Los Saja Boys son la banda rival de Huntr/x en Las Guerreras K-Pop, la película de animación producida por Sony Pictures Animation y disponible en Netflix.

El grupo está integrado por cinco personajes y ganó popularidad más allá de la pantalla gracias a canciones como Soda Pop, que llevó a miles de usuarios en redes sociales a recrear su coreografía. Su presencia en internet también se refleja en las búsquedas de Google, donde el público plantea preguntas frecuentes sobre estos personajes.

Una de las más buscadas es qué significa “Saja Boys” en español. El nombre tiene más de una capa de sentido. En coreano, la palabra 사자 (saja) significa literalmente “león”.

Sin embargo, el término esconde un significado más oscuro: saja es también la raíz de jeoseung saja (저승사자), la figura del mensajero de la muerte en el folclore coreano, equivalente al Grim Reaper occidental, cuya función es escoltar las almas de los fallecidos hacia el más allá.

Dado que los Saja Boys son en secreto demonios que roban almas humanas, el nombre funciona como un juego de palabras deliberado: hacia afuera proyectan la imagen de leones del escenario; hacia adentro, son mensajeros del inframundo. En español, la traducción más directa sería “los chicos león” o “los chicos mensajeros”, aunque ninguna versión captura por completo la ambigüedad del original.

Otra pregunta frecuente es quién es el líder de los Saja Boys. Se trata de Jinu, el antagonista secundario de la película, cuya voz en inglés es del actor Ahn Hyo-seop. Con carisma y un instinto estratégico, Jinu domina tanto el escenario como los planes del grupo, aunque esconde un pasado oscuro que condiciona su relación con Rumi, la vocalista principal de Huntr/x.

Por último, muchos usuarios buscan dónde ver la película. Las Guerreras K-Pop se encuentra disponible en Netflix.

De qué trata la película Las Guerreras K-pop

Las Guerreras K-Pop (KPop Demon Hunters en inglés) es una película de animación producida por Sony Pictures Animation y disponible en Netflix.

La historia sigue a Huntr/x, un trío de K-pop conformado por Rumi, Mira y Zoey que lleva una doble vida: de día son la banda más popular de Corea del Sur y de noche, cazadoras de demonios.

Su misión es mantener el Honmoon, una barrera que separa el mundo humano del inframundo y que impide al Rey Demonio Gwi-Ma apoderarse de las almas de las personas. Sin embargo, su objetivo se complica cuando aparecen los Saja Boys, una banda rival de cinco integrantes que, bajo su imagen de grupo de K-pop, son en realidad demonios enviados a destruir esa barrera.

La película mezcla acción, fantasía urbana y música, con canciones originales interpretadas por los propios personajes a lo largo de la trama.

Cómo ver la transmisión por el primer aniversario de Las Guerreras K-pop

Netflix celebra el primer aniversario de Las Guerreras K-Pop con una transmisión mundial de nueve horas que se realizará este sábado 20 de junio a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok, bajo el nombre KPop Demon Hunters One-Year Anniversary Livestream Celebration.

El evento estará disponible de 9:00 a.m. a 6:00 p.m., hora del Pacífico (PT). Para México, el horario será de 10:00 de la mañana a 7:00 de la noche, tiempo del centro del país. Para verlo, basta con ingresar a TikTok y buscar la cuenta oficial de Netflix: no se requiere suscripción ni registro adicional.

Durante las nueve horas de transmisión, la plataforma proyectará distintas versiones de la película: la edición original, el formato Sing-Along —para cantar junto a los personajes—, el doblaje en coreano y la versión en portugués brasileño.

A lo largo del maratón también habrá entrevistas con los creadores e integrantes del elenco, participación de influencers, comentarios en vivo, animatics inéditos y apariciones sorpresa.

La nueva serie de Netflix Te encontraré (I Will Find You) arranca con una premisa que parece cerrada: David Burroughs (Sam Worthington) cumple cadena perpetua por el asesinato de su hijo de tres años, Matthew.

La condena se apoya sobre tres pilares: un bate de béisbol manchado de sangre, el testimonio de una vecina que asegura haberlo visto enterrar el arma y sus antecedentes de terrores nocturnos.

La serie está basada en la novela homónima de Harlan Coben, publicada en 2023, y fue creada y desarrollada para la pantalla por el showrunner Robert Hull. Coben también participó como productor ejecutivo.

“Quería que empezara en el peor lugar imaginable”, explicó Coben a Netflix sobre el punto de partida de la historia. “Cuando lo acusan de asesinar a su propio hijo, no lucha con todas sus fuerzas porque su hijo está muerto. Incluso si logra probar su inocencia, su hijo sigue sin estar ahí”.

El elenco incluye a Britt Lower como Rachel Mills, periodista y hermana de la exmujer de David; Erin Richards como Cheryl, la exmujer; Milo Ventimiglia como Hayden Payne, un filántropo que se presenta como aliado; Logan Browning y Chi McBride como los agentes del FBI Sarah Greer y Max Williams, padre e hija en la ficción; y Madeleine Stowe como Gertrude Payne, matriarca de una familia adinerada.

Para Hull, el eje temático de la serie va más allá del misterio policial. “Siempre quisimos mantener el foco en ‘¿qué estamos tratando de decir? ¿De qué trata realmente la historia?’”, dijo a Netflix Tudum.

Y agregó: “Para nosotros, esta serie trata sobre padres e hijos: qué estás dispuesto a hacer para protegerlos, qué ocurre cuando no puedes protegerlos”.

¿Qué pasa al final de “Te encontraré”?

Todo cambia cuando Rachel llega a la prisión con una fotografía tomada en un parque de atracciones: en el fondo, un niño con la misma marca de nacimiento en la mejilla que Matthew.

“Es un personaje que no puede ignorar una sensación incómoda. Tiene ese instinto que le dice que algo no cuadra”, dijo Lower a Time. “Pasa de escribir sobre otras personas a estar directamente dentro de la historia”.

La foto basta para que David, con ayuda del director de la prisión Philip Mackenzie (Peter Outerbridge) y del hijo de este, el sargento Adam (Jonathan Tucker), planifique la fuga.

Coben explicó a Time la motivación del personaje: “El trabajo de un padre es proteger a su hijo... y él falló en eso. Todo gira en torno a encontrar esa redención”.

La investigación de Rachel y David descubre que la vecina que testificó contra él, Hilde Winslow (Tara Rosling), mintió por presión del capo local Nicky Fisher (Clancy Brown), quien buscaba venganza contra Lenny (Hugh Thompson), el padre de David y exagente de policía, a quien culpaba de la muerte de su propio hijo en prisión.

Fisher, no obstante, no tuvo nada que ver con el secuestro de Matthew: su venganza se limitó a fabricar las pruebas que enviaron a David a la cárcel.

El verdadero responsable de la desaparición del niño es Hayden Payne (Milo Ventimiglia), heredero de la familia Payne y exnovio de Rachel.

Hayden creía ser el padre biológico de Matthew: cuando Cheryl (Erin Richards), la exmujer de David, acudió a la clínica de fertilidad Berg Reproductive bajo el nombre de Rachel, Hayden asumió que Rachel era la paciente y aportó su material genético.

Años después, al ver a Matthew en una reunión familiar, dedujo que el niño era de Cheryl, pero siguió convencido de su paternidad. Lo que ignoraba —y que su propia madre le ocultó— es que una prueba de paternidad realizada en secreto lo descartaba como padre.

El niño hallado muerto en la cama de Matthew era Martin Bischoff, un menor suizo con leucodistrofia metacromática (LMD) que vivía en un orfanato gestionado por la familia Payne en Suiza.

Hayden lo trasladó a Boston, lo asesinó y manipuló las pruebas de ADN para que el cuerpo fuera identificado como el de Matthew. “Está actuando desde un lugar de amor. Solo que ese amor está mal dirigido y es completamente inapropiado”, dijo Ventimiglia a Netflix sobre su personaje.

Logan Browning, que interpreta a la agente del FBI Sarah Greer, y Chi McBride, como el agente Max Williams —padre e hija en la ficción—, rastrean a David durante toda la serie convencidos de que está en una espiral de venganza.

Es Greer quien termina por creer en la inocencia de David y quien, en el enfrentamiento final en la mansión Payne, dispara y mata a Hayden cuando este apunta su arma contra Rachel.

“No se trata tanto del final en sí, sino de todo lo que ocurrió antes. De todo lo que tuvo que atravesar para llegar a ese momento”, dijo el creador y showrunner Hull a Time. “Eso es lo que hace que una serie de Harlan Coben funcione: el viaje que hiciste junto a David y Rachel”.

Ocho meses después, la condena de David queda anulada. Rachel publica un libro sobre el caso. Cheryl tiene una hija con su actual marido, Ronald Dreasen (Aaron Ashmore). Adam pierde su trabajo en la policía y abre su propia agencia de detectives.

La familia se reúne en el funeral de Lenny, fallecido de cáncer de colon. En la escena final, David y Rachel se toman de la mano mientras él narra en voz en off: “Sé que el camino que tenemos por delante no va a ser fácil. Nada que valga la pena merece serlo”.

“Me alegra que no termine con un gran gesto romántico. Hay una suavidad y una sencillez. A veces el poder llega a través de lo simple y lo suave”, dijo Worthington a Time.

Lower coincidió: “Solo están observando a su familia, por fin reunida. Han ganado ese momento”.

Corría 1998 cuando Nora Ephron coescribió y dirigió Tienes un e-mail, la película protagonizada por Tom Hanks y Meg Ryan donde ella, una librera, independiente, y él, el propietario de una gran cadena de librerías, mantenían una relación epistolar a través de correo electrónico sin saber que quién se escondía realmente al otro lado de la pantalla era su mayor enemigo. Cinco años antes, la propia Ephron había triunfado con Algo para recordar (Sleepless in Seattle), otro clásico romántico protagonizado por los mismos actores en el que dos desconocidos desarrollaban una conexión especial gracias a un programa de radio.

Casi tres décadas después no han vuelto ni Nora Ephron, ni Tom Hanks, ni Meg Ryan. Lo que sí ha regresado es una comedia romántica construida sobre una premisa similar: dos personas que crean un vínculo profundo antes incluso de conocerse. Netflix ha estrenado este viernes Mensajes de voz para Isabelle (Voicemails for Isabelle), una película protagonizada por Zoey Deutch y Nick Robinson que sustituye los correos electrónicos y las ondas radiofónicas por los mensajes de voz.

La historia sigue a Jill (Deutch), una joven aspirante a pastelera que intenta sobrellevar la muerte de su hermana pequeña Isabelle (Ciara Bravo). Como parte de su proceso de duelo, continúa llamando al antiguo número de teléfono para dejarle mensajes. Lo que desconoce es que ese número ya ha sido reasignado y que, al otro lado de la línea, hay alguien escuchándola: Wes (Robinson).

Lo que dicen los primeros que la han visto

Las primeras críticas de Mensajes de voz para Isabelle son mayoritariamente positivas. En Rotten Tomatoes, la película ha debutado con un 73% de valoraciones favorables por parte de la crítica especializada.

Uno de los aspectos más elogiados es la química entre Zoey Deutch y Nick Robinson. Al Alexander, de Movies Thru the Spectrum, reconoce que estuvo cerca de no conectar con la película, pero terminó rindiéndose ante “la chispeante química generada por Zoey Deutch y Nick Robinson”. En una línea similar, Tina Kakadelis, de Beyond the Cinerama Dome, llega a afirmar que “si Voicemails for Isabelle marca el inicio de un renacimiento de las comedias románticas, estamos en buenas manos“.

Otros críticos destacan especialmente su carga emocional. Matt Hambidge, de FandomWire, considera que quienes se abran a su mensaje “pueden acabar gratamente sorprendidos por las emociones que logra despertar”, mientras que Connor Petrey, de Pop Culture Leftovers, asegura que la película “hará reír, llorar y reflexionar sobre todas las formas del amor y el afecto”.

Entre el público, el recibimiento está siendo mucho más cálido. En la misma plataforma, un usuario la define como “una actuación genuina y encantadora” con una química “natural y palpable”, mientras que otro asegura que se trata de “una película preciosa” y un auténtico feel good movie. Tampoco faltan quienes la describen como “un drama lacrimógeno de principio a fin, lleno de corazón e ingenio” o incluso como “la mejor película de Netflix en mucho tiempo”.

Durante su reciente llegada al aeropuerto de la Ciudad de México, Hugo Sánchez evitó responder sobre los señalamientos que ha hecho contra la película México 86, producción que retrata la Copa del Mundo celebrada en el país y el papel del exfutbolista.

La reacción se dio luego de que la película, dirigida por Gabriel Ripstein y producida por Diego Luna, se estrenara en Netflix y desatara dudas entre cómo sucedieron realmente los hechos de aquel entonces.

Hugo Sánchez escapa de la prensa

En imágenes difundidas por el programa de espectáculos Ventaneando, se observó cómo reporteros intentaron acercarse a Hugo Sánchez cuando arribó al aeropuerto acompañado de su esposa.

Pese a los cuestionamientos, el exjugador decidió no responder y siguió su camino en compañía de su pareja.

Cabe señalar que la polémica alrededor de México 86 aumentó después de que Hugo Sánchez declaró en otro evento:

“Ya vi algunos cortos y realmente ni soy yo, ni he dicho, ni he hecho todo lo que va a ser. Son suposiciones e imaginaciones y muchas mentiras”.

Añadió que la película promueve situaciones que no existieron: “Lo estoy promocionando: una película que va a tener muchas mentiras, muchas cosas raras que no existieron ni pasaron”.

Durante su más reciente avistamiento en el aeropuerto de la Ciudad de México, Sánchez optó por el silencio ante los cuestionamientos relacionados con la cinta, un gesto que reforzó la tensión mediática en torno al filme y su representación en la pantalla.

“No es un documental”: el contexto de la disputa y la visión de Diego Luna

Recientemente, Diego Luna, quien además de ser productor encabeza el elenco, respondió a las críticas de Hugo Sánchez resaltando que la película no es una versión fiel de los hechos. Luna afirmó:

“No es un documental. La película empieza diciendo que algunas de estas cosas son ciertas... está ficcionalizada la historia y eso queda claro”.

El actor subrayó que no existe interés en que el actor Memo Villegas sea una copia exacta de Hugo Sánchez, pero reconoció la importancia del exdelantero en el futbol mexicano.

Luna expresó que espera que la película no genere enemistad, pues busca rendir homenaje a la generación que marcó a miles de aficionados.

La película, con guion de Gabriel Ripstein y Daniel Krauze, apuesta por una narrativa mordaz sobre las relaciones entre el poder político, los medios y el futbol en los años ochenta.

El elenco lo completan Karla Souza, Daniel Giménez Cacho, Álvaro Guerrero, Diana Sedano y Davor Tonnie. La producción general está a cargo de Gaumont USA y recrea el contexto político y mediático de aquella época.

Como suele ser habitual en el autor, la ficción abraza sin disimulo el giro imposible, la conspiración extensa y el suspense de consumo rápido, pero logra sostenerlos con un reparto de primer nivel y una maquinaria narrativa muy afinada.

La serie se ha estrenado el 18 de junio de 2026 y adapta la novela homónima que Coben publicó en 2023. Esta producción es la duodécima serie nacida del acuerdo entre Coben y Netflix tras el éxito de Safe, aunque podríamos elevar la cuenta a la decimotercera adaptación del autor dentro del pacto de 14 libros firmado con la plataforma. Hasta el momento habían predominado las versiones británicas o europeas y faltaba una traslación ambientada en Estados Unidos.

De qué va ‘Te encontraré’

Te encontraré arranca en una prisión de Briggs, en Maine, donde David Burroughs cumple el quinto año de una cadena perpetua por el asesinato de su hijo de tres años, un caso sellado por ADN y por un testigo presencial. David Burroughs, interpretado por Sam Worthington, sostiene su inocencia mientras cumple condena por la muerte de Matthew. El detonante llega con Rachel Mills, su excuñada y periodista caída en desgracia, cuando le enseña una fotografía en la que aparece al fondo un niño que se parece a Matthew con cinco años más y que incluso comparte la marca de nacimiento que tenía el pequeño en la mejilla.

A partir de esa imagen, David rompe su pasividad y la serie entra en el territorio habitual de Coben: fuga, persecución y una verdad enterrada bajo capas sucesivas de engaño. El protagonista escapará de prisión cuando su vida empieza a correr peligro por la actuación de un funcionario de prisiones fuera de control, Ted Wesson, decidido a silenciarle.

La huida convierte a David y Rachel en perseguidos por el FBI, mientras ellos mismos investigan qué ocurrió realmente con Matthew. La serie dedica tanto tiempo a los fugitivos como a sus perseguidores, en especial a Max Williams, veterano del Grupo de Trabajo de Fugitivos del FBI, y a la agente Sarah Greer.

Ese doble foco es una de las claves de la serie. Frente a una premisa que roza lo inverosímil, la historia distribuye el suspense entre la carrera de los protagonistas y el dispositivo policial que trata de capturarlos.

Un gran reparto para un thriller adictivo

El otro gran apoyo de la ficción es su elenco. Además de Worthington y Britt Lower, aparecen Milo Ventimiglia como el exnovio acomodado de Rachel, Erin Richards como Cheryl, la exmujer de David, Chi McBride y Logan Browning como los agentes del FBI, Madeleine Stowe como una heredera adinerada con secretos, Peter Outerbridge como un alcaide vinculado personalmente al protagonista y Eric Johnson como el recluso que le hace la vida imposible en prisión.

Detrás del proyecto está Robert Hull, creador y adaptador televisivo de la novela, con créditos previos en Gossip Girl, Veronica Mars y Alcatraz. La dirección principal corre a cargo de Brad Anderson, que rodó en nuestro país El maquinista, con Christian Bale.

Como suele ser habitual en las adaptaciones de Coben, se trata de un artefacto tan desquiciado como adictivo en el que la lógica salta por los aires a través de una maraña de personajes y situaciones que cumplen una función hasta que, al final de la serie, todo se ensambla como en una especie de rompecabezas inesperado.

En definitiva, un thriller absorbente sobre el amor parental, la pérdida, la obsesión, con desapariciones, acusaciones erróneas, policías incompetentes o corruptos, villanos sombríos y toda una cadena de pistas falsas en un guion que empuja a seguir viendo el siguiente episodio gracias a los giros locos.

Esta es la última de las adaptaciones de Coben para Netflix, pero recordemos que en nuestro país se hizo una de las mejores, El inocente, dirigida por Oriol Paulo y protagonizada por Mario Casas junto a Jose Coronado y Aura Garrido.

El anuncio inesperado de la cancelación de The Boroughs: Jubilación rebelde sorprendió tanto al equipo creativo como a los seguidores de la nueva serie de ciencia ficción respaldada por los Hermanos Duffer. Aunque se contemplaban varias temporadas, la historia de este grupo de jubilados que enfrentaba una amenaza extraterrestre en Nuevo México quedará inconclusa en pantalla debido a los decepcionantes datos de audiencia y al alto costo de producción.

Netflix no ha dado detalles públicos sobre los motivos, pero fuentes cercanas señalan que la decisión responde a la baja rentabilidad en relación con la inversión y a la fuerte competencia entre sus propias producciones originales.

Antecedentes, expectativas y recepción de la serie

La serie The Boroughs: Jubilación rebelde desembarcó en Netflix en mayo de 2026 como una de las principales apuestas de la plataforma para el año. Creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews, y producida por los Hermanos Duffer, conocidos por el éxito de Stranger Things, la ficción proponía un enfoque novedoso al trasladar la lucha contra lo sobrenatural a una comunidad de adultos mayores. El elenco, liderado por Alfred Molina y Alfre Woodard junto a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis, ofrecía una versión más madura y nostálgica del universo de los Duffer, combinando toques de humor y drama.

El proyecto generó mucha expectación tanto entre el público como en la industria. La producción demostró confianza al abrir una sala de guionistas incluso antes de conocer el destino de la primera temporada. El propio Molina manifestó su deseo de que la historia se convirtiera en una saga duradera. Sin embargo, el entusiasmo inicial pronto se vio limitado por la realidad del mercado: la serie, a pesar de una intensa promoción y un lanzamiento destacado en medios, no logró igualar el fenómeno viral de su predecesora Stranger Things.

Factores económicos y de audiencia que influyeron en la cancelación

The Boroughs: Jubilación rebelde se distinguió desde su concepción por una gran inversión en efectos visuales, esenciales para plasmar la amenaza paranormal que enfrentaban los personajes principales. El género de ciencia ficción suele requerir considerable tecnología, equipos de postproducción especializados y una agenda de rodaje compleja, factores que incrementaron el presupuesto global.

En los primeros 24 días tras su estreno, la serie alcanzó 20,8 millones de visualizaciones, una cifra relevante para la mayoría de las producciones, pero insuficiente respecto a las expectativas de Netflix para un producto relacionado con el universo de Stranger Things. Según fuentes internas, el umbral de renovación incluye no solo la visibilidad inicial, sino también el crecimiento semanal, los índices de finalización de temporada y el potencial de desarrollo internacional. En este contexto, el costo elevado de cada episodio desfavorecía la viabilidad de la serie, ya que incluso un buen desempeño de audiencia difícilmente equilibraba la ecuación financiera.

La política reciente de la plataforma se ha vuelto más estricta ante inversiones arriesgadas, favoreciendo títulos que aseguren continuidad con presupuestos contenidos. El caso de The Boroughs demuestra cuán difícil es hoy sostener proyectos de gran escala que no cumplen con parámetros estrictos de rentabilidad y conexión con la audiencia.

Comparación con otras series: la estrategia de renovación de Netflix

Mientras The Boroughs enfrentaba la incertidumbre sobre su continuidad, Netflix anunciaba la renovación de otros títulos menos costosos y con buenos niveles de conexión con el público, como la adaptación animada Tales From ’85, derivada de Stranger Things, así como nuevas temporadas para Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne. Estas decisiones evidencian una tendencia clara en la estrategia de la plataforma: se priorizan proyectos con posibilidades de largo recorrido y control presupuestario, incluso si su alcance mediático o su potencial inicial es menor en comparación con propuestas como la recién cancelada serie de Addiss y Matthews.

Esta situación impacta directamente en las expectativas de los profesionales de la industria y de la audiencia, que ven frustradas sus esperanzas de continuidad y cierre de historias en producciones de gran formato. El caso de The Boroughs, que reunía un elenco destacado y ofrecía una propuesta distinta al estándar juvenil de la ciencia ficción, pone de manifiesto los riesgos que asumen creadores y plataformas frente a una audiencia global cada vez más exigente y con más opciones de consumo. Por el momento, la historia de la comunidad de jubilados luchando contra extraterrestres quedará como una curiosidad inconclusa en el catálogo de Netflix.

La fiebre por Las Guerreras K-pop no para y ahora con su primer aniversario llegará una transmisión para festejar. Este 20 de junio, Netflix llevará a cabo una maratón global de nueve horas, diseñada para que seguidores de todas partes puedan revivir la película, disfrutar de contenido exclusivo y sumarse a los festejos que rodean a la producción animada más vista de la plataforma.

La celebración gira en torno a HUNTR/X, el grupo ficticio que ha conquistado a millones, y a los Saja Boys, quienes también forman parte central de esta franquicia.

Dónde y cómo ver la transmisión de nueve horas de Las Guerreras K-pop

La transmisión especial de nueve horas será accesible para todos los fans a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. La cita está programada para el 20 de junio y, gracias al formato digital, permitirá que personas de cualquier país se conecten en cualquier momento del día.

Durante el evento, los organizadores han previsto proyectar diversas versiones de la película: la original, una edición Sing-Along especialmente pensada para que los espectadores puedan cantar junto a sus personajes favoritos, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

La audiencia podrá acceder a la transmisión simplemente ingresando al perfil oficial de Netflix en TikTok. No será necesario pagar ni registrarse en una plataforma externa, lo que facilita la participación global y espontánea.

Qué contenido especial tendrá esta transmisión

Uno de los principales atractivos de la maratón es el contenido exclusivo que se ha preparado para la ocasión. A lo largo de la transmisión, se emitirán entrevistas con los creadores y miembros del elenco detrás de Las Guerreras K-pop, así como con influencers y seguidores destacados del universo HUNTR/X.

Estas conversaciones permitirán conocer detalles inéditos sobre el proceso creativo y el impacto que la película ha tenido tanto en la industria como entre los fans.

Se han anunciado apariciones sorpresa a lo largo del evento, pensadas para mantener el interés de la audiencia y generar conversación en redes sociales. Además, la transmisión contará con comentarios en vivo, secuencias inéditas y animatics nunca antes vistas, lo que constituye una oportunidad única para descubrir el material que no llegó a la versión final de la cinta.

La comunidad fan tendrá un papel destacado en esta jornada. Habrá momentos especiales creados por usuarios, donde se compartirán producciones de seguidores y se celebrará activamente la creatividad del fandom.

Así, la maratón no solo será un repaso por la película, sino también un espacio de encuentro y reconocimiento para quienes han acompañado a la franquicia desde el inicio.

Qué otro contenido especial habrá por el aniversario de Las Guerreras K-pop

Los festejos del primer año de “Las Guerreras K-pop” trascienden el entorno digital. Netflix lanzó ediciones especiales del soundtrack bajo el título “KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film”, tanto en vinilo como en CD.

Esta colección se distingue por incluir cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, lo que convierte a estas ediciones en piezas de colección para los seguidores más fieles de la franquicia.

Junto a los discos, los fans podrán encontrar extras como calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables. Estos objetos refuerzan el vínculo entre la audiencia y el universo de la película, permitiendo que los seguidores lleven consigo parte de la estética y la identidad de HUNTR/X.

Netflix también organizó proyecciones especiales de aniversario en salas de cine de países como Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades ofrecerán funciones gratuitas al aire libre en lugares emblemáticos, ampliando las posibilidades para que el público disfrute de la cinta en comunidad.al.

Del origen en la novela gráfica al reconocimiento internacional

La franquicia Heartstopper comenzó como una serie de novelas gráficas escritas por Alice Oseman, que rápidamente ganaron popularidad entre el público adolescente por su tratamiento sensible y cotidiano de temas LGBTQ+. En 2022, Netflix adaptó la historia a la pantalla en formato de serie, logrando una posición destacada dentro del género juvenil, aunque sin alcanzar las cifras más altas de audiencia en el ámbito más amplio.

La narrativa, centrada en el romance entre Nick y Charlie, consiguió una profunda identificación con los jóvenes espectadores, consolidando así una comunidad de seguidores leales. La evolución de la serie conduce ahora a Heartstopper Forever. A diferencia de los capítulos anteriores, este largometraje se basa en el sexto volumen de la saga literaria, que se publicará pocos días antes del estreno, lo que representa una apuesta poco común en cuanto a la sincronización entre adaptación y material original.

Impacto cultural y representación: transformación en el audiovisual juvenil

La llegada de Heartstopper Forever no solo marca el final de una historia sentimental, sino que también aborda los desafíos del paso a la adultez y la despedida del primer amor, temas centrales para la generación adolescente actual. La película explora la tensión de una relación a distancia: Nick se prepara para comenzar su vida universitaria en otra ciudad, mientras Charlie enfrenta su último año de secundaria con mayor independencia.

Al mismo tiempo, el grupo de amigos, conformado por Tao (William Gao), Elle (Yasmin Finney), Darcy (Kizzy Edgell), Tara (Corinna Brown), Imogen (Rhea Norwood) e Isaac (Tobie Donovan), se enfrenta al final del ciclo escolar, a nuevos amores y a las incertidumbres propias del crecimiento. La representación abierta y naturalizada de la diversidad sexual y de género se mantiene como sello distintivo, incluyendo eventos como fiestas, desfiles del Orgullo LGBTQ+ y situaciones de autodescubrimiento. También destaca la alianza promocional con Olivia Rodrigo, que añade un componente musical afín al público juvenil y a los elementos de la cultura pop global.

Producción, cierre de la historia e influencia en el sector audiovisual

Desde la perspectiva de la industria, la decisión de convertir el desenlace en un largometraje -coincidiendo con el lanzamiento inminente del volumen final- confirma la confianza de Netflix en la franquicia como impulsora del compromiso global de la audiencia. La participación de Kit Connor y Joe Locke como productores ejecutivos reafirma una tendencia reciente: integrar a protagonistas jóvenes en los procesos creativos y estratégicos, con el objetivo de aumentar tanto la autenticidad narrativa como la conexión con la base de seguidores. Aunque no se ubicó entre los mayores éxitos comerciales, el impacto de la saga en la representación e identificación de audiencias LGBTQ+ marcó una diferencia relevante en la oferta juvenil de la plataforma.

Además, la decisión de filmar con el elenco original casi completo, con la única excepción de Olivia Colman por cuestiones de agenda, está orientada a cerrar historias secundarias y reforzar la experiencia de comunidad. Mientras los seguidores se preparan para despedir a Nick y Charlie, la campaña internacional coincide con el estreno musical de Rodrigo, aumentando la visibilidad de ambos lanzamientos en un contexto competitivo dentro del streaming dirigido al público adolescente.

Esta decisión supone un punto de inflexión tecnológico y narrativo para Scooby-Doo. A lo largo de cincuenta años, la propiedad intelectual ha acumulado tres películas para cine, más de una docena de series animadas y casi cuarenta películas animadas para el mercado doméstico, manteniendo inalterable la recreación digital o animada del protagonista cuadrúpedo en todas sus encarnaciones anteriores. Con esta variante, Netflix y Warner Bros. Television apuestan por reforzar el realismo visual, mientras sostienen los elementos sobrenaturales y aventureros que definieron la marca desde su creación.

La iniciativa reúne un equipo creativo liderado por Josh Appelbaum y Scott Rosenberg como showrunners, guionistas y productores ejecutivos, acompañados por André Nemec, Jeff Pinkner y Adrienne Erickson bajo el sello Midnight Radio. A ellos se suman Greg Berlanti, Sarah Schechter y Leigh London Redman a través del acuerdo general de Berlanti Productions con Warner Bros. Television, junto al director Toby Haynes, encargado del episodio inaugural de la serie.

El casting y la relectura generacional de Mystery Inc.

Netflix confirmó el elenco principal con Mckenna Grace en el papel de Daphne Blake, Tanner Hagen como Shaggy Rogers, Abby Ryder Fortson como Velma Dinkley, Maxwell Jenkins como Fred Jones y Paul Walter Hauser en un rol aún no especificado por el estudio. La narrativa se ubica en el último verano de los protagonistas en un campamento, donde el grupo se ve involucrado en un crimen de tintes sobrenaturales cuyos detalles giran en torno a un cachorro de gran danés que pudo haber presenciado el hecho.

El planteo tematiza la dinámica de “amistad y secretos” como núcleo, abordando el origen de Mystery Inc. y la génesis de una alianza que marcó a varias generaciones de espectadores. La adaptación, según la sinopsis oficial proporcionada por Netflix, introduce a “una pragmática científica de pueblo”, Vilma, y “el apuesto chico nuevo, Fred”, en una estrategia de aggiornamiento de personajes para públicos actuales.

Una apuesta por el realismo animal: la ruptura del CGI en la franquicia

El mayor diferencial industrial de Scooby-Doo: El origen radica en su abordaje visual: Netflix renunció al uso tradicional de CGI y animación digital para representar al personaje titular. En su lugar, la producción filmada en Atlanta contará con un cachorro 100% real para encarnar por primera vez en acción real al gran danés. Esta innovación, confirmada tanto en avances audiovisuales como en el material promocional distribuido por la plataforma, marca una evolución significativa dentro del ecosistema de contenido live-action orientado a audiencias familiares.

Esta decisión se implementa en el contexto de una expansión global de la franquicia, que en simultáneo prepara Yokoso Scooby-Doo!, la primera incursión oficial en el universo anime bajo la producción de Warner Bros. Animation y destinado para su estreno en Tubi en Estados Unidos y Cartoon Network en mercados internacionales. Este proyecto paralelo contará con la intervención de OLM Studios y dirección de Itsuro Kawasaki, apostando a diversificar la presencia del personaje en formatos y geografías emergentes.

El peso del legado y la continuidad bajo nuevos acuerdos de producción

El anuncio ubicó a Greg Berlanti como nexo industrial entre los creadores originales de Scooby-Doo y los desarrollos actuales bajo el régimen de acuerdos generales con estudios mayores. Berlanti rememoró su experiencia en los estudios Hanna-Barbera y valoró que el guion y la construcción de la serie retoman el “espíritu” fundacional de la franquicia, según declaró en un comunicado difundido durante la presentación oficial del proyecto.

Para el ecosistema Netflix, Scooby-Doo: El origen se integra a un portafolio de producciones estratégicas rodadas en Atlanta —incluyendo éxitos recientes como Stranger Things—, en una maniobra que busca reforzar su oferta de contenido global y multigeneracional. Además, el posicionamiento de la propiedad intelectual bajo la alianza Berlanti-Warner Bros. implica la continuidad de un modelo de acuerdos generales que ha redefinido la producción de series de alto perfil para la plataforma.

Los primeros adelantos visuales del proyecto provocaron reacciones de figuras asociadas a la propiedad cinematográfica previa. Matthew Lillard, encargado del rol de Shaggy en las adaptaciones de cine, expresó a Entertainment Weekly: “Estoy realmente feliz por ellos. La serie necesita volver. Es la primera introducción a las historias de fantasmas para muchos niños. Espero que mantengan lo que ha funcionado y le den su propio giro, aunque soy bastante purista con esa franquicia. El núcleo es la amistad”.

El estreno mundial de Scooby-Doo: El origen está previsto exclusivamente en Netflix para 2027. La plataforma sostiene su estrategia de construcción de expectativa a través de avances y confirmaciones escalonadas, apoyada en el diferencial de su primer Scooby-Doo en live action con perro real que, según las proyecciones internas, buscará abrir un nuevo capítulo de la franquicia para audiencias históricas y contemporáneas.

Netflix ha formalizado el estreno de la temporada 3 de “Mi otra yo” para el próximo 24 de junio de 2026, marcando el cierre definitivo de la exitosa serie turca en su catálogo internacional. Esta última temporada, que contendrá 8 episodios de aproximadamente 53 minutos cada uno, representa no solo la continuidad de una trama que ha dominado la audiencia en la plataforma desde 2022, sino también la consolidación del drama otomano como producto clave para el streaming global.

La producción ha integrado en su retorno la misma tríada de protagonistas: Tuba Büyüküstün, Seda Bakan y Boncuk Yılmaz. La narrativa se centrará en las nuevas fases personales que atraviesan sus personajes, Ada, Sevgi y Leyla, confrontando traumas, dilemas familiares y relaciones sentimentales en el paisaje costero de Ayvalık. De acuerdo con información difundida por la propia plataforma, la temporada introduce a dos figuras relevantes: Şükrü Özyıldız, que se suma como Özgür, y İlayda Akdoğan, quien toma el rol de Deniz, la hermana de una de las protagonistas.

El equipo creativo ha reiterado fórmula y nombres propios: Burcu Alptekin y Erdem Tepegöz repiten en la dirección y Nuran Evren Şit como responsable del guion. El reparto se completa con Berk Cankat, Rüya Coriç, Fırat Tanış, Serkan Altunorak, Rıza Kocaoğlu y Murat Boz, construyendo un elenco plural que ha favorecido la identificación multicultural de la audiencia de Netflix.

La confirmación del final y la estrategia de expansión turca en Netflix

Al haber fijado la fecha de estreno y definido la temporada tres como entrega final, la compañía de streaming ejecuta una estrategia deliberada de cierre narrativo para “Mi otra yo”. El posicionamiento de la serie —lanzada originalmente en 2022 bajo el título “Zeytin Ağacı”— ha funcionado como catalizador del fenómeno turco, compitiendo en engagement con títulos como “El secreto de Feriha”, “El sastre” o “Club Estambul”.

La sinopsis oficial emitida por Netflix detalla: “Mientras siguen explorando sus traumas ancestrales, Ada, Sevgi y Leyla se enfrentan a decisiones que cambiarán sus vidas en medio de nuevos comienzos en la costa de Ayvalık”. El uso recurrente de las constelaciones familiares como herramienta dramática y de sanación constituye uno de los pilares diferenciales de la ficción en su género.

Desde su lanzamiento, la serie ha destacado por abordar temas como la sanación emocional, el peso del pasado y el poder de la sororidad, elementos determinantes para su recepción internacional. El guion profundiza en las terapias alternativas y dentro de la estructura episódica ha fijado su marca tanto en la fotografía de localizaciones costeras como en la continuidad emocional de las protagonistas.

Un rendimiento que posiciona a Turquía en las preferencias globales de streaming

“Mi otra yo” figura entre las ficciones turcas de mayor visibilidad fuera de su mercado de origen, lo que refuerza la apuesta de Netflix por el contenido otomano en un contexto de diversificación y expansión de catálogo. El cierre de la serie en junio de 2026 responde tanto a una lógica de refresco de inventario como a la intención de ofrecer arcos narrativos completos, una demanda creciente en los hábitos de consumo de plataformas digitales.

El estreno coincide con una aceleración de estrenos turcos en la plataforma: la serie “Gracias, ¿el siguiente?” de Bertan Basaran se encuentra disponible desde el 8 de mayo, mientras que “Cementerio” (Mezarlık) prepara su tercera temporada para el 28 de agosto. Al delimitar narrativamente la historia de Ada, Sevgi y Leyla, la entrega final de “Mi otra yo” robustece la oferta internacional de dramas sociales y emocionales que distinguen el line up de la plataforma a mitad de 2026.

Netflix ha cancelado la serie de ciencia ficción The Boroughs: Jubilación rebelde, producida por los hermanos Duffer, tras una única temporada. El proyecto, que debutó en mayo de 2026 poco después del cierre de Stranger Things, reunió a un elenco encabezado por Alfred Molina y Alfre Woodard para explorar la historia de un grupo de residentes en una comunidad de jubilados que deben unirse para enfrentar una amenaza sobrenatural.

La serie, creada por Jeffrey Addiss y Will Matthews y producida por los hermanos Duffer, creadores de Stranger Things, fue presentada como una especie de Stranger Things con protagonistas mayores. Junto a Molina y Woodard, el reparto incluyó a Denis O’Hare, Clarke Peters, Carlos Miranda, Jena Malone, Seth Numrich, Alice Kremelberg y Geena Davis. La premisa giraba en torno a la idea de que el único recurso que estos personajes no podían permitirse perder era el tiempo. The Boroughs: Jubilación rebelde fue uno de los lanzamientos más esperados de la plataforma, producto directo de la popularidad de Stranger Things y del interés por nuevas historias de ciencia ficción con un enfoque diferente. La serie ofreció, desde su primer episodio, una combinación de nostalgia, humor y suspenso, con una estética y un tono que evocaban el legado de los Hermanos Duffer, pero trasladado a una comunidad de adultos mayores.

Los creadores, Addiss y Matthews, diseñaron la serie pensando en un arco argumental de tres temporadas. Incluso antes de la decisión de Netflix, ya se había abierto una sala de guionistas para una potencial segunda entrega. Este procedimiento es habitual en proyectos de alto perfil que buscan posicionarse rápidamente para una renovación, según se informó desde la producción. El propio Molina expresó su entusiasmo por la continuidad del proyecto en una entrevista de mayo: “Me encantaría seguir con esto. Me gustaría que fuera algo duradero. ¿Quién sabe? La televisión puede ser inestable, pero también brinda grandes oportunidades. Tenemos un reparto maravilloso, una gran premisa y los decorados ya están listos. Me encantaría hacer más”.

Audiencia y factores detrás de la cancelación

Durante sus primeras dos semanas y media en la plataforma, The Boroughs: Jubilación rebelde fue vista por casi 19 millones de cuentas, según datos internos de Netflix. El volumen de visualizaciones ubicó a la serie entre los estrenos más fuertes de la temporada para la compañía. Sin embargo, el elevado costo de producción, en especial por los efectos especiales necesarios para recrear la amenaza paranormal, fue un elemento decisivo en la evaluación de la continuidad. Según fuentes de la industria, los presupuestos de series de ciencia ficción de gran escala suelen ser determinantes a la hora de decidir su renovación o cancelación, aun cuando las cifras de audiencia sean significativas.

La noticia de la cancelación sorprendió tanto al equipo creativo como al elenco, que había manifestado públicamente su interés en continuar con la historia. La apertura anticipada de la sala de guionistas para una segunda temporada es un indicio de que la producción tenía expectativas de continuidad y confianza en el desarrollo de la trama. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde contrasta con otras decisiones recientes de Netflix en materia de renovaciones. La plataforma confirmó en las últimas semanas la continuidad de Tales From ’85, el spin-off animado de Stranger Things, que tendrá una segunda temporada. También recibieron luz verde para nuevas entregas series como Little House on the Prairie, The Hunting Wives y Leanne, todas ellas parte de la estrategia de diversificación de contenido original de la compañía.

Estas decisiones reflejan la política de Netflix de priorizar proyectos con potencial de largo recorrido y presupuestos más ajustados, sin importar necesariamente el volumen inicial de audiencia. El caso de The Boroughs: Jubilación rebelde ilustra cómo incluso los títulos con un seguimiento considerable pueden ser cancelados si los costos superan las expectativas de rentabilidad a futuro. Netflix no ha emitido un comunicado oficial detallando los motivos de la cancelación, pero la información disponible apunta a la combinación de presupuesto elevado y estrategia de programación como las razones principales. De esta forma, la historia de los residentes de la comunidad de jubilados queda, por ahora, sin resolución en pantalla.

Esta nueva temporada promete repetir la fórmula que cautivó a miles de espectadores en el país. El reality se consolidó en el catálogo local, ubicándose entre los contenidos más comentados de la plataforma. El interés del público se reflejó en la rápida repercusión que tuvo el anuncio en redes sociales.

La presencia de Wanda Nara y Darío Barassi es uno de los elementos más visibles en la campaña de la segunda temporada. Ambos conductores vuelven a ponerse al frente, tal como anticipan las imágenes promocionales difundidas. Su regreso fue recibido con entusiasmo por parte de la audiencia, que ya había valorado su desempeño en la primera entrega.

El estilo de Nara y Barassi, cercano y directo, marcó la identidad local del formato y contribuyó a la conexión con el público argentino. Los seguidores destacan la forma en que ambos acompañan las historias, aportando un tono dinámico y participativo, sin perder de vista el eje emocional del programa.

La premisa de Love Is Blind Argentina se mantiene fiel al formato internacional. Solteros y solteras buscan pareja sin verse previamente, apostando a construir una conexión emocional antes de cualquier encuentro físico. “¿El verdadero amor es ciego?" Esa es la pregunta que sirve de disparador de este experimento que ha dado la vuelta al mundo, en donde varios solteros y solteras van en busca de una pareja que los ame y con la que decidirán casarse... ¡sin haberse visto nunca!”.

El proceso inicia en las llamadas cabinas, donde los participantes conversan a ciegas, buscando afinidades y estableciendo vínculos sin referencias visuales. Luego, las parejas que deciden avanzar experimentan la convivencia, conocen a familiares y amigos del otro, y terminan organizando una boda. En la instancia final, frente al altar, cada pareja decide si la conexión emocional lograda en las cabinas se sostiene en el mundo real y si hay atracción física suficiente para consolidar una relación.

La mecánica del programa plantea desafíos singulares para los participantes. Muchos espectadores se preguntan si es posible enamorarse sin conocer físicamente a la otra persona, mientras que otros se interesan por los conflictos y dilemas que surgen al trasladar la ficción de las cabinas a la convivencia cotidiana. El reality ofrece tanto historias de amor inesperado como situaciones de tensión y decisiones que pueden cambiar el rumbo de los involucrados.

Con el anuncio de la temporada 2 y la confirmación de la fecha de estreno, la expectativa volvió a crecer entre los fanáticos del formato, que suman cada vez más adeptos por su atractivo contenido y la posibilidad de generar debate.

El fenómeno social que rodea al programa se reflejó en la repercusión del anuncio, con miles de mensajes y reacciones en redes sociales. Los seguidores esperan nuevas historias, encuentros inesperados y decisiones de alto voltaje emocional. La combinación entre el formato internacional y el toque local aportado por los conductores, sumada a la participación de una nueva generación de solteros y solteras, promete repetir —y posiblemente superar— el impacto de la primera edición.

A partir del 28 de junio, los espectadores podrán comprobar si el amor es realmente ciego y si las parejas que surjan en las cabinas logran transformar una conexión emocional en una relación sólida fuera de cámaras.

Puede que el nombre de John Lasseter no te suene demasiado, pero deberías saber que este hombre es una de las personas más importantes del cine moderno. Al fin y al cabo, se le considera el gran pionero de la animación por computadora y uno de los primeros que creyó en el potencial del CGI. Al principio, sus ideales le costarían su puesto en Disney, pero lejos de quedarse ahí, decidió fundar un estudio propio, Pixar, desde el que dirigiría obras maestras como Toy Story, Bichos o Cars.

Han pasado décadas desde entonces, y lo cierto es que la vida de Lasseter no es la que habría cabido esperar tras esos éxitos. En 2017, varias acusaciones por conducta profesional inapropiada y acoso sexual le señalarían directamente. Él pediría disculpas públicamente y se retiraría temporalmente del estudio, pero eso no impediría que, tras una excedencia de seis meses, este ‘pactara’ con Disney (que compró Pixar en 2006) su salida definitiva en 2018.

En enero de 2019, no obstante, la carrera del director y animador daría un nuevo vuelco después de que decidieran ficharlo en Skydance Media como director de la división de animación, tras una investigación previa donde corroboraron tanto que él estaba arrepentido por lo ocurrido como que era posible crear un entorno laboral seguro. Desde esta institución, Lasseter ha liderado la producción de nuevas películas como Luck o Hechizados, aunque ninguna con tanto éxito como Intercambiados, que con apenas un mes en Netflix va camino de convertirse en un éxito histórico para la plataforma.

Así es el nuevo fenómeno de Netflix

Tras un estreno discreto, Intercambiados, dirigida por Nathan Greno (Enredados), va camino de superar las 120 millones de visualizaciones en apenas un mes y medio. A pesar de llevar casi dos meses en Netflix, la película no desaparece del top de lo más visto, algo que lleva a pensar que muy probablemente estemos ante una de las películas animadas más vistas de la historia de la compañía de streaming.

Con voces como la de Michael B. Jordan o Juno Temple al frente del proyecto, Intercambiados cuenta la historia de una pequeña criatura del bosque que, misteriosamente, intercambia su cuerpo con un majestuoso pájaro del valle. Estos dos animales son enemigos naturales, pero dada la situación, se ven obligados a colaborar para sobrevivir y conseguir recuperar sus cuerpos en la aventura más salvaje de sus días.

Una película que empezó con un borrón y cuenta nueva

La producción de la película no fue nada sencilla. Al principio, Intercambiados era otra película llamada Powerless y centrada en superhéroes adolescentes. “Estábamos profundizando en el tema, y ​​empezó a tomar un rumbo diferente, con adolescentes transformándose”, explica en una entrevista con el medio estadounidense Cartoon Brew el director de la película, Nathan Greno. “Y, para seros sinceros, se complicó un poco. Todo era como: ‘¿Qué estamos haciendo?’.

Estas mismas dudas fueron las que llevaron al cineasta a hablarlo con Lasseter. “Le dije: ‘John, creo que lo estamos haciendo mal’”. Querían romper los clichés habituales de las películas de transformación, donde lo más habitual es que el humano, al convertirse en animal, aprenda una lección. En ese punto, Lasseter propuso: “¿Qué tal si no hay humanos en absoluto?”. Greno recuerda su reacción: “Eso es interesante”. Y se pusieron manos a la obra.

A partir de esa premisa, el equipo se volcó en una inversión total de la fórmula habitual, cuyo resultado final es Intercambiados, una película que mezcla aventura y comedia y en la que, en efecto, todos los personajes son animales. Ahora solo falta por ver cuán lejos puede llegar su éxito en Netflix, ya que a día de hoy no parece que ningún estreno sea capaz de competir con ella. Eso sí, para este 2026 Lasseter todavía no ha gastado su mejor bala: se trata de Ray Gunn, la nueva película de animación de Brad Bird (responsable de Ratatouille y Los increíbles) que promete ser uno de los estrenos de la temporada, con una historia de ciencia ficción sobre un detective humano en un planeta alienígena.

