Schmigadoon! y The Lost Boys, dos musicales de Broadway que se estrenaron hace apenas unas semanas, recibieron más nominaciones que cualquier otro espectáculo cuando se anunciaron las nominaciones a los premios Tony de este año el martes por la mañana.

Los espectáculos —Schmigadoon!, adaptado de una serie cómica de Apple TV que comenzó en 2021, y The Lost Boys, adaptado de la película de vampiros de 1987— competirán con Titaníque, una parodia cariñosa de la película Titanic con toques de Celine Dion, y Two Strangers (Carry a Cake Across New York), una comedia romántica original, en la importante carrera por el premio al mejor musical nuevo. En un momento en que la economía de los nuevos musicales se ha vuelto cada vez más difícil, los cuatro espectáculos podrían beneficiarse del impulso que las nominaciones, y en particular un premio, podrían brindar.

Mientras los musicales de Broadway atraviesan dificultades, las obras de teatro con estrellas de renombre están teniendo mejor suerte, y la lista de nominaciones refleja una avalancha de celebridades que se lanzan a los escenarios: entre los nominados se encuentran las estrellas de cine John Lithgow, Daniel Radcliffe, Lesley Manville y Rose Byrne.

Las nominaciones sugieren un notable regreso para el productor Scott Rudin, quien volvió a Broadway esta temporada tras una pausa de cuatro años motivada por reportajes periodísticos sobre su propensión al acoso. Produjo dos obras esta temporada: una reposición de Muerte de un viajante y una nueva obra titulada Little Bear Ridge Road, y ambas fueron nominadas como las mejores en sus respectivas categorías.

Durante las nominaciones se batieron algunos récords.

Danny Burstein, un querido actor de Broadway, fue nominado en la categoría de mejor actor de reparto por su actuación en la obra Marjorie Prime. Esta es su novena nominación al premio Tony (ganó por Moulin Rouge!), y ahora es el intérprete masculino con más nominaciones en la historia, superando el empate con Jason Robards Jr. June Squibb, coprotagonista de Burstein en Marjorie Prime, también fue nominada a un premio Tony; a sus 96 años, es la nominada de mayor edad en su categoría, mejor actriz de reparto en una obra de teatro.

The Lost Boys y Schmigadoon! obtuvieron 12 nominaciones cada una. Muy cerca, con 11 nominaciones, se encuentra la aclamada reposición del musical Ragtime, una producción del Lincoln Center Theater, una organización sin fines de lucro.

Media docena de espectáculos no recibieron ninguna nominación, incluidos los nuevos musicales La Reina de Versalles, que cerró tras una breve temporada el otoño pasado, y Beaches, que está teniendo dificultades en taquilla tras su estreno con malas críticas el mes pasado. Una reposición estelar de Proof también se fue con las manos vacías.

Entre los demás nominados a mejor actor o actriz principal se encuentran dos figuras consagradas de Broadway: Nathan Lane y Kelli O’Hara. Esta es la novena nominación de O’Hara a los premios Tony (ya ha ganado uno).

En la categoría de mejor obra nueva, figuran entre los nominados Liberation de Bess Wohl, que el lunes ganó el Premio Pulitzer de teatro, así como The Balusters, de David Lindsay-Abaire; Giant, de Mark Rosenblatt; y Little Bear Ridge Road, de Samuel D. Hunter.

Lane (Muerte de un viajante), Lithgow (Gigante) y Radcliffe (Cada cosa brillante) fueron nominados a mejor actor en una obra de teatro, junto con Will Harrison (Punch) y Mark Strong (Edipo). Byrne y O’Hara, coprotagonistas de una reposición de Ángeles caídos, competirán con Carrie Coon (Bug), Susannah Flood (Liberation) y Manville (Edipo) por el premio a mejor actriz principal en una obra de teatro.

Las nominadas a mejor actriz principal en un musical son todas nominadas por primera vez: Sara Chase (Schmigadoon!), Stephanie Hsu (The Rocky Horror Show), Caissie Levy (Ragtime), Marla Mindelle (Titaníque) y Christiani Pitts (Two Strangers). La carrera por el premio a mejor actor principal en un musical, dominada durante toda la temporada por Joshua Henry de Ragtime, también incluye a Nicholas Christopher (Chess), Luke Evans (The Rocky Horror Show), Sam Tutty (Two Strangers) y Brandon Uranowitz (Ragtime).

Los actores Uzo Aduba y Darren Criss anunciaron las nominaciones en Nueva York, dando inicio a un periodo de entrega de premios que durará un mes. Los 857 votantes de los premios Tony —en su mayoría personas que trabajan en el teatro o que financian espectáculos de Broadway— deben terminar de ver las últimas producciones, mientras que las compañías de teatro, limitadas por las nuevas y restrictivas normas que restringen las campañas y la promoción, buscan maneras de recordar a los votantes las virtudes de sus nominados.

La ceremonia de entrega de premios tendrá lugar el 7 de junio en el Radio City Music Hall, presentada por la artista Pink y retransmitida por CBS.

La temporada ha sido irregular para Broadway. La asistencia y la recaudación total han aumentado con respecto a la temporada anterior, pero la rentabilidad es baja debido al vertiginoso aumento de los costos de producción y a la creciente preocupación del público por el precio de las entradas. Solo se estrenaron seis musicales nuevos esta temporada, frente a los catorce de la temporada pasada.

Los premios Tony, que galardonan las obras de teatro y los musicales representados en los 41 teatros de Manhattan que conforman Broadway, son otorgados por la Broadway League y la American Theater Wing. Este año, 19 obras de teatro y 11 musicales son elegibles para los premios, ya que se estrenaron en Broadway entre el 28 de abril de 2025 y el 26 de abril de 2026.

Los nominados fueron elegidos por un comité de 55 personas con experiencia o conocimientos en teatro, pero que no trabajan en los espectáculos de la temporada ni tienen ningún interés financiero en ellos.

Ya se han anunciado algunos premios no competitivos.

Los premios a la trayectoria profesional se otorgarán a André Bishop, quien el año pasado se retiró tras dirigir el Lincoln Center Theater durante 33 años; Jules Fisher, diseñador de iluminación; y James Lapine, dramaturgo y director. Mary-Mitchell Campbell, directora musical, recibirá el Premio Isabelle Stevenson, que reconoce la labor voluntaria.

Los premios Tony Honors de este año a la excelencia en el teatro se otorgarán al Proyecto 1/52, que apoya a diseñadores emergentes, así como a Jake Bell, director de producción; Kenn Lubin, diseñador de señalización; y Loren Plotkin, abogado especializado en entretenimiento.

Fuente: The New York Times

Cuando en el año 2010, Ricky Pashkus y Pablo Gorlero decidieron crear un galardón para celebrar al teatro musical, pensaron en él: Hugo Midón. Y así nacieron los ya consagrados Premios Hugo. El prestigioso actor, maestro, autor, director y compositor, que marcó un antes y un después en el género, falleció poco tiempo después, el 25 de marzo de 2011, a la edad de 67 años. Sin embargo, al día de hoy, su legado sigue vigente.

Es que no solo revolucionó el teatro musical. También fue un pionero en el rubro infantil, en el que marcó su huella con obras como La vuelta manzana, que estuvo en cartel durante diez temporadas, y Vivitos y Coleando, entre muchas otras. Él tenía muy en claro que todos los adultos guardan a un niño adentro. Y su capacidad de mantenerlo siempre atento y con ganas de jugar, fue lo que le permitió contagiar con su alegría a varias generaciones de argentinos.

Había nacido el 27 de febrero de 1944 en Valentín Alsina, provincia de Buenos Aires, pero se crió en San Isidro. “Vivía cerca del río, en una calle por la que prácticamente no pasaban autos. Entonces, la calle era el lugar de juego. Teníamos dos cuadras que eran para nosotros, prácticamente. Y jugábamos con cosas que hacíamos. ¡Hasta la pelota la hacíamos nosotros! No comprábamos nada. Teníamos barquitos que armábamos con palitos de helado, carritos con rulemanes...“, recordaba Hugo de aquella infancia que había marcado su vida.

Su papá trabajaba en el puerto y era un director aficionado, por lo que desde muy chico tuvo un acercamiento al teatro. Pero su vocación afloró después de ver una obra al aire libre que le voló la cabeza. “Con mis amigos teníamos la rutina de ir a pasear por la plaza. Y de repente vimos un escenario intensamente iluminado. A mí me pareció como que había bajado un ovni. Y estaba toda la gente rodeando eso, viendo un espectáculo. Me pareció maravilloso”, recordó Midón. A partir de ese momento, supo lo que tenía que hacer. Y comenzó a tomar clases de actuación. Hasta que, con 20 años, ingresó al Instituto de Teatro de la UBA. Y, en 1967, debutó como actor junto al titiritero Ariel Bufano en el espectáculo infantil Los caprichos del invierno.

A partir de ese momento, decidió empezar a trabajar para los más chicos. Pero de la manera en que lo había aprendido con quien le dio su primera oportunidad en las tablas. “Vestuario, escenografía y trabajo actoral deben estar cuidados. El teatro para niños es un género en sí mismo y no un escalón hacia el teatro para adultos. Hay que hacerlo seriamente”, decía Midón, quien desde 1982 fue director y docente del centro de formación teatral Río Plateado.

Se unió en una dupla memorable con Carlos Gianni, junto a quien a lo largo de cuatro décadas creó más de 20 comedias musicales y cerca de 300 canciones. Y dejó de lado el concepto de teatro infantil, para comenzar a hablar de obras “para toda la familia”. Así, lograba que los menores se divirtieran del mismo modo que sus padres, tíos o abuelos. Porque, de alguna manera, tenía el don de despertar a ese niño interior que todos llevaban consigo.

Locos ReCuerdos, La familia Fernández, Juego de reyes, Objetos maravillosos, Huesito Caracú, Graves y agudos, Derechos torcidos y la ópera Hansel y Gretel, fueron algunos de sus títulos más recordados. Y, entre otros reconocimientos, fue galardonado con tres premios Argentores, en 1992, 1993 y 1994; tres Ace en 1993, 1994 y 1999; dos Premios Konex de Platino, en 1991 y 2001; y tres Konex Diploma al Mérito en 1981, 1984 y el post mortem en 2011.

La última obra que montó, en tanto, fue Playa bonita en el teatro La Comedia. La hizo con jóvenes actores egresados de su escuela. Corría el año 2009. Y, cuando terminó la función, sufrió una convulsión que lo obligó a someterse a una serie de chequeos médicos. Allí le detectaron un tumor cerebral que lo mantuvo alejado hasta el día de su partida. Murió en su departamento de Palermo, rodeado de sus seres queridos. Y sus restos fueron despedidos en el cementerio de la Chacarita, donde sus amigos, familiares y admiradores entonaron las estrofas de La Historia Interminable.

“A los chicos se les intenta dar la posibilidad de que se defiendan en el futuro. Y el futuro parece ligado al inglés y la computación. Y no es así. Pasa por otras cosas también. Hay valores que son mucho más importantes y hacen al individuo, al ser humano. Y que hacen a la vida en sociedad y al futuro de la humanidad. Hay que pensar en el futuro de la humanidad. Qué somos y para qué estamos acá. Si lo único que queremos es ganar plata, no tiene mucho sentido nuestro paso por la vida”, había reflexionado Midón en una oportunidad.

La escena del espectáculo mexicano ha tenido un resurgimiento notable gracias a montajes que combinan creatividad, diseño y actuaciones de gran nivel. La intensidad de una función en vivo continúa siendo un atractivo incomparable, especialmente cuando se trata de producciones que integran canto, danza e interpretación con propuestas audiovisuales de gran nivel.

Los productores nacionales han apostado por proyectos ambiciosos que exigen talento versátil y un cuidado muy detallado. La selección de elencos capaces de sostener funciones complejas ha sido fundamental para que estos espectáculos crezcan en calidad y alcance. Cada obra que llega a un escenario capitalino representa meses de planeación, ensayos y trabajo técnico que hacen posible toda la magia.

Este movimiento ha ampliado el entretenimiento de la vida cultural del país. Las obras que se encuentran en la cartelera actual demuestran que el teatro musical continúa ampliando su audiencia y conectando con nuevas generaciones desde la diversificación de sus guiones.

Producciones que marcaron época en el teatro musical mexicano

De acuerdo con el portal web Vocero, estos son algunos de los musicales más exitosos en México de las ultimas décadas.

• Jesucristo Superestrella

La puesta en escena mexicana tuvo un regreso memorable en años recientes con un elenco de gran presencia y un diseño que actualizó el clásico de Andrew Lloyd Webber. Su temporada logró sold outs constantes gracias a la interpretación de sus protagonistas y a una producción que apostó por el impacto visual.

• Hoy No Me Puedo Levantar

El musical inspirado en las canciones de Mecano se ha presentado en diversas temporadas sobre los escenarios mexicanos. La última puesta en escena presentó una versión renovada a nivel producción que logró conectar con una audiencia de todas las edades, además de destacar por un montaje colorido y funciones llenas.

• José el Soñador

Este musical se destacó por sorprender con una producción técnica y tecnológica donde el elenco se llevó los aplausos por su gran nivel de interpretación actoral y vocal.

• Los Miserables

Considerada una de las adaptaciones más ambiciosas presentadas en México, esta obra regresó con una producción de gran formato que incluyó escenografía destacada y un elenco de sobresaliente en todas las disciplinas.

• Wicked

El musical de gran éxito mundial llegó al país con una versión que respetó la magnitud de la puesta original. Su dupla protagónica recibió aplausos por lo sobresaliente de su actuación.

• Vaselina

Una obra que volvió a despertar entusiasmo generacional, la versión más actual incluyó un elenco con amplia presencia mediática y una estética que rindió homenaje al estilo original.

• Mentiras

Un musical que ya tuvo un par de producciones pero que que sigue encantando a todas las generaciones por retomar los clásicos de los 80.

Teatro musical mexicano

En los últimos años, algunas obras sobresalen por su impacto, complejidad y nivel de convocatoria. Esas puestas en escena se han convertido en referente por su producción escénica, calidad vocal y fuerza interpretativa, logrando temporadas extensas y llenos totales.

Varias lograron convocar espectadores que quizá no tenían cercanía con el musical, demostrando que esta rama artística puede emocionar tanto o más que el cine o la televisión.

El diseño audiovisual, vestuario, coreografías y música elevaron la experiencia y confirmaron que México puede montar espectacular de más alto nivel internacional.

El fenómeno generado por el estreno de Wicked: Parte II ha reconfigurado las cifras históricas del cine musical. Durante su primer fin de semana, la película ha alcanzado los 223 millones de dólares en recaudación global. De hecho, ha logrado romper el récord más alto de taquilla para una adaptación de Broadway. Dirigida por Jon M. Chu y encabezada por Cynthia Erivo, quien da vida a Elphaba, y Ariana Grande, a Glinda, la cinta concluye el musical de Broadway llevado a la gran pantalla. Sin embargo, debido al fenomeno fan es inevitable hacerse la pregunta: ¿habrá una tercera entrega? Aunque Universal no ha confirmado ninguna continuación, el interés del público y del propio equipo podría indicar que la historia no ha terminado.

