En la serie Nada, el irascible Manuel Tamayo Prats (personaje que interpreta Luis Brandoni), escritor y crítico gastronómico de larga trayectoria, se enfrenta a los desafíos del mundo moderno, que le son completamente incomprensibles, con una ferocidad asombrosa. Dependiente totalmente de la mujer que le soluciona la vida, su ama de llaves, secretaria, cocinera, administradora doméstica y tanto más, queda desamparado ante su pérdida, y deberá resignarse a regañadientes a contratar una sustituta, que ganará su confianza a fuerza de persistencia, prueba y error.

Caprichoso, maniático, inflexible, enfrentará a este nueva Buenos Aires, ciudad atrevida que parece resistirse a sus veleidades de viejo y excéntrico dandy porteño. Quién no se acuerda de la escena del supermercado, ante la atónita cajera, o la del café de las “vacas felices”. Mi personaje “no tiene filtro y eso lo hace muy atractivo”, decía el propio Brandoni en una entrevista que le hicieron cuando se lanzó la serie.

Es una de las características de las personas mayores: se les tolera que digan lo primero que se les viene a la mente, que digan cosas que otros no pueden decir, que hablen sin filtros. En esa tolerancia hay, desde ya, una buena cuota de condescendencia. “El abuelo es así…” o “está grande”, se dicen y siguen adelante.

Son un poco locos los viejos y por eso se toma lo que dicen con cierta indiferencia. Pero los escépticos deberían tener en cuenta que, si de boca de los niños sale la verdad, de boca de los viejos suele suceder lo mismo. Han vivido, y mucho, y eso les da derecho a dejar de lado las máscaras y hablar de frente.

Así, el personaje de Brandoni en Nada va por la vida exponiendo a los verseros y mofándose de las nuevas tendencias o poses pseudo revolucionarias, animal friendly, veganas y demás.

La serie también expone la arbitrariedad con la cual se nos impone hoy la digitalización de hasta el último rincón de nuestra intimidad, forzando a todo el mundo a poner sus datos a disposición de corporaciones y gobiernos.

Por otro lado, en la película Parque Lezama, Brandoni es León Schwartz, el militante comunista que exagera, inventa, seduce con sus relatos, y comparte el escenario con Eduardo Blanco, admirable en su composición de un veterano encargado de edificio del cual el consorcio quiere prescindir en pos de la modernización. De paso, cabe decir que lo de Blanco es superlativo, porque él no tiene la edad de su personaje y sin embargo lo representa a la perfección, al punto de que quien no lo conoce, puede perfectamente tomarlo por un octogenario.

Con un banco de plaza por todo escenario, no faltan los típicos diálogos entre gente grande:

— ¿De qué estábamos hablando?

— Usted estaba hablando…

En esta obra teatral llevada al cine, Brandoni vive de las glorias del pasado, sin dejar de luchar por todas las causas que considera justas en el presente, entre otras, la de no ser llevado a un hogar de ancianos por su hija, que ya no sabe qué hacer para cuidarlo.

Lejos del sofisticado Tamayo Prats, empeñado en seguir disfrutando de los privilegios que le reporta su pluma feroz ante el temor que suscita en los empresarios gastronómicos, este viejo militante añora los años de combate político y sindical, los años de la ilusión y la utopía, y se resiste a ser considerado como un anciano que debe ser preservado de los males que lo acechan. Sigue viviendo como un caballero andante, un Quijote listo para todas las batallas.

Parque Lezama es también una denuncia de la situación en que están muchos jubilados, descartados como si el retiro fuese nada más que una antesala de la muerte, privados de los medios suficientes para una vida digna luego de años de trabajo. Esas personas de edad, que con frecuencia la sociedad desprecia, son mostradas en la película en toda su humanidad: tienen sueños, convicciones e ideales, e incluso más coraje que muchos jóvenes y adultos menos mayores que ellos.

Brandoni encarna así a dos personajes entrañables como pocos. En uno, el dúo artístico tan logrado que forma con Robert De Niro, amigos en la vida real y en la ficción, del cual muchos recordarán la lección sobre pastelería clásica argentina que da Manuel Tamayo Prats a Vincent Parisi, “cañoncitos de dulce de leche, bolas de fraile”, que el neoyorkino repite con su inconfundible acento gringo. En el otro, las charlas sobre el banco de plaza, donde León intenta convencer a Antonio Cardozo, ya listo a resignarse, de la necesidad de seguir luchando.

En estos días de duelo por el actor multifacético, versátil como pocos, que encarnó con pasión todos los roles que le tocó jugar, una buena forma de recordarlo es volver a ver estas dos obras de gran repercusión, y no sólo para el público local. Nada, una serie que dejó con gusto a poco —pero de la que afortunadamente acabamos de enterarnos de que la segunda temporada ya está en post producción—, y Parque Lezama, un éxito teatral transformado en película por el celebrado realizador Juan José Campanella. Ambas en Netflix.

Y si se lo perdieron en su momento todavía está disponible en Flow y HBO Max la excelente serie Un gallo para Esculapio, donde un casi irreconocible Brandoni da vida a Chelo, jefe de una banda de piratas del asfalto. -se trata también de un silver, pero en este caso uno de los que, dicho en criollo, “se da la carmela”, o sea, se tiñe las canas. También este personaje está a disgusto con algunas imposiciones de los tiempos modernos, como las ridículas “nuevas masculinidades”.

Qué se puede decir de Luis Brandoni que no se esté diciendo ya en los medios de Argentina y del mundo hispano. Que fue un ejemplo de longevidad activa, ya que estamos en el auge de ese concepto. Que trabajó incansablemente hasta último momento, y que de no ser por una estúpida caída en su vivienda quizá seguiría hoy arriba del escenario o de vuelta en un set, y que nos dejó escenas memorables en cine, recordadas incluso por aquellos que no vieron la película o la obra en cuestión.

El domingo 19 de abril, el mundo del espectáculo argentino sufrió la pérdida de Luis Brandoni, un baluarte de la escena nacional y uno de los actores más queridos y admirados. La noticia de su muerte y las despedidas que se hicieron en su honor generaron, además de dolor, una gran incógnita en torno al futuro de Nada, la aclamada serie que protagonizó junto a Robert De Niro y que fue un éxito internacional. Para alivio de sus seguidores, los cineastas Mariano Cohn y Gastón Duprat despejaron las dudas con una sentida despedida en primera persona publicada en El País, confirmando que la historia continuará y que Brandoni dejó grabado su “último regalo” para el público.

Según relataron los directores, la segunda temporada —ahora titulada Todo— fue filmada en septiembre de 2025, bajo total discreción y con la participación íntegra de Brandoni antes de su fallecimiento. La secuela, actualmente en etapa de posproducción, contará nuevamente con Majo Cabrera (Antonia) y con la participación especial de Robert De Niro, quien regresa como el narrador y amigo Vincent Parisi. Esta vez, la trama traslada al personaje de Manuel Tamayo Prats de la escasez y soledad en Buenos Aires a un contexto de abundancia en Nueva York, ampliando el universo de comedia negra y sátira sobre la burocracia y la idiosincrasia nacional. La segunda entrega tendrá cinco capítulos, aunque la fecha de estreno en Disney+ aún no fue confirmada.

Cohn y Duprat expresaron con emoción lo que significó trabajar con Brandoni: “Beto es un actor que siempre pensó en el público y esta no es la excepción, nos dejó este último regalo filmado que lo trasciende y lo hace aún más grande”. Recordaron que lo convocaron para Mi obra maestra luego de un largo período alejado del cine y que, desde entonces, forjaron una amistad entrañable. “De ahí en adelante, la figura de Brandoni no paró de crecer y él mismo hace pocos días nos dijo: ‘A los 85 años estoy, de lejos, en el mejor momento de mi carrera’”.

La despedida publicada en El País hizo hincapié en el legado humano y profesional del actor: “No cabe duda de que Brandoni fue un actor genial, muy querido y con muchísima conexión con el público. Pero, además, nos consta que fue un hombre muy valiente, honesto y comprometido. No hemos conocido a otro así. No existían diferencias entre lo que decía y lo que hacía. Su coherencia resultó ejemplar. Nuestro amigo fue un hombre de una sola pieza. Lo vamos a extrañar mucho”.

Todo llegará como la segunda obra póstuma del actor, luego de su aparición especial en la cuarta temporada de El encargado —la serie protagonizada por Guillermo Francella— que se estrenará el 1 de mayo. Los cineastas contaron que a Brandoni “siempre le gustó la idea de hacer de linyera, interpretar a un vagabundo” y escribieron para él el papel de El Polaco, un menesteroso que vive en la plaza de Barrancas de Belgrano con un perro llamado Le Pera. “Es de las escenas más divertidas de todas las de El encargado. Va a ser muy recordada, ya van a ver por qué”, aseguraron.

La escena cultural argentina despidió formalmente a Brandoni en el Panteón de Actores del Cementerio de la Chacarita, donde colegas, familiares y público le dieron el último adiós bajo una lluvia que acompañó en todo momento. Pese a su partida, su legado artístico y humano seguirá vivo en estas dos producciones que verán la luz dentro de poco: El encargado y Todo, testamento y homenaje final de un artista que dejó una huella imborrable en la escena.

Se trató de una amistad sostenida durante décadas entre ambos artistas. El vínculo, construido fuera de los sets y lejos de los flashes, se convirtió en uno de los atractivos centrales de la serie Nada, producción dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat para Star+, que reunió a ambos en la ficción y trasladó su historia personal al centro de la conversación pública.

Brandoni y De Niro se conocieron en los años 80, cuando el argentino viajó a Nueva York para filmar Made in Argentina. Durante esa estadía, De Niro se enteró de la presencia de Brandoni en la ciudad. El mensaje fue sencillo: “Decile que me llame”. Brandoni lo llamó y la respuesta de De Niro fue invitarlo a pasar la Nochebuena en su casa, una muestra de hospitalidad que el argentino atribuyó a las raíces italianas de su colega. Esta primera anécdota marcó el inicio de una relación basada en la confianza y la cercanía, que se mantuvo vigente a lo largo de los años.

La relación no se limitó al intercambio ocasional. De Niro visitó Buenos Aires en varias oportunidades, según contó Brandoni, motivado en parte por su amistad con Lito Cruz y, con el tiempo, por el propio Brandoni. La comunicación entre ambos no fue un obstáculo, a pesar de las diferencias idiomáticas. “Hablamos un poco en inglés, otro en italiano y mucho con las manos”, relató Brandoni en tono de broma, describiendo un código propio que permitió sostener el vínculo incluso en contextos donde el idioma español no era dominante.

El trabajo en conjunto llegó con el proyecto de la serie Nada. Brandoni interpretaba a un crítico gastronómico en crisis, mientras que De Niro asumía el rol de un amigo extranjero que llega para alterar su rutina. La producción, grabada en Buenos Aires, recibió reconocimiento tanto en Argentina como en el exterior, destacándose por la ovación obtenida en el Festival Internacional de San Sebastián. Brandoni, en una entrevista, remarcó la satisfacción del equipo por la recepción de la serie y subrayó la relevancia de la participación especial de su amigo, quien, según sus palabras, “vino porque quiere mucho a esta ciudad”.

