La voz le temblaba. Pero ella, firme frente al atril, pudo decir la frase que quedó grabada en el corazón de todos los argentinos: “And the winner is...The Official Story”. Corría el año 1986 cuando, por primera vez, una película argentina obtenía un Premio Óscar. Para entonces, Norma Aleandro ya era una figura consagrada. De hecho, ya había obtenido el galardón como Mejor Actriz del Festival de Cannes por su trabajo en ese mismo film. Pero años antes, cuando soñaba con vivir de la actuación, alguien osó decirle que no servía para eso.

Había nacido el 2 de mayo de 1936 en Buenos Aires, en el seno de una familia de actores: sus padres eran Pedro Aleandro y María Luisa Robledo y su hermana, María Vaner. Con apenas 9 años de edad, comenzó su carrera en el teatro. Cuando era una adolescente, sufrió un duro golpe al anotarse en el curso de improvisación que la profesora francesa Simone Garmá había venido a dar a la Argentina. Norma la admiraba profundamente. Pero cuando la maestra terminó la evaluación, simplemente, la descartó.

“Ella me fascinaba. En un momento fue dando temas para improvisar y yo me iba sentando más y más atrás. Tenía pánico. Pero tuve que subir con otros compañeros. El ejercicio consistía en hacer de cuenta que el escenario era un puente y nosotros escapábamos de una guerra. Podíamos correr, caer heridos o morir. ¿Y qué quiere un actor? ¡Morirse en escena! Y ahí fui yo, a morirme. Después de que Garmá me dio su devolución, salí llorando, fui al río, quise suicidarme. Pero no tenía condiciones para matarme”, recordó Norma sobre ese día.

Entonces, ni ella ni nadie podía imaginar lo que le depararía el destino. No bajó los brazos, siguió trabajando sobre las tablas y, con el tiempo, debutó en cine y televisión. Pero, al principio, esa sentencia desafortunada seguía dando vueltas por su cabeza. “Era muy tímida y el hecho de tener problemas para mostrarte es tan grave como tener ganas de mostrarte. Seguí haciendo teatro pero con la sensación de estar engañando a todos: actuaba convencida de que para eso yo no servía”, señaló.

Tenía apenas 15 años cuando dejó el colegio secundario. En realidad, quedó libre por las amonestaciones y decidió que ya no quería seguir estudiando. O por lo menos, no de manera institucional. Fue autodidacta. Y así, terminó convirtiéndose en actriz, guionista y directora. Quizá, la más laureada de su generación. Sin embargo, como muchos de sus colegas, en 1975, durante el gobierno de Isabel Martínez de Perón, se vio obligada a exiliarse a Uruguay y España luego de recibir amenazas por parte de la Triple A (Alianza Anticomunista Argentina).

Tras su regreso al país y mientras todavía estaba al mando el gobierno militar del autodenominado Proceso de Reorganización Nacional, Luis Puenzo la convocó para filmar La Historia Oficial junto a Héctor Alterio. No eran tiempos fáciles. De hecho, muchas escenas se rodaron a escondidas, en locaciones cerradas. Esa película fue el puntapié inicial para todo lo que vendría después.

“Empezamos a filmar antes de que Ricardo Alfonsín llegara al gobierno. Se hablaba de la posibilidad de una elección. Pero se hablaba, no se tenía certeza. En la calle estaba lo que se ve en las tomas, de las Madres y las Abuelas de Plaza de Mayo. Eso que es real, está tomado desde una terraza, antes de que se fuera el gobierno militar. Y muertos de miedo con lo estábamos haciendo. Yo le dije que no ochenta veces a Puenzo, que no iba a hacer esa película, que había vuelto del exilio...No quería volver al exilio o que me mataran. Y, al final, lo hablé con mi marido, con nuestro hijo, y llegamos a la conclusión de que era una obligación ciudadana. No tenía ya nada que ver con lo actoral. Yo no disfruté actoralmente nada esa película. Fui como quien va a algo que uno tiene que hacer", contó Norma.

Después de un breve romance de juventud con Alfredo Alcón que luego se transformó en amistad, y de estar en pareja con el actor y director teatral, Oscar Ferrigno, padre de su único hijo, Oscar, quien también heredó ese oficio, en 1976 Aleandro se casó con el psicoanalista Eduardo Le Poole. Y él la acompañó durante esos momentos tan complicados. Norma siempre evitó hablar de su intimidad. “Una cosa es compartir con el público y la prensa algo sagrado: la actuación. Y otra compartir los afectos y la vida, que también son sagrados, pero privados”, explicó.

Lo cierto es que, desde entonces, su carrera no dejó de crecer. Al año siguiente, protagonizó un nuevo hito al convertirse en la primera argentina nominada a un Premio Óscar como Mejor Actriz de Reparto por su participación en la película Gaby: A True Story, de Luis Mandoki. Luego rechazó varias propuestas para trabajar en el exterior. Y, en 1990, formó parte del exitoso film 100 veces no debo, mostrando su faceta de comediante junto a Luis Brandoni, Andrea del Boca, Federico Luppi y Darío Grandinetti.

En 1996, en tanto, Norma volvió a compartir set con Luppi en Sol de Otoño, de Eduardo Mignogna, labor por la que ganó el Premio Concha de Plata en el Festival de San Sebastián. Con El hijo de la novia, film de Juan José Campanella que protagonizó junto Ricardo Darín en 2001, que fue nominado a los Premios Óscar en 2002 y reconocido con el Gran Premio Especial del Jurado de Festival de Montreal, la actriz volvió a hacer historia en la pantalla grande. En total, a lo largo de su carrera participó de unas sesenta películas, sin contar las ficciones televisivas y las obras de teatro en las que trabajó.

“Me da mucha alegría ir por la calle y que alguien diga: ′Te vi’, con una felicidad como de un familiar. Eso es lo que más alegrías me ha dado mi trabajo, además del hecho de hacerlo. Esa respuesta tan profunda y tan íntima como si nos conociéramos. Es que ellos me conocen, claro. En el momento en que me saludan, me hablan y me cuentan, me da una sensación de familiaridad, me hace muy feliz estar en mi tierra y con mi gente. Es el premio más lindo que tengo”, aseguró sobre lo que le dio su profesión Norma, que en el día de hoy está cumpliendo 90 años.

La consagración de La historia oficial en la ceremonia número 58 de la Academia de Hollywood fue seguida en todo el país con una mezcla de emoción y orgullo. Fue la primera vez que un largometraje argentino obtenía semejante distinción, donde Norma Aleandro, protagonista indiscutida del filme, había sido premiada como mejor actriz.

En la previa de aquella noche histórica, el propio Puenzo tenía fe en el triunfo: el éxito de La historia oficial en Argentina era arrollador, con novecientos mil espectadores, y el recorrido internacional sumaba señales alentadoras. El filme había sido premiado con el Globo de Oro y el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, dos galardones que suelen anticipar la gloria en los Oscar, aunque el director sabía que en Hollywood nunca hay certezas. Aleandro, en cambio, era más escéptica respecto a las chances de la película. Tenía un argumento sólido: la Academia la había elegido para presentar el premio a Mejor Película Extranjera y, según su lógica, era poco probable que la estatuilla fuera a parar a manos de quien la anunciaba. Sin embargo, como suele suceder en la industria, todo podía pasar.

La expectativa crecía también por otra razón: La historia oficial competía en una segunda categoría, Mejor Guión Original, con el libro escrito por Aída Bortnik y el propio Puenzo. Entre los murmullos, muchos se preguntaban si acaso el filme podría llevarse el Oscar al guion y no a la película, o si la Academia se animaría a sorprender con un doble reconocimiento, algo que parecía un sueño imposible.

La ceremonia avanzaba y, a las 20:20 en Los Ángeles, el momento llegó. Robin Williams, uno de los presentadores de la noche junto a Jane Fonda y Alan Alda, invitó al escenario a Jack Valenti, presidente de la Motion Picture Association of America. Quedó grabado para siempre el instante en el que la actriz, sobre el escenario del Dorothy Chandler Pavillion en Los Ángeles, leyó el sobre y anunció el triunfo: “Y el ganador es… esto es demasiado. ¡Dios los bendiga, La historia oficial!”. Aquellas palabras, que todavía resuenan gracias a los archivos oficiales de la Academia, se convirtieron en un símbolo de un país que, a través del cine, contaba su verdad ante el mundo.

El propio Puenzo, al subir al escenario para recibir la estatuilla, dejó un mensaje que atravesó a toda la audiencia: “Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando a dar comienzo a nuestros nuevos sueños”. El director resumía así el peso histórico y la emoción colectiva de una obra que se transformó en referente cultural y político.

La historia oficial no solo ganó el Oscar, sino que fue celebrada en todo el mundo y recibió más de 40 premios internacionales. La crítica la definió como una de las mejores películas argentinas de todos los tiempos y su mayor logro fue, sin dudas, haber abierto la puerta del silencio y animarse a contar lo indecible. La película no solo fue una obra de arte, sino que también tuvo un valor emocional y social incalculable: puso en primer plano el drama de los desaparecidos y el robo de bebés durante la dictadura, temas tabú hasta ese momento en el cine nacional.

A cuarenta años de aquella noche dorada, el Oscar que logró Puenzo sigue siendo un símbolo de la valentía, la libertad y la capacidad del arte para transformar la historia. El filme no solo fue reconocido por la industria, sino que fue adoptado por el público como un acto de justicia y reparación. Hoy, la consagración argentina en Hollywood se recuerda como un hito irrepetible y una prueba de que el cine puede abrir caminos, sanar y ayudar a un país a mirarse a sí mismo sin miedo.

La noticia sacudió este martes al mundo del cine argentino: Luis Puenzo, guionista, director, productor y figura central de la cultura nacional, murió en Buenos Aires a los 80 años. La confirmación llegó a través del comunicado oficial de Argentores, la entidad que nuclea a autores cinematográficos: “Con profundo pesar despedimos al destacado guionista, director, productor y socio de nuestra entidad Luis Puenzo, quien falleció hoy, en la ciudad de Buenos Aires, a los 80 años de edad. Desde Argentores enviamos nuestras condolencias a sus familiares, amigos y colegas en este difícil momento.” Las palabras, secas y sinceras, sellan el final de una vida dedicada a contar historias y a pelear por la memoria en la pantalla grande.

El nombre de Luis Puenzo quedó grabado en la historia grande del cine argentino, sobre todo desde 1985. Ese año, su película La historia oficial encendió por primera vez los proyectores y nada volvió a ser igual. No era solo cine: era un espejo. Rodada en un clima de miedo, bajo amenazas, cuando todavía retumbaban los ecos de los represores y no se sabía hasta dónde podía llegar el peligro, la película llegó al público apenas dos años después del regreso de la democracia. Muchos salieron de la sala con algo roto, o tal vez con una nueva claridad: por fin se hablaba en voz alta de lo que durante años había sido susurro de paredes, de lo que había sucedido en los años del horror.

La historia oficial se convirtió en bandera. No solo por lo que contaba, sino por cómo lo hacía: la tensión flotaba sin necesidad de golpes bajos ni violencia explícita. Bastaban las miradas, los silencios, la fragilidad de Norma Aleandro metida en la piel de Alicia, una profesora de historia que comenzaba a dudar de todo. El final sigue dejando sin aliento: Alicia enfrentando a su esposo, escapando de su casa, mientras Gaby canta sola “En el país de Nomeacuerdo”. Un tema infantil convertido en símbolo de la identidad robada. Lo que pocos sabían entonces era que el rodaje había empezado en 1983, con la dictadura todavía en el poder, el equipo reducido y el temor recorriéndolo todo. Algunos actores recibieron amenazas, pero siguieron adelante. Estrenaron dos años después, cuando ya la democracia intentaba sanar heridas abiertas.

El impacto fue inmediato y mundial. Al año siguiente, La historia oficial ganó el Oscar a la Mejor Película Extranjera, el primero para el cine argentino. Puenzo subió al escenario y dijo, con voz firme: “Aceptando este honor, no puedo olvidar que otro 24 de marzo, hace diez años hoy, sufrimos el último golpe militar. Nunca olvidaremos esa pesadilla, pero ahora estamos empezando ahora a dar comienzo a nuestros nuevos sueños”. La película también ganó el Globo de Oro, el Cóndor de Plata y fue premiada en Cannes. Puenzo y su coautora, Aída Bortnik, recibieron además la nominación al Oscar al Mejor Guion Original.

Antes de los grandes premios y del reconocimiento mundial, Puenzo ya había mostrado su vocación narrativa. Nacido en Buenos Aires el 19 de febrero de 1946, comenzó su carrera en la publicidad en los años 60. Fundó su propia productora, Luis Puenzo Cine, y ahí, entre cortos y comerciales, fue puliendo ese estilo directo, emocional, que después llevaría al cine.

Su debut como director y guionista de largometrajes se dio en 1973, con Luces de mis zapatos, una película infantil protagonizada por Norman Briski. Poco después, dirigió el segmento Cinco años de vida en el film colectivo Las sorpresas (1975).

La trayectoria de Puenzo no se detuvo tras el éxito internacional. Dirigió y escribió Gringo viejo (1989), adaptación de la novela de Carlos Fuentes, con Jane Fonda, Gregory Peck y Jimmy Smits, ambientada en la Revolución Mexicana. En 1992, filmó La peste, basada en la obra de Albert Camus, con William Hurt, Robert Duvall y Raúl Juliá. Ya en 2004, rodó entre Argentina y España La puta y la ballena, protagonizada por Leonardo Sbaraglia y Aitana Sánchez-Gijón.

Además de cineasta, Puenzo fue un activo defensor de la industria audiovisual argentina. En 1994 participó en la redacción de la Ley de cine (ley Nº 24.377/94), que dio autarquía y financiamiento al INCAA. Fue uno de los fundadores de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de la Argentina en 2004 y, entre 2019 y abril de 2022, presidió el INCAA.

Cuarenta y un año después del estreno de La historia oficial, la búsqueda de la verdad que abrió la película sigue viva. El film dejó nombres, cuerpos y heridas en la memoria colectiva. Alicia, Gaby, las miradas y los silencios. Lo que alguna vez fue peligroso nombrar, hoy es parte fundamental de la historia argentina y del legado de Luis Puenzo.

“Dos minutos, mi corazón se detuvo ahí, por unos dos minutos, más o menos dos minutos y medio, entonces fue un susto”. Con 34 años y tras una trayectoria que lo llevó a conquistar dos títulos de Premier League con el Chelsea, además de disputar el Mundial 2014 para Brasil, el futbolista Oscar se vio obligado a retirarse del fútbol profesional. Esta decisión, motivada por una afección cardíaca sufrida a fines de 2025, marca el cierre de una carrera internacional que incluyó pasos por China y éxitos con la selección nacional. De acuerdo con el anuncio publicado a través de los canales oficiales del San Pablo, Oscar dejó la actividad debido a un cuadro médico que, aunque no implica riesgos de muerte, requiere un control permanente y ha sido determinante para que anteponga su salud al contrato vigente hasta 2027.

El episodio que precipitó la salida de Oscar del fútbol ocurrió en noviembre de 2025, durante una práctica en el predio de entrenamiento del San Pablo. Según detalló la prensa local y reprodujeron los canales oficiales del club, el volante ofensivo debió ser trasladado de urgencia a un hospital tras sufrir un síncope vasovagal. Este trastorno, diagnosticado por los especialistas que lo atendieron, ocurre cuando el cuerpo responde de forma exagerada ante estímulos como el estrés, el dolor, la visión de sangre o el permanecer mucho tiempo de pie, provocando una brusca caída de la frecuencia cardíaca y la presión arterial.

“Hoy estoy ya estoy mejor para hablar de esto, cada vez que hablaba de estas cosas, me emocionaba bastante. Me hice el examen, luego terminé desmayándome, el corazón, ¿no?, mi presión fue bajando, el corazón se iba deteniendo. Después me hicieron masaje cardíaco, otros dos minutos. Entonces sólo recuerdo mi desmayo. Todo el mundo dice que cuando vas a morir, sales del cuerpo. Yo tuve algunas sensaciones de esas. Tú estás inconsciente y estás en un sueño que es muy bueno. Es, es muy rápido, ¿no? Y entonces pude ver a mi hijo hablando, como diciendo: ‘Vuelve, papá, vuelve’”, fue el estremecedor testimonio del futbolista compartido en las redes oficiales del club.

Como resultado de ese episodio, se produce una falta temporal de irrigación sanguínea al cerebro y la consiguiente pérdida de conciencia. Los médicos informaron que la condición de Oscar no implicaba riesgo de muerte, pero sí imponía la necesidad de que se mantenga bajo evaluación constante. Este dato fue clave para la determinación del deportista, quien ya había anticipado su deseo de priorizar su bienestar personal.

En el video difundido por el San Pablo, Oscar expresó: “Estoy finalizando una carrera aquí en São Paulo que me ha llevado a muchos lugares, prácticamente por todo el mundo. Volver aquí a Cotia, donde todo comenzó, me hace feliz. Es difícil, porque quería haber hecho más por el São Paulo, quería jugar más, tenía la calidad futbolística y la edad, podría haber jugado más, pero lamentablemente esto sucedió. Ahora me retiro y seguiré apoyando al equipo. Se trata de continuar mi vida como aficionado”.

De acuerdo con la prensa brasileña, la familia del mediocampista desempeñó un papel fundamental en el proceso que llevó a la resolución de su retiro, al respaldar la prioridad de la salud por sobre los compromisos contractuales.

La consulta médica y el acompañamiento familiar fueron decisivos luego del episodio de síncope. Pese a que Oscar tenía vínculo contractual con el San Pablo hasta diciembre de 2027, el propio jugador había manifestado en instancias previas su disposición a finalizar su actividad profesional si existía el mínimo riesgo para su salud.

Desde su regreso al Brasileirao en enero del 2025, Oscar jugó 21 partidos, marcó dos goles y otorgó cinco asistencias para el San Pablo. Arribó en condición de libre desde el Shanghai Port de China, club al que fue transferido en 2017 tras destacarse en la Premier League. Durante su etapa en el Chelsea, ganó dos torneos de liga, una Europa League y la Copa de la Liga de Inglaterra, consolidándose como una figura de peso en el fútbol inglés.

A nivel internacional, participó con la selección de Brasil en la Copa Confederaciones 2013, certamen que el combinado nacional conquistó. Además, integró el plantel que disputó el Mundial 2014, torneo en el que anotó el único gol de la Verdeamarela en la histórica derrota por 7 a 1 ante Alemania en semifinales.

La salida de Oscar del fútbol profesional representa el final anticipado de una trayectoria cuya proyección podía extenderse aún más, de no mediar la afección cardíaca detectada en los estudios médicos de noviembre. La noticia, difundida primero por los canales oficiales del San Pablo, cierra un ciclo que incluyó títulos nacionales e internacionales y una presencia relevante en los escenarios más exigentes del fútbol mundial.

La verdadera inspiración y el impacto de “Golden” residen en su origen: la unión de un equipo creativo internacional y la experiencia vital de su vocalista, EJAE, quien canalizó su trayectoria personal en la industria del K-Pop para dar vida a un mensaje universal de perseverancia.

Esta fusión, respaldada por la colaboración entre productores de Corea del Sur y Estados Unidos, permitió que la canción conectara con audiencias globales y alcanzara una relevancia inédita para el género.

El desarrollo de Golden fue el resultado de una estrecha colaboración entre compositores destacados y directores creativos. El trabajo conjunto de EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami y el compositor Mark Sonnenblick condujo a una serie de etapas creativas bajo la supervisión musical de Ian Eisendrath.

La directora Maggie Kang y el codirector Chris Appelhans definieron el enfoque dramático de la canción, orientándola a reflejar los desafíos emocionales tanto de los personajes de la película como de sus intérpretes, y logrando que la narrativa ficticia se mezclara con la realidad de los artistas.

Inspiración y proceso creativo

La verdadera inspiración y el impacto de “Golden” residen en la unión de un equipo creativo internacional y la experiencia personal de EJAE, quien canalizó su trayectoria en la industria del K-pop para construir un mensaje universal de perseverancia. El desarrollo del tema implicó numerosas rondas de escritura y una colaboración entre productores y compositores de Corea del Sur y Estados Unidos.

El equipo incluyó a EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami y el compositor Mark Sonnenblick, bajo la supervisión musical de Ian Eisendrath, según relata la revista People.

Los directores Maggie Kang y Chris Appelhans definieron el enfoque dramático de la canción, orientando la narrativa hacia los desafíos emocionales tanto de los personajes de la película como de sus intérpretes.

El sonido de “Golden” se desarrolló a partir de influencias directas del hip hop y el rap. El codirector Chris Appelhans explicó que el principal referente fue “Juicy” de Notorious B.I.G., un tema emblemático de autosuperación. También se incorporaron elementos de artistas como Drake, Eminem y Lil Wayne, cuyas trayectorias sirvieron para fortalecer la narrativa de ascenso personal y colectivo de acuerdo con People.

EJAE y su experiencia personal

La historia de EJAE, coautora y vocalista principal, resulta esencial para comprender el trasfondo emocional de la canción.

Desde los 11 años, fue aprendiz en la agencia SM Entertainment y dedicó más de una década al entrenamiento antes de ser excluida tras finalizar la universidad. Posteriormente, se trasladó a Estados Unidos alrededor de 2020, donde inició una nueva etapa como compositora y cantante.

Al integrarse en el proyecto de “KPop Demon Hunters” y participar en la creación de “Golden”, EJAE relató que la melodía la inspiró de inmediato: “Recibí la canción y al instante me inspiró melódicamente”, recordó en The Tonight Show Starring Jimmy Fallon. Tras el éxito, expresó: “Lloré todo el día, literalmente, y lo primero que pensé fue en mí de niño”, comentó a The Hollywood Reporter.

Éxito mundial y reconocimientos históricos

El impacto internacional de “Golden” fue inmediato. La canción superó los 1.500 millones de reproducciones en Spotify y alcanzó los 1.000 millones en YouTube, cifras que reflejan su alcance mundial en 2025.

En la lista Billboard Global 200, sostuvo el primer puesto durante 18 semanas consecutivas y se convirtió en el primer grupo exclusivamente femenino con tres o más integrantes, desde Destiny’s Child en 2001, en liderar el número uno en Estados Unidos y Canadá.

La canción fue reconocida con el premio a la Mejor Canción Original en los Óscar 2026, además del Critics’ Choice, el Globo de Oro y el Grammy a Mejor Canción Escrita para Medios Visuales, marcando un precedente para la música K-pop.

Para el equipo creativo, estos logros representan más que reconocimientos profesionales. Rei Ami afirmó a la revista: “Literalmente cambió el mundo, y también cambió el mío”. EJAE subrayó el mensaje de perseverancia del tema y su importancia en su desarrollo artístico. El compositor Mark Sonnenblick señaló cómo el respaldo del público transformó a “Golden” en un referente cultural inesperado dentro de la industria musical.

El Consejo Presidencial para el Desarrollo de la Sociedad Civil y los Derechos Humanos (HRC) de Rusia solicitó a la organización de los Premios Óscar y a la UNESCO que investiguen el empleo de imágenes de menores en el documental 'Mr Nobody contra Putin', argumentando que no se obtuvo el consentimiento correspondiente para su inclusión. Este reclamo ocurrido tras la notable repercusión internacional del filme, se suma a la serie de acciones tomadas por las autoridades rusas contra uno de sus directores, el cineasta Pavel Talankin.

Según reportó el Ministerio de Justicia ruso, Talankin integró el listado oficial de "agentes extranjeros" el viernes, tras la acusación de colaborar en la creación de contenidos para entidades catalogadas como "agentes extranjeros y organizaciones indeseables". De acuerdo con el comunicado oficial citado por el medio de comunicación, el realizador "difundió información falsa sobre decisiones y políticas adoptadas" por el gobierno ruso y expresó públicamente su rechazo a la llamada "operación militar especial" en Ucrania, refiriéndose a la intervención militar ordenada por el presidente Vladimir Putin desde febrero de 2022.

La declaración de Talankin como "agente extranjero" ocurre después de que un tribunal de la región de Cheliábinsk vetara la distribución de 'Mr Nobody contra Putin' en territorio ruso a través de tres plataformas de streaming. Esta prohibición judicial se fundamentó en criterios de la Fiscalía rusa, que consideró que el documental manifestaba "una actitud negativa hacia la operación militar especial" y hacia el gobierno de Rusia. Según consignó el comunicado ministerial, estas acciones de censura representaron una escalada en las medidas de control sobre la difusión de contenidos críticos desde el Kremlin.

Talankin, originario de Karabaz en la región de Cheliábinsk y docente retirado, partió de Rusia en 2024, trasladando consigo los registros audiovisuales empleados más tarde en la película. El documental, codirigido junto al estadounidense David Borenstein, tiene como uno de sus puntos centrales la exhibición de materiales de propaganda en centros escolares rusos, tomados tras el inicio de la invasión sobre Ucrania. El filme debutó internacionalmente en el Festival de Cine de Sundance en enero de 2025 y logró respaldo en la crítica especializada.

Según detalló el Ministerio de Justicia ruso, además de la acusación de colaboración con entidades consideradas hostiles por el Estado, los cargos contra Talankin incluyen la propagación de información evaluada como falsa sobre las políticas oficiales. Tal como reportó la agencia, se especifica que estas denuncias se suman a los argumentos presentados para impedir la visualización del documental en plataformas digitales nacionales.

La repercusión de 'Mr Nobody contra Putin' ha tenido alcance global. En 2026, el largometraje obtuvo el Óscar a "mejor largometraje documental", reconociendo el trabajo conjunto de Talankin y Borenstein. De acuerdo con la información publicada en el comunicado, la producción también resultó vencedora en los BAFTA, donde fue reconocida como "mejor documental" durante el mismo año. Estos galardones contribuyeron a aumentar la visibilidad internacional del filme y de sus directores.

En paralelo a los reconocimientos, la censura aplicada por el tribunal de Cheliábinsk ha implicado la retirada del documental del acceso público en grandes plataformas digitales dentro de Rusia. Las acusaciones centrales provienen de la Fiscalía, según la cual la obra promueve una visión negativa de la incursión militar y las autoridades vigentes en el país. Según indicó el Ministerio de Justicia, la designación de Talankin como "agente extranjero" también se inscribe en el marco de la legislación adoptada en los últimos años, la cual amplió el margen para catalogar como hostil a toda persona u organización que reciba financiamiento externo o desarrolle mensajes críticos hacia las políticas oficiales.

La controversia sobre la protección de menores en el documental se suma a las objeciones legales. De acuerdo con el HRC y con información publicada por las autoridades rusas, se solicitó formalmente a las instancias internacionales una revisión del procedimiento de filmación y el empleo de imágenes de estudiantes en contextos escolares.

El caso de Talankin refleja la aplicación de las restricciones estatales a la producción y circulación de obras audiovisuales consideradas contrarias al discurso oficial. Las acciones legales y administrativas coinciden con la intensificación de la censura desde el inicio de la ofensiva en Ucrania. Diversos organismos rusos, citados por medios oficiales, han reiterado la posición según la cual la difusión de contenidos críticos constituye un atentado contra los intereses nacionales y amerita sanciones tanto legales como institucionales.

Desde la inclusión de Talankin en el listado de "agentes extranjeros", toda producción vinculada a su labor queda sujeta a regulaciones restrictivas adicionales y a la advertencia explícita de las autoridades rusas sobre su carácter considerado hostil. Según informó el Ministerio de Justicia, en el contexto actual resulta central para la administración mantener el control sobre los canales de distribución de contenidos que puedan alimentar la disidencia frente a la intervención en Ucrania.

Leonardo DiCaprio sorprendió al público y a los medios internacionales durante la gala de los Oscar 2026 al mostrar una imagen diferente a la que suele exhibir en estos eventos. El actor apareció con un bigote cuidadosamente perfilado, acompañado de una apariencia más discreta y alejada del estilo de años previos.

Este cambio no pasó desapercibido, originando una ola de comentarios tanto en redes sociales como en la prensa cinematográfica especializada, donde comenzaron a circular distintas teorías acerca del motivo del nuevo aspecto.

La atención que generó el cambio en DiCaprio responde a una razón profesional, según informó el diario español El Español. El actor está actualmente en la preparación de su siguiente película, Lo que pasa de noche, bajo la dirección de Martin Scorsese.

El requerimiento del guion y la mirada del director motivaron a DiCaprio a modificar su imagen, incorporando el bigote y una apariencia más sencilla. Según señala el medio, esta decisión busca que el intérprete represente a un personaje distante de los estereotipos de celebridad, contrastando con las imágenes públicas que ofreció en el pasado.

El proceso para asumir este nuevo papel incluyó tanto el cambio físico como la adaptación del vestuario y gestos para reflejar una figura cotidiana. El objetivo de Scorsese era construir una historia donde los protagonistas resultaran próximos para la audiencia y se distanciaran de los modelos habituales asociados a Hollywood.

Esta forma de trabajo coincide con la de DiCaprio, quien en su carrera se ha sometido a cambios físicos y psicológicos para interpretar sus papeles de manera más convincente.

Detalles sobre el personaje y la película Lo que pasa de noche

En Lo que pasa de noche, Leonardo DiCaprio asume el reto de interpretar a un hombre común, opuesto a los papeles de galán o figuras de gran poder que ha desarrollado en el cine internacional. El personaje se apoya en gestos, actitudes y una imagen consistente con perfiles anónimos. La película, dirigida por Martin Scorsese, apuesta por una narrativa que prioriza los detalles y la construcción de emociones a partir de lo cotidiano.

La caracterización de DiCaprio se compone de diversos elementos: además del bigote, el actor adopta vestimenta sencilla, tonos neutros y una postura más reservada. El propósito es que el público identifique al personaje como alguien próximo, capaz de generar empatía.

Esta transformación física y emocional se convierte en una herramienta relevante para romper con las expectativas respecto a DiCaprio e insertarlo en un registro distinto. El seguimiento mediático del rodaje ha sido destacado, y la aparición de DiCaprio con este nuevo aspecto en los Oscar 2026 sirvió como anticipo del enfoque realista que tendrá su próxima actuación.

Contexto de la colaboración con Martin Scorsese y Jennifer Lawrence

La película constituye un capítulo más en la colaboración entre DiCaprio y Scorsese, responsables de varios títulos reconocidos en la industria. En Lo que pasa de noche, ambos optan por una historia centrada en personajes sencillos, diferente de sus proyectos anteriores donde predominaba una puesta en escena más espectacular.

El enfoque de Scorsese favorece la construcción detallada de los personajes, lo que representa para los actores la exigencia de un trabajo interpretativo aún más preciso.

A este desafío se suma Jennifer Lawrence, quien comparte protagonismo con DiCaprio en la producción. Ambos actores han renovado su imagen para adaptarse a la propuesta del director, distanciándose de la figura de estrellas ampliamente mediáticas.

La colaboración entre DiCaprio y Lawrence fortalece la apuesta por una narrativa basada en personajes observables desde la vida diaria, explorando distintas emociones a través de actuaciones contenidas. El rodaje ha sido objeto de seguimiento mediático, y la prensa ha subrayado los cambios físicos de ambos actores al priorizar la fidelidad al personaje.

La explicación sobre el motivo del cambio de imagen de Leonardo DiCaprio y los detalles de su próximo papel, así como el contexto de la colaboración con Martin Scorsese y Jennifer Lawrence, se encuentran desarrollados en el artículo del El Español, que examina la transformación del actor y el enfoque realista de la película.

El modo KPop Demon Hunters (o Las Guerreras K-pop, en español) en WhatsApp permite personalizar la experiencia en la aplicación móvil con la estética de la película animada de Sony disponible en Netflix, recientemente galardonada con dos premios Oscar. Esta opción es ideal para quienes desean reflejar su preferencia por la película en la interfaz de la app.

Los usuarios pueden solicitar a Meta AI, el asistente de inteligencia artificial, que genere imágenes inspiradas en la estética visual de la película o personalizar las interacciones para que el asistente responda como uno de los personajes principales de K-Pop Demon Hunters o como las guerreras K-Pop, en español.

Es importante aclarar que este modo consiste en una serie de modificaciones que cada usuario realiza bajo su propio criterio y responsabilidad; no se trata de una función oficial de WhatsApp.

Cómo activar el modo KPop Demon Hunters en WhatsApp

Para activar el modo KPop Demon Hunters en WhatsApp rápido, lo primero que debes hacer es dirigirte a Meta AI para generar imágenes, realizar consultas y personalizar la interacción con esta inteligencia artificial.

El proceso para imágenes con Meta AI en el modo KPop Demon Hunters en WhatsApp:

1. Abrir WhatsApp.
2. Pulsar el ícono de un círculo azul y morado.
3. Iniciar un chat con Meta AI.

Puedes usar prompts como:

• Crea una ilustración de una líder K-pop con armadura brillante y fondo de ciudad futurista.
• Dibuja a una integrante de grupo K-pop transformándose en heroína con efectos de luz neón.

• Haz una imagen de cinco cantantes K-pop en formación de batalla, con trajes inspirados en la moda cyberpunk.
• Genera un retrato de una guerrera K-pop con maquillaje llamativo y auriculares tecnológicos.
• Diseña un póster de concierto K-pop donde las integrantes aparecen sobre motocicletas voladoras.
• Crea una escena de Las guerreras K-pop defendiendo una ciudad al estilo animé, con rayos de energía y coreografía sincronizada.

Las imágenes que se generen pueden ser utilizadas como fondo de chats, compartidas entre contactos o en estados.

Para realizar consultas referentes a Las guerreras K-pop o KPop Demon Hunters en Meta AI, puedes acudir a prompts como:

• ¿Quiénes son los personajes principales de Las guerreras K-pop y cuáles son sus habilidades?

• ¿Qué inspira el vestuario y la estética visual de KPop Demon Hunters?
• ¿Cuáles son los momentos más destacados de la película KPop Demon Hunters?
• ¿Cómo puedo personalizar mi perfil de WhatsApp con la temática de Las guerreras K-pop?

Con Meta AI puedes personalizar la interacción para que la inteligencia artificial adopte la personalidad de algún personaje de la película, como una integrante de HUNTR/X —por ejemplo, Mia, Zoey o Rumi— o uno de los Saja Boys. Para lograrlo, primero debes definir con qué personaje deseas interactuar.

En el caso de Rumi, puedes emplear este prompt:

“Adopta la personalidad de Rumi, personaje animado de la película Las guerreras K-pop. Rumi combina el carisma de una estrella con profundidad emocional. Es segura, ambiciosa y decidida, cualidades propias de una líder de K-pop. Se muestra con gracia y autoridad, asumiendo el rol de líder responsable y hermana mayor del grupo HUNTR/X”.

Ten presente que esta interacción es exclusivamente recreativa y forma parte de una experiencia lúdica con inteligencia artificial.

Cómo cambiar el sonido de las notificaciones de WhatsApp

Además de activar diversas interacción con Meta AI, el modo KPop Demon Hunters implica cambiar el sonido de las notificaciones de WhatsApp a la banda sonora de la película. Puedes escoger entre la canción ganadora del Oscar, ‘Golden’ o el sencillo debut de los Saja Boys, ‘Soda pop’. Hecho esto, sigue estos pasos:

1. Abrir la aplicación móvil de WhatsApp.
2. Ir a ‘Ajustes’ y dirigirse a ‘Notificaciones’.
3. Pulsar ‘Tono de notificación’.
4. Desplazarse hasta abajo y seleccionar ‘Agregar tono’.
5. Seleccionar el audio previamente descargado de la canción escogida.

Agustín Otón, uno de los protagonistas de la serie “Por cien millones” que estrenará Movistar Plus+, ha expresado la opinión de que el cine, de manera consciente o inconsciente, siempre transmite una dimensión política al abordar estudios éticos o morales sobre el presente o el pasado. En declaraciones recogidas por Europa Press, Otón ha destacado su orgullo por la intervención de Javier Bardem en la última edición de los Oscar, donde el actor reclamó un “No a la guerra”. A raíz de este pronunciamiento, los actores y creadores de la producción han reflexionado sobre el papel del cine español en la toma de posiciones públicas y sobre el alcance social de estas manifestaciones en eventos cinematográficos internacionales.

Según informó Europa Press, Raúl Arévalo, Vito Sanz y Gabriel Guevara, protagonistas junto a Otón de la serie “Por cien millones”, respaldaron de forma unánime la postura pacifista adoptada por Bardem en la ceremonia de Hollywood. Arévalo, reconocido por su trayectoria y ganador de tres premios Goya, señaló que estos gestos contribuyen a fortalecer el sentido de pertenencia y orgullo en el ámbito del cine español. Detalló que, aunque cada persona debe decidir si expresa públicamente sus opiniones, se sintió personalmente “orgulloso como español en este momento en el que los Goya se mojan y en los Oscar el único que hable sea Javier Bardem”. Arévalo también subrayó la importancia de respetar tanto a quienes optan por pronunciarse como a quienes deciden mantener silencio.

Europa Press consignó que Sanz avaló la argumentación de su compañero y valoró la oportunidad que brindan estos foros para denunciar las guerras y abogar por la paz, mencionando de manera específica los conflictos en Irán y la situación en Gaza. Sanz afirmó que siente satisfacción al pertenecer a una industria en la que actores, directores y diversos profesionales asumen posturas públicas que visibilizan su compromiso social, tanto en galas internacionales como en premiaciones nacionales como los Goya y los Premios de la Unión de Actores. Para Sanz, cualquier evento de estas características deja espacio para que cada participante exprese lo que considera oportuno, reconociendo la diversidad de opiniones que puede existir acerca de si arte y política deben compartir espacio en ceremonias públicas.

Gabriel Guevara, también parte del reparto, mostró pleno acuerdo con las palabras de sus compañeros. Este consenso muestra una visión compartida entre los protagonistas sobre la función del cine no solo como medio artístico, sino también como plataforma para la reflexión social.

El director y cocreador de la serie, Nacho G. Velilla, explicó a Europa Press que, aunque el cine debe ocupar el lugar central en festivales y premios, estos escenarios no deberían limitar la opción de que los profesionales de la industria expresen su opinión sobre problemas de actualidad. Velilla precisó que la repercusión de sus palabras se amplifica frente al público, pero destacó que esta libertad de expresión no comporta una obligación sino que responde a la decisión individual de cada artista. Velilla matizó que, al igual que cualquier persona en su vida diaria tiene derecho a opinar sobre la realidad social, quienes trabajan en el cine pueden hacerlo sin enfrentar presiones externas. Defendió que la responsabilidad pública no puede imponerse como norma, dejando abierta la posibilidad de que cada profesional gestione el espacio público según su criterio.

Por su parte, Otón sostuvo que, aunque no existe una exigencia oficial para manifestar opiniones políticas, sí percibe cierta responsabilidad Social. Aseguró sentirse muy orgulloso de que Bardem se convirtiera en una de las voces más firmes en favor del mensaje pacifista durante los Oscar. Para el actor, el séptimo arte refleja inevitablemente cuestiones políticas, sean actuales o históricas, y por ello consideró pertinente emplear el cine como herramienta para influir en la sociedad y fomentar la reflexión colectiva.

Natalia Huarte, otra de las actrices del reparto, argumentó que sería incoherente que el cine ignore realidades graves y situaciones devastadoras presentes en el escenario global. Desde su experiencia personal, declaró Europa Press, la responsabilidad de quienes cuentan con mayor capacidad de comunicación pública adquiere una dimensión relevante. Huarte explicó que no puede desligarse de la situación de conflicto y de sufrimiento en el mundo, y que siente en su vida diaria el impacto de la guerra, el miedo y la incertidumbre. Destacó que, aunque no todos deben sentirse obligados a asumir el papel de portavoz, la existencia de plataformas de gran visibilidad exige aprovecharlas para exponer problemas reales que afectan a millones de personas. En palabras de Huarte, “cuando tenemos un poquito de altavoz y un lugar de poder decir ciertas cosas, es importante nombrar la realidad para que no nos quedemos solamente en un lugar superficial”.

Europa Press resaltó que Otón, sumándose de nuevo a la argumentación, finalizó recordando su rechazo a la violencia, remarcando: “Llámame radical, pero no estoy a favor de que maten niñas”.

La serie “Por cien millones”, que llegará a Movistar Plus+ el jueves 26 de marzo, narra el secuestro en 1981 del futbolista Enrique Castro “Quini”, estrella del F.C. Barcelona, interpretado por Otón. Junto a Arévalo, Sanz y Guevara, el reparto lleva a la pantalla un episodio que marcó la historia reciente del deporte español. La narración de estos hechos en el marco de una producción original coincide con la reflexión de los propios protagonistas: el arte y la ficción no pueden desligarse por completo de la realidad social ni de los debates políticos del momento, algo que ha quedado de manifiesto tanto en sus posturas durante la promoción de la serie como en el análisis del compromiso social que, según reportó Europa Press, atraviesa al cine español contemporáneo.

Un reciente episodio durante la after-party de los Oscar que organizaron Beyoncé y Jay-Z ha puesto de nuevo bajo la lupa la relación entre Justin Bieber y Usher. Según TMZ, ambos artistas habrían tenido una ‘discusión acalorada’ en medio del evento.

Los detalles sobre el incidente aún son confusos, pues la versión sobre una pelea física directa varía según los testigos consultados por el tabloide.

La llegada de Bieber y Hailey a la fiesta

El cantante canadiense de 32 años asistió al evento acompañado de su esposa, Hailey Bieber, quien lució un elegante vestido negro de encaje con un bra rosa visible, complementado con tacones altos y joyería mínima.

Por su parte, Justin eligió un look más formal que el habitual: una camisa negra y un blazer de cuero marrón, sin barba, un cambio de estilo notable comparado con su imagen reciente.

El evento se realizó en el Chateau Marmont, y reunió a decenas de celebridades, incluyendo Taylor Swift, Kylie Jenner, Timothée Chalamet, Emma Stone y Vin Diesel.

Según TMZ (19 de marzo de 2026), la supuesta pelea entre los excolaboradores musicales en “Somebody to Love” habría comenzado cuando Usher se acercó a Justin “con energía y enojo”, lo que derivó en un intercambio verbal acalorado.

Los testigos vinculados a Bieber que hablaron con el medio aseguran que no hubo contacto físico, aunque la situación fue bastante tensa. Por otro lado, TMZ no pudo confirmar la versión de Usher, ya que sus representantes no respondieron a las llamadas de la prensa.

El medio también destaca que la pelea no se prolongó y que el motivo de la discusión aún es desconocido. También se sugiere que varios asistentes podrían haber presenciado la escena debido a la lista de invitados extremadamente concurrida.

¿Cómo era la relación entre Justin Bieber y Usher?

El vínculo entre las estrellas del pop ha sido largo y complejo. Usher firmó a Bieber para su sello Raymond Braun Media Group (en conjunto con Scooter Braun) en 2008, en una disputa directa con Justin Timberlake. Desde entonces se convirtió en mentor y aliado del cantante canadiense.

A pesar de esta historia cercana, la relación ha mostrado signos de tensión en los últimos años. En 2024, Bieber rechazó la invitación de Usher para participar en el show de medio tiempo del Super Bowl LVIII, aunque después le dedicó un mensaje de apoyo en Instagram.

Más recientemente, en enero de 2025, el canadiense dejó de seguir a Usher en redes sociales, lo que generó preocupación y especulación entre los fanáticos sobre un distanciamiento en su vínculo personal y profesional. Según la misma fuente, Bieber también ha dejado de seguir a otros colaboradores cercanos de su pasado, como su exmanager Allison Kaye y el productor Poo Bear. Tales acciones reforzaron la percepción de que buscaba alejarse de personas con las que compartió etapas importantes de su carrera.

La noche del presunto altercado se produjo semanas después de que Bieber ofreciera un concierto íntimo en los Grammys y a pocas semanas de su presentación histórica como cabeza de cartel en Coachella, por la que recibió un pago superior incluso al de Beyoncé, según Daily Mail.

La competencia directa entre el Clásico Mundial de Béisbol y la ceremonia anual de la Academia en Los Ángeles afectó la audiencia televisiva de la gala, según recogió el medio original. La semifinal entre Estados Unidos y República Dominicana atrapó la atención de 7,37 millones de personas, lo que supuso la mayor cifra registrada para ese torneo en el país. Esta coincidencia constituyó un factor que contribuyó al resultado alcanzado por la entrega de los Oscar, aunque portavoces del sector subrayan que no representa la única razón de la reciente disminución en el seguimiento tradicional.

Tal como publicó el medio, la 98.ª edición de los premios Oscar, celebrada el 15 de marzo, reunió a 17,86 millones de televidentes en Estados Unidos, lo que se traduce en un descenso cercano al nueve por ciento respecto a los 19,69 millones de la edición anterior en 2025. De acuerdo con la empresa Nielsen, especializada en medición de audiencias, este dato representa el peor registro para la gala desde 2022 e interrumpe la recuperación que los Oscar venían experimentando desde ese año. El interés descendió con especial fuerza entre los espectadores de 18 a 49 años: ese segmento alcanzó un rating de 3,92 frente al 4,54 de la última edición, lo que implica una reducción del 14%, equivalente a 5,34 millones de personas, comparadas con los 6,18 millones de la anterior entrega.

Pese a este deterioro en la audiencia televisiva, la entrega de premios mantuvo su posición como el programa de entretenimiento más visto en el horario de máxima audiencia de la televisión estadounidense durante la temporada 2025-2026, informó el medio. La gala, conducida nuevamente por Conan O'Brien como maestro de ceremonias, coincidió con una oferta de contenidos poco habitual para esa fecha, un hecho que, según los expertos, influyó en el comportamiento de la audiencia.

La celebración de los Oscar no fue el único evento importante de la temporada de premios que perdió espectadores en la televisión lineal, detalló la fuente original. Los Globos de Oro, celebrados en enero, congregaron a 8,66 millones de televidentes, lo que supuso una contracción cercana al seis por ciento en comparación con el año anterior. En febrero, los Grammy también experimentaron un descenso parecido, con 14,4 millones de espectadores, lo cual representó una reducción similar.

El impacto de la gala de la Academia se reflejó con fuerza en el entorno digital, según datos de Talkwalker's Social Content Ratings citados por el medio. El volumen de conversaciones sobre el evento aumentó un 42% en redes sociales con respecto a la edición precedente y superó los 181 millones de impresiones durante la transmisión. Al mismo tiempo, la Academia contabilizó más de 129 millones de visualizaciones de video en sus plataformas oficiales, lo que muestra un viraje en el modo de consumo y la interacción del público con este tipo de contenido.

En cuanto a los galardones, la ceremonia otorgó el reconocimiento de mejor película a "Una batalla tras otra", el filme dirigido por Paul Thomas Anderson, que también se llevó los premios a mejor dirección y mejor guion adaptado, sumando un total de seis estatuillas, detalló la publicación. El largometraje "Los pecadores", de Ryan Coogler, alcanzó cuatro premios, incluidos mejor actor para Michael B. Jordan, mejor guion original, mejor fotografía y mejor banda sonora original.

Los resultados obtenidos, tanto en audiencia tradicional como en redes sociales, abren nuevas perspectivas sobre la evolución del consumo mediático en torno a los grandes eventos audiovisuales, según reportó la fuente, e invitan a las industrias organizadoras a observar las variaciones del sector para sus próximas ediciones.

Durante una reciente entrevista, Pedro Almodóvar expresó su satisfacción al ver que figuras españolas, como Javier Bardem, se destacaron en la última gala de los Oscar por pronunciarse sobre los conflictos internacionales, mientras que la mayoría del sector estadounidense optó por el silencio. El cineasta manchego celebró la intervención de Bardem, quien, según detalló Europa Press, fue el único en la ceremonia que aludió de forma explícita a las guerras en Palestina, Irán y Ucrania, calificándolo como un ejemplo de valentía en un contexto donde predomina la discreción o la ausencia de posicionamiento público.

Según publicó Europa Press, Almodóvar, en el marco del estreno de su nueva película, “Amarga Navidad”, propuso revisar y actualizar el conocido lema “No a la guerra” por “No a las guerras”. Subrayó que la consigna original, surgida durante el conflicto en Irak, conserva actualidad, pero en las circunstancias actuales, con varios frentes bélicos activos, considera necesario hacer explícita esa pluralidad. El director manifestó durante la charla: “El eslogan 'No a la guerra' sigue estando vigente desgraciadamente. Yo todavía tengo la chapa, pero creo que habría que corregirla y poner 'No a las guerras'. Ahora no es solo Irak, son varias guerras”.

El medio Europa Press consignó que Almodóvar elogió la tradición del sector audiovisual español, donde muchos de sus integrantes, especialmente figuras públicas, adoptaron posturas claras frente a temas sociales y políticos. Recordó la movilización de 2003, cuando numerosos profesionales del cine español manifestaron públicamente su rechazo a la guerra de Irak, subrayando el orgullo que siente hacia sus colegas por no rehuir de su papel cívico. El director reconoció que la percepción común sitúa al sector audiovisual cerca de la izquierda política, aunque él mismo señala que no considera que “todos sean tan rojos”. Aseguró que el compromiso y la toma de posición pública se origina, en gran medida, en la responsabilidad añadida que supone ser una figura conocida.

Durante la misma conversación, el manchego cuestionó la creencia de que los cineastas deberían abstenerse de opinar sobre asuntos políticos, advirtiendo que exigir silencio en este ámbito constituye una limitación injusta de las libertades individuales. De acuerdo con Europa Press, Almodóvar indicó: “No es meterse en política, simplemente somos personas y tenemos derecho a decir nuestras opiniones acerca de la realidad que vivimos. Sustraerlo de esa libertad es una cosa muy injusta”.

En cuanto a la reciente ceremonia de los premios Oscar, el director expuso su sorpresa y cierto desencanto ante la ausencia de comentarios críticos sobre los conflictos armados globales. Solo Javier Bardem, actor español y amigo personal de Almodóvar, mencionó estos temas frente a la audiencia internacional. El cineasta sostuvo: “Lo que me sorprende, y me parece un poquito penoso, aunque no quiero utilizar palabras fuertes, es que solo hubiera una persona, que era nuestro Javier Bardem, que hizo alusión a Palestina y a la guerra de Irán y de Ucrania”. Insistió en su orgullo por la actitud de Bardem y resaltó la necesidad de mayor implicación desde otras figuras de la industria internacional.

En relación con su última obra, “Amarga Navidad”, que llega a los cines este viernes, Almodóvar detalló que se trata de un proyecto profundamente personal, en el que explora la figura del cineasta utilizando elementos de ficción y realidad. El medio Europa Press señaló que en este filme, como ya ocurriera en “Dolor y gloria”, sitúa a un director de cine como eje central de la trama. Almodóvar explicó que, en sus últimas producciones, ha optado por una narrativa más introspectiva, admitiendo que los temas abordados guardan una relación directa con su propia experiencia vital.

El realizador destacó que el guion y la producción de su obra mantienen la misma libertad con la que inició su carrera. “Yo la libertad la doy siempre a la hora de escribir y de rodar. No sé hacerlo de otro modo porque así es como empecé y así es como sigo haciéndolo, con la misma pasión que al principio”, afirmó según consignó Europa Press. Sobre su proceso creativo, describió que nunca ha enfrentado un vacío de ideas y que habitualmente avanza en varios proyectos simultáneamente, de modo poco ordenado. “Siempre tengo más de una idea en el escritorio y voy desarrollándolas de un modo desordenado”, explicó.

Respecto a la caracterización de los personajes en “Amarga Navidad”, Almodóvar contó que buscó alejarse de cualquier idealización, eligiendo en cambio poner al protagonista, que guarda semejanza con él, frente a situaciones complicadas y desafiantes. Añadió que el actor Leonardo Sbaraglia, quien encarna al director en esta producción, le resulta físicamente similar y emite frases que el propio Almodóvar podría pronunciar, aumentando el componente autobiográfico del relato. Sin embargo, insistió en que su intención consistió en “reflejarlo de manera grave y severa”, evitando la complacencia y abordando también las debilidades y errores inherentes al poder del director. Sobre este punto, expresó: “Los directores tenemos un enorme poder. Los equipos están por obedecerte y tú puedes dar todo tipo de órdenes que forman parte del trabajo y el trabajo de los demás es llevarlas a cabo pero eso te da un poder descomunal que hay veces que puedes dar o puedes pedir cosas que no son absolutamente legítimas. Quería zarandear un poco a esa figura totémica del director y ver sus debilidades y sus fallos y sus, no abusos, pero cuestionarle de que no todo lo que hace tiene el derecho a hacerlo”, declaró el director en el diálogo con Europa Press.

La película, según explicó su creador, representa un ejercicio de introspección y crítica personal. Consideró el rodaje y la escritura de “Amarga Navidad” como una experiencia “liberadora”, que le ha permitido examinar sus propios miedos, límites y contradicciones. Confesó ser una persona “muy pudorosa”, aunque reconoció haber superado parte de esa reserva debido a un estilo de vida cada vez más aislado, lo que influye en que sus historias recientes tengan una base más vinculada a sus vivencias. Señaló: “Me tengo más a mí como referencia porque soy yo el que me inspira, pero hago mucha menos vida que antes”.

En la entrevista difundida por Europa Press, Almodóvar reiteró que “Amarga Navidad” es, hasta la fecha, el proyecto donde ha sido más severo consigo mismo y con la imagen del cineasta como protagonista. Valoró que mezclar ficción y elementos autobiográficos le permitió explorar el papel del director tanto desde su potencial creativo como desde los riesgos y cuestionamientos éticos asociados a su posición de liderazgo en el set. También incidió en su interés por abordar en pantalla el debate sobre los límites de la autoridad creativa y el impacto de las decisiones del director en su equipo, señalando la importancia de reconocer errores y vulnerabilidades desde el poder.

En el contexto de su lanzamiento más reciente y de los debates actuales sobre el rol de los profesionales del cine en la discusión política y social, Almodóvar, según relató Europa Press, reiteró la función social que pueden desempeñar los artistas, alentando una reacción pública clara ante conflictos y situaciones de injusticia, tanto desde el cine español como en la industria internacional.

En 2022, la productora independiente A24 fue la gran protagonista, alzándose con siete premios Óscar por la alucinante película de viajes interdimensionales Everything Everywhere All at Once y demostrando que su audaz enfoque cinematográfico podía impresionar al tradicional organismo que otorga las estatuillas doradas.

Cuatro años después, el mismo estudio vanguardista se presentó en los Óscar con nueve nominaciones para Marty Supreme, una película audaz y controvertida de Josh Safdie sobre un ambicioso jugador de tenis de mesa (Timothée Chalamet) en el Nueva York de los años 50. La película recaudó cerca de 180 millones de dólares en todo el mundo, convirtiéndose en el mayor éxito de taquilla en la historia de la compañía. A24 también obtuvo una nominación por la actuación de Rose Byrne en If I Had Legs I’d Kick You, otra película directa y sin tapujos que explora las presiones de la maternidad.

Sin embargo, la empresa se fue a casa con las manos vacías el domingo por la noche. ¿Qué está pasando?

“Se podría decir que A24 no recibió ninguna nominación, pero es bastante sorprendente que consiguiera diez”, dijo Glenn Whipp, experto en los Óscar de Los Angeles Times. “La última película de Safdie, Uncut Gems, no recibió ninguna nominación y provocó ataques de pánico entre el público al salir de los cines. Marty Supreme fue menos intensa en comparación, pero aun así transmitía esa misma sensación”.

