Desde el 3 de agosto de 2026, la aplicación nativa de Netflix dejará de funcionar en una amplia gama de celulares antiguos. Esta decisión afecta tanto a usuarios de Android como de iPhone cuyos dispositivos ya no pueden instalar las versiones más recientes de sus sistemas operativos.

La plataforma streaming ya no permitirá abrir, actualizar ni instalar la app en los celulares afectados. Los usuarios deberán buscar alternativas para acceder a contenidos, porque la interrupción impacta tanto en el acceso a películas y series como en la disponibilidad de nuevas funciones y actualizaciones de seguridad.

Qué celulares Android se quedan sin la app de Netflix

Entre los dispositivos Android que pierden acceso a Netflix se encuentran modelos lanzados entre 2011 y 2014. Entre los celulares afectados figuran el Samsung Galaxy S3, Galaxy Note 2, Galaxy Grand Prime, LG Optimus L5, Optimus L7, LG G2 y los Sony Xperia Z, Xperia Z1 y Xperia E3.

Estos teléfonos no pueden ejecutar versiones recientes del sistema operativo Android, lo que los deja sin posibilidad de recibir futuras actualizaciones de seguridad y funciones.

La imposibilidad de actualizar el sistema operativo limita el funcionamiento de la aplicación y expone a los usuarios a riesgos de seguridad, sumado a impactar en el uso de servicios críticos como mensajería y banca digital.

Cuáles modelos de iPhone no podrán acceder a la aplicación de Netflix

La restricción alcanza a modelos iPhone que no sean compatibles con iOS 18.0 o versiones superiores. Entre los modelos afectados se encuentran el iPhone X, iPhone 8 y 8 Plus, iPhone 7 y 7 Plus, iPhone 6s y 6s Plus, el iPhone SE de primera generación y cualquier modelo anterior.

Quienes continúan utilizando estos dispositivos tendrán que considerar una actualización para mantener el acceso a Netflix y a otras aplicaciones esenciales para la vida diaria. El cese del soporte implica el fin de futuras actualizaciones, lo que incrementa las vulnerabilidades.

Cómo saber si un dispositivo es compatible con Netflix y otras aplicaciones

Para determinar si un celular podrá seguir usando Netflix u otras aplicaciones, es fundamental verificar la versión del sistema operativo. En Android, se debe ingresar al menú ‘Configuración’ o ‘Ajustes’, seleccionar la opción ‘Acerca del teléfono’ y consultar ‘Información del software’, donde aparece la versión de Android y el nivel de seguridad.

En el caso de los iPhone, esta información se encuentra en ‘Configuración’, sección ‘General’ y luego en ‘Información’. Comprobar estos datos permite anticipar tanto la exclusión del servicio streaming como la de otras aplicaciones que requieren sistemas actualizados para operar correctamente y proteger la información personal.

Qué otros dispositivos pierden acceso a la aplicación de Netflix

La decisión de Netflix alcanza a dispositivos como los Apple TV de primera, segunda y tercera generación, así como a televisores inteligentes fabricados antes de 2015 por marcas como Panasonic, LG y la línea Samsung Smart TV serie EOS (2012-2015).

El cambio afecta a varios televisores, reproductores multimedia y dispositivos de streaming, modificando la experiencia de usuario y aumentando la exposición a riesgos de seguridad.

Por qué las aplicaciones dejan por fuera de soporte a dispositivos antiguos

La principal razón detrás de la restricción es la seguridad. Los dispositivos sin soporte de actualizaciones ni parches quedan expuestos a vulnerabilidades que incrementan el riesgo de malware, robo de datos y ataques informáticos.

Asimismo, cuando un dispositivo queda obsoleto, aplicaciones esenciales como mensajería, banca, compras y autenticación pueden dejar de funcionar correctamente.

Netflix explicó que la falta de compatibilidad genera bloqueos, lentitud y fallas en procesos cotidianos, afectando desde la recepción de mensajes hasta la protección de cuentas personales. Todos los fabricantes sugieren actualizar los dispositivos para mantener la seguridad y el acceso a todas las funciones de la plataforma.

Más de una década después de su muerte, el nombre de la guionista y escritora Norah Ephron no ha dejado de crecer en importancia. Esta autora fue una de las voces más ingeniosas e incisivas del panorama estadounidense en las últimas décadas del siglo XX, y novelas como Se acabó el pastel dan buena cuenta de ello. Publicada en 1983, esta obra es uno de los retratos más sinceros y al mismo tiempo hilarantes sobre el derrumbe de un matrimonio.

Parcialmente autobiográfico, este libro supuso un gran impulso en la popularidad de Ephron, quien transformó el dolor de una traición en un relato lleno de ironía y dignidad. Su tono aparentemente ligero esconde una profunda reflexión sobre la pareja y la resistencia femenina ante momentos verdaderamente difíciles. Con estos ingredientes, su historia trascendería el papel y acabaría siendo adaptada tres años después con una película con la propia autora como guionista y con dos de los actores más prestigiosos de Hollywood: Meryl Streep y Jack Nicholson.

Una crónica ácida llena de estrellas

Se acabó el pastel, disponible en Netflix hasta el próximo 5 de agosto, es una cinta dirigida por Mike Nichols (conocido por títulos como El graduado o Cegados por el deseo). Como la novela, se adentra en la vida de una escritora que abandona su carrera por amor, solo para descubrir la amarga infidelidad de su esposo, un columnista incapaz de dejar atrás sus viejas costumbres. El relato, cargado de humor y desencanto, se apoyó en la naturalidad y la mirada irónica que Ephron imprimió en su libro, lo que cosechó muchas reacciones positivas. “Una obra maestra, una colaboración de artistas maduros en su máximo esplendor artístico”, escribían en su momento en una crítica de The Washington Post.

La producción no solo deslumbra por la química entre Streep y Nicholson, dos gigantes de la actuación que suman un total de seis premios Oscar a la mejor interpretación principal o de reparto, sino que también destaca por los nombres que completan el reparto. Así, Jeff Daniels, Catherine O’Hara y Maureen Stapleton logran un gran resultado frente a la cámara. A una escala más pequeña, también hay que destacar los papeles del reputado cineasta Milos Forman o los entonces jovencísimos Natasha Lyonne y Kevin Spacey.

Por su parte, Ephron ya había ejercido como guionista antes en Silkwood, por la que de hecho fue nominada a un Oscar. Sin embargo, fue por Se acabó el pastel que la escritora se introduciría de lleno en el mundo del cine, donde ya orientada hacia la comedia firmó producciones tan recordadas como Cuando Harry encontró a Sally, Algo para recordar o Tienes un e-mail. Más adelante, también cosecharía importantes éxitos como directora, en títulos como Embrujada o Julie y Julia, donde por cierto, coincidiría una vez más con Meryl Streep.

El vínculo entre Meryl Streep y Jack Nicholson

Más allá del éxito cosechado, Se acabó el pastel fue también un importante hito para sus intérpretes principales, quienes desarrollaron una sólida relación de amistad que se consolidó con los años. Así, Meryl Streep y Jack Nicholson, quienes volverían a interpretar a una pareja el año siguiente en la mucho menos exitosa Tallo de hierro, llevan años profesándose una admiración mutua.

Con todo, ese respeto en lo profesional no les priva de tener la suficiente confianza como para, por ejemplo, que Nicholson asistiera a un homenaje a la actriz en 2004 y le dijera: “Eres perfecta. De algún modo te están convirtiendo en una ‘vaca’ sagrada y ya sé lo mucho que te gusta eso. Esto es lo que tengo que decir al respecto: ‘Muuuu. Muuuu.’”

La cosa no solo quedó en un chiste, pues Nicholson la describió, bromas aparte, como una actriz “trascendente, talentosa, impasible, pasiva, hermosa y comprometida”. En otra ocasión, Meryl Streep reconocería que trabajar con Nicholson fue una experiencia placentera: “Si te gusta reír, lo cual a mí sí me gusta, te gusta trabajar con Jack. Me gusta trabajar con Jack porque es puro, puro placer. Es un hombre gracioso, un hombre generoso y un hombre inteligente”.

Kim Go-eun se alzó con el Daesang, el gran premio de los 5.º Premios Blue Dragon de Series, celebrados el 31 de julio en el complejo Paradise City de Incheon, Corea del Sur.

La actriz recibió el galardón por su trabajo en la serie de Netflix Tú y todo lo demás. Con lágrimas en los ojos y 14 años de trayectoria desde su debut en 2012, dedicó el premio a su constancia.

“Nunca he dado por sentado el privilegio de trabajar en un proyecto. Me acerco a cada papel con sinceridad, determinación y un profundo sentido de la responsabilidad”, declaró la actriz ante Korea JoongAng Daily.

Y añadió: “Seguiré trabajando duro para que el público siga con curiosidad sobre lo que puedo mostrar como actriz”.

Fue su segunda distinción en la historia del certamen, tras ganar la Mejor Actriz en la primera edición de 2022 por Yumi’s Cells.

El jurado también valoró sus actuaciones en El precio de una confesión y Yumi’s Cells Season 3 para otorgarle el reconocimiento máximo.

La gran triunfadora de la noche en el apartado de series fue La leyenda del cocinero del ejército, comedia de la plataforma Tving que acumuló tres premios: Mejor Serie, Mejor Actor de Reparto para Yoon Kyung-ho y el Premio de Popularidad a la Mejor Canción Original.

“Nunca lo imaginé. Solo estar nominado junto a actores tan talentosos ya era un honor”, dijo Kyung-ho en declaraciones recogidas por Korea JoongAng Daily, visiblemente emocionado.

Shin Hye-sun obtuvo la Mejor Actriz por El arte de Sarah (Netflix), mientras que Park Hae-soo ganó el Mejor Actor por su papel de detective en Scarecrow (ENA), la serie con más candidaturas de la noche, con seis.

Park Bo-kyung recibió la Mejor Actriz de Reparto también por El arte de Sarah en lo que fue su primer galardón.

“Solía pensar: ‘¿Llegará algún día mi momento?’”, confesó la actriz en declaraciones recogidas por Chosun.

En la categoría de entretenimiento, Más vale tarde que solteros (Netflix) se llevó el premio al Mejor Programa de Variedades.

Kim Won-hoon, de SNL Korea Season 8 (Coupang Play), y Kim Sook, de Screwballs: The Rival (Netflix), se impusieron como Mejor Presentador y Mejor Presentadora, respectivamente.

La ceremonia fue conducida por Lim Yoona y Jun Hyun-moo.

Los k-dramas de Kim Go-eun que puedes ver en streaming

La carrera de Kim Go-eun en la pantalla chica abarca títulos de géneros muy distintos, disponibles en diversas plataformas de streaming.

Cheese in the Trap retrata la vida universitaria de Hong Seol, una estudiante que mantiene una relación ambigua con Yoo Jung, un compañero de apariencia impecable pero de motivaciones opacas, en una historia que mezcla romance y desconfianza. Disponible en Prime Video.

En Goblin, Go-eun interpreta a Ji Eun-tak, una joven capaz de ver fantasmas cuyo destino está atado al de un ser inmortal que busca liberarse de una maldición centenaria. La serie combina fantasía, romance y tragedia. Disponible en Viki.

El rey: Eterno monarca sitúa a la actriz frente al emperador Lee Gon en una trama de universos paralelos, conspiraciones e identidades duplicadas que amenazan la estabilidad de dos mundos. Disponible en Netflix.

Yumi’s Cells cuenta la vida cotidiana de su personaje a través de una propuesta visual original: las emociones y pensamientos de la protagonista se personifican como células internas que guían, y a veces complican, sus decisiones románticas y laborales. Disponible en Viki.

Las hermanas enfrenta a tres hermanas con historias marcadas por la precariedad y los secretos familiares en un caso que involucra dinero, poder y corrupción, donde la lealtad entre ellas se pone a prueba. Disponible en Netflix.

Tú y todo lo demás, la serie por la que recibió el Daesang, sigue el reencuentro de dos mujeres unidas por recuerdos compartidos y heridas emocionales sin resolver, mientras ambas intentan cerrar lo que quedó pendiente entre ellas. Disponible en Netflix.

El precio de una confesión es un thriller psicológico en el que su personaje, arrastrada por la sospecha y la culpa, intenta descubrir la verdad detrás de los hechos que la rodean. Disponible en Netflix.

En solo un año, Las Guerreras K-Pop han pasado de ser personajes animados a convertirse en referentes globales de la cultura digital. La película, lanzada a finales de 2025, marcó un antes y un después en la forma de consumir y viralizar contenidos en la era del streaming.

Su impacto trasciende taquilla y rankings: ha redefinido la relación entre cine, música, redes sociales y videojuegos, consolidándose como un fenómeno transmedia que lidera tendencias, rompe récords y genera conversación constante.

Lanzada en 2025, la película se convirtió rápidamente en la producción más vista de la historia de Netflix, manteniéndose en el Top 10 global durante más de nueve meses y superando a éxitos de acción real y animación.

El grupo ficticio HUNTR/X, protagonista de la historia, vio cómo su canción “Golden” se transformó en la primera pieza de K-pop procedente de una película en ganar un Grammy y alcanzar el número uno en el Billboard Hot 100. En Spotify, la banda sonora batió récords con miles de millones de reproducciones, mientras las coreografías diseñadas por expertos en K-pop dominaron TikTok durante meses.

La estética colorida y los personajes carismáticos inspiraron millones de memes, edits y retos de baile, convirtiendo a los fans en creadores y multiplicadores del fenómeno. El universo de Las Guerreras K-Pop se amplió con productos interactivos, videojuegos y colaboraciones que alimentan un fandom global sostenido por la viralidad.

Dónde ver de manera legal y segura Las Guerreras K-Pop

Para quienes desean acceder a la película en español latino, Netflix es la única plataforma autorizada para su transmisión. La suscripción a este servicio garantiza calidad de imagen y sonido, opciones de audio y subtítulos, soporte técnico y protección frente a riesgos legales y de seguridad. Netflix opera bajo estrictos estándares internacionales, lo que permite a los usuarios disfrutar del contenido sin preocupaciones sobre derechos de autor ni sanciones.

A diferencia de portales piratas o aplicaciones ilegales, Netflix ofrece actualizaciones de seguridad y un catálogo validado, asegurando una experiencia personalizada y sin interrupciones.

Las investigaciones de INTERPOL advierten que los sitios piratas representan un riesgo claro para la seguridad digital. Muchos alojan malware capaz de dañar los dispositivos o robar información personal, incluidos datos bancarios y credenciales de acceso.

La ausencia de actualizaciones y la manipulación del software en estos servicios incrementan la vulnerabilidad, mientras que el malware puede propagarse a otros dispositivos conectados a la misma red, afectando incluso a equipos de trabajo o familiares.

El uso de plataformas no oficiales, además, expone al usuario a posibles fraudes con tarjetas de crédito y pérdidas económicas, ya que los métodos de pago carecen de protección y no existe atención al cliente ni garantía de privacidad.

Cómo transmitir Netflix del móvil al televisor

Para ver Las Guerreras K-Pop en pantalla grande desde el celular, Netflix facilita la transmisión inalámbrica con un método sencillo y seguro:

1. Conecta ambos equipos a la misma red WiFi: Asegúrate de que el teléfono y el Smart TV o Chromecast estén vinculados a la misma red.
2. Abre la app de Netflix en tu móvil: Inicia sesión y selecciona la película.
3. Toca el ícono de transmitir: Busca el símbolo de un rectángulo con ondas de Wi-Fi, generalmente ubicado en la esquina de la app.
4. Elige tu televisor o Chromecast: Selecciona el dispositivo en la lista desplegable.
5. Inicia la reproducción: El contenido comenzará a verse automáticamente en la pantalla grande, con calidad HD y audio en español.

Disfrutar de Las Guerreras K-Pop en español y con la mejor calidad solo es posible a través de Netflix, evitando riesgos asociados a servicios ilegales y garantizando una experiencia segura, legal y personalizada. El fenómeno de la película ilustra el alcance global del streaming y la importancia de optar por canales oficiales para proteger tanto la información personal como la calidad del entretenimiento digital.

El accidente ocurrió cuando la expedición liderada por Purja intentaba avanzar por la montaña. Según los reportes iniciales, el grupo perdió comunicación tras la avalancha y las labores de rescate se complicaron por las condiciones extremas del terreno. Algunos cuerpos fueron recuperados durante la búsqueda, entre ellos los de la alpinista omaní Nadhira Al-Harthy, la estadounidense Mallory Geis y el nepalí Pur Bahadur Gurung.

Purja inicialmente no tenía contemplado ascender Broad Peak esta semana. Según reveló el propio montañista en una publicación previa en redes sociales, el objetivo original era escalar únicamente el Gasherbrum II. Nimsdai cambió sus planes porque una cumbre en Broad Peak lo dejaría cerca de otro récord histórico: convertirse en la primera persona en conquistar los 14 ochomiles dos veces sin oxígeno suplementario.

“Broad Peak, solo pido un paso seguro hacia arriba y de regreso. No tomo a la ligera ninguna montaña”, escribió antes del ascenso.

De una infancia humilde en Nepal a los récords mundiales

Purja nació en 1983 en Dana, una pequeña localidad del oeste de Nepal ubicada cerca del macizo del Dhaulagiri. Su infancia estuvo marcada por las dificultades económicas. En entrevistas recordó que hubo momentos en los que incluso tener un par de sandalias era considerado un lujo.

Su familia tenía una fuerte relación con los Gurkhas, la histórica unidad de soldados nepalíes integrada al Ejército británico. Siguiendo esa tradición, Purja ingresó a los 18 años al Ejército británico en 2003. Primero formó parte de los Queen’s Gurkha Engineers y posteriormente dio un salto dentro de las fuerzas especiales: en 2009 ingresó al Special Boat Service, convirtiéndose en el primer Gurkha en formar parte de esa unidad.

Durante 16 años de servicio militar se especializó en guerra en condiciones de frío extremo y participó en operaciones, incluida una misión en Afganistán. Su disciplina y resistencia física serían elementos fundamentales para su posterior carrera en las montañas.

Esa afición llegó a su vida casi por casualidad. En 2012 realizó un viaje al campamento base del Everest y decidió intentar la cima del Lobuche East, una montaña de 6.119 metros. Aquella experiencia cambió su trayectoria. En 2014 alcanzó su primer “ochomil” al conquistar el Dhaulagiri, la montaña que domina la región donde nació. Dos años después llegó a la cima del Everest por primera vez.

El récord de los 14 ochomiles que llegó a Netflix

La hazaña que transformó a Purja en una figura internacional ocurrió en 2019 con su proyecto “Project Possible”, un desafío para escalar las 14 montañas más altas del mundo en menos de siete meses.

Antes de su intento, el récord vigente estaba cerca de los ocho años. Purja completó la misión en solo 189 días, seis meses y seis días, entre abril y octubre de 2019. Inició con el Annapurna el 23 de abril y terminó en el Shishapangma el 29 de octubre.

El logro fue registrado en el documental de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, estrenado en 2021, una producción que llevó su historia a millones de espectadores fuera del mundo del alpinismo. La película mostró la planificación militar detrás de la expedición, los riesgos de escalar en la llamada “zona de la muerte” y la participación de un equipo de montañistas nepaleses.

El documental convirtió a Purja en una figura conocida fuera del reducido círculo del montañismo. Su historia llegó a millones de espectadores y lo transformó en uno de los rostros más populares de la escalada de alta montaña.

Récords, críticas y una nueva visión del alpinismo

Tras su récord de 2019, algunos especialistas cuestionaron su método debido al uso de oxígeno suplementario, cuerdas fijas y una amplia estructura logística. Sus críticos consideraban que sus ascensos no podían compararse directamente con expediciones más autosuficientes de generaciones anteriores.

Purja defendía una visión diferente: argumentaba que su objetivo era demostrar nuevas posibilidades y, especialmente, dar mayor reconocimiento a los sherpas nepaleses que históricamente habían quedado en segundo plano frente a los alpinistas extranjeros.

Uno de sus mayores logros posteriores llegó en enero de 2021, cuando formó parte del primer equipo en conquistar el K2 durante el invierno. Los diez integrantes nepalíes llegaron juntos a la cima y cantaron el himno nacional de Nepal. En esa expedición, Purja alcanzó la cumbre sin oxígeno suplementario.

También impulsó actividades de impacto social a través de la Fundación Nimsdai, con iniciativas relacionadas con educación, limpieza de montañas y apoyo para trabajadores de altura. Además, construyó una casa de descanso para porteadores en la ruta del Everest.

Su trayectoria no estuvo exenta de controversias. En 2024, las montañistas Lotta Hintsa y April Leonardo lo acusaron de acoso sexual. Purja negó las acusaciones y, a través de sus abogados, afirmó que eran falsas y difamatorias.

Antes de su muerte, Nimsdai Purja trabajaba en el llamado Hat-Trick Challenge, un ambicioso proyecto que buscaba completar los 14 ochomiles y las Siete Cumbres tres veces cada una.

Purja deja a una familia que acompañó su trayectoria lejos de los reflectores. Estaba casado con Suchi Purja y tenía una hija, Himani. Según BBC, el alpinista vivía junto a ellas en Hampshire, Inglaterra, aunque sus expediciones lo mantenían lejos de casa durante largos periodos.

El reconocido alpinista nepalí-británico Nirmal “Nims” Purja, una de las figuras más destacadas del montañismo de alta montaña y protagonista del documental de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, murió a los 43 años tras la avalancha que sorprendió a su expedición en el Broad Peak, en Pakistán. La noticia fue confirmada este sábado 1 de agosto por Elite Exped, la empresa de expediciones que él mismo cofundó y que lideraba durante el ascenso.

En un comunicado difundido en redes sociales, la compañía expresó su “profunda tristeza” por el fallecimiento del montañista y confirmó que otros integrantes de la expedición tampoco sobrevivieron.

“Hoy lloramos no solo a Nims, sino a cada vida perdida en esta tragedia”, señaló la empresa, que también identificó entre las víctimas a los guías Pur Bahadur Gurung, conocido como “Yukta”, y Nima Sherpa. Elite Exped también solicitó respeto por la privacidad de las familias durante el duelo.

La tragedia ocurrió el jueves, cuando Purja encabezaba una expedición de diez personas con el objetivo de alcanzar la cima del Broad Peak, la duodécima montaña más alta del mundo, con 8.051 metros de altitud, ubicada en la cordillera del Karakórum, en la frontera entre Pakistán y China.

De acuerdo con información difundida por las autoridades de Gilgit-Baltistán, el grupo mantenía contacto con el operador de la expedición hasta las 9:00 de la mañana, hora local. Horas después, una avalancha alcanzó a los montañistas mientras ascendían entre el campamento II y el campamento III, a unos 6.600 metros de altitud.

Las labores de rescate comenzaron la mañana del viernes luego de que la empresa organizadora solicitara apoyo al Ejército de Pakistán. Tres helicópteros militares fueron desplegados para participar en la búsqueda, mientras drones sobrevolaban la zona en un intento por localizar a los desaparecidos.

Sin embargo, las condiciones meteorológicas complicaron la operación desde el inicio. Las fuertes nevadas, la escasa visibilidad y el riesgo de nuevas avalanchas obligaron a suspender temporalmente los vuelos y limitar el avance de los equipos terrestres, que permanecieron varias horas en el campamento base a la espera de una mejora del tiempo.

La búsqueda también recibió el apoyo de montañistas paquistaníes y sherpas nepalíes que suspendieron sus expediciones en el cercano K2 para sumarse al operativo. Según declaró Ayaz Shigri, secretario general del Alpine Club of Pakistan, citado por la BBC, los rescatistas trabajaban con extrema cautela debido al peligro de nuevos desprendimientos de nieve.

Las imágenes captadas por drones permitieron detectar varios cuerpos sobre la montaña antes de que los equipos pudieran acceder al lugar. The Independent informó que los restos recuperados fueron trasladados en helicóptero a un hospital para cumplir con los procedimientos legales de identificación.

Hasta el momento, las autoridades paquistaníes han confirmado la muerte de Sarah Mallory Geis, montañista estadounidense originaria de Texas; Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, de Omán; Pur Bahadur Gurung, ciudadano nepalí, y posteriormente Elite Exped confirmó también el fallecimiento de Nirmal Purja y de Nima Sherpa. Las operaciones continúan debido a que otros integrantes de la expedición permanecían desaparecidos tras el accidente.

El hombre que cambió el montañismo moderno

Nirmal Purja, nacido en Nepal en 1983 y posteriormente nacionalizado británico, sirvió durante 16 años en las Fuerzas Armadas del Reino Unido. Primero integró los Queen’s Gurkha Engineers y más tarde se convirtió en el primer gurkha en ingresar al Special Boat Service (SBS), una de las unidades de fuerzas especiales británicas.

Su carrera como alpinista alcanzó notoriedad mundial en 2019 con el proyecto Project Possible, mediante el cual escaló las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en apenas seis meses y seis días, pulverizando el récord que hasta entonces se medía en años. Aunque esa marca fue superada posteriormente por la noruega Kristin Harila, la hazaña de Purja sacudió los límites del montañismo de velocidad.

Su historia llegó a millones de personas gracias al documental de Netflix Los 14 ochomiles: No hay nada imposible, estrenado en 2021. La producción siguió su desafío por los Himalayas y mostró también su propósito de dar mayor reconocimiento internacional a los sherpas y montañistas nepalíes, cuyo trabajo es fundamental en las grandes expediciones.

Entre sus logros más importantes también figura el primer ascenso invernal al K2, conseguido en enero de 2021 junto a un equipo integrado mayoritariamente por alpinistas nepalíes. Años después completó otro desafío sin precedentes al convertirse en la primera persona en escalar los 14 ochomiles tanto con oxígeno suplementario como sin él.

Según recuerda el obituario publicado por Nepal News, Purja dedicó buena parte de su carrera a demostrar la capacidad de los montañistas nepalíes y a visibilizar el papel de los guías de altura, tradicionalmente relegados a un segundo plano. Además de desempeñarse como conferencista y autor, impulsó proyectos de apoyo a comunidades de montaña mediante la Nimsdai Foundation.

Las Guerreras K-Pop se ha convertido en uno de los mayores éxitos recientes de Netflix y su popularidad ha disparado las búsquedas en Google sobre sus protagonistas, las canciones de su banda sonora y los detalles de su historia.

La película, conocida internacionalmente como K-Pop Demon Hunters, combina animación, acción, fantasía y música para presentar a un grupo ficticio de estrellas del K-pop que, además de llenar estadios, tiene la misión secreta de proteger a la humanidad de fuerzas demoníacas.

El fenómeno ha despertado el interés de miles de espectadores que buscan conocer quiénes son Rumi, Mira y Zoey, cuáles son las canciones más populares de la producción, quiénes interpretan realmente la música y por qué títulos como Golden, Takedown, Soda Pop y Your Idol se han convertido en algunos de los temas más escuchados por los seguidores de la película.

Quiénes son las Guerreras K-Pop

Las protagonistas de la historia son Rumi, Mira y Zoey, integrantes del grupo ficticio HUNTR/X.

A simple vista, las tres jóvenes son exitosas estrellas del K-pop, pero detrás de los escenarios llevan una doble vida como cazadoras de demonios. Su misión consiste en impedir que estas criaturas invadan el mundo humano y se alimenten de las emociones negativas de las personas.

Dentro del universo de la película, la música no solo forma parte de su carrera artística. También representa una poderosa herramienta para crear una barrera de energía capaz de contener a las fuerzas malignas.

De qué trata la película

La historia comienza cuando la tranquilidad de HUNTR/X se ve amenazada por la aparición de los Saja Boys, una popular banda masculina que oculta una identidad demoníaca.

El grupo está liderado por Jinu, uno de los principales antagonistas de la trama, quien utiliza la fama del conjunto para acercarse a nuevos seguidores y debilitar las defensas construidas por las protagonistas.

Mientras intenta detener esta amenaza, Rumi también debe enfrentarse a un conflicto personal relacionado con su verdadera identidad, uno de los elementos centrales del desarrollo de la historia.

La película mezcla secuencias de acción, coreografías, espectaculares números musicales y elementos sobrenaturales, además de abordar temas como la amistad, el trabajo en equipo y la aceptación personal.

Quiénes interpretan las canciones de HUNTR/X

Aunque los personajes son ficticios, las voces detrás de sus canciones pertenecen a artistas reales.

Las principales interpretaciones musicales de HUNTR/X están a cargo de EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami, quienes dan vida a los temas principales de la banda sonora.

Además, la producción cuenta con la participación de la reconocida cantante y actriz Lea Salonga, junto con otras figuras vinculadas al mundo de la música.

Uno de los aspectos más comentados por los fanáticos es la participación de integrantes del grupo surcoreano TWICE. Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung interpretan una versión especial de Takedown, uno de los temas más representativos de la película.

Las canciones más populares

La música es uno de los principales pilares del éxito de Las Guerreras K-Pop.

Entre las canciones más buscadas destaca Golden, considerada por muchos seguidores como el tema principal de la historia. La canción acompaña uno de los momentos más importantes del desarrollo emocional de las protagonistas y transmite un mensaje sobre superar los miedos y aceptar la propia identidad.

También sobresalen Takedown, vinculada directamente a HUNTR/X, y las canciones de los antagonistas, Soda Pop y Your Idol.

Mientras Soda Pop presenta una imagen alegre y colorida propia del pop comercial, Your Idol muestra un tono mucho más oscuro que refleja la verdadera naturaleza de los Saja Boys.

El papel de TWICE en la banda sonora

La presencia de TWICE ha despertado un gran interés entre los seguidores del K-pop.

Además de participar en la versión especial de Takedown, el grupo también está relacionado con el tema Strategy, reforzando el vínculo entre la película y una de las agrupaciones femeninas más populares de la industria musical surcoreana.

Esta colaboración ha permitido que la banda sonora trascienda la propia película y llegue también al público habitual del K-pop.

Dónde ver Las Guerreras K-Pop

La película está disponible en Netflix, donde puede verse con diferentes opciones de idioma dependiendo de la región desde la que acceda el usuario.

Su combinación de animación, acción, fantasía y música ha convertido a Las Guerreras K-Pop en uno de los títulos más comentados de la plataforma. Al mismo tiempo, el éxito de personajes como Rumi, Mira y Zoey, junto con la popularidad de canciones como Golden y Takedown, ha impulsado un creciente interés por conocer todos los detalles del universo de HUNTR/X, convirtiendo a la producción en uno de los fenómenos más buscados en Google entre los fanáticos del K-pop y la animación.

El podcasting atraviesa su momento de mayor madurez económica. Lo que comenzó como un formato de nicho se convirtió en un mercado donde los contratos de élite superan los 30 millones de dólares anuales, los gigantes del streaming pelean por licencias que antes ignoraban y los talentos retienen la propiedad intelectual de sus programas, lo que les da un poder de negociación sin precedentes.

Forbes estimó los ingresos de los presentadores más destacados entre junio de 2025 y junio de 2026, un período en que Netflix, Hulu y Tubi irrumpieron con ofertas millonarias tras una década al margen.

Los podcasters mejor pagados de 2026

10. Charlamagne Tha God – US$27 millones

En diciembre, Charlamagne Tha God renovó un acuerdo con iHeartMedia valuado en hasta 200 millones de dólares en cinco años, que cubre su trabajo en radio y podcast y la financiación de The Black Effect Podcast Network, de la que posee el 51% en una empresa conjunta con iHeart.

Netflix también le pagó por su programa matutino, que fuentes internas señalan a Forbes como el podcast más visto de la plataforma en lo que va del año. En 2027 recibirá una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood.

9. Jon Favreau, Jon Lovett, Dan Pfeiffer y Tommy Vietor – US$28 millones

Tres de los presentadores de Pod Save America fundaron Crooked Media en 2017 y usaron un acuerdo con SiriusXM en 2022 para expandirse a más de 100 empleados.

En febrero, la compañía migró al distribuidor Audioboom y asumió internamente una mayor parte de sus operaciones. Al mismo tiempo, firmó un acuerdo con MS NOW para llevar episodios condensados de sus programas a la televisión lineal.

8. Alex Cooper – US$32 millones

Alex Cooper firmó con SiriusXM en agosto de 2024 un contrato de tres años con valor potencial de 125 millones de dólares para Call Her Daddy.

Desde entonces, su red Unwell cortó vínculos con su segunda presentadora más popular, Alix Earle, y enfrentó reportes de Vanity Fair sobre un ambiente laboral tóxico. Aun así, produjo el especial de reunión de Hannah Montana para Disney+.

7. Jason y Travis Kelce – US$33 millones

Los hermanos Kelce lanzaron New Heights en el otoño de 2022, justo cuando sus equipos se enfrentaron en el Super Bowl LVII y Travis comenzó a salir con Taylor Swift, lo que disparó la audiencia.

En agosto de 2024, el programa cerró un contrato de tres años y 100 millones de dólares con Wondery, de Amazon, y hoy obtienen primas elevadas por publicidad personalizada en episodios y clips en redes sociales.

6. Mel Robbins – US$35 millones

El negocio de Mel Robbins creció de forma acelerada tras el lanzamiento de The Let Them Theory a finales de 2024, con más de 10 millones de copias vendidas. El aumento de audiencia fue tan marcado que SiriusXM renegoció su contrato a mitad de término por más dinero, según Forbes.

Robbins también llevó su programa de gira, con episodios en vivo agotados en cinco estados y un patrocinio de Microsoft Copilot.

5. Will Arnett, Jason Bateman y Sean Hayes – US$37 millones

Lo que comenzó como una ocurrencia durante la pandemia de 2020 se convirtió en un negocio consolidado para los presentadores de SmartLess, quienes lanzaron otros cuatro programas bajo el paraguas de SiriusXM y pusieron en marcha la red móvil SmartLess Mobile en junio pasado.

Los anunciantes valoran su contenido seguro para marcas y su lista de invitados estelares. Jason Bateman recibió cuatro nominaciones a los premios Emmy este otoño.

4. Ashley Flowers – US$42 millones

Ashley Flowers, de 36 años, copresentadora de Crime Junkie y fundadora de Audiochuck, firmó en octubre pasado un acuerdo de 150 millones de dólares con subsidiarias de Fox: Tubi, para video, y Red Seat Ventures, para ventas publicitarias.

La mayor parte de los ingresos está ligada al programa estrella de Flowers, aunque Tubi desarrollará además un canal FAST de Crime Junkie para distribuir varios programas de Audiochuck.

3. Steven Bartlett – US$45 millones

En el primer trimestre de 2026, The Diary of a CEO de Steven Bartlett registró su mejor trimestre de ingresos en nueve años e impulsó la valoración de su portafolio empresarial hasta los 425 millones de dólares, según Forbes.

El británico de 33 años aparecerá este otoño como tiburón invitado en Shark Tank, tras varias participaciones en su equivalente británico, Dragon’s Den.

2. John Coogan y Jordi Hays – US$70 millones

Poco más de un año después de lanzar Technology Business Programming Network (TBPN), OpenAI adquirió la compañía por un estimado de 150 millones de dólares en efectivo y acciones, según Forbes.

El crecimiento del programa, de cinco millones de dólares en publicidad en el primer año a una proyección de 30 millones en el segundo, demostró que la demografía de la audiencia puede ser tan valiosa como su tamaño. El analista de Rockwater Chris Erwin calificó la operación como una “acqui-hire” estratégica de cara a la salida a bolsa de OpenAI.

1. Joe Rogan – US$82 millones

Joe Rogan combina la confianza de sus oyentes con una escala difícil de igualar: cerca de 15 episodios al mes y más de 80 millones de descargas y visualizaciones, según un proveedor de datos citado por Forbes.

Sentarse con el comediante y comentarista de la UFC de 58 años en su estudio de Austin, Texas, se convirtió en un rito de paso para actores, atletas y políticos por igual. En 2024, Spotify lo recompensó con un nuevo contrato de tres años que puede alcanzar los 250 millones de dólares, el mayor de la historia del formato.

Días antes de desaparecer tras la avalancha que golpeó a su expedición en el Broad Peak, el alpinista nepalí Nirmal “Nims” Purja publicó un mensaje en redes sociales en el que reveló que su ascenso a dicha cumbre obedecía a un cambio inesperado en sus planes.

El reconocido montañista del documental de Netflix Los 14 ochomil hizo una publicación el 27 de julio en X bajo el título “La misión cambia. La brújula se mantiene”. En el texto, Purja reveló que Broad Peak no estaba contemplado inicialmente dentro de su expedición a Pakistán. Su intención original era escalar únicamente el Gasherbrum II (G2).

“Esto nunca estuvo en el plan. Inicialmente, el plan era escalar solo G2. Pero justo antes de partir hacia Pakistán, revisé mis ascensos de 8.000 metros. Ahí me di cuenta: si completo Broad Peak mientras estoy aquí, solo quedará uno: Cho Oyu. Entonces me convertiré en la primera persona en la historia en escalar las 14 montañas de ocho mil metros dos veces. Sin oxígeno”, escribió.

El cambio de ruta estaba relacionado con su Hat Trick Campaign, un ambicioso proyecto con el que buscaba completar por tercera vez las 14 cumbres más altas del planeta. Sin embargo, Purja aseguró que la decisión no nació de una competencia contra otros escaladores, sino de una oportunidad que apareció durante su propio camino.

“Las oportunidades no gritan: susurran a quienes ya están trabajando en silencio”, señaló.

Aunque el mensaje estaba centrado en sus objetivos deportivos, algunas frases de la publicación llamaron especialmente la atención después del accidente. Purja dedicó unas líneas a la cumbre, reconoció el riesgo de la expedición y expresó su deseo de regresar con seguridad.

“Broad Peak, no pido nada más que un ascenso y descenso seguros. No tomo ninguna montaña a la ligera. Ni una sola”, escribió. “En el momento en que mi pie deja el campamento base, es al 100%. Siempre ha sido así. Siempre lo será”.

La búsqueda tras la avalancha

El jueves 30 de julio, una avalancha alcanzó al equipo internacional de 10 escaladores liderado por Purja en el Broad Peak, ubicado en la cordillera del Karakórum, Pakistán. Según el Alpine Club of Pakistan, el grupo perdió comunicación después del incidente.

Este viernes, las autoridades confirmaron el hallazgo de restos humanos correspondientes a tres integrantes de la expedición. Se trata de la escaladora omaní Nadhira Ahmed Abdullah Al Harthy, el nepalí Pur Bahadur Gurung “Yukta”, y la estadounidense Sarah Mallory.

Las labores de rescate fueron afectadas por las malas condiciones meteorológicas, que limitaron el uso de helicópteros y obligaron a los equipos a realizar búsquedas en tierra. Según Everest Today, las posibilidades de encontrar sobrevivientes se consideran extremadamente bajas. La oficina del comisionado de Baltistan indicó que se retomaría la búsqueda este sábado, cuando el clima mejore en la zona.

Mingma Gyabu Sherpa, socio de Purja, explicó que un dispositivo de rastreo que llevaba el montañista mostró un movimiento después de la avalancha, aunque advirtió que esos datos no bastaban para confirmar su estado.

“Inicialmente, parecía que había sido arrastrado montaña abajo por la avalancha. Pero después del punto donde el rastreo se detuvo, la ubicación parece haber cambiado nuevamente”, declaró al medio nepalí Kantipur.

Antes del accidente, Purja venía de completar su 57.º ascenso a una montaña de más de 8.000 metros tras alcanzar la cima del Gasherbrum II sin oxígeno el 21 de julio.

“Nims” es una figura importante en el alpinismo moderno, quien, en 2019, completó el ascenso de las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en seis meses y seis días. Su hazaña fue documentada en el filme de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, donde se mostró el desafío físico y logístico detrás de aquella misión. Antes de dedicarse al alpinismo profesional, Purja tuvo una carrera de 16 años en el Ejército británico, incluidos 10 años en las fuerzas especiales, y fue el primer gurkha en superar la selección del Special Boat Service. En 2018 recibió un MBE por su servicio militar en entornos de alto riesgo.

En 2024, una investigación de The New York Times recogió las denuncias de dos mujeres alpinistas que lo acusaron de acoso sexual. El montañista negó las acusaciones a través de su abogado.

El reconocido alpinista británico-nepalí Nirmal Purja, protagonista del documental de Netflix Los 14 ochomiles: No hay nada imposible, permanece desaparecido junto a otros cinco montañistas luego de que una avalancha alcanzara una expedición internacional en Broad Peak, una de las montañas más altas y peligrosas de Pakistán. Hasta el momento, los equipos de rescate han identificado a tres personas fallecidas tras el hallazgo de sus restos en la zona.

El alud ocurrió alrededor del mediodía del jueves en Broad Peak, una cumbre de 8.047 metros situada en la región de Gilgit-Baltistán, dentro de la cordillera del Karakórum y cerca de la frontera con China. Considerada la duodécima montaña más alta del planeta, Broad Peak ha sido escenario de numerosos accidentes mortales desde que fue escalada por primera vez en 1957 debido a sus pendientes, avalanchas y las difíciles condiciones meteorológicas que complican cualquier operación de rescate.

En un primer momento se perdió contacto con un grupo de diez alpinistas de cinco nacionalidades: seis nepalíes, un estadounidense, un pakistaní, una omaní y un ciudadano chino. Horas después, las autoridades pakistaníes informaron que cuatro cuerpos habían sido recuperados y que otras seis personas seguían desaparecidas. Luego, la información oficial aclaró que se trataban de dos cadáveres correspondientes a la alpinista omaní Nadhira Al Harthy, la primera mujer de su país en conquistar el Everest, y al guía nepalí Pur Bahadur Gurung, conocido como “Yukta”.

La nota de prensa del comisionado de Baltistán también precisó que se encontraron restos humanos que pertenecían a Sarah Mallory, ciudadana estadounidense.

El Club Alpino de Pakistán señaló que recibió informes “profundamente preocupantes” sobre la expedición y confirmó que no logró establecer comunicación con el grupo tras la avalancha. La organización expresó su solidaridad con las familias de los afectados y aseguró que trabaja junto con las autoridades pakistaníes para coordinar las labores de rescate.

Pese a la gravedad del accidente, todavía existen indicios que mantienen las esperanzas de localizar sobrevivientes. Según The New York Times, los dispositivos GPS de Nirmal Purja y de otros integrantes del grupo registraron movimiento después de la avalancha, aunque hasta el momento no ha sido posible establecer contacto directo con ellos.

Las operaciones de rescate, sin embargo, avanzan lentamente. Las autoridades de Gilgit-Baltistán suspendieron temporalmente la búsqueda debido a las condiciones meteorológicas, con la previsión de reanudar los trabajos cuando el clima permita el ingreso seguro de los equipos especializados.

El alpinista que inspiró un documental de Netflix

A sus 43 años, Nirmal Purja, también conocido como Nims Dai, es una de las figuras más influyentes del alpinismo moderno. Exintegrante de las Fuerzas Especiales del Reino Unido y nacido en Nepal, alcanzó fama mundial en 2019 tras escalar las 14 montañas de más de 8.000 metros del planeta en apenas seis meses y seis días, un récord que en ese momento superó ampliamente la marca anterior (siete años).

Su desafío, denominado Project Possible, fue retratado en el documental de Netflix 14 Peaks: Nothing Is Impossible, estrenado en 2021. La producción mostró no solo la rapidez con la que completó la hazaña, sino también registró los rescates de otros montañistas durante la expedición y las dificultades que enfrentó para financiar el proyecto, incluida la decisión de hipotecar su vivienda.

Además de sus ascensos, Purja ganó notoriedad por una fotografía tomada en la cima del Everest que mostró una larga fila de escaladores esperando alcanzar la cumbre, imagen que abrió un debate internacional sobre la masificación del montañismo en las montañas más altas del mundo.

El desafío que buscaba completar

La expedición a Broad Peak formaba parte de un nuevo objetivo deportivo. Purja buscaba convertirse en la primera persona en escalar dos veces los 14 ochomiles del mundo sin utilizar oxígeno suplementario.

Días antes de la expedición escribió en sus redes sociales que originalmente solo planeaba ascender el Gasherbrum II, pero decidió añadir Broad Peak al itinerario al darse cuenta de que, si alcanzaba la cima, únicamente le restaría una montaña para completar ese objetivo histórico.

“Broad Peak, no te pido nada más que un ascenso y descenso seguros. No tomo ninguna montaña a la ligera”, escribió el montañista en una de sus últimas publicaciones antes de iniciar la expedición, según recordó la BBC. Su última actualización también señalaba que había alcanzado con éxito la cima del Gasherbrum II el 21 de julio, en lo que describió como su ascenso número 57 a un ochomil.

El tráiler abre con Sofía Gala Castiglione, la propia hija del ícono argentino en una estética setentosa, con el tono y los gestos de una Moria joven que se presenta al mundo del espectáculo. “Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”, dice la actriz —hija de la protagonista— en la primera escena. Cecilia Roth encarna a la Casán más reflexiva y cercana en el tiempo: “Yo estudié algo así. Pasé de las escalinatas de la Facultad de Derecho al Teatro Nacional el mismo día”. Griselda Siciliani, por su parte, aparece en los años del ShowMatch con una de las frases más recordadas de la diva: “Estoy acá porque mi presencia jerarquiza la pista”. El material es un recorrido por distintas épocas, estéticas reconocibles y situaciones ligadas a la cultura popular argentina de las últimas cinco décadas.

Tras ver el tráiler al aire, Casán no ocultó la emoción. “Qué bueno. No había visto este tráiler”, dijo en vivo. Y fue más allá: “Es cuántico, es modificar el pasado, es ficcionar el pasado. Es muy loco que nos haya pasado, que me hayan elegido semejante plataforma como Netflix, semejante productora como About”. También habló del alcance global de la producción: “Me impresiona estar globalizada. Me impresiona estar en Japón, Corea, no puedo creer”. Sobre el doblaje, precisó que la serie se traducirá en cinco idiomas y que en el resto de los países se escuchará su propia voz: “Mi voz es muy particular y le da un tono a esto”.

La serie, filmada en Argentina y creada y dirigida por Javier Van de Couter, propone una lectura no convencional de su biografía. En lugar de un relato lineal, Casán asume el rol de narradora y arquitecta de su propia historia, con tres actrices que encarnan distintas etapas de su trayectoria. Las imágenes inéditas difundidas junto al tráiler amplían ese recorrido: Sofía Gala aparece en escena de revista teatral rodeada de bailarinas con plumas y lentejuelas en un escenario de época, y en otra toma recrea un momento íntimo en una clínica con un recién nacido en brazos. Griselda Siciliani es fotografiada en un despacho oficial con la bandera argentina al fondo, en una escena de programa televisivo con estética noventera y en una reunión de festejo popular. Cecilia Roth protagoniza la imagen más conceptual del lote: una figura colosal sobre la maqueta de una ciudad, con vestido plateado y fondo negro, una síntesis visual de lo que la producción propone sobre el mito.

Sobre el tono de la serie, Casán fue directa en su programa: “Yo no quería hacer una serie ficcionada que podés romantizar. No quiero ser careta. Soy una persona genuina que te tengo atravesada por todo lo que es mi vida hermosa y también dura”. La diva también adelantó que la producción incluye situaciones “muy fuertes, desconocidas hasta el día de hoy”, y que la serie arranca desde el primer episodio con toda la intensidad. En el programa también se reveló un detalle de la trama: la escena en que Roth, en el papel de Casán, se niega a continuar con el programa Malas Muchachas tras una pelea con su hija Sofía, que llegó tarde al set.

Casán se refirió además a la decisión de incorporar a Sofía Gala al elenco, un dato que no estaba previsto desde el inicio: “No estaba Sofía en planes. Ella me lo preguntó: ‘Mamá, ¿te parece?’. Yo le dije: ‘Hija, sos, saliste de acá’”. Y describió la experiencia de verse retratada en ficción estando viva como algo sin precedentes para ella: “Hacer tu vida estando viva. Es tan raro”. La producción es de About Entertainment, liderada por Mercedes Reincke y Armando Bo, y según la sinopsis oficial de Netflix, la serie es “la historia de una mujer que hizo de la transgresión una forma de supervivencia y un homenaje a la cultura popular argentina”.

El estreno del 14 de agosto de 2026 llegará dos días antes de que Casán cumpla 80 años. “Son sensaciones encontradas de amor. Son nuevas emociones, es una nueva vida, una bisagra que empieza de acá en adelante”, dijo al cerrar el segmento en su programa.

El caso de Mackenzie Shirilla podría volver a los tribunales. El nuevo equipo legal de la joven presentó una petición de habeas corpus ante una corte federal de Estados Unidos con el objetivo de anular su condena por homicidio y obtener un nuevo juicio. Los abogados sostienen que durante el proceso hubo errores que afectaron su derecho a una defensa adecuada.

El recurso llega pocos meses después del estreno de The Crash (El choque), documental de Netflix que reconstruye el accidente ocurrido en 2022 y el proceso judicial que concluyó con la condena de Shirilla. La producción despertó un renovado interés por el caso y volvió a poner bajo la lupa una de las historias criminales más mediáticas de los últimos años.

Mackenzie Shirilla recibió la sentencia en agosto de 2023 tras un juicio sin jurado. La justicia la declaró culpable de varios delitos, entre ellos homicidio, por el accidente ocurrido el 31 de julio de 2022 en Strongsville, Ohio.

Esa madrugada, la joven conducía un Toyota Camry junto a su novio, Dominic Russo, de 20 años, y su amigo Davion Flanagan, de 19. Según las autoridades, el vehículo superó las 100 millas por hora antes de estrellarse contra un edificio de ladrillo. Russo y Flanagan murieron en el lugar, mientras que Shirilla sobrevivió con lesiones de gravedad.

Durante el juicio, la Fiscalía presentó videos de vigilancia, datos de la caja negra del automóvil y testimonios para sostener la hipótesis de que el choque fue intencional. La defensa respondió que Shirilla sufrió un episodio relacionado con el POTS y perdió el conocimiento antes del impacto.

Los abogados de Shirilla vuelven a intentar revertir el fallo

La acción presentada ante la justicia federal constituye el cuarto intento para dejar sin efecto la condena. Antes de este recurso, la defensa ya había acudido en dos ocasiones al Tribunal del Condado de Cuyahoga y una vez al Tribunal de Apelaciones del Octavo Distrito, sin obtener un resultado favorable.

Uno de los principales argumentos del nuevo equipo de abogados alude a una evidencia que, aseguran, quedó fuera del proceso. De acuerdo con el documento judicial citado por PEOPLE, un supermercado local había dejado para Shirilla un paquete de productos en un punto de recojo disponible las 24 horas, ubicado cerca del lugar donde ocurrió el choque.

La defensa afirma que esa información ofrece una explicación razonable para su presencia en esa zona durante la madrugada del 31 de julio de 2022. Durante el juicio, la Fiscalía argumentó que la joven condujo hasta un lugar apartado con la intención de provocar el impacto.

El recurso también cuestiona que el caso pasara del tribunal de menores al de adultos, pese a que Shirilla tenía 17 años cuando ocurrió el accidente. Sus abogados sostienen que esa decisión vulneró sus derechos constitucionales y afectó la validez del proceso.

Otro de los puntos del escrito hace referencia al síndrome de taquicardia ortostática postural (POTS), una condición que puede provocar mareos y desmayos. El nuevo equipo legal afirma que la defensa anterior no presentó testimonios de especialistas para respaldar esa hipótesis, pese a que durante el juicio sostuvo que la joven perdió el conocimiento antes del choque.

