Fito dio vuelta la página con una propuesta diferente, pero en un punto similar, o en todo caso complementaria. Cambian el ambiente y el contexto: un grupo reducido de periodistas y amigos, la incondicionalidad de sus hijos Martín y Margarita y de su novia, Sofía Gala. Pero se mantiene la esencia de un artista que siempre elige mirar para adelante y compartir con su público lo que le pasa en formato de canciones, libros o películas. Porque, como dirá en un rato, citando a Lennon, hablar de la primera persona es hacerlo de lo que uno conoce.

A la hora de analizar el material, si Novela fue un proceso que le llevó casi toda su vida adulta, Shine se parece más a una pulsión urgente, casi a un instinto de supervivencia. El disparador fue el accidente casero que le fracturó nueve costillas y lo tuvo un tiempo largo en el hospital. El dolor físico y espiritual por un lado, pero también el amor por Sofía Gala, quien a su manera se suma a la lista de musas inspiradoras de la obra del rosarino. Y ese afán incontrolable por crear que atraviesa cada una de sus etapas.

La cita es en un espacio de estirpe fabril reconvertido en estudio, a escasas y paradójicas cuadras del Movistar, con cierta estética subterránea y neoyorquina. En las pantallas se proyecta el corto “Todos los Fitos”, donde el artista se psicoanaliza entre el presente y el pasado para intentar abordar su actualidad. Cuando se apagan las luces, su voz saluda con la familiaridad de quien recibe en su casa. No hay presentador ni introducción formal. Él mismo arma el marco para pintar el cuadro de lo que se viene. Y toma la palabra para contar algunas cosas antes de ponerle play al material.

“Nadie sabe cómo se hacen las cosas: se hacen”, dice al comienzo de lo que parece un manifiesto sobre el arte autobiográfico en un camino que pasa por Fellini, Cassavetes y Juan L. Ortiz para desembocar como casi siempre en John Lennon. “Cuando le cuestionaban por qué hablaba siempre de él, contestaba de una manera muy sencilla y honesta: ‘Es lo único que conozco’. Y yo siempre fui medio autobiográfico, como mi amigo Johnny”.

Y en este caso la mirada es hacia Madrid, en septiembre de 2024. Estaba terminando los últimos ajustes de Novela cuando se cayó de una escalera. Cuatro escalones. Nueve costillas fracturadas y un mes de internación con opiáceos. “Ahora suena gracioso”, dice. “No lo fue”, aclara como si hiciera falta antes de describir lo que no solo es una recuperación física. Es el encuentro, en carne propia y sin atenuantes, con la posibilidad real de la muerte. Algo que, según sus palabras, en la literatura y el cine “muchas veces se roza de manera liviana”. Él lo vivió tres veces en un mes.

“Uno redimensiona todo. No lo sabés en ese momento, pero cuando salís de allí y empezás la tarea de la reconstrucción —o del posible renacer, porque también existe la probabilidad de que eso no suceda— aparece una pulsión que tiende siempre a construir o a reconstruir”. La manera que encontró para dejar testimonio de ese renacer fueron las canciones. Las que sabemos todos y las que siempre están por venir.

La resurrección se corporizó en la gira 40/30, en la que visitó el repertorio de los discos Del 63 y Circo Beat. Pasado ese tiempo, después de haber renegado mucho y llorado mucho, de haber “estado abierto a que todo aconteciera”, lo llamó a su colaborador Diego Olivero. Tenía cuatro ideas que había compuesto en Madrid con una guitarra. Lo suficiente para lanzarse a la aventura.

Se fueron a un pueblito en el sur de Brasil y en diez días había un disco. Faltaba un camino largo todavía, pero el boceto ya estaba instalado en su cabeza. Fue en ese proceso donde tomó una decisión estética que define el sonido de Shine: quitar instrumentos, “desbarroquizar”. Volver a la guitarra como máxima autoridad compositiva, lo que encierra una complejidad mayor a la que aparenta: “Hacer lo que hizo Miró —que terminó pintando como un niño de más grande— no es tan sencillo”, grafica en esta pequeña disertación pluriartística.

Con “Universo” como excepción que confirma la regla, -dedicada a “mi hermano” Pablo Milanés-, Shine es una pintura en tiempo real de una época de contrastes. “No le dimos mucho respiro”, dice. Fue una operación deliberada: tomar el toro por las astas para que no empezaran las opiniones sobre detalles, errores, mejoras. “A la mierda Pro Tools y todo lo que uno incorpora en la inercia de las cosas”. Es un disco tocado en vivo y grabado en vivo, que atraviesa su mundo privado como toda su obra. Está Buenos Aires, como siempre. Está el nuevo punto de vista después de haber atravesado una experiencia tan dura. Está quiénes fueron sostén y puerta de salida.

Y también está Sofía Gala quien le mandó un WhatsApp con una sola palabra: “Hablame”. Y terminó de darle concepto al disco. “Tenía humor, era una orden, era una sentencia”. La canción es en realidad una pieza instrumental que aparece tres veces en el disco y cumple un rol de enrarecerlo. También iba a ser el título, hasta que se decidió por Shine: una palabra corta que “tiene mucho que ver con cómo me siento ahora”. Fito brilla, entonces, y le dedica el disco a Sofía: “Por su compañía, por su amor, por sus charlas, por comprender este momento complejísimo que atravesamos juntos”. Y como escena final, sella todo con un beso.

Enseguida, el ambiente se deja llevar por el Fito Páez cosecha 2026. El músico que compuso, toca y canta lo que suena por los parlantes se mezcla entre el público. Se pone y se saca los anteojos, gesticula como director de orquesta, sonríe y acompaña los aplausos. Se detiene principalmente en El honor de los lobos, canción con destino de hit, con esa épica desgarradora de sus grandes piezas.

Cuando termina de sonar Shine, Fito se seca algunas lágrimas en un gesto que ratifica su estatus de artista existencial. Le acercan un micrófono por si quiere decir algunas palabras a modo de cierre. Lo duda un momento y en eso empieza a sonar Beatles For Sale, y se resuelve la cuestión. Y el disco suena completo, como Shine y como Novela. Así como Fito concibe su obra, interpelando a quien quiera oirlo y a quien no. Evitando la tentación de la zona de confort. Ofreciendo su corazón más allá de los silbidos.

Fito lo había anunciado el martes en sus redes sociales: tocaría Novela completo por primera vez en Buenos Aires la noche previa al lanzamiento de su nuevo álbum, Shine. “¿Y si el miércoles despido Novela en el Movistar? ¿Por qué no?“, dijo el músico en un video subido a sus redes. Allí, reveló que la decisión generó una reacción inmediata en su equipo, describiendo la situación como ”de panic attack general”, aunque la idea terminó por convencer a todos. La propuesta era hacer en primera instancia una interpretación completa de Novela y luego un rato largo de repertorio conocido. “Ojalá tengan ganas de escucharlo. Yo me muero de ganas de tocarlo”, cerró en el video.

El rosarino explicó esta propuesta ni bien salió a escena en el estadio de Villa Crespo. Contó brevemente el argumento de la ópera rock, que empezó a gestarse en los 80 y vio la luz en 2025, y solo había presentado oficialmente en marzo pasado en el Teatro El Círculo de Rosario, en el marco de la semana Páez en los que festejó su cumpleaños. Se trata de un álbum de 25 canciones, unidas por el relato de la actriz Lorena Vega, que Fito y su banda interpretaron completo y en orden por poco más de una hora. Y aquí empezaron los problemas

El público siguió la primera parte del show entre la escucha del material, excursiones al sector de comidas y las distracciones propias de quien prefiere escuchar los clásicos o el repertorio más conocido del artista. A medida que pasaban los minutos, la situación se iba espesando. No es posible saber quiénes estaban al tanto de la decisión intempestiva del rosarino, y mucho menos quiénes la habían avalado. Lo concreto es que antes del último tema, en el que Vega recita el cierre del historia, se produjo un breve silencio y brotaron algunos silbidos de las plateas frente al escenario. La banda concluyó su interpretación y dejó el escenario para el intervalo. El desconcierto entre la gente fue en aumento. Y Fito tomó nota del asunto.

Al regresar, se lo vio hablando con su banda y al finalizar “El amor después del amor” invitó a su público a cantar aquello de “Nadie puede y nadie debe vivir, vivir sin amor” como en cada show. Sin embargo, su mirada estaba en aquella platea opuesta al escenario, de donde había distinguido el grueso de los silbidos. “¿Tenían ganas de cantar allá? No te escucho. Canten más fuerte, man. No te escucho nada”, desafió en modo peleador callejero, entre verso y verso, y así se fue la canción.

Luego se sentó al piano para “Al lado del camino”, en esa suerte de autobiografía retrospectiva escrita en 1999. Y sintió que tenía algo que decir sobre lo que había pasado minutos antes: “Yo amo, no sé odiar. Y me gusta compartir todo. Todo, es todo”, dijo Fito, antes de aludir directamente a los silbidos. “Menos, muchaches, menos. Porque está bueno todo, el polvo está bueno lento también. Está bueno detenerse a escuchar al otro, porque te están haciendo un regalo“. Y dio un anticipo de lo que iba a ocurrir desde ese momento: “No va a faltar nada acá, porque yo no saco temas para poner”, afirmó.

Desde entonces fue una catarata de hits con el público rendido a los himnos que había ido a escuchar y que Fito convidó con el respaldo de una banda cada vez más ajustada. “11 y 6″, “La rueda mágica”, “Circo Beat”, “Brillante sobre el mic”, “Ciudad de pobres corazones”, “Polaroid de locura ordinaria”, “A rodar mi vida”, “Mariposa Technicolor”, y varios más, con un equilibrio entre la fidelidad al original y fraseos que fue modificando a lo largo del tiempo. Fito manejó el coro como director de orquesta, haciendo cantar a unos y a otros en son de paz, y disfrutando de un hecho artístico... ¿Polémico? ¿Provocador? ¿Disruptivo? Habrá varias lecturas, pero todas acordarán que fue una noche arriesgada y diferente de un músico siempre dispuesto a ofrecer su corazón.

“Como te quiero Buenos Aires, sabés cómo te conozco”, vociferó cerca del final, en esa construcción entre hijo adoptivo rebelde y encantador. Y lo ratificó en el posteo una vez finalizado el concierto, poniendo en palabras y emociones eso que se desprendía desde el escenario: “¡Nunca voy a olvidar esta noche! ¡Este concierto! Me sentí más vivo que nunca", escribió junto a fotos y videos que documentaban la noche.

Allí, el rosarino enumeró de manera urgente las sensaciones que le había dejado el show. “Amor, rabia, relajo, energía, pelea callejera, espectáculo, antropología porteña, el mundo vibrante, dopaminas y endorfinas en pugna y en abrazo perpetuo”. Y, antes de agradecer a su banda y su equipo técnico, concluyó con una frase que sintetiza su vínculo con la capital: “Me encantás Buenos Aires, porque sos reloca y zarpada”.

Queda claro que no es la primera polémica de Fito Páez y tampoco será la última. Y a esta altura cabe pensar que el músico disfruta que sea así. Para el público, como siempre, la opinión estará dividida, entre quienes hayan valorado con aplausos o silencio respetuoso y entre quienes se hayan opuesto, desde los silbidos o la indiferencia. Unos y otros coincidirán en que no fue una noche más la del 20 de mayo de 2026 en el Movistar Arena, que desde la admiración o la bronca fueron parte de la historia. Y el tiempo, como siempre, será quien se encargará de juzgar.

El origen de este disco se remonta a septiembre de 2024, cuando un accidente doméstico le provocó una fractura en las costillas y lo obligó a someterse a una intervención quirúrgica. En pleno auge de la biopic El amor después del amor y la gira sostenida en el histórico álbum, el músico debió suspender conciertos, grabaciones y cualquier actividad pública. Lo que vino después fue un reposo prolongado, y de ese silencio brotaron las canciones que forman este nuevo álbum.

El disco encarna, en ese sentido, un renacer. Y para ello, nada mejor que volver a los orígenes. Aquellos largos meses de quietud forzada se convirtieron en el terreno donde Páez trazó su camino de vuelta, con una mirada certera sobre el tiempo en que vivimos anclado en los sonidos y en la actitud que lo forjaron como artista. Y “Shine” es la primera prueba de eso.

El single tiene un sonido crudo y directo. Los delays atraviesan la mezcla y la producción evoca el trabajo que John Lennon y Phil Spector realizaron cuando homenajearon las raíces del rock & roll. Páez suena a clásico, y esa decisión estética no es casual: el tema convoca al oyente a despertar del espíritu enajenante que lo rodea, haciendo gala del traje de artista existencialista que tan bien le queda.

“Shine”, que también será el nombre del disco, funciona como un llamado a la acción. La letra interpela con una urgencia que el pop contemporáneo raramente se permite una pregunta que, lejos de ser retórica, se presenta como el eje de todo el tema. Y también, de un intento por recuperar aquello que nos hacía felices: “¿¡Dónde mierda quedaron la alegría, los abrazos y la amistad?!”, grita Fito. Y está abierto a escuchar respuestas.

La canción sintetiza un proceso de deshumanización: el sujeto que se vuelve extraño en su propio entorno, subyugado en un universo de alienación tecnológica. Las consignas se acumulan con la contundencia de un manifiesto: “Salgan a las calles, desconéctense del feed”, “¡Qué tiempos aburridos nos tocó vivir, tiren los teléfonos!”, “Me gustaba cuando el mundo andaba todo dado vuelta, desesperadamente feliz…”.

Todo eso ocurre en un momento en que la tiranía del like domina medios y tendencias. Frente a ese escenario, “Shine” demuestra que el rock vernáculo puede ser revitalizante. El tema no solo marca el retorno a las esencias musicales de Páez, sino que propone también volver a encontrarse con el otro y con uno mismo.

El videoclip ratifica esta sensación. La banda a pleno y en escena, sin demasiados artificios, ni cortes abruptos ni abuso de recursos. Tocando rock and roll, como cuando se fue de su casa allá en Rosario. También lo transmite la portada, con Páez sentado al piano, escudo y arma de su obra, con un grito que sale de las entrañas. Regresar a las bases, en tiempos de saturación digital, resulta un gesto tan musical como humano.

Lo dicho, Fito siempre está en movimiento. “Shine” llega en medio de sus conciertos en el Movistar Arena de Buenos Aires como parte del tour nacional Sale el sol. Viene de editar Novela, una mirada retrospectiva, una más, de su vida, y de un concierto histórico en el Monumento a la Bandera de su ciudad natal. Y seguirá andando, como lo manda su historia de artista integral que lleva más de 40 años ofreciendo su corazón.

Entre los asistentes se encontraban figuras clave en el entorno personal de la autora. Su padre, Ova Sabatini, y su hermana Tiziana, acompañada de su pareja, no quisieron perderse la ocasión. La atmósfera de la sala se cargó de emoción cuando Oriana, flamante mamá de Gia y esposa de Paulo Dybala, terminó su charla y se dispuso a firmar ejemplares para los lectores que se acercaron a saludarla.

El libro narra la historia de una joven cantante que, atravesando una crisis personal, decide abandonar su carrera en Estados Unidos y regresar a Buenos Aires. Allí, la protagonista busca refugio en una vida más tranquila y encuentra trabajo en una funeraria, escenario inesperado para un reencuentro que cambiará el rumbo de su existencia: el regreso, de manera inexplicable, de su primer amor, muerto trece años antes.

La autora reveló que el proceso de escritura la llevó por un camino de emociones profundas y desafíos personales. “Este proyecto me tomó dos años”, compartió Oriana Sabatini, resaltando el tiempo y la entrega dedicados a la novela.

La jornada incluyó una charla en la que la artista compartió detalles del proceso creativo y respondió preguntas del público. Al concluir el encuentro, Sabatini se dedicó a firmar libros y conversar con los asistentes, muchos de los cuales llegaron con ejemplares en mano y palabras de admiración.

El proceso detrás de “Podría quedarme acá”

Durante la charla, Oriana relató que "la idea del libro nació de una necesidad personal de explorar nuevos territorios creativos". El trabajo de escritura, aseguró, la enfrentó a emociones intensas: el paso de la música y la actuación a la literatura significó un reto y una oportunidad de autodescubrimiento.

No es común que una figura de la música y la televisión se anime a dar el salto hacia la narrativa de ficción. La artista confirmó que el desarrollo de la historia la mantuvo ocupada durante dos años, un período en el que debió equilibrar su faceta profesional con el proceso de convertirse en madre.

Muchos asistentes quisieron saber si los hechos relatados en la novela tenían algún vínculo autobiográfico. Oriana explicó que, aunque la protagonista comparte con ella la pasión por la música y el cambio de país, la trama y los personajes surgieron de la imaginación y no de su vida personal.

El argumento del libro se apoya en la construcción de un universo emocional complejo. La decisión de la protagonista de trabajar en una funeraria y la irrupción del pasado a través del reencuentro con un amor perdido dotan al relato de una atmósfera particular, mezcla de realismo y elementos fantásticos.

La presencia de su familia fue uno de los momentos más emotivos del evento. El evento en la Feria del Libro permitió a la artista conectar de manera directa con sus lectores. Muchos seguidores se acercaron para compartir su admiración y expresar el impacto que la figura de Sabatini tiene en sus vidas.

La novela y su lugar en la escena cultural

“Podría quedarme acá” se inserta en una tradición de historias que exploran la búsqueda de sentido, el duelo y la posibilidad del reencuentro con el pasado. La protagonista, una joven que abandona el éxito profesional para encontrar paz en Buenos Aires, enfrenta en la novela un dilema universal: reconstruir su vida tras una pérdida y animarse a mirar hacia adelante.

El libro propone una mirada introspectiva sobre el dolor, la esperanza y la reconstrucción personal. La irrupción de lo sobrenatural —el regreso de un amor perdido hace trece años— añade una capa de misterio a una trama anclada en sentimientos reconocibles.

La escritora Elma Correa celebra el reconocimiento internacional tras ganar el Premio Biblioteca Breve 2026 por su novela Donde termina el verano, otorgado por la editorial Seix Barral.

En entrevista con Infobae México, la autora nos habló de lo que significa para ella ganar el premio, sobre la historia y sus temas, sus influencias y su motor para escribir.

Los temas detrás de ‘Donde termina el verano’

La autora nos contó que es la quinta mexicana y la segunda mujer en recibir este galardón representa una sorpresa inesperada en su carrera:

“Una emoción muy grande, una alegría enorme. No me lo esperaba para nada, ha sido una sorpresa, pero es una maravilla. Imagínate que ser la quinta mexicana de la historia, la segunda mujer después de Elena Poniatowska. Yo todavía pienso que alguien me va a pellizcar y voy a despertar y no va a ser cierto, voy a despertar en Mexicali otra vez”.

La novela de Elma explora dos ejes centrales: la amistad y la culpa. La trama sigue a dos amigas inseparables que, en la infancia, viven un hecho trágico y guardan un secreto violento que las separa y las marca.

La autora sostiene que el entorno fronterizo y la violencia son contextos imprescindibles, pero lo que le interesaba era desmenuzar la relación entre sus protagonistas en un mundo hostil para las mujeres:

“Estas dos chicas se conocen desde niñas, viven un evento muy trágico, muy dramático, cuando tienen once, casi doce años. Guardan un secreto muy cruento que las separa y esta carga, esta culpa, las carcome y las trastoca y les cambia la vida”.

El oficio de escribir: así trabaja Elma Correa

Para Elma la escritura es un proceso minucioso: “A mí me encantaría ser de esos autores que son como muy intuitivos, pero no tengo ese don. Soy mujer y no soy blanca, entonces yo no tengo privilegios de clase, yo tengo que trabajar un montón para llegar a fin de mes. No tengo un trabajo de ocho a cinco, a veces de ocho a siete. Doy clases, doy talleres, nomás me falta vender pozole los domingos”, explica la autora.

La falta de tiempo la obliga a ser metódica y eficiente. “En términos técnicos, lo tengo todo listo antes de sentarme a escribir. El tema, trama, mis personajes, sus conflictos, sus deseos, todas esas cosas, todo. Trabajo mucho con la construcción de personajes, sus perfiles, etcétera. Toda esa chamba la hago mucho en la cabeza. Todo el tiempo estoy escribiendo en la cabeza, me hago audios en el celular, tomo notas”, agrega.

El escenario fronterizo como un personaje

En la novela, la atmósfera de la frontera es inseparable de la historia. “Por el tipo de proceso de escritura que yo tengo, nada es casual, ¿no? Absolutamente todo fue planeado y planificado así con una neurosis absoluta. A mí me interesaba que el escenario de la novela, por ejemplo, fuera casi un personaje más. Que el lector dijera: ‘Esto no puede ocurrir en ningún otro lugar más que aquí’”, afirma Correa.

Influencias y el peso del entorno

Elma Correa se formó como lectora en la frontera. “Como soy de la frontera, me formé leyendo mucha literatura gringa. Al canon latinoamericano llegué a la universidad. Leí primero a Carver que a Arreola”, dice.

Entre sus referentes, menciona a Lorrie Moore: “Una de las escritoras que me marcó profundamente se llama Lorrie Moore y es una autora estadounidense que me mostró que las mujeres podemos ser divertidas. Es decir, que podemos hablar de los grandes temas, que podemos hablar de grandes cosas, de cosas importantes, sin aburrir a nadie”.

Sobre escribir sobre su propia vida, la escritora asegura que no hace autoficción, pero reconoce que escribir desde el entorno propio es inevitable. “Yo no hago autoficción. Yo no escribo mi vida. La novela es ficción, todo es inventado, todo son mentiras. No uso como la literatura para hablar de mis cosas ni nada, ¿no? Pero, pero yo sí creo que uno no puede sustraerse de su entorno. O sea, yo escribo de lo que me atraviesa. Digo, yo soy mujer en un país feminicida. Yo no podría no escribir de las cosas que me importan”, sostiene la autora.

“Yo no podría dormir en la noche si no escribiera de ciertas cosas, porque me atraviesan como ser humano, como persona, como mujer, ¿no? Y por lo tanto, como autora. Entonces, no es mi vida, nada de lo que está ahí me pasó a mí, pero vaya, que soy mujer en este país y que tengo que hablar de cosas, ¿no? Soy de Mexicali, yo crecí en un barrio bravo”.

Manuel Benítez recibe en su bar de comidas la inesperada visita del juez Ramón María Zaldívar, responsable de haberlo condenado a prisión en 1975, según concreta la editorial Tusquets en un comunicado. Este reencuentro constituye el eje de la nueva novela de Luis García Montero, titulada 'La mejor edad', que estará a disposición del público en las librerías a partir del 8 de abril. De acuerdo con la editorial, el magistrado acude al local, ya jubilado, con el interés de conocer el rumbo que tomó la vida de Benítez tras aquella sentencia dictada años atrás, la cual se impuso sin pruebas por el robo de un coche y un posterior atraco.

Según informó Tusquets y tal como detalló la nota de prensa, Luis García Montero aborda una historia centrada en la confrontación entre pasado y presente, donde dos vidas se encuentran en un contexto marcado por la memoria de una condena y sus secuelas. En el relato, Benítez ha logrado reconstruir su vida después de su etapa en prisión, mientras que el juez busca entender las consecuencias de sus actos judiciales tras haber concluido su carrera. La novela explora tanto las heridas abiertas por la sentencia original como las posibilidades de reconciliación entre quienes fueron protagonistas de ese hecho.

'La mejor edad' supone el regreso de García Montero al género novelístico tras publicar el poemario 'Almudena' en 2024, obra que recoge poemas de amor dedicados a Almudena Grandes, según informó la editorial Tusquets. La nueva novela se enmarca en una línea narrativa que indaga en las oportunidades de segundas opciones y el cuidado ante las caídas, elementos señalados por la propia editorial en su exposición sobre el libro.

El escenario principal de la historia es el bar de Manuel Benítez, un local al que acude el juez Zaldívar años después de haber dictado la sentencia. Según resume Tusquets, el encuentro entre el antiguo convicto y el magistrado propicia una conversación donde se revisan hechos del pasado y se plantean preguntas acerca de la justicia y la reparación de errores. La editorial describe la trama como una exploración de la humanidad que subyace en situaciones complejas, donde tanto el sufrimiento como la búsqueda de redención ocupan un lugar central en la experiencia vital de los protagonistas.

Luis García Montero ocupa actualmente el cargo de director del Instituto Cervantes, lo que añade contexto a la notoriedad de este lanzamiento literario, tal como detalló el medio. Con 'La mejor edad', el autor propone una mirada reflexiva sobre los efectos de las decisiones judiciales y el modo en que éstas perduran en quienes las reciben. Además, la obra aborda temas de actualidad relacionados con la justicia, el perdón y la posibilidad de construir nuevos vínculos tras vivir episodios que marcaron el destino de sus personajes.

El lanzamiento de la novela abre una nueva etapa en la trayectoria de García Montero, quien se caracteriza por alternar la poesía y la narrativa, manteniendo temas recurrentes como la memoria, la identidad y el análisis de las relaciones humanas. Tusquets remarca en sus comunicaciones que 'La mejor edad' aporta una visión renovada sobre las segundas oportunidades y la manera en que las heridas del pasado pueden dialogar con el presente para ofrecer alternativas de reconciliación.

El padre de Carlo Costanzia di Costigliole decidió volver a la esfera pública en redes sociales para dirigirse directamente a su nuera, Alejandra Rubio, con motivo de su cumpleaños y poco después de que esta confirmara que espera su segundo hijo con Carlo Costanzia. Según informó el medio de comunicación, esta felicitación estuvo cargada de apoyo en un momento en que Rubio se ha enfrentado a numerosas críticas tras comunicar su embarazo a través de una exclusiva, generando debate sobre su gestión de la vida privada.

De acuerdo con el medio que cubrió el evento, Alejandra Rubio celebró sus 26 años el martes 24 de marzo, solo días después de anunciar en '¡De Viernes!' que será madre de su segundo hijo con Carlo Costanzia. El futuro nacimiento del bebé está previsto para antes de las festividades de diciembre, casi dos años después que el nacimiento de su primer hijo, Carlo Jr. Esta nueva etapa de su vida se ve acompañada, no solo de las felicitaciones esperadas de amigos y familiares, sino también de un entorno de polémica por la forma en que eligió difundir la noticia y por cuestionamientos sobre su capacidad como escritora, ya que está por lanzar su primera novela.

Según publicó la fuente original, una de las primeras personas en manifestar apoyo a Rubio fue su pareja, Carlo Costanzia, quien compartió en Instagram un mensaje en el que la calificó como “la mejor madre que pudiera imaginar para mis hijos”, acompañado por una imagen juntos y un deseo de que pasen muchos años más unidos. Esta publicación se produjo en un contexto de respuestas directas a las críticas y mensajes de odio que ha recibido la comunicadora desde el anuncio de su embarazo.

Posteriormente, el padre de Carlo Costanzia, quien llevaba algún tiempo alejado de las redes, retomó la actividad pública al publicar un mensaje dirigido a Alejandra Rubio. Tal como consignó el medio citado, en el mensaje la animó a disfrutar su cumpleaños y desestimar las opiniones negativas: "Super feliz cumple!!! Que lo disfrutes, que no des importancia a quien no se la merece, eres una luchadora, ser despreciada por idiotas es el precio a pagar por no ser como ellos". Expresó además orgullo y alegría por el papel de madre de sus nietos que desempeña Alejandra, rematando con la frase: "Eres una mamá estupenda y orgulloso que seas la madre de 'mis' nietos! Ahora a celebrarlo!! Buon compleanno!!".

El medio relató que Alejandra respondió públicamente a este mensaje agradeciendo a su suegro y manifestando cariño. Este intercambio fue seguido de una reacción por parte de Terelu Campos, madre de Alejandra Rubio, quien también escribió unas palabras en la publicación del excompañero de Mar Flores. En su comentario, Terelu expresó gratitud hacia Carlo Costanzia di Costigliole por la felicitación destinada a su hija, a quien se refirió como “lo más importante” de su vida y la "razón para seguir luchando por ella y por la familia que han formado".

La reciente exposición mediática de Alejandra Rubio, tanto por la noticia de su embarazo como por los rumores sobre la autoría real de su próxima novela “Si decido arriesgarme”, ha generado un entorno de opiniones encontradas según detalló el medio. Rubio optó por anunciar su estado de gestación a través de una exclusiva televisiva, formato que contrasta con su habitual postura reservada sobre cuestiones personales en comparación con otros miembros del clan Campos. Este hecho, junto con los comentarios que ponen en duda su implicación en la redacción de su libro, marcó su cumpleaños con un tinte de controversia.

El apoyo público manifestado tanto por su pareja como por su suegro y su madre cobra especial relevancia dada esta situación, según lo referido por la cobertura mediática. La sucesión de mensajes tiene como telón de fondo no solo el festejo de un aniversario personal sino también la reafirmación del vínculo familiar en un periodo de exposición pública y críticas. El gesto del padre de Carlo Costanzia, quien eligió usar una imagen de Alejandra y su hijo celebrando el embarazo como foto de perfil, y las palabras de aliento tanto de él como de Terelu Campos, subrayan el respaldo recibido por Rubio en este entorno.

El anuncio del nacimiento previsto para antes de las fiestas de diciembre y el pronto lanzamiento de la novela completan el panorama personal y profesional de Alejandra Rubio, quien encara una etapa de cambios y proyectos bajo la atención mediática y el apoyo manifiesto de su entorno familiar, de acuerdo con lo reportado por el medio.

Hay libros que son capaces de influir decisivamente en la historia, como La Biblia y El Manifiesto Comunista, por citar los dos más famosos. En una lista un poco más amplia no puede faltar La Cabaña del Tío Tom, la novela que Harriet Beecher Stowe publicó primero por entregas en el periódico abolicionista The National Era y finalmente en forma de libro el 20 de marzo de 1852. Fue un suceso editorial sin precedentes, que vendió 300.000 ejemplares en un solo año, una cifra que solo había sido superada hasta entonces por La Biblia, pero si pasó a la historia y todavía hoy se sigue leyendo con interés se debe al papel que jugó en la lucha contra la esclavitud en Estados Unidos.

Nacida en 1811, Beecher era hija de un pastor antiesclavista de Boston y La Cabaña del Tío Tom fue su primera novela, escrita cuando tenía 40 años, con la intención de promover la causa abolicionista en los años previos a la Guerra Civil, mostrando con crudeza las penurias de familias rotas y destruidas por el tráfico de esclavos, las separaciones arbitrarias de sus integrantes y la crueldad de muchos de los propietarios de esclavos del sur estadounidense. Lo logró de tal manera que en 1862, diez años después de la publicación de la novela y en pleno desarrollo de la Guerra Civil, el presidente Abraham Lincoln quiso conocerla. “De manera que es usted la pequeña mujer que escribió el libro que provocó esta gran guerra”, le dijo cuando se la presentaron.

La obra tiene la esclavitud como tema central y narra principalmente la historia del tío Tom, esclavo que trabaja hace años en la propiedad de los Shelby, donde vive junto con su familia, y es vendido a un traficante de esclavos. A la par de las peripecias de Tom, que después de ser vendido cae en manos de diferentes esclavistas violentos, se narra la historia de Eliza, que escapa de la propiedad de los Shelby después de que su pequeño hijo Harry también fuera vendido, como Tom; y también la de Georges Harris, el esposo de Eliza, que también se rebela y huye de sus dueños. El personaje del Tío Tom es totalmente imaginario, pero no el de su antagonista, el rebelde George Harris, inspirado en un esclavo de carne y hueso llamado Josiah Henson, que huyó de sus dueños, se convirtió en un hombre libre y también en ministro metodista y luchador abolicionista, con un intenso activismo que lo llevó a recorrer no solo Estados Unidos y Canadá sino también a cruzar el Atlántico y recalar en Londres con el objetivo de recaudar fondos para la causa.

Un padre azotado y un hijo rebelde

El recuerdo más potente que el negro Josiah Henson tenía de su infancia era el de ver azotar a su padre por haber golpeado a un hombre blanco. “Se fijó el día de la ejecución de la pena. Se convocó a los negros de las plantaciones vecinas, para su mejoramiento moral, para que presenciaran la escena. Un poderoso herrero llamado Hewes colocó las rayas. Se dieron cincuenta, durante las cuales los gritos de mi padre se oían a una milla de distancia, y luego se produjo una pausa. Cierto, había golpeado a un hombre blanco, pero como propiedad valiosa, no debía ser dañado. Hombres juiciosos le tomaron el pulso. ¡Oh! Podía soportarlo todo. Una y otra vez la correa cayó sobre su espalda lacerada. Sus gritos se hicieron cada vez más débiles, hasta que un débil gemido fue la única respuesta a los golpes finales. Entonces le empujaron la cabeza contra el poste, y le sujetaron la oreja derecha con una tachuela; un rápido golpe de cuchillo, y el miembro sangrante quedó pegado al lugar. Entonces se oyó un hurra de la multitud degradada, y la exclamación: ‘¡Eso es lo que tiene por golpear a un hombre blanco!’. Algunos dijeron: ‘¡Es una lástima!’; pero la mayoría lo consideró un merecido homenaje a su majestad ofendida”, escribió en su autobiografía La vida de Josiah Henson, antiguamente esclavo, ahora habitante de Canadá, narrada por él mismo.

Después del brutal castigo, el padre de Henson fue vendido a un terrateniente de Alabama y el chico nunca lo volvió a ver. Más tarde, en distintas subastas, a Josiah lo separaron también de su madre, de sus hermanas y de sus hermanos. En cuanto a él, pasó por diferentes amos que también dejaron marcas en su cuerpo: brazos fracturados y una lesión en la espalda que lo acompañó toda la vida. Lo que no pudieron quitarle fueron sus ansias de libertad.

Estafado por su propio dueño

Josiah Henson nació en la esclavitud el 15 de junio de 1789 cerca de Port Tobacco, Maryland. Tras la venta de su padre y el desmembramiento de su familia, Josiah fue vendido a un traficante de niños, pero no resultó negocio porque poco después se enfermó y nadie quería comprarlo. Eso hizo que el traficante se lo ofreciera al hombre que había comprado a la madre del chico, un herrero llamado Isaac Riley en un extraño acuerdo: no le cobraría nada si Josiah moría; en cambio, si sobrevivía, el nuevo dueño debía arreglarse sin cargo las herraduras de sus caballos.

Riley también tenía campos, a los que envió a trabajar a Josiah. El chico creció y se convirtió en un colaborador indispensable para su dueño, que lo hizo capataz de sus campos y también comenzó a encomendarle la venta de sus productos en la ciudad. Esos viajes marcaron a fuego a Josiah, porque además de cumplir con las misiones que le encomendaba su amo, en la ciudad conoció a abogados abolicionistas y pastores metodistas, uno de los cuales le enseñó a predicar y lo ayudó a recaudar fondos para comprar su libertad.

Después de muchos esfuerzos, pudo reunir 350 dólares y se los ofreció a Riley como anticipo por su liberación por un precio total de 450. Por los cien faltantes firmó un pagaré, pero Riley le agregó un cero más al documento para que la cifra fuera inalcanzable. Además de estafarlo, lo envió a Kentucky, donde tenía campos su hermano Amos, para que lo vendiera. La operación no se concretó porque, el sobrino de Riley, enfermó de gravedad y Henson le salvó la vida embarcándose con él en un barco para regresar al norte, donde había mejores médicos para atenderlo.

Ni esa decisión que salvó la vida de un familiar muy querido hizo que Riley reconociera su engaño y lo liberara. Consciente de que nunca obtendría la libertad por las buenas, comenzó a preparar un plan para escapar. Pero no podía hacerlo solo: para entonces se había casado y tenía cuatro hijos, dos de ellos tan pequeños que hacía poco habían comenzado a caminar.

Un escape épico

Henson decidió jugarse el todo por el todo. En secreto, su esposa cosió una mochila lo suficientemente grande como para que Josiah pudiera cargar a sus dos hijos más pequeños en la espalda; los dos mayores deberían caminar. Le costó convencer a su mujer: “Le comuniqué mi intención a mi esposa. Estaba abrumada por el terror. Con instinto de mujer, se aferró a su hogar. Desconocía por completo el vasto mundo que nos rodeaba, y su imaginación lo poblaba de horrores invisibles. Moriríamos en el desierto, nos perseguirían con sabuesos, nos traerían de vuelta y nos azotarían hasta la muerte. Con lágrimas y súplicas, me rogó que me quedara en casa, contento. En vano le expliqué nuestra posibilidad de ser destrozados en cualquier momento; los horrores de la esclavitud que había presenciado recientemente; la felicidad que disfrutaríamos juntos en una tierra de libertad, a salvo de todo mal que nos acechara”, cuenta en su autobiografía.

Huyeron aprovechando la oscuridad una noche sin luna y atravesaron bosques caminando desde el ocaso hasta el amanecer y durmiendo ocultos durante el día. Así cruzaron la frontera de Kentucky con Indiana y luego llegaron a Cincinatti, donde una familia de cuáqueros los alojó durante unos días para recuperaran fuerzas. En Ohio, cuando ya no tenían qué comer, tuvieron la suerte de toparse con un grupo de indígenas que los albergaron.

Siempre viajando de noche y durmiendo de día, recorrieron 965 kilómetros hasta la frontera con Canadá. Al llegar al río Niágara se toparon con una nueva dificultad, no tenían dinero para pagar el cruce. Tuvieron la suerte de encontrarse con el capitán Burnham, un escocés que accedió a llevarlos. El marino solo le preguntó si sería una buena persona al obtener su libertad en una nueva tierra. “Sí, haré buen uso de mi libertad”, le respondió Josiah sin dudar.

Por esos tiempos el Alto Canadá se había convertido en un refugio para los esclavos que escapaban de Estados Unidos desde 1793, cuando el teniente gobernador John Graves Simcoe aprobó la “Ley para prevenir la introducción de esclavos y limitar la duración de los contratos de servidumbre en esta provincia”. La legislación no abolió de inmediato la esclavitud en la colonia, pero sí impidió la importación de esclavos, por lo que cualquier esclavo estadounidense que llegara se convertiría en Ontario inmediatamente en un hombre libre. El 28 de octubre de 1830, la familia Henson pisó territorio canadiense y logró la tan ansiada libertad. El primer gesto de Josiah fue arrojarse al suelo y besar la tierra.

Un luchador incansable

Convertido en un hombre libre, Josiah trabajó primero como jornalero en granjas, hasta que en 1834 se trasladó con su familia y otros antiguos esclavos a Colchester para establecer un asentamiento negro en tierras arrendadas. Envió a su hijo mayor, Tom, a la escuela, y aprendió a leer gracias al aprendizaje que iba haciendo el chico. El hecho de saber leer y escribir y su elocuencia como predicador lo llevaron naturalmente a ser uno de los líderes de la creciente comunidad de esclavos fugitivos en Canadá. Además, fue un avanzado en la producción cooperativa al hacer de la comunidad de Dawn, compuesta por unas quinientas personas, un centro de producción y exportación de madera de nogal negro a Estados Unidos y Gran Bretaña.

Aunque pudo haber tenido desde entonces una vida acomodada y apacible, no cejó en su activismo contra la esclavitud. “El tema central de la historia de Henson es la gestión de la libertad. En lugar de usar sus prodigiosas habilidades empresariales y oratorias para simplemente construirse una vida cómoda, abogó por la igualdad de oportunidades, puso a salvo a amigos y familiares, fundó iglesias y se defendió del encarcelamiento tras apoyar a familias que enviaron a sus hijos a luchar en la guerra civil. Se embarcó en una gira de casi cien escalas por Gran Bretaña para recaudar fondos para la causa. Con la ayuda de simpatizantes estadounidenses y filántropos cristianos británicos, construyó un asentamiento para refugiados afroamericanos, recaudó fondos para empresas sociales para la comunidad negra, incluyendo un aserradero y una fábrica de ladrillos, e incluso construyó una escuela desegregada, casi un siglo antes del fin de las leyes de Jim Crow en la década de 1960”, escribió uno de sus biógrafos, Jared Brock.

Viajó también varias veces a territorio estadounidense para ayudar a otros esclavos a escapar. “La condición degradada y desesperanzada de un esclavo jamás podrá ser comprendida por él mientras permanezca en tal posición. Tras haber saboreado las bendiciones de la libertad, mi mente se posó en aquellos que sabía que gemían en cautiverio, e inmediatamente procedí a tomar medidas para liberar a todos los que pudiera. Pensé que, con esfuerzo, muchos podrían escapar como yo, si contaban con algún consejo práctico sobre cómo proceder”, relató en sus memorias.

Josiah Henson murió el 5 de mayo de 1883, a los 93 años, en Canadá. Una crónica de la época lo describe como “un anciano jovial, bastante activo considerando su edad”. Hacía años que se lo conocía como “el verdadero Tío Tom”, después de que Harriet Beecher Stowe reconociera: “Un último ejemplo de paralelismo con el del tío Tom se encuentra en las memorias publicadas del venerable Josiah Henson... ahora pastor del asentamiento misionero de Dawn, en Canadá”.

La historia de Henson y la novela de Stowe jugaron un papel decisivo en la elección presidencial de Abraham Lincoln, cuando el Partido Republicano distribuyó cien mil ejemplares del libro durante la campaña de 1860 para fomentar el apoyo antiesclavista. Es posible que, sin la prensa abolicionista y la repercusión de la novela, Lincoln no hubiese ganado las elecciones. “Si no hubiera existido La Cabaña del Tío Tom, no habría habido Lincoln en la Casa Blanca”, afirmó, contundente, el senador Charles Summer, uno de los hombres más cercanos al presidente número 16 de Estados Unidos.

Durante una reciente aparición pública, Terelu Campos comentó que aún no había leído el primer libro de su hija, 'Si decido arriesgarme', y explicó que ya había reservado un ejemplar en preventa. Estas declaraciones tomaron por sorpresa a algunos seguidores, quienes esperaban que la conocida presentadora hubiera revisado el manuscrito antes de su lanzamiento. Ante la expectación y los comentarios generados, su hija Alejandra Rubio se pronunció sobre los motivos por los cuales tan solo unas pocas personas han tenido acceso a la obra hasta la fecha, al tiempo que abordó de forma directa las dudas y críticas en torno a la autoría de su novela.

Según publicó el medio Europa Press, Alejandra Rubio afirmó que ni su madre ni otras personas ajenas al círculo editorial y amistoso han leído el libro antes de su publicación. "¿Cómo lo va a haber leído si no ha salido, hija? No lo ha leído ni mi madre ni nadie. Solo mis editoras y mis mejores amigas", respondió de manera categórica cuando se le preguntó sobre este aspecto en el programa 'Vamos a ver'. Estas palabras surgen mientras la obra aún se encuentra a dos meses de su distribución en librerías españolas y su debut literario continúa suscitando debate.

El medio Europa Press detalló que la joven también se refirió a las voces que ponen en duda que haya escrito la novela por sí sola. Este tipo de comentarios adquiere especial relevancia porque, de acuerdo con su madre Terelu, estos ataques tienen relación con el hecho de que Alejandra sea hija de una figura pública. La propia protagonista de la polémica declaró: "Yo sí he escrito el libro. He dicho que he escrito yo íntegramente el libro, ¿vale?", reiterando su autoría de forma contundente e insistiendo en que tenía claro que estas críticas llegarían tras el anuncio de su obra. Según sus palabras, preveía que este debate sería inevitable y lo describió como una forma de "promoción" que contribuye a aumentar el interés sobre el lanzamiento del libro.

En medio de la controversia, Mar Flores, pareja de su suegro, realizó unas declaraciones que han sido interpretadas por parte del público como una referencia indirecta a Alejandra Rubio. Flores comentó: "No se es escritora por escribir un libro", aunque aclaró que estas palabras hacían alusión a su propia experiencia personal al redactar su biografía titulada 'Mar en calma'. Pese a la aclaración, el sector mediático apuntó hacia la nieta de María Teresa Campos, lo que añadió más tensión al ambiente en torno al debut literario. Ante la pregunta sobre estas declaraciones, Rubio respondió con firmeza, defendiendo que ha trabajado de manera autónoma en su obra.

Además, durante una entrevista difundida por Europa Press, la joven ofreció una respuesta contundente a quienes creen que la novela será decepcionante: "Que se hable bien, mal, pero que lo lean para opinar", explicitó. Con esta frase, buscó enfatizar la importancia de que su trabajo sea evaluado únicamente después de ser leído y no formado sólo por rumores o prejuicios.

En el plano personal, Alejandra Rubio expresó su apoyo a Carlo Costanzia, su pareja, quien recientemente compartió detalles sobre las dificultades vividas tras el conflicto entre sus padres. En el programa 'Decomasters', Carlo relató episodios duros derivados de la relación entre Mar Flores y Carlo Costanzia di Costigliole. Alejandra manifestó desconocer la necesidad de que la madre de Carlo, Mar Flores, expusiese los momentos más difíciles de su matrimonio en sus memorias y concluyó: "Que cuente lo que quiera".

El medio Europa Press reportó que, por el momento, 'Si decido arriesgarme' continúa generando reacciones previas a su publicación, tanto entre seguidores como detractores de la joven autora. Las declaraciones públicas de los distintos miembros del entorno de Alejandra Rubio han servido para alimentar el interés mediático y social en torno a la novela, mientras la autora y su familia se enfrentan a los cuestionamientos y el debate sobre el valor autoral y la exposición pública ligada a un apellido de peso.

La publicación de “Permiso para retirarme. Antimemorias III” en 2019 marcó el cierre literario de Alfredo Bryce Echenique, quien en esa obra reflejó escenas de una vida consagrada “a la literatura, la amistad y el amor”, de acuerdo con la explicación que acompañó el lanzamiento. La Casa de la Literatura Peruana informó que el escritor peruano murió a los 87 años. Considerado uno de los narradores más influyentes de la generación posboom dentro de la literatura latinoamericana, Bryce Echenique deja un legado sostenido por novelas galardonadas, ensayos y memorias que han impactado a varias generaciones de lectores.

Según reportó la Casa de la Literatura Peruana, el autor fue una figura clave y “uno de los narradores más destacados del país”. Su obra abarca novela, cuento, ensayo y memorias, y obtuvo reconocimiento tanto en su país como en el ámbito internacional. El organismo expresó sus condolencias a su entorno familiar, amistades y a toda la comunidad literaria del país con motivo del fallecimiento, subrayando la huella que deja Bryce Echenique.

El nombre de Alfredo Bryce Echenique se asocia en primer término con “Un mundo para Julius”, que lo hizo acreedor al Premio Nacional de Literatura de Perú en 1972. Según publicó la Casa de la Literatura Peruana, a esta obra se suman títulos destacados como “El huerto de mi amada”, ganador del Premio Planeta en 2002, además de novelas como “La vida exagerada de Martín Romaña” y “El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz”. A lo largo de su trayectoria, el escritor reunió narraciones, ensayos y recuerdos personales en una producción que abarca décadas.

Nacido en Lima en 1939, Bryce Echenique inició sus estudios superiores en 1957 en la Universidad de San Marcos, donde obtuvo primero el título de licenciado en Derecho. Posteriormente, en 1977, alcanzó el grado de doctor en Letras en la misma casa de estudios. La vida del autor experimentó un cambio relevante en 1964 cuando se trasladó a Europa, una decisión que marcó su tránsito por Francia, Italia, Grecia, Alemania y, posteriormente, España.

En la capital española, Bryce Echenique vivió desde 1985, residiendo allí hasta febrero de 1999, cuando retornó de manera breve a Perú. Tras ese corto regreso, se instaló en Barcelona en 2002, donde consolidó su rumbo literario y publicó en 2005 el segundo tomo de sus memorias, titulado “Permiso para sentir”. En estas páginas abordó una visión del Perú contemporáneo mediante un relato introspectivo sobre sus vínculos y desencuentros con su país natal. Según precisó la editorial Anagrama, Bryce Echenique describió esta aproximación como un “feroz” aunque también “lúcido” ajuste de cuentas con su país.

A lo largo de su carrera, el escritor compaginó la actividad literaria con la docencia, desempeñándose como profesor en diversas universidades de Francia. La enseñanza acompañó su proceso creativo en todos los años de su trayectoria.

De acuerdo con el medio que reportó la noticia, Anagrama fue una de las editoriales responsables de difundir buena parte de la obra de Bryce Echenique en España. En este sello vieron la luz títulos como “Tantas veces Pedro”, “La vida exagerada de Martín Romaña”, “El hombre que hablaba de Octavia de Cádiz” y “La última mudanza de Felipe Carrillo”, sumados a “Dos señoras conversan”, “No me esperen en abril”, “Reo de nocturnidad”, novela distinguida con el Premio Nacional de Narrativa en España, y “Dándole pena a la tristeza”.

Entre los libros de relatos publicados por Anagrama destaca la compilación “La esposa del Rey de las Curvas”. En el ámbito de la memoria personal, el autor dio a conocer los volúmenes “Permiso para vivir”, “Permiso para sentir” y “Permiso para retirarme”. Asimismo, la editorial ofreció al público los libros de ensayos y artículos “A vuelo de buen cubero (y otras crónicas)”, “Crónicas personales”, “A trancas y barrancas” y “Crónicas perdidas”.

La extensa producción de Alfredo Bryce Echenique imprimió una marca en la narrativa hispanoamericana contemporánea, por lo que su deceso, tal como informó la Casa de la Literatura Peruana, representa un momento de despedida para la literatura de la región y para el público lector que lo acompañó a lo largo de los años.

Fernando Aramburu ha expresado su preocupación por la falta de conocimiento entre los jóvenes sobre el asesinato de Miguel Ángel Blanco, afirmando que muchos “no tienen ni idea de quién era”. Esta afirmación se enmarca en el contexto de su más reciente obra, ‘Maite’, según informó Europa Press. La novela, editada por Tusquets, se centra en el secuestro y muerte en 1997 del concejal del Partido Popular, víctima de la organización armada ETA, y pretende contribuir a que nuevas generaciones conozcan los hechos que marcaron la historia reciente en España.

En declaraciones recogidas por Europa Press, Aramburu compartió su expectativa de que el libro logre reactivar la conversación pública sobre aquel episodio. Relató que encuestas realizadas entre adolescentes en distintas regiones, incluyendo País Vasco, han evidenciado el desconocimiento sobre la figura de Miguel Ángel Blanco. El autor sugirió que su novela podría servir, aunque sea modestamente, para devolver este nombre al espacio cultural y despertar inquietudes entre quienes ignoran lo que ocurrió en las mismas calles que hoy consideran seguras. “Quizá modestamente pueda contribuir a poner este nombre de nuevo por lo menos en las páginas de Cultura y a que algún chavalillo que no sabía nada se interese y sepa qué ocurría en las calles donde ahora él pasea tranquilamente y juega”, señaló Aramburu, citado por Europa Press.

Europa Press también reportó que, en la visión del escritor, mientras la sociedad vasca parece esquivar el debate sobre la violencia política del pasado, el Congreso de los Diputados muestra una dinámica diferente. Aramburu describió el parlamento como un lugar donde se intercambian reproches y descalificaciones relacionadas con hechos históricos, buscando rédito electoral. “La idea (de los políticos) es, naturalmente, que el votante después me favorezca. Entonces ahora doy una imagen negativa del otro, lo asocio con hechos históricos que son negativos, que fueron violentos y, de esa manera, lo desacredito”, sostuvo, ejemplificando con referencias a Bildu, Franco, la guerra civil, Venezuela y episodios como la Dana.

El escritor dedicó parte de su intervención a criticar la presencia de una diputada en las listas de Bildu que fue condenada anteriormente por apología del terrorismo. Aramburu afirmó que actos como estos dificultan que se deje atrás el recuerdo de las acciones de ETA. “Su coordinador general también estuvo en la cárcel. Y tienen en las listas gente que ha estado en ETA. Ellos mismos (Bildu) se exponen a que se les recuerde en algunas actuaciones. Y si hubiera un gesto verdaderamente humano y claro de reconocimiento o de petición de perdón para darle a toda esta puñetera y cruenta historia un cierre ético, no estaríamos como están las víctimas. Estarían ahí, pues entristecidas y abandonadas”.

La novela ‘Maite’, como señaló su autor en la presentación reportada por Europa Press, relata la historia desde una perspectiva íntima. Se trata de una narración enfocada en una familia vasca: dos hermanas y una madre que, durante los cuatro días del secuestro y posterior asesinato de Blanco, experimentan el silencio y la dificultad para expresar pensamientos y sentimientos frente a la tragedia. Aramburu enfatizó que el libro pone en primer plano las vivencias y el impacto emocional en las mujeres cercanas al caso.

El autor de ‘Patria’ abordó, además, las críticas que ha recibido desde sectores independentistas acerca del foco de su obra. Narró que le han reprochado no abordar en profundidad la violencia sufrida por personas afines al independentismo, algunas de las cuales fueron detenidas, maltratadas o asesinadas, además de los episodios perpetrados por los Grupos Antiterroristas de Liberación (GAL). Aramburu subrayó que su intención pasa por analizar la realidad vasca de una forma ecuánime: “Voy a mirar la realidad de mi país natal con dos ojos, no con uno”, puntualizó, aunque también lamentó la tendencia a politizar cualquier discurso e insistió en que el debate ético y estético queda desplazado por una confrontación política permanente.

Al analizar la situación actual, Aramburu describió la persistencia de la violencia en el mundo, argumentando que su carácter no ha cambiado con el tiempo, aunque ahora resulta más visible por los avances tecnológicos en armamento y la desaparición de los campos de batalla tradicionales. “Lo novedoso son los avances tecnológicos en materia de armas y la definitiva desaparición del campo de batalla donde iban los soldados a matarse”, dijo el escritor, según indicó Europa Press.

El panorama europeo también formó parte de las reflexiones del autor. En sus palabras, Europa se encuentra en un estado de debilidad dentro del contexto internacional, caracterizada por un clima pacífico, institucional y burocrático, que, a su juicio, ha modificado la posición del continente en el tablero de la geopolítica global.

La publicación de ‘Maite’ representa un intento deliberado de Aramburu por invitar a las nuevas generaciones a recoger el testigo de la memoria colectiva, particularmente al poner en foco el caso de Blanco, asesinado por ETA. Según consignó Europa Press, el escritor desea contribuir a que los jóvenes interroguen y conozcan el pasado que definió la convivencia en España, al tiempo que pone sobre la mesa la complejidad que entraña el debate público sobre las heridas abiertas por el terrorismo y la violencia de Estado.

Durante la presentación de 'Llevará tu nombre', Sonsoles Ónega recalcó la relevancia de que Alejandra Rubio incursione en el mundo editorial, subrayando que figuras jóvenes con proyección pueden incentivar la lectura entre nuevos públicos. Según publicó el medio, Ónega remarcó la capacidad de Rubio para influir en el hábito lector y expresó un respaldo explícito a su colega, en un entorno donde la publicación de novelas por personajes conocidos suele generar controversia entre críticos literarios y lectores tradicionales.

Según informó el medio, el reciente anuncio de la primera novela de Alejandra Rubio ha provocado opiniones encontradas tanto en el sector especializado como en el público aficionado a la literatura. Mientras diversas voces discutían el impacto y la pertinencia de la entrada de nuevos autores provenientes del entorno mediático, Ónega, galardonada con el Premio Planeta, manifestó su entusiasmo por el dinamismo que aportan estas irrupciones al panorama editorial. La periodista y escritora participó en una firma de libros donde compartió impresiones sobre su experiencia, destacando que encuentros presenciales con sus lectores le generan especial satisfacción, sobre todo después de haber recibido un reconocimiento literario de alta relevancia.