Uno de los principales cambios en el mundo de las series y películas que ha conllevado el éxito de las plataformas de streaming es que, a día de hoy, las películas y series de habla no inglesa tienen mucho más alcance que el que podrían haber tenido en las salas de cine. Títulos como Trol, En las profundidades del Sena o La sociedad de la nieve son títulos que quizá en otro momento no habrían tenido tanta relevancia, pero que gracias a Netflix, en este caso, se convirtieron en grandes éxitos internacionales.

Es así como se explica, también, el éxito de Extraterritorial, una película alemana que acaba de convertirse en una de las cintas más vistas de la historia de la plataforma. Con más de 91,7 millones de visualizaciones y casi 170 millones de horas reproducidas, la cinta dirigida por Christian Zübert se sitúa la cuarta en el ranking de producciones de habla no inglesa más vistas, solo por detrás de las tres que mencionábamos al principio.

Extraterritorial es un thriller protagonizado por Jeanne Goursaud (Bárbaros) que destacó en la plataforma desde su estreno con una premisa directa: una exsoldado de las Fuerzas Especiales, Sara Wulf, enfrenta el peor escenario posible al perder a su hijo durante un trámite en el consulado estadounidense en Fráncfort. Nadie parece recordar haber visto al niño, y la protagonista se encuentra ante una red de negaciones e interrogantes.

Esto opinan quienes ya la han visto

De este modo, la película (de 1 hora y 45 minutos de duración) combina acción sin pausa y un misterio que desafía la lógica, narrando la angustiosa búsqueda de una madre que deberá incluso recurrir a su entrenamiento militar para sobrevivir y desentrañar la conspiración que la rodea, todo mientras las autoridades insisten en que el niño nunca estuvo allí. En esta trama, el elenco incluye otros nombres como Dougray Scott, Lera Abova y Kayode Akinyemi, quienes refuerzan la dimensión internacional del filme.

Como suele ocurrir en estos casos, el éxito de Extraterritorial no se corresponde con la opinión de la crítica especializada, que, si bien ha reconocido que es “entretenida” o que “funciona muy bien” como pasatiempo, echa en falta un poco más de profundidad en el guion. Sí que ha habido espectadores que han valorado muy positivamente la película. "Exterritorial me sorprendió gratamente. Esperaba una película de acción más, pero me encontré con un thriller intenso y elegante, con verdadero dinamismo y personalidad. El ritmo es ágil, la tensión casi constante y las escenas de acción limpias, viscerales y bien coreografiadas", escribe un usuario en la plataforma de IMDb.

Dado el éxito de Extraterritorial, no sería extraño que Netflix informara pronto de que ya están trabajando en una secuela, si bien todavía no ha habido confirmación oficial. El propio director, Christian Zübert, fue claro al afirmar que solo consideraría una segunda parte “si tuviera una idea realmente buena para ello”. Mientras tanto, el éxito de la cinta alimenta especulaciones entre los seguidores, que esperan ver a la heroína enfrentando nuevos desafíos fuera de las fronteras del consulado.

Para la celebración del primer año de Las Guerreras K-pop, Netflix prepara una agenda llena de eventos y contenido especial para festejar a la película más vista de la aplicación de streaming.

Uno los eventos será una transmisión de 9 horas en TikTok para que los seguidores puedan disfrutar de esta producción de una manera diferente, con ediciones variadas.

Así será la transmisión de nueve horas en TikTok de Las Guerreras K-pop

El plato fuerte de la celebración del aniversario será una transmisión mundial de nueve horas a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. Esta maratón está programada para el 20 de junio y permitirá a los fans conectar desde cualquier parte del mundo, en cualquier momento del día, para compartir la experiencia en tiempo real.

Los organizadores han confirmado que se proyectarán diversas versiones de la película: la original, la edición Sing-Along, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

Durante la transmisión, la audiencia podrá acceder a contenido exclusivo. Se incluyen entrevistas con los creadores y miembros del elenco, así como con influencers y seguidores destacados de la franquicia. También habrá apariciones sorpresa que prometen mantener la atención de los usuarios y alimentar la conversación en redes sociales.

Además, la maratón estará enriquecida con comentarios en vivo, secuencias inéditas y animatics nunca antes vistas. La comunidad fan tendrá su espacio mediante momentos especiales creados por usuarios, reforzando el vínculo entre los seguidores y el universo de HUNTR/X.

Cómo serán las ediciones especiales y merchandising

La celebración del primer aniversario no se limita al entorno digital. Netflix ha lanzado ediciones especiales en vinilo y CD de la banda sonora KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film. Esta colección incluye cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, convirtiéndose en un objeto de deseo para coleccionistas y seguidores fieles de la franquicia.

Entre los extras destacados, aparecen calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables.

Récords históricos y logros de Las Guerreras K-pop en Netflix

Las Guerreras K-pop ha alcanzado logros que difícilmente se repetirán en el corto plazo. Aunque su estreno en Netflix fue discreto, con apenas 9,2 millones de visionados iniciales, la cinta dirigida por Chris Appelhans y Maggie Kang pronto multiplicó esas cifras gracias al boca a boca.

En sus primeros 90 días, acumuló 325,1 millones de visionados, convirtiéndose en la película más vista de la historia de la plataforma.

Además, la producción logró permanecer durante 52 semanas (un año) consecutivas en el Top 10 semanal de Netflix, algo que ninguna producción de la plataforma había logrado.

Durante la semana del 8 al 14 de junio, la película sumó otros 3,8 millones de visionados, ocupando la sexta posición y asegurando el último gran hito de su carrera en streaming.

Las Guerreras K-pop llegarán a los escenarios

Como parte de la estrategia para prolongar la vida de la franquicia, Netflix y AEG Presents anunciaron una gira mundial oficial inspirada en la película. Aunque aún no se conocen fechas ni ciudades específicas, el tour promete llevar a los escenarios elementos de la historia y el espectáculo visual que definieron a la cinta. Los interesados ya pueden registrarse para la preventa de entradas y recibir información prioritaria en cuanto se anuncien detalles.

La propuesta busca trasladar la magia de la animación al mundo real, combinando actuaciones musicales, coreografías y efectos en vivo, en un formato más ambicioso que un concierto tradicional.

En paralelo, Netflix ha organizado proyecciones especiales de aniversario en cines de Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades ofrecerán proyecciones gratuitas al aire libre en lugares emblemáticos como el Kenley Centennial Amphitheater de Salt Lake City, Honeysuckle Park en Atlanta, Union Square Plaza en San Francisco, Brooklyn Bridge Park en Nueva York y Waterfront Park en San Diego.

La confesión del capitán argentino aportó una nueva perspectiva sobre el impacto de las historias deportivas en su vida y permitió conocer los puntos en común que identifica con el tenista español.

Messi y Nadal: afinidades entre dos referentes del deporte mundial

"ESTAMOS MIRANDO AHORA LA SERIE DE RAFA NADAL Y ME IDENTIFICO MUCHO. CREO QUE SOMOS MUY PARECIDOS..."

✍️ Leo Messi tras otro partido único en el Mundial

⚽ #ESPNMundial
📺 Mirá los mejores partidos de la #FIFAWorldCup por ESPN, en el Plan Premium de #DisneyPlus pic.twitter.com/ZEG3miFrlL

— SportsCenter (@SC_ESPN) June 17, 2026

Luego del debut ante Argelia en el Mundial, el capitán argentino compartió en la rueda de prensa su experiencia como espectador de la serie documental sobre ell tenista español: “Estamos mirando la serie de Rafa Nadal y me identifico mucho con él, creo que somos muy parecidos en ese sentido, que siempre quiero dar el máximo y siempre me quiero sentir bien”, afirmó el capitán argentino. Sus declaraciones, recogidas tras el partido, pusieron en primer plano no solo la admiración por el tenista mallorquín, sino también la autoexigencia y la búsqueda constante de superación que ambos comparten.

La referencia de Messi a la serie Rafa, disponible en Netflix, trasladó la conversación pública al impacto de las historias de resiliencia y sacrificio en los atletas de élite. El futbolista explicó que la docuserie muestra facetas poco conocidas de la personalidad de Nadal y destacó la profundidad con la que se retrata la lucha contra el dolor físico y la presión competitiva.

Qué muestra “Rafa”, la serie que cautivó a Messi

La producción de Netflix dirigida por Zach Heinzerling se centra en el último año de competencia de Rafael Nadal y ofrece, según el análisis del sitio estadounidense The Contending, “una mirada sobria, incluso sombría, sobre el dolor físico y mental que acompaña a los grandes atletas”. La serie alterna entre los inicios de Nadal y su regreso en 2024, mostrando cómo el paso del tiempo afecta la capacidad de competir al máximo nivel.

A lo largo de los episodios, el documental revela los sacrificios personales y físicos del tenista. Desde el diagnóstico de síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad degenerativa en el pie izquierdo, hasta las múltiples lesiones que condicionaron su carrera, la narrativa expone cómo Rafa convivió con el dolor durante toda su trayectoria. El medio estadounidense detalla que el deportista “creía que cuando sufría, estaba dando todo de sí, y esa convicción marcó su camino en el deporte”.

La serie explora además el entorno familiar de Nadal, en especial la influencia de su tío Toni, quien lo entrenó durante años y defendía la idea de que el sufrimiento era parte del camino hacia la grandeza. El documental recopila material inédito, testimonios de rivales históricos como Roger Federer y Novak Djokovic, y repasa los momentos más críticos de la carrera del mallorquín, incluyendo episodios en los que debió competir anestesiado por el dolor.

The Contending destaca que la docuserie “transmite la naturaleza efímera de la carrera deportiva y la humanidad de Nadal, logrando una mirada honesta sobre su legado”. La producción evita el tono celebratorio y expone sin filtros el desgaste físico y emocional que supone competir al más alto nivel.

El valor de la resiliencia: Messi y las historias que inspiran

Las declaraciones de Leo Messi sobre la serie Rafa abren el debate sobre la influencia de las historias de resiliencia y sacrificio en la mentalidad de los grandes referentes deportivos. Para el capitán argentino, la identificación con el relato de Nadal radica en el esfuerzo constante, la exigencia personal y la capacidad para sobreponerse a la adversidad.

La serie, según la crítica internacional, no solo se dirige a los fanáticos del tenis, sino a quienes buscan comprender los desafíos emocionales y físicos que atraviesan los atletas de élite. La confesión de Messi tras el triunfo mundialista refuerza el impacto que tienen estos relatos en la construcción de la identidad y la motivación de los deportistas contemporáneos.

Con la confirmación del estreno, la franquicia Heartstopper formaliza el regreso de Kit Connor y Joe Locke como protagonistas y productores ejecutivos. Ambos actores consolidan así una doble función en el cierre de la historia, extendiendo su vínculo contractual más allá del reparto y colaborando en la producción ejecutiva junto a Patrick Walters, Iain Canning, Emile Sherman, Euros Lyn y la propia Oseman. El largometraje constituye también la primera obra de la saga adaptada en formato fílmico; las temporadas previas abordaron la narrativa episódicamente desde 2022, año en que la serie debutó en la plataforma y se posicionó como un referente de contenido adolescente LGBTQ+.

En este capítulo final, la trama aborda el impacto de la inminente distancia: Nick se prepara para iniciar la universidad, mientras Charlie explora la independencia y una nueva etapa en la escuela. La película no solo concluye su arco principal, sino que busca cerrar las historias de los personajes secundarios, como Tao (William Gao), Elle (Yasmin Finney), Darcy (Kizzy Edgell), Tara (Corinna Brown), Imogen (Rhea Norwood) e Isaac (Tobie Donovan), quienes enfrentan el final del ciclo escolar y el ingreso a la adultez.

La elección de Wash Westmoreland en la dirección introduce una nueva lectura sobre la narrativa de Oseman, mientras que la sincronización musical con Olivia Rodrigo alinea la promoción de la película con el lanzamiento de «You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love», generando una estrategia de doble anclaje dirigida al público joven y a los seguidores de ambos fenómenos culturales.

Heartstopper Forever: el cierre de una franquicia transformada en fenómeno global

El largometraje se basa en el sexto volumen de la serie literaria, que permanece inédito al momento del anuncio y actualiza así el patrón de producción respecto a las adaptaciones previas. La decisión de avanzar con una película basada en material no publicado subraya la confianza de See-Saw Films y Netflix en el potencial de la franquicia para sostener la expectativa global, incluso ante la ausencia de la edición impresa.

El núcleo de la película se concentra en las consecuencias de la relación a distancia y en desafíos vinculados con la identidad, la independencia y las dinámicas de amistad entre los personajes principales y secundarios. La sinopsis oficial destaca el foco en el ciclo de maduración adolescente, la transición escolar-universitaria y las preguntas sobre la vigencia o el final de los primeros amores adolescentes, sin apartarse del tono cotidiano y sensible que caracterizó a los episodios previos.

La presencia de escenas de celebraciones, fiestas, desfiles del Orgullo LGBTQ+ y momentos de descubrimiento personal, mostradas en el avance, inscribe a Heartstopper Forever dentro de las tendencias de representación inclusiva y abordaje transversal de la diversidad sexual y de género en el catálogo original de Netflix.

Impacto de producción y estrategia de lanzamiento en la industria del streaming

El anuncio refuerza la política de Netflix de adaptar obras literarias juveniles a formatos de alta visibilidad, priorizando historias con núcleos afectivos diversos y potencial de engagement internacional. La designación de Connor y Locke como productores ejecutivos es consistente con una tendencia creciente: incorporar a los protagonistas en las decisiones creativas y estratégicas, lo que incrementa tanto la identificación del elenco con el producto como el atractivo para la audiencia de base.

La película, situada como capítulo final de una franquicia iniciada en 2022, redefine los marcos de cierre para las adaptaciones de literatura juvenil en plataformas digitales, al proponer una estrategia de conclusión narrativa que combina rodaje específico, integración de contenido musical original y una campaña internacional dirigida simultáneamente al fandom literario y audiovisual.

La lista de lo más visto en Netflix en España se ha visto sacudida por la irrupción de una nueva serie en el top uno desde su estreno. Se trata de Perdiendo el juicio, un drama judicial estrenado en Atresplayer en marzo de 2025 y emitido en Antena 3, que acaba de ver cómo su llegada a la plataforma de streaming le acaba de dar una segunda vida, superando incluso a El testigo, la serie de moda de las últimas semanas.

Perdiendo el juicio sigue el derrumbe de Amanda Torres, una abogada madrileña de renombre que sufre una crisis de trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) durante un juicio público. Este episodio no solo destruye su reputación, sino que la obliga a abandonar el entorno elitista en el que se había hecho un nombre. Amanda debe comenzar de nuevo en un despacho modesto, rodeada de personajes más cercanos y caóticos que aquellos a los que estaba acostumbrada.

Sin embargo, la trama da un giro cuando Amanda se enfrenta a la defensa de su propia hermana, Daniela, acusada de asesinato el día de su boda. Este caso añade una dimensión emocional al relato, pues la protagonista debe demostrar su valía profesional y, al mismo tiempo, afrontar heridas familiares profundas. Cada episodio presenta un nuevo caso judicial, pero el verdadero motor narrativo reside en la transformación personal de Amanda y su lucha por aceptar una vida distinta a la que había planeado.

El reparto del nuevo éxito de Netflix

Lejos de trivializar el TOC que afecta a Amanda, Perdiendo el juicio opta por un retrato equilibrado, evitando tanto la caricatura como el dramatismo excesivo. La acción avanza entre momentos de humor y dolor, reflejando el esfuerzo de la protagonista por reconstruir su cotidianeidad y recuperar el control de su vida. Este enfoque ha generado empatía entre los espectadores, que encuentran en Amanda una figura imperfecta, pero profundamente humana.

La actriz encargada de encarnar a Amanda es Elena Rivera, actriz que con 13 años inició su carrera en Cuéntame cómo pasó y que ha consolidado su perfil adulto en series como Alba. En este nuevo trabajo, no obstante, ofrece una de sus mejores interpretaciones tanto por la honestidad como por la fragilidad que consigue reflejar en su personaje.

En el elenco protagonista la acompañan Manu Baqueiro como Gabriel Ochoa, el dueño del nuevo bufete, quien aporta un contrapunto más terrenal y menos rígido; Miquel Fernández en el papel de César, esposo de Amanda y figura central de su vida anterior; y Carol Rovira como Daniela, cuya acusación de asesinato desencadena el principal conflicto de la temporada. En un papel más secundario, completan el reparto con nombres como Lucía Caraballo, Dafne Fernández y Eloy Azorín.

El éxito de la serie en Netflix reafirma la tendencia de recuperación de ficciones españolas en las plataformas, donde títulos que parecían haber cerrado su ciclo encuentran una nueva oportunidad para brillar. Ejemplos de ello son producciones como La Casa de Papel, Vis a Vis, Entrevías o Toy Boy. Por su parte, con todos los episodios disponibles y una segunda temporada en marcha, Perdiendo el juicio promete seguir dando que hablar en el competitivo mundo de las series televisivas.

Netflix se prepara para celebrar el primer aniversario de Las Guerreras K-pop con una agenda repleta de eventos, sorpresas y experiencias exclusivas para la comunidad global de seguidores de HUNTR/X, incluyendo una transmisión de nueve horas en TikTok.

Lo que comenzó hace un año como una película de animación de estreno limitado, se transformó en un fenómeno cultural que batió récords en la plataforma y arrasó tanto en los Oscar como en los Grammy. Ahora, el 20 de junio, la plataforma planea dar un nuevo golpe de efecto con una celebración que trasciende la pantalla.

Cómo será la transmisión global de nueve horas en TikTok

El plato fuerte de la celebración será una transmisión mundial de nueve horas a través de la cuenta oficial de Netflix en TikTok. Este evento, programado para el 20 de junio, permitirá a los seguidores disfrutar de varias versiones de la película, incluyendo la original, la edición Sing-Along, el doblaje coreano y la versión en portugués brasileño.

Así, cualquier fan podrá sumarse en cualquier momento del día y compartir la experiencia en tiempo real con otros espectadores de todo el mundo.

Durante la maratón, la plataforma ofrecerá contenido exclusivo: entrevistas con creadores, miembros del elenco e influencers, así como apariciones sorpresa de seguidores destacados de la franquicia.

El evento incluirá comentarios en vivo, secuencias inéditas, animatics nunca vistas y momentos especiales creados por la comunidad fan. Además, se desplegarán activaciones y sorpresas a lo largo de la transmisión, lo que promete mantener la atención y participación constante de los usuarios.

Ediciones especiales y merchandising exclusivo de las Guerreras K-pop

La celebración del aniversario no se limita a lo digital. Netflix ha lanzado una edición especial en vinilo y CD de la banda sonora de KPop Demon Hunters: Soundtrack from the Netflix Film. Esta edición incluye cuatro temas inéditos que nunca antes habían estado disponibles en formato físico, lo que suma atractivo para los coleccionistas y seguidores más fieles.

Entre los extras se encuentran calcomanías chibi y tarjetas fotográficas holográficas coleccionables, elementos diseñados para reforzar el vínculo afectivo de los fans con el universo de HUNTR/X. El lanzamiento busca capitalizar el éxito de las canciones de la película, que dominaron plataformas musicales durante meses y se convirtieron en referencia dentro y fuera del k-pop tradicional.

Las Guerreras K-Pop llegan a los escenarios

Como parte de la expansión del universo de HUNTR/X, Netflix y AEG Presents han anunciado el lanzamiento de una gira mundial oficial inspirada en la película. Este tour, del que pronto se conocerán fechas y ciudades, promete llevar a los escenarios elementos de la historia y el espectáculo visual de la cinta, en una experiencia mucho más ambiciosa que un concierto tradicional.

Aunque todavía no se han revelado detalles concretos sobre el formato o los contenidos del espectáculo, los interesados ya pueden registrarse para acceder a la preventa de entradas y recibir información prioritaria en cuanto se anuncien las sedes y los horarios.

La expectativa es máxima, pues la gira busca trasladar la magia de la animación al mundo real, combinando actuaciones musicales, coreografías y efectos en vivo que evocan el espíritu de la película.

Además, Netflix ha organizado proyecciones especiales de aniversario en cines de Estados Unidos, Corea del Sur, Japón, Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Irlanda, Alemania, Austria, Países Bajos, Bélgica, Polonia, Noruega, Suecia, Dinamarca e Israel.

En Estados Unidos, varias ciudades acogerán proyecciones gratuitas al aire libre, invitando a familias y seguidores a sumarse a noches de cine bajo las estrellas en espacios emblemáticos como el Kenley Centennial Amphitheater de Salt Lake City, Honeysuckle Park en Atlanta, Union Square Plaza en San Francisco, Brooklyn Bridge Park en Nueva York y Waterfront Park en San Diego, entre otros.

La fiebre del true crime no toca techo. Después de tantas producciones que han llevado a la pantalla historias casi imposibles de creer, desde el crimen de Santoalla (que dio lugar a As bestas, de Rodrigo Sorogoyen) hasta El caso Asunta, llega ahora una nuevo caso que ha dejado boquiabierto a los suscriptores de Netflix.

La premisa es la siguiente: La policía detiene a una mujer que dice que acaba de dar a luz, pero ni el bebé ni la sangre son suyos. ¿Cómo es esto posible? Esa es la inquietante pregunta que plantea Instinto maternal (Maternal Instinct), la nueva película documental de Netflix que reconstruye uno de los crímenes más impactantes de los últimos años en Estados Unidos.

Dirigido por Jessica Dimmock, la cinta de apenas hora y media sigue el caso de Taylor Parker, una mujer que hizo creer a su entorno, e incluida su pareja, que estaba embarazada. Con esto, el tráiler arranca de la siguiente forma: el 9 de octubre de 2020, Parker llamó a emergencias asegurando que acababa de dar a luz en plena carretera y que el bebé no respiraba. Pero cuando los médicos la examinaron comprobaron que no existía ninguna evidencia de que hubiera dado a luz. Tampoco que la sangre del niño fuera suya.

Paralelamente, la policía investigaba un brutal crimen ocurrido en la vivienda de la joven Reagan Simmons-Hancock, una joven de 21 años embarazada de 35 semanas que había entablado amistad con Parker tras coincidir en su boda.

Atención spoilers: cuidado si vas a leer desde aquí y no has visto la película

Antes de convertirse en protagonista de uno de los sucesos más estremecedores de los últimos años en el país americano, Taylor Parker era una joven aparentemente integrada en una pequeña comunidad rural de Texas. Según contaba ella misma, procedía de una familia adinerada relacionada con el negocio del petróleo y estaba destinada a heredar una importante fortuna. También aseguraba estar embarazada de su pareja, Wade Griffin, con quien apenas llevaba unos meses de relación.

Una de las preguntas que intenta responder el documental es la de cómo consiguió fingir un embarazo durante tanto tiempo. Para ello compartía imágenes de las ecografías y planificaba su futuro junto a su pareja como si todo fuese real.

Sin embargo, poco a poco su entorno se fue dado cuenta de que mentía, después de que amigas suyas aseguraron que en el pasado había asegurado sufrir graves problemas de salud. Pero la realidad es que Parker no podía quedarse embarazada: varios años antes se había sometido a una histerectomía, una operación que consiste en la extirpación del útero, lo que hacia imposible que pudiera tener hijos.

¿Quién era Reagan Simmons-Hancock?

Reagan tenía 21 años y estaba embarazada de 35 semanas cuando se cruzó en la vida de Taylor Parker. Ambas se conocieron después de que Parker fotografiara su boda.

¿Y qué tiene que ver ella en todo este caso? Mientras Parker sostenía ante la Policía que acababa de dar a luz en plena carretera, los investigadores trataban de esclarecer un crimen cometido a pocos kilómetros de allí. Simmons-Hancock había desaparecido el mismo día en que Parker llamó a emergencias. Cuando los agentes registraron su vivienda encontraron indicios de un violento ataque y descubrieron que la joven, embarazada de 35 semanas, había sido asesinada. La investigación concluyó que Parker había atacado a Reagan y le había extraído a su hija nonata con el objetivo de hacer creer a todo el mundo que ella misma acababa de dar a luz.

¿Sobrevivió el bebé? No. La niña, que posteriormente recibió el nombre de Braxlynn Sage Hancock, fue declarada muerta en el hospital. Tras ser detenida y juzgada, Taylor Parker fue declarada culpable de asesinato capital. Un jurado la condenó a pena de muerte y, en 2025, el Tribunal de Apelaciones en lo Criminal de Texas confirmó tanto la condena como la sentencia. A día de hoy continúa recurriendo el fallo judicial, pero sigue siendo la mujer más joven del corredor de la muerte de Texas.

Steven Spielberg afirmó que jamás rodaría una película para Netflix a menos que la plataforma volviera a su antiguo modelo de envío de DVD a domicilio, y se definió como un cineasta que cree en las “grandes experiencias cinematográficas en 70mm”.

En una entrevista con ITV News, el director fue categórico al señalar las condiciones bajo las cuales consideraría trabajar con el gigante del streaming.

“La idea de enviar pequeños casetes, pequeños DVD a individuos para ver una película... si hiciera eso, estaría feliz de trabajar para Netflix y hacer una película para Netflix, sabiendo que solo va a ser vista por millones de personas en sus pantallas domésticas”, dijo.

Y agregó con firmeza: “Pero soy un cineasta, y creo en las grandes experiencias cinematográficas en 70 milímetros”.

La postura de Spielberg tiene un fundamento claro: la energía colectiva de una sala llena, donde desconocidos ríen o gritan al unísono, es para él una parte fundamental de la experiencia cinematográfica que no puede replicarse frente a una pantalla en casa.

El cineasta sostuvo que si creara contenido para Netflix, sabría de antemano que su obra “solo va a ser vista por millones de personas en sus pantallas domésticas”, algo que contradice su objetivo principal de hacer películas para “grandes espacios”.

No es la primera vez que Steven Spielberg confronta públicamente al gigante del streaming. En 2018, en una entrevista con la revista Variety, argumentó que las películas producidas para plataformas no deberían competir por el Oscar.

“Una vez que te comprometes con un formato televisivo, eres una película de televisión”, declaró entonces. “Si es un buen programa, mereces un Emmy, pero no un Oscar”.

La entrevista con ITV News se dio en el marco de la promoción de su nueva película El día de la revelación, que se estrenó en Estados Unidos el 11 de junio.

El film, protagonizado por Emily Blunt, Colin Firth y Colman Domingo, aborda la figura de un denunciante de ciberseguridad en el contexto de las revelaciones gubernamentales sobre fenómenos aéreos no identificados.

Las críticas contra Netflix en la industria

Spielberg no es la única voz de peso en Hollywood que ha cuestionado el modelo de Netflix en los últimos meses.

Matt Damon y Ben Affleck, durante una aparición en el programa Joe Rogan Experience para promocionar su nueva película The Rip de Netflix, revelaron cómo la plataforma está modificando la manera en que se conciben y producen las películas.

En ese sentido, Damon explicó que, dado que los espectadores prestan un “nivel de atención muy diferente” a una película en casa frente a una en el cine, Netflix busca adelantar las escenas de acción al inicio del metraje.

Además, señaló que internamente se discute la posibilidad de reiterar “la trama tres o cuatro veces en los diálogos” para compensar que la audiencia está mirando el teléfono mientras ve el contenido.

“La forma estándar de hacer una película de acción que aprendimos era: generalmente tienes tres escenas de acción. Una en el primer acto, una en el segundo, una en el tercero”, explicó el actor.

Y continuó en su declaración: “Gastas la mayor parte de tu dinero en la del tercer acto. Ese es tu clímax. Y ahora dicen: ‘¿Podemos tener una grande en los primeros cinco minutos? Queremos que la gente se quede. Y no estaría mal que reiteraras la trama tres o cuatro veces en los diálogos, porque la gente está con el teléfono mientras mira’”.

Affleck, por su parte, tomó distancia de esa fórmula y señaló la miniserie Adolescencia como prueba de que es posible hacer contenido exitoso para la plataforma sin resignar la ambición artística.

“Pero luego miras Adolescencia y no hizo nada de eso", dijo. “Y es increíble. Y es oscura también. Es trágica e intensa”.

Mientras Damon consideró que producciones como la miniserie británica son “la excepción”, su compañero de reparto sostuvo que el éxito de esa serie “demuestra que no tienes que hacerlo” para satisfacer al público.

El intercambio se produce en un momento en que Netflix enfrenta críticas por su política de distribución teatral.

A diferencia de competidores como Apple y Amazon, que han apostado por estrenos amplios en salas, la “N” roja limita sus lanzamientos en cines a períodos breves, en general de una semana.

La plataforma solo hizo una excepción con Narnia, de Greta Gerwig, que tendrá una ventana teatral de 45 días, aunque el jefe de cine de Netflix, Dan Lin, dejó en claro poco después que la compañía no trabajará en el futuro con cineastas que exijan ese tipo de distribución.

Netflix ha completado el relanzamiento de “Mensajes de voz para Isabelle” con un estreno exclusivo el 19 de junio de 2026, consolidando su enfoque en la producción de comedias románticas originales para su catálogo global. El proyecto, que inició en 2019 bajo el desarrollo de Sony Pictures con Hailee Steinfeld como actriz principal y Sharon Maguire en la dirección, reinició su producción en mayo de 2025 con el equipo actual: la guionista y directora Leah McKendrick, la productora Escape Artists y los protagonistas Zoey Deutch y Nick Robinson. El respaldo definitivo de Netflix ha transformado el rumbo de la película, que ahora resalta tanto por su planteo contemporáneo como por su estrategia de lanzamiento exclusivo.

El rediseño del proyecto, sumado al viraje en su equipo creativo y de producción, representa un caso singular dentro de las operaciones recientes de Netflix. La plataforma efectuó la integración definitiva del largometraje tras un desarrollo que se extendió por siete años, incorporando una tendencia clara del mercado: la migración de propiedades desarrolladas inicialmente para estudios tradicionales al ecosistema del streaming.

A lo largo de sus 1 hora y 56 minutos de duración, “Mensajes de voz para Isabelle” introduce una narrativa de vínculo a distancia y duelo a través de una estructura que centra la tensión romántica en una secuencia de mensajes de voz enviados por error. El personaje principal, Jill (Deutch), emplea el viejo número telefónico de su hermana fallecida para dejar confesiones personales, sin advertir que el contacto ha sido reasignado. La historia pivotea cuando Wes (Robinson), un agente inmobiliario de Austin, accede a estas confidencias y, en una progresión atípica del romance digital, inicia un proceso de enamoramiento sin haber visto nunca a su interlocutora.

Cambios de equipo, giro de productora y llegada a Netflix

La producción de “Mensajes de voz para Isabelle” presenta un historial contractual infrecuente para este género: el proyecto fue anunciado por primera vez en 2019 en Sony Pictures con otro elenco y dirección. El recambio, formalizado en mayo de 2025, permitió que la guionista y directora Leah McKendrick —previamente responsable de “Scrambled” (2023)— asumiera el control artístico bajo el paraguas de Escape Artists, habitual proveedor de grandes estudios pero ahora alineado al modelo de producción original de Netflix.

Este movimiento no solo modificó el foco actoral, integrando a Zoey Deutch y Nick Robinson como protagonistas, sino que también dotó a la película de un tono y una estrategia de estreno alineados a los intereses actuales de la plataforma: prime time internacional, disponibilidad sin ventana y prerrogativa de exclusividad.

El elenco secundario —integrado por Nick Offerman como el chef Bastien, Lukas Gage, Harry Shum Jr., Gil Bellows y la propia Leah McKendrick— confirma la táctica de casting orientada al segmento joven-adulto, apostando por figuras de alto reconocimiento digital.

Una fórmula clásica adaptada al contexto digital

La narrativa de la película se apoya en el fenómeno del “número equivocado” como detonante dramático y resignifica el recurso a la intimidad accidental en época de hiperconectividad. El guion, abordado desde la óptica del duelo y las segundas oportunidades, traza paralelismos inmediatos con títulos como “Tienes un e-mail” (1998), pero traslada la lógica de conexión al entorno móvil y auditivo, con énfasis en el protagonismo del mensaje de voz y la comunicación asincrónica.

La crítica y la comparación con obras predecesoras han surgido inmediatamente tras el estreno. Usuarios y prensa especializada han evocado la referencia al clásico de Tom Hanks y Meg Ryan, pero sitúan a la producción de Netflix en un espectro de sensibilidad actualizada, con humor explícito y una mirada hacia el duelo a través de la comedia romántica.

El cineasta Steven Spielberg reafirmó su rechazo a colaborar con Netflix, subrayando su compromiso con el formato tradicional de las grandes salas y el celuloide de 70mm. En declaraciones recientes a ITV News, Spielberg fue categórico: “Yo nunca haría una película para Netflix, a menos que fuera alguien que hace películas destinadas a enviarse como pequeñas cintas o DVDs a individuos”. Para Spielberg, la esencia de su oficio radica en el encuentro colectivo que solo puede ofrecer una sala llena de espectadores. Aseguró: “Soy un cineasta que cree en las grandes películas, en experiencias teatrales de 70mm”. El director considera que la energía de una audiencia, donde extraños ríen o se asustan juntos, es insustituible y no puede replicarse en una pantalla doméstica.

El realizador dejó claro que su objetivo es crear obras para “grandes recintos”, no para dispositivos personales. Si trabajara para Netflix, explicó, sabría que sus películas solo serían vistas “por millones de personas en sus pantallas hogareñas”, lo que contradice su visión sobre el destino de una película. Así, Spielberg reafirmó que la experiencia cinematográfica no solo depende de la imagen y el sonido, sino del espacio compartido y la reacción colectiva. A diferencia de Apple y Amazon, que han apostado por estrenos amplios en salas para varios de sus títulos, Netflix se mantiene renuente a adoptar ese modelo. La empresa suele limitar la exhibición en cines de sus producciones candidatas al Oscar a una semana, apenas lo suficiente para cumplir con los requisitos de la Academia.

Recientemente, Netflix hizo una excepción con Narnia, dirigida por Greta Gerwig, que tendrá un estreno de 45 días en cines. Sin embargo, poco después del anuncio, el jefe de cine de Netflix, Dan Lin, declaró que la compañía no trabajará en el futuro con cineastas que exijan estrenos teatrales amplios. La posición de Netflix contrasta con la de otros estudios y plataformas que han buscado equilibrar la distribución en salas y el streaming. Esta diferencia marca una línea divisoria en la industria sobre el valor y la función de la exhibición tradicional en la era digital.

El papel de Netflix en el cine de autor

Pese a la resistencia de Spielberg, Netflix ha servido de refugio para directores que buscan concretar proyectos personales. Cineastas como Noah Baumbach, David Fincher, Martin Scorsese, Joel Coen, Jane Campion, Alfonso Cuarón, Todd Haynes y Guillermo del Toro han encontrado en la plataforma la financiación necesaria para llevar a cabo películas que, de otro modo, tal vez no habrían visto la luz.

Entre las producciones más reconocidas en esa lista se encuentran Roma, El irlandés y La balada de Buster Scruggs. El caso plantea un debate sobre el futuro del cine de autor: ¿algunas de estas obras existirían sin el respaldo de Netflix? Mientras algunos directores priorizan la viabilidad de sus proyectos frente a las limitaciones de la distribución tradicional, Spielberg se mantiene firme en su apuesta por el cine como “gran espectáculo” compartido. Por ahora, el director de E.T. y Jurassic Park descarta cualquier colaboración con la plataforma y sigue defendiendo el valor de la experiencia colectiva en pantalla grande como el núcleo de su vocación cinematográfica.

El filme, antes conocido como 11817, muestra a dos adultos y dos niños encerrados de forma repentina en su vivienda debido a una amenaza externa y obligados a sobrevivir mientras disminuyen los suministros y los recursos.

El primer tráiler muestra a los personajes de Greta Lee (Vidas pasadas) y Wagner Moura (El agente secreto) cuando entienden que el encierro no será temporal. Lee pregunta en las imágenes: “¿Qué demonios está pasando?”, cuando descubre que la casa ha quedado completamente sellada. Más adelante, Moura plantea: “¿Y si hay algo ahí fuera que nos mantiene atrapados?“.

Al parecer, aunque las puertas pudieran abrirse, existe algo aterrador en el exterior, algo que podría emparentar la película de forma explícita a la atmósfera de amenaza que evocaba La niebla, la obra de Stephen King.

Ciencia ficción y terror doméstico

La película está dirigida por el francés Louis Leterrier, responsable de títulos como Transporter, El increíble Hulk, Fast X y Ahora me ves..., y parte de un guion de Matthew Robinson, acreditado en la reciente Buena suerte, pásalo bien y no mueras. Además, Leterrier también figura como productor.

El reparto lo completan Riley Chung, Emma Ho, Noah Alexander Sosnowski y Gabriel Barbosa, además de Audrey Marie Henderson (Oliver Kitteridge).

La propuesta visual del filme apunta a una mezcla de ciencia ficción y suspense doméstico. Leterrier explicó a Tudum que se inspiró en las películas de Amblin de Steven Spielberg y que optó por usar efectos prácticos y artesanales siempre que fue posible.

Ese mismo testimonio añade un detalle técnico: la primera mitad de la película se rodó en 35 mm., aunque el director no aclaró por qué ese formato dejó de utilizarse en la segunda mitad.

En la producción participan Chernin Entertainment y 3 Arts Entertainment. Leterrier produce junto a Peter Chernin, Jenno Topping, Kori Adelson y Oly Obst, mientras que los productores ejecutivos son Thomas Benski, Cecile Gaget, Lars Sylvest, Thorsten Schumacher y Damian Anderson.

Una pareja de moda: Greta Lee y Wagner Moura

El lanzamiento coincide con un período de actividad para sus dos protagonistas. Greta Lee ha participado recientemente en Toy Story 5, poniendo la voz al personaje de la ‘tablet’ Lilipad, y recordemos que alcanzó el reconocimiento internacional gracias a su papel en Vidas pasadas.

En el caso de Moura, después de su participación en Narcos, este año se alzó con el Globo de Oro y estuvo nominado al Oscar por El agente secreto. Ahora tiene pendiente de estreno The Last Day, junto a Alicia Vikander y su próximo proyecto será la película de vampiros de Panos Cosmatos Flesh od the Goas, con Kristen Stewart y Elizabeth Olsen.

La serie arranca con una frase que fija su enfoque: “Fui a dar un paseo con mi madre cuando era un niño, y nunca volvió a casa”. Rachel Nickell tenía 23 años y fue apuñalada 49 veces a plena luz del día en Wimbledon Common mientras paseaba con su hijo Alex, de dos años.

Si algo caracteriza esta serie y la aleja de los demás ‘true crimes’ es que evita situar como protagonistas a la policía o al asesino. Así, el peso narrativo recae en Alex, interpretado de niño por Jahsaiah Williams y de adolescente por Max Fincham, y en su padre André, encarnado por Jordan Bolger, que debe afrontar la pérdida de su pareja, la crianza en solitario y la protección de un niño traumatizado en medio de la investigación.

Un niño de dos años frente al horror

La serie muestra desde el principio al pequeño Alex ensangrentado y aturdido, aunque ileso, en la parte trasera de una ambulancia. Un viandante encontró al niño aferrado al cuerpo de su madre y suplicándole que se levantara, cuando ya estaba muerta, aunque eso no lo veremos en imágenes.

Uno de los rasgos distintivos de El testigo se encuentra en cómo retrata la imposibilidad de atravesar una tragedia de esa magnitud sin una guía clara. La serie presenta a André Hanscombe tomando decisiones discutibles, como irritarse por el comportamiento de Alex ante una psicóloga infantil o llevar al niño a identificar el cadáver de su madre, sin duda, una de las escenas más duras: mientras André insiste en esa identificación, Alex parece entender antes que su padre que no obtendrá nada bueno de verla muerta y se queda en el suelo jugando con juguetes. La miniserie no suaviza las imperfecciones del padre ni las reacciones contradictorias de ambos supervivientes, sino que las pone de manifiesto.

Esa misma mirada aparece en la relación posterior entre padre e hijo. El Alex adolescente es descrito como un joven que se rebela de forma reconocible, pero se encuentra atravesado por una fractura singular: él no quiere remover el pasado, mientras André considera imposible seguir evitándolo.

Así, el adolescente intenta preservar el recuerdo impreciso de su madre a través de gestos concretos, como esconder un frasco de perfume bajo la almohada o mantener su dieta ‘pescetariana’. Por eso, en una de las discusiones, el hijo gritará: “No quiero recordar a mamá por su muerte”.

Acoso mediático

La otra línea del relato es el papel de la prensa sensacionalista británica, una presencia constante en la casa de André y Rachel, en la comisaría y en la escena del crimen, hasta el punto de formar una “manada” que lanza preguntas groseras sin descanso.

Cuando André busca refugio en casa de su madre, reporteros y 'paparazis’ averiguan la dirección, acampan fuera, rebuscan en la basura y roban el correo. Incluso, en una visita a la policía, uno de los periodistas llega a imitar el sonido de un mono para provocar a André con un insulto racista.

La persecución no termina en el Reino Unido. André se trasladó primero a Francia y después a España, concretamente a un pueblo de Barcelona, pero los periodistas siguieron persiguiéndolo a él y a su hijo incluso años después del asesinato, hasta hacer que ambos vivieran como fugitivos.

Fracaso policial

En paralelo, en segundo plano, pero de forma inequívoca, encontraremos el fracaso de la Policía Metropolitana. La presión pública y mediática empujó a los investigadores a centrar su atención en un inocente mientras ignoraban a un delincuente reincidente.

Ese sospechoso fue Colin Stagg, cuyo su único “delito” era encajar de manera vaga en el perfil de un hombre blanco solitario con fantasías sexuales desviadas, y la convicción de que la posibilidad de que hubiera dos individuos así en la misma zona era “extraordinariamente pequeña”, según la ingenuidad de cierta psicología criminal de 1992.

El detective principal Keith Pedder, interpretado por Neil Maskell, aparece como un profesional defectuoso pero comprensible, cuya decisión de utilizar a una agente encubierta para tender una trampa a Stagg se presenta como un error cometido bajo una fuerte presión de sus superiores y de la prensa. A esa maniobra se la llamaría la operación Edzell.

Las consecuencias fueron graves. Stagg pasó 14 meses entre rejas y la cadena de errores permitió que el verdadero asesino siguiera libre y matara de nuevo durante otros dos años, así que el caso no quedó resuelto hasta 2008.

La serie se complementa con el documental El asesinato de Rachel Nickell, estrenado por Netflix el mismo día. Los propios André Hanscombe y Alex participaron en la elaboración del guion junto al guionista Rob Williams, algo que explica el grado de crudeza con el que El testigo expone la historia.

Con mucho flow ha hecho su aparición el actor colombiano Carlos Torres en La Revuelta. Tras participar en un pequeño sketch con la cómica española Lalachus, el artista ha pasado a promocionar el espectáculo que le ha traído hasta Madrid en su debut en el Mundial 2026. Pese a que se encontraba en Granada hasta hace unas horas, se ha desplazado hasta la capital para dar a conocer (y repartir entradas entre el público) la gira de conciertos en la que está inmersa el elenco de La Reina del Flow (2018), la segunda serie de Netflix más vista, por detrás de La casa de papel (2017).

El actor colombiano ha llevado al programa de RTVE una camiseta de Colombia con mariposas amarillas para David Broncano, un regalo ligado al arranque de la Copa del Mundo y al homenaje que la selección colombiana rinde al realismo mágico de Gabriel García Márquez. Las mariposas amarillas de la camiseta de Colombia remiten a Cien años de soledad (1967) y anuncian en la novela la presencia de Mauricio Babilonia. La selección las ha incorporado a su equipación con motivo del Mundial de Estados Unidos, México y Canadá, en homenaje al escritor.

El actor, con 20 años de trayectoria profesional, empezó su carrera a los 17 años y se consolidó en su país al protagonizar varias telenovelas. No obstante, su salto a la escena internacional llegó de la mano de La reina del flow, cuando empezó a emitirse en plataformas en línea, aunque su papel sea el de alguien detestable.

Qué significan las mariposas amarillas de la camiseta de Colombia en el Mundial, vinculadas a Gabriel García Márquez

El diseño que Torres ha regalado a Broncano homenajea de forma concreta a Cien años de soledad, la obra más conocida de Gabriel García Márquez. En esa novela, las mariposas amarillas anuncian la presencia de Mauricio Babilonia, un detalle que acabó adquiriendo un peso simbólico muy superior al de la propia escena literaria, por lo que el obsequio ha tenido un doble valor sentimental.

Según se ha destacado durante la entrevista entre Broncano y Torres, el propio escritor explicó en una entrevista que la idea de incluir ese animal en el relato surgió de un recuerdo de infancia relacionado con su abuela. La carga simbólica del motivo ha sido tal que las mariposas amarillas han terminado por convertirse en uno de los símbolos nacionales de Colombia.

La aparición de Torres en La Revuelta no se ha limitado al regalo. Antes de entrar en escena, el actor estaba “muerto de la risa”, tal y como ha asegurado, con la sección de Lalachus. Torres ha aparecido además con los falsos tatuajes de Charly Flow, su personaje en la ficción, y ha bromeado con ellos al asegurar que “a las mujeres les gustan”. El paso por el programa también le ha servido para renovar la foto de su página de Wikipedia, que el espacio describió como de dudosa calidad.

La presencia del intérprete en el programa llega mientras encabeza un espectáculo en vivo vinculado a la serie de Netflix La reina del flow, con el que estará de gira por España a lo largo de este mes. Ese recorrido se apoya en la proyección internacional que le dio la serie tras su desembarco en plataformas. Durante la entrevista también ha explicado una decisión personal de la jornada: cenar con su madre, con la que hacía mucho que no coincidía, en lugar de acudir al último concierto de Bad Bunny en Madrid. “Amo a Bad Bunny, pero prefiero a mi madre”, ha sentenciado el entrevistado.

Netflix apuesta por el romance deportivo universitario con la adaptación televisiva de Icebreaker, la novela de Hannah Grace que acumula 5 millones de copias vendidas en todo el mundo y 70 semanas consecutivas en la lista de más vendidos del New York Times.

La noticia fue confirmada este lunes por la propia autora en sus redes sociales y anunciada oficialmente por Jinny Howe, directora de series de ficción de Netflix para Estados Unidos y Canadá, durante el BANFF World Media Festival.

La plataforma encargó la serie con Amanda Lasher como showrunner y guionista principal, acompañada por Jade Bartlett en las mismas funciones. La producción ejecutiva recae en Alex Cooper, Matt Kaplan y Mina Lefevre a través de Unwell Productions, el sello detrás de proyectos como Love Overboard y el especial del 20.º aniversario de Hannah Montana. Lasher y Bartlett también figuran como productoras ejecutivas.

La trama sigue a Anastasia Allen, una patinadora artística recién llegada con miras al oro olímpico, y a Nate Hawkins, un jugador de hockey del campus con la vista puesta en la NHL.

Un accidente obliga a sus equipos a compartir la misma pista, y lo que empieza como rivalidad deportiva deriva en una atracción que pone a prueba la disciplina de ambos. La historia transcurre en la ficticia Universidad de California en Maple Hills, escenario de los tres títulos de la serie literaria.

Grace confirmó el acuerdo en sus redes sociales con un mensaje en el que reconoció haber guardado el secreto durante meses. “Gracias a todos los que han hablado de mi pequeña familia de Maple Hills durante casi cuatro años. Ustedes hicieron esto”, escribió la autora, quien está representada por Park, Fine & Brower Literary Management, la agencia que negoció el contrato.

Lasher llega al proyecto con una extensa trayectoria en el drama juvenil y romántico: comenzó su carrera en Gossip Girl, donde llegó a ser coproductora ejecutiva, y luego ejerció como showrunner en The Bold Type y Sweet/Vicious, además de trabajar en Togetherness y Riverdale. Bartlett, por su parte, debutó como directora y guionista con Miller’s Girl en el Festival de Cine de Palm Springs en 2024, y tiene créditos en Road House (2025) y Doctor Strange in the Multiverse of Madness.

“Netflix tiene una larga historia de convertir novelas románticas muy queridas en grandes éxitos globales”, dijo Howe, según recogió Variety. “Icebreaker ha encendido una base de seguidores apasionados y ha contribuido a redefinir el panorama del romance contemporáneo”, añadió la ejecutiva.