Shirilla permanece recluida en el Ohio Reformatory for Women, donde cumple dos condenas concurrentes de 15 años a cadena perpetua. Si no prospera esta nueva solicitud, podrá optar por la libertad condicional en 2037, cuando tenga 33 años.

Mientras permanece en prisión, Mackenzie también recibió sanciones disciplinarias. Us Weekly informó que las autoridades penitenciarias suspendieron temporalmente sus videollamadas tras considerar inapropiado su comportamiento durante una comunicación.

El mismo medio señaló que, semanas después, la joven fue investigada por la publicación de una selfie tomada dentro del penal. Sin embargo, el Departamento de Rehabilitación y Corrección de Ohio concluyó que no correspondía imponer una sanción, ya que la fotografía fue enviada a un familiar mediante un sistema de comunicación autorizado para los internos.

Netflix enfrenta una demanda por US$105 millones luego de que una copia inédita de la película Fortitude, protagonizada por Nicolas Cage, desapareciera tras el robo de un disco duro en sus oficinas de Los Ángeles. El productor y guionista Simon Afram, junto a su compañía Op-Fortitude, presentó una demanda contra la plataforma al considerar que la pérdida del material afectó el valor comercial de la cinta y puso en riesgo sus planes de distribución.

De acuerdo con documentos judiciales citados por The Hollywood Reporter y Variety, una copia maestra no cifrada de Fortitude estaba almacenada en una de varias unidades de almacenamiento que fueron robadas de las oficinas de Netflix en junio de 2026. La compañía confirmó que varios discos fueron sustraídos, aunque aseguró que los otros dispositivos estaban vacíos y que no existe evidencia de que la película haya sido filtrada en internet.

La cronología de la disputa

Según la demanda, Netflix mostró interés en adquirir los derechos de la película después de recibir material promocional en diciembre de 2025. Meses después, en junio de 2026, la plataforma solicitó una copia de trabajo para evaluar la producción.

El 15 de junio, un productor asociado de Fortitude entregó personalmente un disco con un Digital Cinema Package (DCP) en las oficinas de Netflix ubicadas en Sunset Bronson Studios, en Los Ángeles. El equipo de producción habría informado a la compañía que el archivo no estaba cifrado y pidió que el contenido fuera eliminado después de la proyección. Asimismo, solicitaron que se avisara cuando el dispositivo estuviera disponible para ser recogido.

Sin embargo, según la denuncia, diez días después Netflix informó que el disco había sido robado. En un correo electrónico enviado el 25 de junio, Sean Berney, ejecutivo de Netflix, escribió: “Esta es la primera vez que nos ocurre algo así”. Ahí explicó que varios discos habían sido sustraídos de escritorios dentro de la oficina y que su departamento de seguridad investigaba el caso.

Los productores sostienen que Netflix tenía la responsabilidad de proteger el material y que dejar una copia inédita de una película en un espacio donde podía ser robada representó una negligencia. Además, argumentan que el incidente perjudicó las negociaciones con posibles distribuidores, ya que cualquier interesado tendría que conocer que una copia no cifrada fue sustraída antes del estreno.

Netflix niega responsabilidad

Netflix rechazó las acusaciones y aseguró que la película fue entregada sin las medidas de seguridad habituales de la industria. En un comunicado enviado a los medios, la compañía señaló que “rechaza cualquier afirmación de que sea responsable por la pérdida de una película entregada sin las protecciones de seguridad estándar de la industria”.

La plataforma también aclaró que no posee los derechos de Fortitude, pero afirmó que tomó medidas para apoyar al equipo de producción, entre ellas una investigación interna y el monitoreo de sitios de piratería para detectar una posible distribución ilegal.

Netflix también cuestionó la reacción legal de Afram y afirmó que rechazó compartir detalles de la investigación con sus abogados debido a lo que calificó como un intento de “extorsionar dinero” a la empresa. Según la compañía, el equipo legal del productor habría exigido inicialmente US$165 millones por la película en lugar de trabajar conjuntamente para resolver la situación.

¿De qué trata ‘Fortitude’?

Fortitude es un thriller de espionaje ambientado en la Segunda Guerra Mundial que narra la historia real de agentes de inteligencia británicos que utilizaron operaciones estratégicas para engañar al liderazgo nazi. La película está dirigida por Simon West y cuenta con un reparto encabezado por Nicolas Cage, además de Matthew Goode, Ed Skrein, Jordi Mollà y Alice Eve.

La producción tuvo un largo proceso de desarrollo. Según la demanda, Afram invirtió siete años de trabajo y cerca de US$45 millones para llevar el proyecto a la pantalla.

Antes del conflicto con Netflix, Fortitude ya había protagonizado otra disputa legal. En 2023, Afram demandó a Martin Scorsese, a quien acusó de recibir US$500.000 como productor ejecutivo y no ayudar al desarrollo del proyecto. Los representantes de Scorsese respondieron con una contrademanda y señalaron que Afram era un recién llegado a la industria con expectativas poco realistas. Ambas partes resolvieron el conflicto mediante un acuerdo extrajudicial en 2024.

La venganza por JJ y una nueva búsqueda

La quinta temporada tendrá como punto de partida las consecuencias de la muerte de JJ. El personaje murió de manera inesperada durante el cierre anterior, por lo que el grupo deberá procesar la pérdida mientras persigue a quien consideran responsable. El nuevo avance presenta esa venganza como el motor principal del último recorrido.

Para lograrlo, los Pogues aceptarán la ayuda de Rafe, aunque la relación con él está marcada por los enfrentamientos y la desconfianza acumulados durante la serie. El objetivo será alcanzar a Chandler Groff y arrebatarle la Corona Azul, el tesoro perdido que vuelve a colocar al grupo frente a una misión de alto riesgo.

Las descripciones difundidas sobre el avance también señalan que los protagonistas regresarán a casa después de su odisea internacional. Esa aparente calma durará poco: la búsqueda amenaza sus vínculos familiares y puede costarles la vida. El recorrido, entonces, volverá a combinar conflictos personales, persecuciones y la cacería de una pieza de enorme valor.

Existe una diferencia en la forma en que fue presentado el video. Una comunicación lo identifica como el primer tráiler oficial completo, mientras otra lo describe como el segundo avance y probablemente el último antes del estreno. Ambas coinciden en los datos centrales: será el cierre de la serie, llegará el 20 de agosto y tendrá la muerte de JJ como detonante.

El regreso de los Pogues

El reparto principal volverá a estar encabezado por Chase Stokes como John B y Madelyn Cline como Sarah. También regresarán Madison Bailey en el papel de Kiara, Jonathan Daviss como Pope y Carlacia Grant como Cleo.

Rudy Pankow, intérprete de JJ, sigue ligado al material promocional de la temporada, aunque la historia parte de la muerte de su personaje. Las fuentes disponibles no detallan de qué manera aparecerá durante los episodios finales, pero su ausencia dentro del grupo y el deseo de vengarlo serán piezas centrales del conflicto.

Desde su debut, Outer Banks ha seguido a estos jóvenes en búsquedas de tesoros que los llevaron fuera de su hogar y enfrentaron a familias, rivales y criminales. La última temporada recuperará esa estructura, ahora con un costo personal directo y con menos margen para que el grupo se retire de la misión.

El tráiler plantea además una tensión entre el deseo de los personajes de recuperar cierta normalidad y la necesidad de terminar lo que comenzó en Marruecos. La ayuda de Rafe agrega otro problema: los Pogues dependerán de alguien con quien mantienen una relación difícil para alcanzar a Groff y recuperar la Corona Azul.

Una despedida junto al reparto

Antes del lanzamiento de los nuevos episodios, Netflix realizará un evento especial el 15 de agosto en Los Ángeles. La reunión llevará el nombre Pogues for Life: A Fan Farewell Event with the Cast of Outer Banks y funcionará como despedida de la serie junto con sus protagonistas y seguidores.

La programación comenzará con los Pogue Awards, unos premios destinados a reconocer momentos de las cinco temporadas mediante la votación de los fans. Después habrá un coloquio con integrantes del reparto, quienes repasarán la producción antes de la llegada de su desenlace.

El encuentro terminará con una proyección exclusiva del primer episodio de la quinta temporada, cinco días antes de su incorporación al catálogo de Netflix. La actividad volverá a reunir al elenco en Poguelandia, nombre utilizado para identificar el espacio compartido por los protagonistas y su comunidad de seguidores. Quienes no puedan asistir a Los Ángeles también tendrán acceso: la transmisión online del evento será gratuita.

Netflix es compatible con cualquier smart TV, teléfono, tablet, reproductor multimedia o consola de videojuegos que cuente con conexión a internet y la aplicación instalada, o bien desde una computadora a través de un navegador web.

La plataforma admite dispositivos de marcas como Samsung, LG, Sony, Panasonic, Philips, Hisense, Vizio, Roku y TCL, entre otras, así como consolas PlayStation y Xbox, Apple TV y cascos de realidad aumentada como los Meta Quest.

Sin embargo, la disponibilidad tiene condiciones técnicas. Netflix actualiza de forma constante su arquitectura para incorporar funciones y mejorar la calidad de compresión de video.

Cuando un equipo no puede seguir ese ritmo, el soporte se retira: los dispositivos quedan expuestos a fallos de seguridad, la aplicación sufre congelamientos o cierres inesperados, y el sistema del televisor deja de tolerar los nuevos protocolos de reproducción.

En esos casos, la app puede dejar de actualizarse, fallar al abrirse o desaparecer directamente del menú del sistema. La plataforma advierte que Netflix podría no estar disponible en algunos televisores y dispositivos de streaming fabricados antes de 2015.

Los modelos en riesgo

El 31 de julio de 2026, la aplicación dejará de estar disponible en varios televisores inteligentes que ya no cumplen los requisitos mínimos de seguridad y rendimiento.

La medida afecta principalmente a equipos lanzados antes de 2015. Las líneas más comprometidas son:

• Samsung: smart TVs de generaciones previas a 2016 con sistema operativo Orsay OS. Los modelos con Tizen OS permanecen activos.
• LG: pantallas antiguas sin versiones modernas de webOS, incluidas las series Nano LED LM9600 e Infinia LX9500.
• Sony: equipos Bravia de las series KDL, XBR y W95 con software propietario basado en Linux, a diferencia de los que integran Android TV.
• Panasonic: modelos de la era VIERA, como las familias VT50, AX900 y TC-P50VT25.
• Apple TV: reproductores multimedia de primera, segunda y tercera generación.

La lista detallada por número de serie se actualiza en el centro de ayuda de Netflix.

Para verificar si un televisor quedará fuera de servicio, basta con ingresar a la tienda de aplicaciones del equipo, Samsung Smart Hub, LG Content Store u otras, buscar la app de Netflix y observar si permite descargar una actualización o si arroja un mensaje de incompatibilidad.

Netflix ha usado IA en 300 títulos

Netflix confirmó que alrededor de 300 títulos de su catálogo utilizaron inteligencia artificial generativa en alguna etapa de producción, según reveló la plataforma en su informe financiero del segundo trimestre de 2026.

La compañía sostiene que la tecnología permite trabajar “el doble de rápido y a la mitad de coste”, en palabras del co-CEO Ted Sarandos a The Verge. La IA interviene en todo el proceso: desde el desarrollo de conceptos iniciales hasta la previsualización, la posproducción y la entrega final.

Entre las tareas automatizadas figuran la generación de multitudes digitales, la recreación de secuencias históricas y la creación de planos generales para mundos de ficción.

Entre los ejemplos concretos, Netflix mencionó tres producciones. En el documental The American Experiment, 17 minutos de metraje se optimizaron con IA para recrear batallas y planos generales.

En la miniserie brasileña Brasil 70: A Saga do Tri, la tecnología pobló estadios de fútbol con públicos digitales hiperrealistas, sin necesidad de movilizar extras. En la serie de ciencia ficción The Eternaut, la IA resolvió una escena costosa en tiempo y recursos que de otro modo habría resultado inviable.

La estrategia se enmarca en un contexto financiero concreto: la plataforma registró ingresos por USD 12.560 millones en el período y apunta a duplicar sus ingresos por publicidad hasta alcanzar los USD 3.000 millones.

Pese a la automatización creciente, Sarandos insistió en que el talento humano sigue siendo irreemplazable: “Creemos que se necesitan buenos artistas para hacer algo grande y la IA no va a cambiar eso”. El directivo también advirtió que “no creo que lo más rápido y barato importe si no es, además, mejor”, dejando en claro que la eficiencia solo tiene sentido acompañada de criterio creativo.

A partir del 1 de agosto de 2026, varios modelos de televisores dejarán de tener acceso a la aplicación nativa de Netflix. El cambio responde a una decisión técnica que busca garantizar la seguridad y el rendimiento del servicio en los dispositivos.

La medida no corresponde a una falla temporal ni a un error de conexión, sino a la retirada definitiva de la compatibilidad para ciertos dispositivos. Varios hogares se verán afectados por el fin del soporte: la app dejará de abrirse, descargarse o actualizarse en modelos que ya no cumplen los requisitos actuales.

El motivo principal se encuentra en el software interno: cuando el fabricante deja de actualizar el sistema operativo del televisor, la plataforma tampoco puede sostener una experiencia estable o segura.

Qué modelos de televisores no podrán abrir o descargar la aplicación de televisores

La suspensión de soporte afecta principalmente a televisores inteligentes lanzados antes de 2015. Entre los electrodomésticos mencionados en la información oficial, se encuentran marcas y líneas populares.

Aparecen afectados algunos televisores Samsung, Sony, LG y Panasonic de generaciones antiguas, así como el Apple TV de primera, segunda y tercera generación.

Dentro del catálogo de LG, se incluyen las series Infinia LX9500 y Nano LED LM9600. Panasonic señala modelos como AX900, VT50 y VIERA TC‑P50VT25, mientras que Sony advierte sobre referencias Bravia como KDL, XBR y W95.

La lista completa, que detalla modelos exactos y versiones de sistema, puede consultarse en el sitio oficial de Netflix. La verificación es fundamental, porque dentro de una misma marca los cambios entre años y versiones suelen ser importantes, incluso cuando los nombres son similares.

Cómo saber si un televisor perderá acceso a la aplicación de Netflix

La comprobación se realiza en pocos minutos, sin necesidad de llamar al soporte técnico. Existen señales claras que indican el fin de soporte:

• La ausencia del ícono de Netflix en el menú principal.
• La imposibilidad de descargar o actualizar la app desde la tienda de aplicaciones (como LG Content Store o Samsung Smart Hub).
• El hecho de que la aplicación abre pero muestra únicamente una pantalla de error.

Si el ícono ya no aparece, si la descarga no está disponible o si la app deja de avanzar más allá de una pantalla de error, se confirma que el televisor ha quedado fuera del soporte oficial de Netflix.

De qué depende el funcionamiento de la aplicación de Netflix en el televisor

En el caso de LG, la compatibilidad depende de versiones modernas del sistema operativo webOS. Los modelos anteriores suelen perder acceso al servicio. En Samsung, los televisores que incorporan el sistema Tizen OS desde 2016 mantienen soporte, mientras que los modelos con Orsay OS quedan excluidos.

Asimismo, para Sony, los modelos que utilizan Android TV tienen mejor continuidad, pero los que dependen de firmwares basados en Linux tienden a perder compatibilidad con el paso del tiempo.

En cuanto a Apple TV, la continuidad depende del sistema operativo: las generaciones más antiguas ya no cumplen los requisitos técnicos de la plataforma de streaming. Cada fabricante mantiene un listado actualizado en su portal para chequear compatibilidades.

Qué alternativas quedan para seguir viendo películas de Netflix en esos televisores

La pérdida de acceso a la aplicación nativa no implica que el televisor deje de funcionar para otros usos. La pantalla seguirá operativa para cable, consolas, reproductores y entradas HDMI.

La solución más común consiste en agregar un dispositivo externo de streaming, como un Chromecast, Fire TV o Roku, que se conecta vía HDMI y permite instalar Netflix desde su tienda oficial.

Estos dispositivos cuentan con sistemas operativos actualizados y parches de seguridad vigentes, lo que garantiza continuidad y acceso a los contenidos. Otra opción válida es conectar una computadora al televisor y acceder a Netflix desde el navegador, siempre que el dispositivo utilice un sistema compatible.

Para quienes tengan un televisor anterior a 2015, se sugiere verificar la compatibilidad cuanto antes. En caso de quedar fuera del soporte, un dispositivo externo de streaming suele ser una alternativa más económica y práctica que reemplazar todo el televisor, sobre todo si la pantalla todavía ofrece un buen rendimiento visual.

Por primera vez, los seguidores de One Piece en México podrán asistir al cine para ver las películas clásicas de la serie, ahora dobladas al español latino.

Esta novedad permitirá que tanto nuevos espectadores como quienes han seguido la historia desde sus inicios vivan la experiencia en la pantalla grande.

Se preveé que el estreno llegue a partir de septiembre en las distintas cadenas de cine mexicanas.

Llegada de One Piece a los cines de México

Anime BF Distribución, la empresa responsable de llevar películas de anime a Latinoamérica, confirmó el estreno en salas mexicanas.

Las principales cadenas de cine ya han empezado a difundir la noticia, sumando expectativa entre los aficionados.

Las funciones incluirán tres de las primeras películas producidas en Japón y un cortometraje.

Todas se centran en los inicios de Monkey D. Luffy y la tripulación de los Sombrero de Paja, abriendo la posibilidad de revivir los primeros grandes momentos de la saga.

Sin embargo, los organizadores adelantaron que la llegada será próximamente y que se proyectará en varias salas a lo largo del país.

Se espera que en las semanas siguientes se publiquen detalles sobre fechas, complejos participantes y venta de boletos.

¿Qué significa este estreno para los fans de One Piece?

La expectativa es alta. Se prevé que la demanda de boletos sea considerable, considerando la fuerte presencia de la franquicia tanto entre jóvenes como entre seguidores más veteranos.

• Mantenerse atentos a los anuncios oficiales para no perder la oportunidad.
• Anticipar la compra de boletos ante una posible alta demanda.

Cuáles son las primeras películas de One Piece

1. One Piece: La Película (2000) La tripulación de Luffy busca el legendario tesoro del pirata Woonan. Esta cinta se estrenó originalmente en 2000 y suele presentarse junto al cortometraje “El Carnaval de Baile de Jango” (2001).
2. One Piece: Aventura en la Isla Espiral (2001) En esta película, los Sombrero de Paja deben recuperar el Going Merry tras su robo y rescatar a Nami de una banda de piratas. Se acompaña del corto “Soñando con Ser el Rey del Futbol” (2002).
3. One Piece: El Reino de Chopper en la Isla de los Animales Raros (2002) Chopper es proclamado rey en una isla habitada por animales extraordinarios, mientras la tripulación enfrenta a cazadores de tesoros. Antes del largometraje se exhibe “¡Adelante! El Rey Pirata del Béisbol” (2004).

Qué se sabe del One Piece en Netflix

La nueva serie animada de One Piece llegará a Netflix en febrero de 2027, con una primera temporada de siete episodios que cubrirán los primeros 50 capítulos del manga original y la saga de East Blue.

La producción, a cargo de WIT Studio, fue presentada oficialmente con su primer tráiler durante el Festival Internacional de Animación de Annecy, en Francia.

Según la información difundida por los organizadores, el adelanto ofreció el primer vistazo al renovado diseño de Monkey D. Luffy, manteniendo la esencia visual del manga, pero incorporando técnicas de animación más actuales.

La historia vuelve a centrarse en Luffy, el joven pirata que, tras comer una Fruta del Diablo, obtiene habilidades elásticas y se embarca en la búsqueda del legendario tesoro conocido como One Piece.

Su objetivo es convertirse en el Rey de los Piratas, enfrentando desafíos y reuniendo una tripulación a lo largo del camino.

En palabras de Mayumi Tanaka, quien da voz a Luffy desde 1999 y repetirá el papel:

“Estoy muy feliz de unirme a la nueva serie ‘The One Piece’ como Luffy una vez más.

Estaba un poco nerviosa por empezar algo nuevo a mi edad, pero una vez que lo intenté, hice nuevos descubrimientos y pude interpretar a Luffy con una sensación renovada. Disfruté mucho el proceso de grabación, así que espero que muchas personas lo vean”.

La historia sigue a Tamara, una joven con estilo gótico que llega a una nueva preparatoria con la intención de dejar atrás un pasado que juró ocultar.

Desde su primer día, sus compañeros la convierten en blanco de burlas y mensajes de odio en redes sociales. El hostigamiento se agrava cuando anuncia que su proyecto final de clase será un documental sobre el ciberacoso.

De qué trata Proyecto final

La historia sigue a Tamara, una adolescente víctima de ciberacoso que, tras sufrir un accidente provocado por sus agresores, regresa a la escuela bajo una nueva identidad para enfrentarlos uno a uno. La miniserie aborda además el looksmaxxing y la presión estética en redes sociales como parte de la violencia que padecen los jóvenes.

El looksmaxxing y la obsesión por la perfección

La serie incorpora el looksmaxxing, tendencia que busca maximizar el atractivo físico a través de rutinas cosméticas, pero también de prácticas de riesgo. Una de ellas es el bone smashing: provocar microfracturas en la mandíbula mediante golpes para moldear la estructura ósea.

La producción plantea que la búsqueda obsesiva de la perfección física lleva a los adolescentes a someterse a procedimientos que desconocen y que pueden causarles daño.

Las redes sociales, con sus filtros y estándares inalcanzables, aparecen en la trama como uno de los principales motores de esa presión.

El elenco y el proceso de producción

El reparto está encabezado por Daniela Martínez junto a Tristán Maze, Tena, Virgilio Delgado como Daniel e Ian Sparrowe como Pato. La dirección estuvo a cargo de Felipe Aguilar.

Martínez enfrenta en la serie un registro distinto al de sus trabajos previos: el de una víctima de acoso introvertida, alejada de los personajes extrovertidos que había interpretado antes.

De acuerdo con medios especializados la actriz se encontraba grabando una telenovela en Televisa cuando recibió el llamado al casting; dos horas después de su audición, le confirmaron el papel protagónico.

Un formato de episodios ultracortos

Proyecto Final consta de 20 capítulos de 10 minutos cada uno, un esquema que implicó reescrituras constantes del guion para condensar la narrativa sin perder calidad.

La producción grabó dos finales distintos. Netflix no descartó la posibilidad de temporadas adicionales.

La crítica ha comparado el tono de la serie con Élite y 13 Reasons Why por su tratamiento del suspenso escolar y las consecuencias de la violencia entre adolescentes en la era digital.

Un elenco de nueva generación

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La protagonista, Daniela Martínez Caballero, nació en Tabasco en 2002 y se formó en teatro musical antes de debutar en televisión con la telenovela Mi fortuna es amarte en 2021. Desde entonces acumuló créditos en Golpe de Suerte, Sed de Venganza y Las hijas de la Señora García, además de su primer papel en cine con la comedia juvenil El Club Perfecto, reconocida en el Austin Film Festival y el Guanajuato International Film Festival (GIFF).

Tristán Maze, quien interpreta a Xavi, nació en Saltillo en 2005 y llegó a Proyecto Final tras su participación en la telenovela Juegos de amor y poder (2025).

Virgilio Delgado, a cargo del personaje de Daniel, es el integrante del elenco con mayor reconocimiento reciente en plataformas: en 2024 ganó el Premio Pantalla de Cristal a Mejor Actor Juvenil en una Serie de Ficción por su trabajo en Nadie nos va a extrañar, de Amazon Prime Video.

La dirección de la serie estuvo a cargo de Felipe Aguilar.

Una amenaza oculta bajo las olas

El primer tráiler presenta el escenario costero y las consecuencias de los ataques, pero evita mostrar por completo al monstruo. La decisión mantiene abierta la incógnita sobre su aspecto, su origen y la razón por la que llegó hasta las aguas cercanas al pueblo.

La historia sigue a Calvin Penney, interpretado por Hartnett, un pescador generoso y obstinado que vive en una pequeña localidad de Terranova, Canadá. Calvin todavía carga con la muerte misteriosa de su padre, ocurrida varias décadas atrás, cuando una nueva amenaza comienza a alterar la vida de la comunidad.

El pescador deberá proteger a su hijo Wade, interpretado por Charlie Heaton, y mantener unida a su familia mientras los ataques aumentan. Para investigar lo que ocurre bajo el agua, trabajará con una investigadora marina visitante encarnada por Mackenzie Davis.

El avance sugiere que la criatura es apenas una parte del conflicto. La descripción oficial anticipa secretos enterrados en la isla y conecta el peligro actual con el pasado de Calvin, aunque Netflix todavía no explicó cómo se relacionan ambos misterios.

El reparto de Below

Junto con Hartnett, Heaton y Davis, el elenco incluye a Ruby Stokes, Kaleb Horn, Rohan Campbell y Willow Kean. Netflix todavía no detalló qué personajes interpretan estos cuatro actores ni cómo intervienen en la investigación de los ataques.

Hartnett regresa así a un papel principal en televisión después de participar en series como Penny Dreadful, Die Hart y Paradise Lost. En Bajo la superficie también figura como productor ejecutivo, además de encabezar el reparto.

La participación del actor fue anunciada poco después de la presentación inicial del proyecto, realizada en febrero de 2025. El nuevo tráiler ofrece el primer vistazo concreto al pueblo, la dinámica entre sus habitantes y el peligro que se desplaza bajo el mar, pero reserva la apariencia de la criatura para futuros adelantos o para el estreno.

La serie combinará el enfrentamiento con el monstruo y el drama familiar de Calvin. Su prioridad será mantener a salvo a Wade y al resto de sus seres queridos, mientras intenta evitar que el miedo fracture una comunidad donde los habitantes dependen unos de otros.

Creación, producción y estreno

Jesse McKeown creó la serie y trabaja como showrunner, el responsable creativo principal que coordina el desarrollo narrativo y la producción. McKeown también ocupa el cargo de productor ejecutivo.

El equipo de producción ejecutiva se completa con Hartnett, Jessica Rhoades a través de Pacesetter, Chris Hatcher, Jamie Childs, Louise Sutton y Sharon Hall. La información difundida hasta ahora no identifica a los directores de cada episodio ni especifica si la historia fue concebida para continuar después de esta primera entrega.

El recorrido de lanzamiento comenzará en TIFF, donde Bajo la superficie formará parte del programa Primetime el 10 de septiembre de 2026. La presentación permitirá ver la serie casi un mes antes de su llegada global a Netflix, prevista para el 8 de octubre.

La producción fue filmada en locaciones de St. John’s, en la provincia canadiense de Terranova, el mismo territorio donde transcurre la historia.

Ferrell, protagonista de clásicos como “Elf” y “Anchorman”, abrió la puerta a su universo personal y creativo. Entre anécdotas y reflexiones, el comediante se refirió al peso de la opinión pública, las exigencias del género y su nuevo proyecto en Netflix, “The Hawk”.

Reflexión sobre la comedia y la percepción pública

El actor de 59 años compartió episodios en los que el público manifestó opiniones ambiguas sobre su trabajo. “No me importa lo que digan, creo que eres hilarante”, le afirmó a un desconocido en una ocasión.

Relató que inmediatamente preguntó “¿Qué están diciendo?”, resaltando su interés por entender el trasfondo de las percepciones ajenas. “¿Quiénes son ‘ellos’? Dame la lista”, insistió durante el relato.

En otro momento, recordó el encuentro con una mujer que le dijo: “Eres muy gracioso, pero no eres Larry David”. Ferrell respondió con ironía: “¿Por qué no vuelves a tu mesa y te callas?”. El actor agregó que este tipo de comentarios no lo intimidan: “Si vas a insistir, entonces yo también me voy a poner firme”.

También analizó la recepción de su humor fuera de Estados Unidos. “El par de veces que estuve en Italia, recuerdo que estaba en una cafetería y alguien dijo: ‘Ahí está, el Zoolander’. Yo respondí: ‘Bueno, no soy Zoolander, soy Mugatu’. ‘Sí, ya sé a lo que me refiero’. Esa película, en particular, enloquece a los italianos”, contó.

Rechazo a la secuela de “Elf”

En relación con su popular papel en “Elf”, Ferrell fue enfático al referirse a las ofertas que recibió para rodar una continuación y aseguró que rechazó propuestas económicas muy elevadas para realizar la secuela.

Cuando Horowitz le preguntó si tras su recordada aparición vestido de Buddy the Elf en un partido de hockey esto reavivó el interés del estudio, Ferrell señaló: “No. No escuché ni un susurro. Ese tren ya zarpó”.

Sobre la vigencia de la película, el actor remarcó que es un clásico, y consideró que mantener la integridad del film original pesó más que cualquier incentivo económico.

Personajes y proceso creativo

Ferrell defendió la posibilidad de interpretar personajes que no sean necesariamente “simpáticos” para el espectador. Relató una conversación con una ejecutiva de estudio que le aseguró: “Los personajes de comedia tienen que ser agradables”.

El actor discrepó con esa idea y sostuvo que su trabajo en “Saturday Night Live” había demostrado que las figuras incómodas o incluso antipáticas también podían conectar con la audiencia.

“Creo que he tenido el don de hacer que eso resulte divertido y agradable, no sé cómo lo hago”, reconoció. Como ejemplo, recordó un sketch en el que gritaba a niños durante una canción de cumpleaños: “Sobre el papel eso se ve horrible, pero funcionó increíblemente bien”.

El actor también se refirió a la variedad de sus papeles y destacó que disfrutó la sinceridad de interpretar a Buddy, un personaje cuyo entusiasmo molesto le resultó especialmente divertido. “Pero también es divertido gritarle a los niños. Si tienes dudas, en la comedia, grítale a un niño pequeño, mientras más pequeño y tierno, mejor”, comentó entre risas.

La nueva serie “The Hawk”

Ferrell presentó detalles de “The Hawk”, su reciente proyecto para Netflix, donde encarna a Lonny Hawkins, un golfista egocéntrico conocido como “The Hawk”. “Por el 87% del show lleva una visera que dice su apodo, porque vive con miedo mortal de que alguien no lo reconozca”, explicó.

El personaje está inspirado en los golfistas de la década de 1970, con una estética marcada por los cigarrillos durante las pausas entre hoyos, la ropa llamativa y la costumbre de tomar cócteles después de los partidos, según explicó Ferrell.

Sobre la actualidad del golf profesional, opinó: “El PGA está vacío de personalidad en este momento. Lo digo con cariño, porque el PGA también es parte de nuestro show”. La serie también cuenta con la participación de Luke Wilson, Chris Parnell y Molly Shannon, habituales compañeros de Ferrell.

Colaboraciones y proyectos futuros

El actor reveló que mantiene conversaciones con Adam Sandler y Ben Stiller para posibles colaboraciones. “Sandler, bendito sea, me dice: ‘Tenemos que hacer algo antes de que no podamos movernos más’”, relató.

Además, adelantó que está trabajando con Ryan Gosling en una comedia de acción: “Estamos dándole forma, espero que salga adelante porque podría ser muy divertido”.

Ferrell aseguró que prefiere involucrarse en propuestas innovadoras y explicó que, mientras conserve crédito dentro de la industria, busca destinarlo a otros proyectos que mantengan una sensación de aventura y exploración creativa.

Disfrutar de Las Guerreras K-Pop en latino directamente en el televisor es una experiencia sencilla y segura si se realiza a través de la plataforma oficial de streaming que posee los derechos exclusivos de la película.

Gracias a la compatibilidad de Netflix con una amplia gama de dispositivos y la facilidad para seleccionar el doblaje en español latino, ver este éxito animado con la mejor calidad de imagen y sonido está al alcance de cualquier usuario, evitando riesgos y garantizando una reproducción fluida.

Cómo ver Las Guerreras K-Pop en español latino en tu Smart TV

Acceder a la película con doblaje en español latino es un proceso rápido si se cuenta con una suscripción activa a Netflix y un televisor inteligente con la aplicación instalada.

Al iniciar sesión y buscar el título en el catálogo, basta con comenzar la reproducción y utilizar el menú de controles que aparece en pantalla. Dentro de este menú, hay que ingresar al apartado de audio y subtítulos para elegir la opción Español (Latinoamérica) como idioma principal. El mismo procedimiento permite activar o desactivar subtítulos, e incluso seleccionar otros idiomas si se prefiere.

Aquellas personas que desean que todo el contenido se reproduzca en español latino sin tener que configurar el idioma cada vez, pueden ajustar su perfil desde la sección Administrar perfiles en la configuración de Netflix.

Al modificar el idioma principal del perfil a Español (Latinoamérica), la plataforma reproducirá de manera automática todos los títulos disponibles con ese doblaje, facilitando así el consumo habitual de contenido en el idioma preferido.

Dispositivos compatibles para ver la película en casa

La versatilidad de Netflix permite que Las Guerreras K-Pop se disfrute no solo en televisores inteligentes, sino también en una variedad de equipos domésticos y móviles.

Para quienes no cuentan con una Smart TV, existen soluciones alternativas: se puede conectar una computadora al televisor mediante un cable HDMI o transmitir el contenido desde un teléfono móvil utilizando la función Cast. Esto posibilita ver la película en pantalla grande, aún cuando el televisor no tiene instalada la aplicación de Netflix.

En el caso de dispositivos móviles como teléfonos y tabletas, solo es necesario descargar la aplicación oficial de Netflix desde las tiendas correspondientes e iniciar sesión. Esta opción es ideal para quienes prefieren ver la película fuera de casa o durante viajes, ya que la plataforma ofrece la posibilidad de descargar el contenido y reproducirlo más tarde sin conexión a internet.

Personalización de la experiencia de visualización en Netflix

El servicio de streaming incorpora diversas funciones que mejoran la experiencia del usuario. Entre ellas destacan la creación de perfiles individuales, lo que permite mantener recomendaciones y configuraciones separadas para cada miembro de la familia, y los controles parentales, que restringen el acceso a contenido inapropiado para menores.

Además, la calidad de la imagen y el sonido se adapta de forma automática a la velocidad de la conexión a internet, asegurando una reproducción óptima en todo momento.

Otra característica relevante es la sincronización entre dispositivos. Esta función permite comenzar la visualización de la película en un celular y retomarla más tarde en el televisor o en una computadora desde el mismo punto en que se detuvo, brindando flexibilidad y continuidad. La ausencia de anuncios durante la reproducción distingue a Netflix de otras opciones no oficiales, ofreciendo una experiencia ininterrumpida.

Riesgos de buscar Las Guerreras K-Pop en sitios no autorizados

El crecimiento en popularidad de la película ha llevado a la aparición de páginas y aplicaciones que prometen acceso gratuito, pero estas alternativas suponen riesgos importantes para la seguridad de los dispositivos y la privacidad de los usuarios.

Especialistas en ciberseguridad advierten sobre la descarga de archivos de procedencia desconocida, que pueden contener programas maliciosos capaces de robar contraseñas, acceder a datos bancarios o recopilar información personal.

Además, algunas aplicaciones no autorizadas solicitan permisos excesivos, incluyendo acceso a la cámara, el micrófono o los contactos del dispositivo. Utilizar estos servicios puede resultar en la utilización fraudulenta de la información recolectada, comprometiendo la seguridad del usuario.

A estos peligros técnicos se suman las posibles consecuencias legales. Organismos internacionales advierten que ver o distribuir contenido protegido por derechos de autor a través de plataformas no oficiales puede ser sancionado, dependiendo de la legislación vigente en cada país. Por este motivo, la vía más segura para disfrutar de Las Guerreras K-Pop en español latino desde el televisor es recurrir exclusivamente a Netflix, donde se garantiza calidad, protección de datos y plena legalidad.

No podría haber una noticia peor para los fans de las películas de Studio Ghibli. A partir de este sábado, la plataforma que tenía todos los títulos en su catálogo, Netflix, dejará de contar con obras maestras como El viaje de Chihiro (ganadora de un premio Oscar), El castillo ambulante o La princesa Mononoke: más de una veintena de títulos del considerado como uno de los mejores estudios de animación del mundo dejarán de estar disponibles.

La marcha de tantas y tantas obras maestras supone una importante pérdida también para Netflix, plataforma que se había convertido en lugar de referencia para todos los que quisieran ver los títulos de Ghibli. Desde febrero de 2020, la llegada progresiva de estos títulos permitió que una nueva generación descubriera sus historias. En su momento, la plataforma integró las producciones en tres tantas, comenzando por siete filmes iniciales como Mi vecino Totoro y Porco Rosso, a los que siguieron otros siete en marzo con El viaje de Chihiro y La princesa Mononoke, y finalmente siete más en abril, donde se sumaron El castillo ambulante y Ponyo en el acantilado.

Sin embargo, la última película en incorporarse al catálogo sería El chico y la garza, que llegaría a finales de 2024 tras su exitoso paso por cines a finales del año anterior. Esta es, hasta la fecha, la última película de Hayao Miyazaki, el aclamado director que, por aquel entonces con 83 años, ganaría su segundo premio Oscar (tres si contamos el honorífico por toda su carrera). Esta, al igual que todas las demás, dejará de poder verse en Netflix a partir del 1 de agosto.

Cuáles son las películas que tengo que ver sí o sí antes del adiós de Ghibli

Studio Ghibli tiene un total de 23 largometrajes animados, de modo que, si has pensado en verlas todas quizá sea un poco difícil en los tres días que quedan para su despedida. Sin embargo, aquí dejamos algunas recomendaciones para quienes no hayan visto nada o para quienes busquen alguna joya escondida entre toda la colección. Cabe recordar que, aunque la mayoría de estas producciones son para todos los públicos, se trata de historias con la profundidad emocional suficiente como para que los adultos puedan disfrutar (igual o más) que los más pequeños.

Dicho esto, lo primero que hay que ver de Ghibli son los clásicos de Miyazaki: Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro, La princesa Mononoke y El castillo ambulante serían las más famosas, pero a estas habría que añadir también otros títulos de otros directores igual de importantes, como La tumba de las luciérnagas, de Isao Takahata, Susurros del corazón, de Yoshifumo Kondo, o Arrietty y el mundo de los diminutos, de Hiromasa Yonebayashi.

Junto a estos títulos, también hay películas mucho menos reconocidas que deberían ser consideradas imprescindibles, como la preciosa El cuento de la princesa Kaguya, donde el estudio incluso cambia su estilo de animación, o la emocionante Porco Rosso, donde quizá Miyazaki explota más su conocido amor por los aviones. Además, no podemos dejar de recomendar las dos últimas películas de este director, El viento se levanta y El chico y la garza, dos filmes que, a través del realismo o la fantasía, escenifican a la perfección algunas de sus principales obsesiones.

¿Las Guerreras K-pop son reales? Esa pregunta encabezó las tendencias en Google durante semanas, reflejando el interés masivo de la audiencia hispanohablante. La duda se multiplicó debido a la viralidad de la película animada ‘Las Guerreras K-pop’, que generó confusión al mezclar elementos de la cultura pop surcoreana con ficción fantástica.

Miles de usuarios buscaron confirmar si existía un grupo musical auténtico detrás de la historia o si solo se trataba de una invención cinematográfica.

Las Guerreras K-pop, el fenómeno más buscado en Google

La película ‘Las Guerreras K-pop’, también titulada en inglés como ‘K-pop: Demon Hunters’, es una producción animada de Sony Pictures Animation que alcanzó un éxito sin precedentes desde su estreno el 20 de junio de 2025. El largometraje narra la vida de un grupo ficticio de estrellas del pop coreano, quienes combinan su carrera musical con la misión secreta de proteger al mundo enfrentando fuerzas sobrenaturales.

La trama se centra en tres protagonistas que forman el grupo Huntr/X: Rumi, Mira y Zoey. Cada una aporta habilidades distintas tanto en el escenario como en el combate contra demonios.

Rumi lidera al grupo y utiliza la espada mágica saingeom, Mira destaca como bailarina principal y emplea un arma de asta, mientras que Zoey, encargada del rap y la composición, prefiere cuchillos lanzadores. Juntas, enfrentan a Gwi-Ma, un antiguo ente demoníaco que actúa a través de la banda rival Saja Boys.

El éxito de la película no se limitó a la plataforma de streaming. Según el informe anual de Google, el título fue la película más consultada en el buscador durante 2025, y varias de sus canciones se ubicaron entre las 10 más buscadas del año. Además, los disfraces inspirados en los personajes principales encabezaron las listas de tendencias durante Halloween.

¿Es real el grupo de Las Guerreras K-pop? Origen y mitología cinematográfica

A pesar de la popularidad y el realismo de la ficción, Huntr/X y sus integrantes no existen fuera de la pantalla. La historia fue concebida exclusivamente para el filme, aunque toma como base muchos elementos auténticos de la cultura K-pop, desde la estética visual hasta la dinámica de los grupos musicales surcoreanos.

Tal como explicó la directora Maggie Kang a Variety, la intención fue rendir homenaje a las raíces coreanas y al fenómeno global del K-pop, pero insertando a sus personajes en una narrativa de fantasía y acción.

Las protagonistas son, entonces, una creación original de los guionistas, que fusiona la imagen de ídolos musicales con la de heroínas sobrenaturales. La fuente de sus poderes está en el canto y la danza, lo que les permite generar armas sónicas para combatir a sus enemigos.

Este giro narrativo se inspira en prácticas tradicionales coreanas. Kang señaló que se basó en el gut, una ceremonia folclórica donde bailarines realizaban rituales para proteger a la comunidad de espíritus malignos. Así, la película entrelaza el pasado ancestral coreano con la modernidad del pop.

Proceso creativo y referencias culturales de la película animada

Maggie Kang, quien dirigió el proyecto junto con Chris Appelhans, concibió la idea a partir de su experiencia personal y su vínculo con la cultura surcoreana. En la entrevista con el medio citado, Kang mencionó que su objetivo era mostrar una Corea auténtica, reflejando tanto la arquitectura como las costumbres y la vida cotidiana.

Detalló cómo el equipo de animación cuidó cada aspecto visual, desde la representación realista del horizonte de Seúl hasta los interiores de restaurantes típicos.

Un ejemplo específico de este enfoque es la elección de la aldea Bukchon Hanok para ambientar la primera reunión entre Rumi y Jinyu, dos de los personajes principales. Según Kang, esta locación simboliza la unión entre lo antiguo y lo moderno, tema recurrente a lo largo de la película. El Hanok, que representa la tradición, se contrapone al skyline urbano que encarna la contemporaneidad, reflejando en los personajes esa dualidad.

El impacto de Las Guerreras K-pop en la cultura digital y el entretenimiento

El estreno de ‘Las Guerreras K-pop’ marcó un antes y un después en la animación distribuida por Netflix. La película se convirtió en la cinta animada más vista en la historia de la plataforma, superando registros previos y obteniendo además dos premios Oscar en la edición 98ª de los Premios de la Academia: Mejor Película Animada y Mejor Canción Original por el tema Golden.

Este fenómeno traspasó la pantalla y se instaló con fuerza en la cultura digital. El reporte El año en búsquedas de Google posicionó a la película como líder indiscutida en consultas, confirmando el interés que generó la combinación de música, acción y mitología coreana.

La popularidad alcanzó también a las canciones de la banda sonora, tres de las cuales integraron el Top 10 anual, y se reflejó en el mercado de disfraces, donde los personajes dominaron las tendencias de Halloween.

La pregunta “¿Las Guerreras K-pop son reales?” sintetiza el efecto de la película en la audiencia: la confusión entre ficción y realidad se alimentó tanto por el realismo de la animación como por la cercanía con la estética del K-pop genuino. Sin embargo, las protagonistas y el grupo Huntr/X existen únicamente en el universo de la película, aunque su influencia ya se percibe en la cultura pop global.

El final de julio le ha traído a Netflix un nuevo éxito por parte del cine español. Se trata de Los creyentes, una película de suspense dirigida por Roger Gual y dirigida por José Coronado que, desde su lanzamiento el pasado 24 de julio, ha conseguido escalar a lo más alto de la lista de lo más visto en la plataforma.

Esa producción narra el regreso de Ruth, una mujer de 30 años interpretada por Stéphanie Magnin, a la casa familiar tras dos años de ausencia. La muerte de su madre en un aparente resbalón doméstico desencadena una serie de sospechas que la llevan a mirar con recelo a su padre, Martín, encarnado por José Coronado, quien parece estar obsesionado con una teoría de la conspiración.

De este modo, Los creyentes se adentra en la desconfianza entre padre e hija, cuya relación es cada vez más tensa, si bien pronto evoluciona hacia un relato paranoico sobre nuestra época, donde las teorías sobre niños secuestrados y experimentos clandestinos reflejan el auge de la desinformación y las fake news.

Un juego entre la desconfianza dentro y fuera del hogar familiar

La trama de la película, lejos de inventar nuevos códigos para el género, utiliza recursos clásicos del thriller psicológico: la sospecha, la ambigüedad y el cuestionamiento constante de la realidad. El guion, escrito por Carlos Montero y Darío Madrona, destaca por la verosimilitud de sus personajes, algo en lo que también ayuda un reparto completado por nombres como Alberto Olmo, Mabel del pozo o Fanny Gautier.

La obra explora cómo el aislamiento y la desinformación pueden empujar a las personas a sumergirse en los rincones más oscuros de internet. La desconfianza entre familiares se convierte en un espejo de las paranoias teorías de la conspiración más recientes, desde los movimientos terraplanistas hasta los negacionistas de la pandemia.

Por otra parte, la atmósfera otoñal de Asturias, combinada con localizaciones en Madrid y Berlín, refuerza la tensión y el misterio que rodean los secretos familiares de la protagonista. La elección de escenarios refuerza la conexión entre el clima emocional de los protagonistas y el contexto físico en el que se desarrolla la historia. A la historia la envuelve una atmósfera grisácea y húmeda, típica del norte de España.

El problema de la verdad

Los creyentes no aspira a convertirse en una sátira política o social de gran calado, pero sí plantea preguntas sobre el impacto de las paranoias colectivas y la sobreabundancia de información falsa en la vida cotidiana. La película invita a cuestionar las certezas y a reflexionar sobre los límites entre realidad y creencias personales.

La dinámica entre los personajes permite que el espectador se cuestione constantemente quién dice la verdad y qué se esconde detrás de cada gesto o silencio. De hecho, el desenlace, aunque discutido por algunos por su afán de cerrar todas las tramas, deja abierta la puerta a la interpretación sobre el poder de las narrativas alternativas y la fragilidad de los vínculos familiares en tiempos de incertidumbre.

Ahora, solo falta por ver cuán lejos llegará Los creyentes en Netflix. La película española apunta a ser uno de los éxitos del verano, algo que no sería extraño para José Coronado, quien ya ha protagonizado otros lanzamientos masivamente reproducidos como las series de Entrevías o El inocente.

En medio de protestas sindicales y debates públicos, los principales estudios de Hollywood profundizan su dependencia de la inteligencia artificial.

Mientras la industria cinematográfica debate los riesgos y el impacto de esta tecnología, un relevamiento reciente de vacantes laborales revela cómo los grandes jugadores del sector refuerzan equipos para integrar herramientas de IA en todas las áreas clave de la producción audiovisual.

La doble estrategia de los estudios: rechazo público y avance interno

El escenario en Estados Unidos muestra una dinámica de doble filo. Por un lado, sindicatos y parte del público expresan sus diferencias sobre la automatización y la posible sustitución de empleos creativos. Por otro, empresas como Disney, Netflix, Amazon MGM Studios y otras aceleran la contratación de perfiles especializados en IA para transformar sus procesos internos.

Una investigación publicada por el Los Angeles Times identificó, a fines de junio, alrededor de 30 posiciones laborales vinculadas a inteligencia artificial entre unas 250 vacantes abiertas en los principales estudios.

La proporción supera el 10% del total de búsquedas, una cifra significativa para una industria tradicionalmente celosa de sus métodos de trabajo.

Estas posiciones reflejan la diversificación de la IA dentro de la industria. Mientras Disney, Netflix y Amazon buscan integrar la inteligencia artificial directamente en el desarrollo creativo —como efectos visuales, animación, sonido y doblaje—, otras compañías como Universal, Paramount, Warner Bros. y Sony priorizan aplicaciones en mercadotecnia, distribución y análisis de audiencias.

Puestos clave y funciones detectadas en los avisos laborales

• Amazon MGM Studios publicó búsquedas para un ejecutivo principal de IA, encargado de impulsar la adopción de herramientas inteligentes en toda la cadena de producción.
• Walt Disney Studios ofreció un puesto de tecnólogo en innovación de producción, orientado a tender puentes entre la investigación y la aplicación práctica en cine de animación y efectos especiales.
• Netflix abrió la vacante de “manager, generative workflows”, un puesto enfocado en introducir tecnologías de IA en las películas que la plataforma estrena en Estados Unidos y Canadá.
• Disney también buscó perfiles con doctorado para investigar gráficos por computadora e inteligencia artificial, con aplicaciones directas en Pixar y producciones propias.
• Skywalker Sound, firma de posproducción de audio perteneciente a Disney, lanzó convocatorias para desarrollar modelos propios de IA orientados a bandas sonoras, separación y transferencia de voz.

Ninguno de los anuncios relevados estuvo dirigido a reemplazar guionistas o actores mediante herramientas automatizadas. La mayoría de los puestos refuerzan áreas técnicas y de soporte creativo, pero no sustituyen tareas de interpretación ni escritura de guiones.

Figuras influyentes y movimientos empresariales: entre el entusiasmo y la cautela

El debate público sobre el uso de IA en Hollywood no se limita a los estudios. Varias de las voces más conocidas del sector manifestaron posturas abiertas a la adopción de estas tecnologías.

• George Lucas, creador de Star Wars, sostuvo en diálogo con una revista especializada: “La inteligencia artificial significa que es mucho más fácil para nosotros hacer películas. No hay nada que puedas hacer al respecto. Eso es progreso. Es el futuro”.
• Martin Scorsese —director premiado y referente del cine estadounidense— respaldó a empresas tecnológicas del sector y se mostró receptivo a la colaboración entre cineastas y desarrolladores.
• Ben Affleck fundó la empresa InterPositive, dedicada a tecnología fílmica basada en IA. La firma fue adquirida por Netflix en marzo por USD 587 millones en efectivo, según un reporte citado por el Los Angeles Times.
• El propio Affleck describió el objetivo de la compañía como una forma de mantener “humana la narración”. Las herramientas desarrolladas allí permitían corregir iluminación, generar planos adicionales y asistir a los equipos creativos sin desplazar las decisiones artísticas.

Netflix, además, exhibió aplicaciones concretas de IA en la producción: Girish Balakrishnan, director sénior de innovación creativa, expuso en el festival Runway AI cómo la tecnología fue utilizada para generar hinchas en el documental Brazil ’70 y para crear tomas de combate en Glory.

Amazon, pionera en la incorporación de IA en el sector audiovisual, sumó tres series animadas generadas por IA a través de su GenAI Creator Fund, y financió la compañía Innovative Dream, con sede en Manhattan Beach, para servicios de producción.

Resistencia sindical, protecciones legales y límites actuales

El avance de la inteligencia artificial en la industria del entretenimiento convive con límites regulatorios y sindicales. En junio, el sindicato SAG-AFTRA ratificó un nuevo contrato de cuatro años que incorpora protecciones específicas contra los intérpretes sintéticos y apoya una ley nacional orientada a resguardar los derechos de las personas frente a réplicas digitales no autorizadas.

Desde 2023, los estudios mantienen reuniones semestrales con el sindicato para entregar informes confidenciales sobre sus actividades con IA.

