El payaso más conocido por varias generaciones llegó al estudio con una presentación que remitió a una canción del rock argentino. “En la ciudad de la furia, dando una vueltita”, dijo antes de abrir una charla sobre su origen, el crecimiento de su personaje y el vínculo que mantiene con la música.

La conversación también giró alrededor de los cambios en los consumos infantiles y de la competencia con las nuevas plataformas. Piñón recordó una época en la que los chicos esperaban frente al televisor el momento de encontrarse con su personaje. Su recorrido, sin embargo, no comenzó en una pantalla ni en una sala teatral.

“Hasta el 2013 los niños prendían la tele para esperar a su payaso”, señaló al recordar esa etapa. Antes de alcanzar la exposición nacional, pasaba la gorra en la calle y animaba cumpleaños en Córdoba. Esa experiencia construyó una base de trabajo que después trasladó a escenarios de otra escala.

El salto llegó a partir de un llamado de un programa de televisión cordobés. Piñón Fijo explicó que no entendía del todo el fenómeno que comenzaba a crecer alrededor de su figura. El canal mantenía una relación con El Trece, una conexión que abrió el camino para su desembarco en Buenos Aires y para una expansión que superó sus expectativas.

“Para esto hay que estar un poco loco y cuando uno está un poco loco sueña”, expresó. En ese sentido, diferenció a su generación de los ritmos más inmediatos y sostuvo que el disfrute por lo que hace ocupa un lugar central en su carrera. La etapa previa en Córdoba, según contó, le dio herramientas para afrontar la notoriedad que apareció después.

Cuando llegó a Buenos Aires, el fenómeno se replicó en dimensiones mayores. “Me sirvió ese background. Quizás el problema de la explosión de golpe no es tan grave como cuando esa explosión pasa y te sacan el banquito”, reflexionó sobre el momento en que bajó la intensidad de la popularidad. Para él, el oficio de artista callejero funcionó como una referencia permanente ante esas variaciones.

La temporada en el Gran Rex se extendió durante dos años, un hito que mencionó como parte de esa etapa de alcance masivo. Aun así, sostuvo que la práctica en la calle le permitió mantener los pies sobre la tierra. “Cuando yo lo hacía en la calle pensaba que estaba en el Gran Rex”, afirmó.

El artista también explicó que no cuenta con formación académica ni actoral y definió el nacimiento del personaje como una circunstancia que encontró su propio rumbo. “A mí me salió de casualidad”, dijo. En su relato, la ausencia de maquillaje ocupa un lugar importante: al dejar atrás la imagen de Piñón, recupera una cotidianeidad que considera necesaria.

“Yo salgo de acá, me saco el maquillaje y soy el hombre invisible”, contó. Esa posibilidad de circular sin ser reconocido le permitió separar la vida pública de su intimidad. “Cuando estoy de Piñón, la vida se llena de abrazos, pero después me saco eso y ando inadvertido por todos lados. Y me gusta esta forma de vivir”, agregó.

La decisión de no dar notas sin maquillaje surgió en 2003 y, según explicó, fue una determinación consensuada con su entorno. Piñón Fijo definió al personaje como su “materia prima” y detalló que demora cerca de una hora en maquillarse. El proceso lo realiza por cuenta propia, muchas veces dentro de su motorhome.

Ese vehículo forma parte de su rutina de trabajo y de sus estadías en Buenos Aires. El artista lo llama “mi caracol” y explicó que consiguió un lugar para estacionar a unas 20 cuadras de Aeroparque, con los servicios necesarios para permanecer allí. “Ando en mi caracol, que es mi motorhome, que me lleva a todos lados”, relató.

“Acá tengo todo, mi saco cloacal, mi placa de sonido. Así que de acá no me bajo, tengo todas las cosas”, enumeró. Para él, esa dinámica también expresa la convivencia entre el personaje visible y la persona que busca conservar su privacidad.

Durante la entrevista, el músico aprovechó para anunciar un proyecto fuera de su universo habitual. Se trata de la película CordobeCes, que se estrena el 15 de octubre. Es una docucomedia centrada en la identidad y la alegría cordobesa.

La trama sigue a Kaitlin Nelson, una documentalista de Estados Unidos que viaja a Córdoba para descubrir por qué sus habitantes se caracterizan por esa alegría. Piñón contó que el proyecto nació a partir de contenidos de redes sociales de jóvenes que recopilan videos virales vinculados con la provincia.

“Es la historia de esa chica rubia que viene a documentar de qué se trata la alegría cordobesa, embebida en fernet”, adelantó sobre la película. El artista señaló que disfrutó de la experiencia y destacó el pasaje de una idea surgida en TikTok e Instagram a la pantalla grande.

La música atravesó toda la charla. Piñón Fijo ubicó ese interés en los años posteriores al regreso de la democracia, cuando terminó la secundaria y el rock nacional formaba parte del paisaje cultural. Antes de convertirse en el personaje que lo llevó a la televisión, recorría la ciudad con una guitarra y una bicicleta para dar clases a domicilio.

“Yo creía que enseñaba, pero en realidad estaba aprendiendo”, resumió sobre aquella etapa. En los shows, reconoció, existen canciones inevitables para el público, aunque la composición continúa como una actividad cotidiana. “Vivo componiendo porque para mí el mejor juguete es hacer canciones, hacer música. Me divierte mucho”, dijo antes de interpretar una canción en vivo en el estudio que enterneció a todos.

La publicación detonó la viralización inmediata. Miles de usuarios expresaron sorpresa y emoción al ver el material, que había permanecido guardado por años en el ámbito familiar. La revelación puso fin a uno de los secretos mejor guardados del espectáculo infantil argentino, generando un fenómeno mediático y sentimental sin precedentes.

El video, grabado a comienzos de los años ’90, había sido pensado originalmente para el canal infantil Cablín, que tuvo su auge en esa década y marcó a toda una generación. En las imágenes se ve a Solcito y a su hermano Jere, de niños, sentados en un banco del Parque Sarmiento con expresión de aburrimiento. La escena inicial, descripta por la propia Sol como “aburridos (el acting)”, introduce la aparición de un hombre con maletín, que se acerca a los niños, interactúa brevemente y luego se retira a un costado.