Ónega, que combina su actividad en televisión con su trabajo como escritora, ha enfrentado recriminaciones desde distintos sectores, incluyendo expertos literarios que cuestionan los perfiles mediáticos en la narrativa contemporánea. Frente a estas reacciones, sostuvo que aquel que decida sumergirse en la escritura debe perseverar ante la presión o las críticas negativas. Respecto a Alejandra Rubio, aconsejó que “no te paralicen”, en referencia a los obstáculos y los juicios que pueden surgir por parte de la crítica y del entorno académico al debutar con una obra de ficción.

La autora de 'Llevará tu nombre' también resaltó el papel de los jóvenes escritores en el ecosistema literario. De acuerdo con lo difundido en el medio, consideró positiva la participación activa de figuras como Rubio—descrita como lectora habitual y con un gran alcance en redes sociales—al estimar que pueden estimular el ejercicio de la lectura. La escritora opinó que el impulso de nuevas voces tiene potencial para aumentar el interés por los libros entre generaciones no tan cercanas al formato tradicional, añadiendo que el acto mismo de leer y escribir es lo esencial en este proceso.

El avance de Alejandra Rubio hacia su debut literario llega en un momento en el que la industria editorial española experimenta un flujo constante de lanzamientos. Tanto críticos como lectores han dedicado atención al anuncio de su primera novela, anticipando su publicación mientras discuten el papel de los personajes públicos en las letras. Mientras tanto, el ejemplar más reciente de Sonsoles Ónega se encuentra ya disponible, permitiendo a los lectores acceder al trabajo más reciente de la ganadora del Premio Planeta.

El medio detalló que eventos como la firma de libros de Ónega constituyen espacios de interacción directa y retroalimentación entre autores y lectores, además de servir como plataforma para animar a quienes consideran iniciarse en la escritura. La propia Ónega insistió en que el fomento de la lectura y la apertura a nuevas voces deben considerarse un objetivo compartido en el ámbito literario, manteniendo una postura abierta hacia quienes, como Rubio, deciden explorar la creación de ficción pese a los desafíos y escepticismo que suelen acompañar estos pasos iniciales.

Así, Sonsoles Ónega posiciona su apoyo a los nuevos escritores, especialmente aquellos de perfiles jóvenes y mediáticos, reafirmando mediante declaraciones públicas su visión acerca del impacto que pueden tener sobre el panorama editorial y el hábito lector, según publicó el medio.

Terelu Campos aseguró que no mantiene relación personal alguna con figuras reconocidas de su entorno laboral y mediático, tras ser consultada sobre los vínculos familiares y profesionales que suelen rodear la actualidad de su hija, la escritora debutante Alejandra Rubio. De acuerdo con lo publicado por el medio de noticias, la periodista marcó claramente su distancia y expresó que actualmente se encuentra centrada en el apoyo a la nueva faceta literaria de Alejandra, sin involucrarse en polémicas ajenas ni en asuntos vinculados a terceras personas de la escena del entretenimiento.

Según informó la misma fuente, Terelu Campos respaldó la incursión de Alejandra Rubio como autora de una novela, destacando que si bien acompañó el proceso editorial y estaba al tanto de que su hija preparaba un libro, desconoce detalles personales de la trama y, por tanto, no puede confirmar si este primer trabajo literario tiene componentes autobiográficos. “Yo no tengo ni idea, hijo, te lo digo de verdad”, respondió la periodista ante los cuestionamientos sobre posibles referencias personales en la novela de Alejandra. Con esto, Terelu matizó que su apoyo se relaciona con el interés y talento de su hija por la escritura y la lectura, y no con una supervisión sobre el contenido de la obra.

La revelación de la nueva faceta de Alejandra Rubio como escritora se ha presentado en un contexto complejo. El medio detalló que la polémica surgida por la relación entre la pareja de Alejandra, Carlo Costanzia, y la prima Laura Matamoros, permanecía activa en los medios hasta que la preventa del libro de Alejandra logró desviar parte de la atención hacia el ámbito literario, aunque, según la periodista, no tanto como la propia Alejandra hubiera deseado.

En cuanto a las expectativas familiares sobre el debut literario, Terelu Campos manifestó que nunca le sorprendió la inclinación de su hija por escribir, ya que desde hace tiempo muestra interés tanto en la lectura como en la redacción. “¿Por qué? Le gusta leer y le gusta escribir, pues ya está”, señaló la periodista, según consignó el medio, para explicar con naturalidad el motivo por el que considera normal el paso de Alejandra al mundo editorial. Añadió además que se siente “orgullosa siempre de ella”, un sentimiento que extiende a cualquier paso profesional que tome su hija, y recalcó su satisfacción por la decisión de emprender el proyecto de la novela.

Tal como reportó la fuente, la presentación pública de la novela de Alejandra Rubio coincidió con días de intensa atención mediática sobre entornos familiares de la joven y sobre su relación con figuras del canal de televisión al que ambas pertenecen. Sin embargo, Terelu Campos aprovechó la oportunidad en una aparición pública de camino al trabajo para aclarar su posición respecto a supuestos lazos o afectos con la familia Matamoros y con otros rostros del medio. Hacía apenas una semana, la periodista había expresado aprecio por Laura Matamoros, pero en esta nueva intervención fue categórica: “Yo no tengo relación con nadie”.

La periodista fue consultada sobre la situación horas antes de recibir a su yerno, Carlo Costanzia, en el programa ‘De viernes’, y recalcó la independencia de su posición personal frente a los conflictos y relaciones existentes entre las nuevas generaciones del entorno mediático al que pertenece su hija. El medio precisó que, al margen de la exposición pública de las figuras involucradas, Terelu buscó dejar claro que su implicación es estrictamente profesional y familiar en lo relacionado con Alejandra y su carrera literaria, sin extenderse a terceras personas.

Estas manifestaciones se producen cuando la novela de Alejandra Rubio inicia su promoción, proceso que, según publicó el medio, ha logrado apartar parcialmente las discusiones en torno a familiares y allegados, otorgando a la joven un espacio propio en el ámbito de la cultura y el entretenimiento. La postura de Terelu Campos refuerza el relato de autonomía que sostiene en su relación con su hija, y su esfuerzo por deslindar del debate público aquellas cuestiones privadas o vinculadas a figuras ajenas a su círculo inmediato, reforzando de ese modo que, si bien acompaña el crecimiento profesional de Alejandra, su conocimiento sobre el contenido personal del libro es limitado y su relación con el resto del entorno mediático es inexistente en términos personales.

Carmen Borrego no ha comentado hasta el momento con Belén Rodríguez sobre la publicación del libro de Alejandra Rubio, a pesar del contacto constante entre ambas, según reveló Rodríguez en declaraciones citadas por El Telecinco. La colaboradora indicó que, aunque mantiene frecuentes conversaciones con Borrego, el tema de la incursión literaria de Rubio no ha formado parte de sus charlas. Rodríguez subrayó que tanto ella como Borrego suelen centrarse en temas personales y no abordan con regularidad asuntos familiares, pero manifestó la certeza de que Borrego apoyará a Alejandra Rubio en esta nueva etapa, debido al vínculo cercano que las une.

Según informó El Telecinco, la opinión de Belén Rodríguez sobre el lanzamiento del libro de la hija de Terelu Campos, titulado 'Si decido arriesgarme', se desmarca de posturas críticas y especulaciones sobre la capacidad de Rubio para crear una obra literaria. Rodríguez expresó que Alejandra Rubio no carece de habilidades y que, después de dos años dedicada al proceso de escritura, considera que el resultado será positivo. Al respecto, sostuvo que Rubio destaca por su nivel de autoexigencia y que difícilmente presentaría un proyecto que pudiera perjudicarla. Rodríguez recalcó que una editorial de la envergadura de Planeta apostó por la publicación, lo que, según su criterio, fortalece la credibilidad del libro. "Supongo que el proyecto será potente", expresó, de acuerdo con el medio.

El Telecinco detalló que Rodríguez considera la decisión de Alejandra Rubio como fruto de una reflexión profunda y un análisis cuidadoso de las consecuencias y retos de la exposición pública que conlleva publicar un libro. Rodríguez interpretó que Rubio solo asumiría ese reto si considera que tiene valor y merece la pena, y añadió: "No podemos opinar hasta que lo leamos, evidentemente", dejando en claro que planea leer el libro antes de emitir cualquier juicio personal.

Belén Rodríguez también destacó, según recogió el medio, la herencia literaria familiar de Alejandra Rubio, recordando las habilidades de su abuela, María Teresa Campos, en el arte de la escritura y sugiriendo que la madre, Terelu, seguramente siente orgullo por esta nueva faceta de su hija. La colaboradora hizo especial referencia a los "buenos genes" de la joven en este aspecto, remarcando la tradición de escritura en la familia Campos.

En cuanto a las dudas y críticas expresadas en el entorno mediático, Rodríguez mencionó que algunas compañeras, como Marta López, dudan de la autoría del libro por parte de Rubio. No obstante, Rodríguez manifestó su confianza en que la joven sí ha trabajado en el proyecto y descalificó las sospechas sobre un posible uso de escritores fantasma o asistencia externa.

El Telecinco consignó que antes de reincorporarse momentáneamente en el programa 'GH DÚO' como jefa de una campaña contra Anita Williams, una responsabilidad que asumió con convicción en defensa de la candidatura de Carlos Lozano, Rodríguez insistió en que apoyará el trabajo de Alejandra Rubio, aunque insistió en que cualquier valoración definitiva debe posponerse hasta la publicación y lectura del texto.

Además, entre los detalles aportados, destacó que Rodríguez percibe a Alejandra Rubio como una persona que enfrenta los desafíos de manera calculada, y que la exposición al escrutinio público le resultará asumible solo si percibe que el esfuerzo invertido justifica la experiencia. Esta postura, según el medio, apunta a una visión de Rubio como autora consciente de los riesgos y motivaciones inherentes al proceso creativo.

El Telecinco añadió que el anuncio del libro ha generado reacciones opuestas en el medio televisivo, con algunos colaboradores mostrando escepticismo y otros respaldando a la joven autora. El lanzamiento de 'Si decido arriesgarme' por una editorial de gran presencia en el mercado añade expectativa al debut literario de Alejandra Rubio. Las palabras de Rodríguez, recogidas por el medio, ofrecen una perspectiva de respaldo cauteloso y abierto al trabajo de la hija de Terelu Campos, a la espera de que la publicación permita una valoración directa del contenido de la obra.

Las primeras reacciones públicas de la familia no se hicieron esperar tras el anuncio de Alejandra Rubio sobre el lanzamiento de su novela. Terelu Campos y Carlo Costanzia manifestaron su apoyo de forma inmediata a través de mensajes en redes sociales, celebrando el nuevo rumbo de la influencer. Según informó el medio, Terelu Campos, madre de Alejandra, compartió en el muro de su hija: “¡Qué ilusión mi amor! Deseando leerlo! Espero que sea el principio de muchas cosas bonitas que te mereces mi amor!! Te quiero infinito!!”. Por su parte, Carlo Costanzia escribió: “¡Súper orgulloso de ti mi vida! El primero de muchos! Te amo!”. Estas palabras reflejan el entorno de respaldo que acompaña el proyecto literario de Rubio.

La noticia del debut de Alejandra Rubio como escritora surge mientras la joven permanece en el centro de la atención mediática por la polémica con Laura Matamoros. El medio detalló que ambos protagonizaron una discusión televisiva, en la que Rubio reveló haberse sentido "coaccionada" y "violentada" por Carlo Costanzia, lo que derivó en el final de su relación anterior, después de que Costanzia pidió a Laura Matamoros que dejara de hablar de él en televisión. En este contexto de exposición pública y discusión familiar, Rubio presentó en sus redes sociales la próxima publicación de su primer libro, titulado 'Si decido arriesgarme'.

Este trabajo será publicado el 13 de mayo y de acuerdo con lo consignado por el medio, llegará a las librerías españolas bajo el sello de Planeta. La sinopsis del libro, adelantada por Rubio en sus cuentas oficiales, sitúa la historia en el género juvenil y plantea una trama con elementos de amor y traición. Uno de los personajes principales, Ulises, se describe como un joven que acaba de salir de prisión, con un pasado que nadie se atreve a mencionar, un físico atractivo y tatuajes, junto a una mirada enigmática. Esta descripción ha generado especulaciones en redes sociales y por parte de los seguidores acerca de si existe algún paralelismo con situaciones personales de la autora o vínculos con personas de su entorno cercano, como Carlo Costanzia. El medio recogió estos comentarios, aunque no se confirma que la obra tenga un carácter autobiográfico.

Tal como publicó el medio, Rubio siempre ha declarado su afición por la lectura, una pasión que ahora traslada a su faceta como escritora. La editorial Planeta, a cargo de la publicación, es reconocida por su presencia en el mercado literario español y su papel en la promoción de primeras novelas de escritores jóvenes. Sobre el proceso de escritura y los detalles narrativos de 'Si decido arriesgarme', el medio reportó que Rubio ofreció un pequeño adelanto que invita a la audiencia a especular sobre posibles referencias personales en la obra, aunque la autora no ha confirmado ni desmentido estas conjeturas.

En este escenario, la atención también se ha dirigido hacia Carlo Costanzia debido a la coincidencia entre la sinopsis de la novela y aspectos conocidos de su pasado. El propio Costanzia, informó el medio, reaparecerá en el programa '¡De Viernes!' para abordar los recientes conflictos con sus primos Laura y Diego Matamoros y comentar la reacción de Mar Flores ante la disputa familiar. Esta intervención podría aportar nuevas declaraciones sobre la relación entre Carlo y Alejandra, así como su perspectiva sobre la exposición pública del entorno familiar.

El lanzamiento de la novela abre una nueva etapa en la trayectoria profesional de Alejandra Rubio, marcada hasta ahora por su presencia como influencer y su conexión con una de las familias más reconocidas de la televisión en España. El medio insistió en que este salto hacia la literatura representa un sueño cumplido para Rubio, quien ha compartido con su audiencia el proceso de creación y los retos asociados a su primer libro.

Mientras la expectación crece ante la publicación de 'Si decido arriesgarme', las reacciones de familiares y seguidores han ocupado espacio en las plataformas digitales y en los programas televisivos de la llamada prensa del corazón, situación reflejada en el seguimiento realizado por el medio. La fecha del 13 de mayo se perfila como el momento clave para que el público acceda a la obra y pueda discernir hasta qué punto el relato refleja vivencias personales de Alejandra Rubio o se trata de una ficción inspirada en recursos narrativos propios del género juvenil.

Durante la reciente celebración del lanzamiento de su novela ‘Llevará tu nombre’, Sonsoles Ónega compartió que las opiniones negativas recibidas tras obtener el Premio Planeta en 2023 la llevaron a replantearse su motivación y su identidad como escritora. La autora manifestó que la escritura de este nuevo libro sirvió como un proceso personal que le permitió recuperar la seguridad en sí misma y su autenticidad literaria. De acuerdo con lo publicado por el medio que recopiló sus declaraciones, Ónega admitió haber trabajado en el manuscrito “con un poco de rabia”, como un modo de “demostrar y demostrarme” que el galardón no había sido fruto del azar.

Durante un almuerzo con amigos, lectores y colegas en el restaurante Lhardy de Madrid, el medio informó que Ónega expuso cómo las críticas vinculadas a su novela ‘Las hijas de la criada’ —especialmente aquellas que la desacreditaron por ser una obra comercial— tuvieron un fuerte impacto emocional. “Fue muy doloroso, me dislocó”, expresó la autora durante el evento, precisando que lo más difícil fue que se cuestionara su vocación. Según consignó el medio, Ónega declaró: “Para mí fue muy doloroso porque de alguna manera se cuestionó algo que yo pensaba que era incuestionable, que es la vocación. Eso ocurrió y me dolió tremendamente porque no pensé jamás que se podía cuestionar una vocación”.

El relato de Ónega continuó con una reflexión respecto a cómo dichas críticas la llevaron a detenerse y a pensar en los motivos fundamentales que la impulsan a escribir. Según reportó el medio, la autora reconoció haberse preguntado si el haber ganado el Premio Planeta había sido un golpe de suerte: “Me obligó a volver a recuperar mi esencia y por eso cuando me senté otra vez a escribir dije ‘ostras, a ver si lo que dicen ahí fuera es verdad. A ver si yo no soy escritora’”. Ónega especificó que el periodo posterior al premio fue confuso y desestabilizador: “Me trastocó bastante, me descolocó, me desarmó. Me desordenó, sobre todo. Y por eso escribí metódicamente, porque solo hay una fórmula que no falla en la vida: el curro”.

La autora también se refirió a la polarización existente dentro del mundo literario respecto a las novelas que alcanzan el gran público y se venden en espacios de consumo masivo. Reportó el medio que, frente a la mirada crítica de ciertos sectores intelectuales sobre los textos que se distribuyen en supermercados, Ónega afirmó: “A los intelectuales les sienta fatal lo de los libros de supermercado, a mí me encanta. Mi gran objetivo en la vida es que Mercadona venda libros, me encantaría que en las cabeceras de Mercadona hubiera libros”. Esta declaración subrayó su interés en democratizar el acceso a la literatura y romper con las limitaciones tradicionales del libro como objeto de elitismo cultural.

El medio señaló que la trayectoria profesional de Sonsoles Ónega combina la faceta de novelista con la de presentadora televisiva, periodo en el que ha ganado reconocimiento público. Su vida personal también se encuentra en un momento de estabilidad, ya que mantiene una relación con Juan, un financiero, desde hace casi tres años. Según la información reportada, la novela ‘Llevará tu nombre’ narra la vida de Mada Riva, una joven injustamente acusada de asesinato en Comillas en 1882, quien tras verse obligada a exiliarse, se traslada a Madrid y enfrenta la marginación en una sociedad que silencia la voz femenina. La protagonista busca redención trabajando para don Gonzalo, convirtiéndose en símbolo del esfuerzo por reivindicar el papel de la mujer en la historia.

A lo largo del evento, Ónega insistió en la influencia que tuvo la reacción social tras la obtención del premio. Tal como consignó el medio, la autora aceptó que las críticas más personales —aquellas que plantearon dudas sobre si era sólo un producto literario o una elegida fortuita— llegaron a desconcertarla de tal manera que por primera vez cuestionó su propia razón de escribir. Según detalló el medio, para revertir ese efecto, Ónega optó por sumergirse en la disciplina de la escritura regular y mostrar con su nuevo trabajo que posee una sólida vocación literaria, más allá de las impresiones externas.

Las declaraciones de Ónega, recogidas durante la presentación y difundidas por el medio, reflejan cómo la exposición pública tras alcanzar un prestigioso premio literario puede tener implicancias profundas tanto en el oficio como en la percepción personal de los autores. Ónega destacó que su objetivo se mantiene en acercar la literatura a un público amplio, defendiendo la accesibilidad de los libros sin renunciar a la calidad del trabajo creativo.

Ulises, un personaje descrito en la sinopsis como alguien que acaba de salir de prisión y cuyo pasado genera suspicacia, protagoniza la trama central de la primera novela de Alejandra Rubio. En el contexto de recientes tensiones personales y familiares que involucran a Rubio, este lanzamiento literario ha generado especulaciones sobre posibles similitudes entre episodios de su vida y los de los personajes del libro. Según reportó el medio, Rubio anunció en redes sociales la preventa de su libro titulado ‘Si decido arriesgarme’, despertando el interés de sus seguidores y del público por las conexiones entre la ficción y su entorno personal.

La noticia del debut como escritora de Alejandra Rubio se produce en un momento marcado por desacuerdos y enfrentamientos con su pareja Carlo Costanzia y Laura Matamoros, según publicó el medio. La hija de Terelu Campos eligió las redes sociales como canal para comunicar que su novela ya está disponible en preventa y compartió fragmentos sobre la gestación de este proyecto. En sus declaraciones, Rubio expresó: “No podía esperar más para contaros que HE ESCRITO MI PRIMERA NOVELA!!?? Sabéis lo apasionada que soy de la lectura y esto ha sido un sueño para mí! Han pasado dos años desde que empecé este proyecto con @editorialplaneta @esencia_ed y no puedo estar más agradecida por todo el proceso y el cariño que le hemos puesto”, recogió el medio.

La novela, que aborda temáticas como relaciones amorosas complejas, la traición y el amor incondicional, verá la luz el 13 de mayo, detalló el medio. Rubio también aprovechó el anuncio público para reconocer la labor de sus editoras Esther y Val, así como la implicación de Carla, a quienes agradeció el apoyo recibido durante la creación del libro. Según consignó el medio, la autora calificó el libro como “un trozo de mí” e indicó su deseo de que los lectores puedan acceder pronto a la obra.

La sinopsis presentada por Editorial Planeta y reflejada en redes sociales de la autora permite anticipar el tono y las líneas argumentales de la novela. Ulises, uno de los protagonistas, emerge con un pasado del que nadie quiere hablar, y la atracción y los conflictos personales que rodean a este personaje parecen centrales para la historia. Al desvelarse estos detalles, algunos lectores y seguidores de Rubio han señalado posibles paralelismos entre la trama ficticia y situaciones reales que la autora ha vivido recientemente, según informó el medio.

Hasta la fecha, la autora había mantenido en reserva el desarrollo de este proyecto literario, que se consolidó a lo largo de dos años bajo el sello de Editorial Planeta y su colección Esencia. El medio reportó que la estrategia del anuncio en preventa a través de sus canales personales sirvió como adelanto exclusivo previo a la salida oficial del libro. Los lectores ya pueden adquirir la obra antes de la fecha oficial de publicación, algo que incrementa la expectativa hacia su lanzamiento.

Entre las temáticas centrales de ‘Si decido arriesgarme’ se encuentran el triángulo amoroso, los secretos familiares, la pasión y la lealtad, aspectos que, de acuerdo con la descripción de la novela y la comunicación realizada por Rubio y la editorial, sostienen el desarrollo de la trama. El retrato del personaje Ulises, presentado como atractivo y enigmático tras haber estado en prisión, suma elementos de misterio a la historia, señaló el medio.

Alejandra Rubio es conocida por su vida pública y por su presencia en distintos espacios mediáticos. El anuncio de su novela coincide con un momento de interés renovado sobre su vida privada y los vínculos familiares, aspecto que ha incrementado la atención sobre este libro. Según publicó el medio, la coincidencia entre la publicación literaria y la evolución de su exposición personal ha motivado debates sobre cuánto de la biografía de la autora puede estar reflejado en la ficción presentada.

La autora compartió su entusiasmo y satisfacción con el proceso de creación del libro en palabras publicadas por el medio: “Este libro es un trozo de mí y estoy deseando que podáis leerlo”. Las primeras impresiones de los futuros lectores, así como el desempeño de la novela tras su lanzamiento, han sido objeto de debate en redes sociales y foros, según constató el medio.

De acuerdo con la información disponible, la novela ‘Si decido arriesgarme’ representa una nueva faceta profesional para Alejandra Rubio, orientada hacia la narrativa y la literatura, en paralelo a su ya conocida presencia pública en otros ámbitos. La reacción ante el debut literario de Rubio y su repercusión en el ámbito cultural y mediático serán observadas de cerca al acercarse la fecha oficial de publicación.

El lema que cierra la nueva novela de Sonsoles Ónega, “lo que pasa en los libros se queda en los libros”, fue una de las frases más comentadas durante la presentación de ‘Llevará tu nombre’, realizada en el restaurante Lhardy de Madrid. Según publicó el medio, la autora se detuvo en este mensaje para resaltar la conexión única entre quienes escriben y quienes leen, defendiendo la idea de que esa intimidad literaria sostiene su vocación narrativa. Durante este encuentro, los asistentes presenciaron una mañana marcada por la emoción y los recuerdos que acompañan a la periodista y escritora en esta nueva fase de su carrera literaria.

De acuerdo con la información difundida por el medio, el evento reunió a amigos, seguidores y representantes de su equipo editorial, quienes acompañaron a Ónega mientras compartía sus impresiones sobre esta obra. La autora confesó en público: “Nunca imaginé que algún día aquello que escribía llevaría mi nombre”, una declaración que pronunció guardando momentos de silencio y con lágrimas en los ojos. Esta confesión reflejó tanto la sorpresa como la gratitud que siente ante el reconocimiento literario alcanzado, después del éxito previo con ‘Las hijas de la criada’.

Durante la presentación, dos actrices conocidas, Anabel Alonso y Lucía, participaron escenificando fragmentos del libro. Según detalló el medio, esta teatralización permitió al público acercarse al universo creado por Ónega, ya que las intérpretes dieron vida a las protagonistas de una novela que indaga en las trayectorias de mujeres que han debido rehacerse y enfrentar imposiciones externas sobre su destino. Los aplausos que recibió la actuación subrayaron la centralidad de la mirada femenina en la trama, línea argumental que la autora ha defendido de forma recurrente en sus últimas obras.

Según narró el medio, Ónega se mostró visiblemente emocionada al rememorar los comienzos de su andadura literaria. Compartió con los presentes el recuerdo de su paso por casas de correos, transportando manuscritos aún no publicados, y cómo sus primeras tentativas encontraron finalmente eco en la editorial Planeta. Expresó agradecimiento a todo el equipo editorial por confiar en su trabajo y respaldar su desarrollo como escritora en un camino no siempre fácil, que según sus propias palabras, “no todo el monte ha sido orégano”.

El medio también registró cómo, entre sus agradecimientos, la autora resaltó la inspiración que representa en la novela la figura de Vicenta María, una religiosa real cuya historia sirvió como modelo para uno de los personajes. Vicenta María dedicó su vida a rescatar a mujeres en situaciones de prostitución y vulnerabilidad, y la autora explicó que su influencia está presente en la novela como una “bendición”. Según explicó Ónega, la simbólica presencia de este personaje en las páginas del libro responde a una razón concreta y relevante para la estructura narrativa.

El desarrollo del acto incluyó intervenciones de la editora y del equipo del sello Planeta, que celebraron el respaldo que el público otorga a cada nueva obra de Sonsoles Ónega. El medio consignó que la autora reiteró la importancia de la complicidad con los lectores y la intimidad compartida que ofrecen los libros, enfatizando que ese lazo es el motor de su escritura y el objetivo final de su producción literaria.

Según reportó el medio, la presentación de ‘Llevará tu nombre’ no solo sirvió como lanzamiento oficial de la novela, sino que también puso en evidencia la evolución de un proyecto literario anclado en historias femeninas y en el desafío de transformar el destino a través de la ficción. La jornada en Lhardy reunió, en torno a Sonsoles Ónega, a una comunidad que continúa creciendo con cada nueva publicación.

Durante la ceremonia celebrada en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, la directora editorial Elena Ramírez subrayó el impacto que causó la novela 'Donde termina el verano' entre los cinco miembros del jurado, quienes destacaron el asombro y la sensación de maravilla que provocó la obra. Esta novela, escrita por la autora mexicana Elma Correa, resultó ganadora del Premio Biblioteca Breve 2026, según informó el medio original, en reconocimiento a su abordaje sobre la relación de amistad entre dos mujeres en un contexto fronterizo marcado por la precariedad y la violencia.

El galardón premia un relato que explora la complejidad de la amistad femenina, atravesada por un secreto compartido y ambientada en la frontera entre México y Estados Unidos. Tal como publicó la fuente, la narración sitúa a la lealtad y a los códigos internos de la comunidad por encima de los marcos legales, reflejando la dureza de un territorio donde los vínculos afectivos adquieren un peso fundamental para la supervivencia. El fallo del jurado, difundido este viernes, puso de relieve la convicción de haber distinguido una obra de una autora con voz propia, que describe con autenticidad la vida en un entorno desértico.

Elma Correa, originaria de Mexicali, expresó su emoción al recibir el premio y resaltó, de acuerdo al medio, el significado de haber alcanzado este reconocimiento pese a no contar con privilegios asociados al género o la clase social en México. En sus declaraciones, Correa agradeció la atención del jurado hacia una obra surgida, según sus palabras, “de un lugar perdido en el desierto”. La autora sostuvo que la amistad entre mujeres es un tema recurrente en su literatura, reflejando la importancia personal de estos lazos en su vida. Además, recordó la influencia de su madre, quien la introdujo en la lectura y, a su juicio, le ofreció la posibilidad de imaginar y construir otras realidades.

Consultada sobre la coyuntura migratoria en Estados Unidos, Correa manifestó que la situación actual resulta paradójica, señalando como “absurdo” el endurecimiento de políticas en un país fundado por migrantes, según consignó el medio. Relató que en la novela convergen diferentes perfiles de migrantes y que, sin ser una obra de orientación política, sí incide sobre las experiencias humanas que se viven en la frontera.

La novela será publicada por Seix Barral y estará disponible a partir del 11 de marzo. El acto de entrega contó con la lectura de un fragmento de la obra por parte de la actriz Bruna Cusí, reciente galardonada con el Premi Gaudí a la mejor actriz secundaria por la película 'Frontera', detalló la fuente.

En cuanto a la convocatoria, esta edición número 68 del Premio Biblioteca Breve alcanzó una cifra récord de 1.218 manuscritos, reportó el medio. El 53% de las propuestas recibidas fueron enviadas desde España, destacándose comunidades como Madrid, Cataluña y Andalucía. El 29,83% procedió de América del Sur, sobresaliendo Argentina, mientras que América del Norte aportó el 11,5% de los originales. La edición actual evidenció tendencias en los géneros presentados, con la consolidación de la novela policíaca, la autoficción y la metaficción. También se observó un incremento de relatos que abordan hechos históricos a través del elemento fantástico, obras centradas en la salud mental, reinterpretaciones de clásicos y narrativas con protagonistas que reflexionan sobre su identidad o su pertenencia en el mundo.

Durante la sesión de premiación, los miembros del jurado ofrecieron diferentes perspectivas sobre la novela. Según destacó el escritor y periodista Santiago Roncagliolo, la frontera se convierte en protagonista y la historia evidencia la diferencia entre vivir en ese espacio como hombre o como mujer. Sostuvo que centrar la mirada en dos mujeres transforma la percepción tradicional del lugar. Por su parte, el librero Sergio Bang valoró la solidaridad presente en la obra, mientras que la periodista Laura Barrachina, mediante un mensaje grabado, resaltó las referencias culturales contemporáneas, haciendo mención a elementos como las Spice Girls. El escritor Adolfo García Ortega puso el foco en la estructura narrativa, catalogándola como un alegato sobre la figura femenina y la problemática de los abusos en la zona fronteriza.

El Premio Biblioteca Breve distingue anualmente a una obra inédita en lengua española, consolidándose como uno de los reconocimientos literarios más relevantes. La edición recientemente concluida reflejó, según publicó el medio original, una diversidad creciente de voces y temáticas, así como una atención especial hacia las realidades sociales actuales de Iberoamérica.

En edición de 2020 del Premio Formentor de las Letras, Cees Nooteboom no pudo acudir personalmente a la ceremonia de entrega debido a las restricciones sanitarias impuestas durante la pandemia. A pesar de su ausencia física, el autor neerlandés aprovechó la ocasión para rememorar una trayectoria literaria marcada por la movilidad entre diferentes países y continentes. El anuncio de su fallecimiento, ocurrido el 11 de febrero a los 92 años en su casa de Sant Lluís, Menorca, se difundió a través de un comunicado en redes sociales por parte de su editorial, De Bezige Bij. Según la editorial, “En nombre de su esposa Simone Sassen, compartimos con ustedes que el autor Cees Nooteboom ha fallecido muy pacíficamente en su querida isla Menorca. Cumplió 92 años. Extrañaremos la amistad, erudición, ingenio y extravagante de este aclamado autor internacionalmente”. De acuerdo con De Bezige Bij, su muerte pone fin a la trayectoria de uno de los escritores europeos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Tal como publicó la editorial, Cees Nooteboom, nacido en La Haya en 1933, fue una de las voces más reconocidas de la literatura neerlandesa y europea de la posguerra, distinguido tanto por la amplitud de su obra como por su perspectiva cosmopolita sobre la identidad, el viaje y las fronteras. La crítica y el público internacional valoraron su legado, que abarca novelas, ensayos, poesía y relatos de viaje. De acuerdo con De Bezige Bij, su labor incluyó la traducción de poesía en varias lenguas como el español, catalán, francés y alemán, así como traducciones de obras teatrales estadounidenses.

Nooteboom compaginó la creación literaria con la exploración incesante de distintas geografías, lo que se reflejó en una obra atravesada por la reflexión sobre el europeísmo y los nacionalismos. Su bibliografía ha sido traducida a más de veinte idiomas, lo que evidencia la amplitud de su impacto cultural fuera de los Países Bajos. Según la información brindada por De Bezige Bij, desde joven emprendió extensos viajes por Europa, muchas veces haciendo autostop, y ese espíritu nómada marcaría el resto de su trayectoria vital y creativa.

Entre los principales galardones que recibió a lo largo de su vida figuran el Premio Europeo Aristeon de Literatura en 1993 por su libro 'La historia siguiente', el Premio Bordewijk en 1981, el Premio Pegasus de Literatura en 1982, el Premio Grinzane Cavour de Narrativa en 1994 y la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid en 2003. Recibió también el Premio Europeo de Poesía en 2008, el Premio de Literatura Neerlandesa en 2009, el Premio Chatwin de literatura de viajes en 2010, el Premio Internacional Mondello en 2017 y, en 2020, el Premio Formentor de las Letras.

Además de estos reconocimientos, Nooteboom obtuvo el nombramiento de Caballero de la Legión de Honor en Francia y fue distinguido como Doctor Honoris Causa por la Freie Universität de Berlín. El medio De Bezige Bij detalló que estos homenajes reflejaron tanto el alcance de su obra como la valoración que distintos países europeos le otorgaron como figura literaria relevante.

Uno de los aspectos más señalados de la vida y obra de Nooteboom fue su especial vínculo con España y, especialmente, con la isla de Menorca, donde residió en sus últimos años y que inspiró varios de sus escritos. Obras como 'Lluvia roja' y '533 días' dan cuenta de la presencia de la isla en el imaginario y la cotidianidad del autor. En el conjunto de su carrera, Menorca no solo desempeñó un papel geográfico, sino que se convirtió en un escenario cultural y literario recurrente.

En su faceta de narrador, la novela 'Philip y los otros', publicada en 1955, marcó su entrada al panorama literario, mientras que su primer poemario salió a la luz solo un año después. Pronto añadió el periodismo de viajes a su repertorio con colaboraciones en distintos medios desde 1956. Relatos como 'El desvío a Santiago' documentan los recorridos de Nooteboom por España junto a su esposa, Simone Sassen, quien trabajó como fotógrafa e ilustró visualmente parte de sus relatos de viaje.

A lo largo de las décadas, elaboró obras como 'Hotel Nómada', 'Noticias de Berlín', 'El azar y el destino', centrada en Latinoamérica, 'Círculos infinitos', en la que explora Japón, o 'Venecia. El león, la ciudad y el agua', mostrando cómo el viaje constituía una forma de conocimiento y reflexión personal. Según detalló De Bezige Bij, el reconocimiento internacional le llegó definitivamente con su novela 'Rituales', publicada en 1980.

Nooteboom también se dedicó a la traducción entre lenguas europeas y a la adaptación de textos teatrales, contribuyendo a la interconexión literaria del continente. En diferentes momentos, los principales medios europeos destacaron la robustez de su aporte al diálogo cultural entre países, especialmente por su análisis crítico del nacionalismo desde una óptica europeísta.

El fallecimiento de Cees Nooteboom representa el cierre de una etapa en la literatura neerlandesa y europea, según han divulgado diversos portales literarios en coordinación con De Bezige Bij. Su legado, plasmado en un conjunto de obras ampliamente leídas y traducidas, así como en la huella personal que dejó en quienes lo conocieron y admiraron, continuará motivando el estudio y la lectura entre las nuevas generaciones.

David Uclés señaló que, tras su decisión de cancelar su intervención en las jornadas de Letras en Sevilla sobre la Guerra Civil, recibió casi 40 columnas en diversos medios que lo señalaban de forma personal y directa en los días previos al lanzamiento de su nueva novela. El escritor declaró que toda esa crítica negativa que ha recaído sobre él puede trasladarse también a su libro y se mostró preocupado por las posibles consecuencias. Este comentario lo expresó durante un encuentro con medios en Barcelona con motivo de la presentación de su obra ‘La ciudad de las luces muertas’, galardonada con el Premio Nadal 2026, según reportó la agencia Europa Press.

Durante la rueda de prensa en Barcelona, Uclés abordó de manera directa la polémica generada por su decisión de apartarse del evento literario en Sevilla dedicado a la Guerra Civil. De acuerdo con Europa Press, el autor recalcó que actuaría de la misma forma a pesar de los resultados. “Lo volvería a hacer pese a las consecuencias. Uno tiene que tener la conciencia tranquila. La conciencia la tengo muy tranquila”, aseguró Uclés. Además, sostuvo que tomó esta decisión de manera reflexiva y consciente, reiterando que la asumiría nuevamente si se presentara una situación similar.

El escritor expuso que su retiro del acto en Sevilla respondía a motivos de convicción personal y trayectoria literaria. Según declaró y reportó Europa Press, consideró incoherente haber continuado en el foro, pues habría supuesto ir en contra de los ideales y valores que defiende desde hace quince años, a raíz de sus reflexiones y aprendizajes tras escribir ‘La península de las casas vacías’. Uclés explicó que mantenerse en la mesa habría significado defender una idea contraria a sus principios, además de compartir espacio con invitados cuya presencia consideró “totalmente ingrata”.

El autor profundizó en el impacto emocional y profesional que ha experimentado tras su decisión, haciendo referencia explícita a la intensidad y el tono de las críticas recibidas. Uclés manifestó que la presión mediática y los ataques personales no solo lo afectaron a nivel individual, sino que podrían repercutir en la recepción pública de su nueva novela. Según sus declaraciones recogidas por Europa Press, lamentó el ambiente hostil generado en torno a su figura, subrayando que “no estoy contento. No me viene bien”.

La polémica sobre las jornadas literarias en Sevilla se desató después de la cancelación de Uclés, y desde entonces diversos sectores han opinado sobre la idoneidad de la decisión y la naturaleza de las críticas dirigidas al escritor. Según consignó Europa Press, Uclés defendió su derecho a actuar según sus convicciones y a priorizar su tranquilidad personal, incluso frente a las posibles repercusiones tanto en el ámbito profesional como en el personal.

El detonante de la controversia radica en el contexto temático del foro de Sevilla, centrado en la Guerra Civil, un asunto que el propio Uclés ha abordado en su obra, pero que en esta ocasión consideró inadecuado por las posturas que se debatirían y por la composición de los participantes, detalló Europa Press. Desde su perspectiva, persistir en su participación habría atentado contra la coherencia de su trayectoria y sus principios personales.

A lo largo del encuentro con la prensa en Barcelona, Uclés recalcó que la serenidad con la que ha actuado y la claridad en sus motivaciones constituyen la base para sostener públicamente su postura ante las críticas y la presión mediática. Su presencia en la capital catalana coincidió con la publicación de ‘La ciudad de las luces muertas’, una novela que destacó Europa Press ha recibido el reconocimiento del Premio Nadal 2026, y cuyo lanzamiento ocurre en medio de la polémica mencionada.

La situación de Uclés pone sobre la mesa el debate producido en el ámbito cultural sobre la relación entre integridad personal y profesional y el entorno de opinadores y medios durante el lanzamiento de una obra literaria. Según recogió Europa Press, el autor sostuvo que las consecuencias de tomar una decisión a conciencia pueden ir más allá de lo estrictamente personal, y afectar otros aspectos de su carrera, incluyendo la recepción de sus obras.

Durante la presentación de su novela en Barcelona, Uclés finalizó su intervención reiterando que no se arrepiente de haber cancelado su participación en Sevilla. Según especificó Europa Press, subrayó la necesidad de que cada persona actúe de acuerdo con sus propios principios, a pesar de la presión social o mediática que pueda surgir en situaciones de esta naturaleza.

Durante la presentación de su novela galardonada, David Toscana abordó el impacto que las crisis colectivas tienen en la conformación de las sociedades. Según informó Europa Press, el escritor sostuvo que en España hace ya tiempo que la población no enfrenta circunstancias que exijan actos excepcionales ni heroicos. Toscana, quien ha sido distinguido con el XXIX Premio Alfaguara de novela por ‘El ejército ciego’, reflexionó sobre la manera en que las dificultades profundas revelan la verdadera naturaleza de un país, subrayando la importancia de que las sociedades sean puestas a prueba.

Al referirse a la situación en España, el autor declaró ante los medios que la ausencia de crisis que planteen exigencias extraordinarias deja sin respuesta la pregunta sobre la esencia de la ciudadanía española. “En España hace tiempo que no hay crisis que exijan a la gente heroísmo. A la gente hay que ponerla a prueba para saber de qué está hecha y no sé bien de qué están hechos los españoles, puesto que no se les ha puesto a prueba”, puntualizó el escritor, según recogió el medio.

‘El ejército ciego’, la novela premiada, ofrece una interpretación simbólica sobre fenómenos como la guerra, el poder y la resistencia, según la valoración del jurado citada por Europa Press. La obra construye su relato mezclando elementos históricos, invención y componentes poéticos, e incorpora referencias a crónicas medievales y acontecimientos relacionados con las guerras bizantinas ocurridas en el año 1014. Toscana precisó que su intención no fue componer una novela referida directamente a las situaciones bélicas contemporáneas, aunque observó que esas temáticas emergen en el texto.

El autor mexicano recalcó que “los tiempos que vivimos no son para héroes porque no estamos sometidos, la mayoría, a esa crisis que te lleva a distinguir quién eres”. Toscana ejemplificó con la experiencia de los ciudadanos ucranianos; en sus palabras, “por supuesto que en Ucrania mucha gente que no lo sabía se convierte en héroes: hombres, mujeres, jóvenes adultos, ancianos”. El escritor mencionó que, aunque existen diversos conflictos en el mundo, el que le resulta más cercano es el de Ucrania, dado que sigue este conflicto con atención debido a que tiene familiares en Polonia y reside largas temporadas allí, además de vivir también en Madrid y México.

En el evento de entrega, que tuvo lugar en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles en Madrid, Toscana manifestó que el Premio Alfaguara ocupaba un lugar especial entre sus logros literarios, ya que representaba el reconocimiento que sentía como pendiente. Según consignó Europa Press, expresó: “Es el que queremos todos”.

El Premio Alfaguara, de larga tradición y prestigio en el ámbito de la literatura en español, distingue cada año novelas inéditas que aportan miradas originales y profundas sobre realidades contemporáneas o históricas. ‘El ejército ciego’ podrá adquirirse a partir del 26 de marzo. De este modo, la obra de Toscana se suma al catálogo de autores reconocidos por el certamen, afianzando su presencia en el panorama literario internacional, tal como detalló Europa Press a través de sus reportes.

El escritor británico Julian Barnes anunció que su próxima novela. Departure(s) será la última de su carrera literaria. El autor que hoy cumple 80 años, reconocido por haber ganado el premio Booker, explicó que siente que ha expresado todos los temas que le interesaban abordar en sus libros.

Durante una entrevista con The Telegraph, Barnes afirmó que considera haber tocado todas sus melodías y que no desea continuar publicando solo por la posibilidad de que sus obras sigan saliendo al mercado editorial. “Deberías seguir hasta haber dicho todo lo que tienes que decir, y yo he llegado a ese punto”, expresó el escritor británico, cuya trayectoria abarca 45 años, 15 novelas y 10 libros de no ficción.

El autor adelantó que, aunque no publicará más novelas, continuará vinculado a la escritura, al periodismo, las reseñas y otros géneros, actividad que mantuvo antes de consolidarse como novelista, detalló Barnes en diálogo con ese medio británico.

Departure(s) explora la relación entre dos amigos anónimos, Stephen y Jean, quienes tras convertirse en pareja atraviesan una separación. El libro fue presentado como una obra híbrida donde se combinan ensayo, ficción y memorias, y en la que Barnes retoma temas recurrentes de su literatura, como la amistad, el envejecimiento, la memoria, el amor y la muerte.

En 2018, a Barnes le diagnosticaron una forma poco común de cáncer de sangre, tratada con quimioterapia en pastillas. Consultado sobre su estado de salud, el escritor manifestó: “En este momento, es un empate. Pero mientras se mantenga estable, solo contribuye al debilitamiento del organismo. Y ya me he acostumbrado a ello”.

El escritor, que perdió a su esposa en 2008, la agente literaria Pat Kavanagh, tras padecer de un tumor cerebral, confesó que en agosto pasado, se casó en secreto con Rachel Cugnoni, editora a quien conocía desde hacía casi tres décadas y que fue su pareja durante los últimos ocho años.

Al analizar su trayectoria, Barnes reflexionó en la misma entrevista: “He tenido una vida afortunada. Si me hubieran dicho a los 30 que escribiría muchos libros que a mucha gente le gustaría leer, me habría quedado atónito. Así que estoy muy contento por ello”.

Barnes debutó en 1980 en la literatura con Metroland, pero su consagración llegó cuatro años después con El loro de Flaubert, obra preseleccionada para el Booker Prize. Repitió nominación con Inglaterra, Inglaterra y Arthur & George, y obtuvo el galardón en 2011 con El sentido de un final. Además, incursionó en la novela negra bajo el seudónimo Dan Kavanagh.

En cuanto a la muerte, tema frecuente en su obra, el autor, ateo declarado, afirmó: “Antes me aterrorizaba la muerte, pero después de pasar unos diez años con un cuerpo desmoronándose o con problemas de comportamiento, no me resigno. Obviamente, es diferente morir a los 80 que a los 40 o 50. Pero perder la vida cuando solo te aferras a ella... ¿quién sabe?”.

La vigencia de Agatha Christie, aun cinco décadas después de su fallecimiento, se observa en la continua circulación de sus libros y en las numerosas adaptaciones audiovisuales que renuevan su alcance entre lectores y espectadores.

La autora británica, nacida como Agatha Mary Clarissa Miller en Torquay el 15 de septiembre de 1890, se posicionó como una figura central de la literatura policial, superando los dos mil millones de ejemplares vendidos en más de cien idiomas, solo detrás de la Biblia y Shakespeare. Su muerte, ocurrida el 12 de enero de 1976 en Winterbrook, Inglaterra, marcó el final de una vida que abarcó casi un siglo y dejó una obra inmortal.

El impacto de Christie se sostiene a través de títulos como Diez negritos, con más de cien millones de ejemplares vendidos, El asesinato de Roger Ackroyd, El misterioso caso de Styles y Muerte en el Nilo, entre otros. La autora logró instalar a personajes como Hércules Poirot y Miss Marple en el imaginario popular, figuras que siguen protagonizando adaptaciones cinematográficas y televisivas, incluidas las recientes producciones para plataformas como Netflix.

La carrera de Christie no resultó sencilla en sus inicios. Su primera novela policial, El misterioso caso de Styles, fue rechazada por varias editoriales hasta que logró publicarse en 1920, año que marcó el debut de Poirot. A lo largo de su trayectoria, escribió 66 novelas policiales, 14 libros de cuentos y 17 obras de teatro. Entre ellas, La ratonera mantiene el récord de permanencia en cartel en el West End de Londres, que acumula más de 30.000 funciones desde su estreno en 1952.

La vida personal de Christie sumó elementos de intriga paralelos a su obra. En 1926, una desaparición de once días motivó una búsqueda nacional y una cobertura mediática inusual, episodio que nunca aclaró públicamente. En ese período, Christie atravesaba el final de su matrimonio con Archibald Christie, con quien tuvo una hija, Rosalind. Posteriormente, se casó con el arqueólogo Max Mallowan, a quien acompañó a excavaciones en Oriente Medio, experiencia que influyó en los escenarios de varias novelas.

Durante las dos guerras mundiales, Christie trabajó como enfermera y luego en una farmacia, lo que le permitió incorporar conocimientos sobre venenos y tóxicos a sus relatos, un rasgo que distingue a muchas de sus tramas. La escritora también incursionó en la literatura romántica bajo el seudónimo de Mary Westmacott, y dejó una autobiografía publicada de manera póstuma.

El estilo narrativo de Christie se caracterizó por la construcción de enigmas en los que el lector dispone de las mismas pistas que los investigadores ficticios. La lógica y la deducción, combinadas con escenarios reconocibles y personajes complejos, sostienen la vigencia de sus libros. La autora diseñaba sus novelas partiendo del desenlace y retrocedía hasta el inicio, una estrategia que contribuyó a la solidez de sus argumentos.

La influencia de Christie trasciende la literatura. Sus obras siguen generando nuevas versiones audiovisuales y, de acuerdo con el historiador Mark Aldridge, “sigue habiendo interés en adaptar su obra, incluso para Netflix, que estrenará Seven Dials el 15 de enero”.

A cincuenta años de su muerte, el fenómeno editorial y cultural de Agatha Christie continúa renovándose, manteniendo su lugar como referente de la novela policial y como modelo para nuevas generaciones de lectores y creadores.

Fotos: BritBox / BBC Studios/ Handout vía Reuters.

Tras el éxito y la repercusión, la modelo e influencer compartió en sus redes sociales videos del backstage y fragmentos de las grabaciones, además de escenas en las que se la ve pasando letra y preparándose para el desafío. “¿Saben qué es lo que más amo y rescato de todo esto? Haberme animado”, reflexionó Sofía. “Haber hecho ese casting, para la buena o la mala, sin saber bien dónde me metía”.

Jujuy explicó que en medio del rodaje ya intuía la potencial repercusión: “Durante la grabación me imaginaba que se iba a viralizar e iba a dar mucho que hablar”. También remarcó la diferencia con la ficción tradicional argentina: “No estamos acostumbrados a este tipo de culebrones y nunca en la vida me habían visto actuar”. Recordó, además, la viralización de su casting para En el Barro, la producción de Netflix para la que no quedó seleccionada, pero que también la llevó a ser noticia.

En diálogo con Guido Záffora en El Observador 107.9, Jujuy detalló la razón de la actuación tan exagerada y el tono deliberadamente sobreactuado: “Es de otra época, una onda a Soraya Montenegro​. El director de casting es colombiano y pidió hacerlo como te lo estaban diciendo ellos”. Sobre el formato, agregó: “Es realmente diferente a lo que estamos acostumbrados en Argentina. Es todo mucho más exagerado y sobreactuado. Es un formato que se ve verticalmente y los episodios duran dos minutos, entonces hay que enganchar a la gente. Todo es extremo, pero es una intención. Yo me inspiré en Soraya Montenegro y en las malas de Disney. Tiene un toque infantil, pero al mismo tiempo es un culebrón”.

Además del éxito en vistas, Jujuy compartió en sus historias la catarata de mensajes y reacciones que le llegaron después del estreno. Entre los comentarios se repetían frases como “Soy adicto”, “Me atrapó”, “Es espectacular”, junto a memes y posteos que celebraban el costado viral y paródico de la miniserie, comparándola con las telenovelas clásicas y festejando el tono dramático y divertido de la propuesta. Para Jujuy, el fenómeno fue una oportunidad para salir de su zona de confort, jugar con los códigos del melodrama y abrirse a nuevas posibilidades en su carrera, celebrando tanto el desafío como la aceptación del público ante su inesperada faceta actoral.

El fenómeno viral de ReelShort y Frame que rodeó la participación de Sofía Jujuy Jiménez en la serie confirmó que animarse a experimentar, a jugar con los formatos y a salir de la zona de confort puede abrir puertas y generar sorpresas inesperadas. Más allá de la polémica o el debate sobre su actuación, la experiencia le permitió conectar con el público desde otro lugar y celebrar la autenticidad, el humor y la frescura como sellos personales, en un universo digital cada vez más ágil y abierto a nuevas formas de ficción y relato.

Así, la influencer no solo defendió la apuesta estética y narrativa de la miniserie, sino que también celebró el impacto generado y agradeció el feedback de sus seguidores, dejando en claro que la autenticidad y el atrevimiento pueden ser el mejor motor para reinventarse y sorprender en el universo digital actual.

La industria japonesa de las novelas ligeras y web atraviesa uno de sus momentos más delicados tras la decisión de la plataforma AlphaPolis de cancelar la publicación comercial de una obra que había sido premiada como la mejor del año.

El motivo fue que la novela ganadora del Gran Premio del 18º Premio de Novela de Fantasía fue creada utilizando inteligencia artificial generativa como herramienta principal, lo que desató una polémica sin precedentes sobre los límites entre creatividad humana, tecnología y propiedad intelectual.

La obra en cuestión, titulada “Jimi Skill ‘Okatazuke’ wa Saikyou desu!…” (¡La habilidad poco llamativa “Organización” es la más fuerte!), fue distinguida con el máximo galardón del certamen y un premio económico de 500.000 yenes.

Además, obtuvo el Premio de los Lectores, una señal clara de que la historia logró conectar con el público. Sin embargo, días después del anuncio oficial, AlphaPolis decidió anular su publicación en formato físico y su adaptación a manga, uno de los principales incentivos del concurso.

Una novela premiada… y retirada

La controversia surgió cuando se confirmó que el autor, que participa bajo el seudónimo de “Tabisuru Shosai”, había utilizado herramientas de inteligencia artificial generativa como base central del proceso creativo. El propio escritor reconoció públicamente que el uso de IA formaba parte de un “desafío innovador” para explorar nuevas formas de narración.

Aunque el reglamento del concurso no prohibía explícitamente el uso de IA al momento de la convocatoria, la revelación generó un intenso debate interno y externo. Finalmente, AlphaPolis optó por una solución intermedia: respetar el premio monetario otorgado, pero cancelar la publicación comercial de la obra y cualquier proyecto derivado, como su adaptación al manga.

Un cambio de reglas de emergencia

El caso obligó a AlphaPolis a reaccionar rápidamente, pues la editorial actualizó sus políticas y reglas de participación en concursos literarios. La nueva normativa prohíbe de forma explícita el uso de inteligencia artificial generativa como herramienta principal de escritura, permitiéndola únicamente como apoyo secundario, por ejemplo, para correcciones gramaticales o sesiones de lluvia de ideas.

Lo más polémico de la decisión fue su aplicación retroactiva. Bajo estas nuevas reglas, la obra ganadora quedó automáticamente excluida de los beneficios editoriales, pese a haber sido premiada bajo un reglamento anterior. Esta medida generó críticas por parte de algunos sectores que consideran injusto modificar las condiciones después del fallo del jurado.

División en la comunidad literaria

La decisión de AlphaPolis partió en dos a la comunidad de escritores y lectores. Por un lado, numerosos autores y editores celebraron la medida como una defensa del trabajo creativo humano y de la originalidad, en un contexto donde la IA comienza a competir directamente con los creadores. Para este grupo, permitir novelas generadas por IA en concursos literarios desvaloriza el esfuerzo, la experiencia y la voz personal de los escritores.

En el extremo opuesto, muchos lectores expresaron su desacuerdo con la cancelación de la publicación. Argumentan que la novela ganó tanto el voto del jurado como el del público, lo que demuestra su calidad narrativa y capacidad de entretenimiento. Desde esta perspectiva, el método de creación sería secundario frente al resultado final: una historia que logró atrapar a miles de personas.

Propiedad intelectual y riesgos legales

Más allá del debate creativo, la decisión de AlphaPolis parece estar profundamente ligada a preocupaciones legales. La empresa ha incrementado su inversión en la industria del entretenimiento, incluyendo la reciente adquisición del estudio de animación White Fox, conocido por producciones como Re:Zero.

En ese sentido, la editorial busca proteger su catálogo frente a posibles conflictos de derechos de autor, uno de los principales vacíos legales asociados a los contenidos generados por inteligencia artificial.

La autoría, la originalidad de los textos y la posibilidad de que una IA haya sido entrenada con material protegido siguen siendo cuestiones sin resolver en muchos países, incluido Japón. Publicar y adaptar comercialmente una obra creada mayoritariamente por IA podría exponer a la empresa a disputas legales futuras.