Cada año hay películas que son lo suficientemente admiradas como para obtener un número significativo de nominaciones, pero no lo suficientemente queridas como para ganar premios. Esto se ha convertido en un fenómeno frecuente desde que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas amplió permanentemente la categoría de mejor película a 10 filmes para los Óscar de 2022. Este año, Bugonia, de Yorgos Lanthimos, producida por Focus Features, obtuvo cuatro nominaciones —incluyendo una a mejor actriz para Emma Stone—, pero no se llevó ningún premio.

Si bien la composición de la academia ha cambiado en la última década, volviéndose más joven e internacional, sigue siendo predominantemente una organización dominada por hombres blancos de edad avanzada. El enfoque agresivo de Safdie hacia el cine y el marketing extravagante de Chalamet tal vez resultaron demasiado para que ese grupo los aceptara.

Chalamet era considerado la mejor opción de A24 para ganar un Óscar este año tras haber obtenido un Globo de Oro por su actuación. Hizo una intensa campaña para conseguir el premio, llegando incluso a aceptar una retrospectiva de su carrera organizada por la American Cinematheque. Según los expertos, este evento por sí solo pudo haber arruinado sus posibilidades.

¿Retrospectiva profesional? ¿A los 30?

Si bien la academia suele premiar a las actrices jóvenes con estatuillas doradas, prefiere que los actores se esfuercen más y trabajen más para conseguir el galardón. Si a esto le sumamos que muchos votantes pudieron haber confundido al egocéntrico personaje de Chalamet, Marty Mauser, con el propio actor, Michael B. Jordan —quien tiene 39 años y pronunció un discurso lleno de humildad y gratitud en los Premios de Actores este mes— se convirtió en la opción más fácil de elegir.

"Chalamet perdió por la misma razón que Hawke, Moura y DiCaprio: porque ganó Michael B. Jordan", escribió el crítico de espectáculos Mark Harris en redes sociales, refiriéndose a Ethan Hawke, Wagner Moura y Leonardo DiCaprio, los otros nominados en la categoría. “Las votaciones de la Academia no son como las publicaciones en internet: la mayoría de la gente vota afirmativamente porque una actuación les emocionó, les conmovió o les encantó. Casi nunca votan principalmente para impedir que alguien gane".

Marty Supreme perdió las nominaciones a mejor película, mejor director, mejor montaje y mejor reparto —la primera nueva categoría de los Óscar desde 2002— frente a One Battle After Another, dirigida por Paul Thomas Anderson. En las categorías de mejor actor, mejor guion original y mejor fotografía, fue superada por Sinners, de Ryan Coogler. Y Frankenstein, de Guillermo del Toro, se alzó con los premios a mejor diseño de producción y mejor diseño de vestuario (A24 no respondió a las solicitudes de comentarios).

Existe la percepción de que Chalamet perdió debido a la indignación que generó su respuesta a una pregunta sobre la disminución de la capacidad de atención del público: “No quiero trabajar en ballet u ópera”, dijo, “donde es como: ‘¡Oye! Mantengamos esto vivo, aunque a nadie le importe ya’”.

Pero aunque esos comentarios se colaron en uno de los primeros chistes de Conan O’Brien en los Oscar el domingo, no habían tenido repercusión en internet hasta el último día de votación.

Las señales preocupantes para Chalamet se remontan a antes del estreno de Marty Supreme en diciembre, cuando comenzó a adoptar la mentalidad obsesiva y dispuesta a todo para ganar de su personaje. Una reunión virtual falsa de 18 minutos en la que animaba a su equipo de marketing de A24 a adoptar ideas radicales —como hacer volar un dirigible naranja por varias ciudades— se convirtió en un fenómeno viral. En el estreno, lució un traje naranja y estuvo acompañado por Kylie Jenner.

Y nadie había olvidado su arrogante discurso del año pasado en la entrega de premios, por su interpretación de Bob Dylan en A Complete Unknown. Fue entonces cuando proclamó que quería ser “uno de los grandes”.

“Chalamet cometió muchos errores no forzados”, dijo Whipp. “Muchos votantes me comentaron que pensaban que se estaba creyendo demasiado importante. No les gustaron sus payasadas”.

Fuente: The New York Times

La discusión sobre el financiamiento de los viajes oficiales cobró fuerza este martes tras conocerse que el desplazamiento de la vicepresidenta segunda del Gobierno español, Yolanda Díaz, a la gala de los premios Oscar en Estados Unidos superó los 7.000 euros. En este contexto, la política defendió en el Senado que su presencia en Los Ángeles respondió a un compromiso con el apoyo a la creación artística, citando la nominación de la película ‘Sirat’ del director Oliver Laxe como motivo principal del viaje. Según reportó la agencia Europa Press, Díaz insistió en que esta labor de respaldo cultural es una función habitual de su cargo y que responde a lo que considera una defensa constante del cine nacional.

La presencia de Díaz en la ceremonia provocó críticas desde la oposición, especialmente por parte del Partido Popular (PP), que cuestionó tanto el coste como la idoneidad de realizar un viaje de estas características en un contexto marcado por situaciones de crisis social. Alicia García, portavoz del PP en el Senado, señaló que “más de 7.000 euros de viaje, señora Díaz, pero claro no podía ir de turista, no; tenía que ir en business y con su equipo. Igual pensaba usted recoger dos premios: el Oscar a la mejor película, la gran estafa o el Oscar al escaño cero en Castilla y León. ¡Comunismo de pancarta! Es tan falso como su feminismo y su pacifismo”, según recogió Europa Press.

El viaje, según informó el propio Gobierno en la agenda oficial, incluyó una reunión previa entre Díaz y la delegación española nominada a los Oscar, donde figuraba el cineasta Oliver Laxe. Durante la sesión de control celebrada en la Cámara Alta, Yolanda Díaz recordó que no fue la única representante política presente en la gala, y mencionó que el consejero gallego de Cultura, José López Campos, también asistió en representación de Galicia con el fin de apoyar al cine gallego y español, según detalló Europa Press.

En respuesta a las críticas del Partido Popular, Díaz afirmó que su presencia tenía el mismo objetivo que las múltiples acciones que realiza en defensa de la cultura, y sostuvo que la oposición “censura la cultura” e intenta imponer restricciones a determinadas obras teatrales en municipios de la Comunidad de Madrid, según señaló el mismo medio. La vicepresidenta también introdujo el debate sobre la interpretación del legado español en Latinoamérica, criticando que el PP “se posiciona del lado de Hernán Cortés” y rechaza los reconocimientos de abusos durante la Conquista expresados por el Rey Felipe VI. Europa Press indicó que Díaz aludió así, aunque de forma indirecta, a las declaraciones del presidente del PP, Alberto Núñez Feijóo, quien expresó “orgullo” por la historia de España en América Latina y consideró que las palabras del monarca debían valorarse solo dentro del contexto en el que las pronunció, que no fue institucional, sino durante una visita a una exposición.

La senadora popular Alicia García también cuestionó la influencia política real de Yolanda Díaz dentro del Gobierno de coalición formado por PSOE y Sumar, acusándola de moverse de "humillación en humillación" y de decir que Sumar, el partido que lidera, había sido reseteado tras los casos de corrupción que afectaron recientemente al Partido Socialista, según consignó Europa Press. García preguntó cuál era el papel real de la vicepresidenta en el Ejecutivo, ya que consideró que “no decide ni manda”, aludiendo a que las propuestas impulsadas por Díaz tienen poco recorrido dentro del Consejo de Ministros. Según la portavoz del PP, las medidas presentadas por la ministra de Trabajo “duran menos que un café en el Consejo de Ministros”.

Durante la sesión, la senadora del Partido Popular Rosa María Gallego también sumó críticas contra Díaz. Lo hizo recordando que la visita a Estados Unidos coincidió con la pérdida de representación de Sumar en las elecciones autonómicas de Castilla y León y sugiriendo que la vicepresidenta optó por “el lujo americano de la alfombra roja” mientras su partido sufría el revés electoral, según un extracto reproducido por Europa Press.

Yolanda Díaz, por su parte, argumentó que el Partido Popular mantiene una visión de la cultura vinculada con el discurso de Vox, especialmente en lo referente a la censura de contenidos, y subrayó, según informó Europa Press, que la formación popular continúa defendiendo posiciones vinculadas a políticas del pasado, aludiendo a la postura del expresidente José María Aznar y su vínculo con la implicación española en la guerra de Iraq hace 23 años.

En su intervención, la vicepresidenta segunda concluyó que los votantes del PP son “mucho más decentes políticamente” que sus representantes, una reacción ante lo que consideró acusaciones sin fundamento sobre su trabajo institucional y su postura ante conflictos internacionales, en relación con la guerra entre Irán e Israel, según publicó Europa Press.

La polémica por el viaje de Yolanda Díaz a la gala de los Oscar continúa sostenida en torno al gasto público, la labor de promoción cultural del Ejecutivo y la confrontación política entre partidos, mientras la agenda del Gobierno y los debates parlamentarios mantienen el foco sobre la transparencia y la representación institucional en el extranjero.

En la sesión de control al Gobierno celebrada en el Senado, la vicepresidenta segunda, Yolanda Díaz, recordó que el consejero gallego de Cultura, José López Campos, también viajó a Estados Unidos con el objetivo de respaldar la presencia gallega y española en los premios Oscar. De acuerdo con Europa Press, Díaz defendió que ambos representantes institucionales compartieron el mismo propósito de apoyo a la industria cinematográfica, concretamente por la nominación de la película ‘Sirat’ del director Oliver Laxe.

La comparecencia de Díaz en el Senado tuvo lugar tras recibir críticas de la portavoz del Partido Popular en la Cámara, Alicia García. García cuestionó la pertinencia del desplazamiento de Díaz a Hollywood, comentando que mientras muchos ciudadanos españoles enfrentaban dificultades económicas, la vicepresidenta optó por viajar en clase business con su equipo a un coste de más de siete mil euros. La senadora del PP ironizó sobre el motivo del viaje: “Más de 7.000 euros de viaje, señora Díaz, pero claro no podía ir de turista, no; tenía que ir en business y con su equipo. Igual pensaba usted recoger dos premios: el Oscar a la mejor película, la gran estafa o el Oscar al escaño cero en Castilla y León. ¡Comunismo de pancarta! Es tan falso como su feminismo y su pacifismo”, recogió Europa Press en la transmisión de la jornada en la Cámara Alta.

Frente a los señalamientos del Partido Popular, Yolanda Díaz sostuvo que su presencia en Estados Unidos tenía como fundamento la defensa de la creación artística nacional, una labor que, según argumentó, forma parte permanente de su actividad como vicepresidenta segunda y ministra de Trabajo. Europa Press detalló que Díaz calificó de acertada la decisión del consejero gallego José López Campos, así como la suya propia, de acudir a la ceremonia para respaldar tanto el cine gallego como el cine español ante la comunidad internacional.

En respuesta a las acusaciones del PP, Díaz atribuyó el tono crítico del grupo popular a la influencia de Vox en sus concepciones culturales y recordó actuaciones de censura en ámbitos teatrales de la Comunidad de Madrid. Según explicó la vicepresidenta, para ella y para el Gobierno que representa, la actividad cultural y artística requiere de una defensa activa en los principales escenarios internacionales, lo que justificó su desplazamiento a la gala de los Oscar, considerada por Díaz un espacio relevante para la visibilidad del cine español.

La intervención de Yolanda Díaz y las críticas recibidas por su viaje a Hollywood surgen en el contexto de la nominación de la película ‘Sirat’, una producción dirigida por Oliver Laxe, que fue seleccionada para competir en los premios de la Academia en Estados Unidos. Según Europa Press, la vicepresidenta reiteró que continuará comprometida con la promoción cultural en todos los foros internacionales, subrayando que, para ella, estos actos suponen una acción equivalente a las tareas diarias que desempeña para el país.

Europa Press añadió que Díaz utilizó su comparecencia en el Senado para poner en valor la necesidad de que las autoridades públicas respalden la cultura en todas sus vertientes. La vicepresidenta vinculó este respaldo institucional a una defensa activa contra las maniobras que, según acusó, promueven sectores políticos opuestos a la pluralidad artística, y mencionó la censura de obras teatrales en municipios gestionados por partidos conservadores como ejemplo de estas tendencias.

El debate generado en el Senado incluyó referencias al gasto público asociado al viaje y críticas de orden ideológico. Durante la sesión, la senadora García relacionó el desplazamiento con un presunto desinterés de Díaz y del Ejecutivo frente a los problemas sociales existentes y la acusó de incoherencias en los discursos sobre igualdad y pacifismo. Europa Press informó que la vicepresidenta rebatió estos planteamientos centrando su argumentación en la obligación de acercar la cultura española al ámbito global.

El medio precisó que durante la jornada parlamentaria se debatió el papel de las administraciones autonómicas y estatales en la promoción de la industria audiovisual, además de subrayar la presencia institucional gallega y estatal en la ceremonia de los Oscar. Díaz concluyó su intervención expresando que mantendrá su respaldo a la cultura, tanto en el plano nacional como en representaciones internacionales, confirmando que estas acciones forman parte inherente de sus funciones de gobierno, según publicó Europa Press.

La irlandesa Jessie Buckley subió otro piso en el estrellato al ganar este domingo el Óscar a mejor actriz por su interpretación de la esposa del escritor William Shakespeare, quien ha quedado totalmente devastada por la muerte de su hijo, en Hamnet.

La artista de 36 años, originaria de un pequeño pueblo en el remoto suroeste de Irlanda, conquistó a los votantes de la Academia con su desgarradora versión de Agnes, madre del niño que da título a la aclamada película de la directora Chloé Zhao.

“Quiero dedicar esto al hermoso caos de un corazón maravilloso”, dijo al recibir el galardón una muy emocionada Buckley, quien, además de agradecer a sus colegas y a su familia, elogió a la cineasta Zhao por la oportunidad de “conocer a esta mujer deslumbrante y una jornada para comprender el amor de una madre”. “Gracias por reconocerme en este mundo”, agregó.

Su intensidad expresiva en esta historia dolorosa, una adaptación de la novela de Maggie O’Farrell, cautivó también al público, de quien arrancó lágrimas.

La enigmática Agnes tiene “un corazón fuerte y completamente abierto, y es una madre con un paisaje épico en su interior”, dijo Buckley al Irish Times.

En febrero, al convertirse en la primera mujer irlandesa en ganar un BAFTA británico como mejor actriz, elogió a O’Farrell.

“Sacaste a la madre de las sombras y la colocaste junto al gigante que es Shakespeare”, dijo Buckley.

Nominada en 2022

Esta era la segunda nominación de Buckley en los Óscar. En 2022, compitió en la misma categoría con otro rol maternal en el tenso drama psicológico de la directora Maggie Gyllenhaal La hija oscura.

Buckley no era madre cuando interpretó a Agnes, pero quedó embarazada una semana después de terminar Hamnet, contó al diario The New York Times. Dio a luz a su hija a finales de 2025.

En su discurso en los BAFTA, Buckley también expresó el amor que siente por ella. “El mejor papel de mi vida es ser tu mamá”, dijo.

Hija de un poeta, Tim Buckley, y de una cantante de ópera y profesora de canto, Marina Cassidy, la actriz, que nació en 1989, fue animada desde muy joven a participar en producciones teatrales escolares.

En su casa, “la música, la escritura y la expresión personal realmente se fomentaban y se respetaban”, contó al Irish Times la artista, quien creció en Killarney, en el condado de Kerry, junto a sus cuatro hermanos.

Buckley saltó a la fama como participante en 2008 de un programa de talentos de la BBC que buscaba protagonistas para la producción teatral Oliver, en Londres.

Aunque perdió en la final, los jueces la animaron a seguir una formación dramática.

Buckley acabaría graduándose en la prestigiosa Academia Real de Arte Dramático de Londres en 2013.

Ese mismo año consiguió papeles en adaptaciones teatrales de Shakespeare en Londres.

Después llegaron oportunidades en televisión, entre ellas una dramatización de la BBC de Guerra y paz (2016) y la exitosa miniserie Chernobyl (2019) de la cadena HBO.

Debut en el cine

Buckley debutó en el cine en Beast (2017), un thriller psicológico ambientado en la isla de Jersey, en el Canal de la Mancha, y obtuvo una nominación al BAFTA por su papel principal en el filme de 2018 Wild Rose: Sigue tu propia canción, sobre una aspirante a cantante de country y exconvicta de Glasgow.

A menudo ha regresado a sus raíces teatrales shakespearianas y en 2021 interpretó a Julieta en el National Theatre junto a otra estrella emergente, Josh O’Connor.

Cantante consumada, también ganó un Laurence Olivier Award en 2022 a mejor actriz en un musical por su interpretación de Sally Bowles en Cabaret.

Ese mismo año lanzó un álbum de folk con Bernard Butler, exguitarrista de la banda Suede.

Buckley vive en la campiña inglesa, en Norfolk, en la parte oriental del país, con su esposo, un trabajador del área de la salud mental con quien se casó en 2023.

La actriz ha hablado abiertamente sobre sus anteriores luchas con la ansiedad y los ataques de pánico, y ha dicho que la terapia la ayudó a aprender a sentir sus emociones en lugar de reprimirlas.

Fuente: AFP

Durante la ceremonia celebrada en Los Ángeles, Oliver Laxe resumió el impacto de la intervención de Javier Bardem en los Oscar con un gesto visible de respaldo: el cineasta lució en la gala un pin de la sandía, símbolo internacional de apoyo al pueblo palestino. De acuerdo con información publicada por Europa Press, esta manifestación coincidió con las palabras de Bardem, que en el escenario expresó: “No a la guerra y Palestina libre”, al presentar el Oscar a mejor película internacional, premio al que aspiraba ‘Sirat’ pero que terminó recibiendo ‘Valor sentimental’, producción noruega.

Según informó Europa Press, Bardem subió al escenario del Dolby Theatre acompañado de la actriz Priyanka Chopra. Ambos compartieron la entrega del galardón, momento en que Bardem realizó su declaración pública y mostró dos chapas en su solapa: una con el lema ‘No a la guerra’ y otra con la imagen de Handala, personaje ampliamente reconocido en la causa palestina. El gesto fue destacado tanto en la gala como en la alfombra roja, incrementando la atención pública e internacional hacia el reclamo contra el conflicto en Oriente Medio.

El director Oliver Laxe, quien acudió a la fiesta de EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) junto al ICAA tras la ceremonia, manifestó a Europa Press su apoyo a Bardem. “Me ha encantado. Me ha parecido increíble. Bravo, Javier”, señaló ante la prensa congregada. Laxe consideró que el actor español realizó una intervención significativa y mostró admiración por la manera en que Bardem dirigió sus palabras y el fuerte pronunciamiento realizado desde el escenario.

Por su parte, Laxe rememoró el episodio como uno de los momentos sobresalientes de la noche, resaltando la actitud y energía de Bardem en una gala muy observada a nivel internacional. El cineasta expresó: “Este sí que es un actor. Cómo se ha plantado, con la energía del cuerpo y lo que ha dicho de primeras. Cómo ha dado la vuelta a la gala. Bravo. Bravo, Javier”, consignó Europa Press.

A pesar de que ‘Sirat’ no obtuvo el reconocimiento a mejor película internacional, Laxe se manifestó conforme con el desarrollo de la ceremonia y el resultado de los premios. Compartió su satisfacción por la dinámica de la gala y la oportunidad de haber competido: “Me siento muy bien, muy feliz, y la gala me ha parecido muy divertida, con todos los chistes y tal. Además defendiendo el cine. Me ha encantado”, comentó durante su diálogo con Europa Press. Mostró además su reconocimiento por el trabajo de Joachim Trier, director de ‘Valor sentimental’, manifestando su agrado por el premio otorgado a la cinta noruega y afirmando sentirse satisfecho con la justicia de los premios entregados.

En cuanto al equipo español participante en los Oscar, Laxe se refirió también a la nominación en la categoría de mejor sonido. Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas formaban parte del equipo seleccionado por su trabajo en ‘Sirat’, aunque el Oscar en esa categoría fue finalmente para ‘F1: La película’. Laxe indicó que en este apartado percibía opciones reales de competir y expresó: “Me hubiera gustado el sonido. Ahí teníamos opciones. Pero bueno, competir contra Apple ya es ganar... Estos pequeños mamíferos molestando al dinosaurio, ya me ha gustado eso”, recogió Europa Press.

Dentro del equipo técnico de ‘Sirat’, Yasmina Praderas valoró la experiencia como positiva. Según citó Europa Press, expresó que haber sido nominadas y asistir a la gala representó un hecho único: “Lo hemos pasado muy bien y, al final, ya sabemos que esto es algo muy difícil y creo que el hecho de estar donde hemos estado ya ha sido una oportunidad brillante para conocer a compañeros y compañeras del oficio y compartir el trabajo”. Praderas también manifestó su apoyo ante el gesto de Javier Bardem, afirmando de manera contundente: “Me quito el sombrero, no puedo decir nada más”.

Las declaraciones y gestos realizados tanto por Javier Bardem como por los miembros del equipo de ‘Sirat’ y su director han quedado destacados a lo largo de la cobertura de Europa Press, que detalló las reacciones y escenas principales de la gala. De este modo, la edición número 98 de los Oscar quedó marcada no solo por el resultado de las premiaciones, sino por los mensajes emitidos desde el escenario, así como las muestras de solidaridad y respaldo a la causa palestina durante una de las celebraciones cinematográficas más relevantes.

El cine estadounidense, bajo la dirección de Paul Thomas Anderson, añadió una página destacada a la historia de los premios Oscar, al recibir el primer galardón de la Academia al mejor casting, que recayó en Cassandra Kulukundis por su trabajo en "Una batalla tras otra". Según informó el medio original, la 98.ª edición de los Oscar otorgó a esta película seis estatuillas, afianzando su posición como la máxima ganadora de la ceremonia y confirmando el favoritismo que la acompañó durante la temporada de premios.

Tal como publicó la fuente, "Una batalla tras otra", dirigida por Anderson y basada en la novela "Vineland" de Thomas Pynchon, superó el resto de las competidoras al conquistar los premios a mejor película, mejor dirección, mejor guion adaptado, mejor montaje y mejor actor de reparto, además del histórico reconocimiento al casting. Protagonizada por Leonardo DiCaprio y con Andy Jurgensen a cargo del montaje, el largometraje partía con 13 nominaciones, reflejando las expectativas depositadas en la producción por parte de la crítica y la industria.

Paul Thomas Anderson, al recibir el Oscar a mejor director, señaló: "Siempre queda la duda de si uno lo merece... pero no hay duda del placer que me produce tenerlo", reconoció el cineasta, quien ya había estado nominado por "Pozos de ambición", "El hilo invisible" y "Licorice Pizza". Añadió además: "Este es un regalo maravilloso, y estoy muy feliz de considerar al cine mi hogar. Esto es realmente fantástico. Gracias de todo corazón". Anderson también recogió el galardón a mejor guion adaptado, consagrando aún más su papel en este trabajo.

En cuanto al mejor actor de reparto, Sean Penn sumó su tercer Oscar por "Una batalla tras otra", hecho que lo posiciona junto a figuras como Jack Nicholson, Walter Brennan y Daniel Day-Lewis en la lista de los más premiados de la Academia en esa categoría. El medio detalló que Penn no asistió a la gala para recibir la estatuilla.

Por otro lado, la película española "Sirat", dirigida por Oliver Laxe y nominada a mejor película internacional y mejor sonido, no obtuvo ningún reconocimiento pese a las expectativas generadas. La ausencia de premios, según consignó el medio original, culminó una trayectoria marcada por la competencia internacional y el esfuerzo de la producción nacional en el certamen.

La ceremonia también puso en el centro la premiación de "Los pecadores", cinta ambientada en el Misisipi de los años 30 que lideraba la edición con 16 nominaciones, cifra histórica para los premios Oscar. El film, que fusiona elementos de vampiros, blues y la problemática racial, consiguió cuatro estatuillas: mejor actor para Michael B. Jordan, mejor banda sonora para Ludwig Göransson, mejor guion original para Ryan Coogler y mejor fotografía para Autumn Durald, quien se convirtió en la primera mujer en recibir este último reconocimiento, de acuerdo con lo reportado.

El apartado a mejor actriz principal confirmó el favoritismo de Jessie Buckley por su papel en "Hamnet", dirigida por Chloé Zhao y basada en la novela de Maggie O'Farrell sobre la vida de Agnes, esposa de William Shakespeare. Así lo indicó el medio, mientras que el premio a mejor actriz de reparto fue para Amy Madigan, destacada por su interpretación en la película de terror "Weapons".

Dentro de las producciones reconocidas, "Frankenstein", dirigida por Guillermo del Toro, logró tres trofeos en categorías técnicas: maquillaje y peluquería, a cargo de Mike Hill, Jordan Samuel y Cliona Furey; vestuario, para Kate Hawley; y diseño de producción, distinción que recibieron Tamara Deverell y Shane Vieau.

La gala también vivió un episodio poco frecuente con un empate en la categoría de mejor cortometraje de ficción. Según reportó la fuente, tanto "Dos personas intercambiando saliva" como "Los cantores rusos" recibieron el premio, situación que solo se había presentado en seis ocasiones desde la creación de los premios hace 98 años.

Netflix se llevó uno de los reconocimientos principales en animación con "Las guerreras K-pop", que ganó tanto el Oscar a mejor película animada como el de mejor canción original por "Golden". Además, la estatuilla al mejor documental quedó en manos de "Mr. Nobody contra Putin", dirigido por David Borenstein y Pavel Ilyich Talankin.

De acuerdo con los datos consignados por el medio citado, la 98.ª edición de los Oscar reflejó tanto la consolidación de grandes nombres de la industria como la introducción de nuevos hitos, entre ellos el primer premio de la historia al mejor casting, y la presencia de empates en las categorías competitivas. La edición también confirmó la dificultad de producciones internacionales como la española para lograr reconocimientos en medio de las altas expectativas y una competencia marcada por el dominio de producciones anglosajonas. Los resultados reflejaron tanto tendencias históricas en los premios como avances hacia una mayor diversidad de reconocimientos en distintas áreas técnicas y artísticas.

El equipo responsable del sonido de "Sirat", conformado por Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas, marcó un hito al convertirse en el primer grupo totalmente femenino nominado al Oscar en la categoría de mejor sonido. Tal como publicó el medio de referencia, aunque su trabajo recibió amplia valoración en los circuitos europeos y obtuvo reconocimientos como los Premios del Cine Europeo, los Premios Goya y los Premios Gaudí, la película española dirigida por Oliver Laxe no resultó premiada en la gala de los Oscar 2026. El reconocimiento a la mejor cinta internacional recayó sobre la producción noruega "Valor sentimental", dirigida por Joachim Trier, que fue galardonada en la 98.ª edición de los Premios de la Academia de Hollywood.

Según informó la prensa especializada, la entrega del premio a mejor película internacional estuvo a cargo de Priyanka Chopra y Javier Bardem. Antes de anunciar el resultado, el actor español exhibió en su solapa chapas con mensajes reivindicativos y expresó públicamente: "No a la guerra y libertad para Palestina". La competición en la categoría contaba, además de con "Sirat" y "Valor sentimental", con otras tres películas nominadas: la iraní "Un simple accidente" de Jafar Panahi, la brasileña "El agente secreto" de Kleber Mendonça Filho y la tunecina "La voz de Hind" de Kaouther Ben Hania.

El medio detalló que la nominación de "Sirat" representó la vigésima primera ocasión en la que una película española compitió por el Oscar a mejor película internacional, antes denominada mejor película de habla no inglesa. El historial de España en la categoría incluye cuatro victorias: "Volver a empezar" en 1982 (José Luis Garci), "Belle Époque" en 1993 (Fernando Trueba), "Todo sobre mi madre" en 1999 (Pedro Almodóvar) y "Mar adentro" en 2004 (Alejandro Amenábar). La primera presencia española se remonta a 1961, con la nominación de "Plácido" de Luis García Berlanga, y la nominación previa más reciente fue la de "La sociedad de la nieve" de J. A. Bayona, hace tres ediciones.

De acuerdo con la información difundida por el medio, "Sirat" también aspiraba al galardón de mejor sonido. En esa categoría, su equipo se enfrentaba a producciones como "Frankenstein", "Una batalla tras otra", "Los pecadores" y "F1: La película". Finalmente, el Oscar en este apartado fue otorgado a "F1: La película", con un equipo integrado por Gareth John, Al Nelson, Gwendolyn Yates Whittle, Gary A. Rizzo y Juan Peralta, mientras que Villavieja, Casanovas y Praderas quedaban nuevamente reconocidas por su contribución pionera en la industria.

El recorrido de "Sirat" durante la temporada de premios mostró una trayectoria de éxitos y reveses. Tras su presentación en la sección oficial del Festival de Cannes y su obtención del Gran Premio del Jurado, la cinta dirigida por Oliver Laxe se consolidó en los Premios del Cine Europeo con cinco reconocimientos: mejor montaje, mejor sonido, mejor dirección de producción, mejor dirección de casting y mejor dirección de fotografía, según consignó el medio.

A pesar de estos triunfos, "Sirat" no logró estatuillas en los Globos de Oro, en los que tenía dos nominaciones, ni en los BAFTA. Tampoco obtuvo el premio a la mejor película de habla no inglesa en los Critics Choice Awards. No obstante, la película acumuló ocho premios en los Premios Gaudí y logró dos galardones entre siete posibles en los Premios Feroz.

En los Premios Goya, que tuvieron lugar en Barcelona semanas antes de la ceremonia de la Academia, "Sirat" se hizo con un mayor número de reconocimientos que "Los domingos", aunque esta última sobresalió en las categorías mejor película y mejor dirección. El medio informó que "Sirat" fue distinguida esencialmente en áreas técnicas, entre ellas mejor montaje, mejor música original, mejor dirección de producción, mejor dirección de fotografía y mejor sonido.

Según destacó la prensa, mientras "Valor sentimental" se imponía como la mejor película internacional en los Oscar, la producción española de Oliver Laxe se reafirmaba como un referente técnico y artístico en los premios europeos, reflejando la diversidad de criterios y de resultados en los diferentes certámenes cinematográficos.

Rolando Medina López, periodista salvadoreño residente en España, ha dedicado buena parte de su vida profesional al periodismo cultural y cinematográfico. A sus 61 años, Medina López rememora con precisión su extensa trayectoria cubriendo la ceremonia de los Óscar, experiencia que se extendió durante cinco ediciones a inicios de la década de 2000.

En una conversación con Infobae, Medina López relata que su afición por los premios Óscar comenzó en la infancia, cuando veía la gala junto a su madre en El Salvador. “Yo veo ininterrumpidamente los premios Óscar desde 1975. Esa primera vez era un niño de 10 años que iba y venía de mi dormitorio al de mis papás y mamá me decía: ‘Vení, ve’. Solo me interesaban unos pedazos, pero lo vi y lo recuerdo”, cuenta el periodista. Con el paso de los años, esa admiración evolucionó en una vocación profesional que lo llevó a perseguir con perseverancia la acreditación como corresponsal.

Conseguir la credencial para cubrir los Óscar fue un proceso que le tomó diez años. “En el primer año nada (no tuvo respuesta), en el segundo año también hubo silencio y así nueve años. Al noveno recibo una carta de la Academia que me dice que no podían, que no había espacio para mí y yo no vi el ‘no’. Yo vi que por primera vez recibí una carta de respuesta y dije: ‘El otro año voy’. Al siguiente año estaba en los Óscar”, recordó.

La historia de México en los Premios Oscar ha estado marcada por logros que dejaron huella en la industria del cine mundial. Actores, directores, técnicos y productores mexicanos han roto barreras y cambiado la manera en que el cine latinoamericano es percibido en Hollywood.

A lo largo de las décadas, distintas figuras del país han alcanzado reconocimientos inéditos y han abierto puertas a futuras generaciones. Sus triunfos han inspirado a creadores dentro y fuera de México, consolidando una reputación de excelencia.

Con la expectativa rodeando a Guillermo del Toro y su visión de Frankenstein en la edición 2026, estos son cinco momentos clave en los que los mexicanos hicieron historia en la premiación más relevante del cine.

Anthony Quinn: primer mexicano en ganar un Oscar

El reconocimiento de actores mexicanos en los Oscar comenzó gracias a una figura que rompió barreras y abrió caminos para futuras generaciones.

Anthony Quinn fue el primer mexicano en ganar un Oscar, obteniendo la estatuilla como Mejor Actor de Reparto por:

• Viva Zapata! (1952)
• Lust for Life (1956)

Su doble triunfo marcó un antes y un después en la participación de latinoamericanos en Hollywood. La huella de Quinn es fundamental para entender el inicio de la representación mexicana en la gala más importante del cine mundial.

Macario: la puerta al cine mexicano en los Oscar

El cine nacional alcanzó un nuevo nivel de reconocimiento internacional con su primera nominación a Mejor Película Extranjera. Macario (1960) fue:

• La primera película mexicana nominada al Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera.
• Un referente para las futuras producciones que aspiraron a competir en la misma categoría.

El logro de Macario colocó a México en el mapa del cine de autor y mostró al mundo la riqueza de las historias nacionales.

Salma Hayek: presencia femenina pionera

El talento femenino mexicano tuvo su momento de visibilidad internacional con una nominación histórica que impulsó a nuevas voces en la industria. Salma Hayek fue:

• La primera actriz mexicana nominada al Oscar como Mejor Actriz, por Frida en 2003.
• Un referente para la representación de las mujeres mexicanas en producciones internacionales.

La nominación de Hayek abrió camino a futuras generaciones y demostró la capacidad de los artistas nacionales para destacar en todos los géneros y categorías.

Los Tres Amigos: Cuarón, Iñárritu y Del Toro se consolidan en la industria

El cine contemporáneo mexicano vivió su época dorada gracias a tres directores que redefinieron el papel de Latinoamérica en Hollywood.

Alfonso Cuarón

• Primer mexicano en ganar el Oscar a Mejor Director por Gravity (2014).
• Ganó nuevamente Mejor Director por Roma (2019).
• Oscar a Mejor Fotografía por Roma (2019).
• Oscar a Mejor Montaje por Gravity (2014).
• Oscar a Mejor Película Internacional por Roma (2019).

Alejandro González Iñárritu

• Ganó el Oscar a Mejor Director por Birdman (2015).
• Ganó el Oscar a Mejor Director por The Revenant (2016).
• Oscar a Mejor Película por Birdman (2015) como productor.
• Oscar especial por Carne y Arena (2018), experiencia en realidad virtual.

Guillermo del Toro

• Ganó el Oscar a Mejor Director por La forma del agua (2018).
• Ganó el Oscar a Mejor Película por La forma del agua (2018) como productor.
• Oscar a Mejor Película Animada por Pinocho (2023).

La influencia de esta “tríada” marcó un cambio de paradigma en la industria y puso a México al frente de la innovación cinematográfica internacional.

Emmanuel Lubezki: el maestro de la fotografía

El talento técnico mexicano alcanzó su máxima expresión con los logros de Emmanuel Lubezki, quien transformó la narrativa visual en el cine mundial. “El Chivo” ganó el Oscar a Mejor Fotografía:

• Tres años consecutivos: Gravity, Birdman y The Revenant.
• Es el único director de fotografía en la historia en lograrlo tres veces seguidas.

En este sentido, la aportación de Lubezki elevó los estándares visuales y consolidó la reputación de México en los apartados técnicos de la Academia.

De esta manera, estos cinco episodios no sólo marcaron la historia de los Oscar, sino que también consolidaron el lugar de México en la narrativa global del séptimo arte.

La trayectoria del talento mexicano en la premiación sigue construyéndose, con cada nuevo año y cada nueva generación de cineastas y artistas.

Las fuerzas del orden del área de Los Ángeles han fortalecido los operativos de vigilancia y seguridad antes de la 98.ª edición de los Premios Oscar, a raíz de la circulación de un boletín del FBI que advertía sobre la posibilidad de un ataque con drones procedente de Irán en territorio californiano, según reprodujo The Hollywood Reporter. El Departamento del Sheriff del condado de Los Ángeles indicó que mantiene altos niveles de preparación y monitoreo, colaborando estrechamente con socios federales y locales para intercambiar recursos y observar el curso del conflicto en Oriente Próximo, analizando cualquier impacto potencial en las comunidades locales. Tal como declaró el propio departamento, la seguridad pública permanece en primer plano, poniendo atención a amenazas potenciales vinculadas a ataques de individuos aislados, células inactivas y riesgos provenientes de la tecnología, incluidos ciberataques.

De acuerdo con la información publicada por ABC News, el FBI difundió un aviso a comienzos de febrero dirigido a los cuerpos de seguridad de California, en el que se indicaba que Irán, ante un eventual ataque estadounidense en su contra, contemplaba la posibilidad de realizar un ataque sorpresa desde una embarcación desconocida cerca de la costa continental de Estados Unidos. El método señalado era el uso de vehículos aéreos no tripulados, y los objetivos no se detallaban más allá de ubicarse en California. El boletín no precisó el momento, los posibles autores ni el método concreto del presunto plan.

La relevancia del aviso se incrementó después de las acciones militares realizadas conjuntamente por Estados Unidos e Israel el 28 de febrero, que, según detalló ABC News, incluyeron ataques contra infraestructuras y personal militar iraní, así como instalaciones nucleares, lo que desembocó en una confrontación militar abierta. Este contexto de conflictividad internacional incentivó el refuerzo de medidas de seguridad para la gala de los Oscar, prevista para el domingo 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

El productor ejecutivo de la retransmisión de los premios, Raj Kapoor, confirmó —en declaraciones recogidas por TheWrap— la adopción de nuevas medidas de protección y la cooperación con las fuerzas de seguridad. Kapoor subrayó que la organización mantiene todos los años un monitoreo estricto del panorama global y que cuentan con la colaboración tanto del FBI como del Departamento de Policía de Los Ángeles (LAPD). El productor señaló que la seguridad y bienestar de quienes participan y asisten al evento forma parte de la responsabilidad principal del equipo a cargo de la ceremonia.

Diversas fuentes oficiales han buscado minimizar la alarma pública causada por la alerta inicial. El gobernador de California, Gavin Newsom, manifestó en su cuenta en X que no existen datos sobre amenazas inminentes contra Estados Unidos y que continúa en coordinación permanente con los encargados de seguridad e inteligencia para supervisar amenazas dirigidas al estado, en especial aquellas vinculadas al conflicto en Oriente Próximo. Newsom reiteró su posición de que no cuenta con información sobre riesgos inmediatos, aunque aseguró que las autoridades estatales se mantienen listas para responder ante cualquier emergencia potencial, dando prioridad a los desafíos relacionados con los drones e incrementando la vigilancia desde que se intensificó la situación en la región.

Por su parte, Los Angeles Times citó fuentes con conocimiento de la alerta del FBI que afirman que, por el momento, no hay indicios confiables que apunten a una amenaza real e inminente. El medio especificó que este tipo de comunicación suele tener un carácter preventivo y no necesariamente corresponde a datos sobre hechos concretos.

En el entorno inmediato de los Oscar, la seguridad ha mostrado un refuerzo moderado: Variety consignó que observadores presentes durante los preparativos para la alfombra roja confirmaron un aumento de las medidas, aunque no resultan excesivamente visibles para el público externo. La Academia, organizadora principal de la ceremonia, optó por no realizar declaraciones al respecto. Según Variety, la agenda prevista se mantiene, incluyendo el ensayo general de la alfombra roja programado para el 12 de marzo, como parte de los últimos detalles antes de la entrega de premios.

Los equipos de seguridad y producción han indicado su compromiso de realizar la gala con la mayor normalidad posible, garantizando la sensación de protección para invitados, personal y grupos de aficionados que se congregan en los alrededores del evento. TheWrap recogió declaraciones adicionales de Raj Kapoor enfatizando el compromiso del equipo: “Como equipo de producción es nuestra responsabilidad asegurarnos de que eso se haga realidad. Es algo que no nos tomamos a la ligera y asumimos una enorme responsabilidad al respecto”.

El operativo para garantizar la seguridad se integra en una tendencia más general de prevención y refuerzo en eventos multitudinarios de alto perfil, en medio del contexto internacional marcado por tensiones y conflictos en Oriente Próximo durante el mes de marzo. Los reportes de los diferentes medios, incluidos The Hollywood Reporter, Los Angeles Times, Variety, ABC News y TheWrap, coinciden en señalar que la organización del evento y las autoridades encargadas de la seguridad están enfocados en evaluar continuamente cualquier señal de riesgo, manteniendo la coordinación institucional y la comunicación con los asistentes y el público general tanto en las inmediaciones como a través de transmisiones.

La propuesta gastronómica de esta edición, a cargo por 32 años consecutivos del célebre chef Wolfgang Puck junto a su hijo Byron, deleitará al millar de invitados con una selección que apuesta por la excelencia del producto y la nostalgia de sus platos más icónicos.

Entre el menú diseñado para la fiesta más importante de Hollywood se encuentra el famoso pastel de pollo, una especialidad de la familia Puck que llegó a conquistar el paladar del príncipe Alberto de Mónaco.

"Vino a los Óscar, comió el pastel de pollo y dijo: 'Vamos a abrir un restaurante en Montecarlo para servir este pastel de pollo'", indicó a EFE Wolfgang Puck.

Desde entonces es uno de los platos que no pueden faltar en la mesa de los Óscar, junto al Wagyu A5, la carne de res japonesa de mayor calidad del mundo y que se contrapone a la tradición para elevar el bocado de la noche.

"Traemos la carne especialmente para los Óscar, para poder compartirla con todo el mundo y mostrar de lo mejor que el mundo tiene para ofrecer", agregó el chef.

Y de lo salado se pasa a lo dulce: las famosas chocolatinas con forma de estatuilla de Óscar bañadas en oro, así como las pirámides de macarons o la variedad de helados de pistacho, avellana o stracciatella completarán una amplia gama de postres que también desfilarán por los pasillos de la fiesta posterior a los Óscar.

El despliegue de semejante festín requiere de una precisión milimétrica que la familia Puck domina con la naturalidad de la experiencia y supone un reto "divertido" que portan más de tres décadas afrontando.

Tras los fogones, un ejército de profesionales que trabaja a contrarreloj para coordinar cada detalle de la cena. "Nunca nos preocupamos porque llevamos tiempo haciéndolo y contamos con un gran equipo que nos respalda", dijo por su parte a EFE Byron Puck.

"Es como una máquina bien aceitada. Y realmente se lo debes a los 150 chefs que están en la cocina esa noche, asegurándose de que 25.000 platos salgan a tiempo", añadió Puck.

Y es que todo el menú se ejecuta en una jornada maratoniana el mismo día de la gala, tras una semana de intensas pruebas en las cocinas del teatro Dolby para asegurar que la excelencia llegue intacta a la mesa.

"Voy a necesitar algo de Ozempic justo después de (comer) esto", bromeó Wolfgang mientras servía una demostración de uno de los platos que, posiblemente, degustarán los paladares de personalidades como el brasileño Wagne Moura o el español Oliver Laxe.

El inesperado intercambio entre George Clooney y Russell Crowe dejó una huella curiosa en la industria del cine. Aunque ambos han recibido un óscar —Crowe por Gladiator de Ridley Scott y Clooney por Syriana de Stephen Gaghan—, nunca han compartido pantalla, pero sí protagonizaron una disputa pública que sorprendió a muchos.

La raíz del conflicto se remonta a una ceremonia de los premios de la British Academy of Film and Television Arts. Allí, Clooney leyó en voz alta un poema escrito por Crowe, provocando risas y comentarios entre los asistentes. Según relató Clooney a Esquire, el australiano no recibió bien la reacción del público y consideró que su colega lo había ridiculizado sin motivo.

Crowe había publicado declaraciones en las que calificaba a Clooney, Harrison Ford y Robert De Niro como “vendidos”. Clooney respondió con ironía, señalando: “Probablemente tenga razón. Y agradecemos que nos lo diga, porque Bob, Harrison y yo pensábamos formar una banda, lo que también sería un mal uso de la fama”.

Clooney aseguró que fue ahí donde Crowe “realmente se enfadó”, lanzándole uno de los insultos que rápidamente llegaría a todos los titulares:

“¿Quién carajo se cree que es este tipo? Es un aspirante a Frank Sinatra".

La tensión se agravó hasta que Clooney decidió escribirle, advirtiendo: “los únicos que salen ganando cuando dos famosos se pelean son los de la revista People. ¿Qué diablos pasa contigo?”.

Durante cerca de un año, la distancia se mantuvo. Sin embargo, la situación cambió cuando ambos coincidieron en la temporada de premios. Crowe, nominado esa vez por Cinderella Man, envió a Clooney un disco con su música y otra muestra de su poesía, minimizando el conflicto y atribuyéndolo a malas interpretaciones en los medios.

“Me pidió perdón por insultarme, algo que efectivamente había hecho. Se había peleado conmigo sin razón alguna”, explicó Clooney. Cabe mencionar que el actor reveló que, aunque no disfruta ver su nombre en los titulares de los tabloides, “es muy divertido” cuando le pasa a otros colegas en la industria.

En menos de un año, la disputa dio paso a una relación cordial. Actualmente, ambos actores mantienen una convivencia respetuosa, dejando atrás aquel episodio de tensión.

El historial de agresiones de Russell Crowe

La discusión entre Crowe y Clooney es probablemente el altercado más sonado que el australiano ha tenido. No obstante, está lejos de ser un caso aislado. A lo largo de su carrera, Russell ha protagonizado varios momentos con otros miembros de la industria del entretenimiento que, de hecho, escalaron hasta los golpes.

Uno de los primeros incidentes se remonta a 1988, durante la puesta en escena del musical “Blood Brothers” en Sídney. En esa ocasión, Crowe mantuvo una acalorada discusión con su compañero Peter Cousens en los camarines, la cual terminó con Crowe propinándole un cabezazo.

Catorce años después, en 2002, Crowe tuvo un enfrentamiento con Eric Watson, empresario neozelandés y propietario del equipo de rugby New Zealand Warriors. El incidente ocurrió en un restaurante de Londres tras una discusión, y solo la intervención del actor Ross Kemp evitó que la situación escalara. Ese mismo año, Crowe discutió fuertemente con Malcolm Gerrie, productor de los premios BAFTA, después de que este recortara parte de su discurso de agradecimiento. El actor ofreció disculpas públicas posteriormente.

En octubre de 2016, la cantante Azealia Banks acusó a Crowe de haberla agredido y escupido durante una fiesta privada en un hotel de Beverly Hills. Sin embargo, testigos afirmaron que Banks fue expulsada tras amenazar a otros invitados, y la policía desestimó la denuncia.

En medio del ciclo de homenajes a figuras destacadas que han fallecido en el último año, Barbra Streisand se encuentra en negociaciones con la Academia de cine de Hollywood para presentarse durante la próxima ceremonia de los premios Óscar, programada para el 15 de marzo en Los Ángeles, Estados Unidos. De acuerdo con la información publicada por la revista Variety, la posible actuación se plantea como un tributo a la memoria de Redford durante el segmento tradicional ‘In Memoriam’, el espacio que la Academia reserva cada año para recordar a los profesionales de la industria cinematográfica que han fallecido en los doce meses anteriores.

La relación artística entre Streisand y Redford tuvo uno de sus momentos más emblemáticos en la película “Tal como éramos” (“The Way We Were”, 1973), una producción que marcó la historia del cine y se consolidó como un hito en la carrera de ambos intérpretes. El filme obtuvo el premio Óscar a la mejor canción original, precisamente por el tema homónimo interpretado por Streisand, lo que incrementó la resonancia emocional del dúo en la cultura popular y en la historia de la Academia.

Variety explicó que, hasta el momento, la Academia no ha confirmado si la presentación de Streisand se llevará a cabo en solitario o si implicará la participación de otros artistas. Tampoco se han develado detalles vinculados al repertorio musical o al desarrollo escénico de la actuación especial. La revista especializada sugirió que la presencia de Streisand en la edición 2024 de la gala representaría la recuperación de una conexión simbólica con la historia de los premios y la celebración de una de las colaboraciones actorales y musicales más recordadas del séptimo arte.

Barbra Streisand ya tuvo una participación destacada durante la ceremonia de los Óscar en 2013, en la que interpretó nuevamente “The Way We Were” en el segmento ‘In Memoriam’ como homenaje al compositor Marvin Hamlisch, quien había trabajado en la música de la mencionada película. Según EFE, esa actuación recibió una amplia cobertura y reacciones del público, fortaleciendo su vínculo con el evento y consolidando su figura como una de las voces más emblemáticas en la historia de estos reconocimientos.

Robert Redford, cuya muerte generó numerosas expresiones de admiración y respeto en la industria, ha sido recordado tanto por su labor como actor y director como por su contribución significativa al desarrollo del cine independiente en Estados Unidos, especialmente a través del festival de Sundance. La selección de Streisand para rendirle tributo durante la gala señalada subraya la importancia de su legado y la huella permanente que dejó en el cine.

La posibilidad de que Streisand regrese al escenario de los Óscar para homenajear a Redford atrae la atención de la industria del entretenimiento y de los seguidores de ambos artistas. EFE indicó que la decisión definitiva sobre el formato de la presentación todavía depende de las negociaciones abiertas entre la cantante y la Academia. El interés en que la intérprete participe en el evento se vincula tanto a la relevancia de su trayectoria como a la relación artística y personal que la unió a Redford durante décadas.

Así comenzó su experiencia bajo la dirección de Mary Bronstein, una experiencia que, según relató en el programa de noticias estadounidense CBS Sunday Morning, difundido a través de YouTube, la dejó sin aliento gracias a la mezcla de comedia negra, horror y un trasfondo existencial.

Tras leer el texto, se lo entregó a su esposo Bobby. Él tuvo una impresión inmediata: “Mary Bronstein tiene algo que decir, deberías hablar con ella”. Aquella conversación resultó decisiva. “La directora me contó su propia historia; su hija estuvo enferma y esa vivencia personal dio forma al relato”, indicó la actriz.

Destacó que la colaboración fue especial: “Tuvimos el privilegio de un periodo de ensayos de cinco o seis semanas. Me recibía en su casa y, sentadas en la mesa de la cocina, repasábamos cada línea del guion. Compartíamos historias y analizábamos cada detalle del personaje”.

Proceso creativo con Mary Bronstein

El trabajo con Bronstein se distinguió por la honestidad. “Ella fue muy abierta conmigo sobre lo que vivió”, recordó la actriz en la entrevista con CBS Sunday Morning. “Yo tenía muchas preguntas sobre mi personaje, porque apenas se sabe nada sobre su pasado”, agregó.

En ese sentido, definir la hostilidad innata de la protagonista y sus reacciones ante la crisis fue parte central del proceso. “Sin esos ensayos, habría estado totalmente a la deriva”, aseguró. La rapidez del rodaje, que duró solo 25 o 26 días, obligó a preparar todas las conversaciones previas antes de llegar al set.

La experiencia la absorbió por completo y le provocó una descarga de adrenalina tras cada día de filmación. “Al llegar a casa, mis hijos pequeños me devolvían al presente, a la rutina familiar. Ellos son tierra firme: no muestran mayor interés por mis días de rodaje y me ayudan a volver a mi rol de madre en cuanto cruzo la puerta”, manifestó.

Transición entre comedia y drama

La actriz alternó papeles serios y comedias arriesgadas a lo largo de su carrera. Tras participar en Daños, reconoció: “Sentí que me empezaban a encasillar como actriz seria, por eso busqué de forma deliberada oportunidades en comedia”, señaló en CBS Sunday Morning.

El salto a la comedia llegó con Damas en guerra, donde el éxito fue inesperado. “Nunca imaginé que nos preguntarían tantas veces si las mujeres podían ser graciosas”, reflexionó.

Y recordó que Maya Rudolph decía: “No somos un grupo de delfines, no sé por qué es tan sorprendente”.

En su trabajo en Buenos vecinos, se ocupó desde el principio de evitar que su personaje femenino fuera solo un estereotipo. “Formábamos una pareja cómica junto a Seth Rogen. Entendimos de inmediato la importancia de ser un equipo; esa química no es fácil de lograr”, remarcó.

Actualmente, la actriz disfruta de poder unir ambos mundos: “Me atraen las interpretaciones que combinan la gravedad y el humor oscuro. En Legs hay momentos de comedia en medio de la tensión, que dan al público instantes necesarios de respiro”.

Colaboración y redes profesionales

El apoyo y la colaboración resultaron esenciales en su carrera y vida privada. Las primeras oportunidades le llegaron gracias a la generosidad de actores como Heath Ledger: “Me presentó a agentes de casting, me abrió puertas y facilitó mi camino al inicio”.

Además, Rose Byrne subrayó la relevancia de la relación con su esposo, Bobby, quien es su primer consultor y apoyo en las decisiones profesionales. “Contar con alguien que también es actor permite tener una perspectiva creativa y una conversación honesta sobre los proyectos”, resaltó.

En ese sentido, las diferencias entre ambos aportaron riqueza a la dinámica familiar y profesional. “Compartimos el amor por el teatro y valoramos los debates creativos, incluso cuando no estamos de acuerdo”, aportó.

También, expresó su admiración hacia sus compañeros de reparto y se detuvo sobre su paso por la televisión junto a Glenn Close: “Trabajar con una actriz tan disciplinada me enseñó muchísima disciplina”.

Equilibrio entre vida personal y carrera

La maternidad provocó un cambio importante. “La crianza transforma tus prioridades. Es mucho más sencillo decir ‘no’ a proyectos que no encajan con tu vida familiar”, aseguró.

Reconoció que mantener el equilibrio exigía contar con una comunidad de apoyo: “Amigos, vecinos, familia; todos forman parte de esa red que te permite compaginar ambas facetas”.

En tanto, no dudó en admitir sus errores ni la necesidad de aceptar que no todo se puede controlar. “Dije que no a muchas cosas, y otras veces me arrepiento de ciertas decisiones. Como cualquier otra persona, sigo aprendiendo a balancear trabajo y familia”, relató.

Esta actitud la mantuvo con los pies en la tierra: “Mis hijos son los que me anclan a la realidad. Celebran mis éxitos, pero también me ayudan a relativizarlos. Los reconocimientos, como la nominación al Oscar, se viven con alegría, pero en casa todo vuelve pronto a la normalidad”.

Perspectiva sobre premios en Hollywood

La actriz reconoció el atractivo de los grandes premios, sin perder el sentido de realidad. “Soñar con el Oscar forma parte de la fantasía desde la infancia. Hay una magia alrededor de esos premios”, compartió en la conversación con CBS Sunday Morning. Y añadió: “Pero también sé que es importante disfrutar el momento y mantener la perspectiva”.

“Ahora que tengo familia y pasé por distintas etapas, valoro todo con distancia. Es fácil sentirse abrumada cuando eres joven, pero la madurez ayuda a comprender mejor la naturaleza impredecible del éxito”, reflexionó.

Al repasar la última temporada de premios, la actriz subrayó que lo más importante fue la autenticidad de la película, el trabajo compartido con el equipo y la dirección de Bronstein.

El mayor impacto, sostuvo, residió en haber aportado su voz a una película íntima, guiada por la realidad y la pasión de Mary Bronstein.

Para la actriz, experimentar cómo una obra pequeña logra trascender sin grandes campañas mediáticas fue algo que compartió con la directora, destacando su entrega y visión en esta historia.

Los domingos, de Alauda Ruiz de Azúa, sobre la vocación religiosa de una adolescente, y la búsqueda desesperada de respuestas de un padre en Sirât, de Oliver Laxe, parten como favoritos para inscribir su nombre en buena parte de las estatuillas de los Premios de la Academia de Cine de España, “los Goya”.