Lasher, por su parte, señaló que es seguidora del género desde la adolescencia y que trabajar en la adaptación junto a Bartlett y los equipos de Unwell y Netflix ha sido una experiencia gratificante. Bartlett destacó la humanidad de los personajes: “Por encima de todo, son personas buenas y profundamente compasivas... y no podemos tener suficiente de ellas”, declaró a Variety.

Icebreaker es el primer título de la trilogía Maple Hills y fue publicado originalmente en 2022, con distribución masiva a partir de 2023. La novela se convirtió en un fenómeno viral en BookTok y fue traducida a 24 idiomas para su distribución en 34 países. El auge del romance de hockey en pantalla acompaña su llegada: Heated Rivalry, sobre dos jugadores profesionales en una relación secreta, se convirtió en un fenómeno a finales de 2025, y Amazon estrenó recientemente Off Campus, serie basada en otra saga de romance universitario con hockey.

El anuncio llega semanas después de que Netflix inaugurara, el 2 de junio de 2026, el espacio “Watch Your Favorite Books”, una sección dedicada a agrupar películas y series basadas en libros según el perfil lector de cada usuario. Durante 2025, las adaptaciones literarias acumularon más de 9.000 millones de visualizaciones en la plataforma y representaron cerca del 20% del tiempo de consumo total. Entre los títulos que integran ese espacio figuran las temporadas de Bridgerton —adaptación de las novelas de Julia Quinn—, Criaturas luminosas (Remarkably Bright Creatures), People We Meet on Vacation y Bird Box.

Por ahora no hay información sobre reparto ni fecha de estreno.

A sus 48 años, Tom Hardy puede presumir de ser uno de los actores con más magnetismo de Hollywood. Desde que lo descubrimos con un pequeño papel en Black Hawk derribado (2001) hasta que se consagró como una estrella de la interpretación en Bronson (2008), a las órdenes de Nicolas Winding Refn. Esa intensidad que atrapa la mirada del espectador sigue inalterable, aunque es cierto que, en los últimos años, sus papeles han tenido menos éxito del que seguramente le habría gustado.

Con todo, las series son otro terreno donde el actor ha querido probar suerte últimamente, con interpretaciones tan aplaudidas como la de Peaky Blinders, donde da vida al judío Alfie Solomon, o, mucho más recientemente, Tierra de mafiosos, donde interpreta a un “arreglador” a las órdenes de una de las familias del crimen organizado londinense más poderosas. Eso sí, en ninguno de estos papeles ofrece la memorable interpretación que podemos ver en Taboo, una miniserie que podría estar perfectamente entre lo mejor que ha hecho en los últimos años.

En esta producción (actualmente disponible en Netflix, Prime Video y Filmin), el actor asume el papel de James Delaney, un sombrío personaje lleno de secretos que regresa al Londres de 1814 tras una larga ausencia en África. La historia arranca cuando Delaney, dado por muerto, reaparece para reclamar una herencia y se ve envuelto en una lucha de poder con la Compañía de las Indias Orientales y otras fuerzas políticas del imperio colonial británico.

Un antihéroe rodeado de conspiraciones

El atractivo de Taboo es la capacidad de Hardy para habitar un personaje tan peligroso como enigmático como Delaney. La serie, creada junto a su padre Chips Hardy y Steven Knight, mente detrás de Peaky Blinders, escapa de las fórmulas habituales de Hollywood y apuesta por una narrativa sin concesiones, donde la oscuridad y la violencia marcan el tono. Así, a diferencia de sus papeles más taquilleros, el actor da vida a un antihéroe cuya moralidad es constantemente puesta a prueba, rodeado de conspiraciones, tensiones coloniales y secretos familiares.

Sin embargo, Taboo no es una serie para espectadores impacientes. Su ritmo es deliberadamente lento, porque busca envolver a quien la vea en una atmósfera opresiva, a través de la que el propio Hardy se desliza dominando cada escena con su presencia física. Los ocho capítulos de esta miniserie pueden ser, pues, exigentes, pero a su vez se convierten en una experiencia mucho más fascinante y disfrutable que otras producciones que no se toman su tiempo para contar bien una historia.

Hardy no es el único que brilla en la serie de Steven Knight. El showrunner cuenta con otros rostros reconocibles como el de Oona Chaplin (Avatar: Fuego y ceniza) , que da vida a la media hermana de Delaney, así como los de Jessie Buckley (Hamnet), Stephen Graham (Adolescencia) y Jonathan Pryce (Los dos papas). Todos ellos contribuyen a que cada detalle de una historia que mezcla política, venganza y misticismo resulte único.

Aunque la serie fue renovada poco después de su estreno, el esperado regreso de Taboo se ha visto frenado por múltiples obstáculos. Según reveló Steven Knight, ya existen seis episodios escritos para una nueva entrega, pero el rodaje sigue sin fecha confirmada. Actualmente, el futuro de la serie es incierto, pero la salida de Hardy de MobLand tras el final de la segunda temporada podría abrir la puerta para que el actor retome su proyecto más personal.

Pocos títulos evocan el espíritu de aventura familiar como lo hicieron en su momento Los Goonies en los 80 y Jumanji en los 90. Ambas marcaron a generaciones con sus propuestas de mundos extraordinarios que hacían disfrutar tanto a los mayores como a los más pequeños. En el siglo XXI irían llegando nuevos títulos a este género, aunque quizá uno de los mejores (y también de los más infravalorados sea Zathura: una aventura espacial, dirigida por Jon Favreau.

Antes de su desembarco en Marvel (donde triunfaría sobre todo con sus películas de Iron Man), este cineasta probó suerte con una producción para la que contaría con un jovencísimo elenco protagonista del que, pocos años después, saldrían varios nombres mundialmente famoso. No en vano, en Zathura aparecen actores como Josh Hutcherson (Los juegos del hambre) y Kristen Stewart, que por aquel entonces contaban con 13 y 15 años, respectivamente.

Zathura narra la historia de dos hermanos, Danny (Jonah Bobo, al que veríamos más tarde en Crazy Stupid Love) y Walter (Hutcherson), que descubren un viejo juego de mesa en el sótano poco después de que su padre (Tim Robbins) se marche al trabajo. Desde el primer movimiento, la aventura toma un rumbo inesperado: la casa es arrancada de la Tierra y lanzada al espacio, donde cada carta del juego desata un desafío más espectacular que el anterior.

El riesgo de tirar los dados

A diferencia de otros títulos que dependen casi exclusivamente de efectos digitales, Zathura apuesta por decorados reales, maquetas y efectos prácticos. Una decisión que hace que, con el paso de los años, siga conservando un encanto visual poco habitual a día de hoy, donde la mayoría de películas ambientadas en el espacio están realizadas con CGI. Además, la mecánica del tablero recuerda precisamente a otros títulos como Jumanji (no en vano las dos películas adaptan novelas del mismo autor), aunque en esta ocasión los peligros llegan en forma de lluvias de meteoritos, robots fuera de control y los zorgons, unos inquietantes alienígenas.

Por otro lado, la trama de la película se enriquece con otros carismáticos personajes, como un misterioso astronauta, interpretado por Dax Shepard (Idiocracia), y un robot defectuoso con la voz de Frank Oz (el maestro Yoda en Star Wars). Eso, sin olvidarnos tampoco de Lisa (Kristen Stewart), la hermana mayor en plena adolescencia a la que acabamos viendo congelada como parte de este cada vez más peligroso juego, pero cuyo desafío no consiste tan solo en sobrevivir, sino en descubrir el valor de la unión familiar.

Pese a todo, la recepción inicial de Zathura fue más bien tibia en taquilla. Con críticas divididas, esta producción no alcanzó a cubrir su presupuesto de 65 millones de euros, un resultado que contrastó con el éxito de la primera Jumanji y, años más tarde, con la explosión que supondría Jumanji: Bienvenidos a la jungla, con Dwayne Johnson, película que lograría superar los 900 millones de dólares de recaudación en todo el mundo. Con todo, las plataformas de streaming han mantenido viva la película de Favreau. Así, en Netflix las nuevas generaciones tienen la oportunidad de descubrir una aventura que, bien seguro, le regalará una velada entretenida a toda la familia.

La última entrega principal de la saga Onimusha fue Dawn of Dreams, lanzada en 2006. Desde entonces, la franquicia quedó en estado de hibernación. El fracaso comercial de esa entrega, sumado al paso previo de Jean Reno como protagonista en Onimusha 3, habían dejado a la serie en una posición difícil. Las ventas no acompañaron y Capcom no volvió a apostar por ella durante casi veinte años. El juego está siendo desarrollado para PlayStation 5, PC y Xbox Series, con lanzamiento previsto para el 25 de septiembre de 2026.

El cambio, sin embargo, llegó en diciembre de 2024, cuando Capcom presentó Onimusha: Way of the Sword en The Game Awards. El anuncio fue parte de una estrategia más amplia de la compañía para revitalizar franquicias dormidas. Según el productor Akihito Kadowaki, el deseo de continuar la saga nunca desapareció dentro de la empresa, pero durante años no hubo recursos disponibles para hacerlo. El proyecto finalmente recibió luz verde a principios de 2020, cuando el RE Engine, el motor propio de Capcom, amplió significativamente sus capacidades técnicas.

Miyamoto Musashi con el rostro de Toshiro Mifune

El protagonista de Way of the Sword es Miyamoto Musashi, el famoso espadachín histórico japonés. Los fanáticos de la serie lo recordaran por su aparición en Onimusha: Blade Warriors, en el manga Night of Genesis y en la serie animada de Netflix. Aún asi, la novedad en esta entrega es que el personaje fue modelado visualmente a partir del fallecido actor Toshiro Mifune, una figura emblemática del cine samurái japonés que Capcom considera como el actor de acción samurái definitivo.

Obtener los derechos para usar su imagen no fue sencillo. Capcom necesitó dos años de conversaciones y negociaciones con Mifune Productions para concretar el acuerdo. El resultado es un protagonista que combina la leyenda histórica del espadachín real con el peso icónico del actor.

La historia del juego está ambientada en una versión de fantasía oscura del Kyoto del periodo Edo. La región ha sido corrompida por nubes de Malicia, y Musashi llega en posesión del Guantelete Oni, un arma que le otorga el poder de combatir a los Genma, criaturas del inframundo. El propio Musashi advierte que cada vez es menos humano, lo que da a entender que la corrupción demoniaca también lo alcanza a él. La historia incluirá, además, una recreación libre de la rivalidad histórica entre Musashi y Sasaki Kojiro.

La narrativa de Way of the Sword no tiene conexión con los juegos anteriores ni con la serie animada de Netflix. Capcom tomó esta decisión para que los jugadores nuevos en la franquicia puedan comprender la historia sin necesidad de conocer los títulos previos. Dicho esto, vale mencionar que los Genma siguen siendo los antagonistas principales, como en todas las entregas anteriores.

Un combate deliberado, no un soulslike

Uno de los puntos más discutidos antes del lanzamiento es el enfoque del sistema de combate. El director Satoru Nihei fue directo al respecto: el juego no es un soulslike. Su objetivo es modernizar la serie y, en sus palabras, expresar el choque de espadas a través de la acción. El diseño busca ser accesible pero desafiante para jugadores experimentados.

En comparación con las entregas anteriores, el combate de Way of the Sword es más deliberado. Los jugadores necesitan observar los movimientos del oponente y decidir el momento exacto de cada ataque. Para garantizar que los movimientos fueran realistas, el equipo de Capcom invitó a esgrimistas reales a su estudio de captura de movimiento.

La espada de Musashi puede usarse para golpear, parar ataques o desviar proyectiles. Una parada prolongada permite dirigir al enemigo y hacerlo caer en una dirección determinada. Musashi también puede adoptar una postura de guardia que bloquea ataques desde cualquier ángulo. Si el jugador encadena paradas o esquivas consecutivas, gana bonificaciones de combate que le permiten ejecutar enemigos en cadena o desatar un ataque multigolpe. Además, puede usar el entorno a su favor. Por ejemplo, puede voltear una mesa y usarla como escudo temporal.

El sistema Issen regresa en esta entrega. Esta parada letal permite ejecutar a los enemigos con un movimiento rápido. Cuando se aplica el Break Issen a un enemigo común, lo ejecuta al instante mediante un desmembramiento. Contra jefes, en cambio, no los elimina de inmediato: en su lugar, el jugador puede elegir entre infligir una cantidad masiva de daño o recolectar más almas.

El Guantelete Oni y el sistema de almas

El Guantelete Oni es la pieza central del juego. Este objeto, que tiene conciencia propia, absorbe las almas de los enemigos derrotados. Hay tres tipos de almas: las amarillas recuperan la salud del jugador; las rojas se utilizan para comprar mejoras; y las azules permiten usar los Armamentos Oni, armas especiales que infligen daño elevado. Atacar con Armamentos Oni genera, a su vez, almas amarillas.

El guantelete también permite activar la Vision Oni, una habilidad que revela la ubicación de todos los demonios y enemigos en una zona. Los Espejos Mágicos también regresan para guardar el progreso, subir de nivel y viajar rápidamente. Los Portales Oni, por su parte, son la respuesta de esta entrega al Reino Oscuro de los juegos anteriores, en forma de puertas místicas que transportan al jugador a una dimensión paralela llena de secretos, demonios y objetos. Solo son visibles mediante la Vision Oni.

Estructura del juego y atención al detalle histórico

Way of the Sword es un juego principalmente lineal, aunque incluye zonas abiertas y misiones secundarias. La duración estimada ronda las veinte horas. El director Nihei confirmó que no será un juego de mundo abierto.

Capcom apostó fuerte por la fidelidad histórica y estética. El equipo consultó con funcionarios de templos reales, como los de Kiyomizu-dera, para que la representación del Japón feudal fuera rigurosa. La perspectiva del juego es en tercera persona y el enfoque cinematográfico fue una prioridad desde el diseño. Así, la compañía invirtió significativamente en tecnología de captura de movimiento y en el proceso de animación.

El motor utilizado, como ya mencionamos, es el RE Engine, el mismo que impulsa títulos recientes de Capcom como Resident Evil Requiem, Dragon’s Dogma 2 y Monster Hunter Wilds. La calidad visual es comparable a la de esos títulos, mientras que el combate y la exploración mantienen un espíritu cercano al de los juegos originales de PlayStation 2.

Reacciones divididas y la pregunta sobre la identidad de la saga

Las primeras presentaciones del juego generaron reacciones mixtas entre los asistentes de la Gamescom 2025. En una entrevista, el productor y el director pidieron a los jugadores que lo abordaran con la mente abierta. Algunos de los que jugaron la demostración expresaron que el resultado no era lo que esperaban o que no se sentía como el Onimusha que recordaban.

Esas reacciones parecen estar relacionadas con la tendencia actual en los juegos de acción hacia el combate estilo soulslike, un camino que Capcom decidió no tomar. El estudio apostó por las raíces de la franquicia, con mecánicas actualizadas pero sin alejarse del núcleo que definió a la serie en sus primeras entregas. La presencia de los Espejos Mágicos y los Portales Oni es lectura de esa decisión.

El juego llegará el próximo 25 de septiembre y ya cuenta con una demo gratuita, para que todos los interesados puedan comprobar por su propia cuenta si, realmente, este juego respeta las raíces de la franquicia o si después de tantos años en hibernación, Capcom perdió el rumbo de Onimusha.

La serie se ha estructurado en torno a un planteamiento cerrado: una joven desaparece en un resort reservado para las familias más adineradas del país. Como consecuencia, la administración bloquea el lugar, impidiendo la salida de huéspedes y empleados mientras la policía dirige un operativo intensivo dentro del complejo. El entorno, definido en la producción como el complexo vacacional más lujoso del país, se presenta con playas privadas, instalaciones VIP y un sofisticado sistema de seguridad, elementos que en la narrativa potencian el carácter de “jaula dorada” donde todos resultan sospechosos.

Oasis representa la primera colaboración de este equipo creativo en un thriller para Netflix y consolida a Bambú Producciones dentro de la estrategia de la plataforma para ofrecer contenidos originales desde España. El proyecto convoca a un elenco liderado por Tomy Aguilera, Victoria Kantch, Ana Garcés (quien interpreta a Helena), Álex Mola, Jan Buxaderas, Ada Molina, Berta Castañé, Manel Duarte, Amanda Palomino, Laura Simón, Candela Méndez, Blas Polidori, Verónica Sánchez y Paco Tous.

Un resort de lujo convertido en escenario de investigación policial

El guion instala la tensión dramática propia del whodunit, situando la acción en un espacio limitado y bajo vigilancia constante: un resort donde todos los presentes comparten la condición de sospechosos. Esta estructura narrativa incorpora el encierro y la exclusividad como motores dramáticos, diferenciando a Oasis en la propuesta de thrillers de verano para el mercado internacional de streaming.

Oasis explora una mecánica de grupo bajo presión, en la que los jóvenes residentes y empleados del resort inician líneas propias de investigación para descubrir qué ocurrió realmente, una vez desencadenada la desaparición. El foco recae tanto en los secretos personales de los protagonistas como en las dinámicas de poder y desconfianza que emergen en contextos cerrados.

Esta apuesta se orienta a los suscriptores interesados en thrillers de investigación que buscan nuevas versiones del formato clásico, integrando lujo, ambiente vacacional y una amenaza latente camuflada bajo la apariencia de exclusividad.

Estrategia de programación original y consolidación de talento español en Netflix

Bambú Producciones, reconocida previamente por títulos como Las chicas del cable, intensifica su relación con Netflix al desarrollar Oasis específicamente para su catálogo global, asegurando la difusión simultánea en todos los territorios de la plataforma. La fecha de estreno, fijada para el 19 de junio de 2026, coloca a la serie dentro del calendario de estrenos veraniegos, buscando capitalizar el interés por ficciones de clima cálido y conflictos de alta tensión.

La decisión de ambientar el relato en un resort exclusivo responde a la tendencia de ficciones recientes a explorar comunidades cerradas y privilegio en clave de suspense, aportando a Netflix una oferta original con potencial de conversación internacional.

La distribución de papeles refuerza la apuesta por jóvenes actores emergentes junto a figuras consolidadas como Verónica Sánchez y Paco Tous, lo que amplía el rango de audiencia objetivo y refuerza la visibilidad del talento español en el ecosistema de producciones originales para el streaming global.

Adrianne Curry, ganadora de la primera temporada de America’s Next Top Model, reaccionó públicamente a la demanda que Tyra Banks interpuso contra Netflix por presunta difamación relacionada con el documental Reality Check: Inside America’s Next Top Model.

La exmodelo de 43 años compartió su opinión a través de Instagram pocas horas después de que se conociera la acción legal presentada por Banks.

En su publicación, Curry hizo referencia a uno de los principales argumentos de la conductora y creadora del programa, quien sostiene que sus declaraciones fueron editadas de manera que respaldaran una narrativa falsa dentro del documental.

“Leí que Tyra Banks está demandando a Netflix porque no le gustó cómo fue editada”, dijo Curry en un video publicado en la red social, utilizando comillas con las manos al pronunciar la palabra “editada”.

A continuación, agregó entre risas: “Perra ¿En serio, chica?”. Además, acompañó la publicación con una breve frase en el pie de foto: “Bienvenida a la fiesta, amiga”.

La reacción de Adrianne Curry llamó la atención debido a que, desde hace años, la exganadora del programa ha hablado sobre su experiencia en America’s Next Top Model y ha señalado desacuerdos relacionados con la forma en que fue presentada durante y después de su participación en el reality.

Aunque decidió no formar parte de Reality Check: Inside America’s Next Top Model, Curry se ha pronunciado en diversas ocasiones sobre el legado del programa y sobre la figura de Tyra Banks.

De hecho, meses antes de la demanda, expresó públicamente respeto hacia la conductora por la manera en que ha respondido a las críticas dirigidas a la producción.

En febrero, durante otra publicación en Instagram, la famosa comentó que valoraba que Banks no hubiera ofrecido disculpas por algunas de las controversias que han rodeado al programa con el paso de los años.

“Ella no está arrepentida. No les está pidiendo disculpas. No está arrepentida. No se arrodillará. Y lo respeto. ¿Quieres que mienta? ¿Qué mienta y diga lo mal que se siente? Todos me dicen: ‘Ninguno de los jueces lo lamenta’. ¿Por qué habrían de hacerlo?”, expresó.

Y añadió: “Están todos forrados... pero respeto muchísimo a Tyra porque es difícil resistirse a tanta gente que intenta perjudicarte. Ella simplemente dice: ‘Que os den, hago lo que quiero’. Y tengo que respetar eso”.

La demanda de Tyra Banks fue presentada contra Netflix en relación con el documental Reality Check: Inside America’s Next Top Model, una producción que examina el impacto cultural del programa y las controversias que han surgido alrededor de algunas de sus dinámicas y episodios.

De acuerdo con los documentos judiciales, la conductora solicita un juicio con jurado para determinar el monto de los daños que considera correspondientes.

En el texto legal, Banks sostiene que participó en el documental porque deseaba ofrecer una conversación abierta sobre el legado de America’s Next Top Model, incluyendo tanto los aspectos positivos como las críticas que ha recibido.

“Tyra Banks participó en la serie documental de Netflix America’s Next Top Model porque creía que los espectadores merecían una conversación sincera sobre el legado del programa: sus éxitos y sus deficiencias”, señala la demanda.

El documento también afirma que las entrevistas grabadas para el proyecto fueron modificadas durante el proceso de edición.

Según la presentación judicial, los testimonios de la exmodelo fueron “despojados de contexto y reorganizados para respaldar una narrativa falsa y difamatoria no relacionada con lo que ella realmente expresó”.

Un control policial de rutina en una carretera de Texas en 2020 desencadenó una de las investigaciones criminales más perturbadoras del estado.

Se trata del caso de Taylor Parker, cuya historia es el centro del nuevo documental Instinto maternal, estrenado el pasado 12 de junio de Netflix.

El filme fue dirigido por Jessica Dimmock y producido por Joshua Levine, Samantha DeMaria y Jon Bardin.

Reconstruye los hechos a través de los testimonios de quienes los vivieron de cerca en una pequeña localidad del este de Texas.

Parker, que tenía 27 años al momento del crimen, llegó a la comunidad rural de Simms presentándose como una mujer de familia adinerada, con una herencia vinculada a un negocio familiar y planes de vida a gran escala.

En julio de 2019 conoció a Wade Griffin, trampero de cerdos salvajes, y en pocos meses anunció un embarazo que, según se determinaría después, era completamente falso.

Para sostener ese engaño, Parker organizó una celebración de revelación de género, presentó ecografías falsas y usó rellenos para simular los cambios físicos propios del embarazo.

Como el noviazgo transcurrió durante la pandemia, alegaba que las restricciones sanitarias impedían que Griffin la acompañara a las consultas médicas, lo que le permitió evitar cualquier verificación independiente.

“Ella solo brillaba”, recuerda Griffin en el documental. “Pintaba una imagen bonita del futuro”.

Lo que Griffin y quienes lo rodeaban ignoraban era que Parker se había sometido años antes a una histerectomía, lo que hacía el embarazo biológicamente imposible.

Las sospechas fueron creciendo entre familiares y amigos cercanos, quienes comenzaron a hacer llamadas discretas a clínicas y laboratorios para verificar su historia.

Sin embargo, Taylor Parker siempre tenía una respuesta. “Todo lo que yo presentaba, ella lo rebatía”, señala Connie, madre de Wade Griffin, en el documental.

Antiguas amigas de Parker, McKenzie Bright y Abby Bell, también entrevistadas en el filme, describen un patrón previo de enfermedades inventadas: esclerosis múltiple, cáncer, un tumor cerebral y un derrame.

“Después de que seguía pasando una y otra vez, empecé a pensar: ‘Quizás no está realmente enferma’”, dice Bell en el documental.

Bright, por su parte, recuerda que Parker llegó a pedirle acceso a su aplicación de seguimiento de embarazo cuando ella misma estaba gestando. “Tuve que alejarme de ella”, afirma.

En ese contexto, Parker se vinculó con Reagan Simmons-Hancock, una joven de 21 años de New Boston, Texas, a quien había conocido al fotografiar su boda en septiembre de 2019.

Simmons-Hancock la integró a su círculo social sin sospechar nada. En octubre de 2020, cuando tenía 35 semanas de embarazo, compartió una salida con Parker.

El 9 de octubre de 2020, la madre de Reagan, Jessica, llegó a la casa de su hija al no poder comunicarse con ella.

Encontró rastros de sangre y una escena que los investigadores calificarían después como un ataque extremadamente violento: Simmons-Hancock presentaba 15 heridas de arma blanca y 98 cortes, y su bebé nonata había sido extraída quirúrgicamente de su vientre.

La hija de tres años de Reagan fue hallada sola en una habitación trasera, escondida bajo las cobijas.

Horas después, Parker llamó al 911 desde una carretera cercana a De Kalb, Texas, alegando haber dado a luz y que el recién nacido no respiraba.

Al llegar al hospital, los médicos no encontraron indicios de parto reciente y confirmaron que Parker no tenía útero.

Las pruebas de ADN establecieron que la bebé era hija de Reagan Simmons-Hancock. La recién nacida fue identificada como Braxlynn Sage.

Taylor Parker fue arrestada en el hospital. Su juicio, celebrado en 2022, incluyó el testimonio de más de 100 personas. El 3 de octubre de ese año fue declarada culpable de asesinato con agravante y condenada a muerte.

En 2025, el Tribunal de Apelaciones en Materia Penal de Texas confirmó tanto la condena como la sentencia. Una solicitud posterior para que la Corte Suprema de Estados Unidos revisara el caso fue rechazada.

Con 33 años, Parker es actualmente la mujer más joven en el corredor de la muerte de Texas, según el Departamento de Justicia Criminal del estado.

Tyra Banks presentó el sábado 13 de junio una demanda por difamación contra Netflix, en la que acusa a la plataforma de haber manipulado su participación en Reality Check: Inside America’s Next Top Model, la docuserie de tres partes que examina la historia y las polémicas del reality de moda que ella creó y produjo durante más de una década.

Según la demanda revisada por People, la exsupermodelo cuestiona que se omitieran fragmentos significativos de su entrevista de tres horas y media, de la cual solo se emitieron 16 minutos. Banks sostiene que sus declaraciones fueron “despojadas de contexto y reensambladas para sustentar una narrativa falsa y difamatoria que no guardaba relación con lo que ella realmente expresó”.

La demanda acusa a los productores de utilizar “edición selectiva, omisión deliberada y manipulación quirúrgica de metraje continuo” para transmitir la idea de que “la señora Banks permitió a sabiendas que una concursante fuera agredida sexualmente en su programa, explotó el trauma de esa concursante en busca de audiencia y luego ni siquiera pudo recordarlo cuando se le preguntó”.

“Esa narrativa sobre la señora Banks es un falsedad completa que Netflix transmitió a una audiencia global de millones de personas”, señala el documento judicial.

Una docuserie que expuso las controversias de America’s Next Top Model

Reality Check: Inside America’s Next Top Model, estrenada el 16 de febrero de 2026, revisó los momentos más polémicos del reality, emitido entre 2003 y 2018 en UPN, The CW y VH1. El especial incluyó testimonios de Banks, los productores ejecutivos Ken Mok y Jay Manuel, los exintegrantes del jurado Miss J. Alexander y Nigel Barker, así como de varias exconcursantes.

Entre los relatos más impactantes estuvo el de Shandi Sullivan, quien participó en la segunda temporada del programa en 2004 y llegó al top 3 antes de un viaje grupal a Italia.

Sullivan contó que, después de un día de castings y sin haber comido, las concursantes cenaron con hombres locales que las habían ayudado a trasladarse durante el rodaje. Según su testimonio, consumió dos botellas de vino y después perdió parcialmente el conocimiento.

“Solo recuerdo pequeños detalles. Él me arrojó a la ducha y después solo estaba sentada en la ducha. Y luego estábamos en la cama. Estuve inconsciente durante mucho rato. Ni siquiera sentí el sexo, solo sabía que estaba ocurriendo. Y luego me desmayé”, recordó.

La exconcursante afirmó que, en ese estado, no podía otorgar consentimiento y cuestionó que el equipo del programa no interviniera. Sin embargo, cuando el episodio se emitió originalmente, la producción presentó el hecho como una historia de infidelidad debido a que Sullivan mantenía una relación sentimental con su entonces novio.

El programa mostró posteriormente la llamada que la concursante realizó a su pareja para contarle lo ocurrido, una escena que se convirtió en uno de los momentos más recordados de la historia de America’s Next Top Model.

En el documental de Netflix, la respuesta de Banks fue notablemente esquiva “Es un poco difícil para mí hablar sobre la producción porque ese no es mi territorio”.

La demanda presentada por la exconductora se centra en este episodio y sostiene que ella nunca fue informada por los realizadores del documental sobre las declaraciones de Sullivan antes de su entrevista.

“Los demandados editaron la serie de Netflix para que pareciera que la señora Banks sabía que le estaban preguntando sobre una agresión sexual y que estaba intentando deliberadamente evadir el tema”, señala la demanda.

“La señora Banks desea que alguien involucrado en la serie de Netflix le hubiera contado lo que la señora Sullivan les compartió. Pero eligieron deliberadamente no hacerlo”, añade el documento.

La demanda también indica que “la señora Banks respeta la perspectiva de la señora Sullivan y el valor que se necesita para que ella y otras personas den un paso al frente”.

La exconductora del reality solicita una compensación por la pérdida de futuras oportunidades comerciales, pérdida de ingresos empresariales y otros daños económicos que se determinarán durante el juicio.

Además, Banks afirma que la docuserie causó “un daño significativo a la marca personal que ha trabajado durante décadas para construir y mantener en todo el mundo”. Como ejemplo, sostiene que las calificaciones en línea de su negocio de helados en Sídney, SMiZE & DREAM, disminuyeron después del estreno del documental.

Netflix no ha realizado comentarios públicos sobre la demanda.

La vida de Charlie Sheen experimenta una transformación radical desde el lanzamiento de una docuserie en Netflix y de una autobiografía, marcando un punto de inflexión tras años de excesos y exposición mediática, según reportó The Hollywood Reporter.

El actor estadounidense, conocido mundialmente por su papel en Two and a Half Men, asegura que su presente se caracteriza por la sobriedad y una salud renovada, alejándose de los escándalos que definieron etapas anteriores de su carrera.

Un camino marcado por la reinvención personal

Charlie Sheen sostiene que la estabilidad que ha alcanzado responde a quienes dudan de su recuperación. “Creo que mi presencia responde a esas preguntas”, declaró a The Hollywood Reporter, ante las consultas sobre su salud.

El intérprete enfatiza que goza de un periodo de sobriedad y que, tanto física como mentalmente, se considera en óptimas condiciones. Sobre las cuestiones financieras y personales, el actor prefiere mantener la privacidad: “¿Me harías esa pregunta en una cena frente a mis padres?”.

La docuserie aka Charlie Sheen, dirigida por Andrew Renzi, surgió como resultado de la disposición de Sheen a aceptar, por primera vez, una propuesta para hacer un retrato honesto de su vida. El proceso coincidió con la publicación de su autobiografía, The Book of Sheen: A Memoir, lo que generó un intenso interés mediático en torno a su figura.

Impacto editorial y recepción pública

Tanto la docuserie de Netflix como el libro autobiográfico se lanzaron con apenas 24 horas de diferencia. el 9 y 10 de septiembre del 2025 respectivamente.

El actor reconoce que la docuserie pudo afectar las ventas iniciales del libro, aunque destaca que logró ubicarse en la lista de los más vendidos del New York Times. Señaló además que el audiolibro, narrado por él mismo, triplicó el volumen de ventas de la edición impresa.

Renzi, responsable del documental, eligió un enfoque que Sheen describe como “sincero y respetuoso”. “Vi a alguien que no estaba interesado en el sensacionalismo, sino en celebrar lo positivo y mostrar sensibilidad, pero con honestidad y minuciosidad en lo más difícil”, expresó el actor sobre el trabajo del director.

La familia Sheen y los vínculos personales

La ausencia de Martin Sheen y Emilio Estevez en la docuserie fue notoria, aunque no inesperada para Charlie Sheen. El propio actor explicó que su padre y su hermano optaron por no aparecer en cámara, aunque tuvieron acceso anticipado a un primer corte del documental.

“Papá tuvo una reacción muy específica. Dijo: ‘No me necesitas. No necesitas al yo de hoy. En el documental tienes al interesante y apuesto de entonces. Así quiero que me representen’”, relató Charlie sobre la postura de Martin.

El testimonio de Sean Penn, amigo de la familia y figura clave en la industria, resultó fundamental tanto para Renzi como para el desarrollo de la narrativa. El actor aportó una perspectiva global sobre la vida de Sheen en Malibu y Los Ángeles. Tras entrevistarlo, el director dejó de buscar más voces de la industria, convencido de que había encontrado una visión suficientemente abarcadora.

Revisión del pasado y legado familiar

Revisar los archivos familiares y reconstruir su historia para el documental representó un desafío para Charlie Sheen, según lo reportado por The Hollywood Reporter. El actor admite que su memoria permanece intacta, pese a los años marcados por el exceso. “Ni siquiera debería tener memoria después de todo eso, pero aquí está”, comentó, subrayando la magnitud de su proceso de recuperación.

Sheen describe el documental como una “carta de amor” a su padre y un homenaje a la etapa familiar que marcó sus primeros años en la industria. Considera que existe otra versión de su historia centrada únicamente en las décadas de los setenta y ochenta, suficiente para un largometraje completo.

El estreno generó reacciones inmediatas, entre ellas un mensaje de Sean Penn, quien elogió la autenticidad y el enfoque original de la producción, reconociendo el recorrido singular del actor.

La respuesta de la industria y la proyección futura

El lanzamiento de la docuserie y la autobiografía de Charlie Sheen reavivó la atención mediática sobre su figura, aunque bajo una nueva luz. Según The Hollywood Reporter, el actor se mantiene alejado de la polémica y enfocado en la construcción de un legado distinto.

El proyecto documental de Renzi evitó el sensacionalismo y apostó por el retrato honesto, una decisión que Sheen valora como parte central de su actual etapa de vida.

El éxito del audiolibro y la repercusión en medios internacionales como el New York Times refuerzan la vigencia del nombre Sheen y abren interrogantes sobre los futuros proyectos del actor.

Por ahora, Sheen afirma sentirse “mejor que nunca”, respaldado por una salud estable y una visión renovada sobre su carrera y su historia personal.

La noticia cobró relevancia tras las declaraciones recogidas por Complex, medio que detalló la negativa de Steven Spielberg a participar en cualquier proyecto para Netflix si la plataforma no recupera el modelo de distribución de DVDs, abandonado en 2023.

Para el director, este formato representa una experiencia más cercana al ritual cinematográfico clásico y resalta la importancia de la materialidad en la relación del espectador con la obra.

Según Complex, el cineasta sostiene que la esencia del cine se encuentra en la vivencia colectiva y tangible, algo que el streaming no logra replicar. “El cine es una experiencia que va más allá de la pantalla. Necesita un espacio y un soporte físico”, afirmó Spielberg en declaraciones difundidas por el mismo medio.

Críticas al streaming y defensa del cine en salas

La posición de Spielberg frente a las plataformas digitales no es nueva. En 2018, el realizador se manifestó en contra de que las producciones originales de servicios como Netflix compitieran por el premio Óscar, considerando que debían aspirar solo a galardones televisivos.

Para el cineasta, la diferencia entre una película concebida para la pantalla grande y otra destinada al consumo doméstico resulta determinante. Argumenta que la sala de cine ofrece una calidad de proyección y una conexión emocional imposibles de alcanzar en el entorno doméstico. Esta perspectiva lo ha situado como uno de los principales defensores de la experiencia cinematográfica presencial.

“Disclosure Day”, el próximo estreno

En medio de este debate, Spielberg ultima detalles para el estreno de Disclosure Day, producción centrada en los fenómenos aéreos no identificados. El cineasta reveló a ITV News que su interés por el tema resurgió en 2017, cuando autoridades estadounidenses comenzaron a reconocer la existencia de objetos voladores no identificados.

La película, basada en un tratamiento de 50 páginas escrito por el propio director, cuenta con guion de David Koepp. El elenco reúne a Josh O’Connor como informante de ciberseguridad, Emily Blunt interpretando a una meteoróloga, Colin Firth encarnando a un ejecutivo corporativo y Colman Domingo en el papel de un líder de divulgación.

Impacto social y expectativas por el filme

Disclosure Day explora las posibles consecuencias sociales y emocionales de una revelación pública sobre vida extraterrestre. Spielberg plantea, según Complex, que parte de la sociedad podría aceptar la noticia con naturalidad, mientras que otros experimentarían una crisis de identidad frente a la transformación de sus certezas.

El estreno en Estados Unidos se llevó a cabo el 11 de junio de este año, y la película se perfila como uno de los principales lanzamientos de 2026. La expectativa está marcada tanto por el enfoque temático como por las discusiones que el propio director ha generado sobre el futuro del cine.

La historia de la poderosa dinastía detrás de la cerveza Guinness todavía tiene mucho por contar. Casi un año después del estreno de su primera entrega, Netflix dio luz verde a la segunda temporada de House of Guinness (La casa Guinness), el drama histórico creado por Steven Knight, el guionista británico responsable del fenómeno Peaky Blinders.

La información fue revelada en exclusiva por Variety el 12 de junio de 2026. De acuerdo con la publicación especializada, la nueva tanda de episodios recibió la aprobación y su producción comenzará a inicios de 2027, aunque Netflix no ha realizado comentarios oficiales sobre la renovación.

La primera temporada de ocho episodios, estrenada el 25 de septiembre de 2025, trasladó a los espectadores a la Irlanda de la década de 1860 para contar una historia de ficción inspirada en la familia Guinness, la legendaria dinastía que construyó uno de los imperios cerveceros más reconocidos del mundo.

La trama inicia tras la muerte del empresario Sir Benjamin Guinness y se centra en las consecuencias de su ausencia para sus cuatro hijos adultos: Arthur, Edward, Anne y Benjamin. En medio de disputas familiares, ambiciones personales y un contexto marcado por la agitación política de la Irlanda posterior a la Gran Hambruna, los herederos buscan asumir el control y ampliar el negocio familiar.

El elenco principal estuvo encabezado por Anthony Boyle, Louis Partridge, Emily Fairn y Fionn O’Shea como los integrantes de la familia Guinness. La producción también contó con las actuaciones de James Norton, Niamh McCormack, Jack Gleeson, Seamus O’Hara, Michael McElhatton, David Wilmot, Dervla Kirwan, Danielle Galligan y Ann Skelly.

Tras su estreno, House of Guinness fue comparada con una mezcla entre Succession y Peaky Blinders debido a su retrato de una familia poderosa atravesada por la ambición, la rivalidad entre hermanos y las luchas por el poder.

La serie recibió críticas favorables en Reino Unido y Estados Unidos, donde los especialistas destacaron su propuesta visual, su tono oscuro y su representación del Dublín del siglo XIX. Además, alcanzó un 89% de aprobación del público en Rotten Tomatoes.

Sin embargo, la producción también recibió cuestionamientos en Irlanda. Algunos espectadores e historiadores señalaron inexactitudes históricas y criticaron la manera en que la serie retrató la política del país tras la Gran Hambruna y a los movimientos revolucionarios anticoloniales de la época. Aunque la ficción se presentó como una historia inspirada en hechos reales, sus libertades creativas provocaron un debate.

El final que dejó abierta la puerta a una continuación

Uno de los principales motivos por los que los seguidores esperaban una segunda temporada fue el impactante final del primer ciclo. La historia concluyó con un gran cliffhanger que dejó en suspenso el futuro de uno de los integrantes clave de la familia Guinness.

La posibilidad de una continuación ya había sido anticipada por Steven Knight meses antes de la confirmación. En enero de 2026, durante una entrevista con Radio Times, el creador aseguró que estaba “realmente muy satisfecho” con la respuesta internacional que recibió la serie y elogió especialmente al elenco. Cuando fue consultado sobre una segunda temporada, evitó dar detalles y respondió con una frase que aumentó las especulaciones: “Estaba a punto de seguir hablando, pero no lo haré. No puedo hablar de eso”.

Más adelante, poco después del estreno de la primera temporada, Knight habló sobre sus planes a largo plazo para la historia durante una conversación con el Irish Mirror. El guionista explicó que su intención era convertir la serie en una saga similar a Peaky Blinders.

“Vamos a hacer la temporada dos, tres y cuatro… vamos a llevar esto hasta la década de 1960”, afirmó en ese momento.

¿Steven Knight estará involucrado en la temporada 2?

Aunque Steven Knight figura como el creador de House of Guinness y estuvo detrás de su primera entrega, todavía no está claro cuál será su nivel de participación en la segunda temporada.

La incertidumbre se debe a que el guionista actualmente escribe el libreto de la próxima película de James Bond, que será dirigida por Denis Villeneuve.

Por ahora, tampoco se conoce cuántos episodios tendrá la nueva temporada, aunque existe la posibilidad de que mantenga el formato de ocho capítulos de la primera entrega.

Nuevos actores para una historia clásica

En esta nueva adaptación, un elenco completamente renovado da vida a los personajes emblemáticos. Alice Halsey interpreta a Laura Ingalls, la joven narradora de espíritu libre que conduce al espectador en los primeros pasos del asentamiento familiar en Kansas. Junto a ella, Luke Bracey asume el papel de Charles Pa Ingalls, el padre perseverante y motor de la trama. Crosby Fitzgerald y Skywalker Hughes representan a Caroline Ma y Mary Ingalls, respectivamente. El reparto se completa con Warren Christie como John Edwards, Jocko Sims como el doctor George Tann y la familia osage compuesta por Meegwun Fairbrother, Alyssa Wapanatâhk y Wren Zhawenim Gotts, quienes aportan perspectivas nunca antes exploradas en la saga televisiva.

Este cambio de actores marca un distanciamiento respecto a la serie de los años setenta, en la que Michael Landon y Melissa Gilbert se convirtieron en figuras icónicas de la televisión estadounidense. Mientras que aquella versión alcanzó más de 16 millones de espectadores por episodio, la propuesta de Netflix busca reinterpretar la pradera desde una sensibilidad contemporánea y una mayor profundidad emocional, de acuerdo con el compromiso manifestado por Jinny Howe, vicepresidenta del área de series de la plataforma.

La frontera narrada desde diversas perspectivas

Aunque el eje central sigue siendo la experiencia de los Ingalls en su búsqueda de una vida mejor, la nueva serie amplía su enfoque para incluir la voz de la comunidad osage, habitantes originarios de la región mucho antes de la llegada de los colonos. Los personajes de White Sun, William Mitchell y Good Eagle, una familia osage creada especialmente para esta adaptación, encarnan el esfuerzo por contar la frontera desde dos realidades opuestas: la aspiración de los pioneros y el impacto que ese proceso provocó en los pueblos indígenas.

Para alcanzar una representación respetuosa y completa, Netflix contó con la asesoría de Julie O’Keefe, consultora osage, y del académico Robert Warrior, profesor en la Universidad de Kansas. Artesanos de la Nación Osage confeccionaron más de mil objetos de utilería, lo que garantiza autenticidad visual y una reconstrucción cultural consciente. Según O’Keefe, el objetivo fundamental estuvo claro desde el inicio: “Si vas a contar la historia, entonces necesitas contar ambos lados”.

En el episodio sobre la malaria, médicos como George Tann, personaje inspirado en figuras reales, muestran la complejidad y diversidad social de la frontera, equilibrando la visión tradicional centrada solo en los pioneros.

Legado, impacto y retos de la familia Ingalls

La versión original de La familia Ingalls, emitida entre 1974 y 1983, dejó una marca profunda en la cultura popular y ayudó a definir la imagen de la vida rural estadounidense durante décadas. El personaje de Charles Ingalls, interpretado por Michael Landon, fue reconocido como uno de los padres televisivos más emblemáticos, mientras que figuras como Nellie Oleson se mantienen en la memoria del público como ejemplos de carácter y antagonismo.

Hoy en día, Melissa Gilbert, quien interpretó a la primera Laura, destaca el compromiso social de la serie original, que abordó temas tan actuales como la recesión, igualdad de derechos para mujeres y personas racializadas y cuestiones como el antisemitismo. Sin embargo, la versión de los setenta se centraba en la perspectiva de los colonos blancos y omitía matices y tensiones relacionadas con la frontera y los pueblos originarios, un aspecto que la producción actual de Netflix intente corregir sin perder el optimismo y esperanza que caracterizan al relato.

La nueva Laura Ingalls, Alice Halsey, lidera un reparto que asume el reto de actualizar estos valores tradicionales para una audiencia global del siglo XXI, rindiendo homenaje tanto a los seguidores de siempre como a quienes descubren la saga por primera vez. Desde la música hasta el vestuario y utilería, la producción cuenta con especialistas que garantizan verosimilitud y respeto histórico, mientras fomenta discusiones sobre la memoria de la frontera, la representación cultural y los efectos de la expansión hacia el oeste.

La película The Amazing Digital Circus: El último acto, el final de la serie animada independiente de YouTube producida por Glitch Productions, debutó en el tercer lugar de la taquilla mexicana del 4 al 7 de junio de 2026, con $45.69 millones de pesos (MDP) recaudados y 584.09 mil asistentes en su primera semana, de acuerdo con datos de ComScore reportados por la Cámara Nacional de la Industria Cinematográfica (Canacine).

La cinta fue distribuida en México por Cinemex Alternativo, aunque también se exhibió en salas de Cinépolis. Su acumulado al cierre del periodo apenas supera su recaudación semanal —$45.72 MDP—, lo que confirma que se trata prácticamente de un estreno puro.

Qué es The Amazing Digital Circus y por qué conquistó internet

La serie fue creada por la animadora y compositora Gooseworx y producida por el estudio australiano independiente Glitch Productions. Su piloto se publicó en YouTube el 13 de octubre de 2023 y se convirtió en uno de los episodios piloto más vistos en la historia de la plataforma: superó los 350 millones de vistas en noviembre de 2024 y acumula más de 1.000 millones de vistas en total.

La trama sigue a un grupo de humanos atrapados en una simulación de realidad virtual con estética de circo, gobernados por una inteligencia artificial errática. Su mezcla de humor, animación por computadora y temas emocionales profundos generó una cultura de memes masiva y millones de creaciones de fanáticos en TikTok y YouTube.

Para diciembre de 2024, los videos relacionados con la serie acumulaban 25.000 millones de vistas en YouTube. La producción también fue nominada al Annie Award y dio pie a una adaptación en manga en Japón, publicada en CoroCoro Comic y CoroCoro Ichiban! desde octubre de 2024.

La película reúne los episodios finales en pantalla grande

The Amazing Digital Circus: El último acto combina los episodios 8 y 9 de la serie y funciona como el cierre definitivo de la franquicia. Su estreno teatral fue gestionado en Norteamérica por Fathom Entertainment y en Europa por Piece of Magic Entertainment.

A nivel global, la película recaudó USD 36.6 millones en sus primeros cuatro días —del jueves al domingo—, según informaron los distribuidores a Deadline. La cifra superó la proyección inicial de USD 35 millones y la posicionó como uno de los mayores éxitos de taquilla logrados por una propiedad animada de origen digital.

En Estados Unidos, la película generó más de USD 20.2 millones en más de 2.200 salas, estableciendo récords de preventas, recaudación de tres días y recaudación de cuatro días para Fathom Entertainment. Europa aportó USD 12.7 millones desde aproximadamente 3.000 pantallas en 38 mercados, con el primer lugar el día de estreno en el Reino Unido, Francia, Benelux, España y Polonia, según Piece of Magic Entertainment.

Out of the circus, right onto the Battle Bus! 💥

Pomni and Jax from The Amazing Digital Circus are joining Fortnite on June 12th. pic.twitter.com/VT1ATjhQWh

— Fortnite (@Fortnite) June 11, 2026

Fanáticos disfrazados llenan las salas

El elenco de doblaje de The Amazing Digital Circus presenta la película en las salas antes de comenzar la función. 🎪🍿

Conformado por Rodo Balderas, Noelia Lestani, Emmanuel Alejandro, Denisse Leguizamo, Luigi Suárez, Valca Ponzanelli, Jessica Ángeles,Elliot Leguizamo y el… pic.twitter.com/wXbyG6uoiB

— Un tal Said 🦆 (@ElTalSaid) June 5, 2026

Uno de los rasgos que distinguió el estreno fue la presencia de fanáticos que asistieron a las funciones con cosplay de los personajes de la serie. Lin Porter, una asistente que habló con BBC Newsbeat mientras esperaba fuera de una sala en el Reino Unido disfrazada, afirmó: “Disfrazarse para ver una película es un compromiso verdadero”.

