Trainspotting, el celebrado debut literario de Irvine Welsh, estrenará una versión musical en el Theatre Royal Haymarket de Londres en julio de 2026, incorporando temas inéditos compuestos por el propio autor y reinventando su historia sobre los días oscuros de la epidemia de heroína en Edimburgo para el público del West End.

La producción, cuya inauguración está fijada para el 15 de julio, integrará no solo canciones originales escritas en colaboración entre Welsh y Stephen McGuinness, sino que también incluirá selecciones clave de la banda sonora de la película dirigida por Danny Boyle en 1996, cuya adquisición de derechos aún se negocia. Welsh declaró al medio The Guardian que “se sentiría extraño” que el musical prescindiera de himnos tan representativos como “Lust for Life” de Iggy Pop.

La adaptación no se limitará a trasladar el texto base de 1993: sumará personajes nuevos y contextualizará con escenas extraídas de Skagboys, la precuela escrita por Welsh en 2012. El autor explicó a The Guardian que “ha pasado tanto tiempo” desde la novela original que ahora puede revisitar el material “con más desapego”. El protagonista, Renton, tendrá rostro nuevo en el escenario: el actor Robbie Scott, de 26 años, debutará en el West End tras destacar en el Pitlochry Festival Theatre con obras como Peter Pan y Wendy. La selección del resto del reparto —los emblemáticos Sick Boy, Begbie, Spud, Tommy y Diane— será anunciada próximamente.

La dirección artística estará a cargo de Caroline Jay Ranger, conocida por su larguísima gestión de Only Fools and Horses the Musical en el mismo Theatre Royal Haymarket. Ranger, exbailarina y colaboradora de figuras como Steve Coogan y John Cleese, fue definida por Welsh como alguien que “comprende el drama, la coreografía y, sobre todo, el humor” inherente a la obra. El autor insistió con humor en que cuando se aborda “material oscuro, hay que lograr que la audiencia se ría también”.

La narrativa creada por Welsh sobre cuatro amigos que sobreviven estafando turistas y consumiendo heroína durante la crisis del VIH en Escocia desafió las convenciones del género, tanto en su éxito literario como cinematográfico. El mismo autor confesó que “no era el libro más obvio para convertirse en un éxito. Tampoco era la película o la obra de teatro más obvias para triunfar”. A pesar de sus expectativas, el fenómeno trascendió formatos con secuelas, una precuela y dos álbumes de bandas sonoras, abriéndose ahora al musical.

Welsh y McGuinness ya publicaron un álbum inspirado en la novela Men in Love (2025), lo que consolidó la química creativa que ahora aplicarán a Trainspotting. El reto, en palabras del novelista, era evitar fórmulas impersonales: “Solo veía viable un Trainspotting musical si podíamos escribir canciones propias que hicieran avanzar la trama realmente, como una obra de teatro musical completa.”

La conexión de Welsh con el teatro musical tiene raíces personales: de niño, vio Oliver! ocho veces en Blackpool con sus padres y declaró que White Christmas es su favorita, cinta que revisa cada Navidad desde hace cinco décadas. Aun así, el autor reconoció abiertamente que no es “gran aficionado de los musicales”, si bien estos recuerdos personales moldearon su enfoque para la adaptación.

La primera versión teatral de Trainspotting, adaptada por Harry Gibson en 1994, fue elogiada por la ferocidad y fidelidad de su lenguaje, que en buena parte replicaba el espíritu irreverente de la novela. Experiencias recientes como Trainspotting Live probaron que la obra seguía resultando idónea para el directo. El propio Welsh subrayó que la “chispa y el vigor” continúan vivos en la interacción sobre el escenario: “Estoy deseando ver la reacción del público.”

La llegada de Trainspotting the Musical en julio de 2026 devuelve al legendario texto de Welsh una nueva vida, uniendo elementos del pasado con innovaciones musicales y escénicas destinadas a actualizarlas para nuevas audiencias del West End.

Esmeralda Pimentel y Osvaldo Benavides encabezan el elenco de Siete Veces Adiós en el marco de su cuarto aniversario.

El musical, concebido a partir del “corazón roto” de Alan Estrada, Vince Miranda, Salvador Suárez y Jannette Chao, conmemoró cuatro años en cartelera con una función especial que provocó lágrimas entre los asistentes del Teatro Ramiro Jiménez el 13 de marzo.

Al igual que las temporadas anteriores, los protagonistas interpretarán durante diez funciones una historia centrada en el amor, las despedidas y las segundas oportunidades, acompañados por música en vivo.

El elenco vocal que acompaña al musical e introduce a los presentes en cada uno de los escenarios está integrado por Diego Meléndez, Paloma Cordero, Andrés Saráchaga y Lucía Covarrubias.

El resto de la banda responsable de la ejecución musical en vivo se compone de Iván Núñez, Belén Ruiz, Javier Maldonado, Mitsuo Yoshiki, René Camou e Irving Lima.

La idea del amor actual en “El y Ella”, en voz de Cess Enríquez

Uno de los principales atractivos del musical es la representación del amor contemporáneo a través de la voz de Cess Enríquez, quien a lo largo de la obra acompaña a “Él y Ella” en el proceso de descubrir si el amor es realmente para siempre.

“El amor desafía paradigmas, nos confronta con nuestras expectativas y nos recuerda que, a veces, amar es un salto al vacío que vale la pena, aunque duela”, señala la sinopsis.

La puesta en escena se presenta como algo que va más allá de un musical romántico, al confrontar la noción tradicional del “amor de tu vida” que ha prevalecido durante años, y plantea que hoy, ese amor no necesariamente es para siempre.

Osvaldo Benavides y Esmeralda Pimentel agradecen ser parte de Siete Veces Adiós

Durante la presentación a prensa, Osvaldo Benavides y Esmeralda Pimentel, quienes interpretan a “Él y Ella”, manifestaron su entusiasmo por integrarse a un proyecto respaldado por un equipo de gran talento.

“Qué gran privilegio poder hacer lo que uno más ama con personas talentosísimas y amorosísimas. Qué mejor manera que compartir una historia que ha impactado a tantísimas personas”, afirmó la actriz.

Por su parte, Benavides señaló que, más que una obra de teatro, se trata de un espectáculo cuyo éxito radica en el trabajo colectivo de todas las personas involucradas en el proyecto.

“Eso es el éxito, la pasión y el amor que imprime. Gracias porque es como una familia instantánea”, añadió.

Alan Estrada asegura estar agradecido con cada uno de los artistas que han dado vida a “El y Ella”

A lo largo de la historia de Siete Veces Adiós, el elenco ha experimentado renovaciones en diversas temporadas, incorporando la participación de figuras como Fernanda Castillo, Regina Pavón, Zuria Vega, Lety Sahagún y Macarena García. Al igual que Pierre Louis, Jesús Zavala, Diego Klein y Patricio Gallardo.

Al término de la función, Alan Estrada, una de las mentes creativas detrás del musical, expresó su agradecimiento hacia todas las figuras que han formado parte del proyecto.

“Estar cumpliendo cuatro años es una locura para todos nosotros. Yo quisiera agradecer a todos y cada uno de los artistas que ha formado parte del elenco, que han dejado su corazón, su piel, sus lágrimas y su energía. A cada uno de ellos, gracias por ser parte de nuestra historia”, concluyó en medio de la emoción tras cuatro años en cartelera.

A través de sus historias de Instagram, Ivana relató el paso a paso de la experiencia. En una de las imágenes, la pequeña aparece sonriente en la puerta del teatro Apolo, sobre la emblemática avenida Corrientes, poco después de salir del casting. “Cuando salimos de la audición”, escribió Ivana, sumando un emoji tierno como una manera de registrar el orgullo y la emoción de ver a su hija dar los primeros pasos en el mundo artístico. La expectativa fue grande y, durante varios días, madre e hija vivieron con ilusión la posibilidad de que Surita quedara elegida para una producción que convoca a cientos de pequeñas artistas cada año.

La noticia final llegó en forma de mensaje de la producción, que Ivana también decidió compartir. El texto, dirigido a todas las “mini artistas” que participaron del proceso, agradecía el esfuerzo y la pasión de las niñas y aclaraba, con sensibilidad, que no todas pasarían a la próxima etapa. “No pasar una instancia de audición no define su talento ni su potencial. Al contrario, demuestra su valentía por intentarlo. Sigan adelante, sigan creciendo y, sobre todo, sigan creyendo en ustedes mismas”, decía la carta, firmada por la producción de Annie. “Y me pareció tan increíble que le avisen si no quedaba”, escribió en sus historias, celebrando el acompañamiento y el respeto a la ilusión de las chicas. En vez de una decepción, el mensaje fue recibido como un aprendizaje valioso y una invitación a seguir intentándolo.

En otra de las publicaciones, Ivana compartió una imagen alusiva al musical, con la característica melena colorada y el vestuario típico de la protagonista. “Aww no puedo creer que mi Surita casi queda en este musical”, comentó, dejando en claro no solo el orgullo, sino también la emoción de haber estado tan cerca de un sueño compartido. La experiencia de Surita en la audición no solo fue un momento familiar, sino que también resonó en redes sociales, donde muchos padres y madres se sintieron identificados con la historia.

Si bien Ivana suele compartir con orgullo los logros y ocurrencias de sus hijas, lo cierto es que se ha mostrado especialmente celosa y cautelosa en cuanto a la exposición pública de las niñas. Esta postura se acentuó luego de que, en noviembre pasado, Ángel de Brito compartiera un video donde Ivana, su hija menor y su pareja, Cvitanich, aparecían paseando por un shopping. El episodio motivó a la modelo a poner límites y realizar un fuerte descargo en sus redes sociales para defender la privacidad de su familia. “Me encantaría que saques a mi hija de tus redes. Cualquier persona que me conoce sabe el cuidado a mis hijas más que nadie. Son mi límite. No soy parte de ningún circo mediático que generen personas que viven de esto. Mis hijas. Mi límite. Gracias”, escribió Ivana sobre la imagen, y añadió en una segunda historia: “Y al menos aprende mi nombre amor. Con mis hijas, no. GRACIAS”.

El recorrido escénico de 'Más acá de los romances' llevará a los asistentes junto a Ramón Menéndez Pidal, María Goyri y su hija Jimena por la historia y la tradición literaria española, desde la Castilla medieval hasta el siglo XX. Según publicó el Real Teatro de Retiro, estos personajes, fundamentales en la recuperación y estudio del romancero español, actúan como guías de una experiencia donde la lírica, la danza y el teatro se unen para acercar al público al legado poético e histórico del idioma.

La sala principal del Real Teatro de Retiro recibirá cinco funciones de esta propuesta entre el 21 y el 28 de febrero, en una temporada en la que el espectáculo aspira a ser accesible para todo tipo de público, a partir de los 12 años. La primera oportunidad para asistir está prevista para el sábado 21 de febrero, con presentaciones a las 12:00 y 17:00 horas; la segunda será el domingo 22 de febrero, a las 12:00 horas, y la última el sábado 28 de febrero, en dos turnos: a las 12:00 y a las 17:00 horas, detalló el propio teatro.

De acuerdo con la información difundida por el Real Teatro de Retiro, ‘Más acá de los romances’ pone en el centro el rescate de los romances, textos fundamentales para comprender la cultura e historia de la península ibérica y que, tras décadas de marginación o desinterés, vuelven a cobrar vida sobre el escenario. La historia de este musical se origina en el deseo de redescubrir y disfrutar sin prejuicios más de diez siglos de creación artística en lengua española, integrándola en una acción escénica vibrante y lúdica.

El espectáculo ha sido ideado, producido e interpretado por la compañía For the Fun of It, y cuenta con la dirección artística de Antonio Castillo Algarra y la dirección musical de Ignacio Rodulfo Hazen, ambos también sobre las tablas junto a Pilar González Barquero, Adrián Díaz Rodríguez, Alejandra R. Montemayor, Javier Turrientes, Miguel Álvarez y Nicolás Casas.

La música de la función abarca una amplia franja temporal, ya que incluye composiciones de los siglos XVI, XVII, XVIII y XX. Estos sonidos acompañan romances tradicionales de la cultura popular y se entremezclan con textos poéticos emblemáticos de autores como Fray Luis de León, Lope de Vega, Calderón de la Barca, y Federico García Lorca, según informó el Real Teatro de Retiro entre los detalles de la programación.

El recorrido preparado para los espectadores explora tanto la dimensión biográfica de figuras pioneras del romancero como los Pidal-Goyri, como la evolución y riqueza de la propia forma literaria, mostrando cómo estos textos han quedado preservados en la cultura oral y en la memoria colectiva. Las diferentes escenas proponen un viaje histórico y literario que abarca desde los orígenes medievales de los romances hasta su representación y estudio en la modernidad.

El Real Teatro de Retiro, en este sentido, expuso que el montaje, en formato de musical, revitaliza el interés por el romancero español utilizando recursos como la interpretación actoral, la puesta en escena teatral, la danza y el canto. Esta alianza de lenguajes artísticos busca facilitar la comprensión y valoración de un patrimonio que, igual que los protagonistas de la función, cruzó el tiempo y las generaciones para llegar al presente.

Esta propuesta de For the Fun of It suma una producción más a los esfuerzos de diversas instituciones culturales orientados a dar visibilidad y difundir el legado literario del mundo hispano, situando a los romances en un espacio donde la tradición convive con la modernidad escénica y educativa. Las funciones previstas forman parte de la temporada cultural anual promovida por el Real Teatro de Retiro e invitan a los asistentes a redescubrir textos, músicas e historias que han forjado parte de la identidad cultural en España.

En el comunicado difundido por Stage Entertainment, la compañía señaló que la trama de su próxima producción transportará al público a un pueblo pesquero, donde varios personajes deberán tomar decisiones que definirán el rumbo de sus vidas. Esta nueva apuesta lleva por título ‘El alma al aire’, e integrará en su repertorio algunas de las canciones más reconocidas de Alejandro Sanz. El musical iniciará su andadura en la cartelera madrileña, aunque la fecha de estreno todavía no ha sido fijada, según consignó el medio de la propia productora.

La empresa responsable, Stage Entertainment, anunció que la obra se encuentra en su etapa inicial de preproducción. A través de un comunicado, la productora destacó que Alejandro Sanz respalda el proyecto. El libreto ha sido encomendado a Álvaro Tato, autor que cuenta en su carrera con dos premios Max, uno de los reconocimientos más destacados del teatro en España.

De acuerdo con la información divulgada por Stage Entertainment, la acción del musical tendrá como escenario un pueblo costero y girará en torno a las dificultades y elecciones determinantes que deberán afrontar los personajes centrales. El diseño del argumento es original e incorpora temas musicales interpretados por Sanz a lo largo de su trayectoria.

La compañía productora tiene experiencia consolidada en el género musical. Stage Entertainment fue responsable de éxitos como ‘El Rey León’, ‘Anastasia’, ‘TINA’, el musical sobre Tina Turner, y ‘Cenicienta’, detalló la misma entidad en su anuncio. Esta trayectoria sirve de carta de presentación para su nuevo montaje, que pretende reunir la popularidad de Sanz con su enfoque teatral.

La entidad precisó que aún no se ha concretado un calendario para la presentación al público de ‘El alma al aire’, ya que el proceso de preproducción requiere un diseño minucioso de los distintos elementos del espectáculo: selección de reparto, diseño escenográfico, adaptación coreográfica e integración de los temas musicales seleccionados del repertorio de Alejandro Sanz.

Según informó Stage Entertainment, la implicación de Alejandro Sanz en este musical abarca la concesión de permiso para utilizar su música, así como un respaldo declarado al desarrollo del espectáculo. El éxito y la trayectoria del cantante en la música española refuerzan las expectativas en torno a esta nueva iniciativa escénica.

Con la confirmación del libreto a cargo de Álvaro Tato, Stage Entertainment se apoya en el reconocimiento profesional del autor para dotar de estructura y carácter teatral a una selección de obras musicales populares. El enfoque creativo busca combinar elementos dramáticos propios del teatro musical con la identidad de los éxitos de Sanz.

La narrativa del musical, según la información publicada por Stage Entertainment, explora los momentos decisivos en la vida de los protagonistas, situados en un contexto de pueblo marinero. Este planteamiento prepara el terreno para desarrollar tramas centradas en dilemas personales y giros asociados al destino de los personajes implicados.

El desarrollo de ‘El alma al aire’ representa una apuesta de la compañía por ampliar su oferta de espectáculos con propuestas originales basadas en figuras icónicas de la música en español. La trayectoria previa de Stage Entertainment, sumada al respaldo de Alejandro Sanz y la firma de Álvaro Tato en el guion, conforman el equipo responsable del futuro estreno en la capital española.

David Bustamante, quien ya había debutado en el mundo de los musicales con “Ghost” en 2021, asumirá desde diciembre el papel protagonista en la versión escénica de “El Zorro, el musical”, espectáculo basado en la novela de Isabel Allende y dirigido por Sara Pérez. El montaje llevará la música original de Gipsy King y John Cameron, con producción de Sunset Entertainment, compañía reconocida por su trabajo en proyectos como “Una rubia muy legal, el musical”. Según informó el medio, el estreno está previsto para el 3 de diciembre en el Teatro La Latina, donde la obra permanecerá en cartel hasta la primavera de 2027.

De acuerdo con la información difundida, Bustamante interpretará a Don Diego, un joven hijo de noble español en la California del siglo XIX. A través de las adversidades propias de una época caracterizada por la opresión y el abuso de poder en la costa oeste de los Estados Unidos, su personaje adopta la identidad de El Zorro, convirtiéndose en un símbolo de resistencia y defensa de los sectores desfavorecidos. Tal como publicó la fuente, esta adaptación se inspira en la obra de la escritora chilena Isabel Allende, “El Zorro. Comienza la leyenda”, y el libreto principal ha sido elaborado por Stephen Clark y Helen Edmundson.

La música, a cargo de Gipsy King y John Cameron, fusiona elementos de la rumba flamenca con notas propias del teatro musical, aportando un sello distintivo al espectáculo, según consignó la fuente. Esta propuesta escénica, que Sunset Entertainment exporta ahora a Madrid, tuvo su primera versión en inglés en el año 2008 y regresó con una nueva producción en 2022, consolidándose como referente de adaptaciones contemporáneas inspiradas en la leyenda del enmascarado.

El artista cántabro, en declaraciones recogidas por el medio a través de un comunicado, expresó que asumir este papel representa un deseo largamente esperado: “Es un regalo poder interpretar a este personaje, es uno de los grandes superhéroes. No sabía cuándo iba a volver a hacer un musical, pero sabía que tenía que ser con algo muy especial y este espectáculo lo va a ser”.

La apuesta escénica dirigida por Sara Pérez se anuncia como una de las producciones teatrales más ambiciosas en la trayectoria de Sunset Entertainment. El medio detalló que el musical contará con una larga estancia en cartelera, desde su estreno en diciembre hasta la primavera de 2027, lo que evidencia la magnitud del proyecto y la confianza de la productora en la acogida por parte del público madrileño.

“El Zorro, el musical” propone recuperar el mito clásico del personaje creado a comienzos del siglo XX y reinterpretado en varias ocasiones tanto en el cine como en la literatura y el teatro. En esta ocasión, la adaptación en Madrid bebe directamente de la visión de Isabel Allende, quien otorgó matices adicionales al héroe tras su novela de 2005.

En cuanto al elenco, la participación de Bustamante marca la segunda incursión del cantante y actor en el género de los musicales, tras el éxito de la versión española de “Ghost”, donde reafirmó su versatilidad artística. Su papel en “El Zorro” implica un reto interpretativo que combina habilidades dramáticas y vocales, sumado a la responsabilidad de encarnar a un personaje icónico de la cultura popular.

La producción se caracteriza por una combinación de música en vivo, coreografías inspiradas en la tradición flamenca y una escenografía que recrea la atmósfera de la California del siglo XIX. Según describió la fuente, el guion firmado por Clark y Edmundson respeta la narrativa original pero introduce elementos pensados para el dinamismo del formato musical contemporáneo.

La compañía Sunset Entertainment, responsable de éxitos recientes como “Una rubia muy legal, el musical”, refuerza con esta propuesta su apuesta por adaptaciones de grandes títulos literarios al lenguaje del teatro musical, confiando en la atracción que ejercen tanto la historia de El Zorro como el protagonismo de Bustamante sobre la audiencia española.

La hija de David Bustamante, Daniella, está próxima a alcanzar la mayoría de edad, y el cantante ha compartido que este momento le provoca cierto vértigo, según indicó Europa Press. Bustamante destacó que observa con orgullo el desarrollo y las aspiraciones de su hija, asegurando que tanto él como Paula Echevarría, madre de la joven, permanecen atentos para apoyarla en su crecimiento y nuevos desafíos. Mientras acompaña este proceso familiar, el artista se encuentra en una etapa de estabilidad y nuevos retos profesionales, que incluyen un proyecto teatral destacado en Madrid.