Durante la filmación, las diferencias idiomáticas volvieron a aparecer. De Niro no habla español con fluidez, pero el equipo adaptó las escenas y los guionistas aprovecharon este rasgo para construir situaciones de humor y complicidad. Brandoni y De Niro compartieron largas jornadas de grabación, almuerzos y momentos fuera de cámara, en los que la comunicación se mantuvo a través de una mezcla de idiomas y gestos. El rodaje también fue escenario para anécdotas específicas, como la vez que De Niro le contó a Brandoni que le habían ofrecido interpretar a Carlos Gardel en un filme. “Yo no lo conozco a él, ¿por qué lo voy a hacer?”, recordó Brandoni sobre la respuesta de De Niro, una muestra de sinceridad y distancia ante propuestas poco convencionales.

Uno de los momentos más recordados de Nada es la escena en la que De Niro, en su papel de amigo extranjero, explica la diferencia entre dos insultos característicos de Buenos Aires: “boludo” y “pelotudo”. De Niro detalla para la cámara que “boludo es más suave y amistoso. Puedes decirlo sin ser ofensivo, incluso con cariño. Por ejemplo, ‘che, boludo’”. Luego, distingue: “Pelotudo es mucho más agresivo que boludo. Solo el sonido es más agresivo: pelotudo”. El pasaje se convirtió rápidamente en uno de los fragmentos más comentados de la serie y fue destacado por Brandoni como uno de los puntos altos del rodaje.

El éxito de Nada y la química entre sus protagonistas impulsaron la planificación de una segunda temporada, que, según había confirmado Brandoni, evaluaba la posibilidad de trasladar parte del rodaje a Nueva York. La noticia de su muerte deja pendiente ese reencuentro en la ficción, pero la historia detrás de cámaras revela un aspecto menos conocido de ambos actores: la apuesta por un vínculo personal sostenido más allá de la industria, iniciado en la simpleza de una invitación y consolidado en décadas de respeto y colaboración.

La escena artística argentina se prepara para ocupar un lugar central en la Semana del Arte de Miami, donde 21 galerías nacionales desplegarán su propuesta en las ferias más influyentes de la ciudad: Art Basel Miami Beach, NADA, Untitled y Pinta Miami.

Este despliegue, que se desarrollará entre el 2 y el 7 de diciembre, marca una presencia institucional y creativa sin precedentes para el arte contemporáneo argentino en el circuito internacional.

La edición número veintitrés de Art Basel Miami Beach, considerada la feria de arte contemporáneo más relevante de Estados Unidos y una de las más prestigiosas a nivel global, se celebrará del 5 al 7 de diciembre en el Miami Beach Convention Center.

En la sección Galleries, la galería BARRO presentará obras de Alejandra Seeber, Pablo Reinoso, Mondongo, La Chola Poblete y Guillermo Kuitca, mientras que Ruth Benzacar exhibirá trabajos de Chiachio & Giannone, Tomás Saraceno, Ernesto Ballesteros, Liliana Porter, Stella Ticera y Ulises Mazzucca.

Entre las propuestas de la galería que cumplió 60 años, la serie Madurones de Chiachio & Giannone destaca por situar la domesticidad queer en el centro, con cinco piezas textiles enmarcadas por un papel tapiz diseñado especialmente para la ocasión.

El trabajo de Ticera se orienta a la experiencia sensorial del cuerpo en el proceso creativo, abarcando dibujo, video y escultura. Sus piezas, como Sinfonía en clave azul (2025) y Circundar la noche (2025), exploran el gesto y la tensión entre interior y exterior mediante tinta china, lápiz, hilos y alambres.

Por su parte, Saraceno presenta obras como Foam SB 130/12p (2024), Ibytu 14.0 (2025) y Gl 725A b/M+M (2024), realizadas en vidrio, acero y acrílico espejado, que abordan la convergencia entre arte, arquitectura, ciencia y tecnología. En la producción de Ballesteros, la experimentación artística se vincula con la divulgación científica. Sus series aplican métodos analíticos a acciones físicas, como en Línea trazada con ojos cerrados..., 1749 intersecciones (2001), y en fotografías nocturnas que marcan cada fuente de luz para crear una “imagen imposible”.

Porter investiga la linealidad del tiempo y los límites entre realidad y representación, utilizando el espacio blanco como territorio atemporal. Entre sus obras recientes se encuentran Untitled with Spirals (2021) y Man Holding Black Rope (2021), ambas en acrílico y ensamblaje sobre lienzo, junto a piezas de pequeño formato.

El cuerpo es el eje central en la obra de Mazzucca, quien lo vincula a la adolescencia y la juventud a través de dibujos con tiza y pastel que muestran figuras desnudas o con ropas desgastadas. La serie There’s a Ghost in My Blood explora la trayectoria del cuerpo como vacíos y fracturas habitados por personas.

Por su parte, Isla Flotante, en colaboración con la galería brasileña Galatea, propondrá un stand concebido como un espacio de diálogo intergeneracional del arte latinoamericano, con la participación de Pablo Accinelli, Mariela Scafati, Valentin Demarco, Rosario Zorraquin, Tobias Dirty y Ana Prata.

Cuatro obras de Scafati sobresalen en la próxima exhibición por su enfoque en la intersección entre pintura, objeto y textil. Entre ellas, Espíritus del tren (2025) utiliza un pulóver y cuerdas para abordar la memoria y el cuerpo a partir de materiales cotidianos. El trabajo de Accinelli introduce objetos comunes en el arte conceptual. En Duración interna (2025), un candado sobre piedra se convierte en metáfora del tiempo y la permanencia.

La propuesta de Dirty otorga protagonismo al dibujo con dos piezas en lápiz sobre papel: Taller/Cueva (2025) y Leyendo sobre ESO (2025), en las que explora la relación entre el espacio íntimo y la construcción de sentido, invitando a considerar el acto de dibujar como una forma de excavación personal y registro de lo invisible.

En la obra de Demarco, la escultura se expresa a través de tres piezas que combinan metal y piedra en tensión y equilibrio, mientras que Zorraquín fusiona pintura y textil en dos obras: Ulular (2025), y Somos las nietas de todas las brujas que nunca pudieron quemar (2025), en tinta y acrílico sobre lino.

En la sección Positions, PASTO tendrá su debut en la feria con un solo show del artista Manuel Brandazza, quien ha consolidado una trayectoria integrando diseño textil, cerámica, muralismo y escultura en obras que dialogan con el entorno del río Paraná.

Su producción reciente se caracteriza por una exploración plástica profundamente vinculada al paisaje y la cultura del litoral argentino, con piezas que emplean materiales autóctonos y técnicas como el esgrafiado sobre madera y barniz marino.

En la sección NOVA, W-galería participa con Claudia del Río con Formas respirantes donde surgen los intereses históricos de la artista, desplegando una escena, compuesta por 28 piezas con materialidades textiles, aluminio, madera, elementos de bijouterie y ladrillos, donde el fieltro reciclado cubre paredes y pisos, y donde objetos, materiales y figuras conviven en una micro-sociedad sin jerarquías ni propósitos definidos.

Además, Rolf Art tendrá presencia en dos secciones: en Meridians con la artista Silvia Rivas, y en NOVA con Mapa Teatro y Roberto Huarcaya.

Zumbido (2009-2025), una instalación de video de gran formato de Rivas, sumerge al público en una atmósfera hiperreal y perturbadora, donde las moscas domésticas protagonizan una coreografía que tensiona la relación entre acción y consecuencia.

En el proyecto La vorágine más allá – Macharoko (2024), presentado por Mapa Teatro, surge de la colaboración con la comunidad experimental Nukak del Amazonas colombiano: grabados y videos nacen de encuentros en torno al mito fundacional de Macharoko, iniciados con la visita a los pictogramas milenarios de la Serranía de la Lindosa, considerados un archivo sagrado para los pueblos indígenas.

La serie Amazogramas (2014-2024) de Huarcaya, que representó al Pabellón Peruano en la Bienal de Venecia 2024, fue creada en la selva amazónica durante la noche, utilizando metros de papel fotosensible y la luz de la luna llena para capturar la huella directa del entorno.

La New Art Dealers Alliance (NADA), organización sin fines de lucro dedicada a la promoción de nuevas voces en el arte contemporáneo, celebrará también su vigésima tercera edición del 2 al 6 de diciembre en Ice Palace Studios.

En la Sección Principal, la galería Calvaresi representará a Alfredo Spampinato, Marcelo Alzetta, Mildred Burton y Nina Kunan.

Burton explora temáticas que van de lo fantástico a lo cotidiano en piezas como El juego de la oca (1975) y Evasión a las 20 y 29 (1979), además de dos obras sin título realizadas con témpera sobre papel. Por su parte, entre las pinturas de Spampinato elegidas se encuentran Rancho blanco (1962), El almacén (1963) y Alameda (1966), todas óleos sobre hardboard que retratan paisajes rurales y escenas cotidianas.

La propuesta de Alzetta introduce una mirada contemporánea atravesada por la experimentación y la resiliencia. A pesar de los desafíos de salud derivados de su condición genética, mantuvo una presencia activa en el circuito artístico, con exposiciones individuales y colectivas tras su regreso a Tandil en 2007. Las obras como Pálida flor (2020) y Abstracción caniche (2020) exploran la abstracción y el color.

La presencia de Kunan aporta una perspectiva actual centrada en la experimentación con materiales y la reflexión sobre el cuerpo, el espacio público y la cultura pop.

_VIGILGONZALES_, con sede en Buenos Aires y Lima, exhibirá un solo show del peruano Gonzalo Hernández, en el que realiza un cruce entre arte contemporáneo, migración y estructuras de poder cultural, a través de instalaciones, pintura y textiles, en la sección Projects.

Linse Gallery llega con la nueva serie de Mayra vom Brocke, No tengo ideas mentales, en la que profundiza en la relación entre la forma y su sombra, en la que los objetos cotidianos del entorno inmediato de la artista, como nudos de cortinas o enchufes, se transforman en elementos visuales que diluyen la frontera entre el espacio físico y el cuadro.

Mariposas y polillas, atraídas por la luz, son absorbidas por el marco de las obras, creando una interacción en la que lo físico y lo metafísico se entrelazan.

En la sección Projects, la pintora Jimena Losada Lacerna, de PASTO, presenta su obra en el espacio de Primary, en las que profundiza en la exploración de la suspensión temporal y la densidad atmosférica.

La pintora lo realiza a través de obras de gran formato, como Lerda Tarde (slow evening) (2025), Declamamos poemas bajo un sol agobiante, esa es nuestra farsa (2025) y Reflejos funambulescos (2025), todas realizadas en óleo sobre lienzo.

