La sesión tuvo lugar en el estudio El Living de Julio Presas, donde ambos músicos se entregaron a una experiencia musical de zapadas y versiones en un ambiente relajado y espontáneo. El clima de camaradería, risas y anécdotas se tradujo en aproximadamente media hora de blues, capturada con apenas cuatro micrófonos Shure 57, en una atmósfera cálida que el ingeniero de sonido Julio Presas supo registrar con sensibilidad y precisión.

Miguel “Botafogo” Vilanova relató a propósito de este encuentro: “Cada vez que Pappo me visitaba se ponía a tocar la guitarra acústica. Con el tiempo me di cuenta que en sus discos no había nada del material que Norberto hacía en mi casa, ya que la gente no tenía acceso a esa versión de él. Entonces, se me ocurrió que podía invitarlo a un estudio para que grabemos a solas con dos acústicas, y rápidamente pensé el estudio El Living”. Botafogo recordó que, en medio de una agenda cargada de shows y entrevistas, Pappo llegó al estudio acompañado por su mánager, con una guitarra resofonica Regal afinada muy baja para facilitar la ejecución, mientras que él mismo eligió una Washburn de doce cuerdas.

La grabación resultante, según Botafogo, fue una “media hora de improvisaciones, risas y anécdotas”, en la que se capturó algo irrepetible: “¡Pappo grabando blues acústico!”. Uno de los temas, “Who’s That Walkin’” de Howlin’ Wolf, fue incluido en el disco Cambios. Sobre esta interpretación, la revista canadiense Real Blues escribió que allí “aparece el joven Pappo, que más bien parece un negro del Mississippi”. Botafogo evocó la reacción de Pappo al leerle ese comentario: “¡Se puso feliz y ancho con la reseña!”. Finalmente, Botafogo celebró la publicación de este material: “Por fin, después de años de espera, aquí está esta pequeña gran grabación para todos los que admiran a Norberto Aníbal Napolitano, nuestro Carpo”.

Por su parte, Julio Presas rememoró el origen de la sesión: “Recuerdo que habíamos empezado a grabar Cambios, el disco de Miguel Botafogo, en el estudio Circo Beat, y Miguel tuvo la idea de registrar algunos temas en mi estudio. Una tarde se apareció con Pappo, ya que la idea era grabar acústico con un dobro, una guitarra y las voces del Carpo y de Miguel, por lo cual coloqué cuatro micrófonos Shure 57, y con eso grabé a los dos”.

Presas destacó que fueron cinco o seis temas, de los cuales uno se incluyó en el disco de Botafogo. Al volver a escuchar la grabación después de muchos años, Presas expresó su asombro por la interpretación de ambos músicos y la calidad del audio obtenida con recursos mínimos: “El sonido viene de los músicos, que pudieron lograr un audio del Mississippi increíble”. Así es: el resultado es un documento sonoro que revela el espíritu de exploración y complicidad entre dos próceres del blues argentino.

La Corte Suprema de Justicia de la Nación dejó firme la condena a tres años y ocho meses de prisión para Luciano Napolitano, hijo del fallecido músico Pappo, por hechos de violencia de género contra su ex pareja, Mariel Oleiro (33).

El fallo, firmado por los jueces Horacio Rosatti, Carlos Rosenkrantz y Ricardo Lorenzetti, rechazó la presentación de la defensa por inconsistencias formales en el reclamo. Y entonces Napolitano debería terminar de cumplir la sentencia.

Será el juez correccional de San Isidro quien defina en las próximas horas qué sucederá con la situación del condenado, a quien le quedaría por cumplir la mitad de la pena.

Por lo pronto, su defensa, a cargo de Roberto Casorla Yalet, pedirá que lo haga con una prisión domiciliaria, ya que su defendido está a cargo de su madre y la mujer se encuentra en mal de salud.

Según consta en el expediente, el 21 de noviembre de 2020 Napolitano agredió y amenazó a su ex, luego de hostigarla y denigrarla, utilizando un arma de fuego tipo revólver calibre .38.

El episodio culminante se produjo el 24 de mayo de 2021, cuando la ex pareja se encontraba en la vivienda de Benavidez. De acuerdo con la denuncia, Napolitano la tomó del cuello y le provocó dificultad para respirar, mientras emitía mensajes amenazantes debido a su condición de género.

“Me ahorcó en el sillón y salió inmediatamente una de las hijas a gritar y decir: ´No, papá´. De vuelta me soltó, se me tiró encima, me puso las rodillas encima. Otra de las nenas, chiquitita de 7 años, también salió a decir que por favor que me suelte y ahí él les dice: ‘Chicas, suban al auto’. Luego las agarra, las sube al auto y ahí es la secuencia de que pone primera, me quiere atropellar, yo me corro y me sigue rociando con alcohol”, dijo Mariel ante las cámaras de televisión en 2021.

El proceso judicial desembocó inicialmente en una condena por lesiones leves agravadas por el vínculo y por mediar violencia de género, amenazas, privación ilegal de la libertad agravada y tenencia de arma de guerra. La sentencia fue resultado de un juicio abreviado ante el Juzgado en lo Correccional 4 de San Isidro, a partir de un acuerdo entre la defensa y la fiscalía.

Durante la causa, Napolitano estuvo privado de libertad durante un año y medio, primero en un centro penitenciario y luego bajo prisión domiciliaria. En diciembre de 2023 recuperó la libertad luego de que la Cámara de Garantías de San Isidro revisara el caso y lo absolviera. Los jueces Juan Eduardo Stepañiuc y Leonardo Gabriel Pitlevnik fundamentaron la absolución en que “no se podía alcanzar el grado de certeza necesario para afirmar categóricamente que Napolitano sea culpable del hecho”, y señalaron que la versión del imputado no contradice otros elementos probatorios.

El Ministerio Público y la querella apelaron esa decisión, y en diciembre de 2024 la Suprema Corte de Justicia bonaerense revocó la absolución, restableciendo la condena original. El tribunal provincial argumentó que la Cámara actuó de manera fragmentaria al seleccionar solo las pruebas que avalaban la absolución, soslayando el análisis integral de la causa.

Finalmente, la defensa intentó que la Corte Suprema de Justicia de la Nación revisara el fallo, pero el máximo tribunal desestimó el recurso de queja por incumplimiento en las formalidades de la presentación.

El perfil del violento

Nacido en septiembre de 1974, pasó sus primeros años de vida en Tigre, se educó en la escuela industrial para ser electricista. Hijo de María Gloria Heredia, que lo crio como madre soltera, fue Luciano Heredia hasta su adolescencia.

Tenía alrededor 15 años cuando se enteró de que era el hijo de Pappo, gracias a comentarios de su entorno.“Le pedí un par de mangos a mi tía, fui a un locutorio y busqué en una guía de teléfonos el apellido Napolitano. Había como 15. Llamé y el primero que me atendió fue mi abuelo. Hablé con él, y le pregunté por Norberto. No estaba. Intenté dos o tres veces más hasta que lo enganché y me invitó a que nos encontremos”, contó el músico alguna vez sobre los inicios de su vínculo con Pappo.

Tras conocer a su padre biológico, recibir su apellido y entablar un vínculo, Luciano pronto supo que quería seguir sus pasos y se dedicó a la música. También compartían la pasión por la velocidad y las motos.

Y fue justamente andando en moto que una tragedia terminó con la vida de Pappo cuando tenía 55 años y su hijo 30. El accidente ocurrió en la ruta 5, en los alrededores de Jáuregui, en las cercanías del paraje La Blanqueada, partido de Luján.

Fue cuando terminaba el 24 de febrero de 2005 y el músico, secundado por su hijo y la entonces novia de él –Gabriela Sfeir, madre de sus tres hijos–, viajaban para participar de un encuentro para amantes de los fierros.

Inicialmente, se dijo que una mala maniobra desató la caída de Pappo, que acto seguido fue atropellado por un Renault Clio y murió en el acto.

El rock nacional se tiñó de luto al conocerse la muerte de Raúl Rulo Fernández, reconocido guitarrista pionero de la música pesada nacional. Elogiado tanto por su estilo salvaje como su versatilidad para ejecutar diferentes estilos, pasó por las filas de Vox Dei y fundó La Máquina, uno de los secretos mejor guardados de la escena pesada de los 70 que lo llevó a tocar con Pappo.

La noticia fue difundida por el Instituto Nacional de la Música (INAMU), que transmitió sus condolencias y destacó el aporte de Fernández al desarrollo del género. Su partida se suma a la de Kay Galifi, el mítico guitarrista de Los Gatos que se conoció esta semana y tiñe de acordes tristes las páginas del rock argentino.

Raúl Fernández formó parte del grupo fundacional de los náufragos, quienes diseñaron los compases del rock nacional en las noches afiebradas de La Cueva. Con sus idas, vueltas, cierres y aperturas, el emblemático sótano se convirtió en un espacio esencial y liberador para el surgimiento de bandas y público para una movida en la que todo estaba por inventarse.

La diáspora tras los sucesivos cierres del mítico reducto lo llevó rumbo al Oeste de Buenos Aires. En esa región, Fernández compartió proyectos con figuras como Bocón Frascino y participó en iniciativas como Semillas de este tiempo junto a Jorge Capello, Ricardo Jelicié, Gustavo Rugna y Gabriel Yasky.

El guitarrista sumó experiencia junto a Pappo y fue parte de la película Rock hasta que se ponga el Sol, estrenada en 1973, un documento clave sobre la consolidación del rock nacional. Según el testimonial escrito por el músico Jorge Senno, la agrupación presentada en el filme bajo el nombre de Pappo’s Blues era, en realidad, Cuarteto Superman, una fusión entre Pappo y el grupo La Máquina, que conformó con Enrique Avellaneda Díaz, Carlos Koelln y Tito Larrosa. Además, Senno relató que Fernández fue “el último guitarrista que tocó en La Cueva de Pueyrredón” y recordó una anécdota que refleja tanto su virtuosismo como su generosidad.

“La Máquina teloneó a la primera presentación de Pescado Rabioso en el Teatro Metro”, contextualizó Senno en un posteo en sus redes sociales refiriendo al debut de Spinetta con su proyecto luego de la disolución de Almendra. “En el medio del show, Luis Alberto corta una cuerda y no tiene como seguir. Raúl estaba en la primera fila escuchando el show, y le prestó la guitarra Gibson SG 61. Otros tiempos, otra solidaridad y otros códigos entre los músicos″, interpretó Senno, que remató la anécdota citando las palabras del inolvidable Flaco: “Un aplauso a mi amigo Raúl de La Máquina”.

En 1976, Fernández se incorporó a Vox Dei como guitarrista principal, donde su protagonismo quedó registrado en el álbum “Ciegos de siglos”. Posteriormente, junto a Rubén Basoalto y Enrique Avellaneda Díaz, formó el grupo Rompeases en 1982, aunque el proyecto no llegó a registrar un álbum. Otras experiencias incluyeron la agrupación Zoom, junto a Pío Rodríguez, Rubén Basoalto y Yito Molina.

Durante la década del noventa, integró la primera formación de Afrocandombe y participó en la grabación del álbum “Suena el río”, acompañado por músicos como Pedro Conde, Juan Candamia y Araña Luna. “Podía pasar del hard rock, a acompañar tangos y boleros inmediatamente, con recursos, arreglos y en cualquier tonalidad, porque era un músico de oficio”, lo definió Senno. Destacado por su ductilidad, será recordado por la comunidad musical como una figura cuya influencia se extendió tanto en zapadas espontáneas como en escenarios junto a conjuntos emblemáticos.

