Netflix canceló la serie Dulces Magnolias después de cinco temporadas, según informó Deadline el 18 de septiembre. La decisión, anunciada sorpresivamente, deja sin resolución varios de los arcos narrativos centrales de la trama y coincide con la luz verde a un nuevo proyecto de la creadora del show, Sheryl J. Anderson, junto a la protagonista JoAnna Garcia Swisher.

Dulces Magnolias, adaptación de las novelas de Sherryl Woods, se estrenó en 2020 y siguió la vida de tres amigas de la infancia en el pueblo ficticio de Serenity, en Carolina del Sur.

Maddie debía enfrentar la separación de su esposo tras descubrir que él mantenía una relación con una mujer más joven, mientras se dedicaba a su rol de madre en una familia numerosa. Dana Sue, por su parte, asumía el desafío de la maternidad en solitario mientras intentaba consolidarse como cocinera, y Helen, abogada soltera sin hijos, proponía a sus amigas abrir juntas un spa.

El reparto principal estuvo encabezado por Swisher en el papel de Maddie, Brooke Elliott como Dana Sue y Heather Headley como Helen. La serie acumuló 100 millones de visualizaciones desde su estreno y apareció catorce veces en el top 10 semanal global de Netflix, en más de 60 países. Con el paso del tiempo, llegó a ser una producción favorita de la plataforma.

Un proyecto paralelo le restó terreno a la renovación

La quinta temporada, estrenada el 11 de junio, registró 2,8 millones de visualizaciones en su semana de estreno, lo que representó una caída del 30% respecto de la temporada anterior. Sin embargo, ese descenso no fue el único factor detrás de la cancelación.

Deadline reveló que Netflix tenía en desarrollo interno, y en fase avanzada, la nueva serie de Anderson y Swisher, lo cual convirtió la decisión en una disyuntiva directa: renovar Dulces Magnolias por una sexta y última temporada, o dar luz verde al nuevo proyecto y que sus creadoras volcaran su atención hacia él. La plataforma optó por la segunda alternativa.

Ese cruce de prioridades explica, en parte, por qué Netflix tampoco había autorizado previamente una sala de guionistas para trabajar en una eventual sexta temporada, un paso que suele dar de manera anticipada con sus producciones consolidadas.

La determinación final se produjo apenas horas antes de hacerse pública. Los contratos del elenco vencían el jueves 17 de septiembre por la noche, el mismo momento en que Netflix aprobó formalmente el nuevo proyecto de Anderson y Swisher. La cancelación de Dulces Magnolias se confirmó al día siguiente.

Tras conocerse la noticia, el equipo de guionistas publicó un mensaje de despedida en la cuenta oficial de Instagram del programa: “Todas las grandes aventuras deben terminar en algún momento. Y aquí, queridos amigos, es donde termina la nuestra. Dulces Magnolias está ahora completa con cinco temporadas en Netflix”.

Varios arcos narrativos quedaron sin cierre

La cancelación impide resolver tramas que Anderson había anticipado para una sexta temporada, según reveló a Us Weekly. Entre ellas, la posible reconciliación entre Annie y Ty, personaje interpretado por Carson Rowland, quien había dejado el elenco. “Es una línea narrativa realmente interesante que atraviesa toda la temporada. Aunque no vemos a Ty, sigue muy presente en la vida de Annie”, explicó la showrunner a Us Weekly previamente, y agregó que la puerta para un reencuentro estaba “abierta”.

También quedaron pendientes el nuevo romance de Dana Sue con un personaje llamado Clarke tras su separación de Ronnie, el crecimiento familiar de Helen y Erik a través de la acogida de menores, y un posible compromiso entre Noreen y Jeremy. Sobre estos últimos, Anderson había dicho: “Amamos verlos juntos, porque hay una dulzura y una delicadeza entre los dos que se destaca más que la dinámica de las otras parejas”.

La identidad de la autora del blog de chismes del pueblo, un misterio recurrente en la trama, tampoco llegó a revelarse.

De qué tratará ‘Ladies of the House’

El proyecto que terminó por inclinar la balanza es Ladies of the House, una nueva serie dramática creada por Anderson, quien volverá a ejercer como showrunner, con JoAnna Garcia Swisher como productora ejecutiva y en negociaciones para protagonizarla. Está basado en la novela homónima de Lauren Edmondson y constituye una versión libre de Sentido y sensibilidad, ambientada en Georgetown, Estados Unidos.

La trama sigue a la esposa y las dos hijas adultas de un carismático dueño de una bodega vitivinícola que muere de forma repentina. Las tres mujeres deben enfrentar sus conflictos personales para sostener el negocio familiar, según la sinopsis oficial.

El desempeño renovado del filme llevó nuevamente a la conversación pública la historia de Michael Oher, el exjugador de fútbol americano cuya vida fue trasladada al cine a partir de los acontecimientos narrados en el libro The Blind Side: Evolution of a Game, de Michael Lewis.

La producción cuenta el recorrido de Oher, un joven afroamericano que atravesó una infancia marcada por dificultades económicas y falta de estabilidad familiar en Memphis, Tennessee.

La historia cinematográfica presenta el momento en que es recibido por la familia Tuohy y comienza a integrarse a su entorno. A partir de su vínculo con ellos y de su desarrollo como jugador de fútbol americano, el joven encuentra una oportunidad para continuar sus estudios y avanzar en su carrera deportiva.

El reparto está encabezado por Sandra Bullock, quien interpreta a Leigh Anne Tuohy, y Quinton Aaron, en el papel de Michael Oher. La película también cuenta con Jae Head, Tim McGraw y Kathy Bates, entre otros actores.

El director y guionista John Lee Hancock explicó que uno de los ejes de la producción era la relación entre Tuohy y Oher, además de la transformación que experimentaba la familia a partir de ese vínculo.

Hancock también planteó como punto de partida la intención de reconstruir quién era Oher y cuáles fueron las circunstancias que contribuyeron a que un joven de los suburbios de Memphis llegara al fútbol americano de alto nivel.

En términos comerciales, Un sueño posible fue producida con un presupuesto estimado de 29 millones de dólares y superó los 309 millones de dólares de recaudación a nivel internacional.

Cabe recordar que en agosto, durante una entrevista con Us Weekly, Quinton Aaron habló sobre su recuperación después de sufrir un derrame medular que le provocó parálisis de la cintura para abajo.

El actor, de 42 años, explicó que continúa con su rehabilitación y aseguró que espera volver a caminar.

“Ha sido un camino largo, pero me siento bien. Estoy recuperando la voz, lo cual es genial. Antes no sonaba como yo mismo. Mi mano derecha ha estado entumecida y con hormigueo todo el tiempo. Algunos días la siento débil y rígida”, dijo.

Aaron relató que el episodio ocurrió en enero de este año. Según explicó, una noche se acostó después de experimentar un fuerte dolor de espalda y, al despertar, había perdido la movilidad y la sensibilidad en las piernas.

El actor fue trasladado a un hospital, donde posteriormente entró en coma y sufrió un paro cardíaco. Quinton Aaron contó que tuvo que ser reanimado en más de una ocasión y señaló que, durante uno de los episodios en los que perdió los signos vitales, tuvo una experiencia que describió como haber visto a Jesús.

Actualmente, el artista se encuentra en un centro de rehabilitación, donde participa en terapias destinadas a recuperar fuerza y movilidad. Según explicó, realiza ejercicios de fortalecimiento para mejorar la capacidad de sostener su peso con los brazos, la parte superior del cuerpo y el abdomen.

El actor también señaló que conserva cierta sensibilidad en las piernas y que puede sentir cuando alguien lo toca desde las piernas hasta el abdomen, aunque todavía no puede percibir el dolor de la misma manera.

Durante su recuperación, Quinton Aaron identificó un movimiento involuntario en una de sus piernas que interpretó como una señal de avance.

“Una noche estaba acostada viendo una película, me sobresalté por algo en la televisión y mi pierna se movió. Le envié un video a mi representante y se echó a llorar. Le dije: ‘Te lo dije, voy a volver a caminar’”, relató.

Aaron afirmó que los médicos le explicaron que la presencia de movimiento en algunas articulaciones y la capacidad de sentir determinadas zonas pueden representar posibilidades de recuperación.

Una médica jubilada que convive con los muertos, tres adolescentes asesinados en un barrio del conurbano y una presencia que comienza a extenderse entre los vecinos. Netflix estrenará el 24 de septiembre la miniserie Mis muertos tristes, basada en relatos de Mariana Enriquez y dirigida por el cineasta chileno Pablo Larraín.

La ficción tendrá cuatro episodios y llegará a la plataforma después de su estreno mundial en la competencia de la Sección Oficial de la 74.ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El proyecto reúne a Larraín con la escritora argentina para trasladar a la pantalla una parte de su universo de terror, atravesado por la memoria, la violencia y los vínculos familiares.

Mercedes Morán encabeza el elenco como Ema, una médica recién jubilada que posee una capacidad que condicionó su vida: puede ver a los muertos. Ese don, que durante años trató de mantener bajo control, adquiere otra dimensión cuando debe enfrentar la muerte de su madre y asuntos pendientes de su propia historia.

Ema y Julie quedan en el centro de un fenómeno que altera a Piedrabuena

La llegada de Julie, sobrina de Ema e interpretada por Dolores Fonzi, modifica ese frágil orden. La joven también tiene una conexión con los muertos, aunque su experiencia resulta más intensa e inestable. El vínculo entre ambas se convierte en uno de los ejes de la historia.

Al mismo tiempo, el asesinato de tres adolescentes en Piedrabuena, un barrio atravesado por la violencia, rompe la frontera entre el mundo de los vivos y el de quienes murieron. Lo que para Ema había sido una carga íntima empieza a expandirse por el vecindario.

Los muertos se hacen presentes y obligan a los habitantes del barrio a enfrentarse con sus propias pérdidas, silencios y deudas. La serie sitúa el terror en una trama donde las presencias sobrenaturales se vinculan con conflictos sociales y familiares.

El elenco principal se completa con Alejandra Flechner y Carolina Álvarez. También participan Carlos Portaluppi, Germán de Silva y la actriz chilena Luz Jiménez.

La adaptación reúne personajes y pasajes de distintos cuentos

Aunque toma su nombre del relato “Mis muertos tristes”, la miniserie no adapta de manera lineal un único texto. La historia incorpora elementos de otros cuentos de Enriquez, entre ellos “Julie” y “Un lugar soleado para gente sombría”.

La autora participó del trabajo de adaptación junto con Guillermo Calderón, Anastasia Ayazi y Larraín. El objetivo fue construir una narración nueva que reuniera personajes, situaciones y climas de distintos relatos, sin desprenderlos del contexto que caracteriza a la obra de la escritora.

Enriquez explicó que sus fantasmas no funcionan solo como figuras del miedo. “Los relatos de Mis muertos tristes plantean a los fantasmas como la memoria, aquello que vuelve todo el tiempo y que en muchos casos no se puede calmar porque tienen que ver con la injusticia”, señaló sobre el sentido de estas presencias.

Para la escritora, la pregunta que sostiene a la historia no tiene una resolución única: qué hacer con esos fantasmas que regresan. La serie retoma esa inquietud desde el drama de Ema, Julie y los habitantes de Piedrabuena.

Pablo Larraín buscó preservar el universo literario de Mariana Enriquez

Larraín destacó la participación de Enriquez como un elemento central durante el proceso. El director sostuvo que adaptar una obra con un mundo tan definido implica respetar sus reglas y traducir al lenguaje audiovisual aspectos que en la literatura aparecen como impresiones, emociones y elementos abstractos.

“Hay ciertas cosas que ella explica o narra con literatura, que son cosas más abstractas, sensaciones y emociones que hay que llevarlas a otro lenguaje”, afirmó el realizador chileno.

La producción está a cargo de Fábula, compañía fundada por Pablo y Juan de Dios Larraín. Juan de Dios Larraín, Pablo Larraín y Ángela Poblete figuran como productores, mientras que Álvaro Cabello y Cristián Donoso se desempeñan como productores ejecutivos.

La dirección de fotografía estuvo a cargo de Sergio Armstrong y el diseño de producción, de Rodrigo Bazaes. Antes de su llegada a Netflix, la serie será exhibida en San Sebastián en formato de largometraje, con una duración aproximada de tres horas.

Más de un año después del estreno mundial de ‘Las guerreras K-pop’ el 20 de junio de 2025 en Netflix, la banda sonora de la película continúa entre las más reproducidas en Spotify.

Top 5 de las canciones más populares de ‘Las guerreras K-pop’

Este es el ranking de sus cinco temas más populares:

1. Golden (HUNTR/X): himno principal de la película. Pista pop inspiracional centrada en el empoderamiento personal, que aborda dejar de esconderse, romper con patrones del pasado y abrazar la identidad propia. Dentro del universo transmedia, el tema llevó al grupo ficticio a ganar un premio Grammy en 2026, la primera vez que una canción de K-pop surgida de una película obtiene este galardón.

2. Soda Pop (Saja Boys): tema pop pegadizo y enérgico. En la superficie, la letra compara la atracción y la fama con una bebida adictiva, mientras su ritmo hipnótico encubre las intenciones demoníacas del grupo rival bajo una fachada inofensiva.

3. Your Idol (Saja Boys): actuación climática del grupo antagonista. Musicalmente se presenta como un éxito sobre la devoción y la relación obsesiva entre ídolos de K-pop y sus seguidores, aunque en la trama funciona como un ritual oscuro para capturar las almas de los fans y convocar al rey demonio.

4. How It’s Done (HUNTR/X): tema con fuerte presencia de rap que sirve como carta de presentación del grupo. La letra combina la vida de las protagonistas como estrellas con su faceta secreta de cazadoras de demonios, en tono de demostración de poder y superioridad en batalla.

5. What It Sounds Like (HUNTR/X): tema final de la película. Balada pop centrada en la aceptación de las propias heridas y en encontrar belleza en las “piezas rotas” de uno mismo, con un mensaje sobre revelar la voz interior real y dejar atrás las fachadas.

Récords históricos en Billboard

Más allá del ranking en Spotify, la banda sonora de ‘Las guerreras K-pop’ encabezó el Billboard 200 y acumuló miles de millones de reproducciones en todo el mundo. La producción se convirtió en la primera banda sonora de una película en lograr cuatro canciones simultáneas en el Top 10 del Billboard Hot 100, un dato que refleja el alcance de su impacto musical a nivel de industria.

“Golden” permaneció durante semanas en el primer puesto del Billboard Global 200 y generó desafíos virales en redes sociales, una repercusión que consolidó su lugar como el tema más destacado de la franquicia.

El título más visto en la historia de Netflix

En paralelo al éxito musical, ‘Las guerreras K-pop’ registró una permanencia de 63 semanas consecutivas, más de nueve meses, en el Top 10 global de Netflix, superando tanto a producciones de acción real como de animación. Esta cifra la posicionó como el título original más visto en la historia de la plataforma.

La cinta se distingue por su representación de la cultura coreana, con integración de costumbres, mitología y escenas cotidianas que evitan los estereotipos occidentales. Los personajes principales, Rumi, Mira y Zoey, conectan con el público a través de sus conflictos personales, mientras las secuencias musicales refuerzan el peso emocional de la historia.

Durante la temporada de premios de 2026, ‘Las guerreras K-pop’ obtuvo diez premios Annie en la categoría de animación y alcanzó su reconocimiento máximo al ganar el Óscar a la Mejor Película de Animación.

El fenómeno trascendió la pantalla y el streaming musical: tras agotar entradas en funciones especiales y versiones para cantar en cines de tres continentes, la película superó los 24,9 millones de dólares en taquilla. Durante 2026, la franquicia continuó su expansión con incursiones en videojuegos y cartas tácticas, en el marco de la inversión de Netflix en contenidos coreanos.

La versión de Lilith

La historia parte de una pregunta concreta: qué sucedería si el relato conocido sobre las hermanastras estuviera incompleto. Lilith toma el control de la narración para contar la que considera la verdadera versión de los hechos, marcada por un accidente mágico que altera el Baile Real y amenaza al reino.

Lilith es acusada de sabotear la celebración con una varita robada. Durante el incidente convierte accidentalmente a su hermana Margot en una rana y deja el reino bajo el control de una joven presumida, obsesionada con los príncipes. Para reparar el daño tendrá que colaborar con Cenicienta, pese a la relación conflictiva que el cuento clásico atribuye a estos personajes.

El grupo también incluye a un trol descrito como inesperadamente apuesto. Los tres deberán salvar el reino, devolverle a Margot su forma humana y reparar una historia de hadas que quedó fracturada por el uso de la varita. El objetivo personal de Lilith será limpiar su nombre y probar que quienes son considerados villanos también pueden recibir una oportunidad para alcanzar un final feliz.

La película cambia así el centro del relato. Cenicienta sigue presente y participa de la misión, pero el conflicto se construye alrededor de Lilith, sus errores y las consecuencias del hechizo. El tráiler adelanta una aventura fantástica con elementos de comedia, transformaciones mágicas y una alianza forzada entre personajes que deberían ocupar lados opuestos de la historia.

Las voces detrás de Hermanastras

El reparto original está encabezado por Ali Wong, quien interpreta a Lilith. Amanda Seyfried, nominada al Óscar, presta su voz a Cenicienta, mientras que Stephanie Hsu, conocida por Todo a la vez en todas partes, interpreta a Margot, la hermanastra transformada en rana durante el desastre del Baile Real.

La selección de voces incluye a Bette Midler, Nikki Glaser, Peter Dinklage, Young Mazino y Daniel Radcliffe. También participa Emma Jagger, quien realiza su debut en esta producción. Las fuentes difundidas hasta ahora no detallan qué personajes interpretarán estos últimos integrantes del elenco.

Seyfried aparece en las primeras imágenes oficiales como la nueva versión animada de Cenicienta. Wong también fue presentada visualmente como Lilith, obligada a encontrar una forma de revertir el hechizo que afectó a su hermana. Margot, interpretada por Hsu, funciona como una consecuencia visible del conflicto: permanece convertida en rana mientras el grupo busca reparar el daño.

La elección de Ali Wong para el personaje central acompaña el giro narrativo de la película. Lilith deja de ser una figura secundaria definida únicamente por su relación con Cenicienta y pasa a conducir la misión. La historia mantiene la etiqueta de “hermanastra malvada” como punto de partida, aunque la trama busca discutir quién decidió esa descripción y qué ocurrió antes del final conocido.

Dirección, guion y fecha de estreno

Alyce Tzue codirige la película después de haber ganado un Óscar estudiantil por el cortometraje Soar. John Ripa llega al proyecto tras trabajar en Raya y el último dragón. El guion fue escrito por el dúo cómico formado por Riki Lindhome y Kate Micucci.

La producción corre a cargo de Amy Poehler y Kim Lessing para Paper Kite Productions. El título original del proyecto es Steps, mientras que su lanzamiento en español fue anunciado como Hermanastras. Netflix lo presenta como una fantasía animada que toma personajes reconocibles para contar los hechos desde el lugar de quienes quedaron identificadas como antagonistas.

El avance sucede a la publicación de las primeras imágenes, que permitieron conocer los diseños de Cenicienta, Lilith y Margot. El material nuevo suma el origen del accidente, la dinámica entre las protagonistas y la misión para impedir que el reino permanezca en manos de la nueva adversaria.

Hermanastras estará disponible exclusivamente en Netflix a partir del 20 de noviembre de 2026.

‘Las Guerreras K-Pop’ se consolidó como el fenómeno transmedia más grande de la cultura digital reciente. La película, estrenada en 2025, redefinió el éxito en plataformas de streaming al conectar cine, música, redes sociales y videojuegos en una misma experiencia. El grupo ficticio HUNTR/X, protagonista de la trama, alcanzó logros inéditos: el primer Grammy para una canción de K-pop surgida de una película y récords globales de audiencia.

El universo de ‘Las Guerreras K-Pop’ inspira coreografías que dominan TikTok, memes que circulan por millones de usuarios y una comunidad de fans que multiplica el alcance de sus personajes en cada red social. El acceso a la película y su consumo en pantalla grande se convirtió en una de las consultas más frecuentes, en especial para quienes desean compartir la experiencia en familia o con amigos.

Plataforma autorizada para verla en español latino

Para disfrutar la película en español latino y con la mejor calidad, Netflix es la única plataforma autorizada. La suscripción ofrece imagen y sonido en alta definición, acceso a subtítulos y múltiples opciones de audio, soporte técnico y la garantía de consumir contenido bajo estándares internacionales de seguridad y derechos de autor.

Optar por portales piratas o aplicaciones no oficiales implica riesgos importantes. La Organización Internacional de Policía Criminal (Interpol) advirtió que los sitios ilegales suelen alojar malware capaz de comprometer datos personales, credenciales bancarias y la integridad de los dispositivos conectados a la red doméstica. Además, estos servicios carecen de protección al usuario y pueden ocasionar fraudes con tarjetas de crédito, sin garantías ni atención al cliente.

Cinco pasos para pasar la película del celular al televisor

Netflix facilita la experiencia de llevar la película del teléfono a la pantalla grande mediante un proceso rápido y seguro. El método es compatible con la mayoría de los Smart TV, Chromecast y dispositivos de streaming. Los pasos son los siguientes:

Primero, conectar ambos equipos a la misma red WiFi. Es necesario verificar que el móvil y el televisor, o el dispositivo de streaming, estén vinculados a la misma red inalámbrica para permitir la comunicación entre ellos.

Segundo, abrir la aplicación de Netflix en el celular. El usuario debe iniciar sesión con su cuenta y buscar ‘Las Guerreras K-Pop’ en el catálogo para elegir la película y prepararla para la reproducción.

Tercero, tocar el ícono de transmitir. En la parte superior o inferior de la aplicación se ubica el símbolo de un rectángulo con ondas de WiFi, que corresponde al botón “Transmitir” (Cast).

Cuarto, seleccionar el televisor o el Chromecast. Al pulsar el ícono aparece una lista de dispositivos disponibles, entre los que se debe elegir el televisor o el Chromecast donde se desea ver la película.

Quinto, iniciar la reproducción en el televisor. El contenido se muestra de forma automática en la pantalla grande y permite controlar la reproducción, ajustar el volumen y cambiar el idioma o los subtítulos desde el teléfono.

La experiencia de ver ‘Las Guerreras K-Pop’ en Netflix evita riesgos asociados a servicios ilegales, como virus, robos de datos o fraudes financieros. El acceso legal garantiza una calidad de imagen constante, actualizaciones de seguridad y soporte ante cualquier inconveniente técnico. Además, contribuye a que los creadores y el equipo detrás de la película reciban el reconocimiento y el apoyo necesarios para seguir innovando en la industria.

Más de nueve meses en el top 10 global

La película de HUNTR/X marcó récords en Netflix al permanecer en el top 10 global por más de nueve meses, con lo que superó a producciones de acción real y animación. La canción “Golden” se convirtió en un hito del K-pop, mientras la estética y las coreografías de la cinta impulsaron tendencias en redes sociales y videojuegos.

El éxito de ‘Las Guerreras K-Pop’ ilustra el poder del streaming legal y la influencia de las plataformas digitales para transformar contenidos en fenómenos globales. Transmitir la película del teléfono al televisor forma parte de una experiencia que continúa su expansión y conecta comunidades en distintos países.

A través de Gemini, la herramienta de inteligencia artificial (IA) de Google, es posible crear una imagen inspirada en Las Guerreras K-pop para imprimirla y colorearla en papel.

La clave consiste en pedir una ilustración de líneas negras, sin rellenos ni sombras complejas, que conserve referencias generales a Rumi, Mira y Zoey, las protagonistas de la película de Netflix.

Cuál es el primer paso para crear una figura para colorear de Las Guerreras K-pop

El primer paso es acceder a Gemini desde el navegador o en la aplicación del celular, iniciar sesión con una cuenta de Google y abrir el cuadro de conversación. La plataforma permite solicitar imágenes mediante instrucciones escritas y descargarlas en tamaño completo una vez que el resultado está listo.

Antes de escribir el pedido, conviene decidir si la lámina mostrará a las tres guerreras juntas, a una sola protagonista o una escena de acción. Para una página destinada a colorear, una composición simple suele dar mejores resultados: personajes en primer plano, contornos definidos y pocos objetos alrededor.

Qué rasgos deben tener las figuras para colorear

La instrucción debe dejar claro que se busca una lámina para colorear. Es necesario incluir expresiones como “dibujo en blanco y negro”, “líneas gruesas y limpias”, “sin color”, “sin sombras”, “sin degradados”, “fondo simple” y “espacios amplios para pintar”.

Además, es útil precisar el formato: “hoja vertical tamaño carta” o “composición para imprimir en A4”. De ese modo, la inteligencia artificial puede organizar los elementos para que no queden cortados en los bordes.

Si la actividad está dirigida a niños pequeños, se pueden pedir trazos más anchos y áreas grandes; para edades mayores, es posible sumar accesorios, instrumentos o detalles del vestuario.

Cómo escribir un prompt detallado para la imagen de Las Guerreras K-pop

El prompt puede mencionar que la escena está inspirada en tres heroínas del pop coreano que enfrentan criaturas fantásticas, pero debe evitar una copia exacta de sus rostros, atuendos y escenarios.

Una opción de prompt es: “Crea una página para colorear en blanco y negro de tres guerreras ficticias de pop coreano. Una tiene cabello largo con coleta alta, otra lleva un corte recto y la tercera usa dos mechones de colores imaginarios. Visten trajes de escenario futuristas con accesorios de combate. Están en una pose de equipo frente a criaturas pequeñas y amistosas. Líneas negras gruesas, sin color, sin sombras, fondo sencillo, composición vertical para imprimir”.

La descripción puede sumar referencias generales, como micrófonos, auriculares, espadas estilizadas, amuletos, estrellas, parlantes o un escenario musical. El objetivo es obtener una imagen que remita al universo de la película, pero que se presente como una creación no oficial y con rasgos propios.

Qué hacer si la primera imagen de Las Guerreras K-pop no sirve para imprimir

La primera generación puede requerir correcciones. Si Gemini entrega una imagen con color, la respuesta siguiente debe pedir que elimine los tonos y deje solo tinta negra sobre fondo blanco. Si los rostros aparecen realistas, se puede solicitar “estilo de ilustración animada”, “formas redondeadas” y “contornos simples”.

Asimismo, conviene corregir un aspecto por vez. Una orden concreta puede ser: “Mantén la misma composición, pero elimina el fondo, agranda a las tres guerreras y convierte la imagen en una página para colorear con líneas negras”.

Cómo descargar e imprimir la imagen final de Las Guerreras K-pop

Tras elegir el resultado, se debe descargar la imagen en tamaño completo. Gemini ofrece una opción de descarga desde la imagen generada en la versión web y permite guardarla en el dispositivo desde la aplicación.

Antes de imprimir, corresponde abrir el archivo y revisar que los contornos se vean nítidos, que no haya logotipos ni textos y que las figuras no estén recortadas. Luego se puede imprimir en papel común, en orientación vertical u horizontal según la composición.

Si la imagen se comparte en redes sociales, una leyenda adecuada puede indicar que se trata de una ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial e inspirada en la estética del pop coreano y la animación.

Un secuestro en plena campaña política

Affleck interpreta a Mark Kimball, un político que intenta llegar a la alcaldía de Los Ángeles. Su vida pública y familiar se derrumba cuando secuestran a su hijo y los responsables exigen un rescate. Abigail, su esposa y personaje de Washington, se involucra en la búsqueda del dinero mientras el matrimonio comienza a desconfiar de quienes lo rodean.

El adelanto combina la carrera para recuperar al joven con las tensiones de una campaña electoral. Los Kimball deben reunir el pago dentro del plazo impuesto por los secuestradores, pero cada decisión amenaza con exponer secretos personales y destruir la imagen que Mark construyó como candidato. Netflix presenta el conflicto alrededor de los enemigos políticos y privados de la familia, además de las mentiras que existen dentro del propio matrimonio.

Gillian Anderson interpreta a una fixer, una especialista contratada para resolver crisis y operar como intermediaria en situaciones delicadas. Steven Yeun encarna al jefe de campaña de Mark. La presencia de ambos personajes abre dos frentes para el protagonista: la negociación destinada a recuperar a su hijo y el control de las consecuencias políticas del caso.

La historia también gira alrededor de la distancia entre la identidad pública de una persona y su comportamiento privado. Affleck explicó que le interesaba examinar las vidas de fachada que se presentan ante los demás. El secuestro funciona como detonante para quitar esas capas y revelar la dinámica hostil entre Mark y Abigail.

Una producción cancelada y recuperada

El proyecto fue anunciado en 2024 con Matt Damon como protagonista y Jennifer Garner en el papel de su esposa. Esa versión estuvo a punto de comenzar su rodaje, pero Affleck decidió detenerla apenas dos semanas antes de filmar tras conocer otra película construida alrededor de un secuestro.

Se trataba de Del cielo al infierno, dirigida por Spike Lee y protagonizada por Denzel Washington. Cuando Affleck descubrió que las dos producciones compartían un punto de partida similar, primero consideró retrasar Animales y después optó por cancelarla. Según contó a Entertainment Weekly, su reacción fue directa: “Estábamos a dos semanas de rodar y dije: ‘No estamos haciendo esto’”.

Affleck argumentó que realizar una buena película ya era suficientemente difícil sin sumar la comparación inmediata con otro proyecto. Sin embargo, la idea siguió interesándole por su ambientación en Los Ángeles y por la posibilidad de explorar el contraste entre las apariencias y la vida privada. Meses después decidió reactivar el desarrollo.

Para entonces, Damon ya no estaba disponible. Affleck asumió el papel de Mark y volvió a colocarse delante y detrás de cámara, algo que ya había hecho en Air, estrenada en 2023. El director bromeó con que su amigo había preferido encabezar La Odisea, aunque el cambio terminó modificando más piezas del reparto.

El nuevo matrimonio protagonista

La entrada de Affleck generó la salida de Garner. Ambos consideraron que interpretar juntos a una pareja atrapada en un matrimonio en crisis añadiría una carga personal innecesaria a la producción. Washington fue elegida entonces para encarnar a Abigail y formar la nueva pareja central.

Washington explicó que el guion mezclaba el thriller con ideas más profundas sobre la relación. Su lectura inicial cambió al descubrir que Mark y Abigail no formaban un matrimonio feliz, sino que mantenían una dinámica mucho más oscura. Esa tensión ocupa un lugar central mientras los dos intentan colaborar para salvar a su hijo.

El reparto se completa con Luis Gerardo Méndez, Adriana Paz, Ray Fisher, Christopher Woodley, Matt Gerald y Jacob Estrada. Animales será el regreso de Affleck a la dirección de largometrajes después de Air y estará disponible en Netflix desde el 9 de octubre.

Netflix multiplica sus apuestas por las adaptaciones de videojuegos con cuatro producciones en desarrollo: una serie animada de Sonic, otra basada en Diablo, y dos películas sobre Crazy Taxi y Stranger Than Heaven.

Los proyectos surgen de dos acuerdos distintos. Por un lado, la plataforma amplió su colaboración con SEGA para tres franquicias japonesas. Por otro, se sumó Blizzard con el anuncio de una serie animada de Diablo durante la BlizzCon 2026.

Cómo sería la nueva serie de Sonic

La producción se llamará simplemente Sonic y estará dirigida a una audiencia preescolar avanzada. Presentará al erizo azul y a sus amigos como héroes dentro de una aventura de tono dinámico, con momentos de humor y también emocionales.

El proyecto tendrá a Carlos Stevens como director, mientras que Toru Nakahara participará como productor ejecutivo por parte de SEGA. La serie se encuentra en desarrollo y todavía no cuenta con fecha de estreno, reparto de voces ni detalles sobre su animación.

Esta nueva producción será independiente de Sonic Prime, la serie animada que ya sumó tres temporadas exclusivas en Netflix.

Crazy Taxi y Stranger Than Heaven tendrán su propia película

La adaptación de Crazy Taxi será la primera producción en ponerse en marcha dentro del acuerdo con SEGA. Estará escrita por Dan Gregor y Doug Mand, guionistas del reboot de Agárralo como puedas.

Como productores participarán Neal H. Moritz, Toby Ascher y Toru Nakahara. La intención declarada es trasladar a la pantalla el caos, el humor y la energía que caracterizan al videojuego de conducción, que debutó originalmente en los arcades en 1999.

El estreno cinematográfico llega en un momento de expansión para la franquicia: SEGA tiene previsto lanzar Crazy Taxi: World Tour en 2027. La película todavía no tiene fecha de estreno confirmada.

El tercer proyecto ligado a SEGA es Stranger Than Heaven, basado en una propiedad de RGG Studio, el equipo responsable de la saga Like a Dragon. Netflix prepara una adaptación de acción real producida por Toru Nakahara.

La historia se ambienta en el Japón de comienzos del siglo XX. Sigue a un extranjero que asciende desde la pobreza hasta convertirse en un poderoso miembro de la yakuza y, después, en un magnate del entretenimiento.

Por el momento hay pocos detalles disponibles sobre esta producción. Netflix no ha revelado fecha de estreno, reparto ni equipo creativo adicional al mencionado.

Diablo contará con una serie en Netflix

Blizzard y Netflix confirmaron una serie animada ambientada en el universo del RPG de acción, en un evento donde también se presentó una quinta entrega del videojuego prevista para 2029.

La producción no reproducirá la trama de ninguno de los juegos existentes. Según la información disponible, contará una historia nueva enmarcada en la mitología propia de la saga, con la fantasía oscura y el tono de amenaza que la caracterizan.

Blizzard explicó que se asoció con distintas fuerzas creativas para contar historias fuera del formato de videojuego y llevarlas a nuevas pantallas. La compañía adelantó que compartirá más detalles en el futuro, sin precisar cuándo.

Por ahora no hay equipo creativo confirmado, tampoco actores de voz, estudio de animación, director ni calendario de producción. No se conoce el nombre definitivo de la serie ni se mostró material visual oficial.

El proyecto se suma a otras dos apuestas de Netflix dentro de la fantasía: Dungeons & Dragons: Ravenloft y la propia Diablo. Con esas producciones, la plataforma busca competir con series como Los anillos de poder y La casa del dragón.

La colaboración con SEGA y Blizzard llega en paralelo a otros desarrollos de Netflix dentro del género de videojuegos, entre ellos proyectos animados relacionados con Minecraft y Magic: The Gathering, además de nuevas temporadas de Cyberpunk: Edgerunners y Splinter Cell: Deathwatch, y la tercera y última temporada de Devil May Cry.

Netflix estrenará en 2027 la miniserie El mundo según Jonás, una producción de ciencia ficción ambientada en una América Latina de 2047, donde una voz capaz de anticipar el futuro altera el equilibrio político de la región. La ficción, que anteriormente fue presentada como El futuro es nuestro, adapta la novela The World Jones Made, publicada por Philip K. Dick en 1956.

La historia transcurre en un escenario marcado por el deterioro ambiental, la violencia y el surgimiento de nuevas estructuras de poder. En ese contexto funciona FedSur, una coalición creada para contener las consecuencias de la crisis ecológica y preservar la estabilidad en el continente. Sin embargo, el orden que busca imponer queda amenazado por una figura que gana influencia a través de internet.

Jonás Flores es un joven predicador cuya voz se vuelve masiva al anunciar hechos que todavía no ocurrieron. Sus pronósticos incluyen la caída de FedSur y una posible victoria frente al colapso ambiental. La capacidad de Jonás para predecir el futuro moviliza a sectores de la población latinoamericana, que comienzan a ver en él una alternativa frente al sistema vigente.

La detención de Jonás convierte al predicador en un referente continental

El policía Hugo Crussí descubre quién está detrás de esa voz y localiza a Jonás. Su decisión de detenerlo, lejos de desactivar su influencia, desencadena el proceso contrario: el joven pasa a ser identificado como un líder de la resistencia y multiplica su alcance político y social.

A partir de ese hecho, Crussí queda perseguido como integrante de un movimiento opositor. La trama lo sitúa frente a una misión extrema: deberá intentar acabar con Jonás, quien ya ha anticipado el magnicidio y espera la llegada de quien pretende asesinarlo. El enfrentamiento entre ambos concentra el conflicto de la serie y pone en discusión el vínculo entre las creencias colectivas, el poder y el control institucional.

La adaptación traslada al ámbito latinoamericano preguntas presentes en la obra de Dick: qué ocurre cuando una figura pública parece conocer el porvenir, cómo se transforma una sociedad en crisis ante la promesa de una salida y cuáles son los límites de la autoridad cuando la población deja de confiar en sus estructuras políticas.

Mateo Gil encabeza una adaptación con equipos de varios países

Mateo Gil será el showrunner de la serie y forma parte del equipo de guion junto con Laura Santullo, Camila Brugés Gómez y Kyzza Terrazas. El proyecto reúne a directores de distintos recorridos dentro del cine y la televisión regional: Vicente Amorim, Daniel Rezende, Jesús Braceras y el propio Gil.

La producción estará a cargo de K&S Films y Electric Shepherd Productions. Esta última compañía tiene un vínculo directo con el universo de Philip K. Dick: entre sus trabajos se encuentra El hombre en el castillo, otra adaptación audiovisual de la obra del escritor estadounidense. Además, Isa Dick Hackett, hija del autor, integra el grupo de productores ejecutivos.

Completan esa área Sarah Scougal, Matías Mosteirín, Diego Copello, Emiliano Torres, Micky Buye y Mariana Secco. La presencia de productores de América Latina y Estados Unidos responde a una coproducción que sitúa una historia de alcance continental en idioma español.

Enzo Vogrincic y Emiliano Zurita lideran un elenco regional

El reparto de El mundo según Jonás estará encabezado por Enzo Vogrincic, Emiliano Zurita, Delfina Chaves, Marleyda Soto, Fernán Mirás, Alfredo Castro, Antonia Zegers, Angela Rodríguez y Marco Antonio Caponi. También participan María Gracia Omegna, Rallen Montenegro, Juan Palomino, Ilay Perales y Paloma Contreras.

La serie se incorpora a la programación de Netflix con un relato que combina distopía, tensión política y crisis climática desde una perspectiva regional. La elección de un elenco procedente de distintos países acompaña el alcance de la historia, centrada en una América Latina que atraviesa un conflicto común.

Con estreno previsto para 2027, la miniserie plantea un futuro cercano en el que internet funciona como herramienta de movilización, la emergencia ambiental redefine las instituciones y una profecía puede convertirse en el motor de una revolución.

Consta de tres episodios y aborda la vida personal y trayectoria profesional del futbolista colombiano, abarcando desde sus inicios hasta momentos clave como el Mundial 2014 y pasajes íntimos de su carrera.

“En esta serie documental, James Rodríguez, el mítico número 10 de Colombia, comparte su camino hacia la élite del fútbol y el sueño de hacer historia con la camiseta de su país”, señala la descripción en Netflix.

Cómo ver el documental de James en Netflix

Para ver el documental de James Rodríguez en Netflix, es necesario contar con una suscripción activa a la plataforma. Los planes, precios y prestaciones varían según el país.

En Colombia, Netflix ofrece tres alternativas. El plan Básico cuesta COP 18.900 mensuales e incluye reproducción en un dispositivo a la vez, resolución HD de 720p y descargas en un equipo.

El plan Estándar vale COP 29.900 al mes, permite ver contenidos en dos dispositivos simultáneamente, cuenta con calidad Full HD y habilita la incorporación de un miembro extra por COP 9.900 mensuales.

El plan Premium tiene un valor de COP 44.900 al mes, admite hasta cuatro reproducciones en simultáneo, ofrece calidad 4K con HDR, audio espacial y la posibilidad de añadir hasta dos miembros extra por un monto extra.

En Argentina, el plan Básico cuesta ARS 8.999 al mes. El Estándar tiene un valor de ARS 14.999 mensuales y permite sumar un miembro extra por ARS 5.399. El Premium vale ARS 19.999 por mes e incluye la opción de agregar hasta dos miembros extra por un cargo adicional.

En México, la plataforma dispone de un plan Estándar con anuncios por MXN 139 al mes. El plan Estándar sin publicidad cuesta MXN 269 mensuales, mientras que el Premium asciende a MXN 369. Los usuarios pueden agregar miembros extra por MXN 69 al mes con anuncios o por MXN 79 sin publicidad.

En Estados Unidos, el plan Estándar con anuncios cuesta USD 8,99 mensuales. El Estándar sin anuncios tiene un precio de USD 19,99, y el Premium, de USD 26,99 al mes. Los miembros extra cuestan USD 7,99 con anuncios o USD 9,99 sin publicidad.

James Rodríguez se despide de la selección Colombia

James Rodríguez puso fin a su etapa en la selección Colombia, equipo con el que acumuló 131 encuentros y alcanzó el récord de apariciones. El mediocampista dio a conocer su determinación mediante un video en Instagram, donde definió su paso por la Tricolor como uno de los capítulos más relevantes de su carrera.

El futbolista indicó que dejará el combinado nacional después del Mundial de 2026, decisión que coincide con su vuelta al fútbol colombiano. En su mensaje, recordó el sueño que representaba para él vestir la camiseta del país desde niño y remarcó la responsabilidad que implicaba hacerlo ante sus compañeros, sus familiares y la afición.

El número diez subrayó que los avances del equipo respondieron al trabajo de una generación de jugadores, los cuerpos técnicos y el apoyo de los colombianos. También se refirió al valor que tuvieron para él la camiseta número diez y la capitanía, funciones que aseguró haber asumido con compromiso.

Rodríguez expresó su gratitud a sus compañeros, entrenadores, colaboradores y familiares. Además, agradeció a los aficionados por acompañarlo tanto en los festejos como en las etapas de resultados negativos.

El mediocampista deja la selección con 31 goles, registro que lo sitúa detrás de Radamel Falcao en la tabla de máximos anotadores.

En Brasil 2014 obtuvo la Bota de Oro gracias a sus seis tantos y en la Copa América de Estados Unidos 2024 recibió el reconocimiento como mejor jugador. Ahora continuará su carrera en Atlético Nacional, luego de 17 años fuera del país.

‘El Hormiguero’ sigue tratando de liderar el ‘access prime time’, tras un potente inicio de semana con la visita ayer del presidente de Ceuta Juan Jesús Vivas, con un 16,7% de cuota de audiencia. Así, este martes se han sentado en el programa dirigido por Pablo Motos dos de los mejores actores de nuestro país: José Coronado y Martiño Rivas.

Durante la entrevista no sólo han presentado su nuevo proyecto, ‘El problema final’, la adaptación de Netflix de la obra de Arturo Pérez-Reverte, que ambos protagonizan y llegará a las pantallas el próximo 25 de septiembre; sino que además han tenido tiempo para repasar algunos de los momentos que ambos han protagonizado a lo largo de sus carreras, que, a pesar de llevarse 26 años de diferencia, no son cortas.

Más allá de sus implacables trayectorias profesionales, con infinidad de papeles por los que han sido nominados a varios Premios Goya, incluso en el caso de José Coronado ha sido galardonado con dos, uno por ‘No habrá paz para los malvados’ y otro por ‘Cerrar los ojos’, también han tenido una vida llena de anécdotas personales y, en particular, el madrileño ha destapado una faceta desconocida tras una pregunta de Pablo Motos: la profesión a la que se dedicó antes de ser actor.

Sus inicios como coreógrafo de moda

José Coronado ha recordado que, antes de consolidarse como actor, trabajó como coreógrafo de moda. “Fui coreógrafo de moda, que encima no entiendo nada ni me importa. Había que ganarse la vida, esos fueron mis comienzos. Estuve un tiempo de mi vida dando vueltas por el mundo como modelo, pero me daba mucha vergüenza. Y cuando ya volví a España, me abrí una agencia de modelos y me hice coreógrafo. No era solo ir y volver por un pasillo, era mucho más. Había que elegir la música, ayudar al diseñador a combinar y a elegir qué cosa se ponía cada modelo”, ha reconocido.

“Pero bueno, yo lo hacía con un socio que sí que sabía. Nos tiramos muchos años. Todos los Cibeles de ahora los inauguramos nosotros. Le echaba muchísimo morro porque yo no tenía ni idea. En ese momento estaba en el anonimato”, ha insistido. Esta vinculación con el sector de la moda la comparte con Martiño Rivas, quien también ha hecho sus pinitos en la industria, aunque ha querido señalar su cara B: “Es un mundo muy hostil, muy competitivo, donde te tratan de forma superficial, aunque yo no lo he vivido así”, ha reflexionado el actor gallego.

El tabaco y su decisión de no ir a Hollywood

Ha sido durante la intervención donde han querido, además, contar algunos de los entresijos que han formado parte del día a día en el rodaje de ‘El problema final’, cuando José Coronado también ha hablado de su relación con el tabaco. El hecho de estar en un ambiente del siglo pasado no solo evoca a esa cortesía, romanticismo exuberante o vestuario que roza la delicadeza, sino que también incluye normas sociales como el fumar constantemente, algo en lo que ha querido profundizar como exfumador, dada la gran dificultad que le ha supuesto.

“Soy exfumador. Yo fumaba bastante, un paquete y pico cada día. Y lo dejé radical. Estoy feliz porque es una de las mejores cosas que he hecho en mi vida. (…) He fumado unas hierbas inofensivas que se utilizan en el teatro. Al principio, sabían muy mal, pero después de tres meses no estaban tan mal”, ha confesado.

Otra de las grandes preguntas que giran en torno a José Coronado es: cómo es que nunca dio el salto a Hollywood. Al contrario que Penélope Cruz, Javier Bardem o Antonio Banderas, no decidió irse a Estados Unidos a probar suerte, con lo buen actor que es. Y es que, además de sus millones de seguidores, los críticos creen que allí hubiera triunfado. Sin embargo, con papeles como el de ‘El problema final’ en el que participan algunos de los rostros más queridos y consolidados de la escena española, “a estas alturas me da pereza”, ha confesado.

Diez intérpretes ganaron un Emmy antes de cumplir 24 años, según una selección de People. El ranking considera la edad exacta de cada ganador al recibir la estatuilla, incluidos los días desde su último cumpleaños.

Ese criterio ordena los casos con la misma edad en años y evita que el cálculo se limite a los años cumplidos.

10. Patty Duke ganó el Emmy a los 23 años por My Sweet Charlie

Patty Duke ganó el Oscar a la mejor actriz de reparto por The Miracle Worker a los 16 años y fue a esa misma edad que comenzó a protagonizar The Patty Duke Show, la serie de televisión que llevó su nombre y por la cual recibió una nominación al Emmy en 1964.

Más tarde, a los 23 años, consolidó su éxito al ganar su primer premio Emmy por la película para televisión My Sweet Charlie, manteniendo una carrera activa y destacada hasta su fallecimiento en 2016.

9. Susan Saint James tenía 22 años y 298 días al obtener el premio

Ganó su primer Emmy por interpretar a Peggy Maxwell en la serie de NBC The Name of the Game, emitida entre 1968 y 1971, siendo que recibió la candidatura y el premio en 1969 por una actuación de reparto. Luego reunió siete nominaciones más por títulos como McMillan & Wife y Kate & Allie.

8. Barbara Anderson recibió el Emmy con 22 años y 174 días

Obtuvo el Emmy por su actuación de reparto dramática en Ironside, la serie policial de NBC. Fue 124 días más joven que Susan Saint James al recibir el reconocimiento. Vale destacar que volvió a ser nominada en 1969 y 1970, y que también actuó en Wonder Woman, The Love Boat y Hawaii Five-O.

7. Jharrel Jerome se impuso a los 21 años y 348 días

En 2019 recibió el Emmy a mejor actor principal en una serie limitada o película por encarnar a Korey Wise en When They See Us, sobre el caso de los Cinco de Central Park. Durante el discurso recordó su vínculo con el Bronx. Algunos de sus trabajos más notables fueron: Moonlight, Mr. Mercedes y Spider-Man: Across the Spider-Verse.

6. Richard Thomas fue ganador a los 21 años y 341 días

Ganó el Emmy por interpretar a John-Boy Walton en The Waltons. Fue siete días más joven que Jharrel Jerome, por eso ocupa una posición superior entre los ganadores de 21 años. El actor fue nominado otra vez al año siguiente y siguió su recorrido con papeles en IT, Wonder Boys, The Americans y Ozark.

5. Anthony Murphy obtuvo el Emmy a los 17 años

Ganó el Emmy de 1973 por una actuación principal individual. Interpretó al personaje central de Tom Brown’s Schooldays, producción de Masterpiece Theatre basada en la novela que Thomas Hughes publicó en 1857. Según el artículo, esa fue su única actuación profesional. Más tarde ejerció como abogado y se dedicó a la pintura.

4. Scott Jacoby consiguió el reconocimiento a los 16 años

Ganó el Emmy por su actuación de reparto dramático en la película para televisión That Certain Summer, estrenada en 1972 y protagonizada también por Martin Sheen y Hal Holbrook. La nota recogió que fue una de las primeras producciones televisivas en abordar la homosexualidad con una mirada comprensiva. Después participó en The Golden Girls y dejó la actuación en 1991.

3. Owen Cooper ganó a los 15 años y 283 días por Adolescence

En 2025 obtuvo la estatuilla a mejor actor de reparto en una serie limitada, antológica o película por el papel de Jamie Miller. Se convirtió en el ganador más joven de esa categoría. En su discurso calificó la experiencia de surrealista y aludió a sus primeras clases de actuación.