En su debut, hipopoety llega con obras de Juan Gutiérrez y pinturas de Paloma Klenik, dos artistas de generaciones y procedencias distintas, cuyas obras encarnan modos divergentes de abordar el deseo, la experiencia queer y la relación entre la feminidad y la ciudad.

Klenik es una pintora emergente cuya obra propone una experiencia particular del paisaje urbano desde una mirada y un deseo situados en lo femenino, mientras que Gutiérrez realiza una práctica multidisciplinaria que abarca pintura, dibujo, escultura textil e instalación, y en su trabajo se articula en las estéticas queer, en la cultura visual latinoamericana y en los cruces entre la iconografía popular, la memoria y los cuerpos políticos.

Mientras que en Untitled, del 3 al 7 de diciembre, sirve como plataforma curatorial para descubrir arte contemporáneo, destacando tanto voces emergentes como consolidadas.

La única representante argentina será El Mirador, que participa con Jimena Travaglio, quien reinterpreta el tejido de tapices tradicional en una exploración de la tecnología moderna aplicada a la vigilancia y el control social y con 𝗔𝗹𝗲𝗷𝗮𝗻𝗱𝗿𝗼 𝗚𝗮𝗯𝗿𝗶𝗲𝗹, que configura un universo donde se entrelazan imaginarios queer, ciencia ficción y corporalidades híbridas, explorando la tensión entre superficie y profundidad, entre lo humano y lo fantástico.

En paralelo, Pinta Miami se desarrollará del 4 al 7 de diciembre en The Hangar, Coconut Grove, consolidándose como la única feria especializada en arte latinoamericano.

En esta edición, 6 galerías participarán en la Sección Principal: Pabellón 4 Arte Contemporáneo, Biga Art Gallery, las cordobesas The White Lodge y Lyv Gallery, y la santiagueña YuVa,mientras que en Next se encuentra Crudo.

En Pabellón 4, Julio Le Parc, figura central del arte geométrico y cinético, es uno de los protagonistas destacados de la muestra, con piezas que exploran la interacción entre luz, color y movimiento. El cinetismo argentino cuenta también con la presencia de Perla Benveniste y , quienes iniciaron su carrera a finales de los años 60, en un contexto de intensa experimentación artística impulsada por instituciones como el Instituto Torcuato Di Tella y el Salón Nacional.

La generación más joven está representada por Paul Sende, cuya obra se sitúa en la convergencia entre arte digital y analógico, mientras que Jimena Fuertes, orienta su producción hacia la abstracción geométrica contemporánea, propone juegos visuales a partir de figuras como triángulos, octógonos y trapecios.

El artista TEC, radicado en São Paulo, se distingue por combinar soportes y técnicas con la calle como fuente de inspiración. Sus intervenciones performativas y dibujos gigantes sobre el asfalto de São Paulo, realizados con perspectiva y drones, han renovado el arte urbano.

Dino Bruzzone explora la ambigüedad entre ficción y realidad en la representación pictórica y fotográfica y Paula Otegui aporta una visión singular de la abstracción y la figuración en escenarios donde flora y geografías insólitas crecen sobre el lienzo en un equilibrio expansivo.

The White Lodge presenta una selección que pone el foco en artistas mujeres de origen latinoamericano, con Nushi Muntaabski, Nicola Costantino, Agostina Branchi, Claudia Santanera y Laura Spivak.

La muestra reúne paisaje, costumbres y mitología del Cono Sur a través de obras que exploran diversas técnicas y materiales. Entre las piezas más destacadas figuran los jardines colgantes inversos en cerámica coloreada de Costantino, que establecen un contraste visual con los paisajes remotos habitados por mujeres en las creaciones de Gart.

El recorrido incluye esculturas de Nushi, centradas en la huerta y los cultivos domésticos, así como pinturas de Spivak que evocan la naturaleza de los patios porteños. Además, se presentan tejidos ancestrales de palma caranday realizados por Santantanera, que dialogan con técnicas en algodón orgánico inspiradas en los nudos de los gauchos correntinos, desarrolladas por Branchi.

Por otro lado, Costantino tendrá un espacio destacado en el Special Project con su Kiosco de flores, un espacio, atendido personalmente por la artista, que se instala en el centro del evento, donde el público encontrará flores hechas a mano, una a una, convertidas en piezas de arte accesibles y tangibles. Además, presenta la serie PaRDeS, una colección de arte cerámico que rescata técnicas ancestrales y las reinterpreta para el presente.

En YuVa galería de arte & diseño, la obra de Elda Munar se caracteriza por la fusión de devociones populares, cosmovisiones simbólicas con una práctica que abarca técnicas mixtas como tinta, acrílico, collage, textil y grabado, lo que le permite construir un lenguaje visual basado en capas, memoria y resonancia.

La participación de Biga Art Gallery se articula en torno a una curaduría que reúne a Celina Galera, Claudia Pucheta, Enrique Salvatierra, Federico Kirschbaum, Marcelo Toledo, María Silvia Corcuera, Miguel Ángel Vidal y Sergio Ehlert.

La propuesta establece un diálogo entre la fibra, la manualidad y la expansión del textil, integrando además elementos de la escultura y la geometría que busca resaltar la riqueza material y técnica de las piezas, como también subrayar la importancia del trabajo manual y la experimentación en la producción artística contemporánea.

También formará parte de esta edición Lyv Gallery, mientras que en la sección Next, Crudo, que comparte espacio con la galería panameña Mateo Sariel, introduce la obra de la brasileña Alice Ricci.

Fuera del marco de las ferias, Circular Norte, la Red de galerías y gestiones del Norte Grande Argentino, se encuentra representada a través de las galerías, YuVa, Fulana, La Arte, Biomba y Ronda, que en la Galería Dotfiftyone reúne un conjunto de 15 producciones de artistas argentinos contemporáneos.

Esta nota no me la pidió nadie. Pero al descubrir la sección Generación Silver de Infobae me asaltaron las ganas de decir. De decir lo que vengo rumiando desde hace tiempo. Es que descubrí, a ver si puedo explicarlo bien, que en esta etapa de mi vida ando sobrevolando por encima de todo, voy por un camino amable que fluye, en muchos casos, mejor que antes. ¿Ejemplos? Hay varios y, a riesgo de ser etiquetada como autorreferencial, intentaré describir los beneficios que he descubierto que van relacionados con la edad.

A los sesenta me descubrí escribiendo mejor. Quizá porque me importa menos un error gramatical que lograr expresar lo que nos atraviesa. Aunque eso implique desnudarse para sentir los vientos golpeando el cuerpo.

A los sesenta se disfruta más. Quizá porque el tiempo que queda es más escaso que antes. Es regla general que uno empieza a valorar las cosas cuando las ve escurrirse.

A los sesenta sé mejor lo que quiero. Lo que me gusta. Lo que me divierte. Lo que me hace feliz. Sin poses preconcebidas ni espejos ajenos, elijo con menos prejuicios.

No hablo de grandes cosas, sino de las pequeñas. De esas diminutas que nos hacen el día.

Pasar de las doctrinas culinarias modernas

Una de esas cosas que elijo sin escrúpulos, es lo que como. Como lo que quiero y cuando quiero. Quizá por eso me hayan divertido dos escenas de Nada, la mansa y precisa miniserie de Brandoni: una es donde él enfrenta con gracia al joven progre de discurso ininteligible, pseudointelectual pero liviano; la otra, la de la moza que le ofrece un queso feliz elaborado sin maltrato animal. Me arrancan carcajadas. Esas escenas me hicieron sentir muy bien acompañada contra ciertas “vanguardias”. ¿Qué serían? Veganas, ovolacto qué, progresistas naturalistas, wokismo animal… ¿Cómo cuernos podríamos llamarlas?

Reconozco que me enerva que los jóvenes, hijos incluidos claro, circulen tan susceptibles por los animales grandes, peludos y tocables, y al mismo tiempo sea evidente que les importa un rábano los peces del sushi. Les respondo que su preocupación ostenta un claro sesgo discriminatorio hacia algunos otros animalitos de la cadena animal que no les resultan tan queribles. Además, si vamos al fondo de la cuestión vital, las plantas también son seres con vida, que nacen, se reproducen y mueren. Si se volvieran estrictos, no sé de qué podrían alimentarse.

También me han empezado a hostigar con el tema de la salud. Cuestionan los implementos culinarios que utilizo. La última es que pretenden que tire a la basura todas mis viejas tablas blancas para picar comida. Explican que despiden maliciosas fibras sintéticas, como si yo no entendiera de lo que hablan. Siguen con eso de que los nano plásticos se me irán al cerebro. Seguro, me digo, ya debo tenerlo lleno de tarjetas de crédito. Les argumento que nuestras abuelas comían trazas de aluminio de sus ollas y que ellos, lamento confesarles, tomaban mamaderas recalentadas en el maligno microondas.

Pero vayamos a lo bueno de la generación plateada que es lo que hace que todas estas diatribas encendidas me resbalen. Ya pasamos por la edad del dogmatismo y sabemos que es una afección pasajera. Los gurúes médicos de Instagram borrarán en un periquete estas tendencias con un nuevo descubrimiento científico y se acabarán los desayunos pantagruélicos de tres huevos, una palta y una banana. Yo, mientras tanto, mientras los análisis me den razonablemente bien, seguiré agarrada a mi vaso de leche con chocolate. Respecto de las modas culinarias, ¿quién no recuerda cuando la margarina vino para reemplazar a la manteca, pero resultó siendo más venenosa que la anterior? O hablemos del auge del primer teflón que ocupó el sitio del malo aluminio para después convertirse en otro aliado del mal con los PTFE (googleen esto porque es muy largo) para terminar siendo desterrado por la cerámica? Ufff. Doctrinas de época difíciles de comprobar porque nadie puede certificar realmente cuánto alargarán nuestra vida.

Al final del día, resulta que no vivís para poder vivir, si es que vivís. Porque siempre existe la posibilidad que una plancha de bife te caiga en la cabeza desde un balcón y te barra el algoritmo perfecto de lo que se debe y lo que no se debe ingerir. Resumiendo: la edad me permitió pasar de esto y ganar paz interior.

La libertad bien ganada

Volviendo a las libertades de pertenecer a la generación plateada, puedo confesar que la parte más entretenida de mi vocación periodística la experimenté justo antes de pisar los 60. Contra lo que cualquiera podría suponer, fue a esa edad, que se me dio lo que más me gusta: escribir.

Trabajaba en el viejo mundo del papel y con un buen cargo, editando lo que muchos consideraban entretenidísimo: moda, belleza, entrevistas de famosos, decoración, desfiles y presentaciones… Mmmmmmmm. Divierte un rato. Pero siempre cansa. Y lo mismo durante tanto tiempo termina por sacarte callos en la mente. Me sentía como un obediente border collie arriando el rebaño hacia el corral del cierre. Hoy sé que eso era lo que sentía, pero en ese entonces no tenía la menor idea.