“Transitamos juntos un largo camino haciendo música, fuimos un tándem muchas veces, compusimos muchos temas en diferentes bandas”, lo despidió su compañero Avellaneda Díaz. “Eso nos hermanó, y me duele tu partida. Que en paz descase tu alma en el infinito, querido y talentoso Raúl”, cerró, poniéndole voz a la despedida.

“Trato de volver lo más posible a Argentina, considero al país mi lugar en el mundo”, dice Nico Bereciartúa, guitarrista de la banda norteamericana The Black Crowes desde 2023. Entre las giras internacionales y proyectos propios, mantiene la costumbre de regresar cada vez que puede a su ciudad natal. “No tengo ganas de desarraigarme todavía y quedarme a vivir allá”, reconoce sobre su vínculo con el país: a pesar del éxito en Estados Unidos, su base sigue estando en Buenos Aires.

Bereciartúa nació y creció rodeado de música. Es hijo de Víctor “Vitico” Bereciartúa, el mítico bajista de Riff, la banda que fundó junto a Pappo, Michelle Peyronel y Boff Serafine y que marcó a fuego la historia del rock nacional. Aprendió a tocar con el eximio guitarrista Botafogo como profesor. Desde chico, compartió escenarios y vivencias con algunos de los músicos más grandes del país, y siguió los pasos familiares, tanto en su formación como en sus inspiraciones.

A lo largo de su carrera pasó por Viticus —la banda que formó su padre—, por la última formación de Riff, fue parte de proyectos internacionales de enorme prestigio como Playing for Change y en 2015 ganó el Premio Gardel al Mejor Disco de Artista Nuevo de Rock por su disco “Nico”. Desde hace años, su destreza y feeling con el instrumento lo llevó a compartir escenario con leyendas mundiales, consolidarse como uno de los guitarristas argentinos con mayor proyección y convertirse en “endorser” de los instrumentos Gibson.

La gira, que ya arrancó (pasó por Rafaela y San Francisco, Córdoba), lo mostrará sólo con su guitarra sobre el escenario, y abarcará ciudades como Mar del Plata (4/7 en Chauvin), Cariló (5/7 en Templeton), Rosario (10/7 en Casa Brava), Santa Fe (12/7 en Stanley Bar), Junín (13/7 en Cityrock Restó Bar), La Plata (17/7 en Espacio Live) y Luján de Cuyo (19/7 en Willys Bar) y Buenos Aires (13/7 con banda completa y 14/7 en Club Lucille de Palermo). Luego continuará hasta septiembre, con fechas y lugares a confirmar.

En una charla con Teleshow, Bereciartúa repasa sus raíces y sus aventuras por el mundo.

— Nico, ¿vos vivís más acá o más afuera? ¿Cómo organizaste tu vida a partir de ser el guitarrista de The Black Crowes?

— Y, mirá, trato de volver lo más posible acá y sigo viviendo en Buenos Aires. Considero a Argentina mi lugar en el mundo. Y no tengo ganas de desarraigarme todavía y quedarme a vivir allá. Así que dependiendo del tiempo que tenga de gira, estoy más en Estados Unidos o más acá. Este año, que son más festivales y shows más esporádicos, voy a estar más en Argentina, que es lo que me permite hacer esta gira acústica.

— ¿Qué preparaste?

— Va a ser la primera vez me lanzo a hacer shows con este formato. He tocado en algunos lugares, pero para un evento puntual o algo especial. Voy a recorrer un poco mis canciones solistas, algunas canciones que significaron mucho para mí en mis comienzos o a lo largo de mi carrera y algunos covers, obviamente. Hay algunos temas de Riff, que tuve el honor de formar parte junto a Pappo, Vitico y Michel Peyronel.

— ¿Cómo es tocar un tema de Riff pero en versión acústica?

— Tenés que rearmarlo un poco, pero nada, yo crecí con esa música, toqué mucho tiempo eso. Son canciones que la gente obviamente conoce.

— De chico, siendo el hijo de Vitico, ¿en tu casa era todo rock o había otro tipo de música?

— Era básicamente rock. Capaz que algunas cosas que no eran tan rock, como Brian Ferry o Roxy Music, me acuerdo de esos vinilos. Pero sí, básicamente era rock y rock de afuera. No se consumía mucha música nacional.

— ¿Y siempre el que ponía la música era tu viejo?

— Mi vieja también. Le encanta más por el lado de Rod Stewart, Cream. A mí la que me mostró Cream fue mi mamá. Mi viejo era más de Jimi Hendrix, pero sí, básicamente cuando íbamos en el auto, el que oficiaba de DJ era mi padre.

— ¿Y a su bajo te dejaba agarrarlo?

— Bueno, mi viejo tampoco estaba tanto en casa (ríe), entonces cuando estaban los instrumentos ahí, al bajo lo agarraba. Pero había una guitarra que podíamos llegar a agarrar para boludear con mi hermano. Pero hubo un momento bisagra cuando con mi hermano quisimos empezar a tocar la guitarra, en la primera etapa de la adolescencia. Después mi hermano dejó, yo seguí.

— ¿De tus hermanos el único que siguió la música fuiste vos?

— Sí.

— Por lo menos no tuviste un padre que te dijera “no pierdas el tiempo con la guitarra”.

— No solo por el lado de él, mi madre tampoco, porque ella podría haber dicho “no seas como papá” (ríe), pero todo lo contrario. Como te digo, mi madre también ama la música. Ellos vivieron en Londres. Iban a ver a Led Zeppelin, a los Faces, todas esas bandas en su máximo esplendor. Entonces siempre hubo apoyo y lo agradezco porque gracias a ese apoyo tuve las oportunidades para poder dedicarme a mi pasión. Me siento un privilegiado, porque hay gente que vive toda una vida sin saber cuál es su vocación.

— ¿Pappo qué era para vos? ¿Un tío, un padrino?

— Un poco de ambas cosas.

— Naciste en 1980, el mismo año en que se formó Riff ¿Qué recordás de esa banda, que con el tiempo también formaste?

— Al primer show de Riff que fui fue uno de los shows en el Palladium en el 85 o 86, por ahí. Después me acuerdo de otro show en Obras, hay unos videos en YouTube donde están Charly, el Zorrito, Andrés Calamaro, y aparezco yo con diez años. Cuando salió “Zona de Nadie”, que estaba el tema de la Voiture, estaba en casa. Me acababa de comprar mi primera guitarra, una FAIM que me volvió. Se la vendí un tipo, ese tipo se la dio a un flaco que es luthier, la rearmó y me la trajo a mi casa durante la pandemia. Me dijo: “todo vuelve a su lugar de origen”. Fue un lindo momento. Bueno, Pappo estaba ahí en casa. Le pedi que me enseñe el riff de la Voiture. Después, cuando ya era un poco más grande, iba a los shows de Riff por todos lados y compartí muchos momentos con Pappo también. Siempre recuerdo una noche. El Bahiano y Juanse tenían un boliche en Los Arcos, Club X, y yo estaba ahí, llegó Pappo con (el baterista) Black Amaya y me dijeron ‘Nico, agarrá el bajo y toquemos unos temas’. Y yo me vi con diecinueve años tocando “El tren de las 16”, “Hombre suburbano” con Pappo y Black, y decía: “es increíble”.

— ¿Cómo fue Pappo con vos fuera del escenario?

— Había un personaje obviamente, que era el que la gente conoce, pero Pappo era un tipo muy generoso, con un corazón enorme. Si te quería, era muy sensible. Esa parte de tipo malo... yo nunca vi un episodio del ‘Pappo malo’. Siempre tuve una cosa de compartir cosas muy lindas, más allá de la música. Sobre todo en el último tiempo. Y esas noches que nos encontrábamos, yo con veintipico de años, él con cincuenta, teníamos cosas en común. Charlábamos mucho, y es algo que guardo con los mejores recuerdos. Se lo extraña mucho.

— ¿Cómo entraste a The Black Crowes?

—Primero, toqué con uno de los hermanos, Rich Robinson, el guitarrista. Él estaba haciendo un cuestionario en Facebook y le puse un link en una pregunta, y ocho meses después de haber hecho eso, me llegó un mensaje de Twitter diciéndome que le gustaba como tocaba la guitarra, que le mandara más cosas. Terminé tocando dos años con él y luego se juntaron los Black Crowes. Cuando el guitarrista de la banda renunció, me llamaron para audicionar. Rich me dijo: “yo quiero que seas vos”. Me mandó el pasaje y terminé audicionando con otros cinco guitarristas y, por suerte, quedé yo.

— ¿Cuál de los hermanos es el que sube o baja el pulgar para ingresar a los Crowes, Rich o Chris Robinson, el cantante?

— Bueno, los dos. Yo ya tenía el pulgar derecho, pero necesitás del otro. Tienen que estar los dos de acuerdo. Si uno no está de acuerdo, no sé… Pero por suerte, cuando se juntaron los Crowes fui a varios shows, hablaba con Chris de música, y hasta le mandé un vinilo de Jorge Cafrune que él quería, se quedó loco.

—¿Chris Robinson escucha folclore argentino?

—¡Escucha de todo, es un melómano! Cuando fui a las audiciones, tenía la ventaja de haber compartido dos años de gira con Rich, de vernos durante semanas, meses, viéndote la cara antes de dormir y al despertar, como un matrimonio. No es como las giras de acá que son solo el fin de semana.

— Las giras de los Crowes deben ser larguísimas, ¿no?

— Son muchísimos shows. El año pasado fueron casi 90 shows y, cuando termina, hasta te agarra el “post gira”, medio una depresión porque extrañás un montón de gente y no te hallás en tu hogar. Es muy loco, porque cuando estás en la gira extrañás estar en casa, y cuando estás en casa extrañás estar de gira.

— ¿Alguna vez les mostraste a los Black Crowes algún disco de Pappo Blue’s de los 70?

— Sí, por ejemplo hace poco estábamos en el auto con Chris volviendo de un show en Minneapolis y él estaba mirando algo en Instagram y me dice: “Mirá, una foto de Pappo”, en una página de afuera que se llama Rock Archive. Decía ‘Pappo Napolitano Blues Singer, guitarrista de Argentina”. Y en la foto sonaba Sándwiches de miga.. Le digo: “sí, esta canción está en el disco que yo le regalé, el Volumen 3s”. Empezamos a hablar un poco de Pappo, de mi viejo, le regalé también contenido de metal porque sé que los va a escuchar, porque es un tipo melómano. Le mostré el video de Riff en el 82 tocando en “Pantalla del mundo nuevo” en Barock y no lo podía creer.

— Allá conociste tipos de la estatura de Jimmy Page o Ronnie Wood, con quien tocaste. ¿Cómo son en el trato cotidiano?

— Una locura. Conocí a Jimmy Page en un contexto en el que vino a ver a los Crowea, porque son amigos y tocaron juntos, y después del show me dijo cosas increíbles que después posteó. Nunca me lo hubiese esperado, pero que Jimmy Page se haya quedado impresionado conmigo como guitarrista no me la esperaba, es algo que te sube mucho la potencia. Compartí escenarios con John Fogerty, Steven Tyler, Ronnie Wood. Estaba tocando con Fogerty y Ronnie Wood y decía: “esto lo voy a tener que recordar en esos momentos donde podés caer en la frustración”. Es un divino, amigo de la banda. Estaban con los Stones ensayando en Los Ángeles, por arrancar la gira y nosotros estábamos ahí. Vino Chuck Leavell (ex Allmann Brothers y director musical de Los Rolling Stones) con los Crowes, es amigo, ya toqué con él varias veces. Entonces Ronnie dijo: “yo también voy”. Hicimos el show y después no pude dormir por cuatro días, de verdad (ríe).

— ¿Qué música escuchás ahora mismo?