Tal como informó Europa Press, David Bustamante asumirá el papel principal en el musical "El Zorro", que tendrá su estreno en el Teatro de La Latina de Madrid. Esta producción, basada en la novela de Isabel Allende sobre el mítico héroe enmascarado, representa para el cantante una oportunidad significativa en su carrera escénica. Bustamante expresó que recibió con sorpresa la invitación para participar y que aceptó sin dudar al considerar imposible rechazar esta propuesta. Compartió que ha sentido una profunda conexión con el teatro musical desde su primera experiencia en el género y mencionó el valor icónico de este superhéroe en la cultura popular.

El medio Europa Press detalló que, para prepararse, Bustamante ha iniciado entrenamiento en esgrima, seguiría reforzando su condición física y retomará prácticas como acrobacias y artes marciales, con el objetivo de lograr la mejor forma posible para el papel. Además, reveló que, aunque no ha mantenido conversaciones con Antonio Banderas –quien interpretó al personaje en la versión cinematográfica de Hollywood–, considera probable invitarle al estreno para intercambiar impresiones y consejos.

Bustamante subrayó que el compromiso con el musical no es el único desafío en su agenda para 2026. Según publicó Europa Press, el artista continuará con otros proyectos televisivos, la gira musical y el lanzamiento de nuevas canciones, lo que augura un año de intensa actividad. Explicó que su bienestar físico y mental resulta esencial para afrontar todos estos compromisos y que cuida especialmente la alimentación y el entrenamiento, aspectos que considera fundamentales tanto para su rendimiento vocal como escénico.

Uno de los apoyos más importantes durante este ciclo ha sido su pareja, Yana Olina, a quien Bustamante calificó como "la compañera perfecta" en declaraciones recogidas por Europa Press. El cantante señaló que Olina le asiste en múltiples aspectos, desde la preparación física hasta la memorización de textos, y resaltó su papel imprescindible en su vida cotidiana y profesional. Ambos llevan ocho años de relación y, de acuerdo con el propio Bustamante, disfrutan de una convivencia tranquila y equilibrada, lo que atribuye a su estabilidad personal.

El medio Europa Press reportó que Bustamante respondió a preguntas sobre la posibilidad de formalizar aún más la relación, ya sea a través de una boda o de ampliar la familia. Ante estas cuestiones, el artista manifestó que todo llegará a su tiempo y que no cierra ninguna puerta, reconociendo que ve más cercana la opción de volver a ser padre que la de casarse nuevamente.

Al referirse al futuro profesional de su hija Daniella, Bustamante comentó, siempre según Europa Press, que aunque a la joven le agrada la música, muestra un especial interés por ámbitos como la moda y el marketing, disciplinas con las que ha estado en contacto a través de la influencia de su madre. Puntualizó que desea que su hija opte por aquello que le proporcione felicidad y desarrollo personal, subrayando el apoyo mutuo y la relación cordial que sostiene con Echevarría en la crianza de la adolescente.

Al margen del musical y la vida familiar, Bustamante adelantó que su nuevo álbum se encuentra casi finalizado, con varios sencillos próximos a publicarse. "Estoy on fire, y mientras la gente me brinde su oído y su abrazo, yo seguiré dando guerra", declaró el intérprete, según consignó Europa Press, mostrando disposición a encarar esta etapa plena de trabajo y proyectos, tanto en el ámbito musical como escénico.

En una ciudad que nunca duerme y donde el verano parece multiplicar las emociones, hay algo que logra detener el tiempo para los amantes del teatro: la experiencia de una comedia musical vivida a sala llena. Ya no hace falta soñar con Broadway ni mirar de lejos, porque en la calle Corrientes el aplauso, la risa y la reflexión se encuentran cada noche en el mismo lugar. Así lo demuestra el fenómeno de Company, la nueva apuesta de Fer Dente que, aún con el asfalto ardiendo y las temperaturas elevadas, convoca multitudes mientras que el teatro musical argentino atraviesa uno de sus momentos más vibrantes y, además, llama a la reflexión de uno de los temas más debatidos del mundo: el amor.

El Teatro El Nacional, con su atmósfera de terciopelo rojo, cortinas pesadas y luces atenuadas, se transforma en el escenario ideal para este viaje. El público, que desde el pasado 8 de enero vive a flor de piel las emociones que suscita la obra, llega con la ansiedad de quienes buscan algo más que entretenimiento: esperan verse reflejados, conmovidos y sorprendidos. Dente, que regresa al escenario tras cuatro años de ausencia, dirige y protagoniza una versión que deja atrás el dramatismo de Despertar de Primavera para sumergirse en una comedia mordaz y aguda, donde el humor y la emoción se equilibran con precisión.

Para Dente, asumir el desafío de llevar a escena un musical de culto de Stephen Sondheim tuvo tanto vértigo como magia. “Mucha inconsciencia. Es la única manera que encuentro de encarar una tarea de semejante tamaño. Mucha confianza en el equipo conformado también, mucho trabajo previo y la ilusión de poder construir algo propio sabiendo que hay un material que es de excelencia”, confesó a Teleshow, dejando entrever la mezcla de riesgo y esperanza que atraviesa el proceso creativo.

La historia comienza en un clima de bullicio: es el cumpleaños 35 de Bobby, el personaje central, quien se ve asediado por llamados y mensajes de voz de sus amigos, todos casados. Ambientada en la gran ciudad de Buenos Aires, la trama se centra en las dudas, los miedos y el desconcierto de Bobby ante el compromiso, la intimidad y la presión social por “no quedarse solo”. Desde el primer minuto, la obra invita al público a sumergirse en la mente de Bobby, a compartir sus pensamientos en una fecha tan significativa como su cumpleaños, donde la alegría parece estar lejos y la evasión se convierte en refugio.

Para Fer, ponerse en la piel de Bobby fue un viaje único. “Está siendo una experiencia espectacular. Es un rol muy hermoso. De esos que hacen todo. Baila, canta, actúa… es como un nene en un parque de Disney cerrado para él y sus amigos. Sigo muy emocionado con la recepción del público durante todo el show pero sobre todo al final. Extrañaba mucho volver a tener esa conexión”, aseguró a este medio.

El minimalismo de la puesta es uno de los grandes hallazgos: el vestuario negro y la escenografía en grises apagados generan un clima de contención, solo alterado por la luz de los escalones y, sobre todo, por la melena roja de Alejandra Radano. Radano, con el carisma que la caracteriza, se luce en la piel de Joanne, un personaje sarcástico y magnético, brillante en su mirada sobre el amor y el matrimonio. Su presencia es un faro visual y emocional, y aporta el contrapunto ideal al recorrido introspectivo de Bobby. El vestuario y la escenografía cambian radicalmente en la segunda mitad, cuando el propio Bobby se abre a la posibilidad de la intimidad y, de golpe, el escenario se llena de colores cálidos, del amarillo al rosado.

En diálogo con Teleshow, Radano reflexiona: “El texto es todo y lo que no está en él también lo es. Joanne es un personaje que pierde el control y dice lo que piensa sin medir las consecuencias, sobre todo para ella”. Amplía la mirada sobre el conjunto: “La obra es muy onírica, todos los personajes aparecen de manera fragmentada para hablar del pensamiento de aquel que está pensando todo en la obra y ese es Bobby, nosotros somos fractales de su propia personalidad. Es muy atrayente entender que esta obra expone que los demás, definitivamente, vienen a reflejarnos partes y sombras de nosotros mismos”.

Ser parte de Company es, para Radano, una oportunidad de exploración emocional y artística. “Me atrae entender qué viene a enseñarme ese personaje, qué faceta de mí misma viene a develarme, también creo que los personajes llegan porque uno tiene algo para ofrecer y se dispone a ser vehículo para contar una historia”, señala. “Me gusta ver al teatro desde las artes plásticas, uno funciona básicamente como un color que gradúa sus intensidades según el personaje que le toca en suerte. Y cada uno definitivamente es un color único personal, aunque interpretemos la misma canción”.

La música, dirigida por Damián Mahler, cuyo talento sigue el legado de su fallecido padre, Ángel, es uno de los grandes pilares del espectáculo. La orquesta se ubica en el centro de una escenografía de madera, iluminada con led cálidos, y cobra vida propia: es un personaje más, que envuelve e impulsa la acción. Temas como “Being Alive”, “The Ladies Who Lunch”, “Another Hundred People” y “Getting Married Today” son interpretados en español, en versiones que emocionan y deslumbran por la calidad vocal y la entrega del elenco.

El reparto suma nombres destacados y familiares para el público local: Vanesa Butera como Amy, Paz Gutiérrez como Kathy, Mariel Percossi como Martha, entre otros. Cada actor y actriz aporta su matiz a una historia coral, donde el miedo a estar solo, la búsqueda del amor ideal y la presión por encajar resuenan en cada escena. Las coreografías, los movimientos corales y la dirección de Dente logran una conjunción que se siente fresca, dinámica y profundamente auténtica.

La pieza, una de las más complejas y vigentes de Sondheim, no ofrece respuestas fáciles ni un final de cuento. Cuando la fiesta de cumpleaños termina y Bobby queda solo, vestido de blanco, con una torta y un globo, el público entiende que la pregunta por el amor y la conexión es más importante que cualquier respuesta. El canto de “Being Alive”, en ese contexto, es una declaración de esperanza: la posibilidad de abrirse al otro, de aceptar la vulnerabilidad y de creer que todavía es posible una relación significativa.

El público lo reconoce con ovaciones de pie, noche tras noche. Company, bajo las luces de Corrientes, es mucho más que un musical: es una experiencia de comunidad, de emoción y de belleza, donde el talento argentino se mide con las mejores producciones del mundo. Y donde, por un rato, todos los que entran al teatro sienten que la magia está mucho más cerca de lo que imaginaban.

Fotos: Bautista Araya/Gentileza de prensa.

Después de su participación en el aclamado musical Wicked, Jonathan Bailey y Ariana Grande confirmaron por medio de una publicación en Instagram su nuevo papel protagónico.

El actor inglés será el encargado de darle vida a George, mientras que Grande hará el papel de Dot en la producción musical “Sunday in the Park with George“ de Stephen Sondheim.

Frente a un famoso cuadro de Georges Seurat titulado como “Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte”, y con la descripción “solo tiene que ser bueno”, haciendo referencia a la letra de la canción principal del musical, ambos coprotagonistas de Wicked confirmaron los rumores que venían desde hace meses en el mundo del entretenimiento.

Hace algunas semanas distintos medios habían publicado sobre la posible participación de los dos actores en el reestreno del clásico musical, cuya última producción había sido en 2017 en Broadway con la participación de Jake Gyllenhaal y Annaleigh Ashford.

La puesta en escena, ganadora de los premios Tony y Pulitzer, se estrenó en 1984, teniendo como protagonistas a Mandy Patinkin y Bernadette Peters. Dividido en dos actos, cuenta la historia de George, quien se encuentra inmerso en una pintura con la ayuda de su musa Dot.

Se espera que el estreno del musical sea para 2027, pero aún no hay confirmación oficial por parte de la producción o del elenco.

El gran proyecto de Bailey y Grande: Wicked

Jonathan y Ariana compartieron pantalla grande en las dos entregas de Wicked de Jon M., la cantante estadounidense protagonizó la película como Glinda, junto a Cynthia Erivo, quien le dio vida a Elphaba. Mientras que Bailey, interpretó a Fiyero.

El lanzamiento de “Wicked: Por Siempre”, la secuela de la cinta, logró 151,5 millones de dólares (USD151,5 millones) en su primer fin de semana en Norteamérica, posicionándose como el estreno con mayor recaudación inicial para una adaptación cinematográfica de un musical de Broadway.

Con esa cifra, la película rompió el récord previo en su categoría, destacando el interés sostenido por las producciones inspiradas en grandes éxitos teatrales.

La película rebasó ampliamente las proyecciones iniciales de taquilla y alcanzó una recaudación superior a USD130 millones en su debut, una cifra que superó las expectativas de distribución. Entre los lanzamientos más destacados de 2025, la producción se ubicó por encima de “Lilo & Stitch” y “A Minecraft Movie”.

El éxito de la secuela incidió en la recuperación parcial de la industria, afectada por una caída del 2,2% respecto al año anterior, tal como reflejan los reportes de Comscore.

Durante la función del musical “Rent” en el Teatro Rialto de Madrid, algunos miembros del elenco notaron entre el público a personas entonando casi todas las letras. Poco después, varias sorpresas se desarrollaron ante los presentes: la Reina Letizia, el Rey Felipe VI, la princesa Leonor y la infanta Sofía se encontraban allí como espectadores y, al terminar la representación, accedieron al escenario para felicitar al reparto. Según informó el medio, la familia real no anunció su asistencia y adquirió sus boletos como cualquier otra familia, lo que generó reacciones emocionales entre actores y público y fue percibido por el equipo artístico como un respaldo a la escena cultural.

El director musical de la obra, César Belda, relató que el paso de la familia real por el teatro resultó inesperado para todos, ya que ni el elenco ni los organizadores recibieron aviso previo de su asistencia, detalló el medio. Tras la función, los reyes y sus hijas subieron al escenario, intercambiaron palabras con los músicos y los actores y se fotografiaron con todos los integrantes. Belda resaltó que “es una satisfacción ver que la Casa Real, y especialmente la Reina, apuesta por la cultura y apoya los espectáculos”, según consignó el medio.

Según publicó la fuente, durante la velada se pudo observar que Felipe VI es conocedor de la obra, ya que tanto él como sus hijas demostraron familiaridad con las letras de las canciones desde la platea. El propio Belda compartió que el Rey presenció el musical en Nueva York en 1996, durante su etapa de estudios en Washington, lo que le permitió seguir esta producción a lo largo de los años.

La reacción dentro del elenco fue inmediata y de cierta sorpresa. El actor protagonista, Tiago Barbosa, expresó su admiración y agradecimiento por lo ocurrido, al considerar la visita como “muy importante” y describirla como “algo súper bonito”. Barbosa señaló que la Familia Real se mostró “muy amable, con mucho cariño, mucho amor, disfrutando de la obra como niños”, según informó la misma fuente.

Otras intérpretes, como la actriz Ailen Maciel, describieron el encuentro con la realeza y el elenco como sencillo y directo, limitándose a una felicitación tras la función. “Muy bien, nos felicitaron, nada más”, dijo Maciel, conforme detalló la publicación original. Begoña Álvarez, también parte del reparto, compartió una anécdota durante la función: “Se lo pasaron pipa, además, que conste que el Rey mugió, gracias a mi compañera”, bromeó la intérprete, explicando que dicho gesto fue espontáneo y en tono distendido, y remarcó la actitud natural de la Familia Real, quienes “compraron su entrada, llegaron y entraron como familia”, según reportó el medio.

De acuerdo con el medio, la visita del monarca y su familia careció de carácter oficial y no implicó protocolos, lo que fue destacado por los participantes como una muestra de cercanía y apoyo a la cultura nacional. La Reina Letizia también generó lazos personales en el encuentro, especialmente con la actriz Begoña Álvarez, quien remarcó que ambas comparten raíces asturianas. “Ella es asturiana, yo también. Estamos de casa”, expresó Álvarez a la fuente.

En cuanto a los demás artistas, no todos optaron por expresar comentarios acerca del episodio. Pascual Laborda, integrante del elenco, indicó entre risas que prefería no hacer declaraciones porque así se lo habían solicitado, una postura que compartió con su compañero Andoni García, informó el medio.

El medio detalló que la representación de “Rent” en estas fechas navideñas formaba parte de la cartelera destacada en la capital española y, según los testimonios recogidos, esta visita inesperada por parte de la familia real se interpretó como un gesto de respaldo al teatro madrileño y al panorama cultural más amplio. La ovación y los saludos posteriores al elenco añadieron una dimensión especial a la jornada teatral, según consignaron los actores y el equipo artístico.

La presencia de la reina Letizia, el rey Felipe VI y sus hijas en el Rialto no solo sorprendió a quienes participaron de la función, sino que también se convirtió en tema de conversación entre los asistentes, que observaron el disfrute de la familia real y su participación activa en la experiencia cultural, concluyeron las fuentes consultadas por el medio.

Murió, a los 92 años, Claudio Segovia, director de teatro musical, creador del espectáculo mundialmente reconocido Tango Argentino, que impulsó a la musica ciudadana porteña como un fenómeno global.

Con Tango Argentino, creada junto a Héctor Orezzoli, Segovia llevó la tradición porteña a escenarios de París, Broadway y decenas de ciudades en América, Europa y Asia. La obra, estrenada en 1983, no solo revitalizó el género, sino que también fue reconocida por instituciones como la Performing Arts Library del Lincoln Center de Nueva York, que la filmó en 1986 para preservarla como documento histórico.

Durante su trayectoria se caracterizó por la búsqueda de la autenticidad en las manifestaciones artísticas. Formado en las escuelas nacionales de artes visuales “Manuel Belgrano” y “Prilidiano Pueyrredón”, así como en la Escuela Superior de Bellas Artes Ernesto de la Cárcova, inició su carrera en 1962 como escenógrafo y diseñador de vestuario.

Su primer gran proyecto internacional fue en 1967 con La raíz y la tierra, presentado en el Teatro Odeón de Buenos Aires y luego en dieciséis repúblicas soviéticas, Polonia, Hungría, Alemania, Italia y Portugal, con la participación de figuras como Mercedes Sosa y el ballet de El Chúcaro y Norma Viola.

En 1972, conoció a Orezzoli, con quien formó una dupla creativa inseparable. Juntos desarrollaron una línea de espectáculos centrados en la pureza de las culturas populares. Su colaboración se consolidó en París tras trabajar en el Festival de Aix-en-Provence y en montajes como Dulce pájaro de juventud de Tennessee Williams y la ópera Peleas y Melisande de Claude Debussy.

En 1980, estrenaron Flamenco Puro en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, tras dos años de investigación en Andalucía y la selección de veinticinco artistas gitanos, entre ellos Manuela Vargas, las hermanas Fernanda y Bernarda de Utrera, El Farruco y la familia Habichuela. El espectáculo, estructurado en torno a los ritmos flamencos y el cante jondo, fue llevado posteriormente a París y Broadway.

La fórmula se replicó en Black and Blue (1985), un homenaje a la música afroamericana y el tap-dance, que rescató a artistas fuera del circuito comercial, como Ruth Brown, quien pasó de trabajar en el servicio doméstico a convertirse en la estrella del show.

El montaje triunfó en París y, en 1989, en Broadway, donde permaneció dos años en cartel y obtuvo cuatro Premios Tony, incluido el de mejor diseño de vestuario para Segovia y Orezzoli. Ruth Brown, además, ganó el Grammy a la mejor artista femenina de jazz por el álbum Blues on Broadway, grabado con los temas del espectáculo.

A comienzos de los noventa, la dupla creó Noche Tropical, centrada en la rumba y el son cubano. El proyecto, realizado en colaboración con la empresa pública cubana Artex, se estrenó en Tokio y Kobe en 1992, liderado por el bailarín Luís Tellez del cabaret Tropicana.

La obra fue galardonada como Mejor Espectáculo Musical del Año por la Asociación Japonesa de Escritores de Música, a pesar de competir con los shows de Michael Jackson y Madonna. La muerte repentina de Orezzoli, con solo treinta y ocho años, supuso un duro golpe para Segovia.

Durante la década de 1990, Segovia enfrentó conflictos contractuales con productores estadounidenses, quienes montaron espectáculos de tango en competencia directa, aprovechando cláusulas de exclusividad. No obstante, el fenómeno de Tango Argentino creció hasta convertirse en una leyenda, y la obra fue repuesta en Broadway en coincidencia con el cambio de milenio, obteniendo nuevas nominaciones a los Premios Tony y renovando su éxito con un elenco actualizado.

En el último tramo de su carrera, continuó explorando las raíces de las culturas populares. En 2005, presentó Brasil Brasileiro, un espectáculo que recorre la evolución del samba y otras expresiones coreográficas brasileñas, con la participación estelar de Elza Soares, mientras que en 2008, diseñó y dirigió Maipo siempre Maipo para el centenario del Teatro Maipo de Buenos Aires, logrando un éxito de público con 50.000 asistentes en tres meses y el reconocimiento del Premio ACE al mejor espectáculo del año.

En 2011, la Cámara de Diputados de la Nación Argentina lo homenajeó por su aporte a la difusión y permanencia del tango. Su legado, marcado por la reivindicación de las culturas populares y la excelencia artística, permanece vigente en la memoria del teatro y la música internacional.

En la bulliciosa escena teatral de Nueva York, una obra inusual está generando controversia y curiosidad a partes iguales. Slam Frank, un musical que combina rap, humor, activismo y el legado de Ana Frank, sacude el off-Broadway con una propuesta provocadora que nadie esperaba.

