Netflix cuenta con una serie de códigos secretos que te permiten acceder a categorías muy concretas de películas, series o documentales. Tal es el caso de las combinaciones numéricas 35800, 9875 y 7424.

Si deseas ver películas románticas con contenido sensual como 365 Días, 50 Sombras de Grey, El amante de Lady Chatterley, solo debes ingresar el código 35800 en el buscador.

La combinación numérica 9875 es para aquellos usuarios que quieren ver true crime, es decir, documentales o series sobre crímenes reales. En Netflix puedes encontrar algunos títulos como El depredador de Sevilla, El secreto del Doctor Grinberg, ¿Qué hizo Jennifer?, entre otras.

Para los amantes del anime, el código 7424 es ideal. Al ingresar estos números en el buscador, Netflix clasifica diversos subgéneros de anime como de adolescentes, fantasía sombría, magía, sobrenatural, terror y más. Algunos títulos son: My hero Academia, Overlord, Black Cover, Toriko y muchos más.

Cómo usar los códigos secretos de Netflix

Para utilizar los códigos secretos, solo es necesario acceder al buscador de la aplicación e ingresar el código numérico correspondiente. Así, la app desplegará los títulos asociados a ese género o subgénero.

La disponibilidad de resultados puede variar según la región y las actualizaciones que implemente Netflix.

Qué otros códigos secretos de Netflix hay

Además de los códigos 35800, 9875 y 7424, existen muchos más como:

Cine dramático

• Cine dramático basado en hechos reales: 3653
• Cine dramático basado en libros: 4961
• Cine dramático biográfico: 3179
• Cine dramático de deportes: 7243
• Cine dramático militar: 11
• Cine dramático político: 6616
• Cine dramático romántico: 1255
• Cine dramático sobre crímenes: 6889
• Cine dramático sobre la farándula: 5012
• Dramas LGBTQ+: 500
• Dramas sociales: 3947

Cine independiente

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine dramático independiente: 384
• Películas de acción y aventura independientes: 11804
• Películas experimentales: 11079
• Películas independientes para reír: 4195
• Películas románticas independientes: 9916

Cine romántico

• Cine dramático romántico: 1255
• Películas románticas clásicas: 31273
• Películas románticas extranjeras: 7153
• Películas románticas independientes: 9916
• Películas románticas para reír: 5475
• Películas románticas sensuales: 35800
• Romances excéntricos: 36103
• Romances inolvidables: 502675

De intriga

• Cine de intriga independiente: 3269
• Cine de intriga política: 10504
• Cine de intriga psicológica: 5505
• Cine de intriga sobrenatural: 11140
• Cine de intriga y acción: 43048
• Cine de intriga y crímenes: 10499
• Cine de intriga y espías: 9147
• Intriga y sci-fi: 11014
• Películas de gánsteres: 31851
• Películas de misterio: 9994
• Thriller extranjero: 10306
• Thrillers clásicos: 46588
• Thrillers sensuales: 972

Música

• Conciertos de rock y pop: 3278
• Conciertos urbanos y de danza: 9472
• Country & western/folk: 1105
• Jazz y easy listening: 10271
• Musicales: 13335
• Musicales clásicos: 32392
• Musicales de Disney: 59433
• Musicales sobre la farándula: 13573
• Musicales teatrales: 55774
• Música del mundo: 2856
• Música infantil: 52843
• Música latina: 10741

Navidad

• British Christmas Kids & Family Movies: 1527064
• Películas familiares canadienses navideñas: 1721544
• Películas familiares navideñas optimistas: 1475066
• Películas infantiles navideñas de los noventa: 1476024
• Películas navideñas disparatadas para ver en familia: 1475071
• Películas navideñas europeas familiares: 1527063
• Películas navideñas infantiles y familiares: 1474017

Otros

• Cine de arte: 29764
• Epopeyas: 52858
• Especiales de stand-up: 11559
• Film noir: 7687
• Películas de fantasía: 9744
• Películas de gánsteres: 31851
• Películas experimentales: 11079
• Películas sobre fe y espiritualidad: 52804
• Solo en Netflix: 839338
• Sátiras: 4922
• Todas las películas: 34399

Películas de acción y aventura

• Cine de intriga y acción: 43048
• Foreign action & adventure: 11828
• Películas asiáticas de acción: 77232
• Películas de acción para reír: 43040
• Películas de acción y aventura clásicas: 46576
• Películas de acción y aventura de espías: 10702
• Películas de acción y aventura militares: 2125
• Películas de acción y aventura sobre crímenes: 9584
• Películas de acción, sci-fi y fantasía: 1568
• Películas de artes marciales: 8985
• Películas de aventura: 7442
• Películas de historietas y superhéroes: 10118
• Películas sobre secuestros: 20541
• Wésterns: 7700

En 2026, pagar por ver series y películas en casa ya no es una sola suscripción, sino una pequeña suma de cuotas mensuales. Netflix sigue marcando el precio alto del mercado, Amazon Prime Video conserva la posición de servicio económico y Movistar+ continúa apostando por un modelo más amplio, que mezcla televisión, cine, series y paquetes con otras plataformas. Es por ello que repasamos los precios y planes de algunas de las plataformas más importantes de nuestro país para este 2026.

Netflix ha vuelto a subir su peso en la factura del entretenimiento. En España, sus tarifas más recientes sitúan el plan con anuncios en 8,99 euros al mes, el plan Estándar en 14,99 euros y el Premium en 21,99 euros, una cifra que refuerza su imagen de plataforma más cara entre las grandes del streaming. La subida confirma una tendencia que ya venía notándose desde 2025: el servicio de referencia en catálogo también es el que más exige al bolsillo.

Amazon Prime Video sigue jugando en otra liga. Su gran baza continúa siendo el precio contenido, con una tarifa que se mantiene muy por debajo de los planes premium de la competencia y que, en muchas comparativas, aparece como la opción más barata entre las plataformas de gran consumo, con 4,99 € al mes o 49,90 € al año. Eso le permite seguir siendo la suscripción de entrada para muchos hogares, sobre todo para quienes priorizan el coste frente al catálogo más amplio o las funciones avanzadas.

Movistar+ y los cambios en otras plataformas

Movistar+ mantiene su propio terreno dentro del mercado español. La oferta básica parte de 11,99 euros al mes, pero el precio real se eleva cuando se añaden paquetes de ficción, cine o deportes, y especialmente cuando se combinan servicios con Netflix. En esas combinaciones, las tarifas publicadas en 2026 van desde 26 euros al mes en las opciones más sencillas hasta 39 euros en los planes con Netflix Premium. La subida de enero ha consolidado a Movistar+ como una propuesta más cercana al paquete televisivo completo que al streaming puro. La plataforma también ha movido ficha en 2026 con una nueva suscripción más barata, lanzando el Plan Libre: Cine y Series, una modalidad por 4,99 euros al mes que elimina el deporte del paquete y se centra en cine, series, programas de entretenimiento y documentales. La oferta llega como una alternativa más ligera frente al plan general de 9,99 euros al mes, que sigue disponible para quien quiera una propuesta más completa.

A ese mapa se suman otras plataformas que completan la factura mensual. Disney+ se mueve en 2026 entre 6,99 y 15,99 euros al mes, según el plan elegido, mientras HBO Max aparece entre 6,99 y 13,99 euros. SkyShowtime también ha ajustado sus tarifas este año y sigue figurando entre las alternativas más baratas, con planes que parten de 5,99 euros al mes. Apple TV+ se sitúa en torno a los 9,99 euros mensuales, una franja intermedia que la deja por encima de las ofertas más básicas, pero por debajo de los planes más caros de Netflix.

La conclusión es clara: el streaming de 2026 ya no se mide por una plataforma, sino por el conjunto de suscripciones que cada hogar decide mantener. Netflix fija el techo, Amazon Prime Video contiene el suelo y Movistar+ transforma la televisión de pago en un paquete híbrido que compite por valor añadido más que por precio puro. En un mercado cada vez más fragmentado, la pregunta ya no es qué servicio elegir, sino cuántos se pueden sostener al mismo tiempo sin que la factura se dispare.

Catherine O’Hara aparecerá de manera póstuma en Marty, Life Is Short, el documental sobre la trayectoria del comediante Martin Short que Netflix estrena el 12 de mayo.

La actriz, fallecida el 30 de enero a los 71 años, había grabado una entrevista antes de su muerte en la que elogió a su amigo de décadas:

“Siento que podría improvisar hasta la eternidad. ¿Verdad que sí?”, dijo O’Hara, según recoge el tráiler oficial publicado el viernes por la plataforma.

El adelanto, de dos minutos y 22 segundos, muestra a Short, de 76 años, en distintas facetas de su carrera a lo largo de cinco décadas.

O’Hara aparece en una compilación de material inédito que incluye un clip antiguo donde ambos bailan juntos y otro video en el que Short la filma de manera juguetona y le dice: “¡Te amé en Mi pobre angelito! ¡Estuviste maravillosa!“, ante la risa de ella.

El avance también incorpora una fotografía en blanco y negro de los dos junto al elenco del programa de sketches canadiense SCTV (Second City Television), en el que coincidieron a finales de los años 70 y principios de los 80.

Catherine O’Hara y Martin Short se conocieron a comienzos de los años 70 en la escena de la improvisación de Toronto.

La artista de Hollywood murió el 30 de enero en su residencia de Los Ángeles. El Departamento de Salud Pública del Condado de Los Ángeles registró como causa oficial de muerte una embolia pulmonar —un coágulo de sangre en los pulmones— con cáncer rectal como causa subyacente.

El Departamento de Bomberos de Los Ángeles respondió a un llamado en su domicilio del barrio de Brentwood alrededor de las 4:48 de la madrugada por dificultades respiratorias.

O’Hara fue cremada y sus restos fueron entregados a su esposo, Bo Welch, de 74 años, con quien estuvo casada durante 33 años.

Sus hijos Matthew y Luke Welch, de 32 y 28 años respectivamente, también la sobreviven. Un servicio funerario íntimo tuvo lugar el 14 de febrero en la Iglesia de San Martín de Tours, en Los Ángeles.

En cuanto a Marty, Life Is Short, el documental fue dirigido por Lawrence Kasdan, amigo de Short desde hace décadas, y recurre a material de archivo para trazar la trayectoria del comediante y su vínculo personal con la pérdida.

Steve Martin, de 80 años y compañero de Martin Short en la serie Only Murders in the Building, abre el tráiler con una anécdota que ilustra la personalidad del protagonista.

“Digamos que vas a organizar una cena e invitas a Marty, y resulta que Marty no puede venir. Cancelas la fiesta”, declaró ante las cámaras.

Eugene Levy ponderó las dotes para la improvisación de Short: “En este negocio, en el mundo de la comedia, no hay nadie más rápido. No hay nadie más inteligente. No hay nadie más gracioso”, afirmó, según el tráiler.

El actor Tom Hanks también figura en el adelanto junto a Short, en una escena donde ambos saltan desde un yate al océano en referencia a una secuencia de la película Dos hombres y un destino.

El propio Short habla en el documental sobre las pérdidas que marcaron su vida: la muerte de su hermano mayor David cuando él tenía 12 años, la de sus padres cuando tenía 18 y 20, y la de su esposa Nancy Dolman, quien murió de cáncer de ovario cuando el comediante tenía 60 años.

“En la vida, a veces el semáforo está en verde. Y a veces, sin razón, está en rojo”, dijo Short en una entrevista recogida en el documental.

El tráiler también incluye imágenes de archivo de Short junto a sus tres hijos cuando eran pequeños: Katherine, fallecida en febrero pasado a los 42 años, Oliver, de 40, y Henry, de 36.

“Ser padre es tan genuino como su respiración”, señaló la actriz Andrea Martin, también exintegrante de SCTV.

La serie Leyendas se ha posicionado como la nueva apuesta de Netflix para el drama criminal británico, ambientada en la infiltración real de agentes de aduanas en bandas de narcotráfico en el Reino Unido durante la década de 1990. La producción se fundamenta en la historia inédita de cómo el Her Majesty’s Customs & Excise implementó la creación de identidades ficticias —denominadas “legends”—, seleccionando a funcionarios públicos sin experiencia previa en espionaje para integrarlos en operaciones encubiertas de alto riesgo. El showrunner Neil Forsyth, conocido por The Gold, lidera este proyecto de seis episodios con Tom Burke, Steve Coogan y Charlotte Ritchie al frente del elenco.

La serie surge tras un proceso de investigación directa con los protagonistas reales de la operación. Forsyth documentó que el equipo de desarrollo realizó entrevistas con agentes encubiertos, accedió a transcripciones judiciales y archivos periodísticos y consolidó relatos para adecuar la narrativa a la estructura de la ficción televisiva. El trabajo de Adam Fenn, investigador del proyecto, permitió construir una versión dramatizada fiel a los hechos, aunque adaptada a seis capítulos. Las fuentes consultadas destacan el alto costo personal y la ambivalencia emocional que enfrentaron los involucrados al asumir esta reinvención profesional bajo peligro constante.

De acuerdo con Forsyth, la presión para responder a la crisis provenía del despacho de la primera ministra Margaret Thatcher. El Ejecutivo encargó directamente a Aduanas la misión de frenar la entrada de heroína al país, originando así una convocatoria interna para seleccionar candidatos dispuestos a cruzar “la frontera gris” de la ley mediante la creación de identidades alternativas respaldadas por documentación oficial, vehículos y objetos incautados. El proceso dio prioridad a empleados en sus treintas con trayectorias laborales rutinarias y aspiraciones no satisfechas, quienes, según el guionista, “veían en la misión una vía de reinvención personal al precio de una exposición extrema al riesgo”.

Asimismo, la construcción de los personajes ficticios responde a una consolidación de múltiples experiencias reales. Forsyth detalló que figuras como Kate (Hayley Squires) representan los perfiles de leyendas de origen obrero, motivadas por el impacto social del narcotráfico en su entorno; Bailey, creado a partir de varias entrevistas, evidencia el proceso de adaptación y crecimiento en el rol encubierto; y Erin reúne las características de quienes apoyaron las operaciones con labores de investigación y gestión documental estatal. La dinámica entre estos personajes responde a la verosimilitud operativa y a la necesidad de explorar la dimensión psicológica y legal del trabajo encubierto.

El dispositivo narrativo y el enfoque de producción

El equipo liderado por Neil Forsyth y sus responsables de departamento optó por priorizar la autenticidad visual del drama recurriendo a localizaciones reales. El rodaje implicó una inusual movilidad de la producción, lo que, según el showrunner, supuso un reto logístico comparable con una “carpa ambulante”. La decisión de grabar en espacios prácticos buscó mantener la calidad cinematográfica y la tensión documental, permitiendo mostrar visualmente el carácter imprevisible de la operación secreta.

El proceso de escritura integró elementos de la cultura británica de los 90, como la inclusión de camisetas de fútbol históricas, insertadas estratégicamente como guiños personales del creador. Forsyth puntualizó que la serie evita la estructura tradicional de “héroes y villanos”, brindando una representación matizada de los personajes criminales, algunos de los cuales —como Mylonas— colaboran con aduanas sin dejar de pertenecer al mundo criminal.

El proyecto tiene en Steve Coogan al reclutador Don, un personaje resultado de la fusión de dos figuras reales a las que el guionista entrevistó extensamente. La gestión de un equipo sometido a presión psicológica compone una parte central de la trama. La evolución de la serie también muestra los efectos del trabajo encubierto en las relaciones familiares, reflejado en la pareja formada por Guy (Tom Burke) y Sophie (Charlotte Ritchie).

Estrategia de lanzamiento y posicionamiento industrial

Legends estará disponible en Netflix a partir del jueves 7 de mayo, con todos sus episodios accesibles desde esa fecha. El anuncio posiciona a la serie como la apuesta principal del gigante del streaming en el género de true crime dramático británico para la primera mitad de 2026, reforzando la tendencia de adaptar investigaciones históricas recientes en formatos de alta producción.

El reparto incluye a Hayley Squires, Aml Ameen, Douglas Hodge y Jasmine Blackborow, formando un equipo multidisciplinar con experiencia en proyectos de drama y crimen de alto perfil. El desarrollo de Leyendas pretende no solo reconstruir la operación clandestina dirigida por aduanas, sino también integrarse en el catálogo de series que reformulan el fenómeno del crimen organizado para un público global.

La narrativa documental de la serie, sustentada en fuentes inéditas, aporta un diferencial en la exploración audiovisual de la lucha antidrogas durante una de las crisis más graves del Reino Unido en el siglo XX.

Más de dos décadas después de que Denzel Washington encarnara a John Creasy en la pantalla grande, Netflix relanzó Hombre en llamas como serie de televisión el pasado 30 de abril con Yahya Abdul-Mateen II al frente, y el resultado ya lidera el ranking global de la plataforma pese a una recepción crítica dividida.

La serie, desarrollada por el showrunner Kyle Killen, sigue a Creasy, un exagente de fuerzas especiales que arrastra un severo trastorno de estrés postraumático tras una misión fallida en México que acabó con la vida de todo su equipo.

En Brasil, donde intenta rehacer su vida con la ayuda de un viejo amigo, se ve arrastrado de nuevo hacia la violencia al verse obligado a proteger a Poe, una joven adolescente amenazada por peligrosos criminales en las calles de Río de Janeiro.

En el elenco acompañan a Abdul-Mateen II la actriz brasileña Alice Braga, la joven Billie Boullet en el papel de Poe, Bobby Cannavale, Scoot McNairy y Thomas Aquino, entre otros.

El reparto internacional era, para Killen, una pieza clave de la historia. “Eso es realmente el relato de la temporada”, declaró el creador a Tudum de Netflix. “Creasy bajando la guardia, dejando entrar a otras personas, y descubriendo que pueden lograr más como equipo que él solo como individuo”.

Yahya Abdul-Mateen II, ganador de un Emmy por su trabajo en Watchmen y nominado al Tony por Topdog/Underdog, describió a su personaje como alguien en proceso de reconstrucción.

“No estamos viendo a alguien en la cima de ese juego”, explicó el actor a Tudum. “Estamos viendo a alguien que intenta reconstruirse a sí mismo y que tiene dudas sobre si todavía puede hacer lo que siempre ha hecho”.

El actor también elogió la incorporación de Alice Braga, cuya herencia brasileña fue, según sus propias palabras, un activo fundamental para la producción. “Creo que muchas de las cosas que pudimos hacer bien se debieron a que ella formó parte del equipo”, afirmó.

Por su parte, Killen destacó que Braga aportó “un nivel de profundidad que no estoy seguro de que hubiéramos tenido si hubiéramos abordado al personaje de cualquier otra manera o con cualquier otro actor”.

Sobre la joven Billie Boullet, nominada al Critics Choice Award por su papel de Ana Frank en la serie de Hulu A Small Light, Abdul-Mateen II fue directo en su valoración a Tudum: “Billie es muy inteligente. Hizo todas las preguntas correctas, las preguntas desafiantes, y fue una excelente compañera de escena”.

En cuanto a Bobby Cannavale, ganador de un Emmy por Boardwalk Empire, Killen explicó al mismo medio por qué era la única opción para el papel de Rayburn: “Necesitabas a alguien con la presencia desbordante de Bobby. Podías entender cómo su energía era el yin correcto para el yang de Creasy”.

A nivel de audiencia, la serie acumula un 72% de valoración positiva del público en Rotten Tomatoes, frente al 39% de la película de 2004 protagonizada por Denzel Washington. Sin embargo, la recepción crítica es más tibia: la plataforma de reseñas le otorga un 55% de aprobación.

La publicación The Guardian, que le dio tres estrellas sobre cinco, señaló que algunas escenas “son tan oscuras que te harán estremecer”.

¿Cuántos episodios tiene?

Hombre en llamas consta de siete episodios, todos disponibles desde el 30 de abril en Netflix.

La serie está basada en los dos primeros libros de la saga del escritor A.J. Quinnell —Man on Fire (1980) y The Perfect Kill (1992)—, lo que deja abierta la puerta a futuras adaptaciones de las tres novelas restantes del ciclo.

¿Tendrá segunda temporada?

De momento, la plataforma de streaming no ha confirmado una segunda temporada, y sigue su práctica habitual de evaluar los datos de audiencia y las tasas de finalización antes de tomar una decisión. Este proceso suele extenderse por al menos un mes tras el estreno.

Yahya Abdul-Mateen II fue cauto al respecto en declaraciones al medio Decider: “Sin revelar todo sobre la serie, creo que siempre es agradable poder asomarse potencialmente al futuro”, afirmó, dejando entrever que la historia podría continuar.

El director Steven Caple Jr., responsable de los dos primeros episodios, fue algo más explícito en declaraciones recogidas por People.

“Depende de que todos ahí fuera la vean, y si tenemos algo más que contar, pero creo que sí lo tenemos. John Creasy es un personaje muy interesante; hay mucho que decir”, sostuvo.

El nombre de Luis Zahera es actualmente inseparable del cine y la televisión española, con una presencia constante en numerosos proyectos. En los últimos meses, ha destacado por su papel en Zeta, donde interpreta a un agente del CNI, y por su participación en la segunda temporada de Clanes, recientemente estrenada en Netflix. “Tengo que aprender a decir que no, pero me da ansiedad pensar que, cuando pare, no me voy a adaptar a volver a trabajar”, reconocía el actor no hace mucho en una entrevista en El Hormiguero.

Lo cierto es que Zahera ya se ha sumergido de lleno en nuevos proyectos. Además de seguir con el espectáculo de humor de Chungo, un monólogo con el que ha pasado ya por varios teatros en España, el intérprete ya está trabajando en la continuación de otro de sus éxitos más recientes: la segunda temporada de Animal, la comedia ambientada en un pueblo de Galicia que se convirtió en un éxito internacional.

El éxito de esta serie en la que Zahera interpreta a un veterinario que pasa de trabajar en el campo a intentar adaptarse a los rimos urbanos en una tienda de mascotas dirigida por su sobrina Uxía, hizo que Netflix anunciara su renovación menos de tres semanas después de su estreno. Por aquel entonces, la producción acumulaba casi 15 millones de visualizaciones.

Salirse del registro habitual

Entre los atractivos de la serie, se encontraba la posibilidad de ver al actor en un cambio total de registro. Acostumbrados a verlo en personajes oscuros como los de Celda 211 o As bestas, o en la piel de carismáticos secundarios como los de El reino o Que Dios nos perdone, su papel protagonista en Animal es mucho más distendido y simpático.

“En España se encasilla mucho a los actores. A veces da la sensación de que si te manejas bien en un registro, no se fían de ti para otro. Por eso me alegra tanto que confiaran en mí para Animal. Es un personaje muy distinto, un ‘bueno’ lleno de contradicciones. Me recuerda al doctor House. Yo estoy encantado”, confesaba él mismo en una entrevista con La Vanguardia.

Las nuevas temporadas de Animal: rodaje simultáneo y fichaje de Álvaro Mel

Tal y como ya se ha adelantado, la segunda temporada girará en torno al lanzamiento de un servicio de entierros para mascotas, un negocio que traerá prosperidad económica pero también revelará un secreto que podría alterar la estabilidad alcanzada por Antón y su entorno. Durante varias semanas, se realizaron castings para contar con figurantes que reforzaran la ambientación local de la serie.

Pero Zahera no se encuentra solo rodando una temporada más de Animal. Netflix ha confirmado el rodaje simultáneo de la segunda y tercera temporada de la serie. De momento no hay una fecha oficial para su estreno, pero recientemente se han anunciado incorporaciones destacadas, como la de Álvaro Mel (a quien hemos visto hace poco estrenar Cochinas en Prime Video). Este intérprete se unirá al dúo protagonista dando vida a Mike, el gerente de la clínica Kawanda Urban en Santiago de Compostela.

La llegada de mayo de 2026 traerá consigo un cambio importante para los usuarios de Netflix: la plataforma dejará de estar disponible en una amplia gama de televisores inteligentes y dispositivos móviles antiguos.

Esta medida obligará a muchos a buscar alternativas si desean seguir accediendo al extenso catálogo de películas y series. El motivo principal detrás de esta decisión es la necesidad de mejorar la calidad audiovisual y reforzar la seguridad digital, algo que los modelos más antiguos ya no pueden garantizar debido a sus limitaciones técnicas.

El impacto será inmediato para quienes posean dispositivos fabricados antes de 2015, que perderán la posibilidad de instalar, actualizar o ejecutar la aplicación de Netflix. La plataforma busca así mantener altos estándares de experiencia y protección para sus usuarios, adaptándose a los avances tecnológicos.

Modelos de televisores que perderán compatibilidad con Netflix

La suspensión del soporte no será igual para todos los equipos. Netflix ha publicado una lista de marcas y modelos que dejarán de ser compatibles a partir del 6 de mayo de 2026:

• Apple TV: Todas las versiones de primera, segunda y tercera generación quedan fuera del servicio.
• Panasonic y LG: Televisores fabricados antes de 2015 ya no podrán ejecutar la aplicación.
• Samsung: La serie EOS de Samsung Smart TV, producida entre 2012 y 2015, también pierde compatibilidad.
• Sony: Varias ediciones de la línea Bravia, identificadas por los modelos KDL, XBR, W95 y X95, figuran entre los afectados.

Estos dispositivos dejarán de recibir actualizaciones y tampoco podrán abrir o descargar Netflix debido a requerimientos técnicos que superan su capacidad de procesamiento, memoria RAM o protocolos de conexión.

Dispositivos móviles afectados

El recorte de compatibilidad también alcanza a varios teléfonos inteligentes populares. Modelos como Samsung Galaxy S5, Sony Xperia M4 Aqua, Motorola Moto X, LG G4, HTC One M8, Huawei Ascend Mate 7 y Asus ZenFone 2 ya no podrán instalar ni utilizar la aplicación de Netflix, al no cumplir con los requisitos mínimos del sistema operativo.

En el ecosistema Apple, solo los dispositivos con iOS 17 o iPadOS 17 seguirán accediendo a la plataforma. Aquellos usuarios que no puedan actualizar a estas versiones quedarán excluidos.

Cómo saber si tu dispositivo está en riesgo

Para comprobar si tu televisor o teléfono seguirá siendo compatible con Netflix, revisa la fecha de fabricación y la versión del sistema operativo. En los televisores, estos datos suelen encontrarse en el menú principal bajo “Acerca del dispositivo” o “Sistema”.

En los teléfonos móviles, la información se encuentra en “Información del teléfono”. Actualizar tanto el sistema operativo como la app de Netflix, siempre que sea posible, es fundamental para mantener la compatibilidad. De lo contrario, el servicio dejará de funcionar y no será posible acceder al contenido.

Alternativas para seguir viendo Netflix

Si tu televisor será afectado por la medida, existen varias soluciones:

• Dispositivos externos: Equipos como Amazon Fire Stick, Apple TV, Roku o consolas de videojuegos permiten acceder a la versión actual de Netflix en televisores antiguos mediante una conexión HDMI.
• Actualizar el televisor: Comprar un Smart TV moderno garantiza compatibilidad con las funciones más recientes y una mejor experiencia audiovisual.
• Verificar actualizaciones: Asegúrate de tener la versión más reciente del sistema operativo y de la app de Netflix antes de la fecha límite.

Por qué Netflix deja de funcionar en modelos antiguos

La restricción de soporte es habitual en el sector tecnológico. Aplicaciones y servicios digitales priorizan la compatibilidad con modelos recientes para garantizar nuevas funciones, mayor seguridad y una experiencia óptima.

Netflix sigue el ejemplo de otras plataformas, como WhatsApp, que periódicamente dejan de funcionar en dispositivos desactualizados. El objetivo es sostener altos estándares de calidad y seguridad, adaptando el servicio a los avances tecnológicos y a las expectativas de los usuarios.

La decisión de Netflix subraya la importancia de mantener los dispositivos al día, tanto en hardware como en software. Si tu equipo está en la lista de modelos afectados, evalúa las alternativas para no quedarte sin acceso. Mantente atento a futuras actualizaciones y consulta regularmente la compatibilidad de tus dispositivos para seguir disfrutando del streaming sin interrupciones.

La producción, actualmente en rodaje bajo el sello de Landia, destaca por la alianza de dirección entre Picky Talarico y Andy Fogwil. Talarico retoma el formato tras haber dirigido Rompan Todo: La historia del rock en América Latina para la misma plataforma, aportando su experiencia de colaboración personal y profesional con Cerati, la cual comparte con Fogwil, responsable de la dirección creativa. El proyecto se distancia de la estructura biográfica convencional al proponer una reconstrucción centrada en “gestos mínimos y zonas silenciosas”, según informó el equipo en el comunicado difundido por Netflix.

Entre los elementos distintivos frente a otras obras documentales, la nueva película incorpora el testimonio y la producción asociada de Laura Cerati, hermana del músico, fortaleciendo la legitimidad del relato desde una perspectiva familiar. “Este documental significa poder resumir la vida única de un ser que llegó a contagiar su pasión a muchos a través de su poesía y su música”, expresó Laura. Además, destacó la versatilidad de Cerati al definirlo como “un hombre con los pies sobre la tierra y, al mismo tiempo, con mucho vuelo propio y creatividad”. Esta perspectiva, que enfatiza la construcción de puentes generacionales y geográficos mediante la música, organiza el relato fuera de la cronología biográfica habitual y se centra en los niveles de impacto artístico y personal del ex Soda Stereo.

La dirección creativa de Andy Fogwil y el liderazgo de Talarico consolidan un equipo con experiencia directa en la realización de videoclips esenciales para la carrera de Cerati. El comunicado oficial recalca que esta cercanía profesional garantiza un enfoque “auténtico y respetuoso” en la confección de la narrativa, reaprovechando archivos generados durante años de trabajo conjunto y habilitando el acceso a escenas jamás vistas por el público.

La colaboración de Landia y la estrategia de contenido original de Netflix en Argentina

La colaboración entre Landia y Netflix refuerza la tendencia de los servicios globales de suscripción a diferenciar su catálogo mediante títulos conectados con la cultura local y respaldados por equipos creativos argentinos. La producción ejecutiva está a cargo de Pablo Flores y Adrián D’Amario, mientras que la dirección de arte recae en Roy Garcia.

Esta producción busca afianzar a Netflix en la competencia por el contenido biográfico de alto valor emocional y relevancia generacional, alineada con el reciente auge del consumo de documentales musicales en Latinoamérica. Según el equipo, “a 12 años del fallecimiento de Cerati, su figura sigue creciendo y es ahora objeto de reinterpretación entre nuevas generaciones”.

Quién fue Gustavo Cerati y cómo fue su final

La figura de Gustavo Cerati marcó un antes y un después en la música latinoamericana. Reconocido mundialmente como líder de Soda Stereo, su trayectoria abarcó tanto éxitos con la banda como una consolidada carrera solista. Nacido en Buenos Aires en 1959, Cerati se convirtió en uno de los referentes del rock en español, logrando proyección internacional y múltiples premios por su aporte artístico.

Cerati se mantuvo activo en la escena musical hasta 2010, año en que sufrió un accidente cerebrovascular tras un concierto en Caracas, Venezuela. El episodio ocurrió el 15 de mayo, cuando el músico finalizaba una presentación como parte de su gira latinoamericana. Desde entonces, permaneció en estado de coma, sin recuperar la conciencia, internado primero en Venezuela y luego trasladado a una clínica de Buenos Aires.

La muerte de Gustavo Cerati se confirmó el 4 de septiembre de 2014, tras más de cuatro años de internación. El parte médico firmado por la clínica ALCLA mencionó como causa un paro respiratorio. Durante ese tiempo, familiares, colegas y fanáticos mantuvieron constantes muestras de apoyo y homenajes en distintos países de América Latina.

El legado de sus composiciones y su influencia se observa en diferentes estilos y bandas emergentes. La noticia de su fallecimiento generó repercusiones a nivel internacional y motivó tributos en escenarios y festivales.

El recorrido de Gustavo Cerati desde el éxito hasta su trágico final permanece como una de las historias más significativas de la música argentina y latinoamericana.

El documental, cuya fecha de estreno fue confirmada para 2027, será el primer título de la plataforma sobre Cerati que incluye la perspectiva de los integrantes originales de Soda Stereo y de su familia directa, ampliando el alcance hacia nuevas audiencias dentro y fuera de Argentina.

El proyecto, liderado en producción por Agustín Pichot y realizado bajo el sello de PEGSA, presenta una narrativa híbrida que combina animación ilustrada por Liniers, archivo documental y entrevistas a figuras centrales del entorno de Emiliano Martínez. Entre los participantes se encuentran Lionel Messi, Lionel Scaloni y Miguel Ángel “Pepé” Santoro. Esta estructura apuesta a una aproximación singular en el universo de documentales deportivos de Netflix, integrando recursos visuales, elementos biográficos y testimonios en un solo relato.

La película, basada en un cuento original de Hernán Casciari y dirigida por Gustavo Cova, narra el salto de Martínez desde su infancia en Mar del Plata hasta su reconocimiento como uno de los arqueros más influyentes del fútbol contemporáneo. El guion presenta una ficción en la que el protagonista—un niño capaz de detener el tiempo—dialoga con una pelota animada cuyo registro de voz corresponde al humorista Agustín Aristarán (Rada). El enfoque de la historia privilegia la formación de carácter y fortaleza interior, trascendiendo la mera reconstrucción de los logros deportivos.

En el aspecto técnico, el film cuenta con Andrés Emilio como showrunner y un equipo de producción ejecutiva integrado por Sergio Ferraro y Alejandro Greco. El trabajo de Liniers en la animación marca una identidad visual inédita en los biopics deportivos disponibles en la plataforma. La apuesta narrativa y estética representa un diferencial en el catálogo de estrenos de Netflix tanto para la región como para el mercado internacional.

El fenómeno de Emiliano Martínez y su impacto en la industria audiovisual

La determinación de Netflix de producir un original sobre Dibu Martínez está directamente relacionada con la consolidación de su figura luego de su desempeño con la Selección Argentina: la Copa Mundial de la FIFA ganada en Qatar 2022 y sus logros posteriores han elevado su perfil a verdadero referente cultural y mediático. El momento del lanzamiento, pautado a semanas de la agenda de amistosos mundialistas de la selección, incrementa las expectativas acerca del posicionamiento en los mercados latinoamericano y global.

En la industria del streaming, la obra dirigida por Cova se integra a la estrategia de Netflix que apunta a potenciar contenidos biográficos vinculados a figuras deportivas de alcance masivo. La combinación de ilustraciones originales, archivos inéditos y estructura testimonial de varios niveles evidencia una línea de diferenciación con respecto a otros documentales sobre futbolistas y selecciones nacionales.

Estrategias narrativas y proyección de estrenos en Netflix

Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo traza una narrativa que enlaza ficción y documental; según afirma Netflix en el tráiler oficial, el relato emplea metáforas visuales y voz en off que intervienen sobre la realidad de Martínez. Se suman entrevistas a amigos, familiares y personalidades influyentes, lo que habilita una reconstrucción integral de la trayectoria del arquero desde la niñez hasta el profesionalismo máximo.

La plataforma comunicó que desde el 28 de mayo la película estará disponible en todos los territorios donde opera, en línea con los bloques de programación previos al Mundial 2026 y la fase de preparación confirmada para la Selección Argentina. Esta iniciativa refuerza la participación de producciones argentinas en el catálogo internacional y confirma la apuesta por historias deportivas con potencial para diferentes generaciones y grandes audiencias.

El mes de mayo ofrece un crisol de propuestas de lo más variadas, entre las que encontramos todo tipo de géneros: desde nuevas adaptaciones de obras clásicas a algunas de las ficciones españolas más esperadas de la temporada, entre ellas, la continuación del ‘spin-off’ de La casa de papel, Berlín.

Mientras, a nivel internacional, comienzan a hacerse cábalas sobre qué series estarán presentes en los próximos Premios Emmy y, aunque todavía sea pronto, es un buen momento para ir repasando algunas de las posibles candidatas que se han estrenado, como Los testamentos, Bronca, Half Man o Love Story: John F. Kennedy Jr. y Carolyn Bessette.

Entre el material español, todavía es muy pronto para hablar de la temporada de premios, pero la serie de Movistar Plus+, Yo siempre a veces, ha conseguido en Cannes Series el galardón al mejor guion original, escrito por Marta Loza y Marta Bassols.

‘Berlín y la Dama del Armiño’

Después de tres años de espera, se estrena la continuación de Berlín, el ‘spin-off’ de La casa de papel centrado en el personaje que encarna Pedro Alonso. En este caso, la acción se traslada de París a Sevilla y gira en torno a un plan que simula el robo de La dama del armiño, la famosa obra de Leonardo Da Vinci.

Este golpe busca en realidad dejar sin bienes al duque de Málaga (José Luis García Pérez) y a su esposa (Marta Nieto), quienes no podrán denunciar el delito por la situación de chantaje en la que se ven envueltos. La trama incorporará alianzas renovadas y nuevas tensiones en la banda, con la novedad de la participación de Inma Cuesta como Candela, una sevillana que suma un interés emocional para Berlín. El elenco principal incluye a Michelle Jenner, Tristán Ulloa, Begoña Vargas, Julio Peña Fernández y Joel Sánchez.

Estreno en Netflix el 15 de mayo.

‘El señor de las moscas’

Con el sello de la prestigiosa BBC se estrena esta miniserie de cuatro episodios basada en la novela de William Golding, adaptada por Jack Thorne, conocido por su trabajo en Adolescencia. Esta es la primera vez que la obra se lleva a la televisión, tras dos versiones cinematográficas previas. La miniserie narra la historia de un grupo de niños británicos que, tras un accidente aéreo, quedan aislados en una isla y deben organizar su supervivencia sin la presencia de adultos.

La producción destaca por estructurar cada episodio desde la perspectiva de uno de los protagonistas principales: Ralph, Jack, Simon y Piggy. El reparto está compuesto en su mayoría por actores debutantes, lo que suma autenticidad al relato. La narrativa pone énfasis en los conflictos internos y la psicología de los personajes, mostrando cómo la convivencia forzada y la ausencia de reglas conducen a la desintegración del orden y a situaciones extremas marcadas por la presión y el miedo.

La versión de Thorne se diferencia de las anteriores adaptaciones al centrarse en la subjetividad y en el desarrollo psicológico de los personajes. El enfrentamiento entre quienes buscan mantener el orden y quienes ceden a los impulsos más primarios se presenta como el eje de la trama, acentuando la sensación de amenaza constante.

Estreno en Movistar Plus+ el 7 de mayo.

‘Ravalear’

Después de convertirse en la primera producción española en participar en la Berlinale, se estrena esta serie dirigida por Pol Rodríguez junto a Isaki Lacuesta, que se inspira en la historia real del restaurante fundado por la familia Rodríguez en 1929, expropiado durante la pandemia y adquirido por un fondo de inversión.

La narrativa se sitúa en el barrio del Raval de Barcelona, reflejando la transformación urbana causada por la especulación inmobiliaria y la presión de inversores, fenómeno que se manifiesta en que la mitad de las operaciones de compraventa de viviendas en la última década se efectuaron sin hipoteca.

La ficción utiliza como eje el restaurante ficticio Can Mosques, inspirado en el histórico Can Lluís, para ilustrar la experiencia de cuatro generaciones de la familia Rodríguez ante los cambios sociales y económicos del barrio.

Ravalear se aleja de la estructura típica de crónica familiar, optando por el formato de thriller y contando con actores como Enric Auquer y María Rodríguez Soto. La serie incorpora sucesos históricos y personales, incluyendo episodios de violencia policial, como el asalto que terminó con la vida del bisabuelo de Pol Rodríguez en 1946. El relato enfatiza la convivencia de distintas clases y culturas en el Raval, y denuncia tanto la especulación como la construcción del miedo a la ocupación.

Estreno en HBO Max el 22 de mayo.

‘The Lady’

La serie The Lady recupera el caso de Jane Andrews, quien fuera asistente personal de la duquesa de York, Sarah Ferguson, y que años después fue condenada por el asesinato de su pareja, Thomas Cressman. La producción, basada en hechos reales y dividida en cuatro episodios, alterna entre la historia personal de Andrews y la investigación policial que siguió a la muerte de Cressman.

Mia McKenna-Bruce interpreta a la protagonista, mostrando su llegada desde Grimsby y su empleo en Buckingham Palace, tras superar una entrevista difícil. La serie enfatiza la reconstrucción del hallazgo violento del cadáver de Cressman, hecho central para el desarrollo de la trama.

La narrativa muestra la trayectoria de Andrews desde su infancia, pasando por sus aspiraciones en la moda, hasta su llegada al entorno real británico. La serie detalla su vínculo con Ferguson (Natalie Dormer), que evoluciona desde una relación laboral a una amistad desigual, y termina con el despido de Andrews en 1997. Tras dejar su empleo, la vida de Andrews se deteriora, marcada por relaciones sentimentales problemáticas y episodios de acoso a exparejas. Se retratan también crisis emocionales y un intento de suicidio en su juventud. De los creadores de The Crown.

Estreno en Movistar Plus+ el 14 de mayo.

‘The Boroughs: Jubilación rebelde’

Producida por los hermanos Duffer, reconocidos por Stranger Things, la historia se sitúa en una comunidad de jubilados en el desierto de Nuevo México, donde un grupo de residentes se enfrenta una amenaza extraterrestre, rompiendo la calma aparente del lugar. El protagonista, Sam Cooper, interpretado por Alfred Molina, llega al complejo tras la muerte de su esposa y pronto descubre que la tranquilidad prometida esconde peligros inesperados. Junto a otros residentes, tendrá que enfrentarse a una presencia hostil y desvelar los secretos del entorno antes de que sea demasiado tarde.

El reparto incluye a Geena Davis, Bill Pullman, Alfre Woodard, Denis O’Hare y Clarke Peters. La trama destaca por alejarse de los personajes adolescentes típicos del género, enfocándose en adultos mayores, lo que introduce un contraste generacional. El guion explora el aislamiento y la búsqueda de sentido en la jubilación, utilizando elementos de suspense y ciencia ficción.

Estreno en Netflix el 21 de mayo.

‘Se tiene que morir mucha gente’

También acaba de pasar por el Festival Cannes Series y aborda la vida de tres amigas, Bárbara, Maca y Elena, que se conocieron en la escuela y, dos décadas después, atraviesan crisis personales distintas: una depende de las benzodiacepinas, otra busca ser actriz trabajando como camarera y la tercera está embarazada y casada con un empresario mayor.

Una sitcom de capítulos de media hora creada por Victoria Martín protagonizada por Macarena García, Anna Castillo y Laura Weissmahr. En Movistar Plus+ a partir del 21 de mayo.

‘Spider-Noir’

La serie Spider-Noir, protagonizada por Nicolas Cage, representa una apuesta distinta dentro del universo Spider-Man al ofrecer una doble modalidad de visionado: en blanco y negro o en color.

Esta ficción, ambientada en los años treinta, se centra en Ben Reilly, un detective marcado por un pasado heroico, que debe enfrentarse a su historia personal en una ciudad dominada por el crimen. Brendan Gleeson interpreta al antagonista, un jefe criminal inspirado en Silvermane.

La ambientación y el diseño artístico remiten al cine negro clásico y a los cómics originales, priorizando una atmósfera monocromática. El guion se articula en torno a un tono coral y dramático, resaltando el conflicto interno del protagonista.

El elenco incluye a Lamorne Morris, Li Jun Li, Karen Rodriguez, Abraham Popoola y Jack Huston, junto a invitados como Lukas Haas. La serie se presenta así como una propuesta independiente, con estética y narrativa propias, desligada de los argumentos previos de Sony y del universo animado. En Prime Video a partir del 27 de mayo.

Netflix dio luz verde al desarrollo de una precuela de la serie The Crown, según informaciones publicadas por medios británicos.

El nuevo proyecto funcionaría como una expansión del universo de la producción original y se situaría en un periodo histórico anterior al narrado en las últimas temporadas de la serie.

De acuerdo con los reportes, la narrativa comenzaría en 1901 con la muerte de la reina Victoria en la Isla de Wight y abarcaría un amplio periodo histórico que se extendería hasta la boda de la entonces princesa Isabel, futura reina Isabel II, en 1947 en la Abadía de Westminster.

El proyecto está siendo desarrollado como un “spin-off” vinculado directamente a la serie original.

Las negociaciones entre Netflix y la productora Left Bank Pictures habrían estado en curso durante un periodo prolongado. Según una fuente citada por el Daily Mail, el acuerdo habría sido finalmente cerrado tras varias rondas de conversación entre ambas partes.

El valor estimado del contrato alcanzaría hasta 500 millones de libras esterlinas (625 millones de dólares), impulsado por el rendimiento global de la serie original.

“Netflix ha estado en negociaciones con la compañía durante bastante tiempo sobre esta serie derivada, pero recientemente han conseguido cerrar el acuerdo y llegar a un entendimiento”, indicó la fuente.

La serie original, The Crown, creada por Peter Morgan, ha tenido una trayectoria de seis temporadas y ha recibido múltiples reconocimientos internacionales, incluidos 24 premios Emmy.

La producción también ha sido reconocida por impulsar las carreras de actores como Emma Corrin y Josh O’Connor, quienes participaron en distintas etapas del proyecto.

En relación con el nuevo desarrollo, se espera que Peter Morgan vuelva a ocupar el rol de guionista y productor principal. El creador ha estado vinculado a todas las etapas de la serie original y su continuidad dentro del nuevo proyecto ha sido considerada parte central del desarrollo creativo.

Una fuente vinculada a la producción indicó: “Peter ya había empezado a escribir y se espera que el proceso de casting se realice el próximo año”.

En declaraciones previas, Morgan había planteado la posibilidad de continuar trabajando dentro del universo de la serie, aunque bajo un enfoque distinto.

En una entrevista concedida en 2024 a The Hollywood Reporter, señaló que no contemplaba avanzar hacia periodos más recientes de la historia representada en pantalla.

“Por ahora, no puedo imaginar circunstancias en las que quisiera avanzar hacia el presente, pero al mismo tiempo no considero que haya terminado con el tema”, afirmó.

También añadió que el enfoque narrativo podría centrarse en periodos históricos anteriores como recurso creativo.

“Si retrocedes en el tiempo, siempre tienes la oportunidad de usar la metáfora. Puedes encontrar una historia en el pasado y contarla como una historia sobre el presente, pero en forma de camuflaje. Eso podría ser una forma más elegante de avanzar”, dijo.

Por el momento, no se han confirmado detalles sobre el reparto ni sobre la fecha de inicio de rodaje. El proyecto se encuentra en fase de desarrollo tras el cierre de los acuerdos iniciales entre la plataforma y la productora.

El proyecto recibe el título James. y se estructura como una serie documental de tres capítulos, con la dirección de Simón Brand, colombiano con trayectoria en videoclips para artistas como Shakira, Ricky Martin, Juanes y Enrique Iglesias, además de la película Paraíso Travel.

Su estreno estaría programado para el 21 de mayo, fecha previa al inicio de la Copa del Mundo, torneo en el que la selección Colombia participa bajo la conducción de Néstor Lorenzo en una nueva oportunidad internacional.

La producción toma como eje central la vida del mediocampista cucuteño desde sus inicios hasta su consolidación en el fútbol de élite. El recorrido incluye su paso por el FC Porto, el AS Monaco, el Real Madrid y el Bayern Múnich, clubes donde alcanzó títulos, protagonismo y reconocimiento en el escenario europeo.

El relato también integra su experiencia en la selección Colombia, equipo con el que suma 122 partidos, 21 goles y 42 asistencias, como el “10″ del equipo nacional. Ese registro lo ubica como uno de los jugadores con mayor impacto en la historia del conjunto nacional, con participación constante en procesos eliminatorios, torneos continentales y Copas del Mundo.

Uno de los puntos de mayor relevancia dentro de la serie corresponde a la Copa del Mundo de 2014, debido a que en ese torneo, James Rodríguez finalizó como goleador y alcanzó una proyección internacional que transformó su carrera. Ese rendimiento lo llevó a equipos de mayor exigencia en Europa y consolidó su nombre entre los mediocampistas ofensivos más reconocidos de su generación.

La docuserie también aborda su paso por clubes como Everton y Al Rayyan, etapas que marcaron nuevas dinámicas en su carrera profesional. En el caso del Real Madrid, la producción incluye su relación con el entrenador Zinedine Zidane, periodo en el que vivió una de las etapas más mediáticas de su trayectoria en el fútbol europeo.

Al parecer, la narrativa no se limita a los logros deportivos, debido a que la serie abre espacio a episodios de decisión profesional, cambios de equipo y etapas de discusión pública que acompañaron su recorrido como figura internacional. Ese enfoque busca construir una mirada amplia sobre su carrera, con énfasis en los distintos escenarios que marcaron su evolución dentro del fútbol.