— Lo de siempre, mucho blues viejo: Robert Johnson, Buck White, Skip James. También rock de los 50, Little Richard, Fats Domino, Brenda Lee. Hay una banda de California que me gusta mucho, se llama La Lom, hacen cumbia peruana (Nota: como el cover de La Danza, de Los Mirlos), una cosa muy linda. Y después escucho cosas viejas, pero nuevas para mí, como una banda de chicas de Níger llamada Les Filles de Illighadad. Es una zona de África que tiene una cultura musical muy interesante. Me gustan mucho esas afinaciones de guitarra. También escucho mucho a Nick Drake. Y bueno, imaginate que después de compartir con Jimmy Page pegué una época de escuchar todo lo de Led Zeppelin de vuelta.

— ¿Transitar esos escenarios internacionales te cambió en algo la cabeza?

— No, más que cambiarme, fue un aprendizaje. Hay una forma de trabajar distinta, que acá no se vive igual. Por ejemplo, cuando hacés giras allá, llegás puntual y todo está armado a la hora que te dicen. Ese respeto por los tiempos de la gente es otra cosa, y trato de trasladarlo a mi equipo ahora en la gira acústica. Son cosas que aprendí y que me gusta que pasen, porque hacen que todo funcione mejor para todos.

En su publicación, el músico expresó su preocupación por la posibilidad de quedarse sin hogar junto a su familia si no logra resolver su situación financiera. Una problemática que, según él afecta a los artistas veteranos. “Te ponen en un sistema donde sos un ‘chow’ más y con las condiciones que a ellos se les antoja”, escribió. Además, mencionó que su jubilación es mínima y que, aunque cuenta con el apoyo de la mutual de SADAIC y algunas regalías, estos ingresos no son suficientes para cubrir sus necesidades básicas.

El mensaje no tardó en viralizarse y al poco tiempo el músico lo borró de sus historias de Instagram. A raíz de esto, Teleshow conversó con su esposa Claudia, quien aclaró algunos puntos del posteo. “El mensaje de ayer fue un momento de catarsis”, afirmó la mujer, para sintetizar a expresión de vulnerabilidad que sintió necesario compartir.

Ella resaltó que su intención no era “mendigar”, sino comunicar el estado emocional y profesional que enfrentan, donde las oportunidades laborales en el mundo artístico se han vuelto esquivas. Claudia explicó que “no se está pidiendo la colaboración económica”, sino “la valoración de tantos años de trabajo”. Su testimonio refleja la frágil situación que experimentan muchos artistas en el país, quienes, dicho con la honestidad brutal de Claudia, “cuando no laburan, no cobran”.

A pesar de las adversidades, la mujer describió a Edelmiro como un espíritu “muy libre” que, si bien atraviesa un momento complicado, ha recibido “llamados telefónicos con propuestas de trabajo”. Con dignidad y firmeza, Claudia subrayó que “no se les quiere cortar el paso” a las bandas jóvenes, solo se pide “un poquito de respeto”. La familia Molinari confía en superar estos inconvenientes, apoyados por el cariño y ofrecimientos que la comunidad les está brindando. “Siempre hemos vivido altibajos de estos tipos”, concluyó con esperanza y gratitud“, remarcó Claudia a Teleshow.

Edelmiro Molinari no solo es reconocido por su trabajo con Almendra, sino también por su participación en otras bandas como Color Humano ysu proyecto Edelmiro y La Galletita, este último junto a Skay Beilinson de Los Redonditos de Ricota. Su carrera como solista también ha sido destacada, con discos como “Expreso de agua santa” y “Contacto”, que han sido elogiados por su originalidad y sonido distintivo. Molinari sigue comprometido con su música y tiene programado un concierto para el 29 de julio en Bebop, donde se presentará junto al baterista Sebastián Peyceré.

Esta actuación representa una oportunidad para que el público apoye al músico en un momento crítico de su vida. En su publicación, Molinari hizo un llamado a quienes puedan ofrecerle ayuda económica, proporcionando un número de contacto para aquellos interesados en colaborar. “Recurro a su ayuda porque otra por el momento no encuentro”, expresó, dejando claro que su situación es urgente y que cualquier contribución sería de gran ayuda para él y su familia.

La situación de Edelmiro Molinari pone de manifiesto las dificultades que enfrentan muchos artistas veteranos, quienes, a pesar de su legado y contribuciones a la cultura, a menudo se encuentran en situaciones precarias debido a la falta de apoyo y reconocimiento en la industria musical actual. Su trayectoria abarca desde los albores de la música rock en Argentina hasta su evolución como artista multifacético y compositor influyente.

En casi seis décadas de trayectoria, Molinari dejó una marca indeleble en el panorama musical argentino. En 1967, se unió a Luis Alberto Spinetta, Emilio del Guercio y Rodolfo García para formar Almendra, una de las bandas más influyentes en el rock en español. En este grupo, Molinari desempeñó el papel de guitarrista principal, compositor y eventual cantante, interpretando, entre otros, el clásico “Color Humano”, que marcaría su próximo paso musical.

Su habilidad para emular a guitarristas legendarios como Jimi Hendrix marcó su estilo e influyó en los sonidos de su tiempo. Tras la disolución del grupo, y acorde al lema “Almendra no se divide, se multiplica”, Molinari fundó Color Humano junto a Rinaldo Rafanelli y David Lebón, quien luego fue sustituido por Oscar Moro.

Esta formación se destacó por su formato de power trío y su enfoque musical innovador, tal como lo reflejan sus canciones “Larga vida al sol” y “Cosas rústicas”, tomadas del festival BARock y registradas en el filme Hasta que se ponga el sol. También tuvieron que enfrentar algunos obstáculos propios de la época, como la suspensión de un concierto en el Luna Park en 1972 debido a incidentes con el público.

Durante los años setenta, Molinari se trasladó a Estados Unidos, donde continuó enriqueciéndose como productor y colaboró con distintas bandas. En 1979, participó en el reencuentro de Almendra, presentándose en importantes recitales en el Estadio Obras y realizando una gira nacional. En 1982, colaboró con Ricardo Soulé en “Romances de Gesta”, aportando varias composiciones al proyecto.

El primer álbum solista de Molinari vio la luz en 1983, apoyo por su banda La Galletita, que incluía al redondito de ricota Skay Beilinson. El legado de Color Humano resurgió en 1995 con una reunión en The Roxy, resultado en un disco en vivo. En la década de 2000, Molinari experimentó con su trío, colaborando con músicos como Daniel Maza y Sebastián Peyceré, y lanzó Expreso de agua santa de manera independiente en 2005.

Luego de regresar a Argentina, Molinari se mudó a Viña del Mar, Chile, y más tarde a San Luis, Argentina, donde se instaló en Carpintería. En esta última etapa, grabó el álbum Contacto entre 2010 y 2011, un proyecto que integró varias influencias y consolidó su perfil como solista. Este trabajo fue presentado en el Teatro Colonial de Avellaneda junto a destacados músicos, reflejando su continua implicación y creatividad dentro de la música. Su carrera ilustra la evolución del rock nacional, combinando talento, innovación y una profunda conexión con sus raíces musicales.

En una mezcla de preocupación y angustia, este viernes, uno de los exintegrantes de Pappo Blues comunicó el sensible momento que atraviesa la familia del músico. Según publicó el legendario “Conejo” Jolivet, Liliana Napolitano debió ser internada y necesita dadores de sangre para llevar adelante la intervención sin ningún riesgo.

La noticia, que sacude al mundo de la música, fue comunicada en las redes sociales del artista. “Está internada Liliana Napolitano, se necesitan seis dadores de sangre en el Hospital Zubizarreta”, expresó el excompañero de Pappo. En el documento que el artista publicó se leía claramente el pedido de la institución: “Estimado paciente, el banco de sangre intrahospitalario se dirige a la comunidad para solicitar su colaboración mediante la donación voluntaria de sangre, debido al alto requerimiento de transfusiones de muchos pacientes. Para poder seguir prestando este importante servicio apelamos a su solicitud a través de la difusión de esta convocatoria dentro de sus allegados. La única posibilidad de conseguir componentes sanguíneos para hacer frente a situaciones de emergencia, tratamientos oncológicos o procedimientos quirúrgicos en nuestros niños, adultos o adultos mayores, es a partir de la donación voluntaria y habitual de sangre”.

Además, la publicación resaltaba las condiciones que deben cumplir aquellos que quieren ser donantes: “Deben tener entre 16 y 65 años, los mayores de 65 años pueden hacerlo con autorización médica expedida 48 horas antes de la donación. No es necesario que concurran en ayunas. Deben tener un desayuno habitual sin ninguna restricción y preferentemente consumir medio litro de agua u otro líquido antes de la donación, habiendo descansado al menos seis horas la noche previa. Deben gozar de buena salud, no deben estar resfriados, con dolor de garganta, no deben haber tenido hepatitis, enfermedad de chagas, ni estar bajo tratamiento médico actualmente. No deben haber tenido perforación, tatuajes o cirugías o estudios endoscópicos en los últimos seis meses. Y no deben haber tenido ninguna situación de riesgo para el SIDA”.

Por último, el documento destacaba el trato que recibirían todas las personas que quisieran ayudar: “La sangre de estos donantes será analizada con los métodos más exactos y modernos actualmente disponibles, para descartar, con un máximo de seguridad, toda posibilidad de contagio de enfermedades eventualmente transmitibles”.

Rápidamente, la publicación de Jolivet se llenó de mensajes de cariño de parte de los fans de Pappo. A sus 67 años, Gabriel “Conejo” Jolivet es reconocido por sus pares como uno de los guitarristas más influyentes y respetados de la escena musical argentina. Su nombre circula con admiración entre músicos de generaciones posteriores que lo consideran una figura de referencia ineludible, incluso en los años formativos de sus propias carreras. El peso simbólico de su figura se sostiene no solo por su destreza técnica, sino también por la diversidad y calidad de los proyectos en los que participó a lo largo del tiempo.

El recorrido de Jolivet abarca un espectro internacional: tocó con figuras destacadas del blues de los Estados Unidos y con músicos reconocidos de Europa. Esta dimensión transnacional convive con su actividad local, donde fue parte de conjuntos emblemáticos que marcaron momentos clave del rock argentino. Su versatilidad le permitió transitar distintos lenguajes musicales sin perder su identidad artística.

Gabriel “Conejo” Jolivet fue protagonista de algunos de los capítulos más singulares del rock argentino. Su paso por Pappo’s Blues lo ubicó al lado de uno de los guitarristas más influyentes del país, en una época en la que el blues eléctrico encontraba en el circuito local una versión poderosa y visceral. En paralelo, su participación en Dulces 16 le permitió sumarse a una de las propuestas que, si bien más acotadas en términos de difusión masiva, ganaron estatura de culto entre los aficionados más atentos.

Uno de los momentos más significativos de su trayectoria se dio durante la formación inicial de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, antes de que la banda adoptara el perfil masivo que consolidaría años más tarde. En aquellos primeros años, a fines de los años ‘70, el grupo aún combinaba música con componentes teatrales y poéticos, en un formato experimental que se desarrollaba en plena dictadura.

La escena, en blanco y negro, pertenece al documental “Something has changed” (“Algo ha cambiado”), sobre un doble recorrido: por un lado, narra el deseo del legendario tecladista de blues Melvin “Deacon” Jones por regresar a la Argentina (algo que su muerte en 2017 truncó); por otro, y como un torrente que se desborda, para los argentinos será la huella que dejó el paso de Norberto “Pappo” Napolitano por los circuitos más profundos del blues en los Estados Unidos al final de la década del ‘80 y los ‘90, su importancia como piedra angular del llamado “blues en español”, el disco en vivo que grabó en Los Angeles con Deacon Jones y por qué fue aceptado en la Blue’s Mafia, que no muchos blancos integran y tenía como referente máximo a B.B. King. A lo largo de los 130 minutos del documental, desfilarán referentes locales del blues como Botafogo, el fallecido manager de Pappo, Peter Deantoni, lugares emblemáticos de ese estilo como El Samovar de Rasputín en La Boca y su dueño “Napo”, y numerosos músicos estadounidenses que conocieron, admiraron y tocaron con El Carpo.