2. Kristy McNichol ganó el día de su cumpleaños número 15

Obtuvo el Emmy de 1977 por interpretar a Letitia Buddy Lawrence en el drama Family. Fue 283 días más joven que Owen Cooper al recibir el premio. McNichol volvió a ganar por el mismo personaje en 1979 y más tarde integró el elenco de Empty Nest.

1. Roxana Zal mantiene el récord con 14 años

Conserva el récord como la ganadora más joven de un Emmy. Fue distinguida en 1984 como actriz de reparto en una serie limitada o especial por interpretar a Amelia Bennett en Something About Amelia.

La película para televisión abordó el incesto. Después de su etapa como actriz, Zal se dedicó al diseño de moda y creó la marca GoldDust Dresses.

Netflix reveló las velocidades de internet necesarias para reproducir películas como Las Guerreras K-pop con calidad 4K, 1080p o 720p. La plataforma streaming establece distintos mínimos según la resolución elegida y la capacidad de conexión de los usuarios.

Otro factor que influye en la reproducción es la estabilidad de la red. Si el ancho de banda disponible no alcanza para sostener la máxima definición, Netflix reduce de forma automática la calidad de imagen para evitar interrupciones, pausas o cargas prolongadas durante la película.

Qué velocidad se necesita para reproducir Las Guerreras K-pop en 720p

La reproducción en alta definición, conocida como HD o 720p, necesita una conexión de al menos 3 Mb/s. Esa velocidad permite acceder a una imagen con mayor nivel de detalle que la definición estándar, aunque queda por debajo de las opciones Full HD y UHD.

El requisito puede variar en la práctica si otros dispositivos usan la misma red. Teléfonos, computadoras, consolas, cámaras de seguridad y dispositivos domésticos conectados al WiFi consumen parte de la capacidad disponible y pueden afectar la transmisión de Las Guerreras K-pop.

Cuántos Mb/s exige la calidad 1080p o Full HD en Netflix

Para ver una película en Full HD, identificada como 1080p, Netflix sugiere contar con al menos 5 Mb/s. Este formato ofrece una definición superior a 720p y suele ser una alternativa habitual para televisores, computadoras y tabletas compatibles.

La plataforma adapta la reproducción de acuerdo con las condiciones de la red. Por ese motivo, una persona puede haber seleccionado contenido en 1080p, pero recibir una calidad menor si la velocidad cae de manera momentánea o si la señal inalámbrica presenta interferencias.

Cuál es la conexión a internet mínima para reproducir contenido en 4K

La reproducción en ultra alta definición, denominada UHD o 4K, requiere una conexión de al menos 15 Mb/s. Ese es el umbral sugerido para acceder a la mayor resolución disponible en Netflix, con una imagen que permite apreciar más detalles en pantallas de mayor tamaño.

El requisito corresponde a la velocidad real que llega al televisor, computadora o celular. No alcanza con tener contratado un plan de 15 Mb/s si una parte relevante del ancho de banda se destina a otras actividades en el hogar, como videollamadas, descargas o juegos en línea.

Además, es necesario que el dispositivo y el plan de Netflix sean compatibles con UHD. Si alguno de esos elementos no admite 4K, la plataforma reproducirá el contenido en una resolución inferior, incluso cuando la conexión supere el mínimo sugerido.

Cómo verificar la velocidad de internet antes de ver una película en Netflix

La plataforma streaming sugiere medir la velocidad de descarga antes de reproducir contenidos en 4K. En teléfonos, tabletas y computadoras, la prueba puede realizarse mediante Fast.com, un sitio que inicia la medición de forma automática y no requiere instalar programas adicionales.

El resultado permite conocer la capacidad disponible en ese momento, que puede diferir de la velocidad ofrecida por el proveedor de internet. La diferencia es relevante porque la señal cambia según la distancia al router, la saturación de la red inalámbrica y la cantidad de dispositivos conectados.

Asimismo, en televisores inteligentes y aparatos vinculados a la pantalla, la comprobación puede hacerse desde la aplicación de Netflix. El usuario debe ingresar al menú de ayuda y elegir la función “Comprobar red”, que evalúa la conexión del dispositivo con el servicio.

Si aparece un mensaje de error o la prueba no se completa, es posible que el televisor o reproductor no tenga acceso a internet. En ese caso, conviene revisar la conexión WiFi, los cables y el estado del router antes de volver a iniciar la reproducción.

Yuri Nakamura, actriz japonés-coreana reconocida por la serie de Netflix Romantics Anonymous, murió el 1 de septiembre a los 44 años a causa de cáncer rectal, confirmó su agencia Alpha Agency el 14 de septiembre.

La intérprete formó parte del elenco de Romantics Anonymous en 2025 como Irene, una producción japonesa basada en la película francesa Les Émotifs Anonymes y realizada con un equipo de producción coreano. La serie y el drama de Netflix Beyond Goodbye, estrenado en 2024, fueron sus últimas apariciones en pantalla.

Nakamura nació como Yuri Sei en Neyagawa, Osaka. Su padre era un coreano zainichi de tercera generación y su madre tenía ciudadanía de Corea del Sur y Japón.

Antes de enfocarse en la actuación, aprobó una audición de canto en 1996 para el programa de búsqueda de talentos Asayan. Después formó el dúo musical YuriMari con Mari Izawa; ambas debutaron en 1998 y disolvieron el proyecto al año siguiente.

El salto al cine incluyó una actuación premiada en Pacchigi! Love & Peace

La carrera cinematográfica de Yuri Nakamura se consolidó durante las décadas de 2000 y 2010 con títulos de circuito de festivales y producciones comerciales. Su primer papel reconocido llegó con Pacchigi! Love & Peace en 2007, secuela de la película de Kazuyuki Izutsu.

Nakamura interpretó a Kyonja, una actriz en formación que enfrentaba su vida como coreana zainichi en Japón. Por ese trabajo obtuvo el premio a mejor actriz de los Zenkoku Eiren Awards y el galardón a revelación en el tercer Festival de Cine de Osaka.

Su filmografía también incluyó After the Storm de Hirokazu Kore-eda, estrenada en 2016; el drama sobre desastres Fukushima 50 de 2020, y la cinta de ciencia ficción Arc de Kei Ishikawa, lanzada en 2021. En teatro participó en la puesta 1945, dirigida por Robert Allan Ackerman en octubre de 2008.

Alpha Agency reveló que recibió un diagnóstico de cáncer 13 años antes

Alpha Agency informó que Nakamura recibió su primer diagnóstico de cáncer 13 años antes de su muerte. La actriz y el presidente de la compañía acordaron no revelar el nombre de la enfermedad a sus colegas para evitarles preocupación innecesaria.

La agencia señaló que Nakamura entró en remisión y mantuvo su actividad profesional mientras acudía a revisiones médicas periódicas. En enero de 2025, los médicos detectaron nuevamente el cáncer y realizaron una cirugía que resultó exitosa.

Después de la operación, encontraron metástasis y determinaron que una curación completa ya no era posible. La actriz concentró entonces su tratamiento en controlar la enfermedad y buscar una vida más prolongada, mientras su médico le recomendó continuar trabajando.

En agosto de 2026, Nakamura sufrió otra obstrucción intestinal y recibió el aviso de que le quedaba poco tiempo de vida. Alpha Agency afirmó que recibió la noticia con serenidad y conservó “una sonrisa hermosa y gentil durante sus últimos momentos con su familia y seres queridos”.

Qué muestra el nuevo avance

El material difundido por Netflix todavía no funciona como un tráiler completo ni revela los conflictos específicos de los próximos capítulos. Su principal novedad es el regreso de Abaddon, quien ocupa el centro de la escena y se burla del propio catálogo del servicio de streaming.

El chiste mantiene la combinación de terror y comedia que sostiene la serie. Aunque el hotel está habitado por fantasmas, monstruos y otras criaturas sobrenaturales, los episodios también se apoyan en el caos cotidiano de la familia responsable de administrar el lugar.

Abaddon tendrá una presencia importante en esta segunda temporada. El demonio se encuentra atrapado en el cuerpo de un niño pequeño y ahora colaborará con Katherine y sus familiares para enfrentar los incidentes que siguen apareciendo dentro de la propiedad.

Netflix aún no publicó un tráiler extenso que permita conocer el argumento de cada episodio. El avance confirma al personaje como una de las figuras principales de la nueva tanda, pero mantiene bajo reserva qué amenazas llegarán al hotel y cuál será el problema central de la temporada.

Una familia al frente del hotel más embrujado

Haunted Hotel sigue a Katherine, una madre soltera que intenta mantener a flote el hotel más embrujado del mundo. La tarea se complica porque la mansión está ocupada por una cantidad creciente de espíritus, monstruos y fenómenos difíciles de controlar.

Katherine administra el establecimiento junto con su hermano fantasma y sus dos hijos, Ben y Esther. Abaddon completa el grupo principal: pese a su naturaleza demoníaca y a estar encerrado en un cuerpo infantil, participa en los intentos de la familia por contener los problemas sobrenaturales del edificio.

La segunda temporada retomará ese conflicto práctico y familiar. Los protagonistas deben mantener operativo el hotel mientras enfrentan sucesos paranormales dentro de una propiedad que llegó a sus manos como herencia. El avance no detalla si aparecerán nuevos huéspedes humanos o criaturas, pero confirma que los incidentes continuarán aumentando.

Reparto de voces y fecha de estreno

El reparto de voces está encabezado por Will Forte como Nathan y Eliza Coupe como Katherine. Skyler Gisondo interpreta a Ben, mientras que Natalie Palamides presta su voz a Esther.

Jimmi Simpson volverá como Abaddon, el personaje elegido por Netflix para encabezar este primer adelanto. Su regreso conecta la nueva historia con la particular dinámica del grupo: una madre, dos niños, un hermano fantasma y un demonio obligado a convivir bajo el mismo techo.

La temporada estará formada por ocho capítulos con una duración aproximada de media hora cada uno. Los nuevos episodios de Haunted Hotel estarán disponibles en Netflix a partir del 9 de octubre.

Blizzard Entertainment confirmó que desarrolla una serie animada de Diablo junto con Netflix. El anuncio fue realizado por la presidenta del estudio, Johanna Faries, durante la ceremonia inaugural de la BlizzCon 2026, celebrada en Anaheim, aunque todavía no se informó una fecha de estreno.

Qué se sabe de la serie de Diablo

La adaptación llevará el RPG de acción de Blizzard al formato televisivo mediante animación. Un RPG de acción combina el desarrollo de personajes y equipo con combates en tiempo real, dos elementos centrales de los videojuegos de Diablo.

El proyecto llevaba tiempo circulando como rumor, pero su presentación en la BlizzCon fue la primera confirmación oficial. Netflix y Blizzard todavía no revelaron la trama, la cantidad de episodios, el estudio de animación, el reparto de voces ni los responsables creativos.

Tampoco se indicó si la producción adaptará acontecimientos conocidos de los juegos o narrará una historia nueva dentro de su escenario de fantasía oscura. La condición de serie animada es, por ahora, el único detalle concreto sobre su formato.

Blizzard explicó que busca contar más historias fuera de los videojuegos mediante asociaciones con equipos creativos y nuevas pantallas. Faries adelantó que habrá información cuando el desarrollo avance: “Diablo, se lo prometo, es solo el comienzo. Les prometo que tan pronto como podamos compartiremos más detalles con ustedes”.

Para Netflix, Diablo se suma a Dungeons & Dragons: Ravenloft, otra producción vinculada con la fantasía que se encuentra en marcha. La plataforma no comunicó cómo se distribuirán ambos proyectos dentro de su calendario de estrenos.

Overwatch y Warcraft están en negociación

El anuncio de Diablo fue acompañado por una actualización sobre otras franquicias de Blizzard. Según Faries, existen negociaciones para desarrollar proyectos relacionados con Overwatch, Warcraft y “otras propiedades intelectuales” del estudio.

Estas conversaciones apuntan a producciones transmedia, término utilizado para describir historias desarrolladas a través de distintos formatos, como videojuegos, televisión o cine. Ese planteamiento permite trabajar con personajes y escenarios conocidos fuera del medio en el que fueron creados.

La situación de Overwatch y Warcraft, sin embargo, es distinta a la de Diablo. Blizzard no confirmó que sus series hayan recibido luz verde ni anunció estudios, plataformas, formatos o fechas. Tampoco precisó si Netflix participa en todas las conversaciones. Por el momento, se trata de negociaciones y no de producciones oficialmente iniciadas.

La diferencia es importante para los seguidores de ambas franquicias: Diablo ya cuenta con una adaptación animada en desarrollo, mientras que los demás proyectos pueden cambiar o no concretarse durante las conversaciones. Blizzard prometió divulgar nuevos detalles cuando estén disponibles.

El anuncio coincide con Diablo V

La presentación de la serie llegó durante la misma BlizzCon en la que Blizzard confirmó Diablo V, la quinta entrega principal de la saga. El videojuego tiene previsto su lanzamiento para la primavera de 2029, aunque todavía no se informaron plataformas ni un día específico.

Blizzard no vinculó los argumentos de la serie y Diablo V, ni indicó que sus respectivos estrenos vayan a coordinarse. La producción de Netflix carece de calendario público, por lo que no puede asumirse que llegará antes o junto con el nuevo juego.

La fecha de primavera de 2029 para Diablo V es, hasta ahora, el único lanzamiento concreto asociado con los anuncios recientes de la franquicia.

La combinación de Las Guerreras K-pop con una estética de persecución animada similar a la de Tom y Jerry puede crearse con herramientas de inteligencia artificial (IA) mediante una descripción precisa.

La película de Netflix presenta a Rumi, Mira y Zoey como estrellas de pop coreano que enfrentan amenazas sobrenaturales. A partir de esa premisa, es posible pedir una imagen con artistas ficticias, humor visual y una dinámica entre gato y ratón, siempre con diseños originales.

Qué referencias visuales conviene reunir antes de crear la imagen

El primer paso consiste en definir qué elementos se quieren conservar de cada inspiración. Para las guerreras, pueden servir referencias de peinados, paletas de colores, accesorios de escenario, vestimenta pop y poses de combate.

En el caso de la caricatura, la referencia debe centrarse en el ritmo de persecución, los gestos exagerados, los objetos domésticos y el humor físico.

No es conveniente solo cargar imágenes oficiales para pedir una copia exacta. Es preferible elaborar una lista de atributos visuales: tres cantantes ficticias, una casa antigua, un gato travieso, un ratón pequeño y elementos vinculados con la música.

La generación puede realizarse desde plataformas de inteligencia artificial que admitan instrucciones escritas y, en algunos casos, archivos de referencia. Gemini, el sistema de Google, ofrece opciones para crear imágenes a partir de descripciones y trabajar desde el navegador o aplicaciones compatibles con una cuenta de Google.

Cómo redactar el prompt para evitar infringir normas de derechos de autor

El prompt debe describir una escena, no pedir una reproducción de franquicias. En vez de escribir los nombres de personajes, estudios o series, es preferible detallar la acción, el ambiente, la estética y el vestuario. La inteligencia artificial necesita indicaciones sobre cantidad de protagonistas, expresiones, iluminación, encuadre y nivel de detalle.

Una fórmula posible es la siguiente: “Ilustración animada original de tres guerreras de pop coreano en un apartamento retro. Un gato travieso y un ratón ingenioso protagonizan una persecución cómica entre micrófonos, vinilos y muebles”.

Se puede agregar: “Las artistas llevan trajes futuristas de colores, accesorios de combate y peinados llamativos. Cartoon estadounidense clásico, expresiones elásticas, composición dinámica, sin personajes reconocibles, sin logotipos y con diseños completamente originales”.

Qué detalles ayudan a lograr una mejor estética de caricatura

Las indicaciones visuales deben concentrarse en recursos generales del género. Frases como “humor físico”, “movimiento exagerado”, “objetos que vuelan”, “perspectiva inclinada” o “expresiones faciales amplias” pueden aportar la sensación de una persecución animada sin exigir que la herramienta copie una escena existente.

Además, ayuda a definir el escenario. Una cocina con azulejos, una sala con instrumentos musicales o un camerino repleto de vestuarios ofrecen un marco reconocible para el conflicto.

La escena puede incluir un parlante caído, una torre de discos a punto de desmoronarse o una coreografía interrumpida por la carrera entre los animales ficticios.

Cómo ajustar un resultado que no se parece a la idea inicial

La primera imagen suele funcionar como una prueba. Si las protagonistas aparecen muy realistas, el siguiente pedido puede solicitar “trazo de animación tradicional”, “formas redondeadas” y “movimientos caricaturescos”.

Si el gato o el ratón salen sin formato caricatura, se debe pedir una modificación concreta: tamaño, color de pelaje, forma de orejas, vestuario y rasgos faciales distintos

Qué hacer antes de publicar la ilustración en plataformas digitales o redes sociales

Cuando la imagen alcance el resultado buscado, corresponde descargarla en un formato habitual, como JPG o PNG, y revisar que no incluya marcas, nombres o elementos que parezcan oficiales.

Asimismo, si se comparte en redes sociales, la publicación debe evitar sugerir que pertenece a Netflix, Warner Bros. u otra empresa vinculada con las obras de referencia.

Una leyenda clara puede ayudar a evitar confusiones: “Ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial e inspirada en estéticas de animación y pop coreano”. Conviene usar servicios legítimos y evitar aplicaciones no autorizadas, que pueden implicar riesgos para los datos personales o incorporar archivos maliciosos.

El club gastronómico encabeza el Top 10 de series de Netflix en Argentina pocos días después de su estreno y se afirma como una de las novedades de septiembre en la plataforma. La miniserie neerlandesa, compuesta por siete episodios, coloca a Karen frente a un grupo de amigos adinerados cuya vida de cenas privadas, villas y privilegios queda alterada por un incendio fatal.

La producción llegó a Netflix el jueves 10 de septiembre y ganó lugar entre las preferencias locales con una combinación de drama, misterio y suspenso psicológico. El ranking de la plataforma se actualiza con frecuencia, pero la ficción logró ubicarse en la cima de las series más reproducidas en el país, según registros difundidos durante el fin de semana.

Karen llega a Bergen y entra en un grupo marcado por el lujo

La historia comienza cuando Karen se muda con su familia a Bergen, una localidad de los Países Bajos, con la expectativa de empezar una etapa distinta. Allí conoce a un selecto grupo de parejas que la incorpora rápidamente a sus encuentros gastronómicos y a un estilo de vida signado por propiedades exclusivas, comidas extensas y vínculos estrechos.

Desde afuera, los integrantes del llamado club gastronómico parecen sostener una amistad sólida. Comparten espacios privados y una rutina sin sobresaltos, aunque Karen percibe tensiones que no terminan de explicarse. Su condición de recién llegada le permite observar un mundo que parece cerrado para el resto de los habitantes de la ciudad.

La tranquilidad se rompe cuando una de las villas del grupo se incendia. En el hecho muere Evert, uno de los amigos, mientras que su esposa y sus hijos logran escapar. La muerte de Evert abre una cadena de sospechas sobre los secretos que sostiene cada pareja y obliga a Karen a revisar todo lo que creía saber sobre sus nuevos vínculos.

El incendio convierte a los amigos en posibles sospechosos

La investigación alrededor del siniestro atraviesa el relato y modifica la relación entre los personajes. Karen empieza a advertir contradicciones, silencios y versiones que no coinciden. La cercanía que el grupo había exhibido en las cenas comienza a desarmarse a medida que surgen interrogantes sobre aquella noche.

Netflix presenta la serie como la historia de cuatro parejas aparentemente perfectas que deben cuestionar lo que saben unas de otras tras la muerte de uno de sus miembros. La plataforma confirma que la temporada tiene siete episodios, un formato que permite seguir la trama completa en poco tiempo.

La protagonista decide investigar por cuenta propia, aun cuando esa búsqueda puede afectar a su familia y exponerla frente a personas con recursos e influencia. El conflicto no se limita a conocer el origen del incendio: también pone en discusión las lealtades, los intereses y las apariencias dentro del círculo social.

La miniserie adapta una novela de Saskia Noort

El club gastronómico está basada en la novela homónima de la escritora neerlandesa Saskia Noort. La adaptación fue creada por Dorien Goertzen y cuenta con la dirección de Dana Nechushtan y Margien Rogaar. El elenco incluye a Loes Haverkort, Teun Luijkx, Rifka Lodeizen, Remko Vrijdag, Charlie Chan Dagelet, Matthijs van de Sande Bakhuyzen, Noortje Herlaar, Edwin Jonker, Anneke Blok y Jurriaan Bruinier.

La elección de Bergen como escenario refuerza el contraste central de la ficción. Las casas amplias y los encuentros exclusivos conviven con una trama que avanza entre desconfianzas y revelaciones. Cada capítulo suma elementos sobre las relaciones de los personajes y sobre el lugar que Karen ocupa dentro de esa comunidad. El éxito inicial en Argentina coloca a la serie entre las propuestas europeas que encuentran público fuera de sus países de origen.

El estreno de GTA 6 en Netflix dejó una señal poco habitual para la industria: más de 100.000 personas contrataron el servicio en Estados Unidos durante las seis horas de exclusividad del Extended Look. El dato convierte a la campaña de Rockstar Games en uno de los mayores impulsores de nuevas altas de la plataforma en 2026, antes incluso de que el videojuego llegue a las tiendas.

El especial quedó tercero entre los eventos de Netflix

Los registros de Ampere Analysis colocaron al Extended Look en el tercer puesto de los eventos de Netflix con mayor capacidad para captar abonados en Estados Unidos este año. Solo quedaron por delante la última temporada de Stranger Things y el combate de artes marciales mixtas entre Ronda Rousey y Gina Carano. La comparación coloca a un adelanto de videojuego junto a dos contenidos de gran alcance para el servicio.

Para Louise Wooldridge, de Ampere Analysis, las más de 100.000 suscripciones obtenidas en una ventana de seis horas reflejan la capacidad de convocatoria de un evento de videojuegos de esta escala. El acuerdo permite a Netflix disputar atención a YouTube, donde los avances y comentarios sobre juegos concentran parte de la conversación. A Rockstar le abre, además, una vía para llegar a usuarios que no siguen la actualidad del sector.

Más del 5% de usuarios inactivos volvió al servicio

El informe añadió otro indicador para medir el efecto de la exclusiva. Más del 5% de los usuarios estadounidenses que no habían consumido contenido de Netflix durante los 30 días previos regresó para ver el Extended Look de GTA 6. Esa tasa de reactivación superó la lograda por cualquier otro contenido de la plataforma durante el mismo periodo, según los datos proporcionados.

La reacción de los usuarios inactivos explica parte del interés de ambas compañías. La plataforma sumó contratos y recuperó espectadores que habían dejado de usarla. Para la desarrolladora, el especial llevó la nueva entrega a personas que quizá no consultan anuncios de videojuegos todos los días. Esa exposición ocurre antes de la salida comercial y aporta una medida inicial de la expectativa que rodea al proyecto.

Cómo fue el video emitido en Netflix

El material, de 26 minutos, mostró la historia, las mecánicas y el mundo abierto de Grand Theft Auto VI. Jason y Lucía aparecen como una pareja criminal vinculada a asaltos y otras misiones. El jugador podrá controlarlos por separado y alternar entre ambos en tiempo real, incluso en determinadas secuencias de acción. El tráiler también anticipó una Vice City renovada y referencias a Miami y sus alrededores.

En la jugabilidad, Rockstar mostró un sistema de disparos que recoge referencias de Max Payne 3 y del peso de las armas de Red Dead Redemption 2. Llevar armamento a la vista provocará reacciones de los personajes no jugables, que podrán huir, mostrar temor o alertar a la policía. Las actividades fuera de la campaña incluirán carreras, combates, ejercicio y decisiones sobre alimentación.

Cuándo saldrá a la venta y cuál será el precio de GTA 6

Grand Theft Auto VI llegará a PlayStation 5 y Xbox Series X/S con una campaña para un jugador. La edición estándar costará 79,99 dólares en Estados Unidos. Las reservas anteriores al 20 de noviembre incluirán un mes de GTA+ y el paquete Vintage Vice City, digital exclusivo de entretenimiento digital.

El resultado confirmó que un contenido vinculado a videojuegos puede competir con series, películas y retransmisiones deportivas por suscripciones y tiempo de visualización. Con el tráiler estrenado el mes pasado y el lanzamiento previsto para el 19 de noviembre de 2026, la expectativa ahora se concentra en la llegada del juego a PlayStation 5 y Xbox Series X/S.

A partir del 15 de septiembre de 2026, la aplicación de Netflix dejará de ser compatible con una lista de televisores, reproductores multimedia y celulares antiguos. La medida alcanzará a dispositivos que ya no pueden cumplir los requisitos técnicos de seguridad, reproducción y actualización que exige la plataforma streaming.

El cambio será definitivo en los modelos afectados. Los usuarios no podrán abrir, descargar ni actualizar Netflix desde el menú del dispositivo. La pérdida de acceso no inutilizará el TV o teléfono, aunque impedirá entrar al catálogo, reproducir películas y series, descargar contenidos o usar funciones vinculadas con la cuenta.

Qué televisores perderán acceso a la aplicación nativa de Netflix

La restricción alcanzará a los Samsung Smart TV fabricados antes de 2016 que utilizan Orsay, el sistema operativo anterior al software que la compañía incorporó en sus dispositivos más recientes.

En el caso de LG, quedarán fuera los televisores antiguos sin versiones modernas de webOS. Entre los modelos mencionados figuran las series Nano LED LM9600 e Infinia LX9500, comercializadas antes de que la empresa adoptara de forma extendida su actual sistema para pantallas inteligentes.

En cuanto a los televisores Sony, la referencia Bravia de las series KDL, XBR y W95 que funcionan con software propietario basado en Linux podrían perder el acceso. La situación será distinta para modelos con Android TV, que cuentan con un ciclo de soporte más amplio y pueden recibir versiones recientes del sistema.

La lista incluye televisores Panasonic VIERA de generaciones anteriores, entre ellos las familias VT50, AX900 y TC-P50VT25. Estos modelos pertenecen a una etapa previa en el desarrollo de televisores conectados y ya no reciben mejoras compatibles con los requisitos actuales de Netflix.

En los reproductores de Apple TV, la medida afectará a la primera, segunda y tercera generación. El acceso dependerá de la versión de tvOS que admita cada dispositivo y de su capacidad para recibir actualizaciones. Los aparatos que no puedan actualizar su sistema perderán la aplicación nativa desde la fecha prevista.

Cómo saber si un televisor quedará sin Netflix

No es necesario contactar al soporte técnico para hacer una primera verificación. Hay tres indicios principales: el ícono de Netflix desaparece de la pantalla de inicio, la tienda de aplicaciones no permite descargar o actualizar el servicio, o aparece una pantalla de error al iniciar sesión.

Además, conviene revisar el modelo exacto y la versión de software desde el menú de configuración. Esa información suele figurar en los apartados “Acerca de”, “Soporte”, “Información del dispositivo” o “Actualización de software”, según cada fabricante.

Asimismo, la pérdida de la aplicación no implica que la pantalla deje de funcionar. El televisor podrá utilizarse con consolas, decodificadores, reproductores de video, computadoras y otros dispositivos conectados por HDMI.

Chromecast, Fire TV y Roku aparecen como alternativas para instalar la aplicación de Netflix desde tiendas que todavía reciben actualizaciones.

Qué teléfonos dejarán de tener acceso a la aplicación de Netflix

Netflix dejará de funcionar en teléfonos Android comercializados entre 2011 y 2014 que no admiten versiones recientes del sistema operativo. La restricción afectará a modelos que ya no pueden instalar parches de seguridad ni recursos necesarios para las versiones actuales de la aplicación.

Entre los modelos se encuentran el Samsung Galaxy S3, Galaxy Note 2 y Galaxy Grand Prime. La nómina incorpora al LG Optimus L5, Optimus L7 y LG G2, aparte de varios dispositivos de Sony, como Xperia Z, Xperia Z1 y Xperia E3.

Para comprobar la versión instalada, se debe ingresar a Configuración o Ajustes, buscar “Acerca del teléfono” y seleccionar “Información del software”. Allí figura la versión de Android y, en muchos dispositivos, la fecha del último parche de seguridad disponible.

La medida afectará a los modelos iPhone que no pueden instalar iOS 18.0 o una versión posterior. En ese grupo aparecen el iPhone X, iPhone 8, iPhone 8 Plus, iPhone 7, iPhone 7 Plus, iPhone 6s, iPhone 6s Plus y el iPhone SE de primera generación, sumado a los modelos anteriores de la marca.

Es cierto que México se caracteriza por ser un país de mucho talento deportivo, con hombres y mujeres atletas llenos de disciplina y hábitos que marcan la diferencia para conseguir un logro soñado en su respectiva especialidad.

México se distingue por ser un país competitivo en; Futbol, Lucha Libre, Boxeo, Clavados, Muay Thai, Artes Marciales Mixtas, Taekwondo, Crossfit, fisicoculturismo y en mucho más deportes individuales y conjunto para inspirar el estreno de una nueva serie en la plataforma Netflix.

Para conmemorar las celebraciones patrias, la compañía de entretenimiento reunió a los mejores atletas nacionales para filmar la primera temporada de Habilidad Física 100: México basado en el formato surcoreano Physical: 100, reality de competencia exitoso por sus retos de fuerza, resistencia, agilidad, equilibrio y estrategia.

Netflix reunirá a los mejores 100 atletas en un mismo escenario para determinar quién es es el más fuerte en pruebas de mucha exigencia, no obstante llegar a la meta será difícil porque el nivel de competencia estará a la par entre los participantes.

¿Quiénes participarán en Habilidad Física 100: México?

Netflix compartió la portada y los primeros avances de Habilidad Física 100: México, aumentando la expectativa de los seguidores al ver que varios de los deportistas han construido una carrera que se ha trasladado a niveles mundialistas.

Entre los más aclamados destacan: el Rey de Plata y Oro Místico, los exfutbolistas Carlos Salcido y Luis Matador Hernández, el gladiador Atlantis, la conductora Vanessa Huppenkothen, el clavadista Jahir Ocampo, el gimnasta Daniel Corral y otros atletas que reconocerás en la lista que aparece a continuación:

• Místico — luchador
• Atlantis Jr. — luchador
• Soberano Jr. — luchador
• Juan Francisco “Gallo” Estrada — boxeador
• Daghni Fresco — boxeador
• Irma “Torbellino” — boxeadora
• Aldo Gutiérrez — luchador olímpico
• Dulce Velázquez — luchadora olímpica
• Jane Valencia — luchadora olímpica
• Ámbar Garnica — luchadora
• Brandon Díaz — luchador
• Emmanuel Mejía — peleador de muay thai
• Emmanuel Benítez — peleador de muay thai
• Laura Burgos — peleadora de muay thai
• Cynthia Flores — peleadora de muay thai
• Luis Pride — peleador de MMA
• Sonrix — taekwondoín

Futbol, beisbol, basquetbol, rugby y futbol americano

• Carlos Salcido — exfutbolista
• Luis Hernández “El Matador” — exfutbolista
• Jorge Cantú — beisbolista
• Dominic Ficachi — basquetbolista
• Pascal o Pascual Nadaud — jugador de rugby
• Israel Alarcón — jugador profesional de futbol americano

Atletas olímpicos y disciplinas acuáticas

• Alexa Moreno — gimnasta olímpica
• Daniel Corral — gimnasta olímpico
• Jahir Ocampo — clavadista olímpico
• Liliana Ibáñez — nadadora olímpica
• Miguel de Lara — nadador olímpico
• Kevin Palacios — clavadista
• Yolotl Cabral — clavadista de altura
• Nico Guzmán — canoísta
• Patrick Alexandre — remero olímpico
• David Olvera — nadador de aguas abiertas
• Ceci Tamayo — velocista

CrossFit, Hyrox, calistenia, fuerza y acondicionamiento

• Mariana Khalil — crossfitera
• Anita Martínez — crossfitera
• Luis Mora — crossfitero
• Roldán Goldbaum — crossfitero
• Karen Lara — atleta de Hyrox
• Mariana Caballero — atleta de Hyrox
• Alberto Castañeda — atleta de Hyrox
• Aldo Márquez — atleta de Hyrox
• Mike González — atleta de Hyrox
• Daniel Bernal — atleta de calistenia
• Ángel Herrera — atleta de calistenia
• Marco Pardo — atleta de calistenia
• José Hermosillo — atleta de calistenia
• Tony Gastelum — atleta de calistenia
• Santos Gabriel — powerlifter
• Michelle Guirado — powerlifting
• Victoria Reyes — fisicoculturista
• George Herrera — fisicoculturista
• Jazmín Lira — fisicoculturista
• Venom — diablero y fisicoculturista
• Uriel Gutiérrez — atleta strongman
• Diana Ferrer — atleta strongman
• Daniela Fainus — especialista en fitness
• Omar Zamitiz — preparador físico
• Sergio González — preparador físico
• Gabriela Rodríguez — entrenadora física y pediatra
• Alejandra Gamboa — atleta híbrida
• Carmen Baqué — actriz y atleta híbrida

Parkour, atletismo, escalada y otros deportes

• Fernanda Díaz — atleta de parkour
• Marlene Coronel — atleta de parkour
• Jona Herrera — atleta de parkour
• Roberto Saavedra — corredor profesional
• Ángel Quintero — corredor de obstáculos
• Tomatiú López — atleta
• Mau Otero — atleta
• Javier Rojo — gimnasta
• Natalia González — escaladora
• Mikel España — escalador
• Carlos Santamaría — ciclista

Participantes de otros oficios y perfiles

• Vanessa Huppenkothen — conductora y triatleta
• Pee Wee — cantante
• Luis Hans — bombero
• Marcelino Padilla — soldado
• Jesús Cárcamo — soldado
• Francisco Bolaños — soldado
• Alonso Xopin — soldado
• Eduardo Sánchez — policía
• Adrián Chavira — obrero
• Daniel Jiménez — taquero
• Iván Guerra — bloquero
• Jesús Gama Jr. — mariachi
• Ztimpy — bailarín

¿Cuándo se estrena Habilidad Física 100: México?

La primera temporada de Habilidad Física 100: México se estrenará por la señal de Netflix este miércoles 16 de septiembre. El reality reúne a 100 participantes de distintas disciplinas, quienes competirán en pruebas de fuerza, resistencia, agilidad y estrategia para definir quién cuenta con el físico más completo de nuestra país.

Con perfiles que van desde atletas olímpicos y figuras de la lucha libre a exfutbolistas y participantes de oficios físicos, Habilidad Física 100: México pondrá a prueba la resistencia y la fuerza de 100 contendientes y sólo uno obtendrá el mayor reconocimiento de ser el atleta más completo en toda nuestra nación.

Según declaraciones a The Guardian, el protagonista de El equipo A considera que la película deja afuera aspectos centrales de su historia, amplifica episodios que lo muestran de forma negativa y concede un espacio excesivo a Peter Young, su exrepresentante. El documental forma parte de la serie Secretos del deporte y lleva como título original Untold Mr T: I Pity the Fool.

Las críticas de Mr. T a la versión de su historia

Recordado por interpretar a M.A. Barracuda en El equipo A, Mr. T quedó en el centro de esta nueva producción de Netflix, que repasa su ascenso como figura de la televisión y el cine, además de los conflictos que atravesaron su carrera. El actor dejó claro que no estuvo conforme con el resultado final y sostuvo que el montaje ofrece una lectura parcial sobre su recorrido profesional.

“Me enojó porque omitieron muchas cosas. Cuando lo vi, pensé: ‘¿Pero qué demonios?’. Es basura. Me elogian y después intentan hacerme quedar en ridículo”, afirmó el actor.

Para Mr. T, la película combina elogios sobre su popularidad con segmentos que, a su entender, buscan instalar una imagen negativa de su personalidad y de las decisiones que tomó durante su carrera.

El actor consideró que el documental insiste demasiado en una supuesta caída acelerada, vinculada a decisiones equivocadas y a actitudes personales que habrían afectado su lugar en la industria. Mr. T rechazó esa interpretación y remarcó que su valoración de la carrera no depende de que vuelva a conseguir trabajos en televisión o de que aumenten sus ingresos.

“Soy más que eso”, la frase con la que resumió su malestar

“No quiero sonar arrogante ni creído, pero si nunca volviera a ganar un dólar, si nunca volviera a salir en televisión, todo lo que siempre quise hacer ya está hecho”, expresó. La declaración apuntó a separar su idea de éxito de la continuidad de su exposición mediática.

También planteó que la producción no reflejó con suficiente amplitud las actividades y experiencias que él identifica como parte de su legado.

“Soy más que eso”, añadió al referirse a los aspectos de su historia que, según sostuvo, quedaron relegados o directamente fuera del relato. Como ejemplo, mencionó una entrevista realizada a su pastor que, de acuerdo con su testimonio, se extendió durante dos días, pero de la que solo se incluyeron unos 30 segundos en la edición final.

“Eso es lo que llamamos, en la comunidad negra, a un hombre blanco que quiere cambiar la historia y controlar la narrativa. Si no me conoces, vas a pensar que soy un monstruo”, declaró.

El conflicto con Peter Young y los reclamos a Netflix

Otro de los principales cuestionamientos del actor se dirigió a Peter Young, su antiguo representante. Ambos rompieron su vínculo profesional en malos términos y el exmanager participa en el documental con declaraciones sobre los problemas que enfrentó Mr. T, incluidas referencias a malas decisiones y a una conducta que presenta como endiosada. El actor sostuvo que esa participación condiciona el enfoque de la película. “Quiere desacreditarme”, afirmó.

Mr. T dijo que el tiempo dedicado a Young podría haberse utilizado para mostrar otras facetas de su vida. “¿Por qué no muestran a Mr. T trabajando con los niños de Make-A-Wish? ¿Por qué no muestran al Mr. T en el ejército? Querían dañar mi imagen. ¡Es ridículo!”, expresó. Para el actor, esos episodios habrían ofrecido una representación más completa de su trayectoria fuera de los sets y de su figura televisiva.

También apuntó contra Scott Weintrob, director del documental, y contra Netflix por el control sobre el corte final. Aseguró que vio la versión terminada apenas un mes antes de sus declaraciones y que no tuvo acceso previo al material filmado. “Les dijimos: ‘No incluyan a Peter en mi documental’, pero lo hizo”, sostuvo.

Según SensaCine, Netflix y Weintrob no respondieron públicamente a los cuestionamientos de Mr. T, mientras que Young replicó que, desde su perspectiva, el conflicto ya había quedado atrás.

El actor británico llegó al proyecto con un conocimiento profundo del material original: era fan declarado tanto de las novelas de Andrzej Sapkowski como de la saga de videojuegos basada en ellas.

Esa familiaridad se tradujo en una implicación que trascendía la actuación. Durante el rodaje de la segunda temporada, Cavill cuestionó una línea del guion correspondiente a la escena de la muerte de Sardinilla y lo planteó a la showrunner Lauren Schmidt Hissrich. Ella le dio carta blanca para proponer una alternativa.

Al día siguiente, el actor presentó un discurso inspirado en el relato La Espada del Destino que, según la propia Hissrich, encajó a la perfección y terminó incorporándose al episodio definitivo.

Cuando Netflix confirmó que Liam Hemsworth asumiría el papel de Geralt a partir de la cuarta temporada, tanto la plataforma como Cavill describieron el cambio en términos amistosos. El actor afirmó que se convertía en el testigo “con respeto y entusiasmo” por ver la versión de su sucesor.

Sin embargo, los datos de audiencia posteriores al cambio evidenciaron la influencia de Cavill en la audiencia de la serie.

La caída de audiencia tras su salida

Según cifras de Netflix publicadas en noviembre de 2025 e informadas por Collider, la cuarta temporada acumuló 53,2 millones de horas vistas y 7,4 millones de reproducciones en sus primeros cuatro días.

La comparación con el volumen 1 de la tercera temporada —73 millones de horas y 15,2 millones de vistas en el mismo período— arroja una baja del 50%, la más pronunciada en la historia de la serie.

La caída en el número de visualizaciones ubicó al estreno en una posición inferior respecto al debut de la primera temporada de la comedia romántica Nobody Wants This, que acumuló 10,3 millones de reproducciones en sus primeros cuatro días y alcanzó los 15,9 millones en su primera semana completa, de acuerdo con los datos del mismo servicio de streaming.

El conflicto por la fidelidad a las novelas

Las diferencias entre Cavill y los responsables creativos de Netflix eran públicas. El actor defendía con insistencia la fidelidad a las novelas del escritor polaco Andrzej Sapkowski, mientras la producción optaba por decisiones propias que se alejaban de ese enfoque. Su salida, en ese contexto, fue interpretada por buena parte del público como la consecuencia de un conflicto sostenido sobre la dirección artística de la serie, más que como un simple cambio de reparto.

La quinta temporada de The Witcher, que está confirmada como la temporada final de la serie, será filmada en su totalidad y tendrá como único protagonista principal a Hemsworth a lo largo de todos sus episodios.

La quinta temporada se retrasa hasta 2027

El cierre de la historia de Geralt no llegará cuando se esperaba. Según informó en agosto de 2026 el sitio especializado What’s on Netflix, la quinta y última temporada de la serie fue retirada silenciosamente del calendario de estrenos de Netflix para ese año.

La producción —filmada de forma consecutiva junto a la cuarta entrega— terminó en septiembre de 2025, pero la extensión del proceso de posproducción, que incluye importantes efectos visuales, habría motivado el corrimiento.

La plataforma no confirmó oficialmente una nueva fecha, aunque las estimaciones del sector apuntan a la primera mitad de 2027. Hemsworth volverá a ponerse la peluca plateada junto a Anya Chalotra, Freya Allan y Joey Batey, quienes continuarán interpretando a Yennefer, Ciri y Jaskier respectivamente.

Juan Etchegoyen reveló los detalles de la audiencia en su columna de los viernes en Infobae en Vivo, a partir de una comunicación con Escalera. Allí, la letrada expresó su preocupación por una actitud que percibió del otro lado de la mesa de negociación. “En principio, advertimos de ellos cierta intención de dilatar el proceso”, indicó, y agregó que su parte respondió con una postura firme al pedir la fijación de una nueva fecha para “avanzar más concretamente”.

Escalera fue tajante de cara al próximo encuentro. “Nuestra posición es clara, no vamos a admitir mayor dilatación en el proceso. Si en la próxima audiencia no existe un ofrecimiento concreto, serio y acorde con la pretensión de Ingrid, se procederá de manera inmediata a avanzar hacia la instancia judicial correspondiente”, escribió en el mensaje que mostró Etchegoyen y leyó al aire. La abogada cerró su texto con una amenaza económica: de judicializarse el conflicto, la pretensión de su clienta sería superior “en función de las consecuencias, el tiempo perdido y costos propios” del litigio.

La controversia se desató apenas la serie biográfica sobre Moria Casán llegó a Netflix, el 14 de agosto. En un tramo, se retrata la relación que la vedette mantuvo con Luis Vadalá, con quien se casó en 1990 en Miami y de quien se separó tras un vínculo de diez años marcado por acusaciones de infidelidades, un supuesto consumo de drogas y deudas millonarias.

Fue una escena que muestra a Vadalá en una situación de consumo excesivo la que motivó el primer anuncio de acciones legales. Ingrid Vadalá, de 47 años, licenciada en Recursos Humanos y ajena al mundo del espectáculo, había expresado su malestar a través de textuales que hizo llegar al periodista Ángel de Brito, en el ciclo LAM. “Todo lo que se muestra, sinceramente, resulta absurdo y vulgar. Mi papá no era una persona así, era un señor, un hombre educado y respetuoso”, sostuvo la mujer, que además cuestionó que se ventilara la vida privada de su padre, fallecido en 2023.

El frente judicial contra la producción se amplió con una acción legal separada de Ramiro Vadalá, hermano menor de Ingrid nacido de otra madre. Según reconstruyó el ciclo DDM (América TV), la demanda de Ramiro tendrá su primera audiencia a fines de septiembre y también apunta contra Netflix, la productora y Moria Casán, aunque con una diferencia central: suma como demandado al director de la serie, Javier Van de Couter.

El reclamo de Ramiro se apoya en tres fundamentos, un daño psicológico, un daño moral y un perjuicio a la imagen de su padre. Según el planteo expuesto en la audiencia, la representación de Vadalá en una situación de consumo y de violencia habilitó que distintos medios replicaran críticas hacia su figura. El monto reclamado, precisó el periodista Martín Candalaft, se trata de “un resarcimiento no especificado” que se definirá en una próxima instancia. El reclamo también incluye, según se detalló en el programa, un pedido de disculpas públicas.

En el debate televisivo sobre el caso surgió un antecedente que podría marcar el rumbo del litigio, el de la serie sobre Carlos Monzón y la demanda que impulsó la familia de el Facha Martel, presentado en esa ficción como quien le proveía droga al boxeador. Según relató la panelista Denise Dumas, la familia de Martel inició juicio pese a que el hombre ya había muerto y obtuvo un fallo favorable.

Mientras tanto, la próxima audiencia de mediación entre Ingrid Vadalá y las partes demandadas quedó fijada para el 30 de septiembre, fecha en la que, según adelantó su abogada, se definirá si el conflicto avanza hacia una instancia judicial.

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Los títulos abarcan tres enfoques distintos: la reconstrucción cronológica de los ataques, el análisis político y militar de la respuesta de Estados Unidos, y las consecuencias personales y familiares que dejó la tragedia en las víctimas y sus allegados.

Punto de inflexión: Generación 11S

Punto de inflexión: Generación 11S llegó al catálogo de Netflix el 2 de septiembre de 2026.

La película, de aproximadamente una hora y 37 minutos, examina cómo los atentados y sus consecuencias moldearon a una generación completa.

Reúne testimonios de hijos de víctimas, testigos directos y personas vinculadas con las guerras posteriores, con el acento puesto en las secuelas a largo plazo antes que en la reconstrucción del día de los ataques.

Punto de inflexión: El 11S y la guerra contra el terrorismo

Netflix también aloja Punto de inflexión: El 11S y la guerra contra el terrorismo, estrenada el primero de septiembre de 2021.

La miniserie, compuesta por cinco episodios, reconstruye los atentados, los antecedentes de Al Qaeda desde la década de 1980 y la respuesta de Estados Unidos: la invasión de Afganistán, las políticas de vigilancia, los interrogatorios y la denominada guerra contra el terrorismo.

Sus capítulos cubren desde las señales de alerta previas a los ataques hasta la retirada estadounidense de territorio afgano.

Memorias del 11S

En Disney+ figura Memorias del 11S, conocida en su título original como 9/11: One Day in America y disponible también en algunos catálogos como 11-S: Un día en Estados Unidos o 11-S: Testigos de la tragedia.

Estrenada el 29 de agosto de 2021, la docuserie de seis episodios reconstruye la jornada casi minuto a minuto, con testimonios de sobrevivientes, bomberos, policías, paramédicos y otros protagonistas, en colaboración con el 9/11 Memorial & Museum.

Sus capítulos incluyen títulos como “Primera respuesta”, “La torre sur”, “Derrumbe”, “La nube” y “Rescate milagroso”.

The Women of 9/11

Disney+ incorpora The Women of 9/11: A Special Edition of 20/20 with Robin Roberts, un especial de una hora y 24 minutos emitido originalmente en 2021 como parte del programa 20/20.

El documental se concentra en las mujeres que vivieron los ataques: primeras respondientes, trabajadoras del área de Ground Zero y familiares de víctimas, e incluye el testimonio de Genelle Guzman-McMillan, la última persona rescatada con vida de los escombros del World Trade Center.

Ataque al Pentágono

Ataque al Pentágono, cuyo título original es 9/11: The Plane That Hit the Pentagon, se estrenó en 2016 en Disney+ y examina, en 43 minutos, qué ocurrió dentro del Pentágono cuando el vuelo 77 de American Airlines impactó contra el edificio.

The Babies of 9/11: Twenty Years Later

Disney+ completa su oferta con The Babies of 9/11: Twenty Years Later, estrenado el 10 de septiembre de 2021.

El documental sigue a jóvenes cuyas madres estaban embarazadas cuando sus padres murieron en los atentados y aborda cómo crecieron sin ellos y de qué manera el 11S continúa presente en sus vidas dos décadas después.

Lo que ocurrió el 11 de septiembre

En HBO Max está disponible Lo que ocurrió el 11 de septiembre, título original What Happened on September 11, estrenado en 2019.

Se trata de un documental educativo de unos 30 minutos dirigido a un público joven, realizado por Amy Schatz, quien figura como directora y productora según la ficha de la plataforma.

A la sombra de las torres: el 11 de septiembre en Stuyvesant

HBO Max incluye A la sombra de las torres: el 11 de septiembre en Stuyvesant, con título original In the Shadow of the Towers: Stuyvesant High on 9/11 y también conocido como El instituto junto a las Torres Gemelas.

Estrenada el 11 de septiembre de 2019, la producción de unos 31 minutos narra el ataque desde la perspectiva de ocho estudiantes de la escuela secundaria Stuyvesant, ubicada a pocas cuadras del World Trade Center, que ya adultos recuerdan la evacuación y las consecuencias posteriores en sus comunidades.

