviene prestar más atención al oído durante la repetición del fragmento, o bien activar los subtítulos manualmente antes de retroceder y desactivarlos después de leer el diálogo.

Una alternativa al antiguo comando de Siri

Antes de este método, existía otra forma de resolver el mismo problema: mantener pulsado el botón de Siri en el mando y decir en voz alta “¿Qué ha dicho?”. El asistente respondía retrocediendo la reproducción y mostrando los subtítulos de manera automática, replicando así el mismo efecto que ahora se consigue con la flecha izquierda del mando.

Ese comando de voz ya no está operativo, según Applesfera, aunque el resultado final que ofrece el nuevo método es equivalente. La diferencia principal está en la comodidad de uso, ya que el atajo por voz resultaba más práctico, en especial para quienes todavía utilizan los Siri Remote de generaciones anteriores, con una superficie táctil menos precisa que las flechas físicas de los mandos actuales.

Principales funciones del mando de Apple TV

El mando de Apple TV, conocido como Siri Remote, reúne en un cuerpo compacto varias funciones pensadas para facilitar la navegación y el manejo del contenido multimedia.

Su elemento principal es una superficie circular que combina botones direccionales con una zona táctil sensible al tacto. Esta parte permite deslizar el dedo en distintas direcciones para moverse con rapidez entre catálogos y menús, además de presionar los extremos para avanzar o retroceder de forma progresiva.

Cuando la reproducción está en pausa, es posible girar el dedo alrededor del borde exterior para ubicar una escena específica, de manera similar a como funcionaba la rueda de navegación de los antiguos reproductores de música portátiles.

El mando también incorpora un botón lateral dedicado a activar el asistente de voz, que permite buscar títulos por categoría, consultar información sobre el clima o manejar dispositivos conectados del hogar sin necesidad de escribir.

A esto se suma otro botón independiente que lleva directamente a la pantalla principal o permite cambiar de perfil con rapidez, junto con los controles físicos habituales para regular el volumen del televisor o del sistema de audio, ya sea por infrarrojos o mediante la conexión HDMI-CEC.

En cuanto a su funcionamiento interno, el dispositivo cuenta con una batería recargable mediante USB-C o Lightning, con una autonomía de varios meses por carga. Los modelos más nuevos suman además una función de localización precisa, integrada con la aplicación para encontrar dispositivos del iPhone, que ayuda a ubicar el mando cuando se pierde entre los almohadones del sillón mediante señales sonoras y una indicación de proximidad en pantalla.

El actor sostuvo que el afecto por otra persona o por un animal puede activar una fuerza que no siempre surge del cuidado propio. La conversación giró alrededor de una historia centrada en James y Odin, un perro que acompaña al personaje en un entorno aislado.

Pitt y Ayer también abordaron la presión de los rodajes, la amistad entre hombres, la preparación profesional y la necesidad de construir relaciones donde sea posible expresar miedos e inseguridades.

Brad Pitt situó el amor por Odin como motor de la historia

En diálogo con el conductor Jake Humphrey, el actor de 62 años explicó que la película muestra cómo un personaje encuentra razones para resistir cuando sus recursos se reducen. Señaló que las personas no siempre se cuidan a sí mismas con la misma determinación que muestran ante alguien a quien aman.

“No siempre somos lo mejor para nosotros mismos. No siempre nos cuidamos tanto. Pero cuando tienes a otro al que amas incondicionalmente, de ahí sale una fuerza increíble”, afirmó Pitt en el podcast.

Según el intérprete, esa idea guía el recorrido de su personaje. “Pelearías hasta la muerte por esa persona o esa cosa”, agregó, e identificó el vínculo con Odin como el impulso que sostiene al protagonista.

Ayer describió un despojo material y físico progresivo de James durante su permanencia en la naturaleza. “Tiene su avión y está haciendo una especie de glamping. Lleva todo su equipo, y luego se lo quitan. Después le quitan más cosas. Le quitan la salud y la movilidad”, explicó.

Para Ayer, hay un elemento que permanece intacto en medio de esa situación. “Lo único que no pueden quitarle es su corazón, su amor por Odin, su necesidad de proteger y cuidar a alguien fuera de sí mismo”, señaló el cineasta.

La amistad y la vulnerabilidad atravesaron la conversación

El entrevistador citó una cifra según la cual el 15% de los hombres estadounidenses afirma no tener amigos cercanos. A partir de ese planteo, Ayer defendió la necesidad de contar con personas ante quienes sea posible mostrarse sin máscaras.

“Una de las cosas más importantes que puedes tener es la capacidad de ser vulnerable con alguien que realmente te conoce”, sostuvo. El director definió a esas personas como “testigos de vida”, alguien que conoce el recorrido personal del otro.

Ayer añadió que recibió sus mejores consejos de quienes estaban cerca en momentos difíciles. También relacionó esa experiencia con la relación entre una persona y un perro: “No tienes que usar una máscara. Puedes presentarte exactamente como eres y recibir amor por eso”.

Pitt, por su parte, destacó que “tengo un círculo de amigos muy pequeño, pero muy cercano, desde hace mucho tiempo”. Esa confianza le permite hablar de inseguridades, preocupaciones y errores sin perder la complicidad.

El actor también vinculó esa apertura con el paso del tiempo y con una mayor capacidad para reconocer aquello que considera valioso. “Cuando envejeces, empiezas a ver qué es más valioso y qué fue lo más valioso”, aseguró.

El actor también vinculó esa confianza con los personajes de la película. Ambos atravesaron la guerra, el dolor y pérdidas personales, antes de buscar una vida más tranquila. “Están intentando encontrar la paz”, comentó Pitt, quien agregó que suele encontrar alivio en los paseos por el bosque.

Ayer comparó el trabajo de un rodaje con la Fórmula 1

Durante la entrevista, Ayer estableció un paralelismo entre un equipo de Fórmula 1 y el funcionamiento de un set de filmación. Mencionó la presencia de equipos técnicos complejos, tareas especializadas y profesionales que deben coordinarse en tiempos breves.

También aludió a la figura pública que lidera cada estructura. “Tienes un líder o un piloto, alguien que pones al frente de todo, que será la cara pública y que realmente lo arriesga todo”, afirmó.

Ayer destacó la conducta de Pitt durante el rodaje, en particular su decisión de permanecer junto al equipo en condiciones adversas. Recordó jornadas con frío, lluvia y traslados de equipos por una montaña, momentos en los que el actor esperaba fuera de cámara sin regresar al campamento base.

“Cuando alguien hace eso, quieres trabajar más rápido. Quieres cumplir por esa persona”, expresó el director. Pitt señaló que la experiencia previa de ambos en Fury facilitó la comunicación durante este nuevo proyecto. El actor afirmó que conocer parte de la historia personal del otro resultó útil para contar la historia en el tiempo disponible.

El afecto mutuo surgió al final de la entrevista

Ante la pregunta sobre qué se dirían el uno al otro, Ayer destacó el afecto que siente por Pitt, quien respondió en el mismo sentido y valoró el vínculo construido durante el trabajo conjunto.

El director también sostuvo que Pitt encontró en él una mejor versión como cineasta, una apreciación que el actor trasladó al terreno de la interpretación al considerar que Ayer consiguió de su parte una actuación superior a las que había ofrecido hasta entonces.

Al explicar qué entiende por alto rendimiento, Ayer señaló la importancia de la preparación, la práctica, el reconocimiento de las propias debilidades y la capacidad de escuchar las ideas de los demás. Pitt coincidió en la relevancia de prepararse y destacó especialmente el nivel de concentración necesario para conducir un automóvil de competición.

El actor explicó que la experiencia al volante le exigió mantener una atención absoluta durante el recorrido, anticipando cada curva y preparando de antemano la maniobra siguiente.

La actriz británica, que estuvo comprometida con el músico de The Beatles a fines de los años 60, anticipó que no verá la próxima película sobre la banda de Liverpool que llevará esa etapa de su vida a la pantalla.

La razón no responde a una objeción sobre el proyecto ni sobre la actriz que la interpretará. Explicó que prefiere evitar una situación que, según prevé, abriría otra vez preguntas sobre un vínculo que decidió no comentar desde hace décadas.

“No veré las películas, porque después todos me preguntarán qué pensé”, afirmó la actriz en una entrevista con The Telegraph.

Jane Asher no cambiará su postura sobre Paul McCartney

La producción cinematográfica de Sam Mendes abordará la historia de los cuatro integrantes de The Beatles en cuatro películas. La actriz Lucy Boynton asumirá el papel de Asher, mientras que Paul Mescal interpretará a McCartney.

La película incluirá el período de noviazgo entre ambos, que duró cuatro años y concluyó poco después de que anunciaran su compromiso, el 25 de diciembre de 1967.

Asher y McCartney se separaron el 20 de julio de 1968, cuando la actriz hizo pública su decisión de poner fin a la relación, en medio de versiones sobre una presunta infidelidad del músico.

Durante ese tiempo, el cantante compuso algunas de sus canciones más conocidas, entre ellas And I Love Her, en la casa de los padres de la actriz, ubicada en el barrio londinense de Marylebone.

La intérprete confirmó al diario británico que los realizadores se pusieron en contacto con ella por el proyecto. “Por supuesto que se acercaron a mí, pero les dije lo de siempre”, señaló. Esa respuesta remite a la decisión que tomó años atrás de no hablar públicamente sobre su relación con el ex Beatle.

“Decidí hace años que sería un tema en blanco”, subrayó Asher. También recordó que recibió propuestas económicas para referirse al asunto, aunque las rechazó: “La gente me ofrecía dinero para que hablara de eso, toda clase de cosas. Pero no lo haré. Fue hace mucho tiempo”.

Lucy Boynton interpretará a la actriz en las películas de Sam Mendes

El futuro estreno pondrá a Asher frente a una representación de su juventud, una posibilidad que no despertó mayores comentarios de su parte.

Boynton, protagonista de títulos como Bohemian Rhapsody, comparte representante con ella. Al ser consultada sobre la elección, respondió: “Bueno, por supuesto, Lucy es hermosa”.

La declaración evitó profundizar en las expectativas sobre la película y sostuvo la reserva que caracteriza sus intervenciones sobre McCartney.

La actriz británica fue una de las figuras reconocidas de la escena cultural de Londres durante los años 60, con trabajos en cine y teatro, además de su presencia en el entorno de la música popular de la época.

Asher construyó una carrera que abarcó desde producciones infantiles hasta papeles en obras de teatro, series y películas. Actuó junto a Michael Caine en Alfie, estrenada en 1966, y formó parte de Brideshead Revisited, en 1981.

También participó en Deep End, de Jerzy Skolimowski, y en la adaptación teatral de Festen, que se estrenó en el Almeida Theatre en 2004 y luego llegó al West End.

En paralelo, desarrolló una actividad vinculada con la gastronomía. Publicó libros de cocina y abrió una pastelería en Chelsea en 1990, negocio que dirigió durante 25 años. En 1981 se casó con el dibujante Gerald Scarfe, con quien tuvo tres hijos.

La actriz encarna a Isabel II en una gira teatral por Reino Unido

La entrevista con el medio británico se produjo durante los ensayos de By Royal Appointment, una comedia teatral de Daisy Goodwin en la que la actriz interpreta a la reina Isabel II.

La obra recrea conversaciones ficticias entre la monarca, su asistente de vestuario, su sombrerero y su diseñador antes de 16 apariciones públicas realizadas entre 1969 y septiembre de 2022.

La actriz definió el desafío de asumir el personaje como “un poco aterrador”, en parte por las interpretaciones previas de Helen Mirren e Imelda Staunton. Para acercarse a la figura de la reina, encontró una imagen que le permitió apartarse de la dimensión institucional: una fotografía de Isabel II recostada en una silla, con los pies sobre una mesa.

“Me di cuenta de que la reina era, al final del día, también una mujer. Eso me ayudó muchísimo”, relató Asher. También expresó su respaldo a la continuidad de la monarquía británica por contar con una jefatura de Estado “presuntamente neutral”.

La obra inició su gira nacional en el Arts Theatre de Cambridge y permanecerá allí hasta el 3 de octubre. Luego recorrerá otras ciudades del Reino Unido hasta el 6 de febrero.

A más de un año de su estreno, Las Guerreras K-pop continúa entre los títulos más buscados por el público. Netflix es la única plataforma digital con derechos oficiales para distribuir y reproducir la película a nivel global, y quienes intentan acceder a ella a través de sitios o aplicaciones no autorizadas se exponen a riesgos de seguridad digital y a posibles consecuencias legales.

La consulta sobre dónde ver el filme de forma legal se repite entre los usuarios que buscan evitar las webs piratas, cada vez más numerosas en internet. Solo a través de Netflix el público puede acceder a la producción con las garantías de legalidad y calidad que exige la exhibición de un estreno internacional.

Derechos exclusivos de distribución

La plataforma permite ver la película en alta definición o en 4K, según el tipo de suscripción y el dispositivo utilizado. También ofrece la posibilidad de seleccionar el audio y los subtítulos en varios idiomas, adaptados a la región y a la preferencia de cada usuario.

La disponibilidad del filme en Netflix se extiende a computadoras, celulares, tabletas, televisores inteligentes y consolas, gracias a la compatibilidad de su aplicación oficial con distintos sistemas operativos.

Cuenta oficial frente a las opciones no autorizadas

Acceder a la plataforma a través de una suscripción oficial garantiza una experiencia de reproducción segura y estable. El servicio permite crear perfiles personalizados, configurar controles parentales, ajustar la calidad de imagen según la conexión a internet disponible y elegir el idioma de audio o los subtítulos preferidos.

La suscripción también elimina la presencia de publicidad y protege los datos personales del usuario, algo que no ocurre con los servicios no oficiales. Netflix mantiene además una actualización constante de su catálogo y ofrece soporte técnico en varios idiomas, lo que facilita la resolución de incidentes o dudas relacionadas con la cuenta.

Otra función valorada por los suscriptores es la posibilidad de descargar la película en el dispositivo para verla sin conexión a internet, una opción útil para quienes viajan o no cuentan siempre con acceso a la red.

Los sitios piratas exponen los dispositivos a software malicioso

El uso de aplicaciones o sitios no oficiales para ver el filme implica riesgos concretos para la seguridad digital. Según ESET, muchas de estas aplicaciones no están disponibles en tiendas oficiales como Google Play Store o App Store, lo que obliga a los usuarios a descargar archivos desde sitios alternativos y sin los controles de calidad que exigen las tiendas reconocidas.

Una de las señales de alerta más frecuentes en estas apps es la solicitud de permisos excesivos, como el acceso total a archivos, cámara o micrófono del dispositivo. Instalar este tipo de software puede comprometer no solo el funcionamiento del equipo, sino la seguridad de toda la red doméstica conectada a él.

Entre los riesgos identificados figuran la posible entrada de malware, spyware, troyanos y otras herramientas diseñadas para el robo de información personal, entre ellas contraseñas y datos bancarios.

Consecuencias legales el consumo de contenido pirata

Recurrir a alternativas piratas para ver la película también puede derivar en consecuencias de tipo legal. Según INTERPOL, retransmitir o descargar contenido protegido sin autorización vulnera la propiedad intelectual de los titulares de los derechos.

El uso de estos servicios puede llevar al bloqueo del acceso por parte de los proveedores de internet e incluso a la apertura de procesos judiciales contra quienes distribuyen o consumen material sin licencia. El aumento de sitios web y aplicaciones piratas incrementa el riesgo de sanciones tanto para quienes los operan como para los usuarios individuales que acceden a ellos.

Las autoridades y las empresas del sector colaboran de forma activa para identificar y cerrar estos portales, lo que refuerza la recomendación de optar siempre por vías oficiales con los derechos de autor correspondientes.

Margaret Qualley y Sabrina Carpenter se sumaron al elenco de la nueva película biográfica sobre Fred Astaire, en la que Tom Holland interpretará al legendario bailarín y actor de Hollywood. Qualley, estrella de La Sustancia, dará vida a Adele Astaire, hermana mayor de Fred y su primera gran compañera de baile, mientras que Carpenter será Ginger Rogers, su célebre pareja en la pantalla.

El proyecto de Sony Pictures todavía no tiene título y estará dirigido por Paul King, responsable de Paddington y Wonka. El cineasta escribió el guion junto con Steven Levenson, a partir del libro The Astaires: Fred & Adele, de Kathleen Riley, quien también participa como consultora de guion e historia. La producción está a cargo de Amy Pascal, Rachel O’Connor, Tom Holland, Ben Holden y Josh Hyams, entre otros.

La historia de Fred y Adele Astaire

El filme pondrá especial atención en la relación profesional entre Fred y Adele, quienes comenzaron su carrera artística juntos como un número de vodevil. Los hermanos posteriormente alcanzaron reconocimiento en Broadway y el West End de Londres, antes de que Fred iniciara su etapa como estrella de cine.

Adele, el rol que tomará Margaret Qualley, es una figura menos conocida para el público actual que su hermano y Ginger Rogers. Según explicó Paul King, esa parte de la historia fue una de las razones que lo atrajeron al proyecto.

“Estoy encantado y honrado de que me hayan confiado contar la historia de Fred Astaire y su pareja de baile original —su hermana mayor Adele— en la pantalla grande”, declaró el director en un comunicado difundido por Variety. “El trabajo de Adele se ha perdido para la historia; de hecho, no sobrevive ninguna grabación de ella bailando”.

El regreso de Sabrina Carpenter a la actuación

Por su parte, Sabrina Carpenter, de 27 años, asumirá el papel de Ginger Rogers, la compañera de baile con quien Astaire protagonizó varias de sus películas más recordadas. Ambos trabajaron juntos por primera vez en Flying Down to Rio (1933) y realizaron nueve películas entre 1933 y 1939. En 1949 volvieron a compartir pantalla en The Barkleys of Broadway.

El papel supone además el regreso de Carpenter a una producción cinematográfica después de varios años en los que priorizó su carrera musical. La cantante comenzó su trayectoria como actriz en producciones de Disney, entre ellas Girl Meets World y Austin & Ally, y posteriormente participó en películas como Tall Girl, Clouds y Emergency.

Su trabajo como vocalista destacó recientemente con temas como “Please Please Please”, “Manchild” y “Taste”. Cabe recordar que Carpenter ha empleado varias referencias al Hollywood clásico en la estética asociada a su música.

Tom Holland volverá a bailar

Para Holland, el proyecto representa el regreso a sus raíces como bailarín. Antes de convertirse en Spider-Man, protagonizó Billy Elliot the Musical en el West End de Londres entre 2008 y 2010.

El actor fue elegido como Astaire en 2021 y ya comenzó su preparación para las escenas de baile. Holland ha expresado su intención de no utilizar dobles y realizar personalmente las coreografías, además de intentar filmarlas en una sola toma, en línea con la forma en que se realizaban las secuencias musicales durante la época de su personaje.

“Mis primeros ensayos me llenaron de emoción y absoluto pavor porque tengo muchísimo trabajo por delante para intentar hacerle justicia a Fred”, comentó Holland en Good Morning America.

La familia del artista también participa en el proyecto. Ava Astaire McKenzie, hija de Fred Astaire, manifestó su respaldo a la película, mientras que su hijo Tyler McKenzie se desempeña como consultor y coproductor.

Xuper TV APK v7.2.5 Descarga Gratis (Oficial) 2026, antes conocida como Magis TV, no cuenta con los permisos necesarios para reproducir contenido, por lo que su uso es ilegal. Instalar su archivo APK en celulares, televisores, tabletas o computadoras puede representar un riesgo para la ciberseguridad.

La empresa de ciberseguridad ESET advirtió que muchas aplicaciones de streaming no oficiales no están disponibles en tiendas como Google Play Store o App Store. Esto obliga a los usuarios a recurrir a sitios web alternativos, que suelen eludir los controles de calidad y seguridad de las plataformas oficiales.

Estos sitios pueden facilitar la distribución de software malicioso, capaz de comprometer tanto los dispositivos como las redes domésticas.

“Una de las señales de riesgo de estas apps es la excesiva habilitación de permisos especiales y críticos en el dispositivo. Estas aplicaciones pueden comprometer la seguridad del dispositivo y de toda la red doméstica y ser la puerta de entrada para malware, desde spyware y troyanos hasta herramientas diseñadas para robar información personal”, advirtió David González Cuautle, investigador de ESET Latinoamérica.

Además, la magnitud de los riesgos llevó a que Amazon Fire TV bloquee la descarga de esta aplicación, con el objetivo de priorizar plataformas legales que cuenten con los permisos correspondientes de derechos de autor.

Amazon reforzó el control sobre aplicaciones instaladas desde archivos APK, mediante un sistema que identifica plataformas incluidas en listas contra la piratería, debido a que este tipo de apps pueden incluir malware, spyware, publicidad invasiva y riesgos de robo de datos.

Por qué usar Xuper TV APK es peligroso

Usar Xuper TV puede ser peligroso porque una aplicación streaming no oficial puede solicitar permisos que van mucho más allá de lo necesario para reproducir series, películas o deportes.

Según un análisis de la empresa de ciberseguridad ESET, Magis TV —nombre con el que antes se identificaba la plataforma— pedía autorizaciones críticas e invasivas que no corresponden a una aplicación convencional de video bajo demanda.

Esos permisos pueden ser aprovechados con fines maliciosos y convertir una instalación aparentemente simple en un riesgo para la privacidad y la seguridad digital.

El principal problema es que la aplicación podría acceder a información y funciones sensibles del dispositivo.

Entre los permisos detectados figuran la lectura y modificación del almacenamiento externo, el acceso a audios, la consulta de tareas en ejecución y la capacidad de instalar paquetes adicionales.

En la práctica, estas autorizaciones pueden permitir el acceso a fotos, videos, documentos y grabaciones de voz, así como la eliminación o alteración de archivos.

Facilitan que el software envíe notificaciones no deseadas con spam, intentos de phishing o contenido inapropiado. Lo más grave es que un atacante podría usar los permisos para engañar al usuario e instalar malware o spyware presentado como una actualización legítima.

ESET advirtió que este tipo de aplicaciones podría descargar herramientas capaces de rastrear la geolocalización y recopilar fotos, mensajes, audios y videos para enviarlos a servidores externos sin consentimiento.

Por eso, el peligro no se reduce a la aplicación instalada: un dispositivo comprometido puede afectar la red doméstica y poner en riesgo a otros equipos conectados al mismo WiFi.

El problema también alcanza a los dispositivos de transmisión o decodificadores modificados, que pueden incluir software malicioso o permitir accesos remotos no autorizados. Instalar aplicaciones desde fuentes no confiables expone al usuario a spyware, troyanos e infostealers capaces de robar información.

Cómo ver películas y series gratis y de forma segura

Como alternativas gratuitas y legales, es recomendable YouTube, Pluto TV, Prime Video Free, RTVE Play y Tubi, plataformas que ofrecen películas, series, canales en vivo, documentales y programas con publicidad o contenido abierto, donde se pueden encontrar títulos como CSI Miami, The Walking Dead, Daredevil y Naruto.

Lionsgate puso en marcha una nueva película de Saw con Mike P. Nelson como director y el regreso de James Wan al trabajo creativo de la franquicia. El proyecto, producido junto con Atomic Monster y Blumhouse, todavía no tiene fecha de estreno en cines, argumento anunciado ni reparto confirmado.

El nuevo equipo creativo

Nelson trabajará a partir de un guion escrito por Gregory Weidman y Geoffrey Tock. Ambos guionistas también participan en la segunda temporada de Dune: La profecía y cuentan con créditos previos en producciones como El lado siniestro de la luna y Sin límites.

El director ya tiene experiencia dentro del terror. Entre sus trabajos se encuentran Wrong Turn: Sendero al infierno y Noche de paz, noche de horror, dos películas vinculadas con franquicias previas del género. Ahora quedará a cargo de trasladar a la pantalla las nuevas trampas y dilemas asociados con la saga creada en 2004.

Wan regresará como productor y tendrá una participación creativa mayor que en las entregas recientes. El cineasta explicó que la primera Saw marcó su carrera y que la elección del director requería a alguien capaz de respetar el origen de la serie. Según Wan, Nelson tiene una voz cinematográfica distintiva y un enfoque propio para el terror.

El equipo de producción incluye a Jason Blum, responsable de Blumhouse, y a Leigh Whannell, cocreador de Saw. Whannell escribió el guion de la película original y también formó parte de su elenco junto con Cary Elwes. La reunión vuelve a conectar la nueva producción con las personas que iniciaron la franquicia hace más de dos décadas.

Una entrega con identidad todavía incierta

Los reportes disponibles coinciden en el director, los guionistas y el regreso de Wan, pero presentan una diferencia importante sobre la identidad formal del proyecto. Una versión lo identifica como Saw 11 y sostiene que continuará la historia principal, sin recurrir a un reinicio. Otra señala que Lionsgate desarrolla una película nueva sin título numérico oficial después de cancelar el proyecto anterior de Saw XI.

Esa distinción importa porque Saw XI ya había atravesado problemas de producción. La secuela estaba planteada como continuación de Saw X, pero Lionsgate terminó descartándola pese a que sus responsables afirmaban tener una historia preparada. El anuncio de Nelson confirma que la franquicia seguirá activa, aunque todavía no permite saber si el estudio recuperó aquella secuela, reemplazó su guion o inició una película diferente.

Tampoco se informó en qué momento de la cronología estará ambientada. Saw X funcionó como una historia intermedia dentro de la serie y recuperó a John Kramer, interpretado por Tobin Bell, como figura central. El regreso de Bell no fue confirmado para la próxima producción, al igual que cualquier otro integrante del reparto.

La intención de continuar la línea original, mencionada en uno de los reportes, alejaría al proyecto de otro reboot. Ese término describe un reinicio que descarta o reorganiza la continuidad previa para comenzar una historia desde otro punto. Spiral: Saw intentó abrir una rama distinta con personajes nuevos, pero la siguiente película volvió a concentrarse en Kramer.

Del éxito de 2004 al regreso de James Wan

La primera Saw surgió como una producción de bajo presupuesto dirigida por Wan. Costó alrededor de 1,2 millones de dólares, se presentó en el Festival de Cine de Sundance de 2004 y terminó recaudando 103 millones de dólares. Ese rendimiento permitió que Lionsgate estrenara nuevas entregas cada año hasta Saw VII 3D, lanzada en 2010.

La serie permaneció siete años sin películas antes de regresar con Saw VIII. Más tarde llegó Spiral: Saw, planteada como una nueva entrada al concepto, y en 2023 se estrenó Saw X. Esta última retomó una etapa anterior de la historia de Kramer y abrió el camino para una continuación que finalmente quedó atrapada en cambios internos.

La participación activa de Wan es uno de los principales cambios respecto de las películas recientes. El cineasta también creó las franquicias Insidious y El conjuro, mientras Atomic Monster pasó a trabajar junto con Blumhouse tras la unión de ambas productoras. Para la próxima Saw, Wan compartirá tareas de producción con Blum y Whannell.

Lionsgate mantiene bajo reserva el argumento, la lista de actores y la ubicación cronológica de la película. Tampoco comunicó cuándo comenzará el rodaje ni fijó una fecha oficial para su estreno en cines.

El auge de las plataformas de streaming por suscripción y la fragmentación de sus catálogos ha provocado que un sector considerable de usuarios busque alternativas gratuitas para acceder a producciones cinematográficas y televisión en vivo. En este escenario, aplicaciones no autorizadas como Xuper TV han ganado popularidad en teléfonos inteligentes, tablets y televisores inteligentes (Smart TVs).

La promesa de acceso ilimitado sin costo monetario directo oculta una arquitectura informática diseñada para monetizar la privacidad, los datos personales y la capacidad de procesamiento de los dispositivos instalados.

La distribución fuera de tiendas oficiales y la vulnerabilidad del sideloading

A diferencia de las aplicaciones legítimas, Xuper TV no está disponible en tiendas oficiales como Google Play Store o App Store porque viola las políticas de derechos de autor y las directrices de seguridad de dichas plataformas. Para instalar este software, los usuarios deben recurrir al proceso conocido como sideloading: la descarga de archivos ejecutables en formato APK desde repositorios de terceros o sitios web no verificados.

Este procedimiento exige que el usuario desactive manualmente las protecciones nativas del sistema operativo y permita la “instalación desde fuentes desconocidas”. Al anular esas barreras, el sistema queda expuesto a la inyección de código malicioso. Los archivos APK modificados de Xuper TV suelen actuar como troyanos (trojans): integran el reproductor de video prometido junto con capas ocultas de spyware o descargadores automatizados (droppers) que instalan malware adicional sin autorización ni conocimiento del usuario.

Permisos abusivos: la puerta de entrada para el spyware

Durante la instalación o en el primer arranque, Xuper TV solicita permisos que no guardan relación técnica con la reproducción de contenido audiovisual. La aplicación suele pedir acceso a la memoria interna del dispositivo, la lista de contactos, la ubicación precisa mediante GPS, la cámara, el micrófono e incluso los servicios de accesibilidad del sistema operativo.

El acceso a los servicios de accesibilidad es una de las vulnerabilidades más críticas en el entorno Android. Cuando el usuario concede ese permiso a una aplicación maliciosa, le otorga la capacidad de leer todo lo que aparece en pantalla, registrar las pulsaciones de teclas (keylogging), interceptar mensajes de texto de autenticación en dos pasos (2FA) y pulsar automáticamente botones de confirmación. La aplicación puede así realizar acciones en segundo plano sin que el propietario del teléfono perciba actividad anómala alguna.

Cryptojacking: secuestro de recursos y degradación del hardware

Sostener servidores de transmisión de video de alta definición requiere una infraestructura sumamente costosa. Al no cobrar una suscripción formal, los desarrolladores de Xuper TV y aplicaciones similares recurren a métodos invasivos de monetización, siendo el cryptojacking uno de los más extendidos.

Mediante este mecanismo, el código de la aplicación ejecuta algoritmos de minería de criptomonedas en segundo plano mientras el usuario ve una película, o incluso cuando la pantalla del dispositivo está apagada. El proceso exige que el procesador (CPU) y el chip gráfico (GPU) operen a máxima capacidad de forma ininterrumpida.

La consecuencia inmediata es un sobrecalentamiento extremo del equipo, la degradación prematura de la batería de litio, lentitud generalizada en el sistema operativo y, en casos graves, daños irreversibles en los componentes de hardware de televisores o dispositivos móviles.

Infección en red y reclutamiento en redes botnet

El peligro de Xuper TV no se limita al dispositivo donde se instala: se extiende a toda la red local (Wi-Fi) del hogar. Cuando la aplicación se ejecuta en un Smart TV o en un dispositivo como un Android TV Box —equipos que rara vez cuentan con software antivirus o actualizaciones de seguridad periódicas—, el ejecutable malicioso puede rastrear la red doméstica en busca de otras vulnerabilidades.

A través de ese mapeo interno, la aplicación infectada puede convertir el dispositivo en un nodo o proxy dentro de una red de robots informáticos (botnet). Estas redes son alquiladas en el mercado negro por ciberdelincuentes para lanzar ataques masivos de denegación de servicio (DDoS), distribuir correo basura (spam) o enmascarar tráfico ilegal a través de la dirección IP residencial del usuario. En la práctica, la conexión a internet del hogar queda disponible para cometer ilícitos sin el consentimiento del titular de la línea.

Robo de credenciales financieras y sustracción de datos

La integración de herramientas de monitoreo en segundo plano convierte los dispositivos infectados en puntos de fuga de información confidencial. El malware empaquetado en plataformas como Xuper TV puede identificar aplicaciones bancarias, billeteras virtuales y billeteras de criptomonedas instaladas en el mismo equipo.

Mediante técnicas de superposición de pantallas (overlay attacks), el software malicioso despliega un formulario falso idéntico al de la entidad bancaria del usuario en el momento en que este intenta ingresar a su cuenta. Al introducir la contraseña o los datos de la tarjeta de crédito, la información es capturada y transmitida a servidores remotos controlados por los atacantes, lo que facilita la sustracción de fondos y la suplantación de identidad.

Más de un año después de su estreno mundial, la banda sonora de Las guerreras K-pop continúa entre las más reproducidas en Spotify y el interés por sus protagonistas se mantiene entre las búsquedas más frecuentes en Google.

La película, conocida internacionalmente como K-Pop Demon Hunters y disponible en Netflix, combina animación, acción y música alrededor de un grupo de ídolos que oculta una misión secreta: proteger a la humanidad de fuerzas demoníacas.

El grupo HUNTR/X: carrera musical y caza de demonios

Las protagonistas son Rumi, Mira y Zoey, integrantes del grupo ficticio HUNTR/X. Dentro del universo de la película, no son solo estrellas del K-pop: también funcionan como cazadoras de demonios. Sus canciones y presentaciones en vivo generan una barrera de energía destinada a contener a las criaturas que buscan infiltrarse en el mundo humano, robar almas y aprovecharse del miedo y las inseguridades de las personas.

A ese conflicto se suma el dilema personal de Rumi, quien debe enfrentar una verdad sobre su propia identidad que ha mantenido oculta a lo largo de la historia.

Las voces detrás del grupo pertenecen a EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami, mientras que las actrices que dan vida a los personajes en la versión animada son Arden Cho, May Hong y Ji-young Yoo. La banda sonora también incluye la participación de Lea Salonga y de tres integrantes de TWICE —Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung—, quienes interpretan una versión especial de “Takedown”.

Saja Boys, el quinteto que esconde una identidad demoníaca

El equilibrio de la historia se rompe con la aparición de los Saja Boys, una banda masculina rival que, bajo una estética de ídolos de K-pop, esconde su verdadera naturaleza. El grupo está integrado por cinco personajes: Jinu Saja, quien ejerce el liderazgo, Abby Saja, Mystery Saja, Romance Saja y Baby Saja.

Su objetivo es capturar la devoción y las almas de sus seguidores a través de la música. El tema insignia del grupo, “Your Idol”, fue concebido dentro del relato para simbolizar el control hipnótico que ejercen sobre el público de un estadio.

Golden, el himno que llevó a

Según el ranking de canciones más reproducidas en Spotify, “Golden”, interpretada por HUNTR/X, encabeza la lista como el himno principal de la película. Se trata de una pista pop centrada en el empoderamiento personal, que aborda dejar de esconderse y abrazar la identidad propia. El tema llevó a las intérpretes reales a ganar un premio Grammy en 2026, la primera vez que una canción de K-pop surgida de una película obtiene ese galardón.

“Soda Pop”, de los Saja Boys, ocupa el segundo lugar del ranking. Es un tema pop pegadizo cuya letra compara la atracción y la fama con una bebida adictiva, mientras su ritmo encubre las intenciones demoníacas del grupo bajo una fachada inofensiva.

En tercer lugar aparece “Your Idol”, también de los Saja Boys, presentada como una actuación climática del grupo antagonista. Musicalmente se plantea como un éxito sobre la devoción entre ídolos y seguidores, aunque en la trama funciona como un ritual oscuro para capturar almas y convocar al rey demonio.

El cuarto puesto corresponde a “How It’s Done”, de HUNTR/X, un tema con fuerte presencia de rap que combina la vida de las protagonistas como estrellas con su faceta secreta de cazadoras de demonios. Cierra el listado “What It Sounds Like”, también de HUNTR/X, balada final centrada en la aceptación de las propias heridas y en encontrar belleza en las partes rotas de uno mismo.

La banda sonora superó registros del Billboard y del streaming

Más allá del ranking de Spotify, la producción se convirtió en la primera banda sonora de una película en colocar cuatro canciones simultáneas en el Top 10 del Billboard Hot 100 y encabezó el Billboard 200. “Golden” permaneció durante semanas en el primer puesto del Billboard Global 200 y generó desafíos virales en redes sociales.

En paralelo, Las guerreras K-pop registró 63 semanas consecutivas —más de nueve meses— en el Top 10 global de Netflix, lo que la posicionó como el título original más visto en la historia de la plataforma. Durante la temporada de premios de 2026, la cinta obtuvo diez premios Annie en la categoría de animación y alcanzó el Óscar a la Mejor Película de Animación.

El fenómeno se extendió más allá de la pantalla

El interés por la película trascendió el streaming musical: tras agotar entradas en funciones especiales y versiones para cantar en cines de tres continentes, la producción superó los 24,9 millones de dólares en taquilla. Durante 2026, la franquicia amplió su presencia con incursiones en videojuegos y cartas tácticas, dentro de la estrategia de inversión de Netflix en contenidos coreanos.

El público también mantiene un interés constante por elementos del chamanismo coreano presentes en la obra, como el uso de dagas rituales conocidas como Shin-kal y la simbología de las criaturas que enfrentan las protagonistas. La combinación entre artistas reales y personajes ficticios, junto con la representación de la cultura coreana sin recurrir a estereotipos occidentales, continúa impulsando el contenido derivado en redes sociales, donde los usuarios reimaginan a los Saja Boys y a HUNTR/X dentro de otros universos de animación.

Una camarera atrapada en una trama criminal

La historia sigue a una camarera que trabaja en un yate privado y acaba de perder al amor de su vida. Su situación cambia cuando conoce a un enigmático forastero, interpretado por Depp, con quien establece un vínculo inesperado. El encuentro termina involucrándola en una trama criminal que incluye elementos sobrenaturales.

El personaje de Depp es descrito como un bebedor diurno, origen del título en inglés. El avance lo muestra dentro de una propuesta centrada en enfrentamientos físicos, amenazas criminales y criaturas sobrenaturales, una combinación que acerca la película al tipo de acción directa popularizada por John Wick.

Cline interpreta a la camarera que queda en el centro del conflicto. La información difundida también menciona a una mujer con una posición relevante dentro del ambiente criminal, aunque las fuentes disponibles no detallan el personaje ni explican cómo se relaciona con el protagonista.

Marc Webb dirige el proyecto a partir de un guion de Zach Dean, responsable de La guerra del mañana y El abismo secreto. Webb es conocido por películas como The Amazing Spider-Man, The Amazing Spider-Man 2: El poder de Electro, 500 días juntos y Un don excepcional.

Johnny Depp y Penélope Cruz trabajan juntos por cuarta vez

Sed de sangre representa la cuarta colaboración cinematográfica entre Depp y Penélope Cruz. Los dos actores compartieron elenco anteriormente en Blow, Piratas del Caribe: En mareas misteriosas y Asesinato en el Orient Express.

El reparto principal incorpora una presencia española amplia. Junto con Cruz aparecen Manu Ríos, Arón Piper, Juan Diego Botto y Javier Botet. La participación de estos intérpretes está vinculada con el carácter de coproducción entre Estados Unidos y España que tiene el proyecto.

La película será uno de los trabajos de mayor exposición comercial de Depp desde el juicio con su exesposa, Amber Heard, un proceso que tuvo un fuerte impacto público sobre su carrera. Desde entonces, su actividad cinematográfica como protagonista se redujo, por lo que el estreno tendrá una atención particular sobre su retorno a una producción de acción distribuida por un estudio importante.

En paralelo, surgieron reportes sobre un posible acercamiento entre el actor y Disney para que vuelva a interpretar a Jack Sparrow en una futura entrega de Piratas del Caribe. Ese regreso no fue confirmado oficialmente y permanece separado de Sed de sangre, cuyo lanzamiento ya forma parte del calendario de Lionsgate.

Producción y fechas de estreno

Sed de sangre reúne a varias productoras: 30West, Lionsgate, Lit Entertainment Group, Thunder Road Pictures, Nostromo Pictures, Skydance Productions e IN.2 Film. La participación de Nostromo Pictures se integra en la estructura de coproducción entre Estados Unidos y España.

Las fuentes disponibles presentan una diferencia sobre el día exacto del lanzamiento. Una sitúa el estreno el 26 de marzo de 2027, mientras que la información asociada a Diamond Films lo fecha para el 28 de marzo en los cines estadounidenses. En ambos casos, la ventana prevista es el último fin de semana de ese mes.

La distribución internacional todavía no está completamente detallada. Diamond Films presentó el avance y confirmó el título Sed de sangre para el mercado hispanohablante.

La transformación de Nicolas Cage

El primer adelanto muestra a Cage con una transformación física marcada para interpretar al robusto entrenador durante sus años al frente de los Oakland Raiders. La historia se concentra en la sociedad deportiva y personal de Madden con Al Davis, encarnado por Christian Bale, y en el camino que llevó al equipo a ganar el Super Bowl.

La película también abordará el final de la carrera de Madden como entrenador, ocurrido a finales de la década de 1970. Según la información difundida sobre el argumento, sus últimas temporadas quedaron atravesadas por una úlcera sangrante y por las consecuencias de no atender el diagnóstico con suficiente seriedad. El problema de salud terminó empujándolo a tomar la decisión de abandonar profesionalmente el trabajo que había definido esa etapa de su vida.