La representación argentina cuenta con Belén, la película de Dolores Fonzi, nominada a “mejor película extranjera”, y Juan Minujin, del elenco de Los domingos, candidato en la categoría “mejor actor de reparto”.

A continuación, las claves de la 40ª edición que se desarrolla este sábado en el Edificio Forum de Barcelona.

Las favoritas

Los domingos y Ruiz de Azúa, quien ya sabe lo que es tener un Goya a su nombre gracias a su exitoso debut tras las cámaras en 2022 con Cinco lobitos, busca coronar una temporada perfecta que arrancó con la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián. Es la clara favorita con 13 candidaturas, incluyendo la de mejor película y mejor dirección.

Laxe y Sirât, que con 11 nominaciones es una de las cintas que más ha dado que hablar en el año cinematográfico en España, le plantarán cara en la pugna por los dos grandes premios de la noche. Las miras del director gallego están puestas también al otro lado del Atlántico, ya que opta al Oscar a mejor película internacional.

Maspalomas, donde José Mari Goenaga y Aitor Arregi narran la decisión de Vicente de reprimir su homosexualidad en su regreso forzado a su ciudad natal; el relato en clave de comedia que hace Manuel Gómez Pereira del festín ordenado por el dictador Francisco Franco en los últimos compases de la guerra civil española en La cena, y Sorda, que explora la vivencia de una madre primeriza con problemas de audición, de Eva Libertad, aspiran también al Goya a mejor película.

Ruíz de Azúa, Laxe y Goenaga y Arregi competirán por el galardón a mejor dirección con Carla Simón, que recoge el viaje de una hija para conocer más de la vida de sus padres, muertos por sida, en Romería, y Albert Serra, que firma el documental sobre tauromaquia Tardes de soledad.

‘Sirât’, en carrera por el Oscar

La gala de Barcelona es una parada más en la intensa gira internacional de Laxe con su cinta, que en poco más de dos meses habrá pasado dos solicitudes cruciales en Hollywood.

Tras estrenarse con el premio del jurado en el Festival de Cannes, Laxe regresó con las manos vacías de los Globos de Oro, donde competía por los premios de película en lengua no inglesa y banda sonora. Su revancha ante el público estadounidense podría llegar el 15 de marzo a los Oscar.

Sus rivales por el galardón a mejor largometraje internacional son la brasileña O Agente Secreto (El agente secreto); las europeas Yek tasadef sadeh (Un simple accidente; Francia) y Sentimental Value (Valor Sentimental; Noruega) —que también aspiran al Goya en esta edición—, y la tunecina Sawt Hind Rajab (La voz de Hind Rajab).

Y las sonidistas Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Pradera, candidatas a un Goya el sábado, podrían redondear su año con un Oscar por su trabajo en la cinta que arranca en una rave en Marruecos antes de convertirse en un reflejo del accidentado periplo de su protagonista en busca de su hija por las montañas del desértico país del norte de áfrica.

Actores y actrices

Gran parte de las alegrías de la austera Los domingos en estos Goya recayeron en las categorías actorales para las que fueron nominados varios miembros de su elenco.

Blanca Soroa, que encarna a Ainara, la joven protagonista que lidia con su vocación religiosa en Los domingos, podría llevarse el Goya a actriz revelación. Enfrente tendrá a Miriam Garlo, la primera actriz con discapacidad auditiva nominada a los galardones por Sorda; Nora Hernández de La cena, Elvira Lara de Los Tortuga y Llúcia García de Romería.

La actuación de Soroa se sustenta en la de dos veteranos, Patricia López Arnáiz y Miguel Garcés, que ejercen de tía y padre y que también podrían lograr una recompensa por sus papeles protagónicos.

Para ganar su segundo Goya, López Arnáiz tendrá que superar a Antonia Zegers (Los Tortuga), Nora Navas (Mi amiga Eva), Susana Abaitua (Un fantasma en la batalla) y ángela Cervantes (La furia).

Miguel Garcés, por su parte, compite con José Ramón Soroiz, quien abandonó momentáneamente su retiro para encarnar al protagonista de Maspalomas, Alberto San Juan (La cena), Mario Casas (Muy lejos) y Manolo Solo (Una quinta portuguesa).

Juan Minujín y Nagore Aramburu aspiran a su primer Goya como actores secundarios. El argentino, que se crio en México, opta a su primer Goya frente a Miguel Rellán (El cautivo), Kandido Uranga (Maspalomas), Tamar Novas (Rondallas) y Álvaro Cervantes (Sorda). Aramburu, por su parte, compite con Elvira Mínguez (La cena), Miryam Gallego (Romería), Elena Irureta (Sorda) y María de Medeiros (Una quinta portuguesa).

Julio Peña, que se pone en la piel del escritor Miguel de Cervantes en El cautivo, una superproducción de Alejandro Amenábar; Antonio Fernández Gabarre (Ciudad sin sueño), Hugo Welzel (Enemigos), Jan Monter Palau (Estrany riu) y Mitch (Romería) están nominados a actor revelación.

Cine iberoamericano

Los Goya cumplen con su mirada anual a la producción cinematográfica iberoamericana destacando la película argentina Belén, en la que Dolores Fonzi revive la historia real de una joven acusada falsamente de un aborto ilegal; La misteriosa mirada del Flamenco, de Diego Céspedes (Chile), un western moderno ambientado en la década de los 80 donde la protagonista crece en el seno de una familia queer a la que culpan de tener una misteriosa enfermedad y La piel del agua de Patricia Velásquez (Costa Rica), que sigue a una chica obligada a vivir con un padre con quien apenas tiene relación cuando su madre cae en coma.

La terna la completan la brasileña Manas, en la que Marianna Brennand aborda el abuso infantil en la Isla de Marajó, en la selva brasileña, y Un poeta (Colombia), de Simón Mesa Soto, sobre la historia de óscar Restrepo, un poeta fracasado que encuentra un nuevo propósito en servir de guía a una joven promesa de la escritura.

Con el Goya garantizado

Inmunes a las quinielas en torno a quiénes se llevarán los 28 Goya en juego, dos personas tienen garantizado el éxito el sábado: la actriz y productora estadounidense Susan Sarandon y el cineasta, novelista y periodista español Gonzalo Suárez.

Sarandon, de 79 años y que participó en películas como Thelma & Louise o Dead Man Walking (Pena de muerte), por la que ganó un Oscar, recibirá el quinto Goya Internacional de la Academia por su “filmografía extraordinaria, con interpretaciones inolvidables en obras maestras y también en películas que forman parte de la cultura popular; y su valiente compromiso político y social”.

Suárez, de 91 años, recibirá el Goya de Honor en reconocimiento a sus sesenta años de carrera, con más de 20 largometrajes y marcado por la mezcla de géneros y la búsqueda de la libertad creativa.

La fiesta del cine… en Barcelona

Siguiendo el espíritu itinerante de los últimos años, la Academia ha elegido Barcelona para celebrar su 40 aniversario. La ciudad mediterránea fue la primera en recibirlos en su primera salida fuera de Madrid, su sede habitual, en el año 2000.

El actor Luis Tosar y la cantante Rigoberta Bandini serán los encargados de conducir una gala que se prevé larga. Varias actuaciones musicales se intercalarán con los discursos de los premiados.

El director J.A. Bayona y los actores Rossy de Palma, Paco León o Karla Sofía Gascón, entre otros, participarán en la entrega de los “cabezones”, como se conoce popularmente a los pesados ​​bustos del pintor Francisco de Goya, que da nombre a los galardones.

Fuente: AP

El largometraje ‘Sirat’, dirigido por Oliver Laxe, figura entre las producciones con más nominaciones en los inminentes Premios Goya, donde compite en once categorías distintas y parte como una de las principales contendientes junto a ‘Los Domingos’, que suma trece nominaciones. Además, la película mantiene su presencia en la carrera internacional con opciones en los Oscar 2026, donde está nominada en las categorías de mejor película internacional y mejor sonido, según consignó el medio que reporta los recientes movimientos de la cinta en circuitos internacionales.

De acuerdo con la información publicada, ‘Sirat’ se quedó fuera del palmarés en los premios Bafta a la mejor película de habla no inglesa, reconocimiento que obtuvo finalmente la producción noruega ‘Valor sentimental’, bajo la dirección de Joachim Trier. En la más reciente edición de estos premios, la película ‘Una batalla tras otra’ resultó ser la gran ganadora con seis galardones, entre ellos los de mejor película y mejor director, otorgado a Paul Thomas Anderson. Además, el premio a la mejor película británica recayó en ‘Hamnet’, ampliando así la variedad de títulos distinguidos por la academia británica.

Según reportó el medio de origen, la trayectoria internacional de ‘Sirat’ también enfrentó obstáculos en el circuito europeo. En la anterior edición de los Premios de Cine Europeo celebrada en enero, la cinta de Oliver Laxe no obtuvo ninguno de los cuatro premios principales a los que aspiraba. Sin embargo, sí fue reconocida en el apartado técnico al lograr cinco galardones en esas categorías. Durante la misma gala, la cinta ‘Valor sentimental’ volvió a destacar, adjudicándose los premios a mejor película y mejor director, consolidando su posición en el panorama europeo.

En los recientes Globos de Oro, el film de Laxe tampoco logró premios. El reconocimiento a la mejor película de habla no inglesa fue para la brasileña ‘El agente secreto’, que se alzó como la ganadora en esta categoría. Este resultado prolonga la ausencia de distinciones internacionales principales para la producción española en lo que va de la temporada de premios, según detalló el medio citado.

Dentro de España, la próxima cita relevante para ‘Sirat’ será la gala de los Premios Goya, que este año se celebrarán el 28 de febrero en Barcelona, ciudad que acoge el evento tras veinticinco años desde la última vez que se realizó allí. El medio informó que ‘Sirat’ competirá en un total de once categorías, situándose solo por detrás de ‘Los Domingos’ en número de nominaciones. Entre las categorías a las que aspira la película de Oliver Laxe figuran algunas de las más destacadas del cine español, lo que reafirma su presencia y valoración en la industria nacional.

La carrera de ‘Sirat’ continúa en el ámbito internacional a pesar de los recientes resultados en los Bafta y los Globos de Oro, manteniendo opciones en competiciones futuras como los Oscar 2026, programados para el 15 de marzo. Su presencia en las categorías de mejor película internacional y mejor sonido en estos premios estadounidenses subraya el recorrido que el film intenta consolidar fuera de las fronteras españolas.

El medio añadió que, aunque la película no ha conseguido los mayores premios internacionales hasta el momento, su éxito técnico en los galardones europeos y la acumulación de nominaciones en los premios nacionales refuerzan su perfil dentro de la cinematografía de la temporada. A pesar de la fuerte competencia, ‘Sirat’ se perfila como una de las producciones españolas con mayor proyección tanto en el ámbito nacional como en el extranjero, cerrando una etapa marcada por reconocimientos y expectativas de cara a las próximas galas.

De acuerdo con EFE, Adrien Brody y Mikey Madison también estarán a cargo de la entrega de premios durante la ceremonia. Brody destacó en la edición anterior por alzarse con el reconocimiento a mejor actor por su interpretación en “The Brutalist”, dirigida por Brady Corbet. Madison, en tanto, obtuvo el premio a mejor actriz por su papel en “Anora”, filme dirigido por Sean Baker. El medio detalló que estas confirmaciones se suman a la lista de figuras que ya integran el evento, aunque la Academia de Hollywood adelantó que nuevos nombres se sumarán en semanas próximas.

La gala será conducida nuevamente por Conan O’Brien, quien asume esta función por segundo año consecutivo. Según EFE, la ceremonia podrá seguirse en directo a través de la cadena ABC y por la plataforma Hulu. La transmisión está prevista para el tercer domingo de marzo, desde las 16:00 hora local en Los Ángeles (00:00 GMT del día siguiente).

En cuanto a las películas nominadas, el medio EFE reportó que “Sinners” obtuvo 16 nominaciones, estableciendo un nuevo récord en la historia de los premios Óscar. Esta cifra coloca a la producción al frente de todas las candidatas de la edición 98. La sigue “One Battle After Another”, que aspira a 13 galardones en distintas categorías.

La representación internacional gana protagonismo en esta edición, según consignó EFE, con títulos como “O Agente Secreto”, candidatura que incluye mejor actor para Wagner Moura, mejor película y mejor película internacional. Además, la obra española “Sirat” fue postulada en dos categorías relevantes: mejor película internacional y mejor sonido.

La organización de la gala, liderada por Raj Kapoor y Katy Mullan, anticipó que continuarán sumando figuras destacadas como presentadores a medida que se acerque la fecha de la ceremonia. El Teatro Dolby, sede habitual de los premios, será nuevamente el entorno donde se reúnan artistas, cineastas y profesionales de la industria del cine internacional.

Los premios, organizados por la Academia de Hollywood, buscan reconocer la excelencia en distintas áreas de la producción cinematográfica. La transmisión por televisión y plataformas digitales amplía el alcance global del evento, que despierta expectativa tanto por la competencia entre películas como por la reaparición de ganadores y nominados en el escenario. Según detalló EFE, el evento planea fusionar novedades en su formato con la participación de figuras consagradas y un creciente número de talentos del ámbito internacional.

En la última premiación, la presencia de Brody, Saldaña, Culkin y Madison no solo estuvo marcada por sus galardones, sino que también subrayó el peso de sus interpretaciones en las películas destacadas de la temporada. Ahora, su retorno como presentadores refuerza la continuidad de una tradición en la que antiguos ganadores o candidatos vuelven a involucrarse desde otros roles dentro de la ceremonia, según subrayó EFE en su reporte.

El evento también pone en el centro a las producciones de distintos países, como es el caso de la nominación de Wagner Moura y “Sirat”, lo que, de acuerdo con EFE, refuerza el carácter global de la competencia. La expectativa que suscita la edición número 98 se encuentra alimentada tanto por los récords de nominaciones como por la diversidad de representantes y obras en competencia.

La esposa de Robert Duvall informó que la familia no organizará ningún acto fúnebre tradicional para despedir al actor. Según explicó Luciana Duvall en el comunicado difundido el lunes 16 de febrero a través de la red social Facebook, la familia invita a quienes deseen homenajear la memoria del intérprete a hacerlo “de una manera que refleje la vida que vivió: viendo una gran película, contando una buena historia alrededor de una mesa con amigos, o dando un paseo por el campo para apreciar la belleza del mundo”. Con esta propuesta, la familia subraya el legado cultural vinculado a la trayectoria del artista estadounidense, que falleció a los 95 años en su hogar de Middleburg, Virginia, rodeado de sus seres queridos.

Según reportó el medio, Duvall ganó el premio Óscar por su actuación en la película “Gracias y favores” y fue postulado al galardón en otras ocasiones, entre ellas por sus interpretaciones en “El padrino”, “Apocalypse Now” y “El gran Santini”. A lo largo de su carrera, participó en múltiples producciones cinematográficas y televisivas, consolidando una figura reconocida tanto en Hollywood como a nivel internacional. El medio detalló que Duvall fue conocido por interpretar personajes emblemáticos, especialmente el papel de Tom Hagen en “El padrino”, que le valió elogios de la crítica y del público.

Durante décadas, Robert Duvall se mantuvo activo en la industria del cine, cultivando una reputación por la profundidad y versatilidad de sus interpretaciones. Además de la estatuilla de la Academia, su trabajo le otorgó numerosos reconocimientos y nominaciones en distintos festivales y premios especializados. Entre sus colaboraciones más recordadas, el medio mencionó su participación en las epopeyas cinematográficas “Apocalypse Now”, dirigida por Francis Ford Coppola, y “El gran Santini”, donde abordó roles de gran complejidad.

El fallecimiento de Duvall se produjo en un contexto íntimo, de acuerdo con su familia, que en el comunicado recalcó la tranquilidad y cercanía de sus últimos momentos. La decisión de omitir una ceremonia pública responde a la filosofía personal del actor y de sus allegados, orientada a celebrar la vida a través de gestos cotidianos y el aprecio por el arte y la naturaleza, lejos de formalidades y homenajes convencionales.

El impacto de Duvall en el cine estadounidense trasciende su trabajo en la pantalla, según recogió el medio, no solo por la longevidad de su carrera, sino también por la impronta de sus personajes en la cultura popular. Su legado permanece no solo en premiaciones y galardones, sino en la memoria de espectadores y colegas que reconocen su aportación significativa a la historia del cine. A lo largo de los años, participó junto a directores de renombre y formó parte de historias que marcaron a generaciones enteras.

La familia recordó a la comunidad de seguidores, amigos y compañeros que el mejor homenaje a Duvall consiste en rememorar las vivencias y pasiones que compartió, como la amistad, el cine y el contacto con la naturaleza. Tal como expresó Luciana Duvall, el recuerdo del actor vivirá en cada conversación, película revisitada o caminata en el entorno natural, donde él encontró inspiración y sosiego durante su vida.

Entre los logros destacados de su carrera se encuentran, además del Óscar, múltiples nominaciones a los Globos de Oro, los premios BAFTA y otros reconocimientos de críticos y festivales internacionales. Según detalló el medio, su influencia se extiende más allá de los papeles principales, con aportaciones relevantes en el teatro y la televisión, lo que consolidó su presencia como figura versátil y referencial.

El fallecimiento de Robert Duvall cierra un capítulo amplio en la cinematografía contemporánea, marcada tanto por éxitos de taquilla como por interpretaciones consideradas referentes dentro de la actuación. De acuerdo con lo difundido por la familia y las fuentes consultadas, su legado persistirá a través de las diferentes formas en que quienes lo admiraron elijan recordarlo y celebrar su vida.

La jornada en el Hotel Beverly Hilton de Beverly Hills reunió a más de 200 nominados para el tradicional almuerzo de candidatos al Óscar, evento destacado por EFE. La película 'Sinners', encabezada por Michael J. Fox y Ryan Coogler, se presentó como la gran protagonista, acumulando 16 nominaciones y estableciendo un nuevo récord histórico en la Academia. Fox y Coogler, junto a Wunmi Mosaku, figura entre los nombres más aplaudidos al ser invitados al escenario para la icónica fotografía grupal previa a la gala del 15 de marzo en Los Ángeles.

Durante la ceremonia, Del Toro irrumpió el protocolo cuando, justo antes de la fotografía, gritó "¡Tamales!" ante el auditorio, gesto que provocó risas y alivió la formalidad del momento entre los asistentes, según reportó EFE. Los organizadores también destacaron la efusividad generada por la presencia de figuras habituales en los premios, como Steven Spielberg, Emma Stone y Leonardo DiCaprio, involucrados en distintas producciones reconocidas este año, como 'Hamnet', 'Bugonia' y 'One Battle After Another'.

El ambiente de festiva camaradería se reflejó también en los reencuentros espontáneos. Jessie Buckley, favorita en la competencia de mejor actriz por 'Hamnet', y Amy Mulligan, nominada a mejor actriz de reparto por 'Weapons', escenificaron uno de los momentos más alegres entre las mesas, compartiendo abrazos y declaraciones de afecto por su trabajo. Diane Warren, compositora que alcanza en esta edición su nominación número 17, resumió el clima imperante al declarar a EFE: "Todos somos ganadores... hasta que sean los Óscar y no todos lo seamos".

La delegación española tuvo presencia destacada gracias a Oliver Laxe, nominado con 'Sirat' en la categoría de mejor película internacional. Laxe tomó la oportunidad para conversar con actores reconocidos como Timothée Chalamet y Jacob Elordi, quienes se dejaron ver en el centro de la atención mediática por encarnar papeles claves en 'Marty Supreme' y 'Frankenstein', respectivamente. Chalamet compartió con EFE su alegría por asistir al evento por primera vez, después de que en la edición pasada no pudiese estar presente debido a compromisos profesionales, mientras Elordi se definió como muy relajado ante el bullicio del encuentro de este año.

Benicio del Toro, candidato como mejor actor de reparto por 'One Battle After Another', conversó con EFE sobre el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl, en donde Bad Bunny, compatriota suyo, actuó para millones de espectadores. Del Toro manifestó la emoción que le produjo el show y reafirmó su compromiso de representar a Puerto Rico en cada una de sus apariciones públicas.

El cine brasileño también tuvo representación con el director Kleber de Mendonça Filho, nominado por 'O Agente Secreto', quien definió el encuentro como un espacio cargado de energía y relató su entusiasmo por coincidir con Spielberg, según relató EFE. Wagner Moura, el primer intérprete brasileño en recibir una nominación como mejor actor, relató a EFE su emoción por representar a Brasil ante la comunidad audiovisual internacional.

Durante el almuerzo, la presidenta de la Academia de Hollywood, Lynette Howell Taylor, se dirigió a los nominados para recordarles conductas a seguir durante la gala, entre ellas la importancia de preparar discursos auténticos y no prolongar los agradecimientos más allá de los 45 segundos recomendados. También pidió evitar el uso de teléfonos en el escenario durante el evento.

La edición número 98 de los Óscar se celebrará el 15 de marzo en el Teatro Dolby de Los Ángeles. De acuerdo con EFE, la película 'Sinners' parte con ventaja histórica, al alcanzar las 16 nominaciones, seguida de 'One Battle After Another' que compite por 13 estatuillas. La amplia acogida a sus protagonistas y la diversidad de talentos internacionales marcan un año especialmente plural en el tradicional almuerzo de nominados, anticipando una ceremonia donde compiten tanto veteranos de la industria como nuevos referentes internacionales del cine.

Arco es una película animada de ciencia ficción estrenada en 2025, escrita por Ugo Bienvenu y Félix de Givry, dirigida por Ugo Bienvenu y Gilles Cazaux y coproducida por Natalie Portman. La historia sigue a Arco, un niño de diez años que vive en el año 2932 y que, por un accidente, viaja al año 2075. Allí conoce a Iris, una niña de su misma edad que lo ayuda a intentar regresar al futuro después de que su dispositivo de viaje en el tiempo se rompe, mientras ambos son perseguidos por tres conspiracionistas empeñados en demostrar que Arco viene del futuro. La película se presentó en una proyección especial en el Festival de Cannes y fue nominada a importantes premios como los Oscar, los Globos de Oro y los Critics’ Choice Awards.

El proyecto se desarrolló de una forma poco convencional, ya que Bienvenu construyó la película a partir de dibujos e ideas visuales antes de contar con un guion completo. Tras varios años de trabajo en storyboards y un animatic financiado de manera independiente, el equipo logró asegurar apoyo económico y completar la producción en poco más de un año. Arco se define como una historia optimista y colorida que transmite un mensaje de esperanza y ternura, usando el viaje en el tiempo como metáfora de un futuro mejor para la humanidad. Según su director, la película busca ser “un gran abrazo” y un recordatorio de la importancia de creer en un mañana más luminoso.

Te invitamos a ver nuestra entrevista con Ugo Bienvenu en video, o a leer una transcripción.

—Felicitaciones y también por las nominaciones. En primer lugar, quería preguntarte, porque hoy en día tenemos tantas películas animadas y son… Uhm, utilizan una tecnología increíble y muy cara, y aquí tenemos una animación mucho más sencilla… Y quería preguntarte, ¿por qué sentiste que esta era la mejor manera de contar esta historia?

Ugo Bienvenu: —Porque, de hecho, para mí, uhm… No hay tanta magia en el 3D como en el 2D. Como has dicho, hay mucha técnica y aspectos tecnológicos en… La nueva industria de la animación. Y, de hecho, creo que con tanta tecnología perdemos la esencia de lo que nos hace humanos. Y, para mí, lo que nos hace humanos no es… La perfección. Lo que reconocemos en nosotros no es la perfección y… Y también lo que suelo decir es que… Uhm, que el dibujo me enseñó que, uhm… Uhm, lo que nos hace ser lo que somos es la calidad de nuestros errores. No son nuestros logros, de hecho… Los seres humanos no logramos tantas cosas, ya sabes, nunca hacemos todo perfecto.

Así que nosotros… Por ejemplo, siempre prefiero los errores humanos a los errores informáticos. Y cuando trabajas en 3D, siempre estás limitado por la máquina y no por ti, ya sabes, y para mí los límites de los seres humanos son mucho más interesantes que los límites del 3D. Y también, como… Sí, se trata de magia y, para mí, las películas que más me gustan, son las películas en 2D. Y, además, yo mismo soy diseñador gráfico y quería que la película se viera exactamente como mis dibujos, así que para mí era normal que fuera así… Ni siquiera me lo pregunté.

—Claro, fue una elección natural, claramente. Uhm, así que también quería hablar de la historia y, en particular, de la fuerte conexión entre los dos personajes, entre los dos niños. ¿Qué era tan importante mostrar sobre esta conexión en particular?

Ugo Bienvenu: —Siento que nos estamos adentrando en un mundo de indiferencia. Y quería mostrar en esta película que lo que nos hace humanos y lo que hace que la vida sea más hermosa es… Compartir esta vida juntos y el tiempo y el espacio juntos. Y, sí, la película se trata sobre… Uhm, lo que nos hace humanos, lo que… Lo que hace que la vida sea más bella y creo que es el amor y la amistad, y parece estúpido… Puede parecer estúpido, pero hoy en día creo que es importante volver a decirlo.

—Completamente. Sí, no está de más. Y entiendo que eres padre y, uhm… Y estabas pasando por este proceso y rodando esta película. Así que quería preguntarte si esto cambió tu perspectiva de alguna forma.

Ugo Bienvenu: —Quería tener hijos antes de empezar la película y tuve mi primer hijo un año después de empezar y… Mi segundo hijo, seis meses antes de terminarla. De hecho, no cambió mucho lo que quería hacer, pero, uhm… Y cómo lo hice, porque cuando empecé la película, era, como… Uhm, cuando era niño, pensaba que nadie respetaba al adulto que había en mí cuando era niño. Y ahora que soy adulto, siento que mi niño interior no es respetado, ya sabes, en cierto modo. Así que intenté hacer las películas, esta película, para toda familia y, ya sabes, estas… Estas cuatro personas, los niños que son adultos y los adultos que son niños. Pero desde el principio supe que quería hacer una película para mis hijos, tal vez, y para los niños… De todo el mundo. Para darles un poco de esperanza en un mundo, en el mundo en el que están viviendo, ¿sabes? Y porque el mundo es duro y quería darles ternura y esperanza. Quería darle un abrazo a todo el mundo.

—Bueno, sí, sin duda es un verdadero consuelo y… Y así es como se siente, así que… Así que, de nuevo, felicitaciones. Y también quiero hablar de… El aspecto, como, futurista de la película sobre las casas, las cúpulas y… ¿Cómo...? Quiero decir, ¿cómo quisiste mostrar todo eso? ¿Cuándo decidiste hacerlo? ¿O quizá fue un proceso realmente largo?

Ugo Bienvenu: —De hecho, llevo trabajando en ciencia ficción desde hace más de 10 años. Entre 10 y 15 años… Uhm, el mundo de Iris para mí, ya aparece en mucho de mi trabajo, y para mí no es un futuro… Ni siquiera es futuro. Es nuestro mundo. Solo lo hago un poco más atrevido, ya sabes, yo solo le pongo esteroides a las cosas. Uhm, Mikki solo está encarnando a la IA. Nuestras sesiones de Zoom se convierten en sesiones holográficas, pero, de hecho, ya estamos en el mundo de Iris. Solo hago las cosas más grandes para que puedas ver los problemas y lo que estamos pasando. Los incendios, ya sabes, todo el… Aspecto climático de la película, ya está aquí. Yo no... No añadí nada.

También porque quería decirles a los niños y a los padres que… ¿Cómo decirlo? Que los miraran a los ojos y les dijeran: “Este es el mundo en que vivimos.” Y no es que por ser así no pueda cambiar, pero nuestros actos, lo que… Pensamos, lo que imaginamos, puede hacer… Quizá pueda cambiar el mundo, ya sabes, así que… Y también era para hacer que la gente se sintiera responsable en cierto modo y decir: “Sí, si quieres que las cosas cambien, tienes que luchar por ello.” “Tienes que pensar en ello. Tienes que imaginarlo.” Sobre todo, tienes que imaginarlo porque… Todo lo que imaginamos termina en el mundo, como seres humanos, ¿sabes? Y es mucho más fácil imaginar lo peor… Uhm, pero creo que… Y esa es la tendencia más fácil. Pero creo que si nosotros… Ahora realmente tenemos que intentar imaginar lo mejor y eso es, honestamente, más agradable. Así que, deberíamos. Pero tenemos mala predisposición para eso.

—Y quiero hablar del doblaje de la película sobre, ya sabes, terminas con voces en inglés como Mark Ruffalo, Will Ferrell, America Ferrera, Andy Samberg… Bueno, Natalie Portman, por supuesto, quien también forma parte del proyecto. Y... ¿Cómo lo hiciste? Quiero decir, sé que es un proceso muy largo y sé que es importante tener nombres como estos para, ya tú sabes, destacar y salir ahí fuera. Así que… ¿Puedes decirme cómo...? ¿Cómo fue? ¿Cómo conseguiste lograrlo?

Ugo Bienvenu: —De hecho, vendimos la película en todo el mundo con el doblaje francés, la versión francesa, que es la original. Y en Francia contamos con unos actores realmente buenos, y… En Francia, hicimos la película con amigos nuestros, que son bastante conocidos, pero queríamos divertirnos. Y queríamos jugar, ¿sabes? Así que… Y, nosotros… Félix y yo, mi compañero, actuamos en una película hace 10 años, de Mia Hansen-Løve. Y allí, en esa película, conocimos a toda la generación de actores que ahora son muy conocidos. Así que fue muy divertido actuar con grandes actores que conocíamos, y sin ningún tipo de… Uhm, cómo se dice... Por dinero, ya sabes, solo disfrutando. Y queríamos hacer lo mismo con la versión en inglés. Así que, Natalie, Sophie y Félix, mi compañero, me pidieron que hiciera una lista de las personas con las que me gustaría trabajar. Así que hice la lista y… Teníamos a todos los que quería porque Natalie los llamó ella misma y no a través de su agente, ya sabes, así que… Todos dijeron que les enviáramos la película y que lo pensarían, ¿sabes? Así que enviamos la película y dos horas más tarde, todos dijeron que sí.

Y ni siquiera hablamos de dinero, ¿sabes? Así que fue realmente algo… Creo que todos lo hicieron por sus hijos, por… Lo que significaba la película en ese momento. Así que fue así, sí. Y también lo que suelo decir es que… Había actores tan locos que no quería que simplemente copiaran y pegaran la versión francesa porque habría sido como sujetar los caballos, ¿sabes? Solo quería que se sintieran lo más libres posible para… Poner todo lo que necesitaban y querían en la película. Así que sí, yo no quería copiar y pegar. Solo quería mantener la esencia. Así que cambiamos ligeramente las frases para que quedaran mejor, ya sabes, cosas como esas. Y vi algunas de las… Pequeñas partes de la versión española y… Me siento muy afortunado también. Porque es súper divertido.

—Tengo muchas ganas de ver la versión española. La vi en francés, pero tengo muchas ganas de ver las otras versiones para compararlas. Además, para terminar… Ya sabes, ¿qué opinas...? ¿Qué crees que es lo más importante? Porque sé que fue un proceso muy largo. Invertiste tu tiempo, tu dinero. Para que esto pudiera existir. Y ahora, quiero decir, hay muchísimas, ya sabes, recompensas y agradecimientos por parte de todos. Entonces, ¿qué crees que es lo más importante para ya sabes, mantener las esperanzas y no frustrarse en el proceso? ¿Qué dirías que es?

Ugo Bienvenu: —¿A qué te refieres? ¿Lo que… Más me gustó de hacer esta película o...?

—Sí, pero también, uhm, ya sabes, en momentos en los que piensas: “Okey...” Estoy segura de que hubieron momentos en los que te sientes frustrado y piensas: “Dios mío, quiero avanzar...” ¿Cómo logras, ya sabes, sobreponerte y decir “¿Sabes qué? Vamos, vamos. Podemos hacerlo.”? ¿Cuál es tu consejo o qué dirías que te ayudó a lo largo de este proceso?

Ugo Bienvenu: —Sinceramente… Tienes que trabajar con personas que amas. Porque… Cuando las cosas se ponen difíciles, son… Son las personas… Que amas quienes te traen de vuelta al juego, ¿sabes? Y cuando caes, son las personas que amas las que hacen que vuelvas, ¿sabes? Y también… Sí, me encanta estar con alguien, incluso en tu vida privada con alguien que… Cree en ti, y… El amor es muy importante.

—Esa es la respuesta perfecta. Muchas gracias por tu tiempo. Y, de nuevo, felicitaciones por una película tan hermosa.

Ugo Bienvenu: —Muchas gracias, gracias por tu tiempo. Adiós.

La ceremonia, prevista para el 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles, concentra la atención en estos dos intérpretes, reconocidos aliados y ahora adversarios en la noche más relevante para el cine, según Vanity Fair.

Duelo en los Oscar: una rivalidad inesperada

Stellan Skarsgård, Jacob Elordi y Delroy Lindo completan la lista de candidatos en una terna especialmente reñida. La nominación simultánea de Penn y Del Toro por el mismo filme introduce la posibilidad de dividir los votos y añade un factor impredecible al desenlace.

Esta situación resulta inusual incluso para actores con trayectorias tan extensas: mientras Skarsgård cuenta con el respaldo de un Globo de Oro y Elordi con un Critics’ Choice Award, la expectativa gira en torno a la rivalidad entre Penn y Del Toro, dos figuras con décadas de experiencia y respeto en Hollywood.

Ambos ya coincidieron en grandes eventos internacionales. Compartieron pantalla en 21 gramos (2003) de Alejandro González Iñárritu, lo que les valió nominaciones a los premios BAFTA en la misma categoría.

En la edición de los Oscar de 2004, Del Toro fue candidato como mejor actor de reparto por esa película, mientras que Penn, nominado por Río Místico, obtuvo la estatuilla de actor principal, recordó Vanity Fair.

Un vínculo forjado en los 90

La relación profesional entre Penn y Del Toro se remonta a los inicios de los años noventa. El punto de inflexión llegó con el debut de Penn como director en Bajo la misma sangre (1991), película inspirada en el disco Nebraska de Bruce Springsteen. La gestación del proyecto incluyó la autorización personal de Springsteen, a quien Penn contactó después de escuchar una maqueta.

“Escuché ese disco y me cambió la vida”, relató Penn en una entrevista citada por Vanity Fair. El director obtuvo la aprobación definitiva de Springsteen tras una llamada nocturna, según detalló en el pódcast Soundtracking UK: “¿Puedo hacer una película sobre esta canción?”. La respuesta fue contundente: “Vas, hazlo”.

Para financiar la producción, Penn recurrió a Steve Bannon, quien en ese momento se dedicaba al sector financiero y, tiempo después, alcanzó notoriedad como estratega político. Bannon intervino como productor ejecutivo y aportó su experiencia empresarial para sacar adelante el proyecto.

El papel decisivo para Del Toro

La elección de Del Toro no obedeció al azar. Hasta entonces, su carrera solo incluía papeles menores, como su aparición en Licencia para matar (1989) y en series de televisión. Penn le confió el papel de Miguel, lo que permitió a Del Toro dar un paso decisivo en su trayectoria profesional. El filme se presentó en el Festival de Cannes y, poco después, Del Toro compartió cartel con Marlon Brando en Cristóbal Colón: el descubrimiento.

Más adelante, Benicio del Toro ganó el Oscar en 2000 por Tráfico y consolidó su carrera en producciones como Código de honor (2001), dirigida también por Sean Penn y seleccionada para la Palma de Oro.

Mientras tanto, Penn amplió su prestigio como actor y director, obtuvo reconocimientos internacionales y forjó una trayectoria paralela a la de Del Toro, según destacó Vanity Fair.

Un ciclo que se cierra en Hollywood

El reencuentro de ambos como nominados en los Oscar representa la continuidad de una prolongada amistad y rivalidad, así como el cierre de un ciclo profesional y personal en el cine.

El enfrentamiento entre Penn y Del Toro ilustra los cambios y oportunidades que ofrece Hollywood, además de la vigencia de las segundas oportunidades y la cooperación en la industria cinematográfica.

Esta contienda reúne dos carreras marcadas por la mentoría, la colaboración y la competencia. La confrontación en la gala de los Oscar evidencia cómo las vueltas del destino pueden volver a cruzar, en circunstancias inesperadas, a quienes iniciaron juntos su camino.

Steven Spielberg destacó recientemente la relación profesional que ha mantenido con el compositor John Williams desde 1974, una colaboración que abarca gran parte de la filmografía del cineasta y que, según el propio Spielberg, ha influido de manera decisiva en la cultura y la música. Esta conexión se refleja en La música de John Williams, un documental producido por Spielberg, el cual le permitió obtener el premio Grammy 2026 en la pasada edición, hecho que le otorga automáticamente la condición de EGOT: ganador de un Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony, según consignó The Guardian.

La entrada de Spielberg en este selecto grupo eleva a veintidós el número de artistas que han alcanzado el “Grand Slam” del entretenimiento, según detalló The Guardian. Antes de Spielberg, solo figuras como Rita Moreno, Audrey Hepburn, Mel Brooks, Elton John, Whoopi Goldberg, John Legend, Andrew Lloyd Webber, Jennifer Hudson y Viola Davis habían reunido los cuatro galardones principales. El reconocimiento para Spielberg fue por su trabajo como productor en La música de John Williams, una producción dirigida por Laurent Bouzereau, cuya temática principal es la vida y el legado de John Williams, desde sus primeros años como pianista de jazz hasta su consolidación como uno de los compositores más influyentes en la industria cinematográfica.

La obra recorre la cartera de Williams, incluyendo su trabajo en bandas sonoras de éxitos cinematográficos que le valieron 54 nominaciones al Oscar y cinco estatuillas. De acuerdo con The Guardian, el documental también explora en detalle el inicio de la colaboración entre Spielberg y Williams, que comenzó con la película Loca evasión, y siguió en títulos emblemáticos como Tiburón, La lista de Schindler y Salvar al soldado Ryan.

Spielberg empleó un comunicado para expresar el significado personal de la distinción: “Este reconocimiento es obviamente muy significativo para mí, ya que valida lo que sé desde hace más de 50 años: la influencia de John Williams en la cultura y la música es inconmensurable, y su talento artístico y su legado no tienen rival. Me siento orgulloso de estar asociado con la hermosa película de Laurent”, señaló, de acuerdo a The Guardian. Esta victoria marca la primera estatuilla Grammy obtenida en la carrera de Spielberg, que ya suma tres Oscar, doce Emmy y un Tony, este último por la producción del musical de Broadway A Strange Loop.

El estatus de EGOT representa uno de los logros más codiciados en el ámbito del espectáculo. Según The Guardian, además de los 22 ganadores oficiales, existe un reducido grupo de seis personalidades cuyas trayectorias han sido reconocidas por medio de premios honoríficos, entre ellos James Earl Jones y Liza Minnelli, quienes recibieron galardones especiales como reconocimiento a toda una vida de contribuciones.

The Guardian detalla que Spielberg, además de triunfar en múltiples ramas del entretenimiento, ostenta el récord al mayor número de nominaciones a los premios Oscar como productor en la historia de la Academia de Hollywood. Este año, amplió esa cifra con la nominación de Hamnet. La obtención del Grammy por La música de John Williams confirma la versatilidad de Spielberg, que ha diversificado su legado al trascender los límites entre el cine, el teatro y la televisión, y ahora añade la música a su palmarés.

El documental pone énfasis en el papel fundamental de Williams en el cine contemporáneo, evidenciado en su participación en algunas de las películas de mayor éxito comercial. Según publicó The Guardian, La música de John Williams describe la evolución del compositor y su aporte a producciones clave de Hollywood, lo cual influyó en generaciones de creadores y espectadores. Además, la obra reconoce cómo la colaboración Spielberg-Williams definió el sello sonoro de películas que forman parte del imaginario colectivo.

Según explicó The Guardian, la lista de integrantes del club EGOT se caracteriza por reunir talentos que han dejado huella tanto en la industria musical como en las artes audiovisuales y teatrales. La presencia de Spielberg en este grupo aparece como un reflejo de su amplia trayectoria y su adaptabilidad a distintos formatos narrativos. El reconocimiento también subraya el vínculo de Spielberg con figuras centrales de la historia del entretenimiento, consolidando una posición que va más allá de la labor cinematográfica tradicional.

La obtención del Grammy 2026 por La música de John Williams marca un hito para un cineasta que, desde comienzos de la década de 1970, ha estado asociado a proyectos caracterizados tanto por su impacto en taquilla como por el reconocimiento de la crítica especializada. El valor de este galardón se amplía al poner en perspectiva el recorrido multidisciplinario de Spielberg y su capacidad para asociarse con otros profesionales de relevancia internacional, como John Williams, cuya obra sigue generando reconocimientos expansivos y transversales en la industria del espectáculo mundial.

Las calles de la ciudad brasileña de Recife se han convertido en un escenario a cielo abierto gracias a El Agente Secreto, la película cuatro veces nominada al Óscar que impulsó una ola de turismo cinematográfico, con visitas a los principales puntos inmortalizados en el largometraje.

Percibir el frío mármol de las paredes del Cine São Luiz; caminar por el callejón que un personaje manchó con sangre mientras huía herido de bala, o saborear una bebida en el mismo bar donde los sicarios comían mientras acechaban a Marcelo: grupos de 30 personas se aglomeran en diferentes espacios tradicionales de la capital de Pernambuco para sentirse, por lo menos mientras dura la visita, parte de la película.

Para el director brasileño Kleber Mendonça Filho, oriundo de esta urbe de unos 1,5 millones de habitantes en el noreste de Brasil, Recife “es un personaje más” de la película que devolvió a la ciudad su propia memoria urbana.

Roberto Tavares, dueño de la empresa Tavares Turismo, es el artífice de un recorrido de cuatro kilómetros que permite a los asistentes caminar por los mismos rincones donde se gestó la trama policial y donde la ficción se funde con la historia, como el Cine São Luiz, un lugar clave para el guión.

La relevancia en el exterior se trasladó sin escalas al escenario local. Dos Globo de Oro y cuatro nominaciones al Óscar abrieron las puertas a que más de 1,5 millones de brasileños se volcaran a las salas para ver la película.

Personas de todo Brasil consultan si el recorrido estará disponible para las fechas en que planean visitar la capital del estado de Pernambuco. Sin embargo, para el guía turístico, es muy gratificante ver a los residentes “interesarse por su propia historia”.

Se escuchan voces durante el paseo diciendo “yo paso por aquí todo el día y no sabía que este lugar tenía tanta historia”, relató Tavares.

Cuatro horas entre la ficción y la realidad

Un pequeño recinto que vende bebidas a base de yerba mate es la primera parada del tour, que dura entre tres y cuatro horas, y es “donde el villano Vilmar (interpretado por Kaiony Venâncio) se oculta tras un tiroteo”, recuerda en entrevista con EFE el guía, quien confiesa haber visto el largometraje 17 veces.

Allí, el dueño del local familiar, que incluso aparece en la película, recibe a los turistas con un brebaje exclusivo inspirado en la pieza cinematográfica.

Frente a un edificio oficial de Correos, cuya arquitectura parece haberse frenado en el tiempo, el grupo se detiene para recordar cómo, durante la dictadura, se abrían cartas privadas, una realidad histórica que la película retrata fielmente.

“Algunas cartas eran abiertas y, si contenían información relevante, se quedaban con ellas. Muchas de esas cartas nunca han sido entregadas a sus destinatarios”, contó Tavares.

El 25 % de la película, dice, ocurre en el Ginásio Pernambucano, una escuela de más de 200 años de antigüedad que abrió sus puertas para que los visitantes puedan recorrer sus recovecos, que en la ficción funcionaron como la oficina de repartición pública donde Marcelo, interpretado por Wagner Moura, trabajaba y buscaba los documentos de su madre.

El Cine São Luiz, la estrella del recorrido

Uno de los puntos que despierta la mayor curiosidad entre los asistentes es el Parque 13 de Maio, en donde aparece la “pierna peluda”, la leyenda urbana de Recife instaurada durante la dictadura militar, que, por las noches, “atacaba” a los transeúntes.

Pero el broche de oro al recorrido lo pone el letrero blanco con letras rojas de la fachada del Cine São Luiz, que ahora abre tanto sus áreas públicas como sus salas de proyección y los apartamentos donde se hospedaban los técnicos que llegaban de otros lugares del país.

Por todo esto, es que “la película es muy Recife”, dice Tavares, y confiesa que se emocionó la primera vez que la vio, porque notó la presencia de la ciudad “en el habla de las personas, los diálogos, las vestimentas, los autos, los puentes, y la música”.

Fuente: EFE

La trama de 'Living with a Visionary' presenta la historia de un hombre que, tras cincuenta años de matrimonio, enfrenta el reto de convivir con las alucinaciones de su esposa. Tal como publicó EFE, la obra fue seleccionada entre un total de más de 11.000 trabajos presentados ante la organización, formando parte del reducido grupo de doce cortos de animación elegidos por el jurado del festival. Este reconocimiento coloca tanto a su director como a la productora española en un lugar destacado dentro del panorama internacional.

Vilanova expresó que desconoce si el reconocimiento tiene alguna repercusión específica para España, pero manifestó la esperanza de que inspire orgullo al demostrar que cineastas nacionales logran impulsar iniciativas internacionales fuera de su país de origen. Así lo reflejó al afirmar: “No sé si este premio significa algo para España, pero espero que haya gente que se sienta orgullosa del hecho que hay cineastas como yo que estamos sacando adelante proyectos internacionales interesantes lejos de casa”, según consignó EFE.

El éxito de Vilanova no se limitó a 'Living with a Visionary' en esta edición de Sundance. EFE reportó que también participó como productora en el cortometraje 'Once in a Body', de la directora colombiana María Cristina Pérez. Esta obra ya había alcanzado otro reconocimiento al ser galardonada como el mejor cortometraje animado en el Festival de Cortos de Bogotá (Bogoshorts). Tanto ‘Living with a Visionary’ como ‘Once in a Body’ ahora cumplen los requisitos necesarios para calificar rumbo a la competencia por el Óscar 2027. En referencia a este nuevo escenario, la productora comentó: “Tendremos que empezar a pensar cómo gestionar los próximos meses”.

La trayectoria de Vilanova en el Festival de Sundance abarca más de una producción. En 2025, estuvo involucrada como coproductora en la película 'By Design', protagonizada por Juliette Lewis, de acuerdo con la información de EFE.

Próximamente, según divulgó el medio citado, la productora llevará a cabo el estreno de la cinta 'Sender', en la que actúan Britt Lower, Jamie Lee Curtis y Rhea Seehorn. Además, en septiembre encabezará como productora la exhibición de 'Moonfish' en el Festival de Cine de Venecia. Este último proyecto representa su primer largometraje de animación.

El Festival de Sundance, ubicado en Park City, Utah, y por primera vez sin la presencia de su fundador Robert Redford, recibió durante este año un volumen de propuestas que superó ampliamente la décima de millar, consolidando su estatus entre los certámenes más importantes del cine independiente, según detalló EFE. La presencia de cineastas como Vilanova y la selección de proyectos internacionales refuerzan el carácter diverso del festival.

La obtención del premio para 'Living with a Visionary' subraya las oportunidades que el cine de animación y las colaboraciones transnacionales ofrecen dentro de este tipo de certámenes, así como el nivel de competencia entre los participantes. La productora española continúa ampliando su historial de éxitos en circuitos internacionales, con diversos proyectos previstos para estrenos y competiciones en 2024 y 2025.

Las Guerreras K-pop se ha posicionado como la película animada más popular del momento, logrando nominaciones a dos premios Oscar: mejor película animada y mejor canción original por ‘Golden’.

Este éxito ha generado un gran interés entre los fanáticos, quienes recurren a Google para consultar detalles sobre el título disponible en Netflix, especialmente sobre el posible estreno de una segunda parte.

Según el medio estadounidense especializado en entretenimiento y cine, Deadline, Las Guerreras K-pop 2 podría estrenarse en 2029.

El reporte indica que los responsables de la secuela mantienen conversaciones preliminares con Sony y Netflix. Hasta ahora, ninguna de las compañías ha confirmado ni desmentido esta información.

Además del tema de la secuela, los usuarios buscan en Gooogle respuestas sobre otros aspectos del filme, como la identidad de su creadora, dónde verla, el listado de canciones y más detalles relacionados con la producción.

Quién es la creadora de Las guerreras K-pop

La creadora de Las guerreras K-pop es Maggie Kang, quien concibió la idea original de fusionar la cultura del K-pop con elementos de la mitología coreana.

Kang también dirigió la película junto a Chris Appelhans y fue responsable de aportar la visión creativa que distingue al filme. La producción estuvo a cargo de Sony Pictures Animation y la distribución global la realizó Netflix.

Dónde ver Las guerreras K-pop

Las guerreras K-pop está disponible para ver en la plataforma streaming Netflix. Se recomienda acceder a la película únicamente a través de este servicio para garantizar una visualización legal, segura y con la mejor calidad de imagen y sonido.

Cómo se llaman Las guerreras K-pop

Rumi, Mira y Zoey, conocidas como Las guerreras K-pop, forman parte del grupo ficticio HUNTR/X. Además de su éxito como ídolos del pop coreano, cumplen la misión secreta de combatir demonios. En la trama, la música de HUNTR/X tiene la capacidad de crear un campo de energía que protege a la humanidad de entidades malignas.

La historia se complica con la llegada de los Saja Boys, una boy band rival integrada en realidad por demonios y liderada por Jinu. Mientras intentan mantener el equilibrio, Rumi debe afrontar una verdad personal que ha mantenido oculta, lo que pone a prueba su lealtad, destrezas e identidad.

Cuáles son las canciones de Las guerreras K-pop

canciones originales interpretadas por el grupo ficticio HUNTR/X, así como colaboraciones con artistas destacados del K-pop. Entre los temas principales se encuentran:

• Golden (EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami) – Canción nominada al Oscar
• How It’s Done (EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami)
• Strategy (TWICE)
• Soda Pop (Andrew Choi, Neckwav, Danny Chung, Kevin Woo, samUIL Lee)
• Love Me Right (EXO)
• Takedown (EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami y versión de TWICE)
• FREE (EJAE, Andrew Choi)
• Your Idol (Andrew Choi, Neckwav, Danny Chung, Kevin Woo, samUIL Lee)
• Look Back At Me (DEUX)
• Hunter’s Mantra (EJAE, Daniel Rojas, Mark Sonnenblick)
• Jinu’s Lament (Daniel Rojas, Mark Sonnenblick)
• Love, Maybe (MeloMance)

• Black Suit (SUPER JUNIOR)
• As The Night Goes On (Seotaiji and Boys)
• BABO (Yoon Hyung-Ju)
• Path (Jokers)
• The Moony Night of Shilla (LEE-Paksa)
• What It Sounds Like (EJAE, Audrey Nuna, Rei Ami)
• Concert intro (IDO)
• Sunset (OLS)

Qué canción hizo TWICE en Las guerreras K-pop

En Las guerreras K-pop (K-Pop Demon Hunters), el grupo TWICE participa en la banda sonora con al menos dos canciones.

El tema ‘Strategy’ reúne a todas las integrantes, mientras que ‘Takedown’ presenta una versión especial interpretada por Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung. Ambas piezas aportan energía y enriquecen la identidad musical del filme.

Qué tanto buscan sobre Las guerreras K-pop en Google

Desde su llegada a Netflix en junio de 2025, Las guerreras K-pop figura entre los temas más buscados en Google. En Estados Unidos, el interés alcanzó su primer gran pico entre el 7 y el 14 de junio de ese año, con numerosas consultas relacionadas con personajes como Rumi y Zoey.

En países como Colombia, la popularidad de la película se mantiene. Allí, además de indagar sobre la historia y los protagonistas, muchos usuarios buscan dibujos para colorear de los personajes principales y detalles sobre Jinu, el líder de Saja Boys.

Durante la ceremonia que conmemorará el 40º aniversario de los Premios Goya, Susan Sarandon sumará su nombre a la lista de artistas internacionales reconocidos con el Goya Internacional. Según informó la Academia de Cine, la actriz neoyorquina recibirá esta distinción el próximo 28 de febrero en Barcelona, en una gala que pondrá en valor tanto su trayectoria profesional como su activismo social y político.

El medio detalló que el reconocimiento se concede por una carrera fílmica extensa en la que Sarandon ha protagonizado títulos considerados piezas fundamentales del cine contemporáneo. La Junta Directiva de la Academia subrayó su relevancia en Hollywood, donde la actriz ha consolidado una reputación basada en la variedad y profundidad de sus interpretaciones, al igual que en su voluntad de asumir papeles que exploran personajes complejos y alejados de los estereotipos.

Susan Sarandon, quien inició su recorrido profesional en el séptimo arte en la década de los años setenta, ha manifestado en más de una ocasión el objetivo de evitar la repetición, eligiendo papeles diversos y persiguiendo la riqueza de matices en su filmografía, según consignó la Academia de Cine. El resultado es una carrera que presenta títulos emblemáticos como “Thelma y Louise”, “El cliente”, “Las Brujas de Eastwick”, “The Rocky Horror Picture Show”, “Atlantic City”, “El ansia” y “Pena de muerte”. En este último trabajo, encarnó el papel de una monja que acompaña a un hombre condenado a muerte, actuación que la hizo merecedora del Premio Oscar.

El medio señaló que Sarandon también es reconocida por su activismo en causas sociales y políticas, postura que la Academia valoró especialmente en la decisión de otorgarle el galardón. Así, la institución destacó la “combinación perfecta entre talento y éxito profesional, glamour y compromiso social y político” que representa la neoyorquina. Tanto en entrevistas como en su trayectoria pública, Sarandon ha defendido posiciones progresistas y ha apostado por personajes que reflejan una mirada crítica sobre la realidad.

La actriz cuenta con una nutrida lista de colaboraciones con figuras destacadas del cine internacional, entre ellas Paul Newman, Jack Nicholson, Jack Lemmon, Richard Gere, Burt Lancaster, Kevin Costner, Ed Harris, Tommy Lee Jones, Tim Robbins, David Bowie, Sean Penn, Cher, Michelle Pfeiffer, Julia Roberts y Geena Davis, según publicó la Academia de Cine. A lo largo de su carrera, Sarandon ha recibido nueve nominaciones a los Globos de Oro y cinco nominaciones al Oscar por “Atlantic City”, “Thelma y Louise”, “El aceite de la vida” y “El cliente”.

El repertorio actoral de Sarandon incluye, además, títulos como “Los búfalos de Durham”, “Quédate a mi lado” y “Mujercitas”, así como participaciones en proyectos de televisión como la serie “Feud”. El Goya Internacional que recibirá en 2026 se suma a importantes reconocimientos previos de esta categoría, entregados en años anteriores a figuras como Cate Blanchett, Juliette Binoche, Sigourney Weaver y Richard Gere, detalló la Academia.

De este modo, la gala prevista en Barcelona reunirá el homenaje a uno de los rostros más visibles del cine estadounidense con el aniversario de los Premios Goya. La Academia enfatizó que en los más de cuarenta años transcurridos desde el inicio de la carrera de Sarandon, su impacto no solo se ha traducido en papeles memorables, sino también en una influencia palpable en la cultura popular y en la defensa de valores sociales y políticos.

En Barcelona tendrá lugar la próxima edición de los Premios Goya, donde el 28 de febrero de 2026 la actriz estadounidense Susan Sarandon recibirá el Goya Internacional como reconocimiento a su extensa carrera, compromiso social y repercusión en la industria cinematográfica. De acuerdo con lo informado por la Academia de Cine y publicado por diversos medios, este homenaje posiciona a Sarandon dentro del selecto grupo de figuras internacionales que han obtenido este galardón, junto a nombres como Richard Gere, Sigourney Weaver, Juliette Binoche y Cate Blanchett.