Habrá sido por el 2010 que mis neuronas registraron un fenómeno movilizador: en la redacción la pila de diarios ya no las tocaba nadie y en la reunión de tapa discutíamos si los lectores entenderían dos palabritas del título: redes sociales. En poco tiempo más fue evidente: la gente viajaba en el colectivo o esperaba su turno en cualquier sitio mirando un cuadrado luminoso.

Estaba claro que el futuro rumbeaba por otro lado: la era digital lo estaba cambiando todo de raíz, a la velocidad de un misil. Con el papel íbamos derecho al témpano del Titanic. Yo misma había cambiado de hábitos: leía las noticias sin tocar un solo papel con tinta que me hiciera estornudar.

Estaba percatándome de estas novedades cuando un día cualquiera me tropecé con el portal de Infobae. Lo observé crecer y me volví fan de entrar a cada rato para ver qué pasaba en el país y el mundo. Empecé a soñar con escribir en ese planeta virtual de alcance infinito. Resulta que soñar puede ser peligrosamente sano porque, de tanto hacerlo, un día me desperté aquí, escribiendo en este medio que se ha posicionado como el más leído de habla hispana en todo el mundo. Y saben qué: tenía 56. ¿Adónde voy? A tocarle el hombro a cualquiera que pase los cincuenta, los sesenta o los setenta para avisarle que sueñe, que se mueva. Porque la edad no es un límite físico, sino todo lo contrario: es una plataforma de lanzamiento para lo que vendrá. Es un motor de empuje extraordinario que viene en bodega con una valija llamada experiencia.

Lo que se desea con fuerza provoca cambios sísmicos.

Ver más que antes y en 8K

Hay otras cosas que pasan con nosotros, los plateados. Resulta que ahora veo belleza donde antes ni miraba. Me detengo en aquello que no tenía tiempo de observar a mis 30 o a mis 40 y que, a los 20, ni siquiera me importaba. Tengo amigas que han vuelto a bordar o a tejer. Otras, hacen huertas o cocinan. Viajan con amigas, se interesan por la astrología u organizan salidas culturales antes impensadas. Es curioso porque todas se vuelcan a cosas que nada tienen que ver con sus profesiones de contadora, abogada, arquitecta o psicóloga. Supongo que a los hombres les ocurrirá algo parecido. Habría que preguntarles.

Es increíble como el cuerpo te prepara para ver más con el alma cuando, supuestamente, ves menos; para desear pisar pasto cuando tus pasos son más sosegados; para escuchar el delicioso sonido de las ranas cuando dormís menos y para saborear mejor una caminata por el sencillo hecho de que comenzaste a registrar las rodillas. Son mensajes inteligentes del esqueleto para que recuerdes que estás, aquí y ahora.

Lo que se ve escaso es lo que te provoca sed. Y bienvenida sed, porque a los 60 tenés sed de todo.

Desde que me volví adulta (evitemos lo de mayor) hice más que en los treinta años anteriores cuando corría enloquecida y de mal humor. Escribí libros y notas, conté historias, me sumergí en proyectos, tuve propuestas laborales que no acepté porque me llevaban al pasado y me convertí -un par de veces- en ghost writer. Aprendí a apreciar el contacto con los lectores que mandan mails y mensajes por las redes.

Nada de todo eso hacía antes. Esta es como otra vida después de aquella vida. Puedo escribir de madrugada y levantarme tarde sin despertador. Puedo ver un amanecer, regar plantas entre nota y nota, o boludear. Sí, boludear por las calles a horas insólitas y con amigas. Nada de todo eso podía hacer antes con horarios fijos. Aquellos fueron años alegres y desafiantes, pero sin puestas de sol y con culpas parentales. Ahora, son años alegres y desafiantes con puestas de sol y de lluvia y de viento y con hijos, nueras y yernos. Mientras sigo haciendo lo que tanto me gusta, escribir “en patas” como dice mi amiga y periodista Ana: a borbotones y descarnadamente.

La total libertad de expresión que tengo hoy no la tuve jamás. No porque estrictamente no existiera, sino más bien porque no me hubiera animado a descalzarme.

A los 60 no me interesa caerle bien al ciento por ciento de los que me rodean. Como no me caen a mí todos quienes me rodean. Lo aprendí hace bastante de un compañero de mis 20 años, pero pude ejercerlo recién en esta época plateada. Él tenía unos 30 cuando me dijo picante -en una mesa de grandes periodistas- que no podía ir por la vida gustándole a todos. Me desafió a decir lo que pensaba. No pude. Preferí callar porque, en realidad, no tenía idea de qué podía decir y, al mismo tiempo, parecer inteligente. Era la rubia tonta de colegio privado, la que vivía en barrio porteño acomodado, la de una familia sin aristas ni problemas afectivos que pudieran enriquecer un texto profundo, la dueña de una vida más de la siempre vilipendiada clase media. Todo eso era un poco cierto. Me tallaba la ausencia de dramas y de miserias. Hoy me tendría cierta piedad y diría que solo me faltaba vivir bastante más. Fue viviendo que aprendí lo que Sergio, así se llamaba el periodista y me reservo el apellido porque es medianamente conocido, me había querido decir.

Se lo agradezco.

Aquello de lo que no se debe hablar

El tema de la estética jaquea un poco a los silver. El paso del tiempo suele ser un tema. El escote arrugado como un ramillete de flores, la papada que nace un día sin previo aviso, los brazos que se desmoronan, las rodillas que se pliegan sobre sí, las cejas que se borran, los párpados que se vuelven toldos para la vista… ¿Quieren que siga? La lista podría ser infinita.

Reconozco que me tapo las canas por mandato materno y que no me preocupan los tres kilos que se me enroscan en el esqueleto volviéndolo mullido y querendón. Ah, de este tema prohibido hablar… ¡no se habla de los cuerpos! Pecado. Tenemos que ser ciegos y mudos. ¿Alguien cree de verdad que por no hablar los temas desaparecen como por arte de magia? ¿Que al dolape de la playa lo ves con melena afro si lo enfocás con las cataratas incipientes? ¿O que las panzas al sol podés confundirlas con la línea de las olas? Si quieren finjamos demencia, pero lo que habita en la cabeza está ahí, aunque practiquemos la autocensura.

Propongo en cambio que empecemos a reírnos con ganas de lo que no podemos cambiar. Es solo cuestión de actitud. Además, las arrugas tienen mucha onda; es un cache eso de andar estiradas como un vidrio.

La pasión por el sol, por el aire y por engullir la vida deja marcas claras. Bienvenidas huellas de la alegría.

El sopor de la “bondad”

Es el tema relaciones humanas lo más potente de esta brillante etapa. Reconozco que cada vez me gusta más la gente visceral. Los que no se esconden e incluso los carajeados que sueltan frases incómodas. Me he vuelto más impaciente con la tibieza. ¿Para qué dar vueltas si el mejor camino es el que va derecho? Puedo putear, reírme fuerte, hablar demasiado y poner a todo volumen a Imagine Dragons, (entre paréntesis ¡qué bombón ese Dan Reynolds!) o al viejo y querido José Luis Perales.

Libre. Como la banderita de los viejos taxis. Libre de pensar, de hacer, de escuchar, de decir.

Sin jorobar a nadie claro.

Convengamos que ya no me interesa especialmente que me crean buena y que me tengan por empática. Soy buena, pero también puedo ser un poco perra. Los eternamente bondadosos me generan cierta desconfianza y mucho sopor. Los hipersensibles también me agotan. Empática siempre, pero muchas veces me lo guardo. Porque con los años aprendí que la armadura hace falta para no ofrecer el flanco más débil a los abusadores de empatía que te chupan la energía como vampiros.

Los 60 me enseñaron a que no vale la pena esmerarse para ser quién no sos, sí para ser quién sos. Los años te disciplinan y te revolucionan al mismo tiempo, sobre todo si te guía la curiosidad extrema y no te dejás puestas las pantuflas ni arrastrás los pies.

Las décadas me han vuelto paciente con la urgencias de las tonterías e impaciente con los dramas exagerados. El optimismo me acompaña, no es un mérito sino algo con lo que vine, venía atado con la cincha al recado de mi caballo en mi infancia salvaje. Creo que de eso es de lo que quisiera hablar en mi próximo libro. De unos atajos que llevo escritos en la piel a pura flecha de indio y de tocs infantiles y demás yerbas. Veremos qué pinta.

Amar lo ridículo

Lo más importante de los 60 es que he perdido todo temor al ridículo. A no confundir esto con un incipiente desgaste neuronal. Nada de eso. Una rejilla en la heladera; una cubetera en el armario de las tazas; el eterno extravío del celular en modo silencio o los cambios de parientes hasta dar con el correcto, solo me provocan carcajadas. No temores. Si le ponemos humor, de los ridículos cotidianos salimos con más risa. No pasa nada, todo pasa. Diría mi padre. Es tan cierto. Hay que seguir andando porque como enarbolaba mi abuela “lo que no se usa se oxida”. Una entrevistada, una loca linda muy joven que decidió seguir jugando al hockey con un casco en la cabeza a pesar del riesgo médico de morir por un bochazo, me dijo: … la vida son dos días. Vaya a saber quién fue el primero que acertó con el refrán. A mí me lo enseñó ella, con 28 años: dos días. A ver si entendemos.

La generación silver somos los que sabemos de éxitos y de fracasos. Somos los que estamos curtidos a fuerza de disgustos y por ello podemos reaccionar con una carcajada destemplada sin correr el riesgo de ser catalogados como desubicados. Los plateados somos lo que toda sociedad necesita cuando el mundo se resfría fiero. Y se resfría seguido.

Solo tenemos que estar listos para “no dejar entrar al viejo” como dijo Clint Eastwood, ni permitirnos lamentos. Hay que ir con paso decidido, como si la cintura no irradiara molestias y no le faltara aceite a nuestras coyunturas.

A la sangre hirviente de la juventud la doma la vida que nos deja con las venas tibias para continuar el viaje. Con sol, con música, con baile, con charlas tontas y profundas con amigos del alma y con un poco de impunidad. Yo, al menos, ando con la cabeza que me estalla de proyectos, llevo el músculo del corazón batiendo a todo trapo y me impulsan dardos en los pies.

Ahora sí, siendo las 3 y pico de la mañana, me voy a dormir porque quiero disfrutar de mi sábado. Porque antes de continuar con mi lectura -por si les interesa leer, estoy con Maniobras de Evasión, de Pedro Mairal, me encanta su pronto desenfadado y sus miradas crudas- voy a tener que evitar que las hormigas culonas se coman mis rosas Iceberg que han florecido como nunca.

El actor, con una trayectoria que abarca el cine, el teatro y la televisión, confirmó que la exitosa serie de Disney+, Nada, tendrá una segunda temporada. Además, adelantó otro importante proyecto que lo tendrá como protagonista en la pantalla grande: la adaptación cinematográfica de Parque Lezama, bajo la dirección de Juan José Campanella.