En plena crisis creativa, Fox escribió un rap inspirado en “8 Mile”, dando voz a una adolescente rebelde que rimaba desde el ático en el que la familia permaneció escondida: “Cuando este encierro termine, me van a buscar, mis prosas fortalecidas / y si sobrevivir no es la jugada, seré una escritora fantasma.”

La Ana Frank de Fox se presenta como una joven latina criada en los barrios de Frankfurt, con un padre que proclama su neurodivergencia y un amor imposible por Peter, un refugiado cuya identidad impulsa la balada “No binario”.

Durante meses, Fox desarrolló canciones y reclutó colaboradores, conscientes de los riesgos de asociarse al proyecto. Un actor que mostró el libreto a su representante recibió una advertencia: el espectáculo podía percibirse como una burla al teatro progresista más que una reinvención.

A pesar de la preocupación, el elenco continuó y Slam Frank cobró vida. Fox, bajo seudónimo, organizó una lectura preliminar y concretó una presentación en el teatro Asylum NYC de la calle East 24th, un espacio íntimo con 150 butacas.

El crecimiento en redes sociales fue parte de la estrategia: Slam Frank acumuló seguidores en Instagram y TikTok, donde Fox respondía con ironía a cuestionamientos frecuentes –desde el hecho de que Ana Frank hable español (“¿Porque es inmigrante?”) hasta las comparaciones con Kanye West, asegurando que anticiparon sus movimientos simbólicos–. Ante sospechas de montaje, respondía reiteradamente: “Slam Frank es un musical real.”

La trayectoria de Fox nunca fue lineal. Criado en los suburbios de Los Ángeles, dentro de una familia judía involucrada en arte y política —su bisabuelo, Charles Newman, fue compositor, y su abuelo, David Ellis, guionista y actor de radio interrogado en 1952 por el Comité de Actividades Antiestadounidenses— se formó en la música y el teatro, pero eligió los caminos de la orquestación y la docencia sobre el escenario. La industria teatral lo desilusionaba: “Me sentía ajeno a una industria más interesada en lanzar mensajes que en contar historias.”

Sus críticas alcanzaban a espectáculos que, según él, imitaban a Hamilton y asumían que el público compartía la misma mirada política. Fox incluso pensó que “no volvería a ver nada bueno”. Sin embargo, Slam Frank está repleto de homenajes al género musical: la escenografía alude a las puestas de Jamie Lloyd, y el cierre recrea “Keep Marching” de Shaina Taub, con el elenco recordando: “El progreso es posible, no está garantizado”.

La influencia de Lin-Manuel Miranda aparece en la cadencia y la inspiración latina de la obra. Slam Frank también absorbe la irreverencia de Book of Mormon. PJ Adzima, productor vinculado a ese musical, resume el potencial de la nueva pieza: “Slam Frank es como descubrir plutonio. Bien usada, es un reactor nuclear; mal usada, es Chernóbil”.

La recepción mediática del musical ha sido positiva. The New York Times lo definió como “ingenioso” y “provocador”. El London Times elogió la producción llamándola “el musical más brillante de Nueva York” y auguró que podría “salvar Broadway”.

Incluso las críticas negativas favorecieron su popularidad: Fox News lo tachó de “grotesco” y una petición para cancelarlo, que no llegó a mil firmas, solo aumentó la curiosidad del público. Lo que inicialmente era una temporada de tres semanas se extendió a cuatro meses, finalizando el 28 de diciembre.

La ironía se traslada al vestíbulo: los espectadores pueden adquirir gorras con la leyenda “PROBLEM ATTIC” y una kipá exclusiva de la obra. Fox incorpora el rol ficticio de director artístico regional, representando la voz del establishment dentro de Slam Frank.

El guion, firmado oficialmente por Joel Sinensky, convierte el musical en una meta-comedia: la acción comienza con un discurso del gerente artístico, que sirve de chivo expiatorio para cualquier incomodidad provocada.

En tanto, Fox no redujo la obra a bromas sobre advertencias de contenido o “espacios seguros”; su objetivo era sumergir al público en el dilema de personajes encerrados en un ático que proclaman: “Afuera libran una guerra, pero aquí luchamos contra las expectativas.”

Las canciones trascienden la parodia. Fox sostiene: “Si compongo un himno queer, debe ser algo que un grupo de jóvenes quiera interpretar en un colegio.”

Antes de cada función, el elenco debatía dos momentos en los que algún espectador abandonaba la sala. Para Alex Lewis, actor y productor que interpreta “No binario”, ese efecto es buscado: “Hay partes del show pensadas para incomodar.”

Por su parte, Austen Horne, quien da vida a Edith (madre de Ana), reconoce que la incomodidad no afecta solo a los grupos parodiados: “Slam Frank impacta a nuestros propios círculos. Muchas personas jóvenes, queer y radicales que conozco tienen otra visión. Algunos se sienten ofendidos y, aunque todos ovacionen de pie, siguen sentados, incapaces de aplaudir por lo que acaban de presenciar”.

El entusiasmo del público, palpable en la última función, refuerza el sueño de alcanzar un escenario más cercano a Broadway. Los productores conocen la complejidad de esa meta: si otros espectáculos saltaron de Asylum NYC al éxito, Slam Frank necesita cautivar a espectadores sin expectativas previas y sin familiaridad con la polémica que lo acompaña.

Tras la última función, Anya van Hoogstraten (Margot) relataba la intensidad emocional de su monólogo más provocador, interrumpida por un seguidor que le confesó: “No pude dejar de reírme cada vez que hacías algo”.

El futuro de la obra aún es incierto, pero su éxito ya abre la puerta para saltar a un escenario mayor. Fox y su equipo sueñan con llevar Slam Frank hacia el corazón de Broadway, aunque eso implique volver a desafiar al público. La obra sigue sumando seguidores y críticas, demostrando que el teatro en Nueva York sigue siendo capaz de sorprender y dividir con propuestas audaces.

Mientras tanto, Fox planea nuevos ajustes y mejoras, convencido de que el riesgo es parte esencial del arte. Ante la posibilidad de un fracaso mayor en un teatro más importante, el desafío será descubrir hasta dónde llegan los límites del público y los suyos propios.

Durante más de tres décadas, Nacho Cano no había producido ni recuperado repertorio de Mecano para un nuevo proyecto musical ni para promover voces femeninas en escena. Según detalló Europa Press, esta situación cambió con la invitación realizada a Gala Montes, artista mexicana, quien participará en el espectáculo ‘Ibiza Paradise’ en el escenario de los Cines Callao de Madrid. Montes tomará el papel de Marta y ofrecerá su interpretación de ‘Mujer contra Mujer’, un tema considerado emblemático del pop español.

Europa Press consignó que Gala Montes actuará como invitada especial el viernes 28 y el domingo 30 de noviembre. La propia cantante relató en Canal 33 TV que sus inicios en las artes escénicas datan de la infancia en México, donde comenzó su carrera como actriz a los seis años. Posteriormente transitó hacia la música, motivada por el impacto que le provocó el musical ‘Hoy no me puedo levantar’. En la entrevista recuperada por Europa Press, Montes explicó el inicio de su relación artística con Nacho Cano, exintegrante de Mecano: “Después de muchos años, hace unos meses, conecté con Nacho Cano. Y bueno, ahora me invitó a cantar en su obra de teatro en México, en La Malinche”. Tras esa experiencia, Cano la convocó para actuar en ‘Ibiza Paradise’ junto al artista Jacob.

El personaje de Marta, interpretado por Montes, fue delineado como una joven con aspiraciones de triunfar en el cine, quien está próxima a audicionar y que se involucra emocionalmente con el protagonista de la historia. La artista describió que la narrativa romántica del espectáculo se despliega a través de icónicas canciones, permitiendo que el público descubra el vínculo entre ambos personajes. Según relató la cantante, siente que Marta es “su sweet Caroline”, una referencia afectiva para caracterizar la relación que se desarrolla en la trama.

En cuanto al repertorio musical, Gala Montes subrayó ante Europa Press el significado de la canción ‘Mujer contra Mujer’, señalando la relevancia personal y social que tiene dicho tema. “Estoy muy honrada y muy agradecida. Nacho llevaba más de 30 años de no reproducir algo de Mecano y producir a alguien más. Y por eso me siento muy honrada”, afirmó la artista. Montes también apuntó la importancia del tema para grupos diversos de mujeres, enfatizando que, en un sector artístico como el de la música donde persisten los desafíos, la posibilidad de interpretar esta canción se convierte en un aliciente para aquellas personas que aún enfrentan miedos o limitaciones de libertad. “La carrera de cantante es muy difícil. Que él me haya dado esta gran oportunidad de interpretar este tema en el que muchas mujeres que se sienten todavía con miedo y sin libertad, puedan sentirse agradecidas”, declaró la cantante en la entrevista distribuida por Europa Press.

Montes compartió aspectos de su experiencia personal relacionados con el mensaje de la canción. La artista reveló públicamente: “Digamos que salí del clóset hace un par de años y, pues, es una canción que representa demasiado”. Respecto al desafío que enfrenta al asumir la interpretación de un referente del repertorio musical en español, Montes reconoció: “Sí fue una gran responsabilidad, pero bueno, yo creo que a Nacho le gustó por algo, de haber sido”.

En palabras dirigidas a quienes asistirán al espectáculo, Gala Montes anticipó que la función ofrece una experiencia festiva y apta para públicos diversos: “Se la van a pasar increíble. Es una gran fiesta. Es un gran momento para olvidarse de todo lo que está pasando. Disfrutar, ir con su familia, comer rico y bailar”, según recuperó Europa Press.

Por su parte, Jacob Stankley, protagonista junto a Montes en ‘Ibiza Paradise’, ofreció una descripción de la esencia del montaje. El actor caracterizó la obra como “una fiesta donde tú vas y sabes que te lo vas a pasar bien, que vas a disfrutar”. También explicó que el musical recorre la historia de la isla de Ibiza a través de las agrupaciones ícono del rock and roll y documenta la transformación del destino balear en una “leyenda pura”, según publicó el mismo medio.

Stankley describió su rol dentro del espectáculo como maestro de ceremonias, aclarando que se trata de un personaje flexible que adopta diferentes facetas a lo largo de la representación. Explicó que su participación representa “el espíritu fiestero de Ibiza que guía a los protagonistas”, con apariciones en múltiples escenas bajo distintas identidades. El proceso de preparación, detalló en declaraciones que recoge Europa Press, consistió en una residencia creativa con el elenco original en Ibiza, donde diseñaron la propuesta artística desde cero. El actor rememoró que esa experiencia constituyó su primer acercamiento a la isla: “Yo no conocía Ibiza, que va, nunca en mi vida”.

Sobre la labor de Nacho Cano en la dirección del proyecto, Jacob Stankley relató que la decisión de llevar al equipo a Ibiza respondió al interés por sumergirlos en el contexto real de la obra y fortalecer la conexión creativa. El actor destacó además el carácter interactivo del espectáculo. Según reportó Europa Press, Stankley describió ‘Ibiza Paradise’ como un montaje “con mucha libertad”, en el que los asistentes pueden bailar, cantar o levantarse cuando lo deseen. En distintos números, los actores interactúan directamente con el público, que se incorpora al baile y forma parte activa de la función.

En relación con el enfoque escénico, Stankley reveló que la producción integra elementos de teatro con recursos audiovisuales en tiempo real. Una cámara presente en sala transmite las acciones de los asistentes y los actores, de modo que el público aparece proyectado en pantalla como parte del espectáculo, lo que suma una dimensión cinematográfica al montaje, describió el actor según Europa Press.

La participación de Gala Montes en ‘Ibiza Paradise’ marca una colaboración entre la escena musical mexicana y la española bajo la batuta de Nacho Cano, quien retoma la música de Mecano para dar un nuevo impulso a la diversidad y la visibilización femenina dentro del género teatral y musical. El musical plantea recorridos emotivos y simbólicos por medio de canciones reconocidas, al mismo tiempo que invita a la audiencia a sumarse presencialmente y en pantalla en una experiencia que, según expresaron sus protagonistas, tiene vocación de fiesta compartida.

“Ya nos despedimos una vez. La segunda despedida tiene que ser un poco menos dura, menos desgarradora... pero también más madura”, confiesa Ceci de la Cueva, con la voz algo nostálgica y serena, al hablar sobre lo que significa interpretar nuevamente -y quizás por última vez- a Glinda en el inminente estreno de Wicked: por siempre. A su lado, Danna asiente y comparte: “La mitad de mí es gracias, mucho, a Elphaba y lo que me ha construido. Y por supuesto a mi Glinda, pero creo que mucho del aprendizaje de esto es poder seguir evolucionando y que siga creciendo”.

“La vida es muy bella cuando logras tus sueños. Requiere disciplina, requiere pasión, pero todo llega si sabes trabajar por ello”, añade Ceci, en una charla teñida de admiración mutua y gratitud no sólo hacia la historia que las unió, sino hacia el público y el legado que ambas han construido desde aquel montaje inaugural en Ciudad de México en 2013. “Me llena de honor compartirlo con ella”, suma, señalando a Danna, y el aire se impregna de la emoción genuina que acompaña a dos artistas que viven, sienten y agradecen cada resurgimiento de sus personajes.

Ahora, a pocos días del estreno de la segunda y última parte de Wicked en cines, donde las dos regresan como las voces oficiales de Elphaba y Glinda en el doblaje al español, la conversación se transforma en un emotivo testimonio sobre los finales, los comienzos y ese puente intangible entre el teatro, el cine y los sueños cumplidos.

Danna y Cesi han interpretado a estos personajes tanto en teatro como en cine. Cuando pensaron que su tiempo con Elphaba y Glinda en los escenarios era un momento del pasado, un nuevo capítulo relacionado con el cine se abrió para ellas. Sin embargo con el estreno de Wicked: para siempre, quizás es momento de dar el adiós definitivo.

El peso emocional del adiós

Para Danna y Ceci de la Cueva, el reencuentro con sus personajes no sólo es motivo de celebración profesional, sino también de una reflexión agridulce. El regreso de Elphaba y Glinda marca la extensión de un vínculo profundo que, para ellas, trasciende la escena teatral y ahora queda grabado en la memoria colectiva a través del cine.

“Ahora, aunque es una despedida una vez más, el trabajo que hicimos en esta ocasión ya no se queda en la mente de todos, ya hay algo físico, ya se queda para siempre”, reflexiona Ceci, subrayando la diferencia entre lo efímero del teatro y la permanencia material que ofrece el doblaje de una película internacional.

Danna, por su parte, reconoce el proceso de madurez adquirida con el paso del tiempo: “(La despedida) es más madura. También hemos aprendido a soltar más. Hemos aprendido”. La actriz y cantante reconoce que el crecimiento artístico y personal la han preparado para enfrentar este nuevo “adiós”, quizás menos desgarrador, pero igualmente significativo.

“Sé que suena bien loco, pero sí compartimos (el cuerpo con sus personajes). Y nos inspiró a nosotras (al crecer). Nosotras también fuimos niñas que no... Bueno, ella no, pero niñas que no se dedicaban a esto”, comparte Ceci, reconociendo el legado artístico de su compañera, quien sí se ha dedicado al mundo artístico desde los cuatro años.

Lo cierto es que, en su tono, se percibe un orgullo sereno. “Nos llena de mucho honor, de mucho orgullo que nuestro amor y nuestra pasión preceda nuestro trabajo y más siendo guardianas de Elphaba y de Glinda”, expresa Ceci.

Para ambas, el haber transitado este viaje desde el teatro hasta el cine significa dejar una huella tangible para quienes vengan después. “Saber que nuestro trabajo se quede plasmado para futuras generaciones, para todos los de habla hispana, sí es un relief muy bonito”, concluye, con Danna de acuerdo; ambas conscientes de la huella indeleble que dejan no solo en la historia de Wicked sino en el imaginario cultural mexicano y latinoamericano.

Volver a ser Elphaba y Glinda: entre el teatro y el cine

Revivir a Elphaba y Glinda no fue un simple ejercicio de memoria, sino un reencuentro con una parte esencial de la identidad artística de Danna y Ceci de la Cueva. Volver al universo de Wicked significó conectar nuevamente con los rituales, las emociones y los recuerdos que ambas llevaron desde las tablas del teatro mexicano hasta la experiencia única del doblaje cinematográfico.

“Encarnar al personaje una vez más... Yo siempre lo he dicho y creo que Glinda y Elphaba viven en nosotras desde hace doce años, en nuestro ADN”, comenta Danna. Para ella, volver a ser Elphaba es reencontrarse con una fuente constante de fuerza y aprendizaje: “Arriba del escenario, yo siempre que trato de encontrar fuerza o algo, recuerdo a Elphaba, es como que... está ahí”.

La conexión entre ambas intérpretes trasciende lo meramente laboral. “También, al igual que Dana, Glinda es parte de mí y yo no sería esta persona si yo no hubiera conocido a Glinda, (si no) me hubiera dejado encarnarla porque compartimos el mismo cuerpo”, reflexiona Ceci. La interpretación de Glinda le permitió descubrir nuevas facetas de sí misma y, al mismo tiempo, inspirar a quienes alguna vez soñaron con alcanzar un escenario importante.

El proceso de regresar a Wicked para esta adaptación implica tomar todo lo aprendido en el teatro y usarlo como cimiento. Las vivencias y rituales de la época de funciones aún marcan su manera de aproximarse al trabajo. Como expresa Danna, “Mucho del aprendizaje de esto es poder seguir evolucionando y que siga creciendo y que sigamos, de verdad, en algún futuro, sacando estos aprendizajes en más proyectos”. Ambas reconocen, además, que ese ciclo de inspiración es parte del legado del musical: “Quiero que la gente sepa que los sueños sí se alcanzan, sí se cumplen y la vida es muy bella cuando lo logras”, sentencia Ceci.

Ese lazo entre teatro y cine, entre el pasado y el presente, convierte cada nuevo “hola y adiós” de Elphaba y Glinda en una celebración del esfuerzo, la disciplina y el amor por el arte que marcó a dos actrices y, con ellas, a toda una generación de espectadores.

La evolución en el doblaje: de la primera película a ‘Wicked por siempre’

La transición de Danna y Ceci de la Cueva del teatro al doblaje cinematográfico trajo consigo nuevos retos y aprendizajes. Adaptarse a la dinámica del doblaje, especialmente en una película de la magnitud de Wicked, les exigió reinventarse, pero sin perder la esencia de sus icónicos personajes.

Danna reconoce que existieron diferencias fundamentales entre ambos procesos creativos: “En teatro teníamos que obviamente proyectar mucho más la voz y al final estás utilizando todo tu ser como para actuar el personaje. Creo que aquí, conociendo ya la historia, conociendo muy bien a los personajes, no teniendo mucho tiempo de haberlo revivido de nuevo, creo que el proceso creativo en este caso viene desde escuchar muy bien, desde leer muy bien desde dónde viene, hacer tu trabajo de mesa...”.

Ahora, el trabajo de doblaje fue más íntimo, con la oportunidad de explorar nuevas capas emocionales desde la voz: “No pensar tanto en que si quedaba muy bien la labial, que si decías muy bien la traducción, que es maravillosa, pero creo que ya viene desde un lado más de adentro, y con muchísima más información y con mucho más peso, con mucha más profundidad”, explica Danna.

La llegada de nuevas canciones y el reencuentro con emociones pasadas permitieron abordar la historia con una energía diferente: “Tiene una energía muy especial. Creo que Wicked: por siempre tiene todavía más peso que Wicked 1. Al final, la primera parte es bastante mágica y efusiva. Y aquí creo que al momento de doblarla y al momento de ver también la película como que sentamos, yo disfruté muchísimo más, como que estuve mucho más tranquila.”

Para Ceci de la Cueva, el doblaje supuso también una invitación a profundizar en aspectos menos brillantes de su personaje y, por extensión, de sí misma: “Explorar nuestra parte sombría, ¿no? Como mujeres, porque siempre te dicen: ‘A ver, sé linda y pórtate bien y haz esto y lo que sea’. Y cuando logras explorar esta otra parte, la parte que siente, la parte que piensa, la parte que analiza, es un encanto.” Compartir este descubrimiento con Danna fue, en sus palabras, “precioso, pero ahora que se queda por siempre”.

Este proceso, marcado por la madurez y la experiencia, les permitió transformar el desafío técnico del doblaje en una oportunidad para dejar un rastro indeleble. Ambas, conscientes de su papel como las voces hispanoamericanas oficiales de Glinda y Elphaba, asumen su compromiso con la honestidad de quienes saben que están brindando una interpretación destinada a trascender generaciones.