La magia ocurre cuando este hombre comienza a maquillarse y a transformarse en Piñón Fijo. El video capta el proceso completo: desde el rostro descubierto de Fabián Gómez, pasando por la aplicación del maquillaje blanco y los detalles característicos del personaje, hasta su entrada definitiva en escena. El material culmina con un abrazo entre Piñón y sus hijos, seguido de una imagen fija antigua donde se los ve juntos, y el mensaje de agradecimiento: “Gracias Fabián, gracias Piñón”.

Este hecho marcó un antes y un después, ya que por primera vez el público pudo acceder a la cara detrás del maquillaje. La reacción no se hizo esperar y se multiplicaron los comentarios que daban cuenta del asombro colectivo: “Creo que muchos no estábamos preparados para ver la cara de Piñón”, escribió un usuario, sintetizando el sentir general.

La joven acompañó el video con un texto cargado de emoción y gratitud. En su mensaje explicó el origen del material y la importancia que tenía para la familia: “Este video nació de un sueño: mi papá soñaba con que apareciéramos en Cablín. Nunca se concretó, pero quedaron semillas. Algunas florecieron mucho tiempo después. Papi, gracias por los recuerdos, por los aciertos y los errores, por los procesos y las transformaciones, por este presente y por el amor construido a lo largo de todos estos años. Hoy te celebro, te agradezco y te honro… ¡Feliz día!”

El homenaje fue replicado por el propio Piñón en sus redes, lo que amplificó el alcance del contenido. El tono familiar se reforzó con la intervención de Jere, hermano de Solcito, quien comentó: “Hoy estuve todo el día sin señal. Muy lejos. Me encuentro con este recuerdo tan lindo, tan fuerte, que me pegó justo en el cuore. No tenía pensado terminar el día tan emocionado. ¡Feliz día a mis dos padres que me dio la vida: Fabián y Piñón! Los amo”.

El video viralizado no era un registro casual, sino parte de un proyecto que nunca vio la luz en su momento. La intención, según relató Solcito, era que el material se emitiera por Cablín, un canal que marcó la programación infantil argentina durante la primera mitad de los años ’90. La publicación aclara: “Años ’90, con mi hermano en el parque Sarmiento”, situando el rodaje en un espacio icónico de Córdoba.

En las imágenes, el parque aparece como un escenario despojado y típicamente noventoso, con bancos de cemento y los hermanos Sol y Jere vestidos con ropa de la época. El acting infantil, la llegada del personaje misterioso, las preguntas sobre su identidad —“¿Y este señor? ¿Quién es?“— y la posterior transformación, remiten a los recursos narrativos de los programas infantiles de la época.

El fragmento en que se ve el proceso de maquillaje es particularmente revelador: por primera vez, la cámara se detiene en el rostro sin máscaras de Fabián Gómez. El close up muestra el momento exacto en el que la persona se convierte en personaje, un instante que durante años estuvo vedado al público. La secuencia concluye con el reencuentro de Piñón Fijo, ya maquillado y vestido, con sus hijos, en una escena de ternura que cierra el círculo familiar y profesional.

La publicación reavivó la memoria afectiva de varias generaciones. Los comentarios en redes sociales reflejaron el impacto emocional de la revelación y la gratitud hacia el artista. Frases como “A los 29 años vengo a conocer la cara de Piñón”, o “Gracias por haber mantenido siempre la ilusión”, se repitieron en decenas de mensajes.

Muchos seguidores destacaron el rol de Piñón como figura paterna simbólica: “Gracias a ese papá por ser un poquito papá de cada uno de nosotros también”, escribió un usuario. Otros mensajes celebraban la apertura y la honestidad del gesto: “Muy feliz día padre... sos el padre de tus chicos que te quieren mucho con tus canciones, que dios te bendiga, saludos y que disfrutes este día con tus dos bellos hijos Solcito y Jere”.

La viralización del video no solo resolvió un misterio de larga data, sino que también sirvió como catalizador de una ola de nostalgia colectiva. El recuerdo de la infancia, el vínculo entre padres e hijos y el valor de los pequeños ritos familiares se convirtieron en el centro de la conversación pública durante varios días.

La fotografía final del video, en la que se ve a Fabián Gómez abrazado a sus hijos, y el mensaje “Feliz día”, sintetizan el espíritu de la publicación: la celebración de los afectos y la memoria compartida entre artista, familia y público.

El Salvador entero conoce su risa, sus ocurrencias y esa frase icónica, “¡Qué chivo, vos!”, que ha marcado a generaciones. Sin embargo, detrás del colorido maquillaje y los lentes oscuros que hoy debe usar, se encuentra Roberto Alfaro, el hombre que da vida al entrañable personaje de Cocolito.

En una emotiva y sincera entrevista en el programa Las cosas como son, el comediante abrió su corazón para hablar de la prueba más difícil que enfrenta: una batalla por su salud donde la fe en Dios y el apoyo familiar son sus mejores medicinas.

Con 42 años de trayectoria artística que comenzaron desde abajo, “jalando cables y haciendo mandados a los 16 años”, Alfaro se encuentra en un parón obligatorio. Una delicada situación en su ojo izquierdo, producto de un desprendimiento de retina y complicaciones posteriores que requirieron dos cirugías en una sola semana, lo mantiene con reposo absoluto y alejado de las carpas de su amado circo itinerante.

Para un artista hiperactivo que confiesa “divertirse consigo mismo” y amar el escenario, el confinamiento médico ha sido un reto psicológico enorme. Cocolito no oculta su humanidad ni sus momentos de flaqueza:

“Yo le voy a ser honesto, yo quisiera ya ver, ya estar en acción, ya trabajar normalmente... cometí el error de renegar y decirle: ‘Dios, pero ¿por qué yo?’. Pero Dios no le da pruebas a sus hijos si no las saben superar”.

A pesar de que actualmente no ve bien por ese ojo y se enfrenta a la posibilidad de una tercera intervención si no mejora en las próximas semanas, su optimismo sigue intacto. Su fe no es de cartón; es el motor diario con el que agradece cada amanecer como una “ganancia” y una bendición.