Netflix y el auge de documentales deportivos con figuras del fútbol mundial

Con este estreno, Netflix amplía su catálogo de producciones documentales centradas en figuras colombianas. Tras la buena recepción de Karol G: Mañana fue muy bonito, la plataforma refuerza su interés por historias nacionales con alcance global.

Ahora, con la figura de James Rodríguez al frente, la compañía vuelve a poner el foco en la vida de un referente del país que alcanzó visibilidad internacional, lo que sugiere una apuesta por continuar llevando trayectorias colombianas a audiencias masivas dentro del streaming mundial.

Por otro lado, James se suma a una colección de producciones documentales que reúne a varias de las figuras más reconocidas del fútbol mundial. En ese grupo aparecen nombres de alto impacto como Ronaldinho, David Beckham, Pelé, Neymar, Rafael Márquez, Vinícius Jr. y Nicolas Anelka, junto a relatos como el de René Higuita y su recordado “Escorpión”.

A ese conjunto se agregan también series centradas en clubes históricos, así como piezas audiovisuales que abordan etapas del fútbol brasileño y otras historias del balompié internacional.

El uso de Netflix en celulares Android o iPhone puede verse interrumpido por fallos inesperados en la aplicación. Es común que, al intentar acceder, aparezca un mensaje que impide la reproducción de contenido, generando dudas sobre la causa y la solución.

En la mayoría de los casos, estos inconvenientes no responden a fallos técnicos complejos, sino a situaciones habituales que pueden solucionarse con pasos sencillos.

El propio centro de ayuda de Netflix detalla diversas formas de resolver errores de conexión frecuentes. Existen métodos prácticos, que solo toman 30 segundos o minutos, que permiten restablecer la funcionalidad de la app en pocos minutos, sin la necesidad de conocimientos avanzados.

Por qué aparece el mensaje “No es posible conectarse con Netflix” en la pantalla

Cuando aparece la advertencia “No es posible conectarse con Netflix”, esto significa que el sistema necesita actualizar la información del dispositivo. Esta notificación generalmente está relacionada con datos desactualizados o con alguna falla temporal en la conexión de red.

Netflix sugiere realizar una limpieza de los datos almacenados en la aplicación. En dispositivos Android, el procedimiento consiste en buscar el ícono de Netflix, mantenerlo presionado y acceder a “Info de la app”. Luego, se debe elegir la opción “Almacenamiento y caché”, seleccionar “Borrar almacenamiento” y aceptar.

Al completar este paso, se eliminan todos los archivos descargados y se cierra la sesión, por lo que es importante tener a mano la contraseña para volver a ingresar.

Qué hacer si el error de Netflix persiste tras borrar datos o cerrar sesión

Si el error se mantiene después de borrar los datos o cerrar sesión, Netflix sugiere verificar la red de internet y las contraseñas guardadas en el dispositivo.

En caso de que se utilice un gestor de contraseñas, es conveniente revisar que los datos de acceso estén actualizados, sobre todo si se modificó el correo o la contraseña de la cuenta.

Para usuarios que administran sus contraseñas con Google, se debe ir a la configuración y buscar el gestor de contraseñas. Allí, es posible buscar la entrada de Netflix y eliminar o editar la información guardada. Tras realizar estos cambios, se debe volver a intentar acceder a la plataforma streaming.

Por qué es útil reiniciar el dispositivo y el router de internet

Otra solución práctica consiste en reiniciar el dispositivo y la red de internet. Apagar el teléfono o tablet por al menos 30 segundos ayuda a restablecer el sistema y eliminar posibles fallos temporales.

Además, es clave desconectar el router de la corriente eléctrica, esperar 30 segundos y volver a conectarlos. Tras un minuto, se puede encender el dispositivo y reintentar la conexión. Estos pasos suelen resolver la mayoría de los problemas relacionados con la conectividad doméstica.

En qué momento conviene reinstalar la app de Netflix en el celular

Si el error persiste luego de probar las soluciones anteriores, se sugiere desinstalar y reinstalar la aplicación. Este procedimiento asegura que la app esté actualizada y elimina posibles fallos residuales en el sistema.

Asimismo, según el centro de ayuda de Netflix, si el error continúa luego de reinstalar, puede tratarse de una falla temporal en los servidores. En ese caso, se debe esperar al menos 24 horas antes de intentar el acceso, porque estos problemas suelen resolverse sin intervención adicional.

Cómo saber si la aplicación Netflix es compatible con el celular

La plataforma streaming establece ciertos requisitos mínimos, tanto de sistema operativo como de hardware, que deben cumplirse para garantizar el adecuado funcionamiento de la app.

En el caso de Android, se requiere una versión igual o superior a Android 5.0, mientras que un iPhone debe contar al menos con iOS 15. Es común que los modelos antiguos no reciban actualizaciones y queden sin soporte.

Netflix presentó una renovación de su aplicación móvil con nuevas herramientas diseñadas para facilitar el descubrimiento de contenido de manera más rápida y personalizada. La actualización incorpora un sistema de navegación optimizado para celulares y una nueva función llamada “Clips”, un feed vertical de videos cortos que recomienda series, películas y especiales según los gustos de cada usuario.

La compañía busca mejorar la experiencia de navegación en un momento en que el catálogo de plataformas de streaming es cada vez más amplio y competitivo. Con millones de títulos disponibles entre películas, documentales, series y programas, encontrar algo para ver se convirtió en uno de los principales desafíos para los usuarios.

La nueva experiencia móvil apunta justamente a resolver ese problema. Según explicó Netflix, el rediseño está pensado para ofrecer una exploración más intuitiva, visual y rápida desde dispositivos móviles.

Uno de los principales cambios es la llegada de “Clips”, una herramienta inspirada en el formato vertical popularizado por redes sociales y plataformas de videos cortos. A través de este feed, los usuarios pueden ver fragmentos de contenido seleccionados en función de sus preferencias y hábitos de consumo.

La idea es que las personas descubran nuevas producciones sin necesidad de navegar durante largos minutos entre categorías y recomendaciones tradicionales. Con solo deslizar la pantalla, la aplicación mostrará avances personalizados de series, películas y especiales relacionados con los intereses de cada perfil.

Netflix explicó que esta función no se limita únicamente a mostrar fragmentos de video. Desde el propio feed, los usuarios podrán agregar títulos a “Mi lista”, compartir contenido o acceder directamente a la producción completa si desean verla.

La compañía también adelantó que en futuras actualizaciones “Clips” incorporará transmisiones en vivo y colecciones organizadas por géneros, intereses o tendencias específicas. Esto ampliará las opciones de descubrimiento dentro de la plataforma y acercará aún más la experiencia al consumo rápido que domina actualmente en aplicaciones móviles.

El cambio forma parte de una estrategia más amplia de Netflix para mantener su liderazgo dentro de la industria del streaming. Durante los últimos años, la competencia aumentó considerablemente con el crecimiento de servicios como Disney+, Max, Prime Video y otras plataformas regionales.

Ante este escenario, las empresas ya no compiten únicamente por tener más contenido, sino también por ofrecer mejores sistemas de recomendación y experiencias de usuario más cómodas.

El consumo desde celulares también se volvió una prioridad para las plataformas. Cada vez más personas utilizan dispositivos móviles como principal vía para ver series, películas o videos cortos, especialmente entre públicos jóvenes acostumbrados a interfaces rápidas y visuales.

Netflix adapta ahora parte de esa lógica a su aplicación móvil. El formato vertical de “Clips” recuerda directamente a experiencias populares en redes sociales como TikTok o Instagram Reels, donde los algoritmos muestran contenido personalizado en pocos segundos.

Sin embargo, la plataforma busca diferenciarse utilizando esos fragmentos como puerta de entrada hacia contenidos más largos dentro de su propio catálogo.

La actualización también refleja cómo la inteligencia artificial y los sistemas de recomendación se han convertido en herramientas centrales para las plataformas de streaming. Los algoritmos analizan constantemente hábitos de reproducción, géneros favoritos, tiempo de visualización y comportamiento de navegación para sugerir contenido más preciso.

En el caso de Netflix, estas recomendaciones personalizadas forman parte de su estrategia desde hace años, pero ahora adquieren un formato más dinámico y adaptado al uso móvil.

La empresa no anunció cambios en los precios de sus planes junto con esta actualización. Actualmente, el acceso a la plataforma sigue dependiendo del tipo de suscripción elegida, que varía según la calidad de imagen y la cantidad de dispositivos simultáneos permitidos.

Con esta renovación, Netflix apuesta por simplificar una experiencia que se volvió cada vez más compleja debido a la enorme cantidad de contenido disponible. Encontrar rápidamente algo para ver ya es casi tan importante como el contenido mismo.

La compañía busca así mantener la atención de los usuarios en un mercado donde el tiempo de decisión es cada vez más corto y donde las plataformas necesitan captar interés en cuestión de segundos desde la pantalla del celular.

La segunda edición del Supernova Génesis 2026 alcanzó una nueva marca de audiencia tras celebrarse el pasado domingo 26 de abril en la Arena Ciudad de México. El evento deportivo logró posicionarse entre los tres más vistos en México, desplazando a espectáculos internacionales de gran alcance.

De acuerdo con la página oficial del evento, el Supernova Génesis 2026 superó cifras de audiencia que ostentaban enfrentamientos como el de Jake Paul vs Mike Tyson. Solo la pelea entre Canelo Álvarez y Terence Crawford quedó por encima de la cita mexicana, lo que confirma la consolidación del evento entre los grandes espectáculos deportivos del país.

1. Canelo vs Crawford
2. Supernova Génesis
3. Jake Paul vs Mike Tyson

El evento se impuso a transmisiones de impacto global como la pelea entre Jake Paul y Anthony Joshua, así como al juego inaugural de la MLB entre los Yankees y los Giants y los partidos del Día de Acción de Gracias, que en los últimos años han figurado entre los favoritos del público mexicano.

Supernova arrasa en otros países

El Supernova no solo ha escalado posiciones en México: también logró ubicarse en el primer puesto de audiencia deportiva en Chile, Perú, El Salvador, Honduras, Colombia, Costa Rica, Nicaragua, Ecuador, Bolivia, Panamá y Guatemala. Por su parte, en Estados Unidos, Argentina, Venezuela, Uruguay, República Dominicana y Paraguay alcanzó un lugar dentro del Top 10 según datos oficiales.

El Supernova Génesis 2026, realizado en la capital mexicana, se ha posicionado como uno de los eventos más relevantes del año, al superar en audiencia a enfrentamientos y partidos que tradicionalmente lideran los índices de visualización en la región.

Resultados que dejó el Supernova Génesis 2026

Flor Vigna cerró la jornada de peleas al vencer a Alana Flores, poniendo fin a la racha invicta de cuatro triunfos de su oponente y asegurando el campeonato de la edición. El evento Supernova Génesis 2026 en la Arena Ciudad de México incluyó el triunfo de Aarón Mercury sobre Mario Bautista y una serie de combates que coronaron a nuevos campeones y dejaron momentos recordados.

Karely Ruiz tuvo una destacada actuación al sustituir a Ari Geli en el torneo, superando a Kim Shantal por decisión unánime y obteniendo su primer cinturón en la competencia. Kim Shantal también perdió ante Milica en otro enfrentamiento de la noche. En los otros combates de la cartelera, Willito se impuso sobre Lonche, mientras que El Abrahaham derrotó a Nando.

Esta serie constituye la primera adaptación española de Nueve Reinas luego del intento fallido de Hollywood en 2004 con Criminal, película dirigida por Gregory Jacobs y producida por Steven Soderbergh y George Clooney, la cual llevó la historia a Los Ángeles sin conseguir el impacto ni la aprobación de Ricardo Darín, quien criticó abiertamente el resultado. Además de otras adaptaciones internacionales, como la versión india Bluffmaster en 2005, la apuesta de Netflix España se presenta como la reinterpretación europea más ambiciosa hasta la fecha, apoyada en un elenco de alto perfil y el atractivo contextual de la trama en la coyuntura española.

En esta versión, Álvaro Morte interpreta a Marcos —personaje que consolidó a Darín en la historia del cine criminal latinoamericano— y Patrick Criado da vida a Juan, papel originalmente encarnado por Gastón Pauls. Los dos personajes protagonizan una alianza forzada en el transcurso de veinticuatro horas para ejecutar “el golpe de sus vidas”: la venta de nueve sellos falsificados, eje central de la trama que, según la producción, funciona como “el reflejo de un país donde la línea entre víctimas y estafadores es cada vez más borrosa”. Completan el elenco José Coronado, Aura Garrido y Margarida Corceiro, reforzando el compromiso de la plataforma con una factura técnica y actoral que aspira a estar a la altura de sus mayores lanzamientos en España.

Nueva geografía, misma tensión: el traslado a Madrid y sus implicancias narrativas

La selección del Madrid de 2012 como escenario principal implica un viraje respecto a la versión de Bielinsky, situada en un Buenos Aires marcado por la crisis de 2000. Al contextualizar la historia en la recesión española, Morais y Sierra buscan conectar con un público moldeado por la desconfianza y la precariedad económica, matices clave en la construcción de la atmósfera y en la evolución de los personajes. Si bien la adaptación mantiene la premisa —dos timadores planeando una estafa a contrarreloj—, se permite redefinir los códigos de supervivencia y picaresca propios del original.

La dirección está a cargo de Álex Rodrigo y Jorge Saavedra, cineastas con trayectoria en series de género para plataformas de streaming. El diseño de producción recae en Juan Pedro de Gaspar y la dirección de fotografía en Andreu Adam y Víctor Benavides, elementos que apuntalan la búsqueda de una identidad propia para esta versión, sin perder la tensión narrativa del material de origen. Entre los productores ejecutivos figuran Luis Ferrón, Gonzalo Salazar-Simpson, Guido Rud y Juan Pablo Galli, todos ellos con experiencia previa en grandes producciones de televisión internacional.

El impacto del legado y las expectativas de la adaptación

Nueve Reinas sigue siendo el título más premiado de Fabián Bielinsky, fallecido en 2006, y continúa generando debate sobre los retos de trasladar su singular atmósfera a otras culturas audiovisuales.

La novedad de este proyecto reside en el cambio de formato: por primera vez, la narrativa se desarrollará en serie, permitiendo mayor profundidad en la construcción de personajes y sus vínculos. Netflix no ha confirmado oficialmente la fecha de estreno ni detalles sobre otras locaciones aparte del rodaje principal en Madrid, pero confía en la capacidad de Morte y Criado para revitalizar la tensión central de la historia. La elección de este dúo protagónico obedece a su atractivo comercial y proyección internacional, con atención especial al público hispanoparlante seguidor de Álvaro Morte tras el fenómeno global de La casa de papel.

Con el inicio de la producción, toda la expectativa se centra en la capacidad de la adaptación madrileña para ser fiel al pulso y estructura narrativa del filme argentino original y así esquivar el escollo que enfrentó la versión estadounidense hace dos décadas.

La ‘docuserie’ original de Netflix ¿Debería casarme con un asesino? ha puesto en primer plano el caso de Caroline Muirhead, una joven patóloga escocesa que, tras iniciar una relación sentimental con Alexander McKellar, terminó descubriendo que su prometido estaba implicado en la muerte de un ciclista.

La producción reconstruye el proceso por el que Muirhead colaboró con la policía mientras mantenía la fachada de su compromiso con el asesino y expone, de manera integrada, las insuficiencias del sistema policial y judicial de Escocia respecto a la protección de testigos: según se detalla, su identidad como testigo no sería debidamente protegida.

Caroline Muirhead contactó con la policía cuando su pareja le confesó, junto a su hermano gemelo, la muerte de Tony Parsons, un ciclista de 63 años, durante un accidente en 2017. La policía, dado lo extenso del terreno donde Parsons había sido enterrado, solicitó la colaboración activa de Muirhead para localizar el cuerpo. Ella accedió, visitó el lugar con McKellar y marcó la tumba de forma clandestina con una lata de Red Bull. Este gesto permitió a los investigadores encontrar los restos y proceder a identificarlos. Pese a su papel determinante, las fuentes señalan que su identidad como testigo no fue debidamente protegida.

Un asesinato y sus consecuencias

Las circunstancias que llevaron a Caroline Muirhead a esta situación comenzaron tras una breve relación iniciada a través de Tinder. Poco después de comprometerse con Alexander McKellar—conocido como Sandy—él le confesó su implicación en el atropello mortal de Parsons, quien participaba en una ruta ciclista benéfica. McKellar y su hermano Robert, bajo los efectos del alcohol y drogas, golpearon a la víctima y se deshicieron del cadáver en una finca rural. El hecho de que Parsons no muriera de forma instantánea, sino tras quedar desatendido varios minutos, introdujo un agravante en la valoración judicial.

La singularidad de esta ‘docuserie’ reside en la forma en la que Muirhead mantuvo la relación con el asesino y siguió colaborando secretamente con la policía. Mientras grababa confesiones, marcaba puntos clave para la investigación y trataba de protegerse a sí misma, soportaba una enorme presión psicológica. La joven recurrió al consumo de alcohol y drogas para afrontar el estrés, situación que derivó en un deterioro de su salud mental.

Durante la fase de investigación, la policía exigió sigilo absoluto sobre la identidad de la testigo; no obstante, Muirhead llegó a sentirse especialmente expuesta tras la puesta en libertad condicional de los acusados, pues debía continuar su trato con McKellar para no despertar sospechas. La propia protagonista explicó tanto en la serie como en declaraciones recogidas por la BBC que dependió de sustancias para sobrellevar el miedo constante. La insuficiencia de respaldo institucional la llevó a presentar múltiples quejas formales contra la policía de Escocia, que tras una investigación interna de cinco años, fueron en su mayoría desestimadas.

La desprotección de los testigos

El trato institucional que recibió Muirhead generó críticas por parte de los creadores de la serie y abrió el debate sobre el grado de protección de los testigos en procesos similares. Los responsables del documental, entrevistados por la BBC, manifiestan que la lentitud de la justicia y la falta de empatía policial volcaron sobre la denunciante toda la carga de riesgos y responsabilidades. Uno de los momentos ilustrativos de la serie ocurre cuando, durante una intervención policial, un detective entra en la vivienda que compartían y grita: “¿Pero qué haces aquí, Caroline? ¡Eres nuestra testigo!”. Ese episodio puso en peligro su anonimato y su seguridad.

El documental, dirigido por Josh Allott, sigue tanto la dimensión emocional del conflicto de Muirhead como los efectos colaterales en su proyecto de vida. Según declaraciones recogidas por la BBC, los autores sostienen que su intención fue mostrar qué ocurre cuando alguien queda atrapado en la periferia de un crimen sin estar directamente involucrado.

La resolución judicial del caso llegó en julio de 2023, cuando Sandy McKellar fue condenado a 12 años de prisión y su hermano a cinco años y tres meses, tras admitir cargos de homicidio y encubrimiento. Durante los más de tres años transcurridos entre la confesión del crimen y la condena, Muirhead, se vio obligada a mantener la relación, grabar conversaciones incriminatorias y participar en la investigación mientras su entorno personal se desmoronaba.

En la actualidad, Caroline Muirhead ha reconstruido su vida. Tras la filmación de la serie, mantiene una relación sentimental estable y ha recibido tratamiento psicológico. En la propia docuserie, Muirhead apunta que la experiencia le hizo reflexionar sobre las carencias del sistema, señalando la urgencia de dotar de más recursos psicológicos y de protección real a víctimas y testigos.

La BBC corrobora que ni Police Scotland (fuerza policial nacional escocesa) ni Victim Support Scotland (institución de apoyo a víctimas en Escocia) quisieron participar en la elaboración de la ‘docuserie’ y mantienen que ofrecieron a Muirhead la asistencia adecuada. El impacto social del caso ha reavivado el debate sobre la lentitud y opacidad de la justicia en Escocia, así como el papel de los servicios de apoyo y protección a quienes denuncian delitos graves en el ámbito privado.

La segunda temporada de la adaptación audiovisual de Cien años de soledad se estrenará en agosto. Así lo confirmaron su directora, Laura Mora, y su guionista, Natalia Santa, quienes encabezan un equipo de colombianos dispuestos a revivir el clásico de literario. Alrededor de esa producción versó la charla que tuvieron en la Feria del Libro de Buenos Aires, sobre el desafío de llevar la icónica novela de Gabriel García Márquez a la pantalla respetando su complejidad literaria y cultural. Ambas cineastas confesaron los temores y debates que acompañaron el proceso, marcado por la obligación de reinterpretar, más que trasladar literalmente, los matices del “realismo mágico” y la densidad política de la obra original.

Según las palabras de Mora, desde el inicio fue consciente de la dimensión del reto: “He aprendido humildemente a respetar la literatura como un lenguaje mayor. Yo pensaba que era el cine, pero la imagen es más limitante que la literatura, precisamente porque el único límite es nuestra imaginación”, dijo en el encuentro, distinguido por la presencia absoluta de talento colombiano en cada una de sus etapas de producción, con el 98% de los integrantes provenientes de Colombia.

La lectura reiterada y casi ritual del libro fue parte central del trabajo de adaptación. Mora reconoció haber leído la novela nueve veces y describió el ejemplar que usó para el proyecto como “un objeto muy plástico lleno de notas, reseñas y colores”, utilizado también para coordinar equipos y hacer posible que todos los involucrados se refirieran a la misma edición, facilitando la construcción colectiva de Macondo. Santa, por su parte, destacó el giro en la relectura: la obra pasó de un análisis académico a la comprensión de su trasfondo histórico, político y social, lo que detonó nuevas capas de sentido durante las largas jornadas de escritura de guion.

La miniserie de Netflix, cuya segunda temporada fue construida y rodada en su totalidad por equipos colombianos, involucró la edificación desde cero de una ciudad-escenario en Ibagué, con dos versiones de la emblemática casa Buendía, lo que permitió plasmar la evolución arquitectónica, social y moral del pueblo a lo largo del tiempo narrativo.

Ambas creadoras admitieron que el primer impulso fue el rechazo. Cuando supo de la adaptación, Laura Mora relató: “Dije: Son unos dementes, ¿cómo se van a meter en eso? Irrespetuosos, no respetan nada del mundo. Me pareció una idea horrorosa y la critiqué como todos”. El recelo, indicaron, pronto dio paso a la reflexión colectiva acerca de cómo enfrentarse a una obra que, en palabras de Mora, “es una entidad superior, no solo por la obra en sí, sino por un lenguaje superior”.

El proceso de adaptar la novela al lenguaje audiovisual fue largo, impulsado tanto por el respeto como por la duda, que Santa describe como “un motor” para depurar y encontrar el corazón de lo que debía contarse, conscientes de que cada versión de Macondo será necesariamente diferente: “Nuestro Macondo jamás va a ser mejor que el Macondo de cada uno de ustedes. Ese Macondo que hicimos no obedece a la imaginación de una sola persona, sino a la interpretación de un montón de personas que imaginaron Macondo en su momento”, explicó Santa.

El equipo creativo rechazó la tentación de ceder ante las preferencias del público o adaptar la narrativa a lo ya exitoso en la primera temporada. “No se trata de obedecer al público, se trata de obedecer a la novela, de volver a leer y proponer cómo se va a estructurar”, recordó Mora, citando la premisa impulsada por Netflix y su director de contenido, Paco Ramos. La segunda temporada destaca la dimensión política e histórica del libro: “El progreso llega a Macondo y con el progreso viene la destrucción. Era entre todos saber qué se puede y qué no”, explicó Mora.

La producción implicó una reconstrucción casi arqueológica de objetos y ambientes, basada en la investigación en universidades y anticuarios de Colombia y el exterior, para lograr fidelidad en cada época representada. Según detalló Mora: “Cuando lo ves en pantalla es un paseo visual por la riqueza que tiene Colombia en estas artes. El legado que dejará Cien años de soledad es retratarnos, nuestras idiosincrasias, nuestras cosas que nos hacen únicos. Es un espejo de Colombia al mundo”.

Mora relató la obsesión por plasmar el paso del tiempo en el escenario: “Esta es una novela sobre el tiempo. Empezar a agrietar esas paredes y a humedecerlas, llevar a Macondo a la ruina, que siempre es tan hermosa. Una ruina es un lugar para la imaginación también”.

La traslación del “realismo mágico” a la pantalla fue objeto de debate y revisiones. Mora expresó sus reparos con el rótulo: “Tengo en lo personal muchos problemas con la expresión ‘realismo mágico’, porque creo que lo mágico tiende a infantilizar o exotizar el relato, y de nuevo, despolitiza el libro”. La escritora y directora reinsertó la cuestión central de la adaptación: “El realismo mágico es la lectura poética de los hechos cotidianos, y de cómo esta cosa parece excesiva, pero para nosotros es parte de la cotidianidad”.

La serie optó por técnicas artesanales para los momentos extraordinarios, evitando el abuso de efectos digitales para lograr verosimilitud y un tono poético, pero nunca fantástico. Santa compartió que el equipo partía de versiones “con mucho de realismo y muy poco de mágico” por pudor de que el folclore desplazara la crudeza y densidad de la novela. Fueron las devoluciones de Netflix y los propios directores las que garantizaron la recuperación de episodios icónicos, como las mariposas amarillas, siempre con un anclaje en la cotidianeidad: “Nos ayudó mucho la voz en off, que permite contar lo que no es traducible en imágenes”, explicó Santa.

El año próximo, Cien años de soledad cumplirá sesenta años desde su primera edición en Buenos Aires, y la segunda temporada de su adaptación visual se anuncia como el mayor esfuerzo colectivo por traducir la complejidad, el color y la tragedia de la novela de Gabriel García Márquez al lenguaje audiovisual, bajo la premisa de que ninguna pantalla podrá superar la imaginación de los millones de lectores que en cada idioma han recorrido las calles de Macondo.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: El precio de la entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires es de $8.000 pesos de lunes a jueves y de $12.000, los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un chequelibro con el que podrá obteber descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Ingreso gratis: De lunes a jueves desde las 20.

Fecha: La Feria continúa hasta el 11 de mayo.

Horarios: De lunes a viernes de 14 a 22. Sábados, domingos y feriados, de 13 a 22.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704; Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe (Plaza Italia), CABA.

La serie animada Stranger Things: relatos del 85 , ambientada en el mismo universo de la reconocida producción de Netflix, ha sido renovada oficialmente para una segunda temporada apenas cinco días después de su estreno. Este anuncio refleja el notable impacto inicial de su lanzamiento, ya que la serie debutó directamente en el Top 10 de la plataforma y logró captar la atención de millones de espectadores. La próxima entrega volverá a situar la historia en el invierno de 1985, donde el Club de Investigadores de Hawkins enfrentará una nueva amenaza sobrenatural proveniente de las minas de plata abandonadas, lo que representa un cambio significativo de escenario en comparación con las tradicionales aventuras en el Upside Down.

El estreno de Stranger Things: relatos del 85 tuvo lugar el 23 de abril y rápidamente se ubicó entre los títulos más populares de Netflix. De acuerdo con datos proporcionados por la propia plataforma, la serie alcanzó 13.8 millones de horas reproducidas en su primera semana, lo que equivale a 2.8 millones de vistas completas, según la duración total de los episodios. Este desempeño inicial sobresalió como uno de los mejores debuts históricos para una producción animada en inglés, consolidando la estrategia de Netflix de expandir el universo de Hawkins más allá de la serie original.

La serie ha conseguido atraer tanto a público infantil como adulto, debido a su mezcla de nostalgia de los años ochenta y tramas de suspenso sobrenatural. El desarrollo de Relatos del 85 estuvo liderado por Eric Robles y Jennifer Muro, con producción ejecutiva de los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, junto a Hilary Leavitt, Shawn Levy y Dan Cohen. La animación está a cargo del estudio Flying Bark. La serie ha tomado distancia de la línea argumental de la producción original, aportando una perspectiva renovada que, de acuerdo con la respuesta de la audiencia, demuestra contar con potencial propio.

A diferencia de la serie principal, este spin-off no cuenta con la participación de los actores originales en las voces de sus personajes. El reparto principal está conformado por Brooklyn Davey Norstedt, Luca Diaz, Braxton Quinney, Jolie Hoang-Rappaport, Elisha Williams, Ben Plessala, Brett Gipson, Jeremy Jordan y Alessandra Antonelli. Entre las nuevas incorporaciones destaca Odessa A’zion, quien interpreta a Nikki Baxter, personaje que ha conseguido notoriedad en la primera temporada y cuyo regreso está confirmado para la segunda entrega.

La continuidad del elenco de voces asegura coherencia en la narrativa y ha permitido a los guionistas explorar nuevos matices en las relaciones y conflictos de los protagonistas. Además, la producción ha indicado que la segunda temporada retomará elementos introducidos al final de la primera, como la aparición de una misteriosa flor azul en el Upside Down, posible origen de amenazas que superarán los desafíos previamente conocidos en Hawkins.

La pronta decisión de Netflix de renovar Stranger Things: relatos del 85 destaca la confianza de la plataforma en el desarrollo a largo plazo de este spin-off animado. La rapidez en el anuncio también señala una estrategia clara para posicionar Relatos del 85 como un elemento central dentro de la franquicia Stranger Things, y no simplemente como un producto secundario dirigido a fanáticos. El anuncio estuvo acompañado de material promocional, incluyendo un primer video de la segunda temporada y los primeros adelantos argumentales.

La línea narrativa de la próxima temporada continuará explorando zonas poco representadas de Hawkins, en esta ocasión situando la acción en escenarios como las minas de plata, lo que ampliará la mitología de la saga sin alterar de forma directa la cronología principal. Netflix había presentado fragmentos y avances desde fechas previas al estreno, mostrando su intención de mantener la serie animada como una extensión activa y reconocible, capaz de atraer tanto a nuevos espectadores como a los seguidores más fieles de la franquicia.

Cuando pensamos en Tom Cruise, es muy fácil que acudan a nosotros algunas de sus sagas más conocidas, como Top Gun, Jack Reacher o, por supuesto, Misión Imposible. Gracias a ellas, el actor ha forjado su leyenda en un Hollywood que espera con ganas su vuelta a los papeles dramáticos con Digger, la próxima película del oscarizado director mexicano Alejandro González Iñárritu, que quizá logre sobrecogernos tanto como en su día lo hicieron títulos como Magnolia o Eyes Wide Shut.

Al margen de estos papeles, Tom Cruise también ha protagonizado otros blockbusters que, pese a lograr el visto bueno de la crítica y el público, no han logrado la misma consideración que sus “grandes éxitos”. En esta lista, una de las primeras sería sin duda Al filo del mañana, una de las mejores películas de ciencia ficción firmadas por el actor que actualmente puede verse en Netflix, pero que se retirará del catálogo de la plataforma el próximo 30 de abril.

Estrenada en 2014, Al filo del mañana reunió a Tom Cruise y Emily Blunt para adaptar el manga All You Need Is Kill, de Hiroshi Sakurazaka. La película, dirigida por Doug Liman (responsable de la saga de Jason Bourne) se sitúa en un futuro devastado por la invasión de unos alienígenas llamados Mimics, donde la humanidad libra una batalla desesperada. El protagonista, el comandante William Cage, es arrojado a una misión suicida sin experiencia en combate, pero tras morir rápidamente se descubre atrapado en un bucle temporal que lo obliga a revivir el mismo día y la misma batalla repetidamente. Sin quererlo, ese extraño don podría resultar decisivo en la guerra.

Una película valorada con el tiempo

En su estreno, la película logró recaudar más de 370 millones de dólares en todo el mundo y, con el paso de los años, se consolidó como una de las obras de culto del género, aunque en su momento su taquilla no cumplió las expectativas para un proyecto cuyo presupuesto había sido de 178 millones. Habrían de pasar los años, pues, para que el público fuera valorando una historia frenética llena de giros y de acción, pero a la que no le faltan tampoco buenos toques de humor. “Un juguetón y frenético tornado de ciencia ficción”, se congratulaba en su momento la revista Empire en su reseña de la película.

Así, la combinación de una trama inteligente, efectos visuales sobresalientes y la química entre sus protagonistas han mantenido el interés tanto de nuevos espectadores como de los fanáticos de la primera hora. Y sí, también han hecho que muchos deseen que algún estudio empiece a pensar en la idea de sacar una segunda parte que permita seguir adaptando las novelas de Sakurazaka.

La secuela que nunca llega... pese a los rumores

El éxito que tiene ahora la película, así como sus aceptables datos en taquilla, dejó la puerta abierta a una segunda parte, aunque el proyecto ha permanecido en un limbo durante años. Los rumores sobre han sido constantes, y no es que los implicados hayan hecho mucho por desmentirlos. La actriz Emily Blunt compartió en el pódcast Happy Sad Confused en 2025: “Había un guion que Doug Liman me envió... Me encantaría hacerlo realidad, pero no sé cuándo ni cómo”.

Las apretadas agendas de Cruise y Blunt (a punto de estrenar El diablo viste de Prada 2 y El día de la revelación, además de la tercera parte de la saga de Un lugar tranquilo) han dificultado la producción. Ambos son figuras recurrentes en superproducciones y su disponibilidad parece ser el principal obstáculo. Mientras tanto, el director Doug Liman también ha manifestado su deseo de regresar, aunque el proyecto siga sin fecha clara ni luz verde definitiva.

Charlize Theron y Taron Egerton protagonizan Apex, un thriller de supervivencia ya disponible en Netflix, donde una escaladora que carga con una pérdida reciente y un asesino en serie se persiguen a través del desierto australiano.

La película, dirigida por el islandés Baltasar Kormákur —conocido por Everest y Adrift—, sigue a Sasha, una escaladora adicta a la adrenalina que viaja al interior de Australia cinco meses después de perder a su compañero de cordada en una avalancha en la Pared de los Trolls, en Noruega.

Lo que comienza como una escapada en solitario se convierte en una cacería mortal cuando se cruza con Ben, un hombre que lleva años matando excursionistas en el outback y convirtiendo sus restos en cecina artesanal.

“Esta película realmente encendió mi cerebro”, declaró Theron a Netflix Tudum. “Había algo en su simplicidad que encontré hermoso, no simple en sentido negativo, sino hermoso en su pureza, sin artificios. Se sentía muy puro pero con gran impacto”.

Egerton interpreta a Ben como un depredador con una relación casi mística con el entorno: se ha limado los dientes a la manera de algunas tribus nativas, fabrica su propia cecina —la marca “Jenno”, en honor a su madre, a quien también asesinó— y conoce cada rincón del territorio.

Según relató el actor a Netflix Tudum, “Ben le indica a Sasha una ruta especial por el desierto, supuestamente para que pueda ver zonas de extraordinaria belleza natural. Pero en realidad es porque es un asesino en serie y quiere cazarla por el bosque”.

El relato arranca con una pérdida. Tommy, la pareja de Sasha, interpretado por Eric Bana, muere en una avalancha mientras ambos descienden la Pared de los Trolls.

Ante la imposibilidad de sostenerlo, Sasha suelta la cuerda. Esa decisión la persigue durante toda la película, representada por la brújula de la suerte que Tommy llevaba siempre consigo y que ella conserva en el tablero de su furgoneta al llegar al outback australiano.

Kormákur explicó a Netflix Tudum que la geografía no es un mero escenario: “Vengo de un país [Islandia] donde el clima cambia cada cinco minutos. Estás en pugna con la naturaleza toda tu vida. Quería usar el paisaje de esa forma. Quiero que el público sienta que ha estado en ese lugar, que lo ha sentido y casi olido”.

La dinámica entre los dos personajes escala con rapidez. Ben roba el equipo de Sasha durante la noche —incluidas las pulseras de Tommy— y le ofrece un trato: tiene hasta que termine la canción “Go”, de The Chemical Brothers, para alejarse. Después, él la seguirá con una ballesta.

Lo que sigue es una persecución en la que Ben tiende trampas, acosa a Sasha con sonidos de una familia grabados en su teléfono e intenta derribarla de un acantilado.

Sasha termina atrapada en un cepo, es arrastrada hasta el refugio subterráneo de su captor y descubre la verdad sobre los excursionistas desaparecidos cuyas fotos vio al entrar al parque.

“Hay algo muy primigenio en Ben”, dijo Egerton a Netflix Tudum. “Muchas de las cosas que hace en la película están tomadas de mi propia vida. Recuerdo ser niño, jugar al pilla-pilla y perseguir a otros niños, sobreexcitado, con esos pequeños gritos y exclamaciones que uno hace”.

La resolución llega en una pared rocosa. Sasha y Ben quedan atados el uno al otro tras una pelea en el fondo de un barranco, con la pierna de él destrozada. Para salir, deben escalar juntos o morir allí.

Theron, que recibió entrenamiento de la escaladora Beth Rodden para el rodaje, describió el proceso a Netflix Tudum: “Para que parezca escalada real, tienes que escalar de verdad. Lo que se ve en pantalla dura unos 20 o 30 segundos, pero a mí me llevó unos 38 minutos. Así de difícil fue”.

En la cima del barranco, Sasha suelta el arnés de Ben y lo deja caer, en un eco deliberado de la muerte de Tommy. La escena final la muestra en una playa, donde arroja la brújula al mar.

“Es primigenio”, dijo Theron a Netflix Tudum. “Es toda la teoría detrás de la madre que levanta el coche cuando su hijo está debajo. Hay algo hermoso en la humanidad: podemos hacer cosas que ni siquiera imaginamos que podemos hacer”.

Apex ya está disponible en Netflix.

Netflix incorporó a su catálogo una de las producciones cinematográficas más ambiciosas y costosas de los últimos años: Gladiator 2. La secuela dirigida por Ridley Scott llega al servicio de streaming después de un extenso proceso de desarrollo que tomó 24 años desde el estreno de la película original y con un presupuesto que alcanzó los 310 millones de dólares, convirtiéndola en una de las cintas más caras de la historia del cine.

La llegada de la superproducción a la plataforma refuerza la estrategia de Netflix de combinar películas originales con grandes estrenos provenientes de otros estudios. En este caso, la compañía consiguió temporalmente los derechos de streaming de una de las películas más comentadas del último año.

Una secuela esperada durante más de dos décadas

La primera Gladiator se estrenó en el año 2000 y rápidamente se convirtió en uno de los mayores éxitos cinematográficos de la década. La cinta protagonizada por Russell Crowe recaudó alrededor de 465 millones de dólares en taquilla mundial y ganó cinco premios Óscar, incluido el de Mejor Película.

Desde entonces, durante años circularon rumores sobre una posible continuación. Incluso existieron propuestas iniciales para traer nuevamente a Russell Crowe como Máximo Décimo Meridio, aunque esas ideas terminaron descartándose debido a lo arriesgado de algunos planteamientos narrativos.

Finalmente, Ridley Scott decidió regresar al universo de Gladiator con una nueva historia centrada en otro protagonista y con una visión mucho más grandilocuente desde el punto de vista visual y narrativo.

Un presupuesto gigantesco para una apuesta épica

Uno de los aspectos que más llamó la atención alrededor de Gladiator 2 fue su enorme presupuesto. Mientras la película original costó aproximadamente 103 millones de dólares, la secuela elevó esa cifra hasta los 310 millones.

Aunque incentivos fiscales y beneficios de producción habrían reducido parte del gasto final para Paramount, el proyecto igualmente se convirtió en una de las inversiones más importantes realizadas por el estudio en los últimos años.

En taquilla, Gladiator 2 logró recaudar unos 462 millones de dólares a nivel mundial, una cifra muy cercana a la obtenida por la película original hace más de dos décadas.

Sin embargo, debido al enorme costo de producción y marketing, Paramount necesita seguir explotando otras fuentes de ingresos, entre ellas la distribución en plataformas de streaming como Netflix.

Paul Mescal lidera el nuevo elenco

La nueva entrega está protagonizada por Paul Mescal, actor que asumió la difícil tarea de encabezar una franquicia marcada por la interpretación de Russell Crowe en la primera película.

El elenco también cuenta con la participación de Denzel Washington, cuya actuación fue una de las más comentadas por la crítica y el público tras el estreno en cines.

La película apuesta por un tono todavía más espectacular y exagerado que la original, con grandes secuencias de combate, batallas masivas y escenas diseñadas para potenciar la épica visual dentro del Imperio Romano.

Una película más enfocada en el espectáculo

A diferencia de la primera entrega, donde gran parte de la fuerza narrativa recaía sobre el viaje personal del protagonista, Gladiator 2 apuesta por una estructura más centrada en el espectáculo y la sucesión constante de escenas impactantes.

Las casi dos horas y media de duración están marcadas por enfrentamientos cada vez más ambiciosos y una puesta en escena diseñada para maximizar el impacto visual.

Aunque la recepción general fue positiva, parte de la crítica coincidió en que la secuela no alcanza el mismo nivel emocional ni el carisma que transmitía Russell Crowe en la película original.

Incluso el propio Crowe llegó a cuestionar públicamente algunas decisiones creativas relacionadas con la continuación de la saga.

Netflix sigue reforzando su catálogo con grandes producciones

La incorporación de Gladiator 2 también refleja el creciente interés de Netflix por sumar películas de gran presupuesto provenientes de estudios tradicionales.

En los últimos años, la plataforma ha buscado consolidarse no solo como productora de contenido original, sino también como uno de los principales espacios de distribución digital para grandes estrenos de Hollywood.

Con su llegada al catálogo, Gladiator 2 se perfila como uno de los lanzamientos más importantes del mes dentro de Netflix y como una de las películas más vistas de la plataforma en varios mercados internacionales.

Que los cantantes se suben al carro de la actuación no es algo nuevo. Lo hemos visto con Lady Gaga en Ha nacido una estrella y en Joker: Folie à Deux. También con Harry Styles, que hizo su debut cinematográfico ni más ni menos que de la mano de Christopher Nolan en Dunkerque en 2017, o la mismísima Rihanna, que coprotagonizó Ocean’s Eight en 2018 y ya para entonces acumulaba un gran CV cinematográfico a sus espaldas. Ahora es el turno de SZA.

La cantante de éxitos como Kill Bill, ganadora de siete premios Grammy, da el salto a la gran pantalla con Un día de esos (One of Them Days, en inglés), una comedia de poco más de hora y media de duración que acaba de aterrizar en Netflix y que algunos ya consideran una de las mejores del género en lo que llevamos de década.

Protagonizada por Keke Palmer en el papel de Dreux, y SZA, el nombre artístico de Solána Imani Rowe, como Alyssa, la historia sigue a estas dos amigas y compañeras de piso que, tras descubrir que el novio de esta última ha malgastado el dinero del alquiler, el dúo se ve abocado a una carrera contrarreloj para evitar el desahucio y mantener intacta su amistad. La película ha sido comparada con Todo en un viernes (Friday), el clásico de los noventa estadounidense protagonizado por Ice Cube y Chris Tucker.

A partir de ahí, la película despliega una sucesión de situaciones caóticas y cómicas a lo largo de un único día, una estructura que recuerda a las clásicas buddy comedies de los noventa. Sin embargo, lejos de quedarse en la nostalgia, Un día de esos actualiza el género con una mirada más pegada a la actualidad que rodea a los jóvenes y no tan jóvenes en todos los rincones del mundo: el problema de la vivienda.

Lo que dicen la crítica y el público

La crítica especializada ha respaldado la propuesta. Desde el medio estadounidense especializado en culture Vulture, la periodista Alison Willmore señala que la película recupera “la forma y el encanto desaliñado” de las comedias de colegas de antaño, aunque sin recurrir a uno de sus elementos más característicos: el consumo de drogas.

Ese buen recibimiento se refleja en plataformas de valoración como Rotten Tomatoes, donde la película mantiene una puntuación excelente y un consenso entre crítica y público. La prensa especializada otorga a la cinta debut de Lawrence Lamont un 94 sobre 100 con 125 críticas, 117 muy positivas. La audiencia le otorga una puntuación muy similar con un 89 de 100.

El éxito no es casualidad: la cinta superó los 50 millones de dólares de recaudación mundial tras su estreno en enero del año pasado, cuando su presupuesto estaba en 14 millones. Por si fuera poco, en junio del año pasado, Variety anunció en exclusiva que la secuela ya estaba en desarrollo. Palmer y la cantante volverán en sus respectivos papeles, junto con el equipo original de la primera película.

Si pensamos en las películas sobre crimen organizado, es probable que a nuestra cabeza acudan dos nombres. El primero sería El Padrino, la película de Francis Ford Coppola considerada por muchos como la mejor de la historia del cine. El otro sería el de Martin Scorsese, y cualquiera de las obras maestras con las que encumbró este género de la mano de actores como Al Pacino, Joe Pesci o su mejor socio, el doblemente oscarizado Robert De Niro.

Martin Scorsese lleva más de cinco décadas demostrando que nadie filma el crimen con tanta precisión ni con tanto nervio. Pero dentro de una filmografía que incluye Malas calles, Casino, Gangs of New York, Infiltrados o El Irlandés, hay una película que muchos sitúan por encima de todas: Uno de los nuestros.

La cinta de 1990 nació de un libro de no ficción de Nicholas Pileggi, Wiseguy: Life in a Mafia Family, que reconstruía en primera persona la vida de Henry Hill junto a la mafia de la familia Lucchese. Entre sus páginas, Scorsese encontró una historia con la que liberarse de la estética que Coppola y El Padrino venían marcando desde hacía décadas: ya no se trataba de realizar un retrato épico y trágico de la mafia, sino de contar la cotidianidad menos glamurosa del crimen organizado, y poner la cámara en su nivel más bajo.

Por qué ‘Uno de los nuestros’ se considera una obra maestra

Sin el romanticismo ni la grandeza de los Corleone, Scorsese construye su historia desde la codicia de sus personajes y el caos generalizado del mundo en el que viven. Uno de los nuestros, que puedes ver en Netflix hasta el próximo 30 de abril, nos cuenta la historia de un joven que, lleno de encanto, nos cuenta la historia de un joven recién ingresado en la mafia. Muy pronto, ese chico que creció admirando la vida de los gángsters irá ascendiendo de categoría tras ganarse la confianza de los principales jefes de esa familia.

La película arranca con calma, casi como una historia de formación, y luego aprieta el acelerador hasta un tramo final construido sobre la paranoia. Scorsese usa la voz en off, el montaje acelerado y una selección musical que funciona como motor narrativo, no como decorado. Todo eso, junto a planos secuencia que sumergen al espectador en la acción, como la famosa escena en la que vemos al protagonista entrar por la puerta trasera del club nocturno Copacabana, uno de los más recordados (y citados) por su puesta en escena y magistral narrativa visual.

Esta fórmula permite que todos los intérpretes de la película acaben por brillar con luz propia. Ray Liotta y Robert De Niro cuentan con los papeles principales, mientras que secundarios de lujo como Joe Pesci (que no aceptó participar en la película hasta que incluyeron una escena propuesta por él mismo donde pasa de ser el ‘rey de la fiesta’ al personaje más peligroso del local), Lorraine Bracco, Paul Sorvino o Chuck Low ponen el resto para dar vida a esta fábula inmoral sobre el crimen organizado.

Pesci ganaría el único Oscar de Uno de los nuestros, aunque ya sabemos que la Academia nunca ha sabido premiar debidamente a Scorsese. A pesar de su impresionante filmografía, solo una de sus cintas ha ganado en la categoría de Mejor película. Aunque a quién le importan los premios cuando acabas de cambiar para siempre la historia del cine criminal, y de algún modo, cuando incluso has conseguido terminar con el imperio de la estética casi operística que nos legaron Coppola y El Padrino.

El esperado regreso de Una nueva jugada a Netflix ha confirmado la buena acogida de la comedia deportiva protagonizada por Kate Hudson y creada por Mindy Kaling, apostando en su segunda temporada por consolidar la fórmula que la convirtió en un éxito inmediato.

Junto a un reparto coral que integra nombres como Justin Theroux, Brenda Song o Max Greenfield, la serie ha mantenido el pulso humorístico, ha enfatizado las tensiones familiares y ha sumado fichajes destacados, como Ray Romano, Ken Marino y la ganadora del Oscar Octavia Spencer.

La segunda temporada de Una nueva jugada comienza justo tras después del final de la primera tanda de episodios. Cam, interpretado por Justin Theroux, regresa de rehabilitación y asegura que dará un paso atrás para que Isla, el personaje central de Hudson, mantenga la presidencia del equipo de los Waves.

