Este 7 de abril de 2026, el Pleno de la Cámara de Diputados avaló en lo general y en lo particular la reforma a la Ley Federal del Trabajo y la Ley Federal del Derecho de Autor para proteger los derechos laborales y autorales de artistas, intérpretes y músicos frente al uso de inteligencia artificial y tecnologías emergentes.

La iniciativa, propuesta por la presidenta Claudia Sheinbaum, busca frenar el uso no autorizado de la voz, imagen y ejecuciones, así como garantizar una remuneración justa.

Nuevas reglas para contratos y remuneración

Las reformas establecen que cualquier contrato laboral de intérpretes o ejecutantes debe definir con claridad las condiciones y el pago por el uso de imagen o voz, incluso si se emplea inteligencia artificial. Cualquier aprovechamiento no previsto en el acuerdo requerirá una nueva autorización y pago.

• Se incorpora la protección en plataformas digitales y entornos tecnológicos, no solo en espacios físicos.
• Se elimina la sanción administrativa directa, trasladando los conflictos al ámbito laboral jurisdiccional.
• La modificación busca dar certeza jurídica y condiciones de mejor trato a intérpretes, actores y quienes participan en el doblaje.

Protección reforzada en derechos de autor

La reforma amplía la protección legal para que la imagen y voz de artistas e intérpretes solo pueda utilizarse con su consentimiento expreso, incluyendo los resultados generados por inteligencia artificial. El consentimiento podrá revocarse por causa justificada, salvo que se hayan agotado los derechos.

• Se delimita el uso de la voz y la imagen únicamente a los fines pactados en el contrato.
• Se prohíbe la clonación o suplantación mediante inteligencia artificial, salvo para parodia, sátira o imitación creativa, siempre que no implique suplantación.
• El uso informativo, periodístico o cuando la imagen aparezca de forma secundaria en un conjunto no requiere consentimiento adicional.

Cambios clave en los artículos de la ley

Las principales modificaciones aprobadas son:

• Artículo 304 de la Ley Federal del Trabajo: Amplía el ámbito de aplicación a cualquier entorno, digital o físico, donde se realice interpretación o ejecución.
• Artículo 305 Bis: Obliga a estipular en contrato las condiciones y remuneración por el uso de imagen o voz mediante inteligencia artificial.
• Artículo 87 de la Ley Federal del Derecho de Autor: Requiere consentimiento expreso para el uso de imagen y voz, extendiendo la protección a resultados generados por IA y permitiendo revocación del consentimiento por causa justificada.
• Artículo 118: Precisa que la suplantación mediante IA solo es válida con fines de parodia, sátira o imitación creativa, y refuerza la prohibición de simulaciones que sustituyan la prestación profesional.
• Artículo 121: Cualquier clonación o suplantación de voz o imagen con IA requiere acuerdo previo y por escrito entre las partes.

La reforma queda ahora en manos del Senado para su revisión.

El nuevo ranking de multimillonarios publicado por la revista económica Forbes revela un fenómeno cada vez más visible en la economía global: figuras que alcanzaron la fama en el deporte, la música, el cine o la televisión transformaron su notoriedad en imperios empresariales valorados en miles de USD millones.

El listado identifica a 22 celebridades que primero conquistaron audiencias masivas y luego consolidaron fortunas a partir de inversiones, propiedad intelectual, acuerdos comerciales y negocios propios.

El informe correspondiente a 2026 contabiliza 22 celebridades con patrimonios superiores a USD 1.000 millones, una cifra que supera los 18 nombres registrados el año anterior. Los cuatro debutantes de esta edición son la cantante Beyoncé, el productor musical Dr. Dre, el tenista Roger Federer y el director de cine James Cameron.

Perfil de los 10 multimillonarios famosos

Entre las 22 celebridades del ranking acumulan USD 48.100 millones, impulsados por negocios vinculados al entretenimiento, la moda, el deporte profesional y la tecnología. Dentro de ese grupo, diez figuras concentran las fortunas más elevadas.

10. Magic Johnson

Patrimonio: USD 1.600 millones

Edad: 66 años

El exjugador de Los Angeles Lakers construyó su fortuna principalmente fuera de las canchas. Durante su carrera deportiva recibió alrededor de USD 40 millones en salario y menos de USD 4 millones anuales en patrocinios. Con el tiempo desarrolló una estrategia empresarial que incluyó inversiones en equipos profesionales y servicios financieros.

El patrimonio de Johnson se vincula especialmente con su participación mayoritaria en la compañía de seguros Equitrust, adquirida en 2015, además de participaciones minoritarias en franquicias deportivas como Los Angeles Dodgers y Washington Commanders.

9. Peter Jackson

Patrimonio: USD 1.900 millones

Edad: 64 años

El cineasta neozelandés consolidó su fortuna gracias a la industria cinematográfica y a la tecnología aplicada a los efectos visuales. Director de las trilogías El Señor de los Anillos y El Hobbit, se convirtió en multimillonario al vender en 2021 la división tecnológica de su empresa Wētā FX a la empresa de software Unity Software por USD 1.600 millones entre efectivo y acciones.

8. Kim Kardashian

Patrimonio: USD 1.900 millones

Edad: 45 años

La empresaria y personalidad televisiva alcanzó notoriedad mundial con el reality Keeping Up with the Kardashians. La base de su patrimonio procede de Skims, la compañía de ropa moldeadora que fundó y que inversores privados valoraron en USD 5.000 millones durante una ronda de financiación realizada en 2025.

El crecimiento de la marca consolidó a Kardashian como una de las celebridades con mayor presencia empresarial en la industria de la moda.

7. Taylor Swift

Patrimonio: USD 2.000 millones

Edad: 36 años

La cantante estadounidense ingresó al grupo de personas con patrimonio superior a USD 1.000 millones en 2023, impulsada por el impacto económico de The Eras Tour y el valor de su catálogo musical.

Según estimaciones citadas por Forbes, su fortuna incluye casi USD 1.000 millones generados por regalías y giras, además de un catálogo valorado en aproximadamente USD 900 millones y bienes raíces cercanos a USD 100 millones.

6. Jay-Z

Patrimonio: USD 2.800 millones

Edad: 56 años

El rapero y empresario multiplicó su patrimonio a través de una red de inversiones y negocios vinculados a la industria de las bebidas premium. En 2021 vendió el 50% de una marca de champán a un conglomerado de lujo y, dos años más tarde, concretó la venta de la mayor parte de su participación en una firma de coñac a la compañía de bebidas Bacardi.

5. Oprah Winfrey

Patrimonio: USD 3.200 millones

Edad: 72 años

La presentadora y empresaria convirtió su programa televisivo, emitido durante 25 años, en la base de un conglomerado mediático. Parte de los ingresos se destinaron a inversiones inmobiliarias, que incluyen más de una docena de propiedades y 850 hectáreas de terreno en Hawái.

4. Vince McMahon

Patrimonio: USD 3.600 millones

Edad: 80 años

El empresario transformó la World Wrestling Entertainment (WWE) en un fenómeno global. Tras adquirir la compañía familiar en la década de 1980, la llevó a la bolsa en 1999 y expandió su alcance internacional.

En 2023 impulsó la fusión entre WWE y UFC para crear TKO Group Holdings, una operación valorada en USD 21.000 millones.

3. Michael Jordan

Patrimonio: USD 4.300 millones

Edad: 63 años

El exjugador de la NBA es el deportista más rico. Durante su carrera deportiva acumuló USD 90 millones en salarios, pero su fortuna se multiplicó a través de acuerdos comerciales con distintas marcas deportivas.

En 2023 vendió la mayor parte de su participación en la franquicia de Charlotte Hornets, una operación que valoró al equipo en aproximadamente USD 3.000 millones.

2. George Lucas

Patrimonio: USD 5.200 millones

Edad: 81 años

El creador de Star Wars e Indiana Jones consolidó su fortuna con la venta de Lucasfilm a Disney en 2012 por USD 4.000 millones entre efectivo y acciones. Desde entonces orienta gran parte de su actividad a proyectos filantrópicos y al desarrollo del Museo Lucas de Arte Narrativo, cuya apertura está prevista en Los ángeles.

1. Steven Spielberg

Patrimonio: USD 7.100 millones

Edad: 79 años

El director estadounidense lidera el ranking de celebridades multimillonarias. Cofundador de DreamWorks y uno de los cineastas más exitosos de la historia, mantiene ingresos derivados de franquicias como Tiburón, Jurassic Park e Indiana Jones.

Según el informe de Forbes, el cineasta continúa recibiendo una parte de cada entrada vendida en los parques temáticos de Universal, donde sus películas funcionan como atracciones centrales. Su próxima producción, el thriller de ciencia ficción Disclosure Day, tiene estreno previsto para mayo.

Las otras celebridades multimillonarias del ranking

Además de las diez mayores fortunas del listado, el informe de Forbes incluye a otras 12 celebridades que también superan el umbral de los USD 1.000 millones, consolidando el crecimiento del grupo de figuras del entretenimiento y el deporte que lograron transformar su notoriedad en grandes patrimonios.

• Tiger Woods — USD 1.500 millones
• Dick Wolf — USD 1.500 millones
• Tyler Perry — USD 1.400 millones
• LeBron James — USD 1.400 millones
• Bruce Springsteen — USD 1.200 millones
• Arnold Schwarzenegger — USD 1.200 millones
• Jerry Seinfeld — USD 1.100 millones
• Roger Federer — USD 1.100 millones
• James Cameron — USD 1.100 millones
• Beyoncé — USD 1.000 millones
• Dr. Dre — USD 1.000 millones
• Rihanna — USD 1.000 millones

JUEVES, 19 de febrero de 2026 (HealthDay News) -- Los músicos sufren pérdida auditiva en la búsqueda de su pasión más del doble de veces que la mayoría de las personas, según una nueva revisión de evidencias.

Más de 2 de cada 5 músicos sufren tinnitus y una cuarta parte se ve afectada por pérdida auditiva, según informaron recientemente investigadores en la revista Otolaryngology-Head and Neck Surgery.

"Muchos músicos viven en silencio con zumbido en los oídos, sensibilidad al sonido o pérdida auditiva, tanto si tocan en una sala de sinfónica como en un pequeño club", dijo el investigador Dr. Shaun Nguyen en un comunicado de prensa. Es profesor de otorrinolaringología-cirugía de cabeza y cuello en la Medical University of South Carolina en Charleson.

Para la revisión, los investigadores agruparon datos de 67 estudios previos que involucraron a más de 28.000 músicos.

Casi el 43% de los músicos reportan tinnitus, o zumbido en los oídos, frente a solo el 13% de la población general, según el estudio.

Del mismo modo, la pérdida auditiva afecta a casi el 26% de los músicos frente al 12% de los no músicos, y la hiperacusia --una mayor sensibilidad a los sonidos cotidianos-- afecta al 37% de los músicos frente al 15% de los demás.

Tampoco se puede culpar al rock and roll. El estudio encontró que no hubo diferencias significativas en los problemas auditivos entre músicos clásicos o artistas de pop/rock.

Los investigadores sospechan que las cifras podrían ser aún mayores, ya que estos estudios no incluyeron a músicos aficionados o a tiempo parcial y carecieron de consistencia en la forma en que rastreaban la pérdida auditiva.

Por ejemplo, alrededor del 63% de los casos de pérdida auditiva entre músicos se basaban en autoinformes subjetivos, según los investigadores. Solo el 37% tuvo su pérdida auditiva confirmada mediante pruebas.

Como las personas a menudo no se dan cuenta de que han sufrido pérdida auditiva, es probable que haya aún más casos de los que han encontrado estos estudios, según los investigadores.

"La investigación que tenemos sigue siendo imperfecta, a menudo basada en síntomas auto-reportados y detalles faltantes sobre cosas como otros hobbies ruidosos, instrumentos específicos y la frecuencia con la que la gente usa protección auditiva", dijo Nguyen.

Los resultados sugieren que los músicos podrían necesitar hacerse pruebas auditivas con más frecuencia, dado que los problemas auditivos son un riesgo profesional para ellos, según los investigadores.

"Lo que realmente necesitamos ahora es un perfil de riesgo más personal, ingresado por músicos, para poder ofrecer consejos prácticos y personalizados que ayuden a los artistas a proteger su audición sin sacrificar la música que aman", dijo Nguyen.

Más información

La Fundación de Salud Auditiva tiene más información sobre músicos y pérdida auditiva.

FUENTE: Academia Americana de Otorrinolaringología - Cirugía de Cabeza y Cuello, nota de prensa, 17 de febrero de 2026

El modelo BandBox Solo, desarrollado por JBL, permite conectar guitarra o micrófono y gestionar múltiples funciones a través de la aplicación JBL ONE, donde los usuarios pueden optar por modelos de amplificadores tanto clásicos como modernos y acceder a efectos tales como modulación, coro y reverberación, sin requerir pedales adicionales. Esta característica introduce al mercado herramientas de personalización de audio antes reservadas para estudios o equipos de altas prestaciones, ahora integradas en dispositivos portátiles y orientadas a músicos de cualquier nivel. Según informó el medio, la nueva línea que incluye BandBox Solo y BandBox Trio se ha diseñado para aprovechar inteligencia artificial en la transformación de la experiencia musical.

JBL presentó su gama de amplificadores y altavoces portátiles BandBox, la cual incorpora tecnología desarrollada por Stem AI. Según consignó el medio, esta solución está enfocada en separar voces o instrumentos en tiempo real, ofreciendo la posibilidad de aislar o eliminar elementos como la guitarra y la batería, lo que facilita a los usuarios ejecutar canciones sobre mezclas adaptadas específicamente a sus necesidades. Esta tecnología se integra directamente en los dispositivos, lo que permite modificar componentes musicales sobre la marcha sin asistencia técnica o software externo.

La gama BandBox abarca dos modelos: Solo, pensado para músicos individuales, y Trio, orientado a bandas. BandBox Solo, de formato compacto, cuenta con entrada para instrumentos de cuerda o micrófono, además de soporte para la gestión de múltiples efectos y modelos de amplificador desde la app conectada que proporcionó la empresa. Por su parte, BandBox Trio incorpora cuatro entradas, lo que permite la conexión simultánea de varios instrumentos, y dispone de un mezclador propio de cuatro canales integrado en el equipo. JBL destacó, de acuerdo con su comunicado, que este dispositivo facilita el ajuste del equilibrio entre canales, la personalización del tono y la aplicación directa de efectos desde la propia unidad, a través de controles físicos.

Ambos modelos permiten a los músicos crear mezclas de acompañamiento en tiempo real, una opción que según detalló JBL, apunta a intérpretes de todos los niveles. Los dispositivos ofrecen un audio capaz de reproducir frecuencias agudas claras, medios definidos y graves profundos. Además, el BandBox Trio cuenta con una batería extraíble y controles manuales implementados de manera que el usuario mantenga el control táctil de la experiencia sin depender de interfaces digitales.