Según una fuente con conocimiento de esas conversaciones, las empresas insisten en que aún no utilizan IA para reemplazar completamente a trabajadores humanos.

El gremio sostiene que no existen pruebas documentadas de que la inteligencia artificial generativa haya sido usada para crear interpretaciones actorales.

Las compañías están obligadas a notificar a la organización si comienzan a emplear estas herramientas con ese fin.

Bryn Mooser, director ejecutivo del estudio Asteria, describió el escenario como “difícil de adoptar social, ética y legalmente”, aunque reconoció que la tendencia de uso es la más alta que se haya visto hasta ahora.

Los Angeles Times destaca que la expansión de la inteligencia artificial dentro de la industria cinematográfica expone una paradoja: mientras los estudios avanzan en la integración de herramientas avanzadas y destinan recursos crecientes para fortalecer sus equipos técnicos, la vigilancia sindical y las regulaciones legales continúan marcando límites claros.

Actores, guionistas y técnicos mantienen abiertas las discusiones sobre el alcance de la automatización y las condiciones bajo las cuales se acepta la presencia de algoritmos en los procesos creativos.

Entre desarrollos tecnológicos, contratos blindados y debates sobre el futuro del trabajo en el sector, Hollywood se mantiene en un delicado equilibrio.

El sector explora nuevas fronteras de la producción audiovisual, aunque bajo la mirada atenta de quienes defienden la preservación del talento humano. La evolución de la IA en el corazón del cine estadounidense avanza, empujada por la competencia y la innovación, pero vigilada por quienes buscan garantizar que la creatividad siga siendo, ante todo, un rasgo humano.

El furor por Las Guerreras K-pop no se queda en las pantallas y mucho menos en las millones de reproducciones de sus canciones. El cariño por esta franquicia de Netflix también llama la atención de los usuarios para tener imágenes para colorear de Rumi, Jinu, Mira y los demás personajes de la película.

En internet hay varias opciones de obtener este tipo de imágenes, que son ideales para uso personal y no comercial para que los más pequeños realicen actividades en casa, fiestas infantiles o colegios.

Así que vamos a dar cuatro métodos para encontrar este tipo de material con búsquedas en Google Imágenes, exploración en Pinterest, recursos en DeviantArt y navegación en redes sociales como X e Instagram.

Imágenes de Las Guerreras K-pop para colorear

• Google

La primera opción para quienes desean imágenes de Guerreras K-pop listas para colorear consiste en aprovechar el buscador de Google Imágenes. El secreto está en saber qué términos utilizar y cómo filtrar los resultados.

La recomendación es buscar en inglés para acceder a una mayor cantidad de fanart, ya que la comunidad internacional utiliza principalmente ese idioma. Palabras como “Huntrix coloring page”, “Huntrix concept lineart” o “Huntrix line art” son ideales.

También pueden emplearse variantes en español como “Guerreras K-pop para colorear” o “Dibujos de las Guerreras K-pop en blanco y negro”, aunque el volumen será menor.

El proceso incluye usar los filtros de Google para afinar la búsqueda. Tras ingresar los términos en la pestaña de Imágenes, se accede a la herramienta de selección que permite elegir “Blanco y negro” dentro del menú Color y “Dibujo de líneas” en el menú Tipo.

• Pinterest

Pinterest es una plataforma privilegiada para hallar ilustraciones de idols K-pop en versión guerrera listas para colorear. La clave está en los términos de búsqueda y en saber aprovechar la estructura de la red. Buscar frases como “Huntrix lineart”, “Huntrix coloring pages” o “Huntrix fanart lineart” lleva a tableros especializados creados por fans y artistas de todo el mundo.

Una vez que se encuentra una imagen atractiva, el truco consiste en hacer clic en ella y desplazarse hacia abajo. La sección “Más como esto” despliega una selección de Pines similares, lo que facilita descubrir colecciones enteras de dibujos en blanco y negro ya curadas por otros usuarios.

Pinterest permite descargar imágenes para uso personal, pero el respeto por las creaciones de los artistas sigue siendo fundamental. Algunos dibujos pueden tener marcas de agua o estar protegidos; en esos casos, lo más recomendable es buscar alternativas libres o contactar al autor para solicitar permiso.

• DeviantArt

La tercera opción es DeviantArt, reconocida como una de las mayores comunidades de arte digital en internet. Aquí, artistas de estilo manga, cómic y K-pop suben sus trabajos en blanco y negro (lineart) para que otros los coloreen.

Se recomienda buscar usando palabras clave en inglés como “Huntrix lineart”, “Huntrix fanart coloring” o “Huntrix line art”. La barra de búsqueda facilita encontrar dibujos de alta calidad, subidos tanto por fanartists como por artistas profesionales.

Un punto fuerte de DeviantArt es que muchos creadores permiten la descarga directa de la imagen en alta resolución, ideal para quienes desean imprimir sin perder detalles. Basta con hacer clic en el botón de descarga bajo la imagen, si está disponible.

• Redes sociales

Las redes sociales, en especial X e Instagram, son vitales para acceder a contenido fresco y variado de Guerreras K-pop para colorear. Miles de fanartists publican bocetos y linearts para que la comunidad los pinte, sobre todo en fechas especiales como aniversarios o lanzamientos con temáticas de guerreras.

La búsqueda eficiente se apoya en hashtags como #HuntrixLineart, #HuntrixFanart, #ColoringHuntrix y #HuntrixColoringPage.

X, en particular, ofrece la función de búsqueda avanzada, lo que permite afinar aún más los resultados. Además, muchos fanartists incentivan la participación de sus seguidores invitándolos a colorear y compartir las versiones terminadas, e incluso organizan concursos.

En Instagram, la interacción suele ser visual y directa, con galerías completas bajo los mismos hashtags. Es importante respetar siempre las condiciones de uso que establecen los autores y, si se comparte el resultado, etiquetar al creador original.

Netflix se encuentra en el centro de un nuevo conflicto legal tras el reclamo del mercado de predicciones Kalshi, que ha solicitado la retirada inmediata del tráiler de su próximo documental “Instadocs: The Prediction Games”.

De acuerdo con la plataforma de predicciones el adelanto es “difamatorio” y contiene “documentos fabricados y declaraciones falsas”, lo que habría generado una situación tensa a solo días del estreno oficial.

Cuál es el conflicto con el tráiler de Netflix

El documental de Netflix, que forma parte de la serie “Instadoc”, explora el auge de los mercados de predicción y cuenta con entrevistas tanto al CEO de Polymarket, Shayne Coplan, como al CEO de Kalshi, Tarek Mansour. Sin embargo, el foco del conflicto está en una escena ambientada en una fiesta en Las Vegas durante la final de la Copa del Mundo, donde varios asistentes muestran apuestas millonarias realizadas en plataformas como Kalshi.

Según la carta de cese y desistimiento enviada por Kalshi, el tráiler induce al público a creer que se realizaron apuestas deportivas en Nevada el 19 de julio de 2026, a pesar de que la empresa tenía prohibido operar en ese estado desde mucho antes. Desde la plataforma afirman que la captura de pantalla mostrada es de una apuesta realizada en mayo de 2025, antes de la prohibición judicial, y que Netflix acordó no incluir ese recibo en el documental final.

Sin embargo, la imagen sigue presente en el tráiler, lo que llevó a Kalshi a denunciar una maniobra engañosa destinada a “engañar a millones de clientes”.

Netflix, por su parte, reconoce que la captura de pantalla corresponde a 2025 pero niega cualquier manipulación. “Las imágenes fueron filmadas en el evento Winible World Cup Watch Weekend en Las Vegas el 17 de julio de 2026”, señaló un portavoz a The Hollywood Reporter, subrayando que cualquier operación específica es responsabilidad de los usuarios y de las aplicaciones implicadas.

El trasfondo: apuestas, reputación y presión legal

El caso visibiliza el delicado equilibrio entre la libertad creativa de los documentales y la protección de la reputación de actores relevantes en la industria fintech y de apuestas. Kalshi sostiene que la difusión del tráiler puede afectar su imagen ante reguladores, usuarios y socios comerciales, especialmente cuando el sector de los mercados de predicción se encuentra bajo estricta supervisión legal en Estados Unidos.

El conflicto también refleja la presión sobre las plataformas de streaming para generar contenido atractivo y de impacto rápido, en un mercado donde la competencia, y la polémica, son moneda corriente.

Netflix: cambios estratégicos, caída en la participación y nuevos formatos

No es el único frente abierto para Netflix, que en paralelo estudia incorporar canales de televisión en vivo y programación lineal para revertir la caída de la participación de sus suscriptores. La métrica de interacción, que mide el tiempo y la frecuencia con la que los usuarios completan películas y series, ha mostrado signos de declive, llevando a la empresa a explorar nuevas formas de retener audiencia.

Entre las estrategias en análisis figuran la transmisión continua de contenido por género o programación temática, la integración de servicios de terceros como Peacock y la entrada selectiva en eventos deportivos en directo. En Francia, Netflix ya ha comenzado a ofrecer acceso a la programación de la cadena TF1, lo que podría anticipar movimientos similares en otros mercados.

En medio de estos cambios, Netflix firmó un acuerdo exclusivo para transmitir en Estados Unidos y Puerto Rico las ediciones 2027 y 2031 de la Copa Mundial Femenina de la FIFA, incluyendo la producción de docuseries sobre las jugadoras y el crecimiento del fútbol femenino. Este movimiento refuerza el interés de la plataforma por combinar deporte en directo, contenido original y estrategias de fidelización.

El conflicto con Kalshi y las nuevas apuestas de Netflix en programación en directo muestran el dinamismo y los desafíos del sector del streaming. Entre la presión legal, las demandas de los usuarios y la competencia por la atención, las plataformas deberán navegar con cautela la delgada línea entre el storytelling de impacto y la rigurosidad factual, en un entorno donde cada imagen y cada dato pueden desencadenar disputas de alto voltaje.

Las guerreras K-pop es la película animada más popular en Netflix, y ese fenómeno se replica en Google: los usuarios consultan masivamente información sobre el título en el buscador.

Una de las preguntas más frecuentes es quién creó la película. La directora y artista Maggie Kang la desarrolló junto al codirector Chris Appelhans. La idea original partió de Kang, quien se inspiró en sus raíces coreanas y en su amor por la cultura del K-pop para fusionarlos con el mundo de la fantasía y la acción.

En una entrevista con Variety, la cineasta detalló que se nutrió de distintos aspectos de la cultura de su país de origen. Los cazadores de la película obtienen sus poderes sobrenaturales del canto y la danza, y generan «armas sónicas para combatir hordas de demonios».

Kang tomó como referencia el gut, los bailarines folclóricos tradicionales coreanos que ejecutaban rituales para proteger a las comunidades de demonios y espíritus malignos. “En cierto modo, fueron los primeros conciertos en Corea”, señaló.

“Hay que conocer Corea para poder mostrarla tal como es”, recalcó Kang. Las experiencias de primera mano del equipo permearon cada detalle visual, desde los edificios que recrean el horizonte de Seúl hasta los detalles auténticos de las escenas de restaurantes.

Un lugar de peso particular fue la aldea Bukchon Hanok, elegida para el primer encuentro entre los personajes principales, Rumi y Jinyu. “El Hanok representa a Jinu, y el moderno horizonte urbano nos pareció que representaba a Rumi; lo moderno y lo antiguo, como una fusión”, explicó Kang.

Qué preguntas en Google son las más populares de Las guerreras K-pop

Las preguntas más populares en Google sobre Las guerreras K-pop son:

Quiénes son las guerreras K-pop

Las guerreras K-pop son Rumi, Mira y Zoey, las integrantes de Huntr/X, el grupo ficticio de pop coreano que protagoniza la película.

Cuando no llenan estadios, las tres usan sus voces para proteger a sus fans de amenazas sobrenaturales: Rumi lidera al grupo en lo artístico y en lo combativo, con una espada mágica conocida como saingeom; Mira es la bailarina principal y usa un arma de asta en los enfrentamientos; y Zoey, rapera principal y compositora del trío, combate con cuchillos lanzadores.

Su principal enemigo es Gwi-Ma, una entidad ancestral gobernante del mundo de los demonios, que opera en el plano terrenal a través de los Saja Boys, una banda rival cuyos integrantes ocultan su verdadera naturaleza demoníaca.

Qué son las guerreras K-pop

Las guerreras K-pop es una película animada de fantasía musical producida por Sony Pictures Animation y distribuida por Netflix. Dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, sigue a un grupo femenino de K-pop que lleva una doble vida como cazadoras de demonios.

La historia retoma un legado que, según la ficción, se remonta 400 años atrás en Corea, cuando un trío de guerreras derrotó a los demonios usando el poder de sus voces.

Desde su estreno el 20 de junio de 2025, la cinta se convirtió en la película animada más vista en la historia de Netflix y ganó dos premios Oscar en la 98ª entrega de los Premios de la Academia: Mejor Película Animada y Mejor Canción Original por Golden.

El efecto de Las guerreras K-pop en Google

Las guerreras K-pop fue la película más buscada de 2025 en Google, según el reporte El año en búsquedas del buscador. Tres de sus canciones integraron el Top 10 anual y el título ocupó el segundo puesto en tendencias generales.

El fenómeno se extendió más allá del cine. Google Trends registró que los personajes de la película coparon los cinco primeros lugares entre los disfraces de Halloween más buscados de ese año.

La historia arranca con una emergencia médica: Macarena —Maca—, una doctora y madre, descubre que su hija adolescente Julieta necesita un trasplante de riñón con urgencia.

Al buscar un donante compatible, las pruebas genéticas revelan que su esposo no es el padre biológico de la joven. El hallazgo desentierra una infidelidad guardada durante décadas y desata un conflicto que sacude a dos familias de la alta sociedad mexicana.

El estreno del melodrama llegó a Netflix el pasado 22 de julio con los diéz episodios de su primera temporada ya disponibles en la plataforma.

Qué pregunta plantea la serie

El otro padre no se limita al golpe del secreto. La trama desplaza el relato del melodrama médico hacia el thriller familiar al explorar qué significa ser padre más allá de la biología: el vínculo del que crió, el del que aportó el ADN y el sacrificio que cada uno está dispuesto a hacer cuando una vida depende de una verdad que nadie quería revelar.

Según el actor Erik Hayser, cuyo personaje Emilio resulta ser el padre biológico de Julieta, la revelación lleva la historia “hacia lugares inimaginables” para todos los involucrados. La tensión también se refleja en los dos títulos oficiales de la producción: El otro padre señala al intruso; My Daughter’s Father, su nombre internacional, lo reivindica.

El elenco que sostiene el drama

Manolo Cardona, actor colombiano, interpreta a Ricardo, el esposo de Maca y el hombre que crió a Julieta como su hija.

Azul Guaita da vida a la adolescente enferma cuya crisis desencadena todo el conflicto.

Paola Núñez aparece como Yolanda Martínez, esposa de Emilio, cuya presencia amplía el universo emocional de la serie más allá del núcleo familiar central. Núñez reveló que no firmó contrato hasta confirmar que Navarro asumiría el papel protagónico: ambas estudiaron juntas en el Centro de Formación Actoral de TV Azteca (CEFAT), aunque nunca habían trabajado en el mismo proyecto.

Blanca Guerra completa el cuadro principal como Hilda Sotomayor, la matriarca de la familia. El elenco secundario incluye a Emilio Osorio, Sebastián Dante, Romina Poza y Pamela Moreno.

Producción y equipo creativo

La serie fue creada por Roberto Stopello, también guionista de La Reina del Sur, y producida por Mar Abierto Productions. La dirección estuvo a cargo de Analeine Cal y Mayor y Carlos Villegas Rosales. Cada episodio tiene una duración aproximada de 50 minutos y la producción lleva clasificación TV-MA.

Analistas del género sitúan la propuesta en la línea de apuestas previas de Netflix como ¿Quién mató a Sara? y Pálpito: melodrama latinoamericano con un acabado visual más cuidado, ritmo narrativo más contenido y temporadas más cortas que las telenovelas tradicionales.

A diferencia del género clásico, señalan, los personajes de El otro padre no actúan desde la maldad sino desde el miedo, lo que desplaza la pregunta del relato: los espectadores no buscan saber quién tiene razón, sino entender por qué cada uno cometió el error que terminó afectando a varias generaciones.

Silvia Navarro de las telenovelas a Netflix

Silvia Navarro, nacida en Irapuato, Guanajuato, en 1978, acumula tres décadas de trayectoria en la televisión mexicana. Su nombre quedó asociado a personajes de telenovelas como Cuando seas mía, Mañana es para siempre y Caer en tentación, esta última reconocida en los Premios TVyNovelas 2018.

En los años recientes, la actriz amplió su trabajo hacia el cine y las plataformas digitales. Entre sus créditos más recientes figuran las películas Papá o mamá junto a Mauricio Ochmann —estrenada en noviembre de 2023—, Intercambiadas con Michelle Rodríguez e Intercambiadas y Déjame estar contigo, lanzada en enero de 2025. En 2024 protagonizó Juegos interrumpidos para ViX junto a Jorge Salinas y David Chocarro.

En paralelo a El otro padre, Navarro protagoniza Guardián de mi vida, nueva versión de Amor en custodia producida por Juan Osorio para Televisa. La telenovela se estrenó el 29 de junio de 2026 en Las Estrellas y también está disponible en ViX, y representa su regreso a los foros de Televisa tras ocho años de ausencia.

La actriz señaló que Guardián de mi vida marca sus 30 años de carrera y que al aceptar el proyecto preguntó cómo se vería el personaje a la luz de las necesidades de 2026. Para Navarro, el melodrama sigue siendo un género con arraigo en toda América Latina, razón por la que no quiere abandonarlo pese a su expansión hacia el cine y el streaming.

KJ Apa, conocido por interpretar a Archie Andrews en la serie Riverdale y protagonista de la próxima película biográfica Jimmy, habló públicamente sobre los problemas de salud que enfrentó durante el rodaje de la producción televisiva, entre ellos un trastorno alimentario y el consumo problemático de sustancias.

Las declaraciones fueron realizadas durante su participación en el pódcast Wildmen, conducido por su excompañero de reparto Dylan Sprouse y Brendan Columbus.

En la conversación, el artista abordó distintos aspectos de su carrera, la fama y las dificultades personales que ha enfrentado en los últimos años. El actor señaló que actualmente lleva un año y medio sobrio y explicó que ha identificado un patrón de conducta relacionado con las adicciones.

“Han sido seis años de altibajos; cualquier cosa que me haga sentir bien, la abuso. Es algo que he aprendido sobre mí mismo”, comentó.

KJ Apa también recordó que, mientras filmaba Riverdale, desarrolló una relación complicada con la alimentación. Explicó que el servicio de catering en los sets de filmación lo llevaba a “comer donas todo el día” para luego regresar a su caravana y vomitar.

Durante el pódcast relató una experiencia ocurrida mientras permanecía en cuarentena en Vancouver antes de reincorporarse a las grabaciones de la serie.

En medio de su cuarentena, el actor afirmó que decidió mantenerse sobrio y evitar beber o fumar marihuana, y que estaba “obsesivamente” concentrado en perder peso mientras se preparaban para regresar al trabajo.

Sin embargó, relató que en una ocasión mientras se encontraba en la habitación de su hotel, tuvo un atracón de comida que lo llevó al arrepentimiento.

“Pedí todo esto en McDonald’s y pedí como tres Big Macs, un montón de McNuggets y otras cosas, papas fritas, un batido, y son como las 2:00 de la madrugada. Me como la mitad y enseguida me invade el arrepentimiento. ¿Por qué hice eso?”, dijo.

Apa declaró entonces que sacó la comida afuera y “orinó sobre ella” para después vomitar todo lo que había comido. Pero, al poco tiempo volvió a sentir hambre y decidió regresar por las sobras.

“Volví afuera unos 20 minutos después, después de estar acostado en la cama, pensando: ‘Tengo hambre otra vez porque ya no he comido nada’, y cuando haces eso, vuelves a tener hambre muy rápidamente”, expresó.

Y añadió: “Salgo afuera, está ahí, ¿verdad?, y empiezo a comer alrededor de la orina. Me comí el resto de la comida y dejé la comida empapada en orina allí. Podría haber pedido más comida pero la necesitaba en ese mismo instante“.

El actor indicó que decidió compartir esa “historia espeluznante” porque considera que ilustra la forma en que operan las conductas adictivas y la dificultad para controlarlas. “Es la manera perfecta de explicar esa cualidad adictiva que tenía y que siempre tendrá”, indicó.

Asimismo, recordó otro episodio ocurrido cuando tenía 18 años, en el que buscó donas desechadas en bolsas de basura ubicadas detrás de una tienda, al describir el impacto que tenía entonces su relación con la comida.

Durante la conversación, Sprouse señaló que la situación parecía reflejar una necesidad de castigarse a sí mismo, observación con la que Apa dijo estar de acuerdo.

Asimismo, KJ Apa señaló que la presión por cumplir con las exigencias físicas de su personaje lo llevó a desarrollar una preocupación constante por su apariencia. Dylan Sprouse comentó durante la conversación que el papel requería que Apa mantuviera una condición física muy marcada.

KJ Apa ha desarrollado gran parte de su carrera internacional a partir de su participación en Riverdale, serie producida por The CW entre 2017 y 2023, en la que interpretó al personaje principal, Archie Andrews. Actualmente se prepara para el estreno de Jimmy, una película biográfica centrada en el actor James Stewart.

Las Guerreras K-pop es la película animada más popular de Netflix. La protagoniza el grupo ficticio de pop coreano Huntrix, cuyos tres personajes son Rumi, Mira y Zoey.

En la versión en inglés, el reparto de voces se divide entre actuación hablada y canto:

• Rumi (la líder): voz hablada por Arden Cho, actriz de Teen Wolf, y voz cantada por EJAE.
• Mira: voz hablada por May Hong y voz cantada por Audrey Nuna.
• Zoey: voz hablada por Ji-young Yoo y voz cantada por Rei Ami.

En el doblaje para España, Blanca Hualde —conocida como Neri— presta su voz a Rumi, Claudia Caneda a Zoey y Lourdes Montes a Mira.

En la versión latinoamericana, Azul Bötticher —quien también interpreta los temas cantados del personaje—, Tatul Bernodat y Karin Zavala asumen los tres roles.

A pesar de que la película ya cumplió un año de su estreno, a Google todavía acuden los fanáticos a realizar consultas sobre el título de Netflix y Sony.

A continuación, recopilación de las preguntas más frecuentes de Google con sus respuestas.

Qué canciones aparecen en Las guerreras K-pop

Las canciones que aparecen en Las guerreras K-pop son:

• Golden de Huntrix (ganó un premio Oscar por mejor canción original) .
• How It’s Done de Huntrix.
• Takedown de Huntrix
• Strategy de Twice.
• Soda Pop del otro grupo ficticio Saja Boys.
• Your Idol de Saja Boys.

Qué tan cierto es que Las guerreras K-pop tendrán secuela

Es totalmente cierto que Las guerreras K-pop tendrán una secuela. Esto ya lo confirmó Netflix.

“Como cineasta coreana, me siento muy orgullosa de que el público quiera más de esta historia coreana y de nuestros personajes coreanos. Hay mucho más en este mundo que hemos construido y me emociona poder mostrarlo. Este es sólo el principio”, dijo Maggie Kang, guionista y directora de la película.

Qué premios Oscar ganó la película Las guerreras K-pop

Las Guerreras K-pop ganó dos premios Oscar en la 98ª entrega de los Premios de la Academia, celebrada el 15 de marzo de 2026:

• Mejor Película Animada.
• Mejor Canción Original por Golden.

Golden se convirtió en la primera canción de K-pop en ganar un Oscar. Durante la ceremonia, las voces cantantes del grupo ficticio HUNTR/X (EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami) interpretaron el tema en vivo mientras el público agitaba light sticks en la sala.

Los directores Maggie Kang y Chris Appelhans, junto a la productora Michelle L.M. Wong, recibieron el galardón a Mejor Película Animada. Kang, de ascendencia coreana, hizo historia como la primera persona de ese origen en ganar en esa categoría.

Las guerreras K-pop en Google

El fenómeno de Las Guerreras K-pop también se manifestó en Google. Según el informe El año en búsquedas 2025 del buscador, la película fue la más buscada del año, tres de sus canciones integraron el Top 10 anual y el título ocupó el segundo puesto en tendencias generales.

Google Trends, por su parte, registró que los personajes de la película coparon los cinco primeros lugares entre los disfraces de Halloween más buscados de 2025.

El éxito se trasladó a la música con igual fuerza. La banda sonora oficial permaneció dos semanas en el primer puesto del Billboard 200, superó los 15.000 millones de reproducciones en todo el mundo y se posicionó como la banda sonora más escuchada de la década.

Impulsadas por los fans, las canciones se agregaron a más de 17.000 listas de reproducción, mientras que los temas de los grupos ficticios HUNTR/X y Saja Boys superaron en conjunto los 1.000 millones de reproducciones en Spotify y YouTube.

Golden se mantuvo 18 semanas en el primer lugar del Billboard Global 200, igualando el récord de permanencia en la cima de esa lista, y lideró durante ocho semanas el Billboard Hot 100.

Con ese desempeño, se convirtió en la primera canción de un grupo femenino de K-pop en alcanzar ese puesto y en el número uno más longevo de un grupo femenino en lo que va del siglo.

La producción, disponible en la plataforma bajo el título internacional Facing El Chapo, se aleja del enfoque habitual centrado en la figura del narcotraficante para poner el foco en los agentes que participaron en el operativo y en los dilemas que enfrentaron

La película llegará a la plataforma el día 21 de agosto de 2026.

Dos policías, una decisión que lo cambia todo

La historia sigue a Arturo Carmona y Héctor Rosales, dos policías federales que realizan un patrullaje de rutina en Los Mochis, Sinaloa, cuando interceptan un vehículo con reporte de robo.

Lo que comienza como una revisión ordinaria se convierte en un momento decisivo: entre los ocupantes del vehículo se encuentra Joaquín “El Chapo” Guzmán, considerado entonces uno de los criminales más buscados de México.

A partir de ese instante, ambos agentes enfrentan una disyuntiva que definirá su futuro: cumplir con su deber y poner al detenido a disposición de las autoridades, o aceptar un soborno capaz de cambiar sus vidas, con todas las consecuencias que cualquiera de las dos opciones implica.

La corrupción como eje del relato

La captura explora el costo personal de ejercer la función policial en un contexto donde la violencia y la corrupción condicionan cada decisión. La película no construye su narrativa en torno a la figura del narcotraficante, sino en torno a los servidores públicos que deben actuar bajo la presión del crimen organizado.

El guion, a cargo de Bernardo Esquinca, plantea los dilemas éticos de quienes integran las instituciones de seguridad cuando las reglas del sistema y las del crimen organizado colisionan.

Dirección, elenco y producción

La cinta fue dirigida por Chava Cartas y producida por Draco Films, con Francisco González Compeán y Sebastián Jurado al frente de la producción.

El reparto lo encabezan Alfonso Herrera en el papel de Arturo Carmona y Noé Hernández como Héctor Rosales. Héctor Kotsifakis interpreta a Joaquín “El Chapo” Guzmán, mientras que Paola Fernández da vida a Isaura Carmona y Juan Pablo Cruz García aparece como “El Cholo”.

La captura se suma al catálogo de Netflix el 21 de agosto, dentro de una programación de agosto que también incluye el regreso de Outer Banks con su quinta temporada y el estreno del thriller The Whisper Man, con Robert De Niro.

El hecho real: la Operación Cisne Negro

La película se basa en uno de los operativos más complejos de la historia reciente de México. El 8 de enero de 2016, a las 4:00 de la madrugada, elementos de la Secretaría de Marina y de la Policía Federal irrumpieron en una vivienda del fraccionamiento Las Palmas, en Los Mochis, Sinaloa, donde se presumía que se ocultaba Guzmán Loera.

Los agentes fueron recibidos con disparos de armas de alto calibre, granadas y lanzacohetes. En el enfrentamiento murieron cinco integrantes del grupo criminal y seis más fueron detenidos. El propio Guzmán logró escapar junto a su lugarteniente, Jorge Iván Gastélum, alias “El Cholo Iván”, a través del sistema de drenaje pluvial de la zona.

La fuga fue breve. Las lluvias elevaron el nivel del drenaje y los obligaron a salir a la superficie. Robaron un vehículo, pero la unidad fue interceptada por un agente de la Policía Federal tras el reporte de robo. Detenidos en la carretera Los Mochis-Navojoa, ambos fueron trasladados a un motel cercano mientras llegaban los refuerzos. El operativo, denominado Cisne Negro, estuvo a cargo de Marco Antonio Ortega Siu, jefe de la Unidad de Operaciones Especiales de la Secretaría de Marina (Semar), y duró aproximadamente seis horas.

Según informó entonces la procuradora Arely Gómez, un factor determinante para localizar al capo fue su intención de filmar una película biográfica, lo que lo llevó a establecer contacto con actrices y productores. Meses después, en enero de 2017, el gobierno mexicano concretó su extradición a Estados Unidos, donde fue condenado por cargos de narcotráfico, delincuencia organizada y lavado de dinero.

El director: de la comedia al thriller de acción

Chava Cartas —nombre artístico de Salvador Cartas Martínez, nacido el 15 de septiembre de 1971 en Guadalajara, Jalisco— es uno de los realizadores más prolíficos del cine comercial mexicano.

Estudió fotografía en el Hospicio Cabañas de Guadalajara y cine en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, en Cuba. Inició su carrera como director de fotografía en telenovelas de Argos a mediados de los años 90, antes de dar el salto a la dirección.

Su nombre se asoció durante años a la comedia popular: Mirreyes contra Godínez (2019), producida por Draco Films, recaudó 238.6 millones de pesos en taquilla con un presupuesto de 28 millones, lo que la posicionó como la segunda película mexicana más taquillera de ese año. El éxito derivó en dos secuelas y un especial navideño.

El giro hacia la acción llegó con Contraataque (2025), también producida por Draco Films y distribuida por Netflix, donde exploró el género bélico con coreografías de combate y asesoría técnica especializada. La captura es su siguiente paso en esa dirección, esta vez con un material basado en hechos reales.

Alfonso Herrera: del pop al thriller de narcotráfico

Alfonso Herrera Rodríguez, nacido el 28 de agosto de 1983 en Ciudad de México, lleva más de dos décadas en la industria audiovisual. Alcanzó reconocimiento masivo con la telenovela Rebelde (2004-2006) y el grupo RBD, que vendió más de 15 millones de álbumes en todo el mundo y recibió dos nominaciones al Grammy Latino.

Desde que anunció su retiro de la música en 2009, Herrera construyó una carrera cinematográfica y televisiva de alcance internacional. Entre sus trabajos más reconocidos figuran la serie Sense8 (Netflix, 2015-2018), The Exorcist (Fox, 2016-2017), la cuarta temporada de Ozark (Netflix, 2022) y El baile de los 41 (2020), por la que obtuvo el Premio Ariel al Mejor Actor.

La captura llega en un momento de alta actividad para el actor: en 2026 también protagoniza la serie documental Encuentros sin fronteras en Disney+ y participa en La casa de los espíritus, la adaptación de la novela de Isabel Allende presentada en la sección Berlinale Special. Además, firmó un acuerdo con Sony Pictures Television para desarrollar, dirigir y producir nuevas series.

Comprar un libro puede ser el primer paso para que niñas y niños fanáticos de Guerreras K-Pop descubran el gusto por la lectura. La popularidad de la agrupación HUNTR/X, protagonista de la película animada de Netflix y de su adaptación al papel, impulsa la llegada de nuevos títulos a librerías de México.

Es así que historias llenas de música, acción y aventuras protagonizadas por Rumi, Mira y Zoey están disponibles en tiendas físicas y plataformas digitales.

La película y los libros retoman la doble vida de las integrantes, quienes alternan los escenarios con la misión de proteger al mundo de amenazas sobrenaturales.

Este tipo de títulos busca incentivar la lectura entre los más pequeños aprovechando el atractivo del fenómeno K-pop y las historias de acción y aventura de las protagonistas y aquí te decimos 5 títulos con diferentes enfoques y para diferentes edades entre los cuales sin duda habrá uno ideal para tus pequeños.

Los libros de las Guerreras K pop que no deben faltar en la estantería de tus pequeños

-Mi diario Golden: En este diario protagonizado por los ídolos favoritos por las Demon Hunters los pequeños pueden escribir, dibujar y dar rienda suelta a su creatividad.

-KPop Demon Hunters: La novela oficial: Esta adaptación literaria es la mejor manera de acercarse a la historia de otra forma y activar en los niños el amor por la lectura.

-KPop Demon Hunters: La película en cómic: Los más pequeños podrán vivir su historia favorita desde el formato cómic y descubrir este mundo literario que tiene tantos seguidores en el mundo.

KPop Demon Hunters: ¡Por los fans!: Este es el primer libro oficial en español de la exitosa película animada. Ideal para los más pequeños por el tipo de ilustraciones.

-KPop Demon Hunters: Libro oficial para colorear deluxe: libro de actividades para colorear basado en escenas de una película, lo que suma diversión y creatividad al proceso de aprender a leer.

La recomendación de estos libros fue hecha por la influencer y mamá, Luz Carreiro y en un video publicado en sus redes sociales se puede ver la parte interior de las publicaciones, para que te animes a adquirir el que mejor creas que va con la personalidad de tus pequeños.

De que trata las Guerreras K POP

Las Guerreras K-Pop es una historia animada que sigue a HUNTR/X, un grupo musical femenino integrado por Rumi, Mira y Zoey. Ellas son superestrellas del K-pop, pero también llevan una vida secreta como cazadoras místicas encargadas de proteger al planeta de amenazas demoníacas.

El conflicto principal surge cuando una boy band rival llamada Saja Boys, compuesta por demonios disfrazados, intenta robar la devoción del público. Su objetivo es debilitar la barrera mágica que protege al mundo, lo que lleva a un enfrentamiento lleno de música, acción y comedia.

La trama no solo se enfoca en la aventura, sino que también aborda temas como la presión social, las expectativas profesionales y la importancia de la autenticidad personal.

Este enfoque permite que niñas, niños y adolescentes se identifiquen con las protagonistas y reflexionen sobre la confianza en uno mismo, el valor del esfuerzo, aprender de los errores y pedir ayuda cuando es necesario.

Dónde ver Las Guerreras K-pop en español latino

Las Guerreras K-pop se puede ver en Netflix con doblaje en español latino, y el interés por la cinta crece por el empuje de “Golden” y la confirmación de una secuela que ampliará la historia de sus personajes y del mundo espiritual de la franquicia.

La plataforma mantiene la exclusividad global del largometraje. Ahí está disponible con reproducción en 4K HDR, sonido envolvente y varias opciones de audio, entre ellas el doblaje completo al español latino.

Con respecto a portales no autorizados y aplicaciones piratas que ofrecen acceso gratuito es importante recordar que esas opciones pueden incluir enlaces maliciosos o malware que comprometen la privacidad de los dispositivos.

Los códigos secretos de Netflix que pocos usuarios conocen permiten acceder a decenas de categorías ocultas que la plataforma no muestra en su navegación habitual: desde animes de terror hasta películas navideñas europeas, pasando por thrillers psicológicos y comedias de humor negro.

Para usarlos, basta con ingresar el número correspondiente en la barra de búsqueda.

Por ejemplo, quien quiera ver solo películas románticas independientes puede ingresar el código 9916; los fanáticos del cine de intriga psicológica tienen su propia sección con el 5505; y quienes buscan documentales sobre crímenes acceden directamente con el 9875.

Animes y animación

• 11146 — Animes de acción
• 9302 — Anime de ciencia ficción
• 452 — Anime de comedia
• 10695 — Anime de drama
• 2653 — Anime de terror
• 5507 — Animes de fantasía

Cine clásico y de época

• 48744 — Cine dramático clásico
• 32392 — Film noir
• 46576 — Musicales clásicos
• 31694 — Películas mudas
• 47465 — Wésterns clásicos
• 47147 — Películas de acción y aventura clásicas
• 52858 — Clásicas de guerra
• 31273 — Películas para reír clásicas
• 46553 — Películas románticas clásicas

Cine dramático

• 5763 — Cine dramático (general)
• 4961 — Dramas basados en hechos reales
• 3179 — Dramas basados en libros
• 7243 — Dramas biográficos
• 1255 — Dramas políticos
• 6616 — Dramas militares
• 500 — Dramas sobre la farándula
• 6889 — Dramas románticos
• 5012 — Dramas sobre crímenes
• 3947 — Dramas sociales

Thrillers y cine de intriga

• 8933 — Intriga (general)
• 9147 — Cine de intriga y espías
• 10504 — Cine de intriga política
• 5505 — Cine de intriga psicológica
• 11140 — Cine de intriga sobrenatural
• 10499 — Cine de intriga y crímenes
• 9994 — Películas de misterio
• 31851 — Películas de gánsteres
• 10306 — Thriller extranjero
• 972 — Thrillers sensuales

Terror

• 8711 — Terror (general)
• 75804 — Películas de terror con vampiros
• 75930 — Películas de terror con hombres lobo
• 75405 — Películas de terror de zombis
• 52147 — Terror adolescente
• 8654 — Películas de terror extranjeras
• 6998 — Historias satánicas

Documentales

• 6839 — Documentales (general)
• 3652 — Documentales biográficos
• 5349 — Documentales históricos
• 7018 — Documentales políticos
• 1159 — Documentales sobre viajes y aventuras
• 3675 — Documentales socioculturales
• 5161 — Documentales extranjeros
• 2760 — Documentales espirituales

Películas románticas

• 8883 — Cine romántico (general)
• 1255 — Dramas románticos
• 31273 — Películas románticas clásicas
• 7153 — Películas románticas extranjeras
• 35800 — Películas románticas sensuales
• 36103 — Romances excéntricos
• 502675 — Romances inolvidables
• 3329 — Películas LGBTQ+ románticas

Películas internacionales

• 58807 — Cine francés
• 58741 — Películas españolas
• 5685 — Películas coreanas
• 10398 — Películas japonesas
• 1613 — Películas latinoamericanas
• 10463 — Películas indias
• 3960 — Películas chinas
• 10757 — Películas británicas
• 9292 — Películas escandinavas
• 5875 — Películas de Oriente Medio
• 5254 — Películas de Europa del Este
• 9196 — Películas del Sudeste asiático
• 1133133 — Películas turcas
• 5230 — Películas australianas

Series

• 83273 — Series (general)
• 10673 — Series de acción y aventura
• 67879 — Series coreanas
• 52117 — Series británicas
• 10105 — Series documentales
• 26146 — Series sobre crímenes
• 11714 — Series dramáticas
• 10375 — Series de comedia
• 83059 — Series de terror

Películas para familias y niños

• 78327 — Películas para ver en familia (general)
• 67673 — Disney
• 11177 — Dibujos animados
• 10659 — Educación para niños
• 6796 — Películas para niños de 0 a 2 años
• 6218 — Películas para niños de 2 a 4 años
• 5455 — Películas para niños de 5 a 7 años
• 561 — Películas para niños de 8 a 10 años
• 6962 — Películas para niños de 11 a 12 años
• 51056 — Películas para toda la familia
• 52843 — Música infantil

Navidad

• 15270 — Navidad (general)
• 1394527 — Películas navideñas románticas
• 1394522 — Películas navideñas para toda la familia
• 1527063 — Películas navideñas europeas familiares
• 1476024 — Películas navideñas infantiles de los noventa
• 1475071 — Películas navideñas disparatadas para ver en familia

Categorías especiales

• 5977 — LGBTQ+ (general)
• 7120 — Comedias LGBTQ+
• 4720 — Documentales LGBTQ+
• 500 — Dramas LGBTQ+
• 11559 — Especiales de stand up
• 4922 — Sátiras
• 26 — Falsos documentales
• 869 — Películas de humor negro
• 839338 — Solo en Netflix

Las Guerreras K-Pop continúa consolidándose como uno de los mayores éxitos del catálogo de Netflix. Impulsada por su historia, su estilo de animación y una banda sonora que se mantiene entre las más escuchadas en plataformas de streaming y redes sociales, la película sigue atrayendo a nuevos espectadores que buscan verla con doblaje en español latino desde distintos dispositivos.

Para quienes desean disfrutar de la producción con la mejor calidad de imagen y sonido, Netflix es la única plataforma que cuenta con los derechos oficiales para distribuir la película a nivel mundial.

Además de ofrecer reproducción en alta definición o 4K —según el plan contratado y el equipo utilizado—, el servicio permite cambiar el idioma del audio y los subtítulos para adaptar la experiencia a las preferencias de cada usuario.

Cómo ver Las Guerreras K-Pop en español latino

Netflix incorpora diferentes opciones de idioma para buena parte de su catálogo, incluida Las Guerreras K-Pop. Si el doblaje en español latino está disponible en la región del usuario, activarlo solo toma unos segundos.

Durante la reproducción, basta con abrir el menú de controles de la película, ingresar al apartado Audio y subtítulos y seleccionar Español (Latinoamérica) como idioma principal. Desde el mismo menú también es posible activar o desactivar los subtítulos o elegir otro idioma si así se desea.

Quienes prefieran no repetir este proceso cada vez que reproduzcan un contenido pueden modificar el idioma predeterminado de su perfil.

Para hacerlo, solo deben ingresar a Administrar perfiles, seleccionar el perfil correspondiente y cambiar el idioma principal a Español (Latinoamérica). A partir de ese momento, Netflix reproducirá automáticamente en ese idioma todos los contenidos que cuenten con doblaje latino.

En qué dispositivos se puede ver la película

Una de las principales ventajas de Netflix es la compatibilidad con una amplia variedad de equipos.

Los usuarios pueden acceder a Las Guerreras K-Pop desde teléfonos Android, iPhone, tabletas, computadoras, Smart TV, reproductores multimedia y consolas de videojuegos compatibles con la plataforma.

En celulares y tabletas, únicamente es necesario descargar la aplicación oficial desde Google Play Store o App Store, iniciar sesión y buscar la película dentro del catálogo. Esta opción resulta especialmente útil para quienes desean verla durante un viaje o fuera de casa.

En el caso de los televisores inteligentes, la aplicación de Netflix suele venir instalada de fábrica. Solo hay que abrirla, iniciar sesión y comenzar la reproducción.

Si el televisor no dispone de la aplicación, existen alternativas como enviar la imagen desde el teléfono mediante la función Cast o conectar una computadora utilizando un cable HDMI.

Además, Netflix permite descargar la película en dispositivos compatibles para verla posteriormente sin conexión a internet, una función pensada para quienes viajan con frecuencia o disponen de acceso limitado a una red.

Funciones que mejoran la experiencia

Además del acceso al contenido, Netflix incorpora herramientas que permiten personalizar la reproducción.

La plataforma ofrece perfiles independientes para cada integrante de la familia, controles parentales para restringir determinados contenidos, ajustes automáticos de calidad según la velocidad de internet y sincronización entre dispositivos.

Gracias a esta última función, un usuario puede comenzar la película en su celular y continuar viéndola posteriormente en un televisor o una computadora exactamente desde el punto donde la dejó.

La ausencia de publicidad durante la reproducción es otro de los aspectos que diferencian al servicio frente a plataformas no oficiales.

Los riesgos de utilizar páginas piratas

El éxito de Las Guerreras K-Pop también ha provocado la aparición de sitios web y aplicaciones que prometen acceso gratuito a la película.

Sin embargo, especialistas en ciberseguridad recomiendan evitar estas alternativas debido a los riesgos que representan para los dispositivos y la información personal.

Empresas como ESET advierten que muchas de estas plataformas obligan a descargar archivos procedentes de fuentes desconocidas, aumentando la posibilidad de instalar programas maliciosos capaces de robar contraseñas, datos bancarios o información privada.

Otro problema frecuente son los permisos excesivos que solicitan algunas aplicaciones, incluyendo acceso a la cámara, el micrófono, los archivos del dispositivo o los contactos almacenados.

Esta información puede ser utilizada con fines fraudulentos o comprometer la privacidad del usuario.

A ello se suman las posibles consecuencias legales derivadas del acceso a contenido protegido mediante servicios no autorizados. Organismos como INTERPOL han advertido que el consumo y distribución de material con derechos de autor fuera de las plataformas oficiales puede implicar sanciones dependiendo de la legislación vigente en cada país.

Estrenada el pasado 8 de mayo, el thriller erótico protagonizado por Óscar Casas apenas consiguió reunir a 1.443 espectadores en España y recaudar algo más de 9.800 euros, según datos de Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), tras ser distribuida en 30 salas en su primer fin de semana. Apenas dos meses después, la cinta vive una segunda oportunidad convertida en uno de los grandes fenómenos de la plataforma.

Dirigida por Teresa Simone en su debut en el largometraje y escrita por Giulia Cardamone y Vanessa Miklos, la película está encabezada por la pola-comexicana Ludwika Paleta, José María Yazpik, Óscar Casas y Leonardo Ortizgris. La historia sigue a Lucero (Paleta), una exitosa abogada que parece haber construido la vida perfecta junto a su marido y sus dos hijos. Sin embargo, la llegada de Matías (Casas), el joven entrenador de natación contratado por su marido, despierta en ella una obsesión que deriva en una relación secreta y en un peligroso triángulo sentimental cuando su propia hija también comienza a sentirse atraída por él.

El thriller erótico del momento

Así, la película desafía las expectativas tradicionales alrededor de la edad, el deseo y las relaciones. En la vida real, Casas tiene 27 años (Barcelona, 1998), mientras que Paleta, 47 (Cracovia, 1978).

La cinta, una coproducción entre España (80 %) y México (20 %) de apenas 98 minutos, tuvo su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara antes de llegar a las salas españolas el pasado 8 de mayo distribuida por 39 Escalones Films. Sin embargo, aunque pasó prácticamente inadvertida durante su recorrido por los cines españoles, su desembarco en Netflix ha cambiado por completo su destino. En apenas tres días desde su incorporación al catálogo-el pasado viernes 17 de julio-, Deseo acumula ya 12,9 millones de visualizaciones, situándose como la película más vista de la plataforma durante la última semana y liderando el ranking en 24 países. Un éxito que vuelve a poner de manifiesto cómo el streaming puede transformar el recorrido comercial de una producción que no consiguió encontrar a su público en las salas.

Sin embargo, el éxito de audiencia no ha ido acompañado de una acogida igual de entusiasta entre crítica y espectadores. En IMDb mantiene una valoración media de 4,3 sobre 10, mientras que en Letterboxd obtiene una puntuación de 2,24 sobre 5.

Las Guerreras K-pop es la película animada más popular en Netflix: solo en Estados Unidos acumuló 20.500 millones de minutos vistos en 2025. Toy Story, por su parte, superó los USD 950 millones en taquilla. La popularidad de ambas abre una pregunta: ¿cómo se verían sus universos combinados?

La inteligencia artificial Gemini, de Google, permite responderla. Con el prompt adecuado, la herramienta genera imágenes de Rumi, Mira y Zoey transformadas en juguetes al estilo de la producción de Disney Pixar.

Cómo se vería las Guerreras K-pop en Toy Story

La imagen generada por Gemini muestra a Rumi, Mira y Zoey dentro de paquetes de juguete con el estilo visual de Toy Story.

La herramienta transforma a las tres integrantes del grupo HUNTR/X en figuras de acción articuladas que capturan la esencia de la producción de Sony. Las cajas reproducen los colores primarios, las estrellas y la tipografía lúdica que caracterizan el empaquetado del universo de Disney Pixar.

Cada personaje conserva sus rasgos distintivos: Rumi aparece con su cabello púrpura y chaqueta amarilla, y sostiene su espada de energía; Mira, con top verde y pantalón holgado, exhibe sus estrellas ninja; Zoey, con cabello rosa y atuendo oscuro, empuña su báculo de combate.

Las tres figuras presentan múltiples puntos de articulación visibles en codos, rodillas y caderas.

La composición las ubica alineadas en un estante de madera, ante la pared azul con nubes blancas del cuarto de Andy, con juguetes clásicos desenfocados al fondo, lo que integra a Las Guerreras K-pop de manera coherente en el mundo de Woody y Buzz.

Cómo se crean estas imágenes de Las Guerreras K-pop y Toy Story

Para reproducir el resultado, el proceso en Gemini, la inteligencia artificial de Google, es sencillo.

El usuario accede a la plataforma, desde la aplicación móvil o el sitio web, carga imágenes de referencia de ambas películas e ingresa un prompt como el siguiente:

“Transforma a las protagonistas de Las Guerreras K-pop en juguetes articulados del universo Toy Story, con empaques inspirados en la película, respetando los colores y estilos originales de cada personaje”.

La herramienta genera la imagen en segundos. Si el resultado no cumple las expectativas, el proceso puede repetirse con ajustes en el prompt hasta obtener la versión deseada.

Una vez que la imagen cumple con lo esperado, se puede descargar directamente desde la plataforma en la mejor calidad disponible.

Gemini ofrece formatos compatibles con las principales redes sociales. Al momento de publicarla, se recomienda incluir una breve descripción que explique el proceso y el uso de inteligencia artificial.

Para generar imágenes, Gemini utiliza Imagen (específicamente la familia de modelos como Imagen 2 o Imagen 3), que es el modelo de inteligencia artificial de generación de texto a imagen desarrollado por Google.

En su respuesta, Gemini señala:

“Este modelo está diseñado para interpretar descripciones de texto (prompts) y convertirlas en imágenes de alta calidad, lo que me permite adaptar diferentes estilos visuales, colores y detalles específicos, como el diseño inspirado en el universo de Toy Story que vimos en los ejemplos anteriores”.

El impacto de Las Guerreras K-pop

Un año después de su estreno, Las Guerreras K-pop dejó una marca que pocos títulos de animación han conseguido en la historia del streaming. La película acumuló más de 600 millones de visualizaciones en Netflix y se convirtió en el original más visto en la historia del servicio.

Su trayectoria en la plataforma no tuvo precedentes: es la única producción que permaneció durante un año consecutivo en el Top 10 Global, con presencia entre los contenidos más vistos en los 93 países donde Netflix publica esa clasificación, y alcanzó el primer lugar en 76 de ellos.

Melissa Gilbert tomó posición pública para salir en respaldo de la nueva versión de La Familia Ingalls (cuyo nombre oficial en español es La casa de la pradera ) ante las críticas que circularon por las redes sociales sobre la fidelidad histórica de la producción.

La actriz, que interpretó a Laura Ingalls Wilder en la serie original de la NBC entre 1974 y 1983, publicó sus reflexiones en Substack con una postura que aplica por igual a la nueva entrega y al clásico televisivo.

“He permanecido en silencio desde el lanzamiento de la nueva versión de La casa de la pradera“, escribió Gilbert, de 62 años, quien reconoció que dudaba de poder ser “completamente objetiva” por su vínculo con la historia.

Aun así, consideró que tenía la obligación de pronunciarse sobre un punto concreto: si alguna de las dos series es históricamente fiel.

“La respuesta corta es no, ninguna es del todo precisa respecto a la época ni a los libros”, señaló la actriz en su texto. Entre las inexactitudes que enumeró figuran las edades de los personajes y las localizaciones donde transcurren los eventos en ambas producciones.

Gilbert fue más allá y recordó que incluso la escritora real en la que se basa la saga tomó sus propias libertades creativas. “En el libro La casa de la pradera, las tres hijas Ingalls son mayores de lo que eran en la vida real", apuntó como muestra de esas licencias dramáticas.