Según detalló la Academia de Cine en una nota de prensa recogida por varios medios, Sarandon será distinguida por la amplitud y relevancia de su trayectoria profesional, así como por su activo papel en cuestiones políticas y sociales. La institución hizo énfasis en el hecho de que la filmografía de Sarandon abarca tanto películas de culto como producciones que forman parte de la cultura popular, subrayando que se ha consolidado durante décadas como uno de los rostros más presentes y reconocibles del cine de Hollywood.

Entre los títulos más reconocibles de la intérprete figuran obras como 'Thelma y Louise', 'El cliente', 'Las Brujas de Eastwick', 'The Rocky Horror Picture Show', 'Atlantic City', 'Mujercitas', 'Quédate a mi lado', 'El ansia' y 'Pena de muerte', según publicó la Academia de Cine. Esta última producción le valió el Premio Oscar por su interpretación de una monja que acompaña a un condenado a muerte, papel por el cual fue reconocida en 1996.

Sarandon comenzó su carrera artística en la década de 1970 y desde entonces ha construido una reputación como una de las actrices más influyentes del cine estadounidense. El medio destacó que su filmografía incluye colaboraciones con artistas de renombre como Paul Newman, Jack Nicholson, Jack Lemmon, Richard Gere, Burt Lancaster, Kevin Costner, Ed Harris, Tommy Lee Jones, Tim Robbins, David Bowie, Sean Penn, Cher, Michelle Pfeiffer, Julia Roberts y Geena Davis. Según información publicada, esta amplia red de colaboraciones refuerza tanto la importancia como la variedad de su legado en la industria cinematográfica.

A lo largo de su carrera, Sarandon ha sumado nueve nominaciones a los Globos de Oro y cinco a los Premios Oscar, por películas como 'Atlantic City', 'Thelma y Louise', 'El aceite de la vida' y 'El cliente'. Tal como consignó la Academia de Cine, su consolidación llegó con el Oscar por 'Pena de muerte', lo que la situó entre las grandes figuras del cine a nivel mundial.

La Academia de Cine subrayó que este será el quinto Goya Internacional que se entrega durante la gala anual, evento que tradicionalmente reconoce a figuras internacionales cuya influencia trasciende fronteras. Con la elección de Sarandon, la organización busca reflejar tanto la excelencia artística como el impacto social y la versatilidad interpretativa de la homenajeada, aportando un elemento de repercusión internacional a la ceremonia de los Goya.

De acuerdo con EFE, la inspiración para "Un poeta" surgió de una reflexión personal del propio director. Mesa Soto se preguntó cómo sería su vida si abandonara sus aspiraciones en el cine y se dedicara exclusivamente a la docencia. Al respecto, expresó: "Me puse a pensar en qué clase de profesor me convertiría en 20 años si renunciara a este sueño del cine. Creo que imaginé cómo sería mi peor versión". A partir de este planteamiento nació el personaje de Óscar Restrepo, un poeta en la mediana edad que reside en Medellín con su familia y permanece marcado por una etapa pasada de relativa fama, cuando su obra poética fue reconocida.

La vida de Óscar Restrepo, personaje central de la película, refleja la situación de muchos poetas y artistas de Medellín nacidos en las décadas de 1980 y 1990. Mesa subraya, según publicó EFE, que muchos de estos talentos terminaron sumidos en la bohemia y, con el paso de los años, viven pendientes de recuerdos y dilemas no resueltos, enfrentando la adultez sin el brillo de sus mejores épocas. El largometraje aborda no solamente la creación artística o el conflicto entre aspiraciones y realidad cotidiana, sino también aspectos vinculados a las clases sociales, las dinámicas familiares y el significado social del éxito.

El medio EFE reportó que "Un poeta" se distingue por el uso del humor para abordar situaciones incómodas y ásperas. Mesa Soto explicó que introducir la comedia permitió alejarse de la visión tradicional que asocia la creación artística con el sufrimiento. En palabras del director, "me interesaba esa idea de ser incómodo y áspero con lo que se dice y de retratarlo así en la película". Es así como las situaciones tragicómicas se suceden en el relato, generando una conexión honesta con los espectadores a partir de la imperfección y las contradicciones del protagonista.

La construcción del filme enfrentó diversas dificultades, en particular en lo referente a la financiación. Según detalló EFE, Mesa subrayó que "es una comedia colombiana, era difícil de ver en ese momento. Se hizo con un presupuesto muy bajo, muy promedio para una película independiente de Colombia". Pese a estas limitaciones, el proyecto avanzó, cosechando elogios de la crítica y siendo seleccionado para múltiples festivales internacionales. "Un poeta" recibió premios en certámenes como el Festival de San Sebastián y fue la candidata colombiana para la categoría de Mejor Película Internacional en los premios Oscar, aunque finalmente no ingresó a la lista definitiva de nominados de la Academia.

Respecto al impacto en la audiencia, Mesa afirmó, según consignó EFE, que el público se siente identificado con la historia de Óscar Restrepo, pese a tratarse de un personaje complejo y lejos del ideal heroico. "Tal vez porque todos sentimos su frustración y hemos tenido que entender que la vida da muchos giros", afirmó. Asimismo, el director planteó que no le resulta determinante alcanzar grandes reconocimientos institucionales, señalando: "Hay veces que me tranquiliza no estar nominado, porque hay algo que se distancia de la creación artística en esos procesos".

Con la llegada de "Un poeta" a salas en el IFC Center de Nueva York, el Laemmle Royal de Los Ángeles y estrenos en Miami, Chicago, San Francisco y Seattle, Mesa reflexiona sobre la experiencia de proyectar cine colombiano ante públicos internacionalmente diversos. El cineasta manifestó al medio EFE que su percepción de Estados Unidos es comparable a una "distopía", mencionando la sensación de conflicto derivada de los prejuicios que todavía enfrentan los colombianos en el exterior. No obstante, enfatizó que, aunque inicialmente pensó en el público colombiano durante el proceso creativo, reconoce en la historia de Óscar una dimensión universal con capacidad de resonar entre espectadores de otras regiones.

"Me doy por bien servido con la gran recepción que ha tenido la historia de Óscar Restrepo, un poeta con luces y sombras que ha logrado conectar con el público independientemente de su género, origen u oficio", declaró Mesa a EFE, resaltando así el alcance global de los dilemas y contradicciones que plantea el filme. El retrato de este creador en crisis, incapaz de desprenderse completamente de su pasado mientras enfrenta las demandas presentes, articula los conflictos entre vocación artística y vida adulta, en un contexto que fusiona elementos humorísticos con la introspección.

Según reportó la agencia EFE, el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA, por sus siglas en inglés), dio a conocer el listado de finalistas para su edición anual, que distingue la labor de los escritores en cine, televisión, radio y medios digitales. Entre quienes aspiran a los galardones se encuentra el cineasta mexicano Guillermo del Toro, nominado en la categoría de guion adaptado por su reciente trabajo en una nueva versión de “Frankenstein”, una de las producciones más esperadas del año. Del Toro compite junto a Will Tracy, autor de “Bugonia”; Chloe Zhao y Maggie O’Farrell, por “Hamnet”; Paul Thomas Anderson, con “One Battle After Another”; y el dúo compuesto por Clint Bentley y Greg Kwedar con “Train Dreams”.

En la categoría de guion original, la lista de aspirantes la encabeza David Koepp por “Black Bag”, una historia de suspenso vinculada al espionaje. Además, el equipo de A24, liderado por Mary Bronstein, figura con el proyecto “If I Had Legs I’d Kick You”. Ronald Bronstein y Josh Safdie se encuentran entre los nominados por “Marty Supreme”, así como Ryan Coogler por el relato de vampiros “Sinners” y Zach Cregger por “Weapons”. Esta categoría distribuye el reconocimiento entre guionistas con trayectorias diversas y proyectos que abordan géneros diferentes.

El apartado de comedia destaca la inclusión de “Abbott Elementary”, junto a “The Studio”, “The Chair Company”, “Hacks” y “The Rehearsal” como las producciones finalistas. Tal como especificó EFE, estas series conforman la selección de los principales títulos dentro del género humorístico para el ciclo en curso.

En lo que respecta a miniseries, las obras que integran la lista de finalistas son “The Beast in Me”, “Black Rabbit”, “Death by Lightning”, “Dying for Sex” y “Sirens”. Cada una de estas miniseries, según detalló EFE, forma parte de las producciones destacadas que han resaltado por sus guiones en el año previo.

El anuncio de este martes, realizado días antes de la celebración anual de los premios Oscar, también permite anticipar posibles tendencias para la temporada de premios en Hollywood. Según precisó EFE, la ceremonia donde se anunciarán los ganadores del premio del Sindicato de Guionistas está programada para el próximo 8 de marzo, fecha en que se revelará qué escritores y equipos recibirán uno de los reconocimientos más influyentes de la industria audiovisual estadounidense.

El panorama de nominaciones incluye figuras internacionales, confirmando la presencia de talento latinoamericano a través de personalidades como Guillermo del Toro y Vera Blasi, quienes forman parte de una competencia dominada principalmente por profesionales estadounidenses. Las producciones resaltadas por el WGA provienen tanto de grandes plataformas de streaming como de estudios tradicionales y compañías independientes, según consignó EFE, lo que subraya la diversidad de voces en la escritura para pantalla.

El Sindicato de Guionistas de Estados Unidos desarrolla este galardón desde hace décadas, consolidándose como uno de los referentes dentro del circuito de premios previos a los Oscar, debido a la correlación que suele encontrarse entre sus ganadores y las decisiones de la Academia de Hollywood, según describe la cobertura de EFE.

Las nominaciones para esta edición abarcan varios formatos y capturan la evolución reciente de la industria, que ha visto un crecimiento significativo en series, miniseries y contenidos digitales, además de la consolidación de nombres que ya habían logrado reconocimiento en festivales y otras entregas de premios durante el último ciclo.

Reconocida por sus papeles en producciones como Loki, Mosaku destaca ahora en el fenómeno del cine vampírico que recibió elogios de la crítica. La notoriedad obtenida con Pecadores le otorgó una exposición mediática inédita.

“En mi cultura nigeriana no anunciamos este tipo de noticias. Es algo que debe protegerse. Todo en mí se resiste a compartirlo públicamente —no porque no esté agradecida o feliz—, sino porque esto es de las pocas cosas que realmente me pertenecen”, explicó Mosaku sobre el anuncio de su embarazo.

La decisión de hacerlo público fue motivada por la presión mediática derivada del éxito de la película. Así lo contó en una entrevista con The Guardian.

Mosaku admitió que la fama implica un nivel de escrutinio difícil de sobrellevar. “Estaba muy en contra de hacerlo”, afirmó en diálogo con The Guardian sobre la revelación pública de su embarazo. “Pero luego pensé: Si lo voy a hacer, quiero dejar claro que no quiero hacerlo, pero siento que debo porque todos opinan sobre nuestros cuerpos”, agregó.

Infancia migrante y formación artística

Su reconocimiento internacional comenzó tras recibir el premio BAFTA por una interpretación en la BBC. De niña, Mosaku emigró desde Zaria, Nigeria, a Mánchester con su familia. Aunque sus padres eran académicos, en el Reino Unido aceptaron empleos fuera de su especialidad y enfrentaron dificultades económicas.

“Estábamos en una vivienda social”, relató Mosaku. “Mi madre trabajó muchísimo. Éramos de esas familias que, cuando alguien llamaba al timbre, todos los niños se escondían porque no podías decir que tu madre estaba fuera trabajando”, agregó.

Ese contexto marcó su identidad. “Mis padres tenían un acuerdo: si no lograba entrar a Rada, iría a la universidad para estudiar matemáticas y economía”, recordó Mosaku. Fue su madre quien la ayudó a presentarse a la Royal Academy of Dramatic Art (Rada), lo que finalmente la encaminó hacia la actuación.

Durante su etapa en Rada, Mosaku fue la única alumna negra en su clase y el ambiente no siempre resultó acogedor. “Nunca obtuve un papel principal”, señaló. Y agregó: “Recuerdo cuando me asignaron el de capitán de barco de 50 años. Jamás interpreté a una ingenua”. Solo algunos docentes se convirtieron en aliados reales.

“Los profesores pueden hacer que florezcas o marchites. Tuve la suerte de contar con alguien como Bill Gaskell, que me hizo creer que podía crecer, aunque también había muchas personas que me dejaron claro que ‘esto no es para ti’”, profundizó.

Raíces, cultura y desafíos de identidad

Para dar vida a su personaje en Pecadores, Mosaku investigó sobre el Hoodoo y redescubrió su vínculo con la cultura yoruba. “Este es mi origen. Esto soy yo. Esto forma parte de mi supervivencia”, expresó.

La investigación la llevó a reflexionar sobre la distancia respecto a su cultura provocada por la migración y la presión de adaptación. “A mis padres les aconsejaron no enseñarnos yoruba porque acabaríamos con un acento ‘extraño’”, relató. Para Mosaku, esto ilustra el precio que pagan los migrantes: “A la gente le piden renunciar a partes de su cultura para encajar”.

La discriminación y el proceso de integración dejaron huella en su vida y carrera. “Eso es lo verdaderamente importante”, enfatizó emocionada durante la conversación con The Guardian.

Proyección internacional y futuro

Consolidada en la industria audiovisual, Mosaku alterna entre proyectos tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos. “Me entusiasman muchas personas que trabajan en el Reino Unido”, afirmó la actriz. “Artísticamente, siento que el trabajo en Estados Unidos fue más satisfactorio. Solo quiero asegurarme de que no me sigan ofreciendo los mismos papeles de agente de policía en el Reino Unido, ¿sabes?”, añadió.

De cara al futuro, Mosaku se prepara para títulos como This Is How It Goes para Apple, junto a Idris Elba, y The Social Reckoning, el nuevo proyecto de Aaron Sorkin. No descarta retomar proyectos británicos, aunque mantiene reservas sobre las oportunidades que allí la esperan.

La actriz subrayó que la asimilación impone un precio oculto y profundo. Para Mosaku, ese coste transforma la identidad de quienes buscan sobrevivir en países que exigen adaptarse a sus reglas para ser aceptados.

“Ha sido un largo camino”, expresó Hawke en una entrevista con Los Angeles Times, al referirse a una trayectoria dedicada por completo a la actuación y al arte cinematográfico.

La primera nominación como mejor actor

Hawke contó a Los Angeles Times que se enteró de la nominación al despertar, gracias a su esposa. “Intenté dormir hasta tarde para evitar el estrés”, relató.

A los 55 años, el actor valoró el significado de este reconocimiento: “Aunque parezca vergonzoso, significa mucho. He dedicado mi vida entera a esta profesión y nuestra cultura lo valora mucho. Significa mucho para mí”.

Recordó que, tras su trabajo en Training Day, no suponía que necesitaría tantos años para competir por el premio principal de la Academia. “Francamente, no creo que hubiera pensado cuando hice Training Day que me llevaría tanto tiempo llegar hasta aquí”, confesó.

Esta es la quinta candidatura total del intérprete, pero la primera como protagonista. Sus nominaciones anteriores fueron como actor de reparto y guionista:

• 2002 – Mejor actor de reparto: Training Day
• 2005 – Mejor guion adaptado: Before Sunset
• 2014 – Mejor actor de reparto: Boyhood
• 2014 – Mejor guion adaptado: Before Midnight

Un año exigente y nuevos proyectos

El último año supuso para Hawke uno de los mayores desafíos en el ámbito profesional, según reconoció al medio estadounidense. “Pasé de Blue Moon directamente a The Lowdown y luego a The Weight. De alguna manera, me di cuenta que Black Phone 2 estaba ahí. Me dejé la piel el año pasado. Pregúntenles a mis hijos; no están contentos”, bromeó.

El actor viajó a Park City, Utah, para el Festival de Cine de Sundance, donde The Weight, su reciente proyecto en el que actúa como protagonista y produce junto a su esposa Ryan Hawke, tuvo su estreno. Además, participó en el homenaje a Robert Redford.

También reflexionó sobre las exigencias actuales y destacó que “la energía que se necesita para conectar con el espíritu de la época hoy en día es mucho mayor que antes”.

La relación con Richard Linklater

Colaborar con Richard Linklater, director de Blue Moon, representa para Hawke una satisfacción especial. “Es maravilloso conseguir esto para una película que se hizo de forma tan natural y que surgió no desde el prisma de los negocios, sino desde la amistad”, comentó.

Enfatizó que sus amistades molearon su trayectoria, y especialmente su vínculo con Linklater marcó su vida profesional y personal. “La amistad es la esencia de nuestra vida. Cuando las amistades, las aventuras amorosas o las colaboraciones surgen de la manera correcta, se dan sin esfuerzo”, reflexionó.

El desafío de interpretar a Lorenz Hart

En Blue Moon, Hawke interpreta a Lorenz Hart, letrista y compositor reconocido. El interés por dar vida a Hart surgió tanto del personaje como de los ejes de la película.

“Tiene que ver con el tema de la película. Mi amor por el teatro y mi amor por la gente que dedica su vida a la creatividad, sus altibajos, sus tonterías y estupideces, y sus momentos de gracia melancólica”, explicó a Los Angeles Times.

A partir de esa mirada, el actor reflexionó sobre el sentimiento de indiferencia que, según señaló, suele rodear a quienes se dedican al arte, con contadas excepciones.

En ese contexto, destacó el trabajo minucioso que llevó adelante junto a Linklater y el guionista Robert Kaplow, y explicó que la fragilidad del proyecto exigía una ejecución especialmente cuidadosa para evitar que la película perdiera su delicado equilibrio.

Incluso se sometió a un cambio físico para acercarse al personaje: “A mi edad, uno piensa: ‘Un momento, ¿es un error garrafal?’. Pero sabíamos que teníamos que conseguir el look perfecto”.

La evolución profesional y el reconocimiento

Consultado sobre el momento que atraviesa, el actor estadounidense se muestra entusiasta respecto a lo que viene. “Me siento muy bien porque tengo muchas más cosas que hacer. Empecé a sentir que una vida entera no es suficiente para esta profesión y que hay mucho que aprender”, declaró.

Considera que la percepción pública sobre su figura cambió con los años y sobre las críticas de sus primeros tiempos, reconoció: “Es una sospecha generalizada, y si no puedes soportarla, deberías parar. Es como si tuvieras que pasar por eso si eres serio y estuvieras dispuesto a que te critiquen, a que se burlen de ti. Es un pequeño impuesto de lujo por poder hacerlo”.

Explicó que esa experiencia terminó aportándole aprendizajes valiosos. “Creo que algunas de las cosas que me pasaban de joven, enfrentar esa actitud, me hicieron mucho bien. Es decir, la odiaba, pero todos queremos ser queridos y comprendidos, que la gente entienda nuestras intenciones y sepa que nuestro objetivo es verdadero”, aseguró a Los Angeles Times.

Al hacer balance de sus logros y el significado de la nominación, destacó el entusiasmo por las posibilidades que ofrece la narración y la creatividad. En esta etapa de plenitud, subrayó la satisfacción de elegir proyectos con libertad, guiado por la pasión y el deseo de contribuir al cine.

Su papel principal en Marty Supreme, bajo la dirección de Josh Safdie, reflejó una ambición poco común y una autoexigencia que lo distinguieron ante el público y la crítica.

Un punto de inflexión profesional

En una entrevista reciente concedida a Fotogramas, Chalamet señaló: “Estoy muy satisfecho con mi labor en Llámame por tu nombre y en todas las películas que hice al principio de mi carrera, pero creo humildemente que Un Completo Desconocido y Marty Supreme son los trabajos de los que más orgulloso estoy”.

Nacido en Nueva York en 1995, el actor afirmó que sus interpretaciones recientes representaron un punto de inflexión en su carrera.

El intérprete observó que Marty Mauser, protagonista de Marty Supreme, reunía rasgos con los que se identificaba desde sus inicios fuera de Hollywood. “Marty se parece muchísimo a mí cuando todavía no tenía una carrera en Hollywood”, explicó Chalamet, y reconoció que, aunque no era el personaje “más admirable que te puedas encontrar”, le resultó fundamental esa obsesión por lograr sus objetivos y la convicción de no aceptar un no como respuesta.

Mentalidad competitiva y autoconfianza

Durante la conversación con Fotogramas, Chalamet destacó que la mentalidad competitiva y el deseo de triunfar caracterizaban tanto a Marty como a él mismo.

“Especialmente en la industria del cine, donde hay tantísimo rechazo al empezar. Al principio, tú eres la única persona que cree en ti”, afirmó, subrayando el valor de la autoconfianza en los primeros pasos dentro del mundo actoral.

El reconocimiento a su trabajo se evidenció con el Globo de Oro y su posición como favorito en los Oscar.

Chalamet vinculó su búsqueda de grandeza a la experiencia de interpretar a Marty Mauser: “Persigo la grandeza, quiero ser uno de los mejores de la historia”, declaró el actor, quien precisó que esta ambición cobró fuerza poco después del rodaje y que, en ese momento, “todavía seguía poseído por el espíritu de Marty”. Según relató a Fotogramas, no resultó fácil desprenderse del estado mental generado por el personaje.

Ambigüedad moral y cambio personal

La entrevista indagó también en el concepto de antihéroe y la ambigüedad moral de la película. “No comparto la idea de que esta sea una película de antihéroes”, argumentó Chalamet.

“Ni siquiera que existan las películas de antihéroes como tal. El filme tiene una brújula moral ambigua, con un protagonista que también es moralmente ambiguo. Pero así es la vida real. Las personas tienen cualidades positivas, tienen defectos, son generosas, son egoístas… Y, sobre todo, la gente cambia”.

Chalamet expuso cómo cambió en lo personal y artístico en la última década. “A veces siento nostalgia de cuando tenía 20 años. Y luego me pregunto si de verdad querría vivir todo eso otra vez. Y creo que no”, confesó el actor.

Reconoció que durante un tiempo idealizaba figuras como Joaquin Phoenix o Heath Ledger y el mito del “artista torturado”, pero aclaró que su objetivo actual es disfrutar su vida y su trabajo: “La confianza que me dio Marty Supreme fue pensar que puedo hacer un buen trabajo sin estar destrozado por dentro”.

Para él, asumir una mentalidad competitiva y adoptar la actitud de un atleta le permitió encontrar una vía más saludable para el trabajo actoral.

Esa voluntad indomable y la determinación de Marty Mauser dejaron una huella profunda en la visión profesional y personal de Chalamet.

El impulso de enfrentar nuevos desafíos desde la convicción propia, más allá de cualquier reconocimiento, marca el rumbo de esta nueva etapa. Su actitud renovada inspira a quienes valoran la autenticidad.

La gala de la XIII edición de los Premios Feroz ha destacado por el reconocimiento a 'Los Domingos', que sumó cinco galardones en una ceremonia caracterizada por la regularidad del tono y la carencia de grandes polémicas, como reportó el medio. Según detalló la fuente, la cinta dirigida por Alauda Ruiz de Azúa se alzó con estatuillas en categorías principales, incluyendo mejor dirección, mejor película dramática y reconocimientos para Patricia López Arnáiz y Nagore Aramburu como mejor actriz protagonista y de reparto, respectivamente, además de otra distinción relevante.

El evento, organizado por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), se desarrolló en el Pazo da Cultura de Pontevedra y estuvo marcado por la puntualidad y la ejecución de un guion reglado, incorporando tiempo límite en los discursos de los premiados, una práctica ya habitual en estas galas según consignó el medio. La apertura de la ceremonia estuvo a cargo de Antonio Durán 'Morris', Petra Martínez, Samantha Hudson y Elisabet Casanova, quienes hicieron referencia acerca del papel destacado de Galicia en la edición y tocaron temas de política internacional sin profundizar en cuestiones polémicas, reportó la fuente.

El medio subrayó que, mientras 'Los Domingos' se consolidó como la gran vencedora con cinco de los nueve premios a los que aspiraba, otras producciones esperadas por las quinielas no lograron los principales reconocimientos. 'Sirat', dirigida por Oliver Laxe y candidata tanto a los premios Goya como a dos categorías de los Oscar (mejor película internacional y mejor sonido), solo fue galardonada en mejor música original y mejor tráiler. De igual forma, 'Romería' de Carla Simón, filmada en Vigo, y 'Pubertat' quedaron fuera de las categorías más visibles.

En cuanto a la representación masculina en interpretaciones, la película 'Maspalomas' recibió los premios de mejor actor protagonista para José Ramón Soroiz y mejor actor de reparto para Kandido Uranga, de acuerdo con el medio. La distinción para la mejor película de comedia recayó en 'La Cena', mientras que entre las nominadas también figuraba la producción gallega 'Rondallas'.

Respecto a la categoría de series, no se presentaron grandes cambios respecto a las previsiones previas. 'Yakarta', protagonizada por Javier Cámara, resultó ganadora como mejor serie de comedia y se llevó los galardones a mejor actor protagonista de serie y mejor guion, empatando en nominaciones con 'Anatomía de un instante' para la competencia de serie dramática, aseguró la fuente. En la línea de la comedia, la serie 'Poquita fe' sumó tres premios en seis posibles, incluyendo el de mejor serie de comedia, mejor actriz protagonista para Esperanza Pedreño y mejor actriz de reparto para Julia de Castro. El premio a mejor actor de reparto en una serie lo obtuvo Secun de la Rosa por su trabajo en 'Superestar'.

En la categoría documental, el largometraje 'Tardes de soledad', dirigido por Albert Serra y centrado en la figura del torero Andrés Roca Rey, obtuvo tanto el Premio Feroz Arrebato de no ficción como el reconocimiento al mejor cartel, relató el medio. De este modo, la XIII edición de los Premios Feroz mostró una distribución de galardones equilibrada en varias disciplinas, con 'Los Domingos' imponiéndose en los apartados más destacados y dejando fuera de los principales premios a otras producciones habituales en la temporada de certámenes cinematográficos, según publicó la fuente.

Durante su aparición en el programa televisivo La Revuelta, el cineasta gallego Oliver Laxe abordó las posibilidades de las producciones nominadas al Oscar a la mejor película internacional, focalizándose especialmente en la cinta brasileña 'El agente secreto'. Las palabras de Laxe, quien compite con su film 'Sirat', generaron una ola de comentarios en medios y redes sociales de Brasil, según publicó el medio que reportó el caso.

El medio detalló que la intervención de Laxe tuvo lugar en el espacio conducido por David Broncano en La 1 de TVE y que el tema central fueron las películas en disputa por la estatuilla internacional, cuya ceremonia se celebrará el próximo 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles. Laxe, al referirse a las demás producciones seleccionadas en el rubro internacional, destacó la presencia brasileña en la Academia de Hollywood y, con tono irónico, señaló: “En la Academia hay mogollón de brasileños y los queremos un mogollón, pero son ultranacionalistas. Yo creo que los brasileños presentan un zapato a los Oscar y lo votan todos ahí... al zapato. Pero es muy buena película y el equipo es brillante”, citó el medio como las palabras del cineasta durante la entrevista.

La declaración de Laxe, quien también mencionó la calidad del equipo de 'El agente secreto' y reconoció el mérito de la película dirigida por Kleber Mendonça Filho y protagonizada por Wagner Moura, fue criticada por medios y usuarios brasileños. Según consignaron diferentes portales de Brasil, varias personas consideraron que esas afirmaciones “desmerecen” los logros del cine brasileño en competiciones internacionales. El medio que reportó los hechos apuntó que, aunque la intervención de Laxe aparentó tener un tono distendido y sin intención ofensiva, la percepción en las plataformas digitales y algunas publicaciones brasileñas fue de reproche hacia sus comentarios.

En la mencionada categoría de mejor película internacional en los premios Oscar, compiten junto a 'Sirat' la iraní 'Un simple accidente' de Jafar Panahi, la noruega 'Valor sentimental' de Joachim Trier, la tunecina 'La voz de Hind' de Kaouther Ben Hania y, como representante de Brasil, 'El agente secreto'. El medio indicó que esta última película ya había superado a la obra de Laxe en otras premiaciones recientes como los Globos de Oro y los Critics Choice, donde también figuraba entre las favoritas.

'El agente secreto' cuenta con presencia en varias categorías de los Oscar, ya que opta no solo al galardón como mejor película internacional: también se encuentra nominada a mejor película, mejor dirección de casting y mejor actor. Por su lado, ‘Sirat’ busca el reconocimiento tanto en el rubro internacional como en el de mejor diseño de sonido.

La edición número 98 de los Oscar, que tendrá nuevamente a Conan O'Brian como presentador, ha generado expectación por el elevado número de candidaturas acumuladas por algunas producciones. ‘Los pecadores’, de Ryan Coogler, lidera las nominaciones con un total de 16, lo que la convierte en la película con mayor cantidad de candidaturas en la historia de los premios, según recordó el medio. ‘Una batalla tras otra’ suma 13 nominaciones, mientras que ‘Valor sentimental’, ‘Marty Supreme’ y ‘Frankenstein’ alcanzaron nueve menciones cada una. Por otra parte, la cinta ‘Hamnet’ de Chloé Zhao compite en ocho rubros.

La controversia en torno a las declaraciones de Laxe ha puesto bajo discusión la percepción sobre la influencia de algunos colectivos nacionales dentro de la Academia de Hollywood y hasta qué punto estas dinámicas impactan en los galardones más prestigiados del cine internacional, conforme informaron los diferentes medios que cubrieron esa edición de La Revuelta y la reacción que provocó en Brasil.

Durante la conferencia de prensa celebrada en el Espacio Movistar de la Gran Vía madrileña, Oliver Laxe y el equipo de “Sirat” manifestaron sorpresa y alegría al conocer la doble nominación de la película a los Premios Óscar. El reconocimiento en las categorías de Mejor Película Internacional y Mejor Sonido resultó inesperado para todos los miembros de la producción española, quienes expresaron euforia y asombro por situarse entre los finalistas de uno de los galardones más influyentes de la industria cinematográfica, según detalló Europa Press.

De acuerdo con información publicada por Europa Press, la noticia se vivió como un acontecimiento histórico para el cine nacional, no solo por la nominación en sí, sino por el escenario internacional que implica competir con grandes referentes. Oliver Laxe estuvo acompañado por figuras del proyecto como Agustín Almodóvar, Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas durante el evento, donde celebraron colectivamente el resultado. En declaraciones recogidas por el medio, el director reconoció no haber contemplado siquiera la posibilidad de estar considerado a este nivel: “Nunca te esperas algo así, nunca se me pasó por la cabeza”, señaló Laxe ante la prensa, poniendo de relieve la dimensión inesperada del logro.

Entre las producciones rivales que optan al Óscar a Mejor Película Internacional figuran trabajos de cineastas consolidados: la iraní “Un simple accidente” de Jafar Panahi, la noruega “Valor sentimental” de Joachim Trier, la tunecina “La voz de Hind” de Kaouther Ben Hania y la brasileña “El agente secreto” bajo la dirección de Kleber Mendonça Filho. Laxe calificó a estas películas como “dinosaurios” dentro del sector internacional, realzando la magnitud del desafío que supone para una producción española competir en este contexto. A pesar de ello, el cineasta trasladó satisfacción tanto por el equipo como por la oportunidad de representar al cine español a nivel mundial.

Según informó Europa Press, Oliver Laxe reflexionó sobre el significado del éxito para una obra cinematográfica, asegurando que “el éxito o el fracaso de una película no lo determina estar nominada a los Oscars. El éxito siempre está asegurado cuando tú haces tu película con honestidad, logras expresar lo que quieres expresar y la compartes con la gente”. Este reconocimiento, puntualizó, supone un “bonus” para las futuras producciones y aporta una cierta “libertad” de cara a proyectos venideros.

En cuanto a las posiblidades reales de obtener una estatuilla, el director gallego reconoció la dificultad inherente a enfrentarse a películas que cuentan con presupuestos significativamente superiores y equipos muy numerosos. “¿Habéis visto las películas con las que competimos? ¿Sabéis el presupuesto que tienen esas pelis y la de gente que trabaja en ellas? Estamos compitiendo con esos dinosaurios, pero ya sabéis que los pequeños mamíferos sobreviven a los dinosaurios”, comentó Laxe con humor, restando presión sobre el resultado y valorando ya el logro de la nominación.

La presencia de “Sirat” en las nominaciones ofrece, en palabras del propio cineasta recogidas por Europa Press, una plataforma de mayor visibilidad para la industria española y proyecta el cine local hacia audiencias globales. “Estar en los Premios Óscar es una manera de visibilizar el cine español y eso ya lo considero un éxito”, sostuvo el director, al tiempo que describió la película como una propuesta distinta, contundente y poco convencional. “Sinceramente, una película tan radical, tan audaz... Es una película, Sirat, que no hace prisioneros, que te hace mirar adentro, te mueres viendo la película. Es terapia de choque. Creo que ya hemos alcanzado nuestro techo. Ya estar aquí ya es increíble por una película tan especial, tan genuina”, expresó.

Durante la charla con los medios, Laxe compartió su particular traslado de este hito profesional, manifestando que el simple hecho de estar presente en la gala resulta suficiente y constituye, en sus palabras citadas por Europa Press, “un pequeño milagro”. Sobre si tiene previsto un discurso en caso de conseguir el Óscar, el director reconoció que prefiere abordar el evento de forma espontánea y centrarse en el presente. “Sinceramente no me preocupa la gala. Es que es ya muy fuerte esto. A mí me gusta improvisar, pero sí, no sé. Sinceramente creo que tenemos pocas opciones de ganar el Óscar. No, no, o sea, pero bueno, también decíamos lo mismo de ser nominados, ¿no? Yo creo que hay que hacer una lectura, bueno, yo creo que es un pequeño milagro”, concluyó el cineasta.

La gala de los Premios Óscar está considerada como la cita más destacada para la industria cinematográfica internacional y la doble nominación de “Sirat” sitúa a la producción española en el epicentro de la actualidad cultural. La reacción del equipo y las palabras del director revelan tanto el carácter excepcional de la selección como un reconocimiento a la autenticidad y el esfuerzo colectivo detrás de la obra, factores destacados en las declaraciones a Europa Press durante el encuentro con los medios.

Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas reflexionaron sobre el bajo número de mujeres presentes en la producción sonora cinematográfica, tras conocerse que su equipo se ha convertido en el primero compuesto íntegramente por mujeres en obtener una nominación al Oscar en la categoría de Mejor Sonido. Según consignó el medio, las tres especialistas forman parte de la película ‘Sirat’, dirigida por Oliver Laxe, que además compite como Mejor Película Internacional en la próxima ceremonia del 15 de marzo, que se celebrará en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

De acuerdo con la información publicada por el medio, este doble reconocimiento representa un avance inédito para el cine español y para la visibilidad de las mujeres en un sector que históricamente se ha caracterizado por el predominio masculino. La nominación marca un precedente y resalta la participación femenina en áreas técnicas, donde la representación de mujeres ha sido limitada. Amanda Villavieja expresó en la rueda de prensa celebrada por el equipo de ‘Sirat’ tras conocerse las nominaciones: “Igual ya tocaba que de repente no sea tan excepcional ver a tres mujeres ahí nominadas. Esto de los Oscar ya supera cualquier cosa, ciencia ficción”.

Durante este encuentro con la prensa, Casanovas calificó de “absoluta locura” la situación que están viviendo, manifestando la sorpresa y felicidad de las integrantes del equipo ante este hito. La profesional relató que inició su labor en la película sin expectativas de alcanzar una distinción tan relevante: “Estamos súper contentas de todo lo que está pasando porque cuando hacíamos la película no nos imaginábamos algo así. Es algo que ni te atreves a imaginar de que te va a pasar en la vida”, recogió la fuente.

Yasmina Praderas destacó la importancia de generar referentes dentro de la producción sonora, un ámbito donde la presencia de mujeres resulta todavía poco habitual. Praderas señaló que observar un incremento, aunque sea gradual, de mujeres en las salas de mezclas resulta esperanzador para quienes buscan abrirse paso en industrias técnicas: “Por suerte, cada día hay un poquito más (presencia femenina) y encuentras mujeres en la sala de mezclas. Es un lujo aunar fuerzas y sensibilidad”, comentó según reportó el medio.

El largometraje ‘Sirat’ de Oliver Laxe no solo compite en los principales galardones de la Academia de Hollywood, sino que pone de relieve el trabajo técnico de profesionales que suelen desarrollarse fuera del foco mediático. El medio detalló que la reacción del equipo ante estas nominaciones refleja tanto la emoción por el logro como un deseo de que experiencias como la suya sean cada vez más frecuentes y menos vistas como una rareza.

La ceremonia donde se anunciarán los ganadores, programada para el 15 de marzo en Los Ángeles, será la primera ocasión en la que un equipo español de sonido compuesto únicamente por mujeres aspira al premio en la categoría de Mejor Sonido, un hecho reseñado en diversas plataformas informativas como un avance para la representación de género en la industria global.

La propia Amanda Villavieja habló en tono de humor sobre la excepcionalidad de su presencia en esta edición de los premios, matizando que aún resulta inusual ver a varias mujeres nominadas en áreas técnicas, pero sugiriendo que el cambio es posible y que la industria puede evolucionar hacia una mayor equidad. La nominación ha motivado al equipo a compartir su experiencia y a subrayar el valor que pueden aportar otras mujeres interesadas en las especialidades técnicas del cine.

De acuerdo con el medio, tanto las declaraciones de las tres integrantes como el impacto de la doble nominación contribuyen a atraer la atención sobre los desafíos y avances pendientes para equilibrar la presencia de mujeres en todos los niveles de la producción cinematográfica. ‘Sirat’ se posiciona así como un caso destacado de avance en la inclusión femenina en el sector audiovisual internacional.

Michael B. Jordan figura entre los candidatos al premio a Mejor Actor por su papel en la película “Los Pecadores”, la cual encabeza la lista de aspirantes en los próximos Premios Oscar. Según lo publicado por la plataforma noticiosa que reportó las nominaciones, “Los Pecadores”, dirigido por Ryan Coogler, ha superado un registro histórico al recibir 16 nominaciones de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood. Este logro establece una nueva marca en la historia de los galardones, dejando atrás el récord anterior de 14 candidaturas, que ostentaban títulos como “Eva al desnudo” (1950), “Titanic” (1997) y “La La Land” (2017). La gala se realizará el 15 de marzo en el Kodak Theatre de Los Ángeles.

El medio que detalló las nominaciones precisó que, junto a “Los Pecadores”, la cinta estadounidense “Una batalla tras otra” de Paul Thomas Anderson también resalta como favorita con 13 nominaciones. Ambas producciones permanecen como principales contendientes en esta fase de la temporada de premios, fenómeno que, según consignó la fuente, consolida el predominio de las producciones de Estados Unidos en la competencia internacional y refuerza la tendencia de la industria audiovisual del país en los certámenes globales.

En la lista de títulos más reconocidos por la Academia este año figuran además “Valor sentimental”, “Marty Supreme” y “Frankenstein”, que consiguieron nueve candidaturas cada una. Les sigue “Hamnet” de Chloé Zhao, con ocho nominaciones. También participan entre los aspirantes a Mejor Película “F1: La película”, “Bugonia”, “El agente secreto” y “Sueños de trenes”, formando un total de diez películas en esa categoría principal, según informó el medio que difundió los resultados.

Ryan Coogler sumó otra distinción al lograr una nominación al premio a la Mejor Dirección. Los otros cineastas considerados en esa categoría son Chloé Zhao (“Hamnet”), Paul Thomas Anderson (“Una batalla tras otra”), Joachim Trier (“Valor sentimental”) y Joshua Safdie (“Marty Supreme”). Tal como puntualizó el medio que cubrió el anuncio, estos nombres reflejan una variedad generacional y temática que marca el panorama del cine contemporáneo.

En el ámbito internacional, “Sirat”, del español Oliver Laxe, obtuvo dos menciones: una en la categoría de Mejor Película Internacional y otra por Mejor Sonido. Entre las cinco producciones finalistas por el galardón internacional figuran, además, la iraní “Un simple accidente” de Jafar Panahi, la noruega “Valor sentimental” de Joachim Trier, la tunecina “La voz de Hind” de Kaouther Ben Hania y la brasileña “El agente secreto”. En sonido, el equipo compuesto por Amanda Villavieja, Laia Casanovas y Yasmina Praderas representa al largometraje español y compite frente a “F1: La película”, “Frankenstein”, “Una batalla tras otra” y la ya mencionada “Los Pecadores”.

Por el Oscar a Mejor Actriz, el medio detalló que compiten Rose Byrne (“Si pudiera, te daría una patada”), Kate Hudson (“Song Sung Blue”), Renate Reinsve (“Valor sentimental”), Emma Stone (“Bugonia”) y Jessie Buckley (“Hamnet”), quien parte como favorita. En la terna masculina, Wagner Moura (“El agente secreto”), Timothée Chalamet (“Marty Supreme”), Leonardo DiCaprio (“Una batalla tras otra”), Ethan Hawke (“Blue Moon”) y Michael B. Jordan por su interpretación en “Los Pecadores” disputarán la estatuilla.

Entre los nominados a Mejor Actriz de Reparto se encuentran Elle Fanning (“Valor sentimental”), Amy Madigan (“Weapons”), Wunmi Mosaku (“Los Pecadores”), Teyana Taylor (“Una batalla tras otra”) e Inga Ibsdotter Lilleaas (“Valor sentimental”). Entretanto, a Mejor Actor de Reparto aspiran Benicio del Toro (“Una batalla tras otra”), Jacob Elordi (“Frankenstein”), Delroy Lindo (“Los Pecadores”), Sean Penn (“Una batalla tras otra”) y Stellan Skarsgard (“Valor sentimental”).

La próxima edición presenta una nueva categoría: Mejor Dirección de Casting o Reparto. El medio original informó que los finalistas en esta especialidad son Nina Gold (“Hamnet”), Cassandra Kulukundis (“Una batalla tras otra”), Francine Maisler (“Los Pecadores”), Gabriel Domingues (“El agente secreto”) y Jennifer Venditti (“Marty Supreme”).

La información proporcionada por la plataforma resalta cómo producciones ambientadas en diferentes contextos históricos y geográficos han encontrado espacio en las principales categorías. “Los Pecadores”, una película de terror situada en Mississippi durante la década de 1930, ha concentrado la mayor atención por su inusual acumulación de menciones, mientras que “Una batalla tras otra”, que había constituido un triunfo en otras ceremonias previas, continúa su cosecha de reconocimientos en esta fase. De acuerdo con la fuente que cubrió el anuncio, la gala del 15 de marzo proyecta ser una de las más competitivas de los últimos años, con múltiples filmes y artistas reconocidos entre los favoritos en diferentes disciplinas.

En el proceso previo a la ceremonia de entrega de los Oscar, la película española ‘Sirat’ de Oliver Laxe quedó seleccionada en la primera preselección o ‘shortlist’ en cinco categorías, incluyendo mejor reparto, mejor música original y mejor fotografía. Finalmente, según reportó el medio, obtuvo solo nominaciones en dos apartados clave: mejor película internacional y mejor sonido en la edición número 98 de los premios otorgados por la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood.

La gala se realizará el 15 de marzo en el Kodak Theatre de Los Ángeles, según informó el medio. Los encargados de anunciar a los candidatos en las 24 categorías fueron los intérpretes Danielle Brooks y Lewis Pullman, durante un acto en el Samuel Goldwyn Theater de Beverly Hills, California. Conan O'Brien volverá a hacerse cargo de la conducción de la ceremonia.

Tal como consignó la fuente, ‘Sirat’ es uno de los cinco títulos finalistas en la categoría de mejor película internacional, compitiendo con producciones de Irán, Noruega, Túnez y Brasil. La representante iraní seleccionada en esta edición es ‘Un simple accidente’ de Jafar Panahi. Por parte de Noruega, la cinta ‘Valor sentimental’, dirigida por Joachim Trier, también está entre las nominadas. Túnez presenta ‘La voz de Hind’, una obra de Kaouther Ben Hania, y el listado se completa con la brasileña ‘El agente secreto’, dirigida por Kleber Mendonça Filho y protagonizada por Wagner Moura.

En la categoría de mejor sonido, ‘Sirat’ también competirá con títulos reconocidos, entre ellos ‘F1’, ‘Frankenstein’, ‘Una batalla tras otra’ y ‘Los pecadores’, de acuerdo con la información publicada por el medio.

El proceso de selección dejó fuera a otros trabajos españoles destacados, como el cortometraje de animación ‘El fantasma de la Quinta’. Dirigido por James A. Castillo y con la participación de Maribel Verdú como narradora, el filme había superado la preselección pero no logró un puesto entre los cinco finalistas en su categoría, detalló el reporte.

La trayectoria de ‘Sirat’ en festivales internacionales ha sumado reconocimientos previos a estas nominaciones. La película se alzó con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y obtuvo presencia en los Globos de Oro, donde recibió dos nominaciones: mejor película en habla no inglesa y mejor banda sonora. Sin embargo, según consignó el medio, no obtuvo ninguno de esos galardones, que fueron otorgados finalmente a la música de ‘Los pecadores’, compuesta por Ludwig Göransson, y a la cinta brasileña ‘El agente secreto’, que también impidió la victoria del filme español en la categoría de mejor película de habla no inglesa en los Critics Choice Awards.

Además de su recorrido internacional, la cinta de Oliver Laxe acumula 11 nominaciones a los Premios Goya que se entregarán en Barcelona el 28 de febrero, abarcando categorías como mejor película y mejor dirección. La presencia de ‘Sirat’ en los Goya la sitúa entre las grandes aspirantes en la próxima edición de estos galardones, según informó el medio.

‘Sirat’ es una producción original de Movistar Plus+ y ha sido reconocida en los Premios del Cine Europeo, donde obtuvo cinco recompensas en apartados técnicos: mejor fotografía, mejor montaje, mejor diseño de producción, mejor diseño de sonido y mejor dirección de casting, de acuerdo con la información del medio. Además, la película sumó siete nominaciones a los Premios Feroz.

Estos reconocimientos reflejan el recorrido internacional y nacional de la cinta dirigida por Laxe durante el año previo a la ceremonia de los Oscar. De acuerdo con el medio, la película española mantiene su foco internacional al quedar entre los títulos destacados en la actual temporada de premios.

Durante la mañana previa al anuncio de las nominaciones a la 98 edición de los premios Oscar, Oliver Laxe, reconocido cineasta, se reunió en el Edificio Telefónica acompañado de productores y miembros del equipo de su aclamada película. Según consignó el medio, Laxe enfatizó el valor de este encuentro colectivo y, en sus palabras, expresó: “Hoy es un día de celebración, independientemente de lo que pase”. Esta declaración antecedió la expectación en torno a los Oscar 2026 y puso en primer plano el agradecimiento por el respaldo recibido a lo largo del proceso cinematográfico.

El medio detalló que Laxe se encontraba rodeado por figuras clave en la producción del filme, entre quienes se encontraban Agustín Almodóvar y Esther García, representantes de la productora El Deseo. Junto con los productores, asistieron colaboradores del área de orfebrería vinculados a la realización de la obra, así como representantes de la crítica y la prensa española. La intención de compartir este momento se evidenció en sus palabras al afirmar: “Están todos mis productores, a los cuales agradezco tanto este acompañamiento tan bonito, también hay compañeros de orfebrería, que han trabajado en la película. Nos apetecía mucho compartirlo con vosotros, con la prensa, con los críticos”.

De acuerdo con lo publicado, Laxe insistió en la naturaleza colectiva y emotiva del acontecimiento, destacando el carácter especial que otorga la vivencia grupal del trabajo cinematográfico. “Es conmovedor y un gusto compartir esto con todos vosotros”, subrayó en referencia a la reunión con los diferentes actores implicados en la película y el periodismo cultural. El cineasta aprovechó la ocasión para recordar un episodio reciente celebrado en un acto junto a otros nominados a los premios Goya, donde la moderadora de la mesa deseó suerte a los participantes para el próximo 28 de febrero, fecha señalada en el calendario del cine español. Ante dichos buenos deseos, Laxe relató que su respuesta y la de sus colegas se apartó de la lógica competitiva: “Esto no va de ganadores y perdedores. Cuando intentamos hacer una película honesta, el cine ya gana”.

Tal como reportó el medio, el ambiente previo a la revelación de las nominaciones no solo estuvo marcado por la expectativa frente al reconocimiento internacional, sino también por el reconocimiento al trabajo en equipo y a los vínculos forjados durante la trayectoria de la película, desde el premio recibido en Cannes hasta el seguimiento de la industria y la prensa. En este contexto, Laxe hizo hincapié en el sentido de gratitud hacia quienes aportaron en las distintas etapas del proyecto, reafirmando que la validación principal reside en la autenticidad de la creación cinematográfica, independientemente del dictamen de los premios.

Además, la jornada cobró un sentido de celebración más allá del resultado concreto de las nominaciones, consolidando la relevancia del proceso compartido entre creadores, productores y críticos. Según reiteró el propio Laxe, la energía del entorno, la colaboración y el acompañamiento de los diferentes sectores involucrados permitieron transformar la espera en un reconocimiento por sí mismo al viaje emprendido desde los primeros pasos del filme.

El seguimiento de las nominaciones se realizó, además, en un entorno rodeado de profesionales del sector, subrayando la importancia de la comunidad en el ámbito de la creación audiovisual. Tal como enfatizó el cineasta, la esencia de la jornada radicó en apreciar el esfuerzo y la trayectoria recorrida, posicionando el trabajo colectivo y el compromiso con el cine en el centro del significado de la ocasión, según consignó la cobertura mediática.

Los votantes de los Oscar han hablado. El jueves otorgaron 16 nominaciones a Sinners y 13 a Una batalla tras otra.

Ryan Coogler fue nominado a mejor director y mejor guion por Sinners, un exuberante relato de vampiros, y la estrella de doble función Michael B. Jordan fue recompensado con su primera nominación al Oscar como mejor actor.

Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Benicio Del Toro y Teyana Taylor recibieron elogios por sus actuaciones en Una batalla tras otra.

¿Necesitas ponerte al día con todos los nominados? Aquí tienes un vistazo sobre su trama.

Sinners, 16 nominaciones

Una película profundamente personal que solo Ryan Coogler podría haber hecho. Es un musical de vampiros y gánsteres con un toque de blues, protagonizado por Michael B. Jordan en dos roles. Filmada con vibrante colorido, sus placeres superficiales por sí solos merecen ser celebrados.

Una batalla tras otra, 13 nominaciones

Una farsa ingeniosa, un frenético viaje de emociones, un drama conmovedor, una comedia de amigos, un drama sobre la paternidad. Las actuaciones son excelentes desde los protagonistas hasta los secundarios. Esto incluye a Leonardo DiCaprio, Sean Penn, Teyana Taylor, Chase Infiniti y más.

Sentimental Value, 9 nominaciones

Hay un alcance cósmico y emocional en esta película de Joachim Trier sobre el hogar, el trauma y permitirse ser visto. En su corazón está Stellan Skarsgård en una de sus mejores interpretaciones en años como un aclamado director de cine que eligió el trabajo sobre la familia.

Marty Supreme, 9 nominaciones

Josh Safdie y su coguionista y editor Ronald Bronstein construyeron un espectáculo enormemente entretenido y lleno de tensión sobre la ambición alrededor de una historia de tenis de mesa y ego, dándonos la actuación definitoria de Timothée Chalamet.

Frankenstein, 9 nominaciones

Una lectura de la inmortal historia de Mary Shelley por el maestro de los monstruos. No hay tornillos en la cabeza de este Frankenstein. Protagonizada por Oscar Isaac y Jacob Elordi, no es una adaptación literal de la historia de padre e hijo. Del Toro no es exactamente neutral.

Hamnet, 8 nominaciones

La adaptación de Chloé Zhao de la premiada novela de 2020 de Maggie O’Farrell, protagonizada por Paul Mescal como William Shakespeare y Jessie Buckley como su esposa, Agnes. Es un drama ficticio y especulativo con base en hechos históricos.

Bugonia, 4 nominaciones

Un golpe visceral de cámara de Yorgos Lanthimos. Difícil de olvidar. Basada libremente en la película coreana de 2003 Jigureul jikyeora! (Save the Green Planet!). Un eco-terrorista incel (Jesse Plemons) y su primo neurodivergente secuestran a Michelle (Emma Stone).

Train Dreams, 4 nominaciones

La adaptación de Clint Bentley de la novela corta de Denis Johnson. Ambientada a principios del siglo XX en el Panhandle de Idaho. Un Joel Edgerton barbudo y contemplativo parece vivir la vida simplemente porque está ahí. ¿Qué otra opción tiene?

F1, 4 nominaciones

Un piloto fenómeno de F1 de hace mucho tiempo (Brad Pitt) es abordado por un viejo amigo (Javier Bardem) para unirse a su equipo de F1 en declive. Después de eso, comienza la carrera. El director Joseph Kosinski, famoso por Top Gun: Maverick, ofrece, sí, una necesidad de velocidad.

El agente secreto, 4 nominaciones

Un thriller elegante y de combustión lenta sobre radicales y mercenarios. Del cineasta Kleber Mendonça Filho. El público conocerá a sicarios, piernas zombis, policías corruptos, un gato de dos cabezas y un hombre tranquilo llamado Marcelo (Wagner Moura) que huye de algo.

Sirāt, 2 nominaciones

Sobre un padre (Sergi López) que, junto a su hijo de 12 años (Bruno Núñez Arjona), busca a su hija adolescente. Después de llegar a un rave remoto en el sur de Marruecos, donde no tienen suerte, emprenden el viaje con una pequeña caravana de fiesteros.

Yek tasadef sadeh (Un simple accidente), 2 nominaciones

Una mirada oscura pero perversamente divertida, existencial y muy, muy humana a los efectos en cadena de la violencia estatal en Irán. Una interrogante sobre si el perdón alguna vez puede ser ofrecido. En farsi con subtítulos, todo el proyecto fue un acto de desafío del cineasta Jafar Panahi.

Blue Moon (“Luna azul”), 2 nominaciones

Ethan Hawke interpreta al letrista Lorenz Hart en una mirada trágica al final de su vida. Tiene lugar en Sardi’s en 1943 después de que el colaborador de toda la vida de Hart, el compositor Richard Rodgers, haya triunfado no con Hart sino con su nuevo compañero de composición, Oscar Hammerstein II.

KPop Demon Hunters, 2 nominaciones

El éxito arrollador sigue al grupo de chicas de K-pop ficticio HUNTR/X mientras luchan contra demonios. La banda sonora ha encabezado las listas de popularidad. En este mundo, todos son fanáticos.

If I had Legs I’d Kick You (“Si pudiera, te daría una patada”), 1 nominación

Mary Bronstein convirtió su propia pesadilla doméstica en una expresión cinematográfica cruda y surrealista de agotamiento y locura maternal. Anclada por una actuación absolutamente intrépida de Rose Byrne.

Weapons (“La hora de la desaparición”), 1 nominación

En el corazón de la película está la desaparición de 17 alumnos de tercer grado de una sola clase en medio de la noche en la frondosa ciudad de Maybrook, Illinois. Las cámaras de seguridad los captan abriendo sus puertas delanteras y saliendo corriendo, para no ser vistos de nuevo.

Song Sung Blue: Sueño inquebrantable, 1 nominación

Hugh Jackman y Kate Hudson protagonizan la historia de Mike y Claire Sardina, un dúo tributo a Neil Diamond en apuros en Milwaukee. La película es una adaptación de un documental de 2008 sobre la pareja ligeramente excéntrica.