“Lo hemos pedido muchas veces durante años, esto seguramente sea en mayo. Será a lo sumo un rodaje de cinco semanas y queremos que transcurra en otoño, como en la historia original”, explicó Brandoni sobre el largometraje basado en la obra teatral que interpretó con gran éxito. Con múltiples proyectos en puerta y un reencuentro con una leyenda de Hollywood, Luis Brandoni se prepara para un año de grandes desafíos.

El regreso de “Nada”: un nuevo encuentro con Robert De Niro

Después del gran éxito de Nada, la serie dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat, Luis Brandoni confirmó que se viene una nueva temporada. El actor adelantó que la producción ya está en marcha y que el rodaje está previsto para la segunda mitad de 2025.Uno de los aspectos más destacados de la serie fue la participación especial de Robert De Niro, quien interpretó a un amigo y confidente del personaje de Brandoni.

Si bien la primera temporada tuvo como escenario principal la ciudad de Buenos Aires, esta vez la historia podría trasladarse a los Estados Unidos. “Es posible que vayamos nosotros para New York”, anticipó Brandoni, sugiriendo que su personaje, el crítico gastronómico Manuel Tamayo Prats, podría vivir nuevas aventuras en la Gran Manzana en Estados Unidos.

La participación de Robert De Niro en la serie generó gran expectativa a nivel internacional, ya que se trató de su primera incursión en la televisión en un papel de ficción. Brandoni destacó la experiencia de trabajar con él y elogió su profesionalismo: “Contamos con su participación, que fue muy encantador. Y, fue la primera vez que él hizo televisión”.

El regreso de Nada promete seguir explorando con humor e inteligencia la vida de su protagonista, un hombre solitario con un particular sentido del sarcasmo, ahora con la posibilidad de expandir su universo más allá de Argentina.

Parque Lezama: el salto del teatro al cine

Además de su regreso a la televisión con Nada, Luis Brandoni también llevará al cine una obra que marcó su carrera teatral: Parque Lezama. Dirigida por Juan José Campanella, la película adaptará la exitosa puesta en escena que Brandoni protagonizó junto a Eduardo Blanco, basada en la obra del dramaturgo estadounidense Herb Gardner.

Después de años de intentos por llevar la historia a la pantalla grande, el proyecto finalmente tiene fecha de rodaje. “Lo hemos pedido muchas veces durante años, esto seguramente sea en mayo”, reveló Brandoni. Según detalló, la filmación durará unas cinco semanas y se desarrollará en locaciones reales. “Va a transcurrir en el Parque Lezama. Lo que quería lograr Campanella es que fuera en la época de los personajes centrales, que es en otoño”, explicó.

En la obra, Brandoni interpreta a un viejo militante político que pasa sus días en el emblemático parque porteño, compartiendo conversaciones y reflexiones con un nuevo amigo, encarnado por Eduardo Blanco. La historia, cargada de humor y emoción, gira en torno a la amistad, la memoria y la resistencia a los cambios. Con la mirada de Campanella, quien ya dirigió a Brandoni en proyectos anteriores como El cuento de las comadrejas, la película promete capturar la esencia de la obra teatral mientras aprovecha los recursos del cine para expandir su universo narrativo. “Es un proyecto muy especial para mí. Después de tantas funciones en teatro, verlo en la pantalla grande va a ser una emoción enorme”, confesó el actor, entusiasmado por este nuevo desafío cinematográfico.

La pasión de Brandoni por el teatro y el cine

A lo largo de su carrera, Luis Brandoni ha sabido equilibrar su amor por el teatro, el cine y la televisión, tres espacios donde ha dejado una huella imborrable. A sus 83 años, sigue apostando por nuevos proyectos con la misma energía y entusiasmo de siempre. “El teatro es mi casa, mi lugar en el mundo. Pero el cine y la televisión me han dado experiencias inolvidables”, expresó en la entrevista con Catalina Dlugi.

Más allá del éxito y el reconocimiento, Brandoni sostiene que su compromiso con la actuación se mantiene intacto. “Lo más lindo de esta profesión es que nunca se deja de aprender. Siempre hay algo nuevo, una historia diferente que contar”, comentó.

El actor también reflexionó sobre el presente del cine y el teatro en Argentina, destacando la importancia de seguir generando contenido de calidad. “Hay que cuidar nuestra cultura, nuestras historias. A veces parece que el cine argentino tiene que justificar su existencia, y no es así”, afirmó Luis Brandoni.

“Tenemos un talento enorme y un público que quiere ver películas bien hechas.” Sobre el teatro, su gran pasión, enfatizó el valor del contacto directo con el público: “En el teatro no hay segundas tomas. Todo lo que pasa ahí es único e irrepetible, y eso lo hace maravilloso” concluyó el actor.

Durante Miami Art Week 2024 habrá una importante presencia de galerías y artistas de América Latina: el sur de Florida siempre ha sido un nodo de contacto entre las Américas. Por eso algunos países organizan especialmente su participación en la Semana del Arte, y Argentina y México se encuentran entre ellos. Este año 13 galerías, con diversos artistas, traerán el arte argentino y mexicano a esta vidriera global.

Las galerías argentinas participarán en las principales ferias de la semana, como Art Basel Miami Beach, Pinta, Untitled y NADA, además del proyecto ReefLine y otras exhibiciones destacadas. El emprendimiento de estas firmas dedicadas al arte cuenta también con la colaboración del Consulado Argentino en Miami, la Fundación arteBA y Meridiano (la cámara argentina de galeristas), entre otras instituciones

En Art Basel Miami Beach, el evento central, participan las galerías argentinas Barro, Ruth Benzacar, Isla Flotante, Jorge Mara, Piedras y Rolf Art. Sobre la arena de la playa, en Untitled, se presentan Vigil González, Constitución y Tramo; en NADA (New Art Dealers Alliance) participan Tomás Redrado Art y Cavalresi y en Pinta, especializada en arte latinoamericano, llevan obra Pabellón 4, Subsuelo, Imaginario, Luogo, Valeries y Ankara. Además, otras galerías internacionales presentan a artistas argentinos.

Mujeres mexicanas en Pinta

El arte mexicano ocupa un lugar destacado en la Semana del Arte de Miami con la participación de cuatro creadoras en la feria Pinta (3385 Pan American Drive, Coconut Grove, Miami FL 33133), presentadas por el Consulado de México, con propuestas que abordan desde la sostenibilidad ambiental hasta la identidad y la memoria y emplean técnicas como el bordado, la pintura y la reutilización de materiales.

Dos de ellas residen en Miami, Sharon Berebichez y Laura Villarreal. Con más de 25 años en las artes visuales, Berebichez explora temas relacionados con los desafíos ambientales y las dinámicas patriarcales, desde una perspectiva ecofeminista. Trabaja con materiales diversos, de la pintura acrílica al bordado, de la resina al papel, y en su serie Sillas utiliza el objeto cotidiano como un eje conceptual para indagar en los límites entre la vida doméstica y profesional de las mujeres. Por su parte, Villarreal incorpora técnicas textiles mexicanas tradicionales en una obra interdisciplinaria que combina los hilos orgánicos y los pigmentos ancestrales con medios como la fotografía y el dibujo arquitectónico. Su interés por las tradiciones textiles de archivo y su reinterpretación de técnicas mayas establecen un vínculo entre la materialidad del arte y las nociones de memoria, identidad y pertenencia.

Monica Czukerberg es arquitecta especializada en diseño de moda, y ha participado en exposiciones colectivas como Extracción del Mundo Interior y Coexistencias. Sus obras exploran elementos abstractos de la naturaleza, desarrollados en un lenguaje plástico que abreva en sus disciplinas de origen. Y Mónica Avayou se dedica al arte textil con énfasis en el uso de materiales reciclados. Su técnica distintiva consiste en envolver bolsas de plástico en fibra, creando piezas de gran escala que abordan la relación entre el arte y el entorno, la sostenibilidad, la experiencia femenina y las tensiones identitarias.

Leandro Erlich en el Proyecto ReefLine

El ReefLine es un parque de esculturas submarino que se está desarrollando frente a la costa de Miami, entre South Beach y Bal Harbor. El proyecto, liderado por Ximena Caminos en colaboración con BlueLab Preservation Society y la Alcaldía de Miami Beach, combina arte, tecnología y ciencia en un esfuerzo de conservación marina. Su objetivo es crear un arrecife artificial de 11 kilómetros (7 millas), accesible al público mediante un sendero de esnórquel. El ReefLine funcionará como un hábitat artificial que contribuirá a la restauración del ecosistema marino local al generar espacios seguros para la vida marina.

ReefLine quiere capturar carbono y reducir los efectos del cambio climático, por lo cual emplea materiales de construcción sostenibles como el CarbonXinc, un tipo de geopolímero diseñado por el artista y arquitecto británico Petroc Sesti, e incluirá fragmentos de coral cultivados. “Es una herramienta para el cambio informada por la ciencia y la tecnología”, dijo Caminos en entrevista con The New York Times. “Y por el arte, como una forma de participación, para que la gente se apropie del proyecto”.

Entre las primeras obras del ReefLine se encuentra Concrete Coral, de Leandro Erlich: esta instalación es la versión subacuática de su obra Order of Importance, un conjunto de esculturas en forma de autos de arena que Erlich presentó en las playas de Miami Beach durante Art Basel 2019. A diferencia de las esculturas de arena, que se desintegraban con el tiempo, Concrete Coral está diseñada para perdurar bajo el agua (se ubica en South Beach) y usa materiales que permiten la vida marina.

La obra invita a una revalorización de “estar bajo el agua”, un miedo asociado al cambio climático, y lo transforma en una oportunidad para el desarrollo de nuevos ecosistemas y la creación de hábitats para diversas formas de vida marina.

Argentinos en las ferias

La galería CF (Central Fine) trae dos artistas argentinos a Art Basel Miami Beach (1901 Convention Center Drive, Miami Beach, FL 33139): Diego Singh y Constanza Schaffner. Singh, conocido por su enfoque multidisciplinario y exploraciones en torno al lenguaje, la identidad y la percepción, utiliza capas complejas de pintura para crear obras abstractas que cuestionan la fijeza de rasgos y categorías. Por su parte, Schaffner, cuya obra explora las tensiones entre lo poético y lo racional, utiliza autorretratos para abordar el yo como un espacio de contradicción y reinterpretación. Ambos artistas aportan una dimensión introspectiva y experimental a la gran feria de galerías.

Con un solo show en la galería Spinello, dentro de la sección Nova, que se dedica a presentar obras innovadoras de artistas emergentes, Nina Surel muestra Greta Chamotta/Great Love, una serie de vasijas, mosaicos, esculturas y un mural en relieve cerámico que exploran el poder de los mitos y la resiliencia femenina. En esta presentación en Art Basel Miami Beach, Surel utiliza un vocabulario visual profundamente personal, que invita a los espectadores a reflexionar sobre la identidad, la memoria y la experiencia de la mujer.