La comercialización de estos productos está prevista a partir de febrero, según publicó la compañía. El precio del BandBox Solo se fijará en 229,99 euros, mientras que el BandBox Trio tendrá un costo de 599,99 euros. De acuerdo con JBL, el énfasis de esta nueva gama está puesto en ofrecer soluciones avanzadas de procesamiento de audio mediante inteligencia artificial tanto para usuarios experimentados como principiantes, permitiendo a cualquier músico acceder a herramientas que antes requerían conocimientos técnicos o equipamiento especializado.

La integración de opciones avanzadas en una plataforma portátil responde al objetivo de dotar a los músicos de flexibilidad y autonomía sobre la gestión de sus mezclas y presentaciones en directo, eliminando barreras técnicas y permitiendo la edición del sonido a medida y en tiempo real. Según el comunicado de JBL, tanto la facilidad de uso como la conectividad con dispositivos móviles han sido componentes centrales en el diseño de BandBox Solo y BandBox Trio.

Redacción Internacional, 19 ene (EFE).- El cantante estadounidense Bruce Springsteen, crítico habitual de la Administración de Donald Trump, carga de nuevo contra el líder republicano subrayando que el servicio de control migratorio (ICE) debería irse "de una puta vez" de Mineápolis y pidiendo a la ciudadanía que traslade al mandatario su descontento.

"Si crees que no mereces ser asesinado por ejercer tu derecho a protestar, envía un mensaje a este presidente. Como ha dicho el alcalde de esa ciudad: ICE debería irse de una puta vez de Mineápolis", dijo este fin de semana.

El autor de clásicos como 'Born in the U.S.A' y 'Born to Run' incluyó a aquellos que creen en el poder de la ley y en que nadie está por encima de ella, y a quienes se oponen a que tropas federales "fuertemente armadas y enmascaradas invadan" una ciudad del país "usando técnicas de la Gestapo" contra sus conciudadanos.

Springsteen se pronunció el sábado en el festival Light of Day en Nueva Jersey, donde dedicó la canción 'The Promised Land' a la fallecida Renee Good, estadounidense de 37 años que el pasado 7 de enero fue tiroteada en Mineápolis por un agente del ICE en una protesta.

Aunque las autoridades afirman que el hombre actuó en legítima defensa porque pensó que la mujer lo iba a arrollar con su vehículo, el vídeo que ha circulado por redes sociales sobre lo sucedido muestra que las ruedas del auto no apuntaban hacia él.

Minnesota, estado de la que Mineápolis es su mayor ciudad, ha protagonizado otro incidente destacado como resultado de los operativos migratorios.

También este mes, un integrante del ICE hirió en la pierna a una persona durante un intento de arresto. Esto ha incrementado la tensión en las calles y las propias autoridades estatales han demandado al Gobierno por estas operaciones.

"Estamos viviendo tiempos increíblemente críticos. Estados Unidos, los ideales y los valores por los que ha luchado durante los últimos 250 años están siendo puestos a prueba como nunca antes en la época moderna. Esos valores y esos ideales nunca han estado tan amenazados como ahora", añadió Springsteen, según declaraciones recogidas por la revista Variety.

Trump todavía no se ha pronunciado en respuesta a esas palabras de Springsteen, pero el pasado mayo le llamó "imbécil prepotente" después de que 'The Boss' (el Jefe) tachara al Gobierno del neoyorquino de "corrupto, incompetente y traidor" durante un concierto ofrecido en el Reino Unido.

La noticia del fallecimiento de Antonio Samuel Rodríguez, más conocido como Antonio Smash, en la madrugada de este lunes, ha supuesto un duro golpe para el mundo de la música española. Considerado como uno de los pioneros del rock andaluz y el rock flamenco, el músico de 73 años ha sufrido un infarto del que no ha podido recuperarse.

Así lo ha informado la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE9, entidad que ha transmitido sus condolencias a través de sus redes sociales, destacando la relevancia del artista en la historia musical española. En su mensaje, la SGAE subraya que Antonio Smash fue protagonista de “un hito histórico” con la grabación en 1971 de El Garrotín, junto a Manuel Molina, una obra que marcó el inicio de la fusión entre rock y flamenco y que sentó las bases del denominado rock andaluz.

Dio su último concierto tres días antes de su muerte

Nacido en 1952 y con una temprana vocación musical, entre sus mayores hitos se recuerda su papel como baterista en el grupo Smash, banda sevillana nacida a finales de los años sesenta que se convirtió en una referencia musical en la fusión de géneros, mucho antes de que otras formaciones y artistas, como Triana, Las Grecas o Camarón empezaran a tocar. Tras los álbumes Glorieta de los lotos y We come to smash this time, la llegada de Manuel Molina supuso una nueva etapa para Smash, que lanzó sencillos como El garrotín / Tangos de Ketama y Ni recuerdo ni olvido, considerados trabajos fundacionales del rock andaluz.

Más adelante, Antonio Smash continuaría su carrera con la fundación en 1974 del grupo Goma junto a Manuel Rodríguez. Posteriormente, trasladaría su actividad a Madrid en 1976, donde colaboró en la grabación del disco Pasaje del agua de Lole y Manuel y participó en dos de sus temas. En 1987, se integraría en Pata Negra como batería, bajista y compositor, y entre 1992 y 1998 colaboraría con Kiko Veneno en diversas grabaciones y giras.

Su fallecimiento llega tres días después de que el artista ofreciera su última actuación, la cual tuvo lugar en la Sala Even de Sevilla, durante un homenaje al guitarrista Pedro G. Mauricio, con quien colaboró en varios proyectos musicales. Antonio Smash no había dejado de actuar en directo y, desde enero de 2002, contaba con una carrera en solitario que prolongó hasta el último día y que dio lugar a trabajos tan destacables como Jardín secreto, Balas de amor, Viéndolas venir o Entre las olas.

Varios mensajes de despedida

El fallecimiento del músico andaluz ha provocado una rápida reacción tanto de personalidades como de instituciones. El alcalde de Sevilla, José Luis Sanz, ha escrito en sus redes sociales un mensaje de despedida para un artista “inigualable”. “Su legado será recordado siempre. Gracias por toda la música que nos diste en vida”, ha expresado tras dar sus condolencias a familiares y amigos.

La SGAE también ha hecho referencia a la última etapa del músico, subrayando sus trabajos "eclécticos, intuitivos y profundamente honestos" que, a la postre, seguirían contribuyendo a “abrir caminos y ensanchar los límites del sonido”. Un trabajo por el que, desde la entidad, han querido transmitir todo su agradecimiento.

Más de 40 artistas y organizaciones del sector remitieron una carta a Keir Starmer, primer ministro británico, reclamando el cumplimiento de su promesa electoral de poner fin a las prácticas especulativas que afectan a millones de fans, según Rolling Stone UK.

El documento, firmado por músicos como Sam Fender, PJ Harvey, Robert Smith (The Cure), Iron Maiden, New Order y Nick Cave, así como entidades como UK Music, FanFair Alliance y la Football Supporters’ Association, insta a una acción urgente contra plataformas como Viagogo y StubHub.

Los artistas advierten que durante años estas plataformas permitieron que revendedores acaparen entradas para luego revenderlas a precios desorbitados, lo que priva a los aficionados de acceso real. Los firmantes sostienen que esta situación erosionó la confianza en el sector de eventos en vivo y complica los intentos de mantener espectáculos accesibles y asequibles.

Propuestas de reforma y respuesta gubernamental

La petición principal de los artistas y organizaciones es la imposición de un tope legal al precio de reventa. Según el escrito, este límite ayudaría a corregir los aspectos “extorsivos y perniciosos” del mercado secundario, dominado por prácticas que impiden el acceso de los verdaderos aficionados a conciertos, obras de teatro y eventos deportivos.

También destacan que eliminar la reventa con ánimo de lucro facilitaría la detección de actividades ilegales y evitaría que los fans recurran a sitios menos regulados.

Rolling Stone UK subraya que, en el plano político, el gobierno de Keir Starmer se había comprometido en campaña a limitar los precios de la reventa, pero la medida sigue pendiente. En enero de 2025, el ejecutivo abrió una consulta pública para definir el alcance de la política, proponiendo un tope que oscilaría entre el 0% y el 30% sobre el valor original.

Un portavoz del gobierno declaró a la BBC, según Rolling Stone UK: “Este gobierno está plenamente comprometido a acabar con los revendedores y va más allá para devolver a los fans el protagonismo en los eventos en vivo. Hemos analizado cuidadosamente las pruebas presentadas en la consulta y anunciaremos nuestros planes en breve”.

Impacto en el mercado y próximos pasos

El impacto de la reventa especulativa quedó reflejado en los datos aportados por la organización de consumidores Which?, que participó en la elaboración de la carta.

Un estudio realizado en agosto y septiembre de 2025 sobre las principales plataformas británicas, como StubHub y Viagogo, reveló aumentos extremos: las entradas para conciertos de Oasis en Wembley alcanzaron £3.498,85 (4.610,85 USD) en StubHub y £4.442 (5.853,76 USD) en Viagogo. Estas cifras ilustran la magnitud del problema.

Las organizaciones de consumidores y el sector musical presentaron propuestas adicionales, como exigir que los vendedores realmente posean las entradas antes de ofertarlas, verificar la identidad de los vendedores y la información de los boletos en cada plataforma, y garantizar que las normas se apliquen de forma efectiva.

Lisa Webb, experta en derecho del consumidor de Which?, señaló para Rolling Stone UK que “la declaración conjunta de hoy deja claro que artistas, organizaciones de fans y consumidores rechazan el mercado de entradas roto que ha permitido prosperar a los revendedores durante demasiado tiempo”.

A la espera de una respuesta del gobierno, la expectativa crece ante la posibilidad de que se incluya un límite legal a la reventa en el próximo discurso del Rey, aunque tanto artistas como organizaciones sostienen que solo una reforma integral y una ejecución rigurosa restaurarán la confianza y la equidad en el acceso a los eventos en vivo.

Esta noche de viernes arrancó de manera histórica en Valencia: por primera vez, la ciudad ha sido sede de LOS40 Music Awards, llenando de expectación el Roig Arena. Rosalía fue la encargada de abrir la gala con una actuación breve pero impactante: bastaron cuatro minutos para captar toda la atención del público. Con las luces apagadas y con las cuerdas de “Reliquia” interpretadas en directo por una orquesta, el ambiente se llenó de expectación.

Rosalía estrena ‘Reliquia’ en directo para 18.000 personas

Así, la gala de premios ha servido también a modo de estreno en directo de un tema incluido en “Lux”, el cuarto álbum de Rosalía, publicado también este viernes. Sobre el escenario, la artista giraba iluminada únicamente por un rayo de luz mientras unas 18.000 personas respondían con gritos y aplausos al ritmo de la música. Hacia el final del espectáculo, la iluminación se volvió más intensa y desde el techo cayeron cientos de papeles que recordaban a partituras, en sintonía con la estética que ha acompañado al disco desde el principio.

La canción “Reliquia” - que estuvo accesible al público brevemente esta semana antes de ser borrada - arranca con los instrumentos de cuerda en primer plano y va sumando un ritmo electrónico que le aporta un aire contemporáneo. En los últimos segundos, toma protagonismo un beat que recuerda al drum and bass de los noventa. Las palmas, tan representativas del flamenco que caracteriza el estilo de Rosalía, marcan buena parte del álbum. La letra recorre diferentes destinos del mundo: “Perdí mi lengua en París, mi tiempo en L.A, los heels en Milán, la sonrisa en U.K.”, y menciona también ciudades como Jerez, Barcelona, Madrid y Granada.

Desde hoy, el disco ya está disponible en todas las plataformas digitales y en formato físico, aunque en la versión digital hay tres temas menos. La edición completa, de una hora de duración, solo puede escucharse en las ediciones de vinilo y CD.

Antes de subirse al escenario, Rosalía ya había ocupado todos los focos en la alfombra roja, convertida en una auténtica marea de peticiones de fans y autógrafos. Su llegada estuvo marcada por el caos, rompiendo el protocolo habitual. Vestida completamente de negro, con un top emplumado y unas gafas-máscara que cubrían la mitad del rostro, avanzó menos de diez metros y trató de responder a las preguntas de los periodistas, que superaron la barrera que separaba a la prensa de las estrellas.

Su presencia no pasó desapercibida y en apenas tres minutos se despidió para entrar al evento. En contraste con la imagen de monja vestida de blanco que aparece en la portada de su nuevo trabajo, Rosalía dejó clara la expectación por su regreso al confesar: “Sorprendida por las ganas que la gente tenía de escucharlo”.

Por la alfombra roja también pasaron otros protagonistas destacados de la noche. Entre quienes buscaban alzarse con algún premio se encontraban nombres como Aitana, Ed Sheeran, Myles Smith, Dani Fernández, Dani Martín, Quevedo, Feid, Bad Bunny, Beéle, Emilia, Kapo, Mora, Morat, Rauw Alejandro, Karol G, Lola Indigo y Sebastián Yatra, lo que sumó aún más expectación a la cita.

Cinco presuntos integrantes del grupo delictivo “Los Malportados” fueron vinculados a proceso por el delito de secuestro agravado tras ser señalados como responsables de la retención y agresión de seis músicos en la Ciudad de México. La Fiscalía General de Justicia de la Ciudad de México (FGJCDMX) confirmó que dos adultos y tres menores de edad enfrentan medidas cautelares por su presunta participación en el ataque ocurrido en octubre de 2025.

El caso conmocionó a la capital luego de que seis integrantes de un grupo de mariachi fueran contactados para presentarse en una supuesta fiesta familiar en la colonia San Bartolo El Chico, alcaldía Tlalpan.

Al concluir su actuación, fueron amenazados con armas de fuego, despojados de sus pertenencias y agredidos físicamente. Dos de ellos sufrieron quemaduras graves en el 80% y 25% del cuerpo, respectivamente, mientras que los demás presentaban lesiones menores.

El pago de rescate a las familias de los músicos

Los músicos fueron obligados a comunicarse con sus familiares para exigir dinero a cambio de su liberación. Posteriormente, fueron trasladados en una camioneta negra y abandonados en otra colonia de Tlalpan, donde lograron pedir auxilio.

Así mismo, la denuncia ciudadana permitió a la Secretaría de Seguridad Ciudadana de la Ciudad de México (SSC-CDMX) rastrear el vehículo mediante cámaras del C2, localizándolo en la colonia Infonavit Iztacalco.

Durante el operativo, los agentes aseguraron los siguientes objetos:

• Un arma de fuego corta
• 100 dosis de cocaína
• Identificaciones personales ―incluida una de una institución de procuración de justicia— y tarjetas bancarias

Ante esto, los detenidos, de 43, 35, 17, 16 y 14 años de edad respectivamente, fueron puestos a disposición del Ministerio Público.

Prisión preventiva para los únicos adultos de “Los Malportados”

El juez de control impuso prisión preventiva a los dos adultos, quienes también enfrentan cargos por delitos contra la salud y portación de arma de fuego. Permanecerán en el Reclusorio Preventivo Varonil Oriente durante los seis meses fijados para el cierre de la investigación complementaria.