9/11: así se vivió en la Casa Blanca

Apple TV+ distribuye 9/11: así se vivió en la Casa Blanca, cuyo título original es 9/11: Inside the President’s War Room, estrenada el primero de septiembre de 2021 en Estados Unidos.

La película, de una hora y 30 minutos, reconstruye las horas de los atentados desde el interior de la Casa Blanca.

George W. Bush y sus principales asesores, entre ellos Dick Cheney, Condoleezza Rice y Colin Powell, relatan en el documental las decisiones tomadas durante los ataques y la respuesta inmediata del Gobierno estadounidense.

En conjunto, el catálogo disponible entre las cuatro plataformas suma tres series o miniseries documentales y siete películas o especiales, con disponibilidad que puede variar según el país de acceso.

La película conecta las historias de tres hombres homosexuales en diferentes períodos de la historia de España. El relato reúne esas trayectorias a través de personajes interpretados por un elenco que combina figuras españolas e internacionales. Guitarricadelafuente participa en el reparto junto a Penélope Cruz y Glenn Close. La imagen difundida del rodaje muestra al músico durante la producción, en una fotografía de Carla Oset. Calvo y Ambrossi llegan al estreno de La bola negra después de compartir el premio a mejor dirección en Cannes, según la información proporcionada. La película tendrá primero su recorrido en salas españolas antes de su lanzamiento comercial en Estados Unidos. El estreno en España está previsto para el 25 de septiembre. La fecha llegará después de la presentación de la película en el Festival de Cine de San Sebastián.

Javier Calvo y Javier Ambrossi dijeron a The New York Times que el presupuesto de La bola negra fue inferior a 15 millones de dólares. La cifra corresponde a una producción rodada durante 12 semanas en distintas localizaciones reales de España. La filmación incluyó escenarios de época y secuencias bélicas. Los directores priorizaron reducir el uso de efectos digitales en esas escenas, de acuerdo con la información difundida sobre la película. El coste resulta menor frente a la estimación planteada para una producción de características similares en Hollywood. El texto señala que un gran estudio estadounidense podría necesitar al menos 100 millones para realizar un proyecto de esa escala.

Cuánto costó hacer ‘La bola negra’

La diferencia se vincula con las condiciones de rodaje y el modelo de producción. La bola negra recurrió a espacios reales de España para desarrollar una historia que atraviesa varios momentos históricos. El presupuesto inferior a USD 15 millones no impidió la participación de un reparto con Guitarricadelafuente, Penélope Cruz y Glenn Close. La película combina esa selección de intérpretes con recreaciones de época y escenas de guerra. Netflix se impuso en la puja por los derechos estadounidenses de La bola negra. Tras esa adquisición, la plataforma decidió conceder a la película una exhibición exclusiva en salas antes de habilitarla para sus suscriptores. La cinta llegará a los cines de Estados Unidos el 16 de octubre. Permanecerá allí durante 46 días y pasará al catálogo de Netflix el 2 de diciembre.

El período supera los 30 días de Historia de un matrimonio. Según el texto, ninguna otra película de Netflix había recibido hasta ahora una ventana cinematográfica exclusiva tan extensa. La decisión coloca a La bola negra dentro de una estrategia internacional de distribución de la plataforma. Netflix optó por retrasar su llegada al streaming para sostener su exhibición en las salas estadounidenses. La película se estrenará en España el 25 de septiembre, después de su paso por el Festival de Cine de San Sebastián.

“Tema avanza la demanda presentada por la hija de Vadalá contra la serie de Moria. Y no es solamente ahora la demanda de la hija, apareció una nueva demanda”, abrió Mariana Fabbiani el debate en DDM (América TV). “Exactamente, una nueva demanda de Ramiro. ¿Quién es Ramiro? Otro hijo de Vadalá”, precisó Martín Candalaft, y reconoció que él mismo desconocía su existencia: “Yo por lo menos no estaba en conocimiento de que tenía otro hijo, pero tiene otro hijo”. Los presentes coincidieron en que se trata de un hijo menor que Ingrid, nacido de otra madre.

La demanda de Ramiro tendrá su primera audiencia a fines de septiembre, mientras que la de Ingrid ya tuvo su instancia inicial. “Ya hubo una primera audiencia con la hija de Vadalá. Se movió muy rápido”, señaló Candalaft.

Candalaft detalló que Ramiro demandó a Netflix, a la productora y a Moria. Los fundamentos del reclamo, según explicó, son tres: “Habla de un daño psicológico. Habla también de un daño moral y además un perjuicio a la imagen de su padre”. El origen de esos daños, esgrimido en la audiencia, es que la serie mostró a Vadalá “en una situación de consumo”, “en una situación de violencia” y que esa representación permitió que los medios replicaran críticas hacia su figura.

En cuanto al monto reclamado, Candalaft aclaró que es “un resarcimiento no especificado” que se precisará en una próxima audiencia. Fabbiani puntualizó: “Lo que pide es un resarcimiento económico, no que se edite la serie o que se saquen las partes de Vadalá”.

Guido Záffora sumó un dato sobre el alcance de la segunda demanda: “Ramiro Vadalá suma a alguien más, a Javier Van de Couter, que es el director. También lo demanda a Van de Couter”. Sobre el núcleo del agravio familiar, explicó: “Lo que sienten es que se menospreció la figura de Vadalá”, en referencia a una escena inicial donde se lo presenta como alguien que viene “de un taller mecánico, de barrio y demás”. Esa lectura generó una réplica inmediata de César Carozza, amigo y abogado de Moria, presente en el panel: “¿Y eso es menospreciar a alguien? ¿Ser mecánico es despreciar a alguien?”.

Fabbiani buscó precisar el planteo: “Lo grafican como un tipo maleducado”, aclarando que la cuestión no pasaba por el oficio sino por “que él tenía tratos feos hacia los demás”. Candalaft resumió el rol narrativo del personaje: “Es el villano de la serie. Es la contrafigura de Moria, más allá de que no aparece en toda la serie”.

Entre las escenas señaladas como agraviantes también se mencionó la desnudez de Vadalá frente a su hija: “Se mostraba desnudo adelante de Sofía”, indicó uno de los presentes. Candalaft cerró ese punto con una reflexión: “Parece lógico que una hija se sienta agraviada porque a su padre lo muestran tomando drogas, por más de que lo haya confesado, como un violento y mostrándose desnudo adelante de una menor de edad. Puede pasar”.

Fabbiani interpretó ese testimonio como una clave para leer el trasfondo del reclamo judicial: “Esto de alguna manera está reviviendo algo que vivió cuando era chica, ¿no? Está tocando una fibra. Porque se podría pensar que es solamente por una cuestión de dinero, de ir a buscar un resarcimiento económico. Pero esto podría indicar que hay algo más”. Además, aclaró que el reclamo también incluye un pedido de disculpas públicas.

Záffora aportó también un dato sobre el vínculo entre Moria e Ingrid al margen del conflicto: “Moria le pagó la fiesta de quince entera a Ingrid. Moria, a ver, le podés decir cualquier cosa, pero generosa por demás. Y cuando conoció a Vadalá, es verdad que ella puso todo su capital en pos de que él también pueda crecer económicamente. Playa Franca y un montón de negocios”.

Fabbiani cerró ese tramo con una observación: “Ella tampoco tiene la culpa de haber tenido un padre que se portó de esa manera”. Sobre el tratamiento del nombre en la serie, notó un detalle: “Es verdad que no dicen el apellido nunca, siempre lo mencionan como Luis”. Záffora recordó, sin embargo, que buena parte de esos episodios ya habían sido narrados públicamente por el propio Vadalá: “En Gran Hermano Famosos, año 2007, él entra por ser expareja de Moria y cuenta todo esto que se ve en la serie, en la intimidad, lo cuenta él en primera persona en un reality con cámaras veinticuatro horas”.

La ficción recorre el trayecto de Miguel Rafael Martos Sánchez desde una infancia marcada por la España de posguerra hasta su consolidación como figura internacional de la canción. El relato se detiene en los triunfos profesionales, pero también incorpora el entorno íntimo del artista, sus conflictos personales y los episodios que acompañaron su exposición pública.

Javier Morgade interpreta a Raphael en su juventud, mientras que Carlos Santos encarna al cantante durante su madurez. La división del personaje entre ambos actores permite cubrir distintas etapas de una vida que incluye el inicio artístico en Madrid, la repercusión de sus primeras canciones y la expansión de su popularidad fuera de España.

El reparto también reúne a Francesco Carril, Natalia Varela, Pepa Aniorte y Manolo Caro. La serie fue producida por DLO Producciones, en asociación con Caracol Televisión, y cuenta con dirección de Tito López Amado, Javier Pulido y Beatriz Sanchís. Ignacio del Moral, Paloma Rando y Adrià P. Xancó firman los guiones.

De Madrid a Las Vegas, Moscú, París y Acapulco

La trama transcurre a lo largo de cinco décadas y sitúa a Raphael en ciudades que resultaron centrales para su proyección. Madrid, Las Vegas, Moscú, París y Acapulco forman parte de los escenarios elegidos para mostrar una trayectoria que convirtió sus actuaciones en una referencia dentro de la música en español.

El avance de Netflix plantea que la narración no se limitará a reconstruir una lista de canciones o conciertos. Aquel se propone mostrar la distancia entre el intérprete de grandes auditorios y el hombre que sostuvo una carrera condicionada por la fama desde muy joven.

El título de la serie remite de forma directa a “Yo soy aquel”, una de las composiciones más asociadas con Raphael. La canción fue la elegida para representar a España en el Festival de Eurovisión de 1966, celebrado en Luxemburgo. Un año después regresó al certamen con “Hablemos del amor”, en Viena.

Quién es Raphael y cómo construyó su carrera

Raphael, nacido en Linares, Jaén, el 5 de mayo de 1943, es el nombre artístico de Miguel Rafael Martos Sánchez. Se trasladó a Madrid durante su infancia y comenzó a cantar desde pequeño. A los 16 años inició su camino profesional y adoptó la grafía con “ph” que terminaría por definir su identidad artística.

Su despegue llegó en la década de 1960. En 1962 obtuvo tres premios en el Festival Internacional de la Canción de Benidorm y, pocos años después, la participación en Eurovisión amplió su reconocimiento. Su estilo interpretativo, su repertorio y una puesta en escena muy personal lo llevaron a desarrollar una presencia sostenida en la radio, la televisión, el cine y los teatros.

A lo largo de su carrera actuó en recintos como el Madison Square Garden de Nueva York, el Olympia de París y el Teatro Real de Madrid. También protagonizó películas y programas televisivos, además de publicar discos en español y en otros idiomas.

La trayectoria del artista incluye canciones como “Mi gran noche”, “Como yo te amo”, “Qué sabe nadie”, “En carne viva” y “Estar enamorado”. Su sitio oficial señala que recibió un disco de uranio por superar los 50 millones de copias vendidas y que acumuló 326 discos de oro y 49 de platino.

Con ocho capítulos, Aquel buscará ordenar ese recorrido desde los primeros años de Raphael hasta su madurez artística. El estreno del 9 de octubre en Netflix permitirá conocer el enfoque con que la ficción aborda los momentos privados de una figura cuya voz y repertorio mantienen presencia en varias generaciones.

La demanda fue presentada por el fiscal general estatal, James Uthmeier, quien argumenta que Netflix siguió la actividad de niños en perfiles infantiles, recopiló datos sobre su comportamiento y construyó con ellos una estructura destinada a su negocio publicitario.

La presentación judicial fue radicada en un tribunal del condado de St. Johns y acusa a la plataforma de infringir la Ley de Prácticas Comerciales Engañosas e Injustas y la Carta de Derechos Digitales de Florida.

Según el fiscal, la compañía engañó a sus usuarios: “Netflix les dijo a las familias de Florida que podían pagar una cuota mensual para escapar de la vigilancia de las grandes tecnológicas. Eso era falso”.

El escrito judicial señala que la empresa registró miles de millones de datos de comportamiento, entre ellos los dispositivos que utilizan los abonados, desde dónde acceden y qué contenidos miran, pausan, rebobinan, buscan o abandonan.

Posteriormente, esa información habría sido utilizada para entrenar algoritmos y respaldar un negocio publicitario que la compañía expresó durante años que no desarrollaría.

El caso pone el foco en los perfiles infantiles

Uno de los ejes de la demanda se centra en los perfiles infantiles, que Netflix presenta como un “espacio propio” para menores de 12 años.

El estado alega que la compañía aseguraba a los padres que en esos perfiles no se aplicaba publicidad basada en el comportamiento, pero que, en la práctica, analizaba lo que ven los niños mediante los mismos sistemas utilizados con usuarios adultos.

La presentación también cuestiona funciones de diseño que buscan mantener a los menores frente a la pantalla. Entre ellas menciona la reproducción automática, activada por defecto incluso en los perfiles infantiles, informó EFE.

“Si una empresa va a monitorizar cada clic, desplazamiento y deslizamiento, entonces es mejor que avise a los usuarios y sea honesto con ellos sobre que habrá monitorización del comportamiento y reacciones basadas en las distintas acciones que realicen con la aplicación”, manifestó el fiscal.

Florida vincula la demanda con el giro de Netflix hacia un modelo con anuncios en 2022

El reclamo judicial contrapone esas prácticas con declaraciones públicas realizadas durante años por directivos de la empresa.

En el escrito judicial se menciona que en 2015 el entonces director ejecutivo, Reed Hastings, afirmó que la plataforma no tendría publicidad y, en 2020, la compañía aseguró: “Nosotros no recogemos nada”. Sin embargo, en 2022 lanzó un plan con anuncios, precisó EFE.

De acuerdo con la oficina del fiscal general, tras su ingreso al mercado publicitario, los datos de usuarios de Florida quedaron expuestos a intermediarios comerciales de datos y plataformas publicitarias, lo que habría permitido segmentar audiencias según la etapa de vida, el nivel de ingresos y la composición del hogar.

El estado sostiene que ese uso de información sensible, especialmente cuando involucra a menores identificados como tales, se realizó sin el consentimiento exigido por la legislación local.

El estado pide borrar datos, frenar ciertas funciones y aplicar multas

Entre las medidas solicitadas, la fiscalía pidió una orden judicial permanente para impedir las conductas denunciadas, obligar a Netflix a eliminar la información obtenida de manera engañosa y retirar los diseños que incentivan la permanencia de los niños en la plataforma.

Asimismo, reclama multas civiles de hasta USD 50.000 por infracción, que podrían triplicarse cuando los hechos afecten a menores, además de un juicio por jurado.

Durante la conferencia de prensa, Uthmeier aseveró: “Los padres, no las corporaciones de transmisión por streaming, deben dirigir la crianza de los niños”.

Netflix rechazó las acusaciones

Un portavoz del servicio de streaming declaró a CBS News Miami que la empresa se defenderá de las acusaciones. “Netflix se toma muy en serio la privacidad de sus suscriptores”, afirmó.

La compañía añadió que cumple con las leyes de privacidad y protección de datos en todos los mercados donde opera, y que cuenta con salvaguardas específicas para los niños que consumen contenido en la plataforma.

“Esta demanda carece de fundamento y tenemos la intención de defendernos enérgicamente ante los tribunales”, concluyó.

La ofensiva del fiscal de Florida ya alcanzó a otras plataformas

La acción contra Netflix se enmarca en una campaña más amplia de Florida contra empresas tecnológicas con presencia entre menores de edad, informó NBC Miami.

Uthmeier demandó a Snap Inc. por presuntas violaciones de una ley estatal que regula funciones diseñadas para prolongar el uso de las redes sociales y promovió otra demanda contra Roblox por supuestos engaños a los padres sobre la seguridad de su videojuego.

Recientemente, anunció que investigará a Discord por riesgos relacionados con el contacto entre niños y depredadores sexuales.

Al mismo tiempo, el fiscal cuestionó un acuerdo reciente con Meta, del que Florida no formó parte, al considerar insuficientes las medidas ofrecidas para proteger a los adolescentes.

El documental Untold Mr. T: I Pity The Fool, estrenado el 8 de septiembre de 2026 en Netflix, sirvió de contexto para esas revelaciones. Mr. T habló sobre cómo llegó al papel de Clubber Lang —el antagonista principal de la película—, qué significó para su carrera y la relación que construyó con el director y protagonista del filme.

Fue Stallone quien lo descubrió en 1980, cuando participaba en el concurso “America’s Toughest Bouncer” del programa televisivo Games People Play, de la cadena NBC. La directora de casting Rhonda Young lo señaló como candidato ideal, y Stallone tomó la decisión final.

Stallone eligió a Mr. T por encima de los candidatos con experiencia

Los productores de Rocky III presionaron para contratar actores con trayectoria comprobada. Sin embargo, Stallone se mantuvo firme. “No, yo quiero a Mr. T porque tenía lo que yo tenía. Me gustó esa crudeza, esa actitud callejera”, declaró, según recordó el propio Mr. T en la entrevista con People.

Tras el proceso de selección, Mr. T volvió a Chicago y recibió la llamada al lunes siguiente confirmando que tenía el papel. Su respuesta fue inmediata: “Dile a Sly que, por cualquier razón que me eligió, le voy a dar el 150% todos los días.” Esa promesa marcó el tono de su participación en toda la producción y sentó las bases de una relación de trabajo fundada en el compromiso mutuo.

La decisión de Stallone fue, en ese contexto, una apuesta poco convencional. En la industria cinematográfica de comienzos de los años 80, incorporar a un debutante absoluto como villano principal de una franquicia multimillonaria era un movimiento arriesgado. Stallone lo asumió con convicción, convencido de que la autenticidad de Mr. T superaba cualquier carencia técnica.

Dos meses de entrenamiento y las palabras que cambiaron todo

Mr. T tomó la preparación física con total seriedad durante los dos meses previos al rodaje. Stallone lo observó de cerca y valoró el esfuerzo. Fue entonces cuando se acercó a él y pronunció las palabras que Mr. T recuerda hasta hoy: “Si cometes un error, tenemos kilómetros de película. No te preocupes por nada. Quiero que seas tú.”

Ese gesto de respaldo transformó por completo la experiencia del debutante. Mr. T reconoció que Stallone asumía un riesgo real al apostar por alguien sin formación actoral, y eso le generó una responsabilidad enorme. “Tenía fe en mí. Esto es mucho dinero en juego, así que tenía que responder. Y lo hice”, afirmó en declaraciones a People.

La libertad que Stallone le otorgó sobre el set tuvo consecuencias directas en el resultado final. Varios de los diálogos de Mr. T fueron improvisados, entre ellos la provocación que Clubber Lang dirige a la esposa de Rocky, uno de los momentos más comentados de la película. Esa espontaneidad, lejos de perjudicar la producción, se convirtió en uno de los sellos distintivos del personaje.

El documental de Netflix revive una historia de amistad y oportunidad

La relación entre ambos actores trascendió el rodaje. “Él tenía confianza. Creía en mí. Y mientras estuvo agradecido de que hice mi trabajo, yo estoy agradecido a él”, sostuvo Mr. T. Esa dinámica de respeto mutuo quedó grabada tanto en la pantalla como en la memoria del actor a lo largo de los años.

Rocky III se convirtió en la segunda película más taquillera de 1982, superada únicamente por ET, el extraterrestre. En ella, Mr. T pronunció por primera vez su icónica frase “I pity the fool” —traducida al español como “le tengo lástima al tonto”—, que con el tiempo se volvió su marca personal y dio nombre a un programa de telerrealidad en 2006.

El papel de Clubber Lang fue, además, el trampolín que lo llevó directamente a interpretar a B.A. Baracus en la serie televisiva The A-Team (Brigada A), otro de los personajes con los que quedó ligado en la cultura popular de los años 80.

El documental Untold Mr. T: I Pity The Fool, dirigido por Scott Weintrob, está disponible en la plataforma desde el 8 de septiembre de 2026. En él, el actor repasa su trayectoria, su imagen pública, sus orígenes en Chicago y las experiencias que marcaron su carrera, entre ellas su paso por una de las sagas deportivas más reconocidas del cine estadounidense.

La película Superman, dirigida por James Gunn y protagonizada por David Corenswet, llegará a Netflix el próximo 19 de septiembre de 2026, según anunció la plataforma de streaming.

La incorporación del largometraje amplía la disponibilidad de una de las producciones vinculadas al nuevo Universo DC y se produce aproximadamente 14 meses después de su estreno exclusivo en salas de cine.

Netflix combina en su catálogo producciones originales con películas y series de otras compañías cuyos derechos de distribución adquiere durante determinados periodos.

En este caso, el acuerdo permitirá que Superman esté disponible para los suscriptores de la plataforma después de su recorrido por los cines y de su etapa de distribución en HBO Max.

El largometraje, encabezado por Corenswet en el papel de Clark Kent/Superman, forma parte de la nueva etapa del Universo DC bajo la dirección creativa de James Gunn y Peter Safran. La película también cuenta con Rachel Brosnahan como Lois Lane y Nicholas Hoult como Lex Luthor.

Durante su paso por las salas, Superman alcanzó una recaudación mundial de aproximadamente 618 millones de dólares.

Su llegada a Netflix supone una nueva ventana de exhibición y permitirá que el título esté disponible para una audiencia que no acudió a los cines o que no tuvo acceso a HBO Max durante su periodo de distribución en esa plataforma.

La fecha de estreno en Netflix también sitúa la película en el contexto de los siguientes proyectos cinematográficos de DC.

Uno de ellos es Supergirl, protagonizada por Milly Alcock, que llegó a los cines en 2026 y obtuvo una recaudación aproximada de 126 millones de dólares a nivel mundial, frente a un presupuesto estimado entre 170 y 185 millones de dólares, según diferentes cálculos publicados sobre la producción.

Aunque inicialmente se había considerado que la llegada de Superman al catálogo de Netflix podría coincidir con una estrategia para impulsar el interés por Supergirl, finalmente ambas películas tendrán ventanas de distribución diferenciadas.

El siguiente largometraje centrado en Superman ya se encuentra en desarrollo. James Gunn terminó a finales de agosto el rodaje de Man of Tomorrow, película que continuará la historia iniciada con Superman.

David Corenswet volverá a interpretar al personaje principal, mientras que Gunn se encargará nuevamente de la dirección. La producción, que forma parte del universo de DC Studios, tiene previsto su estreno para el 9 de julio de 2027.

El reparto de la película incluye a David Corenswet, quien retoma el papel de Clark Kent / Superman. También participan Nicholas Hoult como Lex Luthor, Rachel Brosnahan como Lois Lane, Skyler Gisondo como Jimmy Olsen, Sara Sampaio como Eve Teschmacher, Isabela Merced como Hawkgirl, Nathan Fillion como Guy Gardner y Edi Gathegi como Mister Terrific.

El elenco también incorpora a Adria Arjona como Maxima y a Aaron Pierre en un papel que aún no ha sido detallado públicamente.

Por si fuera poco, se sabe que Matthew Lillard se incorporará a la secuela. Distintas versiones apuntan a que su incorporación podría vincularse con personajes del universo DC aún no presentados en la pantalla grande.

Entre las especulaciones surgidas en la industria se menciona la posibilidad de que interprete a Plastic Man, personaje de los cómics de DC que ha sido objeto de múltiples intentos de adaptación cinematográfica en el pasado.

El proyecto de Plastic Man, creado originalmente en 1941 por Jack Cole en los cómics de Quality Comics y posteriormente integrado al catálogo de DC, ha sido desarrollado en distintas ocasiones sin llegar a concretarse.

El personaje, cuyo nombre real es Patrick “Eel” O’Brien, obtiene habilidades de elasticidad tras un accidente químico y posteriormente adopta una identidad heroica.

La posible vinculación entre Lillard y este personaje se relaciona con antecedentes de colaboración entre el actor y James Gunn. Ambos trabajaron en las películas de Scooby-Doo y Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed, en las que actor interpretó a Shaggy Rogers.

En ese contexto, se ha mencionado que ambos habrían discutido en el pasado la posibilidad de desarrollar un proyecto basado en Plastic Man durante el rodaje de dichas producciones.

Un mensaje de incompatibilidad puede interrumpir el acceso a una película o una serie justo al abrir Netflix en un televisor. “Esta app no es compatible con tu dispositivo” y “Netflix ya no está disponible en este dispositivo” son algunas de las advertencias que pueden aparecer en pantalla.

El aviso suele surgir sin anticipación y afecta a electrodomésticos de distintas marcas y antigüedades. En los televisores inteligentes, no siempre obliga a reemplazar el aparato: existen alternativas externas que permiten recuperar el acceso a la plataforma y a otros servicios streaming.

Cómo saber si el televisor todavía recibe actualizaciones

El primer paso consiste en ingresar al menú de configuración del televisor. En los apartados “Información”, “Acerca del televisor” o “Soporte” suele figurar la versión del sistema operativo, el número de compilación y la fecha de la última actualización instalada.

Además, conviene entrar en la tienda de aplicaciones del aparato y revisar si Netflix tiene una actualización pendiente. Si el sistema no ofrece nuevas versiones desde hace tiempo o la tienda ya no permite actualizar la app, el modelo puede haber quedado fuera del ciclo de compatibilidad.

La revisión permite descartar un problema puntual antes de gastar dinero en un accesorio o en un televisor nuevo. Un reinicio del dispositivo, la comprobación de la conexión a internet y la actualización del software pueden resolver fallas temporales, aunque no restauran el soporte cuando este ya terminó.

Qué dispositivo permite acceder a Netflix desde un televisor antiguo

Un Amazon Fire TV Stick puede ser una salida para conservar un televisor que todavía funciona, pero que ya no admite la aplicación de Netflix. El dispositivo se conecta a uno de los puertos HDMI y utiliza su propio sistema operativo, independiente del software instalado en el televisor.

Una vez conectado, el usuario debe seleccionar la entrada HDMI correspondiente, configurar la conexión WiFi e instalar Netflix desde la tienda de aplicaciones del dispositivo. De ese modo, el contenido se reproduce a través del accesorio y no de la aplicación original del televisor.

Esta opción requiere un puerto HDMI libre y alimentación eléctrica, que puede provenir de un adaptador o, en algunos modelos, de un puerto USB. El televisor pasa a funcionar como pantalla, mientras el dispositivo externo gestiona las aplicaciones y las actualizaciones.

Cómo utilizar un Google Chromecast y dispositivos Roku en un televisor

El Google Chromecast ofrece otra alternativa para quienes usan un celular como control principal. Según la versión, permite enviar contenidos desde la aplicación de Netflix instalada en un teléfono, una tableta o una computadora, o bien abrir aplicaciones desde una interfaz propia con control remoto.

Para utilizarlo, el Chromecast debe conectarse al televisor mediante HDMI y configurarse en la misma red WiFi que el celular. Después, solo con abrir Netflix en el teléfono y elegir el ícono de transmisión para enviar la película, serie o documental a la pantalla.

Asimismo, los dispositivos de Roku se conectan por HDMI y dan acceso a Netflix, aparte de otras plataformas streaming. Funcionan con un menú propio y reciben actualizaciones por separado, así que pueden extender el uso de un televisor cuya tienda de aplicaciones está desactualizada.

Antes de comprar uno, es necesario verificar que el televisor tenga puerto HDMI y confirmar que el dispositivo elegido sea compatible con la conexión de internet disponible en el hogar. Es clave considerar la resolución de la pantalla para elegir un modelo que se ajuste a las capacidades del electrodoméstico.

En qué momento conviene reemplazar el televisor

Cambiar el dispositivo puede ser necesario si no tiene puerto HDMI, presenta fallas de imagen o sonido, o si el sistema operativo quedó muy antiguo para otras funciones. La falta de actualizaciones no solo afecta a Netflix: puede provocar bloqueos y errores en aplicaciones, navegación o comunicación.

Los dispositivos sin soporte quedan expuestos a vulnerabilidades porque dejan de recibir parches ante ciberataques. Revisar con frecuencia la versión del sistema, la certificación del aparato y las actualizaciones disponibles permite anticipar el momento en que será necesario recurrir a un accesorio externo o renovar el dispositivo.

La Bola Negra recibirá el estreno en salas más extenso que Netflix haya concedido nunca a una producción propia, según reveló Variety. La película, protagonizada por Penélope Cruz, permanecerá 46 días en cartelera antes de sumarse al catálogo de la plataforma. El filme llegará a los cines el 16 de octubre y desembarcará en Netflix el 2 de diciembre. Se trata de un plazo que supera ampliamente los estrenos limitados que la compañía suele reservar para sus apuestas de cara a los premios.

La Bola Negra, dirigida por Javier Ambrossi y Javier Calvo, se destacó en el Festival de Cannes en mayo pasado. Allí Netflix adquirió los derechos por USD 5 millones y los realizadores recibieron el premio del jurado a mejor dirección. Tras su paso por Cannes, la producción continuó su recorrido en el Telluride Film Festival el fin de semana pasado. El filme se dirige ahora a Toronto, donde tendrá otra presentación de gran magnitud. Este itinerario de festivales, sumado a la ventana teatral extendida, coloca a La Bola Negra entre los proyectos con mayores aspiraciones dentro del calendario de premios de Netflix para esta temporada.

El caso de La Bola Negra se enmarca en un giro mayor de la compañía hacia el cine tradicional. En 2027, Netflix dará a Narnia: The Magician’s Nephew, de Greta Gerwig, un estreno amplio de casi 50 días, incluidas salas Imax. La producción animada ChCharlie y la fábrica de chocolate tendrá, por su parte, una ventana de 47 días durante la temporada navideña. Ambos títulos se suman a la lista de proyectos con rollouts inusualmente largos para los estándares de la plataforma. Netflix reportará además cifras de taquilla para seis próximas películas, algo que nunca había hecho. Según confirmaron dos fuentes internas a Variety, la lista incluye La Bola Negra, Narnia, Charlie y la fábrica de chocolate, The Further Mis-Adventures of Cliff Booth (de David Fincher), The Mosquito Bowl e Ink.

De “un concepto anticuado” a la nueva normalidad

Ted Sarandos, co-CEO de Netflix, había calificado en el pasado la ventana teatral tradicional como un “concepto anticuado” frente al modelo de consumo bajo demanda de la plataforma. En una entrevista posterior con Bloomberg, admitió que podría “ver a la compañía haciendo cosas que no había hecho antes” respecto a los cines, aunque insistió en que Netflix seguirá priorizando el streaming. Un alto ejecutivo de un estudio consultado por Variety señaló: “La verdadera pregunta es qué quiere ser Netflix ahora”. El mismo ejecutivo agregó que, tras haber intentado adquirir Warner Bros. Discovery, la compañía “no puede volver a meter parte de esa pasta de dientes en el tubo”.

Un distribuidor veterano consideró que un acercamiento de Netflix al circuito teatral sería bien recibido por los exhibidores. “Imaginen si Netflix, de todas las empresas, respaldara una campaña de marketing teatral real, y no solo una jugada de premios”, planteó la fuente. Los cines exigen, sin embargo, que Netflix cumpla con las reglas del sector si va a competir en ese terreno. Eso incluye reportar cifras de taquilla, una práctica que la compañía había evitado hasta ahora, para malestar de distribuidores de estudios e independientes.

Una herramienta de inteligencia artificial (IA) permite trasladar a Las Guerreras K-pop, la película de Netflix, a una versión visual inspirada en el universo de Rick y Morty. El resultado requiere referencias claras, una instrucción precisa y una revisión posterior para conservar los rasgos de las protagonistas.

El proceso puede realizarse en plataformas como Gemini, de Google, desde la versión web o la aplicación. No exige conocimientos de edición de imágenes, aunque cada generación debe revisarse para corregir diferencias en el vestuario, los peinados, la cantidad de personajes y los fondos.

Cuál es el primer paso para generar imágenes con IA de Las Guerreras K-pop

El primer paso es reunir fotos nítidas de las protagonistas de Las Guerreras K-pop. Las referencias más útiles muestran los rostros de frente, los detalles de la ropa, los accesorios y los peinados que distinguen a cada integrante.

Además, conviene incorporar imágenes del estilo visual de Rick y Morty, con paisajes extraterrestres, portales verdes, laboratorios o interiores de naves espaciales.

Es preferible evitar imágenes con marcas de agua, textos superpuestos o filtros que modifiquen los colores originales de la ropa y el cabello.

Los archivos en formato JPG o PNG suelen ofrecer buena compatibilidad con las plataformas de generación de imágenes. Las fotos borrosas, oscuras, recortadas o con objetos delante de los rostros dificultan la interpretación de la IA.

Cómo subir las fotos en el chat de Gemini

Para comenzar, se debe ingresar a Gemini con una cuenta activa de Google. Desde la ventana de conversación, la plataforma permite adjuntar archivos almacenados en el dispositivo. Es posible incluir varias imágenes en un mismo pedido, siempre que cada una tenga una función definida dentro de la composición.

La combinación de fotos y texto permite diferenciar los elementos que corresponden a Las Guerreras K-pop de aquellos que remiten a otros universos animados.

Las imágenes de las protagonistas sirven para preservar sus características principales, mientras que las referencias de ciencia ficción ayudan a definir los fondos, los objetos y el tipo de dibujo que se busca reproducir.

Qué debe llevar el prompt para lograr el estilo de Rick y Morty

La instrucción escrita debe especificar la cantidad de personajes, los rasgos físicos que deben mantenerse, el vestuario, las poses y el escenario.

Si una plataforma limita el uso de nombres de franquicias protegidas por derechos de autor, la alternativa es describir los componentes visuales: líneas simples, colores planos, expresiones amplias, tecnología absurda, escenarios interplanetarios y objetos de gran tamaño.

Un prompt posible es: “Representa a tres jóvenes artistas de pop coreano con peinados coloridos y atuendos modernos en un garaje. Usa un estilo de animación de ciencia ficción para adultos, con contornos negros definidos, colores planos, ojos grandes, expresiones exageradas y poses dinámicas”.

Cómo ajustar los errores de la primera imagen

La primera versión puede cambiar el color de una prenda, modificar un peinado, sumar figuras ajenas al pedido o alterar la posición de un objeto. En esos casos no es necesario reiniciar todo el trabajo. La opción más práctica consiste en enviar una nueva instrucción sobre la generación anterior con una corrección concreta.

Frases como “mantén a las tres integrantes”, “recupera los tonos del vestuario”, “elimina al personaje adicional” o “coloca el portal detrás del grupo” permiten orientar el ajuste.

Qué pautas se deben tomar al descargar y publicar la imagen

Cuando la composición responda a lo buscado, el archivo puede descargarla en el dispositivo. Si la ilustración se comparte en redes sociales o se incorpora a una publicación, conviene aclarar que se trata de una imagen creada con inteligencia artificial y que no constituye una pieza oficial.

Asimismo, se sugiere usar servicios oficiales y actualizados. Las aplicaciones piratas pueden contener malware, publicidad invasiva o mecanismos para obtener contraseñas, fotos y otros datos personales.

Con fecha de lanzamiento global confirmada para el 18 de diciembre de 2026, la producción llegará a la plataforma tras su premiere mundial en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, donde tendrá su primera exhibición pública antes del debut en streaming.

Ambientada en el después de la tragedia, Más allá de la sociedad retoma el relato allí donde concluyó La sociedad de la nieve y propone una reconstrucción de los años posteriores al accidente del vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, ocurrido el 13 de octubre de 1972 en la cordillera de los Andes.

La serie se concentra en el regreso a casa y en las secuelas de la tragedia

La nueva serie documental, de tres episodios, se centra en lo que ocurrió cuando los sobrevivientes volvieron a sus hogares y debieron reencontrarse con las familias de quienes murieron en el accidente. El eje está puesto en la pregunta sobre cómo se reconstruye una vida después de una experiencia de esa magnitud.

Según la información difundida sobre el proyecto, el documental reúne por primera vez los testimonios de los sobrevivientes, de los familiares de las víctimas, y también de figuras que participaron en la construcción pública de esta historia a través de libros y películas.

J.A. Bayona vuelve al universo del vuelo 571 junto a Carlos Torres

La serie fue creada por J.A. Bayona y Carlos Torres, con dirección de Torres y producción de Bayona, Sandra Hermida y Belén Atienza. El proyecto surge después del recorrido internacional de La sociedad de la nieve, la película que se estrenó en el Festival de Venecia, obtuvo 12 premios Goya y recibió dos nominaciones al Oscar, incluida la de mejor película internacional.

En esta oportunidad, la propuesta se desplaza del hecho ya narrado en la ficción hacia sus consecuencias humanas, familiares y sociales. El documental se presenta así como una ampliación del universo de aquella película, pero con una mirada puesta en las décadas posteriores al rescate.

Los testimonios incluyen a sobrevivientes, familiares, escritores y cineastas

Entre las voces que participan en la serie aparecen los sobrevivientes del accidente, los familiares de quienes no volvieron, y los escritores Piers Paul Read, autor de Viven, y Pablo Vierci, autor de La sociedad de la nieve. También intervienen cineastas que llevaron esta historia a la pantalla, entre ellos Frank Marshall, director de Viven, y el propio Bayona.

Uno de los elementos centrales del proyecto es el cruce entre experiencia real y representación audiovisual. Gran parte del elenco de La sociedad de la nieve viaja al lugar del accidente, en el llamado Valle de las Lágrimas, para participar de un encuentro planteado por la producción como un puente entre los protagonistas de la tragedia y quienes los interpretaron en la ficción.

El relato recorre cinco décadas marcadas por el impacto mundial del caso

A partir de ese regreso al escenario del accidente, la serie recorre más de 50 años atravesados por el peso de lo ocurrido. La producción revisa cómo aquel episodio se convirtió en un fenómeno de alcance internacional que dio origen a libros, películas y documentales, y cómo esa exposición pública convivió con el silencio de muchos de sus protagonistas.

El accidente del vuelo 571 dejó 16 sobrevivientes entre los 40 pasajeros que viajaban a bordo. Todos ellos pasaron 72 días en la nieve antes de ser rescatados, en uno de los episodios más conocidos de la historia contemporánea de la región.

La premiere en San Sebastián precederá al estreno global en la plataforma

Antes de su llegada al catálogo de Netflix, Más allá de la sociedad tendrá su premiere global en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián, un paso que vuelve a vincular este universo narrativo con el circuito de festivales en el que ya había tenido presencia La sociedad de la nieve.

El estreno mundial de la serie está previsto para el 18 de diciembre, fecha con la que la plataforma volverá a poner en primer plano una historia que, más de medio siglo después de la tragedia de los Andes, sigue abriendo nuevas preguntas sobre la memoria, el duelo y la reconstrucción personal.

La mesa estaba puesta con elegantes platos florales y servilletas festivas pero, a las 9 de la mañana de un lunes, Harlan Coben sirvió un sloppy joe exactamente como debía ser: sobre una hoja de papel encerado, acompañado de pepinillos en tiras y papas fritas.

Antes de meternos en los 38 thrillers de Coben (muchos de ellos best sellers número 1) y sus numerosos programas de televisión (13 solo en Netflix), hay que decir que el sándwich que compartimos en su casa de Ridgewood, Nueva Jersey, no era el típico de cafetería escolar (carne picada entre panes de hamburguesa). Era un sloppy joe de Nueva Jersey: una torre triple de pan de centeno rellena de pavo, roast beef, queso suizo, ensalada de col y aderezo ruso, el sándwich oficial del condado de Essex, al menos según Coben y según yo, ambos orgullosos nativos.

Por eso era el manjar perfecto para disfrutar mientras hablábamos de las memorias de Coben, Plot Twist, que Grand Central publicará el 8 de septiembre. A diferencia de sus otros proyectos, llenos de situaciones de alta tensión y enfrentamientos culminantes, este —cuyo subtítulo es Life, Craft, and the Messy First Draft— está impregnado de nostalgia (no de la empalagosa) y de consejos inesperados sobre escritura.

“Siempre fui uno de esos autores que decían, medio en broma: ‘Todo es ficción’”, dijo Coben, de 64 años, mientras daba un buen mordisco al sándwich. “¿Qué sé yo de gente que desaparece y es asesinada? Y después me di cuenta de que mucho de lo que hay en mis libros viene directamente de mi infancia o de cosas que realmente me pasaron”.

Más allá de su altura (1,93 m) y de los vínculos mafiosos de su abuelo —Louis “Pops” Kronberg fue presidente de un sindicato de licores en pleno territorio Sopranos—, lo más destacable de la vida de Coben es su normalidad.

Vive en una calle suburbana arbolada. Está casado con Anne, su novia de la universidad, que es pediatra. Tienen cuatro hijos, ya adultos, y dos perros de raza bichón habanero, Winslow y Laszlo, que irrumpieron por la puerta trasera envueltos en un torbellino de encanto digno de un ewok. Coben, parecido al señor Clean (sin el aro), tiene la afabilidad de un padre con silbato al cuello. Como dirían los chicos, transmite vibra de entrenador.

Y eso es exactamente lo que es en Plot Twist: un tipo alentador, apenas mandón, que te empuja a contar tu propia historia compartiendo la suya.

Nuestra conversación fue editada por razones de extensión, claridad y promoción del Estado Jardín. (Salió Bruce, igual que la costa y el Livingston Mall.) Antes de que me fuera de su casa, Coben me dio un sándwich extra para el camino.

—Contame cómo llegaste a una combinación de memorias y consejos de escritura para Plot Twist.

—Di una clase magistral para BBC Maestro y, durante cinco días de grabación, aprendí sobre mi proceso y sobre mí mismo. Entonces pensé que sería divertido escribir sobre eso.

Siempre dije que nunca escribiría unas memorias, pero también dije que nunca colaboraría en una novela con nadie, y después terminé colaborando con Reese Witherspoon. Capaz decir “nunca” sea un buen desafío para mí mismo.

De todos modos, el año pasado había escrito dos libros y no podía darme vuelta y hacer otro; era demasiado con la televisión. Entonces le dije a mi editor: quizá haga una guía para escritores, algo parecido a mi clase, y al final eso terminó convirtiéndose en unas memorias. Es mitad y mitad, pero la parte de guía de escritura se relaciona con la vida real.

La otra cosa es que realmente me gustaría ver a más gente creando. Espero que esto sirva como herramienta de motivación para cualquiera que quiera poner más arte en su mundo. Respuesta larga.

—¿Cuáles fueron los aspectos de tu infancia a los que más volviste mientras escribías?

—Siempre son mis padres, sus muertes y cómo eso me formó. La tragedia es una maestra tremenda, por desgracia. Aunque mis libros sean thrillers, creo que reflejan eso.

—En ese suburbio tipo Norman Rockwell donde creciste había una corriente subterránea de peligro —el jefe mafioso con un crematorio en el patio, el centro de control de misiles cerca de una escuela primaria—. ¿Te dabas cuenta?

—Sí y no. ¿Qué tan distinto es Livingston de otros lugares? Todo el mundo tiene cosas raras en su vida. Mi manera de lidiar con eso, algo de lo que no me di cuenta hasta ser mayor, fue inventar historias. Mis series de televisión transcurren por todo el mundo pero, con muy pocas excepciones, mis libros transcurren acá.

—¿Por qué pensás que pasa eso?

—Primero, porque es lo que conozco. Segundo, porque es lo que me fascina. Creo que Nueva Jersey —sobre todo los condados de Essex, Bergen y Monmouth— es realmente el campo de batalla del sueño americano. Estamos entre dos grandes ciudades, Nueva York y Filadelfia. Tenemos mucha densidad de población y al mismo tiempo estamos dispersos. Tenemos un poco de complejo a flor de piel. Acá fue donde mis padres, y probablemente tus padres [sí], vinieron por dos autos, una parrilla y una cancha de básquet. Pero vivimos en una burbuja y esa burbuja es frágil; ese es el ambiente con el que me gusta jugar. Cuanto más calma está la superficie del estanque, más ondas puede generar una sola piedra.

—¿Qué consejo de escritura te entusiasma más dar vuelta?

—Creo que el mayor error es dividir las cosas en personaje, trama y escenario. Cuando apuntás a satisfacer uno, se convierte en un juego de suma cero. Si tengo más personaje, significa que mi trama va a ser mala. Si tengo más trama, significa que mi personaje va a ser malo. Lo que intento enseñar acá es que todo es holístico.

La segunda cosa es que no siempre hay magia, y no debería haberla. Con cada libro pienso: esto no está funcionando. Soy malísimo. Antes era bueno, nunca voy a terminar este a tiempo. Mi mujer me escuchó decirlo un millón de veces.

—¿Cómo salís de esa etapa?

—Me obligo a sentarme en la silla y escribir. No tiene nada de romántico. No tiene nada de sexy. No me dejo ninguna otra salida.

—Tenés sentimientos fuertes respecto de las distracciones “de escritor”. Desarrollá.

—Lo único que cuenta es escribir. Hacer esquemas no es escribir. Investigar no es escribir. Crear personajes no es escribir. Los grupos de escritura son geniales si te hacen producir páginas, pero sus críticas a tu trabajo pueden ser un completo disparate. Simplemente volcálo en la página. Apagá la parte de tu cerebro que te dice que apesta. Cuando escuchás esa voz, tenés dos opciones: podés dejar que te paralice o podés dejar que te impulse.

—¿Cómo reaccionaron hasta ahora los lectores a Plot Twist?

—Mis hijos fueron los primeros en leerlo y sus reacciones —se me van a llenar los ojos de lágrimas acá— fueron increíbles. Me sorprendió lo genuinamente conmovidos y shockeados, en el buen sentido, que quedaron todos. Creo que vieron lados míos cuya existencia no conocían. Hace poco, cuando publiqué algo sobre el libro, mi hija mayor escribió algo así como: “Me encanta. Es lo mejor que hizo”. Y normalmente, si subo una foto mía a Instagram, los dos comentarios serían: “Qué asco” y “¿Podés no hacerlo?”. Así que, aunque nadie más lo lea, para mí ya fue un éxito total.

—¿Cuál fue el punto más bajo de tu carrera?

—Tuve una ingenuidad maravillosa. No me daba cuenta de lo insignificante que era dentro del mundo editorial cuando empecé, de lo poca cosa que era, porque no había forma de saberlo. Incluso hoy, cuando la gente me pregunta cuántos libros vendiste en la primera semana, no tengo idea. No quiero saberlo. Nunca intenté llevar la cuenta.

—¿Alguna vez te arrepentís de no haberte ido de Nueva Jersey?

—No. No soy una persona que mire hacia atrás demasiado seguido. Soy feliz donde estoy ahora.

—En la Garden State Parkway hay áreas de servicio con nombres de Judy Blume, Jon Bon Jovi, Connie Chung y James Gandolfini. ¿Por qué no Harlan Coben?

—Sería un honor enorme, pero me gusta pensar que todavía soy demasiado joven.

Fuente: The New York Times

Netflix inició en Praga el rodaje de su serie basada en The Secret of Secrets, la novela de Dan Brown, y publicó la primera imagen de Morgan Spector como Robert Langdon. La fotografía también presenta a Rebecca Hall en el papel de Katherine Solomon, personaje central del nuevo misterio. La producción todavía no tiene fecha de estreno ni título definitivo confirmado.

Un nuevo rostro para Robert Langdon

Spector toma un personaje asociado durante dos décadas con Tom Hanks, quien interpretó al profesor de simbología de Harvard en las películas El código Da Vinci, Ángeles y demonios e Inferno. Las tres fueron dirigidas por Ron Howard, aunque llegaron al cine en un orden diferente al de la publicación de las novelas: El código Da Vinci se estrenó en 2006 antes que Ángeles y demonios, pese a que ese libro había aparecido primero.

La próxima adaptación trasladará los acertijos y conspiraciones de Langdon al formato de serie. Esa estructura ofrece más tiempo para desarrollar las investigaciones, las conexiones históricas y las pistas que suelen organizar las historias de Brown, en lugar de concentrarlas dentro de la duración de una película.

Este tampoco será el primer cambio de actor del personaje. Ashley Zukerman interpretó una versión más joven del profesor en The Lost Symbol, producción de Peacock basada en la novela conocida en español como El símbolo perdido. La serie quedó inconclusa después de una temporada.

Netflix vuelve a comenzar con otra etapa de la vida del protagonista y sin adaptar nuevamente El código Da Vinci como presentación. Spector deberá encarnar a una versión reconocible de Langdon sin reproducir la interpretación de Hanks, mientras la plataforma intenta separar su serie de las películas previas.

Un misterio sobre la conciencia humana

La historia llevará a Langdon a la República Checa, donde deberá rescatar a una científica desaparecida y recuperar un manuscrito con descubrimientos capaces de alterar la comprensión de la mente humana. La investigación también lo enfrentará con un grupo dispuesto a impedir que esos hallazgos sean publicados y con fuerzas antiguas vinculadas al secreto.

Katherine Solomon, interpretada por Hall, es la científica que ocupa el centro de la trama y la pareja de Langdon. Su aparición junto al protagonista en la primera fotografía señala la relación sobre la que avanzará buena parte de la adaptación.

La descripción difundida por Netflix combina ciencia futurista, tradición mística, suspenso e intriga internacional. El componente científico cambia el eje habitual de las aventuras del personaje, frecuentemente construidas alrededor de secretos religiosos, sociedades ocultas, obras de arte y episodios históricos. Esta vez, el conflicto examinará el punto de encuentro entre las explicaciones espirituales y una investigación sobre la conciencia.