Inspirada en el baloncesto profesional

Sin embargo, sus verdaderas intenciones pasan por recuperar su antiguo puesto, lo que desencadena nuevas rivalidades. El equipo, todavía digiriendo una dolorosa derrota en los playoffs, fija el objetivo en el campeonato nacional. Esta nueva etapa implica, desde el principio, cambios de entrenador y fichajes inspirados en operaciones reales del baloncesto estadounidense, como el traspaso de Luka Dončić.

La narrativa de Una nueva jugada se apoya en un híbrido entre la comedia romántica y la sátira deportiva, partiendo de una organización ficticia, Los Angeles Waves, que funciona como trasunto de Los Lakers y cuyo modelo familiar tiene claras referencias a la dinastía Buss.

Isla Gordon encarna las dificultades de ser una directiva femenina en una franquicia históricamente dominada por modelos masculinos y bajo la presión del legado familiar, situación que se complica con la reincorporación de Cam. En este contexto, la química del elenco se refuerza con la participación de nuevos actores: Ray Romano, Ken Marino y Octavia Spencer, ampliando la nómina de secundarios y dotando de mayor dinamismo a los conflictos grupales.

Entre los grandes logros destaca el equipo creativo liderado por Mindy Kaling a la hora de adaptar el formato de la sitcom tradicional al universo de los clubes deportivos, fusionando tramas sentimentales clásicas con giros propios del género. A diferencia de Tiempo de victoria: La dinastía de Los Lakers, serie de HBO que también llevó a la pantalla la historia de los Lakers y fue cancelada tras dos temporadas, Una nueva jugada no está sujeta a los vaivenes del realismo biográfico, permitiéndose la introducción de personajes inventados, lo que ha facilitado el desarrollo de arcos argumentales más flexibles y un ritmo ágil.

Uno de los elementos que más han evolucionado es el protagonismo de Ali Lee, mano derecha de Isla y encarnada por Brenda Song. La consolidación de Ali como figura clave dentro de la franquicia y el desarrollo de sus aspiraciones profesionales intensifican las tensiones entre amistad y lealtad corporativa, en una de las líneas más celebradas de la temporada.

Un éxito que se amplía con esta temporada

Las dinámicas familiares siguen funcionando como motor principal de la acción. Pese a la ‘disfuncionalidad’ que caracteriza a los Gordon, la serie encuentra su punto fuerte en la interacción grupal, desde la gestión de relaciones sentimentales hasta la entrada en escena de nuevos parientes y la resolución de conflictos empresariales y deportivos.

También constituye un reto equilibrar el carácter familiar con el universo del baloncesto profesional y las exigencias de un formato comprimido. Así, algunas subtramas, como la mini-rebelión organizada por Sandy y Ness o la definición del carácter de Isla a través de situaciones cómicas, se diluyen en beneficio de la agilidad del conjunto.

El desenlace de la segunda temporada apunta abiertamente hacia una prolongación de la serie en Netflix, rematando un ‘final abierto’ que dejaría sin resolución varias de las líneas más potentes de esta ficción.

El éxito de Una nueva jugada se explica no solo por el carisma de su reparto, sino por la capacidad del equipo de guionistas para trenzar referencias actuales y conflictos atemporales en el marco de una comedia de conjunto. En estos momentos, es una de las series más vistas en plataformas a nivel internacional y demuestra la buena racha de Kate Hudson en los últimos años, sobre todo después de su última nominación a los Oscar por Song Sung Blue (Canción para dos), película que ‘coprotagonizó’ junto a Hugh Jackman.

El proyecto cuenta con Julie Gearey como creadora y dirección de Jim Loach, apoyados en un elenco encabezado por Molly Windsor (Engaño), Asa Butterfield (La invención de Hugo), Fra Fee (Rebel Moon), Siobhan Finneran (Downton Abbey) y Christopher Eccleston (The Leftovers).

La serie toma como punto de partida la existencia de más de 2.000 sectas en el país, algo que se destacada al inicio de la producción. Así, el argumento explora las dinámicas internas de las sectas y las consecuencias que supone para sus integrantes el contacto con el mundo exterior.

División de tareas entre mujeres y hombres

El relato se desarrolla en el seno de la Hermandad de los Divinos, una secta cristiana que regula estrictamente la vida de sus miembros e impone roles de género rígidos: las mujeres se dedican al hogar y a los niños; los hombres actúan como proveedores y líderes. El personaje central, Rosie (Molly Windsor), es una joven madre cuya percepción del mundo se tambalea tras la llegada de Sam, un forastero con pasado violento. La trama se activa cuando, tras una tormenta, la hija de Rosie se pierde y es rescatada por Sam, marcando el inicio del cambio de la protagonista.

Desde el comienzo, la serie opta por una atmósfera opresiva, reforzada mediante una estética de colores apagados y lluvias constantes. Detrás de la calma que proyecta la Hermandad, emerge una estructura basada en el control coercitivo y la violencia encubierta. Se imponen castigos como el aislamiento social y emocional ante cualquier disidencia, llegando incluso a romper lazos familiares y excluir a los considerados no elegidos.

Un gran trabajo de investigación

La inspiración de Los no elegidos surge a partir del trabajo de investigación de Julie Gearey, que consultó testimonios de personas que abandonaron comunidades religiosas, además de apoyarse en documentales como Inside the Bruderhof y producciones de la emisora británica BBC. Este proceso se refleja en personajes como Adam, interpretado por Asa Butterfield, cuyo papel como esposo severo y seguidor entregado contrasta con su participación previa en Sex Education.

Christopher Eccleston destaca en el papel de el Sr. Phillips, líder de la Hermandad, y Siobhan Finneran como una figura femenina de gran complejidad. Olivia Pickering, en el rol de Grace (hija de Adam y Rosie), aporta vulnerabilidad en las situaciones de mayor tensión. Por su parte, la actuación de Fra Fee como Sam introduce ambigüedad y desconcierto; sus verdaderas intenciones resultarán difíciles de descifrar.

El guion ha generado opiniones diversas: se reconoce su capacidad para mantener el suspense en los primeros episodios gracias a las tensiones familiares y la evolución de la protagonista. Algunas críticas, sin embargo, mencionan una pérdida de ritmo en los capítulos centrales por la reiteración de conflictos, aunque se concede que el desarrollo de los personajes y el trabajo actoral sostienen el interés.

La llegada de Sam marcará un punto de inflexión para Rosie, que comenzará a cuestionar el sistema de creencias en el que ha crecido y contempla romper con todo lo conocido. Temores como el rechazo, la vergüenza y la posibilidad de perder el contacto con su hija, Grace, generan las principales tensiones que afronta el personaje de Molly Windsor. Así, la Hermandad está sostenida por mecanismos de manipulación, ritos cerrados y una jerarquía patriarcal que incide especialmente en las mujeres.

Similitudes con ‘El cuento de la criada’

La comparación de Los no elegidos con otras ficciones sobre sectas, como El cuento de la criada y El diablo en Ohio, resulta inevitable, aunque el hecho de situar la historia en la Inglaterra actual introduce un matiz distintivo y refuerza la inquietud acerca de la vigencia de los sistemas de control y adoctrinamiento en la sociedad contemporánea.

Las críticas han señalado que la Hermandad, pese a presentarse inicialmente como una comunidad pacífica, revela una estructura de disciplina rígida y violencia no explícita a lo largo de la trama. El rigor documental y la interpretación del elenco, particularmente el femenino, subrayan cómo los rituales patriarcales perpetúan sistemas opresivos sin recurrir a la violencia directa.

Netflix ha confirmado la fecha de estreno global de Enola Holmes 3 y ha revelado las primeras imágenes oficiales de la esperada película. La nueva entrega de la franquicia protagonizada por Millie Bobby Brown llegará a la plataforma el 1 de julio, y ya se anticipa como uno de los lanzamientos más destacados del año para el servicio de streaming. En las imágenes publicadas por Netflix, se observa a Enola Holmes, interpretada nuevamente por Brown, junto a Louis Partridge en el papel de Tewkesbury. La pareja aparece en plena celebración de bodas, lo que confirma que el vínculo romántico entre los personajes avanzará de manera significativa en esta tercera parte. Además, el adelanto visualiza el tono de aventura y misterio que ha caracterizado a la saga desde su debut.

La trama de Enola Holmes 3 llevará a la joven detective a Malta, donde deberá resolver un caso especialmente complejo. Según la sinopsis oficial, la historia mezcla los desafíos personales y profesionales de Enola, quien se enfrenta a una investigación más enredada y peligrosa que nunca. Mientras intenta descifrar el misterio, también debe gestionar las nuevas etapas de su relación con Tewkesbury, lo que añade una dimensión más íntima al relato. La película cuenta con un elenco principal que retoma varios de los rostros ya conocidos por los seguidores de la franquicia. Henry Cavill regresa como Sherlock Holmes, el hermano mayor de Enola, mientras que Helena Bonham Carter interpreta nuevamente a Eudoria Holmes, la madre de los Holmes. El reparto se completa con Himesh Patel como el doctor John Watson y Sharon Duncan-Brewster en el papel de Moriarty, asegurando continuidad y expansión en el universo narrativo iniciado en las entregas previas.

Una franquicia de éxito

La dirección de esta tercera película recae por primera vez en Philip Baranti, realizador de Adolescence, quien sustituye a Harry Bradbeer, responsable de las dos primeras películas. El guion, en cambio, mantiene la firma de Jack Thorne, que ya había trabajado previamente con Baranti y es responsable de adaptar la saga literaria a la pantalla. Enola Holmes 3 se basa en la serie de libros The Enola Holmes Mysteries, escrita por Nancy Springer, consolidando así la conexión entre la obra literaria y su versión audiovisual. En cuanto a la producción, la película es fruto de la colaboración entre Legendary Entertainment y PCMA Productions. Entre los productores se encuentran Brown, Thorne, Mary Parent, Alex Garcia, Ali Mendes, Robert Brown y Michael Dreyer. Además, la lista de productores ejecutivos incluye a Joshua Grode, Jake Bongiovi (esposo de Brown) e Isobel Richards, lo que refuerza el compromiso de la protagonista en la creación y el desarrollo del proyecto.

El éxito de la franquicia Enola Holmes ha sido notable desde el lanzamiento de la primera película, consolidando a Brown como una de las figuras más populares de Netflix. Enola Holmes 2, estrenada en 2022, mostró a la protagonista abriendo su propia agencia de detectives y resolviendo un caso inspirado en la huelga de las cerilleras de 1888 en Londres, lo que aportó una dimensión histórica y social a la saga. El anuncio de la tercera entrega mantiene el interés de los seguidores y apunta a elevar aún más las expectativas en torno a la franquicia. La confirmación de la fecha de estreno y la publicación de las primeras imágenes oficializan el regreso de la joven detective al centro de la acción. Los elementos románticos y de aventura, sumados a la incorporación de nuevos escenarios y desafíos, configuran un panorama atractivo para los espectadores de todas las edades. Con el estreno global fijado para el 1 de julio, Enola Holmes 3 se posiciona como uno de los títulos más esperados en el calendario de Netflix para 2026.

Ápex, el thriller de supervivencia protagonizado por Charlize Theron y Taron Egerton, se ha convertido en el estreno más visto de Netflix en 86 países, alcanzando el primer puesto del ranking global de la plataforma desde su lanzamiento el 24 de abril de 2026. Dirigida por Baltasar Kormákur, la película reúne a dos de los actores más reconocidos del cine actual, pero la respuesta del público y la crítica ha dejado en evidencia una marcada división respecto a sus méritos y limitaciones.

Luego de su estreno mundial, Ápex rápidamente se posicionó entre los primeros lugares en las listas de audiencia, de acuerdo con datos de FlixPatrol. La película utiliza una fórmula familiar para los aficionados al género: una mujer marcada por un trauma personal se enfrenta a la hostilidad de la naturaleza y a la persecución de un adversario persistente. En esta ocasión, Sasha, interpretada por Charlize Theron, recorre un parque nacional australiano como parte de un proceso personal de duelo, pero su travesía se complica cuando se convierte en el objetivo de un cazador interpretado por Taron Egerton. Con una duración de solo 90 minutos, la película destaca por su ritmo ágil y su capacidad para captar la atención de inmediato.

Récord de audiencia gracias a una fórmula efectiva

El respaldo del público a Ápex ha superado a otros estrenos recientes de Netflix. Su ascenso veloz en las listas de popularidad resalta la preferencia de los usuarios por los thrillers directos, con enfoque en la acción física y el impacto visual. La elección del entorno australiano enfatiza el aislamiento de la protagonista y aporta atractivo visual a la puesta en escena. Para los seguidores de Theron y Egerton, la película ofrece un nuevo enfrentamiento actoral tras sus anteriores éxitos individuales en la plataforma, como La vieja guardia y Equipaje de mano.

La dirección de Baltasar Kormákur, experimentado en historias de supervivencia como Everest y La bestia, asegura una realización dinámica y llena de tensión. Los escenarios naturales y la progresión de peligros mantienen el interés, aunque varios análisis especializados señalan que la narrativa prioriza la acción sobre el desarrollo psicológico de los personajes. A pesar de ello, la propuesta narrativa ha resultado satisfactoria para buena parte del público, que valora la intensidad por encima de la originalidad.

Reseñas de la crítica: entre elogios y reservas

No obstante, a medida que aumentó su popularidad, también surgieron reservas de la crítica y de algunos sectores del público más exigente. En Rotten Tomatoes, Ápex mantiene una aprobación cercana al 66 %, una cifra que refleja un desempeño respetable, aunque distante de un consenso ampliamente favorable. En plataformas como IMDb y Letterboxd, las calificaciones rondan 6,2 y 2,7 sobre 5, respectivamente, lo cual sugiere una percepción de filme eficaz pero poco memorable.

Las reseñas profesionales suelen destacar el esfuerzo físico de Theron, la tensión generada en la persecución entre protagonista y antagonista, y la espectacularidad de los escenarios. Sin embargo, critican la dependencia de clichés propios del género y la falta de profundidad en la construcción de las motivaciones y el desarrollo emocional de los personajes principales. Algunos medios enfocados en el análisis de tendencias digitales consideran que la película funciona como entretenimiento adecuado para el catálogo de Netflix, pero no representa una renovación significativa para el género de thriller de supervivencia.

Influencia en la audiencia y tendencias actuales de Netflix

Para el público internacional, el principal atractivo de Ápex es la capacidad de generar emociones fuertes en un contexto familiar, donde el peligro es tangible y la resolución depende de las acciones rápidas de la protagonista. Esta clase de propuestas se adapta bien a los patrones de consumo de la plataforma, donde la inmediatez y la intensidad son tan valoradas como la originalidad de los argumentos.

El caso de Ápex ejemplifica ciertas características del contenido original de Netflix: una producción puede liderar el ranking mundial y, al mismo tiempo, no satisfacer a aquellos que buscan propuestas más audaces. En muchos países, los espectadores comentan en foros y redes sociales la tensión de las escenas de persecución y la espectacularidad visual, aunque también mencionan la previsibilidad del argumento y la ausencia de sorpresas memorables. Para los aficionados a la acción, Ápex entrega una cuota adecuada de adrenalina, mientras que quienes prefieren relatos con mayor profundidad psicológica o giros argumentales innovadores pueden considerar limitada la película.

En el contexto del mercado, el fenómeno de Ápex refuerza la estrategia de Netflix de apostar por títulos con alto impacto visual y protagonismo de grandes figuras, capaces de escalar en las estadísticas globales sin requerir el respaldo unánime de la crítica. Para el espectador común, esto implica disponer de opciones de entretenimiento inmediato, pensadas para un consumo ágil y con potencial de generar conversación en redes digitales, aunque también pone en evidencia los desafíos de la plataforma para crear contenido original que logre trascender la inmediatez y permanezca en la memoria colectiva más allá de los registros estadísticos.

El estreno de la película “México 86” en Netflix revive el debate sobre el uso de la imagen de figuras históricas en producciones audiovisuales.

La presencia del personaje de Emilio Azcárraga Milmo “El Tigre”, interpretado por Daniel Giménez Cacho, pone en la mesa la posibilidad de que Televisa emprenda acciones legales por el uso de la imagen de su fundador, aunque hasta la fecha de publicación original de esta nota - 27 de abril de 2026- no existe ninguna demanda formal en los tribunales.

Netflix muestra a Azcárraga como “el hombre más poderoso de México”

La película, dirigida por Gabriel Ripstein y producida por Diego Luna, relata cómo México logró convertirse en sede del Mundial de 1986.

El personaje de Azcárraga aparece como un empresario con influencia clave en la organización del torneo. Según la sinopsis de Netflix, la trama utiliza el humor para mostrar los esfuerzos de un burócrata —Martín de la Torre, encarnado por Luna— que convence a Azcárraga para respaldar la candidatura mexicana.

El largometraje también retrata la renovación del Estadio Azteca, ahora llamado Estadio Banorte, para albergar el Mundial de 2026. Luna declaró en un comunicado de Netflix: “Lo que no imaginaba era que, para lograrlo, tendría que romper varias reglas y vivir siempre al borde de la tarjeta roja”.

Demandas previas y antecedentes legales de Netflix en México

El uso de la imagen de personas reales en series y películas de Netflix ya ha generado conflictos legales en México. Casos como el de Issabela Camil en “Luis Miguel: La serie” y Amanda de la Rosa han llegado a los juzgados de la Ciudad de México por presunto uso no autorizado de imagen.

La posibilidad de una demanda por parte de Televisa no es descabellada. En el pasado, representantes de Univisión/Televisa han realizado requerimientos notariales para detener el uso de sus contenidos en plataformas de streaming. El argumento central sería que la explotación comercial de la imagen de Azcárraga sin autorización afecta la marca y reputación de la empresa.

El derecho a la propia imagen y la posición de Netflix

En México, la ley protege el derecho a la propia imagen, incluso de personas fallecidas si afecta a sus herederos o a la marca asociada, como Televisa. El uso de la imagen con fines comerciales o de lucro sin consentimiento puede derivar en demandas civiles por daño moral o derechos de autor.

No obstante, Netflix podría alegar libertad de expresión o “uso justo”, al tratarse de una recreación histórica y no de una biografía no autorizada sobre la vida privada de Azcárraga. La figura de “El Tigre” es parte de la historia del fútbol y la televisión mexicana, lo que abre la puerta a la interpretación jurídica sobre los límites entre el interés público y la protección de derechos de imagen.

Estreno y detalles de la película

“México 86” llega a la plataforma el 5 de junio, poco antes del inicio del Mundial 2026 que tendrá su primer partido el 11 de junio y concluirá el 19 de julio. El reparto incluye a Diego Luna, Karla Souza, Álvaro Guerrero, Memo Villegas como Hugo Sánchez y Juan Pablo Fernández, entre otros.

La producción se anunció en agosto de 2025 como parte de una inversión de mil millones de dólares de Netflix para desarrollar contenidos en México. Es la primera cinta mexicana que explora la historia de los mundiales disputados en el país, según Netflix.

¿Por qué Televisa podría demandar y por qué no lo ha hecho?

Televisa podría argumentar que el uso de la imagen de Azcárraga Milmo beneficia comercialmente a un competidor directo y explota su reputación sin consentimiento. No obstante, hasta la fecha no se ha confirmado ninguna acción legal formal.

El personaje de Azcárraga, al ser una figura histórica, permite a Netflix defender la producción como una obra de interés público. El desenlace de cualquier posible litigio dependería de la interpretación de los tribunales sobre el equilibrio entre libertad creativa y derechos de imagen.

La cuarta temporada indaga en una nueva dimensión emocional para Victoria, el personaje central interpretado por Siciliani, quien ahora debe convivir con Matías (Esteban Lamothe) y hacerse cargo de la llegada de Bruno, un niño de nueve años, hijo de una relación anterior de su pareja. El arco dramático traslada la mirada desde los vínculos románticos hacia la maternidad no tradicional y el vínculo paciente-terapeuta, potenciado por la participación de Lorena Vega en el rol de la psicóloga Fernanda.

Para esta etapa final, la showrunner Carolina Aguirre declaró a medios argentinos: “Envidiosa, más que una comedia romántica, siempre ha sido una serie sobre el lazo entre paciente y terapeuta”. El relato avanza revelando zonas íntimas y complejas alrededor del deseo de formar familia y redefinir los modelos afectivos fuera de los esquemas convencionales.

El modelo de crecimiento internacional de Envidiosa se ha apoyado en resultados concretos de audiencia. A lo largo de sus tres temporadas previas, la serie se ha mantenido en el Top 10 de series no angloparlantes de Netflix durante múltiples semanas e ingresó en los diez títulos más vistos en países europeos, incluyendo Croacia, España, Grecia, Hungría, Israel y Portugal, ampliando su alcance más allá del mercado hispanohablante. La tercera temporada, estrenada en noviembre de 2025, marcó un récord al ubicarse en el puesto número 1 en los rankings semanales de Argentina, Uruguay y Chile, y permaneció en el Top 10 global no angloparlante de la plataforma durante 3 semanas consecutivas.

La última entrega de la producción convoca nuevamente a una base creativa sólida. El proyecto liderado por Adrián Suar, con dirección de Daniel Barone y Alejandro Ibáñez, cuenta con un equipo de guion encabezado por Carolina Aguirre y un equipo técnico conformado por referentes de la industria nacional, como la directora de arte Paula Beltrami, el director de fotografía Guillermo Zappino y la productora ejecutiva Ivana Polonsky. En el elenco regresan Esteban Lamothe, Pilar Gamboa, Violeta Urtizberea y se suman participaciones especiales de Julieta Cardinali y Benjamín Vicuña.

La redefinición del fenómeno: cifras de audiencia y premios

En términos de repercusión, Envidiosa consolidó su liderazgo al recibir el Martín Fierro a mejor serie de comedia, fortaleciendo su posicionamiento en la industria argentina de contenidos originales para plataformas globales. El recorrido de la ficción, que comenzó en 2024 con su primera temporada, logró mantener la atención de audiencias multiculturales, integrando durante semanas el Top 10 de países en América Latina y Europa del Este. Las métricas de permanencia y alcance la han convertido en la serie argentina de Netflix con mayor visibilidad internacional hasta la fecha, con una performance que, según los registros divulgados por la plataforma, supera a otros lanzamientos nacionales previos en cantidad de semanas en el ranking global.

El equipo y la producción: una fábrica local que exporta narrativa

La maquinaria de producción de Envidiosa funciona bajo el sello de Adrián Suar y la producción ejecutiva de Diego Andrasnik e Ivana Polonsky, incorporando a un equipo técnico exportable: el montaje a cargo de Natacha Valerga y Alejandro Parysow, la composición musical de Juan Blas Caballero y el trabajo de postproducción liderado por Flora Campero.

La salida definitiva de Envidiosa del catálogo de estrenos marca un hito en la estrategia de producción argentina para plataformas internacionales. El cierre programado para el 29 de abril establece un modelo de exportación de comedia local con capacidad de sostenerse en la agenda internacional de streaming.

El primer avance oficial de la serie muestra material exclusivo que anticipa la apuesta de producción. Rodrigo de la Serna encabeza el elenco interpretando al personaje central, acompañado por Matías Recalt, Camila Peralta, Fiorella Bottaioli y con la participación especial de Matías Mayer. La dirección combina la experiencia de Trapero y Pablo Fendrik, mientras que la producción ejecutiva queda en manos de Juan Lovece.

La diferencia clave de este proyecto respecto a previas dramatizaciones de la violencia política argentina radica en la participación directa del autor Marcelo Larraquy en los guiones, colaborando con Marcos Osorio Vidal y Trapero para asegurar la fidelidad con la investigación periodística original. La trama recorre la transición de Gordon desde su origen como delincuente común —involucrado en procesos de defraudación, robos y atentados entre 1951 y 1972— hacia su rol en la Triple A y su activa participación en el terrorismo de Estado durante la dictadura militar.

La reconstrucción de un trayecto criminal: de criminal común a engranaje de la represión

Gordon se estructura como un thriller de época que narra cómo Aníbal Gordon dejó el delito común para convertirse en un agente clave del terrorismo de Estado en la Argentina de los años 70. El guion, basado en la novela de Larraquy, describe los vínculos de Gordon con la Secretaría de Inteligencia de Estado (SIDE) desde 1968 y su integración a la Triple A tras su liberación en 1973, luego de cumplir tres años y medio por un robo a una joyería.

La serie incorpora episodios centrales de la historia criminal del país, como el asalto a un banco en Bariloche, la coordinación de secuestros políticos y su relación con el clan Puccio. Entre los hechos más notorios en la adaptación se encuentra el secuestro del periodista Guillermo Patricio Kelly, ocurrido el 24 de agosto de 1983; este episodio condujo a la detención de Gordon en las sierras de Córdoba a comienzos de 1984 y a su condena a dieciséis años de prisión en 1986. Gordon murió en prisión el 13 de septiembre de 1987, pero su influencia se mantuvo latente en la actividad de sus secuaces, algunos de los cuales continuaron delinquiendo décadas más tarde.

Producción argentina de alto impacto histórico y apuesta por el thriller

La confirmación oficial del estreno en 2026 responde a la estrategia de Netflix de consolidar su portfolio de contenido local con argumentos de impacto histórico y proyección internacional. La supervisión creativa está a cargo de Trapero como showrunner, mientras que la producción general fue asumida por Preludio Producciones.

Las primeras imágenes muestran la reconstrucción de los escenarios de los años 70 y estructuran la ficción alrededor de la tensión social y política de la época, utilizando los códigos del thriller. El equipo técnico trabajó para reflejar tanto la dimensión criminal como la implicancia política de las acciones del personaje central, integrando la investigación de Larraquy directamente en los guiones y la puesta en escena.

La serie se suma a una tendencia de adaptaciones de hechos reales recientes, pero establece como rasgo distintivo la presencia del escritor como veedor del proceso de producción. El lanzamiento del adelanto y la confirmación del elenco consolidan a Gordon como uno de los títulos argentinos más relevantes de la próxima oferta del servicio, con estreno previsto en 2026 para todo el mundo.

El reciente estreno de la serie México 86 en Netflix ha colocado al actor mexicano Memo Villegas en el centro de la conversación digital.

Su papel como Hugo Sánchez, leyenda del futbol mexicano, desató una ola de comentarios en redes sociales, donde la polémica sobre el casting y su caracterización no se hizo esperar.

La expectativa era alta: la serie mezcla política, futbol y sátira para relatar los entresijos detrás del Mundial de 1986, con figuras históricas y una recreación nostálgica de la época. Sin embargo, la interpretación de Villegas como el “Pentapichichi” provocó diversas críticas y reacciones humorísticas

Polémica inmediata y debate sobre el casting

Desde el lanzamiento del tráiler y las primeras imágenes, la elección de Memo Villegas como Hugo Sánchez generó comentarios de insatisfacción.

• “Buenos días a todos menos al director de casting de México 86… NADA QUÉ VER”.
• Comentarios como “Ya mejor hubieran escogido a Kalimba” o “Mejor Doña Lucha como Hugo Sánchez” circularon ampliamente.
• Otros no sólo criticaron el físico, sino detalles como la postura del personaje: “por lo menos lo hubieran representado erguido. Se ve que Diego Luna no traga a Hugo”.

Así, para un sector del público, la falta de parecido físico entre el actor y el futbolista fue motivo de burla, resaltando lo importante que es la figura de Hugo para el imaginario mexicano.

La reacción viral: entre humor y memes

La creatividad del público mexicano no tardó en convertir la polémica en tendencia, con memes, comparaciones y sarcasmo, preguntándose si la sátira de la serie justificaba la elección: “Según Netflix este es Hugo Sánchez. ” fue uno de los mensajes más compartidos.

Por otro lado, la serie también despertó expectativa por ver a Memo Villegas fuera de papeles cómicos y abordar el reto de representar a un ídolo global.

Entre sátira y homenaje: la apuesta de México 86

La serie México 86 llega con la apuesta por un tono de humor negro y sátira, mostrando no sólo la historia oficial del Mundial, sino también situaciones ficticias y absurdas, como un Hugo Sánchez que patrulla las calles antes de hacer chilenas.

• El propio Villegas ha dicho que busca rendir homenaje a “El Niño de Oro”, mezclando comedia con respeto por su legado futbolístico.
• El elenco, encabezado por Diego Luna y Karla Souza, apuesta por una narrativa que mezcla política y deporte.
• La recreación de la época, la presencia de personajes históricos y la sátira de los pasillos del poder forman parte del atractivo de la serie.

De esta manera, el estreno llega en un año crucial, días antes del Mundial 2026, lo que incrementa la atención sobre la producción.

Durante un panel realizado el 22 de abril, Charlie Sheen explicó las razones por las que su padre, Martin Sheen, y de su hermano, Emilio Estevez no participaron en su documental biográfico aka Charlie Sheen.

El actor relató que su padre sí tuvo acceso a un corte previo del documental y le compartió su reacción tras verlo.

“Lo vio y le encantó, estaba riendo, estaba llorando, estaba completamente involucrado, y luego se me acercó y me dijo: ‘Yo ya estoy en esto. Prefiero aparecer joven y bien en esta película que como soy ahora; no necesitas a este hombre mayor en tu proyecto’”, recordó.

Asimismo, el artista añadió que no coincidía del todo con esa postura, aunque respetó la decisión.

El director del documental, Andrew Renzi, también participó en la conversación y ofreció su perspectiva sobre la ausencia de Emilio Estevez. Según explicó, la decisión respondió a la intención de permitir que el proyecto se centrara en la experiencia personal del actor.

“Él quería que Charlie tuviera este espacio. Consideró que era su momento y que la historia debía enfocarse en él”, señaló.

En la misma línea, Charlie Sheen indicó que su hermano consideraba que los acontecimientos abordados en el documental correspondían a su propia vivencia. “Sentía que eran mis historias las que debían contarse”, afirmó.

Renzi añadió que, desde su punto de vista, la familia pudo haber optado por no participar para evitar abordar públicamente episodios que ya han sido ampliamente difundidos.

“Si me pongo en su lugar, sin que ellos me lo hayan dicho directamente, es una historia que han vivido durante mucho tiempo y probablemente había muchos temas que no querían tener que volver a tratar frente a una cámara”, explicó.

El director también mencionó una reflexión de Martin Sheen relacionada con su rol como padre durante la realización del documental. Según relató, el actor expresó reservas sobre involucrarse directamente en el proyecto en caso de que la narrativa tomara un rumbo desfavorable.

“Hubo algo que dijo que siempre voy a respetar. Señaló que, si el proyecto no resultaba bien o si se presentaba de una manera perjudicial, él necesitaba poder mantenerse al lado de su hijo como siempre lo ha hecho. Y que, si participaba en el documental, no podría hacerlo de la misma forma, porque sería parte de lo que se mostrara”, indicó.

El documental aka Charlie Sheen presenta un recorrido por la vida del actor a través de testimonios de personas cercanas, entre ellas Denise Richards, Heidi Fleiss, Jon Cryer, Sean Penn, Chris Tucker y Brooke Mueller, entre otros.

Además, incluye la participación del propio Sheen, quien aborda distintos aspectos de su trayectoria personal y profesional.

En la producción, el actor se refiere tanto a su infancia en Malibú y su ascenso a la fama durante las décadas de 1980 y 1990, como sus problemas relacionados con el consumo de sustancias. Actualmente está disponible en Netflix.

El evento Supernova: Génesis 2026 irrumpe este domingo 26 de abril como la primera transmisión en vivo de Netflix para Latinoamérica, con combates entre celebridades, música y entretenimiento desde la Arena Ciudad de México.

¿Cuándo y dónde ver Supernova Génesis 2026?

La plataforma de streaming permite a usuarios de más de 190 países seguir la transmisión simultánea, programada para las 7:00 pm en la capital mexicana.

El cinturón de la edición presenta un diseño en color rojo, con una placa central dorada y engastes de diamantes y rubíes, anunciando la búsqueda de un título exclusivo para los protagonistas de la noche.

Cartelera completa:

1. Alana Flores (México) vs. Flor Vigna (Argentina)
2. Mario Bautista vs. Aaron Mercury
3. Karely Ruiz vs. Kim Shantal
4. Milica vs. (Rival por definir)
5. Víctor Ordoñez “Lonche” vs. Guillermo Peña “Willito”
6. Abraham “ElAbrahaham” Flores vs. Nando

El especial Supernova: Génesis tendrá como host a Juan Guarnizo, mientras que los comentaristas de la noche serán La Cotorrisa —Ricardo Pérez y Slobotzky— junto con Carlos “El Zar” Aguilar.

El inicio está marcado para las 17:00 horas, tiempo del centro de México, en un formato que une la emoción del boxeo con la expectativa de un show en vivo.

¿Quiénes son los cantantes y artistas invitados?

En el apartado musical, la presencia de artistas del regional mexicano como Carín León y Óscar Maydón se suma al género urbano representado por el puertorriqueño Ozuna. La cartelera se refuerza con una participación especial de la actriz Bárbara de Regil y el creador de contenido Alexis Omman, cuya función específica dentro del evento aún no se detalla.

La IA pronostica a los ganadores de cada pelea

No existe un método confiable para predecir con certeza el resultado de peleas de este tipo, donde intervienen factores como el espectáculo, la preparación desigual y aspectos emocionales.

Aun así, a través de modelos de inteligencia artificial (IA) como Gemini y ChatGPT, es posible realizar una proyección basada en el físico, la disciplina, los antecedentes y la experiencia previa en combate.

El siguiente pronóstico es el resultado del cruce de información de tres modelos de IA.

1. Alana Flores vs. Flor Vigna

• Análisis: Alana tiene la ventaja de la experiencia previa en el ring (La Velada del Año) y una disciplina deportiva muy marcada. Flor Vigna, aunque es una atleta de alto rendimiento en danza y acrobacia, ha mostrado mucha tensión psicológica en la previa (pidiendo pruebas antidopaje y expresando temor al arbitraje).
• Factor clave El cardio y la frialdad de Alana bajo presión.
• Proyección: Ganadora, Alana Flores por decisión unánime.

2. Mario Bautista vs. Aaron Mercury

• Análisis: Esta es una de las peleas más parejas físicamente. Mercury ha buscado intimidar proponiendo pelear sin careta, lo que sugiere una gran confianza en su pegada. Bautista, por su parte, ha mantenido un perfil más estratégico.
• Factor clave El alcance. Mercury suele aprovechar bien su estatura, pero Bautista tiene una movilidad superior.
• Proyección: Ganador, Aaron Mercury por decisión dividida.

3. Karely Ruiz vs. Kim Shantal

• Análisis: Una pelea envuelta en incertidumbre médica. Kim Shantal sufrió un colapso en los entrenamientos finales, lo que pone en duda su resistencia física. Karely Ruiz entra como reemplazo de último minuto, lo que significa que no tuvo un campamento de entrenamiento completo, pero llega “fresca”.
• Factor clave: El estado de salud de Kim. Si Kim no está al 100%, la agresividad natural de Karely podría imponerse.
• Proyección: Ganadora, Karely Ruiz (posiblemente por abandono médico o TKO si Kim se fatiga rápido).

4. Víctor “Lonche” Ordoñez vs. Guillermo “Willito” Peña

• Análisis: El careo terminó en golpes reales, lo que indica que la “pelea amistosa” quedó atrás. Willito se ve físicamente más robusto, mientras que Lonche apuesta por la agilidad. En los intercambios del careo, se vio a un Willito más decidido.
• Factor clave: El control de las emociones. Quien pierda la cabeza primero dejará huecos en la defensa.
• Proyección: Ganador, Willito por TKO.

5. Abraham “ElAbrahaham” Flores vs. Nando

• Análisis: Abraham ha abrazado la narrativa del “boxeo mexicano”, mostrando una confianza absoluta en su técnica. Nando tiene una rivalidad de años con él, lo que garantiza una pelea de mucho volumen de golpes pero quizás poca técnica defensiva.
• Factor clave: La herencia boxística y el entrenamiento enfocado de Abraham.
• Proyección: Ganador, ElAbrahaham por decisión.

Ari Gali cancela de última hora su participación

Horas antes del evento, Ari Geli canceló su pelea con Milica tras presentar problemas de salud. Mediante un comunicado, los organizadores informaron que la streamer argentina se mantiene en la cartelera y su rival se definirá en antes de la pelea.

“Informamos que, debido a complicaciones de salud, Ari Geli no podrá participar en su combate programado para hoy en Supernova: Génesis. Desde anoche presentó complicaciones de salud que le impiden competir en condiciones óptimas Por su parte, Milica sí peleará esta tarde, y su rival será anunciada durante el evento”, se lee en parte del comunicado.

Luego de meses marcados por cruces públicos, acusaciones y abandonos inesperados, Supernova: Génesis se perfila como un parteaguas en eventos que mezclan deporte y entretenimiento, ahora con el respaldo de un gigante de la industria.

Esta tarde, la Arena Ciudad de México será el escenario de la segunda edición del Supernova Génesis, un encuentro mediático que reunirá a influencers, creadores de contenido digital y cantantes en una serie de peleas de box.

A diferencia del año pasado, en esta ocasión los combates principales se transmitirán exclusivamente por la plataforma de Netflix, mientras que el resto de la función se podrá seguir de manera gratuita por los canales oficiales del evento.

Cartelera completa del Supernova

Luego de varios cambios previo al evento, la cartelera completa del Supernova Génesis quedó definida: Alana Flores (México) enfrentará a Flor Vigna (Argentina), Mario Bautista se medirá con Aaron Mercury, Karely Ruiz luchará contra Kim Shantal, Milica tendrá como rival a Ari Geli (AriGameplays), Víctor Ordoñez “Lonche” combatirá frente a Guillermo Peña “Willito”, y Abraham “ElAbrahaham” Flores peleará con Nando.

Cartelera completa del Supernova Génesis

1. Alana Flores (México) vs. Flor Vigna (Argentina)
2. Mario Bautista vs. Aaron Mercury
3. Karely Ruiz vs. Kim Shantal
4. Milica vs. Ari Geli (AriGameplays)
5. Víctor Ordoñez “Lonche” vs. Guillermo Peña “Willito”
6. Abraham “El Abrahaham” Flores vs. Nando

¿A qué hora empiezan los combates del Supernova Génesis y cuáles se podrán ver gratis?

De las 16:00 a las 19:00 horas (tiempo del centro de México), las peleas del Supernova Génesis se podrán ver de manera gratuita por los canales oficiales del evento ( YouTube, Twitch, Facebook y TikTok). Durante este horario se transmitirán los combates de Milica vs. Ari Geli o Abraham “El Abrahaham” Flores vs. Nando.

Por otra parte, a partir de las 19:00 horas la transmisión será exclusivamente por la plataforma de Netflix, ahí se podrán ver las peleas estelares como la de Alana Flores vs. Flor Vigna, Karely Ruiz vs. Kim Shantal, Mario Bautista vs. Aaron Mercury o Víctor Ordoñez “Lonche” vs. Guillermo Peña “Willito”.

¿Quiénes serán los invitados en el Supernova?

El evento Supernova: Génesis 2026 reunirá a figuras reconocidas de la música y el entretenimiento en la Arena Ciudad de México, generando expectativa por la diversidad de sus invitados especiales. Entre los nombres confirmados destacan exponentes del regional mexicano y del género urbano, así como creadores de contenido digital con gran alcance.

La organización anunció que Carín León y Ozuna serán los principales responsables del segmento musical, fusionando estilos para captar públicos de diferentes géneros. Junto a ellos, los asistentes podrán ver en escena a Oscar Maydon, Víctor Mendivil y Omar Camacho, quienes aportarán el toque regional y corridos tumbados a la programación.

El evento también contará con la presencia de Alexis Omman, sumándose como uno de los invitados especiales. Además, la conducción estará a cargo de Berth O! y Juan Guarnizo, mientras que La Cotorrisa, conformada por Ricardo Pérez y Slobotzky, participará en los comentarios y análisis durante la transmisión.

Si no te suena el nombre de Baltasar Kormákur y tienes Netflix, no te preocupes: muy pronto te va a sonar. El director de cine islandés, famoso por sus películas de supervivencia en las que busca llevar a sus personajes a sus límites físicos y emocionales, se ha colado en el top de la plataforma con una nueva película que, sin pasar por cines, ha desembarcado en la plataforma para convertirse en la más vista en nada más y nada menos que en 89 países.

Hablamos de Depredador dominante (Apex, en inglés), una cinta protagonizada por Charlize Theron y Taron Egerton donde seguimos a Sasha, una mujer que, para superar su duelo, decide adentrarse en la jungla australiana para explotar su faceta más aventurera y deportista. Sin embargo, lo que en un principio parecía una temeraria expedición se convierte en algo mucho más peligroso cuando un asesino la elige como presa, dando comienzo a un juego del ratón.

De fondo, está la selva de las Montañas Azules de Australia, una región llena de bosques de eucaliptos y gargantas recubiertas de bosques templados, conocida sobre todo por ese particular color que adopta el lugar gracias a un fenómeno de la radiación ultravioleta. Depredador dominante se grabó enteramente en localizaciones reales, buscando potenciar una fotografía que acentúa el carácter de supervivencia extrema de la historia que se está contando.

Un reparto de lujo

El éxito de Depredador dominante no se debe solo a su trama, condensada en una película de poco más de 90 minutos. El reparto es, sin duda, otra baza con la que Kormákur ha atraído a millones de espectadores. Al fin y al cabo, se trata del regreso de Charlize Theron al género de las películas de acción, género del que parece haberse convertido en especialista tras éxitos como Mad Max: Furia en la carretera, la saga Fast & Furious o La vieja guardia. En esta ocasión, la entrega de la actriz llegó a tal nivel que se dice que llegó a grabar parte de la película con un dedo del pie roto. Algo alucinante, teniendo en cuenta las escenas que tuvo que rodar.

A este nombre se le une el de Taron Egerton, en un registro muy alejado del cándido héroe que interpreta en Kingsman: Servicio secreto o del tan sensible como estrambótico Elton John de Rocketman. En esta ocasión, su papel será mucho más inquietante, dando vida a un cazador que, más que querer asesinar a su presa, parece disfrutar todavía más jugando con ella. A él se unen, además, otros nombres reconocibles como el de Eric Bana (Troya) o Caitlin Stasey (Smile) para terminar de completar el reparto.

Gracias a todos ellos, Baltasar Kormákur regresa a la senda de otros títulos conocidos de su carrera, como Everest o A la deriva, donde explora cómo la adversidad extrema en los límites del mundo es capaz de transformar a las personas. Parece que la apuesta le ha salido bien: Depredador dominante ya ha superado los 10 millones de reproducciones en su primer día y promete ser uno de los grandes lanzamientos de Netflix este mes.

Si Netflix no abre en tu televisor, el problema suele tener solución en pocos minutos. Los errores más frecuentes están relacionados con el dispositivo, la conexión a internet o la sesión de usuario, y en la mayoría de los casos no requieren asistencia técnica especializada.

A continuación, las causas más comunes y cómo resolverlas.

Reiniciar el dispositivo

El primer paso ante cualquier falla es apagar completamente el televisor o reproductor multimedia. Si el dispositivo tiene cable de alimentación, desconéctalo de la corriente. Es importante asegurarse de que esté completamente apagado y no en modo de hibernación o suspensión. Después de 15 segundos, vuelve a encenderlo e intenta abrir Netflix nuevamente.

Reiniciar la red doméstica

Si el dispositivo enciende correctamente pero Netflix no carga, el problema puede estar en la conexión a internet. Para solucionarlo, apaga el dispositivo y desconecta de la corriente el módem y el router.

Tras 30 segundos, vuelve a conectarlos y espera un minuto antes de encender el dispositivo. Ten en cuenta que algunos módems y routers pueden tardar más tiempo en restablecer la conexión.

Cerrar sesión e iniciar sesión nuevamente

Si el problema persiste, cerrar sesión en Netflix y volver a ingresar puede resolver el inconveniente. Para hacerlo, ve a la pantalla de inicio de Netflix y presiona el botón Atrás del control remoto para acceder al menú.

Si el menú está en la parte superior, desplázate hacia la izquierda hasta el ícono de tu perfil y selecciona Obtener ayuda, luego Cerrar sesión y confirma con Sí. Si el menú está a la izquierda, selecciona Obtener ayuda en la parte inferior y sigue los mismos pasos.

Si en la pantalla aparece un mensaje de error, selecciona Más información y luego Cerrar sesión o Restablecer.

En caso de que no aparezcan estas opciones en el menú, presiona en el control remoto la siguiente secuencia: Arriba, Arriba, Abajo, Abajo, Izquierda, Derecha, Izquierda, Derecha, Arriba, Arriba, Arriba, Arriba. En el menú que aparece, selecciona Cerrar sesión, Restablecer o Desactivar.

Qué hacer si ninguna solución funciona

Si los pasos anteriores no resuelven el problema, Netflix recomienda buscar el código de error específico que aparece en pantalla en su Centro de ayuda, disponible en help.netflix.com.

Si no hay un artículo que coincida con el error, la opción es contactar directamente al servicio al cliente de Netflix para recibir asistencia personalizada.

Netflix deja de ser compatible con algunos televisores

Netflix dejó de ser compatible con los televisores inteligentes fabricados antes de 2015 a partir del 2 de marzo de 2026.

La decisión responde a limitaciones técnicas de los dispositivos más antiguos, cuyos procesadores, memoria y sistemas operativos ya no pueden ejecutar las versiones actuales de la aplicación ni soportar los nuevos formatos de video y seguridad que la plataforma requiere.

Dispositivos afectados

La medida alcanza a millones de usuarios en todo el mundo. Según Tom’s Guide, los dispositivos que perdieron compatibilidad con Netflix son:

• Smart TVs de más de 10 años de antigüedad, incluidos modelos de Samsung, LG, Sony, Panasonic y TCL fabricados antes de 2015.
• PlayStation 3, cuyo soporte finalizó el 2 de marzo de 2026.
• Decodificadores BT TV Box (Z4) y BT TV Recordable Box (G4) del operador británico BT.

• Dispositivos Fire TV de primera generación, lanzados en 2014.
• Apple TV de primera, segunda y tercera generación.

Por qué Netflix elimina la compatibilidad

Los televisores y dispositivos más antiguos presentan limitaciones estructurales que impiden ejecutar las versiones actuales de la app.

Sus procesadores de baja potencia, la memoria reducida y los sistemas operativos sin soporte oficial no permiten gestionar formatos modernos como 4K, HDR, Dolby Vision o HDR10+, ni cumplir con los nuevos estándares de seguridad digital que Netflix exige a sus plataformas.

Qué hacer si tu televisor ya no es compatible

Los usuarios afectados no necesitan comprar un televisor nuevo. Existen alternativas accesibles para continuar usando Netflix:

• Consolas modernas: PS4, PS5 y Xbox Series X/S mantienen compatibilidad con la plataforma.
• Reproductores de streaming económicos: dispositivos como el Roku Streaming Stick o el Amazon Fire TV Stick están disponibles desde USD 15 y se conectan a cualquier televisor con puerto HDMI.
• Opciones premium: Apple TV 4K y Google TV Streamer ofrecen interfaces más rápidas para quienes buscan una experiencia de mayor calidad.

La pandilla de Misterios Inc. regresa con una nueva propuesta en acción real. Netflix presentó el primer vistazo de Scooby-Doo: Origins, la serie que reimagina a los icónicos personajes creados por Hanna-Barbera. Las imágenes iniciales muestran a los protagonistas humanos, mientras que el famoso perro Scooby-Doo aún no aparece en pantalla.

De acuerdo con Tudum, la plataforma oficial de Netflix, la producción ya ha comenzado en Atlanta. El proyecto propone regresar al inicio de la historia para explorar cómo se formó el grupo de jóvenes detectives. “La serie es menos sobre lo que ya conoces y más sobre cómo empezó todo”, señala el sitio.

La trama se sitúa en un campamento. “Durante su último verano, los viejos amigos Shaggy y Daphne se ven envueltos en un inquietante misterio en torno a un cachorro de gran danés solitario y perdido que puede haber sido testigo de un asesinato sobrenatural”, indica la sinopsis oficial difundida por Netflix.

A la investigación se suman Velma, descrita como una joven pragmática y científica, y Freddy, el nuevo integrante del grupo. El caso los enfrenta a una situación que crece en tensión. Según la misma descripción, intentan resolver un enigma que “los arrastra a una pesadilla escalofriante que amenaza con exponer todos sus secretos”.

Reparto confirmado y equipo creativo

El elenco principal ya está definido. Mckenna Grace (El cuento de la criada) interpreta a Daphne Blake; Tanner Hagen asume el papel de Shaggy Rogers; Abby Ryder Fortson (Ant-Man) encarna a Velma Dinkley; y Maxwell Jenkins (Perdidos en el espacio) da vida a Fred Jones. El cuarteto aparece en la primera imagen oficial de la serie que fue revelada este viernes en redes sociales.