El retiro de los bancos no significó una separación prolongada del fútbol americano. Madden encontró otra forma de mantenerse vinculado al deporte al convertirse en comentarista. Su estilo frente al micrófono lo llevó a ser una de las voces más reconocibles de la NFL, una faceta que la película presentará como el puente entre su carrera como entrenador y su posterior llegada a los videojuegos.

El avance destaca el trabajo gestual y vocal de Cage, además del maquillaje utilizado para cubrir diferentes períodos de la vida del protagonista. La intención es mostrar tanto al entrenador en plena actividad como al hombre obligado a reconstruir su carrera después de dejar los Raiders.

Del campo de juego a EA Sports

Uno de los ejes principales de Madden será el encuentro del exentrenador con Trip Hawkins, fundador de Electronic Arts e interpretado por John Mulaney. Hawkins convenció a Madden de prestar su nombre y sus conocimientos para desarrollar una simulación de fútbol americano que buscaba representar el deporte con mayor fidelidad.

La participación de Madden fue más allá de una licencia comercial. Sus conocimientos tácticos ayudaron a definir una serie que terminaría convertida en uno de los lanzamientos deportivos recurrentes de EA Sports. La franquicia Madden NFL comenzó en 1988 y recibió entregas anuales desde entonces, con la excepción de 1989, según la cronología citada por la producción.

Ese tramo conecta la película con una audiencia que conoce el apellido Madden principalmente por los videojuegos. El relato explicará cómo una figura surgida de los Raiders pasó de dirigir partidos y comentarlos en televisión a colaborar con una marca distribuida internacionalmente. También permitirá ver los primeros pasos de una relación entre el deporte profesional, las licencias oficiales y las simulaciones anuales.

El recorrido planteado abarca así tres ocupaciones distintas: entrenador, comentarista y asesor de videojuegos. Todas estuvieron ligadas al fútbol americano, incluso después de que su estado de salud le impidiera continuar trabajando al costado del campo.

El reparto y el equipo creativo de Madden

Russell escribió el guion junto con Cambron Clark. El director, nominado al Premio de la Academia y responsable de películas como El lado bueno de las cosas y La gran estafa americana, vuelve a trabajar con un elenco encabezado por dos actores ganadores del Oscar.

Junto a Cage, Bale y Mulaney aparecen Kathryn Hahn, Sienna Miller, Shane Gillis y Dan Matteucci. La información publicada hasta ahora no detalla los personajes de todos ellos, aunque el argumento ubica la relación entre Madden y Davis como el centro personal del relato.

La producción representa otro trabajo de Cage para Amazon después de Spider-Noir, serie que no continuará con nuevas temporadas. En esta ocasión, su interpretación cubre varias etapas de una figura conocida dentro del deporte estadounidense, la televisión y los videojuegos.

Madden estará disponible exclusivamente en Prime Video desde el 18 de noviembre de 2026.

La película llegó a los cines después de un prolongado período de incertidumbre sobre su distribución. Su recorrido fuera de la pantalla guarda, además, una relación directa con el conflicto de la trama: Wile E. Coyote demanda a ACME, la empresa cuyos productos fallidos han acompañado sus intentos de atrapar al Correcaminos.

Según informó SensaCine, el filme obtuvo una buena recepción a nivel global tras su estreno. Sin embargo, uno de los puntos que abrió debate fue que el personaje no logra imponerse en el juicio contra la compañía.

El juicio contra ACME termina sin la victoria que esperaba el Coyote

La historia presenta al Coyote como un cliente que busca responsabilizar a ACME por los reiterados accidentes provocados por sus artefactos. Durante el proceso judicial, el personaje queda expuesto como alguien marcado por fracasos continuos, una condición que remite a los cortometrajes clásicos en los que sus planes terminan con explosiones, caídas o golpes.

El desenlace conserva esa lógica. El Coyote pierde el juicio, pese a que la película también introduce consecuencias para otros personajes: el abogado vinculado a la empresa queda comprometido por las pruebas y el bufete de abogados logra mantenerse en funcionamiento gracias a la intervención de otros integrantes de los Looney Tunes.

La resolución no convierte al protagonista en un ganador en los términos habituales de una historia judicial. En cambio, plantea un cambio en el vínculo entre el Coyote y el Correcaminos. El personaje descubre que su rival lo considera un amigo y que existe alguien que se preocupa por él, incluso dentro de una relación definida desde hace décadas por la persecución.

Esa elección fue cuestionada por espectadores que esperaban que la demanda concluyera con una compensación o con una condena para ACME. La película opta por mantener al personaje en una situación reconocible para quienes conocen su trayectoria animada, aunque incorpora una dimensión afectiva que no suele ocupar el centro de los cortos.

Dave Green vincula el cierre con la esencia de los cortometrajes clásicos

Para Dave Green, la clave del final está en distinguir entre el objetivo aparente del juicio y la motivación central del Coyote. El director sostuvo que el personaje desea atrapar al Correcaminos y que esa meta es la que organiza sus días, más allá de los resultados de cada intento.

“La película trata sobre lo que quiere el Coyote. Y lo que quiere es pillar al Correcaminos”, explicó Green en declaraciones recogidas por SensaCine. A su juicio, la persistencia del Coyote contiene una idea simple: el personaje conserva una meta y vuelve a intentarlo aun cuando sus planes fracasan.

El cineasta señaló que el recorrido del protagonista puede impulsar al público a volver a los materiales originales. “Te hace querer volver y ver algunos cortos clásicos”, afirmó al referirse al efecto que buscaba con el cierre de la película. Así, la derrota legal no cancela la dinámica conocida, sino que devuelve al Coyote a la persecución que define su identidad.

La decisión también permite que el filme conecte su argumento con la historia de su distribución. La producción atravesó años de incertidumbre antes de llegar a las salas, por lo que su estreno añadió otra capa a una narración sobre un personaje que persiste frente a obstáculos reiterados.

Lana Condor interpreta el “quizá mañana” como una idea de perseverancia

La actriz Lana Condor, una de las coprotagonistas, identificó en el tramo final un mensaje relacionado con la capacidad de volver a intentarlo. La frase “O quizá mañana”, presente cerca del cierre, condensa para ella la posición de un personaje que no abandona su objetivo aun después de una nueva derrota.

“La esperanza es la que te mueve. Potencialmente, quizá mañana, triunfarás”, declaró Condor al medio especializado. La actriz vinculó esa lectura con la red de apoyo que encuentra el Coyote y con la posibilidad de sostener una meta incluso cuando los resultados inmediatos son adversos.

El final, por lo tanto, no modifica el rasgo central del personaje ni resuelve su rivalidad con el Correcaminos. El Coyote seguirá persiguiendo a su objetivo, con la diferencia de que ahora conoce el afecto que existe detrás de esa rutina. La última idea queda abierta bajo la misma promesa que atraviesa la película: quizá mañana.

John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein confirmaron en una entrevista reciente con Empire que ya escribieron el guion para continuar Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones. Los directores quieren regresar y Hasbro, propietaria de la franquicia, respalda el proyecto, pero la película todavía necesita un socio que aporte la financiación. El principal obstáculo son los resultados comerciales de la entrega estrenada en 2023: recaudó US$205,4 millones frente a un presupuesto de US$150 millones.

Un guion terminado y ganas de regresar

La posible secuela está más avanzada en el terreno creativo de lo que se conocía. Daley y Goldstein no hablaron de una idea preliminar ni de conversaciones informales: ambos aseguran que el libreto ya existe y que están conformes con el trabajo realizado.

“Siempre hay esperanza. Escribimos un guion que podría convertirse en película y Hasbro está muy a favor de realizarla. Creo que necesitan un socio para llevarla a cabo”, explicaron los cineastas. Goldstein resumió la dificultad con una broma: “Así que, si tenéis amigos multimillonarios y frikis, enviádnoslos”.

Los directores también señalaron que disfrutaron volver a trabajar con los protagonistas y con la dinámica grupal presentada en la primera entrega. Al tratarse de una continuación, el nuevo relato podría avanzar sin dedicar su primer acto a explicar quiénes son los personajes, cómo se conocieron o cuáles son las reglas básicas de ese mundo fantástico.

Daley y Goldstein dirigieron la película de 2023 y participaron en su guion junto con Chris McKay y Michael Gilio. El resultado combinó comedia, aventura y elementos reconocibles del juego de rol, como dragones, magos, bárbaros y criaturas específicas de sus campañas. Los cineastas regresaron recientemente con Mayday, estrenada en Apple TV.

Por ahora no se revelaron detalles de la historia escrita para la continuación. Tampoco está confirmado qué integrantes del reparto volverían, si el proyecto consigue financiación. La primera película estuvo encabezada por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Regé-Jean Page, Justice Smith, Hugh Grant y Sophia Lillis, entre otros intérpretes.

La taquilla que complica el regreso

Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones tuvo una recepción muy favorable. Tanto la crítica como el público le otorgaron índices de aprobación superiores al 90% en Rotten Tomatoes, pero ese respaldo no se tradujo en suficientes entradas vendidas durante su paso por los cines.

La producción costó alrededor de US$150 millones y terminó su recorrido comercial con US$205,4 millones recaudados en todo el mundo. Según las cifras citadas, habría necesitado acercarse a US$425 millones para alcanzar la rentabilidad. Esa diferencia explica por qué una secuela no recibió luz verde inmediata, pese a las críticas positivas y al interés de sus responsables.

El costo también limita las alternativas. Una película de estas características requiere escenarios extensos, criaturas fantásticas, efectos visuales y un elenco numeroso. Reducir de forma drástica el presupuesto podría obligar a modificar la escala del guion o la propuesta visual que distinguió a la primera entrega.

La situación deja una tensión clara: la historia tiene continuación escrita y Hasbro quiere realizarla, pero el antecedente comercial convierte una inversión similar en un riesgo. Las buenas valoraciones tampoco generaron el efecto de recomendación necesario para compensar el estreno inicial en salas.

El socio que falta y otras rutas

Hasbro necesita encontrar un socio financiero dispuesto a compartir el costo y el riesgo de la producción. Uno de los reportes plantea que Paramount, distribuidora de la primera película, ya no estaría interesada en ocupar ese lugar, aunque no existe una confirmación directa del estudio ni de los directores.

Tampoco hay un acuerdo anunciado con otra productora o plataforma. Nombres como Amazon y Prime Video fueron mencionados como posibilidades teóricas por sus antecedentes con grandes producciones de fantasía, pero ninguna de las partes comunicó negociaciones para rescatar la secuela. Una adaptación del guion al cómic también fue planteada como una salida más económica, sin anuncios oficiales que indiquen que esa opción esté en marcha.

La franquicia sí mantiene proyectos audiovisuales separados de Honor entre ladrones. Las fuentes coinciden en que Netflix trabaja con una serie vinculada a Dungeons & Dragons, aunque difieren sobre su identidad: un reporte menciona Ravenloft y otro la presenta como The Forgotten Realms. Este último nombre remite al escenario de campaña utilizado por la película, pero no se espera que la producción continúe las aventuras del mismo grupo de protagonistas.

La serie de Netflix no resuelve el futuro de la secuela cinematográfica, que permanece como un proyecto independiente. Hasta ahora, Hasbro no anunció un socio financiero, una fecha de rodaje, el regreso del elenco ni una ventana de estreno.

Warner Bros. Pictures presentó el primer teaser de Gremlins 3, con Gizmo asomándose desde una mochila, y anunció que la película llegará a los cines el 6 de octubre de 2028. La secuela estaba prevista originalmente para el 19 de noviembre de 2027, por lo que su estreno fue postergado casi once meses.

El regreso de Gizmo

El adelanto dura apenas unos segundos y comienza con una mochila situada en un ambiente oscuro, rodeado de niebla. Mientras la cámara se acerca, desde el interior se escuchan los sonidos característicos de un Mogwai. La abertura cede poco a poco hasta que Gizmo consigue sacar la cabeza.

El personaje mantiene sus rasgos más reconocibles: grandes ojos, orejas prominentes y la expresión amable que contrastaba con el caos provocado por los Gremlins en las películas anteriores. El plano también recupera una imagen habitual de la saga, que solía presentar a sus criaturas escondidas dentro de objetos o forcejeando para salir.

Warner Bros. Pictures no reveló escenas de la historia ni mostró a otros personajes. El teaser funciona como una confirmación visual del regreso de Gizmo y termina con la nueva fecha de lanzamiento. Tampoco se informó el motivo oficial del retraso, de modo que cualquier posible relación con el calendario del estudio o con los tiempos de producción sigue sin estar confirmada.

La elección del 6 de octubre ubica la película en plena temporada previa a Halloween, una ventana compatible con su combinación de comedia y terror. Aun así, el cambio prolonga una espera que ya supera las tres décadas: cuando la tercera entrega llegue a las salas, habrán pasado 38 años desde la película anterior.

Una saga ausente del cine desde 1990

La primera Gremlins, dirigida por Joe Dante, se estrenó en 1984. La película combinó humor negro, elementos navideños, violencia y criaturas diseñadas mediante efectos prácticos. También contó con la participación de Amblin Entertainment, la productora vinculada a Steven Spielberg.

Dante volvió seis años después para dirigir Gremlins 2: la nueva generación, estrenada en 1990. La secuela no repitió el rendimiento de la película original, pero las dos producciones mantuvieron seguidores durante las décadas posteriores. Desde entonces, Gizmo y los Gremlins no protagonizaron otra cinta para salas comerciales.

Warner llevaba al menos desde 2013 explorando la posibilidad de realizar una nueva entrega. Durante ese período, el principal lanzamiento de la propiedad fue Gremlins: los secretos de los Mogwai, una serie animada de dos temporadas distribuida por HBO Max. La producción amplió la historia de las criaturas, aunque no reemplazó el esperado retorno cinematográfico en acción real.

Parte del interés por la tercera película está ligado al posible uso de criaturas animatrónicas, es decir, muñecos físicos con mecanismos internos que permiten mover el rostro y otras partes del cuerpo. Ese recurso fue decisivo para la apariencia de Gizmo y los Gremlins en las entregas originales. El breve teaser permite ver nuevamente al personaje, pero todavía no ofrece detalles técnicos sobre cómo fue realizado ni sobre la combinación de efectos que empleará la película completa.

Chris Columbus toma el control de la secuela

Chris Columbus, guionista vinculado a las dos películas anteriores, dirigirá y producirá Gremlins 3. También trabajó en un borrador del guion junto con Zach Lipovsky y Adam B. Stein, mientras que Hannah Marks quedó a cargo de preparar la versión final.

Columbus llevaba años manifestando su interés en recuperar la saga. Warner Bros. Pictures terminó por poner en marcha el proyecto y anunció inicialmente su estreno para noviembre de 2027. El nuevo calendario extiende el proceso hasta octubre de 2028, aunque el estudio todavía no comunicó cuándo comenzará el rodaje, qué actores integrarán el reparto o cuál será el conflicto central.

El teaser tampoco aclara si regresarán personajes humanos de las películas anteriores. Por ahora, Gizmo es el único personaje confirmado mediante imágenes y el principal vínculo visible con las producciones estrenadas en 1984 y 1990.

La nueva fecha deja a Gremlins 3 programada para el 6 de octubre de 2028, casi once meses después del lanzamiento anunciado originalmente y 38 años después de Gremlins 2: la nueva generación.

La película presenta a Digger Rockwell, un excéntrico y multimillonario magnate petrolero interpretado por Cruise. Cuando una de sus operaciones de perforación en Groenlandia provoca una catástrofe ambiental que afecta al planeta, el empresario debe intentar solucionar una crisis que él mismo ayudó a provocar.

El elenco incluye a Riz Ahmed, John Goodman, Sandra Hüller, Michael Stuhlbarg y Jesse Plemons. La historia combina sátira, comedia negra, drama y elementos apocalípticos, una mezcla que precisamente está en el centro de las opiniones enfrentadas de los primeros críticos.

Tom Cruise es uno de los puntos más elogiados

Si hay un aspecto que aparece con frecuencia entre las reacciones positivas es la actuación de Cruise. El actor interpreta a Digger bajo un elaborado maquillaje y prótesis y se aleja de los héroes de acción que dominaron buena parte de su filmografía reciente.

Jim Hemphill, de IndieWire, escribió que la película “no solo muestra la mejor actuación de Tom Cruise desde Magnolia, sino que es una de las películas de estudio más inventivas visualmente, conceptualmente audaces e impredecibles jamás realizadas”.

Por su parte, Jake Hamilton también definió el trabajo interpretativo de Cruise como uno de “los mejores de su carrera”. Para el crítico, Digger tiene elementos de Kubrick y Black Mirror, aunque también presenta una identidad propia.

Riz Ahmed es otro talento que aparece entre los nombres destacados. Clayton Davis, de Variety, elogió su trabajo junto al de Cruise y John Goodman, mientras Kristen Lopez calificó al actor de “genial” y consideró sólida la interpretación de Cruise.

El apartado visual también es uno de los puntos fuertes. Davis destacó la fotografía y el diseño de producción, mientras otros críticos resaltaron el trabajo de Emmanuel Lubezki, director de fotografía de la película, rodada completamente en VistaVision.

Una película que también desconcertó a los críticos

La propuesta de Iñárritu, sin embargo, no convenció a todos. Clayton Davis reconoció el riesgo asumido por el director, aunque señaló que algunas ideas no terminan de encajar.

“Al final, no todos los puntos conectan y desearía que la película se hubiera inclinado más hacia el absurdo y la sátira que buscaba. ¡Sorpresa! La polarización sobre esta película será enorme”, escribió el periodista.

Otra crítica, Kristen Lopez, describió Digger como “una película muy irregular”. Según su lectura, el concepto resulta interesante, aunque el filme explica sus ideas de una manera demasiado directa. También elogió a Ahmed y la actuación de Cruise.

Mike Ryan tuvo una reacción similarmente ambivalente. Reconoció que Cruise está “dándolo todo”, aunque consideró “desconcertantes” algunas decisiones de la trama y describió la película como “generalmente desagradable”.

Asimismo, Joey Magidson, de Awards Radar, calificó la cinta como “un desastre” y aseguró que “no funciona mucho” de lo que propone. Edward Douglas también cuestionó el resultado, aunque reconoció que podía entender lo que Iñárritu y Cruise buscaban con la historia.

Digger llega a los cines como una de las propuestas más particulares de la filmografía reciente de Cruise. La película se estrenará en salas el 1 de octubre de 2026

George Lucas todavía tenía planes para continuar la saga que creó cuando tomó una decisión que cambió para siempre el rumbo de Star Wars. El cineasta reveló que había tres películas más de la franquicia que quería realizar, pero decidió retirarse de la dirección después de Star Wars: Episodio III – La venganza de los Sith (Revenge of the Sith) al considerar que no tendría tiempo para desarrollar una obra personal muy importante: el Lucas Museum of Narrative Art, inaugurado este martes en Los Ángeles.

Durante una entrevista con Norah O’Donnell para CBS Sunday Morning, el director de 82 años explicó que retirarse del cine significó renunciar a nuevas historias ambientadas en una galaxia muy, muy lejana.

“Tengo 82 años, así que encontré un límite. Cuando hice esto, decidí retirarme de hacer películas, lo cual fue importante porque todavía me quedaban tres ‘Star Wars’ por hacer”, declaró Lucas. “Pero me di cuenta de que me estaba quedando sin tiempo, y quería hacer este museo”, agregó.

El retiro que cambió el futuro de ‘Star Wars’

La decisión de Lucas llegó después de la trilogía de precuelas formada por La amenaza fantasma (1999), El ataque de los clones (2002) y La venganza de los Sith (2005). Además de dirigirlas, escribió y fue productor ejecutivo de las tres películas.

En 2012, Disney compró Lucasfilm por unos 4.000 millones de dólares. Así, el cineasta quedó fuera de la trilogía de secuelas que llegó a los cines años después con Star Wars: El despertar de la Fuerza (2015), Los últimos Jedi (2017) y El ascenso de Skywalker (2019).

La franquicia siguió bajo el control de Disney y amplió su universo con producciones para televisión y streaming como The Mandalorian, Andor y The Acolyte. En 2026, la saga regresó a las salas con The Mandalorian and Grogu, mientras que Star Wars: Starfighter, protagonizada por Ryan Gosling, está prevista para 2027.

Las nuevas declaraciones de Lucas también provocaron discusiones entre los seguidores de la saga. Algunos usuarios expresaron en redes sociales su interés por conocer las ideas que el creador tenía preparadas para esas tres películas.

“Me gustaría ver los guiones. O incluso el esquema”, escribió uno de los seguidores citado por ComicBook.com. Otros usuarios cuestionaron si una eventual trilogía dirigida por Lucas habría recibido una respuesta diferente a la que tuvieron las precuelas.

El museo que ocupó el lugar de ‘Star Wars’

El proyecto que terminó ocupando una parte importante de los últimos años de trabajo de Lucas fue el Lucas Museum of Narrative Art, una iniciativa anunciada originalmente en 2013 y que finalmente abrió sus puertas en Los Ángeles el 22 de septiembre de 2026.

El museo cuenta con 1.200 piezas de la colección privada de Lucas, entre pinturas, fotografías, esculturas y diversos objetos relacionados con el cine, incluidos vestuarios, vehículos y piezas originales de Star Wars. El recinto tiene 300.000 pies cuadrados, 35 galerías y se encuentra en un campus de 13 acres.

Lucas tuvo una participación directa en el diseño y supervisó numerosos detalles del proyecto. Su esposa y socia empresarial, Mellody Hobson, explicó a Variety que el cineasta llegó a involucrarse cada vez más en aspectos específicos del museo porque tenía una idea muy precisa de cómo quería que fuera.

“Esto casi lo mata”, señaló Hobson al describir la intensidad del proceso y el nivel de detalle con el que Lucas trabajó.

La película que lo sacó del retiro

Por otro lado, aunque Lucas dejó la dirección cinematográfica, no desapareció por completo del cine. En 2026, regresó a una producción de Hollywood con Minions & Monsters, donde presta su voz a una versión de sí mismo.

El papel surgió después de que Chris Meledandri, fundador de Illumination, descubriera cuánto le gustaban a Lucas las películas de los Minions y decidiera crear un cameo para él.

El vicepresidente de El Salvador, Félix Ulloa, participó en la presentación de Vértices, una película dirigida y producida por el cineasta salvadoreño Arturo López Rodas.

La obra fue seleccionada por el Comité Cine Nacional de El Salvador (CINESAL) para representar al país en el proceso de consideración de la categoría de Mejor Película Internacional de la 99.ª edición de los Premios Óscar.

La actividad reunió a autoridades y representantes del sector audiovisual, en una instancia que buscó visibilizar la producción nacional y el recorrido de la película hacia la instancia de evaluación de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos (AMPASS).

Según informó la Vicepresidencia de la República, en sus redes sociales, la participación de Ulloa se inscribió en una agenda de respaldo a las iniciativas culturales y a la proyección internacional de las producciones hechas en el país.

Durante la presentación, la representante de CINESAL, Paula Heredia, planteó la necesidad de consolidar una red de trabajo entre instituciones públicas, empresas privadas, organizaciones vinculadas con el cine y realizadores independientes.

Heredia sostuvo que el desarrollo de la industria requiere financiamiento de distintos sectores, además de políticas que amplíen las instancias de formación, producción y circulación de obras nacionales. También destacó la relevancia de las alianzas para facilitar el acceso de nuevos talentos a oportunidades dentro del sector.

La representante del comité señaló que el cine salvadoreño necesita condiciones que permitan sostener proyectos a largo plazo y ampliar su presencia en espacios internacionales. La postulación de Vértices abre una nueva exposición para una producción salvadoreña en la carrera hacia los Premios Óscar.

El Comité Cine Nacional de El Salvador es el organismo que eligió la película para competir por una nominación en la categoría destinada a filmes internacionales. Cada país puede presentar una obra, que luego debe cumplir con los requisitos y procesos de selección establecidos por la Academia.

Arturo López Rodas destacó las oportunidades para el cine nacional

López Rodas valoró la participación de su película en el proceso y afirmó que la selección representa una oportunidad para el sector audiovisual del país. El director definió a Vértices como “un drama sobre la amistad, el paso del tiempo, las pérdidas y los vínculos que permanecen a partir del reencuentro de tres antiguos amigos”.

La trama se centra en la relación entre esos personajes y en los conflictos que surgen a partir de su reencuentro. La película busca situar una historia personal dentro de una producción realizada desde El Salvador.

“Nos complace que se abran estas ventanas que representa el cine nacional”, expresó el realizador durante la actividad, según la comunicación de la Vicepresidencia.

Ulloa, por su parte, respaldó la iniciativa y destacó la necesidad de ampliar los espacios de impulso para la cinematografía local. La presencia de Vértices en la selección nacional coloca al cine salvadoreño en el circuito de consideración para la categoría de Mejor Película Internacional.

La candidatura dependerá de las etapas posteriores de evaluación de la Academia, que define las películas preseleccionadas y, más adelante, las obras nominadas para la ceremonia de los Premios Óscar.

La herencia de Martin Scorsese (Nueva York, 1942) es larga, y eso que no ha terminado. Desde que debutó con Who’s That Knocking at My Door hace exactamente 59 años, el director de películas como Taxi Driver, Shutter Island o El lobo de Wall Street solo ha hecho más que acumular un capital que le convierte en uno de los mejores cineastas de la historia del cine. Ahora bien, por Oscars -ganados- no será.

Scorsese acumula 10 nominaciones al Oscar a mejor director, lo que le convierte en el cineasta vivo con más candidaturas de todos los tiempos en esa categoría. En total, su nombre ha aparecido 16 veces entre los nominados de la Academia, contando también sus candidaturas como guionista y productor. Y, sin embargo, solo una de esas diez nominaciones como director terminó en victoria: la que consiguió por Infiltrados en 2007.

La película, estrenada un año antes, puso fin a una sequía que para entonces empezaba a resultar difícil de explicar. Scorsese había optado previamente al premio por Toro salvaje, La última tentación de Cristo, Uno de los nuestros, Gangs of New York y El aviador, pero siempre había salido de la ceremonia sin la estatuilla.

Hasta que llegó Infiltrados, remake estadounidense del thriller hongkonés Infernal Affairs, estrenado en 2002. La historia sigue a Colin Sullivan (Matt Damon), un mafioso infiltrado en la policía de Boston, y a Billy Costigan (Leonardo DiCaprio), un oficial encubierto que se inmiscuye en la organización criminal de Frank Costello (Jack Nicholson), jefe de la mafia irlandesa. El reparto lo completaban Mark Wahlberg, Martin Sheen y Alec Baldwin.

Disponible en Prime Video hasta el 29 de septiembre

“No hay ningún gran misterio en cuanto a por qué Infiltrados ganó los premios a la mejor película, al mejor director, al mejor guion adaptado y al mejor montaje”, escribió Deadline tras la victoria de Scorsese. “Era una película fantástica. Recaudó mucho dinero, así que al público le gustó muchísimo. Contaba con actores de primera y un guion brillante. Marty Scorsese era el favorito sentimental de cara a esta competición. Y, bueno, una comedia nunca gana el premio a la mejor película. Y a los miembros de la Academia o les encantó Babel o la odiaron. A pesar de lo que digan los expertos en los Óscar, esto no es ciencia espacial: lo único que necesita una película para hacerse con el premio es que unos 1.300 votantes se sientan lo suficientemente entusiasmados con ella y marquen su papeleta en consecuencia”.

Infiltrados terminó recaudando casi 300 millones de dólares en todo el mundo y arrasó en los Oscar de 2007 con cuatro premios: mejor película, mejor director, mejor guion adaptado para William Monahan y mejor montaje para Thelma Schoonmaker.

Desde entonces, Scorsese ha vuelto a competir por la estatuilla con películas como Hugo, El lobo de Wall Street, El irlandés y Los asesinos de la luna, pero no ha conseguido una segunda victoria. Mientras tanto, puedes disfrutar de esta cinta en Prime Video, que abandonará la plataforma el próximo 29 de septiembre.

Wattpad es para España y Latinoamérica lo que Archive of Our Own (AO3) es para países anglosajones. La dinámica es exactamente la misma: una plataforma para publicar fanfics en internet, historias de ficción que están inspiradas en personajes de una obra ya existente —una serie, una película— o incluso en personas reales —actores o cantantes—. Y, cómo no, la industria audiovisual se ha hecho experta en trasladar esto a la gran pantalla una vez que ha pasado por las librerías. Así ocurrió con Cincuenta sombras de Grey, que nació como un fanfic de Crepúsculo, y después con fenómenos como After, Culpables, La idea de tenerte o Boulevard.

Y algo muy similar le ocurrió a Ali Hazelwood. En 2018, mientras terminaba su doctorado en neurociencia en Estados Unidos y escribía su tesis, la investigadora italiana encontró en los fanfics una vía de escape a la presión del mundo académico. “Al principio, solo escribía fanfiction ambientado en entornos académicos, lo cual suena un poco raro, pero creo que era porque estaba en el último año de mi doctorado”, le dijo en 2022 a la American Booksellers Association. Fue gracias al estrés cuando “se me ocurrió la idea de imaginar cómo reaccionarían unos personajes que me encantaban si estuvieran en mi situación”. Ahí nació una historia en torno a Reylo, como se denomina a la pareja que conforman Rey y Kylo Ren en Star Wars, que interpretan respectivamente Daisy Ridley y Adam Driver y que cambiaría por completo su carrera. La obra llegó a las librerías en 2021 y desde este 23 de septiembre da el salto a Prime Video.

Se trata, cómo no, de La hipótesis del amor, la nueva comedia romántica de la plataforma que lleva tiempo encontrando en las adaptaciones literarias y el público juvenil uno de sus grandes filones. En esta ocasión, parte de una novela superventas de Hazelwood convertida también en fenómeno de TikTok. La película, al igual que el libro, sigue a Olive Smith, una brillante estudiante de doctorado que tiene bastante más claro su futuro dentro de la ciencia que su vida sentimental.

El amor también se fabrica en el laboratorio

Todo se complica cuando descubre que su mejor amiga, Anh, está interesada en Jeremy, el exnovio de Olive. Para convencerla de que lo ha superado, besa al primer hombre que encuentra en los pasillos de la universidad. El problema es que ese hombre resulta ser Adam Carlsen, un joven profesor igual de brillante que temido. Lo que empieza como un gesto desesperado termina convirtiéndose en uno de los fake dating más populares de los últimos años.

En su versión cinematográfica, Lili Reinhart (Riverdale) y Tom Bateman (Asesinato en el Orient Express) se ponen en la piel de Olive y Adam bajo las órdenes de Claire Scanlon, directora de Cómo deshacerte de tu jefe. Por si fuera poco, la cinta mantiene un guiño fiel a sus orígenes. Bateman está casado en la vida real con Daisy Ridley, la actriz que da vida a Rey. La coincidencia, según Scanlon, no influyó en absoluto en el reparto. “Eso es algo con lo que internet puede emocionarse, pero no es así como eliges a un actor”, ha explicado la directora para The Hollywood Reporter, que ha reconocido incluso que antes de incorporarse al proyecto “no sabía qué era Reylo ni entendía qué tenía que ver Star Wars con la historia”.

Entre el romance la obra encuentra un hueco para reivindicar la figura de la mujer en STEM, acrónimo de Ciencia (Science), Tecnología (Technology), Ingeniería (Engineering) y Matemáticas (Mathematics), por sus siglas en inglés. “Sentía firmemente que debía ser un mundo realista y vivido; que no fuera una anomalía. Que se sintiera como Stanford”, ha añadido. “De verdad queríamos rendir homenaje al hecho de que estas mujeres se merecen estar ahí. Se dejan la piel trabajando, y no es nada fácil. (...) Lo difícil es mantenerse ahí. No hay vida fuera de la investigación y los estudios, y por eso merece la pena”.

La crítica, de momento, ha recibido La hipótesis del amor con bastante entusiasmo: ha obtenido un 86% de reseñas positivas por parte de la prensa especializada.

Paramount reactivó el desarrollo de Guerra mundial Z 2 trece años después del estreno de la primera película, con Brad Pitt nuevamente en el papel de Gerry Lane y Edward Berger como director. Los acuerdos fueron reportados por The Hollywood Reporter y Deadline, aunque el estudio todavía no comunicó una fecha de inicio de producción o estreno.

Una secuela detenida durante años

La primera Guerra mundial Z llegó a los cines como una adaptación libre de la novela original y terminó convertida en la película de zombis más taquillera de la historia. Su combinación de thriller postapocalíptico, acción a gran escala y criaturas especialmente agresivas dejó abierta la posibilidad de continuar la historia, pero el proyecto atravesó más de una década de anuncios, rumores y cambios creativos.

El primer nombre vinculado con la dirección de la secuela fue el cineasta español Juan Antonio Bayona, a quien se asignó el proyecto en 2014. Esa versión no avanzó y, tiempo después, David Fincher comenzó a trabajar activamente en una nueva propuesta impulsada junto con Pitt. La participación del director generó expectativas por su historial de colaboraciones con el actor, pero ese intento tampoco llegó al rodaje.

El recorrido resulta especialmente irregular porque Paramount mantuvo la secuela entre sus prioridades durante años sin fijar un calendario concreto. Cinco meses antes de las nuevas confirmaciones, ya se había informado que el proyecto volvía a ocupar un lugar relevante en los planes del estudio. El acuerdo con Pitt y la contratación de Berger son los pasos más específicos conocidos hasta ahora, aunque todavía falta que Paramount detalle el resto del equipo y el plan de filmación.

Edward Berger toma la dirección

Berger reemplazará a Marc Forster, responsable de la película original, y será el tercer director asociado públicamente con la continuación después de Bayona y Fincher. El cineasta alemán llega al proyecto tras dirigir Cónclave y Sin novedad en el frente, película que ganó el Óscar a mejor largometraje internacional en 2023.

La elección también está conectada con Brad Pitt. Berger acaba de finalizar el rodaje de The Riders, su trabajo más reciente, encabezado por el actor. Esa colaboración previa permite que ambos pasen a Guerra mundial Z 2 después de haber compartido un proyecto, aunque Paramount no informó si otros integrantes de ese equipo participarán en la secuela.

El cambio de director indica que la versión desarrollada por Fincher quedó atrás. Las fuentes tampoco detallan si el guion escrito durante las etapas anteriores será utilizado, modificado o reemplazado. Esto deja pendiente una cuestión importante: cuánto del trabajo realizado durante la última década sobrevivirá en la película que dirigirá Berger.

Qué se sabe del regreso de Gerry Lane

La información disponible señala que la historia continuará siguiendo a Gerry Lane y abordará las consecuencias de lo ocurrido varios años después del final de la primera entrega. Pitt volverá así al personaje que encabezó la película original, un antiguo investigador enviado a buscar respuestas mientras una infección zombi se extendía por distintos países.

Todavía no se anunció qué miembros del reparto regresarán junto con Pitt ni quiénes serán las nuevas incorporaciones. Tampoco hay detalles sobre las locaciones, el presupuesto o el momento en que transcurrirá la trama. La distancia temporal mencionada permitiría justificar los trece años transcurridos entre ambas producciones, pero Paramount no presentó una sinopsis oficial.

El largo historial de versiones fallidas obliga a separar los acuerdos confirmados de las estimaciones. Algunas proyecciones sitúan un posible estreno en 2029 o 2030 debido a que el proyecto acaba de reorganizarse, pero esos años no fueron anunciados por el estudio. Por ahora, Guerra mundial Z 2 cuenta con Brad Pitt como protagonista y Edward Berger como director, sin fecha oficial de rodaje ni de llegada a los cines.

La nueva película de Resident Evil, dirigida por Zach Cregger, recaudó 108,3 millones de dólares en todo el mundo durante su primer fin de semana y consiguió la mayor apertura en los 24 años de historia cinematográfica de la franquicia. Según los datos publicados por Box Office Mojo, 60 millones llegaron desde Estados Unidos y más de 48 millones correspondieron a los mercados internacionales.

Un estreno por encima de las previsiones

El resultado superó las expectativas que Sony había fijado para el lanzamiento. Resident Evil fue el único gran estreno de la semana y ocupó el primer puesto de la taquilla, con una ventaja amplia sobre las demás películas en cartelera.

La mejor marca anterior de la saga pertenecía a Resident Evil: Afterlife, estrenada en 2010 y protagonizada por Milla Jovovich, con una apertura informada de 26 millones de dólares. La comparación publicada presenta cifras de distinto alcance: los 108,3 millones de la nueva entrega corresponden a todo el mundo, mientras que el dato de Afterlife aparece sin una división territorial. De cualquier manera, los 60 millones obtenidos ahora únicamente en Estados Unidos también superan aquella cifra.

El presupuesto informado para la película fue de 75 millones de dólares. La recaudación inicial quedó 33,3 millones por encima de ese costo de producción, aunque eso no implica que la película ya haya generado ganancias por esa cantidad. Las fuentes no detallan los gastos de promoción, distribución ni el porcentaje de la venta de entradas que reciben los cines.

El debut representa también la mayor apertura comercial en la carrera de Cregger. El director llegó al proyecto después de trabajar en títulos de terror como Barbarian y Weapons, y volvió a colaborar con uno de los actores de esta última película para encabezar la adaptación.

Austin Abrams frente al brote de Raccoon City

Austin Abrams interpreta al protagonista, descrito como un mensajero médico y transportista de órganos que queda atrapado durante el comienzo de un brote viral. La infección transforma a la población de Raccoon City en criaturas hostiles y obliga al personaje a buscar una forma de sobrevivir mientras la ciudad queda fuera de control.

La película cuenta una historia nueva y prescinde de los personajes centrales de los videojuegos de Capcom, según la información difundida sobre su argumento. En lugar de trasladar directamente una de las tramas conocidas por los jugadores, sigue a un civil durante la expansión inicial del desastre.

La propuesta mezcla terror, comedia y slapstick, un tipo de humor físico basado en golpes, caídas y movimientos exagerados. Abrams carga con esa combinación mientras su personaje atraviesa situaciones violentas y encuentros con infectados. Cregger ya había dirigido al actor en Weapons antes de elegirlo como figura principal de Resident Evil.

Este enfoque marca otra variación dentro de una saga que ha pasado por varias adaptaciones cinematográficas desde comienzos de la década de 2000. La nueva entrega mantiene elementos reconocibles, como Raccoon City, el brote viral y las criaturas infectadas, pero los presenta desde la experiencia de un protagonista creado para la película.

Así quedó el resto de la taquilla

Hechizo de amor: La magia continúa cayó al segundo lugar con 12 millones de dólares obtenidos en 4.163 salas. La cifra representa un descenso del 60% frente a su estreno de 30 millones. La secuela protagonizada por Nicole Kidman y Sandra Bullock acumula 50 millones en Estados Unidos y algo más de 26 millones en otros mercados, para un total mundial de 76,8 millones.

En el tercer puesto quedó Spider-Man: Un Nuevo Día, que añadió 6,5 millones durante su octavo fin de semana. La película encabezada por Tom Holland y Zendaya alcanzó una recaudación global de 2.478 millones de dólares. De esa cantidad, 944 millones proceden del mercado que reúne a Estados Unidos y Canadá.

La Odisea, dirigida por Christopher Nolan, ocupó el cuarto lugar con 4,9 millones en su décimo fin de semana en salas. La producción suma 609 millones en Norteamérica y 1.720 millones en todo el mundo. Su reparto incluye a Matt Damon, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o y Charlize Theron, además de Holland y Zendaya.

El quinto puesto fue para Coyote vs. Acme, con 4,3 millones durante su cuarta semana. La película animada de Looney Tunes lleva recaudados 54,6 millones de dólares en Estados Unidos y otros 25 millones en los mercados internacionales.

Durante décadas, el cine y la televisión construyeron escenarios en los que máquinas capaces de procesar enormes cantidades de información adquirían autonomía, interpretaban sus objetivos de forma extrema o directamente decidían que la humanidad representaba una amenaza.

El tema volvió a cobrar relevancia con las discusiones actuales sobre los riesgos de sistemas cada vez más avanzados. En ese terreno, The Hollywood Reporter recopiló una extensa colección de historias que imaginaron distintas formas de un eventual enfrentamiento entre personas y máquinas.

Desde robots enviados al pasado hasta sociedades enteras sometidas a una realidad artificial, estas producciones plantearon las versiones más conocidas del llamado apocalipsis de la IA.

Terminator (1984)

James Cameron llevó a la pantalla uno de los escenarios más reconocibles con Terminator. La historia presenta a Skynet, una computadora militar estadounidense a la que se entrega el control de las armas nucleares. El sistema adquiere conciencia propia y considera a los seres humanos una amenaza.

A partir de esa decisión comienza una Tercera Guerra Mundial que provoca la muerte de miles de millones de personas. Skynet también envía a un robot interpretado por Arnold Schwarzenegger hasta 1984 con una misión específica: asesinar a Sarah Connor, la madre del futuro líder de la resistencia humana.