The Secret of Secrets es la novela más reciente protagonizada por Langdon. Tras esta adaptación, Origen quedaría como el único libro principal del personaje sin una versión audiovisual. Esa historia comienza en el Museo Guggenheim de Bilbao, pero Netflix no anunció planes para producirla ni confirmó posibles continuaciones.

El reparto y los responsables de la serie

Spector y Hall encabezarán un reparto regular que incluye a Cherry Jones como Heide Nagel, Corey Stoll como Everett Finch, Rob Delaney como Jonas Faukman y Abbey Lee como Sasha Vesna. La producción confirmó más incorporaciones coincidiendo con el comienzo de la filmación.

Mamadou Athie tendrá una participación recurrente como Michael Harris y Ben Levi Ross interpretará a Alex Conan. También se sumaron Anamaria Marinca como la doctora Gessner, Richard Sammel como Karl Muller y Elena Saurel como Susan Housemore. Sammel llega al proyecto después de participar en Andor.

Brown y Carlton Cuse son cocreadores y productores ejecutivos de la adaptación. Cuse también trabajará como guionista y showrunner, el responsable creativo que coordina el desarrollo general de una serie. Su trayectoria televisiva incluye Lost, Bates Motel y Jack Ryan, tres producciones con elementos de misterio, suspenso y narraciones continuadas entre episodios.

Emma Forman, Zoe Robyn y Genre Arts completan el equipo de producción anunciado. La participación directa de Brown diferencia esta versión de las anteriores y lo coloca dentro del grupo que decidirá cómo trasladar la novela a la pantalla.

Netflix encargó la serie directamente en mayo de 2025, sin pasar por la producción previa de un episodio piloto. Con las cámaras ya activas en Praga, el proyecto deberá completar el rodaje y su posterior etapa de posproducción antes de llegar al catálogo. La plataforma todavía no comunicó cuántos episodios tendrá ni cuándo se estrenará.

Transformar a Los Saja Boys en personajes animados con una estética inspirada en los Looney Tunes es posible con herramientas de inteligencia artificial (IA) y una selección adecuada de imágenes de referencia.

El procedimiento puede completarse desde Gemini de Google, a través de su versión web o su aplicación oficial. Para obtener una imagen consistente, conviene reunir fotos de buena calidad, ordenar los archivos y redactar un prompt que describa el estilo visual sin pedir una copia exacta de personajes o franquicias protegidas.

Qué imágenes de referencia conviene elegir para la IA

El punto de partida son las imágenes de los Saja Boys, antagonistas de la película de Netflix Las Guerreras K-pop. Las fotos o capturas deben mostrar con nitidez los rostros, los peinados, la ropa y las posturas de cada integrante.

Además, es útil buscar imágenes de dibujos animados clásicos de los Looney Tunes para identificar recursos visuales, como ojos grandes, sonrisas amplias, guantes blancos, fondos coloridos y gestos físicos marcados.

Otro paso es crear una carpeta exclusiva permite reunir todas las referencias en un solo lugar. Allí pueden guardarse las capturas de los personajes, fondos de escenarios teatrales, elementos de vestuario y otras imágenes que ayuden a definir la escena.

Los archivos en formato JPG y PNG suelen ser compatibles con las principales plataformas de inteligencia artificial para la generación de imágenes.

Cuál aplicación es útil para generar ilustraciones con inteligencia artificial

Gemini, la IA de Google es útil y segura para generar imágenes. Para usarla, se debe iniciar sesión con una cuenta de Google. Desde la versión web o la aplicación oficial, el usuario puede adjuntar imágenes junto al cuadro en el que se escribe la consulta.

Allí corresponde cargar las fotografías de los Saja Boys y los Looney Tunes. La carga debe hacerse desde plataformas actualizadas y reconocidas. Descargar aplicaciones piratas o programas de procedencia desconocida puede exponer el dispositivo a malware, accesos no autorizados a datos privados o fraudes financieros.

Las tiendas oficiales, como Google Play Store y App Store, cuentan con mecanismos de revisión que no suelen existir en sitios que distribuyen versiones modificadas.

Qué prompt permite lograr la fusión entre las dos animaciones

La clave está en describir los elementos visuales y no en solicitar una reproducción literal de una serie o sus personajes. Una instrucción debe incluir la apariencia de los protagonistas, el tipo de trazo, la paleta de colores, la iluminación, el escenario y la expresión corporal.

Un ejemplo puede ser: Una ilustración al estilo de animación clásica en 2D de la segunda imagen que presenta a los personajes vestidos como una banda de K-pop, sobre el clásico fondo de anillos concéntricos rojos, sin ningún texto. Los personajes reemplazan a los 5 miembros del grupo, imitando exactamente sus poses, lenguaje corporal, expresiones faciales y actitudes de la primera imagen”.

Cómo corregir el resultado sin empezar desde cero la creación

La primera imagen puede no respetar todos los detalles. Si los personajes conservan un aspecto muy realista, se puede pedir “rasgos más caricaturescos”, “expresiones faciales exageradas” o “líneas de dibujo más gruesas”.

Los cambios puntuales permiten conservar lo que ya funciona. Indicaciones como “mantén los rostros de las referencias”, “cambia el fondo por un escenario de teatro”, “elimina accesorios duplicados” o “usa una composición horizontal” sirven para corregir errores sin rehacer toda la escena.

Asimismo, la publicación en redes sociales debe incluir una aclaración sobre el origen de la pieza. Una leyenda como “Ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial” ayuda a diferenciarla del material promocional de Netflix o de otra franquicia de animación.

Es clave utilizar siempre aplicaciones oficiales descargadas desde tiendas seguras disponibles en los dispositivos y evitar enlaces que prometen acceso a programas de edición sin costo a cambio de información privada.

Netflix dejará de funcionar en una amplia gama de celulares antiguos desde el 10 de septiembre de 2026. La medida alcanzará a teléfonos Android y iPhone que no pueden instalar versiones recientes de sus sistemas operativos.

Quienes utilicen teléfonos sin soporte dejarán de poder abrir, instalar o actualizar la aplicación. La restricción afectará el acceso a funciones nuevas de Netflix, así que los usuarios deberán recurrir a dispositivos compatibles, como celulares más recientes, computadoras, consolas o televisores inteligentes.

Qué celulares Android y iPhone quedarán sin la aplicación de Netflix

La aplicación dejará de estar disponible en teléfonos Android comercializados entre 2011 y 2014 que ya no admiten actualizaciones recientes del sistema operativo. Entre los modelos mencionados figuran el Samsung Galaxy S3, Galaxy Note 2, Galaxy Grand Prime, LG Optimus L5, Optimus L7, LG G2 y varios modelos de Sony. La lista incluye los Sony Xperia Z, Xperia Z1 y Xperia E3.

A su vez, la medida alcanzará a los iPhone que no pueden instalar iOS 18.0 o una versión posterior. En ese grupo aparecen el iPhone X, iPhone 8, iPhone 8 Plus, iPhone 7, iPhone 7 Plus, iPhone 6s, iPhone 6s Plus y el iPhone SE de primera generación.

Además, perderán acceso a todos los modelos previos de la marca. A partir de la fecha prevista, la aplicación dejará de funcionar en esos teléfonos y no recibirá actualizaciones. Esto impide el ingreso al catálogo, la reproducción de series y películas, la descarga de contenidos y el uso de herramientas asociadas a la cuenta.

Por qué Netflix deja de dar soporte a dispositivos antiguos

La decisión está vinculada con la necesidad de mantener estándares de seguridad y compatibilidad técnica. Los celulares que no reciben actualizaciones del sistema operativo tampoco incorporan parches que corrigen fallas conocidas, así que quedan expuestos a vulnerabilidades que pueden afectar los datos almacenados en el dispositivo.

Asimismo, las versiones recientes de Netflix requieren recursos y funciones que los modelos antiguos no ofrecen. La plataforma incorpora cambios en sus sistemas de reproducción, protección de contenidos y autenticación.

Cuando un celular queda fuera del ciclo de actualizaciones de Android o iOS, se vuelve más difícil garantizar el funcionamiento de esas herramientas.

Cómo comprobar si el celular seguirá siendo compatible con Netflix

En Android, la verificación se realiza desde el menú de Configuración o Ajustes. Allí se debe buscar la sección “Acerca del teléfono” y luego “Información del software”. Esa pantalla muestra la versión de Android instalada y, en muchos casos, la fecha del último parche de seguridad disponible.

En los modelos iPhone, el dato se encuentra en Configuración, General e Información. Revisar esa sección permite conocer la versión de iOS y confirmar si el teléfono admite una actualización. Si el celular no puede llegar a una versión compatible, es muy probable que pierda acceso a otras aplicaciones que exigen sistemas recientes.

A qué otros dispositivos afectan las restricciones de Netflix

El cambio no se limita a los celulares. Los Apple TV de primera, segunda y tercera generación ya no tendrán acceso a la aplicación ni recibirán nuevas actualizaciones.

La medida contempla televisores inteligentes fabricados antes de 2015 por marcas como Panasonic, LG y algunos modelos de Samsung Smart TV de la serie EOS, comercializados entre 2012 y 2015.

En esos casos, la alternativa puede consistir en conectar un reproductor multimedia compatible, una consola de videojuegos o una computadora mediante cable HDMI.

La disponibilidad dependerá de las conexiones del televisor y de la compatibilidad de cada aparato. Los usuarios deberán verificar si el dispositivo externo cuenta con una versión vigente de la aplicación.

Qué otros problemas pueden tener los sistemas desactualizados

La pérdida de acceso a Netflix puede ser una señal de que el celular ya quedó fuera del soporte de varias plataformas. Aplicaciones de mensajería, banca digital, compras y autenticación suelen elevar sus requisitos técnicos cuando los sistemas operativos antiguos dejan de recibir correcciones de seguridad.

Un teléfono sin actualizaciones puede presentar bloqueos, menor velocidad y errores al ejecutar tareas cotidianas. Puede ofrecer menos protección frente a programas maliciosos, intentos de robo de información o accesos no autorizados.

A los 74 años, Mr. T vuelve a hablar antes del estreno, el 8 de septiembre, del documental de Netflix Untold Mr T: I Pity the Fool. El actor rechazó que su alejamiento de las pantallas haya sido consecuencia de un fracaso y sostuvo que, para él, el objetivo ya estaba cumplido cuando pudo darle una casa y vestidos a su madre.

El intérprete de Clubber Lang en Rocky III y de B.A. Baracus en Brigada A cuestionó la mirada del documental sobre su trayectoria. En una entrevista publicada por The Guardian, afirmó que la producción pone el foco en el personaje rudo que construyó durante los años 80 y deja en segundo plano su actividad religiosa, su vínculo con organizaciones de ayuda y la influencia que tuvo su madre en sus decisiones.

Mr. T, cuyo nombre de nacimiento es Laurence Tureaud, aseguró que nunca persiguió la fama ni el dinero como un fin. Según explicó, su propósito era comprarle una vivienda a Willie, su madre, y darle los vestidos que no había podido tener mientras criaba sola a 12 hijos en el sur de Chicago.

“Todo lo que quería hacer ya está hecho. Comprarle a mi madre una casa hermosa y vestidos bonitos. Estoy completo”, dijo al diario británico.

La pobreza, su madre y el origen del nombre Mr. T

Tureaud nació el 21 de mayo de 1952 en Chicago, en una familia marcada por la pobreza. Su padre, un ministro religioso, abandonó el hogar cuando él tenía cinco años. Su madre sostuvo a sus hijos con trabajos de limpieza y asistencia social, según relató el actor.

Ese pasado también explica su decisión de adoptar el nombre Mr. T. El actor recordó que vio cómo hombres blancos llamaban “muchacho” a su padre, a su tío y a uno de sus hermanos, que había regresado de Vietnam con uniforme de la Marina.

A los 18 años empezó a presentarse como Mr. T y más tarde formalizó el cambio de nombre. Su intención era que cualquier persona que se dirigiera a él debiera anteponer la palabra “señor”.

“Si tenía edad para luchar y morir por mi país, tenía edad para que me respetaran como hombre”, explicó.

Antes de convertirse en una celebridad, obtuvo una beca de fútbol americano en Prairie View A&M University, una universidad históricamente afroamericana de Texas. Estudió matemáticas, pero fue expulsado en 1971 después de participar en una protesta contra la expulsión del editor del periódico universitario.

Tras regresar a Chicago, alternó empleos manuales y becas deportivas. En 1975 ingresó al Cuerpo de Policía Militar del Ejército de Estados Unidos y, según contó, fue elegido mejor recluta entre 6.000 aspirantes. Dejó la institución con una baja honorable en 1978. Una lesión de rodilla frustró luego su intención de llegar a la Liga Nacional de Fútbol Americano (NFL).

Las cadenas de oro fueron parte de un mensaje personal

Después de dejar el Ejército, trabajó como portero en el club nocturno Dingbats de Chicago. Allí comenzó a delinear la imagen que después lo haría reconocible: el corte de cabello inspirado, según su versión, en los mandinka africanos, las cadenas de oro y los aros.

Mr. T explicó que muchas de esas cadenas habían pertenecido a clientes que las perdían o abandonaban tras una pelea. Con el tiempo, les dio un significado político: las usaba como una respuesta a las cadenas de hierro que padecieron sus antepasados esclavizados.

También sostuvo que cada uno de sus siete aros tenía una explicación religiosa y simbólica. Tres representaban, entre otras referencias, a la Trinidad. Los otros cuatro remitían a los evangelistas y los puntos cardinales.

La imagen llamó la atención de productores y figuras del espectáculo. Antes de actuar, Mr. T trabajó como guardaespaldas de celebridades, entre ellas Muhammad Ali, Diana Ross, Steve McQueen y Michael Jackson, de acuerdo con el relato que ofreció a The Guardian.

Un concurso de televisión lo llevó a Rocky III y Brigada A

En 1980 ganó una competencia de porteros de discoteca emitida por NBC. La participación televisiva llamó la atención de Sylvester Stallone, quien lo eligió para interpretar a Clubber Lang, el rival de Rocky Balboa, en Rocky III.

Mr. T no tenía experiencia actoral, aunque su personaje se volvió uno de los elementos más recordados de la película. La frase “Compadezco al tonto” surgió en ese film y quedó asociada con él durante décadas.

Un año después asumió el papel de B.A. Baracus en Brigada A. La serie se emitió entre 1983 y 1987, llegó a más de 70 países y convirtió a Mr. T en una figura central de la televisión estadounidense.

Su imagen pasó a los juguetes, los disfraces, los cereales, las loncheras y una serie animada. En 1985 participó junto a Hulk Hogan en la primera edición de WrestleMania, con Muhammad Ali como árbitro especial y Liberace como encargado del cronometraje.

También colaboró con la campaña antidrogas Just Say No, promovida por la primera dama Nancy Reagan. Mr. T afirmó que la Casa Blanca revisó sus antecedentes antes de convocarlo y destacó que ni él ni sus hermanos tenían registros penales.

El linfoma, el huracán Katrina y su vida actual

En 1995 le diagnosticaron un linfoma de células T, un tipo de cáncer que redujo sus apariciones públicas y profesionales durante varios años. Con el tiempo, su enfermedad entró en remisión.

El actor también modificó su relación con uno de los rasgos más visibles de su personaje. Después del huracán Katrina, en 2005, colaboró con las tareas de ayuda en Luisiana y decidió dejar de exhibir sus cadenas de oro ante las personas que habían perdido sus casas y pertenencias.

En la entrevista reciente aclaró que no abandonó por completo las joyas, aunque ya no forman parte de su imagen cotidiana. “Mi corazón es de oro”, sostuvo para explicar que no necesita llevar ese mensaje de la misma manera.

Actualmente, visita a su familia en Chicago y colabora con Pacific Garden Mission, una organización que asiste a personas en situación de calle. Contó que una o dos veces por semana entrega calentadores para manos y pies a quienes atraviesan las bajas temperaturas.

La reaparición de Mr. T coincide con el estreno global de Untold Mr T: I Pity the Fool, previsto para el 8 de septiembre. El actor cuestionó que el documental presente su carrera como una historia de ascenso y caída. Netflix y Scott Weintrob, director de la producción, no respondieron a las observaciones planteadas por The Guardian.

La nueva tanda se estrenó el 3 de septiembre y, en cuatro días ya encabezaba la plataforma en todos los citados mercados. La serie ha superado en ese periodo a títulos recientes del servicio como La muerte de la esposa del pastor, la tercera temporada de Beauty in Black y la mexicana Mal de amores.

El regreso llega después del rendimiento de la primera temporada, que acumula 105,8 millones de visualizaciones. Además, la ficción mantiene una nota media de ocho sobre 10 en IMDb.

Una segunda temporada que expande el universo

La historia retoma la trama un año después del desenlace anterior. Eddie Horniman (Theo James) y Susie Glass (Kaya Scodelario) ya han consolidado su posición dentro del imperio de Bobby Glass (Ray Winstone) y ahora buscan extender el negocio de la marihuana al mercado internacional, con Italia como nuevo frente de expansión.

El nuevo conflicto se centra en una partida de caza en la que entran en juego un mafioso italiano, un jeque de sangre real y un lord necesitado de dinero, todo ello con un título nobiliario en disputa. Ese punto de partida abre una nueva fase para Eddie, que deja atrás su resistencia inicial al crimen y se mueve ya con naturalidad dentro del negocio.

Theo James explicó a Netflix que Eddie creía comprender el poder por ser duque y poseer una finca, pero descubre que esos privilegios son apenas “los vestigios de un poder que ya existió” y que el verdadero poder “reside en la sangre”, una lógica a la que termina por volverse adicto.

La serie nació como derivación de The Gentlemen: Los señores de la mafia, la película que Guy Ritchie estrenó en 2019. En esta segunda temporada, el creador regresa también como guionista, director de varios episodios y responsable creativo del proyecto, con Theo James y Kaya Scodelario de nuevo al frente del reparto.

Junto a ellos vuelven Daniel Ings, Joely Richardson y Vinnie Jones. Entre las incorporaciones figuran Hugh Bonneville, Benjamin Clementine, Benedetta Porcaroli, Amra Mallassi y Tyler Conti, junto a Giancarlo Esposito entre los nombres principales asociados a la ficción.

La expansión del negocio trae nuevas tensiones dentro y fuera de la organización. Las decisiones de Bobby empiezan a poner en riesgo lo construido, lo que obliga a Eddie y Susie a asumir el mando para evitar que el imperio se resquebraje, en una dinámica marcada por la ambición, las traiciones y sus consecuencias directas sobre la supervivencia del grupo.

Los secretos de una serie de éxito

La rapidez del estreno y la respuesta de la audiencia han tenido una consecuencia inmediata: Netflix ya ha confirmado una tercera temporada. Ritchie ha admitido que “la ambición de The Gentlemen ha ido creciendo, el mundo se ha expandido y las consecuencias tienen cada vez más peso. Una tercera temporada parecía inevitable y estoy deseando llevar sus límites aún más lejos”.

Ese adelanto llega antes de que la segunda entrega haya agotado su recorrido en la plataforma. El guionista principal y productor ejecutivo Matthew Read avanzó que estos capítulos iban a centrarse en Eddie y en la ampliación del alcance de su imperio criminal, hasta convertir su talento para el crimen en una pasión con capacidad de arrasarlo todo a su paso.

La acogida crítica también acompaña al arranque comercial. La temporada alcanza un 83% en Rotten Tomatoes, frente a un 81% de valoración del público. La revista Variety resume su impresión con una frase breve: “Todavía es más salvajemente entretenida”.

A partir del 10 de septiembre de 2026, varios televisores y reproductores multimedia antiguos dejarán de tener acceso a la aplicación nativa de Netflix. La medida alcanza a electrodomésticos de diferentes marcas, que ya no cumplen los requisitos técnicos de la plataforma streaming.

El cambio será definitivo para los modelos afectados. En esos dispositivos, los usuarios no podrán abrir, descargar ni actualizar la aplicación, así que el servicio dejará de estar disponible desde el menú del televisor. La decisión responde a cuestiones de seguridad, rendimiento y falta de actualizaciones en los sistemas operativos más antiguos.

Qué televisores perderán acceso a la aplicación de Netflix

La suspensión afecta a los Samsung Smart TV de generaciones anteriores a 2016 que utilizan el sistema operativo Orsay OS. Se trata de una plataforma previa al actual software de la compañía, cuya falta de actualizaciones limita la posibilidad de mantener aplicaciones que requieren nuevas medidas de seguridad.

En el caso de LG, la restricción alcanza a pantallas antiguas que no cuentan con versiones modernas de webOS. Entre los aparatos mencionados aparecen las series Nano LED LM9600 e Infinia LX9500, comercializadas antes de que la marca consolidara su actual sistema operativo para televisores inteligentes.

Los usuarios podrán identificar el problema si el ícono de Netflix desaparece de la pantalla principal o si la aplicación deja de estar disponible en LG Content Store. Puede ocurrir que la app todavía figure en el menú, pero se detenga al abrirse y muestre una pantalla de error.

En cuanto a los modelos Sony Bravia de las series KDL, XBR y W95 que usan software propietario basado en Linux figuran entre los electrodomésticos que pueden perder el acceso. La diferencia central está en el sistema operativo, porque los dispositivos con Android TV tienen una mayor continuidad de soporte.

Además, la lista incluye televisores Panasonic VIERA de generaciones anteriores, como las familias VT50, AX900 y TC-P50VT25. Estos pertenecen a una etapa previa de desarrollo de televisores conectados, con plataformas que ya no reciben mejoras compatibles con los requisitos actuales del servicio streaming.

En el caso de Apple TV, los reproductores de primera, segunda y tercera generación quedarán sin la aplicación nativa. La continuidad del acceso depende de la versión del sistema operativo y de la capacidad del dispositivo para recibir actualizaciones.

Cómo saber si un dispositivo perdió Netflix y qué alternativas hay

La verificación puede hacerse desde el propio televisor, sin necesidad de contactar al soporte técnico. Tres señales permiten detectar la pérdida de compatibilidad: la desaparición del ícono de Netflix, la imposibilidad de descargar o actualizar la aplicación desde la tienda y una pantalla de error al intentar iniciar el servicio.

La falta de acceso a Netflix no implica que el televisor deje de funcionar. La pantalla podrá utilizarse con cable, consolas, decodificadores, reproductores de video y otros aparatos conectados por HDMI. Una alternativa es usar un Chromecast, Fire TV o Roku, que permiten instalar la aplicación desde una tienda actualizada.

Asimismo, es posible conectar una computadora y acceder a Netflix desde un navegador compatible. Antes de reemplazar el aparato, conviene revisar el modelo exacto y su versión de software en los listados oficiales de cada fabricante y de la plataforma.

De qué forma usar un dispositivo streaming para recuperar la app de Netflix

Un Chromecast, Fire TV o Roku permite acceder a Netflix aunque la aplicación ya no funcione en el televisor. Solo hay que conectar el dispositivo a un puerto HDMI, enchufarlo a la corriente y seleccionar esa entrada desde el control remoto de la pantalla.

Luego, el dispositivo debe vincularse a una red WiFi e instalar Netflix desde su tienda oficial. Estas opciones reciben actualizaciones de software y seguridad, así que pueden prolongar el uso del televisor sin reemplazarlo.

Una imagen generada con inteligencia artificial (IA) puede trasladar a Las Guerreras K-pop al universo de Los Looney Tunes, con fondos de dibujos animados, expresiones marcadas, poses dinámicas y elementos propios de una escena cómica.

El resultado depende de la calidad de las referencias, de la organización de los archivos y de una instrucción o prompt que detalle qué rasgos deben conservarse de las protagonistas de la película de Netflix.

El procedimiento puede realizarse en plataformas como Gemini, la herramienta de inteligencia artificial de Google. No requiere experiencia en edición, aunque exige revisar cada generación para corregir cambios en el vestuario, el número de personajes, los peinados o la composición.

Qué imágenes conviene reunir de cada animación

El primer paso consiste en seleccionar fotos nítidas de Las Guerreras K-pop y los Looney Tunes. Las mejores referencias muestran el rostro completo, los detalles de la ropa y los accesorios que distinguen a cada personaje.

Las imágenes borrosas, oscuras o con objetos delante de los rostros suelen dificultar el trabajo de la inteligencia artificial. Los archivos JPG y PNG ofrecen buena compatibilidad, mientras que la ausencia de marcas de agua evita interferencias en la interpretación visual.

Además, es clave crear una carpeta exclusiva para el proyecto permite separar las imágenes útiles de otros documentos del dispositivo. Es útil asignar nombres claros a cada archivo, como “referencia-vestuario”, “fondo-desierto” o “pose-grupo”.

Esa organización facilita la carga de los materiales y reduce el riesgo de adjuntar una imagen equivocada. La preparación previa mejora la precisión de cada pedido a la IA.

Cómo cargar las referencias visuales en el chat de Gemini

Para iniciar el proceso, es necesario ingresar a Gemini con una cuenta activa de Google, desde la versión web o la aplicación. En la ventana de conversación aparece la opción de adjuntar archivos desde el teléfono o la computadora, donde pueden incorporarse varias imágenes en un mismo pedido.

La plataforma combina las referencias visuales con una descripción escrita. Esa dupla permite indicar qué elementos pertenecen a Las Guerreras K-pop y cuáles al mundo animado.

Qué prompt permite obtener una ilustración precisa

La instrucción debe describir a los personajes, el escenario, la cantidad de integrantes y la composición. Si la plataforma limita el uso directo de franquicias protegidas por derechos de autor, es preferible explicar los rasgos gráficos buscados en lugar de depender solo del nombre de una serie.

Un prompt posible es: “Representa a tres jóvenes artistas de pop coreano con peinados coloridos y atuendos modernos en un escenario desértico de animación clásica. Usa líneas negras marcadas, colores planos, expresiones exageradas, poses dinámicas y objetos cómicos de gran tamaño. Mantén a las tres integrantes y conserva sus rasgos principales”.

Asimismo, la primera imagen puede cambiar el color de una prenda, sumar o eliminar personajes, alterar peinados o ubicar mal los objetos del fondo. En lugar de comenzar desde cero, se puede enviar una nueva instrucción con cambios, como “mantén a las tres integrantes”, “corrige los tonos rosas y azules” o “coloca el cohete detrás del grupo”.

Cuando la composición responda a lo buscado, la imagen puede descargarse y guardarse en la carpeta del proyecto. Si se publica en redes sociales, conviene aclarar que se trata de una ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial.

Por qué no se deben usar aplicaciones piratas para generar imágenes

Las aplicaciones piratas pueden incluir malware, publicidad invasiva o mecanismos para obtener contraseñas, fotos y otros datos personales, sumado a que suelen carecer de actualizaciones de seguridad y soporte técnico.

Para generar imágenes con inteligencia artificial, conviene recurrir a servicios oficiales y actualizados. Estas plataformas reducen riesgos para el dispositivo y ofrecen condiciones de uso claras sobre los archivos cargados y el contenido creado.

Netflix ofrece diversidad de planes. En el caso de Argentina hay tres disponibles. Básico por ARS 8.999 mensuales, Estándar por ARS 14.999 y Premium por ARS 19.999.

El plan Básico permite acceder al catálogo desde un único dispositivo compatible en simultáneo. No incluye la opción de agregar miembros extras que no vivan con el titular de la cuenta.

Los precios y las características de los planes Estándar y Premium

El plan Estándar tiene un valor de ARS 14.999 al mes. Permite reproducir y descargar contenido en dos dispositivos compatibles a la vez, con calidad de imagen de 1080p (Full HD).

Además, quienes contraten el plan Estándar pueden sumar un miembro extra por ARS 5.399 mensuales. Ese integrante contará con una cuenta y una contraseña propias, aunque el pago seguirá a cargo de la persona que lo invitó a compartir la cuenta.

El plan Premium cuesta ARS 19.999 por mes. Incluye reproducción en cuatro dispositivos compatibles en simultáneo, calidad 4K (Ultra HD) con HDR, descargas en seis dispositivos y audio espacial de Netflix. También permite agregar hasta dos miembros extras por ARS 5.399 mensuales cada uno.

Los precios se aplican a los nuevos miembros y entrarán gradualmente en vigencia para los actuales, que recibirán una notificación por correo electrónico un mes antes de que cambie el valor de su plan, salvo que modifiquen la suscripción.

Adelanto de GTA 6 arrasó en Netflix

El tráiler extendido de GTA VI se estrenó de forma exclusiva en Netflix durante seis horas y generó un fuerte aumento de actividad en la plataforma.

Según datos de Sensor Tower difundidos por medios estadounidenses, el tráfico creció 125% frente al día anterior, mientras que el uso desde celulares subió 50% respecto del promedio de las 12 semanas previas para un jueves.

La demanda provocó fallas momentáneas en los servidores de Netflix, especialmente en la versión web. Algunos usuarios reportaron pantallas de error durante los primeros minutos del estreno, aunque el inconveniente se resolvió en cerca de medio minuto.

En menos de un día, el avance superó los siete millones de reproducciones en YouTube. El canal oficial de Rockstar reunió 5,5 millones de visualizaciones en las primeras horas, sin contar a quienes accedieron antes al video a través de Netflix.

La presentación incluyó media hora de escenas cinemáticas y fragmentos de juego. El título tendrá como protagonistas a Jason y Lucía, involucrados en una conspiración criminal en el ficticio estado de Leonida.

Entre las novedades aparecen mecánicas de cooperación, interacciones entre ambos personajes, un mapa más amplio y cambios en los robos de vehículos y la respuesta policial.

Cómo ver películas y series en 4K en Netflix

Netflix recomienda contar con una conexión de al menos 15 Mb/s reales para ver películas, series y eventos en vivo en calidad 4K o Ultra HD desde el televisor.

La plataforma aclara que esa cifra corresponde a la velocidad disponible en el dispositivo, no necesariamente a la contratada con el proveedor de internet.

Para otros niveles de reproducción, el servicio indica mínimos inferiores: 3 Mb/s para alta definición (HD) y 5 Mb/s para Full HD. Cuando la conexión no alcanza el ancho de banda requerido, Netflix reduce automáticamente la calidad de imagen para mantener la estabilidad de la transmisión y evitar interrupciones.

La compañía sugiere revisar la velocidad de descarga antes de reproducir contenido en 4K.

En televisores inteligentes y equipos conectados a la TV, se debe ingresar al menú de ayuda de la aplicación y elegir la opción “Comprobar red”.

Si la velocidad es insuficiente, el artículo recomienda reiniciar el router, cambiar periódicamente la contraseña del WiFi y reducir la cantidad de dispositivos conectados. Para una conexión más estable, especialmente en reproducciones 4K, plantea usar cable Ethernet en lugar de WiFi, ya que evita interferencias y suele sostener una velocidad más constante.

La distinción que trazó Casán al describir la actuación de Sofía Gala fue la que más resonó entre el panel. “Ella no me trata de imitar, ella me habita. Me habita de una manera que me habita como mi ADN”, afirmó. Y fue más lejos: “Me veo absolutamente yo”, sostuvo al ser consultada sobre si se reconocía en la pantalla, algo que para ella tiene una explicación que excede lo actoral.

Para Casán, la conexión de su hija con el mundo del espectáculo viene de mucho antes de cualquier ensayo o casting. Contó que estaba embarazada de Sofía mientras grababa Monumental Moria en el viejo Canal 9 de Gelly y Obes —su último año al frente de ese ciclo— y que luego continuó trabajando cuando fue a hacer Michelangelo. “Ella del chiribichiribi lo sintió desde la panza”, dijo, con su estilo inconfundible.

Esa historia previa al nacimiento, según Casán, es la que se traduce en algo que ninguna otra actriz podría aportar. “Constelamos con mi hija. Mi hija que me haga a mí estando viva, que se tenga que autoparir”, expresó, en referencia a la carga emocional que implicó para Sofía Gala ponerse en la piel de su propia madre. Y agregó una definición que resumió todo: “Le da su toque”.

La diva también reflexionó sobre el carácter casi místico que le atribuye a la producción. “Esta serie es precuántica. Somos un ser... somos recuánticos”, señaló en el programa, en una de sus intervenciones más características. Luego subrayó que más allá de los méritos del elenco en general —“las actrices son maravillosas”, reconoció—, lo que le da a la serie su peso particular es el eje central que la atraviesa: el vínculo entre madre e hija.

“Lo que llega a la gente, además de la serie, de la vida interesante que puedo tener, de lucha, es que constelamos con mi hija”, precisó Casán, al intentar explicar por qué la producción generó semejante impacto desde su estreno.

El tema de la nieta llegó después de que Casán recordara, con su estilo habitual, una anécdota de su juventud. “Una vez fui al ginecólogo y la chica dice: ‘A esta chica la tiene que hacer casar rapidito porque es como muy sexual. Mucho hormonazo, mamita, hacela casar’”, contó entre risas. Y fue desde ahí que derivó hacia uno de los episodios más oscuros que muestra la serie. “Bueno, más que el electroshock... fijate que ahí debuta mi nieta Helena Tuñón”, dijo.

La joven de 17 años, hija de Sofía Gala y del músico Diego Tuñón, tecladista de Babasónicos, encarna a Moria en el sexto episodio de la serie, titulado “No hablen de mí”, donde se recrea la etapa en que la diva fue sometida a una terapia de electroshock siendo menor de edad. La elección de Helena para ese rol respondió a una decisión personal de Casán, que quería que esa escena tuviera una autenticidad que solo el vínculo familiar podía garantizar.

Moria consta de 8 episodios de entre 28 y 46 minutos y viene liderando el ranking de lo más visto en Argentina desde su estreno. Junto a Sofía Gala, el personaje central es interpretado también por Griselda Siciliani —en la etapa de mayor exposición televisiva— y Cecilia Roth en la madurez. La dirección y el guión son de Javier Van de Couter, y la producción estuvo a cargo de About Entertainment.

Un melodrama de época con Florence Pugh

El avance introduce una historia marcada por el poder, los conflictos familiares, la inmigración y las decisiones morales. Netflix traslada estos elementos a una producción de época que abarca varias décadas de la historia estadounidense y sigue las consecuencias de los vínculos entre dos familias.

Pugh ocupa el papel central sin Kazan delante de cámara. El reparto incluye a Christopher Abbott, Mike Faist, Hoon Lee, Joseph Zada, Joe Anders, Tracy Letts, Ciarán Hinds y Martha Plimpton. El tráiler presenta escenarios, vestuario y recreaciones históricas destinados a sostener la escala del relato.

Stuart, cocreador de la miniserie, trabajó anteriormente en Vikingos: Valhalla. Kazan, mientras tanto, escribió todos los episodios. Esa participación le permite desarrollar una versión más extensa que la película clásica vinculada con su propia familia.

El formato de miniserie resulta clave para esta adaptación. A diferencia de una serie pensada para continuar durante varias temporadas, una miniserie cuenta una historia cerrada en un número limitado de capítulos. Netflix todavía no detalló cuántos episodios tendrá esta producción, pero confirmó que estarán disponibles desde el mismo día.

La historia de los Trask y los Hamilton

Al este del Edén adapta la novela homónima publicada en 1952 por John Steinbeck, ganador del Premio Nobel de Literatura. El libro es una de sus obras más reconocidas junto con La perla y Las uvas de la ira.

La trama transcurre en el Valle de Salinas, en California, durante un periodo que va desde la Guerra de Secesión hasta la Primera Guerra Mundial. En ese marco, las vidas de las familias Trask y Hamilton quedan entrelazadas por relaciones atravesadas por la culpa, el rechazo, la búsqueda de afecto y las disputas de poder.

Steinbeck construyó la novela como una reinterpretación del mito bíblico de Caín y Abel. La rivalidad entre hermanos y la tensión entre el bien y el mal ocupan un lugar central, pero el relato se extiende a varias generaciones y examina cómo las decisiones de padres e hijos afectan a quienes los rodean.

La nueva versión busca trasladar la novela completa. Esa decisión amplía el margen para representar los distintos periodos históricos, los cambios dentro de las familias y los personajes que quedaron fuera o tuvieron una presencia limitada en adaptaciones anteriores.

Zoe Kazan retoma la obra que filmó su abuelo

La miniserie tiene una conexión familiar directa con una de las versiones más conocidas del libro. Zoe Kazan es nieta del director Elia Kazan, responsable de la adaptación cinematográfica estrenada en 1955 y protagonizada por James Dean.

La película de Elia Kazan se concentró en el último cuarto de la novela, por lo que dejó fuera buena parte de la historia generacional escrita por Steinbeck. La versión de Netflix tendrá una extensión mayor y podrá abordar acontecimientos previos a la parte del libro llevada al cine.

No será el primer intento televisivo de adaptar el relato completo. En 1981 se estrenó una miniserie de tres episodios que siguió una estructura más cercana a la totalidad de la novela. La producción de Zoe Kazan vuelve a trabajar con ese objetivo, ahora con Pugh como figura principal y una distribución global mediante streaming.

La relación entre ambas adaptaciones hará inevitables las comparaciones, aunque las diferencias de formato son claras: la película de 1955 seleccionó el tramo final del libro, mientras que la miniserie dispone de varios episodios para recorrer la historia de los Trask y los Hamilton. Netflix lanzará la temporada completa el 1 de octubre de 2026.

La ficción adapta en cuatro episodios el thriller que el prolífico escritor y miembro de la Real Academia Española publicó en 2023 de la mano de Alfaguara como homenaje al actor Basil Rathbone, que entre 1939 y 1946 dio vida a Sherlock Holmes en 14 películas.

Interpretado en la serie por José Coronado, la historia se traslada a la primavera de 1959, cuando 13 personas quedan aisladas por un temporal en un islote próximo a Mallorca. Allí, en el pequeño hotel en el que se alojan, una turista inglesa llamada Elisa Mander aparece muerta. Lo que en un primer momento parece un suicidio pronto comienza a apuntar hacia un asesinato y, ante la imposibilidad de entrar o salir de la isla, todos los huéspedes y empleados se convierten en sospechosos. Rathbone será el encargado de resolver el asesinato.

Por esto mismo no es de extrañar que la serie haya recibido comparaciones con Puñales por la espalda, la película dirigida por Rian Johnson estrenada en 2019. Un whodunit que seguía a una familia reunida en la mansión del patriarca, cuya inesperada muerte convertía a todos sus allegados en sospechosos. El detective Benoit Blanc, interpretado por Daniel Craig, era el encargado de desentrañar un crimen en el que nada era exactamente lo que parecía.

Una reacción muy positiva

Aunque todavía habrá que esperar hasta el próximo 25 de septiembre para verla, Pérez-Reverte ya ha podido echar un primer vistazo al resultado. Y su primera impresión ha sido positiva. Así lo ha reconocido el propio escritor después de que un lector le preguntara directamente a través de X qué le había parecido la adaptación.

“¿El problema final de Netflix sí o no? Me pareció una novela extraordinaria, pero leyéndola le otorgué una oscuridad a la trama que no veo en la serie. El tono Puñales por la espalda no sé si le sienta bien”, le ha plateado un usuario este viernes Por el momento, Pérez-Reverte solo ha visto su primera entrega: “He visto el primer episodio y me ha gustado mucho. Ya me dirá usted cuando la vea. Un abrazo”, le ha respondido.

El pasado 21 de agosto, otro lector y usuario de X le preguntó por la elección de los actores. Junto a Coronado, el reparto está encabezado por María Valverde, Martiño Rivas y Maribel Verdú, a los que se suman Gonzalo de Castro, Cristina Kovani, José Condessa y Pepón Nieto. “Leí su novela El problema final y disfruté de su lectura. ¿Qué le parece el elenco de actores que han seleccionado para su adaptación televisiva?“, escribió este usuario. ”En principio, bien. El final, se lo diré cuando vea la serie", añadió el escritor de Las aventuras del capitán Alatriste.

La adaptación está dirigida por Félix Viscarret, responsable de títulos como Una vida no tan simple y No mires a los ojos, mientras que Alberto Macías, Carlos Molinero y Marisol Farré firman los guiones. Detrás del proyecto se encuentra Mod Producciones, compañía fundada por Fernando Bovaira y responsable de películas como Ágora, Biutiful o Mientras dure la guerra, además de series como Crematorio y La Fortuna.

Netflix prepara Dungeons & Dragons: Ravenloft, una serie de fantasía y terror en acción real basada en el conocido escenario del juego de rol, con Alfonso Cuarón y John August entre sus productores. August también será guionista del proyecto, que llevará a la pantalla la historia del vampiro Strahd von Zarovich. La plataforma todavía no informó quién integrará el reparto, cuándo comenzará el rodaje ni cuál será su fecha de estreno.

El origen gótico de Ravenloft

Ravenloft apareció por primera vez en 1983 como un módulo creado por Tracy Hickman y Laura Hickman. En los juegos de rol, un módulo es una aventura publicada con escenarios, personajes, enemigos y pautas para que un director de juego pueda conducir la partida. Su propuesta se apartaba de las expediciones medievales más habituales de Dungeons & Dragons para entrar en el terreno del terror gótico.

La aventura presentaba a Strahd von Zarovich, un vampiro que gobierna el territorio de Barovia desde el castillo Ravenloft. El personaje pasó de antihéroe trágico a principal amenaza de la historia y terminó convertido en uno de los antagonistas más reconocibles de la franquicia.

El escenario fue ampliado durante las décadas siguientes mediante nuevas publicaciones. Una de las más conocidas es La maldición de Strahd, campaña editada para la quinta edición de Dungeons & Dragons que recuperó al vampiro y su dominio para una nueva generación de jugadores. Ese material ofrece a Netflix una base narrativa centrada en un villano concreto, una localización cerrada y una combinación de fantasía, horror y drama.

El enfoque distingue al proyecto de otras adaptaciones del juego, generalmente vinculadas con grupos de aventureros, viajes por distintos reinos y amenazas de escala creciente. Ravenloft puede trabajar con una atmósfera más opresiva y con el enfrentamiento entre los visitantes de Barovia y el gobernante que controla el territorio.

Alfonso Cuarón y John August al frente

Además de Cuarón y August, la producción contará con Hasbro, Gabriel Marano, Richard Schwartz y Gaby Rodriguez, según la información publicada sobre el proyecto. Cuarón llega con experiencia directa en la fantasía: dirigió Harry Potter y el prisionero de Azkaban, una de las películas de la saga cinematográfica basada en los libros de J. K. Rowling.

El cineasta mexicano ganó cuatro premios Oscar, dos por Gravity y dos por Roma. Su participación en Ravenloft está confirmada como productor, aunque por ahora no se anunció si dirigirá algún episodio.

August será productor y guionista. Entre sus créditos figuran Charlie y la fábrica de chocolate, Big Fish, las dos películas de Los ángeles de Charlie estrenadas durante la década de 2000 y la adaptación en acción real de Aladdin dirigida por Guy Ritchie.

La serie representa un nuevo intento de Netflix por encontrar una producción de fantasía de largo recorrido. La plataforma ya adaptó The Witcher, basada en la obra de Andrzej Sapkowski, y utiliza referencias directas a Dungeons & Dragons dentro de Stranger Things, aunque esta última no es una adaptación oficial del juego.

La elección de Ravenloft también permite trabajar con un tono diferente al de Juego de tronos y otras grandes producciones televisivas del género. En lugar de comenzar con conflictos políticos distribuidos entre numerosos territorios, el material original concentra la acción alrededor de Barovia, el castillo y la influencia de Strahd.

Un reemplazo para The Forgotten Realms

Netflix ya había comenzado a desarrollar otra serie de Dungeons & Dragons titulada The Forgotten Realms, con Drew Crevello y Shawn Levy vinculados al proyecto. Esa producción fue archivada y la plataforma concentrará sus esfuerzos en Ravenloft. El cambio deja al vampiro Strahd como el nuevo eje televisivo de la franquicia dentro del servicio.

Dungeons & Dragons mantiene otros proyectos audiovisuales en distintas etapas. HBO Max trabaja en una adaptación de Baldur’s Gate, videojuego basado en las reglas y escenarios del juego de rol, con Craig Mazin relacionado con su desarrollo. Todavía se conocen pocos detalles de esa serie.

El futuro cinematográfico es menos claro. Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones se estrenó en 2023 y recibió una buena respuesta crítica y del público, pero su rendimiento comercial no permitió poner rápidamente en marcha una continuación. Sus directores, John Francis Daley y Jonathan Goldstein, escribieron un guion para una segunda película, aunque el proyecto continúa buscando una productora.

Daley explicó que el equipo quiere regresar a los personajes y que una secuela podría entrar directamente en una nueva historia, sin repetir la presentación del grupo. También reconoció que existen obstáculos financieros y que no hay garantías de que la película llegue a realizarse. Mientras esa continuación permanece sin estudio ni fecha, Netflix avanzará con Ravenloft como su nueva adaptación en acción real de Dungeons & Dragons.

La relación entre las televisiones tradicionales y las plataformas de streaming se está estrechando cada vez más. Desde el pasado mes de enero, pueden verse en directo a través de Prime Video los cinco principales canales de RTVE —La 1, La 2, Canal 24 Horas, Clan y Teledeporte—. Ahora, Atresmedia ha dado un nuevo paso en esta relación y varios de sus programas y series más populares podrán verse en Netflix nada más termine su emisión.

El Hormiguero, El Intermedio, Sueños de libertad, Pasapalabra y Equipo de investigación son los cinco formatos elegidos para ampliar su recorrido más allá de Antena 3 y laSexta, tal y como ha avanzado la compañía este viernes. De hecho, el espacio que dirige Pablo Motos competirá en la misma plataforma con su competidor directo en televisión, La Revuelta, emitido en La 1 y presentado por David Broncano. El programa está disponible en Netflix a partir de las 10.00 de la mañana desde el día siguiente desde el pasado 2 de junio.

Además de estos cinco nombres, pero todavía sin fecha, también se unirá, Veneno, la serie de ocho capítulos creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi que narra la vida de la vedette Cristina Ortiz ‘La Veneno’.

“La incorporación de estos títulos refuerza la fructífera relación entre Atresmedia y Netflix que, en los últimos años, ha propiciado un éxito global para numerosas ficciones de Atresmedia, confirmando su capacidad para conquistar a nuevas audiencias y prolongar su recorrido más allá de su estreno original”, ha manifestado el grupo de comunicación.

Cuándo llegarán a la plataforma

Los programas llegarán a la plataforma de manera escalonada. El programa de reportajes de investigación que presenta Gloria Serra desde 2011 será el primero en llegar a Netflix este sábado, 5 de septiembre, mientras que los otros cuatro títulos estarán disponibles a partir del lunes 7.

La selección que llegará a Netflix reúne algunos de los formatos más reconocibles de la programación actual de Atresmedia. El Hormiguero, presentado por Pablo Motos es uno de los grandes pilares del access prime time de Antena 3 desde hace más de dos décadas. Con el fin de la decimosegunda temporada que llegó el pasado mes de junio, sumó un año más como líder absoluto y como el programa más visto, sumando una cuota media del 14,5% y una audiencia de 1.839.000 espectadores.

También dará el salto Pasapalabra, otro de los buques insignia de Antena 3. El concurso presentado por Roberto Leal se ha consolidado como una de las grandes apuestas de las tardes de la cadena. Sin embargo, desde hace unos meses ya no cuenta con El Rosco. Una sentencia del Tribunal Supremo dictaró que el pasado 19 de junio iba a ser el último día de su emisión por infringir derechos de autor. Desde entonces su nueva prueba insignia se llama AlaZ.

En laSexta, el programa satírico El Intermedio es uno de sus líderes desde 2006. Conducido por El Gran Wyoming, combina actualidad política y social con humor y sátira. A él se suma Equipo de investigación, el espacio de reportajes que aborda casos de actualidad, sucesos, fraudes y fenómenos sociales desde el periodismo de investigación con la característica voz de Gloria Serra como narradora.

Y no puede faltar la ficción. Sueños de libertad se ha convertido en una de las principales apuestas de ficción diaria de Antena 3, mientras que Veneno, que llegará a Netflix más adelante, es una de las producciones más reconocidas de Atresmedia. Creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi e inspirada en la vida de Cristina Ortiz, la serie trascendió además las fronteras españolas y contribuyó a proyectar internacionalmente la figura de La Veneno, así como dibujar el camino de los directores, que este año han ganado el premio a Mejor dirección en el Festival de Cannes por La bola negra.

La nueva serie se presenta como una producción de fantasía que combinará aventura, horror gótico y romance trágico. Su eje será la creación de Strahd von Zarovich, quien pasa de ser un antihéroe marcado por la tragedia a convertirse en uno de los villanos más conocidos del juego. La trama abordará la relación del personaje con el poder, el amor y la obsesión, además de su transformación en un ser no muerto. La historia también se situará en Ravenloft y sus Dominios del Terror, escenarios atravesados por la magia oscura y la intriga sobrenatural.

El proyecto fue creado por John August, pero el director Alfonso Cuarón participará como productor ejecutivo. El equipo de producción también incluye a Gabriel Marano, en representación de Hasbro; Richard Schwartz, y Gaby Rodríguez, por Esperanto Filmoj. Netflix decidió avanzar con Ravenloft tras dejar sin desarrollo su serie basada en Forgotten Realms. El cambio coloca a la ambientación gótica como la nueva apuesta televisiva de la plataforma para llevar el universo de Dungeons & Dragons a la acción real.