De hecho, si hablamos de material, hay mucho. L. Frank Baum, el autor de El Mago de Oz (1900) escribió varios libros que daban continuación a la primera novela, pero no es aquí de donde coge inspiración Chu. Lo hace del musical creado por Stephen Schwartz y Winnie Holzman en 2003, que a su vez se inspira en la novela de Gregory Maguire Wicked: memorias de una bruja mala (1995). El autor publicó tres novelas más sobre la historia de Elphaba, la Bruja Mala del Oeste, y Glinda, la Bruja Mala.

Entre el reparto, Ariana Grande ha sido una de las voces más abiertas a imaginar un regreso. Días antes del estreno, compartió un clip en Instagram donde bromeó: “Si hemos aprendido algo de Cher, es que siempre puede haber otra gira de despedida”. “No nos despedimos de nada. Estos personajes siempre serán parte de nuestros corazones. Han cambiado nuestras vidas irrevocablemente y para siempre, y estoy muy agradecida por eso”, afirmó.

El director tiene “ideas”

Jonathan Bailey, que interpreta al príncipe Fiyero, también ha dejado entrever que la puerta no está cerrada. En una conversación con Esquire, ha reconocido no saber si habrá una tercera entrega, pero ha señalado que “todos los personajes tienen potencial”. Incluso, atención SPOILER, ha recordado que, en los libros, Fiyero y Elphaba tienen hijos. Además, Michelle Yeoh, Madame Morrible en la ficción, ha afirmado que si Jon M. Chu se lo pidiera, diría que sí “sin pensarlo dos veces”. “¿Por qué le diría que no? Nunca”, ha declarado para Variety.

En cambio, el actor Bowen Yang, ShenShen, uno de los mejores amigos de Glinda en la cinta, cree que la historia debería quedarse en la parte dos. “Creo que lo dejaremos aquí. Voy a presentar una historia de ‘Rosencrantz y Guildenstern están muertos’ con mis personajes y los de Bronwyn James”, le respondió al citado medio.

Por último, el propio director ha alimentado aún más las especulaciones. En la premiere de Nueva York confesó que hay “muchas ideas flotando” sobre una posible tercera película. Además, ha revelado que su hija de ocho años ha escrito un origen para Fiyero que a él “le encanta”. Ya veremos. Disfrutemos de este viaje primero", respondió.

Si una nueva entrega llega a buen puerto está por ver.

El fenómeno generado por el estreno de Wicked: Parte II ha reconfigurado las cifras históricas del cine musical. Durante su primer fin de semana, la película ha alcanzado los 226 millones de dólares en recaudación global y ha superado ampliamente el debut de la primera entrega. De hecho, la película ha logrado romper el récord más alto de taquilla para una adaptación de Broadway.

Dirigida por Jon M. Chu y encabezada por Cynthia Erivo y Ariana Grande, la saga se ha consagrado de este modo como uno de los proyectos más lucrativos para los grandes estudios de Hollywood. Ambas producciones demandaron cerca de 300 millones en presupuesto, pero a cambio obtuvieron recaudaciones mucho mayores en taquilla y recibieron (en el caso de la primera parte) múltiples nominaciones al Óscar, posicionando a la franquicia entre las más exitosas y ambiciosas de los últimos años.

Con el estreno de la segunda parte (quién sabe si la última), Jon M. Chu ha revelado para Business Insider la decisión poco habitual que tuvo que tomar respecto al final de esta nueva entrega. “Me negué a que Universal Pictures viera el plano final de la película”, explica. “Temía que quisieran usar la imagen más poderosa de la película en la campaña de marketing”.

El misterioso susurro final de ‘Wicked: Parte II’

Para quienes han visto la película, ya sabrán que la historia termina (alerta, porque aquí viene un espóiler) con un primer plano de Glinda susurrando al oído de Elphaba, una recreación exacta del póster original del musical de Broadway que adaptan ambas películas. La elección de ese instante como cierre tiene una razón precisa. “Siempre fue el plan. Siempre iba a terminar con el susurro”, aclara Chu.

Coo es lógico, no fue nada fácil lograr convencer al estudio para que se mantuviera en secreto el icónico plano. “Incluso tenían un póster preparado para la primera película, y yo decía: ‘¿Por qué estamos sacando este póster? Jamás debemos reconocer el susurro. Nunca. Nunca’”. Para él, había muchos fans del musical que creían que desde el equipo directivo habían ignorado esa imagen tan icónica. “Quería que pareciera que no nos importaba, y que solo fuera el último plano en Wicked: Parte II. Así que el estudio nunca vio ese plano final. Impuse algo enorme: ‘¡No muestren ese plano!’ Lo deseaban con todas sus fuerzas”.

Para Chu, la imagen trasciende al propio musical: “Ese póster es uno de los más brillantes que se hayan hecho. Nadie sabe lo que Glinda dice, porque nunca lo hacen en el musical. Pero es la clave de la amistad. Nos reservamos secretos. Las chicas pudieron elegir lo que realmente decían en la escena. Ni siquiera yo sé lo que dijeron”.

Las quejas de Cynthia Erivo

Cabe recordar que Universal ya había realizado una estrategia similar de utilizar los posters del musical para promocionar Wicked. Sin embargo, con el estreno de la primera película, el resultado de esta estrategia no fue buena: muchos fans señalaron errores en la recreación e incluso retocaron el aspecto físico de las actrices para que se parecieran más a la versión original.

Sin embargo, esto no resultó del agrado para alguno de los implicados. Cynthia Erivo, por ejemplo, acabaría protestando en redes sociales tildándolo de “ofensivo”. “Nada de esto es gracioso. Me degrada. Nos degrada”, lamentaba. “El póster original es una ilustración. Yo soy un ser humano real que decidió mirar directamente a la cámara… Porque, sin palabras, nos comunicamos con la mirada. Nuestro póster es un homenaje, no una imitación. Editar mi rostro y tapar mis ojos es borrarme. Eso duele profundamente”.

Cuando el cineasta estadounidense Jon M. Chu rodó en 2023 Wicked y Wicked: Parte II, el auge de la ultraderecha y el populismo ya marcaba el clima global. En noviembre del año pasado, cuando se estrenó la primera parte del musical, Donald Trump acababa de volver al poder en Estados Unidos, coincidiendo con un estreno, que pese a ser una colorida cinta, dejaba (mucho) espacio para la crítica y la lectura supremacista. Un año después, la película, si cabe, es aún más terriblemente actual. “La verdad no es una cuestión de hechos o razón. La verdad es simplemente aquello en lo que todos están de acuerdo”, dice el Mago en el Wicked original de Broadway, línea que también se replica en esta continuación que lleva Chu a la gran pantalla.

En realidad, Wicked: Parte II no es una secuela, sino el acto número dos de una obra que, en vez de los quince minutos de pausa tradicionales del teatro, ha llegado un año después. Con este cierre, Chu completa uno de los mayores espectáculos musicales de la milla de oro del género y reafirma las alegorías políticas sobre la verdad, el bien y el mal que ya planteaba la primera cinta. De nuevo, confirma a Cynthia Erivo y Ariana Grande como unas históricas Elphaba, la Bruja Mala del Oeste, y Glinda, la Buena.

En su última ocasión —o no: Chu ha afirmado que tiene ideas para rodar una tercera parte—, Wicked continúa durante dos horas y 17 minutos por donde se quedó su predecesora, dividida de igual forma que lo hace el musical original —y que desde el pasado octubre se puede ver en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid—. Sin embargo, esta vez se aleja del brilli-brilli y de los colores chillones para abrazar un tono más oscuro y mucho menos cómico, donde Elphaba (Erivo) se ha convertido completamente en la Bruja Mala. Exiliada y liderando la lucha por la libertad de los animales, intenta desesperadamente sacar a la luz la verdad sobre el Mago, mientras Glinda (Grande) ha sucumbido a la brillante maquinaria de propaganda del Mago de Oz (Jeff Goldblum), alimentada por Madame Morrible (Michelle Yeoh), ante unos habitantes que no cuestionan ningún tipo de realidad. A dar claridad entra el encantador Príncipe Fiyero (Jonathan Bailey), cuyo papel le obliga a navegar entre la lealtad a Oz y su cercanía con Elphaba.

Pero Wicked: Parte II se siente actual, precisamente, porque toca el auge del fascismo, la propaganda, la desinformación (las mal llamadas fake news) o la manipulación de las masas, un espejo de nuestro tiempo que a su vez es completamente atemporal. Las bases ya las planteaba la obra original de L. Frank Baum en 1900 y casi un siglo después fue reinterpretada por Gregory Maguire en Wicked: memorias de una bruja mala, que años más tarde inspiraría al exitoso musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman, en cartel en Broadway desde 2003.

Un tono más oscuro y mucho menos cómico

En la versión original, la película lleva por título Wicked: For Good, referencia directa a una de las canciones emblema del musical. “Un cambio para bien no necesariamente significa un cambio para mejor”, cantan las protagonistas en el tema final. Y nunca mejor dicho. Pese a que como ocurrió en el primer acto, la química entre Erivo y Grande vuelve a ser su mejor baza, en esta ocasión el acto final no sale tan redondo como lo fue el primero.

En primer lugar, por la falta de canciones memorables, pese a la que da título a la película. What Is This Feeling?, Dancing Through Life, Popular o Defying Gravity fueron una sucesión de pop perfection en su primera entrega, que en esta ocasión, y como también le ocurre al musical en directo, no tienen la misma fuerza. Para paliar esto, Chu recurre a dos temas originales, The Girl in the Bubble y There’s No Place Like Home, que buscan dar identidad propia al cierre. En segundo lugar, porque aunque el refrán dice que las segundas partes nunca son buenas, en este caso, resulta compleja. Especialmente su primera hora, porque pese a que la cinta continúa tan solo con un par de meses de diferencia respecto a su predecesora, se nota el cambio brusco de tono —y la gran ausencia de comedia—, y unos decorados que chocan con lo establecido en la primera. Al errático montaje también se le suman las numerosas elipsis que engloban las referencias a la novela original, que pasa de puntillas el camino que siguen los personajes de Dorothy —que no se le ve la cara en toda la cinta—, el Espantapájaros, el Hombre de Hojalata y el León Cobarde.

Aun con sus irregularidades, Wicked: Parte II funciona como cierre emocional y político de una historia que ha necesitado casi cinco horas de metraje para desplegarse por completo. Chu firma una película imperfectamente perfecta que dejará contentos a los fans del musical y quién sabe si con un sabor a Oscar para Grande, que ya estuvo nominada el año pasado como Mejor actriz de reparto, y su nombre ya está más que presente en las quinielas.

Pero incluso en sus tropiezos, Wicked: Parte II mantiene viva la pregunta que atraviesa todo Oz desde 1900: ¿quién decide qué es el bien, el mal, y qué ocurre cuando el miedo predomina? Lo más importante tal vez sea la amistad, igualmente imperfecta, de ambas protagonistas. En esa duda, es donde la película encuentra su verdadero poder.

La película de Jon M. Chu, protagonizada por Cynthia Erivo y Ariana Grande, llega un año después de la primera entrega, basada en el exitoso musical de Stephen Schwartz y Winnie Holzman, en cartel en Broadway desde 2003. Si ya has visto la película, seguramente te hayas fijado en un detalle, que el personaje de Dorothy, efectivamente aparece, pero nunca se le ve la cara.

El propio Jon M. Chu lo ha explicado directamente recientemente en una entrevista con el medio estadounidense PEOPLE: “No quería interferir con la idea que cada espectador tiene de Dorothy en la historia con la que haya crecido. Wicked: For Good sigue siendo el viaje de Elphaba y Glinda, y Dorothy es sólo un peón en medio de todo ello”.

Esta decisión bebe directamente del musical original de Broadway —y que desde el pasado octubre se puede ver en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid—. En Wicked, Dorothy nunca aparece visible. Los actores interactúan con ella fuera de escena, hablan hacia un punto del escenario donde no se la puede ver y, en un momento decisivo, el público solo ve su sombra, como también ocurre en el segundo acto de la cinta.

¿Quién interpreta a Dorothy?

Cynthia Erivo, quien da vida a Elphaba, también ha defendido esta idea en una entrevista con Empire: “Es maravilloso, porque así cada persona puede conservar la Dorothy que ya conoce”.

Una vez estrenada la película, el secreto queda al descubierto. Tras muchos rumores, finalmente la actriz que da vida a la Dorothy de la versión de Chu es la británica Bethany Weaver, quien hace aquí su debut cinematográfico. Desconocida para el gran público, es una actriz y coreógrafa de teatro musical del West End de Londres, que ha participado en espectáculos como Rumi the Musical y Broken Wings The Musical, y más recientemente ha coreografiado Asmahan, también en la capital del Reino Unido. De hecho, como ha explicado el directo, la actriz audición para el papel haciendo sombras chinas.

Wicked: Parte II retoma la historia con Elphaba y Glinda separadas y afrontando las consecuencias de sus decisiones. Demonizada como la Bruja Malvada, Elphaba vive exiliada en el bosque mientras lucha por liberar a los animales silenciados y exponer la verdad sobre el Mago. Glinda, convertida en símbolo oficial de la bondad bajo la tutela de Madame Morrible, disfruta del esplendor de la Ciudad Esmeralda mientras intenta reconciliarse con su antigua amiga, un intento que solo aumenta la distancia entre ambas. En medio de ascensos al poder, bodas ozianas y nuevas amenazas —incluida la llegada de una misteriosa chica de Kansas—, las vidas de Boq, Fiyero y Nessarose cambiarán para siempre. Pero cuando Oz se vuelve contra Elphaba, será la amistad entre ambas brujas la que determine no solo su futuro, sino el destino de todo el reino.

Este viernes 21 de noviembre se estrena Wicked: For Good, la esperada segunda parte de la adaptación cinematográfica del musical que reinterpreta la historia de Oz con Glinda, la Bruja Buena del Norte (Ariana Grande), y Elphaba, la Bruja Mala del Oeste (Cynthia Erivo) como protagonistas, y que llega con la ambición de convertirse en uno de los grandes estrenos del año.

El universo de Oz ha sido plenamente adaptado desde que L. Frank Baum publicó la novela El maravilloso mago de Oz (1900), una saga formada por 13 libros y que más tarde recuperaron numerosos autores, entre ellos Gregory Maguire, autor de Wicked: Memorias de una bruja mala, en la que se basa el musical de la película cuya segunda parte se estrena esta misma semana. Sin embargo, pese a que si hablamos de películas, la más conocida es la dirigida por Víctor Fleming en 1939, también hay otras versiones. Una de ellas contó con estrellas de enorme peso y un despliegue musical sin precedentes, sin embargo, terminó convertida en uno de los fracasos más comentados de su época.