Luke Phesay, empleado de 24 años de Cineworld y seguidor de la serie, describió el ambiente en las salas: “El público estaba lleno de fanáticos emocionados, algunos en cosplay. Es una experiencia increíble verlos llegar”. Phesay destacó que la serie construyó un sentido de comunidad poco habitual: “Recuerdo haber visto el piloto cuando se estrenó en YouTube y aún recuerdo con quién estaba”.

No todos los fanáticos celebraron la decisión de estrenar el final en cines antes de su llegada a Netflix y Youtube. Algunos cuestionaron que el estudio se alejara de sus raíces digitales, y quienes viven lejos de salas o en países sin funciones programadas manifestaron su malestar por la exclusión. La serie estará disponible de forma gratuita en el canal de YouTube de Glitch Productions a partir del 19 de junio.

Quand 2 700 fans reprennent en chœur le générique de The Amazing Digital Circus, cela donne ce moment absolument incroyable. 😍🎪 pic.twitter.com/R95HejEkMs

— Le Grand Rex (@LeGrandRex) June 5, 2026

El top 10 de la taquilla mexicana del 4 al 7 de junio

1 Scary Movie: Terroríficamente Incorrecta, distribuida por Paramount Int’l, encabezó la semana con $103.04 MDP y 1.35 millones de asistentes, para un acumulado de $118.10 MDP y 1.57 millones de espectadores.

2 En segundo lugar se ubicó Backrooms: Sin Salida (Imagem), con $59.64 MDP y 778.43 mil asistentes en la semana. Su acumulado alcanza $210.13 MDP y 2.88 millones de entradas vendidas.

3 The Amazing Digital Cyrcus arrazó contra propuestas más mainstream como Amos del Universo.

4 Amos del Universo (Sony Int’l) ocupó el cuarto puesto con $43.85 MDP y 531.56 mil asistentes semanales.

5 seguida de Obsesión (Universal Int’l) en quinto lugar con $22.67 MDP y 263.65 mil espectadores.

6 La sexta posición correspondió a un título de Walt Disney Int’l con $8.57 MDP y 100.36 mil asistentes semanales,

7 mientras que Michael: La Historia de Michael Jackson (Universal Int’l) se mantuvo en séptimo lugar con $8.35 MDP en la semana, aunque su acumulado asciende a $547.11 MDP y 6.84 millones de espectadores totales.

El Diablo Viste a la Moda 2 (Walt Disney Int’l) sumó $6.13 MDP en la semana para un acumulado de $507.31 MDP y 6.22 millones de asistentes. El Afinador (Zima) registró $5.83 MDP semanales con 67.63 mil espectadores.

Super Mario Galaxy: La Película (Universal Int’l) cerró el top 10 con $2.26 MDP en la semana, pero su acumulado totaliza $1,189 MDP y 14.96 millones de asistentes, la cifra más alta del listado.

La primera temporada de la serie llegará a Netflix el próximo 9 de julio de 2026 y estará inspirada principalmente en el tercer libro de la saga literaria de Wilder.

La historia comienza cuando los Ingalls abandonan los grandes bosques de Wisconsin y emprenden un viaje hacia el oeste para establecerse a las afueras de la pequeña pero creciente comunidad de Independence, en Kansas, donde esperan encontrar un nuevo hogar definitivo.

A diferencia del primer teaser estrenado en abril, que estaba narrado por Laura, este nuevo adelanto permite escuchar los diálogos entre los personajes y profundiza en los desafíos que enfrentará la familia en su travesía. “Un nuevo comienzo para mi familia”, expresa Charles Ingalls al explicar las razones que los llevaron hasta ese territorio desconocido.

El avance muestra a los Ingalls levantando su casa, conociendo a sus vecinos y enfrentándose a las dificultades propias de la vida en la frontera: el clima extremo, las enfermedades, los incendios, los animales salvajes y la incertidumbre.

En un momento de duda, Charles se cuestiona si tomó la decisión correcta, pero Caroline lo impulsa a seguir adelante con una frase que resume el espíritu de la historia: “¿Cómo saberlo si no intentamos?”. S

egún la showrunner Rebecca Sonnenshine, ese sentimiento de esperanza es precisamente lo que mantiene vigente a esta historia décadas después de la publicación de las novelas: la idea de que las personas siempre pueden reinventarse y buscar una vida mejor.

Nuevos rostros en el reparto

Esta versión de La familia Ingalls contará con un nuevo elenco de actores encabezado por Alice Halsey como Laura Ingalls, la niña curiosa, observadora, de fuerte carácter y espíritu libre. La acompañan Luke Bracey como Charles “Pa” Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline “Ma” Ingalls y Skywalker Hughes como Mary, la hermana mayor de Laura, cuya personalidad tranquila, estudiosa y obediente contrasta con el temperamento aventurero de la protagonista.

El elenco también incluye a Warren Christie como John Edwards, un veterano de la Guerra Civil descrito por la propia Laura Ingalls Wilder como un “gato salvaje de Tennessee”; Jocko Sims como el doctor George Tann, un médico pionero inspirado en una persona real que trató a la familia Ingalls durante un episodio de malaria; y Maclean Fish como Adam Scott. Además, participan Alyssa Wapanatâhk como White Sun, Meegwun Fairbrother como William Mitchell y Wren Zhawenim Gotts como Good Eagle, integrantes de una nueva familia osage creada específicamente para esta adaptación.

El mayor cambio respecto a la serie clásica

Uno de los aspectos que más diferenciará esta adaptación de la recordada serie clásica es la decisión de ampliar la historia más allá de la perspectiva de los Ingalls. Aunque la familia continúa siendo el corazón del relato, la producción también explorará la experiencia de la comunidad osage, que habitaba esas tierras mucho antes de la llegada de los colonos.

La nueva familia osage estará conformada por William Mitchell, un granjero trabajador y cariñoso que ha construido una de las propiedades más destacadas del condado; su esposa White Sun, una mujer de fuerte personalidad y agudo sentido del humor; y su hija Good Eagle, una joven con una gran imaginación reconocida por sus habilidades para contar historias.

De acuerdo con la consultora cultural osage Julie O’Keefe, desde las primeras conversaciones con integrantes de la Nación Osage surgió una idea fundamental: “Si vas a contar la historia, entonces necesitas contar ambos lados”. Por ello, la serie abordará la tensión entre los sueños de oportunidad de los colonos y las consecuencias que la expansión hacia el oeste, los tratados de desplazamiento y los acuerdos territoriales tuvieron sobre las comunidades indígenas.

Para lograr una representación más fiel, la producción trabajó con Robert Warrior, académico osage y profesor de la Universidad de Kansas, además de contar con la colaboración de O’Keefe en las áreas de vestuario, diseño de producción y utilería. Más de mil objetos usados en la serie fueron elaborados por artesanos osage, informó Tudum.

La nueva La casa de la pradera está desarrollada por Rebecca Sonnenshine, quien se desempeña como showrunner y productora ejecutiva junto con Joy Gorman Wettels, Trip Friendly y Dana Fox. La serie es una producción de CBS Studios y Anonymous Content, y cuenta con episodios dirigidos por Sarah Adina Smith, Julie Anne Robinson, Kat Candler, Erica Tremblay y Sydney Freeland.

Esta renovada versión de La familia Ingalls llegará a Netflix el 9 de julio.

Con letra en inglés, francés, español, italiano y japonés, el himno del Mundial masculino, interpretado en la ceremonia inaugural el 11 de junio, ejemplifica la pretensión del torneo de fomentar la unidad global. Se espera que casi la mitad del mundo sintonice las transmisiones en las próximas semanas, a medida que el torneo avanza hacia su final en las afueras de Nueva York. Un espectador podría llegar a dos conclusiones. Primero, que la cultura del entretenimiento está más globalizada que nunca. Segundo, que Estados Unidos sigue siendo la superpotencia del poder blando en el centro de todo.

Ambas suposiciones serían erróneas. Los megaeventos como la Copa del Mundo siguen acaparando la atención mundial. Pero el panorama general es que el entretenimiento se está fragmentando. Desde la música hasta la televisión, pasando por las redes sociales y los videojuegos, el público está dejando de lado los contenidos estadounidenses y adoptando alternativas más cercanas a casa. Se está dando una paradoja: incluso a medida que el mundo se vuelve más conectado, la gente está eligiendo formas de entretenimiento más locales. Aunque miles de millones de personas sintonizan un solo programa en Norteamérica, la monocultura liderada por Estados Unidos se está desvaneciendo.

Este giro hacia lo local es lo contrario de lo que muchos predijeron. Las plataformas de entretenimiento globales como Spotify, Netflix, YouTube y las tiendas de aplicaciones móviles de Apple y Google ofrecen a personas de todo el mundo acceso a la misma música, los mismos videos y los mismos juegos. Los mayores ganadores han sido una élite desproporcionadamente estadounidense de megaestrellas y marcas —pensemos en Taylor Swift, MrBeast o Roblox— que se han globalizado como nunca antes. Las ligas deportivas más importantes se han disparado en valor junto con ellas.

Pero por debajo del nivel superior, el entretenimiento se está fragmentando. El deporte siempre ha sido reacio a la globalización, porque la gente prefiere ver a su equipo local. La Liga Nacional de Fútbol Americano de Estados Unidos, la propiedad deportiva que más ingresos genera en el mundo, obtiene el 98% de sus ingresos por derechos de transmisión en su propio país. La Premier League inglesa es la única liga de fútbol en Europa que gana más en derechos de transmisión en el extranjero que en su propio país. Cada cuatro años, el mundo se une para la Copa del Mundo y los Juegos Olímpicos. El resto del tiempo, los aficionados se centran principalmente en las competiciones nacionales. A los neoyorquinos les entusiasma mucho menos el fútbol que los Knicks.

Otros tipos de cultura llevan mucho tiempo más globalizados, a menudo gracias a Estados Unidos; pensemos en la música de Motown o la televisión de Tinseltown. Pero ahora esto parece estar revirtiéndose. Las listas de éxitos musicales se están volviendo más locales: en Brasil, un caso extremo, 96 de los 100 artistas más escuchados la semana pasada eran brasileños. Los servicios de streaming de video como Netflix y Amazon están produciendo más programas en el extranjero, para atraer a suscriptores en nuevos mercados. La participación de Norteamérica en los nuevos encargos de streaming se ha reducido a la mitad en los últimos seis años, del 70% al 36%.

Los nuevos medios ya no son globales. YouTube ofrece contenido de todos los países, pero sus usuarios se inclinan por los clips cercanos a su lugar de origen: tres cuartas partes de sus videos “de tendencia” logran ser tendencia en un solo país. Los videojuegos en PC y consolas siguen estando dominados por unas pocas franquicias mundiales (incluida una serie de fútbol anteriormente conocida como “FIFA”). Pero en los dispositivos móviles, que tienen una audiencia más grande y diversa, las variaciones regionales son más marcadas. En los cinco mercados de videojuegos más grandes, ninguna aplicación aparece en el top 10 de todos los países. Mientras que los estadounidenses juegan a “Fortnite”, los asiáticos se han pasado a títulos como “Free Fire”.

La reducción de los costos de producción y distribución ha provocado un auge en la oferta de entretenimiento local. En la era de los CD, los cines y los cartuchos de videojuegos, existían enormes economías de escala para impulsar a artistas o productos populares a nivel mundial. Hoy en día, producir y distribuir nuevo entretenimiento —ya sean canciones, videos o juegos— es lo suficientemente barato como para que resulte rentable apuntar a nichos mucho más pequeños. En algunos lugares incluso hay indicios de un auge cultural subnacional: más de la mitad del contenido publicado en YouTube en la India está en idiomas distintos al hindi (en su mayoría locales). La IA permitirá una producción cada vez más especializada.

La audiencia también ha cambiado. Una clase media global en crecimiento ha hecho que valga la pena para Netflix producir series de gran presupuesto adaptadas a los suscriptores mexicanos, o que los desarrolladores de “Free Fire” diseñen temas de Bollywood para los jugadores indios. Y el descubrimiento de nuevos contenidos por parte de la audiencia está cada vez más guiado por algoritmos en lugar de por creadores de tendencias humanos. A veces esos algoritmos dirigen a todo el mundo hacia los mismos éxitos globales —prepárense para una avalancha de momentos destacados del Mundial en sus redes sociales—, pero también los dividen en nichos. En un año reciente, las canciones alemanas representaron solo cuatro de las 100 canciones más reproducidas en la radio nacional, pero 44 de las 100 más escuchadas en streaming del país. Las preferencias de la gente han resultado ser más locales de lo que pensaban los creadores de tendencias de la élite.

Se perderá algo si los hábitos culturales de la gente se vuelven demasiado introvertidos. Una Gran Bretaña que solo ofreciera comida británica y películas de la serie “Carry On” sería más lúgubre que el purgatorio. Sin embargo, es motivo de celebración que el público tenga ahora muchas más opciones. En lugar de una dieta de entretenimiento procedente de un país que tenía una ventaja histórica en su producción y distribución, los consumidores pueden elegir entre un menú global de hip-hop danés, comedia polaca o videojuegos chinos. Los reguladores deberían tomar nota de que el giro hacia las opciones locales ha sido impulsado por la tecnología, y no por normas del tipo de las impuestas por Canadá, donde las emisoras de radio tienen que poner cantidades excesivas de Justin Bieber para cumplir con las cuotas locales.

Cambiando las reglas del juego

Los gobiernos tendrán que adaptarse a la dinámica cambiante del poder blando. El siglo de dominio de Estados Unidos sobre la cultura popular global ha terminado. Todavía controla gran parte de la distribución del entretenimiento, a través de plataformas como YouTube y las tiendas de aplicaciones, y por lo tanto gran parte de las ganancias de la industria. Pero ha perdido su control sobre el contenido y, con ello, el rayo tractor cultural que ha atraído a millones de oyentes, espectadores y jugadores hacia los valores e ideas estadounidenses a lo largo de los años. Otros países se apresuran a llenar el vacío que ha dejado Estados Unidos, desde Brasil en la música hasta Corea del Sur en la televisión y China en los videojuegos.

Todas las miradas estarán puestas en Estados Unidos para la final de la Copa del Mundo el próximo mes. Pero es una fuerza en declive en un nuevo juego de poder blando que apenas acaba de comenzar.

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El catálogo de Netflix está a punto de despedirse de una de las joyas del cine de acción contemporáneo: quedan solo dos días (hasta el 13 de junio) para disfrutar de Mad Max: Furia en la carretera, la película que devolvió la vida a una saga mítica tras tres décadas de silencio y se alzó con seis premios Oscar.

Tras treinta años sin nuevas entregas, George Miller sorprendió al público con una secuela que no solo recuperó el espíritu original de Mad Max (una de las sagas de ciencia ficción más celebradas de la década de los 80), sino que llevó el género a nuevas alturas, pese a lo mucho que costó realizarla. La cinta fue reconocida por la crítica y la industria, acumulando diez nominaciones a los Oscar y llevándose seis estatuillas en apartados técnicos.

En buena parte, fue gracias a estos por lo que la película cosechó tanto éxito. Con una apuesta visual y narrativa absolutamente frenética, Miller optó por rodar las persecuciones y escenas de acción con vehículos reales y acrobacias físicas, limitando el uso de efectos digitales. Este enfoque aportó una sensación de realismo y vértigo pocas veces vista en el cine reciente.

De qué va ‘Mad Max: Furia en la carretera

La cuarta película de la saga Mad Max empieza narrando la huida de Furiosa y un grupo de mujeres que escapan del dictador Inmortan Joe en un mundo donde el agua y la gasolina escasean. Max, capturado y utilizado como bolsa de sangre, se une a la persecución en medio de un desierto implacable.

Con esta premisa, gracias a la intensidad de sus imágenes y a una acción casi constante, este título logró una recaudación de casi 380 millones de dólares a nivel mundial, mucho más del doble de lo que fue su presupuesto original de 150 millones. Además, medios como Collider la definieron como “la mejor película de acción de todos los tiempos”. No fue el único medio que la reseñó de forma favorable, tal y como se puede ver en portales como Metacritic, donde se ve que el 98% de las críticas profesionales la valoraron de forma positiva.

Una saga a la que muchos le habían perdido el rastro

El regreso de Mad Max en 2015 no solo relanzó la franquicia, sino que inspiró una revisión completa del género. Desde su debut en 1979 con Mad Max, Miller había construido un universo distópico protagonizado por Max Rockatansky, interpretado por Mel Gibson en sus tres primeras entregas y, en 2015, por Tom Hardy. Charlize Theron, por su parte, se convirtió en la icónica Imperator Furiosa.

El éxito de Furia en la carretera motivó la expansión del universo con la precuela Furiosa en 2024. En esta quinta producción de la franquicia, Anya Taylor-Joy encarnó a la versión joven del personaje de Theron y Chris Hemsworth dio vida al villano Dementus, sumando una nueva etapa a la saga. Pese a contar con buenas críticas, en esta ocasión la película apenas logró una recaudación superior a su presupuesto, pues acumuló 174 millones de dólares en las taquillas, solo 6 más de lo que costó producirla, por lo que, teniendo en cuenta los gastos de promoción, acabó provocando pérdidas.

Este fracaso comercial marcó otro punto de inflexión en el futuro de Mad Max. En una entrevista reciente, George Miller confesó que ya tenían otro guion para la próxima película (cuyo título provisional es The Wasteland) que, no obstante, sería reescrito en forma de serie para convertirlo en un proyecto menos arriesgado. Eso sí, la producción contará con integrantes de Furia en la carretera, incluyendo al actor protagonista, Tom Hardy, que regresará así a uno de los mundos distópicos más icónicos del imaginario cinematográfico.

La producción, inspirada en la novela homónima del escritor colombiano Jorge Franco, es la tercera adaptación realizada a la obra y la primera de carácter extranjero, luego del largometraje de 2005 protagonizado por Flora Martínez, y la telenovela del Canal RCN emitida en 2010 con María Fernanda Yepes como protagonista.

La nueva temporada pone a Rosario (interpretada por la mexicana Bárbara De Regil) ante una consecuencia directa de sus decisiones previas: su hija terminó en el bando contrario. Ese quiebre familiar se convierte en uno de los ejes del regreso de la serie, que también incorpora una trama marcada por traiciones, viejas cuentas pendientes y secretos por revelar, de acuerdo con lo revelado por la producción en los meses previos.

Bárbara de Regil adelantó que esta entrega eleva el nivel de acción respecto de las anteriores: “Hay muchísima acción en la quinta, yo diría que diez veces más que en la cuarta”. La actriz también explicó su preparación física para el rodaje: “Estoy en entrenamientos de peleas, aprendiendo más artes marciales”, confirmó.

Rubí Salgado López, interpretada por Samantha Acuña, pasa a ocupar un lugar decisivo en la historia, tras alejarse de su madre y elegir otro camino, con lo que ahora estará involucrada en varios de los conflictos más intensos de la temporada, siendo manipulada por los enemigos de su madre. Esa disputa define el núcleo emocional de la nueva entrega y cruza el drama familiar con las luchas de poder dentro del crimen organizado, según el mismo medio.

Uno de los regresos centrales es el de Sebastián Martínez. El actor colombiano ya había formado parte del elenco de la telenovela de RCN, y en esta adaptación hará su regreso como Daniel Salgado, “El Ángel”, por lo que su reaparición funciona como punto de partida de buena parte de la historia, pues el personaje había sido considerado muerto durante años en la trama, y su aparición reabre heridas del pasado de Rosario.

Con motivo del estreno de la nueva temporada, el actor que viene de participar en Medusa, compartió su entusiasmo en sus historias de Instagram.

“Bueno, faltan pocas horas ya para que se estrene. Yo veré cuántas se van a echar el día de hoy, cuántos capítulos se van a echar. Y mañana esperaremos, amaneceremos y miraré las historias para ver todos sus tag, para que nos tagueen ahí a Barsh y a mí. Y bueno, disfrútenla. Fue para ustedes. The angel is back because of you. O sea, el Ángel volvió por ustedes”, expresó.

El reparto incluye además a Francisco Angelini como Juan Antonio, un personaje del que todavía no se conocen muchos detalles, aunque su presencia apunta a ser importante dentro de la red de alianzas y enfrentamientos. También regresará Juan Pablo Campa como Dylan.

Entre los nombres incorporados a esta temporada se incluyen Marina Ruiz como Pamela, Harold Azuara como Montes, Alejandro Guerrero como el Capitán Bravo, Marco León como Máicol, Verónica Langer como Aurora y Pamela Almanza como Laura Peralta. Nombres como José María de Tavira, Roberto Sosa, Christian Vázquez, Iván Arana, Antonio Gaona y Ariana Ron Pedrique completan el reparto.

La quinta temporada ya está disponible de manera exclusiva en Netflix, plataforma en la que se pueden seguir todos los episodios de las temporadas en su totalidad.

Para promocionar la película “México 86”, que tuvo su lanzamiento el viernes 5 de junio a través de la plataforma Netflix, con vistas a la celebración del Mundial 2026, el actor mexicano, Diego Luna, y el histórico periodista nacional deportivo, José Ramón Fernández, participan en un sketch protagonizado por el comediante, Andrés Bustamante, tras revivir su persona mundialista “El Hooligan”.

Netflix sorprendió a los fans publicar un video con duración menor a 5 minutos en la que aparece José Ramón Fernández en el set de la película, retomando el ambiente de las coberturas deportivas de los años 80, cuando empezaba a ser uno de los icónicos personajes de la cadena Imevisión, hoy en día TV Azteca.

El segmento recrea el foro original del programa “DeporTV”, con José Ramón Fernández entrevistando a Diego Luna sobre la importancia histórica de la cinta “México 86″. Mientras la plática fluye de forma divertida, en un momento sorpresivo “El Hooligan” irrumpe la charla, causando alboroto y destrozos afuera del foro y en la respectiva escenografía.

Durante la escena, “El Hooligan” reclama no haber sido considerado en los créditos del filme, por lo que amarró Diego Luna y José Ramón Fernández con una cinta, ocasionando las risas de los presentes y los puntos aprobatorios de la gente que vio el clip en las redes sociales de Netflix.

¿Quién es el ‘Hooligan’?

“El Hooligan” es un personaje humorístico creado e interpretado por Andrés Bustamante, comediante mexicano de 67 años. Apareció por primera vez en la televisión mexicana durante la década de los 80, en programas de deportes para darle un toque cómico, especialmente en coberturas de Mundiales y Juegos Olímpicos.

El personaje parodia a los fanáticos radicales del futbol inglés, conocidos como hooligans y se caracteriza por su corpulenta apariencia física e intento de acento británico, una vestimenta estrafalaria y comportamiento caótico. Suele aparecer por sorpresa en los sets de televisión para causar desorden y realizar bromas físicas sobre conductores y reporteros, manteniendo siempre un tono satírico y absurdo.

“El Hooligan” se convirtió en uno de los personajes más emblemáticos de Andrés Bustamante en virtud de sus apariciones en coberturas deportivas en compañía de José Ramón Fernández. Su estilo irreverente y disruptivo se asocia con la crítica y el humor en la televisión mexicana deportiva..

Hooligan y Joserra, una dupla histórica en los programas de deportes

La mancuerna entre “El Hooligan” y José Ramón Fernández será una de las más recordadas en la televisión deportiva en México. El personaje actuado por Andrés Bustamante interrumpía de forma inesperada en los programas conducidos por Joserra, especialmente en las coberturas de Copas del Mundo y Juegos Olímpicos en la década de los 80 y 90.

José Ramón Fernández se convirtió en la principal “víctima” de “El Hooligan”, por sus bromas físicas y los comentarios satíricos del personaje, lo que generaba momentos memorables y cómicos para la audiencia nacional.

La interacción entre ambos alcanzó estatus de culto entre los televidentes, porque lograba combinar información deportiva con humor, crítica y parodia en vivo. Esta dinámica consolidó a Andrés Bustamante y José Ramón Fernández, quienes trabajarían juntos por última vez en el Mundial 2026, ya que el periodista ha dicho que su retiro en el medio deportivo está cerca de suceder.

¿Quién interpreta a José Ramón Fernández en México 86?

En la producción de “México 86″, destaca la participación de José Ramón Fernández y su hijo, Juan Pablo Fernández, asume el papel de su padre por ser una de las figuras centrales del periodismo deportivo en México durante la época del Mundial de 1986.

¿De qué trata México 86?

La película “México 86” es una historia que gira en torno a la organización de la Copa Mundial de Futbol de 1986, desde el punto de vista de Martín de la Torre (interpretado por Diego Luna), un funcionario ficticio de la Federación Mexicana de Futbol (Femexfut).

El personaje centraliza las gestiones, presiones y maniobras necesarias para que México lograra organizar el campeonato del mundo, luego de la renuncia de Colombia por problemas internos. La trama aborda los desafíos políticos, logísticos y personales que enfrenta el protagonista, así como las tensiones y controversias que rodearon la elección de México como anfitrión del magno evento.

La producción, protagonizada por la cantante y actriz junto a Brett Goldstein, ha generado atención tanto por algunas de sus escenas más comentadas en redes sociales como por las reacciones que ha recibido por parte de la crítica especializada.

Uno de los momentos que más repercusión ha tenido corresponde a una secuencia ambientada en una playa, en la que Lopez aparece interactuando con el personaje interpretado por Goldstein.

En la escena, la actriz casi sufre un percance con su vestuario tras jugar con las tiras de la parte inferior de su bikini, antes de sentarse en la arena.

“¡Dios mío, tengo muchísima arena en el trasero! Si me dieras la vuelta, podrías saber la hora", bromea mientras se sacude.

El fragmento fue compartido por las cuentas oficiales de Netflix y acumuló cerca de 13 millones de reproducciones en una semana, convirtiéndose en uno de los contenidos promocionales más vistos de la plataforma durante ese periodo.

La película presenta a Jennifer Lopez en el papel de Jackie Cruz, directora ejecutiva de Cruz Airlines e hija del fundador de la compañía. El personaje del fundador es interpretado por Edward James Olmos, quien anteriormente compartió pantalla con la artista en la película Selena.

Por su parte, Brett Goldstein interpreta a Daniel Blanchflower, un abogado contratado para asistir a Jackie en la preparación de una declaración legal relacionada con la empresa.

A medida que ambos trabajan juntos para afrontar distintos desafíos corporativos, surge una relación sentimental que se desarrolla en paralelo a las responsabilidades profesionales de los personajes.

Además de protagonizar la película, Goldstein participó en la escritura del guion y figura entre los productores del proyecto junto a Jennifer Lopez.

A diferencia de algunas producciones cinematográficas de alto perfil distribuidas por Netflix, Office Romance no tuvo estreno en salas de cine y fue lanzada directamente en el servicio de streaming.

La recepción crítica del filme ha mostrado posiciones diversas. Algunos analistas han cuestionado aspectos relacionados con el tono de la historia, la construcción de los personajes y el desarrollo de la trama, mientras que otros han destacado elementos técnicos y el desempeño de parte del elenco.

Desde The New York Post, Johnny Oleksinski calificó la producción con una puntuación de una estrella y media sobre cuatro y destacó la presencia de elementos narrativos asociados a las comedias románticas de décadas anteriores.

Pete Hammond escribió que Jennifer Lopez “actualmente es la reina del decadente género de la comedia romántica“, pero criticó Office Romance por estar impregnada de “una obscenidad escandalosa para mayores de 18 años, en lugar de la dulzura presente en otras comedias románticas de Lopez”.

Incluso, señaló a la pareja principal de no tener la química necesaria para llevar a cabo la comedia romántica, y se quejó de la previsibilidad de la trama, que “no es nada que no hayamos visto muchas veces”.

Sin embargo, otras voces ofrecieron valoraciones distintas. Stephanie Zacharek, de Time, destacó la presencia de Brett Goldstein en pantalla y consideró que su actuación contribuye al desarrollo de la dinámica entre los personajes principales.

Mientras las opiniones críticas continúan acumulándose, Office Romance mantiene una posición destacada dentro del catálogo de Netflix.

La noticia de la retirada de Clint Eastwood del mundo del cine ha sacudido con fuerza el mundo del cine. El actor y director, que pese a contar con 96 años seguía demostrando su capacidad para hacer películas del nivel de Jurado Nº 2, es uno de los rostros más icónicos de Hollywood tras una carrera en la que pasó de protagonizar los spaghetti western que revolucionaron el séptimo arte en Europa a convertirse en un director de culto con películas como Sin perdón (1992), Mystic River (2003), Million Dollar Baby (2004) o Gran Torino (2008).

Ahora bien, aunque esta película no pasará a la historia como sus títulos mayores, la trayectoria de este cineasta no se entendería sin Deuda de sangre, un sólido y más que entretenido thriller policial en el que Eastwood da vida a un agente retirado del FBI que debe atrapar a un asesino en serie.

Recién llegado a Netflix, este título destaca por un aspecto fundamental: fue la primera vez en la que vimos a la estrella de Hollywood alejarse de la figura del héroe infalible. En vez de eso, los espectadores se encontraron con una interpretación que explora la fragilidad y las limitaciones físicas, construyendo un personaje mucho más humano de lo habitual, pero que sería la clave de todas sus películas posteriores.

Un personaje distinto marcado por el paso del tiempo en el clásico ‘tipo duro’

Deuda de sangre, estrenada en 2002 y con una duración de 1 hora y 50 minutos, adapta la novela de Michael Connelly y presenta a Terry McCaleb, un exagente del FBI que, tras sobrevivir a un infarto y recibir un trasplante de corazón, se enfrenta a un dilema personal y profesional: resolver el asesinato de la mujer que, sin saberlo, le salvó la vida.

Sin embargo, el proceso de adaptación llevado adelante por Eastwood introdujo un cambio clave respecto a la novela original de Connelly: en el libro, el protagonista tiene 42 años, pero el cineasta exigió elevar la edad del personaje para que coincidiera con la suya, entonces 72 años. Así, el personaje deja de ser un héroe rejuvenecido por artificios de guion y se convierte en un hombre marcado por el paso del tiempo, que debe enfrentarse a sus propias limitaciones.

Aunque Deuda de sangre no logró el éxito comercial esperado (recaudó menos de 32 millones de dólares frente a un presupuesto de 50), el paso del tiempo y su desembarco en el catálogo digital la han convertido en una opción realmente interesante para quienes desean descubrir un enfoque distinto del célebre director y actor. “Es uno de los mejores personajes de Eastwood porque, en cierto modo, no es un personaje nuevo, sino simplemente el mismo tipo en una etapa posterior de su vida”, señalaba el célebre crítico estadounidense Rogert Ebert.

El resto del equipo de ‘Deuda de sangre’

El elenco de Deuda de sangre reunió nombres destacados como Jeff Daniels, Anjelica Huston y Wanda De Jesús, quienes acompañaron a Eastwood en un relato que combina investigación policial, tensión psicológica y el peso de las segundas oportunidades. El guion mantiene la esencia de los elementos clásicos del autor, pero la dirección aporta un tono crepuscular y reflexivo que distingue a la película dentro del género.

Y es que la producción de la película marcó el inicio de la colaboración entre Eastwood y el guionista Brian Helgeland, la cual conduciría a la adaptación de su siguiente proyecto, Mystic River. Este título consagraría al actor como uno de los grandes cineastas de nuestro tiempo, pero no llegaría solo: le seguirían Million Dollar Baby, Cartas desde Iwo Jima, Banderas de nuestros padres, Gran Torino, El intercambio e Invictus. Títulos realmente aplaudidos por la crítica que conformarían la ulterior etapa dorada de una de las grandes leyendas de Hollywood.

De este modo, aunque Deuda de sangre rara vez aparece en las listas de las obras más celebradas de Eastwood, su valor simbólico y narrativo es innegable. La película representa el momento en que el cineasta se despide del mito del héroe invulnerable y comienza a explorar los matices de la fragilidad, el remordimiento y la redención.

Cuando se estrenó esta película en 1995, nadie esperaba que se fuera a convertir en un éxito de taquilla y un filme de culto de manera inmediata. Las historias de psicópatas siempre habían calado hondo dentro de la sociedad, pero hubo un antes y un después tras el estreno de El silencio de los corderos.

El director era un reconocido realizador de videoclips al más alto nivel, de Madonna a Michel Jackson y debutó en el cine con la tercera parte de Alien, un inicio en la industria del cine tan ambicioso como controvertido al hacerse cargo de la franquicia auspiciada por James Cameron.

Su segundo trabajo fue Seven, película que Netflix retirará de su catálogo a partir del día 14 de junio, una fecha que deja en cuenta atrás la disponibilidad de uno de los thrillers más influyentes del cine moderno y de la película con la que David Fincher consolidó un modelo visual y narrativo que después imitaron numerosas producciones.

Un éxito de taquilla para una película malsana

El filme recaudó 327 millones frente a un presupuesto de 33 millones y, pese a ese rendimiento comercial, solo obtuvo una nominación al Óscar, en mejor montaje. En cualquier caso, es una película que forma ya parte de la historia del cine moderno.

Seven es, en la actualidad, una referencia dentro del cine de suspense y su impacto va más allá de su éxito inicial: el thriller protagonizado por Brad Pitt y Morgan Freeman marcó la carrera de Fincher y fijó una pauta para el subgénero de asesinos en serie que, años después, siguió proyectándose en montones de títulos.

Uno de los elementos que explica la permanencia de la película en el imaginario popular es su desenlace, que podríamos considerar uno de los más impactantes de la historia del cine reciente.

La propuesta narrativa se articula en torno a una ciudad sin identificar presentada como una sociedad enferma. En esa atmósfera, reforzada por la fotografía de Darius Khondji, emerge un asesino que selecciona a sus víctimas según los siete pecados capitales.

El guionista Andrew Kevin Walker, tuvo la capacidad de construir una investigación absorbente sin caer en una simple acumulación de lugares comunes. Esa base ya habría bastado para sostener una gran película, aunque el resultado final se explica por una suma de aciertos más amplia.

Un reparto de lujo

En el reparto, Seven fue uno de los primeros papeles con los que Brad Pitt empezó a desprenderse de la imagen de actor valorado solo por su apariencia. Fue ese momento de su trayectoria en el que, en el mismo año, también destacó en 12 Monos, trabajo por el que fue nominado al Óscar.

La interpretación de Pitt como David Mills funciona tanto por sí sola como en contraste con el William Somerset de Morgan Freeman. La película convierte esa pareja policial en una combinación singular entre el impulso y la juventud de uno y la veteranía y el desgaste del otro. El resto, así como la aparición de Gwyneth Paltrow y de Kevin Spacey forman ya parte de la iconografía del cine reciente.

De acuerdo con The Hollywood Reporter, la nueva entrega contará con ocho episodios de aproximadamente 45 minutos cada uno. Sy repite en el papel de Assane Diop, el ladrón de guante blanco que modela su vida sobre las aventuras del mítico personaje literario Arsène Lupin. Le acompañan Ludivine Sagnier como Claire Laurent, la exesposa de Assane y madre de su hijo; Antoine Gouy como Benjamin Férel; Soufiane Guerrab como el inspector Youssef Guédira; Shirine Boutella como Sofia Belkacem; y los actores Théo Christine y Laïka Blanc-Francard. La dirección corre a cargo de Édouard Salier, con guion de Mathilde Arnaud, Jean-Yves Arnaud, Tigran Rosine y Florent Meyer. La producción está a cargo de Gaumont en colaboración con Carrousel Studios, la productora que Sy fundó junto al director Louis Leterrier y el productor Thomas Benski.

El actor detrás de Assane Diop

Omar Sy nació el 20 de enero de 1978 en Trappes, una localidad en las afueras de París, hijo de padre senegalés y madre mauritana. Comenzó su carrera artística en la radio, donde conoció al comediante Fred Testot, con quien formó un dúo que se hizo popular en el canal Canal+ a través del programa Service après-vente des émissions entre 2005 y 2012. Su salto al cine internacional llegó con Intouchables (2011), comedia dramática que superó los 19 millones de espectadores en Francia y recaudó más de 426 millones de dólares a nivel mundial. Por ese papel, Sy obtuvo el César al Mejor Actor en 2012, convirtiéndose en el primer actor negro en recibir ese galardón.

La proyección internacional de Sy se consolidó con apariciones en producciones de Hollywood: el mutante Bishop en X-Men: Days of Future Past (2014), el guardabosques Barry en Jurassic World (2015) y un papel secundario en Inferno (2016), la adaptación de la novela de Dan Brown protagonizada por Tom Hanks. En 2022 protagonizó Father & Soldier, drama bélico franco-senegalés que se presentó en la sección Un Certain Regard del Festival de Cannes. Con Lupin, Sy asumió además responsabilidades creativas como productor artístico y co-showrunner junto a Leterrier.

Una serie que reescribió el mapa del streaming europeo

Creada por George Kay y François Uzan, Lupin se estrenó el 8 de enero de 2021 con cinco episodios. En su primer mes acumuló 76 millones de hogares espectadores, una cifra que la convirtió en la serie no anglófona más vista en la historia de Netflix hasta ese momento. Las partes 1, 2 y 3 ocuparon los puestos tercero, sexto y décimo en el ranking histórico de series de la plataforma.

La segunda parte, también de cinco episodios, se publicó el 11 de junio de 2021. La tercera entrega tardó más en llegar: se estrenó el 5 de octubre de 2023, con un retraso parcialmente atribuido a un robo ocurrido en el propio set de rodaje en febrero de 2022. La serie recibió una nominación a los Globos de Oro en 2022 y fue la primera producción francesa en alcanzar el Top 10 de Netflix en Estados Unidos.

El personaje que inspiró todo: Arsène Lupin y Maurice Leblanc

El referente literario de la serie es un clásico de la narrativa francesa de principios del siglo XX. Arsène Lupin es un ladrón de guante blanco y maestro del disfraz creado en 1905 por el escritor Maurice Leblanc (Ruán, 11 de diciembre de 1864 – Perpiñán, 6 de noviembre de 1941) por encargo de la revista Je sais tout. El primer relato, “La detención de Arsène Lupin”, se publicó el 15 de julio de 1905 y fue un éxito inmediato.

Leblanc concibió el personaje como respuesta francesa al furor que Sherlock Holmes generaba en toda Europa. El propio editor, Pierre Lafitte, le pidió un protagonista al estilo del detective de Arthur Conan Doyle, y el escritor entregó un personaje con características propias: ladrón, escapista, maestro del disfraz y, en ocasiones, detective. Leblanc llegó a incluir al propio Holmes en uno de sus relatos, aunque la presión legal de los representantes de Conan Doyle lo obligó a rebautizarlo como “Herlock Sholmès” en publicaciones posteriores.

Lupin protagonizó 17 novelas y 39 novellas de Leblanc, reunidas en 24 volúmenes. El primero, Arsène Lupin, caballero ladrón (Arsène Lupin, gentleman-cambrioleur), se publicó el 10 de junio de 1907. El éxito fue tan rotundo que Leblanc dedicó prácticamente el resto de su carrera al personaje, pese a que en varias ocasiones intentó crear otros protagonistas. El personaje inspiró obras de teatro, adaptaciones cinematográficas y series de televisión a lo largo de más de un siglo, y fue condecorado con la Legión de Honor francesa.

La serie de Netflix toma de Leblanc la figura del ladrón elegante y la traslada al París contemporáneo: Assane Diop no es Arsène Lupin, sino un hombre que creció leyendo sus aventuras y adoptó su filosofía para vengar la muerte de su padre. La cuarta temporada, con producción iniciada en París en diciembre de 2025, llevará el total de episodios de la saga a 25.

En solo un año, “Las Guerreras K-Pop” y los Saja Boys han pasado de ser personajes de animación a transformarse en íconos globales de la cultura digital, marcando un antes y un después en la forma en que el entretenimiento se consume, viraliza y expande en la era del streaming.

Su impacto va mucho más allá del éxito en taquilla: han redefinido la relación entre cine, música, redes sociales y videojuegos, mostrando cómo una franquicia puede convertirse en un fenómeno transmedia con récords y premios en múltiples plataformas.

Este fenómeno importa porque demuestra el poder de la narrativa digital para crear comunidades, generar desafíos virales y trascender fronteras. En un contexto donde la atención es fugaz y la competencia feroz, el caso de “Las Guerreras K-Pop” y los Saja Boys evidencia cómo el contenido pensado para la viralidad y la interacción puede romper esquemas, consolidarse entre las tendencias globales y dejar una huella en la cultura popular contemporánea.

Récords en streaming y música: Netflix, Grammy y Billboard

Lanzada a finales de 2025, “Las Guerreras K-Pop” se convirtió rápidamente en la producción más vista de la historia de Netflix, manteniéndose en el Top 10 global durante más de nueve meses y superando a éxitos de acción real y animación.

El grupo ficticio HUNTR/X, protagonista de la película, logró que su canción “Golden” fuera la primera pieza de K-pop proveniente de una película en ganar un Grammy y alcanzar el número 1 en el Billboard Hot 100. En Spotify, la banda sonora batió récords con miles de millones de reproducciones, consolidándose como parte del día a día de millones de usuarios.

Viralidad y comunidad: la estrategia detrás del éxito

El guion y la estética de la película fueron diseñados para potenciar la viralidad. Las coreografías, creadas por expertos del K-pop, se transformaron en retos de baile que dominaron TikTok durante meses. La visualidad colorida y los personajes carismáticos inspiraron millones de “edits” y memes en Instagram, convirtiendo a los fans en creadores y multiplicadores del fenómeno.

Esta estrategia de fragmentación y participación comunitaria fue clave para mantener la presencia constante de la película en la conversación digital.

Quiénes son los Saja Boys

Los Saja Boys, la boy band rival y antagonista secundaria de la película, aportan una dimensión extra al fenómeno. Bajo el liderazgo de Jinu, el grupo de cinco integrantes es en realidad una banda de demonios creada para debilitar la barrera protectora del mundo humano.

Su presencia no solo potencia el conflicto narrativo, también enriqueció el fan service y generó sus propias tendencias virales, con seguidores que replican sus canciones, estilos y desafíos online.

Reconocimiento en la industria: del Oscar a los videojuegos

El impacto cultural de “Las Guerreras K-Pop” fue ratificado en marzo de 2026, cuando la película ganó el Oscar a Mejor Película de Animación y Mejor Canción Original, atrayendo a nuevas audiencias fuera del nicho habitual de la animación y el K-pop.

La franquicia no se detuvo en el cine: ya prepara videojuegos para PC, colaboraciones con títulos como Free Fire y productos digitales que amplían el universo narrativo y refuerzan la conexión con las comunidades gamers y de streaming.

Trama y mensaje: música, identidad y empoderamiento

La historia sigue a Rumi, Mira y Zoey, integrantes de HUNTR/X, quienes alternan su vida de estrellas del pop coreano con su misión como cazadoras de demonios. La música de HUNTR/X actúa como escudo energético frente al mal, mientras la aparición de los Saja Boys, demonios disfrazados de ídolos, plantea un conflicto que trasciende lo musical.

El arco de Rumi, enfrentando una crisis de identidad y lealtad, añade profundidad emocional y conecta con el público joven en temas de pertenencia y autoafirmación.

El éxito de “Las Guerreras K-Pop” y los Saja Boys es resultado de una estrategia digital que combina narrativa transmedia, música, juegos y comunidad. Más allá de la animación, el fenómeno ilustra cómo el streaming y las redes pueden convertir una historia en un movimiento global, generando nuevos modelos de consumo, interacción y creación de tendencias en la era digital.

El estreno de México 86 despierta una nueva ola de interés por uno de los capítulos más relevantes en la historia del futbol mexicano e internacional.

Aunque la película protagonizada por Diego Luna mezcla hechos reales con elementos de ficción, uno de los personajes que más curiosidad genera entre los espectadores es Rafael del Castillo, exdirigente de la Federación Mexicana de Futbol (FMF), cuya trayectoria inspira la creación del personaje ficticio Martín de la Torre.

Disponible en Netflix tras su paso por circuitos alternativos y la Cineteca Nacional, la cinta dirigida por Gabriel Ripstein explora las negociaciones, intrigas políticas y disputas de poder que rodearon la organización de la Copa Mundial de 1986.

El hombre detrás del personaje de Diego Luna

En la película, Diego Luna interpreta a Martín de la Torre, supuesto presidente de la FMF. Sin embargo, el propio actor ha aclarado que se trata de un personaje inventado que reúne características de varios dirigentes que participaron en la obtención de la sede mundialista.

“Las grandes instituciones del futbol se nombran lo que es ficticio es mi personaje”, explicó Luna en el podcast Hablando de cine.

Entre las figuras reales que sirvieron como referencia destaca Rafael del Castillo, quien presidió la Federación Mexicana de Futbol entre 1980 y 1988. Su nombre aparece de forma recurrente en El 86: El año en que México cambió al mundo, libro del periodista Francisco Javier González que funcionó como una de las principales bases documentales para el guion.

Del Castillo falleció el 3 de marzo de 2026, semanas después de ser incorporado al Salón de los Presidentes de la FMF.

El directivo que ayudó a traer el Mundial a México

La historia coloca a Rafael del Castillo en un momento decisivo para el futbol internacional. En noviembre de 1982, Colombia renunció oficialmente a organizar la Copa del Mundo debido a problemas económicos y de infraestructura. La decisión obligó a la FIFA a buscar una sede alterna en tiempo récord.

México presentó entonces su candidatura para albergar nuevamente el torneo, apenas 16 años después del Mundial de 1970.

La película retrata las intensas negociaciones que rodearon el proceso. Aunque algunos episodios están dramatizados, varios acontecimientos sí ocurrieron. Uno de los más recordados fue la votación celebrada en Estocolmo el 20 de mayo de 1983, donde México obtuvo la sede por unanimidad frente a otras candidaturas como Estados Unidos y Canadá.

Según diversas crónicas de la época, Del Castillo desempeñó un papel clave en la presentación del proyecto mexicano ante el comité ejecutivo de la FIFA al intercambiar los nombres de los asientos del comité ejecutivo justo antes de la votación final.

Entre la realidad y la ficción

México 86 también incorpora referencias a personajes históricos como Guillermo Cañedo de la Bárcena, vicepresidente de la FIFA y figura fundamental dentro de Televisa, así como al empresario Emilio Azcárraga Milmo.

No obstante, la producción deja claro desde sus primeros minutos que no pretende ser un documental. La propia película advierte que algunos acontecimientos ocurrieron realmente y otros fueron adaptados para fines narrativos.

Sobre las licencias creativas, Diego Luna sostuvo: “No es un documental. La película empieza diciendo que algunas de estas cosas son ciertas”.

La cinta incluso recrea episodios polémicos que siguen siendo objeto de debate entre historiadores deportivos, incluyendo maniobras políticas alrededor de la candidatura mexicana y situaciones que involucraron a figuras emblemáticas del futbol nacional.

El ocaso de Rafael del Castillo

La etapa más complicada de Del Castillo llegó en 1988 con el llamado escándalo de los “Cachirules”.

La FMF fue acusada de registrar jugadores mayores de la edad permitida en un torneo juvenil de Concacaf. Tras una investigación, la FIFA impuso una sanción histórica que dejó fuera a todas las selecciones mexicanas de competencias internacionales durante dos años.

La medida provocó que México perdiera su participación en los Juegos Olímpicos de Seúl 1988 y en el Mundial de Italia 1990.

Aunque la película utiliza este episodio para cerrar el arco dramático de Martín de la Torre, la historia real fue más compleja. Rafael del Castillo continuó ligado al entorno futbolístico y permaneció como una figura recurrente en el análisis de una de las épocas más determinantes para el balompié mexicano.

Décadas después, su nombre vuelve a ocupar titulares gracias a una película que rescata la historia de quienes trabajaron fuera de la cancha para hacer posible uno de los Mundiales más recordados de todos los tiempos.

La franquicia Cazafantasmas, uno de los grandes símbolos de la cultura popular de los años ochenta, se prepara para un regreso que busca atraer tanto a los seguidores nostálgicos como a las nuevas generaciones. Sony Pictures y Netflix han anunciado el estreno de la serie animada Ghostbusters: Night Shift para 2027, confirmando la participación de figuras clave de la saga como Gil Kenan y Jason Reitman en la producción ejecutiva. Esta noticia se reveló durante el evento conmemorativo del Día de los Cazafantasmas en Nueva York, donde también se mostró el primer logo oficial del proyecto.