En tanto, a los tres menores se les dictó internamiento preventivo y se estableció un plazo de 45 días para continuar el proceso conforme al Sistema Integral de Justicia Penal para Adolescentes.

¿Quiénes son “Los Malportados” en el mapa criminal de CDMX?

“Los Malportados” han sido identificados como una célula delictiva generadora de violencia en el sur y oriente de la capital. De acuerdo con investigaciones periodísticas y fuentes de seguridad capitalinas, el grupo forma parte de la estructura del Cártel Nuevo Imperio, vinculado al Cártel de Sinaloa.

A ellos se les atribuyen delitos como secuestro, extorsión, homicidio, robo a transporte y narcomenudeo en alcaldías como Iztapalapa, Tlalpan y Xochimilco.

El líder actual es Gustavo Aldair, apodado como “El Malportado” o “El 19”, quien asumió el control tras la captura de Néstor Arturo López, “El 20”y fundador del Cártel Nuevo Imperio, detenido en junio de este año.

La expectación que rodea el Cuarto Azul World Tour de Aitana no baja el ritmo. Ante la enorme demanda de entradas, la artista ha anunciado, durante un directo en Instagram, siete nuevas fechas para 2026. La gira incorpora paradas en Valencia, Sevilla, Barcelona, Madrid y Bilbao.

Entre los detalles, la propia Aitana fue clara sobre la situación de quienes no habrían logrado entrar en la primera tanda de venta: “Veo a mucha gente cabreada porque no ha conseguido entradas, y no es justo. Sé que hay fans de hace mucho que se han quedado sin ellas”, reconoció, explicando que esta ampliación responde al apoyo recibido.

Las nuevas fechas del Cuarto Azul World Tour

El calendario para las nuevas fechas queda así:

• 21 de mayo – Valencia (Roig Arena)
• 4 de junio – Sevilla (Plaza de España)
• 7 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 8 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 14 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 15 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 19 de septiembre – Bilbao (BEC)

Sobre la venta de entradas, la organización ha marcado tres fases diferenciadas:

• Preventa exclusiva Banco Santander: lunes 27 de octubre a las 10:00, disponible durante 24 horas
• Preventa para fans registrados en la newsletter: martes 28 de octubre, de 10:30 a 12:30
• Venta general: martes 28 de octubre a partir de las 12:30

La emoción también estuvo presente en el mensaje de la cantante, que no dudó en compartir su entusiasmo: “Estoy muy emocionada. A mí lo que me hace feliz de todo esto es cantar, estar con vosotros en los conciertos. Gracias por dejarme vivir así mi sueño”. Además, Aitana adelantó que su equipo está “acabando de cuadrar” las fechas internacionales, con paradas en Europa, Latinoamérica y Estados Unidos.

Por el lado de los precios, se mantienen las tarifas de anteriores convocatorias para el Cuarto Azul World Tour:

• Categoría Grada 4: 50 €
• Persona con movilidad reducida (Grada): 50 €
• Acompañante movilidad reducida: 50 €
• Pista General: 59 €
• Categoría Grada 3: 64 €
• Categoría Grada 2: 70 €
• Early Entry Pista General: 75 €
• Categoría Grada 1: 85 €
• Front Stage: 110 €
• Ticket Premium: 120 €
• Early Entry Front Stage: 140 €

Con estas nuevas incorporaciones, el tour nacional de Aitana suma dieciocho conciertos antes de saltar a escenarios internacionales. Así queda toda la agenda del Cuarto Azul World Tour en España:

• 9 de mayo – Roquetas de Mar (Estadio José Antonio Peroles)
• 15 de mayo – Murcia (Plaza de Toros)
• 21 de mayo – Valencia (Roig Arena)
• 22 de mayo – Valencia (Roig Arena)
• 29 de mayo – Albacete (Estadio José Copete)
• 4 de junio – Sevilla (Plaza de España)
• 5 de junio – Sevilla (Plaza de España)
• 12 o 13 de junio – Mallorca Live Festival
• 19 de junio – Fuengirola (Marenostrum)
• 26 de junio – Avilés (Pabellón de La Magdalena)
• 4 de julio – Granca Live Fest
• 10 de julio – Zaragoza (Príncipe Felipe)
• 12 de julio – Cádiz (Estadio Nuevo Mirandilla)
• 18 de julio – Úbeda (Recinto Ferial)
• 22 de julio – A Coruña (Coliseum)
• 4 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 5 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 7 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 8 de septiembre – Barcelona (Palau Sant Jordi)
• 11 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 12 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 14 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 15 de septiembre – Madrid (Movistar Arena)
• 18 de septiembre – Bilbao (BEC)
• 19 de septiembre – Bilbao (BEC)

Mientras avanza la investigación por la trágica muerte de dos músicos de La Plata ocurrida en mayo de este año, la Justicia local dictó la prisión preventiva para el principal sospechoso de chocar a las víctimas con su camioneta en Melchor Romero, herir gravemente a una tercera persona y posteriormente darse a la fuga.

H. G. E. D., de 28 años, estuvo prófugo cuatro meses y fue capturado a mediados de septiembre, ocasión en la que también quiso escapar. Desde entonces, permanece bajo custodia por orden del fiscal Fernando Padovan, responsable de la Unidad Funcional de Instrucción N°12.

Según consignó 0221, el acusado enfrenta cargos por “doble homicidio culposo agravado por conducción automotor y fuga sin asistencia”, y lesiones culposas agravadas. El proceso judicial prevé que el acusado permanezca alojado en una unidad penitenciaria mientras se resuelve su situación.

La muerte de los músicos Franco Agustín Giampieri, de 33 años, y Axel Geremías Martínez, de 31, ocurrió el 19 de mayo en la avenida 520, entre las calles 161 y 163, cuando regresaban de un ensayo, acompañados por Esteban Acosta, de 35.

La camioneta Ford Ranger, que conducía H. G. E. D. según el expediente, embistió violentamente por detrás a los músicos y su acompañante, arrastrándolos varios metros. Los ocupantes de la camioneta descendieron poco después del choque, tomaron algunos bolsos y huyeron corriendo. El vehículo quedó abandonado en la escena.

Durante su declaración indagatoria, el hombre se desligó del hecho y afirmó que no conducía la camioneta en el momento del siniestro. Sostuvo que había prestado el vehículo a terceros y que la noche del accidente se encontraba en su domicilio acompañado por otras personas, quienes podrían atestiguar esa versión. Dijo además que esteba trabajando.

La Policía halló los cuerpos sin vida de Giampieri y Martínez tendidos entre el asfalto y la vereda. Acosta, por otro lado, fue trasladado de urgencia al Hospital Alejandro Korn, con fracturas y politraumatismos que lo dejaron en silla de ruedas.

Gracias a las cámaras de seguridad, las autoridades pudieron reconstruir el hecho y establecer la ruta de fuga de los sospechosos. Pese a esto, Duarte permaneció prófugo más de 120 días, dejando de concurrir a sus lugares habituales y cambiando de domicilio en varias ocasiones.

Fue arrestado finalmente el 19 de septiembre, cuando habían transcurrido exactamente cuatro meses, en la zona de 18, entre 33 y 34. Los efectivos se encontraban trabajando en el lugar, haciendo vigilancia discreta, cuando observaron que el sospechoso se aproximaba a un automóvil BMW negro. El detenido intentó huir a pie, pero fue rápidamente interceptado y reducido. Durante el procedimiento realizado en el lugar, la Policía secuestró teléfonos celulares, anotaciones y el vehículo.

Las víctimas, músicos conocidos de La Plata e integrantes de la banda local “Rojo Alvino”, fueron despedidas por amigos y familiares con pedidos de justicia. “Lo peor que me pasó en la vida no fue el golpe, ni el choque, ni quedar en silla de ruedas, ni las operaciones, ni nada de eso; fue quedarme sin ustedes, mis amigos de toda la vida, mis hermanos, mi refugio”, escribió la tercera víctima que los acompañaba al momento del accidente, en sus redes sociales días antes de conocerse la resolución judicial. Y añadió: “Casi 4 meses que me chocó esa camioneta, fue durísimo el camino. Ya voy a volver a caminar, por todos los que me ayudaron y me acompañaron en estos días terribles”.

Martínez tenía una hija pequeña y Giampieri, un hijo, situación que motivó manifestaciones y reclamos de justicia en distintos puntos de la ciudad.

El plató de La Revuelta ha sido el escenario elegido por Milo J para revelar dos noticias que han agitado a sus seguidores: el lanzamiento de su tercer disco, La vida era más corta, y una gira por España prevista para enero de 2026. El anuncio, realizado en “directo” durante su entrevista con David Broncano, confirmó que el artista argentino visitará Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia, Bizkaia y A Coruña, en lo que será su primera gran gira española.

Camilo Joaquín Villarruel, conocido como Milo J, nació en 2006 en Morón, en el conurbano bonaerense. Con apenas 18 años, el músico ha construido un sonido propio en el que conviven el folclore sudamericano, el rock y las nuevas corrientes urbanas. Sacó su primera canción (’Tus Vueltas’) cuando tenía apenas 15 años, y poco después irrumpió en la escena con Rara vez, un éxito que acumula más de 800 millones de reproducciones en Spotify y supera los 200 millones de visualizaciones en YouTube.

“La música murió hace años”

Lejos del uso del autotune que predomina en su generación musical, Milo J se ha distinguido por una voz grave y letras que abordan temas sociales y existenciales. A lo largo de su carrera, ha llenado estadios en Argentina, mantiene a su madre - Aldana Ríos - como representante y es patrocinador del Club Deportivo Morón, el equipo de fútbol de su barrio.

Su nuevo disco, La vida era más corta, supone — según explicó en el programa — una reivindicación del folclore sudamericano y un encuentro entre distintas generaciones musicales. Entre las colaboraciones más destacadas se encuentran Silvio Rodríguez, Trueno, AKRIILA, Soledad Pastorutti, Cuti y Roberto Carbajal, además de la voz de Mercedes Sosa. Sobre Rodríguez, junto a quien grabó Luciérnagas, el artista relató: “Es imposible encontrarle, no me preguntes por qué se enteró de que lo estaba buscando, lo escuchó, le gustó, mandó las voces y salió la canción”.

La entrevista con Broncano dejó varios momentos memorables. Al ver imágenes de Camarón de la Isla y Paco de Lucía tocando su música, Milo J reaccionó sorprendido: “Es buenísimo, tenía 500 dedos, qué locura…”. Luego lanzó una frase que descolocó al presentador y al público: “La música murió hace años”.

En el tono habitual del programa, Broncano le pidió cifras sobre su cuenta bancaria. Milo J respondió con humor: “Se complica por el país del que vengo, no sé si diría el número completo. Tengo una casa, un coche, de Argentina no venimos caminando. Mi familia está estable, como, duermo”. Cuando el presentador intentó indagar en su vida personal con la segunda pregunta clásica, el joven cortó la curiosidad con una sonrisa: “Todo lo contrario a lo que te imaginas”.

La conversación se cerró con la actuación en directo de Niño, junto a su banda, y con la promesa de entradas para el concierto en Madrid, tras una petición en tono de broma por parte de los colaboradores. La visita de Milo J a La Revuelta confirmó que su conexión con el público español sigue creciendo. Con La vida era más corta y su próxima gira, el joven argentino prepara un nuevo capítulo en una carrera que no deja de cruzar fronteras.

El cantautor y poeta extremeño Pablo Guerrero ha fallecido este martes a los 78 años de edad en el hospital Rúber de Madrid, tras una larga lucha contra un cáncer de pulmón.

Nacido en Esparragosa de Lares (Badajoz), Guerrero se convirtió en la década de los 70 en uno de los autores más destacados del movimiento de la canción protesta en España, destacando por su perseverante exploración de la poesía y por haber personificado una sensibilidad adelantada a su tiempo. Residente desde hace cuatro décadas y media en el barrio madrileño de Ciudad de los Poetas, Guerrero representó para muchos un ideal de masculinidad vulnerable y una excepcional destreza para convertir la experiencia cotidiana en material de belleza.

El impacto de una de sus canciones, A cántaros (1972), fue tal que la frase “tiene que llover, tiene que llover a cántaros”, escrita por él mismo, se transformó en un símbolo de apertura y anhelo de cambio durante la Transición española. Por otra parte, la carrera de Guerrero abarcó más de una docena de discos y varios volúmenes de poesía, perfilándose como el referente de la comunión entre música y palabra dentro del panorama español.

Así se han algunos de sus amigos

El reconocimiento a su trayectoria llegó de diferentes instituciones y colectivos. Recibió la Medalla de Extremadura en el año 2000, el Premio a Toda Una Vida de los Premios de la Música en 2009 y la Medalla de Oro de Bellas Artes en 2022, entre otros galardones. Además, Guerrero forjó una importante red de afectos e influencias en el mundo de la música. En 2007, el disco homenaje Hechos de nubes reunió, ajo la producción de Ismael Serrano, a nombres como Luz Casal, Serrat, Labordeta y Víctor Manuel, todos rendidos ante la influencia serena pero persistente de su legado.

Estos mismos amigos han sido quienes también han manifestado su dolor públicamente, con diferentes mensajes en sus redes sociales. Ismael Serrano, por ejemplo, ha publicado un mensaje en el que asegura que “no se lo puede creer”. “Estoy desolado. Era una persona maravillosa. Era un artista imprescindible”. Su compañero y amigo Miguel Ángel Gómez Naharro también ha dejado un mensaje de despedida. “Tus poemas y canciones seguirán estando con nosotros. Vuela alto querido amigo”, ha señalado en un texto en Instagram, junto con una imagen del fallecido.

Políticos e instituciones recuerdan su legado

Además, la noticia ha sacudido por completo a la sociedad más allá de la cultura y ha provocado también reacciones de diferentes figuras públicas. La presidenta de Extremadura, María Guardiola, al confirmarse la noticia, ha querido recordar el legado lírico del artista: “Extremadura es hoy un arpegio de despedida, un acorde que suena huérfano”, escribía en su cuenta de X, añadiendo un sentido abrazo a la familia y a los amigos del músico.

La Sociedad General de Autores (SGAE) también ha reaccionado al fallecimiento del cantautor con un texto en el que admiten que están “consternados” por la noticia. “Músico sin compromisos, poeta a cántaros, hizo de este mundo nuestro un lugar más acogedor. Gracias por las alas que nos regalaste, maestro. Tu obra vive en nosotros”

En el dinámico universo del espectáculo, las relaciones laborales de actores y músicos en México presentan particularidades que difieren de otras actividades profesionales

Desde la actuación en teatros, la participación en circos, hasta la grabación en salas de doblaje, la Ley Federal del Trabajo (LFT) reconoce la diversidad de escenarios en los que estos artistas desempeñan su labor y establece normas adaptadas a sus realidades, delineadas de manera específica en los artículos 304 a 310.