Se trata de The Wiz (El mago), la versión urbana y con un elenco afroamericano de El Mago de Oz que en 1978 reunió a Diana Ross y a un joven Michael Jackson bajo la dirección de Sídney Lumet.

Así fue ‘The Wiz0

Estrenada el 24 de octubre de 1978 y producida por Motown Productions y Universal Pictures, la película adaptaba la obra de Broadway del mismo nombre estrenada en 1975. Aquella propuesta teatral había sido un fenómeno cultural al trasladar la historia creada por L. Frank Baum a un contexto urbano y profundamente ligado a la estética de la comunidad afroamericana de los años setenta.

En su salto al cine, el reparto estaba protagonizado por la cantante y actriz Diana Ross, que interpretaba a Dorothy. En esta ocasión no se calcaba el personaje de Judy Garla en la cinta de 1939, sino a una mujer adulta que trabaja como profesora en una colegio de Nueva York. Michael Jackson, entonces miembro de los Jacksons -el grupo previamente era llamado The Jackson 5- pero ya en plena transición hacia su carrera solista, asumió el papel del Espantapájaros.

En esta cinta, el personaje interpretado por Ross es transportada mágicamente a un mundo de fantasía urbana llamado la Tierra de Oz. En su viaje para buscar la ayuda del poderoso Mago (Richard Pryor), se hace amiga del Espantapájaros (Michael Jackson), el Hombre de Hojalata (Nipsey Russell) y el León Cobarde (Ted Ross), mientras se enfrenta a la Bruja Mala del Oeste, Evillen (Mabel King).

Sus decorados, su vestuario y su apuesta visual le valieron cuatro nominaciones a los Premios Oscar: Mejor Dirección de Arte, Mejor Diseño de Vestuario, Mejor Banda Sonora Original y Mejor Escenografía. Sin embargo, a pesar de ese reconocimiento y del prestigio de Lumet, la película no logró convencer al público general ni recuperar su elevado presupuesto, que rondó los 21,6 millones de euros, frente a una recaudación aproximada de 18,9 millones.

Hace 15 años, el Teatro Lope de Vega abrió sus puertas para acoger el estreno de El Rey León: un musical que se ha convertido en emblema de la capital española. Su fama le precedía, haciendo predecir su éxito en Madrid.

Desde entonces, se han presentado más de 5.300 funciones y el musical ha marcado más años en cartel de forma continua que ningún otro espectáculo. Cada noche, unas 150 personas se reúnen para presentar un espectáculo inolvidable.

Detrás de las cortinas, moviendo los hilos, está Zenón Recalde, que, desde hace cerca de una década, guía a todo el elenco junto con el director musical, Sergi Cuenca, y el coreógrafo residente, Giovanni Napoli. Pocas personas conocen tan bien como él los ingredientes que han logrado convertir a El Rey León en un verdadero fenómeno musical. Porque su éxito, según afirma para El Mundo, “no es casualidad”.

El director residente de la obra explica que este musical tiene una historia que, a pesar de ser representada por animales, tiene algo muy humano, una búsqueda de la identidad que la hace muy representativa y entretenida tanto para los más pequeños como por sus padres: “Todos tenemos un Timón en la familia, o conoces a algún Pumba, o un Scar, aunque no sea tan oscuro como este… Y luego están los valores de la espiritualidad, de la amistad…”, cuenta el director artístico durante la entrevista con el medio anteriormente mencionado.

Los creativos de Broadway

Recalde también cuenta que los creativos de Broadway supervisan todas las producciones del mundo, porque “Disney cuida mucho del producto para que la gente no piense: ‘Yo la vi en Broadway y es mejor’. La versión española no es la hermana menor”.

Además, el director artístico reconoce que no se puede vivir con los éxitos del pasado, por lo cual él y su equipo mantienen el rigor que llevan desde el primer día, revisando las escenas, renovando el reparto: “No cambiamos por cambiar. Es un show muy duro de hacer, muy difícil y exigente. Requiere, además de técnica, resistencia. Y nuestro trabajo es mantener la energía de cada una de las personas que integran el elenco.”

La persona detrás de Simba

Es este mismo espíritu que conserva Agustín Argüello, el actor que ha interpretado a Simba en unas 2.500 funciones como titular. Empezó en México, donde formó parte del elenco inicial, y continuó en la Gran Vía madrileña, donde es el rey desde hace ya cinco años.

“Hay que cuidar la alimentación, el cuerpo, la garganta... Requiere y demanda mucho (entre ocho y nueve funciones a la semana), pero es un esfuerzo que vale la pena cuando hay gente que te dice que el musical les cambió la vida, que les ha hecho olvidarse de sus problemas o recordar cosas que habían olvidado”, explica el actor en una entrevista para el mismo medio.

Esfuerzo y responsabilidad

15 años haciendo el mismo espectáculo no son pocos, pero a pesar de que el montaje apenas ha cambiado, el esfuerzo sigue siendo el mismo que el primer día: “Mantener la calidad es una responsabilidad grande”, explica a El Mundo José Luis Pereda, jefe de regiduría.

Según él, la complejidad está no solo en conseguir que todo salga bien, sino también de resolver los problemas de forma orgánica: “El 90% de las cosas nos han pasado, pero siempre hay algo que nos sorprende. En ese caso, la seguridad y la calidad prima. Y si es necesario, se para”.

Sin embargo, y pese a los pequeños inconvenientes, El Rey León se ha convertido en un éxito indiscutible en Gran Vía, y ha logrado atraer a la capital a visitantes de cualquier rincón, dado que el 70% de los espectadores son turistas.

“Se ha potenciado la marca hasta tal punto que ya se ha convertido en una atracción más, en parte del paisaje. Es un hito del teatro y un reclamo muy grande”, explica el director artístico.

La nueva película sobre las aventuras de los Pitus, el carismático grupo de amigos adolescentes que enganchó a más de 360.000 espectadores en España en 2022 al ritmo de la música de los Hombres G, pasa de contarnos el final de la década de los 80 para transportarnos hasta 1991. Un tiempo más que suficiente para que la vida de los personajes de Voy a pasármelo bien, la primera parte de la historia, hayan visto cómo su vida puede cambiar por completo.

“Dentro de 25 años, será una de las pocas películas de las que me sienta realmente orgulloso de haber estado”

La nueva película sigue la historia de David y Layla, dos mejores amigos que se gustan mucho y acaban siendo novios, pero se ven obligados a decirse adiós después de que ella se mude a México. Desde ese punto arranca la historia de Voy a pasármelo mejor: ambos mantienen ahora una relación a distancia que sufre los (lógicos) problemas de no poder vivir su amor al máximo. En medio de todo esto, llega el verano y con él, David y sus amigos comienzan un campamento de verano en el que descubrirán nuevas formas de querer en un mundo que, a los 14 años, se vive con gran intensidad.

“Voy a pasármelo mejor tiene una esencia diferente a Voy a pasármelo bien”, considera Ana de Alva, directora de esta segunda parte. Comedia, amor y muchas canciones míticas de la época, a las que se juntan las piezas originales compuestas por Alejandro Serrano, forman parte de esta película que la cineasta define como “muy luminosa” y capaz de “pasar por muchos lugares, un poco como una montaña rusa”. “Nos viene bien sentir la emoción a flor de piel en los cines después de estar tan inmersos en un modo automático; sentarnos una hora y media y que algo se nos mueva por dentro”.

Con esta idea se muestra de acuerdo David Serrano, quien escribió y dirigió la primera película (basada en su propio primer amor) y en Voy a pasármelo mejor, pese a seguir a los mandos del guion junto a Luz Cipriota, ha decidido quedarse en calidad de productor. “Yo lo que siempre intento es que el proyecto en el que estoy salga lo mejor posible e intento aportar todo lo que pueda”, explica respecto al traspaso de responsabilidades. “En ese sentido, estoy tremendamente orgulloso de la película, va a ser una de las pocas en las que he participado, que dentro de 15, 20 o 25 años, me sienta realmente orgulloso de haber estado ahí dentro”.

Entre escena y escena, tocaba ponerse a estudiar

Quienes seguro que tampoco olvidarán la experiencia que han supuesto ambas películas son sus actores. Ya no solo Raúl Arévalo y Karla Souza, quienes interpretan a David y Layla de mayores, sino a los jóvenes que, en Voy a pasármelo mejor, asumen todo el protagonismo llenando de música, emociones y aventuras el campamento. Izan Fernández, Renata Hermida Richards, Michel Herráiz, Rodrigo Gibaja, Diego Montejo, Rodrigo Díaz, Gabriela Soto y Olaya Menéndez, sin olvidar a Alba Planas en calidad de monitora.

“La primera película fue un poco más de pasárselo bien”, confiesan los chicos, “no tan profesional como esta”. Ellos, al igual que sus personajes, han crecido, y eso ha implicado no solo tener más herramientas para interpretar cada uno a su personaje, sino que también ha conllevado nuevos retos. “En esta película teníamos la responsabilidad de seguir con los estudios”, cuenta Olaya. Todos ellos estaban en bachillerato y tocaba cuidar la nota media para entrar, en dos años, en la universidad o a cualquier otro sitio en el que pidan buenas calificaciones.

Al mismo tiempo, Rodrigo Díaz cuenta lo mucho que le preocupaba el natural cambio de voz que ha sufrido en estos año. “De repente, no sabía como adaptarlo ni enfocarla. Nadie te dice que te va a cambiar la voz, no sabes cómo gestionarlo, sobre todo en los hombres, pero luego ya lo vas adaptando a tu manera”.

El papel de Raúl Arévalo y Karla Souza en esta segunda película es testimonial. Izan Fernández se convierte en el protagonista absoluto de la película al cargar con la mayor parte de la historia. Su personaje, David, se encuentra malherido por las complicaciones de su relación con Layla, lo vemos afrontar nuevos romances sin saber muy bien qué hacer, lo vemos cantar y bailar, disfrazarse para hacerse mayor y, en general, crecer junto a sus amigos. “Se notaba hacia donde Ana quería dirigir la película”, señala el joven actor, quien se ha sentido muy ayudado por la directora. “Personalmente, no es tan solo una directora, sino que también una amiga”, concluye.

No es una película nostálgica

Todos estos chicos y chicas han vivido estos años lo mismo que los personajes a los que interpretan. “Hay algunas diferencias por la época, pero todo lo que es fundamental, la amistad, el amor... eso sigue siendo igual”, aseguran. “Forma parte de la aventura de la adolescencia, de este caos emocional que vivimos”, destaca Renata, mientras que Rodrigo Gijaba sí que siente que en los chicos de los 90 toda esa adolescencia se vive “un poco más eufórica”. Una energía que se contagia en el rodaje. “Te lo pasas bien”, reconoce este último, y a continuación matiza: “Te lo pasas mejor”.

Puede que por eso no les haya costado nada conectar con una época que, por edad, no les tocó vivir, pero con la que han descubierto cosas que se llevan consigo. “En mi caso, me quedo con Chimo Bayo y Así me gusta a mí“, destaca Izan. La película está plagada de este tipo de referencias y de frases como ”te sales minerales" o “esta noche carricoche”, aunque advierten tanto Ana de Alva como David Serrano que su intención no fue hacer una película “tan nostálgica como la primera”. “El público adulto va a salir un poquito más feliz de como ha entrado, pero la película es divertida y los adolescentes la van a disfrutar muchísimo. Además, tiene un mensaje bonito para los chavales a partir de los diez años o incluso un poco menos”.

“Yo creo que la nostalgia es algo que tenemos muy presente en nuestra vida”, reflexiona, por otro lado, la directora. “Siempre tenemos como anhelo y estamos nostálgicos, lo que es un punto atractivo en el cine y se utiliza como herramienta a propósito”. Con todo, se trató de construir una aventura alejada de ese sentimiento, más centrada en la aventura, en la adolescencia y en la comedia. “Yo no tengo tanta nostalgia a esta época porque no la viví”, señala la cineasta de 23 años.

“La gente está esperando a ver qué hace esta chica con 23 años”

La directora agradeció mucho la confianza de los actores y del resto del equipo. Todos ellos apostaron por ella desde el principio, pese a tener una edad, 23 años, sorprendentemente corta para la que suelen tener los directores de los largometrajes que acaban llegando a las salas. Sin embargo, ella le resta relevancia a esa cifra: “Todo el mundo le da una importancia a la edad muy grande todo el rato”.

Así, fueron las expectativas de muchas personas que se fijaron en este hecho lo que acabó convirtiéndose en una presión extra. “La gente está esperando a ver qué hace esta chica con 23 años, también hay gente que espera que la cagues continuamente, pero en el rodaje siempre hubo mucho respeto y hasta el último técnico apostaba por mí”. Así, se concentró única y exclusivamente en la película que tenía que hacer, poniendo especial atención en “contar la evolución de los personajes e ir buscando también mi sello, que es lo que ha pasado”.

En la misma línea, David Serrano advierte: “No elegimos a Ana por su edad, elegimos a una directora que había dirigido cuatro cortos y que ha escrito un montón de cosas, que ha trabajado profesionalmente en un musical durante años, con todo el bagaje que eso supone, y que en la primera película nos acompañó durante todo el proceso”. Por todo eso, todos estaban convencidos de que “iba a seguir contando la historia como había que contarla, aportando su experiencia, su visión y su profesionalidad, siendo muy respetuosa con la primera película y dirigiéndola como considerara”.

Preguntados por cómo se titularía una tercera película en caso de que la saga continuara, ninguno de los dos es capaz de decidirse por alguno “porque mejor ya es casi un absoluto”. “La época sería ya en la universidad”, deduce Ana, “entonces sería alinear a eso el título y que no fuese tan redondo como Voy a pasármelo mejor; que la imperfección hablase también de su momento vital”.

Llega el verano y ningún otro lugar se hace más especial para un cinéfilo y más adecuado con el calor que una sala de cine. No obstante, el verano también ofrece la posibilidad de disfrutar de las películas al aire libre con ese sitio mágico que son los cines de verano. Como viene siendo habitual cada año, algunos cines aprovechan estas fechas para habilitar zonas especiales de proyección, y la Cineteca de Madrid es una de esas instituciones preocupadas por llevar grandes películas al aire libre, al igual que el Cine Doré de la Filmoteca Española o la terraza del Círculo de Bellas Artes.

El ciclo de películas de la Cineteca, conocido como Cineplaza de Verano, regresa este próximo mes de julio con una serie de proyecciones comprendidas entre el día 3 y el 27 del mes, y con una programación con un denominador común: la música. Como solo hay algo mejor que ver una película al aire libre, y es escuchar música al aire libre, desde el centro fílmico afincado en Matadero han resuelto combinar ambas disciplinas con una serie de proyecciones centradas en musicales y películas sobre músicos. Pero también, y aquí reside lo realmente importante, acompañadas de actuaciones en directo de grandes artistas.