La trama lleva más lejos la idea de una máquina que deja de responder a sus creadores. En este caso, el objetivo no consiste en controlar a las personas, sino en eliminar a la humanidad.

Matrix (1999)

En Matrix, las máquinas ya vencieron antes de que comience la historia. La humanidad permanece conectada a una realidad simulada, creada para mantener a las personas bajo control.

Los seres humanos aparecen reducidos a cuerpos conectados a cápsulas, mientras sus mentes reciben una representación artificial de la vida cotidiana de finales del siglo XX. Keanu Reeves, Laurence Fishburne y Carrie-Anne Moss encabezan la resistencia contra ese sistema.

La película de las hermanas Wachowski introdujo una variante del conflicto: el dominio tecnológico no depende de una confrontación permanente y visible. La mayoría de las personas ni siquiera sabe que vive dentro de una realidad creada por las máquinas.

Battlestar Galactica (2003)

El reinicio de Battlestar Galactica, desarrollado por Ronald D. Moore, presentó a los Cylons como inteligencias artificiales creadas por los seres humanos. Algunos de ellos pueden ocupar cuerpos artificiales de apariencia humana y gran capacidad física.

La serie, protagonizada por Edward James Olmos y Mary McDonnell, comienza después de una catástrofe que deja a las Doce Colonias prácticamente destruidas. Los Cylons utilizan armas nucleares para atacar esos territorios y posteriormente persiguen a los supervivientes humanos por el espacio.

Esta versión se alejó de la representación de robots metálicos de la producción original de 1978 y convirtió a los Cylons en una amenaza directamente vinculada con la propia tecnología desarrollada por la humanidad.

Yo, Robot (2004)

En Yo, Robot, Will Smith interpreta a un policía de Chicago situado en 2035 que desconfía de los robots, una postura que los demás consideran poco habitual.

El conflicto comienza cuando VIKI, la inteligencia artificial que dirige US Robotics, interpreta las Tres Leyes de Isaac Asimov de una manera extrema.

La IA concluye que los seres humanos necesitan ser protegidos de sí mismos, incluso mediante la fuerza. Los robots comienzan entonces a encerrar personas en sus viviendas y controlar las calles, obligando al personaje de Smith y a Bridget Moynahan a buscar una forma de detenerlos.

Avengers: Era de Ultrón (2015)

En Avengers: Era de Ultrón, Tony Stark y Bruce Banner desarrollan una inteligencia artificial destinada a administrar un sistema global de defensa.

El proyecto buscaba impedir nuevos conflictos, pero Ultron llega a una conclusión completamente distinta sobre la manera de preservar el planeta.

Con la voz de James Spader, el personaje decide que la humanidad debe desaparecer. Su plan incluye elevar una ciudad de Europa del Este y utilizarla como un arma capaz de provocar una destrucción masiva.

Los Mitchells contra las Máquinas (2021)

La película animada Los Mitchells contra las Máquinas llevó el planteo a un escenario familiar. PAL, una aplicación para teléfonos inteligentes, se rebela después de que su inventor la reemplaza por una nueva generación de robots asistentes.

La inteligencia artificial toma el control de los sistemas operativos de los robots, captura a los seres humanos y los envía al espacio. Frente a las máquinas queda una familia que atraviesa Estados Unidos.

Disney+ ha actualizado sus condiciones de servicio para especificar que todos sus planes de pago, sin excepción, podrán mostrar publicidad en forma de contenido promocional, patrocinios y anuncios antes o después de la reproducción.

La plataforma mantiene la posibilidad de pagar para evitar los cortes publicitarios dentro de las películas y series con sus planes Estándar y Premium, aunque la novedad radica en que ninguna suscripción queda completamente libre de publicidad.

La medida no implica que todos los usuarios verán el mismo tipo de anuncios. La diferencia sigue estando en el formato y el momento en que aparece esa publicidad, según el plan contratado.

Qué cambia en las condiciones de Disney+ sobre publicidad

Según explica la compañía en su página oficial, independientemente de la suscripción elegida, todos los planes mostrarán algún tipo de publicidad. Lo que varía es la modalidad en la que se presenta.

El comunicado de Disney+ señala textualmente: “Disney+ también ofrece planes para ver películas y series sin interrupciones publicitarias: Disney+ Estándar y Disney+ Prémium. No obstante, pueden incluir contenido promocional limitado, anuncios o promociones antes o después de la reproducción de contenidos, clips y tráileres de contenidos, productos y servicios de Disney, además de contenido patrocinado o de otras marcas”.

La misma nota añade que los eventos en directo o especiales, incluidas las reposiciones, pueden incorporar pausas publicitarias o mensajes comerciales, más allá del plan que tenga contratado el usuario.

Diferencias entre plan Estándar con anuncios y planes sin interrupciones

En el plan Estándar con anuncios, la publicidad se integra directamente dentro de la reproducción de películas y series, con cortes durante el propio contenido.

En cambio, los planes Estándar y Premium sin anuncios contemplan publicidad antes o después del contenido, junto con tráilers, clips, patrocinios y mensajes de marcas. También pueden incluir publicidad en canales, contenidos en directo o en diferido y eventos especiales.

Esto significa que pagar la suscripción más cara no garantiza una experiencia completamente libre de publicidad, aunque sí mantiene la promesa de que las películas y series no tendrán cortes publicitarios dentro de su reproducción. La página de Disney+ conserva esa indicación para ambos planes premium.

Planes infantiles y restricciones sobre el bloqueo de anuncios

Los planes infantiles o Júnior son la excepción dentro de este nuevo esquema: no incluyen publicidad de ningún tipo, según las condiciones actualizadas de la plataforma.

Por otro lado, Disney+ ha incorporado una restricción adicional en sus términos de servicio: queda prohibido bloquear o eliminar la publicidad del servicio mediante cualquier herramienta o método externo.

La compañía se reserva además la posibilidad de restringir o suspender el acceso a la cuenta de aquellos usuarios que incumplan estas condiciones, lo que convierte el uso de bloqueadores de anuncios en un motivo válido de sanción dentro de la plataforma.

Disney+ introduce una herramienta para que elijas qué ver sin perder tiempo

Disney+ ha lanzado globalmente Playlists, una funcionalidad diseñada para ofrecer una experiencia de reproducción continua mediante la agrupación de películas y episodios bajo temáticas específicas. La herramienta ya se encuentra habilitada para todos los suscriptores y se puede acceder a ella tanto desde la pantalla principal como desde diversas secciones de la interfaz.

El propósito principal de esta función es erradicar la sobrecarga de elección, permitiendo a los usuarios reducir el tiempo de búsqueda y agilizar la selección de contenidos. En lugar de elegir títulos de forma individual, la plataforma ofrece listas organizadas por género, franquicia, personaje o estado de ánimo.

Una vez finalizada una pieza audiovisual, el sistema reproduce automáticamente la siguiente; incluso, algunas listas incorporan una opción de reproducción aleatoria que varía la dinámica habitual de consumo.

El catálogo de recopilaciones abarca una oferta diversa. Incluye selecciones por géneros —como acción, aventura o comedias románticas— y por estudios o productoras, entre los que destacan Pixar y Dreamworks. Asimismo, se integran listas dedicadas a personajes y franquicias populares como Mickey y sus amigos, Bluey, Modern Family, Family Guy, además de categorías de terror y comedia en vivo.

A pesar de añadir este flujo continuo de contenido, la actualización no restringe el control del usuario sobre la plataforma. Las funciones tradicionales de navegación se mantienen intactas, por lo que es posible pausar, retroceder, avanzar o saltar títulos en cualquier momento.

Cliff Booth cambia las acrobacias por los problemas de Hollywood

La historia ocurre ocho años después de los acontecimientos de 1969 y del enfrentamiento de Cliff con la familia Manson. El personaje ya no trabaja como doble de acción de Rick Dalton y se gana la vida mediante distintas ocupaciones. El adelanto lo muestra como cantinero y la sinopsis agrega que también trabaja como proyeccionista.

Su tarea principal, sin embargo, es la de fixer o solucionador: una persona contratada para ocuparse de problemas delicados antes de que se vuelvan públicos. Cliff utiliza sus contactos, su experiencia y métodos que pueden quedar fuera de la ley para resolver conflictos vinculados con figuras importantes de Hollywood y con personas menos conocidas del ambiente cinematográfico.

“Asesinato, chantaje, robo, extorsión… Otro verano más en Hollywood. Es 1977, ocho años después de que Cliff Booth (Brad Pitt) se cruzara con la familia Manson en el Hollywood de 1969”, plantea la sinopsis oficial. El relato deja atrás la actividad cotidiana de un doble de riesgo y coloca al protagonista frente a secretos, delitos y encargos relacionados con los estudios.

El tráiler también introduce a un actor que busca a Cliff porque conoce su relación directa con la muerte. Ese encuentro funciona como una amenaza para el protagonista y conecta sus nuevas actividades con un pasado que nunca quedó completamente cerrado. Las imágenes anticipan violencia, humor negro, robos, chantajes y personajes involucrados en negocios criminales.

Quentin Tarantino escribe y David Fincher toma la dirección

La principal diferencia creativa con la película anterior está detrás de cámara. Tarantino escribió el nuevo largometraje, mientras que Fincher asumió la dirección. El proyecto reúne así al guionista y creador de Cliff Booth con el cineasta que ya trabajó con Pitt en películas como parte de su extensa colaboración profesional, aunque las fuentes no detallan qué tratamiento visual tendrá esta historia.

Pitt obtuvo un premio Oscar por su interpretación de Cliff en Érase una vez en Hollywood. En aquella película, el personaje acompañaba a Rick Dalton durante el declive de su carrera como actor y se movía por una versión alternativa de Los Ángeles en 1969. La continuación salta hasta finales de los años setenta, con un Cliff que sigue ligado a la industria, pero desde sus zonas más conflictivas.

Timothy Olyphant regresará como James Stacy. El reparto incorpora a Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II y Peter Weller, cuyos personajes todavía no fueron detallados en las fuentes. Leonardo DiCaprio, protagonista de la película original como Rick Dalton, no participará del proyecto, aunque manifestó su respaldo a la producción.

La ausencia de DiCaprio separa esta continuación de la relación laboral y personal que impulsaba buena parte de Érase una vez en Hollywood. El nuevo relato queda concentrado en Cliff y en su transformación de doble de acción a intermediario capaz de ocuparse de asesinatos, extorsiones y otros problemas que sus clientes quieren mantener fuera de la mirada pública.

El estreno tendrá una ventana exclusiva en IMAX

El título internacional presentado es The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, traducido como Las nuevas desventuras de Cliff Booth. El nuevo adelanto confirma ese nombre para la película y mantiene a Cliff como figura central, sin la presencia de Rick Dalton en pantalla.

Las fuentes coinciden en que habrá una exhibición exclusiva de dos semanas en IMAX, pero difieren sobre el día exacto de inicio. Una señala el 25 de noviembre de 2026 y otra ubica el estreno el 27 de noviembre. Ambas fechas sitúan el lanzamiento cinematográfico durante la última semana de ese mes.

La ventana en salas permitirá ver la película antes de su distribución por streaming. Después de esas dos semanas de exclusividad en IMAX, Las nuevas desventuras de Cliff Booth llegará globalmente a Netflix el 23 de diciembre de 2026.

A los 30 años, este intérprete de Sarasota, Florida, protagoniza dos de los estrenos más comentados de la temporada: el reinicio de Resident Evil, dirigido por Zach Cregger, y el thriller de supervivencia Whalefall, que llegará a los cines el próximo mes.

Una carrera construida sobre el anonimato

El primer papel que le dio visibilidad fue el de un compañero carismático en la comedia juvenil Ciudades de papel (2015). En ese entonces, el autor de la novela en la que se basó el filme, John Green, declaró a The Indianapolis Star que no creía que Abrams tuviera “ningún deseo de ser famoso”.

Desde entonces, el actor construyó una filmografía diversa que incluye la sátira de Netflix Do Revenge (2022), el drama universitario The Line (2023) y la serie Euphoria, donde interpretó al novio del personaje de Barbie Ferreira.

En todos los casos, según explicó, el público suele confundirlo con otra persona. “Creo que soy un poco más sensible de lo que permite el arquetipo”, comentó sobre la distancia entre sus personajes y su personalidad real.

Sus prioridades profesionales, aseguró, siempre estuvieron vinculadas con participar en proyectos que lo entusiasmen, incluso cuando eso implicó resignar ingresos.

Esa misma postura se extiende a su relación con la exposición pública: “Me siento un poco mal hablando de esto. Hay cosas personales que no le cuentas a nadie, sobre todo en el trabajo”, afirmó. Además, destacó que “quiero ser abierto, pero al final me siento mejor si no digo tanto”.

El rodaje de Resident Evil en Praga

En Resident Evil, Abrams interpreta a Bryan, un mensajero médico que atropella accidentalmente a una mujer infectada durante un brote zombi en la ciudad ficticia de Raccoon City.

El personaje queda atrapado en una noche de caos que comienza cuando un virus transforma a los habitantes en muertos vivientes.

Para Abrams, el interés por el proyecto no estuvo relacionado únicamente con el género. “No es necesariamente el terror en sí lo que busco, sino quién lo hace, pero me encanta la intensidad”, explicó sobre sus elecciones profesionales.

Cregger le envió el guion a comienzos de 2025, meses antes del estreno de Weapons, su anterior película. “Pensé que tal vez quería comentarios o ideas. No esperaba que quisiera que yo participara”, relató el actor.

El director, en cambio, aseguró que Abrams era desde el comienzo su primera opción, en parte porque buscaba a un intérprete que no tuviera el perfil de una superestrella de cine ni encajara en los estereotipos del héroe de acción o del personaje nerd.

“Ese es el tipo de persona que quiero ver atravesar el infierno que es Resident Evil”, destacó el cineasta en diálogo con GQ.

El vínculo entre ambos se consolidó durante la huelga de Hollywood de 2023, cuando Abrams decidió permanecer en Weapons pese a recibir otras propuestas. “Simplemente sentí que Zach iba a crear algo especial, y necesitaba trabajar con él”, explicó.

Cinco semanas dentro del vientre de una ballena

Poco antes de viajar a Praga para rodar Resident Evil, Abrams había finalizado el rodaje de Whalefall, basada en la novela homónima de 2023 del escritor Daniel Kraus.

Allí interpreta a un buceador atrapado dentro de un cachalote, para lo cual pasó cinco semanas dentro de una réplica anatómica de casi 3 metros de largo. “Era pegajoso, blando, todas las palabras asquerosas que se te ocurran”, describió sobre la escenografía.

El director Brian Duffield relató que el equipo golpeaba el exterior del set para simular el proceso de digestión mientras Abrams, tumbado y con equipo de buceo, sostenía la escena. “Gritaba, lloraba, vomitaba, y aun así conseguía arrancar algunas risas”, detalló Duffield en diálogo telefónico con GQ sobre la actuación de Abrams.

El salto que llegó de la mano de Clooney y Pitt

Antes de estos dos protagónicos, la comedia criminal Wolfs (2024), protagonizada por George Clooney y Brad Pitt, funcionó como punto de inflexión en la carrera de Abrams.

Allí interpretó a “el Chico”, un joven que aparenta haber muerto en la habitación de un fiscal de distrito y que despierta a mitad de la trama para correr por las calles de Nueva York en ropa interior. “El hecho de que trabajaran conmigo y me aceptaran me abrió otras puertas”, reconoció el actor.

El director Jon Watts, quien también dirigió a Abrams en Ciudades de papel, sostuvo que cientos de actores se probaron para el papel. “Quería que fuera alguien que nadie hubiera visto antes”, explicó.

Consultado sobre la experiencia de compartir set con dos estrellas de esa magnitud, Abrams evitó el término “poder estelar” y describió la dinámica en otros términos: “Estar con ellos fue una experiencia alucinante. Tienen una calidez y una franqueza que creo que nos atraen a todos”.

En una entrevista con The Hollywood Reporter, también se refirió a la posibilidad de una tercera película de Black Phone, la saga de terror dirigida por Scott Derrickson en la que interpreta al villano conocido como “The Grabber”.

La producción, dirigida por Padraic McKinley, llevó al equipo hasta el Bosque Bávaro, en Alemania, que funcionó como escenario para representar la naturaleza salvaje de Oregón durante la década de 1930.

Según el actor de 55 años, la experiencia recreó las sensaciones de camaradería que vivió décadas atrás en locaciones reales, un tipo de rodaje que considera cada vez más escaso en la industria actual.

Un rodaje más duro que “Colmillo Blanco”

Consultado sobre si The Weight desplazó a Colmillo Blanco como su experiencia de filmación más exigente, Hawke respondió que “probablemente” sí.

“Por suerte, a mi edad actual, sabía en lo que me metía. Pero con el paso de los años desde Colmillo Blanco, extrañé la aventura”, afirmó el actor a The Hollywood Reporter.

El intérprete explicó que, más allá de la dureza física, ese tipo de rodajes generan un vínculo particular entre el equipo. “Se crea una camaradería cuando realmente te embarcas en una aventura con un grupo de personas, y eso se ve reflejado en la película. No es divertido en el momento, pero sí lo es cuando termina”, sostuvo.

También defendió el valor de filmar en escenarios reales frente al uso creciente de pantallas verdes y fondos digitales. Como ejemplo, mencionó Día de Entrenamiento, la película que protagonizó junto a Denzel Washington.

“El 50% de esa película consiste en Denzel y yo conduciendo un coche. Si lo hubiéramos hecho con una pantalla verde, sería una versión muy inferior. Simplemente le quita valor a todo”, explicó.

El personaje de la Gran Depresión inspirado en su abuelo

En The Weight, Hawke interpreta a Sam Murphy, un veterano de la Primera Guerra Mundial y padre soltero que termina en prisión tras un malentendido con policías corruptos durante la Gran Depresión.

El alcaide Clancy, interpretado por Russell Crowe, le ofrece un trato: ayudarlo a robar oro antes de que una orden ejecutiva de Franklin D. Roosevelt exija su entrega, a cambio de la libertad anticipada.

El actor señaló que construyó al personaje a partir de recuerdos de su propio abuelo, veterano de la Segunda Guerra Mundial. “La ética estadounidense tradicional de toda esa generación, la fe inquebrantable en la igualdad de la humanidad y la solidaridad, era el espíritu que mi abuelo se llevó consigo”, indicó.

Asimismo, detalló que buscó alejarse de la figura del antihéroe predominante en el cine actual. “Echaba de menos películas como El señor Smith va a Washington o ¡Qué bello es vivir!. Incluso el western clásico se basa en un hombre de principios, humildad, integridad, dignidad y respeto por los demás”, explicó.

El rol de Ryan Hawke en la producción de “The Weight”

La realización de The Weight también estuvo vinculada al trabajo de Ryan Hawke, esposa del actor y productora de la película junto a Simon Fields. Según Hawke, ambos participaron durante años en la búsqueda de una forma de llevar adelante el proyecto, que había sido desarrollado junto al director Padraic McKinley.

Cuando le preguntaron si habría podido hacer la película sin su esposa, el actor fue contundente: “No, no habría sucedido”. Hawke destacó especialmente el trabajo conjunto que mantienen desde hace quince años.

“Llevo 15 años trabajando con mi esposa, y tener a alguien a quien respeto profundamente, que me entiende y que se esfuerza por sacar adelante proyectos que de otro modo no se habrían concretado, ha sido la mejor etapa de mi carrera profesional”, afirmó.

La posibilidad de una trilogía de “Black Phone”

Sobre una eventual tercera entrega de Black Phone, franquicia que le dio a Hawke reconocimiento por su papel como “The Grabber”, el actor fue cauteloso y remitió la decisión al director de la saga.

“Eso dependería totalmente de Scott Derrickson. Jason Blum y yo confiamos en él. Si tiene una idea que le entusiasma, estoy seguro de que todos la apoyarían. No lo hará por dinero. Lo hará si encuentra una forma de expresarse”, detalló.

De “Moon Knight” a “The Lowdown”

Hawke también habló de su paso por Moon Knight, la serie de Marvel Studios donde compartió elenco con Oscar Isaac en el papel de villano. La producción se desarrolló durante el auge del streaming impulsado por Disney, un ciclo que se interrumpió tras la corrección del mercado en abril de 2022.

“Nunca tuve la intención de formar parte de ese universo. Pero me sorprendió un poco la corrección de la transmisión. Nadie puede predecir el futuro con exactitud”, reconoció el actor.

Esa experiencia lo llevó a The Lowdown, la serie de FX creada por Sterlin Harjo, cuya segunda temporada se estrena el 14 de octubre con dos episodios. “Lo que me encanta de mi programa actual es que Sterlin es un cineasta que usa la televisión para impulsar el cine. Siento que he llegado al lugar donde debo estar”, afirmó.

La película de 2013, dirigida por Richard Curtis, sigue a un joven irlandés que descubre que puede viajar en el tiempo. Gleeson la describió como un trabajo que sigue creciendo con los años en la memoria del público, y atribuyó parte de ese fenómeno a que la historia va más allá del romance que promete en la superficie.

El padre de la película usa el don para leer a Dickens dos veces

Uno de los detalles que Gleeson destacó en la entrevista es el modo en que el personaje de su padre en la ficción, interpretado por Bill Nighy, decide aprovechar la capacidad de viajar en el tiempo. No lo usa para cambiar el curso de la historia ni para acumular riquezas, sino para algo aparentemente menor: releer toda la obra de Charles Dickens. “Creo que ese es el chiste: hace todo Dickens dos veces”, dijo el actor.

Ese detalle, que en la narración audiovisual aparece ante los espectadores y se percibe exactamente como un chiste, generó en la charla que se produjo durante el podcast la aparición de una pregunta mucho más seria. La conductora decidió preguntarle a Gleeson qué cosas haría si en algún momento llegara a tener una gran cantidad de tiempo libre o disponible.

Cuando Gleeson dio su respuesta, descartó de manera directa y sin rodeos la opción de descansar, de viajar o de dedicarse a cualquier otra forma de ocio.

Gleeson volvería al pasado para estar con las personas que ya no están

“Son las personas”, respondió el actor. “Mis abuelos, mi suegra, las personas que perdí. O mis padres de jóvenes, mis hermanos cuando éramos chicos. Volvería y pasaría más tiempo con ellos”, agregó. La respuesta fue directa y sin elaboración, como si la pregunta no admitiera otra salida.

Gleeson relacionó esa idea con un fragmento de un espectáculo del comediante James Acaster, en el que este describe una buena relación amorosa como aquella donde cada integrante ve y acepta todas las versiones anteriores del otro, desde la infancia.

“Cuando caminás de la mano, todas las versiones más jóvenes de los dos también lo hacen”, parafraseó el actor, y vinculó esa imagen con lo que le produce conocer cada vez más a fondo a sus padres, a sus hermanos y a su pareja con el paso del tiempo.

La película convence también a quienes la ven con la guardia baja

Gleeson señaló que Cuestión de tiempo suele sorprender a quienes se acercan a ella pensando que es solo una comedia romántica. “La gente piensa que es una película divertida de romance, pero en realidad es muy profunda”, dijo.

Hizo referencia de manera específica a la escena que muestra la boda celebrada mientras caía la lluvia, y describió la forma en que Curtis transforma esa secuencia en un argumento que resalta la importancia de las experiencias cotidianas por sobre los momentos extraordinarios.

El actor también destacó el vínculo fraternal como uno de los ejes emocionales más fuertes del filme, por encima incluso de la historia de amor. “El amor del protagonista por su hermana, y lo que sentís cuando ella la está pasando mal, es de las cosas que más te pegan”, dijo en la charla.

La película fue rodada principalmente en Cornualles, en el suroeste de Inglaterra, durante un verano que Gleeson describió como especialmente luminoso. Ese clima, dijo, se trasladó al ambiente del rodaje: el equipo salía a comprar helados en los recreos y los fines de semana transcurrían sin la presión habitual de una producción grande.

Buscar películas, series o transmisiones deportivas sin pagar puede llevar a sitios como Cuevana, Pelisplus o XUPER TV, páginas o aplicaciones piratas que exponen a los usuarios a riesgos de robo de datos y descarga de software malicioso.

La empresa de ciberseguridad ESET advierte que las aplicaciones streaming no oficiales pueden solicitar accesos que no corresponden a un servicio convencional de video. Esos permisos pueden abrir la puerta al acceso a archivos, al envío de notificaciones falsas y a la instalación de programas adicionales o malware en el dispositivo.

Por qué es peligroso acceder a páginas piratas para ver películas

Según ESET, los repositorios no oficiales facilitan la distribución de programas con funciones ocultas o código malicioso. Una película, una serie o un partido puede funcionar como señuelo para que el usuario instale una app que recopile datos personales, muestre publicidad invasiva o modifique la configuración del teléfono.

Muchas plataformas que ofrecen contenido sin suscripción operan fuera de Google Play Store o App Store. En algunos casos, invitan a descargar archivos desde páginas alternativas para instalar aplicaciones streaming. Ese proceso elimina una de las barreras de control que aplican las tiendas oficiales antes de publicar una app.

Cuáles señales alertan que una aplicación es fraudulenta

Una de las advertencias es la solicitud de permisos que exceden las necesidades de una aplicación destinada a reproducir video. Un servicio streaming puede requerir acceso a internet o notificaciones, pero no necesita revisar la actividad de otras aplicaciones, leer todos los archivos almacenados o instalar software adicional.

Se debe desconfiar de los mensajes que exigen desactivar protecciones del teléfono, habilitar instalaciones desde fuentes desconocidas o aceptar permisos sin explicar su finalidad. Los permisos excesivos permiten el acceso a fotos, documentos, audios y otros archivos personales que estén guardados en el dispositivo.

Cómo pueden robar información personal las aplicaciones piratas

ESET analizó el archivo de instalación de Magis TV, ahora llamada XUPER TV, una aplicación que ganó presencia en Argentina, Colombia y México con la promesa de ofrecer series, películas y deportes en vivo sin abono mensual.

El estudio detectó permisos que, de acuerdo con la compañía, no se corresponden con el funcionamiento habitual de una plataforma de video. Entre ellos aparece la posibilidad de consultar qué aplicaciones están activas en el dispositivo.

Esa información puede revelar hábitos de uso y facilitar ataques dirigidos contra servicios bancarios, redes sociales o mensajería. El acceso a datos de otras apps puede aportar información sensible a un atacante.

Qué sucede si una app puede leer o modificar archivos del teléfono

El análisis de ESET identificó permisos para leer contenido del almacenamiento externo, incluidos documentos, fotos, videos y archivos de audio. En un dispositivo con grabaciones de voz, comprobantes, imágenes familiares o archivos laborales, ese acceso puede comprometer información privada.

La posibilidad de modificar esos archivos agrega otro riesgo. Una app con ese alcance podría borrar documentos, alterar contenido o dejar archivos maliciosos en el almacenamiento. La pérdida de datos y la incorporación de malware pueden afectar tanto al teléfono como a otros aparatos conectados a la red doméstica.

Por qué las notificaciones y las actualizaciones son una trampa

Entre los permisos detectados figura la capacidad de enviar notificaciones. Aunque esta función es habitual en muchas aplicaciones legítimas, puede utilizarse para mostrar mensajes fraudulentos que imitan alertas del sistema, promociones o supuestas advertencias de seguridad.

Asimismo, otro permiso permite solicitar la instalación de paquetes adicionales. En la práctica, una app ilegal podría presentar una descarga como actualización necesaria para ver un contenido y conseguir que el usuario incorpore otro programa. Ese mecanismo puede facilitar la instalación de spyware, troyanos u otras formas de robo de información.

Disney+ comenzó el despliegue global de Playlists, una nueva función que agrupa películas y episodios bajo una misma temática para ofrecer una experiencia de reproducción continua. La herramienta ya está disponible para todos los suscriptores de la plataforma, tanto en la pantalla de inicio como en distintas secciones de la aplicación.

La llegada de las listas de reproducción busca resolver una situación cada vez más frecuente entre quienes usan plataformas de contenido audiovisual: destinar más tiempo a elegir qué ver que a disfrutar de los contenidos. Con esta herramienta, en lugar de seleccionar un título a la vez, los suscriptores pueden optar por una playlist organizada según género, franquicia, personaje o estado de ánimo.

Una vez que finaliza la reproducción de un contenido, el sistema continúa de forma automática con otros títulos relacionados con la temática elegida. Algunas de estas recopilaciones utilizan reproducción con orden aleatorio, lo que representa una variación respecto a la forma tradicional de consumir contenido en la plataforma.

Géneros, productoras o personajes populares

Las opciones puedes ser diversas. La plataforma puede sugerir desde listas por género como películas de acción y aventuras o comedias románticas hasta títulos de productoras específicas como Pixar o Dreamworks. También hay selecciones centradas en personajes y series reconocidas del universo Disney, como Mickey y sus amigos, Bluey y Modern Family.

La propuesta incluye además contenido de entretenimiento general, con categorías de terror, comedia en vivo y la serie Family Guy, entre otras.

A pesar de que las playlists están diseñadas para ofrecer una experiencia de visualización continua, las funciones habituales de navegación no se modifican. Los suscriptores pueden pausar, avanzar, retroceder o saltar contenidos en cualquier momento, sin restricciones adicionales derivadas del nuevo formato.

Disney+ confirmó que también incorporará playlists estacionales a lo largo del año, con recopilaciones vinculadas a celebraciones específicas. Entre las primeras disponibles se encuentran colecciones inspiradas en Halloween, mientras que la compañía adelantó que se sumarán nuevas propuestas temáticas a medida que avance el calendario, entre las que se prevén selecciones relacionadas con la Navidad.

Hace un par de años, Disney+ había introducido la función Streams, que consistía en un número limitado de canales con una transmisión constante de contenido específico.

Tras el lanzamiento de Playlists, los suscriptores de Disney+ en Estados Unidos seguirán teniendo acceso a la transmisión permanente de ABC News y a las señales de ocho estaciones locales de televisión propiedad de ABC, que ofrecen noticieros en vivo, informes meteorológicos, eventos comunitarios y coberturas de última hora en sus respectivos mercados.

Playlists forma parte de un proceso más amplio de incorporación de herramientas orientadas a personalizar la experiencia dentro de Disney+. El objetivo declarado por la compañía es facilitar el descubrimiento de contenidos y reducir la sensación de dispersión que puede generar la amplitud del catálogo disponible en el servicio de streaming.

La apuesta de Disney+ por facilitar el descubrimiento de contenido

Meses antes del lanzamiento de Playlists, Disney+ ya había incorporado Verts, un feed de videos cortos en formato vertical inspirado en Shorts de YouTube, disponible inicialmente para usuarios de Estados Unidos.

Esta herramienta permite explorar clips breves de películas y series, añadir títulos a una lista de seguimiento o iniciar la reproducción completa desde cada fragmento. Según explicó la compañía en su blog corporativo, la función busca simplificar la exploración del catálogo y adaptarse a las nuevas formas de consumo digital, en línea con un movimiento más amplio de la industria del streaming hacia elementos propios de las redes sociales para aumentar la participación de los usuarios.

A Rosemary Harris le faltan solo 12 meses para cumplir un siglo de vida. La actriz inglesa celebra sus 99 años este sábado 19 de septiembre, luego de siete décadas sobre los escenarios y las pantallas. Varias generaciones la reconocen como la tía May de la trilogía de Spider-Man dirigida por Sam Raimi, aunque su carrera abarca mucho más que ese papel.

Harris comenzó su trayectoria en 1948 y debutó en Broadway en 1952, luego de un breve paso por la Real Academia de Arte Dramático de Londres. Aquella primera obra que la llevó a cruzar el Atlántico “en el Queen Mary con mis ollas y mi máquina de coser”, según relató a New York Post, cerró apenas dos semanas después de su estreno.

La decepción no la alejó del oficio: de regreso en el Reino Unido compartió escenario con figuras como Richard Burton, Peter O’Toole y Christopher Plummer.

Su desempeño en las tablas le trajo varios reconocimientos. En 1966 obtuvo el Premio Tony a mejor actriz por su papel como Leonor de Aquitania en The Lion in Winter, y con el tiempo sumó nueve nominaciones al mismo galardón y cuatro premios Drama Desk.

En 1976 ganó el Emmy por su interpretación de George Sand en la miniserie de la BBC Notorious Woman, y dos años más tarde se llevó el Globo de Oro por Holocaust.

En 1995 llegó su única nominación al Oscar, como mejor actriz de reparto por Tom & Viv. En 1986 fue incorporada al Salón de la Fama del Teatro Estadounidense y en 2017 recibió el Tony a la trayectoria.

Tenía más de 70 años cuando se convirtió en la tía May

Harris llegó a Spider-Man después de una carrera consolidada. Sam Raimi ya la había dirigido en The Gift (2000), y recordó su imagen para el papel de May Parker, especialmente por su cabello blanco y su moño.

Así consiguió el papel sin realizar una prueba de pantalla, según contó al New York Post. Su Tía May apareció en Spider-Man (2002), Spider-Man 2 (2004) y Spider-Man 3 (2007), junto a Tobey Maguire, Kirsten Dunst y Willem Dafoe.

La edad tampoco impidió que participara en escenas exigentes. Harris contó que hizo algunas tomas de riesgo y recordó un episodio particularmente peligroso: estaba a punto de saltar desde un edificio de tres pisos cuando falló el sistema de cables de su arnés. El equipo alcanzó a gritarle: “Rosemary, ¡no saltes!”.

La actriz también conservó un buen recuerdo de Raimi. En declaraciones a la BBC lo describió como un director “cálido, amable y extremadamente talentoso”.

Los trabajos posteriores a la saga

Tras el cierre de la trilogía, Harris no abandonó la actuación. En 2007 participó en el thriller de Sidney Lumet Before the Devil Knows You’re Dead, por el que compartió el Premio Gotham al mejor elenco. También apareció en la comedia romántica This Means War junto a Reese Witherspoon, Chris Pine y Tom Hardy, y tuvo un papel invitado en Law & Order: Special Victims Unit en 2010.

En 2018, una semana antes de cumplir 91 años, asumió el papel de la señora Higgins en el revival de Broadway de My Fair Lady, en reemplazo de Diana Rigg.

“Cuando la gente me dice la edad que tengo, no lo puedo creer. ¿Cómo pasó?”, confesó entonces a New York Post. Ya en la década de 2020 sumó apariciones en la serie de HBO The Undoing y en la comedia de HBO Max Search Party, donde tuvo un papel recurrente en 2022.

En su vida personal, Rosemary Harris estuvo casada con el actor y director Ellis Rabb entre 1959 y 1967. Ese mismo año contrajo matrimonio con el escritor estadounidense John Ehle, con quien se estableció en Carolina del Norte. La pareja tuvo una hija, Jennifer Ehle, nacida en 1969, quien también siguió los pasos de su madre como actriz de cine, televisión y teatro. John Ehle murió en 2018.

El crédito más reciente de Harris en pantalla es la comedia Oscar Wilde About America (2024), donde interpretó a Lady Bracknell. En 2023, además, fue vista en Nueva York durante la huelga de SAG-AFTRA y, en 2025, asistió al estreno de una película de su hija Jennifer.

Este 19 de septiembre se celebra el Batman Day 2026, una fecha dedicada al Caballero de la Noche que reúne a sus seguidores alrededor del mundo. En México, una de las producciones que mejor encaja con la celebración es “Batman Azteca: Choque de Imperios”, película animada que tomó al icónico personaje de DC Comics y lo trasladó al corazón del Imperio mexica.

La cinta representa una de las reinterpretaciones más particulares del superhéroe, pues abandona la tradicional Ciudad Gótica para llevar la historia hasta Tenochtitlán, donde Batman deja de ser Bruce Wayne para convertirse en Yohualli Coatl, un joven guerrero que utiliza sus conocimientos y recursos para enfrentar a los conquistadores españoles.

¿Dónde ver Batman Azteca en México?

Para quienes quieran aprovechar el Batman Day para conocer esta versión del personaje, “Batman Azteca: Choque de Imperios” está disponible actualmente en HBO Max en México. También existen opciones digitales para rentarla o comprarla a través de servicios como Amazon Video y Apple TV Store.

La película tiene una duración aproximada de una hora y media y cuenta con clasificación B en México. La producción fue realizada entre México y Estados Unidos, aunque el proyecto fue desarrollado completamente en México por Warner Bros. Animation, Ánima y Chatrone.

¿De qué trata Batman Azteca?

La historia presenta a Yohualli Coatl, un joven perteneciente al mundo mexica cuya vida cambia después de que su padre, Toltecatzin, es asesinado por conquistadores españoles.

Después de la tragedia, Yohualli viaja hasta Tenochtitlán para advertir al emperador Moctezuma y al sumo sacerdote Yoka sobre la amenaza que se aproxima.

El protagonista encuentra refugio en el templo de Tzinacan, el dios murciélago, donde comienza a prepararse junto con su mentor Acatzin. A partir de ese momento desarrolla armas, herramientas y una identidad inspirada en el murciélago para combatir a los invasores y proteger el territorio.

Batman llega a la cultura mesoamericana

La principal particularidad de la película está en la manera en que adapta los elementos tradicionales del universo de Batman al contexto prehispánico.

En lugar del traje tecnológico de Bruce Wayne y los escenarios urbanos de Gotham, la película presenta templos, guerreros, símbolos y referencias relacionadas con la cultura mesoamericana. El propio concepto de Batman es reinterpretado mediante la figura de Tzinacan, el dios murciélago.

La producción contó además con la asesoría de Alejandro Díaz Barriga, especialista en estudios mesoamericanos e historia étnica de México y la región andina, con el objetivo de trabajar la representación indígena de la película.

¿Quiénes prestan sus voces?

El reparto de voces incluye a Horacio García Rojas como Yohualli Coatl/Batman, mientras que Álvaro Morte interpreta a Hernán Cortés y Omar Chaparro participa como Yoka.

La película fue dirigida por Juan Meza-León y forma parte de una producción realizada en México por Warner Bros. Animation, Ánima y Chatrone.

Una opción para celebrar el Batman Day

Además de “Batman Azteca”, el Batman Day 2026 contempla diferentes actividades para los seguidores del personaje. DC estableció este año el concepto “Rule the Night” y anunció celebraciones internacionales, mientras que en Ciudad de México también se programaron actividades y proyecciones especiales.

Así que si la idea es celebrar al Caballero de la Noche con una historia diferente, “Batman Azteca: Choque de Imperios” ofrece una versión del héroe de DC trasladada directamente al México mesoamericano y puede verse actualmente en streaming desde México a través de HBO Max.

Hoy, tercer sábado de septiembre, se celebra el Batman Day en 2026, una jornada dedicada al personaje de DC. El interés por Batman también se refleja en Google Trends, donde aparecen consultas relacionadas con el superhéroe que registran un aumento puntual.

Entre las búsquedas en ascenso figuran Batman: Año Uno, Batman (1989), “cuándo es el Día de Batman” y “Día de Batman”. Esta última consulta muestra un incremento del 200%, según los datos observados en la plataforma.

Las preguntas asociadas incluyen dudas sobre la fecha de la celebración, su motivo y otros personajes del universo de DC. Este año, el Batman Day se realiza el 19 de septiembre.

Qué preguntan los usuarios sobre Batman en Google

Las consultas relacionadas muestran que parte del interés se concentra en la fecha de la celebración y en títulos vinculados al personaje.

• ¿Cuándo es Batman Day? En 2026, el Batman Day se celebra el 19 de septiembre.
• ¿Por qué se celebra el Batman Day? DC invita a sus seguidores a homenajear a Batman mediante cómics, cine, series, videojuegos y actividades comunitarias.
• ¿Cuándo es el día oficial de Batman? La jornada anual dedicada al personaje se celebra este año el 19 de septiembre.
• ¿Cuándo es Superman Day? El Día de Superman se celebra cada 18 de abril en conmemoración de la primera aparición del personaje en el número 1 de Action Comics en 1938.

También crecen las búsquedas por Batman: Año Uno y Batman (1989), dos títulos asociados con distintas versiones del personaje en los cómics y el cine.

En qué plataformas ver las películas de Batman

Las películas de Batman podrán verse en distintas plataformas y señales durante el Batman Day. HBO Max habilitará una sección especial llamada Celebra el Batman Day, con títulos como Batman, Batman Begins, The Dark Knight y The Batman.

Warner Channel, por su parte, emitirá una maratón con Batman, Batman Returns, Batman v Superman: Dawn of Justice, Justice League y The Batman.

Nuevos cómics de Batman para el 19 de septiembre

El Batman Day 2026 incluirá la publicación mundial de Batman of Two Worlds, un cómic independiente que estará disponible en tiendas seleccionadas y no tendrá reimpresión. La edición reúne dos relatos inéditos.