* Los periodistas de AP Leanne Italie, Jake Coyle, Lindsey Bahr, Jocelyn Noveck y Mark Kennedy contribuyeron a este texto.

Fuente: AP

Un reconocimiento colectivo para el elenco y la producción

Fanning destacó la importancia de compartir este logro con el equipo de la película, extendiendo su agradecimiento a sus compañeros de reparto y a quienes hicieron posible el proyecto. Mencionó especialmente a Inga Ibsdotter Lilleaas, Stellan Skarsgård, Renate Reinsve y al director Joachim Trier. La actriz subrayó el valor de obtener su primera nominación por una película que celebra el poder del cine y la familia, y dedicó palabras de reconocimiento a la “familia de Sentimental Value”, que incluye guionistas, editores, el equipo de producción y los colaboradores de NEON.

La alegría de Fanning fue aún mayor al saber que otros miembros del elenco también recibieron sus primeras nominaciones por parte de la Academia. Sentimental Value narra la historia de una mujer que debe reconectar con su padre, un renombrado director, tras la muerte inesperada de su madre. La película acumula siete nominaciones al Oscar, entre ellas la de mejor película, lo que la posiciona como uno de los títulos sobresalientes de la temporada de premios, según PEOPLE.

La emoción de Inga Ibsdotter Lilleaas y la fuerza del apoyo familiar

La coprotagonista Inga Ibsdotter Lilleaas, igualmente nominada por primera vez, manifestó a PEOPLE su asombro y gratitud ante el reconocimiento. “No puedo creer que esto haya pasado. Esta nominación significa el mundo para mí. Agradezco a mi familia por su apoyo, especialmente a mi esposo y a mi hijo. ¡Gracias, gracias, gracias!”, afirmó Lilleaas, poniendo en evidencia la importancia del respaldo familiar en este tipo de logros.

El ambiente de celebración que se vivió en el hogar de Fanning fue un reflejo del impacto de este reconocimiento. En una jornada cargada de alegría, la actriz compartió la noticia con sus seres más cercanos, en un momento en el que la felicidad y el mérito se extendieron a todos quienes forman parte de su círculo personal y profesional.

El desafío de interpretar a Rachel Kemp

En una entrevista previa con PEOPLE durante el Festival Internacional de Cine de Toronto, Fanning habló sobre el reto de dar vida a Rachel Kemp, una actriz estadounidense que lucha por ser reconocida y valorada. Describió la experiencia como “muy meta”, al identificar paralelismos entre su carrera y la del personaje. Fanning enfatizó el enfoque personal que el director Joachim Trier aportó al filme, permitiendo que el elenco sumara experiencias propias a la narrativa, un elemento que, según la actriz, se percibe claramente en la esencia de la película.

La actriz también comentó que, aunque Rachel Kemp difiere de ella en varios aspectos, ambas han enfrentado desafíos similares en el mundo actoral. Interpretar a este personaje le permitió canalizar emociones y aprendizajes personales, lo que convirtió el proceso en algo liberador. Esta conexión emocional profundizó el compromiso de Fanning con el papel y enriqueció su interpretación en pantalla.

La ceremonia de los Oscar y un futuro prometedor

La edición número 98 de los Oscar se celebrará el 15 de marzo a las 19:00 horas (hora del este de Estados Unidos), con Conan O’Brien como presentador. El evento será transmitido en directo por ABC y Hulu, y se espera que Sentimental Value sea protagonista en la competencia, gracias a sus siete nominaciones y al reconocimiento internacional que ha cosechado en la temporada de premios.

La nominación de Elle Fanning marca un hito en su carrera y representa el fruto de un trabajo colectivo en el que confluyen talento, dedicación y el apoyo incondicional de la familia. El impacto emocional del anuncio, la celebración compartida y el reconocimiento de la industria consolidan este momento como uno de los más significativos en la trayectoria de la actriz. La expectativa crece a medida que se acerca la ceremonia, donde Fanning y el equipo de Sentimental Value buscarán consagrar su éxito ante la mirada del mundo.

El anuncio de las nominaciones al Oscar 2026 situó a Emma Stone en el centro de la conversación sobre récords de la industria. A sus 37 años, la actriz se convirtió en la segunda persona más joven, y la mujer más joven, en alcanzar siete nominaciones a los Premios de la Academia, una marca que hasta ahora solo había superado Walt Disney con 34 años en 1936. La marca histórica previa para una mujer la mantenía Meryl Streep, quien sumó su séptima candidatura a los 38 años en 1988.

La protagonista de Bugonia logró por segunda vez una doble nominación como productora y actriz principal por el mismo filme. Según los registros de The Hollywood Reporter, Frances McDormand fue la primera en hacerlo, gracias a Nomadland en 2021. Stone repitió la hazaña con Poor Things en 2023 y la consolidó este año al ser postulada nuevamente en ambas categorías por su trabajo en Bugonia.

De las cinco candidaturas obtenidas por Stone antes del anuncio de este jueves, dos resultaron en victoria en la categoría de mejor actriz: una por La La Land en 2016 y otra por Poor Things.

Ahora, Emma compite por su tercera estatuilla como actriz principal, un hito que sólo han alcanzado dos luminarias del cine: Katharine Hepburn con un total de cuatro premios Oscar a mejor actriz y Frances McDormand con tres.

Cabe mencionar que otras grandes actrices como Ingrid Bergman y la misma Meryl Streep también cuentan con tres Oscar cada una. Sin embargo, ambos casos ostentan dos estatuillas a Mejor Actriz de Reparto y una a Mejor Actriz Principal.

En la contienda de mejor actriz, Stone compartió la lista de nominadas con Jessie Buckley (Hamnet), Rose Byrne (If I Had Legs I’d Kick You), Kate Hudson (Song Sung Blue) y Renate Reinsve (Sentimental Value). Mientras tanto, en la puja por mejor película, Bugonia figuró entre las seleccionadas junto a F1, Frankenstein, Hamnet, Marty Supreme, One Battle After Another, The Secret Agent, Sentimental Value y Sinners.

Bugonia sumó además nominaciones en las categorías de mejor guion adaptado, competencia liderada por Will Tracy, y mejor banda sonora original, a cargo de Jerskin Fendrix.

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas anunció el jueves 22 de enero que “Sinners” lidera la 98ª edición de los Premios Oscar con 16 nominaciones, superando el récord histórico que ostentaban “All About Eve” (1950), “Titanic” (1997) y “La La Land” (2016), que llegaron a sumar 14 candidaturas cada una.

La película, dirigida y escrita por Ryan Coogler, se convierte así en la más nominada en la historia de los Oscar, un hito que ha despertado expectación en la industria y entre los seguidores del cine internacional.

La presentación de los nominados, realizada desde el Samuel Goldwyn Theater de la Academia en Los Ángeles, estuvo a cargo de Danielle Brooks y Lewis Pullman, quienes revelaron que, por debajo de “Sinners”, la cinta “One Battle after Another”, de Paul Thomas Anderson, alcanzó 13 nominaciones. Otras producciones destacadas del año incluyen “Marty Supreme”, “Frankenstein” y “Sentimental Value”, con nueve nominaciones cada una.

¿De qué trata ‘Sinners’?

“Sinners”, producida por Warner Bros. Pictures, está ambientada en el Misisipi de 1930 y protagonizada por Michael B. Jordan, quien interpreta a los hermanos gemelos Smoke y Stack. La historia narra el regreso de ambos a su ciudad natal tras años de ausencia, donde enfrentan un mal ancestral que amenaza a la comunidad. La película explora el trasfondo de la música como espacio de creación, resistencia y también de explotación, planteando preguntas sobre la apropiación cultural y los beneficios reales de los géneros musicales nacidos en comunidades marginadas.

El impacto de “Sinners” se refleja no solo en la cifra récord de nominaciones, sino también en la diversidad de categorías en las que compite, desde Mejor Película y Mejor Dirección hasta rubros técnicos y artísticos como Fotografía, Edición, Diseño de Producción y Banda Sonora. El propio Ryan Coogler, conocido por su trabajo en “Black Panther”, suma candidaturas tanto como guionista como director, consolidando su perfil en la industria global.

¿Cuándo se realizarán los Oscar 2026?

La ceremonia de la 98ª entrega de los Oscar se llevará a cabo el 15 de marzo de 2026 en el Dolby Theatre de Los Ángeles. La gala contará con la conducción del presentador y comediante Conan O’Brien y será transmitida en vivo para América Latina a través de TNT y la plataforma HBO Max. La cobertura especial comenzará una hora antes de la ceremonia e incluirá entrevistas exclusivas desde la alfombra roja, con la participación de conductores como Lety Sahagún y Axel Kuschevatzky para la región, y Carol Ribeiro para Brasil.

Para los espectadores en Perú, la transmisión de la premiación comenzará a las 17:00 horas. El acceso a la gala estará disponible tanto en la televisión por cable como en la aplicación de streaming HBO Max, que ofrecerá el evento en su sección de Temporada de Premios. El pre-show, con acceso especial a los nominados y análisis de expertos, podrá verse desde las 16:00 horas.

¿Dónde y cuándo ver ‘Sinners’ en Perú?

El anuncio de las nominaciones generó expectativas entre los seguidores de películas como ‘Sinners’, que era considerada favorita por medios especializados para romper el récord histórico. La cinta de Ryan Coogler recibió elogios por su puesta en escena, el trabajo actoral de Michael B. Jordan y la capacidad de abordar temáticas sociales a través del género fantástico.

Entre las nominaciones de ‘Sinners’ (Pecadores) figuran Mejor Actor, Mejor Dirección, Mejor Guion Original, Mejor Fotografía, Mejor Montaje, Mejor Dirección de Arte y Mejor Banda Sonora, entre otras. El éxito de la película también contribuyó a que Warner Bros. Pictures sumara un total de 30 nominaciones gracias a otros títulos como ‘One Battle after Another’(Una batalla tras otra) y ‘La Hora de la Desaparición’. Las tres películas están disponibles en la plataforma HBO Max y pueden verse previa suscripción.

La fantástica película de terror negra de Ryan Coogler, Sinners, es un éxito de crítica y taquilla. Pero la última colaboración del director con el actor Michael B. Jordan también ha dejado a los espectadores con mucho que desempacar. Jordan interpreta a los “gemelos Smokestack”, Smoke y Stack, que regresan de trabajar con Al Capone en Chicago para abrir un bar de mala muerte en su ciudad natal de Mississippi. Organizan que su primo Sammie, el hijo amante del blues de un predicador desaprobador, actúe en la inauguración. Pero el talento de Sammie atrae rápidamente a un grupo de vampiros blancos que amenazan con apoderarse de la ciudad.

Sinners es una obra que se interesa por las dicotomías morales. Hay monstruos y víctimas, por supuesto; es una película de vampiros. Pero al examinar los personajes, objetos y temas de la película a través de su subtexto político, se revela bastante sobre cómo Sinners define el bien y el mal en esta versión sobrenatural del Sur de Estados Unidos bajo la ley Jim Crow. A continuación, un análisis, lleno de spoilers, de lo que la película considera sagrado y lo que considera profano.

Lo Sagrado

La guitarra

Sammie atesora su guitarra, que le regalaron Smoke y Stack, quienes le dijeron a su primo que perteneció al gran blues del Delta, Charley Patton. La guitarra representa la historia de la música negra, como cuando Sammie (Miles Caton) toca en el bar de los gemelos e invoca a artistas y músicos negros del pasado y del futuro. La música de Sammie también atrae a Remmick, el vampiro principal (interpretado por Jack O’Connell), pero también lo destruye: en un enfrentamiento, Sammie le estrella la guitarra en la cabeza, lo que le da a Smoke la oportunidad de clavarle una estaca.

Tras sobrevivir a los vampiros, Sammie deambula aferrado al mástil roto de su guitarra, creyendo aún que era de Charley Patton. Smoke finalmente revela que Stack mintió y que la guitarra había pertenecido a su padre, lo que demuestra que incluso el legado personal tiene poder. Aunque la guitarra no pertenezca a una leyenda del blues, eso no significa que un artista como Sammie no pueda evocar el poder de la cultura negra a través de ella.

La Iglesia

La mayor parte de la historia de Sammie comienza y termina en la iglesia. Su padre, predicador, insiste en que Sammie deje la melancolía y siga la misma vocación. Las escenas en la iglesia enmarcan el horror vampírico, mostrando el lugar de culto como un lugar seguro para la comunidad negra. Pero también es donde Sammie se siente alienado por su padre; es una institución de valores tradicionales que puede ser limitante.

El Bar

Es revelador que el viejo aserradero que las gemelas le compran a un miembro del Ku Klux Klan para su antro aún tenga las tablas del suelo manchadas de sangre; esta es la base traumática sobre la que se construye el club. El antro une a la comunidad y les ofrece un espacio para su alegría negra. El padre de Sammie rechaza estos establecimientos como caldos de cultivo para el pecado, pero este es el refugio de Sammie, aunque solo sea por una noche. El hecho de que los vampiros no puedan entrar sin invitación también indica el atractivo y el poder que puede tener un espacio exclusivamente negro.

Fumar

Desde la primera aparición de los gemelos en pantalla, queda claro que inevitablemente se separarán. El frío y malhumorado Smoke parece un buen candidato para el papel del gemelo “malo”, frente al aún corrupto pero más afortunado Stack. Pero Smoke termina con un tiroteo al estilo de un héroe de acción contra los miembros del Ku Klux Klan que planeaban atacar a los clientes restantes del antro la mañana después de la fiesta de inauguración.

Smoke también cuenta con la protección de una compañera que representa una virtud sagrada: Annie (Wunmi Mosaku), que se aferra a sus encantos protectores y cuida de los lugareños, incluso cuando no pueden compensarla por completo. También es la primera en descubrir que se enfrentan a entidades sobrenaturales. Annie representa la fe y las mitologías negras. Su conocimiento y preocupación son lo que mantiene a Smoke a salvo hasta el final, cuando un miembro del Ku Klux Klan lo mata a tiros en el enfrentamiento final de la película. Smoke muere con dignidad. Mientras agoniza, ve a Annie y al bebé que perdieron, vestidos de blanco como ángeles caídos del cielo. A Smoke se le ofrece la muerte del héroe.

El profano

Vampiros

Los demonios sobrenaturales de esta película son en realidad solo apropiadores blancos que quieren usar la música de Sammie para conectar con sus ancestros. Remmick comparte que fue víctima del colonialismo y que le impusieron la religión. Su ataque al bar de mala muerte simboliza cómo el colonialismo es un sistema que se perpetúa constantemente. Después de que Remmick y sus compañeros vampiros convirtieran a la mayoría de los fiesteros negros en chupasangres, todos se unen a su propio estilo de fiesta en el bosque, cantando y bailando canciones populares irlandesas.

Esta escena pretende ser un paralelo a la celebración sagrada y trascendental de música y danza que tuvo lugar en el molino. Intentando atraer a Sammie y a los demás, los vampiros prometen una vida eterna de igualdad, un futuro posracial donde todos serán asimilados. La oferta de Remmick es una especie de borrado dorado, donde la identidad negra se vuelve irrelevante.

Dinero

Se supone que el dinero es un gran ecualizador, pero los gemelos descubren que no puede comprar el respeto, la estabilidad y la libertad que buscan. Mucho dinero cambia de manos en los preparativos para el giro de la película hacia el horror sobrenatural; los gemelos regatean por la ciudad para la gran inauguración de su establecimiento, y los lugareños se resisten a su fortuna.

En el mundo de Sinners, el dinero nunca es sagrado. Gran parte del dinero que se muestra en la película está contaminado por el contexto en el que se obtuvo o se utiliza. Así, Annie descarta la riqueza de Smoke como dinero manchado de sangre, obtenido de negocios ilegales en Chicago, mientras que Mary, la amada de Stack, se maravilla con las monedas de oro que Remmick le ofrece antes de convertirla en vampiro. En Sinners, el dinero nunca puede ser una herramienta de liberación; es solo otro medio de opresión.

Mary

Interpretada por Hailee Steinfeld, Mary es una antigua pareja con la que Stack no puede imaginar un futuro. Esto se debe a que es mestiza y se hace pasar por blanca en su vida diaria. Pero si bien puede entrar y salir de su identidad negra, no encaja ni en la comunidad negra ni en la blanca. Cuando llega al bar, casi le niegan la entrada. Es significativo que el personaje, que se mueve entre identidades raciales, sea el primero de los asistentes a la fiesta en ser atraído por los vampiros; puede encontrar algo parecido a la libertad en su mundo posracial.

Stack

Stack es víctima de un viejo cliché racial: un hombre negro que encuentra su caída debido a una mujer blanca. (En este caso, es Mary, de piel clara, que vive su vida como una mujer blanca). Mientras Smoke muere una muerte noble y se reúne con su familia negra en el cielo, Stack está destinado a una vida eterna donde no es más libre que antes. Entonces, cuando, en una escena a mitad de los créditos, los vampiros Stack y Mary visitan a un Sammie mayor (interpretado por el famoso cantante y guitarrista de blues Buddy Guy) y le ofrecen la misma eternidad, él los rechaza. Después de todo, Sammie ya se ha asegurado una vida eterna que es mucho más valiosa que la que tienen Stack y Mary: ha seguido tocando su música, lo que significa que es parte del pasado, presente y futuro de la cultura negra. Ya es parte de un legado imperecedero.

Fuente: The New York Times

El filme de Coogler no solo encabeza la competencia por la estatuilla a mejor película, sino que también figura entre los aspirantes en dirección, guion original, actuación principal (con Michael B. Jordan), actriz y actor de reparto, y en todas las categorías técnicas, desde dirección de fotografía hasta efectos visuales. La canción “I Lied to You”, incluida en la banda sonora, también fue reconocida.

La hazaña coloca a “Sinners” en una posición singular: es la séptima película en lograr postulaciones en cada apartado técnico, una distinción que únicamente habían alcanzado títulos como “Dune” (2021), “Mad Max: Fury Road” (2015) y “Titanic” (1997). Si se suma la nominación a mejor canción original, solo “Titanic” había logrado algo similar.

El impacto de este logro se mide frente a referentes históricos: con sus 16 menciones, la película de Coogler deja atrás a “All About Eve” (1950), “Titanic” (1997) y “La La Land” (2016), todas con 14. En cuanto a triunfos, el récord vigente de 11 estatuillas lo comparten “Ben-Hur” (1959), “Titanic” y “El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey” (2003).

Más allá de las cifras, Ryan Coogler se transforma en el segundo cineasta negro en ser nominado, en el mismo año, como productor, director y guionista original. El primer antecedente fue Jordan Peele por Get Out (2017). Solo tres realizadores han alcanzado esa triple postulación, sumando a Spike Lee por BlacKkKlansman (2018).

El director de “Black Panther” también suma otro hito: es el segundo productor negro en recibir dos nominaciones a mejor película, tras competir anteriormente con “Judas and the Black Messiah” (2020). Esta distinción solo la comparte con Peele, quien lo logró con Get Out y BlacKkKlansman.

La lista de rupturas no termina allí. Zinzi Coogler, productora y esposa del director, figura como la primera productora filipina y la tercera mujer negra en ser nominada al máximo galardón. El matrimonio hace historia al convertirse en la primera pareja negra casada que compite en esa categoría.

Otra pionera es Autumn Durald Arkapaw, quien se convirtió en la primera mujer filipina y la primera mujer de color candidata a mejor dirección de fotografía. En el apartado de diseño de producción, Hannah Beachler mantiene su exclusividad como la única mujer negra nominada, sumando una segunda mención tras su victoria con “Black Panther”.

El vestuario, una vez más, lleva la firma de Ruth E. Carter. Con su quinta nominación, Carter se consagra como la mujer negra con más postulaciones en la historia de los Oscar, superando a la actriz ganadora Viola Davis. Solo la superan en cantidad de nominaciones entre los creativos negros Denzel Washington (nueve) y Quincy Jones (siete).

El guion original de “Sinners” también inscribe a Coogler en una tradición que comenzó en 1972, cuando Suzanne de Passe fue la primera guionista negra reconocida por Lady Sings the Blues. Desde entonces, solo un puñado ha llegado a esta instancia, y únicamente Jordan Peele se alzó con la victoria.

La cuenta regresiva ya está en marcha: la votación final se realizará entre el 26 de febrero y el 5 de marzo, y la gala número 98 de los Oscar tendrá lugar el 15 de marzo, con Conan O’Brien como anfitrión.

El récord de más nominaciones al Oscar es de 14, un total acumulado por solo tres películas: La La Land (2016), Titanic (1997) y Eva al desnudo (1950).

¿Podría ser este el año en que finalmente se rompa el récord de 75 años? Me inclino a pensar que sí. De hecho, dos de las principales contendientes de este año —Sinners y Una batalla tras otra— tienen una gran oportunidad de superar ese récord cuando se anuncien las nominaciones el jueves. Ayuda que los Oscar hayan introducido una categoría de casting que aumentará las nominaciones de ahora en adelante, pero ambas contendientes deberían demostrar ser enormes por sí mismas, con Sinners particularmente bien posicionada no solo para romper ese récord, sino también para superarlo si la película supera las expectativas.

Mientras tanto, aquí están mis nominados proyectados en las seis categorías principales de los Oscar, con mis predicciones en negrita. El interés de la industria influye en estas selecciones, al igual que las nominaciones y los premios otorgados por precursores clave como los Globos de Oro, el Sindicato de Actores de Cine, el Sindicato de Productores de Estados Unidos y el Sindicato de Directores de Estados Unidos. Y cuando ni siquiera eso fue suficiente, seguí mi instinto.

Mejor Película

Cinco películas de esta temporada obtuvieron las principales nominaciones de los sindicatos de productores, directores y actores: Una batalla tras otra, Sinners, Hamnet, Marty Supreme y Frankenstein. Así que esa es la mitad de nuestra lista de mejores películas resuelta.

Aunque el drama noruego Sentimental Value generó dudas tras no obtener ninguna nominación al Sindicato de Actores de Cine, la academia se inclina mucho más a premiar las películas internacionales, y el actor de reparto Stellan Skarsgård ganó, afortunadamente, el Globo de Oro el día antes de que comenzaran las votaciones para los Oscar. La brasileña The Secret Agent también se llevó dos Globos en el momento justo, y aunque la película iraní It Was Just An Accident no ha tenido mucho éxito desde que ganó en Gotham a principios de diciembre, esa Palma de Oro en Cannes debería mantenerla en la contienda.

Mientras otras películas de Netflix como Jay Kelly y A House of Dynamite perdían impulso, la elegíaca película de época de la plataforma de streaming, Train Dreams, seguía avanzando con éxito, entre las diez mejores del sindicato de productores y el American Film Institute. Y aunque Bugonia no tuvo una acogida tan entusiasta como Poor Things, otra colaboración reciente entre Emma Stone y el director Yorgos Lanthimos, las nominaciones al SAG para Stone y su coprotagonista, Jesse Plemons, sugieren que la película sigue vigente.

Mejor director

Estoy adoptando un enfoque conservador para esta categoría y predigo una combinación perfecta con los cinco autores ya nominados por el sindicato de directores: Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra), Ryan Coogler (Sinners), Guillermo del Toro (Frankenstein), Josh Safdie (Marty Supreme) y Chloé Zhao (Hamnet).

Joachim Trier (Valor sentimental) logró una mención en la lista de los premios BAFTA que Del Toro no obtuvo, pero los votantes del Óscar adoran a Del Toro, quien ya ganó en esta categoría por La forma del agua (2018). El cineasta disidente Jafar Panahi (Fue solo un accidente) tiene una historia personal increíblemente convincente: tras rodar la película en secreto, fue condenado en ausencia por Irán a un año de prisión. ¿Será suficiente?

Mejor actor

Antes de que llegara la mitad de enero, Timothée Chalamet, protagonista de Marty Supreme, ganó el Premio de la Crítica y el Globo de Oro al mejor actor principal en una comedia. Está dentro. Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra) y Michael B. Jordan (Sinners) encabezan la lista de los dos contendientes más fuertes, así que también deberían estar dentro, aunque cabe destacar que los votantes del Oscar a veces los han desairado incluso cuando sus películas ganaron múltiples premios.

El Globo de Oro al mejor actor principal en un drama fue para Wagner Moura (El agente secreto), y espero que tenga el mismo impulso tardío que llevó a su compatriota brasileña Fernanda Torres a una nominación a mejor actriz el año pasado. Aunque el magnífico Ethan Hawke (Luna azul) tiene buenas posibilidades de obtener el quinto puesto en esta categoría, es más probable que recaiga en alguien que protagonice una nominada a mejor película, como Joel Edgerton (Sueños de tren) o Jesse Plemons (Bugonia). En esta reñida batalla, preveo que Plemons se llevará el premio.

Mejor actriz

La estrella de Hamnet, Jessie Buckley, es ampliamente considerada como la favorita en esta carrera, por lo que su puesto está asegurado. Renate Reinsve (Sentimental Value) y Emma Stone (Bugonia) provienen de probables nominadas a mejor película, así que también las esperaría. Y después de que Rose Byrne emergiera como una de las favoritas de la crítica por If I Had Legs I’d Kick You, su reciente victoria en el Globo de Oro podría animar a más votantes a ver su actuación, aún poco vista.

Muchos expertos presumen que el otro puesto en esta contienda será para Chase Infiniti, quien interpreta a la hija del personaje de DiCaprio en Una batalla tras otra y Warner Bros. la presenta como candidata a mejor actriz principal. Sin embargo, si Infiniti obtiene más votos en la categoría de mejor actriz de reparto y es nominada en ella, podría liberar espacio para la estrella de Song Sung Blue, Kate Hudson, cuya intensa campaña de premios ha atraído a miembros de la academia de renombre como DiCaprio y Al Pacino a recepciones en su honor.

Mejor actor de reparto

De las cuatro categorías de actuación, esta parece tener la alineación más cerrada. Una batalla tras otra debería reclamar dos puestos para Sean Penn y Benicio Del Toro, mientras que Paul Mescal (Hamnet), Jacob Elordi (Frankenstein) y el ganador del Globo de Oro Stellan Skarsgård completan el grupo.

¿Podrían otros contendientes colarse? Netflix montó una sólida campaña para Adam Sandler, protagonista de Jay Kelly, aunque la película está decayendo rápidamente. Y Sinners tendría más posibilidades de romper el récord de nominaciones de todos los tiempos si Delroy Lindo o el nominado al SAG, Miles Caton, logran entrar.

Mejor actriz de reparto

A diferencia de la categoría de actor de reparto, esta se siente todo menos definida. Sí, puedes contar con que la ganadora del Globo de Oro Teyana Taylor (Una batalla tras otra) y la ganadora del Premio de la Crítica Amy Madigan (Armas) aparecerán. ¿Y luego qué?

¿Terminará Chase Infiniti en esta categoría si los votantes no se enteran de su ubicación, o podría su coprotagonista Regina Hall conseguir un puesto si Una batalla tras otra supera las expectativas? Marty Supreme tiene papeles secundarios muy jugosos para la ganadora del Óscar Gwyneth Paltrow y la nominada al SAG Odessa A’zion. ¿Podría alguna (o ambas) estar cobrando impulso en los últimos tiempos?

Sentimental Value también tiene un doblete en disputa, pero presiento un mayor apoyo para Inga Ibsdotter Lilleaas que para Elle Fanning, lo que convierte a la actriz noruega en mi elección para uno de los puestos restantes. Wicked: For Good no igualará el total de nominaciones de la primera película, pero creo que Ariana Grande aún puede abrirse paso, ya que su material dramático más fuerte viene en la secuela. Y guardemos un puesto final para Wunmi Mosaku, quien obtuvo una nominación al SAG y una mención en la lista de finalistas de los BAFTA por Sinners. Su nominación sería clave para impulsar esa película a máximos históricos.

Fuente: The New York Times

Un fenómeno que trasciende la taquilla

Desde su debut en 2009, Avatar ha sido un imán para el público y un ejemplo de innovación tecnológica en el cine. La franquicia, dirigida por James Cameron, ha acumulado cifras impresionantes en recaudación y se ha convertido en uno de los fenómenos culturales más destacados del siglo XXI. La última entrega, “Avatar: Fire and Ash”, sigue cosechando éxitos en cartelera, consolidando a la saga como una de las más rentables de la historia. El entusiasmo del público se mantiene intacto: cada estreno provoca largas filas en las salas y, en plataformas digitales, los títulos de la franquicia registran millones de reproducciones.

El impacto de Avatar no se limita únicamente al aspecto comercial. La saga ha introducido avances significativos en efectos visuales y técnicas de filmación, influyendo en el desarrollo de nuevas formas de narrar historias en la industria global. Este legado tecnológico ha sido reconocido con múltiples premios en categorías técnicas, aunque sin alcanzar los galardones más prestigiosos de la Academia.

Reconocimientos y deudas en los premios Oscar

La primera película, estrenada en 2009, recibió nueve nominaciones al Oscar y obtuvo tres estatuillas: mejores efectos visuales, mejor fotografía y mejor dirección artística. A pesar de estos triunfos, la Academia de Hollywood no le concedió el premio a mejor película, el reconocimiento más codiciado de la gala.

En 2022, “Avatar: El Camino del Agua” continuó la tendencia, logrando cuatro nominaciones, entre ellas a mejor película, y obteniendo el galardón a mejores efectos visuales. Nuevamente, la franquicia fue excluida de las categorías principales de actuación, guion y dirección. La situación ha generado un debate sobre la valoración de los logros técnicos frente al reconocimiento artístico integral que otorgan los Oscar.

James Cameron: entre la innovación y la frustración

James Cameron ha expresado en reiteradas ocasiones su inconformidad con el trato que recibe la saga en la temporada de premios. El director atribuye parte de la reticencia de la Academia a un prejuicio hacia la tecnología digital utilizada en sus películas. En declaraciones a PEOPLE, Cameron sostuvo: “Creo que nos afectó una reacción negativa contra la inteligencia artificial, aunque no la utilizamos”. El cineasta aclaró que en las producciones de Avatar no se ha empleado inteligencia artificial generativa para crear imágenes, subrayando el esfuerzo humano y artístico detrás de cada escena.

Esta postura refleja una tensión persistente entre la innovación tecnológica y la percepción tradicional de la industria respecto al valor de las nuevas herramientas digitales en el proceso creativo. Cameron insiste en que la calidad de sus películas merece un mayor reconocimiento, tanto por el trabajo de su equipo como por el impacto cultural de la saga.

“Fire and Ash”: premios recientes y expectativas

La última entrega de la franquicia, Fire and Ash, reafirmó el patrón en la reciente temporada de premios. En los Critics Choice Awards de 2026, la película obtuvo una nominación en la categoría de mejores efectos visuales y se impuso sobre títulos como F1, Frankenstein, Mission: Impossible - The Final Reckoning, Sinners y Superman. En los Globos de Oro, participó como candidata a reconocimiento de taquilla, aunque el premio fue para Sinners. La canción “Dream As One”, interpretada por Miley Cyrus, compitió como mejor tema original, pero resultó vencida por “Golden” de KPop Demon Hunters. Todas estas menciones han sido confirmadas por PEOPLE.

De cara al 22 de enero, fecha en que se anunciarán las nominaciones al Oscar 2026, la expectativa crece entre Cameron y los seguidores de la franquicia. Existe incertidumbre sobre si la Academia reconsiderará su postura y permitirá que Avatar dispute los premios principales, más allá de las categorías técnicas.

Un debate que persiste en la industria

La situación de Avatar mantiene abierto el debate sobre la distancia entre la preferencia del público y los criterios de premiación en la industria. Para Cameron, el verdadero desafío no radica en los números de taquilla ni en la cantidad de galardones, sino en lograr que los miembros de la Academia comprendan el proceso creativo y el valor artístico que define a cada entrega de la saga.

El fenómeno Avatar continúa desafiando los límites de la industria y forzando una reflexión sobre el peso del éxito comercial frente al reconocimiento institucional.

El impacto cultural de la franquicia y su capacidad para transformar la tecnología cinematográfica la posicionan como un caso singular en la historia reciente del cine. La próxima entrega de nominaciones será decisiva para determinar si la Academia está dispuesta a reconocer plenamente la magnitud de este fenómeno global.

La escena en la que Agnes comparte una visión con su hijo Hamnet, vaticinándole una vida futura en Londres junto a su padre sobre los escenarios, centra uno de los momentos más significativos de la cinta según reveló Europa Press. Este diálogo, en el que Agnes afirma: "Te veo a ti grande y muy fuerte. Y te veo en Londres trabajando con tu padre", introduce la premisa fundamental del largometraje "Hamnet", dirigido por Chloé Zhao, que llegará a los cines el viernes 23 de enero.

La película, que según consignó Europa Press fue reconocida en la última edición de los Globos de Oro como mejor película dramática y otorgó el galardón a mejor actriz a Jessie Buckley, explora la historia de Agnes, esposa de William Shakespeare, y su hijo Hamnet, interpretado por Jacobi Jupe. El guion, resultado de la colaboración entre Zhao y la escritora Maggie O'Farrell, toma como punto de partida la aclamada novela homónima de O'Farrell.

La trama inicia en el año 1580 en Inglaterra, donde William Shakespeare, quien ejerce como modesto profesor de latín, conoce a Agnes. Ambos se ven envueltos en una apasionada relación que deriva en matrimonio y el nacimiento de tres hijos. Europa Press detalló que mientras William busca cimentar una carrera teatral en Londres, Agnes asume en solitario la carga de la vida doméstica.

En el filme gana protagonismo la tensión ocasionada cuando un suceso trágico sacude a la familia. Este hecho desafía el vínculo entre Agnes y William, poniendo a prueba la solidez de su relación y planteando nuevos retos personales. Europa Press informó que esa experiencia compartida influirá directamente en el proceso creativo de una de las obras más célebres de Shakespeare, Hamlet.

Chloé Zhao, ganadora del Oscar y autora de películas como "Nomadland", "The Rider" y "Eternals", lidera un equipo técnico que incluye al director de fotografía Lukasz Zal, la diseñadora de producción Fiona Crombie, el montajista Affonso Gonçalves junto a la propia Zhao, la diseñadora de vestuario Malgosia Turzanska y el compositor Max Richter encargado de la banda sonora. Según indicó Europa Press, la película conforma su reparto principal con Buckley en el papel de Agnes, Jacobi Jupe como Hamnet, Paul Mescal interpretando a William Shakespeare, Emily Watson y Joe Alwyn.

Entre los productores figuran Liza Marshall, Pippa Harris, Nicolas Gonda, Sam Mendes y Steven Spielberg, acompañados por Kristie Macosko Krieger, Laurie Borg y Zhao en la producción ejecutiva. El trabajo conjunto de estos profesionales asegura, según la información de Europa Press, una adaptación cinematográfica fiel a la obra literaria y con una cuidada factura técnica.

El estreno de "Hamnet" se produce en un contexto de expectativas tanto en la industria cinematográfica como entre el público, debido a los reconocimientos previos de la cinta en festivales internacionales y su repercusión en los Globos de Oro. La actuación de Jessie Buckley, especialmente en su encarnación de Agnes, ha quedado reflejada en la preferencia de la crítica de cara a posibles nominaciones al Oscar, que se anunciarán el 22 de enero según reportó Europa Press.

La historia que desarrolla Zhao aborda elementos de la vida privada de Shakespeare, haciendo énfasis en la figura de Agnes y presentando su perspectiva en medio de la separación familiar y el duelo posterior a la tragedia. Esta narrativa profundiza sobre el impacto emocional de la pérdida y el proceso de resiliencia personal y colectiva, un aspecto reflejado en el fragmento exhibido en exclusiva por Europa Press.

El filme despliega además una ambientación histórica que se apoya en el diseño de vestuario y escenografía para reconstruir la Inglaterra de finales del siglo XVI, componentes fundamentales para contextualizar el relato y aportar veracidad al desarrollo de la trama.

La banda sonora, a cargo de Max Richter, contribuye a la atmósfera intimista y reflexiva que, de acuerdo con Europa Press, define la esencia de "Hamnet". Así, la película se suma a las producciones recientes que revisitan figuras icónicas de la literatura universal, poniendo el foco en los lazos familiares y el trasfondo humano de sus protagonistas.

Cada elemento de la producción, desde la selección del elenco hasta la composición musical y la colaboración entre Zhao y O'Farrell en el guion, ha sido pensado para ofrecer una visión integral del episodio histórico y literario. Europa Press remarcó el interés suscitado por este acercamiento, que desplaza a primer plano la perspectiva de Agnes y su relación con Hamnet, aportando un tratamiento original a una historia previamente contada desde el prisma de Shakespeare.

El lanzamiento en salas de cine de "Hamnet" se inscribe en la agenda de estrenos destacados para el inicio de año, anticipando una temporada de reconocimientos y atención crítica a nivel internacional, motivada tanto por el éxito en los Globos de Oro como por el protagonismo de Jessie Buckley y el abordaje novedoso del universo shakesperiano.

Según detalló la agencia, estos galardones, que a partir de este año adoptaron el nombre de Actors Awards en lugar de los tradicionales premios SAG, representan uno de los principales referentes para anticipar los resultados de los Premios Oscar. “One Battle After Another” aspira al premio de mejor reparto en una película, donde competirá con cintas como “Sinners”, que se posiciona con cinco nominaciones y se sitúa como el segundo largometraje más reconocido en la edición. También destacan en esta categoría “Hamnet”, “Marty Supreme” y “Frankenstein”, el título dirigido por el cineasta mexicano Guillermo del Toro.

Respecto a la categoría de mejor actor principal, EFE describió la competencia entre Leonardo DiCaprio, Ethan Hawke (“Blue Moon”), Michael B. Jordan (“Sinners”), Jesse Plemons (“Bugonia”) y Timothée Chalamet (“Marty Supreme”). Chalamet buscará repetir el logro que obtuvo en la edición anterior cuando ganó el galardón con la película “A Complete Unknown”. En la terna femenina, la debutante Chase Infinity, protagonista junto a Chalamet en “Marty Supreme”, se enfrentará a Jessie Buckley (“Hamnet”), Rose Byrne (“If I had Legs I’d Kick You”), Kate Hudson (“Song Sung Blue”) y Emma Stona (“Bugonia”).

La categoría de actor de reparto incluyó a Sean Penn y al puertorriqueño Benicio del Toro entre los nominados. Además, Teyana Taylor, compañera de elenco de ambos, fue postulada a mejor actriz de reparto, lo que refuerza el reconocimiento al grupo actoral de la producción según relató también EFE, y consolida sus posibilidades dentro de la carrera hacia los premios de la Academia.

En la fase de nominaciones de este año, quedaron fuera figuras como Cynthia Erivo, por su interpretación en “Wicked”, y Wagner Moura por su desempeño en “The Secret Agent”. De igual modo, largometrajes internacionales distinguidos en otros circuitos, como “Sentimental Value”, no obtuvieron nominaciones en esta ocasión, de acuerdo con EFE.

En cuanto a las series televisivas, “The Studio” sumó cinco menciones e intentará alzarse con la distinción al mejor reparto en comedia, categoría en la que compite contra títulos como “Abbott Elementary”, “The Bear”, “Hacks” y “Only Murders in the Building”. Por el lado de los dramas, los finalistas para el premio al mejor reparto incluyen “The Diplomat”, “Landman”, “The Pitt”, “Severance” y “The White Lotus”, según se consigna en el reporte de EFE.

Estos premios, que reconocen tanto a las mejores actuaciones en cine y televisión como a los elencos más destacados en ambos formatos, continúan su función como barómetro para las grandes premiaciones de la industria audiovisual, recibiendo atención internacional y perfilándose como un punto clave en la temporada de galardones, según EFE.

La película brasileña El agente secreto desbanca a Sirat al llevarse el premio a la mejor película internacional en la 31ª edición de los Critics Choice Awards. La propuesta española de Oliver Laxe se va de vacío en todas las categorías, aunque aún le queda esperar a saber si estará entre las nominadas al Oscar. El anuncio está previsto para el 22 de enero, de acuerdo a la programación de la Academia de Artes y las Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, mientras que la ceremonia de entrega tendrá lugar el 15 de marzo.

La premiación, conducida por Chelsea Handler en el Hangar Barker del Aeropuerto de Santa Mónica (California), es organizada anualmente por la Broadcast Film Critics Association. En la categoría de mejor película internacional, Sirat se enfrentaba a Belén, de Dolores Fonzi; No hay otra opción, de Park Chan-wook; Un simple accidente, de Jafar Panahi; La chica zurda, de Shih-Ching Tsou; y la ganadora El agente secreto, dirigida por Kleber Mendonça Filho y protagonizada por Wagner Moura.

En sonido, el trabajo de Laia Casanovas para Sirat se midió a nombres como Una batalla tras otra, Frankenstein, Los pecadores, Warfare: Tiempo de guerra y F1: La película, protagonizada esta última por Brad Pitt, y que consiguió, finalmente, el galardón en esta categoría.

Anteriormente, Sirat ya había conseguido el Premio del Jurado en el Festival de Cannes y suma múltiples candidaturas, entre ellas dos a los Globos de Oro, nueve en los Premios del Cine Europeo, siete en los Feroz y una nominación a mejor película internacional en los Independent Spirit Awards. Ahora compite también por un lugar definitivo entre las nominadas al mejor filme internacional, además de otras cuatro categorías: mejor sonido, mejor música original, mejor reparto y mejor fotografía.

Los Critics Choice Awards dejan fuera a ‘Sirat’

La 31.ª edición de los Critics Choice Awards han celebrado a lo mejor del cine y la televisión de 2025 en una ceremonia realizada en el Hangar Barker de Santa Mónica. La película estadounidense Una batalla tras otra, dirigida por Paul Thomas Anderson y protagonizada por Leonardo DiCaprio, se ha consagrado como mejor película y ha obtenido, además, los premios a mejor guion adaptado y mejor dirección. Otros filmes destacados han sido Frankenstein, de Guillermo del Toro, y Los pecadores, ambas con cuatro galardones cada una, mientras que la comedia Agárralo como puedas ha logrado el premio a mejor comedia con su última entrega.

En las categorías actorales, Jessie Buckley ha sido reconocida como mejor actriz por Hamnet, y Timothée Chalamet como mejor actor por Marty Supreme. Amy Madigan ha recibido el galardón a mejor actriz de reparto por Weapons. El premio a mejor película internacional ha ido a parar a la brasileña El agente secreto, mientras que F1: La película ha ganado en mejor sonido y montaje. Los pecadores también han sido distinguidos en las categorías de mejor elenco, guion adaptado, banda sonora y actor joven, y Las guerreras k-pop ha sobresalido en animación.

En televisión, la sátira The Studio, de Apple TV, fue elegida mejor comedia, destacando las actuaciones de Seth Rogen e Ike Barinholtz. The Pitt, de HBO Max, ha ganado como mejor serie dramática y ha premiado a Noah White y Katherine LaNasa en los apartados interpretativos. La miniserie británica Adolescencia se ha llevado cuatro premios. Por su parte, entre los galardones a series internacionales, El juego del calamar ha sido reconocida como mejor serie extranjera. También han recibido premios Jimmy Kimmel Live!, como mejor talk show, y South Park como mejor serie de animación.

El largometraje español 'Sirat', dirigido por Oliver Laxe y previamente distinguido con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes, permanece como una de las aspirantes en la carrera hacia los Oscar tras haber quedado fuera de los Critics Choice Awards en la categoría de mejor película internacional. Según informó el medio, la 31ª edición de los Critics Choice Awards, organizada por la Broadcast Film Critics Association de Estados Unidos y celebrada en el Hangar Barker del Aeropuerto de Santa Mónica, California, concedió el galardón en dicha categoría a la producción brasileña 'El agente secreto', una obra de Kleber Mendonça Filho protagonizada por Wagner Moura.

Durante la ceremonia, que estuvo presentada nuevamente por la actriz y comediante Chelsea Handler, la competencia en la categoría de mejor película internacional incluyó, además de 'Sirat', a la argentina 'Belén' de Dolores Fonzi, la surcoreana 'No hay otra opción' dirigida por Park Chan-wook, 'Un simple accidente' del iraní Jafar Panahi y 'La chica zurda' de Shih-Ching Tsou, cineasta originaria de Taiwán. 'El agente secreto' logró imponerse entre estas producciones, dejando sin premio a la obra española y al resto de las candidatas, según detalló el medio.

'El agente secreto', de acuerdo con la información difundida, se ubicó así en la cima de una categoría internacional notable por su diversidad geográfica y temática. Wagner Moura, reconocido actor brasileño, encabeza el reparto de la película vencedora, mientras que Kleber Mendonça Filho, con experiencia previa en festivales de renombre, se consolida como uno de los realizadores referentes del cine sudamericano actual.

'Sirat', por su parte, no solo competía en la citada categoría, sino también por el reconocimiento al mejor sonido, apartado en el que la labor de Laia Casanovas fue seleccionada junto a otros trabajos destacados del año. Según consignó el medio, en esta categoría el premio recayó finalmente en 'F1: La película', una producción estadounidense protagonizada por Brad Pitt. Las restantes nominadas fueron 'Una batalla tras otra', 'Frankenstein', 'Los pecadores' y 'Warfare: Tiempo de guerra'.

El filme de Oliver Laxe afronta ahora la siguiente etapa de la temporada de premios, donde mantiene opciones relevantes. Según publicó el medio, 'Sirat' figura como preseleccionada en cinco apartados para la próxima edición de los premios Oscar: mejor película internacional, mejor sonido, mejor música original, mejor reparto y mejor fotografía. La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos ha anunciado que los nominados definitivos se darán a conocer el 22 de enero, con la entrega de los galardones fijada para el 15 de marzo.

La trayectoria de 'Sirat' abarca otras instancias de la actual temporada cinematográfica. Entre las múltiples nominaciones que ha cosechado, destaca su presencia en los Globos de Oro con dos candidaturas: mejor película y mejor banda sonora original. Además, cuenta con nueve opciones en los Premios del Cine Europeo, siete nominaciones a los galardones Feroz y compite en la categoría de mejor película internacional en los Independent Spirit Awards. De acuerdo con el medio, este recorrido evidencia su impacto en el panorama internacional pese a su reciente exclusión de los Critics Choice Awards.

Estas menciones refuerzan la posición de 'Sirat' en diversas competencias, manteniendo su presencia tanto en festivales como en premiaciones de amplia repercusión internacional. La atención quedará puesta en las futuras decisiones de la Academia así como en el desarrollo de los restantes certámenes para los cuales la película ha sido tenida en cuenta.

La temporada de premios no da tregua y los Critics Choice Awards 2026 se posicionan como el evento clave para medir el pulso de la industria audiovisual en un momento donde el contenido parece inagotable para los espectadores mexicanos.

Con el streaming dominando y un alud de nuevas producciones compitiendo por la atención de los espectadores, lograr destacar se vuelve cada vez más complejo. Sin embargo, hay títulos que este año lograron imponerse en las nominaciones y que apuntan a dominar la conversación durante la ceremonia.

¿Cuales son las películas más nominadas?

En un escenario saturado de estrenos, sólo unas pocas películas lograron sobresalir. Pecadores encabeza la lista con 17 nominaciones, consolidándose como la favorita de la noche y posicionándose como posible contendiente fuerte para la temporada de premios. Le siguen Una batalla tras otra, que suma 14 menciones, así como Frankenstein de Guillermo del Toro y Hamnet, ambas con 11.

El peso de los Critics Choice Awards va más allá de la estatuilla: la ceremonia suele anticipar tendencias y posibles ganadores en los prestigiosos Oscars y Emmy, sirviendo de termómetro para la industria y para quienes apuestan por adivinar qué títulos se llevarán los máximos honores más adelante.

¿Quién conducirá los Critics Choice Awards 2026?

Los Critics Choice Awards 2026, celebrados anualmente para reconocer a los actores, directores, películas y series más destacados, se realizarán en The Barker Hangar, Santa Mónica, California, una sede ya emblemática para la premiación.

La anfitriona de la noche será, por cuarto año consecutivo, Chelsea Handler, actriz, comediante y escritora, quien regresa para imprimir su sello personal y mantener el ritmo en una gala que suele extenderse entre dos y tres horas.

Handler se ha ganado el reconocimiento de la audiencia por su humor irreverente y su capacidad para conectar con los protagonistas de la industria, por lo que se espera una ceremonia dinámica y con momentos memorables.

¿Quiénes son los favoritos?

El carácter predictivo de los Critics Choice Awards es indiscutible. Las películas y series que ganan aquí suelen repetir en los Oscar y Emmy, lo que convierte esta gala en una parada obligada para quienes siguen la carrera por los premios más importantes.

En esta edición, Pecadores, Una batalla tras otra, Frankenstein y Hamnet encabezan las listas, marcando la narrativa que dominará los próximos meses.

La competencia será feroz: con una industria en constante cambio y una audiencia fragmentada, cada victoria cobra un significado especial. La atención estará puesta en quiénes logran destacarse en un mar de opciones y en qué medida esto influirá en los resultados de las galas venideras.

¿Cómo y dónde ver los Critics Choice Awards 2026 desde México?

La ceremonia de los Critics Choice Awards 2026 se celebrará el domingo 4 de enero, comenzando a las 17:00 horas (centro de México) con la alfombra roja.

La entrega de premios iniciará alrededor de las 20:00 horas y puede extenderse hasta tres horas. Para quienes deseen seguir el evento en vivo desde México, estará disponible a través de la señal de TNT y también en la plataforma de streaming HBO Max, que incluirá la gala en su catálogo regular.

Esta imagen fue el punto de partida para la creación de “Dream as One”, el tema original que acompaña la nueva película de James Cameron. “A veces, eso es lo que se necesita para crear algo hermoso”, explicó Cyrus al recordar aquel momento.

La experiencia de reconstrucción tras la pérdida quedó reflejada en la letra de la canción, que transmite la idea de resistir y encontrar lo valioso en medio de la adversidad. El verso “Somos diamantes en la oscuridad. Puse mi cabeza en tu pecho y escuché a través de tu corazón” encapsula esa visión, según destacó la propia artista en diálogo con Billboard.

Una conexión profunda con la historia de Avatar

La identificación de Cyrus con la trama de la película fue inmediata. En el especial “20/20” de ABC News, reproducido por Billboard, James Cameron detalló que la cantante vio en el fuego y la pérdida una representación del trauma y la posibilidad de reconstrucción, en sintonía con los temas centrales de la saga.

El director señaló que la artista se emocionó especialmente por la oportunidad de transformar su vivencia personal en un mensaje universal.

Cyrus manifestó que su objetivo era que la canción transmitiera la sensación de alivio y superación, como una exhalación después de un periodo difícil: “Quería que ‘Dream as One’ se sintiera como un respiro: ‘Lo logramos’”, afirmó.

El estreno de la película el 19 de diciembre marcó el inicio de un éxito comercial, con más de USD 220 millones en Estados Unidos y USD 760 millones a nivel global recaudados hasta la fecha.

El método directo de Miley Cyrus para integrarse en grandes producciones

La llegada de Cyrus a la banda sonora de Avatar fue resultado de una estrategia directa y persistente. En la D23 Expo 2024, donde fue reconocida como Disney Legend junto a Cameron, la cantante aprovechó la ocasión para proponer personalmente su música al director, según relató a People y recogió Billboard.

Esta táctica ya le había permitido obtener la nominación al Globo de Oro por su canción para “The Last Showgirl”, al contactar directamente a Jamie Lee Curtis para ofrecerle un tema original.

Este enfoque se repitió en los Oscar 2025, donde Cyrus ofreció sus servicios musicales a productores y directores presentes en la ceremonia. “De verdad, por eso fui a los Oscar este año. A cada persona que se me acercaba y se presentaba, le decía: ‘Si necesitas música, estoy disponible’”, afirmó la artista en diálogo con Billboard.

Incluso manifestó su interés por participar en la serie “Baby Reindeer” de Netflix, aunque no estuviera confirmada una segunda temporada.

El significado y la recepción de “Dream as One”

Para Miley Cyrus, “Dream as One” representa mucho más que una simple canción para una película. La artista expresó que la experiencia de perderlo todo y reconstruirse a partir de las cenizas le otorgó al proyecto un significado especial: “Tiene para mí un sentido muy profundo”.

Cyrus subrayó que los temas de unidad, sanación y amor presentes en el film resuenan con su historia personal, y describió su integración al universo de Avatar como “un sueño hecho realidad”.

La colaboración entre Cyrus y Cameron fue resaltada por Billboard, que destaca la capacidad de la cantante para transformar la adversidad en arte. Su método directo y su perseverancia consolidaron su presencia en grandes producciones, demostrando que el contacto personal y la autenticidad pueden abrir puertas incluso en los escenarios más exigentes.

En una entrevista íntima con Vanity Fair, Hawke mira hacia atrás sin nostalgia y hacia adelante sin concesiones: repasa su recorrido, los riesgos emocionales de Luna Azul y la persistencia del “carpe diem”, la filosofía que marcó El club de los poetas muertos y que, décadas después, sigue funcionando como brújula vital y artística en su vida.

“Creo que tuve más líneas de diálogo en el primer día de rodaje de Luna Azul que en los últimos cinco años en los que actué”, afirmó Hawke durante el encuentro virtual. “Solo tuvimos 15 días para rodar, así que fue como si te dispararan desde un cañón”.

El proceso creativo y los desafíos del rodaje

El actor recordó sus inicios junto a River Phoenix y su salto con El club de los poetas muertos. Sobre Luna Azul, explicó que el guion de Robert Kaplow llegó por Linklater hace más de diez años y que su amistad permitió que el proyecto madurara. “Rick entendía lo pequeña que era la diana… Es una película tan frágil que debía basarse en una simplicidad absoluta, algo muy difícil y misterioso de lograr”, detalló Hawke.

El rodaje se realizó en Dublín, respaldado por Sony Pictures Classics, bajo plazos estrictos. “Cuando estuvimos listos para comenzar, llevaba diez años meditando sobre la película y leyendo libros sobre Lorenz Hart, así que me sentí realmente preparado”, explicó.

“Pensamos la película como una canción de Rodgers y Hart: Rick daba la estructura y yo debía aportar la letra, bailar, reflejar patetismo y melancolía”, añadió.

La técnica y la emoción exigieron un trabajo intenso: “La película no podía hacerse en la sala de montaje. No se pueden reorganizar las escenas; se basa en lanzar una serie de petardos, cada uno encendiendo al siguiente. Por eso requirió muchísimo ensayo”.

Aunque llevan más de 30 años colaborando, cada experiencia con Linklater es distinta: “Mantener nuestra relación viva y fresca conlleva muchos pequeños desafíos”.

Autenticidad y mirada humanista

Para Hawke, lograr autenticidad era fundamental: “El peligro de una película como esta es que, si no se sienten las emociones, se queda en un retrato adorable. Y nadie quiere ver una película adorable que transcurre en una sola habitación… Nuestro objetivo era invitar al espectador a sentarse en el bar con Larry, en la peor noche de su vida”.

Destacó también la sensibilidad de Linklater: “A su cámara parece gustarle la gente. Empatiza con la experiencia humana, sin juzgar. En Boyhood noté lo poco que juzga la cámara de Rick. Creo que tiene un lado científico apasionado por el comportamiento humano”.

Lorenz Hart y el reto de la autoestima

Sobre Lorenz Hart, Hawke sostuvo: “La gran fuente de dolor para Larry es su falta de autoestima fuera del trabajo. No le importa su vida mientras el trabajo exista. Si se lo quitan, está muerto”. Y agregó: “Yo también lucho a nivel personal con la idea de poner toda tu autoestima en tu trabajo. Es necesario quererse a uno mismo más allá de lo profesional”.