En su octava edición, Cineplaza de Verano propone un cautivador homenaje a la intersección del cine y la música bajo el lema Superestrellas 2. Los artistas más destacados del evento serán Hidrogenesse, la banda formada por Carlos Ballesteros y Genís Segarra, así como Joe Crepúsculo. El primero tocará canciones que muestran su vena cinéfila y su admiración por sus estrellas (Super Sara) con un montaje audiovisual creado para cada una de ellas, después de haber puesto banda sonora a la vida de la ‘muchachada’ moderna de este país y series de culto como La mesías. Crepúsculo, por su parte, presentará el álbum que ha lanzado este mismo 2025, Museo de las desilusiones.

De ‘Cabaret’ a ‘Summer of Soul’

La oferta se completa con una cuidadosa selección de 12 películas que abordan la unión de la música y el cine desde perspectivas variadas. El público tendrá el privilegio de disfrutar de grandes musicales de los años 80 y del siglo XXI, así como documentales dedicados a la música negra y retratos íntimos que se adentran en la vida de célebres artistas. El propósito de esta selección es explorar y celebrar el impacto recíproco entre estas dos industrias creativas.

Entre los títulos seleccionados, destacan películas como C.R.A.Z.Y. de Jean Marc-Vallée, Principiantes de Julien Temple, Syd y Nancy, 24 Hour Party People o Summer of Soul, la más reciente de las propuestas. Dos de ellas, además, contarán con la presencia de profesionales para presentarlas, como es el caso de Cabaret de Bob Fosse con la guionista Paloma Rando o El balcón de la luna de Luis Saslawsky con la divulgadora Lidia García. En definitiva, todo un mes por delante para disfrutar de grandes historias, de compositores y artistas, de gran música y sobre todo del verano al aire libre.

El verano siempre trae consigo algunas de las mejores películas del año, sobre todo en el terreno comercial. Los grandes blockbusters esperan a las vacaciones para atraer a la mayor cantidad de público posible, algo que más adelante puede servirles de argumento para postularse como favoritas a los premios más importantes, como los Globo de Oro o los Óscars. En el caso de estos últimos premios, así ha ocurrido con recientes ganadores, como Todo a la vez en todas partes u Oppenheimer.

La película de Christopher Nolan arrasó en 2024 llevándose siete estatuillas: Mejor película, Mejor dirección, Mejor actor principal, Mejor actor de reparto, Mejor montaje, mejor fotografía y Mejor banda sonora. Además, estuvo nominada en hasta otras seis categorías: Mejor actriz de reparto, Mejor guion adaptado, Mejor diseño de producción, Mejor vestuario, Mejor maquillaje y peluquería y Mejor sonido, lo que hizo que se quedara tan solo a una de emular a películas como La La Land, Titanic o la clásica Eva al desnudo como producción con más nominaciones de la historia (14).

Sin embargo, lo cierto es que ni estos títulos, ni ninguna otra película en realidad, ha podido conseguir un premio Óscar que, pese a existir desde hace 25 años, nadie ha podido ganar jamás. Se trata de un hecho poco conocido, porque pese a que esta categoría es oficial desde el año 2000, tampoco ha contado nunca con nominaciones. Se trata del premio al Mejor Musical Original.

Un premio imposible de dar

Desde el año 2000, la categoría de Mejor musical original ha formado parte de los Premios de la Academia sin haber tenido jamás un ganador. Diseñada para premiar películas que empleen canciones originales para narrar historias, la categoría enfrenta estrictos requisitos que han impedido que cualquier producción califique.

Por ejemplo, la Academia exige que un musical original contenga al menos cinco canciones originales del mismo equipo de compositores que avancen la narrativa de la película, sean claramente audibles y constituyan una parte esencial de la historia. Las adaptaciones o películas que incluyan canciones preexistentes son automáticamente descalificadas. Además, para que la categoría sea activada, es necesario que al menos diez obras calificadas se presenten en un mismo año.

La nueva categoría que se introducirá a partir de 2026

Los requisitos para ganar el premio al Mejor musical original han sido un obstáculo insalvable para muchas producciones. Grandes éxitos como Frozen no cumplen con todos los criterios, ya que algunas de sus canciones no impulsan directamente la trama, al mismo tiempo que adaptaciones más recientes como Wicked: Parte I no entraron en la categoría por no ser obras completamente originales. Ante la falta de películas que cumplan con estos lineamientos, la categoría permanece desierta desde hace 2025, lo que ha procurado numerosas críticas a la Academia ante la posible inutilidad del premio.

A pesar de esto, la categoría sigue existiendo. Y no solo eso: la Academia sigue añadiendo nuevos premios a la lista de galardones que se pueden obtener en la gala de los Óscars. En 2026, por ejemplo, se comenzará a entregar el Premio al Mejor eparto, un reconocimiento a la labor de los directores de casting. En la misma línea, para 2028 se espera que comience a entregarse también el Premio al Mejor diseño de especialistas, el cual se entregará a todo el trabajo realizado en muchas películas para mostrar escenas espectaculares sin que los actores tengan que asumir retos imposibles o incluso arriesgados para su integridad física.

La muerte del prolífico compositor, autor también del tema principal de la comedia de la cadena CBS 'All in the Family', fue dada a conocer por sus cuatro hijos Benjamin, Nicholas, Victoria y William Strouse, que informaron además tendrán una ceremonia privada para el velatorio de su padre, que nació en Nueva York el 7 de junio de 1928, destacó la revista 'People'.

Strouse, quien tuvo trece espectáculos en Broadway, y ganó su primer Tony por su primer musical, 'Bye Bye Birdie' de 1960, indicó en una ocasión que su primer contacto con la música fue a través de su madre Ethel, quien era pianista.

"Era una mujer muy triste. Empecé a tocar el piano (a los 10 años) para divertirla, para alegrarla", dijo en 2009 en una entrevista con la revista Playbill, dirigida a los aficionados al teatro.

El compositor creó 'Bye Bye Birdie' con el letrista Lee Adams, a quien conoció en 1949 y quien sería su colaborador de por vida, señaló además 'People'. El musical fue adaptado en una película protagonizada por Dick Van Dyke en 1963 y posteriormente en un filme para la televisión (1995) con Jason Alexander y Vanessa Williams, y que le valió a Strouse un premio Emmy.

Son recordados sus temas 'Put On a Happy Face' y 'Kids (What’s the Matter With Kids Today?)' de este musical, al que le siguieron 'All American' (1962); 'Golden Boy' (1964); 'It's a Bird, It's a Plane, It's Superman' (1966) y 'Mayor' (1995), una adaptación de las memorias del exalcalde de Nueva York, Edward I. Koch, para el cual escribió tanto la música como la letra.

Su composición 'Tomorrow' está considerada una de las mejores melodías para espectáculos.

En 1970, con ' Applause', basado en la película de 1950 'All About Eve' y protagonizado por Lauren Bacall, le valió su segundo Tony mientras que el de 'Annie' fue por mejor banda sonora.

Sus composiciones han sido interpretadas por estrellas como Frank Sinatra, Barbara Streisand, Duke Ellington y Jay-Z, destacó el New York Times.Recordó además que Strouse escribió las bandas sonoras de 'Bonnie and Clyde' (1967), 'The Night They Raided Minsky’s' (1968) y otras películas, y también compuso para televisión.

En 1985 fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores y figura además en el Salón de la Fama del Teatro y recibió varios doctorados honoris causa. Su esosa murió el año pasado además de sus hijos le sobreviven ocho nietos.EFE

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Madrid, 8 ene (EFE).- ATG Entertainment, una de las principales productoras de espectáculos en directo, ha anunciado este miércoles la compra de SOM Produce, una de las empresas destacadas como operadora y distribuidora de teatro en España.

SOM Produce es una de las mayores productoras y distribuidoras globales de musicales y obras de teatro de más de 20 títulos en español habituales en la cartelera de Broadway como 'The book of mormom', 'Billie Elliot', 'Mamma Mia!', 'Chicago' o 'Grease'.

Además, gestiona cuatro teatros emblemáticos en el centro de Madrid -Nuevo Teatro Alcalá, Teatro Rialto, Teatro Nuevo Apolo y Teatro Calderón- y es propietario del Teatro Amaya.

Por su parte, ATG Entertainment posee, opera o programa 64 de los espacios más emblemáticos del mundo en Reino Unido, EE.UU. y Alemania, desde el West End de Londres hasta Broadway. También posee salas regionales en Reino Unido, Estados Unidos y en cinco importantes ciudades alemanas.

Ted Stimpson, CEO de ATG (Ambassador Theatre Group), ha señalado que se trata de una gran oportunidad de seguir ampliando su marco de operaciones con un "encaje cultural" como supone SOM Produce.

"Ambas son empresas muy creativas, profundamente apasionadas por mostrar contenido de calidad en espacios emblemáticos. Madrid se está convirtiendo en un centro global para producciones teatrales, y admiramos lo que Marcos Cámara (CEO de la productora española) y su equipo han creado. Estamos encantados de poder incorporarlos a la familia ATG y explorar nuevas oportunidades en este mercado tan próspero". EFE

"En el momento en que hizo la audición, era la persona más interesante de la sala. Pero no me lo creí, así que la volví a traer. Y seguía siendo la persona más interesante, no me lo creía". Jon M. Chu tenía dudas. ¿Una popstar llevando sobre sus hombros uno de los papeles musicales más complicados y queridos? El director de Wicked no quería que el titular fuese Ariana Grande, por eso tuvo dudas a la hora de decidir quién interpretaría a Glinda en la adaptación cinematográfica del musical de Broadway.

“Se probó a sí misma una y otra y otra vez, hasta un punto en el que vivía [como] Glinda. Cuando apareció en el plató, era Glinda”, recordaba el director en el pódcast The Love of Cinema (aunque es una afirmación que ha repetido en innumerables ocasiones durante la promoción del filme). “No tenía que dirigirla, sólo le decía: ‘Aquí hay una silla, salta sobre ella’, y ella saltaba como Glinda”, contó. “Sentí como si estuviera conociendo a este personaje en la vida real por primera vez”.

Grande no tuvo que pensárselo demasiado. Cuando se enteró que su pieza teatral favorita se iba a trasladar a la gran pantalla, incluso llegó a plantearse paralizar su gira para poder presentarse a las audiciones. “Quería hacerle justicia. Glinda no es solo un personaje para mí: es un símbolo de crecimiento y amor, y quería darle todo lo que tenía”, comentó la cantante reconvertida en actriz a Variety. Solo hace falta recopilar un par de entrevistas de Ariana y Cynthia Erivo, que interpreta a Elphaba, para ver hasta qué punto este rol ha curado muchas de las heridas que la artista tenía abiertas.

Glinda, o Galinda, ha sido un viaje terapéutico para ella. Un camino de sanación y un sueño que ahora corona con su primera nominación al Oscar en la categoría de ‘Mejor actriz de reparto’, una mención que también recibió en los Globos de Oro. El vínculo que Grande mantiene con Wicked es vasto y profundo. “Crecí viendo El mago de Oz y soñando con participar en un musical como este", dijo a Variety. “Es increíble pensar que algo que manifesté de niña se haya hecho realidad. Pero no fue solo una manifestación, fue mucho trabajo duro. Mi madre siempre me enseñó que nada está fuera de tu alcance si eres amable, trabajas duro y crees en ti mismo. Eso es lo que llevé a este papel", admitía a la revista estadounidense.

Sin duda, el arte de manifestar parece haberse colado entre las actividades más laureadas por las famosas (Dua Lipa también lo hace y ha tenido uno de sus mejores años en lo que a notoriedad se refiere, incluso si su Radical Optimism no ha calado en el público mainstream). ‘Si sueñas, loterías’, que dirían en nuestro país; pero en el caso de Grande y compañía, los anhelos se apuntan en una libreta. “Desde el momento en que se anunció, me di cuenta de que este papel viviría conmigo para siempre. Es un honor, pero también tiene mucho peso”, admitía entonces.

Tiempo después, el trabajo y la pasión de la cantante se han visto recompensados con una más que merecida nominación... y quién sabe si, finalmente, una estatuilla dorada a su nombre (aunque la realidad es que este año hay mucha competencia). Las críticas asociadas a su nombre la han acompañado durante la grabación de la película (dividida en dos partes), pero Grande ha demostrado saber cómo conducir a un personaje complejo, con diversas aristas emocionales y, además, con complejas canciones.

La cantante ha obviado por completo su voz de estrella del pop para adaptarse al vibrato del personaje (ambas actrices interpretaron todos los temas en directo, actuaban a la vez que entonaban las notas más complejas). La vis cómica tampoco ha faltado en su Glinda: una joven coqueta, presumida y con manierismos capaces de robar cada escena. Es una pena que la retransmisión de los Oscar no vaya a emitir las actuaciones musicales este año, pues la audiencia estaba más que preparada para escuchar a ambas interpretando Defying Gravity.

Wicked arrasó en la taquilla global, erigiéndose como el musical más taquillero de la historia, superando a Grease. El estreno de la primera parte, la segunda se estrenará a finales de este año, se ha coronado como la adaptación de un musical de Broadway más exitosa de la historia, pues consiguió recaudar 164.2 millones de dólares en su primer fin de semana en salas. La adaptación, que llevaba más de una década intentando dar el salto a la gran pantalla, se ha erigido como un fenómeno que va más allá del rosa o el verde. Tras numerosos retrasos y una pandemia de por medio, la película ha sido abrazada con ímpetu por los groupies del espectáculo que llevaron a la tarima Idina Menzel y Kristin Chenoweth en 2003.

¿Sobre qué trata ‘Wicked’?

Wicked es una historia dividida en dos actos: el primero se sitúa en una época previa a la historia que se narra en El Mago de Oz, mientras que el segundo ocurre a la vez que los movimientos de tacón de la joven Dorothy y sus aventuras en el camino de baldosas amarillas. Hay diversos elementos a tener en cuenta antes de ir a verla. El más importante: la película está divida en dos partes. La primera se estrenó en noviembre de 2024 y la segunda llegará el 21 de noviembre de 2025.

La historia del musical se basa en la novela Wicked: Memorias de una bruja mala, de Gregory Maguire. Se trata de un relato que ahonda en la historia no contada de las brujas de Oz. Mientras que la representación teatral es para todos los públicos, el libro presenta escenas más oscuras y explícitas. A su vez, Wicked: Memorias de una bruja mala está basada en El Maravilloso Mago de Oz, la popular historia de 1900 escrita por L. Frank Baum y su posterior adaptación cinematográfica de 1939, El Mago de Oz, dirigida por Victor Fleming y protagonizada por la icónica Judy Garland (que cantó en ella la mítica Over the rainbow).

En ella se narra la biografía de Elphaba, una niña de color verde que terminará convirtiéndose en la Malvada Bruja del Oeste. El relato comienza con su infancia y prosigue hacia su adolescencia en la Universidad de Shiz, hasta llegar a la edad adulta. En Wicked, Elphaba se impone a la dictadura establecida por el Mago de Oz, un dirigente que atenta contra los derechos de los animales parlantes, promulgando leyes que facilitan su arresto y posterior exterminio. La futura bruja de color verde se presenta, en la obra de Gregory Maguire, como una revolucionaria que lucha en contra de su régimen y que irá, poco a poco, encontrando su propia voz.