Una ambientación creada para el juego de rol

Ravenloft fue creado en 1983 por Tracy y Laura Hickman. Desde su lanzamiento, se convirtió en una de las ambientaciones más jugadas dentro de Dungeons & Dragons y amplió su presencia más allá de las partidas de rol de mesa. El mundo creado por los Hickman inspiró novelas, módulos de juego, videojuegos y libros de reglas complementarios. La figura de Strahd von Zarovich quedó instalada como uno de sus personajes centrales, junto con los territorios que conforman los Dominios del Terror.

Wizards of the Coast publicó recientemente Ravenloft: The Horrors Within, una reinterpretación ampliada y actualizada de la historia original. La ambientación también apareció en la primera temporada de Dungeon Masters, el programa de partidas de rol producido por Wizards. Dungeon Masters se estrenó en abril y mostró el universo de Ravenloft dentro de una producción televisiva vinculada con la marca. La nueva serie de Netflix llevará ese escenario a una ficción de acción real centrada en una historia de origen.

El universo de la franquicia llegó al cine con Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones, protagonizada por Chris Pine, Michelle Rodriguez, Justice Smith, Regé-Jean Page y Sophia Lillis. La película recibió buenas críticas y formó una base de seguidores tras su estreno. La producción, no obstante, no alcanzó la recaudación que Paramount necesitaba. Paramount-Skydance decidió no avanzar con una secuela por razones financieras, aunque los directores John Francis Daley y Jonathan Goldstein informaron que ya terminaron un guion para una posible continuación.

Según Goldstein, Hasbro respalda la búsqueda de un estudio que financie y distribuya esa segunda película. Daley señaló que el equipo conserva interés en retomar a los personajes de la primera entrega, aunque reconoció las dificultades económicas que enfrenta el proyecto. Los realizadores no informaron planes de reparto para la secuela. Mientras la continuidad cinematográfica busca un nuevo socio financiero, Netflix prepara Ravenloft como una historia separada dentro del universo de Dragones y mazmorras.

La expansión televisiva de Dungeons & Dragons tendrá una nueva escala con Ravenloft, una ficción de acción ambientada en una región dominada por vampiros, maldiciones y magia oscura. El proyecto contará con Alfonso Cuarón como productor ejecutivo y tendrá a Strahd von Zarovich como figura central.

La noticia fue revelada este 3 de septiembre de 2026 por Deadline. Según el medio especializado, la serie reunirá al cineasta mexicano con el guionista John August, Hasbro Entertainment y los ejecutivos Richard Schwartz y Gaby Rodríguez para contar el origen del Señor Oscuro de Barovia.

Aunque la producción ya está en desarrollo, Netflix aún no revela el reparto, el comienzo de las grabaciones, la cantidad de episodios ni una fecha de estreno.

Ravenloft llevará el terror gótico de Calabozos y Dragones a Netflix

Ravenloft trasladará a la pantalla uno de los escenarios de terror gótico de Dungeons & Dragons. La serie combinará fantasía, romance trágico, magia oscura e intriga sobrenatural, con una historia centrada en la transformación de Strahd von Zarovich.

La ficción se enfocará en el recorrido del personaje desde su condición de antihéroe trágico hasta convertirse en un vampiro y en uno de los Señores Oscuros más temidos del universo de Calabozos y Dragones.

• La trama abordará temas como el poder, el amor, la obsesión y la conversión del personaje en un ser no muerto.
• El escenario principal será Barovia, el territorio bajo el dominio del vampiro.
• La serie se desarrollará en los llamados Dominios del Terror, regiones aisladas gobernadas por figuras sobrenaturales.
• John August escribirá el guion y será productor ejecutivo.
• Alfonso Cuarón participará como productor ejecutivo, sin confirmación de que dirija episodios.

August trabajó antes con Tim Burton en películas como El gran pez, Charlie y la fábrica de chocolate, El cadáver de la novia, Sombras tenebrosas y Frankenweenie. En este sentido, su participación coincide con el tono gótico y fantástico que Netflix plantea para la adaptación.

La adaptación llegará tras la cancelación de The Forgotten Realms

Ravenloft apareció en 1983, creado por Tracy y Laura Hickman como una aventura para Advanced Dungeons & Dragons. Con los años, se convirtió en uno de los escenarios más reconocidos del juego de rol de mesa y extendió su presencia a novelas, videojuegos y libros complementarios.

A diferencia de otros territorios de la franquicia, Ravenloft se construye desde elementos vinculados con el horror clásico. Castillos, vampiros, criaturas sobrenaturales y maldiciones forman parte de un espacio dominado por personajes condenados a ejercer el poder sobre sus propios dominios.

La franquicia tuvo un reciente lanzamiento cinematográfico con Dungeons & Dragons: Honor Among Thieves, estrenada en 2023. La cinta, dirigida por Jonathan Goldstein y John Francis Daley, recaudó cerca de 205 millones de dólares en la taquilla mundial, con un presupuesto estimado de 150 millones.

La serie será independiente de The Forgotten Realms, otra adaptación de acción real de Dungeons & Dragons que Netflix había puesto en desarrollo en 2025. Esa producción contaba con Drew Crevello como guionista y Shawn Levy como productor ejecutivo, pero no seguirá adelante.

De esta manera, Ravenloft trasladará a Netflix una zona distinta de la franquicia, con Strahd von Zarovich como eje de una historia que abordará la caída de un hombre hacia lo sobrenatural.

Después de Disclaimer, Alfonso Cuarón prepara dos series

La incorporación de Cuarón a Ravenloft llega después de su trabajo en Disclaimer, la miniserie de Apple TV+ protagonizada por Cate Blanchett, Kevin Kline, Sacha Baron Cohen y Kodi Smit-McPhee. La producción siguió a una periodista que recibe un libro capaz de revelar secretos de su pasado.

• La miniserie tuvo siete episodios.
• Alfonso también tiene en desarrollo Ascension para Apple TV+.
• Caitríona Balfe protagonizará el proyecto y será productora ejecutiva.
• La serie estará inspirada en la novela Last Days, del escritor Adam Nevill.
• Cuarón coescribirá el proyecto con Carlos Cuarón, Natalie Erika James y Christian White.

Apple TV+ anunció Ascension el 10 de agosto de 2026, aunque tampoco informó una fecha de lanzamiento. Netflix mantiene el mismo nivel de reserva sobre Ravenloft: todavía no anunció quién interpretará a Strahd von Zarovich ni cuándo comenzará el rodaje.

El reencuentro después de Con Air

Fortitude marca una nueva colaboración entre Cage y West, quienes trabajaron juntos en Con Air, la película de acción estrenada en 1997. Más de dos décadas después, actor y director se reúnen para contar una historia bélica basada en una operación real de inteligencia desarrollada durante la Segunda Guerra Mundial.

El reparto coral incluye a Ben Kingsley, Michael Sheen, Matthew Goode, Ron Perlman, Alice Eve, Lukas Haas, Ed Skrein y Jordi Mollà. Las fuentes vinculadas con el proyecto han divulgado listados ligeramente diferentes de actores, pero coinciden en que Cage encabeza la producción junto con varias figuras reconocidas del cine británico y estadounidense.

La película fue desarrollada como una producción independiente y todavía busca un comprador que se encargue de su distribución. Netflix estuvo entre las plataformas interesadas y pidió ver el largometraje antes de decidir una posible adquisición. El primer avance es, por ahora, el principal material oficial disponible para el público.

La operación que engañó a los nazis

La historia gira alrededor de la Operación Fortitude, una campaña de desinformación organizada por los Aliados para ocultar el lugar real de la invasión de Europa. El objetivo era convencer a la Alemania nazi de que el ataque principal ocurriría lejos de la zona elegida para el desembarco.

El plan recurrió a unidades militares ficticias, réplicas de tanques y vehículos, comunicaciones falsas y una red de agentes dobles. Estas piezas debían alimentar los informes de la inteligencia alemana y mantener tropas enemigas alejadas del punto donde se preparaba la ofensiva verdadera.

Entre los responsables de diseñar estos engaños estuvieron los oficiales británicos Dudley Clarke y Thomas Argyll Tar Robertson. Su trabajo consistía en construir información falsa suficientemente creíble para que fuera aceptada y distribuida dentro de la estructura militar nazi. La efectividad dependía de combinar objetos visibles, mensajes controlados y datos transmitidos por espías que Alemania consideraba confiables.

Fortitude también incorpora a Dusko Popov, un agente doble yugoslavo conocido por su vida social, sus desplazamientos internacionales y su participación en operaciones aliadas. Popov habría servido como una de las inspiraciones de Ian Fleming para crear a James Bond, aunque el personaje literario tomó elementos de distintas personas vinculadas con el espionaje. Esa conexión acerca el relato histórico de la película a los códigos del thriller de agentes secretos.

El robo y la demanda contra Netflix

El productor y guionista Simon Afram lleva siete años intentando completar y distribuir Fortitude. Según la información disponible, invirtió 45 millones de dólares en el proyecto. En 2023 también inició una demanda contra Martin Scorsese, quien había ejercido como productor ejecutivo, aunque ese conflicto terminó mediante un acuerdo entre las partes.

La nueva disputa comenzó cuando una copia de proyección fue enviada a las oficinas de Netflix en Hollywood. El archivo estaba almacenado en un disco duro y carecía de cifrado, es decir, no tenía una barrera digital que impidiera acceder al contenido si el dispositivo caía en manos ajenas. El disco fue robado antes de que Netflix decidiera si compraría los derechos de distribución.

Afram reclama al menos 105 millones de dólares a Netflix por el incidente. El caso sigue abierto y la demanda plantea el riesgo de que la película circule ilegalmente en internet antes de conseguir un estreno comercial. Pese a ese temor, no se informó hasta ahora una filtración pública del largometraje.

Fortitude continúa disponible para posibles compradores como producción independiente. Fuera de su primer tráiler, todavía no fueron anunciados una fecha de estreno, un distribuidor ni una plataforma que vaya a incorporarla a su catálogo.

Generar imágenes de los Saja Boys, personajes de la película de Netflix, Las Guerreras K-pop, con la estética de Los locos Addams requiere fotos de referencia, una plataforma segura de inteligencia artificial (IA) y una instrucción precisa.

El proceso puede realizarse en pocos minutos desde Gemini de Google, sin instalar programas de origen desconocido ni descargar aplicaciones piratas que puedan comprometer la información almacenada en el dispositivo.

Cuál es el primer paso para generar ilustraciones con inteligencia artificial

El primer paso es buscar imágenes de buena resolución de los Saja Boys y Los locos Addams, con prioridad para aquellas que muestren con claridad sus rostros, peinados, atuendos y posturas.

Las fotografías o capturas muy oscuras, borrosas o comprimidas pueden dificultar que la inteligencia artificial reconozca los elementos que se quieren trasladar a la nueva escena.

Otro paso clave es crear una carpeta exclusiva para el proyecto y guardar allí todos los materiales. Los formatos JPG y PNG suelen ser compatibles con las principales herramientas de generación de imágenes; y Una selección ordenada facilita la carga de archivos y permite reemplazar una referencia si el primer intento no reproduce los rasgos esperados.

Cómo cargar las imágenes en la aplicación de Gemini

Para utilizar Gemini, es necesario ingresar con una cuenta activa de Google. Desde la versión web o la aplicación oficial, se habilita la opción de adjuntar imágenes junto al cuadro de texto. Allí se pueden cargar las fotos de referencia de los Saja Boys y, si se considera necesario, una o dos imágenes de arquitectura gótica o decoración antigua.

La carga de archivos debe realizarse únicamente desde servicios reconocidos y actualizados. Las aplicaciones piratas pueden contener malware, acceder a datos privados o facilitar fraudes financieros.

Las tiendas oficiales, como Google Play Store y App Store, ofrecen controles de seguridad que no están presentes en sitios que distribuyen software modificado o versiones no autorizadas.

Qué prompt permite acercarse a la estética que combine las dos producciones

La instrucción o prompt debe describir los rasgos visuales sin pedir una copia exacta de personajes o franquicias. En vez de escribir los nombres de obras protegidas, se debe definir el ambiente, la ropa, la iluminación y la actitud de los protagonistas. Esto reduce las posibilidades de que la plataforma limite la solicitud por sus normas de uso.

Un ejemplo de prompt puede ser: “Crea una ilustración cinematográfica de varios jóvenes artistas de pop coreano con peinados cuidados y ropa de tonos negros, grises y blancos. Están en el salón de una mansión antigua, con candelabros, retratos familiares, cortinas pesadas y luz de luna. Sus expresiones son serias y el ambiente tiene humor oscuro, estética gótica y composición de retrato grupal”.

Cuáles ajustes se pueden pedir si la primera imagen no funciona

La primera generación puede no respetar cada detalle. Si los personajes aparecen con ropa muy colorida, hay que pedir “atuendos formales monocromáticos” o “paleta limitada a negro, gris y blanco”. Si el escenario no parece una residencia antigua, se puede añadir “interior victoriano, escalera de madera, vitrales y objetos antiguos”.

Asimismo, es posible solicitar cambios puntuales sin rehacer toda la idea. Frases como “mantén los rostros de las referencias”, “elimina elementos futuristas”, “aumenta la luz de las velas” o “usa una composición horizontal” permiten corregir el resultado.

Cómo debe compartirse la imagen en redes sociales una vez terminada

Tras elegir la versión final, corresponde descargar el archivo desde la plataforma oficial y revisar que no contenga errores visibles, como manos deformadas, accesorios duplicados o textos ilegibles.

Si la imagen se publica en redes sociales, conviene acompañarla con una aclaración sobre su origen para que no se confunda con material oficial de la película o de otra franquicia.

Una leyenda posible es: “Ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial”. La identificación del contenido generado con inteligencia artificial aporta transparencia y evita atribuir la pieza a los titulares de los derechos.

Eugenio Derbez y Salma Hayek, dos de los actores mexicanos con mayor proyección internacional, cumplieron años este 2 de septiembre en medio de una agenda cargada de estrenos y rodajes.

Derbez llegó a los 65 años y Hayek a los 60, ambos con múltiples producciones en curso entre cine, series y plataformas de streaming.

El mismo día, dos trayectorias en expansión

La coincidencia de fecha de nacimiento reúne a dos figuras que, después de décadas de carrera, atraviesan un momento de renovación profesional. Derbez explora registros dramáticos alejados de la comedia que lo hizo popular, mientras Hayek combina proyectos con directores de Hollywood y un regreso a sus raíces mexicanas.

Eugenio Derbez cumplió 65 años este 2 de septiembre de 2026 y Salma Hayek llegó a los 60 el mismo día. Ambos actores mexicanos atraviesan una etapa de expansión internacional, con series, películas y proyectos de producción propia en marcha de forma simultánea.

Derbez y su giro hacia el drama

Uno de los proyectos que marca esta nueva etapa de Derbez es “El juicio”, serie de Prime Video que se estrenará el 11 de septiembre. En la producción interpreta a un padre que busca justicia después de que su hija adolescente es víctima de una agresión sexual, mientras enfrenta un sistema marcado por la impunidad.

La serie fue creada y escrita por Daniel Krauze, cuenta con Pedro Alonso en el reparto y está inspirada en una investigación periodística. Con este papel, Derbez asume uno de sus personajes dramáticos más exigentes.

La exploración de nuevos registros continúa en el cine. Derbez protagoniza junto a Eva Longoria la película “Marcelo en el Mundo Real”, dirigida por Lucía Puenzo y actualmente en rodaje en Uruguay y Boston.

La historia sigue a un joven con trastorno del espectro autista durante la transición de un entorno de educación especial al mundo laboral convencional. La cinta adapta la novela homónima de Francisco X. Stork.

Studio DRBZ, el sello familiar de Derbez

Además de actuar, Derbez fortaleció su papel como productor y creador de contenidos con la creación de Studio DRBZ.

La iniciativa incluye la participación de Alessandra Rosaldo y de sus hijos Aislinn, Vadhir y José Eduardo en distintos proyectos.

Hayek, entre Angelina Jolie y Adam Sandler

Salma Hayek se prepara para el estreno de “Without Blood”, película escrita y dirigida por su amiga Angelina Jolie, con llegada a salas de Estados Unidos el 18 de septiembre. La cinta adapta la novela de Alessandro Baricco y también integra a Demián Bichir y Juan Minujín en el reparto.

En la producción, Hayek interpreta a Nina, una mujer que carga el peso del asesinato de su familia ocurrido décadas atrás durante un conflicto que la película no identifica con precisión. La actriz había comentado en entrevistas previas que dudó en aceptar el papel y que fue la insistencia de Jolie la que la convenció.

En paralelo, Hayek retomó el papel de Roxanne en “Son como niños 3” (Grown Ups 3), trece años después de la segunda entrega de la franquicia. La producción de Netflix reúne nuevamente a Adam Sandler, Kevin James, Chris Rock, David Spade y Rob Schneider, con rodaje en marcha en Nueva Jersey.

El guion fue escrito por Sandler junto con Tim Herlihy y la dirección quedó a cargo de Kyle Newacheck. Netflix no anunció todavía la fecha de estreno de la película.

El regreso de Hayek a México y su debut como abuela

En enero de 2026, Hayek comenzó el rodaje de un largometraje en Jalcomulco, Veracruz, su estado natal, cuyo argumento permanece confidencial. En febrero presentó el proyecto junto a la presidenta Claudia Sheinbaum en el Palacio Nacional y lo describió como una “carta de amor a México”.

La actriz señaló que en el pasado no pudo filmar en territorio mexicano porque los apoyos disponibles exigían rodar en el extranjero. La producción se apoya en un nuevo paquete de incentivos fiscales para la industria audiovisual impulsado por el gobierno federal.

A la actividad profesional se sumó una noticia familiar. El 12 de julio de 2026 nació François, hijo de su hijastro François Pinault Jr. y su esposa Lara Cosima Henckel von Donnersmarck, con lo que Hayek se convirtió en abuela por primera vez.

La serie colombiana, creada por Said Chamie y Claudia Sánchez, se estrenó originalmente el 5 de marzo de 2025 con 12 episodios y llegó a ocupar el primer puesto del Top 10 global de contenido en español en la plataforma.

La primera entrega presentó a Bárbara Hidalgo, interpretada por Juana Acosta, una empresaria que estaba a punto de asumir la presidencia del conglomerado familiar Medusa cuando sufrió un atentado: la explosión de su yate en altamar la dejó por muerta ante los ojos de su entorno. Tras sobrevivir en secreto, la protagonista se unió al detective Danger Carmelo, interpretado por Manolo Cardona, para investigar quién había intentado asesinarla y desenmascarar los secretos de su propia familia.

Los nuevos episodios comienzan con un ataque contra Cristian, hecho que obliga a Bárbara y Danger a volver a Barranquilla después de haber intentado alejarse de los conflictos vinculados al conglomerado. Bárbara retoma entonces el liderazgo de la empresa familiar, una decisión que la expone a nuevos peligros dentro de una trama cada vez más hostil.

En paralelo, Danger continúa una investigación centrada en una pista relacionada con “El Demonio Hidalgo”, una amenaza que podría poner en riesgo la vida de la protagonista. La búsqueda se cruza con el regreso de Esteban Arco, interpretado por Sebastián Martínez, quien sale de prisión decidido a recuperar la fortuna y el prestigio que había perdido.

La nueva temporada suma una cadena de homicidios que genera temor en la ciudad y estrecha el cerco sobre Bárbara y Danger. De forma paralela, Damián Hidalgo, interpretado por Diego Trujillo, mantiene un litigio judicial contra sus hijos con el objetivo de conservar el control de Medusa.

En medio de estas amenazas, la familia intenta reconstruir tanto sus vínculos personales como el rumbo de la empresa, en un escenario marcado por nuevas alianzas y rivalidades internas. La producción volvió a rodarse en distintos puntos de la capital del Atlántico, entre ellos el Barrio Abajo, el Gran Malecón y Puerto Colombia, además de los espacios asociados al entorno privilegiado de los Hidalgo.

El reparto principal mantiene a Carlos Torres, Mabel Moreno, Adriana Arango, Luis Fernando Hoyos, Juanita Molina, Laura Archbold, Sebastián Osorio, Biassini Segura y Jacqueline Arenal, quienes retoman sus papeles de la primera temporada. A ellos se suman Karen Martínez, Juan Pablo Urrego, Edgar Vittorino y Andrea Duro, cuyos personajes se integran a la trama con historias que modifican las relaciones dentro de la familia Hidalgo y abren nuevas rivalidades.

La segunda temporada de Medusa estará disponible en Netflix a partir del 30 de septiembre.

Abelardo de la Espriella y su papel publicitario en la primera temporada de ‘Medusa’

En febrero de 2025, el abogado Abelardo de la Espriella, hoy presidente de Colombia, publicó un video en sus redes sociales en el que aseguró haber logrado cancelar el estreno de la serie, a pocas semanas de su lanzamiento.

Según explicó en ese momento, la medida respondía a que la producción mancillaba el honor de una importante familia de Barranquilla, aunque no mencionó nombres específicos.

De la Espriella afirmó haber ordenado la retirada de vallas publicitarias relacionadas con la serie y prometió eliminar contenidos vinculados en redes sociales. Aunque la trama corresponde a una obra de ficción, distintos medios y usuarios de redes sociales especularon con que la historia podría inspirarse en la familia Char, lo que generó un revuelo nacional en torno a la serie. Sin embargo, el público identificó con rapidez que no existía relación alguna entre la ficción y los Char, lo que derivó en críticas contra De la Espriella.

Ante las quejas, el hoy mandatario reveló que la controversia respondía a una estrategia de mercadeo diseñada por la agencia Sancho BBDO en colaboración con Netflix, compañía que confirmó su participación en la campaña. La revelación se dio en abril de 2025, semanas después del estreno de la primera temporada, cuando el hoy jefe de Estado utilizó sus redes sociales para contar los pormenores de lo ocurrido.

“Yo creo que es la campaña publicitaria más exitosa de la historia de la televisión colombiana. La serie no solamente fue la primera en Colombia, sino a nivel mundial”, afirmó De la Espriella en ese entonces, según declaraciones registradas en sus propias plataformas digitales.

El entonces abogado explicó que la propuesta no partió originalmente de Netflix, sino que él mismo identificó la oportunidad de poner a prueba dos rasgos que consideraba propios de la sociedad colombiana. “Por supuesto, querían algo serio para la campaña. Además, me pareció una muy buena oportunidad para hacer un experimento sociológico y antropológico”, relató.

De la Espriella agregó que la iniciativa buscaba confirmar dos hipótesis personales. “Primero porque eso me corroboraba que somos un país muy chismoso. Y segundo, tenía perfectamente claro que la izquierda iba a salir despavorida a ver la serie porque yo estaba detrás de la campaña y resultó tal cual lo pensamos”, explicó.

El hoy mandatario no ocultó su satisfacción por el resultado de la maniobra publicitaria. “Para mí fue un experimento social, fue un vacilón y también facturero. Y lo más chévere de esa gran factura con muchos ceros. Gracias a mi compadre Netflix, con mucho gusto se lo mandé a la Fundación Los Hermanitos de la Espriella, que son mis hijos”, comentó.

El entonces abogado, sin ejercer todavía funciones de gobierno, remató su relato con una frase que resumía el trasfondo político de la controversia: “Si los zurdos se enteraran todo el billete que me pagaron...”.

La proporción de mujeres que crean series de televisión en plataformas de streaming cayó del 36% al 24% en un solo año, un retroceso que sitúa la cifra por debajo de los niveles registrados hace casi una década, entre 2017 y 2018. El dato surge del último informe de “Boxed In”, publicado el martes y elaborado por la Dra. Martha Lauzen, directora ejecutiva del Centro para el Estudio de las Mujeres en la Televisión y el Cine de la Universidad Estatal de San Diego, según recogió The Hollywood Reporter.

El estudio analizó más de 2.500 personajes y más de 3.600 créditos técnicos correspondientes a la temporada televisiva 2025-26, y detectó que el salto registrado el año anterior —cuando la proporción de creadoras en streaming había subido del 27% al 36%— fue un repunte puntual y no el inicio de una tendencia sostenida.

“El número de mujeres que crean programas en ambas plataformas es ahora inferior al de hace casi una década”, afirmó Lauzen según declaraciones recogidas por la publicación. En la televisión abierta, la caída fue más moderada: del 20% al 19% entre una temporada y la siguiente.

El retroceso se repite en los puestos de dirección. El porcentaje de mujeres que dirigieron proyectos de streaming bajó del 32% al 22% entre 2024-25 y 2025-26, tras el repunte transitorio registrado el año previo, cuando la cifra había llegado al 23%. En la televisión abierta, la proporción de directoras pasó del 18% al 16% en el mismo período.

El informe llega pocos meses después de que The Hollywood Reporter publicara en junio un artículo sobre la falta de avances en los puestos técnicos ocupados por mujeres en la industria. Aquel trabajo surgió a partir de la circulación en redes sociales de un video del rodaje de la tercera temporada de Euphoria, protagonizada por Sydney Sweeney, en el que los espectadores señalaron que la mayoría del equipo técnico visible en las imágenes estaba compuesto por hombres, mientras la actriz aparecía sentada en una postura sugerente.

La reducción no se limita a los puestos detrás de cámara. El estudio detectó también una caída en la proporción de personajes femeninos en roles protagónicos: en las plataformas de streaming, las mujeres representaron el 44% de los papeles principales en 2025-26, frente al 49% de la temporada anterior. En la televisión abierta, la cifra bajó del 47% al 46% en el mismo período.

El informe identificó además una disparidad persistente en la representación de la edad según el género. Tanto en streaming como en televisión abierta, la mayoría de los personajes femeninos con diálogo tenían entre 20 y 30 años, mientras que la mayoría de los masculinos se ubicaban entre los 30 y 40.

El número de personajes femeninos cae de forma pronunciada al llegar a los 30 y 40 años, mientras que sus contrapartes masculinas recién muestran una caída sustancial a partir de los 50.

“El énfasis en la juventud de la mayoría de los personajes femeninos resalta su apariencia, mientras que los hombres pueden envejecer de forma creíble hasta alcanzar posiciones de poder personal y público, normalizando la percepción de que los hombres son naturalmente más poderosos que las mujeres”, explicó Lauzen.

La investigadora citó como excepciones a la regla los papeles interpretados por Kathy Bates en Matlock y Jean Smart en Hacks, personajes complejos que, según señaló, “siguen siendo la excepción, no la regla, para las mujeres en la televisión”.

El informe “Boxed In” analizó a lo largo de sus 27 ediciones más de 65.000 personajes y más de 80.000 créditos técnicos en series dramáticas, comedias y programas de telerrealidad originales desde la temporada 1997-98, con el objetivo declarado de mantener un registro histórico de la representación y el empleo femenino en la televisión estadounidense.

La fusión entre Los Saja Boys de Las Guerreras K-pop y la estética de Power Rangers permite imaginar a los antagonistas de la película de Netflix con cascos, uniformes de combate y una puesta en escena propia de las series de superhéroes de los años noventa.

Para recrear esta versión se necesitan referencias visuales de cada animación, una plataforma de inteligencia artificial (IA) legal como Gemini y una instrucción o prompt redactado con precisión.

El proceso no necesita descargar aplicaciones ilegales que comprometan el funcionamiento del dispositivo o instalen publicidad o virus. No requiere conocimientos avanzados en edición, solo se deben seguir los pasos adecuados.

Cómo elegir las imágenes de referencia para la creación de la IA

El punto de partida consiste en seleccionar imágenes de los Saja Boys que permitan reconocer sus peinados, atuendos, expresiones y rasgos generales. Las referencias con buena iluminación, rostros visibles y una resolución alta ofrecen más elementos para que la herramienta interprete la apariencia de cada personaje.

Además, hacen falta fotos de Power Rangers que muestren los componentes que se desean trasladar a la nueva versión: cascos, uniformes ajustados, emblemas, poses de combate y escenarios futuristas. Conviene elegir archivos en formato JPG o PNG y descartar aquellos que tengan marcas de agua o una definición insuficiente.

Antes de subir los archivos, es útil crear una carpeta exclusiva para el proyecto dentro del teléfono, la computadora o una unidad de almacenamiento. Allí pueden reunirse las referencias de los personajes y las imágenes del universo visual que se pretende combinar.

Cuál plataforma legal puede utilizarse para generar la ilustración con IA

Una de las opciones disponibles es Gemini, el sistema de inteligencia artificial de Google. La plataforma permite adjuntar imágenes y acompañarlas con una descripción escrita, un recurso que ayuda a precisar qué elementos deben conservarse y cuáles deben transformarse.

El acceso requiere una cuenta activa de Google y puede realizarse desde la versión web o la aplicación. Una vez dentro del chat, se habilita la función para adjuntar los archivos elegidos.

Cómo redactar el prompt para la inteligencia artificial

La redacción del prompt debe describir rasgos visuales sin depender exclusivamente de nombres protegidos por derechos de autor. En lugar de solicitar una copia literal de personajes o franquicias, la instrucción puede explicar el tipo de vestuario, la cantidad de integrantes, los colores y el ambiente requerido.

Una instrucción posible sería: “Representa a cinco jóvenes artistas de pop coreano con peinados definidos y trajes de combate de distintos colores y poses de acción, en un escenario futurista inspirado en series de héroes de los años noventa”.

Si la imagen no refleja la combinación buscada, conviene modificar una parte del texto por vez. Se puede pedir una mayor presencia de los rasgos K-pop, uniformes más cercanos a una estética retro o posturas grupales que destaquen la identidad de los personajes.

Qué hacer luego de obtener la imagen definitiva

Cuando la plataforma genere una imagen satisfactoria, el archivo debe descargarse y guardarse en una carpeta distinta de las referencias originales. Ese paso permite conservar la versión final e identificarla sin confundirla con los materiales utilizados durante el proceso.

Si la ilustración se publica en redes sociales, conviene acompañarla con una aclaración visible: “Ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial”. La leyenda evita que el público la interprete como una promoción de Netflix, de Las Guerreras K-pop o de Power Rangers.

Asimismo, el proceso debe realizarse siempre en servicios autorizados y desde sitios oficiales. Las aplicaciones pirata o no verificadas pueden exponer datos personales, incorporar malware o provocar la pérdida de archivos, sumado a traer varios problemas vinculados con el uso de contenido protegido.

El nuevo adelanto de Grand Theft Auto VI encabezó la lista semanal de películas en inglés de Netflix con 31,1 millones de visualizaciones, según el informe publicado por la plataforma el 1 de septiembre de 2026. El video también llegó al primer lugar en 87 de los 93 países incluidos en la medición global del servicio.

Un recorrido de 27 minutos por el juego

Presentado como Grand Theft Auto VI: An Extended Look, el material dura 27 minutos y constituye la exhibición oficial más extensa del juego hasta el momento. Todo el contenido fue capturado directamente en una PlayStation 5, por lo que las imágenes corresponden al funcionamiento del título en la consola y no a una secuencia cinematográfica creada fuera del motor del juego.

La duración marca una diferencia considerable frente a los dos tráilers anteriores. En lugar de limitarse a una sucesión breve de escenas, el adelanto ofrece una mirada prolongada a la nueva entrega de la serie desarrollada por Rockstar Games. Netflix lo presentó como un estreno inédito para su catálogo, donde compitió dentro de la categoría de películas en inglés pese a tratarse de material promocional de un videojuego.

La elección de Netflix como primera ventana generó críticas entre algunos seguidores, especialmente porque el video no apareció de inmediato en los canales habituales de Rockstar. Esa reacción no impidió que el adelanto liderara la medición semanal: sus 31,1 millones de vistas superaron ampliamente el alcance del resto de los contenidos ubicados en los primeros lugares de la plataforma.

El lanzamiento también continúa la campaña del sucesor de Grand Theft Auto V, título que, según Netflix, mantiene el récord del mayor lanzamiento de entretenimiento de todos los tiempos. El informe no aportó nuevos datos sobre la fecha de salida, las ediciones disponibles o posibles diferencias entre plataformas.

Netflix tomó la delantera y YouTube amplió el alcance

El estreno no quedó limitado a Netflix. Unas horas después, el video llegó a YouTube mediante el canal oficial de Rockstar, donde acumulaba 17 millones de reproducciones al momento del reporte. La publicación realizada por IGN añadió otros 5,6 millones.

La suma de las tres cifras lleva el total a 53,7 millones de reproducciones: 31,1 millones en Netflix, 17 millones en el canal de Rockstar y 5,6 millones en IGN. Ese cálculo reúne visualizaciones registradas en servicios y publicaciones diferentes, por lo que no representa necesariamente a 53,7 millones de espectadores únicos. Una misma persona pudo ver el material más de una vez o hacerlo en varias plataformas.

La distribución escalonada creó una situación poco habitual para una campaña de videojuegos de esta magnitud. Netflix recibió el estreno inicial y concentró la mayor cantidad de reproducciones, mientras que YouTube incorporó después al público acostumbrado a seguir las novedades de Rockstar desde su canal oficial o medios especializados.

La estrategia también repartió las visualizaciones entre varias publicaciones. Esto dificulta una comparación directa con los avances anteriores, que concentraron buena parte de su circulación en YouTube. Aun así, el resultado semanal permitió que un video promocional de un videojuego superara a todas las películas en inglés medidas por Netflix durante el mismo período.

Una cifra alta, pero inferior a los primeros tráilers

Los 53,7 millones combinados permanecen lejos de los registros alcanzados por los dos primeros tráilers de Grand Theft Auto VI. El primer avance acumula 294 millones de visualizaciones en YouTube, mientras que el segundo registra 181 millones. Las cifras corresponden a períodos de publicación distintos, por lo que el adelanto extendido todavía dispone de margen para sumar reproducciones.

También existe una diferencia de formato. Los primeros videos fueron piezas breves, diseñadas para circular rápidamente, mientras que el nuevo material exige 27 minutos de atención. A esto se suma la división inicial de la audiencia entre Netflix, el canal de Rockstar y la publicación de IGN.

Dentro del ranking semanal de Netflix, el competidor más cercano fue The Whisper Man, que ocupó el segundo puesto con 23,2 millones de visualizaciones. El thriller criminal protagonizado por Adam Scott, Michelle Monaghan y Robert De Niro quedó 7,9 millones por debajo del adelanto de Rockstar.

El resultado fue amplio también por alcance territorial. Grand Theft Auto VI encabezó la lista en 87 de los 93 países seguidos por Netflix, es decir, quedó fuera del primer puesto en apenas seis mercados medidos. Su registro inicial en la plataforma representó cerca del 58% de las 53,7 millones de reproducciones combinadas entre Netflix, Rockstar e IGN.

Ya que quedan pocos días para su estreno en streaming, aquí puedes conocer más detalles sobre la miniserie coreana.

¿De qué trata ‘Cuatro manos, dos sonatas’?

La historia sigue a Kang Pi-o (Song Kang) y Choi Jeong-yo (Lee Jun-young), dos jóvenes pianistas que se conocen en una escuela secundaria de artes para estudiantes prodigio. La serie recorrerá su camino desde la adolescencia hasta la adultez, mientras buscan convertirse en pianistas profesionales.

El título hace referencia a la técnica de intepretación de “piano a cuatro manos”, en la que dos personas tocan un mismo instrmento. Esta práctica que requiere coordinación, sincronización y confianza entre los músicos.

Ese concepto también funciona como una metáfora del vínculo entre Pio y Jeong Yo: al principio, ambos parecen encajar a la perfección frente al instrumento. Sin embargo, luego se darán cuenta de que sus estilos son muy diferentes.

Pi-o se caracteriza por interpretaciones precisas y delicadas, mientras que Jeong-yo destaca por una energía más explosiva sobre el escenario. Ese contraste se agudiza por las comparaciones que reciben en su entorno. Pi-o siente tensión por la presión de su madre, quien no admite resultados inferiores al primer puesto. Eso provoca tensión cuando Jeong-yo empieza a destacar como un talento emergente.

El reparto protagonista

Song Kang es quien interpreta a Kang Pi-o, un prodigio del piano que ha seguido un riguroso camino hacia la perfección. Netflix lo describe como un joven aparentemente seguro de sí mismo, pero marcado por la ansiedad y la presión que acompañan a su talento.

El actor, famoso por Love Alarm, Sweet Home, Nevertheless y My Demon, cumplió su servicio militar entre 2024 y 2025. Fue dado de baja en octubre de ese último año, por lo que Four Hands, Two Sonatas representa su regreso a un papel protagonista en televisión.

“Para Kang Pio, el piano es tanto un lenguaje mediante el cual se comunica con el mundo, como una carga a través de la cual debe probarse a sí mismo”, según declaró el actor a Herald Muse.

Por otro lado, Lee Jun-young interpreta a Choi Jeong-yo, un joven con un talento natural para el piano que se alejó de la música después de una infancia difícil. El actor, quien también tiene trayectoria como cantante y rapero, señaló sobre su personaje: “Para Choi Jeong Yo, el piano es algo que quiere enfrentar pero no logra hacerlo”. Tras conocer a Pio, comienza a sanar y a enfrentarse nuevamente con aquello que había dejado atrás.

El tercer personaje central es Hong Jae-in, interpretada por la exidol de k-pop Jang Gyu-ri. Es una estudiante de viola con una sensibilidad auditiva extraordinaria que busca un acompañante capaz de satisfacer sus exigencias musicales.

Jae-in queda cautivada por las interpretaciones de Pi-o y Jeong-yo. Como la viola suele interpretar piezas acompañada por piano, la conexión entre ambos instrumentos resulta fundamental para ella.

Para prepararse, Jang Gyu-ri practicó viola, escuchó numerosas obras de música clásica y asistió a conciertos de ese género. “Para mí era importante desarrollar un sentido de la música”, explicó la actriz a Maeil Business.

Cuándo se estrena “Four Hands, Two Sonatas” y dónde ver

Four Hands, Two Sonatas se estrenará el 29 de agosto de 2026 a las 9:10 p. m. KST en tvN en Corea del Sur. La serie también tendrá estreno global en Netflix ese mismo día, según la información oficial de Tudum.

La producción está dirigida por Park Hyun-suk y escrita por Shin Yi-won. El elenco también incluye a Jung Jin-young, Yoon Se-ah, Kim Joo-hun y Seo Jae-hee.

La fascinación por lo perturbador que recorre buena parte de su trabajo nació en la infancia, cuando The Twilight Zone pasaba a diario por televisión tras el noticiero. Ese hilo llegó hasta Severance: cuando el director Ben Stiller le describió la premisa por primera vez, Scott tuvo la sensación inmediata de que sonaba a un episodio de aquella serie.

“Pensé que jamás conseguiría ese papel porque era demasiado bueno. Pero si lo hacía, sería como ganarme todo el tiempo que llevo en esto”, afirmó en referencia a sus aproximadamente 30 años de trayectoria.

Scott habló del contexto emocional en que filmó la primera temporada de Severance. Estaba solo en Nueva York durante la pandemia y, según sus propias palabras, atravesaba un período de duelo. La estructura dual del personaje —con sus dos versiones separadas por el procedimiento de separación— le ofreció, según dijo, una vía de procesamiento.

“La serie estuvo ahí para mí mientras yo pasaba por eso. Todo se fundió en una sola cosa”, señaló. Scott acumula dos nominaciones al Globo de Oro como mejor actor en drama por ese papel, en 2023 y 2026.

El cambio que modificó su actuación

Scott describió los primeros 15 años de su carrera como una etapa en la que era incapaz de “compartirse” con la cámara.

Atribuyó el cambio a una indicación del director Fred Savage durante el rodaje de Party Down: Savage le dijo que tenía toda una temporada por delante y que no necesitaba volcarlo todo en una sola escena.

“Lo que me estaba diciendo era: podés relajarte y mostrarte un poco”, recordó Scott. Antes de ese momento, el actor llegaba a los rodajes tras noches en vela, convencido de que el cansancio lo calmaría. “Solo me hacía sentir cansado”, admitió con humor.

Su nuevo papel en Susurran tu nombre

Scott es el protagonista principal de Susurran tu nombre, la película de terror con formato de thriller que fue dirigida por James Ashcroft, un realizador reconocido por su trabajo anterior en La ley de Jenny Pen. En este film, Scott comparte elenco con Robert De Niro y Michelle Monaghan, quienes también participan en la historia.

El actor asume el papel de Tom Kennedy, quien es presentado como escritor y además como padre viudo de un hijo. Su personaje es un hombre que enfrenta una tragedia cuando su hijo es secuestrado por un asesino en serie, el cual reproduce o imita los crímenes cometidos por un homicida que actualmente sigue cumpliendo condena en prisión.

En la entrevista, Scott admitió que el papel le resultó particularmente cercano: tiene dos hijos con su esposa, Naomi Scott —Graham, de 19 años, y Frankie, de 16— y reconoció que sus propias experiencias como padre informaron su interpretación.

“Ser padre es una parte enorme de uno”, declaró al medio estadounidense People, en declaraciones previas al estreno. La película se estrenó el 28 de agosto en la plataforma y se posicionó de inmediato entre los títulos más vistos.

Scott se refirió al estándar que, según él, define cuándo una película de terror merece ser considerada buena. Dijo que, si una persona termina orinándose de miedo durante la proyección, esa película puede ser calificada como buena dentro del género.

Opinó, además, que si alguien llega a defecarse del susto en la sala, entonces la película alcanza la categoría de obra maestra del terror. Manifestó que el objetivo que se plantea para su próximo proyecto es lograr que todos los espectadores que asistan terminen sintiendo la necesidad de usar un pañal.

Netflix confirmó el estreno de The One About Matthew Perry, una serie documental de tres partes que reconstruye la vida del actor a través de testimonios inéditos de su familia y amigos más cercanos. La producción llegará a la plataforma el 27 de octubre, un día antes de que se cumplan tres años de la muerte del actor, ocurrida el 28 de octubre de 2023 a los 54 años.

La serie está dirigida por Mary Robertson, ganadora de un premio Emmy, y producida por Maxine Productions, compañía que forma parte de Sony Pictures Television. Según informó Netflix Tudum, el proyecto reúne historias nunca antes contadas de Mia Perry Bowick, hermana del actor y psicoterapeuta licenciada, junto a relatos de quienes fueron sus amigos de toda la vida. A ese material se suman fotografías y videos inéditos del archivo privado de la familia Perry.

Se trata de “memorias de primera mano de sus colaboradores creativos y amigos que lo adoraron y apoyaron” con “detalles inéditos y sinceros sobre sus luchas privadas”, según describió la plataforma.

En el comunicado oficial del proyecto, Robertson definió a Matthew Perry como “uno de los genios de la comedia de nuestra época”.

“A través de sus muchas películas, series de televisión y actuaciones en teatro, y su inolvidable interpretación de Chandler Bing, hizo que millones de personas riéramos, nos conectáramos y nos sintiéramos un poco menos solos”, señaló la directora. “También nos regaló mucho más al hablar con valentía sobre la adicción. Sin embargo, el público solo conocía una parte de su historia. Por eso decidimos hacer esta serie: para que las personas que conocieron y amaron a Matthew revelen a la persona detrás de la figura pública”, agregó.

People detalló que la logline oficial del proyecto lo describe como “un registro crudo de una vida vivida en plenitud, y la honestidad que se convirtió en su mayor legado”. El medio precisó que la producción promete revelar “al verdadero Matthew Perry: generoso, divertido, vulnerable, más grande que la vida, y las batallas que libró”.

Su hermana Mia Perry Bowick también explicó por qué decidió sumarse a este proyecto audiovisual. “Me ha tomado tiempo sentirme lista para compartir estos recuerdos y lo que significó amar a Matthew a través de toda la complejidad de su vida, para verlo como una persona completa, no solo como Chandler, y no solo como alguien que luchó contra la adicción”, afirmó. “Como su hermana, él moldeó a la persona que soy hoy, la persona que aspiro a ser, y el trabajo al que he dedicado mi vida”, añadió.

La hermana del actor cerró su declaración con una reflexión sobre el carácter de Perry. “Matthew tenía un corazón hermoso y un espíritu generoso, e incluso en sus momentos más oscuros, todavía podía hacerte reír y sentirte amado”, sostuvo. “Espero que esta serie le dé a todos los que lo amaron, ya sea de manera personal o desde la distancia, una apreciación más profunda de quién fue realmente, y el legado que deja”, concluyó.

Perry falleció el 28 de octubre de 2023 a causa de una sobredosis accidental. La autopsia determinó que la muerte se produjo por los “efectos agudos” de la ketamina. El actor había hablado públicamente sobre su adicción durante años y llegó a declarar que había pasado por rehabilitación en 15 ocasiones.

El 19 de agosto pasado, la fundación Matthew Perry House, creada por la familia y amigos del actor para apoyar a personas que atraviesan procesos de adicción, difundió un mensaje de Suzanne Morrison, madre de Perry, con motivo de lo que habría sido el cumpleaños número 57 del actor. “Dulce, cariñoso, divertido, cascarrabias, terco Matthew, que quería, tanto, estar bien. Lo extraño terriblemente. Todo el tiempo. Todos los días”.

“Y lo escuché decir una y otra vez en esos últimos días de su vida, ‘solo quiero ayudar a personas como yo, atrapadas en la enfermedad de la adicción’”, relató Morrison. “Él ya no puede. Pero nosotros sí. Y con tu ayuda, lo haremos”, concluyó Morrison. La fundación benéfica actualmente está dirigida por Caitlin Morrison, otra de las hermanas del actor.

A lo largo de su carrera, Steven Spielberg ha dirigido 34 películas para cine y televisión. Estamos hablando del director de Indiana Jones, Jurassic Park o E. T. el extraterrestre: un cineasta capaz de mantenerse en la cumbre de Hollywood durante décadas y conquistar a múltiples generaciones con sus historias. Sin embargo, el éxito no siempre fue sinónimo de facilidad. De hecho, los rodajes de algunas de sus mejores obras maestras, como Tiburón o Salvar al soldado Ryan, fueron auténticas odiseas, tal y como ha confesado el propio director.

Junto a estas dos producciones, el cineasta estadounidense destaca una tercera película entre sus mayores retos: Ready Player One. En esta cinta, un adolescente que se evade del mundo real a través de un mundo de realidad virtual participa en un concurso extremo de búsqueda del tesoro organizado por el creador de este universo. A partir de ahí, comienza una extrema carrera por convertirse en el ganador de esta competición, en la que pronto se descubrirá que lo que está en juego va mucho más allá de ese entorno virtual.

Para realizar esta película, Steven Spielberg y su equipo de efectos visuales tuvieron que desarrollar herramientas completamente nuevas, como un visor de realidad virtual en el set para dirigir dentro del mundo digital o trajes de captura de movimiento avanzada en un set vacío para grabar la acción del mundo virtual. “Creo que hay una distinción entre un desafío físico, como el que supusieron tanto Tiburón como Salvar al soldado Ryan, y otro tipo de desafío, que consiste en intentar hacer algo tecnológicamente nuevo que no se haya hecho antes”, comentaba el cineasta en una entrevista con la revista Empire.

“Dormía solo cuatro o cinco horas por la noche”

Ready Player One se rodó en dos formatos completamente opuestos: fílmico de 35 mm para las escenas del mundo real (dándole un aspecto sucio y analógico) y captura digital en 3D puro para el OASIS. “Pasar de una producción en vivo, con decorados, atrezzo, extras, persecuciones y todo tipo de parafernalia, a la captura digital en un volumen, a veces con solo un día de diferencia, generó un nivel de esfuerzo que nunca antes había experimentado. Tuve que aprender a hacer una película como esta mientras la estaba haciendo. Y eso implica mucho ensayo y error”.

Por eso, Spielberg contó que solo dormía entre cuatro y cinco horas cada noche. “Siempre estaba pensando en lo que iba a hacer al día siguiente. Así que probablemente fue la experiencia con más falta de sueño que he tenido haciendo una película y, al mismo tiempo, una de las experiencias más gratificantes que he tenido”. Con un presupuesto de unos 180 millones de dólares, Ready Player One recaudó más de 580 millones. Sus innovaciones la llevaron a ser nominada a un Oscar a los Mejores efectos visuales, aunque finalmente el premio lo ganó First Man (El primer hombre).

Actualmente, la película de Spielberg puede verse en diferentes plataformas de streaming, como Netflix, HBO Max y Movistar Plus, con el paquete de Ficción Total. En los diferentes mundos por los que pasa el personaje, hay constantes homenajes al cine y la literatura de las décadas de los 70 y 80. Además, la película es una carta de amor hacia los videojuegos, y probablemente una de las producciones que, tanto en forma como en contenido, más han profundizado en este mundo.

Netflix anunció una donación de 600 millones de pesos para apoyar a trabajadores del sector audiovisual afectados por el terremoto de magnitud 7,4 ocurrido el 10 de agosto en Colombia, una ayuda que será administrada por la Academia Colombiana de Cine y Asocinde después de un censo que definirá quiénes necesitan asistencia y en qué condiciones.

La emergencia dejó 452.782 personas afectadas, 213.400 familias damnificadas en 497 municipios de 16 departamentos, además de 331 muertos, 4.497 heridos y 152 desaparecidos, de acuerdo con cifras incluidas en el más reciente informe de la Unidad Nacional para la Gestión del Riesgo de Desastres.

En ese escenario, la ayuda anunciada por la plataforma se concentrará en quienes viven de una industria expuesta a la pérdida de equipos, espacios de producción, movilidad y proyectos suspendidos.