Participación de Sony Animation y Netflix en la serie

Sony Animation, conocida por éxitos recientes como Las guerreras K-pop y Spider-Man: Un nuevo universo, estará a cargo del desarrollo técnico y creativo de Ghostbusters: Night Shift. La serie será distribuida en exclusiva por Netflix, lo que asegura un alcance inmediato a nivel mundial y refuerza la posición del servicio de streaming como un espacio de referencia para relanzamientos animados de franquicias emblemáticas.

Este proyecto surge tras el éxito en taquilla de Cazafantasmas: Imperio Helado en 2024 y luego de años de rumores sobre el regreso del universo Cazafantasmas a la televisión. Aunque aún no se cuenta con un tráiler que ofrezca adelantos visuales, la presentación del logo y el anuncio oficial han generado una gran expectativa en redes sociales y entre las comunidades de seguidores. La colaboración entre Sony Animation y Netflix representa además una apuesta estratégica de ambas compañías para consolidar su liderazgo en un mercado saturado de contenidos animados que apelan a la nostalgia, pero que exige innovación tanto en lo visual como en lo narrativo.

Equilibrio entre continuidad y renovación en la franquicia

Ghostbusters: Night Shift cuenta con productores ejecutivos de gran relevancia. Gil Kenan y Jason Reitman, quienes escribieron los guiones de Ghostbusters: El legado y Cazafantasmas: Apocalipsis fantasma, tienen un profundo conocimiento de la saga. Jason Reitman es, además, hijo de Ivan Reitman, director de las películas originales, lo que aporta una continuidad tanto familiar como creativa al proyecto. La implicación de ambos en la supervisión de la nueva producción ha sido vista por los admiradores como una garantía de respeto por la tradición, así como una apertura a la renovación del formato.

Respecto al argumento y el elenco de Ghostbusters: Night Shift, las fuentes oficiales no han divulgado información concreta. Circulan numerosas especulaciones sobre la posible aparición de personajes clásicos como el equipo original liderado por Bill Murray, o de figuras más recientes como Phoebe, interpretada por Mckenna Grace en las últimas películas. También se considera la opción de que la serie introduzca a un nuevo grupo de personajes, similar a lo que se vio en el videojuego Ghostbusters: Spirits Unleashed de 2022.

El legado animado de Cazafantasmas

No es la primera incursión de los Cazafantasmas en la animación televisiva. La saga se adaptó a este formato poco después del éxito cinematográfico con Los auténticos cazafantasmas, una producción de DIC Entertainment que entre 1986 y 1991 contó con siete temporadas y 140 episodios, ampliando el universo a través de las aventuras de Peter, Egon, Ray y Winston. Más adelante, en 1997, se lanzó Cazafantasmas: La nueva generación, una secuela breve que abarcó 40 capítulos y no logró el mismo nivel de aceptación entre la audiencia ni los críticos.

Ghostbusters: Night Shift aspira a reactivar esa faceta animada de la saga, recurriendo a la nostalgia pero también incorporando recursos visuales y narrativos adecuados a las expectativas de una audiencia más joven y familiarizada con la animación actual. Sony Animation y Netflix han demostrado en proyectos recientes la capacidad de combinar elementos clásicos con técnicas avanzadas, lo que anticipa una serie ambiciosa tanto en aspecto técnico como en guion.

Perspectivas y posibles repercusiones en la audiencia

El regreso animado de los Cazafantasmas genera gran interés entre quienes disfrutaron de las películas originales y las generaciones que crecieron con la televisión de los años ochenta y noventa. El anuncio de Ghostbusters: Night Shift no solo apela a la memoria de adultos que compartieron la franquicia con familia y amigos, sino que también puede captar la atención de niños y adolescentes, gracias al reconocimiento de la saga en plataformas digitales.

La decisión de estrenar la serie en Netflix en 2027 se produce en un contexto de competencia intensa entre servicios de streaming que buscan revitalizar y actualizar propiedades intelectuales reconocidas. Esta estrategia podría provocar un fenómeno de consumo familiar, como ha ocurrido con otros relanzamientos animados, y brindar la oportunidad de que padres e hijos encuentren intereses compartidos.

A pesar de la falta de información sobre la estructura narrativa o el reparto confirmado, la expectación crece debido al peso de los nombres asociados a la producción y a la trayectoria cultural de los Cazafantasmas. Persisten algunas incógnitas en la comunidad de admiradores: ¿quiénes formarán el nuevo equipo? ¿Se mantendrá el tono humorístico y el enfoque ligero de entregas anteriores o se explorarán aspectos más oscuros de lo paranormal? Por el momento, Sony y Netflix mantienen los detalles en reserva, incrementando la anticipación del público.

La producción se realizó en Atlanta, Georgia, y Netflix programó su estreno mundial para 2027.

El elenco anunciado incluyó a Mckenna Grace como Daphne Blake, Tanner Hagen como Shaggy Rogers, Abby Ryder Fortson como Velma Dinkley, Maxwell Jenkins como Fred Jones y Paul Walter Hauser.

El planteamiento narrativo se enfoca en una readaptación moderna del grupo de amigos que resolvió misterios junto con “un perro muy especial”. La historia ubica el detonante durante su último verano en el campamento, cuando los adolescentes Shaggy y Daphne se vieron envueltos en un crimen sobrenatural que un cachorro perdido de raza gran danés pudo haber presenciado.

El equipo se completó con “una pragmática científica de pueblo, Vilma”, y “el apuesto chico nuevo, Fred”, quienes buscarán resolver un enigma que amenaza con revelar secretos del grupo.

Netflix informó que Josh Appelbaum y Scott Rosenberg figuran como showrunners, guionistas y productores ejecutivos por Midnight Radio.

La producción ejecutiva también incluye a Greg Berlanti, Sarah Schechter y Leigh London Redman por Berlanti Productions “y su acuerdo general con Warner Bros. Television”, además de André Nemec, Jeff Pinkner y Adrienne Erickson por Midnight Radio.

En un reciente comunicado, Berlanti recordó su vínculo con los creadores originales de Scooby Doo: “Uno de mis primeros y trabajos favoritos en Hollywood fue sentarme con Bill Hanna y Joe Barbera mientras firmaban celdas de animación”. Sobre la serie, añadió que el equipo creativo logró construir una historia que recoge “su espíritu y su genial creación”.

Durante más de 50 años, Scooby-Doo acumuló tres películas para cine, más de una docena de series animadas y casi 40 películas animadas para el mercado doméstico.

En su adaptación cinematográfica destacó la participación de Matthew Lillard en el papel de Shaggy, siendo hasta el día de hoy una de sus interpretaciones más queridas. Recientemente, el actor compartió su emoción por esta adaptación que busca mantener vigente esta franquicia que lleva medio siglo de vida.

“Estoy realmente feliz por ellos. Creo que la serie necesita volver”, dijo a Entertainment Weekly. “Es la primera introducción a las historias de fantasmas para muchos niños, ¿verdad? Trata sobre la amistad y mantenerse unidos como grupo”, expresó. “Espero que mantengan lo que ha funcionado y le den su propio giro. Pero la realidad es que soy bastante purista con esa franquicia. El núcleo es realmente la amistad”.

Scooby-Doo llega a Japón

La nueva adaptación de Netflix de Scooby-Doo no es el único proyecto que involucra al icónico gran danés y su pandilla. La plataforma Tubi anunció el desarrollo de Yokoso Scooby-Doo!, una producción realizada por Warner Bros. Animation que marcará la primera incursión oficial de la franquicia en el formato anime.

La serie será transmitida por Tubi en Estados Unidos, mientras que Cartoon Network se encargará de su emisión internacional. El título incorpora la palabra japonesa “Yokoso”, que significa “bienvenido”.

La producción contará con servicios de animación de OLM Studios, estudio japonés reconocido por participar en distintos proyectos de anime. La dirección estará a cargo de Itsuro Kawasaki, mientras que Francisco Paredes trabajará como coproductor.

Según la sinopsis oficial, la historia seguirá a Shaggy y Scooby durante un viaje a Japón descrito como “la aventura gastronómica definitiva”. Los personajes contarán nuevamente con las voces de Frank Welker y Matthew Lillard, quienes han participado previamente en distintas versiones de la franquicia.

Netflix ha confirmado el desarrollo de la tercera y última temporada de Devil May Cry, la serie animada basada en la reconocida franquicia de videojuegos. Adi Shankar, showrunner y creador de la serie, aprovechó el anuncio no solo para detallar el cierre de la trama, sino también para responder de manera directa a quienes han cuestionado su interpretación de la historia original.

La cancelación no obedece al rendimiento de la serie, sino a un plan narrativo establecido desde el principio: una adaptación en tres actos inspirada en la estructura de la Divina Comedia, con Dante como protagonista.

Éxito constante frente a la controversia

Desde su estreno, Devil May Cry se posicionó como uno de los títulos más vistos de Netflix, permaneciendo varias semanas en el Top 10 de más de 40 países. Sin embargo, la serie no estuvo exenta de críticas; una parte considerable de los seguidores de los videojuegos manifestó desde el principio su escepticismo respecto a la dirección creativa. Las mayores críticas se centraron en los cambios narrativos y de tono con respecto al material original. A pesar de ello, las dos primeras temporadas lograron atraer a un público nuevo y complacer a los espectadores menos apegados a la obra original, lo que permitió asegurar la conclusión planificada.

En redes sociales, Adi Shankar adoptó una postura firme frente a los detractores. “Soy un talento generacional... capaz de coger una saga de videojuegos querida y reconstruirla a mi manera”, escribió, añadiendo que el éxito de Devil May Cry hace que incluso el algoritmo de Netflix tenga que reconocer la popularidad de la serie. Shankar destacó el buen desempeño de su producción en comparación con otras adaptaciones de videojuegos, que suelen depender de grandes campañas de marketing para alcanzar una visibilidad similar.

Trilogía concebida: del Infierno al Paraíso

Shankar explicó que la intención original siempre fue construir la serie como una trilogía, un plan mantenido en secreto aunque insinuado a quienes prestaron atención a los títulos de los episodios. La primera temporada, titulada Infierno, abordó los orígenes complicados del protagonista Dante y su enfrentamiento con su hermano gemelo Vergil. La segunda, llamada Purgatorio, exploró las luchas redentoras entre los personajes y el peso de sus pasados. Finalmente, la tercera temporada llevará por título Paraíso, cerrando la trama y representando el desenlace espiritual y narrativo concebido por el equipo creativo.

El propio showrunner señaló: “Siempre fue la Divina Comedia de Dante, pero con pistolas y una gabardina roja”. Las tres entregas conforman la llamada Force Edge Saga, que según Shankar, nació como una trilogía de películas disimulada en formato de serie de televisión. Esta estructura planificada difiere de la percepción de parte de los seguidores, quienes creían que los creadores tomaban decisiones según la respuesta del público o la crítica.

Retos, repercusión y expectativas por la conclusión

La confirmación de la temporada final ha generado un nuevo debate entre los fanáticos. Algunos aceptan la decisión por considerar que se mantiene fiel al concepto original, mientras que otros insisten en que la serie podría haber expandido aún más su universo, especialmente tras el éxito sostenido en distintos mercados. Para el espectador general, esta noticia significa la pronta resolución de los principales conflictos, en particular la relación entre Dante y Vergil, cuyo desenlace se ha construido desde el inicio de la serie.

Ni Netflix ni Studio Mir, el equipo responsable de la animación, han dado a conocer una fecha concreta de estreno para la última temporada. Sin embargo, siguiendo la regularidad de los lanzamientos anteriores, se especula que Paraíso podría estrenarse en el otoño de 2027. Mientras tanto, la comunidad de seguidores sigue activa en redes sociales, interpretando las declaraciones de Shankar y buscando pistas en episodios previos sobre el desenlace de la saga. Las palabras del showrunner, quien asegura un final original, incrementan la expectación y mantienen vigente el debate en torno a las adaptaciones de videojuegos en el formato animado.

La chica del perdón ha escalado posiciones desde en el ranking de las películas más vistas en Netflix durante su semana de estreno, lo que generó una gran sorpresa. El dato posiciona al filme como un caso de estudio en el actual ecosistema de streaming, impulsado en parte por el volumen de consultas en redes sociales sobre el origen real de la historia, una característica que distinguió su comportamiento en los algoritmos de recomendación de la plataforma en los primeros días de exhibición.

El interés de la audiencia recayó en la naturaleza ficticia del relato, un elemento confirmado por la misma cobertura especializada: la película no responde a hechos verídicos ni biografías reconocidas, sino que propone un escenario construido para abordar la discapacidad, el acoso escolar y la inclusión social. Este matiz ha sido factor diferencial frente a otros estrenos recientes del catálogo, posicionando la producción entre los títulos más discutidos por públicos interesados en el cruce de drama familiar y narrativa religiosa.

Distintas plataformas han identificado que la conversación social en torno al filme se mueve en el eje de la reflexión sobre situaciones vividas por personas con discapacidad, así como la relevancia de la amistad y la fe como motors de transformación personal. El elenco encabezado por Scarlett Diamond, Mia Hansen, Ryann Bailey, Rosie Darling, Danny James, Melinda Yeaman, Walter Platz y John Fricke ha llevado en pantalla la perspectiva de Annie, la protagonista con parálisis cerebral que enfrenta discriminación escolar, situando en primer plano los desafíos estructurales dentro del entorno educativo.

La ficción de impacto como recurso de posicionamiento

La centralidad de La chica del perdón como obra completamente original atendió una demanda de contenidos que articulan problemáticas sociales sin depender de la factualidad biográfica, punto que subrayaron los medios sectoriales al descartar las especulaciones sobre una base real. El guion, concebido fuera de cualquier caso resonante, ha funcionado como disparador de análisis sobre las condiciones emocionales del acoso y la exclusión, así como sobre la función de la empatía y el perdón en procesos de superación.

La película posee la capacidad para vehiculizar valores como la esperanza y la compasión. De su mano se han incorporado componentes religiosos como un diferencial frente a otros dramas familiares actuales dentro del catálogo de Netflix. El resultado ha sido un ciclo de comentarios que refuerza la apuesta por el contenido enfocado en valores familiares y de transformación personal.

La chica del perdón responde así al interrogante de qué define su fenómeno: una trama original que, aunque ficticia, pone sobre la mesa debates de interés social inmediato en el contexto educativo y familiar, obteniendo una recepción cuantificable tanto en reproducciones como en menciones destacadas dentro del catálogo de la plataforma. La consecuencia directa es su inclusión acelerada en el top 10 de películas más vistas y su consolidación como referente para audiencias que buscan títulos con aspiración de impacto emocional y valor social.

Auge de las ficciones cristianas en Estados Unidos

En Estados Unidos, las ficciones de género cristiano han experimentado un notable crecimiento en los últimos años, tanto en producción como en audiencia. Diversas plataformas de streaming y cadenas tradicionales han incorporado títulos que exploran temáticas vinculadas a la fe, la redención y los valores familiares. Este fenómeno responde a la demanda de un público que busca contenidos alineados con sus creencias y principios, y que encuentra en estas producciones una alternativa frente a las narrativas convencionales del entretenimiento.

Alcance regional y lectura industrial del ranking

El caso de La chica del perdón expone la vigencia de la estrategia de Netflix en el mercado latinoamericano, que prioriza relatos capaces de activar segmentaciones familiares y conversaciones de tendencia. La película superó, durante su primera semana, a otros estrenos con mayor campaña previa, y se posicionó en los listados de popularidad regional, confirmando la relevancia comercial de historias ancladas en la superación, la inclusión y el componente espiritual.

Esta recepción no solo modifica el flujo de recomendaciones dentro de la plataforma, sino que sitúa la producción en una zona de alto retorno para Netflix: títulos capaces de construir conversación prolongada, activar búsquedas externas sobre su veracidad y sostenerse en el top de visualizaciones, independientemente de su origen ficcional o documental.

El desembarco del filme, lejos de limitarse a un dato de taquilla o audiencia puntual, ilustra el papel cada vez más influyente de las ficciones dramáticas con agenda social explícita para reafirmar el posicionamiento de Netflix ante nuevos segmentos y consolidar contenido original con potencial de conversación multirregional.

La desconocida es, en efecto, pertenece al segundo grupo, el de esos thrillers policiales hechos con escuadra y cartabón confeccionados para que ocupen un par de semanas el número uno de la plataforma y se olviden para siempre.

En esta ocasión, está basado en la novela de Rosa Montero y Olivier Truc que se publicó en 2023 y se convirtió en un éxito de ventas. Pero podría estar inspirado en cualquier otro libro, porque daría igual, el resultado no sería mejor.

Un trío solo ante el peligro

En la película, una detective de los Mossos en horas bajas tras un trauma familiar, Anna Ripoll (Candela Peña) se embarcará en una investigación que tiene que ver con el hallazgo de un mujer desconocida (Ana Rujas) que ha sido encontrada en un contenedor del puerto de Barcelona después de haber sido torturada durante días. La chica no recuerda quién es, pero los repetidos intentos por secuestrarla denotarán su importancia para una red criminal.

A Ripoll la acompañará en el caso Quique Zárate (Pol López), que tiene sus propios problemas después de ser investigado por asuntos internos.

En definitiva, los tres protagonistas iniciarán una huida, bastante chapucera, a través de la que se articulará una trama basada en los giros y el paulatino descubrimiento de los diferentes secretos (que tampoco son para tanto).

Falta de verosimilitud y pobreza narrativa

El director Gabe Ibáñez se esfuerza en la dirección a la hora de componer una intriga urbana y portuaria, aunque el tono de las actuaciones no siempre se encuentra a la altura de las circunstancias. En general, a excepción de Pol López, todas se encuentran lastradas por la falta de verosimilitud. Vaya, que no te crees en ningún momento nada de lo que está pasando.

Es algo que también procede de un guion realmente pobre, firmado por Lara Sendim (colaboradora habitual de Oriol Paulo), repleto de situaciones poco o nada creíbles, en las que la lógica del espectador se impone por encima de lo que está viendo: ¿por qué una testigo supuestamente importante solo está acompañada de dos agentes durante toda la película? Nunca lo sabremos.

La utilización de los flashbacks también resulta de lo más torpe y de un oportunismo ramplón: cuando viene bien, el personaje de Ana Rujas recuerda algo fundamental, qué casualidad.

La desconocida es un thriller sin garra, al que se le ven las costuras en todo momento, un quiero y no puedo de manual concebido sin riesgo, sin ganas y en el que ni siquiera Candela Peña, en su papel de inspectora destruida, está bien, aunque duela decirlo, porque es una actriz con la suficiente personalidad como para estar por encima de todo. En definitiva, otro producto más de la plataforma de usar y tirar para seguir ampliando un catálogo anodino repleto de encargos y en el que no hay un ápice de ambición artística.

El terror y la ciencia ficción son dos géneros que siempre se han llevado bien, sobre todo si de alienígenas se trata. Sagas como Alien o Predator, junto a títulos como La cosa o La guerra de los mundos, nos han mostrado cuán aterradora puede resultar la llegada de un ser de otro mundo. En esa misma línea, en los últimos años, una saga que empezó como un proyecto independiente sin un gran presupuesto ha recuperado este mismo espíritu para convertirse en un gran fenómeno de taquilla, hasta el punto de convertirse en una de las más exitosas del siglo.

Estamos hablando de Un lugar tranquilo, saga de títulos que empezó en 2018 con un título dirigido y protagonizado por John Krasinski (conocido sobre todo por su papel en The Office), que en el reparto también contó con una estelar Emily Blunt (El diablo viste de Prada 2). A pesar de contar con un presupuesto modesto, de tan solo 17 millones de euros, este título consiguió recaudar más de 340 gracias a una propuesta tan clásica como impactante: la supervivencia de una familia en un mundo lleno de alienígenas que cazan de seres humanos guiándose por el sonido.

A partir de esta premisa, que convierte el mundo en un lugar forzado al silencio con tal de poder sobrevivir, Krasinski creó un universo capaz de redefinir el subgénero de criaturas y el miedo al silencio. La historia de la familia continuaría con una segunda película en 2020 con una recaudación muy similar a la primera entrega, y se ampliaría con una precuela que cambiaría de protagonistas, mostrando los primeros momentos de la invasión en la ciudad de Nueva York: Un lugar tranquilo: Día 1, la cual podrá verse en Netflix hasta el próximo 9 de junio.

El futuro asegurado con el regreso de John Krasinsky tras el éxito del ‘spin-off’

En Un lugar tranquilo: Día 1, el espectador presencia el inicio de la invasión alienígena desde una perspectiva inédita. La película explora cómo la población de la ciudad enfrenta el caos absoluto, sin recurrir a explicaciones innecesarias sobre la amenaza extraterrestre. El resultado es una experiencia que conjuga el espectáculo visual con el drama humano, respetando la esencia de las entregas anteriores.

La película, dirigida por Michael Sarnoski (Pig), también se desmarca de los títulos previos de Krasinski a través de su tratamiento de la escala y el espacio. Mientras que las anteriores se centraban en la intimidad de una familia, esta precuela apuesta por mostrar la invasión en una gran ciudad. Esto se debió en buena medida a su presupuesto mayor que el de la saga original (67 millones de dólares), pero también a su idea de buscar la fusión total entre espectáculo y emoción, combinando secuencias de acción frenética con momentos de introspección, en los que los conflictos personales cobran protagonismo frente al peligro exterior.

Tras lograr más de 260 millones de recaudación, Un lugar tranquilo: Día 1 fue la confirmación que los estudios necesitaban para continuar con la saga. El futuro de la franquicia pasará por Un lugar tranquilo 3, cuyo estreno está programado para julio de 2027 y contará con John Krasinski de nuevo en la dirección para cerrar la trilogía principal. De este modo, el reparto volverá a contar con Emily Blunt y Cillian Murphy, además de nuevas incorporaciones como Jack O’Connell, en un esperado desenlace que pondrá a prueba la supervivencia en absoluto silencio.

Con el Mundial de Estados Unidos, México y Canadá cerca, miles de usuarios redescubrieron un truco para filtrar todo el contenido de fútbol disponible en Netflix sin navegar categoría por categoría.

El método consiste en ingresar el código 12549 en el navegador, lo que despliega automáticamente todos los títulos futboleros dispersos en el catálogo, sin importar en qué sección estén alojados.

Los códigos de género existen en la arquitectura interna de la plataforma y cualquier suscriptor puede usarlos desde un navegador web: no funcionan desde las aplicaciones móviles ni desde Smart TVs sin acceso a un browser.

Qué aparece al ingresar el código 12549

El filtro agrupa cuatro tipos de contenido. Las docuseries de clubes y ligas incluyen títulos como LALIGA: Más allá del gol, Manchester City: La conquista del triplete y Sunderland ‘Till I Die, producciones que siguen temporadas completas desde adentro de los clubes.

Los documentales biográficos cubren figuras históricas y actuales del fútbol latinoamericano y mundial.

El catálogo incluye producciones sobre Diego Maradona y James Rodríguez, además de Ronaldo y Dibu Martínez: el pibe que ataja el tiempo, centrado en el arquero argentino campeón en Qatar 2022.

Series, dramas y videojuegos que también aparecen

El código también devuelve ficción guionizada: Club de Cuervos, la serie mexicana sobre un club ficticio, y Apache: La vida de Carlos Tevez, el drama biográfico sobre el delantero argentino, integran el bloque de series y dramas.

La categoría suma además videojuegos exclusivos accesibles con la misma suscripción: FIFA World Cup: Launch Edition y Football Manager 26 Mobile están disponibles sin costo adicional para suscriptores activos.

Cómo usar este código

El procedimiento funciona en computadoras y tablets con navegador. El usuario debe iniciar sesión en Netflix, escribir 12549 en la barra de direcciones y presionar Enter.

La página carga de inmediato con todos los títulos disponibles. La disponibilidad varía según el país de la cuenta, ya que el catálogo de Netflix no es uniforme en todas las regiones.

Cómo es el videojuego de la FIFA en Netflix

FIFA World Cup: Launch Edition llega a Netflix Games el 11 de junio como un videojuego de fútbol incluido en la suscripción, sin costo adicional. Para jugar basta con un televisor y un celular: no se necesitan consolas ni configuraciones complejas.

El título permite hasta cuatro jugadores en la misma pantalla, con controles simples pensados para quienes nunca han usado un mando. Netflix lo describe como “una nueva dirección” para la saga FIFA: partidas rápidas, ritmo alto y foco en la experiencia compartida.

El lanzamiento coincide con el inicio del torneo. El juego incluye los 48 selecciones participantes, 16 estadios reales y 1.248 jugadores disponibles dentro de la Copa del Mundo.

Para jugarlo, hay que seguir estos pasos:

1. Abre Netflix en el televisor.
2. Entra a la pestaña Games y busca FIFA World Cup: Launch Edition.
3. Inicia el juego en la TV.
4. Escanea con tu celular el código QR que aparece en pantalla.
5. Controla con gestos: podrás deslizar para rematar y pasar en pocos segundos, según explicó Netflix.

Qué otros códigos de Netflix existen

Géneros principales

• Acción y aventura: 1365
• Comedia: 6548
• Documentales: 6839
• Terror: 8711
• Thriller: 8933
• Romance: 8883
• Ciencia ficción y fantasía: 1492
• Anime: 7424
• Clásicos: 31574
• Cine independiente: 7077
• Deportes: 4370
• Fútbol: 12549

Deportes y fútbol

• Documentales de deportes: 180
• Comedias deportivas: 5286
• Fútbol: 12549

Documentales

• Documentales biográficos: 3652
• Documentales de crimen: 9875
• Documentales históricos: 5349
• Documentales sociales y culturales: 3675
• Documentales de música: 90361

Terror y thriller

• Terror clásico: 45028
• Terror sobrenatural: 42023
• Películas de guerra: 3373
• Thrillers de espionaje: 10702

Comedia y romance

• Comedias románticas: 5475
• Comedias oscuras: 869
• Comedias de stand-up: 11559
• Dramas lacrimógenos: 6384

Familia y animación

• Películas para toda la familia: 783
• Anime: 7424
• Caricaturas TV: 11177
• Películas para niños de 8 a 10 años: 561

Netflix ha reafirmado su estrategia en la industria cinematográfica al declarar que no seguirá colaborando con directores que insistan en estrenos exclusivos en cines. Dan Lin, presidente de la división de cine de Netflix, afirmó con claridad que la compañía ha asumido que existen cineastas con los que no buscará acuerdos futuros por este motivo. El mensaje, transmitido en una reciente entrevista con el New York Times, marca una diferencia significativa respecto al discurso conciliador que la plataforma había sostenido en los últimos años.

En palabras de Lin, “hay un grupo de cineastas que todavía quieren estrenos teatrales. Esos son cineastas con los que hemos aceptado que simplemente no trabajaremos”. La declaración llega en un contexto en el que Netflix había mostrado señales de apertura hacia los cines, sobre todo tras su intento fallido de adquirir Warner Bros. y la decisión de ofrecer un estreno completo en salas para Narnia: The Magician’s Nephew, dirigida por Greta Gerwig. No obstante, la postura de Lin recalca que el streaming sigue siendo el núcleo del modelo de negocio de la empresa.

Netflix mantiene su apuesta por el streaming como canal prioritario para sus producciones cinematográficas. Aunque en ocasiones recientes se permitió la exhibición en salas de títulos como Narnia: The Magician’s Nephew, la compañía ha dejado claro que esto no representa un cambio estructural de su política. Según el reporte, “la plataforma no trabajará con directores que insistan en estrenos teatrales”, una decisión que busca evitar conflictos recurrentes y optimizar recursos hacia proyectos alineados con su visión. Para quienes se preguntan por qué Netflix ha adoptado una postura tan definida, la respuesta se encuentra en las prioridades de la empresa: garantizar la exclusividad de su catálogo y maximizar la audiencia en su plataforma. Las declaraciones de Dan Lin evidencian que, pese a algunas excepciones en el calendario de lanzamientos, la estrategia central sigue siendo el consumo en streaming. El ejecutivo enfatizó que la empresa ha asumido la pérdida de colaboraciones con cineastas que ven el estreno en cines como condición indispensable.

La posición de Lin contrasta con la de su predecesor, Scott Stuber, quien había buscado acercamientos con directores reconocidos a partir de propuestas de estrenos más amplios en cines. Stuber, conocido por sus vínculos con la comunidad creativa y su insistencia en captar a cineastas como Christopher Nolan, gestionó títulos como Roma de Alfonso Cuarón y Frankenstein de Guillermo del Toro, intentando ofrecerles exhibición más allá de la ventana mínima requerida para premios. Mientras Stuber apostaba por la diplomacia y el diálogo con los llamados “puristas del cine”, Lin opta por una política más definida y menos negociable. El artículo del New York Times subraya que Lin, pese a su exitosa trayectoria como productor de películas como The LEGO Movie y Sherlock Holmes, demuestra un estilo menos apegado a las convenciones de Hollywood.

Ejemplos y casos recientes

El caso de Remarkably Bright Creatures ilustra la dinámica interna de la toma de decisiones en Netflix. Según el artículo citado, la actriz Sally Field propuso estrenar el filme en otoño para aumentar sus posibilidades de nominación al Oscar. Lin, en cambio, defendió que la fecha óptima era justo antes del Día de la Madre, dado el perfil familiar de la historia. El resultado fue que la película permaneció durante un mes en el Top 10 de la plataforma. Pese a las declaraciones de Lin, Netflix continúa permitiendo lanzamientos selectos en cine. En diciembre, Las aventuras de Cliff Booth de David Fincher tendrá funciones en formato Imax, lo que sugiere que la empresa mantiene cierta flexibilidad con proyectos específicos. Sin embargo, la excepción no anula la regla general: la prioridad es el streaming.

Lin reconoce que su franqueza puede incomodar a algunos talentos. Relató que, en sus primeros meses al frente de la división, cometió el error de interpretar literalmente el pedido de sinceridad de los cineastas, lo que en ocasiones generó tensiones. “Ahora aprendo a leer mejor a las personas y a decir la verdad de la forma más productiva posible”, afirmó. La estrategia de Netflix resulta clara: la empresa ha decidido asumir la pérdida de colaboraciones con directores reacios a renunciar al estreno en salas. Para la compañía, el futuro inmediato del cine propio seguirá estando en la pantalla doméstica.

El desenlace de Emily en París está previsto para finales de 2026 o la primera mitad de 2027 en Netflix. Según lo publicado por Vogue, la temporada final contará con el regreso del reparto principal y la incorporación de nuevos personajes, además de abordar los desenlaces pendientes para cada protagonista.

La actriz británica Lily Collins subrayó que la sexta temporada marcará el “capítulo final” del recorrido de Emily por la capital francesa. Tanto el elenco como el equipo técnico se encuentran trabajando en los episodios conclusivos, que definieron como un homenaje a quienes siguieron la serie, según detalló Vogue.

Qué esperar de la última temporada de Emily en París

En esta nueva entrega, Emily volverá a centrar su historia en París, aunque las primeras imágenes dejan entrever un posible viaje a Grecia, más precisamente a Mykonos, tras recibir una postal de Gabriel. La ruptura definitiva con Marcello abre interrogantes sobre el desenlace sentimental de la protagonista y la posible reconciliación con Alfie.

Por otro lado, la temporada podría incluir la boda de Mindy con Nico, aunque persisten dudas sobre la despedida de soltera y el futuro de la pareja. Además, la trama profesional se complica para Sylvie por los cambios en la Agence Grateau tras la llegada de la princesa Jane.

El reparto de la temporada final en Netflix

El elenco principal permanece, lo que garantiza continuidad en el universo de la serie ambientada en París. De acuerdo con Vogue, regresan Lily Collins (Emily), Lucas Bravo (Gabriel), Eugenio Franceschini (Marcello), Ashley Park (Mindy), Paul Forman (Nico), Lucien Laviscount (Alfie) y Minnie Driver (princesa Jane).

También participarán Samuel Arnold (Julien), Bruno Gouery (Luc), William Abadie (Antoine Lambert), Thalia Besson (Genevieve) y Arnaud Binard (Laurent), quien ahora podría atravesar un divorcio con Sylvie. Esta combinación de personajes permitirá cerrar las líneas narrativas planteadas en las cinco temporadas anteriores.

Según el equipo de producción recogido por Vogue, la participación de estos personajes enriquece el desenlace, mientras la incorporación de la princesa Jane añade nuevos matices al ámbito laboral y personal de los protagonistas.

Mensaje de despedida de los protagonistas

Lily Collins expresó su agradecimiento a los seguidores al anunciar el final de la serie: “La sexta temporada será el capítulo final de la aventura de Emily”, indicó. La intérprete afirmó que el equipo procura ofrecer una despedida memorable, evocando la magia que acompañó a la producción.

Por su parte, el creador y productor ejecutivo Darren Star compartió una reflexión similar en declaraciones recogidas por Vogue: “Hacer ‘Emily en París’ con este reparto y equipo ha sido el viaje de una vida”. El guionista destacó la gratitud hacia el público y el deseo de que el último episodio sea recordado.

El estreno de la última temporada de Emily en París está previsto entre finales de 2026 y mediados de 2027, con el elenco principal, nuevas incorporaciones y escenarios en París y posiblemente en Grecia. Así se despide una de las comedias románticas más emblemáticas de Netflix, obra de Darren Star, que concluye su historia tras seis temporadas.

Con este cierre, productores y actores celebran el impacto y legado de Emily y su mundo parisino. La serie se consolida como referencia para quienes sueñan con viajar y redescubrir la Ciudad Luz a través de la pantalla.

El título estará disponible a partir del 11 de junio en Netflix Games y apuesta por partidas rápidas, fluidas y pensadas para compartir. Permite jugar hasta cuatro personas en la misma pantalla, incluso si alguien nunca ha usado un control.

Qué es FIFA World Cup: Launch Edition y qué incluye

Netflix lo presenta como “una nueva dirección” para los juegos de FIFA: una experiencia accesible, con ritmo alto y centrada en la emoción de representar a tu país.

Al lanzarse junto con el inicio del torneo, el juego permite elegir cualquiera de los 48 equipos participantes, disputar partidos en 16 estadios reales y tomar el control de 1.248 jugadores disponibles dentro de la Copa.

La propuesta es clara: partidos inmediatos, controles simples y diversión en grupo, sin consolas dedicadas ni configuraciones complejas.

Paso a paso: cómo jugar en TV usando el celular como control

La mecánica central se basa en dos pantallas: el teléfono funciona como control y la TV como estadio.

1. Abre Netflix en el televisor.
2. Entra a la pestaña Games y busca FIFA World Cup: Launch Edition.
3. Inicia el juego en la TV.
4. Escanea con tu celular el código QR que aparece en pantalla.
5. Controla con gestos: podrás deslizar para rematar y pasar en pocos segundos, según explicó Netflix.

El objetivo es que el aprendizaje sea inmediato: con pocos movimientos, cualquier persona puede armar una jugada y definir una jugada de gol.

Multijugador, países disponibles y qué esperar del lanzamiento

El juego apunta a reuniones en casa: con hasta cuatro jugadores, está pensado para ver el Mundial y jugarlo al mismo tiempo.

Netflix también señaló que esta edición es el “Kickoff”, un punto de partida que evolucionará con el tiempo, pero que prioriza la experiencia de jugar durante el evento.

Los juegos en TV, de acuerdo con la compañía, están disponibles en 20 países, entre ellos Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Francia, Alemania, Italia, México y España, con más mercados por incorporarse. Además, Netflix indicó que comenzó una prueba limitada en Brasil.

YouTube y la FIFA se unen para la Copa Mundial 2026

La Copa Mundial de la FIFA es un evento cultural global y, para 2026, sumó un aliado clave: YouTube.

La plataforma anunció una alianza oficial con la FIFA para convertirse en la Plataforma Preferida de la Copa Mundial de la FIFA 2026, un acuerdo que ampliará las opciones para que el público siga el torneo y acceda a contenido del antes, durante y después de cada partido.

El secretario general de la FIFA, Mattias Grafström, sostuvo: “La FIFA se complace en dar la bienvenida a YouTube como plataforma preferida para la Copa Mundial de la FIFA 2026”.

También afirmó que el acuerdo ayudará a “maximizar el impacto del torneo” en un ecosistema mediático en cambio permanente, con la atención global puesta en los partidos en Canadá, México y Estados Unidos.

La colaboración busca que el contenido premium conviva en un mismo lugar: material de socios de medios, creadores y la propia FIFA, en cualquier dispositivo donde funcione YouTube.

Además, la FIFA abrirá parte de su archivo digital en su canal oficial, con partidos completos del pasado y otros momentos de la historia del fútbol.

Más herramientas para creadores

El acuerdo también amplía el margen de acción para socios de medios: podrán publicar resúmenes extendidos, contenido detrás de cámaras, videos cortos y piezas bajo demanda, con más oportunidades de monetización.

Por primera vez, tendrán la opción de transmitir en vivo los primeros 10 minutos de cada partido, y también podrán emitir una selección de encuentros completos.

En paralelo, un grupo global de creadores tendrá acceso a los partidos y a material exclusivo para sumar reacciones, análisis tácticos e historias humanas desde una perspectiva distinta.

Fin de la asociación con EA Sports y nuevo rumbo junto a Netflix

El acuerdo de casi treinta años entre FIFA y Electronic Arts concluyó en 2023 con FIFA 23, el último juego en portar la histórica licencia. Tras este cierre, EA continuó bajo el nombre EA Sports FC, lo que permitió a FIFA explorar nuevas posibilidades en la industria. La federación internacional decidió aliarse con Netflix, empresa líder en el entretenimiento digital, para desarrollar una alternativa completamente nueva, con el objetivo de transformar el acceso a los videojuegos de fútbol.

Este cambio de socio no representa únicamente una modificación comercial, sino también el inicio de una nueva etapa creativa. Gianni Infantino, presidente de FIFA, expresó su intención de construir el mejor videojuego de fútbol en cualquier plataforma, remarcando la necesidad de adaptarse a las nuevas formas de consumo, donde el streaming y la accesibilidad son factores centrales.

Características del juego y enfoque en la accesibilidad

FIFA World Cup: Launch Edition permitirá a los usuarios elegir entre las 48 selecciones masculinas clasificadas para el Mundial 2026 y competir en 16 estadios reales, con la posibilidad de controlar un total de 1,248 futbolistas. El diseño del juego contempla la opción de que hasta cuatro jugadores participen al mismo tiempo utilizando sus teléfonos móviles como controles, aprovechando así la conectividad y facilidad de uso que ofrecen las plataformas modernas.

Desde Netflix se ha enfatizado que no es necesario contar con experiencia previa en videojuegos para disfrutar de esta edición. La propuesta se describe como una simulación de fútbol optimizada, rápida, fluida y entretenida para disfrutar con amigos, y está adaptada tanto para expertos como para quienes se inician en los videojuegos deportivos.

Esta accesibilidad facilita que personas diversas participen, desde familias hasta grupos de amigos, eliminando las barreras asociadas al uso de consolas o periféricos especializados. Con solo un televisor y una suscripción a Netflix, cualquier usuario puede sumarse a la experiencia del torneo mundial y compartir partidas en casa.

Desarrollo, evolución y responsables del proyecto

El desarrollo de FIFA World Cup 2026 está a cargo de Delphi Interactive, una empresa de California encargada de reinventar la famosa saga tras la desvinculación con EA Sports. Delphi trabaja en colaboración con Refactor Games, reconocida por su anterior labor en Football Simulator, y juntas buscan no solo mantener el prestigio de la marca FIFA, sino también innovar en la forma de jugar y experimentar el fútbol digital.

Un elemento clave en esta renovación es Julien Merceron, recientemente incorporado al equipo, quien cuenta con experiencia como responsable tecnológico en títulos reconocidos como los Pro Evolution Soccer de Konami, desarrollados sobre el Fox Engine. El conocimiento de Merceron en lo referente a motores gráficos se considera esencial para brindar un nuevo impulso técnico a la franquicia de FIFA.

Netflix destaca que FIFA World Cup: Launch Edition es tan solo el inicio de un proyecto a largo plazo. El juego está pensado como una plataforma en constante evolución, que recibirá mejoras y actualizaciones con el paso del tiempo, ajustándose tanto a los cambios del Mundial 2026 como a las opiniones y necesidades de los usuarios. Este enfoque flexible contrasta con los lanzamientos anuales cerrados de otros simuladores deportivos y fomenta una interacción sostenida.

Impacto en los usuarios y el sector de los videojuegos

El lanzamiento de FIFA World Cup 2026 en Netflix supone un cambio respecto a los modelos tradicionales de distribución, que exigían que los usuarios adquirieran consolas específicas o copias físicas. Ahora, quienes ya estén suscritos a la plataforma podrán acceder al juego sin costes adicionales, facilitando el acceso y la integración en el entorno doméstico.

Usuarios que antes no podían disfrutar de estos títulos por no contar con una consola o no querer invertir en hardware extra, ahora podrán sumarse a la experiencia del Mundial de fútbol directamente desde el televisor y utilizando su teléfono móvil. Este enfoque inclusivo tiene el potencial de transformar el panorama de los videojuegos deportivos, ampliando el interés a sectores que antes quedaban excluidos por razones tecnológicas o económicas.

El respaldo de FIFA y la alianza con Netflix marcan también un precedente en la convergencia entre el sector televisivo y el del videojuego, diluyendo las fronteras entre ambos. Queda por ver la reacción del público habitual de los juegos de fútbol y si esta estrategia logrará atraer y retener a nuevas generaciones de aficionados.

La plataforma y productora Netflix ha decidido pausar la preproducción de su ambicioso proyecto cinematográfico sobre el general cartaginés Aníbal, que reúne a Denzel Washington y Antoine Fuqua en los roles de protagonista y director, respectivamente. La decisión responde a preocupaciones sobre el presupuesto, según se comunicó oficialmente, y deja en suspenso el inicio de la filmación que estaba previsto para el verano en Italia.

La película, titulada provisionalmente Hannibal, tenía previsto comenzar su rodaje en locaciones italianas durante los próximos meses. El proyecto se encontraba en una fase temprana de preproducción cuando Netflix y los productores, entre ellos Fuqua y Washington, decidieron detener temporalmente el proceso. El objetivo, de acuerdo a fuentes citadas, es resolver diferencias presupuestarias que surgieron en las negociaciones con el estudio. Tanto la plataforma como los impulsores del filme esperan que una vez superadas estas dificultades, el largometraje pueda continuar adelante bajo el sello de Netflix. El filme cuenta con un guion del ganador del Óscar John Logan, reconocido por su trabajo en The Aviator y Gladiator. La historia se centra en los enfrentamientos cruciales encabezados por Aníbal durante la Segunda Guerra Púnica, resaltando las batallas más trascendentes contra el ejército romano. El comunicado oficial subraya que Aníbal es considerado “uno de los comandantes militares más destacados de la historia”.

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El freno en la preproducción de Hannibal se debe principalmente a desacuerdos sobre el presupuesto total del proyecto. Las partes involucradas —el estudio y los productores— se encuentran en conversaciones activas para ajustar los costos y definir un esquema financiero viable. Este tipo de suspensiones no es inusual en producciones de gran escala, especialmente cuando se trata de reconstrucciones históricas y rodajes internacionales, que pueden aumentar considerablemente los gastos. Según la información divulgada, la intención es retomar los trabajos una vez que se logre un consenso sobre los recursos necesarios. No se mencionaron cambios en el elenco principal ni en la dirección creativa. Hasta el momento, no se ha anunciado una nueva fecha tentativa para el reinicio de la producción.

Una colaboración duradera

Hannibal representa la sexta colaboración entre Antoine Fuqua y Denzel Washington. La dupla artística alcanzó notoriedad en 2001 con Training Day, película por la que Washington obtuvo el Óscar al mejor actor. Posteriormente, ambos trabajaron juntos en la saga The Equalizer, cuya tercera entrega, The Equalizer 3, se rodó principalmente en Italia y se estrenó en 2023. Estas colaboraciones han consolidado una relación profesional que ha generado expectativas en el público y la industria cada vez que se anuncia un nuevo proyecto conjunto. En el caso de Hannibal, el atractivo radica tanto en la magnitud histórica del personaje como en la experiencia previa del equipo en rodajes internacionales y producciones de acción.

Mientras se define el futuro de Hannibal, Denzel Washington y Antoine Fuqua mantienen una presencia activa en la industria cinematográfica. Washington participó recientemente en Highest 2 Lowest, dirigida por Spike Lee. Por su parte, Fuqua ha cosechado éxito con el biopic Michael, producido por Lionsgate, que relata la vida de Michael Jackson. Esta película tuvo un presupuesto superior a los 155 millones de dólares y ha superado los 850 millones en taquilla mundial, convirtiéndose en uno de los grandes éxitos de 2026. El estudio ya trabaja en una secuela. La pausa en la preproducción de Hannibal refuerza el clima de cautela financiera en grandes estudios y plataformas de streaming, que ajustan sus inversiones ante la volatilidad del mercado global. Ni Netflix ni los representantes de los productores han emitido comentarios adicionales sobre los plazos para una resolución definitiva.

El regreso de Benavent al catálogo de Netflix continua la dinámica de colaboración iniciada con el estreno de las cuatro temporadas de Valeria, seguida por la miniserie Un cuento perfecto y la película Fuimos canciones. Todas estas adaptaciones han formado un ‘universo’ de autoras españolas para la plataforma, consolidando a la escritora como una figura clave en la estrategia de ficción local del gigante estadounidense. La relevancia de Toda la verdad detrás de mis mentiras responde tanto a la continuidad de este acuerdo, como a un equipo creativo que mantiene vínculos directos con producciones anteriores de la franquicia.

En el centro del proyecto figura la productora Plano a Plano, responsable también de Valeria, Toy Boy y A Perfect Story. El liderazgo creativo recae en César Benítez como productor, y en un binomio de codirección formado por María Togores y Marina Pérez. El comunicado oficial de Netflix detalla que Marina Pérez asumió además la escritura de los guiones junto a Montaña Marchena, con Pérez habiendo participado previamente en el proceso creativo de Valeria. Este enfoque da lugar a un equipo creativo “mayoritariamente femenino”, según la información relevada, con la propia Benavent en el rol de productora ejecutiva junto a Ángel Armada y la mencionada Pérez.

Elenco principal y perfiles asociados

El reparto de Toda la verdad detrás de mis mentiras está integrado íntegramente por talento español, haciendo especial hincapié en la experiencia previa de los protagonistas en proyectos conjuntos. Itziar Manero y Daniel Ibáñez, que dan vida a Coco y Marín, comparten antecedentes recientes en Manual para señoritas. El grupo de personajes se completa con Ricardo Gómez (Cuéntame cómo pasó), Brays Efe (Paquita Salas), Lucía de la Fuente (Tóxico) y Clara Sans (Innato).

Las primeras imágenes difundidas por Netflix confirman la apuesta estética por el “drama veraniego” de carretera, con la caravana y escenarios de playa como elementos visuales centrales. El argumento, de acuerdo con la sinopsis oficial, desarrolla el viaje en caravana de un grupo de amigas que, durante la despedida de soltera de Blanca, afrontan el descubrimiento de múltiples secretos que ponen en jaque la cohesión de la amistad.

Estructura narrativa y detalles de producción

La miniserie se fundamenta en una estructura de cinco episodios autoconclusivos, una reducción respecto a los siete inicialmente considerados. El rodaje de la producción española finalizó a principios de agosto de 2025, permitiendo un extenso período de edición y posproducción de cara al estreno pautado para 2026. Este margen, poco habitual para una serie de verano enfocada en el público adulto joven, posiciona al título como uno de los lanzamientos clave de la temporada de ficción original en lengua española de Netflix.

Benavent y la productora han replicado el modelo que caracterizó a Valeria, integrando elementos reconocibles por la audiencia como el equipo creativo principal y la participación directa de la autora en la supervisión ejecutiva. La combinación de estreno global sincronizado el 28 de agosto de 2026, equipo técnico premium y presencia consolidada de la escritora en el streaming, refuerza la proyección internacional de la ficción española en la estrategia de contenidos originales de la plataforma, según detalló la información divulgada por What’s on Netflix.