La película se estrenará en el marco del BAFICI el martes 8 de abril a las 18.35 en la sala 1 de Cinépolis (Av. Córdoba 2135), y el viernes 11 y el domingo 13 de abril a las 20.50 en la sala 1 CineArte Cacodelphia (Av. Presidente Roque Sáenz Peña 1150). El director del film, Sergio “Chapete” Bonacci Lapalma, también tiene un particular devenir. Nació en Pasadena, California, el 17 de septiembre de 1990. Su padre es ítalo argentino y su mamá mexicana. Ambos se conocieron en la década del ‘80, cuando su papá vendía seguros para autos en la colonia latina de la ciudad californiana. “Había hasta un video en VHS donde aparecía en plan Better call Saul diciendo ‘ayudamos al latino’, todo en español”, cuenta en un bar notable de Barracas, mientras espera que la película se estrene en el BAFICI. Flaco, con un look prolijamente descuidado, guarda el perfecto phisique du rol de un hipster.

Cuando él tenía cinco años y su hermano tres, sus padres se radicaron en la Argentina. Más precisamente en la ciudad de Santa Fe, donde el papá era oriundo.“Mi mamá quería otro estilo de vida. No nos quiso criar en los Estados Unidos, algo que le voy a agradecer el resto de mi vida. Si hubiese tenido una crianza norteamericana, no sería lo que soy”, asegura.

Los primeros años no fueron fáciles para Chapete. “Vine odiando a la Argentina y amando a los Estados Unidos. Quería McDonald’s, quería Disney, esas cosas de la cultura capitalista a la que estás tan expuesto. Uno se deja llevar por la inocencia. Y vine acá y descubrí, con el tiempo, que hay otros valores en Argentina”. Los explica: “Ellos tienen una moneda estable y sus valores son más pragmáticos. Los nuestros no tienen que ver con el dinero, porque la economía no es estable. Tenemos otro tipo de conexión con la gente, y cuando ellos vienen acá no lo pueden creer. Es algo impagable, algo que le voy a agradecer a mi vieja para siempre”.

Una vez aquí, dejó Santa Fe para inscribirse como alumno pupilo en el Saint George’s de Quilmes y afianzar su inglés. Allí tuvo su primer contacto con el rock nacional: “De chico me gustaba la música clásica y después, en el colegio, había una academia de música y los profesores que eran argentinos me hicieron escuchar rock nacional”.

Cuando egresó, ya tenía una clara inclinación por el arte. Se anotó en Cievyc, de San Telmo, la escuela de cine de Aldo Paparella que cerró en 2022, poco antes del fallecimiento del director. “La idea del inglés era para estudiar afuera, pero Campanella acababa de ganar el Oscar y era la época de oro para estudiar cine en Argentina. Venía gente de afuera. Siempre digo que debo haber vivido uno de los mejores momentos de la Argentina post democracia”, señala Chapete.

En 2016, cuenta, regresó a los Estados Unidos. Allí refundó la ONG que había creado en Argentina, llamada “Make art, not war” (“Haz el arte, no la guerra”), cuyo propósito es ayudar a los artistas que hagan contenido original en Los Angeles y el resto del mundo en artes plásticas, música, cine y televisión. También llevó en su valija la fuerte impronta cultural que había aprendido en nuestro país. Y un plan: continuar un documental sobre Pappo que había comenzado luego de su muerte, sucedida en un accidente de moto sobre la ruta 5, a la altura de Luján, el 24 de febrero de 2005.

El origen de la idea hay que rastrearlo hasta el mar austral: “Fui parte del equipo que filmó un documental sobre la Isla de los Estados. Como estaba encerrado en el barco, me llevé un par de libros. El de Sergio Marchi con la biografía de Pappo, y otro llamado Bien al Sur, de Gabriel Grätzer y Martín Sassone sobre el blues en español. Es una enciclopedia”.

Al mismo tiempo, un amigo, Lucas Beck, le regaló un disco que es una joya del rock nacional: Pappo Volumen 1. “Yo no lo había escuchado a Pappo. Empecé y me gustó muchísimo” Ese disco comienza con un tema emblemático: “Algo ha cambiado”. Hoy, la película documental se llama así: Something has changed. “Le puse ese nombre también como un homenaje a otros documentales de rock, como Sucio y desprolijo. Volumen 1 tiene esa foto maravillosa en la tapa de Pappo con un niño, mirando hacia el cielo”. Esa imagen icónica fue tomada en una quinta que pertenecía a la vedette Nélida Lobato. Allí ensayaban Los Gatos, por ejemplo.

Chapete comenzó a recorrer el largo camino del documental, que le insumió casi 20 años, con el hijo de Pappo, Luciano Napolitano. “En cierta forma, bendijo el trabajo”, explica. Y luego, debió enfrentar a quienes llama “todos estos vikingos”. Es que el ambiente del blues y el rock más visceral se nutre de verdaderos pesados. En Argentina, pero sobre todo en la norteamérica más profunda. “Al principio te sentís intimidado, y después vas agarrando un poco la confianza. Es muy fuerte hacer algo sobre Pappo. Estuvo bueno haber tomado mi tiempo, porque a esta gente que es parte de esta historia, si no los retratás bien mejor que te escondas en el infierno o te vayas a otro lado, ¿no?”, dice Chapete con una sonrisa.

A la hora de abordar a estas figuras, tan esquivas con la prensa y los medios, Chapete tenía una estrategia: “Siempre hay que encararlos con mucha humildad”. Otro de los motivos fundamentales fue su conocimiento del inglés: “Era muy fácil comunicarme. Ya hacía 10 años que Pappo había muerto y muchas veces me decían ‘che, qué bueno poder hablar con vos de Pappo, porque no pude hablar de él con nadie’. Era casi como terapéutico para ellos”.

En el documental, Fernando Ortíz Márquez, un argentino radicado en California que produjo Caso Cerrado, aunque ese honor también se lo disputa Juanse: “Nos reíamos con Pappo. Fuimos a una jam abierta. Pappo deslumbró a todos y nos invitaron para volver otro día. Había un tipo negro, que tocaba la armónica y le dijo: ‘tenés que ir a un lugar de blues para negros. Esto no es para vos”. Nos invitó a un club llamado Babe & Ricky’s. Ahí es donde se tocaba el blues real”.

El barrio donde se ubicaba ese club, ya desaparecido, es el South Central Los Angeles. El más pobre y peligroso de la ciudad. En los ‘90 había dos pandillas, los Bloods y los Crips, que se disputaban el negocio de la droga. Allí, en ese bar, a la dueña la llamaban Mama Laura. Era una mujer obesa, sentada en una silla de ruedas, que siempre tenía puesto un delantal: debajo guardaba el dinero de las entradas y una pistola 45. “Si no tocabas bien, te sacaba a cachetazos”, recuerda Ortíz Márquez. Deantoni, que también estaba presente, continúa “No estábamos en un lugar muy amigable. Todos los músicos eran afroamericanos y muy, muy buenos. Allí fue donde conocimos a Deacon Jones. Jones habla con el cantante, que era Bobby Phillips, y Bobby Phillips presentó a Pappo con muy mala onda: “Aquí hay un guitarrista blanco, que viene de Argentina, muy lejos en el sur, que dice que puede tocar blues. ¿Si tenía miedo? Estábamos temblando…”. En su relato, Deacon Jones dice que apenas comenzaron a tocar un tema de Freddy King, pensó “¿quién es este tipo?”. Deantoni, en cambio, recuerda que comenzó a tocar y no pasó nada. Pero en el segundo tema, Mama Laura empezó a hacer palmas, dos o tres mujeres la siguieron y la gente se volvió loca con Pappo: “Fue un gol. Ya estábamos ahí. Ya éramos negros”. Ortíz Márquez se acuerda que Mama Laura cocinaba muy bien, y que a partir de entonces, “todas las veces que íbamos con Pappo comíamos gratis”.

El uso de armas, que en nuestro país se puede antojar ajeno al ambiente musical (con alguna salvedad), no lo es en los Estados Unidos. Abundan las historias. Y Pappo, imbuido de ese espíritu blusero, no fue la excepción. El exGuns’n’Roses Gilby Clarke, tiene su propia anécdota con El Carpo: “el promotor de nuestro concierto (en Buenos Aires) era amigo de Pappo, y nos decía que lo teníamos que conocer, que era el mejor bluesmen del lugar. Iba a organizar una celebración y agregó que a Pappo le gustaban las Harley Davidson, como a mi. ‘Tienen que salir a manejar juntos’. Que buena idea. Y cuando quedamos en vernos, escuché el motor y ahí venía, sin camisa, pero con una pistola 44 entre el pantalón y el cinturón. Y me dijo ‘Gilby, te amo, mirá... Guns’n’Roses’, sacó el arma y empezó a disparar al aire”.

Gilby Clark no es el único que habló sobre Pappo. Carmine Appice es un legendario baterista. Tocó con Vanilla Fudge, Jeff Beck, Ozzy Osbourne, Rod Stewart, y tantos otros. Appice fue el baterista en cuatro temas el último disco que grabó Pappo en los Estados Unidos, “Volumen 8, Caso Cerrado”, y lo recuerda así: “Escuchándolo hoy, es realmente bueno. Pappo era maravilloso, y funcionó muy bien conmigo y Tim (Bogert, el bajista)”.

En el film, Chapete le muestra la edición de la revista Rolling Stone que salió luego de la muerte del guitarrista. El músico se impresiona con las fotos de Pappo joven y dice con asombro: “No sabía que era tan famoso”. Es que los músicos estadounidenses que conocieron a El Carpo no saben de su historia antes de que fuera bendecido por B.B. King. Y Pappo no iba a perder el tiempo en contárselas. Sólo quienes tocaron en nuestro país, como Tony Coleman, el baterista de B.B. King, saben que en los 90, el blues en Argentina vivía su apogeo, llenaba estadios, mientras que el género, en los Estados Unidos, estaba reservado en esa época para locales más pequeños.

También aparece Good Time Charlie Bretchel, un blusero que grabó el tema “Rodando con el trueno”, que —según él— los Navy Seals iban escuchando cuando eliminaron a Bin Laden y tocó con Pappo, Deacon Jones y John Lee Hooker, recuerda que al Carpo lo llamaba “la voz de Drácula” y se deshace en elogios: “Íbamos a estar de gira en Canadá, tocando con B.B. King, y Pappo me dijo que le encantaba tocar blues. Y la primera vez que lo vi poner sus dedos en una guitarra, supe que no mentía. Había nacido para tocar blues. Recién después supe que era el mejor blusero de Argentina”. O David “Guitar Shorty” William Kearney, uno de los mejores guitarristas de blues, que refiere a un tema recurrente en los bluseros: el diablo. La relación se remonta al primer gran guitarrista de la historia, Robert Johnson, cuya leyenda señala que firmó un contrato con el diablo y éste le enseñó los trucos. “Guitar Shorty” envía a Bretchel, que asegura que lo persigue el demonio, para que hable con el “Voodoo King”, Melvin “Deacon” Jones.

Por supuesto, la presencia de Jones y su esposa Pam Stovall Hill es fundamental a lo largo del film. Pappo les abrió el desconocido mundo del blues en español, nacido en Argentina. Y ellos le abrieron a Pappo las puertas del ambiente profundo del blues, hasta los clubes donde era muy peligroso que los blancos asomaran su nariz. E hicieron lo mismo, años más tarde, con Chapete para su documental.