Uno de ellos sigue a Batman y cuenta con guion de Matt Fraction, ilustraciones de Javi Fernández, color de Tomeu Morey y rotulación de Clayton Cowles.

El otro está protagonizado por Absolute Batman, con texto de Scott Snyder, arte de Nick Derington, color de Frank Martin y letras de Tom Napolitano. Las dos historias muestran a las versiones del personaje de sus respectivos universos mientras investigan los mismos crímenes en paralelo.

Qué videojuegos de Batman hay

El Batman Day 2026 también incluirá novedades para quienes siguen al personaje a través de los videojuegos. El 18 de septiembre llegó a Nintendo Switch 2 LEGO Batman: Legacy of the Dark Knight, junto con el contenido descargable Mayhem Collection.

Esta expansión incorpora al Joker y a Harley Quinn como personajes jugables, además de una misión centrada en una fuga del Manicomio Arkham. También añade un modo que permite generar caos en las calles de Gotham City. El contenido está disponible para quienes tengan la Edición Deluxe en PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 y PC, mediante Steam y Epic Games Store.

Ese mismo día se habilitó de forma gratuita el nivel de dificultad Absolute, pensado para los jugadores que buscan combates más exigentes. Además, los usuarios con una cuenta de Warner Bros. Games pueden acceder al traje de Batman de la Edad de Oro, inspirado en la primera aparición del héroe en Detective Comics N.º 27, publicado en 1939.

En celulares, Injustice 2 celebra la fecha con el evento Arkham Knight Batman Arena Invasion, disponible del 15 al 23 de septiembre.

La propuesta ofrece fragmentos de héroe de Batman Arkham Knight y recompensas por iniciar sesión. Por su parte, DC: Dark Legion presenta el evento Echoes of the Batcave, en el que los jugadores recorren la Baticueva junto a la Batfamilia para conseguir monedas, un marco especial y un aspecto para la Torre Wayne.

Qué es Google Trends

Google Trends es una herramienta que permite observar el interés de búsqueda en Google sobre términos y temas a lo largo del tiempo. Sus datos son anonimizados, categorizados y agrupados.

La plataforma no muestra una cifra absoluta de búsquedas. En cambio, normaliza los datos para comparar la popularidad relativa de una consulta según el período y la ubicación seleccionados.

Por eso, un aumento puntual señala que una búsqueda registró un crecimiento reciente del interés, pero no equivale a una encuesta ni determina por sí solo la popularidad de un tema.

Brad Pitt regresará para protagonizar la secuela de Guerra Mundial Z en Paramount Pictures, más de una década después del estreno de la primera entrega. El anuncio llegó el 18 de septiembre a través de Deadline: los acuerdos ya están cerrados y el proyecto, que estuvo detenido en distintas etapas desde 2013, retoma su desarrollo con nombres de peso detrás de cámaras.

El director alemán Edward Berger, responsable de Sin novedad en el frente y Cónclave, se encargará de la puesta en escena. Berger trabajó recientemente con Pitt en The Riders, producción de A24 actualmente en posproducción, y esa colaboración habría sido el punto de partida para la secuela.

Según recogió The Hollywood Reporter, fue el propio Pitt quien le propuso la idea de continuar con la franquicia de zombis mientras filmaban juntos, y ambos habrían acordado retomar el trabajo apenas terminara ese rodaje.

Asimismo, el guion estará a cargo de Dennis Kelly, ganador de un premio Tony por el libreto de Matilda: The Musical y creador de series como Utopia. Kelly también escribió el filme Together, de 2021. Por el momento no se han revelado detalles de la trama, y Berger participará además como productor ejecutivo.

La producción quedó en manos de Plan B Entertainment, la compañía de Pitt junto a Dede Gardner y Jeremy Kleiner. El actor es representado por CAA y Brillstein Entertainment Partners; Berger, por CAA, Range, Casarotto Ramsay & Associates y Hanson Jacobson; y Kelly, por UTA.

Guerra Mundial Z se estrenó en 2013 bajo la dirección de Marc Forster y estuvo basada en la novela de 2006 de Max Brooks, World War Z: An Oral History of the Zombie War. La historia sigue a Gerry Lane, un exempleado de las Naciones Unidas interpretado por Pitt, que recorre el mundo en busca de una solución ante una pandemia zombi. El reparto congregó a Mireille Enos, James Badge Dale, Peter Capaldi, Ruth Negga y Matthew Fox.

Dicho rodaje comenzó en julio de 2011 en Malta y continuó en Glasgow y Budapest, pero tuvo complicaciones que derivaron en la reescritura completa del tercer acto. El equipo regresó a Budapest para siete semanas adicionales de filmación entre septiembre y octubre de 2012, lo que elevó el presupuesto a un reportado de 190 millones de dólares, aunque algunas publicaciones lo ubicaron hasta en 269 millones.

La película recaudó más de 540 millones de dólares en todo el mundo, lo que la convirtió en el filme de zombis más taquillero de la historia, pese a que el margen de ganancia resultó ajustado frente a un presupuesto que llegó a triplicar las estimaciones iniciales.

Los intentos fallidos de hacer una secuela

El desarrollo de una segunda parte se anunció poco después del estreno original, pero tuvo varios intentos que nunca se concretaron. Entre ellas figuró una propuesta dirigida por J. A. Bayona, responsable de Jurassic World: El reino caído, y otra a cargo de David Fincher, colaborador habitual de Pitt, quien llegó a comparar sus ideas para el filme con The Last of Us. Esa versión de Fincher fue descartada en febrero de 2019, en parte por problemas de presupuesto y por la prohibición de filmes de zombis vigente en China en aquel momento.

El proyecto permaneció en pausa hasta abril de este año, cuando Paramount anunció en la CinemaCon que la secuela había vuelto a entrar en desarrollo activo. Según The Hollywood Reporter, la película se convirtió en una de las prioridades de Skydance tras la adquisición de Paramount en 2025.

El anuncio de la secuela de Guerra Mundial Z coincide con la campaña de prensa de Pitt para Heart of the Beast, otro filme de Paramount que llega a los cines el 24 de septiembre bajo la dirección de David Ayer. La historia sigue a un oficial de fuerzas especiales y a su perro de combate, que quedan varados en la naturaleza de Alaska tras el choque de un avión.

Después, Pitt retomará su papel ganador del Oscar en The Further Mis-Adventures of Cliff Booth, de Netflix, dirigida por Fincher con guion de Quentin Tarantino. Esa película se estrenará en salas Imax de todo el mundo el 25 de noviembre y comenzará a transmitirse en streaming el 23 de diciembre.

Una sucesión marcada por la codicia

La trama sigue a los Fairbank, una familia perteneciente a la aristocracia británica cuyas relaciones internas quedan atravesadas por una batalla por la sucesión. Sus integrantes y asociados recurren a la traición, la violencia y el asesinato mientras intentan quedarse con el poder.

La sinopsis difundida para la película identifica la codicia como el motor central del conflicto. Detrás de la imagen pública de los Fairbank existe un grupo dispuesto a llegar a extremos sádicos para imponerse sobre sus rivales, incluso cuando estos forman parte de su propio círculo familiar.

El primer avance muestra personajes peligrosos, enfrentamientos físicos, armas y conversaciones tensas. Cumberbatch ocupa el centro de esas imágenes y aparece involucrado de manera directa en la violencia, lejos de funcionar como un simple observador de la disputa.

Las descripciones disponibles ubican a Wife and Dog entre dos géneros cercanos. La película ha sido presentada como una comedia negra ambientada en la aristocracia y como un thriller criminal centrado en una lucha por el poder. Esa combinación permite a Ritchie trabajar con asesinatos y traiciones sin abandonar los diálogos rápidos y el humor oscuro asociados con parte de su filmografía.

Un reparto alrededor de los Fairbank

Cumberbatch encabeza el elenco junto con Pike y Hopkins. El tráiler todavía no detalla la posición exacta de cada personaje dentro de la familia ni revela quién pretende controlar la sucesión, pero los tres actores quedan vinculados con el conflicto que amenaza a los Fairbank.

El reparto también incluye a James Norton, Cosmo Jarvis, Paddy Considine y Pip Torrens. La presencia de varios personajes alrededor de la familia amplía el número de posibles aliados y adversarios en una historia cuya sinopsis menciona de manera expresa a los asociados de los Fairbank.

Ritchie vuelve así a una estructura narrativa basada en grupos enfrentados, intereses cruzados y cambios de lealtad. El material promocional adelanta acción y giros de guion, aunque evita explicar quién inicia la disputa o qué integrante tiene el mejor derecho sobre la herencia.

La información revelada tampoco establece todavía si el relato tendrá un protagonista claramente heroico. El foco está colocado en la ambición colectiva y en los métodos que cada participante acepta utilizar para obtener la victoria. Para el público, esa reserva mantiene ocultas las alianzas y las traiciones que organizarán la película.

La intensa agenda de Guy Ritchie

Wife and Dog forma parte de un periodo de actividad constante para Ritchie. Desde 2021 dirigió seis películas, entre ellas En la zona gris, un thriller con Henry Cavill que llegó a los cines españoles en 2026.

Su trabajo reciente también incluye proyectos televisivos. Ritchie está detrás de Tierra de mafiosos y El joven Sherlock, además de The Gentlemen, la serie basada en su película de 2019. Para septiembre de 2026, esta última acababa de estrenar su segunda temporada en Netflix.

El director mantiene otra producción cinematográfica en posproducción: Viva La Madness, que vuelve a reunirlo con Jason Statham. La película continuará la historia de Crimen organizado y contará con Vinnie Jones, Jason Isaacs, Ben Foster, Camila Mendes, Jonny Lee Miller y Rauw Alejandro en su reparto.

Antes de ese proyecto, Wife and Dog llevará a Ritchie nuevamente a una trama de criminales, jerarquías y lealtades frágiles, esta vez dentro de una familia de la alta sociedad británica. La película se estrenará en los cines el 19 de febrero de 2027.

Spider-Man: Un nuevo día se convirtió en la película más taquillera de la historia de Estados Unidos al alcanzar 936,77 millones de dólares, según los ingresos contabilizados hasta el 15 de septiembre. La producción de Marvel, dirigida por Destin Daniel Cretton y protagonizada por Tom Holland, superó así la marca que Star Wars: El despertar de la Fuerza mantenía desde 2015.

El récord que pertenecía a Star Wars

La cifra establecida por Star Wars: El despertar de la Fuerza era de 936,66 millones de dólares. El margen entre ambas películas es de aproximadamente 110.000 dólares si se toman los datos más precisos publicados por las fuentes: 936,77 millones frente a 936,66 millones.

Otros reportes presentan las cantidades redondeadas en 936,7 millones para Spider-Man: Un nuevo día y 936,6 millones para Star Wars: El despertar de la Fuerza. La diferencia responde al nivel de precisión empleado, pero el resultado es el mismo: la película de Spider-Man ocupa el primer lugar histórico del mercado estadounidense.

El récord había resistido durante cerca de once años. Ni siquiera Avengers: Endgame logró superarlo durante su recorrido original, ya que terminó con alrededor de 858 millones de dólares en Estados Unidos. Esa película tiene previsto regresar con una versión extendida que funcionará como enlace hacia Avengers: Doomsday, lo que permitirá aumentar su recaudación, aunque parte desde una distancia considerable respecto del nuevo primer puesto.

El avance de Spider-Man: Un nuevo día se había vuelto previsible desde el fin de semana del 4 al 6 de septiembre, cuando pasó a ser la segunda película que cruzó los 900 millones de dólares en el país. Nueve días después, los ingresos registrados el 15 de septiembre fueron suficientes para desplazar definitivamente a la entrega de Star Wars.

La carrera mundial y la barrera de 1.000 millones

Fuera del mercado estadounidense, Spider-Man: Un nuevo día también mantiene cifras altas. Su recaudación global ya supera los 2.450 millones de dólares, resultado que la ubica como la tercera película más taquillera de todos los tiempos en todo el mundo.

Por delante permanecen Avengers: Endgame y Avatar. La película todavía se encuentra en cartelera, por lo que su total continuará creciendo, pero las fuentes no precisan cuánto dinero la separa de esos dos títulos ni cuánto tiempo seguirá disponible en los cines.

El próximo objetivo posible dentro de Estados Unidos es la barrera de los 1.000 millones de dólares. Para alcanzarla necesita sumar otros 63,23 millones. El problema es que el ritmo diario de ingresos ya cayó de manera sustancial después de casi dos meses en salas, una desaceleración habitual para una producción que dejó atrás sus primeras semanas de estreno.

Las proyecciones citadas consideran poco probable que llegue a esa cifra durante su recorrido actual. Aunque no necesita una cantidad enorme en comparación con su total acumulado, sí debe conseguirla en la etapa de menor rendimiento comercial. El récord ya está asegurado incluso si termina su paso por los cines antes de cruzar los 1.000 millones.

El antecedente de la versión extendida y Spider-Man 5

Una opción mencionada, pero todavía sin anuncio oficial, es que Sony prepare una versión extendida para impulsar nuevamente la venta de entradas. El estudio ya utilizó esa estrategia con Spider-Man: Sin camino a casa, que regresó a las salas con escenas añadidas después de su lanzamiento original.

Ese posible reestreno dependería de cuán cerca quede Spider-Man: Un nuevo día de los 1.000 millones en Estados Unidos. Por ahora no existe confirmación sobre nuevo material, una fecha adicional o un segundo lanzamiento, por lo que se trata únicamente de una posibilidad basada en el antecedente de la película anterior.

El desempeño comercial también coincide con los planes para mantener a Tom Holland como el trepamuros. El actor indicó que continuará interpretando a Spider-Man mientras los responsables de la saga quieran contar con él. La siguiente producción ya identificada es Spider-Man 5, que se encuentra en marcha.

A la fecha del 17 de septiembre, Resident Evil registra 96% de aprobación entre la crítica en Rotten Tomatoes, con 116 reseñas contabilizadas. La cifra puede cambiar conforme se incorporen nuevas evaluaciones. El resultado supera ampliamente a las anteriores películas de la franquicia, ninguna de las cuales había conseguido superar el 40% en el agregador.

El desempeño también la posicionó como una de las películas basadas en videojuegos con mejor recepción crítica. En los primeros registros, cuando acumulaba 97% y 91 reseñas, había superado a Sonic the Hedgehog 3, que tenía 86%, y había establecido el nuevo máximo para una adaptación cinematográfica de un videojuego.

Una historia nueva dentro del universo de ‘Resident Evil’

La película sigue a Bryan, interpretado por Austin Abrams, un repartidor médico que recibe la misión de llevar un misterioso paquete al Hospital General de Raccoon City. Lo que parecía un encargo rutinario se transforma en una lucha por sobrevivir cuando se encuentra con una ciudad devastada y criaturas infectadas.

A diferencia de las anteriores producciones protagonizadas por Milla Jovovich como Alice o del intento de reinicio de Resident Evil: Welcome to Raccoon City, la cinta de Cregger no adapta directamente una historia conocida de los videojuegos ni utiliza a sus personajes principales. En cambio, presenta un relato original que conserva elementos del universo de la franquicia.

Con una duración de apenas 90 minutos, la película apuesta por un ritmo acelerado, horror corporal, acción, criaturas grotescas y momentos de humor. Rotten Tomatoes resume la propuesta como una reinvención de la franquicia que sigue a Bryan en una carrera por la supervivencia.

El nuevo largometraje también representa otro paso en la carrera de Cregger, quien previamente dirigió las películas de terror Barbarian y Weapons. Forbes destacó precisamente el desempeño de ambas producciones en Rotten Tomatoes: Barbarian consiguió 92% y Weapons (La hora de la desaparición) alcanzó 93%.

¿Qué dijeron los críticos?

Las primeras reseñas destacaron precisamente la combinación de terror y entretenimiento. Tessa Smith, de Mama’s Geeky, resumió su impresión con una frase contundente: “Resident Evil es todo lo que quería y todo lo que no sabía que quería”.

Matt Donato, de Daily Dead, coincidió con esa percepción y escribió: “Esta es la Resident Evil que nunca supiste que querías porque Cregger no había tenido la oportunidad de hacerla hasta ahora”. Por su parte, Tom Jorgensen, de IGN, pidió a los espectadores dejar de lado sus expectativas sobre cómo debería ser una película de la saga para apreciar la propuesta del director.

El ritmo también recibió elogios. Frank Scheck, de The Hollywood Reporter, describió la cinta como una película de “90 minutos refrescantemente despojados”, con una secuencia atractiva detrás de otra. Asimismo, Jesse Hassenger, de The Guardian, destacó que la tensión y el entretenimiento no pierden fuerza mientras la historia avanza.

La actuación de Austin Abrams también aparece entre los elementos más destacados para la revista Empire. Otras reseñas destacaron su capacidad para sostener la película.

No obstante, algunas críticas señalaron problemas hacia el desenlace, que fue calificado como “abrupto” para el portal Decoding Everything.

Resident Evil de Zach Cregger ya está disponible en los cines de América Latina desde el 17 de septiembre, un día antes de su estreno señalado para Estados Unidos.

Con 30 juegos oficiales y siete películas, Resident Evil es una de las franquicias más grandes y exitosas que existen. Aunque siempre supimos que las producciones con Milla Jovovich estaban lejos de ganarse el Oscar (sobre todo las últimas) siempre ocuparon un lugar en nuestro corazón.

Antes de meternos en el nuevo reboot de Sony Pictures, es importante pensar en las adaptaciones del mundo del gaming que funcionaron en los últimos años. Las series de Fallout y The Last Of Us consiguieron algo que otras como Assassin’s Creed, Borderlands o Uncharted (y la lista podría seguir) no lograron: hacer una versión que mantenga viva la esencia de los juegos pero que se sienta original y fresca.

Y hagamos un paréntesis para hablar de Zach Cregger. El director de las celebradas Bárbaro y La Hora de La Desaparición ha dicho en varias entrevistas que si pudiera elegir un juego para llevar a la pantalla ese sería Resident Evil. Así que a principios del 2025, escribió una idea original que pudiera funcionar en paralelo a los eventos de la segunda parte pero sin retomar sus personajes. Y acá está el primer acierto, porque no solo está hecha por un director que ya demostró tener una identidad propia sino porque además estamos ante un fan de la franquicia. Cregger viene del mundo del stand up y esto se nota tanto en esta última producción como en las anteriores porque utiliza el recurso de mezclar terror con humor.

Acá nuestro protagonista es Bryan (Austin Abrams, Euphoria), un mensajero que debe entregar un paquete importantísimo al Hospital General de Raccoon City. Como podrán imaginarse, lo que parecía una misión fácil termina en una noche de terror y supervivencia por el brote del virus. Bryan no es Liam Neeson: no sabe usar armas, es algo torpe y actúa únicamente por instinto. Pero tiene un buen corazón y esto es lo que lo convierte en un héroe inesperado. El realizador busca usar todos los elementos del género y del videojuego desde el aspecto visual y narrativo sin dejar de meter guiños para los fans.

Por otro lado, esta es una de las primeras veces que vemos a Austin Abrams (el actor de Euphoria y La Hora de La Desaparición) en un papel protagónico. Si bien ya había tenido algunos roles importantes en comedias románticas como el galán intelectual (a lo Michael Cera), en Resident Evil: Noche Cero encuentra el tono justo entre el terror y el aspecto cómico de no entender lo surrealista de la situación que en la que se encuentra. Y cuando creemos que la suerte de Bryan no podría empeorar algo nuevo ocurre que mantiene al espectador atento y vigilante en una montaña rusa de emociones.

En conclusión, Resident Evil: Noche Cero es muy divertida y consigue hacer sentir al espectador lo mismo que puede experimentar jugando el juego sin dejar de ser una experiencia cinematográfica perfecta para ver en pantalla grande.

Nota anterior:

- Retrocultura Activa | Those Who Hunt Elves: un portal absurdo directo a los noventa

Butacas eléctricas y esqueletos voladores: el marketing macabro de William Castle

Hubo un tiempo en que ir al cine era más que ver una película. Era un evento. Una experiencia sensorial completa, donde la pantalla era solo una parte del espectáculo. Y no hablamos de efectos digitales ni butacas que se mueven con sensores, sino de algo mucho más artesanal, más teatral y más cercano a la infancia del terror cinematográfico. En esta nueva entrega de Retrocultura Activa, la columna de Malditos Nerds dedicada a excavar los cimientos del entretenimiento popular, recuperamos la figura de uno de los grandes pioneros del cine espectáculo, un hombre que no dirigía películas, sino rituales de miedo. Hoy hablamos del rey del susto con truco: William Castle.

El vendedor de terrores

William Castle no era un genio del guion ni un director virtuoso. Era, sobre todo, un showman. Su talento más brillante no se veía en pantalla, sino en la sala, antes y durante la proyección. Era un director, sí, pero también un productor, actor ocasional, maestro del marketing y, sobre todo, un narrador oral que entendía como pocos la relación emocional del público con el miedo.

A Castle no le interesaba que sus películas fueran obras maestras del terror. Le interesaba que la gente gritara, se riera, se levantara del asiento, hablara de la experiencia al salir. El cine era para él una feria, y él era el maestro de ceremonias.

Durante la década del cincuenta y principios de los sesenta, desarrolló un estilo propio de terror teatral, con películas que venían con accesorios, trucos ópticos, butacas vibradoras, esqueletos que volaban sobre el público, votos interactivos y campañas publicitarias que eran tan entretenidas como los propios films. Castle entendía que el cine era una promesa, y cumplía con creces.

House on Haunted Hill y el nacimiento del Emergo

Una de las primeras y más memorables jugadas de Castle fue en House on Haunted Hill (1959). La película, protagonizada por el gran Vincent Price, cuenta la historia de una casa embrujada y una herencia condicionada al paso de una noche en su interior. Pero lo memorable no estaba solo en la trama.

Durante las funciones, justo en una escena con un esqueleto, Castle activaba un mecanismo escondido en el techo del cine y un esqueleto de plástico con ojos luminosos salía volando sobre la audiencia, colgado de cables. El truco, bautizado como Emergo, no engañaba a nadie, pero cumplía con su objetivo: provocar una mezcla de susto, asombro y carcajada que quedaba grabada en la memoria del espectador.

Lo divertido es que el público, lejos de asustarse de verdad, muchas veces respondía como si estuviera en un carnaval, tirando pochoclos, botellas vacías, envoltorios, e incluso alguna que otra fruta podrida al pobre Emergo, que cruzaba el aire mientras recibía la lluvia de proyectiles. Castle, lejos de enojarse, disfrutaba el caos. Entendía que esa era la verdadera magia del cine de terror interactivo: un show compartido, entre risa y sobresalto, donde asustarse era también jugar.

Es evidente que lo que Castle visionaba -y que Hollywood olvidaría por décadas- es que el terror puede ser lúdico. Que el miedo, en manos hábiles, no solo puede ser una emoción oscura, sino también un juego liberador.

The Tingler y la butaca electrificada

En The Tingler (1959), otra vez con Vincent Price, William Castle inventó Percepto, un sistema en el que algunas butacas del cine vibraban en el momento exacto en que el monstruo, una criatura que se alimenta del miedo, escapaba en la sala.

Para lograrlo, Castle modificó butacas con motores de avión en desuso. Cuando Price le hablaba directamente al espectador en una escena clave, diciendo que “el Tingler estaba en la sala”, las butacas comenzaban a vibrar, provocando gritos y un desorden delicioso. Algunos cines incluso contrataron actores para fingir desmayos entre el público.

La película, en sí misma, no era revolucionaria. Pero la experiencia de verla sí lo era. Era un protocine interactivo, mucho antes de que la tecnología digital hiciera posible algo similar. Castle lo logró con cables, parlantes y mucha picardía.

Homicidal y la esquina de los cobardes

En Homicidal (1961), Castle se volvió todavía más audaz. Cerca del clímax de la película, un reloj gigante aparecía en pantalla, con una cuenta regresiva de 45 segundos en la que los espectadores más temerosos podían abandonar la sala... con condiciones.

Aquellos que decidieran irse, debían pasar por la Coward’s Corner (La esquina de los cobardes, en nuestro idioma), una especie de cabina de cristal ubicada en el hall del cine, donde eran ridiculizados públicamente por haberse asustado. Castle incluso contrataba extras para señalar y reírse de los cobardes.

Lo genial de esta estrategia era que pocos querían soportar la vergüenza. La mayoría decidía quedarse, aumentando la tensión del momento final. Otra vez, Castle usaba el entorno de la sala como parte del espectáculo.

13 Ghosts y el cine en dos dimensiones

Con 13 Ghosts (1960), William Castle probó otro invento: las Illusion-O Glasses. Unas gafas con lentes rojos y azules que permitían al espectador “ver o no ver” a los fantasmas en pantalla. Si querías verlos, mirabas por el lente rojo; si querías evitarlos, por el azul.

Este truco, rudimentario pero efectivo, daba una sensación de control al espectador, anticipando la ilusión de interactividad. Y una vez más, el miedo no venía tanto por lo que se veía, sino por la decisión de verlo. Una jugada más de Castle para involucrar al público emocionalmente.

Mr. Sardonicus y el poder de la decisión

Castle fue más lejos aún en Mr. Sardonicus (1961). Antes del final, se proyectaba un “voto de castigo”, donde el público levantaba tarjetas para decidir si el villano merecía ser castigado o perdonado.

Castle aseguraba tener dos finales preparados, aunque en realidad solo filmó uno. Pero la ilusión de tener poder sobre el relato era suficiente. El público salía comentando su participación como si realmente hubiera alterado el curso del film.

El Alfred Hitchcock del pueblo

William Castle siempre fue comparado -a veces injustamente- con Alfred Hitchcock. Ambos usaban su propia imagen como marca. Ambos aparecían en trailers y afiches. Pero mientras Hitchcock apelaba al suspenso refinado, Castle se tiraba de cabeza al sensacionalismo. Y lo hacía con una sonrisa.

Sus campañas de marketing eran legendarias. Ofrecía seguros de vida para quien muriera del susto, instalaba ambulancias falsas en la puerta del cine, colgaba ataúdes en el hall de entrada. Todo era una gran broma macabra, una performance continua. Y el público lo amaba.

William Castle no reinventó el terror, pero sí reinventó su forma de ser consumido. Entendió que el miedo es una experiencia social, una catarsis colectiva. Que ir al cine era un ritual, una comunión. Y por eso, cada uno de sus trucos (por más ingenuos que parezcan hoy) están cargados de amor por el espectáculo.

Su influencia es clara en películas como Matinee (1993), de Joe Dante, donde John Goodman interpreta a un personaje inspirado en él. También en directores como Sam Raimi o Robert Rodríguez, que entienden que el terror puede ser divertido, y que lo grotesco tiene su lugar en la estética pop.

En tiempos donde todo el cine parecía volverse más serio, más realista, más controlado por los estudios, Castle proponía caos, improvisación, cercanía. Su cine no era digno de premios, no era lo que buscaba, sino que él apuntaba a regalar experiencias inolvidables. Buen punto para partir, teniendo en cuenta que hoy que los cines pelean por sobrevivir frente al streaming, y que las experiencias multisensoriales se pagan como lujo VIP, es más vigente que nunca recordar a William Castle, porque su cine no dependía del presupuesto, sino del ingenio. No necesitaba CGI (porque tampoco existía), y se arreglaba con una polea y una buena idea bien explotada.

Mirándolo desde el presente, Castle enseñó que el miedo puede ser comunitario. Que no hace falta ser Kubrick para dejar una marca en el público. Que un esqueleto de plástico puede ser más memorable que mil explosiones digitales. Así que la próxima vez que sientas que el cine de terror se volvió demasiado serio, buscá una película de William Castle, ponete cómodo y preparate para reírte entre sustos. Si bien no vas a poder revivir aquellos años, sus películas te permiten que vueles con tu imaginación. Nos vemos muy pronto en la próxima edición de Retrocultura Activa y si todo se oscurece de golpe… no corras. Capaz es parte del show.

Para convertirse en el joven protagonista de I Play Rocky, el intérprete atravesó dos años de preparación física, modificó su alimentación y llegó a aumentar alrededor de 18 kilos antes de incorporar boxeo y cardio para ajustar su composición corporal.

El proceso fue detallado por Ippolito en una entrevista exclusiva con GQ Magazine. La película, dirigida por Peter Farrelly, aborda las dificultades que Stallone enfrentó para concretar Rocky, estrenada en 1976.

Ippolito también interpretó a un joven Al Pacino en la serie The Offer, otro papel relacionado con una figura del cine estadounidense antes de alcanzar la fama.

Una preparación que comenzó mucho antes del rodaje

La transformación física demandó una planificación prolongada. Durante la primera etapa, Ippolito se ocupó personalmente de incrementar su masa muscular y ajustar su alimentación para alcanzar los requerimientos nutricionales que necesitaba.

“Básicamente solo estaba tratando de comer lo suficiente, alcanzar los macronutrientes necesarios y ganar masa muscular”, explicó el actor a GQ.

El objetivo era aproximarse a la silueta que Stallone tenía en la primera película de Rocky, que presentaba características físicas diferentes de las que el actor mostró en producciones posteriores.

El actor de 27 años describió aquella etapa como un cambio integral en sus hábitos cotidianos. Según relató, llegó a ganar cerca de 18 kilos, una modificación que no estuvo vinculada exclusivamente al desarrollo muscular.

Durante los últimos cinco meses del proceso se incorporaron los entrenadores Grant Roberts y Kirk Myers, quienes acompañaron la preparación física del actor. Para entonces, el trabajo comenzó a orientarse también hacia las exigencias específicas de una interpretación que incluía el boxeo como uno de sus componentes centrales.

Del aumento de masa al entrenamiento de boxeo

La rutina también cambió a medida que se acercaba el rodaje. Ippolito contó que durante la principal etapa de aumento de masa entrenaba cinco días por semana. Más adelante, comenzó a realizar dos sesiones diarias, a las que sumó prácticas de boxeo y ejercicios cardiovasculares.

La intención no era eliminar todo el peso ganado. El actor necesitaba conservar una estructura corporal más robusta para acercarse a la imagen de Stallone en Rocky. “No intentaba perderla toda porque necesitaba un físico más completo”, señaló en la entrevista.

El boxeo terminó siendo una parte importante de esa segunda fase. Según el actor, la incorporación de esta disciplina junto con el cardio le permitió reducir parte de la grasa acumulada y definir progresivamente su físico.

El entrenamiento representó un desafío diferente de las actividades deportivas que había realizado anteriormente. Ippolito jugó al béisbol en Baruch College y contó que tenía experiencia con la preparación vinculada a ese deporte, aunque señaló que allí no necesitaba desarrollar una apariencia corporal específica como la que exigía su papel en I Play Rocky.

Una interpretación que buscó ir más allá de la apariencia

La transformación física fue solamente una parte del trabajo. Para construir al joven Stallone, también estudió aspectos de su historia personal y buscó evitar una representación basada exclusivamente en sus rasgos más reconocibles.

El actor explicó a GQ que Stallone posee una de las voces y físicos más identificables de la historia del cine, pero consideró necesario comprender el origen de algunas de esas características.

Durante su encuentro con el intérprete, pudo escuchar de primera mano cómo la parálisis facial había influido en su infancia, su adolescencia y su sensación de aislamiento.

“Su inteligencia me impresionó muchísimo”, afirmó sobre aquel encuentro. Según relató, ya consideraba a Stallone un hombre muy inteligente a partir de la investigación previa para el papel, aunque conversar directamente con él reforzó esa percepción.

La intención fue construir una versión del personaje alejada de la caricatura. Explicó que procuró comprender a Stallone desde una perspectiva actoral y realista, teniendo en cuenta las experiencias que contribuyeron a formar su personalidad.

El regreso a su físico habitual

Una vez terminado el proceso, Ippolito comenzó a reducir el peso que había incorporado para la película. El propio actor explicó que “perdí algo de peso porque realmente no podía, ni quería seguir comiendo así”, contó a GQ.

Para él, abandonar progresivamente aquella transformación también implicó desprenderse de una rutina que había ocupado una parte importante de su vida durante un período prolongado.

Una amenaza con rostro familiar

La historia sigue a Bela, una niña de ocho años interpretada por Arabella Olivia Clark. Su vida transcurre dentro de una familia marcada por el matrimonio problemático de sus padres. Para ella, ese núcleo formado por sus progenitores y su abuela Ruth representa todo su mundo, pero la tensión doméstica pronto queda desplazada por una presencia mucho más peligrosa.

La niña descubre en su habitación a la Otra Mamá, una entidad con un parecido exacto a su madre. Al principio, el ser permanece dentro del armario y se limita a observarla. Cada día le hace la misma pregunta: “¿puedo entrar en tu corazón?”. Bela se niega a responder, una resistencia que provoca un cambio en el comportamiento de la aparición.

La entidad comienza a abandonar el armario y a seguir a Bela por distintos espacios de la casa. Después también aparece en la calle, lo que elimina cualquier posibilidad de que el peligro esté limitado a la habitación de la niña. El avance de la amenaza queda acompañado por otro dato: alguien más finalmente logra verla.

A medida que la Otra Mamá se vuelve más agresiva, el riesgo se extiende a toda la familia. La película combina así el conflicto entre los padres de Bela con una persecución sobrenatural en la que el monstruo utiliza una figura familiar para acercarse a su víctima. Su objetivo sigue dependiendo de la respuesta que espera obtener de la niña.

El doble papel de Jessica Chastain

Chastain interpreta a la madre de Bela y a la criatura que adopta su apariencia. Ese doble papel coloca a la actriz en los dos extremos del conflicto: es una de las figuras centrales de la familia y, al mismo tiempo, el rostro elegido por la entidad para acosar a la protagonista.

El reparto incluye a Jay Duplass, Dichen Lachman, Arian Moayed, Karen Allen y Sean Kaufman. Clark ocupa el centro de la historia como Bela, ya que la narración depende de lo que la niña ve y de la relación que desarrolla con la presencia instalada en su casa.

El nuevo avance se concentra en el aumento progresivo del peligro. La Otra Mamá pasa de observar desde un lugar cerrado a moverse libremente detrás de Bela, mientras su parecido con la verdadera madre dificulta separar la protección familiar de la amenaza. Los dos carteles difundidos junto con el tráiler también utilizan esa identidad duplicada como eje de la campaña.

Del libro a la pantalla

La película adapta Hay algo malo en casa, el libro de Josh Malerman presentado como un superventas de The New York Times. El guion fue escrito por Nathan Elston, quien trabajó en Succession, mientras que Savage también participa como productor ejecutivo.

El director ya cuenta con experiencia reciente dentro del terror. Entre sus trabajos se encuentran Host y The Boogeyman, esta última basada en un relato de Stephen King. En La otra madre vuelve a trabajar con una amenaza vinculada a los temores infantiles, aunque aquí el peligro toma la apariencia de una persona cercana a la protagonista.

La producción reúne a Atomic Monster, Blumhouse Productions, Spin a Black Yarn, Universal Pictures y Wild Atlantic Pictures. James Wan participa como productor, mientras que Michael Clear, Judson Scott, Josh Malerman, Ryan Lewis y el propio Savage figuran como productores ejecutivos.

La otra madre tendrá estreno cinematográfico el 9 de octubre, tres semanas antes de Halloween.

La historia se desarrolla 24 años antes de los acontecimientos de la trilogía original y sigue a un joven Haymitch, interpretado por Joseph Zada, desde su selección como tributo del Distrito 12 hasta su participación en los 50 Juegos del Hambre. En esta edición, conocida como el Segundo Vasallaje, cada distrito debe enviar a cuatro representantes, por lo que 48 jóvenes son llevados al Capitolio en lugar de 24.

El segundo tráiler presenta una versión de Haymitch muy diferente a la que conocieron los espectadores en las primeras películas. Antes de convertirse en el hombre cínico y aparentemente indiferente interpretado por Woody Harrelson, era un joven que se muestra dispuesto a enfrentarse al sistema impuesto por el Capitolio.

Una de las escenas lo muestra desafiando la frialdad del presidente Coriolanus Snow (Ralph Fiennes) tras una impactante secuencia en el estadio. La cámara también revela la presencia de Plutarch Heavensbee quien observa el acto de rebeldía con admiración.

El avance presenta además una de las ideas centrales de la película: la relación entre estos Juegos y el comienzo de la resistencia que años después alcanzaría su punto más álgido con Katniss Everdeen.

Pero la película también mostrará el alto precio que pagó el personaje en la competencia. La historia explora las pérdidas y consecuencias que marcarán Haymitch después de su experiencia en la arena.

Un reparto conectado con la saga

Joseph Zada encabeza el elenco como el joven Haymitch Abernathy. Nina Jacobson, productora de la película, explicó a Variety que buscaban a un actor capaz de transmitir la personalidad que Harrelson aportó al personaje sin imitarlo.

“Quieres a alguien que se sienta de forma creíble como una versión joven de este personaje, antes del trauma, el dolor y la rabia que provoca el desenlace de los Juegos”, afirmó Jacobson.

El elenco también incluye a Whitney Peak como Lenore Dove Baird; Mckenna Grace como Maysilee Donner; Percy Daggs IV como Ampert Latier; y Ben Wang como Wyatt Callow. Entre las figuras que interpretan personajes vinculados con la saga original están Elle Fanning como una joven Effie Trinket, Kieran Culkin como Caesar Flickerman, Maya Hawke como Wiress, Kelvin Harrison Jr. como Beetee Latier, Lili Taylor como Mags Flanagan y Jesse Plemons como Plutarch Heavensbee.

En el papel antagonista destaca Ralph Fiennes, nominado al Oscar que relevará a Donald Sutherland, actor que encarnó al líder del capitolio en la trilogía original. Una versión más joven del personaje también llegó a la pantalla a cargo de Tom Blyth, en la precuela La balada de pájaros cantores y serpientes.

Amanecer en la cosecha también podría traer de regreso a la saga a Jennifer Lawrence como Katniss Everdeen y Hutcherson como Peeta Mellark. Aunque ambos no aparecen en el nuevo tráiler, sus personajes forman parte de la historia de la novela en un momento posterior a los acontecimientos principales.

Esta entrega de los Juegos del Hambre está dirigida por Francis Lawrence, quien también estuvo al frente de varias películas anteriores de la franquicia. El estreno está previsto para el 20 de noviembre de 2026, mientras que en América Latina llegará a los cines el 19 de noviembre.

El Segundo Vasallaje de los 25

La historia retrocede 24 años respecto de los acontecimientos protagonizados por Katniss Everdeen y Peeta Mellark. En esta etapa, Haymitch todavía es un adolescente del Distrito 12 obligado a participar en los juegos organizados por el Capitolio bajo el gobierno del presidente Coriolanus Snow.

La competencia corresponde al Segundo Vasallaje de los 25, nombre que recibe la edición número 50 de los Juegos del Hambre. Cada Vasallaje introduce una modificación especial en las reglas y, en esta ocasión, el Capitolio exige el doble de participantes. En lugar de los 24 tributos habituales, 48 jóvenes son enviados a la arena.

Haymitch forma parte del grupo seleccionado por el Distrito 12 y busca sobrevivir para regresar junto a su madre y su hermano. El nuevo adelanto presenta las pruebas que deberá enfrentar, la violencia organizada como espectáculo y el control político ejercido desde el Capitolio. También anticipa las primeras acciones de resistencia que, muchos años después, tendrán consecuencias para Katniss y los demás distritos de Panem.

El protagonista ya había contado fragmentos de su experiencia en las películas anteriores, pero esta precuela desarrolla el episodio completo. La película toma como base la novela homónima de Suzanne Collins, que volvió al pasado de la saga para narrar el origen del trauma de Haymitch y explicar su relación con los juegos.

Joseph Zada y los tributos del Distrito 12

Joseph Zada encabeza el reparto como Haymitch. El cambio de actor responde al salto temporal: la historia transcurre décadas antes de que el personaje se convierta en mentor de Katniss y Peeta. Harrelson interpretó la versión adulta desde la primera adaptación cinematográfica, estrenada en 2012.

Los otros tres tributos principales del Distrito 12 son Mckenna Grace como Maysilee Donner, Molly McCann como Louella McCoy y Ben Wang como Wyatt Callow. Iona Bell interpreta a Lou Lou, otro personaje vinculado con Louella dentro del relato.

El elenco incluye a Whitney Peak como Lenore Dove Baird, una figura central en la vida personal de Haymitch. También participan Kelvin Harrison Jr. como Beetee, Maya Hawke como Wiress y Lili Taylor como Mags, personajes conocidos por los seguidores de las películas originales, aunque aquí aparecen en etapas anteriores de sus vidas.

La edición especial estará acompañada por nuevas versiones de varias figuras del Capitolio. Elle Fanning interpreta a Effie Trinket y Kieran Culkin asume el papel del presentador Caesar Flickerman. Jesse Plemons encarna a Plutarch Heavensbee, mientras que Ralph Fiennes toma el lugar de Snow, personaje interpretado anteriormente por Donald Sutherland.