La diabetes: Un enemigo silencioso combatido con humor

Esta no es la primera tormenta que Roberto Alfaro surfea. Desde hace 25 años convive con un diagnóstico de diabetes que ya le ha cobrado la amputación de tres dedos de su pie derecho debido al pie diabético. Lejos de victimizarse, el salvadoreño recuerda con orgullo cómo hacía reír a la gente apoyado en un taburete y con muletas en mano.

“Yo hago chiste de mí mismo, yo me río de mí mismo... la vida hay que agarrarla con clase”, afirma con una madurez admirable. Incluso ante los rumores malintencionados en redes sociales que llegaron a darlo por muerto al punto de recibir llamadas de funerarias ofreciendo servicios a su esposa, Alfaro prefiere sonreír, ignorar los views vacíos y aferrarse a quienes conocen su verdad.

Si algo dejó claro el artista es que el “Circo de Cocolito” no es un proyecto individual, sino un refugio familiar. Ante la dura realidad económica que golpea al hogar debido a la pausa en los espectáculos y el alto costo de los medicamentos, sus tres hijos han asumido las riendas del negocio.

“Papá, ahorita no trabaje. Deje, nosotros vamos a ver cómo hacemos”, le dicen. Su hijo, quien actúa como “Cocolito Junior”, mantiene vivo el show basado en la pura improvisación y complicidad en el escenario.

Conmovido, Roberto rinde un homenaje en vida a su esposa, quien funge como su mánager, enfermera y pilar emocional: “Es mentira que un amigo se va a molestar tanto por usted... Solo su esposa va a estar con usted, porque ella se desvela con usted. Cuatro de la mañana, ella maneja, ella me da las medicinas. Yo soy lo que soy gracias a mi esposa”.

Un legado intacto de humor blanco

A lo largo de la entrevista, se recordó la esencia de un personaje autóctono y único en el continente, apadrinado en sus inicios por figuras legendarias como su tío “Chirajito” y guiado por Regina Cañas (“La tía Bubu”) para encontrar su propia voz salvadoreña.

Cocolito, definido por Alfaro como un “niño índigo de 10 años”, se ha caracterizado por un éxito rotundo entre el público adulto gracias a un humor limpio. Al cierre de la entrevista, y tras el anuncio del periodista de abrir canales de apoyo (al número 7924-3345) para quienes deseen enviar una “coperacha” voluntaria a pesar de la timidez del artista para pedir ayuda.

El Salvador espera con ansias el regreso de su querido niño de diez años. La expectativa por el regreso de Cocolito mantiene atentos a sus seguidores, quienes lo acompañan en redes sociales y en los espectáculos familiares. La entrevista concluyó con un mensaje de agradecimiento y esperanza, mientras Roberto Alfaro sigue las indicaciones médicas y se prepara para volver a los escenarios.

Un video grabado durante una fiesta infantil en México se volvió tendencia en redes sociales luego de acumular miles de reproducciones en cuestión de horas. El clip, difundido principalmente en X y TikTok, captó un momento que pasó de la diversión al riesgo en segundos, generando tanto risas como preocupación entre los usuarios.

Las imágenes muestran a un payaso animando a los niños en lo que parecía una celebración común. El ambiente era festivo hasta que un descuido de uno de los pequeños invitados cambió por completo el rumbo del evento. Mientras el animador realizaba su espectáculo, el menor golpeó accidentalmente un cilindro de gas LP que se encontraba dentro de la vivienda donde se realizaba la fiesta.

El impacto provocó que el tanque comenzara a liberar gas de forma descontrolada, lo que rápidamente se extendió por el patio de la casa. La escena generó momentos de tensión debido al alto riesgo de que se produjera un incendio o una explosión, considerando que se trataba de un espacio cerrado con varios asistentes, incluidos niños.

La reacción inmediata fue captada en el video y se convirtió en el elemento más viral del clip. El payaso, al darse cuenta de la situación, interrumpió el show y gritó con desesperación: “¡Patitas pa’ que las quiero!”, mientras los asistentes intentaban alejarse del lugar. La frase provocó una avalancha de risas entre los usuarios, quienes no tardaron en compartir el video.

El creador del contenido añadió un comentario que también impulsó su difusión: “¿México o IA?”, en referencia a lo surrealista de la escena. A partir de ahí, la sección de comentarios se llenó de respuestas cargadas de humor, ironía y referencias culturales.

Entre los mensajes más compartidos destacaron frases como “Ingenio Azteca”, “eso no lo genera ninguna inteligencia artificial, solo una tía que dijo ‘ahí pónganlo, no estorba’”, y “las mexicanadas son chistosas… hasta que pasa la desgracia”. Estas respuestas reflejaron cómo el humor mexicano suele surgir incluso en situaciones potencialmente peligrosas.

Sin embargo, más allá de las carcajadas, el video también abrió un debate entre los internautas sobre la normalización de prácticas riesgosas en reuniones familiares. Para algunos, el clip evidenció la falta de precaución al colocar un tanque de gas en un área donde había niños y animación constante.

El personaje del Payaso Pichurris ganó notoriedad en redes sociales durante este lunes 22 de diciembre tras difundirse imágenes que muestran un altercado durante una posada dirigida a conductores de transporte en Campeche.

El incidente se registró en una celebración privada organizada por una firma del ramo, en la que el payaso formaba parte del entretenimiento por tercer año seguido, según detalló más tarde.

¿Qué fue lo que pasó y por qué razón se volvió viral el Payaso Pichurris?

El incidente se produjo en medio de la presentación de Pichurris ante trabajadores de una empresa. En una de las actividades, el artista llamó a un integrante del equipo para una de sus dinámicas y le entregó el micrófono.

El empleado, en lugar de continuar con la dinámica, expresó frases sexuales dirigidas a la esposa del payaso.

Pichurris golpeó en la cara al participante, lo que provocó una confrontación física que concluyó con ambos en el piso.

Asistentes al evento intervinieron para apartar a los protagonistas y retomar la calma en la fiesta, mientras que el animador evidenció su disgusto por los comentarios hacia su pareja.

¿Quién es el Payaso Pichurris, quien se volvió viral por protagonizar una pelea en Campeche?

Rafael Hernández es la persona detrás del personaje Pichurris, reconocido en la ciudad de Campeche. Su incursión en el mundo del espectáculo comenzó en el parque de Santa Lucía, motivado por la convivencia con el padre de un amigo que también ejercía como payaso.