A diferencia de los convenios habituales en la mayoría de los sectores, los contratos para actores y músicos pueden verse acordados por tiempo determinado o incluso para una o varias presentaciones puntuales. Al respecto, la LFT marca: “Las relaciones de trabajo pueden ser por tiempo determinado o por tiempo indeterminado, para varias temporadas o para la celebración de una o varias funciones, representaciones o actuaciones”, artículo 305.

El tema del salario es uno de los puntos que más preguntas genera entre quienes observan la industria desde fuera. Para la mayoría de las actividades laborales en México, la igualdad salarial para trabajos iguales es una regla estricta. Sin embargo, la ley hace una excepción cuando se trata de la remuneración de actores y músicos.

Así, la LFT es categórica en su artículo 307: “No es violatoria del principio de igualdad de salario, la disposición que estipule salarios distintos para trabajos iguales, por razón de la categoría de las funciones, representaciones o actuaciones, o de la de los trabajadores actores y músicos.”

Esta disposición legal significa que no es ilegal fijar sueldos diferentes para artistas que desempeñan el mismo papel, siempre y cuando exista una base objetiva, como la categoría del artista, la importancia de la función o el tipo de evento.

No obstante, la LFT sigue estableciendo criterios de certeza y protección para los artistas. Por ejemplo, cuando el servicio se pacta para realizarse en el extranjero, el empleador debe anticipar al menos un 25% del salario por el tiempo contratado y debe garantizar el boleto de ida y vuelta, tal como lo exige el artículo 308.

Además, si la labor se desarrolla en un sitio distinto al de residencia del artista, dentro del territorio nacional, se aplican las mismas garantías en la medida de lo posible (artículo 309).

Por último, pensando en las condiciones de trabajo, la ley obliga a los empleadores a proveer camerinos cómodos, higiénicos y seguros cuando la naturaleza de la labor así lo requiera, según el artículo 310.

El escenario de los derechos laborales para los actores y músicos en México revela un marco normativo particular, diseñado para responder a las necesidades y peculiaridades de quienes se dedican a las artes escénicas. A diferencia de otros sectores, la Ley Federal del Trabajo (LFT) dedica un capítulo completo a regular de forma específica los términos de contratación, salario y condiciones de trabajo de quienes se presentan en teatros, cines, centros nocturnos, circos, emisoras de radio y televisión, así como salas de grabación y doblaje.

Según la LFT, las relaciones de trabajo de los músicos y actores pueden ser por tiempo determinado, indeterminado, por temporadas, o incluso por función o representación individual. Así lo deja claro el artículo 305, el cual establece que “las relaciones de trabajo pueden ser por tiempo determinado o por tiempo indeterminado, para varias temporadas o para la celebración de una o varias funciones, representaciones o actuaciones”.

La flexibilidad en los contratos va acompañada de mecanismos para garantizar la seguridad económica de los artistas. El artículo 306 de la LFT dispone expresamente: “El salario podrá estipularse por unidad de tiempo, para una o varias temporadas o para una o varias funciones, representaciones o actuaciones”. Así, el pago puede configurarse según la lógica directa de la función artística.

Además, el marco legal reconoce que en el ámbito artístico existen diferencias de experiencia y de peso profesional entre los miembros de un elenco, así como variaciones en la importancia de las funciones o espectáculos. Por ello, el artículo 307 determina que no constituye una violación al principio de igualdad salarial el que existan “salarios distintos para trabajos iguales, por razón de la categoría de las funciones, representaciones o actuaciones, o de la de los trabajadores actores y músicos”.

Cuando el trabajo artístico requiere presentaciones fuera del país, el artículo 308 explica que “deberá hacerse un anticipo del salario por el tiempo contratado de un veinticinco por ciento, por lo menos”, y que “deberá garantizarse el pasaje de ida y regreso”.

Estas reglas buscan evitar que los actores y músicos enfrenten riesgos económicos o logísticos si deben cumplir contratos en el extranjero. En situaciones en que la prestación de servicios ocurre dentro del territorio pero lejos de la residencia habitual del artista, las mismas medidas que aplican.

El artículo 310 de la LFT impone a los empleadores la obligación de brindar a los trabajadores camerinos que sean cómodos, higiénicos y seguros, siempre en el local donde se preste el servicio. Este requisito responde tanto a la dignidad profesional del trabajador como a las necesidades inherentes a la preparación previa a cada función o presentación pública.

Finalmente, la ley abarca con sus disposiciones todos aquellos lugares en los que se transmita o grabe la imagen, la voz o la música de los actores y músicos, sin importar el procedimiento técnico utilizado. Desde escenarios tradicionales hasta plataformas de grabación o espacios de transmisión digital, la LFT pretende, según lo estipulado en su artículo 304, que los derechos laborales de este gremio sean resguardados de manera integral y acorde a las transformaciones del sector.

La música siempre ha estado presente en la vida de Rita Payés. Hija de una guitarrista y un trompetista, esta famosa cantante y compositora se crio junto a sus hermanos en un entorno donde tocar un instrumento era el pan de cada día. Por eso, muy pronto acabaría entrando como trombonista en la Sant Andreu Jazz Band, un conjunto musical compuesto por jóvenes talentos liderados por Joan Chamorro, quien vería en ella algo diferente al resto.

“Rita Payés es magia, dulzura, sensibilidad, carácter; una bola de talento y energía en constante evolución”, llegaría a decir el famoso conocido músico de jazz, con quien Rita sacaría sus dos discos. Desde entonces, ha lanzado tres más: trabajos en los que, mezclando este género con otros registros del folclore latino y mediterráneo, se ha convertido en una de las voces más reconocidas y reconocibles de la música en español, pese a abordar músicas alejadas de lo comercial.

Ahora, un año después de lanzar De camino al camino, su trabajo más ambicioso como cantante y compositora, prepara un verano en el que se la podrá escuchar en citas como el Festival Rizomes (del 20 al 22 de junio), un evento ecosistemático celebrado en plena naturaleza donde la concurrencia de artistas se combina con una preocupación por el medioambiente. Hay algo de eso en lo que hace Rita: un posicionamiento, una conciencia de que la música siempre debe estar en el lado bueno de las cosas. Aunque a veces cueste.

Siempre acompañados

-Pregunta: Cuando eras pequeña y tocabas el trombón en las clases de música, ¿en algún momento pensaste; ‘Vale, Voy a ser famosa con esto’?

-Respuesta: No, para nada (ríe). Todo ha sido como un poco casualidad, pero estoy agradecida de que haya sido así. En ningún momento, haciendo lo que hacía, pensaba como en este tipo de meta. Me lo he ido como encontrando y agradezco el fruto, aunque en ningún momento he intentado crear desde ahí

- P: ¿Qué recuerdos tienes de tus primeros discos?

- R: Tengo súper buenos recuerdos. Yo formaba parte de esta banda (Sant Andreu Jazz Band) que al final es una banda que es una maravilla, en el sentido de que tú tienes gente de tu edad que tiene la misma motivación que tú y que además es una motivación que, aparentemente, es un poco rara, de que de golpe les guste la música de jazz y toquen esa música aquí y de esta forma. Era muy bonito, como sentirte acompañada, y tener todos estos compañeros al final hacía que tú te motivarás más y más a querer aprender.

- P: Hablas de sentirte acompañada y, pensando en los dos discos que has sacado con tu madre, me pregunto si eso es algo que has sentido durante toda tu carrera.

- R: Sí, totalmente. Yo creo que la música es de las cosas más bonitas que tiene: esta colectividad, el saber acompañarte de gente que admiras tanto musicalmente como personalmente, porque al final es gente con la que vas a pasar mucho rato y en ese sentido creo que lo estoy haciendo bastante bien.

Con 80 años, igual que con 15

- P: ¿Te consideras una veterana ya?

- R: No, qué va.

- P: Pero sí una persona experimentada.

- R: Tengo mis experiencias, pero a la vez me siento súper virgen en muchos sentidos. Es otra cosa bonita que tiene la música. Hay tantas maneras de acercarte a esto que por mucho que te piensas que sabes, no: en realidad no sabes nada. Y admiro mucho a la gente que de alguna forma enfoca la vida así. En mi grupo el contrabajista es Horacio Fumero, que tiene 75 años y es un hombre que cada mañana se levanta por la mañana y se pone a estudiar escalas, ¿sabes? Y para mí esto es lo que me inspira: vivir una vida en la que te levantes por la mañana con 80 años y sigas estudiando lo mismo que estudian los niños de 15.

- P: Con ese enfoque, con tu último disco De camino al camino, ¿qué era lo que te motivaba?

- R: Para mí fue una búsqueda todo el disco. De entrada, no pretendía hacer un disco, pero de golpe vi que tenía todas esas canciones y que igual no era mala idea. Lo junté todo y empezamos a experimentar un poquito de ahí. Yo no tenía una idea inicial de qué iba a hacer, fui como conociéndolo poco a poco y entendiendo que lo bonito está en el andar, que puede ser algo muy típico, pero muy real y que cada vez más, en estos tiempos tan inmediatos y tan rápidos y tan efímeros, lo necesitamos en nuestra conciencia.

- P: ¿Disfrutas más haciendo música en un estudio de grabación o en un escenario?

- R: Me gustan las dos cosas. Es verdad que lo que es el directo de conciertos lo disfruto muchísimo porque es como un momento de dejarse ir. De alguna forma, lo siento como mi momento de jugar a tope, un ahora o nunca.

Las cancelaciones por el fondo KKR

- P: Ahora que se acerca el verano, ¿tienes algún criterio para elegir a qué festivales vas?

- R: Depende de muchas cosas, primero de que te quieran ahí. En general, yo estoy feliz de tocar a todos los sitios donde se propone, así que creo que el tema es más lidiar con mi vida personal, de no eclipsar toda mi vida haciendo solamente conciertos porque también es muy cansado y tengo una familia.

- P: Con el tema de las cancelaciones que está habiendo en algunos festivales por la financiación del fondo proisraelí KKR, ¿tienes una postura clara?

- R: Ese es un tema que da para mucho. La verdad es que no lo sé.

- P: Debe ser complicado.

- R: Mucho. Realmente, lo que me encantaría es que se cancelara todo y que tuviera una repercusión real. Decir: ‘ya está, el festival no existe’. Pero claro, hay muchas circunstancias personales y hay muchas cosas detrás de todo esto. Entonces, realmente no tengo una opinión firme. Lo que sí que te puedo decir es que me parece un horror lo que está sucediendo y que, desde luego, tendríamos que hacer algo. Eso está más que claro.

- P: En el otro extremo, dentro de poco cantas en el Rizomes, que es un festival que tiene ese ingrediente extra ético por cómo trabaja temas como la sostenibilidad o reducir el consumo energético.

- R: Sí, a mí me da mucha tranquilidad. Es lo de siempre: si te vas a comprar una camiseta en una tienda de tu pueblo que sabes que lo hace la abuela de atrás, pues yo me la compro y estoy tranquila. Si yo voy y compro en Zara, realmente no estoy tranquila porque entiendo el trasfondo de todo esto, pero es verdad que es una cosa que la tenemos tan interiorizada... Todo el mundo bebe Coca-Cola y no pasa nada. Son cositas del día a día que está bien que uno se vaya revisando. A mí me gusta pensar que intento hacerlo un poquito. Así que sí, desde luego me da muchísima tranquilidad ir a un festival así, que pueda cuidar todo esto y que vayas a tocar ahí también con la conciencia tranquila, sentir que vas a hacer música, que al final es algo que solo puede hacernos bien.

Con la música siempre por delante

- P: El otro día tocaste con la Orquesta Sónica de Barcelona, primer conjunto musical sinfónico de música no-clásica del sur de Europa. Son todo proyectos diferentes a lo que es habitual encontrarse hoy en día. ¿Eso es en lo que hay que creer?

- R: Total. Yo creo que nos falta un poquito abrir la cabecita también, porque ahora es verdad que se le está llamando música a muchas cosas, que sería un debate muy grande y otra entrevista y tampoco sabría posicionarme, pero habría que ver si realmente lo son. Vas a ver un concierto y muchas cosas ya no son conciertos, son shows, son cosas que engloban mucho más que la música, la música es simplemente un ingrediente más. Entonces, a mí me hace realmente muy feliz ver que se están haciendo nuevos proyectos de este calibre en los que la música va totalmente por delante y es lo que se cuida al detalle.

- P: ¿Es fácil ir con la música siempre por delante?

- R: No, no, y menos ahora. Esto también es un temazo... Yo siento ahora, por ejemplo, que hay muchísimos artistas, yo incluida seguramente, que tienen que poner muchísima más mirada en, por ejemplo, la comunicación o en las redes, en tu manera de exponerse y ya no tanto en el tocar si quieres dedicarte a esto, si quieres hacer conciertos, si quieres que te programen, si quieres que los promotores te hagan caso. Eso es muy desgastante porque no hay una fórmula. Todos sabemos que los algoritmos van y vienen y se sufre de eso también. De golpe te encuentras en tu día a día, gastando muchísimo más tiempo en pensar cómo hacer que esto tire que en tocar o en estudiar o poner presencia a la parte musical. Eso, la verdad, me parece una mierda. Así de claro te lo digo.

- P: En cierto modo, se podría decir que la música en sí misma está infravalorada.

- R: Uno tiene que ser algo muy espectacular para que de golpe se le ponga solo el foco en eso.

- P: ¿Tú qué estás preparando de cara al futuro?

- R: Es un álbum que será un dúo, con alguien que todavía no puedo decir, pero que hace tiempo que tenemos ganas de hacerlo. Ahora ha sido el buen momento para las dos.

- P: ¿Algún deseo más?

- R: Pues que siga todo así. O sea, mundialmente no, desde luego, pero toco madera por poder seguir haciendo lo que hago y por poder seguir haciendo conciertos y que la gente venga. No sé, eso sería muy fuerte.

- P: ¿Y un deseo más pequeñito para el verano?

- R: Pues que se acabe el puto genocidio, tío.

Billy Joel, una de las figuras más preeminentes de la música contemporánea, ha cautivado a generaciones con su variado repertorio de canciones. Desde Vienna a Uptown Girl, el cantante ha demostrado su capacidad para emocionar desde diferentes registros. Sin embargo, tras este éxito difícil de igualar se oculta una faceta menos conocida: la del pasado de un joven músico enfrentando demonios personales en sus años formativos.

Antes de alcanzar el estrellato, Billy Joel atravesó varios periodos realmente difíciles que lo llevaron a contemplar lo impensable: terminar con su vida. A su dura infancia, con un padre ausente y una madre alcohólica, le siguió una época realmente oscura tras enamorarse de Elizabeth Weber, quien por aquel entonces era la esposa de su mejor amigo y también compañero de banda, Jon Small, mientras formaba parte del grupo Attila.

“No quiero vivir más”

La vida de Joel en esa etapa estaba llena de caos y aislamiento. Una vorágine de sentimientos que le llevó a revelar a su amigo Small su amor por Elizabeth, desencadenando una tormenta. “Estaba enamorado de una mujer y me dieron un puñetazo en la nariz, lo cual merecía. Jon estaba muy enojado”, cuenta el propio cantante. El sentimiento de culpa y el enfrentamiento inminente con Small se convirtieron en un punto de quiebre: “Me sentí muy, muy culpable. Tenían un hijo. Me sentí como un destructor de hogares”.