El proyecto reúne por primera vez a Choi Min Shik y Choi Hyun Wook en un título original de la plataforma. El primero interpreta a Heo Mun Oh, un escritor que no publica desde hace dos décadas y da clases en una universidad, mientras que el segundo encarna al estudiante Lee Kang, un alumno silencioso que se sienta en la última fila.

La propuesta plantea una relación entre mentor y discípulo que deriva en obsesión y manipulación. El suspenso se construye no desde la acción directa, sino desde la intrusión psicológica en el espacio íntimo y familiar de los personajes.

La historia y el vínculo entre los protagonistas

La serie adapta el texto original de Mayorga y traslada su tensión a un formato episódico. La sinopsis, difundida por MyDramaList, señala que el personaje de Mun O es “un profesor de literatura coreana y novelista que, en la práctica, ha fracasado como escritor, habiendo publicado tan solo un libro”, y subraya el papel de Lee Kang en el cambio de su rutina.

El tráiler se centra en la evolución de la relación entre ambos protagonistas: el reconocimiento inicial del talento del alumno da paso a una espiral de obsesión. Entre las escenas incluidas en el material aparece la pregunta de Mun O: “¿La historia que escribiste para tu trabajo, era real?”

La escritura como eje del conflicto

La trama sitúa el conflicto en la vida cotidiana y presenta la escritura como una herramienta de poder. La decisión del profesor de estimular al alumno, según la sinopsis, deriva en “clases privadas de escritura” en las que el acto creativo se mezcla con la manipulación y la observación se vuelve una forma de invasión.

El guion gira alrededor del creciente peso de los relatos de Lee Kang. Esos textos, que al comienzo describen escenas de la vida escolar, pasan a reconstruir familias y secretos, y generan una incomodidad progresiva en los personajes.

El material promocional y el estreno global

El póster oficial refuerza esa tensión al contrastar la expresión de Heo Mun Oh con la distancia de Lee Kang. También incorpora fragmentos de frases escritas que remiten al acto de mirar y narrar al otro.

La miniserie tendrá lanzamiento mundial exclusivo en Netflix el 26 de junio de 2026. El estreno también marcará el debut de Choi Min Shik en la plataforma.

El director mexicano Ernesto Contreras ha llevado su enfoque en las relaciones humanas a la nueva serie de Netflix, El secreto del río.

La trama, que se desarrolla en un pequeño y místico pueblo ficticio de Oaxaca, sigue la vida de Manuel y Erick, dos niños que quedan ligados por un oscuro secreto tras un trágico evento. A medida que crecen, deben enfrentar las consecuencias de ese suceso, lo que los obliga a confrontar su pasado y a sí mismos.

Infobae México entró en contacto con Mauro Guzmán, uno de los protagonistas infantiles de la serie escrita por Alberto Barrera, que se encuentra actualmente en el top 1 de lo más visto en México en la plataforma de alcance mundial.

“A mí todo me encantaba, el único detalle era que había mucho calor ahí. Siempre me tenían que poner mucho bloqueador, me encantaba toda esa zona por los paisajes. Luego con el crew nos íbamos a la playa, fuimos a Playa Conejo. Nos fuimos dos meses, y cuando vino mi papá nos fuimos a dormir a la playa, todo lo disfruté mucho, en exclusivo el mar y la arena”, cuenta el actor de doce años sobre su experiencia en el rodaje en la región de Istmo de Tehuantepec, donde dio vida a “Erick”.

Las muxes, aquella población de la región zapoteca del istmo, personas nacidas con sexo masculino que adoptan un rol femenino en la cultura local, están presentes en y son parte del atractivo de El secreto del río, aspecto que Mauro apreció por primera vez.

“Fue mi primer acercamiento (con la lengua zapoteca). Fue mucho aprendizaje sobre las culturas, esto de las muxes es algo muy padre de vivir, me encantó estar ahí en Oaxaca, conocer nuevos lugares es algo muy bonito ya que aprendes muchas cosas”, dijo el pequeño histrión que, tras participar en el proyecto, así define a una muxe:

“No lo sabía (lo que era una muxe). Una muxe es un hombre que tiene la fuerza de un hombre, pero la mentalidad y la personalidad de una mujer”.

Mauro Guzmán dio vida al único amigo de “Manuel”, un niño nuevo en el pueblo que muy pronto despierta el rechazo de algunos por parecer más frágil y delicado que el resto de los chicos.

Para el actor, quien debutó en cine al lado de Bruno Bichir y Ana Claudia Talancón en Viaje todo robado en 2023, el respeto a todas las personas no es opcional, especialmente cuando se trata de alguien “diferente”.

“Tienen que respetar, tiene que entenderlos, ser empáticos y no pueden criticarlos por su forma de ser, primero los tienen que conocer. Siempre tienen que ser empáticos y nunca criticar por la apariencia sin conocerlos primero”.

La amistad, el eje principal de la serie rodada en Tehuantepec, Ixtepec y Salina Cruz, es una relación humana que Mauro valora aún más tras darle vida a “Erick”.

“La amistad es una relación que tiene una persona, algo muy íntimo, tienes que guardar secretos, tienes que ser empático con tu amigo y con todas las personas que te rodean, tienes que ser amable, entender a tus amigos”.

La interacción de Mauro con Frida Sofía Cruz, niña actriz que dio vida a “Manuel”, se dio de manera natural y se convirtió en amistad rápidamente; tal es así que para Mauro fue más disfrutable grabar con ella que con un niño.

“Con Frida tengo una relación muy especial porque los dos nos entendimos muy bien, en las escenas del beso, cuando se despide del pueblo y de mí cuando le doy un beso en el cachete no hubiera sido lo mismo con un niño. Tuvimos mucha conexión en las escenas y en las actuaciones, fue muy diferente, la verdad me gustó mucho más. Fue amistad luego luego en la grabación, nos caíamos muy bien y se dio una amistad muy bonita”.

La historia co dirigida por Alba Gil y Alejandro Zuno, presenta sucesos definitorios en la trama, donde además del rechazo a “lo diferente”, la muerte, la enfermedad y la violencia no son ajenas al argumento.

Sin embargo para el también cantante (participó en La Voz Kids 2021 teniendo como esa María José), la crudeza de la vida es algo que a su corta edad sabe comprender.

“Yo lo tomo muy normal porque sé que pasa en la vida real, no sólo en las películas. Son temas fuertes que yo los entiendo, nadie tuvo que hablar conmigo, yo los entiendo muy bien, sé que suceden”, asegura Mauro, cuyo recuerdo más bonito de El secreto del río fue “una cascarita” al final de las grabaciones.

“En el último llamado nos fuimos a jugar futbol, rentamos una cancha. Compraron bebidas, aguas, se trajeron un buen de botanas y estuvimos jugando hora y media todo el crew”.

La serie está protagonizada por Sam Worthington, reconocido por su papel en Avatar y con antecedentes de trabajo previo con Netflix en Fractured (2019) y Lift (2024). Aquí interpreta a David Burroughs, un padre condenado por el asesinato de su propio hijo, en el eje central del thriller. Worthington encabeza un reparto de nombres asociados a proyectos de alta visibilidad: Britt Lower (Severance) como Rachel Mills, la excuñada y expresentadora que investiga una nueva pista; Milo Ventimiglia (This Is Us) en el papel de Hayden, el confidente de Rachel; Logan Browning (Dear White People) y Chi McBride como el dúo de agentes federales asignados al caso de Burroughs; y Erin Richards (The Crown) como Cheryl Dreason, la exesposa del protagonista y madre de la víctima. Los productores ejecutivos son Bryan Wynbrandt, Steven Lilien, John Weber y el propio Coben.

La trama, según la sinopsis oficial de Netflix, sigue a “un padre inocente que cumple cadena perpetua por el asesinato de su hijo, hasta que recibe pruebas de que podría seguir con vida y decide escapar de prisión para descubrir la verdad”. La premisa, descrita por Coben antes del debut literario en marzo de 2023, parte de plantear “la peor pesadilla imaginable” para un padre, quien tras cinco años condenado sin esperanza, recibe una fotografía donde reconoce a su hijo supuestamente muerto.

Esta producción de ocho episodios marca un hito contractual al consolidar los términos renovados del acuerdo entre Coben y Netflix en 2022, que estableció la prioridad de la compañía para dramatizar nuevas obras del escritor en distintos territorios.

El liderazgo creativo quedó en manos de Robert Hull, quien además de ser creador y showrunner, dirige la escritura junto a un equipo experimentado que incluye a Jinny, Peter y la colaboración directa de Coben a través de Final Twist Productions. Hull declaró en comunicado de prensa que su implicación como fan de las novelas y el trabajo directo con el escritor y el equipo de producción representó una oportunidad única en su trayectoria profesional.

El impacto del acuerdo global de Coben en Netflix

El despliegue de “Te encontraré” responde a la estrategia iniciada en 2022, cuando Coben amplió su alianza de producción y desarrollo con Netflix. En 2025, el flujo de adaptaciones ha sido constante: el primer trimestre se lanzó la versión latinoamericana de Caught, además de Missing You y la adaptación polaca de Just One Look. Antes de “Te encontraré”, Run Away, drama británico, inició la temporada 2026.

El ejecutivo de Netflix, Peter Friedlander, enfatizó en comunicado que esta “primera serie estadounidense con Netflix” forma parte de una línea editorial definida por los “giros inesperados” y la “experiencia emocionante” característica de la marca Coben, reforzando las pretensiones de elevar el estándar de producción de suspenso anglosajón en la plataforma.

Detalles de rodaje, postproducción y primeras imágenes

El rodaje de “Te encontraré” se desarrolló íntegramente en Toronto, Canadá, entre abril y agosto de 2025. La producción utilizó el nombre en clave Quartz, fórmula habitual para mantener discreción operativa en títulos de alto perfil de la plataforma. En paralelo al anuncio del lanzamiento, Netflix difundió el primer tráiler oficial y material promocional con imágenes de Sam Worthington, Britt Lower, Milo Ventimiglia, Erin Richards y Logan Browning en sus respectivos personajes. El material gráfico, distribuido por Netflix y acreditado a Christos Kalohoridis y Amanda Matlovich, confirma la dimensión de thriller judicial y familiar que busca el proyecto.

El paquete de ocho episodios posiciona a “Te encontraré” como el mayor encargo de Netflix para una adaptación estadounidense de Coben, en contraste con los formatos europeos y latinoamericanos desarrollados previamente. La serie entra en catálogo global a partir del 18 de junio de 2026.

La novedad llega después de que las adaptaciones basadas en libros se convirtieran en uno de los motores de visualización del servicio: según datos de la compañía, durante 2025 este tipo de producciones superaron los 9.000 millones de visualizaciones y representaron cerca del 20% del tiempo consumido en la plataforma.

La sección reúne películas y series basadas en libros, organizadas en torno a ocho perfiles de lector, e incluye títulos ya disponibles y otros próximos a estrenarse.

La nueva sección no es solo un directorio de contenidos: funciona como una guía de navegación personalizada. Netflix organizó el espacio en ocho categorías pensadas para distintos hábitos de lectura:

• Si quieres ver personajes asombrosos.
• Si te gusta la creación de mundos inmersivos.
• Si te fascinan los giros inesperados.
• Si suspiras con los romances.
• Si eres fan de la no ficción.
• Si te apasionan los títulos históricos y de época.
• Si adoras las aventuras para todas las edades.
• Si coleccionas mangas y cómics.

Cada categoría conduce a títulos del catálogo alineados con esas preferencias.

Mansi Patel, directora sénior de Comercialización de Producto de Netflix, explicó en un comunicado de prensa compartido por la plataforma que el objetivo del espacio es “crear un entorno envolvente donde resulte divertido y fácil encontrar algo nuevo que ver según el gusto personal y el estilo de lectura” del usuario.

Patel señaló que la iniciativa se inspiró en experiencias previas como la colección “Tu Lista Zodiacal” y en el entusiasmo de la comunidad lectora por las adaptaciones de la plataforma.

Las adaptaciones que dan forma al catálogo

Entre los títulos que anclan el nuevo espacio figura Bridgerton, cuya cuarta temporada se estrenó el 29 de enero de 2026 y está basada en la saga de romance de época de Julia Quinn. La última entrega sigue a Benedict Bridgerton (interpretado por Luke Thompson), el soltero empedernido de la familia, que se enamora de una misteriosa “Dama de Plata” en un baile de máscaras.

La mujer resulta ser Sophie Baek (interpretada por Yerin Ha), una doncella al servicio de su madrastra. La historia, con estructura de cuento de Cenicienta, explora la tensión entre la atracción romántica y la brecha de clases en la Inglaterra de la Regencia.

Otro de los títulos del catálogo es Remarkably Bright Creatures (Criaturas luminosas), estrenada el 8 de mayo de 2026 y basada en la novela homónima de Shelby Van Pelt, que estuvo más de 64 semanas en la lista de más vendidos del New York Times.

Sally Field interpreta a Tova Sullivan, una viuda que trabaja como limpiadora nocturna en un acuario y forja un vínculo improbable con Marcellus, un pulpo gigante del Pacífico con voz de Alfred Molina. Lewis Pullman completa el trío protagónico como Cameron, un joven a la deriva que llega al pueblo en busca de su familia. La película, dirigida por Olivia Newman —quien también estuvo detrás de Where the Crawdads Sing—, recibió críticas positivas y fue calificada PG-13.

People We Meet on Vacation (Gente que conocemos de vacaciones), disponible desde el 9 de enero de 2026, adapta la novela de Emily Henry con Emily Bader y Tom Blyth como protagonistas. La historia sigue a Poppy y Alex, dos amigos opuestos que durante una década comparten una semana de vacaciones al año, hasta que un viaje a Barcelona los lleva a enfrentar lo que sienten el uno por el otro. Brett Haley dirigió la película, que obtuvo un 76% de aprobación en Rotten Tomatoes.

Los estrenos que se esperan

El título más esperado del catálogo es East of Eden (Al este del Edén), una miniserie de siete episodios basada en la novela clásica de John Steinbeck, con estreno previsto para el otoño de 2026. La adaptación, escrita y producida por Zoe Kazan, reinterpreta la saga multigeneracional de la familia Trask desde la perspectiva de Cathy Ames, la antiheroína de la novela, a cargo de Florence Pugh, quien también figura como productora ejecutiva.

El reparto incluye a Christopher Abbott como Adam Trask, Mike Faist como Charles Trask, Ciarán Hinds como Samuel Hamilton, Martha Plimpton como Faye y Tracy Letts como Cyrus Trask. Garth Davis dirige los primeros cuatro episodios y Laure de Clermont-Tonnerre los tres restantes. El rodaje se realizó en Nueva Zelanda entre octubre de 2024 y marzo de 2025.

El catálogo también incluye títulos que ya forman parte de la historia de la plataforma. Bird Box (2018), basada en la novela de Josh Malerman, protagonizada por Sandra Bullock y John Malkovich, sigue a una mujer que debe proteger a sus hijos de entidades invisibles que llevan al suicidio a quienes las miran.

Leave the World Behind, en español: Dejar el mundo atrás (2023), adaptación de la novela de Rumaan Alam, reúne a Julia Roberts, Mahershala Ali y Ethan Hawke en un thriller apocalíptico sobre el colapso tecnológico y social de Estados Unidos. Ambas acumulan millones de reproducciones a nivel global.

La película, un thriller de ciencia ficción y acción de 106 minutos, ocupa el décimo lugar entre los títulos originales más vistos de Netflix y tiene posibilidades de avanzar al noveno puesto al cierre del periodo oficial de conteo, que se extiende hasta 91 días tras su debut.

En sus primeras cinco semanas, el título llegó a 118 millones de visualizaciones, lideró el ranking global de la plataforma durante dos semanas consecutivas y alcanzó el top 10 en 93 países, con el primer puesto en 87 de ellos. Según Variety, ese rendimiento fue el factor determinante para que la plataforma diera luz verde a la continuidad de la franquicia.

Máquina de guerra sigue a un sargento de élite —identificado solo como “81”— durante las últimas 24 horas del proceso de selección del Regimiento de Rangers del Ejército de los Estados Unidos. Lo que comienza como un ejercicio de entrenamiento en terreno boscoso se convierte en una lucha por la supervivencia cuando el grupo descubre que una máquina de origen extraterrestre los acecha.

La amenaza, inmune al fuego de armas pequeñas, afecta el magnetismo de las brújulas del equipo, lo que permite a los reclutas anticipar sus movimientos. El desenlace revela que la máquina es solo una unidad de una flota mayor que ya inició una guerra global contra la humanidad, apertura narrativa que el propio Hughes señaló como puerta de entrada a una saga.

Ritchson, quien se tatuó el número “81” en las costillas antes del rodaje, describió el proyecto como “lo más genial que Netflix ha producido jamás" y confirmó que existe “toneladas” de material para películas de seguimiento. Hughes, por su parte, declaró que aunque la primera entrega se concibió como obra independiente, su desenlace fue diseñado deliberadamente para habilitar una franquicia.

El actor, conocido por su papel protagónico en la serie Reacher de Amazon Prime Video, se consolida con este filme como uno de los nombres de referencia del cine de acción de la década.

El elenco original incluyó a Dennis Quaid y Esai Morales como oficiales al mando, y a Stephan James, Jai Courtney, Keiynan Lonsdale y Daniel Webber como candidatos a Rangers. Ninguno de ellos tiene confirmada su participación en la secuela. La trama del nuevo filme permanece bajo reserva, según Variety.

En la producción de la secuela participarán Todd Lieberman y Alex Young de Hidden Pictures, Rich Cook de Range Media Partners y Greg McLean a través de su productora Huge Film. Valerie Bleth Sharp repetirá como productora ejecutiva.

La película original se rodó entre septiembre y diciembre de 2024 con un presupuesto de 80 millones de dólares, en locaciones de Victoria, Australia —incluyendo Bright, Myrtleford, Melbourne y los estudios Docklands— y en Queenstown, Nueva Zelanda. Originalmente concebida para estreno teatral, terminó en Netflix tras la alta demanda de plataformas de streaming. La banda sonora estuvo a cargo del compositor Dmitri Golovko, y la fotografía fue responsabilidad de Aaron Morton.

La recepción crítica resultó dividida. En Rotten Tomatoes, el 69% de los críticos le otorgó una valoración positiva, mientras que Metacritic le asignó 54 puntos sobre 100, con la calificación de “mixto o promedio”.

Los especialistas valoraron la acción y la presencia de Ritchson en pantalla, aunque señalaron que el desarrollo de los personajes secundarios resultó escaso y que el guion no aportó elementos nuevos al género. La información sobre el desarrollo de la secuela fue adelantada por primera vez por TheWrap, antes de que Variety ampliara los detalles del proyecto.

Vincent Amen, quien trabajó para Michael Jackson a partir de 2002, revela en la nueva docuserie Michael Jackson: El Veredicto que recibió una bolsa de Nike con una revista que contenía imágenes de menores desnudos, con círculos marcados sobre la sección de pedidos de video, material que habría provenido del entorno más cercano del artista.

Amen afirma que la bolsa le fue entregada por Frank Cascio —también conocido como Frank Tyson—, asistente y amigo de larga data del “Rey del Pop”, en el contexto de las búsquedas domiciliarias que las autoridades realizaron tras el arresto del cantante.

Cascio habría limpiado su casa de todo material procedente de Neverland Ranch y le habría dado la bolsa a Amen.

Desconfiado del contenido, Amen se filmó a sí mismo al abrir la bolsa. Lo que encontró lo dejó, según sus propias palabras, en estado de incredulidad.

“Empecé a hojearla, y había un Sharpie… círculos alrededor de la sección de pedidos de video”, relató Amen en el documental. “Alguien quería estos videos, marcó los que quería. Estos videos, que son de niños desnudos. Algunos con familia, otros simplemente niños desnudos”.

Amen dice haber confrontado directamente a Cascio al respecto: “Le dije: ‘Frank, ¿qué es esta revista? Hay círculos alrededor de videos con niños desnudos’. Él me respondió: ‘Eso es solo una fase por la que Michael y yo pasamos. Él marcaba los videos que quería, yo los pedía, fue una fase por la que pasamos’. Los veían juntos. Cuando escuché eso, no podía creerlo".

La producción señala que Frank Cascio no pudo ser contactado por los realizadores para dar su versión. El documental también recoge que Michael Jackson utilizaba apodos obscenos para referirse a los niños que frecuentaban Neverland.

Amen muestra una serie de polaroids antiguas de la propiedad en las que aparecen Janet Arvizo y su hijo menor, Star.

En una de ellas, Janet escribió: “Queridísimo Michael, te agradecemos ser nuestra familia. Lo que Dios une, ningún hombre puede deshacer. Te amamos”. En otra, Star anotó de su puño y letra: “Te amo, mi papá Michael. Tu hijo, Blowhole”.

“Estos son los apodos que Michael les daba a esos niños”, afirmó Amen en el documental.

Todos los detalles sobre “Michael Jackson: El Veredicto”

Michael Jackson: El Veredicto ya está disponible en Netflix. La serie, de tres episodios, está dirigida por Nick Green y producida ejecutivamente por Fiona Stourton.

El proyecto revisita el juicio penal de 2005 contra Jackson, en el que fue acusado de abusar sexualmente de Gavin Arvizo, entonces de 13 años, y fue absuelto de todos los cargos por insuficiencia de pruebas.

Los realizadores explicaron a Tudum, el portal oficial de Netflix: “Han pasado 20 años desde el juicio de Michael Jackson, en el que fue declarado no culpable. Sin embargo, hasta el día de hoy, la controversia sigue encendida. No se permitieron cámaras dentro del tribunal, por lo que la visión pública de los hechos en ese momento fue filtrada por comentaristas y presentada de forma fragmentada. Era momento de hacer un análisis del juicio en su totalidad”.

El cantante enfrentó diez cargos en total, entre ellos cuatro por abuso sexual a un menor, cuatro por suministrar alcohol a un menor con fines de abuso, uno por intento de abuso infantil y uno por conspiración para retener ilegalmente a la familia Arvizo y cometer extorsión y secuestro de menores.

La docuserie reúne testimonios de figuras clave del proceso. Participan el fiscal Ron Zonen, el abogado defensor Mark Geragos y el abogado familiar Brian Oxman, además de dos miembros del jurado: Melissa Herard (jurado número 8) y Tammy Evans (jurado número 6).

También están presentes el periodista Martin Bashir —autor del polémico documental Living with Michael Jackson—, la periodista de investigación Diane Dimond, el biógrafo de Jackson J. Randy Taraborrelli, su publicista Raymone Bain y su director de seguridad Kerry Anderson.

Si hay estrenos que apuntan a lo más alto de las listas de lo más visto en Netflix, entre estos se incluye La desconocida, la nueva película protagonizada por Candela Peña. La actriz, que ya triunfó en la plataforma por su papel de Rosario Porto en la miniserie de El caso Asunta, regresa ahora con un thriller policial inspirado en la novela homónima de Rosa Montero y Olivier Truc, que se estrenará este viernes 5 de junio.

Dirigida por Gabe Ibáñez (al que conocemos por películas como Autómata y Hierro), La desconocida sigue “la investigación de un caso liderado por la detective Anna Ripoll (Candela Peña), tras el hallazgo de una mujer (Ana Rujas) amordazada y maniatada dentro de un contenedor en el puerto de Barcelona, incapaz de recordar quién es ni cómo ha llegado hasta allí”, tal y como cuentan desde Netflix. “Anna, junto al oficial Quique Zárate (Pol López), se embarca en una carrera contrarreloj para descubrir la identidad de la desconocida y los secretos ocultos en su memoria”.

Junto a los protagonistas, en el reparto destacan nombres como el de Manolo Solo (Anatomía de un instante), Luka Peros (La casa de papel) y Kira Miró (Machos Alfa). Todos ellos contribuyen a adaptar la novela de Rosa Montero y Olivier Truc que, tras publicarse en 2023, se convirtió en un best seller. “Estoy muy ilusionada”, confesaba la autora en un comunicado, que ha recordado cómo fue el proceso de escritura “a cuatro manos” con su compañero. “Fue un trabajo fascinante, divertidísimo y algo loco que hizo que la historia de nuestra desconocida alcanzara una intensidad poco habitual. Me muero de ganas de ver cómo ese equipo formidable ha plasmado todo ese suspense en el film”.

La “zombi funcional” de Candela Peña busca conocer el pasado de la víctima

El trasvase de la novela al guion de la película es mérito de Lara Sendim, guionista que ya había trabajado en adaptaciones con libros como Los renglones torcidos de Dios y que también destaca por haber escrito thrillers como Contratiempo, El cuerpo o Durante la tormenta, títulos que destacan por la tensión que acumulan a medida que avanza la trama y por sus giros finales.

En este caso, la investigación conducirá a los protagonistas a ir reconstruyendo el pasado de esa mujer desconocida para entender por qué acabó encerrada en ese contenedor. Sin embargo, a medida que vayan avanzando las pesquisas, la presión sobre el caso irá a más y verán cómo lo que parecía un caso más se convierte en una carrera a contrarreloj.

De momento, quienes ya han podido ver La desconocida han destacado la interpretación de Candela Peña (que ha definido en sus redes sociales a su personaje como un “zombi funcional”) como uno de los factores más destacados de la película. La actriz ganadora de tres premios Goya (por Te doy mis ojos en 2004, Princesas en 2006 y Una pistola en cada mano en 2013) regresa a un largometraje tras varios años en los que solo se la había podido ver en series como Maricón perdido, Furia o la ya mencionada El caso Asunta.

¿De qué trata la docuserie?

Según informó el portal oficial de Netflix, Tudum, la serie está dirigida por Nick Green y producida ejecutivamente por Fiona Stourton. El proyecto aborda el caso desde una perspectiva histórica y forense, reconstruyendo los hechos tal como se desarrollaron dentro de la sala del tribunal.

“Han pasado 20 años desde el juicio de Michael Jackson, en el que fue declarado no culpable. Sin embargo, hasta el día de hoy, la controversia sigue encendida”, explicaron los realizadores a Tudum. “No se permitieron cámaras dentro del tribunal, por lo que la visión pública de los hechos en ese momento fue filtrada por comentaristas y presentada de forma fragmentada. Era momento de hacer un análisis del juicio en su totalidad”.

El documental recorre la investigación, el arresto, los argumentos de ambas partes y los momentos clave que llevaron a la absolución de Jackson, utilizando material de archivo, notas del juicio y cobertura mediática de la época, además de entrevistas inéditas con personas que estuvieron presentes en el tribunal.

Los cargos en el caso People v. Jackson

Jackson enfrentó un total de diez cargos durante el proceso judicial, según detalla USA Today. Estos incluían cuatro cargos de abuso sexual a un menor, cuatro cargos de suministrar alcohol a un menor con fines de abuso, un cargo de intento de abuso infantil y un cargo de conspiración para retener ilegalmente a la familia Arvizo y de conspiración para cometer extorsión y secuestro de menores. El menor en el centro de las acusaciones era Gavin Arvizo, quien tenía 13 años en el momento de los hechos. Jackson fue absuelto de todos los cargos, con insuficiencia de pruebas como argumento citado por el jurado.

Cabe recordar que este no era el primer escándalo de este tipo que rodeaba al artista: en 1993, el dentista y guionista de Los Ángeles Evan Chandler lo había acusado de abusar sexualmente de su hijo de 13 años, caso que fue resuelto mediante un acuerdo extrajudicial.

¿Quiénes son entrevistados?

La docuserie reúne testimonios de primera mano de figuras clave del proceso. Entre los entrevistados se encuentran el fiscal Ron Zonen y el abogado defensor Mark Geragos, así como Brian Oxman, abogado de la familia Jackson. También participan dos miembros del jurado: Melissa Herard (jurado número 8) y Tammy Evans (jurado número 6).

En el plano mediático, el documental cuenta con la presencia del periodista Martin Bashir —autor del polémico documental Living with Michael Jackson—, la periodista de investigación Diane Dimond y el analista legal de CBS Trent Copeland. Del círculo cercano a Jackson participan su biógrafo J. Randy Taraborrelli, su publicista Raymone Bain y su director de seguridad Kerry Anderson, entre otros.

Las revelaciones más impactantes

Según reseñó USA Today, la docuserie recoge testimonios y acusaciones presentadas por algunos de sus entrevistados, varios de los cuales ofrecen detalles poco conocidos sobre el entorno de Jackson durante aquellos años. Una de las figuras centrales es Vincent Amen, quien trabajó para el artista a partir de 2002 y fue asignado para cuidar a la familia Arvizo.

Amen alega en el documental que Jackson presuntamente utilizaba apodos obscenos para referirse a los niños que frecuentaban Neverland, y describe cómo, tras el arresto del cantante, recibió una bolsa de Nike de parte del asistente de Jackson, Frank Cascio. Según el relato de Amen, al abrir la bolsa encontró una revista que contenía imágenes de menores desnudos, con círculos marcados sobre la sección de pedidos de video. El trabajador asegura que, al confrontar a Cascio, este le habría respondido que ordenar ese tipo de material “era una fase por la que Michael y él habían pasado”. La producción señala que Frank no pudo ser contactado para dar su versión.

Asimismo, el documental también recoge el dramático estado emocional y físico de Jackson durante el juicio. Su propio abogado defensor, Mark Geragos, describe haberlo visto “literalmente desintegrarse”, con un consumo de sustancias que calificó de “astronómico”.

“Teníamos genuinas preocupaciones sobre si podría soportar un juicio: física y mentalmente”, dijo Geragos, según recoge USA Today.

Otro momento destacado es la noche previa al testimonio de Gavin Arvizo, cuando Jackson fue hospitalizado tras una caída en la ducha y recibió una dosis de analgésicos que, según Kerry Anderson, su director de seguridad, era suficiente “para tranquilizar a un elefante”.

Al llegar tarde al tribunal al día siguiente, el juez amenazó con revocarle la fianza y emitir una orden de arresto. El equipo del cantante recorrió la autopista a 145 kilómetros por hora para llegar a tiempo. “Michael estaba aterrorizado, angustiado, fuera de sí. Pensaba que toda su vida se estaba evaporando”, declaró el abogado familiar Brian Oxman.

La reacción en redes sociales

El estreno de la docuserie no estuvo exento de polémica. Según reportó Page Six, aficionados de Jackson reaccionaron con dureza en redes sociales, cuestionando tanto el contenido como el momento del lanzamiento, que coincide con las semanas posteriores al estreno del biopic sobre el artista. La película, que ha sido un éxito en taquilla, también impulsó un renovado interés en el catálogo musical del Rey del Pop.

“Esto es una vergüenza de parte de Netflix”, escribió un usuario. “Todos los demás estudios lamentan haber rechazado la película de Michael, que terminó siendo un gran éxito. ¿Entonces hacen esto en represalia para ganar dinero con todo? Qué broma”, dijo un internauta.

“Ya se decidió que Michael era inocente. Si alguien quiere juzgar sin ver esta basura sensacionalista, que lea las transcripciones del juicio”, alegó otro usuario. Un tercer comentario indica: “Este hombre sigue siendo explotado por personas 17 años después de su muerte”.

A pesar de las críticas, los realizadores defienden el enfoque del proyecto como un ejercicio de rigor histórico. Michael Jackson: The Verdict ya está disponible en Netflix.

Quienes desean entrar en clima para el Mundial 2026 de fútbol cuentan con una oferta en la plataforma de streaming. Netflix ha preparado una selección de títulos que abordan desde gestas hasta relatos personales y culturales ligados al deporte.

El objetivo es ofrecer un recorrido audiovisual para contextualizar a los aficionados mientras se aproxima la gran cita futbolística. La publicación de la revista GQ destaca que esta lista responde al interés por contenidos temáticos que acompañan el fervor mundialista.

La propuesta de Netflix reúne documentales de figuras legendarias, historias nacionales de superación y títulos de ficción inspirados en hechos reales, con enfoques que van de selecciones nacionales a trayectorias individuales y relatos culturales ligados al fútbol. Esta selección reúne historias del fútbol mundial justo antes de que comience el torneo, tal como recomienda el artículo sobre películas y documentales antes del Mundial 2026.

Los estrenos recomendados en Netflix

Netflix ofrece una lista de películas y documentales para quienes desean profundizar en el universo futbolístico, cada uno con un enfoque sobre el deporte y sus protagonistas.

1. Tetracampeones: Brasil volvió a nacer

Este documental, disponible desde el 7 de junio, narra el recorrido de la selección brasileña hacia el Mundial 1994. La historia se construye a partir de imágenes exclusivas e inéditas grabadas por los propios jugadores, quienes se preparaban para ganar el cuarto título mundial para Brasil, veinticuatro años después del anterior logro del país.

2. The Damned United

Se trata de una película biográfica que se estrenará el 8 de junio y está centrada en la figura de Brian Clough, entrenador británico que dirigió el Leeds United en 1974. Aunque no tiene relación directa con el campeonato del mundo, la cinta explora una etapa polémica y turbulenta de la carrera del entrenador, marcada por enfrentamientos y decisiones que, según la narrativa, le alejaron de la oportunidad de llegar a ser seleccionador de Inglaterra.

3. México 86

El gran estreno de la plataforma para junio llega el día cinco, con una película dedicada al esfuerzo de Martín de la Torre, burócrata mexicano que consiguió que el torneo internacional se celebrase en México. El film pone en valor la labor que permitió que el país fuera sede de uno de los mundiales de la historia.

4. Poldi

Disponible a partir del cuatro de junio, este documental se centra en la trayectoria de Lukas Podolski, campeón del mundo en 2014 con Alemania. Retirado a los 41 años, Podolski es retratado en su faceta deportiva y personal, repasando su carrera y su vida fuera del fútbol.

5. Noruega vuelve al ruedo

El documental, que se presenta el 9 de junio, narra la historia reciente de la selección noruega y su país, que mantuvieron la fe en volver a clasificarse para un mundial casi treinta años después de su última participación. El relato destaca la perseverancia nacional y la reivindicación de la confianza en sí mismos.

6. Várzea: donde nace el fútbol

Estrenada el 20 de junio, esta serie documental aborda la filosofía y la cultura de la várzea, el fútbol amateur profundamente arraigado en Brasil. La producción muestra cómo figuras como Cafu y Raphinha regresan a sus orígenes para compartir el papel de la várzea en su camino hacia el éxito internacional.

Qué tipos de historias incluye la selección

La propuesta de Netflix reúne documentales de figuras legendarias, historias nacionales de superación y títulos de ficción inspirados en hechos reales, con enfoques que van de selecciones nacionales a trayectorias individuales y relatos culturales ligados al fútbol.

Hay documentales dedicados a selecciones nacionales que marcaron época, como Brasil o Noruega, así como películas centradas en figuras individuales, tanto en el ámbito deportivo como personal. El caso de Lukas Podolski es ejemplo de cómo se pueden explorar trayectorias individuales junto a historias nacionales como la de México 86.

La serie sobre la várzea brasileña aporta un enfoque cultural al mostrar cómo el fútbol amateur se convierte en semillero de grandes talentos y en elemento identitario para comunidades enteras. La diversidad temática es una constante, ya que el público puede elegir entre historias de superación colectiva, biografías, crónicas institucionales y retratos socioculturales.

El peso de Brasil y otros países en la selección

Brasil tiene presencia en la selección de Netflix tanto por el documental Tetracampeones: Brasil volvió a nacer, centrado en la consagración mundial, como por la serie Várzea: donde nace el fútbol, enfocada en el fútbol de base y el origen de nuevos talentos.

Junto a Brasil, países como México, Alemania y Noruega también tienen espacio en la cartelera, lo que confirma el carácter internacional de la oferta. Netflix aprovecha el contexto del Mundial para reunir miradas diversas sobre el fútbol y sus protagonistas, tal como lo subraya la selección elaborada por GQ.

Netflix ha anunciado que Anna Kendrick, conocida principalmente por su trabajo como actriz, será la encargada de dirigir la adaptación de The Seven Husbands of Evelyn Hugo, la reconocida novela de Taylor Jenkins Reid. La elección de Kendrick marca un nuevo intento por llevar a la pantalla una de las obras más populares de los últimos años, en un proceso caracterizado por numerosos cambios creativos y expectativas inusualmente elevadas para una adaptación literaria.

Del éxito editorial al reto cinematográfico

The Seven Husbands of Evelyn Hugo fue publicada en 2017 y pronto se convirtió en un éxito literario internacional. Hasta ahora, la novela ha vendido más de 24 millones de copias en todo el mundo y ha sido traducida a 43 idiomas, una cifra excepcional incluso para los más vendidos. Aunque su impacto inicial se sintió en librerías y entre los lectores tradicionales, la popularidad de la novela se potenció en las redes sociales. Plataformas como TikTok amplificaron su influencia entre los jóvenes, convirtiéndola en un fenómeno viral y generando campañas que pedían su adaptación al cine.

En 2022, Netflix adquirió los derechos para adaptar la historia a la gran pantalla. Desde entonces, el proyecto ha experimentado varios cambios en su equipo creativo. Al principio, las directoras Maggie Betts y Leslye Headland estuvieron a cargo del largometraje en distintas etapas, pero ambas se alejaron de la producción por razones que no se hicieron públicas. Tras meses de incertidumbre y especulaciones, la plataforma optó por Anna Kendrick como directora, quien es conocida por su participación en Pitch Perfect y Twilight, y da el salto al largometraje tras su buena acogida como directora con Woman of the Hour.

Retos de adaptación de una obra compleja y significativa

El principal atractivo de The Seven Husbands of Evelyn Hugo reside en la profundidad de sus personajes y en una estructura de narración testimonial. La historia gira en torno a una legendaria actriz de Hollywood ficticia, quien decide contar por primera vez la verdad sobre su vida y sus siete matrimonios. Evelyn Hugo elige conceder una entrevista exclusiva a Monique Grant, una periodista poco conocida, para relatar los secretos y escándalos de su carrera y vida personal.

La adaptación de este relato al lenguaje cinematográfico ha pasado por diversas etapas. Liz Tigelaar, guionista de series como Tiny Beautiful Things y Little Fires Everywhere, se encargó del primer guion. Actualmente, Francesca Sloane -conocida por su trabajo en Atlanta, Fargo y la próxima temporada de Big Little Lies- está trabajando en las revisiones. La autora Taylor Jenkins Reid, como productora ejecutiva junto con Margaret Chernin, supervisa directamente el proceso.

Un desafío clave para la producción será hallar un equilibrio entre los momentos íntimos y psicológicos de Evelyn Hugo y los acontecimientos públicos y mediáticos que definieron su vida profesional. Este reto se ve aumentado por la presión de una comunidad de seguidores muy activa en redes sociales, quienes han manifestado expectativas y preferencias respecto a la fidelidad de la adaptación. Por ejemplo, muchos han propuesto nombres para el elenco principal, entre ellos Jessica Chastain, aunque la actriz ha negado estar involucrada en el proyecto. Hasta la fecha, Netflix no ha revelado detalles sobre el reparto ni ha anunciado fechas de rodaje, lo que alimenta la discusión y la especulación entre los seguidores.

Influencia cultural y expectativas ante la adaptación

El camino recorrido por The Seven Husbands of Evelyn Hugo demuestra cómo un éxito literario puede superar el ámbito editorial para convertirse en un referente cultural global. Su trama, enfocada en los desafíos personales y profesionales de una mujer que desafía las normas sociales, conecta especialmente con generaciones que buscan historias diversas, profundas y alejadas de los clichés convencionales. Esta producción es la segunda adaptación importante de una novela de Taylor Jenkins Reid, después de la miniserie Daisy Jones & the Six de Amazon, inspirada en la historia de la banda Fleetwood Mac.

Para el público general, esta adaptación representa una oportunidad para observar el papel del streaming en la creación de relatos contemporáneos y el potencial de los libros virales para movilizar audiencias a nivel mundial. Aunque aún no se conoce el elenco ni la fecha de estreno, la conversación se traslada a las redes, donde lectores y amantes del cine esperan que la visión de Anna Kendrick, junto con la colaboración directa de la autora, pueda mantener la esencia y la complejidad emocional de la novela. Más allá de su valor como entretenimiento, el proyecto funciona como un reflejo de los altibajos del éxito, la fama y las narrativas de resiliencia en un sector audiovisual que experimenta cambios constantes.

La cuenta regresiva para el Mundial 2026 ya comenzó y, a tan solo unos cuantos días del partido inaugural, las plataformas de streaming han reforzado su catálogo con producciones inspiradas en el futbol.

Entre documentales, series y películas basadas en hechos reales, los aficionados tienen varias opciones para revivir momentos históricos, conocer historias poco exploradas y prepararse para la máxima fiesta del balompié.

Desde relatos sobre campeones del mundo hasta producciones centradas en sedes mundialistas y figuras emblemáticas, estas son algunas de las opciones más destacadas para ver antes de que ruede el balón en México, Estados Unidos y Canadá.

Del Brasil de Pelé al Mundial de México 86

Uno de los estrenos más recientes es “Brasil 70: la saga del tricampeonato”, miniserie disponible en Netflix que recrea la conquista de la tercera Copa del Mundo de Brasil en México 1970. La producción aborda tanto lo ocurrido en la cancha como las tensiones políticas y deportivas que rodearon al equipo encabezado por Pelé.

También destaca “México 86”, película protagonizada por Diego Luna que llegará a Netflix el 5 de junio. La cinta narra cómo México logró quedarse con la organización del Mundial de 1986 después de que Colombia renunciara a ser sede debido a problemas económicos y de seguridad.

Por otra parte, el documental “Tetracampeones”, programado para estrenarse el 7 de junio en Netflix, repasa el camino de la selección brasileña hacia el título conquistado en Estados Unidos 1994 mediante imágenes inéditas y testimonios de sus protagonistas.

Documentales que muestran el lado menos conocido de los Mundiales

Entre las producciones documentales sobresale “El último tren a Norteamérica”, disponible en ESPN y Disney+, donde el periodista argentino Martín Ainstein recorre las ciudades que albergarán encuentros del Mundial 2026 en México, Estados Unidos y Canadá.

Netflix también ofrece “El autobús. La huelga de la selección francesa”, una producción que reconstruye la crisis interna que vivió Francia durante el Mundial de Sudáfrica 2010, cuando un conflicto entre jugadores y cuerpo técnico derivó en una protesta sin precedentes dentro de una Copa del Mundo.

A esta lista se suma “The Rest is Football”, programa que debutará el 10 de junio en Netflix y que estará conducido por los exseleccionados ingleses Gary Lineker, Alan Shearer y Micah Richards, quienes analizarán diariamente la actividad del torneo.

Clásicos imperdibles para cualquier aficionado al futbol

Además de las producciones ligadas directamente a los Mundiales, existen películas que se han convertido en referentes para los seguidores del deporte.

Una de ellas es “Escape a la Victoria” (1981), disponible en Amazon Prime Video. Dirigida por John Huston, la historia sigue a un grupo de prisioneros aliados durante la Segunda Guerra Mundial que utilizan un partido contra un equipo nazi como parte de un plan de fuga.

Otra recomendación es “Hooligans” (2005), disponible en Prime Video. La película protagonizada por Elijah Wood explora la cultura de las barras en Inglaterra y la violencia que rodea a ciertos grupos de aficionados.

A estas producciones se suma “El Partido”, documental recientemente presentado en el Festival de Cannes que reconstruye el encuentro entre Argentina e Inglaterra disputado en el Mundial de México 1986, uno de los partidos más recordados en la historia del futbol.

Con la llegada del Mundial 2026 cada vez más cerca, estas series, documentales y películas ofrecen distintas formas de acercarse al deporte más popular del planeta mientras inicia la cuenta regresiva hacia el torneo.

Anna Kendrick llegó a la dirección de Los siete maridos de Evelyn Hugo como la tercera cineasta en asumir un proyecto que, desde su anuncio en 2022, acumuló tanta expectativa como contratiempos. Netflix confirmó el lunes 1 de junio que la actriz y directora tomará las riendas de la adaptación cinematográfica de la novela más vendida de Taylor Jenkins Reid, un libro que superó los 24 millones de ejemplares en todo el mundo y se tradujo a 43 idiomas.

El camino hasta esta confirmación no fue directo. Según Variety y Deadline, la plataforma contó primero con Maggie Betts y luego con Leslye Headland —creadora de Russian Doll y The Acolyte— para dirigir el filme. Headland confirmó a Variety en 2025 que ya no formaba parte del proyecto, sin dar explicaciones adicionales. Ahora, con Kendrick al frente, la producción retoma su curso.

El guion fue escrito por Liz Tigelaar (Little Fires Everywhere) y actualmente atraviesa una revisión a cargo de Francesca Sloane, cuya filmografía incluye Mr. & Mrs. Smith, Atlanta, Fargo y la próxima tercera temporada de Big Little Lies. La propia Reid participa como productora ejecutiva junto a Margaret Chernin. La producción está en manos de Liza Chasin a través de 3Dot Productions, Brad Mendelsohn para Circle Management + Productions y David Hinojosa, productor de Babygirl y Past Lives.

El libro que se convirtió en fenómeno global

Publicada en 2017, Los siete maridos de Evelyn Hugo narra la entrevista que una joven periodista de nombre Monique Grant consigue con Evelyn Hugo, una estrella retirada de Hollywood que decide revelar los secretos de su vida, sus siete matrimonios y las verdades que mantuvo ocultas durante décadas. La trama combina el esplendor de la industria del entretenimiento con una historia de amor que desafió las convenciones de su época.

El libro tardó en despegar, pero cuando lo hizo, se convirtió en uno de los grandes fenómenos editoriales de la última década. Clubes de lectura como el de Good Morning America, el de Reese Witherspoon y el Book of the Month lo adoptaron como título central. En TikTok, el nombre de la autora acumula 783 millones de visualizaciones y el libro alcanza los 759 millones bajo el hashtag #BookTok, según datos recogidos por Deadline.

Taylor Jenkins Reid: de asistente de casting a autora de referencia

Taylor Jenkins Reid nació el 20 de diciembre de 1983 en Acton, Massachusetts, y creció en Los Ángeles, donde reside con su esposo, el guionista Alex Jenkins Reid, y su hija. Antes de dedicarse a la escritura, trabajó durante tres años como asistente de casting en la industria cinematográfica. En 2012 decidió volcarse a la ficción y completó en un mes el borrador de su primera novela, Por siempre, unidos, publicada en 2013.

Sus primeras dos obras tuvieron ventas modestas, pero el punto de inflexión llegó con Los siete maridos de Evelyn Hugo y, dos años después, con Todos quieren a Daisy Jones (2019). Cinco de sus ocho novelas anteriores a su más reciente trabajo, Atmosphere, figuraron en la lista de best-sellers del New York Times. Sus libros superaron los 21 millones de ejemplares vendidos y se tradujeron a 42 idiomas —cifra que siguió creciendo.

El perfil económico de su carrera ilustra la transformación del mercado editorial. Cuando vendió Los siete maridos de Evelyn Hugo, el adelanto que recibió se situó entre los 50.000 y los 99.000 dólares. Hoy, según versiones no confirmadas oficialmente, firmó un contrato de cinco libros por 8 millones de dólares cada uno. Celeste Fine, su agente literaria, describió la presión que enfrentan las autoras de su nivel en diálogo con la revista Time: “Es como si dijeran: ‘No solo pagamos por el libro, ahora poseemos una parte de ti como persona’”.

Del papel a la pantalla: un universo en expansión

La obra de Reid encontró eco en el ámbito audiovisual. Todos quieren a Daisy Jones se adaptó como serie limitada por Amazon Prime Video y obtuvo un Emmy en 2023. El regreso de Carrie Soto avanza hacia Netflix con Serena Williams como productora. Por siempre, unidos está en desarrollo con A24 y Netflix, con Laura Dern y Margaret Qualley como protagonistas y productoras ejecutivas. Malibú renace busca nuevo distribuidor tras su paso por Hulu.

Sobre la adaptación de Los siete maridos de Evelyn Hugo, Brad Mendelsohn señaló que el casting comenzará una vez que el guion esté terminado, dado el peso de las expectativas del público. Por ahora, el reparto no se anunció, aunque los seguidores de la novela llevan meses especulando en redes sociales con nombres como Ana de Armas, Eiza González, Sofia Vergara y Salma Hayek para el papel de Evelyn Hugo. González expresó que sería “un honor” interpretar a la protagonista; De Armas manifestó su deseo de unirse al proyecto. Para el rol de Celia St. James, Jessica Chastain fue sugerida por los fans, pero la actriz descartó la posibilidad al afirmar que hay “cero posibilidad” de que acepte el personaje.