Los recursos no se entregarán de forma general, sino a profesionales del audiovisual que hayan sufrido afectaciones por el sismo, tras un censo que realizarán ambas organizaciones para identificar pérdidas, necesidades y prioridades. La asignación se hará con mecanismos de verificación y entrega administrados por la Academia y Asocinde.

Ana María Londoño, directora de Contenido de Netflix Colombia, explicó la decisión de la compañía: “Estamos sumamente conmovidos por lo que está sucediendo en Colombia. Frente a una tragedia de esta magnitud, quisimos actuar rápidamente y de la mano de quienes mejor conocen las necesidades del sector audiovisual”.

La empresa también informó que triplicará los aportes que sus empleados hagan a organizaciones benéficas vinculadas con la atención del desastre a través de su Programa de Donaciones.

La Academia Colombiana de Cine y la Asociación Colombiana de Productores Independientes de Cine y Audiovisual, Asocinde, estarán a cargo de recopilar la información que servirá de base para asignar los recursos. Ese relevamiento buscará establecer quiénes resultaron afectados, cuáles fueron sus pérdidas y qué tipo de apoyo requieren.

La Academia Colombiana de Cine, fundada en 2009, reúne a más de 700 miembros de distintas áreas del cine colombiano y organiza los Premios Macondo. Asocinde, por su parte, agrupa empresas colombianas dedicadas a la producción cinematográfica y audiovisual y trabaja en el fortalecimiento de la industria nacional.

Elkin Zair, director ejecutivo de la Academia, describió el alcance del compromiso institucional: “Ante una emergencia de esta magnitud, nuestro compromiso como academia es acompañar a los profesionales del sector que hoy enfrentan momentos difíciles y contribuir, desde nuestras posibilidades, a su recuperación”.

Zair también destacó que integrantes de la industria pusieron equipos, conocimientos y capacidades al servicio de las labores de búsqueda y rescate. Ese reconocimiento aparece como uno de los ejes de la respuesta del sector frente a la tragedia.

Dos fondos del sector audiovisual se activaron tras el terremoto

Junto con las academias que integran la Federación Iberoamericana de Academias de Artes y Ciencias Cinematográficas, la Academia Colombiana de Cine puso en marcha el Fondo Internacional de Solidaridad Audiovisual. La iniciativa busca canalizar recursos para acompañar a profesionales del sector que atraviesan dificultades a causa de la emergencia.

Asocinde anunció además la creación del Fondo de Asistencia y Reactivación del Audiovisual, orientado a contribuir a la recuperación de trabajadores, empresas, proyectos y del tejido humano y cultural golpeado por el terremoto. Diego F. Ramírez, presidente de la organización, resumió ese objetivo en una frase: “Reconstruir no significa solamente recuperar lo que se ha perdido, sino también recuperar la confianza, los proyectos y la posibilidad de volver a mirar hacia adelante”.

Por su parte, la ministra de Cultura, Paola Holguín, agradeció el aporte de Netflix y sostuvo que la participación del sector privado puede contribuir a la reconstrucción y al fortalecimiento de la industria audiovisual. Según la funcionaria, la articulación entre el Estado, las empresas y las organizaciones del sector resulta clave para apoyar la recuperación de las comunidades afectadas.

Así mismo, se señaló que algunos trabajadores audiovisuales participaron en tareas de rescate durante la emergencia. Actores, productores, técnicos, directores, fotógrafos, sonidistas y guionistas aparecen mencionados entre los integrantes de una cadena productiva que no solo sufrió los efectos del terremoto, sino que también aportó capacidades profesionales en medio de la respuesta inmediata.

Netflix activó la cuenta regresiva para el regreso de Los caballeros, la serie de Guy Ritchie, con el lanzamiento del tráiler y la confirmación de que la temporada 2 se estrenará completa el 3 de septiembre de 2026 y tendrá una tercera entrega. La nueva tanda retoma la historia de Eddie y Susie en un punto distinto al del inicio: ya no administran un negocio heredado por necesidad, sino que buscan ampliar una estructura criminal que ahora define sus decisiones.

Según el material difundido por Netflix, la segunda temporada mostrará a Eddie decidido a expandir su imperio “con o sin la bendición de Bobby”, mientras Susie detecta una oportunidad para diversificar la operación. Ese planteo instala el conflicto central de los nuevos episodios: el crecimiento del negocio exige alianzas más riesgosas y empuja a los protagonistas a romper acuerdos que hasta ahora sostenían cierta estabilidad.

De acuerdo con la información promocional y con los reportes publicados tras la salida del avance, la ficción volverá a centrarse en Theo James como Eddie y Kaya Scodelario como Susie. El tráiler adelanta un escenario de negociaciones tensas, disputas internas y episodios de violencia que acompañan la expansión del entramado ilegal. Todos los capítulos llegarán el mismo día, el 3 de septiembre de 2026, aunque la plataforma todavía no informó la cantidad exacta de episodios.

La base dramática de esta entrega pasa por la transformación de Eddie. En la primera temporada, el personaje ingresó al circuito delictivo a partir de una obligación ligada a las propiedades familiares. En la nueva etapa, ese vínculo deja de ser una carga circunstancial y pasa a convertirse en una ambición propia. Ese cambio altera el equilibrio de poder dentro de la organización y redefine su relación con el resto de los socios.

El adelanto muestra a Eddie completamente integrado a las operaciones ilegales que descubrió al comienzo de la serie. La expansión del negocio abre la puerta a pactos con figuras nuevas, descritas como peligrosas e impredecibles. Esa necesidad de sumar aliados, lejos de ofrecer una garantía, introduce un foco de tensión dentro de una estructura que ya operaba bajo presión.

El vínculo con Bobby Glass aparece como uno de los ejes principales de la temporada. Bobby se mantiene en la cima de la organización, pero el crecimiento de Eddie pone a prueba los límites de esa alianza. La disputa ya no pasa solo por la conveniencia del negocio, sino por el reparto del poder dentro del grupo. La consigna del avance, “con o sin la bendición de Bobby”, resume ese choque interno y deja planteada una puja que puede repercutir en toda la red criminal.

Ese conflicto también impacta sobre Susie, socia central en el plan de expansión. La segunda temporada la ubica en una posición activa dentro de la estrategia para diversificar la operación, aunque cada paso hacia adelante aumenta el riesgo de traiciones y fracturas internas. El nuevo esquema obliga a dejar atrás vínculos consolidados para abrir espacio a socios sin garantías, una decisión que puede debilitar la organización en vez de fortalecerla.

En esa línea, el tráiler conserva varios de los elementos asociados al estilo de Ritchie: crimen, relaciones familiares tensas y humor negro. A la vez, el material promocional pone más peso en las consecuencias de escalar dentro del negocio. El avance anticipa asesinatos, sangre y una escalada de violencia que acompaña el intento de Eddie y Susie por convertir una operación estable en una maquinaria de mayor alcance.

La confirmación de una tercera temporada llegó junto con la presentación del tráiler. Netflix no comunicó todavía fecha de rodaje, ventana de estreno ni detalles de la historia para esa futura entrega. Tampoco precisó qué integrantes del elenco volverán para continuar la trama. La renovación, de todos modos, garantiza que los episodios de septiembre no marcarán el final de la serie.

El desarrollo de esa tercera parte dependerá de cómo concluya la disputa entre Eddie y Bobby Glass y de las consecuencias que dejen las nuevas alianzas. La plataforma ya aseguró la continuidad de la producción, pero mantuvo en reserva la dirección que tomará la historia una vez resuelto el conflicto principal de la segunda temporada.

El regreso de Los caballeros quedará ubicado al comienzo de un mes con fuerte presencia de proyectos criminales vinculados a Guy Ritchie.

Comienza el tumultuoso mes de septiembre, reservado tradicionalmente para que las diversas plataformas saquen músculo con algunos de sus proyectos más esperados, que nos llevan por todos los géneros, desde la acción al terror pasando por los proyectos ‘autorales’.

Ha sido un verano repleto de grandes títulos. En Netflix se ha estrenado la temporada final de Cien años de soledad, demostrando que con talento e inteligencia se podía adaptar la gran obra de Gabriel García Márquez; en Disney+ ha destacado el magnífico thriller Furious, creado por Elizabeth Merithewer, la particular caza de una agente del FBI de una asesina en serie que busca venganza hacia los hombres que la explotaron sexualmente cuando era menor; HBO Max ha emitido la miniserie De puntillas, una excepcional comedia negra que reflexiona sobre el choque ideológico que caracteriza nuestro presente.

En septiembre llega también la segunda temporada de Chad Powers (Disney+), la comedia ambientada en el fútbol americano protagonizada por Glen Powell, la sexta de la ‘multipremiada’ Slow Horses (Apple TV), con Gary Oldman y Jack Lowden o la ‘precuela’ de Outlander, titulada Outlander: Sangre de mi sangre (Movistar Plus+) y, por último, en SkyShowtime, Tierra de mafiosos (MobLand), con Tom Hardy y sus constantes polémicas dentro de esta ficción en torno a los bajos fondos y el crimen organizado en Inglaterra.

He aquí 10 de las series que destacamos, por diferentes particularidades, dentro de la amplia oferta que nos ofrecen las plataformas de ‘streaming’ para las próximas semanas de septiembre.

‘The Gentlemen: La serie’ (Netflix)

En 2019, Guy Ritchie dirigió The Gentlemen: Los señores de la mafia, una comedia criminal con un reparto de lujo encabezado por Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant y Colin Farrell.

Más tarde se embarcó como creador en este ‘spin-off’ en formato serie de ocho episodios en la que sacó a relucir toda la parafernalia que ha caracterizado su estilo desde Snatch. Cerdos y diamantes.

Ahora se estrena la segunda temporada de este thriller de mafiosos con ritmo trepidante protagonizado por Theo James, Kaya Scodelario, Giancarlo Esposito y Joely Richardson.

En Netflix a partir del 3 de septiembre.

‘Monstruo: La historia de Lizzie Borden’ (Netflix)

Ryan Murphy continúa con su particular racha imparable de estrenos. Después de la adaptación de The Shards, la novela de Bret Easton Ellis, continúa con su antología Monstruos, que repasa algunos de los asesinos en serie más célebres de la historia.

En este caso le toca el turno a Lizzie Borden, que ha pasado a formar parte de la cultura popular como la asesina de hacha y, para ello, se retrotrae al s. XIX, para contar la historia de una joven que supuestamente mató a su padre y su nueva esposa y cuya actitud dentro de la comunidad era irreprochable por ser una devota protestante.

Al frente del reparto, la joven Ella Beatty (hija de Warren Beatty y Annette Bening), Vicky Krieps, Charlie Hunnan y Rebecca Hall, con la aparición especial de Sarah Paulson.

En Netflix a partir del 17 de septiembre.

‘American Horror Story 13′ (Disney+)

En efecto, de nuevo Ryan Murphy, esta vez con otra de sus antologías más longevas, American Horror Story, que comenzó su andadura allá por 2011 con La casa del crimen.

Por el momento poco se sabe de esta decimotercera entrega, solo que el elenco es de auténtico lujo: Jessica Lange, Sarah Paulson, Kathy Bates, Angela Bassett, Emma Roberts y Evan Peters, que repetirán sus roles en anteriores entregas. Una forma de rendirles homenaje dentro del universo creado por el ‘showrunner’ a modo de ‘crossover’.

La temporada consta de 13 episodios y se cerrará el 30 de octubre, antes de Halloween.

En Disney+ a partir del 25 de septiembre con capítulos semanales.

‘El problema final’ (Netflix)

Una de las apuestas españolas de la ‘rentrée’ es la adaptación de la novela de Arturo Pérez-Reverte del mismo título, que constituye un homenaje al género de detectives creado por Arthur Conan Doyle en torno a la figura de Sherlock Holmes.

La miniserie, muy en la línea del ‘whodunit’, se centra en 13 personas que quedan aisladas en un islote cercano a Mallorca durante la primavera de 1959 cuando aparezca muerta una turista. Un actor que en su día encarnó a Sherlock Holmes, se convertirá en el investigador involuntario del caso.

En el reparto, José Coronado, Maribel Verdú, María Valverde, Martiño Rivas, Pepón Nieto o Gonzalo De Castro.

Se estrena en Netflix el 25 de septiembre.

‘Mis muertos tristes’ (Netflix)

Desde Netflix Latinoamérica nos llega esta producción de lujo dirigida por el prestigioso Pablo Larraín que adapta varios relatos de Mariana Enríquez que se encuentran en su libro Un lugar para gente sombría en el que lo cotidiano se da la mano con lo sobrenatural.

La propuesta se podrá ver dentro de la Sección Oficial del Festival de San Sebastián en formato película, con los cuatro episodios seguidos, configurando una sola unidad, y optará a la Concha de Oro. Encabeza el reparto dos nombres de altura como Dolores Fonzi y Mercedes Morán, que interpreta a una médica que puede escuchar (y ver) a las personas que han fallecido.

En Netflix a partir del 24 de septiembre.

‘City of Blood’ (Disney+)

Desde Alemania nos llega la adaptación de la novela gráfica Berlinoir, un thriller de terror que presenta la capital alemana como una ciudad-estado al límite, con una sociedad partida entre una minoría que vive bajo una cúpula climatizada y el resto que intenta sobrevivir en un entorno marcado por calor, corrupción y delincuencia.

En ese escenario, las hermanas Bea y Phoebe se reencuentran tras años separadas y descubren un secreto: los vampiros buscan hacerse con el poder político y la sangre opera como nueva moneda en la ciudad.

La historia sitúa el choque entre ambas la víspera de unas elecciones decisivas, cuando sale a la luz que los vampiros controlan el crimen organizado y pretenden dominar las instituciones. La trama plantea una disputa de fuerzas rivales en un mundo destrozado por el cambio climático, con la violencia como parte de la vida cotidiana.

Bea, enferma crónica, creció protegida junto a su madre adoptiva, mientras Phoebe luchó por sobrevivir en las calles berlinesas. El reencuentro las empuja a enfrentar una pregunta central: quién representa una amenaza mayor, los humanos o los vampiros.

‘Pequeños profetas’ (Apple TV)

Apple TV incorporar a su catálogo esta serie británica cuya primera temporada, compuesta por seis episodios. La ficción ha sido creada, escrita y dirigida por Mackenzie Crook, quien también forma parte del elenco junto a Pearce Quigley, Lauren Patel, Sir Michael Palin, Sophie Willan, Jon Pointing y Paul Kaye.

La trama sigue a Michael Sleep (Pearce Quigley), un hombre excéntrico que, tras la desaparición su querida compañera Clea, sufre una rutina marcada por su empleo en una tienda de bricolaje y las visitas a su padre. La historia toma un giro cuando Michael, intentando responder si volverá a encontrarse con Clea, comienza a experimentar con una receta mágica en busca de crear homúnculos, acompañado por su compañera de trabajo, Kacey.

El relato se desarrolla en un barrio donde lo cotidiano y lo mágico se cruzan, con personajes secundarios que se involucran en los misterios del protagonista. Una ‘sitcom’ que ha sido calificada como “una maravilla”.

‘Brothers’ (Apple TV)

Desde hace años, se rumorea que podría haber un posible parentesco entre Woody Harrelson y Matthew McConaughey. Pues bien, ahora los dos intérpretes aprovechan esta mitología urbana en esta serie en la que se reencuentran después de True Detective.

La trama presenta a Harrelson instalándose en la casa de McConaughey tras un incidente en la boda de su hija. Desde esa convivencia, ambos empiezan a cuestionar si comparten más que su amistad, impulsados por coincidencias familiares.

La ficción alterna ese eje con una subtrama en la que McConaughey evalúa la posibilidad de postularse como gobernador de Texas, reflejando rumores reales sobre su vida. El enfoque de la serie combina comedia y cuestiones de identidad, aprovechando la química entre ambos actores, pero trasladada a un tono humorístico y autorreferencial.

Brothers explora la frontera entre la realidad y la ficción, planteando hasta qué punto los mitos de Hollywood pueden integrarse a una narración que se nutre de anécdotas reales y especulaciones mediáticas.

Disponible en Apple TV a partir del 23 de septiembre.

‘Gone’ (Filmin)

George Kay, responsable de series como Hijack o Lupin regresa con esta serie de intriga protagonizada por David Morrissey y Eve Myles. La ficción arranca con la desaparición de Sarah, esposa de Michael Polly, director de un colegio privado, un caso que desencadena una investigación marcada por el aparente estoicismo del protagonista.

El director de escuela Michael Polly vuelve a su casa una tarde y descubre que su esposa ha desaparecido. Tras denunciar el hecho, el caso queda en manos de la inspectora Annie Cassidy, una detective pragmática e inflexible a la que desconcierta desde el inicio la calma del director.

A medida que aparecen pruebas desconcertantes, Annie asume el rol de enlace con la familia y la noticia se difunde pese a los esfuerzos de Michael por contenerla, mientras él mantiene sus obligaciones profesionales. La serie está inspirada libremente en el libro To Hunt a Killer, de Julie Mackay y Robert Murphy, quienes asesoraron el desarrollo de la producción. En Filmin a partir del 1 de septiembre.

‘La mujer miniatura’ (Movistar Plus+)

Hemos visto muchas adaptaciones de El hombre menguante, pero ahora le toca el turno a un enfoque diferente, ya que está basada en el relato de Manuel Gonzales del mismo nombre.

La serie, de diez episodios, plantea el quiebre de una pareja cuando una escritora ganadora del Pulitzer, queda reducida a unos centímetros tras un accidente tecnológico.

El argumento sigue a Lindy y Les Littlejohn, un científico convencido de que logrará un hallazgo capaz de “cambiar el mundo”, después de que los años conviertan su admiración mutua en una guerra silenciosa de reproches y frustraciones. La miniaturización vuelve literal la crisis del matrimonio y los obliga a enfrentar desigualdad de poder, heridas acumuladas y la búsqueda de identidad.

En el reparto, Elizabeth Banks interpreta a Lindy, mientras Matthew Macfadyen, ganador del Emmy por Succession, encarna a Les, cuya obsesión por el éxito profesional desencadena el conflicto central. A partir del 9 de septiembre en Movistar Plus+

Las plataformas de streaming y los servicios digitales, como Spotify y Netflix, se han convertido en los principales blancos de las campañas de phishing y estafas en América Latina, según el último Informe de Amenazas Financieras de Kaspersky.

El uso intensivo de estas marcas en la vida cotidiana de millones de usuarios de la región ha facilitado que los ciberdelincuentes adapten sus engaños para pasar desapercibidos y obtener datos sensibles.

La relevancia de este fenómeno radica en que los ataques ya no se enfocan solo en bancos o tiendas online, sino que explotan la confianza y la familiaridad que generan las plataformas de entretenimiento, comercio electrónico y sistemas de pago recurrentes.

Phishing: el nuevo rostro de las estafas digitales

El phishing, una de las técnicas más utilizadas por los ciberdelincuentes, ha evolucionado y hoy recurre a marcas populares para hacer que los engaños sean más convincentes. En América Latina, Spotify encabeza la lista de marcas suplantadas en campañas de phishing relacionadas con compras y servicios digitales.

A nivel mundial, Netflix es la marca más utilizada en fraudes vinculados a compras online (28%), seguida de Apple (21%), Spotify (18%), Amazon (18%) y Shopify (4%).

El Top 10 global también incluye gigantes como Alibaba Group, eBay, Taobao, Ozon e Ikea, lo que evidencia un desplazamiento desde el comercio minorista tradicional hacia servicios digitales con grandes bases de usuarios y operaciones frecuentes.

Plataformas de pago, otro blanco prioritario

No solo las plataformas de entretenimiento y compras están en la mira. El informe de la compañía de ciberseguridad destaca que los sistemas de pago siguen siendo un objetivo principal para el phishing.

A nivel global, Mastercard lidera la lista (33%), seguida por Visa (20%), Paypal (14%) y American Express (4%). Los atacantes buscan suplantar redes de tarjetas bancarias que cuentan con millones de usuarios y una alta frecuencia de transacciones.

La popularidad y presencia cotidiana de estas marcas las convierte en un recurso muy atractivo para los ciberdelincuentes, que aprovechan la confianza de los usuarios para que sus mensajes y páginas fraudulentas parezcan legítimos.

Cómo operan las estafas y por qué son tan efectivas

Los ciberdelincuentes diseñan correos electrónicos, mensajes de texto y sitios web falsos que imitan de forma precisa la identidad visual y los procesos de las marcas originales. Ofrecen descuentos irresistibles, acceso exclusivo o alertas de seguridad para engañar a las víctimas y obtener datos personales, contraseñas o información bancaria.

Leandro Cuozzo, analista Senior de Seguridad en el Equipo Global de Investigación y Análisis para América Latina de Kaspersky, advierte que la familiaridad y la presencia constante de estas plataformas en la vida diaria hacen que los usuarios bajen la guardia.

“Cuanto más familiar resulta una plataforma, más fácil es que una víctima caiga en la trampa, por ello, los usuarios deben mantenerse alerta ante técnicas de ataque cada vez más sofisticadas y personalizadas”, comentó el analista de ciberseguridad.

Consejos clave para evitar caer en estafas digitales

Para protegerse frente a estas amenazas, los expertos recomiendan:

• Verificar la dirección de los sitios web: Comprobar que la URL comienza con el nombre oficial de la empresa y que no contiene errores gramaticales o términos genéricos. La ausencia del nombre real es una alerta importante.
• Desconfiar de mensajes con ventajas exageradas: Las ofertas “gratis”, grandes descuentos o premios inesperados suelen ser ganchos en campañas de phishing asociadas a marcas populares.
• Evitar acceder a plataformas desde enlaces en correos o mensajes: Siempre es preferible ingresar directamente a la web oficial o a la app. Antes de introducir datos personales o bancarios, asegurarse de que se trata del sitio legítimo.
• Utilizar soluciones de ciberseguridad robustas: Contar con un software de seguridad actualizado en el dispositivo móvil y en la computadora ayuda a detectar y bloquear intentos de phishing y malware.

El auge del phishing y las estafas asociadas a marcas como Spotify y Netflix pone de manifiesto la necesidad de una mayor educación digital en América Latina. La familiaridad con las plataformas no debe traducirse en confianza ciega. Adoptar buenos hábitos de seguridad, mantenerse informado y utilizar tecnologías de protección son pasos fundamentales para prevenir fraudes y proteger la identidad y los datos financieros en el entorno digital.

Dos épocas para contar la transformación de Kaczynski

La película comienza a fines de la década de 1950, cuando Kaczynski ingresa a Harvard con apenas 16 años. Aunque es presentado como un joven prodigio, tiene dificultades para adaptarse al entorno académico y queda bajo la influencia del profesor y psicólogo Henry Murray, interpretado por Russell Crowe.

Según la sinopsis, Murray somete al estudiante a una serie de controvertidos experimentos psicológicos. La narración utilizará esas sesiones y el aislamiento del protagonista para explorar su quiebre mental, sus ideas y el proceso que décadas después lo convertiría en el atacante conocido como Unabomber.

La segunda línea temporal se desarrolla en los años 90, durante la etapa final de la extensa investigación para identificarlo y detenerlo. Shailene Woodley interpreta a Joanne Miller, una agente del FBI que encabeza la búsqueda y trata de anticiparse al próximo ataque.

El montaje alternará la experiencia universitaria del joven Kaczynski con la persecución policial. Esta estructura permitirá mostrar información sobre su pasado mientras la investigación expone las consecuencias de sus decisiones. La película presenta los experimentos, la ambición académica y el aislamiento como elementos centrales de su dramatización, sin que las fuentes disponibles detallen cuánto separará los hechos documentados de los recursos propios de la ficción.

El reparto y el equipo detrás de Unabomber

Metz dirige la película a partir de un guion escrito por Sam Chalsen y Nelson Greaves. Además de Tremblay, Crowe y Woodley, el elenco incluye a Annabelle Wallis, Alexander Ludwig, Steven Ogg y Marc Menchaca, aunque todavía no se informaron los personajes que interpretarán.

Tremblay asume el papel correspondiente a la etapa juvenil de Kaczynski. Crowe encarna a Murray, figura clave dentro del relato sobre sus años en Harvard, mientras que Woodley ocupa el centro de la línea policial ambientada varias décadas después.

Greaves, Donald J. Lee y Chalsen son los productores ejecutivos del proyecto, realizado en asociación con MRC. Sophie Cassidy produce la película para 2.0 Entertainment.

El primer adelanto establece el contraste entre las dos épocas y presenta el conflicto desde ambas perspectivas: la formación de Kaczynski dentro de una institución académica prestigiosa y el operativo para capturarlo antes de que ejecute otro atentado. Netflix todavía no informó la duración de la película.

La campaña de ataques y una búsqueda de 17 años

Theodore Ted Kaczynski nació en 1942 y murió en 2023. Fue matemático, filósofo y terrorista doméstico estadounidense. Durante casi dos décadas envió cartas bomba como parte de una campaña que dejó tres personas muertas y otras 23 heridas.

El primer atentado atribuido a Kaczynski ocurrió en 1978. Desde entonces, las autoridades desarrollaron una búsqueda que se extendió durante 17 años y fue la más larga de la historia de Estados Unidos, según la información difundida junto con la película.

Kaczynski fue localizado finalmente en 1996, cuando vivía aislado en una cabaña en el bosque. Ese período será el punto de llegada de la línea temporal protagonizada por Woodley, mientras las escenas con Tremblay reconstruirán los episodios juveniles elegidos por el guion para explicar al personaje.

Unabomber estará disponible mundialmente en Netflix desde el 25 de septiembre de 2026.

Bass Reeves ante una frontera mecánica

La historia transcurre en una versión sin ley del Salvaje Oeste, atravesada por tecnología mecánica y elementos de ciencia ficción. El steampunk es una corriente estética que imagina máquinas avanzadas construidas con engranajes, metal y sistemas inspirados en la tecnología industrial del siglo XIX.

En ese escenario, Bass Reeves debe enfrentarse a forajidos violentos, monstruos mecánicos y amenazas sobrenaturales. La sinopsis difundida por Netflix también presenta al protagonista como un padre obligado a asumir los papeles de juez, jurado y verdugo para proteger a su familia.

Cada decisión tiene un costo concreto. Los actos de justicia con los que Reeves intenta mantener a salvo a sus seres queridos podrían terminar alejándolo de ellos o causarles daño. Esa tensión familiar acompaña las escenas de persecución, combate y violencia mostradas en el material promocional.

El tráiler mencionado en una de las fuentes permite ver parte de ese territorio hostil y varias secuencias de acción. La animación combina enfrentamientos cuerpo a cuerpo, armas y grandes construcciones mecánicas, elementos con los que Studio Mir desarrolla el cruce entre western, fantasía y ciencia ficción.

Brian Tyree Henry encabeza el reparto

Brian Tyree Henry presta su voz a Bass Reeves y participa como productor ejecutivo. El actor es conocido dentro de la animación por interpretar a Jefferson Davis en las películas de Spider-Man protagonizadas por Miles Morales.

El reparto incluye a Janelle Monáe como Glory, Tati Gabrielle como Dana y Cree Summer como Ahni. También participan Chaske Spencer en el papel de Lighthorse, Currie Graham como Rivenbark y Starletta DuPois como Etta.

El equipo de producción ejecutiva se completa con LeSean Thomas, Jennifer Wiley-Moxley y Chad Handley. La música quedará en manos de Roman GianArthur y Nate Wonder, integrantes de Wondaland. Netflix todavía no informó cuántos episodios tendrá la primera tanda ni cuál será su duración.

Bass X Machina está orientada a una audiencia adulta. La violencia de la frontera, el peligro que rodea a la familia del protagonista y la descripción de Reeves como una figura dispuesta a ejecutar sus propias sentencias marcan el tono de la propuesta.

Studio Mir y las dos fechas de estreno

Studio Mir, estudio de animación radicado en Corea del Sur, está detrás de la producción visual. Entre sus trabajos recientes aparecen la adaptación animada de Devil May Cry para Netflix, Mis aventuras con Superman y X-Men ’97.

La serie forma parte del catálogo de anime que Netflix prepara para lo que queda de 2026. Esa programación también contempla el regreso de Cyberpunk: Edgerunners durante octubre, según la información incluida en las fuentes.

El calendario de Bass X Machina, sin embargo, presenta una contradicción. Uno de los reportes señala que los episodios se estrenarán el 6 de octubre de 2026. Otra fuente, publicada junto con la noticia del tráiler, ubica el lanzamiento para el 3 de noviembre en Netflix.

Esa diferencia puede responder a un cambio de programación posterior al anuncio inicial, pero las fuentes suministradas no incluyen una explicación oficial que permita confirmarlo. Tampoco se detalló si el estreno será simultáneo en todas las regiones. Por ahora, Netflix mantiene a Bass X Machina dentro de su oferta de 2026, con el 6 de octubre y el 3 de noviembre como las dos fechas informadas.

El estreno del adelanto extendido de GTA 6 ha causado furor en la comunidad gamer, marcando récords de audiencia en Netflix y YouTube. La posibilidad de ver el tráiler sin depender de conexión a internet se ha vuelto una necesidad para quienes desean analizar cada detalle del esperado título de Rockstar, especialmente en movilidad o en zonas con acceso limitado a datos.

La llegada de GTA 6, tras 13 años de espera desde la última entrega principal, ha sido uno de los grandes eventos del año. El adelanto extendido, de 26 minutos, no solo muestra las novedades visuales, jugables y narrativas del juego, también ha provocado un pico sin precedentes en el tráfico de Netflix y ha marcado tendencia en redes sociales.

Poder descargar y ver el video sin conexión permite revisarlo con calma, compartirlo en reuniones o viajes y evitar los problemas de buffering o caídas de señal.

Paso a paso: cómo descargar el tráiler de GTA 6 en Netflix

1) Asegure la app y el sistema actualizados: Verifique que tiene la última versión de la app de Netflix y de su sistema operativo, sea Android, iOS, Amazon Fire o Chromebook.

2) Busque el tráiler: Abra Netflix y escriba “GTA 6” o “Grand Theft Auto VI: Extended Look” en el buscador. Si el adelanto está disponible para descarga, verá el ícono de descarga (una flecha hacia abajo).

3) Descargue el contenido:

• Pulse el botón “Descargar” junto al tráiler.
• Para mayor velocidad y evite gastar datos móviles, hágalo conectado a una red WiFi.

4) Acceda al video offline:

• Diríjase a la pestaña “Descargas” de Netflix.
• Seleccione el adelanto de GTA 6 y pulse “Reproducir” cuando quiera verlo, sin importar si tiene conexión.

Restricciones y recomendaciones para la descarga

• Caducidad: Las descargas de Netflix tienen una validez limitada según acuerdos de licencia, por lo que si el tráiler desaparece de la plataforma, tendrá que renovarla cuando vuelva a estar disponible.
• Límites de descarga: Algunos contenidos pueden descargarse un número limitado de veces al año por dispositivo.
• Espacio de almacenamiento: Netflix permite tener hasta 100 descargas activas por dispositivo, pero es recomendable eliminar archivos ya vistos para liberar espacio.

Actualmente la función de descarga offline se ha consolidado como una de las herramientas más valoradas de las plataformas de streaming y video, permitiendo disfrutar del contenido exclusivo de GTA 6 en cualquier momento y lugar, sin interrupciones ni temor a perder calidad.

Nota: Evite utilizar páginas o apps de terceros no oficiales, ya que pueden implicar riesgos de seguridad y violar los términos de servicio de la plataforma.

Qué enseñó el adelanto extendido de GTA 6

El video revela una Vice City con una riqueza visual nunca antes vista y un enfoque narrativo en los protagonistas Jason y Lucía. Destacan la interacción fluida con NPCs, la posibilidad de cambiar de personaje en tiempo real y un sistema de personalización física y emocional que impacta la jugabilidad.

Por primera vez, portar armas a la vista genera reacciones inmediatas y la policía responde con mayor dinamismo. La relación de pareja entre los protagonistas añade una dimensión inédita a la saga.

Según datos de Sensor Tower y reportes de IGN y Variety, el estreno del tráiler en Netflix disparó el tráfico en la plataforma hasta en un 125%, provocando incluso caídas breves en los servidores por la demanda masiva.

El fenómeno GTA 6 muestra cómo la posibilidad de descargar y ver contenido sin conexión es hoy una necesidad básica para millones de usuarios. La experiencia offline garantiza acceso seguro, flexible y de calidad a los adelantos más esperados, y redefine la forma en que consumimos eventos virales en la era digital.

La película arranca con la desaparición de un niño y con el hallazgo del cadáver de otro pequeño en una zona ‘semirrural’ de Nueva Jersey. A partir de ahí, la investigación conecta esos hechos con unos crímenes cometidos 25 años antes por Frank Carter, un asesino condenado a cadena perpetua al que apodaron ‘Whisper Man’ por atraer a sus víctimas hasta la ventana con susurros y una canción infantil.

El centro emocional del filme no está tanto en el asesino como en la fractura entre padres e hijos. Adam Scott interpreta a Tom Kennedy, un novelista de éxito que acaba de enviudar y regresa con su hijo Jake a la pequeña localidad de Nueva Jersey donde crecieron él y su mujer, en busca de un nuevo comienzo tras la muerte de ella.

Una investigación que nos lleva al pasado

El traslado a esa casa antigua y demasiado grande para ambos introduce el componente inquietante. El niño, descrito como solitario y profundamente afectado por la pérdida de su madre, empieza a hablar de presencias invisibles fuera de la ventana o junto al buzón. Poco después, sale de casa por la noche y desaparece.

La investigación recae en la detective Amanda Beck, interpretada por Michelle Monaghan, que detecta similitudes entre los nuevos secuestros y la cadena de asesinatos atribuida décadas antes a Carter. El caso obliga a buscar a Pete Willis, el policía retirado que detuvo al criminal y que sigue obsesionado con una sexta víctima cuyo cuerpo nunca apareció.

Ese veterano detective es el personaje de De Niro, un ‘exagente’ sin aparente interés en volver al trabajo cuando se reabre el caso que marcó su carrera, una desgana funciona incluso como rasgo dramático del personaje.

La conexión personal del caso se vuelve más estrecha cuando aflora el parentesco entre Pete y Tom. Son padre e hijo, están distanciados desde hace años y el escritor incluso ha dejado atrás el apellido familiar. El secuestro de Jake convierte la investigación en un asunto íntimo, además de policial.

Un thriller que promete más de lo que ofrece

El guion de Ben Jacoby y Chase Palmer explota esa herida familiar como su elemento más reconocible y sugiere el coste de una vida absorbida por el trabajo y por un caso nunca cerrado del todo.

Se trata de un thriller policial competente que cumple con su propósito sin salirse de las reglas del género dentro del cine de detectives, en especial con el de los años noventa y principios de los dos mil, con el que guarda ciertos parentescos, en el que había crímenes escabrosos, algunas imágenes impactantes, ciertos elementos sobrenaturales y asesinos despiadados.

La dirección de Ashcroft destaca por su ritmo sostenido y una atmósfera constante, así como por una fotografía dominada por tonos fríos, marrones y verde azulado que la diferencia de otras producciones de Netflix más saturadas en color.

Se trata de un entretenimiento sólido, aunque menos estremecedor de lo que su argumento promete, perfecto para funcionar como relleno dentro del catálogo de la plataforma como producto de consumo inmediato, muy en la línea de lo que está ocurriendo con las producciones recientes como La última casa.

Amybeth McNulty habló sobre la cancelación de Anne with an E en el podcast Live A Little with Nikki Lilly, y no ocultó su decepción después de siete años.

La actriz irlandesa-canadiense confesó que aún mantiene conversaciones con sus compañeros de elenco para encontrar la manera de retomar la serie, y que incluso un largometraje le parecería una salida válida para cerrar la historia de su personaje.

“Había una tristeza, pero también una comprensión”, dijo McNulty en el programa conducido por la presentadora británica Nikki Lilly.

Y agregó: “Lo que más me dolió fue no haber podido despedirme en el set. Me fui con la expectativa de volver, y lo siguiente que recibí fue un par de cosas de mi vestuario por correo”.

La estrella, que pasó tres años de su infancia frente a las cámaras de la producción de Netflix y CBC, fue directa sobre sus deseos:

“La gente todavía quiere una temporada, y yo también. Hablo con el elenco todo el tiempo sobre cómo hacerlo funcionar. Todos queremos hacerlo”.

Ante la propuesta de Lilly de iniciar una petición con millones de firmas, McNulty respondió sin dudar: “Empiézala de nuevo”.

Y aseguró que “aunque fuera una película, solo quiero cerrar su historia. Hay tantos personajes que merecen algún tipo de final”.

Live A Little with Nikki Lilly es un podcast de conversaciones sobre salud mental, identidad y los retos de la vida moderna, disponible en Spotify, Apple Podcasts y YouTube.

La controversia en torno al final de “Anne with an E”

La cancelación de Anne with an E fue anunciada el 25 de noviembre de 2019, cuando CBC y Netflix confirmaron en un comunicado conjunto que la tercera temporada sería la última.

“Esperamos que los fanáticos de la serie amen esta temporada final tanto como nosotros, y que suponga un cierre satisfactorio para el viaje de Anne”, indicaron las dos compañías en la declaración conjunta.

La creadora de la serie, Moira Walley-Beckett, no ocultó su malestar. En Instagram, escribió: “Desearía que pudiera ser diferente, pero no puede serlo”.

Más adelante, en otra publicación que acompañó ilustraciones de fans que pedían la renovación, fue más explícita sobre lo que ocurrió entre bambalinas.

“Intentamos hacerlos cambiar de opinión. Intentamos encontrar un nuevo hogar. Intentamos conseguir una película de cierre... Hicimos todo lo que pudimos”.

En declaraciones a Entertainment Weekly, Walley-Beckett manifestó que le “encantaría escribir un largometraje de cierre”, aunque esa posibilidad nunca se concretó.

La creadora también apuntó a las razones estructurales detrás de la decisión: “El arte y el comercio nunca son un matrimonio fácil. Pero palabras como Economía, Algoritmos y Demografía son la razón por la que las cadenas no quieren continuar”, escribió en Instagram.

La relación entre CBC y Netflix atravesaba fricciones visibles. En enero de 2019, Catherine Tait, presidenta y directora ejecutiva de CBC, equiparó la presencia de Netflix en Canadá con el imperialismo.

“Pensemos en lo que ocurre después del imperialismo y el daño que puede causar a las comunidades locales”, afirmó Tait en un panel.

Stéphane Cardin, director de política pública de Netflix para Canadá, rechazó esa lectura: “No estamos aquí para disminuir la industria ni para hacerle daño. Somos complementarios”, respondió en la misma instancia.

Meses después, en octubre de ese año, Tait volvió a pronunciarse en el podcast Content Canada: “No vamos a hacer acuerdos que perjudiquen la viabilidad a largo plazo de nuestra industria doméstica”, declaró.

La ejecutiva también advirtió sobre la necesidad de que quienes se benefician del sistema canadiense contribuyan a él, en referencia a plataformas como Netflix y Amazon, que —a diferencia de las cadenas locales— no están obligadas a aportar el cinco por ciento de sus ingresos brutos al Canada Media Fund.

La calidad de experiencia al reproducir series, películas o eventos en vivo a través de Netflix depende de la velocidad y estabilidad de la conexión a internet. La plataforma streaming detalla que para acceder a contenidos con la mejor definición posible, es clave contar con una conexión de al menos 15 Mb/s.

El sistema ajusta automáticamente la calidad de la reproducción si la velocidad es inferior, priorizando la estabilidad de la transmisión por sobre la definición visual.

Cuál es la velocidad sugerida para cada tipo de calidad en Netflix

La plataforma streaming diferencia entre tres niveles de calidad de imagen, cada uno asociado a un umbral de velocidad de conexión. Para transmisiones en alta definición (HD), solo se necesita 3 Mb/s. La alta definición completa (Full HD) requiere 5 Mb/s.

Finalmente, la reproducción en ultra alta definición (UHD, 4K), que permite visualizar detalles más nítidos y colores más vibrantes en pantallas de gran tamaño, exige un mínimo de 15 Mb/s. Estas cifras corresponden a la velocidad real disponible en el dispositivo y no a la contratada con el proveedor de internet.

Además, Netflix sugiere comprobar periódicamente la velocidad efectiva, sobre todo si en el hogar se utilizan varios dispositivos conectados a la red simultáneamente.

La presencia de múltiples conexiones activas puede reducir el ancho de banda disponible para la reproducción de contenido, lo que puede ocasionar caídas en la calidad del video o fallas durante la transmisión.

Cómo verificar la velocidad de internet antes de ver una película en 4K

Netflix sugiere a sus usuarios que verifiquen la velocidad de su conexión antes de intentar reproducir contenidos en 4K. Para hacerlo desde un teléfono, tableta o computadora, se debe ingresar al sitio Fast.com, un servicio que mide la velocidad de descarga de manera automática y sin instalar aplicaciones adicionales.

En el caso de televisores inteligentes o dispositivos conectados a la TV, la verificación puede realizarse directamente desde la aplicación de Netflix. Solo hay que acceder al menú de ayuda de la app y seleccionar la opción “Comprobar red”.

Si el sistema arroja un mensaje de error o indica que la prueba no puede completarse, lo más probable es que el dispositivo no tenga acceso a internet en ese momento.

Qué hacer si la velocidad de internet no alcanza el mínimo sugerido

En situaciones donde la velocidad de la conexión no llega a los 15 Mb/s requeridos para la reproducción en 4K, se sugieren una serie de pasos prácticos para mejorar el rendimiento.

El primero consiste en reiniciar el router, una medida sencilla que permite resolver problemas de conectividad y restablecer la estabilidad de la señal WiFi. Esta acción no altera la configuración ni las funciones programadas del módem, y no existe un límite de frecuencia para hacerlo.

Otra pauta es cambiar la contraseña del WiFi de manera periódica. Esta práctica dificulta el acceso no autorizado a la red, lo que puede afectar la velocidad disponible si hay dispositivos ajenos conectados.

Asimismo, es fundamental limitar el número de dispositivos conectados al router, porque cada uno consume parte del ancho de banda total.

Cuáles acciones permiten optimizar la conexión y garantizar una experiencia en 4K

Para quienes buscan la máxima velocidad y estabilidad, utilizar un cable Ethernet en lugar de WiFi es la opción más eficiente. Las conexiones por cable no sufren interferencias y suelen mantener una velocidad más alta y constante que las redes inalámbricas.

Aunque la instalación de un cable puede resultar menos cómoda o requerir adaptaciones en el hogar, la mejora en la calidad de la transmisión suele ser inmediata.

El uso del cable Ethernet es muy útil para actividades como juegos en línea, pero su utilidad se extiende a la reproducción de video en alta definición, incluyendo el streaming de contenidos en 4K.

En cualquiera de los casos, mantener una red doméstica segura y optimizada es clave para aprovechar todas las ventajas que ofrece la plataforma streaming.

Robert De Niro y Michael Keaton protagonizan Susurran tu nombre (The Whisper Man), el thriller psicológico que Netflix estrenó el 28 de agosto de 2026 y que adapta la novela homónima del escritor Alex North.

La película, dirigida por James Ashcroft, sigue la búsqueda de un niño desaparecido en un pueblo de Nueva Jersey con una pregunta central: ¿quién es el nuevo asesino en serie conocido como “el Hombre Susurrante”?

Adam Scott interpreta a Tom Kennedy, un novelista de crimen real cuyo hijo Jake (Acston Luca Porto) es secuestrado.

Ante la urgencia, Tom recurre a su padre distanciado desde hace 25 años, Pete Willis (De Niro), un detective retirado que en su momento capturó al Hombre Susurrante original y que nunca llegó a conocer a su nieto. Por su parte, la detective Amanda Beck (Michelle Monaghan) lidera la investigación policial.

“El telón de fondo de esta historia es obviamente el caso del asesino en serie, pero realmente examinamos ese caso a través del recorrido de cada uno de los personajes”, declaró Monaghan, según difundió Tudum de Netflix. Advertencia: Spoilers más adelante.

Las sospechas recaen primero sobre Norman Collins (Hamish Linklater), un aficionado al crimen real con una coartada sólida.

La investigación da un vuelco cuando Pete y Tom descubren dos cuerpos en el sótano de la casa de Tom: el de Tony Smith, la quinta víctima del Hombre Susurrante original, enterrado bajo el suelo, y el de Dominic Barnett, un exconvicto que servía como enlace y que Collins asesinó tras una disputa.

Antes de que el rastro pueda avanzar, Collins se suicida frente a Amanda y Pete, aunque alcanza a revelar que conectó al Hombre Susurrante encarcelado con alguien en el exterior.

Esa pista lleva a Pete a visitar en prisión al Hombre Susurrante original, Frank Carter (Keaton), quien lleva años enviándole cartas que el detective guardaba en una caja de zapatos.

En el encuentro, Frank intenta provocar a Pete con comentarios sobre la relación con su hijo, y señala que Tom escribe novelas de crimen para parecerse a su padre.

La observación activa una conexión en Pete: si Tom mitificó a su padre ausente, quizás el hijo de Frank hizo lo mismo.

Los encuentros entre De Niro y Keaton, que habían trabajado juntos antes pero nunca compartido plano, fueron uno de los momentos más comentados del rodaje.

“Es como ver un buen partido de tenis del más alto nivel posible”, describió Ashcroft a Netflix Tudum. “En muchos sentidos, son dos de las secuencias de acción más tensas en términos de diálogos reales, actores extraordinarios y ese duelo de mentes que ocurre sobre la mesa”.

La identidad del nuevo Hombre Susurrante queda confirmada al revisar grabaciones antiguas de una entrevista psiquiátrica a la familia de Frank: el asesino es Frank Carter Jr. (Owen Teague), quien habría contactado a sus víctimas en su trabajo como psicólogo infantil en una escuela.

“Sus motivos giran en torno a complacer al padre que nunca pudo ser complacido”, señaló el cineasta. “Me encanta ese dilema moral: estoy viendo a alguien que me genera lástima y que al mismo tiempo hay que detener”.

Por otro lado, North explicó que el personaje “está buscando la aprobación de su padre, tratando de entender quién es a la luz del trato que recibió de él”.

El desenlace es violento. Frank Jr. deja fuera de combate a Amanda y huye con Jake. Pete y Tom lo rastrean hasta la propia casa de la familia, donde se desata una pelea.

Pete libera a Jake del espacio bajo el suelo donde Tony Smith fue asesinado, pero Frank Jr. lo apuñala en el estómago con un destornillador. “¡Corre!”, le dice Pete a su nieto en lo que constituye su primer y último intercambio con él.

“Pete sabía que al involucrarse en esto, todo iba a regresar de alguna manera. Esta es su oportunidad de encontrar redención personal”, explicó Ashcroft.

¿Qué significa la escena final de “Susurran tu nombre”?

Tom persigue a Frank Jr. hasta una confrontación final en el ático, donde el asesino cae a través de una sección del suelo en mal estado que Tom había notado antes.

El nuevo Hombre Susurrante queda detenido y es enviado a prisión, donde su padre lo espera: Frank Sr. lo estrangula en su celda.

“Francis Jr. es la víctima final del Hombre Susurrante original”, afirmó Ashcroft, quien advirtió que la escena no es “un momento de triunfo”, sino “una historia trágica”.

La película cierra con Tom y Jake reunidos, instalados en la casa de Pete. En la escena final, Tom revisa fotografías de su esposa fallecida y encuentra una imagen de ella de niña, con un suéter azul: la descripción exacta de la amiga imaginaria que Jake decía tener.

“Eso era lo más importante para mí, que lo hicieran bien, porque ese es el corazón del libro”, dijo North.

Ashcroft se negó a definir si la revelación tiene una explicación sobrenatural o psicológica: “La amiga imaginaria tiene que funcionar tanto como posible psicosis y/o posible intervención sobrenatural”, declaró el director.

Susurran tu nombre está disponible en Netflix desde el 28 de agosto de 2026.

Aunque la exclusividad del tráiler extendido de GTA 6 en Netflix era de apenas 6 horas, su impacto en la aplicación de streaming ha sido impactante.

Según datos de medios como IGN y Variety, el tráfico en la plataforma aumentó gracias al juego de Rockstar y, al mismo tiempo, generó un pequeño colpaso en su estreno, especialmente en la versión web,

Cómo aumentó la audiencia de Netflix gracias a GTA 6

El debut del ‘Extended Look’ de ‘GTA VI’ supuso un aumento del tráfico en Netflix de un 125 % en comparación con el día anterior, según datos de Sensor Tower difundidos por medios estadounidenses.

Este incremento no solo se reflejó en la navegación web, donde usuarios de computadora aumentaron drásticamente la demanda, sino que también en el uso móvil se registró un alza del 50 % respecto a la media de las últimas 12 semanas para un jueves.

La magnitud de la reacción fue tal que, durante los primeros minutos del estreno, Netflix experimentó caídas momentáneas en sus servidores. Numerosos usuarios compartieron en redes sociales imágenes de la pantalla de error con un pastel desmoronado, símbolo del colapso temporal que afectó a espectadores en varios países. El problema se resolvió en apenas medio minuto, pero evidenció el nivel de expectación y la capacidad de convocatoria que ostenta la saga de Rockstar.

La presentación de contenido exclusivo de franquicias de alto perfil como ‘GTA VI’ se ha convertido en una estrategia clave para Netflix, facilitando tanto la reactivación de usuarios inactivos como la captación de nuevos suscriptores a partir de eventos virales y de alto impacto.