Una historiadora de la ocupación nazi de Francia fue demandada el miércoles por sus propios familiares por presunta difamación después de que promocionó su primera novela como inspirada en la historia de su familia.

Cecile Desprairies, de 68 años, dice que su novela debut, La propagandista, publicada en inglés el año pasado, está inspirada en su propia infancia, pero sus familiares la han acusado de mentir y quieren que el título sea retirado de las librerías.

“Es un hecho: crecí en una familia colaboracionista. Todos lo eran, en distintos grados”, dijo Desprairies después de que el libro saliera en francés en 2023.

Ella no estuvo presente en el tribunal el miércoles, pero un abogado la representó.

En la novela, los familiares del narrador tienen nombres diferentes a los de los parientes reales de la autora, pero los demandantes (el hermano de la autora y otro pariente) dicen que son claramente identificables.

En una denuncia contra Desprairies y su editor vista por esta agencia, la acusan de difamación contra su madre, su tío abuelo y su medio hermano de su abuela.

Ambos niegan los cargos.

La madre del narrador, descrita como una “ferviente colaboradora” y propagandista durante la ocupación nazi de parte de Francia entre 1940 y 1944, se inspiró en la propia madre de la escritora, argumentan.

Lo mismo ocurre con el tío abuelo y el medio hermano de su abuela, añaden los demandantes. Presentaron su denuncia como descendientes directos de las presuntas víctimas, menos de tres meses después de la publicación del libro en francés.

“El resentimiento de la autora hacia los individuos atacados impregna toda la obra, que está concebida como un auténtico acto de venganza familiar”, dijeron.

Los demandantes sostienen que la escritora actuó con “absoluta mala fe” y que hay una “ausencia de pruebas” de la supuesta colaboración de sus familiares con los nazis.

“Un romance familiar plagado de podredumbre”

El libro recibió críticas muy favorables cuando salió en inglés el año pasado.

El Financial Times calificó la novela como “un romance familiar desgarrador, pero elegantemente construido y plagado de podredumbre”, mientras que el New Yorker la describió como “un acto de expiación profundamente personal”.

Desprairies ha argumentado que, dado que escribió una novela y no un ensayo histórico, se permite cierta ficción.

“La mayoría de los protagonistas que me inspiraron estaban muertos, así que hay una liberación de la palabra”, declaró a la televisión francesa en 2023.

Añadió que “la ficción era la única manera de dar cuenta de una época, de su relación con el pasado y con la historia”.

Dice que encontró un cartel de propaganda nazi en el ático de la casa familiar y envió una copia escaneada al poder judicial, según la denuncia.

Pero los demandantes afirman que el cartel tiene las mismas marcas de desgarro que uno conservado en una biblioteca de París, del cual se puede descargar una copia.

También envió al poder judicial una fotografía de tres personas, entre las que decía estar su madre, en una montaña en invierno, argumentando que mostraba “un claro apego a los valores deportivos defendidos por el Reich”.

Desprairies tiene una nueva novela publicada por otra editorial, titulada La Fille du Doute (La hija de la duda), que saldrá en francés la próxima semana.

Fuente: AFP.

Fotos: Grosby y archivo.

Durante el proceso de vuelta al episodio vivido en noviembre de 2020, Marta Jiménez Serrano destacó el impacto que generó la ausencia de figuras literarias femeninas cuando era joven y el modo en que esa carencia influyó en su escritura. Según informó Europa Press, la autora expresó que al crecer solo tenía como referente a Jo March, personaje de ficción de “Mujercitas”, lo que le hacía imaginar su futuro literario desde un lugar distante de la realidad. Partiendo de esa reflexión sobre los modelos a seguir y el privilegio que supone convertirse en guía para futuras escritoras, Jiménez Serrano presenta su nueva novela, “Oxígeno”, donde expone la vivencia de un accidente doméstico que casi le cuesta la vida.

El medio Europa Press detalló que “Oxígeno” relata cómo, un sábado de noviembre de 2020, una fuga de monóxido de carbono a causa de una caldera defectuosa puso en riesgo la vida de la escritora y su pareja. Según narró la autora, la responsabilidad del incidente recae en una “negligencia” cometida por la arrendadora del inmueble, quien había instalado una toma de gas ilegal. Jiménez Serrano describió que los efectos del gas pasaron inadvertidos hasta que ella sufrió un desmayo en el baño y un impacto en la cabeza, mientras ambos se encontraban adormecidos y desorientados por la exposición al monóxido.

La autora subrayó en declaraciones recogidas por Europa Press que este episodio reflejó importantes deficiencias en el acceso y protección al derecho a la vivienda y la salud mental en España. En su entrevista, planteó que “el libro se puede entender de manera política”, pues aborda asuntos estructurales como la crisis habitacional y la relevancia de una sanidad pública integral. Para Jiménez Serrano, experiencias como la suya son un ejemplo de cómo los derechos básicos, como un hogar seguro y atención psicológica inmediata, todavía presentan limitaciones que afectan a amplios sectores de la sociedad.

Marta Jiménez Serrano cuestionó que servicios como la terapia psicológica sigan considerados un lujo, debido a la desigualdad de acceso. Europa Press recogió la declaración de la autora: “No me gusta llamarlas así, pero esas cosas que llamamos lujos porque no tenemos todos acceso a ellas, como la terapia, el poder parar o el poder tener tiempo para procesar algo que te ha ocurrido, deberían ser derechos universales”. Argumentó que, mientras el sistema público de salud reacciona y cubre sin cuestionamientos las dolencias físicas, el apoyo psicológico no recibe la misma atención, y los plazos para conseguir atención especializada resultan extensos. Aunque hay psicólogos en la sanidad pública, las citas no siempre están disponibles en plazos razonables.

Europa Press consignó que, a raíz del accidente, la reflexión sobre la urgencia de aprender a detenerse y dedicar tiempo al cuidado propio cobró centralidad en el relato de Jiménez Serrano. Según expresó la autora, incluso quienes cuentan con la opción de descansar a menudo no lo hacen, pues realizar actividades como el consumo de contenido digital no equivale a una verdadera pausa. En su opinión, aprender a convivir con uno mismo y diferenciar entre descanso y distracción es fundamental, mensaje que busca transmitir en “Oxígeno”.

El proceso de escritura del libro resultó, en palabras de la autora, “terapéutico”, aunque aclaró que la verdadera ayuda provino de la terapia profesional. Europa Press señaló que Jiménez Serrano tardó cinco años en decidirse a transformar aquel suceso en material literario, pues inicialmente nunca planeó escribir sobre el accidente. Sin embargo, la experiencia se impuso tanto por su carácter personal como por la fuerza narrativa que encerraba, llevándola paulatinamente a asumir la necesidad de plasmarla en una novela.

En el desarrollo de “Oxígeno”, la escritora, autora también de “Los nombres propios” y “No todo el mundo”, examina las secuelas físicas y psicológicas de haberse encontrado al borde de la muerte, así como la transformación que este evento provocó en su relación con el propio cuerpo. Jiménez Serrano reconoció ante Europa Press que, aunque el accidente dejó una huella, su perspectiva sobre sí misma cambió para mejor: “La sensación de estar tumbada y que mi cuerpo no respondiese, la sensación de estar absolutamente despojada de mi cuerpo, sí me ha hecho luego adueñarme más de él”. Subrayó que ahora se siente más presente en su cuerpo y su vida, después de haber sentido que podía perderlos.

El testimonio recogido por Europa Press refleja cómo Jiménez Serrano percibe el éxito profesional tras aquel incidente previo a la publicación de su primer libro. Remarcó que la experiencia la impulsó a posicionarse en el presente con mayor conciencia y aprecio por las oportunidades y logros obtenidos. La escritora declaró sentirse satisfecha de poder ofrecer ejemplos a quienes se inician en la literatura, consciente del impacto que pueden tener las figuras referenciales para las nuevas generaciones.

La publicación de “Oxígeno”, bajo el sello Alfaguara, coincide con el empeño de la autora en destacar la importancia de garantizar derechos fundamentales como la vivienda digna y el acceso a la salud mental de calidad. Según publicó Europa Press, el libro irrumpe en el debate sobre las políticas públicas relacionadas tanto con el ámbito sanitario como con la regulación de los arrendamientos, visibilizando los efectos que la falta de controles puede generar en la vida de las personas.

La novela llega a las librerías españolas en un contexto en el que, de acuerdo con Europa Press, crecen las exigencias sociales para la mejora de los servicios de atención psicológica en el sistema público. Jiménez Serrano espera que su testimonio contribuya a la conversación sobre el valor de la prevención, el autocuidado y la necesidad de políticas que ofrezcan respuestas concretas ante la crisis de la vivienda y las carencias en la atención a la salud mental.

Entre los aspectos más destacados del certamen literario de este año se encuentra la cantidad de manuscritos recibidos, que alcanzó la cifra de 1.207, según informó el medio que divulgó la noticia. Esta diversidad de propuestas literarias marcó el desarrollo de la presente edición y tuvo como resultado el reconocimiento al escritor andaluz David Uclés, quien obtuvo el 82 Premio Nadal con la novela 'La ciudad de las luces muertas', tal como detalló el jurado tras reunirse el martes.

El fallo del jurado, integrado por Víctor del Árbol, Juan Luis Arsuaga, Inés Martín Rodrigo, Care Santos y el editor Emili Rosales, otorgó por mayoría este galardón, dotado con 30.000 euros, al manuscrito presentado bajo el seudónimo Oriol Arce y el título provisional 'Ruge otro día estival'. De acuerdo con lo publicado por la fuente, Destino, la editorial responsable de la convocatoria, confirmó que la publicación de la novela está prevista para el 4 de febrero.

'La ciudad de las luces muertas' se sitúa en una Barcelona inmersa en la oscuridad, una situación misteriosa asociada a la figura de una joven Carmen Laforet. Esta escritora, quien había resultado vencedora en la primera edición del Premio Nadal con la novela 'Nada', aparece en la trama sin que el motivo de la oscuridad resulte claro para los personajes, según consignó el medio. La capital catalana se convierte así en escenario de una historia donde confluyen figuras icónicas de la literatura, como Ana María Matute, Carmen Laforet, Roberto Bolaño y Mercè Rodoreda, junto a personajes ajenos al ámbito literario, como Freddie Mercury.

La novela plantea encuentros entre estos personajes, quienes, atrapados en un cruce de épocas, deben unir sus habilidades artísticas para devolver la luz a Barcelona. Según destacó el jurado al anunciar el premio, David Uclés ha sido considerado un "autor único que recuerda que la luz regresa cuando alguien se atreve a imaginarla".

Nacido en Úbeda en 1990, Uclés suma este reconocimiento a una trayectoria en la que ha publicado obras como 'Emilio y Octubre' —editada por Dos Bigotes— y 'El llanto del león', novela ganadora del Premio Complutense de Literatura en 2019. No obstante, tal como describió el medio, su tercer libro, 'La península de las casas vacías', editado por Siruela tras quince años de trabajo, alcanzó notoriedad al recibir el Premio Andalucía de la Crítica, el Premio Cálamo al Mejor Libro del Año 2024, el Premio Dulce Chacón, el Premi 42 y el Premio Kelvin 505 a mejor novela fantástica. Además, 'La península de las casas vacías' fue la candidatura española al Premio de Literatura de la Unión Europea de 2025.

El Premio Nadal, organizado por la editorial Destino cada año, sirve de plataforma para obras inéditas de narrativa en lengua castellana. En la edición de 2026, la presencia de 1.207 manuscritos reflejó, según informó el medio, tanto la variedad de estilos y enfoques literarios como una especial dedicación a la calidad de la prosa y al trabajo literario en las obras presentadas.

La elección de la obra de Uclés fue resaltada por el jurado, que enfatizó tanto la originalidad de la propuesta como la capacidad del autor para conjugar recursos literarios y figuras históricas en un mismo escenario. De acuerdo con la información difundida, los manuscritos finalistas expusieron el interés actual por la exploración formal en la narrativa, mientras que el texto ganador llamó la atención por su prosa y su planteamiento estructural.

El anuncio, realizado tras la deliberación del jurado, situó a David Uclés como nuevo referente del panorama literario nacional. Numerosos lectores y escritoras premiadas en otras ediciones del Nadal, según detalló la fuente, siguieron el evento y destacaron el perfil de la novela ganadora. La editorial Destino cursó ya la publicación de 'La ciudad de las luces muertas', que llegará a las librerías el 4 de febrero, ampliando así la presencia del escritor andaluz en los catálogos de narrativa contemporánea en español.

Una elección aparentemente simple como el nombre recibido al nacer puede cambiar el rumbo de una vida. Con esta idea como punto partida, la escritora británica Florence Knapp escribió Los nombres, su primera novela, un éxito de ventas en Reino Unido que ha sido traducido a más de 25 idiomas y que inaugura las novedades editoriales de 2026.

Los nombres (Penguin Random House) habla de malos tratos en el hogar, pero también de cómo se forjan el destino, la identidad o la creatividad. Su mayor originalidad estriba en que no es una sola historia, sino tres historias posibles para los mismos personajes a lo largo de 35 años.

La trama, narrada con saltos temporales de siete años entre 1987 y 2022, se ramifica tras un arranque en el que Cora, una mujer maltratada por su marido, acude al registro para poner el nombre a su segundo hijo y decide llamarlo Gordon, como su padre, o bien Julian, como quiere ella, o Bear, como propone su hermana de 9 años.

“Me fascina pensar que algo que nos es dado al nacer, que no elegimos, termina siendo parte esencial de nosotros y afecta no solo al modo en que otros nos ven, sino a la idea que nos hacemos de nosotros mismos”, ha señalado la escritora en una entrevista telemática.

Nacida en Inglaterra, a los seis años, Knapp y su familia se mudaron a Australia, donde permanecieron dos años antes de regresar a Londres. “A partir de esa experiencia siempre he imaginado una vida paralela, cómo habría sido de no habernos mudado o de no haber regresado, supongo que todo viene de ahí”, razona.

La novela contiene un modo de ver el mundo en el que todo está interconectado y donde un cambio aparentemente leve produce otros en cadena. En el libro se trata de un nombre, pero puede ser cualquier pequeña decisión, explica la autora.

“Si pienso en el día en que conocí a mi marido, recuerdo que me acerqué a hablar con él en un autobús porque llevaba una camiseta de un grupo que me gustaba, pero ¿qué habría pasado si se hubiera puesto una camiseta diferente ese día?”, plantea.

Los malos tratos, entender el aislamiento

El tema de la violencia de género surgió a raíz de conocer a una mujer que dirigía un centro de acogida para mujeres maltratadas y escuchar sus desgarradores testimonios. “A un nivel intelectual comprendí las razones de por qué una víctima no huye, pero a nivel emocional, no lo acabé de entender, y mi manera de procesar el mundo es a través de la escritura”.

Así, su protagonista se encuentra con distintos tipos de bloqueos, ya sean amenazas físicas, la posible pérdida de sus hijos, el bloqueo financiero o el desprestigio y pérdida de credibilidad social -su marido es un médico reputado- que conducen a su aislamiento.

“Como sociedad, en los últimos años hemos mejorado la atención a las personas que sufren violencia en el hogar y también ha mejorado la concienciación sobre estos temas, pero lo que no ha cambiado es la soledad y el aislamiento que experimenta una persona que vive esa violencia”, sostiene la autora.

Una novela tejida con palabras

Además de escritora, Knapp es artesana y experta en tejidos. Antes de dedicarse a la ficción, escribió un libro sobre una antigua técnica de acolchado con siglos de historia y colaboró en una publicación del Victoria & Albert Museum, un bagaje que ha influido, inconscientemente, asegura, en su forma de acercarse a la novela.

“A veces uno no es capaz de ver las cosas más obvias de sí mismo y son los otros quienes te lo señalan”, dice. Tejer un quilt, un tipo de colcha hecha con retales, requiere combinar modelos, texturas, colores y patrones de manera armónica.

“Supongo que es lo que hice con esta novela, tratar de equilibrar la luz y la oscuridad y crear un equilibrio entre las tres narraciones de modo que se entrelazaran de manera fluida”.

Los nombres sale a la venta en España el 8 de enero; este mismo mes lo hará también en Argentina, Chile, México y Perú, y entre febrero y abril se lanzará en otros países de habla hispana, como Colombia, Uruguay y Estados Unidos.

Fuente: EFE

Iker Casillas ha vuelto a llamar la atención fuera de los terrenos de juego. Esta vez no ha sido por una entrevista ni por una aparición pública, sino por una imagen compartida en sus redes sociales. El exguardameta publicó en su cuenta de Instagram, @ikercasillas, una fotografía en la que aparece leyendo el libro Se tiene que morir mucha gente, de la cómica y guionista Victoria Martín.

La imagen iba acompañada de una frase escrita por el propio Casillas: “Quien tenga miedo a morir que no nazca”. Es la única declaración que acompaña a la publicación y la que ha dado pie a la noticia. El mensaje aparece junto al libro y ha generado reacciones entre sus seguidores, que no esperaban ver al exfutbolista con una obra firmada por una de las voces más reconocidas del humor actual.

La publicación se difundió rápidamente y fue comentada por usuarios que destacaron tanto el título del libro como la elección de lectura. Casillas, que cuenta con millones de seguidores en Instagram, suele compartir imágenes relacionadas con su vida personal, el deporte o actos públicos. En esta ocasión, la atención se ha centrado en el contenido cultural de la fotografía.

El humor en tiempos de incertidumbre social

Se tiene que morir mucha gente es un libro escrito por Victoria Martín, conocida por su trabajo como cómica, actriz y creadora de contenido. La autora ha desarrollado gran parte de su carrera en el ámbito del humor, con presencia en plataformas digitales. El libro recoge reflexiones personales con un tono irónico, una línea habitual en su trabajo.

La humorista publicó esta novela como parte de una trayectoria en la que combina humor y observación cotidiana. El libro se suma a otros proyectos en los que la autora aborda temas personales con un lenguaje sencillo y sin rodeos. La aparición de su obra en la cuenta de una figura tan conocida ha ampliado su alcance en redes sociales.

En consecuencia, la obra aborda temas como el paso del tiempo, las relaciones personales o el miedo, siempre desde un tono irónico y directo. El uso del humor funciona como una herramienta para hablar de asuntos que suelen generar incomodidad, sin caer en el dramatismo. En un contexto marcado por la incertidumbre social, el humor se ha convertido en una vía frecuente para interpretar la realidad. No se trata de restar importancia a los problemas, sino de ofrecer una mirada distinta que permita tomar distancia. En ese sentido, el enfoque de Martín conecta con una generación acostumbrada a utilizar la ironía como lenguaje común para expresar inquietudes compartidas.

La aparición del libro en la cuenta de Casillas ha servido para dar visibilidad a la obra, aunque el exjugador no añade ningún comentario adicional sobre su contenido ni sobre la autora. La imagen se limita a mostrar el ejemplar y la frase que acompaña al titular de esta noticia.

Casillas se retiró del fútbol profesional en 2020, tras una carrera marcada por su etapa en el Real Madrid y la selección española. Desde entonces, mantiene una presencia constante en redes sociales, donde comparte distintos aspectos de su día a día. Sus publicaciones suelen generar repercusión por el interés que sigue despertando su figura pública.

La escritora gallega Miriam Reyes, reconocida recientemente con el Premio Nacional de Poesía 2025, ha dado un paso hacia la narrativa con su primera novela, La edad infinita. El libro aborda la migración y el desarraigo a través de la historia de una niña de ocho años que se traslada de Galicia a Venezuela en 1983.

Reyes, natural de Ourense (1974), ha centrado su carrera literaria hasta ahora en la poesía. Con títulos como Espejo Negro (2001) y Con (2025), ha consolidado una trayectoria poética destacada, lo que ha llevado a muchos a asociar su escritura con el verso. Sin embargo, en La edad infinita, la autora se aleja del ámbito poético y presenta una obra híbrida que mezcla narración, diario, crónica histórica y cuento.

En la presentación de su novela, celebrada este jueves en la librería Numax de Santiago, Reyes explicó que el título hace referencia a la “edad del gran quiebre”, una etapa crucial en la vida, aquella en la que “uno se queda para siempre”. En su caso, esa edad fueron los ocho años, cuando emigró junto a su familia desde Galicia a Venezuela. La autora señaló que este “gran quiebre” puede surgir por muchas razones, pero en su caso está vinculado a la experiencia migratoria que marcó su infancia.

Una reflexión colectiva sobre la migración

A pesar de que muchos han definido la novela como autoficción o novela de aprendizaje, Reyes ha preferido evitar las etiquetas. “No he pensado mucho en eso. Mi cabeza no funciona de esa manera ni en la literatura ni en la vida en general”, aseguró. Para ella, La edad infinita no se ajusta a ninguna de esas definiciones, y su enfoque es más amplio. “No se trata de prosa poética”, aclaró.

La trama de la novela gira en torno a la historia de una niña que, al igual que la autora, emigró a Venezuela en su infancia. A través de los ojos de la protagonista, el relato explora el proceso de adaptación a un nuevo país, el choque cultural, el duelo por la tierra natal y la compleja relación con el lugar de acogida.

Reyes explicó que la novela no pretende ser una reflexión sobre su experiencia personal, sino sobre el “proceso transformativo” que conlleva la emigración. En este sentido, La edad infinita no solo se trata de un relato individual, sino que busca trascender esa vivencia personal y ofrecer una reflexión colectiva sobre lo que significa ser migrante y cómo se construye la identidad en un contexto de desarraigo.

En cuanto a las diferencias entre las generaciones, Reyes destaca la brecha entre la experiencia de los padres migrantes, que llegaban con la esperanza de hacer dinero y regresar a su país, y la de la niña protagonista, cuyo objetivo era adaptarse a un nuevo lugar. La autora reconoce que, en su propia experiencia, se dio cuenta de que la migración implicaba una constante renegociación entre el deseo de pertenecer y la aceptación del desarraigo.

Reyes también hizo referencia a la situación de Venezuela, que en los años 80 era un país de acogida para migrantes, pero que con el tiempo se fue sumergiendo en una profunda crisis económica y social. La edad infinita refleja esta transición, mostrando cómo el proceso de integración de la niña coincide con el declive del país que, en su momento, fue un símbolo de prosperidad.

La escritora recordó que la novela comenzó a fraguarse hace años, a partir de unos textos que escribió cuando era niña. En este sentido, destacó que La edad infinita guarda una conexión con su anterior poemario Sardiña (2018), donde también abordó la experiencia de la migración desde una perspectiva familiar. “Con Sardiña volví a mi lengua, volví a estar con mi abuelo”, explicó Reyes, quien añadió que la literatura ha sido su único medio para regresar a su Galicia natal.

Sonsoles Ónega destacó la importancia de compartir la experiencia del estreno en familia, anticipando que el próximo domingo observará el lanzamiento en televisión de “Las hijas de la criada” acompañada de sus seres queridos, según detalló el medio de comunicación que cubrió la velada en los Cines Callao de Madrid. Esta producción, que trasladará al formato audiovisual la novela con la que la periodista recibió el Premio Planeta en 2023, se emitirá por la pantalla de Antena 3 el domingo 30 de noviembre, coincidiendo con el 48º aniversario de su autora.

De acuerdo con la información publicada, el evento reunió a numerosas figuras del ámbito artístico y mediático, así como a colegas y amigos cercanos a la presentadora. Entre los asistentes, estuvieron presentes integrantes del reparto de la serie, como Verónica Sánchez, Alain Hernández, Martina Cariddi y Carlota Baró. Además, personalidades como María José Suárez, María del Monte, Tamara Gorro, José Manuel Parada, Valeria Vegas, Begoña Villacís y Pilar Vidal —colaboradoras del programa “Y ahora Sonsoles”— también formaron parte del grupo que acompañó a Ónega en esta ocasión. Representantes de la familia Atresmedia, incluyendo a Cristina Pedroche, Roberto Leal, Manel Fuentes, Jorge Fernández y Alberto Chicote, se sumaron a la celebración y manifestaron su apoyo a la periodista en el debut televisivo de la historia.

Según publicó el mismo medio, Ónega confesó que le habría gustado vivir el estreno desde el anonimato para observar de primera mano las reacciones del público al primer episodio. La autora señaló que este capítulo inicial condensa la esencia de la trama y presenta de manera directa a los personajes principales, sumergiendo a la audiencia en el ambiente de la novela desde el comienzo. Compartió sus sensaciones ante la adaptación de su obra, admitiendo que la experiencia resultaba novedosa y generaba una mezcla de ilusión y nerviosismo: “Por una parte quiero vivirlo todo, y a la vez tengo miedo porque es algo que nunca hemos hecho antes”, expresó la periodista ante los reporteros presentes.

La elección de vestuario de Ónega, compuesta por un chaleco negro de escote en V y detalles de lentejuelas combinado con un pantalón en el mismo tono, llamó la atención de los asistentes a la entrada al recinto de Gran Vía. El acto, convocado en los emblemáticos Cines Callao, congregó tanto al elenco protagonista como a diversas figuras del entretenimiento y la televisión, quienes tuvieron la posibilidad de ver en exclusiva el estreno de la serie. Según consignó el medio, la escritora manifestó especial interés por la respuesta de los primeros espectadores, considerando la adaptación como muy emocionante, debido al peso narrativo del episodio inicial.

Consultada sobre la presencia de la Reina Letizia, amiga personal de la comunicadora desde la época en que coincidieron en CNN+, Ónega se limitó a confirmar, con discreción, que la soberana no asistiría al estreno, dado que los Reyes participaban en un acto oficial en la Embajada de Alemania junto al presidente federal alemán. La periodista prefirió no aportar más detalles sobre la reacción privada de la Reina frente a la serie.

El lanzamiento de “Las hijas de la criada” forma parte de la apuesta de Atresmedia por adaptar obras literarias de éxito al formato televisivo, permitiendo que historias galardonadas como la de Sonsoles Ónega lleguen a nuevas audiencias. El estreno del primer capítulo, presenciado en primicia por colegas y personalidades del sector, precede a su emisión oficial, generando expectativa entre lectores de la novela y espectadores habituales de la cadena, según reportó el citado medio.

En 1951, un incendio arrasó el Monasterio de San Julián de Samos, en Lugo. Los monjes, enfrentados a una decisión límite, optaron en muchos casos por rescatar ciertos libros, lanzándolos desde la biblioteca con la esperanza de salvarlos, aunque sabían que gran parte del patrimonio acabaría destruido por el fuego. Este suceso histórico, con sus profundas consecuencias para el monasterio y la memoria colectiva, se convierte en el punto de partida de la novela 'Presagio', escrita por el periodista e historiador Juan de Oñate, según informó Europa Press.

'Presagio', publicada por Plaza & Janés, traslada al lector a la Galicia de 1951 y también al presente, fusionando una trama de misterio con una intensa exploración sobre la verdad, la fe y el uso de los medios de comunicación. De acuerdo con lo detallado por Europa Press, la obra propone una original mezcla de thriller y reflexión ética, tomando como base el dilema experimentado por los monjes de Samos. Este dilema —elegir entre la propia supervivencia y la preservación del conocimiento— sirve al autor como estructura para desarrollar una historia en la que el destino y la incertidumbre se entrelazan.

El propio Juan de Oñate afirmó en declaraciones recogidas por Europa Press que utiliza la narrativa de ficción para examinar la crisis del periodismo contemporáneo. Según sus palabras, la novela le otorga la libertad de plantear hipótesis y teorías sobre los desafíos profesionales que afronta la comunicación, de un modo que no se permitiría en formato de ensayo. “Utilizo la novela para reflexionar un poco sobre la crisis en la que se mueve la profesión periodística”, expresó el autor durante una entrevista, en la que también señaló que su experiencia como periodista le facilita desarrollar —apoyado en la ficción— ideas que no abordaría directamente en otros géneros.

La topografía de Galicia, con su ambiente caracterizado por la niebla, las lluvias persistentes y un paisaje envuelto en misterio, aporta según De Oñate un componente esotérico adecuado para el desarrollo de la historia. Por esta razón, el escritor y director de la Asociación de Periodistas Europeos elige esta región como epicentro narrativo. En su valoración, autores y guionistas han encontrado en Galicia el ambiente propicio para historias que exigen una pátina de enigma o misticismo. Así lo afirmó al medio Europa Press, donde subrayó que esta elección de escenario permite descubrir nuevas posibilidades para la ficción y al mismo tiempo, reivindicar un espacio con particularidades distintivas.

Según explicó Juan de Oñate, el eje de ‘Presagio’ gira en torno a la aparición de un libro ficticio en el que se revela la fecha y circunstancias de la muerte de quienes lo consultan. Con este elemento argumental, el autor enlaza la intriga propia de un thriller con una meditación sobre el conocimiento, la tensión entre las creencias y la lógica, el lugar de la palabra escrita en la sociedad y la influencia de las tradiciones. Europa Press consignó que estos temas surgen a partir de planteamientos filosóficos sobre el peso de la información y su filtrado en tiempos de exceso comunicativo.

El novelista alude directamente a la existencia de una "sobredosis de información" en la actualidad. “Vivimos un periodo de inundación informativa y en las inundaciones lo primero que falta es el agua potable”, afirmó De Oñate según consignó Europa Press. Esta comparación establece un paralelismo con la trama: en un contexto donde abunda la información pero escasea la certeza o el análisis riguroso, la aparición de un libro que determina el final de la vida de su lector se convierte en una reflexión sobre las consecuencias de un conocimiento absoluto y no filtrado.

Otro de los puntos destacados por el autor, de acuerdo con Europa Press, es el impacto que podría tener en la sociedad la revelación de un destino personal ineludible. De Oñate consideró que más allá del daño individual, el conocimiento colectivo de la fecha de muerte de cada persona supondría una transformación radical y desestabilizadora. Según el escritor, la certeza sobre el propio destino se convertiría en una condena para la colectividad.

‘Presagio’ se sitúa así como una obra que mezcla acontecimientos reales y ficción, abordando dilemas éticos y sociales en torno al periodismo, la manipulación mediática y el valor de la fe frente a la razón. El libro replantea, de acuerdo con la información difundida por Europa Press, la importancia de preservar la memoria, el conocimiento y el papel de los comunicadores en una época marcada por la sobreabundancia de datos y la dificultad para discernir entre información válida y ruido informativo.

Desde hace décadas, las ferias del libro han sido mucho más que encuentros editoriales: representan espacios de diálogo, intercambio y celebración cultural en ciudades de todo el mundo. Estos escenarios fomentan el acceso a la literatura, impulsan la creatividad y acercan a lectores de todas las edades con autores, editores y profesionales apasionados por las palabras.

En 2025, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara reafirma su vocación global al invitar a Barcelona como epicentro literario y cultural. Esta colaboración no sólo ensancha los lazos iberoamericanos, sino que enriquece el programa de la feria con el dinamismo, la diversidad y la creatividad de una de las ciudades más emblemáticas de Europa.

En su trigésima novena edición, la presencia de Barcelona como Invitada de Honor aparece bajo el lema “Vendrán las flores”, una alusión directa al cuento de Mercè Rodoreda. Del 29 de noviembre al 7 de diciembre, Expo Guadalajara será el epicentro donde confluirán palabras, imágenes, música y sabores, con una programación que promete impactar los sentidos de los visitantes.

Más allá de un evento literario, la FIL se presenta como ocasión única para sumergirse en actividades culturales, académicas y artísticas de gran diversidad. La edición de 2025 incorpora una robusta agenda en la que conviven homenajes, presentaciones, foros y experiencias interactivas, posicionando a Guadalajara, Jalisco, en el epicentro de la conversación intelectual, cultural y creativa de Iberoamérica.

Barcelona, Literatura y tradición florecen

El nombramiento de Barcelona como ciudad invitada de la FIL 2025 implica una mirada transversal a su rica tradición literaria y creativa. La delegación barcelonesa contará con 69 autores que escriben en catalán y castellano, y planea ofrecer una programación variada que entrelaza literatura, artes escénicas, cine, música y gastronomía, mostrando el equilibrio entre lo moderno y la herencia cultural de la ciudad condal.

El Pabellón de Barcelona, creado por el estudio Fàbric, servirá de punto de encuentro para la comunidad lectora e incluirá una librería con diez mil ejemplares, así como un auditorio para actividades literarias y profesionales. Autores reconocidos como Eduardo Mendoza, Javier Cercas, Cristina Fernández Cubas, Carme Riera y Joan Manuel Serrat participarán en mesas, lecturas y charlas junto a referentes mexicanos y de otros países. Además, la ciudad presentará exposiciones en museos tapatíos, conciertos en el Foro FIL y experiencias culinarias lideradas por el chef Gerard Bellver, firmando así una colaboración integral entre las culturas mexicana y catalana.

Un mosaico de actividades para todos los públicos

La FIL Guadalajara no se limita a los apasionados de la literatura, sino que abre sus puertas a públicos de todas las edades y preferencias. El programa abarca más de 3.000 actividades e incluye la presencia de figuras internacionales como Chimamanda Ngozi Adichie, Donatella Di Pietrantonio, Leonardo Padura y Cristina Rivera Garza.

Entre las novedades editoriales sobresalen títulos como Antología personal de Luis García Montero, Avenida 10 de julio de Nona Fernández, y El Hombre de Guillermo Arriaga. Los asistentes podrán disfrutar además de presentaciones en vivo, debates sobre temas de actualidad —desde inteligencia artificial, salud mental, feminismo y diversidad sexual, hasta cambio climático y neurociencia—, y espacios dedicados a la literatura infantil, el cómic y la novela gráfica.

Los homenajes serán otro de los focos destacados: desde el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances al escritor Amin Maalouf, hasta el reconocimiento a figuras como Eduardo Mendoza, Fernanda Trías, Gonzalo Celorio y María Elena Saucedo Lugo. Las exposiciones artísticas en sedes como el Museo de las Artes (MUSA) y Museo Cabañas buscarán acercar al público al diseño editorial, la historia social de Barcelona y nuevas formas de arte digital.

Experiencias juveniles, ciencia y divulgación en la FIL

El espíritu de innovación y reflexión define gran parte de la programación paralela de la Feria. Espacios como FIL Pensamiento reúnen a especialistas de 26 países, incluyendo nombres como Rigoberta Menchú, Richard Gere, Rita Segato y Diego Luna, en más de setenta actividades orientadas a discutir los problemas y desafíos de la sociedad contemporánea.

La oferta científica se hace presente a través de FIL Ciencia, con conferencias sobre temas de frontera dictadas por expertos como el Nobel de Química Venki Ramakrishnan y divulgadores reconocidos como Pere Estupinyà y Mara Dierssen. Por su parte, el programa de FIL Joven y sesiones como Mil Jóvenes con... involucrarán a destacados autores, músicos e intelectuales, propiciando el diálogo intergeneracional y estimulando el pensamiento crítico entre estudiantes y jóvenes adultos.

El Salón del Cómic + Novela Gráfica, la programación de FIL Niños —con talleres, espectáculos y experiencias guiadas por creadores de diversos países— y propuestas culinarias en Libros al Gusto completan la oferta, fortaleciendo el carácter multidisciplinar e inclusivo de la FIL Guadalajara.

La experiencia profesional y la internacionalización editorial

Uno de los ejes centrales de la Feria es su importancia como plataforma para la industria editorial. En los 43.000 metros cuadrados de Expo Guadalajara, más de 18.000 profesionales, incluyendo representantes de nuevos mercados como Eslovenia, Suecia, y Bangladesh, participarán en foros especializados, jornadas de traducción, diseño, edición universitaria y fomento de la innovación en la literatura infantil y juvenil.

El programa para profesionales integra encuentros como el Foro Internacional de Editores y Profesionales del Libro, el Congreso de Traducción e Interpretación San Jerónimo y la Reunión Ordinaria de la Asociación Mexicana de Bibliotecarios. Estas dinámicas contribuyen al desarrollo de redes de colaboración en Iberoamérica, impulsando el futuro del libro, la lectura y la cultura escrita en el ámbito internacional.

Las iniciativas de sostenibilidad y compromiso ambiental, concebidas desde la organización de la Feria, dan a la edición de 2025 un enfoque ético y responsable, con acciones concretas que abren el camino hacia certificaciones como la ISO 20121:2024 para la gestión de eventos sostenibles.

Lo que debes saber sobre la venta de entradas

Con el objetivo de facilitar el acceso y fomentar la asistencia de públicos diversos, la FIL ha dispuesto la venta anticipada de entradas a partir del 6 de octubre. Los boletos podrán adquirirse vía digital a través de Boletomóvil —en la web oficial de la Feria— así como de forma presencial en las oficinas ubicadas en Alemania 1370, colonia Moderna de Guadalajara. El costo general es de 30 pesos, con descuentos especiales para estudiantes, menores de edad, profesores, personas con discapacidad y adultos mayores.

Se estima la participación de más de 900 escritores, así como la presencia de 2.800 sellos editoriales provenientes de 60 países. La FIL Guadalajara recibirá aproximadamente 900.000 asistentes, números que reflejan no solo su carácter masivo, sino la relevancia que posee para la industria del libro a nivel internacional. Este gran encuentro se erige como punto de reunión ineludible tanto para profesionales del sector como para amantes de la lectura, explorando nuevas ideas y tendencias en la literatura contemporánea.

Quienes deseen participar activamente de la mayor fiesta del libro en Iberoamérica solo necesitan planificar su visita, consultar el programa actualizado de actividades y sumergirse en la variedad cultural, literaria y artística que propone cada edición de la FIL Guadalajara.

El jurado del Premio Herralde de Novela ha decidido otorgar el galardón en su edición 2025 a la novela El contrabando ejemplar, del escritor argentino Pablo Maurette, por considerarla una obra que combina fuerza narrativa, originalidad temática y una voz distintiva dentro de la literatura contemporánea en español. La editorial Anagrama, convocante del certamen, ha anunciado el fallo del premio esta mañana a las 12:00. El jurado estuvo compuesto por Gonzalo Pontón Gijón, Marta Sanz, Juan Pablo Villalobos y la editora Silvia Sesé.

La novela se impuso entre un amplio número de manuscritos inéditos, demostrando una potente propuesta literaria. En esta 43ª edición del premio, dotada con 25.000 y la publicación de la obra, la editorial Anagrama refrenda su compromiso con la difusión de voces. La victoria de Pablo Maurette se interpreta como un estímulo al panorama narrativo actual. La obra ganadora se publicará en la colección de Anagrama en los próximos meses, y ya genera expectativas entre lectores, libreros y crítica literaria.

Sobre el Premio Herralde de novela

El Premio Herralde de novela, uno de los reconocimientos literarios más prestigiosos y tardíos del calendario anual, suele mantener en vilo a lectores de España y buena parte de Latinoamérica. No es para menos, su historial, ahora con cuarenta y tres ediciones a sus espaldas, está poblado de figuras esenciales de la narrativa contemporánea, como Álvaro Pombo, Javier Marías, Adelaida García Morales, Roberto Bolaño, Jaime Bayly, Enrique Vila-Matas, Juan Villoro, Martín Caparrós, Guadalupe Nettel, Marta Sanz, Mariana Enriquez o Cristina Morales.

En 2022 el premio vivió un giro inesperado, quedó desierto por falta de consenso entre los miembros del jurado, lo que desató una fuerte controversia. La edición de 2023 recuperó la normalidad con El desierto blanco, de Luis López Carrasco, como obra ganadora, y La reina del baile, de Camila Fabbri, como finalista. Sin embargo, en 2024 la ceremonia volvió a sorprender. Lejos de declarar desierto el galardón, el jurado sorprendió al anunciar dos novelas vencedoras, un hecho inédito en la historia de este célebre premio. De esta manera, Clara y confusa de Cynthia Rimsky y Los hechos de Key Biscayne de Xita Rubert se convirtieron en las dos obras premiadas.

Con este nuevo fallo, el Premio Herralde vuelve a situarse como uno de los grandes referentes de la novela inédita en español. La historia de la literatura contemporánea española y latinoamericana sumará un nuevo capítulo con El contrabando ejemplar de Pablo Maurette, que ahora inicia una etapa de mayor visibilidad editorial y mediática.

El proceso de gestación de Frankenstein se vio marcado por una serie de circunstancias personales y literarias que influyeron decisivamente en su autora, Mary Shelley, durante el otoño de 1816, cuando residía en la ciudad inglesa de Bath. Lejos de la imagen bucólica que suele asociarse a este enclave, la autora, con apenas diecinueve años, transformó una simple propuesta de relato de fantasmas en una de las obras más influyentes de la literatura moderna. Tan así que ha tenido múltiples versiones; la última es la producción de Guillermo De Toro que se estrenará en Netflix el próximo 7 de noviembre.

El origen de la novela se remonta a los meses previos, cuando Mary Wollstonecraft Godwin, su pareja Percy Bysshe Shelley y su hermanastra Claire Clairmont —embarazada de Lord Byron— se instalaron en la Maison Chapuis, junto al lago de Ginebra. Allí, el círculo se amplió con la llegada de Byron y su médico personal, John Polidori. En ese ambiente, las conversaciones giraban en torno a los avances médicos y la posibilidad de crear vida sin intervención divina, un tema que capturó la imaginación de los presentes.

Durante una de las veladas, tras la lectura colectiva de relatos fantásticos alemanes, Byron propuso que cada uno escribiera su propia historia de terror. Este desafío, en el contexto de un verano oscurecido por la erupción del Monte Tambora —que inspiró el poema Darkness de Byron—, sentó las bases para la creación de Frankenstein. Según el relato privado que Mary Shelley compartió con Thomas Moore en 1828, la idea germinó en ese ambiente de competencia creativa, aunque en 1831 la autora ofreció una versión distinta, describiendo una especie de ensoñación en la que visualizó a Victor Frankenstein junto a su criatura en el momento de su despertar.

La desaparición del diario que Mary Shelley llevó durante aquel verano ha desconcertado a los estudiosos, quienes especulan si la autora lo extravió deliberadamente por motivos económicos, dado que en 1831 necesitaba dramatizar el origen de su novela para una nueva edición. Lo que sí se conserva es el cuaderno siguiente, iniciado con una detallada descripción de una excursión alpina, cuya cuarta entrada, fechada el 24 de julio de 1816, contiene la orden: “Escribe mi historia”. Aunque no es posible determinar si ese fue el momento exacto en que la novela comenzó a tomar forma en el papel, se sabe que la travesía por Chamonix y la Mer de Glace inspiró la escena del primer encuentro entre Victor Frankenstein y su criatura, escrita durante la estancia en Bath.

La recopilación Mary Shelley in Bath permite observar cómo, bajo el estímulo de Percy Shelley, el relato inicial evolucionó hasta convertirse en una novela de tres volúmenes. Tras regresar a Inglaterra en septiembre de 1816, Mary Shelley se instaló en Bath junto a su hijo y la niñera, mientras Claire Clairmont buscaba discreción para dar a luz al hijo de Byron. El plan familiar era ambiguo: Mary Shelley contemplaba la posibilidad de acoger a su media hermana Fanny Imlay, pero rechazaba la presencia de Claire en el hogar, mientras que Percy Shelley fantaseaba con una convivencia aún más amplia, incluyendo a su esposa legal, Harriet Westbrook.

En Bath, Mary Shelley se alojó cerca del Pump Room, en una casa propiedad del editor de The Bath Herald, mientras Claire residía en una dirección menos distinguida. Para distraer a su hermanastra, Mary alquiló un piano, consciente de su afición por la música. La elección de Bath como refugio resultó paradójica, ya que la ciudad era un centro social y matrimonial, como satirizó Jane Austen en La abadía de Northanger y Persuasión. Hoy, el visitante interesado en el contexto de Frankenstein encontrará más información en el Jane Austen Centre que en la casa-museo dedicada a Mary Shelley, que apuesta por experiencias sensoriales y salas de escape temáticas.

Uno de los aspectos más debatidos es la influencia de Percy Shelley en la redacción de la novela. Los manuscritos conservados evidencian que su aportación directa abarca unas 4.000 de las 72.000 palabras de la primera edición de 1818. Mary Shelley escribía con una caligrafía amplia y tinta marrón, mientras que las intervenciones de Percy Shelley, en tinta negra o lápiz, tendían a sofisticar el lenguaje. En ocasiones, sus sugerencias enriquecieron el texto, como cuando propuso que la criatura, aludiendo a Milton, declarara: “el mal se convirtió en mi bien”. No obstante, su papel predominante fue el de editor empático, reforzando el mensaje de compasión y tolerancia que atraviesa la obra.

La colaboración entre ambos se extendió al ámbito intelectual. Durante su estancia en Bath, leyeron juntos obras como Émile de Rousseau, que consolidó su convicción sobre la importancia de la educación y la virtud innata. Más adelante, compartieron la lectura de El paraíso perdido y Vidas paralelas de Plutarco, textos que influyeron en la caracterización de la criatura, quien aprende a valorar la virtud y se identifica con el Satanás exiliado de Milton. En una carta de 1838 a Leigh Hunt, Mary Shelley reconoció que la colaboración aportaba “entusiasmo y vitalidad” a cualquier proyecto. Sin embargo, en el prefacio de 1831, la autora subrayó su autoría exclusiva: “Ciertamente no debo a mi esposo la sugerencia de ningún incidente, ni apenas de una línea de sentimiento”.

El entorno de Bath también facilitó el acceso a fuentes científicas y literarias. La vivienda de Mary Shelley albergaba una biblioteca pública, donde consultó obras como A Discourse, Introductory to a Course of Lectures on Chemistry de Humphry Davy, que le sirvió para describir la fascinación de Victor Frankenstein por la ciencia. Para documentar la expedición ártica de Robert Walton, recurrió a relatos de exploradores en busca del paso del noroeste y rindió homenaje a Coleridge mediante referencias a La balada del viejo marinero.

El proceso creativo de Frankenstein coincidió con dos tragedias personales que dejaron una huella en la autora y su entorno. La relación con su media hermana Fanny Imlay se deterioró durante el verano de 1816, cuando Fanny, aislada en Londres, se sintió marginada. Tras una serie de cartas tensas, Fanny viajó hacia el oeste y, el 12 de octubre, fue hallada muerta en una posada de Swansea, tras ingerir láudano. Dejó una nota en la que explicaba su decisión de poner fin a la vida de “un ser cuyo nacimiento fue desafortunado”. Mary Shelley, siguiendo las instrucciones de su padre William Godwin, no acudió a Swansea y la familia mantuvo la discreción sobre las circunstancias de la muerte.

Dos meses después, se identificó el cuerpo de Harriet Westbrook, quien se había ahogado en el Serpentine estando embarazada. Percy Shelley responsabilizó a la hermana de Harriet y viajó a Londres para reclamar a sus hijos, aunque finalmente quedaron bajo la tutela de Eliza Westbrook. La secuencia de suicidios no se refleja de forma explícita en Frankenstein, pero el sentimiento de culpa y exclusión impregnó a sus creadores. En una carta de diciembre de 1816 a Leigh Hunt, Percy Shelley se describió como “un paria de la sociedad humana”, mientras que Mary Shelley reconoció en 1839 que atribuía muchas de sus penas a la muerte de Harriet: “A la triste suerte de Harriet atribuyo muchas de mis propias pesadas penas, como la expiación que el destino reclama por su muerte”.

La prudencia habitual de Mary Shelley se puso a prueba cuando Claire Clairmont dio a luz en Bath el 12 de enero de 1817. En su diario, la autora apenas consignó “cuatro días de inactividad”. Poco después, el 26 de enero, regresó a Londres y, tras una breve estancia en Hampstead, se instaló en Marlow junto a Percy Shelley y su hijo. En mayo, tras añadir el prefacio anónimo de Percy Shelley al manuscrito, Mary Shelley escribió un “Finis” triunfal y comenzó un nuevo proyecto: un libro de viajes basado en cartas enviadas a Fanny Imlay durante el verano de 1816.

La publicación de Frankenstein en diciembre de 1818, en una edición anónima de quinientos ejemplares, no anticipó el impacto que alcanzaría tras la adaptación teatral de Richard Brinsley Peake en 1823, con T.P. Cooke interpretando a la criatura. El éxito de la obra, representada 330 veces en Londres y París, generó una oleada de versiones escénicas y consolidó la fama de la novela. En 1831, Mary Shelley expresó su deseo de que “mi horrenda progenie salga y prospere”, aludiendo al anhelo de obtener beneficios económicos.

El legado de Frankenstein se ha expandido a más de veinte adaptaciones cinematográficas, desde la versión de 1910 para la Edison Manufacturing Company hasta la interpretación de Boris Karloff y las producciones de Hammer House of Horror.

En 2025, Guillermo del Toro presenta una nueva versión, con Jacob Elordi como la criatura y Oscar Isaac como Victor Frankenstein.

Un escenario: el Conurbano bonaerense. Un momento histórico: la pandemia. Los personajes: un herrero con ganas de hacer las cosas bien, Gregorio, y una mujer bien, Dolores, cuyo padre acaba de morir. En el medio, dos casas, la muerte. Ese es el esqueleto escueto de la nueva novela de Belén Longo, autora de Donde mueren las mariposas, que obtuvo el Premio Futurock Novela 2019.

En esta oportunidad regresa, editada por Promesa, una pequeña editorial de Merlo, con una novela polifónica en la que varios personajes, ópticas, capas, géneros, tonos y perspectivas confluyen para que los lectores y las lectoras se asomen a los hechos, que están atravesados por el duelo. Una casa en construcción es la metáfora del estar a medias –estar pero no estar– y la excusa para poner a vincular a los protagonistas.

Con una prosa amigable, que oscila entre la narrativa, la lírica y la ensoñación febril, la escritura de Longo conduce no solo por las calles de un conurbano casi desierto en pandemia, sino, sobre todo, por los sentires de sus protagonistas, que se mueven como animales heridos. Conformado por capítulos que fluctúan entre la tercera y la primera persona, el relato demostrará que las aparentes diferencias de los personajes no son tales, porque los hermana el dolor.

La propia escritura de Temporada de pejerreyes, gestada durante la pandemia, estuvo atravesada por un duelo en primera persona de la propia autora. Esa herida fresca le aporta, asimismo, un matiz con el que los lectores empatizarán.

—Temporada de pejerreyes es una novela polifónica. ¿Cómo se construyen varias voces narradoras?

—Se fue gestando en paralelo. Los personajes aparecieron en paralelo, cronológicamente, tanto Gregorio como Dolores. La unión de ambos la empecé a ver cuando aparece la idea de la casa como eje central en el que se mueven las emociones de todos. La idea de la construcción, de reparación y de destrucción de una casa, y del abandono de otra, y cómo se mueven estos actores hizo que se empezara a armonizar la novela. Podrían haber sido cuentos distintos, pero me interesó, sobre todo, por la trama de fondo, que es el duelo. La resolución de ese tipo de cosas, que se dé de este modo, con dos casas derruidas, en un momento muy particular, de quiebre total, y en el medio, lo que pasa en torno a una muerte. El irse de la realidad porque la realidad pesa. Esos capítulos en donde la voz está más parada sobre un fantástico o la poesía, porque ya no hay mucho relato lineal que permita hablar de esos sentimientos. Ahí, empecé a jugar con la estructura para hablar de eso que está por debajo, que es cómo resolver un duelo muy profundo y cómo reencontrarse con esa persona cuando ya no está.

—Vos mencionás que podrían haber sido cuentos. Si bien la estructura de los géneros es lo que marca la diferencia, ¿por qué tomás la decisión de que sea una novela y no cuentos?

—Lo que me pasó en el proceso de escritura fue la necesidad de salir del foco de la subjetividad pura de un personaje que narre un duelo. Me pareció muy necesario pensar en un colectivo. Si yo lo planteaba como cuentos separados, sentía que estaba rompiendo algo que quería que estuviera en la novela: una colectividad que se está moviendo todo el tiempo con sus conflictividades. En algún punto se tocan y les toca convivir con las mochilas de su propia historia y enfrentarse a las del otro. Y hay una convivencia. Por eso era importante que no se viera como cuentos separados, sino que hubiera una integración.

—Más allá del duelo, que es “el” tema, también hay otro, más sutil, que los traspasa, que es la cuestión de salir de lo urbano.

—En mi caso particular, sí era una necesidad, porque es algo que me atraviesa. La novela está temporalmente parada en pandemia, y en ese momento también fue muy marcado el éxodo o el exilio hacia un pedazo de verde. Y eso sí está, esa necesidad, ese planteo.

—Pienso en los relatos de Selva Almada, en Los Llanos de Falco. ¿Creés que hay una reivindicación o una necesidad de salir de lo urbano para trasladar las historias a un ámbito más rural?

—Escritores que hablan de lo rural son, claro, Selva Almada, Falco, pero hay mucho que ahora se está federalizando. Hay grandes escritores que escriben rural, escritores que escriben terror pampeano. Una amiga, Vicky García, escribe cuentos de terror bien en el campo. Hay cosas muy buenas que están surgiendo y que aparecen porque la ciudad está agotada en todos sus sentidos. Pero para la literatura, también.

Me parece que el cierre de lo urbano también está empezando a darse: ya hay una movida y una necesidad de mirar, sobre todo, lo interespecie.

Una de las cosas que a mí me marcó también en el momento en que estaba escribiendo esta novela fue leer a Donna Haraway. Ella habla de la necesidad de empezar a pensar la relación interespecie, que no somos solo los humanos, hay mundos enormes, infinitos, y la posibilidad de revisar nuestras utopías es un camino muy interesante. Es cercano, posible, no hay que irse muy lejos, sino a lo más chiquito, a una hormiguita... Hay pequeños mundos que hoy para narrar todavía son muy explotables.

—Estamos regidos por una cultura totalmente antropocéntrica.

—Por eso hay algo ahí de la búsqueda, también. Me encanta que se perciba, porque la búsqueda de la reparación, la inscripción de lo natural, de la naturaleza, de los animales, del verde, es parte del proceso. Volver a las raíces. Por eso la figura de la abuela como una voz que trae ese mundo también era importante. Hay que de volver a recuperar lo más básico. Pienso en Marosa di Giorgio, a la que también estaba leyendo en la época en que escribí la novela. Ella habla, también, sobre estos mundos muy pequeñitos. De meterte en el césped y empezar a hurgar entre las hormigas. Eso que para mí es narrar hacia una utopía. Salirnos de nuestra humanidad, netamente extractivista, y empezar a mirar para otro lado.

—La cuarentena es el marco temporal de la novela. ¿Los sucesos tienen otra textura que si hubieran sido hoy o hace quince años?

—La pandemia fue un momento entre corchetes, que quedó suspendido. Se le dio otra textura, porque en mi imaginario de aquel momento había un potencial de futuro distinto. Más allá de lo catastrófico de la circunstancia, había una idea, sobre todo en la primera etapa, que después se empezó a modificar, y empezó a acercarse a lo que finalmente fue, un horror. Pero en la primera instancia de la cuarentena sí hubo algo, desde mi punto de vista, que nos transformó. Primero, nos obligó a estar muy para adentro, que me parece que como cotidianeidad no lo teníamos. Se había perdido el hábito de estar 24/7 adentro de tu casa, con todo lo bueno y lo malo, porque acercó vínculos y destruyó otros.

—¿Fue contemporánea la escritura con los sucesos de la novela?

—Hay capítulos, como la parte del poema, que lo escribí el día que falleció mi papá. O sea, hay situaciones que marcadamente tienen que ver con hechos históricos, sí.

—¿Empezás a escribir la novela a partir de la muerte de tu padre o hay un giro en la novela?

—Esta novela se empieza a escribir a partir de la muerte de mi papá. Todo lo que sucede en esta novela, este universo, se construye a partir de la muerte de mi papá.

—Justo te iba a preguntar cómo surgían las historias.