Las nuevas canciones en ‘Wicked por siempre’

En el universo de Wicked, la música no es solo un acompañante, sino el eje que revela emociones, transforma escenas y deja huella en el público. Para Danna y Ceci de la Cueva, cada canción representa una experiencia profundamente personal y, al mismo tiempo, un lazo con todos aquellos que alguna vez soñaron y creyeron en la magia.

Para Danna, el regreso a las melodías emblemáticas de Elphaba es un recordatorio constante del crecimiento. Sin embargo, en esta segunda entrega, la incorporación de nuevas canciones permitió “darle un peso distinto, mucha más profundidad… con muchísima más información y energía especial”, asegura.

Ambas coinciden en la relevancia que tiene poder interpretar estas piezas no sólo para México, sino para el público de habla hispana en todo el mundo. Saber que, mediante el doblaje, sus voces llegarán a personas que se emocionarán, reirán y reflexionarán con las mismas canciones que ellas cantaron sobre el escenario es “muy satisfactorio”, repite Danna.

El regreso de Danna y Ceci de la Cueva como las voces de Elphaba y Glinda en Wicked: por siempre es también una invitación para que el público mexicano y latinoamericano vuelva a emocionarse con esta historia de sueños, transformación y amistad.

El estreno está programado para el próximo jueves 20 de noviembre en cines de toda la República, lo que consolida así un capítulo esencial para el teatro y el cine musical en español.

Hace 15 años, el Teatro Lope de Vega abrió sus puertas para acoger el estreno de El Rey León: un musical que se ha convertido en emblema de la capital española. Su fama le precedía, haciendo predecir su éxito en Madrid.

Desde entonces, se han presentado más de 5.300 funciones y el musical ha marcado más años en cartel de forma continua que ningún otro espectáculo. Cada noche, unas 150 personas se reúnen para presentar un espectáculo inolvidable.

Detrás de las cortinas, moviendo los hilos, está Zenón Recalde, que, desde hace cerca de una década, guía a todo el elenco junto con el director musical, Sergi Cuenca, y el coreógrafo residente, Giovanni Napoli. Pocas personas conocen tan bien como él los ingredientes que han logrado convertir a El Rey León en un verdadero fenómeno musical. Porque su éxito, según afirma para El Mundo, “no es casualidad”.

El director residente de la obra explica que este musical tiene una historia que, a pesar de ser representada por animales, tiene algo muy humano, una búsqueda de la identidad que la hace muy representativa y entretenida tanto para los más pequeños como por sus padres: “Todos tenemos un Timón en la familia, o conoces a algún Pumba, o un Scar, aunque no sea tan oscuro como este… Y luego están los valores de la espiritualidad, de la amistad…”, cuenta el director artístico durante la entrevista con el medio anteriormente mencionado.

Los creativos de Broadway

Recalde también cuenta que los creativos de Broadway supervisan todas las producciones del mundo, porque “Disney cuida mucho del producto para que la gente no piense: ‘Yo la vi en Broadway y es mejor’. La versión española no es la hermana menor”.

Además, el director artístico reconoce que no se puede vivir con los éxitos del pasado, por lo cual él y su equipo mantienen el rigor que llevan desde el primer día, revisando las escenas, renovando el reparto: “No cambiamos por cambiar. Es un show muy duro de hacer, muy difícil y exigente. Requiere, además de técnica, resistencia. Y nuestro trabajo es mantener la energía de cada una de las personas que integran el elenco.”

La persona detrás de Simba

Es este mismo espíritu que conserva Agustín Argüello, el actor que ha interpretado a Simba en unas 2.500 funciones como titular. Empezó en México, donde formó parte del elenco inicial, y continuó en la Gran Vía madrileña, donde es el rey desde hace ya cinco años.

“Hay que cuidar la alimentación, el cuerpo, la garganta... Requiere y demanda mucho (entre ocho y nueve funciones a la semana), pero es un esfuerzo que vale la pena cuando hay gente que te dice que el musical les cambió la vida, que les ha hecho olvidarse de sus problemas o recordar cosas que habían olvidado”, explica el actor en una entrevista para el mismo medio.

Esfuerzo y responsabilidad

15 años haciendo el mismo espectáculo no son pocos, pero a pesar de que el montaje apenas ha cambiado, el esfuerzo sigue siendo el mismo que el primer día: “Mantener la calidad es una responsabilidad grande”, explica a El Mundo José Luis Pereda, jefe de regiduría.

Según él, la complejidad está no solo en conseguir que todo salga bien, sino también de resolver los problemas de forma orgánica: “El 90% de las cosas nos han pasado, pero siempre hay algo que nos sorprende. En ese caso, la seguridad y la calidad prima. Y si es necesario, se para”.

Sin embargo, y pese a los pequeños inconvenientes, El Rey León se ha convertido en un éxito indiscutible en Gran Vía, y ha logrado atraer a la capital a visitantes de cualquier rincón, dado que el 70% de los espectadores son turistas.

“Se ha potenciado la marca hasta tal punto que ya se ha convertido en una atracción más, en parte del paisaje. Es un hito del teatro y un reclamo muy grande”, explica el director artístico.

La próxima temporada de Broadway será testigo de un regreso inesperado: CATS: The Jellicle Ball, una versión renovada del clásico musical de Andrew Lloyd Webber, se prepara para su estreno en el Broadhurst Theatre el 18 de marzo de 2026, con funciones previas al debut oficial del 7 de abril. Esta nueva producción, que ya cosechó elogios en su paso por el Perelman Performing Arts Center en 2024, abandona los tradicionales disfraces felinos y sitúa la acción en el corazón de la escena Ballroom, el vibrante submundo LGBTQ creado por comunidades negras y latinas en los años 80.

La dirección de este montaje recae en Zhailon Levingston y Bill Rauch, mientras que la coreografía está a cargo de Arturo Lyons, ganador de la segunda temporada de Legendary, y el reconocido bailarín de vogue Omari Wile.

El elenco, que combina figuras del teatro con referentes del Ballroom, mantiene a todos sus integrantes de la etapa Off-Broadway. Entre ellos destacan el ganador del Tony y del Grammy André De Shields como Old Deuteronomy, Jonathan Burke como Mungojerrie, Baby Byas como Victoria, Sydney James Harcourt como Rum Tum Tugger, Dava Huesca como Rumpleteazer, Dudney Joseph Jr. como Munkustrap, Junior LaBeija como Gus, Robert “Silk” Mason como Magical Mister Mistoffelees, “Tempress” Chasity Moore como Grizabella, Primo Thee Ballerino como Tumblebrutus, Xavier Reyes como Jennyanydots, Nora Schell como Bustopher Jones, Bebe Nicole Simpson como Demeter, Emma Sofia como Cassandra/Skimbleshanks, Garnet Williams como Bombalurina y Teddy Wilson, Jr. como Sillabub. La producción anunciará más incorporaciones próximamente.

El fenómeno de Cats se remonta a 1982, cuando debutó en Broadway bajo la dirección de Trevor Nunn y la coreografía de Gillian Lynne, tras su estreno en el West End londinense un año antes. Inspirado en el libro de poemas de T.S. Eliot, Old Possum’s Book of Practical Cats, el musical narra la reunión anual de la tribu Jellicle, donde uno de sus miembros es elegido para renacer en la Heaviside Layer. La obra se convirtió en un éxito inmediato, recibiendo siete premios Tony, incluido el de Mejor Musical, y estableciendo récords de taquilla con más de 7.400 funciones a lo largo de 18 años, hasta su cierre en 2000. Este hito marcó el inicio de la era de los “mega-musicales” británicos, abriendo el camino a títulos como The Phantom of the Opera y Les Misérables.

La partitura de Lloyd Webber, con letras de Eliot, Trevor Nunn y Richard Stilgoe, se consolidó como una de las más apreciadas del teatro musical. En el centro de la obra destaca la balada “Memory”, interpretada originalmente por Elaine Paige en Londres y Betty Buckley en Nueva York, y versionada posteriormente por artistas como Barbra Streisand y Barry Manilow. El éxito de Cats demostró que un espectáculo con escasa trama y gran despliegue coreográfico podía dominar la taquilla y transformarse en una marca global.

Más allá de su impacto comercial, Cats dejó una huella profunda en la cultura popular. Su estética, con actores desplazándose en escena maquillados y vestidos como felinos, fue objeto de parodias en programas como The Simpsons, Saturday Night Live y Caroline In the City. La adaptación cinematográfica de 2019, dirigida por Tom Hooper y protagonizada por figuras como Jennifer Hudson, Idris Elba, Judi Dench, Rebel Wilson, Jason Derulo y Taylor Swift, no logró el favor del público ni de la crítica, en parte por el uso de la llamada “tecnología de pelaje digital”. A pesar de su fracaso en taquilla, la película consolidó el estatus de Cats como un clásico de culto, capaz de generar conversación incluso en sus momentos menos afortunados.

La nueva versión, CATS: The Jellicle Ball, se distancia de los elementos visuales tradicionales y apuesta por una experiencia inmersiva centrada en la autenticidad y la inclusión. André De Shields explicó a CBS News New York en julio de 2024: “No hay bigotes, no hay pelaje, no hay colas, pero hay mucha mitología sobre cómo convivir sin juzgar y permitiendo que las personas sean quienes dicen ser y tan auténticas como deseen ser. Y como decimos, lo estamos logrando”.

El regreso de Cats a Broadway coincide con un momento de renovado interés por la obra de Lloyd Webber. La reciente versión de Sunset Blvd. encabezada por Nicole Scherzinger fue galardonada con el Tony, mientras que el revival de Evita con Rachel Zegler agotó localidades en el West End, y The Phantom of the Opera volvió a Nueva York en una producción inmersiva titulada Masquerade.

Las entradas para CATS: The Jellicle Ball estarán disponibles en preventa para miembros de Audience Rewards y seguidores a partir del martes 14 de octubre, mientras que la venta general comenzará el jueves 16 de octubre. Las políticas de venta para “The Runway” se darán a conocer en la primavera, antes del inicio de las funciones previas.

Aristarán, reconocido por su carisma y una versatilidad probada sobre el escenario, se muestra dispuesto a aportar su impronta única a un personaje con una tradición tan intensa en la cultura popular. Su elección para el papel principal responde tanto a la búsqueda de un intérprete capaz de conjugar humor, emoción y creatividad desbordante, como también a una estrategia de producción enfocada en conectar con públicos de todas las edades.

La noticia de su incorporación alimenta las expectativas del público y de la industria teatral, que ve en la figura de Willy Wonka una oportunidad para explorar nuevas lecturas sobre la adaptación de la famosa historia de Roald Dahl. Quienes siguen la carrera de Rada destacan su capacidad para asumir roles complejos, y anticipan una construcción de personaje que se distinguirá tanto por sus matices emotivos como por su energía sobre el escenario. El período de preparación ya está en marcha, con ensayos y desarrollo de personaje pensados para que el actor explore a fondo al genial inventor de chocolates. Se espera que su versión de Willy Wonka combine rasgos de ternura y extravagancia, ese equilibrio que define a un personaje tan enigmático como entrañable.

El arribo de Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show a la Argentina se anuncia como uno de los acontecimientos más importantes. La producción, bajo el sello de Ozono, MP y Los Rottemberg, tiene antecedentes de gran éxito en la cartelera nacional, como La Sirenita, Matilda y School of Rock, obras que sumaron más de 500 mil espectadores. La versión porteña, que se presentará con licencia de Music Theatre International (MTI), promete replicar el impacto internacional del musical, adaptando su imponente puesta en escena a las dimensiones del Gran Rex. La historia, basada tanto en la célebre novela de Roald Dahl como en la recordada película encabezada por Johnny Depp, mantiene el anclaje en el universo fantástico del personaje principal y del joven Charlie Bucket.

El fenómeno internacional ya cosechó elogios desde su puesta inicial en el West End londinense en 2013, bajo la dirección de Sam Mendes, hasta su salto a Broadway y la gira estadounidense. Ahora la promesa en Buenos Aires es redoblar la apuesta, iniciando la búsqueda de nuevo elenco infantil y apuntando a construir una propuesta que combine música, danza, actuaciones en vivo y una prodigiosa imaginación. La adaptación local busca marcar un antes y después en la agenda teatral, alimentando el entusiasmo de quienes esperan una experiencia a la altura de las grandes producciones globales.

Willy Wonka emerge como el epicentro mágico de esta historia. El personaje, dueño de la mítica fábrica donde la fantasía se fusiona con el aroma al chocolate, concentra en sí mismo el misterio y el encanto de un mundo donde todo parece posible. De mirada inquieta y un humor inconfundible, el chocolatero invita tanto a los niños como a los adultos a sumergirse en una aventura donde la imaginación nunca tiene límites. Se presenta como un genio capaz de transformar el chocolate en magia y de encender la curiosidad en cada espectador. Esta figura, rodeada siempre de un aura de asombro y creatividad, sostiene la narrativa e impulsa a los protagonistas a descubrir universos desconcertantes en una travesía inolvidable.

La visión de los productores sobre esta novedosa incursión subraya la intención de que cada temporada represente una experiencia irrepetible. “Después del suceso de La Sirenita, Matilda y School of Rock, que convocaron a más de 500 mil espectadores, llega el momento de Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show. Cada temporada elegimos únicamente títulos que también disfrutamos como espectadores junto a nuestras familias: ese es nuestro lema. Además, queremos que cada artista pueda vivir el sueño de su vida arriba del escenario y también en el backstage. Cada nueva temporada es más que un espectáculo: es una experiencia única, llena de música, emoción y magia”, manifestaron desde la producción.

La propuesta que presentará Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show apuesta a una puesta de escenario que combina música, danza, actuaciones en vivo y la potencia de una gran escenografía para transportar al público al entrañable universo de Willy Wonka. Con el foco puesto en emocionar, sorprender y estimular la imaginación, la obra se perfila como un evento familiar de envergadura para el próximo año en Buenos Aires y como un eslabón más en la consolidación del género musical en Argentina.

Mucha gente conoce la historia del Ferrocarril Subterráneo: era una red secreta que ayudó a los esclavos fugitivos del sur de Estados Unidos a escapar hacia el Norte.

Esa es la única versión que conocía Brian Quijada; pero en 2017, leyó un artículo sobre los miles de esclavos que huyeron a México en el siglo XIX. Hacía tiempo que a Quijada le interesaban las historias de migración; entre sus obras anteriores se encuentran "Where Did We Sit on the Bus", un relato autobiográfico de 2016 sobre su crianza como latino, y "Somewhere Over the Border", una publicación de 2022 inspirada en el trayecto real que su madre llevó a cabo desde El Salvador hasta Estados Unidos.

En 2020, Quijada conoció en una conferencia a Nygel D. Robinson, un colega compositor, y le propuso la idea de contar aquella historia de la migración hacia el sur, pero con un giro: también detallarían el entorno político actual, en el que abunda una severa retórica sobre los inmigrantes. Los años siguientes, se dedicaron al desarrollo de un musical que fusiona la interpretación instrumental en directo con la tecnología: las pistas de acompañamiento de las canciones se componen en el escenario, y así se crea una experiencia en vivo más envolvente.

El producto final, "Mexodus", tiene ecos de "Hamilton", de Lin-Manuel Miranda, y de "Latin History for Morons", de John Leguizamo.

Tras presentarse el año pasado en la Mosaic Theater Company de Washington D. C., en el Baltimore Center Stage y en el Berkeley Repertory Theater, la producción llegó este mes a Nueva York, al Minetta Lane Theater de Audible. (Está programado que termine su temporada en ese teatro el 18 de octubre). En su crítica para The New York Times, Brittani Samuel la calificó de "experiencia teatral electrizante" en la que "Quijada y Robinson se convierten en la encarnación física de la unidad que predican".

La unión de la población negra y morena es uno de sus principales temas. Bajo la dirección de David Mendizábal, "Mexodus" cuenta la historia de Henry, un hombre negro que huye de la esclavitud en Texas y cruza el río Bravo hacia México. Allí se encuentra con Carlos, un mexicano que fue soldado durante la intervención estadounidense en México.

En una entrevista reciente, Quijada, de 36 años, nativo de Chicago, y Robinson, de 32, nacido en La Grange, Carolina del Norte, hablaron sobre la composición de la música y las letras, y sobre la actuación en el espectáculo, así como del lugar que ocupa el musical en el entorno político actual. A continuación, fragmentos editados de la conversación.

P: ¿Qué tanto pensaste en las políticas migratorias actuales al escribir este musical?

NYGEL D. ROBINSON: Diría que mucho, si hablamos de los paralelismos. Eso siempre estaba en nuestra mente, intentáramos expresarnos al respecto o no.

BRIAN QUIJADA: He escrito sobre migración desde 2013. Y creo que la tragedia es que todo ha empeorado.

Q: ¿Qué ha empeorado, en concreto?

QUIJADA: La retórica, la política, los millones de dólares que se destinan a ICE. Ya sé que también hay artículos sobre cómo [el expresidente] Obama deportó a muchísima gente, pero creo que ahora hay un odio que no se percibía cuando empecé a escribir sobre migración.

Q: ¿Sientes que tu espectáculo tiene más relevancia ahora que cuando se te ocurrió la idea?

QUIJADA: Ahora parece un tema urgente.

Estar en el escenario ofrece una plataforma en la cual se puede expresar toda esa energía. Tenemos la oportunidad de transmitir la rabia de forma extraña, con alegría y, en comunidad, expresar la indignación. Podemos construir un refugio para nosotros y para nuestro público; es un poco la esperanza de saber que, si nos mantenemos unidos, quizá podamos vencer.

ROBINSON: Además, el enfoque es diferente. No le estamos gritando al espectador que cambie. Mostramos lo que podemos hacer si dejamos a un lado todo eso.

P: ¿Cómo decidieron relatar este episodio histórico como un musical de hip-hop?

QUIJADA: Ese es el género en el que me siento más cómodo como compositor. El hip-hop es la música con la que crecí, y Nygel también.

ROBINSON: Lin-Manuel alguna vez dijo algo que me pareció hermoso: "El hip-hop es el lenguaje de la revolución". Siempre que se necesite decir algo de manera rotunda, algo que parezca muy importante, directo y agresivo, creo que el hip-hop es el mejor medio que se puede utilizar.

Q: ¿En qué medida "Hamilton" influyó en la obra o en tu forma de pensar a la hora de desarrollar la historia?

QUIJADA: Recuerdo haber visto esa obra y quedado absolutamente impresionado. Pensé: "Vaya, esto ha transformado el teatro musical para siempre". No solo fue porque yo me sentí representado por todos los actores que estaban en el escenario, sino porque dije: "Dios mío, esta es la música que entiendo muy bien". Eso abrió la puerta de manera innegable.

Q: ¿Habría "Mexodus" sin "Hamilton"?

ROBINSON: Solo quiero matizar un poco. Existiría "Mexodus" sin "Hamilton". Existe este tipo de musical sin "Hamilton". Sin embargo, a "Hamilton" le debemos por completo la accesibilidad y la aceptación, porque esa obra hizo que los musicales de hip-hop se pusieran de moda. Hizo que la gente blanca dijera: "Puedo entrar al teatro, escuchar rap y disfrutarlo".

P: En el espectáculo, le preguntas al público: "¿Qué eligen hacer con los días que viven gracias a sus antepasados?". ¿Cuál sería tu respuesta?

ROBINSON: Elijo hacer esta obra. Hablo de eso en ese monólogo. Crecí rodeado de un montón de abuelitas negras que me daban órdenes y me decían lo que creían que debía hacer o lo que no, pero me amaban de una forma increíble.

Sé que trabajaron en plantas o fábricas durante 30 años para poder jubilarse, tener un poco de dinero y ayudarme para que a mí me fuera mejor. Lo menos que puedo hacer es tratar de tener éxito y trabajar todo lo que pueda para devolverles un poco de lo que me han dado.

QUIJADA: Recuerdo haber tenido una pesadilla horrible en la que todos mis antepasados --aquellos obreros que trabajaban hasta exudar sangre y lágrimas, en su labor física allá en El Salvador-- me decían: "Ah, ¿quieres hacer arte? ¿Eliges esta ocupación tan frívola?".

Eso me molestó mucho tiempo. Por eso creo que escribo sobre mi familia y mi comunidad: ¿Y si puedo demostrarles que se equivocan, que puedo vivir de ser artista, pero también honrar a mis padres para que sus sacrificios no sean en vano? Creo que mi misión es tratar de transmitir empatía por gente como ellos, gente como mis padres.