También participa Paul Walter Hauser, en un rol que no ha sido detallado en los primeros anuncios.

La serie cuenta con Josh Appelbaum y Scott Rosenberg como guionistas y showrunners. Ambos trabajan junto a Greg Berlanti, Sarah Schechter y Leigh London Redman en la producción ejecutiva. Toby Haynes dirige el episodio inicial.

Berlanti recordó su vínculo con los creadores originales: “Uno de mis primeros y trabajos favoritos en Hollywood fue sentarme con Bill Hanna y Joe Barbera mientras firmaban celdas de animación”. Sobre la serie, añadió que el equipo creativo logró construir una historia que recoge “su espíritu y su genial creación”.

Por ahora, Netflix no ha anunciado cuándo se estrenará Scooby-Doo: Origins. La producción se encuentra en una etapa inicial, tras el inicio del rodaje en Atlanta.

Más de cinco décadas de historia

Desde su estreno en 1969, Scooby-Doo ocupa un lugar destacado en la cultura popular. La franquicia suma múltiples series animadas, decenas de películas y varias adaptaciones en cine. Entre ellas destacan los largometrajes de inicios de los 2000, que llevaron a los personajes al formato live-action.

Matthew Lillard, quien interpretó a Shaggy en las películas estrenadas en 2002 y 2004, declaró recientemente en apoyo al proyecto de Netflix. “Estoy realmente feliz por ellos. Creo que la serie necesita volver”, dijo a Entertainment Weekly.

“Es la primera introducción a las historias de fantasmas para muchos niños, ¿verdad? Trata sobre la amistad y mantenerse unidos como grupo”, expresó. “Espero que mantengan lo que ha funcionado y le den su propio giro. Pero la realidad es que soy bastante purista con esa franquicia. El núcleo es realmente la amistad”.

Relaciones familiares y desafíos personales renovados

En la primera temporada, los espectadores observaron a Dante enfrentarse a una insurrección demoníaca, y al cazador debatiéndose entre el deber y su complicada vida familiar. El desenlace lo dejó bajo vigilancia de la organización DARKCOM, preparando el terreno para una segunda parte con un enfoque más personal. El retorno de Vergil, su hermano perdido, aporta una mayor complejidad emocional; no solo hay una reunión, sino también un conflicto de lealtades y convicciones opuestas.

De acuerdo con los adelantos de Netflix, esta nueva temporada profundiza en la mitología de la franquicia y coloca en primer plano el conflicto de Dante tanto con su hermano como consigo mismo. Vergil, tras años ausente, vuelve con nuevos objetivos y motivaciones, alterando el equilibrio de poder. El drama entre hermanos se intensifica al aliarse Vergil con Mundus, el Príncipe de las Tinieblas, lo que obliga a Dante a enfrentar no solo fuerzas infernales, sino también una traición familiar.

Fidelidad visual y espíritu de los videojuegos

El equipo tras Devil May Cry ha prestado atención a las críticas y comentarios de los seguidores. Hay altas expectativas respecto a la calidad de animación, liderada por Studio Mir, conocido por su trabajo en Avatar: La leyenda de Korra y The Witcher: La pesadilla del lobo. El nuevo tráiler exhibe combates cuidadosamente coreografiados, el uso distintivo de las pistolas Ebony e Ivory y un diseño de personajes más próximo al de los videojuegos de Capcom.

Esta temporada pretende corregir ciertos desvíos de la anterior, integrando más elementos reconocibles: armas, criaturas demoníacas, y el humor oscuro y sarcástico de Dante. Adi Shankar, creador de la serie, destaca la intención de reproducir el carácter impredecible de las películas de acción de los años 2000, evitando la repetición. También señala que quedan varias sorpresas reservadas para esta entrega.

Reacciones del público y expectativas de los seguidores

La expectación por el reencuentro de Dante y Vergil trascendió el universo de la serie. Desde la publicación del tráiler oficial, miles de seguidores han manifestado sus expectativas en redes sociales y plataformas como Youtube. Muchos celebran la mayor fidelidad con el juego y la inclusión de elementos clave que los atrajeron a la franquicia.

Al mismo tiempo, parte de la audiencia espera que esta segunda temporada logre el equilibrio entre innovación y respeto al canon original. Las opiniones se encuentran divididas sobre si Devil May Cry podrá seguir la racha de éxitos de adaptaciones de videojuegos recientes en Netflix, como Castlevania y Cyberpunk: Edgerunners. Sin embargo, la promesa de giros imprevistos y combates espectaculares mantiene en vilo tanto a fanáticos como a críticos.

La noticia llega tras el reciente estreno en la plataforma de “Descansar en paz”, señalando un posicionamiento creciente de Kenya Films en el mercado global. Este acuerdo robustece la línea “Hecho en Argentina”, parte del plan regional de la plataforma para incrementar títulos originales sudamericanos.

“Lo dejamos acá” recurre a una estructura de thriller psicológico para instalar en el centro de su propuesta industrial la dupla Darín-Peretti, dos figuras con amplia trayectoria en el modelo de coproducción local. El guion, firmado por Emanuel Diez, y la dirección de Hernán Goldfrid buscan extraer rendimiento a una narrativa que explora la ética profesional del psicoanálisis y su cruce con la creatividad bloqueada de un escritor: la relación paciente-terapeuta se despliega como eje de tensión, apostando a una dramaturgia que prioriza la incomodidad persistente sobre la resolución inmediata.

El acuerdo exclusivo entre Kenya Films y Netflix redefine la producción argentina

La revelación de que “Lo dejamos acá” constituye la primera película original de Kenya Films creada expresamente para el entorno digital de Netflix distingue este título de los trabajos previos de la productora, como “La odisea de los giles” o “El amor menos pensado”, orientados inicialmente a circuitos tradicionales de exhibición. El acuerdo refuerza la integración de casas productoras locales a la grilla directa de estreno global, optimizando la visibilidad de creadores y ejecutivos argentinos ante audiencias internacionales.

El equipo principal reconfigura las lógicas productivas del mercado nacional: Federico Posternak, Ricardo Darín y Chino Darín comandan la producción ejecutiva, mientras que la distribución digital desplaza a la ventana cinematográfica tradicional. Esta convergencia entre creativos y plataforma excede la tercerización de contenido, apuntando a una estabilidad contractual que permite proyectar títulos propios a gran escala.

Estrategia de “Hecho en Argentina” y proyección internacional

A través de “Lo dejamos acá”, Netflix intensifica su línea de contenido producido en Argentina, buscando consolidar la identidad local en su portafolio y ampliar el alcance de ficción sudamericana en mercados angloparlantes y europeos.

La trama —un psicoanalista que desborda los métodos convencionales al tratar a un escritor paralizado por el bloqueo creativo— se desarrolla bajo las reglas de thriller psicológico, género que ha multiplicado la visibilidad de otras producciones de la compañía. La decisión de estrenar en septiembre inscribe al film en un calendario competitivo, tradicionalmente dominado por producciones extranjeras, lo que podría favorecer métricas de visualización inusuales para títulos argentinos en la plataforma.

En síntesis, “Lo dejamos acá” se proyecta como el principal estreno argentino de Netflix para 2026, asentando una alianza inédita. La participación de Ricardo Darín y Diego Peretti, el acuerdo exclusivo con Kenya Films y el posicionamiento dentro de la línea Hecho en Argentina reconfiguran las reglas de exportación de cine nacional a escala mundial.

El estreno del documental Ronaldinho en Netflix volvió a poner en primer plano la figura del astro brasileño, pero también iluminó dos episodios relevantes de su historia: el vínculo con Lionel Messi en sus inicios en Barcelona y uno de los episodios más oscuros de su vida, su detención en Paraguay en 2020.

Las declaraciones de los protagonistas, en ambos casos, permitieron reconstruir desde adentro una relación que marcó una era y, al mismo tiempo, comprender el impacto personal de un proceso judicial que sorprendió al mundo del fútbol.

El origen de una sociedad inolvidable

El relato encuentra uno de sus puntos de partida en aquel 1 de mayo de 2005, cuando Messi marcó su primer gol oficial con la camiseta del Barcelona tras una exquisita asistencia de Ronaldinho en el Camp Nou. Aquella imagen del argentino subido a los hombros del brasileño dio la vuelta al mundo y simbolizó el traspaso de una era a otra.

En el documental, Messi recordó el contexto de aquel vestuario y el rol que ocupaba Ronaldinho en esos años: “Era un equipazo. Jugaba muy bien. Él era el más importante dentro del vestuario y la manera de acercarse a mí, de cómo me trató desde el primer día, me hizo que todo sea mucho más fácil, que me relaje, que disfrute de jugar, de estar ahí en ese vestuario, en esos momentos. Le agradezco mucho siempre todo y le tengo un aprecio especial”.

Por su parte, Ronaldinho también se detuvo en los comienzos de esa relación que, con el tiempo, se volvería histórica: “Él ya tenía talento y ya se destacaba en la categoría juvenil. Cuando él llegó nuestra amistad se dio naturalmente. Nos llevábamos bien dentro y fuera del campo”.

Lejos de cualquier construcción posterior, ambos coincidieron en que el vínculo fue espontáneo, natural, casi inevitable. El brasileño, ya consagrado, adoptó a un adolescente de 17 años que empezaba a asomar, y ese gesto marcó profundamente al rosarino.

Uno de los momentos más destacados del documental es el recuerdo de aquella jugada que quedó grabada en la memoria colectiva, tanto de los fanáticos del Barcelona como del fútbol en su totalidad. Leo revivió ese instante con detalles que revelan tanto la emoción como la influencia de Ronaldinho en su crecimiento.

“En ese partido había hecho el primer gol y me lo anularon por fuera de juego. Fue una locura después poder debutar en esa cancha, de poder hacer mi primer gol y puede ser que Dinho lo haya hecho a propósito y que haya hecho todo lo posible para que yo haga el gol en ese momento. Conociéndolo y sabiendo cómo es él”, contó.

El argentino también se detuvo en el icónico festejo: “El festejo fue muy espontáneo, muy natural. Quedamos ahí, me hizo subir a cocochito y yo en ese momento no entendía nada. Estaba en un sueño por haber hecho un gol en el Camp Nou, por haber estado en ese momento. Me subí y ese festejo dio la vuelta al mundo”.

Aquel partido frente al Albacete iba a comenzar a allanar el camino al título del equipo culé. Mientras que La Pulga ingresó desde el banco y convirtió sobre el final, el goleador de aquella camada, Samuel Eto’o, había abierto el marcador a los 66 minutos. Ese instante no solo significó el primer gol de Messi en la élite, sino también una muestra del liderazgo afectivo de Ronaldinho dentro del grupo.

El documental también abordó la etapa más compleja del brasileño en España: el declive del rendimiento de Ronaldinho en Barcelona y las críticas que recibió por su vida fuera del campo con la presión mediática que lo ponía en el foco de fiestas y reuniones extrafutbolísticas.

Messi no esquivó ese recuerdo y deja ver el impacto que le generó: “Me dolía mucho escuchar eso. Verlo en esa situación, después de todo lo que había hecho por mí, me dolía pero yo era muy joven y muchas cosas se me escapaban”.

El argentino incluso relató un episodio puntual que lo marcó: “No me voy a olvidar nunca que un día andaba con una molestia en un aductor, una lesión, y se decía que era mentira, que no quería entrenar y no quería jugar. Pero salió a un entrenamiento con molestias y se terminó de romper, él lo sabía, pero salió como para decir ‘ven que no era mentira’. Fueron difíciles esos momentos. Lo vi sufrir injustamente porque él hizo que el Barcelona vuelva a ser grande otra vez”.

El capítulo más oscuro: Paraguay

Otro gran eje del documental se sitúa en marzo de 2020, cuando Ronaldinho y su hermano Roberto ingresaron a Paraguay con documentos falsos. El viaje tenía como objetivo participar en actividades benéficas y compromisos comerciales, pero rápidamente se transformó en un escándalo judicial.

El 4 de marzo de ese año arribaron a Asunción, y apenas dos días después, tras un allanamiento en su suite del Hotel Yacht & Golf Club, las autoridades encontraron pasaportes y documentos paraguayos apócrifos. La Justicia consideró que existía riesgo de fuga y ordenó la prisión preventiva.

Así, Ronaldinho fue trasladado a la Agrupación Especializada, una sede policial de máxima seguridad, donde permaneció durante 32 días. Luego, tras el pago de una fianza de 1.6 millones de dólares, pasó a cumplir arresto domiciliario en un hotel del centro de Asunción, donde permaneció bajo estricta vigilancia durante varios meses. Finalmente, el 24 de agosto de 2020, tras un total de 171 días de detención, fue liberado bajo la figura de suspensión condicional del procedimiento, con el pago de una multa económica.

En el documental, Ronaldinho revivió ese período con crudeza: “Mi hermano siempre se ha encargado de mis cosas desde el principio. Es como un padre para mí. Creo que estar preso en Paraguay fue el peor momento, sin duda. ¿Por qué tenía ese pasaporte? Porque me lo dieron. Esa persona fue a mi casa a llevármelo”.

Pese a la gravedad del contexto, también contó cómo intentó sobrellevar la situación dentro de la cárcel: “En la cárcel hice amigos, todos jugaban al fútbol, todos practicaban ese deporte y haber jugado un partido entre presos y policías era una forma de olvidar lo que estaba pasando, haciendo lo que más me gustaba. Fui campeón ahí también", bromeó sobre aquel duelo que recorrió el mundo y en el cual su equipo se impuso por 11-2.

Sin embargo, dejó en claro su postura sobre el caso: “Estuve preso por una situación en la que no tuve nada que ver, por lo que es horrible”.

Su hermano, Roberto, aportó su versión: “Fue muy loco lo que sucedió, nunca nos imaginamos pasar por una situación como esa. Vivir una situación así. Fue un viaje… importante, todo fue muy rápido. Confías en alguien y esa persona no cumple con su palabra. Estaba sorprendido. Nos declararon inocentes, no tuvimos nada que ver con eso. Nos vimos involucrados en una situación que no nos competía, no teníamos nada que ver. Yo asumo toda la responsabilidad porque quizás debí haber estado más alerta, haber tenido otra postura, pero fui negligente y confié”.

Desde la investigación, el fiscal Federico Delfino recordó el impacto del caso: “Había una alteración social por la llegada de Ronaldinho a Paraguay. Lo primero que me pasan es la fotografía de un pasaporte, de Ronaldinho, paraguayo… me llamó la atención. Ronaldinho estaba en la suite presidencial jugando a la Playstation sin entender lo que pasaba. Se lo imputa y se pide su prisión preventiva por asociación criminal y uso de documentos públicos falsos. Ronaldinho y su hermano, a día de hoy, no tienen cuentas pendientes con la justicia paraguaya”.

El periodista Jorge Vera, por su parte, dejó una reflexión que atravesó toda la cobertura y sembró la duda sobre el trasfondo desconocido de aquella situación: “Todos nos preguntábamos cuál era la necesidad que él, siendo Ronaldinho, brasileño, reconocido mundialmente, tenga un documento que no es suyo”.

Bajo la dirección de Alejandro Hartmann, la producción vuelve sobre los hechos que conmocionaron a la Argentina en los años 70, cuando Murano, acorralada por deudas y estafas, envenenó a sus amigas con cianuro. La investigación judicial cobró fuerza tras la autopsia de Carmen Zulema Del Giorgio de Venturino, la última víctima, que reveló la presencia del potente veneno. Este hallazgo llevó a la Justicia a exhumar los cuerpos de Nilda Gamba y Lelia Formisano de Ayala, fallecidas en circunstancias similares, y a descubrir un patrón: las tres mujeres habían compartido un té con Murano antes de morir.

El documental dedica especial atención a la investigación forense y a la polémica sobre el método utilizado. Aunque la tradición popular instaló la idea de que el cianuro se encontraba en las masitas, los especialistas consultados en la serie sostienen que lo más probable es que el veneno estuviera en los saquitos de té, donde su sabor podía pasar más desapercibido, desmontando así años de creencias erróneas.

Sin embargo, Yiya Murano: Muerte a la hora del té no se limita al relato criminal. Profundiza en la dimensión mediática y social del caso: tras recuperar la libertad en los años 90, Murano supo reinventarse, convirtiéndose en un personaje televisivo carismático y desfachatado. Su presencia en sets y programas de TV muchas veces opacó el dolor de las víctimas y desvió el foco del verdadero impacto de sus crímenes, transformando la tragedia en espectáculo.

Yiya Murano: Muerte a la hora del té traza una línea desde el crimen económico y la manipulación emocional de los 70 hasta el estrellato mediático que alcanzó la protagonista tras cumplir condena. La película integra entrevistas a protagonistas clave, reconstrucciones visuales y archivos que evidencian cómo el caso trascendió la crónica policial para convertirse en pieza de cultura pop argentina”, indicó la producción. El enfoque supera anteriores adaptaciones del caso al centrar el relato en testimonios directos y detalles inéditos, diferenciándose de los tratamientos previos.

El documental cuenta con la participación de Martín Murano, Horacio Romeo, José Massoni, Jorge Arona, Virginia Messi, Jorge Ávalos, Mariana Olivera Venturini, Eloy Ayala, Martín Olivera Venturini, Osvaldo Bazán, Rodolfo Palacios, Candelaria Botto, Fernando Cardini y Chiche Gelblung. El uso de relatos de familiares, periodistas y abogados aporta a Netflix un diferencial en la reconstrucción histórica y amplía el universo de fuentes respecto a otras producciones de la compañía en la región.

El hijo de la envenenadora de Monserrat habló días atrás con Infobae y aseguró que tiene pruebas de que al menos otras dos mujeres-que no tenían relación con las tres por las cuales condenaron a Yiya- y un hombre fueron envenenados y asesinados por su madre.

“Estas mujeres estaban relacionadas indirectamente con otro asesino, Burgos, el descuartizador de Barracas (NdeR: un hombre que mató y descuartizó a su mujer en 1955, y cuya historia, según contó, Yiya le contaba cada vez que lo acompañaba a dormir). Ellas vivían en el mismo edificio que él y eran inversionistas de mi madre”, explicó Martín a este medio.

Argentina, Brasil, Colombia y México serán, a partir del 28 de abril de 2026, las primeras escalas de una colaboración inédita entre Netflix y McDonald’s. En el marco del estreno de la serie animada Stranger Things: Relatos del 85, ambas marcas llevarán el universo de Hawkins a los fans mediante una edición especial de la Cajita Feliz, que debutará en 16 países del continente.

Detrás de esta alianza hay una estrategia clara: aprovechar el alto grado de conexión y participación que caracteriza a los públicos latinoamericanos. Así lo explicó Carol Baracat, directora Sr. de Alianzas de Marketing de Netflix para América Latina, en diálogo con Infobae: “Las alianzas de marca tienen un impacto positivo y estratégico al fomentar una conexión más profunda con los fans y una fuerte relevancia cultural, lo que ayuda a que las audiencias se involucren de maneras más auténticas y significativas”.

Baracat sostiene que la región es un motor estratégico de crecimiento para Netflix, tanto en audiencia como en negocio. La ejecutiva remarcó que el engagement latino es único: “Estas colaboraciones permiten que nuestras historias permanezcan presentes en la vida cotidiana de las personas, fortaleciendo la conexión entre los fans y nuestra propiedad intelectual”.

En cuanto a la selección de socios estratégicos en Latinoamérica, Netflix privilegia alianzas con marcas de alto impacto y presencia cotidiana que puedan conectar de manera genuina con las comunidades de fans. “Buscamos socios que puedan fomentar una conexión auténtica con la cultura local”, explicó la especialista a Infobae.

Además, subrayó que la protección de la integridad de las historias y la reputación de la marca es fundamental: “Proteger la integridad de nuestro contenido es fundamental en cada alianza que construimos”.

Cultura, conversación y participación: las claves que diferencian a la región

Baracat resalta que el éxito de estas alianzas se basa menos en el análisis directo del comportamiento del usuario y más en entender cómo las audiencias latinoamericanas se relacionan con las historias a nivel cultural. “Lo que vemos en América Latina es que muchos títulos locales tienen una ventaja clara en este sentido: nacen ya profundamente conectados con el contexto cultural, lo que facilita la construcción de alianzas más auténticas”, señaló.

La directora de alianzas remarca que en la región las personas realmente se involucran con los contenidos, no solo viéndolos, sino también apropiándose de ellos en su día a día. “Les encanta usar, vestir y probar productos directamente asociados con sus personajes favoritos para sentirse parte de las historias. Esto crea un entorno en el que las historias cobran vida más allá de la pantalla de una manera muy orgánica”, indicó.

Es menester señalar que para Netflix y sus socios comerciales, esta combinación de escala y profundidad en el engagement es el principal atributo diferencial de América Latina.

La estrategia de Netflix en Latinoamérica va más allá de una adaptación superficial. Según Baracat, el desarrollo de iniciativas locales busca resonar con el contexto cultural y las dinámicas de consumo de cada país. “No se trata de una adaptación superficial, sino de traducir la colaboración de una manera que conecte con cada audiencia y con cada país dentro de América Latina”, puntualizó.

La alianza con McDonald’s, por ejemplo, llegará a 16 países del continente y fue pensada para reflejar la diversidad de realidades y costumbres locales. Baracat destaca que en Latinoamérica la conexión con el contenido audiovisual tiende a ser más significativa y participativa, abriendo la puerta a activaciones que realmente conectan con distintas audiencias y segmentos, incluyendo aquellos de menor poder adquisitivo.

El engagement como motor de valor para Netflix y sus socios

Para Netflix, América Latina no solo ofrece volumen de audiencia, sino una comunidad de fans activa, apasionada y abierta a experiencias que trascienden la pantalla. Esa es la clave detrás de alianzas como la que ahora une a la plataforma con McDonald’s para Stranger Things: Relatos del 85.

“Estas colaboraciones permiten que nuestras historias permanezcan presentes en la vida cotidiana de las personas”, concluye Carol Baracat, subrayando el valor estratégico de la región para el crecimiento y la sostenibilidad del negocio.

Netflix y McDonald’s lanzan una experiencia temática en América Latina

A partir del 28 de abril, McDonald’s y Netflix lanzan una colaboración especial en América Latina para celebrar el estreno de la serie animada Stranger Things: Relatos del 85. La iniciativa es parte de una estrategia global de alianzas de Netflix, diseñada para llevar la experiencia de sus historias más allá de la pantalla y conectar de manera auténtica con los fans en su vida diaria.

La campaña acompaña la llegada de la nueva serie animada, ambientada en el invierno de 1985, donde los personajes clásicos de Stranger Things enfrentan una nueva amenaza en Hawkins. La promoción se desplegará progresivamente en 60 países, comenzando en Latinoamérica y Canadá, y extendiéndose durante varios meses a mercados de Europa, Asia y Oceanía.

Como parte de esta experiencia, la Cajita Feliz incluirá un empaque inspirado en la serie, una colección de 12 juguetes de los personajes con lanzamientos semanales, un libro de actividades y un código QR que desbloquea un juego digital. Así, la historia de Stranger Things se cruza con la realidad cotidiana, permitiendo que los fans más jóvenes y sus familias se conviertan en protagonistas del “Club de Investigadores de Hawkins” mientras disfrutan de su comida favorita.

Apenas lleva unos días en la plataforma, pero ya se ha convertido en lo más visto. La nueva comedia de Netflix, Compañeras de cuarto (Roommates, Chandler Levack), propone una mirada fresca y caótica sobre la convivencia universitaria, centrándose en el choque de personalidades de dos jóvenes que apenas comparten algo más que el espacio de su dormitorio. Devon (Sadie Sandler), caracterizada por su torpeza social y una relación de dependencia con su hermano menor, se ve forzada a compartir su día a día con Celeste (Chloe East), cuya actitud desenfadada y falta de límites personales pronto transforman la rutina en una experiencia asfixiante.

Lo que comienza como una amistad inesperada entre polos opuestos, rápidamente se convierte en una batalla de pequeñas venganzas. El filme, dirigido por Chandler Levack (I love movies), despliega una serie de episodios humorísticos donde las diferencias entre las protagonistas se vuelven el eje de una rivalidad que, aunque exagerada en ocasiones, refleja situaciones reconocibles para quienes han atravesado la transición a la vida universitaria lejos del hogar. Una crítica a las nepobabies, pero que cuenta con varias de ellas en el reparto, desde la propia Sadie Sandler a Bella Murphy, Zahra Rock, hijas de Eddie Murphy y Chris Rock.

Roommates narra una historia ficticia escrita por Jimmy Fowlie y Ceara O’Sullivan, guionistas de Saturday Night Live, que explora las tensiones y desafíos de compartir espacio en una etapa marcada por la búsqueda de independencia. La trama sigue el recorrido de Devon en su primer año de universidad, desde el entusiasmo inicial por encontrar una amiga, hasta el desencanto provocado por las constantes invasiones de Celeste a su privacidad. La convivencia pronto se convierte en una “guerra de trincheras”, donde los hábitos molestos, la envidia y los conflictos se acumulan. El guion retrata cómo la estrecha relación entre las protagonistas, lejos de fortalecer un lazo, termina por exponer sus debilidades y desencadenar un enfrentamiento explosivo. Esta dinámica, aunque llevada al extremo, encuentra eco en el público joven, aludiendo a experiencias comunes de la vida universitaria.

Un retrato de la vida universitaria en clave Gen Z

El tono de Roommates se apoya en el humor para abordar la tensión creciente entre Devon y Celeste. Las escenas de enredos, discusiones absurdas y situaciones ridículas construyen una narrativa ligera, pero no por ello superficial. El caos que se apodera de la relación entre las protagonistas sirve de vehículo para explorar temas como la falta de madurez emocional, la necesidad de establecer límites y la dificultad de adaptarse a nuevos entornos. La película aprovecha los clichés del género, como las fiestas, los malos entendidos y las bromas pesadas, pero introduce matices propios al centrarse en una perspectiva femenina, menos explorada en las comedias universitarias tradicionales. La rivalidad entre las protagonistas surge de motivos cotidianos, pero evoluciona hasta convertirse en un duelo psicológico cargado de ironía.

La experiencia de convivir en la universidad suele implicar una mezcla de descubrimientos y frustraciones. Para muchos estudiantes, el primer año lejos de casa significa enfrentarse a la novedad de compartir espacio con desconocidos, ajustar rutinas y aprender a negociar diferencias. Roommates capta esa tensión y la lleva al terreno de la comedia, mostrando que el roce constante puede transformar la amistad en enemistad en cuestión de semanas. A lo largo de la historia, el principal motivo de disputa entre Devon y Celeste radica en los límites personales. Las invasiones constantes de Celeste generan un clima de tensión que, aunque exagerado para fines narrativos, resulta creíble para quienes han vivido situaciones similares. El guion consigue que el público se identifique con los personajes, más allá de los excesos de la ficción, y lo hace con un humor muy made in Generación Z.

En declaraciones a FandomWire, Chandler Levack explicaba su interés en plasmar la confusión y el caos propios de la juventud. Señaló: “Vives lejos de casa por primera vez, pero no tienes idea de quién eres. Te aferras desesperadamente a cualquiera que parezca tener algo en común contigo”. Levack defendió la elección de no forzar una reconciliación artificial entre las protagonistas, alejándose de la estructura convencional donde los personajes “aprenden una lección” y se reconcilian al final. La directora destacó que la película busca reflejar la autenticidad de las relaciones humanas, donde no siempre hay redención ni finales felices. Para Levack, el atractivo de la historia reside en su capacidad para capturar la imprevisibilidad de las emociones y el comportamiento de los jóvenes adultos, incluso cuando sus acciones resultan absurdas o extremas.

Un nuevo clásico que referencia al género

La película se inscribe en la tradición de las comedias universitarias, un género consolidado por títulos como Desmadre a la americana (Animal House), Un loco suelto en el campus (Van Wilder) o Aceptados (Accepted). Sin embargo, Roommates introduce una mirada renovada al poner en el centro a dos mujeres cuyas motivaciones, inseguridades y conflictos son tratados con una profundidad poco habitual. El film aborda temas como el autodescubrimiento, el deseo de pertenencia y la búsqueda de independencia, pero lo hace desde el prisma de la experiencia femenina, explorando cómo las presiones sociales y los roles de género influyen en la amistad y la rivalidad entre mujeres jóvenes. La narrativa de Roommates no solo se ocupa del conflicto entre compañeras de cuarto, sino que también retrata el proceso de dejar atrás la adolescencia para asumir responsabilidades propias de la vida adulta. El guion utiliza el enfrentamiento entre Devon y Celeste como metáfora de los miedos, inseguridades y deseos contradictorios que marcan el inicio de la etapa universitaria.

El caos, la diversión y la tensión que atraviesan las protagonistas funcionan como símbolo de las oportunidades y desafíos que supone empezar de nuevo en un entorno desconocido, donde la convivencia puede ser fuente de crecimiento o de conflicto. Aunque la premisa de Roommates se apoya en situaciones exageradas y un tono humorístico, la película logra transmitir un sentido de verdad en la descripción de la convivencia universitaria. El filme reconoce que las amistades pueden surgir de la casualidad y desmoronarse por detalles mínimos, y que la convivencia forzada es, muchas veces, terreno fértil para el conflicto.

Las escenas más hilarantes del largometraje están equilibradas por momentos de incomodidad y tensión, lo que permite que la historia resuene con quienes han experimentado la convivencia en carne propia. La película no ofrece moralejas simples ni soluciones mágicas, apostando en cambio por una representación honesta, aunque caótica, de la realidad universitaria. Al final, Roommates se presenta como una comedia que combina el desenfreno propio de la juventud con una observación aguda sobre los límites de la convivencia. El relato evita fórmulas previsibles y ofrece una visión sincera sobre la amistad, el conflicto y la transición hacia la adultez, apoyándose en el carisma de sus protagonistas y en un guion que no teme exagerar para hacer reír y reflexionar tanto a los jóvenes como a los que ya no lo son tanto.

La producción narra los hechos que permitieron a México convertirse en sede de la Copa Mundial de 1986, en una historia que combina sátira y humor negro para retratar los entresijos políticos, empresariales y futbolísticos detrás de ese logro.

La trama sigue a Martín de la Torre, un personaje interpretado por Luna, quien se embarca en un ambicioso y caótico proceso para asegurar la organización del Mundial tras la renuncia de Colombia como país anfitrión.

El trailer arranca con las frases: “En 1986 se jugó el mejor mundial en la historia de los mundiales: en México.”

“Yo me voy a partir la madre para traerle ese mundial a México, porque eso nunca ha pasado, que un país que hace de dos veces de un mundial, eso nos va a poner en el mapa.” dichas por el personaje interpretado por Diego Luna

El filme aborda los movimientos de poder y las maniobras que definieron el destino del evento, mostrando a figuras clave como Emilio Azcárraga Milmo entre otros.

Según la sinopsis oficial de Netflix, la película revela cómo se maquinó la candidatura de México, país que se convertiría en el primero en albergar dos Copas del Mundo.

Elenco y producción de México 86

El reparto principal está conformado por Diego Luna, Karla Souza, Daniel Giménez Cacho, Álvaro Guerrero, Diana Sedano, Davor Tonnie y Memo Villegas. El guion fue escrito por Gabriel Ripstein y Daniel Krauze, con dirección de Ripstein.

La producción ejecutiva corre a cargo de Luna, mientras que Gaumont USA encabeza la producción general.

La película se aleja de la euforia de las canchas y se centra en los pasillos del poder, exponiendo las estrategias y controversias que acompañaron la designación de México como anfitrión del torneo, en especial después de que Canadá y Estados Unidos acusaran favoritismo en el proceso de selección.

El tono satírico busca resaltar el ingenio mexicano que permitió concretar esta hazaña.

Estreno, tráiler y promoción oficial

"México 86" se estrenará exclusivamente en Netflix el 5 de junio, días antes de la inauguración del Mundial 2026, que también tendrá como sede a México.

El tráiler oficial, difundido por Netflix Latinoamérica, muestra las primeras escenas donde Diego Luna interpreta a Martín de la Torre, un aficionado decidido a todo para que México reciba nuevamente una Copa del Mundo.

En el avance destaca la frase “Nada de suerte, aquí puro colmillo”, reflejando el tono astuto y humorístico del filme.

El tráiler presenta ambientes de oficina con estética ochentera, reuniones entre ejecutivos y figuras del fútbol, y referencias visuales a la crisis económica de los años ochenta y la presión internacional tras la salida de Colombia como anfitrión.

Se observan personajes destacados como Emilio Azcárraga Milmo así como situaciones que mezclan tensión, comedia negra y drama.

La campaña promocional enfatiza que la película relata “la apuesta descabellada con la que México, con audacia, logró quedarse con la sede del Mundial de 1986”, una hazaña atribuida al ingenio mexicano.

El tráiler confirma también la participación de Karla Souza, Daniel Giménez Cacho y Álvaro Guerrero, quienes interpretan a figuras históricas y empresariales del fútbol nacional.

El avance completo está disponible en las redes oficiales de Netflix Latinoamérica y anticipa una visión mordaz y estilizada del proceso que marcó la historia deportiva y política del país.

Utilizar plataformas como Cuevana y Magis TV para ver películas, series o partidos de forma gratuita representa un riesgo considerable tanto para la seguridad de tu información personal como para la integridad de tu dispositivo. Por este motivo, es fundamental optar por servicios legales y seguros, ya sean de pago o gratuitos.

Entre las alternativas gratuitas se encuentran YouTube, Pluto TV, Rakuten TV, RTVE Play y FilmRise.

Por otro lado, existen opciones de pago como Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max, Disney+ y Apple TV+. Muchas de estas plataformas ofrecen periodos de prueba gratuitos que permiten acceder a su catálogo de contenidos sin costo inicial.

Alternativas gratuitas a Cuevana, Magis TV y Xuper TV

Algunas alternativas gratuitas a Cuevana, Magis TV y Xuper TV son:

• YouTube.

Propiedad de Google, permite acceder gratuitamente a millones de videos, incluyendo documentales, series web, conciertos y material educativo. No exige suscripción; basta con instalar la aplicación, iniciar sesión y explorar su extenso catálogo.

• Pluto TV.

Ofrece canales en vivo y una amplia variedad de películas, series y programas como CSI Miami, The Walking Dead, Daredevil y Naruto. Entre sus ventajas destaca que no requiere registro para disfrutar de sus contenidos.

• Rakuten TV.

Es posible ver películas sin costo en la sección “Free”, con títulos como Alvin y las ardillas 2, El justiciero y Sin rastro. Esta plataforma se distingue por incluir filmes que fueron éxitos de taquilla en años anteriores.

• RTVE Play.

El servicio digital de Radio Televisión Española, permite acceder gratuitamente a series, películas, documentales, noticieros y programas como MasterChef, todos emitidos por la televisión pública de España.

• FilmRise.

Plataforma estadounidense, ofrece contenido financiado con publicidad, incluyendo títulos como Medici, The Dick Van Dyke Show y Hot Ones.

Qué opciones de pago existen que sean alternativas a Cuevana y Magis TV

Algunas opciones de pago que existen y son alternativas a Cuevana y Magis TV son:

• Netflix.

Es posible acceder a un catálogo amplio que abarca géneros como drama, suspenso, ciencia ficción y comedia. Entre las series más populares se encuentran Emily in Paris, Bridgerton, Stranger Things, La Casa de Papel, Élite y The Crown.

El servicio también incluye producciones internacionales de gran éxito, como El juego del calamar, y series aclamadas de ciencia ficción, como Dark. Además, la plataforma suma estrenos frecuentes y transmisiones especiales en su programación.

• Amazon Prime Video.

En Amazon Prime Video se encuentran series destacadas como The Boys, así como la opción de alquilar películas y series provenientes de otras plataformas. Los usuarios pueden acceder a una prueba gratuita de 30 días para explorar el catálogo completo del servicio.

• HBO Max.

En HBO Max se encuentran disponibles series reconocidas como Succession, Euphoria, The Last of Us, Game of Thrones y The White Lotus.

La plataforma ofrece un catálogo que incluye estrenos exclusivos, películas recientes y producciones originales de HBO, junto con la posibilidad de acceder a una prueba gratuita según la región.

• Disney+.

En Disney+ se puede acceder a producciones originales de Disney, Pixar, Marvel, Star Wars y National Geographic.

El catálogo incluye series y películas como The Mandalorian, Loki, Encanto, Frozen II y documentales exclusivos. La plataforma también ofrece estrenos simultáneos y contenido para todas las edades.

• Apple TV.

En Apple TV+ se encuentran series originales como Ted Lasso, The Morning Show, Severance y For All Mankind. La plataforma destaca por su producción exclusiva de alta calidad, películas premiadas y documentales. Los nuevos usuarios pueden acceder a una prueba gratuita limitada para explorar el catálogo completo.

Por qué usar Cuevana y Magis TV es peligroso

Utilizar Cuevana y Magis TV para ver películas, series o eventos deportivos representa un riesgo para la seguridad digital. Estas plataformas operan sin licencias legales y suelen distribuir archivos infectados con malware, lo que puede comprometer tanto tu información personal como la integridad del dispositivo.

Además, el acceso a estos servicios implica exponerse a fraudes, robo de datos y posibles repercusiones legales por consumo de contenido pirata.

Un comentario irónico de Christian Martinoli derivó en rumores sobre un posible acuerdo contractual para narrar partidos de la Selección Mexicana en la plataforma de contenidos streaming Netflix.

“Posiblemente la gente de Netflix, me han informado, Doctor... Que quieren negociar con el Doctor García para que vaya y transmita de forma, digamos, temporal los partidos de la Selección Mexicana en Netflix”, dijo el narrador en una reciente transmisión del pódcast Farsantes con Gloria.

Sus expresiones capturaron la atención pública, debido a que la dupla se ha consolidado como talento exclusivo de TV Azteca.

Luis García rompe el silencio

Ante la ola de especulaciones, el exfutbolista Luis García difundió un video donde negó que existan negociaciones con la empresa estadounidense.

Fiel a su estilo, García bromeó sobre el hecho de despertó siendo tema de conversación en medios y plataformas digitales. “Ayer me fui a dormir temprano y me levanté con una sarta de noticias salerosas y erróneas”.

“Mi esposa corporativa, hablo de mi Nalgón Martinoli, y su servidor, puntualmente, no vamos a ir a ningún lugar a narrar ni a comentar, ni a Netflix ni a otro sitio. Somos de TV Azteca. Mi Nalgón lleva veintiocho añitos, nada más; yo llevo veinticinco y ahí vamos a estar por los siglos de los siglos. Amén”.

Polémica por acuerdo entre la Concacaf y Netflix

La decisión de la Concacaf de firmar un convenio de exclusividad con Netflix para transmitir los partidos de la Selección Mexicana a partir de 2027 provoca una oleada de críticas y reabre el debate sobre el acceso gratuito al futbol en México.

El anuncio, que deja fuera a Televisa y TV Azteca —las dos principales televisoras abiertas del país—, marca un giro en la industria y plantea preguntas sobre el futuro de las transmisiones deportivas.

Netflix confirmó que transmitirá en exclusiva las próximas dos ediciones de la Copa Oro y las Finales de la Liga de Naciones de Concacaf. El acuerdo, valuado en 60 millones de dólares según Récord, superó cualquier oferta de las televisoras mexicanas.

Esta decisión generó inquietud entre aficionados y políticos, pues implica que para ver a la Selección, el público mexicano deberá pagar una suscripción a la plataforma.

Carlos Ponce de León, director de Récord, señala que Morena analiza una iniciativa de ley para garantizar que los partidos de la Selección sean accesibles en señal abierta. La medida, sostiene, iría contra los intereses comerciales de Concacaf y la Federación Mexicana de Futbol.

Por su parte, Netflix defiende la operación como parte de una estrategia para captar público con eventos deportivos en vivo, mientras Concacaf busca ampliar su audiencia a través de nuevas plataformas.

La serie Bronca, creada por Lee Sung Jin y con Oscar Isaac y Carey Mulligan como protagonistas en su segunda temporada, ha caído en una paradoja común de la era del streaming: ni el reconocimiento de la crítica ni el respaldo de actores de renombre garantizan el éxito comercial. Estrenada el viernes 17 de abril en Netflix, esta producción, considerada por muchos como la mejor serie del año, no logra ascender en los rankings de audiencia de la plataforma y no llega a alcanzar el primer puesto en ningún país.

Solo en Lituania se acerca al podio con un discreto tercer puesto. Todo indica que esta falta de interés puede llevar a Netflix a cancelar la serie, dejando sin continuación una propuesta valorada con un 88% de aprobación en Rotten Tomatoes.

El recorrido de Bronca: del éxito inicial al desinterés del público

La primera temporada de Bronca fue toda una revelación, encabezada por Steven Yeun y Ali Wong, y logró notoriedad tanto en Netflix como en premios y listas de lo mejor del año. La combinación de drama, humor negro y una constante tensión entre los personajes atrajo tanto a audiencias como a críticos. Tres años después, la segunda temporada regresó con cambios en el elenco principal, sumando a Oscar Isaac y Carey Mulligan, ambos reconocidos por su trayectoria en el cine internacional. Las expectativas eran altas: se esperaba que la nueva entrega mantuviera el nivel de la serie y expandiera su universo. Sin embargo, a pesar de las destacadas actuaciones y de una trama que ahora gira en torno a un club de campo y una cadena de chantajes entre sus protagonistas, la serie ha pasado desapercibida entre el público masivo de Netflix.

Esto deja en evidencia una tendencia que preocupa a los expertos en medios digitales: producciones de gran valor artístico no siempre logran captar la atención que dictan los algoritmos y gustos temporales de los suscriptores. Mientras tanto, títulos de menor calidad o con menos reconocimiento pueden escalar fácilmente los listados globales, apoyados en campañas virales o modas momentáneas.

El problema del ranking y sus consecuencias para el futuro de la serie

Aunque la calidad de la segunda temporada de Bronca está respaldada por un 88% de críticas positivas en Rotten Tomatoes, su escasa visibilidad en los rankings de Netflix representa una barrera casi imposible de superar bajo las políticas actuales de la plataforma, ya que la atención se centra en las series que logran atraer grandes audiencias. La segunda temporada no ha conseguido entrar en el top 10; en Estados Unidos, apenas alcanzó el quinto puesto en su mejor momento, quedando fuera del radar para el usuario medio.

El caso de Lituania, el único país donde Bronca se situó cerca del tercer lugar, resulta más anecdótico que esperanzador para sus posibilidades de remontar a nivel global. El débil impulso inicial suele ser un indicio casi definitivo de una posible cancelación, siguiendo las tendencias recientes de Netflix, que no titubea en cerrar proyectos más allá de su prestigio artístico si los números no acompañan. El hecho de que hayan pasado tres años desde la primera temporada puede haber contribuido a la desconexión con los espectadores, ya que la relación emocional y las expectativas suelen desvanecerse en los cambiantes catálogos digitales.

Efectos en la industria audiovisual, el público y el equipo de Bronca

Para los creadores y actores que han participado en Bronca, el caso señala los desafíos de la ficción televisiva de alto nivel en la era dominada por algoritmos. El respaldo de figuras reconocidas como Oscar Isaac y Carey Mulligan no logró atraer a sus seguidores hacia el formato episódico. Tampoco la apuesta por una trama renovada y atrevida -centrada en un club de campo, donde una violenta pelea grabada por dos empleados desencadena una serie de chantajes- consiguió el boca a boca necesario para mejorar las cifras ante propuestas más ligeras o de evasión.

Para los espectadores, esta desconexión implica la posible desaparición de series de calidad y de contenido más desafiante, cediendo espacio en la plataforma a títulos que logran viralizarse rápidamente o que siguen tendencias de consumo menos exigentes. Si se confirma la cancelación, el patrón seguiría la línea de otros recortes abruptos de series aclamadas, lo que genera frustración entre quienes buscan opciones distintas a los productos convencionales. En definitiva, el destino incierto de Bronca y su segunda temporada con Oscar Isaac y Carey Mulligan evidencia la fragilidad de los proyectos artísticos en el cambiante ecosistema del streaming, donde la crítica y el talento pesan poco si los clics no respaldan la propuesta.

Si eres fan de películas como Ocean’s Eleven, El secreto de Thomas Crown o, en su versión más mágica, Ahora me ves, sabrás bien a qué nos referimos cuando hablamos de ladrones de guante blanco. El cine criminal también guarda su espacio para las historias de aquellos criminales cuya mayor arma es su inteligencia y que, lejos de desechar la elegancia en todos sus golpes, la convierten en una seña de identidad.

Sin embargo, por muy buenas que resulten todas estas películas, no le hacen sombra al que se considera el gran clásico del género: El golpe. Esta cinta, con Robert Redford y Paul Newman en los papeles principales, se aseguró un puesto privilegiado en la historia del cine al contar la historia de dos timadores ‘de mala muerte’ que deciden sacar lo mejor de sus mentes (y de sus trajes) para vengar la muerte de un amigo en común.

Pero El golpe era algo más que eso. Fue también el reencuentro de dos leyendas absolutas de Hollywood, Robert Redford y Paul Newman, que ya habían cosechado un gran éxito con su anterior trabajo juntos, Dos hombres y un destino. Su química no podría ser mayor, y si a esta le sumamos el inteligentísimo guion de David S. Ward (al que también le debemos parte del texto de la gran comedia romántica Algo para recordar), la estupenda dirección de George Roy Hill y la maravillosa banda sonora de Marvin Hamlisch, ganador de tres (¡tres!) premios Oscar por su música ese mismo año, el resultado es la mejor película de ladrones de la historia.

“Imaginen vestir a los dos hombres más guapos del mundo y luego conseguir esto”

El golpe, que acaba de convertirse en la nueva y flamante apuesta de Netflix por los grandes clásicos, no solo marcó un antes y un después en las películas de atracos, sino que además resultó ser un éxito comercial rotundo. Con un presupuesto de cinco millones y medio de dólares (de los cuales uno fue, exclusivamente, para pagar a Redford y Paul Newman), logró alcanzar una recaudación mundial de 257 millones, sumando más de 3,8 millones de espectadores solo en España.

El éxito de El golpe no se detendría allí. Meses después de su estreno, la película se ganaría con la consecución de siete premios Oscar, incluyendo el de Mejor película, Mejor dirección y Mejor guion original. Quien, por desgracia, no se llevaría la estatuilla, sería Robert Redford, siendo esta película la única en la que saldría nominado para poder llevarse una estatuilla por sus interpretaciones. El cine resolvería esta injusticia por partida doble: en 1981 con un Oscar a la Mejor dirección por Gente corriente, y en 2002 con un premio honorífico por toda su carrera.

Quien sí se llevaría la estatuilla, y por octava vez en toda su carrera, sería Edith Head, la responsable de vestuario en El golpe y una de las grandes referentes de este ámbito en la industria. Para la historia del cine quedarían las palabras de su discurso. “Imagínense vestir a los dos hombres más guapos del mundo (Redford y Newman) y luego conseguir eso”.

Esto es lo que ama Zach Galifianakis de la jardinería: “Los milagros que llegas a ver — pequeños, diminutos milagros que damos por sentados”.

Espera. ¿Era esto una broma? Galifianakis, actor y comediante, es más conocido por su programa de entrevistas deliberadamente incómodo Between Two Ferns y por obras provocadoras como Baskets y las películas de The Hangover. Así que esta sinceridad podría haber sido tomada como una broma. Pero Galifianakis, un ávido jardinero, lo decía en serio.

En su casa en una zona rural de la Columbia Británica, cultiva multitud de frutas y verduras. Tiene aspiraciones de apicultor. En pantalla rara vez está sereno, pero la jardinería lo calma.

“En todos los jardines que visito, siempre hay paz ahí”, dijo. “Cuando ves a la naturaleza tener sentido, es realmente gratificante”. Es más feliz, afirma, cuando está literalmente manos a la tierra.

Esa filosofía hizo de Galifianakis, de 56 años, la elección natural para presentar This Is a Gardening Show, un programa didáctico de formato corto que llega a Netflix en el Día de la Tierra.

“La jardinería no debería ser para un grupo selecto, y todos merecen cultivar su propia comida”, dijo Chris Kim, uno de los creadores del programa. “¿Quién sería la persona perfecta para representar a todos los que tenemos preguntas tontas, preguntas ridículas?” Esa persona era Galifianakis. “La jardinería puede ser incómoda, pero también lo son sus chistes”, dijo Kim.