—Algunas son ficcionadas en absoluto y tienen que ver con mi necesidad de salirme y con la posibilidad, en ese momento, de poder irme. La novela tiene un momento que yo sí quise plasmar, que es el del duelo, en donde todo está roto. Quise poner algo que era netamente, si se quiere, biográfico, que es ese poema, porque me parecía que es un momento en el que es muy difícil ponerle palabras a lo que uno está sintiendo. Esas formas fueron las que a mí me permitieron sacarlo.

Hay partes de la novela que sí son del momento, de finales de 2020. Hay otros que fueron escritos en 2021, y otros, más cerca de 2022. En el medio estaba corrigiendo otra novela que había escrito antes, entonces, a Temporada.... la iba dejando descansar y me ponía con la otra. A veces hago eso para tomar distancia. Cuando una está muy metida, se piensa que todo está horrible o que todo está muy bien, y ninguno de esos momentos es real.

—¿Existe una presión después de que tu primer libro haya sido una novela ganadora?

—A mí me pasó algo muy particular, porque si bien Donde mueren las mariposas ganó un premio, la novela salió en febrero de 2020, y en marzo fue la pandemia. Entonces, no tuvo tampoco un gran despliegue, porque se vio atrapada en ese contexto. Y yo tampoco me lo creí mucho. Lo tomé como un mimo y una caricia en la espalda que me decía “seguí por ahí”. Lo cierto es que siempre para mí la escritura fue un refugio.

—Ya tu premio está en escribir.

—Y la presión, en definitiva, después está en otras instancias de las que me despegué rápido, por suerte. Lo más complejo es encontrar un espacio donde poder publicar. Eso sí es difícil, y me costó, porque yo había tenido una primera novela que mandé a un concurso y se publicó. Se puede pensar que es así de fácil, y no lo es. La búsqueda por una editorial, en mi experiencia con Promesa, fue espectacular, porque Germán, el editor, es superamoroso. Esta era una novela muy particular, porque me atravesaba, entonces tenía mucho miedo por el que la recibiera. Y fue un gran acompañamiento y también le dio un crecimiento a la novela, porque hubo mucho feedback.

—¿Y qué se viene ahora?

—Tengo una novela terminada que la estoy dejando descansar para que Temporada tenga su momento, una mezcla entre negro y un romántico, también son dos voces y se para sobre dos géneros literarios y se va construyendo la historia. También estoy trabajando cuentos, que son del orden de lo siniestro doméstico. Esas vidas que parecen normales y después pasan cosas. Los estoy trabajando y me estoy divirtiendo mucho. Qué pasará después, si queda en un archivo de mi computadora o si encuentra la luz, no lo sabés.

—¿Los géneros es un tema que te interesa?

—Mi primera novela fue un policial, de género negro. A mí lo que me pasa con los géneros es que siento que hay algo de la literatura de género que permite llegar, por alguna cosa rítmica, por la conflictividad que plantea, llega más. Se puede hacer buena literatura desde el género, no es un limitante. Además, hoy los géneros ya no están tan encasillados. Hay muchos cruces, se atraviesan. A mí me parece que está bueno que los géneros vuelvan a ocupar un lugar relevante en la literatura, en la narrativa en general.

Fotos: gentileza prensa Temporada de pejerreyes y Belén Longo.

El interés por las relaciones personales de Maxi Iglesias ha crecido tras la aparición de rumores relacionados con Susana Abaitua en la capital española. Estos comentarios surgieron después de que ambos fueran vistos en actitud afectuosa en una discoteca madrileña, según publicó el medio de comunicación que cubrió el evento. Sin embargo, durante la presentación de su novela ‘Horizonte Artificial’ en Espacio Felise, ubicado en los jardines de Murillo en Sevilla, el actor optó por no entrar en detalles sobre su vida privada, pese a las preguntas de la prensa, según recogió la fuente citada.

Durante su estancia en Sevilla, Maxi Iglesias compartió su satisfacción en torno al lanzamiento de su primer libro, destacando la acogida del público que acudió a apoyarlo. De acuerdo con la cobertura del medio, el actor se tomó fotografías con seguidores y conversó con quienes asistieron al acto. Iglesias expresó: “Estoy muy contento de venir ahora con ‘Horizonte Artificial’”, mencionando además su vínculo anterior con la ciudad, en la que rodó la película ‘Asesinos Inocentes’, un trabajo que recordó con aprecio.

La incursión de Iglesias en el mundo editorial representa una faceta nueva en su trayectoria, aunque el intérprete subrayó que se mantiene centrado en los rodajes, tal como consignó la prensa presente en el evento. Describió la escritura como un pasatiempo compatible con su profesión actoral, agradeciendo la confianza de la editorial que facilitó la publicación y distribución de su obra, permitiendo que llegue al público.

Respecto al contenido de ‘Horizonte Artificial’, el actor detalló que la trama aborda temas de poder y negocios, aunque se enfoca principalmente en las dinámicas familiares y laborales. Iglesias explicó que la novela desarrolla historias vinculadas a relaciones de padre e hija, hermanos, parejas y empleados con sus superiores, explorando los momentos vitales de los personajes más allá del contexto empresarial, según reportó el medio citado.

En relación a los comentarios acerca de una posible relación sentimental con la actriz Susana Abaitua, Maxi Iglesias evitó confirmar o desmentir la situación. Al ser preguntado por los periodistas, el actor dirigió la conversación hacia un proyecto cinematográfico conjunto: “Estoy muy contento, hemos hecho una película preciosa que se llama ‘Nueva propiedad’ y estoy muy contento”, declaró según publicó la prensa. No obstante, rechazó ampliar información sobre una posible inspiración romántica desde ese vínculo, respondiendo de manera tajante: “No, no, no, no”, cuando le consultaron si la actriz podría ser su nueva musa.

Las preguntas sobre la vida personal de Maxi Iglesias aparecieron tras las imágenes difundidas por algunos medios, en las que se le habría visto en compañía cercana con Susana Abaitua en un local de Madrid. Pese a las presiones, el protagonista se mostró enfocado en la promoción de su obra y expresó gratitud hacia sus seguidores, demostrando disposición para compartir con el público su entusiasmo por esta nueva etapa literaria, mientras optaba por reservar los aspectos vinculados a su intimidad, informó el medio que participó de la cobertura.

El regreso de Cate a Irlanda, tras años de vida en Londres y una aparente distancia de los conflictos que marcaron su país natal, se convierte en el punto de inflexión de Una a una en la oscuridad, la novela de Deirdre Madden publicada originalmente en 1996. En este relato, la autora irlandesa explora cómo la memoria de la violencia política en Irlanda del Norte, lejos de disiparse, impregna cada aspecto de la existencia de quienes intentan dejarla atrás.

La protagonista, Cate, ha construido una vida independiente en la capital británica, dedicada a su trabajo en una revista de moda y decoración, y manteniendo relaciones amorosas sin ataduras. Su aparente desvinculación de los “Troubles” —el prolongado conflicto entre católicos y protestantes en Irlanda del Norte— se ve desafiada cuando regresa a su pueblo natal para comunicar una noticia trascendental. El reencuentro con su madre y sus dos hermanas, Helen y Sally, reaviva los recuerdos de los años más oscuros del enfrentamiento, otorgando un nuevo significado a los paisajes y lugares familiares: los campos, los pueblos, las calles y el lago.

La novela, que vio la luz dos años después del primer alto el fuego y dos años antes del Acuerdo de Viernes Santo de 1998, se sitúa en un momento clave de la historia reciente de Irlanda del Norte.

Madden retrata el modo en que la guerra civil alteró de manera radical la vida de personas comunes, como las tres hermanas protagonistas, de quienes se afirma que “si no hubieran sido hermanas, jamás habrían sido amigas”. Helen ejerce como abogada especializada en terrorismo en la zona más peligrosa de Belfast, mientras que Sally trabaja como maestra en el colegio católico donde las monjas intentaron inculcar en ellas la piedad y la sumisión. Cate, por su parte, representa a quien logró escapar de ese entorno.

La estructura narrativa alterna entre el presente —los paseos, conversaciones, risas y discusiones de las hermanas durante la semana que Cate pasa en el pueblo— y el pasado, evocando una vida anterior al conflicto cuyo impacto, según la autora, “era mínimo pero profundo”. Se describen visitas a la iglesia y a la tienda, excursiones a la feria anual y a lugares emblemáticos como la Cruz de Ardbee y el Pozo Sagrado, así como celebraciones familiares.

Entre estos dos tiempos, Madden introduce el periodo de la violencia política, entretejiendo en el relato las primeras manifestaciones por los derechos de la minoría católica, la represión violenta de las autoridades, la radicalización de las opiniones, los enfrentamientos con la policía, el surgimiento de grupos paramilitares, las detenciones arbitrarias, las bombas, los asesinatos —tanto de políticos como de personas sin filiación aparente—, las amistades rotas y las familias separadas.

Uno de los momentos más impactantes de la novela es el asesinato de Charlie Quinn, padre de Cate, Helen y Sally. Madden lo presenta no como un hecho aislado o decisivo, sino como parte de la secuencia de actos violentos que caracterizaron aquellos años. Aunque algunos lectores contemporáneos pudieron percibir cierto didactismo en la exposición del conflicto, la autora se distingue por su capacidad para abordar un asunto histórico complejo a través de la experiencia íntima de sus personajes, sin emitir juicios sobre ellos.

La sensibilidad de Madden se manifiesta en cada página, donde las descripciones y los retratos de los personajes adquieren una vitalidad particular. Su estilo la sitúa en la tradición de escritores como Frank O’Connor, Colm Tóibín y Edna O’Brien, logrando que “cada página de este libro parece florecer con cada nueva descripción, con cada nuevo retrato que compone la autora”.

Un enorme transatlántico, orgullo de los armadores británicos, una gran obra de ingeniería naval, un monstruo con tres hélices, dos mástiles, cuatro chimeneas, un portento del mar considerado insumergible, embiste en medio de la noche y del mar helado un iceberg; se hunde sin remedio a seiscientas millas de Terranova, frente a las costas de Canadá y de Estados Unidos, y mueren casi todos los pasajeros porque los botes salvavidas no eran suficientes. Una gran tragedia. Es la del Titanic. No, es la del Titán.

El gran desastre del Titanic, el de la noche del 14 de abril de 1912, el hundimiento que pasó a la historia, fue anticipado por una novela, un trabajo de pura ficción, una total invención publicada en 1898, catorce años antes de la catástrofe y nueve años antes de que Joseph Bruce Ismay, presidente de la empresa naviera White Star Line, y lord William Pirrie, presidente de los astilleros Harland & Wolff, se pusieran a pensar en la construcción del Titanic para competir con los transatlánticos de la empresa naviera rival, Cunard Line.

La novela, la que predijo casi con exactitud milimétrica el desastre del Titanic, fue escrita por Morgan Robertson, un tipo de mar que tenía treinta y siete años cuando su libro salió a la venta, que había trabajado en la marina mercante desde los quince, que conocía de barcos, de olas y de riesgos, que fabricó joyas y lidió con esas pequeñas piedras únicas, un accidente de la naturaleza que se han dado en llamar diamantes y que había decidido dedicarse a escribir ficciones por vocación y para ganar algunos dólares más: no era un gran escritor, no lo sería nunca, pero algunas cosas las veía muy claras.

Robertson, el tipo que imaginó el Titanic y su destino fatal antes de que el Titanic naciera, estaba de punta con el imperio británico. Se había educado con los reflejos americanos de la era victoriana y había salido al mar muy joven, en una época en la que Gran Bretaña controlaba los océanos y al menos una cuarta parte del mundo. Sentía hacia los ingleses imperiales —una deducción incomprobable— cierto desdén que no alcanzaba el desprecio: los había conocido en los mares, no les tenía mucha confianza, se burlaba en secreto de la altivez británica que soportaba como una pequeña humillación. Entonces imaginó un gran barco inglés —el imperio para quien guste de las parábolas facilongas—, un gran buque que fuese un símbolo del orgullo sin medida, de la suficiencia exorbitante, de una colosal vanidad irremediable, un barco insumergible que se hundía como una cáscara de nuez en medio de una tempestad.

Si el argumento anterior parece exagerado, un dato lo sostiene o, al menos, lo acaricia: Robertson llamó a su novela Futility, or the Wreck of the Titan, Futilidad o el naufragio del Titán, en español. La Real Academia Española dice de futilidad: “Poca o ninguna importancia de algo. Cosa inútil o de poca importancia”. Y, generosa, la RAE agrega algunos sinónimos: insignificancia, trivialidad, intrascendencia, frivolidad, bagatela, tontería, bobada, niñería, minucia, hojarasca. Más claro, echarle agua, de mar a ser posible.

Morgan Robertson había nacido en Oswego, estado de New York, el 30 de septiembre de 1861. Era hijo de Andrew Robertson, un capitán de barco de los grandes lagos estadounidenses y canadienses, y de Amalia Glassford. A los quince años se largó al mar como un jovencísimo grumete o lo que fuere; en todo caso, en el escalón más bajo de la marina mercante, y allí estuvo durante poco más de dos décadas hasta llegar al grado de primer oficial. Navegó y aprendió mucho: sabía de peligros, de naufragios, de mares bravos y helados, de los icebergs y sus riesgos, oyó historias, escuchó fábulas, quería ser escritor. No le fue difícil anticipar al Titanic: lo impresionante es la precisión de su imaginación.

Cuando salió de la marina mercante, estudió fabricación de joyas en Cooper Union, una prestigiosa universidad privada del East Village de Manhattan y, en los años siguientes, trabajó en el negocio de los diamantes, tasaciones, compra, venta, investigación, inspección. La actividad le dañó los ojos, le menguó la visión, así que, ya grande, digamos pasado de muchacho, decidió hacer lo que le gustaba: se dedicó a la literatura. Escribió historias, de mar por supuesto, y sus trabajos se publicaron en McClure Magazine y en Saturday Evening Post. No se hizo millonario, pero vivió para cubrir sus necesidades básicas y algo más, comprar somníferos, por ejemplo: tenía pesadillas. Encontró apoyo, aliento y protección de sus colegas escritores, y de los actores de las compañías teatrales de entonces. El viejo lobo de mar, no tan viejo, había descubierto la bohemia. Y le gustó.

A finales de la década de 1890 pergeñó Futility… y la nave insignia de su novela corta: el transatlántico Titán. Es la hora del juego de las comparaciones. Robertson imaginó que su Titán se hundiría en el Atlántico norte, como el Titanic, después de chocar con un enorme iceberg, también como el Titanic. En el buque de ficción y en el real, morirían la mayoría de los pasajeros: en el Titán viajaban tres mil personas de las que sólo sobrevivirían trece; en el Titanic viajaban dos mil doscientas veinticuatro y sobrevivieron setecientas seis. En la novela de Robertson, la enorme cantidad de muertos se debía a que su gran buque, Titán, sólo llevaba veinticuatro botes salvavidas; el Titanic llevaba sólo veinte.

Robertson sabía de qué hablaba. Las regulaciones marítimas de la época, que se nefregaban en la previsión y la prudencia, total los barcos no se hunden, fijaban la cantidad de botes salvavidas según el tonelaje de la nave y no según el número de pasajeros que transportaba; de manera que el Titán de ficción y el Titanic real cumplían las fatídicas normas. El Titán de Robertson desplazaba cincuenta y tres mil toneladas; el Titanic setenta y cinco mil. Como el de la ficción de Robertson, el Titanic fue la embarcación más grande y más lujosa de su época, juzgada como insumergible.

La eslora —el largo— del transatlántico que imaginó Robertson era de doscientos cuarenta y tres metros con ochenta y cuatro centímetros; el Titanic medía un poco más, doscientos sesenta y nueve metros. El Titán de papel podía navegar a veinticinco nudos, unos cuarenta y seis kilómetros por hora; el Titanic lo hacía a veintitrés nudos, cuarenta y dos kilómetros y medio por hora. Los dos grandes transatlánticos, el de ficción y el real, estaban equipados con tres hélices, dos mástiles y cuatro enormes chimeneas. Los dos fueron botados en abril. Si bien el Titanic zarpó de Southampton, Inglaterra, con destino a New York, el Titán de Robertson haría un recorrido inverso: partía de New York con destino Irlanda. En el medio se metió el iceberg, porque los dos enormes buques, otra coincidencia, navegaban a la máxima velocidad, los dos en su único y fatal viaje inaugural; aunque el Titán se hundió en medio de una tempestad y el Titanic en un mar en calma, los dos naufragaron a una cantidad semejante de kilómetros de la costa de Terranova: sólo uno de los dos sigue en el fondo del mar.

El otro, el de ficción, pasó sin pena y sin gloria por las librerías, para padecimiento del autor que soñaba para la novela un mejor destino. Lo tuvo. Cuando se hundió el Titanic alguien recordó —tal vez el mismo Robertson ayudó a recordar— la extraordinaria similitud entre la ficción y la realidad. Y la novela fue un éxito. Muchos años después, en 1997, la película de James Cameron, con Leonardo Di Caprio y Kate Winslet, volvió a rescatarla del olvido y fue de algún modo una orientación para los guionistas.

¿Tuvieron en cuenta la novela de Robertson los ingenieros de las dos grandes líneas navieras que parieron los enormes transatlánticos de principios del siglo XX? Cunard Line construyó dos gigantes del mar: el Mauretania y el Lusitania, este último también de trágico destino: fue torpedeado y hundido por un submarino alemán frente a las costas irlandesas el 7 de mayo de 1915, en plena Primera Guerra Mundial. White Star Line diseñó y construyó el Britannic y el Titanic, con treinta metros más de eslora que los barcos rivales.

Los dos buques de la White Star —que en 1934 iba a terminar fusionada con su antiguo rival, Cunard Line—, estaban dotados de los más grandes adelantos técnicos para que flotaran siempre, muchos de ellos descritos en la ficción de Robertson: el casco estaba dividido en diecisiete secciones independientes, todas con mamparos herméticos: se habían rediseñado las palas de las hélices, usaban un moderno sistema de telegrafía y reinaba el lujo en la primera clase: pileta de natación, gimnasio, cancha de squash, biblioteca, salas de recepción… Una ciudad a flote que terminó en el fondo del mar, a más de tres mil metros de profundidad.

Entre la aparición de su novela Futilidad… y el desastre del Titanic, Robertson siguió su carrera de escritor con éxito aleatorio, pero sin perder su extraña capacidad de visionario. En 1905 publicó The submarine destroyer (El submarino destructor), que usaba en la ficción un nuevo dispositivo llamado periscopio, que permitía ver la superficie con el submarino sumergido. Robertson quiso patentar su creación como un prototipo, pero le dijeron —y era verdad— que tres años antes, en 1902, Simon Lake y Harold Grubb habían perfeccionado un modelo de periscopio que ya usaba la Armada de Estados Unidos. De todas formas, Robertson llegó a registrar su periscopio con reformas y modificaciones sobre los anteriores modelos.

En 1914, ya con el mundo bajo los nubarrones de la Primera Guerra, Robertson publicó un volumen de relatos cortos que incluía una versión corregida y aumentada de Futility…, porque ya navegaban los mares los transatlánticos de Cunard Line y estaban a punto de zarpar los de White Star. Pero lo extraordinario del entonces nuevo volumen de relatos de Robertson fue que entre los cuentos cortos había uno, “Beyond the Spectrum” (“Más allá del espectro”), que describía una futura guerra entre el imperio japonés y Estados Unidos, como en realidad ocurrió veintisiete años después.

En ese relato, Japón atacaba de manera furtiva los buques americanos en sus rutas hacia Filipinas y Hawai, sin declarar nunca la guerra a Estados Unidos; intentaba incluso invadir el territorio americano con una masiva embestida sorpresa a las costas de San Francisco, que frustra el héroe del relato. El cuento de Robertson describe ataques con máquinas voladoras, cuando la aeronáutica de guerra estaba más que en pañales en la época, bombas brillantes que caían desde el cielo en la mañana de un domingo. La ofensiva aérea japonesa sobre Pearl Harbor se produjo sin previa declaración de guerra, incluyó el bombardeo de la base naval estadounidense y se desató en la mañana del domingo 7 de diciembre de 1941.

Qué pasaba en la cabeza de Robertson es algo difícil de discernir; veía lo que los demás no imaginaban. Tal vez sus pesadillas, a las que quería combatir, le revelaban en catarata esa inquietante condición que, con no menos inquietante modestia, solemos llamar recuerdos del futuro. Tampoco hubo mucho tiempo para escudriñar su mente. El 24 de marzo de 1915, a casi un año y un mes del hundimiento del Titanic, Robertson, el visionario, fue hallado muerto en la habitación del hotel Alamac, en Atlantic City, New Jersey. Tenía cincuenta y tres años. Como solía tomar dosis de paraldehído protiodide —como se definía entonces al yoduro de mercurio— para controlar su glándula tiroides y aplacar los dolores del reumatismo, se pensó que había muerto por una sobredosis de aquel mejunje que contenía el malsano mercurio como uno de sus componentes. Finalmente, la causa de su muerte se determinó como “enfermedad cardíaca”.

Lo encontraron tendido con extraña placidez en la cama de su cuarto de hotel. La habitación tenía todas sus ventanas abiertas. Todas miraban hacia el mar.

Las ciudades vinculadas a su vida están aprovechando el auge de popularidad de Jane Austen. En Chawton House (la casa en la que escribió la mayor parte de sus novelas) se han organizado eventos durante todo este 2025 con festivales temáticos incluidos.

En mayo, la catedral de la ciudad de Winchester (en la que está enterrada la autora) acogió un baile de la Regencia junto a su tumba. Por otro lado, en Bath, donde Austen pasó una temporada con su familia, se organiza un festival anual repleto de tours temáticos y hasta una cita con “Mr. Darcy”, el coprotagonista de Orgullo y prejuicio.

Es muy curioso que Bath saque tanto partido de Jane Austen, cuando uno de los grandes misterios en torno a la escritora –presente en casi todas sus biografías– es si realmente amaba u odiaba la ciudad.

El boom de las adaptaciones

Jane Austen está más presente que nunca en la pequeña y en la gran pantalla y su figura protagoniza una oleada de adaptaciones y homenajes.

Netflix está produciendo una miniserie basada en Orgullo y Prejuicio. El canal BBC 2 ha estrenado un documental llamado Jane Austen: Rise of a Genius, que explora su vida desde su infancia en Steventon hasta su desarrollo literario. Por otra parte, el canal BBC1 está rodando The Other Bennet Sister, basada en la novela de Janice Hadlow, que reimagina la historia desde el punto de vista de Mary Bennet (la hermana más intelectual –e infravalorada– en Orgullo y prejuicio).

Austenland, musical inspirado en la película basada en la novela homónima de Shannon Hale, sigue a Jane Hayes, una mujer de cuarenta años obsesionada con el Mr. Darcy de Colin Firth. Por ello, decide visitar un peculiar parque temático dedicado al universo de Jane Austen.

El fenómeno se ha mantenido vivo en la gran pantalla este 2025 con la producción franco-británica Jane Austen arruinó mi vida. La joven de esta comedia romántica encuentra el amor en una residencia dedicada a Austen, un tema que no es casual. El amor –presente o no– es uno de los grandes interrogantes de la vida de la autora, y protagoniza varios de los homenajes actuales, como, por ejemplo, una exhibición en Chawton titulada Jane Austen in Love.

Cassandra y las cartas

Otro de los grandes misterios que rodean a la escritora inglesa es el contenido de su correspondencia. Se piensa que Jane Austen escribió alrededor de 3 000 cartas, de las cuales solo se conservan unas 170; su hermana Cassandra quemó el resto. La miniserie titulada Miss Austen se centra, precisamente, en el supuesto contenido de esos papeles, planteando de nuevo un enigma que llevamos siglos sin resolver.

Según las biografías de la autora, Cassandra destruyó muchas de sus cartas con el objetivo de proteger su privacidad y preservar la imagen que la familia quiso proyectar de Jane Austen: la de una mujer piadosa, ajena a pasiones románticas o ideas políticas, que escribía simplemente porque era un mero pasatiempo.

Sin embargo, las investigaciones recientes han demostrado que realmente era una mujer ambiciosa, muy consciente de su talento literario y decidida a vivir gracias a sus novelas. Ese contraste entre la imagen perfectamente construida y proyectada por su familia y la figura más compleja que muestran sus obras o los estudios sobre ella alimenta el mito de Jane Austen: una autora envuelta en silencios, cuyas cartas ausentes dicen tanto como sus novelas, y cuya verdadera voz seguimos intentando descifrar dos siglos y medio después.

El rostro de Jane

La citada miniserie explora también otro enigma sobre la escritora: su apariencia física. En la biografía publicada por su sobrino James Edward Austen-Leigh en 1870, hay un retrato suyo que no es el original, sino una versión idealizada de la autora, acorde con la imagen que la familia quería preservar: la de una mujer serena, discreta y convencional.

El retrato que probablemente sí la representa de forma fiel es el boceto que está en la National Portrait Gallery de Londres realizado por Cassandra Austen en el que la escritora aparece con una expresión seria –incluso defensiva– con rasgos muy marcados.

De esta forma, la miniserie se distancia del biopic edulcorado Becoming Jane, en el que la autora –interpretada por Anne Hathaway– aparece como una mujer bellísima. Al elegir una representación más sobria –y probablemente más realista– tanto de su aspecto físico como de su personalidad, Miss Austen invita a reconsiderar la figura de Jane Austen desde una perspectiva compleja. La aleja así de las idealizaciones románticas que han marcado su legado durante generaciones, enfatizando, una vez más, los misterios en torno a la autora.

Nuevas reescrituras

Son precisamente esos enigmas los que invitan a su redescubrimiento a través de nuevas versiones de sus obras.

Últimamente se publican, por ejemplo, muchas reinterpretaciones de sus novelas dirigidas a adolescentes. Tirzah Price ha reescrito Orgullo y prejuicio, Sentido y sensibilidad o Mansfield Park con tintes detectivescos (Pride and Premeditation, Sense and Second-degree Murder y Manslaughter Park).

También hay reescrituras que adoptan una perspectiva feminista (Being Mary Bennet de JC Peterson), racial (Adonde te lleve el ritmo de Sarah Dass, u Orgullo de Ibi Zoboi, basadas en Persuasión y Orgullo y prejuicio) o queer (Northranger, de Rey Terciero, 2023, a partir de Northanger Abbey).

Cada una de estas nuevas versiones contribuyen a reavivar los enigmas sobre su vida que todavía no se han resuelto. Lejos de olvidarnos de Jane Austen, sigue más presente que nunca. En este 2025 no solo se celebra su obra, sino también el misterio que la rodea. Y es que por eso volvemos a ella: no solo por lo que dijo, sino por lo que no sabemos y probablemente nunca sabremos.

Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.

* Es profesora de Literatura Inglesa de la Universidad de Murcia.

Fotos: Henry Nicholls/ AFP; Reuters/ Suzanne Plunkett y National Portrait Gallery London.

Vigo, 8 ago (EFE).- 'Las cosas que nos pasan' (Penguin Libros) ha supuesto para la periodista Guada Guerra, especializada en cultura y deportes, pasarse al otro bando, al de los escritores, y confirmar así que "es cierto eso de que los personajes cobran vida".

Su libro está ambientado en Vigo, donde atiende a EFE en una entrevista en la que explica que, habituada a escribir relatos y guías, había "pospuesto" el proyecto de novelar hasta que en octubre de 2023, "a raíz de todas las presentaciones literarias" en las que participa y de "trabajar con la gente de Penguin Random House", el director literario Gonzalo Albert le propuso un giro inesperado.

La oferta se la trasladó al final de una conversación que mantenían sobre otra autora y Guerra no dudó en dar el "sí".

Esta primera novela la escribió en paralelo a su actividad profesional, como les pasa a la mayoría de escritores, más aun cuando se trata de un "debut literario y el vivir de la escritura es un sueño que queda lejísimos".

En el proceso, comprobó que "es cierto" eso que "había oído decir a tantos escritores de que los personajes cobran vida". Así, ella veía a sus protagonistas -Sofía, Irene, Julia, Belén y Claudia, un grupo de amigas treintañeras- "sentarse a tomar unas cañas, las escuchaba, y escribía".

Son cinco chicas "en la ciudad de Vigo, un poco perdidas, cada una con sus circunstancias personales" y, como en todo grupo, "siempre hay alguien que cuida más de las otras, alguien que es un poquito más desastre, alguien que está pendiente de reservar y alguien que nunca contesta los mensajes, porque todos nos creemos muy especiales pero al final todos somos muy parecidos", apunta.

Representan, como ella, la generación de los millennials (nacidos entre 1981 y 1996), que crecieron "con unas expectativas de futuro que no casaban con la realidad al llegar a la vida adulta", porque el mundo "cambió por el medio" y la entrada al mercado laboral es "más difícil o los trabajos son más precarios y el acceso a la vivienda es muy complicado".

A esto se suman temas como "la maternidad o la salud mental", en un libro cuyo título surgió cuando una amiga le preguntó de qué estaba escribiendo y ella contestó que "sobre las cosas" que les pasaban.

Aunque ella misma admite que cuando habla de la novela "parece un drama", precisa que "en realidad no" lo es. Son contratiempos del día a día que se superan porque "por encima de todo está la red de esas personas que nos sostienen", como la pandilla de amigas de este libro.

"Al mes y poco" de la publicación le anunciaron la segunda edición, "con la que no contaba ni de lejos", así que está "muy contenta con la acogida" que ha tenido su ópera prima y asegura que esas ganas de seguir escribiendo ya no las puede "soltar". EFE

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La novela El misterio del último Stradivarius, del escritor argentino Alejandro G. Roemmers, ha cobrado relevancia internacional no sólo por su intrincada estructura narrativa, sino por ser la obra que inspiró el último prólogo firmado por Mario Vargas Llosa, poco antes de su fallecimiento, el pasado 13 de abril.

El narrador llevará a cabo la presentación de su obra en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara 2025, que se llevará a cabo del 29 de noviembre al 7 de diciembre próximos.

Se trata de un texto que el Nobel dictó a su hijo Álvaro debido a las dificultades físicas que le impedían escribir, convirtiéndose en su última intervención literaria pública.

¿De qué va?

La obra narra una historia que parte de un crimen real ocurrido en Paraguay en 2021, donde desaparecen violines de altísimo valor atribuibles a la legendaria familia Stradivari. A partir de este hecho, Roemmers teje una trama que viaja entre siglos, escenarios y emociones, integrando elementos de novela histórica, policial y de objeto, una mezcla que el peruano destacó en su prólogo como un logro narrativo poco común.

Alejandro Roemmers, conocido inicialmente por su trayectoria poética y por obras como “El regreso del joven príncipe”, explicó que esta novela fue un desafío mayor.

“Quise hacer una gran obra literaria, no sólo entretenida, sino bien escrita, con profundidad emocional y contenido histórico”, dijo en entrevista para INFOBAE México.

Cabe destacar que gran parte del proceso de escritura ocurrió durante el confinamiento de la pandemia, lo que le permitió sumergirse por completo en la investigación y en la recreación de ambientes que van desde Cremona en el siglo XVIII hasta la Paraguay contemporánea.

El autor admitió que escribir sobre Paraguay fue particularmente complejo, ya que no conocía el país de primera mano. Por ello, recurrió a mapas satelitales, testimonios de amigos y material documental para construir los escenarios con fidelidad.

En contraste, los pasajes europeos contaron con el respaldo de sus múltiples viajes por el continente y su familiaridad con la historia cultural de la región.

Más allá del crimen y la intriga, el texto propone una reflexión sobre el valor del arte como expresión espiritual y educativa. Roemmers utiliza el violín no únicamente como hilo conductor del relato, sino como símbolo de la sensibilidad humana, el arte que conmueve, y la búsqueda de lo trascendente.

El escritor argentino, quien transita con soltura entre la poesía, el teatro y la narrativa, confesó que no se propuso conscientemente escribir sobre los Stradivarius por moda o referencia previa. Al enterarse del robo de estos violines en Paraguay, su curiosidad lo llevó a construir una historia desde la intuición y la imaginación, sin revisar literatura previa sobre el tema.

La hermandad: Vargas Llosa no solía escribir prólogos

El reconocimiento de Vargas Llosa, que dedicó más de 15 páginas a reflexionar sobre la obra y sobre la trayectoria del autor, representa para Roemmers no solo un respaldo, sino un hito emocional: “Fue un regalo inmenso. Él no solía escribir prólogos. Que este haya sido su último, lo convierte en algo profundamente significativo”.

Roemmers explicó que su acercamiento con el literato se dio a lo largo de los años en Madrid, España, donde ambos residieron, primero en el ámbito económico y luego en espacios literarios compartidos, como charlas y ferias del libro.

La relación fue evolucionando hasta que el autor argentino decidió enviarle el manuscrito de su primera novela, esperando tal vez una breve opinión. Lo que recibió fue mucho más: un extenso y elogioso prólogo que el propio Vargas Llosa dictó cuando su salud ya no le permitía escribir con la mano, haciendo de este gesto un testimonio final de su aguda mirada literaria.

Lo que viene

El autor no descarto la posibilidad de que alguna de sus obras puedan encajar en formatos televisivos o cinematográficos “tienen elementos que pueden adaptarse a una mini serie o una película”, incluso aseguró que ya ha elaborado algunos guiones; confía en que estas historias, que combinan emoción, espiritualidad y crítica social, logren conectar con el público más allá de las páginas.

Mientras tanto, anticipó que visitará México en el mes de noviembre para presentarla en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, una cita clave para el mercado hispanoamericano.

Lima, 26 jul (EFE).- Las novelas nacen del mismo lugar de donde lo hacen los sueños, reflexiona la escritora española Rosa Montero (1951) a su paso por la Feria Internacional del Libro (FIL) de Lima, donde presentó el último tomo de su serie de ciencia ficción, que esta vez explora la identidad y el paso del tiempo, dos de sus grandes obsesiones.

"Todas mis novelas han nacido del inconsciente, son como sueños que sueñas con los ojos abiertos. Tú no escoges las historias que cuentas, sino que las historias te escogen a ti y vienen a tu cabeza con la misma aparente autonomía con que los sueños vienen por la noche", expresa la autora en una entrevista con EFE.

La escritora madrileña presentó en la capital peruana ‘Animales difíciles’, que cierra la serie de ciencia ficción protagonizada por la detective androide Bruna Husky y que, pese a ambientarse en el siglo XXII, versa sobre sus tradicionales preocupaciones, como el paso del tiempo.

"El sentido de escribir es la búsqueda del sentido de la existencia, y tú escribes siempre de la misma manera. Me da igual irme al siglo XXII con Bruna, o al siglo XII, estoy hablando de las mismas cosas, intento poner luz en mis obsesiones siempre y escribo con la misma ambición expresiva, estilística", dice Montero.

En este sentido, admite que le nace responder "si se puede hablar de otro tema", cuando periodistas le preguntan el por qué escribe siempre sobre la muerte y el paso de los años, pues "vivir es deshacerse del tiempo".

"Tienes que escribir los libros que te son necesarios y emergen. De repente un día aparece como una idea en tu cabeza. No sabes por qué que te emociona, por qué te turba y te llena tanto la cabeza y el corazón que no te cabe en el pecho y te dices: 'yo esto tengo que contarlo, tengo que compartirlo'. Y ahí es cuando nace la novela", explica sobre su proceso creativo.

'Animales difíciles' es el final de la serie integrada por ‘Lágrimas de lluvia’, ‘El peso del corazón’ y ‘Los tiempos del odio’, y plantea la inconsciencia con la que estamos creando "un Dios indiferente", como define la escritora a la superinteligencia.

"Cuando empecé a pensar en esta cuarta novela no sabía que iba a ser la última, porque estos libros son 'autoconclusivos'. Lo único que yo quise es hacerme un mundo que yo pudiera visitar cuando quisiera", señala sobre la serie.

Sin embargo, asegura que, en cuanto empezó a desarrollar la historia, se dio cuenta de que era la última, porque atraviesa una doble lucha, puesto que Bruna debe resolver un misterio como en el resto de tomos, pero en este explora su nueva identidad, uno de los grandes problemas del ser humano, según la autora.

"Esta doble lucha hace que la novela sea muy épica y que tenga una envergadura enorme. Entonces, me di cuenta enseguida de que no iba a ser capaz de hacer otra novela de Bruna Husky con semejante envergadura y, para hacer una novela peor, pues la verdad es que yo creo que había que terminarla ya, así que estoy encantada", sostiene.

Pese a ser una mujer de letras, Montero cuenta que siempre le ha apasionado la ciencia y tecnología, como ya ha demostrado en otras obras, y expresa estar preocupada por el futuro que la inteligencia artificial plantea.

"La inteligencia artificial nos puede hacer absolutamente de todo, nos puede manipular hasta convertirnos en peleles y dictarnos lo que queremos pensar, sentir, comprar, votar, y ya está pasando, eso es espeluznante y no se está haciendo nada para regularlo", dice.

Como parte de la comunidad científica, la escritora subraya la importancia de que se incluyan los neuroderechos en la carta de derechos humanos, para que esta futura superinteligencia no se vuelva en contra de los propios humanos.

"Quiero dejar un poquito de esperanza. Ese futuro no está hecho, ese futuro lo estamos haciendo hoy y lo podemos controlar (...) Tenemos que llegar a un acuerdo, estamos a tiempo de controlar esa potencia brutal de la IA pero hay que ponerse en marcha. Por ahora no estamos haciendo nada que esté al alcance para controlarlo", agrega.

Pero pese a los vertiginosos avances tecnológicos, Montero asegura que en el futuro también habrá espacio para el arte, al ser algo intrínseco de la raza humana.

"En tanto sigamos siendo humanos necesitaremos el arte, como decía Georges Braque, el pintor francés abstracto, el arte es una herida hecha luz, una frase tan bonita, tan bella que me la he tatuado en una pierna. Sin el arte, ¿qué vamos a hacer con las heridas de la vida sin intentar convertirlas en luz para que no nos destruyan?", se pregunta. EFE

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Sebastiano Mauri lo ha hecho de nuevo: el libro La Nueva Tierra (Adriana Hidalgo, 2025), escrito durante la primera cuarentena, llega en su edición castellana y en la patria de su madre, por la editorial que lo publicó por primera vez —Disfruta del problema: Relajate y goza–.

“Mi madre es argentina. Toda su familia es de acá. Vengo de toda mi vida, es mi segundo país, entonces para mí era como una evolución natural”, señala acerca de ser editado en el país. Y no es el único punto coincidente con su primera novela. La búsqueda y definición de la identidad y el humor para narrarlo son su seña característica. Aunque, dice, aquella “era más sexo, droga y rock n’roll en los años 90 en Nueva York”, ciudad en la que vivió, ya que se graduó en cine en esa ciudad.

Allí vivió quince años, adquirió experiencia, se apropió del idioma, pero se fue, ya que señala que es una ciudad que “te da mucho, pero si te das cuenta, te saca más de lo que te está dando. Se renuncia a un montón de cosas para vivir ahí”. Esa reflexión da cuenta de una sensibilidad única. Y así, por diferentes circunstancias que lo llevaron a experimentar con la ayahuasca, se llega a La Nueva Tierra, su flamante publicación que hoy será presentada en Eterna Cadencia a las 19 junto con Dario Sztajnszrajber.

En esta novela, su protagonista –su personaje, como lo llama él, una suerte de alter ego–, Leone Amoedo, viaja a la Amazonía del Perú por invitación de su prima y cómplice de la vida, Nur. Ella cree que él necesita una transformación, y no se equivoca.

Sin escatimar en detalles –en la que se evidencia su formación cinematográfica–, sumerge de a poco a los lectores y lectoras en un universo desconocido también para el protagonista, que, fiel a su personalidad, ingresa distraído, pero se enfrenta a cierto baño de realidad. Estructurada en capítulos breves pero igual de intensos que las experiencias a las que se enfrenta Leone, La Nueva Tierra convoca a la reflexión, al disfrute y la emoción sin perder la sonrisa.

Tras una conversación amena, entretenida, en la que no faltó el análisis coyuntural, la ironía y las anécdotas más diversas, Infobae Cultura acerca a los lectores algo del mundo en torno de La Nueva Tierra, de Sebastiano Mauri y de sus emociones.

—Siempre me gusta preguntar cómo surge escribir una novela. Más, en este caso, en el que entiendo que está basado en una experiencia personal. Y me gustaría preguntarte, además, cómo las licencias que vos tomás son puestas en evidencia. En el cierre hablás de una prima, como en la novela. Da la sensación de que no hay una búsqueda de que sea estrictamente ficción, como si hubieras dejado pistas para que la gente supiera que eso pasó.

—Te digo mi postura. Yo lo presento como ficción, te doy todos los elementos, como decís, también, en los agradecimientos, en mi biografía, para decir “bueno, pero acá no hay ficción, porque claramente hay mucho en común con su propia biografía”. Además, lo escribo como si fuera todo verdadero. Tiene que ver con el hecho, también, de que yo me gradué en cine, estudié cómo escribir guiones. Es muy visivo cómo el cine tiene que parecer, tenés que hacer la suspensión de incredulidad. Tenés que creer en los personajes, en lo que están pasando, identificarte. Entonces, lo escribo todo como si vos leyéndolo dijeras: “sí, sé que me lo está presentando como ficción, pero me queda reclaro que todo esto es verdad”. La verdad es que es menos verdad también de lo que uno piensa, pero también cuando me estoy inventando, trato, si hago un buen trabajo, de que vos sigas pensando “acá no te creo, no es ficción, pero esto es lo verdadero”. Lo de la ficción a veces es un instrumento que te ayuda a ser más honesto no menos honesto. No es una manera para distanciarte de la realidad, por el contrario, con la protección de la ficción, con la protección del personaje, que siempre más o menos vos podés terminar manejando cuando querés asumir toda su mierda, lográs ir más profundamente a la verdad de lo que pasó. A veces, si tenés un nombre verdadero, situaciones verdaderas, vas a adoptar las mismas máscaras que probablemente usaste cuando lo viviste en la vida real. La ficción, para mí, es una manera de sacar más la verdad. Que hay mucho de lo que yo viví y que hay mucho de mis experiencias, que las heridas de mi personaje coinciden mucho con mis heridas, es así, tu impresión es correcta, no lo voy a negar.

—La novela, que es muy profunda y aborda temas que calan muy hondo –incluso la muerte y la espiritualidad, entre otros– está escrita no solo de forma muy amigable, sino, además, con bastante humor. ¿Es tu manera de escribir el mundo?

—En general, y naturalmente, me voy hacia la comicidad, o la ironía, por lo menos. Primero, porque pienso que es un signo de maduración, en el sentido que Ethel Barrymore, de la familia Barrymore, de los actores hollywoodenses, decía: “Crecés el día que logras reírte de ti mismo”. Creo mucho, también, en el poder curativo de la risa, sobre todo si estás hablando en momentos difíciles o trágicos de tu vida, que quizás te hicieron sufrir, te dieron miedo, te hicieron llorar, te dieron dolor o lo que sea. Si con el tiempo lográs hacer ese cuento con una vena irónica, vos te estás elevando. Siempre riéndote, vos te elevás arriba del objeto de tu risa. Es una manera para procesarlo. Pienso que una vez que lográs ponerle algo de irónico a eventos que te parecían tan pesados, le estás sacando importancia, le estás sacando peso. Sorprendentemente, estás un poco curando. Y segundo, lo mismo, como decía Luigi Pirandello, el autor de teatro italiano: “Más es pesado el argumento, más liviano tendría que ser el lenguaje con el cual lo comunicás”. En este caso, estoy hablando de cosas muy serias, de los espíritus, de las plantas, de los animales, de los muertos, y del bien del mundo en general. El sistema ecológico, el sistema patriarcal, que va de la mano con la destrucción de la naturaleza, ecofeminismo. Todos temas que, dichos así, suenan todos pesados…

—Solemnes...

—Contarlo, entrar en esos campos, pero con un poco de autoironía, haciendo el personaje siempre más tonto que los otros. Mi propio personaje muchas veces no está entendiendo lo que pasa a su alrededor, mientras todo alrededor lo entendió, hasta el lector lo entendió, es una manera, para mí, para lograr algo profundo, pero con un juego de espejos de liviandad, que te mantiene el lector, quizás, cerca, pero, al mismo tiempo, lográs mandar los mensajes que querías mandar.

—Incluso entre los mismos personajes. Este vínculo que tiene Leone con su prima Nur, como de desacralizar, y no por eso tomarlo con liviandad. Ellos mantienen esa cosa como de juego permanente.

—Sí, sí. Por eso me interesaba también la relación con ella, que es claramente una relación que es bien antigua, que ya tenían desde que eran niños. Así que alguna mecánica, alguna manera de dialogar entre ellos o la misma de los dos niños que crecieron juntos, que la mantienen todavía ahora, más jocoso, playfull.

—No lo había pensado hasta ahora, pero me doy cuenta de que ella le oculta su enfermedad, y pensaba si no hay una cuestión como de desdramatizar, si tiene que ver con esto, con el vínculo de alegría o de divertirse.

—Y puede ser por eso, yo tampoco lo había pensado. Quizás hay algo de eso. Pero también tenía que ver con presentar a una mujer fuerte, independiente. Fuerte de verdad, que hasta en un caso así no va enseguida a llorar sobre la espalda de otro, llorarse encima, hacerse la víctima. Al contrario, toma sus decisiones. Se va sola a la jungla amazónica.

—Sí. Un contrapunto total con él.

—Sí, exactamente. Sería ella el héroe del viaje [ríe]. Él está más perdido psicológicamente, es más miedoso.

—De hecho, ella lo convoca; “porque vos lo necesitás”, le dice.

—Literalmente ella le dice “Vine acá para aprender a morir, pero te llamé porque quisiera que, en cambio, vos aprendas a vivir, mientras estás a tiempo”.

—Que en algún punto “mientras estás a tiempo” tiene que ver con ella, ¿no? Es algo que vuelve. Cierra el círculo.

—Sí.

—En una primera instancia, incluso, entiendo, como estrategia de marketing, el libro se presenta como una novela sobre un viaje de ayahuasca. Sin embargo, rescataría el subtítulo –“Un viaje chamánico en busca de la propia identidad”–. ¿Cómo definirías vos el libro en pocas palabras?

—Bueno, es un viaje de toma de conciencia personal y universal. Universal, en el sentido, y personal, por la ayahuasca. Todo lo que es cura chamánica siempre trabaja sobre esos dos planos paralelos: en la cura de la persona, y que esa cura de la persona se refleje en la cura, para usar ese término, de lo que es tu alrededor. El principio chamánico dice “Un chamán no puede curarte a vos, por ejemplo, tu dependencia del celular si el chamán está dependiente de su celular”. Si la chamana es alcohólica, va a ser imposible que te cure tu dependencia. Si la chamana está en una relación tóxica y quizás violenta, no puede curar tu relación tóxica y quizás violenta. Un chamán para poder curar a los otros algo tiene que curarse a sí mismo. En ese sentido, la medicina, las plantas, trabajan siempre para ir a limpiarte a vos de todo lo que es dañino, lo que no sea verdadero, lo que te haga mal al espíritu o al cuerpo, para que después puedas trabajar con esa energía hacia el resto y al resto del mundo. La planta maestra, el sentido, que lo hacen las enseñanzas que te dan, tiene un interés personal, también. Siempre las plantas usan los animales, para polinización, para pasar semillas, etcétera. Seducen animales de manera distinta, según cómo le pueden servir los animales. Las plantas maestras entendieron que el ser humano es un animal muy poderoso que puede hacer el bien y el mal en su propio ambiente. Y entonces, lo que hacen es tratar de tener un ser humano más sano, que se acuerde de lecciones medio ligadas –no para la gente de, por ejemplo, los pueblos originarios, que todavía viven en comunidades en contacto con la naturaleza–. Entonces, la planta maestra lo que hace es recordarnos esos principios muy básicos que sirven para la sobrevivencia de todo ecosistema, incluida la casa de la ayahuasca misma, ¿no? Es como un mensaje interesado.

—Me llamaron la atención los epígrafes en todos los capítulos; son de los más diversos autores, ¿cómo fue esta selección?

—Algunos autores que leía, y otros los iba buscando. Viste que hoy en día se puede ir a cazar, a cazar quotes, epígrafes, sobre distintos argumentos. Y también traté de delimitar los números de machos blancos.

—Sí, sí, vi bastantes mujeres.

—Que fueran voces distintas, que haya muchas voces de mujeres, de mujeres no blancas necesariamente. Era eso. Y, sobre todo, que fueran las que más exprimían el alma, el mensaje, de ese capítulo.

—Pero no era que los tenías subrayados en un cuaderno.

—Algunos, sí; otros, no, iba cazando. Puedes ir buscando todo online. Lo mismo para esto.

—Pero está bueno esto que decidiste, de elegir autores que no sean nada más…

—Machos blancos… (risas)

—...que hubiera mujeres. En eso sí hubo una elección a conciencia. Más allá de si los buscaste por internet o si algunos los tenías subrayados. Hubo una búsqueda ahí, sí, además, del equilibrio, ¿no? ¿En la edición italiana había sido así, también?

—Sí, había sido así, la cura de la herida con lo femenino, que es uno de los temas que enfrenta mi personaje, es uno de los temas que tiene que enfrentar también la sociedad en general. Por lo que antes dije, que siempre se cura lo personal para curar lo general. Y entonces, uno ve la manera en la cual se puede aplicar esa lección. Una era esa, también, ¿no? Ese era uno de los miles de aspectos en los cuales trataba de darle una forma de curar nuestra herida con lo femenino. Empezar a escuchar más, también, las voces femeninas.

—Salir del mainstream, ¿no? La novela trata de la vida de Leone, y muy de cerca de la de Nur, sin embargo, se presentan pinceladas muy profundas de otros de los “pasajeros”, como Sava o Jean, ¿cómo lograste construir historias con tanto peso con pocos datos e incluso apariciones?

—Quizás tiene que ver con lo que me enseñó el cine. Por ejemplo, cada personaje tendría que tener una evolución, por cuanto sea chico, darle un mínimo. Para tener una evolución, necesitás tener un problema, también. Tener siempre una razón de conflicto y, ojalá, aprender algo sobre ese conflicto, y quizás salir ganando, de alguna manera, o por lo menos responder positivamente a un cambio que se te viene. Esa podría ser una de las razones por la cual te quedan, porque también los personajes secundarios tienen su propio arco narrativo.

—Y también funciona, por ahí, en relación con el personaje principal. Jean tampoco tiene resuelta su sexualidad. O Sava, que también vive en Milán.

—Son espejos, también, del personaje. Cada uno sirve para sacar un costado distinto del personaje principal, como en el caso de Jean, el francés que no acepta su propia sexualidad, y se lo muestra la medicina justo para hacerle ver cómo él mismo, que se siente liberado, tampoco está tan liberado. No sentirse libre tiene el mismo efecto sobre el otro. Tu libertad libera a los otros. Tu censura censura los otros. Otra vez es el mismo trabajo: lo personal es universal. Lo universal es personal. Virginia Woolf dice: “Si no decís la verdad sobre ti mismo, nunca vas a poder decir la verdad sobre los otros”. Para un escritor es muy importante; si sos el primero en escribir un punto de vista hipócrita o muy parcial, en lo cual estás escondiendo grandes verdades tuyas, es difícil que seas honesto y que hables de la verdad cuando estás hablando de los otros.

—La Nueva Tierra es considerada novela, es decir, se encuadra dentro del género narrativo, sin embargo, se encuentran bastantes similitudes con textos como Así habló Zaratustra, por ejemplo. Hoy los géneros tienen poca importancia, y se desdibujan, ¿sería erróneo considerarlo un libro filosófico?

—[Ríe] Bueno, yo no me atrevería a definirlo nunca así [risa]. Ahora lo vamos a presentar con Darío Sztajnszrajber, sobre todo delante de él y antes de encontrarme con él, nunca podría ni me permitiría definirlo como un libro filosófico. Seguro enfrenta temas existenciales. Los temas existenciales desde siempre son, quizás, el motor primario para todas las preguntas que la filosofía se hizo en miles de años de su vida. Entonces puede ser que toque esos temas, pero yo no podría nunca atreverme a definirlo así.

—Para finalizar, y teniendo en cuenta que tu madre es argentina, las referencias a la ciudad son impecables, como si fueras argentino, ¿por qué el libro fue escrito en italiano y no en castellano?

—La respuesta es muy simple: y es porque no puedo escribir en castellano. Lo aprendí de grande, a los 12 años, y no me siento bastante en casa como para escribir en castellano. Mi idioma es el italiano. Entonces es normal que para mí salga antes en italiano, que es donde más me siento en casa, y también con el italiano a veces cometo errores. En castellano quizás algún día, pero tendría que pasar más tiempo acá.

Fotos: Gentileza Sebastiano Mauri, Adriana Hidalgo.

“Miré hacia atrás ¡y cuál fue mi espanto! Vi a un lívido y silencioso con la cabeza descubierta, clavada la mirada, y con los brazos cruzados. iEra Rosas! Tomé atrevidamente la palabra:

-¿Qué pretendéis, señor?

“Sin responderme, Rosas continuó mirándome de una manera singular. Enseguida, sentóse delante de una mesa, tomó una pluma y escribió sobre un pedazo de papel: ‘Me abstengo de entrar con vos en explicaciones. Camila O’Gorman usted me agrada: sed mía. Responded, pero sin frases’”.

“Yo medí al dictador de pies a cabeza con una altiva mirada, hice trozos el papel y arrojé los pedazos. De un salto Juan Manuel estuvo a mi lado, me tomó de la mano, pero inmediatamente retrocedió al ver el gesto de terror que yo acababa de hacer. Rosas, sin moverse de su puesto, continuó”:

-¿Queréis ser mía, ¿sí o no?

“Yo respondí con vehemencia”:

-¡No!

El que antecede es un extracto de la novela Camila O’Gorman, redactada por el francés Felisberto Pelissot en 1856 y complementada un año más tarde en una nueva edición publicada por Imprenta de las Artes. Allí, además de detalles de la intimidad y la pasión entre ella y el sacerdote Uladislao Gutiérrez, salieron a la luz las intenciones amorosas del entonces gobernador de Buenos Aires para con Camila. Los textos de Pelissot están basados en las memorias de Camila a las que el escritor tuvo acceso y que ella llamó “Mis secretos”.

Para Esteban Enrique Loustaunau, investigador que estudió licenciatura en historia y está plenamente dedicado a recorrer la vida de la joven porteña que fue ejecutada junto a su amado, el sacerdote Uladislao Gutiérrez, el 18 de agosto de 1848 en el patio trasero del campamento militar de los Santos Lugares en San Andrés “existe una revelación de la verdad que subyace a la ejecución de Camila O’Gorman, porque presumir que la brutalidad de su asesinato tuvo origen en el celo por la moral pública de parte de Juan Manuel de Rosas es no conocerlo ni a él ni a su capacidad de crueldad”.

Loustaunau -quien reside en San Martín a metros de donde fusilaron a la pareja- revela que lo que intenta desde hace años es “dar a conocer aquello que se nos ha mal enseñado u ocultado de determinados hechos o personajes que trascendieron a través de la historia. Y éste sería uno de esos casos”, explica en una fecha más que especial, ya que se acaban de cumplir 200 años del nacimiento de Camila O’Gorman, ocurrido el 9 de julio de 1825.

Su curiosidad y sus dudas por saber más detalles acerca de la vida de la joven lo llevó a profundizar su investigación a través de dicha novela del autor francés: “Fue traducida y prologada por Heraclio Fajardo, director del periódico El Recuerdo, en el que comenzó a salir como folletín la versión de Pelissot que enmarcaba la historia luego de la batalla de Caseros de 1852, cuando dos jóvenes reciben de Lázaro Torrecillas, íntimo amigo de Camila O’Gorman, un manuscrito titulado ‘Mis secretos’ en agradecimiento por haberle prestado ayuda cuando fue retenido por mazorqueros -una organización parapolicial que actuó en Buenos Aires durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas-.