En medio de esta turbulencia, Joel se encontró durmiendo en lavanderías y luchando contra una depresión profunda que lo llevó a un intento de suicidio mediante una sobredosis de pastillas para dormir, proporcionadas por su hermana Judy Molinari. "Pensé: ‘Ya está. No quiero vivir más’. Sentía mucho dolor y pensaba: ‘¿Para qué perder el tiempo? Mañana será como hoy, y hoy es un día horrible’. Así que pensé: ‘Lo dejaré así’“. Su segundo intento, con el que tampoco tuvo éxito, fue bebiéndose una botella entera Lemon Pledge. Afortunadamente, un amigo le salvó la vida llevándolo al hospital.

Canalizar sus emociones para componer

Tras estos eventos, y después de internarse en un internamiento en el hospital de dos semanas, Joel decidió girar el rumbo de aquella situación y dirigir su dolor hacia la música. Este proceso dio luz a composiciones emblemáticas, como We Didn’t Start the Fire, donde plasmó sus intensas emociones. Joel ha expresado en varias ocasiones cómo encontró en la música una vía de sanación: “Puedes usar todas esas emociones para canalizarlas en la música”, se dijo a sí mismo.

Todas estas vivencias y el impacto que tuvieron en Billy Joel, no solo como artista sino como persona, son exploradas en profundidad en su nuevo documental, Billy Joel: And So It Goes. La obra ofrece un vistazo íntimo a sus luchas y triunfos, y será accesible al público en HBO desde este mes de julio en diferentes países del mundo, después de su aclamada presentación en el Tribeca Festival.

En el plano personal, la saga continuó con la reconciliación de Joel y Elizabeth, resultando en un matrimonio que duró casi una década, desde 1973 hasta 1982. Aunque su relación con Jon Small sufrió un golpe irreparable, su legado musical siguió creciendo y cimentando su lugar en la historia.

Esta noche La Revuelta ha tenido dos invitados. Hay duetos que nacen de una afinidad estilística, y otros que crecen desde una resonancia más profunda. Sílvia & Salvador, el proyecto conjunto de Silvia Pérez Cruz y Salvador Sobral, pertenece a esa segunda categoría. Un disco que no solo reúne a dos de las voces más reconocibles de la música ibérica contemporánea, sino que también introduce una dimensión política y emocional.

‘Silvia & Salvador’, un álbum en conjunto de música ibérica

La historia del álbum arranca mucho antes de que se grabara una sola canción. En 2011, Salvador Sobral - entonces un músico anónimo - vio actuar a Sílvia Pérez Cruz en Barcelona. Según ha compartido con Broncano, no fue un concierto más. “Verla en el escenario fue una epifanía de música, de emoción, vi todo lo que quería ser en mi carrera”, recordaría más tarde el portugués, que en 2017 se llevaría el triunfo en Eurovisión. Años antes, sin saberlo, Pérez Cruz ya lo había escuchado cantar en un club de jazz. “Fue como si se parara el mundo, amando cada nota”, confesó. Al acercarse, Sobral le regaló su disco y le contó, sin rodeos, que ella era una de sus grandes inspiraciones.

Desde entonces, la complicidad artística fue en aumento. Llegaron colaboraciones como de la mano de tu voz, un homenaje de él a ella, y más adelante piezas compartidas como Em moro, o su actuación conjunta en la gala de los Goya de 2024. En su paso por La Revuelta, ofrecieron una interpretación en vivo de El corazón por delante, canción compuesta por Jorge Drexler e incluida en su nuevo álbum.

La visita al plató no se limitó a la música. Hubo espacio para el humor, los juegos de palabras entre portugués y castellano, e incluso reflexiones metafísicas sobre la reencarnación. Sobral, fiel a su estilo, propuso entre risas una versión portuguesa del programa: A Revolta. “Lo necesitamos después de las últimas elecciones, pero veo difícil que la gente lo quiera pagar”, bromeó. Pérez Cruz aprovechó el tono distendido para reivindicar el papel del humor en la televisión pública, aunque, dijo, también hay espacio para “cosas importantes”.

Silvia y Santiago se posicionan sobre Gaza

La conversación desembocó finalmente en uno de esos temas donde no caben las bromas. Ambos artistas tomaron posición sobre el conflicto en Palestina, utilizando su visibilidad para condenar lo que calificaron como un “genocidio palestino”. El gesto no se quedó únicamente en palabras: Tempus fugit (Plor per Palestina), la pieza que cierra el disco, está dedicada explícitamente a las víctimas. Compuesta por Marco Mezquida, la canción resume un sentir que ambos comparten. “Cantar esta canción es un acto simbólico”, declaró Sobral, quien, tras un trasplante de corazón, dice vivir con “un renovado sentido de humanidad”. Pérez Cruz cerró ese tramo del programa con una reflexión que explica mucho del espíritu del álbum: “Los rituales colectivos —reír, cantar, llorar— son importantes. En un mundo tan individualista, recordarnos que no estamos solos también es parte del arte.”

Este jueves 29 de mayo es un día especialmente doloroso para los familiares de Víctor Manuel Garza Cervantes, uno de los cinco integrantes del Grupo Fugitivo reportados como desaparecidos desde el pasado 25 de mayo en Reynosa, Tamaulipas.

Hoy, lejos de celebraciones, sus seres queridos enfrentan la incertidumbre ante su ausencia, al tiempo que reafirman su fe en encontrarlo con vida. Víctor Manuel, el integrante más joven del grupo, cumple 22 años.

Durante una vigilia realizada frente a la Concatedral de Guadalupe en Reynosa, familiares, amigos y colegas del músico unieron fuerzas para exigir una búsqueda más intensa y la localización de todos los desaparecidos.

Al borde del llanto, la hermana de Víctor se pronunció con Telediario sobre la desgarradora situación que atraviesa la familia.

“Es un día difícil. Mañana (29), nuestro hermano está cumpliendo 22 años. No va a ser un feliz cumpleaños porque estamos aquí muy destrozados con la esperanza de poderlo encontrar”, expresó.

Víctor Manuel Manuel Garza es uno de los cinco músicos y representantes del Grupo Fugitivo. Su papel dentro del grupo es el de requintista. Los integrantes desaparecieron en la colonia Riberas de Rancho Grande en Reynosa, donde tenían programado un evento el pasado domingo.

Desde entonces, la familia vive entre el dolor y la angustia, esperando noticias que les traigan de vuelta a su ser querido. La situación es especialmente difícil para su padre, quien ha pedido detener la difusión de rumores en redes sociales que aseguran que los artistas ya fueron localizados.

“Es mentira que los encontraron. Si lo están diciendo ahorita o en redes sociales, es mentira. Yo lo que quiero, como todo padre, es verlos, que no estén diciendo cosas que no son”, declaró el señor Garza a Hora Cero Web.

Asimismo, exigió no perder tiempo en especulaciones y, en su lugar, concentrar los esfuerzos en la búsqueda. “Mejor que nos ayuden a buscarlos porque esto es distorsionar todo, es perder tiempo. Es mejor que nos digan cómo nos van a apoyar”, añadió.

Durante la vigilia también se denunció que, además del dolor de la desaparición, las familias han recibido llamadas de extorsión. A pesar de esto, expresaron su agradecimiento a colectivos de búsqueda, personas solidarias que les han brindado apoyo emocional y logístico, y al acompañamiento proporcionado por la Fiscalía General de Justicia del Estado de Tamaulipas.

En medio de velas encendidas y palabras de esperanza, los familiares hicieron un llamado urgente a autoridades como Claudia Sheinbaum y Omar García Harfuch para intensificar la búsqueda. “Tenemos fe que pronto vamos a dar con ellos”, aseguró con voz entrecortada la hermana de otro de los músicos desaparecidos.

El caso del Grupo Fugitivo, lleno de incertidumbre y dolor, ha movilizado tanto a la escena musical como a la sociedad civil de Reynosa. Mientras la familia de Víctor Manuel enfrenta este cumpleaños con el corazón destrozado, su clamor por justicia y apoyo sigue resonando: “Solo queremos encontrarlo”, dijeron.

El mundo del lujo alcanza cotas inimaginables cuando de propiedades se trata. Las casas de los famosos, que tanta curiosidad han despertado siempre debido a que suele ser el lugar en el que estos dan rienda suelta a sus mayores y extravagantes caprichos, pueden convertirse en parte de su identidad. Lugares emblemáticos, desde la Casa Azul de Frida Kahlo hasta la mansión personalizada de Beyoncé y Jay-Z, pasando por el rancho de Neverland de Michael Jackson, son conocidos en todo el mundo. Pero, ¿qué precio tendrían si salieran a la venta?

Aunque cada caso tendría una respuesta, lo cierto es que en Reino Unido han podido conocer un ejemplo perfecto relacionado con un antiguo integrante de una de las bandas musicales más famosas de los años 80. Ubicada en el tranquilo condado de Sussex, se encuentra la majestuosa mansión de Alan Wilder, exmiembro de Depeche Mode, en Plumtree Cross Lane. Este refugio de lujo y silencio, valorado en 5,37 millones de euros, consiste en una histórica mansión que se extiende sobre un terreno de más de 1.000 metros cuadrados -en un entorno natural de más de 11 hectáreas-, ofreciendo privacidad y vistas impresionantes a las famosas colinas de South Downs.

Una decoración única y escenario de varias fiestas

Accediendo a través de una vía arbolada, la imponente residencia, construida en 1935, mantiene su encanto original con características y mobiliario Art Deco cuidadosamente conservados. Desde su adquisición en 1991, Wilder ha vivido en este espacio, inyectando su propio estilo en cada rincón. La casa principal, con más de mil metros cuadrados de construcción, incluye una casa de chófer, establos, refugios y un invernadero. Sus cinco salones y ocho habitaciones en la planta baja ofrecen un ambiente cálido gracias al panelado de madera de los años 30, junto con el comedor y baños con el mismo estilo que exhiben ventanas crittall y acabados cromados.

En el segundo piso se encuentra la suite de recreo de Wilder, un área dedicada al bienestar que incluye un gimnasio, sauna, baño de vapor, piscina de inmersión y un tanque de flotación. Mientras, en el exterior, espera una amplia piscina exterior con canchas de tenis y hasta un “parque de aventuras” para niños, según se explica en la descripción de la inmobiliaria House Partnership. Espacios adicionales, como una bodega, suman al opulento estilo de vida que ofrece esta residencia. “Hemos tenido algunas reuniones a lo largo de los años”, confesaba el músico. “Fiestas de las décadas de 1940, 1950 y 1960. Tengo altavoces que instalamos en las paredes exteriores para esas ocasiones. No hay vecinos cerca, así que podemos subir el volumen un poco”. ¿Quién acudiría a esas fiestas?

Alan Wilder, quien se unió a Depeche Mode en 1982, jugó un papel crucial en la evolución de la banda. Su llegada marcó un giro hacia un sonido más oscuro y elaborado, alejándose del pop inicial. Wilder, además de ser tecladista, contribuyó significativamente en la producción y arreglos de álbumes icónicos como Construction Time Again. Su influencia ayudó a definir la dirección musical del grupo durante más de una década, hasta su partida en 1995 para centrarse en su incipiente proyecto de música experimental, Recoil.

Demasiado grande para el propietario

A sus 64 años, Wilder busca ahora reducir el tamaño de su hogar y mudarse a una residencia más pequeña que le permita estar cómodo en su vejez, aunque sin mudarse demasiado lejos de Sussex. “Es simplemente el tamaño del lugar”, comentó Wilder en una entrevista. “Mi familia está creciendo y nos mudaremos por aquí. Es hermoso, pero hay mucho que cuidar. Queremos algo más manejable”.

La mansión no solo simboliza una parte del legado artístico de Wilder, sino que también presenta una oportunidad única para quienes buscan un hogar moderno con encanto histórico. Aunque no está catalogada, lo que permite ciertas modificaciones, el nuevo propietario heredará una rica historia de diseño y esplendor musical. La propiedad se promueve como ideal para familias que buscan escapar del bullicio citadino, disfrutando de paz y quietud en un entorno imponente.

El año 2020 es sinónimo de dos cosas: por un lado, el recuerdo ya distópico de lo que supuso el coronavirus; por otro, una de las consecuencias de mismo: el boom de TikTok. La vida ha cambiado mucho en cinco años, y la de Eduardo Torres, más conocido como Dudi (Madrid, 2002), también. Saltó a la fama de la noche a la mañana, y como un joven que para entonces tenía 18 años, no podía ser de otra manera: a través de la aplicación. Like Aron Piper fue el —primer— tema con el que se hizo viral, una mezcla de rap y trap en colaboración con Beja. “Madre mía, ¿pero cómo pude hacer esto? ¿Cómo me animaba?”, reflexiona en su entrevista con Infobae España sobre la canción, que hoy supera los 7 millones de reproducciones en Spotify. El artista, que ya tiene 23 años —la publicación de su EP coincide con su cumpleaños—, ha pasado del rap y la música urbana al reggaeton, pero ahora es el turno de rumba. Dudi ha estrenado este viernes 23 de mayo su quinto EP, El Vermú (Vol. I), seis temas donde fusiona la rumba con sus raíces urbanas, homenajea a sus orígenes y da vida a lo que ha acuñado como “rumba de Ciudad Lineal”, su barrio natal en la capital.

Es ahí donde encuentra un hueco para defender las raíces de Madrid. En los últimos años, distintos folclores regionales han encontrado un hueco en la escena musical nacional, ya no solo en la fusión de géneros, sino también en la apuesta por usar su iconografía. “Hace mucho que la gente no hace cosas muy madrileñas. En los barrios ya solo nos queda ir al bar, pillar un vermú y poco más”, dice, haciendo referencia al título de su nuevo proyecto. Sin embargo, asegura que este sentimiento está resurgiendo, en parte, gracias a TikTok. “Ví un vídeo que me marcó, que decía: ‘Qué pena que en Madrid no se disfruten los chulapos y chulapas como en la Feria de Sevilla’”. Su nuevo trabajo sale apenas una semana después de celebrar las fiestas de San Isidro en la capital, algo que le ha venido muy bien para promocionar este EP. En la pradera estuvo regalando un chupito a cambio de hacer presave y el pasado domingo realizó la presentación del disco en El Rastro. “Yo confío en que poco a poco va a ir volviendo. Voy a intentar poner mi granito de arena para que salga para adelante”.