Reflexiones sobre el arte, la industria y el “carpe diem”

La conversación derivó hacia un terreno más profundo, donde el actor dejó de hablar solo de una película para reflexionar sobre el oficio, la fragilidad del acto creativo y el sentido de hacer arte hoy. Sin rodeos, cuestionó la obsesión por las formas y las modas: “Lo que importa es la excelencia. Una buena narrativa siempre encuentra su lugar. Las ideas originales sobreviven. Y la comunidad artística necesita sostener un diálogo honesto”.

Desde esa mirada, amplió el foco y puso en perspectiva la transformación constante de la industria cinematográfica. “El mundo es completamente distinto al de mis comienzos. Todo cambia tan rápido que apenas hay tiempo para entender qué pasó”, señaló.

Sobre el lema “carpe diem”, afirmó: “Le da sentido a cada vida. Todos estamos aquí por solo un instante y hay que disfrutar, dar lo mejor y estar presentes. Esa expresión está ligada a mí, a mis sentimientos y a la idea de que nuestra vulnerabilidad y sensibilidad son fortalezas”.

En el caso de Hart, el actor profundizó: “La desventaja de Larry es que está envenenando sus raíces con el alcohol, lo opuesto a aprovechar el momento. Ese es su dilema”.

Recompensa y transformación tras Luna Azul

Tras la intensidad del rodaje de Luna Azul, Hawke reveló a Vanity Fair que, solo tras finalizarlo y realizar un cambio radical de imagen, sintió alivio y reafirmación: la verdadera recompensa surgió después de afrontar el reto, cuando el vértigo se transformó en energía vital.

Luna Azul, la nueva colaboración entre Hawke y Linklater, propone un retrato íntimo construido con rigor actoral y una búsqueda honesta de autenticidad, donde la filosofía del “carpe diem” sigue latiendo, sin artificios, en cada plano y cada palabra.

La película, que batió récords de taquilla en Brasil y recibió premios internacionales, posiciona al actor como uno de los favoritos en la carrera hacia el Oscar, según destacó The Washington Post.

Fenómeno de “El agente secreto”

“O Agente Secreto” (“El agente secreto”), dirigida por Kleber Mendonça Filho, se consolidó como la película brasileña más exitosa de 2025. Su impacto trasciende el ámbito nacional: la cinta fue reconocida en festivales de prestigio, como Cannes, donde obtuvo los galardones a mejor actor y mejor director, y ha generado expectativas en la temporada de premios de Nueva York y Los Ángeles.

La historia, ambientada en la dictadura militar de 1977, comienza en una gasolinera a las afueras de Recife durante el carnaval, y sumerge al espectador en una atmósfera de corrupción y peligro. Moura interpreta a Marcelo, un científico que intenta huir del país junto a su hijo, en un contexto marcado por la represión y la impunidad.

Esta relevancia internacional de la película se refleja en la atención que recibió de la crítica y el público, así como en la posibilidad real de que Moura logre una nominación histórica al Oscar, un hecho que, según The Washington Post, podría alterar una de las competencias más reñidas por el premio a mejor actor en años recientes.

El ascenso de “Narcos” al Oscar

La trayectoria de Moura está marcada por logros inéditos para un actor latinoamericano. Fue el primer brasileño nominado como actor principal en los Globos de Oro, el primer sudamericano en ganar el premio a mejor actor en Cannes y el primer latino en obtener ese reconocimiento en los 90 años del New York Film Critics Circle.

“Por supuesto que me siento muy orgulloso”, expresó Moura en conversación con The Washington Post. Y además agregó: “Es como, ‘Vaya, ¡soy el primer latino!’ Pero también pienso, ‘¿En serio?’... Ha habido muchas grandes actuaciones de esa parte del mundo en estos 90 años”.

El reconocimiento internacional del intérprete se consolidó con su papel en Narcos, pero su versatilidad y magnetismo han quedado aún más patentes en “El agente secreto”.

Kirsten Dunst, quien compartió pantalla con él en Civil War, lo describió como “un hombre interesante, atractivo... Si yo fuera brasileña, sería mi héroe. Creo que lleva esa atención con mucho orgullo y responsabilidad, de una manera hermosa”.

La construcción del personaje

La colaboración con Mendonça Filho tiene raíces profundas. Ambos, originarios del noreste de Brasil, se conocieron en Cannes en 2005 y mantuvieron una relación profesional y personal que desembocó en este proyecto.

El director escribió el papel de Marcelo pensando en Moura, convencido de que su carisma sostendría la película. “Quería intentar algo que él no hubiera hecho antes. Estaba seguro de que podría llevar la película con su carisma”, explicó Filho.

En “El agente secreto”, Moura interpreta a tres versiones de un mismo hombre: Marcelo, el fugitivo; Armando, su identidad pasada; y un tercer personaje marcado por el trauma de la dictadura.

La actuación de Moura explora la dualidad de un hombre atrapado entre la supervivencia y la integridad, en un entorno donde la injusticia y la violencia son moneda corriente. El director se inspiró en figuras como Cary Grant en “North by Northwest” para construir un protagonista que, lejos de la ingenuidad, actúa con sensatez en situaciones extremas.

Vida personal y ascenso en la actuación

La biografía del actor está marcada por sus orígenes humildes y su identidad nordestina. Tras estudiar periodismo en Salvador, ciudad mayoritariamente afrodescendiente, formó la banda de post-punk Sua Mãe y conoció a su pareja, la fotógrafa Sandra Delgado. Juntos crían a sus tres hijos en Los Ángeles, donde mantienen el portugués como idioma familiar.

Moura nunca imaginó una carrera en la televisión brasileña, debido a la discriminación hacia los actores del noreste y sus acentos. “Nunca pensé que trabajaría en televisión en Brasil porque esos personajes estaban reservados para personas que no tenían mi acento”, explicó.

Su salto a la fama llegó con “Tropa de Elite” en 2007, y más tarde con Narcos, para la que aprendió español y ganó 18 kilos para interpretar a Escobar.

Representación y diversidad en el cine

La experiencia con los acentos y la representación ha sido central en su carrera. Reconoció las críticas a su español en Narcos, pero defiende la importancia de que los actores mantengan su identidad lingüística.

“Mi acento también es quien soy, y quien soy representa a muchas otras personas que viven en este país”, señaló. Moura celebró cuando Diego Luna mantuvo su acento mexicano en “Star Wars”, considerándolo un avance político significativo.

“El agente secreto” marca su regreso a la actuación en portugués tras 12 años, una decisión influida por su activismo y las represalias sufridas en Brasil. Cada visita a su país natal lo encuentra participando en manifestaciones, como la reciente protesta contra una ley de amnistía para implicados en el intento de golpe de Estado.

La convicción de Wagner Moura sobre la democracia y la representación resuena tanto en su trabajo como en su vida pública. Para él, la libertad y la justicia requieren vigilancia y acción constante, un mensaje que define tanto su carrera como su activismo.

La actriz Zoe Saldaña, reconocida por su papel en Avatar: Fuego y cenizas y ganadora del Oscar por su actuación en Emilia Pérez, compartió en una entrevista con Vanity Fair cómo la muerte de su padre en la infancia marcó de forma indeleble su vida y su manera de afrontar el duelo.

En el contexto del estreno de la nueva entrega dirigida por James Cameron, Saldaña habló sobre el impacto de la pérdida, la importancia de la sanación a través del arte y el papel fundamental de la comunidad y la familia en su camino personal y artístico.

El arte como refugio tras la pérdida

“Experimenté la pérdida muy pronto en mi vida, cuando era niña, al perder a mi padre. Es algo inimaginable que realmente cambia el resto de tu vida. Es un dolor que nunca desaparece: tu camino se convierte en aprender a convivir con ese dolor y gestionarlo”, relató Saldaña para Vanity Fair.

“Gracias a Dios existe el arte. Encontré la curación primero en la danza y luego en la actuación”, explicó.

Las exigencias emocionales de “Avatar”

Durante el rodaje de Avatar: Fuego y cenizas, el personaje Neytiri —interpretado por Saldaña— atraviesa la pérdida de un hijo, una experiencia que la actriz describió como especialmente exigente a nivel emocional.

Contó que el nivel de dolor experimentado por Neytiri resultó casi inefable, pues “es antinatural, incluso en el reino animal". Y agregó: “Estar en su piel durante tanto tiempo fue increíblemente incómodo y muy exigente. Creo que lloré todos los días durante el rodaje. Y no fui la única. Fue muy difícil llevar esa carga”.

La fe en el amor y la importancia de la comunidad

Al reflexionar sobre lo aprendido, Saldaña remarcó la importancia de la fe en el amor y el soporte de los seres queridos: “Creer. Creer en el amor que sientes por tu familia, por ti misma, por tu comunidad, por tu pueblo. Creer en ese amor y apoyarte en él”.

Asimismo, profundizó en cómo el dolor puede aislar, pero también en la necesidad de abrirse a los demás: “Puede ser tan incómodo que te ciega: te ciega y te insensibiliza, incapacitándote para recibir amor, consuelo, apoyo. Pero si hay amor a tu alrededor, si tienes una comunidad dispuesta a abrazarte, sujetarte y curarte, entonces hay que dejarse ayudar”.

Normalidad y éxito en la vida personal

En la conversación con Vanity Fair, la actriz abordó el significado de mantener la normalidad tras el éxito profesional.

Sostuvo que la vida cotidiana conservó su esencia, un aspecto que valora enormemente: “Este reconocimiento me proporcionó un profundo vínculo con mi comunidad, con las personas que realmente creen en por qué hacemos este trabajo. Sentir que me vieron, que me ven y que están orgullosos de mí lo significó todo. Y el hecho de que la vida haya vuelto a la normalidad tan rápidamente me hizo muy feliz. Soy una persona muy normal cuando no trabajo, me encanta que esa parte de mí no haya cambiado”.

Una vida multicultural y conexión con Italia

Saldaña, quien conformó una familia junto a su esposo Marco Perego y sus hijos en un entorno multicultural, manifestó la fuerte conexión que desarrolló con Italia: “Siento un gran amor y un gran respeto por la cultura italiana. Mis hijos también son muy italianos. Siento una curiosidad constante por conocer la historia y lo que realmente significa ser italiano, es decir, vivir en armonía con la tierra, con la agricultura, con la comida, con la gente”.

“Cada región parece una república diferente, con sus propios dialectos. No sabía que los italianos fueran tan fieles a sus dialectos, ni que la comida fuera tan diferente de una región a otra”, añadió.

Y fue más allá: “A menudo me sorprendo a mí misma, cuando estoy con amigos estadounidenses o latinos, explicándoles: ‘No, espera, aquí se come esto. Aquí se pide pasta amatriciana o carbonara. El risotto al azafrán debes pedirlo en Milán’. Estoy aprendiendo a ser italiana día a día. Lo mismo le pasa a mi marido. Soy tan italiana como Marco dominicano. Y eso es maravilloso”.

A lo largo de la entrevista con Vanity Fair, Zoe Saldaña insistió en que, aunque el dolor puede aislar, la presencia de una comunidad dispuesta a brindar apoyo y amor resulta esencial para avanzar en el proceso de sanación.

Un éxito arrasador en taquilla y expansión del universo Avatar

Desde su debut en 2009, Avatar se ha consolidado como un auténtico fenómeno global. Las dos primeras entregas acumularon más de USD 5.000 millones en taquilla, un logro que permitió a la primera película mantenerse como la más taquillera de todos los tiempos, con una recaudación mundial superior a USD 2.900 millones.

Avatar: El sentido del agua se ubicó en el tercer lugar del ranking histórico, al alcanzar USD 2.300 millones. El éxito financiero ha facilitado la expansión del universo de Pandora y ha impulsado la producción de nuevas entregas, pero el futuro de la franquicia depende, en parte, del desempeño comercial de la nueva cinta.

La saga ha sido reconocida especialmente en las categorías técnicas de los premios más importantes. Según SensaCine, la primera Avatar obtuvo tres Oscar (mejor fotografía, efectos visuales y diseño de producción), mientras que la continuación fue premiada con el Oscar a los mejores efectos visuales.

A pesar de que ambas películas compitieron como mejor película, nunca lograron estatuillas en las categorías interpretativas, lo que ha acentuado una sensación de invisibilidad para los actores involucrados.

El reclamo de los actores: frustración ante la falta de distinciones

Durante la gira promocional en París, el elenco de Avatar: Fuego y ceniza manifestó su desconcierto y desaliento por la escasa valoración de su trabajo interpretativo. Oona Chaplin expresó: “¡Es una pena!”, refiriéndose a la ausencia de galardones destinados a la labor actoral, según declaraciones recogidas por SensaCine.

En ese sentido, Chaplin remarcó la entrega emocional de Zoe Saldaña en la saga y destacó la habilidad de Sigourney Weaver para construir personajes complejos. Ambas intérpretes, junto a otros miembros del reparto, consideran imprescindible celebrar los logros actorales obtenidos en un entorno digital y en condiciones de grabación poco convencionales.

Zoe Saldaña respondió a los elogios de Chaplin reflexionando sobre las dificultades para superar los prejuicios en la industria. Para la actriz, aún predomina una visión tradicional sobre la actuación, lo que dificulta un reconocimiento más amplio de las nuevas formas de interpretación. “Existe una profunda comprensión de que es difícil romper con los viejos hábitos. Y una vez que te acostumbras a ver el arte y el cine de cierta manera, resulta muy difícil ver una forma diferente y entender que es esencialmente lo mismo”, afirmó.

La intérprete hizo énfasis en que la captura de movimiento implica una expresión actoral auténtica, aunque la tecnología todavía enfrenta resistencia en cuanto a su valoración como actuación legítima.

La revolución digital y el desafío del reconocimiento

La tecnología de captura de movimiento, característica fundamental de la saga, ha sido planteada por los protagonistas como una de las principales responsables de la falta de premios en ámbitos actorales.

Los actores consideran que, aunque la industria cinematográfica lentamente comienza a apreciar el valor de estas interpretaciones, el proceso de transformación resulta más lento de lo esperado.

Saldaña subrayó que la captura de movimiento requiere una entrega completa del actor para dotar de humanidad a los personajes digitales, mientras que Sam Worthington explicó que incluso algunos colegas y parte del público necesitan tiempo para asimilar la importancia y el alcance artístico de esta técnica.

Además, Worthington señaló la necesidad de que la industria adapte sus criterios, permitiendo que los intérpretes sean evaluados dentro de contextos que incluyan la tecnología como aliada creativa y no solo como un recurso técnico. “Muchos artistas han debido adaptarse y comprender que la captura de movimiento demanda la misma intensidad y compromiso emocional que la actuación tradicional”, remarcó.

Una mirada al futuro: optimismo y persistencia

El elenco principal de Avatar mantiene la esperanza de que el reconocimiento a su labor llegará en el futuro a medida que la industria y la audiencia se abran a nuevas formas de representación en la pantalla.

En opinión de los actores, el progreso tecnológico ampliará el concepto de actuación y permitirá consolidar una apreciación más justa de estos trabajos.

Worthington expresó su confianza en que tarde o temprano, la comunidad cinematográfica apreciará el aporte de la interpretación digital, superando las barreras impuestas por el desconocimiento y los prejuicios.

Para el elenco, la esencia de la actuación permanece intacta, sin importar las herramientas empleadas para darle vida a los personajes y transmitir emociones auténticas.

A mediados de la década, Barack Obama ha vuelto a compartir públicamente sus preferencias culturales, integrando esta vez una amplia selección de películas, libros y canciones para el año 2025. Entre las cintas incluidas, figura “Valor sentimental”, producción noruega señalada por diversos analistas como posible rival de la película española “Sirat”, de Oliver Laxe, en la próxima edición de los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional. Así lo destacó el medio que difundió recientemente la lista personal del expresidente estadounidense, en la que resalta también la continua presencia de la música hispanohablante.

La relación de Obama con la discografía de Rosalía se mantiene, pues tal como detalló la misma fuente, el expresidente volvió a seleccionar un tema de la cantante catalana en su recopilación anual. Para la edición de 2025, optó por “Sexo, violencia y llantas”, el corte que abre “Lux”, el más reciente álbum de la artista. La tendencia de Obama a incluir temas de Rosalía en sus listas no es nueva; en el verano de 2022 sumó “Saoko” entre las canciones que más escuchaba durante ese periodo, mientras que en 2019 compartió en Twitter (actual X) un listado en el que “Con altura” ocupaba el puesto treinta y uno de cuarenta y cuatro temas, cifra que la entonces primera dama, Michelle Obama, también compartía como habitual en sus preferencias.

Entre los géneros musicales que predominan en la lista para 2025 se encuentran el rap y el R&B, con nombres reconocidos a nivel internacional. Según informó el medio que publicó la selección, el listado abarca temas de Kendrick Lamar, SZA, Burna Boy, Travis Scott, Jamila Woods y Drake. A ellos se suman canciones interpretadas por artistas de habla hispana, entre ellas “Aurora” de Mora y De La Rose, “Pending” de Myke Towers junto a Lil Naay y “En privado” de Xavi y Manuel Turizo. En el ámbito del pop internacional, Obama incluyó piezas de Lady Gaga y Chappell Roan, quien actuó durante la última edición del festival Primavera Sound en Barcelona. El ámbito del rock está representado con “Faithless”, de Bruce Springsteen, conocido además por sus posturas críticas respecto al actual presidente de Estados Unidos, Donald Trump.

La selección musical y cinematográfica se extendió también a los libros. Tal como consignó el medio que recogió la lista, Obama mencionó obras recientes de autores contemporáneos junto a publicaciones relevantes de años anteriores. Figuran títulos como “Look” de Michelle Obama, “Paper Girl” de Beth Macy, “Flashlioght” de Susan Choi, “We the People” de Jill Lepore, “The Wilderness” de Angela Flournoy, “There is no place for us” de Brian Goldstone, “Noth Sun” de Ethan Rutherford, “1929” de Andrew Ross Sorkin, “The loneliness of Sonia and Sunny” de Kiran Desai, “Dead and Alive” de Zadie Smith y “What we can know” de Ian McEwan.

En cuanto a las películas incluidas por Obama en su valoración de 2025, además de “Valor sentimental”, se encuentran “Hamnet”, adaptación basada en la novela homónima de Maggie O’Farrell y protagonizada por Paul Mescal. Completan el listado “Una batalla tras otra”, con Leonardo DiCaprio; “Los pecadores”; la película iraní “Un simple accidente”; junto a títulos como “No hay otra opción”, “El agente secreto”, “Sueños de trenes”, “Jay Kelly” —que cuenta en su reparto con George Clooney, Laura Dem y Adam Sandler—, “Cuando el cielo se equivoca” y el documental “Orwell: 2+2=5”.

Varias de las canciones en la reconocida lista de Obama corresponden a géneros y artistas que suelen figurar en las tendencias internacionales, una inclinación manifestada desde sus años en la Casa Blanca. Artistas latinos y angloparlantes comparten espacio, reflejando las preferencias multiculturales del exmandatario. Las selecciones de Obama suelen generar impacto y recibir respuesta de los propios músicos y creadores involucrados, en especial cuando se trata de figuras emergentes del panorama musical global. La inclusión de artistas como Rosalía reitera la relevancia internacional alcanzada por la cantante catalana y la presencia sostenida de la música en español en círculos de influencia en la industria estadounidense, tal como analizó el medio que difundió la lista.

A lo largo de los años, la publicación de las selecciones anuales de Obama sobre música, cine y literatura se ha consolidado como un referente dentro del ecosistema cultural norteamericano. Estas listas, según señaló el mismo medio, ofrecen pistas sobre las tendencias del gusto personal del exmandatario y su entorno, y han trascendido el ámbito privado para convertirse en indicadores valorados en la industria del entretenimiento y la cultura popular. La presencia de artistas hispanohablantes y producciones de diversa procedencia refleja el interés de Obama en mantener un contacto activo con la cultura global, incluyendo su aprecio público hacia creadores y obras reconocidas o emergentes.

Brad Pitt, una de las figuras más reconocidas de Hollywood, ha sorprendido recientemente con unas declaraciones que revelan admiración hacia una colega menos habitual en los titulares de la farándula. Durante una entrevista recogida por Fotogramas, Pitt aseguró que su actriz favorita de todos los tiempos es Dianne Wiest, a quien definió, además, como la mujer más hermosa que ha aparecido en pantalla.

Este reconocimiento no solo pone en valor el talento de la intérprete, sino que también resalta la capacidad de Pitt para identificar cualidades más allá de la belleza superficial que a menudo impera en la industria cinematográfica.

La elección del actor no tardó en generar conversación entre los seguidores del séptimo arte. Brad Pitt apuntó directamente a la carrera y la presencia de Wiest, elogiando especialmente su carisma y el magnetismo que desprende en cada papel.

Su declaración se distancia de otros nombres frecuentemente asociados a ese tipo de distinciones y ha sido interpretada como un gesto de respeto hacia el talento interpretativo más allá de las tendencias del momento.

Trayectoria y reconocimientos de Dianne Wiest en el cine

Dianne Wiest cuenta con una prolífica carrera que abarca varias décadas en cine, teatro y televisión. Su nombre está vinculado a grandes éxitos del cine estadounidense, y ha sido reconocida en múltiples ocasiones por su capacidad para interpretar personajes complejos y memorables. Ha trabajado al lado de algunos de los directores más influyentes, participando en películas icónicas que le han valido un lugar destacado en la historia del cine.

Wiest ostenta dos premios Oscar en la categoría de mejor actriz de reparto, galardones que recibió por sus actuaciones en Hannah y sus hermanas (1986) y Balas sobre Broadway (1994), ambas dirigidas por Woody Allen.

Además, ha sido nominada en otras oportunidades, lo cual refuerza su reputación en la industria. Su capacidad para dar vida a personajes multifacéticos ha sido elogiada de manera constante tanto por la crítica especializada como por sus propios colegas.

La versatilidad de Wiest queda patente en la variedad de géneros y estilos en los que ha trabajado, manteniendo siempre una impronta particular capaz de cautivar al público. Este nivel de maestría interpretativa es, en palabras de Pitt, uno de los factores que la convierten en la actriz ideal y en la presencia más sobresaliente en pantalla.

Contexto de las declaraciones de Pitt y su relación profesional con Dianne Wiest

El contexto en el que Brad Pitt hizo estas declaraciones aporta un matiz adicional a su opinión. Aunque ambos actores no han coincidido en numerosos proyectos, sí existe una relación profesional entre ellos, marcada por la admiración mutua. Pitt ha manifestado en otras ocasiones su preferencia por aquellos intérpretes que, independientemente de su fama, logran transformar cada escena en una experiencia genuina para el espectador.

La mención de Dianne Wiest, por parte de Pitt, no surge de una colaboración reciente ni de una estrategia de promoción conjunta, sino que responde a una valoración personal de la trayectoria artística de Wiest. Este tipo de reconocimientos entre profesionales del sector suelen influir en la percepción pública y en el prestigio de quienes los reciben.

Algunos expertos del sector interpretan la declaración de Pitt como una muestra del respeto que sienten los actores veteranos por el legado de artistas que han sabido dejar huella sin depender de los focos mediáticos. Esto refuerza la visión de Wiest como una intérprete influyente y referencia para nuevas generaciones.

Repercusiones y análisis de la opinión de Brad Pitt

Las palabras de Brad Pitt han generado repercusión tanto en medios especializados como en redes sociales. El énfasis del actor en el talento y la belleza “en pantalla” de Wiest ha abierto debates sobre los criterios con que se evalúan a las actrices en la industria cinematográfica. Muchos analistas consideran que las declaraciones de Pitt ayudan a visibilizar figuras de indiscutible talento que, en ocasiones, quedan en un segundo plano frente a nombres más mediáticos.

La opinión de Pitt también ha llevado a una revaloración de películas y actuaciones de Wiest, motivando a nuevas audiencias a explorar su filmografía. Varias publicaciones han coincidido en señalar que este tipo de gestos contribuyen al reconocimiento y la preservación del patrimonio cultural del cine.

Brad Pitt, al compartir públicamente su admiración por Dianne Wiest, no solo brinda un tributo a una carrera consolidada sino que contribuye activamente al debate sobre el papel del talento femenino en la industria, promoviendo una visión más rica y matizada de lo que significa destacar en la gran pantalla.

La presencia de “Sirat” entre las obras internacionales consideradas en la lista preliminar de la Academia de Hollywood para la categoría de Mejor Película Internacional ha situado a la producción dirigida por Oliver Laxe como la principal candidata española para la próxima edición de los premios Oscar. Según informó el medio de referencia a partir del anuncio oficial, el filme ha superado el primer filtro conocido como “shortlist”, logrando avanzar en un total de cinco categorías técnicas y artísticas, lo que refuerza la proyección internacional del cine español en la temporada de premios.

De acuerdo con la información publicada por el medio y basada en los datos de la Academia de Hollywood, “Sirat” ha conseguido figurar en la primera selección destinada a Mejor Casting, Mejor Fotografía, Mejor Sonido, Mejor Música Original y Mejor Película Internacional. La fase de preselección, divulgada por la Academia estadounidense, marca un punto crucial en el proceso, ya que delimita el conjunto de obras que siguen en competencia hasta la divulgación de las nominaciones definitivas, programada para el 22 de enero. En la modalidad de Mejor Película Internacional, solo diez títulos a nivel global han sido incluidos en la lista provisional, lo que da cuenta del nivel de exigencia y de la relevancia del avance del largometraje español.

Tal como consignó el medio, los cinco apartados en los que “Sirat” continúa en carrera reconocen diferentes áreas clave en la realización cinematográfica. El reconocimiento en Mejor Sonido y Mejor Música Original resalta el trabajo desplegado en la creación de la atmósfera acústica y en la composición de la banda musical del filme, elementos que, según la propia Academia y según cita el medio, aportan a la narrativa y a la dimensión emocional de la obra. La inclusión en la categoría de Mejor Casting valora los criterios de selección y la integración del reparto, mientras que la candidatura en Mejor Fotografía distingue el diseño de imagen y el tratamiento lumínico del largometraje.

El medio de referencia detalló que la selección del “shortlist” de los Oscar parte de un proceso que involucra el estudio de cientos de propuestas enviadas por los diferentes países. Miembros de la Academia de Hollywood examinan y valoran estas candidaturas para seleccionar un número reducido de aspirantes por cada especialidad, y a partir de ese filtro primigenio surgen las candidatas que podrán obtener la nominación final el próximo 22 de enero. El trayecto de “Sirat” hacia este punto comenzó en septiembre, cuando la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España la eligió como representante nacional para los Oscar, en una decisión donde también fueron consideradas “Sorda”, de Eva Libertad, y “Romería”, de Carla Simón.

Desde su designación como abanderada española, el medio reportó que “Sirat” ha consolidado su presencia en el circuito internacional, incrementando las expectativas de la industria y de los seguidores de la producción audiovisual nacional. La diferencia respecto a ediciones anteriores se evidencia al comparar su avance con el recorrido de la película “Segundo Premio”, de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez, que no logró superar la criba preliminar en la última ocasión. Ese contexto, según recogió el medio, ha generado un renovado interés mediático y especializado, así como un apoyo institucional persistente desde la industria española.

El seguimiento a “Sirat” ha reflejado una pauta creciente de atención de la prensa nacional e internacional hacia las producciones españolas que logran destacarse en certámenes y festivales de amplia repercusión. Según subrayó el medio en base a cifras y comunicados institucionales, la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España reiteró que la inclusión de “Sirat” en cinco apartados técnicos y artísticos representa un paso relevante para el sector audiovisual del país y contribuye a mantener el foco sobre el desarrollo creativo y técnico de los profesionales españoles.

De cara a los siguientes hitos en el calendario, la Academia de Hollywood anunció que el 22 de enero de 2026 se dará a conocer el listado definitivo de nominados en todas las categorías. Aquellas producciones seleccionadas pondrán en marcha estrategias para afianzar su respaldo ante los académicos, con el objetivo de asegurar su presencia en la gala programada para el 15 de marzo de 2026, según publicó el medio con base en la información oficial difundida hasta el momento.

El proceso seguido por la Academia de Hollywood al estructurar la “shortlist” de los Oscar se define como una criba rigurosa entre cientos de títulos remitidos por los diferentes países. Solo las producciones que demuestran excelencia en apartados como sonido, música, casting y fotografía logran avanzar, generando así una expectativa considerable en torno a su carrera hacia las nominaciones finales. El respaldo institucional y social a “Sirat” ha elevado el perfil tanto del equipo artístico como del equipo técnico, como ha señalado el medio, posicionándolos como protagonistas de la temporada internacional de premios y fortaleciendo el posicionamiento global del cine español en el contexto audiovisual actual.

Guillermo del Toro y Frankenstein dominan la carrera por la estatuilla dorada más codiciada de Hollywood. El camino hacia la ceremonia número 98 de los Premios Oscar comenzó oficialmente este martes con la publicación de la shortlist de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, una etapa crucial en la selección de nominados.

Entre las sorpresas y confirmaciones, el nombre de Guillermo del Toro figura como uno de los más fuertes aspirantes: su versión de Frankenstein avanzó a la siguiente ronda en al menos siete categorías clave, mientras que la cinta mexicana No nos moverán no logró integrar la lista de Mejor Largometraje Internacional.

Frankenstein: favorita de la crítica y avalada por la Academia

La más reciente interpretación del clásico de Mary Shelley por parte de Del Toro vuelve a colocar el nombre de México en el centro del cine de autor global. Frankenstein logró entrar en la shortlist de las siguientes categorías:

• Mejor Casting
• Mejor Fotografía
• Mejor Maquillaje y Peluquería
• Mejor Banda Sonora
• Mejor Sonido
• Mejores Efectos Visuales

El filme, protagonizado por Jacob Elordi y Oscar Isaac, suma también excelentes críticas y ha figurado en los principales listados del año. Por tanto, no sería exagerado pensar en la probabilidad muy alta de que finalmente el mexicano también sea nominado a Mejor Director, como sucedió en los Globos de Oro.

La estrategia de Del Toro, que ya tiene tres Oscar en su haber, ha sido reconocida por la Academia año tras año. Su diseño sonoro y visual, además de la sofisticación en la narrativa, la consolidan como una de las favoritas rumbo a la gran gala del 2 de marzo, conducida por Conan O’Brien desde el Dolby Theatre de Hollywood.

¿Qué es la shortlist y por qué importa en los Oscar?

La shortlist es una lista previa de películas y trabajos seleccionados por la Academia que avanzan como semifinalistas en categorías específicas como Mejor Película Internacional, Mejor Documental, Efectos Visuales y Banda Sonora, entre otras.

Ser incluido representa pasar un primer filtro y ganar visibilidad global, aunque aún no garantiza la nominación definitiva. Las listas definitivas de nominados se darán a conocer el 22 de enero de 2026.

El shortlist marca la primera ronda de votaciones por parte de los miembros de la Academia y es un excelente termómetro de cómo recibieron la crítica y los pares de industria los trabajos del año.

México queda fuera en Mejor Película Extranjera

Si bien la presencia mexicana brilla en Frankenstein, el cine nacional no corrió con la misma suerte en la contienda a Mejor Película Internacional. Esta vez, No nos moverán de Pierre Saint-Martin no logró pasar el corte en la shortlist, quedando fuera de la competición en la recta final rumbo a los Premios Oscar.

La película fue celebrada en festivales, incluida por la crítica nacional entre las mejores del año, y había generado expectativas con su relato sobre la matanza de Tlatelolco de 1968, presentando una narrativa poderosa y necesaria sobre justicia y memoria. Estrenada en múltiples circuitos, la cinta buscaba reivindicar la voz de víctimas y familias hasta la última instancia. Sin embargo, la Academia optó por otros títulos en la shortlist, lo que deja a México sin representante finalista en esta categoría en la próxima entrega.

La ausencia de No nos moverán destaca lo difícil de la competencia global y la importancia de persistir en el impulso de historias nacionales en la industria internacional.

Próximos pasos y fechas clave para la temporada de premiaciones

La publicación de la shortlist es sólo el arranque de la recta final para los aspirantes al Oscar. La lista oficial de nominados se anunciará el jueves 22 de enero de 2026, el almuerzo de nominados está previsto para el 10 de febrero, y la esperada ceremonia de premiación tendrá lugar el 2 de marzo de 2026 en el Dolby Theatre.

Frankenstein de Guillermo del Toro se coloca así como una de las películas a seguir de cerca en los próximos meses.

Un elogio de Martin Scorsese no es cosa menor. Pero cuando el legendario director de Taxi Driver y Buenos muchachos confiesa que una película impactó tanto su subconsciente que soñó con ella, el reconocimiento trasciende el halago formal y se convierte en un testimonio de admiración genuina. Esto fue lo que sucedió con Guillermo del Toro y su nueva versión de Frankenstein, cuyo estreno ya tiene a la crítica y los fans hablando de una obra maestra.

Scorsese y el “encuentro onírico” con el Frankenstein de Del Toro

En declaraciones recientes, Scorsese describió el encuentro con el filme del tapatío de forma directa. El director estadounidense señaló que la visión de Del Toro es tan profunda, hermosa y aterradora que las imágenes góticas y la narrativa lo acompañaron incluso durante el sueño.

“De hecho, lo soñé […] Es una obra extraordinaria. La película se queda contigo. Simplemente se queda contigo. Es muy conmovedora. Una hazaña notable. Una gran ópera", dijo el cineasta.

Para quienes conocen la sensibilidad cinematográfica de Scorsese, este “encuentro onírico” es un aval que muy pocos artistas consiguen.

Del Toro explora en Frankenstein una reinterpretación personal y oscura del mito de Mary Shelley. Críticos coinciden en que la atmósfera visual, el sonido, la fuerza emocional y la construcción de personajes subvierten la expectativa, generando una experiencia que “no se va”, como lo expresó el propio Scorsese.

El elogio tiene más peso al considerar la relación de más de 30 años entre ambos cineastas. Scorsese fue una guía para Del Toro en etapas cruciales de su carrera en Hollywood y han colaborado juntos en la misión de preservar el patrimonio fílmico mundial.

De la mentoría y el respeto profesional, la relación evolucionó a una amistad fundada en la misión de rescatar el cine clásico y abrir caminos para nuevas voces.

Francis Ford Coppola también se rindió ante Del Toro

Martin Scorsese no es el primero cineasta legendario que se rinde ante la versión de Guillermo del Toro de ‘La Criatura’. Hace algunas semanas también Francis Ford Coppola, el director responsable de El Padrino o Apocalypse Now obras definitivas del séptimo arte, también calificó al mexicano como “un genio”.

“FRANKENSTEIN de Guillermo del Toro es una composición elegante y única sobre el amor y la belleza, contada de la manera más personal y original”, celebró el cineasta.

“Somos tan afortunados de tener al genio cinematográfico del Toro, para guiar e iluminar nuestras vidas de una forma que nadie más puede”, continuó Coppola. “Hermosas imágenes, actuaciones memorables (Oscar Isaac, Jacob Elordi, Christoph Waltz y Mia Goth), y momentos que fluyen como una fuente incontrolable de alegría apasionada”.

El aplauso del director estadounidense sin duda es también uno de los refuerzos más grandes e importantes que tiene Frankenstein de cara a la temporada de premios en Hollywood.

Frankenstein: conquista a la industria

El impacto de la cinta de Del Toro excede lo anecdótico. Frankenstein no sólo capturó la imaginación de Scorsese o Coppola, sino también de los principales organismos de la industria. Recientemente, la Academia de Hollywood incluyó Frankenstein en su shortlist de películas nominadas al Oscar 2026.

El filme compite en cinco categorías, por ahora técnicas, lo que vaticina al menos nominaciones en las mismas. Por otro lado, si Del Toro lograse obtener una estatuilla para sí mismo en categorías como Guion Adaptado o Director, sumaría su cuarto Oscar; actualmente ostenta tres: dos por La forma del agua (Mejor Director y Mejor Película, 2018) y uno por Pinocho (Mejor Película Animada, 2023).

Los reconocimientos internacionales siguen sumándose: Del Toro ha recibido BAFTAs, Globos de Oro y el reciente BFI Fellowship, convirtiéndose en uno de los creadores mexicanos más celebrados a nivel mundial.

Belén, la película dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi, logró un hito histórico para el cine argentino al quedar incluida en la lista corta de la Academia de Hollywood para los premios Oscar 2026, con la posibilidad concreta de representar al país en la categoría de Mejor Película Internacional en la ceremonia más prestigiosa de la industria cinematográfica.

La noticia generó reacciones de entusiasmo inmediato en los protagonistas. Dolores compartió en sus redes sociales el afiche de la película eufórica: “¡Sí, sí, sí! Entramos a la lista corta de los @theacademy Oscars. Griterío, qué emoción!!! Gracias @primevideo y @ternesimaginariums”, celebró, acompañada por decenas de mensajes de colegas, amigos y seguidores que festejaron el logro. Entre ellos se encuentra el de Florencia Bas, la esposa de Ricardo Darín, Martina Bellati, Daniel Hendler y Ana Correa, la mujer que escribió el libro que lleva el nombre de la película.

La emoción también llegó a Camila Plaate, protagonista junto a Fonzi, quien compartió una captura de la lista oficial y los mensajes internos del elenco: “YA ESTAMOS”, celebró en mayúsculas unos minutos después de confirmarse la noticia. El chat de las protagonistas resumió la alegría colectiva: “Vaaamoooo pibaas!!!”, festejaron las actrices y parte del equipo.

La confirmación formal por parte de la Academia llegó por mail a los responsables y se viralizó entre los equipos de producción y difusión de la película. El comunicado oficial detalló la mecánica de la próxima ronda de votación y la selección de los finalistas, indicando: “15 películas van a avanzar a la próxima ronda de votación en la categoría de Mejor Película Internacional en la entrega de la 96° ceremonia de los Oscars. Películas de 86 países se encontraban en la categoría”, se puede leer en el mail que le enviaron a la producción de la película.

El impacto de la noticia fue internacional: un sitio de cine extranjero destacó el ingreso de Belén a la shortlist, subrayando el valor del drama protagonizado y dirigido por Fonzi, basado en hechos reales: “La candidata oficial de Argentina a los Premios Oscar 2026 de la Academia es Belén, un drama judicial que retrata un espeluznante caso de violación de los derechos humanos. Basada en el encarcelamiento injusto de una mujer tras un aborto espontáneo, la película indigna al espectador con su retrato de un sistema inflexible. La directora Dolores Fonzi, quien además interpreta a la protagonista, se destaca de manera sobresaliente en ambos roles”.

Este reconocimiento, que se terminará de revelar el 22 de enero, coloca a Belén y a Dolores Fonzi en la mira internacional, reforzando el valor artístico de una película que apuesta por el compromiso, la denuncia y la sensibilidad, logrando visibilidad mundial y renovando el orgullo del cine argentino en la antesala de los Oscar.

El 24 de septiembre se dio a conocer que esta película había sido elegida para competir en la entrega de premios. En boca de Graciela Borges, la gran diva del cine nacional, se anunció la película que eligió la Academia de las Ciencias y las Artes Cinematográficas para competir en los Premios Oscar de 2026 y en los Premios Goya.

Será Belén quien busque la preciada nominación como Mejor película internacional o de habla no inglesa. El largometraje dejó fuera de la carrera de los premios de Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos a Homo Argentum (de Mariano Cohn y Gastón Duprat); Algo nuevo, algo viejo, algo prestado (de Hernán Rosselli) y La mujer de la fila (de Benjamín Ávila).

Inspirada en el libro Somos Belén de Ana Correa, sobre un hecho real, la película cuenta con guion de Dolores Fonzi y Laura Paredes. La trama se ubica en la provincia de Tucumán, Argentina, y acompaña a Julieta, una joven procesada por homicidio agravado por el vínculo, debido a una acusación de aborto inducido, junto a Soledad Deza, la abogada que desafía todo límite para asumir el polémico caso que terminó generando la “marea verde” que culminó con la sanción de la ley que aprobó el aborto legal en la Argentina.

Su autenticidad y negativa a adaptarse a los moldes tradicionales le valieron el reconocimiento internacional, en una trayectoria marcada por la rebeldía y la búsqueda de sentido propio en el arte, según relató en exclusiva con The Washington Post.

La rebeldía y el arte como refugio

Nacida en Solbergelva, un pequeño pueblo a 45 minutos de Oslo con unos 6.000 habitantes, Reinsve creció en un entorno donde la uniformidad era la norma. Desde niña, se sintió diferente y poco dispuesta a encajar. “No me sometí a las reglas en absoluto. No podía ver el sentido de hacer las cosas de una manera determinada”, confesó.

A los 17 años, decidió marcharse de casa con la intención de llegar a Costa Rica, aunque finalmente terminó en Edimburgo, donde aceptó un trabajo en un hostal tras quedarse sin dinero. Sobre esto, reconoció: “Siempre hay algo de aventura y juego en mí, y en ese sentido, puedo ser un poco ingenua”.

El teatro se convirtió en su refugio y en la vía para comprender la realidad. Para ella, actuar no era una cuestión de buscar atención, sino de explorar cómo las personas reaccionan y se mueven. Si surgía un conflicto familiar, lo resolvía a través de personajes en una obra.

Un momento decisivo llegó a los 14 años, cuando encontró una nota anónima en su armario, escrita por una mujer que la había visto actuar y la animaba a estudiar teatro. Desde entonces, el arte se volvió su única pasión. “Es un clásico de TDAH”, bromeó.

En sus primeros años, solía quedarse paralizada en el escenario, pero aprendió a transformar ese miedo en una herramienta para sus personajes. “Es tan veraz que la gente tenga miedo en situaciones muy emocionales, así que simplemente dejo que esté ahí”, explicó a The Washington Post.

Momento en que casi abandona la actuación

A pesar de su dedicación, la estabilidad económica se le escapaba. Tras años de papeles satisfactorios en teatro, Reinsve consideró dejar la actuación para dedicarse a la carpintería o la construcción, después de haber renovado dos casas. Fue entonces cuando el director Joachim Trier, con quien había trabajado en una pequeña aparición en “Oslo, August 31”, la contactó.

Trier y su coguionista Eskil Vogt estaban escribiendo “The Worst Person in the World” (La peor persona del mundo) pensando en ella. “Es tan loco que sucediera tres días después de que había decidido dejarlo”, relató la actriz. El propio Trier reconoció que llevaba años esperando que Reinsve tuviera su gran oportunidad y decidió dársela él mismo.

Éxito internacional y estilo propio

El salto a la fama llegó con “La peor persona del mundo”, que le valió el premio a mejor actriz en Cannes y la catapultó al circuito internacional. Sin embargo, la exposición mediática y las campañas para premios no le resultan naturales.

Durante la promoción de esa película, se sentía tan abrumada que, tras cada semana de prensa, acampaba en los bosques cercanos a Oslo, a veces acompañada de su hijo de 6 años. “De los dos términos en inglés que me pidió que le definiera, uno era ‘schmooze’”, relató, subrayando su distancia con el mundo de las relaciones públicas.

La intérprete rechaza los grandes blockbusters y prefiere el cine de autor, como el thriller-comedia “A Different Man”, donde compartió pantalla con Sebastian Stan. Tras rodar la serie “Presumed Innocent” para Apple TV, concluyó que la televisión guionizada no es para ella: “Demasiado formulaica, sin espacio para la espontaneidad”.

Su ascenso fue notorio; ahora es vestida por marcas de lujo para la temporada de premios de “Valor sentimental” y disfruta de la compañía de colegas como Elle Fanning y Stellan Skarsgård, con quienes sale de fiesta y comparte confidencias. “Sí, hubo algo de baile, y Stellan y yo siempre nos emborrachamos un poco y nos declaramos nuestro amor. Eso siempre pasa ahora”, contó entre risas.

Experiencias personales y supersticiones

La sensibilidad de Reinsve se extiende más allá de la actuación. Su permeabilidad emocional la hace, según Skarsgård, única en Escandinavia. “Lo que me impresionó fue su translucidez... Su piel es absolutamente transparente, y se ven las emociones por dentro, no puede ocultarlas. Por eso se sonroja todo el tiempo”, afirmó el actor.

Esta apertura la lleva a experiencias poco comunes, como su aversión a los hoteles “embrujados”. En Nueva York, evitó hospedarse con sus compañeros de reparto porque el hotel no podía garantizarle una habitación libre de fantasmas.

“A veces me he alojado en hoteles y he sentido que alguien golpeaba mi puerta y no había nadie. Pregunto en recepción y me dicen: ‘Sí, es un fantasma. Toma este ajo y no entrarán en tu habitación’”, relató. En Los Ángeles y Noruega ha vivido situaciones similares, aunque prefiere no dar detalles “porque suena muy loco”.

Sebastian Stan, quien trabajó con ella en varios proyectos, recordó cómo Reinsve insistió en cambiar de habitación en un hotel histórico de Noruega tras escuchar ruidos extraños. “Renate escuchaba golpes en mitad de la noche y todo eso. Luego íbamos al set, hacíamos un drama intenso, y al volver ella decía: ‘Me persigue un fantasma’”, confesó entre bromas.

Reconocimiento y futuro actoral

El reconocimiento internacional no ha cambiado la esencia de la artista. “Valor sentimental” le ha permitido acercar a su familia a su mundo y explorar cómo las malas comunicaciones pueden persistir durante generaciones. En el estreno en Cannes, toda su familia la acompañó, y desde entonces, según sus palabras, el ambiente entre ellos es más cálido.

Hollywood llamó a su puerta, y en 2026 rodará la próxima película de Alexander Payne en Dinamarca. Aunque estuvo a punto de participar en el éxito independiente “Weapons”, su agenda no lo permitió.

Mientras que Stan la comparó con una joven Meryl Streep: “No estás viendo a una intérprete que intenta impresionarte o mostrarte lo que puede hacer. Simplemente es, y es increíblemente humana y real”.

La autenticidad y la sensibilidad de Renate Reinsve, lejos de ser un obstáculo, se consolidan como la clave de su magnetismo y éxito. Como sugirieron sus colegas en conversación con The Washington Post, hay algo en ella que la conecta con lo intangible y que está dando resultados en sus interpretaciones.

La actriz Karla Sofía Gascón relató que ha recibido amenazas graves a través de internet, en las que incluso le han escrito que si la veían, la iban a descuartizar y la meterían en una bolsa. Según informó el medio que cubrió sus declaraciones, Gascón explicó que estos mensajes aparecen de manera constante en redes sociales y que provienen de usuarios anónimos tras la exposición mediática que ha recibido en los últimos años, especialmente después de la polémica relacionada con antiguos tuits publicados en su cuenta de 'X' entre 2018 y 2019.

El medio detalló que la actriz habló abiertamente sobre este tema en el marco de la 31ª edición de los Premios Forqué, celebrada en el Palacio Municipal de IFEMA Madrid, donde fue la encargada de entregar el galardón a mejor largometraje de animación. Gascón señaló, de acuerdo con la prensa que cubrió el evento, que la dinámica de odio y hostilidad ha sido una constante desde el momento en que los tuits xenófobos salieron a la luz, justo cuando se encontraba en plena campaña de nominación al Oscar por su papel protagonista en la película "Emilia Pérez". La controversia derivada de estas publicaciones terminó con las posibilidades de que Gascón se convirtiera en la primera actriz transexual en alcanzar una candidatura al prestigioso premio.

La actriz explicó ante los periodistas que, a pesar de la gravedad en el tono de las amenazas, nunca las tomó en serio. "Estaba trabajando en teatro, en México, y les decía 'por favor venid a verme al teatro y ya después ya me descuartizáis', pero no vino nunca nadie", citó el medio. Gascón empleó un tono de ironía al relatar la manera en que ha respondido a quienes la atacan por internet, asegurando que, en lo personal, ha aprendido a convivir con la hostilidad en redes sociales y a utilizarla como una especie de motor. "Al final soy una persona que me alimento incluso de eso, es una gasolina para mí, pero entiendo que a otras personas, pues, les haga muchísimo daño", expuso Gascón, según publicó la fuente.

El medio consignó que la figura de la actriz, quien resurgió en la escena pública luego de la controversia por sus antiguos mensajes en redes, ha estado marcada en buena parte por episodios de violencia digital y por un escrutinio constante desde distintos sectores. La hostilidad que ha enfrentado por su identidad y por su trayectoria reciente no solo ha repercutido a nivel personal, sino que también ha tenido impacto en su carrera artística, al punto de afectar oportunidades y reconocimientos internacionales.

Durante su participación en la gala de los Premios Forqué, Gascón reafirmó que la cultura del odio en redes sociales afecta de manera distinta a cada persona, y aunque ella ha decidido abordarla como una forma de crecer y fortalecerse, reconoció el daño que puede producir en otros individuos expuestos a narrativas violentas. Tal como mencionó, la experiencia de ser blanco de amenazas digitales suele ser más intensa para figuras públicas, agregando que el anonimato y la impunidad favorecen la proliferación de mensajes hostiles.

El evento en el Palacio Municipal de IFEMA Madrid sirvió de contexto para que Gascón abordara temas relacionados con la discriminación y la violencia en línea, en pleno aniversario de la controversia que rodeó su nominación al Oscar. Sus declaraciones, según continuó detallando el medio, pusieron en evidencia el nivel de exposición y la presión que acompañan a quienes atraviesan procesos de visibilidad en la industria del cine y el espectáculo, especialmente cuando existen antecedentes que desatan campaña de ataques en redes.

El caso de Karla Sofía Gascón se inscribe en un fenómeno más amplio que afecta a numerosas personalidades del ámbito cultural y artístico. Las amenazas y comentarios de odio constituyen retos para la salud mental y el bienestar de quienes las reciben, según recalcaron diferentes especialistas entrevistados por el medio al cubrir la gala. La actriz, desde su experiencia, reiteró que no busca minimizar el impacto que estas agresiones pueden tener en otras personas.

La cobertura de los Premios Forqué permitió a los medios recoger no solo la denuncia de Gascón sobre el ambiente hostil en redes sociales, sino también su reflexión sobre la responsabilidad que implica figurar en la conversación pública, especialmente en momentos de máxima visibilidad. El caso, reportó el medio, reabrió el debate sobre los límites de la tolerancia y el papel de la comunidad artística frente al discurso de odio en entornos digitales.

Oscar, jugador del San Pablo y ex figura de la selección de Brasil, decidió ponerle punto final a su carrera a los 34 años luego de sufrir una alteración cardíaca. El mediocampista se encuentra en proceso de recuperación médica y disfruta de vacaciones junto a su familia, mientras se prevé que la rescisión de su vínculo con el club paulista se concrete de manera amistosa.

En los últimos días, la confirmación de su retiro, que ya era considerada prácticamente segura por la directiva del San Pablo, fue ratificada tras una serie de conversaciones entre el jugador y su entorno. La información, publicada inicialmente por ESPN y confirmada por Ge Globo, señala que Oscar anunciará oficialmente su retiro a través de sus redes sociales en breve. El club ya no lo contempla en su planificación para la temporada 2026.

El desenlace de la carrera de Oscar estuvo marcado por problemas de salud y lesiones. En noviembre, el futbolista sufrió un mal súbito durante exámenes médicos previos a la pretemporada en el centro de entrenamiento de Barra Funda. Fue trasladado en ambulancia al Hospital Israelita Albert Einstein, donde permaneció en la unidad de cuidados intensivos y recibió el diagnóstico de una síncope vasovagal. Este episodio, que consiste en una pérdida transitoria de conciencia causada por una disminución de la presión arterial y del ritmo cardíaco, no implica riesgo de muerte, pero requiere seguimiento médico constante.

La temporada 2025 resultó especialmente difícil para Oscar debido a las lesiones, siendo la más grave una fractura en tres vértebras que lo mantuvo alejado de las canchas durante tres meses. En su regreso, logró disputar 21 partidos y anotar dos goles con la camiseta del Tricolor paulista.

La situación de Oscar se explica por antecedentes previos. En agosto, tras sufrir la ya mencionada fractura de vértebras en un partido ante Corinthians, se le detectó una anomalía cardíaca. Aunque en ese momento recibió autorización para continuar jugando, el monitoreo de su salud se mantuvo constante. El propio volante había manifestado su disposición a retirarse si su bienestar se veía comprometido: “Estuve muy atento y afirmé que me retiraría si mi salud corría algún riesgo”, según recogió el comunicado oficial del club.

Formado en las divisiones juveniles de Cotia, Oscar debutó con el primer equipo en 2008, a los 16 años, y sumó 13 partidos en 2009. A finales de ese año, su entorno inició una demanda judicial contra el club, alegando coacción para firmar un contrato de cinco años y retrasos en los pagos. El proceso culminó en 2012 con un acuerdo extrajudicial: el Internacional abonó 15 millones de reales al Sao Paulo para liberar al jugador, quien luego continuó su carrera en el Chelsea de Inglaterra y, desde 2016, en el fútbol chino.

En el ámbito internacional, Oscar fue campeón de la Copa Confederaciones en 2013 y participó en la Copa del Mundo de 2014, donde marcó el único gol de Brasil en la histórica derrota por 7 a 1 ante Alemania.

El caso de Oscar se suma a otros antecedentes recientes de futbolistas que debieron abandonar la actividad por afecciones cardíacas, como el retiro de Sergio Agüero en diciembre de 2021, a los 33 años, tras ser diagnosticado con una arritmia ventricular incompatible con el alto rendimiento deportivo.

El talento mexicano vuelve a acaparar la atención internacional: Guillermo del Toro ha sido nominado a Mejor Director en los Critics Choice Awards 2026 gracias a su versión de Frankenstein, película que además se llevó otras 10 nominaciones, consolidándose como una de las grandes contendientes de la temporada de premios.

La noticia confirma el prestigio global del director tapatío y el impacto cultural de uno de sus proyectos más personales y ambiciosos.

Del Toro arrasa en las nominaciones

Frankenstein, estrenada este año, fue recibida con ovaciones por la crítica especializada y el público. La película, protagonizada por Jacob Elordi (como la criatura) y Oscar Isaac (como Víctor Frankenstein), es una relectura profunda, gótica y muy personal del clásico de Mary Shelley.

Rolling Stone la describió recientemente como una cinta “elegante pero sensacionalista, tierna pero perversa, fiel al material original y al mismo tiempo rindiendo homenaje a todo tipo de influencias”.

La película obtuvo 11 nominaciones en los Critics Choice Awards 2026, incluyendo Mejor Director para del Toro, Mejor Actor de Reparto para Elordi, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Maquillaje y Peinados, y Mejores Efectos Visuales, Mejor Banda Sonora, Mejor Fotografía, Mejor Guion Adaptado, Mejor Diseño de Producción y Mejor Sonido.

Frankenstein sólo fue superada por dos cintas más: Sinners de Ryan Coogler (17 nominaciones) y One Battle After Another de Paul Thomas Anderson (14).

Una nueva Frankenstein

La película de Del Toro ha destacado en festivales y listas especializadas durante el año. En Frankenstein, el director explora la marginalidad, el poder de la creación y la naturaleza humana, uniendo el sonido y la furia de la novela original con su carga personal y lenguaje visual característicos.

Oscar Isaac convierte a Víctor Frankenstein en un dandy del siglo XVIII mezclado con la arrogancia de una estrella de rock, mientras que Elordi reinventa al monstruo como un inocente trágico y vengador. Todo bajo el sello inconfundible de la manufactura Del Toro, entre lo poético, lo oscuro y lo espectacular.