Basada en el exitoso musical de Broadway, Wicked explora los orígenes de las brujas de El Mago de Oz, con actuaciones de Cynthia Erivo y Ariana Grande, y una narrativa que combina emoción, magia y crítica social​.

Una producción deslumbrante

Wicked adapta la historia creada por Gregory Maguire, enfocándose en las vidas de Elphaba y Glinda antes de los eventos de El Mago de Oz. Con la dirección de Chu, la película tradujo con éxito la espectacularidad del teatro al cine, aprovechando efectos visuales innovadores y un diseño artístico que transporta al espectador a un mundo fantástico.

Las canciones icónicas, como “Defying Gravity” y “Popular”, se mantuvieron fieles a la versión original, evocando emociones tanto en nuevos espectadores como en los fans de Broadway​.

La primera parte de la historia concluye en un cliffhanger, dejando el escenario listo para la segunda entrega, Wicked: For Good, que llegará a los cines en noviembre de 2025.

Comparación con Mamma Mia!: Estilos y enfoques diferentes

El éxito de Wicked la coloca como sucesora de Mamma Mia!, que durante más de una década dominó el género musical en el cine. Mamma Mia!, basada en las canciones del grupo ABBA, ofrecía una narrativa alegre y emotiva sobre el amor y la familia, acompañada de coreografías imponentes y una banda sonora entrañable.

Estrenada en 2008, la película recaudó 611,4 millones de dólares, destacándose por su capacidad de conectar con audiencias de todas las edades​.

Por otro lado, Wicked presenta una historia más compleja, abordando temas como el poder y los prejuicios sociales a través de una perspectiva que resalta las dificultades y elecciones morales de sus protagonistas.

Esta profundidad narrativa, junto con un elenco destacado y una dirección visual impactante, permitió que Wicked resuene con nuevas generaciones y establezca un estándar más elevado para las adaptaciones cinematográficas de musicales​.

Un impacto cultural que trasciende el cine

Más allá de su éxito financiero, Wicked se ha convertido en un fenómeno cultural que redefine las expectativas del cine musical. Su narrativa invita a reflexionar sobre cuestiones sociales relevantes, como el rechazo y las normas impuestas, temas que resuenan tanto en el público joven como en el adulto.

Además, su éxito puede abrir nuevas oportunidades para que otros musicales de Broadway sean adaptados al cine, destacando el potencial de esta industria para generar experiencias cinematográficas inolvidables.

Este renacimiento del cine musical demuestra que las historias bien contadas, apoyadas en valores de producción elevados, tienen la capacidad de competir con cualquier otro género​.

Expectativas hacia Wicked: For Good

La segunda parte de Wicked es uno de los estrenos más esperados de 2025. Con un enfoque en resolver las tensiones planteadas en la primera película, esta continuación promete expandir el universo narrativo y explorar aún más los arcos emocionales de Elphaba y Glinda.

El lanzamiento de Wicked: For Good podría consolidar la saga como un nuevo ícono cultural, comparable a otras franquicias cinematográficas que han definido generaciones.

Con una base sólida y el respaldo de su rotundo éxito inicial, esta segunda parte tiene el potencial de reforzar el impacto duradero de Wicked en la historia del cine​.

Wicked es un fenómeno cultural que demostró cómo el cine musical puede evolucionar y mantenerse relevante en un mercado competitivo. Su éxito global y su capacidad para conectar con el público demuestran que el género tiene aún mucho por ofrecer, asegurando su lugar en la historia del cine contemporáneo.

Es la película más vista en todo el mundo, y no es para menos. Nadie llora a la Malvada, pero medio mundo se ha volcado con el estreno de Wicked. La adaptación de uno de los musicales más populares y longevos de Broadway se ha coronado como uno de los eventos cinematográficos del año: cantar Defying Gravity como si tu vida dependiera de ello o elegir tu bando cromático. ¿El verde de Elphaba o el rosa de Glinda?

El estreno de la primera parte de Wicked, la segunda se estrenará exactamente en un año, se ha coronado como la adaptación de un musical de Broadway más exitosa de la historia, pues consiguió recaudar 164.2 millones de dólares en la taquilla global en su primer fin de semana en salas. Dirigida por Jon M. Chu (cineasta a cargo de otros musicales, como In The Heights, o de películas como Ahora me ves 2 y Crazy Rich Asians), y protagonizada por Cynthia Erivo y Ariana Grande, la cinta se coronó como el tercer mejor estreno del año en Estados Unidos. Solo Deadpool y Lobezno (211 millones de dólares) y Del Revés 2 (154 millones) consiguieron una mejor recaudación.

En su segunda semana en taquilla, Wicked ha sobrepasado la línea de los 200 millones de dólares en Estados Unidos, convirtiéndola así en el musical más taquillero de la historia en el país, superando las cifras de la icónica Grease. La adaptación, que llevaba más de una década intentando dar el salto a la gran pantalla, se ha erigido como un fenómeno que va más allá del rosa o el verde. Tras numerosos retrasos y una pandemia de por medio, la película ha sido abrazada con ímpetu por los groupies del espectáculo que llevaron a la tarima Idina Menzel y Kristin Chenoweth en 2003.

¿De qué trata realmente ‘Wicked’?

Wicked es una historia dividida en dos actos: el primero se sitúa en una época previa a la historia que se narra en El Mago de Oz, mientras que el segundo ocurre a la vez que los movimientos de tacón de la joven Dorothy y sus aventuras en el camino de baldosas amarillas. Hay diversos elementos a tener en cuenta antes de ir a verla. El más importante: la película está divida en dos partes. La primera se acaba de estrenar y la segunda llegará el 21 de noviembre de 2025.

La historia del musical se basa en la novela Wicked: Memorias de una bruja mala, de Gregory Maguire. Se trata de un relato que ahonda en la historia no contada de las brujas de Oz. Mientras que la representación teatral es para todos los públicos, el libro presenta escenas más oscuras y explícitas. A su vez, Wicked: Memorias de una bruja mala está basada en El Maravilloso Mago de Oz, la popular historia de 1900 escrita por L. Frank Baum y su posterior adaptación cinematográfica de 1939, El Mago de Oz, dirigida por Victor Fleming y protagonizada por la icónica Judy Garland (que cantó en ella la mítica Over the rainbow).

¿De qué trata realmente Wicked, entonces? La historia, como ya hemos comentado, se sitúa antes de la llegada de Dorothy a Oz. En ella se narra la biografía de Elphaba, una niña de color verde que terminará convirtiéndose en la Malvada Bruja del Oeste. El relato comienza con su infancia y prosigue hacia su adolescencia en la Universidad de Shiz, hasta llegar a la edad adulta, momento que coincide con la aparición de la joven de los zapatos rojos en la mágica tierra.

En Wicked, Elphaba se impone a la dictadura establecida por el Mago de Oz (Jeff Goldblum en la adaptación de Jon M. Chu), un dirigente que atenta contra los derechos de los animales parlantes, promulgando leyes que facilitan su arresto y posterior exterminio. La futura bruja de color verde se presenta, en la obra de Gregory Maguire, como una revolucionaria que lucha en contra de su régimen y que irá, poco a poco, encontrando su propia voz.

Elphaba no lo tendrá fácil para adaptarse socialmente, pues no es demasiado común ser de color verde en el mundo de Oz. Aquí, Maguire hace una analogía con nuestro mundo: aquel que se sale de la norma, de lo común, recibe un tratamiento diferente al resto. En Oz, la discriminación y los prejuicios están a la orden del día: de ricos a pobres, pasando por las diferencias entre nacionalidades y especies animales.

La propuesta de Jon M. Chu reúne a un elenco estelar, con Cynthia Erivo y Ariana Grande interpretando a Elphaba y Glinda, respectivamente.

A lo largo de los años, numerosas producciones basadas en éxitos de Broadway también lograron trasladar la magia del teatro a la pantalla grande. Estas son algunas de las mejores adaptaciones, entre clásicos atemporales hasta propuestas contemporáneas.

El mago de Oz (1939)

Es un clásico inmortal del cine, basado en el musical homónimo de 1902, que a su vez adapta la novela El maravilloso mago de Oz de L. Frank Baum. La película combina fantasía, música y un mensaje profundo sobre la amistad, el coraje y la importancia del hogar.

La historia sigue a Dorothy Gale (Judy Garland), una joven que vive en Kansas y que, tras un ciclón, es transportada con su perro Toto al mágico y colorido mundo de Oz. Desesperada por regresar a casa, Dorothy emprende un viaje por el camino de ladrillos amarillos para encontrar al Mago de Oz, quien supuestamente tiene el poder de devolverla a Kansas. En su aventura, se une a tres personajes inolvidables: el Espantapájaros (Ray Bolger), que busca un cerebro; el Hombre de Hojalata (Jack Haley), que anhela un corazón; y el León Cobarde (Bert Lahr), que desea valor.

Puedes verla en Max.

Amor sin barreras (1961 - 2021)

West Side Story, la película de 1961, dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins, está basada en el musical de Broadway de 1957, con música de Leonard Bernstein, letras de Stephen Sondheim y libreto de Arthur Laurents. Este musical a su vez reinterpreta la tragedia de Romeo y Julieta de Shakespeare, trasladándola a las calles de Nueva York.

El filme —que ganó 10 premios de la Academia— narra la historia de dos pandillas rivales: los Jets, jóvenes blancos de clase trabajadora, y los Sharks, inmigrantes puertorriqueños. En medio del conflicto, surge un amor imposible entre Tony (Richard Beymer), un exmiembro de los Jets, y María (Natalie Wood), la hermana del líder de los Sharks. Su relación enfrenta la oposición de ambos bandos, lo que desencadena una serie de tragedias que culminan en un mensaje poderoso sobre los peligros del odio y el racismo.

El elenco incluye a Rita Moreno, quien interpretó a Anita, un papel que le valió un Oscar a Mejor Actriz de Reparto, y a George Chakiris, que ganó el mismo galardón en la categoría masculina por su actuación como Bernardo, el líder de los Sharks.

La versión de 2021, dirigida por Steven Spielberg, actualiza la historia con una mirada más cercana a la experiencia latina en Estados Unidos. Protagonizada por Rachel Zegler como María y Ansel Elgort como Tony, este remake también cuenta con la actuación destacada de Ariana DeBose como Anita, papel que le otorgó un Oscar, convirtiéndola en la primera mujer afro-latina en ganarlo.

Ambas versiones han sido aclamadas por la crítica, con un 92% de aprobación en Rotten Tomatoes para la de 1961 y un 91% para la de 2021. La segunda está disponible en streaming vía Disney+.

Mi bella dama (1964)

My Fair Lady adapta a la gran pantalla el exitoso musical de Broadway del mismo nombre, pieza que a su vez está inspirada en la obra de teatro Pygmalion de George Bernard Shaw.

La historia sigue a Eliza Doolittle (Audrey Hepburn), una joven vendedora de flores con un fuerte acento cockney que vive en la pobreza. Un día, su vida cambia cuando conoce al arrogante pero brillante profesor Henry Higgins (Rex Harrison), un experto en fonética. Higgins hace una apuesta con su amigo, el coronel Pickering (Wilfrid Hyde-White), de que puede transformar a Eliza en una dama refinada y enseñarle a hablar con el acento de la alta sociedad en tan solo seis meses.

Eliza acepta participar en este experimento con la esperanza de mejorar su vida, pero el proceso no está exento de conflictos. A medida que progresa en su metamorfosis, Eliza comienza a cuestionar su lugar en el mundo y a desafiar el trato condescendiente de Higgins.

Mi bella dama ganó 8 premios Oscar, incluyendo Mejor Película, y es un título clásico en el cine musical.

La novicia rebelde (1965)

The Sound of Music es una joya incuestionable del género. Basada en una obra musical de 1959, creado por Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (letras), adapta la autobiografía de Maria von Trapp, relatando sus experiencias con la familia Trapp en Austria durante los años previos a la Segunda Guerra Mundial.

La película sigue a María (Julie Andrews), una joven novicia con un espíritu libre y una pasión por la música, que es enviada como institutriz a la casa del capitán Georg von Trapp (Christopher Plummer), un viudo estricto con siete hijos. Con su calidez y sus canciones, María transforma la rígida dinámica familiar, ganándose el amor de los niños y, eventualmente, el del capitán. Sin embargo, su felicidad se ve amenazada por la sombra del nazismo, que obliga a la familia a tomar decisiones difíciles para preservar su libertad.

La novicia rebelde ganó 5 premios Oscar, incluyendo Mejor Película y Mejor Dirección, y aún se le recuerda como una celebración de la resiliencia, el amor y la música en tiempos adversos. Puedes verla en Disney+.

Chicago (2002)

Un vistazo vibrante y audaz que desentraña los entresijos del espectáculo, la ambición y el sensacionalismo mediático en el Chicago de los años 1920. Basada en la pieza musical de Broadway de 1975, creada por John Kander (música), Fred Ebb (letras) y Bob Fosse (coreografía original), esta adaptación cinematográfica dirigida por Rob Marshall revitalizó el género musical para el público contemporáneo.

La historia gira en torno a dos mujeres: Roxie Hart (Renée Zellweger), una aspirante a estrella que asesina a su amante tras una pelea, y Velma Kelly (Catherine Zeta-Jones), una cantante de cabaret encarcelada por el asesinato de su esposo y su hermana. Ambas mujeres, ahora rivales en prisión, compiten por la atención de Billy Flynn (Richard Gere), un astuto abogado que convierte sus casos en espectáculos mediáticos, prometiéndoles la absolución y la fama.

Canciones como “Cell Block Tango”, “All That Jazz” y “Razzle Dazzle” no solo impulsan la narrativa, sino que también critican con ironía la fascinación de la sociedad por el escándalo. La propuesta fue calificada con 87% en Rotten Tomatoes y está disponible en streaming por Prime Video.

Cabaret (1972)

En el Berlín de los años 30, un club nocturno sirve como refugio hedonista mientras la amenaza del nazismo crece fuera de sus puertas. Cabaret (1972), dirigida por Bob Fosse, se basa en el musical homónimo de 1966, inspirado a su vez en las historias de Christopher Isherwood recopiladas en Adiós a Berlín.

La narrativa arranca con Sally Bowles (Liza Minnelli), una cantante estadounidense con sueños de fama que actúa en el Kit Kat Klub, y su relación con Brian Roberts (Michael York), un escritor británico.

Mientras Sally y Brian viven un idilio de pasión y contradicciones, la historia entrelaza las tensiones sociales y políticas de una Alemania en decadencia. Paralelamente, el Maestro de Ceremonias del club (Joel Grey, en una actuación que le valió el Oscar) ofrece números que reflejan con ironía los cambios sombríos que asolan el país.