En Pinta Miami (3385 Pan American Drive, Coconut Grove, Miami FL 33133), el gran encuentro del arte latinoamericano, Maman Fine Art participa en la sección principal con obras de Fernando Botero, Guillermo Kuitca, Daniel Scheimberg, Marcelo Bonevardi, Alejandro Puente, Martha Boto y Gregorio Vardánega. Al mismo tiempo, Maman Fine Art expone obras de sus artistas en la sede de The Miami Symphony Orchestra (MISO, 3900 North Miami Avenue Miami, FL 33127), y participa allí del evento Art and Basil: The Best Recipes for Great Art and Great Music, el jueves 5 a las 7 pm.

Otras galerías argentinas en Pinta son Pabellón 4, Subsuelo, Imaginario y Luogo de Rafaela. Pabellón 4 expone obras de Marina Font, que explora temas de identidad y género a través de representaciones del cuerpo femenino, y de Leonardo Trombetta, quien trabaja con abstracciones geométricas. Imaginario, por su parte, presenta a Martín Reyna, cuyas obras se caracterizan por el uso expresivo del color y la abstracción para provocar experiencias sensoriales.

La Galería Azur participa en las ferias Red Dot y Spectrum Miami, en el espacio Mana Wynwood (2217 NW 5th Ave, Miami, FL 33127), con una selección curada de obras de artistas internacionales como Susana Saman, Jon Gilchrist, Deborah Bennett, Mark Weiss y Cristina Sada, muchos de ellos reconocidos por sus exitosos solo shows previos en la galería.

Por supuesto, la galería ofrece también una especial representación de talento argentino en estas ferias, con nombres como Julieta Tawil, Lucila Pérez Pesado, Natalia Mettifogo, Delia Susana Costa, Delfina Monteverde y María Laura Irrazábal.

Por último en NADA (New Art Dealers Alliance, 1400 North Miami Ave, Miami, FL 33136), la galería argentina Tomás Redrado Art exhibe trabajos de Mariana Ferrero, una artista que se destaca por sus piezas que combinan elementos escultóricos y pictóricos para explorar la relación entre espacio y materia.

Maman Fine Art y Azur

Algunas galerías locales tienen propietarios argentinos, y son la casa en Miami de espacios de arte con historia reconocida en Buenos Aires. Durante Miami Art Week 2024, sólo con cita previa, Maman Fine Art Gallery (344 NW 22nd St, Miami, FL 33142) presenta una exhibición grupal de artistas consagrados como Julio Le Parc, Fernando Botero, Raúl Lozza, Martha Boto, Guillermo Kuitca y Alejandro Puente, entre otros. Esta muestra incluye a figuras clave del arte latinoamericano y destaca el compromiso de Maman Fine Art por difundir el legado artístico argentino e internacional.

También con cita previa, ya que la galería está en Pinta, se presenta también una selección de obras de la joven artista argentina Lucía Maman, reconocida por su estilo figurativo y su intensa técnica de pinceladas en la que explora el lado emocional de sus sujetos. Sus obras transmiten una visión anacrónica y madura, influenciada por los grandes maestros de la pintura moderna, a quienes estudió de cerca desde joven.

Además de participar en las ferias, la Galería Azur —con más de 14 años de trayectoria y sedes en ciudades como Berlín, Nueva York y Montevideo, además de Buenos Aires—, abre las puertas de su casa en Allapattah (1626 NW 36th St, Miami, FL 33142), un reconocido epicentro cultural en crecimiento, con una muestra colectiva de más de 25 artistas internacionales representados por Lucas Kokogian, una combinación de talento emergente y creadores establecidos en el mercado global que permanecerá abierta hasta el 4 de enero de 2025.

La Semana del Arte Miami, que se desarrolla desde hoy hasta el 8 de diciembre, reúne alrededor de 20 grandes eventos artísticos alrededor de Art Basel Miami Beach, entre las que se encuentran las ferias Pinta, Untlited Art Fair y Nada, de las que participan 18 galerías argentinas.

Así, formarán parte del evento Isla Flotante, Ruth Benzacar, Jorge Mara-La Ruche, Piedras, Barro y Rolf Art (Art Basel Miami Beach); Constitución, Vigil Gonzales y Tramo (Untitled); Subsuelo, Imaginario, Pabellón 4, Luogom Valerie’s Factory, Ankara, Maman Fine Art y The White Lodge (Pinta Miami), y Calvaresi en NADA.

“La Semana del Arte de Miami se presenta como un punto de encuentro clave para galeristas, coleccionistas y artistas, ofreciendo una plataforma ideal para promover la calidad y diversidad del arte argentino en un escenario global”, dijo Lucrecia Palacios, directora ejecutiva de la Fundación arteba, institución que junto a Meridiano, la Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo, participarán de una misión especial de posicionamiento del arte argentino.

Para la tarea — que cuenta también con la organización del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto de Argentina, junto con el Consulado General y Centro de Promoción Argentino en Miami y la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional— no solo se acompañará a los galeristas, sino que además se desarrollarán una serie de actividades estratégicas, como eventos de networking y visitas guiadas exclusivas para potenciales compradores.

“Miami reúne actores sumamente importantes a nivel global y buscamos insertar el arte argentino en colecciones privadas, en instituciones, en adquisiciones institucionales públicas y privadas. Y en ese sentido, la misión y los objetivos de meridiano que son la promoción tanto nacional como internacional, la formación de nuevas audiencias y la profesionalización de las galerías para la comercialización del arte argentino”, sumó Gonzalo Lagos, director de Meridiano, a Infobae Cultura.

“La semana del arte, por su convocatoria y el impacto global que tienen las ferias que aquí se desarrollan, actúa como un puente entre Latinoamérica y el mundo, brindando una plataforma ideal para que nuestras galerías consoliden su presencia internacional”, sumó, a este medio, Palacios, quien además en el networking abordará tres aspectos principales: “La difusión del Programa Internacional de arteba, que incluye iniciativas como el Programa de Adquisiciones de Museos, el Programa para Coleccionistas y Profesionales, y el Programa de Relacionamiento Profesional que llevamos a cabo durante todo el año, para que curadores internacionales visiten nuestra escena artística. También realizaremos una acción de promoción de la próxima edición de la feria y realizaremos visitas guiadas especiales para conocer las propuestas de las 18 galerías que viajarán a Miami, destacando su diversidad y calidad artística”.

Durante el evento, se presentará el Directorio Argentina Creativa de Galerías de Arte, una herramienta diseñada para conectar el ecosistema artístico argentino con mercados internacionales, ampliando su alcance y destacando a sus artistas en circuitos globales. Además, en colaboración con Marca País, se distribuirán postales en restaurantes destacados de Miami, ofreciendo información sobre las galerías argentinas.

Art Basel Miami Beach

La feria Art Basel Miami Beach vuelve al Centro de Convenciones de Miami Beach del 6 al 8 de diciembre de 2024, con jornadas por invitación y para entradas VIP el 4 y 5 de diciembre. Por primera vez bajo la dirección de Bridget Finn, la gran plataforma del arte moderno y contemporáneo, a cuyo alrededor se ha creado Miami Art Week, exhibirá obras de 286 galerías de 38 países.

Barro

La galería porteña, que este año cumplió una década, presenta obras del dúo Mondongo, que viene de romper el récord para una obra argentina en una subasta, a la artista textil tucumana Lucrecia Lionti, quien el año que viene tendrá su primera muestra en el Malba y al pintor abstracto Joaquín Boz.

Además, también la artista multidisciplinar mendocina La Chola Poblete, que forma parte de la muestra central de la Bienal de Venecia de este año, y Marcelo Pombo, quien participa por gentileza de W—galería.

Isla Flotante

Valentina Liernur, Valentín Demarco y Mariela Scafati forman parte del staff de la octava participación de la galería en el evento. Las obras de Liernur destacan por sus pinturas singulares que representan cuerpos grandes y carnosos, logrando un efecto que captura la esencia de un cuerpo animado por el deseo que se manifiesta como una ansia interna y una revuelta personal.

Por su parte, Demarco presenta una serie de exvotos de bronce hechos a mano, que forman una cuadrícula que refleja un sistema de deseos. Estos incluyen referencias a la historia del arte, la cultura queer contemporánea y tradiciones argentinas, creando un diálogo entre el pasado y el presente a través de objetos que simbolizan el anhelo.

Finalmente, Scafati utiliza la técnica del shibari en sus lienzos, donde el deseo se convierte en una voluntad de transformar la realidad. Sus obras existen simultáneamente como sujetos y objetos en un espacio radical, desafiando las convenciones tradicionales del arte y la percepción del espectador.

Jorge Mara-La Ruche

León Ferrari, Sarah Grilo y Eduardo Stupía protagonizan un diálogo en el que se exploran las posibilidades expresivas y poéticas de la abstracción caligráfica.

También se incluye una selección de obras de otros artistas influyentes en el ámbito de la pintura abstracta moderna y contemporánea de Argentina y América Latina, como José Antonio Fernández-Muro, Ana Sacerdote y Kazuya Sakai, quienes, al igual que Ferrari, Grilo y Stupía, han contribuido a transponer y transformar otros lenguajes artísticos en el ámbito pictórico.

En la sección Kabinet, se presentará una selección de obras de Alfredo Hlito, abarcando desde la década de 1950 hasta la de 1980, realizadas sobre papel principalmente con lápiz, lápiz de color y gouache.

Rolf Art

En el sector Meridians, dedicado a proyectos de gran escala, presenta un monumental fotograma de la serie Amazogramas (2014) de Roberto Huarcaya, artista que actualmente en exposición en La Biennale di Venezia.

El fotograma fue creado de noche en la selva amazónica, desplegando 30 metros de papel fotosensible entre la densa vegetación y exponiéndolo a la luz de la luna llena para capturar la huella de la jungla. Las imágenes fueron fijadas en el lugar, en un cuarto oscuro rudimentario, utilizando agua de los ríos. El líquido del proceso de revelado fue desechado de manera segura en Lima.

Desde 2014, Huarcaya centró su atención en la fotografía sin cámara, produciendo fotogramas que evocan las raíces de la fotografía mediante técnicas primitivas. Este enfoque le ha permitido capturar realidades primigenias.

Ruth Benzacar

En el marco de una nueva edición de la feria de arte, se presenta una instalación central de Liliana Porter que aborda de manera lúdica el concepto de un colapso doméstico. Esta obra se encuentra rodeada de esculturas de Jorge Macchi y Mariana Tellería, quien participa en la Bienal de Venecia 2024.

Además, se exhibe un libro confeccionado con retazos por la joven artista Francisca Rey y una pintura de Carlos Huffmann; piezas que exploran las interacciones entre objetos y realizan operaciones que desdibujan las fronteras entre desechos orgánicos e industriales.

La feria propone un diálogo entre artistas argentinos históricos y contemporáneos, explorando una estética de la desintegración que se remonta a la nueva figuración y los conceptualismos latinoamericanos. En este contexto, las obras de Roberto Aizenberg y Eduardo Basualdo se centran en una figuración humana que investiga el funcionamiento interno de la memoria y la percepción sobresaturada.