Su mensaje a los espectadores fue directo: “En lugar de enredarse en lo que es real y lo que está dramatizado, quizás simplemente siéntense y disfruten del viaje que las mentes creativas detrás de estos programas quieren llevarlos a hacer. Si les gusta, quédense. Si no, no tienen que verlo”.

Dean Butler, quien se incorporó a la serie original en la sexta temporada como Almanzo Wilder —personaje que más adelante se casó con el de Gilbert— también se expresó sobre la nueva producción de Netflix.

En un video publicado en Instagram, Butler destacó un elemento que le genera entusiasmo: “Algo que me encanta del programa y que creo que habría sido muy divertido en el original —lo cual no hicimos— es el canto familiar. Los escritores han incorporado canciones que Pa tocaba en su violín, y la familia canta, y lo hacen de manera hermosa”.

La nueva producción de Netflix no es un reboot de la serie de los años setenta, sino una adaptación más cercana a los libros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder, que siguen el recorrido de la familia Ingalls hacia un asentamiento en las afueras de Independence, Kansas.

El elenco está encabezado por Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls. La producción estuvo a cargo de la showrunner Rebecca Sonnenshine.

El episodio más progresista de “La Familia Ingalls”

El capítulo “La sabiduría de Salomón”, emitido en la tercera temporada de la serie en 1977, contó con Todd Bridges a los 12 años, antes de que sus apariciones en Roots y Diff’rent Strokes lo proyectaran a la fama.

Bridges interpreta a Solomon Henry, un niño que roba un libro por la desesperación de aprender a leer. Al ser hijo de aparceros pobres, Solomon tiene prohibida la entrada a la escuela local por ser afroamericano y huye tras ser reprendido.

Con la ayuda del personaje de Michael Landon, Charles “Pa” Ingalls, el niño termina como miembro temporal del hogar y alumno a tiempo parcial en la escuela de Laura y Mary, interpretada por Melissa Sue Anderson.

El episodio abordó el racismo de frente, casi cinco décadas antes de que ese tipo de conversación se volviera habitual en la televisión estadounidense.

“Los episodios que hicimos sobre adicción a las drogas, sobre nativismo, sobre los nativos americanos, sobre machismo, antisemitismo, violación, abuso infantil por alcoholismo, negligencia infantil, industrialización. Cubrimos todo lo que sigue ocurriendo en el mundo hoy”, sostuvo la actriz para EW.

Sobre el término “woke”, fue directa: “No es mi trabajo defender la palabra ‘woke’, pero para mí simplemente significa compasión por todos. No entiendo por qué eso es algo malo, y no creo que nadie pueda convencerme de ello”, declaró al mismo medio.

El estreno confirma el excelente momento que atraviesa Coronado dentro del catálogo de Netflix. Después del éxito de El inocente, La chica de nieve y Legado, el intérprete vuelve a ponerse al frente de una historia donde las tensiones familiares son el verdadero motor del relato.

En “Los creyentes”, Coronado interpreta a Martín, un hombre que, tras jubilarse, se ha convertido en una persona aislada, agresiva y obsesionada con una oscura teoría conspirativa. Su vida cambia cuando Ruth (Stéphanie Magnin), su hija, regresa al hogar después de la repentina muerte de su madre.

Lo que comienza como un duelo familiar pronto deriva en una espiral de sospechas. El comportamiento errático de Martín y las circunstancias que rodearon el fallecimiento de su esposa llevan a Ruth a preguntarse si su propio padre pudo haber cometido un crimen. A partir de esa premisa, la película desarrolla un juego constante entre la paranoia, la manipulación psicológica y la incertidumbre, donde el espectador nunca sabe qué personajes dicen la verdad.

Lejos de apoyarse únicamente en los mecanismos clásicos del thriller, “Los creyentes” apuesta por un conflicto emocional profundamente íntimo. La historia explora cómo el dolor, el aislamiento y la desconfianza pueden erosionar incluso los vínculos familiares más sólidos, convirtiendo la casa donde crecieron sus protagonistas en un espacio tan opresivo como cualquier escenario de terror.

El proyecto también representa un nuevo encuentro entre Netflix y los guionistas Carlos Montero y Darío Madrona, responsables de uno de los mayores fenómenos internacionales de la plataforma, Élite. Ambos firman el guion y participan además como productores ejecutivos, manteniendo una colaboración que ya ha dado origen a varias de las ficciones españolas más exitosas del servicio.

La dirección está a cargo de Roger Gual, realizador con amplia experiencia en el cine y la televisión española, mientras que la fotografía fue realizada por Juana Jiménez y la música original lleva la firma de Nico Casal, elementos que buscan reforzar una atmósfera marcada por la tensión constante y la sensación de amenaza.

El elenco se completa con Fanny Gautier y Alberto Olmo, quienes aportan nuevas capas a una historia donde cada personaje parece ocultar información decisiva.

Netflix reafirma su apuesta por las historias españolas de fuerte identidad autoral y confirma a José Coronado como uno de los rostros más importantes de esa estrategia internacional. Los creyentes busca demostrar que los monstruos más inquietantes no siempre se esconden en la oscuridad: a veces esperan dentro del propio hogar.

El fenómeno de Heartstopper marcó un antes y un después entre las series juveniles de Netflix, consolidándose como un referente en la representación de relaciones adolescentes y diversidad. Desde su estreno, la historia de Nick y Charlie ha generado una legión de seguidores que encuentran en sus capítulos una estética cuidada, personajes entrañables y una serie de historias que abordan temas complejos como trastornos alimenticios o las tensiones familiares con una sensibilidad poco común en el género.

Ahora bien, faltaba un broche final para la historia, que ahora ha llegado en forma de película a la plataforma. Netflix ha optado por cerrar la saga con una película, Heartstopper para siempre, estrenada el pasado 17 de julio, que ofrece una conclusión definitiva al viaje emocional de sus protagonistas.

La película final, escrita por Alice Oseman (creadora de los cómics originales), adapta el reciente Volumen 6 de la novela gráfica en la que se inspira la serie, así como el relato corto Nick y Charlie. El salto temporal sitúa a Nick preparándose para la universidad y a Charlie afrontando la independencia en la escuela, mientras ambos encaran el reto de una relación a distancia.

Por qué Netflix decidió hacer una película

El desenlace de Heartstopper en formato de largometraje responde principalmente a tres factores. Por un lado, las agendas de Kit Connor y Joe Locke se volvieron incompatibles con el rodaje de una temporada completa, tras el crecimiento meteórico de sus carreras. De este modo, al producir una película, el rodaje se ha podido concentrar en 35 días, facilitando la participación de ambos como protagonistas y productores ejecutivos.

La caída en la audiencia ha sido otro elemento determinante. Aunque la base de seguidores se había mantenido fiel, las métricas internas de Netflix señalaban que la tercera temporada había tenido un descenso notable de espectadores, por lo que la plataforma optó por un largometraje para ofrecer un cierre digno a los fans y, de paso, evitar una cancelación abrupta.

Por último, la estructura de la obra de Oseman favorecía un desenlace compacto. El material pendiente por adaptar (centrado en la transición a la universidad y el conflicto de la distancia) se ajustaba mejor a una película de dos horas que a una temporada dispersa. “Este arco argumental, con un tono más maduro, funcionaba de manera mucho más fluida y compacta en un formato cinematográfico”, señala la creadora.

Un adiós emotivo y sin estridencias

En la película, el protagonismo recae casi exclusivamente en Nick y Charlie, sacrificando parte del desarrollo de los personajes secundarios y el habitual tono humorístico de la serie. La dirección de Wash Westmoreland, que sustituyó al equipo habitual de la serie, imprime un ritmo distinto a la narrativa, pero conserva los detalles visuales y el idealismo que caracterizan a Heartstopper.

De este modo, lo fundamental reside en que Heartstopper para siempre sabe cómo conservar su carácter de comfort story que hizo a la serie un fenómeno de masas. La película busca potenciar su lado emotivo para lograr un desenlace que satisfaga a los fans de la serie. El resultado no es perfecto, pero sí cumple su propósito: brindar un cierre natural y conmovedor a una historia capaz de iluminar con su optimismo la típica incertidumbre adolescente.

“¡Esta película estará siempre en mi corazón!“, destaca una de las reseñas que la película ya ha recibido en la plataforma IMDb. ”Después de que la segunda y la tercera temporada de Heartstopper me impactaran profundamente y me conmovieran muchísimo, esta película resultó ser un final más bien tierno y acogedor“, comenta otra de las reseñas, que señala que quizá el largometraje no sea igual de bueno que la producción original. “Aun así, estoy muy agradecido por esta película, ya que era esto o nada de Heartstopper. Es un final realmente satisfactorio que vale la pena ver”.

Estrategia comercial y nostalgia: el enfoque de Netflix con One Piece y LEGO

La decisión de producir LEGO One Piece forma parte de una estrategia de Netflix para fortalecer su vínculo con franquicias de impacto mundial. Desde la exitosa adaptación de acción real, el redoblaje del anime clásico, hasta el anuncio de un remake previsto para 2027, todo apunta a que la plataforma busca consolidarse como el principal destino para los seguidores de One Piece.

La colaboración con LEGO ya tiene antecedentes, ya que previamente se han lanzado productos y sets inspirados en la serie. Sin embargo, en esta ocasión se da el salto a un formato animado de dos episodios, que utiliza el característico humor y estilo visual de LEGO. Al igual que con franquicias como Star Wars o Marvel, la animación en LEGO cumple una doble función: entretener y servir como promoción para el fabricante danés de bloques de construcción.

La sinopsis indica que Usopp, conocido por su creatividad y tendencia al protagonismo, será el narrador de estos episodios. Desde su perspectiva algo exagerada, recontará las aventuras de los Sombrero de Paja, trasladando a los espectadores a momentos icónicos de la serie con el giro humorístico propio de LEGO.

Voces originales y propuesta del especial animado LEGO One Piece

Para asegurar autenticidad en esta reimaginación animada, Netflix ha confirmado el regreso de las voces originales del elenco del live action. Iñaki Godoy como Monkey D. Luffy, Mackenyu como Roronoa Zoro, Emily Rudd como Nami, Taz Skylar como Sanji, Mikaela Hoover, Katey Sagal, Jeff Ward, Charithra Chandran y Callum Kerr volverán a interpretar a sus personajes, ahora representados como minifiguras de LEGO.

LEGO One Piece constará de dos episodios creados para resumir las dos primeras temporadas del live action. El estilo abordará tanto los momentos de acción como los más emotivos, desde el humor absurdo que caracteriza a las producciones de LEGO. Con la llegada de Tony Tony Chopper se introducirán flashbacks y repasos de la trayectoria de la tripulación del Going Merry, siempre desde las versiones exageradas y cómicas que Usopp decide mostrar.

Esta reinterpretación permite a los guionistas y animadores crear escenas difíciles de lograr en live action por limitaciones técnicas o de tono, y hace referencia constante a la naturaleza lúdica de los bloques LEGO, permitiendo situaciones inesperadas y parodias dentro de la historia.

Expansión de las animaciones LEGO, spin-offs y su repercusión en los fans

La inclusión de LEGO One Piece en Netflix evidencia una tendencia en auge entre las plataformas de streaming: ampliar sus universos narrativos utilizando formatos alternativos que lleguen a nuevas generaciones y también a seguidores veteranos. LEGO, con su reconocida estética y tono familiar, ha realizado colaboraciones con franquicias internacionales populares como Star Wars, Marvel y DC, adaptándolas a su propio estilo visual y humorístico.

Para la audiencia, especialmente los seguidores jóvenes o quienes sienten nostalgia, este cruce representa una oportunidad para revivir las aventuras de los Sombrero de Paja desde una perspectiva diferente y más ligera. Además, refuerza la presencia de One Piece en la cultura popular, haciendo que la espera entre temporadas sea más llevadera y fortaleciendo el vínculo de los fans con la franquicia.

Sin embargo, este tipo de adaptaciones y spin-offs también ha generado debates sobre la saturación de contenidos derivados y las motivaciones comerciales detrás de estos proyectos. Algunos espectadores se preguntan si estas producciones realmente aportan valor narrativo o si, en realidad, buscan mantener vigentes las licencias y promover la venta de productos asociados, como los sets de LEGO basados en la serie.

La cinta marca el papel más audaz en la carrera de Ludwika Paleta, actriz nacida en Cracovia (Polonia) y nacionalizada mexicana que desde niña construyó su trayectoria en el cine y la televisión del país.

Una abogada perfecta al borde del abismo

Paleta interpreta a Lucero, una abogada de 47 años con dos décadas de matrimonio, estabilidad económica y dos hijos. Detrás de esa fachada, la protagonista arrastra una profunda insatisfacción personal.

Todo se desencadena cuando Matías, el joven entrenador de natación de sus hijos, irrumpe en su vida. Lo que empieza como una atracción se transforma en una relación secreta que amenaza su matrimonio, su carrera y la estabilidad familiar.

El conflicto se agudiza cuando Viviana, la hija de Lucero, también desarrolla sentimientos por Matías. El triángulo emocional que se forma eleva la tensión hasta un punto en que los secretos comienzan a salir a la luz y los celos y la obsesión toman el control.

Un elenco de dos países para una historia de límites

La producción reúne a Óscar Casas en el papel de Matías, José María Yazpik como Fernando —el esposo de Lucero— y Pilar Pascual como Viviana. Completan el reparto Leonardo Ortizgris, Ivana Salomón y Gabi Zamora.

Deseo es una coproducción entre México y España rodada en su totalidad en Ciudad de México. La dirige Teresa Simone en su debut al frente de un largometraje.

Antes de llegar a la plataforma, la película tuvo estreno comercial en cines de ambos países.

Thriller emocional más que erótico, según la crítica

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Aunque fue promocionada como un thriller erótico, diversas reseñas coinciden en que la película pone el peso en el drama psicológico antes que en las escenas explícitas. Simone construye la tensión a partir de los secretos, las decisiones impulsivas y sus consecuencias dentro de una familia que parecía estable.

La actuación de Paleta fue uno de los puntos más valorados por los críticos, junto con la fotografía y la química entre la actriz y Casas. En el lado opuesto, varias reseñas cuestionaron giros argumentales que no terminan de convencer y conflictos que pudieron desarrollarse con mayor profundidad.

Deseo tiene una duración aproximada de 98 minutos y está disponible en Netflix para todos sus suscriptores.

Una carrera de más de tres décadas frente a las cámaras

Ludwika Paleta debutó en la televisión mexicana en 1989, a los ocho años, con el papel de María Joaquina en Carrusel, la telenovela infantil que la convirtió en un rostro reconocido en toda América Latina. Seis años después protagonizó María la del Barrio junto a Thalía, consolidando su lugar en la industria.

Con el paso del tiempo, Paleta migró hacia proyectos de mayor complejidad dramática. En 2016 recibió una nominación al Premio Ariel a Mejor Actriz por Rumbos paralelos, y en 2023 ganó el Ariel a Mejor Actriz de Reparto por Todo el silencio, filme en el que también fungió como productora delegada.

Ese doble rol —actriz y productora— lo había ejercido ya en 2013 con No sé si cortarme las venas o dejármelas largas, comedia negra que marcó su apuesta por narrativas más arriesgadas fuera del circuito de las telenovelas.

En televisión, su trabajo más reciente antes de Deseo fue la serie Isla Brava (2025), donde interpretó a Camila Soler en ocho episodios. También participó en Madre solo hay dos, comedia de Netflix en la que encarnó a Ana durante tres temporadas entre 2021 y 2022, acumulando 27 episodios en la plataforma donde hoy lidera las listas con el thriller de Teresa Simone.

Netflix ha revelado que alrededor de 300 títulos de su catálogo han utilizado inteligencia artificial generativa en algún punto del proceso de producción.

Este reconocimiento, anunciado en su informe financiero correspondiente al segundo trimestre de 2026, confirma que la plataforma apuesta por la aplicación de esta tecnología para optimizar tanto la calidad como los costes y los tiempos de entrega de sus contenidos.

Esta estrategia responde a una necesidad concreta de eficiencia y competitividad en un mercado cada vez más exigente y diversificado. Según datos oficiales, la compañía obtuvo ingresos por 12.560 millones de dólares en los últimos meses y mantiene su objetivo de duplicar los ingresos por publicidad hasta alcanzar los 3.000 millones de dólares.

Cómo usa Netflix la IA en las películas y series

Netflix ha señalado que la inteligencia artificial generativa permite trabajar “el doble de rápido y a la mitad de coste”. Esta afirmación entregada por Ted Sarandos, co-CEO de la empresa, a The Verge, refleja un cambio de paradigma en la industria audiovisual.

La IA está presente de principio a fin en las producciones: desde el desarrollo de conceptos iniciales hasta la previsualización, la posproducción y la entrega final.

Un aspecto central de esta transformación es que muchas escenas complejas, que antes requerían grandes equipos y presupuestos elevados, ahora pueden realizarse con mayor agilidad gracias a la automatización de procesos.

Entre las tareas encomendadas a la IA se encuentran la generación de multitudes digitales, la recreación de secuencias históricas y la creación de planos generales para la construcción de mundos ficticios.

La plataforma subraya que, sin estas herramientas, varias de las producciones más ambiciosas habrían tenido que prescindir de secuencias clave por cuestiones de coste o de tiempo.

Qué producciones de Netflix han usado IA

Entre los ejemplos concretos mencionados por Netflix aparecen la serie documental The American Experiment, el thriller deportivo indio Glory y la miniserie brasileña Brasil 70: A Saga do Tri.

En el caso de The American Experiment, se destaca que 17 minutos de metraje fueron optimizados mediante técnicas de IA para recrear batallas y establecer planos generales. En Brasil 70, la inteligencia artificial permitió llenar estadios de fútbol con públicos digitales hiperrealistas, evitando la necesidad de movilizar a miles de extras.

La compañía ha utilizado IA generativa para crear “secuencias altamente complejas”, incluidas batallas históricas y escenas de multitudes que requieren una gran cantidad de elementos visuales. También se ha recurrido a la IA para la creación de planos de establecimiento, es decir, aquellas imágenes panorámicas que ayudan a contextualizar la acción dentro de los universos narrativos de cada obra.

En otra producción reciente, la serie de ciencia ficción The Eternaut, la inteligencia artificial fue la herramienta elegida para resolver una escena especialmente costosa, tanto en tiempo como en recursos. El propio Sarandos explicó que la tecnología permitió concretar esta secuencia de forma más rápida y económica que con los métodos tradicionales.

Netflix no se quiere olvidar de la creatividad humana

A pesar de la creciente automatización, desde la dirección de Netflix insisten en que la IA es una herramienta de apoyo para los creadores, no un sustituto del talento humano.

“Creemos que se necesitan buenos artistas para hacer algo grande y la IA no va a cambiar eso”, ha precisado Sarandos. Según el directivo, la tecnología facilita y potencia el trabajo de los equipos creativos, pero las decisiones clave y el enfoque artístico siguen siendo responsabilidad de las personas.

Netflix defiende que la eficiencia y la rapidez sólo tienen sentido cuando se acompañan del talento y la visión de los creadores. El co-CEO resume esta postura señalando que “no creo que lo más rápido y barato importe si no es, además, mejor”.

Las Guerreras K-pop continúa consolidándose como uno de los fenómenos más exitosos del catálogo de Netflix gracias a la popularidad de su historia, su animación y, especialmente, de su banda sonora.

Las canciones de la película se han convertido en tendencia en plataformas de streaming y redes sociales, mientras que su doblaje en español latino ha permitido que más espectadores disfruten de la producción en su idioma, tanto desde el celular como en un televisor.

Para quienes desean verla de forma segura y con la mejor calidad de imagen y sonido, Netflix es la única plataforma que cuenta con los derechos oficiales para distribuir la película. El servicio permite reproducirla en alta definición o 4K —según el plan contratado y el dispositivo compatible—, además de ofrecer la posibilidad de cambiar el idioma del audio y los subtítulos en pocos pasos.

Cómo ver Las Guerreras K-pop en español latino

Netflix ofrece la opción de seleccionar el idioma de reproducción para cada contenido disponible en su catálogo. En el caso de Las Guerreras K-pop, los usuarios pueden elegir el doblaje en español latino si está habilitado para su región.

El cambio puede realizarse durante la reproducción. Solo es necesario iniciar la película, abrir el menú de controles, ingresar a la sección de audio y subtítulos y seleccionar la opción “Español (Latinoamérica)”. Desde el mismo menú también es posible activar o desactivar los subtítulos según las preferencias del espectador.

Quienes prefieran mantener el español latino como idioma predeterminado pueden modificar la configuración de su perfil. Para hacerlo deben ingresar a la administración de perfiles, seleccionar el usuario correspondiente y cambiar el idioma principal a “Español (Latinoamérica)”. De esta manera, siempre que un contenido cuente con doblaje latino, Netflix lo reproducirá automáticamente en ese idioma.

En qué dispositivos se puede ver la película

Una de las principales ventajas de Netflix es su amplia compatibilidad con diferentes equipos. La película puede reproducirse desde teléfonos Android, iPhone, tabletas, computadoras, Smart TV y consolas de videojuegos compatibles con la plataforma.

En celulares y tabletas, basta con descargar la aplicación oficial desde Google Play o App Store, iniciar sesión y buscar la película dentro del catálogo. Esta alternativa resulta ideal para quienes desean verla durante un viaje o fuera de casa.

En los televisores inteligentes, Netflix suele venir instalada de fábrica. Solo hay que abrir la aplicación, ingresar a la cuenta y reproducir el contenido. Si el televisor no cuenta con la aplicación, existen otras opciones como enviar la imagen desde el teléfono mediante la función Cast o conectar una computadora utilizando un cable HDMI.

Además, Netflix permite descargar la película en dispositivos compatibles para verla sin conexión a internet, una función útil para quienes viajan con frecuencia o tienen acceso limitado a una red estable.

Funciones que mejoran la experiencia de visualización

Más allá del acceso al contenido, Netflix incorpora varias herramientas que permiten personalizar la experiencia de cada usuario. Es posible crear perfiles independientes para cada integrante de la familia, configurar controles parentales para menores de edad y ajustar la calidad del video de acuerdo con la velocidad de la conexión a internet.

También ofrece reproducción sin publicidad y sincronización entre dispositivos, lo que permite comenzar la película en el celular y continuarla posteriormente en un televisor o una computadora desde el mismo punto donde se detuvo.

Estas funciones convierten a la plataforma en una opción práctica para quienes buscan comodidad y flexibilidad al momento de consumir contenido.

Por qué conviene evitar páginas o aplicaciones piratas

La popularidad de Las Guerreras K-pop también ha impulsado la aparición de sitios web y aplicaciones no oficiales que prometen acceso gratuito a la película. Sin embargo, especialistas en ciberseguridad advierten que estas alternativas representan riesgos importantes para los usuarios.

Empresas como ESET han señalado que muchas de estas aplicaciones obligan a descargar archivos desde fuentes desconocidas, aumentando la posibilidad de instalar programas maliciosos capaces de robar información personal o afectar el funcionamiento del dispositivo.

Otro problema frecuente son los permisos excesivos que solicitan estas plataformas, como acceso al micrófono, la cámara, los archivos almacenados o incluso datos sensibles del usuario. En algunos casos, esta información puede ser utilizada para cometer fraudes o vulnerar cuentas personales y bancarias.

A ello se suman las posibles consecuencias legales derivadas del consumo de contenido protegido por derechos de autor mediante servicios no autorizados. Organismos internacionales como INTERPOL han advertido que estas prácticas pueden implicar sanciones o bloqueos, dependiendo de la legislación vigente en cada país.

Por estas razones, utilizar Netflix como plataforma oficial no solo garantiza una mejor calidad de imagen y sonido, sino también una experiencia segura, estable y libre de riesgos para los dispositivos y la información personal de los usuarios.

Alison Arngrim, la actriz que durante nueve años interpretó a la villana Nellie Oleson en La Familia Ingalls, reveló que la serie fue el espacio donde logró superar una infancia marcada por el abuso sexual, el maltrato físico y el acoso escolar.

La actriz de 64 años habló sobre su pasado el 9 de julio en el podcast Here’s What Happened, conducido por Weston Emery.

Nacida en Nueva York y criada en Hollywood, Arngrim describió sin rodeos lo que vivió de pequeña.

“Como varios millones de personas más, sufrí abusos sexuales y físicos de niña. Me acosaban en la escuela. Era patológicamente tímida”, declaró en el programa.

En sus memorias, escribió que quien la abusó fue un familiar. Esa experiencia, combinada con el acoso escolar, la dejó con una timidez que ella misma calificó de “patológica”. “La única salida es enfrentarlo”, dijo al podcast para explicar la decisión que tomó de enfrentarla.

“Era una niña abusada, acosada y extraña, y le tenía miedo hasta a mi propia sombra”, recordó Arngrim, quien reconoció que hoy pocas personas le creen cuando les cuenta que fue tímida. “La gente se ríe en mi cara porque dicen: ‘No’”, comentó con ironía.

El cambio llegó alrededor de los 12 años, cuando descubrió que dos actrices —Nancy Walker y Bette Midler— habían sido “dolorosamente tímidas” en su juventud antes de desarrollar personalidades muy decididas. Ese hallazgo le demostró que superar la timidez era posible.

Fue en ese mismo período cuando obtuvo el papel de Nellie Oleson en La Familia Ingalls, cuya primera temporada se estrenó en 1974.

“Empecé en la serie y, incluso al principio, era un poco tímida”, admitió ante Here’s What Happened. Pero el trabajo la obligó a transformarse.

“No puedes trabajar, y mucho menos en Hollywood, con directores y equipo técnico, mirándote los zapatos todo el día. Tienes que ser capaz de ponerte de pie y mirar a la gente a los ojos”, afirmó.

Antes de La Familia Ingalls, Alison Arngrim había trabajado principalmente en comerciales y protagonizado la película Throw Out the Anchor! (1974). Tras ese rodaje, pasó un largo período sin conseguir papeles.

Su padre, el representante artístico Thor Arngrim, llegó a sentarse con ella cuando tenía 11 años para advertirle que quizás no volvería a trabajar hasta los 18, o nunca.

“Técnicamente estaba en una crisis de mediana edad, arruinada a los 11 años”, recordó con ironía. Conseguir La Familia Ingalls fue, según sus propias palabras, “mi primer regreso”.

El personaje de Nellie, que la enfrentaba constantemente con la Laura Ingalls de Melissa Gilbert, le dejó una presencia que persiste décadas después.

“El truco es que, si lo haces bien, todo el mundo te odiará; y si lo haces realmente bien, acabarán queriéndote. Yo era claramente la villana. Era terrible con Laura y con todos. Y aun así la gente me habla de mí como si fuera algo especial y dice que quiere a Nellie. No pueden tener suficiente de ella”, declaró al blog Tudum de Netflix.

En la adultez, Arngrim canalizó su historia personal hacia el activismo. Participa en organizaciones como la National Association to Protect Children, dedicada al bienestar infantil y la protección contra el abuso.

En 2010 publicó sus memorias, Confessions of a Prairie Bitch: How I Survived Nellie Oleson and Learned to Love Being Hated.

El cameo en la nueva “La casa de la pradera” de Netflix

Cincuenta años después del estreno original, Alison Arngrim volvió a la pradera con otro personaje. Apareció en el segundo episodio de la nueva adaptación de La casa de la pradera, estrenada el 9 de julio en Netflix, con un papel llamado Ida, descrito por la propia actriz como “básicamente una mujer loca que vive en el bosque, una especie de vagabunda del bosque con amigos vagabundos”.

La escena transcurre alrededor de una fogata, cuando Laura y Mary Ingalls se topan con el grupo. Ida intenta retener a las niñas y, cuando Laura intenta escapar, la sujeta asegurando que solo quiere protegerla de los lobos. La situación se resuelve cuando Edwards llega a rescatarlas.

La idea partió de la showrunner Rebecca Sonnenshine, quien reveló a Parade cómo llegó a la propuesta: “Escribí ese episodio y pensé: ‘¿No sería divertido traer a Alison Arngrim como esta mujer loca de la pradera?’. Sentí que quizá aceptaría. Me parecía una persona muy genial".

Sonnenshine reconoció que llegó a olvidar la idea durante parte del proceso, hasta que finalmente decidieron llevarla adelante.

“Sé lo mucho que Nellie Oleson significa para la gente como personaje. No aparece en esta temporada porque todavía no han llegado a Walnut Grove. Pero pensé que esta era una manera de incluirla, porque es muy importante para el público”, explicó la creadora al citado medio.

También destacó la disposición de la actriz: “Fue una gran profesional. Me dijo: ‘¿Puedo tener más cosas en los dientes?’. Y le respondí: ‘Sí, por supuesto’”, señaló Sonnenshine.

Para los seguidores de Las Guerreras K-pop, la película animada de Netflix, y de la serie X-Men ’97 de Disney, surge una propuesta que une ambos universos a través de herramientas de inteligencia artificial (IA). Es posible recrear a los personajes principales de la película surcoreana como si fueran parte del grupo mutante más famoso del cómic.

La generación de imágenes con inteligencia artificial permite experimentar con la estética, el vestuario y las características propias de cada universo. El proceso implica una serie de pasos que cualquier usuario puede seguir para obtener un resultado personalizado y original.

Cómo seleccionar las fotos adecuadas de Las Guerreras K-pop y X-Men ’97

El primer paso consiste en elegir imágenes de alta calidad tanto de Las Guerreras K-pop como de X-Men ’97. Es clave que las fotos o capturas tengan buena resolución, iluminación adecuada y representen fielmente la personalidad de los personajes.

En el caso de Las Guerreras K-pop, conviene buscar imágenes promocionales oficiales o capturas de la película en las que las protagonistas aparezcan en poses distintivas.

Para X-Men ’97, las imágenes deben reflejar el estilo visual de la serie de Disney, preferiblemente con fondos y detalles reconocibles del universo mutante. Este criterio asegura que la fusión propuesta por la inteligencia artificial resulte coherente y visualmente atractiva.

Qué prompt usar para obtener el mejor resultado en Gemini

Una vez seleccionadas las imágenes, el siguiente paso es redactar un prompt claro y específico para la herramienta Gemini u otra plataforma de inteligencia artificial generativa.

El prompt debe describir de manera detallada el resultado esperado, mencionando los nombres de los personajes, el estilo artístico y cualquier elemento visual que se desee incorporar o evitar.

Un caso concreto de prompt sería: “Genera una imagen en la que las protagonistas de Las Guerreras K-pop aparecen integradas como miembros del equipo X-Men ’97, conservando sus atuendos originales pero adaptados al estilo animado de Marvel.

La precisión en la redacción del prompt es clave para que la inteligencia artificial interprete adecuadamente la solicitud. Incluir detalles sobre posturas, colores predominantes o accesorios puede ayudar a obtener una imagen más fiel a la idea original.

Cómo revisar y corregir los resultados generados por la inteligencia artificial

Tras recibir la imagen creada por la inteligencia artificial, es clave revisarla detenidamente. En ocasiones, la IA puede interpretar de forma incorrecta ciertos elementos, como posiciones de las manos, proporciones corporales o detalles de vestuario.

Si esto ocurre, se puede ajustar el prompt para aclarar las indicaciones, solicitando que se modifique la postura de un personaje o que se corrija la paleta de colores utilizada.

Repetir la generación de la imagen con modificaciones en el prompt suele ser suficiente para obtener un resultado más satisfactorio. Es importante tener paciencia y evaluar las imágenes con ojo crítico hasta alcanzar una versión que cumpla con las expectativas planteadas al inicio.

De qué forma descargar y utilizar la creación hecha con inteligencia artificial

Una vez que la imagen final ha sido aprobada, la plataforma de inteligencia artificial suele ofrecer la opción de descargar el archivo en diferentes formatos. Es clave guardar la creación en alta resolución para facilitar su uso posterior, ya sea para compartirla en redes sociales, ilustrar artículos o integrarla en presentaciones.

Asimismo, al utilizar la imagen, se debe dejar en claro que se trata de una creación realizada con inteligencia artificial, no de material oficial ni de un cruce real entre ambas producciones.

El uso responsable de las imágenes generadas con inteligencia artificial implica reconocer el carácter experimental y creativo de la propuesta. Señalar el origen de la imagen y evitar atribuirla a los estudios originales previene malentendidos y respeta los derechos de autor de los creadores de ambos universos.

La aplicación de Netflix dejará de operar en una extensa gama de celulares antiguos a partir del 20 de julio de 2026. Esta medida afecta tanto a teléfonos Android como a modelos de iPhone que no pueden instalar las versiones más recientes de sus respectivos sistemas operativos.

Usuarios de dispositivos afectados deberán buscar alternativas para acceder a películas disponibles en la plataforma streaming, porque la aplicación dejará de abrirse, actualizarse o instalarse en dichos celulares.

La decisión de Netflix responde a la necesidad de reforzar la seguridad y mantener la compatibilidad con funciones avanzadas de la plataforma. Los dispositivos que no permiten actualizar el sistema operativo quedarán fuera de soporte, lo que implica el fin del acceso a contenidos y nuevas funciones.

Qué celulares Android ya no podrán usar Netflix

A partir del 20 de julio, Netflix dejará de estar disponible en teléfonos Android lanzados entre 2011 y 2014. Entre los modelos más afectados figuran el Samsung Galaxy S3, Galaxy Note 2, Galaxy Grand Prime, LG Optimus L5, Optimus L7, LG G2, y los Sony Xperia Z, Xperia Z1 y Xperia E3.

Estos dispositivos no pueden ejecutar versiones recientes del sistema operativo Android, lo que los deja sin acceso a futuras actualizaciones de seguridad y funciones.

La incompatibilidad expone a los usuarios a riesgos de seguridad y limita el funcionamiento de aplicaciones críticas, incluidas herramientas de mensajería y banca digital.

Cuáles modelos de iPhone quedan excluidos

La restricción afecta a los usuarios de iPhone que no sean compatibles con iOS 18.0 o versiones superiores. Los celulares afectados incluyen el iPhone X, iPhone 8 y 8 Plus, iPhone 7 y 7 Plus, iPhone 6s y 6s Plus, el iPhone SE de primera generación y cualquier modelo anterior.

Netflix dejará de funcionar en estos modelos a partir de la fecha establecida, interrumpiendo el acceso a la plataforma y todas sus funciones. Los usuarios que todavía utilizan estos dispositivos tendrán que considerar una actualización para no perder acceso al servicio y a otras aplicaciones críticas para la vida diaria.

Cómo verificar si un celular es compatible con las últimas actualizaciones

Para saber si un dispositivo podrá seguir utilizando Netflix, es clave comprobar la versión del sistema operativo instalada. En Android, se debe ingresar al menú ‘Configuración’ o ‘Ajustes’, buscar la sección ‘Acerca del teléfono’ y luego ‘Información del software’. Allí se muestra la versión de Android y el nivel de seguridad.

En el caso de iPhone, la información se encuentra en ‘Configuración’, opción ‘General’, y después en ‘Información’. Conocer estos datos permite anticipar la exclusión de Netflix y la de otras apps que requieren sistemas actualizados para funcionar correctamente y proteger la seguridad del usuario.

Qué otros dispositivos quedan fuera de soporte de la aplicación de Netflix

Modelos antiguos de Apple TV de primera, segunda y tercera generación, así como televisores inteligentes fabricados antes de 2015 por marcas como Panasonic, LG y la línea Samsung Smart TV serie EOS (2012-2015), ya no tendrán acceso a la aplicación ni a futuras actualizaciones.

Esto implica que muchos televisores, reproductores multimedia y dispositivos streaming dejarán de ejecutar la app de Netflix, lo que podría modificar la experiencia de usuario y aumentar la exposición a riesgos de seguridad.

Por qué Netflix deja sin su aplicación nativa a dispositivos antiguos

La principal razón detrás de la medida es la seguridad. Dispositivos que no reciben actualizaciones del sistema operativo ni parches quedan expuestos a vulnerabilidades, incrementando el riesgo de malware, robo de datos y ataques informáticos.

Asimismo, al utilizar un dispositivo sin soporte, las aplicaciones esenciales de mensajería, banca, compras y autenticación pueden dejar de funcionar correctamente.

La falta de compatibilidad genera bloqueos, lentitud y fallas en procesos cotidianos, desde la recepción de mensajes hasta la protección de cuentas personales.

La siguiente temporada de Bridgerton no estará centrada en Eloise, pero advierte cambios en la adaptación de la famosa saga literaria. Es así que los fans no pierden las esperanzas ante el retorno de uno de los personajes más queridos en la serie.

En recientes declaraciones, Calam Lynch no descartó su regreso a Bridgerton para la entrega sobre Eloise, aunque reconoce que aún no tiene información concreta sobre esa posibilidad.

El actor, que interpretó al tipógrafo Theo en la segunda entrega de la serie de Netflix, abordó el tema en una entrevista con el portal Swooon el miércoles 15 de julio.

“Me encantó hacer la serie, de verdad”, declaró Lynch, de 31 años, ante la consulta sobre si había recibido algún llamado para regresar.

El intérprete se mostró abierto a la idea, aunque con matices: “Si fuera realmente intencional, pensado y hecho de una manera sutil e interesante, entonces por supuesto. Amo muchísimo a Claudia Jessie, es genial, y me encanta trabajar con ella y con todo ese elenco, son todos geniales, pero no sé, fue hace mucho tiempo…”.

Lynch también expresó su confianza en el equipo creativo de la producción. “Siempre he sentido que personas como Jess Brownell, que dirige el programa, y Chris Van Dusen antes que ella, saben qué es lo mejor para esos personajes”, señaló al citado medio.

Y agregó: “Creo que hay una belleza en que haya sido lo que fue”. Cabe recordar que el romance trunco entre Theo y Eloise quedó sin resolución en la serie y nunca volvió a ser retomado.

La historia de amor de Eloise con Phillip —interpretado por Chris Fulton, quien apareció en las temporadas 1 y 2— se perfila como el eje de la quinta entrega, inspirada en la novela To Sir Phillip, With Love, de la escritora Julia Quinn.

¿Quién protagonizará “Bridgerton 5″?

La quinta temporada de Bridgerton ya tiene protagonistas confirmadas y se encuentra en etapa de rodaje en las afueras de Londres, según informó Netflix en marzo de este año.

Por primera vez en la franquicia, la historia central girará en torno a una pareja del mismo género: Lady Francesca Stirling (Hannah Dodd) y Michaela Stirling (Masali Baduza).

La trama retomará los eventos del final de la cuarta temporada, marcada por la muerte de John Stirling, y avanzará dos años en el tiempo.

Brownell describió el tono de la nueva entrega: “Si hay algo realmente específico de esta temporada, es el anhelo. Es un gran, gran anhelo”.

La responsable creativa también precisó el carácter de la historia: “Va a ser una temporada sobre la alegría queer. No va a ser una temporada sobre el trauma queer”.

Dodd anticipó el arco emocional de su personaje: “Cuando pasas tanto tiempo con un personaje, realmente quieres que sea feliz. Estoy deseando que [Francesca] sienta que merece amor”.

Baduza, en tanto, adelantó la evolución de Michaela: “Está acostumbrada a tener todos estos muros levantados. Estoy emocionada de derribarlos y permitir que deje entrar a Francesca”.

Sobre el futuro de los personajes más jóvenes de la saga, Quinn explicó que aún faltan varios años antes de que las historias de Hyacinth y Gregory lleguen a la pantalla:

“Jess ha dicho que las próximas dos temporadas serán Eloise y luego Francesca, o Francesca y luego Eloise, lo cual tiene sentido. Toma algunos años filmar, así que para cuando lleguemos a Hyacinth y Gregory, los actores van a estar bien entrados en sus 20″.

La autora también se refirió a Florence Hunt y Will Tilston, quienes interpretan a los dos hermanos menores y tenían apenas 12 y 13 años cuando se incorporaron al proyecto: “Ambos tienen 18 años ahora y Will estuvo allí con su novia”.

Los k-dramas siguen siendo uno de los grandes motores del catálogo de Netflix durante 2026. Así quedó registrado en el reporte de audiencia que publicó la compañía este 17 de julio, el cual detalla cuáles fueron las producciones más vistas por sus usuarios durante la primera mitad del año.

El informe precisa que Netflix registró más de 97 mil millones de horas vistas durante esos seis meses, su cifra más alta de visualización para un primer semestre. Asimismo, los contenidos en idiomas distintos al inglés representaron más de un tercio del consumo total, con Corea del Sur entre los países que volvieron a destacar por el rendimiento de sus producciones.

Dentro del ranking general de series más vistas del servicio, las historias coreanas lograron una presencia importante. El caso más destacado fue Teach You A Lesson, que alcanzó 48,2 millones de visualizaciones y se ubicó en el sexto lugar entre todas las series más vistas de Netflix a nivel global, superando a producciones como One Piece temporada 2 y The Night Agent temporada 3.

Aquí te contamos cuáles fueron los títulos coreanos que cautivaron al público de la plataforma en lo que va del 2026

1) ‘Así aprenderás’ — 48,2 millones de vistas

El drama escolar se convirtió en la producción coreana más vista del semestre. La historia sigue a una organización creada para proteger los derechos de los profesores y enfrentar los conflictos dentro de un sistema educativo llevado al límite.

Los resultados de esta miniserie resultan impresionantes, considerando que apenas se estrenó el 5 de junio. En pocas semanas alcanzó cifras suficientes para imponerse en la cima del ranking.

2. ¿Cómo se traduce este amor? — 28,6 millones de vistas

Narra la complicada y divertida relación entre Joo Ho-jin, un reservado intérprete multilingüe, y Cha Mu-hee, una enérgica actriz que se convierte en una superestrella mundial tras interpretar a una zombi.

Esta entrañable historia está protagonizada por el carismático actor surcoreano Kim Seon-ho (famoso por Hometown Cha-Cha-Cha), la talentosa actriz Go Youn-jung (reconocida por Alquimia de Almas), y el popular actor japonés Sōta Fukushi, quien interpreta a un galán extranjero que forma parte del triángulo amoroso.

3. El arte de Sarah— 25,8 millones de vistas

Es un thriller psicológico y de misterio criminal. La trama gira en torno a Sarah Kim, una misteriosa y ambiciosa mujer que logra escalar a la élite de la alta sociedad de Seúl construyendo una opulenta identidad falsa y creando una exitosa marca fraudulenta de bolsos de lujo llamada Boudoir. El hallazgo de un cuerpo en un barrio exclusivo amenaza con destruir su fachada de éxito. ¿La policía logrará descubrir su verdadera identidad?

La serie está protagonizada por la aclamada actriz Shin Hye-sun y el actor Lee Joon-hyuk.

4. Sabuesos temporada 2 — 24,3 millones de vistas

El título cuenta con las actuaciones estelares de Woo Do-Hwan, Lee Sang-yi y Rain. Tres años después de haber derrotado a los usureros de Smile Capital, Kim Gun-woo sigue entrenando duro con la meta de convertirse en campeón de boxeo, con su amigo Hong Woo-jin como su entrenador y soporte familiar. Sin embargo, sus vidas vuelven a correr peligro cuando se cruzan en el camino de Im Baek-jeong, un temible y despiadado criminal que controla la IKFC (Iron Knuckle Fighting Championship), una sangrienta liga internacional de boxeo clandestino que genera millones mediante apuestas ilegales, drogas y extorsión.

5. The Wonderfools — 20 millones de vistas

El quinto lugar de lo más visto en Netflix lo ocupa una hilarante comedia de acción y fantasía ambientada a finales de 1999. La trama sigue a un disparatado grupo de vecinos marginados de la ciudad costera de Haeseong que obtienen accidentalmente superpoderes defectuosos en un vertedero químico y se ven obligados a unirse a un misterioso funcionario público para proteger a su pueblo de una peligrosa organización criminal.

El reparto principal está encabezado por la aclamada actriz Park Eun-bin (Woo, una abogada extraordinaria) y el actor e ídolo de K-pop Cha Eun-woo (True Beauty). El equipo se completa con Choi Dae-hoon e Im Seong-jae.

6. Si los deseos mataran…— 19,8 millones de vistas

Es una serie de terror sobrenatural y suspenso que se ambienta en la Escuela Preparatoria Seorin, donde un grupo de estudiantes descubre Girigo, una misteriosa aplicación móvil que concede cualquier deseo a cambio de un video de petición. Sin embargo, la app también activa un temporizador rojo que predice muertes trágicas entre quienes la usan.

Al descubrir que el fenómeno involucra oscuras maldiciones tecnológicas y chamanismo, cinco amigos deciden unirse para investigar el origen de la plataforma y detener la cuenta regresiva antes de que expire su propio tiempo.

7. Boyfriend On Demand — 16,1 millones de vistas

La serie romántica protagonizada por Jisoo y Seo In-guk logró un lugar entre los k-dramas más vistos del año. Se estrenó en marzo y relata la historia de Seo Mi-rae, una productora de webtoons que, para combatir la soledad, se suscribe a una aplicación de simulación virtual que le permite experimentar citas perfectas con parejas digitales ideales. Su fantasía tecnológica se complica cuando debe lidiar en el mundo real con Park Kyeong-nam, su colega en la oficina.

8. Mi némesis con aires de realeza — 15,7 millones de vistas

My Royal Nemesis es una divertida comedia romántica que cuenta la historia de Kang Dan-sim, una famosa y temida villana de la época antigua de Corea que viaja al futuro para salvar su vida. Ella despierta de pronto en el Seúl actual dentro del cuerpo de Shin Seo-ri, una actriz joven que nadie conoce. Mientras intenta sobrevivir en este mundo moderno tan extraño, se encuentra con Cha Se-gye, un hombre rico, frío y muy estricto con el que empieza a pelear todo el tiempo, naciendo entre ellos una divertida relación de amor y odio.

La serie coreana está protagonizada por Lim Ji-yeon (La gloria) y Heo Nam-jun.

9. Sabuesos temporada 1 — 15,1 millones de vistas

El estreno de la temporada 2 de Sabuesos también impulsó las reproducciones de su primera temporada. Esa entrega narra cómo el prometedor y bondadoso boxeador Kim Gun-woo se ve obligado a dejar el deporte para pagar una millonaria deuda que su madre contrajo con Smile Capital, una cruel red de usureros. Para destruirlos, Gun-woo une fuerzas con su amigo y rival del ring, Hong Woo-jin, bajo el respaldo de un benévolo e histórico prestamista jubilado que ayuda a los más necesitados.

10. Un amor que no se agota — 12,4 millones de vistas

A través de 12 episodios, este k-drama romántico sigue la historia de Dam Ye-jin, una presentadora que viaja al campo para recuperar su carrera. Es en este lugar donde conoce a Matthew Lee, un misterioso granjero que termina conquistando su corazón.

La serie está protagonizada por Ahn Hyo-seop (Propuesta laboral) como el granjero y científico Matthew Lee, Chae Won-bin (Doubt) como la decidida conductora Dam Ye-jin, y cuenta con el regreso del famoso actor Kim Bum (Boys Over Flowers).

El plan Individual de Apple Music pasó de 10,99 a 11,99 dólares al mes, mientras que el plan Familiar registró el mayor ajuste: subió de 16,99 a 19,99 dólares, un incremento de tres dólares. El plan Estudiantil también aumentó un dólar, de 5,99 a 6,99 dólares.

Los nuevos precios entraron en vigor el 17 de julio de 2026 en Estados Unidos y otros mercados de todo el mundo, según Music Business Worldwide.

La empresa justificó el alza con la siguiente declaración al medio mencionado:

“Como resultado del aumento en los costos de licencias, Apple Music está incrementando su precio de suscripción a partir de hoy”.

Es la misma razón que compartió en octubre de 2022, cuando subió el plan Individual de 9,99 a 10,99 dólares, y añadió entonces que “los artistas y compositores ganarán más por el streaming de su música”.

Qué pasa con los suscriptores actuales

Los nuevos usuarios pagan los precios actualizados de forma inmediata. Los suscriptores existentes, en cambio, serán migrados al nuevo esquema tarifario en su próximo ciclo de facturación, previo aviso de Apple.

El ajuste también alcanza a los planes de Apple One: el paquete Familiar subió a 27,95 dólares al mes y el Premier, a 39,95 dólares. El plan Individual de Apple One no registró cambios.

Los precios en Europa y el Reino Unido

El aumento no se limitó al mercado estadounidense. En el Reino Unido, el plan Individual pasó de £10,99 a £11,99, y el Familiar de £16,99 a £19,99. En Europa, las variaciones fueron equivalentes: el plan Individual quedó en €11,99 y el Familiar en €19,99, mientras que el plan Estudiantil se fijó en €6,99.

Por qué suben los precios del streaming musical

El ajuste de Apple se inscribe en una tendencia más amplia que atraviesa la industria. Las grandes discográficas han presionado durante años a los servicios de streaming para que eleven sus tarifas, con el argumento de que los precios no han seguido el ritmo de la inflación y resultan bajos frente a plataformas de video como Netflix.

Ese contraste se volvió más evidente cuando Apple elevó el precio de Apple TV+ a 12,99 dólares, mientras Apple Music permanecía en 10,99 dólares.

Spotify, por su parte, ha convertido los ajustes de precios en una prioridad estratégica. Alex Norström, co-director ejecutivo de la compañía, señaló durante la última llamada de resultados trimestrales que la plataforma “observó tasas de retención estables tras la aplicación de los recientes aumentos de precios en más de 150 mercados”.

El mercado global de suscripciones musicales cerró 2025 con 921,6 millones de abonados, cerca de los 1.000 millones, con Spotify como el servicio de mayor alcance a nivel mundial.

Cómo queda frente a Spotify

Spotify subió sus tarifas en Estados Unidos en febrero de 2026: su plan Individual cuesta ahora 12,99 dólares, el Familiar 21,99 y el Estudiantil 6,99 dólares.

Con el nuevo precio de 11,99 dólares, Apple Music mantiene una diferencia de un dólar por debajo del plan Individual de Spotify.

La venta de CD crece en Estados Unidos

Las ventas de CD en Estados Unidos crecieron 16% en el primer semestre de 2026, hasta alcanzar 16,3 millones de unidades, según datos de Luminate. El K-pop fue el principal motor del alza: grupos como BTS, ATEEZ y ENHYPENexplican más de la mitad del incremento.

Solo el álbum ARIRANG, de BTS, vendió 567.000 copias en formato físico. Aun al excluir el K-pop del cálculo, el formato creció 6,7%.

La mitad de los compradores de las generaciones Z y millennial no tiene reproductor de CD: el disco mutó en objeto coleccionable y canal de apoyo directo al artista. Grandes cadenas como Walmart y Targetconcentraron cerca del 30% del mercado físico.

La visita de Alice Oseman a México ya hizo historia incluso antes de llevarse a cabo. El encuentro con la creadora de Heartstopper rompió un récord de participantes al agotar los registros en menos de cinco minutos, reflejando el enorme interés que existe por la autora británica y por una de las historias más influyentes entre la comunidad lectora y LGBTQ+.

El evento, que marcará la primera visita de la escritora al país, se perfila como uno de los acontecimientos culturales más relevantes del año. Miles de seguidoras mexicanas buscarán formar parte de una jornada literaria que servirá como cierre internacional de la saga, en una celebración que reunirá a lectores de distintas edades para compartir la despedida de una obra que dejó huella en toda una generación.

La cita tendrá lugar el jueves 30 de julio de 2026, a las 17:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris de la Ciudad de México. La entrada será gratuita mediante registro previo, con acceso a través de un código QR y validación con identificación oficial. La presentación se desarrollará en inglés y contará con traducción simultánea al español para facilitar la participación del público.