Mamma Mia (2008)

Este alegre filme lleva a la pantalla grande las famosas canciones del grupo pop sueco ABBA. La película, dirigida por Phyllida Lloyd, transporta al público a una pintoresca isla griega, donde Sophie (Amanda Seyfried), una joven a punto de casarse, intenta descubrir quién es su verdadero padre.

Con la esperanza de que uno de tres hombres, interpretados por Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård, sea su progenitor, Sophie invita a los tres a su boda, lo que desencadena una serie de enredos y situaciones cómicas con su madre Donna (Meryl Streep).

A lo largo del filme, las canciones de ABBA, como “Dancing Queen”, “Take a Chance on Me” y “The Winner Takes It All” impulsan la trama mientras reflejan las emociones y los dilemas de los personajes. Puedes verla en Netflix y en Prime Video.

Hairspray (2007)

Esta comedia musical está basada en la obra de Broadway de 2002, que a su vez se inspira en la película de 1988 dirigida por John Waters.

Ambientada en los años 60 en Baltimore, Hairspray introduce a Tracy Turnblad (Nikki Blonsky), una adolescente con sobrepeso y un amor incondicional por el baile y la música. Después de ganar un lugar en el popular programa de televisión The Corny Collins Show, Tracy lucha por cambiar los estándares de belleza y contra la segregación racial que afecta a su comunidad.

Con el apoyo de su madre, Edna (John Travolta), quien se convierte en un personaje central en el viaje de Tracy, y un grupo de amigos leales, Tracy desafía las normas sociales, se enfrenta a la malvada Veronika Von Tussle (Michelle Pfeiffer) y lucha por la inclusión.

Esta versión, dirigida por Adam Shankman, ha sido valorada con 87% de aprobación de la crítica.

Tick, Tick... Boom! (2021)

Una emocionante y conmovedora exploración de los sueños, las inseguridades y las dificultades de un joven artista enfrentado a la presión del tiempo. Dirigida por Lin-Manuel Miranda, la película está basada en el musical autobiográfico de Jonathan Larson, el creador de Rent.

La trama sigue a Larson (Andrew Garfield), un compositor y aspirante a dramaturgo que, a punto de cumplir 30 años, lucha por encontrar su lugar en el mundo del teatro mientras enfrenta la ansiedad de no haber alcanzado el éxito que tanto desea.

A lo largo de la película, Larson experimenta la frustración de trabajar en su obra más ambiciosa, mientras también lidia con su vida personal, incluidos sus amigos y su novia, Susan (Alexandra Shipp). A través de canciones como “30/90″ y “Boho Days”, la película captura la tensión entre la pasión por el arte, los deberes del día a día, mientras inserta una reflexión sobre la búsqueda de un propósito. Puedes verlo en Netflix.

In the Heights (2021)

Otro título contemporáneo en esta lista es En el barrio, un filme que celebra la comunidad y las vivencias de los inmigrantes latinos en el barrio de Washington Heights, Nueva York. Con Jon M. Chu como director, la película se basa en el musical homónimo creado por Lin-Manuel Miranda (música y letras) y Quiara Alegría Hudes (libreto).

Usnavi de la Vega (Anthony Ramos) es un joven que dirige una bodega local mientras sueña con regresar a su tierra natal, República Dominicana. A través de una serie de números musicales llenos de energía y emoción, la obra narra las historias entrelazadas de los residentes del barrio, incluyendo a Nina (Leslie Grace), quien regresa a casa después de abandonar la universidad, y Vanessa (Melissa Barrera), quien aspira a una vida mejor. Puedes verla en Max.

Es la película más vista en todo el mundo, y no es para menos. Nadie llora a la Malvada, pero medio mundo se ha volcado con el estreno de Wicked. La adaptación de uno de los musicales más populares y longevos de Broadway se ha coronado como uno de los eventos cinematográficos del año: cantar Defying Gravity como si tu vida dependiera de ello o elegir tu bando cromático: ¿el verde de Elphaba o el rosa de Glinda?

El estreno de la primera parte de Wicked, la segunda se estrenará exactamente en un año, se ha coronado como la adaptación de un musical de Broadway más exitosa de la historia, recaudando 164.2 millones de dólares en la taquilla internacional en su primer fin de semana en salas. Dirigida por Jon M. Chu (director estadounidense a cargo de otros musicales, como In The Heights, o de películas como Ahora me ves 2 y Crazy Rich Asians), y protagonizada por Cynthia Erivo y Ariana Grande, la cinta se ha coronado como el tercer mejor estreno del año en Estados Unidos. Solo Deadpool y Lobezno (211 millones de dólares) y Del Revés 2 (154 millones) consiguieron una mejor recaudación en 2024.

Entre otros hitos alcanzados, Wicked se ha convertido en el mejor cuarto estreno de la historia para un musical, recaudando más que la reciente adaptación de La Sirenita (95 millones), pero por debajo de Frozen II (130 millones). La adaptación, que llevaba más de una década intentando dar el salto a la gran pantalla, se ha erigido como un fenómeno que va más allá del rosa o el verde. Tras numerosos retrasos y una pandemia de por medio, la esperada adaptación ha sido abrazada con ímpetu por los groupies del espectáculo que llevaron a la tarima Idina Menzel y Kristin Chenoweth.

Wicked es una historia dividida en dos actos: el primero se sitúa en una época previa a la historia que se narra en El Mago de Oz, mientras que el segundo ocurre a la vez que los movimientos de tacón de la joven Dorothy y sus aventuras en el camino de baldosas amarillas. Hay diversos elementos a tener en cuenta antes de ir a verla. El más importante: la película está divida en dos partes. La primera se acaba de estrenar y la segunda llegará el 21 de noviembre de 2025.

La historia del musical se basa en la novela Wicked: Memorias de una bruja mala, de Gregory Maguire. Se trata de un relato que ahonda en la historia no contada de las brujas de Oz. Mientras que la representación teatral es para todos los públicos, el libro presenta escenas más oscuras y explícitas. A su vez, Wicked: Memorias de una bruja mala está basada en El Maravilloso Mago de Oz, la popular historia de 1900 escrita por L. Frank Baum y su posterior adaptación cinematográfica de 1939, El Mago de Oz, dirigida por Victor Fleming y protagonizada por la icónica Judy Garland (que interpretó en ella la mítica Over the rainbow).

¿De qué trata realmente Wicked, entonces? La historia, como ya hemos comentado, se sitúa antes de la llegada de Dorothy a Oz. En ella se narra la biografía de Elphaba, una niña de color verde que terminará convirtiéndose en la Malvada Bruja del Oeste. El relato comienza con su infancia y prosigue hacia su adolescencia en la Universidad de Shiz, hasta llegar a la edad adulta, momento que coincide con la aparición de la joven de los zapatos rojos en la mágica tierra.

La producción, que cuenta con un impresionante presupuesto de 4,5 millones de euros, ha sido realizada íntegramente en los talleres de Beon. Worldwide, donde se ha trabajado meticulosamente en cada detalle para llevar esta epopeya al escenario. Durante una rueda de prensa, Ken Follett expresó su emoción al ver cómo su obra cobra vida en un musical español. “Es un honor ver cómo mi obra cobra vida sobre el escenario”, declaró el autor, cuya novela ha vendido más de 50 millones de copias en todo el mundo.

Junto a Follett, estuvieron presentes Dario Regattieri, productor ejecutivo de Beon. Entertainment, Iván Macías, compositor musical, y Félix Amador, autor del texto. Durante la presentación, compartieron detalles inéditos sobre el musical. La adaptación no solo narra la épica historia de la construcción de una catedral en Kingsbridge, sino que busca romper la cuarta pared para convertir el teatro en un escenario envolvente. Según Regattieri, “la combinación de música, vestuario y escenografía transportará al público al siglo XII de una manera nunca antes vista”. Un elemento innovador de la producción es la aplicación Los Pilares de Madrid, que permitirá a los usuarios explorar la capital a través de diferentes retos inspirados en el musical. Esta herramienta busca ampliar la experiencia del espectador más allá del teatro, conectando la narrativa de la obra con la vibrante ciudad de Madrid.

El equipo detrás de todo

La banda sonora, compuesta por Iván Macías, juega un papel crucial en la narrativa del musical. Macías describió la música como un “personaje más” de la obra, señalando que “cada nota de la partitura sale de la emoción de la propia historia”, y reflejando temas universales como la justicia, el honor y el amor. Esta composición busca no solo acompañar la historia, sino también enriquecer la experiencia emocional del público. El elenco del musical incluye a 27 actores, entre los que destacan Teresa Ferrer y Cristina Picos en el papel de Aliena de Shiring, y Javier Ariano como Jack Jackson. La dirección artística está a cargo de Federico Barrios Fierro, acompañado de un destacado equipo creativo que incluye a Ignasi Vidal como director de actores y María José Santos como directora vocal.

Además de ser una apuesta artística ambiciosa, Los pilares de la tierra lidera el turismo cultural con la implementación de las Global Glasses, un dispositivo de realidad aumentada que ofrecerá subtítulos en tiempo real en varios idiomas, facilitando el acceso a turistas internacionales. Esta integración tecnológica destaca el compromiso de la producción por hacer el espectáculo accesible a una audiencia global, enriqueciendo el atractivo turístico de Madrid como destino cultural.

La historia de Los Pilares de la Tierra se centra en Aliena, una noble cuya vida se ve destrozada tras la caída de su familia, y Tom Builder, un constructor que sueña con edificar una catedral gótica. A lo largo de la trama, sus destinos se entrelazan en un mundo de reyes, damas y pugnas feudales, ofreciendo una narrativa rica en conflictos, desafíos y emociones. Las entradas para el musical ya están disponibles en los sitios web lospilaresdelatierramusical.com y gruposmedia.com. Esta superproducción promete dejar una huella imborrable en la historia de los musicales en España, ofreciendo una experiencia única e inolvidable a todos los asistentes.

Lesly Guadalupe O.F., la becaria mexicana que denunció a Nacho Cano, se ha visto obligada a retomar la batalla judicial contra el productor de Malinche y para ello ha contratado a un nuevo abogado. Según ha podido saber Infobae España de fuentes jurídicas, este letrado ejercerá la acusación particular en la causa en la que se investiga a Cano por delitos contra los derechos de los trabajadores y los ciudadanos extranjeros, además de defenderla en el procedimiento en el que otro juzgado la investiga por presuntas amenazas.

La becaria ha contratado al abogado Alfredo Arrien Paredes, del despacho Paredes y Asociados. Se trata de un joven letrado penalista que está personado en otros casos de interés mediático como el de Los Petazetaz, los tiktokers investigados por delitos sexuales contra varias jóvenes, o el de Pepe Lomas, el librero que mató con su escopeta a un ladrón que entraba a robar en su casa. En ambas causas ha representado a las víctimas como acusación particular. Además, es un habitual en las mesas de actualidad de programas en televisión.

Arrien se ha personado recientemente en el procedimiento que se sigue en el Juzgado de Instrucción número 19 de Madrid como abogado de Lesly, quien está citada a declarar en calidad de testigo el próximo jueves 14 de noviembre tras aplazarse su comparecencia en dos ocasiones. La primera suspensión tuvo lugar a comienzos del mes de octubre tras alegar la becaria un cuadro de ansiedad. Después, su primera abogada, Beatriz Uriarte, renunció a su representación y la denunciante no contrató un nuevo letrado para la nueva fecha señalada por la jueza, el pasado 28 de octubre, por lo que se volvió a suspender la declaración.

La contratación de un nuevo abogado evidencia que Lesly ha descartado retirar su acusación contra Nacho Cano. Todo pese al informe de Inspección de Trabajo, que descartó que existan evidencias de que las prácticas que hacían los becarios mexicanos del musical Malinche implicaran “una relación laboral encubierta” y rechazó que los estudiantes tuvieran que estar dados de alta en la Seguridad Social, unas conclusiones contradictorias respecto al atestado policial.

Investigada por amenazas

Según ha podido saber este medio, el nuevo abogado de Lesly está estudiando el sumario para trazar una nueva estrategia procesal contra Nacho Cano. Pocos días después de su personación en la causa, se ha conocido que el Juzgado de Instrucción número 22 de Madrid ha abierto una investigación a la becaria por un presunto delito de amenazas condicionales por chantajear a Cano y otros responsables de Malinche tras ser expulsada del proyecto de becas.

En su auto, la jueza titular del juzgado acuerda la apertura de diligencias previas contra Lesly Guadalupe O.F. y la cita a declarar en calidad de investigada el próximo 12 de diciembre en los Juzgados de Plaza de Castilla.

Nacho Cano presentó una denuncia contra la becaria de Malinche que lo había denunciado ante la Policía Nacional y la Fiscalía por los delitos de amenazas en su modalidad de chantaje y revelación de secretos por unos mensajes de Whatsapp que la joven mexicana envió a responsables de la productora tras su expulsión de la beca a finales de 2023.

Lesly le exigió un pago de 6.000 euros y una carta de recomendación a cambio de no denunciarle ni dañar su imagen pública. En concreto, escribió a una de las trabajadoras de la productora el siguiente mensaje: “Solicito la carta de recomendación de Nacho Cano y los 6.000 € llegando a ese acuerdo yo no procedo legalmente, ni me acuerdo de que existen”. En otro mensaje tras su expulsión del proyecto, también pidió el pago de la estancia y la manutención en un “hotel u hostal” hasta el 15 de enero de este año.

Cantar Defying Gravity como si tu vida dependiera de ello o elegir tu bando cromático: ¿el verde de Elphaba o el rosa de Glinda? Wicked es uno de los musicales más importantes de la milla de oro del género (ya sea en su versión estadounidense, Broadway, o en la anglosajona, el West End). La historia del musical, que se representó por primera vez en San Francisco en el año 2003, se basa en la novela Wicked: Memorias de una bruja mala, de Gregory Maguire. Se trata de un relato que ahonda en la historia no contada de las brujas de Oz y que este 22 de noviembre aterriza en los cines de todo el mundo de la mano de Jon M. Chu, el director estadounidense a cargo de otros musicales, como In The Heights, o de películas como Ahora me ves 2 y Crazy Rich Asians.

Con Ariana Grande y Cynthia Erivo como Galinda (Glinda) y Elphaba, respectivamente, Wicked es una historia dividida en dos actos: el primero se sitúa en una época previa a la historia que se narra en El Mago de Oz, mientras que el segundo ocurre a la vez que los movimientos de tacón de la joven Dorothy y sus aventuras en el camino de baldosas amarillas. Hay diversos elementos a tener en cuenta antes de ir a ver Wicked. El más importante: la película está divida en dos partes. La primera se estrena este mes y la segunda llegará el 25 de diciembre de 2025. Aunque el musical está basado en la novela de Maguire publicada en 1995, su contenido no es tan denso como en sus páginas: mientras que la representación teatral es para todos los públicos, el libro presenta escenas más oscuras y explícitas.