Pero, ¿cómo pasa un joven de hacer rap a la rumba? Pese a que comenzó en 2017, no fue hasta julio de 2020 cuando se hizo viral en TikTok. Tras alcanzar números estratosféricos y tener apenas 18 años, se enfrentó al vértigo sin saberlo. “Al principio piensas que van a ser todos los números iguales. Era muy niño, no era consciente de lo que estaba haciendo. Fue muy heavy”. En 2021 firmó con Warner y, tras romper con la discográfica, hace un año y medio, le tendió la mano a Universal. En estos años le ha dado tiempo a sacar desde canciones de corte urbano, como el rap No te decides —es su canción más escuchada hasta la fecha, con 32 millones de reproducciones—; el EP Rockstar, con influencias del pop rock nacional de los 80 y 90; o Callao, de reggeaton. Toda esa amalgama de géneros, asegura, es pura ambición. “Es la que te hace querer probar nuevos estilos para ver si puedes llegar a más gente o para probar. Y eso yo creo que es lo que me pasó a mí”, apunta.

Un giro de 180 grados

Poco a poco, también dejó atrás la inocencia de los 18 años y se dio cuenta de que podía vivir de ello; había dejado de ser un hobby. “Mis padres me decían: ‘Anda, ¿cómo vas a firmar este contrato?, ¿qué te van a dar tanto dinero por tantas canciones?’”, relata. Y efectivamente, su primer contrato no fue en una sala de reuniones, “porque no podíamos por el COVID”, así que fue digital. Tras publicar su último EP, Espinas, el año pasado quiso dejar de sacar música y se centró en componer. La rumba llegó a su puerta justo en esa época. Se hartó y quiso dar un giro de 180 grados a su música. Para ello estuvo 10 meses encerrado en el estudio buscando algo “orgánico”, sin tanto autotune. Esto fue lo que le llevó a reflexionar: “¿De dónde vengo? De Madrid. ¿Y qué escuchaba de pequeño? Pues muchísima rumba. Lo ponían mis padres en los viajes largos, de vacaciones, de verano... y me traía buenos recuerdos”. “Quería hacer un estilo de música nuevo que nunca había hecho y descubrirlo al 100%. Teniendo tanto tiempo no era hacer 20 canciones rápidas y sacarlas, sino que nos dio tiempo a hacer un montón e ir cambiando cosas”. Para ello, ha colaborado con artistas como Ratón (Los Delinqüentes), quien ha sido coproductor de algunos de los temas de este álbum, como en Sueños o El bar de siempre. “Vimos que podía encajar bien. No había mucha gente, ni jóvenes, haciéndolo.”

“Hace mucho que la gente no hace cosas muy madrileñas. En los barrios ya solo nos queda ir al bar, pillar un vermú y poco más”

Bajo este contexto, el compositor quiso encajar lo castizo y más callejero de Madrid con este género y dividió su imaginario en dos: lo antiguo y tradicional con lo moderno, los géneros urbanos que le han definido siempre. Esto último viene con la ayuda de Marmi (Adrián Mármol, Viladecans, Barcelona, 1999) —mejor amigo de Aitana desde la infancia, cuyo single debut fue Tu foto del DNI en julio de 2020— en Que no te pasa na’. “Con él tenía una cuenta pendiente, quería hacer una colaboración con él”, señala. También retoma la esencia del rap en Calle Alcalá, a dúo con el rapero Reality (alias de Gonzalo Fernández Benito, Madrid, 1999), a quien quiso “sacar totalmente de su zona de confort”. “Quería que las colaboraciones fuesen un poco raras, que no tuvieran nada que ver con la rumba”, puntualiza.

Con esto es como ideó fusionar lo castizo de Madrid con lo más moderno del género, que se aprecia especialmente en la estética del EP, como en el video de Sueños, donde aparece un toro mecánico, o el vermú que protagoniza la portada. “Yo divido el imaginario en dos, donde la rumba sería, entre comillas, lo antiguo, y luego lo moderno, las letras o las melodías con el autotune”, relata a este medio. “Y en los videoclips quisimos hacer lo mismo. Por ejemplo, en Sueños, que aparece un toro mecánico, quisimos hacer de la plaza de toros lo antiguo, pero en vez de sacar una vaquilla lo modernizamos con un toro mecánico o con una moto dando vueltas a la plaza. Luego tomando el vermut, pero con los chavales vestidos como vestimos los jóvenes”, apunta.

Después de cinco años y tantos géneros, es inevitable que su público no haya cambiado. “Estamos llegando a un público un poco más mayor, que también es lo que queríamos con este cambio de estilo. Me ha pasado con los padres de mis amigos o de conocidos que me les ha empezado a gustar este estilo de música cuando antes a lo mejor no le gustaba nada”.

Tras más de 20 minutos de entrevista con mucha de la vista puesta en Madrid, la última pregunta, acorde con su nuevo proyecto, no puede ser otra.

—¿Cuál es el mejor bar de Madrid para tomarse un vermú??

—La Casa del Abuelo. Tienen varios, creo que cinco. Hay uno aquí lado, en la Plaza Mayor. Muy bueno.

Mientras tanto, la espera de la segunda parte del EP, El Vermú (Vol. II) que llegará a finales de este año, se hará más amena.

El cantante venezolano Lasso ha revelado su esperado Malcriado World Tour, que incluirá presentaciones en varias ciudades europeas durante el mes de octubre. Según ha informado en un comunicado de prensa, la gira abarcará siete ciudades del continente, incluyendo tres españolas: Londres, Berlín, Valencia, París, Barcelona, Madrid y Oporto.

Este tour marca un nuevo capítulo en la carrera del artista, quien busca conectar con su público a través de su último álbum, Malcriado, descrito como su trabajo más personal hasta la fecha. Este disco es un manifiesto para “los rebeldes del mundo”, donde Lasso explora temas sentimentales, irónicos e introspectivos a lo largo de sus 13 canciones.

Una exploración de la libertad

Lasso, cuyo nombre real es Andrés Vicente Lazo Uslar, ha forjado una destacada carrera en el pop, marcada por letras sinceras y melodías que resuenan con diferentes generaciones. Junto a su éxito como solista, ha trabajado con destacados artistas como Sebastián Yatra, Danna Paola, Cami, LAGOS, Micro TDH y más recientemente, Yami Safdie.

Ahora, el nuevo trabajo del venezolano representa la lucha y la pasión de aquellos que se atreven a seguir sus sueños, despojándose de etiquetas y explorando con libertad. La gira será una oportunidad única para que los seguidores del artista disfruten de su música en directo y experimenten la conexión que Lasso ha cultivado con sus fans.

Un éxito internacional

Cabe recordar que el Malcriado World Tour se produce tras el éxito de una gira previa en marzo, donde Lasso presentó su quinto álbum en un formato íntimo en siete ciudades, incluyendo, también, Madrid. Esta experiencia generó expectativas entre sus seguidores sobre una posible gira mundial. Ahora, con el anuncio oficial, el artista regresa a Europa con una propuesta más madura y auténtica, consolidando su lugar como uno de los artistas más originales y versátiles del pop en español.

Su propuesta parece no haber sido ignorada, ya que para muchos de los conciertos anunciados ya ha agotado la mayoría de sus entradas. La gira servirá también para poder escuchar algunos de sus temas más emblemáticos, como Ojos Marrones (uno de los grandes éxitos de 2022), Un millón como tú o En otra vida, donde mezcla de géneros tradicionales como el bolero con la música urbana,

Estas son las fechas de los conciertos

Las fechas de la gira en Europa son las siguientes: el 5 de octubre en The Garage de Londres, el 7 de octubre en Columbia Theater de Berlín, el 9 de octubre en Sala Moon de Valencia, el 10 de octubre en Cabaret Sauvage de París, el 12 de octubre en Razzmatazz de Barcelona, el 14 de octubre en Gran Teatro Caixabank Príncipe Pío de Madrid, y el 16 de octubre en Hard Club de Oporto. Las entradas para la preventa general estarán disponibles a partir del 21 de mayo a las 10:00 horas, pudiendo comprarse a través de portales de venta como Passline.

El Malcriado World Tour no solo celebra el vínculo de Lasso con su público español, sino que también refuerza su compromiso con los soñadores que se atreven a ir a contracorriente. Con su música, Lasso invita a sus seguidores a unirse a este viaje de autodescubrimiento y rebeldía, consolidando su legado en el mundo del pop en español.

Álvaro Lafuente Calvo (Guitarricadelafuente) no era ajeno a esta pulsión. Su ambición y su amor por la música le llevaban en busca de ese sonido inmortal que lograron alcanzar aquellos músicos a los que ha admirado siempre. Puede que, tanto en sus primeras canciones (Agua y mezcal, Guantanamera) lo consiguiera, así como en Cantera, su álbum debut que lo alzó como una de las nuevas voces más singulares y talentosas de la música en español.

Tres años después, sin embargo, el artista ha decidido regresar con un segundo álbum que parte de una intención totalmente contraria. Ante el deseo de perdurabilidad, Guitarricadelafuente le canta a lo fugaz; ante la obsesión por lo importante o lo fundamental, la música nace de lo leve. Con Spanish Leather, a ritmo de folk y pop, tradición y vanguardia, el artista valenciano lo apuesta todo a la posibilidad de no luchar y de fundirse con aquello que no podemos controlar. Tal vez porque, solo cuando la vida nos supera, nos damos cuenta de que lo verdaderamente importante no es vencerla: es vivirla.

“Es un retrato de lo que soy”

- Pregunta: ¿Da vértigo sacar un segundo disco?

- Respuesta: Creo que el momento como más de duda está justo antes de empezar, al pensar si lo que estás haciendo tiene sentido, si estás yendo por el camino apropiado o si estás dejando o perdiendo o estás dejando de ser genuinamente tú. Eso es lo más vertiginoso. Ahora, en este momento en que ya está todo armado y formado y en el que me siento seguro, siento que al final esto es un retrato de lo que soy y de lo que me ha sucedido estos dos años. Estoy tranquilo.

- P: De alguna forma, el álbum te contesta a esas dudas porque la mayoría de las canciones hablan sobre, precisamente, dejarse llevar.

- R: Todo, todo, todo (ríe). En todas las canciones hay un guiño a esa postura, a invitar a dejarse llevar. Y creo que partiendo de esa primera duda, empezaba a raíz de ser consciente de lo que me rodeaba. Siempre había tenido una fijación o una intención de pensar en que quería hacer canciones atemporales y de... joder, que las canciones tuviesen una cosa de perdurabilidad en el tiempo y que fuesen de generación en generación. Hay referentes clásicos para mí, como Chavela Vargas o Caetano Veloso, que los veía como íconos, que han perdurado toda su vida y que han hecho canciones que abarcan muchas generaciones. En este caso, sentía que esa voluntad o esa inquietud de hacer algo que perdurase se me estaba desvaneciendo, sobre todo viendo lo que me rodeaba y el miedo por el futuro, por estos tiempos tan agresivos que nos han convertido adictos a los estímulos inmediatos y que nos han convertido en inconformistas. Con esto, la perdurabilidad ya casi como que es incompatible y he cambiado de punto de vista para ver lo poético en lo inmediato y a encontrarle la diversión en lo efímero, en lo que sucede en el momento preciso y concreto. Y a hacer las cosas porque me lo estoy pasando bien y porque lo estoy disfrutando, no repensar las cosas y no pensar que esto va a perdurar, sino precisamente dejarse llevar ante estos tiempos. No verlo de una manera negativa, sino saber que no vas a poder hacer nada para remediarlo y dejarte arrastrar por la corriente.

- P: ¿Hay un cambio en la mirada hacia el interior? Da la sensación de que se trata de un viaje al interior de uno mismo.

- R: Pues fíjate, yo creo que ha sido al revés. Siento que antes, sobre todo al interpretar o al cantar, había un miedo o una forma de despersonalizarme y de cantar para adentro, de estar cantando como para el que estaba ahí dentro. En este disco creo que estoy cantando más para afuera y encontrando la emoción en lo pequeño o en ese hilo con el que parece que está todo a punto de tambalearse, en encontrar la emoción en la energía que estás proyectando y que invita a la gente a contagiarse.

Más mayor, más abierto, más valiente

- P: ¿Qué dirías que ha cambiado en ti desde que empezaste en el mundo de la música?

- R: Pues que me he hecho más mayor. He aprendido cosas nuevas. Creo que he dejado atrás la inocencia que tenemos todos. Sigo siendo bastante inocente y con mucha calle por delante que me falta, pero creo que he aprendido a saber que nada es tan importante y a quitar capas para contar historias de lo que me pasa y de lo que veo a mi alrededor.

- P: Hablamos de intimidad, hablamos incluso de mostrarse frágiles o normales, tal y como somos. Me parece que hay también una subversión o una respuesta a la imagen que normalmente tenemos de la masculinidad.

- R: Precisamente por esto. Creo que, al final, cuando te muestras más al descubierto o te quitas los recubrimientos, estás admitiendo tus defectos. Creo que por eso también en este disco me río mucho de mí mismo y de lo que nos une como generación o de nuestras preocupaciones, de lo que nos ha tocado vivir y de los tiempos que nos ha tocado vivir. Creo que eso que dices de la masculinidad al final también es cómo nos sentimos cada uno dentro de nuestro género, dentro de nuestro cuerpo. Al menos en este disco, sobre todo a nivel sonoro, hay muchos coros hipermasculinizados, como de hooligans, en BABIECA!, en Full time papi, en Port Pelegrí, que de alguna forma siempre he asociado con la masculinidad frágil, con este vigor exacerbado que necesita justificarse y que si muestra una debilidad pierde toda la masculinidad. En estas canciones sentía que era invertir eso y sumar esos coros que se desprenden de su masculinidad frágil y que se unen contigo para decir “quiero ser tu full time papi”.

- P: Hay una reconquista del cuerpo, también.

- R: Hay una intención de sentirse a gusto en el cuerpo de cada uno, ¿sabes? Y de sobre todo hablar más explícitamente, no de una manera seria, sino como un jugueteo con la sexualidad y con la sensualidad y de sentir, a nivel personal, cómo acepto lo que siento o como muestro mi cuerpo. Creo que las canciones invitan, como a eso, a contagiarse de esa energía.

- P: ¿Y no ha habido algún momento en el que sintieras vergüenza?

- R: Vergüenza, vergüenza, no, pero al final cuando te estás exponiendo, obviamente tienes como tus momentos de inseguridad y al final es cómo tú te proyectas hacia afuera. Cada uno proyecta hacia afuera la visión que tiene de sí mismo, también la distorsión. Vergüenza no he sentido, pero sí que es un proceso de abrazar cómo me siento en este momento y cómo me siento a gusto con mi cuerpo, mi forma y de expresarme.

El origen del título de ‘Spanish Leather’

- P: Has trabajado con muchos productores para el disco. Me preguntaba cómo trabajar con tanta gente permite que esas personas sean capaces de abrazar todo ese proceso interno.

- R: Siempre había estado acostumbrado a escribir solo y al final era una experiencia en la que cada uno tiene sus prejuicios consigo mismo y no se atreve a decir ciertas cosas. Tenía que ser la necesidad de decir ‘joder, quiero juntarme con artistas que admiro: Pablo, Teo, Tristán, muchos otros que han participado en el disco... Traté de buscar una validación en gente de tu generación que aporte sus ideas de las que te enriquezcas y de su talento para poder sentir que en lo que estás diciendo no estás solo o que cuando escribes para otra gente te tomas la licencia de decir cosas que tú mismo no dirías. Creo que ha sido un proceso muy de poder poner en palabras de otros lo que otros no se atreverían a decir o no se sentirían a gusto diciendo.