Brian Quijada, izquierda, y Nygel D. Robinson en "Mexodus" en el Teatro Minetta Lane de Audible en Manhattan, el 8 de septiembre de 2025. (Sara Krulwich/The New York Times)

Nygel D. Robinson, a la izquierda, y Brian Quijada, que escribieron y actúan en el musical "Mexodus", en Nueva York, el 16 de septiembre de 2025. (Peter Fisher/The New York Times)

El 18 de septiembre de 1980 se estrenó, en el Palais des Sports de París, la primera versión del musical de Los Miserables. La adaptación para el escenario de la famosa novela de Víctor Hugo solo estaría tres meses en cartelera, pero eso y un disco de canciones grabadas sería más que suficiente para que, cinco años más tarde, una versión en inglés realizada en Londres se convirtiera en un fenómeno de masas que, cuarenta años después, sigue representándose en todo el mundo. También en Madrid, donde a partir del próximo mes de noviembre el Teatro Apolo contará de nuevo con una nueva producción de la obra.

Hablar de Los Miserables es hablar de su protagonista, Jean Valjean. Un hombre puesto en libertad condicional que oculta su identidad para iniciar una nueva vida pese a ser perseguido por el implacable inspector Javert. Se trata de un individuo heroico e inspirador que, pese a las tribulaciones que le persiguen desde el pasado lucha por ser una persona mejor en una ciudad, el París de las violentas revoluciones del siglo XIX que, a su manera, encarnan también esa pugna por mirar libremente hacia el futuro.

Pocas personas en el mundo conocen a Jean Valjean como Gerónimo Rauch. El actor argentino interpretó al protagonista de Los Miserables por primera vez en 2010 en Madrid, precisamente, un papel que lo catapultó al Queen’s Theatre del West End londinense, invitado a interpretar ese mismo papel por el productor original de la versión inglesa del musical: sir Cameron Mackintosh. “Para mí es un personaje catártico, que me sana. Podría interpretarlo toda la vida, hasta que me sacaran del escenario”, nos asegura en una entrevista con Infobae España.

“Jean Valjean es como un rockstar”

Gerónimo nos habla desde Japón, uno de los países donde ha recalado la producción conmemorativa del 40 aniversario del musical, Les Misérables The Arena Spectacular: un homenaje en formato de concierto al que no le falta una rica escenografía. Él es el único hispano de todo el equipo que trabaja en la obra, aunque puede que también de las personas más experimentadas: aparte de sus interpretaciones en Madrid y Londres, Mackintosh también quiso contar con él para las celebraciones del 25º y 30º aniversario.

“Para mí Jean Valjean es como un rockstar que después va envejeciendo durante la función”, describe el intérprete. “La primera vez que lo vi (sus hermanas le pusieron en VHS el concierto del 10º aniversario en su casa en Argentina) dije: ¿Quién es este tipo que tiene tanto rock y tanto poder? Eso era en la parte del prólogo, y claro, cuando terminó la obra no podía, sino pensar que era un personaje maravilloso. No pensé entonces que cinco años después iba a estar en Los Miserables“. Es, además, el único que lo ha hecho tanto en español como inglés, un idioma del que destaca que ”es más fácil cantar" al no tener consonantes tan duras como la lengua castellana.

La razón por la que ‘Los Miserables’ triunfa cuatro décadas después

Preguntado por el motivo por el que desde Londres han decidido contar tantas veces con él, al principio duda y, aun temiendo ser arrogante, nos confiesa que a él le resulta “muy genuino” hacer de Jean Valjean, algo que el público podrá comprobar en las representaciones que le quedan de la gira: varias más en Japón, en China (donde, pese a actuar en los meses de noviembre y diciembre, ya está todo vendido), en Filipinas y en Singapur. “Seguro que en algún momento me toca despedirme del personaje por una cuestión de edad, pero por suerte, vocalmente te diría que casi es mi mejor momento, y lo estoy disfrutando muchísimo, muchísimo, muchísimo”, repite.

Para él, el secreto del éxito tan longevo del musical está en su música. “Tenemos una de las partituras más emocionantes que yo escuché en mi vida, y gracias a eso y al libro de Víctor Hugo se construye algo en lo que la gente se ve reflejada”. Gerónimo señala que cada espectador que pisa el teatro para ver Los Miserables acaba identificándose con alguno de sus personajes. “Son tan reales y vívidas las emociones, tan primitivas: se vive el rechazo, se vive el maltrato, se vive el amor en su pureza absoluta, en el padre y el hijo, se viven los sueños, los que se cumplen y los que no, que son los que más duelen”, enumera el actor.

La opinión de Gerónimo Rauch sobre la versión de Los Miserables que se estrenará en Madrid

Aun así, reconoce que a día de hoy, con la explosión de los musicales, que hasta hace unas décadas solo podían verse en las principales capitales de occidente, ahora el sector es “muchísimo más competitivo”. “Se están haciendo musicales y estrenando musicales en Broadway o en West End de países que no son ni siquiera angloparlantes. El ganador de los Tony de este año es un musical coreano (se refiere a Maybe Happy Ending, el cual obtuvo seis galardones, entre ellos el de Mejor Musical). Se están haciendo cosas mágicas y la calidad es cada vez es mayor porque la demanda es mayor y el conocimiento del público también. El público ya sabe si lo que está viendo está bien o no".

En este sentido, Gerónimo conoce de sobras la producción española que se está preparando en Madrid de cara a este mes de noviembre en el Teatro Apolo. Al fin y al cabo, es amigo de Adrián Salcedo, quien hará de Jean Valjean en la nueva obra. “Me consultó algunas cosas”, recuerda. “Yo encantado de ayudarlo y de acompañarlo”. También conoce al resto del equipo creativo responsable de la próxima función, pues son los mismos que le llevaron a él como protagonista hace ya quince años. Por eso, sabe de sobras que el resultado “va a estar cuidado hasta el detalle” de cara a devolver Los Miserables a la capital. Y termina con una hipótesis: “Creo que, después del fútbol, lo que más turistas trae a Madrid son los este tipo de espectáculos”.

Entre bastidores, antes de la representación del lunes de Luigi: The Musical, el actor Caleb Zeringue bromea sobre cómo su compañero de reparto, que interpreta el papel protagonista, tiene que perderse el estreno europeo de la obra porque ese viaje podría costarle su seguro médico.

La broma apunta a uno de los temas clave de la obra sobre el presunto asesino Luigi Mangione: los caprichos del sistema sanitario estadounidense pueden llevar a las personas a tomar medidas drásticas con resultados fatales.

El actor principal, Jonny Stein, tiene cobertura sanitaria gracias a su trabajo diario como profesor de matemáticas en un instituto de San Francisco. Según él, el director del centro le denegó su solicitud de faltar a la primera semana de clase para poder actuar en el Festival Fringe de Edimburgo, que comienza el martes, por lo que otro actor ocupará su lugar.

“El hecho de que algo sea divertido no significa que no sea serio”, dijo Zeringue, vestido como un guardia de prisión, antes de que Stein saliera de la sala verde para ponerse su mono naranja brillante.

Seis meses antes del estreno de este musical, en junio, Mangione tocó la fibra sensible del público estadounidense. Inmediatamente después del fatal tiroteo del director ejecutivo de UnitedHealthcare Brian Thompson, en diciembre, aparecieron productos como vasos de cerveza y gorras de béisbol con la frase ”Deny, Defend, Depose" (“Negar, defender, destituir”), las palabras que figuraban en los casquillos de bala encontrados cerca del lugar donde fue asesinado en Midtown Manhattan. Tras la detención de Mangione, entonces de 26 años, aparecieron en las redes sociales memes incómodos con comentarios sobre su aspecto.

Ahora se ha convertido en el centro de atención de artículos de opinión, TikToks virales, fans incondicionales y preocupaciones sobre el estado de la medicina estadounidense y la trivialización de un caso de asesinato. Y parte del debate sobre lo que Mangione representa se está desarrollando en un musical improvisado.

Cuando Nova Bradford, la directora de 31 años del musical, que también lo escribió junto con un grupo de comediantes de la zona de la bahía, leyó que Mangione estaba recluido en la misma cárcel de Brooklyn que el desacreditado director ejecutivo de una empresa de criptomonedas Sam Bankman-Fried y que el magnate de la música Sean Diddy Combs, pensó que la situación era perfecta para la sátira.

“Es un grupo de personas muy extraño para estar en el mismo lugar al mismo tiempo. Todos son muy conocidos, pero provienen de mundos completamente diferentes”, dijo Bradford en una entrevista telefónica. “Es difícil imaginarlos en la misma habitación que no sea una celda de prisión”.

“Sus mundos de la tecnología y las finanzas, el entretenimiento y la atención médica han sufrido una pérdida de confianza pública”, dijo Bradford, “a través de la Gran Recesión, el escándalo de Cambridge Analytica de Facebook, la era #MeToo, la crisis de los opioides y más”.

Cuando la gente ve que las instituciones fracasan, dijo Bradford, se sienten atraídos por alternativas como los curanderos new age en Instagram o los biohackers de Silicon Valley, tal vez incluso un justiciero. “Pero, en última instancia, estas personas no ofrecen respuestas reales, al igual que las instituciones que están fracasando”, dijo Bradford.

Ese desencanto quedó patente en el concierto de Luigi del lunes por la noche en el Independent, que agotó las entradas, donde se vio a un asistente con una camiseta de Luigi y el público, formado por unas 200 personas, estalló en carcajadas cuando Bankman-Fried (André Margatini) cantó sobre ser un “niño del Área de la Bahía”, crecer en un lugar donde es normal fingir hasta que lo consigues y sobre cómo “hay que tener un poco de fraude en tu empresa”.

Antes del espectáculo, una contable de 31 años del público proclamó que el espectáculo estaba hecho para gente como ella, una antigua aficionada al teatro y autodenominada “liberal de Hamilton” que ahora se considera una “izquierdista de Luigi”.

“No es que crea en la violencia contra el individuo”, dijo Kathleen Koomen. “Pero sí creo que un Estado que monopoliza la violencia engendra violencia, y creo que Luigi representa eso”.

Stephanie Allen, una agente hipotecaria de 50 años que había viajado desde Napa para ver el espectáculo, se sintió intrigada por la visión satírica de un tema tan serio. Estados Unidos “es uno de los países más ricos del mundo”, señaló Allen. Soltó un taco al describir cómo se siente ante la falta de una asistencia sanitaria asequible, y añadió: “¿Por qué está pasando esto?“.

La reseña del San Francisco Chronicle dice que la producción es “la obra más comentada en San Francisco. También es terrible”. El autor es uno de los muchos que han sugerido que quizá sea demasiado pronto para abordar el caso de Mangione en el escenario, y pregunta con sinceridad: “¿Cómo se puede explorar, con honestidad y profundidad, lo que ha convertido a un asesino acusado en un héroe popular para algunos, sin glorificar ni trivializar su presunto crimen?“.

El espectáculo comienza con una advertencia que recuerda a los asistentes que no deben tomarse demasiado en serio lo que está a punto de suceder. Se trata de una sátira, y este tipo de discurso está protegido por la Primera Enmienda, dice una voz en off, lo que provoca risas nerviosas entre el público.

Los variados mundos de los personajes se representan para provocar risas, conflictos y, en última instancia, algunas notas de armonía. El espectáculo señala que Bankman-Fried y Diddy (Janeé Lucas) son dos empresarios que aman el dinero y la fama. Luigi, un don nadie, se convierte en una especie de pacificador entre los dos famosos. También es el único que recibe cartas de admiradores mientras está en prisión, con historias ficticias pero creíbles sobre enfermedades, dolor y denegaciones de reclamaciones sanitarias.

Es cierto que las voces y los movimientos de baile de los actores no son los más fluidos. Los cambios de decorado entre actos son un poco torpes. En cada espectáculo, un actor diferente se equivoca en algunas frases, admitió Zeringue.

Pero el carácter amateur de la producción es también el origen de su encanto. La torpeza resulta apropiada a la hora de satirizar a estos hombres en diversas fases de casos penales. Con musas tan desordenadas, ¿por qué no aprovechar la improvisación?

Bradford citó Chicago como una de sus influencias, ya que es otra sátira sobre crímenes reales ambientada en una prisión, así como Avenue Q y Book of Mormon, dos musicales transgresores que fueron fundamentales en su formación como niña del teatro en Colorado. El espectáculo se une a una larga lista de musicales sobre personajes controvertidos de la vida real, que van desde los más serios, como Hamilton y Evita, hasta los más efectistas, como Gwyneth Goes Skiing y el programa de televisión Prince Andrew: The Musical.

Bradford considera que su espectáculo atrae a un público más joven que el típico musical. Y al crear una producción en torno a tres personajes muy diferentes, “podemos incluir chistes... que atraen a un público familiarizado con diferentes medios de comunicación y con diferentes preferencias en cuanto a comedia”, afirma Bradford, que está en conversaciones para llevar Luigi a Los Ángeles y Nueva York después de Edimburgo.

Eve Hroziencik es una de esas jóvenes espectadoras. Esta joven de 23 años llevó a su padre como regalo de cumpleaños. Su padre, Mike, que trabaja como abogado penalista en la cercana Burlingame, dijo que el espectáculo le pareció “divertidísimo y ridículo”.

Hroziencik dijo que Luigi le hacía sentir “esperanzada” sobre el futuro porque “el humor y el absurdo del espectáculo hacen que toda la miseria del mundo sea un poco más soportable”.

* Lisa Bonos es periodista especializada en cultura tecnológica en San Francisco. Anteriormente, escribía sobre citas y relaciones para la sección de Reportajes. Se incorporó a The Post en 2005 y anteriormente trabajó en las secciones de Finanzas, Editorial y Perspectivas.

Fuente: The Washington Post. Fotos: Camille Cohen, para The Washington Post.

Luigi: The Musical, una producción teatral que explora los límites de la sátira carcelaria y social, podría tener funciones próximas en Nueva York y en el prestigioso Edinburgh Fringe Festival, después de agotar las localidades en una pequeña sala de San Francisco. La obra toma como inspiración la historia real de Luigi Mangione, joven acusado del asesinato de Brian Thompson, director ejecutivo de UnitedHealthcare, ocurrido en diciembre de 2024 en Manhattan, según recoge Newsweek. Las creadoras del musical, Arielle Johnson y Nova Bradford, analizan además la posibilidad de trasladar futuras producciones a ciudades estadounidenses como Los Ángeles, además de la Gran Manzana, donde el caso policial tuvo lugar.

La pieza teatral ha generado resonancia debido a su particular aproximación a un tema de notoria sensibilidad, pues sitúa a Mangione, protagonista del proceso judicial, como eje de una sátira que combina elementos de crítica social, surrealismo y exploración carcelaria. La puesta en escena surgió primero en un teatro de 49 plazas en San Francisco, pero tras conseguir agotar todas las entradas, se trasladó a The Independent, un recinto de 350 asientos. Hasta el momento, su creciente repercusión le ha asegurado uno de los lugares más solicitados en el circuito alternativo.

Luigi: The Musical cuenta con música original de Johnson y Bradford, interpretada por la pianista y directora musical asociada Dani Macri, y presenta a personajes inspirados en compañeros reales de prisión del acusado, lo que añade una capa de actualidad y controversia al montaje. Jonny Stein representa a Luigi, André Margatini encarna a Sam Bankman-Fried —el exdirector de FTX condenado a 25 años—, Janée Lucas interpreta a Sean Diddy Combs, y Calab Zeingue da vida al guardia sargento Delarosa.

El caso Mangione en el epicentro de la producción escénica

El trasfondo de la obra deriva de un hecho real que conmocionó al sector de la salud y captó la atención mediática a nivel nacional en Estados Unidos. Luigi Mangione, de 27 años, es señalado como autor del homicidio de Brian Thompson frente a un hotel en Manhattan en diciembre de 2024. Contra Mangione pesan 11 cargos, entre ellos asesinato en primer grado “en promoción de un acto de terrorismo”, dos cargos de asesinato en segundo grado, dos de acoso y uno por uso ilícito de armas de fuego.

Los fiscales federales confirmaron su intención de solicitar la pena de muerte para Mangione, quien se ha declarado no culpable tanto ante la justicia estatal como la federal de los cargos de asesinato y terrorismo. El caso ha intensificado un debate social de gran escala sobre la seguridad y la percepción ciudadana en torno a las grandes corporaciones sanitarias.

Además, la figura de Mangione ha sido objeto de fascinación en redes sociales, donde usuarios han llegado a redefinir su perfil, viéndolo desde un presunto héroe popular hasta un símbolo sexual, reactivando también las discusiones sobre el sistema de salud estadounidense.

Una sátira carcelaria con referencias directas a instituciones y figuras reales

La propuesta escénica se describe como una sátira carcelaria surrealista, dentro de la tradición de musicales estadounidenses que han abordado temas de crimen y justicia, como Chicago o Sweeney Todd. No obstante, la diferencia radica en el enfoque que Johnson y Bradford otorgan a las instituciones contemporáneas del país.

Según la propia página web de la obra, Luigi: The Musical interroga, más que glorifica, la violencia: “Bajo la absurdidad y las líneas cómicas yace una crítica directa sobre cómo la violencia se empaqueta, comercializa y consume en los medios estadounidenses”, afirman sus promotores. La puesta en escena busca señalar cómo la brutalidad se convierte en espectáculo social, en paralelo a un cuestionamiento sobre por qué existe una tendencia pública a observar, comentar, viralizar y consumir sucesos violentos.

La pieza incorpora además a personajes basados en dos compañeros de prisión de Mangione en el Metropolitan Detention Center (MDC) de Brooklyn: Sam Bankman-Fried, cofundador de la plataforma FTX, y Sean Diddy Combs, que cumple condena tras ser encontrado culpable de transporte de menores con fines de prostitución, aunque absuelto de cargos de extorsión y trata sexual.

Críticas, polémica y defensa artística: el humor negro como herramienta de reflexión

La obra se describe en su portal como una “comedia”, a pesar de la naturaleza polémica de su punto de partida. Este enfoque generó controversia desde su anuncio y motivó debates sobre los límites del humor en la representación del crimen y la violencia. Las creadoras sostienen que su intención es reducir distancias entre la crítica social y el entretenimiento, subrayando que su sátira se orienta hacia las instituciones —como la sanidad, el sector tecnológico y Hollywood— como responsables de normalizar y lucrarse con la violencia por su negligencia, indiferencia y falta de rendición de cuentas.

En palabras citadas por The Hollywood Reporter, Nova Bradford argumentó: “Estos tres hombres representan pilares sociales donde la confianza pública se ha erosionado en los últimos años: la salud, Hollywood y todo el ecosistema tecnológico y financiero”. Para Bradford y Johnson, la obra busca forzar al espectador a identificar su propio rol en la fascinación mediática por la violencia y en la aceptación de que esta se transforme en un bien de consumo.

Los organizadores del proyecto aún no han confirmado el calendario o los escenarios futuros para el musical, pero de llegar a Nueva York, la obra podría representarse a pocos metros del lugar donde fue asesinado Thompson, de acuerdo con Newsweek. Por ahora, la atención permanece sobre sus próximas decisiones y la posibilidad de que esta combinación inusual de sátira, crítica social y realidad judicial continúe generando debate dentro y fuera de los escenarios teatrales alternativos.

La Tiendita de los Horrores es una obra de teatro con una trama divertida, la cual mezcla diferentes géneros desde el humor con un poco de terror para contar la historia en un musical.

Infobae México estuvo presente en la puesta en escena del pasado sábado 26 de julio, donde disfrutó de esta maravillosa aventura. La obra se presenta en el Teatro Hidalgo, ubicado en la alcaldía Cuauhtémoc de la Ciudad de México.

Un elenco extraordinario compone esta obra de teatro. Chantal Andere como una de las protagonistas junto con Lorena D’ la Garza y Óscar Acosta.

También en esta lista se encuentra: Juan Fonsalido, Sergio Jurado, Jair Campos, Crisanta Gómez, Felipe Álvarez, Scarlett Chico, Enrique Maddox, Leonora Enríquez, Itzel Gaitán y Alexa Hidalgo.

Estos artistas, por poco más de hora y media, mostraron actuaciones sensacionales durante el escenario para poder atrapar al público, el cual mostró mucho entusiasmo, emoción, risas y demás.

La música e interacción no podía faltar, así como la disciplina y habilidades que contaba cada uno de ellos para poderle dar vida a esta historia, la cual se centra en una planta que desata el caos.

Un poco de humor negro y de horror son otras de las características que la historia cuenta.

La Tiendita de los Horrores se encuentra en sus últimas semanas de presentaciones, por lo que, antes de cerrar esta temporada, si todavía no has visto esta puesta dirigida por Ricardo Díaz, no te la puedes perder.

17 de agosto es la fecha límite para acudir al Teatro Hidalgo de la Ciudad de México y poder disfrutar de la obra.

¿De qué trata La Tiendita de los Horrores?

La Tiendita de los Horrores presenta una historia singular en torno a una planta carnívora y extraterrestre que pone en peligro a la humanidad.

Con una banda sonora inspirada en el rock & roll y un elenco con amplia experiencia, la obra ofrece una combinación de humor, tensión y una propuesta escénica distinta para el público.