Los episodios alternan segmentos en los que Galifianakis aprende de jardineros expertos y otros en los que entrevista a niños en edad escolar. El tono es ágil y apto para toda la familia, aunque Galifianakis sigue haciendo bromas sobre caca, drogas y suicidio.

“¿Dónde está lo gracioso?” le pregunta un niño.

Aun así, el mensaje es abiertamente optimista. “Los jardines son esperanza; la tierra es nuestra esperanza; la naturaleza es nuestra esperanza”, dice Galifianakis en el programa.

Hablando por videollamada desde la casa menos verde que tiene en Los Ángeles, Galifianakis habló sobre la comedia, el estiércol y sus verdaderos sentimientos sobre el melón cantalupo. Estos son extractos editados de la conversación.

—¿Creciste rodeado de jardines?

—Mis abuelos cultivaban, pero yo no. Estudié comunicación en una escuela de agricultura. Mirando atrás, ojalá lo hubiera estudiado. Había una mujer que conocía, cuya especialidad era el suelo. En ese momento me parecía ridículo, pero ahora pienso: Dios mío, ojalá supiera más sobre el suelo porque es todo.

—¿Cómo empezaste en la jardinería?

—Estaba en Grecia en mis veintes. Iba en una Vespa, paseando, y vi a un hombre en su jardín que parecía tener unos 80 años y se veía muy feliz. Me bajé de la moto y le dije: “Disculpe, ¿puedo tomarle una foto?” Simplemente le tomé una foto a este hombre muy feliz en su campo de papas. Y pensé en ese momento, si llego a esa edad, ahí es donde quiero estar.

—Qué cosa más pura. Y sorprendente. Porque tu comedia en ese entonces era bastante oscura y provocadora.

—Bueno, está mi personaje en el escenario y luego está mi persona real. Son opuestos.

—¿Cuál fue tu primer jardín?

—Unos años después, me mudé a Venice [en Los Ángeles]. Si tienes un pequeño parche de césped delante de la acera, no es tuyo, es de la ciudad. Pero puedes cultivarlo. Lo desenterré, quería quitar toda la cocaína crack de la tierra. Lo enriquecí con estiércol y composta. Cultivé uvas, chiles fantasma, quería que fuera un jardín local; quería que la gente simplemente recogiera de ahí. Me lo tomé más en serio cuando acabé en Canadá. Tengo este jardín en el que trabajo casi todos los días. Encuentro allí una inmensa paz.

—¿Cuáles son tus cosas favoritas para cultivar?

—Me encantan las calabazas porque me gusta la recompensa de ver lo grandes que llegan a ser. Puedes darle calabaza a tu perro; puedes romper calabazas; puedes hacer lo que sea. Además, las calabazas son bastante resistentes, así que se cuidan solas. Mi objetivo final es cultivar todo lo que hay en una ensalada griega.

—¿Tienes clima para olivos?

—No, no puedo con los olivos. Y no existe un árbol de queso feta.

—¿Qué te interesó en hacer un programa de jardinería?

—De alguna manera, estos productores se enteraron de que yo cultivo. Me llamaron y me dijeron: ¿Te interesaría conducir un programa de jardinería? Siempre he querido conocer a verdaderos expertos en jardinería porque es trabajar hacia el paraíso. Es trabajar hacia el Edén.

—¿Por qué incorporar niños?

—Son quienes realmente necesitan hacer esto. Me decepciona que nosotros, como humanos, no hayamos visto esto como lo más importante que podemos transmitir a la siguiente generación: de dónde viene nuestra comida. Así que fue una idea genuina. Entrevistar niños — mira, es muy divertido. Además, es bastante fácil.

—¿Tuviste que adaptar tu estilo de comedia para esto?

No voy a ser insultante ni brusco ni nada de eso con los jardineros. Esto es más mi personalidad real. Y quiero que los niños sean niños. Definitivamente protegeré la inocencia.

—¿Cuál es la mejor enseñanza que sacaste?

—Me confirmó la corazonada de que el jardín es el lugar para la armonía. Y además, la jardinería no es difícil. De verdad que no lo es. Lleva tiempo, pero no es tiempo perdido. De repente han pasado dos, tres horas y te sientes bien porque has estado al aire libre, cerca de la naturaleza. Miro alrededor en las ciudades y no puedo creer la cantidad de concreto que hay en nuestro mundo. ¿Por qué no son estos jardines?

—¿El programa tiene un aspecto político?

—No. La comida es el gran conector. Puede que tú y yo no estemos de acuerdo en política, pero a ambos nos encanta el melón cantalupo. Bueno, a mí no me gusta el melón cantalupo, pero ya sabes a lo que me refiero.

—¿Qué quieres que la gente se lleve del programa?

—Quiero que se diviertan y que también se sientan inspirados a intentar cultivar algo. Si podemos reverdecer nuestros espacios y fomentar una cultura en torno a eso para el futuro, será muy saludable.

—¿Y qué hay de personas como yo, que no tienen espacio exterior?

—Bueno, ¿tienes una ventana? ¿Tienes algo de sol? Puedes cultivar tomates cherry; puedes cultivar apio. ¿No puedes encontrar un pequeño espacio que puedas remover?

—Estoy en la lista de espera para un huerto comunitario cercano. ¿Puedes hacer que me den un buen lugar?

—Sí, te conseguiré un buen lugar.

Fuente: The New York Times

La operación presenta un doble movimiento estratégico: por un lado, Netflix refuerza su apuesta por el mercado nacional con un título de origen argentino, respaldado por figuras locales y una IP comprobada en teatro; por otro, de la Iglesia expande su base de producción latinoamericana después de una carrera enfocada casi exclusivamente en el circuito ibérico y anglosajón. El elenco se compone de Griselda Siciliani, Benjamín Vicuña, Violeta Urtizberea, Mike Amigorena, Martín Garabal, Mónica Raiola y la participación especial de Diego Capusotto.

El guion ha reunido a de la Iglesia con Pensotti, el creador original de la pieza teatral, asegurando continuidad autoral en la traslación a la pantalla. El equipo técnico suma a Pablo Bernst en la dirección de fotografía, Manuel Bauer en edición, Liliana Piekar en vestuario, José Luis Arrizabalaga en diseño de producción y Matías Martinez como director de arte. La producción ejecutiva recae en Suar, Diego Andrasnik y Juan Lovece, bajo el sello de Preludio.

Primera colaboración de Álex de la Iglesia con Netflix en Argentina

La llegada de Álex de la Iglesia al frente de una producción original de Netflix realizada íntegramente en Argentina configura un movimiento inédito para el realizador, hasta ahora ajeno al circuito industrial sudamericano en este formato. El aterrizaje de una IP local —Felicidades, que agotó funciones en la cartelera porteña durante 2024— en una plataforma global, anticipa la exportación internacional del modelo teatral argentino bajo leyes de producción originales y adaptadas al formato de largometraje.

“El film marca un hito: es la primera vez que el reconocido director español Álex de la Iglesia se pone al frente de una producción de Netflix realizada en Argentina”, detalló el material oficial de la compañía, atribuyendo centralidad al acuerdo celebrado para el proyecto.

Felicidades, en su versión cinematográfica, mantiene la premisa que impulsó la obra teatral: un marido (Suar) intenta reanimar su vínculo matrimonial con un festejo de cumpleaños inesperado para su esposa (Siciliani). La situación se trastoca con la llegada de un médium y precipita una secuencia de revelaciones y caos en la atmósfera contenida de una vivienda que actúa también como espacio dramático principal.

El guion, coescrito por de la Iglesia y Pensotti, refuerza el anclaje autoral que caracterizó la pieza teatral, adaptándola a códigos de humor y ritmo de cine. La producción ha puesto especial énfasis en reunir un reparto de alto perfil en la industria argentina de la comedia, destacando la presencia de Capusotto como participación especial.

El dispositivo industrial detrás de Felicidades

La producción de Felicidades ha reincorporado al circuito a colaboradores centrales del ecosistema argentino: Preludio como productora, bajo liderazgo de Adrián Suar junto a Diego Andrasnik y Juan Lovece como productores ejecutivos. El aporte técnico suma a José Luis Arrizabalaga (diseño de producción), Matías Martinez (dirección de arte), Pablo Bernst (fotografía), Manuel Bauer (edición) y Liliana Piekar (vestuario). Esta alineación responde a la demanda de Netflix para proyectos con potencial de mercado regional y proyección internacional.

Nadie respondió cuando los policías tocaron la puerta azul de la casa en Short Creek. En el interior, según las grabaciones obtenidas por Christine Marie y Tolga Katas, varias niñas y mujeres aguardaban instrucciones de un solo hombre: Samuel Rappylee Bateman. Esas horas, registradas en video y audio, se transformarían en la columna vertebral de una investigación federal que desmanteló una de las células más opacas de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (FLDS) tras la caída de Warren Jeffs, el líder de la secta que fue preso.

Tras la condena de Warren Jeffs en 2011, Short Creek quedó a la deriva. La comunidad, dividida entre Hildale, Utah y Colorado City y Arizona, mantuvo los principios poligámicos del FLDS, pero carecía de un liderazgo central. La ausencia de dirección generó un clima de incertidumbre y competencia interna. Fue en ese contexto donde Bateman, nacido en 1976 y criado en Colorado City, inició su ascenso. Este hombre capitalizó el desconcierto para proyectarse como heredero de la palabra divina.

Bateman argumentó que Warren Jeffs había muerto, y que cualquier mensaje divino llegaría a partir de ese momento a través de él. Esa narrativa no solo le permitió justificar su autoridad, sino también aislar a su facción —los Samuelitas— del resto de la comunidad FLDS, a la vez que consolidaba su núcleo de seguidores.

A partir de 2019, Bateman formalizó la escisión, conformando un grupo de aproximadamente 50 personas, entre adultos y menores, bajo su control directo. La devoción se medía en la entrega de testimonios, recursos económicos y, en última instancia, en la cesión de hijas menores como esposas espirituales.

La docuserie de Netflix, Trust Me: The False Prophet, reconstruye cómo la autoridad del líder se infiltraba en los aspectos más elementales de la vida cotidiana, restringiendo la comunicación externa y reubicando familias enteras para asegurar el aislamiento del entorno.

Una arquitectura de aislamiento, vigilancia y sumisión

El sistema de dominación impuesto por Bateman combinó elementos doctrinales, presión económica y una estricta vigilancia. En la “Blue House”, el líder convivía con esposas seleccionadas. En la “Green House”, el hacinamiento y la supervisión constante eran la norma. El modelo de residencia múltiple fragmentaba la resistencia y reforzaba la dependencia.

Los testimonios recopilados por Christine Marie y Tolga Katas, quienes llegaron inicialmente como voluntarios humanitarios tras una inundación en 2015 y luego se infiltraron en el círculo del líder, muestran la vida bajo estas reglas: “El control era total. Si cuestionabas, te exiliaban”, declaró Nomz Bistline, una de las esposas adultas, en el documental de Netflix. “Pasé tres meses en un remolque por preguntar algo”.

La obediencia se garantizaba mediante amenazas de castigos “espirituales” y la aplicación de rituales de “expiación de sangre”, donde Bateman advertía que la desobediencia solo podía redimirse con la muerte espiritual o física. Además, impuso la obligación de contratar pólizas de seguro de vida con él como beneficiario, utilizando el miedo y la manipulación financiera como extensiones del control religioso.

El proceso de infiltración y la acumulación de pruebas

Christine Marie y Tolga Katas, bajo el pretexto de grabar un documental, empezaron a visitar las propiedades de Bateman en 2021. Su acercamiento fue gradual, registrando primero actividades cotidianas y reuniones informales. Con el tiempo, las grabaciones capturaron escenas de mayor tensión: niñas y mujeres bajo supervisión, restricciones al contacto con el exterior y la reubicación forzosa de familias.

El punto de quiebre llegó cuando Marie grabó una conversación en la que Bateman describía la “ceremonia de Expiación”, en la que entregaba a sus esposas a seguidores para que tuvieran relaciones sexuales mientras él observaba. “Grabé la conversación y recé para que el audio funcionara”, declaró Marie posteriormente. Este material fue remitido a la policía local, pero ante la falta de recursos, el caso fue derivado al FBI.

Katas mapeó las propiedades de Bateman mediante drones y participó en la coordinación logística para el operativo federal. La docuserie de Netflix utiliza horas de material inédito y testimonios enmascarados digitalmente para reconstruir la magnitud del abuso y la dinámica de sumisión.

Detenciones, rescates y fuga de menores

El 28 de agosto de 2022, un control vehicular cerca de Flagstaff, Arizona, marcó el inicio de la caída de Bateman. Agentes estatales detuvieron su vehículo al detectar dedos de niñas asomando por la rendija de un remolque sin ventilación. En el interior, hallaron a tres menores de entre 11 y 14 años, transportadas sin asientos ni baño adecuado. Bateman fue arrestado por poner en peligro a menores, pero liberado bajo fianza a los pocos días.

Durante el breve periodo en libertad, Bateman intentó eliminar pruebas digitales. Pese a ello, la acumulación de evidencia permitió al FBI solicitar órdenes de detención y registro para múltiples propiedades en Short Creek. El 13 de septiembre de 2022, bajo la fachada de una entrevista, Katas citó a Bateman en un almacén. Minutos después, agentes federales irrumpieron y efectuaron el arresto.

El operativo incluyó redadas simultáneas en la “Blue House”, la “Green House” y el almacén. Se incautaron computadoras, teléfonos y documentos. Nueve niñas fueron localizadas y puestas bajo custodia del Departamento de Seguridad Infantil de Arizona.

El círculo de complicidad: esposas, secuestro y adoctrinamiento

El sistema de Bateman no era unipersonal. Tres esposas adultas —Naomi “Nomz” Bistline, Donnae Barlow y Moretta Rose Johnson— participaron activamente en la fuga de ocho menores rescatadas tras la detención del líder. Desde prisión, Bateman instruyó a Bistline y Johnson para organizar la extracción de las niñas de un hogar grupal estatal en noviembre de 2022. Las trasladaron hasta Washington, donde finalmente fueron recuperadas por la policía.

Las tres mujeres enfrentaron cargos de conspiración para secuestro y obstrucción. En 2024, aceptaron acuerdos de culpabilidad. Bistline, quien negó inicialmente haber presenciado abusos, confesó en audiencia que lo hizo bajo el efecto del adoctrinamiento. Fue sentenciada a tiempo cumplido y tres años de libertad condicional. Barlow recibió arresto domiciliario y Johnson obtuvo una condena menor por ser menor de edad al ser captada por Bateman. Actualmente, todas permanecen en Arizona como condición de su libertad.

El proceso judicial

El caso Bateman generó un proceso judicial federal sin precedentes en la comunidad FLDS. En diciembre de 2022, un gran jurado federal emitió una acusación sustitutiva que incluía cargos por secuestro, conspiración para secuestro, transporte de menores con fines de explotación sexual, producción de pornografía infantil y coacción interestatal de menores. La investigación documentó el traslado de niñas a través de cuatro estados: Arizona, Utah, Colorado y Nebraska.

En abril de 2024, Bateman se declaró culpable de conspiración para el transporte de menores y conspiración para secuestro, como parte de un acuerdo con la fiscalía. Reconoció haber mantenido “matrimonios espirituales” con más de 20 mujeres, al menos diez de ellas menores de edad, algunas con tan solo nueve años, y la organización de rituales sexuales colectivos bajo el pretexto de expiación de pecados.

El 9 de diciembre de 2024, la corte federal dictó una sentencia de 50 años de prisión y libertad supervisada de por vida para Bateman. Once de sus seguidores adultos fueron condenados por cargos relacionados, incluyendo una sentencia de cadena perpetua para LaDell Bistline Jr., quien entregó a sus propias hijas como víctimas de Bateman.

Las menores rescatadas testificaron en el proceso, protegidas por medidas especiales para preservar su identidad y seguridad. El material audiovisual recopilado por Marie y Katas fue central en la acusación.

El impacto en Short Creek

La condena de Bateman no cerró la herida en Short Creek. La comunidad permanece dividida entre quienes reivindican la inocencia del profeta y quienes colaboraron con la justicia. La docuserie de Netflix, estrenada el 18 de marzo de 2026, retrata a las sobrevivientes y a figuras como Julia Johnson, quien denunció la entrega de sus cuatro hijas a Bateman bajo amenazas de condena eterna.

A pesar de la reclusión, Bateman mantiene influencia sobre parte del grupo mediante llamadas telefónicas diarias desde prisión. Según la directora Rachel Dretzin, ese contacto actúa “como una vía intravenosa de adoctrinamiento” para los fieles que aún lo consideran un mártir.

Testimonios, resistencia y mecanismos de manipulación

Las grabaciones de Trust Me: The False Prophet muestran el abuso y la cotidianidad del control. Bateman aparece posando en motocicleta, diseñando planes estrafalarios —como un video musical para atraer a la reina de Inglaterra como esposa— y repartiendo tareas y esposas según su criterio.

El FBI y especialistas como Robin Dreeke, exjefe del Programa de Análisis Conductual de Contrainteligencia, analizaron la arquitectura de la secta: aislamiento, reconfiguración familiar, separación de madres e hijas y la imposición de lealtad como única alternativa a la expulsión. La resistencia interna fue mínima y, cuando existió, se castigó con el exilio o el ostracismo.

Entre los testimonios más duros figura el de una madre que logró impedir que Bateman se casara con su hija de 14 años, a quien ofreció dos bolsas de Doritos y USD 50 como “dote”. La mujer solicitó una orden de restricción y abandonó la comunidad. El expediente judicial recoge además la existencia de rituales donde hombres debían acostarse con las esposas de otros como forma de expiar pecados, una práctica justificada como mandato divino.

La última grabación de Marie y Katas muestra a Bateman en una celda, dictando instrucciones a sus seguidores. La voz, aunque silenciada por el encierro, todavía resuena en muchos hogares de la tranquila Short Creek.

En la actualidad, Christian Martinoli y Luis García se han convertido en la dupla emblemática de Azteca Deportes. Ambos comentaristas deportivos han encontrado una fórmula y estilo que los ha caracterizado por años, además, se han ganado el cariño del público con sus chistes y diferentes facetas, como la creación de su reciente podcast Farsantes con Gloria.

Ahora, habría la posibilidad de que ambos narradores se muden a una plataforma de straeming. Y es que, luego de que Concacaf anunció que los partidos de la Selección Mexicana serán transmitidos por Netflix, los actuales comentaristas de TV Azteca abrieron la posibilidad de prestar sus voces para las coberturas de la Nations League y Copa Oro.

Fue en la reciente emisión de su podcast donde Martinoli lanzó la indirecta de que habría posibilidades de que, junto con el Doctor García, se estrenen en la narración en streaming, tal como lo hicieron en YouTube.

¿Martinoli y Luis García se van a Netflix?

De acuerdo con lo que explicó el fanático del Chorizo Power, se abrió un diálogo con la gente de la plataforma streaming para la posibilidad de que colaboren juntos y se pueda dar la oportunidad de narrar los partidos de la Selección Mexicana.

“Posiblemente la gente de Netflix me han informado, Doctor... Que quieren negociar con el Doctor García para que vaya y transmita de forma, digamos, temporal los partidos de la selección mexicana en Netflix”, adelantó Martinoli.

Luis García cuestionó las declaraciones de su compañero “¿Quién le ha informado?“, expresó, para darle pie a la explicación:

“Que quieren negociar con el doctor García para que vaya y transmita de forma, eh, digamos, temporal los partidos de la selección mexicana en Netflix … Y también del mundial femenil”, compartió Martinoli junto al Doctor García.

Cabe recordar que actualmente el talento de Azteca Deportes está en negociaciones para renovar su contrato, fue por ello que García Postigo dejó en claro que siguen con la televisora del Ajusco.

“Sí, señor. Estamos en eso, estamos arreglando las cosas también con Azteca, estamos en una situación de contrato con Azteca. Y la verdad que estamos muy contentos porque, bueno, las cosas van caminando bien... Estamos ya, este, en, en una negociación de ocho años”, compartió.

Finalmente, el Doctor García dejó en claro que están con su televisora, pero no cierran la puerta a posibles colaboraciones con la nueva plataforma de straeming que tendrá los derechos de transmisión de la Selección Mexicana.

“Seguramente vamos a cerrar, próximamente, para estar otra vez dos ciclos mundialistas y podemos, pues platicar, por supuesto, con nuestros jefes, decirle a Netflix: ‘Oye, pues hay un pedazo de pastel que podamos compartir’”.

Netflix ha comenzado la filmación de su ambicioso proyecto: la primera película en acción real basada en la icónica franquicia japonesa Gundam, protagonizada por Sydney Sweeney y Noah Centineo. El rodaje se está llevando a cabo en Queensland, Australia, y representa el inicio de una producción que, según la plataforma y las productoras involucradas (Legendary Pictures y Bandai Namco Filmworks), se perfila como una de las mayores apuestas de ciencia ficción del servicio de streaming. Aunque todavía no hay una fecha de estreno confirmada, es posible que el lanzamiento ocurra en 2027, considerando el inicio actual de las grabaciones y la envergadura del proyecto.

El desafío de adaptar un fenómeno cultural

La decisión de llevar Gundam al formato de acción real es significativa. La saga, que comenzó como serie animada en 1979, es una referencia fundamental del subgénero mecha en la ciencia ficción japonesa. Su universo ha crecido durante décadas a través de numerosos spin-offs en televisión, cine, novelas gráficas y modelos coleccionables, creando un fandom internacional muy entusiasta. La colaboración de Legendary Pictures con Bandai Namco y la adquisición de los derechos por parte de Netflix tienen como objetivo atraer tanto a los seguidores veteranos como a una nueva audiencia global que podrá acceder a la película a través de la plataforma.

Jim Mickle, conocido por su trabajo en Sweet Tooth, se encarga de la dirección y el guion. La película cuenta con un equipo de producción que tiene grandes expectativas y que incluye figuras destacadas, tanto frente como detrás de las cámaras. Mickle produce junto a Linda Moran, Sydney Sweeney, Noah Centineo, Enzo Marc, Cale Boyter y Ali Mendes. En el ámbito internacional, la lista de productores ejecutivos incluye a Matthew Jenkins desde Legendary, así como a Makoto Asanuma y Naohiro Ogata, dos figuras clave de Japón. Las grabaciones han comenzado recientemente y aún se mantiene en secreto el papel de cada actor, una medida habitual en proyectos de alto perfil para aumentar la expectativa y el interés.

Un reparto internacional y la incógnita sobre los personajes

El elenco reunido por Netflix y Legendary busca atraer tanto al público habitual de la televisión como a los aficionados al cine. Sydney Sweeney, conocida por su participación en Euphoria y en otros títulos exitosos, fue el primer nombre anunciado y encabeza la lista junto a Noah Centineo, quien se dio a conocer por su trabajo en producciones juveniles y ahora asume un desafío actoral con mayor complejidad.

A ellos se suman actores como Jason Isaacs (The White Lotus), Shioli Kutsuna, Michael Mando, Gemma Chua-Tran, Jackson White (Tell Me Lies), Nonso Anozie (Sweet Tooth), Javon Walton (Under the Bridge), Oleksandr Rudynskyi (The Agency) e Ida Brooke (Dune: Parte Tres). Aunque Netflix no ha revelado qué personajes interpretará cada actor, ha confirmado que la trama se centrará en dos pilotos de mechas, rivales entre sí y pertenecientes a bandos opuestos en un conflicto que enfrenta a la Tierra y a sus antiguas colonias espaciales. Como ocurre habitualmente en la franquicia Gundam, la relación personal entre los protagonistas permitirá explorar temas más profundos, como la lealtad, el sacrificio y la ambigüedad moral de la guerra.

El reto de Netflix: fidelidad a la saga y expectativas del público

La adaptación de Gundam surge en un contexto particular para las producciones de anime llevadas a acción real, conocidas por generar inquietudes tanto entre los fanáticos como entre quienes se acercan por primera vez a este tipo de historias. Las experiencias negativas de adaptaciones previas obligan a Netflix y su equipo a prestar especial atención a la fidelidad con los temas originales: los dilemas éticos y sociales, la alta política durante la guerra y la reflexión sobre la condición humana son elementos centrales de la franquicia, mucho más allá del espectáculo visual de las batallas de robots.

Esta incertidumbre afecta principalmente a los seguidores de las distintas etapas de Gundam, que esperan que la película respete la complejidad del material original y no se limite a mostrar efectos especiales. Datos recientes del sector del entretenimiento señalan que las adaptaciones exitosas suelen centrarse en la profundidad narrativa y el desarrollo de sus protagonistas.

Por ello, la forma en que Mickle y su equipo exploren la interacción entre los pilotos rivales y el trasfondo político de la guerra espacial será determinante para la recepción de la película. La apuesta de Netflix por una distribución global garantiza que la obra obtendrá una visibilidad pocas veces alcanzada por producciones japonesas originales, lo que aumenta la presión sobre los responsables de este nuevo enfoque de Gundam.

Michael Fassbender apareció completamente transformado en Joseph P. Kennedy Sr., conocido también como Joe Kennedy Sr., durante el rodaje de Kennedy, la nueva serie histórica de Netflix, según imágenes captadas el lunes 20 de abril en Liverpool, Inglaterra, donde la producción se encuentra actualmente en marcha.

El actor de 49 años, con dos nominaciones al Oscar en su carrera, encarna al poderoso patriarca de la familia Kennedy con un vestuario de época meticulosamente recreado: un gabán de inspiración vintage sobre traje y corbata, anteojos redondos de montura negra y un sombrero borsalino clásico del mismo color.

En una de las escenas captadas, Fassbender aparece sosteniendo una pila de periódicos junto a un puesto de prensa, rodeado de extras ataviados con indumentaria del período.

La producción, que comenzó a filmarse recientemente, se desarrolla en distintas locaciones del Reino Unido, entre ellas Londres y Liverpool.

Kennedy tiene como base la obra del historiador Fredrik Logevall JFK: Coming of Age in the American Century, 1917–1956, y sigue a la familia desde la década de 1930, cuando Joe Sr., su esposa Rose y sus nueve hijos comienzan a captar la atención de toda una nación.

La serie pondrá especial énfasis en el recorrido de Jack, el segundo hijo del matrimonio, quien lucha por salir de la sombra de su hermano mayor.

En ese sentido, Michael Fassbender encabeza un elenco que incluye a Laura Donnelly como Rose Fitzgerald Kennedy, Nick Robinson como Joe Kennedy Jr. y Joshuah Melnick como el joven Jack Kennedy.

El reparto se completa con Lydia Peckham como Rosemary Kennedy, Saura Lightfoot-Leon como Kick Kennedy, Ben Miles como Eddie Moore, Cole Doman como Lem Billings e Imogen Poots como Gloria Swanson.

Detrás de cámaras, la serie cuenta con Sam Shaw —creador de Castle Rock y productor de Masters of Sex— como showrunner y productor ejecutivo.

El director danés Thomas Vinterberg, conocido por Festen, La caza y Otra ronda, también es productor ejecutivo y dirigirá el primer y el último episodio.

Completan el equipo creativo Peter Chernin, Jenno Topping, Kaitlin Dahill por Chernin Entertainment, Eric Roth, el propio Logevall, Lila Byock, Anya Epstein, Dustin Thomason y Anna O’Malley.

Netflix lanzó un primer vistazo a “Kennedy”

Unos días atrás, Netflix publicó a través de su portal Tudum una fotografía de Fassbender caracterizado como Joe Kennedy Sr., que ofrece el primer anticipo visual de la serie.

La plataforma describe la producción como una exploración de “las vidas íntimas, amores, rivalidades y tragedias que moldearon la dinastía más icónica de la historia moderna y que contribuyeron a crear el mundo en que vivimos hoy”.

Sam Shaw explicó a Tudum la magnitud del proyecto y los motivos que lo llevaron a abordarlo. “La historia de los Kennedy es lo más cercano que tenemos a la mitología estadounidense: algo entre Shakespeare y The Bold and the Beautiful“, afirmó el showrunner.

Y agregó: “Pero la impresionante y matizada biografía de Fredrik Logevall descorre el velo sobre las ambiciones y las cargas humanas que hay detrás del mito, y revela tanto sobre nuestro momento presente, sobre cómo llegamos hasta aquí y hacia dónde vamos, como sobre los propios Kennedy”.

Para Shaw, es un honor trabajar en este proyecto. “Estoy encantado de poder explorar esta saga de una familia y un mundo en transición junto a Eric Roth, Thomas Vinterberg y nuestra increíble comunidad de artistas y socios, en un momento en que nuestro pasado se siente urgentemente presente”, indicó.

Kennedy contará con ocho episodios. Netflix no anunció aún una fecha de estreno oficial para su lanzamiento a nivel global.

La cancelación definitiva de Perfect, la película biográfica sobre la gimnasta estadounidense Kerri Strug, tomó por sorpresa tanto a la industria como a los aficionados al cine deportivo. Netflix decidió detener el proyecto luego de que la actriz Millie Bobby Brown, quien iba a protagonizar y producir la cinta, se retirara debido a diferencias creativas con el equipo de producción. La ambición de contar la emblemática hazaña de Strug se vio frustrada por una serie de desacuerdos artísticos y cambios de liderazgo, desconectando a la plataforma de uno de sus proyectos más destacados en el género.

Inicio y objetivos de la película

Perfect surgió con la intención de relatar uno de los momentos más representativos del deporte olímpico: la competencia de Kerri Strug en Atlanta 1996, cuando la gimnasta, pese a una lesión en el tobillo, aseguró la medalla de oro por equipos para Estados Unidos con un salto memorable. El guion, escrito por Ronnie Sandahl, buscaba retratar tanto la proeza deportiva como las presiones personales, mediáticas y sociales que marcaron la vida de Strug.

Desde el anuncio del filme en septiembre de 2025, la designación de Millie Bobby Brown como Strug generó grandes expectativas. El proyecto contaba inicialmente con Gia Coppola como directora, reconocida por su sensibilidad al retratar personajes adolescentes, lo que coincidía con el propósito de mostrar una Strug vulnerable y decidida más allá de los logros atléticos. Brown, quien se había destacado en papeles de ciencia ficción como en Stranger Things, asumía el reto de liderar su primer drama deportivo, lo que representaba una extensión de su colaboración creativa con Netflix.

Sin embargo, la estabilidad del proyecto se quebró pronto. Gia Coppola abandonó la dirección en las primeras etapas y fue reemplazada por Cate Shortland, directora australiana conocida por su experiencia en acción y thriller. El cambio de liderazgo provocó debates sobre el enfoque narrativo y el tono de la película.

Conflictos creativos y salida de Millie Bobby Brown

Los cambios en la dirección propiciaron divergencias sobre la visión artística de Perfect. Cate Shortland aplicó modificaciones que distanciaron la producción de la idea original, generando pronto discrepancias respecto a qué aspectos debían dramatizarse y el nivel de realismo que debía prevalecer en el retrato de Strug.

Entretanto, Ronnie Sandahl realizó varias revisiones del guion para atender diferentes expectativas: la fidelidad a los hechos, la intensidad personal y la espectacularidad cinematográfica. La dificultad para equilibrar estos elementos produjo tensiones entre el equipo de producción de Brown y la dirección.

Millie Bobby Brown, además de protagonista, ejercía funciones de producción a través de PMCA, su propia compañía, junto a Nik Bower (Riverstone Pictures) y Thomas Benski (Magna Studios). Su doble responsabilidad aumentó la relevancia de su retiro: cuando la actriz decidió abandonar el proyecto a comienzos de 2026, Netflix optó por cancelar la película de manera definitiva. Fuentes cercanas, citadas por portales como SensaCine y Deadline, coinciden en que la salida de Brown hizo imposible continuar con la biopic.

Consecuencias para la industria y los involucrados

La abrupta cancelación de Perfect es un ejemplo del patrón frecuente en la industria audiovisual contemporánea, donde la permanencia de las grandes estrellas es esencial para asegurar la viabilidad financiera y artística de las producciones. En los últimos años, varias obras han quedado inconclusas tras perder a su figura principal, afectando la programación de estrenos y dejando en suspenso a equipos técnicos y creativos que ya habían invertido meses de trabajo.

En el caso de Perfect, la cancelación interrumpió un proceso avanzado de preproducción. Los equipos de guion, dirección, arte y producción ya habían iniciado la selección de locaciones y el casting de secundarios, a la par que enfrentaban el desafío de recrear con detalle tanto la atmósfera olímpica de 1996 como la complejidad emocional de Strug. La decisión inesperada de cancelar la película no solo aplaza las expectativas de su estreno, sino que también pone en evidencia la vulnerabilidad de los profesionales detrás de cámaras, quienes ven afectados sus proyectos y fuentes de ingreso por decisiones tomadas en los altos mandos del streaming.

Netflix, que en los últimos años ha apostado por las biografías deportivas con títulos como Rustin, The Swimmers y Pelé: el nacimiento de una leyenda, buscaba consolidar con Perfect una tendencia de dramatizaciones históricas, reforzando su catálogo de contenidos originales basados en hechos reales. La cancelación introduce incertidumbre sobre el futuro de este tipo de producciones en la plataforma y sobre sus criterios de inversión en proyectos complejos y de alto riesgo creativo.

El futuro profesional de Millie Bobby Brown tras la cancelación

Si bien la salida de Perfect representa un cambio inesperado, la relación profesional entre Millie Bobby Brown y Netflix sigue siendo sólida. La actriz británica, reconocida desde 2016 por su papel principal en Stranger Things y reforzada por éxitos como la saga Enola Holmes y Damsel, ya tiene prevista la tercera entrega de las aventuras de Enola junto a Henry Cavill. Aunque estos proyectos todavía no cuentan con fecha de estreno confirmada, muestran el compromiso de ambas partes con el desarrollo de nuevas producciones de gran alcance.

Brown también se prepara para el estreno de la comedia romántica Just Picture It, dirigida por Lee Toland Krieger y escrita por Jesse Lasky, en línea con la estrategia de Netflix de posicionar a artistas jóvenes en distintos géneros.

A pesar del contratiempo sufrido con la biografía de Strug, la amplia gama de proyectos en la carrera de Brown y su capacidad para alternar entre roles juveniles, dramáticos y de acción la consolidan como una figura imprescindible en el catálogo de la plataforma. Esta situación pone de manifiesto tanto la inestabilidad de los grandes proyectos como la continua adaptación de actores y estudios en un panorama cambiante, donde el talento y la proyección individual son factores decisivos para el desarrollo de historias de alcance global.

Diecisiete años después de la desaparición de la sevillana Marta del Castillo, son numerosas las preguntas que todavía hoy flotan sin respuesta. ¿Dónde está su cuerpo? ¿Cuál de las siete versiones de Miguel Carcaño es la correcta? ¿Qué papel cumplieron los terceros?

Sobre esas incógnitas y para relatar la tragedia ocurrida el 29 de enero de 2009, se construye En el nombre de Marta, la nueva miniserie de Netflix que se anunció el pasado mes de enero y que ya ha comenzado su rodaje en Sevilla. La ficción, producida por Bambú Producciones en colaboración con La Claqueta PC, cuenta además con el apoyo de la familia de la joven.

En el nombre de Marta se estructura en seis episodios, con un reparto encabezado por Blanca Portillo (Maixabel, Volver), Vicente Romero (Celda 211, Antidisturbios), Verónica Sánchez (Los Serrano, Sky Rojo), María León (La voz dormida, Allí abajo), Paco Tous (Los hombres de Paco, La casa de papel) y Hugo Welzel (Enemigos, La bola negra). Sin embargo, todavía no sabemos quién es quién; Netflix ha dado a conocer los primeros detalles este martes.

Una reconstrucción de los hechos

Como explica la plataforma, la serie se remonta a aquel día de enero de 2009, cuando Marta, de 17 años, desapareció tras salir de su casa para encontrarse con su exnovio, Carcaño. “En pocas horas, lo que parecía una escapada adolescente se convierte en una tragedia nacional. Lo que sigue es una pesadilla para su familia: versiones contradictorias, confesiones falsas, un cuerpo que nunca aparece y una justicia que, a pesar de las condenas, nunca logra ofrecer consuelo”, relata la sinopsis.

Más allá de la reconstrucción cronológica, la ficción pone el foco en la familia de Marta y en su lucha pública durante años para evitar que el caso cayera en el olvido. El caso fue abierto en noviembre de 2025. La miniserie también abordará el papel de los medios de comunicación y la respuesta social que generó el caso, al convertirse en uno de los más mediáticos en la historia de España.

Creada y escrita por Ramón Campos (Fariña, Velvet), Gema R. Neira (Las chicas del cable, El caso Asunta), Salvador S. Molina (La caza. Monteperdido), Curro Serrano (La peste) y David Orea Arribas, con dirección de Carlos Sedes (Fariña, El caso Asunta), Laura Alvea (Ánimas) y José Ortuño (Toy Boy), la miniserie llegará a la plataforma próximamente.

No es la primera vez que Netflix se aproxima a este caso. En 2021 estrenó ¿Dónde está Marta?, una miniserie documental de tres episodios que analizaba los hechos desde el testimonio de familiares, investigadores y personas cercanas a Marta.

Ahora, con esta adaptación de ficción, la plataforma busca ofrecer una nueva perspectiva que permita profundizar en los claroscuros de una historia que sigue sin resolverse.

El valor de Netflix experimentó una fuerte caída en los mercados, con una reducción de capitalización bursátil superior a 50.000 millones de dólares entre el viernes y el lunes, tras la publicación de resultados trimestrales que no convencieron a los inversionistas y el anuncio del retiro de su cofundador, Reed Hastings.

Este ajuste se produce en un momento de creciente incertidumbre sobre la dirección futura de la compañía y expone el impacto inmediato de las decisiones estratégicas y ejecutivas sobre su desempeño en bolsa.

Cómo ha sido el comportamiento bursátil de Netflix en los últimos días

Según Bloomberg, el precio de la acción cayó de 107,79 dólares a 93,89 dólares, lo que marcó una baja cercana al 3% durante el inicio de la semana y acentuó el descenso registrado luego de los resultados trimestrales publicados dos días antes.

La salida de Hastings, prevista para junio, añade presión a una compañía que enfrenta expectativas elevadas tras la reciente recuperación de su cotización y las subidas de tarifas en Estados Unidos, una dinámica subrayada por los analistas de Bank of America al medio mencionado.

En términos operativos, la empresa superó las previsiones tanto internas como externas para el primer trimestre, pero la ausencia de revisiones al alza en su guía y la falta de mejoras en las perspectivas para el comercio futuro alimentaron la reacción negativa de los mercados.

Bloomberg reportó que la guía para el segundo trimestre se situó por debajo del consenso del mercado y la proyección anual se mantuvo sin cambios, aspectos que, según Bank of America, “probablemente estén pesando sobre las acciones”.

Por qué Netflix está atravesando una racha negativa en la bolsa

Los analistas de Deutsche Bank coinciden en que el retroceso está basado en la “falta de una mejora en la guía de ingresos y margen operativo”, pese a que la compañía prevé para 2026 ingresos en un rango de 50.700 a 51.700 millones de dólares con un margen operativo del 31,5%.

El segmento publicitario mantiene dinamismo, con una proyección para 2026 de 3.000 millones dólares en ventas, impulsada por la expansión del modelo con anuncios y mejoras tecnológicas, de acuerdo con lo informado por Deutsche Bank a Bloomberg.

Además, la incorporación de nuevas funcionalidades, como el video vertical en la aplicación, figura entre los vectores que la empresa prioriza, aunque los mercados muestran cautela respecto a la magnitud de su impacto.

Al interior de la compañía, preocupa la traducción del récord de engagement alcanzado en el primer trimestre en ingresos sostenibles. Mientras las visualizaciones globales mantienen una tendencia creciente, persisten las dudas sobre la capacidad de convertir ese volumen en rentabilidad.

Qué consecuencias trae la salida del fundador de Netflix

La salida de Hastings es vista por analistas como un elemento clave para explicar la reacción. Ben Barringer, de Quilter Cheviot, declaró a Bloomberg que “con un doble golpe de resultados mediocres y la salida de una figura clave, no sorprende que los inversionistas estén reduciendo posiciones”.

Beth Kowitt, analista de Bloomberg Opinion, agregó que el momento para este recambio directivo “está lejos de ser ideal”, y contribuye a las incertidumbres sobre la siguiente etapa de crecimiento de Netflix.

No obstante, más allá de la caída bursátil, el consenso de analistas mantiene una postura constructiva respecto al futuro de la acción: 76,9% de las sugerencias son de compra, con un precio objetivo promedio de 115,26 dólares que implica un potencial de subida del 21,8%, según Bloomberg.

Asimismo, Bank of America subrayó que, aunque Netflix dispone de 6.800 millones dólares para recompras, ha adoptado “un énfasis más moderado” en estas, y valoró el creciente interés de la empresa en desarrollar una capacidad activa para fusiones y adquisiciones, una estrategia que cobra relevancia tras la cancelación del acuerdo con Warner Bros. Discovery.

En diciembre de 2001, la policía de Durham halló el cuerpo de Kathleen Peterson sin vida al pie de una escalera en su vivienda de Carolina del Norte. El hecho fue catalogado inicialmente como un accidente doméstico, según reportes oficiales. Sin embargo, el caso adquirió notoriedad después de que el fiscal federal Jim Hardin presentara acusaciones contra Michael Peterson, esposo de la víctima y novelista conocido en la región. En respuesta, Peterson recurrió al abogado David Rudolf, uno de los defensores más reconocidos en el sur de Estados Unidos.

La atención mediática aumentó cuando Jean-Xavier de Lestrade decidió registrar de forma integral el proceso judicial, produciendo un seguimiento que alcanzó difusión internacional.

La miniserie basada en la ‘docuserie’

Más de dos décadas después del suceso original y tras varias secuelas documentales, se estrenó una adaptación protagonizada por Colin Firth y Toni Collette, que ahora, se ha recuperado en Netflix. En lugar de limitarse al drama judicial, los creadores, Antonio Campos y Maggie Cohn, amplían la perspectiva para retratar las dinámicas familiares, el peso emocional de las relaciones y la voz antes silenciada de Kathleen, ejecutiva de la empresa canadiense Nortel y madre de cinco hijos. Así, la miniserie se sitúa en un terreno diferente al de su predecesora documental.

En la miniserie emitida originalmente por HBO Max, la narrativa articula tres líneas temporales: los meses previos a la muerte de Kathleen, la noche del 9 de diciembre de 2001 y la vida posterior de Michael como hombre mayor, especialmente en 2017, cuando enfrenta una fecha clave en los tribunales. La puesta en escena alterna flashbacks y perspectivas de distintos miembros de la familia Peterson, otorgando a cada persona un espacio propio para el desarrollo de su historia.

Diferencias entre la miniserie y la ‘docuserie’

En contraste con la ‘docuserie’ de Lestrade, que accedía de manera íntima al entorno de Peterson durante el proceso judicial y exploraba la noción de culpa y defensa, The Staircase aborda los hechos mediante la dramatización, recreando escenas y diálogos no documentados para explorar la subjetividad y complejidad de sus protagonistas.

Así, la serie combina secuencias virtualmente idénticas a la ‘docuserie’ (como la recreación detallada del trayecto de Michael en su casa la noche de la tragedia) con dramatizaciones de distintas hipótesis sobre la muerte de Kathleen. Algunas secuencias presentan a Kathleen como víctima de un accidente doméstico, en sintonía con la versión de Michael, mientras que otras sugieren una muerte violenta después de una discusión, respaldando la tesis de la acusación.

La caracterización de Kathleen Peterson se amplía mediante saltos temporales que ofrecen una visión más íntima. Toni Collette la interpreta como una profesional enfrentada a presiones laborales y preocupaciones por despidos en la tecnológica Nortel. Kathleen ejerce un papel materno ‘aglutinador’, formando una familia ensamblada: dos hijos del primer matrimonio de Michael, una hija de Kathleen y dos hijas adoptadas, Margaret y Martha. Bajo esa aparente estabilidad, la serie la muestra como una figura que busca consuelo y afecto, lo que la diferencia del enfoque judicial habitual y destaca el vacío personal que dejó su ausencia.

Los creadores de la miniserie añaden una dimensión ‘meta-ficcional’ al incorporar a los propios documentalistas de Lestrade como personajes secundarios. Este recurso introduce un debate interno sobre el género true crime, el rol de los medios y cómo la cercanía entre documentalista y sujeto puede influir en el relato y las percepciones del espectador.

El tratamiento de las relaciones familiares constituye otro eje central. La serie refleja el distanciamiento progresivo entre los hijos de Michael y Kathleen a raíz de las sospechas y revelaciones surgidas en la investigación judicial. Divide a la familia entre quienes sostienen la inocencia de Michael y quienes lo consideran responsable, reflejando los dilemas irresueltos del caso. Detalla además la interacción de los fiscales, los abogados defensores y personajes como Candace y Lori, hermanas de Kathleen, con un ritmo y matices más desarrollados que en la original documental.

La construcción de la verdad

El trabajo actoral, en particular el de Colin Firth como Michael Peterson, destaca por su capacidad para construir un personaje consistente a lo largo de las distintas etapas, evitando la simple imitación y transmitiendo tanto el dolor como la ambigüedad del protagonista. Firth desarrolla su interpretación apoyado en el guion, mostrando a un hombre marcado por contradicciones, capaz de suscitar compasión y sospecha en igual medida. La serie asume de manera explícita la bisexualidad de Michael, una faceta abordada con mayor profundidad que en la ‘docuserie’, sin asignar ningún valor moral o implicación negativa a su orientación.

El tono general oscila entre el drama familiar y el thriller judicial, e introduce intervalos de humor negro. Secundarios como la fiscal Freda Black (interpretada por Parker Posey) y la hermana de Kathleen (Rosemarie DeWitt) dotan a sus roles de matices que acrecientan la tensión y la complejidad de la trama. La alternancia temporal en la estructura permite mostrar cómo las interpretaciones de los hechos afectan a cada miembro del círculo familiar y judicial, desde perspectivas divergentes.

Campos y Cohn sostuvieron en su momento que el objetivo de The Staircase no era esclarecer la inocencia o culpabilidad de Michael Peterson, sino abrir un interrogante sobre la naturaleza de la verdad en los procesos judiciales y mediáticos. En el reparto también encontramos a Sophie Turner, a Juliette Binoche, a Patrick Schwarzenegger y Michael Stuhlbarg.

Netflix y Legendary han iniciado la producción de la primera adaptación en acción real de Gundam, sumando seis actores al reparto principal. La película representa un nuevo capítulo para la franquicia japonesa que definió el subgénero de ciencia ficción conocido como “mecha”. Entre los nuevos fichajes se encuentran Jackson White (Tell Me Lies), Nonso Anozie (Sweet Tooth), Javon ‘Wanna’ Walton (Under the Bridge), Oleksandr Rudynskyi (The Agency), Ida Brooke (Dune: Parte Tres), y Jason Isaacs (The White Lotus). Sus papeles aún no se han revelado públicamente, preservando el misterio alrededor de los personajes y la trama. Junto a ellos, el elenco principal ya contaba con Sydney Sweeney y Noah Centineo. Según se informó previamente, el equipo lo completan Shioli Kutsuna, Michael Mando y Gemma Chua-Tran.

La producción de este largometraje se desarrolla en Queensland, Australia. La dirección está a cargo de Jim Mickle, conocido por su trabajo como showrunner en Sweet Tooth. Mickle también firma el guion y produce la película junto a Linda Moran a través de la productora Nightshade. Los productores incluyen además a Cale Boyter, Ali Mendes, Sydney Sweeney, Noah Centineo y Enzo Marc. Como productores ejecutivos figuran Matthew Jenkins, Makoto Asanuma y Naohiro Ogata. Esta colaboración entre Legendary Pictures y Bandai Namco Filmworks marca la primera incursión de Gundam en el formato de acción real. La adquisición del proyecto por parte de Netflix se hizo pública en enero, cuando se reportó el acuerdo para llevar la saga a la plataforma de streaming.

El papel que interpretará Sweeney, quien estos días está en todos los focos por la tercera temporada de Euphoria, aún se desconoce. La película anunciará su fecha de rodaje próximamente y será el momento para descubrir más detalles al respecto, como quién es quién y qué arco del amplio universo Gundam querrán adaptar.

De qué va ‘Gundam’

La trama, mantenida en secreto hasta el momento, se centra en dos pilotos de mechas que combaten en bandos opuestos durante una guerra de décadas entre la Tierra y sus antiguas colonias espaciales. Se informó que, a medida que cambian las alianzas y surge una amenaza mayor, ambos personajes quedan empujados a una carrera contrarreloj a través del espacio, con el destino de la humanidad en juego. Esta premisa sitúa la película en el corazón del universo Gundam, caracterizado por conflictos políticos, batallas entre robots gigantes y dilemas éticos alrededor de la guerra. El enfoque en pilotos rivales promete explorar las complejidades de la lealtad y el sacrificio en un contexto de enfrentamiento global.