De acuerdo a la novela, la protagonista había escrito ese diario en sus últimos meses de vida y contaba allí la historia de su vida desde la niñez, que incluía la rebeldía ante sus padres, época en la que se amparaba en el apoyo que le brindaba Torrecillas, su compinche y compañero de estudios. Relataba además que había conocido a Uladislao Gutiérrez en la casa de él, y que acudió en su ayuda al enterarse de que había caído preso. Resuelta a salvar a su amigo, Camila se dirigió directo a la residencia de Rosas en Palermo acompañada por Uladislao para interceder por su amigo y salvar su vida. Pero según el libro, Rosas aprovechó la ocasión para confesarle a Camila su amor por ella, más allá de la presencia del cura”, explica Loustaunau.

En la obra de Pelissot, Rosas recibió a Camila en su casa, y se suceden textos y diálogos entre ambos como estos:

-Y vos, mi hermosa criatura, ¿no suspenderéis ese velo que me oculta vuestros atractivos? A ver si he adivinado. Apostaría a que ese misterioso incógnito me reserva alguna una nueva sorpresa de esa maldita doña Teodora...

Ante semejantes dichos, Camila reflexionó: “Me estremecí. Rosas acababa de pronunciar el nombre de una de esas proveedoras de harén, cuya preocupación consistía en seducir o robar entre algunas familias pobres de Buenos Aires la flor de las doncellas para servir de pasto a sus inmundos deseos. Yo repulsé la mano del dictador que trataba de suspender mi velo. Este movimiento de mi parte equivalía a toda respuesta. Rosas retiró su cabeza, se tendió de nuevo en el sofá, cerró a medias sus ojos de inquisidor y me examinó silenciosamente a través de la gasa que me cubría el semblante”.

El entonces gobernador de Buenos Aires no se quedó callado:

-Es ejemplar, continuó con tono sarcástico. ¡Enhorabuena! Ha comprendido Teodora que los amores fáciles me fastidiaban. Me agrada esto, y presumo que la defensa era digna del ataque. Ya los veis señorita, estoy enamorado, locamente enamorado, antes mismo de haber tenido el gusto de conoceros.

Mientras tanto, la joven pensaba para sus adentros, siempre de acuerdo a sus memorias: “Sus pequeños ojos azules se fijaban en mí con toda la impertinencia del sultán. Yo no sé qué de siniestro había en sus miradas que ocasionaba el estremecimiento del terror. Algunas veces se hubieran tomado por las de una ponzoñosa víbora. Nada de noble ni delicado en aquellas facciones desvergonzadas y repulsivas. Su modo de mirarme tomó a la vez un carácter de tal insistencia y deshonestidad, que cedí a un movimiento de despecho, volviendo bruscamente la cara hacia otro lado. El dictador se mordió los labios, afectó reprimir su malhumor, y respondiendo a su modo a la lección de civilidad que acababa yo de darle, se estiró un poco más sobre el sofá”.

Camila insistió para que perdonara a su amigo Torrecillas y lo dejara libre, pero según la novela, Rosas siguió empecinado con coquetearla. “Seré benigno, pero pensad que os adoro”, escribió Camila y agregó: “Me lo dijo aparte y en voz muy baja. E imprimió un beso en mi mano. Yo me estremecí convulsivamente. Me pareció haber sentido el contacto de la baba de una serpiente... El dictador se apróximó entonces y me dijo”:

-En realidad yo soy vuestra conquista y la prueba es que mi brazo os pertenece. “Rechacé dignamente y sin malhumor la mano que trató de pasar por debajo de mi brazo izquierdo”, aseguró ella.

Entonces, él afirmó: “Sí, Camila, vuestra conquista, o si preferís sois vos la mía... Mirad Camila -añadió Rosas tocándose el corazón con la mano derecha y hablando con un énfasis teatral-: Guardaba aquí un secreto, yo os amo, os adoro. No temáis, con un amor nada vulgar, digno de vos y de mí”.

Sigue relatando Camila: “Enseguida, abriendo enfáticamente los brazos como quien dice una gran cosa, sacudiendo la cabeza exclamó en tono confidencial”:

-En fin, si es necesario decirlo, ¡yo me uniré a vos en matrimonio!

De acuerdo a los textos rescatados y publicados por Pelissot de los secretos de Camila, Rosas lo intentó todo. “En un momento puso en tierra una rodilla –escribió la joven, y continuó: “con el rostro inflamado, la mirada lujuriosa y jadeante la boca, dirigió hacia mí sus temblorosas manos. Yo permanecí en mi taciturnidad sistemática, y creí no deber contestar a sus palabras, ni retroceder ante la actitud que había asumido, porque él no se había atrevido aun a tocarme. Estaba resuelta a todo ante esa abyecta y repugnante culebra, que hubiese sido menos rápida en levantarse contra mí, que mi pie en aplastarle la cabeza”.

La joven lo rechazó y huyó de la estancia de Juan Manuel de Rosas para viajar a Montevideo con su padre, Adolfo O’Gorman, con el fin de ayudar a los postergados con obras de caridad. Manuelita, la hija del gobernador, finalmente intercedió por Lázaro Torrecillas, a quien Rosas decidió liberar al poco tiempo. Cuando regresó, Camila y Uladislao huyeron el 12 de diciembre de 1847 para vivir su historia de amor sin miradas ni opiniones ajenas. Primero pasaron por Luján y dijeron llamarse Florentina y José. Pero en febrero de 1848, de paso por Santa Fe aseguraron haber perdido sus documentos y lograron obtener pasaportes falsos a nombre de Valentina Desan y Máximo Brandier. Luego se instalaron en Goya, Corrientes, donde se desempeñaron como maestros.

Juan Manuel de Rosas acorralado por la situación, la presión de la iglesia que era su aliada y de los unitarios que no cesaban en repudio y críticas a su adversario ordenó que fueran hallados, trasladados y luego fusilados, más allá de los ruegos de su propia hija, Manuelita, de una estrecha amistad con Camila que forjaron cuando ella asistía a reuniones y fiestas que la hija del gobernador celebraba en su propia casa.

Rosas logró encontrarlos cuando Camila y Uladislao fueron reconocidos por el sacerdote irlandés Michael Gannon, quien dio el alerta. En Goya fueron detenidos e interrogados. Camila no se dejó amedrentar por la situación y afirmó que simplemente se fue con el sacerdote por amor y que él nunca la incentivó para fugarse.

Antonino Reyes, edecán de Rosas, fue el encargado de recibirlos en el cuartel de los Santos Lugares y destinarlos a fríos calabozos hasta que fueran ejecutados. En sus memorias, relatadas por Manuel Bilbao, detalla respecto a Camila: “Se observaba una incipiente panza. Si estaba preñada era muy reciente”. Y cuenta que ella le expresó mientras corría su camisa: “¿No ven en qué estado vengo?”.

La polémica por el embarazo se instaló aún más cuando el periódico de Montevideo Comercio del Plata publicó la noticia del fusilamiento, y entonces aprovechó para destacar sin vueltas que Camila llevaba un embarazo de ocho meses. Por supuesto los rosistas negaron la versión con contundencia argumentando que tal especulación era fomentada por los unitarios para desprestigiar a Rosas.

Más allá de las especulaciones, en la página 194 de la novela Camila O’Gorman, su autor, Felisberto Pelissot transcribió lo redactado por la joven en su diario acerca del momento más hermoso que la pareja transitó durante su permanencia en Goya: “Vivimos felices e ignorados, y para cúmulo de dicha, acabo de hacer un descubrimiento que me llenó de júbilo y me ofrece la perspectiva de un risueño porvenir: “iEstoy encinta!”.

El escritor explicó acerca de su obra en la que entrelazó historia y novela: “Faltaban hojas en las memorias novelescas de la pobre Camila. Ya rotos, ya ilegibles, algunos capítulos ofrecían soluciones de continuidad que he tratado de remediar. Hubiera deseado ofrecerlo a mis amabilísimas lectoras más completo”.

Para Esteban Loustaunau, en el libro de Pelissot “queda en evidencia el amor que dice Rosas sentir por Camila, en este caso una víctima que resiste como puede los deseos sexuales del tirano. La novela responde de alguna manera los interrogantes que la historia que se fue repitiendo rehuyó por pudor o por cuestiones políticas. ¿Por qué ella y el cura huyeron y por qué el gobernador ordenó su fusilamiento? El drama romántico le dio verosimilitud a la historia de Camila como víctima del deseo y la pasión de Rosas.

Quiero aportar otro detalle que me parece importante. Rosas, en la repisa de la chimenea de su casa de Southampton en Inglaterra tenía un pequeño adorno, la iglesia de Nuestra Señora de la Merced. Además de que fue y es una de las más importantes de Buenos Aires y de que en la época de su gobernación allí se conmemoraron actos y estaba su retrato, destaco que en ese templo Camila fue bautizada. Evidentemente ese recuerdo que tenía tan presente en un lugar privilegiado en su hogar simbolizaba algo muy trascendente para él y sus sentimientos”.

1

¿Cómo te sentirías viajando a otra época con el cuerpo cuarenta años más joven, conservando tu inteligencia, memoria y emociones de tus setenta? ¿Y qué pasaría si te digo que la oferta puede mejorar, alejándote del medio de una epidemia mortal para ubicarte en una ciudad paradisíaca del pasado, donde la salud es la moneda común? Los mundos anteriores cuenta una historia de padecimiento y salvación. La empresa Morel, viajes que curan te puede ayudar con este milagrito si a cambio le das todo lo que tenés, todas tus cosas.

Es Buenos Aires, el futuro. Una nueva peste bubónica ha asolado la realidad. El promedio de vida que superaba los cien años ha vuelto a centrarse en los cincuenta. Algunos, los suertudos, superan esa edad, pero todo puede cambiar en el minuto del próximo contagio. La sociedad está diezmada, el hanta no tiene cura. ¿Hasta dónde puede llegar un ser humano? ¿Qué significa en verdad la palabra vida, y qué estamos dispuestos a hacer para no perderla?

2

En la Villa Tesla los edificios en torre no tienen escaleras ni ascensores; se llega a los diferentes niveles por vehículos voladores. No hay ni cables ni caños: todos los servicios son inalámbricos, invisibles y silenciosos. Los autos, los electrodomésticos, los muebles, los robots y las pantallas son tus amigos que te hablan, aconsejan, apoyan y cuidan. Las casas funcionan con base en los deseos de cada dueño. Si quiere bañarse, la casa se transforma en una terma romana; si quiere cocinar, se llena de mesadas, hornos, heladeras y alacenas como la fábrica gastronómica de un chef Michelin. Si quiere tomar un trago, todo el interior asimilable se convierte en la barra acolchada de Pinar de Rocha de los 90, con taburetes, pista, reservados y bola de espejos. Cada cambio se produce en un pestañeo.

La Buenos Aires de la Villa se contrapone con la ciudad histórica, que es un collage de capas oxidadas de tráfico e idiomas, en un amontonamiento de gente ensimismada, con edificios que se caen a pedazos. P vive en la modernidad; su novia Nane, alejada del bullicio en la Provincia, adonde la polución y la enfermedad están empezando a llegar. Si bien no hay cura para la enfermedad, existe la esperanza del viaje. Los personajes se van a poner a prueba, intentarán suplir escollos económicos y familiares porque están decididos a dejarlo todo en esta ida sin retorno a un lugar que desconocen, pero que está garantizado por ser el pueblo que menor incidencia de muertes por cáncer registra en la historia de la humanidad. Será su escape a la mejor noche de los tiempos. ¿Sabrán encontrarse en el pasado, estos dos héroes de cartulina?

3

La novela es de amor, pero también es un homenaje a todas las máquinas del tiempo que existieron en los delirios de la física y la matemática mundial. En el futuro dispondrán de un cilindro de espuma cuántica, invento de Morel. Ese cilindro es la conclusión actualizada de todas aquellas veces que la ciencia se unió a la filosofía para preguntarse cómo sería viajar hacia otras eras. La ficción siempre se aprovechó de estos intentos fallidos, dándoles una utilidad de entretenimiento. Libros como La máquina del tiempo, de Wells, los cuentos sensatos de Julio Verne, Robert Heinlein o Ray Bradbury; películas como Primer, Tenet, Volver al futuro, Terminator. Especulaciones y diversión con diferentes grados de credibilidad.

La carrera científica por estas máquinas se inició en los años cincuenta. Las teorías fueron muchas, e involucraron a los mejores pensadores de la historia: Albert Einstein, Kip Thorne, Gödel, Hawking, hasta llegar a los cuánticos con divulgadores como Carlo Rovelli. La historia de las teorías dice que no se opacaron unas a otras, sino que intentaron suplir anomalías, corresponderse y crecer. Grandes físicos y matemáticos tomaron el tema como un recreo técnico, donde poder divagar sobre los meandros temporales. En este momento hay un equipo de alemanes que jura haber enviado una partícula al futuro. No sé cómo lo habrán probado, ni el tamaño de la partícula, que me imagino tendrá dimensiones de Plank. Pero porfían que lo hicieron.

4

Para construir esta novela utilicé, como si fuera una rutina gimnástica, la misma estructura de La otra playa y El corazón de Doli. He creado voluntariamente un tríptico que aquí termina; no es una saga, no hay continuarás… Las tres novelas son diferentes, autónomas y pueden y deben leerse individualmente, sin suponer una progresión, ni un orden, ni nada que se le parezca. No hay que haber leído una para entender la otra; son tres libros separados que solo comparten el esqueleto de sostén. Ese esqueleto está conformado por cuatro elementos: una ciencia discutible (por lo rara); una playa, un libro, un amor. Esta estructura me sirve solamente para poder contarlas, pero la nombro en la nota porque me pidieron que expusiera la cocina de la escritura de Los mundos anteriores, y las estructuras han sido siempre prioritarias en la obra de este arquitecto que escribe. Ni te cuento en las casas.

Ya una vez había recurrido a un díptico, cuando diseñé El amor enfermo y Auschwitz. Esos libros no pueden ser más diferentes, y sin embargo partieron de un acuerdo que me permitió decir lo que quería con mucha libertad. Los escritores a veces nos autoinfligimos reglamentos para poder trabajar en forma acotada. Las reglas en estas dos novelas iban por el lado del protagonista: técnica y morfológicamente era casi el mismo. Un varón porteño, heterosexual, habitante de Palermo Viejo, un metro setenta y cuatro, cuarenta años recién cumplidos. Nada más que Saravia es un pan de Dios y Berto un hijo de puta. Como las mitades del vizconde demediado de Calvino pero enteras, duplete, caminando y haciendo de las suyas por Buenos Aires.

5

¿A qué me refiero cuando apodo a una ciencia con el adjetivo discutible? En el caso de Los mundos anteriores me estoy refiriendo a que los mismos físicos y matemáticos que fueron hilando teorías sobre viajes en el tiempo lo hicieron con pinzas, dubitativamente, a sabiendas de que eran impracticables, o simples visiones de lo que podría suceder. Al menos eso es lo que se lee hasta Stephen Hawking, que niega rotundamente la idea de viajar al pasado, pero le prende una vela a la posibilidad no tan remota de hacerlo al futuro. Carlo Rovelli, uno de sus seguidores más notables -trabaja en el campo de la cuántica, ahí donde Hawking se detiene- ya opina lo contrario, porque en la cuántica las acciones no tienen por qué preceder a las reacciones. Los libros que leí para construir mi historia me resultaron exquisitos: Breve historia del tiempo, Helgoland, El orden del tiempo, de los físicos que nombre, y uno muy lindo de difusión histórica del profesor David Toomey: Los nuevos viajeros del tiempo.

La ciencia rara que se despliega en El corazón de Doli es la clonación, que no solo es bastante joven, sino que tiene profundos dilemas éticos, y de eso se aprovecha mi historia. La ciencia rara que desarrollo en La otra playa tiene que ver con la fotografía de fantasmas, algo que ya ha sido refutado, pero en algún tiempo existió para la Escuela Científica Basilio, Arnold Schopenhauer y Sir Arthur Conan Doyle en su etapa de documentalista.

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En Los mundos anteriores me agarró un complejo de realidad. Tal vez porque en un libro de viajes en el tiempo, lo que da más trabajo es disimular (o explotar, seamos sinceros: a veces es mejor exponer un error que taparlo) las paradojas, que saltan todo el tiempo. Las paradojas son producto de la causalidad; la cuántica, como dije antes, vino a atenuar un poco estos defectos. Mi parte acomplejada se conformó simplemente con encontrar personajes reales y mandar a mis mejores amigos con nombres, apellidos y profesiones, al pasado conmigo, a la ciudad que fue un Silicon Valley anterior al actual, con un parque divino, un lago, un río.

También hice el esfuerzo porque los escenarios fueran reales: Nane vive en una importante casa del movimiento moderno argentino de 1965, diseñada por el arquitecto Martín Meyer, socio del estudio Gassó, Rivarola, Meyer, en Beccar. Y la novela empieza en el restorán Armenia, que es lo más parecido a un personaje de ficción que vi en restoranes, y la comida que hacen es exquisita. Queda entre Palermo Hollywood y SoHo -en el futuro, Palermo Fizz-, vayan y pidan platitos de cena y deditos de postre, como hace P. También hay una perra real, mi amiga Naná. Todos ellos, incluidos los espacios, están proyectados al futuro que requiere el argumento, pero son reconocibles. Hernán Bisman, por ejemplo, es diseñador de libros, tiene una editorial, y ha pasado por todos los modos de impresión que existen en la actualidad, menos la linotipia. En el pasado se las van a tener que rebuscar entre esos chasis, con su mujer Clarisa.

Lo bueno de meter gente real en mi máquina de espuma cuántica es lo que me pasó el otro día: entré a Facebook y había un escrito de Hernán. Termina diciendo: “Gracias, amigo, por esta forma mágica de hacernos eternos. No se me ocurre mejor regalo. Te quiero.”

Dice: “Escribir es la parte que menos me gusta. A mí me gusta reescribir”. Dice también: “Lo que uno primero pone en la página, a mi parecer, es pura información; es el qué ocurre y a mí me interesa el cómo ocurre”. Quien habla es Cynthia Rimsky, escritora, amante de la carpintería de la literatura, alguien que se toma de los objetos para narrar y que es autora de una obra singular, compuesta por textos de ficción y no ficción trabajados como collages y en los que es posible hallar memoria, viajes, crónicas y pura imaginación.

Cynthia Rimsky nació en Santiago de Chile en 1962 y vive en Azcuénaga, un pueblo de la provincia de Buenos Aires, en la Argentina. Fue periodista y algunos de sus libros son Poste restante, La novela de otro, Los perplejos, Ramal, El futuro es un lugar extraño, La revolución a dedo, La vuelta al perro y Yomurí. Ha recibido varios premios y es profesora de la Universidad Nacional de las Artes, en Buenos Aires, y del Diplomado de Escritura de la Universidad Católica de Valparaíso. Con Clara y confusa, para sorpresa de muchos y también de ella misma, como contará en esta nota, Rimsky ganó en 2024 el prestigioso Premio Herralde de Novela.

Los protagonistas de la novela son dos seres desubicados, fuera de lugar. Son el narrador de la historia, Salvador, un plomero novel que funciona como detective de filtraciones fantasmas y Clara, una artista conceptual a la que los críticos y los pares ignoran. Él se enamora locamente; ella todo el tiempo pone límites singulares.

Entre los temas de la novela, que juega con las fronteras del género y en la que abunda una forma ligera y oscura del humor, está la legitimación del arte y el ninguneo arbitrario de la crítica, la corrupción sindical y también, claro, el vínculo amoroso y la dependencia tortuosa entre seres dispares.

— Clara y confusa es una novela diferente, casi diría que sencilla para leer y difícil de describir. Si uno se pregunta de qué se trata, se responde: “De esto, de esto y de esto”. Es una novela fragmentaria, que se va leyendo de a cachitos, también.

— Y así se fue escribiendo. Mi idea era que el lector, la lectora, sintiera que estaba con el autor y que ninguno sabía lo que venía después. Eso fue como bien a propósito, como explicitar el método con el que escribía la novela. Un método que fue surgiendo a medida que escribía. Mira, me pasó algo raro cuando venía para acá. No puse en el mapa el bondi que tenía que tomar y me bajo donde se suponía que tenía que estar la avenida Juan B. Justo. Y veo un cartel que dice Dorrego. “Uy, me pasé”, dije. Yo caminé todo al revés. Llegué a un café y dije: “¿Me falta mucho para Juan B. Justo?”. “No señorita, es lo que dejó atrás”. Y creo que de esa forma escribo: estoy todo el tiempo perdiéndome. Nunca llego al lugar adonde tenía que llegar y entonces, en el medio, me voy a otro lado. Acá no me fui a otro lado porque bueno, tenía la entrevista contigo pero, si no, voy cambiando lo que busco y ahí me doy cuenta: así escribo. Vivo y escribo así, como media perdida.

— Viajera dentro de tu propia literatura.

— Yo creo que sí. Y, entre medio, encuentro otra cosa y sigo otra cosa, y así. Como cuando uno viaja. No sé si te pasa a ti, pero uno se pone un punto, por ponerse algo. Y la mayoría de las veces nunca llega a ese lugar.

— Porque hay distintas formas de viajar y hay distintos modos de ser viajero. Está el viajero que necesita tener todo absolutamente organizado, contratado antes de tiempo y antes incluso se llevaba los rollos de fotos que iba a usar. Y después está el que dice: yo voy porque me interesa ese lugar. Y, después, llego y veo para dónde sigo.

— Claro. A mí me jodieron, fíjate. Me quitaron una parte del deseo de viajar cuando hubo que poner fecha al pasaje de vuelta, porque antes no era así, ¿te acuerdas? Uno dejaba el pasaje abierto y dos semanas, una semana antes de querer volver, ponía la fecha. Y cuando ya te exigen la fecha de vuelta, a mí ya hay algo que me pasa con eso.

— Hay varias cosas que dejaron de dar ganas, porque manejarse en los aeropuertos hoy es también es tremendo.

— Todo es burocratización.

— Así es. Pero volvamos a Clara y confusa. Tenés muchos libros publicados, te leemos hace mucho, pero siempre trabajabas dentro de la cosa más híbrida. Y acá, sin embargo, escribiste claramente una novela, por más extraña que pueda resultar. Es una novela que, por otra parte, participó de un concurso y lo ganó. ¿Cómo fue la sorpresa de recibir este Premio Herralde, tan consagratorio?

— Bueno, primero lo de la novela fue como un desafío. Siempre me dicen que escribo cosas raras, que no se sabe dónde poner los libros, si en Ficción o No ficción. Y me dije: ¿y qué será escribir una novela? Y bueno, escribí una novela. Fue como un ensayo. Dije: ¿qué tan difícil será? Además, me gustan los desafíos. Y, respecto al premio, llevaba como dos o tres años escribiendo la novela y de repente veo el llamado al concurso y dije: bueno, uso esto para terminar la novela. Y la mandé así, como uno manda una botella al mar con un mensajito, ¿no? No tuve ninguna expectativa. De hecho, después yo ya estaba casi por firmar contrato con una editorial por esa novela, o sea, nunca pensé que me lo iban a dar a mí. Es divertido escribir una novela sobre una artista no reconocida y que esa novela se gane un premio.

— Es una paradoja hermosa. Leí en alguna de las entrevistas que te hicieron, que te reías mucho mientras la escribías.

— Sí, me reí mucho escribiendo esta novela. Jugué mucho con el lector, con las lectoras, introducía las bromas y decía: acá se van a reír. O sea, fue muy, muy agradable, porque en realidad escribir tiene partes muy sufrientes y en cambio esta novela en general fue muy agradable. Y cuando había partes sufrientes, en el sentido de que no se me ocurría nada, lo tomaba más como un desafíomás que como: “no se me ocurre nada, no se me ocurre nada” o “esta novela va a morir acá”. No, era como “a ver cómo lo hago”. Entonces, hubo como un cambio de actitud con esta novela. Y el humor, no sé, esta novela fue medio post pandemia y me pareció que había que reírse. Fue también cuando apareció (Javier) Milei y dije: “No, acá hay que reírse, Yo no me voy a deprimir cuatro años”. Esa fue la idea.

— Sobre todo en cierto momento de la vida, cuando uno necesita capitalizar el tiempo que nos queda. (Risas)

— Además, creo que la denuncia o la crítica social es como que la gente ya la incorporó, ya no hace cosquillas. En cambio creo que la ironía, como la crítica aguda y la risa mueven, desencajan un poco.

— Fue entonces como un viraje en relación a tu escritura y a los efectos de tu escritura, uno podría pensar. Una búsqueda.

— Sí, totalmente. Yo siento que me dejé llevar totalmente por la imaginación y dejé atrás la conciencia política. Aunque todas mis novelas son políticas, pero acá realmente me dejé llevar por la imaginación y nada más. Yo iba detrás y me iba llegando. Y yo iba viendo como la acomodaba, era como la persona que le daba espacio, que le creaba un nido a la imaginación.

— ¿Y qué fue lo primero que apareció?

— Lo primero fue el título. No tenía nada más que el título, nunca me había pasado eso. Apareció así porque a mí siempre me decían que yo era confusa para escribir, y sobre todo en periodismo, ¿no? Entonces, la última vez que me lo dijeron yo dije: ya basta, voy a escribir sobre la confusión, a ver qué es eso. Es como con mi signo. Yo soy Libra y entonces la gente piensa que soy equilibrada, y no. Yo estoy todo el tiempo tratando de armar algo entre el desequilibrio y el equilibrio. Entonces me pareció interesante esa idea de jugar con la claridad y la confusión, que no es una ni es otra, sino que es la tensión en la que estamos todo el tiempo. Y, por otra parte, combatir esto de que se nos exige tanta claridad y por más claridad que hay, uno entiende cada vez menos. Y el mundo, sin embargo, está lleno de explicaciones. O sea que las explicaciones no están sirviendo de nada.

— Es un poco lo que estabas diciendo recién en relación a que hay que cambiar el lenguaje. Hay que cambiar el modo de argumentar, estamos trabajando con viejas fórmulas, en algún punto. Pensaba preguntarte por qué elegiste estos versos de Elizabeth Bishop para la cita que abre la novela. Dice así:

“La mala hierba permaneció en el roto corazón.

‘¿Qué haces aquí?’, le pregunté.

Levantó su cabeza, empapada

(¿con mis propios pensamientos?)

y contestó entonces: ‘Crezco’, dijo,

‘sólo para dividir de nuevo tu corazón’.”

— Lo leí y me pareció precioso. Y, después, alguien ¿sabes lo que me dijo? Que la mala hierba era el porro.

— Ah… Mirá vos.

— Sí, alguien especializado en poesía me dijo eso.

— ¿Y cuándo decidiste incorporarlo?

— Una vez estaba viendo por Instagram a Juan Manuel Silva, un poeta chileno que la traduce a Bishop y tradujo este verso. Y le pedí permiso para usarlo y me dijo: Por supuesto. Y, no sé, hubo algo como que me iluminó en ese texto. Esta alocución directa al corazón, esta conversación con el lector, también, ¿no?

— Bueno, tu novela también arranca así, hablándole al lector, ¿no?

— Nunca antes había hecho eso.

— Es un comienzo que te lleva de la mano porque te dice en las primeras líneas: “No es casual que esta historia llegue a sus vidas. Significa que están preparados para entender que ningún copo de nieve cae en el lugar equivocado”. Esa imagen es muy bonita.

— Es muy bonita.

— Y además, ahora, que estamos en tiempos del regreso de El Eternauta y con esa idea de una Buenos Aires nevada...

— Y, además, después ya dice que en Parera nunca nieva. Con esta idea como de estar poniendo siempre todo en duda. Esa es un poco la novela: tiras una cosa y después la pones en duda. Esa idea surgió una vez que estaba buscando qué era la casualidad, qué era el azar y llegué a esos libros y revistas como de autoayuda. Y esto es una cosa que se supone que es en India, aunque esas cosas nunca son de India, por supuesto. Pero ahí aparecía eso y yo la trabajé con otro lenguaje.

— Te gusta trabajar con rezagos, ¿no? Es como que vos misma sos una artista conceptual, en un punto.

— Claro, yo no escribo los libros, los voy construyendo. O sea, encuentro esto, por ejemplo, en revistas como Muy interesante, no sé. Y el artículo tenía como fórmulas. Me encantan estas fórmulas que tratan de parecer como saberes que ayudan a la gente a vivir. Entonces pesco eso y lo transformo, hago como collage. De repente meto poesías en el texto; nadie se da cuenta. Son líneas de poesía.

— Versos intercalados en el texto. Es como un montaje.

— Es un montaje. Me encanta la elipsis, el montaje.

— Claro. ¿Y cuando enseñás a escribir, eso está presente, también?

— Cuando trabajo enseñando a escribir trato como de enfatizar que una cosa muy importante es la construcción de la mirada y no trabajar solamente con el discurso, sino con la materialidad, con objetos. Da lo mismo si terminan escribiendo o no les alumnes, pero lo importante es que construyan una mirada personal sobre el mundo, ¿no? Creo que va por ahí, por lo menos para mí. Yo publiqué tarde, a los 40 años y lo que me inquietaba era: qué voy a decir yo, si hay unos escritores y escritoras maravillosas. Entonces ahí dije: bueno, tengo que construirme una mirada que sea interesante, que aporte algo, alguna luz. O alguna opacidad, ¿no?

— ¿Y como lectora también lo que te interesa es esa singularidad en los autores?

— Claro, el cómo cuentan. No me interesan las historias, sino cómo se les ocurrió contarlas. Esa carpintería, esa artesanía con la lengua. El trabajo con la lengua es lo que me interesa.

— En todo.

— En todo. Si no, me aburre.

— ¿Y cómo surge Clara, ese personaje tan tortuoso?

— Siempre tuve esa pregunta que es por qué dos personas que tienen obras igualmente valiosas, una es reconocida y la otra, no. O por qué de dos personas que no son reconocidas, una tiene la fortaleza de que le da lo mismo y sigue adelante y la otra es tan frágil que esa situación la aplasta. Esa pregunta desde hace tiempo venía rondándome y quise desarrollarla en el personaje de Clara, en el sentido de que es una artista visual y porque hoy día también al arte visual se le pide mucha explicación. Entonces, me pareció interesante una artista que se resiste a que su obra tenga que ser explicada.

— Se resiste y al mismo tiempo no es reconocida, no tiene público, sus pares también la ignoran. Y lo que aparece ahí es el tema de los circuitos de legitimación y cómo se construyen. Y pensaba que, mientras tanto, Salvador es aceptado de otra manera, legitimado en el sindicato. Y entonces aparecen las corrupciones más grandes y las corruptelas más vulgares en los distintos circuitos, en el del arte y también en el de los plomeros.

— Claro, ellos son en el fondo dos personajes fuera de lugar. Y lo que me interesaba era poner temas tan trascendentales, tan grandes en estas cosas tan pequeñas como un gremio. O sea, una tremenda corrupción en un gremio de diez personas. Eso me interesaba, esa contradicción, sobre todo en este país, donde todo el tiempo se habla de corrupción, pero el corrupto siempre es el otro y uno es honesto al 100%. Toda la gente que habla sobre la corrupción es honesta, por lo tanto uno se pregunta: ¿dónde está la corrupción? Si es tan pequeña, ¿por qué no llegamos y la extirpamos? Entonces, me interesaba ponerlo en un lugar muy pequeño, en personas comunes, para tratar de desarmar ese discurso.

— Sos chilena pero vivís acá hace muchos años. Viniste por razones personales y te quedaste. ¿Sentís que vivir cerca de lo tuyo, pero dislocada en un punto, te ayudó a construir una obra más sólida? ¿Podés escribir mejor estando lejos de tu lugar de origen?

— Sí, absolutamente, sí. Y también me influyó mucho la literatura argentina, cualquier cantidad. Desde que llegué acá empecé a leer literatura argentina, que es muy distinta a la chilena, y me hizo muy bien, me abrió otro mundo. Cuando me leyó, una amiga, María Sonia Cristoff me dijo: “Qué desfachatada”.

— Es muy buen adjetivo para describirte.

— Porque, claro, vivo ahí, en la pampa, y me atrevo a tomarla. Temas como la tradición, la pampa, la corrupción, así, sin ningún problema. Porque soy extranjera y, al mismo tiempo, como vivo en un pueblo, tengo una cercanía como de piel, ¿no? Entonces esa distancia y esa cercanía te hacen meterte por otro lado, diferente del de los argentinos. Y es como cuando me metí en Yomurí con el problema de un grupo de indígenas que quieren recuperar su territorio ancestral, fue muy difícil. Ahí era Chile, claramente, aunque lo situé en el límite, no se sabe si es Chile o Argentina, pero claro, ahí era mucho más doloroso todo. En cambio acá es menos doloroso.

— Le tenés cero miedo a la cuestión de la apropiación cultural, veo (Risas). Hablabas de tu pueblo, y justamente el pueblo es otro protagonista de Clara y confusa. El pueblo, la fiesta del pastelito, todas esas ironías que aparecen. Y esa vida de pueblo. Yo te preguntaba si vivir acá te había ayudado a liberarte y a construir mejor tu obra o en mejores condiciones. ¿La vida de pueblo también te ayuda?

— Y, sí. Cuando estás escribiendo es una cosa muy íntima, de mucha intimidad. Yo escribo así, aunque el osteópata me dice que escriba así (N. de la R.: Rimsky hace el gesto de encoger su espalda y luego de extenderla sobre lo que sería la computadora). Y cuando trabajaba en la ciudad, después de escribir salir a la calle me provocaba como un ataque de pánico, mucha angustia. En cambio acá salgo a la calle, están los vecinos, está el perro, el caballo… Es como un tránsito mucho más, más fácil, ¿no? Y además es que como que ves el proceso de las cosas, ¿no?

— En términos de la naturaleza, decís.

— Claro, porque acá todo lo compras, pero no sabes de dónde viene. ¿Cuánto tiempo se demoró en estar en tus manos? Allá es como que vas viendo todos los días las cosas.

— ¿Y ese proceso te interesa porque sos periodista, también? ¿O por qué te interesa?

— Porque me interesa observar, me gusta observar. Entonces, en el campo, a pesar de que hay muchas menos cosas que en la ciudad, hay más cosas que observar, en el fondo, porque hay más procesos que puedes seguir. No son observaciones así nomás. Escribí mucho sobre eso en La vuelta al perro y he seguido observando. Esas cosas ya están transformadas, si escribiera hoy día La vuelta al perro tendría que cambiarlo por completo.

— Porque tu mirada cambió.

— Las cosas van cambiando.

— ¿Tu mirada, no? Porque a lo mejor una cosa era hace unos años y otra cosa es ahora.

— Sí, sí, absolutamente. Y, además, tengo otro tiempo. Y entonces, al tener otro tiempo, en los libros también va apareciendo un tiempo distinto, ¿no? Por ejemplo, en Clara y confusa hay un trabajo con el tiempo lento y con la aceleración. Es como que el tiempo va teniendo muchas más variaciones que en la ciudad. Se van sintiendo distintas maneras en las que pasa el tiempo.

— ¿Estás más cómoda?

— Sí, estoy más cómoda. Sí, y además es más barato vivir. Entonces le puedo dedicar más tiempo a la literatura y menos al trabajo.

— Entiendo. Vuelvo a Clara, que pone muchísimas restricciones en su relación amorosa con Salvador. ¿Quisiste ironizar? ¿Quisiste poner algo extraño dentro de esta vida, de esta historia? ¿Cómo surge eso?

— Así, como yo trabajo, lo primero que encuentro es la palabra restricciones. Y, no sé, algo me pasó con la palabra restricciones. Me volví loca, me encantó. Y después, en algún momento, en alguna parte de mi vida, yo tenía un novio que no podía dormir conmigo. Y entonces siempre tuve la duda de si me quería, o sea, de que si yo tenía que aceptar que él no pudiera dormir con otra persona, pero me seguía queriendo. O si esa era una muestra, un signo de que no me quería tanto. Y me interesó mucho ese problema que yo nunca resolví en la vida. Me interesó trabajarlo en la novela. ¿Qué pasa cuando hay personas, por ejemplo, artistas –además, ahora lo entiendo–, que necesitan estar concentrados? Por ejemplo, a mí me gusta dormir bien para estar a las 7 de la mañana en mi taller y eso significa para la pareja otra cosa. ¿Pero qué pasa con las personas que tú amas? ¿Es posible comprenderlas? ¿Es posible aceptarlas? Significa que tú también estás renunciando a algo, pero no aceptarlas sería como igualarlas a todas, ¿no es cierto? ¿Qué pasa cuando tú amas a alguien diferente, que tiene una pasión que no eres tú, que es el arte?

— En la novela buscaste describir qué pasa con quien mira eso, ¿no?

— Sí. De hecho, tuve la duda alguna vez si escribir sobre Clara desde ella pero no, siempre está escrita desde él, porque creo que el problema está en él. En algún momento tuve la duda, pero después dije no, porque ahí la novela se me iba para otro lado.

— ¿Y siempre fue una novela breve? Lo pregunto porque es como si estuvieras seteada para textos que en realidad no pasan de determinada extensión.

— No sé, no me acuerdo si fue cuando encontré la estructura.

— ¿Te referís a la división en las tres partes: Cinco años, Cinco meses, Cinco días?

— Claro, que la que la saqué de Glosa, de Saer (N. de la R: Las primeras siete cuadras, Las siete cuadras siguientes, Las últimas siete cuadras). Cuando estaba leyendo Glosa dije: Wow, esto es, aquí vamos. Y ahí se ordenó el tiempo y la novela. Pero siempre supe que la tercera parte, con la fiesta del pastelito, tenía que ser un evento muy corto pero donde el tiempo se alargara mucho. ¿Viste que fui jugando con el tiempo? Por ejemplo, la relación de Clara, que son cinco años, me dije: no voy a empezar a contar una relación amorosa durante cinco años, me pego un balazo. Entonces dije: un hecho, solamente, pero que pasen cinco años en un solo hecho. Eso es entretenido. Jugar con el tiempo, con la condensación, es un elemento muy, muy simpático para trabajar, muy desafiante, en realidad.

— La figura de la crítica de arte está construida entre el humor y la crueldad. Y ahí aparece la arbitrariedad. Pero el gusto es arbitrario, ¿no?

— Y el poder también. Yo quería trabajar la idea de alguien con poder. ¿Qué pasa con alguien con poder que, de repente, se queda fijada en una artista, como para también aleccionar a los otros? Yo me preguntaba: ¿por qué le cierra el paso a una? Lo hace como amenaza para los demás. Son las variaciones del ejercicio del poder, que es tremendo. Y me acuerdo de que durante la dictadura en Chile, el medio cultural era muy pequeño y tenía unas reglas feroces, porque la dictadura nos envileció a todos, a los buenos –entre comillas– y a los malos. Entonces, el mundo del arte era muy complicado. En Chile era muy severo y había algunos que pasaban, otros que no. La novela está un poco inspirada en ese momento.

—¿Eso cambió en Chile?

— Sí, sí, cambió absolutamente. Cambia cuando finalmente las instancias de valoración se diversifican y los críticos ya no tienen todo el poder. Nadie tiene todo el poder hoy día.

— Estás diciendo, por ejemplo, que el hecho de que hoy existan las redes sociales como antes existieron los blogs....

— Más curadores, más galerías, no solamente las instituciones

— Pero también pasa en la literatura, que de pronto puede pasar que el gran aparato, o lo que antes era el gran aparato, sigue con los mismos autores o los mismos artistas. Mientras, por otro lado, hay gente que llega como desde la periferia.

— Exactamente. Hay lecturas, hay más porosidad. Por ejemplo, en Chile siempre existió el crítico literario único y, además, era sacerdote, en general. Eso hoy día no existe, menos mal, ¿no?

— ¿Y cómo te sentiste y cómo te sentís dentro de lo que es en realidad el circuito literario local en la Argentina?

— Mucho mejor que en el chileno, porque creo que acá hay una diversidad enorme de grupos. Y, entonces, es como que uno va jugando, va conversando con distintos grupos, pero lo que pasa en Chile es que estás en el grupo de los que están bien, de los que les va bien o, si no, te caes al precipicio. En cambio acá tú puedes estar, tener tu grupito de amigos que son como que congenias más con el tipo de literatura que hacen o el tipo de pensamiento que tienen, pero también conversar con el otro, y todos tienen más cabida. Eso es lo que me pasa.

— Hablábamos al comienzo de viajes y de cómo viajás dentro de tu propia literatura. A mí me interesa mucho tu mirada como periodista y como autora, como alguien que además trabaja con la lengua y con los objetos, como mencionabas antes, y que tenés particularmente una mirada muy propia en los viajes. No sé cuánto fue ensayada, cuánto la practicaste, cuánto hay de una decisión. Pero cuando escribís sobre los lugares que no conocés, ponés el acento en cosas particulares. Contame cómo se construyó esa mirada.

— Básicamente leyendo los relatos de viaje de Walter Benjamin –yo siempre lo digo–, donde me di cuenta que él hablaba solo de objetos. O sea, yo llegaba a Londres, por ejemplo, e iba a estar una semana. ¿Qué escribo? ¿Con qué pautas escribo sobre Londres si yo no soy nadie? No, no, nunca voy a poder abarcarlo. Al país que llegaba me hacía esa pregunta: ¿desde dónde escribo? ¿Por qué voy a escribir sobre esto? Alguien que viene va a pasar acá un día, tiene derecho a escribir. Como que me hice mucho esas preguntas y de repente decidí que, claro, uno no escribe sobre Londres. Lo que uno escribe es la experiencia que tuvo en un momento, en un lugar determinado de Londres. Y esas experiencias, en mi caso, siempre son como laterales. Es casi lo más ajeno a Londres que hay, podríamos decir. O sea, es la señora que me encuentro en la calle, la bufanda que me encuentro en el metro y que me pregunto quién la habrá dejado ahí. Si habrá sido algún inmigrante… Entonces empiezo a mirar a los inmigrantes; empiezo como a asociar, como a dejar volar el pensamiento sin fijarlo. Yo creo que esa es la diferencia de mi mirada, que no me quedo como fija. Es lo que más ensayé en La vuelta al perro, donde me propuse este desafío que era: empiezo con una imagen cualquiera, algo que me llama la atención y empiezo a relacionarlo con otra cosa. Y cuando empiezo a saber que estoy escribiendo sobre algo, me corro y tengo que buscar otra imagen. Entonces: nunca quedarte fijada en algo.

— La deriva, esa es la figura.

— Exactamente, esa es. O sea, nunca quedarte fijada y eso es bien así, como abismal, hay gente que no lo soporta porque es como ir todo el tiempo en el aire. Es como ese juego de hacer rebotar la pelota y que nunca toque el suelo.

— Pero en la novela también hay algo de eso. Y cada uno de esos fragmentitos o de esas frases están como muy elaborados. Y ahí es donde te quiero preguntar: ¿vos escribís de corrido y después vas corrigiendo? ¿Vas corrigiendo mientras escribís? ¿Te planteás: “voy a escribir diez páginas” y las corregís? Hablame un poco de procedimientos en tu escritura.

— En realidad escribir es la parte que menos me gusta. A mí me gusta reescribir; me gusta leer lo que escribí y, a partir de la lectura, porque lo que uno primero pone en la página, a mi parecer, es pura información, es el qué ocurre y a mí me interesa el cómo ocurre. Entonces, el qué ocurre lo empiezo a abrir, a abrir, a preguntarme: pero ¿cómo? ¿Cómo? Y eso va bajando la parte informativa, bajando, bajando hasta desaparecer. Pero, para quedarme tranquila, en algún momento leí en la Cábala medieval que nada desaparece del texto, sino que van quedando como espacios, como escritura en tinta blanca entre los espacios en negro. Y ahí dije: no importa, entonces, porque la información siempre está. Lo que pasa arriba es el cómo ocurren las cosas.

— Algo así como la figura del pentimento en pintura, lo que ocurre cuando durante el proceso el artista fue corrigiendo y a veces es posible ver que hay otras pinturas debajo de la que quedó como definitiva.

— Creo que trabajo mucho por capas, como pintan los artistas. Mi sobrino Lucas es pintor y cuando lo veo pintar me gusta mucho como él va borrando y va dejando a veces aparecer algo. Trabajo exactamente igual, totalmente por capas, hasta que al final aparece otra cosa. Lo más lindo es que aparece otra cosa totalmente distinta, que tú nunca pensaste y que tú nunca viste. Y ahí es donde yo creo que es la magia de la escritura y donde creo que la escritura tiene su autonomía.

— Que incluso te sorprende a vos misma.

— Exacto. Y cuando me sorprende digo: está bien.

— Hablemos de la filtración fantasma que aparece en tu novela. ¿Tuviste una filtración fantasma? ¿De donde sale esa idea?

— Sí, tuve una filtración fantasma en la casa.

— Porque la imagen es increíble.

— Sí, tuve una. Y el constructor me decía que yo estaba loca.

— ¿La escuchabas cuando te ibas a dormir?

— Claro. En la noche me despertaba porque no duermo seguido. Me despertaba y escuchaba a alguien llorar detrás de la medianera. Pensé que era mi vecina, que me había dicho que por las noches lloraba por el dolor de rodilla. Le pregunté. Fuimos a su casa. En la medianera no había humedad. El constructor vino y dijo que no podía hacer nada porque no había humedad y seguí escuchando este llanto y de repente descubrí que no era llanto, sino que era agua que corría. Volví a llamar al constructor. El tipo me odiaba, volvió a venir y bueno y con un cuchillo, así, salvaje, de carnicero, hizo un agujero en el durlock metió la mano y dijo: “hay agua”. Si, cabrón, hay agua. (Risas)

— Qué impresionante.

— Eso es un fenómeno que se llama de condensación. Y después le preguntó a su padre, que es el real constructor. Y el padre le dijo: nunca me había pasado algo así en mi vida. Y esa fue la clave del plomero, ¿no? y también tiene que ver con la pandemia. En la casa uno cree que vive seguro. En la pandemia el lugar más seguro era la casa y a mí me pareció que no es un lugar seguro y que está lleno de cosas que pasan entre los muros, en el subsuelo, en el techo, de las cuales uno no tiene idea. Y los plomeros tampoco.

— Y ahí volvemos al tema de los objetos, Clara y confusa es una novela que está trabajada alrededor de los objetos, como los cubiertos. ¿De dónde salen esos cubiertos?

— Mi madre me dijo que el único regalo, esa herencia en vida que me iba a dejar, por si algún día tenía un problema económico, era un cofre, un baúl con cubiertos Christofle. Así que, bueno, al final desarmaron ese departamento. Me lo tuve que traer. Estaba todo sucio y lo empecé a limpiar. Y no son Christofle, no valen nada. Y en ese proceso de limpiar, tuve que ordenarlos, también, porque son enormes. Son como 200 piezas, no sé. Y ahí se me ocurrió la idea de que el arte lo que hace en el fondo es ordenar, pero este tipo de arte que uno hace es desordenar, también, es hacer trabajar al tiempo. Y ahí empecé a trabajar con la idea de los cubiertos como obra de arte, como esta idea de que que es una idea de Raúl Ruiz, que sale en sus Diarios, que en realidad uno vive como creador todo el tiempo, que la creación es vivir creativamente, ¿no?

— Claro, porque las singularidades de las que venimos hablando tienen que ver también con eso. Es imposible que una creatividad, que una forma de crear sea la misma en uno y en otro artista.

— Porque además tiene esta cosa del procedimiento, porque tú colocas un cuchillo al lado de otro y se te ocurre algo a ti, pero si otro lo hace no va a colocar dos cuchillos, va a colocar una cuchara y le va a pasar otra cosa.

— O no lo verá como posible objeto de su arte.

— Exacto.

— Por último, ¿qué pasa con una escritora como vos, que finalmente termina con una consagración importante como el Premio Herralde? ¿Cómo sentís que esto interviene en lo que sigue siendo tu vida como escritora?

— Bueno, espero que termine pronto la promoción. Menos mal, en noviembre me convierto en ex Premio Herralde. Y ahí viene otra parte que es muy misteriosa, que es que yo vuelvo a la página en blanco y no soy Herralde, no soy nadie. Vuelvo a una página en blanco a la que le interesa un pepino que yo me haya ganado el Herralde. Y viene la lucha. Y también lo maravilloso de crear otra novela, pero así, en pelota. John Berger dice: No hay veteranía. Cada novela o cada proyecto que uno empieza es volver de cero.

— Entonces estás dispuesta a que el premio no sea un peso para vos.

— Es lo que busco, sí. Es la única posibilidad. No veo otra.

Madrid, 19 jun (EFE).- Se cumplen 5 años del fallecimiento del novelista español Carlos Ruiz Zafón, popular por su obra  ‘La sombra del viento’, un éxito de ventas mundial.

La novela Alimento para puma, ópera prima del escritor y músico argentino Matías Gotelli, ha sido galardonada con el II Premio de Narrativa Diana Zaforteza, fallado este martes en Barcelona (España).

La obra, presentada bajo el seudónimo Jaime Williams, fue seleccionada por unanimidad entre 268 manuscritos procedentes de más de 24 países.

El jurado destacó “la originalidad de esta novela ambientada en un territorio sin ley con tintes de western desolado, en el que la búsqueda del padre desaparecido y el deseo de vivir un suceso irreversible guían al protagonista por un paisaje fantasmagórico y hostil”.

Alimento para puma tiene, según el jurado, “un estilo preciso, áspero y, al mismo tiempo, lírico; una cadencia inquietante”.

La novela ganadora cuenta la historia de Miguel, un músico treintañero que regresa a la casa semiabandonada en el campo argentino de su padre desaparecido, donde es recibido por Celso, un paraguayo que cuida la finca.

Lo que sigue, además de ser el nacimiento de la amistad entre Miguel y Celso, es la relación del protagonista con ese nuevo mundo desconocido.

La entrega del premio, dotado con 20.000 euros y el compromiso de ser publicado en Galaxia Gutenberg, tendrá lugar el 23 de octubre próximo, momento en que se abrirá la nueva convocatoria del galardón que rinde homenaje a Diana Zaforteza, editora de Alfabia, fallecida en 2022.

Matías Gotelli (Buenos Aires, 1989) estudió Filosofía en la Universidad de Buenos Aires y forma parte de la banda de rock andino Trapalanda, con la cual editó dos álbumes, Álgebra, en 2015, y La cabeza de Goliat, en 2017, además de varios EP.

Con su otra banda, Bis Serán, grabó también dos discos: Año cero (2018) y Las jóvenes promesas (2019).

En ambos proyectos se desempeñó como vocalista, bajista y guitarrista. Actualmente, se encuentra abocado a su proyecto solista, Mato, con el cual editó el álbum Ezeiza (2022).

Fuente: EFE.

Profesor asociado de castellano y civilización y literatura latinoamericanas en la Universidad de Picardia Jules Verne, Coquil explicó este lunes en Barcelona (España) que concibió la historia como una "novela de aventuras" en la que contrapone esta figura con la de la pareja norteamericana aficionada a la micología formada por Gordon y Valentina Wasson, todos ellos personajes reales.

A la vez, no sin humor, ahonda en qué ha hecho a lo largo de los siglos Occidente cuando topa con culturas autóctonas allende los mares y cómo las "comercializa y convierte en exóticas".

Publicada en castellano por Seix Barral y en catalán por Periscopi, en 'Cositas' el lector conocerá los viajes a México, en los años cincuenta, de los Wasson y el "descubrimiento" que allí hacen del Psilocybe, la semilla de la contracultura psicodélica, que despertará tanto el interés de la CIA y los laboratorios farmacéuticos como de Walt Disney y el movimiento hippie.

Fascinado por María Sabina, la medio santa de Huautla, pasó meses documentándose sobre ella, apareciéndole en ese tiempo el matrimonio formado por Gordon, un banquero en Nueva York que llegó a ser vicepresidente de J.P. Morgan, y Valentina Wasson, su esposa de origen ruso, pediatra, y que siempre ha aparecido en un segundo término, cuando era la "científica de la familia y la que tuvo la intuición de que las setas que utilizaba Sabina se podían emplear para usos terapéuticos".

Sobre Gordon Wasson, ha señalado que le tomó cierto cariño, aunque fue alguien "contradictorio", al que denomina, no sin ironía, como el "Cristóbal Colón de las setas alucinógenas".

Sin embargo, su figura le gusta por su "curiosidad y su capacidad para ir hasta el fondo de un tema, además de ser divertido el contraste entre su vida de banquero y su pasión por los hongos alucinógenos, que probó igual que su mujer".

En cuanto a María Sabina, ha precisado que desde el primer momento le llamó la atención que fuera durante años una figura "poderosa" al ser la "curandera" de su comunidad, pero con una vida "marcada por la miseria, que vivió el final de sus días excluida, siendo elevada post morten, convirtiéndose en figura icónica del siglo XX".

Mostrándola entre nubes de humo, no ha querido que se la viera como alguien de una "pureza impecable".

Una de las peticiones que hizo María Sabina a los Wasson cuando vio el interés que tenían por el Psilocybe fue que no lo divulgaran ni explicaran a nadie lo que sucedía cuando se probaba, algo que no fue cumplido, porque Gordon Wasson escribió un artículo en la revista Life y la vida en Huautla cambió para siempre.

"El descubrimiento del hongo llegó cuando todo el mundo en Occidente estaba muy atento a nuevas experiencias y con ansia por probar nuevas cosas y por experimentar. Fue un momento perfecto", ha descrito hoy. EFE

Vila-Sanjuán, que ganó el premio Nadal en 2013, ha recibido el premio en Sevilla durante el transcurso de una cena de gala en los Reales Alcázares, en esta trigésima edición de los premios, que ha batido su récord de participación, con un total de 1.116 obras presentadas. EFE

Woody Allen debutará a los 89 años en la novela con '¿Qué pasa con Baum?', el libro que publicará en español Alianza Editorial y que saldrá a la venta el próximo 28 de agosto, según ha anunciado la compañía en un comunicado.

"A pocos meses de cumplir 90, definitiva y felizmente el ritmo de creatividad de Allen se mantiene. No con una nueva película, pero sí con su ópera prima en la ficción de larga extensión. Su novela tiene los ingredientes que tanto gustan a los seguidores del director de 'Manhattan': un universo reconocible, tramas originales y divertidas y un don para los diálogos ingeniosos", asegura Alianza Editorial.

El cineasta regresa al mundo literario 50 años después de la publicación de su primer libro de relatos, 'Cómo acabar de una vez por todas con la cultura' y tras dos años de su última película 'Golpe de suerte'. La editorial adelanta cómo será la cubierta del libro, que evoca la tipografía habitual de los créditos de las películas de Allen e incluye una ilustración que da cuenta de la atormentada situación vital del protagonista combinando Nueva York con la pintura 'El grito' de Edvard Munch.

También avanza que la calidad de la novela "remite a la profundidad y sofisticación de algunas de las películas más celebradas de los ochenta y los noventa como 'Delitos y faltas', 'Balas sobre Broadway' o 'Maridos y mujeres'".

Además, detalla que el protagonista de '¿Qué pasa con Baum?' es un judío de mediana edad, autor de ensayos filosóficos con escaso éxito que decide probar en la novela y el teatro para expresar sus ansiedades. Asher Baum descubre un sorprendente secreto que puede cambiar su vida justo en un momento de verdadera crisis existencial, con un matrimonio a la deriva (sospecha que su mujer le engaña), un hijo al que envidia (porque tiene el reconocimiento literario que él no consigue), sentimientos de culpa relacionados con su difunto padre y la amenaza inminente de que se haga público un acto impulsivo. Humor inteligente cortesía de un Woody Allen en estado puro, accesible para todos los públicos como pasa con sus mejores películas.