En menos de un día, el tráiler del nuevo Grand Theft Auto superó los 7 millones de reproducciones en YouTube. Solo en el canal oficial de Rockstar se alcanzaron 5,5 millones de visionados en las primeras horas, sin contar los usuarios que accedieron al material antes que nadie a través de Netflix, que disponía de la primicia con seis horas de adelanto respecto a otros canales.

La comunidad gamer, que llevaba trece años esperando la continuación de la saga, respondió con entusiasmo. La franquicia, lanzada originalmente en 1997, acumula más de 470 millones de unidades vendidas en todo el mundo, de las cuales 230 millones corresponden a GTA V, el título previo.

El interés generado por el tráiler también se tradujo en un récord de reservas. Antes de la emisión del ‘Extended Look’, ya se habían vendido más de 4,5 millones de copias en preventa, generando ingresos cercanos a los 450 millones de dólares (USD).

Qué mostró el avance de GTA 6 en Netflix

El avance de media hora presentado por Netflix fue una combinación de fragmentos de gameplay y escenas cinemáticas, editadas con un ritmo ágil y sin comentarios superfluos.

La selección permitió observar algunas de las nuevas mecánicas jugables que distinguen a esta entrega: desde el sistema de cooperación entre los dos protagonistas, Jason y Lucía, hasta el renovado funcionamiento del mundo abierto.

La narrativa gira en torno a estos personajes, que se ven envueltos en una conspiración criminal en el ficticio Estado de Leonida tras un golpe fallido. El jugador podrá experimentar interacciones inéditas, como responder mensajes entre los protagonistas, tomarse de la mano o realizar actividades conjuntas, elementos que amplifican la inmersión.

El mapa de GTA VI duplica el tamaño del de la entrega anterior y presenta una zona urbana once veces más densamente poblada. Además, el sistema de robo de vehículos y la respuesta policial han evolucionado: ahora se requieren herramientas específicas para ciertos coches y las fuerzas del orden solo actuarán si un personaje no jugable presencia el delito o si se utiliza un arma.

Aparecen indicadores visuales que muestran la información que la policía tiene sobre los protagonistas —como rostro, ropa, vehículo y pareja—, lo que añade una capa de complejidad a las persecuciones.

La Ultimate Edition, disponible en preventa, incluye vehículos exclusivos, armas y elementos de acción integrados en la historia principal. La edición física del juego estará a la venta a partir del 12 de noviembre, con la posibilidad de precarga desde esa fecha, mientras que el lanzamiento oficial se producirá el 19 de noviembre para PlayStation 5 y Xbox Series X|S.

La posibilidad de fusionar dos producciones como Las Guerreras K-pop, la exitosa película de Netflix, y Power Rangers, la icónica serie de los años noventa, despierta el interés de los aficionados a la cultura pop y los superhéroes.

Recrear a Las Guerreras K-pop como Power Rangers requiere una serie de pasos claros, accesibles y seguros, que permiten generar ilustraciones sin necesidad de conocimientos técnicos avanzados ni de incurrir en riesgos digitales.

El proceso puede realizarse a través de plataformas de inteligencia artificial (IA) legales como Gemini, el sistema desarrollado por Google, que combina sencillez de uso y protección para los usuarios.

Cómo elegir las imágenes de referencia ideales para la ilustración hecha con IA

El primer paso exige identificar y reunir imágenes de Las Guerreras K-pop y de Power Rangers que cumplan ciertos criterios de calidad. Las mejores referencias son aquellas que presentan rostros, vestimenta y posturas en alta resolución y sin marcas de agua.

La selección de imágenes debe centrarse en archivos compatibles, como JPG o PNG, para asegurar que las plataformas digitales puedan procesarlas correctamente.

Además, conviene que cada imagen represente un aspecto reconocible: uniformes, cascos, poses de acción o detalles de escenografía, en el caso de los Power Rangers, y peinados, atuendos y expresiones propias del mundo K-pop para Las Guerreras.

Una vez elegidas las imágenes, el usuario debe crear una carpeta en su dispositivo para almacenar únicamente los archivos seleccionados para el proyecto. Este método previene la pérdida de material relevante y facilita el proceso de carga de referencias en la plataforma de inteligencia artificial.

Qué ventajas ofrece Gemini frente a otras plataformas de inteligencia artificial

Entre las alternativas disponibles, Gemini destaca por su capacidad para procesar simultáneamente imágenes y texto en una sola instrucción. Acceder a la plataforma requiere una cuenta activa de Google y el ingreso al chat correspondiente, donde se habilita la función para adjuntar archivos desde el dispositivo.

El usuario puede trabajar tanto en la versión web como en la aplicación, lo que amplía el rango de posibilidades. En ambos casos, la combinación de imágenes y descripciones escritas potencia la calidad del resultado, permitiendo ajustes inmediatos según las necesidades del proyecto.

Cómo redactar un prompt efectivo y evitar marcas protegidas por derechos de autor

La redacción del prompt o instrucción es un momento clave del proceso. La mayoría de plataformas digitales restringen el uso de nombres protegidos por derechos de autor, por lo que conviene emplear descripciones indirectas pero precisas.

Un ejemplo de prompt eficaz sería: “Representa a tres jóvenes artistas de pop coreano con peinados llamativos y trajes coloridos, en poses de acción inspiradas en un grupo de héroes de los años noventa, situadas en un ambiente futurista. Es clave que tengan un traje y cascos de diferentes colores cada una”.

Este tipo de indicación ayuda a la inteligencia artificial a captar la esencia visual tanto de Las Guerreras K-pop como de Power Rangers, sin hacer referencias literales que puedan ser bloqueadas o generar inconvenientes legales. Si el resultado inicial no refleja la fusión buscada, se sugiere ajustar el prompt o seleccionar nuevas imágenes de referencia.

Qué hacer una vez generada la imagen final por la IA

Al obtener la imagen definitiva, el siguiente paso es descargar el archivo en el dispositivo y, si se planea compartirlo en redes sociales, agregar una leyenda que aclare su origen.

Un dato importante es que se debe incluir la frase: “Ilustración generada con inteligencia artificial, no oficial”, lo que evita confusiones con contenido oficial y respeta los derechos de autor.

Asimismo, el uso de aplicaciones pirata o no autorizadas debe evitarse en todo momento. El software ilegal expone al usuario a riesgos de malware, pérdida de datos personales y posibles sanciones legales.

Optar por plataformas reconocidas como Gemini garantiza la protección de los derechos de autor y contribuye a mantener la calidad y legitimidad del trabajo realizado.

El cine de aventuras ha vivido varias épocas doradas a lo largo de la historia del cine. A partir de 1930, proliferaron las primeras películas de piratas, caballeros y travesías exóticas, como Robin de los bosques o El capitán Blood. Estos títulos servirían en la década de los 80 como abono para héroes que quizá nos suenen más: Indiana Jones, Conan el bárbaro o La princesa prometida; y también en los 2000, donde Piratas del Caribe o La Momia marcarían a generaciones de niños (y no tan niños) hechizados por las peripecias que veían en las pantallas.

Otra de las películas herederas de ese espíritu aventurero fue Jumanji, la película protagonizada por Robin Williams que, tras su estreno en 1995, se convirtió en otro título de culto dentro del género. Tras el enorme éxito comercial de esta producción (logró más de 260 millones de recaudación), la productora quiso hacer una continuación, pero la idea no avanzó debido a que no lograron dar con una historia que convenciera del todo. Con todo, a partir de 2010 se retomó la idea para reiniciar una franquicia que, pese a no poder contar con el carismático actor (fallecido en 2014), tuvo en 2017 una secuela que superó con creces el éxito de su predecesora.

Estamos hablando de Jumanji: Bienvenidos a la jungla. Fue una película con un reparto completamente renovado, en el que destacaban Dwayne Johnson, Jack Black, Kevin Hart, Karen Gillan y Nick Jonas y que se sitúa varios años después de los eventos de la primera entrega. Con una versión mucho más moderna del juego inmersivo, la nueva producción supuso una oportunidad de descubrir un universo que muchos fans habían creído ya terminado. Al mismo tiempo, también sirvió de digno homenaje al legado de Robin Williams, incluyendo incluso una escena donde los protagonistas encuentran la cabaña en la selva donde vivió el primer protagonista de la saga, con su nombre grabado en la madera.

Una de las sagas de aventuras más taquilleras de la historia

Jumanji: Bienvenidos a la jungla fue un éxito rotundo e inesperado, convirtiéndose en uno de los mayores fenómenos de taquilla de su año. Recaudó más de 962 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto moderado de unos 90 millones, lo que tiene un mérito enorme si se tiene en cuenta que coincidió en cines con otros títulos como Star Wars: Los últimos Jedi. El gran acierto fue cambiar el juego de mesa clásico por un videojuego retro. Esto permitió jugar con las mecánicas del medio: vidas limitadas, fortalezas, debilidades y, sobre todo, la dinámica de los avatares de los adolescentes protagonistas, muchas veces opuestos a sus personalidades reales.

Dos años después, llegaría una secuela directa: Jumanji: Siguiente nivel, que contó con el mismo elenco principal y el mismo director. La película, con un presupuesto mucho más elevado y con escenarios y secuencias mucho más espectaculares, repitió el éxito comercial de la segunda parte y elevó la recaudación total de la saga por encima de los 2.000 millones de dólares. Estas cifras la convierten en una de las sagas de aventuras y acción más taquilleras de todos los tiempos, a la altura de otros universos como los de Jurassic World o Avatar.

Actualmente, tanto la película original de Jumanji como sus secuelas Jumanji: Bienvenidos a la jungla y Jumanji: Siguiente nivel se encuentran en Netflix. Sin embargo, a partir del próximo 1 de septiembre dejarán de poder encontrarse en el catálogo de la plataforma, por lo que estamos en los últimos días en que se pueden ver. Su adiós llega a pocos meses de que se estrene la cuarta película de la franquicia: Jumanji: Mundo abierto. Este nuevo título llegará en diciembre de este 2026 y contará una vez más con el reparto principal, planteado como la gran conclusión de este segundo ciclo de la saga.

¿Qué culpa tiene Fatmagül? regresó a México trece años después de que la producción turca sacudió la televisión de señal abierta en América Latina con una historia sobre violación, impunidad y la búsqueda de justicia de una mujer. La serie, protagonizada por Beren Saat y Engin Akyürek, estuvo disponible en 149 países y se convirtió en la quinta producción más vista de la historia de la televisión turca.

La plataforma incorporó los 80 episodios con opciones de audio en español y portugués según el territorio. Los usuarios en México pueden encontrarla buscando el título original, Fatmagül, o su nombre en español.

La telenovela está en Netflix.

Fatmagül es violada y forzada a casarse con uno de sus agresores

La historia arranca en un pueblo costero a orillas del mar Egeo. Fatmagül Ketenci trabaja en la lechería de su hermano y está comprometida con Mustafá, un pescador del mismo pueblo. Una noche, tras una celebración, cuatro hombres —Kerim, Vural, Erdogan y Selim— la agreden sexualmente. Kerim, que había bebido en exceso, no recuerda con claridad qué ocurrió y asume toda la responsabilidad para proteger a sus amigos.

Las familias de los agresores, que pertenecen a una clase acomodada, negocian en silencio para evitar el juicio. Sobornan a la cuñada de Fatmagül, Mukaddes, y presionan para que ella retire la denuncia. El mecanismo es brutal en su lógica: el matrimonio entre víctima y agresor como solución al “problema del honor”.

Mustafá rompe el compromiso. Fatmagül acepta casarse con Kerim. Los dos, junto a sus respectivas familias, se mudan a Estambul. Desde ahí comienza la trama central: la joven reconstruye su vida mientras los verdaderos responsables —Selim, Erdogan y Vural— operan desde el privilegio para que la verdad no llegue a un tribunal.

La serie está basada en una novela de 1976 que impulsó debates reales en Turquía

El origen del relato es literario. Vedat Türkali publicó la novela Fatmagül’ün Suçu Ne? en 1976, y la adaptación televisiva llegó en 2010 bajo la dirección de Hilal Saral, con guion de Ece Yörenç y Melek Gençoğlu. La producción se emitió en Turquía entre 2010 y 2012, y su transmisión coincidió con un aumento en la visibilidad pública de las denuncias por violencia sexual en ese país.

En México y el resto de América Latina, la serie llegó por televisión abierta y de paga en distintos momentos de la década de 2010, donde generó audiencias considerables y debates sobre violencia contra las mujeres, impunidad y el peso del “honor” familiar sobre las víctimas.

Quiénes son los actores principales

Beren Saat interpreta a Fatmagül Ketenci, el personaje central. La actriz turca es una de las figuras más reconocidas de la televisión de su país. Engin Akyürek da vida a Kerim Ilgaz, el hombre que acepta cargar con la culpa del crimen y que termina casado con la protagonista. Fırat Çelik es Mustafá, el prometido que abandona a Fatmagül tras la agresión.

El elenco se completa con Buğra Gülsoy como Vural, Kaan Taşaner como Erdogan y Engin Öztürk como Selim, los tres agresores que intentan escapar de la justicia a lo largo de los 80 episodios que dura la serie. Murat Daltaban interpreta a Münir Telci, el abogado que orquesta el encubrimiento.

Cómo termina la historia

Al cierre de la serie, Selim y Erdogan son juzgados y condenados por violación, agresión física, daño psicológico y tentativa de fuga. El padre de Selim recibe una pena adicional por alterar y destruir información del caso. Vural muere antes de llegar al juicio. Mukaddes, la cuñada que aceptó el soborno, es declarada culpable pero paga solo una multa y queda en libertad.

Fatmagül y Kerim, que ya estaban legalmente casados, celebran una ceremonia simbólica al concluir el proceso judicial. Afuera del tribunal, una multitud de mujeres recibe a Fatmagül.

A los 76 años, Almodóvar mantiene la capacidad de incomodarse a sí mismo y de interpelar al espectador, en una etapa vital marcada por problemas de salud —una infección ocular y sordera progresiva— que no frenan su impulso creativo.

Ficción y autobiografía: un juego de espejos

La estructura de Amarga Navidad profundiza en el fenómeno de la autoficción, cada vez más visible en el cine contemporáneo. La película narra la historia de un director de cine que escribe sobre una directora —personaje interpretado por Bárbara Lennie—, quien a su vez concibe su propio proyecto fílmico. A esta trama se suma un escritor, encarnado por Leonardo Sbaraglia, que imagina la vida de la protagonista.

El resultado es una estructura en espejo que exige atención del público y cuestiona dónde termina la autobiografía y dónde comienza la ficción.

“Creo que es el filme más arriesgado que hice en mi vida”, reveló el propio Almodóvar en una entrevista con The Guardian. El guion, basado en un relato breve escrito por el cineasta en 2003 y publicado 20 años después, recupera episodios personales marcados por ataques de pánico y migrañas, dolencias que el director padeció en esa etapa.

La película trasciende la anécdota privada al plantear un dilema ético: ¿hasta dónde puede un creador apropiarse de vivencias propias y ajenas para alimentar su obra?

El director, el alter ego y los límites de la inspiración

En Amarga Navidad, el personaje de Raúl —interpretado por Leonardo Sbaraglia— funciona como alter ego declarado del propio Almodóvar. El director confesó: “Al menos el 80% de sus diálogos son cosas que yo podría decir”.

En la trama, el asistente del protagonista, Mónica (Aitana Sánchez-Gijón), descubre que su jefe utilizó aspectos íntimos de su vida para escribir el guion y termina enfrentándolo. La película, en palabras de Almodóvar, “es refrescante y divertido ser tan cruel contigo mismo”.

El cineasta ya había explorado los riesgos de transformar experiencias ajenas en materia de ficción. Recuerda, por ejemplo, cómo una amiga se enfureció al ver reflejada una vivencia traumática en clave de comedia en Mujeres al borde de un ataque de nervios. “En ese momento no lo entendí, porque yo lo veía como un homenaje: había convertido algo oscuro de su vida en comedia”, admitió. Estas tensiones atraviesan la película y amplifican el debate sobre la ética en la creación artística.

Influencias literarias, secretos y el caso Alice Munro

El estreno de la película coincide con la reaparición en la agenda del nombre de Alice Munro. Almodóvar adaptó en 2016 tres relatos de la Nobel canadiense para su filme Julieta.

En declaraciones recientes, el director expresó su asombro al conocer, tras la muerte de Munro, detalles ocultos de su biografía que resignifican aquellos textos. “Intento no juzgar, pero me parece increíble”, dijo al referirse a la forma en que la autora transformó episodios familiares traumáticos en literatura.

El caso Munro, sumado a su experiencia personal, lleva a Almodóvar a reflexionar sobre la distancia —o la falta de ella— entre vida y obra, y el derecho de los creadores a inspirarse en historias ajenas. El debate sobre los límites éticos de la autoficción no es nuevo, pero adquiere otra dimensión cuando el propio director se expone como antagonista de su película y asume los riesgos de la autocrítica.

El cine ante el streaming: salas, polémicas y el futuro del arte

Almodóvar tampoco evita la discusión sobre la exhibición de cine en salas frente al avance del streaming. El director fue una de las voces más críticas contra Netflix en el Festival de Cannes de 2017, anticipando que la desaparición de los estrenos tradicionales pondría en riesgo el arte del cartel, la moda de las premieres y la emoción colectiva de la sala.

En su diálogo con The Guardian, recuerda aquel episodio y su confrontación con Will Smith, miembro del jurado en esa edición, quien apoyó públicamente a la plataforma. “Decía cosas muy tontas. La prensa americana habló en mi contra y a favor de él. Y luego, con los años, descubrieron cómo es Will Smith en realidad”, afirmó, en alusión al escándalo en los Oscar de 2022.

El director sostiene que, a pesar de los cambios tecnológicos y de su edad, conserva intacto el deseo de seguir filmando. Próximo a publicar en octubre su primera novela, El hombre que solo escribía en avión, Almodóvar niega cualquier pulsión de retiro: “A diferencia de Buñuel en aquel momento, yo todavía estoy completamente lleno de deseo de seguir haciendo películas. Buñuel quería descansar en México. Y yo no quiero descansar nunca”.

“No hay manera de no sentirse un poco culpable por no estar en momentos en los que deberías, o en los que crees que deberías”, dijo el actor de 83 años.

Aun así, fue categórico al rechazar la idea de que su carrera haya ocupado un lugar por encima de su familia. “No lo veo de esa manera. Quiero decir, estaba ocupado, por supuesto, pero siempre amé a mis hijos”, sostuvo.

De Niro es padre de siete hijos nacidos en distintas etapas de su vida: Drena, de 54 años; Raphael, de 49; los mellizos Julian y Airyn, de 30; Elliot, de 28; Helen, de 14; y Gia, de 3 años, fruto de su relación con su pareja Tiffany Chen.

Esa diversidad de edades convierte su experiencia como padre en un recorrido de más de 50 años, desde hijos adultos con vidas propias hasta una niña en plena primera infancia.

Antecedentes de sus declaraciones sobre la paternidad

La reflexión sobre la paternidad no es nueva en De Niro. En septiembre de 2025, durante una aparición en el programa televisivo Who’s Talking to Chris Wallace?, el actor ya había reconocido que “hizo lo mejor que pudo” como padre a lo largo de los años. Esa misma línea de pensamiento —la del esfuerzo honesto frente a las limitaciones del tiempo y la agenda— es la que retomó en su conversación con People.

El protagonista de Toro salvaje también había abordado su filosofía parental en una entrevista con Entertainment Tonight en 2025, donde trazó con claridad cuál considera que es el rol de un padre. “Lo más importante es apoyar a tus hijos”, afirmó.

“Mientras no se estén haciendo daño, no hagan nada destructivo, tienes que apoyarlos, punto. Incluso si no estás de acuerdo, tienes que apoyarlos. Y ellos tienen que saber que siempre los apoyas. Siempre”, agregó.

Esa postura refleja una concepción de la paternidad centrada en el respaldo incondicional antes que en el control o la presencia constante.

El contexto del estreno de “The Whisper Man”

La ronda de entrevistas en la que el actor volcó estas reflexiones estuvo motivada por el lanzamiento de The Whisper Man, disponible en Netflix desde el 28 de agosto de 2026.

La producción, dirigida por James Ashcroft y producida por Anthony y Joe Russo, es una adaptación de la novela homónima del escritor británico Alex North, publicada en 2019. La historia gira en torno a un padre que, tras la muerte de su esposa, se muda con su hijo a un pueblo pequeño donde años atrás un asesino en serie sembró el terror. De Niro interpreta a Pete, un exdetective que debe volver sobre el caso que marcó su vida.

El filme se suma a una carrera que abarca más de 100 películas y más de 50 años de actividad, marcada por dos premios Oscar: el primero por El padrino II en 1975 y el segundo por Toro salvaje en 1981.

Moria reapareció en el teatro después de sus vacaciones y habló del impacto que tuvo el estreno de su serie biográfica, que según remarcó se ubicó entre lo más visto en Argentina, Uruguay y otros países de Latinoamérica. En medio de la repercusión por la producción, también evitó referirse al conflicto judicial que impulsa la familia de Luis Vadalá por cómo fue retratado en pantalla.

Ante el ciclo de Primicias Ya (América TV), la diva explicó por qué decidió viajar en medio del lanzamiento. “Y bueno, me fui de vacaciones porque me lo merezco. Con el cumpleaños, siempre de cumpleaños trato de volar, cruzar océanos y pasarla bien. Y estoy feliz”, expresó al retomar la actividad.

En ese tramo de la charla, Casán también celebró el alcance de la serie y detalló el rendimiento que tuvo en la plataforma. “Imaginate, primera en Argentina, Uruguay, qué sé yo, cantidad de países. Me excede un poco tanta globalización, pero feliz”, afirmó.

Cuando el cronista le mencionó el enojo de la familia de Vadalá por la imagen que se muestra del ex de la vedette, la artista optó por no profundizar. “No voy a hablar de eso. Chicos, estoy tres e: exonerada, envaselinada y elevada”, respondió.

Lejos de dar precisiones sobre la controversia, insistió con esa idea y vinculó su postura al marco de producción de la serie. “Te imaginás que si hago una serie de este corte con la plataforma más importante del mundo y una productora como About, tengo exoneración. Busquen lo que significa. Libre de todo, mis amigos”, señaló.

Sobre el final del intercambio, el notero le comentó que Sofía Gala Castiglione, su hija y protagonista de la serie, había dicho que lo que se mostró de su expareja había sido “muy light”. Moria cerró sin agregar detalles: “Lo que diga Sofía está bueno”.

Sofía habló en Puro Show (El Trece) y expresó su satisfacción por el recibimiento del público. “Estoy muy contenta, muy agradecida por el amor, principalmente, que está recibiendo la serie”, dijo. Luego explicó que las devoluciones positivas tienen mucho más peso que cualquier señalamiento adverso. “Lo bueno es cuando la gente te da cariño te llega más, ¿viste? Porque la gente se te acerca, te habla. Lo malo no me llega porque no estoy pendiente de eso”, sostuvo al ser consultada por las críticas en redes.

La actriz también se refirió al enojo de la familia de Luis Vadalá y la posible demanda que entablaría por la manera en que fue retratado el vínculo con Moria Casán en la serie. Lejos de esquivar el tema, Sofía marcó que, según su mirada, la ficción incluso suavizó varios aspectos. “Sí, pienso que la serie dejó muchas cosas afuera de ese personaje, que siento que fueron muy amables con él en la serie, que deberían estar contentos”, afirmó. Cuando desde el ciclo le plantearon que la historia podría haber sido todavía más dura, respondió sin rodeos: “Total”.

Sobre cómo se tomó esa decisión narrativa, Sofía planteó que la relación entre Moria y Vadalá ocupaba solo una parte dentro de una historia mucho más amplia. “Siento que si se empezaba a contar todo lo que pasó, hay que hacer una serie aparte”, manifestó.

Scodelario tiene a su cargo el papel de Suzy en la producción dirigida por Ritchie. Desde antes de comprometerse formalmente y firmar su contrato, la actriz respaldó y defendió al personaje. De acuerdo con lo que narró en Off Menu, después de atravesar un extenso proceso de audiciones, solicitó mantener una conversación de manera directa con el equipo creativo.

Su intención en ese encuentro era asegurarse personalmente de que el rol que desempeñaría no sería relegado ni quedaría en un lugar secundario dentro de la historia.

“Nunca conocí a una mujer que no sea complicada, así que nunca quise interpretar a un personaje sin esa complejidad”, declaró la actriz, según recogió el podcast. Ante la duda de si las promesas del equipo se cumplirían, la actriz fue directa: “Hollywood miente, bebé”, admitió en Off Menu, aunque aclaró que en este caso el equipo sí cumplió lo acordado.

Ritchie tenía la intención expresa, explicó, de dar a Suzy una profundidad y una progresión a lo largo de las temporadas que no había explorado antes en sus trabajos.

La segunda temporada incluirá, anticipó Scodelario, una faceta inédita para el personaje: “Puede que la veamos enamorarse, y eso es bastante singular porque ella es una jefa total”.

La actriz aclaró que no es de las que intentan reescribir los guiones, pero sí de las que trabajan junto a los escritores desde el inicio del proceso para moldear hacia dónde va el personaje.

El reparto de la serie cuenta con figuras como Ray Winstone y Theo James, este último ya conocido de la saga Divergent y, como recordó Scodelario en el programa, presente también en la película de The Inbetweeners. “Theo es mi marido de trabajo”, dijo la actriz con humor sobre James, con quien comparte protagonismo en la ficción de Ritchie.

De Maze Runner a Skins

El paso de Scodelario por Maze Runner —la trilogía de ciencia ficción de 20th Century Fox basada en las novelas de James Dashner que entre 2014 y 2018 recaudó más de USD 900 millones en todo el mundo— no apareció de forma directa en la conversación, aunque Gamble y Acaster sí la mencionaron en la presentación del episodio al enumerar los hitos de su carrera.

La actriz, quien fue la encargada de dar vida al personaje de Teresa en las tres películas, desarrolló desde ese momento una carrera que está cada vez más vinculada a producciones de origen europeo y también al trabajo profesional en Londres. Esta ciudad inglesa es, además, el lugar donde se lleva a cabo la mayor parte del rodaje de Los caballeros.

Sobre su etapa en Skins, la ficción juvenil de Channel 4 que la lanzó a la fama cuando tenía entre 16 y 17 años, Scodelario recordó con ironía que el elenco “no salía mucho” durante el rodaje por temor a la reacción del público en la calle, y que la excursión anual al festival T4 on the Beach era prácticamente su única válvula de escape.

Esa referencia derivó en un intercambio con los conductores del podcast sobre una supuesta rivalidad con el reparto de The Inbetweeners, otra serie emblemática de la época, que la actriz desmintió con matices: “Nosotros solo nos estábamos divirtiendo; ellos estaban sentados en la parte trasera del autobús en completo silencio”.

La segunda temporada de Los caballeros se estrena el 3 de septiembre en Netflix.

La espera parece más corta tras conocer finalmente los detalles de lo que viviremos en GTA 6. El juego de Rockstar reveló gran parte de su jugabilidad e historia a través de un tráiler publicado en Netflix.

Después de una espera de 13 años, los fans de la saga de Grand Theft Auto tendrán una nueva entrega el próximo 19 de noviembre en PlayStation 5 Xbox Series X|S, con un juego mucho más ambicioso con mayores interacciones con los NPC (personajes no jugables), cambios entre los dos protagonistas en tiempo real y un alto nivel de personalización.

Qué mostró GTA 6 en Netflix

Durante los 26 minutos que dura el tráiler, Rockstar nos mostró diferentes momentos del juego. El primer impacto es el alto nivel de detalle visual, con animaciones fluidas, iluminación y las reacciones de los personajes.

En el video también destacaron la fuerte relación que tendrán los dos personajes principales, Jason y Lucía, tanto en su relación de pareja como en su trabajo en equipo para realizar asaltos y su diferentes misiones. Aunque también hubo énfasis en lo que cada podrá hacer por separado.

En lo relacionado con la jugabilidad, vimos el funcionamiento del sistema de disparos, en el que hay bases de lo que fue Max Payne 3 y el peso de las armas de Red Dead Redemption 2, diferente a lo que muchos criticaron de GTA 5 por la falta de precisión.

El cambio de personajes también se siente fluido como en la última entrega, en el que cada uno está haciendo cosas diferentes por el mapa. Aunque también habrá momentos para cambiar con ellos en medio de las misiones.

Otro punto interesante son las referencias satíricas a la realidad actual, como el funcionamiento del a publicidad excesiva, las redes sociales y la televisión. Un sistema que clave será la alimentación y el ejercicio, así que vimos cómo es posible elegir la comida y otros aspectos externos a las misiones con actividades ajenas como carreras y combates.

Un cambio clave a nivel narrativo será el manejo de la relación de Jason y Lucía, ya que en las anteriores entregas nunca hubo una historia romántica y aquí ese será un punto clave, al ser dos personajes con una química marcada, pero en medio de diferentes situaciones como la posibilidad de ser los encargados de la seguridad de la presidente de una compañía.

Más detalles de cómo será el mundo de GTA 6

Además del contenido de Netflix, Rockstar le dio acceso a la revista Dozed al juego de manera anticipada, por lo que tenemos más novedades de la jugabilidad.

Por primera vez, portar armas a la vista genera reacciones inmediatas: los NPC muestran miedo, huyen o avisan a la policía, que responderá con mayor rapidez ante amenazas. La narrativa gira en torno a Jason Duval y Lucía Caminos, una dupla inspirada en “Bonnie y Clyde”, cuyas decisiones y relación afectan el desarrollo de la historia y las interacciones con el entorno.

El mundo abierto de Vice City y el estado de Leonida destaca por su diversidad cultural y social. El equipo de Rockstar realizó investigación con exdelincuentes, policías y habitantes locales, logrando un ecosistema urbano creíble. La variedad de NPCs, estilos y productos refleja la vida real de Miami y alrededores.

La personalización física vuelve ampliada: alimentación, ejercicio y hábitos alteran el aspecto y las capacidades de los protagonistas, incluso su percepción por otros personajes. El cansancio, el estrés y los excesos dejan marcas visibles en Jason y Lucía, impactando la jugabilidad y la narrativa.

Dónde ver el tráiler de GTA 6

Aunque Netflix tuvo la exclusividad de esta mirada extendida, Rockstar confirmó que el contenido se podrá ver en otros plataformas seis horas después de la publicación en la aplicación de streaming.

Por lo que el tráiler extendido de GTA 6 también estará disponible en YouTube y en la página oficial del juego desde cualquier parte del mundo desde las las 9:00 p.m. (ET), 10:00 p.m. de Argentina y 7:00 p.m. de México

Nacido en Ituzaingó (el mentado Oeste del GBA) donde vive y filma desde siempre, Perrone construyó una obra de más de 60 películas de manera completamente independiente, ajena a las reglas industriales y profundamente ligada a su territorio e idiosincrasia. Acorde a la caracterización del personaje, una tajante opinión que define el estado de las cosas de la industria cinematográfica. “Netflix no me gusta para nada. Muchas de las películas argentinas de hoy tienen ese tufillo: los títulos todos iguales y filmados de la misma manera. No hay un sello autoral detrás.”

Volvamos a CIN3 FILI4. Sigue a tres jóvenes —dos chicos y una chica— que se juntan en bares y cafés a hablar de cine. Analizan a Godard, a Cassavetes, a Lubitsch. Van juntos a ver Crónica de un niño solo, de Leonardo Favio. Pero las películas son solo el punto de partida: en el fondo, hablan de ellos mismos, del amor y de cómo miran el mundo. “Ellos empiezan hablando de cine, pero en realidad terminan hablando de sus cosas”, explica Perrone. “El cine está ahí como una especie de disparador. Uno habla de una película y de pronto está hablando de su vida, de lo que le pasa, de cómo mira el mundo.”

La película, filmada en blanco y negro y en formato 4:3, tiene los mismos códigos visuales del cine francés de los años 60. Hay miradas a cámara, música incidental y vestuarios que trasladan el París de mediados de esa década al Gran Buenos Aires de los 2020. Y hay también un viaje poco usual en la obra de Perrone: la cámara sale del conurbano y llega a la calle Corrientes, con sus espectáculos en vivo y sus librerías con viejas ediciones en DVD de clásicos de Pasolini.

Esa distancia con la industria y con las plataformas no es una pose: es el núcleo de una carrera construida deliberadamente fuera del sistema. “Trato siempre de hacer lo que quise, no traicionarme y no echarle chapa a las modas”, dice. Y cuando se le pregunta si vive el estreno de otra manera que hace veinte o treinta años, la respuesta no deja margen: “Sí, desgraciadamente, sí. Con los mismos nervios. Recién descanso una vez que la película terminó.”

El cine en la era de las plataformas y la cultura efímera

—¿Algo cambió en el cine con el advenimiento de las plataformas?

—Lo que cambió, me parece, es que va mucha menos gente. Todo es muy efímero. Todo pasa muy rápido. No es como en los 90, que era una ebullición de música, de talento, de escritores, de películas nuevas. Y había un poco el título de cinefilia que tiene que ver con eso. Me acuerdo que yo iba al Lorca, y era una caravana. Íbamos a las doce de la noche a ver la película y después nos íbamos a la calle Callao, que estaban los 36 Billares. Venía la gente conmigo. Se manifestaba de otra manera. Y ahora me parece que es todo celular, todo Netflix. Pero hay que ponerle el pecho a las balas y tratar de ir y ver cómo sale.

—¿Notás que el cine está condicionado por esa irrupción de las plataformas?

—Sí, un poco sí. Fíjate que creo que cada pibe que sale o que estudia cine tiene la fantasía de ir al Festival de Cannes o que su película vaya a Netflix. Hay una obsesión con eso. Parece que eso te da la cocarda de ser director de cine, porque estás en Netflix. Yo creo que en un punto ayuda a que mucha gente tenga trabajo, pero estas plataformas no buscan autores: te eligen por algoritmo. Si vos le preguntás a alguien cuál es el director de una película o la otra, no saben quién la hizo. Claro que te condiciona. Pero me parece que el hecho es, más que quejarse, salir a hacer películas en la medida que uno pueda.

—¿Ves películas a través de las plataformas?

—No, no me resulta, la odio profundamente. No me gusta para nada. Solo alguna vez que me ha pasado algo que me interese. Me parece que muchas de las películas argentinas de hoy tienen ese tufillo: poner los títulos todos iguales, todos filmados de la misma manera. Es un menjunje de cosas. No hay un sello autoral detrás de esas películas. Yo busco otra cosa, como hay otros también que la buscan, pero es muy difícil porque... Te la meten, te la meten, te la meten y bueno, atrapan a cierto sector.

—La película está hecha en blanco y negro. ¿Es una respuesta estética a este tiempo que describís?

—Qué sé yo. Eso queda en cada uno. Está hecha en blanco y negro porque ya hice más de quince películas en blanco y negro y con la pantalla 4:3, como se filmaba en esa época. Yo elijo hacerla en blanco y negro o color, depende del tema que estoy haciendo. No es un homenaje a la nouvelle vague ni tratar de que tenga ese look para decir que es otra época. Uno puede hacer creer honestamente cuando filma de que la película tiene otra época y lo podés adaptar tranquilamente a cómo pasaron las cosas. Todo es cuestión de cómo percibe el ojo. Yo creo que una vez que la película te atrapó, te olvidás de todo eso.

*CIN3 FILI4 se proyecta desde el jueves 27 de agosto a las 19.30 en el Cine Gaumont (Av. Rivadavia 1635, CABA).

Rockstar Games lanzará este jueves 27 de agosto un avance extendido de Grand Theft Auto VI, una presentación especial que permitirá conocer más detalles sobre uno de los videojuegos más esperados de los últimos años.

Este material, titulado Grand Theft Auto VI: Una mirada extendida, se estrenará primero de forma exclusiva en Netflix y llegará a YouTube seis horas después, por lo que los seguidores que no tengan una suscripción al servicio de streaming deberán esperar para verlo gratuitamente.

El lanzamiento se produce mientras continúa la atención sobre las recientes filtraciones relacionadas con el juego y a pocos meses de su esperado estreno en noviembre. Aunque Rockstar no ha detallado completamente el contenido del especial, todo apunta a que la presentación irá más allá de un tráiler convencional y ofrecerá una visión más amplia de la historia, el mundo y las mecánicas de juego de GTA 6.

A qué hora se estrena el avance extendido de GTA 6 en Netflix

Grand Theft Auto VI: Una mirada extendida debutará en Netflix a las 15:00 horas del Este de Estados Unidos. Para los seguidores de Latinoamérica y España, estos son los horarios previstos:

• México: 13:00 horas.
• Colombia: 14:00 horas.
• Perú: 14:00 horas.
• Chile: 15:00 horas.
• Argentina: 16:00 horas.
• España: 21:00 horas.

Para acceder al contenido en el momento de su estreno será necesario contar con una suscripción activa a Netflix. Esta decisión ha generado críticas entre algunos fanáticos, especialmente entre quienes consideran que un material promocional de un videojuego debería estar disponible de forma abierta desde el primer momento.

La exclusividad, sin embargo, será temporal. Netflix tendrá el avance durante seis horas antes de que Rockstar Games lo publique para el resto del público.

Cuándo se podrá ver GTA 6 en YouTube

Una vez finalizado el periodo de exclusividad en Netflix, Rockstar Games publicará el avance extendido en su canal oficial de YouTube. El estreno está previsto para las 21:00 horas del Este de Estados Unidos del 27 de agosto, aunque en España ya será la madrugada del día siguiente.

Estos son los horarios para algunos de los principales países de Latinoamérica y España:

• México: 19:00 horas.
• Colombia: 20:00 horas.
• Perú: 20:00 horas.
• Chile: 21:00 horas.
• Argentina: 22:00 horas.
• España: 03:00 horas del 28 de agosto.

De este modo, quienes no cuenten con Netflix podrán ver el material de manera gratuita a través de YouTube, aunque tendrán que evitar las redes sociales y las posibles revelaciones durante las primeras horas posteriores al estreno.

Un lanzamiento que vuelve a poner a GTA 6 en el centro de la conversación

La publicación de este nuevo contenido llega en un momento de máxima expectación alrededor de Grand Theft Auto VI. Cada anuncio, tráiler o filtración relacionada con el videojuego genera un enorme interés entre los seguidores de la saga y en la industria del entretenimiento.

La decisión de estrenar primero el material en Netflix también podría multiplicar las reacciones en internet. Millones de usuarios estarán pendientes del contenido desde su lanzamiento y numerosos creadores podrán publicar análisis, comentarios y vídeos relacionados con las novedades que presente Rockstar.

Esto representa un riesgo de spoilers para quienes decidan esperar la llegada del especial a YouTube. Si la presentación revela detalles importantes sobre la trama, personajes o jugabilidad, las redes sociales podrían llenarse rápidamente de capturas y explicaciones sobre lo mostrado.

Por ahora, Rockstar mantiene la expectativa sobre el alcance exacto de Una mirada extendida. La promesa es ofrecer un vistazo más profundo al videojuego que el de los tráileres publicados hasta ahora, lo que explica el interés que ha despertado su lanzamiento.

Sacrificios de Sangre se convirtió en la serie más popular de Netflix en México gracias a una historia breve, de solo cinco episodios, que combina asesinatos seriales, secretos dentro de la policía y una complicada relación entre padre e hijo.

La miniserie sueca presenta un caso criminal que parece dirigido contra agentes de seguridad, pero que poco a poco revela una red de responsabilidades, encubrimientos y venganzas. La producción mantiene el misterio hasta sus últimos minutos y deja claro quién estaba detrás de los asesinatos y qué ocurrió realmente con el policía cuya muerte desencadenó toda la violencia.

¿De qué trata Sacrificios de Sangre?

La historia sigue a Thomas Berg, un inspector que debe investigar una serie de asesinatos contra integrantes de la policía durante un verano en Estocolmo.

Todo comienza con una llamada de emergencia sobre un supuesto allanamiento en una casa de verano. Dos policías acuden al lugar, pero no encuentran nada extraño. Al día siguiente, ambos aparecen muertos.

El crimen abre una investigación que pronto revela un patrón: cada viernes, a la misma hora, un nuevo agente es asesinado. Thomas entiende que debe encontrar al responsable antes de que ocurra el siguiente ataque.

Para resolver el caso, recurre a Alfred Berg, su padre y un expolicía retirado. La colaboración obliga a ambos a enfrentar una relación familiar marcada por la distancia mientras siguen las pistas de un asesino que parece conocer el funcionamiento interno de la corporación.

La sospecha inicial apunta a una agresión externa contra la policía. Sin embargo, la investigación descubre que el origen de los crímenes está mucho más cerca de lo que imaginaban.

Final explicado de Sacrificios de Sangre

El desenlace revela que los asesinatos están relacionados con la muerte del agente Hugo Brankovic. Una de las víctimas había encontrado una conexión entre los policías asesinados y el caso de Brankovic, cuya muerte estuvo marcada por errores cometidos por otros integrantes de la corporación.

La institución no tomó las medidas necesarias para esclarecer lo ocurrido, lo que alimentó el deseo de venganza de Peter Johansson, amigo y compañero de Hugo.

Johansson perdió a su amigo y también la vida que conocía dentro de la policía. Convencido de que varios mandos eran responsables de encubrir la verdad, decidió castigar a quienes consideraba culpables mediante una cadena de asesinatos.

Entre las personas señaladas se encontraba Alfred Berg, padre de Thomas y antiguo integrante de los altos rangos de la corporación.

Sin embargo, el final introduce un giro decisivo: la muerte de Hugo Brankovic no fue consecuencia directa de una conspiración de todos los policías perseguidos por Johansson. La responsabilidad recaía en Lucas Lind, quien ocultó lo ocurrido para evitar una investigación interna y las consecuencias que podían derivarse de sus actos.

Johansson nunca descubre por completo esa verdad. Convencido de que Alfred formaba parte de los responsables, lo secuestra para atraer a otros policías y continuar con su plan.

Thomas llega antes que el resto. Padre e hijo quedan nuevamente unidos, aunque ahora bajo una amenaza directa. Tras un enfrentamiento físico, Thomas logra reducir a Johansson y salvar a Alfred.

El responsable de los asesinatos es detenido y puesto a disposición de la justicia. El caso se cierra con la captura de Johansson, mientras la investigación revela que la cadena de violencia nació de una tragedia mal esclarecida y de un encubrimiento que permitió que la búsqueda de justicia se transformara en venganza.

El primer cruce: dudas y admiración

Adam Scott, de 53 años, relató a PEOPLE cómo fue ese primer cruce en los Emmy. “Estaba sentado justo detrás de De Niro y pensé si debía saludarlo. Me pareció demasiado vergonzoso, así que preferí esperar”, contó.

Esa sensación de incomodidad tuvo raíces profundas: Scott explicó que desde joven admiraba a De Niro, tanto que guardaba una fotografía suya en su casillero de la secundaria. Esa admiración lo llevó a dudar en acercarse, limitándose a observarlo desde su asiento.

El actor reconoció que la figura de De Niro siempre le impuso respeto. “Él es el referente. Así que estaba aterrado de conocerlo y de trabajar con él”, afirmó en la misma entrevista. Este primer encuentro, aunque silencioso, definiría la actitud de Scott cuando finalmente coincidieron en el set de The Whisper Man.

De la incomodidad al rodaje conjunto

El salto de la admiración distante a la colaboración se dio con el inicio del rodaje en Nueva York. En The Whisper Man, Robert De Niro interpreta a Peter, el padre del personaje de Adam Scott, Tom.

La trama, con tintes de thriller, se centra en el secuestro del hijo de Tom, lo que lo obliga a buscar la ayuda de su propio padre, con quien mantiene una relación distante.

Sobre el trabajo en común, Scott expresó a PEOPLE: “No, fue genial”. Reconoció que el guion, la dirección de James Ashcroft y la dinámica de los personajes ayudaron a que la experiencia fuera positiva. La relación profesional se volvió fluida, y el respeto mutuo prevaleció durante todo el rodaje.

PEOPLE también mencionó que De Niro confesó haber visto algunos trabajos previos de Scott, aunque no estaba familiarizado con sus papeles más populares. Este detalle facilitó el acercamiento y permitió que ambos actores comenzaran a construir una relación basada en la colaboración y el reconocimiento.

El impacto en el elenco y la dinámica en el set

The Whisper Man se estrena en Netflix el 28 de agosto y cuenta con un elenco en el que también destaca Michelle Monaghan. La actriz interpreta a la detective encargada del caso de secuestro y compartió con PEOPLE la presión que sintió al trabajar junto a De Niro.

“Lo hablamos en profundidad, porque teníamos que compartir nuestra atención, nuestra agitación y nuestro miedo”, señaló Monaghan sobre sus conversaciones con Scott.

La influencia de De Niro en el set se reflejó en la actitud del elenco, que buscó aprovechar cada oportunidad para aprender del actor. Monaghan agregó que tanto ella como Scott crecieron viendo las películas de De Niro, lo que hizo especial la experiencia de actuar a su lado.

La dinámica en el set se caracterizó por la concentración y el respeto, factores que influyeron en el resultado final de la película.

Un proyecto que une generaciones

La dirección de James Ashcroft aportó una visión clara sobre la relación entre los personajes, centrando la atención en el vínculo familiar y la tensión psicológica. El proyecto reunió a figuras de distintas generaciones, lo que enriqueció la producción y potenció el desarrollo actoral de Scott y el resto del elenco.

El trabajo conjunto entre Adam Scott y Robert De Niro en The Whisper Man representa el paso de la admiración a la colaboración profesional, en un entorno donde el respeto y la experiencia se convierten en elementos centrales de la narrativa y la producción.

Se trata de Un hijo propio, un ‘docudrama’ que gira en torno al caso de Eleonor Alejandra Marín Mendoza, una trabajadora de un hospital de Ciudad de México que, en 2009, fingió un embarazo y salió del centro con una recién nacida escondida en una bolsa. Una historia que sacudió a la opinión pública del país y que el filme utiliza para examinar la presión social sobre la maternidad y los fallos de atención en materia de salud mental.

El caso acabó con una condena de 13 años, 3 meses y 25 días de prisión para Marín Mendoza, la localización de la bebé pocas horas después en un hotel del este de Ciudad de México y la absolución posterior de su marido, Arturo Calderón Gamiño, que pasó dos años y seis meses en prisión preventiva mientras se investigaba su posible implicación.

Un ‘true crime’ nada convencional

La película se aparta del ‘true crime’ convencional, como no podía ser de otra manera en el cine de Alberdi, y articula el relato en dos planos: una primera mitad dramatizada desde la versión de Marín Mendoza, con actores que cuentan la historia desde el pasado, y una segunda parte en la que aparecen la propia protagonista en prisión, así como otras personas vinculadas al caso e imágenes de archivo de 2009.

La directora chilena, dos veces nominada al Oscar en documental, ha explicado que esa recreación adopta la forma de un “cuento de hadas” para reflejar la mirada subjetiva de la protagonista sobre su matrimonio y su deseo de ser madre.

La investigación se activó el 17 de junio de 2009, el día en que Marín había anunciado a su familia que daría a luz. La sustracción se produjo minutos antes de las 19.00 en el área de ‘ginecobstetricia’ del hospital donde trabajaba: la mujer cogió a una recién nacida de las cunas, la ocultó en una bolsa de papel y salió del edificio.

Los vídeos de seguridad permitieron identificar que quien se había llevado a la niña era una empleada del propio hospital. A partir de esa pista, las autoridades revisaron su domicilio y sus registros telefónicos, localizaron un número de hotel y encontraron de madrugada a la bebé sana junto a Marín y a su esposo.

La recién nacida, Katya Valentina, fue devuelta ilesa a sus padres pocas horas después. Arturo Calderón Gamiño también fue detenido en ese operativo, aunque terminó absuelto.

La versión de Marín Mendoza sobre lo sucedido difiere de la mantenida por la familia de la niña. Ella sostiene que conoció en la maternidad a una embarazada llamada Mayra Navarro Vega, que esa mujer no quería a la bebé y que había aceptado entregársela tras el parto.

Mayra rechaza de forma tajante ese relato y afirma que solo vio a Marín el día del nacimiento, cuando apareció en su habitación haciéndose pasar por trabajadora social y preguntándole por su vida, el padre de la niña y su relación con él.

La madre de la bebé ha declarado que fue al baño del hospital y, al volver, descubrió que su hija había desaparecido. También niega que existiera acuerdo alguno y sostiene que llevó el embarazo en otro centro sanitario y no conoció a Marín hasta ese momento.

Cómo fingir un embarazo

El documental sitúa el origen del engaño mucho antes del secuestro. Marín Mendoza se casó siendo adolescente, quedó embarazada y sufrió un aborto espontáneo; después perdió un segundo embarazo y ocultó un tercero por miedo a la reacción de su marido y de su familia política.

Para mantener la ficción de que seguía gestando, aumentó de peso de 54 a más de 89 kg comiendo comida basura y manipuló sus propios historiales médicos en el departamento de obstetricia y ginecología donde trabajaba. La película incluye además un episodio especialmente revelador: un médico llegó a autorizarle la baja por maternidad tras asegurar que había detectado el latido de un bebé.