Gundam debutó en la televisión japonesa en 1979 y desde entonces se ha expandido a través de series animadas, películas, novelas, cómics y una línea de modelos a escala. La saga, propiedad de Bandai Namco Filmworks, es considerada pionera del género mecha, que se distingue por la presencia de robots tripulados en narrativas de ciencia ficción con trasfondo militar y social. El salto al live-action representa un hito para la franquicia, que hasta ahora solo había contado con producciones animadas. El proyecto busca atraer tanto a los seguidores veteranos como a nuevas audiencias globales, aprovechando la plataforma de Netflix para su distribución internacional.

La Selección Mexicana dejará de ser transmitida en televisión abierta, recientemente se dio a conocer el acuerdo de Concacaf y la plataforma de streaming Netflix para la adquisición de los derechos de transmisión del combinado nacional para la Liga de Naciones y la Copa Oro.

Esta noticia generó una serie de reacciones entre aficionados, periodistas deportivos pues ahora los fanáticos tendrán que comprar la suscripción para ver los juegos del Tricolor. Ante este escenario, Duilio Davino, director de selecciones nacionales, compartió su postura al respecto.

El directivo confirmó que los partidos oficiales del Tri dejarán de transmitirse por televisión abierta en favor de una plataforma de streaming, lo que representa una transformación significativa para la afición.

Duilio Davino expresó que la migración de los partidos de la Selección Mexicana a Netflix, tras la decisión de Concacaf, marca un antes y un después en la historia de las transmisiones deportivas en el país. Enfatizó que preferiría mantener el acceso abierto a todos los mexicanos, subrayando la importancia de preservar la cercanía entre el equipo nacional y su base de seguidores.

Postura de Duilio Davino ante el cambio de transmisión de los juegos del Tri

Duilio Davino sostuvo que existen opiniones divididas acerca de la migración de los partidos a una plataforma de paga, pues esto implica que algunos sectores de la población podrían quedar fuera del acceso directo a los encuentros.

“Lo ideal sería que la Selección Mexicana la pueda ver todo el mundo, pero también entiendo que cada vez hay más competencia, que el futbol es un negocio y que cada vez hay más plataformas. Al final hubo una licitación y fue quien ganó”, explicó en entrevista para el canal de YouTube El Chapucero.

Frente a las dudas, aseguró que el acuerdo responde a una tendencia global de digitalización en la industria deportiva, sin descartar la posibilidad de que, en el futuro, pueda haber negociaciones de retransmisión para canales nacionales como Televisa o Azteca Deportes. No obstante, hasta ahora no se ha definido si existirá algún tipo de convenio para la transmisión de partidos en televisión abierta.

“Si es para beneficio de que la gente pueda ver futbol sin tener una suscripción, pues adelante. No conozco mucho el tema de la política, pero me gusta y me interesa que la mayor cantidad de gente pueda ver a su selección”, finalizó.

Acuerdo entre Concacaf y la Federación Mexicana

El acuerdo entre Concacaf y Netflix establece que, durante los próximos cuatro años, la transmisión exclusiva de los partidos oficiales de la Selección Mexicana, correspondientes a la Copa Oro y la Liga de Naciones, quedará reservada para la plataforma de streaming. Esta medida entrará en vigor en 2027, lo que significa que estas competencias dejarán de estar disponibles en canales de televisión abierta para el público mexicano.

Los términos del convenio incluyen los siguientes derechos:

• Copa Oro de Concacaf (2027 y 2029)
• Finales de la Liga de Naciones de Concacaf (2027 y 2029)
• Exclusividad para el territorio mexicano

• Copa Oro de Concacaf (2027 y 2029)
• Finales de la Liga de Naciones de Concacaf (2027 y 2029)
• Exclusividad para el territorio mexicano

La comedia romántica Office Romance, protagonizada por Jennifer Lopez y Brett Goldstein, es una de las producciones más esperadas del año.

El proyecto fue desarrollado específicamente para Lopez por Goldstein y Joe Kelly, responsable también de parte del guion de Ted Lasso.

La propuesta llegó a la cantante y actriz acompañada de una condición: “Escribimos esto para ti. Si no lo haces, no haremos la película”.

Bajo la dirección de Ol Parker, la película relata la historia de dos ejecutivos que enfrentan las consecuencias de iniciar una relación sentimental en el lugar de trabajo.

¿De qué trata y cuándo se estrena “Office Romance“?

Daniel Blanchflower, interpretado por Goldstein, es un abogado cuya relación con Jackie Cruz, directora ejecutiva de Air Cruz, se ve condicionada por la política de la empresa sobre las relaciones personales entre empleados.

La diferencia de edad entre los protagonistas, de 11 años, y la interacción entre ambos, provocó una amplia conversación.

Brett Goldstein contó que durante el rodaje se sorprendía por el desarrollo de la producción: “Cada día vengo a trabajar en una comedia romántica con Jennifer Lopez y este elenco increíble, y espero que alguien aparezca para decirme que es una broma. No ha sucedido, así que tal vez esto es real”.

J.Lo, por su parte, señaló que la película tiene un humor más directo y es “un poco más atrevida que una comedia romántica típica de JLo”.

El elenco secundario está integrado por Betty Gilpin, Edward James Olmos, Bradley Whitford, Amy Sedaris, Tony Hale y Jackie Sandler.

El equipo de producción observó una relación cercana entre Lopez y Goldstein durante la filmación, con comentarios sobre la complicidad y el ambiente que compartían. Office Romance se estrena en Netflix el 5 de junio.

En una entrevista televisiva, la estrella pop afirmó que Brett fue su “mejor compañero de besos en pantalla”.

Por su parte, el actor ya había elogiado el trabajo de Lopez en Estafadoras de Wall Street, destacando el rol que la llevó a ser nominada a un Globo de Oro en 2020.

Cabe destacar que, en los últimos años, la artista participó en proyectos que no alcanzaron los resultados esperados en taquilla.

Imparable: La historia de Anthony Robles recaudó menos de 4.000 dólares antes de su llegada a streaming, y El beso de la mujer araña sumó solo 2 millones de dólares, pese a un presupuesto de 30 millones.

La trayectoria de Jennifer Lopez comenzó como bailarina en televisión y se consolidó con su participación en la película Selena. Su carrera se enfocó principalmente en la música, pero ha logrado mantenerse como una figura del cine gracias a películas como Anaconda, The Wedding Planner, Estafadoras de Wall Street, La madre, entre otras.

Por otro lado, Brett Goldstein es conocido por su papel en Ted Lasso. Ha recibido dos premios Emmy y ha trabajado como guionista y productor en distintas producciones.

Además de Office Romance, Goldstein estrena próximamente la película Las ovejas detectives, donde da voz a dos personajes, y prepara la gira Sex, Death and Small Talk. Sus próximos proyectos incluyen At the Sea y Escorted.

La interacción profesional entre los actores en el largometraje fue descrita como “eléctrica”.

En cuanto a Lopez, ella también trabaja en otros títulos para Netflix, entre ellos The Last Mrs. Parrish, bajo la dirección de Robert Zemeckis y basada en la novela de Liv Constantine. El reparto incluye a Nikolaj Coster-Waldau, Debi Mazar y Pierson Fodé.

El servicio de streaming Netflix ha subido nuevamente sus precios en España. Por primera vez, el costo mensual para acceder a todos los contenidos y máximas prestaciones de la plataforma supera la barrera de los 20 euros, llegando la tarifa del plan Premium hasta 21,99 euros al mes.

El incremento coincide con una oleada global de subidas similar aplicada por la compañía en Estados Unidos a finales de marzo, la cual se extendió a España menos de un mes después.

Estos incrementos afectan tanto a nuevos usuarios, que ya encuentran estos precios al momento de contratar el servicio, como a actuales suscriptores, quienes los verán reflejados en su próximo ciclo de facturación.

Cuánto quedará costando cada plan de Netflix en España

Con la actualización más reciente detallada en la página de Planes y Precios de Netflix, el plan Estándar con anuncios cuesta ahora 8,99 euros al mes, lo que representa un aumento de dos euros. El plan Estándar sube a 14,99 euros y el Premium, hasta 21,99 euros.

Las nuevas tarifas están activas desde este fin de semana y afectan de inmediato a los nuevos suscriptores, mientras que a los abonados actuales se les aplicarán a partir de la próxima renovación mensual.

Por qué Netflix sigue incrementando el precio de sus planes en diferentes países

Esta tendencia confirma una estrategia de toda la industria: los principales proveedores streaming han convertido los incrementos periódicos de tarifa en un recurso habitual para sostener su modelo de negocio.

En el caso específico de Netflix, la última subida constituye la segunda en menos de dos años. En el primer trimestre de 2025, la empresa ya había ajustado sus tarifas en Estados Unidos y Portugal antes de trasladar la medida al mercado español.

Solo desde 2015, el costo de las principales plataformas streaming en España, incluyendo Spotify, HBO Max, Disney+ y Amazon Prime Video, experimentó un aumento del 81,7%, según datos de Europa Press.

Cómo ha reaccionado la justica de países europeos ante los aumentos de Netflix

El escaso margen de maniobra de los usuarios ante las subidas de precio ha abierto frentes legales en Europa. Recientemente, un fallo del tribunal de Roma determinó el mes pasado que los incrementos sucesivos de Netflix en Italia desde 2017 hasta 2024 son ilegales.

La resolución obliga a la plataforma a reembolsar a los clientes las sumas cobradas de más, monto que en algunos casos puede llegar a 500 euros por usuario. El tribunal declaró abusivas y nulas las cláusulas contractuales que facultaban a Netflix a modificar tarifas y condiciones de forma unilateral, por no ajustarse al Código de Consumo italiano.

La asociación nacional de consumidores aportó que, en el periodo evaluado por la justicia, el plan premium sumó aumentos acumulados de 8 euros mensuales, mientras que el plan estándar incrementó el coste en 4 euros al mes.

La sentencia exige a Netflix no solo proceder a los reembolsos, sino además, reducir los precios de las suscripciones al nivel vigente antes de los incrementos.

Netflix debe comunicar la decisión judicial a todos los usuarios, incluidos antiguos clientes, a través de su web, medios nacionales y notificaciones por correo. La sentencia reconoce la posibilidad de solicitar indemnización por daños y perjuicios en aquellos casos más graves.

Qué responde Netflix ante las acciones judiciales en su contra

En respuesta al veredicto italiano, Netflix anunció que presentará un recurso ante los tribunales, sosteniendo que su política tarifaria respeta la normativa vigente.

Asimismo, un portavoz explicó a El País: “Nuestros suscriptores están por encima de todo. Nos tomamos muy en serio los derechos de los consumidores y creemos que nuestras condiciones siempre han estado en línea con la normativa y las prácticas italianas”.

La estrategia evidencia el desarrollo de una segunda etapa en la colaboración Duffer-Netflix, en medio de la última fase del acuerdo exclusivo vigente entre ambas partes, cuyo vencimiento está previsto para abril de 2026 y permitiría el posible traslado de los productores a Paramount. El calendario actual contempla dos lanzamientos asociados al sello Duffer durante ese año: mientras The Boroughs presenta su fecha en el primer semestre, queda pendiente el orden de emisión frente a Something Very Bad Is Going to Happen, otro título bajo el paraguas de la plataforma.

Las imágenes iniciales difundidas por Netflix, junto con la sinopsis extendida, revelan que el elenco principal de The Boroughs está compuesto por Alfred Molina, Geena Davis, Bill Pullman y Alfre Woodard, a quienes se suman Clarke Peters, Denis O’Hare, Jena Malone, Carlos Miranda, Seth Numrich y Alice Kremelberg. Entre los intérpretes recurrentes figuran Rafael Casal, Ed Begley Jr., Jane Kaczmarek, Eric Edelstein, Dee Wallace y Mousa Hussein Kraish. La dirección recae en Ben Taylor.

Una fórmula de ciencia ficción dirigida al público adulto

The Boroughs presenta una comunidad de jubilados como escenario central, donde un grupo de residentes se enfrenta a una amenaza sobrenatural capaz de robar el tiempo de vida de los protagonistas. El concepto retoma la integración de elementos fantásticos en la cotidianeidad, ya explorados por los Duffer, pero esta vez con énfasis en personajes de edad avanzada. El resumen oficial señala que “un recién llegado vive un encuentro terrible que lo motiva a unirse a un grupo de inadaptados para desentrañar un oscuro secreto”. La narración introduce el riesgo explícito de que “sus años dorados son más peligrosos, y más extraordinarios, de lo que todos creen”.

Las comparaciones inmediatas al primer tráiler han señalado referencias a clásicos del género como Cocoon (1985), aunque la plataforma mantiene los detalles argumentales bajo reserva, sin avanzar información sobre el tono visual o la duración de la temporada.

La estructura creativa distingue a Addiss y Matthews como showrunners responsables del diseño y desarrollo del guion, mientras que la participación de los Duffer queda limitada a funciones estratégicas, marcando una distinción respecto a la autoría directa que mantuvieron en Stranger Things.

Implicaciones del final del acuerdo Duffer-Netflix

El anuncio de The Boroughs y el calendario de estrenos de 2026 se produce a pocas semanas de una transición anunciada: la finalización del contrato de exclusividad entre los hermanos Duffer y Netflix, con el mes de abril como fecha prevista para el cambio de estudio. Aunque la compañía no ha comunicado oficialmente cuál de los nuevos títulos verá primero la luz, la producción de ambas series avanza sin alteraciones. Netflix tampoco ha divulgado cifras sobre el número total de episodios ni detalles adicionales sobre el despliegue comercial.

En paralelo, la franquicia Stranger Things mantiene presencia a través de una nueva serie animada programada para el 23 de abril, un mes antes de The Boroughs. El traslado de los Duffer a Paramount mantiene potencial latente para nuevas etapas en su trayectoria como productores ejecutivos asociados a universos de gran escala.

The Boroughs amplía el catálogo de género y oferta de ficción del servicio de streaming, reforzando el proceso de transición creativa y el enfoque en audiencias adultas a través de historias originales encabezadas por figuras consagradas del cine y la televisión estadounidense.

Aunque en su concepción original Beef era una miniserie, la ficción ha evolucionado en formato de antología y ahora explora los dramas románticos de tres parejas cuyas posiciones sociales difieren: Ashley (Cailee Spaeny) y Austin (Charles Melton); Lindsay (Carey Mulligan) y Josh (Oscar Isaac); y la Presidenta Park (Youn Yuh-jung) junto al doctor Kim (Song Kang-ho).

La segunda entrega se inspira de modo directo en elementos extraídos de la propia vida de Lee Sung Jin. El detonante creativo surgió tras haber escuchado, durante una ocasión, una fuerte discusión en la casa de una pareja.

Discusiones entre distintas generaciones

Sobre esa experiencia, el guionista ha relatado a la revista People que fue especialmente llamativo el contraste entre las interpretaciones generacionales: mientras que personas jóvenes, como los personajes Ashley y Austin, reaccionaban de un modo, coetáneos y mayores de Lee le restaban importancia con frases como “Es una pelea. ¿Quién no ha pasado por ahí?”. El recurso a este episodio ha permitido que la temporada afronte lo que Lee considera la clave de la serie: el modo en que la clase social condiciona absolutamente todas las relaciones.

Durante la nueva temporada, el desigual acceso a la sanidad se representa en la trama a través de Ashley, que atraviesa una emergencia médica que se complica por carecer de seguro sanitario y por las dilatadas esperas para recibir atención. Lee Sung Jin ha confirmado a People que este episodio está sacado de su propia experiencia personal: “Una vez estuve más de 10 horas en urgencias con mi esposa”, ha precisado, señalando que toda la secuencia tiene un correlato en la realidad. “Simplemente anoté en mi aplicación todo lo que sucedía, las frases que oía, y lo escribí casi sin cambios en un solo día”, ha recordado Lee, quien insiste en que no hay exageración en ese relato y lo describe como “el estado actual de nuestro sistema sanitario”.

Amor joven, amor maduro

La ambientación en la exclusiva localidad costera de Montecito, en Santa Barbara, responde también a una vivencia concreta, ya que Lee Sung Jin pudo acceder ocasionalmente a la zona y analizar su entorno. Así lo ha contado: “Durante el tiempo que estuve allí, me di cuenta de que todos los socios del club pertenecían a la generación del Silencio o eran Boomers, mientras que los empleados eran de la generación Z o Millennials. Por mucho que se esforzaran, esos empleados jamás iban a convertirse en socios; para mí, eso es una clara metáfora o microcosmos del momento social que vivimos.” Esta observación se ha trasladado al guion y sirve, en palabras de Lee, para profundizar en la brecha ‘intergeneracional’ y de clase.

La temporada, centrada en “el amor joven frente al amor maduro en 2026”, se ha planteado desde el compromiso de abordar la desigualdad social como elemento transversal. Según ha defendido Lee Sung Jin, “el tema de la clase afecta a toda interacción. No ha mejorado, va a peor”. Para el guionista, la serie es una llamada de atención sobre dinámicas que considera insostenibles: “Nos limitamos a responder a la realidad. Me encantaría que llegara el día en que la sociedad fuera diferente y pudiéramos escribir sobre otra cosa que no fuera la clase social. Hasta entonces, seguiremos tratando de gritarlo a los cuatro vientos”, ha manifestado Lee a People.

Actualmente, la segunda temporada de Beef puede verse en streaming, ya que acaba de aterrizar en Netflix. Tal y como subraya Deadline, la influencia de experiencias personales y el análisis de la desigualdad configuran el eje narrativo de la ficción creada por Lee Sung Jin.

La dinámica del consumo audiovisual atraviesa una transformación sostenida, impulsada por usuarios que priorizan la flexibilidad, la integración de servicios y la posibilidad de administrar su experiencia desde una única plataforma. En ese escenario, las alianzas entre operadores y servicios globales se consolidan como un eje central del ecosistema digital.

En este contexto, Personal anunció el primer acuerdo exclusivo en la Argentina con Netflix, que se incorpora como opción intercambiable dentro de Flow+, la propuesta versátil de entretenimiento que permite elegir y modificar suscripciones premium cada 30 días en un solo abono mensual.

La integración de Netflix Premium habilita a los usuarios a sumar el catálogo global de la plataforma en calidad 4K (ultra HD), con reproducción en hasta cuatro dispositivos en simultáneo y descargas en seis equipos compatibles, todo desde una misma aplicación.

Más opciones para personalizar el acceso a contenidos

La incorporación de Netflix a Flow+ introduce un modelo inédito en el país: quienes cuentan con el servicio pueden seleccionar dos suscripciones entre Pack Fútbol, HBO, Disney+ Premium, Universal+ y ahora Netflix Premium, con la posibilidad de intercambiarlas cada mes de manera autogestiva desde la app o la web. De esta forma, cada usuario adapta el acceso a sus intereses, sin complicaciones ni procesos adicionales, y gestiona la experiencia de manera personalizada.

“Se trata de un hito para la industria local por tratarse del primer partnership de Netflix en la Argentina. La integración amplía el catálogo de suscripciones y refuerza la propuesta de valor del servicio”, destacó Silvana Cataldo, directora de Entretenimiento y Brand Marketing de Personal.

Por su parte, Esteban Mina, Vicepresidente de Partnerships para Latinoamérica de Netflix, señaló que la alianza representa un avance dentro de la estrategia regional de expansión de acuerdos con operadores. “El mercado argentino es clave por su alto nivel de consumo de contenidos y por el potencial que tiene esta integración para ampliar el acceso a la plataforma”, subrayó.

Funcionalidades pensadas para una experiencia integral

La propuesta de Flow+ incluye, además de las suscripciones premium, más de 150 canales de televisión en vivo, un catálogo de más de 6.500 títulos de películas y series on demand, alquileres exclusivos, acceso a Paramount+, y shows musicales de artistas nacionales e internacionales. El sistema autogestionado permite administrar todas las opciones desde un mismo lugar y unifica la facturación en un solo pago mensual, facilitando la organización y el control del consumo audiovisual.

El servicio se adapta a distintos estilos de vida: puede contratarse con decodificador Android TV para maximizar la experiencia en el hogar, o en su versión 100% digital, compatible con smart TV, computadoras, celulares y tablets, sin necesidad de equipamiento físico. Entre las funcionalidades destacadas figuran la posibilidad de pausar o grabar programas en vivo, reiniciar contenidos ya comenzados y retroceder la guía de televisión hasta 24 horas, lo que ofrece un control total sobre la visualización diaria

Con la integración de Netflix, el ecosistema de Flow+ se robustece y suma más de 40.000 horas de contenido a demanda, más de 1.300 series, estrenos recientes, transmisiones deportivas en tiempo real y festivales musicales. Las opciones de personalización y la diversidad de perfiles permiten que cada usuario elija cómo y cuándo disfrutar de los contenidos, ya sea a través de televisión en vivo o plataformas premium.

Un modelo que anticipa el futuro del streaming en la Argentina

Esta alianza responde a una industria que avanza hacia esquemas cada vez más convergentes, donde la autogestión y la variedad de opciones se vuelven esenciales. La posibilidad de intercambiar suscripciones premium cada 30 días y de centralizar todo en una única plataforma sitúa a Flow+ como una alternativa diferenciada para quienes valoran la comodidad y el acceso a estrenos internacionales.

Con iniciativas de este tipo, la compañía de telecomunicaciones renueva su estrategia de actualización permanente, suma socios globales y amplía las alternativas para un público conectado y exigente. El acuerdo con Netflix enriquece el catálogo y anticipa nuevas tendencias en la manera de consumir entretenimiento en la Argentina.

Supernova Génesis 2026 está a punto de realizar su segunda emisión luego del éxito conseguido el año pasado en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México.

En medio de los últimos ajustes del primer live show que se transmitirá desde México en Netflix, Aarón Mercury y Lupita Villalobos conversaron con Infobae México a pocos días de subir al ring.

Cabe mencionar que tras la buena aceptación de la edición “Orígenes”, el fenómeno cultural regresa en un “ecosistema multiplataforma que conecta a las audiencias más jóvenes” con la disciplina del boxeo profesional y la música.

Aarón Mercury y Lupita Villalobos viven la emoción previa a Supernova Génesis 2026

Durante la plática con Infobae México, ambos creadores de contenido reconocieron estar emocionados por subir al ring, aunque confesaron haber atravesado distintos retos a lo largo de su preparación.

Lupita Villalobos, integrante de “Las Alucines”, confesó que ha vivido una combinación de emociones que al final solo puede resumir en emoción por enfrentarse contra Kim Shantal.

“Muchas ganas de que ya llegue el día, porque creo que ahí mi corazón va a explotar con tantos sentimientos que se van a vivir. Entonces, estoy ansiosa por vivir esta experiencia”, expresó.

Por su parte, Aarón Mercury, exhabitante de La Casa de los Famosos México, reconoció que hubo gran preparación de su parte, incluso le parece irreal que tiempo atrás veía que faltaban meses para el combate y ahora está a solo unos días.

“Me siento muy emocionado yo también. Obviamente, algo nervioso, porque va a haber mucha gente, toda la emoción de ese día”, compartió.

Pese a los retos que ha enfrentado y las emociones que han surgido a lo largo del proceso, Mercury aseguró que ese día “va a estar muy cool”, pues solo lo van a vivir.

¿Aarón Mercury y Lupita Villalobos son los favoritos de Supernova Génesis 2026?

A lo largo de varias semanas, Aarón Mercury y Lupita Villalobos se han convertido en dos de los creadores de contenido favoritos para ganar Supernova Génesis 2026.

Su amplio número de seguidores se ha unido para crear una sola comunidad que apoya a ambos en sus peleas contra Mario Buatista y Kim Shantal, situación que agradecen y los lleva a tener mayor compromiso con el evento.

“Ahorita esté haciendo tanto ruido por apoyarnos, creo que es la mejor recompensa, independientemente del resultado de la pelea. Creo que, y hablo por ti también, ya nos sentimos ganadores de ver la respuesta que tenemos de nuestros seguidores, de nuestra audiencia. Entonces, ni siquiera hay rivalidad entre nosotros”, explicó Villalobos.

De igual forma, Mercury resaltó el apoyo y seguimiento que les han brindado los dos fandoms, asegurando que se trata de un “círculo de amor” en el que no existe el hate.

“Siento que ahorita es de mis temporadas de más amor, de más apoyo. O sea, siempre ha habido gente ahí como que ha estado apoyando, como siempre les agradecemos un buen, pero ahorita es como de mucho amor. Entonces, siento que estoy muy agradecido, de verdad”, agregó.

Será el próximo 26 de abril, en punto de las 19:00 horas, cuando Aarón Mercury y Lupita Villalobos suban al ring de la Arena Ciudad de México tras meses de preparación física y mental.

El nuevo papel de Mulligan como Lindsay en Beef implica un cambio radical frente a sus trabajos anteriores. La actriz interpreta a una mujer atrapada en conflictos familiares y sociales, lo que la lleva a situaciones físicas y emocionales extremas poco frecuentes en su carrera.

El giro radical de Carey Mulligan en Beef segunda temporada

La decisión de la actriz de 40 años de sumarse al reparto ocurrió poco después de finalizar la promoción de un film biográfico exigente. Hasta entonces, su carrera destacaba por personajes introspectivos y dramáticos, en contraste con las expectativas que tenía en sus inicios: "Mi expectativa era seguir haciendo papeles secundarios en televisión, obras de teatro si podía, y pequeños papeles en cine".

“Me encantó que le diera un puñetazo a alguien en la cara”, expresó Mulligan durante su encuentro en el Hotel Bel-Air con The Hollywood Reporter.

Una de las escenas centrales de la temporada involucra a Lindsay enfrentando a un coyote, momento clave que impulsó a la actriz a aceptar el papel. “Llamé a mi agente de inmediato y le dije: ‘Hay una escena con un coyote, ¡tengo que hacerla!’“, añadió.

El desarrollo argumental de Beef en esta temporada gira en torno a la enemistad entre Lindsay y Josh, interpretado por Oscar Isaac. Una pelea grabada por empleados jóvenes del club les proporciona a estos el control sobre la pareja, desestabilizando su aparente vida ideal.

Influencias y preparación del personaje de Lindsay

La preparación de Mulligan para Lindsay tiene raíces en su propia formación y entorno familiar. Nacida en las afueras de Londres, hija de una profesora universitaria y un empresario, la actriz se acercó a la interpretación a través del teatro, inspirada también por figuras como Julian Fellowes.

La directora y amiga Emerald Fennell la describió como “una mezcla de ambas, a la vez un rayo de sol y una quietud gélida”. Fennell subrayó la capacidad de Mulligan para asumir riesgos emocionales, como en Promising Young Woman, donde rodó escenas complejas de manera intensa.

En la creación de Lindsay, recurrió a insultos británicos para aportar autenticidad, una idea consultada con el director de la serie. El creador su talento particular: “Lo increíble de Carey es que su instinto para detectar mentiras es el más preciso que he visto en mi vida”, declaró a The Hollywood Reporter.

De actriz seria a intérprete camaleónica

Durante 20 años, se consolidó como una “actriz seria” en dramas británicos y cine independiente, logrando tres nominaciones al Oscar. Su tendencia a evitar la exposición mediática la llevó a cultivar una vida discreta y alejada del circuito de celebridades.

Su versatilidad se acentúa con el paso a Beef, donde el tono de humor y acción desafía los estereotipos asignados a las mujeres en la industria. “Se nota enseguida cuando alguien está en la película solo para ese propósito, así que enseguida piensas: ‘Ah, es solo una novia’”, reflexionó Mulligan sobre las limitaciones históricas de sus papeles.

El apoyo de Fennell y la influencia de su círculo íntimo, incluidos su esposo Marcus Mumford y amistades fuera del arte, forjaron una personalidad que explora tanto personajes serios como arriesgados.

“Me encanta que me llamen del banquillo para un turno de dos semanas en algo realmente genial”, afirmó, manifestando su inclinación a participar en proyectos desafiantes.

La relación con Oscar Isaac y el ambiente en el rodaje

La colaboración entre Mulligan e Isaac remonta a su trabajo conjunto en Drive, en 2010. Para Beef, ambos participaron en talleres intensivos para crear la dinámica de su matrimonio ficticio y alabaron la implicación personal en detalles, como tatuajes a juego que hacen referencia a un viaje especial.

Los ensayos de las escenas físicas se cuidaron mucho, buscando siempre la verosimilitud. Mulligan describió su particular manera de enfrentar tensiones: “Mi estilo personal ante los enfrentamientos es que, si estoy con la persona con la que estoy enfadada, me quedo callada. Pero si esa persona no está, me desahogo y me desquito con cualquiera que quiera escucharme”.

El rodaje se vivió en un ambiente marcado por el humor y la búsqueda de realismo, según relató la actriz a The Hollywood Reporter. La dinámica con el equipo llevó a que las escenas fueran tan frescas como auténticas, según subrayó Lee Sung Jin.

Netflix apuesta por transformar la forma en que se consumen series y películas en el celular. La compañía prepara un rediseño de su aplicación móvil que incorporará un feed de videos verticales, similar al formato popularizado por redes sociales, con el objetivo de facilitar el acceso al contenido y adaptarse a los nuevos hábitos de los usuarios.

El cambio fue revelado en su más reciente informe de resultados del primer trimestre de 2026, donde la empresa explicó que esta decisión responde a la evolución del consumo audiovisual en dispositivos móviles. Según detalló, el nuevo diseño permitirá a los suscriptores descubrir contenido de forma más rápida y dinámica, en línea con el comportamiento actual de navegación basado en desplazamientos continuos.

La propuesta no surge de manera aislada. En los últimos años, el formato vertical se consolidó como el dominante en plataformas sociales, impulsado por el éxito de videos cortos y el llamado “scroll infinito”. Este patrón de consumo ha modificado la forma en que las personas interactúan con el contenido, priorizando experiencias rápidas, visuales y altamente personalizadas.

En este contexto, Netflix busca trasladar esa lógica a su ecosistema. La idea es que los usuarios puedan visualizar fragmentos de series y películas en formato vertical, y desde allí decidir si desean reproducir el contenido completo. Este sistema funcionaría como una puerta de entrada más ágil al catálogo, reduciendo los tiempos de búsqueda.

El medio The Verge señaló que la compañía considera que “las fronteras entre el entretenimiento en televisión y en dispositivos móviles se están difuminando”. Esta afirmación refleja un cambio estructural en la industria, donde el celular ya no es solo un complemento, sino un canal principal de consumo.

Además, la plataforma destacó que el crecimiento de formatos como los podcasts en video y el contenido breve refuerza esta tendencia. En ese sentido, el rediseño no solo apunta a mejorar la experiencia de usuario, sino también a ampliar las oportunidades de negocio en los próximos años.

El movimiento de Netflix no es el primero dentro del sector. Disney+ ya había experimentado con contenido diseñado específicamente para visualizarse en vertical, marcando un antecedente en la industria del streaming tradicional. Sin embargo, la decisión de Netflix podría tener un impacto mayor debido a su alcance global y su base de usuarios.

Este cambio también se conecta con pruebas previas realizadas por la compañía. Tras una actualización de su aplicación para televisores el año pasado, Netflix adelantó que estaba evaluando la incorporación de clips verticales para facilitar el descubrimiento de contenido. Ahora, ese experimento parece convertirse en una función central de su estrategia móvil.

La implementación del nuevo diseño será progresiva y podría comenzar a desplegarse en los próximos meses. Como ocurre con otras actualizaciones de la plataforma, es probable que inicialmente llegue a un grupo limitado de usuarios antes de expandirse de manera global.

Más allá de lo técnico, el giro hacia el formato vertical plantea una transformación en la narrativa audiovisual. Adaptar series y películas a este tipo de visualización implica repensar encuadres, composición y ritmo, elementos tradicionalmente diseñados para pantallas horizontales.

En definitiva, la apuesta de Netflix confirma que el futuro del entretenimiento estará cada vez más ligado al móvil. La incorporación de videos verticales no solo responde a una moda pasajera, sino a un cambio profundo en la forma en que las audiencias consumen contenido en la actualidad.

La segunda entrega de Beef explora el enfrentamiento entre dos parejas vinculadas al club. Oscar Isaac encarna a Josh Martín, gerente del lugar, mientras Carey Mulligan da vida a Lindsay, su esposa de origen británico y diseñadora de interiores. La trama introduce rivalidades, chantajes y busca profundizar en cuestiones como la exclusividad, la pertenencia y las diferencias de clase, todo reflejado a través de la experiencia directa y los dilemas que los propios intérpretes comparten en esta producción.

En una entrevista en Los Ángeles, ambos actores hablaron para The New York Times sobre su reencuentro tras trabajos anteriores y ofrecieron una visión única sobre cómo abordaron sus papeles en este nuevo contexto.

“Oscar fue una gran razón para querer estar en el proyecto, además de que me atrajo la libertad creativa. Originalmente, mi personaje no era Lindsay Crane-Martín, era Lindsay Martin. Quise que fuera inglesa para trabajar el acento y dar autenticidad”, explicó Mulligan.

Por su parte, Isaac señaló: “Vi la primera temporada y sentí afinidad por los temas que interesan a Sonny, como inmigrante y por el aspecto de la iglesia evangélica”.

El proceso implicó largas charlas con Lee Sung Jin sobre sus propias vidas y relaciones. “Solo existía un guion, el primer episodio, que terminó siendo bastante distinto porque a Sonny le gusta fusionar las experiencias personales de todos”, agregó.

Reinvención de los personajes y construcción de la temporada

Rediseñar la temporada significó repensar a fondo la identidad de los personajes principales. “Fue un reto mirarnos al espejo y pensar: ‘Mira esos cortes de pelo tontos. Lo único que querría es darles una bofetada’. Eso lo vive el espectador también”, admitió Isaac.

Y Mulligan añadió: “Es difícil encontrarse con cualquiera de estos personajes y decir ‘bien hecho’. Son personas en sus peores momentos. Si alguien pusiera una cámara en mi peor semana, habría cosas de las que sentiría vergüenza”.

La creación de los roles involucró improvisación y conversaciones extensas con el creador. Mulligan defendió que su personaje mantuviera una identidad ligada a sus raíces, “por la cuestión de la autenticidad con el acento”, y comentó el matiz social: le resultaba atractivo que Lindsay hubiera prosperado gracias a su capital social en su país de origen.

Dilemas morales, conflictos generacionales y mirada social en “Beef”

La temporada aborda abiertamente cuestiones como el sistema sanitario, las diferencias de clase y el descenso de la empatía global. “Me aterra. Especialmente en este país, el modo en que no cuidamos a las personas a través de las aseguradoras, y esas compañías pueden ser viles incluso en las peores circunstancias. Tengo hijos pequeños y pienso en el mundo que heredan. Es como la caída de Roma”, declaró Isaac.

Mulligan compartió su inquietud: “Ha habido un verdadero declive en la empatía global. Tal vez porque estamos tan inundados de cosas terribles que la gente opta por bajar las persianas y aislarse. Se siente perturbador y es fácil ‘distanciar’ al otro ahora”.

Sobre la percepción del público, Isaac opinó: “Creo que las simpatías estarán con Austin y Ashley. Ellos se aman, hay autenticidad y trabajan duro para esas personas ricas. Cuando ves a estos tipos con sus cortes de pelo discutirse, algo empieza a cambiar, y la reacción de los chicos desafía todas las suposiciones”.

“Las parejas que nunca pelean probablemente esconden algo. Pero el nivel de locura en esa casa… Llegan al límite hasta que los graban. Luego, les une la existencia de un enemigo común”, remató Mulligan.

Experiencia de formar parte de un mundo exclusivo y la reflexión sobre el paso del tiempo

Sumarse al universo de un club cerrado permitió explorar el sentido de pertenencia y cuestionar el papel del actor en Hollywood. “Vengo de orígenes humildes. Nadie pertenece realmente aquí. Encuentras tu camino y de repente conoces a todos. Fue un periodo corto donde los actores fueron elevados. Antes éramos vagabundos; gente de feria”, recordó Isaac.

La narrativa incluye referencias directas al paso del tiempo, ya que, según señaló Isaac, en la serie mencionan que “la media humana son 960 meses de vida, unos 80 años; venden calendarios donde puedes tachar cada mes”. Y agregó: “Empieza a sentirse como si todos estos años fueran ya extra”.

Asimismo, Mulligan expresó, con algo de humor: “Eso me hace querer llorar. Es raro cuando los atletas olímpicos son quince años más jóvenes que tú. Estaba bien con envejecer hasta que vi los Juegos Olímpicos y escuché: ‘Es increíble que haya vuelto con 32 años’. Mi hija preguntó: ‘¿Por qué dicen que Lindsey Vonn es vieja? Tiene tu edad, mamá’”.

La convivencia generacional influyó tanto en la trama como en el rodaje. “Estos chicos no saben con quién se metieron. Tenemos mucha más experiencia siendo mezquinos. En el set eran muy deferentes, pero nosotros bromeábamos: ‘¡Somos iguales, chicos!’”, reflexionó la actriz.

En tanto, Isaac sumó: “Siempre sentí que éramos los chicos, hasta hace poco. Ahora nos miran esperando que sepamos qué hacer”.

Perspectiva personal y activismo social de Carey Mulligan

Carey Mulligan abordó su compromiso social fuera de la pantalla y su modo de priorizar. “Intento mantener el fuego en casa y dar prioridad a lo correcto. Desde 2014 colaboro con War Child, una organización que protege a niños en zonas de conflicto. Me esfuerzo por asegurarme de que hago suficiente trabajo de apoyo”, expresó.

Para la actriz, el activismo refuerza su búsqueda de empatía, sentimiento que considera escaso en la sociedad actual.

Ambos intérpretes concluyeron con una reflexión recogida por The New York Times: cada etapa aporta aprendizajes distintos mientras el sentido de presente y la búsqueda de significado cotidiano invitan a asumir la experiencia como un valor añadido.

Un nuevo escándalo reaviva viejas heridas entre los exintegrantes de One Direction. Según reveló este viernes el tabloide británico The Sun, Zayn Malik habría golpeado a su excompañero Louis Tomlinson en la cara durante una violenta discusión ocurrida en el set de un documental de tres partes que ambos grababan para Netflix.

El incidente, que habría dejado a Tomlinson con una herida en la cabeza y una conmoción cerebral, ocurrió hace aproximadamente seis meses y derivó en la cancelación definitiva del proyecto por parte de la plataforma de streaming.

Lo que se sabe del incidente

La pelea se habría desatado durante una jornada de filmación en Wyoming, Estados Unidos. Según el medio, todo comenzó cuando Malik hizo un comentario sobre Johannah Deakin, madre de Tomlinson, quien falleció de leucemia en diciembre de 2016 a los 43 años.

“Zayn empezó a portarse mal y a decir cosas de más. Escaló hasta convertirse en una discusión y luego Zayn hizo un comentario sobre la mamá de Louis, Johannah”, relató una fuente al tabloide. “Louis estaba aturdido y en shock. Cuando intentó moverse, Zayn lo atacó. Le pegó directo en la cara. Como llevaba anillos, le cortó la cabeza. Esto pasó afuera, frente a muchísima gente. Fue impactante”.

Tomlinson recibió atención médica y abandonó el set rumbo al Reino Unido, mientras Malik regresó a su granja en Pensilvania. Desde ese momento, asegura The Sun, ambos no habrían vuelto a hablar.

Por su parte, la plataforma —que nunca anunció oficialmente el proyecto— habría esperado durante meses una posible reconciliación antes de cancelar la producción el mes pasado.

“Netflix pensó que había ganado la lotería cuando Louis y Zayn aceptaron filmar juntos. Era un programa de gran presupuesto, costó millones producirlo”, señaló otra fuente al medio británico.

Los rumores sobre este altercado comenzaron a circular sin mayores detalles desde diciembre de 2025. En los meses siguientes, ninguno de los cantantes se pronunció sobre el incidente.

No obstante, la reciente reacción de la directora Nicola Marsh dio señales sobre el destino del proyecto. El viernes 17 de abril, la cineasta —conocida por el documental Child Star, centrado en Demi Lovato— compartió la portada de The Sun con la noticia del conflicto. “Y ahí se fue el último año de trabajo”, escribió.

La actividad en redes sociales de la familia Tomlinson también reflejó la crisis. Este sábado, seguidores de la banda notaron que Phoebe y Lottie, hermanas de Louis, dejaron de seguir a Malik en redes sociales, aunque mantienen el 'follow’ a Harry Styles y Niall Horan.

Asimismo, el propio Louis Tomlinson dejó de seguir a Malik en esa red social.

La noticia sorprendió a los fans, ya que la relación entre ambos parecía estable en los últimos meses. En octubre pasado, Tomlinson afirmó que grabar con Zayn había sido “bastante genial” en una entrevista con BBC Radio 1.

Una historia de altibajos entre los dos artistas

La tensión entre Malik y Tomlinson no es nueva. En mayo de 2015, semanas después de que Malik abandonara One Direction en plena gira On The Road Again, ambos protagonizaron un cruce público de palabras en Twitter. Todo comenzó cuando el productor Naughty Boy publicó una foto junto a Zayn con el mensaje “Reemplácenlo”.

Louis respondió con una burla sobre filtros fotográficos, y Zayn replicó: “¿Recuerdas cuando tenías una vida y dejabas de hacer comentarios malos sobre la mía?”.

Sin embargo, la madre de Louis logró acercarlos antes de morir. En una entrevista con The Sun tras el fallecimiento de Johannah en diciembre de 2016, el cantante recordó: “Mi mamá me dijo: ‘Tienes que retomar el contacto con Zayn. La vida es demasiado corta’”. Y añadió: “Me encontré con él y fue bonito. Después de todo aquello, fue ese amor fraternal. Siempre vamos a tener ese amor el uno por el otro”.

En enero de 2017, Louis asistió a un concierto de Zayn en Los Ángeles, donde Malik lo mencionó desde el escenario: “Esta noche es especial. Un viejo amigo mío está aquí apoyándome esta noche. Louis está aquí”.

El documental cancelado también contemplaba abordar la muerte de su compañero Liam Payne, fallecido en octubre de 2024 tras caer desde el balcón de un hotel en Argentina.

El escándalo coincide con momentos clave en la carrera de ambos artistas. Malik lanzó el 17 de abril su nuevo álbum Konnakol. No obstante, ese mismo día publicó una fotografía desde un hospital, con bata médica y conectado a lo que parece ser un tensiómetro.

“Ha sido una semana larga y aún me estoy recuperando inesperadamente”, escribió, al tiempo que agradeció al personal médico sin revelar su diagnóstico. Su gira mundial está prevista para comenzar el 12 de mayo en el AO Arena de Mánchester.

Tomlinson, por su parte, continúa de gira con su álbum How Did I Get Here?. Su primera fecha en el Reino Unido está programada para el 24 de abril en el Co-Op Live de Mánchester, con presentaciones que culminarán en el O2 Arena de Londres el 3 de mayo.

Cinco semanas después de su llegada a los cines, Torrente presidente continúa demostrando que el tirón del personaje creado por Santiago Segura sigue intacto. A 17 de abril de 2026, la sexta entrega de la saga ya se ha convertido en la más taquillera con casi 25 millones de euros, unas cifras que la sitúan entre los diez estrenos más exitosos del cine español en la última década. Su ascenso en la clasificación histórica es inminente: está a punto de superar a Un monstruo viene a verme y colocarse en el quinto puesto del ranking de mayor recaudación. Por delante, eso sí, quedan títulos como Lo imposible u Ocho apellidos vascos, que, estrenada en 2014, es la cinta más taquillera en la historia patria con más de 56 millones de euros recaudados y 9 millones de espectadores.

Con este panorama en salas, el siguiente gran objetivo ya está en marcha: conquistar el streaming. La plataforma Netflix ha confirmado que Torrente presidente será uno de sus grandes estrenos del verano, aunque por el momento no ha concretado una fecha exacta. El anuncio, realizado a través de redes sociales este pasado jueves, llegó con el siguiente mensaje: “Comunicado oficial: en verano recibiremos la visita de un presidente del Gobierno”, escribieron, adjuntaron una imagen de la calva característica del personaje.

También puedes seguirnos en nuestro canal de WhatsApp, en Facebook y en Instagram

El propio Segura ya respondió en redes sociales que la cinta llegaría a la plataforma “para verano”, después de que el pasado 15 de marzo, pocos días después de su estreno en cines, un usuario con discapacidad auditiva preguntara en X por cuándo iba a estar disponible en casa, al no poder asistir al cine porque ninguno ofrece subtítulos en español.

Prevista para este verano

La película, que, en palabras de su creador, es una sátira política sobre el panorama nacional español, sigue al expolicía José Luis Torrente, que esta vez apuesta por fundar el partido político Nox. De momento, la cinta sigue en cines y al ritmo que va su éxito va para largo. Solo en sus dos primeras semanas, Torrente, presidente ya superó la recaudación total de Padre no hay más que uno 5, -cinta que también dirige, crea y protagoniza Segura- que cerró 2025 como la película española más taquillera del año con 13,4 millones de euros. El sorpasso no solo confirma el tirón comercial del personaje, sino también la capacidad de Santiago Segura para revalidar su fórmula de éxito en un contexto audiovisual cada vez más fragmentado.

El arranque del filme ya anticipaba este resultado. En su primer fin de semana, la película rozó los 7 millones de euros, firmando uno de los mejores estrenos de la historia del cine español y situándose solo por detrás de títulos como Lo imposible o anteriores entregas de la propia saga.

Desde su debut en 1998 con Torrente, el brazo tonto de la ley, el personaje ha sabido adaptarse a distintas épocas manteniendo una identidad propia basada en el humor irreverente y la sátira social. Su mayor éxito llegó con Torrente 2: Misión en Marbella, que superó los 22 millones de euros y se convirtió en un hito de la taquilla nacional, hasta ahora, que ha superado a las cinco películas anteriores de este policía corrupto.

Netflix aprovechó la “Noche de Industria” del Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI) para reforzar su compromiso con el crecimiento del ecosistema audiovisual colombiano.

La plataforma anunció cuatro nuevas iniciativas que buscan fortalecer la formación, la profesionalización y el desarrollo de capacidades locales, en alianza con actores clave como el propio FICCI, la Academia Colombiana de Cine, ASOCINDE y el Bogotá Audiovisual Market. El objetivo es claro: brindar herramientas, conocimientos y oportunidades para que más talentos y empresas colombianas puedan contar historias propias y competir en el mercado global.

Un compromiso con el talento y la industria local

Durante la jornada, representantes de la plataforma de streaming destacaron cómo las grandes producciones se han convertido en motores de innovación y han elevado el estándar de calidad de la industria nacional. Colombia se ha posicionado como un país de grandes historias y talentos, capaces de alcanzar visibilidad internacional.

En ese proceso, la compañía no solo ha llevado obras locales a una audiencia global, sino que también ha impulsado el desarrollo de quienes las crean y producen.

Francisco Ramos, vicepresidente de contenidos para Latinoamérica en Netflix, señaló: “Para nosotros, contar historias en Colombia es solo el principio. Queremos que la experiencia de producir a gran escala, como lo hemos hecho con Cien años de soledad, deje una huella positiva en la industria creativa. Hoy, el objetivo es seguir impulsando este crecimiento para que el ecosistema local sea cada vez más robusto, competitivo y sostenible”.

Iniciativas: formación, mentoría y redes

Ópera Prima Lab Film & Series

En alianza con el FICCI, este programa está dirigido a nuevas voces que desarrollan su primer largometraje o serie. A través de mentorías y acompañamiento, impulsa proyectos desde la idea inicial hasta su potencial entrada en la industria. Mónica Moya, directora de Industria del FICCI, explicó que la iniciativa ofrece mentorías especializadas, herramientas para la producción y acceso a la agenda del festival, fortaleciendo la capacidad de crear y contar historias propias.

Lab Macondo 3

Junto a la Academia Colombiana de Cine, Lab Macondo llega a su tercera edición. Tras enfocarse en adaptación de guion literario y diseño de producción, ahora el laboratorio pone el foco en la producción ejecutiva, un rol estratégico para la sostenibilidad y viabilidad de los proyectos.

La edición actual destaca por la participación de talento de diversas regiones del país. Cristina Umaña, actriz y presidenta de la Academia Colombiana de Cine, subrayó la relevancia de este espacio para nutrir y elevar a nuevas generaciones de cineastas en distintas especialidades.