A lo largo del tiempo, Pichurris se ha consolidado como una figura popular entre el público campechano. Su trayectoria abarca diferentes escenarios, donde ha desarrollado una carrera profesional enfocada en la comedia.

Además de su presencia en eventos locales, Rafael Hernández ha participado en congresos y encuentros tanto a nivel nacional como internacional, lo que le ha permitido ampliar su experiencia y reconocimiento en el medio artístico.

En sus redes sociales, Pichurris comparte momentos de su trabajo en bares, posadas, espectáculos masivos y presentaciones privadas, mostrando la diversidad de espacios en los que lleva su propuesta de entretenimiento.

¿Qué dijo el Payaso Pichurris sobre lo ocurrido en Campeche?

Pichurris compartió su en una transmisión en vivo a través de sus redes sociales oficiales a sus seguidores el motivo por el cual ocurrieron os hechos.

Relató que esta empresa lo había contratado en varias ocasiones y que este era el tercer evento donde coincidía con el mismo trabajador.

De acuerdo con su testimonio, el empleado ya mostraba signos de ebriedad desde el inicio de la posada y lo insultó reiteradamente.

El comediante mencionó que usualmente recibe bromas y comentarios ofensivos sobre sí mismo y lo considera parte del oficio.

Sin embargo, subrayó que la situación cambió cuando el participante dirigió comentarios hacia su esposa, alguien ajeno al evento y a su actividad profesional.

Pichurris sostuvo que su reacción se debió a que, en ese momento, se rebasó un límite personal.

La nariz roja, el maquillaje y la risa no son disfraces: son armaduras. Cada 5 de noviembre, el Día Internacional del Payaso celebra a quienes transforman la tristeza en un acto de fe.

La fecha nació en México como homenaje a Cepillín, el payaso de la sonrisa infinita, y a Miliki, emblema del humor iberoamericano. En las calles, hospitales y circos del mundo, su eco continúa vivo.

Más allá del espectáculo, el payaso encarna la ternura y la resistencia, la ironía y la compasión: una forma de arte que recuerda que la risa también puede salvarnos.

El origen de una fecha pintada de rojo y blanco

El Día Internacional del Payaso se celebra cada 5 de noviembre, una fecha que trasciende la efeméride para convertirse en una declaración de humanidad. Nació en México, país que vio reír y llorar a Ricardo González Gutiérrez, el entrañable Cepillín, quien llevó su sonrisa a generaciones de niños latinoamericanos desde la televisión y los hospitales. Su figura se convirtió en un puente entre el juego y la ternura, entre la inocencia y la esperanza.

En el año 1985, artistas del humor decidieron consagrar ese día al oficio del payaso. Desde entonces, la fecha se extendió por todo el mundo, con caravanas, desfiles y funciones gratuitas en plazas y barrios humildes. En muchas ciudades, los payasos visitan orfanatos, cárceles y hospitales para compartir lo que mejor saben dar: alegría.

Sin embargo, la historia no pertenece solo a América. En España, el recuerdo de Miliki —Emilio Aragón Bermúdez— mantiene viva la memoria de otra estirpe de artistas que hicieron del circo una casa del alma. Junto a sus hermanos Gaby y Fofó, formó un trío inolvidable que unió generaciones con canciones que todavía acompañan la infancia de miles: “Hola, don Pepito” o “La gallina turuleca”. Su legado traspasó fronteras y moldeó la sensibilidad de un continente entero.

Entre la melancolía y la carcajada

Ser payaso no es solo provocar la risa. Es un oficio que habita entre la tristeza y el júbilo, entre la caída y la redención. Por eso, este día también celebra la fragilidad humana, la capacidad de reírse de uno mismo, la voluntad de sanar al otro desde la inocencia.

En muchos rincones del planeta, el payaso es más que un artista: es un terapeuta del espíritu. En hospitales, su presencia reduce el miedo y el dolor. En barrios populares, devuelve la dignidad del asombro a los niños que han crecido con poco. En los circos itinerantes, sostiene la tradición de una familia que se niega a desaparecer.

El maquillaje no oculta, revela. Detrás de la máscara, el payaso enfrenta su propia vulnerabilidad y la transforma en un acto de entrega. Como dijo una vez Miliki: “La risa es la manera más seria de decir la verdad”. Quizás por eso, cada función encierra un ritual: el arte de resistir a la tristeza mediante el humor.

Cepillín y Miliki: dos almas que enseñaron a reír sin miedo

Cepillín y Miliki no solo marcaron la infancia de millones; también dignificaron el arte del payaso en una época en que el mundo comenzaba a olvidar su valor simbólico.

Cepillín, dentista de profesión, descubrió que su mayor vocación no estaba en sanar dientes sino corazones. Su programa infantil, emitido durante los años setenta y ochenta, fue un fenómeno cultural. En él, combinó educación y alegría, convirtiéndose en el payaso más famoso de América Latina.

Miliki, por su parte, fue heredero de una familia de artistas de circo. Nació entre carpas y trapecios, donde aprendió que la risa es también una forma de arte. Junto a sus hermanos Gaby y Fofó llevó su humor blanco y su música ingenua a la televisión española, generando un fenómeno que traspasó generaciones. Su influencia alcanzó incluso a América Latina, donde su nieto, Emilio Aragón, continuó la tradición familiar.

Ambos representaron estilos distintos pero complementarios: uno, el payaso que cantaba a los niños con ternura; el otro, el juglar que hacía del absurdo una forma de filosofía. En ambos latía la misma convicción: la risa puede cambiar el mundo, aunque sea por un instante.

La herencia de un arte que nunca muere

Cada 5 de noviembre, payasos de distintos países se reúnen en desfiles multicolores que llenan las avenidas de ritmo y complicidad. En México, los barrios se llenan de rostros pintados y zapatos enormes. En Lima, Bogotá o Buenos Aires, los artistas recorren hospitales infantiles con flores y globos, recordando que el humor también es un acto de amor.

El Día Internacional del Payaso no pertenece a un país ni a una época. Es la memoria viva de todos los que, bajo la carpa o en la calle, siguen apostando por la risa como forma de resistencia. Los que se enfrentan al silencio con una sonrisa pintada. Los que, como Miliki o Cepillín, dejaron huellas que no se borran con los años.