La narrativa se centra en Seymour, un joven reservado que trabaja en una florería en dificultades económicas.

Todo cambia para él cuando encuentra una planta inusual, a la que denomina “Audrey II”, en homenaje a su colega y amor no declarado.

El camino de Seymour hacia la fama avanza de forma acelerada pero plantea riesgos considerables, ya que “Audrey II” tiene una naturaleza oculta: necesita alimentarse de sangre humana.

Violeta Isfel y Luis Oropeza comparten escenario en Caperucita Roja, super cuento musical; una puesta en escena ideal para chicos y grandes que busca contar una historia clásica adaptada a la actualidad.

En entrevista para Infobae México, Luis Oropeza, productor y actor que interpreta el personaje de ‘El Lobo’, compartió los elementos claves del musical, pues además de contar con puppets, los artistas suben al escenario e interactúan con el público, lo que hace que los pequeños “vean un teatro enorme”.

Por su parte, la actriz Violeta Isfel, quien da vida a ‘Caperucita Roja’, resaltó la importancia de ser una obra que va dirigida a toda la familia, pues ella también tiene la oportunidad de disfrutarla junto a los suyos.

Omar Isfel, hijo de la actriz, también cuenta con un personaje dentro de la obra, razón por la que Isfel admitió sentirse como “pavorreal” al tener la fortuna de compartir escenas con su primogénito.

“Está padre porque disfruto con él funciones. Estamos muy contentos compartiendo el escenario“, expresó Isfel.

“En la vida no hay villanos”, asegura Luis Oropeza

Durante la entrevista, el productor señaló que varias de las modificaciones que se le hicieron al cuento tienen como propósito atraer la atención del público y bromear y bromear con escenarios que se viven actualmente.

Sin embargo, el mensaje principal va más allá de entretener, de acuerdo con Oropeza, se busca que el público reflexione sobre las cosas que llevan al lobo a hacerse pasar por ‘caperucita roja’ y entrar hasta la casa de la abuela.

De esa forma, aunque 'El lobo' normalmente es el personaje malo, termina siendo arropado por el público, y logra conectar con los más pequeños.

“El público infantil es el más exigente”, confiesa Violeta Isfel

Además de que ‘El lobo’ logra dejar de ser visto como el malo de la historia, Luis Oropeza confesó que la idea principal del musical surgió por su canción, una de las favoritas de la obra.

A partir de ahí, todos los personajes comenzaron a desarrollarse, por lo que ambos actores aseguran sentirse arropados por el teatro infantil.

“Es el público más exigente y el que se te puede ir en dos segundos, porque además sabemos que hoy en día nuestros chiquitos están sobreestimulados con la cantidad de cosas que pueden ver en una pantalla”, explicó Isfel.

Por su parte, Oropeza, consciente del reto que implica entretener a los niños hoy en día, agregó que la producción constantemente busca que exista una interacción entre el público y los actores, pues en una parte de la obra “papás y niños se vuelven parte del cuento”.

“Ver a los niños tan involucrados, siempre con una sonrisa y queriendo tocar a los personajes, y al mismo tiempo no los ves queriéndose meter a su celular”.

Finalmente, ambos actores aseguraron que 'Caperucita roja, super cuento musical' es una obra para chicos y grandes que la familia no se debe de perder, pues enseña a dejar a un lado las pantallas y recuperar la convivencia real.

“es una obra para chicos y grandes que la familia no se debe de perder, pues enseña a dejar a un lado las pantallas y recuperar la convivencia real.”

Actualmente, el musical ofrece funciones todos los domingos a las 11:00 y 13:00, horario que se mantendrá lo que resta de julio y hasta el último fin de semana de agosto.

“Time: un nuevo musical”, una producción original de Santaella Entertainment, anunció oficialmente su estreno y una colaboración con escuelas de teatro musical.

Este nuevo montaje busca inspirar al público y fomentar una reflexión en torno al valor del tiempo y las decisiones que influyen en la vida cotidiana.

El anuncio ocurrió el domingo 6 de julio en el Foro Sylvia Pasquel, con una rueda de prensa que reunió al elenco, equipo de producción, representantes de medios, influencers y directivos de diversas escuelas de teatro musical.

Durante el evento, se interpretaron en vivo algunas de las canciones que forman parte de la obra, como “La vida un número no es” y “Golpes de realidad”, que ofrecieron un anticipo del tono emocional y la energía que caracterizarán a la puesta en escena.

Uno de los aspectos centrales de este proyecto es la alianza estratégica con escuelas de teatro musical. La intención de Santaella Entertainment es brindar oportunidades a nuevos talentos, facilitar el inicio de trayectorias profesionales y fortalecer los vínculos entre estudiantes y profesionales del sector teatral.

La compañía enfatizó su compromiso con el desarrollo artístico y la formación de futuras generaciones dentro de la comunidad teatral mexicana.

La propuesta artística de “Time” incluye canciones y música completamente originales. En paralelo a los ensayos y la temporada teatral, se encuentra en producción el disco oficial del musical, que estará disponible en plataformas digitales como Spotify.

Además, la producción ya tiene en marcha la grabación de un videoclip, con el objetivo de ampliar la difusión y el alcance de la obra más allá del escenario.

¿De qué trata la obra “Time: un nuevo musical”?

La historia de “Time” gira en torno a Aly, un personaje que enfrenta dudas sobre el transcurrir del tiempo y sus logros personales.

Siente que los años avanzan sin resultados significativos, hasta que la figura de Cronos aparece para ofrecerle una oportunidad distinta: volver a enamorar al amor de su vida, en un intento por descubrir el sentido de su existencia y el valor de las segundas oportunidades.

El elenco está conformado por José Antonio López Tercero y Alejandro García en el papel de Time; Majo Bermúdez y Becca Quintero como Aly; Andoni Belausteguigoitia, Oscar Castañeda y Mauricio Vidal como Tom; y Aglae Gemma junto a Xenia Infante en el personaje de Darla.

La obra tendrá funciones todos los domingos a las 17:00 horas, del 10 de agosto al 5 de octubre, en el Foro Sylvia Pasquel.

Los boletos se encuentran disponibles en taquilla, con una preventa de $399 y precio regular de $420 desde la semana de estreno.

Para descuentos y promociones, se invita a consultar directamente en taquilla o a través de las redes sociales oficiales, especialmente en Instagram bajo @santaella_entertainment.

“Esa mujer es, en definitiva, todas las mujeres del poeta granadino.” Con esa revelación, Ana María Cores encarna a Rosario y da vida a los personajes femeninos de Federico García Lorca en el musical Las mujeres de Lorca. Tras su paso por el Cine Teatro El Plata durante 2024 y 2025, la obra escrita por Marisé Monteiro y dirigida musicalmente por Nacho Medina ofrecerá siete únicas funciones en el Teatro Presidente Alvear.

El espectáculo, que fusiona fandangos, rumbas flamencas, bulerías, sevillanas, pasodoble, tangos y canciones populares españolas, transforma los versos más célebres de Lorca en piezas musicales. Las funciones están programadas para el sábado 12, miércoles 16, jueves 17, viernes 18 y sábado 19 de julio a las 20, y los domingos 13 y 20 de julio a las 19 hs. Las entradas pueden adquirirse en la web del Complejo Teatral de Buenos Aires.

La puesta en escena cuenta con la participación de Carmen Mesa (cantaora y bailaora), Giuliana Sosa (piano y dirección musical, arreglos y arreglos corales), Paula Carrizo (guitarra), Lucía Cuesta (violín) y Nahuel Cuadrelli (voz en off). El equipo creativo se completa con Azul Borenstein en escenografía y vestuario, Agnese Lozupone en iluminación, Juan Selva en visuales, Eva Iglesias en coreografía y Lali Vidal en dirección vocal.

Mientras intercala la palabra textual de sus más famosos poemas, convertidos en canciones que continúan naturalmente el relato, Rosario, la protagonista, evoca el tiempo que compartió con Federico García Lorca poniéndole voz a las mujeres de su teatro, o recordando los momentos claves de la vida de del poeta y la manera en que se percibe frente al mundo.

Rosario es, en definitiva, todas las mujeres del teatro lorquiano: apasionada como Mariana Pineda; rebelde como la zapatera prodigiosa; vacía, como Yerma; con la esperanza muerta como doña Rosita, la soltera; de luto como Bernarda Alba; y sin consuelo, como la madre en Bodas de sangre.

Las mujeres de Lorca ha sido reconocida con varios Premios Hugo, entre ellos a mejor music hall, café concert y/o varieté musical, mejor música original, mejor actuación femenina en music hall, café concert y/o varieté musical, y mejor interpretación. La banda sonora del espectáculo, lanzada el 30 de abril en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín, está disponible en todas las plataformas digitales.

[Fotos: prensa CTBA]

El momento en que Rachel Zegler abandona el escenario y aparece en un balcón exterior para interpretar “Don’t Cry for Me Argentina” ante la multitud congregada fuera del London Palladium se convierte en el epicentro de la nueva puesta en escena de Jamie Lloyd. Esta decisión, que transforma a los espectadores en parte activa del espectáculo y utiliza la propia calle como extensión del teatro, resume la audacia de una producción que explora la fascinación colectiva por Eva Perón, según destacó la crítica Arifa Akbar en el diario inglés The Guardian.

Así, la multitud reunida en la acera representa tanto el Buenos Aires de finales de los años 40 como una evocación de la América de los 2020, seducida por la promesa de “volver a ser grande”. En este contexto, la noticia principal es la llegada de Rachel Zegler al West End como Eva Perón en una versión de Evita que prioriza el impacto visual y sonoro sobre la profundidad narrativa.

La dirección de Jamie Lloyd ha generado controversia entre algunos asistentes, quienes expresan su descontento tras pagar entradas elevadas para ver a Zegler. La escena del balcón, transmitida por video a quienes están dentro y vivida en directo por quienes permanecen fuera, se convierte en un “coup de théâtre” que redefine la relación entre público y espectáculo.

Lloyd, que ya había dirigido este musical de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice en el Regent’s Park Open Air Theatre en 2019, eleva ahora la apuesta con una propuesta más audaz y pulida, en la que la masa popular es protagonista y la crítica social se filtra a través de la escenografía.

En su debut en el West End, Zegler ofrece una interpretación sobresaliente, destaca The Guardian Aparece en escena con una presencia gélida y calculadora, vestida únicamente con ropa interior en ciertos momentos, encarnando a una Eva Perón expuesta, ambiciosa y despiadada. Su actuación, marcada por una energía implacable y una actitud desafiante, la consolida como una “reina de hielo” de dimensiones compactas pero de voluntad férrea. La química con James Olivas, quien interpreta a Juan Perón, se manifiesta en el dúo “I’d Be Surprisingly Good for You”, mientras que la relación con el cantante Agustín Magaldi (Aaron Lee Lambert) aporta un matiz cómico, especialmente cuando Zegler se deshace de él con rapidez tras conocer a Perón.

A pesar de la potencia visual y auditiva, la narrativa queda relegada. El musical, casi completamente cantado, ofrece una estructura argumental tenue, en la que el tránsito del peronismo hacia el autoritarismo se insinúa sin llegar a explicarse. El personaje de Che (interpretado por el estadounidense de origen latino Diego Andres Rodriguez), que en la versión anterior vestía una camiseta de Che Guevara para facilitar su identificación, ahora aparece de negro y puede pasar desapercibido para quienes desconocen la historia.

Tras la escena del balcón, el tono del montaje cambia: la ostentación y el estruendo dan paso a una atmósfera más íntima y melancólica. Por primera vez, se vislumbra la emoción privada de Eva, sentada en su camerino y llorando después de su gran exhibición pública. Este instante resulta revelador, pero no se desarrolla en profundidad, dejando una sensación de vacío cuando el espectáculo visual se desvanece.

[Fotos: Millie Turner/Scott A Garfitt/AP]

Cientos de personas se congregan cada noche en Argyll Street, en el corazón del West End de Londres -el distrito teatral de la capital británica-, para presenciar desde la calle una de las escenas más emblemáticas del musical Evita. La interpretación de “Don’t Cry for Me Argentina” por Rachel Zegler desde el balcón del teatro London Palladium, que los asistentes a la sala ven a través de una pantalla, genera una fuerte división de opiniones entre los asistentes que han adquirido entradas.

La producción dirigida por Jamie Lloyd ha sido calificada como uno de los espectáculos más codiciados del West End, pero la puesta en escena de este número musical ha provocado reacciones encontradas. Cada noche, Rachel Zegler sale al balcón del teatro para cantar el icónico tema ante el público que se reúne en la calle, mientras que los espectadores dentro del recinto solo pueden seguir la actuación a través de una transmisión en video.

La sorpresa fue mayúscula el pasado sábado, cuando la actriz de 24 años interpretó la canción ante cientos de personas en las calles de Soho como parte del inicio del segundo acto. Desde entonces, se espera que multitudes se reúnan en Argyll Street alrededor de las 9 de la noche durante toda la temporada. La escena ha sido capturada en imágenes y videos que muestran a la multitud agolpada frente al teatro, generando un fenómeno social en torno a la obra.

La decisión de trasladar la interpretación más esperada del musical fuera del escenario ha provocado malestar entre algunos asistentes. The Guardian recogió testimonios de espectadores que expresaron su frustración en redes sociales: “Voy al teatro para compartir el mismo espacio con el intérprete”, escribió un usuario, mientras que otro cuestionó: “¿Me estás diciendo que he pagado 350 libras por dos entradas y ella canta el número más importante afuera, para gente que no ha pagado?”.

No obstante, otros han defendido la propuesta de Lloyd, argumentando que la actuación al aire libre refuerza los temas centrales de Evita. Chris Peterson, fundador de OnStage Blog, opinó: “Esto no es solo una puesta en escena ingeniosa o un momento viral para las redes sociales, aunque ciertamente está generando expectación. Es un gesto teatral reinventado que replantea todo lo que creemos saber sobre Eva Perón. Convierte un momento de confesión privada en una actuación pública”.

Algunos de los presentes en la calle han calificado la experiencia como única e inmersiva. Una persona declaró al periódico londinense Metro: “Puede que te sientas un poco decepcionado por perderte la canción más importante si estás dentro del teatro, pero aún te queda el resto del espectáculo y ha sido una buena noche para mucha gente que normalmente no podría vivir esa experiencia”.

Rachel Zegler es la última actriz que se suma a la lista de grandes intérpretes que han dado vida a Eva Perón en el musical creado en 1978 por Andrew Lloyd Webber y Tim Rice, basado en la vida de la líder política argentina y segunda esposa del expresidente Juan Perón. Entre las actrices que han encarnado el papel destacan Elaine Paige y Patti LuPone en el teatro, así como Madonna en la adaptación cinematográfica de 1996.

“Evita ha sido un musical muy importante para mí desde que era niña, cuando mi padre y yo cantábamos Don’t Cry for Me Argentina juntos en el patio de casa. Tener la oportunidad de dar vida a las ideas singulares y visionarias de Jamie Lloyd en el escenario es un honor como ningún otro”, declaró la actriz.

Jamie Lloyd ya había dirigido una versión de Evita en el teatro al aire libre de Regent’s Park hace seis años y es conocido por su uso innovador de pantallas de video y reinterpretaciones radicales de clásicos. En su premiada versión de Sunset Boulevard, también de Lloyd Webber, un personaje salía a la calle para una escena que se transmitía en directo al público dentro del Savoy Theatre. En otra de sus producciones, Romeo y Julieta, el actor Tom Holland realizó una escena desde el techo del Duke of York’s Theatre, filmada por drones y proyectada en el auditorio.

[Fotos: London Palladium]

Teniendo en cuenta el año que pasó en 2024 en el que ha estado a punto de perder la vida tras infectarse con una bacteria en su viaje a Vietnam, circunstancia que le mantuvo en la UCI durante varios días y de la que continúa recuperándose, siempre es una alegría encontrarnos con Àngel Llàcer.

Este viernes, el artista se dejó ver en la 9ª entrega de los Premios Diversa que reconoce a referentes del colectivo LGTBIQ+, donde fue galardonado por su compromiso con la representación diversa en el mundo del espectáculo.

Allí habló con la prensa y confesó estar "muy feliz" aunque "haya sido un año con un episodio bastante fuerte" porque "luego ha sido todo estupendo, maravilloso, y estoy súper feliz y contento". De hecho, reflexionaba con que "a veces tenemos que pasar por situaciones difíciles para apreciar más las cosas".

Desde entonces, vive la vida de otra manera: "He aprovechado para trabajar menos, para estar más tranquilo y para no tomarme la vida corriendo, sino caminando, que es lo que puedo hacer ahora, solo puedo caminar". En ese aspecto, desveló que "este año que viene voy hacer un musical que hago siempre, que es 'El Principito', en Barcelona, que hace 12 años que lo hacemos y luego vuelvo a hacer 'Tu cara me suena' si vuelve y tranquilito".

La becaria mexicana, Lesly Guadalupe Ochoa, acabó denunciando al productor español y otras cinco personas del equipo directivo de 'Malinche' por delitos contra los trabajadores y contra los ciudadanos extranjeros, una causa que acabó siendo archivada en abril de 2025.

Ahora, la joven mexicana está siendo investigada por presuntas amenazas a los responsables del musical a través de unos mensajes, después de que los abogados de Nacho Cano la denunciaran al entender que intentó chantajear a la dirección de 'Malinche' pidiéndoles dinero a cambio de no interponer acciones legales tras haber sido expulsada de la beca.

La joven denunciada declaró como investigada ante la jueza el pasado mes de diciembre y negó que amenazara al equipo que le ofreció la beca, explicando que en los referidos mensajes solo negoció un despido improcedente debido a que la querían echar porque sufre una minusvalía en una mano.

Este viernes una jueza de Madrid tomó declaración a una de las directivas del musical, Susana Jové, que intercambió los mensajes con la becaria, y a un abogado del equipo en la causa en la que investiga a la joven mexicana por presuntas amenazas.

La magistrada cotejó también los mensajes aportados por los denunciantes.

Susana Jové -que era una de las investigadas en la causa contra Nacho Cano que se archivó- explicó a la jueza que Lesly Guadalupe vertió amenazas e intentó chartajearles en dos conversaciones mantenidas en diciembre de 2023, después de que le comunicaran que quedaba fuera de la beca debido a su comportamiento.

Pidió dinero por haber sido expulsada, y cuando le dijeron que no "amenazó" con denunciarles y llegó a pedir hasta 6.000 euros y una carta de recomendación de Nacho Cano, dijo Jové a la jueza, según explicaron a EFE fuentes de la acusación.

La directiva aseguró que "en ningún momento" ofrecieron dinero a Lesly para que se fuera a México inmediatamente y sin denunciar nada, sino que le ofrecieron 3.000 euros por "bondad y gratitud", ya que había estado varias semanas con el equipo y aseguraba que no tenía dinero.

El letrado de Lesly, Alfredo Arrién, sostuvo al salir de los juzgados que "ha quedado claro que no hay condicionante a una solicitud de dinero, sino una negociación" dentro de "una relación contractual". EFE

En las primeras horas de este domingo, el teatro musical argentino se quedó sin uno de sus grandes maestros. Ángel Mahler, compositor, director de orquesta y figura esencial de la escena cultural nacional, murió a los 65 años tras luchar contra un melanoma metastásico que avanzó con extrema rapidez. La noticia fue confirmada por su entorno a través de las redes sociales, donde rápidamente se multiplicaron los mensajes de despedida, gratitud y amor.

La primera en compartir el dolor fue su compañera de vida, la violinista Dolly Stabillini, quien lo despidió con una imagen conmovedora en blanco y negro: dos manos entrelazadas sobre una sábana blanca. “Me toca decirte hasta pronto... Lo inentendible de la vida que se desvanece en un instante... Va a llevar mucho tiempo sanar, pero siempre vas a estar en lo más alto empujándome a seguir”, escribió desde su cuenta personal.

La noticia impactó de inmediato en el ambiente artístico. Actores, cantantes, directores, colegas de toda la vida y discípulos se volcaron a las redes para rendirle homenaje. Sandra Mihanovich, con quien Mahler compartió escenarios y proyectos, escribió: “Qué tristeza inmensa. Mi querido. Tanto compartimos. Tanto disfrutamos. Abrazo fuerte a Dami y a toda la familia. Te quiero. Siempre”. En paralelo, el cantante de Rata Blanca, Adrián Barilari, fue directo desde el dolor: “No lo puedo creer. Ángel amigo, nos dejas el corazón lleno de música. Que tu viaje esté lleno de luz”.