“Conocí a Deacon Jones gracias a Pam. Deacon me hizo prometerle que lo llevaría de vuelta a la Argentina. Quería volver. No llegué a cumplir mi promesa: Deacon falleció. Pero seguí filmando esta aventura, y Pam nunca dejó de apoyarme. Ella siempre me dijo que este film era un proyecto de amor”, dice Chapete. Pam estará presente en el BAFICI.

El final es para fanáticos de Pappo que tengan el oído entrenado. Atención: la música de los títulos finales es una absoluta sorpresa… Pero no será aquí donde esa magia se develará.

La música tiene el poder de trascender generaciones y convertir a ciertos artistas en verdaderos íconos culturales. En Argentina, el rock fue más que un género musical: es una expresión de identidad que acompañó momentos históricos y dio lugar a figuras inolvidables.

Entre ellas, los guitarristas jugaron un papel fundamental, creando melodías que quedaron grabadas en la memoria colectiva. Cada 10 de marzo, el país celebra a quienes con su guitarra marcaron el rumbo del rock nacional.

Esta fecha no solo recuerda el talento y la pasión de un músico en particular, sino que también rinde homenaje a un instrumento que fue el alma de innumerables canciones.

Cuál es el origen del Día Nacional del Guitarrista

Cada 10 de marzo, Argentina rinde homenaje a Norberto “Pappo” Napolitano, uno de los máximos exponentes del rock y el blues en el país. La fecha, establecida en 2013, conmemora el nacimiento del legendario guitarrista, quien dejó una huella imborrable en la música nacional.

Pappo nació el 10 de marzo de 1950 en el barrio porteño de La Paternal. A lo largo de su carrera, formó parte de bandas fundamentales para la escena del rock argentino. Su talento y estilo influyeron en generaciones de músicos, consolidándolo como un referente indiscutido del género.

La iniciativa de instituir el “Día del Guitarrista de Rock Nacional” surgió a través de un proyecto de ley presentado en 2013 por Daniel Filmus. La propuesta buscó reconocer la importancia de Pappo en la cultura argentina y establecer un día para celebrar el legado de los guitarristas de rock.

La carrera de Norberto “Pappo” Napolitano

A lo largo de su carrera, formó parte de bandas fundamentales para la escena del rock argentino, como Los Gatos, Los Abuelos de la Nada, Engranaje, Conexión Nº 5, Aeroblus y La Pesada del Rock and Roll.

Sin embargo, su impronta personal se consolidó con la creación de Pappo’s Blues en la década de 1970 y Riff en los años 80, banda que marcó un antes y un después en el heavy metal argentino.

Entre sus canciones más recordadas figuran “El hombre suburbano”, “Desconfío”, “Susy Cadillacs”, “Juntos a la par” y “Sube a mi voituré”.

En el año 2000, Pappo reunió a grandes figuras de la música nacional en el disco tributo “Pappo & Amigos”, donde participaron bandas y artistas como A.N.I.M.A.L., Divididos, Andrés Calamaro, La Renga, Viejas Locas, Vicentico, Adrián Otero (Memphis) y Moris, entre otros.

Su último trabajo de estudio, “Buscando un amor”, fue lanzado en octubre de 2003 y presentado en vivo el 18 de junio de 2004 en un show de más de dos horas en “El Teatro”, donde demostró su vigencia y pasión por el escenario, acompañado por Bolsa González en batería y Yulie Ruth en el bajo.

Pappo murió trágicamente el 25 de febrero de 2005 en un accidente de tránsito en la Ruta 5, cerca de Luján, Buenos Aires.

Frases para enviar por Whatsapp en el Día del Guitarrista

1. “Hoy el rock suena más fuerte. Feliz Día del Guitarrista en honor al gran Pappo”.
2. “Desconfío de la vida… pero nunca del poder de una guitarra. ¡Feliz Día del Guitarrista!”.
3. “Subí el volumen y dejá que el rock haga lo suyo. ¡Feliz Día del Guitarrista!”.
4. “Hoy celebramos a los que hacen vibrar el alma con una guitarra en mano. ¡Feliz Día del Guitarrista!”.
5. “Pappo vive en cada riff que nos eriza la piel. ¡Feliz Día del Guitarrista de Rock Nacional!”.

Dos décadas después, el vacío que dejó sigue intacto, pero su legado se mantiene vivo en cada riff, en cada solo incendiario, en cada acorde tocado con furia.

Desde sus primeros pasos en Los Abuelos de la Nada y Los Gatos, Pappo dejó claro que su camino no sería el de la complacencia. En 1969, con tan solo 19 años, se unió a la banda de Lito Nebbia, una de las más influyentes del rock argentino. Y el cantante lo recordó años después, con una anécdota que definía su esencia.

“Nos volvíamos a unir con Los Gatos y el violero original del grupo, cuando fuimos a tocar a Brasil, se enamoró por ahí, se casó y dejó el grupo. Yo propuse en el grupo que entrara Pappo como guitarrista, que lo conocía de un boliche que íbamos a zapar los fines de semana, y ya perfilaba tocando bárbaro”, contó Litto en una entrevista con Radio Nacional.

Con la decisión tomada, se comunicó con el resto de los músicos, que estaban en Estados Unidos, les contó que tenían nuevo compañero y les hizo un pedido: “Que le traigan una guitarra buena porque la que tenía era una porquería. Llegaron a la semana siguiente y bajaron con la guitarra en la mano. Pappo estaba muy emocionado”, agregó.

Con Los Gatos, grabó los discos Beat Número Uno y Rock de la mujer perdida, pero su espíritu nómade lo empujó a más. En 1970, decidió formar su propia banda: Pappo’s Blues. Lo que siguió fue una serie de discos legendarios: Volumen 1, Volumen 2 y Volumen 3, donde desplegó una brutal combinación de blues y rock pesado.

La cuenta se cortó en el 7 y en la segunda mitad de la década viajó a Brasil donde formó Aeroblus junto a Alejandro Medina y Rolando Castello Junior. La banda duró poco, pero dejó un disco homónimo que, con los años, se convirtió en pieza de culto.

En los 80, Riff llegó para marcar un antes y un después en la historia del rock pesado argentino. “Ruedas de metal”, “La dama del lago”, “Susy Cadillac”: cada canción era un golpe eléctrico que sacudía los escenarios con la violencia de una tormenta. Pappo se había convertido en el gran arquitecto del hard rock nacional y marcó a fuego una época de tachas, camperas de cuero y una violencia que se hizo cada vez más difícil de manejar.

Cuando estaba lejos de ser reconocido unánimemente en su país, en 1993 recibió la bendición del mismísimo B.B. King. El histórico concierto en el Madison Square Garden es uno de los momentos más destacados de su carrera, y el legendario bluesman cayó rendido a sus pies: “Es uno de los mejores guitarristas del mundo”.

En 2000, con el disco Pappo & Amigos, reunió a una selección de figuras del rock argentino y empezó a ser profeta en su tierra: La Renga, Almafuerte, Viejas Locas, Divididos, Moris, Andrés Calamaro, Ricardo Iorio, Adrián Otero, Andrés Ciro, Alejandro Medina y Vicentico, entre otros. Era un homenaje en vida a su propia historia, la banda de sonido fundacional de la música pesada en el país.

Su último disco, Buscando un amor, fue su despedida sin saberlo. En la portada, Pappo aparece en una mesa de póker con Muddy Waters, Stevie Ray Vaughan, Robert Johnson, John Lee Hooker y Jimi Hendrix. Todos con alas de ángeles. Todos leyendas inmortales.

Al hablar sobre ese trabajo ante la prensa, Pappo destacó: “Yo tuve la conversación con varios productores y tenía ganas de sacar un disco. Entonces el productor que me eligió a mí fue Jorge Rodríguez y me dijo ‘dale para adelante’. Alquilé una quinta en Pilar, me llevé un portaestudio de ocho canales, una batería electrónica y una guitarra sin micrófono para componer los temas. Y ahí compuse cuatro“.

“La segunda etapa fue en una quinta en Luján, que hice tres o cuatro temas más, de los cuales todos quedaron en el disco. Algunos con algunos cambios, pero fue una cosa muy fresca. No estuve mucho tiempo trabajando. Sí, expandiéndome mentalmente porque me hizo muy bien vivir afuera de la ciudad por un tiempito”, agregó sobre un trabajo que lo mostró en todo su esplendor, desde su estirpe hardblusera de “Rock and roll y fiebre” o “Descortés”, a la sensibilidad made in Paternal de “Katmandú” o “La barca”.

Cuando la noticia de su muerte se hizo pública, el shock fue inmediato. Norberto Ruso Verea, habló con el dolor a flor de piel: “Pensar hoy en Pappo muerto es como medio increíble. Aunque los que estamos en el rock y nos sentimos rockeros, nos acostumbramos de chicos a que se nos mueran los que nos gustan por distintas razones. Lo que sí me gustaría decir es que muy a la manera argentina va a llegar la reivindicación de un tipo al cual no todos reivindicaban en vida, que muchos habían dejado de lado. Hablo no solo de productores, de empresarios, hablo de camadas nuevas, de pibes que creen ser rockeros y que por ahí no tienen tanta culpa porque están sometidos a la repercusión pura y exclusiva del machaque mediático y la repetición radial de acuerdo a cómo le convenga a la compañía”.

“Este tipo que se murió ahora, un autodidacta y que debe haber sin ninguna duda tocado los mejores riffs de rock and roll que existan en la Argentina. Y el que lo dude, que compre el disco Pappo y amigos y se va a dar una idea de eso. Este guitarrista que acaba de irse, este autodidacta, lo repito porque es muy importante, es uno de esos tipos que no solo vivió al palo, se manejó al palo todo el tiempo y que le dio al rock la esencia que todos creemos que el rock tiene que tener", continuó, apenas horas después de conocida la trágica noticia, en charla con Radio Nacional.

Para finalizar, Verea destacó: “El esnobismo mediático lo fue dejando de lado y lo trató casi como un troglodita, y hoy va a salir a reivindicarlo y seguramente los que están en el rock tirarán cañonazos a la manera de AC/DC, no para festejar su muerte, sino para que nadie se olvide de que Pappo fue un rockero”.

Hoy son veinte años sin Pappo, pero su recuerdo y su legado permanecen vivos en sus canciones “Sucio y desprolijo”, “Desconfío”, “El tren de las 16”, “Que sea rock” y tantos otros himnos siguen sonando con la misma fuerza que el día en que fueron grabados. En cada acorde distorsionado, en cada solo visceral, en cada guitarra que ruge, el espíritu de Pappo sigue vivo. Porque hay artistas que mueren, y hay otros que se vuelven eternos.

El tiempo pasó y a Pappo se lo recuerda por muchas cosas: su guitarra incendiaria, su amor por las motos, su desparpajo para decir lo que pensaba sin filtros. Pero hay una anécdota, contada por el propio Verea, que lo muestra en una faceta desconocida.

Corrían los años 80 y el ex arquero de Independiente y Chacarita, locutor y comentarista, tenía un emprendimiento que no muchos recuerdan. “Tenía una parrilla que se llamaba ‘Choripalandia’, que quedaba enfrente del Cine Avellaneda, donde ahora hay un ‘Jesús te Salva’”, rememoró el Ruso.

Una noche, en plena vorágine de atender la parrilla y despachar pedidos, el parrillero faltó. Un caos. Justo en ese momento, apareció Pappo, que solía frecuentar el lugar: “Nos saluda y le cuento: ‘No vino el boludo del parrillero’”.

Sin dudarlo, el guitarrista se sacó la remera, se arremangó y tomó el mando de las brasas. Pero antes, con la precisión de un obsesivo del detalle, hizo un par de preguntas técnicas: “¿Cómo están haciendo los chorizos? ¿Están marcados? ¿De qué tamaño son las fetas de vacío?”