¿Cómo conseguir boletos para el evento de Alice Oseman?

El entusiasmo generado por la presencia de Oseman quedó demostrado desde la apertura del registro, cuando los lugares disponibles fueron agotados en minutos.

Ante la elevada demanda, los organizadores habilitaron una lista de espera que permitirá asignar espacios adicionales conforme se liberen lugares. Las personas inscritas deberán permanecer atentas a su correo electrónico para conocer cualquier actualización relacionada con la disponibilidad de accesos.

Esta experiencia va más allá de una presentación editorial, los organizadores de VRYA pidieron a los asistentes usar sus mejores atuendos inspirados en el libro, además de intercambiar freebies y sumarse a distintas dinámicas que ya comienzan a organizarse entre la comunidad de fanáticos.

El ambiente previsto estará marcado por la emoción, las sorpresas y el cariño hacia los personajes que dieron vida a la historia. La reunión también representará la oportunidad para escuchar a la autora en un momento que simboliza la despedida oficial de la saga a nivel global.

Un evento con causa a favor de la comunidad LGBTQ+

Además del encuentro con los lectores, la visita incorporará una iniciativa con causa para generar un impacto positivo en la comunidad. Durante el evento se instalará un centro de acopio para reunir alimentos y productos no perecederos que serán entregados a Manos Amigues, un comedor comunitario LGBTQ+ de la CDMX que brinda apoyo a personas en situación vulnerable.

Quienes deseen colaborar podrán donar arroz, frijol, pasta para sopa, sal, papel higiénico y artículos básicos de limpieza, como jabones para cocina. Por motivos de seguridad, los organizadores recomendaron evitar productos líquidos o en envases de vidrio.

La despedida de Heartstopper: estreno del último libro y la película

El universo de Heartstopper vivió un verano decisivo con el lanzamiento de sus dos despedidas más esperadas. Alice Oseman publicó el último tomo de la saga el 2 de julio de 2026, mientras que el 17 de julio Netflix estrenó la película que puso punto final a la historia de Nick, Charlie y el resto de los personajes.

La producción cinematográfica marcó el cierre de una de las series juveniles más exitosas de la plataforma, luego de cinco años desde su estreno. La adaptación destacó por abordar temas como la visibilidad de la comunidad LGBT+ y la salud mental, elementos que consolidaron su popularidad entre el público.

Tanto la publicación de la obra final como el lanzamiento de la cinta despertaron entusiasmo entre las seguidoras de la franquicia, quienes celebraron el desenlace de la historia, aunque también expresaron nostalgia por despedirse de una obra que trascendió la literatura y el entretenimiento.

El actor, conocido por los dramas Weightlifting Fairy Kim Bok-joo, Start-Up y Veinticinco Veintiuno, interpreta a Gu Cheon, un hombre con la capacidad de atravesar la frontera entre el mundo humano y el reino de los espíritus. Armado con una espada, su personaje se convierte en el encargado de enfrentar a los fantasmas que amenazan con destruir una dinastía.

“Me acerqué al proyecto decidido a no decepcionar a la producción. Sentí un gran peso de responsabilidad”, declaró Nam Joo-hyuk durante la presentación de la serie.

De qué trata ‘The East Palace’

En El palacio del este, la historia se desarrolla en la dinastía Joseon, donde una serie de muertes misteriosas dentro de la familia real despierta rumores sobre una antigua maldición. Uno tras otro, los príncipes herederos aparecen muertos y las sospechas apuntan al regreso de un espíritu vinculado a un estanque maldito del palacio.

Aunque inicialmente el rey rechaza estas explicaciones sobrenaturales, la situación cambia cuando su último hijo también colapsa de forma repentina. En medio de la crisis, el monarca convoca a Gu Cheon y a Saeng Gang (Roh Yoon-seo), una dama de la corte con la habilidad de escuchar a los fantasmas.

La dupla deberá investigar los secretos ocultos dentro del palacio mientras enfrenta una amenaza que proviene tanto del mundo espiritual como de las propias intrigas de la corte. Además de su planteamiento sobrenatural, la trama no deja atrás una crítica a las estructuras de poder donde los más vulnerables han quedado atrapados.

Fantasía oscura inspirada en el folclore coreano

La dirección de El palacio del este recae en Choi Jung-kyu, responsable de The Devil Judge; mientras que el guion estuvo a cargo de Kwon So-ra y Seo Jae-won, escritores de The Guest y Bulgasal: Immortal Souls.

Según sus creadores, la idea era refrescar el género de “historias de fantasmas” trasladando la temática ocultista (chamanismo) a un escenario histórico. Los escritores además incorporaron criaturas inspiradas en el folclore y leyendas locales, aunque adaptaron algunas de sus habilidades para integrarlas al misterio de la serie.

Como la trama implica la interacción entre el mundo espiritual y el mundo real, la narrativa visual diferenció ambos espacios con una paleta de colores diferentes. El equipo creativo diseñó el universo humano con tonos azules y una apariencia más serena, mientras que el reino espiritual utiliza colores rojizos y una atmósfera más inquietante, que recuerda al Upside Down de Stranger Things.

¿Quiénes forman el reparto del kdrama?

Junto a Nam Joo-hyuk aparece Roh Yoon-seo, actriz reconocida por sus papeles en Our Blues, Crash Course in Romance y 20th Century Girl. En la serie interpreta a Saeng Gang, una dama de la corte con una sensibilidad especial hacia los espíritus.

“Pensé mucho en qué tipo de persona son el rey y Gu Cheon, qué representa Saeng Gang para cada uno de ellos y qué emociones lleva consigo”, explicó Roh sobre la preparación de su personaje, según declaraciones difundidas por Netflix.

El reparto principal se completa con Cho Seung-woo, quien interpreta al rey. El actor protagonista del kdrama Stranger, encarna a un gobernante que mantiene ocultas sus verdaderas intenciones detrás de una imagen benévola.

La aparente serenidad del monarca parece reflejarse en un enigmático estanque del palacio, elemento que destacó Cho en la conferencia de prensa: “En la superficie, parece tranquilo, pero debajo hay una enorme tensión y muchas historias, casi como el ojo de una tormenta”.

El palacio del este cuenta con 8 episodios. Ya está disponible en Netflix.

Con ese panorama de expectativa, Netflix confirmó el estreno de la segunda temporada que narra la historia de la familia Buendía, considerada como el arquetipo del denominado “realismo mágico” que marcó a fuego la literatura de América Latina a mediados del siglo XX.

El gigante del streaming confirmó que el 5 de agosto comenzarán a estrenarse los episodios, mientras que el gran final se podrá ver a partir del 26 de agosto. Con este anuncio, la plataforma publicó el tráiler oficial de la producción, que adaptará los capítulos finales de la novela del Nobel de Literatura de 1982 y cerrará una de las apuestas audiovisuales más ambiciosas de los últimos años a nivel latinoamericano.

Lo que seguirá en la segunda parte de ‘Cien años de soledad’

La nueva entrega retomará la historia tras el armisticio firmado por el coronel Aureliano Buendía, con el que depuso las armas en medio de los intentos de frenar la violencia partidista entre conservadores y liberales.

No obstante, el fin formal de las guerras no trae la paz a Macondo, puesto que los sectores conservadores siguen viendo al coronel como una amenaza y planean atentar contra su vida, mientras el pueblo enfrenta la llegada de nuevas generaciones que transforman su fisonomía.

En esta segunda temporada también hará su aparición el personaje de Fernanda del Carpio, una aristócrata bogotana que termina por casarse con Aureliano Segundo —uno de los gemelos descendientes de Arcadio—, y será uno de los ejes narrativos de la temporada. Con su llegada, se introduce una nueva rama familiar marcada por una visión conservadora y religiosa que altera la dinámica de la casa de los Buendía.

El otro gemelo, José Arcadio Segundo, será el protagonista de uno de los momentos más recordados del libro: la llegada del tren a Macondo, acontecimiento que abre las puertas a la instalación de la compañía bananera y transforma de raíz la economía y la vida social del pueblo. La temporada abordará también la masacre de los trabajadores bananeros, episodio inspirado en los hechos ocurridos en Ciénaga, Magdalena, en 1928, cuando cientos de obreros fueron asesinados durante una huelga contra la United Fruit Company. En la novela, ese suceso marca el inicio de la decadencia irreversible de Macondo y funciona como una reflexión sobre la memoria, el poder y el olvido colectivo.

El tráiler presenta al elenco que dará vida a esta etapa de la saga. Julián Román interpretará a los gemelos José Arcadio Segundo y Aureliano Segundo; Carla Baratta asumirá el papel de Fernanda del Carpio; Ángela Cano será Petra Cotes; María Adelaida Puerta dará vida a Amaranta Úrsula; Daniella Reyes interpretará a Remedios, la bella; y Juanita Molina encarnará a Meme. De igual modo, harán su regreso Claudio Cataño como el coronel Aureliano Buendía y Marleyda Soto en el papel de Úrsula Iguarán, la matriarca que asiste al lento cumplimiento de la profecía familiar.

El tráiler anticipa que el eje temático de la temporada será el paso del tiempo y la decadencia: la prosperidad inicial de Macondo cede ante la industrialización y los intereses económicos externos, mientras los Buendía quedan atrapados en amores imposibles, repeticiones y pérdidas que parecen condenarlos no solo a repetir siempre la misma historia, sino al cumplimiento de la profecía que Melquiades hizo sobre Macondo y los Buendía: “las estirpes condenadas a cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra”.

Un estudio de la Universidad de Manchester y la Universidad de Princeton cuantificó ahora el peso exacto de ese salto: el estreno de la serie el 22 de abril de 2022 disparó las ventas semanales de los libros en 76.349 ejemplares en once mercados y sacó la obra de su nicho para instalarla en la ficción juvenil general.

La investigación, firmada por Francesco Rampazzo y Kristopher Velasco y publicada como preprint en SocArXiv, analizó ventas semanales de NielsenIQ BookData entre 2019 y diciembre de 2025, junto con 2.981 reseñas de Amazon, 874 de IMDb y datos de consumo en Reino Unido. El trabajo concluye que las temporadas posteriores tuvieron un efecto progresivamente menor: la segunda temporada sumó 25.914 unidades semanales en la estimación global y la tercera apenas 4.171.

Reino Unido registró el mayor incremento absoluto, con 25.578 copias adicionales por semana tras el debut en pantalla. Le siguieron Brasil con 11.123, México con 8.483 y España con 7.432, según el preprint. También se detectaron aumentos en Irlanda, Polonia y Nueva Zelanda, con señales menos firmes en Italia, India y Sudáfrica.

Rampazzo, profesor de estadística social y demografía de la Universidad de Manchester, señaló que la serie “no simplemente amplió una audiencia existente” y que “trajo nuevos lectores y cambió la forma en que los libros circularon, desde un público especializado de novela gráfica hacia contextos de compra juvenil general, comercial y familiar”.}

La infraestructura local como motor del crecimiento

El impulso no dependió de importaciones en inglés. En Brasil, México y Polonia, entre el 96% y el 99% de las ventas pasó por ediciones traducidas publicadas en cada mercado. En España e Italia esa proporción fue de 85,9% y 86,8%, respectivamente. India constituyó la excepción: allí las ventas se canalizaron por completo a través del mercado interno en inglés, algo que el preprint interpreta como otra forma de infraestructura local.

Kristopher Velasco, profesor adjunto de sociología de la Universidad de Princeton, explicó que el mismo relato circuló por países muy distintos, pero lo hizo “a través de infraestructuras locales”. El académico subrayó que “la traducción, los canales minoristas y la visibilidad mediática importan para que una adaptación en pantalla se convierta en una demanda sostenida de libros”.

Esa dinámica tuvo en el mercado hispanohablante su propio punto de inflexión, anterior incluso al estreno en pantalla. Melisa Corbetto, editora de VRYA, el sello juvenil de V&R Editoras, contó a Infobae que detectó el potencial de la obra en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara de 2018, cuando encontró una referencia mínima en el catálogo de Hachette UK y pidió los dos primeros tomos. Tras leerlos, supo que había que publicarlos aunque la editorial no trabajaba habitualmente con novela gráfica. Definió la obra como “una curita, es un mimo” y sostuvo que sentía que publicarla “iba a ser importante” porque “la gente necesita leer esto”.

El estreno de la serie coincidió con la vuelta de la Feria del Libro tras la pandemia y desbordó la demanda. “Nos saquearon”, dijo Corbetto a Infobae, al recordar que debieron hacer una reimpresión de emergencia porque el primer día se quedaron sin existencias. La editora también señaló que la saga ya había vendido 10 millones de ejemplares en el mundo antes de la salida del tomo seis.

Del reconocimiento en pantalla al libro como regalo

La investigación también comparó el lenguaje con que los públicos hablan de Heartstopper según el formato. En IMDb, donde se comenta la serie, predominaban la representación LGBTQ+ y la identificación personal. En Amazon, donde se reseñan los libros, aparecían con más frecuencia el regalo, la recomendación y la circulación entre generaciones.

El preprint midió una brecha de 3,9 a uno en el lenguaje de representación entre plataformas y detectó que, dentro de Amazon, el lenguaje de regalo familiar creció tras el estreno de la primera temporada. Al mismo tiempo, descendió el lenguaje identitario queer en las reseñas posteriores al debut en Netflix. Los datos de consumidores de NielsenIQ en Reino Unido mostraron que el 34% de los compradores llegó a la saga por la adaptación audiovisual y que el 26% de las compras fueron para regalo.

Rampazzo resumió esa diferencia: “La misma historia significa cosas distintas en diferentes entornos mediáticos”. En pantalla, Heartstopper solía discutirse como un momento de visibilidad y reconocimiento; en los libros, también aparecía como algo para comprar, recomendar, regalar y transmitir.

El cierre de la franquicia y la mirada de Oseman

El ciclo audiovisual llega a su fin con Heartstopper Forever, una película de dos horas que cierra la adaptación de Netflix tras tres temporadas. Según informó The Hollywood Reporter el 16 de julio de 2026, la producción se rodó en Bray Studios en Water Oakley, Reino Unido, y la primera temporada había acumulado más de 53,5 millones de horas vistas.

Oseman dijo a The Hollywood Reporter que el proyecto abarca casi una década de su vida: “Para mí, han sido casi 10 años. Básicamente han sido mis 20”. La autora inició el webcómic en 2016 y llevó la obra a edición impresa desde 2018. El productor ejecutivo Patrick Walters explicó al mismo medio que el paso al formato de largometraje respondió a varios factores, entre ellos las agendas del elenco. Joe Locke señaló que el cambio de formato dio más tiempo para cuidar la historia, mientras Kit Connor indicó que los personajes llegan al punto de tomar sus decisiones y resolver lo que quedó abierto tras tres temporadas.

La película también abordará el clima político en torno a los derechos LGBTQ+ en Reino Unido. Oseman dijo a The Hollywood Reporter que incluyó espacio para hablar de derechos trans y se preguntó si hoy una serie así recibiría la misma apuesta industrial en Reino Unido o Estados Unidos.

Según informó la plataforma, la segunda parte se estrenará el 5 de agosto con siete episodios, mientras que el 26 de agosto llegará el Gran Final, un episodio especial que funcionará prácticamente como un largometraje y pondrá fin a la adaptación completa de la obra del Nobel colombiano.

El principio del fin para Macondo

El tráiler anticipa algunos de los acontecimientos que definirán el desenlace de la historia: el paso inexorable del tiempo sobre Macondo, la llegada del progreso, las tensiones entre las nuevas generaciones de los Buendía y la transformación del pueblo, cuyo esplendor dará paso a una decadencia inevitable hasta cumplir la maldición que persigue a la familia desde sus orígenes.

La historia retomará los hechos después de la firma del armisticio. Sin embargo, la paz nunca llegará realmente a Macondo. Los conservadores, temerosos de las amenazas del coronel Aureliano Buendía, organizarán un atentado que terminará llevando al pueblo a Fernanda del Carpio, quien se casará con Aureliano Segundo y dará a Úrsula Iguarán sus primeros descendientes legítimos.

Al mismo tiempo, José Arcadio Segundo hará realidad uno de los grandes sueños del patriarca al conectar Macondo con el mundo mediante la llegada del tren. Ese avance abrirá las puertas a la compañía bananera, un cambio que acelerará la transformación del pueblo y precipitará la ruina de la estirpe Buendía.

El adelanto también presenta por primera vez a varios de los personajes que protagonizarán esta etapa de la historia. Entre ellos figuran Julián Román como los gemelos José Arcadio Segundo y Aureliano Segundo; María Adelaida Puerta como Amaranta Buendía; Ángela Cano como Petra Cotes; Carla Baratta como Fernanda del Carpio; Daniella Reyes como Remedios, la Bella; y Juanita Molina como Meme. Además, regresan Claudio Cataño como el coronel Aureliano Buendía y Marleyda Soto como Úrsula Iguarán.

En declaraciones a Variety, Francisco Ramos, vicepresidente de Contenido para Latinoamérica de Netflix, explicó que el proyecto siempre fue concebido en dos partes, una decisión que permitió construir el desenlace desde el inicio.

El ejecutivo también destacó que Macondo adquiere un papel todavía más importante en esta segunda parte. “En la primera parte, Macondo trata sobre su fundación y la creación de una utopía. En la segunda, esa utopía ya ha sido construida y comienza su inevitable camino hacia la destrucción, como ocurre con todas las utopías”, expresó.

Por su parte, la directora y showrunner Laura Mora aseguró que el objetivo fue elevar la apuesta artística respecto de la primera entrega hacia algo “más profundo, más complejo y más cinematográfico”.

“Uno de los logros de esta temporada fue darle a cada episodio la estructura de una película. Aunque todos forman parte de una historia mayor, cada uno funciona como una narración independiente, con su propio propósito e identidad”, señaló.

La cineasta dirigió los episodios 1, 2, 5, 6 y el Gran Final, mientras que Carlos Moreno estuvo al frente de los capítulos 3, 4 y 7.

Además de su estreno en Netflix, el cierre de Cien años de soledad tendrá un lanzamiento especial en Colombia. De acuerdo con Variety, el episodio final será proyectado en salas de cine de ciudades seleccionadas del país, en colaboración con Proimágenes, una iniciativa poco habitual para una producción de la plataforma.

Cuándo se estrena la temporada 2 de Cien años de soledad

La plataforma apostó por un estreno dividido. La segunda parte debutará el 5 de agosto con siete capítulos, mientras que el desenlace llegará el 26 de agosto en Netflix.

Jessica Alba se incorporará al elenco de la nueva versión de 13 Going on 30, la comedia romántica de Netflix basada en la película estrenada en 2004.

La actriz formará parte del reparto junto a Emily Bader, Logan Lerman y Adeline Rudolph, de acuerdo con información publicada por Deadline. Hasta el momento, Netflix no ha emitido comentarios sobre la incorporación de Alba ni sobre los detalles de su personaje.

Aunque la producción de la nueva película mantiene bajo reserva la trama principal y el papel que interpretará Jessica Alba, se sabe que el proyecto comenzó su rodaje en Los Ángeles el mes pasado y cuenta con la participación de Jennifer Garner, protagonista de la cinta original, como productora ejecutiva.

Estrenada por Columbia Pictures en 2004, 13 Going on 30 sigue la historia de Jenna Rink, una adolescente de 13 años que, tras un evento inesperado, despierta convertida en una mujer de 30 años.

La protagonista debe adaptarse a la vida adulta mientras intenta comprender los cambios que ha experimentado y recuperar aspectos de su identidad.

En la película original, Jennifer Garner interpretó la versión adulta de Jenna Rink, mientras que Mark Ruffalo dio vida a Matt Flamhaff, su amigo de la infancia.

La cinta fue dirigida por Gary Winick y logró una recaudación aproximada de 96 millones de dólares a nivel mundial en salas de cine. Posteriormente tuvo una amplia distribución en formatos domésticos y se mantuvo vigente entre el público durante las siguientes décadas.

Además de su participación en esta adaptación cinematográfica, Garner también estuvo involucrada recientemente en una versión musical de la historia.

La producción teatral, dirigida por Andy Fickman, tuvo su estreno mundial en el Manchester Opera House. El proyecto contó con un libreto escrito por Josh Goldsmith y Cathy Yuspa, guionistas de la película original, además de canciones nuevas compuestas por Alan Zachary y Michael Weiner.

Por si fuera poco, Jennifer Garner habló recientemente sobre la nueva versión y destacó la continuidad del proyecto con respecto a la película estrenada en 2004.

La actriz recordó especialmente el trabajo del director Gary Winick, responsable de la cinta original, quien falleció en 2011 debido a cáncer cerebral.

Durante la premier en Los Ángeles de The Five Star Weekend, celebrada el 8 de julio, la famosa explicó que el legado de Winick continúa presente en la nueva producción.

“Siento que el legado de nuestro director, Gary Winick, quien falleció de cáncer cerebral después de que terminamos de rodar esa película, continúa. Eso me hace muy feliz”, expresó.

Jennifer Garner también se refirió a Emily Bader, quien asumirá el papel que ella interpretó hace más de 20 años.

La actriz expresó su respaldo hacia la nueva protagonista y comentó que está contenta de que otra intérprete tome el relevo de Jenna Rink en esta nueva etapa. “Esa pequeña Emily es adorable”, comentó.

Aunque forma parte del equipo de producción, Garner reconoció que todavía desconoce cómo será exactamente la historia que presentará Netflix.

La actriz explicó que no tiene información completa sobre los cambios que incluirá la adaptación ni sobre la manera en que se actualizarán los elementos de la película original. “No sé muy bien qué va a ser. Pero creo que la gente se lo pasará en grande viéndola”, dijo.

La nueva versión de Netflix será dirigida por Brett Haley, responsable de la comedia romántica de la plataforma People We Meet on Vacation.

La película, con una producción de Gato Grande, llega a cines selectos del país el 30 de julio y a Netflix el 13 de agosto de 2026.

Un caso que conmocionó a México

La historia sigue a Alejandra, una mujer recién casada cuyos planes de formar una familia se vieron truncados por varias pérdidas gestacionales. La presión de su entorno familiar y social la llevó a simular un embarazo que, para sostenerse, derivó en el robo de una recién nacida de un hospital. El caso se convirtió en un escándalo mediático que sacudió a México.

Un hijo propio examina cómo las expectativas familiares y sociales en torno a la maternidad influyeron en las decisiones de Alejandra. El documental plantea una reflexión sobre la presión que enfrentan las mujeres para convertirse en madres, el impacto emocional de las pérdidas de embarazo y las estructuras culturales que rodean ese mandato.

La obra también interroga el tratamiento mediático del caso y las consecuencias personales y públicas que desencadenó una vez que la historia alcanzó notoriedad nacional.

Formato, elenco y equipo creativo

La propuesta combina entrevistas a los protagonistas reales del caso con recreaciones dramáticas. El guion es de Julián Loyola y Esteban Student, y la producción ejecutiva estuvo a cargo de Sandra Godínez, Carla González Vargas y Maximiliano Sanguine.

El elenco de las recreaciones lo encabezan Ana Celeste Montalvo Peña y Armando Espitia, acompañados por Luisa Guzmán, Mayra Sérbulo, Casio Figueroa, Alejandro Porter, Mayra Batalla y Ángeles Cruz.

El caso real: una empleada del hospital, tres abortos y una bebé robada

Los hechos ocurrieron en junio de 2009 en el Hospital General de México, en CDMX. Eleonor Alejandra Marín Mendoza, de 26 años y empleada administrativa del propio nosocomio, había fingido un embarazo durante meses, llegando a subir más de 20 kilos, y había informado a su familia que el 17 de junio nacería su bebé. Antes del robo, había sufrido tres abortos espontáneos.

Ese día, Marín Mendoza ingresó al área de ginecobstetricia, tomó a la recién nacida Katia Valentina, de un día de vida, y la sacó del hospital dentro de una bolsa de papel de una tienda departamental. La esperaba afuera su esposo, Arturo Calderón Gamiño, de 28 años. Las cámaras de seguridad del hospital registraron toda la secuencia y permitieron identificarla de inmediato.

Horas después, ambos fueron detenidos mientras dormían en la habitación 449 de un hotel en la colonia Agrícola Oriental, en Iztacalco. La bebé fue recuperada con vida, aún con el brazalete del hospital, y devuelta a sus padres. Marín Mendoza declaró que la madre biológica le había prometido a la niña, versión que los padres de Katia Valentina negaron y que nunca pudo acreditarse legalmente.

La pareja fue procesada por privación ilegal de la libertad. Marín Mendoza cumplió más de 13 años de prisión en el penal de Santa Martha Acatitla. Fue durante una visita a ese reclusorio donde Alberdi conoció el caso de primera mano, al escucharlo de la propia protagonista.

Quién es Maite Alberdi

La cineasta chilena nació en Santiago el 29 de marzo de 1983 y se formó en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde estudió estética y comunicación social. Es la fundadora de Micromundo Producciones y miembro de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos desde 2018.

Su carrera está construida sobre el retrato íntimo de mundos pequeños. Con La once (2014) obtuvo reconocimiento internacional y una nominación al Goya a la mejor película iberoamericana. Los niños (2016) le valió el premio a la mejor dirección femenina documental en el Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam (IDFA), el más prestigioso del género a nivel mundial.

Las dos nominaciones al Óscar que la proyectaron globalmente

El salto definitivo llegó con El agente topo (2020), estrenado en el Festival de Sundance, que se convirtió en el primer documental chileno nominado al Premio Óscar. La película también compitió en los Goya y los Spirit Awards, y ganó el premio del público en el Festival de San Sebastián.

Su siguiente largometraje, La memoria infinita (2023), profundizó ese reconocimiento: ganó el Gran Premio del Jurado en Sundance, el Goya a la mejor película iberoamericana y obtuvo su segunda nominación a la Academia. En 2024 dio el salto a la ficción con El lugar de la otra, estrenada en la sección oficial del Festival de San Sebastián y nominada al Ariel a la mejor película iberoamericana en México.

El 31 de julio de 2026 puede convertirse en una fecha incómoda para miles de hogares: Netflix dejará de funcionar en varios televisores antiguos. No se trata de una caída temporal ni de un error de conexión. Es un fin de soporte: la aplicación nativa dejará de abrirse, descargarse o actualizarse en modelos que ya no cumplen con requisitos actuales de seguridad y rendimiento.

El problema no es la pantalla, sino el software interno. En la era del streaming, un televisor es tan útil como su sistema operativo, y cuando el fabricante dejó de actualizarlo, la plataforma también deja de garantizar una experiencia estable y segura.

Qué significa “dejará de funcionar” y por qué ocurre

Cuando Netflix retira compatibilidad, el impacto es directo: la app puede desaparecer de la tienda, no permitir instalación, o abrir y mostrar errores. En otros casos, sigue visible, pero ya no recibe actualizaciones y termina quedando inutilizable frente a cambios del servicio.

Netflix explica que no puede sostener una experiencia uniforme en equipos que dejaron de recibir actualizaciones del fabricante. Si un dispositivo ya no puede incorporar parches de seguridad, mejoras de estabilidad o nuevas funciones técnicas, se convierte en un punto débil: falla más, se congela, se vuelve lento o queda expuesto a vulnerabilidades.

Qué televisores están en riesgo: el corte apunta a equipos anteriores a 2015

La suspensión de soporte afecta principalmente a televisores inteligentes lanzados antes de 2015. Entre los equipos mencionados como afectados aparecen marcas y líneas conocidas:

• Algunos televisores Samsung, Sony, LG y Panasonic de generaciones antiguas
• Apple TV de primera, segunda y tercera generación
• Televisores LG de series como Infinia LX9500 y Nano LED LM9600
• Modelos Panasonic como AX900, VT50 y VIERA TC‑P50VT25 (y similares)
• Equipos Sony Bravia con referencias como KDL, XBR y W95

La lista completa, con modelos exactos y versiones de sistema, se consulta en el sitio oficial de Netflix. Esa verificación es importante porque dentro de una misma marca hay cambios grandes entre años, incluso con nombres parecidos.

Cómo saber si el televisor sigue siendo compatible

La comprobación se puede hacer en dos minutos, sin llamar al soporte técnico.

Señales rápidas desde el televisor:

• Buscar el ícono de Netflix en el menú principal
• Abrir la tienda de aplicaciones del TV (por ejemplo, LG Content Store o Samsung Smart Hub)
• Revisar si la app se puede descargar o actualizar

Si el ícono ya no aparece, si la descarga no está disponible, o si la app abre pero no pasa de una pantalla de error, es una señal clara de fin de soporte.

Qué pasa con LG, Samsung, Sony y Apple TV

• En LG, la compatibilidad suele depender de versiones modernas de webOS
• En Samsung, los modelos desde 2016 con Tizen OS se mantienen, mientras que equipos con Orsay OS quedan fuera
• En Sony, los televisores con Android TV tienen mejor continuidad, mientras que firmwares basados en Linux tienden a perder soporte con el tiempo
• En Apple TV, la continuidad depende del sistema operativo: los modelos más antiguos ya no cumplen requisitos actuales

Qué hacer si Netflix deja de funcionar: no es obligatorio cambiar de televisor

La pérdida de la app nativa no significa que el televisor se “dañe”. La pantalla seguirá funcionando para cable, consolas, reproductores y entradas HDMI. La solución más común es sumar un dispositivo externo de streaming, que cuesta menos que un televisor nuevo y actualiza la experiencia.

Opciones simples para recuperar Netflix

• Amazon Fire TV
• Google Chromecast
• Apple TV (modelos recientes)
• Roku

Estos dispositivos se conectan por HDMI, se enlazan a Wi‑Fi y permiten instalar Netflix desde su tienda oficial, con sistema operativo actualizado.

Otra alternativa válida es conectar una computadora al televisor y entrar a Netflix desde el navegador, siempre que el equipo tenga un sistema actualizado.

Si el televisor es anterior a 2015, conviene verificar compatibilidad antes del 31 de julio. En caso de quedar fuera, un dispositivo de streaming por HDMI suele ser la salida más rápida y económica para seguir viendo Netflix sin reemplazar una pantalla que, en lo visual, todavía puede durar años.

Para la entrega final en pantalla de Heartstopper, su creadora, Alice Oseman, quiso lograr un enfoque más cinematográfico.

Durante tres temporadas, este romance optimista sobre el paso a la adultez ha seguido a Charlie (Joe Locke), un joven artístico, y a Nick (Kit Connor), deportista, quienes se enamoran mientras atraviesan la secundaria británica. Oseman buscaba que la película Heartstopper Forever, que llega a Netflix este viernes 17 de julio, tuviera un tono “un poco más elevado y maduro”, según comentó en una reciente entrevista, “en línea con el hecho de que estos personajes ya están cerca de ser adultos”.

Al igual que la serie, la película incorpora los característicos garabatos hechos a mano provenientes de las novelas gráficas Heartstopper de Alice Oseman, con corazones, estrellas y hojas animadas que explotan en la pantalla para mostrar la intensidad de los sentimientos de Nick y Charlie. Pero Heartstopper Forever también se percibe más grande en escala, con escenas como una toma panorámica donde los chicos corren por un muelle hacia el océano al atardecer, el cielo teñido de nubes naranjas y violetas, antes de besarse apasionadamente ante las luces centelleantes del puerto.

La evolución emocional de los personajes en la película, dirigida por Wash Westmoreland (Siempre Alice, Colette), también es más madura.

Una parte clave de Heartstopper siempre ha sido cómo Nick y Charlie “se hacen más fuertes y seguros el uno al otro”, según Oseman. Ambos deben apoyarse en esa fortaleza en Heartstopper Forever mientras enfrentan problemas de salud mental y desafíos cada vez más propios de adultos. Cuando se acerca el final de su etapa escolar juntos, Nick se prepara para la universidad, y Charlie, a quien un amigo alguna vez llamó “casi un marginado”, hace campaña para ser el líder de su clase. (También se los muestra manteniendo más relaciones sexuales que en las temporadas anteriores).

Locke, quien interpreta a Charlie, explicó que gran parte de la película trata sobre cómo los personajes “descubren de qué manera, en vez de ser un solo círculo completo juntos, pueden ser como un diagrama de Venn, donde cada uno tiene sus propios intereses y vidas, pero igual encajan”.

La ternura de la relación entre ambos ayudó a que Heartstopper se convirtiera en un fenómeno y a que tanto la serie como las novelas gráficas en las que se basa consiguieran una base de seguidores fieles a lo largo de los años. Cada temporada sumó más de 10 millones de visualizaciones y llegó al Top 10 de Netflix, la lista de los programas más vistos en una semana, en decenas de países, según datos de la plataforma.

En los últimos años, el elenco también ha crecido junto a los personajes. Locke, quien tenía 17 años cuando fue seleccionado, afirmó en una reciente entrevista que la serie “cambió mi vida en prácticamente todos los aspectos”. Aunque no esperaba poder dedicarse a la actuación antes del programa, desde entonces fue parte de la serie de Marvel Agatha en todas partes y tiene varias películas próximas a estrenarse.

Sobre las primeras temporadas, Locke dijo: “Casi interpretaba una versión de mí mismo”. Pero a medida que tanto el personaje como el actor crecieron, él dejó de ver a Charlie como “una extensión de mí mismo; casi se siente como hermanos que crecen y toman caminos distintos”, comentó.

Cuando Heartstopper se estrenó en abril de 2022, las tramas sobre adolescentes LGBTIQ+ en series populares como Euphoria solían centrarse en sexo riesgoso y conductas impactantes. Muchas historias de amor queer en el cine y la televisión terminaban en tragedia. Pero la carrera de Oseman comenzó en la ficción juvenil, donde “ya por entonces había una amplia gama de historias alegres, positivas y esperanzadoras”, relató la escritora. Dijo que le sorprendió que la audiencia televisiva elogiara la primera temporada de Heartstopper por “ofrecer algo bastante diferente a lo que se veía en pantalla”.

Hoy, mientras otras historias de amor queer con finales felices, como Más que rivales han cobrado gran popularidad, la autora sostuvo que “es bueno ver que el romance tiene su propio momento”. “Quizás eso es lo que la gente quiere ahora, con el mundo tan horrible”, agregó.

La escritora británica señaló que tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, decisiones legales han restringido el acceso de personas transgénero a baños, atención médica y deportes. Pero el grupo de amigos de Heartstopper siempre reflejó un caleidoscopio de géneros y orientaciones sexuales, y Locke expresó estar “increíblemente orgulloso de que, aunque el panorama político ha cambiado desde el inicio de la serie, el programa no cambió con eso y mantuvo su esencia”, que describió como una “representación positiva de lo queer y las personas queer”.

El año pasado, semanas después de que la Corte Suprema británica decidiera que las mujeres trans no entran en la definición legal de mujeres según la legislación de igualdad del país, el elenco y el equipo filmaron escenas de una marcha del Orgullo trans para Heartstopper Forever. Nick, Charlie y sus amigos asisten en parte para apoyar a Elle (Yasmin Finney), quien antes iba a la escuela de varones pero se transfiere a la escuela hermana, donde entabla amistad con Tara (Corinna Brown). Esta actriz afirmó en una reciente entrevista que el clima político actual sobre los derechos trans volvió escenas como la marcha “tan políticas”, una diferencia respecto a las tramas de temporadas previas. Filmar el desfile del orgullo por una pintoresca ciudad inglesa fue “hermoso”, dijo, pero “verlo después fue difícil”.

En un monólogo antes de la marcha, Elle dice: “El mundo me odia ahora. El gobierno me está quitando mis derechos y todo por lo que luchamos”. Cerrando los ojos y negando con la cabeza, añade: “Solo quiero ser yo misma. Ser libre. Ser feliz”.

Alice Oseman lleva una década contando las historias de estos personajes con cada vez más profundidad, y dijo que resultaba “surrealista” estar cerrando Heartstopper tanto en pantalla como en papel. (El sexto y último volumen de la novela gráfica salió este mes). “Sé que probablemente nada de lo que haga alcance este nivel de éxito otra vez”, afirmó, “y eso es algo muy extraño de enfrentar, pero de algún modo también es liberador”.

En cuanto a Nick y Charlie, la escritora señaló que el público tendrá que imaginar los hitos de la pareja en la adultez, como una posible boda o adoptar un perro. Pero ella los imagina juntos durante la universidad y más allá: “Esta es una historia de amor, y queremos que tengan su final feliz”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: prensa Netflix]

La llegada de No tengo miedo a Netflix abrió una conversación entre los espectadores sobre el origen de la historia que presenta la nueva producción mexicana.

Ambientada en un pueblo de Veracruz durante 1986, la serie sigue a Miguel, un niño de 10 años cuya vida cambia después de encontrar a otro menor en circunstancias desconocidas. A partir de ese momento, el protagonista comienza a descubrir secretos que involucran a los adultos de su comunidad.

La ambientación, los conflictos sociales que aparecen en la trama y el tono realista de la producción han llevado a algunos espectadores a preguntarse si los acontecimientos representados están inspirados en un caso real.

Sin embargo, la historia no corresponde a un hecho ocurrido en México ni está basada en una investigación o suceso específico.

La serie tiene su origen en la novela italiana Io non ho paura, escrita por Niccolò Ammaniti y publicada en 2001. La obra literaria ya había sido adaptada al cine en 2003, antes de que Netflix desarrollara esta nueva versión con una reinterpretación enfocada en el contexto mexicano.

Para la adaptación televisiva, la historia fue trasladada a Veracruz en la década de los 80, específicamente durante el periodo del Mundial de México 1986.

Aunque conserva la idea central de la novela, la producción modifica el escenario, los elementos culturales y el entorno social para situar el relato en una comunidad rural mexicana.

La trama sigue a Miguel, quien encuentra a un niño secuestrado mientras explora los alrededores de su pueblo. El descubrimiento lo lleva a enfrentarse a una realidad que involucra a personas cercanas y que cambia la forma en que observa a los adultos que forman parte de su vida.

Según la información proporcionada por Netflix, la serie está construida desde la perspectiva de un niño que se enfrenta al “lado más cruel y oscuro de los adultos”.

La historia utiliza esa mirada infantil para explorar el contraste entre la percepción de seguridad que tiene un menor y los conflictos que existen dentro del mundo adulto.

Aunque el secuestro y los personajes de la serie pertenecen a la ficción, la producción incorpora problemáticas sociales que han estado presentes en distintos contextos históricos.

Entre ellas se encuentran la desigualdad económica, la pobreza en zonas rurales y la violencia, temas que forman parte del trasfondo del relato tanto en la novela original como en su adaptación mexicana.

Uno de los elementos que contribuyen a la sensación de realismo es precisamente el contexto elegido para la serie.

La representación de un pueblo mexicano de los años 80, junto con la referencia a un acontecimiento nacional como el Mundial de 1986, sitúa la historia dentro de una época reconocible para el público, aunque los acontecimientos narrados no correspondan a hechos documentados.

La novela de Ammaniti mantiene como eje principal la pérdida de la inocencia durante la infancia y el descubrimiento de las contradicciones del mundo adulto. La versión de Netflix conserva ese planteamiento, pero lo adapta a una nueva geografía y a una realidad social diferente.

Con esta producción, la historia de No tengo miedo vuelve a presentarse ante una audiencia internacional a través de una nueva interpretación.

La miniserie mexicana No tengo miedo trajo a Netflix una historia que mezcla suspenso, drama y la pérdida de la inocencia. Ambientada durante el Mundial de Fútbol de 1986, la ficción sigue a Miguel, un niño de 10 años cuya vida cambia para siempre cuando descubre a otro menor encadenado dentro de un pozo oculto en el campo.

A partir de ese hallazgo, la producción construye un thriller que, más allá del misterio del secuestro, explora cómo la pobreza y la desesperación pueden llevar a los adultos a tomar decisiones extremas.

¿De qué trata ‘No tengo miedo’?

Creada por Ernesto Contreras y basada en la novela italiana Io non ho paura, de Niccolò Ammaniti, la serie traslada la historia al estado mexicano de Veracruz, donde una plaga ha devastado durante años los cultivos de café. Mientras el país vive la emoción del Mundial de 1986, Miguel pasa sus días jugando al fútbol y admirando a Diego Maradona, sin ser consciente de la crisis que atraviesa su comunidad.

Todo cambia cuando encuentra a Felipe, un niño de su misma edad que permanece encadenado en un agujero cerca de una casa abandonada. Sin comprender al principio la gravedad de la situación, Miguel comienza a visitarlo en secreto, le lleva comida y entabla una amistad que terminará enfrentándolo a una verdad devastadora: Felipe ha sido secuestrado y los responsables pertenecen a su propio entorno.

¿Quién secuestró a Felipe?

En los episodios finales se confirma que el secuestro fue organizado por varios adultos del pueblo, entre ellos el padre y el tío de Miguel. Tras perder sus ingresos por la crisis del café, decidieron raptar a Felipe convencidos de que su familia era adinerada y podría pagar rápidamente un rescate.

Sin embargo, el plan fracasa cuando descubren que los padres del niño también atraviesan dificultades económicas y no pueden reunir la suma exigida. Como consecuencia, Felipe permanece cautivo durante mucho más tiempo del previsto, encerrado en condiciones cada vez más precarias.

Teresa, la madre de Miguel, había pedido que no se lastimara al menor, pero Félix —el joven encargado de vigilarlo— termina encerrándolo en un pozo para evitar que sus gritos fueran escuchados.

¿Qué ocurre al final con Miguel y Felipe?

Después de varios intentos fallidos, Miguel y sus amigos consiguen liberar a Felipe y emprenden la huida hacia la carretera mientras distraen a los secuestradores. Sin embargo, Rodrigo y Pino los persiguen armados. Convencidos de que Felipe representa la principal prueba del crimen, consideran que deben matarlo antes de que llegue la policía.

Cuando Rodrigo apunta al niño para dispararle, Pino cambia de opinión e intenta impedirlo. Durante el forcejeo se produce un disparo que hiere a Miguel, quien cae al suelo mientras su padre corre a abrazarlo. En ese instante aparece un helicóptero del equipo de rescate, lo que indica que Felipe finalmente será encontrado por las autoridades.

La serie nunca muestra qué sucede después con Miguel, por lo que deja su destino abierto. No obstante, la narración final del propio niño sugiere que sobrevivió a la herida. Todo apunta también a que Felipe logró reunirse con su familia y que los responsables del secuestro terminaron siendo detenidos, después de que Félix revelara la identidad de los implicados.

Para quienes buscan disfrutar de Las Guerreras K-pop en español latino de manera segura y sin complicaciones, la única opción legal y autorizada es Netflix, lo que garantiza una experiencia segura y de calidad, sin riesgos para el dispositivo ni para la información personal del usuario.

La película se encuentra disponible para América Latina exclusivamente en este servicio, con la garantía de una transmisión oficial y subtítulos adaptados al público local.

A diferencia de otros sitios o aplicaciones no oficiales, Netflix ofrece la posibilidad de ver el filme en distintos idiomas, incluyendo español latino e inglés.

Cómo ver Las Guerreras K-pop sin descargar aplicaciones de forma segura

Quienes prefieren evitar la descarga de aplicaciones pueden acceder a la película directamente desde el navegador web. Netflix ofrece una versión web que se abre en cualquier navegador moderno, ya sea desde una computadora de escritorio, una laptop o incluso desde celulares con acceso a internet.

Solo es necesario ingresar a la dirección oficial de Netflix, iniciar sesión con una cuenta activa y buscar el título en el catálogo. El acceso web permite ver la película sin ocupar espacio adicional en el dispositivo ni modificar su configuración.

Esta alternativa resulta adecuada para quienes utilizan computadoras públicas, compartidas o dispositivos con poco espacio de almacenamiento, porque solo se requiere conexión a internet y un navegador actualizado.

Dónde descargar la aplicación de Netflix de forma segura y rápida

Para quienes prefieren la comodidad de una aplicación, la app oficial de Netflix se encuentra disponible en tiendas reconocidas como Google Play Store para dispositivos Android y App Store para dispositivos Apple.

Descargar desde estos repositorios garantiza que la aplicación ha pasado controles de seguridad y calidad, y que recibe actualizaciones periódicas para corregir vulnerabilidades o mejorar el servicio.

Nunca es seguro descargar archivos instaladores desde sitios web alternos, porque estos pueden estar modificados y contener software malicioso. La descarga desde tiendas oficiales permite acceder a soporte técnico en caso de inconvenientes y asegura la compatibilidad con distintos modelos de dispositivos.

En qué idiomas y con qué subtítulos se puede ver la película en Netflix

La versión de Las Guerreras K-pop disponible en Netflix ofrece varias opciones de idioma, entre ellas el español latino, inglés y coreano original. Los subtítulos incluyen español latinoamericano, inglés y portugués, lo que amplía el acceso para espectadores de diferentes regiones y preferencias lingüísticas.

La plataforma permite seleccionar el idioma de audio y los subtítulos desde el panel de configuración de cada reproducción, de modo que el usuario pueda adaptar la experiencia según sus necesidades.

Los usuarios pueden ajustar el idioma y los subtítulos desde el control remoto en el caso de un televisor, desde el mouse en un computador, o desde la pantalla táctil en el caso de un celular.

Cuáles son los riesgos de descargar aplicaciones piratas

Muchas aplicaciones streaming no oficiales no se encuentran en tiendas como Google Play Store o App Store, lo que obliga al usuario a buscar en sitios externos. Estas apps suelen carecer de controles de calidad y seguridad, así que representan un terreno apto para la distribución de software malicioso.

Una de las principales señales de alerta es la solicitud de permisos excesivos o críticos en el dispositivo, lo que puede permitir la instalación de malware, incluyendo spyware, troyanos o herramientas de robo de información personal.

Otro peligro es que el uso de estas aplicaciones puede comprometer la seguridad de la red doméstica y exponer datos personales a ciberdelincuentes.

Asimismo, existe un riesgo legal. Retransmitir contenido protegido sin derechos de autor vulnera la propiedad intelectual, lo que puede llevar a bloqueos por parte de proveedores de internet o a acciones judiciales.

Bad Bunny, Ella Langley y una IA sin nombre propio se disputan el mapa del streaming musical en Estados Unidos, según el informe de mitad de año de Luminate, la compañía que recopila y analiza datos de consumo musical, cinematográfico y televisivo a escala global. El reporte revela que la música latina y el country avanzan sobre el terreno que el R&B y el hip-hop dominaron durante la última década.

El dato que mejor resume el momento: 1 de cada 10 reproducciones de audio en Estados Unidos durante el primer semestre de 2026 fue en español. Eso equivale al 9,4% del total de streams, una proporción que nunca había alcanzado ese nivel.

Al mismo tiempo, el consumo en inglés cayó a su mínimo histórico de 87,1%, lo que refleja una audiencia cada vez más diversa en sus hábitos de escucha.

El récord global que nadie esperaba tan pronto

Las cifras de reproducción musical rompieron marcas en todo el mundo. Las reproducciones de audio bajo demanda a escala global llegaron a 2,8 billones en el primer semestre de 2026, frente a los 2,5 billones del mismo período del año anterior y los 2,29 billones de 2024.

En Estados Unidos, las reproducciones de canciones bajo demanda sumaron 732.700 millones, un salto desde los 696.600 millones de 2025 y los 665.800 millones de 2024, según el reporte citado por The Associated Press (AP).

El crecimiento es sostenido y sin señales de desaceleración, según el informe de mitad de año que la empresa de datos y análisis Luminate publicó este miércoles.

El R&B y el hip-hop pierden terreno, pero no el trono

El R&B y el hip-hop siguen siendo el género más escuchado en Estados Unidos, con cerca de 1 de cada 4 reproducciones de audio bajo demanda. Aun así, su participación en el consumo equivalente de álbumes cayó del 41% en 2023 al 30% en el primer semestre de 2026, según el análisis del Billboard 200.

Jaime Marconette, vicepresidente de análisis musical y relaciones con la industria de Luminate, explicó a AP que “el volumen de audio propio del género bajó un 1,7% en lo que va de 2026 frente al año anterior”. Según Marconette, no se trata de un colapso sino de “un desplazamiento hacia un ecosistema multigénero más equilibrado donde la profunda influencia creativa del R&B/hip-hop también se percibe en otros estilos”.

Las reproducciones por género en Estados Unidos durante el primer semestre muestran la distancia que aún separa al líder del resto:

• R&B/hip-hop: 180.300 millones
• Rock: 137.200 millones
• Pop: 87.800 millones
• Country: 63.800 millones
• Latin: 63.000 millones

La música latina amplía su base más allá del público hispano

El avance del latin no se limita al crecimiento de la comunidad hispanohablante. Luminate detectó que el 54% de los oyentes de música en Estados Unidos —más de 1 de cada 2— afirma escuchar música latina, una proporción que no tiene precedentes.

“La huella cultural de la música latina se expande con rapidez mucho más allá de su base tradicional hacia el mainstream americano más amplio”, señaló Marconette. A escala global, el género alcanzó 363.200 millones de reproducciones en el primer semestre, frente a los 335.300 millones del año anterior.

Los tres álbumes más escuchados del año en Estados Unidos reflejan ese nuevo mapa:

• I’m the Problem — Morgan Wallen: 2,035 millones de unidades equivalentes de álbum
• Dandelion — Ella Langley: 1,638 millones
• Debí Tirar Más Fotos — Bad Bunny: 1,543 millones

Marconette señala a Langley como el ejemplo más claro del nuevo público del country: una generación más joven y orientada al streaming.

La IA irrumpe en las listas, aunque sin consolidarse

Entre las tendencias del informe, Luminate registró el crecimiento de canciones generadas por inteligencia artificial. La más escuchada en Estados Unidos es “Livin’ on Borrowed Time” del acto de country Breaking Rust, con 19 millones de reproducciones en el primer semestre.

Breaking Rust ya había colocado una canción en el número uno del listado de ventas digitales de country del Billboard en noviembre de 2025. Esa pieza tomó fraseo vocal, forma melódica y ADN estilístico del artista nominado al Grammy Blanco Brown, sin su conocimiento.

Marconette advirtió a The Associated Press que “las herramientas generativas transforman activamente los flujos de trabajo creativos y de producción, pero las canciones individuales generadas por IA aún no han tenido un impacto profundo y duradero en el comportamiento de consumo”.

A partir del 15 de julio de 2026, Netflix dejará de funcionar en varios modelos de televisores antiguos, excluyendo el acceso a la aplicación nativa y a sus actualizaciones. Este ajuste responde a la necesidad de mantener estándares actuales de seguridad y rendimiento, lo que deja fuera a dispositivos fabricados antes de 2015.

Aunque muchos de estos televisores mantienen una imagen impecable y su funcionalidad básica no se altera, el software interno ya no cumple con los requisitos exigidos por la plataforma streaming.

La suspensión definitiva del soporte de la aplicación afecta principalmente a televisores de marcas como Samsung, Sony, LG y Panasonic, cuyos modelos antiguos no podrán abrir, descargar ni actualizar la app oficial.

Por qué Netflix finaliza el soporte de su aplicación en televisores antiguos

La decisión se basa en la imposibilidad de garantizar una experiencia uniforme y segura en dispositivos que dejaron de recibir actualizaciones del fabricante. Netflix explica que los dispositivos que no cumplen los requisitos de rendimiento, estabilidad y seguridad quedan fuera del soporte.

La mayoría de los modelos afectados recibieron su última actualización de sistema operativo hace varios años, lo que impide compatibilidad con nuevas funciones.