Habrá que ver hasta qué punto Jon M. Chu ha decidido plasmar las tres horas del musical de forma fidedigna o quizá incluir algún pasaje más de la obra, al decidir separar su interpretación de la historia en dos películas. Wicked: Memorias de una bruja mala está basada en El Maravilloso Mago de Oz, la popular historia de 1900 escrita por L. Frank Baum y su posterior adaptación cinematográfica de 1939, El Mago de Oz, dirigida por Victor Fleming y protagonizada por la icónica Judy Garland (que interpretó en ella la mítica Over the rainbow).

Se trata del primer libro de una saga de cuatro novelas que Maguire ha titulado como The Wicked Years: la segunda parte se llama Hijo de Bruja (Son of a Witch), el tercer volumen Un León entre los Hombres (A Lion Among Men) y el cuarto y último libro es Fuera de Oz (Out of Oz). ¿De qué trata realmente Wicked, entonces? La historia, como ya hemos comentado, se sitúa antes de la llegada de Dorothy a Oz. En ella se narra la biografía de Elphaba, una niña de color verde que terminará convirtiéndose en la Malvada Bruja del Oeste. El relato comienza con su infancia y prosigue hacia su adolescencia en la Universidad de Shiz, hasta llegar a la edad adulta, momento que coincide con la aparición de Dorothy en la mágica tierra.

Oz no es tan distinto al resto del mundo

En Wicked, Elphaba se impone a la dictadura establecida por el Mago de Oz (Jeff Goldblum en la adaptación de Jon M. Chu), un dirigente que atenta contra los derechos de los animales parlantes, promulgando leyes que facilitan su arresto y posterior exterminio. La futura bruja de color verde se presenta, en la obra de Gregory Maguire, como una revolucionaria que lucha en contra de su régimen y que irá, poco a poco, encontrando su propia voz.

Elphaba no lo tendrá fácil para adaptarse socialmente, pues no es demasiado común ser de color verde en el mundo de Oz. Aquí, Maguire hace una analogía con nuestro mundo: aquel que se sale de la norma, de lo común, recibe un tratamiento diferente al resto. En Oz, la discriminación y los prejuicios están a la orden del día: de ricos a pobres, pasando por las diferencias entre nacionalidades y especies animales.

A lo largo de su vida, Elphaba hace amigos como Boq (interpretado por Ethan Slater en la película) o Fiyero (Jonathan Bailey), un príncipe del Vinkus. En la Universidad de Shiz conocerá a Galinda (en un futuro pasándose a llamar Glinda), una figura opuesta a la suya que se convertirá en La Bruja Buena del Norte. En todo este entramado de pensamientos, castigos y profecías, Wicked se erige como una historia trascendental que ha marcado a más de una generación por tocar temas como el racismo, la corrupción política, la discriminación o el empoderamiento femenino.

Tras un periodo de prueba en San Francisco, el musical se trasladó al Gershwin Theatre de la Gran Manzana de la mano de Idina Menzel (Frozen) y Kristin Chenoweth en los papeles protagonistas de Elphaba y Glinda. Wicked recibió diez nominaciones a los premios Tony, los más importantes del mundo del teatro. En la actualidad, este ocupa el cuarto puesto de la lista de espectáculos que más tiempo han permanecido en activo en la historia de Broadway, acumulando unos ingresos de más de 1.500 millones de dólares, según The Wrap.

Tras muchos años de espera (sobre todo a causa de una pandemia que ralentizó la labor del equipo de Chu), Wicked se prepara para asaltar la gran pantalla en una adaptación que ha llevado a los críticos estadounidenses a considerarlo el mejor musical en cine desde Chicago (2002) o Mamma Mia! (2008). O, al menos, así lo piensa la crítica Erin Strecker, del medio especializado IndieWire. Sus protagonistas, Erivo y Grande, podrían entrar de lleno en la pelea por los Oscar interpretativos. Habrá que esperar hasta qué punto Glinda y Elphaba consiguen desafiar la gravedad del público y la crítica internacional.

Marcelo Iripino, ex Susano y coreógrafo de la diva, estuvo a cargo de aquella apertura en la que —dice ahora— no se privaron de nada. “Lo armamos en Miami junto a Luis Cella, su histórico productor. Era todo muy faraónico. Me acuerdo de que hasta llevamos un helicóptero. Fue un trabajo de equipo increíble: con 20 mil personas en la cancha. Todos cantando: ‘Detrás de todo sólo hay una mujer... Detrás de todo sólo hay una mujer... Ni una diva total, ni una mujer fatal, soy Susana, soy siempre igual’”, dice en charla con Teleshow.

La letra —tan pegadiza como inolvidable— fue escrita por China Zorrilla y Atilio Veronelli. Hacía referencia a los desengaños que la conductora había vivido junto a su exmarido, Huberto Roviralta, de quien se había divorciado hacía poco. Para la apertura de su programa, como ya era costumbre, decidió grabar un musical y el tema elegido fue una adaptación del clásico YMCA del grupo Village People. Lo hizo a lo grande.

Como se ve en el video que encabeza esta nota, Susana llevaba puestas unas calzas negras, un corsé y unas plumas fucsias. Escoltada por más de 30 bailarines, entre ellos el actor Diego Reinhold, la diva se abrió paso en el escenario entonando: “¡Basta! Esto se terminó, ya no importa. Cómo fue que ocurrió lo que sigue, lo que importa es seguirla vida es así (¡por suerte!)”. Todo entre una mezcla de luces y de humo y las palmas eufóricas del público. Al finalizar, en línea con la locación elegida, desde la tribuna desplegaron una bandera con su rostro y un teléfono en la mano.

“Fue increíble. Era la época dorada de la televisión. Hoy todo eso sería imposible. Hay muchas locaciones en las que no se puede grabar porque el presupuesto no da. Y aparte los bailarines, imagínate contratar a tantas personas hoy: ¡una fortuna!”, dice Iripino.

Marcelo jura que trabajar con Susana siempre fue muy fácil. “Estaba muy entregada a todo lo que le proponía porque le fascinan el baile y los musicales. De hecho, cuando yo arranqué a coreografiarla, en el ‘98, las aperturas se grababan a tres cámaras. Con mi llegada pasamos a cinco: eran tipo videoclip. Cada año intentábamos superarnos. Ella decía: ‘Me encantaría tener 50 bailarines’. Y los 50 bailarines estaban”, dice y enseguida trae a colación una extensa lista de musicales, entre ellos, Fever y Cachita.

“Fever fue increíble. Susana entraba por un callejón vestida con un piloto negro y una peluca rubia, de pelo muy cortito, y anteojos de sol. Después aparecía con un vestido rojo, tiraba una ficha en una rocola, como en el video Smooth Criminal de Michael Jackson, y arrancaba la música. Ella estaba espléndida. Había unos bailarines en torso, con unos cuerpos espectaculares. La verdad que fue un musical desopilante”, recuerda.

“Miro hacia atrás y digo: ‘Guau... ¡Cuántas producciones!’. Me acuerdo de una que grabamos mitad en el autódromo y mitad en el Luna Park. Había como 100 bailarines, una cosa de morirse, todos marchando de rojo y blanco. Hubo otra en la que participó Julio Bocca, y bailó un tango con Susana. Y bueno, Cachita, el tema de Ricardo Montaner, fue un tremendo musical. Ella está de blanco, en un barco... Impresionante”, sigue Iripino.

Acerca de los ensayos, la modalidad que adoptó hasta el último musical que grabaron, era ensayar de manera dividida. “Primero repasaba la coreografía con los bailarines y, después, yo solo con Susana en su casa. Entonces, cuando estábamos todos juntos, el tema ya estaba bastante aceitado. Todos sabíamos lo que teníamos que hacer”, dice.

¿Percances? ¿Caídas? ¿Golpes? “Una vez hicimos un musical de rock and roll en el que bailábamos juntos. Me acuerdo de que en un momento le solté la mano y la tiré contra un decorado. ‘¡Me vas a matar!’, me dijo. Entre la energía de Susana y la mía estábamos como enchufados a 520″, cuenta entre risas.

Para este 22 de septiembre Susana no hará un musical de apertura como otros años. El plan, según cuenta Iripino, es realizarlo más adelante: “Ella quiere hacer algo sí o sí. ‘Tengo ganas’, me dijo. Así que estoy llevándole un par de propuestas. Yo me inspiro mucho en las comedias musicales, como el burlesque, porque ese tipo de cosas le quedan bien a Susana”, explica Marcelo y anticipa que, este domingo, la diva será recibida por un grupo de bailarines que él mismo coreografió. “Va a ser un programón”, vaticina.

—Después de tantos años de trabajar con Susana, ¿qué aprendiste de ella?

—Para mí fue y sigue siendo maravilloso. No solo aprendí de ella, sino de todos sus productores, porque también trabajé con Gustavo Yankelevich, Luis Cella y Federico Levrino. Después con Alejandro Stoessel. Todas fueron experiencias increíbles y me dejaron una enseñanza maravillosa. Y Susana, para trabajar, es fabulosa. La pasamos bárbaro en los musicales, nos divertimos un montón.

El anuncio de que Joker 2 -más conocida como Joker: Folie à Deux- es un musical causó reacciones diversas, con algunos emocionados por la audacia del formato y otros preocupados por la mezcla inusual de un personaje oscuro con el género del musical. Su presentación en el Festival de Venecia tampoco ha causado de todo la sensación que se esperaba, especialmente después de haberse alzado allí con el León de Oro a Mejor Película hace cinco años. Sin embargo, en una época donde los musicales gozan de cada vez menor popularidad, hay muchas razones para celebrar esta elección. A continuación, analizaremos cinco musicales recientes que nos recuerdan por qué este género sigue siendo una poderosa forma de arte y por qué Joker 2 podría tener un impacto positivo.

Estos cinco ejemplos muestran la versatilidad del musical como género y su capacidad para contar historias complejas, emotivas y culturalmente relevantes. Si Joker: Folie à Deux toma nota de estas influencias recientes, podría no solo desafiar las expectativas, sino también convertirse en una experiencia cinematográfica innovadora y conmovedora. Recuperar la fe en los musicales es, al fin y al cabo, redescubrir cómo la música y la narrativa pueden entrelazarse para reflejar la diversidad de la experiencia humana, incluso en los lugares más oscuros. Hay algunos más conocidos, como La La Land o West Side Story, y otros a descubrir como Blinded by light o En un barrio de Nueva York. ¿Quién dice que el Joker no puede cantar y bailar por Gotham?

Blinded by light

Este filme es un recordatorio de cómo la música puede ser un salvavidas en tiempos de dificultades. Inspirado en la música de Bruce Springsteen, sigue la historia de Javed, un adolescente británico-pakistaní en los años 80, que encuentra su voz y libertad a través de las letras del “Boss”. Aunque no es un musical en el sentido tradicional, la música juega un papel fundamental en la narrativa, transmitiendo emociones, sueños y la lucha personal de Javed por encontrar su identidad.

La película destaca cómo los musicales no siempre tienen que ser extravagantes o teatrales para conmover al público; a veces, la música se entrelaza con la vida cotidiana, reflejando el poder transformador que tiene sobre nuestras vidas. Desde luego, si el Joker: Folie à Deux usase este enfoque, podría tener un gran impacto emocional, aunque lo más seguro es que el filme siga otros cauces.

En un barrio de Nueva York

Basado en el exitoso musical de Broadway de Lin-Manuel Miranda, este film es un espléndido homenaje a la cultura latina en Estados Unidos. En un barrio de Nueva York captura el vibrante espíritu de la comunidad de Washington Heights en Nueva York, mientras explora temas como la identidad, el hogar y los sueños. El uso del español e inglés, la danza energizante y la mezcla de hip-hop con música tradicional latina ofrecen una experiencia enriquecedora que conecta profundamente con las raíces culturales.

Este musical subraya el potencial del género para representar historias diversas y actuales. La secuela del Joker podría seguir esta línea, explorando narrativas sociales y emocionales a través de un lenguaje musical más moderno y urbano, permitiendo que el musical llegue a un nuevo tipo de audiencia. Al fin y al cabo, Gotham está algo inspirada en la propia Nueva York, por lo que no sería raro explorar sus rincones en forma de baile.

God help the girl

Este indie musical, escrito y dirigido por Stuart Murdoch de Belle and Sebastian, es un poema visual y sonoro sobre la juventud, la amistad y el poder sanador de la música. Ambientado en Glasgow, el filme sigue a una joven llamada Eve que, mientras lucha con problemas de salud mental, encuentra en la música una vía para expresarse y conectarse con el mundo.

God Help the Girl es un ejemplo perfecto de cómo los musicales pueden abordar temas profundos y oscuros sin perder su lirismo ni su capacidad de cautivar. Si Joker 2 elige un enfoque similar, puede usar el musical como un medio para explorar el dolor interno del personaje, mientras encuentra momentos de belleza y arte en la narrativa, especialmente si tenemos en cuenta la presencia de Harley Quinn y que se desarrolle en el Hospital de Arkham.

West Side Story

La versión de Steven Spielberg del clásico West Side Story demuestra que los grandes musicales pueden ser tanto un tributo como una reinvención. Esta adaptación no solo moderniza algunos aspectos del original, sino que realza temas sociales atemporales como la discriminación, el amor prohibido y la violencia entre comunidades. El trabajo de coreografía y la dirección artística son exquisitos, manteniendo el espíritu del original mientras le añade un nuevo vigor visual y emocional.

Joker 2 podría beneficiarse de este tipo de reinvención. Al mezclar un estilo clásico con una narrativa moderna y oscura, es posible encontrar un equilibrio entre la tradición del género musical y las nuevas perspectivas que el cine puede ofrecer. Puede que no esté a la altura del gran Spielberg y mucho menos de un musical tan icónico, pero cosas más raras se han visto.

La La Land: La ciudad de las estrellas

Este aclamado film de Damien Chazelle es un homenaje al Hollywood dorado, pero también una mirada melancólica a los sacrificios y realidades detrás de los sueños. Aunque está lleno de números musicales memorables, lo que realmente destaca es cómo juega con las expectativas del público sobre los finales felices típicos de los musicales. La historia de amor entre Mia y Sebastian está marcada por su pasión compartida por el arte, pero también por las elecciones que los separan.

La La Land nos recuerda que los musicales no siempre tienen que ser una fantasía escapista; pueden capturar las contradicciones de la vida real, los sacrificios que se hacen por los sueños y el poder de la música para amplificar esos sentimientos. Si Joker 2 opta por un enfoque introspectivo y emocional, como La La Land, podría llevar al público a un viaje inesperado, donde el musical no solo sea un escape, sino una herramienta para profundizar en la psicología de su protagonista.

El ministro de Transportes y Movilidad Sostenible, Óscar Puente, ha replicado a la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso, que afirmó que “la destrucción personal con fines políticos es estalinismo” después de la detención del productor musical Nacho Cano y ha indicado que el Partido Popular está dirigido por “antisistema”.