Kendrick, directora en ascenso

Para Anna Kendrick, el proyecto representa su segunda colaboración con Netflix tras Woman of the Hour (2024), un thriller criminal basado en hechos reales que obtuvo un 91% de valoración positiva en Rotten Tomatoes y se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Kendrick interpretó en ese filme a una concursante de televisión que, sin saberlo, compartió escenario con un asesino en serie.

Además de la dirección de Los siete maridos de Evelyn Hugo, Kendrick mantiene su actividad como actriz: su aparición más reciente fue en Another Simple Favor (2025), y tiene pendiente el estreno de Misty Green, producida por A24, donde actúa junto a Chris Rock, y la comedia Babies.

La fecha de estreno de la adaptación aún no fue fijada.

Se trata de El inconveniente, la ópera prima de Bernabé Rico, una comedia apoyada en la convivencia forzada entre dos mujeres de generaciones opuestas que habla soledad, la vejez y el acceso a la vivienda a partir de la compra de un piso con usufructo vitalicio.

La película adapta la obra teatral 100 metros cuadrados, de Juan Carlos Rubio, inspirada en casos reales de venta de pisos en los que el comprador acepta que el propietario original siga viviendo en la casa hasta su muerte. Ese punto de partida se traduce en una historia sobre una septuagenaria que se resiste a la disciplina de la vida sana y una treintañera volcada en el control, el orden y la rigidez.

Encontrar una ganga inmobiliaria

El principal motor del relato será el choque entre una anciana excéntrica decidida a apurar el tiempo que le queda fumando y bebiendo, y una mujer joven, fría y ambiciosa que cree haber encontrado un chollo inmobiliario. La frase de guion “No hay nada malo en esperar a que la dueña del piso se muera. En desear que se muera, sí” resume el dilema moral que atraviesa la película.

Aunque el material de partida es fúnebre, la película lo convierte en materia cómica y lo usa para reflexionar sobre la importancia que se da a lo superfluo, la necesidad de expresar los sentimientos, la fidelidad, la seguridad y el peso de un pasado traumático.

El inconveniente bebe de fuentes clásicas como El pisito (1959), la película de Marco Ferreri escrita por Rafael Azcona, por la similitud del conflicto: conseguir una vivienda en buenas condiciones a precio reducido a cambio de no poder ocuparla hasta la muerte de la propietaria, que conserva el usufructo. Han pasado más de 60 años, pero la dificultad de acceso a una buena vivienda sigue vigente, igual que los subterfugios y los dilemas que genera.

También aparece otra referencia al cine español en la secuencia inicial, cuando el agente inmobiliario interpretado por Carlos Areces intenta convencer a la compradora de las bondades del piso. También se ‘emparenta’ con el universo de El inquilino (1957), de José Antonio Nieves Conde, y con la figura de José Luis López Vázquez.

Cómica a pesar de hablar de temas fúnebres

La diferencia está en el tono. Frente a la crueldad cómica de sus modelos, la película de Rico se describe como una comedia más blanca y más esperanzadora, incluso cuando introduce momentos que rozan la negrura, como la compra anticipada del ataúd, aunque en el tramo final incorpore un giro dramático.

Ese tono más amable no impide que el filme aborde cuestiones como el cabreo de hacerse mayor, la soledad en la vejez o la dificultad de sostener una coraza emocional. El encuentro entre dos personajes que en principio deberían rechazarse se convierte así en el centro del relato.

Si hay un elemento crucial es el trabajo de Kiti Mánver. A sus 67 años la actriz encontró uno de los papeles de su vida, con una interpretación expansiva en la comedia y en el drama, y su personaje de Lola concentra buena parte de la fuerza de la película.

El retrato de Mánver se apoya además en su trayectoria previa dentro del cine español, con mención especial a sus trabajos con Pedro Almodóvar y, en concreto, a ¿Qué he hecho yo para merecer esto? Siempre ha tenido una gran capacidad cómica, una enorme energía en pantalla y ha constituido una de una de las presencias más estimulantes del cine español.

Frente a ella, Juana Acosta funciona como contrapunto en un papel definido por el control. El resultado es un tándem sólido con ecos de una película clásica. Junto a ambas aparecen la vis cómica de Areces y la breve intervención de José Sacristán, de lo más conmovedora.

Netflix ha elegido a Anna Kendrick como directora de la adaptación cinematográfica de The Seven Husbands of Evelyn Hugo, la novela de Taylor Jenkins Reid publicada en 2017 y convertida en un éxito editorial internacional.

Con esta incorporación, el proyecto avanza en una nueva etapa de desarrollo después de varios cambios detrás de cámaras desde que la plataforma adquirió los derechos de la obra.

Antes de la llegada de Kendrick, las cineastas Maggie Betts y Leslye Headland estuvieron vinculadas a la producción en distintos momentos. Sin embargo, ambas abandonaron el proyecto por motivos que no han sido revelados públicamente.

La designación de una nueva directora representa un paso importante para una adaptación que ha experimentado diversos ajustes desde que Netflix obtuvo los derechos en 2022.

La historia de The Seven Husbands of Evelyn Hugo sigue a Evelyn Hugo, una legendaria estrella ficticia del Hollywood clásico que decide conceder una entrevista definitiva al final de su vida.

La protagonista, conocida por mantener su vida privada lejos del escrutinio público durante décadas, elige a una periodista poco conocida para contar por primera vez la historia completa de su carrera y de sus relaciones personales.

A través de este testimonio, la actriz revela detalles sobre sus siete matrimonios, así como diversos episodios relacionados con la industria del entretenimiento, incluyendo conflictos, traiciones, escándalos y decisiones que marcaron su trayectoria profesional y personal.

La novela se convirtió en un fenómeno editorial tras su publicación y acumuló una amplia base de seguidores en distintas partes del mundo.

Hasta el momento, Netflix no ha anunciado qué actriz interpretará a Evelyn Hugo ni quiénes integrarán el resto del elenco.

Durante los últimos años, algunos seguidores de la novela manifestaron su interés en que Jessica Chastain asumiera el papel principal debido a ciertas características físicas compartidas con el personaje. Sin embargo, la artista declaró anteriormente que no existe posibilidad de que participe en la producción.

En cuanto al desarrollo del guion, la primera versión fue escrita por Liz Tigelaar, reconocida por su trabajo en producciones como Tiny Beautiful Things y Little Fires Everywhere.

Actualmente, el libreto está siendo revisado por Francesca Sloane, quien ha trabajado en series como Mr. & Mrs. Smith, Atlanta, Fargo y la tercera temporada de Big Little Lies.

La adaptación contará además con la participación directa de Taylor Jenkins Reid como productora ejecutiva. La autora trabajará junto a Margaret Chernin en esta función. La producción estará a cargo de Liza Chasin, en representación de 3Dot Productions, y de Brad Mendelsohn, de Circle Management + Productions.

Para Anna Kendrick, la dirección de The Seven Husbands of Evelyn Hugo supone un nuevo paso en una faceta profesional que comenzó recientemente.

Aunque es ampliamente conocida por su trabajo como actriz en franquicias como Pitch Perfect y la saga Twilight, Kendrick debutó como directora con Woman of the Hour.

The Seven Husbands of Evelyn Hugo representa la segunda adaptación audiovisual importante basada en una obra de Reid. La primera fue la miniserie Daisy Jones & the Six, estrenada por Amazon en 2023.

La producción estuvo inspirada en la novela homónima de la escritora, cuya historia toma elementos de la trayectoria de la banda Fleetwood Mac durante la grabación del álbum Rumours.

Netflix confirmó título, reparto y fechas para la adaptación de las Crónicas de Narnia que dirige Greta Gerwig: la película se llamará Narnia: The Magician’s Nephew y llegará a los cines el 12 de febrero de 2027, según informó People.

Fechas de estreno, título oficial y estrategia de lanzamiento

El mundo mágico creado por C.S. Lewis tendrá primero un pase exclusivo en formato IMAX el diez de febrero de 2027, como anticipo, antes del lanzamiento general en salas el doce de febrero del mismo año. Quienes prefieran verla desde casa deberán esperar hasta el dos de abril de 2027, cuando la cinta llegue al catálogo de Netflix.

El título escogido, Narnia: The Magician’s Nephew, señala cuál de los siete libros de la serie servirá de base para la historia. Se trata de la novela que Lewis publicó el 2 de mayo de 1955 —la sexta en aparecer dentro de la saga— y que narra la creación del mundo de Narnia por parte del león Aslan, en un relato ambientado mil años antes de los eventos de El León, la Bruja y el Armario.

La decisión de abrir la película en cines antes de subirla a la plataforma representa un punto de inflexión para Netflix. La compañía, que históricamente ha privilegiado el lanzamiento directo en streaming, apuesta esta vez por una ventana teatral de casi dos meses —del 12 de febrero al dos de abril de 2027— para una de sus producciones más ambiciosas.

El pase previo en IMAX el 10 de febrero refuerza esa apuesta por la gran pantalla: el formato está reservado habitualmente para títulos de alto impacto visual y taquillero, lo que sitúa a Narnia: The Magician’s Nephew en una categoría donde Netflix rara vez ha colocado producciones propias.

Meryl Streep, Daniel Craig y un elenco estelar

Meryl Streep, Daniel Craig, Carey Mulligan, Emma Mackey y Denise Gough encabezan el elenco principal, junto con Ciarán Hinds, Susan Wokoma, David McKenna, Beatrice Campbell y Kobna Holdbrook-Smith, según confirmó la revista de entretenimiento People.

Greta Gerwig figura en los créditos como escritora, directora y productora. Miembros de la institución responsable del legado literario de C.S. Lewis también participan como productores, lo que subraya el vínculo directo entre la familia del autor y esta nueva adaptación.

La franquicia anterior, producida por Disney, solo llevó a la pantalla tres de los siete libros de la serie: El León, la Bruja y el Armario; El Príncipe Caspian; y La Travesía del Viajero del Alba.

Greta Gerwig y su vínculo personal con Narnia

La directora de Barbie tenía 42 años cuando compartió su declaración sobre el proyecto. “Fui una niña cuando leí por primera vez The Magician’s Nephew, y me enamoré del concepto de un león cósmico que canta el mundo de Narnia a la vida“, escribió Gerwig en un comunicado.

“No sabía que crecería para hacer películas, pero un universo construido a partir de la música es una idea que siempre vivió en mi corazón", añadió. “Es el honor de toda una vida que me hayan pedido imaginarlo”.

“Gracias a Las Crónicas de Narnia de C.S. Lewis, creí en la magia, en los mundos ocultos y en la aventura. Creí que cualquier lugar podía estar encantado y que cualquier persona podía verse arrastrada hacia una epopeya", destacó.

La música como protagonista y el aporte de Andrew Wyatt y Mark Ronson

La música tendrá un peso específico en la producción. Andrew Wyatt, quien coescribe la banda sonora junto a Mark Ronson, adelantó a People en diciembre de 2025 que el desarrollo estaba en una etapa “muy, muy temprana”. “Creo que mucha gente va a estar contenta, creo que la gente realmente lo va a disfrutar”, dijo el músico de 54 años.

Esa promesa cobra sentido en el marco de la propia visión de Gerwig: la directora describió The Magician’s Nephew como “un universo construido a partir de la música”, en referencia directa al pasaje del libro en que Aslan canta Narnia a la existencia. Para Wyatt, la propuesta de Gerwig será, en sus palabras, “diferente” a cualquier versión anterior: “Conozco la historia y la amo. Y Greta, por supuesto, lo hará a su manera”.

Olvidar la sesión abierta de Netflix en un televisor ajeno puede poner en riesgo tu privacidad y facilitar el acceso no autorizado a tu cuenta. La plataforma permite a los usuarios iniciar sesión en una amplia variedad de smart TVs, dispositivos de streaming y consolas, lo que resulta cómodo, pero puede generar problemas si olvidas cerrar sesión en un hotel, la casa de un amigo o un alojamiento temporal.

Aquí te contamos cómo identificar en qué dispositivos tu cuenta sigue activa y los pasos para cerrar sesión desde el propio televisor o de manera remota.

Por qué es importante cerrar la sesión de Netflix en dispositivos ajenos

Dejar tu cuenta de Netflix abierta en un televisor fuera de tu domicilio puede permitir que otras personas accedan a tu historial de visualización, modifiquen configuraciones o incluso cambien tu perfil sin consentimiento. Además, cualquier actividad inusual podría ser interpretada por la plataforma como un riesgo de seguridad, lo que podría afectar el acceso a tu cuenta.

Cerrar la sesión en dispositivos desconocidos o que ya no usas es fundamental para proteger tus datos personales y evitar usos indebidos. Si has iniciado sesión en un lugar público o compartido, el primer paso recomendable es asegurarse de cerrar la sesión correctamente antes de irte.

Cómo ver qué dispositivos tienen la sesión de Netflix abierta

Netflix ofrece una herramienta específica para revisar los dispositivos que han accedido a tu cuenta y han tenido actividad reciente. Para consultarla, debes ingresar a la sección Administrar acceso y dispositivos desde un navegador web o la app móvil.

En esta página podrás ver una lista de los dispositivos con actividad de streaming reciente en tu cuenta. Se muestra información relevante como el tipo de dispositivo, el último perfil utilizado para hacer streaming y la fecha y hora de la última visualización.

Es importante tener en cuenta que los dispositivos pueden tardar hasta 48 horas en aparecer en la lista. Además, no se mostrarán aquellos que no hayan estado activos en los últimos 90 días, los que solo se utilizaron para juegos de Netflix o los que accedieron solo a servicios como Tudum.

Cómo cerrar la sesión de Netflix directamente desde el televisor

Para cerrar sesión en tu cuenta de Netflix desde un smart TV, sigue estos pasos sencillos:

1. Enciende el televisor y abre la aplicación de Netflix. Usa el control remoto para acceder al menú principal.
2. Busca el ícono de configuración, generalmente representado por un engranaje, o navega hasta el perfil en la esquina superior izquierda.
3. Selecciona la opción Cerrar sesión o Obtener ayuda y después elige Cerrar sesión.
4. Confirma la acción cuando aparezca la ventana emergente. En pocos segundos, la aplicación te regresará a la pantalla de inicio de sesión.

Si otra persona desea utilizar su cuenta, solo debe ingresar su correo electrónico y contraseña. Si quieres reforzar la seguridad, repite el proceso en todos los dispositivos donde hayas iniciado sesión y que ya no uses.

Qué hacer si no puedes cerrar la sesión de Netflix desde el televisor

En algunos casos, podrías no tener acceso físico al televisor o encontrar dificultades técnicas para cerrar sesión desde la propia app. Las causas pueden incluir errores temporales, fallos de la aplicación o simplemente que ya no estés en el lugar donde iniciaste sesión.

En estas situaciones, tienes varias alternativas:

• Reinicia la aplicación de Netflix en el televisor.
• Desinstala y vuelve a instalar la app si el televisor lo permite; esto suele forzar el cierre de sesión.
• Si nada de esto funciona o no tienes acceso físico al equipo, utiliza las opciones de cierre de sesión remoto desde la web.

Cómo cerrar la sesión de Netflix en todos los dispositivos

Si olvidaste cerrar sesión en un televisor ajeno o simplemente quieres asegurarte de que nadie más tenga acceso a tu cuenta, puedes optar por cerrar sesión en todos los dispositivos conectados a tu cuenta al mismo tiempo. El procedimiento es el siguiente:

1. Accede a Netflix.com y entra en tu perfil.
2. Ingresa en la sección Cuenta.
3. Dirígete a Administrar acceso y dispositivos.
4. Selecciona Cerrar sesión en todos los dispositivos al final de la página.
5. Confirma la acción para completar el proceso.

Esto desconectará automáticamente tu cuenta de todos los equipos donde haya sido utilizada, incluyendo teléfonos, tabletas, TVs, consolas de videojuegos y navegadores. Deberás volver a iniciar sesión solo en los dispositivos que deseas seguir usando.

En caso de sospecha de uso no autorizado, se recomienda cambiar tu contraseña por una combinación robusta de letras mayúsculas, minúsculas, números y símbolos especiales. Así, quienes hayan tenido acceso antes no podrán volver a ingresar sin tu autorización.

Desde su estreno en Netflix y su posterior triunfo en los premios de la Academia, la película animada Las Guerreras K-pop se ha consolidado un fenómeno cultural masivo. La vibrante historia de las cazadoras de demonios y su enfrentamiento contra la peligrosa banda rival, los Saja Boys, ha capturado la atención de millones de seguidores.

En este contexto, en la actualidad, las herramientas de inteligencia artificial generativa, como Gemini, permiten que cualquier entusiasta de la animación pueda recrear en poco tiempo una imagen de su película favorita adaptada a otros universos de la ficción como el anime One Piece.

Cómo lucen los Saja Boys en el universo de One Piece

Al trasladar a los Saja Boys al universo visual del anime One Piece, la inteligencia artificial transforma dráticamente sus rasgos y expresiones.

El estilo gráfico de Eiichiro Oda se caracteriza por líneas de contorno marcadas, sombreado definido y gestos muy expresivos. Esto sustituye el modelado suave y los tonos pastel propios de la franquicia original por una imagen más dinámica y caricaturesca, característica del manga y el anime de piratas.

Mientras las poses originales de los idols suelen ser estáticas y cuidadosamente compuestas, en el nuevo formato se utilizan posturas más enérgicas y expresivas, propias de aventureros. Sin embargo, la IA mantiene elementos reconocibles del grupo, como los colores de cabello llamativos (púrpura, turquesa, rosa) y accesorios distintivos.

El vestuario se adapta, pasando de la alta costura coreana a prendas inspiradas en la vida marítima: camisas abiertas, chalecos desgastados, pantalones de mezclilla y sombreros de paja o lana.

En que cambió el mundo donde están inmersos los Saja Boys

La recreación va más allá del aspecto físico de los personajes. El espacio se adapta para reflejar el ambiente pirata. Los letreros de neón que identifican a la agrupación se rediseñan como carteles de madera decorados con la clásica calavera y huesos cruzados.

El fondo urbano de Seúl se reemplaza por escenarios típicos de una isla portuaria: calles de piedra, tabernas y barcos de madera atracados. La inteligencia artificial añade elementos como cañones, cuerdas, barriles y banderas piratas, reforzando la ambientación.

Los Saja Boys asumen nuevos roles dentro de una tripulación, con algunos integrantes saltando o posando sobre cofres, mientras otros sostienen guitarras, uniendo el concepto musical con el espíritu aventurero del universo creado por Oda.

Qué prompts se sugieren para generar la recreación con IA

Para obtener imágenes fieles tanto a la estética de One Piece como a la identidad de los Saja Boys, es útil construir descripciones detalladas para la IA. Una instrucción efectiva en inglés podría ser:

“Toma grupal de anime en el estilo artístico distintivo de One Piece de Eiichiro Oda. Cinco idols masculinos jóvenes de K-pop inspirados en los Saja Boys, con colores de cabello vibrantes como rosa, turquesa, púrpura y negro. Están posando de forma dinámica sobre un barco pirata y en una plaza de un antiguo pueblo costero”.

Se puede agregar: “El líder, en el centro, sonríe ampliamente y salta en el aire. Al fondo, aparece un letrero rústico de madera con una calavera pirata (Jolly Roger) y la leyenda ‘Seoul’s New Era’. El estilo de animación es brillante, colorido, con contornos marcados y llevan ropa casual de inspiración pirata. Es un día soleado”.

Cuáles aspectos técnicos considerar al generar imágenes con IA

Durante la creación de estas imágenes, es fundamental especificar ciertos detalles técnicos. El estilo de One Piece utiliza proporciones anatómicas estilizadas, a veces desproporcionadas, lo que difiere del diseño simétrico y pulido de los Saja Boys.

En este sentido, al indicar a la IA el uso de líneas negras gruesas y expresiones faciales muy marcadas, se consigue una integración más convincente.

Asimismo, la gestión del color influye en el resultado. Mientras la película de Las Guerreras K-pop usa una paleta de tonos pastel y colores brillantes, One Piece recurre a colores primarios intensos y texturas naturales, como madera y agua.

Alexis Arroyo duda que el éxito de Netflix haya abierto más espacios para las personas con discapacidad en cine y series, pese a la proyección internacional que obtuvo con “Ojitos de Huevo”; por eso, el comediante mexicano dice que ahora se concentra en reinventar su espectáculo de stand up con un formato sin filtros ni censura.

Arroyo afirmó en una entrevista reciente que, tras la serie, esperaba más oportunidades laborales para actores y creadores con discapacidad, pero eso no ocurrió. Según sus declaraciones, ha hecho “un par de cosas” y “una que otra película”, aunque su apuesta principal sigue en la comedia en vivo.

“Yo creo que los escenarios son de los espacios más incluyentes porque puedes ser tú mismo, pero falta mucho todavía, pensamos que después de la serie de ‘Ojitos de huevo’ iba a haber más espacios para personas con discapacidad en películas o en series, pero todavía no pasa”, dijo el comediante en esa entrevista.

La respuesta central que plantea Arroyo es directa: el reconocimiento de una producción exitosa no se traduce automáticamente en inclusión laboral para las personas con discapacidad. En su caso, el alcance de “Ojitos de Huevo” no derivó en la apertura de los espacios que imaginó después del estreno.

Arroyo apuesta por una comedia sin corrección política

Sobre su nueva etapa, Ojitos de Huevo explicó que se enfoca en “reinventarme”. Detalló que su show actual prescinde de filtros y corrección política, y que se apoya en improvisación, imitación y cabareteo.

“He hecho un par de cosas, una que otra película, pero estoy más enfocado en mi comedia, en reinventarme. Es lo que yo hago, si se sienten incómodos, ni modo, la corrección política nunca la ha llevado nadie y mi show es todo menos políticamente correcto, hay mucha improvisación, imitación, cabareteo, es una comedia muy completa”, dijo Arroyo.

Ese espectáculo reciente toma como materia prima su propia vida. En escena hace escarnio de sus experiencias personales, entre ellas la paternidad.

Alexis Renato Arroyo Mendoza nació el 4 de febrero de 1993 en Querétaro. Es comediante, escritor y activista, y desde joven mostró interés por el humor con referentes como Polo Polo y Adal Ramones.

Su entrada al stand up ocurrió de forma accidental: acompañó a un amigo DJ a un bar, subió al escenario y ese momento marcó el arranque de su carrera en la comedia.

La serie lo volvió una figura nacional, pero no eliminó la segregación

Arroyo vive con discapacidad visual desde nacimiento y convirtió esa condición en un eje de su rutina. Su estilo recurre a la ironía y a la autorreferencia para hablar de sus experiencias personales y cuestionar los estigmas sobre la discapacidad en México.

En 2015 participó en Comedy Central y en 2017 ganó el concurso “Stand Wars” de Telehit. Esos trabajos le permitieron consolidarse en el medio.

Su popularidad creció a nivel nacional con la serie “Ojitos de Huevo” en Netflix, donde interpreta a un joven ciego que busca triunfar en la comedia en la Ciudad de México. La historia también sigue a su amigo y mánager con parálisis cerebral, mientras ambos enfrentan prejuicios y obstáculos personales.

El documental en Netflix repasa desde los inicios de Kylie Minogue sin contrato discográfico hasta los logros más destacados de su carrera. La artista reveló la presión mediática, sus temores y la complejidad de mantener la libertad creativa. Además, explicó cómo la insistencia sobre el significado de su legado pop la cansa, en contraste con la satisfacción de reinventarse y conectar con el público.

La cantante manifestó que, pese al paso del tiempo, su pasión artística permanece intacta: “Amo la música, amo la interpretación. Si no tuviera un escenario, volvería locos a todos a mi alrededor”.

Asimismo, describió su carrera como una construcción constante junto a sus fans y añadió: “La historia se forma con los seguidores, con el público. No creo que haya cambiado mucho; solo duró más tiempo”.

La pregunta que más detesta

Al abordar su experiencia con las entrevistas, Minogue confesó qué pregunta le resulta más incómoda: “Probablemente: ‘¿Cuál es tu canción favorita?’ o ‘¿Qué canción significa más para ti?’. Siempre elijo la canción en ese instante”, relató la artista.

En ese sentido, reiteró que la repetición de la misma cuestión llega a fastidiarla: “Me molesta tener que repetirlo, porque me gusta ser más ágil que eso, aunque a veces tengo que hacerlo. Lo acepto y sigo adelante”.

Aunque la pregunta sobre su repertorio persiste, Minogue aseguró que no hay un solo tema prioritario y valoró que piezas menos populares, como “Impossible Princess”, hayan conectado con quienes la siguen desde hace tiempo. “Lo importante es que los fans realmente escucharon mi voz cuando estaban pasando cosas”, subrayó, reafirmando su conexión emocional con el público.

El precio de la fama y el legado pop

Cuestionada por el llamado “precio de la fama”, Minogue reflexionó sobre el peso de su legado. Reconoció que no suele pensar mucho en el significado de su trayectoria, pero la mención de su “legado pop” la conmueve. “Es asombroso pensar que pasé de tener solo una maqueta de ‘Locomotion’ y ningún contrato, a dedicar mi vida a esto y lograr músicas y momentos que significan algo para la gente”, afirmó.

Para Kylie Minogue, esa conexión es casi mágica. “Esa es la parte cósmica: sé cómo funciona todo lo práctico, pero siempre hay algo más, que es la magia, cuando escuchas la canción o vas a un concierto”, indicó. Considera que esa “magia” transforma la música en una experiencia compartida y da sentido a su actividad artística.

La artista rechazó la idea de que su recorrido consista en una serie de logros convertidos en testamento, y prefiere pensar en una suma de instantes al lado de los demás. “No pienso demasiado en mi legado, pero impresiona imaginar que algún día estaría hablando de eso en la música”, reconoció.

Moda y libertad escénica

El documental y la entrevista también destacan la creatividad escénica y los vestuarios característicos de Minogue, según dijo a Hits Radio. “La vida tiene sentido para mí sobre el escenario”, afirmó la cantante, reiterando que su plenitud se alcanza actuando frente al público.

“Odio sentirme encasillada”, agregó, poniendo de relieve su decisión de renovarse en lo musical y en la imagen. Entre risas, recordó su “primer vestuario de showgirl de Galliano”, famoso por su dificultad: “Era increíblemente complicado de llevar, con plumas azules y blancas. Tenías que mantener la cabeza inmóvil”.

Y admitió que volvería a ponerse ese atuendo solo por revivir la emoción de aquellos primeros momentos en el escenario.

Para Kylie Minogue, la moda es una extensión de su expresividad y su libertad. “Los imitadores con versiones de mis atuendos me fascinan, incluso cuando no son de alta costura”, celebró, convencida de que el ingenio y la creatividad resuelven cualquier desafío. “La necesidad es la madre de la invención. Solo hay que hacerlo funcionar”, concluyó.

Trato con la prensa y desafíos para mujeres en la industria

Uno de los temas abordados con Hits Radio fue el trato de Minogue con la prensa y la amabilidad como base de su comportamiento público. La cantante subrayó la importancia de mantener una “apertura hacia lo mejor de las personas”, aunque admitió que esa actitud puede generarle conflictos. “Eso me causó problemas algunas veces. Mi esperanza siempre es ver el potencial de los demás, pero en otros aspectos, mi actitud predeterminada es más defensiva”, señaló.

La australiana rechazó el apodo de “periquito cantante” y recordó con desagrado esa etapa: “Fue terrible”. Sobre el trato a las mujeres jóvenes y talentosas en el mundo del espectáculo, Minogue sostuvo que existieron “avances”. “Creo que hoy no sería tolerado, al menos en los ambientes visibles donde me muevo, aunque entiendo que en otros sitios todavía falta mucho para que eso cambie”, sentenció.

 Madrid, 30 jun (EFE).- Junio arranca con algunos de los platos fuertes más potentes del año en el mundo de las plataformas de streaming gracias a la esperadísima adaptación televisiva de “El cabo del miedo” con Javier Bardem y Amy Adams, el regreso de “La Casa del Dragón” y el adiós a “The Bear”, en un mes en el que se suma la docuserie “La más grande” sobre Rocío Jurado.

'El cabo del miedo' (Apple TV+, 5 junio)

Robert Mitchum, Robert De Niro y ahora Javier Bardem han sido los actores que han dado vida a Max Cady, un criminal que tras salir de prisión buscará venganza en este clásico que ahora llega a la ‘pequeña’ pantalla. Amy Adams y Patrick Wilson completan un elenco estelar en la que se espera sea una de las series del año.

'Dear England' (Movistar Plus+, 5 junio)

La adaptación de la obra teatral de James Graham aborda las históricas décadas de derrotas de la selección de fútbol de Inglaterra. Joseph Fiennes se mete en la piel de Gareth Southgate, exseleccionador inglés y subcampeón de la Eurocopa en 2020 y 2024.

'El Inmortal' (Movistar Plus+, 11 junio)

Temporada final del drama familiar que cierra la historia de la banda criminal con un reparto encabezado por Alejandro García y Teresa Riott. Junto a ellos Marcel Borrás, Iván Massagué, María Hervás y Jon Kortajarena, a los que se incorporan Carlos Scholz, Pablo Molinero y Gala Bichir, entre otros.

'Te encontraré' (Netflix, 18 junio)

Sam Worthington interpreta a un padre inocente que cumple cadena perpetua en prisión por el presunto asesinato de su hijo. Ciertos indicios de que éste podría seguir vivo cambian las tornas transformando la acción en una búsqueda desesperada. Misterio, thriller y primeras espadas en una serie que se antoja trepidante.

'La Casa del Dragón' (HBO Max, 22 junio)

Tercera temporada de la precuela de 'Juego de tronos' con el foco puesto en los Targaryen que, como era de esperar, arrancan con una serie de dolorosas muertes mientras el Consejo Negro reclama su lugar en el Trono de Hierro.

'La más grande' (Movistar Plus+, 25 junio)

Coincidiendo con los veinte años del fallecimiento de Rocío Jurado, llega su vida en formato docuserie dirigida por Alexis Morante. El retrato definitivo de una artista que rompió los estereotipos para convertirse en un icono moderno, libre, feminista y transgresor.

'The Bear' (Disney+, 26 junio)

Para el final, una de las esperadas y laureadas. La serie de Christopher Storer llega a su quinta y última temporada con el estreno de sus dos últimos episodios. Carmy (Jeremy Allen White) deja el restaurante en manos de Sydney (Ayo Edebiri), Richie (Ebon Moss-Bachrach) y Natalie (Abby Elliott) que lucharán por conseguir su ansiada estrella michelin. EFE

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Netflix apuesta nuevamente por los dramas familiares históricos con el reinicio de La familia Ingalls, una producción de CBS Studios junto a Anonymous Content, bajo la dirección de Rebecca Sonnenshine. A seis semanas de su estreno mundial, se confirmó que Willa Dunn interpretará a Nellie Oleson en la segunda temporada, asumiendo el papel de la antagonista que dejó huella en la infancia de generaciones a través de la serie original de NBC. Dunn, conocida por su participación en Only Murders in the Building, compartirá elenco con Alice Halsey como Laura Ingalls, Luke Bracey como Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como Mary Ingalls, entre otros.

Selección de elenco y nuevas perspectivas

Netflix decidió comenzar el proceso de selección de actores para la segunda temporada incluso antes del lanzamiento de la primera, lo que refleja su confianza en la serie. La incorporación de Willa Dunn, actriz con experiencia en títulos como The Runarounds y Poker Face, responde al objetivo de actualizar el clásico y llegar a nuevos públicos. El personaje de Nellie Oleson, definido oficialmente como una niña consentida y astuta que busca molestar a Laura, será presentado desde una perspectiva más compleja y actual.

Según la producción, Nellie será mucho más que la simple antagonista; detrás de su actitud rígida se esconderán vulnerabilidad y un marcado deseo de pertenencia. Esta nueva aproximación pretende otorgar una moralidad ambigua a un personaje tradicionalmente presentado de forma maniquea y convertirla en un reflejo de los conflictos humanos que afectan también a los jóvenes contemporáneos.

En la serie original, emitida entre 1974 y 1983, Alison Arngrim interpretó a Nellie durante siete temporadas, consolidando un arquetipo de antagonista infantil en la televisión. Para Willa Dunn, el reto será adaptar ese legado a un contexto donde la empatía y la complejidad emocional resultan fundamentales para el éxito de las historias juveniles en plataformas de streaming.

Más allá de la nostalgia en el reinicio

La familia Ingalls, inspirada en los libros autobiográficos de Laura Ingalls Wilder, ha vendido más de 73 millones de ejemplares desde la década de 1930 y fue adaptada como serie para NBC. Su vigencia cultural continúa: según datos de Nielsen, la versión original registró más de 13.000 millones de minutos de visualización a nivel mundial solo en 2026.

Netflix, al renovar la serie para una segunda temporada antes incluso de su estreno, confirma una fuerte demanda de contenidos que transmitan valores familiares y aporten una sensación de calidez, particularmente en períodos de incertidumbre. La perspectiva de la guionista principal, Rebecca Sonnenshine, combina drama familiar, historias de supervivencia y una visión humana sobre la vida en el Oeste estadounidense, con la intención de atraer tanto a espectadores nostálgicos como a nuevas audiencias.

El reparto elegido para esta nueva versión incluye actores de renombre que suman diversidad y experiencia. Jocko Sims, Warren Christie, Meegwun Fairbrother y Alyssa Wapanatǎhk completan el elenco principal, ofreciendo matices que diferencian esta interpretación de la original. La producción se realizó íntegramente en Winnipeg, Canadá, entre junio y octubre de 2025, lo que permitió recrear fielmente la atmósfera rural y el sentido de comunidad que caracteriza a la franquicia. La primera temporada constará de ocho episodios y Rebecca Sonnenshine, inspirada desde niña por los libros, ha declarado su deseo de mostrar historias de resiliencia y esperanza para una audiencia internacional.

Impacto cultural y expectativas en torno al regreso

La casa de la pradera no solo genera grandes expectativas, sino también un notable impacto cultural en diferentes generaciones. Quienes crecieron con la serie original ven en esta nueva versión una oportunidad para que sus hijos o nietos conozcan los valores y dilemas que marcaron la saga. Paralelamente, el enfoque en la historia y la psicología de Nellie Oleson responde a una tendencia actual de representar a los antagonistas de manera más humana, reflejando la complejidad social contemporánea.

La decisión de Netflix de anunciar la renovación anticipadamente busca sacar provecho de la nostalgia y garantizar contenidos apropiados para toda la familia, en un contexto de creciente fragmentación de audiencias y predominio de géneros más oscuros en las plataformas digitales.

La participación de Willa Dunn suscita expectativa tanto en seguidores de la cultura pop como en críticos, principalmente por la nueva interpretación de Nellie y por la experiencia de Dunn en papeles complejos. El anuncio ha sido ampliamente cubierto por medios especializados, destacando el equilibrio que busca la serie entre el respeto por el material original y las renovaciones necesarias para responder a las inquietudes de la actualidad.

Por su parte, la prensa estadounidense ha resaltado la calidad narrativa proporcionada por el equipo de Rebecca Sonnenshine y la apuesta de Netflix por producciones reconfortantes con raíces en el corazón de América. Con su estreno mundial previsto para el verano boreal, la franquicia La casa de la pradera confirma su vigencia y su capacidad para adaptarse a los nuevos desafíos del entretenimiento digital.

La carrera de Rafael Nadal ha estado marcada por gestas deportivas y momentos épicos, pero también por una batalla silenciosa y constante. Durante 20 años, el ex tenista español convivió con un dolor que nunca fue visible para el público.

En su documental de Netflix, que se estrenó este viernes 29 de mayo, el nacido en Mallorca revela la dimensión real de la afección que condicionó cada paso en las canchas: el síndrome de Müller-Weiss, una enfermedad rara que deforma el pie y desafía la resistencia física y mental de quien la padece.

El ganador de 22 Grand Slam, que cumplirá sus 40 años el próximo miércoles, expone en su documental llamado “Rafa” el impacto de esta patología en su trayectoria con una contundente frase dirigida a Toni Nadal, su tío y ex entrenador: “Lo siento, pero no puedo más. Estaba continuamente con dolor”.

Qué es el síndrome de Müller-Weiss y cómo afecta el pie

El síndrome de Müller-Weiss es una enfermedad degenerativa y crónica que afecta al hueso escafoides tarsiano, situado en la parte media del pie. De acuerdo con la Sociedad Española de Radiología Médica (SERAM), se desarrolla en la infancia pero suele manifestarse en la adultez. La alteración consiste en una displasia del escafoides que degenera progresivamente y produce deformidad, dolor agudo y crónico, e incluso necrosis del hueso por falta de irrigación sanguínea.

El escafoides tarsiano es clave en la biomecánica del pie, ya que distribuye las cargas del cuerpo y brinda estabilidad a la pisada. Cuando la enfermedad avanza, la estructura colapsa, lo que genera un bulto prominente y dificulta la función de caminar o realizar deportes de alto impacto. El dolor puede extenderse a las rodillas, caderas y columna, debido a las compensaciones biomecánicas.

El diagnóstico de Rafael Nadal llegó en 2005, tras conquistar su primer Roland Garros. A sus 19 años, el mallorquín recibió la noticia de que padecía osteocondritis del escafoides tarsiano. Desde ese momento, la convivencia con el dolor se volvió parte de su rutina. Fue la lesión más condicionante de toda su trayectoria ya que se trata de un hueso clave para la estabilidad y para repartir cargas.

El español habló públicamente por primera vez sobre su afección en junio de 2022, durante una rueda de prensa en París tras ganar su 14º título de Roland Garros. Durante años, evitó mostrar la lesión para no desviar la atención de sus logros. Solo ahora, en el documental, exhibe la imagen de su pie izquierdo, donde destaca una deformación notoria: un impactante y prominente bulto que sobresale en la zona de su tobillo y pie izquierdo.

Tratamientos, adaptaciones y secuelas físicas

Para soportar el dolor y prolongar su carrera, Nadal recurrió a múltiples estrategias. Utilizó zapatillas adaptadas, plantillas ortopédicas diseñadas específicamente para su pie, infiltraciones de analgésicos y ácido hialurónico. En ocasiones, como en Roland Garros 2022, compitió con el pie completamente anestesiado.

El consumo prolongado de antiinflamatorios trajo consigo otras complicaciones, como perforaciones intestinales. Las adaptaciones biomecánicas necesarias para mitigar el dolor derivaron en lesiones en otras partes del cuerpo: rodillas, espalda, cadera. Pueden aparecer dolores articulares limitantes en las articulaciones del pie, rodilla, cadera de ambos lados y dolor por compensación en zona lumbar y columna vertebral.

La lucha contra el dolor crónico y la enfermedad degenerativa no solo dejó marcas físicas. El desgaste emocional fue constante. Una de las frases del propio Nadal en el documental impactaron a sus espectadores: “Yo no soy un ganador. Soy un competidor”. El deportista reconoce que la motivación para seguir luchando fue clave: “Lo que siempre me ha motivado son la ganas de seguir luchando”.

La exposición pública de su lesión, a través del documental, visibiliza una realidad que permaneció oculta mientras no se cansaba de levantar trofeos. El síndrome de Müller-Weiss no solo condicionó su tenis, sino que también precipitó su retirada definitiva en 2024. La huella de la enfermedad queda registrada no solo en los títulos, sino en la imagen de un pie marcado por el esfuerzo.

Diego Luna, protagonista de México 86, reaccionó a las críticas del exfutbolista Hugo Sánchez contra la película basada en la segunda Copa del Mundo realizada en el país, por representarlo sin su consentimiento.

El largometraje tuvo una exhibición limitada en salas de la CDMX previo a su estreno, previsto para el 5 de junio en Netflix. Durante un evento organizado por la cadena deportiva ESPN, “El Macho” expresó su molestia por su representación.

“Ya vi algunos cortos y ni soy yo, ni he dicho ni hecho todo lo que va a hacer; son suposiciones, imaginaciones y muchas mentiras”, expresó.

Diego Luna sobre dichos de Hugo Sánchez: “No es un documental”

Durante la presentación oficial del filme, Luna abordó la controversia ante varios medios. El actor, quien también produce el proyecto, subrayó que México 86 no pretende ser una versión fiel de los hechos.

“No es un documental. La película empieza diciendo que algunas de estas cosas son ciertas. Lo que pasa es que lo que sí sabemos es que él estaba en esa selección, como todos los demás, que Bora era el director técnico. Y claro, está ficcionalizada la historia y eso queda claro. No hay ningún interés porque Memo (Villegas) sea una calca de Hugo”, explicó.

En ese sentido, destacó al exfutbolista como una leyenda, por lo que espera que la película no genere discordia entre ambos, quienes comparten su amor por los Pumas de la UNAM.

“Yo espero que esta película no nos enemiste con nadie, porque al final es es un homenaje a lo que hicieron. Esa selección ha sido, bueno, para mí, es la que me sembró el fútbol, la que me volvió aficionado”.

‘México 86′: elenco y sinopsis

Dirigida por Gabriel Ripstein y producida por Diego Luna, la historia se sitúa en el contexto político y mediático de los años 80, con personajes inspirados en figuras clave del futbol y la televisión mexicana, como Emilio Azcárraga Milmo y Hugo Sánchez.

Según la sinopsis oficial, la película explora “el ingenio, la improvisación y la picardía” que permitieron a México obtener la sede del torneo internacional por segunda vez en su historia.

El guion, escrito por Gabriel Ripstein y Daniel Krauze, apuesta por una narrativa mordaz sobre las relaciones entre el poder político, los medios de comunicación y el futbol.

El elenco principal lo encabeza Diego Luna, también productor ejecutivo, junto a Karla Souza, Daniel Giménez Cacho, Álvaro Guerrero, Diana Sedano, Davor Tonnie y Memo Villegas (como Hugo Sánchez).

La producción general está a cargo de Gaumont USA y destaca por su recreación estética de los años 80 y el retrato de un momento clave en la historia deportiva y política de México.

Keanu Reeves envió una carta a un tribunal de Estados Unidos para pedir “clemencia” hacia el director Carl Erik Rinsch, condenado por defraudar a Netflix por 11 millones de dólares.

“Escribo en apoyo de Carl Rinsch con motivo de su próxima sentencia. No conozco los detalles de este caso", señaló el actor de 61 años en una carta dirigida al juez a comienzos de mayo, según documentos judiciales difundidos el 28 de mayo.

“Pero basándome en lo que sí sé sobre Carl, quise aprovechar la oportunidad para escribir en su nombre, con la esperanza de que su condena pueda estar atemperada por medidas de indulgencia y clemencia, además de justicia”.

El actor explicó que conoce a Rinsch, de 50 años, desde hace “aproximadamente 15 años”, ya que ambos trabajaron juntos en la película 47 Ronin en 2011.

Ese filme de fantasía, estrenado en 2013, marcó el debut de Rinsch como director y tuvo a Reeves en el papel de un samurái llamado Kai.

“Mantuvimos el contacto después de la producción y luego nos hicimos amigos”, continuó. “Asistí a su boda en Uruguay en 2014. A lo largo de los años lo visité periódicamente a él y a su esposa en su casa de Los Ángeles y nos poníamos al día sobre la vida y el arte”.

En ese sentido, Keanu Reeves indicó que Carl Erik Rinsch le mostró una versión incompleta de una serie titulada White Horse, el proyecto que Netflix le encargó producir y que nunca llegó a completar.

“En mi opinión, Carl es un artista excepcional y White Horse, en la forma en que la vi, era una obra de arte extraordinaria y visionaria, aunque inconclusa", escribió el 1° de mayo.

“Por supuesto, no soy terapeuta ni psicólogo. Escribo, en cambio, como par artístico de Carl y como amigo. En mi opinión, Carl puede sabotearse a sí mismo al ampliar la escala, el alcance y el panorama de lo que había sido negociado, colocándose así a él y a sus contrapartes en posiciones encontradas”.

El actor aclaró que sus palabras no pretendían ser una excusa ni minimizar lo que Rinsch fue hallado culpable de haber hecho, sino ofrecer “una posible explicación del porqué”.

Concluyó su carta solicitando “clemencia” junto con “el castigo con el que tendrá que vivir”. La sentencia está prevista para el 29 de junio.

La demanda contra Carl Erik Rinsch

Carl Erik Rinsch fue declarado culpable en diciembre de 2025 de defraudar a Netflix por 11 millones de dólares destinados a completar la serie de ciencia ficción White Horse, posteriormente rebautizada como Conquest.

Según informó la Fiscalía del Distrito Sur de Nueva York, Netflix adquirió el proyecto a Amazon en 2018 por más de 61 millones de dólares. De ese presupuesto, Rinsch recibió aproximadamente 44 millones, con autoridad de montaje final.

En 2020 solicitó 11 millones adicionales, que también le fueron otorgados.

Los fiscales sostuvieron que el director transfirió el dinero entre varias cuentas hasta concentrarlo en una cuenta personal de corretaje, desde la cual realizó gastos ajenos al proyecto.

Entre los desembolsos documentados figuran 1,7 millones de dólares en tarjetas de crédito, 3,3 millones en muebles, antigüedades y colchones, y 387.000 dólares en un reloj suizo. También destinó 2,4 millones a la compra de cinco Rolls Royce y un Ferrari rojo.

El resto fue volcado a operaciones especulativas en acciones y criptomonedas que resultaron fallidas, con lo que en menos de dos meses había perdido más de la mitad del monto recibido, según la Fiscalía recogida por el medio Infobae.

Durante el juicio, Rinsch declaró en su propia defensa y alegó que el dinero adicional estaba destinado a reembolsar inversiones personales que había hecho previamente en el proyecto, y que la participación de Keanu Reeves en 47 Ronin había contribuido a asegurar el respaldo inicial de la plataforma. Sin embargo, el jurado rechazó su versión.

En 2021, con apenas algunos clips promocionales producidos, Netflix canceló el proyecto y registró una pérdida superior a 55 millones de dólares.

Tres años más tarde, la plataforma obtuvo un fallo arbitral por 12 millones de dólares contra Rinsch, quien no ha devuelto ninguno de los fondos.

Carl Erik Rinsch fue hallado culpable de un cargo de fraude electrónico y uno de lavado de dinero, cada uno con una pena máxima de 20 años de prisión, además de cinco cargos por transacciones con bienes de origen ilícito.

A una semana de su estreno en Netflix, Luna describió el proyecto como una historia que recurre a la sátira para narrar los entresijos del poder detrás de la segunda candidatura de México que marcó el inicio de la erosión del Partido Revolucionario Institucional.

Diego Luna: “Escogimos la sátira y el humor”

En entrevista con la periodista Azucena Uresti, el ganador del Emmy subrayó que la película recurre al humor y la sátira para hilvanar una serie de hechos poco conocidos sobre la insólita candidatura de México.

Sobre qué tanto se apega la historia a la realidad, Diego Luna indicó que el porcentaje es alto; sin embargo, destacó que los guionistas crearon a su personaje, Martín de la Torre, para representar hechos y leyendas urbanas relacionadas con figuras clave del poder a finales de los años 80.

“Es un tipo que empieza por las razones aparentemente correctas, pero en realidad lo que más le puede es ser y entregarle su vida al sistema, al PRI”, explica.

El comienzo del fin del PRI

En México 86, futbol y política son ejes centrales. Tanto en la ficción como en la realidad, figuras clave en el poder intercedieron para lograr que la FIFA designara al país como sede del mundial.

En ese sentido, Luna destaca que el filme también retrata la cuestionable relación entre la FIFA y México. “De alguna forma es ese pasado priísta, ese último PRI que se empezaba a desquebrajar”, explica.

El mundial, si bien fue una válvula de escape para la sociedad tras el sismo de 1985, también representó un hecho social histórico. Diego Luna, quien era un niño cuando atestiguó la inauguración, recuerda claramente la manifestación de rechazo de la afición al gobierno.

“La rechifla que le dan a Miguel de la Madrid en el estadio, es la clara afrenta. Es el pueblo diciendo: “Ya no les creo, nos abandonaron en el terremoto”.

Desde su perspectiva, el mundial coincidió con un despertar social que derivó en la erosión del PRI en el poder.