Porque el payaso no es una figura menor dentro del arte. Es el espejo donde la humanidad se mira sin miedo a su propia torpeza. Es la carcajada que disuelve el orgullo, el gesto que recuerda que todos somos frágiles y que solo el humor nos salva del desencanto.

Cada vez que un niño ríe ante una nariz roja, la historia del payaso vuelve a empezar. Y mientras exista alguien dispuesto a reír, la fiesta del 5 de noviembre seguirá siendo una celebración universal: la del alma que no se rinde ante la tristeza.

El Payaso del Maizal es una nueva propuesta del género de terror y slasher que llegará a cines de México este mes de octubre.

La cinta, que también mezcla el miedo y suspenso, llegará a los diferentes complejos cinematográficos de todo el país para el próximo jueves 9 de octubre, fecha en que aquellos que quieran ir a ver la película ya podrán hacerlo.

Para los amantes de las películas de terror de payasos asesinos como It (Eso), Terrifier y El payaso del mal, por mencionar algunas cintas, esta será una nueva propuesta.

Ya se han revelado varios avances de El payaso del maizal, lo que ha generado varias expectativas entre los fans del horror, del género slasher y sobre todo de las cintas de payasos asesinos.

Algunos se han preguntado si podría tratarse de un nuevo personaje en las distintas cinta de terror, por lo cual muchas personas correrán este fin de semana a las salas de cine en México para ver esta película.

Sin embargo y aunque no se han dado a conocer muchos datos, la película tendrá cierta clasificación que impedirá que todas las personas vayan a verla, debido al contenido de las escenas e imágenes que contiene.

De acuerdo a lo señalado en las páginas de internet de las principales cadenas de cine del país, El payaso del maizal tendrá una clasificación C.

Por lo tanto, únicamente personas mayores de 18 años podrán acceder a las salas de cine en México para disfrutar de la película, ya que contendrá escenas no recomendadas para personas menores a la audiencia señalada anteriormente.

¿De qué trata El payaso del maizal?

Por supuesto, aquí tienes una reinterpretación del texto:

El payaso del maizal explora el conflicto entre generaciones en una comunidad rural marcada por la crisis.

Frendo, antiguo símbolo de una fábrica ya cerrada, emerge de los campos de maíz convertido en una amenaza que busca erradicar los percibidos errores del pueblo, centrándose en los adolescentes señalados como responsables del declive local tras el cierre de la planta de jarabe.

La protagonista, Quinn Maybrook, llega al pueblo con la intención de encontrar tranquilidad, pero se enfrenta a un entorno hostil y a la reaparición de una figura aterradora.

Clasificación de las películas en México

En México, la clasificación de películas está regulada por la Dirección General de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC) de la Secretaría de Gobernación. Las categorías principales son las siguientes:

- AA: Contenido apto para todo público, especialmente recomendado para menores de 7 años.

- A: Películas adecuadas para todo público, sin restricciones de edad.

- B: Recomendadas para mayores de 12 años. Pueden contener temas o situaciones que requieren discreción para menores.

- B15: Apropiadas para mayores de 15 años. Incluyen lenguaje, violencia o temas más fuertes que la categoría B.

- C: Exclusivas para mayores de 18 años. Contienen violencia explícita, lenguaje adulto, sexualidad o consumo de drogas.

- D: Solo para adultos, mayores de 18 años, con contenido sexual o violento explícito.

Estas clasificaciones buscan orientar al público sobre el contenido de las películas y proteger a los menores de material considerado inadecuado para su edad.

La hermana de Pedro Pascal, Javiera Balmaceda, dijo en una entrevista con el presentador argentino Javi Ponzo que el actor resguarda en su casa uno de los objetos más icónicos y escalofriantes del cine de terror, se trata de nada menos que el payaso original de Poltergeist de 1982.

La anécdota salió porque la hermana de Pascal, Javiera Balmaceda, es directora de contenidos para Amazon Studios en Latinoamérica, Canadá, Australia y Nueva Zelanda y se encuentra promocionando la cinta de terror Belén dirigida por Dolores Fonzi.

Durante la conversación, Ponzo quiso saber cuál fue la película que marcó la infancia de los hermanos:

“Poltergeist”, contestó Javiera, para sorpresa del entrevistador. Pero lo que asombró al público es lo que confesó después la hermana de Pascal.

“Pedro tiene el payaso de la película en su casa. Está loco. ¡Qué miedo!”, dijo entre risas.

Balmaceda explicó que Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, Es quien le dio el singular obsequio a Pascal. El presente tiene un significado más profundo. Según cuenta la anécdota, Feige quiso adular al actor con un detalle que relacionara la pasión por el cine de Pascal, con su película favorita de la infancia.

El payaso es un objeto que posee gran rareza histórica dentro de la industria del cine. Es uno de los cuatro payasos fabricados para el rodaje de Poltergeist. La pieza se cotiza actualmente en más de medio millón de dólares.

Se sabe que de los cuatro payasos creados, uno terminó en manos del investigador paranormal Zak Bagans, otro pertenece desde hace años al productor Sean Clark y un tercero se vendió en 2023 por 600 000 dólares.

El ejemplar que ahora descansa en la casa de Pascal podría ser uno de ellos. Lo único que se sabe es que Kevin Feige consiguió uno y se lo regaló a Pascal con un motivo estratégico.

Con esta acción, el presidente de Marvel Studios, quiso asegurar a Pedro Pascal en el Universo Cinematográfico de Marvel luego de que el actor debutara como Reed Richards en Los 4 Fantásticos: Primeros pasos; ahora, se prepara el regreso del actor para Avengers: Doomsday.

Pedro Pascal tuvo una infancia llena de cine

El actor nunca ha ocultado su amor por el cine de los años ochenta. De niño veía Poltergeist una y otra vez, al igual que E.T.

En una serie de entrevistas recopiladas por Collider la estrella de Hollywood dejó rastros de su infancia en las salas de cine.

“Mi mamá, hubo una semana en el verano de 1982 en la que no tenía niñera. Ella estaba haciendo su doctorado y se las arregló con el personal del cine local para que me cuidaran desde, como, media mañana hasta la noche. Nos dejaban en el cine y yo veía E.T. o Poltergeist, como un par de veces, dos veces y media al día”. Dijo el actor.