“Los antisistema dirigen el PP. Y si se lo pueden permitir es porque existe el PSOE, que es el partido que sostiene el edificio de nuestro sistema democrático”, ha indicado en un mensaje en su cuenta en la red social X, que ha sido recogido por Europa Press. Puente escribió su mensaje junto a las declaraciones de Díaz Ayuso en las que la presidenta madrileña señalaba que se estaba buscando el descrédito de un artista como forma de censura y atacando al adversario político “a través de las herramientas del Estado”.

Este cruce de declaraciones se produce después de que Cano fuera detenido por la Policía por presuntamente contratar para su musical ‘Malinche’ a inmigrantes en situación irregular. En concreto se le acusa de un delito contra los derechos de la población inmigrante y otro contra los derechos de los trabajadores. Tras tomarle declaración este martes, Cano quedó en libertad a la espera de una citación judicial.

Este mismo miércoles, Renfe, que depende del departamento dirigido por Puente, anunció la rescisión del acuerdo de colaboración con el musical de Nacho Cano por sus palabras sobre la Policía Nacional, al considerar que podría causar “perjuicio reputacional” a la empresa.

El PSOE denuncia “críticas furibundas” a la policía”

Tras pasar por comisaría, Cano ofreció una rueda de prensa en la que afirmó que el motivo de su detención es que había expresado su “apoyo” a Díaz Ayuso, dijo que estuvo diez minutos prestando declaración y acusó a la Policía de estar “dirigida” y actuar de modo “coactivo”. “El criminal no soy yo, es a la policía a la que hay que investigar”, lanzó.

Ante estas declaraciones, el PSOE ha criticado que Ayuso y también el presidente de Vox, Santiago Abascal, hayan salido en defensa de Cano “obviando las denuncias presentadas contra el director teatral y las investigaciones realizadas por los agentes que provocaron su detención”, señalan en un comunicado. De este modo, los socialistas muestran su “malestar” por las “furibundas críticas de la derecha al trabajo de la Policía Nacional”, según indican y acusan a Ayuso y Abascal de faltas de respeto “intolerables” al trabajo de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado. “Más aún, de quien dice defenderles y les reivindican siempre, salvo cuando ponen freno a los desmanes que presuntamente cometen o que pretenden cometer. Es intolerable el ataque indiscriminado al colectivo policial”, apuntan.

*Información elaborada por Europa Press

“Es un clásico que los surcoreanos leen desde que son jóvenes”, dijo Shin en coreano, interpretado al inglés. “Me sentí un poco diferente cada vez que lo leí”.

Pero otros productores tuvieron una idea similar. Incluso después de que Shin estrenara El gran Gatsby en el distrito teatral de Manhattan este año, otro musical basado en el libro ha estado buscando luz verde en Broadway. Gatsby, dirigida por la ganadora del premio Tony Rachel Chavkin con música de Florence Welch de Florence + the Machine y Thomas Bartlett, hizo su estreno oficial este mes en el American Repertory Theatre (A.R.T.) en la Universidad de Harvard. The A.R.T. show inicialmente se anunció como “Pre-Broadway”, según un aviso de su sitio web. Un representante del programa se negó a comentar sobre sus ambiciones en Broadway y dijo que el equipo creativo no estaba disponible para entrevistas.

La gran batalla por Gatsby ha implicado un nivel de determinación a toda velocidad que sorprende incluso a los productores más experimentados. Basar los espectáculos en propiedad intelectual conocida es una práctica popular en el mundo del espectáculo, pero la posibilidad de que dos Gatsby canten en Broadway revela la desesperación de la industria del teatro por explotar títulos populares y atraer al público a sus escenarios. Entonces, ¿esta nueva adaptación se atreverá a hacerlo realidad?

Hasta ahora, la producción actual de Broadway ha recaudado más de 1 millón de dólares cada semana desde su estreno a pesar de recibir críticas buenas y malas. El programa, protagonizado por Jeremy Jordan en el papel principal y Eva Noblezada como Daisy Buchanan, solo obtuvo una nominación (y ganó) al premio Tony por diseño de vestuario, lo que hace que sus perspectivas de mantener su éxito inicial sean menos seguras.

La versión de A.R.T., con un libro escrito por la dramaturga ganadora del premio Pulitzer Martyna Majok, recibió críticas positivas del Boston Globe y Variety, y muchos espectadores acudieron en masa a Cambridge para escuchar la primera partitura musical de Welch. Un productor ganador del premio Tony, que habló bajo condición de anonimato para preservar las relaciones en la industria, dijo que algunos observadores del teatro han etiquetado la versión de Broadway como “El buen Gatsby”, mientras que la de A.R.T. promete ser “El gran Gatsby”.

Los dos programas difieren en tono y enfoque. Gatsby es una producción mucho más melancólica y valiente, con un decorado esbelto adornado por montones de coches aplastados y recubiertos de plata. La música lúgubre de Welch es una mezcla de piano desgarrador y baladas de cuerda, con melodías contundentes que recuerdan a las melodías de Florence + the Machine.

El gran Gatsby de Broadway está marcado por pirotecnia, proyecciones de video realistas y decorados como una plataforma de orquesta en el escenario y el armario del dormitorio de Gatsby, que se asemeja a la pared de una tienda de muebles. La música del show, compuesta por Jason Howland y Nathan Tysen, infunde jazz de la década de 1920 con pop moderno, lo que le da a la producción una energía más alegre.

El conjunto de Broadway luce trajes coloridos, que incluyen tocados llamativos y atuendos brillantes estilo flapper, mientras que en A.R.T. viste un atuendo más discreto y sensual. Quizás ninguna escena acentúe más la diferencia entre las dos producciones que cuando Gatsby se reencuentra con Daisy después de años de separación. En Broadway, el conjunto ayuda a podar el follaje en un lujoso decorado que presenta la cabaña de Gatsby y prepara la comida antes de su visita, mientras que en A.R.T. está llena de algunos personajes principales y un pequeño juego de té.

Chavkin, el director del A.R.T., le dijo al Boston Globe que su espectáculo pretende apoyarse en la crítica de la sociedad que hace la novela. “Creer en Gatsby [el propio Jay] es creer en Estados Unidos, creer en esta promesa de ascensión y en la idea de que todos somos creados iguales, pero ese no es realmente el caso”, dijo Chavkin. “La idea de igualdad es un mito que la gente lucha por hacer realidad todos los días. Creo que el programa intenta mantener tanto la belleza del mito como el dolor de que es un mito en igual medida”.

Su versión también profundiza más en la historia de fondo de Daisy y Gatsby, incluidos los días previos a la alta sociedad del personaje principal como James Gatz, mientras que la versión de Broadway evita mucha exploración de la cápsula del tiempo. La obra también ofrece dimensiones más completas a personajes como Myrtle Wilson, una mujer de clase trabajadora que tiene una aventura con el marido de Daisy, al ofrecer un vistazo de su vida hogareña y sus motivaciones a través de dos canciones en solitario, y Nick Carraway, el narrador de la obra. En Broadway, Carraway es heterosexual, mientras que en A.R.T. es más complicada, lo que muchos lectores han afirmado que se sugiere en la novela.

Chris Williams, un ingeniero ambiental radicado en Somerville, Massachusetts, que ha visto ambos musicales de Gatsby, dijo: “Es difícil ser más diferentes”.

“La versión de Broadway se parece mucho a la versión cinematográfica de [Leonardo] DiCaprio”, añadió Williams, de 48 años, después de una función reciente en Cambridge. “Esta versión es mucho más abstracta, una caracterización muy diferente, un papel mucho más importante para la mayoría de las mujeres”.

Matthew Segalla, de 25 años, dijo que el musical de A.R.T. se sintió como un comentario directo sobre el mundo actual. “Ésta obviamente adopta un enfoque menos convencional de la historia de ‘Gatsby’. La otra es en gran medida la historia en forma musical”, dijo. “Este fue un poco más sobre la lucha real en general”.

Los musicales duales de Gatsby subrayan el atractivo atemporal de la historia de amor. Este otoño, el Public Theatre de Nueva York planea revivir Gatz, que presenta a artistas leyendo el texto de Fitzgerald palabra por palabra durante más de seis horas en el set de una oficina monótona y desordenada mientras representan escenarios de compañeros de trabajo intercambiando sus tareas de oficina. para roles en el libro. El año pasado, el Park Central Hotel en Midtown Manhattan organizó una adaptación inmersiva, invitando a los miembros de la audiencia a participar en una de las ruidosas fiestas del libro y presenciar de cerca escenas fundamentales.

En Hollywood, la historia se ha adaptado numerosas veces al cine, incluida la versión de Alan Ladd de 1949 como Gatsby, la versión de Robert Redford de 1974, la adaptación de Baz Luhrmann de 2013 con DiCaprio e incluso una versión televisiva de 2000 protagonizada por Paul Rudd como Carraway.

En abril, parado en el entrepiso del Teatro Broadway justo antes de que los miembros del elenco de El gran Gatsby Noah J. Ricketts y Samantha Pauly ensayaran la elegante canción del Acto I “New Money”, el director Marc Bruni dijo que vio similitudes entre los estilos actuales del país. circunstancias y el telón de fondo del trabajo de Fitzgerald.

“Esta era una sociedad que estaba saliendo de una pandemia y estaba experimentando nuevas tecnologías”, dijo Bruni. “Cuando miras dónde estamos con la IA y con la tecnología que parece ir por delante de nuestra capacidad para seguirles el ritmo, parece que hay un paralelo directo con lo que todos estamos pasando como sociedad en este momento. y lo que sentían en los años 20″.

A diferencia de las adaptaciones anteriores de El gran Gatsby, los creativos ya no tienen que preocuparse por los derechos. El 1 de enero de 2021, las obras protegidas por derechos de autor de 1925, incluido El gran Gatsby, entraron en el dominio público. (La ley estadounidense generalmente protege las obras protegidas por derechos de autor durante 95 años después de su primera publicación).

Shin dijo que aceptó la perspectiva de múltiples espectáculos basados en la gran novela estadounidense porque la historia ahora puede ser adaptada por cualquier productor de teatro. “Creo que todos los equipos disfrutan de la misma oportunidad de inspirarse en este gran trabajo y luego trabajar en sus propias producciones”, dijo.

Blake Hazard, bisnieta de Fitzgerald y administradora de su patrimonio, dijo que está emocionada de ver a los creativos compartir su visión del trabajo ahora que los derechos de autor han expirado. Aunque ahora las producciones no necesitan contar con el apoyo del patrimonio, Hazard dijo que el patrimonio había tenido noticias de A.R.T. pero no del espectáculo actual de Broadway. Hazard explicó que algunos adaptadores buscan la propiedad en busca de consejos creativos, así como de la bendición de la familia.

“Puede que por un tiempo haya dos Gatsby de Broadway”, dijo. “Este tipo de confusión también puede ser el resultado de no consultar con el patrimonio o ni siquiera comunicarse realmente con él. La producción que ahora está en Broadway fue una sorpresa para nosotros”.

Hazard aclaró que la actual producción de Broadway se había puesto en contacto con Scribner’s, la editorial original de la novela. Durante la primera presentación previa del programa, los miembros de la audiencia recibieron una copia de la novela publicada por Scribner.

¿Podrían los musicales de Gatsby que se exhiben simultáneamente, impulsar de alguna manera las perspectivas de ambas producciones, generando revuelo y haciendo de Midtown Manhattan el lugar ideal para los fanáticos de Gatsby de todo el mundo? Es más probable que confundan al público, según Andrew Lippa, compositor y letrista de Broadway. En 2000, el musical off-Broadway de Lippa The Wild Party se presentó al mismo tiempo que el musical de Broadway The Wild Party, ambos basados en el poema épico de Joseph Moncure March de 1928.

“Desde una perspectiva de marketing, es un problema”, explicó. “Un amigo dice: ‘Deberías ver The Wild Party’ y alguien dice: ‘Iré a comprar entradas’, y luego vas a buscar entradas y dices: ‘Espera un minuto’. ¿Hay dos?’”

“Nunca tuvimos que lidiar con ese tema porque nuestro espectáculo no se trasladó a Broadway”, añadió.

Competir para lanzar proyectos similares no es algo desconocido en Hollywood. Dos películas sobre la vida de Truman Capote llegaron con aproximadamente un año de diferencia a mediados de la década de 2000, y la versión protagonizada por Toby Jones como el famoso autor retrasó su estreno para separarse del turno de Philip Seymour Hoffman, por la que ganó el Oscar al mejor actor. Esta última película obtuvo muchos más elogios de la crítica.

El año pasado, HBO estrenó la película Reality, sobre la ex contratista de la Agencia de Seguridad Nacional, Reality Winner, quien fue encarcelada por filtrar material gubernamental clasificado, mientras que Emilia Jones interpretó recientemente a la misma mujer en una película titulada Winner. Y en 1983, se estrenaron dos películas basadas en el personaje del espía de James Bond, una protagonizada por Roger Moore y la otra por Sean Connery, cada una de las cuales recaudó más de 100 millones de dólares en taquilla.

La producción de Shin de El gran Gatsby, que tuvo una prueba en el Paper Mill Playhouse de Nueva Jersey antes de cruzar el Hudson, es apenas la segunda vez que el título más popular de Fitzgerald ilumina una marquesina de Broadway. En 1926, el dramaturgo ganador del Premio Pulitzer Owen Davis llevó la obra al Teatro Ambassador de Broadway y, finalmente, a Chicago, donde muchos estadounidenses se familiarizaron con la obra. Antes de la muerte de Fitzgerald en 1940, la novela sólo había vendido unas 20.000 copias.

“Muchas más personas habrían estado expuestas a [la dramatización de Davis] que a la novela misma”, dijo Kirk Curnutt, director ejecutivo de la Sociedad F. Scott Fitzgerald.

A mediados de los años, y millones de ventas de libros después, dos producciones inspiradas en El gran Gatsby recorrieron el país al mismo tiempo: Gatz y una puesta en escena más tradicional del dramaturgo Simon Levy.

“Experimentamos una especie de competitividad, pero las dos producciones eran tan completamente diferentes que en realidad no estábamos compitiendo por los mismos lugares o incluso por la misma audiencia”, dijo el director de Gatz, John Collins.

A diferencia de Gatz, la producción de Levy había llegado a un acuerdo con los herederos de Fitzgerald, dándole a Levy una especie de poder de veto para evitar que Gatz se presentara en varias ciudades, dijo Collins. “Gatz” tuvo que esperar cinco años para llegar a Nueva York porque la producción de Levy esperaba llegar a Broadway. (Nunca lo hizo).

La batalla de la mejor adaptación de Gatsby podría no ser el único duelo por una obra de dominio público este año. La estrella de West Side Story, Rachel Zegler, protagonizará una producción de Broadway de Romeo + Julieta este otoño. Al otro lado del Atlántico, han surgido informes de que Romeo y Julieta, del West End de Lonres, protagonizada por Tom Holland, también está considerando presentarse en Broadway. Quizás los productores detrás de las versiones con ampersand y signo más del clásico de Shakespeare esperen y vean si dos Jay Gatsby detiene la feliz fiesta de la adaptación.

Fuente: The Washington Post