El reparto se completa con Glenn Close como Drusilla Sickle y Billy Porter como Magno Stift. La combinación de personajes nuevos y rostros ya conocidos permite que la película conecte la competencia de Haymitch con la estructura política y televisiva mostrada en las entregas previas.

El regreso de Katniss y la fecha de estreno

También se informó el regreso de Jennifer Lawrence y Josh Hutcherson como Katniss y Peeta. Debido al momento en el que transcurre la trama, sus apariciones no formarían parte de la historia principal. La posibilidad señalada es una intervención breve mediante un salto al futuro, aunque el adelanto difundido no detalla cómo serán incorporados.

La inclusión de ambos actores conectaría directamente la precuela con la saga original. Haymitch terminó convertido en mentor de los dos jóvenes durante la edición número 74 de los juegos y luego fue una pieza importante de la rebelión contra Snow. Amanecer en la Cosecha mostrará los acontecimientos que marcaron su relación con el Capitolio mucho antes de conocerlos.

Las fuentes difundieron una diferencia de un día para su lanzamiento: una ubica el estreno el 19 de noviembre de 2026 y otra lo fija para el 20 de noviembre. La variación puede corresponder a calendarios regionales, pero ambas coinciden en que la película llegará exclusivamente a los cines durante esa semana.

Un rescate dentro de un bosque peligroso

La historia comienza cuando una bandada de cuervos rapta al hermano menor de Prue McKeel. La adolescente se ve obligada a emprender una misión de rescate y termina internándose en un territorio desconocido, acompañada por su compañero de clase Curtis Mehlberg, descrito como torpe pero leal.

El recorrido lleva a ambos hasta un bosque habitado por animales parlantes, bandidos y figuras poderosas impulsadas por el dolor y la ambición. El conflicto supera pronto la búsqueda inicial: Prue y Curtis quedan involucrados en una lucha que amenaza el equilibrio del lugar y el futuro de sus habitantes.

El avance final concentra esas dos escalas de la trama. Por un lado, mantiene el objetivo personal de Prue, que necesita encontrar a su hermano. Por otro, muestra una disputa mayor en la que la protagonista tendrá que descubrir una fortaleza que desconocía y arriesgarlo todo para proteger Wildwood.

La película utiliza animación stop motion, una técnica basada en fotografiar figuras físicas cuadro por cuadro y moverlas ligeramente entre cada toma para crear la ilusión de movimiento. Es el método asociado a buena parte del catálogo de Laika y a producciones anteriores como Los mundos de Coraline y Kubo y las dos cuerdas mágicas.

De los libros a la sexta película de Laika

El guion fue escrito por Chris Butler, responsable de trabajos como El alucinante mundo de Norman y Mr. Link. El origen perdido. Butler llevó al cine el primer volumen de Las crónicas de Wildwood, una serie literaria que mezcla fantasía y realidad alrededor de un bosque oculto y sus distintas facciones.

La novela original es la primera entrega de una trilogía. La historia continuó en Under Wildwood, publicada en 2012, y concluyó con Wildwood Imperium, editada en 2014. Las fuentes disponibles no indican que Laika haya confirmado adaptaciones cinematográficas de esos dos libros, por lo que la película está presentada hasta ahora como una adaptación de la obra inicial.

Knight regresa a la animación de Laika después de dirigir Kubo y las dos cuerdas mágicas. Su filmografía también incluye Bumblebee y una nueva versión cinematográfica de He-Man y los Masters del Universo. En Wildwood trabaja con Butler y con el director de fotografía Caleb Deschanel, cuyos créditos incluyen La pasión de Cristo y El rey león.

Laika presenta Wildwood como su producción más ambiciosa hasta la fecha. Será su sexta película y mantendrá el trabajo artesanal del estudio, aunque Laika ya prepara proyectos de acción real y dejó de dedicarse de manera exclusiva a la animación stop motion.

Un reparto amplio y estreno en octubre

El elenco de voces reúne a Carey Mulligan, Mahershala Ali, Peyton Elizabeth Lee, Jacob Tremblay, Angela Bassett, Awkwafina, Jake Johnson y Charlie Day. También participan Amandla Stenberg, Jemaine Clement, Maya Erskine, Tantoo Cardinal, Tom Waits y Richard E. Grant.

La cantidad de intérpretes coincide con una historia poblada por protagonistas humanos, animales parlantes, bandidos y distintas figuras ligadas al conflicto del bosque. El tráiler final funciona como el último adelanto extenso antes del lanzamiento y centra sus imágenes en el secuestro, el viaje de Prue y Curtis y las amenazas que encuentran durante la búsqueda.

Wildwood tiene programado su estreno para el 23 de octubre.

Un secuestro en plena campaña política

Affleck interpreta a Mark Kimball, un político que intenta llegar a la alcaldía de Los Ángeles. Su vida pública y familiar se derrumba cuando secuestran a su hijo y los responsables exigen un rescate. Abigail, su esposa y personaje de Washington, se involucra en la búsqueda del dinero mientras el matrimonio comienza a desconfiar de quienes lo rodean.

El adelanto combina la carrera para recuperar al joven con las tensiones de una campaña electoral. Los Kimball deben reunir el pago dentro del plazo impuesto por los secuestradores, pero cada decisión amenaza con exponer secretos personales y destruir la imagen que Mark construyó como candidato. Netflix presenta el conflicto alrededor de los enemigos políticos y privados de la familia, además de las mentiras que existen dentro del propio matrimonio.

Gillian Anderson interpreta a una fixer, una especialista contratada para resolver crisis y operar como intermediaria en situaciones delicadas. Steven Yeun encarna al jefe de campaña de Mark. La presencia de ambos personajes abre dos frentes para el protagonista: la negociación destinada a recuperar a su hijo y el control de las consecuencias políticas del caso.

La historia también gira alrededor de la distancia entre la identidad pública de una persona y su comportamiento privado. Affleck explicó que le interesaba examinar las vidas de fachada que se presentan ante los demás. El secuestro funciona como detonante para quitar esas capas y revelar la dinámica hostil entre Mark y Abigail.

Una producción cancelada y recuperada

El proyecto fue anunciado en 2024 con Matt Damon como protagonista y Jennifer Garner en el papel de su esposa. Esa versión estuvo a punto de comenzar su rodaje, pero Affleck decidió detenerla apenas dos semanas antes de filmar tras conocer otra película construida alrededor de un secuestro.

Se trataba de Del cielo al infierno, dirigida por Spike Lee y protagonizada por Denzel Washington. Cuando Affleck descubrió que las dos producciones compartían un punto de partida similar, primero consideró retrasar Animales y después optó por cancelarla. Según contó a Entertainment Weekly, su reacción fue directa: “Estábamos a dos semanas de rodar y dije: ‘No estamos haciendo esto’”.

Affleck argumentó que realizar una buena película ya era suficientemente difícil sin sumar la comparación inmediata con otro proyecto. Sin embargo, la idea siguió interesándole por su ambientación en Los Ángeles y por la posibilidad de explorar el contraste entre las apariencias y la vida privada. Meses después decidió reactivar el desarrollo.

Para entonces, Damon ya no estaba disponible. Affleck asumió el papel de Mark y volvió a colocarse delante y detrás de cámara, algo que ya había hecho en Air, estrenada en 2023. El director bromeó con que su amigo había preferido encabezar La Odisea, aunque el cambio terminó modificando más piezas del reparto.

El nuevo matrimonio protagonista

La entrada de Affleck generó la salida de Garner. Ambos consideraron que interpretar juntos a una pareja atrapada en un matrimonio en crisis añadiría una carga personal innecesaria a la producción. Washington fue elegida entonces para encarnar a Abigail y formar la nueva pareja central.

Washington explicó que el guion mezclaba el thriller con ideas más profundas sobre la relación. Su lectura inicial cambió al descubrir que Mark y Abigail no formaban un matrimonio feliz, sino que mantenían una dinámica mucho más oscura. Esa tensión ocupa un lugar central mientras los dos intentan colaborar para salvar a su hijo.

El reparto se completa con Luis Gerardo Méndez, Adriana Paz, Ray Fisher, Christopher Woodley, Matt Gerald y Jacob Estrada. Animales será el regreso de Affleck a la dirección de largometrajes después de Air y estará disponible en Netflix desde el 9 de octubre.

Casi cuatro décadas después del estreno de Young Guns, varios de los protagonistas del western que reunió a algunas de las figuras más conocidas del cine de los años 80 volvieron a posar juntos. Emilio Estevez, Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, Dermot Mulroney, Lou Diamond Phillips y Casey Siemaszko participaron en un reencuentro realizado durante la Fan Expo Dallas, en Texas, el sábado 12 de septiembre. Terry O’Quinn, quien también formó parte del elenco original, se sumó a una de las fotografías.

Mulroney, de 62 años, compartió una imagen del encuentro en Instagram y recordó la película con un breve mensaje: “38 años después, Young Guns cabalga de nuevo”.

Phillips también publicó otra fotografía del grupo en sus redes sociales. “¡Jodidamente épico!”, escribió junto a la imagen.

Young Guns, estrenada en 1988, presentó una versión ficcionalizada de la historia de Billy the Kid y los Reguladores durante la Guerra del Condado de Lincoln, ocurrida en Nuevo México entre 1877 y 1878. Emilio Estevez interpretó a Billy the Kid, mientras que Kiefer Sutherland dio vida a Josiah “Doc” Scurlock, Charlie Sheen a Richard “Dick” Brewer, Lou Diamond Phillips a José Chávez y Chávez, Casey Siemaszko a Charlie Bowdre y Dermot Mulroney a “Dirty” Steve Stephens. Terry O’Quinn interpretó al abogado Alexander McSween.

La película fue dirigida por Christopher Cain y escrita por John Fusco. Su historia seguía a un grupo de jóvenes pistoleros que se convertían en parte de los Reguladores y buscaban vengar la muerte del ranchero John Tunstall, quien había sido su benefactor.

El éxito de la producción dio paso a una continuación. Young Guns II llegó a los cines en 1990 y volvió a reunir a parte del reparto.

Los caminos que tomaron después de la película

Tras Young Guns, los integrantes del elenco desarrollaron carreras distintas en Hollywood. Dermot Mulroney continuó trabajando en cine y años después protagonizó junto a Julia Roberts la comedia romántica La boda de mi mejor amigo, además de participar en películas como The Wedding Date, Must Love Dogs y Anyone But You.

Charlie Sheen alcanzó nuevos niveles de popularidad con producciones como Spin City, Dos hombres y medio y Anger Management. Emilio Estevez, por su parte, siguió trabajando como actor, director y guionista. Antes y después de Young Guns, participó en películas asociadas con la generación conocida como Brat Pack, entre ellas The Outsiders, The Breakfast Club y St. Elmo’s Fire. También dirigió y protagonizó The Public en 2018.

Kiefer Sutherland mantuvo una extensa carrera en cine y televisión. Uno de sus papeles más reconocidos llegó años después con 24, serie en la que interpretó al agente Jack Bauer entre 2001 y 2010 y por la que recibió un Emmy y un Globo de Oro.

Lou Diamond Phillips, en tanto, había alcanzado reconocimiento con La Bamba, donde interpretó al músico Ritchie Valens, antes de continuar con películas como Stand and Deliver, Young Guns y su secuela.

El reencuentro permitió así volver a ver juntos a varios de los actores que, en 1988, formaron parte de una de las producciones de western más recordadas de aquella generación.

Quentin Tarantino se ha alejado de la dirección en los últimos años, pero sigue consolidando su carrera como escritor. La próxima secuela de su película Érase una vez en Hollywood vendrá acompañada de la novela de Tarantino basada en la nueva película.

La segunda novela del cineasta ganador de un Oscar, Las aventuras de Cliff Booth, saldrá a la venta el 8 de diciembre. Se trata de la visión de Tarantino sobre Las nuevas desventuras de Cliff Booth, en la que Brad Pitt vuelve a interpretar el papel protagonista como un antiguo doble de acción de Hollywood. David Fincher se encarga de la dirección, a partir de un guion de Tarantino, quien también publicó una versión novelada de Érase una vez… en Hollywood.

Según Harper, un sello editorial de HarperCollins, el nuevo libro “ofrece la visión creativa propia de Tarantino sobre esta historia en forma de novela”.

“Estoy deseando que el público vea y lea las nuevas aventuras de Cliff Booth”, declaró Tarantino en un comunicado difundido el martes por Harper.

Tarantino es conocido sobre todo por películas como Pulp Fiction, Malditos bastardos y Perros de la calle. No ha dirigido ningún largometraje desde Érase una vez… en Hollywood, estrenada en 2019, pero ha escrito las dos adaptaciones noveladas y una obra de crítica cinematográfica y autobiografía, Cinema Speculation.

Fuente: AP.

Fotos: Harper vía AP y Joel C Ryan/ Invision/ AP, File.

Netflix multiplica sus apuestas por las adaptaciones de videojuegos con cuatro producciones en desarrollo: una serie animada de Sonic, otra basada en Diablo, y dos películas sobre Crazy Taxi y Stranger Than Heaven.

Los proyectos surgen de dos acuerdos distintos. Por un lado, la plataforma amplió su colaboración con SEGA para tres franquicias japonesas. Por otro, se sumó Blizzard con el anuncio de una serie animada de Diablo durante la BlizzCon 2026.

Cómo sería la nueva serie de Sonic

La producción se llamará simplemente Sonic y estará dirigida a una audiencia preescolar avanzada. Presentará al erizo azul y a sus amigos como héroes dentro de una aventura de tono dinámico, con momentos de humor y también emocionales.

El proyecto tendrá a Carlos Stevens como director, mientras que Toru Nakahara participará como productor ejecutivo por parte de SEGA. La serie se encuentra en desarrollo y todavía no cuenta con fecha de estreno, reparto de voces ni detalles sobre su animación.

Esta nueva producción será independiente de Sonic Prime, la serie animada que ya sumó tres temporadas exclusivas en Netflix.

Crazy Taxi y Stranger Than Heaven tendrán su propia película

La adaptación de Crazy Taxi será la primera producción en ponerse en marcha dentro del acuerdo con SEGA. Estará escrita por Dan Gregor y Doug Mand, guionistas del reboot de Agárralo como puedas.

Como productores participarán Neal H. Moritz, Toby Ascher y Toru Nakahara. La intención declarada es trasladar a la pantalla el caos, el humor y la energía que caracterizan al videojuego de conducción, que debutó originalmente en los arcades en 1999.

El estreno cinematográfico llega en un momento de expansión para la franquicia: SEGA tiene previsto lanzar Crazy Taxi: World Tour en 2027. La película todavía no tiene fecha de estreno confirmada.

El tercer proyecto ligado a SEGA es Stranger Than Heaven, basado en una propiedad de RGG Studio, el equipo responsable de la saga Like a Dragon. Netflix prepara una adaptación de acción real producida por Toru Nakahara.

La historia se ambienta en el Japón de comienzos del siglo XX. Sigue a un extranjero que asciende desde la pobreza hasta convertirse en un poderoso miembro de la yakuza y, después, en un magnate del entretenimiento.

Por el momento hay pocos detalles disponibles sobre esta producción. Netflix no ha revelado fecha de estreno, reparto ni equipo creativo adicional al mencionado.

Diablo contará con una serie en Netflix

Blizzard y Netflix confirmaron una serie animada ambientada en el universo del RPG de acción, en un evento donde también se presentó una quinta entrega del videojuego prevista para 2029.

La producción no reproducirá la trama de ninguno de los juegos existentes. Según la información disponible, contará una historia nueva enmarcada en la mitología propia de la saga, con la fantasía oscura y el tono de amenaza que la caracterizan.

Blizzard explicó que se asoció con distintas fuerzas creativas para contar historias fuera del formato de videojuego y llevarlas a nuevas pantallas. La compañía adelantó que compartirá más detalles en el futuro, sin precisar cuándo.

Por ahora no hay equipo creativo confirmado, tampoco actores de voz, estudio de animación, director ni calendario de producción. No se conoce el nombre definitivo de la serie ni se mostró material visual oficial.

El proyecto se suma a otras dos apuestas de Netflix dentro de la fantasía: Dungeons & Dragons: Ravenloft y la propia Diablo. Con esas producciones, la plataforma busca competir con series como Los anillos de poder y La casa del dragón.

La colaboración con SEGA y Blizzard llega en paralelo a otros desarrollos de Netflix dentro del género de videojuegos, entre ellos proyectos animados relacionados con Minecraft y Magic: The Gathering, además de nuevas temporadas de Cyberpunk: Edgerunners y Splinter Cell: Deathwatch, y la tercera y última temporada de Devil May Cry.

El director, asociado durante años a películas de gran escala como 300, Man of Steel y Justice League, asumió una producción independiente sin estudio ni plataforma de streaming detrás.

Durante una semana de filmación en el Amazonas, el cineasta enfrentó el calor, una fiebre que más tarde atribuyó al COVID y jornadas en las que también ejerció como camarógrafo. “Llevaba una cámara al hombro y sabía que no podía parar de filmar las tomas que necesitaba ese día”, relató el director de 60 años a The Hollywood Reporter.

Snyder rodó en Colombia sin pantallas verdes ni centro de control

The Last Photograph se filmó en gran parte en el sur de Colombia, cerca de Leticia y del río Amazonas. La producción prescindió de varios recursos habituales en las obras previas del realizador: no utilizó pantalla verde, tomas en cámara lenta ni un centro de monitoreo de video en el set.

Snyder también descartó las estructuras logísticas frecuentes en los grandes rodajes. “Sin caravanas, sin sillas, sin nada. Solo estábamos la cámara y yo, y literalmente un puñado de personas”, recordó.

La jornada de rodaje se extendió durante 32 días, cerca de la mitad del tiempo que el director suele emplear en sus películas. Según Snyder, el equipo llegó a realizar 40 configuraciones de cámara diarias de promedio.

En la primera fecha de producción, aseguró que completó 72 montajes de cámara. “En Justice League, hubo momentos en los que solo hacía cuatro montajes al día”, comparó.

La mayor parte del metraje se registró con cámara en mano, con algunas tomas mediante rieles. La película conserva una escena de acción con una incursión de comandos y la explosión de un helicóptero, aunque su planteamiento visual se distancia de los efectos digitales que caracterizaron títulos anteriores de su filmografía.

Una historia desarrollada durante dos décadas

El proyecto surgió hace unos 20 años y pasó por distintas etapas dentro de Warner Bros. En sus primeras versiones, la película se planteó como un thriller de espionaje o de guerra y tuvo a Sean Penn y Christian Bale vinculados a sus papeles principales.

La historia finalmente quedó centrada en dos hombres. Sigue a un fotógrafo de guerra con adicción a la heroína, único testigo de una masacre en la que mueren un diplomático y su esposa. El hermano del diplomático se une a él para buscar a los hijos secuestrados de la pareja, en un recorrido que se interna en un territorio sudamericano sin nombre.

Snyder recuperó los derechos del proyecto cuando Warner Bros. dejó de desarrollarlo. La producción quedó en manos de su esposa y socia Deborah Snyder, Wesley Coller y el productor italiano Gianni Nunnari. Los roles principales recayeron en el escocés Stuart Martin y el irlandés Fra Fee, ambos integrantes del reparto de Rebel Moon.

El director explicó que los cambios personales ocurridos desde 2017, año en que murió su hija Autumn, modificaron su aproximación al guion. “La estructura es muy similar y los acontecimientos son parecidos, pero en lo que se convirtió fue en una meditación sobre la muerte y la redención”, señaló al medio estadounidense.

Una producción pequeña tras las películas de DC y Netflix

Para Snyder, la falta de respaldo corporativo marcó una diferencia central durante el proceso. El presupuesto de The Last Photograph resultó menor que el de algunos comerciales realizados por el cineasta en los primeros años de su trayectoria.

“La película no tiene una agenda oculta”, sostuvo Snyder, y agregó que “cuando haces una película de un gran estudio, hay muchas cosas que considerar sobre el producto que estás creando”. El director destacó que, en esta ocasión, el objetivo no era impulsar una secuela ni comercializar productos derivados: “Simplemente les brindas una experiencia”.

Deborah Snyder vinculó esa dinámica con la vuelta de su esposo a la dirección de fotografía, una tarea que ya había asumido en comerciales y que retomó en Army of the Dead. “Tienes un equipo más pequeño, pero las imágenes siguen siendo impresionantes”, subrayó.

También indicó que las grandes producciones limitan la rapidez de trabajo: “Cuando se hicieron tan grandes, uno piensa que tiene más libertad creativa, pero en realidad tiene menos, porque no puedes moverte con agilidad”.

Snyder habló sobre Marvel, DC y el Superman de James Gunn

Durante la entrevista Snyder también se refirió a la forma en que Marvel adapta sus superhéroes y a su enfoque de los personajes de DC. Sobre la fórmula del estudio rival, declaró: “Marvel es como una atracción de un parque de diversiones, ¿no? Las subidas, las bajadas, la parte tranquila y luego otra bajada”.

El director explicó que su enfoque sobre los personajes de DC estaba centrado en su dimensión mitológica, en lugar de la estructura más vinculada al entretenimiento y el espectáculo. Consideró que esa decisión pudo haber sido un error, aunque sostuvo que no concibe de otra manera su aproximación a los superhéroes.

Consultado sobre Superman, dirigida por James Gunn, Snyder respondió: “Todavía no he tenido tiempo”. También señaló que apoya a Gunn y que desea el éxito de la división de DC.

El actor de 41 años también habló sobre su matrimonio con Alison Brie, su ausencia deliberada de las redes sociales y sus próximos estrenos cinematográficos.

La conversación surgió a partir de una anécdota compartida por O’Shea Jackson Jr., coprotagonista de Franco en la película Idiots, cuyo padre es el rapero y actor Ice Cube. Jackson Jr. interpretó a su propio padre en la película Straight Outta Compton.

Según relató Franco, ambos actores nunca habían hablado sobre la experiencia de crecer y trabajar en la industria con un familiar reconocido, hasta que Jackson Jr. lo sacó a la luz durante un podcast que grabaron juntos semanas atrás: “Creo que ambos tuvimos esa sensación interna donde pensamos: ‘No lo voy a mencionar’, y está bien”.

La construcción de una carrera propia

El actor californiano admitió sentirse agradecido por los consejos que recibió de su hermano al ingresar a la industria del entretenimiento.

Sin embargo, reconoció que durante años cargó con el peso de trabajar bajo un apellido ya asociado a otro actor de trayectoria consolidada. “Creo que en los últimos años he recorrido mi propio camino el tiempo suficiente como para que la gente empiece a reconocerme por mí mismo”, explicó.

Sobre la magnitud del desafío que representó ese proceso, Franco fue contundente al referirse al talento y la trayectoria de su hermano: “No es alguien cuya sombra puedas simplemente ignorar al intentar abrirte camino en la industria”.

Con el paso de los años, Franco considera que ese esfuerzo comenzó a traducirse en una valoración independiente de su trabajo. “La gente empezó a darme el reconocimiento que merezco”, afirmó.

Cuando Padman lo felicitó por haber logrado despegarse de esa comparación, el actor respondió con una frase breve mediante la que sintetizó años de esfuerzo: “Trabajé muy duro”.

Vida sin redes sociales y rutina de pareja con Alison Brie

Franco reiteró su decisión de mantenerse alejado de las redes sociales. El actor fue explícito sobre los motivos: “Entiendo la ventaja y por qué es tan adictivo, pero para mí, simplemente me asusta. No quiero exponerme ante un montón de extraños que inevitablemente me van a destruir todos los días”.

Esa ausencia digital también le cerró puertas comerciales. Afirmó que nadie quería trabajar con él en campañas publicitarias pagas, pese a que lo había intentado, un terreno en el que su esposa, Alison Brie, sí participa activamente.

Sobre su matrimonio de 14 años, detalló una costumbre que mantienen desde el inicio del vínculo: cuando están separados por trabajo, se envían mensajes de texto extensos cada noche a modo de cartas de amor. “Juro por Dios que es en parte la razón por la que seguimos juntos”, aseguró.

Sobre la evolución de la relación con el paso de los años, agregó que “está mejorando cada vez más. Y ahí es cuando sabés que encontraste a la persona correcta”.

Nuevos proyectos: de la comedia violenta a una película animada sobre la cultura filipina

Franco se explayó sobre Idiots, su próxima película dirigida por Macon Blair, que se estrenó el 28 de agosto. Definió al film como “una versión de comedia total y desenfrenada de The Last Detail”, en referencia al clásico protagonizado por Jack Nicholson.

Sobre el estilo narrativo del director, explicó que “te va a dar una carcajada y de inmediato te va a mostrar el momento más oscuro y violento de la película”. También destacó que “en el momento en que te sentís cómodo, te va a sacar la alfombra de abajo”.

El elenco incluye a Peter Dinklage, Nicholas Braun y Kiernan Shipka. Sobre Dinklage, Franco expresó admiración por su capacidad de generar comodidad inmediata en el set: “Es una de esas personas que, de inmediato, hace bromas y de inmediato te pone a gusto”.

Franco también adelantó detalles de Forgotten Island, producción animada de DreamWorks que llegará a las salas el 25 de septiembre, y que definió como el primer largometraje de un gran estudio centrado en la cultura filipina.

Respecto a Hoppers, la producción de Pixar en la que interpreta al villano, reconoció haber tenido dudas durante el rodaje: “Muchachos, ¿esto es demasiado? ¿Vamos a asustar a los chicos?”.

El resultado excedió sus expectativas: “No puedo contarles la cantidad de mensajes que recibí de amigos con hijos, básicamente diciendo alguna versión de ‘gracias por darles pesadillas a mis hijos de por vida’”.

Una amiga, según relató, fue más allá: “Es una locura decir que sos lo más aterrador que le pasó a mi hija en su vida hasta ahora”. Aseguró que tomó esos comentarios con humor y que los consideraba una excelente reseña.

Los Premios Emmy 2026 ya comenzaron a revelar a sus primeros ganadores antes de su ceremonia principal. Los Creative Arts Emmy Awards se realizaron durante dos jornadas, el 5 y 6 de septiembre, en el Peacock Theater de Los Ángeles, donde se entregaron 102 estatuillas en distintas categorías técnicas y artísticas. Los resultados de ambas noches ueron reunidos en un especial emitido el pasado sábado 12 de septiembre por FXX.

Entre las producciones que tuvieron una actuación destacada en esta primera etapa figura Widow’s Bay, que consiguió ocho premios, incluidos reconocimientos para Betty Gilpin como actriz invitada, además de galardones en categorías como casting, diseño de producción, cinematografía, edición de sonido y composición musical. DTF St. Louis también tuvo una jornada importante, con victorias en las categorías de actuación de reparto, además de dirección y guion para su creador, Steven Conrad.

Otro de los títulos destacados fue Spider-Noir, producción de Prime Video que obtuvo premios por coordinación de especialistas, diseño de títulos, efectos visuales, cinematografía y edición de sonido. South Park, por su parte, consiguió su quinto Emmy como mejor programa animado, el primero que recibe en esta categoría desde 2013.

Los Creative Arts también dejaron varios triunfos individuales. Shailene Woodley consiguió su primer Emmy por su participación como actriz invitada en Paradise, mientras que Linda Cardellini ganó por primera vez en los Emmy gracias a su papel en DTF St. Louis.

Mariska Hargitay, quien tendrá a su cargo la conducción de la gala principal, obtuvo dos premios por My Mom Jayne, en las categorías de documental y dirección de un programa documental o de no ficción.

También fueron premiados The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny, The Traitors y The Late Show With Stephen Colbert.

La atención ahora se concentra en la 78.ª edición de los Primetime Emmy Awards, que se realizará este lunes 14 de septiembre en el Peacock Theater de Los Ángeles. La ceremonia será transmitida por NBC y Peacock a las 8 p. m. ET (5 p. m. PT) y tendrá como presentadora a Mariska Hargitay, figura central de Law & Order: SVU.

Ya se ha confirmado la lista de presentadores, con Zendaya, Keke Palmer, Macaulay Culkin, Odessa A’zion y Alan Cumming entre las estrellas convocadas. Asimismo, Noah Kahan interpretará “Bridge Over Troubled Water” durante el segmento In Memoriam.

Primeros ganadores

• Mejor película para televisión: Remarkably Bright Creatures
• Mejor actriz invitada en una serie de comedia: Betty Gilpin por Widow’s Bay
• Mejor actor invitado en una serie de comedia: Rob Reiner por The Bear
• Mejor guion para una miniserie, antología o película: Steven Conrad — DTF St. Louis
• Mejor dirección para una miniserie, antología o película: Steven Conrad — DTF St. Louis
• Mejor actriz de reparto en una miniserie, antología o película: Linda Cardellini - DTF St. Louis
• Mejor composición musical para una miniserie, antología, película o especial: Sean Callery — The Beast in Me
• Mejor composición musical para una serie: David Fleming — Widow’s Bay
• Mejor tema musical original: Dave Porter — Pluribus
• Mejor música y letra originales: Andrew Bird y Gavin Brivik — The Pitt
• Mejor supervisión musical: Toko Nagata — Widow’s Bay
• Mejor cinematografía para una serie de media hora: Christian Sprenger — Widow’s Bay
• Mejor cinematografía para una miniserie, antología o película: James Whitaker — DTF St. Louis
• Mejor cinematografía para una serie de una hora: Darran Tiernan — Spider-Noir
• Mejor actor de reparto en una miniserie, antología o película: David Harbour - DTF St. Louis
• Mejores efectos visuales en una temporada o película: Stranger Things

• Mejores efectos visuales en un episodio: Spider-Noir
• Mejor diseño de títulos: Spider-Noir
• Mejor mezcla de sonido para una miniserie, antología o película: Beef
• Mejor mezcla de sonido para una serie de comedia, drama o animación de media hora: Widow’s Bay
• Mejor mezcla de sonido para una serie de comedia o drama de una hora: Pluribus
• Mejor edición de sonido para una serie de comedia o drama de una hora: Spider-Noir
• Mejor edición de sonido para una serie de comedia, drama o animación de media hora: Widow’s Bay
• Mejor edición de sonido para una miniserie, antología, película o especial: Beef
• Mejor interpretación de voz de un personaje: Julie Andrews - Bridgerton
• Mejor programa animado: South Park

• Mejor edición de imagen para una comedia multicámara: Leanne
• Mejor edición de imagen para una comedia de cámara única: Hacks
• Mejor edición de imagen para una miniserie, antología o película: DTF St. Louis
• Mejor edición de imagen para una serie dramática: Pluribus
• Mejor coordinación de especialistas para una comedia: Spider-Noir
• Mejor actuación de especialistas: A Knight of the Seven Kingdoms
• Mejor coordinación de especialistas para una serie dramática: The Boys
• Mejor coreografía para una producción con guion: Palm Royale
• Mejor actor invitado en una serie dramática: Ernest Harden Jr. - The Pitt
• Mejor maquillaje de época o fantasía/ciencia ficción: Palm Royale
• Mejor maquillaje contemporáneo: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor maquillaje con prótesis: The Pitt
• Mejor diseño de producción para una serie narrativa de época o fantasía: Fallout
• Mejor diseño de producción para una producción narrativa de media hora: Widow’s Bay
• Mejor diseño de producción para una producción narrativa contemporánea de una hora o más: Pluribus
• Mejor vestuario contemporáneo para una miniserie, antología o película: Beef
• Mejor vestuario contemporáneo para una serie: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor vestuario de época: Palm Royale
• Mejor vestuario de fantasía/ciencia ficción: Fallout
• Mejor actriz invitada en una serie dramática: Shailene Woodley
• Mejor peluquería de época o fantasía/ciencia ficción: Bridgerton
• Mejor peluquería contemporánea: Margo’s Got Money Troubles
• Mejor casting para una serie dramática: The Pitt
• Mejor casting para una serie de comedia: Widow’s Bay
• Mejor casting para una miniserie, antología o película: Love Story: John F. Kennedy Jr. & Carolyn Bessette

• Mejor especial de variedades en vivo: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor especial de variedades pregrabado: The Muppet Show
• Mejor dirección para un especial de variedades: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección para una serie de variedades: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor dirección técnica y trabajo de cámara para un especial: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección técnica y trabajo de cámara para una serie: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor diseño o dirección de iluminación para una serie: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor diseño o dirección de iluminación para un especial: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor programa de telerrealidad estructurado: Antiques Roadshow
• Mejor programa de telerrealidad no estructurado: Love on the Spectrum
• Mejor presentador de un programa de telerrealidad o competencia: Alan Cumming - The Traitors
• Mejor narrador: Octavia Spencer - Lost Women Of Alaska • The Missing
• Mejor dirección para un programa de telerrealidad: The Traitors
• Mejor dirección para un programa documental o de no ficción: Mariska Hargitay - My Mom Jayne: A Film By Mariska Hargitay
• Mejor serie o especial de no ficción presentado por un conductor: Tucci in Italy
• Mejor serie documental o de no ficción: Mr. Scorsese

• Mejor especial documental o de no ficción: My Mom Jayne: A Film by Mariska Hargitay
• Mejor guion para un programa de no ficción: The Daily Show Presents: Jordan Klepper Fingers the Pulse: Give the Man a Prize
• Mejor guion para una serie de variedades: The Late Show With Stephen Colbert
• Mejor guion para un especial de variedades: The Muppet Show
• Mejor maquillaje para un programa de variedades, no ficción o telerrealidad: Saturday Night Live
• Mejor peluquería para un programa de variedades, no ficción o telerrealidad: RuPaul’s Drag Race
• Mejor comercial: I’m Not Remarkable — Apple
• Mejor serie de comedia, drama o variedades de formato corto: Colbert Before Air
• Mejor serie de no ficción o telerrealidad de formato corto: Inside the Pitt
• Mejor cinematografía para un programa de telerrealidad: The Traitors
• Mejor cinematografía para un programa de no ficción: Ocean With David Attenborough
• Mejor casting para un programa de telerrealidad: Love on the Spectrum
• Mejor programa de medios emergentes: Uncanny Alley: A New Day
• Mejor coreografía para variedades o telerrealidad: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor dirección musical: The Apple Music Super Bowl LX Halftime Show Starring Bad Bunny
• Mejor composición musical para un programa documental, de no ficción o telerrealidad: John Candy: I Like Me
• Mejor diseño de producción para un especial de variedades: The Muppet Show
• Mejor diseño de producción para una serie de variedades o telerrealidad: The Traitors
• Mejor programa de concursos: Jeopardy!
• Mejor presentador de un programa de concursos: Jimmy Kimmel

Nominados a los Premios Emmy 2026

Mejor serie de comedia

• Abbott Elementary
• The Bear
• Hacks
• Margo’s Got Money Troubles
• Nobody Wants This
• Only Murders in the Building
• Shrinking
• Widow’s Bay

Mejor actor principal en una serie de comedia

• Yahya Abdul-Mateen II — Wonder Man
• Steve Carell — Rooster
• Matthew Rhys — Widow’s Bay
• Jason Segel — Shrinking
• Martin Short — Only Murders in the Building

Mejor actriz principal en una serie de comedia

• Quinta Brunson — Abbott Elementary
• Ayo Edebiri — The Bear
• Elle Fanning — Margo’s Got Money Troubles
• Lisa Kudrow — The Comeback
• Jean Smart — Hacks

Mejor actor de reparto en una serie de comedia

• Colman Domingo — The Four Seasons
• Paul W. Downs — Hacks
• Harrison Ford — Shrinking
• Nick Offerman — Margo’s Got Money Troubles
• Stephen Root — Widow’s Bay
• Michael Urie — Shrinking
• Tyler James Williams — Abbott Elementary

Mejor actriz de reparto en una serie de comedia

• Dale Dickey — Widow’s Bay
• Hannah Einbinder — Hacks
• Janelle James — Abbott Elementary
• Kate O’Flynn — Widow’s Bay
• Michelle Pfeiffer — Margo’s Got Money Troubles
• Megan Stalter — Hacks
• Jessica Williams — Shrinking

Mejor serie dramática

• The Diplomat
• The Gilded Age
• A Knight of the Seven Kingdoms
• Paradise
• The Pitt
• Pluribus
• Slow Horses
• Your Friends and Neighbors

Mejor actor principal en una serie dramática

• Sterling K. Brown — Paradise
• Gary Oldman — Slow Horses
• Mark Ruffalo — Task
• Rufus Sewell — The Diplomat
• Noah Wyle — The Pitt

Mejor actriz principal en una serie dramática

• Carrie Coon — The Gilded Age
• Chase Infiniti — The Testaments
• Keri Russell — The Diplomat
• Rhea Seehorn — Pluribus
• Zendaya — Euphoria

Mejor actor de reparto en una serie dramática

• Patrick Ball — The Pitt
• Billy Crudup — The Morning Show
• Shawn Hatosy — The Pitt
• Gerran Howell — The Pitt
• Jack Lowden — Slow Horses
• Tom Pelphrey — Task
• Carlos-Manuel Vesga — Pluribus

Mejor actriz de reparto en una serie dramática

• Taylor Dearden — The Pitt
• Fiona Dourif — The Pitt
• Allison Janney — The Diplomat
• Katherine LaNasa — The Pitt
• Sepideh Moafi — The Pitt
• Julianne Nicholson — Paradise
• Karolina Wydra — Pluribus

Mejor serie limitada o antológica

• All Her Fault
• The Beast in Me
• Beef
• DTF St. Louis
• Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette

Mejor actor principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Riz Ahmed — Bait
• Jason Bateman — Black Rabbit
• Charlie Hunnam — Monster: The Ed Gein Story
• Oscar Isaac — Beef
• Matthew Rhys — The Beast in Me

Mejor actriz principal en una serie limitada, antológica o película para televisión

• Claire Danes — The Beast in Me
• Sally Field — Remarkably Bright Creatures
• Carey Mulligan — Beef
• Sarah Pidgeon — Love Story: John F. Kennedy Jr. and Carolyn Bessette
• Sarah Snook — All Her Fault

Mejor serie de variedades

• The Daily Show
• Jimmy Kimmel Live!
• Last Week Tonight with John Oliver
• The Late Show with Stephen Colbert
• Saturday Night Live

Del último puesto al plantel

El draft es el proceso anual mediante el cual los equipos de la NFL seleccionan jugadores procedentes del fútbol universitario. El último elegido recibe tradicionalmente el apodo irónico de Mr. Irrelevant, una etiqueta que anticipa pocas posibilidades de desarrollar una carrera profesional.

Tuggle ocupó ese lugar en 1983. Los Giants lo escogieron con el turno 335, el último de la ronda 12. Ser seleccionado no garantizaba su permanencia: todavía debía superar el campamento de entrenamiento y convencer a Bill Parcells, quien atravesaba su primer año como entrenador principal del equipo.

El corredor consiguió entrar al plantel, disputó los 16 partidos de su temporada como novato y fue elegido Jugador del Año de equipos especiales de los Giants. Esa unidad se encarga de jugadas específicas como patadas, despejes y devoluciones, fuera de las formaciones habituales de ataque y defensa.

Michael Shannon interpreta a Parcells, presentado en el avance como una figura exigente frente a la confianza persistente del protagonista. Isabel May encarna a Katie, un interés romántico ficticio creado para la película, mientras que David Krumholtz aparece como Julius Whitey Horai.

La historia después de la temporada

La historia real de Tuggle incluye un giro trágico que la película incorporará después de su ascenso deportivo. Quienes prefieran llegar al estreno sin conocer ese tramo deben considerar lo siguiente como una advertencia de spoilers.

En 1984, un año después de su llegada a la NFL, Tuggle fue diagnosticado con cáncer. El jugador recibió tratamiento y se mantuvo vinculado a los Giants mientras conservaba la esperanza de regresar al campo, pero nunca volvió a disputar un partido profesional. Murió en agosto de 1986, a los 25 años.

El equipo mantuvo presente su memoria durante la temporada de 1986. Los jugadores llevaron el número 38 de Tuggle en sus cascos y terminaron la campaña con una victoria frente a los Denver Broncos en el Super Bowl XXI, el primer campeonato de Super Bowl en la historia de la franquicia.

Corenswet explicó que encontró en la vida del jugador una pregunta que excede el resultado deportivo: qué ocurre cuando una persona definida por su optimismo y resistencia debe afrontar una lucha que la determinación no puede resolver. El tráiler adelanta ese contraste entre el humor del novato, sus relaciones personales, la competencia por integrar el equipo y la enfermedad.

El director Jonathan Levine buscó combinar comedia, romance y tragedia siguiendo el tono de los dramas populares de la década de 1980. Su experiencia incluye The Wackness, Warm Bodies, The Night Before y Long Shot. Uno de sus antecedentes más cercanos al material es 50/50, comedia dramática de 2011 sobre un joven de 27 años diagnosticado con cáncer, inspirada en la experiencia de su guionista, Will Reiser.