La leyenda de ‘Poltergeist’

La marioneta es una pieza icónica que envuelve a Poltergeist: Juegos diabólicos, película dirigida por Tobe Hooper y producida por Steven Spielberg, estrenada en 1982.

La cinta narra la pesadilla de una familia acosada por fuerzas sobrenaturales en su propio hogar.

Entre las escenas más aterradoras está precisamente la del payaso que cobra vida para atacar al pequeño Robbie, un momento que traumó a generaciones de jóvenes espectadores.

Con los años, la cinta se vio envuelta en rumores de una supuesta “maldición”: accidentes durante el rodaje, el uso de esqueletos humanos reales en la icónica escena de la piscina y muertes prematuras de varios miembros del elenco, incluida Heather O’Rourke, la inolvidable Carol Anne, fallecida a los 12 años.

Jack Merrill tenía 19 años y vivía, por primera vez, lejos de su familia en la ciudad de Chicago. Criado en un hogar donde, según dijo en una entrevista con People, soportó la furia, la distancia emocional y el narcisismo materno, buscaba sentido y autonomía tras una ruptura definitiva con la vida paterna.

Una noche de otoño de 1978, después de salir de la universidad, el joven caminaba de manera muy tranquila rumbo a su hogar, hasta que de repente se encontró con un hombre que cambiaría su vida para siempre.

Ese día el azar lo encontró con John Wayne Gacy, un personaje que, de cara a la comunidad, era un ciudadano ejemplar: contratista, activo en política local, reconocible por actuar como Pogo el Payaso en hospitales infantiles y eventos comunitarios. Pero bajo esa capa de normalidad, ocultaba una brutalidad sin límites. De acuerdo con las crónicas históricas y testimonios relevados en People y Us Weekly, Gacy ya había comenzado su serie de ataques años antes, raptando, abusando y asesinando a decenas de jóvenes. Años más tarde se lo conocería con el apodo: “el Payaso Asesino”.

De acuerdo con el relato de Merril en una entrevista con People, fue Gacy quien se detuvo a su lado en un auto aquella noche, ofreciéndole llevarlo. En principio, Merrill intuía el peligro, pero al mismo tiempo explicó que la conversación se volvió extrañamente cordial: Gacy le advirtió sobre la inseguridad del barrio y que tuviera cuidado.

No obstante, el secuestro fue inminente. Según su testimonio a People, Gacy detuvo el auto, preguntó si alguna vez había utilizado “poppers” (nitrato de amilo), una droga que produce euforia y relajación muscular y, sin mayor aviso, empapó un trapo y lo apretó contra el rostro de Merrill, quien perdió el conocimiento de forma casi inmediata.

Cuando despertó, según declara para Daily Mail, se encontraba esposado, en el asiento trasero del mismo automóvil.

El horror de esa noche, según reconstrucción de los hechos que Merrill ofrece, incluyó el traslado al domicilio de Gacy.

Allí, el ambiente oscilaba. Merrill recuerda que en un momento el payaso lo liberó momentáneamente, le ofreció marihuana y cerveza, hasta que luego, sin previo aviso, lo volvió a esposar, lo arrastró por un pasillo, y le colocó un artefacto casero en el cuello.

Tenía cuerdas y poleas, y me rodeaba la espalda y las manos esposadas de tal manera que, si forcejeaba, me ahogaba. Empecé a perder el aire. Me metió una pistola en la boca”. Explica que fue violado mientras permanecía en ese estado de indefensión, solicitando en su fuero interno solo sobrevivir.

“Pensé que la única forma de sobrevivir era mantener la calma y aceptar el comportamiento psicótico que mostraba. Sabía que si me resistía, no tenía posibilidad”, dijo a People.

La explicación de esa conducta de sumisión, narra Merrill, encuentra sus raíces en su infancia. Durante años, aprendió a lidiar con el hostigamiento emocional y físico de sus padres adoptando la pasividad y la reserva, habilidades que, según concluye años después, le salvaron la vida durante el ataque de Gacy.

Al concluir la noche, según Daily Mail, contra todo pronóstico y tras horas de abuso, el payaso cambió repentinamente de actitud, algo que hasta el día de hoy el propio Merrill no entiende el motivo.

Lo llevó de regreso a la zona urbana y lo dejó cerca de su departamento.

La odisea había terminado. Antes de separarse, le entregó un papel con su número de teléfono y le dijo: “Quizás nos volvamos a ver algún día”.

Merrill nunca dudó: arrojó el papel al inodoro al llegar a casa y se dio una larga ducha, intentando limpiarse física y emocionalmente. Decidió no acudir a la policía. Según relató en Daily Mail, hizo un pacto consigo mismo: “Voy a superar esto. No voy a dejar mi felicidad en esa casa”.

El secreto lo llevó consigo durante meses. Merrill se mantuvo en silencio, solo confió el relato a algunos amigos muy próximos años después.

Según cuenta la amiga Ravelle Tomczak a People, escuchó la historia de la boca de Jack a comienzos de los años 80: “Me contó que le habían puesto cloroformo, despertó esposado en el carro y, al final, cuando Gacy lo soltó, le dijo: ‘Eres un chico listo. No eres como los otros’”.

El giro definitivo en su perspectiva ocurrió cuando, aproximadamente tres meses más tarde, Merrill vio la identidad de su agresor impresa en titulares. Leyó en el Chicago Sun-Times: “Cadáveres encontrados en un sitio suburbano”.

Supo, por primera vez, que su secuestrador era un asesino serial. El mapa que acompañaba la noticia mostraba la misma salida de carretera donde había sido liberado.

Las revelaciones sucesivas de la prensa confirmaron la dimensión del terror: era uno de los últimos sobrevivientes de un asesino que se convertiría en uno de los más temidos de la historia estadounidense.

Según detalla Us Weekly, John Wayne Gacy fue detenido en diciembre de 1978, tras la desaparición de un joven empleado de farmacia. Al hacérsele seguimiento, los agentes de la policía encontraron las pruebas que lo condenarían: los cuerpos de 26 víctimas enterrados en su casa.

Gacy fue sentenciado a muerte en 1980 por el asesinato de 33 jóvenes. Pasó más de una década en el corredor de la muerte y fue ejecutado por inyección letal en 1994.