- P: Por curiosidad, ¿el título del álbum es una referencia a la canción de Bob Dylan (Boots of Spanish Leather)?

- R: El título nació a partir de la canción de Bob Dylan y de otras canciones de folk americano en la que se hablaba del Spanish Leather como algo exótico y romántico y la visión que tenían de ello o de España en el extranjero. Fue lo primero que nació, casi primero la idea de esa palabra... y las canciones fueron evolucionando con eso.

El Paso (TX) - La militarización de la frontera con México ordenada por el presidente Donald Trump ha provocado en apenas unos meses un desplome histórico de la llegada de inmigrantes, en medio de crecientes denuncias de organizaciones humanitarias que alertan sobre restricciones al derecho de asilo y deportaciones sin garantías legales. Por Eduard Ribas i Admetlla (ENVIADO)

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EEUU ORIENTE MEDIO

Riad - El presidente Donald Trump inicia una gira de cuatro días por los países del Golfo, comenzando por el gigante petrolero Arabia Saudí, país que considera un aliado estratégico para facilitar la paz en Ucrania entre otros objetivos de su política exterior, y una atracción de la inversión de los fondos soberanos.

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EEUU MÚSICA

Los Ángeles - En plena exploración de nuevas facetas musicales y personales, la cantante californiana Becky G se prepara para compartir con el mundo un capítulo íntimo de su vida a través de un documental que estrenará en el Festival de Tribeca: "Fue una decisión muy vulnerable", cuenta en entrevista con EFE. Por Mónica Rubalcava (foto) (ENVIADO)

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AGENDA INFORMATIVA

Washington.- EEUU INFLACIÓN.- El Índice de Precios al Consumo (IPC) de Estados Unidos se moderó en abril hasta el 2,3 % interanual, lo que representa una bajada de una décima frente al dato de marzo y el menor incremento de este índice desde febrero de 2021, informó este martes el Buró de Estadísticas Laborales (BLS).

WashingtonToronto.- CANADÁ GOBIERNO.- El primer ministro canadiense, Mark Carney, presenta este martes su Gobierno con la toma de posesión de los ministros de su gabinete. (foto)

Los Ángeles.- HERMANOS MENÉNDEZ.- Un tribunal de Los Ángeles reanuda la audiencia que busca considerar una nueva sentencia para los hermanos Lyle y Erik Menéndez, sentenciados a cadena perpetua por el asesinato de sus padres, José y Kitty Menéndez; un caso que cuenta con el rechazo de la Fiscalía. (foto) (video)

Washington.- EEUU LGBTQI+.- El Center for American Progress presenta el resultado de su última encuesta sobre la comunidad LGBTQI+ en Estados Unidos y sobre los retos que afronta.

Nueva York - HARVEY WEINSTEIN- La actriz y productora polaca Kaja Sokola, una exmodelo que acusa a Harvey Weinstein de agresión sexual cuando ella tenía 16 años, se somete al interrogatorio de la defensa en el juicio penal que enfrenta el otrora magnate de Hollywood en Nueva York. (foto)

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Washington, 19 mar (EFE).- Costa Rica, en el sexto puesto, y México, en el décimo, debutan entre los diez países más felices del mundo, según el Informe Mundial de la Felicidad 2025, que mantiene a los países nórdicos como líderes, con Finlandia encabezando la tabla por octavo año consecutivo.

Finlandia (el primero), Dinamarca (2), Islandia (3) y Suecia (4) conservan sus posiciones en lo alto del listado, algo que también ocurre con la última posición, Afganistán (147). Según el estudio, su población manifestó altos niveles de infelicidad, especialmente las mujeres.

El informe, cuya publicación coincide con el Día Internacional de la Felicidad (20 de marzo), es fruto de una colaboración entre la consultora Gallup, el Centro de Investigación sobre el Bienestar de la Universidad de Oxford, la Red de Soluciones para el Desarrollo Sostenible de las Naciones Unidas y el Consejo Editorial del Informe.

La edición de este año estaba centrada en estudiar, además de la tradicional lista, el impacto de los cuidados y de compartir la felicidad con otras personas.

Una de las conclusiones es que a pesar de que los actos de generosidad aumentaron durante la pandemia de la covid-19 estos han perdido fuerza, lo que, según los expertos, afecta al bienestar mundial porque estos actos son motores de la felicidad colectiva.

"Ser amable y esperar la amabilidad de los demás son factores que pronostican la felicidad con más fuerza que evitar acontecimientos negativos importantes, como la delincuencia o las dificultades económicas", apunta el documento.

Además, el estudio revela que la gente es más amable de lo que esperamos colectivamente.

Sobre la premisa de si alguien devolvería una cartera perdida o si cree que se la devolverían, detectaron que la gente es "demasiado pesimista" en comparación con la realidad: "Los índices reales de devolución de carteras son aproximadamente el doble de lo que la gente espera", concluye el informe.

Los nórdicos son los más felices y los que más amabilidad esperan del resto.

Mientras que en la anterior edición ningún país latinoamericano consiguió ubicarse entre los mejores puestos, en la de este año Costa Rica (6) y México (10) lo hacen por primera vez.

Desde una perspectiva regional, están seguidos de Belize (25), Uruguay (28), Brasil (36), El Salvador (37), Panamá (41), Argentina (42),  Guatemala (44), Chile (45), Nicaragua (47), Paraguay (54), Colombia (61), Ecuador (62), Honduras (63) y Perú (65).

Venezuela baja del 79 al 82 y se mantiene como el país de América Latina con peor posición.

Estados Unidos registra su peor marca en la lista, al bajar hasta el puesto 24, tras ocupar el 11 en la del año 2011.

Entre otras cosas, el documento señala que el porcentaje de las personas que comen solas en EE.UU. en las últimas dos décadas ha crecido un 53 %. Un dato que destacan porque refleja un individualismo contrario a su tesis de que compartir aporta felicidad.

Algunos países europeos como Lituania (16) y Eslovenia (19) registran importantes subidas. De hecho, los países que más puntos han ganado en el último recuento están todos en Europa central y la del este: Serbia (31), Rumanía (35), Letonia (51), Bulgaria (85) y Georgia (91).

Países Bajos sube hasta el quinto puesto y junto a Noruega (7) y Luxemburgo (9), completan el grupo de europeos en el top 10.

Sin embargo, otros países del continente registran peores resultados.

España, por su parte, se queda en el 38 y continúa la tendencia a la baja que lleva desde 2021 (cuando ocupó el puesto 24).

Alemania, que el año pasado descendió hasta el 24, recupera dos posiciones, seguido de Reino Unido (23), Polonia (26), Francia (33), Italia (40), Malta (48) y Portugal (60).

Rusia, en guerra desde 2022 con Ucrania, pasa del puesto 72 al 66, mientras que Ucrania baja seis posiciones (11); Israel, que sigue bombardeando Gaza tras el ataque de Hamás del 7 de octubre de 2023, baja tres posiciones hasta la octava plaza y Palestina pasa del 103 al 108.

Estas clasificaciones se extraen de una media de tres años de la evaluación de la calidad de vida. Se estudian desde el PIB hasta la esperanza de vida, la sensación de libertad, la percepción de corrupción y tener a alguien con quien contar.

Ambos relatos, aunque sucedidos de manera independiente, reflejan una modalidad de estafa que ha comenzado a preocupar a los artistas que se desplazan fuera de las ciudades para prestar sus servicios.

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El engaño a Juandas y su hermana

Uno de los testimonios fue dado por Juandas, que, junto a su hermana Daniela Lucía, fue contactado para ofrecer su talento en una novena organizada en un condominio del municipio.

La propuesta parecía legítima: la persona que los contactó les aseguró haber recibido recomendaciones de vecinos y coordinó todos los detalles del evento.

Tras pactar el costo y la duración de la presentación, incluso se solicitaron los números de cédula de los músicos, lo que en principio no pareció sospechoso.

Lo único inusual fue que se les preguntó si iban en carro y si viajaban solos, lo que parecía una simple formalidad.

Sin embargo, al llegar al lugar del evento, Juandas y su hermana se encontraron con la sorpresa de que el celador del condominio desconocía el nombre de la persona que los había contratado y no tenía información sobre ningún evento programado para esa noche.

Intentaron comunicarse varias veces con el supuesto organizador, pero no obtuvieron respuesta, tras esperar en vano, decidieron irse del lugar, conscientes de que algo no estaba bien.

Unos días después, Juandas supo de otro caso similar. El músico Felipe Galán relató su experiencia en las mismas cercanías.

La trocha y el supuesto secreto

A diferencia de Juandas, Galán y su compañero se adentraron por una trocha hacia un sitio en el que el acceso era difícil debido a las lluvias.

A medida que avanzaban la situación se tornó más sospechosa cuando, tras quedar atrapados en el barro, comenzaron a recibir llamadas de la supuesta persona de seguridad.

Estos individuos les indicaron que estaban siendo observados por grupos armados y les pidieron información personal, incluidos los números de familiares, bajo la amenaza de estar bajo secuestro.

La tensión aumentó cuando los músicos fueron abordados por un vehículo, que ellos pensaron que podía ser un intento de rescate.

Sin embargo, al descubrir que el vehículo era de una empresa de servicios eléctricos, la situación cambió, afortunadamente, Galán y su compañero lograron salir del lugar y, al continuar su viaje, fueron seguidos por una motocicleta que intentó obtener más información sobre ellos.

La aparición de una patrulla de policía, que escoltó a los músicos hasta llegar a un lugar seguro, les permitió evitar mayores riesgos.

La alerta para los músicos

Tanto Juandas como Galán alertaron a sus seguidores sobre esta creciente modalidad de estafa, que pone en riesgo no solo los instrumentos y equipos de los artistas, sino a su seguridad personal.

En sus testimonios, ambos coincidieron en la importancia de tomar precauciones como solicitar adelantos económicos o realizar videollamadas con los clientes antes de viajar a eventos fuera de la ciudad.

Juandas, por ejemplo, recomendó compartir información sobre estos casos con colegas y familiares para crear redes de protección y prevenir que más músicos se conviertan en víctimas.

Por su parte, Pipe Galán también hizo énfasis en la necesidad de desconfiar de situaciones en las que no se acuerda un anticipo y las ubicaciones resultan sospechosas.

Su experiencia resaltó la importancia de estar alerta frente a llamadas que solicitan datos personales sin justificación, así como la necesidad de mantener informados a los familiares y amigos sobre los desplazamientos.

Nueva York, 13 nov (EFE).- El baterista de jazz Roy Hines, que tocó con otros grandes de ese género musical, como Louis Armstrong, Charlie Parker, Chick Corea,Sarah Vaughan, Thelonius Monk, Miles Davis, Bud Powell o Pat Metheny, murió el martes a los 99 años, según informaron medios de prensa.

Su hija, Leslie Haynes-Gilmore, dijo al diario The New York Times que su padre, nacido en Roxbury, hoy parte de Boston, el 13 de marzo de 1925, murió después de una breve enfermedad.

Hines era considerado uno de los más notables bateristas de jazz de todos los tiempos, con una extensa carrera durante la cual colaboró con los más destacados músicos del género en su país.

Sus padres, Gustavus y Edna Haynes, habían emigrado a EE.UU. desde Barbados y fue su hermano mayor, Douglas, que era trompetista quien le introdujo en el mundo del jazz.

Haynes todavía era un adolescente cuando hizo su debut profesional en los años 40 en las "big bands" de Frankie Newton y Louis Russell (1945-1947).

Luego pasó a tocar con el maestro del saxo tenor Lester Young (1947-1949) y entre 1949 y 1952 formó parte del quinteto de Charlie Parker.

Acompañó a la cantante Sarah Vaughan, por los circuitos del jazz en los Estados Unidos entre 1953 y 1958 y cuando finalizó ese rabajo grabó con Thelonious Monk, George Shearing y Lennie Tristano entre otros y ocasionalmente sustituía a Elvin Jones en el cuarteto de John Coltrane.

Participó en la dirección de la banda sonora original de la película "Bird", dirigida por Clint Eastwood en 1988, y fue premiado en 1994 con el premio Danish Jazzpar.

A finales de los años 90, Haynes formó un trío con el pianista Danilo Pérez y el bajista John Pattitucci, y grabaron un disco: "The Roy Haynes Trío featuring Danilo Pérez & John Pattitucci" (2000).

En el año 2001 publicó "Birds of a Feather: A Tribute to Charlie Parker",al que siguieron "Love Letters" (2003), y "Quite Fires" y "Fountain of Youth", ambos de 2004, año en el que entró en el Down Beat Jazz Hall of Fame.

Su último disco publicado fue "Whereas", de 2006.

En 2011 recibió el Premio Grammy a la carrera artística. EFE

Madrid, 31 oct (EFE).- La Asociación de Promotores Musicales (APM) ha exigido a los responsables del estadio Santiago Bernabéu que garanticen que el recinto está adecuadamente acondicionado para los eventos que se celebran, y le ha recordado que es su responsabilidad adaptar el estadio a las peculiaridades del entorno.

En un comunicado y en respuesta a las acusaciones de los responsables del estadio culpabilizando a los promotores musicales de los elevados niveles de ruido denunciados por los vecinos, la asociación, que representa a un centenar de empresas, ha instado al Bernabéu a "aplicar las medidas necesarias para la insonorización, garantizando el bienestar de los residentes".

"La responsabilidad de acondicionar acústicamente un recinto corresponde a los responsables del mismo, garantizando que el espacio cumple con los niveles de sonido antes de su uso para la celebración de conciertos en vivo. Señalar a los promotores por los problemas de ruido es tirar balones fuera", ha subraya la asociación en el comunicado.

En los últimos meses, los promotores musicales, que han organizado eventos en el estadio madrileño, se han visto expuestos a cancelaciones de sus reservas y a sanciones económicas generando un grave perjuicio al público, a los artistas, las empresas promotoras y los trabajadores del sector.

Según la APM, las últimas declaraciones del Bernabéu contra los promotores están generando "un clima de desconfianza en un sector responsable tanto de impulsar la cultura de la música en vivo, como de posicionar la marca España en el ránking de países con mayor actividad cultural de música en vivo de Europa".

Han recordado que desde el mes de abril, los promotores que han organizado conciertos en el Bernabéu han recibido sanciones por valor de 801.000 euros por exceder los límites sonoros a pesar de cumplir con todos los requisitos y permisos.

Esta dinámica, han advertido, "pone en peligro la actividad cultural de la música en vivo y genera un debate altamente contraproducente que afecta directamente a la industria musical de España y a la imagen positiva consolidada como uno de los países con mayor actividad cultural en la música en directo.EFE

Redacción Ciencia, 8 ago (EFE).- Está ampliamente documentado que la música influye en el estado de ánimo. Ahora, un nuevo estudio ha ido más allá y ha demostrado que la música clásica tiene efectos positivos en el cerebro, un hallazgo que podría servir para ayudar a los pacientes con depresión resistente al tratamiento.