La actriz y cantante Laura Esquivel lo recordó no solo por su obra, sino también por su generosidad: “Un abrazo inmenso a la familia. Siempre voy a recordarlo no solo por su arte… sino también por su generosidad”. A sus palabras se le sumó Ricky Pashkus, una de las voces más autorizadas del teatro musical, escribió: “Mi amor desde siempre. Un hombre que hizo historia”. Además, la despedida también incluyó palabras de Valentina Salezzi: “Que en paz descanse. Dolly: todo el Amor del mundo para vos”, y del periodista Santiago Do Rego, que simplemente dijo lo que muchos sentían: “Qué tristeza”.

Desde sus propios perfiles, varios artistas le dedicaron homenajes más extensos. Juan Rodó, protagonista de Drácula, el musical, compartió una imagen abrazado a Mahler de espaldas al público, con un texto cargado de ternura: “Hasta siempre mi amigo hermano. Te voy a extrañar muchísimo. Fuiste fundamental. Buena gira. Mis condolencias a toda esa gran familia”. Y, por su parte, uno de los colegas de Mahler, Pablo Gorlero, sumó un recuerdo cargado de emoción: “Todavía estoy desconcertado con la noticia. Nos quedaron aventuras musicales por concretar, pero siempre fue un placer trabajar con vos. Fuiste una figura clave del musical argentino y tu música va a habitar por siempre el alma de millones de personas”.

Aníbal Silveyra, actor y amigo personal, publicó una foto de Mahler aplaudiendo en escena y escribió: “Ángel querido, no lo puedo creer. Hoy te despido sin encontrar palabras aún. Gracias por tu talento y tu amistad. Estarás siempre en mi música cada vez que la escuche. Mis condolencias para tu familia, tus hijos y tus amigos”. Otro homenaje sentido fue el de Christian Valverde, quien desde Turquía recordó su vínculo reciente con Mahler. “No he parado de llorar desde hace media hora. Nos veníamos planeando por lo bajo. Fue un gran golpe. Un artista auténtico, talentoso, un genio. No se lo puede asimilar”.

Y en las últimas horas, se sumó el mensaje de la actriz Cristina Alberó, quien compartió una historia publicada por la cuenta oficial de Mahler en la que se lo ve aplaudiendo sobre el escenario, vestido de traje y con la mirada elevada. “Profundo dolor. Adiós a un grande. Querido Ángel Mahler”, escribió. La imagen recorrió las redes como símbolo de su despedida: una ovación eterna.

A esos homenajes se sumó uno particularmente conmovedor: el del doctor Guillermo Capuya, médico y responsable de las Relaciones Institucionales del Sanatorio Finochietto que lo acompañó en el final. En su cuenta de Instagram publicó una imagen del programa del 20º aniversario de Drácula, con una dedicatoria firmada por Mahler: “Gracias por tu ayuda en este momentito de mi vida. Con todo cariño”. Capuya escribió: “Me queda este hermoso recuerdo del querido Ángel Mahler. Mi cariño y respeto a su esposa Dolly, sus hijos, sus familiares y amigos. Gracias por las charlas que tuvimos este último tiempo y el infinito abrazo de gol académico”.

Cada uno de los mensajes compartía un mismo hilo: la sensación de vacío, de incredulidad, de pérdida irreparable. Pero también, la certeza de que Mahler no solo dejó una obra monumental, sino una forma de vivir y de pensar la música. De esa manera, el adiós al artista fue íntimo, colectivo y transversal. Desde músicos sinfónicos hasta estrellas del pop, desde figuras de televisión hasta jóvenes que lo conocieron por sus obras teatrales, todos encontraron algo de sí en su música. En esa mezcla perfecta entre épica, melodía y emoción que definió ese estilo que continúa en el corazón de su entorno y sus fanáticos.

Durante la conversación, Cibrián Campoy reflexionó sobre los momentos llenos de significado compartidos con Mahler. “De pasar navidades juntos en el extranjero...”, recordó, señalando que esas experiencias representan las cosas realmente importantes que quedan. Frente a la muerte de su amigo, señaló que “no es una muerte merecida”, y manifestó su deseo de que el legado y los recuerdos gratos prevalezcan.

Durante la conversación con Teleshow, Pepe Cibrián Campoy abrió su corazón para hablar de la relación que forjó con Ángel Mahler a lo largo de su vida. Esta alianza no solo fue cimentada en el ámbito laboral, sino que trascendió a una hermandad que compartía tanto momentos de triunfo como de adversidad. “Eso es mier... porque más allá de lo otro tiene que ver con otra cosa”, expresó Pepe mientras recordaba cómo Mahler se convirtió en “su todo, mi otro, mi abrazarnos durante cientos y cientos de funciones”.

Cibrián Campoy recordó con nostalgia los comienzos de su colaboración, que empezó con Mahler bajo su recomendación a los 22 años. Desde entonces, compartieron “navidades juntos en el extranjero con los padres de él, con los padres míos”, creando una relación a fondo, marcada por la complicidad y el mutuo respeto. El vínculo fue tan estrecho que incluso ambos estuvieron presentes para apoyarse en momentos tan significativos como la enfermedad de un ser querido: “Estar junto con él y con su madre muriéndose”, recordó Pepe, subrayando la profundidad de su amistad en alusión a la recordada actriz, Ana María Campoy.

La memoria de Ángel Mahler sigue presente, y es esa presencia la que Cibrián Campoy busca conservar. Actualmente, ha emprendido la tarea de seleccionar una fotografía para publicar en Instagram, con el desafío de escoger entre innumerables imágenes que ilustran 42 años de historia compartida.

Pepe no solo rememoró los momentos compartidos con Mahler, también ofreció una profunda reflexión sobre la muerte y su impacto personal. El dolor de perder a alguien que fue “parte de mi vida” lo ha llevado a cuestionar la fragilidad de la vida y el sentido de las ambiciones humanas.

“Estoy devastado”, confesó, al tiempo que consideró el carácter efímero de la existencia: “Realmente... lo incapacitante que es, y todos ambicionamos cosas. ¿Y en definitiva, ¿para qué? Para irnos pronto y ya está”.

Cibrián Campoy deseó que su amigo descanse en paz y que sus hijos puedan “seguir la antorcha” dejada por Mahler, destacando el legado cultural que representa su obra. “Nos vamos a encontrar arriba vestidos de blanco”, expresó Pepe con la esperanza de un reencuentro más allá de esta vida.

La partida de Ángel Mahler no merma el aprecio y la gratitud de Pepe hacia él. “Hemos pasado momentos bellísimos, eso es lo que recuerdo de vos”, le dijo en un mensaje imaginario a su amigo, manifestando que más allá de cualquier circunstancia el amor verdadero y los recuerdos permanecen intactos. “Seguirá ahí, proseguirá su historia a través de sus obras, y esto es lo que importa”, afirmó visiblemente conmovido.

Más allá del vínculo personal arraigado en profundidad entre ambos, la muerte de Ángel Mahler deja un vacío significativo en el ámbito artístico. Cibrián también destacó cómo su contribución ayudó a moldear y enriquecer el teatro musical argentino y su influencia será perdurable. “Seguirá ahí, proseguirá su historia a través de sus obras...”, sostuvo Pepe, aludiendo a que la creatividad y entrega de Mahler continúan latentes en cada puesta en escena que desarrollaron juntos.

Durante años, Mahler no solo fue un colaborador, sino un socio creativo con quien Cibrián Campoy llevó a cabo innumerables proyectos exitosos que capturaron la imaginación del público y elevaron el nivel de la dramaturgia en el país. Aquella magia que crearon sobre las tablas trascendía las convenciones y les otorgó un prestigio merecido.

Mientras enfrenta la pérdida de su querido amigo y colaborador, Pepe continúa trabajando para celebrar el legado, revisitando con nostalgia la vasta colección de memorias compartidas a lo largo de cuarenta y dos años. En cada fotografía y cada acorde de las obras que crearon juntos resuena la promesa de que, en algún momento, volverán a encontrarse algún día. Hasta entonces, la magia de Ángel Mahler seguirá viva en cada aplauso y en cada lágrima derramada por los que aman el teatro musical argentino.

En las primeras horas de este domingo, el teatro musical argentino perdió a uno de sus nombres más emblemáticos. Ángel Mahler, compositor, director de orquesta y figura central de la escena cultural nacional, murió a los 65 años tras una dura batalla contra un melanoma metastásico que avanzó rápidamente desde su internación, ocurrida el 29 de abril, luego de una grave descompensación derivada de un derrame pleural, según la confirmación de su entorno. Con su muerte, el mundo del espectáculo quedó en silencio. Pero su obra, vasta y profundamente arraigada en la memoria popular, sigue sonando.

Mahler había nacido el 23 de mayo de 1960 en el barrio porteño de Villa Devoto. Desde muy pequeño manifestó una sensibilidad musical singular. A los siete años, una visita al Teatro Colón lo marcó para siempre: ese fue el instante fundacional que despertó en él el deseo de ser director de orquesta y compositor. Fue también el momento en que decidió tomar como nombre artístico el de Gustav Mahler, su admirado referente de la música sinfónica. Su formación incluyó estudios con Evi Swillinger, Eda María Sangrigoli y Manuel Juárez, y se nutrió de los clásicos: Verdi, Wagner, Mozart.

En los primeros años de los ‘80, su vida profesional dio sus pasos iniciales dentro del rock progresivo. En 1982 y 1983, formó parte de la banda Espíritu, con la que grabó los discos “Espíritu” y “En movimiento”. Sin embargo, el giro decisivo llegó en 1983, cuando trabajando en un comercio de pianos conoció a Pepe Cibrián Campoy. Ese encuentro marcaría el nacimiento de una de las sociedades artísticas más fructíferas del teatro musical argentino. Cibrián lo convocó para realizar los arreglos de Calígula, y así comenzó una colaboración que perduraría por más de casi cuatro décadas.

El mayor hito llegaría en 1991 con el estreno de Drácula, el Musical, obra basada en la novela de Bram Stoker. Su debut en el Luna Park fue un suceso: desde entonces, fue vista por más de tres millones de personas en Argentina, y se presentó también en España, Brasil y Chile. Fue distinguida con los premios ACE, Estrella de Mar y Hugo, y marcó un antes y un después en el musical nacional. Drácula fue apenas la primera de una larga lista que incluiría títulos como El Jorobado de París, Las Mil y una Noches, Jesús de Nazareth, Lucifer, El Último Enemigo, Dorian Gray, Maximiliano Kolbe, Mireya, Wojtyla, Otelo, La Odisea, Sandokán, La Importancia de llamarse Wilde, El Fantasma de Canterville, Excalibur, La Princesita Sara, El Ratón Pérez, Salvaje, Mamá es una estrella y Robin Hood, entre muchos otros.

En 1994, su trabajo en televisión se destacó en El Ángel de Pepe, y en 2007 participó en Aquí Podemos Hacerlo, programa de talentos donde tras un casting con más de 10 mil participantes, seleccionaron el elenco para El Jorobado de París, estrenado en el Teatro Cervantes. También trabajó en El mundo de Antonio Gasalla, Hola Susana, Su comedia favorita, Peor es nada, Manuela y Las Vendedoras de Lafayette. Compuso música para cine, con bandas sonoras de Otra historia de amor, Gracias por los servicios y Los taxistas del humor.

En paralelo, desarrolló una carrera sinfónica con identidad nacional. Compuso obras como la Sinfonía N.º 1 “Del Fin del Mundo”, la Sinfonía N.º 2 “Los Glaciares”, y la Sinfonía N.º 3 “Las Cataratas”, inspiradas en paisajes de la Patagonia y el Litoral argentino. En 2014, estrenó su Obertura Las Dunas en el Winchester Theater de Las Vegas, dedicada al maestro Oscar Carrescia. Dirigió orquestas como la Filarmónica de Río Negro, las de Salta, San Martín, Olavarría, la Orquesta de la Policía Federal y la Orquesta de Cámara de Lanús.

Su Réquiem/Kadish AMIA, estrenado en el Teatro Colón, fue una de sus obras más comprometidas emocionalmente: “Este Kadish, de fuerte contenido emocional, describe la catástrofe de aquel 18 de julio de 1994. Es un mensaje de esperanza y búsqueda de justicia”, escribió en su web.

En 2016 y 2017, ocupó el cargo de Ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, desde donde promovió políticas públicas de estímulo a la creación artística. Además, fue Huésped de Honor de la Ciudad de Ushuaia, Personaje Destacado de la Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, y Premio Municipal por la música de Lucifer, entre múltiples reconocimientos.

En los últimos años, Mahler se mantenía en plena actividad. Estuvo trabajando en la reorquestación de Jesús de Nazareth, y componiendo un concierto para violín y orquesta y otro para piano y orquesta. Su impulso creador no se había detenido. También había vuelto a dirigir en el Festival Internacional de Música de Ushuaia, donde presentó su propia sinfonía Del Fin del Mundo, reafirmando su vínculo con el sur profundo de la Argentina.

Fue también director y orquestador de producciones internacionales como My Fair Lady, Saturday Night Fever y 42nd Street. Y en paralelo, trabajó con artistas populares como Sandra Mihanovich, Raúl Lavié, Marilina Ross y Memphis La Blusera.

El recorrido de Ángel fue múltiple, profundo y trascendente. Convirtió el teatro musical en una experiencia masiva, sin perder la complejidad ni la belleza. Cruzó lo clásico con lo popular, la ópera con la calle Corrientes, los sinfónicos con el rock nacional. Y, en el último tiempo no bajó los brazos, ya que puestas en escena como El Jorobado de París había vuelto a ser difundido por él mismo en sus últimos posteos en las redes.

Hoy la música argentina despide a un creador que convirtió las emociones en armonía, las tragedias en belleza, las historias en canciones que todavía suenan. Mahler no solo fue un compositor brillante, sino que logró dejar una melodía persistente de una generación. Y su obra, lejos de apagarse, continúa iluminando los escenarios para siempre.

En la madrugada del domingo 25 de mayo de 2025, el mundo del teatro musical argentino quedó mudo. Ángel Mahler, compositor, productor y director de orquesta, falleció a los 65 años luego de una dura batalla contra un melanoma metastásico que avanzó rápidamente en su cuerpo desde que fue internado el 29 de abril por una grave descompensación derivada de un derrame pleural. La noticia fue confirmada por su entorno desde las redes sociales oficiales: “Se fue en paz, acompañado por el amor de su familia”.

Fue una despedida serena, pero no silenciosa. Porque Mahler, como pocos, supo dejar en la historia una estela sonora. Un legado que vibra con cada acorde de Drácula, el musical, su obra magna, y se proyecta en cada puesta de teatro musical que en la Argentina soñó con ser más que un reflejo de Broadway.

“Lo mejor está por venir”, decía su estado de WhatsApp. Una frase que parecía flotar entre los pentagramas de su vida. La pronunció con convicción en una entrevista con Teleshow tres años atrás, en medio de una etapa intensa de trabajo y renovación. Era fiel a su propio credo artístico, a esa inercia vital que lo empujaba siempre hacia adelante, aun después de tres décadas con el mismo título: Drácula.

El niño que a los siete años se maravilló con una ópera en el Teatro Colón, llevado de la mano por sus padres, nunca abandonó esa mirada encantada. “Lo que descubrí me volvió loco”, recordaba. Ellos querían que fuera ingeniero; él, en cambio, les confesó que no podía traicionar lo que ya ardía en su interior. “Me apoyaron totalmente, aún sin saber cómo iba a vivir”, decía, agradecido.

El nacimiento del éxito de Drácula

Era 1991. Junto a Pepe Cibrián Campoy, Mahler soñaba con llevar el musical a otro nivel. No uno más. Algo enorme. “Jamás pensamos en el Luna Park”, recordaba. Pero fue Tito Lectoure quien les abrió las puertas del emblemático estadio. “De solo mirar el lugar te daban náuseas”, contaba Mahler. Sin embargo, lo asumieron como un manifiesto: llevar el musical al pueblo. Romper con la idea de élite. Instalar la ópera-rock en la calle Corrientes y más allá.

Y lo hicieron. Drácula fue un fenómeno sin precedentes. En diez días recuperaron una inversión inicial de un millón de pesos. En total, recaudó 70 millones de dólares. Con 52 artistas en escena y una orquesta de 30 músicos, el espectáculo se convirtió en un símbolo de la excelencia artística nacional. Hubo 50 cambios de escenografía en dos actos y más de 15.000 jóvenes audicionaron con la esperanza de sumarse a la leyenda. Todo, bajo la mirada de Mahler.

Cuando Lectoure murió en 2002, Mahler asumió el rol de productor. “Ningún productor, salvo Tito, confiaba en que esto podía ser rentable”, explicó. Pero él insistió, con más de 180 personas trabajando entre vestuaristas, técnicos y músicos. “Porque lo primordial es el hecho artístico”, defendía con pasión.

Mahler insistía en algo que pocos productores comprenden: la rentabilidad viene después. Primero hay que conmover. Mostrar la excelencia posible en la Argentina. Hacer que el público vea la mejor versión posible, aunque sea más cara, más compleja, más desafiante. Porque para él, el teatro no era negocio: era misión.

“Componer es meterse en la piel de los personajes”, decía. Y así lo hizo con El Jorobado de París, Calígula, Las mil y una noches y El fantasma de Canterville, entre muchas otras piezas. En todas estaba su sello: lirismo, épica, emoción. Pero también estaba su historia. Esa infancia poblada por Verdi, Wagner, Mozart, sonando en la casa familiar. Y esa fe inquebrantable en que todo puede ser contado con música.

Una vez, dijo que Drácula nació angelada. Que jamás se había cambiado ni una sola nota. En 2011 intentaron agregar algunas escenas. Luego las quitaron. Era perfecta como estaba. “El amor es lo que nos une a los humanos en el mismo lugar”, explicaba sobre ese giro final que convirtió al monstruo en un alma doliente. Más humano que muchos humanos.

Su legado, inconmensurable y eterno

Mahler también fue ministro de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, cargo que aceptó con la misma entrega con la que dirigía una orquesta. En cada función, cuando levantaba la batuta y escuchaba el primer acorde, sentía una certeza: “Qué fantástica fue mi vida”.

“Insistir”, repetía como una clave. No rendirse. No dejar de jugar. Porque para él, la música no era solo trabajo: era juego, infancia prolongada, territorio de libertad.

Hoy Damián y Emanuel, sus hijos, lo despiden. A ellos les transmitió no solo una pasión, sino una forma de entender la vida. “A los chicos les digo que escuchen reggaetón, pero que también vayan a ese lado que me hizo feliz”.

Mahler ya no está. Pero su música –esa forma invisible del amor, como decía– sigue vibrando.

Y vivirá siempre en cada nota que resuene en la penumbra de un teatro.

Después de su participación en la telenovela “Papás X Siempre”, el actor Miguel Martínez sorprendió en su debut en el musical “MentiDrags”, presentada en el Teatro Aldama.

El intérprete de 34 años iluminó el recinto en el personaje de “Emmanuel”. Poco antes de subir al escenario, expresó para BoBo Mx que se sentía nervioso y emocionado, pues en varias ocasiones se imaginó arriba del escenario.

“Estar hoy aquí, en estos zapatos de Emmanuel, me pone muy contento”, compartió.

Ser parte del musical representó todo un reto para el actor, pues varias de las personas que admira y respeta mucho en el medio han tenido la oportunidad de estar en esos zapatos.

“Este personaje lo han hecho increíblemente bien y, pues, uno tiene que dejar un buen sabor de boca a toda la gente que nos visite”, agregó.

Finalmente, externó su deseo para que todas las personas que la ven por primera vez queden cautivadas con su trabajo, pues poco a poco se preparó para darle vida a su personaje y le inyectó su propio sello.

“Hay como poses que hace Emmanuel y formas de hablar que van un poquitito con ese Miguel Martonenz que juega a ser un personaje. Además, creo que puede tomar unas ideas de mis compañeros”, concluyó.

Quién es Miguel Martínez, estrella infantil de Televisa

Miguel Martínez es un actor y cantante mexicano conocido por su participación en producciones de Televisa. Nacido el 15 de febrero de 1991, en Guasave, Sinaloa, comenzó su carrera artística desde pequeño, ganándose el reconocimiento del público gracias a su talento y carisma.

Su salto a la fama ocurrió en 2004, cuando participó en el reality show infantil “Código F.A.M.A.”, donde obtuvo el primer lugar. Este triunfo le abrió las puertas para protagonizar la telenovela “Alegrijes y Rebujos”, interpretando el papel de Alfonso “Alcachofa”.

Posteriormente, consolidó su carrera con participaciones en otros exitosos proyectos como “Misión S.O.S.” y “Atrévete a soñar”, donde destacó por su habilidad actoral y su faceta musical.

Además de su trayectoria en televisión, Miguel Martínez incursionó en el mundo de la música, formando parte de producciones musicales relacionadas con sus telenovelas y lanzando temas propios. Ha combinado su trabajo en melodramas con proyectos teatrales y series, demostrando su versatilidad como actor.

Con más de una década en la industria del entretenimiento, continúa siendo una figura querida en el medio, destacándose por su conexión con el público joven y su compromiso con su carrera artística.