El objetivo de la plataforma es mantener una experiencia constante para todos los usuarios. “Si el dispositivo no puede recibir las actualizaciones necesarias o no es compatible con las nuevas funciones, deja de ser admitido por la aplicación”, señaló en su sitio web Netflix.

Qué modelos de televisores quedarán sin acceso a la aplicación de Netflix

La suspensión del soporte alcanza a televisores inteligentes lanzados antes de 2015. Entre los modelos afectados se encuentran los Apple TV de primera, segunda y tercera generación, así como los LG de las series Infinia LX9500 y Nano LED LM9600.

Además, aparecen modelos Panasonic AX900, VT50, VIERA TC-P50VT25 y similares, sumado a televisores Sony de la gama Bravia, como KDL, XBR y W95.

La lista completa puede consultarse en el sitio oficial de Netflix, donde se detallan los modelos y las versiones de sistema operativo que ya no serán compatibles.

Cómo verificar si un televisor sigue siendo compatible con la app de Netflix

Para comprobar si un televisor mantiene compatibilidad, solo hay que buscar el ícono de Netflix en el menú principal o en la tienda de aplicaciones del dispositivo, como LG Content Store, Samsung Smart Hub o Google Play. Si el ícono desapareció o la descarga no es posible, ese modelo ya se encuentra fuera del soporte.

Netflix exige que los televisores cuenten con sistemas operativos actualizados. En el caso de LG, solo los modelos con versiones modernas de webOS reciben actualizaciones de seguridad y la app de Netflix.

Los televisores Samsung fabricados desde 2016, con sistema Tizen OS, siguen siendo compatibles, mientras que los antiguos con Orsay OS quedaron excluidos.

Para Sony, solo los que incorporan Android TV acceden a la plataforma; los que usan firmware basado en Linux ya no tienen soporte. En cuanto a Apple TV, únicamente los modelos recientes con el sistema operativo actualizado mantienen el acceso.

Qué opciones existen para seguir usando Netflix tras la pérdida de soporte

La incompatibilidad con la app nativa no obliga al reemplazo inmediato del televisor. La solución más sencilla y económica es conectar un dispositivo externo de streaming, como Amazon Fire TV, Google Chromecast, Apple TV o Roku.

Asimismo, estos aparatos se enlazan mediante el puerto HDMI y transforman cualquier pantalla en un Smart TV actualizado, con acceso total a Netflix y otras plataformas. Luego de vincular el dispositivo y conectarlo a la red WiFi, es posible descargar la aplicación de Netflix desde su tienda oficial e iniciar sesión como de costumbre.

Estos reproductores ofrecen sistemas operativos actualizados y acceso a una amplia variedad de servicios. Otra opción válida es conectar una computadora al televisor y acceder a Netflix a través del navegador web, usando sistemas como Windows 10/11 o macOS.

La transformación física de Candela Peña para su papel en La desconocida ha sido uno de los aspectos más destacados de la interpretación de la actriz en su última película. La ganadora de tres premios Goya a la Mejor actriz (principal y de reparto en dos ocasiones) se presenta casi irreconocible en este thriller, mucho más delgada y demacrada por la caracterización de su personaje, además de con un lenguaje corporal mucho más encorvado y tenso fruto de su propio trabajo interpretativo.

Preguntada por cómo se produjo este cambio físico, la actriz ha sorprendido a muchos reconociendo en una entrevista con la revista Fotogramas que utilizó Ozempic para lograrlo. “Me pusieron un entrenador para conseguir el físico de esta mujer devastada que no come, entrené mucho y también me pinché Ozempic (medicamento inyectable famoso por su efecto en la pérdida de peso) porque ya estoy en una edad en la que solo con dieta no conseguía tener el físico que necesitaba para La desconocida”.

Esta confesión ha provocado un gran impacto, dado que hasta ahora se sabía que tanto Ana Rujas como Pol López, compañeros de reparto, se habían sometido a duros entrenamientos para sus roles en la película, pero no que Candela Peña hubiera decidido recurrir a esta medicación para preparar su papel. “Es verdad que Ana (Rujas) tuvo que realizar un gran esfuerzo físico, aparte de la dificultad añadida de hacer un personaje que pierde la memoria. No fue mi caso. A mí me pusieron un entrenador para conseguir el físico de esta mujer devastada que no come”.

Así es ‘La desconocida’, lo nuevo de Candela Peña

La película, uno de los thrillers más vistos en Netflix, presenta a Anna Ripoll, una detective interpretada por Peña que debe resolver un caso en el puerto de Barcelona: una mujer amordazada y maniatada es hallada en un contenedor, sin memoria y en peligro inminente. La urgencia del caso obliga a la protagonista a descubrir la identidad de la víctima antes de que sufra un nuevo ataque.

El argumento, así, se apoya tanto en la tensión policial como en el retrato psicológico de sus personajes. El personaje de Ripoll viene de una larga baja que pone en duda sus capacidades para afrontar el caso y, en palabras de Peña, “no está preparada aún, aunque va a hacer todo lo posible porque es una profesional excelente”. De hecho, reconoce que, a pesar de tener experiencia manejando armas de fuego (pues lleva años haciendo tiro deportivo para desestresarse), lo hace “un poco peor” de lo que realmente sabe para que se vea “que esa mujer no está en condiciones”.

El estreno de La desconocida ha sido un nuevo hito en la trayectoria de la actriz, que a éxitos cinematográficos como Te doy mis ojos, Princesas o Una pistola en cada mano suma ahora los éxitos que está teniendo con sus producciones para las plataformas de streaming. Tras arrasar en 2024 con la miniserie de true crime El caso Asunta, su última película escaló de forma vertiginosa hasta convertirse en el número 1 indiscutible en Netflix en España, con un impacto tal que, además, se coló también en el Top 10 global de películas de habla no inglesa.

La historia comienza con la desaparición de Jake, un niño de ocho años cuyo secuestro obliga a su padre, Tom, un escritor viudo de novelas policiales interpretado por Adam Scott, a recurrir a la última persona a la que quería pedir ayuda: su padre Pete, un exdetective retirado con quien mantiene una relación completamente fracturada.

Pete, interpretado por De Niro, conoce demasiado bien el caso. Años atrás fue quien capturó al temido asesino serial conocido como “El Hombre de los Susurros”, responsable de numerosos secuestros y asesinatos infantiles. El problema es que Frank Carter lleva más de una década tras las rejas. Si el criminal continúa preso, ¿quién está detrás de la nueva desaparición?

Ese interrogante impulsa un thriller donde cada respuesta abre nuevas preguntas y donde el suspenso nace tanto de la investigación policial como de los conflictos emocionales que atraviesan a sus protagonistas.

James Ashcroft, quien llamó la atención de la crítica con Coming Home in the Dark, explicó que lo que más lo atrapó de la novela no fue únicamente el misterio, sino el vínculo entre padres e hijos. “Más allá de ser un thriller sobre un asesino serial, lo que realmente me conquistó fue la relación entre padre e hijo que atraviesa toda la historia”, señaló el director.

Esa dinámica también fue el principal motivo por el que Robert De Niro aceptó el proyecto. Su personaje es un hombre silencioso, marcado por años de servicio policial, pero también por los errores que cometió fuera del trabajo. Mientras intenta resolver un nuevo caso, también busca reconstruir una relación que parecía definitivamente perdida.

Adam Scott, reconocido por su trabajo en Severance, aporta una intensidad emocional diferente a la historia. Su personaje enfrenta el peor momento imaginable para cualquier padre mientras carga con heridas familiares que nunca terminaron de sanar.

El elenco se completa con Michelle Monaghan, quien interpreta a la detective Amanda Beck; además de Hamish Linklater, Owen Teague, Acston Luca Porto y Will Brill, conformando un reparto que equilibra experiencia y nuevas figuras.

La película está basada en la novela que Alex North escribió cuando su propio hijo tenía la misma edad que Jake, el niño desaparecido del relato. El autor reconoció que, detrás de la historia policial, siempre quiso explorar una preocupación profundamente personal: aquello que los padres transmiten a sus hijos, tanto lo bueno como aquello que desearían no heredar.

Con producción de Anthony y Joe Russo, responsables de algunas de las películas más exitosas de la última década, “Susurran tu nombre” apuesta a un enfoque más contenido y atmosférico, donde el terror se construye a partir del silencio, la sugestión y la incertidumbre más que de los golpes de efecto.

Con un elenco encabezado por una leyenda como Robert De Niro, una historia que ya conquistó a millones de lectores y un misterio que juega constantemente con las expectativas del espectador, “Susurran tu nombre” reúne todos los elementos para convertirse en uno de los thrillers más comentados del año cuando desembarque en Netflix el 28 de agosto.

El universo literario creado por Dan Brown está próximo a renovarse en la pantalla con el desarrollo de una nueva serie secuela de El código Da Vinci, producida por Netflix. La plataforma ha elegido a Morgan Spector, reconocido por sus actuaciones en La edad dorada y Homeland, como el próximo encargado de interpretar a Robert Langdon, el famoso profesor protagonista de la saga.

En esta ocasión, la historia se basará en la novela más reciente de Brown, El último secreto, y podría contar con Rebecca Hall como coprotagonista. El propio Dan Brown, junto con Carlton Cuse, encabezan la producción ejecutiva de este proyecto, que representará un nuevo comienzo para la franquicia, ahora sin Tom Hanks en el papel principal.

El cambio de protagonista y la continuidad de la saga

Desde su exitoso debut en cines en 2006 con El código Da Vinci, las novelas de Dan Brown han sido asociadas con el misterio y la aventura internacional, con Tom Hanks interpretando al icónico Robert Langdon. Hanks también protagonizó Ángeles y demonios en 2009 e Inferno en 2016, consolidándose como la imagen del personaje. No obstante, el paso del tiempo y la necesidad de nuevos enfoques han llevado a Netflix a buscar un relevo generacional. Morgan Spector, con una trayectoria en ascenso en la televisión, es el elegido para asumir el legado, luego de la breve participación de Ashley Zukerman en la serie El símbolo perdido en 2021, donde Hanks ya había sido reemplazado.

Esta elección responde a la intención de rejuvenecer al personaje y adaptarlo a los gustos de la audiencia actual. Spector, de 45 años, ofrece una perspectiva distinta, así como la energía necesaria para expandir el universo de Langdon. Desde la productora se resalta que la selección busca mantener el carisma y la profundidad intelectual del personaje, características establecidas por Hanks en el cine. Si la propuesta resulta acertada, es posible que la serie abra paso a nuevas temporadas y a futuras adaptaciones de otros libros de Brown.

Rebecca Hall, ciencia y conspiración en la pantalla

La saga de Langdon se ha distinguido por incorporar coprotagonistas que complementan y desafían la inteligencia del profesor. En esta nueva entrega, Rebecca Hall es considerada una opción sólida para interpretar a Katherine Solomon, una brillante científica que mantiene un vínculo personal con Langdon y que juega un papel central en la trama de El último secreto. Hall, reconocida por su labor tanto en cine como en televisión, aportaría además una interesante dinámica por su relación con Spector fuera de la pantalla.

La posible incorporación de Hall responde no sólo a criterios artísticos, sino que también podría captar el interés del público gracias a la química entre ambos actores. Aunque su participación está en fase de negociaciones iniciales, los productores la consideran clave para añadir profundidad y complejidad a la historia, en la que la ciencia y las conspiraciones históricas vuelven a tener protagonismo en la narrativa de Brown.

Efectos en la franquicia y la expectativa del público

El regreso de la saga al formato de serie genera interrogantes entre su amplia base de seguidores. Las adaptaciones cinematográficas, pese a su éxito mundial, no incluyeron versiones audiovisuales de algunos de los libros más valorados por los lectores, como Origen o el propio El último secreto. Netflix, que confirmó el proyecto en mayo de 2025, busca llenar ese vacío adaptando directamente el material original como base de su nueva producción.

La implicación directa de Dan Brown y Carlton Cuse tanto en los guiones como en la producción ejecutiva genera expectativas respecto a la fidelidad al texto y la innovación en la narrativa, dos cuestiones demandadas por los entusiastas del género de suspenso conspirativo. Sin embargo, la decisión de dejar fuera a Tom Hanks, a pesar de su edad, provoca opiniones diversas entre los seguidores más tradicionales de la franquicia, quienes asocian a Langdon con el carisma del actor. Algunas personas celebran el aire fresco, mientras que otros expresan nostalgia y escepticismo ante esta nueva etapa de la saga.

Por otro lado, el hecho de que Netflix prefiera presentar la cronología de las historias de Langdon de manera no lineal -como ocurrió en las películas- brinda la oportunidad de explorar distintas épocas y aventuras del personaje, permitiendo saltos en el tiempo que favorezcan la trama. Esta flexibilidad puede resultar atractiva para el público actual, acostumbrado a narraciones fragmentadas y saltos temporales.

Impacto en la industria y expectativas inmediatas

La adaptación televisiva de grandes éxitos literarios se ha vuelto una tendencia en las plataformas de streaming, con resultados variados en cuanto al equilibrio entre respeto por el material original y creatividad renovada. Netflix, en su búsqueda constante de franquicias globales, ve en la obra de Dan Brown la posibilidad de capitalizar el interés por el thriller histórico y de atraer tanto a los seguidores clásicos como a nuevas audiencias. Las películas de la saga, según datos previos, recaudaron más de mil cuatrocientos millones de dólares en taquilla mundial, cifras que pueden traducirse en altas expectativas dentro del modelo de suscripción de la plataforma.

Por ahora, no hay fecha confirmada para el inicio de la producción ni detalles concluyentes sobre el elenco más allá de las posibles participaciones de Spector y Hall. Tampoco se ha determinado si la serie se estructurará como una antología -dedicando cada temporada a un libro- o si tendrá una narrativa transversal. Lo que sí está definido es que el público espera una combinación de enigmas históricos, persecuciones globales y revelaciones sorprendentes, elementos que han caracterizado la obra de Brown y que constituyen el núcleo del atractivo de su universo literario.

Los ciberdelincuentes ya no se enfocan en campañas masivas de correos electrónicos, sino que han perfeccionado sus métodos para atacar de manera más precisa y efectiva. El uso de marcas reconocidas y globalmente populares es uno de esos métodos para engañar a usuarios, robar datos personales y extraer dinero de cuentas bancarias.

Según Kaspersky, Netflix encabeza la lista global de marcas más suplantadas en ataques de phishing y estafas digitales, representando un 28,42% de las páginas maliciosas asociadas a compras y servicios. Esta cifra pone en evidencia que los atacantes escogen marcas con una enorme base de usuarios y una presencia cotidiana en la vida digital.

Apple y Amazon no quedan fuera de este fenómeno. Con un 20,55% y un 17,85% respectivamente, ambas compañías ocupan puestos destacados en el top cinco de suplantaciones de identidad. Spotify se encuentra también en este podio, con un 18,09%, demostrando el interés de los ciberdelincuentes por los sistemas de entretenimiento y plataformas de pago con modelos de suscripción.

Los estafadores aprovechan la confianza que los usuarios depositan en marcas de uso diario. La familiaridad y el reconocimiento facilitan que las víctimas bajen la guardia y proporcionen datos personales sin sospechar que se encuentran ante una página fraudulenta.

Este cambio en la mentalidad criminal responde a la oportunidad de acceder a información valiosa que puede ser reutilizada en ataques personalizados o en la venta de datos en la dark web.

Cómo usan los ciberdelincuentes a las marcas para robar tus datos

Los métodos empleados han evolucionado sustancialmente. En lugar de enviar millones de correos electrónicos genéricos, los delincuentes ahora personalizan sus campañas, adaptándolas a tendencias regionales y hábitos de consumo digital. Se observa un desplazamiento hacia plataformas digitales que agregan múltiples actividades del usuario, como servicios web (16,15%), juegos en línea (14,58%) y tiendas virtuales (14,17%).

Las campañas de phishing ya no se centran únicamente en bancos o comercios electrónicos, sino que abarcan servicios de suscripción, mensajería instantánea y portales de internet. Los atacantes han identificado que los usuarios tienden a actuar impulsivamente en estos entornos, lo que incrementa la eficacia del engaño.

En regiones como Europa, Spotify lidera las campañas de suplantación, mientras que en Asia-Pacífico, Apple ocupa el primer lugar. En el Medio Oriente, Netflix domina ampliamente. Esta adaptación regional muestra que los ciberdelincuentes estudian los hábitos digitales y las preferencias de cada mercado para maximizar el éxito de sus ataques.

La técnica del infostealer, o ladrón de información, ha cobrado protagonismo en la economía del cibercrimen. Este tipo de software malicioso tiene como objetivo extraer credenciales, datos de pago, cookies y perfiles completos de identidad de los dispositivos infectados.

El crecimiento de los infostealers ha sido notable: las detecciones aumentaron un 59% a nivel mundial en el último año, alimentando un mercado negro donde la compraventa de datos se realiza a gran escala.

El malware bancario tradicional en PC ha disminuido en número de víctimas, pero esto no se traduce en una menor amenaza. El enfoque se ha desplazado hacia dispositivos móviles, donde el número de ataques ha crecido 1,5 veces con respecto al periodo anterior. Los ciberdelincuentes explotan la preferencia de los usuarios por gestionar sus finanzas a través del móvil, facilitando así la captura de datos sensibles.

Los infostealers no solo se limitan a obtener datos bancarios, sino que también recopilan información personal, documentos de identidad, direcciones y fechas de nacimiento. Los paquetes completos, conocidos como “fullz”, se venden a precios elevados en la dark web y permiten a los delincuentes llevar a cabo fraudes complejos y ataques de ingeniería social.

Cómo funcionan los ataques según la región del mundo

El panorama de los fraudes digitales varía según la región. En América Latina, las campañas de phishing explotan el auge del comercio electrónico y la logística de entregas, mientras que en África persiste el enfoque en las entidades bancarias debido a sistemas de seguridad menos robustos.

En Asia-Pacífico y Europa, la distribución de ataques es más equilibrada entre bancos, plataformas de pago y tiendas en línea.

India, España y Brasil figuran entre los países con mayor número de cuentas bancarias comprometidas por entidad, lo que evidencia la magnitud del problema en mercados altamente digitalizados. En todos los casos, los delincuentes adaptan sus tácticas para alinearse con los hábitos digitales y las plataformas más utilizadas localmente.

Netflix apostará por llevar uno de los juegos de mesa más populares del mundo al formato de competencia televisiva. El 13 de julio, la plataforma confirmó el desarrollo de un reality inspirado en Monopoly, en el que 12 participantes competirán por un premio de 2 millones de dólares en un tablero recreado a escala real, con estrategias, negociaciones y compraventa de propiedades como elementos centrales del juego.

Según el portal Tudum, el proceso de selección de concursantes ya está abierto en la página www.monopolycasting.com. El estreno de la producción está previsto para el otoño de 2027.

Según la descripción oficial, los participantes ingresarán a una Monopoly Town Square construida a tamaño real, donde comenzarán la competencia en igualdad de condiciones. Sin embargo, esa situación cambiará rápidamente conforme avance el juego, ya que cada decisión financiera tendrá consecuencias para los jugadores.

Durante la competencia, los concursantes podrán ganar dinero, comprar propiedades y negociar acuerdos con el resto de participantes para ampliar sus imperios inmobiliarios. Al mismo tiempo, quienes caigan en bancarrota serán eliminados uno a uno hasta que solo quede un ganador, que se llevará el premio mayor de 2 millones de dólares.

Netflix presentó el programa con un guiño a los elementos clásicos del juego de mesa. En la publicación de Tudum, la compañía invitó a los interesados a imaginarse como magnates inmobiliarios con hoteles y propiedades emblemáticas del tablero, aunque aclaró en tono humorístico que el premio “no incluirá una carta para salir gratis de la cárcel”.

La producción estará a cargo de Studio Lambert, empresa británica responsable de otros realities de competencia para Netflix como Squid Game: The Challenge y The Circle. La serie se desarrolla en asociación con Hasbro Entertainment, propietaria de la popular franquicia de juegos de mesa.

Los productores ejecutivos serán Gabriel Marano y Zachary Edwin, por parte de Hasbro Entertainment, junto con Nia Yemoh, Tim Harcourt, Jack Burgess, Stephen Lambert y Kim Murphy, en representación de Studio Lambert.

El nuevo reality de Monopoly comparte algunos elementos con Squid Game: The Challenge, ya que ambos transforman universos de ficción o juegos populares en competencias de alto riesgo económico. La tercera temporada de dicho programa concurso fue confirmada a inicios de este año, con la actualización de que ahora participarán 8 celebridades como “jugadores VIP”.

Monopoly sigue expandiéndose fuera del tablero

Además de Netflix, hay más iniciativas en Hollywood relacionadas a Monopoly. De acuerdo con Variety, Hasbro Entertainment también desarrolla una película basada en el célebre juego junto con LuckyChap y Lionsgate, estudio con el que busca repetir el éxito obtenido por las adaptaciones cinematográficas de marcas de juguetes, como ocurrió con Barbie.

Ese largometraje continúa en etapa de desarrollo. Según informó Deadline en junio, Lionsgate y LuckyChap trabajan actualmente con dos equipos de guionistas que elaboran propuestas distintas para definir el enfoque definitivo de la película. Entre ellos figuran Neil Widener y Gavin James, responsables de A Minecraft Movie, además de Rebecca Angelo y Lauren Schuker Blum, guionistas de Dumb Money.

La adaptación al cine ha atravesado numerosos intentos durante casi dos décadas. Antes de esta nueva etapa participaron creativos como Ridley Scott, Andrew Niccol, Tim Story e incluso Kevin Hart en diferentes versiones que finalmente no llegaron a concretarse.

Mientras tanto, Netflix continúa ampliando su catálogo de realities inspirados en propiedades reconocidas. Además de Monopoly, la plataforma estrenará Wonka’s The Golden Ticket, un programa basado en Charlie y la fábrica de chocolate de Roald Dahl.

“Las Guerreras K-Pop” se volvió una de esas películas que el público no solo ve, sino que compara: escenas, canciones, chistes y matices cambian cuando se reproduce con doblaje o con audio original. Por eso, una de las preguntas más repetidas no es sobre la trama, sino sobre la experiencia: cómo verla en español latino o en coreano, y si conviene activar subtítulos para no perder detalles.

Cómo se puede ver online de manera segura a las Guerras K-Pop

La recomendación principal es directa: para ver la película sin riesgos, lo mejor es usar una plataforma oficial. Las apps piratas suelen circular fuera de tiendas oficiales como Google Play o App Store, sin controles de revisión que garanticen integridad del software. En ese terreno, los riesgos crecen: descargas con malware, anuncios agresivos, redirecciones y solicitudes de permisos que no tienen relación con reproducir video.

Netflix, en cambio, ofrece un entorno controlado: compatibilidad con muchos dispositivos, actualizaciones constantes, posibilidad de descarga sin conexión y atención al cliente. Además, a diferencia de apps de procedencia dudosa, no exige permisos invasivos ni pide cambios extraños en el sistema. Esa diferencia, en seguridad, es enorme.

Cómo cambiar el audio a español latino o coreano, paso a paso

El cambio se hace desde el reproductor, sin instalar nada adicional. Solo se necesita que la cuenta tenga acceso al título y que el dispositivo esté actualizado.

Paso 1: abrir la película

• Entrar a Netflix
• Buscar “Las Guerreras K‑Pop”
• Pulsar Reproducir

Paso 2: abrir el menú de Audio y subtítulos

Paso 3: elegir idioma y subtítulos

En la columna de Audio:

• Para doblaje regional, elegir Español (Latinoamérica)
• Para escucharla en el idioma del K‑Pop, elegir Coreano

En la columna de Subtítulos (opcional):

• Activar Español si se elige audio en coreano

Luego, cerrar el menú y continuar la reproducción.

Español latino vs coreano: qué cambia realmente en la experiencia

El doblaje al español latino busca fluidez y naturalidad para el público de la región. Funciona especialmente bien si la película se ve en familia, si se quiere seguir la historia sin leer subtítulos o si se consume en un segundo plano.

El audio en coreano, en cambio, suele atraer a quienes quieren una experiencia más cercana al universo del K‑Pop, con entonaciones y ritmos que se perciben distintos. En animación, el idioma también cambia la “personalidad” que se siente en los personajes, incluso cuando la traducción es correcta.

• Para primera vez: español latino si se busca comodidad
• Para segunda vista: coreano con subtítulos en español para captar matices

En qué idiomas está disponible y por qué eso importa

Netflix ofrece varias opciones de doblaje y subtitulado para ampliar alcance global. En “Las Guerreras K‑Pop” hay múltiples idiomas disponibles, entre ellos: inglés, español (Latinoamérica y España), coreano, portugués, francés, japonés, alemán, mandarín, hindi, tagalo/filipino, ruso, turco, hebreo, griego y tailandés.

Esa diversidad no es un detalle: permite que una misma película se vuelva tendencia en regiones distintas al mismo tiempo, con audiencias que la recomiendan según su idioma preferido.

Cambiar el audio en Netflix toma segundos, pero puede transformar la experiencia. Español latino prioriza comodidad y ritmo narrativo; coreano suma identidad cultural y otro color en voces y canciones. Lo importante es hacerlo por la vía segura: evitar enlaces dudosos y apps piratas, y usar las opciones de audio y subtítulos del reproductor oficial.

La comedia romántica argentina vuelve a ocupar un lugar central en el calendario de Netflix. “Amor Rodante”, la nueva película dirigida y escrita por Marcos Carnevale, acaba de finalizar su rodaje y ya se perfila como uno de los títulos nacionales más esperados de 2027. Con Benjamín Vicuña y Mónica Antonópulos encabezando el elenco, el largometraje apuesta por una historia donde el humor, los malentendidos y la emoción conviven con una reflexión sobre los prejuicios y la inclusión.

Producida por Leyenda Films para Sony Pictures International Productions, la película está basada en el éxito francés Tout le monde debout, escrito y dirigido por Franck Dubosc, y traslada la historia al escenario argentino con locaciones que recorren la Ciudad de Buenos Aires, la provincia de Buenos Aires —incluyendo Escobar, Pilar, General Rodríguez y Tigre— y la ciudad de Córdoba.

Entre los espacios elegidos para el rodaje sobresalen el Museo Metropolitano de Arte Urbano (MMAU), la ciclovía elevada, el Paseo del Buen Pastor y la tradicional calle Libertad, lugares que aportan identidad visual a una producción que busca combinar paisajes urbanos reconocibles con una narrativa cercana y contemporánea.

La historia sigue a Polo, un empresario exitoso, seductor y completamente alérgico al compromiso. Todo cambia cuando, tras un equívoco, decide sostener la mentira de que utiliza una silla de ruedas. Lo que comienza como una salida improvisada pronto se transforma en un problema mucho mayor cuando conoce a Lara, una mujer brillante, independiente y usuaria de silla de ruedas. Por primera vez enamorado de verdad, Polo deberá sostener una farsa cada vez más difícil de controlar, dando lugar a una clásica comedia de enredos donde cada intento por ocultar la verdad solo multiplica las consecuencias.

El desafío interpretativo llevó a Benjamín Vicuña a atravesar una preparación diferente a la de sus trabajos anteriores. Durante el rodaje compartió ensayos y escenas con atletas en silla de ruedas, en una experiencia que buscó aportar mayor autenticidad al personaje y poner en primer plano la representación de la discapacidad desde una perspectiva más cercana e inclusiva.

El propio actor compartió en redes sociales imágenes del detrás de escena, entre ellas una fotografía especialmente simbólica: una silla de ruedas proyectando su sombra bajo el mensaje “Fin Amor Rodante”, imagen que marcó el cierre del rodaje y sintetizó el espíritu del proyecto.

Para Vicuña, junio fue especialmente intenso. Mientras avanzaba con el rodaje de la película, también continuó sobre los escenarios con Secreto en la Montaña, adaptación teatral de Brokeback Mountain, que protagoniza junto a Esteban Lamothe. La simultaneidad de ambos proyectos vuelve a confirmar uno de los momentos más activos de su carrera, alternando entre el drama teatral y la comedia romántica cinematográfica.

Junto a Vicuña y Antonópulos, el elenco reúne a Dan Breitman, Brenda Gandini, Diego Cremonesi y Fernanda Metilli, además de las participaciones especiales de Laurita Fernández, Osqui Guzmán y Osvaldo Santoro, conformando un reparto que combina experiencia, humor y versatilidad.

Detrás de cámara, Carnevale vuelve a trabajar con un equipo técnico de primer nivel. La producción está a cargo de Rocío Gort, Ignacio Rey y el propio director, con fotografía de Horacio Maira, dirección de arte de Graciela Fraguglia, edición de Alberto Ponce y música original de Damián Kompel.

Con una trayectoria marcada por películas que exploran las relaciones humanas desde la emoción y el humor, Carnevale encuentra en Amor Rodante un nuevo vehículo para abordar temas universales como el amor, la empatía y las apariencias. En un contexto donde la representación y la inclusión ocupan un lugar cada vez más relevante dentro de la industria audiovisual, la película busca equilibrar la tradición de la comedia romántica con una mirada más contemporánea.

Aunque todavía falta para su estreno, previsto para 2027 en Netflix, “Amor Rodante” ya comenzó a generar expectativa como una de las grandes producciones argentinas de la plataforma, impulsada por un elenco de figuras, una historia con potencial internacional y la firma de uno de los directores más reconocidos del cine popular argentino.

Según informó The Independent, este nuevo proyecto acompaña una etapa de cambios tanto en el plano profesional como en el personal.

La película, disponible en Netflix, presenta a Enola en una nueva etapa de su vida, a punto de contraer matrimonio, cuando un secuestro altera el rumbo de los acontecimientos.

La trama acompaña la evolución del personaje hacia la adultez, un proceso con el que Brown aseguró sentirse identificada. “Ella y yo nos hemos aportado mucho mutuamente”, afirmó la actriz en una entrevista con The Independent.

Una protagonista que crece con su personaje

Desde su debut como Enola Holmes hace siete años, la actriz transformó su imagen pública. Pasó de ser la estrella infantil de Stranger Things a consolidarse como una de las figuras más influyentes del cine global. De acuerdo con el medio británico, reside actualmente en Georgia con su esposo Jake Bongiovi, su hija pequeña y varios animales rescatados.

Brown sostuvo que su experiencia personal influyó en la evolución del personaje a lo largo de la saga. “Definitivamente creo que crecer con un personaje ayuda a enriquecerlo de una manera diferente. Es como tener múltiples perspectivas de mí misma en distintas etapas de mi vida”, explicó.

En paralelo, la actriz amplió su participación en la franquicia al asumir funciones como productora ejecutiva, un rol que también desempeña en otros proyectos.

Un enfoque más maduro y social

La dirección de Philip Barantini introduce una mirada más adulta a la franquicia. El cineasta, conocido por dramas como Adolescence y Boiling Point, explicó a The Independent que el guion de Enola Holmes 3 explora tonos más oscuros y temas sociales complejos, como la historia colonial británica y el papel de las mujeres en la época victoriana.

El reparto, que incluye a Louis Partridge, Himesh Patel y Sharon Duncan-Brewster, coincide en señalar la madurez de Brown dentro y fuera del set. “A menudo olvido lo joven que es, simplemente porque tiene una madurez impropia de su edad”, destacó Patel, quien interpreta al Dr. Watson.

Duncan-Brewster, responsable del rol de Moriarty, remarcó sobre Brown que “ha crecido y madurado en la industria; la entiende mejor que actores que le triplican o cuadruplican la edad”.

Subestimación, presión y un mensaje para las nuevas generaciones

El ascenso de Millie Bobby Brown en la industria del entretenimiento no estuvo exento de desafíos. La actriz reconoció que durante sus años como niña sintió presión y un escrutinio constante sobre su apariencia.

La intérprete explicó que, tras convertirse en madre, dejó de preocuparse por la opinión ajena: “Durante mucho tiempo me importó, ¡pero ya no! Y ya no me subestimo, y esa es la lección más importante que he aprendido”.

Brown también se refirió al impacto que espera que el personaje tenga en el público más joven y destacó la importancia de ofrecer referentes femeninos en la pantalla.

“Esa es la razón por la que me apasionaba tanto Enola Holmes, porque quiero que las niñas la vean en la pantalla, que se identifiquen y que sean como ella. En muchos sentidos, lo hice por mi hija”, declaró a The Independent.

Producción y liderazgo detrás de cámara

El control creativo de la actriz en Enola Holmes 3 no se limita a la actuación. Impulsó el proyecto tras leer los libros originales durante su adolescencia y convenció a Netflix de apostar por la franquicia. Según explicó Barantini al medio británico, la iniciativa provino directamente de Brown, quien también se encargó de fomentar el compañerismo en el set organizando cenas y actividades previas al rodaje.

Además de protagonizar la película, Brown explicó cómo equilibra su trabajo como actriz con las responsabilidades de producción. “La delegación es clave. Intento involucrarme porque, obviamente, soy la protagonista, así que quiero poder meterme de lleno en el personaje y no tener que preocuparme por todo lo que ocurre detrás de las cámaras. Pero a veces se complica”, señaló.

Diversidad y nuevas perspectivas en la saga

La saga de Enola Holmes se caracteriza por abordar cuestiones sociales relevantes en cada entrega. La tercera película examina la historia colonial británica a través de la ambientación en Malta, mientras que las anteriores exploraron la reforma electoral y los derechos laborales.

Según describió The Independent, la interpretación de Moriarty por parte de Duncan-Brewster aportó una visión que cuestiona la hipocresía del imperio y el trato hacia las mujeres negras. “No soy una mujer negra enfadada, pero hay cosas que deben decirse y necesitamos hablar de ello”, afirmó la actriz. Con esta nueva entrega, Brown vuelve a encabezar la franquicia y amplía su participación detrás de cámara como productora.

Dirigida por Félix Viscarret y producida por Mod Producciones, la ficción traslada a la pantalla una de las novelas más celebradas de Pérez-Reverte, construyendo un relato que remite tanto a los enigmas de Agatha Christie como al universo deductivo de Sherlock Holmes.

La historia se sitúa en la primavera de 1959. Un violento temporal deja incomunicadas a trece personas en un exclusivo hotel ubicado en un pequeño islote frente a la costa de Mallorca. Sin posibilidad de abandonar el lugar ni de recibir ayuda del exterior, la aparente tranquilidad se rompe cuando Elisa Mander, una discreta turista inglesa, aparece muerta en su habitación.

Lo que inicialmente parece un suicidio pronto revela indicios de un asesinato cuidadosamente planeado. A partir de ese momento, el hotel se convierte en un escenario cerrado donde todos los huéspedes pasan a ser sospechosos y donde cada conversación, cada silencio y cada gesto esconden una posible pista.

En el centro del misterio aparece Basil, el personaje interpretado por José Coronado. Se trata de un actor retirado que años atrás alcanzó la fama interpretando a Sherlock Holmes en películas de serie B y que ahora, casi por azar, deberá recurrir al mismo razonamiento deductivo que alguna vez representó frente a las cámaras para descubrir al asesino.

La elección de Coronado no parece casual. El actor vuelve a un terreno que conoce bien: personajes complejos, marcados por la inteligencia, el desgaste y las contradicciones. Sin embargo, Basil introduce un matiz diferente. No es un detective profesional, sino un hombre obligado a enfrentar un crimen real mientras convive con un grupo de personas que podrían estar ocultando mucho más de lo que aparentan.

Junto a él, María Valverde interpreta a Adela Figueroa, una enigmática joven que llega al hotel acompañada por una amiga, mientras que Martiño Rivas da vida a Foxá, un escritor de novelas policiales que terminará convirtiéndose en el principal aliado de Basil durante la investigación. Maribel Verdú completa el cuarteto protagónico como la señora Ausländer, responsable del hotel e igualmente atrapada en una situación que amenaza con desmoronar el orden del establecimiento.

El reparto también incluye a Gonzalo de Castro, Pepón Nieto, Cristina Kovani y José Condessa, entre otros, consolidando un elenco que reúne a varias de las figuras más reconocidas de la ficción española.

Visualmente, el primer adelanto apuesta por una atmósfera sofisticada y elegante. Los pasillos del hotel, los grandes salones y el permanente azote del temporal construyen un escenario donde el aislamiento se convierte en un personaje más. La fotografía, el vestuario de época y la ambientación refuerzan una sensación constante de incertidumbre, mientras la investigación avanza entre sospechas cruzadas y secretos que comienzan a salir a la luz.

La promoción de la serie también tuvo un episodio particular. Días antes del anuncio oficial, Arturo Pérez-Reverte publicó en redes sociales un adelanto que luego fue retirado, anticipando indirectamente la llegada de la producción. Finalmente, Netflix confirmó tanto la fecha de estreno como el lanzamiento del primer tráiler oficial, posicionando a El problema final como una de sus principales apuestas españolas para el último trimestre del año.

Con apenas cuatro episodios, la miniserie propone una narración concentrada que privilegia el suspenso y el desarrollo del enigma por encima de las tramas paralelas. La combinación entre una historia cerrada, un reparto de primer nivel y el prestigio de la obra original convierte a “El problema final” en una de las producciones españolas más esperadas de la temporada. Para Netflix, representa además una nueva apuesta por las adaptaciones literarias de alto perfil, un terreno donde la plataforma continúa encontrando algunas de sus propuestas más sólidas para el mercado internacional.

Contar con una conexión a internet estable es indispensable para disfrutar sin interrupciones de películas de servicios como Netflix, Prime Video u otras plataformas streaming. La calidad de la transmisión depende en gran parte de la tecnología utilizada para conectar el dispositivo al router: cable Ethernet o WiFi.

Esta elección determina si la reproducción de una película o serie será fluida o si, por el contrario, aparecerán pausas o caídas de señal.

Según High Speed Internet, no existe una única respuesta sobre cuál es la mejor opción, porque ambas tecnologías presentan ventajas y desventajas que pueden inclinar la balanza según las necesidades del usuario y las características del entorno.

Qué diferencias hay entre la conexión por cable Ethernet y la conexión WiFi

La conexión WiFi destaca por su practicidad al permitir desplazarse por la casa sin depender de cables. Esta tecnología facilita ver series, películas o escuchar música desde cualquier habitación del hogar, siempre que el dispositivo se mantenga dentro del rango de la red.

No obstante, esta libertad puede verse afectada por momentos de inestabilidad, sobre todo cuando hay muchas paredes, redes vecinas o dispositivos conectados simultáneamente.

En cambio, el Ethernet requiere un cable físico entre el dispositivo y el router, lo que limita la movilidad pero ofrece una conexión más estable y con menor latencia. El principal inconveniente radica en el orden: el cableado puede ser incómodo y poco práctico en espacios donde la movilidad es importante.

Cómo incide cada tecnología de conexión a internet en la estabilidad del streaming

La estabilidad es un aspecto clave para quienes ven contenido en streaming. High Speed Internet explica que el cable Ethernet garantiza una navegación estable, baja latencia y menos riesgos de cortes de señal, condiciones ideales para la reproducción de videos en alta calidad o 4K.

El WiFi, aunque práctico, es más propenso a sufrir variaciones en la calidad de la señal. Factores como la distancia al router, la cantidad de dispositivos conectados o la interferencia de redes vecinas pueden afectar la velocidad y provocar pausas en la reproducción. Incluso en la banda de 5 GHz, la señal puede perderse por completo.

Cuándo conviene elegir Ethernet para ver películas y series en línea

El Ethernet se sugiere para quienes buscan la máxima estabilidad y velocidad constante, sobre todo si el dispositivo principal es un televisor inteligente, una consola de juegos o un centro multimedia fijo.

Los expertos afirman que esta opción resulta mejor para juegos en línea y transmisión de contenido multimedia, porque el flujo de datos es sólido de extremo a extremo.

Esta tecnología resulta conveniente cuando la prioridad es evitar cualquier tipo de interrupción o degradación de imagen, y el dispositivo no requiere movilidad. El único límite práctico suele ser el desorden del cableado y la necesidad de puertos físicos en los aparatos.

En qué casos es preferible el WiFi para ver películas en streaming

El WiFi se impone cuando la practicidad y la compatibilidad con múltiples dispositivos son la prioridad. Permite conectar teléfonos, computadoras, tabletas y aparatos inteligentes sin depender de cables.

Asimismo, el WiFi permite que decenas de dispositivos accedan a internet al mismo tiempo, lo que representa una ventaja en hogares con varios usuarios y dispositivos. El router admite conexiones simultáneas sin necesidad de instalación adicional ni cables, manteniendo los espacios libres de desorden.

Qué otros factores impactan en la elección entre Ethernet y WiFi en casa

La decisión final depende de la cantidad de dispositivos conectados, la disposición física del hogar y la prioridad entre estabilidad, seguridad y practicidad. Para quienes priorizan una transmisión sin interrupciones, el Ethernet ofrece ventajas claras en términos de velocidad y fiabilidad.

En la mayoría de los hogares, el WiFi resulta la opción más cómoda por su flexibilidad y facilidad de uso, aunque a costa de cierta vulnerabilidad frente a interferencias y variaciones en la señal. La mejor opción dependerá de las necesidades y el espacio de cada usuario.

El spin-off de Victorious ya terminó de filmarse y tendrá a Trina Vega como una de sus protagonistas. La revelación la hizo Daniella Monet durante una entrevista en The Zach Sang Show, donde además recordó que fue una de las finalistas para interpretar a Hannah Montana antes de que el papel quedara en manos de Miley Cyrus.

En la conversación con Zach Sang, la actriz contó que la nueva serie transcurrirá nuevamente en Hollywood Arts, donde Trina regresará como profesora sustituta. También adelantó que la historia incorporará cinco estudiantes nuevos y que el proyecto llegará a Netflix, la plataforma de streaming.

Además, repasó los inicios de su carrera y reveló que compitió por el papel de Hannah Montana, una experiencia que precedió a sus participaciones en Disney, Zack y Cody: Gemelos en acción, Zoey 101 y, más tarde, Victorious.

La actriz relató que el proyecto avanzó cuando Jake Farrow, guionista de Victorious, la llamó hace dos años mientras filmaba una película de Hallmark en Vancouver: “Me dijo: ‘Tengo esta idea, la estuve moviendo desde hace tiempo y parece que podría ocurrir, se siente como una derivación de Victorious. ¿Te interesaría?’”.

Monet explicó en The Zach Sang Show que recibió la propuesta con reservas, después de volver a actuar tras al menos cinco años fuera de ese ritmo y con la intención de priorizar contenidos familiares: “Yo estaba como: ‘No sé, amo Hollywood Arts, amo la idea y amo Victorious, pero son tiempos complicados. ¿Cómo va a caer esto?’”.

También admitió que le resultó extraño convertirse en la protagonista visible de esta continuación: “Venía con muchos sentimientos de ‘¿por qué yo?’, mucho ‘¿por qué yo?’, y hasta hoy sigo pensando: ‘¿De verdad soy solo yo sentada en este sofá?’”.

Cómo será Hollywood Arts y qué papel tendrá Trina Vega

Sobre la premisa de la nueva serie, Monet dijo que Trina vuelve a la escuela con una motivación interesada. “Básicamente veo una oportunidad en Hollywood Arts al entrar como profesora sustituta, porque creo que seguramente hay chicos con padres famosos, productores o directores, que podrían abrirme la puerta para convertirme en una superestrella”, dijo.

Luego añadió que ese punto de partida cambia con el avance de la historia: “Acepto este trabajo por egoísmo, tratando de encontrar mi oportunidad, y con el tiempo encuentro un propósito en ese trabajo”.

La actriz precisó que el grupo principal tendrá cinco estudiantes nuevos y dejó abierta la puerta a regresos del elenco original. “Sí”, respondió cuando le preguntaron si habrá apariciones invitadas, antes de remarcar: “Si alguien quiere involucrarse, la puerta no podría estar más abierta. Es suyo tanto como mío”.

La actriz también aclaró cómo se distribuirá la nueva producción. Explicó que Netflix será la plataforma principal de estreno, aunque recordó que la propiedad intelectual pertenece a Paramount, por lo que el contenido también estará vinculado con Paramount y Nickelodeon.

En esa misma conversación, recogida por The Zach Sang Show, atribuyó el avance de la serie al rendimiento de Victorious en la plataforma: “Las cifras estaban ahí, y eso fue lo que ayudó a abrir la puerta a más”.

La actriz aclaró además que todavía no hay fecha de estreno y sostuvo que no hace falta haber visto la serie original para entrar en la nueva historia. “Puedes ver el primer episodio y el episodio piloto tiene suficiente presentación como para meterte en la serie”, afirmó, aunque adelantó que habrá guiños para quienes conozcan el material anterior.

La audición de Daniella Monet para Hannah Montana

En el otro gran tramo de la entrevista, Monet recordó su prueba para Hannah Montana con una frase directa: “Éramos Miley, Taylor Momsen y yo”.

La actriz describió aquella jornada como una sesión larga en un edificio de Disney: “Nunca lo voy a olvidar, porque hubo momentos concretos, y recuerdo que estábamos en este edificio de Disney y había como un restaurante abajo, y pregunté si alguien quería papas fritas, porque pensé: ‘Este es un día largo’”.

Cuando Zach Sang le preguntó si sentía que ese papel estaba destinado para ella, Monet respondió que así encaraba muchas de sus audiciones. “Cuando me involucro mucho en algo, trato de creer que es mío y entro en la sala con esa energía”, dijo.

A la vez, reconoció que una parte del oficio consiste en cortar ese vínculo si el resultado no acompaña: “La parte difícil de encarnar por completo esa experiencia es saber cómo apartarla muy rápido cuando no sale a tu favor”.

Monet explicó que, en esa etapa, su representante no quería que se enfocara en Disney o Nickelodeon porque venía de una serie de cadena abierta. “Pensaban que pasas de una serie de cadena al cine y no miras atrás”, recordó.

Ella, en cambio, buscaba otra cosa: “No quiero hacer Virgen a los 40. No quiero hacer Juno. Quiero estar en Nickelodeon y Disney, y quiero estar rodeada de chicos”.

Ese impulso la llevó primero a Disney, donde hizo una reunión general de casting y se acercó a Hannah Montana, antes de un papel en Zack y Cody: Gemelos en acción. Después, según relató al programa, decidió apostar por Nickelodeon: “Fui a audicionar para Zoey 101 y eso pasó, y desde ahí se dio un pequeño efecto en cadena hasta que más tarde audicioné para Victorious”.

Monet añadió que ya había habido conversaciones en un chat del elenco sobre una posible continuación de Victorious, aunque el panorama cambió cuando el proyecto se concretó. Recordó que Susana Martinez, de Nickelodeon, la llamó para avisarle que darían luz verde a la serie y que el anuncio saldría en 24 horas.

La actriz dijo que pidió más tiempo para avisar personalmente a sus antiguos compañeros antes de que se hiciera público. “Necesito asegurarme de hablar con todos y de que no solo sepan lo que pasó hasta este punto, sino de que tengo su apoyo”, recordó en The Zach Sang Show.

El elenco de La familia Ingalls de Netflix tiene un vínculo inesperado con Taylor Swift: la música de la cantante estadounidense se convirtió en el hilo conductor que unió a sus protagonistas durante el rodaje de la primera temporada de la serie.

Así lo confirmaron en declaraciones a la revista People las actrices Alice Halsey, de 11 años, Skywalker Hughes, de 14, y Crosby Fitzgerald, de 36, quienes interpretan respectivamente a Laura, Mary y Caroline Ingalls.

Las tres se declararon seguidoras de Swift —conocidas como Swifties— y admitieron que su misión colectiva fue convertir también al actor Luke Bracey, quien da vida a Charles Ingalls, en seguidor de la artista.

“Escucha, soy una Swiftie más allá de tu imaginación”, declaró Halsey a People. “La amo absolutamente. Amo todas sus canciones. Creo que eso fue definitivamente un gran elemento de unión para nosotros, los Ingalls”.

Y agregó: “Creo que en la serie se puede ver claramente cómo la música es algo que nos mantiene muy unidos y en la vida real fue igual”.

La joven actriz también contó que ella y Hughes “se unieron de inmediato por el amor al pop y a Taylor Swift”, y que cuando descubrieron que Bracey no estaba muy familiarizado con la artista, tomaron cartas en el asunto.

“Le obligamos a escuchar ‘Anti-Hero’ 500 veces”, relató entre risas. “Pero escucha, era lo que había que hacer”.

Fitzgerald, en una entrevista por separado, confirmó que Bracey, de 37 años, avanza en su proceso de conversión.

“Está aprendiendo y realmente le gusta. Se divierte mucho”, señaló la actriz, también conocida por su participación en Palm Royale.

Además, reveló que la noche anterior a la entrevista intentó convencerlo de ver el documental Taylor Swift: The Eras Tour. “Le dije: ‘Te va a encantar’. Y él respondió: ‘Está bien, colega, lo miraré’”, contó Fitzgerald a People.

En cuanto a los álbumes y canciones favoritas del elenco, Crosby Fitzgerald señaló que ella y Skywalker Hughes “aman mucho Evermore“, con “‘Tis the Damn Season” como su canción predilecta.

Alice Halsey, por su parte, confesó su preferencia por Reputation y apuntó que su canción favorita “podría ser ‘Gold Rush’”.

Fitzgerald también destacó que sus hijas de pantalla “son muy buenas cantantes” y que suelen irrumpir en canciones de Taylor en cualquier momento del rodaje.

Halsey y Hughes se hicieron conocidas en el set por recorrer los pasillos a voz en cuello con los temas de la artista, algo que en ocasiones llevó a Fitzgerald a activar su “modo mamá” para pedir silencio.

“A veces tengo el modo mamá donde digo: ‘Chicas, silencio’”, bromeó la actriz ante People. Luke Bracey resumió el ambiente general del rodaje con una frase: “Trabajar con estas chicas es reír, y entre las risas hacemos un poco de actuación”.

Melissa Gilbert conoció a su sucesora en “La familia Ingalls”

Melissa Gilbert, quien interpretó a Laura Ingalls durante toda la serie original de los años 70 y en tres películas televisivas posteriores, visitó el set de manera sorpresiva y se encontró cara a cara con Alice Halsey, la actriz que ahora toma ese rol.

“Melissa Gilbert vino al set un día y pudimos conocerla, y ella es muy amable. Salí corriendo y le di un gran abrazo”, relató la joven actriz a People. “Ni siquiera nos conocíamos. Simplemente la vi y corrí hacia ella. Fue muy comprensiva. Eso hizo que me sintiera bienvenida en el mundo de La familia Ingalls“.

Halsey llega a este papel con experiencia previa en televisión: participó en Lecciones de química, donde interpretó a la hija del personaje de Brie Larson, y tuvo apariciones en Days of Our Lives, Night Court y el proyecto de doblaje Kindergarten: The Musical.

Para prepararse, la actriz realizó una lectura exhaustiva tanto de los libros de Wilder como de los guiones. “Leí mucho los libros, leí mucho los guiones. Me preparé muchísimo para poder entender quién es Laura”, explicó.

Tras concluir las grabaciones de la primera temporada, también vio episodios de la serie clásica. “Creo que es un enorme privilegio poder interpretar a este personaje increíble”, afirmó.

La familia Ingalls, cuya primera temporada ya está disponible en Netflix, es una adaptación más cercana a las novelas de Laura Ingalls Wilder que la serie original de los años 70.

La producción, desarrollada por la showrunner Rebecca Sonnenshine, toma como base la tercera novela y sigue a la familia Ingalls en su asentamiento cerca de Independence, Kansas.