La obra, traducida por Manuel de la Fuente Soler, retrata con mano maestra la peripecia de un escritor petulante e inadaptado que no logra hacerse un hueco en el mundillo literario y que se encuentra ridículamente paralizado por preocupaciones neuróticas sobre la futilidad y el vacío de la existencia, según Alianza Editorial.

El comunicado añade que Allen recrea la escena cultural de Nueva York, las miserias de la vida familiar, el declive del amor en las parejas y el destino fatal de los que sin demasiados dones se sienten llamados a la gloria, como hiciera por ejemplo hace justo tres décadas en la cinta Balas sobre Broadway.

Esta cifra supone casi el doble de las novelas presentadas en la edición anterior, 565, para este premio que tiene una dotación de 120.000 euros, además de la publicación de la obra premiada por parte de la editorial Planeta.

De esas 1.116 obras, algo más de la mitad han sido remitidas desde España, 564, mientras que desde América del Sur han sido enviadas 290, y de América del Norte 94, el mismo número de obras remitidas sin especificar su procedencia.

Del resto de Europa han sido presentadas 37 novelas, 33 de América Central, tres desde Asia y una desde Australia, según ha informado el Grupo Planeta, convocante del premio y que también ha explicado que la posibilidad de presentar las obras en formato digital, que se ofrece desde 2022, ha podido repercutir en el significativo aumento de obras presentadas.

De entre las novelas concurrentes ya han sido preseleccionadas diez, de las que saldrá la premiada, seleccionada por un jurado integrado por Ana María Ruiz-Tagle, Clara Sánchez, Nativel Preciado, Pere Gimferrer y Emili Rosales.

Los escritores Manuel Loureiro, Roberto Santiago, Máximo Huerta, Alaitz Leceaga, Gonzalo Giner y Ángela Becerra han sido los últimos que han ganado este premio. EFE

La historia no siempre avisa cuando está a punto de cambiar. A veces lo hace en voz baja, sin testigos ilustres ni celebraciones. Como aquel 9 de mayo de 1605, cuando un libro titulado El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha apareció en las calles de Madrid. El nombre de su autor —Miguel de Cervantes Saavedra— no era nuevo, pero tampoco reverenciado. Había sido soldado, prisionero y recaudador de impuestos. Su vida estaba más marcada por la penuria que por el reconocimiento. No sabía que con esa novela iba a fundar la narrativa moderna y a regalarle al idioma español su obra más universal.

Ese día, sin que nadie lo advirtiera, el mundo conoció al caballero que perdió el juicio de tanto leer libros de caballería, que confundió molinos con gigantes, que vio en una labradora a una dama idealizada y que se lanzó a reparar agravios y enfrentar injusticias junto a un escudero de mirada terrenal. Alonso Quijano, rebautizado como Don Quijote, y Sancho Panza nacían para convertirse en inmortales.

Una España en transición

Para entender la magnitud de lo que ocurrió ese mayo de 1605, hay que mirar la España de la época. El imperio vivía un momento de desgaste: se habían perdido los Países Bajos, la economía sufría los efectos de la inflación y de las guerras, y la censura vigilaba cada línea impresa. La Contrarreforma imponía un tono severo, y la literatura circulaba bajo el ojo atento de la Inquisición.

Miguel de Cervantes tenía 57 años. Había sido herido en la batalla de Lepanto, donde una bala le dejó inútil la mano izquierda —por eso lo apodarían “el manco de Lepanto”—, había pasado cinco años preso en Argel tras ser capturado por corsarios, y su vida posterior fue errante, plagada de oficios burocráticos, deudas y estancias en prisión por problemas ajenos. No era un autor célebre ni respetado.

Algunos historiadores sostienen que Cervantes era descendiente de judíos conversos, una condición que, en la España del siglo XVI, significaba llevar en la sangre una marca de sospecha. Su padre, Rodrigo, tenía un oficio común entre conversos —cirujano-barbero—, y los rastros familiares apuntan a linajes que, alguna generación atrás, practicaron el judaísmo. En tiempos donde la “limpieza de sangre” era moneda política y religiosa, Cervantes jamás aludió directamente a ese origen. Pero el hecho de haber vivido al margen del poder, su empatía hacia los perseguidos y una vida plagada de dificultades podrían tener raíces en ese pasado silenciado.

El Quijote nació en ese contexto: no como la obra consagratoria de un escritor exitoso, sino como una novela audaz escrita por alguien que ya había vivido mucho y que se animaba a reírse de los géneros consagrados, en particular de las novelas de caballería que durante décadas habían dominado la literatura.

Una novela que rompía con todo

El Quijote desobedecía los moldes. En lugar de héroes sin fisuras y relatos lineales, presentaba a un protagonista delirante y entrañable, una crítica irónica de la sociedad y una estructura que incluía relatos dentro de relatos. No proponía una moral clara ni una enseñanza cerrada, sino una mirada compleja y contradictoria del mundo.

El libro se presentaba como una “historia verdadera” que Cervantes habría encontrado en un manuscrito árabe del historiador ficticio Cide Hamete Benengeli. Un morisco lo habría traducido. Ese juego —la historia dentro de la historia, el autor que cede la palabra, la ironía sobre la autoría misma— era algo inédito. Cervantes no se limitaba a contar una historia: jugaba con los mecanismos de la narración, con la idea misma de qué es ficción y qué es verdad. ¿Quién cuenta lo que leemos? ¿Quién puede narrar?

También el humor del libro era distinto. No se basaba en chistes fáciles, sino en el lenguaje, el absurdo y los contrastes entre el idealismo del caballero y la crudeza del mundo real. Nos reímos de Don Quijote, pero también nos conmueve. Hay en él una humanidad tan profunda que, aunque desvaríe, se vuelve admirable. Es ridículo y heroico a la vez. Sancho Panza, con su pragmatismo y su ternura, es su cable a tierra y también el espejo del lector.

La primera edición fue publicada en Madrid por el editor Francisco de Robles, e impresa por Juan de la Cuesta. El colofón indica que fue finalizada el 20 de diciembre de 1604, pero el libro recién empezó a circular a comienzos de 1605. El 9 de mayo de ese año se registró oficialmente su venta en la feria de libros de Valladolid, entonces capital del reino. Esa es la fecha que se toma como el inicio de su vida pública.

La obra tuvo un éxito inmediato. En pocos meses se hicieron ediciones no autorizadas en Lisboa y Zaragoza. En 1608 ya estaba traducida al inglés. En 1612 circulaba por toda Europa. Cervantes, sin embargo, no recibió ganancias por ese éxito. Como era habitual en la época, el editor se quedaba con los beneficios. Los derechos de autor todavía no existían.

El autor murió sin saber la revolución que había creado

Aunque Cervantes escribió en el prólogo que su novela era una “invectiva contra los libros de caballería”, El Quijote no se limita a la parodia. Es una obra total. En ella conviven el diálogo filosófico, la crítica social, el relato popular, la poesía, la aventura y el drama. Muchos la consideran la primera novela moderna porque sus personajes tienen profundidad, porque evolucionan, porque los géneros se cruzan y porque no hay un narrador absoluto que lo controle todo.

El caballero andante, que comienza como objeto de burla, se transforma en símbolo del idealismo, de la lucha contra el desencanto. Y Sancho, que parecía un simple criado, revela una sabiduría terrenal que equilibra la locura de su amo. Esa pareja quedó para siempre en la historia de la literatura como una metáfora de las contradicciones humanas: el deseo y el límite, el sueño y la realidad.

Cervantes publicó la segunda parte de El Quijote en 1615, diez años después de la primera. Lo hizo en parte para responder a una versión apócrifa que circulaba bajo el nombre de Alonso Fernández de Avellaneda. Esa segunda parte es aún más profunda, más autorreflexiva, más melancólica. Los personajes ya saben que son célebres, que hay un libro sobre ellos. Es, otra vez, un juego literario adelantado a su tiempo.

Miguel de Cervantes murió el 22 de abril de 1616, sin imaginar la dimensión que alcanzaría su obra. No fue hasta mucho después que El Quijote empezó a ser reconocido como una cumbre de la literatura universal. Hoy, más de cuatro siglos después, es el libro más traducido después de la Biblia. Se estudia, se cita, se reinterpreta. Pero sobre todo, se sigue leyendo.

Una obra que no envejece

¿Por qué El Quijote sigue vigente? Quizás porque habla de lo más humano: el deseo de cambiar el mundo, la capacidad de soñar incluso cuando todo parece perdido, la tensión entre la imaginación y la realidad. Porque su humor no envejece. Porque su tristeza sigue siendo actual. Porque su lenguaje, lejos de ser sólo barroco, tiene momentos de sencillez, de belleza pura.

También porque cada lector encuentra algo distinto: una sátira, una tragedia, una novela de aventuras, una filosofía, una historia de amistad. El Quijote no es un libro: es muchos libros dentro de uno. Y como los clásicos verdaderos, no se agota nunca.

Aquel 9 de mayo de 1605 pasó casi inadvertido. Se registró la venta de un libro. Pero ese día, sin que el mundo lo supiera, la literatura dio un paso gigantesco hacia lo que sería.

Madrid, 29 ene (EFE).- Dan Brown, autor de 'El código Da Vinci', ha anunciado este miércoles la publicación de su nueva novela, 'El último secreto', que llegará a España y Latinoamérica de la mano de la editorial Planeta a partir del 10 de septiembre.

La novela supone el regreso del carismático profesor de simbiología Robert Langdon, protagonista de 'El código da Vinci' y de otros títulos como 'Ángeles y demonios', 'El símbolo perdido', 'Inferno' y 'Origen'.

Con más de 250 millones de ejemplares vendidos en todo el mundo, las novelas de Dan Brown se publican en 56 idiomas.

Brown ha anunciado la publicación de 'El último secreto', que llegará de forma simultánea a las librerías de todo el mundo, en el programa matutino estadounidense 'Good Morning America' (GMA).

La trama sitúa a Langdon en Praga para asistir a una conferencia revolucionaria impartida por Katherine Solomon, una brillante científica con quien ha iniciado una relación y que está a punto de publicar un libro cuyos asombrosos descubrimientos sobre la conciencia humana prometen desafiar siglos de creencias consolidadas.

Pero un brutal asesinato desata el caos, y Katherine desaparece sin dejar rastro junto a su valioso manuscrito, según la sinopsis.

Con un telón de fondo de "enormes castillos, imponentes iglesias, cementerios ancestrales y laberínticos pasajes subterráneos", Langdon debe recorrer Praga mientras se enfrenta a fuerzas desconocidas. EFE

Irene Dalmases

Barcelona, 27 ene (EFE).- Una década después de publicar 'Una madre' y dar a conocer al entrañable personaje de Amalia, figura central y pilar emocional de una particular familia, Alejandro Palomas cierra el circulo con 'Una vida', una suerte de despedida de esta mujer, siempre rodeada por sus hijos Fer, Emma y Silvia.

En una entrevista con EFE, el escritor barcelonés, de gira por diferentes ciudades españolas, cual rockero con tachuelas, no ha rehuido este lunes que lo ha pasado muy bien escribiendo el cuarto volumen de esta serie, aunque ha sido con el que más tiempo ha estado, quizá porque no quería "soltarlo al ser el último en este formato".

Sin embargo, avanza que ha jugado con ventaja porque Amalia "no se va, los lectores -más de 150.000- pueden estar tranquilos. Ahora se diversifican los formatos y pronto la veremos en el teatro y como protagonista de una novela gráfica al estilo 'Mafalda', pero con una señora mayor, que no habla de la actualidad, manejándose en la vida diaria, yendo al mercado, metiendo la pata, en fin, como es ella".

Una experiencia literaria

Publicada por Destino y en catalán por Columna, en 'Una vida' el lector conocerá el desenlace de la historia de esta madre, tras un diagnóstico médico, después de que Fer, Emma y Silvia la lleven una tarde a urgencias, aquejada de lo que parece una infección de orina.

"Parece mentira que mis novelas sean tan difíciles de promocionar porque el corpus más importante es lo que no se puede contar", reconoce Palomas, aunque promete que quien entre en su relato saldrá de una manera "totalmente distinta".

En este sentido, precisa que busca ofrecer al lector una "experiencia literaria, hacerle entrar en un lugar, como ir de erasmus durante un tiempo a una casa".

Siempre escribiendo sobre aquello con lo que convive, con esta serie de novelas, que también incluye 'Un perro' y 'Un amor', Palomas se ha dado cuenta de que ahora tiene dos familias, la suya de sangre, y esta literaria que, como las reales, "crece y hay miembros que desaparecen".

"Es en las familias -prosigue- donde vemos la ley natural, el paso del tiempo, todo lo más básico. Vemos cómo las casas permanecen, cómo la gente se va. Y el lector también se convierte en familia".

Aunque le gusta acotar mucho el tiempo de sus relatos, en este caso lo ha alargado para hacer de esta despedida "la mejor experiencia de las cuatro novelas, que fuera la más emotiva, con la que te quedaras. Y eso no se puede hacer rápido, tienes que ir mostrando a todos los personajes, cómo se relacionan entre ellos, cómo se apoyan en los momentos de flaqueza, cómo se explican el proceso por el que pasan".

Naturaleza y un contrapeso a Amalia

Viviendo Alejandro Palomas desde hace años en plena naturaleza, los animales, las plantas y los árboles tienen su peso y un significado especial en los acontecimientos que se suceden, sin obviar el período de pandemia de coronavirus.

También ha creado un contrapeso a Amalia, su otra cara, su alma gemela, Mauro, un profesor de chi kung, en la cincuentena, que parece, al principio, alguien "amenazador, pero que poco a poco el resto de la familia ve que solo tenían prejuicios".

"Si Amalia va menguando, había que contraponer. No quería escribir un drama, no quiero que las vidas sean dramas, hay que poder reírse. Y a veces, la vida te hace regalos, te regala a alguien que contrapone ese perder facultades. Es muy gratificante trabajar con un perfil así", redunda el escritor.

Asimismo, hay un santuario de animales, con escenas que llevan al lector a reírse por cómo Amalia interactúa con los encargados del centro.

Novela sanadora

Después de la muerte de su progenitora en marzo de 2021 y tras haber denunciado en 2022 que sufrió de niño abusos sexuales por parte de un hermano de La Salle, escribir la novela ha sido para su autor algo "sanador, un lugar al que volver con los ojos cerrados siempre".

Aunque tiene claro que termina una etapa, no descarta que sus personajes protagonicen nuevos relatos.

"No lo sé, igual, de repente, algún día me digo, ¿por qué no? Y a lo mejor jugamos a eso. Estoy abierto a todo, si no puedo jugar en esta vida, no quiero vivir", concluye el escritor, con muchas ganas de compartir sus experiencias con sus lectores, de ciudad en ciudad. EFE

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¿Por qué una novela y no otro género? Fue la primera pregunta para la debutante escritora Paula Babot (1991), de Málaga, España, quien explicó que fue algo que nunca pensó que podía escribir, “tenía fragmentos escritos en momentos que necesitaba hacerlo, era un poco hablar con mi mamá, y un día los estaba leyendo y a partir de ese hilo conductor decidí empezar a construir una novela, pero nunca sabía muy bien hacia dónde iba a ir”, manifestó.

Pese a que aún no conoce México, desea que a los lectores mexicanos les guste su ópera prima ya que en ella maneja temas comunes, “espero que puedan, creo que es una novela sobre el amor, la equivocación, la obsesión, son sentimientos muy universales con los que mucha gente puede conectar, si no es con la historia del protagonista, se puede conectar con su entorno (...) Tenemos un idioma común, no creo que sea diferente en México que en España”, dijo.

En carne propia

“Mejor cerca del agua”, explora los matices del maltrato psicológico desde una perspectiva personal y de ficción, entre Creta y Milo, los personajes centrales en su libro, que a través del agua y su simbolismo de aparente tranquilidad, purificación, abundancia, vida y esperanza, también puede convertirse en algo destructor o difícil de controlar, dualidad que puede llevarnos del caos al orden en un abrir y cerrar de ojos.

“Sí que tiene una parte basada en experiencia propia. Yo misma he tenido una relación de maltrato psicológico y sí que he usado partes de esas vivencias que tuve yo para darle profundidad al personaje -principal- de Creta”, argumentó acerca de su texto.

Más que un exhorto a la resiliencia interna o psicológica, “es más bien una representación de las contradicciones que hay dentro de este tipo de relaciones, porque obviamente se ve cómo la protagonista tiene una dualidad, es fuerte, independiente, pero a la vez tiene esta relación que la hace chiquitita. Quería mostrar que las dos cosas pueden coexistir”, enfatizó la malagueña.

Y agregó, “El problema es cuando se activa el sistema de recompensa y solo te puede hacer sentir bien precisamente la misma persona que te hace sentir mal. Entonces ahí es donde se genera un ciclo que es muy difícil de romper”, afirmó al reiterar que es la antesala al maltrato físico, razón por la cual se le tiene que dar más visibilidad", dijo a Infobae México.

“Creo que en España estamos un poco iguales. No creo que haya tanta diferencia (...) todavía somos un poco machistas, hay bastante similitud con México”, expresó la autora al comparar el tema central de su obra entre ambas naciones.

Lo impensable

“La verdad que es un sueño, no sé, hace años no me lo habría ni imaginado”, externó acerca de lanzar “Mejor cerca del agua” en España y México a través de Editorial ADN.

Al tratarse de un tema vivencial, por supuesto que, “Tiene una parte muy vulnerable, también hay una parte mía a disposición, pero mi obra no cae en clichés (...) creo que eso también le da mucho de verdadero, mucho de un respaldo real a lo que escribes”.

“Hay gente que me ha comentado ‘que bueno que el final se ha quedado abierto’ (...) que cada quien también tenga oportunidad de hacer su historia”, aseveró mientras anhela poder venir a México.

La escritora Reyes Calderón regresa a las librerías después de siete títulos previos con el personaje de la jueza Lola MacHor en su nueva novela, 'Los crímenes del caviar' (Planeta).

Así, 'Los crímenes del caviar' aborda asuntos criminales a través de una historia de amor, aunque también hay cabida para las conspiraciones en el seno de la Iglesia o los avances de la ciencia por parte de una sociedad "acomodada", según explica la editorial.

Precisamente, la 13ª novela de la escritora, tiene un comienzo clásico: una llamada telefónica y el encargo de un caso complejo a un investigador.

Otras de las novelas publicadas son 'Las lágrimas de Hemingway' (2005), 'Los crímenes del número primo' (2008), 'El último paciente del doctor Wilson' (2010), 'La venganza del asesino par' (2012), 'Tardes de chocolate en el Ritz' (2014), 'La puerta del cielo' (2015), 'Clave Matisse' (2018) o 'El juego de los crímenes perfectos' (2022).

La Cátedra Vargas Llosa ha anunciado la apertura de la convocatoria para optar al VI Premio de la Bienal de Novela, dotado con 96.203 euros --100.000 dólares-- y para el que se pueden entregar trabajos hasta el próximo 15 de mayo.

El premio se celebra por primera vez en España, en Cáceres, durante la Bienal de Novela, del 22 al 25 de octubre de 2025, y pueden participar todas las novelas publicadas originalmente en español entre el 1 de enero de 2023 y el 31 de diciembre de 2024.

Por otro lado, quedan excluidas del galardón todo lo que no sea novela de ficción: no podrán participar trabajos de ensayo, cuentos, memorias, historia o crítica, como tampoco la novela gráfica, cómic o literatura infantil.

Entre las bases, explica la Cátedra de Vargas Llosa, hay varios requisitos, como que los participantes deben enviar un total de siete copias de la obra a las oficinas de Squirrel Media, en la madrileña calle de Agastia, 80, y las obras participantes o ganadoras de ediciones anteriores no pueden concursar.

 Madrid, 16 ene (EFE).- La escultora colombiana Feliza Bursztyn poseía una "alegría explosiva" que deslumbraba a Gabriel García Márquez y al resto de sus amigos, pero acabó muerta "por tristeza", un misterio que el escritor Juan Gabriel Vásquez desentraña ahora en su nueva novela, 'Los nombres de Feliza', de la que habló con EFE.

"Todo mi reto era tratar de conocer a Feliza Bursztyn –un personaje real– como se conoce un personaje de ficción, es decir, por completo, por dentro, lo que le pasaba en la cabeza, en las emociones, en eso que, a falta de mejor palabra, llamamos el alma", explica Vásquez (Bogotá, 1973) en una entrevista en Madrid, ciudad en la que pronto vivirá.

La novela tiene como germen una columna que escribió el nobel de Literatura colombiano pocos días después del desplome repentino e inesperado de Bursztyn en un encuentro junto a sus parejas y otros amigos, y que incluía una frase con la que Vásquez llevaba obsesionado desde hace 27 años: "La escultora colombiana Feliza Bursztyn, exiliada en Francia, se murió de tristeza a las 10,15 del pasado 8 de enero en un restaurante de París".

Vásquez traslada la intriga al lector a través de la construcción de una novela que desde su inicio cuenta la muerte de la artista. "Quería que el lector lo supiera desde la primera página y que, sin embargo, se interesara en saber cómo ocurrió"; es decir, lo que él mismo descubrió en la investigación histórica, política y personal que emprendió para entenderlo.

En la obra describe a una mujer "que siempre estuvo tratando de vivir en sus propios términos" y "tremendamente libre, y eso siempre viene con riesgos y siempre se paga un precio".

Los "malentendidos constantes" con la grafía del apellido Bursztyn, mal escrito hasta en su lápida, o la decisión de Felicia de cambiar su nombre a Feliza durante la adolescencia, sirven de metáfora para explicar a "una persona con un lugar muy inestable en su propia vida, en la sociedad colombiana, y en el mundo del arte".

"Fui descubriendo que el diagnóstico –de la tristeza– no pertenece al momento de su muerte, es una acumulación de hechos a lo largo de su vida, un constante enfrentamiento contra pequeñas o grandes tragedias: el alejamiento de sus hijas, la muerte de la gente que más quería, los ataques de un sistema conservador y reaccionario en el arte, la vida, la sociedad", describe el autor.

Obstáculos que fueron minando la alegría de esta mujer "obstinadamente colombiana", que buscó toda su vida un espacio físico en el que asentarse del que al final también es expulsada cuando la echan del país tras una dramática y absurda detención. EFE

(Recursos de archivo en www.lafototeca.com cód 22309144 y otros)

Marina Estévez Torreblanca

 Madrid, 16 ene (EFE).- La escultora colombiana Feliza Bursztyn poseía una "alegría explosiva" que deslumbraba a Gabriel García Márquez y al resto de sus amigos, pero acabó muerta "por tristeza", un misterio que el escritor Juan Gabriel Vásquez desentraña ahora en la novela 'Los nombres de Feliza', de la que ha hablado con EFE.

"Todo mi reto era tratar de conocer a Feliza Bursztyn, un personaje real, como se conoce un personaje de ficción, es decir, por completo, por dentro, lo que le pasaba en la cabeza, en las emociones, en eso que, a falta de mejor palabra, llamamos el alma", ha explicado Vásquez (Bogotá, 1973) en una entrevista en Madrid, la ciudad en la que pronto vivirá.

La novela, que publica Alfaguara este jueves en España, tiene como germen una columna que escribió el nobel de Literatura colombiano pocos días después de asistir al desplome repentino e inesperado de Bursztyn en un encuentro junto a sus parejas y otros amigos, recién comenzado 1982, a los 48 años.

"La escultora colombiana Feliza Bursztyn, exilada en Francia, se murió de tristeza a las 10,15 del pasado 8 de enero en un restaurante de París", dejó escrito García Márquez. Una frase que llevaba obsesionando a Vásquez, autor de 'El ruido de las cosas al caer', desde hace 27 años.

Ha trasladado esta intriga al lector a través de la construcción de una novela que desde su inicio cuenta la muerte de esta artista excepcional nacida en Bogotá en 1933. "Quería que el lector lo supiera desde la primera página y que, sin embargo, se interesara en saber cómo ocurrió", es decir, lo que a él mismo descubrió en la investigación histórica, política y personal que emprendió para entenderlo.

Lo que describe es a una mujer "que siempre estuvo tratando de vivir en sus propios términos". Parte de la burguesía colombiana, nunca se plegó a sus mandamientos; se movía en círculos revolucionarios y de izquierda, pero nunca admitió las invitaciones que le hacían para pertenecer al partido.

"Fue una mujer tremendamente libre, y eso siempre viene con riesgos y siempre se paga un precio", destaca Vásquez.

En la novela conviven tres situaciones principales, que van revelando sus significados: primero, el París del presente, donde el escritor recorre los pasos de Feliza, sus espacios. Segundo, el último día de la vida de la escultora. Y tercero, los episodios importantes de "esa vida que fue una lucha por construirse a sí misma".

Los "malentendidos constantes" con la grafía del apellido Bursztyn, mal escrito hasta en su lápida, o la decisión de Felicia de cambiar su nombre a Feliza durante la adolescencia, sirven de metáfora para explicar a "una persona con un lugar muy inestable en su propia vida, en la sociedad colombiana, y en el mundo del arte".

Casada muy joven, su marido estadounidense trata de alejarla del ambiente artístico bogotano, y al no conseguirlo se marcha a EE.UU con las tres hijas de ambos, algo que a ella le proporciona un espacio de libertad, aunque a un alto precio.

"Fui descubriendo que el diagnóstico -de la tristeza- no pertenece al momento de su muerte, es una es una acumulación de hechos a lo largo de su vida, un constante enfrentamiento contra pequeñas o grandes tragedias: el alejamiento de sus hijas, la muerte de la gente que más quería, los ataques de un sistema conservador y reaccionario en el arte, la vida, la sociedad", describe el autor.

Obstáculos que fueron minando la alegría de esta mujer "obstinadamente colombiana", que buscó toda su vida un espacio físico en el que asentarse -la antigua fábrica de sus padres, que transforma en vivienda y taller para sus esculturas enormes y metálicas- del que al final también es expulsada cuando la echan del país tras una dramática y absurda detención.

"Es algo que siempre me ha interesado. Todos mis libros, en algún sentido, tratan de iluminar ese espacio donde la historia privada se ve de repente arrollada por la historia pública que llamamos política, que llamamos historia", remarca este escritor, que en un libro anterior, 'Volver la vista atrás', narraba la historia de la familia del cineasta Sergio Cabrera, que recorre el siglo XX y tres continentes.

El resultado es una obra que "dice la verdad sobre Feliza", en opinión de su última pareja, Pablo Leyva, uno de los personajes más relevantes en la novela y principal fuente de información. "Eso es lo más importante para mí", dice Vásquez, que opina que "si el lector siente que eso que el libro cuenta es verdad, es la prueba del éxito", y es lo que él espera haber hecho. EFE

(Recursos de archivo en www.lafototeca.com cód 22309144 y otros)

Madrid, 3 abr (EFE).- Hace 25 años que ‘Blacksad’ revolucionó el mundo del cómic para convertirse de inmediato en un éxito absoluto de crítica y público. Una novela negra clásica estilo 'Disney para adultos' protagonizada por un gato detective, traducida a cerca de 30 idiomas, con millones de copias vendidas y premiada en todo el mundo.

Detrás de este éxito se encuentran los españoles: Juan Díaz Canales (Madrid, 1972), guionista y creador de la historia, y Juanjo Guarnido (Granada, 1967), responsable del dibujo y el color.

Un ‘matrimonio’ perfecto para una obra que es un homenaje a los maestros de la novela negra como Raymond Chandler o Dashiell Hammett y que plasman el universo con un dibujo realista con aroma a cuento clásico.

Dos elementos clave para narrar las aventuras de John Blacksad, veterano de la II Guerra Mundial y detective privado, en un Nueva York de los años 50 habitado por un universo zoomorfo de personajes con apariencia animal.

Una serie que consta de seis historias (publicados en siete volúmenes) y cuya primera entrega, ‘Un lugar entre las sombras’ (publicada por primera vez en Francia), se reedita ahora por su 25 aniversario con una edición especial coleccionista de la mano de Norma Editorial, con 96 páginas que incluyen el tomo editado y un anexo con los primeros bocetos, entrevistas, curiosidades y dibujos en acuarela.

“Todo es una mezcla de emociones. 25 años y parece que fue ayer. Entramos en el mundo del cómic por la puerta grande, con algo que fue un fenómeno editorial desde el primer momento. Hemos sido unos privilegiados, pero quizás nos lo hayamos ganado por nuestro empeño, tesón y trabajo”, detalla Juanjo Guarnido a EFE en una entrevista con ambos creadores.

‘Blacksad’ nace de un proyecto personal de Díaz Canales con el que muestra un mundo oscuro, violento y corrupto habitado por animales humanizados: “Tenemos mucho más de animales de lo que nos gusta reconocer y actuamos la mayor parte del tiempo por instinto. Nuestra condición animal nos define como seres humanos. En este sentido la metáfora de ‘Blacksad’ funciona muy bien”.

En ‘Blacksad’ cada especie de animal refleja su personalidad en la historia. El protagonista es un gato negro, elegante y esquivo, su colega reportero Weekly es un astuto zorro, mientras que ratas y lagartos son, en ocasiones, matones callejeros y Jake es un gorila boxeador que hace las veces de guardaespaldas. Cada personaje tiene su espejo animal.

“Humanizar los animales es siempre más divertido”, afirma por su parte el dibujante Guarnido, que desvela cómo para dar vida al protagonista principal utilizó a su padre de modelo: “Puse a mi padre a posar con una gabardina de corte clásico que no se ponía casi nunca".

Un Guarnido cuyos inicios fueron los de un joven inquieto al que el arte le nacía natural. Pasó de hacer caricaturas en el paseo marítimo de Salobreña (sur de España) a pintar piedras para turistas con apenas 12 años.

De ahí pasó a trabajar en Madrid y más tarde dio el salto a París, donde reside a día de hoy tras trabajar para Disney, donde diseñó y animó personajes para películas como ‘El jorobado de Notre-Dame’, ‘Hércules’, ‘Tarzán’ o ‘Atlantis’ .

‘Blacksad’, además, ha traspasado el cómic para llegar al mundo de los videojuegos, con una aventura gráfica que llegó a las consolas y ordenadores de nueva generación (Playstation, Xbox, o Nintendo Switch), a los juegos de mesa de rol e incluso a tener “amagos” de convertirse en una película que no termina de arrancar, confirman los autores.

‘Blacksad’ ha ganado desde su primera publicación en Francia (en noviembre de 2000) todo lo que una novela gráfica puede ganar. Varios premios estadounidenses Harvey y, sobre todo, Eisner (considerados como los Óscar del cómic), el del Mejor Dibujo en el Festival de Angoulême (Francia), varias veces en el Salón del Cómic de Barcelona o el Premio Nacional del Cómic en España.

Una historia que continuará, con nuevos casos que seguro pondrán contra las cuerdas al detective felino más famoso del mundo del cómic: “A pesar de tener 25 años hemos hecho todavía pocos álbumes. Tiene mucho recorrido antes de ponernos a pensar en un final. Tenemos ‘Blacksad’ para rato”, concluye Díaz Canales. EFE

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Madrid, 1 abr (EFE).- “Moncloa era el rompeolas del oeste de Madrid”. Así de contundente arranca ‘Operación Casatshock’, nueva novela gráfica que viaja al Madrid de la Transición (1975-1978), para recuperar la tensión política y la agitación callejera, y el renacer de un nuevo aire de libertad en plena ebullición de los barrios más castizos y el trasfondo de dos protagonistas empeñados en descifrar un crimen del fascismo.

El cómic (Editorial Silex), gira en torno al inspector Zamorano, acérrimo seguidor del Atlético de Madrid y asiduo de los bares y billares del barrio madrileño de Moncloa, quien, durante una protesta, salva de ser golpeada por un antidisturbios a Julia, una estudiante de derecho y militante de izquierdas, con la que se unirá para investigar la desaparición de un joven miliciano durante la Guerra Civil.

“Ella está investigando un crimen olvidado en la Guerra Civil y quizás por amor a ella y por abrir su mente, el inspector se involucra. La historia política es un trasfondo. Para que no pesara tanto la historia política recreamos la historia de aquellos años a través de la vida en el barrio”, destaca a EFE Rafael Rodulfo, encargado del dibujo y coautor y guionista de la novela junto a su hermana Belén y su primo Juan.

Rodulfo (Madrid, 1965), pintor de profesión, se encargó principalmente de realizar las ilustraciones y el arte de la novela gráfica: “Es un homenaje en blanco y negro, porque era una España en blanco y negro. Un dibujo realista y con bastante toque 'años 70', como dibujaban los maestros con los que me crié”, asegura.

El cómic, basado en la novela de Juan Rodulfo, requirió cerca de 3 años de trabajo, dos años y medio para realizar las ilustraciones: “Es un trabajo laborioso, solitario. Hay que documentarse bien. Porque un desfase en algún coche, un cigarrillo, un reloj… es un cante que te delata y demuestra que no has trabajado bien. A partir de la novela original hemos guionizado y traspasado al lenguaje del cómic”.

El ritmo de la obra es trepidante gracias a un dibujo que es, en sí mismo, una obra de arte con un guion repleto de humor y guiños históricos que conforman un cuadro costumbrista que hará las delicias de los conocedores de la zona y el Madrid de la época.

Un cómic y viñetas transformadas en obras de arte que, hasta el 5 de abril, se expondrán en la galería Captaloona Art de Madrid. Las ilustraciones, muchas de las cuales han sido elaboradas en óleo sobre papel a color, cuelgan de la sala para mostrar el proceso de elaboración del cómic, desde los bocetos a lapicero hasta las planchas entintadas.

“Es algo diferente. Algo intermedio entre la creación pura y la obra del artista Rafael Rodulfo. El cómic llega más rápidamente a la gente. Da vida a través de imágenes a una obra escrita”, asegura por su parte a EFE Claudio Fiorentini, director de la sala de exposiciones.

La acción transcurre por el barrio de Chamartín, el estadio Vicente Calderón, Tetuán, los patios de Aurrerá o la zona de Bravo Murillo, y en locales ya olvidados como la cafetería Galaxia, el Moly o la discoteca New Sunset.

“Tiene costumbrismo. Algo que la gente recuerda con cariño. Tenemos lo que no ves en un libro: el ambiente de los bares, las patatas bravas, el pantalón de campana, todas esas cosas sí las ves en el cómic.  Es ese ejercicio de recuerdo que a la gente le gusta”, añade Rodulfo.

La novela muestra con maestría la pulsión de ese cambio tras la dictadura: “Es el barrio universitario. La gente llegaba a Moncloa en ese aluvión desde las facultades (...) era un ambiente cargado, pero al mismo tiempo muy ilusionante, todo nuevo, libertario. Muy bonito”, concluye. EFE

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Madrid, 8 ene (EFE).- La escritora española María Dueñas publicará el 26 de marzo su nueva novela, 'Por si un día volvemos', una historia ambientada en Orán, la Argelia francesa, con la que espera "volver a seducir a los lectores".

María Dueñas (1964), autora de títulos de éxito como 'El tiempo entre costuras' (2009) o 'Sira' (2021), anunció este miércoles, a través de la editorial Planeta, el lanzamiento de su próxima novela.

La historia está ambientada en Orán, la Argelia francesa, frente a la costa sureste española: un territorio colonial al que un gran número de españoles se trasladaron como emigrantes o exiliados.

Dueñas señaló en una nota que fue un proyecto "apasionante" que ha recorrido de la mano de su protagonista, Cecilia Belmonte, que sucesivamente será también Cecilia Lagarde y Cecilia Aubert .

"Me he conmovido, he aprendido, he reconstruido un mundo que desapareció y he comprendido algunos entresijos, a veces luminosos y a menudo turbios, de la condición humana", dijo. EFE

El momento, registrado en un video difundido por el propio museo a través de su cuenta oficial de Instagram, muestra al músico argentino interactuando íntimamente con la pintura del maestro aragonés, mientras reflexiona sobre su vínculo emocional con la obra. “Este museo es una fuente inagotable de inspiración, un lugar cuyas obras, aunque fueron creadas hace cientos de años, nos siguen emocionando”, afirmó.

Durante la grabación, Páez destacó el impacto que provoca el arte de Goya, al que definió como una “conmoción perturbadora” por su tratamiento de la luz, sus invenciones, y su mirada cruda sobre la condición humana. En particular, subrayó el simbolismo del lienzo Vuelo de brujas, al que atribuyó dramatismo, religiosidad y una atmósfera esotérica cargada de misterio. Según él, la obra representa también una crítica a la ignorancia con la que se persiguió durante siglos a mujeres que, más que hechiceras, eran curanderas.

La conexión entre Páez y la pintura se extiende más allá de lo anecdótico. El artista reveló que había escrito años atrás una escena sobre “brujas que bajan a la tierra” que, sin haber conocido antes el cuadro, coincidía sorprendentemente con él. Esa sincronicidad lo llevó a usar una reproducción de la obra de Goya como portada del guion que terminaría convirtiéndose en Novela, su más reciente proyecto musical y cinematográfico.

Novela se publica este jueves por la noche y se presenta como una obra ambiciosa y conceptual. Concebida inicialmente en 1988 y concluida en 2024, la pieza combina el lenguaje del pop/rock con una estructura narrativa profunda. Ambientada en un pequeño pueblo de la provincia de Santa Fe (Argentina), cuenta una historia de amor atravesada por tensiones entre el orden y el caos, el espectáculo y la clase dominante, el individuo y la masa, el bien y el mal.

En palabras del propio Páez, la obra explora “un mundo de ilusiones y de amor” desde la imaginación y una perspectiva personal, con personajes originales, metáforas y reflexiones sobre temas universales como la rebeldía, el arte y la identidad.

En su paso por la pinacoteca madrileña, Páez aprovechó también para recorrer otras obras maestras de la colección, reafirmando su fascinación por un arte que, pese al paso de los siglos, continúa dialogando con el presente. “La música y la pintura comparten el poder de conmovernos profundamente”, concluyó el artista argentino, quien una vez más ha encontrado en el arte una chispa para la creación.

La intervención del músico en el Prado se suma a una serie de colaboraciones previas entre el museo y artistas del ámbito musical, como el puertorriqueño Residente junto a la espoñola Silvia Pérez Cruz y la cantante y compositora estadounidense St. Vincent. Esta iniciativa reafirma la voluntad del Prado de tender puentes entre disciplinas artísticas, generando nuevos espacios de encuentro entre el patrimonio clásico y la creación contemporánea.

Con información de: EFE

[Fotos y video: Museo del Prado]

Los salones académicos, donde se dictan las clases y se estudia, son amplios espacios iluminados con luz baja, rodeados de paredes de boiserie oscura de todas las maderas imaginables. Ninguno de los otros objetos existentes en esta dimensión paralela es parecido a los que conocemos en la Tierra. Las costumbres humanas difieren de las prixianas. Las sillas no existen. Las mesas y las camas, tampoco. Los alimentos no se ingieren, se imaginan. La saciedad es a piacere. De bulimia, miedo y qué dirán no saben nada.

Los cuerpos son amorfos, algunos con similitudes humanas. Los seres con piernas caminan, otros vuelan o se arrastran, según sus características biológicas. Algunos tienen ojos, otros no. Existen camellos con cabezas de teléfono. Jirafas de cuello corto con orejas de mono. Latas inservibles con piernas patizambas que mugen como vacas. Lagartos con brazos y manos similares a las humanas. Androides haraganes con alas de plumas. Nunca se descansa. No hace falta. No está permitido. El tiempo es una materia volátil, flexible.

En aquel delirio boscheano, habitan dos alumnas excepcionales, que son el desvelo de Rectitud Martirius, la rectora dura e implacable de la Universidad Prix: Maldivina y Turbialuz. Las brujitas estrellas de Prix. Las envidiadas por todxs por sus excelentes notas, a pesar de su pésimo comportamiento. Son dos jóvenes desenfadadas. Bellas e inteligentes. Tiernas y despiadadas. Maldivina es una muchacha rubia de ojos azules, y Turbialuz, una jovenzuela morocha de ojos negros. Pendencieras como las peores. Son la pesadilla de Rectitud Martirius. Lucen distraídas para la rigurosa rectora, que no tolera su displicente falta de atención permanente. Clásica bruja de manual, tiene la piel escaldada de granos de pus. Una nariz que, de tan larga, casi que se la come. Un sombrero de bruja Cachavacha, una escoba sucia siempre a su lado, como bastón imperial, y un traje marrón que oculta sus largos pies y su cola de rata. Tiene una voz estentórea que hace temblar los espacios donde chilla o grita sus rezongos, que es casi todo el tiempo.

El concilio de brujos es un organismo de protección protocolar y de estricto rigor en el cumplimiento de las normas de la casa de estudios. Operan por encima de Rectitud Martirius. Se ubican parados detrás de la silla real de Rectitud Martirius. Son un grupo de ocho implacables brujxs vestidos a la manera de monjes jesuitas, con gorras en sus cabezas que esconden sus ojos rasgados de pantallas azules digitales. Una suerte de poder de contralor que actúa por sobre las decisiones de la rectoría. Seres adustos. Cíborgs medievales. Turbialuz, sentada, espera la llegada de su amiga Maldivina, que arriba al salón de clases invariablemente tarde. Aquí sucede la increíble historia del camello Mailou y las dos jóvenes brujitas frente al concilio rector que cambiará el curso de los acontecimientos.

Harta de tolerar sus malos hábitos y comportamientos, Rectitud Martirius, con la anuencia del concilio superior de brujos, decide que va a asignarles el examen más difícil de la Universidad Prix: la formación de un romance perfecto en parajes lejanos. Los ojos de los brujos se encienden y comienzan a girar como bolilleros. Cada uno se detendrá en el destino y en los protagonistas del examen. El primero de ellos indica Vía Láctea. El segundo, sistema solar. El tercero, planeta Tierra. El cuarto, América. El quinto, Argentina. El sexto, provincia de Santa Fe. El séptimo, Villa Constitución.

El último brujo señala con un ojo a Loka, una adolescente de dulce mirada e irresistible belleza, y con el otro a Jimmy, un adolescente tierno y salvaje que toca la guitarra y es el cantante de la banda de rock Los James Dean. Jok es el dueño del Circo Beat y el padre de Loka. Un hombre rudo, de unos cincuenta años que parecen estirarse dos décadas hacia adelante en el tiempo. Bigote finito de rufián de película, corpulento, ojos afilados y negros como la noche. El Circo Beat es un antiguo organismo pleno de viejas historias y rencillas de todo tipo. Julius, el domador de tigres famélicos, es un hombre guapo, de rostro anguloso y semibarbudo marcado por surcos que han envejecido a golpes de ginebra. Tiene una vieja rivalidad con Jok. Los dos estaban enamorados de la misma mujer. La mamá de Loka, quien termina decidiéndose por Jok en su coqueteo entre los dos hombres que le atraían.

Una noche, en un desafortunado episodio, la madre de Loka muere aplastada por los elefantes del circo. Julius, Jok y Loka presencian este episodio. La ingesta de alcohol blanco en los adultos y la temprana edad de Loka hicieron que las versiones de ellos tres nunca coincidieran. A la manera de un rashomon*, este hecho trágico generó resentimientos, miedos, culpas, angustias, sentimientos encontrados sin resolver en sus corazones, y dejó heridas muy profundas en cada uno de ellos. El circo hoy, catorce años más tarde, se encuentra parado en el medio de una tormenta de dimensiones bíblicas en la ruta 9 de la provincia de Santa Fe, en la localidad de Arroyo Seco.

Maldivina y Turbialuz, habiendo atravesado el agujero negro luchando contra la fuerza de gravedad más potente del universo —la de TON 618—, sistemas solares desconocidos, galaxias indómitas, lograron aterrizar envueltas en llamas —propias de la velocidad al entrar en la atmósfera terrestre— en Villa Constitución. Esta es la localidad donde vive Jimmy, nuestro joven héroe guitarrista, huérfano de madre y padre. Convive con su simpática tía Charito en una casa chorizo típica de fines del mil ochocientos, ubicada frente a la plaza del pueblo. Charito es una mujer de casi cincuenta años, adicta a las pastillas que le provee su amante, don Ignacio Chantoni, farmacéutico y “siquiatra” del pueblo. Allí, en aquel pueblo de provincia, es donde las brujitas deberán hacer que el “romance perfecto” entre Loka y Jimmy se vuelva realidad.

Donde deberán aprobar no la tesis, sino la parte práctica del más complejo examen de la Universidad Prix. Maldivina y Turbialuz vuelan hasta Arroyo Seco a la velocidad de la luz y logran cambiar el destino del circo. Jok decide —él cree— que Villa Constitución será la próxima parada porque tiene allí a una “vieja amiga”, Naná, dueña del prostíbulo de la localidad. Maldivina y Turbialuz observan la escena nocturna sobrevolando desde el aire en el medio de la ruta sin que la lluvia logre mojarlas. Son invisibles a los ojos humanos y no pueden ser afectadas por ninguna manifestación del planeta Tierra. El Circo Beat llegará a Villa Constitución y se instalará en un descampado cercano al prostíbulo que regentea Naná, una bella mujer entrada en años, de gran carácter, que sabe llevar los “asuntos privados” del pueblo con la máxima reserva.

Muy querida por sus protegidas, ninfas del amor, ángeles de lujuria. La última calle de la localidad será el límite y, a la vez, escenario escenográfico donde se establecerá la división entre el pueblo y el circo. Dos culturas antagónicas en apariencia. “La gente del circo nace en el circo, se enamora en el circo y muere en el circo”. A partir de este momento, todas las fuerzas, las humanas y las brujeriles, las académicas y las populares, entrarán en conflicto. Pero solo una dislocará por completo todos los argumentos conocidos y por conocer de un lado y del otro: el amor. Esa fuerza misteriosa, indómita e indescifrable.

Muchos personajes no son lo que aparentan ser. Así en el cine como en la vida. La historia transcurrirá en el lapso de una hora, aproximadamente, para el oyente. Entre un gallinero que oficia de sala de ensayo, una iglesia trasformada en un edificio de la Inquisición moderna, una carpa desvencijada, la Universidad Prix, excéntricos personajes de circo de diferentes extracciones sociales y nacionalidades, un prostíbulo bienhechor, rufianes de toda calaña, una tormenta inasible y dos chicxs que quieren escapar de sus designios familiares y dejar de dar la vuelta del perro en una pequeña ciudad de provincia cuyos habitantes pueden transformarse en una salvaje jauría humana en lo que canta un gallo. Esta historia se desarrollará en un espacio sin tiempo.

Habrá que apagar dispositivos electrónicos para poder disfrutar de este cuento fantástico. En un mundo que solo está ocupado en anular la imaginación, instalar el gen de la domesticación y envenenar las vitaminas de la rebeldía, este es mi nuevo mensaje en una botella.

Fito, 2025

* Término que se utiliza para referirse a la manera en la que nuestros recuerdos están condicionados por diferentes circunstancias. Se trata de comprender que cada descripción o narración de un suceso puede tener tantas versiones como personas lo hayan vivido y ninguna de estas ser mentira.

[Fotos: Chino Lemus]

El músico rosarino es uno de los más lúcidos autores de la música popular argentina y latinoamericana en casi medio siglo -vale recordar que publicó su primer disco hace 42 años, a sus 20-. En este tiempo de efímeros fenómenos que se valoran por métricas, vive desde hace un tiempo una merecida celebración de sí mismo y su obra -ahí están los shows con entradas agotadas en todo el continente, sus recuperaciones en vivo de grabaciones clásicas de las décadas de los años 80 y 90 del siglo pasado, los premios que se acumulan-.

Sin embargo, evita con tozudez la comodidad del bronce. Se mantiene atento y despierto, creativo a tiempo completo. Este es un nuevo paso en su largo camino. Y, se sabe: un guerrero no detiene jamás su marcha (Spinetta dixit).

Novela es una de sus obras más ambiciosas: un álbum conceptual que combina literatura fantástica, estructura operística y canción popular. Parece estar deliberadamente fuera de época al combinar música, texto y narrativa visual para construir un universo propio. “Es una obra compleja, tan compleja, y con tantos significados, que creo que cada uno tiene que bucear ahí y nadar, si tiene ganas. ¡Pero necesitás tiempo! Te quita una hora y diez con el teléfono apagado”, desafió en una sabrosa entrevista publicada por la web Rolling Stone en español esta semana.

El germen de Novela, según ha contado el protagonista de esta historia, surgió en 1988, en paralelo a la composición de Ey!, como un intento por dejar atrás el tono sombrío de Ciudad de pobres corazones. Inspirado por el modelo de Quadrophenia de The Who (”un disco que mi papá me compró en la disquería Olivera en Rosario, en la calle Ceballos y Corrientes”, rememora en la misma entrevista), Páez se propuso narrar una historia con personajes, ilustraciones y una estructura narrativa que excede “el objeto antes llamado disco” (copyright Café Tacuba). Durante años, remarca, la obra fue postergada, reciclada parcialmente en otras creaciones —como Circo Beat, claramente—, pero nunca olvidada.

La historia escrita por Páez para acompañar el álbum sitúa la acción en una llamada “Universidad Prix”, una institución de brujería emplazada en el agujero negro TON 618. En ese universo alucinado habitan Maldivina y Turbialuz, dos brujitas rebeldes que deben aprobar su examen final: lograr un romance perfecto entre Loka, hija del dueño del Circo Beat, y Jimmy, guitarrista de una banda adolescente en Villa Constitución, ciudad aledaña a Rosario. “En un mundo que solo está ocupado en anular la imaginación, instalar el gen de la domesticación y envenenar las vitaminas de la rebeldía, este es mi nuevo mensaje en una botella”, escribe Páez en la introducción del disco (ver nota aparte).

El relato avanza entre dimensiones paralelas, pasillos de cristal líquido, camellos con cabeza de teléfono y gallineros devenidos en salas de ensayo. Pero en el fondo, se trata de una historia de amor, pérdida y redención en una Argentina de provincia. El circo, protagonista y locación a la vez, lleva consigo una tragedia: la madre de Loka muere pisada por elefantes, en un episodio borroso. Así las cosas, lo que aquí se plantea es una narrativa múltiple (a lo Rashomon, refiere Páez, cinéfilo a ultranza), donde ningún recuerdo es definitivo y toda verdad está cruzada por la subjetividad.

Musicalmente, Novela reúne canciones compuestas en 1988 con otras escritas de abril de 2023 en adelante. “Del material original quedaron cinco, y compuse otras 17″, contó el autor. A pesar de los años, muchas piezas sobrevivieron casi intactas. “No toqué una sola coma del texto ni de la música; solo rearmonicé algunas canciones”, detalló. Es una grabación extensa y minuciosa, surcada por una narración femenina en off que ubica las coordenadas de la narración.

Las canciones, en donde saltan como conejos las referencias sonoras y armónicas inevitables a Spinetta, Prince, Los Beatles y Charly García, navegan de la placidez instrumental a los estallidos eléctricos y se lucen especialmente en los colores pop de canciones como “Maldivina y Turbialuz”, “Superextraño” e inclusive el adelanto “Cuando el circo llega al pueblo” (con sus coros de cierre que transportan en el tiempo a 1994, el año del millonario Circo Beat y la tragedia maradoniana que todo lo cubrió). Hay calma y pulso beatle en otras, como “Cruces de gin en sal” y “El vuelo”. Todas remiten a una marca felizmente registrada de canción-Páez. Y un guiño inocultablemente goyenecheano en “Julius perdiéndolo todo”.

En todos los casos, calzan una sobre otra en el relato de una fábula pueblerina en donde, como dice él mismo en un segmento narrado de la historia, la siesta es “tarea obligada de provincia”. “En un mundo que solo está ocupado en anular la imaginación, instalar el gen de la domesticación y envenenar las vitaminas de la rebeldía, este es mi nuevo mensaje en una botella”, escribe Páez en la introducción del disco. Es una buena declaración de principio(s) para escuchar su nuevo disco.

[Fotos: Chino Lemus]

Madrid, 22 mar (EFE).- ‘Contrapaso' fue una de las novelas gráficas más sorprendentes de los últimos años con su fórmula de thriller y denuncia social en la España de la posguerra. Ahora, su autora Teresa Valero publica una esperada segunda parte en la retoma un universo oscuro marcado por la censura, la violencia, la especulación inmobiliaria y la lucha por sobrevivir al recuerdo de la guerra.

“Contrapaso. Mayores, con reparos” (Norma Editorial) nos sitúa de nuevo en Madrid, esta vez en 1956, apenas unos años más tarde de la primera entrega, en una sociedad en ciernes que lucha por salir de las cenizas de la guerra, atrapada por la opresión del régimen, el auge del cine con la llegada de las grandes producciones estadounidenses, la corrupción y el crimen como principales telones de fondo.

El retorcido asesinato de un censor en la butaca de un cine, será el punto de arranque para que los periodistas de “El Capital” León Lenoir, Emilio Sanz y Paloma Ríos, protagonistas ya desde el primer volumen, retomen la investigación de éste y otros asuntos turbios dentro de las esferas de poder franquista.

“Los lectores se van a encontrar más de la vida de los personajes. Retomamos la acción donde la dejamos, con casos policiales independientes y más reflejo de la España de los años 50 (...) Todo ese impacto sobre una población que todavía está intentando sobrevivir al recuerdo de la guerra”, destaca la autora en una entrevista con EFE.

El guión de esta segunda entrega mantiene el suspense y la tensión, la denuncia social, el drama y el humor de la primera parte, mientras termina un puzzle lleno de detalles en los que los personajes van desgranando su vida más íntima y surgen nuevas pistas sobre el asesino en serie que mantiene en vilo la historia.

Una novela sobresaliente, divertida y reflexiva en la que se nota un trabajo de investigación y documentación excelso, y en la que tanto el dibujo como la narrativa son fruto de una labor llevada con mimo de manera extraordinaria. Un segundo volumen en el que la viñeta vuelve a atrapar al lector en su insuperable mundo fotográfico.

“¡El cómic lleva tal cantidad de trabajo! Y ‘Contrapaso’ en particular, porque tiene una labor de documentación enormísima, tanto para escribir el guión como para dibujar cada viñeta. Te tienes que documentar sobre cómo eran los coches, los zapatos, los abrigos,.. todo. Cada cosa la tienes que ir a verificar”, destaca Valero.

La ambientación es sublime, el ritmo frenético y el dibujo realista con un detalle extremo. Muy visual y cinematográfico. La elección del género, un thriller social, triunfó desde el primer instante al ser una narrativa que siempre mantiene el interés, aunque desvela que es siempre complicada: “El thiller triunfa por la curiosidad. Querer saber quién ha hecho el asesinato. Quieres saber quién y por qué”.

Valero (Madrid, 1969) denuncia en sus obras la violencia de género, el machismo y la desigualdad: “La dictadura tuvo un efecto terrible sobre las mujeres. Todos los avances que se habían hecho durante la República se vieron paradísimos. Las mujeres siempre somos un poco moneda de cambio, como pasa también con la sexualidad no normativa, que amenaza la hegemonía patriarcal y te devuelven otra vez a la casilla de partida”.

A pesar de trabajar en un mundo, el del cómic, con predominancia de hombres, siente que algo está cambiando: “Yo he tenido una suerte tremenda, lo que no significa que no haya tenido algunas situaciones de sexismo”.

“Antes en los cómics había una ausencia flagrante de voces femeninas (...) Pero ahora me congratulo un montón de la presencia femenina que hay en los cómics. Han cambiado su manera de comunicar, en los 80 y los 90 eran vehículos para el público masculino”, añade.

Valero concibe su obra como una trilogía con la espera cerrar una historia que ha superado sus expectativas: “Creo que nadie lo esperaba. Ha sido una gran satisfacción”. En este sentido, la primera parte “Contrapaso.Los hijos de los otros” (2021) fue galardonada con el premio al mejor cómic del año en la XXI Edición de los Premios de la Crítica de Dolmen Editorial y en los Premios Zona Cómic.