Un nuevo comienzo tras una noche que lo cambió todo

En paralelo, Jack Merrill emprendió un proceso de evolución personal y artística. Tras el trauma se mudó a Nueva York el día que cumplió 21 años para inscribirse en la Universidad de Nueva York. Allí estudió teatro y participó como fundador en la compañía Naked Angels.

“Actuar en la compañía fue una experiencia catártica. Estás obligado a expresarte”, dijo a People.

Este proceso culminó con su espectáculo unipersonal, The Save, en el que, según sus palabras a Us Weekly, explora las razones por las cuales Gacy lo liberó, el impacto del trauma y la resiliencia que emergió tras la experiencia.

“La razón por la que hago The Save es conectar con la gente de una manera diferente. No quise dejar que lo ocurrido esa noche definiera mi vida”, resume a Us Weekly.

En lo personal, Merrill afirma haber encontrado la felicidad con su esposo, con quien comparte la vida hace 23 años y el cuidado de sus mascotas.

Para él, el contar su relato en público, aunque nunca borrará las cicatrices, constituye una prueba de que superó “la noche más oscura”.

El caso de John Wayne Gacy se erige, para la historia criminal de Estados Unidos, como un símbolo de la brutalidad oculta detrás de rostros comunes. Para Jack Merrill, la liberación es más silenciosa pero igual de decisiva: sobrevivir, narrar e integrar el pasado en el arte y la vida cotidiana. Como resume uno de sus amigos entrevistados por People: “Superar algo así te enseña lo que realmente importa”.

Ese encuentro, en un suburbio frío de Chicago, no solo acabaría con la vida de un adolescente ejemplar, sino que pondría fin a la impunidad de uno de los asesinos seriales más prolíficos del país, desvelando un entramado de abuso y muerte oculto tras la sonrisa de un payaso comunitario, llamado John Wayne Gacy.

La tarde del 11 de diciembre de 1978, Robert Piest tenía una plan sencillo: cumplir con su turno como empleado en una farmacia y volver junto a su familia para celebrar el cumpleaños de su madre.

Según narra People, Robert, de 15 años, era un estudiante aplicado de Maine West High School y apreciado por sus compañeros y superiores.

Mientras terminaba su jornada, escuchó sobre un posible trabajo de verano, ofrecido casualmente por un contratista que visitaba la farmacia para presupuestar una remodelación. Motivado por la promesa de un sueldo considerablemente mayor al que ganaba, Robert decidió consultar con su madre antes de hablar con el contratista, identificado como John Wayne Gacy.

Gacy era visto en el barrio como un empresario exitoso, dueño de una empresa constructora y frecuente animador de eventos locales vestido como payaso.

Detrás de esa fachada apacible, ocultaba una cadena de crímenes que la comunidad ignoraba por completo: desde 1972, había violado y asesinado a más de treinta jóvenes y adolescentes, casi siempre mediante engaños laborales o promesas de ayuda.

El encuentro entre ambos tuvo lugar minutos antes de las nueve de la noche.

Según Chicago Tribune, Robert le indicó a su madre que aguardara en el auto porque iba a conversar brevemente con “ese contratista” acerca de una oportunidad de trabajo.

Tras pasar el tiempo y al notar la ausencia de su hijo, Elizabeth Piest, alarmada, organizó una primera búsqueda junto a familiares y la compañera de Robert, Kim Byers, rastreando los alrededores de la farmacia en la nieve.

Las huellas y marcas de neumáticos en el hielo fueron las únicas pistas, y tras constatar que Robert seguía sin aparecer, la familia inmediatamente denunció su desaparición ante la policía local.

Según detalla All That’s Interesting, lo que la familia ignoraba era que, para cuando dieron aviso, Robert ya había sido asesinado. Gacy, que acostumbraba manipular y someter a sus víctimas bajo el truco de las esposas y luego estrangularlas con una cuerda, llevó a Robert a su casa en las afueras de Chicago, donde perpetró el crimen.

El propio asesino describiría ante la justicia, tiempo después y con frialdad, cómo ejecutaba ese procedimiento para garantizar el control total sobre sus víctimas, combinando abuso sexual y asfixia progresiva.

El caso tuvo un giro crucial gracias al compromiso del teniente Joe Kozenczak, policía de Des Plaines con vínculo personal al entorno escolar de Piest.

De acuerdo a Chicago Tribune, Kozenczak insistió desde el primer momento en tratar la desaparición como potencial delito grave, contradiciendo la percepción extendida, como señala Oxygen, de que la mayoría de estos casos eran “fugas juveniles”.

La investigación policial, al día siguiente, centró la atención en Gacy, quien primero admitió haber visitado la farmacia, pero negó cualquier contacto con la víctima.

Su coartada comenzó a resquebrajarse con el hallazgo de un comprobante de revelado fotográfico que una compañera había colocado en el abrigo de Robert: ese recibo, hallado en la casa de Gacy, fue la primera evidencia material que lo vinculó directamente con el muchacho desaparecido.

Oxygen describe cómo la policía, siguiendo nuevos indicios y al percibir un olor fétido procedente del subsuelo al encender la calefacción, obtuvo nuevas órdenes de allanamiento.

Finalmente, los agentes hallaron restos humanos en el espacio de rastreo bajo la casa, desenterrando lo que quedaban de 29 cuerpos, mientras que Gacy confesó haber arrojado otros cuatro, entre ellos a Robert Piest, en ríos cercanos.

El caso de Robert Piest fue central para los fiscales y la opinión pública porque mostró que ninguna familia, por más ejemplar que fuera, estaba a salvo mientras Gacy anduviera libre.

Gacy fue condenado en 1980 por el asesinato de 33 jóvenes y adolescentes, fue sentenciado a muerte por 12 de esos crímenes y pasó 14 años en el corredor de la muerte.

El 10 de mayo de 1994, en la prisión Stateville Correctional Center de Illinois, su vida terminó por inyección letal, después de haber atraído sobre sí atención mediática hasta el último minuto.

Un payaso se ha convertido en símbolo de profesionalismo y entrega luego de que un video en TikTok mostrara cómo continuó con su show infantil a pesar de que la calle estaba completamente inundada por las fuertes lluvias. El protagonista del momento viral es Luigi Comediante, quien fue captado sentado en una silla metálica, animando a los niños mientras a su alrededor corría una fuerte corriente de agua.