“México 86”: de qué trata y quiénes integran el elenco

Dirigida por Gabriel Ripstein y producida por Diego Luna, la historia se desarrolla en medio del contexto político y mediático de los años 80, mostrando a figuras inspiradas en personajes clave del futbol y la televisión mexicana, entre ellos el empresario Emilio Azcárraga Milmo y el exfutbolista Hugo Sánchez.

De acuerdo con la sinopsis oficial, la película explora “el ingenio, la improvisación y la picardía” como elementos que terminaron inclinando la balanza a favor de México para albergar el torneo internacional por segunda ocasión en la historia.

El guion fue escrito por Gabriel Ripstein junto a Daniel Krauze y apuesta por una narrativa mordaz sobre las relaciones entre poder político, medios de comunicación y futbol.

El elenco principal está encabezado por Diego Luna, quien además funge como productor ejecutivo. También participan Karla Souza, Daniel Giménez Cacho, Álvaro Guerrero, Diana Sedano, Davor Tonnie y Memo Villegas.

La producción general corre a cargo de Gaumont USA y destaca por su recreación estética de la década de los 80, así como por el retrato de un momento que marcó la historia deportiva y política de México.

Wanda Nara y Darío Barassi vuelven a apostar por el humor, la complicidad y la química en el formato que revolucionó la televisión de parejas: Love is Blind (Netflix). Una de las duplas más divertidas y picantes de la conducción argentina se prepara para una nueva temporada del reality que conquistó a miles de espectadores en todo el país, y el anuncio de su regreso no tardó en desatar una ola de expectativas y comentarios en redes sociales.

La confirmación del regreso fue obra de Barassi, quien eligió su cuenta de Instagram para sorprender a sus fans con una serie de fotos junto a Wanda Nara y un posteo cargado de entusiasmo. “¡¿Volvemos?!”, escribió. “Volvemos. Muy pronto @chenetflix Tamoooo beiosss @wanda_nara”, en un claro guiño tanto a la plataforma de streaming como a su colega.

La reacción del público fue inmediata: cientos de mensajes celebraron la vuelta de la dupla y anticiparon el furor que promete esta nueva edición. “Los amo”; “Qué lindo dúo”; “Genios los dos, ¡todo el éxito!”; “La mejor dupla”, se multiplicaron entre los comentarios, dejando en claro que la combinación de carisma, humor y espontaneidad de ambos conductores es uno de los grandes atractivos de la versión local de Love is Blind.

La elección de Wanda y Barassi como conductores responde a una clara estrategia de Netflix: reforzar el eslogan de “hecho en Argentina” y anclar la identidad nacional al contenido, incluso cuando gran parte de la producción se grabó en México. A diferencia de los presentadores originales de la versión estadounidense, Nick y Vanessa Lachey, quienes son pareja en la vida real y con un perfil más sobrio, la adaptación argentina apostó por dos nombres de enorme popularidad, carisma y cercanía con el público local, generando una impronta propia y muy distinta al resto de las ediciones globales.

Desde su debut en 2020, Love is Blind rompió fronteras y se convirtió en un fenómeno mundial, con versiones en Brasil, Japón, Corea del Sur, Reino Unido, Suecia, Alemania y Arabia Saudita. En Argentina, el formato encontró rápidamente su lugar y sumó ingredientes locales para conquistar a una audiencia ávida de contenido fresco y emocional. La premisa, tan sencilla como audaz, sigue seduciendo: hombres y mujeres interactúan sin verse las caras, comunicándose a través de conversaciones íntimas en cabinas llamadas pods. Si logran una conexión real, pueden comprometerse, vivir una luna de miel anticipada y luego probar la convivencia antes de decidir si realmente desean casarse frente a sus familias, amigos y las cámaras.

El reality juega con las emociones y las expectativas, llevando al límite la idea de enamorarse sin prejuicios ni barreras físicas. Pero el gran giro ocurre en la recta final, cuando los protagonistas deben decidir si el vínculo es lo suficientemente fuerte como para dar el “sí” en el altar. El resultado: confesiones, risas, algún que otro escándalo y, sobre todo, una montaña rusa de emociones que mantiene al público expectante hasta el último minuto.

El regreso de Nara y Barassi como anfitriones suma un condimento extra a la propuesta. Su frescura, sus bromas al aire y la capacidad de conectar con los participantes y la audiencia hacen que cada episodio tenga un sello propio. La dupla logró descontracturar el formato, aportar guiños locales y, sobre todo, construir un espacio donde el humor y la empatía conviven con las historias de amor, desencuentros y decisiones difíciles.

Así, mientras los flashes se apagan y los asistentes se dispersan, el universo de Love is Blind se prepara para volver a sorprender. Entre risas, complicidad y la promesa de nuevas historias de amor, la dupla más querida de la conducción argentina ya calienta motores para una temporada que promete emociones, sorpresas y el inconfundible sello local.

La primera edición argentina, sin embargo, quedará marcada por un repudiable hecho que terminó en la Justicia. En febrero de 2025, la participante Emily Ceco denunció a su entonces esposo Santiago Martínez por violencia de género e intento de homicidio. La denuncia incluyó relatos de agresiones físicas, control y hostigamiento tanto de Martínez como de su entorno familiar.

Durante el juicio, Ceco relató el miedo y el sufrimiento que atravesó, así como el impacto emocional de enfrentar a su agresor y a la familia de este. El tribunal condenó a Martínez a 15 años de prisión, y el fallo incluyó el reconocimiento de otras víctimas previas. Tras conocerse la sentencia, Ceco expresó alivio y esperanza de encontrar paz, pero también temor por su futuro cuando Martínez obtenga la libertad.

Netflix es una de las plataformas de streaming más populares del mundo, pero su compatibilidad con algunos dispositivos es limitada, tanto en teléfonos como en televisores inteligentes.

Por eso conviene saber qué modelos podrán seguir accediendo a la aplicación y cuáles quedarán sin soporte a partir de este domingo 31 de mayo.

Según los criterios técnicos definidos por Netflix, solo los teléfonos con Android 9.0, iOS 18.0 o versiones posteriores podrán seguir usando la app.

Estos requisitos aparecen en las especificaciones publicadas en Google Play Store y App Store. Los equipos que no los cumplan quedarán excluidos y ya no podrán ejecutar la plataforma, incluso si la aplicación ya estaba instalada.

En el caso de los televisores, la compatibilidad suele ser más amplia, pero depende del sistema operativo, del año de lanzamiento del equipo y de si el fabricante mantiene las actualizaciones necesarias para la aplicación.

Qué celulares no son compatibles con Netflix

Los celulares que no son compatibles con Netflix (o que dejarán de recibir soporte de la app) son, en la práctica, los que no pueden actualizarse a los requisitos mínimos que hoy figuran para la aplicación: Android 9.0 o superior y iOS 18.0 o superior. En esa situación quedan, entre otros, los siguientes modelos mencionados en listados recientes:

iPhone que quedan sin compatibilidad (al no poder actualizar a iOS 18.0)

• iPhone X
• iPhone 8
• iPhone 8 Plus
• iPhone 7
• iPhone 7 Plus
• iPhone 6s
• iPhone 6s Plus
• iPhone SE (1.ª generación)
• Modelos anteriores a los anteriores

Android que quedan sin compatibilidad (si no pueden actualizar a Android 9.0)

• Samsung Galaxy S8
• Samsung Galaxy S7
• Huawei P10
• Huawei Mate 9
• LG G6
• LG G5
• Sony Xperia XZ1
• Samsung Galaxy S3
• Samsung Galaxy Note 2
• Samsung Galaxy Grand Prime
• LG Optimus L5
• LG Optimus L7
• LG G2
• Sony Xperia Z
• Sony Xperia Z1
• Sony Xperia E3

Televisores que no son compatibles con Netflix

Algunos modelos de televisores que no son compatibles con Netflix son:

• Apple TV (1.ª generación)
• Apple TV (2.ª generación)
• Apple TV (3.ª generación)
• LG Infinia serie LX9500
• LG Nano LED serie LM9600
• Panasonic AX900
• Panasonic VT50
• Panasonic VIERA TC-P50VT25
• Sony Bravia líneas KDL
• Sony Bravia líneas XBR
• Sony Bravia líneas W95
• Samsung Smart TV serie EOS (modelos fabricados entre 2012 y 2015)

Qué hacer si mi TV no admite Netflix

Perder el acceso a Netflix en un televisor no significa necesariamente dejar de ver la plataforma en esa pantalla. Existen alternativas concretas que permiten recuperar el servicio sin necesidad de comprar un televisor nuevo.

La opción más sencilla es conectar un dispositivo externo al puerto HDMI del televisor. El Amazon Fire TV Stick, el Google Chromecast, el Roku y el Apple TV de cuarta generación o posterior son compatibles con Netflix y se consiguen a precios accesibles.

Basta con conectarlos, configurar la red wifi y descargar la aplicación para tener acceso completo al catálogo.

Otra alternativa es usar una consola de videojuegos. La PlayStation 4, PlayStation 5, Xbox One y Xbox Series X/S admiten la aplicación de Netflix de forma nativa. Si el usuario ya cuenta con alguna de estas consolas, puede instalar la app sin costo adicional.

Quienes prefieren no agregar dispositivos pueden optar por conectar una computadora o laptop al televisor mediante un cable HDMI y reproducir Netflix desde el navegador. La calidad de imagen dependerá de la resolución del equipo, pero es una solución inmediata y sin inversión extra.

Por último, si el televisor tiene puertos HDMI pero el sistema operativo está desactualizado, vale la pena consultar con el fabricante si existe alguna actualización de firmware dispon

En algunos casos, una actualización del sistema puede restaurar la compatibilidad con la aplicación sin necesidad de ningún accesorio adicional.

Elenco destacado y nuevos escenarios internacionales

La película señala el regreso de un elenco principal consolidado, con Millie Bobby Brown reafirmando su liderazgo tras el éxito de las dos primeras películas. Henry Cavill vuelve como Sherlock Holmes, fortaleciendo la dinámica familiar que ha definido la saga. También regresan actores clave como Helena Bonham Carter en el papel de Eudoria, madre de los Holmes, Louis Partridge como Tewkesbury y Sharon Duncan-Brewster como Moriarty, uno de los principales antagonistas.

La adición de Himesh Patel como Watson aporta una nueva dimensión al universo Holmes. En esta ocasión, la dirección está a cargo de Philip Barantini, conocido por su trabajo en Adolescencia. La tercera entrega traslada parte de la acción a Malta, donde la evolución personal y profesional de Enola se pondrá a prueba, combinando el entorno de una boda con los riesgos de un caso internacional.

Un dilema entre la vida personal y la responsabilidad

El nuevo caso se inicia cuando Enola, tras comprometerse con Tewkesbury, se ve obligada a interrumpir sus planes de celebración al conocer el secuestro de su hermano Sherlock. Ante esta situación, debe posponer su felicidad para liderar el rescate, enfrentándose al dilema entre el amor y el deber. Según la sinopsis oficial, la aventura será más compleja y peligrosa que cualquier otra que Enola haya experimentado, llevándola a cuestionar su identidad y a redefinir el equilibrio entre independencia y emociones.

El tráiler muestra a una protagonista más madura, aunque todavía en desarrollo, intentando decidir qué partes de sí misma mantener y cuáles transformar, algo que Millie Bobby Brown subrayó en comentarios recientes a Netflix. En esta entrega, estos conflictos internos se expresan a través de escenas de acción notable, como la destacada secuencia en que Enola, vestida de novia, se enfrenta armada a una situación límite durante el rescate.

Relevancia para la franquicia y expectativas del público

El regreso de Enola Holmes ocurre en un momento de gran expectativa, especialmente después del vínculo fortalecido entre Millie Bobby Brown y Netflix, impulsado por su rol en Stranger Things. La franquicia, reconocida por su capacidad de atraer a públicos de distintas edades, busca cerrar la trilogía con un desenlace repleto de sorpresas y momentos dramáticos. Que la historia incluya de manera directa a Sherlock, quien hasta ahora había intervenido de forma más limitada, representa un cambio significativo para los seguidores y sitúa a Enola ante su reto más profundo.

La ambientación en Malta introduce escenarios nuevos y visualmente atractivos, mientras que la combinación de acción, drama y elementos de época preserva el estilo característico de la saga. El caso principal, protagonizado por una mujer que debe tomar decisiones complejas en medio de presiones sociales y familiares, conecta de modo particular con los jóvenes que buscan protagonistas contemporáneos en relatos clásicos.

Willa Dunn se suma al elenco de la segunda temporada del reboot de La familia Ingalls en Netflix para dar vida a Nellie Oleson, el personaje antagonista más recordado de la serie original.

La actriz, conocida por su papel recurrente en Only Murders in the Building de Hulu, donde interpreta a la versión joven del personaje de Meryl Streep, se incorpora como personaje regular frente a la protagonista Alice Halsey, quien da vida a Laura Ingalls.

Según la descripción oficial del personaje, el reboot apunta a una versión más compleja de Nellie: en apariencia, una niña malcriada y abusiva en el patio escolar, inteligente y segura de sí misma, de lengua filosa pero fácilmente herida, cuya razón de ser es hacer miserable la vida de Laura Ingalls.

Sin embargo, bajo esa fachada se esconde una ternura y un anhelo de amistad genuina, aunque no sepa exactamente cómo alcanzarla.

En la serie original de 1974, Nellie fue interpretada por Alison Arngrim y apareció desde la primera temporada como personaje recurrente durante las primeras siete entregas.

Entre los créditos recientes de Dunn figuran los ocho episodios de The Runarounds en Prime Video, junto a Brooklyn Decker, y el largometraje Coup!, con Peter Sarsgaard y Billy Magnussen.

También tiene participaciones especiales en Poker Face de Peacock, junto a Natasha Lyonne y Clea DuVall, y en Inside Amy Schumer de Comedy Central.

Más recientemente, actuó junto a Emily Deschanel en el piloto dramático Key Witness para NBC.

Todo sobre el reboot de “La familia Ingalls” en Netflix

La nueva versión de La familia Ingalls estrenará su primera temporada el 9 de julio de 2026 en Netflix, con ocho episodios.

La producción, a cargo de CBS Studios y Anonymous Content, tiene como showrunner y productora ejecutiva a Rebecca Sonnenshine, responsable de series como The Boys y Vampire Diaries.

“Me enamoré profundamente de estos libros cuando tenía cinco años. Me inspiraron a convertirme en escritora y cineasta, y es un honor y una alegría adaptar estas historias para una nueva audiencia”, sostuvo Sonnenshine en declaraciones oficiales difundidas por la plataforma.

La serie se presenta como una adaptación de los libros semiautobiográficos de Laura Ingalls Wilder y fue descrita por Netflix como “parte drama familiar esperanzador, parte relato épico de supervivencia y parte historia de origen del Oeste americano”.

El elenco principal lo conforman Alice Halsey como Laura Ingalls, Luke Bracey como el padre Charles Ingalls, Crosby Fitzgerald como la madre Caroline Ingalls y Skywalker Hughes como la hermana mayor Mary Ingalls.

Completan el reparto principal Warren Christie, Meegwun Fairbrother, Wren Zhawenim Gotts, Alyssa Wapanatǎhk y Jocko Sims. La producción de la primera temporada se realizó en Winnipeg, Canadá, entre junio y octubre de 2025.

Netflix renovó la serie para una segunda temporada el pasado 4 de marzo de 2026, antes incluso de su estreno, citando la creciente demanda de “programación reconfortante con raíces en el corazón de América”.

“Estamos encantados de renovar esta hermosa reinvención de La familia Ingalls para una segunda temporada antes de su debut en Netflix. El trabajo excepcional de Rebecca Sonnenshine y todo el elenco y equipo en la primera temporada ha establecido una base narrativa sólida para los años venideros", señaló Jinny Howe, directora de series de guión de Netflix para Estados Unidos y Canadá.

La franquicia de La familia Ingalls mantiene una presencia sostenida a nivel mundial: los libros originales, publicados desde la década de 1930, han vendido más de 73 millones de copias en más de 100 países y han sido traducidos a al menos 27 idiomas.

La serie original de NBC, que se emitió entre 1974 y 1983, acumuló 13.250 millones de minutos de reproducción en 2026, según datos de Nielsen.

Contó que, aunque se trataba de una participación breve, el entusiasmo y los nervios estuvieron presentes durante todo el proceso. En su relato, subrayó lo especial que resultó para ella formar parte de un equipo de grabación en el que cada uno aportaba al clima general de trabajo: “Si se quedaron con ganas de la Sofi actriz, prepárense que yo siempre tengo un poquito más. Nunca voy a dejar de sorprenderlos. Es que encima me divierto mucho. A ver, es una participación, pero ojo, qué participación. Qué nervios. Creo que todavía estoy temblando. Estoy nerviosa. Es toda gente que está grabando también En el barro, ¿entienden? Me encantó”.

La experiencia fue presentada por la propia Sofía como una continuidad de su apuesta por probarse en territorios nuevos y asumir riesgos fuera de lo habitual. Recordó el recorrido que la llevó hasta ese momento, desde su primer casting viral hasta este nuevo paso en la actuación, reafirmando su decisión de no limitarse a un solo rol profesional: “Después de aquel casting que hice, que fue viral, que lo subí el año pasado, octubre 2025, hoy estar grabando con todo este equipo me parece una locura. Una participación, es una escena. Estoy chocha. Y ahora me voy a hacer el stream. Así que allá vamos”.

El entusiasmo de Sofía por los desafíos actorales y su disposición para aceptar proyectos nuevos reflejan su interés en ampliar su perfil profesional y aprovechar al máximo las oportunidades que surgen en el ambiente artístico.

En agosto de 2025, la influencer sorprendió a su audiencia compartiendo el video de su casting para la serie En el Barro, el spin-off de El Marginal, uno de los proyectos más comentados del momento. Aunque finalmente no fue seleccionada para integrar el elenco, la experiencia marcó un punto de inflexión en su carrera, tanto por la exposición que generó el video en redes sociales como por el proceso personal que implicó animarse a una instancia competitiva en un área distinta a la habitual.

La oportunidad de presentarse al casting surgió a través de su agencia, que confió en sus aptitudes y la animó a proponerse para el proyecto. Sofía rememoró cómo la noticia de la audición movilizó emociones diversas, entre ellas la ansiedad por tener que salir de su zona de confort y encarar un personaje distinto a los papeles donde suele sentirse segura.

El video se viralizó rápidamente y sumó comentarios de seguidores y colegas. Aunque la respuesta no fue siempre positiva, la modelo optó por celebrar el hecho de haberse animado a intentarlo y compartirlo públicamente. “No entienden los nervios que me generó grabar estas escenas. Párrafo aparte para la Pilus que me ayudó un montón a crear un personaje que claramente no estoy acostumbrada a hacer”, expresó en sus redes al referirse a su hermana, Pilar.

La repercusión alcanzada por el casting y el proceso de selección derivaron en una reflexión sobre la importancia de la perseverancia en el ambiente artístico y el valor de enfrentar nuevos retos, incluso cuando el resultado no es el esperado.

La actitud de Sofía frente a la exposición pública y las críticas ha ocupado un lugar central en su discurso reciente. Invitada al podcast Comohiciste y en diálogo con Santiago Schamberger, profundizó sobre el concepto de “cringe”, término popularizado en redes sociales para describir situaciones que generan vergüenza ajena o incomodidad.

Sofía manifestó una mirada desenfadada frente a este fenómeno y reivindicó el derecho a equivocarse y a mostrarse vulnerable. “Hoy está muy de moda la palabra cringe. Yo celebro el cringe, creo que soy la reina del cringe, claramente. O sea, me importa muy poco. Porque detrás es donde vienen los resultados copados. Supuestamente es vergüenza ajena, ¿no? Como ‘ay, qué vergüenza’. Y seguramente un montón de gente sintió vergüenza cuando vio mi casting. ¿Creés que a mí me importó?”.

En ese sentido, destacó el aprendizaje que surge de exponerse, aun a riesgo de generar reacciones negativas. Relató que, durante una transmisión de streaming, su casting fue mencionado como ejemplo de “vergüenza”, pero que, lejos de incomodarla, la situación la divirtió: “Ayer o hace dos días en un streaming dijeron: ‘Che, hoy el tópico es vergüenza. Sofi, pusimos lo de tu casting’. Y yo dije, ‘pero a mí no me dio vergüenza’. O sea, yo me río, me parece espectacular. Tengo otras cosas. Mi vida es como llena de vergüenza y no me importa. Van a criticar igual”.

La influencer también trazó un paralelismo con figuras públicas que enfrentaron cuestionamientos a lo largo de su carrera: “Criticaron a Messi. Messi estuvo a esto de retirarse y no ser campeón del mundo, ¿entendés? Y mirá si se dejaba llevar por el hate, por los comentarios del otro”.

Netflix se ha hecho con los derechos para emitir La Revuelta, el programa de access prime time de Televisión Española capitaneado por David Broncano. El espacio se podrá ver en el catálogo de la compañía a partir del 2 de junio, según ha anunciado la propia Netflix en un comunicado oficial publicado en la red social X. Tras cada emisión en abierto en RTVE, los usuarios de la plataforma tendrán acceso al episodio correspondiente al día siguiente, a partir de las diez de la mañana.

A partir del 2 de junio, cada entrega del programa liderado por David Broncano estará disponible en Netflix para sus suscriptores, que podrán ver cada emisión a partir de las 10:00 horas de la mañana del día siguiente a su emisión en La 1. La Revuelta, producida por El Terrat (The Mediapro Studio) y Encofrados Encofrasa, mantiene su emisión principal en TVE, que continuará gestionando los derechos y la producción, pero abre así una nueva ventana de difusión en la plataforma de streaming.

Este movimiento coloca a La Revuelta como el primer programa de entretenimiento diario de la televisión en abierto española en llegar a Netflix. El acuerdo reúne a RTVE, Netflix y las productoras involucradas en La Revuelta, replicando el modelo de colaboración que ya ensayaron con sus estelaes series diarias, La Promesa y Valle Salvaje, donde la televisión pública cedió las denominadas ‘segundas ventanas’ de emisión a plataformas para optimizar la rentabilidad de sus producciones.

‘La Revuelta’ llega a Netflix

Sin embargo, la singularidad del caso de La Revuelta radica en que se trata de un formato diario de entretenimiento y actualidad, un terreno hasta ahora prácticamente inexplorado por los acuerdos de este tipo, normalmente restringidos a las ficciones seriadas. Para RTVE, la llegada de La Revuelta a Netflix representa una fuente adicional de ingresos y una estrategia para ampliar el alcance de su programa más popular entre los jóvenes, permitiendo que el fenómeno trascienda el modelo de televisión lineal y se adapte a los hábitos de consumo de nuevas generaciones.

La Revuelta congrega actualmente entre 1,3 y 1,6 millones de espectadores de media, con cuotas de pantalla que oscilan entre el 11% y el 14%. Aunque se ha registrado un descenso en su cuota de pantalla respecto a la anterior temporada y actualmente los datos mensuales permanecen por debajo de la media global de La 1, la llegada de Broncano y del formato a la cadena pública ha supuesto una mejora de más de tres puntos porcentuales en la franja de access prime time de la entidad, que ahora compite dignamente contra El Hormiguero de Antena 3.

La viralidad de ‘La Revuelta’

El atractivo de La Revuelta se centra en su perfil demográfico: lidera en los segmentos de 13 a 24 años, donde llega a alcanzar en ocasiones hasta el 20% de share, y también resulta dominante entre los espectadores de 25 a 44 años, públicos que optan habitualmente por plataformas digitales para consumir televisión. Esta tendencia se refleja de forma aún más acusada en el terreno digital, donde el programa constituye una auténtica excepción dentro del panorama español.

Los canales oficiales del programa en TikTok, X, Instagram y YouTube suman una media de 451 millones de visualizaciones mensuales. Existen casos puntuales que refuerzan este fenómeno: actuaciones como la de Amaia llegaron a superar los 20 millones de reproducciones en un solo día, pero prácticamente siempre logra clips virales con sus entrevistas.

Netflix ha destapado el acuerdo con una publicación a través de X: “Menuda la que se viene, niño”, en alusión al revuelo que conseguirán por la integración del espacio en su oferta. De hecho, han aprovechado su catálogo para bromear con una imagen de Los Bridgerton y una de las preguntas clásicas de Broncano: “¿Relaciones sexuales en el último mes?“.

A pesar de haberse estrenado a mediados de marzo, Torrente presidente sigue figurando en muchas carteleras de los cines españoles. La película dirigida y protagonizada por Santiago Segura, sexta de la saga del famoso expolicía, acumula una recaudación que ya supera los 30 millones de euros y una audiencia que ronda los cuatro millones de espectadores. Ningún otro estreno (nacional ni internacional) registra unas cifras similares este año, si bien este no parece ser su techo.

Después de un paso triunfal por los cines, la película estará disponible en Netflix en menos de un mes, tal y como ha anunciado la plataforma de streaming ante la expectativa de miles de seguidores que, tras llenar salas durante semanas, esperaban la oportunidad de verla desde casa. El propio Santiago Segura, a través de la red social X, había anticipado la llegada del filme a Netflix durante el verano, especialmente tras la consulta de un espectador con discapacidad auditiva sobre opciones accesibles fuera de las salas.

Según la plataforma, la incorporación de la cinta responde tanto a la magnitud del fenómeno Torrente como al poder de convocatoria que sigue ejerciendo el personaje. Santiago Segura también ha manifestado su entusiasmo por la llegada a streaming. El cineasta ha admitido que no imaginaba “un seguimiento tan brutal del público”. Ahora, el estreno en Netflix abre la puerta a que el filme llegue a aún más espectadores a partir del 26 de junio. “Esta película no hubiese podido llegar a vuestras pantallas sin la participación de Netflix”, ha reconocido también.

El salto de Torrente presidente a Netflix España

La confirmación definitiva llegó mediante un comunicado de Netflix. Diego Ávalos, vicepresidente de contenido para España, Portugal y Turquía, ha celebrado el acuerdo y remarcó: “La película ha sido un éxito rotundo y estamos muy orgullosos de que ahora llegue a Netflix”. “Desde que Santiago nos presentó el proyecto no dudamos ni un segundo en embarcarnos en Torrente Presidente. No solo por el enorme fenómeno que hay detrás de la saga, sino porque esta historia en particular nos cautivó desde el primer momento y sentimos que era perfecta para el momento que estamos viviendo”.

En esta nueva entrega, el personaje de José Luis Torrente, exagente de policía conocido por su comportamiento machista, racista y alcohólico, es captado por la formación política ficticia NOX. Convencido de que la política es el camino para prosperar, Torrente inicia una etapa marcada por la megalomanía y la ambición desmedida, elementos más que suficientes para renovar el interés del público por la saga: En apenas cuatro días, superó el millón de espectadores y rozó los 7 millones de euros de recaudación en su primer fin de semana, situándose como el cuarto mejor estreno de la historia del cine español, solo superado por títulos como Lo imposible, Torrente 4: Lethal Crisis y Torrente 3: El protector.

Si al finalizar el año, Torrente Presidente siguiera siendo la película más taquillera del año, sería la sexta vez que Santiago Segura lograría este hito, la novena si solo tenemos en cuenta las producciones españolas. Previamente, lo consiguió con comedias como Torrente 2, Torrente 4, Padre no hay más que uno (1 y 2) y A todo tren, mostrando una hegemonía comercial pocas veces vista en las últimas tres décadas y demostrando una capacidad inigualable para conectar con el gran público.

Mackenzie Shirilla, la joven condenada por asesinar a su novio y a un amigo en un accidente automovilístico en 2022, rompió su silencio por primera vez frente a cámara en El choque, el documental de Netflix que reconstruye uno de los casos judiciales más debatidos de los últimos años en Estados Unidos.

El documental, ya disponible en la plataforma, narra la historia real de Shirilla, quien tenía 17 años cuando, el 31 de julio de 2022, condujo su vehículo contra un edificio de ladrillos en Strongsville, Ohio, a una velocidad estimada de 160 km/h.

En el auto viajaban su novio, Dominic “Dom” Russo, de 20 años, y su amigo Davion Flanagan, de 19. Ambos murieron.

La investigación determinó que, en los cinco segundos previos al impacto, no hubo intento de frenar y el acelerador permaneció a fondo.

Shirilla fue hallada culpable de asesinato y otros cargos. Cumple una condena a cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional por al menos 15 años. Su primera audiencia de libertad condicional está programada para septiembre de 2037.

Nunca habló con la policía. No testificó en su juicio. Y hasta ahora, nunca se había dirigido públicamente sobre lo ocurrido aquella mañana hasta este momento.

El director Gareth Johnson y la productora Angharad Scott describieron el proceso para obtener la entrevista como arduo. “Nunca fue entrevistada por la policía, ni antes ni después de su arresto. Hubiera sido sin precedentes que nos hablara, y por suerte dijo que sí”, señaló Johnson al medio Netflix Tudum.

Las condiciones fueron estrictas: una hora de entrevista y la presencia constante de su abogado, dato que los realizadores revelan deliberadamente al final del documental. “Pensé que era importante que el público entendiera las circunstancias bajo las que se realizó esa entrevista”, explicó.

En la conversación, Shirilla sostiene que no tiene recuerdo del momento previo al choque. Ante la posibilidad de que ese olvido resulte conveniente, afirmó: “No estoy diciendo que soy inocente. Fui la conductora de una tragedia, pero no soy una asesina”.

Atribuye lo sucedido a su diagnóstico de síndrome de taquicardia ortostática postural (POTS), una condición que, según ella, le provoca desmayos, y que también fue el eje de la defensa en el juicio. “La especulación más lógica parece ser una emergencia médica”, dijo.

Sobre cómo eso explicaría que el vehículo mantuviera el rumbo, respondió: “No estoy segura, porque no tengo ningún recuerdo de esa mañana, pero sé que nada fue intencional, porque eso no está en mi carácter”.

El choque reconstruye también el papel que jugaron las redes sociales en el caso. Si bien las publicaciones de Shirilla no determinaron su condena, el fiscal adjunto del condado de Cuyahoga, Tim Troup, las introdujo durante la fase de sentencia para argumentar una “impactante falta de remordimiento”.

Entre los videos presentados figuraba uno en el que Shirilla aparecía disfrazada de cadáver para Halloween, tres meses después del accidente, y otro —publicado un año antes del choque— en el que participaba de una tendencia de TikTok con la letra “Soy la chica por la que mueres”.

Consultada sobre el uso de su historial digital, Shirilla respondió: “Creo que las redes sociales de cualquier persona no son realmente ellas. Es cómo quieren que el mundo las vea. Y en ese momento así quería ser vista por mi cerebro de 17 años”.

Scott señaló al mismo medio que la presencia de esas publicaciones en el documental no busca emitir un juicio. “El uso de las redes sociales es lo que hace que esta película sea tan pertinente. Gran parte de ella se cuenta y se discute en estas plataformas en línea”, afirmó.

Mientras tanto, la familia de Shirilla continúa buscando revertir la condena. Su madre, Natalie, trabaja en nueva evidencia, incluidos mensajes de texto sobre un incidente ocurrido dos semanas antes del accidente, en el que supuestamente fue Dom quien intentó hacer chocar el auto.

La primera apelación fue rechazada. “Sabemos que los Shirilla usarán todos los recursos disponibles. Como dicen en el documental: ‘Vamos a luchar, luchar, luchar, luchar, luchar, luchar’. Y creo que realmente lo harán”, concluyó Scott.

A partir del 1 de junio de 2026, Netflix dejará de ser compatible con varios modelos de celulares que no cumplen con los requisitos mínimos de sistema operativo. Esta medida afecta a usuarios de dispositivos iPhone y Android que ya no podrán abrir, instalar ni actualizar la aplicación de la plataforma streaming en sus teléfonos antiguos.

La decisión responde a la necesidad de reforzar la seguridad y garantizar el acceso a las funciones más recientes, lo que implica dejar fuera a dispositivos que hace años no reciben actualizaciones oficiales.

Según las especificaciones de Netflix en Google Play Store y App Store, solo los smartphones con Android 9.0, iOS 18.0 o versiones posteriores podrán seguir utilizando la aplicación.

Qué modelos de celulares dejarán de tener la aplicación de Netflix

La actualización de políticas de Netflix afecta a una lista de teléfonos Android lanzados entre 2011 y 2014. Entre los modelos que perderán acceso figuran el Samsung Galaxy S3, Galaxy Note 2, Galaxy Grand Prime, así como los LG Optimus L5, Optimus L7, LG G2 y los Sony Xperia Z, Xperia Z1 y Xperia E3.

En cuanto a los teléfonos de Apple, la restricción de Netflix afectará a los modelos de iPhone que no sean compatibles con iOS 18.0 o versiones superiores. Esto incluye celulares como el iPhone X, iPhone 8 y 8 Plus, iPhone 7 y 7 Plus, iPhone 6s y 6s Plus y el iPhone SE de primera generación, sumado a cualquier otro modelo anterior.

Aunque los teléfonos excluidos pueden seguir cumpliendo funciones básicas de comunicación, la imposibilidad de actualizar el sistema operativo limita la compatibilidad con aplicaciones modernas.

Cómo verificar si un celular es compatible con la app de Netflix

Para quienes desean saber si sus dispositivos cumplirán con los nuevos requisitos, se debe comprobar la versión del sistema operativo instalada.

En Android, esta información se encuentra en el menú ‘Configuración’ o ‘Ajustes’, dentro de la sección ‘Acerca del teléfono’ y luego en ‘Información del software’, donde se detallan versión, número de compilación y nivel de seguridad.

En los modelos Apple, los datos se localizan en ‘Configuración’, opción ‘General’ seguida de ‘Información’, junto al campo ‘Versión de software’.

Realizar esta verificación resulta esencial para anticipar la exclusión de Netflix y de otras aplicaciones críticas como WhatsApp, banca digital y servicios de mensajería, que exigen contar con versiones recientes de sistema operativo para funcionar bajo estándares adecuados.

Qué otros dispositivos pueden quedar sin acceso a la app de Netflix

El cambio de políticas se extiende más allá de los celulares. Quedarán fuera de soporte modelos antiguos de Apple TV de primera, segunda y tercera generación, así como televisores inteligentes fabricados antes de 2015 por marcas como Panasonic, LG y la línea Samsung Smart TV serie EOS producida entre 2012 y 2015.

Asimismo, la restricción alcanza diversas versiones de la serie Sony Bravia, identificadas por los códigos KDL, XBR, W95 y X95, que ya no podrán ejecutar ni actualizar la aplicación de la plataforma.

Esto implica que diversos dispositivos multimedia y televisores dejarán de tener acceso a películas, series y nuevas funciones, mientras crece el riesgo de ralentización, bloqueos frecuentes y fallos en tareas básicas, lo que dificulta el uso cotidiano y la protección de los datos almacenados.

Por qué es peligroso usar un dispositivos desactualizado

Utilizar un teléfono inteligente que ya no recibe actualizaciones de sistema operativo ni parches de seguridad expone al usuario a diversas amenazas informáticas.

Los dispositivos desactualizados se convierten en un blanco frecuente para el malware, el robo de datos y la suplantación de identidad, porque las vulnerabilidades descubiertas tras el último parche quedan sin solución.

Otra parte clave es que un dispositivo sin actualizaciones pierde compatibilidad con aplicaciones esenciales, incluidas herramientas de mensajería, banca, compras en línea y servicios de autenticación.

La falta de acceso a nuevas versiones limita el correcto funcionamiento y puede provocar fallas en procesos cotidianos, como la recepción de mensajes, la realización de pagos o la protección de cuentas personales y financieras.

Durante los momentos finales del episodio siete de la tercera temporada de Euphoria, la serie pone a prueba los límites del espectador. El personaje de Nate Jacobs, interpretado por Jacob Elordi, atraviesa un calvario que incluye “tener un dedo y un dedo del pie cortados, ser enterrado vivo y luego retorcerse dentro de su ataúd con una serpiente de cascabel venenosa”.

Según detalla un reportaje de la revista Esquire, el objetivo era provocar “extremo malestar”, tal como lo expresa Sam Levinson, quien reconoce: “Sé lo que la audiencia quiere en términos de justicia o karma y, con eso en mente, siempre pienso: ‘¿Cómo puedo darles lo que quieren, pero hacerlo tan horrible y generador de ansiedad que, cuando suceda, la audiencia no esté tan segura de haberlo deseado?’”.

Según describe la publicación, el desenlace es un cierre en el que “la audiencia no está tan segura de haber querido lo que pidió”. La escena final muestra a Nate forcejeando dentro del ataúd mientras la serpiente se desliza por su tráquea, utilizando serpientes de cascabel reales y una réplica no venenosa para las tomas en primer plano. Levinson revela, con cierta picardía: “Esas son todas serpientes de cascabel reales”.

El resultado es una imagen de Nate exhumado, con el rostro hinchado y desfigurado por el veneno, mientras Cassie grita desesperada. Esta secuencia, que comienza como un enfrentamiento nocturno con tintes de western, termina sumergiéndose en el horror absoluto, “impulsando a Euphoria fuera del género del oeste y hacia el reino del horror puro”.

La intención narrativa y emocional de Sam Levinson

Levinson revela que “sabía desde el principio que Nate estaba terminado esta temporada”, y después de todo el sufrimiento provocado por el personaje, “no había duda de que tendría un mal final”. Para el creador, la relación con el público se sostiene en una tensión constante: “Esa sensación de complicidad con la audiencia siempre es una nota interesante para tocar dentro de esta estructura más amplia. Terminas pensando: ‘Dios, no lo sé. ¿Debería haberlo tenido mejor? ¿Lo merecía?’”.

El propio Levinson reconoce el juego entre expectativa y realidad: “Es como, ‘¿Querías que recibiera su merecido…? De acuerdo’”, y añade, entre risas, que lo más atractivo es plantear preguntas morales al público: “Esas preguntas siempre son emocionantes de plantear a la audiencia”.

El proceso creativo con el editor Julio C. Perez IV

El desarrollo de la temporada se realiza en colaboración estrecha con Julio C. Perez IV, descrito como el “arma secreta” de Levinson. Perez, identificado por su camiseta de Mastodon y su gusto por el metal, explica: “Siempre me ha interesado lo que está en los márgenes de lo convencional… algo con vitalidad real, que escupe fuego, con un espíritu salvaje”.

Levinson y Perez trabajan juntos desde hace más de ocho años. “Nos conocimos en un recorte de Assassination Nation, que fue una película que hice en 2018. Simplemente nos llevamos muy bien y trabajamos muy bien juntos”, recuerda Levinson. Perez coincide: “Sam y yo tuvimos una relación inmediata. De inmediato, era obvio que teníamos una base similar de amor por las películas”.

Temas centrales de la temporada 3

En esta temporada 3, la serie aborda la fe y la espiritualidad como ejes temáticos. Ashley Levinson señala: “Yo diría que es una temporada muy religiosa, lo cual parece lo más radical que podrías hacer en 2026”. Sam Levinson añade que, al tener una audiencia cautiva, optó por “contar una historia sobre Dios, la familia y América y la importancia de creer en algo más grande que uno mismo”. Para él, esto representa “el antídoto contra el narcisismo de las redes sociales y la tecnología”.

La narrativa también se detiene en la humanidad de los personajes, incluso de los más oscuros. Sobre Nate, Levinson recuerda que “a lo largo de esta temporada, se ensuciaron las aguas morales mostrando destellos de su humanidad”. Sin embargo, advierte que todo era una preparación para el sufrimiento final del personaje.

Influencias y decisiones técnicas del episodio

En la elaboración de la temporada, Levinson confiesa que revisó clásicos del western: “Empecé a jugar con la idea de cómo sería un western moderno hoy”, cita títulos y directores como Sergio Leone, Howard Hawks, John Ford y Don Siegel, y se pregunta “¿Cómo puedo inyectar algunos de esos temas e ideas en esto sobre individuos, ambición, anarquía?”. La escena final, que comienza como un “enfrentamiento nocturno” propio del western, termina, según el texto, “llevando a Euphoria fuera del género del oeste y hacia el reino del horror absoluto”.

Levinson remata el efecto con detalles técnicos: “Esas son todas serpientes de cascabel reales”, y al referirse a la edición de sonido, comenta sobre una escena en la que “el personaje de Colman Domingo inhala de una pipa de crack”: “Esto suena como una pipa de agua porque suena como si hubiera agua. Creo que tenemos que quitarlo. Tiene que ser solo fuego puro”. Así, la fusión de géneros y el trabajo minucioso en cada detalle logran que la tensión permanezca latente hasta el último minuto.

El dato diferencial que instala a El Halcón como referencia de industria reside en la estructura de producción: Ferrell figura no solo como el protagonista, sino también como co-creador y productor ejecutivo. Su trabajo está respaldado por las productoras Gloria Sanchez Productions (con Jessica Elbaum y Alix Taylor) y T-Street (con Rian Johnson, Ram Bergman y Nena Rodrigue), lo que refuerza una tendencia en Netflix de apuntalar proyectos dirigidos creativamente por intérpretes estrella. El reparto suma además a Molly Shannon, Jimmy Tatro, Fortune Feimster, Luke Wilson, Chris Parnell, Katelyn Tarver y David Hornsby, consolidando el posicionamiento premium del contenido.

Ferrell encarna a Hawkins en evidente alusión a deportistas reales que enfrentan el ocaso profesional, intercalando escenas de autopercepción irónica (“Ese soy yo. Yo soy él. Ese es de quien estás hablando, por si se lo preguntas”), materiales donde su personaje reacciona ante menciones incómodas a fracasos pasados, y una referencia visual al icónico gesto de LeBron James, subrayando el cruce extra-deportivo del relato.

La sinopsis oficial detalló que Lonnie Hawkins, quien fue número uno en 2004, intenta sostenerse en competencia mientras su entorno familiar —exesposa e hijo, este último convertido en nueva estrella del golf— considera que su era ha quedado atrás. El guion expone la tensión entre el legado profesional, el recambio generacional y la obsesión por conseguir ese último gran triunfo. Netflix enfatizó que la temporada inaugural orbitará el desafío del personaje por alcanzar el ansiado título que le falta para completar el Grand Slam, instalando la narrativa del “último regreso”.

La operación de producción y el modelo de talento en Netflix

La confirmación de Will Ferrell como productor ejecutivo y co-creador diferencia a El Halcón dentro del catálogo reciente de comedias deportivas de Netflix, que en los últimos años había priorizado adaptaciones o desarrollos originales sin presencia protagónica-autor de figuras de este nivel. Esta fórmula replica la tendencia instaurada por el gigante de streaming en casos recientes en Estados Unidos, donde intérpretes asumen control creativo sobre la propiedad intelectual, asegurando afinidad con el tono y fidelidad a sus marcas personales.

Junto con Ferrell, la inclusión de productoras como Gloria Sanchez y T-Street —la firma de Rian Johnson— proyecta un esquema de colaboración transversal entre estudios internos y talentos externos. El crédito compartido entre Elbaum, Taylor, Johnson, Bergman y Rodrigue ilustra el equilibrio de fuerzas creativo-empresariales requerido para acoplar la marca Ferrell a un formato episódico dirigido al consumo digital multinacional. El reparto coral, con nombres asociados tanto al cine como al circuito televisivo estadounidense, inscribe la serie en la estrategia de contenido que busca captar diferentes segmentos de audiencia.

El Halcón instala el núcleo de su narrativa en el conflicto generacional entre Lonnie Hawkins y su hijo, Lance, que aparece como la nueva promesa del golf. El personaje creado e interpretado por Ferrell enfrenta el desgaste físico y la presión mediática, elementos habituales en relatos de resurgimiento deportivo, articulados esta vez en una clave de comedia dramática con matices autocríticos y nostálgicos.

La estrategia de adelantos fragmentados por parte de Netflix —con variaciones humorísticas y referencias a errores del pasado del protagonista— responde al patrón de marketing de series sport-com difundido desde 2023, destinada a viralizarse en redes sociales antes del lanzamiento. Ferrell, tradicionalmente identificado con personajes estrafalarios y comedia física, asume aquí el reto de una vulnerabilidad calculada, en sintonía con el movimiento creciente entre figuras del cine estadounidense hacia roles serializados que fusionan humor autorreferencial y drama de transición.

Desde el 1 de junio de 2026, Netflix dejará de funcionar en una amplia gama de televisores inteligentes o Smart TV fabricados antes de 2015. Los usuarios con dispositivos afectados no podrán abrir, descargar o actualizar la aplicación, lo que dejará sin acceso a sus películas y series.

El fin del soporte de la aplicación nativa se limita principalmente a dispositivos lanzados antes de 2015, mientras que los televisores fabricados desde 2016 en adelante seguirán accediendo sin restricciones al servicio.

El anuncio pone el foco en la obsolescencia programada en el ámbito digital. La determinación de Netflix impacta directamente sobre marcas como Samsung, Sony, LG, Apple y Panasonic, todas con modelos de televisores comprendidos en la lista de dispositivos que perderán soporte.

Qué televisores dejarán de ser compatibles con la aplicación de Netflix

La medida de Netflix excluye de su plataforma a una extensa variedad de televisores inteligentes antiguos. Entre los modelos afectados figuran:

• Dispositivos Apple TV de primera, segunda y tercera generación.
• Televisores LG de las series Infinia LX9500 y Nano LED LM9600.
• Modelos Panasonic AX900, VT50, VIERA TC-P50VT25 y similares.
• Televisores Sony de la gama Bravia como KDL, XBR y W95.

La mayoría de estos dispositivos recibieron sus últimas actualizaciones de sistema operativo hace varios años. A partir del 1 de junio, estos modelos ya no podrán descargar ni actualizar la aplicación de Netflix, lo que implica la pérdida total de acceso a la plataforma y a sus nuevas funciones.

Cómo saber si Netflix dejará de ser compatible con un televisor

Verificar la compatibilidad de un televisor con la aplicación de Netflix resulta sencillo. Solo hay que comprobar si el ícono de Netflix aparece en el menú principal del dispositivo o en la tienda de aplicaciones correspondiente, como LG Content Store, Samsung Smart Hub o Google Play.

En caso de que el ícono haya desaparecido o no permita la descarga de la aplicación, el dispositivo en cuestión se incluye entre los que perderán soporte. Se sugiere consultar el sitio oficial de Netflix para conocer la lista completa de modelos afectados, en especial para quienes adquirieron su televisor antes de 2015.

Qué otros dispositivos dejarán de ser compatibles con Netflix

La incompatibilidad anunciada no se limita únicamente a los televisores, impacta en teléfonos inteligentes que no pueden actualizarse a iOS 18.0 o Android 9.0.

Entre los modelos de iPhone que quedarán excluidos figuran el iPhone X, iPhone 8 y 8 Plus, iPhone 7 y 7 Plus, iPhone 6s y 6s Plus, iPhone SE de primera generación y todos los anteriores.

En el universo Android, los dispositivos que no logran actualizarse a la versión 9.0 incluyen el Samsung Galaxy S8 y Galaxy S7, Huawei P10 y Mate 9, LG G6 y G5, Sony Xperia XZ1 y modelos lanzados antes de 2018. Estos teléfonos no podrán instalar ni ejecutar la aplicación oficial de Netflix a partir de junio.

Por qué Netflix deja de dar soporte a dispositivos antiguos

La decisión de Netflix tiene una explicación técnica. La plataforma incorpora de forma continua nuevas funciones, actualizaciones de seguridad y mejoras en la interfaz, lo que requiere sistemas operativos modernos y mayor capacidad de procesamiento.

Los aparatos más antiguos poseen hardware limitado y sistemas que los propios fabricantes ya no actualizan. Esta situación dificulta la ejecución eficiente de la aplicación y genera riesgos de seguridad, porque la ausencia de actualizaciones regulares compromete la estabilidad del servicio.

Qué opciones hay para seguir usando Netflix en un televisor antiguo

Perder el acceso a Netflix en un televisor no implica necesariamente la compra de una nueva pantalla. La alternativa más práctica y económica consiste en utilizar un dispositivo streaming externo.

Estos aparatos, como el Amazon Fire TV, Apple TV, Google Chromecast o los dispositivos Roku, se conectan al puerto HDMI del televisor y lo transforman en un Smart TV actualizado.

Una vez instalado el dispositivo y conectado a la red WiFi, el usuario accede a la tienda de aplicaciones, descarga Netflix e inicia sesión normalmente. Estos reproductores suelen ofrecer un sistema operativo más rápido, actualizaciones frecuentes y acceso a cientos de otras plataformas de entretenimiento.