Para la tercera y última parte, que espera publicar en un máximo de par de años, resolverá la identidad del asesino en serie que marca toda su obra y mostrará con detalle la España rural previa a la transición.

“Vamos a resolver el caso grande, el del ‘serial killer’ y quiero que sea un libro que hable de de cómo era la España rural entonces y de cómo había sido la guerra en los en los pueblos pequeños, toda la represión de la retaguardia (...) y quería que se hablar de cómo era la vida de las de las mujeres entonces, de todo el peso que se llevaba en los pueblos”, afirma.

Para el futuro, tiene claro que le haría ilusión que la trilogía de ‘Contrapaso’ cerrara una etapa y poder sacar del cajón alguna historia que tiene guardada: “Tengo un Western, también una historia intimista de dos mujeres de mi familia que en algún momento me gustaría contar, también otra una basada en varios profesores que yo tuve”, concluye. EFE

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Jose Oliva

Barcelona, 27 dic. (EFE).- Una novela inédita de Günter Grass, nuevas obras de los también Nobel Jon Fosse y Olga Tokarczuk, así como de James Ellroy, Ildefonso Falcones, Rosa Montero, Javier Sierra y Pierre Lemaitre destacan entre las novedades editoriales de 2025.

Diez años después de su muerte, Alfaguara publica 'La estatua', obra inédita del Nobel Günter Grass, dedicado a Uta de Naumburgo, "la mujer más bella de la Edad Media", idealizada por el nazismo e inspiración para Disney.

'Escenas de una infancia' (Random House) reúne por primera vez en español textos breves de Jon Fosse de 1981-2013, algunos autobiográficos, entre ellos su primera publicación, 'Él', o la novela corta 'Y ya puede venir el perro'.

En 'Los seductores' (Random) Ellroy hace confluir el secuestro de una estrella de cine B y el hallazgo del cuerpo sin vida de Marilyn Monroe; mientras 'En el amor y en la guerra' (Grijalbo), de Falcones, continúa su saga de 'La catedral del mar' (11 millones de lectores), ahora situada en la conquista catalanoaragonesa de Nápoles en 1442, de la mano de Arnau Estanyol, nieto del primer protagonista.

Rosa Montero cierra con 'Animales difíciles' (Seix Barral) la tetralogía Bruna Husky; y en 'El plan maestro' (Planeta), Javier Sierra narra una conspiración secreta que ha moldeado la historia a través de las obras de arte más icónicas.

Del panorama español sobresalen además 'Hasta que empieza a brillar', de Andrés Neuman, y 'TIM', de Ray Loriga (ambas en Alfaguara); 'Oposición', de Sara Mesa, 'El odio', de Luisgé Martín, y 'Dick o la tristeza del sexo', de Kiko Amat (las tres en Anagrama); 'Una vida', de Alejandro Palomas, y 'Otra versión de ti', de Inés Martín Rodrigo (ambas en Destino).

Otras novedades de españoles serán 'Cárcel de tinieblas' (Espasa), de Juan Manuel de Prada; 'Teatro. Obras completas IV' (Galaxia Gutenberg), de Luis Martín-Santos; 'El final del bosque' (Siruela), de María Fasce; y 'Vallesordo' (Asteroide), de Jonathan Arribas.

En el ámbito internacional se editarán 'Tierra de empusas', de la Nobel polaca Olga Tokarczuk, 'El libro de las hermanas', de Amélie Nothomb, y 'Los lobos del bosque de la eternidad', de Karl Ove Knausgård (las tres en Anagrama); 'Huríes' (Cabaret Voltaire), de Kamel Daoud, Premio Goncourt; 'El pañuelo de la hija de Pipino' (Periférica), de Rosmarie Waldrop; o 'El niño del taxi' (AdN), de Sylvain Prudhomme.

De este ámbito resaltan también 'Las mariposas de Sarajevo' (Duomo), de Priscila Morris; 'El Valle de las Flores' (Sexto Piso), de Niviaq Korneliussen; '¡Mártir! (Blackie Books), de Kaveh Akbar; y el clásico noruego 'Los pájaros' (Nórdica), de Tarjei Vesaas.

De Latinoamérica llegarán 'Los nombres de Feliza' (Alfaguara), de Juan Gabriel Vásquez; 'La costurera de Chanel' (Lumen), de Wendy Guerra; 'El monte de las furias' (Random), de Fernanda Trías; 'La pólvora y los inocentes' (Almuzara), de Carlos Dávalos; y 'Un sueño made in Argentina' (Asteroide), de Solange Levinton.

Los 'best seller' estarán representados por libros como 'La veterinaria. Tiempo de coraje' (Ediciones B), de Sarah Lark; '7 m2' (Maeva), de Jussi Adler-Olsen; o 'Palazzo' (Plaza & Janés), de Danielle Steel.

La cosecha negra traerá 'Un futuro prometedor' (Salamandra), de Pierre Lemaitre; 'Los ahogados' (Alfaguara), de Benjamin Black; 'Las fuerzas contrarias' (Destino), de Lorenzo Silva; 'Sueños de bronce' (Planeta), de Camilla Läckberg; 'Te encontraré' (RBA), de Harlan Coben; 'La condena' (Reservoir Books), de Anne Holt; 'Los viejos amores' (Tusquets), de Rosa Ribas; o 'Ay el amor el amor' (Salamandra), de Antonio Manzini.

Otras novedades de suspense serán 'Miss Merkel. Asesinato en alta mar' (Seix), de David Safier; 'Los crímenes del caviar', de Reyes Calderón, y 'El Esplendor', de Agustín Martínez (Carmen Mola) (ambas en Planeta); 'Cuervo negro' (Principal), de Ann Cleeves; 'El grito' (Destino), de Yrsa Sigurdardóttir; 'La extraña Sally Diamond' (Duomo), de Liz Nugent; 'Corazón negro' (Temas de Hoy), de Silvia Avallone; 'La última Mona Lisa' (Roca), de Jonathan Santlofer; o 'Muerte privada' (Salamandra), de Juan Carlos Galindo.

Completan el género negro 'Apreciada señora Christie' (Destino), de Núria Pradas; 'Victorian Psycho' (Lumen), de Virginia Feito; 'Alma negra' (Plaza), de Ibon Martín; 'El principio de incertidumbre' (Contraluz), de Sònia Guillén; 'Asesinato en el lago Garda' (Ático), de Tom Hindle; 'Morir dos veces' (Harper Collins), de Susana Rodríguez Lezaun; y 'La hija del cazador' (Crossbooks), de Nicola Solvinic.

En novela histórica figuran 'Los ojos de Bruna' (Contraluz), de Inma Chacón; 'El secreto de Gabriela Salazar' (La Esfera), de César Mallorquín; 'El rey y el relojero' (RBA), de Arnaldur Indridason; 'La guerra de Portugal' (Edhasa), de Jordi Sierra i Fabra; 'Las gemelas de Auschwitz' (Aguilar), de Eva Mozes; 'Los amantes de Auschwitz' (Plaza), de Keren Blankfeld; 'La huérfana de Auschwitz' (Newton Compton), de Anna Stuart; o 'Dueños del mundo' (Harper Collins), de José Calvo Poyato.

Asimismo, se publicarán 'Cerbantes. El combate de las letras' (Suma), de Álvaro Espina; 'El príncipe de la imprenta' (Galaxia), de Enric Satué; 'El último Van Gogh' (Espasa), de Alyson Richman; 'La biblioteca de Córdoba' (B), de Andrea D. Morales; 'La doncella' (Lira), de Kate Foster; 'El legado Médici' (Puck/Urano), de Caitlin Schneiderhan; 'La leyenda de Yasuke. El samurái africano' (Navona), de Craig Shreve; 'El Resurreccionista' (Minotauro), de E. B. Hudspeth; y 'Aquellos días' (Catedral), de Lucy Caldwell.

En poesía aparecerán 'Las personas del verbo. Poesía completa' (Lumen), de Gil de Biedma, con un poema y un texto del autor inéditos explicando su arte poética; así como la 'Poesía completa' de Julio Cortázar (Alfaguara) y Ernesto Cardenal (Espasa).

En el cuento serán novedad 'Gravedad cero' (Alianza), de Woody Allen; 'Hombre caído' (Tusquets), de Fernando Aramburu; 'El buen mal' (Seix), de Samanta Schweblin; 'Café y cigarrillos' (Salamandra), de Ferdinand von Schirach; 'Cuentos selectos' (Edhasa), de Irène Nemirovsky, con relatos inéditos en español; y 'Cuentos completos' (Páginas de Espuma), de Poe; y no faltarán clásicos como la obra completa de Jane Austen que Alianza publicará en su 250 aniversario. EFE

(Recursos de archivo en www.lafototeca.com cód 7593643, 22130564 y otros)

David Álvarez

Ciudad de México, 23 dic (EFE).- Millones de víctimas provocadas por el antisemitismo y el holocausto del siglo XX son apenas un número en el imaginario de los lectores, a los que la mexicana Tamara Trottner ha intentando "remover" con su novela 'Pronunciaré sus nombres', en la que narra la mirada y el dolor de sus abuelos perseguidos por los nazis y rusos antes de huir a México.

"La historia con h mayúscula, no la historia que nos cuentan en las universidades, en las escuelas, en Wikipedia, me di cuenta de que está formada por estadísticas. Murieron seis millones, acá tres millones, allá 30. Y esos son números, y me di cuenta de que cada uno de esos números tiene una mirada, un nombre, un anhelo, un sueño, un dolor", expresó Trottner en una entrevista con EFE.

La escritora confesó haber tratado de convertir la historia “grandotota” de la persecución judía y la de su familia en personal, pero sin olvidar su dimensión "universal para todos aquellos que vivieron esta primera mitad del siglo XX tan turbulenta y trágica".

'Pronunciaré sus nombres' es la precuela de la anterior novela de Trottner: 'Nadie nos vio partir' (2020), que adaptará Netflix en formato serie en 2025.

Esta última cuenta la historia del secuestro de la escritora a sus cinco años por parte de su padre a modo de venganza tras una disputa entre sus dos familias.

Aunque en este caso ella no sea la protagonista directa, sus abuelos maternos no fueron solo sus personajes principales, sino los detonadores de un libro en el que narra su huida de Ucrania y Rusia hasta llegar a la comunidad judía mexicana.

"Cuando empecé a escribir 'Pronunciaré sus nombres' casi al mismo tiempo empezó la guerra en Ucrania. Y yo decía: otra vez Ucrania, otra vez donde mi abuelo, otra vez este mundo, otra vez estas personas teniendo que huir (...) Sin ponerles nombres, sin ponerles miradas, sin entender que son seres humanos cada uno, dejando todo lo que son para tratar de moverse a otro lugar, para tratar de sobrevivir", comentó.

Trottner revela que al reunir toda la información necesaria para la semblanza de su familia sentía "la obligación de honrar a ese pasado para honrar el futuro".

Además advierte que no fue sencillo, ya que fue una labor de vida y muchas de las entrevistas a sus familiares se fueron perdiendo entre la memoria y el tiempo desde la primera vez que vio la foto de su abuelo Moishe junto a un barco justo antes de irse a "hacer la América".

Esa mirada "lejana y joven" de su abuelo fue la que le animó otra vez a escribir: saber quién era y cómo lo hizo se convirtió en la historia que realmente "necesitaba contar urgentemente".

"Yo desde muy chiquita entrevistaba a mis abuelos, tenía este llamado de saber y conocer sus historias. Con mi abuelo jugaba dominó mientras él me iba platicando sus historias. A mi abuela sí la grabé en esta época en que se usaban grabadorcitas chiquitas y cassettes (...) Pero ya se me ha mezclado lo que me contaron", admite la autora.

Ante la imposibilidad de recuperar los recuerdos de muchas víctimas fallecidas, Trottner consideró que las generaciones jóvenes "tienen la obligación", si todavía tienen abuelos vivos, de investigar de qué se trata su pasado.

"Por favor, si tienen abuelos (deben) entrevistarlos, mírenlos a los ojos y reconozcan esa mirada y entiendan su historia porque esa historia es la de ustedes", insiste.

Las memorias de Trottner desnudan realidades generacionales a partir de distintas tramas, aunque todas se asemejan al estar escritas desde la máxima "intimidad" posible.

"Hay una frase que me marcó, un escritor que no se desnuda no merece ser leído. Y yo creo que los lectores saben cuando una historia realmente sale de las entrañas y realmente el escritor está poniendo ahí todas sus verdades", añadió.

A pesar de la controversia del desnudo propio y familiar, Trottner siempre se abre a sus verdades porque afirma con firmeza que "si no lo hace desde sus vísceras, no le sale". EFE

dac/ppc/afcu

Washington, 21 dic (EFE).- La actriz estadounidense Blake Lively demandó al director y coprotagonista junto a ella de la película 'It Ends With Us', Justin Baldoni, al que acusa de acoso sexual durante la grabación y de una posterior campaña de desprestigio, informaron este sábado medios locales.

La demanda, obtenida por TMZ y que según el The New York Times fue presentada el viernes en California, acusa a Baldoni y a los estudios Wayfarer de embarcarse en un "plan de varios niveles" para dañar la reputación de Lively después de que ella se quejara del "acoso sexual repetido y otros comportamientos perturbadores" sufridos durante el rodaje.

El plan, según la demanda, incluía una campaña en redes sociales y la publicación de noticias para dañar la reputación de Lively.

“Estas afirmaciones son completamente falsas, escandalosas e intencionalmente lascivas, con la intención de herir públicamente", declaró la defensa de Baldoni.

Lively dijo al The New York Times que espera que su demanda "ayude a proteger a otras personas que puedan ser atacadas”.

'It Ends With Us', una adaptación de la novela romántica líder de ventas de Collen Hoover de 2016, se estrenó en agosto y superó las expectativas en taquilla a pesar de que el estreno se vio empañado por rumores sobre la discordia entre los dos protagonistas y Baldoni se apartó de la promoción de la película. EFE

Madrid, 21 dic (EFE).- Autores jóvenes como Sara Barquinero con 'Los escorpiones', o David Uclés con 'La península de las casas vacías', han marcado el año literario, en el que también han destacado fenómenos como la publicación de una obra inédita de García Márquez y novelas de autores consagrados como Fernando Aramburu o Luis Landero.

La novela revelación del año y que ha logrado la mayor unanimidad entre la crítica. Sara Barquinero (Zaragoza, 1994) entremezcla teorías conspiranoicas con unos personajes que navegan entre la depresión, las drogas y el suicidio en una trama que recorre, a lo largo de 800 páginas, desde la Italia de los años veinte a los Estados Unidos de los ochenta.

En una nueva historia ambientada en el País Vasco, Fernando Aramburu traslada a la ficción el trágico suceso ocurrido en 1980 en Ortuella (Vizcaya) donde una explosión de gas acabó con la vida de 50 niños en una escuela, una novela que habla de las diferentes formas de afrontar el dolor de una pérdida.

Una crónica de la guerra civil española desde el realismo mágico. David Uclés (Úbeda, 1990) parte de su historia familiar y años de investigación para construir esta novela de 700 páginas que recorre los principales episodios del conflicto protagonizados por personajes de la familia Ardolento, originaria de un enclave fabulado que llama Jándula.

La autora argentina reconstruye la historia real de cuenta la historia de Silvia Labayru, secuestrada y torturada en la Escuela Superior Mecánica de Armada (ESMA) durante la dictadura argentina, una historia en la que conviven la violencia, el humor, los hijos, los padres y la política.

En su última novela, Álvaro Pombo (Santander, 1939), Premio Cervantes 2024, ahonda en las contradicciones de la vida monástica y la introspección y reflexiona sobre temas como la fe, la conciencia moral o el rencor con una historia que gira alrededor de un monje exclaustrado que, a sus setenta y dos años, vive rodeado de libros en un pequeño piso del barrio madrileño de Argüelles.

La escritora y filósofa argentina Pola Oloixarac (Buenos Aires, 1977) aborda los efectos perversos de la cancelación y las denuncias falsas en esta feroz comedia basada en su propia experiencia: entre 2016 y 2018 la autora recibió una serie de mensajes de mujeres que le pedían ayuda para castigar a ciertos hombres a los que acusaban de violencia y abusos y a partir de ahí teje su historia.

Retrato de una generación sacudida por la violencia, encarnada en dos mujeres cuyas historias quedan ligadas por un asesinato sin resolver, durante la guerra sucia entre ETA y los GAL. Se trata de Idoia López Riaño, conocida como la Tigresa, una de las más sanguinarias terroristas de ETA, y Miren, una adolescente, hija de un policía, que busca su lugar en el Euskadi de los años de plomo.

Gabriel García Márquez trabajó en esta novela hasta que sus fuerzas se lo permitieron, y diez años después de su muerte, su familia decidió publicarlo sin agregar nada que no estuviera en sus notas. Son historias que giran en torno a Ana Magdalena Bach, una mujer de más de 40 años que explora la sexualidad y el deseo cuando, en el viaje que realiza cada mes de agosto a la isla donde está enterrada su madre, descubre cómo puede convertirse en una persona distinta una noche al año.

La novela ganadora del Premio Planeta 2024 narra la historia de una mujer en el Berlín derrotado tras la Segunda Guerra Mundial que se ve envuelta en una trama de espionaje y viaja del Berlín de la posguerra a los EE.UU. de la segregación racial y el macarthismo. EFE

Spotify ha lanzado un nuevo programa que permite a escritores independientes presentar sus textos cortos y convertirlos en audiolibros. “Envía tus cuentos a Spotify Audiobooks, nuestra editorial de audiolibros, para que los consideremos para su publicación”, es la invitación de la plataforma de streaming.

El programa se enfoca en novelas cortas de entre 10.000 y 20.000 palabras, diseñadas específicamente para ser escuchadas. La historia debe ser atractiva cuando se lee en voz alta, con personajes profundos, entornos atmosféricos y un diálogo cautivador que deje al oyente con una sensación de ganas de más.

Los géneros principales son romance, misterio/suspenso o ciencia ficción/fantasía, y se fomenta la combinación de géneros, como romance con suspenso romántico oscuro, misterio con ciencia ficción o suspenso psicológico. Spotify especifica que no se deben enviar contenidos eróticos ni infantiles.

Si Spotify decide hacer una oferta por los derechos del audiolibro y el autor la acepta, la plataforma lo publicará. La empresa proporcionará un anticipo y regalías, y gestionará todos los aspectos del proceso de producción.

El autor podrá promocionar, comercializar y distribuir la obra en otros formatos (ebook, papel) y en diversas plataformas como KDP, Ingram Spark, Kobo, entre otras.

Cómo postularme

Para postularse en este nuevo programa de Spotify, se deben seguir estos pasos:

1. Ir al sitio web https://sites.google.com/spotify.com/short-form-audiobooks/make-a-submission.
2. Pulsar la opción ‘Envíe sus historias cortas’.
3. Se habilitará un formulario que el usuario interesado debe llenar. Spotify solicita información como el nombre, seudónimo, título, resumen, dar consentimiento para recibir notificaciones de la compañía, entre otros puntos.
4. Seleccionar ‘Entregar’.

“Si bien no podemos garantizar una respuesta, Spotify Publishing considerará todos los envíos de forma continúa”, indica la plataforma. Asimismo, la plataforma indica que a través del correo electrónico a indieauthor-acquisitions@spotify.com, las personas se pueden comunicar si tienen alguna consulta específica.

Cómo escribir un audiolibro

Spotify sugiere que, para escribir un audiolibro, los autores se deben centrar en crear diálogos sólidos y voces de personajes distintivas.

La clave es generar diálogos que el narrador pueda dar vida mediante la actuación de voz, incluso sin necesidad de frases explicativas como “él dijo” o “ella dijo”. Es fundamental que los oyentes disfruten de la obra cuando la escuchan, no solo cuando la leen.

Aunque una novela corta puede tener un número limitado de palabras, debe transmitir un arco argumental completo, con un inicio intrigante y un final satisfactorio. El desarrollo de la trama debe ser el centro de la narración, evitando extenderse demasiado en la construcción del mundo o las descripciones narrativas, para mantener la historia en movimiento.

Spotify recomienda utilizar elementos familiares como escenarios comunes, folclore o figuras literarias del género para orientar rápidamente al oyente.

Es importante también pensar en lo que no se debe hacer. Aunque los diálogos pueden ser muy efectivos en audiolibros, el uso excesivo de elementos que funcionan bien en papel, como entrevistas, mensajes de texto o correos electrónicos, puede resultar incómodo en formato de audio.

Por ejemplo, los oyentes no pueden saltarse detalles repetidos como el nombre y la fecha del remitente durante una conversación escrita. Es esencial pensar en cómo transmitir la misma información de manera más concisa y creativa, aprovechando el talento del narrador, según la plataforma.

Una vez que el borrador esté listo, se recomienda leerlo en voz alta o pedir a alguien más que lo haga. Esto ayudará a identificar qué partes necesitan más énfasis, cómo fluye el texto y en qué momentos se podría atascar un narrador.

Una frase que funciona en la página no siempre fluye igual cuando se lee en voz alta, por lo que es vital asegurarse de que la escritura suene natural al ser interpretada.

Sevilla, 17 dic (EFE).- 'Maradona que estás en el cielo' es una novela del periodista José Manuel García-Otero que se adentra en el mundo costumbrista y bajos fondos de la sociedad que sufrió la resaca de1992, coincidiendo con la llegada del astro argentino al Sevilla FC, un fichaje que llenó de sonrisas al mundo maradoniano, aunque terminó de desigual manera.

El periodista sevillano, autor de otras dos novelas ('El arma de los invisibles' y 'El frío anochecer de los espejos') y un libro de ensayo ('Messi, sueños de un principito'), publica ahora esta novela sobre Maradona, al que descubrió profundamente en su etapa del Sevilla, cuando cubría información deportiva para el diario Marca.

José Manuel García, que siguió a Maradona por todo el mundo durante seis años y le hizo casi una treintena de entrevistas, ha comentado a EFE que "en la novela, que pretende que el lector viva con intensidad y pase un buen rato, hay dos intentos de secuestros, personajes antagónicos, una colección de irreverentes perdedores, que tienen común una fe irrenunciable de la amistad".

El libro, distribuido por Amazon, está prologado Víctor Hugo Morales, maestro de periodistas en Suramérica, gran amigo del desaparecido futbolista y del que cantó el recordado gol a los ingleses en el Mundial de México 86.

“Sin querer o queriendo, Diego se erigió en el defensor de los más humildes”, asegura el escritor, que se convirtió en su 'sombra' durante casi una década, especialmente desde que llegó a Sevilla en septiembre de 1992, en las últimas semanas de la Expo 92, y que vivió con el astro argentino momentos radicalmente opuestos.

Entre la noche y el día, vaivenes de luz y oscuridad, esta historia transcurre en Sevilla, Buenos Aires y Nápoles, ciudades que quedaron engarzadas para siempre en el corazón del mejor futbolista de todos los tiempos, señala García-Otero.

Según relata el autor, el libro desliza los caminos que convergen en la amistad, “un concepto que Diego Maradona reivindicaba de una manera casi religiosa".

"También se descubren muchas capas ocultas en la personalidad de 'D10s', un hombre tan generoso y lleno de bondad, que, sin querer, o queriendo, se erigió en el defensor de los humildes, una especie de 'Robin Hood del fútbol' que siempre se encaró a los poderosos y contra la injusticia”, añadió. EFE

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Sevilla (España), 17 dic (EFE).- 'Maradona que estás en el cielo' es una novela del periodista José Manuel García-Otero que se adentra en el mundo costumbrista y bajos fondos de la sociedad que sufrió la resaca de1992, coincidiendo con la llegada del astro argentino al Sevilla FC, un fichaje que llenó de sonrisas al mundo maradoniano, aunque terminó de desigual manera.

El periodista sevillano, autor de otras dos novelas ('El arma de los invisibles' y 'El frío anochecer de los espejos') y un libro de ensayo ('Messi, sueños de un principito'), publica ahora esta novela sobre Maradona, al que descubrió profundamente en su etapa del Sevilla, cuando cubría información deportiva para el diario Marca.

José Manuel García, que siguió a Maradona por todo el mundo durante seis años y le hizo casi una treintena de entrevistas, ha comentado a EFE que "en la novela, que pretende que el lector viva con intensidad y pase un buen rato, hay dos intentos de secuestros, personajes antagónicos, una colección de irreverentes perdedores, que tienen común una fe irrenunciable de la amistad".

El libro, distribuido por Amazon, está prologado Víctor Hugo Morales, maestro de periodistas en Suramérica, gran amigo del desaparecido futbolista y del que cantó el recordado gol a los ingleses en el Mundial de México 86.

“Sin querer o queriendo, Diego se erigió en el defensor de los más humildes”, asegura el escritor, que se convirtió en su 'sombra' durante casi una década, especialmente desde que llegó a Sevilla en septiembre de 1992, en las últimas semanas de la Expo 92, y que vivió con el astro argentino momentos radicalmente opuestos.

Entre la noche y el día, vaivenes de luz y oscuridad, esta historia transcurre en Sevilla, Buenos Aires y Nápoles, ciudades que quedaron engarzadas para siempre en el corazón del mejor futbolista de todos los tiempos, señala García-Otero.

Según relata el autor, el libro desliza los caminos que convergen en la amistad, “un concepto que Diego Maradona reivindicaba de una manera casi religiosa".

"También se descubren muchas capas ocultas en la personalidad de 'D10s', un hombre tan generoso y lleno de bondad, que, sin querer, o queriendo, se erigió en el defensor de los humildes, una especie de 'Robin Hood del fútbol' que siempre se encaró a los poderosos y contra la injusticia”, añadió. EFE

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Durante la vida de Darío Gómez, uno de los artistas de música popular más queridos en Colombia, un hecho que marcó por completo su carrera fue el fallecimiento de su hija, Luz Dary Gómez, que murió por una bala perdida en Medellín.

Esta historia volvió a ser contada durante la serie biográfica que protagonizó Diego Cadavid, misma en la que Elizabeth Chavarriaga tuvo la tarea de interpretar a Luz Dary durante su adolescencia y adultez, pasando por el embarazo del que nació Daniela, protagonista de una de las canciones más icónicas del “Rey del despecho”.

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En diálogo con Infobae Colombia, Chavarriaga habló de lo que fue su experiencia en la serie biográfica, destacando que haber trabajado antes con Cadavid fue clave en la construcción de su personaje.

“Fue increíble, conocí personas maravillosas que toman su trabajo de una manera responsable y honesta. Eso es importante, trabajar con personas que tienen la misma línea que tengo. Encontrarlos en set fue maravilloso. Con Diego Cadavid ya había trabajado, pero hacer la conexión de papá e hija fue maravilloso, ya había cierta complicidad. Había momentos divertidos, de locura, de desastre. Fue superlindo trabajar con ellos, fue todo un trabajo en equipo. Cuando se trabaja honestamente los resultados son muy bonitos, ahí es dónde la gente se engancha y disfruta”.

Al hablar de su trabajo como Luz Dary Gómez, la actriz indicó que la ayuda que recibió por parte de los directores del proyecto fue clave para entender que su labor era construir un personaje desde el respeto por la historia de una persona que falleció.

“Yo la interpreté en su adolescencia y adultez, es un reto porque en esas etapas es diferente. Ella toma un cambio y era encontrar por qué ella finaliza de otra manera. Me gusta leer el guion detalladamente y me ayudó mucho ver como los otros personajes interactuaban con ella. Siento que es una historia muy conmovedora por los detonantes de la historia, el trabajo fue de la mano de los directores, que ayudaron muchísimo para construir un personaje bonito”, indicó Chavarriaga.

La joven reveló que no pudo conocer relatos de cómo era Luz Dary Gómez, puesto que fue contratada cuando el proyecto ya estaba siendo grabado y tuvo que adaptarse a los tiempos que le entregaron para unirse al elenco.

“Cada vez que teníamos escenas emocionales, era sentarse y sentirlo, convertirlo en primera persona y entender que estaba sintiendo. Es un personaje que existió, entonces lo tenía que hacer desde el amor y el respeto. No tuve la posibilidad de hablar con familiares, yo llegué cuando el proyecto estaba por finalizar y no se dieron los tiempos, pero lo que hice fue hacerlo desde el amor, desde el respeto, era ponerme en los zapatos de los familiares que siguen vivos. Es hablar de una persona que fue familia y que ya no existe en el plano terrenal”.

Sobre cómo fue reconstruir una muerte que se registró en la vida real, Chavarriaga expuso que decidió tener un espacio para hablarle a Luz Dary Gómez, a quien le indicó que no buscaba hacer una parodia de su tragedía, sino todo lo contrario.

“Todos lo afrontamos diferente, para mí es muy valiosa la vida. Cuando se grabó la muerte, yo quise sentarme y hablar con ella, a mí me ayudo sentarme y decirle «te respeto, voy a hacer esta escena con amor, te respeto», me ayudó para poder hacer tranquilamente la escena, porque una vida es muy valiosa y fue algo muy impactante, hacerle honor a las personas que pasaron por situaciones así”.

Por último, la actriz indicó que ya conocía la canción que Darío Gómez le escribió a su nieta tras la muerte de Luz Dary; sin embargo, aseguró que desde que recreó la muerte de la hija del “Rey del despecho”, no ha vuelto a escucharla sin conmoverse.

“La conocía, yo crecí en Medellín y siempre escuché la música de Darío Gómez, pero ya cuando entre a grabar y uno investiga el personaje, cambió mi forma de escuchar la canción. Si antes me conmovía, ahora mucho más, porque es como haber vivido lo que pudo ser, la canción se siente con más empatía”.

Tres años después de la muerte de Darío Gómez, Prime Video y RCN presentaron al público la novela biográfica sobre la vida del cantautor antioqueño, lo que ha provocado que familiares del “Rey del despecho” se enfrenten en redes sociales por los aspectos que son mencionados en la producción.

Debido a que la historia que se cuenta es basada en el libro Mis verdades eternas, que es la recolección de manuscritos de Darío Gómez, pero también por la versión entregada por Olga Lucía Arcilla, segunda esposa del cantante, los hermanos de Gómez han afirmado que hay múltiples mentiras en cada uno de los capítulos.

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De hecho, las diferencias entre Arcilla y algunos familiares de Darío Gómez provocaron que la novela no incluya la presencia de ninguno de los hermanos varones del cantautor, pero no es el único punto de libertad que tuvieron los productores para agregar drama en la historia.

En diálogo con la revista Vea, el libretista Rafael Noguera habló de los detalles que fueron sumados a la historia de Gómez para que la producción pudiera tener más variantes en los momentos de abordar cada etapa de la vida del cantautor. En primer lugar, Noguera afirmó que los aspectos que no son reales fueron agregados para que la novela pudiera tener una continuidad dramática que no tenía la historia de Darío Gómez en algunos momentos.

“Fue complejo porque se trataba de abarcar más de 50 años en la vida de Darío, con los consiguientes cambios de elenco y el reto de caracterizar escénicamente varias épocas de Medellín y del país. Teníamos como base el manuscrito que escribió el propio Darío y que venía con una gran cantidad de información de sus composiciones y de su aventura quijotesca en la industria discográfica, pero eran episodios a los que se les debía dar una continuidad dramática”.

El libretista reveló que a nivel dramático, fue sencillo abordar los primeros años de vida de Gómez, ya que la muerte del padre del artista marcó gran parte de su infancia; sin embargo, esto también fue un reto para no terminar haciendo juicios de valor sobre el accidente que se registró.

“Uno que no fue ficticio: poner en escena la trágica circunstancia de la muerte del papá de Darío, esto requería dejar bien claro cuál era el contexto afectivo de esa relación padre e hijo antes de que las cosas se complicaran y que dio lugar al hecho que marcó para siempre al cantante”.

Noguera reveló que se basaron en un relato de Darío Gómez, en el que afirmó que una amante de su padre lo maldijo, para crear al personaje de Otilia, en la que encontraron un fundamento dramático para abordar los momentos difíciles de la carrera del artista.

“Es difícil cuantificarlo, la línea central es la carrera musical de Darío, que está plasmada con los hitos que tuvo en la realidad, pero claro que hay líneas dramáticas que nacen de un ejercicio de ficción. La más importante es la de la maldición que acompaña a Darío durante toda la serie, basada en que, como está consignado en el manuscrito, la amante del papá de Darío le puso un maleficio y lo enajenó por completo. Nos pareció interesante no abandonar este hecho esotérico y que tuviera consecuencias en el propio Darío, pero, el personaje que lleva a cabo una venganza usando métodos de brujería, es totalmente ficticio”, destacó Noguera al medio citado.

Además de Otilia, otros personajes de la novela que no existieron son Julio Gómez (presentado como primo del artista) y “Cuerdita”, uno de los músicos que acompaña a Gómez en la producción; además, Noguera reveló que Darío Gómez no conoció a Olga Lucia en su niñez, sino que adaptaron ese momento para generar expectativa en los televidentes.

“Nosotros adelantamos en la historia el momento en el que se conocieron Darío y Olga por la necesidad de ver a la protagonista desde el primer capítulo, pero desde su reencuentro en Medellín la historia entre ellos sigue los hitos de lo que pasó en la vida real, incluyendo el rompimiento del matrimonio hacia el final”.

Una música de carrusel anticipa la delirante, colorida y romántica historia que, según pudo saber este medio, sintetiza el espíritu del álbum. La misma tiene una sonoridad melódica y una instrumentación que lo acerca a Páez a los días de Circo Beat; de hecho, antes de haber compuesto el álbum que editó en 1994, el rosarino había intentado retomar el proyecto Novela. “Llegó al pueblo el Circo Beat, tras la cortina sin querer la vio”, dice la letra de esta nueva canción que sienta las bases de todo el álbum, porque marca el flechazo entre Jimmy y Loka, los protagonistas del guion del álbum.

Novela se revela como una obra ambiciosa. A través de 25 canciones se narra una historia que transcurre en el interior de la provincia de Santa Fe desde el momento en que un circo llega allí. En el videoclip, tan lyncheano como cargado de realismo mágico, se corporizan los personajes del cuento: Jimmy (interpretado por el actor Lucas Schejtman), Loka (Eugenia Kolodziej, pareja de Páez), Maldivina (María Julieta), Turbialuz (Vico Miranda), Charo (Sofía Estévez) y Jok (el músico Coki Debernardi, quien grabó algunas guitarras para el disco). En tanto, Fito aparece como director y narrador.

Tras la preproducción de las canciones, en julio de 2024, Páez viajó a Londres para grabar Novela en los célebres estudios Abbey Road, acompañado por sus socios creativos Diego Olivero y Gustavo Borner. “Como todos los discos cuando los estamos haciendo, es un secreto total. Tenemos el material Fito, Gustavo y yo. Está en esa etapa el disco. Pero la dirección que tomó es para ser un disco sorprendente, un disco que nadie esperaría que Fito haga. Así de único va a ser. Estamos ahí muy contentos con lo que hay, con el material que está saliendo. Y la idea es esa, hacer un disco completamente nuevo y extraño para la época”, había contado Olivero en diálogo con Teleshow, meses antes del viaje.

La prehistoria y el concepto de Novela

En marzo, cuando salga el disco, se concretará un proyecto que a Fito lo viene acompañando desde hace muchos años, más de la mitad de los que lleva vividos. Novela se comenzó a escribir hacia fines de 1988. Por aquel entonces, el rosarino tenía la intención de realizar una película y su correspondiente banda sonora. Se estaba separando de Fabiana Cantilo, hacía poco más de un año que habían asesinado a sus abuelas, se le había vencido el contrato discográfico tras la edición de Ey! y vivía en una sala de ensayo ubicada en el barrio porteño de Caballito. El panorama no era el más estable pero las ideas brotaban: en paralelo al filme, también le había dado forma al demo de lo que luego se convertiría en Tercer Mundo, disco que lanzó en 1990 y que representó un nuevo impulso en su carrera. Ese que dos años más tarde derivaría en El amor después del amor.

Tanto, que Novela quedó cajoneado pero en algún lugar de la cabeza del rosarino siempre estuvo picando. Según reveló Enrique Symns en la biografía Páez acerca de esta creación, “la película es acompañada por trece canciones que la cuentan porque la idea original era hacer un disco y un filme. (...) Fito terminó el guion a fines del 90. Fernando Noy lo ayudó: le dio todos los papeles y Noy lo transformó en una película de travestis. Colaboraron también Carlos Sorín, Horacio González y Sergio Pérez Fernández, quien proponía hacer una maqueta para que el pueblo saliera volando, pero Fito quería una grúa que levantara una casa”.

En aquel libro que se publicó en 1995, Symns resumió el delirante guion de Novela según se lo relató su autor. Se reproduce a continuación: “Dos brujitas, Mal Divina y Turbia Luz, tienen que rendir examen en una universidad de otro planeta: la bolilla que les toca es la formación de un romance perfecto. Bajan a la tierra para juntar a Jimmy, que es el chico hippie de la barra del pueblo, con Loka, que es la hija del dueño de un circo. La historia del filme es cómo hacen ellas para cruzar estos dos destinos, cómo hacen para que se encuentren. Mal Divina y Turbia Luz cambian el recorrido del circo y, además, para producir el encuentro les dan a ambos el poder de la telekinesis, pero con particularidades: a Loka, el poder de alejar objetos; a Jimmy el poder de acercarlos. El padre de Loka está sentado y le pide el vino, por ejemplo: ella mueve la mano y el vino va volando hasta el padre, que dice: ‘¡Nos salvamos!’. Jimmy toca la guitarra y durante un ensayo la mira, y la guitarra vuela; los amigos, que están todos fumados, se cagan de risa”.

“El circo llega a Villa Constitución. Jimmy está entre el público cuando Loka empieza a alejar una bola de cristal y él la va acercando hacia sí; entonces los dos se miran. Como consecuencia del amor, que no conocían, en ese otro planeta se produce un desastre: el pueblo sale volando, los trenes se caen desde el cielo. El padre de Loka, Jok, un viejo polaco, se refugia con su hija en el burdel del pueblo, justo al lado de la casa de Jimmy. Hay una relación entre Jok, que la mira con ojos libidinosos, y su hija... Jimmy ve a Loka meterse en la cama con su padre. Al otro día caen Canal 9, Clarín... Todos pidiendo la nota; los curas, el exorcismo; los psiquiatras, un buscador de fenómenos paranormales. Se la llevan los médicos y empieza un operativo de Jimmy, su barra y la bibliotecaria del pueblo para rescatar a Loka. Van al psiquiátrico para preguntar por Loka pero allí todas se llaman así. Las tienen dentro de jaulas. Se llevan una loca y Jimmy, en la sala de ensayo, dice: ‘No, no es ella’. La rectora de la universidad pone trampas para que no acontezca el reencuentro entre Jimmy y Loka. En el psiquiatrico la rectora la embruja y Loka empieza a hablar bien de Julius, el domador del circo que siempre la hostiga y la trata mal. Loka se va con Julius”.

“Las brujitas rompen las normas: deciden visitar a Gladys, la bruja del pueblo, que les da unos polvos para romper el hechizo. Los tienen que poner en la plaza del pueblo; no hay problema: a las brujitas extraterrestres no las ve nadie, solo el público y Gladys. El polvo mágico rompe el hechizo. Jimmy y Loka se encuentran. Cogen toda la noche y a la mañana siguiente rompen las jaulas y candados mediante telekinesis y liberan a los animales del circo. También ven escaparse a todos los personajes siniestros. En la última escena se ve la ruta y todos los animales corriendo. Ellos se escapan de sus familias opresoras y también se van. A las brujitas las echan de la universidad porque quebraron las leyes, se vuelven visibles y terminan con los amigos de Jimmy”, redondeaba Fito al explicarle a Symns la trama de Novela.

A comienzos de 1994 y tras finalizar la extenuante gira La rueda mágica a bordo del éxito de su disco más vendido, Fito pensó en retomar Novela. Pero presionado por su managment y el sello grabador, debió cambiar de rumbo hacia un álbum más comercial. Las canciones no aparecían hasta que un viaje por Italia lo inspiró y le dio material para lo que terminaría siendo Circo Beat.

De Novela no se supo más por un buen tiempo e incluso al incursionar finalmente en el cine, Fito dirigió y escribió las películas Vidas privadas y ¿De quién es el portaligas?. Hacia fines de los años 90 vio la luz de manera extraoficial el demo original de las canciones de aquel proyecto trunco: el mismo es tan célebre entre los fans del rosarino que hasta tiene su entrada en Wikipedia.

El “pirata” consta de catorce tracks con títulos como “Brujas Salem”, “Your Time” y “Una miserable fan”. Y otros como “El diablo en el alma”, “Pateando mierda y rompiendo botellas” y “Looking For The Change”, que dan cuenta de cuál era el estado de ánimo de Fito por aquella época.

También allí se puede notar que hay semillas que germinaron en otros álbumes de Páez: “As de poker”, con otra letra y una variación en la melodía, se transformó en “Circo Beat”; “Lo que ves en mí” terminó siendo “Vale”, canción editada en el álbum Rey Sol (2000); “Jimmy Jimmy” fue la base del rap rock conocido como “Tercer Mundo”; “Las brujitas” cambió su nombre al de “Ay, bruja, bruja, brujita, brujita” para ser parte de Piojos y Piojitos, álbum infantil del proyecto El jardín de la esquina; y la homónima “Novela”, que apareció como instrumental, con letra resultó ser el hit “Nada es para siempre”, registrado por Fabi Cantilo en su disco Sol en cinco.

En distintas entrevistas a lo largo de los 30 años comprendidos entre 1994 y este 2024, Fito hizo referencia en varias oportunidades a las ganas de concretar el guion de Novela. De hecho, es muy posible que la historia haya cambiado sustancialmente con respecto a la versión que reveló Symns en su biografía. En un par de meses se develará.

El 27 de enero se estrenará la serie biográfica sobre Darío Gómez en televisión nacional, un proyecto que ya ha sido presentado a través de la plataforma Prime Video y que tiene a Diego Cadavid como protagonista.

Además del antioqueño de 46 años, la tarea de interpretar al “Rey del despecho” la tuvo Julián Zuluaga, que encarnó al cantautor durante el tiempo que vivió San Jerónimo, por lo que fue el responsable de ser protagonista de las escenas sobre una de las tragedias más conocidas de la vida de Gómez.

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Se trata de la muerte de Marcos Aurelio Gómez, padre del artista, que en medio de un conflicto familiar cargó una escopeta para atentar contra su esposa e hijos, pero tras la intromisión de Darío Gómez, el arma se disparó de manera accidental, impactando al progenitor del cantante.

En diálogo con El Tiempo, Zuluaga reveló que él fue quien se interesó en interpretar al antioqueño, puesto que creía que era una oportunidad que no se volvería a repetir.

“Empecé a estudiar su vida y lo primero que escucho es que había matado al papá y para mí eso fue como ¡wow! De una entendí que la etapa que yo podría representar era justo esa. Pensé: ‘Qué gran oportunidad sería poder hacer un personaje como este’. Además, es un personaje biográfico que creo que es un sueño para un actor”

Para poder abordar los orígenes de Darío Gómez, debido a que hay poco material audiovisual de esa época, Zuluaga se trasladó hasta San Jerónimo, en donde logró entender que a pesar de la figura de una estrella nacional que tenía el cantautor, cuando joven era todo lo contrario.

“Fue una experiencia maravillosa. Yo tomo la decisión de hacer un trabajo de campo importante y me voy a donde él nació, que es en Chirihuaco, una vereda chica de Los Cedros que es un lugar de San Jerónimo; ahí es que empiezo a darme cuenta de dónde viene este personaje, cómo es su humildad, entiendo, además, trasladándome a la época (1967), que era una vida completamente diferente”, indicó el actor.

Sobre la muerte del padre de Darío Gómez, el actor reveló que lo más difícil fue lograr exponer ante la cámara la sensación que pudo haber sentido el antioqueño luego de terminar de manera accidental con la vida de su progenitor.

“Para este me ponía en las circunstancias. El contexto de donde viene, la necesidad, de donde surge esta acción que es accidental, pero que también era necesaria. Lo que yo trataba de entender la culpa que generaba el hecho de matar a alguien que uno ama, sin quererlo”, declaró Julián Zuluaga al respecto.

Así fue la muerte del padre de Darío Gómez en la vida real

Antes de morir, Darío Gómez reveló en Se dice de mí, detalles inéditos del infortunado hecho en el que falleció su padre, del que, afirmó, fue víctima de brujería por parte de una amante que tenía en su pueblo.

“A mi papá lo enyerbaron, sabemos quién le dio el maleficio por ser amante de él. Lamentablemente, le dieron el maleficio tan concentrado que a mi papá le dio fue por matar a mi mamá”, declaró en esa ocasión el artista.

Una noche Marcos Aurelio Gómez agredió físicamente a la madre de Darío y cargó una escopeta para asesinarla, buscando que la pelea terminara, el cantante tomó el arma e intentó escapar de la finca, pero lastimosamente terminó accionándola contra su padre.

“Me le tiré encima y agarré la escopeta, salí corriendo con ella a dejarla en la huerta. No sabía que estaba montada (cargada), apreté la uña sin saber que ya estaba con el gatillo arriba, se fue el tiro y maté a mi papá… Él se desangró de inmediato”.

Barcelona, 17 nov (EFE).- El sello editorial AdN ha publicado en España esta semana 'La espera', la nueva novela de Michael Connelly, en la que Maddie Bosch toma el testigo de su emblemático padre, el detective Harry Bosch, y se une a Renée Ballard en la trama.

En esta nueva entrega, la detective del Departamento de Policía de Los Ángeles Renée Ballard sigue los pasos de un aterrador violador múltiple cuyo rastro se ha perdido.

En la búsqueda cuenta con la ayuda de la voluntaria más nueva de la Unidad de Casos Abiertos: la patrullera Maddie Bosch, hija del emblemático personaje de Connelly, el detective Harry Bosch.

En la historia, Renée Ballard y la Unidad de Casos Abiertos de la policía de Los Ángeles encuentran una relación de ADN entre un hombre recientemente detenido y un violador y asesino en serie del que no se había tenido noticia en los últimos veinte años.

El detenido solo tiene veintitrés años, por lo que el vínculo genético tiene que ser familiar, y en efecto, es hijo del Violador de la Almohada, responsable de aterrorizar la ciudad de Los Ángeles durante cinco años.

Sin embargo, cuando Ballard y su equipo van a por el sospechoso, se encuentran con una desconcertante trama de secretos y obstáculos legales.

Entretanto, a Ballard le roban la placa, el arma y la identificación, y ella no puede denunciar ese robo sin dar a sus enemigos del departamento la munición que necesitan para acabar con su carrera como detective.

Ballard investiga el robo por su cuenta, pero su misión en solitario la lleva a un peligro mayor del que esperaba y no le queda más remedio que buscar ayuda fuera del departamento, lo que la conduce a la puerta de Harry Bosch.

Finalmente, Ballard acepta a una nueva voluntaria para la Unidad de Casos Abiertos, Maddie, hija de Harry Bosch, que quiere complementar su trabajo como patrullera en el turno de noche investigando casos con Ballard.

Michael Connelly (Philadelphia, 1956) es autor de 38 novelas, muchas de las cuales han ocupado el número uno en la prestigiosa lista de superventas del New York Times.

Sus libros, entre los que se incluye la serie de Harry Bosch, la de Renée Ballard y la del 'Abogado del Lincoln', han vendido más de 85 millones de ejemplares en todo el mundo y han sido traducidos a 45 idiomas, y el propio Connelly ha sido galardonado con algunos de los premios más prestigiosos del mundo del género negro. EFE.

Madrid, 12 nov (EFE).- El escritor y filósofo español Álvaro Pombo, Premio Cervantes 2024, ha transitado estilos literarios que van de novelas como 'Santander 1936', 'Donde las mujeres' o 'El metro de platino iridiado', al poemario 'Protocolos (1973-2003)' y el ensayo 'La ficción suprema', donde aborda la idea de Dios.

Esta novela de Anagrama narra las andanzas de un adolescente en el Santander de los años treinta del siglo pasado, que no es otro que Álvaro Pombo Caller, tío del autor. La historia, que refleja la confrontación izquierda-derecha, los debates intelectuales y las proclamas políticas de la época, ganó el Premio Francisco Umbral al Libro del Año 2023.

 Con esta novela obtuvo el Premio Nacional de Narrativa en España en 1997. Es un retrato del mundo femenino, de mujeres cultas e independientes, aunque también elitistas y soberbias, y describe el esplendor y la decadencia de lo que parecía una unidad familiar que se imagina perfecta. 

Premio Nacional de la Crítica española, esta novela despliega un asombroso repertorio de registros: el buceo en la psicología de sus personajes, la más elevada especulación filosófica, el inesperado quiebro humorístico y el coloquialismo más certero.

Un volumen que recogió los cuatro libros de poesía que hasta la fecha había dado a conocer Álvaro Pombo. "Una voz turbadoramente original, entreverada de imágenes y ritmos insólitos que actúan además como contrapunto ideal de su prosa", señalaba la editorial.

"Cabe declarar que Dios –que es la ficción suprema– no es, sin más, sólo eso. La última pregunta se formulará así: ¿Qué más es entonces Dios?", se pregunta Pombo, licenciado en Filosofía, en esta obra en la que efectúa un ejercicio de búsqueda de sí mismo. Estudió la carrera junto a su gran amigo José Antonio Marina y con él escribió el ensayo 'La creatividad literaria'. EFE

Madrid, 12 nov (EFE).- El escritor cántabro Álvaro Pombo ha sido galardonado este martes con el Premio Cervantes 2024, el máximo reconocimiento de las letras en español y dotado con 125.000 euros, según el fallo del jurado, hecho público por el ministro de Cultura, Ernest Urtasun.

Pombo (Santander, 1939) ha sido reconocido con esta distinción por su capacidad de crear "un mundo literario propio que conmueve" y por su "extraordinaria prosa creadora lírica y singular", recoge el fallo del jurado, presidido por el anterior ganador, Luis Mateo Díez, y que ensalza también la "extraordinaria personalidad creadora, lírica singular y original narración" del premiado.

"A su notabilísimo nivel como poeta y ensayista, se une el ser uno de los grandes novelistas de nuestra lengua, que indaga en la condición humana desde las perspectivas afectivas de unos sentimientos profundos y contradictorios", añaden.

Recuerdan que, "en sus creaciones, muestra el mundo a través de la construcción de un lenguaje en el que las deformaciones de la realidad aparecen reflejadas bajo el disfraz de la ironía y del humor".

Y consideran además que "en su prosa, la oralidad se refleja en la voluntad de un estilo que aspira al 'escribo como hablo' valdesiano".

"Álvaro Pombo ha creado aquello que define a los grandes escritores, un mundo literario propio imperecedero e imprescindible que conmueve y conduele", subraya el jurado del premio.

EFE

met/jlp

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Barcelona, 10 nov (EFE).- El escritor argentino Juan José Becerra afirma en una entrevista con EFE que es muy crítico con el presidente de su nación, Javier Milei, de quien dice que cualquiera puede comprobar que "no abunda en salud mental".

Becerra asegura que el objetivo del presidente Milei es destrozar lo débil de Argentina, su sistema público, "un espacio que se hizo fuerte y funcionaba para beneficiar a los desamparados", explica. Ahora, dice, pretende acabar con él debido en parte al sentimiento edípico que siente hacia su padre, que paga la población.

La "motosierra" que Milei prometió utilizar en la campaña electoral para reducir gastos en el sistema público la ha empezado a usar ahora, según el novelista, para recortar recursos a la cultura, que no le interesa nada, subraya.

Becerra ha descrito la obra que acaba de publicar,'Amor' (Editorial Candaya), como una distopía sobre cómo será el amor en el futuro.

El futuro de la lectura

Al ser preguntado sobre si el libro propicia un escapismo literario para huir del presente que vive su país, piensa que si hay un momento para eludir la situación de Argentina es ahora, ya que tiene "al presidente más inestable de la historia a nivel mental".

Esa realidad distópica radica en que, para el año 2123, el amor ya no existirá como lo conocemos, y en que el único testimonio de su recuerdo será la "locura" que vivirán dos enamorados del siglo XX y XXI. Se trata de Castillo, un poeta que firma sus obras como Marcial Ledesma, y Quiroga, conocida como la "China del Río" en el mundo editorial en el que trabaja.

Afirma Becerra que su libro es también una reflexión sobre la lectura en el futuro, pues vislumbra que "las editoriales tendrán el problema del espacio en sus sedes y habrá un cambio en los soportes".

Tras escribirlo, asegura que en el año en que discurre la historia, 2123, no existirán los libros en formato físico y que el papel se reciclará para hacer una especie de madera compacta para fabricar muebles.

 Un novelista del tiempo

El autor no tenía una idea preconcebida para su libro: "Yo siempre parto de una primera escena, un primer impulso", declara.

"Tengo una imaginación razonada y creo que no escribo cosas inverosímiles", aclara Becerra sobre sus obras, aunque puntualiza que estas tienen opciones de ocurrir incluso de manera remota.

El escritor, a pesar de que su última obra se desarrolla en el futuro, se define como "un novelista del tiempo" porque siempre escribe sobre ese asunto.

Becerra es uno de los escritores argentinos de moda y fue finalista del premio Tigre Juan con 'El espectáculo del tiempo' (Candaya, 2015). Con la editorial barcelonesa Candaya ha publicado 'La interpretación de un libro' (2012) y 'El artista más grande del mundo' (2017), y es autor, además, de los ensayos 'Grasa' (2007), 'La Vaca. Viaje a la pampa carnívora' (2007), 'Patriotas' (2009) y 'Fenómenos argentinos' (2018). EFE

En enero del año pasado, cuando estaba vaciando un trastero para una mudanza, me encontré una vieja caja de zapatos. Al abrirla, descubrí unos diarios que había llevado de niña. Fue entre esos diarios donde encontré un cuadernillo encuadernado a mano con la palabra ‘Poemario’ escrita a lápiz en la portada. Eran cinco hojas de papel reciclado tamaño A5, dobladas por la mitad y grapadas. Debajo del título había dos líneas irregulares dibujadas una al lado de la otra: una escalera de seis peldaños que subía por la izquierda y otra de siete peldaños que bajaba por la derecha. ¿Era una especie de ilustración de portada? ¿O se trataba solo de un garabato? En la contraportada figuraban el año 1979 y mi nombre, y dentro había ocho poemas, todos escritos a lápiz con la misma letra que el título de la portada. En la parte inferior de cada página aparecían ocho fechas distintas siguiendo un orden cronológico. Y entre las inocentes y torpes frases propias de una niña de ocho años, me llamó la atención un poema fechado en abril que comenzaba con estos versos:

¿Dónde está el amor?

Dentro de mi pecho palpitante.

¿Qué es el amor?

El hilo dorado que une nuestros corazones.

En ese instante, dando un salto atrás en el tiempo de cuarenta años, recordé la tarde que pasé elaborando ese cuadernillo: el lápiz gastado al que le puse una tapa de bolígrafo para hacerlo más largo, las migajas de la goma de borrar, la grapadora metálica que cogí a escondidas de la habitación de mi padre… Íbamos a mudarnos pronto a Seúl y quise reunir los poemas que había garabateado en trozos de papel, en márgenes de cuadernos y libros de texto y en diarios. Recuerdo también que no quise enseñarle a nadie ese ‘Poemario’.

Antes de volver a guardar los diarios y el cuadernillo en la caja de zapatos y ponerle la tapa, tomé una foto con mi móvil a ese poema en particular, pues sentí que había cierta conexión entre las palabras que había usado aquella niña de ocho años y la mujer que soy ahora: el corazón dentro del pecho palpitante, lo que une nuestros corazones, el hilo que los conecta, ese hilo dorado y brillante que emana luz.