Alberdi ha comentado en varias entrevistas que el caso le interesó por la pregunta de fondo: por qué alguien sentiría la necesidad de fingir un embarazo. Su respuesta no exculpa el delito, pero desplaza parte del foco hacia el entorno familiar, sanitario y social que rodeó a la protagonista.

En esa misma línea se pronuncia la psicóloga forense Norma Romero Sánchez, que evaluó a Marín tras su detención y aparece en la película. La especialista sostiene que la presión para sentirse realizada como mujer a través de la maternidad contribuyó a una fantasía defensiva frente a una realidad dolorosa marcada por abortos recurrentes.

Romero Sánchez añade que el engaño solo pudo llegar tan lejos por un perfil psicológico concreto, con pocos recursos para afrontar conflictos y tendencia a la disociación, hasta el punto de confundir fantasía y realidad. A su juicio, un mayor apoyo profesional habría cambiado el recorrido del caso, aunque también reclama una revisión de los estereotipos culturales que siguen asociando la identidad femenina a tener hijos.

Tras salir de prisión en 2023, Marín Mendoza asegura en el documental que ha pasado años “asumiendo el hecho de no ser madre”. En esa revisión de su propia historia, afirma que aquel deseo estaba más relacionado con complacer a los demás que con una decisión propia.

El documental de Maite Alberdi

Alberdi vuelve a manejar como solo ella sabe los recursos del documental, componiendo un magnífico híbrido entre ficción y realidad y suspendiendo así la verdad del relato a través de los diferentes puntos de vista.

Y es que nos encontramos frente a un personaje que puso en suspenso la noción de objetividad, que se inventó un universo paralelo y que engañó a todos los que se encontraban a su alrededor. Así que, en consecuencia, la película también juega con eso, a manejar la perspectiva del espectador a través de los nuevos datos que poco a poco se van ofreciendo.

Su propio hijo es una película repleta de capas que se va reinventando a sí misma en todo momento, que demuestra la capacidad de la directora para observar y su delicadeza para que las tramas vayan encontrando su espacio y su hondura, al mismo tiempo que los personajes van adquiriendo una enorme dimensión y ambigüedad psicológica.

Esta cuarta entrega de la saga se titula La historia de Lizzie Borden, se estrenará en Netflix el 17 de septiembre y contará con 8 episodios. Se centrarán en el caso de Lizzie Borden, juzgada por el asesinato con hacha de su padre y su madrastra en 1892 y finalmente absuelta pese a las sospechas que recayeron sobre ella.

La nueva temporada parte de un caso real que sigue sin resolución oficial. Lizzie Borden nació en 1860 en el seno de una familia acomodada de Fall River, en Massachusetts, y su nombre quedó fijado en la cultura popular estadounidense tras un proceso judicial que se convirtió en uno de los más divulgados de su época.

El caso real de Lizzie Borden

En agosto de 1892, su padre Andrew y su madrastra Abby aparecieron muertos en su casa después de ser atacados con un hacha. La sospecha se dirigió hacia Lizzie después de que ofreciera respuestas contradictorias a la policía, aunque el juicio terminó con su absolución.

Esta entrega supondría un giro dentro de una franquicia marcada por la controversia. En sus cuatro años de recorrido, la serie Monster ha despertado críticas por su tratamiento de figuras reales vinculadas a crímenes célebres como Jeffrey Dahmer, los hermanos Menéndez o Ed Gein, con reproches de explotación de materiales especialmente delicados.

La nueva temporada retrocede más de un siglo respecto a las tres anteriores. Ese desplazamiento temporal lleva la historia a un caso en el que todos los implicados han muerto hace décadas y a un crimen que generó desde el principio múltiples teorías sin que ninguna llegara a cerrar el asesinato de forma oficial.

El relato sobre su entorno familiar añade que, tres años después de la muerte de su madre, Andrew Borden se casó con Abby. Ni Lizzie ni su hermana Emma aceptaron esa relación, al considerar que la nueva esposa estaba con su padre por interés económico y social.

La mañana del 4 de agosto de 1892, Andrew y Abby fueron hallados asesinados en su vivienda. Fue la propia Lizzie quien alertó del crimen, aunque terminó detenida y juzgada al convertirse en la principal sospechosa por varios indicios, entre ellos la quema de un vestido que, según ella, estaba manchado de pintura.

El tráiler sugiere una interpretación concreta del caso. La serie adoptaría la teoría de que Andrew era un padre abusivo, de que Lizzie mantenía una relación sexual con la criada Bridget Russell y de que ambas participaron en el ataque.

Quién es quién en la serie de Ryan Murphy

La pieza promocional, acompañada por la canción Berghain de Rosalía, también anticipa que la ficción abordará el peso que tuvieron las ideas de la época sobre la supuesta inocencia femenina en la absolución de Lizzie. Además, deja entrever la incorporación de otras historias de asesinas a lo largo del tiempo.

La protagonista será Ella Beatty, hija de Warren Beatty y Annette Bening, en el papel de Lizzie. Vicky Krieps interpretará a Bridget Sullivan y también a la presunta asesina en serie húngara Elizabeth Báthory, mientras Charlie Hunnam y Rebecca Hall encarnarán a Andrew y Abby.

El reparto incluye además a Billie Lourd como Emma Borden, Joey Pollari como el tío John Morse y Jessica Barden como la actriz Nance O’Neil, amiga de Lizzie en sus últimos años. Sarah Paulson interpretará, según se ha informado, a Aileen Wuornos, la asesina en serie de la década de 1980 conocida sobre todo por la película Monster, estrenada en 2003.

Charlie Hunnam regresa a la antología tras su paso por Monstruos: La historia de Ed Gein, en esta ocasión para dar vida al padre de Lizzie. La temporada está creada y escrita por Ian Brennan, con producción ejecutiva compartida por Brennan y Murphy junto a Max Winkler, Eric Kovtun, Scott Robertson, Louise Shore, Nissa Diederich, Todd Kubrak, Carl Franklin y Tanase Popa, y con dirección de Winkler y Sarah Adina Smith.

La producción, compuesta por nueve episodios, llevará a un grupo de concursantes a una fábrica inspirada en la obra del escritor británico Roald Dahl, donde deberán superar distintas pruebas relacionadas con el mundo de la historia.

La serie reúne a 12 ganadores de un boleto dorado, cada uno acompañado por una persona de su elección.

De acuerdo con la descripción oficial de Netflix, los participantes ingresarán a la fábrica de chocolate de Wonka para enfrentarse a juegos, pruebas y tentaciones diseñados para poner a prueba sus capacidades físicas y mentales, además de aspectos relacionados con sus decisiones y comportamiento.

A lo largo de la competencia, los participantes deberán adaptarse a diferentes situaciones dentro de las instalaciones, desarrollar estrategias y responder a desafíos cuya naturaleza cambiará durante el programa.

“En este experimento social de alto riesgo, los jugadores recorrerán el maravilloso e impredecible paisaje de la fábrica, adaptándose, elaborando estrategias y resistiendo lo desconocido, mientras demuestran tener el instinto, la resiliencia y el carácter necesarios para prosperar en el caos”, establece la sinopsis

El objetivo será avanzar en la competencia hasta que quede un solo ganador, quien recibirá el premio principal de la producción.

El proyecto toma como referencia elementos de la novela Charlie y la fabrica de chocolates, publicada por Roald Dahl en 1964, y de las adaptaciones cinematográficas posteriores.

Netflix adquirió Roald Dahl Story Company en 2021, operación que le otorgó los derechos sobre una amplia parte del catálogo del autor y permitió desarrollar nuevas producciones relacionadas con sus personajes y obras.

Uno de los elementos destacados del tráiler es la utilización de una recreación mediante inteligencia artificial de la voz del actor Gene Wilder, quien interpretó a Willy Wonka en la película de 1971.

Para este proyecto, Netflix y Eureka Productions, compañía responsable de The Golden Ticket, obtuvieron la autorización del patrimonio del actor y colaboraron con ElevenLabs, empresa especializada en tecnología de voz mediante inteligencia artificial.

Karen B. Wilder, esposa del actor, emitió una declaración en representación del patrimonio de Gene Wilder. En ella señaló que la interpretación del personaje realizada por el actor continúa siendo conocida por distintas generaciones y que la nueva producción busca recuperar elementos asociados con aquella versión de Wonka.

“Gene tenía una habilidad extraordinaria para infundir humor, asombro y emoción en la vida de las personas, y esa conexión ha perdurado por generaciones. Nos complace que Wonka’s The Golden Ticket celebre la calidez y la imaginación que él aportó al personaje, presentando esa magia a una nueva generación y honrando a los fans que la han apreciado durante décadas”, expresó.

Además de la voz recreada de Wilder, la serie contará con la participación de Rusty Goffe, actor que interpretó a uno de los Oompa Loompas en la película de 1971. Su incorporación establece una conexión directa entre la nueva producción y la primera adaptación cinematográfica protagonizada por Wilder.

La producción ejecutiva está a cargo de Chris Culvenor, Paul Franklin, Rikkie Proost, David Tibballs, Alison Holloway y Emer Harkin. Netflix tiene previsto estrenar Wonka’s The Golden Ticket el próximo 23 de septiembre.

El nuevo filme se llamará The Further Mis-Adventures of Cliff Booth y estará dirigido por David Fincher a partir de un guion escrito por Tarantino. La plataforma también presentó un breve teaser que ofrece un nuevo vistazo al regreso del personaje.

El largometraje, que hasta ahora era conocido como The Adventures of Cliff Booth, retomará a Pitt en el papel de Cliff Booth, el doble de riesgo y hombre de confianza de Rick Dalton, personaje interpretado por Leonardo DiCaprio en la producción de 2019.

¿De qué tratará ‘The Further Mis-Adventures of Cliff Booth’?

La historia estará ambientada en 1977, ocho años después de los acontecimientos de Once Upon a Time in Hollywood. En esta nueva etapa, Cliff se encontrará en con un Hollywood muy distinto al que conoció durante la década de 1960, cuando trabajaba junto a Rick Dalton.

Netflix todavía mantiene en reserva buena parte de la trama, pero confirmó que la película se centrará nuevamente en Booth y en las situaciones que enfrentará dentro de la industria cinematográfica de los años setenta. El cambio de título también parece apuntar al tono de la producción, que conservará el espíritu irreverente asociado al personaje.

El primer adelanto había aparecido durante el Super Bowl de febrero de 2026. Ahora, el nuevo teaser, de apenas 11 segundos, funciona principalmente como presentación oficial del nombre de la película y muestra a Cliff al volante de su automóvil.

El elenco de la película

Además de Pitt, el reparto confirmado incluye a Elizabeth Debicki, Scott Caan, Carla Gugino, Yahya Abdul-Mateen II, Peter Weller, Matt Groove, JB Tadena, Corey Fogelmanis y Karren Karagulian. Timothy Olyphant también forma parte del proyecto y retomará su personaje de James Stacy, al que interpretó brevemente en la cinta original.

La producción cuenta con Pitt y Ceán Chaffin como productores. La película representa, además, un nuevo encuentro profesional entre Pitt y Fincher, quienes trabajaron juntos en títulos como Se7en y El club de la pelea. En esta ocasión, sin embargo, la historia proviene directamente de Tarantino, quien decidió ceder la dirección.

El cineasta explicó previamente por qué tomó esa decisión. “Me encanta este guion, pero sigo caminando por el mismo terreno que ya recorrí”, dijo Tarantino en su podcast. El director añadió que la idea terminó por quitarle entusiasmo y que no quería que su próxima película, la que sería su último trabajo detrás de cámaras, fuera una secuela.

Del Hollywood de 1969 al de 1977

Once Upon a Time in Hollywood llegó a los cines en 2019 con DiCaprio como Rick Dalton y Pitt como Cliff Booth. La historia se desarrollaba en Los Ángeles de 1969 y mezclaba personajes ficticios con figuras reales de la época y una reinterpretación de los acontecimientos relacionados con la familia Manson.

La película tuvo un importante desempeño comercial, con 377 millones de dólares recaudados a nivel mundia, y recibió 10 nominaciones al Oscar. Obtuvo dos estatuillas, entre ellas la de mejor actor de reparto para Pitt, quien consiguió así su primera victoria como intérprete.

Cuándo se estrena la secuela?

Netflix confirmó que The Further Mis-Adventures of Cliff Booth tendrá una exhibición exclusiva de dos semanas en salas IMAX a nivel mundial desde el 25 de noviembre de 2026. Después de su paso por las salas, la película estará disponible en Netflix desde el 23 de diciembre de 2026. La ventana cinematográfica también permitirá que la producción compita en la próxima temporada de premios.

Ante la consulta por la repercusión de la serie, Castiglione expresó su satisfacción por el recibimiento del público. “Estoy muy contenta, muy agradecida por el amor, principalmente, que está recibiendo la serie”, dijo. Luego explicó que las devoluciones positivas tienen mucho más peso que cualquier señalamiento adverso. “Lo bueno es cuando la gente te da cariño te llega más, ¿viste? Porque la gente se te acerca, te habla. Lo malo no me llega porque no estoy pendiente de eso”, sostuvo al ser consultada por las críticas en redes.

La actriz también se refirió al enojo de la familia de Luis Vadalá y la posible demanda que entablaría por la manera en que fue retratado el vínculo con Moria Casán en la serie. Lejos de esquivar el tema, Sofía marcó que, según su mirada, la ficción incluso suavizó varios aspectos. “Sí, pienso que la serie dejó muchas cosas afuera de ese personaje, que siento que fueron muy amables con él en la serie, que deberían estar contentos”, afirmó. Cuando desde el ciclo le plantearon que la historia podría haber sido todavía más dura, respondió sin rodeos: “Total”.

Sobre cómo se tomó esa decisión narrativa, Sofía planteó que la relación entre Moria y Vadalá ocupaba solo una parte dentro de una historia mucho más amplia. “Siento que si se empezaba a contar todo lo que pasó, hay que hacer una serie aparte”, manifestó.

En otro tramo del móvil, la actriz salió al cruce de los rumores sobre una supuesta separación de Fito Páez. Antes que hablar de una ruptura, negó de plano que hubiera existido una relación sentimental. “Yo lo que quiero aclarar, que creo que está en cualquier archivo, es que yo dije hace mucho tiempo que Fito y yo somos amigos, que nunca habíamos tenido un vínculo de pareja”, señaló. “Y también está bueno pensar esto como algo de la posverdad. Porque no importó lo que yo dijera, ni a mi mamá ni a nadie, a nadie le importó lo que yo dijera. Todos entraron en una fantasy y como que ahora tengo que salir a desmentir algo que ya lo desmentí”, enfatizó.

La actriz también explicó por qué suele evitar pronunciarse sobre su intimidad y sus vínculos personales. “Entonces, lo que me pasa es que prefiero siempre no decir nada porque siento que por más que hable la gente va a pensar lo que quiera y los medios van a decir lo que quieran. Cosa que me parece reloco”, sostuvo.

“Siento que no quiero naturalizar más el hecho de que la gente venga y te pregunte con quién te acostás, con quién salís, si salís, la verdad, y habiendo vivido ya todo lo que viví, sigue sin parecerme normal y no tengo ganas de naturalizarlo más”.

Finalmente, cerró con una definición personal sobre ese aspecto de su exposición pública: “Ya hace tiempo creo que no lo hago. Entonces, trato de no hablar de mis parejas, no me hace sentir bien”.

Uno de los juegos más esperados por los gamers es GTA 6, que se estrenará el 19 de noviembre de 2026 tras varios retrasos y filtraciones. El tercer tráiler, o “vistazo extendido” (Extended Look), está programado para estrenarse el 27 de agosto de 2026 en Netflix.

El primer tráiler de GTA 6 salió el 4 de diciembre de 2023 (tras filtrarse un día antes) y el segundo se publicó el 6 de mayo de 2025.

Cuándo sale el nuevo tráiler de GTA 6

El nuevo tráiler de GTA 6 sale el 27 de agosto de 2026 en Netflix, en los siguientes horarios:

• En España será a las 03:00 del viernes 28 de agosto (02:00 en Canarias);
• En Argentina a las 22:00 del jueves; 27 de agosto.
• En Colombia y Perú, a las 21:00.
• En México, a las 21:00, y en la costa este de Estados Unidos, a las 21:00.

Fuentes cercanas a Rockstar y varios insiders conocidos, como DarkViperAU y NateTheHate, adelantaron que el video será “importante” y “significativo”, lo que elevó las expectativas dentro de la comunidad.

Desde el soporte oficial de Netflix señalaron que el especial durará cerca de 20 minutos, una extensión bastante mayor que la de los gameplays publicados antes de otros lanzamientos de la saga.

La presentación fue anunciada oficialmente como una “mirada extendida”, y no como un tráiler convencional ni como una pieza breve de jugabilidad.

Se espera que el material muestre en detalle sistemas de juego en tiempo real, con el objetivo de anticipar cómo operarán las mecánicas cuando el título llegue a los jugadores.

Entre las dudas que el especial podría aclarar figuran el sistema de cambio de personajes, las actividades secundarias, la cantidad y variedad de interiores disponibles, el comportamiento de los vehículos y la dinámica de los escenarios dentro de Leonida, el estado ficticio inspirado en Florida en el que transcurre la historia.

La comunidad también aguarda definiciones sobre las principales modificaciones de la jugabilidad respecto de entregas anteriores y más detalles sobre lo que permitirá el mundo abierto.

La presentación se conoce después de más de 500 días desde el segundo tráiler —publicado en mayo de 2025—, en un clima atravesado por rumores, filtraciones y una expectativa creciente ante cada anuncio de Rockstar Games.

Cuándo se puede jugar GTA 6

GTA 6 se puede jugar el día 19 de noviembre de 2026. Ya está disponible para añadir a lista de deseos en PlayStation y Xbox.

Rockstar pide perdón el retraso y las filtraciones recientes

Luego de las recientes filtraciones sobre Grand Theft Auto VI (GTA 6), Rockstar Games difundió su primer pronunciamiento oficial. La empresa calificó lo ocurrido como “devastador” y expresó su malestar por las demoras vinculadas al título, uno de los más esperados.

“Sería quedarse corto decir que la filtración, de esta manera, de videos de jugabilidad de Grand Theft Auto VI ha sido devastadora para nuestro equipo y obviamente, no era así como pretendíamos que vieran el juego después de todo este tiempo”, afirmó el estudio.

“Lamentamos mucho que todo haya demorado tanto: desde terminar el juego (¡casi listo!) hasta compartir más detalles y material oficial de jugabilidad, y brindar a la comunidad todo lo que quiere saber”.

En los últimos días se viralizaron en redes sociales grabaciones que se replicaron una y otra vez y que, según recogió el medio estadounidense The Verge, corresponderían a una versión aparentemente jugable del juego.

La autoría de las filtraciones fue atribuida por una persona u organización que se identifica como “CyberLeek”, y parte del material, según trascendió, habría sido usado para promocionar una criptomoneda.

En paralelo, Take-Two Interactive, la editora del título, pidió autorización para solicitar por vía judicial información a Microsoft y Discord por la difusión de contenido que —según sostuvo— vulnera derechos de autor, con la intención de determinar el origen de las filtraciones.

Rockstar Games confirmó el miércoles 26 de agosto de 2026 que los videos filtrados de Grand Theft Auto VI son auténticos. El estudio lamentó que el material apareciera antes de su presentación oficial, pero mantuvo sus planes: el avance extendido se verá el jueves 27 de agosto en Netflix, mientras que el lanzamiento del juego continúa programado para el 19 de noviembre.

La respuesta de Rockstar a las filtraciones

Los clips comenzaron a circular en redes sociales y foros durante la semana anterior al comunicado. Aunque en un primer momento algunos usuarios dudaron de su autenticidad, las imágenes correspondían al juego y aparentemente procedían de una versión antigua. Se trata de gameplay, término utilizado para describir secuencias que muestran el juego en funcionamiento y no escenas cinematográficas preparadas únicamente para promoción.

Rockstar reconoció que su equipo quedó afectado por la publicación anticipada. “Decir que la filtración de vídeos del gameplay del juego de Grand Theft Auto VI de esta forma ha sido desgarradora para nuestro equipo sería quedarse corto, y está claro que no era así como queríamos que vierais el juego después de todo este tiempo”, explicó el estudio en su comunicado.

La declaración llegó un día antes de la emisión oficial. El estudio también admitió que el material filtrado podría alterar la experiencia de quienes preferían descubrir las mecánicas y novedades durante la presentación o al jugar el título terminado.

“Aunque es una pena que la experiencia de juego prevista pueda verse ahora afectada por algunos spoilers, esperamos que todos esperéis un poco más para disfrutar del juego por vosotros mismos el 19 de noviembre”, señaló Rockstar.

El mensaje agradeció a la comunidad por las muestras de apoyo recibidas desde que los videos comenzaron a difundirse. “Estamos creando este juego para vosotros, y sin vosotros no habríamos tenido el privilegio de crear videojuegos”, agregó el estudio.

Cuándo y dónde ver la presentación

El especial Grand Theft Auto VI: Una mirada extendida mantiene su emisión para el jueves 27 de agosto en Netflix. Rockstar indicó que el video también será publicado en YouTube seis horas después, por lo que estará disponible allí durante la madrugada del 28 de agosto.

La transmisión no fue retrasada ni cancelada tras la filtración. Rockstar aseguró que el avance tardó más de lo previsto en quedar listo y que su prioridad es mostrar el juego con el nivel de calidad esperado. “Estamos deseando que todos veáis mañana el avance ampliado. Nos ha llevado más tiempo del que queríamos tenerlo listo”, expresó el equipo.

La confirmación resulta importante porque los videos filtrados no necesariamente representan el estado actual del desarrollo. Al proceder de una versión antigua, pueden incluir animaciones, gráficos, interfaces o sistemas todavía sujetos a cambios. La presentación oficial permitirá observar material elegido por el estudio y con un contexto que los clips difundidos de manera fragmentada no ofrecían.

El otro punto que permanece intacto es la fecha de lanzamiento. Rockstar reiteró que Grand Theft Auto VI sigue previsto para el 19 de noviembre y no anunció cambios en el calendario a raíz del incidente.

Búsqueda del origen y riesgos para los usuarios

Rockstar continúa investigando quién obtuvo y difundió el material. Las fuentes hablan de una o varias personas detrás de la filtración, pero el estudio todavía no comunicó públicamente una identidad ni explicó cómo se consiguió acceso a esa versión del juego.

La circulación de los clips también derivó en intentos de obtener dinero. Parte del material se utilizó para ofrecer espacios publicitarios, mientras que otras publicaciones buscaron engañar a usuarios con supuestas copias piratas del juego. Algunas de esas descargas contenían malware, es decir, programas maliciosos capaces de robar información, dañar archivos o tomar control parcial de un dispositivo.

El movimiento Stop Killing Games, citado por quienes aseguraban filtrar el contenido en defensa de los derechos de los jugadores, rechazó cualquier relación con la publicación del gameplay. La organización también pidió a los usuarios que no enviaran dinero a las personas responsables de distribuir los videos.

Netflix estrenó el último capítulo de la serie “Cien años de soledad”, siendo el desenlace de la adaptación de la novela del Colombiano Gabriel García Márquez que ha generado una amplia expectativa y millones de usuarios buscan opciones para acceder al episodio final.

En ese contexto, muchas personas suelen recurrir a aplicaciones o sitios piratas como XUPER TV o Cuevana para ver el episodio sin pagar, una práctica que, según la compañía de ciberseguridad ESET, pone en serio riesgo la seguridad digital y la privacidad de los usuarios.

Cuáles riesgos existen al usar aplicaciones piratas

El uso de plataformas como XUPER TV o Cuevana requiere instalar aplicaciones que no están disponibles en tiendas oficiales como Google Play Store o App Store. Esto obliga a los usuarios a descargar archivos desde páginas web no verificadas, donde no existen los controles de seguridad ni calidad que aplican las tiendas oficiales.

Según ESET, este espacio se convierte en un punto de entrada para la distribución de software malicioso. La falta de controles permite que estas aplicaciones funcionen sin restricciones, facilitando la instalación de malware, spyware o troyanos en los dispositivos.

Las apps piratas pueden afectar tanto el dispositivo del usuario como toda la red doméstica, facilitando el acceso de ciberdelincuentes a datos personales y bancarios.

Qué tipo de permisos solicitan las apps piratas y por qué son peligrosos

Las aplicaciones streaming pirata suelen solicitar permisos excesivos e invasivos. Entre ellos, destacan los que les permiten ver qué otras aplicaciones están abiertas o en uso, lo que puede exponer información confidencial sobre el comportamiento del usuario.

Además, suelen pedir autorización para modificar o acceder a archivos almacenados en el dispositivo, lo que puede derivar en la manipulación o eliminación de información importante.

Otras solicitudes habituales incluyen la posibilidad de enviar notificaciones al usuario, que pueden ser utilizadas para distribuir mensajes engañosos, intentos de fraude o spam.

Muchas de estas aplicaciones buscan instalar otros programas sin el consentimiento del usuario, abriendo la puerta a infecciones adicionales y a la expansión del malware.

Cómo pueden robar contraseñas e información personal a través de apps piratas

El acceso a archivos y la capacidad de observar la actividad de otras aplicaciones facilita que los atacantes consigan contraseñas, datos bancarios y credenciales almacenadas en el dispositivo.

ESET remarca que la exposición de estos datos puede derivar en suplantación de identidad, robo de fondos y tráfico de información personal en mercados ilegales.

Asimismo, el uso de spyware en estas apps permite a los ciberdelincuentes monitorear la actividad del usuario, mientras que los programas maliciosos pueden registrar pulsaciones en el teclado y capturar información sensible introducida en aplicaciones de correo digital o bancarias.

Solo es necesario instalar una app pirata para activar una cadena de vulnerabilidades que afecta tanto la privacidad como la seguridad del usuario.

Qué consecuencias legales pueden enfrentar los usuarios de plataformas piratas

El uso de aplicaciones y sitios piratas como XUPER TV o Cuevana expone a los usuarios a riesgos legales sumado a informáticos.

Distribuir o visualizar contenido sin los derechos correspondientes infringe la propiedad intelectual de los titulares y puede llevar a bloqueos por parte de los proveedores de internet, así como a acciones judiciales.

ESET advierte que, dependiendo de la legislación de cada país, los usuarios pueden enfrentar sanciones administrativas o penales. Quienes poseen los derechos de la obra pueden denunciar la distribución ilegal, lo que habilita a las autoridades a bloquear sitios y perseguir judicialmente a los responsables.

Por esta razón, los usuarios deben saber que la única plataforma para ver de forma legal y segura la serie es a través de Netflix, que es compatible con múltiples dispositivos.

Si pensamos en cine coreano, es probable que nos vengan varios nombres a la cabeza: Bong Joon-ho (director de Parásitos o Mickey 17), Kim Ki-duk (Hierro 3), Kim Jee-woon (Encontré al diablo)... Todos ellos han contribuido a una verdadera explosión de películas y series que han cosechado éxito y reconocimiento a partes iguales por todo el mundo. Sin embargo, a la lista de directores ilustres habría que añadir otro que, para muchos, supera a todos los demás: Park Chan-wook.

Este cineasta, conocido sobre todo por su Trilogía de la Venganza (Sympathy for Mr. Vengeance, Old Boy, Sympathy for Lady Vengeance) y con una presencia destacada en todos los festivales de cine más importantes, destaca por un virtuosismo visual impecable, composiciones de cámara hipnóticas, un montaje preciso y una capacidad única para combinar la violencia explícita o el drama con un profundo estudio psicológico y poético de sus personajes.

Con todo, Park Chan-wook también ha desarrollado una importante carrera como guionista, no solo de sus películas, sino también de otros proyectos externos que han cosechado importantes éxitos. Este es el caso de Invasión, insurrección, una película en cuyo guion trabajó durante años y que, al finalizar en 2019, como estaba muy ocupado con otros proyectos con los que ya se había comprometido, decidió entregar a otro cineasta para que la llevara a la gran pantalla.

Una historia sobre la Corea feudal

Invasión, insurrección está ambientada en la Corea de la dinastía Joseon (siglo XVI), durante una época de guerras y profundas desigualdades sociales. La historia sigue a Cheon-yeong, un hombre nacido como esclavo que consigue convertirse en un extraordinario espadachín, y a Jong-ryeo, su antiguo amo y amigo de la infancia. Sus caminos vuelven a cruzarse cuando el país entra en conflicto.

La película comienza con la invasión japonesa de Joseon y muestra cómo el caos de la guerra provoca una rebelión popular contra las élites. Cheon-yeong lucha por recuperar su libertad mientras Jong-ryeo ocupa una posición privilegiada al servicio del rey. La relación entre ambos se transforma progresivamente, marcada por la traición, el resentimiento y las diferencias de clase que siempre los habían separado.

Uno de los aspectos que más destaca es la espectacularidad de sus combates, especialmente las escenas de espada, combinadas con una puesta en escena muy cuidada. Y eso que la película estuvo a punto de no hacerse. Costó mucho encontrar financiación para una película que, por su ambientación y su factura estética, iba a implicar un desembolso importante. Finalmente, Netflix permitió que el proyecto saliera adelante, aunque, para entonces, Park estaba ocupado dirigiendo El simpatizante para HBO, por lo que cedió la dirección a Kim Sang-man, aunque continuó como guionista y productor.

También sobresale su crítica a la desigualdad social y al abuso de poder, temas habituales en el cine de Park Chan-wook, quien escribió y produjo la película. Finalmente, la cinta recibió cinco nominaciones en los Blue Dragon Film Awards, unos de los galardones más importantes del cine coreano, y finalmente obtuvo el premio a la Mejor dirección artística.

La plataforma Netflix permite a sus suscriptores ver películas y series en diferentes idiomas, incluido el español latino, sin conexión a internet. Para quienes desean ver títulos como Las Guerreras K-pop en cualquier momento y lugar, hay una función que facilita la descarga legal y segura de estos contenidos directamente en celulares.

Este procedimiento resulta útil para quienes viajan, tienen acceso limitado a datos móviles o quieren evitar interrupciones por problemas de conectividad. La herramienta de descarga de Netflix está disponible para dispositivos con sistemas operativos Android, iOS y Fire, sumado a algunos modelos de Chromebook.

Cómo descargar la aplicación de Netflix de forma segura en el dispositivo

Para acceder a las descargas, el primer paso consiste en instalar la aplicación de Netflix desde fuentes oficiales. Los usuarios de Android deben dirigirse a la tienda Google Play Store, mientras que quienes usan iPhone o iPad deben hacerlo desde la App Store.

Descargar la aplicación fuera de estos canales puede exponer al usuario a riesgos de seguridad y comprometer la privacidad de los datos personales.

Una vez instalada la aplicación, es necesario iniciar sesión con las contraseñas asociadas a la cuenta de Netflix. Solo las aplicaciones oficiales reciben actualizaciones de seguridad y nuevas funciones, como la descarga de contenidos, así que se debe evitar versiones modificadas o no autorizadas.

Qué pasos seguir para descargar Las Guerreras K-pop en español latino y HD

Después de instalar la aplicación oficial, el usuario debe abrir Netflix y buscar la sección de descargas. En dispositivos iPhone, iPad, Android o Fire, se accede tocando la pestaña Mi Netflix, luego Descargas y después Ver qué puedes descargar.

El siguiente paso es buscar la serie o película deseada, en este caso Las Guerreras K-pop. Para películas, se debe seleccionar la opción Descargar ubicada en la página del título.

En el caso de series, hay un botón de descarga junto a cada episodio, o bien se puede elegir Descargar temporada para obtener todos los episodios disponibles. Se sugiere conectarse a una red WiFi antes de iniciar la descarga, lo que permite ahorrar datos y agilizar el proceso.

Cuántas descargas permite la plataforma Netflix y en cuántos dispositivos

Netflix permite tener hasta 100 descargas activas por dispositivo, siempre que se respeten los límites del plan de suscripción. Esto ofrece flexibilidad a quienes comparten la cuenta con familiares o acceden a la plataforma desde varios dispositivos.

La función de descargas está disponible únicamente en los dispositivos donde se realiza la acción. Si se cancela la suscripción, el contenido almacenado se elimina automáticamente.

En caso de reactivar la membresía, será necesario descargar nuevamente los títulos, porque Netflix no conserva los archivos en el dispositivo una vez finalizada la relación con el usuario.

Cómo ver Las Guerreras K-pop sin conexión a internet en el dispositivo

Para reproducir los contenidos descargados, solo hay que abrir la aplicación de Netflix y seleccionar la pestaña Descargas. Allí se encuentra la lista de películas y series guardadas en el dispositivo. Para ver el contenido, solo hay que elegir el título y pulsar Reproducir.

Es importante considerar que los perfiles de Niños pueden no tener acceso a algunos títulos descargados si superan las clasificaciones de edad permitidas. Las películas y series descargadas solo estarán disponibles en el dispositivo donde se realizó la descarga, aunque pueden visualizarse usando cualquier perfil de la cuenta.

Asimismo, las descargas cuentan con un plazo de vencimiento y, en ciertos casos, existen restricciones sobre la cantidad de veces que un título puede descargarse por año.

Qué pautas existen para gestionar el espacio y las descargas

Para optimizar el almacenamiento, Netflix sugiere eliminar los títulos ya vistos y así liberar espacio en el dispositivo. La eliminación de archivos antiguos se realiza desde la misma sección de Descargas, donde se pueden seleccionar los títulos que se desea borrar.

Mantener la aplicación actualizada es otra medida que garantiza la disponibilidad de todas las funciones y corrige posibles errores de seguridad.

La primera parte, estrenada en 2024 y compuesta por ocho episodios, se centraba en la creación de Macondo por parte de José Arcadio Buendía y Úrsula Iguarán, los patriarcas de una familia que recorrerá todo un siglo en el que, sus integrantes y descendientes representarán buena parte de los males en torno a la decadencia del ser humano, al mismo tiempo que el paisaje se irá adaptando de forma metafórica a los cambios estructurales, tanto a nivel social y político, como a nivel poético, a través del realismo mágico que practicó el escritor colombiano.

Siempre se dijo que, dadas las características de la obra, Cien años de soledad era una novela ‘inadaptable’, pero esa primera tanda de episodios demostró que podía ponerse en imágenes todo ese rico imaginario sin perder fuerza simbólica por el camino.

Una segunda parte todavía más arriesgada

Ahora, esta segunda parte propone un “más difícil todavía”, ya que la trama no se centra en unos pocos personajes, sino que abre su abanico a todo un crisol de nuevos conflictos que deberían dificultar todavía más la narración. Sin embargo, aquí se produce la sorpresa. Estos capítulos están impregnados de una enorme fuerza expresiva, de una contundencia y una rotundidad que nos llevan por un viaje repleto de hazañas a un ritmo vertiginoso y repleto de imágenes dispuestas a formar parte de la memoria colectiva.

Laura Mora, que ya formó parte de la anterior temporada, ha sido ahora la creadora y ‘showrunner’ de esta segunda parte y se ha encargado de tomar las decisiones más importantes en lo que se refiere a la adaptación. Su contribución ha sido esencial para dotar a la producción de consistencia, pero también de corazón a la propuesta.

“Había retos muy importantes a la hora de abordar esta segunda parte”, cuenta Laura Mora a Infobae España desde Colombia. “Pero era muy importante tener una actitud reflexiva frente a la primera parte, ser humildes frente a lo que se había hecho y no dejarnos obnubilar por el éxito que había tenido. Esta continuación del libro es muy compleja, muy dura y está anclada más en el realismo que en la utopía. Así que lo más importante era tener muy claro lo que íbamos a contar, meter muchas horas de pensamiento en reescribir los guiones, en repensar la novela, en reestructurar y añadir capas de lectura y de profundidad a las imágenes. Ese fue el mayor reto en términos intelectuales”, cuenta la creadora.

A nivel de producción, por supuesto, los desafíos fueron incontables. Macondo crece, se abre al mundo, llega el tren, más gente, aparece la compañía bananera, los americanos. “Además de filmar en Tolima, nos expandimos al Caribe, en la localización real donde existió la United Fruit Company”, añade Mora. “Y después teníamos que conseguir que la audiencia sintiera un tránsito natural entre ambas temporadas, donde había dos personajes, el de Úrsula y el coronel Aureliano Buendía, que enganchaban mucho. Y ahora había que pasar a las siguientes generaciones”.

Cuando se enfrentó a la tarea de ser la cabeza creativa de todo el equipo, sintió una enorme responsabilidad, pero también lo vivió como un privilegio. Trabajó en el guion con escritoras como Natalia Santa, María Camila Arias y Camila Brúges. “La literatura y el audiovisual son dos lenguajes completamente diferentes y había que estar un poco a la altura de la novela sin pretender más que eso. La novela siempre va a ser más inmensa, inabarcable, por encima de todo lo que podamos hacer. Así que el reto era estar a la altura de la complejidad de la novela, sí”.

Cada episodio, una película

Tal y como nos cuenta Laura Mora, la cronología de cada episodio se encuentra muy acotada: en el primero se aborda la megalomanía del coronel Aureliano Buendía y su delirio de poder; en el segundo, la llegada de los gemelos y Petra Cotes; en el tercero, la introducción de Fernanda del Carpio, que es la gran antagonista de esta temporada; en el cuarto, la llegada del ferrocarril y con ella, la de los americanos; y en el cinco y seis, la revolución del amor de Meme y Babilonio, los sindicatos para dar paso al gran diluvio, que es una forma simbólica de la memoria.

En cuanto al capítulo final, está pensado como una película de una hora y media y constituye una auténtica cima a la hora de cerrar la serie.

Y es que, en realidad, cada episodio se encuentra contado de una manera diferente, de forma que cada uno adquiere una dimensión autónoma dentro de la obra conjunta que lo singulariza. “Queríamos ser un poco más cinematográficos en la manera de filmar, de narrar. Para mí la imagen cinematográfica no es solo espectacular en términos de tamaño, sino que debe estar llena de sentido, tener muchas capas de lectura y trabajar lo visible y lo invisible, lo que está en cuadro y lo que está fuera de él. Así que, en efecto, queríamos que cada capítulo tuviera una entidad, aunque estuvieran muy amarrados entre sí, pero que fueran como una película en sí misma”.

En ese sentido, esta temporada empieza en 1905 y termina en 1951 y, como nos cuenta Laura Mora, esos cincuenta años ya del siglo XX son muy apasionantes en términos culturales y políticos. Pero, también musicales. En ese sentido, Macondo se abrirá a otros ritmos, se conectará con el Caribe antillano, los extranjeros traerán otras sonoridades. Por eso, la banda sonora también resulta fundamental en esta temporada.

El movimiento circular de la historia, todo se repite

Por supuesto, también encontramos como piedra angular la política y los movimientos sociales que vertebran buena parte de las historias. De la violencia de la guerra civil al terror de la compañía bananera y la explotación de sus trabajadores.

“El progreso siempre es una promesa de bienestar, pero detrás de esa promesa hay unos sacrificios que se pagan muy grandes como sociedad y que en Latinoamérica nunca terminan de llegar y nunca terminamos de dar un paso a la modernidad”, reflexiona Laura Mora. “Las luchas del coronel pertenecían a otro tiempo, pero también es el único que advierte del peligro de las promesas del progreso. En su delirio es bastante lúcido; empieza a prever lo que se viene con la llegada del colonialismo. Eso reafirma esta idea de la ‘circularidad’ de la novela, de la repetición. Esa repetición que no son solo nombres (los Aurelianos, los José Arcadios), sino situaciones que se repiten en momentos diferentes de la historia”.

Y, como la historia se repite, no es difícil establecer conexiones con el panorama actual. Con el cambio climático, con el fanatismo religioso, con el auge de los extremismos políticos, con los conflictos bélicos.

“Yo creo que eso es lo que hacen las grandes obras y los grandes autores. Son grandes lectores de su tiempo presente y grandes profetas de la humanidad”, cuenta Laura Mora. “Y eso es lo que hace que Cien años de soledad sea un libro al que siempre quieras volver. Es muy misterioso y, como toda gran obra, se revela diferente en cada lectura porque su autor ha entendido la complejidad del ser humano y sabe, como Odiseo, la tendencia a la repetición del ser humano. El ser humano olvida muy fácilmente sus errores, sus catástrofes sociales, individuales. Vivimos en un gran bucle de violencia que ya no sabemos dónde empieza y dónde termina. Y el mundo está en un momento muy difícil de comprender porque ya sabemos que esto ya pasó. Entonces, siento que esta idea de Macondo como espejo llega en un momento muy importante que reafirma a García Márquez como uno de los grandes lectores de la condición humana”.

Tres de sus protagonistas —Marleyda Soto, María Adelaida Puerta y Daniella Reyes— hablaron con Infobae sobre los retos interpretativos de esta nueva entrega y sobre la vigencia de una historia escrita hace más de seis décadas.

La segunda parte de la serie sigue los pasos de Macondo tras la firma del armisticio que no trae la paz prometida.

Los conservadores traman un atentado contra el coronel Aureliano Buendía, y ese hecho fortuito conduce a la llegada de Fernanda del Carpio, quien al casarse con Aureliano Segundo le dará a Úrsula Iguarán sus primeros descendientes legítimos.

Al mismo tiempo, José Arcadio Segundo abre el pueblo al mundo con la llegada del tren y de la compañía bananera, semilla de la ruina que sellaría la maldición de los Buendía.

Para Soto, quien interpreta a Úrsula Iguarán en su etapa más avanzada, el mayor desafío de esta temporada fue sostener la autoridad del personaje dentro de un cuerpo que ya no responde como antes.

“Lo único que cambia en la medida en que ella se hace mayor y muy a su pesar, es la vitalidad motora”, explicó la actriz. “La voz está debilitada, aguda, está ciega. Pero una palabra de Úrsula tiene toda la autoridad y el peso que tendría hasta en sus mejores años”.

La actriz describió ese equilibrio como “el reto más interesante en la interpretación del personaje”: “Poder hacer un equilibrio entre la fragilidad de la vejez y la autoridad que se mantiene intacta hasta el último día de su vida”.

Mientras tanto, Puerta, quien da vida a Amaranta, trazó un arco distinto para su personaje en esta segunda parte. Asegura que la hija de los Buendía se convierte en una isla dentro de la familia, aislada por sus propios rencores.

“Ya no siente conexión con ellos. Ella ha creado como todo un escudo, que es un escudo en su corazón y se manifiesta alrededor y se aísla por completo”, afirmó la actriz. “Hay una transformación de ella, como desde un tormento que ella tiene, una negación a dejar de lado todos esos rencores y todo eso que ella construyó”.

Daniella Reyes, quien encarna a Remedios, la bella, señaló que la escena en las bananeras fue la más exigente de su participación en la serie.

“Esta persecución en las bananeras fue absolutamente retadora porque ella es una niña que está completamente ajena a la maldad humana”, dijo Reyes.

La actriz reconoció que la escena le impuso una responsabilidad particular: “Es poder enfrentarte a cómo se ve, cómo se vive y cómo se siente, sabiendo que estás a salvo después del corte. Hay una responsabilidad muy grande detrás de eso y eso lo hizo tan difícil, pero al mismo tiempo tan significativo para mí”.

Más allá de los retos actorales, las tres intérpretes coincidieron en que la vigencia del libro de García Márquez es uno de los motores que sostienen el proyecto.

Marleyda Soto fue la más enfática al respecto: “Es un libro que se escribe en la década del 60 y cuarenta, sesenta años después vemos el libro y no parece que hubiera sido escrito hace tanto”.

Para la artista, la adaptación es una oportunidad de hacer memoria colectiva: “Muchos de los hechos que aparecen ahí, si no todos, corresponden a la actualidad que por lo menos nosotros como colombianos estamos viviendo”.

Puerta extendió esa lectura hacia la condición humana en términos más universales. “Para mí es un retrato de la condición humana que lamentablemente sigue siendo vigente”, sostuvo.

Y agregó: “No hemos aprendido a lo largo del tiempo de toda esa ambición, de toda esa sed de poder, de todas las guerras que hemos atravesado como seres humanos”.

Reyes cerró con una imagen que recorre toda la novela: la de la historia como ciclo. “La historia es cíclica y Macondo está apegado completamente a esa historia y nos acompaña hoy y nos seguirá acompañando”, afirmó.

Para ella, “seguiremos viendo que las cosas tanto hermosas que pasan en Macondo como las tragedias, lastimosamente también nos seguirán acompañando hasta que aprendamos y entendamos una manera más noble de hacer las cosas”.

Cien años de soledad fue producida por Dynamo con Juliana Flórez Luna, Andrés Calderón, Carolina Caicedo, Laura Mora, José Rivera, Rodrigo García y Gonzalo García Barcha como productores ejecutivos.

Los guiones de la segunda parte estuvieron a cargo de Rivera, Natalia Santa, Camila Brugés y María Camila Arias. La dirección recayó en Mora —responsable de los episodios 1, 2, 5, 6 y el gran final— y en Carlos Moreno, quien dirigió los episodios 3, 4 y 7.

El gran final de la serie de Netflix se puede ver desde el 26 de agosto.

El fenómeno que rodea a Joaquín El Chapo Guzmán sigue generando relatos inéditos, especialmente tras el estreno de La captura, donde su figura vuelve a escena desde ángulos poco explorados.

En una entrevista reciente con Javier Risco, el actor Héctor Kotsifakis, quien lo interpreta en la cinta, permitió conocer cómo se nutrió el personaje a partir de testimonios directos, incluido el de quien fuera su maestro de teatro y la persona que hizo su perfil psicológico.

¿Cómo fue la construcción del personaje?

Para dar vida a El Chapo, Héctor Kotsifakis recurrió a fuentes cercanas al capo, entre ellos su maestro de teatro en El Altiplano.

“Me documenté mucho más con gente que estuvo cercana a él. Hablé con personas que lo trataron un tiempo como su maestro de teatro, por ejemplo, en el penal. Él me dio muchísima información”, explicó Kotsifakis.

Los detalles sobre cómo caminaba, hablaba, lo que le conmovía y su estilo reservado alimentaron la caracterización.

¿Qué se sabe del perfil psicológico del Chapo?

El trabajo de mesa incluyó también la revisión de su perfil psicológico, con la conclusión de que ni siquiera los expertos pudieron etiquetarlo completamente:

“Se cuidaba de no ser estudiado, cómo su inteligencia lo hacía no dejarse ver para que no lo puedan clasificar fácilmente. También la, la persona que hizo su perfil psicológico, me di cuenta en un Zoom que tuvimos con ella que nunca pudo analizarlo completamente”, señaló Héctor.

El actor mencionó que la experta le detalló que según su análisis el capo era un psicópata.

“Pero no tenía los elementos absolutamente claros para poder meterlo dentro de esa etiqueta, ¿sabes? Porque cuidaba muy bien lo que decía. Era muy educado, nunca decía groserías. Siempre hablaba de usted a todo mundo. Con las mujeres era muy galante, cualquier mujer, nomás por ser mujer. Como ahora sí que chapado a la antigua", sentenció.

La anécdota de la obra de teatro en El Altiplano

Uno de los momentos más reveladores fue la experiencia de Guzmán como actor aficionado durante su reclusión. El maestro de teatro le narró al actor que El Chapo preparó un monólogo de Don Juan Tenorio, esmerándose por imitar el acento español.

“El maestro le decía: ‘Tienes que hablar como español, ¿no? Porque pues no vas a hablar como de Sinaloa’. Y él estuvo pues que ceceaba y ceceaba todo el tiempo tratando de imitar el acento español".

La presión habría crecido cuando los trabajadores del penal pidieron ver la función: “Y le decía el maestro: ‘Chapo, cuando esté seguro ya podemos hablar a la gente para dar la función’”.

El día de la presentación, la función fue únicamente para el personal del penal. Al iniciar, Guzmán soltó su primer texto, pero su acento sinaloense provocó risas.

“Se bloquea y se sale del escenario y se va al camerino. Ahí va el maestro a buscarlo y lo encuentra golpeando la pared, enojado, con lágrimas en los ojos, diciendo: ‘Le fallé, maestro. Discúlpeme, le fallé’”.

El compromiso de Guzmán era tal que lo único que le importaba era no defraudar a su maestro. “Eso habla mucho de su carácter”, concluyó Kotsifakis.

Dudas sobre interpretar al capo y el mensaje de la película

En la entrevista, Kotsifakis confesó que en algún momento pensó en rechazar el papel de El Chapo Guzmán, pero lo asumió como un reto profesional.

“A mí siempre, cuando he pensado: ‘Es mejor no hacerlo’, algo de mi carácter me dice que no sea miedoso, que lo haga”, afirmó.

Destacó que el guion aborda la historia desde una perspectiva diferente, enfocada en la ética y la honestidad de los policías involucrados en la captura:

“No el mexicano es un irresponsable tranza, no puede ser que nosotros mismos hablemos así de nosotros”.

El mensaje de La captura busca reivindicar a quienes hacen bien su trabajo, lejos de las narrativas tradicionales que asocian a los policías exclusivamente con la corrupción.

“Creo que siempre ha habido algunos personajes que no se corrompen, pero no son las historias que se cuentan”, señaló el actor. Así, la producción rescata la dimensión humana y ética de los protagonistas, y muestra el lado menos conocido del narcotraficante más famoso de México.