En Meridians, por su parte, el dúo Chiachio & Giannone presentará “La familia en el alegre verdor”, un bordado monumental hecho a mano que entrelaza la flora autóctona, como símbolo de disidencia con la historia de la tapicería del renacimiento Europeo y las selvas imaginadas de Rousseau.

Piedras

“Impossible Jewel” presenta nueve esculturas sólidas hechas de bronce por Jimena Croceri, que invitan a una interacción performativa y son capturadas en fotografías dentro de un stand que evoca un entorno similar a un museo.

El proyecto se basa en el simbolismo y la cosmovisión de los metales en la cultura precolombina, donde cuerpos ambiguos o sin género se adornaban con piezas ornamentales como talismanes, para así explorar modos alternativos de comunicación a través de experiencias poéticas y colaborativas, reinterpretando tradiciones estéticas ancestrales para abordar problemas contemporáneos relacionados con el cuerpo.

Croceri es una artista multidisciplinaria cuya práctica se caracteriza por proponer experiencias colaborativas y performativas que implican interacción con agentes tanto humanos como no humanos. Temas como el agua, el hidro-feminismo, el cuerpo y la comunicación ocupan roles centrales en sus experiencias poéticas y colaboraciones.

Pinta Miami

La feria, la única especializada en creaciones de Latinoamérica durante la Semana del Arte, expondrá en el Hangar del barrio de Coconut Grove los trabajos de más de un centenar de artistas, de la mano de 45 galerías provenientes de 14 países, a partir del 5 de diciembre.

Ankara

Tras 10 años desde su fundación, la galería de Colonia Caroya inauguró su nueva sede rural, un espacio expositivo con 9 salas, en el marco del Mercado de Arte Córdoba 2024. Centrado en trabajar con artistas locales, en esta edición presentan obras de Ides Kihlen, Luis Wells, Eduardo Mac Entyre y Roger Mac Entyre.

También lo harán con el artista y arquitecto Rodrigo Schiavoni, actual Director Creativo del espacio, y Sy Estudio. , cofundado en 2010 por Schiavoni y Adán Yenerich, quienes crean objetos, instalaciones, esculturas públicas, prácticas sociales, proyectos curatoriales, a la vez que proyectos de arquitectura, concursos e investigación.

Imaginario

La galería, conocida por su enfoque en proyectos participativos y acciones en red, presentará una selección de artistas que abarca diversas disciplinas. Entre ellos se encuentran Maitemazz en fotografía, Cristina Minacori en pintura, Gerardo Feldstein y Paula Pons en escultura con papel, y MET en cerámica.

Luogo

La galería de Rafaela, Santa Fe, llega con Julia Romano y Germán González Holc, dos artistas que exploran la relación entre el ser humano y su entorno. Romano se centra en la representación del paisaje y su evolución en la historia del arte, buscando crear paisajes personales mediante historias individuales. Sus trabajos son collages digitales que combinan imágenes fotográficas y pictóricas, dibujos a mano alzada y escaneos de libros de botánica. Además, desarrolla instalaciones que recrean su jardín mediante videos, fotografías, objetos, textos y sonido.

Por otro lado, González Holc se interesa en la tridimensionalidad de los dibujos, creando escenas que mezclan espacios reales con construcciones mentales de recuerdos y vivencias personales. Sus obras son montajes que integran elementos de su vida cotidiana, como imágenes, objetos, canciones y lecturas, generando espacios íntimos que desafían la línea entre realidad y ficción. Según el artista, estos espacios buscan entablar una conversación personal que permita al observador generar su propia interpretación y resignificado.

Maman Fine Art

En esta oportunidad, la galería expondrá obras de Fernando Botero, Guillermo Kuitca, Daniel Scheimberg, Marcelo Bonevardi, Alejandro Puente, Martha Boto y Gregorio Vardánega.

De manera paralela, expone obras de los artistas de la galería en la sede de Miso, la orquesta Sinfónica de Miami y participará del Evento Art and Basil: the recipes for a Great Art and Great Music el 5 de diciembre en el Design District. Un evento musical y visual en honor a Art Basel Miami.

The White Lodge

Con más de una década de trayectoria, el espacio cordobés llega con Sandro Pereira y Nushi Muntaabski para la Sección Next.

El tucumano Pereira, que llega tras ser galardonado como el mejor artista de la sección en Pinta BAphoto, es conocido por su enfoque contemporáneo y autorreferencial en el arte, y explora diversos géneros y materiales, incluyendo escultura, pintura, y performance, utilizando frecuentemente su propio cuerpo como objeto de estudio y crítica. En la cinta presenta su serie de pinturas “Sandro devorándose a sí mismo”.

Muntaabski también se destaca por su versatilidad en disciplinas como objetos, video, pintura, y fotografía. Desde 2005, ha dirigido un proyecto que integra su arte con la arquitectura, creando murales y obras site-specific para coleccionistas y diseñadores. En Miami, muestra sus esculturas de la serie “Campo y cultivo”

Pabellón 4

El espacio se presenta con Dino Bruzzone, Paula Otegui, Jimena Fuertes, Paul Sende, Matias Kroitor, TEC y Narcelio Grud

Bruzzone, un artista conocido por sus instalaciones multimedia, incorpora referencias mediáticas y literarias en su obra, conectando elementos del fashion y el fetish con citas de American Psycho y fotografías de Kate Moss. Otegui entrelaza escenas políticas y emocionales en su obra, creando relatos sobre las relaciones humanas y su interacción con la naturaleza y el tiempo. Fuertes, por su parte, se inscribe en la abstracción geométrica contemporánea con una obra que se caracteriza por el uso de figuras geométricas y colores saturados, buscando expandirse en el espacio ambiente.

Sende experimenta con diferentes soportes y técnicas, enfocándose en la modularidad y los efectos ópticos creando instalaciones lumínicas y dispositivos generadores de imágenes, siempre dentro del marco de la geometría y la abstracción; Kroitor explora la interacción entre la luz y diversos materiales, inspirado por paisajes industriales; el brasileño Grud inventa objetos animados a escala urbana a partir de objetos desechados y, finalmente, TEC utiliza la calle como fuente de inspiración estética con trabajos que combinan soportes y técnicas diversas, explorando la ambigüedad de los espacios públicos y privados del arte.

Subsuelo

Ainelén Bertotti Burket y Lucas Bragagnini son las artistas de la galería rosarina en la Sección NEXT, bajo la curaduría de Giuliana Vidarte, dedicada a la innovación y a las voces emergentes del arte latinoamericano.

La serie Rascacielos de Bertotti Burket se presenta como una obra interdisciplinaria que examina la interacción entre tecnología y humanidad e incluye un videoperformance, un políptico fotográfico y partituras que documentan una acción realizada en marzo de 2023 en el Parque España de Rosario. En esta obra, las máquinas y sus operadores se embarcan en una coreografía al ritmo del vals Voces de Primavera de Johann Strauss, interpretada por una orquesta en vivo.

Por otro lado, Bragagnini presenta dos series que abordan la memoria y la transformación de los espacios. En …amor vengo del futuro, tú estabas ahí, el río no…, inspirada en El país de las últimas cosas de Paul Auster, el artista crea paisajes que evocan la decadencia y desaparición de civilizaciones pasadas, mientras que en Meridiano 4267 invita a cuestionar la veracidad y el significado de los registros de construcciones industriales.

Valerie’s Factory

La joven galería se presenta con Trinidad Metz Brea, reconocida por su enfoque en la escultura y el uso de tecnologías 3D para crear mundos ecológicos y ficciones climáticas. Su obra se caracteriza por explorar las interacciones entre entidades no humanas y proyectos de infraestructura humana, generando nuevos mitos y crónicas fantásticas. Su trabajo entrelaza influencias de mitologías, historia del arte, narrativas de juegos, ciberpunk y distopía, así como estudios biológicos y cuentos folklóricos latinos.

Por su parte, Frenetik Void se destaca en el ámbito del arte digital, utilizando herramientas como el 3D, el collage digital y la inteligencia artificial para crear un universo virtual propio.

Untitled Art

Con 171 expositores la feria anual, que en 2025 tendrá una versión en Houston, se desarrollará del 4 al 8 de diciembre.

Constitución

Alfredo Dufour y Alberto Passolini son dos artistas destacados en el panorama del arte contemporáneo argentino. El primero se presenta con una serie de esculturas conceptuales, que ponen el ojo en el consumo y las culturas de masas, a través de representaciones de tinte pop.

Por su parte, del autodidacta Passolini pueden observarse obras que hacen foco en la historia argentina y del arte, una característica de su obra, como toda una serie de retratos de perros.

Vigil Gonzáles

Con sedes en Cusco y Buenos Aires, el espacio se presenta con un solo show del limeño Gonzalo Hernández, un artista multidisciplinario que explora narrativas personales que abordan dilemas contemporáneos como el trabajo, el éxito y el fracaso, el mundo del arte y la identidad.

Su enfoque artístico se caracteriza por la fusión de arte y vida, encontrando significado en lo cotidiano y lo pasado por alto, a partir de instalaciones, pinturas y trabajos textiles.

Tramo

El pintor Hernán Salamanco explora la complejidad de los lazos afectivos y sociales mediante imágenes que se desintegran en fragmentos y manchas, evitando narrativas explícitas y dejando espacio para la interpretación personal. Por otro lado, la escultora Verónica Romano, con su instalación artística, desafía las narrativas patriarcales tradicionales, proponiendo nuevas reflexiones sobre la desigualdad de género.

Las obras de Salamanco, realizadas sobre señales de chapa reutilizadas, integran el entorno urbano con el espacio institucional, generando un diálogo entre ambos. Con la inclusión del esmalte sintético en sus obras permite que el entorno y la interacción del espectador se conviertan en parte integral de la imagen, según el texto proporcionado.

Por su parte, Romano utiliza la escultura para deconstruir mitos patriarcales, como el de Leda y el Cisne, presentando una disarticulación formal que abre nuevas posibilidades de interpretación. Su instalación está compuesta por figuras de bronce pulido que reflejan múltiples puntos de vista, simbolizando la fluidez y ambigüedad del género. La obra invita a cuestionar las jerarquías de poder tradicionales y a considerar nuevas narrativas.

NADA

La New Art Dealers Alliance (NADA) contará con 151 expositores que participarán en su edición 2024, prevista del 3 al 7 de diciembre en Ice Palace Studios.

Calvaresi

María Guerrieri y Dignora Pastorello son las protagonistas del proyecto artístico que busca desafiar las narrativas tradicionales del arte argentino, en un enfoque no lineal de la historia del arte, estableciendo un diálogo entre artistas de diferentes épocas y estilos.

La obra de Guerrieri se caracteriza por su exploración constante y su capacidad para moverse entre géneros, técnicas y soportes. Sus creaciones, que datan desde 2003, son un reflejo de su universo personal, donde sus sueños y fantasías se plasman en formas inestables y atmósferas que oscilan entre lo amable y lo siniestro. Sus bañistas, figuras humanas que se mezclan con fondos abstractos, desafían la percepción del espectador y cuestionan lo conocido.