Ahí estaba, Pappo con sus infaltables pantalones de cuero, manejando la parrilla con una precisión envidiable. Toda la noche, entre brasas y humo, despachó choripanes con la misma actitud con la que ejecutaba un solo de guitarra.

La parrilla cerraba tarde, cuando terminaba la última función del cine. Ya pasaba la una de la mañana cuando llegaron tres pibes del Docke. Pidieron tres choris y un litro de vino. Uno de ellos miró al parrillero de la noche y volviendo a sus compañeros dijo: “Che, ese es Pappo”. El otro, incrédulo, le respondió: “¡Callate, vos estás en pedo!”.

Pappo, que no dejaba pasar ni una, escuchó la conversación, se acercó con la pinza en la mano y los miró fijo. “Sí, soy Pappo, ¿qué te pasa, pelotudo? ¿No puedo ser Pappo y hacer chorizos?”.

Los jóvenes se miraron sin poder reaccionar ante la revelación de la identidad, pero antes de que pudieran emitir palabras, el músico concluyó con su habitual filosofía callejera: “Y apúrense que ya es la 1 y media y mañana hay que trabajar”.

Desde 2015 se celebra cada 23 de enero, como el Día Nacional del Músico, en homenaje a Luis Alberto Spinetta. El Flaco nació un día como hoy hace 75 años y su legado y su obra permanecen más vigentes que nunca. En sus colegas, algunos compañeros de ruta, otros herederos naturales de su increíble forma de crear. Y también en el público, ese que transmitió su obra de generación en generación, en ese traspaso genuino y ancestral que remite a lo más profundo de los sentimientos.

Desde sus primeras composiciones en la prehistoria de Almendra hasta el final de sus días, Luis fue un artista fiel a sus convicciones. Odió repetirse, eligió reinventarse y evitó caer en las tentaciones de lo conveniente. En su recorrido hay rock clásico, sonidos pesados, jazz, electrónica, pop y las pinturas más diversas de la música popular argentina. Una obra que intentó sintetizar el 4 de diciembre de 2009, en uno de los conciertos más impactantes en nuestro país, donde amplió los caminos que había transitado. Y que en el Día Nacional del Músico es preciso volver a recorrerlos.

Bajo el signo de “Las bandas eternas”, Luis repasó en aquella noche inolvidable su trayectoria con algunos de sus ex compañeros de Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Jade y Los Socios del Desierto y de sus diferentes proyectos solistas. Fueron más de cinco horas de emociones y sorpresas en el estadio de Vélez, en las que los contemporáneos viajaron en el tiempo y los más jóvenes vieron cómo un sueño se hacía realidad. Unos y otros se dieron el gusto de ver a esos dioses de la adolescencia, aunque sea por un rato regalándole algunas de las canciones de los días de sus vidas.

Al comenzar ese show, en un ejercicio de honestidad artística que aplicó durante toda su carrera, Luis advirtió lo que iban a presenciar las más de 40 mil almas que se habían dado cita bajo el cielo de Liniers. Agradeció a los músicos que lo habían acompañado en el armado de semejante gesta pero no iban a estar presentes, y nombró, a modo de disculpas, a los artistas que no iba a poder versionar, pero que le hubiera gustado hacerlo: Moris, Andrés Calamaro, Indio Solari y Hugo Fattoruso.

En dicho concierto, Luis paseó como nunca por el repertorio propio y ajeno. Siempre reacio a este tipo de prácticas -basta mencionar su histórica reticencia ante el clamor “Flaco, tocá Muchacha”, que también hizo aquella noche en una interpretación conmovedora- Luis versionó a Litto Nebbia, Miguel Abuelo, Manal, Pappo y Tanguito, y cantó con Charly García, Fito Páez, Gustavo Cerati y Juanse, entre otros.

Además de su repasar poco su propia obra, hasta aquel 4 de diciembre Luis había versionado muy poco a otros artistas. Cada una de las interpretaciones de sus trabajos en vivo y en estudio no están puestas al azar. Representan una pintura del momento histórico, un abrazo de admiración y gratitud, una toma de decisiones ante la vida. En resumen, un gesto artístico como cada uno de sus pasos. Y de eso se trata esta nota, de visitar al Luis que visitaba a otros artistas.

Pappo: “Castillo de piedra” y “Era de tontos”

Cuando Almendra no se dividió sino que se multiplicó (Edelmiro Molinari dixit), lo hizo en un contexto explosivo de la camada pionera del rock local. Lo mismo harían casi en simultáneo Manal y Los Gatos, y sus músicos dispararían en diferentes dimensiones. Luis, como casi todos sus colegas, se tomó un tiempo para un viaje experimental por Europa. Pero antes hizo otro tipo de experimento.

En una casa de la localidad de Florida, y en un lapso de 36 horas, registró el que fue su primer trabajo solista. Se trató de un proyecto anárquico y lisérgico, propio de la disgregación que experimentaban los náufragos pioneros del rock de acá. Por allí pasaron Miguel Abuelo para aportar percusión y algunos coros, el baterista Héctor Pomo Lorenzo (ex Abuelos de la Nada y futuro Invisible) y Pappo Napolitano, que había grabado con Los Gatos y Los Abuelos y se preparaba para construir su propio camino. El álbum se llamó Spinettalandia y sus amigos, aunque la compañía fraguó el nombre y la portada. Tuvieron que pasar 25 años para que tuviera una edición aproximada a la original.

En ese material Luis registró dos temas del Carpo, “Castillo de piedra” y “Era de tontos”, y en rigor de verdad, no se trata de covers sino de las primeras versiones de dichas canciones. De las dos, Pappo solo grabaría “Castillo de piedra”, rebautizada como “Tema I”, en dos ocasiones junto a Pappo’s Blues, mientras que la otra quedaría como su único registro discográfico. La química entre ellos alcanzó su punto máximo en esa grabación y desde entonces se fue resquebrajando, con una guitarra que Luis le regaló al Carpo y que éste luego vendió como el principio del fin.

El experimento de Only love can sustain

Grabado entre Nueva York y Los Ángeles, Only love can sustain (1980) es el álbum menos spinetteano de su discografía y naturalmente, el menos personal en cuanto a las composiciones. Aquí registra “Who’s to Blame” (Harold Payne, Tom Pierson) y “Omens of love”, del canadiense Gino Vannelli, como reflejo de la atmósfera jazz pop que sobrevuela el trabajo más extraño de su carrera.

Luis solo firmó letra y música en tres canciones, en medio de un trabajo disperso que incluye una letra musicalizada por Guillermo Vilas. Amigo desde que golpeó la puerta de la casa de Arribeños como un fan más, padrino de su hijo Dante, Willy fue el puente para materializar el proyecto. Tenía contactos con la CBS, lo que acercaba a la música de Spinetta al mercado anglo. Fue un trabajo lujoso y ambicioso, entre limousinas y sesionistas, que no conformó ni al artista ni a la compañía. El contrato de cinco años se hizo un bollo y fue a parar al tacho de basura.

El disco fue ignorado, odiado y/o reivindicado por los críticos, los fans y el propio Luis según el curso de los años. Al respecto, el Flaco dijo tiempo después, en pleno proceso de aproximación: “Estaba muy rayado con el resultado final, pero bueno... si existe Spinettalandia y Sus Amigos, el disco del caos, como contrapartida existe el otro ‘disco negro’, el norteamericano, que es hiperorganizado. Son dos extremos”, reflejó en el libro “Crónica e iluminaciones”, de Eduardo Berti.

Mariano Mores y José María Contursi: “Gricel”

En 1986, Spinetta y Fito Páez editaron el álbum doble La La La. Entre canciones de uno y otro, se cuela “Gricel”, el clásico de Mariano Mores y José María Contursi estrenado en 1942. Según narró el rosarino, la armonización es obra de Luis, que es quien lleva la voz líder y logra darle su sello particular a un tema clásico de la canción argentina. Su registro entre el susurro y el temblor marca cierto pulso siniestro de la versión, que cuenta con efectos en su voz para ambientar aún más la cuestión.

En la obra del Flaco, como en la de Fito, siempre estuvo presente el tango. Desde el bandoneón de Rodolfo Mederos en el primer disco de Almendra, hasta algunos de sus fraseos y cierta melancolía porteña que impregna sus canciones, más allá de estar lejos de poder catalogarlo como un artista nostálgico. Nunca se rebeló per se al tango, como se suponía que debía hacer un rockero de la época.

Quizás todo se explique en la figura de Luis Santiago Spinetta, su padre cantor. “Mi viejo era cantante de tangos. Lo recuerdo ensayando con sus guitarristas. Yo tendría unos cinco años. Abrían esos estuches, brotaba el olor a madera de la guitarra. Y me veo escuchando a mi viejo en una RCA Víctor, tipo catedral, de madera, que había que esperar que se calentara. Hasta que salía la voz de mi viejo cantando por Radio El Mundo”, le contó al periodista y escritor Rodolfo Braceli. Luis ya le había puesto música a un poema de Luis Santiago en tiempos de Invisible y volvería a hacerlo en su último trabajo de estudio en vida, Un mañana (2008).

Pechugo: “El mono tremendo”

En 1988 Luis publica Tester de violencia, un ensayo urgente y conceptual, donde las postales más cruentas las aportan un grupo de niños. Desde muy chicos, los hijos de Luis (Dante, Catarina y Valentino, por entonces no había nacido Vera) y los de sus grandes amigos, el fotógrafo Eduardo Dylan Martí y Mercedes Villar (Lucas, Guadalupe y Emmanuel, hijo de Mercedes de una relación anterior) incluían entre sus juegos la construcción de canciones. Con la deformación como ejercicio artístico innegociable, los niños y las niñas se nutrían de lo que veían hacer a sus padres y sus amigos. Y de aquellas travesuras nació este tema, elegido como el mejor del año en encuesta de lectores del suplemento Sí de Clarín.

El piberío ya había sido subyugado por los sonidos del rap y del hip hop y en esos sentidos iban sus primeras aventuras. El nombre del grupo es obra de Luis, que en una muestra de su filosa ironía, los bautizó Pechugo, inspirado en el furor que causaba por entonces el grupo Menudo. Para ser precisos, Luis fue el cantante invitado de la banda y según detalla Sergio Marchi en la biografía “Ruido de magia”, hay un consenso en que fue Lucas Martí quien mayores aportes hizo en la composición.

Pechugo acompañó a Spinetta a la presentación oficial del disco en el Teatro Broadway al año siguiente repitieron en el Estadio Obras, que le cantó el feliz cumpleaños a Dante. Fue la muestra pública más acabada del diálogo musical que tenía Luis con sus hijos y las generaciones más jóvenes, que nunca fue unidireccional. También fue el germen de Illya Kuryaki y la puerta de entrada al Spinetta familiero, herencia directa de sus ancestros tanos, que hizo de la casa de Arribeños una usina creativa de puertas abiertas.

José Alberto Iglesias, Tanguito: “Amor de primavera”

En 1990, con más de veinte años de carrera, Luis editó su primer álbum formal en vivo. Con la única experiencia previa del regreso de Almendra en Obras (1980), el Flaco se dispuso a un ejercicio del que no era muy amigo: revisar su propio catálogo en algo parecido a un grandes éxitos. Se supone que de eso se tratan los trabajos en directo convencionales. Pero este no fue un álbum convencional.