En una entrevista de GQ, Eric André y John Cena cruzaron bromas, provocaciones y respuestas directas sobre la película Little Brother, el retiro de la lucha libre y varios momentos de su carrera. El intercambio mantuvo un tono caótico desde el comienzo, pero dejó definiciones precisas del actor y exluchador.

Cena dijo que se retiró de la lucha libre porque “era el momento”, recordó que antes trabajó como conductor de autos de servicio y afirmó que aceptó Little Brother con rapidez tras leer el guion. También señaló que su debut televisivo en WWE lo puso muy nervioso.

Cuando André le pidió que explicara de qué trataba la película, Cena respondió: “¿Qué importa? Es una película. Eric André está en ella”. Ese registro se mantuvo en buena parte de la conversación, con objetos sacados de una bolsa, sonidos escatológicos y una mención a Leslie Nielsen. “Siempre viajaba con una máquina de pedos”, recordó, antes de añadir que cada vez que la usaba “era lo más gracioso”.

Qué dijo John Cena sobre su retiro y su vida antes de la fama

La conversación avanzó hacia el retiro de Cena del cuadrilátero. Cuando André le preguntó si se había retirado de la lucha libre por pereza, respondió: “Era el momento de retirarme”. Más adelante, cuando el entrevistador insinuó que podía hacerlo volver, cerró esa posibilidad: “No hay forma de que eso pase”.

La charla también pasó por sus trabajos previos. Cena contó que fue chofer de limusina, aunque solo durante 2 días.

Luego precisó que hacía sobre todo servicios en autos de ciudad. “Yo era conductor de autos de servicio, y bastante malo en eso”, afirmó. Cena explicó ese mal desempeño con una referencia al tiempo previo a los navegadores digitales. “Eso fue antes del GPS”, dijo.

Después agregó que había crecido en West Newbury y casi no había salido de allí, por lo que no sabía bien adónde ir. Ante una pregunta sobre si volvería a ese oficio, siguió el tono irónico del intercambio: “Muchas veces pensé que los viajes compartidos son mi vocación”.

Su debut en WWE y las similitudes entre la lucha libre y la comedia

En otro tramo de la charla, André le preguntó qué había sido más intimidante: estrecharle la mano o su debut televisivo en WWE. Cena contestó: “Mi debut televisivo en WWE”.

Cuando el entrevistador le preguntó si había estado nervioso tras bambalinas, Cena respondió: “Muchísimo”. Luego reforzó esa idea con otra definición: “Me pongo nervioso todo el tiempo. Estoy nervioso ahora mismo”.

También ubicó su primer combate con una respuesta breve. “2002 Chicago, Illinois, contra Kurt Angle”, dijo. Luego, Cena habló de las similitudes entre la lucha libre y la comedia. “Dios mío, muchísimas”, respondió. Y agregó: “Actúas frente a un público en vivo. Necesitas prepararte al máximo”.

Asimismo, sumó otros dos puntos de contacto entre ambos oficios. “Tienes que ser capaz de cambiar sobre la marcha y tienes que lidiar con el caos y con cualquier cosa que pueda pasar”, sostuvo. También describió cómo se aprenden esos trabajos. “Empiezas tu profesión en lugares bastante sórdidos o dudosos, tratando de perfeccionar tu oficio”, afirmó.

Cómo se sumó a “Little Brother” y qué dijo sobre Eric André

El tramo sobre la película comenzó cuando André le preguntó si le había molestado o excitado que lo eligieran para interpretar a su hermano menor. Cena siguió la broma, pero después explicó por qué se sumó al proyecto. “Quería que el mundo viera un poco de Eric André”, dijo.

Luego añadió que, cuando leyó el guion, entendió mejor qué clase de película tenía en frente. Más adelante formuló su elogio de manera más completa. “Esta película es un vehículo para que todos vean que eres increíble, y lo logras”, afirmó.

Cena también dijo que sintió que podía aportar una dimensión emocional a la historia. “Siento que puedo ayudar a darle corazón a esta película”, señaló. En esa misma parte de la charla, le dijo a André que, en conjunto, ese trabajo le parecía lo mejor que había hecho.

El entrevistador, por su parte, reveló una condición de Netflix para avanzar con la producción: “Nos dijo: ‘Haremos la película si consiguen a John Cena’”.

El caso de Jan Broberg, una niña de Idaho que fue secuestrada dos veces durante los años 70 por un vecino en quien sus padres confiaban plenamente, vuelve a ser noticia al llegar los últimos días en los que se podrá ver el documental Abducted in Plain Sight en Netflix. La producción de Skye Borgman (responsable de varios true crimes) se despide del catálogo el 15 de julio, dejando tras de sí una de las historias más perturbadoras del género true crime en la plataforma.

El documental reconstruye el proceso por el cual Robert Berchtold logró infiltrarse en la vida de los Broberg, una familia mormona de clase media de la que era vecino, hasta convertirse en una figura casi paternal para las tres hijas. La cercanía de “B”, como lo apodaban, era tan intensa que la propia Jan lo llegó a considerar un segundo padre, sin pensar que algún día podría llegar a abusar de ella.

La pieza ofrece un testimonio directo de Jan Broberg, quien narra cómo Berchtold, tras ganarse la confianza de su familia, la secuestró en dos ocasiones. El primer secuestro ocurrió solo dos años después de que ambas familias se conocieran. Durante ese tiempo, el depredador ideó una estrategia de control psicológico que incluyó drogas, amenazas y hasta un relato ficticio de extraterrestres para mantener sometida a la menor, a la que hizo escuchar una conversación con voces distorsionadas para que pensara que estaba en manos de seres de otro planeta.

Confiar en el vecino perfecto

El caso de Jan Broberg es uno de los episodios de manipulación familiar y abuso infantil más complejos que se han documentado en la crónica negra estadounidense. Berchtold no solo sedujo a la niña, sino que también manipuló a ambos padres. Con Mary Ann Broberg mantuvo una relación sentimental, mientras que con Bob Broberg logró que se involucrara en un episodio de índole sexual, cimentando así un muro de chantaje y culpa que paralizó a la pareja.

El criminal explotó la vulnerabilidad religiosa de los Broberg, aprovechando su fe mormona para integrarse en la familia. La situación se agravó tras el primer secuestro, cuando Berchtold presionó a los padres para que retiraran los cargos en su contra. Les hizo firmar un acuerdo con la promesa de mantenerse alejado de Jan, mientras que ellos creían proteger la reputación de la familia. Esta decisión permitió que el agresor pudiera secuestrar a la niña una segunda vez.

En palabras de la propia Jan Broberg, la experiencia fue tan devastadora que durante mucho tiempo creyó que Berchtold era su protector y que la historia alienígena era real. “Pasé años convencida de que si decía algo, mi familia moriría”, recuerda. Por esta razón, tras el primer secuestro dijo que “no había pasado nada”, tal y como puede verse en un documental que aborda el contexto social de los años 70, una época en la que la comprensión social sobre este tipo de delitos era limitada y la confianza en los vecinos era parte del tejido cotidiano.

El daño que no cesará nunca

El documental Abducted in Plain Sight fue galardonado en festivales internacionales y consiguió que la historia de Jan Broberg trascendiera las fronteras de Estados Unidos. Si bien la historia ya había sido relatada en las memorias Stolen Innocence: The Jan Broberg Story, la pieza de Skye Borgman acercó el caso a una audiencia global a través de Netflix, generando debate sobre la confianza, los mecanismos de control y los peligros que pueden acechar incluso en los lugares aparentemente más seguros.

Quienes busquen comprender por qué este caso ha dejado una huella tan profunda en la memoria colectiva estadounidense encontrarán en la producción un retrato descarnado de la vulnerabilidad familiar y la astucia de un hombre despiadado. Los testimonios de los propios protagonistas, incluyendo a la actriz y productora Jan Broberg, permiten también dimensionar el alcance del daño y la dificultad de sanar tras una historia que parece salida de la ficción.

Para quienes buscan disfrutar de Las Guerreras K-pop en español latino, la opción más segura y confiable se encuentra lejos de sitios dudosos o aplicaciones de procedencia incierta. La única manera segura de ver la película en español latino, sin virus ni amenazas, es a través de Netflix.

Es clave que los usuarios eviten aplicaciones piratas porque suelen circular fuera de las tiendas oficiales como Google Play Store o App Store y carecen de los controles de calidad y revisión que garantizan la integridad del software ofrecido en plataformas reconocidas.

Cuáles ventajas ofrece Netflix respecto a las plataformas piratas

Netflix destaca por su compatibilidad con una amplia gama de dispositivos, desde televisores inteligentes hasta teléfonos, tabletas y computadoras. La actualización constante de su catálogo y la posibilidad de descargar títulos para su visualización sin conexión aportan a la experiencia del usuario.

Además, la atención al cliente 24/7 y la gestión transparente de datos personales colocan a este tipo de opciones en una posición de confianza frente a plataformas que operan en la ilegalidad o la informalidad.

Expertos remarcan que, a diferencia de aplicaciones piratas, Netflix no solicita permisos invasivos ni modifica configuraciones críticas del sistema operativo.

Al evitar la manipulación del almacenamiento o la instalación de paquetes ajenos al ecosistema oficial, se reduce el riesgo de pérdida de datos, robo de información o instalación inadvertida de programas maliciosos.

Qué riesgos existen al utilizar apps piratas como Magis TV o XUPER TV

El análisis realizado por ESET sobre aplicaciones como Magis TV y XUPER TV revela que estos servicios, al no estar disponibles en tiendas oficiales, requieren la descarga de archivos desde sitios alternos, donde la inexistencia de controles de calidad permite la propagación de software malicioso.

Estas aplicaciones suelen solicitar privilegios especiales que exceden los necesarios para el funcionamiento normal, lo que abre la puerta a accesos desautorizados a información sensible.

Entre los riesgos identificados, se encuentra la posibilidad de que estas apps accedan a archivos personales, imágenes, videos y documentos almacenados en el dispositivo, así como la capacidad de instalar programas adicionales sin el consentimiento del usuario.

ESET señala que estos comportamientos pueden conducir al robo de datos, la suplantación de identidad y la inclusión del dispositivo en redes de distribución de malware. Otros riesgos pueden ser: la exposición a notificaciones no deseadas, spam y campañas de phishing.

Por qué puede traer sanciones legales usar aplicaciones piratas

La transmisión de contenido protegido por derechos de autor a través de aplicaciones no oficiales constituye una infracción legal.

Según ESET, acceder a películas como Las Guerreras K-pop mediante canales no autorizados puede derivar en bloqueos del acceso a internet por parte de proveedores de servicio y, en casos más graves, en acciones judiciales impulsadas por los titulares de los derechos.

La facilidad con la que estas plataformas difunden material sin licencia no exime al usuario de las consecuencias legales que implica la vulneración de la propiedad intelectual.

Asimismo, el impacto legal se agrava cuando la reproducción o descarga se realiza desde redes compartidas, como las de instituciones educativas o lugares de trabajo, exponiendo a múltiples usuarios a las mismas penalidades.

Qué señales permiten saber si una app es peligrosa

Uno de los indicadores más claros de riesgo es la solicitud de permisos que no corresponden a la función principal de la aplicación.

Según el informe de ESET, aplicaciones como Magis TV llegan a requerir acceso a información sobre procesos activos en el dispositivo, manipulación de sistemas de archivos, lectura y escritura de datos en tarjetas de memoria, publicación de notificaciones y autorización para instalar software adicional.

Estas prácticas, clasificadas como potencialmente indeseables, pueden facilitar el espionaje, el robo de identidad y la alteración de la configuración del dispositivo sin conocimiento del usuario.

Ante la duda, la pauta es optar por servicios oficiales y rechazar la instalación de aplicaciones cuya procedencia o permisos resulten sospechosos.

No tengo miedo llega a Netflix con un retrato del México rural que el Mundial de 1986 dejó en las sombras: un niño de 10 años en Veracruz descubre a otro menor secuestrado y encadenado, y comprende que su propia familia está implicada.

La miniserie, estrenada el 8 de julio, usa la euforia mundialista como telón de fondo para exponer la corrupción, la violencia y los secretos que los adultos ocultan a sus hijos.

La producción, respaldada por Netflix, adapta la novela Io non ho paura (2001) del escritor italiano Niccolò Ammaniti —originalmente ambientada en la Italia de los años 70— y la traslada al Veracruz de 1986, entre plantaciones de café marchitas y comunidades golpeadas por la crisis económica.

El Mundial como espejo de lo que se calla

La serie llega a las pantallas en un momento de resonancia involuntaria: el Mundial de 2026, que México coorganiza junto a Estados Unidos y Canadá, reproduce tensiones que la ficción retrata desde hace cuatro décadas. Mientras Diego Maradona hacía historia en el Estadio Azteca en 1986, un México rural vivía en la pobreza y el abandono institucional.

En 2026, la misma sede albergó la ceremonia inaugural del torneo, pero con las paredes exteriores cubiertas de carteles de desaparecidos y maestros acampados en sus accesos. La Coordinadora Nacional de Trabajadores de la Educación (CNTE) mantuvo una huelga indefinida desde el 15 de mayo, con bloqueos en avenida Reforma y un campamento en el Zócalo.

Sus demandas: la derogación de la reforma de pensiones del Instituto de Seguridad y Servicios Sociales de los Trabajadores del Estado (ISSSTE) de 2007, la eliminación de las Afores y un aumento del 100% en el salario base.

134 mil desaparecidos frente a las cámaras del mundo

El día del partido inaugural, colectivos de madres buscadoras marcharon hacia el Azteca con los rostros de sus hijos pegados en carteles.

México registra más de 134 mil personas desaparecidas segun estimaciones, una cifra que creció de forma sostenida desde 2006. Las familias fueron detenidas por el despliegue policial antes de llegar al estadio.

La exclusión económica que no cambió

La actriz Fátima Molina, coprotagonista de No tengo miedo, reconoció ante la agencia EFE que el Mundial “eclipsa problemas e injusticias que deben atenderse”. “Al ver tantas problemáticas en mi país me siento un poco culpable de que disfrutemos el Mundial”, expresó.

Esa tensión tiene cifras concretas en 2026. Según datos de Expansión Política, 9 de cada 10 mexicanos no pudieron costear un boleto para los partidos: los precios oscilaron entre 6.500 y 36.000 pesos solo para la reinauguración del Azteca, en un país donde el salario mensual promedio fue de 10.800 pesos el año pasado.

El especialista de Oxfam México Efrén Pérez advirtió que el torneo aceleró el encarecimiento de la vivienda en la capital, con aumentos de renta sin regulación y desalojos forzados en varios barrios de Ciudad de México.

La inocencia perdida, entonces y ahora

El director Alejandro Zuno, uno de los tres realizadores de la miniserie, describió la trama como un retrato de cómo los adultos “muestran la maldad a sus propios hijos”. “Se dan cuenta de que existe la maldad y de que no necesariamente tienen que estar de ese lado”, afirmó sobre los personajes infantiles.

El actor Ian Andrade, de 13 años, quien interpreta a Chava en la serie, fue más directo: “Los papás tendrían que estar más atentos y, no, la realidad es que es todo lo contrario”.

La producción fue creada por los mismos realizadores de El Secreto del Río e incorpora a actores como Luis Alberti, Yoshira Escárrega y Humberto Busto, junto a las revelaciones infantiles Aldo Emiliano Navarro como Miguel y Yago Andreu como Felipe.

Desde Página/12, la comparación con otra serie reciente de la misma plataforma fue directa: “A diferencia del humor salvaje de México ’86, No tengo miedo usa el Mundial como el eco de una canción conocida. Aquí resuenan las notas de violencia y pobreza endémicas”.

Tras el estreno de los primeros ocho episodios de La casa de la pradera (Little House on the Prairie), Netflix ya tiene asegurado el futuro de su nueva adaptación de los libros de Laura Ingalls Wilder. La plataforma confirmó la segunda temporada incluso antes del lanzamiento de la primera, una decisión que refleja la confianza en este proyecto encabezado por la showrunner Rebecca Sonnenshine.

La reinvención de la historia sigue a Charles (Luke Bracey), Caroline (Crosby Fitzgerald), Mary (Skywalker Hughes) y Laura (Alice Halsey), quienes dejan atrás Wisconsin para intentar construir una nueva vida en las praderas de Independence, Kansas. Sin embargo, el sueño de establecerse en el oeste pronto se ve amenazado por problemas económicos, conflictos territoriales y desastres naturales.

Quienes ya completaron la primera tanda de capítulos de la serie habrán notado que el cierre deja abierta la puerta para que el relato se dirija a una locación ya conocida por los fans de la familia Ingalls: Walnut Grove.

¿Cómo terminó la primera temporada?

El episodio final deja a los Ingalls enfrentando su momento más difícil desde que llegó a Kansas. Después de enterarse de que el gobierno exigirá el pago de las tierras que ocupan tras el acuerdo con la nación osage, Charles descubre que no dispone del dinero suficiente para conservar la granja.

La situación empeora cuando un incendio en la pradera destruye gran parte de la cosecha, eliminando la última esperanza de recuperarse económicamente. Sin trabajo estable, sin cultivos y sin recursos para comprar las tierras, Charles y Caroline toman la dolorosa decisión de abandonar Independence.

Antes de partir, Mary se despide de Caleb con un beso, mientras Laura promete mantenerse en contacto con Good Eagle mediante cartas. La familia deja atrás la casa que construyó con esfuerzo y emprende un nuevo viaje en su carreta.

El desenlace también abre la puerta a la siguiente etapa de la historia. John Edwards reaparece para acompañar a los Ingalls y les propone dirigirse a Minnesota, en un pueblo donde vive la prima de su esposa. “Su marido tiene una tienda allí. He oído que la tierra es buena y la gente es amable”, les dice, preparando el escenario para la siguiente temporada.

¿De qué tratará la temporada 2?

De acuerdo con Deadline, la segunda temporada adaptará On the Banks of Plum Creek (A orillas del arroyo Plum), el cuarto libro publicado por Laura Ingalls Wilder en 1937. La historia seguirá a los Ingalls durante un nuevo comienzo en Minnesota, donde intentarán reconstruir su vida tras las pérdidas sufridas en Kansas.

El rodaje de los próximos capítulos comenzó en el verano de 2026; sin embargo, todavía es muy pronto para confirmar una fecha de estreno.

Reparto confirmado para los nuevos episodios

Uno de los anuncios más esperados para la nueva temporada es la incorporación de Nellie Oleson, uno de los personajes más recordados tanto de los libros como de la serie clásica de NBC.

Según informó Deadline, Willa Dunn será la encargada de interpretar a la rival de Laura. Netflix describe a Nellie como “una princesa mimada de primer nivel y una bully típica en el patio de recreo. Inteligente y extremadamente segura de sí misma, de lengua afilada, pero que se hiere con facilidad”.

La descripción añade que “vive y respira para hacer miserable la vida de Laura Ingalls. Pero debajo de esa personalidad de chica mala hay ternura y un deseo de tener una verdadera amistad, aunque no sepa exactamente cómo conseguirla”.

Por otro lado, la plataforma también anunció que Charlotte Sullivan encarnará a Margaret Oleson, madre de Nellie, y Rachelle Lefevre (Crepúsculo) como la maestra Eva Beadle, quienes ingresan a escena en este tramo de la historia.

En cambio, personajes como el Dr. George Tann, Emily Henderson, Good Eagle, Mitchell y White Sun podrían no regresar tras los acontecimientos de la primera temporada.

Disney+ analizaría ofrecer series y películas sin costo para competir con YouTube en la batalla por la atención de los usuarios que migran hacia plataformas gratuitas.

El plan habría surgido de una reunión interna: Adam Smith, director de Producto y Tecnología de Disney, habría planteado la iniciativa ante el personal de la compañía durante una asamblea, aunque sin precisar plazos ni el alcance de la propuesta, según el medio Business Insider.

Por qué Disney+ considera ofrecer contenido gratis

Mientras las plataformas de pago elevaron sus precios en los últimos años, un número creciente de usuarios migró hacia contenido gratuito: YouTube consolida su dominio como destino de entretenimiento televisivo, y servicios como Tubi o The Roku Channel ganan terreno con catálogos accesibles sin suscripción.

Disney+ no sería ajeno a esa tendencia: la compañía ya distribuiría parte de su contenido en plataformas externas gratuitas como YouTube e ITVX como parte de una estrategia de alcance más amplio.

Hoy, el paquete combinado de Disney+ y Hulu cuesta USD 12,99 al mes con publicidad o USD 19,99 sin anuncios a precio completo.

Un nivel gratuito representaría un cambio de modelo para la plataforma, que eliminó su período de prueba gratuito a finales de 2021 y no lo ha recuperado.

Qué contenido podría ser gratuito

La propuesta no implicaría abrir todo el catálogo sin costo. Las opciones que se manejarían incluirían canales lineales de acceso libre, una selección acotada de títulos más antiguos disponibles bajo demanda, o la posibilidad de ver el primer episodio de algunas series.

En todos los casos, el acceso gratuito iría acompañado de una mayor carga publicitaria respecto a los planes de pago, con el objetivo de monetizar la audiencia y, al mismo tiempo, atraer a usuarios que hoy rechazan pagar una suscripción mensual.

La propuesta, no obstante, permanecería en una fase exploratoria temprana. Smith no habría compartido una hoja de ruta ni compromisos concretos durante la asamblea, y fuentes de la compañía habrían enfatizado que se trataría de conversaciones en desarrollo, no de decisiones tomadas.

Netflix estaría considerando agregar canales en vivo

Netflix estudiaría incorporar canales de televisión en vivo a su catálogo para frenar la caída en la participación de sus suscriptores, la métrica que mide cuánto tiempo dedican los usuarios a ver contenido y con qué frecuencia completan una película o serie, según The Wall Street Journal.

La compañía habría discutido internamente la posibilidad de transmitir contenido de forma continua: series y películas organizadas por género, o programación lineal accesible desde mosaicos en su página principal.

También habría explorado integrar servicios de terceros como Peacock, de NBCUniversal, al estilo de lo que ya hacen Amazon y Apple con sus plataformas.

El detonante sería una señal de alerta detectada en la revisión anual de negocios: aunque las ganancias crecían y la pérdida de clientes se mantenía en mínimos históricos, la participación de los usuarios apuntaba en la dirección contraria.

Lo que en un principio fue un tema marginal en las reuniones internas se habría convertido en un asunto recurrente de debate.

La televisión en directo también representaría una oportunidad para el negocio publicitario de la plataforma, que generó alrededor de USD 1.500 millones el año pasado y prevé duplicar esa cifra en 2026.

La programación en vivo tiene una ventaja concreta para los anunciantes: los usuarios no pueden saltarse los comerciales.

En Francia, Netflix ya ofreció a sus suscriptores acceso a la programación de la cadena TF1, que incluye informativos. El experimento arrojó resultados: el 25 de junio, T1 registró 8,3 millones de reproducciones únicas diarias durante la final de Koh-Lanta, un programa de telerrealidad.

En materia deportiva, la plataforma obtuvo los derechos exclusivos para Estados Unidos y Puerto Rico de las Copas del Mundo Femeninas de 2027 y 2031, el primer acuerdo de este tipo que firma por una competición completa.

Netflix ha iniciado conversaciones para adquirir Letterboxd, la red social de películas que ha captado la atención de millones de usuarios, entre los que destacan figuras como Martin Scorsese y la cantante Charli XCX. Según un informe de Puck, el proceso de venta se encuentra en etapas preliminares y también involucra a otros grandes actores de la industria del entretenimiento.

La plataforma, fundada en 2011 y basada en Auckland, Nueva Zelanda, ha experimentado un crecimiento notable en los últimos años. De acuerdo con datos de junio de 2026, Letterboxd supera los 30 millones de miembros a nivel global, tras sumar 10 millones solamente en el último año. Este incremento consolida su posición como uno de los espacios digitales más influyentes para la discusión y reseña de películas, tanto entre cinéfilos anónimos como entre personalidades reconocidas.

La venta de Letterboxd está siendo gestionada por la firma LionTree, que actúa como banco de inversión y banca mercantil en la operación. Actualmente, la empresa canadiense Tiny controla el 60% de las acciones tras una adquisición en 2023 valorada entre $50 millones y $60 millones de dólares estadounidenses. El 40% restante se mantiene en manos de los fundadores, Matthew Buchanan y Karl von Randow. El proceso de venta responde al interés de varias corporaciones por posicionarse en el segmento de redes sociales especializadas en cine. La reciente incursión de Letterboxd en el alquiler de videos en línea agrega un incentivo adicional para posibles compradores que buscan diversificar su oferta digital. Un portavoz de Letterboxd expresó: “A medida que Letterboxd ha crecido, es natural que exista interés en lo que hacemos a continuación. No hay nada específico para compartir en este momento. Cualquier decisión sobre el futuro de Letterboxd involucraría a los fundadores”.

Letterboxd ha destacado no solo por su base de usuarios anónimos, sino por la participación de figuras reconocidas internacionalmente. Entre ellas, Martin Scorsese, director de cine ganador del Óscar, es uno de los usuarios más seguidos y activos en la plataforma. También la cantante y compositora Charli XCX ha utilizado Letterboxd para compartir sus opiniones sobre películas y recomendar títulos a sus seguidores. La presencia de estos y otros famosos ha contribuido al atractivo cultural de la plataforma. Además de Scorsese y Charli XCX, la red social cuenta con listas públicas y reseñas de cineastas, actores y músicos que encuentran en Letterboxd un espacio para dialogar directamente con la comunidad global de amantes del cine. Este fenómeno ha convertido a Letterboxd en un referente no solo para el público general, sino también para la industria, que sigue de cerca las tendencias y preferencias de sus usuarios más influyentes.

Preocupación por la independencia

El posible desembarco de grandes empresas tecnológicas o estudios de cine en Letterboxd ha generado descontento y preocupación entre muchos de sus usuarios habituales. En foros y redes sociales, varios usuarios expresaron su inquietud ante la posibilidad de perder un espacio considerado único y auténtico. Un usuario señaló: “Letterboxd funciona exactamente como debería y ofrece a sus usuarios la experiencia concreta que desean, lo cual es totalmente contrario a todo aquello en lo que creen las empresas tecnológicas”. Otro, en tono más personal, escribió: “Letterboxd es, sin duda, uno de los últimos foros web de calidad que nos quedan y una de las mejores formas de redescubrir el cine; dejadme en paz a mí y a mi diario cinematográfico, dejad en paz a Letterboxd”.

La preocupación por la neutralidad de la plataforma es recurrente. Un cinéfilo opinó: “Lo siento, pero ningún estudio debería comprar Letterboxd. Tiene que seguir siendo una plataforma neutral en la que podamos puntuar y reseñar películas con total libertad. No quiero parecer dramático, pero si alguno de estos estudios la compra, seguro que será un desastre. No es el fin del mundo, ¡pero es imposible que eso no afecte a la plataforma de una forma u otra!”.

Una red social cada vez más grande

Aunque Netflix es el nombre más resonante en las negociaciones, el informe cita que otras empresas también han mostrado interés en adquirir Letterboxd. Entre ellas figuran Sony Pictures Entertainment, el grupo resultante de la fusión de Paramount y Skydance, el fondo de inversión RedBird Capital Partners, el gigante de capital privado TPG, y el cofundador de Reddit, Alexis Ohanian, a través de su firma de capital de riesgo Seven Seven Six. Este abanico de interesados revela la importancia estratégica que plataformas como Letterboxd han adquirido en el ecosistema digital del cine y el entretenimiento. No es la primera vez que grandes conglomerados buscan integrar servicios de reseñas y comunidades de usuarios a sus operaciones, como ocurrió en el pasado con Rotten Tomatoes (parte de NBCUniversal) o IMDb (propiedad de Amazon).

El auge de Letterboxd se aceleró durante la pandemia de COVID-19, cuando millones de personas recurrieron a la plataforma para descubrir películas, escribir reseñas y organizar su consumo audiovisual. En 2026, el sitio presenta una comunidad activa que intercambia recomendaciones y listas temáticas, generando datos de valor para estudios y distribuidoras. El proceso de venta manejado por LionTree ha “flotado” una valoración cercana a los $250 millones de dólares, según el reporte de Puck. Esta cifra refleja tanto el crecimiento sostenido de la base de usuarios como el potencial de expansión en nuevas áreas del entretenimiento digital.

La operación plantea interrogantes sobre el futuro de la neutralidad de la plataforma en caso de ser adquirida por un estudio mayor, dado el precedente de otros sitios de reseñas bajo control de empresas con intereses directos en la industria. Mientras tanto, la expectativa en la comunidad de usuarios y la industria es elevada, a la espera de definiciones concretas sobre el destino de la red social donde conviven tanto aficionados como nombres consagrados del cine.

El universo criminal británico creado por Guy Ritchie en Los Caballeros regresará a Netflix el próximo 3 de septiembre con una segunda temporada que, según el tráiler recientemente lanzado por la plataforma, combinará acción, humor negro y nuevos enredos.

Protagonizada por Theo James, Kaya Scodelario y Ray Winstone, la nueva tanda de episodios busca repetir el éxito global alcanzado en 2024, cuando la adaptación televisiva de la película se ubicó en el top 10 de Netflix en más de 90 países y superó las 100 millones de visualizaciones.

Nueva temporada: alianzas, traiciones y conflictos renovados

La historia de la segunda temporada retoma los hechos ocurridos un año después de que Eddie Horniman y Susie decidieran hacerse cargo del negocio criminal de Bobby. El crecimiento de este imperio ha traído consigo mayores riesgos y competencia. Eddie y Susie, interpretados por Theo James y Kaya Scodelario, deberán enfrentarse no solo a la presión de mantener el control, sino también a la interferencia derivada de las decisiones inesperadas de Bobby.

Esto les plantea la decisión difícil de intervenir para salvar el negocio o arriesgarse a perderlo todo. Vinnie Jones y Joely Richardson regresan al elenco, sumando nuevas alianzas, traiciones y enemigos a la trama. Además, se incorporan actores como Hugh Bonneville y Benedetta Porcaroli, quienes aportarán mayor complejidad a la historia. La participación del boxeador Chris Eubank Jr. y la presentadora Maya Jama anticipa una conexión con figuras mediáticas del Reino Unido.

El estilo de Guy Ritchie y su impacto internacional

Desde su estreno como película en 2019, Los Caballeros de la mafia se consolidó como un referente del género criminal británico, con la marca de Guy Ritchie en los diálogos mordaces, la violencia estilizada y el humor negro característico. La película obtuvo más de 115 millones de dólares en taquilla mundial, con un presupuesto de 22 millones, lo que confirmó su atractivo comercial.

La transición a la televisión, primero en Netflix y SkyShowtime, permitió extender la narrativa y llegar a un público aún más amplio, apostando por la serialización e introduciendo nuevos conflictos en cada temporada. La primera entrega de la serie, estrenada en 2024, fue recibida con gran aceptación e instaló la historia en la cultura popular, liderando la audiencia en el top 10 de 90 países y alcanzando el primer puesto en 75 de ellos. Este fenómeno ha generado una fuerte demanda por nuevos episodios y demuestra la influencia transmedia de la franquicia.

Expansión internacional y expectativas de la audiencia global

La segunda temporada de Los Caballeros no solo retoma las intrigas en Londres, sino que extiende su alcance a entornos internacionales como el Lago Maggiore, lo que representa una expansión del negocio criminal ficticio y plantea a los personajes desafíos más complejos y globales. Esta apertura responde a las exigencias narrativas y a las expectativas de una audiencia global que ya demostró su interés con más de 100 millones de visualizaciones en la primera temporada.

El regreso de la serie pretende aprovechar el atractivo de los personajes ya establecidos y las nuevas incorporaciones, ofreciendo una combinación actualizada de música, acción y humor ácido que constituye el sello distintivo de Ritchie. Las traiciones, las alianzas cambiantes y las decisiones cruciales de Eddie y Susie serán el eje dramático de los 8 nuevos episodios de 60 minutos cada uno, consolidando a Los Caballeros como uno de los principales lanzamientos de Netflix para la segunda mitad de 2026.

Lo que significaría “despertar” este material en la mente de Kelly, se lo dejo a usted para que lo adivine. La serie de televisión que se emitió entre 1974 y 1983, que se estableció en los recuerdos de la Generación X, ya había actualizado la historia de Wilder con bastantes tramas socialmente conscientes sobre racismo, misoginia, antisemitismo, agresión sexual y más.

Aun así, la nueva La casa de la pradera, que ahora está disponible en Netflix, llega con una carga cultural tan grande como una carreta tirada por caballos, lo que también incluye el auge de las fantasías retrógradas sobre las “esposas tradicionales” (tradwives en inglés); la mitologización sangrienta del Oeste de Taylor Sheridan; y un montón de debates por el 250º aniversario sobre qué fue exactamente lo que implicó “hacer América”, y si es de buena educación reconocerlo.

La serie en sí, creada por Rebecca Sonnenshine, es más o menos lo que se esperaría, aunque quizás no lo que quisieran los guerreros culturales como Kelly. Es una historia animada y sana sobre aventuras y dificultades, que amplía su enfoque para considerar a las personas que vivieron en la pradera mucho antes de que llegaran los Ingalls y compañía a establecerse.

Pero su historia de la infancia no se ha convertido en la serie western Deadwood. Con un aire levemente inspirado en Hallmark y un poco menos idealizado que la original de NBC, esta nueva La casa de la pradera es, en esencia, lo menos extraordinario que hay en la televisión actual: una pieza más de propiedad intelectual reciclada, destacable sobre todo por el polvorín cultural en el que aterriza.

En el centro se encuentra Laura, a quien Alice Halsey da un toque vivaz; la conocemos por primera vez apuntando a un conejo con una honda. Su padre, Charles (Luke Bracey), cambia la imagen soleada y afeitada de Michael Landon por un aspecto más delgado y una barba recortada que encajaría en un bar de lanzamiento de hachas de moda, pero mantiene su buen humor (y su violín). La hermana mayor, Mary (Skywalker Hughes), sigue siendo la contraparte obediente de Laura; su madre, Caroline (Crosby Fitzgerald), es una compañera más franca y participativa.

En otras palabras, son una familia típica de la televisión según los estándares de 2026, lo que refleja el atractivo del clásico de NBC: ver a niños y padres reconocibles mudarse a un nuevo hogar y afrontar tiempos difíciles, luchas morales y las muchas formas en que la naturaleza puede matarte. (Entre ellas: ahogamiento, lobos, enfermedades, incendios forestales y “mal aire” en el fondo de un pozo).

Lo que es diferente son los vecinos. El primer lugareño con el que la familia se encuentra es el Dr. George Tann (Jocko Sims), un médico afroamericano que hace una breve aparición como objeto de fascinación para Laura en la novela de Wilder. (“Era tan negro,” escribe Wilder. “Habría tenido miedo de él si no le hubiera gustado tanto.”) Una mujer negra, Emily Henderson (Barrett Doss), dirige la tienda general en la cercana Independence, Kansas.

La introducción más significativa es la de una familia osage vecina como un paralelo a los Ingalls. William Mitchell (Meegwun Fairbrother), que entabla amistad con Charles, está resignado respecto a los colonos blancos pero espera poder establecer su propio hogar entre ellos; su esposa, White Sun (Alyssa Wapanatahk), es mucho más escéptica. Su hija, Good Eagle (Wren Zhawenim Gotts), se convierte en gran amiga de Laura, quien queda cautivada por ella a primera vista. Las familias se entrelazan, incluso mientras sus pueblos se enfrentan por fuerzas que se aprovechan de la expansión.

¿Esto es “despertar”? Llámelo como quiera; no incluir aquí personajes indígenas sería una elección conspicua en una era de abundantes historias indígenas como Reservation Dogs y Dark Winds. Y es el aspecto más interesante de una serie familiar, ya que otorga a los conflictos subyacentes —asimilación versus separación, negociación versus resistencia— múltiples voces.

Las diferencias entre versiones son notables en una escena clave tomada de la novela, en la que dos hombres osage aparecen sin previo aviso en la cabaña de los Ingalls mientras Charles está ausente, y toman comida y tabaco. El episodio piloto de NBC en 1974 presentó el incidente como amenazante y escalofriante (aunque también trató el desplazamiento de los habitantes indígenas con cierta simpatía).

En la versión de Sonnenshine, Laura (que en la novela quiere soltar a su perro para que ataque a los intrusos) saluda amablemente y les ofrece pan de maíz; Caroline —prevenida por haber presenciado violencia entre pueblos indígenas y colonos en Minnesota— les dice: “Tomen lo que quieran y váyanse”.

Pero lo más revelador es el diálogo entre los dos hombres, ausente en las versiones anteriores. Cuando uno empieza a tomar comida, el otro le dice que está siendo codicioso. Su compañero responde que los colonos se establecieron en su tierra y cortaron sus árboles para hacer sus casas: “Tú lo llamas codicia. Yo lo llamo justicia.” Es una representación a menor escala de una conversación que los personajes indígenas mantienen a lo largo de la temporada. ¿Qué es la justicia? ¿Puede algo material compensar realmente la pérdida de tu hogar?

La cuestión de si todo esto es “fiel” es una persecución inútil. ¿Fiel a qué? Los libros originales de Wilder eran ficción, aunque se basaban en su infancia. Y la serie de NBC ni siquiera adaptó La casa de la pradera, excepto por el episodio piloto de largometraje; la serie continuó a partir de la novela de Wilder A orillas del Plum Creek”.

La deuda nostálgica es aún más compleja cuando se habla de una sucesora de los años 2020 a una adaptación de los años 1970 de una novela infantil de los años 1930 ambientada en el siglo XIX. (ABC también emitió una miniserie de La casa de la pradera en 2005.) Son recuerdos de recuerdos de recuerdos. Pero la historia, una vez ficcionalizada, trata en última instancia sobre el presente. Declarar que no se pueden hacer más revisiones tiene más que ver con el control que con la verosimilitud.

En cualquier caso, no sólo han cambiado los personajes indígenas. El vecino Sr. Edwards (Warren Christie), que era un alegre bala perdida en la versión de NBC, ahora es una figura agridulce, atormentada por su experiencia en la Guerra Civil. Las cicatrices de la guerra en todos los personajes adultos, y en la sociedad en la que viven, son aquí mucho más evidentes.

Aun así, la serie reparte temas familiares de La casa... como bastones de caramelo de un frasco. Donde la serie de NBC tenía a la altanera familia Oleson, Netflix tiene a Jemma James (Mary Holland), la altiva esposa del ferroviario que atrajo a colonos como Charles a Kansas, y a sus hijas, igual de petulantes. Hay Navidad, baile y sabiduría sencilla sobre no juzgar a las personas antes de conocerlas.

Los temas más adultos se cuelan por los márgenes o se esconden a simple vista, como en el nombre del asentamiento, Independence. La autosuficiencia es un sueño recurrente en los relatos de pioneros, y esta versión la considera poco más que una fachada de tablas. “Es un mito que los hombres puedan arreglárselas solos aquí,” le dice el Dr. Tann a Charles en el primer episodio. “Es una bonita historia. Nada más.”

Por supuesto, los mitos y las bonitas historias ayudan a construir naciones, y a conquistarlas, y a crear narrativas después. La casa de la pradera de Netflix es, en su mayoría, el cuenco de luz suavemente reformulado que publicita, pero también es consciente de que es una historia de creación. Al fin y al cabo, como le pregunta Edwards a Charles, con un tono de amargura: “¿No es para eso que estamos aquí? ¿Para crear una nueva América, sea lo que sea eso?”

Fuente: The New York Times

[Fotos: prensa Netflix]

El estreno de la nueva adaptación de La familia Ingalls en Netflix, disponible desde el 9 de julio, ha despertado la nostalgia de millones de espectadores por la recordada serie protagonizada por Michael Landon, Melissa Gilbert y Karen Grassle.

Durante nueve temporadas, entre 1974 y 1983, Little House on the Prairie proyectó la imagen de una familia unida, solidaria y guiada por fuertes valores humanitarios. Sin embargo, detrás de las cámaras no todo era armonía. Con el paso de los años, varios integrantes del elenco revelaron conflictos, diferencias personales, problemas de adicciones e incluso acusaciones contra Michael Landon, quien además de interpretar a Charles Ingalls ejercía un enorme poder creativo como productor ejecutivo, director y guionista de numerosos episodios.

Karen Grassle acusó a Michael Landon de sexismo

Uno de los testimonios más duros llegó de Karen Grassle, la actriz que dio vida a Caroline “Ma” Ingalls. En sus memorias Bright Lights, Prairie Dust y en entrevistas posteriores, aseguró que su relación con Michael Landon se deterioró cuando solicitó un aumento salarial durante la segunda temporada.

Según relató a The New York Post, Landon respondió que debía recibir el mismo sueldo que los actores infantiles, algo que consideró ofensivo. “Me sentí insultada como su coprotagonista en una serie de éxito. No quería aprovecharme de nadie, pero esperaba un salario justo”, afirmó.

La actriz también sostuvo que, después de aquella conversación, sus escenas comenzaron a reducirse y que Landon hacía comentarios burlones sobre su físico en el set.

A comienzos de 2026 volvió a hablar del tema en una entrevista con PEOPLE, recogida por Entertainment Weekly, donde recordó el impacto emocional que le produjo aquella experiencia. “Me consumí por el resentimiento, la ira, el dolor y el puro agotamiento”, declaró.

También explicó que durante años evitó participar en reuniones de fanáticos porque asociaba la serie con esos malos recuerdos, aunque con el tiempo logró reconciliarse con el cariño que el público seguía sintiendo por su personaje. Grassle además reveló que logró hacer las paces con su excoestrella antes de que este muriese en 1991.

La rivalidad entre Melissa Gilbert y Melissa Sue Anderson

Aunque Laura y Mary Ingalls eran hermanas inseparables en pantalla, Melissa Gilbert y Melissa Sue Anderson nunca desarrollaron una amistad durante las grabaciones. En un video rescatado por Facebook en 2024, Gilbert recordó que la diferencia de edad marcó la dinámica entre ambas cuando eran niñas.

“Desde el momento en que llegamos al set, Melissa Sue Anderson era mi jefa. Se lo tomaba completamente en serio”, comentó. “Era dura. Tanto delante como detrás de cámaras”.

La actriz también recordó una escena de los primeros episodios en la que Anderson debía golpearle la mano.

“Melissa me dio un golpe tan fuerte que casi me pongo a reír. En mi cara se puede ver todo el espectro de emociones”, recordó.

Sin embargo, esa historia tuvo un desenlace inesperado décadas después. En diciembre de 2025 ambas se reencontraron y retomaron el contacto. Gilbert compartió la noticia en Instagram con un emotivo mensaje.

“He guardado esto muy cerca de mi corazón durante un tiempo. El reencuentro con una hermana. Largas conversaciones para sanar. Muchos recuerdos, muchas risas y algunas lágrimas”, escribió.

Más adelante añadió: “El pasado ahora es solo eso, el pasado, y podemos seguir adelante como las hermanas y amigas que siempre quisimos ser”.

Las luchas contra el alcohol y las adicciones

Karen Grassle también reconoció públicamente que atravesó problemas de alcoholismo mientras trabajaba en la serie.

“Pasé toda mi etapa de consumo intentando controlarlo”, confesó a The New York Post. “Quería beber como lo hacía la gente, solo para divertirme en una fiesta. Pero empezó a empeorar. Me emborrachaba muchísimo, lloraba, sollozaba y sentía que todo en mi vida estaba mal”.

Melissa Gilbert, por su parte, aclaró que sus problemas comenzaron años después del final de la serie. En una entrevista concedida en 2012 explicó que la muerte de su abuelo desencadenó una fuerte crisis emocional cuando rondaba los 40 años.

“Cuando llegué al final de mis treinta y mi abuelo murió, algo se activó en mí y empecé a tener problemas para dormir”, explicó. En su peor momento, aseguró que llegaba a beber aproximadamente dos botellas de vino por noche. Posteriormente logró mantenerse sobria desde 2004 y ha participado en campañas para prevenir las adicciones entre los jóvenes.

El affair de Michael Landon

La imagen del ejemplar Charles Ingalls contrastó con la vida personal de Michael Landon.

De acuerdo con el libro de Karen Grassle y con información publicada posteriormente por Page Six, el actor inició una relación con Cindy Clerico, quien trabajaba en la producción como doble de Melissa Francis y más tarde como maquilladora, mientras seguía casado con su segunda esposa, Marjorie Lynn Noe.

Clerico tenía 18 años y Landon 43 cuando comenzó el romance. La pareja terminó casándose en 1983 y permaneció unida hasta la muerte del actor en 1991.

Melissa Gilbert, que veía a Landon como una figura paterna y pasaba vacaciones junto a su familia, reconoció en sus memorias Prairie Tale que aquella separación la dejó en una situación muy difícil. “No puedo tomar partido, pero hizo algo que convirtió mi mundo en bandos enfrentados. Me pusieron en una posición terriblemente incómoda”, escribió. Por la decepción, decidió no asistir a la ceremonia de bodas de la pareja.

Otro conflicto con Melissa Sue Anderson

Las dificultades de Melissa Sue Anderson para “hacer amigos” también fueron mencionadas por el actor Rademes Pera, quien interpretó a John, el interés amoroso de Mary Ingalls en las temporadas 2 y 3.

En una entrevista con Fox News en 2020, aseguró que la actriz evitaba desarrollar la química necesaria para las escenas románticas.

“Creo que simplemente no estaba preparada para ese tipo de actuación”, afirmó. Pera sostuvo que, pese a sus esfuerzos por trabajar de forma profesional, Anderson “no quería saber nada de eso”, una actitud que calificó de “muy frustrante” para un actor que intentaba construir la relación entre ambos personajes.

Millie Bobby Brown reveló que sus compañeros de reparto en Stranger Things solían burlarse de sus almuerzos británicos en el set de la serie de Netflix, al tiempo que habló del impacto de la maternidad en la elección de sus proyectos.

La actriz de 22 años confesó en el programa Hot Ones que sus colegas estadounidenses no entendían la cocina del Reino Unido.

“Cuando estaba en Stranger Things, me hacían mucho food-shaming”, dijo Brown. “Eran muy estadounidenses y me decían: ‘¿Qué car*** estás comiendo, Millie?’“.

La situación llegaba al punto de que la actriz prefería apartarse del grupo para comer.

“Me iba a esconder a un rincón porque me preguntaban: ‘¿Qué es eso?’”, recordó ante el conductor Sean Evans. “Y yo les decía: ‘Es una papa al horno con frijoles y queso. No es nada’”, bromeó. “No lo entendían”.

Sus compañeros tampoco ahorraban en comentarios. “Era como si viviera en el siglo XIX y hubiera encontrado alguna especialidad. La traía envuelta en papel de aluminio”, recordó.

El contraste con los rodajes en su país de origen no podía ser mayor. “Cuando voy a un set en Inglaterra, todos me dicen: ‘¡Una papa al horno! ¡Qué rico!’“, señaló la joven artista.

Evans también le preguntó sobre otro clásico de la cocina británica: el spag bol, la abreviatura coloquial de spaghetti bolognese.

Brown explicó que se trata del plato insignia de su madre. “El spag bol es prácticamente lo único que sabe cocinar mi mamá“, dijo. “Los viernes dice: ‘¡Voy a hacer otro spag bol!' Y yo le respondo: ‘Mamá, ya lo comimos como tres veces esta semana’“.

Aun así, admitió que es uno de sus favoritos y que, cuando está en Inglaterra, solo lo come en casa. “En un restaurante no lo pido. Tiene que ser el de mi mamá”.

Sobre la salsa HP —un condimento oscuro a base de tomate— Brown fue directa: “Le pones salsa marrón porque… no sé por qué. Cuando eres inglesa, se la pones a todo”, dijo.

Brown nació en Inglaterra y se mudó a Estados Unidos a los 12 años, cuando fue elegida para interpretar a Eleven en Stranger Things. Su familia se instaló en Georgia durante la producción de la serie.

La actriz realizó estas declaraciones en el marco de la promoción de Enola Holmes 3, tercera entrega de la franquicia de Netflix en la que da vida a la joven detective hermana menor del Sherlock Holmes de Henry Cavill.

Su compañero de reparto Louis Partridge hizo una aparición sorpresa en la entrevista de Hot Ones para probar las salsas más picantes del programa.

La maternidad como brújula creativa

Millie Bobby Brown también habló sobre cómo la maternidad transformó su mirada a la hora de elegir personajes.

“Ahora que soy mamá, todo gira en torno a ella y a darle vida a eso”, afirmó la actriz en una entrevista con Access Hollywood.

La actriz y su esposo, Jake Bongiovi, dieron la bienvenida a su primera hija a través de la adopción en el verano de 2025. El anuncio lo hicieron mediante una publicación conjunta en Instagram el 21 de agosto de ese año.

“Este verano dimos la bienvenida a nuestra dulce bebé a través de la adopción. Estamos más que emocionados de embarcarnos en este hermoso nuevo capítulo de la paternidad en paz y privacidad. Y entonces éramos 3”, escribieron en aquella ocasión.

En ese sentido, aclaró que su motivación va más allá del vínculo materno directo. “Lo hago por ella, pero no voy a esperar que quiera ver a mamá ni que quiera ser como mamá”, dijo al citado medio.

Su propósito, explicó, apunta a un horizonte más amplio: “En la pantalla quiero representar más mujeres, para que eso inspire a más cineastas o a jóvenes actrices a llegar a la pantalla y ser eso para mi hija. Eso sería increíble”.

Enola Holmes 3 sitúa a la protagonista ante la perspectiva de un final feliz junto a Lord Tewkesbury —papel que retoma Partridge—, plan que se interrumpe cuando llega la noticia del secuestro de Sherlock.

Netflix estudiaría incorporar canales de televisión en vivo a su catálogo para frenar la caída en la participación de sus suscriptores, según The Wall Street Journal.

Esta es la métrica que mide cuánto tiempo dedican los usuarios a ver contenido y con qué frecuencia terminan de ver una película o serie.

La compañía habría discutido internamente la posibilidad de transmitir contenido de forma continua series, películas por género o programación lineal a través de mosaicos en su página principal.

La plataforma también habría explorado integrar servicios de terceros como Peacock, de NBCUniversal, en su oferta principal, al estilo de lo que ya hacen Amazon y Apple.

Qué es la participación de los suscriptores en Netflix

La participación de los suscriptores, también llamada interacción, es el indicador que determina cuánto tiempo dedican los usuarios a ver contenido dentro de la plataforma y con qué frecuencia completan una película o serie.

Una participación alta indica que los clientes están satisfechos y que es menos probable que cancelen sus suscripciones.

Según el medio mencionado, ese indicador habría comenzado a mostrar signos de declive en Netflix.

Los ejecutivos del servicio streaming que se reunieron para la revisión anual de negocios habrían tenido, en principio, motivos para estar satisfechos: las ganancias aumentaban, la pérdida de clientes se mantenía en mínimos históricos del sector y la plataforma había impactado con franquicias como Bridgerton y Stranger Things.

Sin embargo, la participación apuntaba en la dirección contraria.

En ese momento habría sido un tema secundario en las conversaciones sobre los objetivos de la empresa, pero desde entonces se habría convertido en un asunto frecuente de debate en las reuniones.

En Francia, Netflix comenzó a ofrecer a sus suscriptores acceso a la programación de la cadena TF1, que incluye informativos.

The Hollywood Reporter recoge que TF1 registró el 25 de junio un récord de 8,3 millones de reproducciones únicas diarias durante la final d eKoh-Lanta, programa de telerrealidad.