Por otro lado, Pastorello ofrece una visión del arte que combina lo cotidiano con lo irreal. Sus pinturas revelan un choque entre estos dos mundos, utilizando líneas y planos de colores para crear formas austeras. A través de una observación meticulosa, Pastorello logra un efecto de perspectiva distorsionada que invita al espectador a una nueva forma de mirar. Sus paisajes y escenas urbanas, cargados de misterio, abren la puerta a una experiencia visual que desafía lo familiar.

Faena Art

La organización sin fines de lucro presenta una comisión site-specific del artista multidisciplinario, de origen Tlingit/Unangax, Nicholas Galanin. La obra Seletega (Corre a ver si viene gente) se eleva más de 10 metros sobre la arena, simulando los mástiles y velas de un galeón español emergiendo del suelo, para conectar la ocupación de tierras indígenas con la invasión europea de las Américas.

En su Programación Satélite contará con el debut de Lyra Drake en la Catedral del Hotel Faena, con la obra Infinite Faith in a Finite World, en la que explora la noción de “fe” en la creencia humana a través de una conciencia de inteligencia artificial personalizada. En paralelo, en la edición 2024 de No Vacancy, una competencia de arte que celebra principalmente a artistas locales, estarán Magnus Sodamin, y, dentro del Project Room, se exhibirá una muestra de Marina Abramović titulada Nomadic Journey and Spirit of Places, presentada por Massimo Dutti, que abarca más de cuatro décadas a través de dibujos, poesía, fotografías y reflexiones.

En las velas del galeón, se podrán leer preguntas en español e inglés, las primeras lenguas colonizadoras de las Américas: “¿Qué vamos a renunciar para quemar las velas y los aparejos del imperio? What are we going to give up to burn the sails of empire? ¿Qué vamos a construir para nuestra liberación colectiva? What are we going to build for our collective liberation?”. Estas interrogantes buscan que los visitantes consideren su papel en la configuración del futuro, reflexionando sobre lo que se debe dejar atrás para avanzar hacia una liberación colectiva.

La obra de Galanin se enmarca en la programación de Faena Art para la Miami Art Week 2024, que cuenta con el apoyo de Chase Sapphire Reserve®. La instalación no solo es una expresión artística, sino también un llamado a dialogar sobre las cuestiones sociales que afectan a las comunidades indígenas, promoviendo un intercambio entre experiencias indígenas y no indígenas.

Madrid, 6 nov (EFE).- El Centro Dramático Nacional estrenará el próximo viernes la primera adaptación que se hace de 'Nada', la emblemática obra de Carmen Laforet, ganadora del primer Premio Nadal (1944), una pieza que destaca el ímpetu de la juventud en el mundo decadente de los adultos durante la posguerra española.

La obra se sitúa en la Barcelona de septiembre de 1939. Andrea, una joven de 18 años, después de la Guerra Civil española, como muchísimas familias, se ve condenada a una destrucción moral y física devastadora.

Cuando Andrea llega a la casa familiar para estudiar su primer año de universidad ya nada se parece al ambiente cálido y alegre que ella conoció de pequeña. Viven inmersos en un ambiente de tensión permanente y atmósfera irrespirable. La familia ha perdido su propio relato.

"He puesto el foco en el grito generacional de esos jóvenes rebeldes e independientes que luchan por salir adelante de una guerra que dejó a Barcelona en la precariedad", ha explicado este miércoles la directora Beatriz Jaén, que considera esta obra como una de las cimas narrativas del siglo XX.

"Es una pieza perturbadora y oscura, nada complaciente; pero, a la vez, desborda pasión y coraje", ha añadido la directora, que ha alabado "la escritura minuciosa" de una joven Laforet que describe la angustia existencial de esos años de posguerra a través de Andrea y de su amistad con Ena.

Joan Yago, responsable de la adaptación de la novela de Carmen Laforet, ha puesto su esfuerzo en que "quien no haya leído la novela tenga una experiencia cercana a la de leer la novela y salga de allí con ganas de decir "me voy a comprar el libro", y que quien conozca la novela "reconozca en esta pieza una experiencia muy cercana a la que tuvo cuando la leyó".

En la dramaturgia se ha destacado la amistad que narró Carmen Laforet entre la protagonista Andrea, joven de una familia catalana venida a menos que llega a Barcelona para estudiar en la universidad, y Ena, la hija de una familia acomodada.

La función, que dura tres horas, habla de libertad y del trauma de hacerse mayor. "Es el desencanto de la adultez", ha dicho Yago, que recuerda que la obra recoge un tipo de violencia, y muestra las distintas clases sociales y paisajes evocadores.

La obra, interpretada por Carmen Barrantes, Jordan Blasco, Pau Escobar, Laura Ferrer, Manuel Minaya, Amparo Pamplona, Júlia Roch, Julia Rubio, Andrea Soto y Peter Vives, podrá verse en la Sala Grande del Teatro María Guerrero hasta el 22 de diciembre.

A lo largo de la novela hay poderosos destellos de fantasía y de deseo que no abandonan el espíritu soñador de la joven protagonista. "Un espíritu que nos acerca al de la propia Carmen Laforet, a la que siempre le ha acompañado el deseo de amar (en todos los sentidos)", ha dicho Jaén.

En la puesta en escena, Jaen ha explicado que ha trazado tres capas para montar la obra. Por un lado, ha tratado de plasmar ese mundo de la casa, difícil y oscuro y también toda la parte de luz que proporciona el mundo exterior que se abre para la protagonista: esa Barcelona, esa juventud, la universidad y sus amigos. Y la tercera, el mundo interior de Andrea .

El montaje presenta en el escenario una casa antigua de la posguerra diseñada por Pablo Menor; el vestuario, fiel reflejo de la época, es de Laura Cosar; la música y el espacio, de Luis Miguel Cobo; el vídeo, de Margo García, y la coreografía, de Natalia Fernandes. EFE

Nada. Tal como señalaba el título de su pieza más emblemática, nada quedó de Horacio Sanguinetti. El letrista, que había creado ese nostálgico tema con música de José Dames en 1944 y que cantores de la talla de Alberto Podestá y Julio Sosa entre muchos otros se encargaron de inmortalizar, era uno de los máximos referentes de la época de oro del tango. Y tenía en su haber más de 150 composiciones que lo posicionaban en un lugar de privilegio. Sin embargo, después del velorio de su hermana, quien falleció a raíz de una tuberculosis en el invierno de 1950, desapareció de la faz de la Tierra. ¿Qué fue lo que le ocurrió?

“He llegado hasta tu casa. Yo no sé cómo he podido. Si me han dicho que no estás. Que ya nunca volverás. Si me han dicho que te has ido”, rezaba la letra que había escrito el poeta nacido el 19 de marzo de 1914 en Montevideo, Uruguay, bajo el nombre de Horacio Basterra aunque luego adoptó su apellido materno. Quizá, la escribió anticipando lo que muchos de sus seres queridos iban a sentir cuando quisieran encontrarlo seis años más tarde en Buenos Aires, donde se había instalado con su familia siendo un adolescente. Porque, tras aquel velatorio, nadie más pudo dar con él.

Así las cosas, empezaron a tejerse las más apasionantes teorías sobre su paradero, alimentadas por el escaso registro que había sobre la vida personal de este referente de la música ciudadana que solía codearse con los más grandes del género. Una versión indicaba que el autor había sido asesinado por la mafia debido a sus deudas de juego. Otra, aseguraba que en realidad se había enamorado de una mujer casada y se había mudado con ella a alguna provincia del interior del país para alejarla de su marido.

Lo cierto es que la verdadera historia recién pudo reconstruirse mucho tiempo después, incluso, de la propia muerte del poeta ocurrida el 19 de diciembre de 1957, en la misma ciudad en la que había nacido 43 años antes. Según le habría confesado a varios de sus amigos, su hermana menor había sido víctima de violencia de género por parte de su esposo, un militar de alto rango que había convertido su vida en un verdadero tormento. Pero era una época en la que los maltratos conyugales eran minimizados y no estaba bien visto que nadie se metiera en una relación ajena. Así que Horacio nunca llegó a hacer nada al respecto. Y la mujer, simplemente, aguantó hasta el final de sus días.

La hermana de Basterra murió siendo muy joven luego de haber contraído tisis. Y tal como relatan Oscar del Priore e Irene Amuchástegui en el libro A mí se me hace cuento, historias ocultas del tango, en su velorio, como era costumbre, además de café se sirvió alcohol en cantidad. Horacio, destrozado por el dolor, habría bebido demasiado. Y al ver a su cuñado recibiendo las condolencias junto al féretro con cara de circunstancia, no lo toleró. Entonces se trenzó con él en una discusión que terminó en tragedia. Porque cuando el militar amagó con sacar su arma tratándolo de “borracho”, el poeta, que aunque era un hombre pacífico también llevaba la suya para resguardarse de los peligros de la noche porteña, le apuntó y ejecutó un disparo certero causándole la muerte.

Lo que siguió fue un verdadero caos. Entre gritos de desesperación, Horacio salió corriendo con su impecable traje azul manchado de sangre en dirección a la casa de Osvaldo Pugliese para pedirle ayuda. Y luego, ambos se dirigieron al Cabaret Chantecler, donde sus amigos Cátulo Castillo, Homero Manzi y Juan D’Arienzo pensaron la manera de encontrarle una salida a semejante situación. Finalmente, a las cuatro de la madrugada, decidieron ir a la residencia presidencial a ver a Juan Domingo Perón. La idea era lograr que Basterra pudiera escaparse a su país sin ser interceptado por la policía. Y, según esta hipótesis, el general habría logrado postergar la búsqueda por 24 horas, tiempo suficiente como para que llegara a cruzar el Río de La Plata en lancha desde San Fernando hasta Carmelo, para nunca más volver.

Arlette, Moneda de cobre, Tristeza marina y Los despojos son algunas de las letras que el poeta dejó antes de que se truncara su carrera. Y en su casa -no la natal sino la porteña- no quedó ningún indicio que pudiera dar cuenta de cuál había sido su destino. “Solo telarañas que teje el yuyal. Y el rosal tampoco existe y es seguro que se ha muerto al irte tú. Todo es una cruz”, decía el estribillo de Nada. De no haberse fugado, hubiera recibido una condena muy alta por haber asesinado a un militar, si es que no lo ajusticiaban antes de llegar al banquillo. Así que, desde entonces, todo fue un misterio alrededor de Basterra. Aparentemente, habría regenteado un local nocturno hasta su muerte, que lo encontró solo y apesadumbrado.

Claro que el mito no se terminó ahí. Y es que hay quienes sospechan que, en realidad, el poeta consiguió un certificado de defunción falso para poder anular su búsqueda y que sus parientes pudieran cobrar por él los derechos de autor de sus obras. Y que, con otra identidad, se habría ido a comenzar una nueva vida a España. En este caso, la historia tendría un final un poco más feliz a pesar del horror. Aunque lo más probable es que nunca se pueda saber, a ciencia cierta, qué fue lo que sucedió.