Por entonces, el Flaco ya trabajaba con el ingeniero de sonido Gustavo Gauvry, fundador del estudio Del Cielito Records y por contrato debía un álbum luego de Tester de violencia y Don Lucero. Dispuesto a salir de una vez por todas del asunto, aceptó embarcarse en el disco en vivo, con algunas salvedades. Se grabaría en un ambiente extraño para los conciertos de rock, como el auditorio de la Facultad de Ciencias Exactas de la UBA, y las entradas las iba a vender el centro de estudiantes. Faltaba resolver el asunto del repertorio, que se tironeaba entre la tradicional reticencia de Luis a visitar su pasado y en la insistencia del ingeniero para que toque temas de Almendra, Pescado e Invisible.

“Fue muy gracioso porque no lográbamos ponernos de acuerdo. Al final se cansó y me dijo: ‘Mirá, Gus, hagamos una cosa. Vos armá una lista con los temas que quieras que toque y yo los toco. ¡Y listo!”, señaló Gauvry a este medio. Finalmente, hubo un consenso: Luis estrenó algunos inéditos y concedió visitar “Plegaria para un niño dormido”, “Parvas”, “La cereza del zar” y “Que ves el cielo”. Y dentro de ese viaje al pasado, sobresale una conmovedora interpretación de “Amor de primavera”, de José Alberto Iglesias (Tanguito) y Hernán Marcelo Pujó. ”‘Amor de primavera’ decidió ponerlo él y no sé por qué. Quizás porque el disco iba a ser lanzado en primavera. Ahí no tuvo el problema de sentir que estaba recurriendo al pasado, porque el tema no era suyo”, interpretó Gauvry.

Luis, que ya había grabado la versión en un single de Invisible, tenía por Tanguito un cariño especial. El coautor de “La balsa” solía frecuentar la casa de la calle Arribeños hasta que su situación personal se hizo cada vez más difícil, con la heroína como barrera entre ambos mundos. “El tipo estaba por ahí o justo llegaba con su séquito, se apoyaba contra un auto y empezaba: ‘Abre el barril de lluvia y toma una copa y el hombre de cristal volverá a vibrar’. El flaco ya había compuesto unas canciones preciosas con unos tonos muy simples pero con una profundidad tremenda”, contó en el libro “Martropía”, de Juan Carlos Diez, acerca de su relación con el artista de Caseros.

Ratones Paranoicos: “Sucia estrella”

Promediando los ‘90, Spinetta formó junto a Marcelo Torres y Daniel Wirtz el power trío Los Socios del Desierto. Impregnado por el espíritu garagero y grunge, volvió a la tracción a sangre con un álbum doble y visceral que presentó oficialmente en el teatro Gran Rex. Por entonces sorprendió incluyendo dentro de su repertorio, una versión de “Sucia Estrella”, incluida en el primer disco de Ratones Paranoicos.

En época de tribus bien delimitadas, se trató de una jugada absolutamente inesperada. ¿Qué le pasaba al Flaco que hacía una de los Ratones? Lo concreto es que el tema se quedó para siempre en el repertorio del trío y lo repitió en el Paseo La Plaza, en la serie de conciertos que quedaron registrados en el directo Sauna de lava ardiente (1998). Antes y después de ello, había una historia que lo justificaba.

Desde su preadolescencia, Juanse era fanático de Luis Alberto, sobre todo de su etapa con Invisible, y tardó en darse cuenta si era un sueño o una alucinación eso de escuchar una de sus canciones en la voz de uno de sus héroes. Con el tiempo, tejieron una amistad en torno a ensayos, comidas y sobremesas y Juanse destacó la ayuda de Luis para superar sus adicciones. Como pares, compusieron la bellísima “Sacrificio japonés”, incluida en el álbum homónimo de los Ratones publicado en 2009. En la presentación en el Luna Park cruzaron en escena “Sucia estrella” en una cadencia más paranoica que desértica. “Gracias a los Ratones por este groove”, sintetizó el Flaco aquella noche, ante la mirada embelesada de las fieras lunáticas.

The Beatles: “Don’t bother me”

El 21 de diciembre de 2001, Spinetta tenía planeado presentar su trabajo Silver sorgo en el Estadio Obras, pero el estallido social que terminó con el gobierno de Fernando de la Rúa obligó a pasar la fecha para el 29. Fue un show extenso, emotivo y cambiante, que derivó en el disco Argentina Sorgo Films presenta: Spinetta Obras, publicado el año siguiente.

Todavía conmovido por la reciente muerte del beatle George Harrison, Luis interpretó una versión despojada de “Don’t bother me”, la primera contribución que aportó George a los cuatro de Liverpool, y acompañó a su coach vocal Grace Cosceri en los coros de “Good night”, el réquiem del Álbum Blanco. Más tarde iba a recurrir a John Lennon, cuando hizo “Oh my love” en el homenaje a los Beatles que orquestaron Los Durabeat acompañados por un seleccionado del rock local.

Como muchos adolescentes de los ‘60, Spinetta enloqueció cuando escuchó a los Beatles pero su inquietud lo hizo ir más allá. Con Emilio del Guercio, entonces compañero de banco en el Instituto San Román y luego bajista de Almendra, tenía un grupo Bundlemen, en cuyas actuaciones informales se nutrían básicamente de canciones de los Fab Four, más allá de los primeros temas propios.

En aquel entonces, Modart en la noche era el ciclo radial en el que los rockeros se mantenían al tanto de lo que pasaba más allá del Atlántico. Sobre esto habló Luis con Miguel Grinberg en “Como vino la mano”, libro fundacional de la cultura rock en Argentina. “Pasaban Los Beatles y nos poníamos a llorar como dos boludos. Cuando estrenaron ‘Strawberry fields forever’ y ‘Penny Lane’ con Emilio estábamos pegados a la radio y casi nos da un ataque. Quedamos como paralizados, no sabíamos si reír o llorar, porque eso nos hacía bolsa. Imaginate la manija que había, porque de ahí salió todo”.

Peter Deantoni, reconocido manager y promotor del rock argentino, murió ayer a los 76 años. La noticia la dio a conocer su hija Cecilia, con una publicación en la cuenta de Instagram del productor y causó gran sorpresa en el ambiente. Se encontraba activo, conduciendo un programa de radio y venía de editar su segundo libro, Peter Deantoni de la A a la Z, donde plasmó su extenso anecdotario rockero y lo prolongó a figuras como Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui. Trabajó con los músicos más importantes del rock argentino y leyendas internacionales como Frank Sinatra, Rod Stewart o The Police. Pero con nadie vivió tantas cosas como con Pappo, con quien emprendió una aventura por las rutas de Estados Unidos y que reflejó en su primer libro, Pappo Made in USA.

“Hola, soy Cecilia, la hija de Peter. Hoy falleció sorpresivamente de un paro cardiorrespiratorio”, informó la mujer sobre una foto de su padre. En tanto, el periodista Sergio Marchi, quien lo ayudó en la redacción de su primer libro, dio más detalles de su sorpresiva partida. “Murió Peter Deantoni, personaje único dentro del ecosistema rockero argentino. Le colocaron un stent, todo salió bien, pero después falló su corazón y no hubo manera de reanimarlo”, señaló el escritor, que habló con Teleshow sobre su recuerdo de Deantoni.

“Siempre me gustaron los personajes laterales del rock, que hacen que todo gire”, explicó Marchi sobre su atracción por la figura de Peter. “Sin el artista no existiría todo el andamiaje a su alrededor, pero los artistas necesitan de iluminadores, managers, asistentes, empresarios, auspiciantes, fleteros, iluminadores... Dentro del rock hay tipos que son legendarios y Peter es uno de ellos”, agregó el periodista, destacando el carisma del productor.

Ambos se conocieron allá lejos y hace tiempo. “Yo recién empezaba y él ya era un manager de toda la vida”, evoca Marchi viajando más de cuarenta años en el tiempo. Cuando ya entrados los 2000 se embarcó en la biografía Pappo el hombre suburbano, Deantoni fue una fuente de las más jugosas, por lo que él le retribuyó dándole una mano en la producción de Pappo Made in USA. Un trabajo que recomienda especialmente mucho más allá del atractivo del genial guitarrista que unió inconscientemente sus destinos: “Es un libro interesante para todos aquellos que les guste el rock nacional, porque esas historias no las van a encontrar en ningún lado”.

A medida que circuló la información, colegas y amigos se expresaron en las redes para manifestar su dolor. Compañero de mil batallas, descansa es paz”, posteó Andrés Calamaro en su Instagram. “Adiós querido Peter Deantoni. Un abrazo grande a su familia. Que quede el mejor de los recuerdos y que el dolor de la pérdida se transforme en sonrisas al evocarlo”, escribió Juanchi Baleirón, guitarrista de Pericos. “Falleció Peter Deantoni. Muy triste Es el fin de una era, definitivamente”, sumó la baterista Andrea Álvarez.

“A él, nadie tiene que contarle ninguna historia, pues la vivió por dentro”, escribió el productor Carlos Rodríguez Ares en el prólogo a su segundo libro y es una frase que sintetiza la manera en que vivió Deantoni. Encontró el rock como muchos niños y adolescentes de su generación: viendo una película de Elvis junto a su mamá, en un cine de barrio. Pero eligió ser protagonista y no espectador, entonces se propuso escribir su propio destino.

De a poco fue dejando su lugar de público, en el que fue testigo de la explosión de la trinidad Los Gatos, Manal y Almendra para empezar a entrar en el juego. El primer grupo con el que trabajó fue Color Humano, el desprendimiento de Almendra que comandó Edelmiro Molinari. Cuando el guitarrista partió a Estados Unidos, se sumó a las filas de Vox Dei y luego trabajó con Nito Mestre y Los Abuelos de la Nada en su versión ochentosa. En paralelo, tuvo que ver con las visitas de las primeras figuras internacionales, como Joe Cocker, BB King e incluso Frank Sinatra, y acompañó a Rod Stewart en modo fan durante su increíble seguimiento de la selección de Escocia durante el Mundial 78.

Más allá de estas luminarias, su nombre quedará para siempre ligado a Pappo y su incursión en el mercado estadounidense, tal como lo contó en Pappo Made in USA en el que resume parte de su anecdotario. Allí cuenta su travesía por el país del norte con afanes de conquista, que tuvo su punto cúlmine con el Carpo actuando en el Madison Square Garden invitado por B.B. King.

“Señor presidente, mi nombre es Luciano Napolitano, estuve detenido por una falsa denuncia. Le escribí y nunca me respondió”, se presentó el guitarrista, que prosiguió su relato enfatizando su apoyo al economista libertario. “Yo confié en usted antes de que fuera presidente”, expresó en declaraciones difundidas por el canal de YouTube FaSostenido.

A continuación, el líder de Lovorne relató su situación personal en la que englobó a otros colegas: “Soy músico, no tenemos para comer. Esa es la realidad, hay gente que realmente no tiene para comer”, manifestó el guitarrista, que volvió a destacar su simpatía hacia el Presidente: “Me puse contento cuando usted asumió porque fui un preso político. Casualidad, usted asume y yo quedo libre”, recordó Luciano, quien obtuvo su libertad el 28 de diciembre pasado, 18 días después de la asunción de Milei.

“Sinceramente, si usted tiene algo que le sobre, ¿no nos podría tirar un hueso a los que no tenemos?”, suplicó Napolitano, quien defendió su estilo musical: “Hay bandas que tienen el título de “rock” y no hacen rock. Yo soy rock”. Por último, el músico volvió a aludir a Milei exigiéndole una respuesta a sus peticiones: “A mí me escriben un mensaje y lo respondo, no creo que porque ahora sea Presidente se olvide de nosotros. Yo tengo una deuda millonaria”, concluyó.

Napolitano, que debía cumplir una condena hasta el 24 de enero de 2025, por violencia de género, recuperó su libertad en diciembre pasado. Un año antes, el guitarrista había aceptado la culpabilidad, a través de un juicio abreviado, en dos acusaciones. La primera, caratulada como “lesiones leves agravadas por el vínculo y por mediar violencia de género en concurso real con amenazas, privación ilegal de la libertad agravada y tenencia ilegítima de arma de guerra”; y la segunda, como “amenazas agravadas por el uso de arma”.