Programa de formación de proveedores del sector audiovisual

En alianza con ASOCINDE, la iniciativa busca fortalecer las capacidades de empresas y servicios que hacen posible cada producción. El programa apunta a elevar los estándares locales en áreas técnicas y logísticas, contribuyendo a que los contenidos puedan alcanzar audiencias internacionales. Diego F. Ramírez, presidente de ASOCINDE, resaltó que cada eslabón de la cadena es clave para que los proyectos trasciendan fronteras.

BAMMERS

Desarrollada con Proimágenes Colombia y el Bogotá Audiovisual Market, BAMMERS acompaña a una nueva generación de productores latinoamericanos, brindando herramientas y conexiones para desarrollar proyectos con proyección internacional. Claudia Triana, directora general de Proimágenes, destacó que estas oportunidades permiten acceder a expertos, compartir experiencias y conectar con profesionales activos de la industria.

La estrategia da continuidad a un camino que ya ha mostrado frutos concretos, como la producción de ‘Cien años de soledad’. La adaptación de la obra de Gabriel García Márquez no solo tuvo un impacto cultural, sino también económico y profesional: aportó más de 225 mil millones de pesos a la economía nacional y movilizó a cientos de talentos y proveedores locales. El proyecto dejó instalada una infraestructura y capacidades que hoy benefician a toda la industria.

Aarón Mercury y Mario Bautista acuerdaron que el perdedor de su pelea en Supernova Génesis debe tatuarse el diseño elegido por el ganador, en un reto difundido por la cuenta de Netflix en Instagram.

La apuesta consolida la rivalidad de ambos creadores de contenido y anticipa un desenlace viral para el evento del 26 de abril en la Arena Ciudad de México, donde se reunirán figuras del internet y la música.

La nueva edición de Supernova Génesis 2026 marca la mayor apuesta de la organización, pues el evento será transmitido exclusivamente en la plataforma de Netflix, lo que garantiza una audiencia estimada en millones.

Una apuesta que se paga con tinta tras el combate Mercury vs Bautista

La tensión el exintegrante de La Casa de los Famosos México, y Mario Bautista subió de nivel al pactar que el derrotado será marcado de manera permanente.

“La derrota se paga con tinta”, dijo Mercury, y detalló que Bautista debe tatuarse el símbolo del Mercurio en la piel en caso de resultar perdedor. En cambio, si el resultado es adverso, Mercury se tatuará la frase: “Amo a Mario Bautista”.

El intérprete de “Baby Girl” calificó la propuesta como “interesante” y “chistosa”, por lo que ambos sellaron el acuerdo e intensificando la expectativa en redes sociales.

Mercury advierte: “Darle en su madre al Mario Bautista”

En un encuentro con diferentes medios, Aarón Mercury subió la temperatura al declarar: “Darle en su madre al Mario Bautista, noquear al Mario Bautista”.

Además, criticó la actitud de su rival y señaló: “Yo estoy orgulloso de mi camino, eso me ha llevado a donde estoy”. Su declaración surge después de que acusó a Bautista de no reconocer sus inicios y no tener gratitud hacia su historia.

Por su parte, el cantante y creador de contenido optó por una postura mesurada y dijo a la prensa que asumía el combate con tranquilidad, destacando el aspecto competitivo del duelo.

La confrontación de estilos, agresivo de Mercury y calmado de Bautista, ha trasladado la rivalidad del ring a los comentarios en redes sociales, donde seguidores de ambos aumentaron la expectativa por el desenlace.

Supernova Génesis 2026 reúne a influencers y músicos en la Arena Ciudad de México

• Supernova Génesis 2026 se realiza el domingo 26 de abril a las 17:00 horas en la Arena Ciudad de México.
• La pelea principal enfrenta a Alana Flores y Flor Vigna. El cartel incluye los duelos de Lupita Villalobos contra Kim Shantal y Mario Bautista contra Aaron Mercury.
• Solo es posible ver el evento en exclusiva por Netflix, sin transmisión por televisión abierta ni de paga.
• Participan creadores de contenido como Milica, Alana Flores, Mario Bautista, Flor Vigna, Aaron Mercury y Lupita Villalobos.

La organización busca consolidar Supernova Génesis como el principal espectáculo digital del año, al reunir a celebridades del entorno digital en la capital mexicana.

Netflix sufrió una fuerte reacción en los mercados luego de que su cofundador, Reed Hastings, anunciara su salida definitiva de la junta directiva. La noticia, sumada a la lectura cautelosa de sus resultados financieros, provocó una caída cercana al 9 % en el valor de sus acciones tras el cierre de la jornada en Wall Street, pese a que la compañía reportó cifras que, en apariencia, superaron las expectativas.

El retroceso en bolsa refleja la incertidumbre de los inversores ante el cierre de una etapa clave en la historia de la empresa. Hastings, figura central en la transformación de Netflix desde un servicio de alquiler de DVDs hasta convertirse en un gigante global del streaming, dejará su cargo en junio, marcando el fin definitivo del ciclo fundacional de la compañía.

En términos financieros, Netflix presentó ingresos por 12.250 millones de dólares durante el primer trimestre, lo que representa un crecimiento del 16 % en comparación con el mismo periodo del año anterior.

A esto se suma una ganancia neta de 5.280 millones de dólares, casi el doble de lo registrado en 2024. Sin embargo, detrás de estos números hay factores extraordinarios que matizan el optimismo inicial del mercado.

Gran parte de ese incremento en las ganancias se explica por un ingreso no recurrente: una compensación de 2.800 millones de dólares tras desistir de la adquisición de activos de cine y streaming de Warner Bros. Discovery en febrero.

Este monto infló el beneficio por acción hasta los 1,23 dólares, muy por encima de los 76 centavos que proyectaban los analistas, pero también dificulta una comparación directa con resultados operativos reales.

La reacción negativa de los inversores sugiere que el mercado prioriza la sostenibilidad del negocio por encima de ingresos excepcionales. En ese sentido, la salida de Hastings añade un elemento de incertidumbre, ya que representa la desaparición total de la figura que lideró las decisiones estratégicas durante décadas.

El propio Hastings se despidió con un mensaje dirigido a los accionistas, en el que destacó el impacto personal y profesional que tuvo su paso por la compañía. “Netflix cambió mi vida de muchas maneras”, afirmó, recordando especialmente la expansión global de 2016, uno de los hitos más importantes en la historia del servicio.

Aunque Hastings ya había dejado el cargo de CEO en 2023, cediendo la dirección a Greg Peters y Ted Sarandos, su permanencia en la junta directiva mantenía un vínculo directo con la estrategia de la empresa. Su salida definitiva implica ahora un traspaso total hacia una nueva etapa de gestión.

Este cambio se produce en un momento en que Netflix busca consolidar su rentabilidad y diversificar sus fuentes de ingresos. La compañía ha apostado por nuevas líneas de negocio, como los planes con publicidad, el control de cuentas compartidas y la expansión hacia videojuegos y eventos en vivo, en un intento por sostener su crecimiento en un mercado cada vez más competitivo.

El contexto también está marcado por la presión de otros actores del sector, donde plataformas como Disney+, Amazon Prime Video y la propia Warner Bros. Discovery intensifican la competencia por audiencias globales. En este escenario, la estabilidad en el liderazgo y la claridad en la estrategia son factores clave para mantener la confianza del mercado.

La caída en las acciones, pese a los buenos resultados en papel, deja en evidencia que los inversores evalúan no solo los números, sino también la calidad de los ingresos y la capacidad de la empresa para sostenerlos en el tiempo. La combinación de beneficios impulsados por factores extraordinarios y la salida de una figura histórica generó una lectura más prudente del desempeño de la compañía.

El fenómeno de Stranger Things da un salto inesperado con el estreno del spin-off Stranger Things: Relatos del 85, la nueva serie animada que llega a Netflix a finales de este mes.

Este proyecto representa la primera incursión de la franquicia en el género de animación, ofreciendo a los seguidores y nuevos espectadores una experiencia diferente, ubicada en el corazón de los años ochenta.

Al situarse en el invierno de 1985, la serie explora la vida de Once, Mike, Will, Dustin, Lucas y Max justo después de los sucesos de la segunda temporada y antes del inicio de la tercera.

El pueblo de Hawkins parece haber recuperado la tranquilidad: la nieve cubre las calles y las partidas de Dungeons & Dragons vuelven a ser el pasatiempo favorito del grupo. Sin embargo, esta aparente calma se ve amenazada cuando un misterio paranormal surge bajo el hielo, obligando a los protagonistas a enfrentarse a una amenaza nunca antes vista.

El universo animado y sus diferencias con la serie original

Uno de los mayores atractivos del spin-off es su formato animado, producido por Flying Bark Productions, que permite a la franquicia reinventarse y explorar nuevas posibilidades visuales.

Aunque veremos a los personajes más queridos por los fanáticos, las voces originales no estarán presentes: un nuevo elenco de doblaje toma el relevo, aportando matices frescos y diferentes a sus personalidades.

Además, la serie introduce a Nikki Baxter, una joven inventora de cabello rosa que jamás había aparecido en entregas anteriores. Su inteligencia y habilidades serán determinantes para resolver el misterio que se desarrolla en Hawkins, convirtiéndola en una pieza clave de la narración.

Trama: misterio bajo el hielo y nuevas amenazas

En esta entrega, los peligros no provienen de los enemigos habituales del Upside Down. Por el contrario, la historia presenta un conjunto de reglas y entidades completamente distintas a lo que los seguidores de Stranger Things han conocido hasta ahora.

El equipo creativo, encabezado por Eric Robles y con el respaldo de los hermanos Matt y Ross Duffer, buscó alejarse de la nostalgia fácil para construir un relato que amplía el universo sin repetir fórmulas.

El motor de la trama es el surgimiento de un fenómeno desconocido bajo el hielo de Hawkins. Los personajes, mientras intentan retomar una vida normal, se ven arrastrados por una serie de sucesos inquietantes que los obligan a actuar como equipo y a confiar en la ayuda de Nikki Baxter.

En palabras del equipo creativo, la intención es “construir una nueva mitología”, evitando reciclar tramas o criaturas del pasado y apostando por conflictos y dinámicas inéditos para la franquicia.

Estreno y cómo verla en México

Stranger Things: Relatos del 85 se estrenará de manera global el 23 de abril de 2026 en Netflix, plataforma donde estará disponible para todos los suscriptores sin restricción geográfica.

El lanzamiento incluye doblaje y subtítulos en varios idiomas, lo que permitirá que seguidores de distintas regiones accedan al contenido desde el primer día.

Para los usuarios de Netflix México, los 10 episodios de la primera temporada estarán disponibles desde el primer día, siguiendo el modelo tradicional de la plataforma para que cada espectador pueda disfrutar la serie a su ritmo.

No se prevé su lanzamiento en otras plataformas de streaming en el país, por lo que una suscripción activa de Netflix será el único requisito para acceder a la serie desde su estreno.

La llegada esta nueva serie marca una etapa de experimentación para Stranger Things: al prescindir de los actores originales y las criaturas clásicas, la franquicia se arriesga a conquistar tanto a sus seguidores como a nuevas audiencias.

Con este movimiento, la franquicia busca renovar su identidad y explorar formatos narrativos innovadores, apostando por una expansión creativa que podría definir su futuro dentro y fuera de la animación.

Desde su estreno en 2021, The White Lotus se ha consolidado como uno de los retratos más afilados de la sociedad. Lo que comenzó como una miniserie ambientada en un resort de lujo en Maui terminó convirtiéndose en una antología capaz de mutar en cada temporada sin perder su esencia: un asesinato como telón de fondo y el choque constante entre los privilegiados y las clases trabajadoras, evidenciando las tensiones de clase.

A partir de esa estructura, la ficción ha abordado distintos temas, desde el colonialismo y las diferencias raciales en su primera entrega hasta la política del sexo en la Sicilia de la segunda o la espiritualidad en su tercera temporada, ambientada en Tailandia. Esa mirada crítica con retazos de comedia negra ha marcado el camino para otras producciones. Por ejemplo, la miniserie Sirenas.

Miniserie de cinco episodios creada por Molly Smith Metzler, autora de la también miniserie de Netflix La asistenta, protagonizada por Margaret Qualley y su progenitora, Andie McDowell. En esta ocasión, Smith adapta aquí su obra teatral Elemeno Pea (2011) para construir un relato centrado en las relaciones familiares y las dinámicas de poder.

De qué va ‘Sirenas’

La historia sigue a Devon DeWitt, interpretada por Meghann Fahy (The White Lotus, The Bold Type), quien comienza a inquietarse por el vínculo que su hermana menor Simone (Milly Alcock) ha desarrollado con su nueva jefa. Se trata de Michaela Kell, interpretada por Julianne Moore. Socialité, activista por los derechos de los animales y amante de las aves, Michaela encarna una opulencia tan extrema que roza lo caricaturesco, al tiempo que esconde un carácter mucho más oscuro.

Impulsada por un instinto protector, Devon decide visitar a su hermana en la espectacular finca costera de los Kell. Ese fin de semana, que en principio parece una simple reunión, pronto se transforma en un escenario de enfrentamientos, revelaciones y tensiones. A medida que avanza la narración, la protagonista descubre que la influencia de Michaela va mucho más allá de lo que imaginaba, y que las relaciones dentro de ese entorno son más complejas —y peligrosas— de lo que aparentan. Junto a ellas, completan el reparto nombres como Kevin Bacon, Glenn Howerton, Bill Camp y Félix Solís.

La crítica opina

En plataformas de agregación de críticas como Rotten Tomatoes, Sirenas mantiene una acogida desigual que refleja bien sus propias contradicciones. La miniserie obtiene una valoración moderadamente positiva por parte de la crítica, con un 75% de puntuación.

“Sirenas, ingeniosamente escrita y bien dirigida, probablemente funcionaría independientemente de quién interpretara a estos personajes deliciosamente astutos, pero se ve enormemente beneficiada por la presencia de Julianne Moore como la etérea y manipuladora Michaela", escribió Neely Swanson, del medio Beverly Hills Courier. En cambio, no fue tan favorable para el público, que le dio un 56% de puntuación.

El documental profundiza en los asesinatos cometidos por Yiya Murano en la Argentina de fines de los setenta, donde envenenó a tres amigas para ocultar estafas económicas en un contexto dictatorial. El proyecto se distingue por incorporar testimonios inéditos, entre ellos los de Martín Murano, hijo de la acusada, y el periodista Chiche Gelblung, además de reconstrucciones de los hechos y el repaso de la condena judicial. Este enfoque busca desmontar versiones previas y plantea una revisión integral del fenómeno mediático en torno a la figura de Murano después de su liberación, en la década del noventa.

Previo a su llegada a la plataforma, la película tendrá una función exclusiva el 17 de abril a las 19 horas en el Cine Gaumont, en el marco del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI). Esta estrategia de estreno anticipado posiciona el film entre los títulos de alto perfil de la temporada argentina y refuerza la presencia de Netflix en festivales de cine locales con producciones propias.

El fenómeno Yiya Murano y el desembarco en Netflix

La decisión de Netflix de respaldar este relato se inscribe en una tendencia de la plataforma por incorporar narrativas documentales sobre crímenes reales argentinos, valiéndose del antecedente de títulos como “El fotógrafo y el cartero: El crimen de Cabezas” y “Carmel: ¿Quién mató a María Marta?”, ambas propuestas del mismo equipo creativo encabezado por Hartmann y Ragone. A este fenómeno se suman obras presentes en el catálogo local como “50 segundos: el caso Fernando Báez Sosa”, “Las mil muertes de Nora Dalmasso”, “María Soledad: El fin del silencio” y “Nisman: El fiscal, la presidenta y el espía”.

“Yiya Murano: Muerte a la hora del té traza una línea desde el crimen económico y la manipulación emocional de los 70 hasta el estrellato mediático que alcanzó la protagonista tras cumplir condena. La película integra entrevistas a protagonistas clave, reconstrucciones visuales y archivos que evidencian cómo el caso trascendió la crónica policial para convertirse en pieza de cultura pop argentina”, indicó la producción. El enfoque supera anteriores adaptaciones del caso al centrar el relato en testimonios directos y detalles inéditos, diferenciándose de los tratamientos previos.

Testimonios clave y estrategia de contenido original

El documental cuenta con la participación de Martín Murano, Horacio Romeo, José Massoni, Jorge Arona, Virginia Messi, Jorge Ávalos, Mariana Olivera Venturini, Eloy Ayala, Martín Olivera Venturini, Osvaldo Bazán, Rodolfo Palacios, Candelaria Botto, Fernando Cardini y Chiche Gelblung. El uso de relatos de familiares, periodistas y abogados aporta a Netflix un diferencial en la reconstrucción histórica y amplía el universo de fuentes respecto a otras producciones de la compañía en la región.

Quién fue Yiya Murano

Yiya Murano, cuyo nombre completo fue María Bernardina de las Mercedes Bolla Aponte de Murano, nació en Corrientes el 20 de mayo de 1930 y murió en Buenos Aires el 26 de abril de 2014. Se la conoce como “la envenenadora de Monserrat” y fue una de las criminales más famosas de la historia argentina.

Murano fue condenada por el asesinato de tres mujeres de su círculo íntimo: Nilda Gamba, Lelia “Chicha” Formisano y Carmen Zulema “Mema” del Giorgio de Venturini. Los crímenes ocurrieron entre febrero y marzo de 1979 en el barrio porteño de Monserrat. El método utilizado fue el envenenamiento con cianuro, disimulado en té y masas finas, aprovechando la confianza de sus víctimas, a quienes además les debía dinero.

La investigación determinó que las muertes no habían sido naturales, como se creyó en un principio, sino homicidios por envenenamiento. Murano fue detenida el 27 de abril de 1979. Su proceso judicial tuvo varias idas y vueltas: en 1982 fue absuelta y liberada por falta de pruebas, pero en 1985 la Cámara de Apelaciones revocó la absolución y la condenó a prisión perpetua por triple homicidio agravado por el uso de veneno y estafas.

Debido al beneficio del “dos por uno” (que permitía computar doble el tiempo de prisión preventiva sin condena firme), Yiya Murano cumplió 13 años de prisión efectiva. Salió en libertad en 1993 tras la conmutación de su pena durante la presidencia de Carlos Menem. Murió sola, en un geriátrico del barrio porteño de Belgrano, el 26 de abril de 2014.

Por el momento, “Yiya Murano: Muerte a la hora del té” se configura como el principal lanzamiento de no ficción del semestre en el mercado argentino dentro de la plataforma.

La plataforma Netflix suspendió el desarrollo de la biopic sobre la gimnasta Kerri Strug tras la renuncia de Millie Bobby Brown por diferencias creativas, una decisión que, según el portal especializado SensaCine, llevó a la cancelación definitiva del proyecto y generó impacto entre los seguidores de la actriz y del cine deportivo.

El proyecto sobre Kerri Strug: ambición y contexto

Perfect buscaba narrar la historia de Kerri Strug, la gimnasta estadounidense que logró una actuación memorable en los Juegos Olímpicos de Atlanta 1996.

Strug aseguró la medalla de oro por equipos para Estados Unidos tras ejecutar un salto de potro con el tobillo lesionado, una hazaña recordada por su dramatismo y exigencia física.

El guion pretendía analizar tanto el sacrificio personal como el contexto de presión mediática y social que rodeó su carrera, aportando una mirada a la vida de Strug más allá de la competencia.

La elección de Millie Bobby Brown para encarnar a Strug fue anunciada en septiembre de 2025, lo que despertó expectativas en la industria internacional. El papel representaba un giro en la carrera de Brown, reconocida por sus trabajos en géneros de ciencia ficción y aventura, y suponía su primer protagónico en una biografía deportiva.

Cambios en la dirección y desafíos creativos

El filme, producido bajo la supervisión de Netflix, inicialmente contaba con Gia Coppola como directora. Coppola, conocida por su sensibilidad en el retrato de personajes juveniles, estuvo a cargo durante la preproducción, pero a comienzos de este año fue reemplazada por Cate Shortland, directora australiana con experiencia en cine de acción y responsable de Viuda Negra (2021). Este relevo reflejó las dificultades para encontrar una visión artística común, un proceso que involucró ajustes en el guion y el enfoque narrativo.

La llegada de Shortland no logró resolver las tensiones entre la visión de la dirección y las expectativas de Brown y su equipo. Las diferencias en torno al tono del relato y la representación de eventos clave llevaron a que la protagonista decidiera abandonar el proyecto, lo que resultó determinante para su cancelación, de acuerdo con fuentes citadas por SensaCine y Deadline.

Netflix y la tendencia de biopics deportivas

La suspensión de Perfect se produce en un contexto en el que Netflix ha apostado por el género de biopics deportivas, con títulos recientes como Rustin, The Swimmers y Pelé: el nacimiento de una leyenda.

Estas producciones han buscado combinar el atractivo del drama personal con la recreación de momentos históricos del deporte. Sin embargo, la historia de Strug presentaba retos particulares, ligados a la reconstrucción de hechos reales y la sensibilidad frente a episodios de alto riesgo físico.

El caso de Perfect evidencia la complejidad de trasladar a la pantalla relatos basados en figuras del deporte, donde los desacuerdos creativos pueden desembocar en la suspensión de proyectos incluso tras avances en el casting y la preproducción. El impacto de la cancelación se extiende a los equipos técnicos y creativos que ya estaban involucrados en el desarrollo de la película.

Proyectos actuales y futuros de Millie Bobby Brown

A pesar de la cancelación de Perfect, la relación profesional entre Millie Bobby Brown y Netflix sigue activa.

La actriz británica debutó en la plataforma en 2016 con Stranger Things, serie que la catapultó a la fama internacional, y continuó su carrera en títulos como la saga Enola Holmes y la reciente Damsel (2024). Según SensaCine, Brown y Netflix tienen en desarrollo Enola Holmes 3, tercera entrega de la franquicia basada en los libros de Nancy Springer.

La permanencia de Brown en el catálogo de Netflix responde a una estrategia de la plataforma para consolidar figuras jóvenes con gran proyección global. Más allá de Enola Holmes, la intérprete ha manifestado su interés en explorar otros géneros y personajes, abriendo la puerta a futuras colaboraciones y proyectos originales.

Repercusiones en la industria y antecedentes de cancelaciones

La decisión de cancelar Perfect tras la salida de Brown resalta el peso que las estrellas principales tienen en la viabilidad de los proyectos audiovisuales. En la última década, varios estudios y plataformas han enfrentado situaciones similares, donde la marcha de un actor o actriz principal motivó la suspensión de películas en diferentes etapas de desarrollo. Este fenómeno refleja la creciente interdependencia entre la imagen de las celebridades y el respaldo financiero y creativo de los proyectos.

En términos industriales, la cancelación también supone un ajuste en la agenda de estrenos de Netflix y afecta a los profesionales involucrados, desde el guion hasta la dirección de arte. No obstante, la plataforma mantiene una oferta robusta de contenido original y continúa apostando por historias basadas en hechos reales, incluyendo biografías, documentales y dramas inspirados en personajes históricos.

Millie Bobby Brown, por su parte, ha consolidado una trayectoria ascendente, diversificando su carrera y posicionándose como una de las figuras más demandadas en la industria del entretenimiento digital. Mientras Perfect no verá la luz, la actriz sigue adelante con nuevos desafíos y proyectos que refuerzan su colaboración con Netflix y su presencia en el cine internacional.

La posibilidad de la entrada en vigor de una ley que establezca que los partidos de la Selección Mexicana de Futbol sean transmitidos por televisión abierta resurge en un momento de inflexión en la industria.

El martes se anunció un convenio de exclusividad entre la Confederación de Norteamérica, Centroamérica y el Caribe de Futbol (Concacaf) y Netflix que dejó fuera del juego a Televisa y TV Azteca, televisoras que hasta 2025 habían compartido derechos de transmisión.

Un acuerdo de 60 millones de dólares

La plataforma de contenido streaming informó en sus cuentas oficiales que a partir de 2027 la Selección Mexicana tendría nueva casa. Mediante un comunicado, se detalló que las próximas dos ediciones de la Copa Oro y las Finales de la Liga de Naciones de Concacaf serán transmitidas exclusivamente por Netflix.

Según Récord, la operación se concretó tras una oferta de 60 millones de dólares que no fue igualada por las televisoras mexicanas.

Morena busca cambiar las reglas del juego

Carlos Ponce de León, periodista y director del diario Récord, informó que Movimiento de Regeneración Nacional (Morena) evalúa impulsar una iniciativa de ley para que el “aficionado mexicano no tenga que pagar para ver a la Selección”.

Durante su participación en el pódcast Infiltrados, subrayó que la medida va en contrasentido a los intereses de la Concacaf y la Federación Mexicana de Futbol.

“Viene desde la esfera política, particularmente desde el grupo de Morena, para que ya esté reglamentado por las leyes de nuestro país que la Selección Mexicana debe pasar por televisión abierta. Es decir, que el aficionado mexicano no tenga que pagar para ver a la Selección. Esto va a entrar en conflicto directo por el tema de la venta de Concacaf, de sus derechos a Netflix”.

Un juego donde el aficionado no gana

Carolina Leconte, ejecutiva de Netflix, subrayó que el acuerdo se alinea con una estrategia de contenido enfocada en apostar por la transmisión de eventos deportivos en vivo.

Por su parte, Philippe Moggio, secretario general de la Concacaf, indicó que el convenio busca acercar las competencias a más aficionados mediante nuevas plataformas.

No obstante, para Carlos Ponce de León, la operación afecta directamente al aficionado mexicano.

“Me parece que nosotros, como comunicadores, como un enlace entre el protagonista del juego y la afición, tendríamos que estar del lado de la afición. La selección tiene que ser gratis”.

Partidos de la Selección Mexicana: negocio poco atractivo para televisora y caro para el aficionado

En 2025, Televisa transmitió en exclusiva la Copa Oro luego de que TV Azteca no pujara por los derechos. Ricardo Salinas Pliego, presidente de Grupo Salinas, indicó en X —antes Twitter— que el acuerdo era inviable económicamente.

“Eran demasiado caros para tan malos partidos. Además, nos va a servir para hacer un pequeño experimento en redes sociales con mi equipo de narradores”, indicó el empresario.

Aunque TV Azteca no televisó los juegos, no se quedó al margen. Christian Martinoli y Luis García narraron en vivo los partidos de la Selección Mexicana en su canal de YouTube.

En sus propias palabras, el experimento fue exitoso a pesar de las limitaciones legales que impedían que nombraran oficialmente el torneo.

Sus transmisiones tuvieron una audiencia promedio de entre 200 mil y 400 mil personas. Además de monetizar, el canal incluyó patrocinios con diferentes marcas.

La aceptación que tuvo la transmisión contrastó con críticas por la excesiva publicidad en Televisa.

Recientemente, los partidos de preparación de la selección ante sus similares de Portugal y Bélgica volvieron a centrar la conversación digital en las innumerables pautas comerciales.

Postura de Morena

Al margen, en los últimos años, la fragmentación de derechos de transmisión de clubes de la Liga MX ha tenido un impacto directo en el aficionado.

Para ver todos los partidos de la Liga MX, un televidente en México necesita desembolsar entre $400 y más de $900 pesos mexicanos mensuales en suscripciones de streaming y televisión de paga.

Hasta el momento, ningún representante de Morena se ha pronunciado públicamente sobre una potencial iniciativa de ley para que todo partido de la Selección Mexicana sea transmitido gratuitamente en televisión abierta.

En esta etapa que concluye, el personaje central se ve forzado a redefinir su vida cotidiana. La convivencia junto a Matías, interpretado por Esteban Lamothe, y el arribo de Bruno, el hijo de nueve años de Matías, abren un escenario familiar completamente distinto para Vicky. Las nuevas dinámicas, sumadas a la presencia de Nora —la madre del niño—, desencadenan desafíos que la enfrentan tanto a su presente como a recuerdos de su propia infancia.

La trama profundiza en la maternidad desde una perspectiva inesperada. El guion, escrito por Carolina Aguirre, avanza con Vicky que intenta adaptarse al rol de madrastra y pareja, y al mismo tiempo surgen tensiones con personajes del pasado y con los lazos afectivos que ha construido a lo largo de la serie. Un elemento disruptivo lo aporta Nicolás (Benjamín Vicuña) quien reaparece en su vida profesional con un proyecto soñado, removiendo antiguas emociones.

La última temporada pone el foco en la transformación de los vínculos familiares y en la aceptación de una realidad diferente a la proyectada. Vicky descubre que la familia puede ser una construcción elegida y no sólo una imposición de la biología o la historia personal.

El guion explora la complejidad de los afectos, las contradicciones del amor y la maternidad, y la necesidad de reinventarse ante lo desconocido.

Para quienes se preguntan por qué la historia de Envidiosa llega a su fin en este momento, la respuesta se encuentra en la evolución natural de los personajes y en la decisión de sus creadores de cerrar el ciclo respetando la autenticidad del relato. La serie fue pensada desde el inicio como una narración con principio y desenlace, y la cuarta temporada representa la oportunidad de despedir a Vicky en un punto de madurez y transformación.

La propuesta visual de la temporada mantiene la impronta de las entregas anteriores. La dirección, en manos de Daniel Barone y Alejandro Ibáñez, sostiene un ritmo ágil y un humor sutil, equilibrando momentos de comedia y emoción. El trabajo de fotografía de Guillermo Zappino y la música original de Juan Blas Caballero refuerzan la identidad de la serie, mientras que el diseño de arte y vestuario aportan detalles reconocibles para el público.

El elenco vuelve a reunir nombres centrales como Pilar Gamboa, Violeta Urtizberea, Marina Bellati, Bárbara Lombardo, Lorena Vega, Susana Pampín y Adrián Lakerman. La temporada suma participaciones especiales de Julieta Cardinali, Benjamín Vicuña, Leticia Siciliani, entre otros, ampliando el universo de personajes que acompañan a Vicky en su recorrido final.

En las redes sociales, la expectativa crece entre seguidores que han acompañado la historia desde sus inicios. La cuenta oficial de Netflix en Argentina y los perfiles de sus protagonistas comparten avances, imágenes y fragmentos que anticipan el tono agridulce de la despedida.

Los creadores de Envidiosa apuestan a un cierre donde el humor y la melancolía se entrelazan, dejando espacio para que el espectador reconstruya junto a Vicky el sentido de lo cotidiano y la importancia de elegir, una y otra vez, con quién compartir la vida.

La ausencia de Phoebe Dynevor en las temporadas más recientes de Bridgerton no ha pasado desapercibida para los seguidores de la serie. Desde su papel protagónico en la primera entrega, la actriz británica se convirtió en uno de los rostros más reconocibles del fenómeno de Netflix, lo que intensificó las dudas sobre su alejamiento de la historia.

En una entrevista reciente en el podcast Ladies Night de Collider, la actriz explicó que el motivo de su ausencia es, en realidad, bastante simple: sigue esperando una oferta concreta para volver.

De casi abandonar la actuación al éxito global

Bridgerton marcó un punto decisivo en la carrera de Phoebe Dynevor. Según relató en el podcast, el proyecto de Shondaland llegó justo cuando estuvo a punto de abandonar la actuación tras no conseguir oportunidades en Estados Unidos.

Luego de su paso por la serie Younger (2015), la actriz se trasladó a Los Ángeles con la intención de impulsar su carrera. Sin embargo, la experiencia resultó frustrante. “Estuve allí cerca de un año, haciendo audiciones e intentando conseguir trabajo, y no conseguí nada”, recordó.

La falta de resultados la llevó a planear su regreso al Reino Unido. Fue entonces cuando apareció la oportunidad que cambiaría su vida. “Hice una audición en video desde Los Ángeles para ‘Bridgerton’… y unos meses después recibí una llamada”, contó. “Luego llamé a mis padres y les dije: ‘Voy a volver a casa, pero Netflix me pagará el vuelo’. Fue un momento muy loco”.

En la primera temporada, estrenada en diciembre de 2020, Dynevor interpretó a Daphne Bridgerton, la hija mayor de la influyente familia que protagoniza la serie. Su historia de amor con el duque de Hastings, interpretado por Regé-Jean Page, fue el eje central de la narrativa inicial.

El éxito fue inmediato y la colocó en el centro de la escena internacional. No obstante, su presencia en la serie se redujo de forma notable en la segunda temporada, donde tuvo una breve aparición, y luego desapareció por completo en las entregas posteriores.

Consultada por ese cambio, Dynevor explicó: “Cuando salió la primera temporada, no sabían bien qué era lo que necesitaban poner en marcha. Así que, en cierto modo, fuimos como los que se quedaron fuera. Solo puedo hablar por mí: siempre volvería si me lo pidieran”.

La actriz también precisó: “Solo diré que no he recibido una llamada. Y cuando tenga esa llamada, estaré ahí si puedo”.

El futuro en “Bridgerton” sigue abierto

La disposición de Dynevor a regresar coincide con las recientes declaraciones de la showrunner Jess Brownell. En diálogo con PEOPLE por el estreno de la temporada 4, señaló que todavía no existen propuestas concretas para recuperar a las estrellas de la primera entrega.

“Me encantaría algún día tener a todos los protagonistas de vuelta. Sería significativo, especialmente cuando pienso en las historias de Hyacinth y Gregory”, afirmó. “No he hablado con Regé sobre eso. Las conversaciones no han ocurrido, pero las ideas están ahí”.

Tras su paso por la serie, Dynevor enfocó su carrera en el cine y exploró distintos géneros. Uno de los proyectos más destacados ha sido Fair Play, al que ella misma atribuye un papel clave en su evolución profesional. El filme incluso le valió una nominación al premio BAFTA Rising Star.

A este título se suman producciones como Anniversary, el thriller de acción Thrash (Embestida) y la futura adaptación de Beach Read, que marcará su regreso al romance.

“Siempre es divertido volver al mundo del romance… no lo hacía desde Bridgerton, realmente”, comentó en el podcast.

En este caso, la propuesta se presenta como una combinación de thriller de supervivencia y cine de catástrofes en la que un pequeño pueblo de Carolina del Sur experimenta una inundación devastadora provocada por un huracán, y la situación se agrava con la aparición de tiburones agresivos arrastrados por las aguas.

El enfoque del director y guionista Tommy Wirkola, conocido por largometrajes como Zombies Nazis y Noche de paz, tiene un carácter ‘autoconsciente’, lúdico y juguetón, como debe ser. En definitiva, no tomarse nada demasiado en serio.

Un huracán, una inundación... y tiburones

El filme sitúa la acción en Annieville, una localidad ficticia que enfrenta la llegada del huracán Henry mientras parte de sus habitantes, por diferentes circunstancias personales, no han podido evacuar a tiempo. Entre los protagonistas centrales se encuentran Dakota (Whitney Peak), joven marcada por la agorafobia tras la muerte de su madre; Lisa (Phoebe Dynevor, la primera protagonista de Los Bridgerton), embarazada y forzada a trabajar el mismo día de la evacuación; el biólogo marino Dale (Djimon Hounsou), que intenta llegar hasta su sobrina Dakota; y tres hermanos acogidos en una casa junto al pantano, bajo el cuidado de un padre de acogida negligente. La estructura de personajes está orientada a lograr que el espectador empatice con su lucha por sobrevivir a una doble amenaza: el fenómeno meteorológico y la inesperada irrupción de los depredadores marinos.

Con una duración de 86 minutos, Embestida tiene un ritmo ágil e integra efectos prácticos con recursos digitales mínimos (el filme combina efectos físicos, imágenes de archivo de fenómenos meteorológicos y el uso medido de gráficos por ordenador) para recrear la inundación y las escenas de tensión.

La producción, originalmente destinada al estreno en cines y finalmente lanzada directamente en la plataforma de streaming tras ser descartada por Sony Pictures, funciona como película de desastres y, aunque adolece de cierta irregularidad en su ejecución, logra ofrecer el entretenimiento esperado en su género.

Embestida comienza en medio del desastre, con el huracán Henry acercándose a la localidad costera y los protagonistas enfrentándose a situaciones límite. El huracán, que intensifica su fuerza de forma repentina, hasta el punto de que un personaje afirma que debería llamarse “huracán Ted Bundy”, por su fuerza asesina, permite articular secuencias donde los residentes luchan por sobrevivir mientras el agua sube y aparecen los tiburones. Destaca el recurso argumental del camión de carne volcado, cuyo contenido se dispersa en la inundación y sirve de excusa narrativa para atraer a los escualos a la zona.

Cuando lo importante es la diversión

El público objetivo comprende desde el primer momento las claves del filme, “absurdo pero disfrutable”, repleto de licencias argumentales como que Lisa de a luz en medio de la inundación mientras combate con los tiburones.

El guion integra referencias explícitas sobre la frecuencia, intensidad y duración de los huracanes desde 1980, citando datos de la Agencia Nacional Oceánica y Atmosférica (NOAA) de Estados Unidos, e introduce una dimensión vinculada al cambio climático, aunque no la desarrolla en profundidad.

Uno de los personajes, el biólogo Dale, especializado en tiburones, se enfrenta a la sorpresa de la presencia masiva de escualos, incluido un gran tiburón blanco hembra en estado avanzado de gestación. Pero todo eso da un poco lo mismo, porque la película privilegia el espectáculo y el humor ‘autoparódico’ sobre cualquier enfoque realista o de denuncia ambiental. Una ‘shark movies’ en toda regla.

La llegada del streaming al futbol mexicano marca un cambio de época. A partir de 2027, los aficionados podrán ver la Copa Oro y la Liga de Naciones de la Concacaf de manera digital, tras el acuerdo millonario entre la confederación y Netflix, una de las empresas líderes del sector.

Este movimiento no sólo revoluciona la forma de consumir partidos de la Selección Mexicana, sino que también sella el fin de una era dominada por la televisión tradicional en los torneos regionales.

El contrato, que garantiza la transmisión de los principales torneos de selecciones masculinas, incluirá el acceso en exclusiva para el mercado mexicano y refleja la importancia mediática del futbol de selecciones en el país.

El acuerdo millonario entre Concacaf y el streaming

De acuerdo con la información adelantada por el periodista y columnista David Medrano, la Confederación de Norteamérica, Centroamérica y el Caribe de Futbol (Concacaf) y Netflix habrían cerrado un trato histórico para los próximos cuatro años:

• La cifra acordada por los derechos de transmisión de cuatro torneos (dos ediciones de la Copa Oro y dos de la Liga de Naciones) ascendería a los 60 millones de dólares.
• El contrato abarca las ediciones 2027 y 2029 de ambos torneos masculinos.
• Incluiría la participación de la Selección Mexicana en todas las competencias.

El acuerdo representaría uno de los pagos más altos por derechos deportivos en la región, subrayando el valor del mercado mexicano.

¿Qué cambia para los aficionados mexicanos?

A partir de 2027, los seguidores de la Selección Mexicana podrán ver los partidos de la Copa Oro y la Liga de Naciones directamente en la plataforma, sin costo adicional más allá de la suscripción regular.

• Los encuentros serán accesibles desde cualquier dispositivo: celulares, computadoras y Smart TV.
• La transmisión en streaming elimina la necesidad de contratar televisión de paga o depender de señales abiertas.
• Se espera que los partidos lleguen con calidad de imagen mejorada, funciones interactivas y disponibilidad multidispositivo.

De esta manera, la alianza implica una transición tecnológica para el público, que tendrá la oportunidad de vivir el futbol de selecciones en un entorno digital y personalizado.

Impacto para la industria y el calendario del futbol mexicano

• El contrato entre Concacaf y Netflix desplaza por primera vez a la televisión tradicional de la transmisión de ambas competencias.
• La relevancia de estos torneos en el calendario implicará ajustes en la programación de la Liga MX: las fechas de los cuartos de final de la Liguilla podrán moverse para dar prioridad a semifinales internacionales.
• Directivos de la industria podrían considerar que estos acuerdos abren la puerta a más contratos similares para otros deportes y competencias.

Así, la apuesta por el streaming redefine la competencia en el mercado de derechos deportivos y anticipa un futuro donde las grandes plataformas digitales serán protagonistas de las transmisiones en vivo de los eventos más importantes del futbol.

Dirección creativa y aportes de nuevas voces

Este nuevo proyecto surge de la colaboración entre productoras como CBS Studios y Anonymous Content, con Rebecca Sonnenshine como showrunner y productora ejecutiva. Esta dirección marca una diferencia clara respecto a versiones anteriores: cada episodio contará con la dirección de cineastas distintas como Sarah Adina Smith, Julie Anne Robinson, Kat Candler, Erica Tremblay y Sydney Freeland. La variedad técnica y creativa fomenta estilos narrativos distintos y perspectivas variadas sobre el mismo universo literario, buscando alejarse de la visión unidimensional de la versión clásica.

La decisión de alternar la dirección de cada capítulo responde a una tendencia reciente en grandes producciones que buscan captar sensibilidades de públicos diversos. Netflix espera así conectar tanto con los espectadores nostálgicos de La familia Ingalls como con nuevas generaciones, para quienes la pluralidad de puntos de vista es esencial en la ficción actual. La casa de la pradera se presenta como una mezcla de drama familiar, historia de supervivencia e historia del surgimiento del oeste estadounidense, dando mayor profundidad al retrato de los desafíos en la frontera del siglo XIX.

El principal rostro de esta versión es Alice Halsey, quien interpreta a Laura Ingalls, acompañada por Luke Bracey en el papel de Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls. El casting privilegia nuevos talentos, en línea con el propósito de dar una identidad contemporánea y global a la narrativa original, basada en los libros autobiográficos de Laura Ingalls Wilder publicados en la década de 1930.

Una reinterpretación de un clásico y una apuesta por la exclusividad

La llegada de La casa de la pradera a Netflix tiene un peso significativo en la industria televisiva. Se trata de la primera adaptación considerada original para una plataforma de streaming, alejándose tanto de la reconocida serie de NBC (1974-1983), conocida como La familia Ingalls en Argentina y buena parte de Latinoamérica, como de las versiones cinematográficas y remakes anteriores. El hecho de que el estreno sea exclusivo para un servicio de video bajo demanda marca una diferencia respecto a las transmisiones abiertas de décadas pasadas y responde a la competencia actual por captar suscriptores a través de contenidos emblemáticos reinventados.

La serie se posiciona como un lanzamiento estratégico para Netflix durante el verano del hemisferio norte, una época de alta competencia para las plataformas de streaming. Esta iniciativa busca revitalizar franquicias de reconocimiento inmediato, evitando la nostalgia pasiva y promoviendo una historia que, aunque basada en hechos reales y relatos familiares del siglo XIX, aborda problemas y dinámicas con resonancia en el presente.

El relato original mostró durante años las dificultades y logros de quienes forjaron la frontera. Ahora, este reinicio pretende ampliar esa visión y ofrecer una propuesta que, de acuerdo con la sinopsis oficial, es “caleidoscópica” respecto a las luchas y logros de los pioneros estadounidenses. El uso de ese término resalta la intención de multiplicidad y complejidad de enfoques dentro de la serie.

Impacto en la audiencia y reconstrucción del legado

Para quienes crecieron viendo La familia Ingalls, esta nueva serie implica tanto un reencuentro nostálgico como la oportunidad de observar temas conocidos desde perspectivas diferentes. A nivel técnico, la estrategia de renovación de elenco y dirección puede generar debate entre quienes defienden la versión clásica y aquellos que buscan historias más diversas.

La duración de la serie original (1974-1983) y su éxito mundial como drama familiar establecieron un estándar elevado para cualquier reinterpretación. La difusión del tráiler y la sinopsis por parte de Netflix revela el interés en posicionar la franquicia como un vínculo entre generaciones. Sin embargo, la apuesta por la pluralidad de enfoques también conlleva riesgos: la diversidad en la realización puede agregar riqueza, pero también desafía la cohesión del relato ante audiencias acostumbradas a formatos familiares más convencionales.

Con el estreno programado para el 9 de julio, será el público quien determine el impacto real de esta nueva versión en la memoria cultural, especialmente tratándose de una historia distribuida globalmente y con una audiencia multigeneracional. La adaptación busca revitalizar valores clásicos enfrentándolos a retos actuales, manteniendo la esencia autobiográfica y épica que convirtió a La familia Ingalls en un capítulo imprescindible en la historia de la televisión.

Concacaf y Netflix alcanzaron un acuerdo para México que llevará a la plataforma las próximas ediciones de la Copa Oro y las Finales de la Liga de Naciones.

El convenio, con duración de cuatro años, marca un cambio en la forma en que se consumirán estos torneos de selecciones nacionales en el país.

A partir de 2027, ambas competencias estarán disponibles exclusivamente en streaming para el público mexicano, como parte de una estrategia que busca ampliar el alcance del futbol de la región.

Netflix será la nueva casa del futbol de Concacaf en México

El acuerdo contempla los derechos de transmisión en México para las ediciones 2027 y 2029 de la Copa Oro y las Finales de la Liga de Naciones de Concacaf.

Con esto, Netflix se convertirá en la plataforma donde los aficionados podrán seguir estos torneos, que reúnen a las principales selecciones nacionales masculinas de la región. La alianza aplica únicamente para territorio mexicano.

La edición 2027 de la Liga de Naciones se disputará en marzo en el SoFi Stadium de Los Ángeles, con la participación de los cuatro ganadores de los cuartos de final. Por su parte, la Copa Oro de ese mismo año contará con 16 selecciones y se jugará en verano para definir al campeón regional.

Un acuerdo que apuesta por el streaming en vivo

Desde Concacaf, su secretario general Philippe Moggio destacó que el convenio busca acercar las competencias a más aficionados mediante nuevas plataformas.

“Estamos muy emocionados de asociarnos con Netflix para México mientras continuamos fortaleciendo la forma en que los aficionados se conectan con nuestras principales competencias”, señaló.

Por su parte, Carolina Leconte explicó que la compañía ha incrementado su apuesta por eventos en vivo, especialmente aquellos ligados al futbol, por su capacidad de convocatoria.

“Los partidos de selecciones nacionales de Concacaf reúnen a millones de aficionados en México. Nos llena de emoción que podrán vivir estos torneos exclusivamente a través de Netflix”, indicó.

El reciente estreno de Embestida en Netflix ha generado un impacto mundial inmediato: en solo dos días en la plataforma, la película ha alcanzado el puesto número uno en 91 países, convirtiéndose en la producción más vista a nivel global. Dirigida y escrita por Tommy Wirkola, y protagonizada por Phoebe Dynevor, reconocida por su papel en Los Bridgerton, y Djimon Hounsou, la cinta narra cómo un devastador huracán y una horda de tiburones amenazan a un pequeño pueblo costero australiano. Aunque ha recibido críticas negativas tanto de especialistas como de espectadores, su éxito en la plataforma de streaming evidencia el interés del público por el cine de catástrofes y los thrillers centrados en animales, incluso cuando la calidad narrativa resulta cuestionable.

El fenómeno Embestida y sus cifras destacadas

En su primer día, Embestida ya ocupaba el primer puesto en 90 países, según datos de la consultora FlixPatrol, cifra que aumentó a 91 en solo 24 horas. Con una duración de apenas 85 minutos, la película atrajo a millones de suscriptores que buscan entretenimiento rápido y directo. Sin embargo, su éxito no fue global, ya que solo en Taiwán, Japón y Corea del Sur fue superada por otros títulos.

No es la primera vez que una película con temática similar alcanza cifras impresionantes en la plataforma: hace dos años, la producción francesa En las profundidades del Sena cautivó a la audiencia con su mezcla de thriller urbano y terror marítimo, llegando a ser la segunda película de habla no inglesa más vista en la historia de Netflix, solo por detrás de Trol. Embestida sigue este mismo patrón, demostrando que el interés por los thrillers de tiburones continúa siendo relevante.

Diferencias entre popularidad y críticas negativas

A pesar del alto número de visualizaciones, tanto la crítica especializada como el público han dejado claro su descontento con la película. Embestida ha recibido apenas un 30% de valoraciones positivas por parte de los usuarios en Rotten Tomatoes y no logra convencer a la prensa, con un promedio entre el 35% y el 37% de críticas favorables. En IMDB, la película alcanza solo 5,3 sobre 10, mientras que en Letterboxd la calificación promedio es de 2,23 sobre 5. Entre las principales críticas se mencionan la falta de tensión y la incapacidad de la cinta para generar una conexión emocional con los espectadores.

Sitios especializados señalan que el mayor problema de la película es que todo resulta increíblemente flojo, y no tanto que los personajes actúen de manera poco inteligente. Incluso con la participación de actores reconocidos como Dynevor y Djimon Hounsou, la historia no consigue desarrollar vínculos con la audiencia. La subtrama sobre el embarazo de Dakota, interpretada por Whitney Peak, carece de profundidad. Todo ello no ha impedido que el público la vea en masa, probablemente atraído por la promesa de una experiencia intensa y fuera de lo habitual.