El video, publicado en la cuenta oficial del comediante, ya ha superado los 2 millones de reproducciones, generando una oleada de comentarios positivos por parte de los usuarios, quienes destacaron su actitud inquebrantable ante la adversidad. “El show tiene que seguir a como dé lugar”, escribió un usuario, comparando la escena con la emblemática secuencia de los músicos del Titanic, que siguieron tocando mientras el barco se hundía.

En la grabación, se puede ver cómo el agua cubre por completo la calle, arrastrando sillas, adornos y parte del mobiliario del evento. Mientras tanto, Luigi permanece sentado en medio de la inundación, con micrófono en mano, y continúa su presentación ante los niños y sus familias. A pesar del evidente malestar que provoca la situación, el comediante no pierde el humor e incluso bromea sobre el momento, manteniendo el ánimo del público.

Aunque la publicación no precisa el lugar exacto donde ocurrieron los hechos, varios usuarios aseguran que se trata de alguna calle de la Ciudad de México, recientemente afectada por intensas lluvias y encharcamientos. La descripción del video agrega:“Nos inundamos en una fiesta y al final el río se llevó mi bocina y otras cosas (quédate al final del video)”, lo que confirma que el animador perdió parte de su equipo de trabajo debido a la corriente.

Hacia el cierre del video, se escucha cómo los asistentes le advierten a Luigi que sus pertenencias están siendo arrastradas por el agua, provocando una mezcla de risas, sorpresa y solidaridad. Esta situación no hizo más que reforzar la percepción de que se trata de un verdadero profesional, comprometido con su trabajo sin importar las condiciones climáticas.

Los comentarios en la publicación no se hicieron esperar. Frases como:“El verdadero ‘el show debe continuar’”,“Brother, esa madre es profesionalismo”,“Todo un profesional. Así somos los mexicanos, echados para adelante”,y “El aprendió de los músicos del Titanic”,fueron algunos de los mensajes más destacados.

El caso de Luigi Comediante ha tocado fibras en internet al mostrar que, aun en medio de la adversidad, hay quienes no renuncian a hacer reír a los demás, incluso si eso significa terminar con los zapatos empapados y el equipo flotando calle abajo.

El proceso judicial que involucraba a P.M., un hombre que trabajaba como payaso animador y había sido acusado de abuso sexual con acceso carnal contra una niña de un jardín de infantes en Lomas de Zamora, finalizó con un veredicto absolutorio.

La resolución fue dictada por el Tribunal Oral en lo Criminal (TOC) 2 del departamento judicial, tras una audiencia en la que ni la Fiscalía ni la querella sostuvieron la acusación.

El caso había generado preocupación en la comunidad desde su inicio, en 2019, cuando se conoció la denuncia de la familia de una niña que asistía al Jardín de Infantes N° 917. A pesar de la gravedad del delito imputado, el acusado nunca fue detenido preventivamente y llegó en libertad al juicio oral, que se desarrolló con escasa repercusión pública y duró pocos días.

Durante el debate oral, la fiscal Leila Selem anunció su decisión de desistir de la acusación, al sostener que no existían pruebas suficientes para acreditar los hechos tal como habían sido imputados. Por su parte, el defensor de P.M. pidió la absolución.

Sin embargo, lo que sorprendió en la sala fue que también el abogado de la familia de la niña —que actuaba como querellante— renunció a la acusación, cerrando así la posibilidad de que el juicio continuara con impulso penal.

Según informó el portal Diario Conurbano, ante la falta de acusación por ambas partes, el TOC 2 de Lomas de Zamora resolvió absolver de manera anticipada al hombre. La sentencia fue comunicada el último lunes en una audiencia breve, en la que los jueces adelantaron que los fundamentos del fallo serán difundidos la próxima semana.

En una etapa previa del expediente, el Juzgado de Garantías N° 1 de Lomas de Zamora, a cargo de Jorge López, había dispuesto el sobreseimiento del imputado. Esa resolución había sido apelada por la querella y, posteriormente, revocada por la Cámara de Apelaciones, que ordenó llevar el caso a juicio oral bajo la calificación de abuso sexual con acceso carnal, una figura penal que contempla penas de entre 6 y 20 años de prisión.

A principios del mes pasado, el Tribunal Oral Nº5 de Quilmes condenó a 13 años de prisión a Ramón Estigarribia, un hombre que trabajaba como payaso y estaba acusado de abusar al menos tres chicos en la localidad bonaerense de Ezpeleta, partido de Quilmes.

El abusador, conocido como “El Paya Moncho”, está detenido desde hace dos años. De acuerdo con la investigación, organizaba eventos solidarios para atacar chicos en situación de vulnerabilidad, con la excusa de recaudar dinero para una ONG.

Durante el juicio, se acreditaron tres casos específicos de abuso, aunque no se descarta que el número de víctimas sea mayor. La fiscal del caso, Mariel Calviño, había solicitado una pena de 20 años de prisión, pero finalmente el tribunal impuso una condena menor.

“El Paya Moncho” utilizaba las redes sociales, como Facebook e Instagram, para promocionar sus eventos solidarios. Organizaba espectáculos artísticos que atraían a niños y familias, para recolectar donaciones de ropa, alimentos y útiles escolares, que luego eran entregados a quien los necesitara. Sin embargo, detrás de esta fachada, Estigarribia cometía los abusos que lo llevaron a la cárcel.

Uno de los relatos más impactantes fue el de un joven, quien narró los abusos que sufrió desde los seis años. El acusado era un amigo cercano de su familia, lo que facilitó que ganara la confianza de sus padres y tuviera acceso a él.

Gracias a una mujer, quien había ayudado a otro chico víctima de abusos, la que ayudó al joven a hacer la denuncia ante la DDI de Quilmes, de acuerdo con lo que contó al canal de noticias. “Yo hice la denuncia en marzo, pero ellos ya se estaban moviendo porque había una denuncia anteriormente”, reveló la víctima.

Durante el juicio, la fiscal presentó pruebas basadas en los testimonios de las víctimas, que fueron fundamentales para acreditar los hechos.