Catorce años más tarde, con la publicación de mi primer poema y de un relato corto al año siguiente, me convertí formalmente en escritora. Pasaron otros cinco años hasta que publiqué mi primera novela, que tardé unos tres años en llevar a su término.

Disfruto escribiendo poesía y relatos cortos, pero hay algo especial en escribir novelas. El proceso de completar cada una de ellas me ha llevado entre uno y siete años, por lo que se corresponden con periodos importantes de mi vida personal. Esta es precisamente la razón que más me atrae de ellas. Las novelas permiten que me demore en ellas el tiempo necesario para formularme preguntas lo suficientemente importantes y urgentes como para que no me importe entregar a cambio esos años de mi vida.

Cada vez que escribo una novela, sobrellevo esas preguntas y habito en ellas. Y, cuando llego al fondo de esas preguntas —no de las respuestas—, doy fin a la novela. Transformada por el proceso de escribirla, ya no soy la misma persona que era al comenzarla, y al alcanzar ese nuevo estadio puedo empezar una nueva. Las preguntas se unen como cadenas, se superponen como fichas de dominó, y dan comienzo a una nueva novela.

De 2003 a 2005, mientras escribía La vegetariana, mi tercera novela, habité en el interior de algunas preguntas dolorosas: ¿Puede una persona ser completamente inocente? ¿Podemos rechazar la violencia en todas sus formas? ¿Qué ocurre cuando alguien desea dejar de formar parte de la especie humana para rehuir de la violencia?

Es por estas razones por las que Yeonghye se niega a comer carne, termina por creerse una planta y se niega a tomar otro alimento que no sea agua. Y se produce la paradójica situación de que, en su deseo de rechazar la violencia, se acerca cada vez más a la muerte. Tanto Yeonghye como su hermana Inhye, la otra protagonista de la novela, gritan en silencio, sufren pesadillas y pasan por momentos demoledores hasta que finalmente quedan ellas solas. Mi deseo era que Yeonghye siguiera con vida, por eso la escena final transcurre en una ambulancia. Esta avanza a toda velocidad entre los árboles de flameante verdor mientras la hermana mayor se queda mirando fijamente por la ventanilla, como esperando una respuesta, como protestando contra algo. Toda la novela es una permanente interrogación, una mirada inquisitiva, una especie de resistencia en espera de una respuesta.

Mi siguiente novela, El viento sopla, vete, profundiza en estas preguntas. Si no podemos rechazar la vida y el mundo para rehuir de la violencia, y tampoco podemos convertirnos en plantas, ¿cómo seguir adelante? En esta novela, que se organiza como una trama de misterio en la que se confrontan y contradicen oraciones en redonda y en cursiva, la protagonista, que lleva mucho tiempo luchando contra la sombra de la muerte, arriesga su vida para demostrar que la repentina muerte de su amiga no fue un suicidio. Mientras escribía la escena final, en la que la protagonista se arrastra a duras penas por el suelo para alejarse de la muerte y la violencia, me pregunté si no deberíamos finalmente sobrevivir, si no deberíamos dar testimonio de la verdad con nuestras vidas.

En La clase de griego, mi quinta novela, seguí ahondando en estas cuestiones. Una mujer que ha perdido el habla y un hombre que está perdiendo gradualmente la vista se abren paso a través del silencio y la oscuridad de sus respectivos mundos hasta que sus caminos se cruzan. Al escribir esta novela, me concentré en los momentos táctiles. La novela avanza lentamente hasta una escena en que la mujer escribe unas palabras en la palma del hombre con su dedo índice. En ese instante luminoso que se dilata como la eternidad, ambos se muestran mutuamente las partes más tiernas de sí mismos. La pregunta que me hice fue si el contemplar la parte más tierna de un ser humano, acariciar su innegable calidez, no es finalmente lo que hace que podamos vivir en este mundo fugaz y violento.

Al llegar al fondo de esa pregunta, empecé a pensar en lo que escribiría a continuación. Fue en la primavera de 2012. Quería hacer una novela que diera un paso más hacia la luz y la calidez. La llenaría de sensaciones deslumbrantes y transparentes que abrazaran por fin la vida y el mundo. Pero, después de ponerle un título y escribir las primeras veinte páginas, tuve que dejarla porque me di cuenta de que había algo en mí que me impedía seguir adelante con ella.

Hasta ese momento nunca se me había pasado por la cabeza escribir sobre la masacre de Gwangju. Cuando empezaron las matanzas, en mayo de 1980, yo tenía nueve años y solo cuatro meses antes nos habíamos mudado a Seúl. Años después, cuando ya tenía doce, me topé con un libro puesto boca abajo en una estantería de la biblioteca. Su título era Álbum de fotos de Gwangju, y, sin que se enteraran los adultos, lo abrí y lo hojeé. Contenía fotografías de civiles y estudiantes asesinados con porras, bayonetas y balas por resistirse a la dictadura militar instaurada mediante un golpe de Estado. El libro había sido publicado y distribuido en secreto por los supervivientes y los familiares de los masacrados con el fin de dar testimonio de cómo el gobierno de facto falseaba los hechos mediante el férreo control de los medios de comunicación. En aquel entonces yo era pequeña y no podía entender las implicaciones políticas de esas imágenes, pero aquellos rostros destrozados quedaron grabados en mi mente como un interrogante fundamental acerca de la naturaleza humana: ¿Los seres humanos eran capaces de hacer cosas tan horribles a sus semejantes? Al mismo tiempo, al ver en el mismo libro otras fotografías que mostraban a gente haciendo colas interminables frente a un hospital universitario para donar sangre a los heridos, me hice otra pregunta: ¿Los seres humanos eran capaces de mostrar tanta nobleza hacia sus semejantes? Estas dos preguntas incompatibles chocaban entre sí y acabaron convirtiéndose en un enigma irresoluble.

Así pues, aquel día de la primavera de 2012, cuando intentaba escribir esa “novela deslumbrante y transparente que abraza la vida”, me encontré de nuevo confrontada a preguntas para las que nunca había tenido respuestas. Hacía tiempo que había perdido mi fe en la humanidad y no podía abrazar el mundo. Comprendí que, si quería seguir adelante, primero tenía que hacer frente a ese enigma imposible, y que únicamente la escritura podía ayudarme a penetrar en él.

A lo largo de todo ese año esbocé una novela en la que lo ocurrido en Gwangju era solo una de las capas de la narración. Y luego, una tarde de diciembre, fui al cementerio de Mangwol-dong. El día anterior había caído una fuerte nevada, y al anochecer, cuando salía del cementerio helado con la mano sobre el corazón, decidí que escribiría una novela que abordara la masacre de Gwangju de frente, no de soslayo como una mera capa de la narración. Conseguí un libro que contenía más de novecientos testimonios y durante todo un mes dediqué nueve horas diarias a su lectura. También leí sobre otros casos de violencia de Estado y genocidios que el ser humano ha perpetrado repetidamente en distintos lugares del mundo a lo largo de la historia.

Mientras realizaba esa labor de documentación, tenía en mente dos preguntas. Eran las mismas preguntas que, a mis veintitantos años, escribía en la primera página de todos los diarios que empezaba:

¿Puede el presente ayudar al pasado?

¿Pueden los vivos salvar a los muertos?

Y cuanto más leía, más imposible me parecía responder a esas preguntas. Me estaba enfrentando a las zonas más oscuras del ser humano, y mi fe en la humanidad, ya de por sí resquebrajada, se hizo añicos. Cuando casi me había resignado a no poder avanzar con la novela, leí el diario de un joven profesor de escuela nocturna. Se llamaba Park Yong-joon y era un hombre tímido y callado que había participado en los diez días de autogobierno que se instauró en Gwangju después de que los soldados se retiraran brevemente de la ciudad. Fue asesinado en el edificio de la YWCA, cerca del Ayuntamiento, donde había decidido quedarse aun sabiendo que los soldados regresarían al amanecer. Esa última noche escribió lo siguiente: “Dios mío, ¿por qué tengo una conciencia que me hostiga y daña de esta manera, cuando yo lo que quiero es vivir?“.

En cuanto leí esta frase, fue como si cayera un rayo que iluminara la dirección que debía tomar mi novela. Entonces supe que tenía que darles la vuelta a esas dos preguntas y formularlas de otro modo:

¿Puede el pasado ayudar al presente?

¿Pueden los muertos salvar a los vivos?

Más tarde, mientras escribía lo que se convertiría en Actos humanos, hubo momentos en los que realmente sentí que el pasado ayudaba al presente, que los muertos salvaban a los vivos. De vez en cuando volvía a aquel cementerio y, curiosamente, siempre hacía un día claro y despejado. Cerraba los ojos y el resplandor anaranjado del sol inundaba el interior de mis párpados. Podía sentir la luz de la vida. Sentía que la luz y el aire envolvían mi cuerpo en una indescriptible calidez.

Las preguntas que me han perseguido desde que vi aquel álbum de fotos a los doce años fueron: ¿Cómo pueden los seres humanos ser tan violentos? ¿Cómo pueden resistir y enfrentar una violencia tan abrumadora? ¿Qué significa pertenecer a esa especie que llamamos humana? Para cruzar el abismo insalvable que se abre entre el horror humano y la dignidad humana, hacía falta la ayuda de los muertos, de la misma manera que el joven Dongho, el protagonista de la novela, camina hacia la luz del sol llevando de la mano a su madre.

Naturalmente, no podía revertir lo que les había sucedido a los muertos, los deudos y los supervivientes. Lo único que podía hacer era prestarles las sensaciones, las emociones y la vida que pulsaban a través de mi cuerpo. Quería encender una vela al principio y al final de la novela, así que situé la primera escena en la Sala del Comercio, que era el lugar adonde llegaban los cadáveres y se celebraban los funerales de los masacrados. Allí vemos cómo Dongho, un muchacho de quince años, tiende paños blancos sobre los cadáveres y enciende velas, al tiempo que mira fijamente su centro, el corazón azulado de la llama.

El título en coreano de esta novela es Viene el chico. En el momento en que es llamado, el muchacho despierta en medio de la tenue oscuridad y camina hacia el presente. Lo hace con el paso propio de las almas. Se aproxima cada vez más hasta que el momento se convierte en presente. Mientras escribía este libro, comprendí que cuando llamamos “Gwangju” a un lugar en que la crueldad y la dignidad humanas existieron simultáneamente en formas extremas, ese término deja de ser el nombre propio de una ciudad para convertirse en un sustantivo común. Es un presente que, a través del tiempo y el espacio, viene hacia nosotros una y otra vez. Incluso en este mismo momento.

Cuando Actos humanos se publicó en la primavera de 2014, me sorprendió que los lectores me confesaran lo mucho que les dolía leer la novela. Eso me hizo pensar en la relación que existe entre el dolor que yo había sentido al escribirla y el que la gente decía sentir al leerla ¿Cuál es la razón de ese dolor? ¿Es porque queremos creer en la humanidad y nos destruye ver que esa creencia se tambalea? ¿Es porque queremos amar a la humanidad y nos duele que ese amor se haga añicos? ¿El sufrimiento nace del amor? ¿El sufrimiento es una prueba de amor?

En junio de ese mismo año, tuve un sueño. Soñé que caminaba por una llanura mientras caía una nieve rala. Había miles y miles de troncos negros plantados y, detrás de cada uno de ellos, se levantaba un túmulo funerario. De repente sentía agua bajo mis zapatillas y, al mirar hacia atrás, en lugar del horizonte, veía el mar que subía rápidamente. “¿Por qué están estas tumbas en este lugar?“, me preguntaba. Los huesos de las tumbas de más abajo ya habían sido arrastrados por el agua, y pensé que había que trasladar los de las tumbas superiores antes de que fuera demasiado tarde. Pero ¿cómo hacerlo? Ni siquiera tenía una pala y el agua ya me llegaba a los tobillos. Cuando me desperté y miré hacia la ventana todavía a oscuras, sentí que ese sueño me estaba diciendo algo importante. Una vez que lo anoté, supe que podría ser el principio de mi próxima novela.

Sin saber aún qué tipo de obra sería, escribí y borré los inicios de diversas historias que podían derivarse de ese sueño. Finalmente, en diciembre de 2017, me fui a vivir a la isla de Jeju, donde permanecí durante más de dos años al tiempo que iba y venía de Seúl. La novela se fue perfilando mientras caminaba por los bosques, las playas y las calles de los pueblos de la isla, mientras sentía la intensidad de su clima a través del viento, la luz y las nevadas. De forma similar a como escribí Actos humanos, leí testimonios de supervivientes y estudié numerosas fuentes y archivos, y así fue como, conteniéndome al máximo y haciendo frente a detalles tan atroces que no creí capaz de poner en palabras, por fin publiqué Imposible decir adiós. Habían transcurrido alrededor de siete años desde la mañana en que soñé con aquellos troncos negros y el mar que iba subiendo.

En los cuadernos que utilicé mientras escribía la novela, hice anotaciones como estas:

La vida quiere vivir. La vida es cálida.

Morir es volverse frío. La nieve acumulada sobre la cara no se derrite.

Matar es enfriar.

El hombre en la historia y el hombre en el universo.

Vientos y corrientes marinas. El ciclo del agua y del viento que conecta al mundo. Estamos conectados. Conectados sí o sí.

Imposible decir adiós se estructura en tres partes. La primera es el viaje horizontal que emprende Gyeongha desde Seúl hasta la casa de su amiga Inseon en las montañas de Jeju, atravesando una fuerte nevada para salvar la vida de un pájaro. La segunda parte es un viaje vertical a los abismos del mar, en el que Gyeongha e Inseon descienden juntas a la noche de la humanidad, a los días de la masacre de civiles en la isla de Jeju en el invierno de 1948. En la tercera y última parte, ambas encienden una vela en el fondo de ese oscuro mar.

Aunque la novela avanza gracias a las dos amigas, de igual modo que se turnan para sostener la vela, la verdadera protagonista es Jeongsim, la madre de Inseon. Tras sobrevivir a la masacre de la isla de Jeju, la mujer lucha por encontrar los restos de sus seres queridos, aunque solo sea el más mínimo trozo de hueso, con el fin de darles un entierro digno. Es alguien que se niega a poner fin al duelo. Alguien que abraza el dolor y lucha contra el olvido. Alguien que se niega a decir adiós. Al contemplar su vida, donde durante tanto tiempo han hervido el dolor y el amor a la misma densidad y temperatura, me preguntaba: ¿Cuánto podemos amar? ¿Dónde están nuestros límites? ¿Cuánto tenemos que amar para seguir siendo humanos después de todo?

Han pasado tres años de la publicación de Imposible decir adiós y aún no he terminado mi siguiente novela. Cuando la haya acabado, tengo otra esperándome desde hace tiempo. Formalmente se relacionaría con Blanco, una obra que escribí con el deseo de prestarle mi vida a mi hermana, que murió a las dos horas de nacer, y con el fin de indagar en aquello que hay de indestructible en todos nosotros. No sé cuándo la terminaré, pero seguiré escribiendo, aunque sea a ritmo lento. Dejaré atrás lo que he escrito hasta ahora y avanzaré lo más lejos que me permita la vida, hasta que un día doblaré una esquina y ya no podré ver los libros que escribí en el pasado.

Mientras continúo avanzando lo más lejos posible, mis libros, que tienen vida propia, también viajarán siguiendo su propio destino. Al igual que las dos hermanas que permanecen juntas para siempre en una ambulancia mientras, más allá de la ventanilla, los árboles parecen arder en llamas de un intenso verdor; al igual que la mujer que no tardará en recuperar el lenguaje pero que, rodeada de oscuridad y silencio, escribe con su dedo en la palma de un hombre; y al igual que mi hermana, muerta a las dos horas de nacer, y que mi joven madre, que no dejó de decirle a aquel bebé: “No te mueras, por favor”. ¿Hasta dónde llegarán todas esas almas de color naranja intenso que se agolpaban bajo mis párpados y me envolvían en un calor indescriptible? ¿Hasta dónde llegarán las velas de quienes juran no decir nunca adiós, encendidas en todos los lugares donde se ha cometido una matanza, en todos los tiempos y espacios asolados por una violencia abrumadora? ¿Viajarán en un hilo de oro de mecha en mecha, de corazón en corazón?

En aquel cuadernillo que encontré en una vieja caja de zapatos en enero del año pasado, mi yo de abril de 1979 se hacía dos preguntas:

¿Dónde está el amor?

¿Qué es el amor?

Entretanto, hasta el otoño de 2021 en que publiqué Imposible decir adiós, siempre había considerado que las dos preguntas que constituían el núcleo de mi obra eran:

¿Por qué el mundo es tan violento y doloroso?

¿Y cómo es posible que aun así sea tan bello?

Durante mucho tiempo creí que la tensión y la lucha interior que desencadenaban en mí esas dos preguntas habían sido el motor de mi escritura. Desde mi primera novela hasta la más reciente, mis preguntas se habían ido desarrollando y cambiando de forma, pero en el fondo se habían mantenido constantes. Sin embargo, hace dos o tres años, empecé a dudar de ello. ¿Realmente fue a partir de la publicación de Actos humanos cuando me pregunté por primera vez sobre el amor y el dolor que nos unen? Desde mi primera novela hasta la última, ¿la capa más profunda de todas mis preguntas no ha estado siempre dirigida hacia el amor? ¿No ha sido este el matiz más antiguo y fundamental de mi vida? El amor se sitúa en un lugar muy íntimo: “Dentro de mi pecho palpitante”, escribió la niña de abril de 1979. Y a la cuestión de qué es ese amor, respondió: “El hilo dorado que une nuestros corazones”.

Cuando escribo, utilizo todo mi cuerpo. Utilizo todos los detalles sensoriales que me proporcionan el ver, el oír, el oler, el saborear, el sentir la suavidad, el calor, el frío, el dolor, la sed y el hambre, el latir del corazón, el caminar y el correr, el tomarse de las manos, el notar sobre la piel el viento, la nieve y la lluvia. Como ser mortal que posee un cuerpo de sangre caliente, intento infundir en mi escritura estas vívidas sensaciones como una corriente eléctrica, y me asombro y emociono cuando siento que esa corriente traspasa al lector. Cuando me doy cuenta de que el lenguaje es el hilo que nos conecta, y de que mis preguntas llegan a través de ese hilo por el que fluyen la luz y la corriente de la vida, me siento profundamente agradecida hacia todos los que se han conectado conmigo y hacia todos los que lo harán en el futuro.

© The Nobel Foundation 2024

Publicado con su permiso.

© 2024, Han Kang

©2024, Sunme Yoon, por la traducción

Fotos: TT News Agency/Henrik Montgomery via REUTERS; Christine Olsson/TT News Agency/via REUTERS; EFE/EPA/Christine Olsson SWEDEN OUT y TT News Agency/Pontus Lundahl via REUTERS.

El Ministerio de Cultura de Perú anunció a los ganadores del Premio Nacional de Literatura 2024. Rafael Dumett se ha alzado con el máximo galardón por su novela “El camarada Jorge y el Dragón”. Se trata de la primera entrega de lo que aspira a ser un proyecto que gira en torno a la figura de Eudocio Ravines (1897-1979), político comunista convertido en agente de la CIA.

Dumett es un destacado novelista y dramaturgo. Su trabajo ha conquistado a lectores nacionales e internacionales. “Su obra es un ejemplo de riqueza y diversidad de la narrativa peruana contemporánea”, señaló Penguin Random House, casa editorial que publica las obras del premiado.

“”El espía del Inca” llegó a ser catalogada por la crítica como “la mejor novela peruana del siglo XXI” cuando la actual centuria apenas ha iniciado y la obra de su autor, Rafael Dumett, no ha detenido su producción”, escribió La Vanguardia a mediados de 2024.

La citada reseña da cuenta de la prosa práctica empleada por Dumett en “El Camarada Jorge y el Dragón” para contar los primeros años de Ravines, los mismos que estuvieron marcados por la imagen de su tío, el coronel Belisario Ravines. Se trata de un héroe militar de la Guerra del Pacífico que cayó en desgracia al ser señalado como responsable de la Masacre de Llaucán.

El proyecto de Dumett no se detiene con esta novela. Según reveló en una entrevista con Infobae Perú, esta es apenas la primera entrega de una saga que busca explorar los múltiples rostros de Ravines. “Voy más lento de lo que desearía, pero estoy contento con lo que va saliendo. No me preocupa el tiempo que me tome el segundo volumen: creo profundamente que uno debe respetar sus propios procesos, sobre todo en un proyecto tan ambicioso”, declaró el flamante ganador, quien trabaja en esta trilogía sin imposiciones de su editorial, Penguin Random House.

¿Quién fue Eudocio Ravines?

Periodista, escritor y político peruano quien destacó por su controvertida evolución ideológica. Los recuerdos de sus años como comunista quedarían sepultados con el sentido obituario que escribió a Joseph McCarthy, el senador estadounidense promotor de la recordada persecución anticomunista.

Ravines fue uno de los fundadores del Partido Comunista Peruano en 1928 y mantuvo comunicación con José Carlos Mariátegui, intelectual y autor de los “7 ensayos de interpretación de la realidad peruana”. El autoritarismo que caracterizó a la Unión Soviética sería el punto de inicio de su desencanto del comunismo.

En “La gran estafa”, Ruvianes plasmó sus recuerdos más íntimos sobre su paso por el comunismo. La publicación sirvió para fortalecer la propaganda anticomunista de la época. Sus últimos años los pasó en México y su nombre ha vuelto a cobrar notoriedad tras la publicación de “El camarada Jorge y el Dragón” de Rafael Dumett.

Crítica a Mario Vargas Llosa

Dumett no tuvo reparos en cuestionar al Premio Nobel de Literatura Mario Vargas Llosa asegurando que a este “le apestan los pueblos originarios”. El autor de “El camarada Jorge y el Dragón” dijo que el autor de “La ciudad y los perros” “considera que debemos estar agradecidos con la conquista por el hecho de contar con el español” y criticó su apoyo al libro “Perufobia”, que sugiere que la indignación por la conquista es producto de una propaganda británica.

Además, Dumett arremetió contra “La utopía arcaica”, ensayo de Vargas Llosa sobre José María Arguedas, calificándolo de peyorativo. Cuestionó la atribución de influencia a Sybila Arredondo, viuda de Arguedas, en las últimas obras del poeta, y comentó: “A mí me gustaría saber qué influencia tiene la vida personal reciente de Vargas Llosa en sus últimas obras”.

Disfrutando de un buen momento personal y profesional, Christian Gálvez ha presentado hoy su nueva novela, 'Te he llamado por tu nombre'. Allí ha querido tener unas palabras para todos los afectados por la DANA y también nos ha abierto su corazón en esta etapa tan especial de su vida.

"LOS ESPAÑOLES SOMOS MUY SOLIDARIOS, SE HA VISTO"

Orgulloso de cómo los ciudadanos españoles se están volcando con los damnificados por la DANA en Valencia, Christian ha resaltado que "al final somos muy solidarios y se ha visto, hay gran parte del pueblo español que se merece líderes mejores".

"TENÍA CLARO QUE QUERÍA SER PADRE"

Además, el escritor se ha sincerado como nunca y ha hablado del momento en el que dio carpetazo a su vida para comenzar una bonita historia de amor con Patricia Pardo: "Tenía claro que lo que quería en mi vida era ser padre y ha llegado con quien tenía que llegar, el amor no se esconde".

Tanto es así que lo primero que ha querido aclarar es que "cuando hablo de amor y de pasión, no hay mensajes subliminales, ahora estoy lleno de amor" y se ha llenado de halagos hacia su mujer: "He aprendido mucho de mi mujer, una periodista de raza y a ponerme ese armazón".

"EN EL MOMENTO QUE PATRICIA ME PRESENTA A SUS HIJAS, YA ESTÁBAMOS CASADOS"

En cuanto a su relación, Christian entiende que haya mucha gente que piense "que todo fue vertiginoso, pero es que en el momento que Patricia me presenta a sus hijas ya estábamos casados, es que en ese momento está poniendo en tu confianza lo que ella más quiere en el mundo".

Con esa contundencia, el presentador de televisión demostraba el gran amor que siente hacia ella y lo feliz que está al haber formado la familia que siempre había soñado... eso sí, no sabe si se animarán a tener otro hijo: "No lo sé, no te digo ni que sí ni que no, quién sabe".

El escritor Javier Cercas ha reivindicado la utilidad de la literatura como forma de rebeldía ante el poder, pero también de conocimiento y de placer equivalente al sexo en su discurso de ingreso en la Real Academia Española (RAE), durante un acto la tarde del domingo en la sede de la institución.

El discurso, titulado Malentendidos de la modernidad: Un manifiesto, se ha centrado en desmontar lo que el autor de Soldados de Salamina considera “una telaraña pertinaz de malentendidos, por no decir supersticiones o prejuicios” extendidos en el mundo literario en los últimos tiempos.

Cercas (Ibahernando, Cáceres, 1962) enumeró esos cuatro equívocos y se remontó a sus orígenes, en el Romanticismo o la Modernidad, según el caso, para después destejerlos: la idea del escritor encerrado en su torre de marfil; la glorificación del artista; la idea de que la buena literatura ha de ser minoritaria; y, por último, la de la inutilidad del arte.

“La auténtica literatura está compuesta por palabras en rebeldía, y de ahí que represente un peligro para el poder, para cualquier poder”, incidió el escritor, que planteó la pregunta retórica de si hay algo más “útil” que esa rebeldía.

Elegido académico en junio pasado a propuesta de Pedro Álvarez de Miranda, Clara Sánchez y Mario Vargas Llosa, Cercas recordó que, desde Platón, numerosos “tiranos, inquisidores, comisarios políticos y toda clase de individuos de mentalidad totalitaria”, disfrazados “de benefactores de la humanidad”, han intentado señalar la amenaza de la literatura en general y de la novela en particular.

Sobre el dogma de la inutilidad del arte, apuntó que se remonta a Oscar Wilde, que en 1890 remató el prefacio de El retrato de Dorian Gray con esa afirmación en la que Cercas ve “un alegato emancipador” y una forma de “rebelión” contra el “pragmatismo burgués” y contra el sometimiento del arte a ideologías.

Pero ese alegato original, lamentó, se ha fosilizado en dogma en el “mundillo literario” actual, “siempre tan sordo a las ironías de los maestros de la Modernidad y tan dócil a los clichés resultantes de su interpretación literal”.

Para el autor de Anatomía en un instante o El impostor, la literatura es antes que nada “un placer, como el sexo”, y por eso la expresión “lectura obligatoria” es un oxímoron, y la expresión “lectura hedónica”, un pleonasmo. Pero, además, es “una forma de conocimiento de uno mismo y de los demás, exactamente igual que el sexo”.

“Por eso, cuando alguien me dice que no le gusta leer, lo primero que se me ocurre es darle el pésame”, afirmó.

En defensa de la popularidad de la literatura

Javier Cercas, un escritor popular, comprometido y con lectores en todo el mundo, ganador de multitud de galardones, desde el Premio Nacional de Narrativa al Premio Planeta, arremetió contra la “pereza mental” que lleva a considerar que un libro es bueno solo porque se vende mucho o a considerar que es malo por la misma razón.

Y mencionó a escritores talentosos y con miles de lectores desde Shakespeare y Cervantes a, ya en el siglo XX, T. S. Eliot, Hemingway, Scott Fitzgerald, Nabokov, García Márquez o Vargas Llosa.

En cambio, desechó la “glorificación” del escritor –“la auténtica inmortalidad es el anonimato”, dijo– y alabó al buen lector porque, a su modo de ver, “una novela es una partitura y es el lector quien la interpreta” y “un libro sin lectores es letra muerta”.

En cuanto a la idea del escritor encerrado en la torre de marfil, consideró que ningún escritor español de primera fila de los dos últimos siglos ha sido indiferente a la realidad, como tampoco lo fueron sus héroes literarios, entre los que mencionó a Kafka, Joyce, Borges o Proust.

A partir de este domingo, Cercas pasará a tomar posesión de la silla R, que dejó vacante Javier Marías, fallecido en 2022 y a quien dedicó la primera parte de su discurso.

Cercas ensalzó la profundidad, complejidad y ambigüedad de la obra del autor de Corazón tan blanco, y consideró a Marías un escritor “comprometido” o “peleón” que no evitó tomar partido acerca de los asuntos más espinosos.

Al hablar de sus lectores ideales, Cercas mencionó a Don Quijote y a Madame Bovary, dispuestos a emprender “la aventura más radical, arriesgada y revolucionaria: la aventura de vivir una vida acorde con nuestros sueños y nuestros deseos”.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/Marta Pérez, Luciano González y archivo.

Su primera novela, El duelo es esa cosa con alas, ganó numerosos premios internacionales, aunque admite que fue un “accidente”; la segunda, Lanny, estuvo nominada al Man Booker Prize; y ahora Max Porter (High Wycombe, Reino Unido, 1981) regresa con Shy, un relato fantasmagórico sobre un adolescente con dificultades para afrontar sus reacciones, pensamientos y conductas. “Estaba escribiendo una obra, metido en otros proyectos, y de repente tuve un sueño sobre un joven que era como una suerte de membrana que todo el mundo podía atravesar. Pensé: ‘Qué idea más excitante’”, cuenta el autor a Infobae España desde su hogar familiar en la ciudad inglesa de Bath.

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Shy es una novela distinta por su capacidad de trasladar, en sus páginas, la idea de que alguien está siendo consumido por sus vivencias. Recuerdos, diálogos, escenas que reviven y realidades que parecen oníricas. Con ella, Porter quiso cuestionarse las etiquetas que se adscriben a aquellas personas que no encajan en los estándares. “La forma más fácil de entender el libro es pensar en él como un fantasma”, cuenta. El autor habla de las limitaciones que encuentra el ser humano a la hora de hablar “de conciencia e identidad”: “Existen profundas implicaciones ancestrales que explican lo que somos”, relata.

Su nueva obra es una suerte de homenaje literario a la incertidumbre, a la idea de que el ser humano verídico es aquel que tiene cortes y heridas, y no tanto el robot perfecto que obedece al ritmo del capital. “Las personas que describimos como mentalmente enfermas o delincuentes son las más afinadas, sofisticadas, ambiciosas y potencialmente valiosas para la sociedad”, relata el escritor desde el otro lado de la pantalla.

También ironiza sobre la capacidad de evolución lingüística centrada en crear nomenclaturas para las diversas patologías, una realidad cambiante que, para el autor, resulta del todo ridícula. “La caja en la que hubiesen metido a Shy, mi protagonista, en los años 70 es diferente a la de los años 80, y ahora tendríamos un diagnóstico diferente para hablar de sus sentimientos”, cuenta. Sorprende la capacidad que tiene el autor para convertir la entrevista en una suerte de alegato contra el hastío coyuntural. No esconde su malestar y tampoco se opone a hablar de aquello que, como al joven al que da vida en su novela, le atormenta.

“Tenemos que dejar de decir que hay una normalidad, que hay una abeja trabajadora capitalista feliz y funcional. Es jodidamente absurdo decir eso del ser humano, cuyo principal atractivo, para mí, es que es excéntrico, roto, interesante, pervertido y culpable. Tenemos cicatrices. ¿No es esa la gracia del asunto?”, se cuestiona.

“La brújula política está fundida”

Max Porter construye en Shy un relato de concupiscencia adolescente que mantiene la fidelidad a la época: violencia masculina e insultos noventeros. “Sabía que tendría que ser un espacio que incluyera la homofobia, fórmulas misóginas viciosas, chistes de retretes, penes y culos”, cuenta. Admite que, al preguntar por el vocabulario callejero que reinó en su país durante dicha década, el insulto clave era “gay” (una suerte de ‘maricón’ en su traducción anglosajona). “Es una superficie política y literaria desagradable, pero ahí era donde estaba la comunicación masculina dominante”, relata.

Para el escritor británico, sus novelas nacen de situaciones esotéricas que deciden habitar su tranquilidad rutinaria. Cuando estaba pensando en su primer libro, El duelo es esa cosa con alas, un cuervo se posó en su jardín. “Estás contratado”, pensó él entonces. Cuando los primeros pasajes de Lanny rondaban su cabeza, estaba en el bosque y vio “una cara entre los arbustos”. Con Shy, “estaba en una playa pensando sobre este adolescente sobre el que quería escribir” y de repente empezó a oler muy mal. “Se abrió un hueco en medio de todas las familias que estaban jugando al fútbol”, añade.

Porter no puede evitar esconder su malestar durante su conversación con este medio. “Estamos atravesando un momento de profunda crisis, no me siento muy optimista”, dice. “Si hubiera mejores formas de entender hasta qué punto estamos motorizados por la supremacía blanca y el racismo, quizá no estaríamos donde estamos. Hay una violencia interior en nosotros que es insaciable”, cuenta desolado. El autor comienza a explicar por qué la vitalidad que atesoraba hace un año, cuando estaba dando lecciones de escritura creativa en prisiones, se ha disipado por completo. “Acabo de volver de una semana en Palestina, así que, francamente, no tengo ninguna esperanza” por el futuro del ser humano. Por eso, “me gustaría parar el mundo y meter a Elon Musk y Donald Trump en una sesión urgente de psicoanálisis”, dice ahora con una sonrisa pícara.

Su actitud no cambia a la hora de hablar de la realidad política en Reino Unido. Le sorprende, y “alegra”, que algunas de las noticias de su país crucen las fronteras informativas. “Tenemos un Gobierno que parece extrañamente peor que los anteriores”, dice consternado, pero manteniendo ese humor único a su pasaporte. “La brújula política está fundida en Reino Unido”, añade después de una conversación sobre la noticia de que su país dará Ozempic a los desempleados con sobrepeso. “Es distópico, es de ciencia ficción”, apostilla. “Debemos documentar este momento, porque todo el mundo piensa que el suyo es el último y el peor, pero nunca lo es ni lo será”, concluye.

La editorial Almuzara publica la obra ganadora del XXIV Premio de Novela Rural de la Diputación de Córdoba, 'Cizaña', del colombiano Carlos Sanclemente, que cuenta la historia que sucede en un pequeño pueblo de la Colombia profunda, de nombre Guayabara, cuando el día 31 de diciembre se va la luz.

Según la información facilitada por la Diputación de Córdoba a Europa Press, el jurado del premio, compuesto por Alejandro López Andrada; Joaquín Pérez Azaústre; Sergio del Molino Molina; Inmaculada Chacón Gutiérrez y Noemí González Sabugal, decidió por unanimidad el pasado mes de noviembre conceder el premio, entre las 82 obras presentadas, a la creación de Carlos Sanclemente.

La novela cuenta la historia del apacible y quieto pueblo colombiano de Guayabara, que se torna en un runrún de habladurías cuando el 31 de diciembre, poco antes de la medianoche y de celebrar el año que llega, sufre un apagón, y si no hay luz, no hay fiesta. El que más y el que menos lo sufre, el fastidio impera y la sabia decisión popular decide celebrar al día siguiente como si fuera el último del año. Por su parte, Rómulo ha tomado de más y acaba la noche en su catre, casi moribundo.

Pero la mañana siguiente, que levanta y solivianta los ánimos de las gentes del pueblo, Rómulo ha desaparecido, no está en su habitación. La niña Marta ha ido a despertarle para que tome el desayuno, pero no hay ni rastro de él, ni debajo de la cama. No lo han visto los hombres, ni las mujeres, ni tampoco los niños, aunque alguno diga que le divisó a lo lejos con una maleta en la mano.

Rómulo, un hombre hosco y de escasos bienes, es el telefonista y guarda con celo la recaudación de Telecom que debía haber llevado a la ciudad días atrás y que por remolonería y pereza decidió guardar unos días más en la habitación que ocupa. ¿Se ha fugado con el dinero? ¿Se ha ahogado en el río? ¿Un secuestro quizá? ¿Le importa a alguien, de verdad, lo que le haya pasado a ese hombre?

El autor, Carlos Sanclemente (Popayán, Colombia, 1979), teje una narración viva en la que cada uno de los habitantes de este microuniverso tiene algo que decir. Ellas y ellos se afanan en elucubrar, en ver la paja en ojo ajeno y no la viga en el propio, y él les da voz y les deja que imaginen y que hablen en voz alta.

Es autor de la novela 'Los que esperan su duelo (Berenice, 2021)', un retrato desgarrador de la guerra en Colombia en el que se alerta sobre los efectos demoledores de la ausencia, la desmemoria y el olvido; con este relato resultó finalista del VI Premio Albert Jovell de Novela, auspiciado por la Fundación para la Protección Social de la OMC.

También es autor de 'El gobierno de los bánvaros (Utopía, 2016)', una novela que recrea el vehemente estado emocional de un país 'democrático' en pleno éxtasis bélico a través de su figura presidencial.

Licenciado en Ingeniería Agroforestal por la Universidad de Nariño (Colombia), con máster en Agroecología y diplomatura de Estudios Avanzados en el Área de Sociología, combina su faceta literaria con su labor como investigador del Departamento de Geografía, Historia y Filosofía de la Universidad Pablo de Olavide (Sevilla) en la vertiente de la socioecohidrología de los agroecosistemas.

(EUROPA PRESS)

Irene Dalmases

Barcelona, 26 oct (EFE).- Poeta y traductora, Corina Oproae ha debutado con éxito en la narrativa, puesto que su primera novela, 'La casa limón', es la ganadora del último Premio Tusquets, una historia contada con la voz de una niña sobre los años de descomposición del régimen del dictador rumano Nicolae Ceaușescu.

Nacida en Rumanía en 1973, pero establecida en Cataluña desde 1998, y con nacionalidad española desde 2002, la escritora ha explicado en una entrevista con EFE que cuando empezó a tejer este proyecto en castellano no tenía ganas de hacer un retrato del comunismo en sus dos décadas finales.

"Mi primera intención -descubre- era sacar a la luz una época que durante muchos años no podía mirar, dándome cuenta de que ahora tengo una mirada sobre aquel período y pensaba que, además, tenía una voz con la que poder encararla. Mirarla literariamente ha sido un privilegio".

No esconde que ha armado esta obra por "necesidad", porque es como si durante años hubiera vivido otra vida, de la que no quería saber nada, pero "llegó un momento en el que era imposible no mirar hacía allí".

"Es muy importante no olvidar las lecciones de la historia. Esta es una novela que puede provocar preguntas. Creo que todos tenemos que hacer lo que podamos para que los errores del pasado no se repitan. Tal como está el mundo, parece que no tiene sentido lo que digo, pero tenemos que intentarlo, también con la literatura, que hoy es lo que puede ser más revolucionario", asevera.

Ya en las librerías, 'La casa limón', una novela sinestésica, según su autora, poética y con un aire onírico, se adentra en los últimos veinte años del comunismo rumano a través de la voz narrativa de una muchacha que trata de entender lo que ocurre a su alrededor, tras haber construido debajo de la mesa del comedor un castillo de libros en el que se siente muy cómoda y protegida.

Dedicada, entre otros, a su hija Stela, que cuando era pequeña en su primer viaje a Rumanía preguntó, "Mamá, ¿de dónde cayó el comunismo?", Corina Oproae tiene claro que para poder responder a una pregunta como esa y para crear este relato necesitaba tiempo.

"El tiempo -asegura- es un aliado, porque permite verlo todo con una mirada retrospectiva, evidentemente, sin nostalgia, porque es imposible echar en falta una dictadura como la de Rumanía".

A los 35 años del derrocamiento del régimen, sin embargo, piensa Oproae en "todo lo que ha quedado, en todo lo que supone un tipo de vivencia como aquella, que todavía es como si sucediera ahora, porque fue muy traumática".

Se trataba, resalta, de un sistema de "represión que era una maquinaria de poder muy perfeccionada, pero a la vez, muy mal pensada".

Ante sus ojos, tal como describe en la novela, ocurrieron demoliciones de casas de amigos, que fueron sustituidas por grises bloques de pisos, o veía cómo había conversaciones que sólo eran posibles entre la familia más inmediata, porque si salían de aquel reducto podían ser "comprometedoras" para sus allegados.

"Yo de pequeña tendía a expresarlo todo y recuerdo como mis padres decían: ¿Qué tenemos que hacer con esta niña para que no vaya diciendo nada por ahí?", confiesa la escritora.

Igual como ocurre en sus anteriores libros de poesía, en su debut narrativo aparecen algunas de sus obsesiones como la ausencia, la muerte, la falta de libertad, la toma de decisiones o la enfermedad mental.

Corina Oproae relata en 'La casa limón' lo que sucede con el padre de la familia protagonista, un hombre con una enfermedad mental, algo que en su Rumanía natal era "un tabú".

Y tampoco obvia que a la hija de este hombre le salvan los libros, "el hilo de oro que es la literatura, que todo lo zurce", en "un mundo que no acaba de funcionar".

Feliz del reconocimiento que supone un premio como el Tusquets por una obra que no ha escrito en su lengua natal, Corina Oproae está trabajando en un nuevo libro de poemas y también tiene en cabeza otras nuevas historias, pero debe estar "convencida" de que literariamente valen la pena para poderlas publicar. EFE

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Miami (EE.UU.), 23 oct (EFE).- El actor estadounidense Ron Ely, que interpretó a 'Tarzán' en la serie homónima del canal NBC de 1966 a 1968, falleció a los 86 años, confirmó este miércoles su hija en un comunicado.

"El mundo ha perdido a uno de los hombres más grandes que ha conocido, y yo he perdido a mi padre", dijo su hija, Kirsten, en un comunicado en el que informó que falleció en su casa rodeado de sus seres queridos.

La hija del actor destacó las facetas de su padre: "Actor, escritor, entrenador, mentor, hombre de familia y líder", una persona que "creaba una poderosa ola de influencia positiva dondequiera que iba", que tenía un "impacto" especial en los demás.

Ely saltó a la fama por primera vez en la década de 1960, tras conseguir el papel principal en 'Tarzán' de la cadena NBC, la serie de televisión que se emitió desde 1966 hasta 1968.

Más tarde regresó para protagonizar 'Doc Savage: El hombre de bronce', de Universal, en 1975.

Posteriormente, el actor desempeñó papeles de invitado en algunos de los programas de televisión más importantes, como 'La Mujer Maravilla', 'El Crucero del Amor', 'La Isla de la Fantasía' y 'Superboy'.

El actor se embarcó también en una carrera profesional como escritor y es autor de dos novelas de misterio, 'Night Shadows' (1994) e 'East Beach' (1995).

La vida de Ely cambió radicalmente en 2019 cuando su hijo, Cameron, que supuestamente sufría las primeras etapas del trastorno de encefalopatía traumática crónica (CTE), mató a puñaladas a su madre, la esposa del actor.

Cameron fue abatido luego por agentes del departamento del alguacil del condado de Santa Bárbara, en California.

"Mi mayor consuelo es saber que mi padre está con mi madre y mi hermano. También es mi mayor tristeza porque los extraño tanto a todos que está grabado en mi alma (...) hasta que todos nos volvamos a encontrar", añadió su hija, según recogieron medios nacionales. EFE

Valencia, 21 oct (EFE).- El escritor, guionista, productor y director de cine Rodrigo Cortés asegura que, como espectador y como lector, lleva mal que le sermoneen, y su intención en sus trabajos "no es hacer un mundo mejor, sino hacer una película mejor si es posible", respetando al público y que lo que suceda en la pantalla "rebote en sus vivencias personales".

Cortés reflexiona así en una entrevista a EFE en los cines LYS de Valencia, donde se encuentra este lunes de promoción de su última película, 'Escape', que se estrenará en salas el jueves 31, protagonizada por Mario Casas y con producción ejecutiva de Martin Scorsese, su "referente desde la adolescencia", a quien conoció hace seis años en los premios Princesa de Asturias.

Destaca del cineasta estadounidense que, después de haber conocido a muchos ejecutivos de Hollywood y de estudios, "es, con mucha diferencia, la persona más amable, prudente y respetuosa" con la que ha tratado.

"No tiene ninguna gana de ahogar voces, supongo que, entre otras cosas, porque él ha luchado mucho para preservar la suya en un mundo que trataba de acabar con ellas", elogia, y agradece que lleve aprendiendo de él desde los 13 años.

Sobre su nuevo largometraje, 'Escape', señala que es una interpretación libre de la novela homónima de Enrique Rubio, que dejó poso en él y que ha querido "honrar" pero "sin dulcificarla ni domesticarla".

La película cuenta la historia de "un hombre roto, un hombre estropeado, como el mecanismo de un reloj, que decide bajarse de la vida", interpretado por Mario Casas.

El personaje (N), lleno de "aristas y contradicciones", quiere dejar de tomar decisiones y la cárcel "es el epítome de la vida reglada y la dejación de la responsabilidad personal", explica el director.

La película no plantea una reflexión sobre grandes temas, como la salud mental, ni pretende "dar sermones", asevera. Lo que le interesa es el personaje, "sus verdades y contradicciones, su ambivalencia", del mismo modo que cree en tratar a todos los personajes "sin condescendencia y sin paternalismo, mostrando lo que son".

"Llevo mal que me sermoneen y, por lo tanto, no se me ocurriría hacerlo", asegura, y su intención "no es hacer un mundo mejor, sino una película mejor si es posible".

'Escape', reflexiona, "es una gran pregunta que permite muchas respuestas porque muchas cosas son verdad a la vez".

Así, recuerda que cuando empezó a abordar el personaje de N con Mario Casas tomaron aspectos de sitios distintos, como el comportamiento de gente del espectro autista, del animal en las posturas o del niño en su "aspecto puro, inocente y cándido, pero también en el egoísta, primario y manipulador". Y el personaje es, al final, "la suma de todas esas contradicciones".

La película, añade, "es tan kafkiana que en el fondo es antikafkiana porque en Kafka tendríamos a un personaje diminuto, excedido por las circunstancias externas y en este caso casi es él la apisonadora que va derribando bolos alrededor. Nadie sale indemne de su contacto con él y son los demás los que salen enloquecidos de la aventura".

Completan el reparto Anna Castillo, José Sacristán, Josep María Pou, Blanca Portillo, Guillermo Toledo, Juanjo Puigcorbé, David Lorente, José García y el cantautor Albert Pla, "una tripulación que ha sido un regalo", agradece.

Cortés vuelve a jugar en este trabajo con la comedia, el drama e incluso algunos elementos del 'thriller' y la clave de la película, asegura, "es el tono". "Lo cómico es trágico a la vez. Puedes reírte y sentir pena a la vez, ni siquiera por turnos o incluso pueden crearse reacciones muy diferentes en la sala en el mismo instante", explica.

Considera que la película "va a ser tantas como espectadores la vean" ya que "todas las interpretaciones son posibles y muy probablemente certeras", desde el respeto total que tiene al público.

Cortés espera que "cuatro personas que van juntas a ver la película tengan cosas diferentes que decir en la hamburguesa de después y que la película no acabe cuando acaba, que siga dando vueltas en la cabeza y que más de una se dé cuenta de que al día siguiente sigue extendiendo sus tentáculos". EFE

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Seúl, 17 oct (EFE).- La escritora surcoreana Han Kang, Nobel de Literatura 2024, dijo este jueves que confía en publicar una nueva novela en la primera mitad de 2025, aunque matizó que sus anteriores predicciones sobre cuándo iba a terminar sus libros "siempre fueron erróneas", durante su intervención al recoger un galardón en Seúl.

Kang se pronunció así en la ceremonia de entrega de premios de la Fundación Pony Chung en la capital surcoreana, donde se le concedió el galardón a la innovación, y en lo que supuso una de sus escasas apariciones públicas desde que fuera anunciada como ganadora del Nobel de Literatura la semana pasada.

"Cuando se me informó por parte del comité del Nobel, no parecía real, y simplemente traté de continuar manteniendo una conversación normal", dijo la escritora sobre el momento en que tuvo constancia del galardón.

"Fue después de colgar el teléfono y al comprobar las noticias cuando emergió una sensación de realidad. Hice una celebración tranquila esa noche", dijo Kang.

La escritora se definió "como una persona que conecta con el mundo a través de su escritura", y dijo que a partir de ahora, "espera continuar escribiendo y encontrándose con sus lectores en los libros".

Afirmó que se encuentra trabajando para completar una novela que comenzó a escribir la pasada primavera, y dijo que "estaría bien si el nuevo libro puede encontrarse con los lectores" durante la primera mitad del año próximo.

"Pero como mis propias predicciones sobre el tiempo para completar una novela siempre han sido erróneas, es difícil para mí señalar un periodo concreto", añadió.

Desde el pasado jueves, cuando se anunció el Nobel de Literatura, Kang solo se había pronunciado públicamente en unas breves declaraciones recogidas por la Fundación Nobel y en una escueta entrevista concedida a la cadena pública sueca SVT.

La escritora decidió no hacer ninguna aparición mediática ni participar en celebraciones con motivo de ese galardón mientras haya guerras en el mundo, según dijo su padre, el también autor Han Seung-won.

Han, de 53 años y nacida en Gwangju (sur de Corea del Sur), fue galardonada con el Nobel de Literatura "por su intensa prosa poética que se enfrenta a traumas históricos y expone la fragilidad de la vida humana", según anunció la Academia Sueca.

Hija del famoso escritor Han Seung-won, en la obra de la novelista surcoreana destacan títulos como 'La Vegetariana' (Penguin Random House), galardonada en 2016 con el Premio Booker; 'Blanco' (Rata Books) o 'Actos humanos' (Rata Books). EFE

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El escritor británico Ken Follet ha anunciado que el próximo 23 de septiembre de 2025 publicará una nueva novela, 'El círculo de los días', para la que se ha inspirado en el "misterio" de Stonehenge (Inglaterra).

El autor ha adelantado la noticia este martes a través de su cuenta en X asegurando que el contenido de la nueva obra tratará sobre el "mayor" y "más misterioso" monumento megalítico. "¿Cómo se construyó? ¿Y por qué?", ha añadido el autor.

La preventa del libro, que edita Plaza & Janés en España, está disponible en la página web oficial de Follet.

Precisamente, el pasado septiembre de 2023, el escritor regresaba con el lanzamiento de 'La armadura de la luz' (Plaza & Janés), la quinta novela con la que ponía fin a la saga 'Los pilares de la Tierra' y entonces aseguró que ya eran "suficientes" por lo que había que dejar la saga antes de que los lectores se "aburriesen".

La escritora madrileña Paloma Sánchez-Garnica ha ganado el Premio Planeta 2024, dotado con un millón de euros, con la novela 'Victoria', tres años después de haber sido finalista del mismo galardón con 'Últimos días en Berlín'.

Sánchez-Garnica presentó la novela al Premio Planeta bajo el título 'Buenas noches y buena suerte' y el seudónimo de Anna Ajmátova, según ha anunciado el jurado este martes en la gala de entrega en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC).

La novela ganadora narra como Victoria, en el Berlín derrotado por la Segunda Guerra Mundial, se ve obligada a partir a Estados Unidos para ejercer de espía de los rusos, y allí vive una historia de amor.

La protagonista regresa a su ciudad donde se convierte en una famosa locutora de radio, logra reunirse con su familia y vive en directo la construcción del muro.

Paloma Sánchez-Garnica (Madrid, 1962) es licenciada en Derecho y Geografía e Historia, es autora de novelas como 'El gran arcano', 'La brisa de Oriente', 'El alma de las piedras', 'Las tres heridas', 'Sonata de silencio', de la que se hizo una adaptación televisiva, 'Mi recuerdo es más fuerte que tu olvido' y 'La sospecha de Sofía'.

Barcelona, 15 oct (EFE).- La escritora superventas Paloma Sánchez-Garnica ha ganado esta noche el 73º Premio Planeta, dotado con un millón de euros, con la novela 'Victoria', que narra la historia de una mujer del Berlín derrotado de la Segunda Guerra Mundial que se ve envuelta en una trama de espionaje.

La ganadora del Planeta, que ha recibido el galardón de manos del rey Felipe VI, se había presentado bajo el seudónimo de la poeta rusa Anna Ajmátova, había ocultado el título de su novela bajo el ficticio y cinematográfico 'Buenas noches y buena suerte'.

El jurado del premio, formado por José Manuel Blecua, Juan Eslava Galán, Pere Gimferrer -ausente por estar convaleciente-, Carmen Posadas, Luz Gabás, Eva Giner y la editora Belén López, como secretaria con voto, había elegido poco antes como finalista la novela 'Fuego en la garganta', de Beatriz Serrano. EFE.

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Barcelona, 15 oct (EFE).- La escritora superventas Paloma Sánchez-Garnica ha culminado un recorrido en tan solo ocho años desde que ganó en 2016 el Premio Fernando Lara hasta esta noche en la que ha sido proclamada ganadora del 73 Premio Planeta de novela, galardón del que ya fue finalista en 2021, cuando ganó Carmen Mola.

Licenciada en Derecho y Geografía e Historia, Sánchez-Garnica nació en Madrid en 1962 y es autora de "El gran arcano" (2006), "La brisa de Oriente" (2009), "El alma de las piedras" (2010), que tuvo un gran éxito entre los lectores, "Las tres heridas" (2012) y, sobre todo, "La sonata del silencio", de la que se hizo una adaptación para una serie en TVE, que supuso su consagración entre la crítica y los lectores como una escritora de gran personalidad literaria.

"Mi recuerdo es más fuerte que tu olvido", de la que se publicaron cinco ediciones y fue vendida a todos los países de habla anglosajona, obtuvo el Premio de Novela Fernando Lara 2016.

En su novela "La sospecha de Sofía", con más de una docena de ediciones, Sánchez-Garnica reivindicaba a las mujeres científicas a través de Sofía, un personaje inspirado en la bioquímica Margarita Salas, discípula de Severo Ochoa que a sus ochenta años todavía iba al laboratorio pese a estar jubilada.

En todas sus novelas domina un trasfondo histórico en ocasiones mezclado con elementos del thriller y el misterio, que hacen viajar al lector del pasado al presente.

Con 'Últimos días en Berlín', finalista del premio Planeta en 2021, abordó el tema de los totalitarismos de los años 30 y 40 en Alemania y la Unión Soviética.

Unos totalitarismos de los que en la actualidad "nos creemos a salvo, libres en una sociedad acomodada y avanzada, pensando que en nuestra democracia no pueden ocurrir", pero, advertía entonces la autora, puede volver a suceder.

Paloma Sánchez-Garnica ha vuelto con la novela ganadora del Planeta al Berlín en el que ya ha ambientado otra de sus novelas, una capital por la que confiesa su predilección: "Es una ciudad que ha sabido asimilar su propia historia, sus propias culpas y hacerlas visibles". EFE.

Madrid, 15 oct (EFE).- 'Circle of days' es el título de la próxima novela del escritor galés Ken Follett (1949), que llegará a las librerías el 23 de septiembre de 2025, con una trama que se centra en el monumento prehistórico de Stonehenge y su construcción.

Según ha anunciado la editorial Plaza & Janés en un comunicado, la obra saldrá a la venta simultáneamente en todo el mundo sin que por el momento haya trascendido el título en español. El libro se publicará en formato impreso, digital y audiolibro en todos los países de habla hispana y también contará con versión en catalán.

Follett, que alcanzó la fama con 'Los pilares de la tierra' (1989), sobre la construcción de una catedral medieval, ha vuelto a centrar su trabajo en la construcción de otro gran monumento, en este caso del monumento megalítico de Stonehenge, en el Reino Unido, alrededor del cual no existe un consenso científico sobre su verdadero propósito.

La novela cuenta la historia de un cantero y su amada, hermana de una sacerdotisa, que confluyen en el evento del solsticio de verano, en plena construcción del complejo prehistórico británico. Según el autor, una edificación que representa "un logro extraordinario, y uno de los mayores misterios de todos los tiempos, una combinación fantástica para escribir una historia". EFE