Razones detrás del éxito de consumo masivo

El caso de Embestida muestra cómo la popularidad de ciertos títulos en plataformas digitales depende más de la premisa y el marketing que de la originalidad del guion o la calidad de su realización. Sony, productora de la película, había planeado su estreno en salas de cine. Sin embargo, previsiones de una recepción fría llevaron a la compañía a vender los derechos a Netflix, repitiendo la estrategia utilizada antes con Las guerreras K-Pop. El resultado ha sido un éxito rotundo en términos económicos para Sony y de audiencias para Netflix, que continúa ampliando su catálogo de éxitos globales en el género de catástrofes. El público parece sentirse atraído por la combinación de desastres naturales y amenazas animales: un huracán de categoría 5, tiburones descontrolados y ciudades inundadas conforman un atractivo indudable para quienes buscan thrillers breves, efectos especiales vistosos y sobresaltos asegurados.

Esta tendencia abre preguntas sobre la relevancia real de la crítica en la era del consumo bajo demanda y sobre la influencia del algoritmo en la elección de contenidos. La historia de Embestida, con su éxito apabullante a pesar de la baja valoración y las comparaciones desfavorables con clásicos como Tiburón, sugiere que el público está dispuesto a pasar por alto las debilidades argumentales a cambio de entretenimiento inmediato y estímulos fuertes.

Implicaciones culturales y respuesta del público en general

La recepción masiva de Embestida pone en evidencia una paradoja: mientras que expertos y aficionados al cine señalan las deficiencias técnicas y narrativas de la producción, millones de personas la han convertido en un evento social dentro de la dinámica de memes y redes sociales. Las imágenes de tiburones invadiendo calles inundadas y personajes corriendo entre ruinas han alimentado la conversación en internet y fomentado el consumo colectivo. La película llega en un contexto de mayor demanda de contenido breve, intenso y fácil de compartir.

Su corta duración, sumada a una estructura predecible pero funcional, contribuye a su éxito como una opción para maratones o para una noche de entretenimiento sin mayores expectativas. En cierto modo, Embestida refleja el interés global por el espectáculo audiovisual, donde la espectacularidad y la facilidad de acceso pesan más que la innovación o la profundidad narrativa. En definitiva, el fenómeno destaca los contrastes entre la industria tradicional del cine, que habría esperado probablemente un éxito discreto en taquilla, y el mundo del streaming, donde los datos de consumo pueden transformar una película rechazada por la crítica en un éxito rotundo.

Esta nueva adaptación se diferencia de otras versiones previas por su estructura industrial: CBS Studios y Anonymous Content se encargan de la producción, con Rebecca Sonnenshine como showrunner y un equipo directivo en el que figuran Sarah Adina Smith, Julie Anne Robinson, Kat Candler, Erica Tremblay y Sydney Freeland, cada una al frente de al menos un episodio. El conjunto de ejecutivos asociados a la puesta en marcha incluye a Joy Gorman Wettels (Joy Coalition), Trip Friendly (Friendly Family Productions) y Dana Fox.

Como dato comparativo de industria, el proyecto se distancia de la icónica versión televisiva supervisada por NBC entre 1974 y 1983, conocida en Argentina como “La familia Ingalls” —que se extendió a lo largo de nueve temporadas en señal abierta— al concretar su primer lanzamiento directo a plataforma SVOD, convirtiéndose en la primera iteración de “Little House on the Prairie” desarrollada como original de Netflix. La serie adapta los libros publicados entre 1932 y 1943 —con un título póstumo editado en 1971— sumando así material literario de más de ocho décadas a su catálogo.

Dirección creativa y apuesta de casting para la franquicia

Las primeras imágenes reveladas por Netflix muestran a Alice Halsey como protagonista en el rol de Laura Ingalls, acompañada por Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes en el papel de Mary Ingalls. La estrategia de casting sitúa perfiles emergentes en puestos centrales, en línea con el reposicionamiento de la franquicia hacia nuevas audiencias.

Según la sinopsis oficial compartida en ambos medios, este relanzamiento se presenta como “parte drama familiar, parte relato épico de supervivencia y parte historia de origen del oeste estadounidense”, lo que señala un giro hacia una lectura multidimensional del material fuente. El texto destaca que la producción ofrece “una visión caleidoscópica de las dificultades y logros de quienes formaron la frontera”, fórmula con la que se busca anclar la propuesta en una narrativa expandida respecto a la serie clásica.

La historia original

La familia Ingalls se estrenó en Estados Unidos el 11 de septiembre de 1974. La serie estuvo protagonizada por Michael Landon en el papel de Charles Ingalls, Karen Grassle como Caroline Ingalls, Melissa Gilbert como Laura Ingalls y Melissa Sue Anderson como Mary Ingalls. El programa finalizó el 21 de marzo de 1983, luego de nueve temporadas al aire.

Un dato distintivo es que la serie se basó en los libros autobiográficos de Laura Ingalls Wilder, lo que permitió que varios episodios incorporaran hechos reales de la vida de la familia en la frontera estadounidense del siglo XIX. Además, “La familia Ingalls” se convirtió en un clásico de la televisión mundial, transmitiéndose en docenas de países y manteniendo popularidad a través de repeticiones durante décadas.

Rebecca Sonnenshine figura como showrunner y productora ejecutiva de la nueva versión, respaldada por Joy Gorman Wettels, Trip Friendly y Dana Fox. La selección de una directora distinta por episodio —Smith, Robinson, Candler, Tremblay, Freeland— constituye un elemento técnico diferenciador, al favorecer la diversidad de estilos narrativos en una saga literaria interpretada históricamente desde una óptica monolítica.

La fecha de lanzamiento es el 9 de julio en exclusiva en Netflix convierte al reboot en un estreno estratégico para la plataforma. La decisión responde tanto al calendario competitivo como a la búsqueda de revitalizar franquicias reconocibles con una óptica renovada para la audiencia global.

La carrera de Phoebe Dynevor despegó cuando la conocimos protagonizando Los Bridgerton. La popular serie de romance de Netflix sobre esta familia aristocrática se inauguró con su personaje, Daphne, y su historia con el Duque, interpretado por Regé-Jean Page, en diciembre de 2020. Sin embargo, eso fue todo. A diferencia de los actores que dan vida a esta familia, como Jonathan Bailey en el papel de Anthony, Claudia Jessie como Eloise o incluso Luke Thompson y Nicola Coughlan como Colin y Penelope, respectivamente, que han mantenido una presencia constante en la ficción, Dynevor desapareció tras su temporada protagonista.

Tras años de incógnitas sobre su ausencia, la actriz por fin ha respondido a esto en el podcast Collider Ladies Night, aclarando que no es que haya decidido abandonar la ficción, sino que directamente no la llaman. “Siempre volvería si me lo pidieran... No he recibido ninguna llamada y, cuando la reciba, estaré allí si puedo”, ha respondido, reavivando así las esperanzas de los fans de verla de nuevo en la ficción, cuya última vez fue una aparición muy breve en la temporada 2.

A partir de ahí, la intérprete británica ha centrado su carrera en nuevos proyectos lejos del universo creado por Julia Quinn, buscando consolidarse en registros más complejos. Uno de ellos es Juego limpio (Fair Play). El filme de 2023, disponible en Netflix, la sitúa en un terreno mucho más oscuro y exigente, muy alejado del romanticismo de época que la dio a conocer.

Dirigida por Chloe Domont y coprotagonizada por Alden Ehrenreich (¡Ave, César!), la película narra la historia de Emily y Luke, una pareja que trabaja en el mismo fondo de inversión y que mantiene su relación en secreto. Todo se complica cuando ambos optan a un mismo ascenso, lo que desencadena una escalada de tensión que pone en jaque tanto su relación como su estabilidad emocional. “No es realmente una película sobre el empoderamiento femenino. Es una película sobre la fragilidad masculina”, dijo su directora a Entertainment Weekly.

Las dinámicas de poder, en el trabajo y en la pareja

El resultado es un thriller erótico que indaga en las dinámicas de poder dentro de la pareja y en cómo el éxito profesional puede convertirse en una amenaza cuando entra en conflicto con el ego y la ambición. La química entre sus protagonistas y el enfoque incómodo de la directora han sido dos de los aspectos más celebrados por la crítica.

Para la cineasta, el foco está en cómo las inseguridades de Luke se activan cuando su pareja asciende profesionalmente, desencadenando una dinámica tóxica. “Quería mostrar cómo un ambiente de trabajo tóxico puede alimentar la toxicidad de una relación y viceversa. Se convierte en un ciclo del que no puedes escapar”, señaló al citado medio.

Según Rotten Tomatoes, Juego limpio alcanza un 86% de valoraciones positivas con más de 230 reseñas por parte de la crítica, lo que le ha valido el distintivo “Certified Fresh”. “El reparto es fascinante y las reflexiones sobre las prioridades perniciosas de personas que conocen el precio de todo y el valor de nada en absoluto pintan un panorama de la traición corporativa moderna”, escribió Rex Reed en Observer.

El avance difundido muestra imágenes de la familia en su travesía, mientras una narración recuerda: “Ma y Pa y Mary y Laura dejaron los grandes bosques de Wisconsin y se mudaron a la pradera, donde una nueva vida los esperaba”. La serie promete ofrecer una mirada renovada sobre las aventuras cotidianas y los desafíos que enfrentaron los pioneros en el oeste estadounidense.

Elenco y equipo detrás de la adaptación

La ficción cuenta con Alice Halsey en el papel de Laura Ingalls, Luke Bracey como el patriarca Charles y Crosby Fitzgerald como Caroline, la madre de familia. Skywalker Hughes interpretará a Mary, la hermana de Laura.

Rebecca Sonnenshine, reconocida por su trabajo en “The Boys”, asume la responsabilidad de showrunner y productora ejecutiva. El equipo de dirección está integrado por Sarah Adina Smith, Julie Anne Robinson, Kat Candler, Erica Tremblay y Sydney Freeland, quienes dirigirán distintos episodios, aportando estilos diversos a la narrativa.

Una historia de familia y supervivencia

La nueva versión de La familia Ingalls retoma los relatos semi-autobiográficos de Laura Ingalls Wilder, publicados originalmente en la década de 1930. Según la sinopsis difundida, la serie será “parte drama familiar esperanzador, parte relato épico de supervivencia y parte historia de los orígenes del Oeste estadounidense”.

El proyecto es una coproducción de CBS Studios y Anonymous Content, y fue aprobado por Netflix tras varios años de trabajo conjunto con lo que anteriormente era Paramount TV Studios. Además, la obra original ya había inspirado una célebre serie de televisión emitida entre 1974 y 1983.

Qué esperar del estreno en Netflix

La adaptación, que busca captar tanto a nuevos espectadores como a nostálgicos de la versión anterior, propone explorar “las luchas y los triunfos de quienes forjaron la frontera”, en palabras de la producción. El objetivo es ofrecer una visión caleidoscópica de la experiencia pionera y la vida familiar en medio de paisajes imponentes y desafíos constantes.

La serie se suma al catálogo de Netflix como uno de los lanzamientos destacados del año, con la promesa de actualizar un clásico literario y televisivo para las audiencias actuales.

Todo ocurrió en el marco de la promoción de su más reciente serie, donde una periodista mexicana la abordó con una pregunta simple pero significativa: “Sos argentina, ¿verdad?”. Camila, con una sonrisa, respondió rápidamente: “Sí, ¿de dónde sos?”. Al escuchar que la reportera era mexicana, la actriz no dudó en celebrar el encuentro latino: “Cómo me gustan las mexicanas”. La complicidad fue inmediata, con ambas celebrando el vínculo regional. “¡Viva México! ¡Viva México!”, exclamó Morrone, sumando calidez y cercanía a la charla.

La conversación giró luego hacia el título de la serie en español en México. Entre risas y complicidad, la periodista le preguntó si sabía cómo se llamaba “Algo terrible está a punto de suceder” en español. Morrone se animó a adivinar: “Algo supermalo va a pasar, ¿puede ser?”. La periodista la corrigió: “Algo muy malo está a punto de suceder”. Camila, lejos de incomodarse, se prendió en el juego y explicó: “Por ahí en Argentina diríamos ‘algo malo va a pasar’. Es más coquette en Argentina, es más canchero, pero eso debería ser el título correcto”. La periodista coincidió en que el español argentino suele ser más descontracturado y Morrone remató con simpatía: “Bueno, estaba cerca, no estaba tan lejos. Está bueno que lo sepa, ¿no?”.

Esta no es la primera vez que Morrone se muestra orgullosa de sus raíces ante la prensa internacional. En enero, durante una entrevista con Today Show (NBC), la artista volvió a mostrar su costado más argentino al hablar de su admiración por Lionel Messi. El conductor quiso saber si era fanática del fútbol, pero ella fue directa: “Bueno, soy fan de Messi. Mejor no me pregunten sobre fútbol. Soy fan de Messi, concretamente”. La periodista insistió: “Has publicado algunas cosas a lo largo de los años sobre cómo te vuelves loca cuando ganan”. Morrone, sin dudarlo, reafirmó su apoyo a la Selección: “Esta Copa del Mundo tiene que ser nuestra victoria”.

El conductor fue por más y le preguntó si planeaba viajar para seguir a Messi y la Selección en la próxima Copa América. Morrone sorprendió con un dato personal: “Mi cumpleaños es el 16 de junio. Messi juega su primer partido en Kansas City. Así que creo que tengo que ir a Kansas City a celebrar mi 29º cumpleaños viendo a Messi. Creo que debería”. El guiño dejó en claro no solo su entusiasmo por el fútbol argentino, sino también la manera en que conecta sus momentos personales con los grandes hitos deportivos de su país.

Pese a que Morrone nació en Los Ángeles, pero su sangre argentina la define tanto como su carrera en ascenso. Es hija de la actriz y modelo Lucila Solá y del modelo Máximo Morrone. Aunque creció en Estados Unidos, siempre se mostró cercana a sus raíces, especialmente durante la consagración de la Selección Argentina en el Mundial de Fútbol, donde celebró y compartió su emoción por el triunfo con sus seguidores en redes sociales.

Y, aunque fue conocida por ser pareja de Leonardo Di Caprio y de tener a Al Pacino como padrastro, Camila nunca perdió la oportunidad de rendir homenaje a sus orígenes. Sus declaraciones, tanto en entrevistas como en redes, dejan en evidencia que la identidad argentina es un rasgo que la acompaña y la enorgullece, sin importar la ciudad o el proyecto en el que se encuentre.

Hoy, instalada en el radar de la industria internacional, Camila sigue construyendo su camino en Hollywood, pero sin dejar de lado esa autenticidad y frescura que la distingue. Ya sea en una charla con la prensa o celebrando un gol de Messi, la actriz demuestra que, más allá de los flashes y las cámaras, la esencia argentina sigue viva y presente en cada paso de su carrera.

A pesar de no poder contar con una cifra concreta, se estima que el número de sectas religiosas en el mundo supera los varios miles. Se trata de organizaciones muy diversas y, en la mayoría de los casos, también muy empeñadas en permanecer lo más posible en el anonimato para evitar tanto las críticas ajenas como el control de las instituciones.

Sin embargo, esto mismo provoca que las sectas también sean un entorno en el que se pueden desarrollar actividades delictivas, muchas veces justificadas como parte de un mandato u orden divino. Esto mismo es lo que se refleja en la nueva miniserie documental de Netflix, Confía en mí: El falso profeta, donde se cuenta desde dentro el caso de abusos sexuales y explotación de menores dentro de la comunidad de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días.

Infiltrados en esta secta polígama, considerada una de las más herméticas de la actualidad, la experta en comunidades religiosas Christine Marie y el videógrafo Tolga Katas recopilan imágenes y testimonios sobre Samuel Bateman, nuevo dirigente de la Iglesia tras el encarcelamiento del anterior líder, Warren Jeffs, condenado a cadena perpetua por múltiples agresiones sexuales a menores.

“Reza y obedece”

La serie, que llegó a la plataforma el pasado 8 de abril y ya se encuentra entre lo más visto de la plataforma, reconstruye en tiempo real la situación de la comunidad después de que Bateman aprovechara el vacío de poder generado tras el encarcelamiento de Warren Jeffs para declararse profeta y formar su propio grupo, los “Samuelitas”. Su discurso mezclaba supuestas revelaciones divinas con reglas que imponían obediencia absoluta, separaban familias y anulaban cualquier contacto con el exterior.

De este modo, el nuevo profeta no solo mantuvo el lema impuesto por su predecesor (“reza y obedece”), sino que lo llevó más allá y agravó todas las prácticas de control, poligamia y violencia contra mujeres y niñas. Bateman acumuló más de 20 esposas, diez de ellas menores de edad, y llegó a organizar “matrimonios espirituales” entre niñas y seguidores adultos, razón por la que, en 2024, sería condenado a 50 años de prisión, en parte gracias a las imágenes de Marie y Katas, que ahora llegan a Netflix en forma de documental.

Acusado de tráfico de menores y pornografía infantil

Durante meses, los responsables de las imágenes que pueden verse en la serie (dirigida a su vez por Rachel Dretzin, quien ya había dedicado un documental a esta secta lanzado en 2022) recabaron confesiones del propio líder y el testimonio de víctimas que, pese al miedo, compartieron detalles de los abusos sufridos. En uno de los registros, Bateman llega a afirmar que “los hombres estaban obligados a acostarse con las esposas de otros para expiar sus pecados”.

En agosto de 2022, las autoridades arrestaron a Bateman en Arizona. En el vehículo en el que viajaba, encontraron a tres niñas de entre 11 y 14 años, hecho que permitió detenerlo de inmediato. El operativo incluyó allanamientos en Short Creek (lugar donde se encontraba la secta) y la intervención federal para retirar a varios menores de la comunidad. La acusación formal incluyó cargos por secuestro, transporte de menores para actividades sexuales, producción de pornografía infantil y destrucción de pruebas.

Las investigaciones posteriores revelaron que Bateman había intentado incluso casarse con su propia hija de 14 años, situación que fue impedida por la madre, quien solicitó una orden de restricción. La red de abusos y tráfico de menores abarcaba varios estados, confirmando la existencia de una organización estructurada para encubrir los delitos.

El rol de los infiltrados y el acceso a la comunidad

Así, uno de los elementos que más destaca de Confía en mí: El falso profeta es la cantidad de imágenes que Marie y Katas lograron grabar. Si tuvieron tanto acceso, fue gracias a su capacidad para convencer a Bateman de que el documental que pensaban grabar sería beneficioso para la comunidad, ya que serviría para reclutar más adeptos. Sin embargo, el objetivo de la pareja siempre fue el mismo: desenmascarar los crímenes que allí se cometían y entregar pruebas suficientes a las autoridades.

Así, la serie resalta cómo el control del grupo se extendía desde lo ideológico hasta lo económico, aislando a las víctimas y dificultando cualquier intento de denuncia. Además, el desenlace judicial que provocó el trabajo de los dos infiltrados no solo provocó la condena de Bateman, sino que sentó un precedente en la persecución penal de líderes sectarios en Estados Unidos. Además, el documental sigue a varias víctimas tras la intervención policial y pone el foco en las consecuencias a largo plazo para las personas que más duramente estuvieron sometidas por todos esos mecanismos de control.

Que los gustos de la crítica de cine y el público no tienen por qué coincidir es algo que ya se sabía (basta con ver el arrollador éxito de Super Mario Galaxy, pese a sus malas reseñas). Sin embargo, Netflix parece haber llevado este fenómeno incluso más allá con la arrolladora llegada a la plataforma de Embestida (Thrash), película convertida en la más vista del fin de semana tras colocarse en el número uno del top en más de 90 países.

La película, dirigida por Tommy Wirkola, arranca con la llegada de un huracán a un pueblo costero, donde, debido a esta catástrofe, se experimenta una repentina subida del nivel del mar. Sin embargo, aquí no se acaban los peligros: además de la amenaza de acabar ahogado, los habitantes deben afrontar la presencia de varios tiburones hambrientos que nadan ahora libremente por las calles.

Con esta premisa, el nuevo éxito de Netflix de 85 minutos de duración emplea la fórmula de la sharksploitation (títulos de serie B que se aprovechan del éxito que tuvo en su día Tiburón, el clásico de Steven Spielberg) y logra uno de los mejores estrenos del año en la plataforma. Eso, también a pesar de la poca valoración que ha obtenido (tanto para críticos como para espectadores) en plataformas especializadas como IMDb, Rotten Tomatoes o Filmaffinity.

“Mami tiene que pelearse con unos putos tiburones”

Pero no todo han sido palos para Embestida. La película de Netflix también ha recibido alguna que otra zanahoria, sobre todo en redes sociales, donde además de recibir los elogios de muchos usuarios, también lo ha hecho de personalidades tan respetadas del mundo de la cultura como Stephen King. El maestro de las novelas de terror, de quien se conoce afición a todo tipo de producciones audiovisuales, ha dado a conocer la película a través de sus redes sociales, asegurando que tiene una de las “mejores frases del año” hasta la fecha: “Mami tiene que pelearse con unos putos tiburones”. Unas palabras que no han tardado en volverse virales.

Además, algunos defensores de la película han señalado el buen trabajo del elenco para lograr transmitir la intensidad dramática de una historia que aprovecha tanto el temor que nos producen estos animales como los igualmente temidos efectos del cambio climático. Dicho reparto está encabezado por nombres como el de Phoebe Dynevor (Los Bridgerton), Whitney Peak (El retorno de las brujas 2), o el del dos veces nominado a un Oscar Djimon Hounsou (Diamante de sangre y Gladiator).

Todos ellos figuran en una experiencia que busca ser directa y mantener la tensión en una sucesión de escenas de acción donde la supervivencia resulta cada vez más difícil. La película, producida por Sony Pictures, decidió venderse a Netflix tras considerar que no lograría buenos datos en taquilla. Ahora, con este masivo recibimiento en la plataforma, se demuestra una vez más cómo la llegada del streaming ha provocado que títulos quizá no demasiado atractivos para la gran pantalla sí tengan una gran acogida en otros soportes.

El final de The Amazing Digital Circus o El asombroso Circo Digital en latinoamérica, llegará a salas de cine en México tras la confirmación oficial de una de las principales cadenas del país.

El desenlace de la serie animada, que se ha consolidado como un fenómeno viral en internet, podrá verse en la pantalla grande antes de su lanzamiento global en plataformas digitales.

Estreno exclusivo de The Amazing Digital Circus

Cinemex confirmó que The Amazing Digital Circus: El último Acto se proyectará desde el 4 de junio de 2026 en sus salas de todo México. La preventa estará disponible en el sitio web y en taquillas, así como en la plataforma digitalcircus.movie. En el cartel promocional oficial puede leerse la frase: “Ven a ver el final del fenómeno viral de internet en cines antes que nadie”,lanzando la invitación a los seguidores para disfrutar el episodio final antes de que llegue a plataformas como YouTube y Netflix, cuyo estreno está programado para el 19 de junio de 2026.

México se suma al estreno internacional tras campaña de fans

Aunque México inicialmente no figuraba en la lista oficial de países confirmados por Glitch Productions y Trafalgar Releasing para la proyección en cines, la publicación de Cinemex y la inclusión del país en la preventa oficial despejaron las dudas.

Este anuncio se da tras una intensa campaña en redes sociales, donde miles de seguidores mexicanos solicitaron a las principales cadenas de cine que programaran el episodio final en salas nacionales.

La movilización digital resultó clave para sumar a México al circuito global junto a Estados Unidos, Canadá, Japón, Reino Unido, Australia, Brasil, Argentina, Colombia, Chile y otros mercados de Europa y Latinoamérica, consolidando el fenómeno de audiencia internacional que rodea a la serie.

La función en cines incluirá un especial que reúne los episodios 8 y 9 en un evento de aproximadamente una hora y media, según confirmó Glitch Productions.

Recepción internacional y fenómeno viral

The Amazing Digital Circus se ha convertido en uno de los éxitos animados más notables de la década. Desde el lanzamiento de su primer episodio en octubre de 2023, la serie acumuló decenas de millones de visualizaciones en YouTube en sus primeras semanas y generó una base de seguidores global activa en redes sociales, foros y espacios de fan art.

La producción ha sido elogiada por su estética visual estilizada, su narrativa arriesgada y una aproximación poco convencional al humor y el suspenso, elementos que atrajeron tanto a jóvenes como a adultos.

En distintos países, la serie ha sido objeto de análisis y discusiones por su combinación de comedia oscura, referencias existenciales y una ambientación que desafía los límites del género animado independiente.

El anuncio de un episodio final exclusivo para cines generó una ola de peticiones y campañas digitales que lograron expandir el estreno global a nuevas regiones.

Historia y universo de The Amazing Digital Circus

Creada por Glitch Productions y dirigida por Gooseworx, The Amazing Digital Circus narra la historia de seis personajes que despiertan atrapados en un mundo digital caótico, gobernado por una inteligencia llamada Caine. Cada habitante debe enfrentarse a desafíos psicológicos, pruebas surrealistas y dilemas existenciales, mientras buscan comprender su situación y encontrar una posible salida.

La serie mezcla elementos de terror psicológico, comedia absurda y crítica a la cultura digital, explorando temas como la identidad, la alienación y el sentido de pertenencia.

El éxito de la serie radica en su capacidad para combinar una animación innovadora, diálogos ingeniosos y una construcción de personajes compleja, logrando convertirse en un referente tanto para los fans de la animación como para la crítica.

La llegada de The Amazing Digital Circus: El último Acto a las salas mexicanas representa una oportunidad única para experimentar el desenlace de la historia en un entorno colectivo antes de su lanzamiento digital global.

En 2001, Jean-Claude Van Damme sorprendió a la televisión francesa al anticipar que las películas se distribuirían por Internet y podrían verse en teléfonos móviles, una idea que fue recibida con escepticismo y humor. Lo hizo durante el programa Tout Le Monde En Parle, donde la posibilidad de ver estrenos fuera del cine parecía lejana, según recordó el portal SensaCine.

El clima tecnológico y la incredulidad inicial

Durante la emisión, Van Damme afirmó que sería posible ver películas en teléfonos y lanzar estrenos a través de Internet, planteando que el cine podría llegar a cientos de millones de personas gracias a la tecnología digital.

La audiencia y los conductores, Thierry Ardisson y Laurent Baffie, reaccionaron con incredulidad, ya que en ese momento los dispositivos móviles apenas ofrecían funciones básicas y la banda ancha era limitada en la mayoría de los hogares. La idea de acceder a contenidos audiovisuales de alta calidad sin soportes físicos era para muchos inverosímil.

“Vamos a distribuir las películas por teléfono, esta será la primera vez que lo hagamos. Voy a tratar de entrar en el mundo de los medios en Internet. Vamos a anunciar una película en Internet y luego lo lanzaremos en las antenas”, expresó Van Damme. Estas declaraciones, que hoy suenan proféticas, ilustraron una visión adelantada respecto a la distribución digital y el alcance global del cine. Ninguno de los presentes imaginaba que, años después, esta dinámica se convertiría en una práctica común.

La transformación del consumo audiovisual

Aquel escepticismo contrastó con la rápida evolución que experimentó la industria durante las dos décadas siguientes. La aparición y masificación de plataformas de streaming modificó hábitos de consumo: actualmente es común acceder a estrenos desde cualquier dispositivo conectado, desplazando a los formatos tradicionales como el DVD y el alquiler físico.

Según SensaCine, la predicción del actor se adelantó a una tendencia que terminaría por redefinir la relación del público con el cine y las series.

En ese sentido, Netflix se convirtió en el referente clave de esta revolución. Fundada en 1997 en Estados Unidos como un servicio de alquiler de DVD por correo, la empresa implementó en 2007 el modelo de video bajo demanda, permitiendo que los usuarios eligieran qué ver y cuándo.

En 2011, la compañía expandió su plataforma fuera de Estados Unidos y Canadá, marcando el inicio de la distribución global de contenidos digitales y la consolidación de un nuevo paradigma en el acceso al entretenimiento.

El éxito de Netflix fue tan contundente que otras compañías decidieron seguir el mismo camino. Plataformas como Amazon Prime Video, Disney+ y HBO Max lanzaron sus propios servicios para competir por la audiencia internacional, diversificando la oferta y acelerando la transición hacia el consumo digital. El acceso global a estrenos y producciones originales se convirtió así en una práctica cotidiana, desplazando los antiguos modelos de negocio basados en la propiedad física del contenido.

El impacto de la digitalización y los nuevos retos

La consolidación del streaming no solo modificó la forma de distribución y consumo, sino que también influyó en la producción de contenido. Hoy, las plataformas invierten en series, películas y documentales propios, generando una competencia que incentiva la innovación y la calidad.

La producción original se ha transformado en uno de los principales motores de crecimiento, y la posibilidad de estrenar títulos en simultáneo a nivel mundial ha cambiado la lógica de los lanzamientos.

Al mismo tiempo, el avance tecnológico facilitó la mejora de la experiencia del usuario. La calidad de imagen y sonido, la personalización de recomendaciones y la disponibilidad de múltiples dispositivos han hecho que el streaming se consolide como la opción preferida para millones de personas. Esta transición ha obligado a los estudios tradicionales y a las cadenas de televisión a repensar sus estrategias, adaptándose a la nueva realidad del sector.

El modelo anticipado por Van Damme, que en su momento generó incredulidad y risas, hoy es un caso de estudio sobre la capacidad de anticipar revoluciones tecnológicas. La historia demuestra que, aun cuando una idea disruptiva es rechazada, la evolución del sector y el comportamiento de los espectadores pueden terminar por validar visiones que parecían imposibles.

El acceso inmediato, la conectividad global y la competencia feroz entre plataformas han dado forma a un ecosistema que sigue redefiniéndose y que, como predijo el actor, ha transformado para siempre la manera de ver cine y televisión.

La próxima entrega de Emily in Paris volverá a cambiar de paisaje y sumará nuevos escenarios idílicos a su recorrido europeo. La exitosa serie de Netflix, creada por Darren Star, trasladará parte de su sexta temporada a Grecia y Mónaco, dos destinos que se incorporan oficialmente al universo glamuroso en el que se desenvuelve Emily Cooper.

La información fue revelada este 10 de abril por Variety. Según informó el medio, la producción de la nueva tanda de episodios comenzará en mayo, y ambas locaciones serán los nuevos puntos de rodaje de la serie, que anteriormente pasó por ciudades como París, Roma, Venecia, Saint-Tropez y Megève.

Aunque los detalles argumentales de la sexta temporada permanecen bajo reserva, el viaje a Grecia se conecta con una pista revelada en el final de la quinta entrega. En ese capítulo, Gabriel (Lucas Bravo) envía a Emily un mensaje en el que la invita a reunirse con él en el país mediterráneo, después de la ruptura de ella con Marcello.

“Emily, como prometí… una postal con sello. Estoy perdido en el mar sin ti. Encuéntrame en Grecia. Tuyo, Gabriel”, se lee en la escena. La frase dejó abierta la posibilidad de una reconciliación entre ambos personajes, cuya relación ha sido uno de los ejes emocionales más persistentes de la serie.

El propio Darren Star había anticipado en diciembre que Gabriel seguiría siendo clave en la ficción. “No puedo imaginar la serie sin Gabriel”, dijo a Variety. En esa misma entrevista definió al chef francés como “el gran amor de Emily” y subrayó que el vínculo entre ambos ha ganado profundidad con el paso de las temporadas.

Además de Lily Collins, Lucas Bravo y Ashley Park, regresarán al elenco principal Lucien Laviscount, Samuel Arnold, Bruno Gouery, Philippine Leroy-Beaulieu y otros personajes habituales del universo de Agence Grateau.

Qué ocurrió en la temporada 5

La quinta entrega mostró a Emily, interpretada por Lily Collins, plenamente instalada en una nueva etapa. Como jefa de la oficina de Agence Grateau en Roma, la protagonista inició una relación con Marcello, heredero de una firma de moda italiana. Sin embargo, el romance se quebró cuando Emily rechazó integrarse al negocio familiar Muratori y optó por priorizar su carrera en París.

Por su parte, Gabriel dejó atrás su restaurante para aceptar un nuevo trabajo como chef en un yate. Ese cambio lo llevó al Mediterráneo y preparó el salto narrativo hacia Grecia.

La temporada también avanzó en otras subtramas: Mindy (Ashley Park) aceptó casarse con Nicolas, aunque la confesión sentimental de Alfie anticipa nuevos conflictos.

Según Tudum, la plataforma oficial de Netflix, la renovación de la serie fue confirmada el 5 de enero de 2026. Darren Star explicó entonces que, aunque París seguirá siendo la base permanente de la historia, busca ampliar el mapa narrativo: “La serie es Emily en París. Nunca abandonará permanentemente su hogar base. Pero si puedo llevar a la audiencia de viaje a otro lugar, me encantaría hacerlo”.

El salto a nuevas ciudades también responde al sólido rendimiento internacional de la serie. De acuerdo con Tudum, la quinta temporada acumuló 26,8 millones de visualizaciones globales en apenas 11 días y alcanzó el puesto número uno en 24 países, entre ellos Francia, Italia, Brasil y Alemania. Además, ingresó al Top 10 en 91 países.

La tercera temporada de Merlina ha despertado gran expectativa tras anunciar la incorporación de Lena Headey, reconocida por su papel de Cersei Lannister en Juego de Tronos, y Winona Ryder, junto a un elenco que incluye a Eva Green y Andrew McCarthy. La serie, protagonizada por Jenna Ortega, se encuentra actualmente en producción en Dublín, Irlanda, y se prepara para expandir el mundo construido en torno a Merlina Addams y su vida en la Academia Nevermore. Esta noticia representa un momento importante para la franquicia, que apuesta por la participación de figuras icónicas del cine y la televisión con el objetivo de mantener su relevancia y atractivo internacional.

Elenco internacional contribuye al éxito de Merlina

La inclusión de Lena Headey, Andrew McCarthy y James Lance como invitados destaca la estrategia de Netflix para convertir a Merlina en uno de sus títulos más reconocidos y sólidos a nivel mundial. Headey, conocida por interpretar personajes góticos y de gran fuerza dramática, se une al reparto sin que aún se revele su papel, lo que ha generado especulación entre los seguidores de la serie. Su presencia alimenta las expectativas, particularmente tras las recientes noticias sobre su vinculación a otras grandes franquicias que nunca llegaron a concretarse.

La presencia de estas figuras no ocurre de manera aislada: Eva Green interpretará a la hermana de Morticia Addams y Winona Ryder retorna al universo de Tim Burton, añadiendo un componente nostálgico para varias generaciones de espectadores. Andrew McCarthy y James Lance refuerzan la apuesta por intérpretes con trayectoria, un aspecto clave para consolidar la identidad gótica y sofisticada de la producción.

Producción en Dublín y apertura de nuevas historias

A diferencia de otras series de Netflix con constantes cambios de locación, Merlina mantiene su rodaje en Dublín. Esta decisión no solo permite conservar una ambientación acorde al tono oscuro de la trama, sino que facilita la colaboración de un elenco internacional y equipos técnicos experimentados en producciones de alta calidad. Tim Burton continúa como director y productor ejecutivo, lo que garantiza cohesión artística y consistencia en la estética característica de la serie.

Jenna Ortega, en su papel principal, encabeza un reparto en el que actores y actrices han encontrado una oportunidad para reinventar personajes clásicos. La tercera temporada retoma la historia con Merlina intentando rescatar a Enid Sinclair, interpretada por Emma Myers, quien ahora enfrenta el reto de ser una mujer lobo alfa. Regresan rostros conocidos como Catherine Zeta-Jones (Morticia), Luis Guzmán (Homero) e Isaac Ordoñez (Pericles), favoreciendo el equilibrio entre nuevas incorporaciones y miembros ya consolidados en el universo Addams.

Repercusiones mundiales y estrategia de casting de Netflix

La estrategia de selección de actores por parte de Netflix responde a un patrón definido: incrementar la visibilidad de la serie y ampliar su atractivo a diferentes audiencias, atrayendo tanto a seguidores del cine gótico como a los de la televisión clásica. La llegada de Winona Ryder y Lena Headey no solo otorga prestigio, sino que también busca captar la atención de públicos diversos, incluidos fanáticos de Juego de Tronos, Beetlejuice y otras obras previas de Tim Burton.

En el plano narrativo y de producción, los rumores acerca de una posible división de la temporada en dos partes siguen prácticas recientes adoptadas por el servicio de streaming, que buscan prolongar la discusión y el interés por sus lanzamientos exitosos. Si se repite el modelo de la temporada anterior, el impacto de Merlina podría sostenerse durante varios meses, abriendo oportunidades para nuevas estrategias de marketing y para expandir el universo Addams en distintos formatos.

Los recientes anuncios han generado una intensa actividad en redes sociales y foros de fanáticos, donde abundan teorías sobre los roles de Headey y Ryder ante el hermetismo que mantiene Netflix. El rodaje, que ya lleva casi dos meses en marcha, sugiere que la espera para el estreno será más breve que en ciclos de producción habituales, un aspecto relevante para una audiencia habituada al consumo inmediato en línea. La decisión de filmar en Dublín, reunir a intérpretes provenientes de diversas franquicias y mantener la reserva sobre la trama muestra el esfuerzo coordinado de la plataforma para reproducir éxitos globales previos e innovar en la presentación de contenido episódico.

En la serie, Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth interpretan a Moria Casán en diferentes etapas de su vida. Cada actriz se encarga de retratar los diversos momentos de la carrera de la figura central, desde los comienzos en el escenario como vedette hasta su consolidación en la televisión y el espectáculo.

“Para los que no me conocen, mi nombre es Moria. Soy nueva en la revista y soy un caso raro e inusual”, dice Gala en la apertura del tráiler, personificando a su madre con estética setentosa y la actitud con la que definiría su carrera. “Yo estudié algo así. Pasé de las escalinatas de la Facultad de Derecho al Teatro Nacional el mismo día”, reflexiona Roth con mirada retrospectiva. “Estoy acá porque mi presencia jerarquiza la pista”, apunta Siciliani en tiempos de ShowMatch, picos de rating y espctáculo garantizado. El tráiler es un recorrido por frases icónicas, estéticas bien reconocibles y un desfile de personajes y situaciones ligadas a la cultura popular argentina.

“Son años de entrega, profesionalismo, amor y dedicación. Gracias a ustedes”, dijo la propia Casán en su programa de El Trece al presentar el tráiler. “Si no estuvieran ustedes, yo no estaría acá. Eso es obra de ustedes, que hace más de cincuenta años que me eligen”, agregó con gratitud.

De acuerdo con la información oficial, la producción se propone como un homenaje a la cultura popular argentina y muestra a una mujer que transformó la transgresión en una forma de subsistencia. La dirección y el guion están a cargo de Javier Van de Couter, y la producción corresponde a About Entertainment, bajo la conducción de Mercedes Reincke y Armando Bo.

Durante la campaña de lanzamiento, las protagonistas participaron en una serie de promos que exploran el desafío de interpretar a una figura tan reconocida. En una de estas piezas, Sofía Gala Castiglione relató la experiencia particular de encarnar a su propia madre, mientras que Griselda Siciliani y Cecilia Roth destacaron el trabajo colectivo para retratar el universo de la artista. El material difundido incluye escenas que recrean momentos icónicos de la vida de Casán y referencias a frases emblemáticas de la diva.

Entre las imágenes difundidas, se observa a Sofía Gala Castiglione en el rol de vedette y a Griselda Siciliani en la etapa de adultez de la protagonista, durante la presentación de la biografía “Memoria” en 2012. Cecilia Roth representa el período más reciente, vinculado a la participación televisiva de la artista. La serie incluye guiños a la vigencia de Moria Casán y al impacto de su figura en el espectáculo argentino, y el rodaje no estuvo exento de polémicas y entredichos. No hubiera podido ser de otra manera en una de las grandes protagonistas del show business local.

El estreno de la serie está programado para el 14 de agosto en todo el mundo a través de Netflix y forma parte de la estrategia de la plataforma para fortalecer su oferta de contenidos argentinos y latinoamericanos. Según la sinopsis oficial, la trama no se limita al retrato de una estrella del cine, el teatro y la televisión, sino que narra la historia de una mujer que desafió los límites y dejó una marca en la cultura popular.

Netflix ha revelado el primer vistazo oficial a Ray Gunn, la nueva película animada de ciencia ficción dirigida por Brad Bird, creador de Los increíbles y El gigante de hierro. El largometraje, esperado por fanáticos y la industria desde hace más de tres décadas, marca el regreso de Bird a la animación con una propuesta retrofuturista que combina misterio, detectives y ciencia ficción. Ray Gunn se estrenará en 2026 como parte del catálogo exclusivo de la plataforma.

El proyecto de Ray Gunn nació hace treinta años, cuando Brad Bird escribió el guion para un filme de misterio con tintes de ciencia ficción que iba a producir Turner Feature Animation. Sin embargo, la fusión de Turner con Time Warner en 1996 provocó que la producción se detuviera indefinidamente. Bird, en ese momento, canalizó su energía creativa hacia El gigante de hierro, que se estrenó en 1999 bajo el sello de Warner Bros. Feature Animation.

Desde su concepción original, Ray Gunn se convirtió en un proyecto icónico dentro de la carrera de Bird y en una especie de “obsesión” personal. Durante años, la película permaneció archivada, considerada una “ballena blanca” por el propio director, quien intentó retomarla en distintas ocasiones. Fue finalmente en 2022 cuando el anuncio de Skydance Animation, la productora fundada por David Ellison y dirigida por John Lasseter, confirmó el regreso de la película a la agenda de estrenos. El equipo de producción está compuesto por Brad Bird, John Lasseter, David Ellison, Lisa Beroud y Dana Goldberg. La reactivación del proyecto llevó a Bird a tomar la decisión de no dirigir la próxima secuela de Los increíbles, pese a haber escrito y producido el guion. En su lugar, eligió personalmente a Peter Sohn, director de Elemental, para encargarse de Los increíbles 3, cuyo estreno está previsto para junio de 2028.

Así será la película

Ray Gunn se sitúa en la ciudad de Metropia, un escenario ficticio descrito como “un futuro alternativo visto desde 1939”. La trama sigue a Raymond Gunn, un detective privado que se ve envuelto en un caso de asesinato, extraterrestres y celebridades mediáticas. El reparto de voces está liderado por Sam Rockwell, quien interpreta al protagonista, Raymond Gunn. Lo acompaña Scarlett Johansson en el papel de Venus Nova, una estrella multimedia de la ciudad. Tom Waits completa el elenco principal como Eyera, un personaje alienígena. Las primeras imágenes difundidas por Netflix muestran una estética inspirada en el cine negro clásico y la ciencia ficción de mediados del siglo XX, fusionando referencias visuales del Maltese Falcon y Buck Rogers.

Para Brad Bird, el atractivo de Ray Gunn radica en la posibilidad de fusionar “el cine de detectives de los años cuarenta” con elementos de la ciencia ficción pulp. Bird describió la película como un cruce entre Maltese Falcon y Buck Rogers, y destacó su interés en persuadir a quienes aún no se han acercado a la animación: “Hay un grupo grande de personas que no ven películas animadas. Quiero convencerlos de que es una forma de arte fascinante, y que no debería limitarse en cuanto a los tipos de historias que puede contar”.

La actriz Scarlett Johansson expresó su entusiasmo por el proyecto. En un comunicado, afirmó: “Colaborar con Brad Bird es un hito en mi carrera; admiro su trabajo desde siempre. Ray Gunn representa plenamente el momento artístico que vive Brad. Estoy ansiosa por que el público descubra esta animación extraordinaria, que no se parece a nada existente”. Por su parte, Bird subrayó el carácter personal y experimental del filme. El director insistió en que la animación sigue siendo un medio con potencial inexplorado y que Ray Gunn busca romper con las expectativas tradicionales del género.

Ray Gunn será la cuarta película de Skydance Animation y la segunda que lanzan en 2026, tras el estreno de Swapped en mayo del mismo año. Con la participación de figuras clave de la animación, como John Lasseter, la producción apunta a posicionarse como uno de los lanzamientos más destacados de la plataforma. Netflix confirmó que Ray Gunn estará disponible en su catálogo global este mismo 2026. El anuncio de las primeras imágenes y el elenco ha generado expectativas tanto en el público general como en la crítica especializada, que aguardaba la materialización de este proyecto desde hace décadas. La llegada de Ray Gunn a Netflix representa un acontecimiento relevante para el cine de animación, al reunir a un equipo creativo de alto perfil y ofrecer una propuesta visual y narrativa que promete distinguirse dentro del género.

En diciembre de 2024, Samuel Rappylee Bateman, autoproclamado profeta de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (FLDS), fue sentenciado a 50 años de prisión federal por liderar una red de abuso sexual infantil que operaba en varios estados de Estados Unidos.

La investigación que permitió el arresto de Bateman se fundamentó en pruebas audiovisuales reunidas por la experta en psicología de sectas Christine Marie y su esposo, el productor de videos musicales Tolga Katas. Ambos se infiltraron con identidades encubiertas en la comunidad polígama de Short Creek y recopilaron evidencia crucial que fue entregada a las autoridades federales, lo que facilitó que las menores involucradas quedaran bajo custodia, según detallaron TIME y People.

Un vacío de poder y el surgimiento de un nuevo profeta

La fragmentación interna de la Iglesia Fundamentalista de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días (FLDS), tras la condena a cadena perpetua de Warren Jeffs en 2011, generó un vacío de liderazgo en Short Creek, localidad ubicada entre Hildale, Utah, y Colorado City, Arizona. De acuerdo con People, Jeffs y varios de sus seguidores fueron encarcelados por mantener relaciones sexuales con “esposas” menores de edad.

Este escenario facilitó el surgimiento de figuras como Bateman, quien estableció su propio grupo, identificado como los Samuelitas. Tal como relatan exmiembros en la docuserie de Netflix, Bateman aseguraba ser el nuevo canal de comunicación divina tras la presunta “transformación” o muerte de Jeffs, lo que le permitió consolidar su autoridad.

Por consiguiente, desde 2019, incrementó su control sobre los seguidores mediante discursos religiosos, aislamiento social y presión financiera. Según TIME, los adeptos donaban recursos económicos y entregaban a sus hijas, algunas de apenas nueve años, como “esposas espirituales” al líder. La vigilancia era permanente: mujeres y niñas residían en viviendas colectivas bajo el control absoluto de Bateman. Las denominadas Blue House y la Green House eran los principales lugares de poder y abuso.

Investigación encubierta y operaciones del FBI

En 2015, Christine Marie llegó por primera vez a Short Creek impulsada por labores de ayuda humanitaria tras una inundación. A partir de 2021, con el permiso de los Samuelitas, inició la filmación de la vida interna de la comunidad bajo el pretexto de realizar un documental. Se presentó como colaboradora junto a su equipo y logró registrar tanto reuniones cotidianas como episodios de maltrato severo. La cercanía generada les permitió un acceso directo, incluso Bateman manifestó interés en participar en el proyecto.

El punto de inflexión ocurrió cuando, según relató Marie, Bateman le confesó haber ordenado a un seguidor abusar sexualmente de una niña de trece años. Además, grabó con su teléfono una descripción detallada que Bateman hizo de las denominadas ceremonias de “expiación”, en las que “entregaba” a sus “esposas” a seguidores y ordenaba relaciones sexuales en grupo bajo su supervisión. Este material audiovisual provocó la intervención del FBI.

El operativo federal y el destino de las menores rescatadas

Bateman fue inicialmente detenido en agosto de 2022 tras un control de tránsito que reveló la presencia de niñas en un remolque cerrado. A pesar de quedar en libertad bajo fianza, la alerta permitió obtener órdenes federales que posibilitaron el registro de propiedades y la detención del líder espiritual junto a varios colaboradores.

Luego del arresto, las menores identificadas quedaron bajo tutela del Departamento de Seguridad Infantil de Arizona. Semanas más tarde, seguidores de Bateman intentaron sustraerlas y las trasladaron fuera del estado. El grupo fue interceptado en Washington y las niñas reintegradas a la protección estatal.

Finalmente, el 9 de diciembre de 2024, Bateman recibió una condena de 50 años de prisión, seguida de libertad condicional supervisada de por vida. Entre los seguidores acusados, varios fueron hallados culpables por sentencia o tras admitir responsabilidad ante la justicia. Los procesos de sentencia para otros implicados siguen en curso ante tribunales federales.