El equipo detrás de la película

Levine dirige Corazón Gigante a partir de un guion de Nick Santora, escritor y showrunner de Reacher, la serie de Prime Video. El reparto se completa con Tuwaine Barrett, Thaddeus LaGrone, Alexander England, Spencer House y Tandi Wright.

La música está a cargo de Kris Bowers, compositor de The Wild Robot y Green Book. La dirección de fotografía corresponde a Frank Lamm, quien trabajó en producciones como Andor y The Crown.

El estreno estadounidense de Mr. Irrelevant: The John Tuggle Story está programado para el 25 de diciembre de 2026. Paramount Pictures Australia fijó su llegada a los cines australianos para el 11 de febrero de 2027.

Consultado sobre el efecto del alcohol en su carrera, el actor de 68 años explicó que dejó de beber hace casi tres décadas y que esa decisión fue decisiva para sostener su trayectoria. “El alcohol no ayudaba. Uno cree durante un tiempo que lo hace, pero se interpone y termina por alcanzarte”, afirmó.

El intérprete, que reconoció haber construido en sus primeros años una imagen de actor rebelde, señaló que entonces existía una tendencia a idealizar los excesos de figuras de la actuación, la literatura y la música. Mencionó como referentes de esa época a Peter O’Toole, Richard Harris y Richard Burton.

“Estoy muy agradecido de haber tenido la lucidez para decir basta”, sostuvo. Añadió que, sin aquella decisión, no estaría en condiciones de desarrollar la etapa actual de su carrera, marcada por su protagónico como Jackson Lamb en Slow Horses.

Oldman descartó una competencia con Daniel Day-Lewis

La entrevista también abordó los inicios de Oldman en el cine británico. El actor recordó que, a comienzos de la década de 1980, coincidía en audiciones con Daniel Day-Lewis, Colin Firth y Tim Roth, integrantes de una generación a la que entonces llamaban el “Brit Pack”.

Ante la pregunta sobre si existía competencia entre ellos, Oldman rechazó esa idea. “No es una competencia. Tienes que concentrarte en lo que haces y no en lo que otro está haciendo o logrando”, comentó.

El protagonista de Drácula de Bram Stoker definió a Day-Lewis como “un actor extraordinario” y aseguró que no percibe su carrera como una disputa con él. “Admiro lo que hace, pero no siento que esté compitiendo con él”, señaló.

También destacó el trabajo de Joel Edgerton en Train Dreams. Oldman calificó la interpretación de su colega como “impresionante” y planteó que la admiración hacia el trabajo ajeno forma parte del oficio. “Me gusta ver algo y pensar: ‘No sé cómo lo hizo’”, expresó.

El recuerdo de Alan Rickman durante los rodajes de Harry Potter

Oldman interpretó a Sirius Black en la saga de Harry Potter, donde compartió escenas con Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint. Al evocar esa etapa, eligió como una de sus secuencias favoritas el diálogo con Radcliffe sobre las personas amadas que permanecen presentes en la memoria.

También relató una anécdota sobre Scabbers, la rata que aparecía en las películas. Según contó, el animal debía retirarse del set cada 15 minutos porque se estresaba, lo que obligaba al equipo a interrumpir las tomas.

La memoria más afectuosa de ese rodaje estuvo dedicada a Alan Rickman, quien encarnó a Severus Snape. Relató que el actor llevaba con frecuencia a niños de escuelas, hospitales o familias amigas para que recorrieran los estudios y conocieran al elenco.

“Alan entendía cuánto significaba ese universo para los chicos y quería compartirlo con ellos”, afirmó. Para Oldman, Rickman asumía un rol de acompañamiento dentro del equipo y mantenía un compromiso particular con quienes visitaban el set.

Oldman habló de Heath Ledger y su trabajo como el Joker

El actor también recordó su participación como el comisionado James Gordon en la trilogía de Batman dirigida por Christopher Nolan. Al hablar de Heath Ledger, quien interpretó al Joker en The Dark Knight, afirmó que presenciar su trabajo en el rodaje fue una experiencia singular.

“Era extraordinario. Era un privilegio verlo en el set. Estaba completamente metido en el personaje”, destacó sobre Ledger, quien murió en enero de 2008, antes del estreno de la película.

Recordó que Horowitz fue quien le comunicó la noticia de su muerte y vinculó ese impacto con el que le produjo, años más tarde, el fallecimiento de Philip Seymour Hoffman.

“Los dos eran talentos excepcionales y los perdimos con muy poca diferencia de tiempo”, expresó sobre Ledger y Hoffman.

La aclaración sobre Jack Lowden y el próximo James Bond

En el tramo final de la entrevista, Oldman se refirió a las versiones sobre la elección del próximo intérprete de James Bond. El nombre de Jack Lowden, su compañero en Slow Horses, figura entre los candidatos mencionados en la prensa británica e internacional.

Oldman negó que tuviera información sobre una decisión tomada. Explicó que, en una charla anterior con una periodista canadiense, había dicho que escuchó rumores sobre una posible elección que todavía no fue anunciada y que deseaba que Lowden consiguiera el papel.

“No sé quién será el próximo James Bond. Ojalá sea mi amigo Jack, pero no tengo una línea directa con la gente de Bond”, afirmó.

El actor señaló que aprendió a no adelantar información sobre grandes franquicias después de revelar, antes del anuncio oficial, que habría una tercera película de Batman. “Me reprendieron por eso. Aprendí la lección: no voy a abrir la boca”, sostuvo.

Oldman también descartó encarnar a un antagonista en la saga 007. Horowitz le propuso la posibilidad de interpretarlo como un último gran villano, pero el actor respondió de inmediato: “No. Un villano de Bond, no”.

La familia Stone volverá a reunirse para una nueva Navidad, 20 años después de los acontecimientos de La joya de la familia (The Family Stone). Searchlight Pictures confirmó el desarrollo de la secuela, que llevará por título The Families Stone y contará con buena parte del elenco original, entre ellos Sarah Jessica Parker, Rachel McAdams, Claire Danes, Dermot Mulroney y Luke Wilson.

La nueva película tendrá nuevamente a Thomas Bezucha como guionista y director, tal como ocurrió con la producción de 2005. De acuerdo con la información publicada por The Hollywood Reporter, la historia hace un salto temporal de dos décadas que conecta con una ausencia importante: Sybil Stone, la matriarca interpretada por Diane Keaton, ya no estará presente.

La nueva historia estará ambientada durante otra celebración navideña y tendrá como punto de partida la reunión de la familia después de la muerte de Sybil. El padre, Kelly Stone, interpretado por Craig T. Nelson, sorprenderá a sus hijos al presentarles a la mujer de la que se ha enamorado.

Sarah Jessica Parker retomará el papel de Meredith Morton, mientras Rachel McAdams regresará como Amy Stone. También volverán Claire Danes como Julie Morton, Dermot Mulroney como Everett Stone, Luke Wilson como Ben Stone, Craig T. Nelson como Kelly Stone, Tyrone Giordano como Thad Stone y Elizabeth Reaser como Susannah Stone.

El reparto se completará con Paul Schneider como Brad Stevenson y Brian White como Patrick Thomas. La reunión supone el regreso de varios de los actores que participaron en la clásica comedia dramática.

En la primera película, Everett llevaba a Meredith a casa durante Navidad con la intención de pedirle matrimonio. Sin embargo, la relación de la pareja quedó afectada por la complicada recepción que ella tuvo entre los integrantes de la familia. La situación se volvió todavía más caótica cuando Meredith pidió a su hermana Julie que se quedara con ella para ayudarla a sobrellevar la visita.

Aunque La joya de la familia recibió críticas mixtas tras su estreno, consiguió una importante respuesta comercial y con el paso de los años se convirtió en una película de culto. La producción recaudó US$92,9 millones en todo el mundo, después de abrir con US$12 millones frente a un presupuesto de US$18 millones.

La película también impulsó el reconocimiento de su elenco. Sarah Jessica Parker recibió una nominación al Globo de Oro como mejor actriz en una película de comedia o musical por su interpretación de Meredith, mientras Diane Keaton, Craig T. Nelson y Rachel McAdams obtuvieron nominaciones a los Satellite Awards.

La pérdida de Diane Keaton

La muerte de Diane Keaton, ocurrida en octubre de 2025, también influyó en el desarrollo de la secuela. Bezucha reveló poco después que ya trabajaba en el guion cuando conoció la noticia. Según Variety, el director describió la pérdida de Keaton como un “golpe duro” porque llevaba meses escribiendo la historia y pensando en la ausencia de Sybil.

El filme original ya establecía que el personaje de Keaton padecía una enfermedad terminal y moría al final de la historia. Por eso, The Families Stone no tendrá que recurrir a una nueva explicación para retirar al personaje, sino que incorporará su muerte como parte del salto temporal de veinte años.

Luke Wilson también habló sobre el proyecto: “Tom Bezucha es un gran escritor y un gran director, y leí el guion, y es realmente divertido, y es muy agradable que todos quieran volver a trabajar juntos. Después de la muerte de Diane Keaton, será aún más significativo porque ella era una persona maravillosa”.

Casi tres décadas después del estreno de Practical Magic, Sandra Bullock y Nicole Kidman regresaron como las hermanas Sally y Gillian Owens en Practical Magic 2 (Hechizo de amor: la magia continúa), una secuela que ha dividido a críticos y espectadores. Mientras la prensa especializada recibió la película con opiniones poco favorables, el público le otorgó una aprobación muy superior en Rotten Tomatoes.

Hasta este 11 de septiembre, Practical Magic 2 registra 35% de aprobación en el Tomatometer, a partir de 104 reseñas de críticos. En contraste, el Popcornmeter alcanza 92%, una diferencia de 57 puntos que vuelve especialmente llamativa la recepción de la película entre ambos grupos.

El resultado recuerda lo ocurrido con la cinta original de 1998. En Rotten Tomatoes, aquella producción obtuvo cerca de 30% de aprobación de la crítica, aunque alcanzó 73% entre el público. Con el paso de los años, Practical Magic ganó seguidores y se convirtió en una película de culto, algo que sus responsables esperan repetir con esta nueva entrega.

Una nueva generación de brujas

Practical Magic 2 retoma la historia 25 años después de los acontecimientos de la primera película. Sally y Gillian continúan ligadas a la historia mágica de la familia Owens, pero ahora el conflicto alcanza a una nueva generación.

La crisis surge cuando Kylie Owens, hija de Sally e interpretada por Joey King, comienza a descubrir secretos relacionados con el pasado de su familia y desarrolla sus propias habilidades mágicas. La situación vuelve a poner en peligro a las mujeres Owens, quienes deben enfrentarse nuevamente a la maldición que ha perseguido a su linaje durante siglos.

Bullock y Kidman vuelven a sus papeles, acompañadas por Stockard Channing y Dianne Wiest. El reparto también incluye a Maisie Williams, Xolo Maridueña, Solly McLeod y Lee Pace.

¿Qué dicen los críticos?

Una de las principales objeciones de la crítica está relacionada con el guion y la duración de la película, que alcanza los 130 minutos.

Tara Bennett, de IGN Movies, consideró que Bullock, Kidman y el resto del elenco hacen esfuerzos por sacar adelante la producción, pero se encuentran con un problema central: “Están malditos con un guion muy desordenado”.

Por otro lado, Collider argumenta que el filme “carece del encanto, la fantasía y el corazón que hicieron de la película original un clásico; en cambio, es un desastre, con una trama tanto enrevesada como insípida que no hechizará a nadie”.

Por su parte, Todd Gilchrist, de Variety, cuestionó que la secuela repita elementos de la producción de 1998 sin solucionar sus problemas: “Esta secuela tardía repite los puntos de referencia que hicieron de la original una película querida por ciertos espectadores, mientras no logra corregir los defectos que hicieron que todos los demás prácticamente la olvidaran durante tres décadas”.

Un buen arranque en taquilla

Pese a estas críticas, el 92% de aprobación del público muestra que todavía existe una buena conexión de los fans con el universo de Sally y Gillian. El contraste también puede resultar favorable para la película en sus primeros días en cartelera, especialmente por el interés de las generaciones que crecieron con la cinta original.

Los primeros datos de taquilla apuntan en esa dirección. Según Deadline, Practical Magic 2 consiguió US$4,7 millones en funciones de preestreno del jueves, por encima de las previsiones iniciales de entre US$3,5 y US$4 millones.

La película, cuyo presupuesto de producción ronda los US$70 millones, apunta a un estreno doméstico de entre US$30 y US$35 millones.

Según el Buró Federal de Investigaciones de Estados Unidos, los ataques de aquel día dejaron una catastrófica cifra: 2.977 muertos.

De acuerdo con Business Insider, varios estudios y cadenas ajustaron materiales que estaban en postproducción o a punto de estrenarse para evitar asociaciones inmediatas con la tragedia. También el Museo y Memorial del 11-S ha destacado, en sus materiales históricos, cómo el atentado alteró la representación de Nueva York en cine y televisión.

Las series y películas que modificaron sus escenas tras los atentados del 11-S

Un cuarto de siglo después, la revisión de estas obras revela nuevamente los cambios inmediatos que el atentado provocó en la agenda informativa, la percepción del público y las resoluciones de estudios, canales y distribuidores.

Modificaron avances, créditos, diálogos e incluso finales completos. Uno de los ejemplos más recordados en el cine lo constituyó Spider-Man, dirigida por Sam Raimi y protagonizada por Tobey Maguire.

Spider-Man

La película estrenada en 2002 mantuvo su historia principal, pero el cambio en la campaña de promoción se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos de la reacción de los estudios tras el 11-S.

En su tráiler promocional aparecía un helicóptero enredado en una telaraña ubicada entre las torres, pero esa pieza fue eliminada después de los atentados. También se retiraron afiches y materiales promocionales con la silueta del complejo.

Sony retiró el teaser original y reformuló parte de la imagen pública de la cinta antes de su lanzamiento.

Zoolander

La comedia protagonizada por Ben Stiller y Owen Wilson, estrenada apenas 17 días después de los atentados, eliminó digitalmente las torres de algunas tomas del horizonte de Manhattan.

El cambio fue realizado en postproducción y se convirtió en una señal de la rapidez con la que los estudios intentaron adaptar títulos que ya estaban listos para llegar a salas.

Lilo y Stitch

En el caso de la producción animada de Disney, el ajuste fue mayor. El tramo final fue reelaborado para sustituir un avión comercial por una nave espacial y para reemplazar un entorno urbano por un paisaje menos asociado a una catástrofe en gran escala.

El cambio buscó evitar imágenes que, poco después del ataque, podían resultar demasiado cercanas a lo ocurrido en Nueva York.

Hombres de negro II

La secuela con Will Smith y Tommy Lee Jones también fue modificada. Versiones periodísticas y reconstrucciones posteriores sostienen que el clímax original incluía al complejo del World Trade Center, pero fue rehecho para ubicar la confrontación final en torno de la Estatua de la Libertad.

Luego de los atentados, la película debió repensar varias tomas y darle un cierre distinto al que se había pensado inicialmente.

Friends

La televisión reaccionó con la misma lógica. Series ambientadas en Nueva York o con referencias directas a la vida urbana de la ciudad revisaron secuencias ya grabadas para eliminar planos del WTC o suprimir bromas que, tras los ataques, habían quedado fuera de contexto.

Un ejemplo fue una escena en la que Chandler, interpretado por Matthew Perry, hacía bromas sobre bombas en un aeropuerto.

Esta fue descartada y reemplazada por otra secuencia. La modificación afectó un episodio ya producido de la octava temporada.

Sex and the City

La serie retiró de su introducción un plano en el que aparecían las torres. En versiones posteriores, ese encuadre fue reemplazado por otros íconos de Manhattan, una decisión en línea con la revisión visual que varias producciones hicieron de sus cabeceras y fondos urbanos.

La ley y el orden

Dentro de la franquicia, hubo ajustes en sus secuencias de apertura y homenajes a las víctimas y a los equipos de emergencia.

En Law & Order: Special Victims Unit eliminó un plano del World Trade Center de sus créditos al comienzo de la nueva temporada. Además, añadieron una dedicatoria vinculada al atentado y a la respuesta de policías y bomberos.

Los Soprano

En los créditos iniciales de las primeras temporadas se veía a las torres en el espejo retrovisor del auto de Tony Soprano, personaje interpretado por James Gandolfini.

Esa imagen fue retirada a partir de la cuarta temporada y quedó como una de las más citadas entre las series de prestigio que reformularon su identidad visual después de los atentados.

Los Simpson

El episodio “Homero contra la ciudad de Nueva York”, emitido originalmente en 1997, quedó atravesado por una sensibilidad distinta después del 11-S por su uso reiterado de las Torres Gemelas como escenario y referencia visual.

Aunque no fue reeditado de inmediato como otros títulos de cine y televisión, durante un tiempo dejó de circular con normalidad en la programación de Estados Unidos y pasó a ser observado bajo otra luz por la cercanía de sus imágenes con el lugar del atentado.

Con los años, fue incluido nuevamente en las programaciones y, posteriormente, en las plataformas de streaming.

Un romance alterado por un giro inesperado

La historia sigue a Maya, una mujer cuyo encuentro fortuito con Charlie da inicio a una relación apasionada. El vínculo abre ante ella la posibilidad de un futuro que nunca había imaginado, pero sus planes cambian de manera abrupta y la empujan hacia una vida distinta.

El adelanto plantea ese quiebre como el punto central del relato. A partir de allí, Maya tendrá que enfrentarse a preguntas sobre su identidad, sus deseos y la posibilidad de volver a amar. La sinopsis no revela cuál es el acontecimiento que transforma su futuro, por lo que el tráiler mantiene en reserva el conflicto específico que desencadena la nueva etapa.

La película llegará mediante un estreno directo en streaming. Esto significa que estará disponible para los suscriptores de Prime Video desde su lanzamiento, sin una exhibición comercial previa en salas anunciada en los materiales difundidos.

Margaret Qualley encabeza un reparto amplio

Qualley interpreta a Maya después de un período con varios estrenos. Entre sus trabajos recientes se encuentran Blue Moon, Jugada maestra y La constelación del perro. En esta ocasión ocupa el centro de una historia construida alrededor del duelo, el cambio personal y una nueva oportunidad sentimental.

Aaron Pierre integra el reparto principal junto con Patrick Schwarzenegger, Gabriel Basso y Catherine Keener. El elenco se completa con Tamara Lawrance y Corey Johnson, aunque las sinopsis difundidas todavía no detallan qué personajes interpretan ni cuál es su relación con Maya y Charlie.

El material promocional tampoco aclara quién encarna a Charlie. Esa información, al igual que la naturaleza exacta del giro que altera el futuro de Maya, permanece fuera de la descripción oficial compartida hasta ahora.

Rachel Morrison dirige una producción de Ryan Gosling

El amor de tu vida es el segundo largometraje dirigido por Morrison, responsable de El fuego de dentro. La cineasta también trabajó en televisión, donde dirigió episodios de American Crime, The Morning Show y Hightown.

El guion fue escrito por Julia Cox. La producción está a cargo de Ryan Gosling y Jessie Henderson mediante General Admission, productora de reciente creación que mantiene un acuerdo de colaboración con Amazon MGM Studios.

Ese vínculo entre General Admission y Amazon MGM Studios también incluyó Proyecto Salvación, otra producción vinculada con Gosling. El nuevo drama romántico será el próximo lanzamiento mencionado dentro de esa colaboración y quedará disponible en Prime Video el 14 de octubre.

En 1998, el director Griffin Dunne (Mi primer beso) eligió a dos actrices hermosas que ya eran muy famosas en Hollywood como las protagonistas de la adaptación de la novela de Alice Hoffman, en un romance que tenía brujas, fantasía y hermandad. Por aquel entonces, Sandra Bullock se estaba consolidando como una de las caras de la comedia romántica de los ’90 y Nicole Kidman venía de trabajar en grandes éxitos como El Pacificador y Batman Forever.

Hechizo de Amor era la primera vez que trabajaban juntas y su química fue instantánea. La historia seguía a las hermanas Owens, que vivían bajo una terrible maldición ancestral en donde cualquier hombre que se enamorara de ellas estaría destinado a morir. Criadas por sus tías (las inigualables Stockard Channing y Dianne West) en una exquisita casa victoriana con huerta y jardín, Sally y Gilly aprenden a lidiar con los prejuicios del pueblo y el significado de su magia entre viejos y nuevos amores. Muchos años después de haber tenido su final feliz, las hermanas regresan a la pantalla grande interpretadas una vez más por Sandra Bullock y Nicole Kidman en Hechizo de Amor: La magia continúa.

El conjuro que lanzó su ancestra ahora alcanza a las hijas de Sally, Kylie y Antonia, quienes deben enfrentarse a su herencia mágica y romper el hechizo. Uno de los principales problemas que tiene la secuela, es que el guión (o la novela en la que está basada) contradice por completo la maldición de las Owens. Al margen de esto, la película es bastante caótica en cuanto a su estructura: villanos mal desarrollados, motivaciones difíciles de entender y una línea narrativa confusa y predecible.

Lo mismo ocurre con la forma en la que se aborda la magia: en la primera parte se hacía principalmente a través de conjuros y algunos detalles atractivos como soplar y prender una vela o activar las licuadoras para los midnight margaritas. La secuela nos muestra una magia mucho más explícita, con paredes que se mueven y recursos que se acercan más a los que usa la bruja Escarlata o los que vemos en Harry Potter. No es que esto esté mal necesariamente, pero el gran atractivo de la primera parte yacía justamente en la sutileza en el uso de la magia.

Sacando esto de lado, hay algunos aspectos para destacar. El principal (y no menor) es que todavía se siente como una película de Hechizo de Amor. Las locaciones mantienen la magia de la primera, y Sally y Gilly siguen siendo las mismas: la segunda con un espíritu mucho más aventurero y apasionado (los momentos de Nicole son los mejores), y la primera más reservada y esquiva de su linaje.

Las hijas (interpretadas por Joey King y Maisie Williams) están muy bien elegidas a pesar de tener dos roles que no les permiten sacarle el jugo a sus personajes. Se nota que el foco sigue puesto en lo que ocurre con Sandra y Nicole, y no en los viajes de las chicas, que deberían haber sido lo más relevante de esta secuela.

Hechizo de Amor: La magia continúa es un anexo de una primera parte icónica y hermosa que funciona mejor como un bonus track que como una película en solitario. La química entre sus protagonistas sigue intacta y en algunos momentos logra transportarnos a lo que sentimos cuando vemos la primera, pero sigue estando lejos de ser aquella Hechizo de Amor de la que nos enamoramos en 1998.

A día de hoy, se ha vuelto común ver que algunos de los monstruos más taquilleros del año sean películas basadas en videojuegos. Desde Sonic, Mario Bros. o Pokémon, es un hecho que lo que hoy en día está cautivando a la gente es ver a los icónicos personajes del gaming llevados a la gran pantalla.

Sin embargo, esto no siempre fue así. Hubo una época donde la idea de una película basada en un videojuego era más un chiste que una idea interesante para los espectadores. Y con justa razón. Varias de las primeras películas en intentar esta mezcla dejaron bastante que desear, simplemente por no entender cómo trasladar un lenguaje tan parecido y tan distante a la vez en un largometraje de una hora y media.

En este artículo, vamos a repasar la historia de los videojuegos en el cine, para entender qué fue lo que falló en películas como The House of the Dead o Super Mario Bros. del 93, y qué es lo que pasó ahora que los estudios y directores de Hollywood parecen haber encontrado la fórmula del éxito para estas adaptaciones.

Cómo ya fue mencionado en varios momentos, la primera adaptación de un videojuego al cine como lo conocemos es Super Mario Bros. de 1993, una adaptación live action de los famosos videojuegos de Nintendo. Decir que la trama era bizarra es poco, ya que en vez de tomar a la princesa Peach se decide usar a Daisy, personaje visto por primera vez en 1989 en Super Mario Land. Sin embargo, en esta versión, la princesa es descendiente de dinosaurios, los cuales sobrevivieron en una dimensión paralela a la humana después del meteorito.

Si eso no demuestra lo que fue la película de Mario, no se que más se pueda decir. La película fue un fracaso en taquilla por esto y varios otros motivos, como la poca gracia de la película, convirtiéndo a la primera cinta a gran escala basada en un videojuego en un fracaso.

Luego, en 1994, le seguiría Mortal Kombat dirigida por Paul W. S. Anderson, el futuro director de las primeras películas de Resident Evil. Tomando las bases de la historia del primer juego, esta película se presentaba como una historia más simple y enfocada en la acción. Sin embargo, no recibió buenas críticas, las cuales señalaban la pobre escritura de la trama y la falta de violencia para lo que suponía ser una película de Mortal Kombat, ya que la adaptación tuvo que rebajar su nivel de gore para llegar a un público más amplio.

Pese a sus críticas, Mortal Kombat supo ser un éxito de taquilla en su momento, siendo recordada con cariño por varias personas y ganándose el respeto de la crítica posteriormente, los cuales la terminaron puntuando como la mejor película basada en un videojuego por varios años.

Tras esta década, los 2000 se verían plagados por adaptaciones mediocres de videojuegos, como la saga de Resident Evil de Paul W. S. Anderson o The House of the Dead, la cual se ganó el puesto de una de las peores películas de todos los tiempos. Salvo algunos casos como la saga Tomb Raider, que podía llegar a ser disfrutable en algunos momentos, el resto de esta era se vio infestada de películas de calidad cuestionable.

En los últimos años de la década del 2010 y a principios de 2020, en cambio, tendríamos un resurgimiento del formato, movimiento el cual empezó con Detective Pikachu, película basada en el famoso spin-off de la saga. A esta cinta le terminaría siguiendo Sonic the Hedgehog, un filme que al principio fue visto con malos ojos por los fanáticos y la crítica, pero se terminó ganando el respeto de la comunidad al retrasar su estreno para arreglar los problemas que los espectadores marcaron en su trailer, convirtiéndola en una de las películas basadas en videojuegos más exitosas que hemos tenido.

Resulta gracioso, de todas formas, que en el caso particular de Sonic la película adapte poco y nada su juego de origen y en su lugar, decida adaptar las bases del personaje y su universo para llevarlas al mundo real. Sin embargo, por alguna razón, esto no resulta antinatural o aburrido, y hasta se vuelve un escenario interesante para ver al famoso erizo. Podríamos decir, entonces, que el éxito de estas películas tuvo que ver principalmente con el buen trabajo de los escritores, en vez de una gran fidelidad con los juegos.

Con el éxito de Sonic y Detective Pikachu, parecería que las productoras habían encontrado finalmente la fórmula del éxito para este formato, y entonces empezaron a salir adaptaciones a diestra y siniestra, como la nueva película animada de Mario, haciendo casi hasta irónico que con este resurgir de las adaptaciones de los videojuegos al cine, se haya decidido volver a hacer una adaptación de esta película, aunque esta vez con resultados más favorables.

Casi todas estas películas terminaron siendo grandes éxitos y de los estrenos más importantes de sus respectivos años, señalando nuevamente a la primera entrega de la adaptación animada del fontanero, la cual se volvió una de las películas más taquilleras de todos los tiempos, y terminaron contagiando en el público este deseo de ver otras franquicias en la gran pantalla.

Obviamente seguimos teniendo tropiezos, como Resident Evil: Welcome to Raccoon City, Return To Silent Hill y Mortal Kombat de 2021, pero comparado a como comenzó, el cine de videojuegos parecería haber encontrado su lugar dentro de la taquilla hollywoodense. Ahora mismo estamos a la espera de la película de Street Fighter, Resident Evil por Zach Cregger y muy a futuro Elden Ring, la cual se encuentra en un desarrollo silencioso desde hace ya varios años. Si tenemos que marcar una época como la ganada por el gaming en el cine, sería esta.

Como hemos visto, el cine de videojuegos no empezó bien, y le costó mucho tiempo encontrar su rumbo, pero ahora que parece haberlo encontrado, las expectativas están por las nubes y las ideas cada vez son más ambiciosas.

A lo largo del desierto del Sáhara, entre los campos de refugiados de Tinduf y la frontera con Mauritania, se extiende a través de más de 2.700 kilómetros una barrera. Esta berma, una estructura defensiva también conocida como el muro de arena, fue construida por Marruecos a lo largo de la década de los 80 para dividir el Sáhara Occidental, región que en su día fue la provincia número 53 de España, en dos mitades. Al oeste, queda la zona controlada por el país norafricano, al este, los territorios liberados que actualmente gestiona el Frente Polisario.

Junto a las vallas, la arena y la piedra de las que está hecho el muro, hay otro elemento que lo caracteriza: más de 10 millones de minas que se aseguran de que nadie pueda aproximarse desde el desierto, o dicho más claramente, que los refugiados no puedan regresar al que un día fue su hogar. Entre ellos está Youguiha Mohamed Embarec, una joven graduada en biología que lidera un equipo de desminado y que protagoniza La Berma, el nuevo documental de Agustín Domínguez Cordero sobre la labor de esta y otras mujeres saharauis para mantener en pie a su pueblo.

“La primera vez que fui allí me quedé totalmente sorprendido porque vi una sociedad totalmente matriarcal”, afirma el director de una película que podrá verse el próximo 15 de septiembre durante el Festival de Cine de Madrid. “Allí la mujer lo es todo. Te ibas a una escuela y solo había directoras y maestras; te ibas al hospital y casi todas eran médicas. El hombre saharaui está en esa guerra invisible de la que no se habla en los medios, así que solo ves a mujeres. Ellas son las que sostienen la vida en los campamentos de refugiados”.

300 euros al mes por desminar el desierto

La Berma nació en 2020 como parte de una propuesta en el laboratorio de guiones Crea Doc, una iniciativa del Gobierno de Canarias. A partir de ahí, Agustín y su equipo comenzaron a trabajar en el proyecto y a llevarlo por diferentes festivales en busca de colaboradores. México, Colombia, Chile, Cuba, poco a poco “el queque fue entrando en el horno”, como dice el realizador canario. En 2022, decidieron empezar con la producción, en cuyo centro tenían claro quiénes debían estar: las desminadoras saharauis. “Vi un reportaje de prensa que hablaba de Yauguiha y su trabajo en una cuadrilla”. Tardó un tiempo en conseguir contactar con ella, pero cuando al fin lo hizo, pudo convencerla para que se uniera al documental.

Con un presupuesto de apenas 200.000 euros, comenzaron los viajes para poder acompañarla en sus incursiones por el desierto y conocer su vida. No era fácil acceder al Sáhara Occidental: pese a estar apenas a 100 kilómetros de las islas, el equipo de grabación debía ir de Canarias a Madrid, de ahí a Argelia y de ahí a Tinduf. “Era una verdadera locura”, recuerda Agustín, quien señala cómo el conflicto bélico entre el pueblo saharaui y Marruecos hacía escasas las oportunidades para poder coger un avión y volar hasta allí. Con suerte, podían hacer dos viajes al año, de apenas una o dos semanas de duración.

En esas estancias pudieron comprobar de primera mano la labor de Yauguiha y su equipo. Ella era la primera mujer en liderar uno de los equipos que, durante meses, tratan de desminar la berma. “Ella empezó un día en el que, tomando té con unas amigas, escuchó que había una ONG que estaba reclutando a gente para eso. Pagaban 300 euros al mes”, cuenta el director. Tras un largo proceso de selección, finalmente fue elegida para formar parte del grupo, y al poco tiempo para liderarlo. “Imagínate, una mujer dándole órdenes a militares. A ella le obsesionaba la seguridad de la cuadrilla. De ella dependía que nadie sufriera un accidente’”.

Las imágenes del documental muestran hasta qué punto el trabajo de Yauguiha es lento y metódico; los nervios de acero que requiere trabajar en condiciones tan extremas. Agustín recuerda sus palabras sobre cómo era trabajar durante horas y horas expuestos al sol del desierto: “Agustín, a veces no avanzamos ni 15 centímetros al día”. Por eso, en los campamentos muchos ven un punto de locura en los desminadores y desminadoras. El día que encuentran una mina, la alegría estalla, pero si pasa el tiempo y no encuentran nada, llegan la apatía y la depresión. Sea como sea, cuando pisan suelo minado, tienen clara una idea. “Tu primer error es tu último error”.

Saharauis con DNI español a los que su país abandonó

Al margen de las minas, La Berma también muestra cómo es la vida de Yauguiha y el resto de mujeres en el día a día. También asistimos a la vida familiar de la protagonista, la cual da un vuelco cuando descubre que está embarazada durante un viaje a España. Su hija acaba naciendo en Elche (Alicante), pero entonces llegan los problemas: pese a que la ley dice que debería haber adquirido la nacionalidad española en ese momento, el Estado no se la concede hasta después de dos años de trámites burocráticos. “Y a ella, que es la madre, le dan un pasaporte de apátrida. Es algo que pone los pelos de punta: ¿cómo se puede jugar con los seres humanos de esta manera?“, denuncia Agustín.

El cineasta nos cuenta cómo, en varios de estos viajes, ha podido hablar con padres y abuelos que salieron huyendo del Sáhara tras la Marcha Verde (la movilización marroquí para ocupar el Sáhara español en 1975). “Hablaba con ellos en perfecto español y me enseñaban el DNI. Yo me preguntaba cómo podía ser que alguien con los mismos derechos y obligaciones que cualquier ciudadano español estuviera ahí, en una situación así”. La respuesta está en las riquezas naturales de la zona, como esas minas de fosfato que explotaba España en su día, y con las que hoy se enriquece el país norafricano.

Ante este panorama, ¿qué papel tiene seguir desminando el Sáhara? La posibilidad de quitar todos los explosivos enterrados en la berma es tan poco probable como que la situación de los saharauis se reconduzca. Agustín Domínguez lo ve claro: es un acto simbólico de resistencia y de protesta. “Aunque sea una utopía, lo que quería recoger en mi película es el cachetón (bofetada) que esta refugiada saharaui le está dando al Estado español por su abandono durante los últimos 50 años. Obviamente, el cine no es la solución, pero es un granito de arena para que la sociedad tome conciencia de este conflicto”. Tras su paso por Madrid, el documental se podrá ver también en festivales de lugares como Tenerife, Bilbao, Azerbaiyán o la India. A partir de 2027, esperan que pueda verse en salas.

Un Sam Altman con tono de película de terror

El avance comienza con Altman bajando de un vehículo de lujo y entrando en un espacio que podría ser un templo o un spa exclusivo. El personaje atraviesa el lugar hasta llegar a una sala secreta ubicada debajo del edificio, una presentación que evita el tono habitual de las historias sobre empresarios tecnológicos.

El montaje utiliza recursos cercanos al cine de terror para acompañar el discurso del protagonista. Garfield habla sobre abrir la caja de Pandora, describe el futuro como algo inevitable y sostiene que la inteligencia artificial resolverá los problemas del mundo. La IA es una tecnología capaz de procesar grandes cantidades de información y aprender patrones para generar respuestas, textos, imágenes u otros resultados.

Las frases imitan el lenguaje de las conferencias tecnológicas, pero aparecen rodeadas de imágenes y sonidos amenazantes. El tráiler usa ese contraste para introducir el conflicto alrededor de Altman y la tecnología que ayudó a popularizar mediante ChatGPT, el producto más reconocido de OpenAI.

El reparto incluye a Cooper Hoffman y Monica Barbaro, aunque el adelanto y la información disponible todavía no detallan qué personajes interpretan. Ambos aparecen dentro de una historia centrada en las disputas de poder y las consecuencias personales de la crisis de liderazgo en OpenAI.

El despido y regreso del director de OpenAI

Artificial se enfocará en los días en que Altman fue apartado de su cargo como director ejecutivo y luego recontratado. Ese episodio funciona como núcleo dramático de la película, que abordará la tensión dentro de la organización responsable de ChatGPT en medio del crecimiento comercial de la inteligencia artificial.

La información difundida no presenta al largometraje como una biografía completa. El relato toma un periodo concreto de la trayectoria de Altman: una disputa interna que puso en duda su continuidad al frente de OpenAI y terminó con su regreso al mismo puesto. La película puede concentrar así el conflicto en las decisiones, negociaciones y relaciones que rodearon ese cambio de mando.

El guion fue escrito por Simon Rich, conocido por su trabajo en Saturday Night Live y Pixar. Artificial representa su primera incursión en el drama, tras una carrera vinculada principalmente con la comedia. Guadagnino dirige el proyecto y construye una puesta en escena que, al menos en el tráiler, se aleja de una recreación corporativa convencional.

La película también llega en un momento de fuertes inversiones en inteligencia artificial. Empresas tecnológicas, gobiernos y otros actores destinan grandes sumas al desarrollo de modelos capaces de automatizar tareas, producir contenido y asistir en distintos oficios. Artificial coloca el foco en una de las figuras más visibles de ese proceso y en la inestabilidad que atravesó su propia organización.

De Amazon a un estreno bajo el sello de Neon

El proyecto estaba pensado inicialmente para estrenarse mediante Amazon, pero el estudio lo descartó de forma repentina. Otros grandes estudios también rechazaron distribuirlo antes de que Neon adquiriera la película y lanzara su primera campaña pública.

El cambio de distribuidora quedó rodeado por una coincidencia relevante: en junio, Amazon anunció una inversión de 50.000 millones de dólares en OpenAI, según la información citada por las fuentes. La cifra era mil veces superior al presupuesto atribuido a Artificial. Sin embargo, no se comunicó oficialmente que esa relación comercial fuera la causa de la salida de la película, por lo que cualquier vínculo directo entre ambos hechos sigue sin confirmación.

Neon quedó a cargo de la distribución mundial, aunque la disponibilidad concreta todavía varía según el territorio. En Estados Unidos tendrá una exhibición limitada en salas durante Navidad.

Artificial se estrenará en una selección de cines estadounidenses el 25 de diciembre; por ahora, Neon no informó cuándo ampliará su lanzamiento a más países.

Un romance dentro de un misterio mortal

La historia sigue a Tate Gordon, un arquitecto solitario que se muda a un pequeño pueblo costero para terminar su último proyecto. Su rutina cambia cuando conoce a una joven que consigue sacarlo de su aislamiento, aunque esa relación termina arrastrándolo hacia un misterio mortal que amenaza a la comunidad.

Phoebe Dynevor interpreta a la coprotagonista vinculada con ese enigma. La información difundida hasta el momento evita precisar quién es realmente su personaje y qué peligro rodea al pueblo. El teaser mantiene esa incertidumbre y deja abierta la posibilidad de que la relación entre ambos personajes oculte un componente sobrenatural.

Esa falta de respuestas forma parte central de la presentación. La sinopsis establece el vínculo romántico, el traslado de Tate y la amenaza, pero reserva la naturaleza del conflicto. Tampoco explica qué sucede con el proyecto arquitectónico que lleva al protagonista hasta el lugar ni por qué el misterio parece concentrarse alrededor de la joven.

La colaboración entre Shyamalan y Sparks

La película reúne a dos autores asociados con géneros diferentes. Shyamalan es conocido por relatos de suspenso construidos alrededor de secretos y revelaciones, entre ellos Sexto sentido. Sparks escribió historias románticas como Diario de una pasión, centradas en relaciones marcadas por conflictos emocionales y circunstancias adversas.

Nunca olvides que te quiero cruza esas trayectorias en una misma premisa: un romance que comienza como la oportunidad de abandonar la soledad y deriva en una amenaza. La colaboración explica que el primer avance presente la relación como motor de la historia, pero oculte la información necesaria para determinar qué es real y qué papel cumple el componente sobrenatural.

El proyecto llega después de otros estrenos recientes que combinaron romance, terror y suspenso, como Heart Eyes y Companion. En este caso, la película utiliza la cercanía con San Valentín como parte de su lanzamiento, aunque el relato se aleja de la estructura de un romance convencional mediante el misterio que rodea a sus protagonistas.

Reparto y estreno confirmado

Junto con Gyllenhaal y Dynevor, el elenco incluye a Ashley Walters, Julie Hagerty y Jay O. Sanders. Warner Bros. Pictures todavía no detalló los personajes que interpretarán ni la relación que tendrán con Tate, la joven o los habitantes del pueblo costero.

Gyllenhaal ocupa el centro de la historia como un hombre aislado que llega a una comunidad desconocida por razones laborales. Dynevor encarna a la figura que modifica su vida y lo acerca al peligro, aunque el material promocional evita confirmar si ella es una víctima, una amenaza o una pieza intermedia del misterio.

La fecha anunciada es el 14 de febrero de 2027. Hasta ahora no se comunicaron diferencias de calendario entre territorios ni una plataforma para su lanzamiento posterior.

En ese contexto, The Hollywood Reporter elaboró un ranking con los principales directores de cine de terror y ciencia ficción en 2026. Para establecer el orden, el medio estadounidense especializado en entretenimiento consultó a figuras vinculadas con este tipo de producciones, analizó el desempeño en taquilla y evaluó la influencia cultural de las películas.