Según había determinado la acusación, el hijo de Pappo le había propinado el 24 de mayo de 2021 una brutal golpiza a su pareja, con quien llevaba cuatro años de convivencia, y luego la había dejado encerrada en el quincho de su vivienda por más de 24 horas, momento en que la policía acudió al lugar y la rescató.

Más allá de haber aceptado la culpabilidad, el abogado del músico apeló el fallo, alegando que a su defendido le habían dicho que era su única chance de obtener una pena menor, y considerando que tanto el fiscal como el juez no habían reunido las pruebas y testimonios necesarios como para emitir el fallo. Finalmente {os jueces Juan Eduardo Stepaniuc y Leonardo Pitlevnik, de la Cámara de Apelación y Garantías en lo Penal Departamental de San Isidro, le dieron la razón al defensor.

Durante el año que pasó detenido, Napolitano formó una banda de rock llamada “H6″ durante su paso por la Unidad Penal Nº9 de La Plata. Luego, pidió la prisión domiciliaria amparándose en el deterioro de su salud y le fue concedida en septiembre pasado, tres meses antes de obtener su libertad.

“¿Vos te acordás cómo sonaba Ruedas de metal de Riff? Bueno, voy a grabar esas canciones de nuevo”. Vitico empieza la entrevista con Teleshow con una pregunta y una respuesta con las que se propone saldar una de las cuentas pendientes del rock argentino. Porque si hay un consenso entre los músicos, la prensa y el público es sobre la pobreza sonora del debut de la banda que integró con Pappo, Michel Peyronell y Boff. Pero también es cierto que el motor de las canciones fue más allá de cualquier inconveniente técnico. La energía arrolladora del vivo hizo su parte y temas como “No detenga su motor”, “Necesitamos más acción” y “Mucho por hacer”, entre otros, se convirtieron en himnos de rebeldía, forjaron un sentido de pertenencia, y se volvieron banderas de un sonido y una estética que se estaba construyendo en tiempo real.

Vitico plantea este objetivo artístico como un renacer, uno más en su dilatada carrera musical. A sus 75 años, disolvió después de dos décadas el proyecto Viticus -que fundó junto a su hijo Nicolás y su sobrino Sebastián- para armar una súper banda de hard rock, con músicos más cercanos en el arco generacional, como los guitarristas Pollo y Demonio Pistarelli, -hermanos de sangre y de música, integrantes de Los Leones-, y Alejandro Soto en batería, con el que se presentará por primera vez en Buenos Aires el 22 de junio en The Roxy Live. “No puedo salir con una gilada para tocar los temas de Riff”, dice el bajista, elogiando a su nueva tropa y manteniendo en alto el legado del cuarteto.

Las canciones cosecha 2024 de Ruedas de metal fueron registradas en en el estudio de La Casa de Cultura y Arte del municipio de Malvinas Argentinas y se publicarán de manera gratuita en las plataformas digitales. El bajista asegura que no hay un fin lucrativo detrás, solo el deseo hacer realidad ese proyecto del que tanto hablaban con Pappo y que nunca lograron cristalizar. Una manera de homenajearlo y homenajearse, y de mantener viva la llama de, como el mismo dice, “hacer rock en serio”. Un retorno a aquel reencuentro a comienzos de los ‘80 en el que se propusieron endurecer una escena que a su juicio estaba demasiado blanda. Y una excusa para hablar del rock de ayer y de hoy, del riesgo de ser contestatario en dictadura y de una pasión por la música que no se detiene.

—¿Por qué es ahora el momento de grabar Ruedas de Metal?

—Es algo que tenía ganas de hacer para toda la gente que le gusta Riff y para quienes nunca pudieron escuchar esas canciones en vivo. Y también para los fans de siempre, porque si hay algo de lo que me convencí en más de 50 años de escenario, es que la gente quiere oír lo que conoce. Su cuerpo se siente mejor y recuerda aquellos momentos que creía que ya no iban a suceder. Y también lo hago para mí, porque es un grupo que llevo en el corazón. Me emociono de solo hablar de eso y me llena de orgullo haber hecho estas versiones, que están a la altura. Y de hacerlo con este proyecto, con el que siento que me estoy haciendo otra vez de abajo.

—Recuerdo que cuando armaste Viticus decías algo parecido, esta idea de renacer a pesar de tener un nombre y una trayectoria.

—Es que es la parte que más me divierte, y todos en la banda estamos en la misma proyección. Entonces todo está mucho más unido. En Riff nos hicimos de abajo. En Viticus, la primera vez que tocamos fueron dos personas y un perro. Y sin embargo, seguimos. Y acá ya llevamos como diez shows hechos y realmente suena impresionante.

—¿Por qué pusiste fin a Viticus?

—Te lo voy a decir sin vueltas. Hace unos dos años me di cuenta que los jóvenes me miraban como si yo fuera un viejo de mierda y que tenían en mente un futuro sin mí, lo cual es lógico. Y yo puedo ser un viejo de mierda, pero tengo ganas de seguir tocando y seguir haciendo temas nuevos. Soy lo que quise ser, hago lo que me gusta y estoy con las personas indicadas, que quieren lo mismo que yo. Tienen oficio, nos reímos de lo mismo y pensamos igual prácticamente en todo. Estoy más contento que nunca con esta banda.

—Pappo está presente en cada una de esas canciones. ¿Cómo es tu recuerdo de él?

—El mejor, lo recuerdo como un coloso. Nos reencontramos en el ‘80, cuando volví de Inglaterra, y fue lo mejor que nos pasó a los dos. Ya nos conocíamos de antes, pero fue vernos y sentir que nos necesitábamos el uno al otro. Y así entre los dos hicimos la que para mí fue la primera banda de rock. No estoy hablando peyorativamente de las de antes, serían buenas porque a mucha gente le gustaban, pero no era rock. Por eso, cuando salió Riff, la gente no estaba acostumbrada a una banda de rock.

—¿Costó que se acostumbrara?

—Y... con Riff hemos pasado cosas sensacionales, para bien y para mal. Porque algunas veces nos llevaban presos pero otras era glorioso lo que pasaba. Tuvimos unos huevos de enormes para salir a hacer lo que hacíamos en la dictadura, porque, a diferencia de lo que ocurre en otros géneros, en el rock el público te contesta. Si sienten una energía muy bien tocada, te la devuelven y es una alegría total. Y es lo que pretendo hasta el día de hoy: que la gente se vuelva a su casa mejor de lo que vinieron.

—¿Y eran conscientes, tanto los músicos como el público, de ese riesgo que se corría?

—Es que eso era algo nuevo, no eran temas suaves como PorSuiGieco u otras bandas de rock nacional. A León (Gieco) lo respeto, pero lo otro no era rock. Acá no estaban acostumbrados ni a la energía ni al groove que salían del escenario. Nosotros salíamos a tocar en serio y luchábamos contra todo. Si tocábamos en San Miguel, la policía acordonaba la estación y no dejaba bajar a la gente del tren, porque querían música suave. Y lo nuestro nunca fue exactamente suave, por eso la gente se bajaba en la otra estación y venía caminando al show.

—¿Y cómo ves el rock hoy? Hay un debate constante entre quienes lo dan por muerto y quienes dicen que está más vivo que nunca.

—El máximo momento de esplendor del rock pasó, pero eso no quiere decir ni que desaparezca, ni que esté muerto, ni nada de eso. El sistema, con las modas y las épocas, va cambiando según le conviene. Antes tenías el rap, ahora tenés el trap y me parece que, si le gusta a mucha gente, algo bueno tiene que tener. Yo soy feliz con que haya mucha gente que le gusta lo que hago.

Mucho por hacer

El bajista plasmó una parte de este anecdotario en su libro Vitico. El Canciller, una autobiografía en la que repasa con su estilo frontal más de medio siglo de música. “Yo nunca en mi vida pensé que iba a escribir un libro”, admite, y recuerda la gestión de su hijo Nicolás, quien lo puso en contacto con Nacho Iraola, de Editorial Planeta. En diálogo con el periodista Fernando García -”los ojos se le salían de las órbitas porque no podía creer las cosas que le contaba”- le dieron forma a un material que define como “divertido”, con un dejo de picardía. Y para lograrlo tuvo que matar a uno de sus héroes. “Me regalaron el libro de Keith Richards, que es el ídolo máximo para mí, y tenía tantos detalles que me aburrió. Entonces quise hacer algo divertido y directo. Igual que mis shows”.

—¿Alguien se enojó por lo que contaste?

—¿Quién se va a enojar? El que se enoje conmigo tiene el problema de desenojarse, porque yo no me voy a preocupar. Y si se enoja alguien, que venga y me lo diga en la cara, y ahí arreglamos. Pero yo no ofendo a nadie, nunca garqué a nadie, y los que se metieron conmigo no les fue bien. Me dedico a lo que hago, y trato de ser mejor persona y mejor músico cada día.

—En el libro te hacés cargo con orgullo del apodo de El Canciller. ¿Fue una responsabilidad ser esa persona que está todo el tiempo mediando entre conflictos?

—Es un honor que me digan el Canciller, me encanta. Lo que pasa es que el Carpo era muy divertido (risas). Era un poco más impulsivo y a veces hacía cosas que después yo las arreglaba con un poco de labia, de educación, pero está todo bien. Éramos una dupla que funcionaba perfecto, que solo vi en los Who. Él era más como Keith Moon y yo más como Pete Townsend, pero juntos andábamos perfecto.

—Se potenciaban.

—Totalmente. El encuentro con Pappo fue algo maravilloso. Y te digo que nos resistieron de todas las formas que pudieron, y nosotros seguimos adelante sin joder a nadie. Estábamos en dictadura, la gente estaba muy reprimida y lo nuestro fue una válvula de escape. Porque cuando tocás rock en serio, perturbás a la gente, en el buen sentido de la palabra. Me gustó mucho lo del libro, y poder contar con humor hoy lo que fue espeluznante hace muchos años, quiere decir que lo superaste. A mí me dieron picana eléctrica, y en el momento era espantoso, pero después me di cuenta que me habían hecho un favor. Lo superé y soy lo que siempre quise ser. Vivo solo, pero tengo una familia divina, tengo cuatro hijos, estoy orgulloso de todos. Y hago lo que me gusta.

—¿Hablando de tus hijos, ¿qué te provoca ver a Nicolás girando por el mundo con The Black Crowes?

—Como que termina algo que yo empecé a hacer y no pude. Porque yo me volví de Inglaterra porque la madre de Nicolás estaba embarazada de Anita, la hermana mayor y por supuesto tuve que volver para hacerme cargo. Pero de todas maneras, admiro que él hizo el esfuerzo y es increíble que esté tocando con una de sus bandas favoritas. Tiene la paciencia y la sabiduría de hacer esas cosas que yo no hubiera podido hacer, por eso pasé de estar orgulloso a admirarlo.

—¿Hay proyectos para grabar nuevo material con Los Leones?

—Tenemos tres temas nuevos, pero primero había que pasar por esto, y por la fecha del Roxy para después ahí sí encarar lo nuevo. Para llegar a un nivel de calidad hay que laburar mucho, y estamos en eso. Creeme que hago esto con la misma emoción que lo vengo haciendo hace tantos años.

—¿No te pesa el paso del tiempo?

—La edad está en tu cabeza. Yo sigo teniendo las mismas ganas de tocar y las mismas ganas de enamorarme, para decirlo de una manera muy fina, que tenía a los 30 años. Ahora lo hago mejor. Sí, soy consciente de que tengo que tener algunos límites desde lo físico, pero me siento igual que siempre.