Los ejecutivos también evaluarían qué eventos deportivos pueden incorporar al servicio. Aunque los codirectores ejecutivos, Ted Sarandos y Greg Peters, dejaron en claro que no quieren entrar en el costoso juego de pujar por temporadas de derechos deportivos, la empresa selecciona con cuidado los eventos.

La televisión en directo podría representar un impulso para el negocio publicitario de Netflix, que generó alrededor de 1.500 millones de dólares el año pasado.

A principios de este año, la compañía anunció que prevé duplicar sus ingresos publicitarios en 2026. Con la programación en directo, los consumidores no pueden saltarse los anuncios.

FIFA y Netflix firman un acuerdo para la Copa Mundial Femenina

Netflix obtuvo los derechos exclusivos para Estados Unidos y Puerto Rico de las ediciones 2027 y 2031 de la Copa del Mundo Femenina, en el primer acuerdo de este tipo que la plataforma firma por una competición completa.

Además de transmitir los partidos en directo en inglés y español, producirá docuseries sobre las principales jugadoras y el crecimiento global del fútbol femenino previo a cada torneo.

“Netflix desempeñará una labor fundamental para acercar el fútbol femenino a millones de personas en la antesala de la fase final de ambas competiciones, lo que nos permitirá incrementar el atractivo de los torneos”.

La Copa Mundial Femenina de la FIFA 2027, que se celebrará del 24 de junio al 25 de julio de 2027 en Brasil, enfrentará a las 32 mejores selecciones del mundo por alcanzar la gloria.

Gracias a la decisión de la FIFA de colaborar exclusivamente con Netflix, se espera que las ediciones de 2027 y 2031 de la Copa Mundial Femenina de la FIFA lleguen a una mayor audiencia y marquen nuevos hitos en materia de participación en Estados Unidos.

Los seguidores más atentos de La familia Ingalls recibieron una inesperada sorpresa con el estreno de la nueva adaptación de La casa de la pradera en Netflix. En el segundo episodio de la primera temporada, la plataforma escondió un breve cameo de Alison Arngrim, la actriz que dio vida a la villana Nellie Oleson en la serie clásica emitida entre 1974 y 1983.

La producción, que se estrenó el 9 de julio, apuesta por una versión más cercana a las novelas de Laura Ingalls Wilder y, durante su primera entrega, sitúa a la familia Ingalls en Kansas antes de su posterior llegada a Walnut Grove.

Aunque el personaje de Nellie todavía no forma parte de la historia, los responsables de la serie encontraron una manera de rendir homenaje a uno de los rostros más emblemáticos de la franquicia.

En lugar de repetir su papel más recordado, Arngrim aparece convertida en Ida, una extraña mujer que vive en el bosque junto a otros vagabundos. La escena comienza cuando Laura y Mary salen en busca de John Edwards y terminan encontrándose con un pequeño grupo reunido alrededor de una fogata.

Ida intenta convencer a las niñas de quedarse con ellos y, cuando Laura intenta escapar, la mujer la sujeta asegurando que “solo quiere protegerla de los lobos”. La tensión termina cuando Edwards llega a tiempo para rescatarlas.

La responsable de la nueva adaptación, Rebecca Sonnenshine, reveló a Parade cómo surgió la idea de insertar este fugaz “easter egg” con la famosa integrante del cast original.

“Escribí ese episodio. Y entonces pensé: ‘¿No sería divertido traer a Alison Arngrim como esta mujer loca de la pradera?’. Sentí que quizá aceptaría. Me parecía una persona muy genial”, recordó la showrunner.

Sonnenshine explicó que incluso olvidó la propuesta durante parte del proceso de producción, hasta que finalmente decidieron hacerla realidad.

“Sé lo mucho que Nellie Oleson significa para la gente como personaje. No aparece en esta temporada porque todavía no han llegado a Walnut Grove. Pero pensé que esta era una manera de incluirla, porque es muy importante para el público”, afirmó.

La creadora también destacó la disposición de Arngrim para transformar su apariencia. “Fue una gran profesional. Me dijo: ‘¿Puedo tener más cosas en los dientes?’. Y le respondí: ‘Sí, por supuesto’. Fue encantadora, divertida, llena de energía y se entregó por completo. De verdad tuvimos mucha suerte. Fue un sueño hecho realidad”, señaló Sonnenshine.

El regreso de Alison Arngrim a la pradera

La propia actriz contó a Tudum cómo recibió la propuesta que la llevó de vuelta a la pradera. “Recibí una llamada: ‘¿Qué haces dentro de una semana y media? ¿Podrías venir a Winnipeg? Tenemos este personaje y queremos que seas tú’. Todo ocurrió muy rápido, quizá con dos semanas de anticipación”, recordó.

Sobre Ida, explicó con humor: “Básicamente es una mujer loca que vive en el bosque. Está con otros vagabundos cenando alrededor de una fogata y las pobres e inocentes niñas Ingalls aparecen por allí. Pensé: ‘Eso suena increíblemente espeluznante. Es totalmente mi estilo. Voy enseguida’”.

La caracterización también sorprendió a la actriz, quien destacó el esfuerzo del equipo por recrear con mayor fidelidad la vida en el siglo XIX.

“La primera cosa que me dejó boquiabierta fue el vestuario”, comentó al blog de Netflix. Después recordó que una maquilladora le dijo: “‘Te das cuenta de que aquí vives en el bosque’. Procedieron a hacer que pareciera que me cuidaba muchísimo menos de lo que realmente hago. Me pintaron los dientes para que se vieran horribles y las uñas para que parecieran sucias y enfermas”.

La actriz también elogió a Alice Halsey y Skywalker Hughes, las nuevas intérpretes de Laura y Mary Ingalls. “Son fabulosas”, aseguró. “Estas niñas tienen currículums más largos que algunas personas de 40 o 50 años, y solo tienen 12. Son muy buenas y parece que son grandes amigas”.

Aunque la primera temporada todavía no presenta a la familia Oleson, la producción ya confirmó que Willa Dunn asumirá el papel de Nellie en la segunda entrega.

Allison Arngrim está ansiosa por ver a su sucesora. Su consejo para la joven actriz fue: “Acepta el papel y disfrútalo. Es el personaje más divertido que se puede interpretar. Hazte amiga de los demás niños y no te tomes nada de manera personal”.

“Si haces esto correctamente, habrá gente que te odiará y creerá que la serie es real. Necesitas un fuerte sentido de identidad y un humor bastante oscuro. Incluso si los fans no separan la ficción de la realidad, tú sí debes hacerlo”, enfatizó.

La Ciudad de México, Puerto Vallarta, Oaxaca y los campos de agave de Jalisco figuran entre los destinos mexicanos que sirvieron de escenario para series y documentales de plataformas como Netflix y Apple TV+, y que cualquier viajero puede recorrer estas vacaciones.

Desde el Centro Histórico capitalino hasta comunidades rarámuri en la sierra de Chihuahua, México ha prestado sus calles, haciendas y paisajes naturales a producciones que acumulan millones de espectadores en todo el mundo.

La capital, un set que no cierra

El corazón de la Ciudad de México concentra la mayor densidad de locaciones visitables. El Ex Convento de San Hipólito, cerca del Metro Hidalgo, aparece en la segunda temporada de Narcos: México como escenario de una fiesta electoral. El Café Trevi, restaurante tradicional junto a la Alameda Central, fue usado en la primera temporada para una de las escenas de mayor tensión de la serie.

El Palazzio Videmar, en la alcaldía Cuauhtémoc a un costado de Tlatelolco, sirvió como locación de la boda del Gobernador Celis en esa misma producción de Netflix.

Otras series dejaron huella en distintas colonias. La Casa de las Flores se filmó en la alcaldía de Tlalpan, cerca del parque Cumbres del Ajusco. Soy tu Fan recorrió Coyoacán, la Roma y Polanco. Sense8 utilizó el Museo Anahuacalli de Xochimilco, estudio del pintor Diego Rivera, como una de sus locaciones internacionales.

La miniserie Me late que sí (Netflix, 2025), protagonizada por Alberto Guerra, recreó la atmósfera burocrática de la capital en exteriores de colonias como San Rafael y Santa María la Ribera, además de las oficinas de Pronósticos para la Asistencia Pública en Insurgentes Sur.

Para quienes prefieren un recorrido guiado, The Film Tours México ofrece itinerarios por el Centro Histórico que incluyen el Palacio de Bellas Artes, el Palacio Postal y el Colegio de San Ildefonso, con referencias a producciones nacionales e internacionales.

Puerto Vallarta, la Acapulco que no es Acapulco

Uno de los casos más llamativos del “turismo de pantalla” en México es el de la serie Acapulco de Apple TV+. Aunque la historia transcurre en el puerto guerrerense en 1984, toda la filmación se realizó en Puerto Vallarta, Jalisco, específicamente en el Hotel Barceló, cuya fachada rosa se convirtió en el sello visual de la producción.

La serie, que cuenta con la participación de Eugenio Derbéz, transformó ese hotel en un destino reconocible para sus seguidores.

Tequila y sus haciendas, el escenario de Monarca

El Pueblo Mágico de Tequila, en Jalisco, es la locación central de Monarca, serie de Netflix producida por Salma Hayek que narra la disputa de tres hermanos por un imperio tequilero familiar.

Los campos de agave azul, el centro histórico del municipio y haciendas del siglo XVII conforman el paisaje de la producción. Dos de esas propiedades son visitables: la Hacienda de El Carmen, ubicada entre los volcanes de Tequila y Ameca en El Carmen de Ordaz, que hoy opera como hotel con spa y lago; y la Hacienda de Labor de Ribera, también usada durante el rodaje.

Ambas reciben visitantes y ofrecen hospedaje.

Oaxaca y Mérida, la cocina como guía

Chef’s Table de Netflix dedicó el cuarto episodio de su segunda temporada al chef Enrique Olvera, con los mercados y calles de Oaxaca como telón de fondo. Ese recorrido visual por la capital oaxaqueña está ligado al origen de su mole madre, uno de los platos más reconocidos de la gastronomía mexicana contemporánea.

El documental Salt, Fat, Acid, Heat llevó a la chef Samin Nostrat a los mercados de Mérida, Yucatán, para explorar los sabores de la región: naranja, miel y las salsas locales que definen la cocina yucateca.

Chihuahua y Baja California Sur, la naturaleza en primer plano

El documental Lorena, la de pies ligeros (Netflix) muestra la comunidad rarámuri de Guachochi, en la sierra de Chihuahua, conocida como la capital del mundo rarámuri. Para llegar a la casa de Lorena, la producción cruzó ríos, desfiladeros y la Barranca Sinforosa, un paraje alejado de los circuitos turísticos convencionales.

En el extremo opuesto del país, el documental Nuestro Planeta exhibe el Parque Nacional Bahía de Loreto, en Baja California Sur, que alberga el 70% de las especies marinas de México, incluida la ballena azul. Jacques Cousteau describió esa zona como “el acuario del mundo”.

Seis años después de haber desatado a Godzilla, el director japonés Ishiro Honda liberó un monstruo más pequeño pero no menos aterrador sobre los desprevenidos habitantes de Tokio. Mizuno, el villano de la película de de 1960, Human vapor, podía convertirse en una nube de gas blanco, capaz de deslizarse dentro de las bóvedas de los bancos y asfixiar a cualquiera en su camino. En forma humana, entraba en una sala llena de policías y reporteros y se identificaba con frialdad como el ladrón de bancos, sabiendo que podía escapar por cualquier conducto de ventilación cercano.

Human vapor es un artefacto sumamente entretenido, impregnado del estilo preciso de Honda y anticipando varias tendencias incipientes del cine vibrante de los sesenta: el sonriente y sanguinario Mizuno sería un excelente villano de James Bond, y su obsesión con una bailarina etérea y de formación clásica sería un recurso típico en el cine de terror europeo elegante.

Siete décadas después, la película de robo y ciencia ficción de Honda —un respiro respecto a sus filmes de monstruos gigantes kaiju— ha sido rehecha como una serie de Netflix, Human Vapor, y su linaje probablemente atraiga la atención de los aficionados al género. El cineasta surcoreano Yeon Sang-ho, director de las populares películas de zombis Estación Zombie: Tren a Busan y Peninsula, tenía una debilidad por la original, y trabajó con el estudio de Honda, Toho, para desarrollar la serie con reparto, equipo y ambientación japoneses. La dirigió Shinzo Katayama (Gannibal).

Algunos de los cambios que Yeon, quien escribió la serie, y sus colaboradores han realizado —además de eliminar el artículo “The” del título en inglés— son los habituales para la adaptación de una serie en streaming. Human Vapor tiene mucho más trama: ahora están involucrados los yakuza, junto con un equipo de hermanos que conduce una serie de terror en video en línea, y las historias de fondo de los personajes principales se exploran e interconectan con mayor profundidad. Otros cambios reflejan los estándares cambiantes del gusto, como la nueva capacidad del hombre gas para hacer explotar a sus víctimas desde adentro.

Y luego, algunos cambios se sienten más específicos de nuestra época. La película original reflejaba las ansiedades de su era, pero era ante todo un entretenimiento, un golpe de ciencia ficción envuelto en un romance trágico. Human Vapor, en consonancia con nuestras propias inquietudes, convierte a su personaje principal en un gólem semiconsciente, un avatar de la venganza en una historia que ha sido ampliada —o reducida— a una parábola ecológica antiautoritaria y anticapitalista. Sigue siendo razonablemente entretenida, pero su ambiente reservado y sombrío puede volverse agotador a lo largo de ocho episodios.

Dos personajes centrales de la película, el detective de policía Okamoto (Shun Oguri) y la reportera Kono (Yu Aoi), regresan en formas más melancólicas y abatidas, ambos persiguiendo al villano pero a menudo trabajando con propósitos opuestos. El vapor (una actuación debut de la modelo Uta Uchida, acreditada como UTA) es ahora más bien un terrorista justiciero que un criminal, aniquilando a un invitado de un talk show y eliminando a un ex yakuza en una cadena de asesinatos cuya motivación remite a una falsa organización benéfica para indigentes.

Con alguna que otra excepción, como Asura de Hirokazu Kore-eda, el drama televisivo japonés de acción real no es un formato con una historia distinguida; parece probable que la mayor parte del talento narrativo del país sea atraído por la industria del anime. Bajo ese estándar, Human Vapor, que cuenta con actuaciones sólidas y una producción profesional —y que en su mayoría evita la sentimentalidad infantil— es un avance.

Esto es mérito de Netflix, que también presentó Asura y la miniserie La cocinera de Maiko House. Al mismo tiempo, hay una blandura en la ejecución de Human Vapor, en la ligera monotonía de sus escenas de acción y violencia, que también es un sello distintivo de la plataforma. Saber con exactitud qué esperaba un estudio como Toho en 1960 puede haber proporcionado más libertad creativa que adivinar qué le agradará a una plataforma monolítica en 2026.

Fuente: The New York Times

[Fotos: prensa Netflix]

El éxito de Las Guerreras K-pop ha estado en gran parte en el poder de sus canciones, que se adaptaron a diferentes ídomas y en español latino ofrece una versión con un doblaje de alto nivel con temas que son tendencia en redes sociales y plataformas de streaming.

Ver la película en el ídoma de nuestra región es una buena opción para que tanto niños como adultos compartan y disfruten de la película de Netflix, que ya cumplió un año, pero sigue generando interés y visualizaciones.

Cómo ver las Guerreras K-pop online

Para quienes buscan una experiencia segura y de calidad, Netflix es la única plataforma digital con derechos oficiales para distribuir y reproducir Las Guerreras K-pop a nivel global. Solo a través de este servicio de streaming se puede acceder a la película en alta definición o 4K, dependiendo del tipo de suscripción y del dispositivo utilizado.

Netflix facilita la visualización del filme desde computadoras, celulares, tabletas, televisores inteligentes y consolas, gracias a la compatibilidad de su aplicación oficial.

Además, permite seleccionar el idioma de audio y los subtítulos, adaptados a la región y preferencia del usuario. Esta opción resulta especialmente útil para quienes desean escuchar el doblaje en español latino, ya sea porque disfrutan más de este idioma o porque buscan compartir la película con toda la familia.

Una de las mayores ventajas de recurrir a aplicaciones oficiales como Netflix es la experiencia personalizada y segura que brinda. Permite crear perfiles individuales, establecer controles parentales, modificar la calidad de reproducción según la conexión a internet y elegir los subtítulos o el idioma de audio preferido.

La suscripción elimina la presencia de publicidad y protege los datos personales del usuario, diferenciándose de los servicios no oficiales que pueden comprometer la privacidad.

Cómo configurar Netflix para ver Las Guerreras K-pop en español latino

Hay dos métodos principales para ver la película en español latino: cambiar el idioma solo para la reproducción actual o modificar la configuración del perfil para que todas las películas y series se vean en ese idioma.

Para cambiar el idioma durante la reproducción, basta con iniciar la película, desplegar el menú de controles, seleccionar el botón de audio y subtítulos y escoger “Español” o “Español (Latinoamérica)”. Si se prefiere, también se puede activar o desactivar los subtítulos.

Para cambiar el idioma de todo el perfil, se debe acceder a la pantalla de selección de perfiles, entrar a “Administrar perfiles”, elegir el usuario y modificar el idioma de la pantalla a “Español (Latinoamérica)”. Así, siempre que haya doblaje latino disponible, Netflix lo reproducirá por defecto.

Cómo ver Las Guerreras K-pop en cualquier pantalla

Acceder a Las Guerreras K-pop desde cualquier dispositivo es sencillo. En celulares Android o iPhone, basta con descargar e instalar la aplicación de Netflix desde la tienda oficial, iniciar sesión, buscar la película y darle al botón de reproducir. El formato móvil es ideal para quienes desean ver la película en movimiento o aprovechar audífonos para una mejor experiencia sonora.

En televisores inteligentes, la aplicación de Netflix suele venir preinstalada. Solo hay que buscar la película y empezar la reproducción. También existen opciones como transmitir desde el celular usando el ícono de “Cast” o conectar la computadora al televisor mediante un cable HDMI, solución útil para quienes no cuentan con Smart TV.

Netflix también permite descargar la película en dispositivos compatibles para verla sin conexión, función muy valorada por quienes viajan o no siempre disponen de internet.

Por qué evitar alternativas piratas

El interés por Las Guerreras K-pop ha provocado la aparición de sitios y aplicaciones no oficiales que prometen acceso fácil a la película. Sin embargo, recurrir a estas vías implica riesgos importantes.

Según ESET, muchas de estas apps no están en tiendas oficiales, obligando a los usuarios a descargar archivos de origen dudoso, lo que puede exponer los dispositivos a software malicioso.

Uno de los mayores peligros son los permisos excesivos que solicitan estas aplicaciones, como acceso a cámara, micrófono o archivos personales. El uso de estos servicios puede comprometer la seguridad digital, facilitar el robo de datos bancarios y contraseñas o afectar el funcionamiento del dispositivo y la red doméstica.

Además, según INTERPOL, descargar o ver contenido protegido sin autorización puede derivar en consecuencias legales, desde bloqueos de acceso hasta procesos judiciales.

Netflix, al ser la única plataforma autorizada, garantiza calidad de imagen, estabilidad y soporte técnico en varios idiomas, eliminando estos riesgos y asegurando una experiencia positiva para el usuario.

Netflix fijó para 2026 el estreno global de Más allá de la sociedad, una serie documental de tres episodios creada por J.A. Bayona y Carlos Torres que, por primera vez en una misma obra, reunió a los supervivientes del vuelo 571 y a los familiares de quienes no volvieron, con testimonios inéditos sobre la tragedia ocurrida en los Andes en 1972.

La plataforma presentó el proyecto como una extensión directa del universo narrativo que Bayona abordó en La sociedad de la nieve (2023), pero con una premisa de producción distinta: trasladó a gran parte del reparto de esa película al lugar del accidente para articular un encuentro entre los protagonistas reales y quienes los interpretaron en la ficción.

El proyecto sumó además voces clave de las versiones previas de esta historia: participaron los escritores Piers Paul Read (¡Viven!) y Pablo Vierci (La sociedad de la nieve), y los cineastas Frank Marshall (¡Viven!) y el propio Bayona, según informó Netflix en su presentación.

La serie reconstruyó los cincuenta años posteriores al accidente y planteó una pregunta de fondo para sus personajes: cómo se reorganizó la vida después del rescate, tanto para los supervivientes como para las familias de las víctimas, en un contexto en el que el resto del mundo continuó procesando el caso a través de libros, películas y documentales.

Una docuserie que llevó al elenco al lugar del accidente para cruzar realidad y ficción

Más allá de la sociedad se desarrolló en el mismo escenario del siniestro, en los Andes, adonde Bayona y parte del elenco de La sociedad de la nieve viajaron para propiciar lo que Netflix definió como “un singular encuentro entre la realidad y la ficción”.

La serie documental quedó anclada a ese desplazamiento como dispositivo narrativo y de producción. El recorrido a la zona del impacto funcionó como punto de partida para revisar, junto a supervivientes y familiares, el peso del hecho en una comunidad y su transformación en un fenómeno de repercusión mundial que derivó en múltiples obras.

En un pasaje sobre el origen del proyecto, Bayona explicó a partir de ese viaje al Valle de las Lágrimas: “La idea de Más allá de la sociedad surgió cuando decidimos viajar al Valle de las Lágrimas con el elenco de la película. Ninguno de los actores había estado ahí y sentimos que era la mejor manera de cerrar un capítulo muy importante de nuestras vidas y de agradecer a quienes confiaron en nosotros para contar su historia”.

Producción, dirección y el equipo que amplió el relato del vuelo 571

Netflix detalló los roles ejecutivos y creativos del título: Belén Atienza, Sandra Hermida y Bayona figuraron como productores; la creación quedó a cargo de Bayona y Torres; y la dirección recayó en Carlos Torres.

El foco del relato se concentró en el después: el punto donde la historia, para los supervivientes y las familias, “recién empezaba” tras el rescate, mientras el silencio se imponía entre protagonistas y el interés público se sostenía con nuevas lecturas y adaptaciones.

La serie también integró, en el mismo dispositivo, a autores y realizadores vinculados a las principales reconstrucciones previas del caso: Read y Vierci por el lado editorial, y Marshall y Bayona desde las adaptaciones cinematográficas, con testimonios en primera persona dentro del documental.

El vuelo 571, el rescate y el dato operativo que estructura el caso

La tragedia del vuelo 571 ocurrió el 13 de octubre de 1972, cuando el avión de la Fuerza Aérea Uruguaya que trasladaba a Chile a integrantes del club de rugby Old Christians Club de Montevideo, junto a allegados y cinco tripulantes, se estrelló en la cordillera de los Andes, en territorio de Argentina.

Sobrevivieron 16 de los 40 pasajeros. Permanecieron 72 días en la nieve hasta el rescate.

Sobre el cruce entre los hechos y la representación, Bayona recordó el efecto que tuvo el viaje con el reparto al lugar del accidente: “Allí tomamos conciencia de hasta qué punto la historia real y las personas que vivieron la tragedia estaban ya íntimamente entretejidas con los que habíamos creado la ficción”.

La nueva serie llega con una base comercial inusual para un clásico televisivo: los libros de Laura Ingalls Wilder han vendido más de 73 millones de ejemplares y la adaptación original sumó 13.000 millones de minutos de visionado en streaming solo en 2024.

La ficción, creada por Rebecca Sonnenshine y producida ejecutivamente por Trip Friendly, hijo del productor original Ed Friendly, sigue a los Ingalls en su marcha hacia el Oeste en la estela de la Guerra Civil estadounidense. El arranque sitúa a Laura con ocho años mientras recuerda el viaje de casi 800 millas hacia Independence, en Kansas, una travesía que la serie presenta desde el primer episodio como físicamente peligrosa con un cruce de río que pone en riesgo la vida de la familia.

La misma historia para nuevos públicos

Alice Halsey interpreta a Laura, Crosby Fitzgerald a Caroline, Luke Bracey a Charles y Skywalker Hughes a Mary. La publicación estadounidense describe la producción como una mezcla de drama familiar y relato de aventuras con un comienzo pausado, pero sostenido por temas que considera centrales: el peso del patriarcado en la vida doméstica y el vínculo entre hermanas.

El núcleo del relato vuelve a ser reconocible: una familia que abandona su granja y a sus allegados para buscar una nueva vida con muy pocos recursos. En ese trayecto aparecen ayudas puntuales, problemas de dinero, figuras hostiles y reveses graves, mientras Charles toma decisiones que condicionan el bienestar de Caroline y de sus hijas.

La serie insiste en esa asimetría incluso cuando presenta a Charles como un hombre afectuoso con su esposa y sus hijas para los parámetros de la época. Escenas dedicadas a la construcción de la casa, un robo y un embarazo esperado sirven para mostrar que Caroline, Mary y Laura apenas tienen margen de decisión sobre el rumbo de sus vidas.

La relación entre Mary y Laura ocupa un lugar central. La primera aparece como una niña responsable, silenciosa y más inclinada a la costura y a ayudar a su madre; la segunda, como una figura voluntariosa, intrépida y reacia a las tareas domésticas y a las clases. Esa oposición se traslada a los roces entre ambas, presentados no solo como fricción entre hermanas, sino como el choque entre dos temperamentos distintos obligados a convivir en condiciones extremas.

Una versión que llega en pleno auge conservador

El regreso de la franquicia no se ha producido en un vacío cultural. La nueva adaptación llega en un momento recorrido por la confluencia de varias corrientes: el resurgir del interés por la autosuficiencia desde la pandemia, la estética rural asociada al ‘cottagecore’ y la popularidad de las ‘tradwives’ en redes sociales, con su defensa de la domesticidad y la vida agraria idealizada.

Ese contexto ha reabierto también la batalla política alrededor de la obra. Cuando Netflix anunció el proyecto en enero del año pasado, la presentadora conservadora Megyn Kelly escribió en X: “Netflix, si la ‘wokeizáis’, convertiré en mi misión arruinar vuestro proyecto”. Melissa Gilbert, que interpretó a Laura en la serie original, replicó que aquella ficción ya abordó “racismo, adicción, nativismo, antisemitismo, misoginia, violación, maltrato conyugal y cualquier otro tema ‘woke’ que se te ocurra”.

El propio Bracey pidió a Kelly que viera antes la serie. “No tenía ni idea de eso. No tengo ninguna conexión con las redes sociales. Pero no ha visto la serie… que vea la serie”, declaró al The Guardian.

La discusión no es solo contemporánea. El mismo periódico recuerda que Rose Wilder Lane, hija de la autora y figura vinculada al origen del movimiento libertario en Estados Unidos, reescribió de forma intensa el material autobiográfico de su madre tras el crack de 1929 y reforzó una visión del pionero estadounidense como héroe resistente, optimista y desconfiado de la ayuda pública.

La nueva serie incorpora de forma explícita el conflicto racial y colonial, aunque las críticas no coinciden en la valoración de ese esfuerzo. Variety señala que el racismo, los prejuicios y la desconfianza entre colonos y la tribu Osage, así como entre los colonos blancos y la población negra del pueblo, tienen presencia destacada, aunque en una versión más suavizada de lo que fue la realidad histórica.

Entre los personajes subrayados por esa crítica está Dr. Tann, interpretado por Jocko Sims, un médico negro inspirado en una figura real que salva la vida de los Ingalls y ejerce como único facultativo en kilómetros a la redonda. El medio entiende que su presencia muestra una dimensión poco representada de la experiencia ‘afroestadounidense’ de la época.

La serie también aborda el carácter depredador del Gobierno frente a los pueblos indígenas y cómo ese proceso devastó de forma permanente a generaciones que vivían en esas tierras. A eso suma el papel del ferrocarril como precedente de otras grandes empresas capaces de atraer a ciudadanos ingenuos con la promesa de una porción del sueño americano.

The Guardian añade que Netflix ha contado con Julie O’Keefe como consultora ‘osage’ y que la ficción se sitúa en la estancia de los Ingalls en una reserva osage del sureste de Kansas a finales de la década de 1870. El diario, aun así, considera que la representación sigue siendo limpia y amortiguada para un periodo atravesado por la brutalidad, la subordinación y la explotación. La plataforma ya ha renovado la serie por una segunda temporada.

La serie arranca en un pueblo rural mexicano y sigue a Miguel, interpretado por Aldo Emiliano Navarro, después de que descubra a Felipe, un niño encadenado bajo un viejo depósito de agua junto a la casa ruinosa de una supuesta bruja.

Miguel pasa los días jugando al fútbol con su hermana pequeña María, su primo Chuy y otros niños del vecindario. En casa, la situación económica es precaria porque una plaga ha arrasado la cosecha de café y ha destruido el sustento de sus padres, Pino y Teresa, mientras la familia también lidia con el asma crónica de María.

Entre juegos y descubrimientos oscuros

Miguel es un niño aún alegre y despreocupado, cuyo problema más inmediato parece ser evitar a Calavera, el matón del barrio. Ese equilibrio infantil empieza a resquebrajarse cuando Félix, el hermano mayor del acosador, alimenta entre los niños la historia de una bruja malvada que vive en el bosque y mata a los pequeños.

La desaparición repentina de Chuy y de sus padres, Rosalío y Margarita, siembra las primeras sospechas en la comunidad. El giro decisivo llega cuando Miguel tropieza con Felipe, retenido con una cadena en la pierna, y decide llevarle comida y agua mientras le cuenta cómo va México en el Mundial de fútbol.

Con su padre fuera por trabajo y su madre desbordada por los problemas domésticos y económicos, el niño intenta resolver solo una situación que no comprende del todo. Cuando descubre que no tiene ni la fuerza ni las herramientas necesarias para liberarlo, recurre a Calavera, el muchacho más fuerte que conoce.

Ahí se activará el doble mecanismo de la serie: un misterio sostenido desde la mirada infantil y un relato de crecimiento que muestra hasta qué punto la niñez es frágil. Miguel no solo cuida de su nuevo amigo, sino que incluso renuncia a su tiempo de ocio, mientras percibe la tensión financiera de sus padres aunque ellos intenten ocultársela.

El episodio tres, titulado El hombre gusano, coloca las piezas principales de la trama y rompe la ligereza con la que Miguel había mirado el mundo hasta ese momento, mostrando el rostro de horror del protagonista cuando comprenda quién está detrás del secuestro de Felipe, una revelación que se presentará como un conocimiento que ningún niño debería llegar a tener.

Entre el pasado y el presente

La tensión se mantendrá gracias a una cronología no lineal. La serie se abre cuando Felipe ya ha sido encerrado en el depósito de agua y después va y viene entre 1981 y el momento previo al descubrimiento de Miguel y de sus gafas rotas.

Ese retroceso temporal dibuja un contraste material muy preciso. Solo cinco años antes, el pueblo prosperaba gracias a una cosecha de café abundante; después, los cultivos tuvieron que ser quemados y desapareció el único recurso relevante de la zona.

La comparación entre aquel pasado y el presente arruinado sirve para explicar qué hace la carencia en una comunidad en apariencia normal. Ese desplazamiento sirve para mostrar cómo la desigualdad social y la desesperación pueden desembocar en actos de violencia extremos.

La miniserie está encabezada por Regina Arroyo como María, Luis Alberti como Pino, Fátima Molina como Teresa, Bruno Strauss como Chuy, Mauro Guzmán como Calavera, Cosmo Gonzalez como Félix y Yago Andreu como Felipe.

La novela No tengo miedo consolidó a Niccolò Ammaniti como uno de los escritores más populares tanto fuera como dentro de su país, Italia. Se trataba de una historia de infancia y pérdida de la inocencia que se puede extrapolar a cualquier lugar, aunque la novela contenía un fuerte sustrato autóctono a la hora de hablar de la desaparición del mundo rural del sur de Italia que, aquí, se traslada a México.

Titulada La casa de la pradera (Little House on the Prairie), la producción retoma el relato original de los libros con un nuevo elenco, un enfoque distinto sobre la vida en la frontera estadounidense y una cronología diferente a la que conocieron los espectadores de la versión protagonizada por Michael Landon.

La serie está desarrollada por Rebecca Sonnenshine, quien también se desempeña como showrunner y productora ejecutiva.

Desde el anuncio del proyecto, la producción ha señalado que el objetivo es acercarse al material literario de Wilder y recuperar elementos que no fueron desarrollados en la adaptación televisiva emitida entre 1974 y 1983.

Uno de los principales cambios respecto a la serie clásica es el lugar donde inicia la historia. Mientras que para muchos espectadores La familia Ingalls está asociada con Walnut Grove, Minnesota, la nueva adaptación sitúa su primera temporada en las praderas cercanas a Independence, Kansas, siguiendo el orden cronológico de las novelas.

De acuerdo con Sonnenshine, esta decisión responde a la intención de respetar el recorrido planteado por Laura Ingalls Wilder en sus libros. En la saga literaria, la familia construye su primera casa en Kansas antes de trasladarse a otros lugares, entre ellos Walnut Grove, escenario que aparece más adelante en la historia.

La primera temporada de la serie de Netflix está inspirada principalmente en el tercer libro de la saga y comienza cuando Charles y Caroline Ingalls dejan los bosques de Wisconsin para emprender un viaje hacia el oeste junto con sus hijas Laura y Mary.

El avance oficial muestra a la familia levantando su nueva vivienda, estableciendo relaciones con los habitantes de la zona y enfrentando los desafíos propios de la vida en la frontera estadounidense durante el siglo XIX.

Entre ellos aparecen enfermedades, incendios, condiciones climáticas adversas, animales salvajes y las dificultades de construir un nuevo hogar en un territorio desconocido.

En uno de los momentos del tráiler, Charles Ingalls explica que busca “un nuevo comienzo para mi familia”, mientras que Caroline lo anima a continuar cuando surgen dudas sobre la decisión de abandonar su vida anterior.

Un nuevo elenco para interpretar a la familia Ingalls

La producción incorpora un reparto completamente renovado para dar vida a los personajes principales.

Alice Halsey interpreta a Laura Ingalls, mientras que Luke Bracey asume el papel de Charles “Pa” Ingalls. Crosby Fitzgerald da vida a Caroline “Ma” Ingalls y Skywalker Hughes interpreta a Mary Ingalls.

El elenco también incluye a Warren Christie como John Edwards, Jocko Sims como el doctor George Tann y Maclean Fish como Adam Scott.

Además, la serie presenta nuevos personajes pertenecientes a una familia osage creada específicamente para esta adaptación: William Mitchell, White Sun y Good Eagle, interpretados por Meegwun Fairbrother, Alyssa Wapanatâhk y Wren Zhawenim Gotts, respectivamente.

Otra de las diferencias con la adaptación televisiva de los años setenta es la incorporación de la perspectiva de las comunidades indígenas que habitaban el territorio antes de la llegada de los colonos.

Netflix informó previamente que la historia abordará tanto la experiencia de la familia Ingalls como la de la comunidad osage, con el propósito de mostrar distintos puntos de vista sobre la expansión hacia el oeste de Estados Unidos.

La consultora cultural osage Julie O’Keefe, quien colaboró en el desarrollo de la serie, explicó que desde las primeras conversaciones sobre el proyecto se planteó la necesidad de incluir ambas perspectivas dentro del relato.

Para ello, la producción trabajó junto con O’Keefe y con Robert Warrior, académico de la Universidad de Kansas, quienes participaron como asesores en aspectos relacionados con el diseño de producción, el vestuario, la utilería y la representación cultural.

De acuerdo con Tudum, más de mil objetos utilizados en la serie fueron elaborados por artesanos de la Nación Osage.

La showrunner explicó que leyó los libros desde la infancia y que esa experiencia influyó en el desarrollo del proyecto. También indicó que uno de los objetivos fue trasladar a la pantalla los detalles presentes en las obras originales y respetar la cronología planteada por la autora.

Según la sinopsis oficial, la serie ofrecerá una visión de las experiencias de quienes participaron en la construcción de la frontera estadounidense, ampliando el enfoque más allá del punto de vista de los colonos.

El encuentro entre ambas intérpretes ocurrió durante una visita sorpresa de Gilbert y terminó convirtiéndose en un momento especial para la joven actriz.

“Melissa Gilbert vino al set un día y pudimos conocerla, y ella es muy amable”, contó Halsey a la revista PEOPLE. “Salí corriendo y le di un gran abrazo”. La actriz agregó: “Ni siquiera nos conocíamos. Simplemente la vi y corrí hacia ella. Creo que es una persona muy agradable. Fue muy comprensiva, muy comprensiva. Eso hizo que me sintiera bienvenida en el mundo de La familia Ingalls”.

La presencia de Gilbert en ese día de rodaje representó una especie de relevo simbólico para el personaje que la convirtió en una estrella infantil.

La actriz interpretó a Laura durante toda la serie original y también participó en tres películas televisivas posteriores. Ahora, Halsey toma la posta en una nueva versión que busca acercarse más a las novelas de Laura Ingalls Wilder que inspiraron la historia.

Alice Halsey, la nueva voz de Laura Ingalls

Antes de ganar el protagónico infantil en La casa de la pradera, Alice Halsey ya había llamado la atención con otros trabajos en televisión. La actriz participó en Lessons in Chemistry, donde interpretó a Madeline, la hija del personaje de Brie Larson. Su actuación fue destacada por la dinámica que construyó con Larson dentro de la historia.

También formó parte del elenco de Days of Our Lives, tuvo apariciones en Night Court y participó en proyectos de doblaje como Kindergarten: The Musical.

Para interpretar a Laura Ingalls, Halsey aseguró que realizó una preparación exhaustiva. “Leí mucho los libros, leí mucho los guiones. Me preparé muchísimo para poder entender quién es Laura”, explicó. Además, después de terminar las grabaciones de la primera temporada, decidió ver algunos episodios de la producción clásica y aseguró que disfrutó la serie original.

La joven intérprete también reconoció el peso de interpretar a un personaje que ha acompañado a varias generaciones. “Creo que es un enorme privilegio poder interpretar a este personaje increíble”, afirmó.

Una nueva adaptación de la historia de los Ingalls

La versión de Netflix de La familia Ingalls no plantea un reinicio directo de la serie de los años 70, sino una adaptación más cercana a los libros de Wilder. La primera temporada se inspira en la tercera novela y sigue a la familia Ingalls mientras establece su hogar cerca de la comunidad de Independence, Kansas, con Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls.

La producción fue desarrollada por la showrunner Rebecca Sonnenshine y busca presentar nuevamente el universo de Laura Ingalls a una audiencia contemporánea, sin dejar de lado los elementos centrales de la historia: la familia, la comunidad y la adaptación a una nueva vida en la frontera estadounidense.

La primera temporada de La familia Ingalls (La casa de la pradera) de Netflix se estrenará el 9 de julio.

La serie documental Más allá de la sociedad reunirá, por primera vez en una misma producción, testimonios inéditos de familiares y sobrevivientes del accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya ocurrido en 1972 en los Andes. La obra, dirigida por Carlos Torres y concebida por Juan Antonio Bayona, director de la exitosa película La sociedad de la nieve,busca explorar el impacto duradero de aquella tragedia que, medio siglo después, sigue marcando la vida de una comunidad.

El documental, que se estrenará en Netflix en 2026, está estructurado en tres episodios y contará con la participación de parte del elenco de la película original, nominada a un premio Oscar en 2024. Todos ellos se trasladaron hasta el lugar original del accidente, en lo que desde Netflix describen como “un singular encuentro entre la realidad y la ficción”, que busca situar a todos los implicados en el escenario real de los hechos.

La historia del vuelo 571, que transportaba a miembros del Old Christians Club de Montevideo, varios allegados y cinco tripulantes rumbo a Chile ya había sido adaptada al cine y la literatura en numerosas ocasiones. Durante los 72 días que permanecieron varados en la nieve, 16 de los 40 pasajeros del avión estrellado resistieron hasta su rescate, mientras la magnitud de la tragedia trascendía fronteras y se convertía en un fenómeno mundial. La serie recorrerá no solo los hechos de 1972, sino las cinco décadas posteriores, haciendo hincapié en la huella que el accidente dejó en los protagonistas y en la cultura popular.

Testimonios inéditos y voces de autores

En la serie participan también escritores que documentaron la tragedia, entre ellos Pablo Vierci (quien firma el libro homónimo en el que se inspiró la producción de Bayona) y Piers Paul Read, autor de ¡Viven!, también adaptado. Además, intervienen cineastas como Frank Marshall y el propio Bayona, responsables de trasladar la historia a la pantalla grande en distintas épocas.

“La idea de esta serie documental surgió cuando decidimos viajar con el reparto de la película La sociedad de la nieve al lugar del accidente, el Valle de las Lágrimas, donde ninguno de los actores había estado”, ha contado el director español tras el anuncio del proyecto. Fue en ese entorno cuando comprendieron “hasta qué punto la historia real y las personas que vivieron la tragedia estaban ya íntimamente entretejidas con los que habíamos creado la ficción”.

Así, la serie documental propone un recorrido por los cincuenta años posteriores al accidente, abordando cómo aquel suceso marcó a los supervivientes, familiares y a una sociedad entera. Más allá de la sociedad no solo recupera el pasado, sino que también indaga en la memoria y las consecuencias colectivas del accidente, resaltando su influencia en la literatura, el cine y la cultura popular internacional. A través de los relatos de quienes vivieron el accidente y de quienes lo reinterpretaron en el arte, la producción de Bayona y Torres promete ofrecer una mirada renovada y profunda sobre uno de los episodios más conmovedores del siglo XX.

Cuando el verano irrumpe con sus días largos y el calor invita a buscar refugio en piscinas, playas o bosques, el cine ofrece relatos que exploran el lado oculto de la temporada más luminosa. Piscinas vacías, playas salvajes y grandes aventuras bajo el sol se convierten en paisajes donde adolescentes y adultos se enfrentan a transformaciones profundas, decisiones difíciles y momentos de autodescubrimiento. Estas historias no solo evocan la libertad, sino también la incertidumbre y el vértigo de crecer.

Películas como El nadador convierten la travesía acuática en una metáfora del ocaso y la introspección, mientras que El graduado retrata la confusión y el desconcierto de quienes buscan sentido tras el fin de una etapa. Otras, como Los reyes del verano, imaginan la fuga adolescente como un experimento de independencia que revela la complejidad de los lazos familiares. Los amos de Dogtown lleva la acción a las piscinas vacías de Los Ángeles, donde la rebeldía y la invención marcan el nacimiento de una cultura. Finalmente, Creatura aborda la construcción de la identidad y el deseo en un entorno costero que invita a mirar de frente el pasado.

El nadador (Filmin)

Considerada todo un clásico de culto, El nadador parte de un relato del escritor estadounidense John Cheever para ilustrar el ocaso de toda una generación, la que retrata a través de los ojos de Ned Merrill (Burt Lancaster), una suerte de Donald Draper que surca su barrio a través de piscinas de vecinos. En su aventura se irá reencontrando con viejos amigos y otros que ya no lo son tanto, mientras comienza a darse cuenta del daño que ha hecho y de todas esas cosas que tenía que cuidar y que decidió ignorar metiendo la cabeza bajo el agua.

La película fue además una de las que marcó la transición del Hollywood al Nuevo Hollywood, con una serie de cambios en la forma de filmar que ya se atisbaban en Bonnie y Clyde y que serían continuados con toda la camada de directores de los años 70, desde Martin Scorsese y Brian de Palma a Francis Ford Coppola.

El graduado (Amazon Prime y Filmin)

La última escena de El graduado condensa el desconcierto de toda una generación. Benjamin Braddock, interpretado por Dustin Hoffman, acaba de irrumpir en una iglesia y escapar con Elaine Robinson. Entre miradas de sorpresa y respiraciones agitadas, ambos suben a un autobús, sucios y eufóricos. El silencio de los minutos finales revela una pregunta tácita: ¿qué viene después de romper con todo? La película, dirigida por Mike Nichols, retrata la incomodidad de un joven atrapado entre expectativas familiares y la rutina de la vida acomodada en los suburbios de Estados Unidos. Benjamin, recién graduado, se siente perdido y sin un propósito claro. Su relación con la señora Robinson, madre de Elaine, es tanto una huida como una búsqueda de sentido.

A lo largo de la historia, la banda sonora de Simon & Garfunkel acompaña el vacío existencial del protagonista. Nichols utiliza planos largos y silencios para subrayar la apatía y el desconcierto. El guion evita respuestas fáciles y muestra el peso de las decisiones impulsivas. El filme plantea el dilema de una juventud que, aun desafiando las reglas sociales, no encuentra respuestas inmediatas a su malestar. La historia de Benjamin ilustra el tránsito entre la rebeldía y la incertidumbre adulta.

Los reyes del verano (Amazon Prime)

Su protagonista está de rigurosa actualidad con el estreno de Mensajes de voz para Isabelle en Netflix, pero pocos saben que Nick Robinson se dio a conocer con esta aventura adolescente. Dirigida por Jordan Vogt-Roberts, quien luego haría Kong: La isla calavera, la película cuenta la historia de tres jóvenes que se “autoindependizan” de sus familias huyendo al bosque para vivir su propia vida, aunque sea durante un verano.

La fotografía naturalista, los cómicos diálogos a cuenta de secundarios como Nick Offerman (también presente en la película que estrena Netflix ahora) o la música hacen de Los reyes del verano una coming of age imperdible para el verano.

Los amos de Dogtown (Netflix)

El relato de Los amos de Dogtown reconstruye el surgimiento de un fenómeno cultural a partir de las hazañas de un grupo de jóvenes skaters del barrio de Venice, en Los Ángeles. La película dirigida por Catherine Hardwicke se centra en la vida de Tony Alva, Stacy Peralta y Jay Adams, quienes transformaron la cultura del skate a mediados de los años setenta. El filme muestra cómo estos adolescentes, integrantes del equipo Z-Boys, comenzaron a experimentar con patinetas en piscinas vacías durante una fuerte sequía. Esta innovación marcó un antes y un después, ya que su estilo agresivo y creativo redefinió el deporte y lo llevó a una nueva dimensión de popularidad.

La convivencia entre los integrantes del grupo estuvo marcada tanto por la camaradería como por las rivalidades y las oportunidades comerciales que surgieron a su alrededor. La llegada de patrocinadores y la fama pusieron a prueba las relaciones personales, evidenciando las diferencias de carácter y las distintas formas de afrontar el éxito. Los amos de Dogtown responde a una pregunta clave: ¿cómo afecta la fama a quienes nacen en la periferia social? La película ilustra que el reconocimiento repentino trae consigo desafíos y sacrificios, y que el espíritu original puede verse amenazado cuando lo marginal se convierte en mercancía. Al final, los protagonistas deben decidir si priorizan la amistad o el éxito individual, enfrentándose a las consecuencias de sus elecciones.

Creatura (HBO Max)

El tránsito de la niñez a la vida adulta encuentra en Creatura una mirada íntima y sensorial. La película, dirigida por Elena Martín, narra la historia de Mila, una joven que, tras una ruptura sentimental, regresa a la casa familiar en la costa catalana. Este retorno la lleva a confrontar recuerdos de su adolescencia y a revisar la relación con su propio cuerpo y su deseo. A través de una estructura fragmentada, el filme reconstruye las etapas clave de la vida de Mila, desde la infancia hasta la juventud. Cada salto temporal revela cómo experiencias aparentemente menores pueden dejar marcas profundas y duraderas. La exploración de la sexualidad femenina se aborda sin juicios ni idealizaciones, mostrando tanto la curiosidad como la confusión y el peso de los silencios familiares.

La película responde a una pregunta central: ¿cómo influyen los recuerdos y el entorno familiar en la construcción de la identidad? El proceso de Mila (Elena Martín) expone la dificultad de romper con patrones heredados y la importancia de reconciliarse con el pasado para poder avanzar. En Creatura, la cámara y el paisaje costero se convierten en testigos silenciosos de una transformación interior. El relato muestra que crecer implica aceptar lo vivido y atreverse a mirar de frente aquello que durante años se prefirió callar.

Aunque para muchos seguidores podría parecer un cambio radical, la decisión responde al objetivo de acercarse a las novelas originales de Laura Ingalls Wilder, en las que se inspira la producción que llegará a la plataforma el 9 de julio.

Así lo explicó la showrunner Rebecca Sonnenshine, responsable de la serie titulada La casa de la pradera. “Quiero que la gente sepa, antes que nada, que todos los que hacen esta serie se preocupan por los libros, por darles vida y por ser lo más auténticos posible, llevando a la pantalla todos esos detalles que la gente ama. A todos les importa muchísimo”, afirmó.

Sonnenshine incluso se definió como “la mayor fan de Little House del mundo", al recordar que leyó los libros cuando tenía apenas cinco años y que esas historias influyeron profundamente en su formación personal y artística.

La productora explicó que, precisamente por ese vínculo con la obra de Wilder, la nueva adaptación retoma la cronología de las novelas en lugar de seguir el camino que popularizó la serie de los años setenta.

Por ese motivo, la primera temporada se desarrolla en las praderas cercanas a Independence, Kansas, donde la familia construye su primera casa en los libros, antes de otros lugares que forman parte del recorrido de los Ingalls, como Walnut Grove, Minnesota, escenario que recién aparece en la cuarta novela de la saga literaria.

No obstante, TV Insider recuerda un detalle que muchos espectadores quizá hayan olvidado: el episodio piloto de la serie original sí mostraba el viaje de la familia Ingalls desde Pepin, Wisconsin, hasta las llanuras cercanas a Independence, antes de establecerse definitivamente en Walnut Grove.

Un nuevo enfoque sobre la frontera estadounidense

Además del cambio de escenario, la adaptación incorporará una perspectiva histórica que apenas tuvo presencia en la producción original.

El tráiler adelantó que, mientras Charles Ingalls busca “un nuevo comienzo para la familia”, los personajes pronto descubren que el territorio donde desean instalarse no es un espacio vacío. Uno de los habitantes del lugar le advierte: “No hay nada gratis en esta tierra”.

La serie también muestra los riesgos del entorno, desde enfermedades y lobos hasta las duras condiciones de supervivencia en la frontera.

Netflix confirmó previamente que esta versión incluirá la perspectiva de las comunidades indígenas dentro de la historia de los Ingalls. La consultora cultural osage Julie O’Keefe explicó a Tudum el motivo de esa decisión: “Si vas a contar esta historia, entonces necesitas contar ambos lados”.

De acuerdo con la sinopsis oficial, la producción ofrecerá “una visión caleidoscópica de las luchas y los triunfos de quienes dieron forma a la frontera”, en lugar de centrarse exclusivamente en la experiencia de los colonos.

Pese a estos cambios, Sonnenshine considera que ambas adaptaciones conservan el elemento que convirtió a La familia Ingalls en un clásico de la televisión.

“Es una historia de amor sobre una familia. Es una familia con la que quieres estar, que quieres conocer y con la que quieres pasar tiempo”, dijo a PEOPLE. “Se apoyan mutuamente, se aman y siempre están ahí los unos para los otros. Se entretienen entre ellos. No había Netflix. Cantaban juntos. Contaban historias juntos”.

La showrunner añadió que la nueva versión también hablará “de hacer el bien, de ser generosos y de encontrar la manera de convertirse en parte de una comunidad”, valores que, a su juicio, comparten tanto los libros como la recordada serie de los años setenta, aunque desde enfoques diferentes.

Con Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald en el papel de Caroline, Alice Halsey como Laura y Skywalker Hughes como Mary, la nueva adaptación llegará a Netflix este 9 de julio. Su segunda temporada ya está confirmada.