El estudio, liderado por investigadores chinos y publicado este viernes en la revista Cell Reports, ha analizado el efecto neurológico de la música compuesta por autores occidentales como Bach, Beethoven o Mozart y han demostrado a través de mediciones de las ondas cerebrales y técnicas de imagen neuronal que estas composiciones tienen efectos positivos en el cerebro.

"Nuestra investigación integra los campos de la neurociencia, la psiquiatría y la neurocirugía, proporcionando una base para cualquier investigación dirigida a la interacción entre la música y la emoción", explica el autor principal Bomin Sun, director y profesor del Centro de Neurocirugía Funcional de la Universidad Jiao Tong de Shanghai.

"En última instancia, esperamos trasladar los resultados de nuestra investigación a la práctica clínica, desarrollando herramientas y aplicaciones de musicoterapia cómodas y eficaces".

El estudio se realizó con trece pacientes con depresión resistente al tratamiento a los que ya se habían implantado electrodos en el cerebro con fines de estimulación cerebral profunda.

Estos implantes se colocan en un circuito que conecta dos zonas del cerebro anterior: el núcleo del lecho de la estría terminal (BNST) y el núcleo accumbens (NAc).

Utilizando estos implantes, el equipo descubrió que la música genera sus efectos antidepresivos sincronizando las oscilaciones neuronales entre el córtex auditivo (responsable de procesar la información sensorial) y el circuito de recompensa (procesa la información emocional).

"Este estudio revela que la música induce el triple bloqueo temporal de las oscilaciones neuronales en el circuito cortical-BNST-NAc a través de la sincronización auditiva".

En el estudio se utilizaron varias piezas de música clásica occidental -un tipo de música con el que la mayoría de los participantes no estaban familiarizados- para evitar cualquier interferencia que pudiera surgir de la familiaridad subjetiva.

"Llegamos a la conclusión de que las elecciones musicales durante el proceso de escucha formal eran individualizadas y no estaban relacionadas con el trasfondo emocional de la música", afirma Sun.

A partir de ahora, "en colaboración con clínicos, musicoterapeutas, informáticos e ingenieros, planeamos desarrollar una serie de productos de salud digital basados en la musicoterapia, como aplicaciones para teléfonos inteligentes y dispositivos para llevar puestos", avanza Sun.

"Estos productos integrarán recomendaciones musicales personalizadas, monitorización y retroalimentación emocional en tiempo real y experiencias multisensoriales de realidad virtual para proporcionar herramientas de autoayuda cómodas y eficaces para gestionar las emociones y mejorar los síntomas en la vida cotidiana".

Kurt Cobain, el icónico líder de Nirvana, fue conocido por su rechazo al brillo y el glamour típicos del mundo del rock. A pesar del éxito masivo que logró con su banda, Cobain nunca abrazó completamente el estatus de estrella de rock. Sin embargo, una figura que logró ganarse su respeto fue Iggy Pop. El líder de The Stooges, célebre por su estilo crudo y rebelde, impresionó profundamente a Cobain cuando se conocieron. Este hecho fue reconocido por el mismo Cobain, quien declaró: “Conocí a Iggy Pop antes de que fuéramos estrellas de rock, y él es prácticamente la única persona a la que realmente admiro y me gusta”.

La relación entre ambos músicos es recordada con detalle en diversos medios. Según Far Out Magazine, Pop dijo sentirse igual de impresionado al conocer a Cobain. Iggy Pop llamó a Nirvana una de las pocas bandas que revolucionó el sonido del rock. Incluso hubo rumores de que ambos podrían haber colaborado musicalmente antes de la trágica muerte de Cobain en 1994, pero sus agendas nunca coincidieron. Pop reconoció que la música de Nirvana tenía una resonancia distinta, un dinamismo que “te llevaba hacia abajo, arriba, y cuando oprimen un determinado botón, te llevan más allá”.

En entrevista con MTV en 2006, Pop recordó la primera vez que vio a Nirvana en concierto. Fue en 1990, antes de que la banda se hiciera famosa. Dijo que un amigo fotógrafo le habló de una banda de Seattle que tenía que ver. “Tenían una vibra, y el tipo tenía algo con la voz, como un pequeño troll diabólico, y tocaba su guitarra todo encorvado. Pensé que ese tipo tenía algo que me estaba hablando”, comentó Pop en la entrevista.

Estos encuentros iniciales dejaron una impresión duradera en Pop. De hecho, tras su primera experiencia viendo a Nirvana, decidió comprar su álbum Bleach. Aunque seguía considerando a Iggy Pop como “Johnny B. Goode”, resaltó que Cobain y su banda trajeron una “explosión emocional” al mundo del rock, algo fundamental para una generación emergente. Iggy Pop también mencionó cómo la canción “About a Girl” se destacaba en Bleach y predijo que si grababan más temas de ese estilo, serían increíblemente exitosos.

Por qué se generó controversia con las declaraciones de Iggy Pop

El impacto de la fama en Cobain fue otro tema de reflexión para Iggy Pop. Expresó en la misma entrevista: “Es algo terrible que este tipo no haya podido vivir su vida y disfrutar más de su tiempo en la Tierra. Y creo que eso se debe a la gente que lo rodea. Kurt Cobain ganó demasiado dinero para demasiadas personas y se volvió demasiado valioso demasiado pronto. Tenía que morir, y así es como funciona, y no es agradable”.

El comentario de Iggy Pop refleja una crítica profunda a las demandas y presiones injustas que enfrentan los artistas en la industria musical. Pop insistió en que los parásitos que se adhieren al éxito de otros en la industria fueron en gran medida responsables de la caída de Cobain. A pesar de la controversia que puede generar esta afirmación, habló desde su propia experiencia, habiendo lidiado él mismo con los peligros y adversidades del mundo de la música.

El reconocimiento de Cobain hacia Iggy Pop también tenía una base musical sólida. Aunque los Stooges no lograron el mismo nivel de éxito mundial que bandas como los Beatles y los Rolling Stones, su influencia en géneros como el punk, el goth, el metal y el grunge es innegable. Para Cobain, el estilo genuino y sin pretensiones de Pop, su rebeldía sin concesiones y su capacidad para causar caos en el escenario resonaban fuertemente con su propia filosofía y enfoque hacia la música.

Buenos Aires, 26 jul (EFE).- El presidente argentino, Javier Milei, saludó este viernes al legendario cantante y líder de los Rolling Stones, Mick Jagger, por su cumpleaños número 81 a través de sus redes sociales, cuando ambas figuras se encuentran en Francia con ocasión de los Juegos Olímpicos de París 2024.

"Happy birthday (Feliz cumpleaños), Mick Jagger!!! Viva la libertad carajo (sic)", fue el mensaje del mandatario argentino en su cuenta oficial de la red social X para saldar al vocalista de rock, que hace días está instalado en la capital francesa con la intención de conocer y apoyar al equipo olímpico británico.

Milei tiene una gran fascinación por los Rolling Stones, banda londinense que se presentó en múltiples ocasiones en Argentina, la última en 2016 en el estadio Monumental de Buenos Aires.

La publicación del presidente argentino, usuario notablemente activo de la red social X, obtuvo más de 15.000 "me gusta" por parte de sus seguidores y más de 650 comentarios, muchos de los cuales le instaron a presionar a la estrella de rock a presentarse nuevamente en el país.

Esta semana, la prensa local anunció que el grupo británico no tiene pensado viajar este año a la Argentina, donde se presentó por primera vez en 1995.

El político suramericano viajó esta semana a Francia para asistir a la ceremonia inaugural de los Juegos Olímpicos en París y para reunirse con su homólogo francés, Emmanuel Macron.

El encuentro entre ambos mandatarios tuvo lugar este viernes y, según informó un portavoz presidencial argentino, fue una "excelente reunión" en la que el político europeo "felicitó" a Milei por su "coraje político" y le aseguró que contará con su "apoyo total" en organismos como el FMI o para el ingreso de Argentina en otros como OTAN u OCDE.

A lo largo de la historia de la música, muchos guitarristas legendarios han enfrentado situaciones difíciles con sus instrumentos. En algunos casos, sus amadas guitarras fueron robadas o extraviadas, eventos que impactaron tanto a los artistas como a sus seguidores. Sin embargo, en varias ocasiones, estas historias tuvieron finales felices y los músicos lograron recuperar sus preciadas posesiones.

En el mundo de la música, los instrumentos pueden ser tan icónicos y valorados como los propios artistas. Para algunos guitarristas, sus instrumentos no solo son herramientas de trabajo, sino extensiones de su propia creatividad. Sin embargo, estos valiosos objetos no siempre están a salvo.

Violín bajo Höfner 500/1 de Paul McCartney

Paul McCartney ha recuperado su icónico bajo eléctrico Höfner 500/1, reportado como desaparecido desde 1969. Una mujer llamada Cathy Guest devolvió el instrumento en febrero de 2024, luego de descubrir su identidad a través del proyecto The Lost Bass Project. Este bajo, utilizado por McCartney en los primeros éxitos de The Beatles, fue robado y permaneció oculto durante décadas. Nick Wass, un consultor semi-retirado de Höfner, destacó la relevancia del instrumento en la historia musical, mencionando su uso durante la Beatlemanía.

“Lucy” de George Harrison y la guitarra Les Paul “Ransom”

George Harrison, otro miembro de The Beatles, también enfrentó la pérdida de una guitarra significativa. En 1968, Eric Clapton le regaló una Gibson Les Paul de 1957, nombrada “Lucy”, que fue robada en 1973. Después del robo, la guitarra pasó por varios dueños hasta volver a manos de Harrison a cambio de otros instrumentos, según informó Chron.

Guitarra Gibson Les Paul Standard “Beano ‘Burst” de Eric Clapton

En 1966, Clapton perdió otra guitarra icónica, su Gibson Les Paul conocida como “Beano ‘Burst”, que desapareció poco después del lanzamiento del álbum “Bluesbreakers” con John Mayall and the Bluesbreakers. Hasta la fecha, la guitarra sigue desaparecida y se estima que podría estar en una colección privada en Estados Unidos.

Guitarra Jazzmaster Fender “Jazzblaster” de Lee Ranaldo

Otro caso notable es el de Lee Ranaldo, de Sonic Youth, quien perdió su Fender Jazzmaster “Jazzblaster” de 1965 en 1999 cuando un camión de la banda fue robado en California. A pesar de que algunos instrumentos fueron recuperados, la Jazzblaster sunburst de Ranaldo sigue sin aparecer, como informó la revista Rolling Stone.

Guitarra G&L Rampage “Blue Dress” de Jerry Cantrell

Jerry Cantrell, de Alice in Chains, también vivió una experiencia similar. Su guitarra G&L Rampage “Blue Dress” fue reportada como robada en el sur de California. Sin embargo, la guitarra apareció poco después y Cantrell pudo recuperarla, anunciando en un video su alegría y su intención de usarla en nuevas grabaciones, según destacó Guitar World.

La comunidad musical se unió para apoyar a Cantrell una vez que reveló la pérdida. El día siguiente de su publicación, lanzó un video de seguimiento anunciando que, después de todo, la guitarra no había desaparecido: se había perdido entre una sesión de fotos y una sesión de estudio. Cantrell también compartió que está trabajando en un nuevo disco con la famosa guitarra.

La guitarra “Swiss Cheese” de Steve Vai

Finalmente, Steve Vai recuperó su guitarra personalizada “Swiss Cheese” en 2023, después de haber sido robada en 1986. La guitarra fue encontrada en el ático de una casa en Tijuana y devuelta a Vai tras ser identificada en redes sociales, según reveló Ultimate Guitar.

En conclusión, las historias de estos seis guitarristas demuestran la profunda conexión que existe entre un músico y su instrumento. A pesar de las dificultades y emociones encontradas al perder una guitarra, muchos de estos artistas lograron encontrar una manera de seguir adelante, ya sea recuperando el instrumento perdido o adaptándose a uno nuevo. Estas experiencias no solo resaltan la importancia material y sentimental de sus guitarras, sino también la resiliencia y pasión que los impulsa a continuar creando música, sin importar los obstáculos que se presentan en el camino.

Londres, 15 may. (EFE).- La colección de fotografías que el artista británico Elton John ha recopilado junto a su marido David Furnish a lo largo de los años protagoniza la mayor exposición temporal que el museo Victoria & Albert (V&A) de Londres ha dedicado a esa disciplina en su historia.

Más de 300 obras de más de 140 fotógrafos se exhiben en 'Fragile Beauty' ('Belleza Frágil'), que abre sus puertas el próximo sábado y hasta el 5 de enero del año que viene.

Las imágenes son una selección de las más de 7.000 que componen su colección y muchas de ellas se exponen en público por primera vez.

Según el museo, las fotos "definen una era" y "exploran la conexión entre fuerza y vulnerabilidad inherente a la condición humana".

Elton John y Furnish conviven con estas obras, que comenzaron a coleccionar hace más de tres décadas, en su hogar, por lo que se trata de una exposición de fuerte carácter personal para ambos.

El autor de 'Tiny dancer', 'Your song', o 'Rocketman' dijo a la BBC en una entrevista con motivo de la próxima inauguración que, pese a coleccionar fotografías, él "odia" aparecer en ellas.

"Nunca me pondría a mi mismo en una pared (de casa). Gracias, pero no", replicó al ser preguntado en la entrevista con la corporación británica.

La exposición, que abarca desde la década de 1950 hasta el presente, y que sigue a otra similar en la Tate Modern en 2016, incluye retratos de leyendas como los músicos de jazz Miles Davis y Chet Baker o la actriz Marilyn Monroe.

Con especial relevancia para la serie 'Thanksgiving' de la fotógrafa Nan Goldin, se exhiben obras de gigantes de la fotografía como Robert Mapplethorpe, Cindy Sherman, William Eggleston o Zanele Muholi.

Divididas en ocho secciones temáticas, desde la moda al cuerpo masculino o el reportaje, muchas imágenes se hacen eco de momentos importantes de la historia, como los atentados del 11S en EE.UU., o de la lucha por los derechos sociales.

"Desde que prestamos una selección de fotografías de Horst al V&A en 2014, nuestra relación con el museo ha crecido de forma significativa. 'Fragile Beauty' lleva esta colaboración a nuevas cimas, mostrando algunos de los fotógrafos más queridos e imágenes icónicas de nuestra colección", señalaron John y Furnish en un comunicado.

Para el comisario de la exposición, Duncan Forbes, "ya sea a través de la elegancia de la fotografía de moda, la creatividad de músicos, la exploración del deseo o el paso de la historia capturado por fotoperiodistas, la fotografía revela algo importante sobre el mundo".

Forbes cataloga 'Fragile Beauty' como un "viaje épico a través de la historia reciente de la fotografía", así como de "celebración de la pasión de Elton John y David Furnish por esta disciplina". EFE

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