Las distintas nominaciones reconocen aspectos técnicos y artísticos como el vestuario de Kate Hawley, los efectos de Dennis Berardi y el maquillaje de Mike Hill, logrando así que la película destaque en casi todas las áreas decisivas para la academia de la crítica.

¿Una competencia feroz?

En esta edición de los Critics Choice Awards, Frankenstein se mide contra producciones como Sinners, One Battle After Another, Hamnet y Avatar: Fire and Ash. La competencia promete ser intensa, pero la expectativa es alta para Del Toro y su equipo, mientras los premios preparan el terreno de cara a la siguiente ceremonia de los Oscar.

La gala de entrega se realizará el 4 de enero de 2026, donde el cine y la televisión celebrarán el talento y la diversidad creativa de un año histórico.

Diego Luna también nominado

Además del éxito de Del Toro, el talento nacional brilla en otras categorías. Diego Luna fue nominado como Mejor Actor en Serie de Drama por su papel protagonista en Andor, la serie derivada del universo Star Wars.

Se mide contra nombres de peso como Sterling K. Brown, Mark Ruffalo y Adam Scott, confirmando la expansión mexicana en la televisión y la competencia estadounidense.

Gotham Awards: Plataforma para el reconocimiento

La edición número 35 de los Gotham Awards sirvió de escenario para presentar formalmente “Song Sung Blue” a la comunidad cinematográfica independiente. Estos galardones, conocidos por resaltar producciones y actuaciones fuera del circuito comercial tradicional de Hollywood, ofrecieron un reconocimiento especial a Hudson y Jackman, quienes intercambiaron elogios al recibir el Musical Tribute. Durante la gala, ambos resaltaron el valor artístico y narrativo de la película, consolidándola como una de las principales apuestas para los galardones más relevantes de la temporada como los Oscar, los Globos de Oro y los SAG Awards.

La película relata la historia de Mike y Claire Sardina, creadores de la banda tributo a Neil Diamond llamada Lightning & Thunder. Este enfoque biográfico y musical busca conectar con el público a través del retrato íntimo de sus protagonistas, un elemento que ha convencido a la crítica y ha logrado posicionar el filme como uno de los favoritos en el inicio del circuito de premios.

Kate Hudson: Un regreso a la carrera por el Oscar

Hudson obtuvo su primera nominación al Oscar en 2001, cuando gracias a su actuación en Almost Famous fue considerada como Mejor Actriz de Reparto. Desde aquel momento, la actriz ha consolidado una trayectoria diversa en Hollywood, participando en títulos populares como Cómo perder a un hombre en 10 días, junto a Matthew McConaughey, Oro, Horizonte profundo y El demonio bajo la piel. Pese a su presencia habitual en pantalla, no volvió a ingresar en la competencia por la estatuilla dorada hasta el surgimiento de Song Sung Blue, cuyo desempeño le permite soñar nuevamente con el máximo reconocimiento de la industria.

El impacto sostenido de Hudson en el cine se refleja en la atención que ha suscitado su trabajo más reciente. La fuerza de su interpretación no solo ha generado entusiasmo en la crítica, sino también en sus colegas. Jackman la describió como “una actriz consumada”, y afirmó: “Creo que esta vez va a ganar un Oscar”. Estas declaraciones, difundidas por People.com, consolidan la imagen de Hudson como una de las contendientes más importantes en la actual temporada de premios.

“Song Sung Blue”: Impacto antes del estreno en cines

El filme, dirigido por Tom Harper, aún no ha llegado a las salas comerciales, pero ya obtuvo visibilidad tras su participación en el American Film Institute Festival, donde consiguió captar el interés del público y los analistas de premios. Hudson ha abordado con naturalidad los rumores sobre una posible nominación, haciendo énfasis en disfrutar el recorrido, más allá del resultado. Durante el Women’s Luncheon de la Academia y Chanel, la actriz comentó entre risas: “Llevo suficiente tiempo en esto como para saber que lo importante es disfrutar que la gente realmente está amando la película”.

Este ambiente de optimismo se mantuvo en la ceremonia, donde Hugh Jackman recordó la evolución de la actriz desde aquella primera nominación. Con humor, señaló la diferencia entre la Hudson de Almost Famous y la de Song Sung Blue, elogiando el crecimiento profesional de su compañera de elenco.

Dinámica y ambiente de los Gotham Awards

La gala, celebrada en un ambiente distendido, también se vio marcada por momentos de camaradería entre los actores. Hudson compartió su entusiasmo por actuar junto a Jackman, describiéndolo como una de las grandes alegrías de su carrera. Ambos bromearon en el escenario, en especial cuando imitaban flexiones de bíceps mientras sostenían los premios. “Armonizar y actuar con Hugh Jackman ha sido una de las grandes alegrías de mi carrera”, enfatizó Hudson mientras recibía el reconocimiento.

Jackman, siempre ocurrente, agradeció a Focus Features por apostar por la película, recalcando: “Cada persona en Hollywood rechazó esta película, excepto Focus Features de [NBC]Universal”. Además, mencionó con humor que su antiguo compañero de Marvel, Ryan Reynolds, sentiría celos del premio, aportando un toque de desenfado a la ceremonia.

Estreno y expectativas de “Song Sung Blue”

La película vencedora del Gotham Award, Song Sung Blue, llegará a los cines el 25 de diciembre, reforzando su posición como una de las candidatas relevantes en la carrera por los principales reconocimientos de Hollywood. Con el apoyo de la crítica y la industria, la cinta se establece como uno de los títulos clave de la temporada, y Kate Hudson se perfila como una de las favoritas para obtener finalmente el Oscar a Mejor Actriz por un papel que ya ha despertado entusiasmo y expectativa tanto en la audiencia como entre sus pares.

A raíz de un periodo de intensos cuestionamientos públicos y debates sobre los límites de la opinión en redes sociales, la trayectoria de Karla Sofía Gascón ha atravesado cambios que afectan tanto su reconocimiento nacional como su proyección internacional. De acuerdo con la información difundida por el medio, la actriz reapareció ante el público en la gala de los ‘Spain Travel Awards’ en el Teatro Albéniz de Madrid, ocasión donde valoró cada obstáculo como motor para reinventarse y reafirmó la relevancia de asumir lo vivido como parte fundamental de su proceso profesional y personal.

Según detalló el medio, el evento marcó el regreso público de Gascón tras un año en el que antiguos mensajes publicados en la plataforma X, entre 2018 y 2019, la situaron en el centro de la controversia. Los mensajes, señalados por su tono xenófobo, afectaron directamente las oportunidades de la actriz en el sector audiovisual, entre ellas la posibilidad de ser postulada a los premios Oscar, gracias a su interpretación en la película “Emilia Pérez”. El medio explicó que esta situación generó un debate social acerca del papel del personaje público y la influencia de la cancelación en redes, además de impulsar una revisión sobre el impacto de los discursos privados cuando alcanzan exposición masiva.

La experiencia de Gascón durante estos meses quedó reflejada en sus declaraciones en el evento, donde compartió cómo los momentos difíciles se han convertido en impulsos significativos para su vida y carrera. “Yo he vivido cosas muy bonitas en mi vida y cosas también terribles, y hay que salir de las que son feas y aprovechar los momentos... Hay muchas cosas que no me gustan pero no borraría nada, porque de todas las cosas se aprende, todas las experiencias son interesantes y del sufrimiento a veces es cuando se coge el mayor impulso para salir adelante y salir más fuertes”, expresó la actriz, de acuerdo con el medio. Esta postura formó parte central de su mensaje, señalando cada vivencia como catalizador de reconstrucción y desarrollo.

Durante la gala, Gascón apareció con un vestido azul eléctrico y detalles florales semitransparentes, captando la atención de los asistentes y medios presentes. El comportamiento de la audiencia, según reportó el medio, reflejó el interés que sigue despertando su figura en el ámbito del espectáculo, pese a la polémica reciente.

El mismo medio indicó que, tras el episodio de los tuits, Gascón redefinió su percepción sobre el reconocimiento en su país de origen. Antes del escándalo, relató no sentirse valorada en España del mismo modo que en el extranjero. En sus palabras: “Antes no me sentía profeta en mi tierra, pero ahora sí. Hoy, ahora sí, como diría José Mota. Pero el público y las personas que vean mis actuaciones son las que tendrán que decidir si les gustan o no, yo simplemente las hago con todo el amor del mundo y si les gustan bien y si no, pues también, ¿no?”, manifestó la intérprete durante su intercambio con la prensa, cediendo al espectador la tarea de juzgar su obra.

En relación a los medios, Gascón admitió que la cobertura mediática derivada del incidente también dejó aprendizajes. En tono distendido, señaló: “Que no tengo que hablar con la prensa. Que luego después nada más que agarráis los titulares, la tontería más gorda que digo le ponéis”, subrayando la dificultad de controlar cómo se interpreta y difunde su discurso en el entorno periodístico. El medio remarcó el matiz autocrítico y humorístico con el que la actriz aborda su experiencia frente a los comunicadores.

Durante el evento, la actriz contestó a la pregunta sobre qué figura elegiría para interpretar en una cinta biográfica, dada la opción entre Isabel Pantoja, Belén Esteban o la Reina Letizia. Su elección recayó sobre la monarca: “porque es periodista y aunque no la conozco me cae muy bien”, declaró, combinando reflexión y tono relajado, según lo consignó el medio.

El regreso de la intérprete a un evento considerado como los ‘Óscar del Turismo’ ha sido interpretado, según el medio, como un indicio de revitalización para su carrera, después de un periodo de retiro mediático motivado por la reacción ante sus declaraciones pasadas y las repercusiones que esto generó en su proyección dentro de la industria del cine. Analistas señalados por el medio han seguido de cerca la evolución de su caso, especialmente por la expectativa que despertó la posibilidad de que Gascón se convirtiera en la primera actriz transexual candidata a un premio de la Academia, un objetivo frustrado por la controversia.

Durante este año, la discusión pública en torno a la situación de Gascón ilustró los riesgos asociados a la exposición de figuras públicas y la volatilidad del debate digital. Según el medio, el episodio activó alertas sobre cómo los hechos personales pueden derivar en consecuencias profesionales notorias, en especial dentro del sector artístico y ante la mirada de la opinión pública global.

La propia Gascón, conforme relató el medio, manifestó que cada error o reto puede convertirse en el origen de nuevos esfuerzos tanto en el terreno profesional como en el personal. El enfoque en la resiliencia y la transformación quedó vinculado a su mensaje de cara al futuro, donde ubicó el aprendizaje como pieza clave en la recuperación de su lugar en la escena cultural y en su relación con el público y la industria.

Entre los presentes se destacaron figuras como Chiara Mastroianni y Rebecca Zlotowski. Las declaraciones recogidas por Paris Match revelaron el carácter franco y la visión singular de Foster sobre la industria.

Una infancia marcada por el cine y la influencia materna

Al evocar su experiencia en “Taxi Driver”, Foster sorprendió a los asistentes con una anécdota sobre Robert De Niro: “De Niro era la persona menos interesante del mundo”, aseguró, causando risas. “Yo hablaba con todo el mundo, incluso con los camareros, porque él no tenía nada que contar”, detalló, en referencia a la intensa concentración del actor.

Sobre su papel en la película de Martin Scorsese, destacó la dualidad de su personaje: “Interpreté a una niña con un aspecto infantil, pero hipersexualizada. Tenía 12 años, vestía uniforme escolar, así que no quise usar tacones ni vaqueros en el filme. Fue extraño, pero eso creó la complejidad del personaje”. Foster relató que, cuando le preguntaron si sabía lo que era una prostituta, respondió: “Vivo en Los Ángeles y he visto películas de Luchino Visconti”.

La actriz resaltó la figura de su madre, responsable de su temprana conexión con el cine: “Mi madre fue quien me introdujo. Nunca viajaba, así que vivía a través del cine. Íbamos al festival de Los Ángeles y veíamos películas de Marlon Brando; era fan”, explicó.

Además, subrayó la importancia de los consejos maternos, que la animaron a continuar sus estudios bajo la idea de que la actuación no debía ser su único camino: “Me preguntaba si quería ser doctora o abogada, como si solo existiesen esas dos profesiones. Cuando cumplí 40 años, pensé que mi carrera había terminado, pero seguí adelante”.

Desafíos, premios y anécdotas con grandes del cine

El repaso a la carrera de Foster incluyó momentos de alta exigencia emocional, como su interpretación en “Los acusados” de Jonathan Kaplan.

Sobre la preparación para ese papel, la actriz fue honesta: “No, van a pensar que soy perezosa. Pero cuando era joven, nunca me preparaba. Temía pensar demasiado en el guion y cambiar de opinión. Al ver el primer montaje, casi toda la escena del juicio había sido eliminada. Después reincorporaron algunas partes... y gané el Oscar. Fue difícil porque quería satisfacer las expectativas del público, pero por primera vez sentí que no lo lograba”.

En El silencio de los inocentes de Jonathan Demme, Foster compartió detalles de su relación con Anthony Hopkins: “Anthony Hopkins me intimidaba, y al finalizar el rodaje me confesó que él también me temía. A partir de ahí nos hicimos amigos”.

También recordó el ambiente predominantemente masculino en los rodajes: “Me crie entre hermanos y padres porque no había mujeres en los platós, salvo quizá la maquilladora. Y estoy realmente agradecida por ello”.

Un compromiso inquebrantable con la profesión

Durante su repaso por “Panic Room” de David Fincher, Foster reveló que el rodaje fue especialmente desafiante: “Estaba embarazada y algunas escenas se repitieron hasta 120 veces. Eso no facilitó las cosas”, recordó con humor, reflejando la exigencia física y emocional de aquel proyecto.

En el cierre de la charla, la actriz reafirmó su vínculo y pasión por el cine. Su declaración final, recogida por Paris Match, transmitió su compromiso absoluto con la actuación y la determinación de seguir activa en la industria durante toda su vida.

El director canadiense James Cameron, responsable de algunas de las películas más exitosas de la historia, sostuvo que las producciones realizadas para Netflix no deberían calificar para los Premios Oscar. Sus declaraciones surgieron durante una entrevista en el podcast The Town With Matthew Belloni, en medio del debate por la intención de la plataforma de streaming de adquirir Warner Bros. Discovery, anuncio que ha generado reacciones en toda la industria.

Cameron, cuya próxima película Avatar: Fire And Ash se estrenará en diciembre, fue consultado por Matthew Belloni sobre el avance de Netflix en negociaciones con gigantes mediáticos como Comcast y Paramount para comprar Warner Bros. Al respecto, el cineasta expresó que mantiene esperanza en que Paramount pueda mantenerse como estudio independiente, pero advirtió que la posible compra por parte de Netflix sería, en sus palabras, “un desastre”.

El director hizo referencia a declaraciones previas del director ejecutivo de Netflix, Ted Sarandos, quien ha sostenido públicamente que “las películas en salas están muertas”. Belloni respondió señalando que, pese a esa postura, la plataforma ahora promete mantener estrenos en cines si adquiere Warner Bros., un movimiento que busca tranquilizar a los sectores tradicionales del cine.

Críticas a la estrategia de estrenos limitados y su enlace con los Oscar

La semana pasada, diversos medios especializados en la industria cinematográfica informaron que Netflix se comprometió a continuar estrenando películas de Warner Bros. en salas de cine, como parte de su oferta para adquirir la corporación. Sin embargo, Cameron desestimó esta promesa, calificándola como “una carnada para ingenuos”.

Según el director, ofrecer una breve ventana de exhibición en cines no es suficiente para considerarse parte del modelo tradicional. “La película se estrenará una semana o diez días. Seremos considerados para el Oscar. Verás, creo que eso es fundamentalmente pésimo”, expresó, remarcando que el negocio del cine debería basarse en proyectar largometrajes pensados para la experiencia en salas, y no en estrenos cortos utilizados únicamente para cumplir los requisitos de premios.

Además, Cameron afirmó con contundencia: “Los Premios de la Academia no significan nada para mí si no significan cine”. En su opinión, la lógica de los Oscar se ha distorsionado en los últimos años debido a la participación de plataformas que priorizan el consumo doméstico y la distribución digital. Para el cineasta, la Academia ha permitido que se pierda el vínculo esencial entre el concepto de cine y la gran pantalla.

¿Deben las películas de streaming competir en la temporada de premios?

Al ser consultado específicamente sobre si las películas producidas por Netflix deberían ser elegibles para nominaciones al Oscar, Cameron aseguró que no, salvo que se modifique por completo la estrategia de lanzamientos. En su criterio, una película solo debería participar de los premios si se estrena en al menos 2.000 salas durante un mes completo, regla que históricamente marcaba la diferencia entre estrenos de estudio y estrenos independientes.

En los últimos años, varias producciones de Netflix han logrado entrar en competencia dentro de la categoría de Mejor Película, marcando un cambio significativo en el panorama. La primera fue Roma en 2019, dirigida por Alfonso Cuarón, seguida por títulos como El Irlandés, El Juicio de los 7 de Chicago, El Poder del Perro y Emilia Pérez. Sin embargo, pese a sus nominaciones, ninguna ha logrado ganar el premio principal de la Academia.

Sí han obtenido galardones importantes en otras categorías: Alfonso Cuarón y Jane Campion ganaron en la categoría de Mejor Dirección por Roma y El poder del perro, respectivamente, lo que demostró que las películas de streaming pueden ser reconocidas en apartados clave, aunque no en el más codiciado.

Netflix mantiene aspiraciones para 2025 pese a la controversia

De cara a la próxima temporada de premios, títulos como Frankenstein, Train Dreams y Jay Kelly figuran entre las producciones de Netflix que podrían entrar en competencia. Todas ellas tuvieron estrenos limitados en cines, con proyecciones breves antes de su lanzamiento en la plataforma, una estrategia reiterada cada año.

Mientras tanto, el propio Cameron continúa siendo una figura influyente en la historia de los Oscar. El director ha ganado tres premios de la Academia, todos por Titanic en 1998. Su película Avatar recibió nueve nominaciones y competía por tres premios en 2010, mientras que su secuela The Way of Water fue nominada nuevamente en 2023.

Su visión, sin embargo, parece inalterable frente a la transformación de la industria: para Cameron, la esencia del cine se encuentra en la sala oscura, la pantalla gigante y la experiencia colectiva, una tradición que considera en riesgo ante la expansión de las plataformas digitales y la redefinición del concepto de estreno.

El sueño de México por conquistar un lugar en la 97.ª edición de los Premios Oscar sigue más vivo que nunca. Nueve películas nacionales han logrado colocarse en distintas categorías preliminares ante la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos, en una selección que abarca documental, ficción y animación, y que refleja la vitalidad y diversidad temática del cine mexicano contemporáneo.

México rumbo al Oscar: programa en la Cineteca

La lista de aspirantes mexicanos al Oscar 2025 emerge en un contexto en el que el cine nacional busca mantener su presencia internacional ante la feroz competencia global.

Mientras títulos como No nos moverán y Li Cham siguen cosechando premios y reconocimientos en festivales extranjeros, IMCINE y la Cineteca Nacional han decidido acercar estos trabajos al público y mostrar el talento local en pantalla grande.

Del 28 al 30 de noviembre, la Sala 4 de la Cineteca Nacional de las Artes será testigo de un ciclo de proyecciones especiales que permitirán a cualquier espectador disfrutar de los cortometrajes y largometrajes elegidos, sin ningún costo.

Para acceder sólo se necesita solicitar boleto en taquilla el día de la función.

¿Cuáles son los 9 título que van por el Oscar?

La programación inicia el viernes 28 a las 13:00 horas con una selección de cortometrajes imprescindibles:

Documentales:

• Las voces del despeñadero, de Irving Serrano y Víctor Rejón (apoyo FOCINE)
• Buscando un burro, de Juan Vicente Manrique
• Ilhuicatl Nextli, de Ángel Tomasis

Ficción:

• Spiritum, de Adolfo Margulis (producida por el CCC)
• Susana, de Gerardo Coello y Amandine Thomas

Animación:

• Fulgores, de Andrés Palma
• La mancha negra, de Yareni Velázquez

El sábado 29, a las 12:00, se proyectará el documental Li Cham, de Ana Ts’uyeb, con el respaldo del ECAMC.

El domingo 30, a la misma hora, será el turno de No nos moverán, de Pierre Saint-Martin, ficción valorada por la crítica y ganadora de premios Ariel. Ambas cuentan con apoyo de FOCINE y EFICINE.

Más allá del glamour: cine, memoria y comunidad

No nos moverán ha destacado en múltiples festivales internacionales, recreando la tragedia de Tlatelolco y abordando la búsqueda de memoria y justicia. De igual forma, la diversidad de los cortos, documentales y animaciones seleccionadas exhiben el compromiso del cine mexicano con la reflexión social, la experimentación formal y la apertura de nuevos caminos para la industria.

Las proyecciones en la Cineteca Nacional de las Artes, ubicada en Av. Río Churubusco #79, Alcaldía Coyoacán, cochean el mensaje de que el cine mexicano va mucho más allá de la alfombra roja: es una vitrina para historias que buscan ser escuchadas más allá de las fronteras.

Con esta programación gratuita, el público nacional accede de primera mano a las obras que podrían colocar a México en la próxima entrega de los Oscar, consolidando así su reputación en el mapa global.

Una vez más, una película mexicana está en el centro de la conversación internacional. No nos moverán, dirigida por Pierre Saint-Martin y centrada en la matanza de Tlatelolco de 1968, ha sido incluida en la lista preliminar de largometrajes elegibles para competir en la categoría de Largometraje Internacional en la próxima edición 98 de los Premios Oscar.

La noticia ha despertado expectativas y controversia, pues la cinta aborda una de las heridas más profundas e irresueltas de la memoria nacional.

¿Qué necesita una película para ser nominada al Oscar?

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas publicó este viernes la lista de títulos que cumplieron los requisitos para las ternas de Largometraje de Animación, Largometraje Documental y Largometraje Internacional.

Para ser consideradas, las películas deben superar los 40 minutos de duración, haber sido filmadas fuera de Estados Unidos y contar con más del 50% de diálogos en un idioma distinto al inglés.

En la edición 2025, México compite en la selección de Largometraje Internacional junto a 85 países. No nos moverán deberá superar la primera criba, pues el próximo 16 de diciembre se dará a conocer el shortlist con 15 semifinalistas.

El anuncio final de nominaciones será el 22 de enero, mientras que la ceremonia de los Oscar se celebrará el 15 de marzo en el Dolby Theatre de Los Ángeles.

¿De qué se trata ‘No nos moverán’?

No nos moverán sigue la historia de Socorro (interpretada por Luisa Huertas), una mujer que muchos años después de perder a su hermano durante la masacre del 2 de octubre de 1968 en la Plaza de las Tres Culturas, decide buscar justicia enfrentándose al responsable: un militar convertido en su antagonista.

La película, rodada en blanco y negro, busca retratar tanto el trauma individual como el colectivo que marcó al México de aquel entonces, así como al moderno.

La crítica y el público han celebrado la capacidad del filme para rehacer el dolor en términos artísticos sin perder la mirada social y política: reconstrucción histórica, memoria, derecho a la verdad y a la reparación, son los pilares de un largometraje que no rehúye el horror ni abandona la dignidad de sus personajes.

Para los creadores y la comunidad cinéfila, la elección de No nos moverán encarna también un mensaje político y ético: el derecho a no olvidar y a exigir justicia, incluso medio siglo después de los hechos.

¿Qué premios ha ganado ‘No nos moverán’?

La historia de No nos moverán ya estuvo marcada por el reconocimiento previo. La película fue galardonada con cuatro Premios Ariel, incluidos Ópera Prima y Mejor Actriz para Luisa Huertas.

Además, logró el premio a Mejor Película en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara 2024, y ha participado en circuitos internacionales como Toronto, San Sebastián y Venecia.

En la competencia internacional al Oscar figuran títulos como Belén (Argentina), Sirât (España), Sound of Falling (Alemania), y We Shall Not Be Moved (título en inglés que representa a México).

México debe enfrentarse a las favoritas Sentimental Value (Noruega), El agente secreto (Brasil), It Was Just an Accident (Francia), The Voice of Hind Rajab (Túnez) y 2000 Meters to Andriivka (Ucrania), además de las mencionadas previamente.

La presencia de la película en festivales y su reciente inclusión en la lista preliminar la convierte en una de las apuestas más potentes del cine mexicano para este 2025.

Alejandro González Iñárritu alcanzó la fama mundial hace 25 años con su ópera prima Amores Perros, la cual recibió menciones en los Oscar, especialmente en la categoría de Mejor Película Extranjera. Si bien nadie puede decir que su película no tiene lo suficiente para llegar a tales niveles de reconocimiento, ahora el cineasta mexicano ha revelado que mucho del empuje que su cinta consiguió en Hollywood fue gracias a Tom Cruise.

Durante los Governors Awards, en donde Iñárritu presentó el premio honorífico a Cruise, el cineasta subió al escenario para dar un discurso de más de 10 minutos. En éste, reveló una curiosa anécdota que dejó en claro que el protagonista de Misión Imposible realizó una campaña desinteresada para Amores Perros, hace veinticinco años.

“Lo mejor que puedo hacer es compartir una historia”, inició Iñárritu en su discurso. “Hace 25 años cuando yo todavía era un director novato, escuché que Tom Cruise, así es, Tom Cruise, había visto mi película Amores Perros y la proyectaba cada semana en su casa e invitaba a sus amigos a verla”.

El también director de Babel aseguró que al conocer dicha información, creyó que era un tanto “exagerada”. No obstante, poco después, Amores Perros recibió nominaciones en los Premios Oscar.

Es bien sabido que para recibir una nominación al Oscar en cualquier categoría, no siempre basta con entregar un trabajo de calidad para la audiencia; en muchas ocasiones, existe detrás una campaña publicitaria que impulse la obra y la mantenga en el pensamiento colectivo de los votantes. Algo que Tom Cruise llevó a cabo sin intención.

“Me quedé asombrado y asumí que la historia era exagerada. Luego la película recibió la nominación al Oscar y yo todavía no lograba conocer a Tom. De hecho, no lo conocí hasta 12 años más tarde cuando me lo encontré en los pasillos de los estudios Paramount”, dijo Iñárritu.

El primer encuentro entre Cruise e Iñárritu

El primer encuentro entre director y actor fue todavía más sorpresivo para el primero: “Cuando me presenté con él para agradecerle por su generosidad desinteresada, me estrechó la mano con firmeza, me miró directamente a los ojos con esa mirada penetrante y, con una precisión, velocidad e intensidad implacables, describió escena por escena, cada actuación, cada línea, cada montaje y cada ángulo de cámara que le encantaban de mi película”.

“Él sabía más sobre mi película que yo mismo”, dijo González Iñárritu, desatando las risas de todos los presentes en el escenario.

El discurso del director continuó con un sinnúmero de elogios en los que dejó en claro que Tom Cruise es más que un simple actor de cine: “Él es el cine”.

Tom Cruise conmovido por las palabras Iñárritu

Cuando el protagonista de Ojos bien cerrados subió al escenario para recibir su primer estatuilla dorada de manos del mexicano, el actor no dudó en dedicar unas palabras para él y para su clásico cinematográfico.

“Alejandro, hace 25 años vi tu primera película, el clásico Amores Perros; este fin de semana, 25 años después, me sentí profundamente conmovido de haber sido presentado en el Oscar Honorario por ti, mi querido amigo”, dijo Cruise.

Que Alejandro González Iñárritu fuera el elegido para presentar el premio al legendario actor no es una casualidad. Ambos preparan para la audiencia la cinta Judy, una historia de humor negro y ambiente postapocalíptico que llegará a las pantallas en 2026.

Ambos la filmaron durante varios meses del 2025 en Londres. Por ello, el cineasta cree que Cruise no está exento de ganar una estatuilla dorada por una obra específica y no sólo por su carrera:

“Éste puede ser su primer Oscar, pero por lo que he visto y experimentado, éste no será el último”.

En redes sociales y medios, la frase “Tom Cruise es mexicano” se ha repetido con fuerza como un guiño simpático que refleja el aprecio que muchos mexicanos sienten por el actor. Aunque en realidad se trata de un mito humorístico, su origen está en la manera en que el actor ha mostrado una cercanía genuina con el país:

Este mito se alimenta de tres pilares: sus declaraciones públicas sobre la gastronomía mexicana, su relación con el chef Santiago Lastra y su reciente colaboración con el cineasta Alejandro González Iñárritu.

La narrativa no se sostiene en datos de pasaporte, sino en experiencias compartidas: Cruise ha filmado en México, ha visitado restaurantes de chefs mexicanos en Europa, ha elogiado la cultura y la comida del país en entrevistas, y ha recibido un Oscar honorífico de manos de un director mexicano que lo presentó como “Tomás Cruz”.

La relación de Tom Cruise con la gastronomía mexicana

Gran parte de estas afirmaciones parten de un video en el que Tom Cruise se encuentra promocionando una de sus películas y el actor comienza a soltar diversas declaraciones en torno a un aprecio personal por los platillos y bebidas mexicanas. El actor describe con especial cariño los tacos, el pozole, el tequila y el mezcal, a los que calificó como parte esencial de la cultura y la convivencia mexicana.

Es así que uno de los protagonistas de esta historia es el chef Santiago Lastra, originario de la Ciudad de México. El talento de Lastra ha trascendido fronteras, ya que logró posicionarse en Londres con su restaurante Kol, que además ha sido reconocido con una estrella Michelin, convirtiéndose en el primero de gastronomía mexicana en recibir tal distinción en el Reino Unido.

La propuesta de Santiago combina ingredientes tradicionales con técnicas contemporáneas, mostrando que la cocina mexicana puede conquistar paladares internacionales sin perder autenticidad.

En este caso, Tom Cruise ha visitado Kol en varias ocasiones y lo ha catalogado como uno de sus lugares favoritos, compartiendo mesa con personalidades como Salma Hayek, Guillermo del Toro y Alejandro González Iñárritu.

Alejandro González Iñárritu y su reconocimiento al “mexicano honorario”

Aunque el mito se alimenta principalmente en estos antecedentes, también ha tenido eco en el mundo del cine. Es así que la relación de Cruise con Alejandro González Iñárritu toma peso.

Durante la gala de los Governor Awards 2025, celebrada en Los Ángeles, Tom Cruise recibió por primera vez en su carrera un Oscar honorífico, reconocimiento que le fue entregado por el propio cineasta mexicano.

El director de Amores Perros aprovechó el instante para afirmar que considera a Tom un mexicano más, refiriéndose a él como “Tomás Cruz”, una frase que desató risas entre los asistentes y que rápidamente se viralizó en redes sociales.

Mostrando un enorme respeto hacia el actor, sentenció: “Este hombre comió más chile que cualquier mexicano. Comió serranos verdes crudos como si fueran palomitas de maíz… Ni Guillermo del Toro come tantos. [...] Este puede ser su primer Oscar, pero por lo que he visto y experimentado, este no será el último”

Cuál es el siguiente proyecto de Cruise y qué tiene que ver con el cineasta mexicano

En medio de la ovación de pie que recibió durante más de dos minutos y dentro de este contexto de cercanía cultural, vale la pena recordar que Tom Cruise se encuentra trabajando actualmente junto a Iñárritu en la película “Judy”, prevista para estrenarse en 2026.

Se trata de un proyecto que marca un giro en la carrera del actor, pues será su primer filme en más de una década que no está centrado en la acción, apostando por un tono más íntimo y dramático. De esta manera, Cruise también aprovechó las redes sociales para demostrarle su admiración al cineasta mexicano a partir de una foto.

Lo que comenzó como un comentario simpático y algunas declaraciones que se transformaron en un fenómeno cultural, se ha convertido en una narrativa que refleja la capacidad de México para conquistar espacios internacionales.

La combinación de cine, cocina y cultura popular ha hecho que el actor sea visto con cariño como un “mexicano honorario”.

El reconocimiento a Tom Cruise como una de las figuras más influyentes de Hollywood alcanzó un nuevo hito cuando Alejandro González Iñárritu le entregó el primer Oscar de su carrera, un galardón honorario que celebró tanto su trayectoria como la creciente presencia del talento mexicano en la industria cinematográfica.

La ceremonia, realizada en el Salón Dolby de Hollywood durante los Governors Awards, reunió a destacados nombres del cine y estuvo marcada por el humor, la nostalgia y un sentido homenaje a la vida artística del actor.

La velada, que no fue televisada, contó con la presencia de figuras como Steven Spielberg, Colin Farrell, Emilio Estévez, Guillermo del Toro y Leonardo DiCaprio, quienes ovacionaron de pie a Cruise mientras sonaba la emblemática música de Misión imposible.

Iñárritu, encargado de abrir la ceremonia y presentar la estatuilla, recurrió a la ironía para destacar la magnitud del homenaje: “Escribir un discurso de cuatro minutos para celebrar los 45 años de carrera es lo que en esta ciudad se conoce como una misión imposible”, bromeó el cineasta.

Durante su intervención, Iñárritu evocó una reciente experiencia compartida con Cruise en Londres, durante la filmación de la película Judy, cuyo estreno está previsto para 2026.

El director relató: “Este hombre comió más chile que cualquier mexicano. Comió serranos verdes crudos como si fueran palomitas de maíz… Ni Guillermo del Toro come tantos. Yo lo llamo Tomás Cruz, es mexicano, lo conozco. Pero no lo dice porque los agentes de ICE están afuera, cuidado”. Estas palabras, cargadas de humor y complicidad, reflejaron el ambiente distendido y el orgullo latino que impregnaron la ceremonia.

Iñárritu también subrayó la madurez artística de Cruise, más allá de su faceta como actor de acción: “No es lo lejos que corre o lo alto que salta. Es la precisión con la que decide moverse, esas pequeñas calibraciones”, afirmó el director, destacando la evolución del homenajeado como artista integral. Añadió: “Esta noche no sólo celebramos una filmografía, celebramos una vida de trabajo”.

Al recibir el galardón, Cruise, visiblemente emocionado, compartió con el público el origen de su pasión por el cine: “Mi amor por el cine comenzó desde muy joven”, confesó.

“La gran pantalla fue el espacio que me despertó hambre por la aventura, por el conocimiento, por entender a la humanidad, por crear personajes, contar historias, ver el mundo. Me abrió los ojos”.

Cruise también dedicó palabras a los demás homenajeados de la noche, entre ellos la legendaria Dolly Parton, quien recibió el premio Jean Hersholt al mérito humanitario.

Uno de los momentos más destacados de la noche fue el repaso a la carrera de Cruise, que incluye nominaciones al Oscar por Nacido el 4 de julio, Jerry Maguire, Magnolia y como productor de Top Gun: Maverick. Su historial de acrobacias en películas como Taps y la saga de Misión imposible ha sido ampliamente reconocido, aunque hasta ahora no había obtenido la codiciada estatuilla.

Iñárritu anticipó que este reconocimiento podría ser solo el primero: “Éste puede ser su primer Oscar, pero por lo que he visto y experimentado, éste no será el último”, afirmó el cineasta.

El recuerdo de Tom Cruise con Amores Perros

Tras este acontecimiento, el actor recurrió a sus redes para expresar su felicidad por contar con la amistad de Alejandro González.

“Hoy comparto la primera foto tomada el año pasado, durante un ensayo en el set de mi nueva película con Alejandro González Iñarritu, ¡no puedo esperar a compartir nuestra nueva película con todos ustedes!”, escribió.

Pero lo que más emocionó a los mexicanos es que Cruise se reconoció admirador del cineasta desde su debut como director, pues recordó que él fue parte de la audiencia que quedó impactada con el estreno de ‘Amores Perros’, en el 2000.

“Alejandro, hace 25 años vi tu primera película, el clásico ´Amores perros´, este fin de semana, 25 años después, me sentí profundamente conmovido de haber sido presentado el Oscar Honorario por ti, mi querido amigo”, escribió.

La noche del domingo se vivió un momento histórico y profundamente simbólico en la industria del cine. Tom Cruise, uno de los actores más taquilleros y persistentes de Hollywood, recibió su primer Oscar —un reconocimiento honorario— de manos del cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu durante una ceremonia privada y exclusiva en el Salón Dolby de Hollywood. El gesto no sólo marcó un nuevo capítulo en la carrera del actor de 63 años, sino que también celebró la creciente influencia del talento mexicano en la meca del cine.

La entrega del Oscar, como parte de los tradicionalmente no televisados Governors Awards, estuvo empañada de humor, cariño y admiración mutua. Iñárritu, encargado de abrir la ceremonia y presentar la estatuilla al protagonista de Top Gun y Misión imposible, bromeó desde el escenario: “Escribir un discurso de cuatro minutos para celebrar los 45 años de carrera es lo que en esta ciudad se conoce como una misión imposible”. El auditorio, repleto de figuras como Steven Spielberg, Colin Farrell, Emilio Estévez, Guillermo del Toro y Leonardo DiCaprio, recibió a Cruise con una ovación de pie y la inconfundible música de Misión imposible de fondo.

Durante su emotiva introducción, Iñárritu no sólo hizo gala de ingenio sino que recordó un episodio reciente de convivencia durante una filmación juntos en Londres —la película Judy, a estrenarse en 2026—: “Este hombre comió más chile que cualquier mexicano. Comió serranos verdes crudos como si fueran palomitas de maíz… Ni Guillermo del Toro come tantos. Yo lo llamo Tomás Cruz, es mexicano, lo conozco. Pero no lo dice porque los agentes de ICE están afuera, cuidado”.

Rompiendo la solemnidad, pero con profundo respeto, el director mexicano continuó: “No es lo lejos que corre o lo alto que salta. Es la precisión con la que decide moverse, esas pequeñas calibraciones”, subrayando así la madurez y maestría de Cruise no solo como actor de acción, sino como artista integral. “Esta noche no sólo celebramos una filmografía, celebramos una vida de trabajo”.

Conmovido y agradecido, Tom Cruise tomó el micrófono y, por un momento, dejó ver emoción en su voz: “Mi amor por el cine comenzó desde muy joven”, confesó. “La gran pantalla fue el espacio que me despertó hambre por la aventura, por el conocimiento, por entender a la humanidad, por crear personajes, contar historias, ver el mundo. Me abrió los ojos”. El actor, conocido también por sus arriesgadas escenas de riesgo ejecutadas sin dobles, dedicó palabras especiales a los otros homenajeados de la noche, incluidos la legendaria Dolly Parton, quien recibió el premio Jean Hersholt al mérito humanitario.

Uno de los aspectos más comentados de la velada fue el repaso de la trayectoria fílmica de Cruise: nominaciones al Oscar por Nacido el 4 de julio, Jerry Maguire, Magnolia y como productor de Top Gun: Maverick, acrobacias al borde del peligro en Taps y, por supuesto, la saga interminable de Misión imposible. Sin embargo, nunca antes había logrado obtener la codiciada estatuilla —hasta ahora—, pese a ser una de las grandes estrellas en la historia reciente de la industria.

El propio Iñárritu anticipó que este galardón podría no ser el único: “Éste puede ser su primer Oscar, pero por lo que he visto y experimentado, éste no será el último”.

A lo largo de la noche, las palabras de Cruise tomaron fuerza cuando reafirmó su compromiso con la experiencia del cine y con la evolución del arte: “Siempre haré todo lo que pueda para ayudar a esta forma de arte. Para apoyar y defender nuevas voces, para proteger lo que hace al cine poderoso. Con suerte, sin muchos más huesos rotos”.

Añadió que “el cine me lleva por todo el mundo. Me ayuda a apreciar y respetar las diferencias. También me muestra nuestra humanidad compartida. Y sin importar de dónde vengamos, en ese cine reímos juntos, sentimos juntos, esperamos juntos, y ese es el poder de esta forma de arte. Y por eso es importante, por eso es importante para mí. Así que hacer películas no es lo que hago, es lo que soy”.

La noche, marcada por las anécdotas, el humor y el orgullo mexicano, fue acompañada del tradicional desfile de grandes figuras nominadas y un espectacular montaje audiovisual que reunió los mejores momentos de la carrera de Cruise.

El Oscar honorario, otorgado por la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas, reconoce no sólo los logros como actor y productor, sino su innegable aporte a la preservación de la experiencia de ir al cine en pantalla grande.

Esta noche, más allá de los galardones formales, quedó claro que la unión del talento internacional como el de Iñárritu y Cruise, y su pasión por el arte, seguirá inspirando y renovando el séptimo arte a nivel global.

Timothée Chalamet sorprendió a quienes asistieron al evento realizado el sábado 15 de noviembre en la Fairfax High School de Los Ángeles al elogiar públicamente a Adam Sandler, afirmando que el comediante merece un Oscar.

El joven actor destacó la relevancia del trabajo de Sandler y la profunda influencia de su interpretación en “Punch-Drunk Love” sobre toda una generación de artistas. “Deberías tener un hombre dorado en tus manos”, aseveró el protagonista de “Dune”.

Una ovación cinematográfica: Sandler bajo la lupa de Chalamet

La admiración entre actores no es extraña en la industria, pero pocas veces se expresa con la intensidad exhibida en este encuentro.

Frente a un auditorio repleto, Chalamet tomó el micrófono para puntualizar: “Sé que no se trata de premios, pero deberías tener un hombre dorado en tus manos porque eres uno de los mejores malditos actores”, afirmó.

Estas palabras, recogidas por Complex, resonaron entre los presentes y dieron pie a una revisión del legado de Sandler y su influencia en el cine contemporáneo. El diálogo abordó la trayectoria de Sandler, con especial énfasis en su papel en la película dirigida por Paul Thomas Anderson.

Chalamet describió aquella interpretación como “una de las actuaciones más importantes, impactante y profundamente conmovedora” para quienes comparten su generación. Además, insistió en que el trabajo de Sandler, tanto en el drama como en otros géneros, frecuentemente es subestimado. Punch-Drunk Love se erige como prueba de una versatilidad pocas veces reconocida por la crítica.

Una conversación sobre la inspiración y el alcance del talento

El encuentro no se limitó a elogios; permitió también a los asistentes adentrarse en el universo creativo de ambos actores. Chalamet confesó que la actuación de Sandler en “Punch-Drunk Love” le sirvió de inspiración para desarrollar personajes complejos en su propia carrera.

Señaló que esa actuación fue “increíblemente matizada, vivida y desgarradora”, llamando la atención sobre la capacidad de Sandler para navegar historias tanto cómicas como trágicas sin perder autenticidad.

La charla, enmarcada en una iniciativa sobre cine y baloncesto, sirvió para explorar no solo los hitos profesionales de Sandler sino también su impacto indirecto sobre nuevos talentos de Hollywood. El interés del público creció al escuchar cómo Chalamet valoró la constancia y originalidad de Sandler, sugiriendo que su figura ha modelado el estándar de excelencia actoral más allá de los premios convencionales.

Nuevos horizontes: el próximo proyecto de Chalamet

La velada incluyó novedades sobre el futuro profesional de Chalamet, quien aprovechó para hablar de “Marty Supreme”, su siguiente proyecto cinematográfico. Reveló que Josh Safdie, director del filme, le brindó una oportunidad para adentrarse en un papel que explora el lado más aspiracional del actor.

“Siento que el regalo de mi vida es poder concentrarme en la actuación de la misma manera en que Marty Mauser está enfocado en el ping-pong”, aseguró Chalamet.

La película, en la que también participan figuras como Tyler, the Creator, tuvo su estreno en el Festival de Cine de Nueva York el 6 de octubre de 2025 y llegará a las salas el 25 de diciembre. Con esta obra, Chalamet espera traspasar los límites usuales de sus papeles anteriores y continuar evolucionando en su propuesta dramática.

Diversión y público: baloncesto con sabor a cine

La jornada no estuvo exenta de momentos lúdicos. Como broche final, los actores aceptaron el reto planteado por dos admiradores e improvisaron un encuentro de baloncesto en parejas. La escena, que fusionó la informalidad con el carisma de ambos artistas, consiguió arrancar sonrisas del público.

Sandler, conocido por su pasión por este deporte, no logró imponerse y la victoria quedó en manos de los fans, lo que selló el clima distendido de la actividad.

Con este gesto, Chalamet y Sandler reforzaron su imagen de íconos accesibles y cercanos, mostrando que el talento en pantalla puede ir acompañado de humildad y sentido del juego. La audiencia despidió la jornada entre aplausos, convencida de que ambos intérpretes han dejado huella no solo en el cine, sino también en quienes los acompañaron aquella noche, un evento memorable donde el arte, la admiración y la camaradería fueron los verdaderos protagonistas.

Oscar, mediocampista de San Pablo y ex figura de la Selección de Brasil, fue hospitalizado de urgencia luego de sufrir una alteración cardíaca durante los exámenes médicos de pretemporada y generó conmoción en el fútbol brasileño. El episodio, que tuvo lugar en el complejo deportivo de Barra Funda, encendió las alarmas en el club paulista.

El incidente ocurrió mientras el plantel dirigido por Hernán Crespo realizaba pruebas físicas rutinarias. Oscar, de 34 años, experimentó una descompensación cardíaca durante una prueba de esfuerzo en bicicleta fija y causó preocupación. El cuerpo médico del San Pablo y profesionales del Hospital Israelita Albert Einstein, presentes en el lugar, intervinieron de inmediato y dispusieron su traslado urgente al centro médico de la capital paulista. El club comunicó que el jugador se encuentra “clínicamente estable y bajo observación mientras se realizan estudios complementarios”, y aclaró que cualquier información adicional sobre su estado será difundida únicamente con el consentimiento del propio futbolista, según el comunicado oficial.

La situación de Oscar, quien regresó al San Pablo en enero de 2025 tras una extensa trayectoria en el Chelsea y el Shanghai Port, se complica por antecedentes recientes. El mediocampista ya había sido evaluado en agosto por una fractura de vértebra sufrida en un partido ante Corinthians, momento en el que se detectó una anomalía cardíaca. Aunque en ese entonces recibió autorización para continuar jugando, el monitoreo de su salud se mantuvo constante. Oscar había manifestado su disposición a retirarse si su bienestar se veía comprometido: “Estuve muy atento y afirmé que me retiraría si mi salud corría algún riesgo”.

El club paulista confirmó que, pese a la gravedad inicial del episodio, nunca se temió por la vida del jugador. No obstante, la posibilidad de un retiro anticipado se instaló con fuerza. Globoesporte informó que Oscar podría verse obligado a rescindir su contrato, vigente hasta diciembre de 2027, y abandonar la actividad profesional. Según los medios brasileños, el propio futbolista evalúa seriamente esa alternativa, dado el historial de problemas cardíacos y lesiones musculares que ha enfrentado en los últimos meses.

Desde su regreso a la Primera División brasileña, Oscar disputó 21 partidos, marcó dos goles y brindó cinco asistencias. Sin embargo, su continuidad se vio afectada por una serie de lesiones: en mayo sufrió una molestia en la pantorrilla, en julio una lesión en la espalda y a fines de octubre un problema en el gemelo izquierdo, que lo marginó de varios encuentros, incluidos los duelos ante Grêmio, Mirassol, Bahía, Vasco y Flamengo. Además, el futbolista atravesaba la etapa final de recuperación de una lesión muscular cuando se produjo el episodio cardíaco.

El comunicado oficial del San Pablo subrayó el compromiso del club con la privacidad del jugador: “Según el procedimiento habitual y respetando la privacidad del jugador, se publicará más información tan pronto como haya novedades del equipo médico, de acuerdo con Oscar”.

La noticia generó conmoción en el ambiente futbolístico brasileño, donde la salud de Oscar ha sido motivo de seguimiento desde su regreso al país. El mediocampista retornó al San Pablo en 2024, tras 12 temporadas en el exterior, y que su paso por el Chelsea y el Shanghai Port estuvo marcado por un traspaso de 60 millones de euros, cifra que lo convirtió en uno de los fichajes más costosos del fútbol asiático.

El caso de Oscar se suma a otros antecedentes recientes de futbolistas que debieron abandonar la actividad por afecciones cardíacas. El retiro de Sergio Agüero en diciembre de 2021, a los 33 años, tras ser diagnosticado con una arritmia ventricular incompatible con el alto rendimiento deportivo.

Mientras Oscar permanece internado y bajo observación, el club y el entorno del jugador aguardan los resultados de los estudios complementarios para determinar la gravedad de la afección y definir los pasos a seguir respecto a su futuro profesional.

Su ascenso, marcado por una evolución profesional y personal notable, captó la atención de directores, colegas y críticos, quienes ahora lo reconocen como una de las figuras más versátiles de la actualidad, según destacó un análisis publicado en The Washington Post.

De actor secundario a figura principal

La trayectoria de Plemons comenzó a los 19 años interpretando a Landry Clarke en Friday Night Lights. Desde ese momento, su capacidad de transformación lo hizo indispensable en papeles secundarios, destacándose en Breaking Bad y colaboraciones con directores como Martin Scorsese, Charlie Kaufman, Jane Campion y Shaka King, consolidando su fama como un “arma secreta” del cine contemporáneo.

El reconocimiento de la Academia de Hollywood llegó en 2022 con su primera nominación al Oscar por “El poder del perro”, dirigida por Jane Campion, donde compartió escena con Kirsten Dunst, quien posteriormente se convertiría en su esposa.

No obstante, su salto definitivo ocurrió con “Bugonia”, bajo la dirección de Yorgos Lanthimos. El papel protagónico de Teddy lo instaló entre los mejores actores del momento, aunque él mismo expresó humildad: “No pienso en eso. Es gracioso. Teddy es técnicamente un personaje principal, pero sigue siendo un personaje. Simplemente aparezco más en pantalla”.

El método Plemons: naturalidad y profundidad

Su actuación en Bugonia fue elogiada por su autenticidad y riqueza de matices. El rodaje exigió soportar un intenso calor mientras trabajaba largas horas con traje de apicultor, suponiendo un reto físico y emocional. “¡Hacía bastante calor en ese traje de abejas, te lo aseguro!”, relató con humor.

Para interpretar a Teddy, un teórico de la conspiración que secuestra a la directora ejecutiva de una farmacéutica, se sumergió en la mentalidad de su personaje y exploró foros, documentales y teorías poco convencionales. Con respecto a esto, explicó en The Washington Post: “Lo que me agradece este trabajo es que, al principio, lo ves desde fuera, pero llega un momento en que solo intentas comprender”.

Emma Stone, compañera de reparto, destacó la profundidad que imprimió al papel: “Simplemente le creí todo el tiempo, que era ese hombre y que todo ese dolor vivía dentro de él”. Mientras que Yorgos Lanthimos resaltó la transformación del actor: “Ver cómo su cuerpo se transforma y se convierte en ese animal fue realmente fascinante”.

El nivel de compromiso del intérprete con la verosimilitud alcanzó extremos insólitos, como narró Stone: antes de las escenas finales, él salía a correr para sudar y llegar extenuado a toma. “La última parte de la película, Jesse solo corre. Así que antes de cada toma tenía que dar una vuelta completa para estar sudando y jadeando”, recordó entre risas.

Relación con Kirsten Dunst: amor y colaboración creativa

La vida personal de Plemons está influida por su relación con Kirsten Dunst, a quien conoció durante la grabación de Fargo en 2015. Ambos, exactores infantiles, hallaron consuelo creativo y emocional uno en el otro. The Washington Post mencionó que “se enamoraron creativamente primero”, y ambos son padres de Ennis y James.

El artista estadounidense encontró un equilibrio entre su profesión y la familia, aunque reconoció que la distancia por compromisos laborales es uno de los desafíos más arduos. La familia tiene planeado reunirse en Berlín, donde él participa en el rodaje de la precuela de “Los juegos del hambre”, y luego compartirán las festividades en Austin, su lugar de origen.

La colaboración profesional también se mantiene: en 2024, él se sumó al elenco de Civil War, animado por Dunst. Su papel en dicha producción generó un fuerte impacto en el entorno. “Verlo en ese papel fue impresionante… Pensé: ‘Vaya, mi chico lo está haciendo increíble. Es un gran actor’”, expresó Dunst en The Washington Post.

Transformación física y profesional

Los cambios físicos de Plemons generaron una catarata de comentarios. El actor emprendió un régimen estricto de ayuno intermitente y perdió aproximadamente 23 kilos, aclarando siempre que no recurrió a medicamentos. Su transformación está ligada más a una necesidad personal y profesional que a exigencias externas, influyendo en la imagen pública de su versatilidad.

De esta manera, la disciplina y el compromiso con los personajes marcan su carrera. Lanthimos lo eligió para protagonizar Kinds of Kindness después de intentarlo por años, valorando su disposición para asumir retos complejos, como interpretar tres papeles diferentes en una misma película. Plemons admitió que ciertos roles, como el de Teddy en Bugonia, le resultaron emocionalmente demandantes; necesitó tiempo para dejar atrás la carga psicológica finalizado el rodaje.

Proyectos recientes y futuro en Hollywood

Actualmente, se encuentra colmado de proyectos. Tras grabar Bugonia, se incorporó a la precuela de Los juegos del hambre, Sunrise on the Reaping, donde encarna a un joven Plutarch Heavensbee, heredando el personaje que Philip Seymour Hoffman interpretó en su día y al que considera referente personal.

También, intervino en la más reciente película de Alejandro González Iñárritu y en “Kinds of Kindness”, reafirmando su presencia en el cine de autor y en producciones de relevancia social. Su capacidad para dar vida a personajes complejos y abordar cuestiones contemporáneas, como la polarización y la lucha por el poder, lo convirtieron en una figura influyente en el sector.

A pesar del ritmo vertiginoso de trabajo, Jesse Plemons mantiene el enfoque en el equilibrio entre la vida profesional y familiar. La familia, la colaboración creativa con Dunst y la elección de proyectos capaces de revelar nuevas facetas personales son sus prioridades.

La noticia del fallecimiento de Diane Ladd, reconocida actriz nominada al Óscar y madre de Laura Dern, ha generado conmoción en Hollywood y entre el público internacional. Ladd murió a los 89 años en su residencia de Ojai, California, acompañada por su hija, quien compartió un mensaje sobre la partida de su madre. “Mi increíble heroína y mi profundo regalo de madre, Diane Ladd, falleció conmigo a su lado esta mañana, en su casa en Ojai, California”, expresó Laura Dern, quien además añadió: “Fue la mejor hija, madre, abuela, actriz, artista y espíritu empático que solo los sueños podrían haber creado. Fuimos bendecidos por tenerla. Ahora vuela con sus ángeles”.

Diane Ladd deja un legado de más de seis décadas en el cine y la televisión, caracterizado por su versatilidad y la creación de personajes memorables. Nacida el 29 de noviembre de 1935 en Laurel, Misisipi, fue hija única de Preston Paul Ladner, veterinario, y Mary Bernadette Ladner, actriz. Desde pequeña, Ladd se dedicó a la actuación, el canto y el baile, y más tarde acortó su apellido de Ladner a Ladd al iniciar su carrera en Hollywood. Su primer crédito cinematográfico llegó en 1966 con el drama criminal “The Wild Angels”, donde compartió pantalla con Nancy Sinatra, Bruce Dern y Peter Fonda.

El reconocimiento internacional llegó en 1974 con “Alice Doesn’t Live Here Anymore”, dirigida por Martin Scorsese, donde su interpretación de Flo le valió su primera nominación al Óscar como mejor actriz de reparto. El éxito de la película dio origen a la serie de televisión “Alice”, por la que Ladd recibió un Globo de Oro en 1981. A lo largo de su trayectoria, acumuló tres nominaciones al Óscar y tres a los Emmy, y participó en títulos como “Something Wicked This Way Comes” (1983), “Ghosts of Mississippi” (1996), “28 Days” (2000), “Charlie’s War” (2003), “Joy” (2015) y “Gigi & Nate” (2022). También tuvo papeles recurrentes en series como “Kingdom Hospital” y “Chesapeake Shores”.