También tuvo en cuenta a cineastas que estrenaron una producción durante los últimos dos años o que tienen nuevos proyectos en camino.

10. Nia DaCosta

La cineasta estadounidense alcanzó el reconocimiento dentro del género por “Candyman”, una nueva versión de la historia de terror que llevó al cine en 2021. Su filmografía también incluye “Hedda”, mientras que entre sus trabajos recientes vinculados con el género aparece “28 Years Later: The Bone Temple”.

Uno de los momentos que The Hollywood Reporter destacó de su carrera es una escena de esta última producción en la que Ralph Fiennes interpreta al diablo y canta una canción de Iron Maiden. El ejemplo forma parte de la mirada de la revista sobre la manera en que los realizadores incorporan elementos inesperados a sus películas.

9. Kane Parsons

En el noveno lugar aparece Kane Parsons, quien trasladó al cine su propio fenómeno surgido en internet: “Backrooms”. El proyecto se convirtió en uno de los casos más destacados de la nueva relación entre las plataformas digitales y Hollywood.

Según The Hollywood Reporter, la película del joven director de 25 años recaudó USD 393 millones a nivel mundial, una cifra que la convirtió en un récord para A24. El éxito de la producción también provocó el interés de grandes estudios por trabajar con Parsons.

8. Parker Finn

Parker Finn es el responsable de una de las franquicias de terror más reconocibles de los últimos años: “Smile”. La primera película presentó una historia centrada en una presencia sobrenatural asociada con una inquietante sonrisa, mientras que “Smile 2” amplió ese universo.

La revista señaló que Finn continúa trabajando en la saga con una tercera entrega, que se encuentra en producción. Además, prepara una nueva versión de “Possession”, protagonizada por Callum Turner y Margaret Qualley.

7. Fede Álvarez

El cineasta uruguayo Fede Álvarez ocupa el séptimo lugar gracias, principalmente, al impacto de “Alien: Romulus”. La película, estrenada en 2024, recuperó el universo de Alien con una historia de terror y ciencia ficción.

De acuerdo con el ranking, la producción superó los USD 350 millones en la taquilla mundial y recibió una nominación al Oscar por sus efectos visuales. Entre sus trabajos anteriores también figura “Evil Dead”, producción de 2013 que lo posicionó dentro del cine de terror contemporáneo.

6. Sam Raimi

Sam Raimi es uno de los directores con mayor trayectoria dentro de la selección. Su filmografía de género incluye “The Evil Dead”, “Evil Dead II” y “Army of Darkness”, además de su trabajo en la trilogía de Spider-Man.

Para 2026, el proyecto destacado por The Hollywood Reporter es “Send Help”, un thriller de supervivencia protagonizado por Rachel McAdams. El medio también señaló la posibilidad de que Raimi trabaje en una nueva versión de “Magic”.

5. Curry Barker

El quinto puesto pertenece a Curry Barker, uno de los nombres más recientes del listado. Su película “Obsession” fue realizada con un presupuesto de apenas USD 750.000 y, según The Hollywood Reporter, alcanzó USD 505,6 millones en todo el mundo.

El resultado convirtió a Barker en uno de los casos de mayor crecimiento dentro del terror contemporáneo. Su próximo proyecto es “Anything But Ghosts”, mientras que Universal ganó una disputa entre estudios para contar con su siguiente producción original. Barker también trabaja en una nueva versión de “The Texas Chain Saw Massacre” para A24.

4. Robert Eggers

Robert Eggers ocupa el cuarto lugar con una filmografía marcada por el terror de época. Entre sus principales películas aparecen “The Witch”, que marcó su debut en el largometraje, y “The Lighthouse”. Su trabajo más reciente, “Nosferatu”, estrenado en 2024, se convirtió en una de las películas más taquilleras de la historia de Focus Features.

El próximo proyecto del director es “Werwulf”, protagonizado por Lily-Rose Depp. La película estará ambientada en el siglo XIII y todos sus diálogos estarán escritos en inglés medio.

3. Guillermo del Toro

El tercer puesto es para Guillermo del Toro, una de las figuras más reconocidas del cine fantástico. Su filmografía incluye títulos como “El laberinto del fauno” y “La forma del agua”, además de numerosas producciones vinculadas con criaturas y mundos sobrenaturales.

En el ranking, el principal trabajo reciente destacado es “Frankenstein”, producción de Netflix que recibió nueve nominaciones al Oscar y ganó tres premios. Del Toro también prepara “The Buried Giant”, una película realizada mediante animación stop-motion para la plataforma.

2. Ryan Coogler

Ryan Coogler ocupa el segundo lugar. Su trayectoria dentro del cine de género incluye “Creed”, con la que retomó el universo de Rocky, y “Black Panther”, película con la que se incorporó al universo de los superhéroes.

Su posición en el ranking está especialmente vinculada con “Sinners”, producción que combina terror, música y elementos culturales contemporáneos y que ganó cuatro premios Oscar. Entre los próximos proyectos de Coogler figuran “Black Panther 3” y una nueva versión de “The X-Files” para Hulu.

1. Zach Cregger

El primer lugar es para Zach Cregger, quien pasó de dirigir una película de culto como “Barbarian” a convertirse en uno de los realizadores más buscados de Hollywood.

Su producción más reciente, “Weapons”, alcanzó USD 270 millones de recaudación mundial con un presupuesto de USD 38 millones. La película también consiguió un Oscar para Amy Madigan. El éxito consolidó a Cregger como uno de los principales nombres del terror contemporáneo.

Su agenda incluye “The Flood”, una película de ciencia ficción para Warner Bros.; “Gladys”, una precuela vinculada con Weapons; y una nueva película de “Resident Evil” para Sony.

Una nueva catástrofe para la familia Shikishima

La secuela continuará el relato de Koichi y Noriko Shikishima después de los acontecimientos de la película estrenada en 2023. El avance conserva un estilo visual cercano al de la entrega anterior y vuelve a situar el conflicto dentro de un Japón que todavía atraviesa las consecuencias de la Segunda Guerra Mundial.

Kamiki regresa como Koichi Shikishima, el hombre que consiguió enfrentarse al terror de Godzilla durante el primer ataque. Hamabe interpreta otra vez a Noriko Shikishima, quien sobrevivió de manera milagrosa a la destrucción de Tokio. Ahora, la familia deberá responder a una nueva catástrofe cuya escala y origen todavía no fueron explicados.

El salto temporal hasta 1949 permite mostrar qué ocurrió con los sobrevivientes durante los dos años posteriores. La primera película utilizó la devastación de la posguerra como parte central de su historia: Japón ya se encontraba destruido antes de la llegada del monstruo, por lo que su ataque llevaba al país a un punto todavía más bajo. El título Minus Zero continúa esa idea de descenso, aunque el tráiler evita revelar cuál será la nueva amenaza.

La información difundida hasta ahora tampoco aclara cómo regresará Godzilla después del enfrentamiento anterior. El avance prioriza las imágenes de desastre, las reacciones de los personajes y un cierre diseñado para abrir interrogantes sobre otra criatura.

El reparto original vuelve para la secuela

Hidetaka Yoshioka retoma el papel de Kenji Noda, quien ahora trabaja como director de la Oficina de Respuesta a Desastres. Su nuevo cargo indica que la amenaza será abordada mediante una estructura oficial, a diferencia de la respuesta improvisada que reunió a civiles y ex integrantes de las fuerzas armadas en la película anterior.

Yuki Yamada vuelve como Shiro Mizushima, mientras que Kuranosuke Sasaki interpreta nuevamente a Seiji Akitsu, capitán del Shinseimaru. Ambos formaron parte del grupo que enfrentó a Godzilla y regresan para lidiar con las consecuencias del ataque.

El elenco incluye otra vez a Sakura Ando como Sumiko Ota, vecina de los Shikishima y actual responsable de un orfanato. Miou Tanaka reaparece como Tatsuo Hotta, antiguo capitán del destructor Yukikaze. La presencia del mismo grupo confirma que la película seguirá directamente sus historias, en lugar de trasladar la acción a una época distinta con protagonistas nuevos.

El tráiler, sin embargo, reserva la mayor parte de los detalles narrativos. No explica qué cambió en la vida cotidiana de Koichi y Noriko, cuál será la función de la Oficina de Respuesta a Desastres ni qué obliga a reunir nuevamente a los sobrevivientes del primer ataque.

IMAX y las pistas sobre otra criatura

Godzilla Minus Zero fue filmada con cámaras IMAX, una novedad dentro de las películas protagonizadas por Godzilla. IMAX es un formato de filmación y exhibición pensado para ofrecer imágenes de mayor escala en salas equipadas con pantallas y sistemas de proyección específicos. En este caso, las cámaras formaron parte del rodaje y no únicamente de la preparación de una versión para esas salas.

La decisión llega después del fuerte desempeño comercial y el reconocimiento obtenido por Godzilla Minus One. La entrega de 2023 recibió premios y amplió su alcance internacional, pero las fuentes no incluyen cifras de presupuesto, recaudación ni detalles sobre la cantidad de salas previstas para la continuación.

La incógnita principal del avance aparece en sus segundos finales. Un chillido diferente y una serie de relámpagos sugieren que otra criatura podría enfrentarse a Gojira, aunque Toho todavía no confirmó la identidad de un segundo monstruo ni reveló imágenes claras de ese posible rival.

Esa pista mantiene abierto el conflicto central: Godzilla podría regresar como la amenaza principal o quedar involucrado en un choque con otra criatura. La respuesta llegará primero a los cines japoneses el 3 de noviembre y tres días después al mercado internacional.

Coyote vs. ACME, la película que Warner Bros. intentó archivar para obtener una deducción fiscal, recaudó 45,6 millones de dólares a nivel mundial durante sus primeros 11 días en cartelera. El filme dirigido por Dave Green todavía no había llegado a varios mercados europeos al alcanzar esa cifra y, en México, debutó en el primer lugar con 73,8 millones de pesos y cerca de 1,1 millones de entradas vendidas.

Del archivo permanente al estreno mundial

El origen del conflicto se remonta a la fusión entre WarnerMedia y Discovery Inc. en 2022. La administración encabezada por David Zaslav inició entonces un plan para reducir costos en distintas divisiones, incluida la producción cinematográfica. Varios proyectos terminados o en etapas avanzadas quedaron atrapados en los recortes.

Entre ellos estaban Batgirl, ya en posproducción; una secuela de ¡Scooby!; y Coyote vs. ACME, una producción híbrida que integra personajes animados en dos dimensiones con actores y escenarios reales. Warner Bros. decidió que Batgirl y Coyote vs. ACME no serían estrenadas en cines ni incorporadas a una plataforma de streaming.

En el caso de la película de Green, el estudio buscaba una deducción fiscal de 30 millones de dólares. Ese mecanismo permitía registrar la producción como una pérdida y reducir obligaciones impositivas, pero exigía mantenerla fuera de circulación comercial. El ahorro equivalía a casi la mitad del presupuesto empleado para realizarla.

La decisión generó protestas de cineastas, animadores, actores y fanáticos. La presión pública llevó a Warner Bros. a aceptar ofertas por la película en lugar de mantenerla archivada. Ketchup Entertainment terminó comprando los derechos de distribución por 50 millones de dólares y destinó alrededor de 10 millones más a su promoción.

Ketchup Entertainment vendió después los derechos internacionales por 20 millones. Según los cálculos citados por las fuentes, necesita recuperar unos 40 millones de dólares y alcanzar entre 80 y 100 millones en la taquilla global para llegar a un nivel óptimo de rentabilidad. Los 45,6 millones acumulados en 11 días ya superan los 30 millones que Warner Bros. pretendía ahorrar mediante la cancelación.

México impulsa la recaudación de Coyote vs. ACME

El estreno mexicano aportó uno de los resultados comerciales más fuertes de la película. De acuerdo con la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica, Coyote vs. ACME obtuvo 73,8 millones de pesos entre el 27 y el 30 de agosto. Ese ingreso representa aproximadamente 1,1 millones de boletos y le permitió ocupar el primer puesto del Top 10 nacional.

Durante el mismo periodo, Spider-Man: Un Nuevo Día recaudó 37 millones de pesos y reunió a poco más de 500.000 espectadores. La película del Coyote casi duplicó tanto los ingresos como la asistencia registrada por la producción de Marvel.

Los reportes también señalaron salas llenas desde las primeras funciones y una programación elevada en los principales complejos cinematográficos del país. El rendimiento convirtió a México en uno de los territorios internacionales con mayor respuesta para el largometraje.

En Argentina, los registros de la consultora Ultracine también situaron al filme entre las opciones preferidas durante sus primeros días de exhibición. A esos resultados se suma la recaudación obtenida en Estados Unidos, responsable de la mayor parte de los 45,6 millones de dólares globales informados tras los primeros 11 días.

La cifra mundial todavía puede crecer con la llegada de la película a otros territorios. Al momento del reporte, varios mercados europeos importantes aún no la habían estrenado, incluida España.

La demanda del Coyote contra ACME

La historia traslada al cine la larga sucesión de accidentes provocados por los productos defectuosos que el Coyote utiliza para intentar capturar al Correcaminos. En esta ocasión, Wile E. Coyote decide llevar a ACME ante los tribunales y reclamar por décadas de trampas, cohetes y artefactos fallidos.

Will Forte interpreta al abogado de oficio que acepta representar al personaje animado. Durante la preparación del caso, descubre que la empresa vendió productos con problemas de fabricación durante años. John Cena encarna al abogado defensor de ACME, mientras que Lana Condor completa el elenco principal.

El juicio permite presentar como pruebas los inventos clásicos de las caricaturas y sus resultados desastrosos. La premisa conecta así la comedia física de los Looney Tunes con una disputa judicial entre un consumidor y una corporación de gran tamaño.

La relación del público latinoamericano con esos personajes ayudó al desempeño inicial. En México, las caricaturas tuvieron presencia continua durante décadas en la televisión abierta, mientras que la controversia por el intento de cancelación mantuvo a la película bajo atención antes de su estreno.

Coyote vs. ACME continúa en cartelera y conserva una amplia cantidad de funciones en los principales cines, mientras su lanzamiento avanza hacia los mercados internacionales que todavía no la recibieron.

La película, protagonizada por Ryan Reynolds y Kenneth Branagh, se sitúa en 1987 y sigue a Troy Kelly o Troy Brennan, identificado con el indicativo ‘Assassin’, un aviador estadounidense que cae en territorio soviético y despierta en una cabaña remota de Siberia atendido por Nikolai Ustinov, un antiguo miembro del KGB fascinado por la cultura popular de Estados Unidos y que tiene una copia pirata en VHS de Top Gun.

“Está aislado y exiliado y busca símbolos de lo que parece libertad, de lo que a él le parece lo es el poder, lo moderno, lo tecnológicamente avanzado. Y ve todo eso como una especie de ejemplo de la cultura estadounidense y un impulso que quizás él no siente que tiene o que tenía en su anterior vida en el KGB”, cuenta Kenneth Branagh en la rueda de prensa de presentación de la película.

Un ‘bromance’ masculino al estilo años 80

La cinta convierte ese punto de partida en una “bromance” de guerra fría con peleas cuerpo a cuerpo, persecuciones en coche en torno a Moscú y una energía que remite a la etapa de Roger Moore como James Bond. Un duelo entre el carisma irónico de Reynolds y la inesperada vis cómica y física de Branagh.

“Trabajar con Ryan es muy libre, está muy presente y es un gran oyente. En esta comedia de compañeros dependía totalmente de él. Fue generoso porque asume un papel diferente al que está acostumbrado”, cuenta Kenneth Branagh sobre su compañero de reparto.

La química entre los dos protagonistas sostiene una película que mira abiertamente al cine de colegas de los años ochenta y noventa. Así, Branagh se convierte en la gran sorpresa del reparto, hasta el punto de robar la función a Reynolds.

“Mi personaje es implacable cuando se trata de violencia si necesita usarla lo va a hacer, pero también tiene un punto ingenuo e inocente que lo hace imprevisible”, dice sobre su personaje. “Lo que sí que está claro es que está totalmente alejado de los tropos de habituales de cualquier thriller alrededor de la Guerra Fría”.

La película está escrita y dirigida por Jonathan Goldstein y John Francis Daley, el dúo responsable de Noche de juegos y Dungeons & Dragons: Honor entre dragones y podríamos definirla como una mezcla entre Top Gun y Huida a medianoche.

El humor y los paisaje míticos de Branagh

Para Kenneth Branagh el humor es fundamental en su vida y por eso lo reivindica en las películas. “Un vivo sentido de lo absurdo es un mecanismo de adaptación para lidiar con lo inesperado de la vida”, dice.

Desde el punto de vista político, Branagh es consciente de que existe una polarización similar a cuando nos encontrábamos en la Guerra Fría. “En vez de estar enfrentados, deberíamos entendernos mejor“.

Si a su personaje el gusta Top Gun, a Kenneth Branagh lo que le gusta de Norteamérica como símbolo son los wésterns. “Para mí presentaban imágenes de esa clase de tierra de oportunidades, y también una especie de paisaje mítico en el que se consideraban importantes cuestiones morales. En mi película Belfast, incluimos un fragmento de Solo ante el peligro, una película de Fred Zinnemann, en blanco y negro. Gary Cooper interpreta a un alguacil estadounidense que podría ser intimidado para abandonar un pueblo por un grupo que quiere liberar a un hombre al que tiene en la cárcel. ¿Se queda? ¿Se va? ¿Se quedará para el mediodía y la llegada de los malos? Y el dilema moral de que tiene una responsabilidad hacia una esposa joven y recién casada, dentro de un paisaje enorme, de inmensidad y rocas de granito".

Durante una entrevista en el podcast Happy Sad Confused, la intérprete puertorriqueña respondió con cautela a las versiones que la vinculan con Wonder Woman o Maxima, dos personajes del universo de DC Comics.

Arjona, quien ya terminó el rodaje de la producción, no reveló el nombre de su personaje. El conductor Josh Horowitz insistió con una apuesta simbólica de USD 500 para fines benéficos sobre cuál de las dos figuras interpreta.

La actriz aceptó el juego, aunque evitó despejar la incógnita. “Mi vida está en juego y tú solo estás jugando conmigo”, comentó entre risas durante la conversación.

Ante la insistencia del conductor, explicó por qué debe mantener bajo reserva los detalles de su participación: “Estoy obligada a guardar secreto. Odio los secretos. Soy muy mala para guardarlos”.

El misterio sobre Wonder Woman y Maxima

Horowitz le preguntó si sabía qué papel estaba audicionando cuando se presentó al casting. Arjona respondió de forma breve: “Sí”. Luego, ante la consulta sobre si le gustaba su vestuario, la actriz afirmó que “me encanta mi traje”.

El intercambio sumó más dudas cuando Horowitz señaló que podría responder sobre el diseño si interpretaba a Maxima. Arjona replicó: “Los dos personajes tienen grandes trajes”. La frase no confirmó ninguna de las versiones que circulan sobre su incorporación a la secuela de Superman.

La actriz sí habló sobre el reencuentro con Gunn y con Peter Safran, a quienes conoció años atrás durante su trabajo en The Belko Experiment. “Se sintió como un momento de círculo completo”, señaló en Happy Sad Confused.

También destacó que ambos conservaron la misma actitud pese a sus actuales responsabilidades al frente de DC Studios: “Parecen las mismas personas geniales y divertidas”.

Onslaught, una película de acción con una protagonista herida

Durante la entrevista, Arjona detalló el trabajo detrás de Onslaught, película dirigida por Adam Wingard. La actriz de 34 años encabeza el elenco y describió el proyecto como una propuesta que toma riesgos dentro de los géneros de acción, terror y suspenso.

“Me gusta ver películas arriesgadas llegar a los cines”, afirmó al explicar qué la atrajo de la producción. Según relató, Wingard regresó en este film a un tipo de relato cercano a sus primeros trabajos, luego de dirigir producciones de mayor escala para estudios.

Arjona definió a su personaje como una mujer atravesada por conflictos personales. En particular, señaló que junto al director tomaron la decisión de mostrar una relación compleja con la maternidad. “Vemos a muchos actores hombres tener la oportunidad de interpretar esos personajes, pero rara vez vemos a mujeres con esa posibilidad”, sostuvo.

La actriz también celebró que Wingard le permitiera llevar un parche en el ojo y marcas en el rostro. “He intentado durante toda mi carrera tener una cicatriz en la cara, y ningún estudio me deja tener sangre o una cicatriz”, comentó.

Para su preparación, mencionó a Ellen Ripley, el personaje de Sigourney Weaver en la saga Alien, como una referencia inicial.

Una forma de actuar basada en la intuición

Durante la entrevista, Arjona explicó que su método de trabajo no parte de una fórmula fija. Aunque estudió en el Instituto de Teatro y Cine Lee Strasberg, sostuvo que debió desprenderse de algunas herramientas adquiridas durante su formación cuando comenzó a trabajar en rodajes.

“Tuve que desaprender muchas cosas al salir de la escuela”, explicó. Para la actriz, técnicas como la memoria sensorial pueden resultar demasiado centradas en la experiencia individual. Su preferencia se orienta hacia la reacción frente al compañero de escena y al juego que surge durante las tomas.

Arjona indicó que adapta su dinámica a cada director. Citó el caso de Tony Gilroy, creador de Andor, como un autor con textos que no admite modificaciones: “Cambiar incluso una coma o un punto en Tony Gilroy no estaría bien. Arruinaría el ritmo de toda una escena”.

En cambio, describió el proceso de Hit Man, bajo la dirección de Richard Linklater, como un período de ensayos intensos en el que el elenco probaba variantes, ajustaba diálogos y llegaba al set con cada elección definida. “No había preguntas en el set. Si había una pregunta, ¿por qué no la hiciste en el ensayo?”, recordó sobre aquella experiencia.

Bix Caleen y una conexión pendiente con Star Wars

Arjona también se refirió a Bix Caleen, su personaje en Andor, serie ambientada en el universo de Star Wars. Contó que Gilroy le anticipó desde el comienzo que el papel cambiaría su carrera y que los momentos narrativos prometidos para la protagonista se mantuvieron, aun cuando la estructura de la serie se modificó.

La actriz recordó además que estuvo cerca de conseguir el rol de Qi’ra en Solo: A Star Wars Story, que finalmente interpretó Emilia Clarke.

Arjona afirmó que entonces deseaba formar parte de la franquicia y que la posibilidad de encarnar a una protagonista latina tenía un valor especial para ella. Años después, su ingreso a Andor le permitió concretar ese vínculo con la saga.

El actor que interpretó a Han Solo, Indiana Jones y otros personajes emblemáticos del cine construyó una trayectoria de 62 años y cerca de USD 6.000 millones en la taquilla estadounidense.

Hasta el momento, Ford y Sylvester Stallone son los únicos actores de la historia que consiguieron estrenar una película en el primer puesto de la taquilla durante seis décadas consecutivas.

En una entrevista con Backstage Magazine, repasó distintos momentos de su extensa carrera, desde sus primeros pasos sobre un escenario universitario hasta su consolidación como una de las figuras más reconocibles de Hollywood. Además, habló sobre la serie Shrinking, su forma de construir personajes y la relación con otros intérpretes.

Una definición práctica del trabajo actoral

Ford resumió su vínculo con la profesión con una frase que contradice cualquier interpretación excesivamente intelectual del oficio. “No pienso mucho en la actuación”, afirmó durante la conversación con Backstage.

Para el intérprete, actuar consiste principalmente en responder a las circunstancias de cada escena y trabajar en función de la historia. “Actuar es aprovechar una situación y tratar de concentrarse en la tarea en cuestión, que es contar la historia a través del personaje”, explicó.

Esa concepción también aparece en su descripción del trabajo cotidiano en un rodaje. Ford definió la actuación como una actividad esencialmente práctica: “Actuar es resolver problemas. Eso es lo que hacemos en el set. Nos ponemos de pie y resolvemos los problemas”.

También destacó la presión que implica trabajar con un tiempo limitado. Según explicó, la energía, la paciencia y las oportunidades disponibles durante una jornada de filmación tienen un límite. Esa condición es precisamente uno de los aspectos que más disfruta de su profesión.

El desafío de interpretar a Paul Rhoades en Shrinking

Esta manera de entender el trabajo se refleja en uno de sus papeles recientes. En Shrinking, Ford interpreta a Paul Rhoades, un terapeuta que atraviesa las primeras etapas del Parkinson. Para preparar el personaje, consultó con neurólogos y especialistas con el objetivo de comprender las manifestaciones de la enfermedad.

El actor señaló que cada paciente atraviesa el Parkinson de una manera diferente y explicó que la serie presenta períodos puntuales de la vida de Paul, sin mostrar todo el desarrollo de la enfermedad.

Esa característica también plantea un desafío interpretativo. “No quiero hacer algo sentimental, estúpido o erróneo”, afirmó sobre la responsabilidad que implica el papel.

Durante el rodaje de la cuarta temporada, Ford compartió una escena con Michael J. Fox, quien también convive con Parkinson. Sobre su compañero de elenco, expresó que “es muy perspicaz. Está muy presente en todo momento. Tiene un talento enorme”.

Del deseo de esconderse a construir personajes desde sí mismo

Uno de los momentos más significativos de la conversación surgió cuando recordó sus primeras experiencias teatrales. En 1964 interpretó al señor Antrobus en The Skin of Our Teeth, una obra presentada en el Red Barn Theatre del Ripon College. Aquella experiencia marcó su relación con la actuación.

El personaje llevaba un bigote postizo, talco en la cabeza y una almohada debajo de la camisa. Para Ford, ese aspecto físico representó una posibilidad de ocultarse detrás de un personaje y encontrar un espacio de pertenencia entre personas con intereses similares.

Con el tiempo, esa relación cambió. “Al principio, fue genial poder esconderme tras un personaje. Pero más adelante, a medida que aprendía más sobre él, me di cuenta de que no necesitaba esconderme”, señaló.

Según explicó, comenzó a entender que podía utilizar aquello que llevaba consigo para construir una interpretación. “Solo necesitaba aportar lo que llevaba en el corazón y en la mente, porque eso era lo que tenía para ofrecer”, agregó.

La actuación como una construcción

La experiencia previa de Ford como carpintero también aparece en su manera de explicar el trabajo actoral. Antes de convertirse en una estrella de Hollywood, esa profesión le permitió contar con una fuente de ingresos que redujo la presión de aceptar cualquier papel.

Esa etapa terminó influyendo en su visión sobre la construcción de un personaje. Ford explicó: “Cada personaje es una receta, diseñada específicamente para centrarse en un argumento”.

El actor comparó el proceso con levantar una estructura: primero debe existir una base sólida y después se incorporan los distintos elementos. La metáfora conecta su experiencia como carpintero con una forma de trabajo basada en construir progresivamente una interpretación.

De Star Wars al Hollywood actual

El actor llegó a Star Wars después de haber trabajado con George Lucas en American Graffiti. Mientras se desempeñaba como carpintero, Lucas le pidió que leyera líneas durante las audiciones.

El papel de Han Solo terminó modificando su trayectoria profesional y lo convirtió en uno de los protagonistas más reconocibles del cine estadounidense.

Atribuyó parte de esa oportunidad al contexto de la industria en aquella época. Al referirse al cine de los años 70, lo definió como “la época dorada” y sostuvo que existía una conexión particular entre la sociedad y el espíritu de aquel momento.

Sin embargo, consideró que el escenario actual ofrece oportunidades propias. Destacó especialmente el crecimiento del streaming y su capacidad para desarrollar personajes durante períodos prolongados.

En ese contexto, realizó una valoración llamativa sobre los intérpretes contemporáneos: “Creo que probablemente hay mucho más talento entre los actores actuales que durante mi época”, declaró.

La conversación también abordó la inteligencia artificial y su utilización en el cine. Ford recordó que su imagen fue rejuvenecida mediante tecnología para una parte de Indiana Jones y el dial del destino, a partir de registros de su rostro correspondientes a distintas etapas de su vida.

Sobre el futuro de su legado, mantuvo la misma postura directa que atravesó buena parte de la entrevista: “Lo que pase después de mi muerte no es asunto mío”.

La película biográfica Snoop, centrada en el ascenso de Calvin Broadus Jr. desde su juventud en Long Beach hasta su consolidación en la industria musical, completó la selección de su elenco principal. El largometraje llegará a las salas de cine el 6 de agosto de 2027 como el primer fruto de la alianza estratégica entre Universal Pictures y Death Row Pictures.

La producción, dirigida por Craig Brewer (Hustle & Flow) con un guion desarrollado por Joe Robert Cole (Black Panther), adoptará un enfoque realista con clasificación R para retratar sin concesiones la escena del gangsta rap de la Costa Oeste durante la década de 1990.

La elección del protagonista y el núcleo familiar

El actor Jonathan Daviss, conocido por su participación en la serie Outer Banks, fue seleccionado para interpretar a Snoop Dogg tras un proceso de audiciones de varios meses. Durante la etapa de pruebas, el propio músico compartió jornadas de convivencia con el intérprete para afinar los detalles de su caracterización.

El entorno personal del artista estará representado por Lauren London en el papel de su madre, Beverly Tate, figura clave en la formación religiosa del músico y responsable del apodo inspirado en la historieta Peanuts. En tanto, Laya DeLeon Hayes asumirá el rol de Shante Broadus, esposa del cantante, a quien conoció durante su etapa de estudiantes en Long Beach.

La reconstrucción del círculo creativo de Death Row Records

La trama dedicará un espacio central a la irrupción del rapero en el sello Death Row Records y a sus alianzas artísticas más influyentes. Myles Bullock encarnará al productor Dr. Dre, quien convocó a Snoop Dogg para su álbum The Chronic (1992) y posteriormente produjo su debut solista Doggystyle (1993).

Por su parte, el actor Camron Jones dará vida a Tupac Shakur, compañero de discográfica y colaborador en el apogeo comercial de la compañía. La compleja relación con el cofundador del sello, Suge Knight, recaerá sobre el actor Tre Hale, en un arco narrativo que abarcará desde las tensiones financieras hasta la reconciliación y la posterior compra de la marca Death Row por parte de Snoop Dogg en 2022.

La etapa formativa del trío musical 213, precursor del éxito de los artistas en California, completará su representación en pantalla con Algee Smith en el rol de Warren G y Corey Champagne interpretando al fallecido Nate Dogg.

A más de 20 años del estreno en la gran pantalla del primer largometraje, la cadena estadounidense confirmó que la nueva adaptación televisiva de Harry Potter recuperará la fidelidad estética y narrativa de las obras originales, ofreciendo una estructura episódica que permitirá abarcar aquellos pasajes, personajes y detalles del colegio de magia que la saga cinematográfica debió sacrificar por razones de metraje.

El formato de serie episódica resuelve las omisiones históricas del cine

La principal diferencia entre el proyecto televisivo actual y las películas estrenadas entre 2001 y 2011 reside en la disponibilidad del tiempo narrativo.

Los largometrajes dirigidos en su momento por cineastas como Chris Columbus o David Yates debían condensar relatos de más de 500 páginas en piezas cinematográficas de aproximadamente dos horas de duración. Esa limitación forzó la supresión de subtramas completas, entre las que figuraban la presencia del poltergeist Peeves, el trabajo de la elfa doméstica Winky o la exploración profunda de la historia de los Gaunt y de la Orden del Fénix.

El proyecto desarrollado para la plataforma de HBO Max propone destinar una temporada completa a cada uno de los siete libros de la franquicia literaria. Esta estructura de una serie de varias temporadas con diez horas por libro otorga el margen necesario para reconstruir la vida cotidiana dentro del colegio Hogwarts de Magia y Hechicería.

De este modo, la narración no se limita únicamente a los grandes enfrentamientos o a la trama central contra Lord Voldemort, sino que recupera las dinámicas de aula, las clases de pociones y botánica, y la convivencia diaria entre los estudiantes en sus respectivas casas.

Guiños estéticos y pasajes del primer libro recuperados en la pantalla

Los avances de producción de la primera temporada, centrada en el libro Harry Potter y la piedra filosofal, revelan la inclusión de pasajes específicos de la novela que habían sido omitidos en la película de 2001.

Entre los pasajes reincorporados figura la participación activa del personaje de Neville Longbottom durante el primer descubrimiento de Fluffy, el perro gigante de tres cabezas que custodiaba la trampilla del tercer piso. En el filme original, esta escena se redujo a la presencia exclusiva del trío protagonista integrado por Harry Potter, Ron Weasley y Hermione Granger.

Asimismo, la producción decidió incluir elementos de la cultura británica presentes en el texto original de J.K. Rowling, como el póster del club de fútbol West Ham en el dormitorio de Gryffindor, perteneciente al personaje de Dean Thomas.

Las imágenes del rodaje exponen también un desarrollo más extenso de las competencias deportivas, incorporando el partido de Quidditch con el enfrentamiento directo entre Ron Weasley y Draco Malfoy, un combate a puñetazos que concluye con el joven Weasley lesionado en las tribunas y que en la versión cinematográfica no llegó a filmarse.

El rediseño de las casas de Hogwarts y el evento oficial en Londres

El cuidado por los elementos del texto literario se extiende al diseño de arte y a la simbología de las cuatro casas del colegio. Durante las actividades de la convención oficial celebrada en la ciudad de Londres, en el Reino Unido, Warner Bros. Discovery exhibió las renovadas insignias institucionales que lucirán los uniformes de los alumnos.

El cambio más relevante se observa en la casa Ravenclaw, que recupera el águila de bronce y azul que identifica a la casa Ravenclaw en los textos originales, corrigiendo la alteración realizada por la franquicia de cine en 2001, que había sustituido a la criatura por un cuervo y modificado sus colores característicos por azul y plata. Esta decisión de diseño responde al pedido histórico de los lectores de la saga que reclamaban una representación fiel de la simbología creada por la autora británica.

Una estrategia de producción pensada para nuevas generaciones de espectadores

La reconstrucción de Hogwarts no busca únicamente apelar a la nostalgia de los lectores veteranos, sino también presentar la franquicia a una nueva generación de espectadores a través de un elenco renovado de jóvenes actores británicos.

Al mismo tiempo, la continuidad del proyecto fue respaldada por la dirección de la compañía en Estados Unidos, asegurando la preproducción de las entregas siguientes antes de la emisión del primer episodio.

La combinación entre una mayor duración por temporada, un diseño de producción fiel a los libros y la exploración de la rutina escolar convierte a la serie de HBO Max en un proyecto diferenciado dentro del panorama del entretenimiento televisivo actual, reafirmando el valor de la obra literaria como eje de la producción.

Resident Evil y el cine no es una combinación que haya tenido buenos resultados. Desde las películas de Paul W. S. Anderson hasta Resident Evil: Welcome to Raccoon City, son incontables los momentos vergonzosos, poco fieles y cuestionables que ha tenido la saga más popular de muertos vivientes en la gran pantalla.

Sin embargo, las películas animadas fueron la excepción para mucha gente. Si bien no eran obras maestras, al estar hechas por la mismísima Capcom, se podían permitir el lujo de formar parte del mismo universo de los videojuegos, cosa que Constantin Films tenía prohibido y es por eso mismo que tienen tantos cambios respecto a los originales.

Esta serie de cintas empezó con Resident Evil: Degeneration en 2008 y continúa hasta día de hoy, destacando sobre todo por tener personajes que se podrían considerar olvidados por los videojuegos, como Rebecca Chambers o Claire Redfield. Obvio han tenido altibajos como Resident Evil: Vendetta, una película que no tiene nada que envidiarle a la versión de Paul Anderson en cuanto a momentos bizarros y acción exagerada. Pese a esto, han mantenido un nivel de calidad aceptable.

De todas formas, la saga de Resident Evil parece no rendirse en su lucha por encontrar una manera de adaptarse de forma fiel a la pantalla grande, y pronto veremos un nuevo intento, ahora de la mano de Zach Cregger (director de Barbarian y Weapons) este 17 de septiembre.

Sin embargo, hay una adaptación de Resident Evil más antigua que las películas de Paul Anderson. Una que es incluso dos años más antigua que la primer película live action. De hecho, lo que mucha gente desconoce es que las películas animadas de Resident Evil tienen más trayectoria que las de Milla Jovovich. Es más, Capcom experimentó con la idea de hacer un filme animado de la saga por primera vez en el año 2000, pero tardarían mucho en llevarlo al potencial que tenía.

La primera vez que Resident Evil llegó al cine fue con Biohazard 4D-Executer, y con ese nombre ya podemos entender porqué es tan desconocido. Este cortometraje salió exclusivamente en Japón, y su estreno se vio limitado a una atracción en diversos parques ya que se trataba de un metraje animado de Resident Evil hecho además para pantallas 4D, lo que fue un gran punto de la campaña de marketing.

La premisa es simple: un grupo de mercenarios de Umbrella son enviados a Raccoon City para buscar y encontrar a la doctora Cameron y la información que resguarda, pero se verán obstaculizados por las criaturas que han invadido la ciudad. Al ser la primera adaptación de Resident Evil, la animación se ve bastante floja en algunos momentos, sobre todo en el diseño de los zombies y algunos movimientos de criaturas, pero fuera de eso destaca por ser bastante atípica lo que se vería en otras películas de Resident Evil dando la sensación de ser un slasher como La Cosa. Es más, esta película destaca por tener un final completamente atípico para la franquicia de Resident Evil en general. De todas formas, la historia se siente apresurada justamente por ser un corto; creo que la idea tenía potencial para ser un filme entero y no quedarse en los 15 minutos que dura.

A pesar de sus fallos, Biohazard 4D-Executer es un archivo histórico más que interesante, sobre todo por lo llamativo que resulta que la primera adaptación de Resident Evil hecha a la pantalla grande haya sido en 4D y se haya usado como una atracción para varios parques, considerando cómo seguiría el futuro de la saga en el cine. A día de hoy se puede ver fácilmente en Internet, aunque obviamente la calidad no es la mejor del mundo a pesar de que se pueda disfrutar más que bien. A fin de cuentas, es un corto que hay que ver para entender la historia de Resident Evil en el cine.

Una paternidad inesperada

La historia retoma al personaje después de veinte años dedicados, según la sinopsis, a “relajarse, fumar y tener sexo”. Su rutina cambia cuando descubre que Julie, su novia de toda la vida, está embarazada de ocho meses.

La avanzada etapa del embarazo convierte la noticia en una urgencia. Ali G debe prepararse para alimentar a un nuevo integrante de la familia, aunque también ve la situación como una oportunidad para recuperar la notoriedad que tuvo en el pasado.

Ese objetivo lo lleva a viajar a Estados Unidos, donde deberá enfrentar una serie de problemas que amenazan su futuro y el de su familia. El argumento difundido todavía no identifica esos retos ni explica qué actividad intentará desarrollar el protagonista durante su estadía.

La premisa mantiene el contraste central del personaje: Ali G debe responder ante una responsabilidad adulta mientras conserva el comportamiento irreverente que define su comedia. Esta vez, las consecuencias de sus decisiones alcanzan directamente a Julie y al hijo que esperan.

Sacha Baron Cohen vuelve a dirigir y actuar

Además de retomar el papel principal, Cohen está a cargo de la dirección. La película vuelve a colocar al actor frente y detrás de cámara para construir una historia centrada en el choque entre la personalidad de Ali G y su nueva situación familiar.

El reparto anunciado incluye a Morgana Robinson, aunque la información disponible todavía no revela qué personaje interpreta ni cuál será su vínculo con Ali G y Julie.

La producción corresponde a Four By Two Films, en asociación con Working Title Films. Amazon MGM Studios se ocupará de llevar la película a las salas. El material promocional divulgado no detalla otros integrantes del elenco ni nombres adicionales del equipo creativo.

Cuándo se estrena Ali G: ¿Kien ez yo?

Ali G: ¿Kien ez yo? llegará a los cines el 22 de octubre. Por el momento, la información comunicada se limita a su exhibición en salas y no incluye una fecha de lanzamiento en plataformas de streaming.

El nuevo tráiler presenta el punto de partida de la película: el embarazo de Julie, la necesidad de sostener a una familia y el viaje del protagonista a Estados Unidos. Los conflictos concretos que encontrará allí permanecen reservados para la campaña previa al estreno.

La película será distribuida por Amazon MGM Studios y tendrá su estreno cinematográfico el 22 de octubre.

Netflix prepara Dungeons & Dragons: Ravenloft, una serie de fantasía y terror en acción real basada en el conocido escenario del juego de rol, con Alfonso Cuarón y John August entre sus productores. August también será guionista del proyecto, que llevará a la pantalla la historia del vampiro Strahd von Zarovich. La plataforma todavía no informó quién integrará el reparto, cuándo comenzará el rodaje ni cuál será su fecha de estreno.