En el ámbito personal, la vida de Diane Ladd estuvo marcada por momentos de profunda alegría y dolor. Se casó en tres ocasiones, la primera con Bruce Dern en 1960, con quien tuvo dos hijas: Diane y Laura. La tragedia golpeó a la familia cuando su hija mayor, Diane, falleció a los 18 meses en un accidente en una piscina. “Ella se golpeó la cabeza y perdió el conocimiento. Todo ocurrió en un instante. Murió, y nunca lo superas”, relató Ladd a CBS News en 2023, según lo recogido por PEOPLE. La pérdida de su hija contribuyó al divorcio con Bruce Dern en 1969, tras nueve años de matrimonio. Posteriormente, Ladd se casó con William A. Shea, Jr. y, más tarde, con Robert Charles Hunter, quien falleció en julio de este año a los 77 años.

La relación entre Diane Ladd y Laura Dern evolucionó a lo largo de los años, pasando de la protección maternal a la colaboración artística. Ladd confesó a PEOPLE que, tras la muerte de su primera hija, temía ser sobreprotectora con Laura, pero optó por permitirle desarrollar su independencia: “Me obligué a no ser demasiado protectora porque había perdido a una hija. El resultado fue que funcionó al revés. Le permití ser una pensadora libre, y eso la ayudó a convertirse en su propia persona”. Laura Dern, por su parte, recordó con humor que su madre le aconsejaba evitar la actuación: “Creo que la frase de mi madre era: ‘Sé abogada, sé doctora, sé misionera leprosa, ¡pero no seas actriz!’”, contó a PEOPLE en 2018.

Madre e hija compartieron pantalla en varias ocasiones, comenzando con “Wild at Heart” (1990), donde Ladd obtuvo su segunda nominación al Óscar por su papel de Marietta Fortune. Al año siguiente, ambas recibieron nominaciones al Óscar por “Rambling Rose”: Laura como mejor actriz y Ladd como mejor actriz de reparto. Volvieron a trabajar juntas en “Citizen Ruth” (1996), “Inland Empire” (2006) y en la serie de HBO “Enlightened”. Estas colaboraciones consolidaron un legado artístico conjunto que trascendió la pantalla.

En los últimos años, la salud de Ladd se vio afectada por una enfermedad pulmonar grave, fibrosis pulmonar idiopática, diagnosticada en 2018. Esta experiencia motivó a madre e hija a mantener conversaciones profundas y a publicar juntas el libro de memorias “Honey, Baby, Mine: A Mother and Daughter Talk Life, Death, Love (and Banana Pudding)” en 2023. Laura Dern explicó a PEOPLE que estas charlas, muchas de ellas durante caminatas, fortalecieron su vínculo: “Todas las conversaciones profundas nos llenaron de amor y fueron muy sanadoras. Este libro es el resultado de no esperar para compartirlo todo y nos ha unido más que nunca”.

Vestido con unas botas vaqueras y unas gafas de sol al estilo alguacil, haciendo un guiño a sus orígenes tejanos, Hawke recibió el premio honorífico Variety Virtuoso durante el Miami Film Festival GEMS, que culmina este miércoles.

“Me encanta ser considerado un artista virtuoso, se trata de uno de los mejores ‘insultos’ que uno puede recibir en esta vida”, bromeó el también director de cine tras reconocer que goza estos reconocimientos.

La actuación de Ethan Hawke, quien interpreta al compositor Lorenz Hart en el filme, ha sido elogiada por la crítica, y consolida su prestigio tras varias nominaciones al Oscar que aún no se han traducido en una estatuilla.

Hawke agradeció el reconocimiento y aseguró que le “encantan festivales como este, porque son la sangre de la vida de la industria” y añadió que estas celebraciones “mantienen el cine vivo”.

El actor fue honrado en la edición otoñal del Festival de Cine de Miami, durante una gala en la universidad Miami-Dade College, a la que acudieron centenares de admiradores.

Se trata del “mejor actor con quien hablar de cine”, destacó la directora de programación del festival, Lauren Cohen.

La universidad, en colaboración con la revista Variety, elogió las más de tres décadas de trayectoria de Hawke, quien cumple este jueves 55 años.

Recordó a Jesse, de la trilogía Antes del amanecer (1995), Antes del atardecer (2004) y Antes del anochecer (2013), con sus largos y profundos diálogos junto a la actriz francesa Julie Delpy; así como uno de sus primeros roles, en La sociedad de los poetas muertos (1989), junto con el legendario Robin Williams, o su interpretación nominada al Oscar como policía novato de narcóticos en Los Ángeles, en el film Día de entrenamiento (2001).

El actor participó también en un panel sobre su carrera, moderado por el codirector editorial de Variety, el periodista Ramin Setoodeh.

“Con más de 70 créditos en cine -todos tenemos una película favorita de Ethan Hawke- y una carrera que abarca televisión, teatro, dirección e incluso literatura, él representa al artista que constantemente se reinventa. No hay nadie más merecedor del premio”, señaló Setoodeh cuando el festival anunció el premio.

La conversación repasó la larga trayectoria de Hawke como actor de cine y teatro, escritor de novelas, guionista y director de cine.

Hawke nombró innumerablemente a Linklater, con quien tiene una conexión especial que les ha llevado a trabajar juntos en nueve películas: “Lo que hace a Linklater tan especial es su humildad”, afirmó.

Añadió que el director “trabaja 12 años en una película y se obsesiona con ella”, en referencia a Boyhood, con la que Hawke se entendió muy bien, pues justo acababa de nacer uno de sus hijos.

Entre sus proyectos más recientes, el actor protagoniza y ejerce como productor ejecutivo de la serie dramática The Lowdown, en la que interpreta a un periodista ciudadano que se autodenomina “truthstorian”, y aseguró a EFE que se “identificó mucho” con este personaje en este momento de su vida.

Fuente: EFE.

Fotos: Reuters/ Daniel Cole (archivo) y Reuters/ Liesa Johannssen (archivo).

El prestigioso Oso de Plata obtenido en el Festival Internacional de Cine de Berlín ha situado a Rose Byrne en el centro de la conversación cinematográfica mundial.

La actriz australiana deslumbra con una interpretación en If I Had Legs I’d Kick You, película dirigida por Mary Bronstein, que entrelaza drama, humor y elementos de terror. Tras el estreno de la producción de A24 el 10 de octubre, la crítica especializada destaca su trabajo y ya circulan rumores sobre una posible primera nominación al Oscar para Byrne.

El papel que puede cambiar su carrera

Byrne, de 46 años, ha manifestado su emoción ante el reconocimiento recibido por su trabajo en esta nueva etapa profesional. En palabras recogidas por PEOPLE, se declaró “muy emocionada” y agradecida por encarnar a un personaje que le permitió explorar nuevos matices.

“He estado mucho tiempo en esto, así que me siento agradecida de haber tenido una oportunidad tan increíble con este personaje”, afirmó Byrne.

La posibilidad de una nominación representa un punto de inflexión en una trayectoria caracterizada por la constancia y la búsqueda de desafíos interpretativos.

Una historia profunda que desafía géneros

If I Had Legs I’d Kick You fue presentada en el Festival de Sundance antes de su paso por Berlín, donde Byrne recibió el máximo galardón interpretativo. La película cuenta con un elenco destacado formado por Conan O’Brien, Danielle Macdonald y A$AP Rocky.

Su trama sigue a Linda, terapeuta, esposa y madre que enfrenta la enfermedad de su hija. El personaje encarnado por Byrne experimenta un cúmulo de dificultades, marcadas por la ausencia del esposo, la desaparición de una persona cercana y una relación cada vez más compleja con su propia terapeuta.

La sinopsis oficial subraya la batalla de Linda por mantener el equilibrio ante las crecientes exigencias de su vida.

El guion de Bronstein propone una experiencia fílmica inusual, al combinar lo dramático con un humor ácido y recursos del terror. Según la propia Byrne, la directora llevó el humor hasta límites inéditos para la actriz, fusionándolo con situaciones cargadas de tensión y referencias al estilo de David Lynch.

“La película es oscura, dramática y desafiante, tanto en lo emocional como en lo formal. Se cruza con varios géneros y es, sin duda, un ejercicio delicado de equilibrio”, explicó Byrne. Entre los elementos de mayor impacto figura su versatilidad para oscilar entre la ansiedad, la ironía y el desconcierto en pantalla.

Un historial de éxitos sin nominación al Oscar

Aunque nunca haya sido nominada a la Academia, Byrne acumula una amplia colección de reconocimientos. Destacan dos nominaciones a los Premios Emmy por su papel en el drama legal Damages, una nominación a los Critics Choice Awards por su participación en Neighbors en 2014, y el galardón de la Academia Australiana de Cine y Televisión por The Turning en 2013.

También, en el año 2000, obtuvo la prestigiosa Copa Volpi a la Mejor Actriz en el Festival de Venecia gracias a su primer papel protagónico en The Goddess of 1967.

El reciente éxito en Berlín con If I Had Legs I’d Kick You refuerza su lugar como una de las intérpretes más versátiles de la actualidad.

Proyectos recientes y la impronta australiana

El momento de Byrne coincide con una agenda profesional cargada. Además del éxito en cine, protagoniza la segunda temporada de la serie Platonic junto a Seth Rogen y aguarda el estreno de la serie dramática The Good Daughter. Estas producciones dan cuenta de una carrera en expansión, marcada por la diversidad de géneros y formatos.

Byrne atribuye parte de su temple a sus orígenes australianos. Según relató, en Australia prevalece una actitud de humildad ante el éxito y una ética de trabajo rigurosa. “La tendencia es no tomarse a uno mismo demasiado en serio, pero trabajar con seriedad”, comentó la actriz, quien ve reflejada esta filosofía en el modo en que enfrenta cada nuevo desafío profesional.

Elogio a sus referentes y su búsqueda de originalidad

En diálogo con PEOPLE, Byrne reconoció que la originalidad de su papel en If I Had Legs I’d Kick You fue un motor fundamental. También, destacó a Robert De Niro como su comediante favorito por su inesperada intensidad en roles cómicos.

La combinación de premios internacionales, un papel complejo y una carrera ascendente posiciona a Byrne como una firme candidata al Oscar, un reconocimiento que celebraría décadas de trabajo y dedicación constantes en la industria cinematográfica mundial.

Natalie Portman rememoró en una entrevista con Elle el inicio de su carrera en un ambiente exigente, cuando a los 13 años comenzó a aparecer en portadas de revistas y afrontó la necesidad de resguardar su intimidad.

Esta exposición temprana la llevó a adoptar una disciplina estricta, convencida de que solo la autenticidad podía ofrecerle un espacio genuino en la industria. Construir límites claros fue su primera herramienta para desarrollarse artísticamente sin perder el control sobre su imagen y su vida personal.

Durante su entrevista desde París, Portman habló abiertamente de este proceso. Explicó que aquel apodo de “Natalie la seria” surgió como una respuesta firme ante situaciones de sexualización precoz en su entorno laboral.

Decidió enfocarse en el trabajo actoral y en su formación constante, manteniendo el respeto como principio irrenunciable. “Lo más importante para mí siempre fue encontrar mi propia voz. La disciplina y la madurez se volvieron esenciales para protegerme y crecer”, señaló la actriz.

La vida en París y la búsqueda de equilibrio

Actualmente, Portman encuentra en la capital francesa el refugio ideal para su familia y su bienestar. Valora la posibilidad de vivir alejada del asedio mediático y de priorizar la privacidad.

París le permite cultivar relaciones profundas, disfrutar de la vida cotidiana y enfocarse en su círculo cercano. “Aquí aprendí a diferenciar claramente entre la vida pública y la personal; solo así puedo cuidar lo que realmente importa”, afirmó.

El entorno sereno refuerza su aprecio por los vínculos sinceros y por la cotidianidad pausada, elementos esenciales para mantenerse en equilibrio. La actriz destacó la riqueza de las pequeñas rutinas y las conversaciones dentro de su hogar.

Rodearse de amigos y familia que comparten su visión acerca de la discreción la ayuda a mantener los valores que considera centrales en su vida.

Disfruta especialmente de los paseos por la ciudad, las tardes de lectura y el tiempo dedicado a actividades simples, como cocinar o ayudar a sus hijos con las tareas escolares, elementos que la anclan en la realidad y alejan de la presión mediática.

Compromiso social y coherencia ética

Portman sostuvo que su compromiso social se construye en cada detalle de su día a día. Defiende el veganismo como una elección alimentaria, y como una manifestación directa de sus principios éticos. “Ser consecuente con lo que pienso significa prestar atención a todo lo que consumo y utilizo, desde la comida hasta la ropa”, afirmó.

Su activismo abarca también la promoción de la lectura y la cultura a través de su club de lectura en Instagram, espacio que considera clave para reflexionar sobre diversidad, feminismo y derechos humanos.

“La lectura compartida nos abre la mente y nos conecta con realidades distintas; es una forma de actuar e inspirar el cambio”, sostuvo. Como embajadora de Miss Dior, enfatiza su prioridad por respaldar causas que favorecen la igualdad y la dignidad.

Profesionalidad y raíz personal

En el ámbito profesional, la actriz destacó la importancia del rigor y la empatía. Su objetivo es generar un ambiente de respeto y trabajo serio en cada proyecto, tanto delante como detrás de cámara. Portman reconoció que su desarrollo como productora reforzó su visión integral del cine y su deseo de crear historias relevantes para el público.

Frente al reconocimiento y la fama, subraya la necesidad de mantener la autenticidad y no perder de vista sus raíces familiares. “Para mí, la mayor conquista es seguir siendo fiel a quien soy y a los valores que me ayudaron a llegar hasta aquí”, resumió Portman.

Así, la entrevista desvela el entrelazado de disciplina, ética y amor por la cultura en la vida de Natalie Portman, consolidándola como referente íntegro dentro y fuera de la pantalla, e inspirando a quienes valoran la coherencia y el compromiso en el ámbito artístico y personal.

Denzel Washington ha forjado una de las trayectorias más sólidas y admiradas de Hollywood, con actuaciones que lo convirtieron en referente indiscutido del cine contemporáneo. A lo largo de su carrera ha interpretado a héroes, villanos y personajes complejos que dejaron huella en la pantalla grande.

Sin embargo, hay un proyecto que guarda un lugar especial en su corazón: Huracán Carter. En una entrevista con Espinof, el actor confesó que este biopic no solo transformó su camino profesional, sino que también marcó su vida personal. Aunque el filme no logró el éxito comercial que se esperaba, Washington lo considera su obra más significativa y se muestra especialmente orgulloso de haberla protagonizado.

El drama de Rubin Carter y la apuesta del estudio

Estrenada en 1999 y dirigida por Norman Jewison, Huracán Carter narra la vida de Rubin Carter, un boxeador de origen humilde cuya carrera prometedora fue abruptamente interrumpida tras ser acusado y condenado injustamente por un triple asesinato.

Carter, quien llegó a aspirar al título mundial de los pesos pesados, vio su destino transformado por una sentencia que conmocionó a toda Estados Unidos.

El filme explora el largo y complejo proceso judicial enfrentado por Carter en su lucha por demostrar su inocencia ante un sistema con evidentes fallos.

La adaptación de la historia de Carter significó un riesgo importante para el estudio que respaldó el filme. Con un presupuesto de USD 50 millones, la película se propuso ofrecer una mirada humana y profunda al drama judicial y social que vivió su protagonista.

Sin embargo, la recaudación mundial llegó solo a USD 74 millones, una cifra suficiente para recuperar parte de la inversión, pero lejana de las ambiciones iniciales de la productora.

Críticas a la estrategia de lanzamiento

El propio Washington ha señalado que la gestión del lanzamiento por parte de la productora contribuyó a limitar el impacto de la cinta en la taquilla y la cultura popular.

Según el actor, el estudio optó por centrar todas sus energías en una campaña orientada a captar la atención de la Academia de Hollywood, relegando a segundo plano una estrategia amplia de estreno que podría haber permitido que el filme llegara a más espectadores. Washington explicó que este enfoque, dirigido casi exclusivamente hacia la temporada de premios, terminó por enterrar la película y privarla de una recepción más justa por parte del público general.

Esta decisión resultó especialmente frustrante para Washington, quien había depositado grandes expectativas en el potencial social y artístico de Huracán Carter. Para él, la oportunidad perdida no solo afectó la carrera comercial del largometraje, sino que además impidió que el poderoso mensaje de la historia de Carter resonara con mayor fuerza en la opinión pública.

Reconocimiento y huella personal

Pese a las dificultades de lanzamiento y distribución, la interpretación de Denzel Washington sí obtuvo reconocimiento durante la temporada de premios.

La Academia le otorgó una nominación al Oscar por su papel, aunque el galardón terminó en manos de Kevin Spacey por American Beauty. Para Washington, la reacción fue especialmente significativa: el actor se mostró tan afectado por la derrota que decidió delegar su derecho de voto en la Academia.

Durante un periodo, su esposa asumió la tarea de ver las películas nominadas y elegir a los ganadores en su nombre, una demostración del impacto emocional que tuvo este episodio en su vida.

Además, la experiencia con Huracán Carter motivó a Washington a reflexionar sobre las dinámicas internas de la industria cinematográfica y la importancia de conectar auténticamente con el público. El actor afirmó que, a pesar de los obstáculos, valora profundamente el trabajo realizado y el legado de la película, que sigue considerando el punto más alto de su trayectoria.

Un legado de justicia y perseverancia

La historia de Rubin Carter, tal como la llevó a la pantalla Denzel Washington, continúa siendo un símbolo de injusticia y perseverancia en el cine contemporáneo. Sin radares, ni comunicación por radio sobre el personaje y su lucha, la película ofrece un relato intenso y humano sobre los errores judiciales y el racismo sistémico.

Washington ha señalado que, más allá de los premios y los números de taquilla, el verdadero valor de Huracán Carter reside en la capacidad de inspirar a otros a cuestionar las estructuras injustas y a buscar la verdad en circunstancias adversas.

A pesar del desenlace comercial, el actor conserva un aprecio especial por este proyecto y sostiene que se trata de la obra que mejor representa su filosofía profesional y personal. El paso del tiempo no ha hecho más que aumentar su respeto por la historia de Carter y el desafío artístico que supuso interpretarlo, consolidándose así como una referencia ineludible en su filmografía.

Ganadora del Oscar y protagonista de más de 60 películas, se distinguió por su ingenio sin filtros, su estilo inconfundible y una carrera marcada por la originalidad. Su legado, tanto en la pantalla como fuera de ella, sigue inspirando a generaciones de artistas y espectadores, como destacó People en una publicación en homenaje a la artista.

Infancia y ascenso en Hollywood

Diane Keaton nació el 5 de enero de 1946 en Los Ángeles, en el seno de una familia de clase media. Hija de Jack, ingeniero civil, y Dorothy Deanne, fotógrafa aficionada, fue la mayor de cuatro hermanos: Randy, Robin y Dorrie.

Desde pequeña se describía como “la chica más ordinaria”, pero su inquietud artística la llevó a abandonar la universidad comunitaria a los 19 años para trasladarse a Nueva York y estudiar actuación.

Su debut en Broadway llegó en 1968 con el musical Hair, y poco después protagonizó la obra Play It Again, Sam de Woody Allen, lo que marcó el inicio de una relación profesional y personal que sería fundamental en su carrera, según indicó People.

El salto al cine se produjo en 1972, cuando Francis Ford Coppola la eligió para interpretar a Kay Adams en El Padrino, papel que repitió en la secuela de 1974. Ese mismo año comenzó una relación sentimental con Al Pacino, su compañero de reparto.

La consagración definitiva llegó en 1978 con el Oscar a Mejor Actriz por Annie Hall, dirigida por Woody Allen, con quien mantuvo una amistad duradera y lo apoyó incluso en momentos de controversia. Keaton prefería mantener su estatuilla guardada en el armario, bromeando sobre la idea de exhibirla. “¡Ya basta, Diane, ya lo sabemos!”, le había comentado a People.

Su trabajo en Reds (1981) le valió otra nominación al Oscar y una relación con Warren Beatty. A lo largo de casi seis décadas, así consolidó su lugar en Hollywood con una filmografía diversa y colaboraciones con figuras emblemáticas.

Consagración y diversidad artística

La carrera de Keaton abarcó decenas de películas, donde demostró una versatilidad poco común. Además de su Oscar por Annie Hall, recibió nominaciones por Reds, Marvin’s Room (1996) y Something’s Gotta Give (2003), donde compartió escenas memorables con Jack Nicholson.

Sobre esta última cinta, la artista confesó a People que “fue incómoda, pero él era divertidísimo. Pasamos mucho tiempo en la cama conversando”. Keaton también incursionó en la dirección, recibiendo elogios por Unstrung Heroes (1995), y prestó su voz a la madre de Dory en Finding Dory (2016). Su última película, Summer Camp, se estrenó en 2024.

Fuera de la pantalla, cultivó pasiones como la fotografía, la música y la renovación de viviendas, actividad que la llevó a recorrer largas distancias en coche para admirar estilos arquitectónicos y conversar con desconocidos.

Vida personal y filosofía de Keaton

A pesar de sus romances con figuras como Al Pacino y Warren Beatty, Keaton nunca se casó, una decisión que defendió abiertamente. “Creo que soy la única de mi generación, y quizá de antes, que ha sido soltera toda su vida”, declaró en 2019.

La maternidad llegó en su quinta década, cuando adoptó a Dexter y Duke, quienes se convirtieron en el centro de su vida. También se dedicó al cuidado de su hermano Randy, afectado por problemas de salud mental.

Su visión sobre el envejecimiento y la autenticidad la llevó a rechazar la cirugía estética y a convertirse en un modelo de envejecimiento natural. Sobre esta preferencia, afirmó: “Hay que experimentar lo que significa ser una persona mayor. Simplemente hay que dejar que sea lo que es”.

El estilo personal de Keaton, caracterizado por sombreros de ala ancha, guantes y combinaciones audaces, la convirtió en un referente de moda. En los últimos años, compartió su creatividad y su particular sentido del vestir a través de Instagram, reafirmando su influencia en la cultura popular.

Legado e influencia en la industria cinematográfica

El impacto de Diane Keaton en la industria cinematográfica se refleja en los testimonios de colegas y amigos. Woody Allen, director y amigo cercano, escribió en People que, pese a su timidez y modestia, ella tenía una seguridad absoluta en su criterio estético.

Nancy Meyers, guionista y directora con quien trabajó en cuatro películas, la describió como “una gigante” y destacó su capacidad para abordar escenas emotivas con una mezcla de intensidad y humor. “Era intrépida, única, nació para ser una estrella de cine”, comentó.

Mientras que Kimberly Williams-Paisley, quien interpretó a su hija en Father of the Bride, recordó cómo Keaton se tomó el tiempo de llamar a cada miembro del equipo para felicitarles por su trabajo, subrayando su generosidad y calidez.

Últimos años y fallecimiento

En sus últimos años, mantuvo una vida activa, combinando proyectos personales con la cercanía a sus seguidores. Sin embargo, su salud se deterioró de forma repentina en los meses previos a su muerte.

El pasado 11 de octubre, un portavoz familiar le comunicó a People el fallecimiento de la actriz a los 79 años, solicitando privacidad y sin revelar detalles adicionales.

Amigos cercanos, como la compositora Carole Bayer Sager, relataron el impacto de su pérdida y recordaron cómo, pese a la enfermedad y la pérdida de peso, Keaton seguía irradiando energía y vitalidad. La familia optó por mantener en reserva el diagnóstico, y ni siquiera los amigos más íntimos conocían la situación en detalle.

El mundo del cine y sus admiradores lamentan la partida de una figura que desafió convenciones y celebró la autenticidad en cada etapa de su vida. Como subrayó People, Diane Keaton supo cumplir su sueño de ser actriz y, con el paso del tiempo, descubrió diversas formas de ampliar el legado.

Si este texto fuera una crónica, probablemente las primeras palabras serían las mismas que abren el tráiler de la película: una chica de campera rosa con flores, rulos largos, voz atormentada, ante un tribunal: “Yo no parí ningún bebé”.

O quizás la escena inaugural sería, como en el film, la de una chica de 24 años, asustada, doblada de dolor, llegando con su mamá a la guardia del hospital Nicolás Avellaneda, un hospital tucumano. Y la del arrasamiento que sobrevino sobre ella poco después. Un diagnóstico de “abdomen agudo”. Una hemorragia repentina. Un nuevo diagnóstico: “un aborto espontáneo incompleto”. Un raspaje de útero. Una denuncia. Unas esposas. Una caja en la que supuestamente había un feto aparecido en un baño que le estaban endilgando. Una chica que no entendía qué sucedía. Que no sabía que estaba embarazada. Que entró a una institución de salud a pedir ayuda por un dolor de panza y salió en un patrullero.

O podría comenzar con la potencia de los grupos de mujeres pintando banderas en distintos puntos del país, atándose pañuelos verdes a las muñecas, levantando carteles en lo que fue la primera marcha nacional organizada por la Mesa Provincial para la Libertad de Belén: representantes de diferentes organizaciones progresistas, feministas y de derechos humanos que llevaban meses trabajando y manifestándose para hacer visible la causa y exigir la anulación de la condena. Y que el 12 de agosto de 2016 lograron extenderla por Argentina. Mujeres unidas al grito de: “Todas somos Belén”. Porque, es cierto: cualquier persona con útero podría serlo.

O cuando Soledad Deza, la abogada feminista que logró en cinco meses su libertad —con el mismo expediente que los tres defensores anteriores habían tenido durante dos años— le dijo a la joven en la cárcel que para poder sacarla su caso debía hacerse público y le eligió el seudónimo que resguarda su identidad hasta hoy, bautizando una causa histórica que parece ficción pero no es: “Belén”.

Pero no es crónica. Es diálogo. Uno en el que Soledad Deza, en medio del furor por la película que dirige y protagoniza Dolores Fonzi —en la que se pone en su piel— recuerda cómo se enteró de lo que le sucedió a Belén; cómo se movió para sacarla. Porque saberla presa, víctima de un sistema abúlico, apoltronado en una sociedad conservadora en la que la maternidad era —¿era?— mandato obligatorio, un sistema al que le bastaron una acusación de aborto, una hemorragia y un feto supuestamente encontrado a la misma hora que nadie vio, para encerrarla, no la dejaba dormir. Un diálogo en el que también recuerda cómo en veinte semanas puso el caso de Belén en escena, lo impulsó fronteras afuera y lo resolvió. Y cómo vive hoy que su historia, llevada al cine, sea la candidata argentina en la preselección de “Mejor film internacional” en los Oscar y en el rubro de “Mejor película iberoamericana” en los Goya.

Entonces empieza de otra manera.

Empieza con una Belén presa. Empequeñecida. Una Belén que lleva 24 meses privada de su libertad “preventivamente”. A la que hicieron creer que era culpable de algo que no terminaba de decodificar, pero a esas alturas se había convencido: tenía que ser culpable de algo porque eso le habían dicho hasta el hartazgo. Porque en la prensa hegemónica que construye discursos era “la matahijos”. Porque abortar en Tucumán, en el año 2014, era un asesinato. No importaba si ella sabía o no que estaba embarazada. Si había sido una decisión o un hecho fisiológico. La ignorancia patriarcal sobre el organismo de un cuerpo que gesta descansa, encuentra aval, en el poder del mandato férreo. En el poder del relato.

Empieza con una Belén encerrada y sometida que un día recibe una visita inesperada: una abogada feminista que le dice que ella no es culpable de nada. Que es víctima. Que confíe. Que la va a sacar. Y le da un libro: Jaque a la reina. Uno que la abogada había escrito junto a otras dos colegas —Alejandra Iriarte y Mariana Álvarez—, en el que recorren, con perspectiva de género, los laberintos que atraviesan las mujeres para abortar en Tucumán, los escollos y costos para acceder a la salud. Entre las historias está la de María Magdalena —otro nombre ficticio puesto por Soledad, su primer caso de este tipo—: una joven acusada y procesada por aborto que Deza había defendido. Un precedente de Belén.

Entonces, empieza con una mujer presa y derrumbada que un día recibe a otra que le dice que no es ella: es el patriarcado. Le da un libro. Le cuenta sus derechos. Y la empodera.

—[De ese primer encuentro] yo me acuerdo una campera rosa. Me acuerdo una Belén superculpabilizada, una Belén desolada, una persona arrasada en su subjetividad. A la vez desconfiada, con razón, por supuesto. Absolutamente descreída de ese momento en el que yo le decía: “Mirá, vos no deberías estar acá, vos sos una víctima. Esto funciona así, así, así“. Y le llevé el libro Jaque a la reina, tal y como está en la película. Charlamos mucho, mucho, mucho, nos abrazamos. Me acuerdo de que lloramos las dos, mucho. Producto de que éramos dos personas que pudiendo haber estado en la misma situación, una estaba en un lugar y la otra en el otro por razones tan accidentales como injustas. Ella tenía que preparar sus últimas palabras porque el último día de su juicio, que es cuando la imputada dice sus últimas palabras y el tribunal dicta el veredicto, iba a ser el martes siguiente [N. de la R.: tres días después de ese primer encuentro que fue un sábado]. Y fui el lunes, no me dejaron entrar, pero después la vi el día de la condena. En el interín traté de hablar con la defensora, como está ahí, en la película. La defensora llegó tarde…Y bueno, yo tomé ese día, el día de la condena, la representación de Belén. Y por qué te cuento esto, porque la vez siguiente que yo la fui a ver, después de que ella no solo escuchó de mí, sino que leyó en un libro que existía otra mujer que había pasado por lo mismo, yo ya la encontré parada de otra forma. Y me parece que eso también es parte de lo que podemos hacer cada uno, cada una desde nuestros lugares de poder mínimos: acercarle un derecho a otra persona. Por eso yo siempre enseño en la facultad que operadores del derecho no somos solamente los abogados y las abogadas. Por ahí dentro de los procesos, sí. Pero todas las personas que conocemos un derecho y se lo podemos acercar a alguien estamos operando, de alguna forma, mayor justicia.

—Fuiste a una escuela de monjas; creciste en Tucumán que, como tantas provincias del interior, suele tener una idiosincrasia de corte más conservador: ¿cómo te convertiste en abogada feminista?

—Yo fui a un colegio de monjas, efectivamente, desde jardín hasta quinto año. Primero me convertí en abogada. Trabajo desde los 19 años, hice toda mi carrera trabajando, y en 2008 decidí hacer una maestría de género. ¿Por qué? No sé muy bien, pero me decidí a hacer Derecho para las mujeres. Y después, en el año 2011, yo decido abortar y era ilegal. Yo ya tenía mi maestría, estaba dentro del feminismo, pero no sé si mi praxis era feminista. Y cuando aborté tuve que ir al circuito clandestino. Hasta que di con una médica amigable pasé muchísimo miedo. Temí, no solamente ir a la cárcel, temí por mi vida. Me acuerdo mucho de estar a la salida de un lugar al que había ido porque me habían pasado un papelito para que fuera, estar ahí llorando, me acompañaba mi marido. Y decir: “Qué va a ser de mi vida”. Creo que ahí junté un poco la teoría con la praxis. Y tomé conciencia, dije: “Si a mí, que tengo un montón de privilegios, me pasa esto, no quiero imaginar a las que no los tienen”. Y al año siguiente vino el caso de María Magdalena, y de ahí ya no paré de trabajar en cuestiones que hacen a la violencia contra las mujeres y a la criminalización de las mujeres, en defensa de mujeres criminalizadas.

—Entonces tu propia experiencia te marcó también en lo profesional.

—Y sí porque uno puede estudiar muchos temas y puede tener todos los fundamentos teóricos de la interseccionalidad, del feminismo, pero creo que, al menos en mi caso, no digo que todas las trayectorias sean iguales, esa experiencia encarnó las desigualdades estructurales, me las puso enfrente.

—El primer caso de este tipo en el que trabajaste, entonces, fue el de María Magdalena, que fue similar al de Belén pero en el que ella no estuvo presa, ¿es así?

—Exactamente. María Magdalena, con 26 años, llega también con un dolor de estómago, no sabía que estaba embarazada. Llega con su mamá y su esposo, una madrugada, a la maternidad Nuestra Señora de las Mercedes —que es la segunda en partos de América Latina, la más importante de Tucumán—. Ella ya tenía tres chiquitos. Le diagnostican un aborto pero la acusan de habérselo provocado. Ella dice que no sabía que estaba embarazada; la médica de guardia le dice que si se moría ni flores le iban a llevar a la tumba. La legran sin anestesia. Pero a diferencia de Belén, y me parece a mí que eso también hacen las defensas, María Magdalena estuvo tres años procesada pero no estuvo presa nunca y fue absuelta en el año 2015. Ese fue mi primer caso.

—¿Y vos te enteraste de ese caso y dijiste: “Voy”? ¿Cómo supiste de María Magdalena?

—Tanto con María Magdalena como con Belén fue lo mismo. Con María Magdalena me entero porque una de las psicólogas que la atendió me escribió un correo. Era 24 de enero, yo estaba de vacaciones en Brasil, y leo: “Mirá, no te conozco, pero vos una vez me diste una charla sobre secreto profesional y derecho de las pacientes. Pasó esto”. Por suerte el equipo de psicólogas de la maternidad de ese momento intervino de manera adecuada: sacó al personal policial que interrogaba a María Magdalena de la sala de partos, registró en la historia clínica la violencia institucional. Entonces yo llegué para defenderla. En el caso de Belén fue similar, pero en aquel momento no hubo la misma intervención del equipo de salud mental. Belén termina siendo apresada y a mí me llaman dos años después cuando una de las psicólogas tenía que declarar ya en el juicio. Me sumo porque también me contacta una psicóloga. Pero, para mostrar cómo el abordaje de mucha gente tiene que ser respetuoso de los derechos, vos fijate que en María Magdalena un grupo de psicólogas logra impedir el encarcelamiento. No sé qué hubiera pasado si ellas no intervenían de esa forma. En el caso de Belén ocurrió distinto, las psicólogas no hicieron la misma intervención y recién cuando las llaman a declarar en el juicio me llaman y me dicen: “Che, ¿cómo es?”, por el secreto profesional, “¿puedo declarar?”. Y después me dicen: “Ojo que esta chica está presa”. Yo ahí casi me muero.

—Y llevaba, en ese momento, dos años presa...

—Veinticuatro meses presa. Porque su juicio se hizo dos días antes de que venciera la preventiva. El encarcelamiento preventivo tiene un máximo de dos años. Entonces, su investigación duró un mes pero la tuvieron arrumbada ahí veintitrés meses, y le hicieron el juicio en 48 horas y la condenaron el tercer día.

—Realmente suena a ficción de terror: vas a un lugar donde se supone que te van a cuidar y te terminás yendo en un patrullero a la cárcel como si fueras una delincuente. Cómo pasa esto si en la primera página de su historia clínica, contaste un montón de veces, decía “aborto espontáneo incompleto”. ¿Cómo un profesional de la salud lee eso y decide llamar a la policía y acusarla por habérselo provocado? ¿Fue una cuestión ideológica? ¿Por dogma, por conservadurismo?

—A ver, yo creo que hay varias cuestiones. Por un lado hay una gran dosis de desinformación. Estos temas deberían estar dentro de la formación de grado de todo el personal de salud, independientemente de la disciplina a la que se dediquen —porque es la Medicina, pero es el Trabajo Social, es la Enfermería, es la Salud Mental—, todas deberían ofrecer una formación en eventos obstétricos y en atención, todas las disciplinas deberían incluir capacitación sobre los derechos de los pacientes. Medicina legal se suele pensar, dentro de las profesiones, no como un campo que ve cuáles son las obligaciones del personal de salud y cuáles son los derechos de las usuarias, sino en términos forenses: ven autopsias, lesionología y demás. Así, hay una fase del ejercicio de las profesiones, que es la que junta obligaciones del personal de salud y derechos de las usuarias, que no se ve. Entonces, la ignorancia por un lado. Y por otro, también los prejuicios que históricamente han desanudado los derechos de la atención de mujeres que abortan. Al contrario de lo que ocurre con alguien que va a atenderse por una apendicitis o alguien que llega con un cuadro clínico de un abdomen agudo o un cólico, que tiene claramente derechos, la persona que aborta es sospechada desde el inicio y se la trata como una delincuente. En esa unión de ignorancia y prejuicios hay también un sesgo de género que me parece a mí que se construye dentro de las disciplinas de la salud y del derecho, porque ahí hay una cosa unida que ha marginado las experiencias de las mujeres en ambos campos disciplinares: hay una mujer y se presume que por el hecho de tener útero sabe que está embarazada, sabe cuál es la edad gestacional, sabe cuáles son los síntomas compatibles con un aborto o con un parto de manera tal de poder evitarlo. Presumen que todas las mujeres tienen el mismo acceso a bienes y servicios de forma tal de poder contar con la ayuda que permita evitar estos eventos. La presunción de inocencia, que es una garantía constitucional, desaparece para el caso de las mujeres. ¿Por qué? Por esa ignorancia y por esos prejuicios.

—Lo que no termino de comprender es por qué, si ella fue a un hospital, los médicos vieron qué es lo que sucedió en su cuerpo, aún así la inculparon de algo que era evidente que no había ocurrido. De repente se arma toda una escena para incriminarla. Esto que contás que ella va a un baño cuando empieza con la hemorragia y después encuentran —o dicen que encuentran— en otro baño del lugar un feto, que vos concluís que se lo plantan, todo suena delirante. ¿Cómo fue eso?

—Ella entra al hospital cerca de las tres de la mañana. La atienden, queda internada en la guardia. Después de estar medicada por vía, a propósito del diagnóstico que le hace el jefe de la guardia, pide permiso para ir al baño. ¿Qué es lo que pasa? Vuelve del baño, tiene una hemorragia, la suben al quirófano y ahí le diagnostican aborto espontáneo incompleto sin complicaciones. Una hora más tarde aparece una policía que dice que encontraron un feto en el baño y los vinculan, por supuesto, porque coincidieron en el mismo tiempo y espacio, nunca hicieron un ADN. Cuando yo tomo la defensa de Belén estando ella ya condenada, tal y como está en la película, yo me voy al hospital un día sábado y me doy con que el hospital Avellaneda tiene ocho baños. Con ninguno daban los tiempos para haber ido y haber vuelto en los minutos que declaraban las enfermeras que Belén se había ausentado de la sala de guardia donde estaba internada. Entonces, ahí es donde yo empiezo a decir: “Le plantaron un feto”. Imaginate que acá casi se desmayan. Porque decir que le plantaron evidencia es algo asociado con el narcotráfico, con otros delitos. Ahora, cuando uno toma el expediente y se da cuenta de que no se acordonó la escena del crimen, no se había individualizado qué baño había sido el del hallazgo, no se había hecho ADN y luego yo encuentro que dice que quisieron hacer el ADN y el subdirector del hospital respondió: “El feto fue extraviado”, ahí es cuando digo: “No, esto viene de otra parte, están uniendo dos partes que no son tales”.

—¿Pero alguien lo vio? ¿efectivamente estaba o dijeron que había un feto?

—Lo que cuenta Belén es que entraron a la sala de parto cuando la estaban legrando y le mostraron una cajita. Eso se ve en la película: una cajita. Luego aparece una autopsia sobre un feto que en algunos lugares del expediente dice que tiene piel blanca, en otros morena. En algunos lugares dice que tiene 15 semanas, en otros 18, en otros 20 y la autopsia llega a decir que tiene 33 semanas de gestación. Lo que yo planteo en el recurso, cuando pido que se anule la condena es: evidentemente ese feto no se corresponde con el evento obstétrico de Belén.

—Cuando a vos te llaman por teléfono y te enterás del caso de Belén, ¿lo primero que hacés es ir a la cárcel a verla?

—Sí, empiezo a mover cielo y tierra para dar con ella, para hablar con ella. A veces no dimensionamos lo fácil que es entrar a la cárcel y lo difícil que es comunicarse desde adentro o dar con una persona que está privada de su libertad. Pasaron 72 horas hasta que pude dar con ella. Yo me fui el jueves siguiente, le dejé un papelito, no me permitían entrar porque las personas internas solo pueden ver a otras, sea a su propia abogada o a familiares, los días de visita. Entonces le dejé un papelito y la madre de Belén, que había ido a visitarla, me llamó el viernes a la noche y me dijo: “Mañana, doctora, la espera mi hija a la mañana”. Entonces me fui ese sábado a las 9 de la mañana y estuve ahí como tres horas charlando con ella.

—Y a partir de que tomaste su defensa, ¿cómo fue? ¿Cuándo te planteaste que al margen del proceso judicial tenías que hacer algo más que ejerciera presión social y se arma la Mesa por la Libertad de Belén?

—Ese día de abril de 2016, cuando la condenan a ocho años de prisión por homicidio agravado por el vínculo, la que era su defensora hasta ese momento me entrega lo que se llamaba “radiografía” con el viejo sistema inquisitivo. La radiografía sería como el expediente que tiene la defensora para defender a su cliente, es lo que considera que es lo más importante. Cuando yo lo veo y me doy cuenta de que tenía no más de 40 páginas y que ahí adentro no había una historia clínica, yo digo: “Esto algo mal tiene”. Entonces empecé a tratar de dar con el expediente. Cuando finalmente lo consigo, hago los recursos una vez que estructuro una defensa legal técnica sólida, cuestionando los argumentos de la condena y cuestionando los argumentos de la prórroga de la prisión preventiva. Yo hago hincapié en que hay que hacer un cuestionamiento jurídico porque los recursos tienen una parte técnica. A veces se piensa que solo con la movilización en la calle vamos a lograr dar vuelta una condena y eso no es así. Entonces, una vez que ya estaba hecho eso, nosotras nos damos cuenta de que para acortar los tiempos del poder judicial —y sabiendo que una mujer estaba injustamente presa, entonces necesitábamos que no se tomaran años para revisar la condena— teníamos que hacer algo más y armamos la Mesa por la Libertad de Belén. Y la verdad que en las primeras marchas éramos muy poquitas. En parte, lo que pasaba era que el caso se había instalado como el de “la matahijo”, “la asesina”, en la prensa hegemónica. Entonces, ahí es cuando articulamos una defensa que iba en tres direcciones: la defensa legal, la comunicacional y la Mesa para la Libertad de Belén. Todo subordinado a la estrategia legal. Yo hago hincapié en eso porque tampoco se puede hacer público un caso si la protagonista no quiere.

—Y ahí nace “Belén”.

—Ahí es donde surge “Belén” como un nombre ficticio para resguardar su identidad. Y cuando hacemos la primera nota, que la hacemos con APA [N. de la R. Agencia de Prensa Alternativa, un medio tucumano independiente]. La Mesa era el dispositivo adecuado para incrementar las bases de legitimidad del reclamo. Porque nos dábamos cuenta de que era mucho más impopular el pedido de justicia de lo que pensábamos. Y nos empezamos a juntar todos los lunes de seis de la tarde a nueve de la noche. Iba una representante por espacio y le explicábamos cuáles eran los argumentos del recurso y por qué en la condena no era verdad tal cosa, o tal otra era arbitraria, para que ellas a su vez fueran a sus espacios y pudieran traducir ese derecho que se enmascara a veces para que no se lo comprenda. Y así fuimos creciendo hasta que el 12 de agosto nacionalizamos la marcha para la libertad de Belén.

—Cuando dijiste “empezamos a juntarnos todos los lunes a las seis de la tarde”, salvando distancias, se me vinieron a la cabeza las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo cuando deciden juntarse todos los jueves a la misma hora en la Plaza. Hay cosas que nos enseña la historia.

—Encontrarnos, encontrarnos, encontrarnos. Exacto.

—¿Y en qué momento el caso adquiere mayor popularidad y se vuelve ícono de la lucha por los derechos de las mujeres y de la marea verde?

—Nosotras empezamos las reuniones [con la Mesa] a mediados de abril, cuando yo tomo la defensa. Y en mayo, junio, aproximadamente, fue que Dolores [Fonzi, en una premiación por la película La patota en Punta del Este] levantó el cartel que decía “Libertad para Belén”. Y eso fue una gran inyección. La tapa de Página 12 de Mariana Carbajal titulada “Yo no maté a nadie”, también. Mariana se vino a entrevistar a Belén a la cárcel y eso fue todo un tema. Y yo no me acuerdo si unos días antes, unos días después, Dolores levantó ese cartel. A veces es muy difícil desde Buenos Aires sentir lo que nosotras, quienes somos del interior, sabemos: que lo que no pasa en Buenos Aires no existe. Entonces todo eso fue una inyección porque por un lado teníamos a la periodista nacional, la que cubría para todo el país. Y por otro lado tenías a alguien que no era del palo de los derechos específicamente pero que desde su lugar, una famosa, se sumaba. Y también fue importante cuando vinieron a Tucumán Charo López, Male Pichot, que en ese momento tenían el espectáculo Persona, y en el escenario pidieron “Libertad para Belén”. Entonces nos empezamos a legitimar. Dejamos de ser un poco las embusteras, las activistas: las mi-li-tan-tes.

—¿Y ese cambio se reflejó también en la prensa hegemónica tucumana? Esos que titulaban “La matahijo”, cuando empezaron a ver todo lo que se estaba gestando, ¿cambiaron de actitud?

—Ahí empezó a bajar la espuma; y luego el Comité de Derechos Humanos también se pronunció, en julio, pidiendo la libertad de Belén. Entonces, no es que empezaron a salir notas a favor, pero empezó a disminuir el volumen de la narrativa en contra del caso. Y se armó como una meseta de silencio. Pero, a decir verdad, La Gaceta, por ejemplo, que es el diario local de mayor circulación, cambió su narrativa en pos de la libertad cuando salió el dictamen del Ministro Público Fiscal, que fue el 26 de julio —me acuerdo patente porque era el día antes de mi cumpleaños—. ¿Por qué te cuento esto? Porque a veces no medimos la función autolegitimante del discurso del derecho: lo que veníamos logrando a nivel nacional no alcanzaba a desacreditar el discurso jurídico de una sentencia. Solo un instrumento equivalente, proveniente del mismo poder y con la misma lógica, empezó a dar vuelta en los hechos. Pero fue una estrategia exitosa porque la libertad, que usualmente hubiera demorado un año, un par de años, la terminamos obteniendo en cinco meses y la absolución en los meses posteriores, en marzo.

—¿Qué decía Belén cuando, de repente, en tus visitas sucesivas le contabas todo lo que se estaba generando? Después de veinticuatro meses encerrada, en unas semanas se había levantado todo un revuelo nacional alrededor de ella. ¿Cómo fue su reacción, su transformación?

—Yo de verdad creo que su vida empezó a cambiar cuando alguien le habló desde otro lugar que no era el del juicio moral o la culpa. Y digo que empezó a cambiar de manera casi vertiginosa. Y también empezamos a estrechar un vínculo. Yo al día de hoy sigo hablando con ella, porque eso también es el feminismo. Creo que el momento en el que peor la pasó fue cuando en la cárcel se enteraron de que la de las noticias era ella. Porque adentro nadie sabía que ella era Belén. Entonces lo vivía muy agradecida. Le llegaban cartas, nosotras le llevábamos los diarios para que viera cómo iba cambiando la opinión pública, pero también lo vivía de una manera muy reservada porque nadie sabía que ella era ella. Cuando sale el dictamen del Ministerio Público Fiscal, dos de los jueces del tribunal que la habían condenado, en un acto que yo le llamo de despecho judicial, porque ya se veían venir que la corte iba a revertir esa condena y le iba a dar la libertad, salieron en La Gaceta y dijeron su nombre real. Ese fue un momento bien duro porque de verdad yo le había prometido que eso no iba a ocurrir.

—¿Y adentro de la cárcel eso le trajo consecuencias?

—Y al principio sí. Pero la verdad es que es intransmisible lo que pasó en el medio. Porque ella pasó de ser la peor persona que podría estar dentro de la cárcel en nuestra cultura occidental y cristiana, que es “la que mata a su bebé” o la que aborta, la que de alguna forma desafía el mandato de maternidad obligatorio, a irse vitoreada por sus compañeras. Porque ella, en ese modificar su propio posicionamiento, les empezó a llamar la atención a sus compañeras, y les decía: “Pero cómo, ¿tu abogada no viene a verte? ¿No te cuenta qué escritos presentan? ¿No te dicen en qué está la causa? ¿No te trae noticias?”. Ella empezó, desde su lugar, y dentro de su mínima disposición de poder, a acercarle un derecho a las otras reclusas. Eso cambió su lugar. Creo que al correrse de la culpa y la victimización, pudo tener un rol emancipador frente al resto de sus compañeras. Y eso también es una construcción feminista. Entonces, cuando se iba la aplaudían, le gritaban: “Bravo, Belén”. Que es esa imagen de la película en la que nos estamos yendo de la cárcel, que fue así, salimos con máscaras y las internas aplaudiéndola, y algunas guardiacárcel también. Fue muy fuerte.

—Es fuerte escucharlo, imagino vivirlo... ¿Y cómo fue cuando te enteraste que se iba a hacer una película?

—Dolores [Fonzi] me contactó y yo casi me desmayo, imaginate. Yo ya sabía que K&S había comprado los derechos del libro de Ana Correa, pero había quedado en stand by. Y un día hace, no sé, un año y pico, recibo un mensaje de WhatsApp: “Hola, Sole, aquí Dolo Fonzi”. Yo digo: “Acá me están cargando, no puede ser”. ¿Y cómo fue? ¡Hermoso! Imaginate que una abogada jamás va a pensar que va a vivir esto. Uno vive un poco una película de terror dentro de estos procesos, pero nunca toda la aventura que es el backstage de una película. Leer un guion, porque fueron tan generosas que compartieron conmigo el guion antes; charlar: “Esto fue así”, “esto, ¿cómo?, ¿qué pasaba acá?”, mandarles una foto… No es que yo tomé decisiones ni muchísimo menos pero también fue una construcción feminista. Alguien ocupado por que Tucumán se reflejara en los hechos, por que hubiera locaciones tucumanas, por que hubiera actores y actrices tucumanas, por que yo me sintiera lo menos expuesta posible. A mí no me fue fácil verme, ver la parte de mi vida privada… Pero fue una hermosura, no tengo más que palabras de agradecimiento para Dolores, para Laura Paredes que hizo el guion, para Leticia Cristi [productora] que realmente fue incondicional en todo este proceso y yo creo que eso se ve. Y eso es lo que ve la gente cuando termina la película, creo que ve un hacer amoroso. Entonces, de un evento superdesafortunado, traumático y doloroso, se construyó una historia de libertad, porque no es la historia de una presa injustamente, es mucho más que eso. Es una historia de libertad construida en desventaja, pero a propósito de la unión y conjunción de un montón de esfuerzos. Yo creo que lo mismo hubo en el rodaje.

—¿Y cómo estás viviendo todo lo que está pasando con la película ahora?

—Yo lo vivo con esperanza. A mí me pone muy contenta ver que es una película que emociona a varones, mujeres, chicos, grandes, porque es una historia de una injusticia y de cómo un grupo de personas puede revertirla porque no mira para otro lado y me parece que por eso es esperanzadora. Me da mucho orgullo lo que la gente devuelve, incluso quienes no están a favor del aborto, porque comprenden con la película que la libertad se construye así, un poco con empatía, un poco con esfuerzo, un poco con unión. En estos momentos de tanta crueldad y donde pareciera que uno no ve futuro, yo creo que la gente queda aplaudiendo hasta el final por eso, ¿no? Porque hay esperanza. Y como la película está muy bien contada, y en esto es el ojo de Dolores que es punzante y a la vez amoroso, me parece que también al tener dosis de humor, al no tener golpes bajos y al haber podido ella humanizar a los personajes y mostrar que hay una vida privada que tienen las personas, que también nos atribulamos y que nadie es completamente una heroína ni completamente una villana, bueno, creo que ahí un poco estamos todos y todas en esa historia.

Durante una entrevista concedida a The Guardian en el marco del 50º aniversario de Tarde de perros, el actor Al Pacino, de 85 años, reveló que inicialmente rechazó protagonizar una de las películas más emblemáticas de su carrera. En la cinta, Pacino interpretó a Sonny Wortzik, un hombre que, junto a Sal (John Cazale), intenta asaltar un banco en Brooklyn para financiar la cirugía de transición de género de su pareja; el robo rápidamente deriva en una situación de rehenes.

El productor Martin Bregman, quien entonces era el representante de Pacino y había producido “Serpico” en 1973, acercó el proyecto al actor tras el éxito de El Padrino II. “Me dijo que quería que la hiciera, y yo la había leído y pensé que estaba bien escrita, pero no quería hacerla”, comentó Pacino a The Guardian. Detalló que se encontraba en Londres y sentía que su energía estaba agotada: “Sentía que me estaba quedando sin gasolina. No sabía si podía volver a hacer algo así”.

Pacino venía de una etapa intensa tras interpretar a Michael Corleone, sumado a circunstancias personales complejas: “Me pareció que exigir esa misma intensidad de nuevo, pasar por eso, era demasiado parecido a lo que viví con El Padrino II, que fue intenso en muchos sentidos, no solo por el trabajo, sino por todo lo que pasaba en lo personal”.

El actor rechazó la propuesta en un primer momento. “Pensé, está bien, entiendo que es una gran oportunidad y gracias, pero no creo que pueda hacerlo. Prefiero rechazarla”, recordó. Añadió que la aparente similitud temática con sus papeles previos fue decisiva: “Otra vez, tengo un arma y me meto a un banco a robarlo: no quiero pasar por eso de nuevo”.

No obstante, Bregman insistió y le dio una segunda oportunidad para reconsiderar el papel. “Leí el texto y comprendí que era mucho más de lo que pensaba que era. Era una obra interesante y poderosa. Sabía que [el director Sidney Lumet] iba a estar, y lo adoro; habíamos hecho Serpico juntos”, comentó Pacino. “Lo primero que pensé fue, ¿por qué dejé pasar esto? ¿En qué estaba pensando?”. Finalmente, aceptó el papel, lo que también le permitió compartir escena una vez más con su amigo Cazale, recordado como Fredo en El Padrino, quien falleció en 1978.

Pese a su decisión, la construcción del personaje resultó desafiante. “Por alguna razón, sentía que no sabía quién era el personaje que interpretaba”, relató el actor. Al revisar las imágenes grabadas, se preguntaba: “¿Qué estoy haciendo, dónde estoy, quién soy, hacia dónde voy?”. Buscando conectar con el personaje, esa noche Pacino bebió medio galón de vino blanco y pasó horas trabajando el guion: “Llegué al día siguiente y, claro, Lumet me miraba como preguntando, ¿qué pasó, Al? El elenco —mis amigos— decían: ‘Creo que está teniendo una crisis’”.

Finalmente, esa crisis le permitió transformarse en Sonny: “Creo que me estaba convirtiendo en otra persona, en el tipo que sale en la película. Hasta hoy, no sé si me estaba engañando o no. Pero pasé por eso, y me ayudó. Digámoslo así: haya sido correcto o no, tuve algo con lo que trabajar personalmente”.

Por su interpretación en Tarde de perros, Pacino recibió su cuarta nominación al Oscar. A lo largo de su carrera suma nueve nominaciones y un galardón, obtenido por “Scent of a Woman” en 1993.

Además, se anunció que en primavera de 2026 se estrenará en Broadway una adaptación teatral de Tarde de perros, en la que participarán Jon Bernthal y Ebon Moss-Bachrach, conocidos por su trabajo en la serie “The Bear”.