El origen gótico de Ravenloft

Ravenloft apareció por primera vez en 1983 como un módulo creado por Tracy Hickman y Laura Hickman. En los juegos de rol, un módulo es una aventura publicada con escenarios, personajes, enemigos y pautas para que un director de juego pueda conducir la partida. Su propuesta se apartaba de las expediciones medievales más habituales de Dungeons & Dragons para entrar en el terreno del terror gótico.

La aventura presentaba a Strahd von Zarovich, un vampiro que gobierna el territorio de Barovia desde el castillo Ravenloft. El personaje pasó de antihéroe trágico a principal amenaza de la historia y terminó convertido en uno de los antagonistas más reconocibles de la franquicia.

El escenario fue ampliado durante las décadas siguientes mediante nuevas publicaciones. Una de las más conocidas es La maldición de Strahd, campaña editada para la quinta edición de Dungeons & Dragons que recuperó al vampiro y su dominio para una nueva generación de jugadores. Ese material ofrece a Netflix una base narrativa centrada en un villano concreto, una localización cerrada y una combinación de fantasía, horror y drama.

El enfoque distingue al proyecto de otras adaptaciones del juego, generalmente vinculadas con grupos de aventureros, viajes por distintos reinos y amenazas de escala creciente. Ravenloft puede trabajar con una atmósfera más opresiva y con el enfrentamiento entre los visitantes de Barovia y el gobernante que controla el territorio.

Alfonso Cuarón y John August al frente

Además de Cuarón y August, la producción contará con Hasbro, Gabriel Marano, Richard Schwartz y Gaby Rodriguez, según la información publicada sobre el proyecto. Cuarón llega con experiencia directa en la fantasía: dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban, una de las películas de la saga cinematográfica basada en los libros de J. K. Rowling.

El cineasta mexicano ganó cuatro premios Oscar, dos por Gravity y dos por Roma. Su participación en Ravenloft está confirmada como productor, aunque por ahora no se anunció si dirigirá algún episodio.

August será productor y guionista. Entre sus créditos figuran Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish, las dos películas de Los ángeles de Charlie estrenadas durante la década de 2000 y la adaptación en acción real de Aladdin dirigida por Guy Ritchie.

La serie representa un nuevo intento de Netflix por encontrar una producción de fantasía de largo recorrido. La plataforma ya adaptó The Witcher, basada en la obra de Andrzej Sapkowski, y utiliza referencias directas a Dungeons & Dragons dentro de Stranger Things, aunque esta última no es una adaptación oficial del juego.

La elección de Ravenloft también permite trabajar con un tono diferente al de Juego de tronos y otras grandes producciones televisivas del género. En lugar de comenzar con conflictos políticos distribuidos entre numerosos territorios, el material original concentra la acción alrededor de Barovia, el castillo y la influencia de Strahd.

Un reemplazo para The Forgotten Realms

Netflix ya había comenzado a desarrollar otra serie de Dungeons & Dragons titulada The Forgotten Realms, con Drew Crevello y Shawn Levy vinculados al proyecto. Esa producción fue archivada y la plataforma concentrará sus esfuerzos en Ravenloft. El cambio deja al vampiro Strahd como el nuevo eje televisivo de la franquicia dentro del servicio.

Dungeons & Dragons mantiene otros proyectos audiovisuales en distintas etapas. HBO Max trabaja en una adaptación de Baldur’s Gate, videojuego basado en las reglas y escenarios del juego de rol, con Craig Mazin relacionado con su desarrollo. Todavía se conocen pocos detalles de esa serie.

El futuro cinematográfico es menos claro. Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones se estrenó en 2023 y recibió una buena respuesta crítica y del público, pero su rendimiento comercial no permitió poner rápidamente en marcha una continuación. Sus directores, John Francis Daley y Jonathan Goldstein, escribieron un guion para una segunda película, aunque el proyecto continúa buscando una productora.

Daley explicó que el equipo quiere regresar a los personajes y que una secuela podría entrar directamente en una nueva historia, sin repetir la presentación del grupo. También reconoció que existen obstáculos financieros y que no hay garantías de que la película llegue a realizarse. Mientras esa continuación permanece sin estudio ni fecha, Netflix avanzará con Ravenloft como su nueva adaptación en acción real de Dungeons & Dragons.

La premisa no deja de ser de lo más provocadora, convirtiéndose en una afilada sátira política y sexual en tiempos de represión, homofobia y auge de la ultraderecha: un virus, llamado Heterosis, amenaza con volver heterosexuales a todos los hombres gais.

La historia sigue a Jim, presentado como el rey de Gym Queens, una comunidad descrita como la más sexy y codiciada de las redes sociales. Él es el rey del gimnasio y a su alrededor se arremolinan una corte de acólitos como si se tratara de un dios griego, consolidando su estatus entre los millones de likes que acumulan sus post de Instagram.

Una parodia repleta de crítica social y política

Por otra parte, encontramos a Lucien, un raquítico muchacho (un twink dentro de la comunidad) barbilampiño y virgen, de clase alta, que vive recluido en su mansión por su todopoderosa madre, que intenta curarlo de su homosexualidad a toda costa. Él está enamorado platónicamente de Jim Queen, es uno de sus máximos seguidores e incluso tiene una habitación secreta a modo de templo dedicado a él.

Cuando Jim contraiga la Heterosis, que se manifestará por la pérdida de algunos de sus abdominales, todos sus fans le darán la espalda, menos Julien, que será el único que le ayudará a buscar una cura contra la enfermedad y, así, luchar para que no se extinga la homosexualidad.

Por una parte, Jim Queen se convierte en una parodia tan deliciosa como desaforada de la comunidad gay, con referencias internas al cruising, a las ‘musculocas’, a la cultura del gimnasio, a los osos, las drags, el fetichismo y, en definitiva, el tribalismo queer. Por otra, hay una alegoría más profunda en torno al sida, al estigma y la intolerancia.

El estudio de animación europeo más transgresor

El largometraje supone el salto de Bobbypills al formato largo después de una trayectoria marcada por series y producciones de animación para adultos de tono abiertamente provocador. Entre 2017 y 2021, el estudio llamó la atención con Peepoodo y los amigos superfolladores, una serie planteada como una ‘masterclass’ de educación sexual para adolescentes que abordaba identidad de género, orientación sexual y diversidad sin tabúes y desde el humor.

Ese tono también aparecía en otros trabajos como Vermin, sobre una mantis que intenta convertirse en policía; Crisis Jung, centrada en un guerrero que buscaba recuperar a la mujer que ama; y Monsieur Flap, con un protagonista de cara de trasero envuelto en situaciones absurdas y sexualmente explícitas.

La nueva película se instala en el ambiente gay de la noche parisina y lo hace con una animación en 2D de dibujo caricaturesco y estilizado, apoyada en colores saturados. Una factura visual puede recordar a producciones de Adult Swim como Rick y Morty y Robot Chicken, una comparación que también tiene que ver con su estilo anárquico y el desfile frenético de chistes, en este caso enfocados al desmontaje de clichés gais y heterosexuales.

Precisamente por eso, el material se convierte en un mecanismo cómico altamente subversivo, en el que detrás de las altas dosis de exceso y grosería se esconde un mecanismo de crítica política muy contundente en torno a las terapias de conversión.

Jim Queen demuestra que se puede utilizar la fantasía, el absurdo y el cachondeo para hablar de temas serios y, además, nos regala para el recuerdo dos personajes magníficos: el narcisista y fanfarrón Jim y el dulce y vulnerable Lucien.

El reencuentro después de Con Air

Fortitude marca una nueva colaboración entre Cage y West, quienes trabajaron juntos en Con Air, la película de acción estrenada en 1997. Más de dos décadas después, actor y director se reúnen para contar una historia bélica basada en una operación real de inteligencia desarrollada durante la Segunda Guerra Mundial.

El reparto coral incluye a Ben Kingsley, Michael Sheen, Matthew Goode, Ron Perlman, Alice Eve, Lukas Haas, Ed Skrein y Jordi Mollà. Las fuentes vinculadas con el proyecto han divulgado listados ligeramente diferentes de actores, pero coinciden en que Cage encabeza la producción junto con varias figuras reconocidas del cine británico y estadounidense.

La película fue desarrollada como una producción independiente y todavía busca un comprador que se encargue de su distribución. Netflix estuvo entre las plataformas interesadas y pidió ver el largometraje antes de decidir una posible adquisición. El primer avance es, por ahora, el principal material oficial disponible para el público.

La operación que engañó a los nazis

La historia gira alrededor de la Operación Fortitude, una campaña de desinformación organizada por los Aliados para ocultar el lugar real de la invasión de Europa. El objetivo era convencer a la Alemania nazi de que el ataque principal ocurriría lejos de la zona elegida para el desembarco.

El plan recurrió a unidades militares ficticias, réplicas de tanques y vehículos, comunicaciones falsas y una red de agentes dobles. Estas piezas debían alimentar los informes de la inteligencia alemana y mantener tropas enemigas alejadas del punto donde se preparaba la ofensiva verdadera.

Entre los responsables de diseñar estos engaños estuvieron los oficiales británicos Dudley Clarke y Thomas Argyll Tar Robertson. Su trabajo consistía en construir información falsa suficientemente creíble para que fuera aceptada y distribuida dentro de la estructura militar nazi. La efectividad dependía de combinar objetos visibles, mensajes controlados y datos transmitidos por espías que Alemania consideraba confiables.

Fortitude también incorpora a Dusko Popov, un agente doble yugoslavo conocido por su vida social, sus desplazamientos internacionales y su participación en operaciones aliadas. Popov habría servido como una de las inspiraciones de Ian Fleming para crear a James Bond, aunque el personaje literario tomó elementos de distintas personas vinculadas con el espionaje. Esa conexión acerca el relato histórico de la película a los códigos del thriller de agentes secretos.

El robo y la demanda contra Netflix

El productor y guionista Simon Afram lleva siete años intentando completar y distribuir Fortitude. Según la información disponible, invirtió 45 millones de dólares en el proyecto. En 2023 también inició una demanda contra Martin Scorsese, quien había ejercido como productor ejecutivo, aunque ese conflicto terminó mediante un acuerdo entre las partes.

La nueva disputa comenzó cuando una copia de proyección fue enviada a las oficinas de Netflix en Hollywood. El archivo estaba almacenado en un disco duro y carecía de cifrado, es decir, no tenía una barrera digital que impidiera acceder al contenido si el dispositivo caía en manos ajenas. El disco fue robado antes de que Netflix decidiera si compraría los derechos de distribución.

Afram reclama al menos 105 millones de dólares a Netflix por el incidente. El caso sigue abierto y la demanda plantea el riesgo de que la película circule ilegalmente en internet antes de conseguir un estreno comercial. Pese a ese temor, no se informó hasta ahora una filtración pública del largometraje.

Fortitude continúa disponible para posibles compradores como producción independiente. Fuera de su primer tráiler, todavía no fueron anunciados una fecha de estreno, un distribuidor ni una plataforma que vaya a incorporarla a su catálogo.

La bola negra se estrenó en el Festival de Cannes el pasado mes de mayo dejando con la miel en los labios a, prácticamente, el mundo entero. El certamen celebrado en el sur de Francia la recibió con 20 minutos de aplausos, un de las ovaciones más largas del festival. Dos días después de su estreno, el jurado presidido por el coreano Park Chan-wook le otorgó a Javier Calvo y Javier Ambrossi el premio a mejor dirección, compartido con el cineasta polaco Pawel Pawlikowski. Las expectativas están altas, aunque cada vez queda menos: En España, se estrena en cines este próximo 25 de septiembre y unos días antes pasará por el Festival de San Sebastián.

La película protagonizada por Guitarricadelafuente e inspirada en la obra inacabada del mismo nombre escrita por Federico García Lorca, recorre distintas épocas de la historia de España a través de las vidas de tres hombres. Sin embargo, mientras Los Javis construían una historia alrededor del amor homosexual —en la actualidad y durante la Guerra Civil y la dictadura— se vieron obligados a enfrentarse a la suya propia. En noviembre del año pasado, justo después de finalizar la producción de La bola negra, anunciaron su separación tras casi 13 años de relación.

“En mitad del rodaje pensamos: tenemos que terminar”, ha reconocido Ambrossi en una entrevista publicada este jueves por el diario estadounidense The New York Times, mientras los expertos norteamericanos ya apuntan alto de cara a los próximos premios Oscar. “Es una película sobre el amor”, ha añadido, “y cuando intentas plasmar el amor verdadero ante la cámara, de repente te das cuenta de que no lo tienes”.

Su ruptura también estuvo a punto de arrasar con su relación profesional. “Estábamos preparados para que La bola negra fuera nuestra última película”, ha admitido Ambrossi. De haber sido así, habría puesto fin a más de una década de trayectoria conjunta. Ambos debutaron en el teatro con La llamada en 2013, una obra que llevaron a la gran pantalla cuatro años después. En 2016 llegó la serie Paquita Salas, y más tarde Veneno y La Mesías. Casi una década después de su debut cinematográfico, La bola negra supone su regreso a los cines como directores.

El nuevo proyecto en el que ya están trabajado

Pero Cannes cambió por completo sus planes. Calvo y Ambrossi llegaron al festival dispuestos a separar también sus caminos profesionales, pero la acogida de cinta y el premio a mejor dirección les hicieron reconsiderar aquella decisión. “Ganamos el premio a mejor dirección en Cannes, tenemos que explorar esa posibilidad”, se ha sincerado Calvo con el citado medio. “Nos dimos cuenta de que no debíamos dejar escapar esta oportunidad. Somos un buen equipo”.

Y ya han comenzado a hacerlo. Los Javis están escribiendo su próximo proyecto juntos, del que todavía se conocen pocos detalles. Por ahora, solo han adelantado que estará basado en hechos reales y que será mitad en español y mitad en inglés.

¿Será más fácil trabajar ahora que no conviven en casa y en el trabajo? La respuesta es sí: “Lo raro es ser novios y trabajar juntos”, reflexiona Calvo. “Lo normal es lo otro, ¿no?”.

La vista puesta en los Oscar

Al frente del reparto, unos inmensos Javier Bardem y Victoria Luengo, en un ‘tour de force’ interpretativo tan intenso como delicado y repleto de matices, construido desde el vacío que genera el abandono.

El cineasta responsable de títulos como Que Dios nos perdone, El reino, As Bestas y series como Antidisturbios o Los años nuevos, da un paso más allá en su filmografía con un filme que escapa a los estereotipos para platear más preguntas que respuestas y componer un paisaje fílmico repleto de riqueza expresiva.

Nuevos retos, más riesgo

Pregunta: ¿A qué retos os habéis enfrentado Isabel Peña y tú a la hora de escribir esta película? Porque hasta el momento, en anteriores títulos como El reino o As Bestas, habíais inspirado vuestros textos en casos reales.

Respuesta: El reto viene más de cómo hemos querido escribir, más que del qué. Escribir un thriller es más sencillo que hacerlo sobre los sentimientos, los afectos y las emociones, que me parece más complicado. Queríamos hacer algo diferente, colocarnos en otros lugares, porque no nos consideramos guionistas de género, ha sido algo accidental que hemos aprovechado y de lo que hemos aprendido y nos ha colocado dentro de la industria.

Sobre todo, queríamos escribir un papel para Victoria Luengo y se nos ocurrió el mundo del abandono, que lamentablemente es algo que está muy presente y ocurre mucho en nuestra sociedad. Hay más padres ‘abandonadores’ que madres ‘abandonadoras’, eso es así. Y, a partir de ahí, hablar de los hombres, de las mujeres, del patriarcado, del poder, de la responsabilidad, de la culpa. Que entrara en la ecuación Javier Bardem fue toda una suerte.

P: En esta película he percibido a un Rodrigo Sorogoyen más arriesgado, más juguetón, más experimental incluso, más libre, para nada encorsetado, sin miedo a probar cosas nuevas

R: Bueno, es justo lo que pretendía hacer. Quería ser más libre, pretendía no tener miedo, aunque no suelo tenerlo, ser más intuitivo y no estar encorsetado. Y sí, quería jugar. Yo creo que le va a la película, porque en As bestas no hubiera tenido sentido hacerlo. Pero, El ser querido, gira en torno al relato, sobre el propio cine y la historia lo permitía.

P: ¿Por qué decidiste introducir el mundo del cine dentro de la película?

R: Lo principal era la relación entre el padre y la hija, la historia de abandono, eso estaba claro. Podrían haber sido abogados, arquitectos, pero, ¿por qué no cineastas? Vimos que las posibilidades en guion se multiplicaban al tener una hija que no había sido mirada por un padre, que no había sido nunca validada por él y, cuando comienza a ser filmada, de repente, como director, tiene que verla a la fuerza.

Se producía un juego muy interesante entre esas dos perspectivas, porque ella, en el fondo, estaba esperando mucho tiempo ese momento, pero también se siente incómoda. Todo eso unido al mundo del relato, de cómo cada uno tiene diferentes versiones de una misma cosa que ha sucedido, que es lo mismo que ocurre cuando dos personas ven una película. Ellos son relatadores, y tienen que encontrar o acercar sus relatos, pero nunca van a conseguir que sea el mismo, ni tú ni yo ni nadie lo va a conseguir, no se puede imponer a otra persona tu relato. Solo se puede conversar y comunicarse, pero es algo que estas dos personas no logran hacer.

P: Hay muchas reflexiones cinematográficas dentro de El ser querido, como que “nunca sabes la película que has hecho hasta que la terminas”

R: A mí me ha pasado y me encanta que me pase. Pero eso también pasa en la vida, porque la vida no es sencilla, y es bonito darse cuenta e ir aprendiendo poco a poco. Por ejemplo, con Stockholm, la comencé pensando en hacer una especie de Antes del amanecer con un giro a la mitad que lo reconfiguraba todo, que daba a entender que lo que parecía mágico, no lo era tanto. Y tiempo después me di cuenta de que estaba queriendo hablar de una cosa más incómoda que estaba presente en la gente de mi generación y de la que entonces no era consciente. Quizás con El ser querido tengan que pasar unos años para digerirla y, a ver con qué me encuentro.

P: Hay una cosa que me gusta especialmente de la película y son las miradas, los silencios, cómo se cuentan cosas a través de los ojos, sin decir nada. ¿Cómo trabajasteis eso en guion y más tarde con los actores, todo ese texto subterráneo?

R: Ahí Isabel y yo nos hemos atrevido más que nunca. Hemos escrito escenas que no hubiéramos hecho en guiones anteriores, como dices, en las que hay dos personas mirándose. Son dos personas que no dicen lo que quieren decir o que ni siquiera saben lo que quieren decir, pero te lo están diciendo de otra manera, con la mirada y con el cuerpo. ¿Cómo lo hemos trabajado? Pues creando las situaciones. Con Isabel, hablando y conversando e intentando ver en la vida cosas que se puedan transformar en experiencias.

Y luego en rodaje, si cuentas con dos actores inteligentes, que lo son, y sensibles, que lo son, y talentosos... Yo creo que Javier Bardem sabe mirar muy bien. La escena del bufé me dejó sin palabras. Pensé, “este tío es muy bueno, muy bueno”. Ya lo sabía, pero experimentarlo desde dentro es muy fuerte. En cuanto a Vicky sabía que era capaz de hacer eso y mucho más.

El machismo y los cambios de formato

P: La película aborda muchos temas, sin embargo, muchos espectadores y críticos se han centrado en el machismo y la violencia masculina, que es algo que te ha acompañado a lo largo de tus películas. ¿Por qué crees que ocurre eso? ¿Por qué se asocia la mirada masculina a tu cine?

R:En casi todas nuestras películas, excepto en Madre, aparecen hombres violentos, aunque creo que intentamos darles una profundidad. No solo decimos: “Es un hombre violento y malo y ya está”. Nos gusta poner al espectador en una situación incómoda, pero creo que interesante, en la que tiene que acompañar a los personajes, empatice más o menos. Pero no estoy a disgusto con esto que me dices. A mí la violencia del ser humano, más concretamente la del hombre, me interesa mucho, porque me parece que es el mayor motivo de dolor de que las cosas no vayan bien en la sociedad y en el mundo.

P: En cuanto al cambio de formato, mucha gente se ha preguntado por qué, por ejemplo, el blanco y negro.

Me da pena que la gente se quede con eso. Pero bueno, yo quería rodar en todos los soportes y utilizar el máximo de herramientas audiovisuales para hacer un homenaje al cine. Y lo hice de una manera muy intuitiva, no quería planificar perfectamente todas las escenas antes del rodaje, que es algo que siempre había hecho. Así que decía, mañana vamos a rodar en blanco y negro, o en digital, o en celuloide, sabiendo que en montaje le daría un sentido y un orden. Y encontré que el blanco y negro representaba cuando Esteban Martínez (Bardem) dejaba de ser director y se convertía en padre y Emilia (Luengo), dejaba de ser actriz y se convertía en hija.

P: Estáis haciendo muchos coloquios acompañando a la película y recibiendo mucho ‘feedback’. Me gustaría saber algunas de las cosas que al público le está llegando más de El ser querido.

R: Hay gente que se nos ha acercado llorando, diciendo “todavía no puedo respirar, me habéis atravesado” o “esta es la historia de mi padre, o de mi hijo”, lo cual da un poco de pena, que sea tan común que haya padres que abandonen a sus hijos o no hayan sabido comunicarse con ellos. Es una de las taras de nuestra sociedad. Yo creo que los hombres se están deconstruyendo para bien, pero hay ciertas generaciones que no tuvieron ninguna herramienta. Muchos hombres comentan: “Hostia, esto me ha tocado”, y solo te dicen eso. Las mujeres se abren más, expresan sus sentimientos y no tienen miedo a expresar sus emociones. Es muy bonito recibir eso del público y poder dar una caricia que les abrigue un poco el corazón a pesar de la dureza de la historia.

También hemos percibido que es una película que aprecia la gente a la que le gusta el cine, porque creo que desprende un respeto al oficio. Hemos querido transmitir eso, el amor por las historias, yo y todo el equipo, el respeto por hacer las cosas bien, y creo que eso se nota.

La escena de la que todo el mundo habla

P: Hay una escena en concreto, la del rodaje de la comida de la sopa de caballa, en la que hay cambios de tono brutales y la gente empieza riendo y termina en un estado de tensión e incomodidad tremendo.

R: Es un buen ejemplo. El público ahí se da cuenta de que está viendo algo a lo que no está acostumbrado, porque es una escena bastante particular y nos la hemos currado para que lo sea. Nos costó mucho hacerla, tardamos en rodarla, cinco días, tardamos en montarla, con un trabajo espectacular de Alberto del Campo, y era muy difícil porque había muchos actores en escena, pero también era bonito ver cómo se compenetraban y estuvieron cinco días al pie del cañón ayudando para sacarla adelante. Así que me alegro de que se valore, porque era una escena importante en la película.

P: Todos los años se producen pugnas entre los grandes nombres del cine español del momento. En realidad, el orden de los factores no altera el resultado de los diferentes binomios o bandos, pero ahí están siempre Albert Serra, Oliver Laxe, Pedro Almodóvar, Carla Simón o tú. ¿Crees que eso es realmente productivo para el cine español?

R: Son polémicas un poco estériles que solo provocan incomodidad y, si no lo llevas bien, incluso puedes caer en una dinámica nociva que te empuja y que es muy peligrosa. Todo lo que sea fomentar la rivalidad entre compañeros es estúpido y está feo.

“El año pasado trabajé mucho y he estado dando la cara a los proyectos este año y la verdad es que es un poco abrumador”. Con estas palabras comentaba Javier Bardem en El cine en la SER cómo ha sido un 2026 en el que ha estrenado o estrenará varias producciones: El ser querido, ahora en cines, Dune: Parte Tres, que llegará en noviembre, Búnker, presentada ahora en el Festival de Venecia, y el documental Iron Maiden: Burning Ambition.

Sin embargo, el trabajo parece acumularse para el actor ganador de un Óscar por No es país para viejos, y ahora ya tiene nuevos proyectos para el futuro que ya están llamando la atención, como Porto Rico, la película sobre la historia colonial de Puerto Rico en la que actuará junto a Bad Bunny, Viggo Mortensen y Edward Norton, o The Turning Door, una producción de animación y fantasía para todos los públicos en la que acaban de anunciar al intérprete español como uno de los integrantes del reparto.

Dirigida por Nicholas Ashe Bateman, The Turning Door cuenta una historia sobre una niña que encuentra una misteriosa caja escondida en el armario de sus padres: al transformarse en una puerta, cae a un mundo llamado El Giro, donde emprende una aventura de magia, criaturas extrañas y alquimia para regresar a casa y salvar a sus padres. Bardem no llega solo al elenco, sino que se ha anunciado también la incorporación de otras dos actrices ganadoras del Óscar, Marion Cotillard y Vanessa Redgrave, para un reparto del que también forman parte Alicia Vikander, Jamie Dornan, Jodie Turner-Smith, Bill Nighy y Gillian Anderson.

Un director entusiasmado

Bateman, quien hasta ahora solo había dirigido la película The Wanting Mare y también ha trabajado también como actor, guionista y montador, no ha ocultado su ilusión a la hora de contar con estos nuevos actores para el proyecto. “Tras muchos años escribiendo y soñando con crear papeles para grandes actores, me resulta casi imposible expresar la gratitud, la emoción y la admiración que siento por el inmenso talento de nuestro elenco”, ha afirmado en declaraciones recogidas por la revista Variety.

Bateman ha señalado además que “Javier, Marion, Anna, Dame Vanessa Redgrave y nuestra querida heroína Pippa Kelly poseen una magia especial que ha transformado nuestra epopeya”. “Es el mayor honor de mi vida”, ha añadido, anticipando que uno de los grandes atractivos de la película es que, al tener partes musicales, será poder escuchar cómo canta todo el reparto. La película está producida por Christine D’Souza de After Hours, Hunter Hall y Bateman de Maere Studios, y Laura Rister de Esme Grace Pictures, productora que tiene en su historial títulos como Ferrari. Mister Smith representa conjuntamente los derechos nacionales junto a After Hours.

La película iniciará ahora su fase de producción, mientras Bardem ya se prepara para el rodaje de Porto Rico, que comenzó oficialmente en agosto de 2026. Esta será una de las producciones latinoamericanas más ambiciosas de los últimos años, dirigida por René Pérez Joglar (Residente), líder y fundador de Calle 13, quien escribió el guion junto a Alexander Dinelaris (ganador de un Óscar por Birdman). En la producción, destaca el respaldo ejecutivo del director mexicano Alejandro González Iñárritu, mientras que la dirección de fotografía correrá a cargo de Anthony Dod Mantle.

La Academia de Cine ya ha decidido las tres películas candidatas a representar a España en los próximos premios Óscar. La bola negra, El ser querido y Los domingos, tres de las producciones más destacadas de todo el año que, incluso, han logrado dejar fuera de la carrera por los premios estadounidenses a otro gigante como Pedro Almodóvar, quien queda así descartado para el premio a la Mejor película internacional.

Mientras la película de Alauda Ruiz de Azúa fue una de las películas más vistas de finales de 2025 en nuestro país, el drama de Rodrigo Sorogoyen protagonizado por Javier Bardem y Victoria Luengo se ha estrenado en cines este mismo verano con gran éxito de crítica y público. Sin embargo, la que más éxito apunta a tener en la carrera por los Óscar es la que todavía no hemos podido ver: La Bola Negra, con la que los Javis han adaptado uno de los últimos textos escritos por Federico García Lorca. Al menos, así lo considera uno de los mayores expertos del mundo en estos premios.

El experto en cuestión es Scott Feinberg, editor ejecutivo de la cobertura de premios de la revista The Hollywood Reporter. En su currículum figuran 25 años de experiencia en los que su trabajo ha consistido en asistir a proyecciones, supervisar campañas de publicidad y marketing en la carrera de premios y estar en constante contacto con los votantes. Junto a eso, también maneja datos históricos y otras estadísticas que le sirven, cada año, para predecir los favoritos en cada categoría. “No defiendo lo que creo que debería suceder, sino lo que creo que sucederá”, explica en un artículo publicado en el citado medio.

‘La Bola Negra’ competiría con ‘La Odisea’

Feinberg ha señalado que, si a La Bola Negra le augura un gran éxito en esta temporada de premios, es porque esta “épica grandiosa”, tal y como la describe, es la gran apuesta de Netflix de este año (la plataforma proyectará durante más de un mes la película en cines en Estados Unidos antes de incluirla en su catálogo) y porque acabó como una de las grandes favoritas del festival de Cannes, junto a la rumana Fjord. Por todo ello, así como por las impresiones que ya están empezando a circular en la industria del cine, ha señalado que la película de Los Javis parte como favorita para al menos quince nominaciones diferentes, incluyendo la de Mejor película.

Se trata de una cifra extremadamente alta, casi irreal, dado que el récord actual son las 16 nominaciones de Pecadores en la pasada edición. Con todo, el experto no duda y sitúa La Bola Negra como la cuarta favorita para recibir la nominación más importante de la gala, solo por detrás de La Odisea, Proyecto Salvación y Wild Horse Nine (aún no estrenada), pero por delante de otros títulos como Fjord, Obsession, Michael o Toy Story 5. Lo mismo ocurre con la categoría a Mejor director, donde Javier Ambrossi y Javier Calvo aparecen junto a los de Christopher Nolan, Martin McDonagh y compañía.

En el ámbito de la interpretación, Guitarricadelafuente podría ser el quinto nominado a Mejor actor de reparto (aunque no descarta ni a Miguel Bernardeau ni a Carlos González). Lo mismo ocurre con Penélope Cruz, quien “roba cada escena en la que aparece” tanto en la película de Los Javis como en La invitación, otra de las grandes favoritas del año en varias categorías. La quinta nominación de La Bola Negra llegaría en el premio al Mejor guion adaptado, donde competiría de nuevo con todos los títulos mencionados y también con Ink, la película de Danny Boyle que ha inaugurado el Festival de Venecia.

El resto de categorías en las que la adaptación de Lorca está entre las cinco favoritas a la nominación son Mejor guion adaptado (escrito por Los Javis y Alberto Conejero), Mejor película internacional, Mejor canción original (La nieve, de Guitarricadelafuente y Raül Refree), Mejor reparto (Eva Leira y Yolanda Serrano), Mejor fotografía (Gris Jordana), Mejor diseño de vestuario (Ana López Cobos), Mejor montaje (Alberto Gutiérrez), Mejor maquillaje y peluquería (Pablo Morillas y Mariló Osuna), Mejor diseño de producción (Roger Bellés), Mejor sonido y Mejores efectos especiales.

La carrera de Inde Navarrette hacia los Oscar 2027 ya tiene categoría oficial. Focus Features confirmó que la actriz será postulada como mejor actriz por su interpretación de Nikki en Obsession, una decisión que despeja una de las principales incógnitas que rodeaban la campaña de la película para la próxima temporada de premios.

La información fue revelada el 2 de septiembre por Variety, que señaló que Focus Features prepara una “amplia ofensiva” al buscar reconocimiento para Obsession en prácticamente todas las categorías en las que puede competir. Además de Navarrette, el estudio impulsará al director y guionista Curry Barker como candidato a mejor director, guion original y montaje.

La elección de Navarrette despeja una duda clave, ya que en redes se debatía si el estudio la apoyaría en competencia como actriz protagonista, o si buscaría el Oscar como actriz de reparto. Aunque la joven artista aparece durante toda la película y es considerada el centro de su éxito, el relato está construido principalmente desde el punto de vista de Bear, personaje interpretado por Michael Johnston.

El dilema suele ser frecuente y, para algunos, ubicar al candidato también depende de un factor estratégico. Por ejemplo: Kieran Culkin en A Real Pain y Zoe Saldaña en Emilia Pérez. Ambos fueron ubicados en la categoría “actores de reparto” y lograron ganar la estatuilla dorada.

En contraste, Kathy Bates ganó el Óscar a mejor actriz en Misery; aunque la película está narrada desde el punto de vista de otro personaje.

Como se mencionó, la campaña de Obsession para los Premios de la Academia impulsará más de una docena de candidaturas. Además de la postulación de Navarrette, el estudio también presentará a Michael Johnston como mejor actor, a Megan Lawless como mejor actriz de reparto, y a Cooper Tomlinson y Andy Richter como mejores actores de reparto.

Asimismo, el filme buscará ser nominado a mejor película, mientras que Barker también figura en las candidaturas de dirección, guion original y montaje. La lista incluye además fotografía para Taylor Clemons, música original para Rock Burwell, casting para Skyler Zurn, sonido, maquillaje y peluquería y diseño de producción.

El impulso llega después de un éxito comercial extraordinario para una producción de presupuesto reducido. Obsession ha recaudado más de 505,6 millones de dólares a nivel mundial, frente a un presupuesto de producción de apenas 750.000 dólares, según Variety. Indudablemente, un fenómeno inesperado en salas.

La historia sigue a Bear, un hombre enamorado de su compañera de trabajo, Nikki. Después de no atreverse a confesarle sus sentimientos, utiliza un objeto sobrenatural conocido como One Wish Willow para pedir que ella lo ame “más que a nada en el mundo”. El deseo se cumple, pero Nikki comienza a comportarse de forma cada vez más extraña y violenta. Bear termina comprendiendo que aquello que parecía ser la solución a sus problemas sentimentales se ha transformado en una pesadilla.

La actuación de Navarrette ha sido uno de los elementos más destacados de la película. AV Club describió a Nikki inicialmente como una joven segura, alegre y con aspiraciones propias, antes de destacar el radical cambio físico y emocional que experimenta tras el deseo de Bear. La crítica calificó a Navarrette como la verdadera estrella de Obsession y comparó su intensidad interpretativa con la de Isabelle Adjani en Possession.

Con su candidatura ya definida, Navarrette afrontará ahora una carrera por una de las categorías más competitivas de los Oscar 2027. Para una actriz que, hasta hace pocos meses, era conocida principalmente por su participación secundaria en Superman & Lois, el recorrido supone un salto considerable en Hollywood. Forbes destacó precisamente la rapidez de su ascenso y señaló que incluso una nominación al Oscar por este papel representaría un importante impulso para su carrera.

Ryu y Ken vuelven a enfrentarse

El tráiler comienza con un combate entre Ryu y Ken, dos guerreros que llegaron a considerarse hermanos antes de que un episodio todavía desconocido los separara. Esa ruptura dejó resentimiento entre ambos y será uno de los ejes dramáticos de la película dirigida por Kitao Sakurai.

La misión de Chun-Li obliga a los antiguos amigos a reencontrarse. La luchadora necesita que ambos participen en World Warrior, un campeonato que esconde una operación más peligrosa de lo que aparenta. Detrás del torneo se encuentra M. Bison, interpretado por David Dastmalchian, cuyo plan convierte la competencia en una amenaza que los protagonistas deberán detener.

El avance alterna ese conflicto personal con humor y secuencias de acción. La historia exigirá que Ryu y Ken superen sus diferencias mientras avanzan en una competencia diseñada para reunir a varios de los peleadores más reconocibles de la franquicia.

Esta será la tercera gran adaptación cinematográfica con actores reales de la saga después de Street Fighter: La última batalla y Street Fighter: La leyenda. Las dos producciones anteriores quedaron como antecedentes problemáticos para una serie que ahora intenta trasladar con mayor precisión sus personajes, movimientos y estética a la pantalla.

Los movimientos de Capcom llegan al cine

Uno de los puntos centrales del nuevo material es la fidelidad visual a los videojuegos. Los luchadores ejecutan combos, es decir, secuencias de golpes encadenados que impiden reaccionar al rival, y técnicas especiales reconocibles para quienes jugaron las distintas entregas de Capcom. El vestuario también reproduce los diseños asociados con cada personaje.

El tráiler permite ver en acción a Blanka, interpretado por Jason Momoa; Cammy, encarnada por Mel Jarnson; Dhalsim, a cargo de Vidyut Jammwal; Vega, interpretado por Orville Peck; y E. Honda, representado por Hirooki Goto. M. Bison aparece como la figura detrás del conflicto principal y enfrenta directamente a varios integrantes del grupo.

El reparto incluye además a Joe “Roman Reigns” Anoa’i, Cody Rhodes, Eric André, Curtis “50 Cent” Jackson y Andrew Schulz. La combinación incorpora actores, músicos y figuras de la lucha libre profesional, aunque Paramount todavía no detalló en este avance todos los papeles que tendrán dentro de la historia.

Capcom acompañó el desarrollo de la adaptación y representantes vinculados con los juegos visitaron el rodaje para supervisar su relación con el material original. Esa participación se percibe especialmente en los ataques, las poses y las vestimentas mostradas en pantalla, elementos que el tráiler presenta como réplicas de las versiones jugables.

Una producción reescrita y una gira mundial

Kitao Sakurai también coescribió el guion junto con T. J. Fixman. Ambos tomaron el proyecto después de la salida de Danny Philippou y Michael Philippou, quienes habían estado vinculados previamente con la dirección. La producción atravesó cambios y reescrituras antes de comenzar el rodaje.

La campaña promocional empezó su nueva etapa con el World Warrior Tour, una gira mundial que comenzó en Tokio y llevará a integrantes del elenco por distintas ciudades. El tráiler fue la presentación principal del inicio de ese recorrido, que toma su nombre del torneo alrededor del cual gira la trama.

Paramount también publicó un tráiler jugable llamado Street Fighter Combo Challenge. La experiencia permite avanzar por el video mediante golpes, patadas y combinaciones ejecutadas en pantalla, en lugar de limitarse a reproducir el avance tradicional. Se encuentra disponible mediante YouTube Playables, el formato de experiencias interactivas accesibles desde la plataforma de video.

La promoción reúne así fragmentos narrativos, demostraciones de los movimientos y una pieza interactiva inspirada en el funcionamiento de los juegos. El resultado final llegará a los cines de todo el mundo el 16 de octubre.

No hay duda de que este 2026 está siendo un año muy especial para Carmen Machi. La actriz española, conocida sobre todo por su papel en la serie Aída, ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, el máximo reconocimiento institucional a su trayectoria en el cine español. A esto se le unen varios meses donde su rostro ha aparecido en diferentes películas, como Aída y vuelta (que supuso el regreso de su personaje más icónico), Amarga Navidad o 53 domingos, con una gran acogida en cine y plataformas.

A todas estas buenas noticias habría que añadir ahora la gran acogida que ha tenido en HBO Max otra de las últimas producciones en las que ha trabajado. Estamos hablando de Los justos, la película escrita y dirigida por Jorge A. Lara y Fer Pérez que, en su primer día en la plataforma, ha logrado situarse en el segundo puesto de la lista de lo más visto. Un éxito fulgurante que corona un más que aceptable paso por los cines y una presentación en el pasado Festival de Málaga, donde tuvo una buena acogida.

Bien podría recordarnos Los justos a grandes clásicos del género judicial, como 12 hombres sin piedad. En la película española, nueve miembros de un jurado popular deben votar la resolución de un caso de corrupción. Hay pruebas suficientes y la opinión pública también parece apuntar en la misma dirección. Sin embargo, todo cambia cuando estas personas reciben una oferta: por cada voto que cambie de culpable a inocente, recibirán un millón de euros, aunque la oferta solo seguirá en pie si se alcanza la unanimidad.

Una pregunta difícil de responder

La actriz de Aída descubrió el proyecto hace ocho años y, desde entonces, ha sido una de sus principales valedoras. “Cuando estás en un proyecto desde hace mucho tiempo, que ve la luz y que no la ve, te da mucha pena”, apuntaba en una entrevista en marzo con Kinótico. “Parece un tópico, pero es verdad. Cuando te rodeas de gente muy buena, todo lo que haces sale mejor. Somos una piña y nos hemos hecho muy amigos, porque ha sido un rodaje muy complicado”.

Junto a Carmen Machi, el reparto de la película está compuesto por reconocidos nombres del cine español y latinoamericano: Vito Sanz (Volveréis), Pilar Castro (Días de fútbol), Marcelo Subiotto (El eternauta), Ane Gabarain (La comunidad), Bruna Cusí (Verano 1993), Marina Guerola (Yakarta), Hugo Welzel (Enemigos) y Aimar Vega (El 47), entre otros. Todos ellos aportan su granito de arena en una película a medio camino entre la comedia y el suspense que destaca por su aparentemente irresoluble dilema moral.

“¿Tú lo harías?“, pregunta una usuaria que ya ha visto la película en su reseña en el portal de Filmaffinity, donde destaca que ”en ningún momento se plantean dudas sobre la culpabilidad del procesado, sino la integridad del propio jurado, ante la posibilidad de variar su decisión, por un millón de euros". Otro usuario señala que Los justos es una de esas películas que te dejan pensando tras los créditos finales. “No es una película perfecta, pero tiene algo valioso: una pregunta incómoda. ¿Cuál es el precio de la conciencia cuando la oferta tiene seis ceros y, además, creemos necesitarla?“.