Los Premios Talía, que otorga la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE), ha celebrado este lunes su tercera edición en la que la obra teatral '1936' ha arrasado con seis galardones --de las seis nominaciones que tenía-- y el musical 'Gypsy', de Antonio Banderas, que ha logrado los cuatro premios a los que estaban nominados.

El Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid ha acogido la gala, que ha durado poco más de dos horas y que ha arrancado con una actuación que ha homenajeado a Lina Morgan y su mítico 'Gracias por venir'. La presidenta de la AAEE, Cayetana Guillén-Cuervo, ha presentado la gala y al comienzo se ha dirigido a su madre y actriz Gemma Cuervo, que estaba entre el público, y le ha agradecido que su generación "haya cambiado las cosas".

"Abrieron las puertas y ventanas, tiraron muros, prejuicios y tumbaron los prejuicios. Y que también conquistaron los derechos y libertades de los que ahora gozamos", ha indicado, antes de extender el agradecimiento a José Sacristán o a Emilio Gutiérrez Caba, que también estaban en el patio de butacas.

A la gala han asistido la Vicepresidenta Segunda y ministra de Trabajo y Economía Social, Yolanda Díaz, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, entre otras personalidades.

Uno de los premios más destacados ha sido el Talía a Mejor Espectáculo de Teatro de Texto, que ha recibido '1936', que relata lo que significó para España el golpe de estado militar del 18 de julio de 1936 y que dio lugar a la guerra civil.

La producción ha conseguido el Talía a Mejor Autoría de Teatro de Texto, un galardón recogido por Juan Cavestany y Juan Mayorga, quien ha pedido "trabajar para la paz". "'1936' es una obra sobre una guerra que nunca debió suceder. Pensar sobre una guerra que nunca debió suceder es nuestra forma de trabajar para la paz", ha manifestado.

'1936' también ha logrado el Talía a Mejor Dirección de Escena, aunque su ganador Andrés Lima no ha podido acudir a la gala, ha dejado un mensaje dedicado "a todos los que sufrieron la guerra, a los que fueron perseguidos, torturados y asesinados". "Quiero dedicar '1936' a los 114.000 desaparecidos y a sus familiares que siguen buscándolos en fosas comunes o en cualquier cuneta", ha señalado.

Unas palabras compartidas por el actor Juan Vinuesa, Premio Talía a Mejor actor protagonista, que interpreta a Franco en '1936'. "Lo dedico a todas las personas que buscan a algún familiar porque recordar no es dividir, recordar tiene más que ver con reconocer y creo que es la única manera de que caminemos juntos hacia el futuro con convivencia", ha dicho al recoger el galardón.

La obra también se ha consagrado en la categoría de Mejor Iluminación y Mejor Actor de Reparto de texto (Antonio Durán). También en la categoría de teatro, Amparo Pamplona ha logrado el Premio Talía a la Mejor Interpretación de Reparto por 'Nada'.

Otra de las grandes protagonistas ha sido Aitana Sánchez-Gijón, que ha logrado la estatuilla a Mejor Actriz Protagonista de Teatro de Texto por 'La Madre'. "Vaya año", ha celebrado la actriz, que recientemente recibió el Goya de Honor.

'GYPSY' Y ANTONIO BANDERAS TRIUNFAN EN TEATRO MUSICAL

La otra producción que ha triunfado ha sido 'Gypsy', de Antonio Banderas, que partía con cuatro nominaciones y se ha llevado las cuatro estatuillas: Mejor actriz de Teatro Musical (Marta Ribera); Mejor actor de Teatro Musical (Aaron Cobos); Mejor Espectáculo de Teatro Musical; y Mejor Dirección Musical, recogido por el compositor Arturo Díez, que ha agradecido a Banderas su lucha para que los musicales sean en "absoluto directo".

Por otro lado, el premio de Honor a la Trayectoria Profesional ha sido para Antonio Banderas, que ha recibido una ovación por su discurso en el que ha ensalzado la importancia del teatro.

"Un escenario es un lugar muy pequeño donde ocurren cosas muy grandes. Los teatros son en estos días, en los que las mentiras transitan de un lugar a otro sin ningún pudor, un refugio para la verdad, un lugar para muchas maneras de ver e interpretar la realidad al tiempo que rinden tributo a una verdad única, objetiva e incuestionable. Un ritual maravilloso en el que podemos reír, llorar, emocionarnos o reflexionar unidos y en el que no predomina la inteligencia artificial, sino la inteligencia humana, esa que hoy celebramos aquí", ha asegurado.

Antes de su discurso, Cayetana Guillén-Cuervo le ha agradecido que se entregue "en cuerpo y alma" a las artes escénicas. "Has dedicado tu tiempo, tu sabiduría. Eres una referencia para nosotros", ha ensalzado la presidenta. La entrega del galardón ha estado precedida por Blanca Paloma que ha interpretado la canción 'Resistiré'

LÍRICA Y DANZA

En la categoría de Lírica, el Mejor Espectáculo de Lírica ha sido 'La Rosa del azafrán'; la Mejor Intérprete Femenina ha sido Marina Monzó por 'Marina' y Ángel Ruiz ha sido galardonado como Mejor Intérprete Masculino por 'La Rosa del Azafrán', quien ha brindado el premio a Gaza y a "todos los niños que son masacrados por ese estado asesinado de Israel".

Entre los entregadores ha destacado el cantante Marwan, que ha recordado que es hijo y nieto de refugiados palestinos y que ha pedido al público que no se olviden de Gaza. "Os pido que presionemos desde todos los lugares de este país para que no se vendan más armas a Israel", ha afirmado antes de entregar el Talía a Mejor Música Original a Alberto Granados por 'Un monstruo viene a verme'.

En la categoría de danza, el Mejor Espectáculo de Danza ha sido 'Afanador', del Ballet Nacional de España, que también ha recibido el Talía a la Mejor Coreografía. Patricia Guerrero y Manuel Liñán han recibido los galardones a Mejor Interpretación Femenina y Masculina en Danza, respectivamente.

El Talía a Mejor Labor de Compañía ha sido para Teatro Kamikaze, que han reivindicado la responsabilidad del sector de "defender ahora más que nunca los valores de igualdad y libertad amenazados por la ola reaccionaria que avanza en Europa y en Estados Unidos".

"No podemos mencionar estos valores sin comprometernos frente al genocidio en Palestina o la guerra en Ucrania ", ha señalado una de las representantes del Teatro Kamikaze.

PREMIOS ESPECIALES

El Premio Extraordinario Talía 2025 de la Comunidad Autónoma de Castilla y León ha sido para Emilio Gutiérrez Caba. "Yo nací en septiembre del 42, justo cuando empezaba la ofensiva de Stalingrado. Hoy seguimos en guerra. Vivo tiempos difíciles y vamos a vivir tiempos seguramente más difíciles, pero hay que estar unidos y luchando", ha reclamado. Junto a él, las actrices Helena Pimenta y Ana Garcés también han recibido dicho galardón.

También el actor Telmo Irureta ha sido de los ganadores en esta cita con el Premio especial por el cambio social y la inclusión en las artes escénicas, patrocinado por ONCE. "Me comprometo a seguir trabajando, educando e incomodando para hacer clic en las mentes de nuestro público y para poder avanzar en la normalización de la diversidad", ha afirmado.

Otro de los premios especiales es el que se ha llevado Mina El Hammani y Ricardo Gómez al Joven Talento. El actor ha recordado a Juan Margallo, fallecido el pasado 2 de marzo. El Mejor Espectáculo de Latinoamericano de Artes Escénicas ha ido a parar a 'Discurso de promoción', creación colectiva de la Agrupación Cultural Yuyachkani, de Perú.

"El discurso del colonialismo, del exterminio, se repite no solamente en el sur global, sino también en esta historia contemporánea ahora", ha comentado un integrante del grupo, que ha explicado que la obra habla de la independencia peruana de la corona española. "Se comprueba tristemente que las independencias de las comunidades invisibilizadas, los campesinos, los indígenas, no han cambiado hasta ahora", ha detallado.

Los Premios Talía, que otorga la Academia de las Artes Escénicas de España (AAEE), ha celebrado este lunes su tercera edición en la que la obra teatral '1936' ha arrasado con seis galardones --de las seis nominaciones que tenía-- y el musical 'Gypsy', de Antonio Banderas, que ha logrado los cuatro premios a los que estaban nominados.

En concreto, 'Gypsy' se ha llevado cuatro estatuillas: Mejor actriz de Teatro Musical (Marta Ribera); Mejor actor de Teatro Musical (Aaron Cobos); Mejor Espectáculo de Teatro Musical; y Mejor Dirección Musical, recogido por el compositor Arturo Díez, que ha agradecido a Banderas su lucha para que los musicales sean en "absoluto directo".

Por otro lado, el premio de Honor a la Trayectoria Profesional ha sido para Antonio Banderas, que ha recibido una ovación por su discurso en el que ha ensalzado la importancia del teatro.

"Un escenario es un lugar muy pequeño donde ocurren cosas muy grandes. Los teatros son en estos días, en los que las mentiras transitan de un lugar a otro sin ningún pudor, un refugio para la verdad, un lugar para muchas maneras de ver e interpretar la realidad al tiempo que rinden tributo a una verdad única, objetiva e incuestionable. Un ritual maravilloso en el que podemos reír, llorar, emocionarnos o reflexionar unidos y en el que no predomina la inteligencia artificial, sino la inteligencia humana, esa que hoy celebramos aquí", ha asegurado.

Antes de su discurso, Cayetana Guillén-Cuervo le ha agradecido que se entregue "en cuerpo y alma" a las artes escénicas. "Has dedicado tu tiempo, tu sabiduría. Eres una referencia para nosotros", ha ensalzado la presidenta. La entrega del galardón ha estado precedida por Blanca Paloma que ha interpretado la canción 'Resistiré'

El Teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa de Madrid ha acogido la gala, que ha durado poco más de dos horas y que ha arrancado con una actuación que ha homenajeado a Lina Morgan y su mítico 'Gracias por venir'. La presidenta de la AAEE, Cayetana Guillén-Cuervo, ha presentado la gala y al comienzo se ha dirigido a su madre y actriz Gemma Cuervo, que estaba entre el público, y le ha agradecido que su generación "haya cambiado las cosas".

"Abrieron las puertas y ventanas, tiraron muros, prejuicios y tumbaron los prejuicios. Y que también conquistaron los derechos y libertades de los que ahora gozamos", ha indicado, antes de extender el agradecimiento a José Sacristán o a Emilio Gutiérrez Caba, que también estaban en el patio de butacas.

A la gala han asistido la vicepresidenta segunda del Gobierno y ministra de Trabajo y Economía Social, Yolanda Díaz, el secretario de Estado de Cultura, Jordi Martí Grau, entre otras personalidades.

Uno de los premios más destacados ha sido el Talía a Mejor Espectáculo de Teatro de Texto, que ha recibido '1936', que relata lo que significó para España el golpe de estado militar del 18 de julio de 1936 y que dio lugar a la guerra civil.

La producción ha conseguido el Talía a Mejor Autoría de Teatro de Texto, un galardón recogido por Juan Cavestany y Juan Mayorga, quien ha pedido "trabajar para la paz". "'1936' es una obra sobre una guerra que nunca debió suceder. Pensar sobre una guerra que nunca debió suceder es nuestra forma de trabajar para la paz", ha manifestado.

'1936' también ha logrado el Talía a Mejor Dirección de Escena, aunque su ganador Andrés Lima no ha podido acudir a la gala, ha dejado un mensaje dedicado "a todos los que sufrieron la guerra, a los que fueron perseguidos, torturados y asesinados". "Quiero dedicar '1936' a los 114.000 desaparecidos y a sus familiares que siguen buscándolos en fosas comunes o en cualquier cuneta", ha señalado.

Unas palabras compartidas por el actor Juan Vinuesa, Premio Talía a Mejor actor protagonista, que interpreta a Franco en '1936'. "Lo dedico a todas las personas que buscan a algún familiar porque recordar no es dividir, recordar tiene más que ver con reconocer y creo que es la única manera de que caminemos juntos hacia el futuro con convivencia", ha dicho al recoger el galardón.

La obra también se ha consagrado en la categoría de Mejor Iluminación y Mejor Actor de Reparto de texto (Antonio Durán). También en la categoría de teatro, Amparo Pamplona ha logrado el Premio Talía a la Mejor Interpretación de Reparto por 'Nada'.

Otra de las grandes protagonistas ha sido Aitana Sánchez-Gijón, que ha logrado la estatuilla a Mejor Actriz Protagonista de Teatro de Texto por 'La Madre'. "Vaya año", ha celebrado la actriz, que recientemente recibió el Goya de Honor.

LÍRICA Y DANZA

En la categoría de Lírica, el Mejor Espectáculo de Lírica ha sido 'La Rosa del azafrán'; la Mejor Intérprete Femenina ha sido Marina Monzó por 'Marina' y Ángel Ruiz ha sido galardonado como Mejor Intérprete Masculino por 'La Rosa del Azafrán', quien ha brindado el premio a Gaza y a "todos los niños que son masacrados por ese estado asesinado de Israel".

Entre los entregadores ha destacado el cantante Marwan, que ha recordado que es hijo y nieto de refugiados palestinos y que ha pedido al público que no se olviden de Gaza. "Os pido que presionemos desde todos los lugares de este país para que no se vendan más armas a Israel", ha afirmado antes de entregar el Talía a Mejor Música Original a Alberto Granados por 'Un monstruo viene a verme'.

En la categoría de danza, el Mejor Espectáculo de Danza ha sido 'Afanador', del Ballet Nacional de España, que también ha recibido el Talía a la Mejor Coreografía. Patricia Guerrero y Manuel Liñán han recibido los galardones a Mejor Interpretación Femenina y Masculina en Danza, respectivamente.

El Talía a Mejor Labor de Compañía ha sido para Teatro Kamikaze, que han reivindicado la responsabilidad del sector de "defender ahora más que nunca los valores de igualdad y libertad amenazados por la ola reaccionaria que avanza en Europa y en Estados Unidos".

"No podemos mencionar estos valores sin comprometernos frente al genocidio en Palestina o la guerra en Ucrania ", ha señalado una de las representantes del Teatro Kamikaze.

PREMIOS ESPECIALES

El Premio Extraordinario Talía 2025 de la Comunidad Autónoma de Castilla y León ha sido para Emilio Gutiérrez Caba. "Yo nací en septiembre del 42, justo cuando empezaba la ofensiva de Stalingrado. Hoy seguimos en guerra. Vivo tiempos difíciles y vamos a vivir tiempos seguramente más difíciles, pero hay que estar unidos y luchando", ha reclamado. Junto a él, las actrices Helena Pimenta y Ana Garcés también han recibido dicho galardón.

También el actor Telmo Irureta ha sido de los ganadores en esta cita con el Premio especial por el cambio social y la inclusión en las artes escénicas, patrocinado por ONCE. "Me comprometo a seguir trabajando, educando e incomodando para hacer clic en las mentes de nuestro público y para poder avanzar en la normalización de la diversidad", ha afirmado.

Otro de los premios especiales es el que se ha llevado Mina El Hammani y Ricardo Gómez al Joven Talento. El actor ha recordado a Juan Margallo, fallecido el pasado 2 de marzo. El Mejor Espectáculo de Latinoamericano de Artes Escénicas ha ido a parar a 'Discurso de promoción', creación colectiva de la Agrupación Cultural Yuyachkani, de Perú.

"El discurso del colonialismo, del exterminio, se repite no solamente en el sur global, sino también en esta historia contemporánea ahora", ha comentado un integrante del grupo, que ha explicado que la obra habla de la independencia peruana de la corona española. "Se comprueba tristemente que las independencias de las comunidades invisibilizadas, los campesinos, los indígenas, no han cambiado hasta ahora", ha detallado.

Pocas figuras en la historia de México han sido tan discutidas y reinterpretadas como Malinche, también conocida como Malintzin o Doña Marina. Durante siglos, su nombre ha sido objeto de debate, oscilando entre la admiración y la crítica.

Sin embargo, una mirada más profunda a los códices indígenas revela una historia distinta: la de una mujer dotada de una inteligencia excepcional, capaz de moverse con astucia en un momento crucial de la historia.

Hablante de náhuatl y maya, su dominio de las lenguas la convirtió en el puente entre dos mundos en colisión. Su papel como intérprete de Hernán Cortés fue solo una de sus múltiples facetas. También supo leer las dinámicas políticas de la época y jugar un rol clave en la diplomacia entre los pueblos indígenas y los conquistadores. En lugar de ser una simple traductora, Malinche fue una estratega que influyó en decisiones que darían forma al México mestizo que hoy conocemos.

Un homenaje desde el escenario

Esta perspectiva renovada de Malinche cobra vida en “Malinche El Musical”, una obra de Nacho Cano, que, tras su éxito en España, llegará a México en marzo de 2025. Con más de 800 funciones y 600,000 entradas vendidas en Madrid, este espectáculo no solo ofrece una puesta en escena espectacular, sino que propone una reivindicación de Malinche como una figura de poder y transformación.

El musical no se limita a narrar los hechos históricos, sino que celebra el mestizaje como el origen de una identidad única. A través de una fusión de flamenco, pop y rock, la obra recorre la vida de Malinche, mostrando su valentía y la forma en que supo forjar su propio destino. La producción, que mezcla teatro, música en vivo y danza contemporánea, refleja la riqueza cultural que surgió de la unión entre dos civilizaciones milenarias.

El estreno en México está previsto para el 28 de marzo de 2025, en el Frontón México, un recinto emblemático en la Ciudad de México y los boletos ya se encuentran disponibles en el sitio web oficial. Esta llegada marca un momento clave para la narrativa del musical: presentar en tierra mexicana una historia que pertenece a su gente. Para ello, Malinche El Musical contará con un elenco compuesto por talento nacional e internacional.

Diecisiete jóvenes mexicanos fueron seleccionados y formados en España en disciplinas como flamenco, hip-hop, canto, baile urbano, actuación e inglés, para poder interpretar con maestría una historia que exige entrega y versatilidad. El espectáculo también incluye la participación de bailarines y actores españoles, reforzando el concepto de mestizaje que define tanto a la historia como a la propuesta artística del musical.

Una experiencia inmersiva más allá del escenario

Más que una obra de teatro, Malinche El Musical se ha concebido como una experiencia envolvente. Desde la llegada al recinto, el público podrá disfrutar un espacio gastronómico y de entretenimiento donde se ofrecerán cócteles originales y música en vivo antes del espectáculo.

Tras la función, Nacho Cano ofrece un post-show en el que miembros del elenco ofrecerán una presentación adicional, permitiendo a los asistentes prolongar la magia del musical con más música y baile.

El estreno de Malinche El Musical en México no solo es un evento cultural de gran relevancia, sino una oportunidad para replantear el legado de Malinche desde una perspectiva distinta. Lejos de la imagen distorsionada que se le ha atribuido, el musical la presenta como una mujer de gran inteligencia y una visionaria que supo adaptarse y transformar su destino.

Revisa todos los detalles sobre el musical a través de https://malinchethemusical.com/

La figura de Luigi Mangione, acusado de haber asesinado al director ejecutivo de UnitedHealthcare, Brian Thompson, será llevada al escenario en una producción teatral que ha generado amplia expectación. La obra, titulada Luigi: The Musical, se estrenará el 13 de junio en el Taylor Street Theater de San Francisco y ya ha vendido la totalidad de sus entradas para toda la temporada, según reportó People.

El musical presenta una versión libremente inspirada en el clásico de Broadway Chicago, que a su vez se basó en el caso real de Beulah Annan, quien fue absuelta tras ser juzgada por asesinato. En esta nueva obra, Mangione aparece como un protagonista controvertido, acompañado en escena por personajes que representan a sus compañeros de celda en la vida real: Sean “Diddy” Combs y Sam Bankman-Fried, ambos también detenidos en el Centro de Detención Metropolitano.

La pieza escénica se estrena en un momento de gran atención mediática sobre Mangione, quien enfrenta un juicio por cargos tanto estatales como federales. Está acusado de haber disparado mortalmente contra Thompson en un acto que las autoridades han calificado como terrorismo corporativo. Mangione se ha declarado no culpable de todos los cargos y podría enfrentar la pena de muerte si es hallado culpable.

El argumento del musical retrata una sátira judicial con ecos del teatro clásico estadounidense

Según la sinopsis publicada por la compañía teatral, Luigi: The Musical se presenta como “una comedia salvajemente irreverente y afilada que reimagina la historia real de Luigi Mangione, el supuesto asesino corporativo convertido en héroe popular accidental”. La obra lo sigue mientras navega “la amistad, la justicia y lo absurdo de la fama viral”, acompañado por sus compañeros de celda.

El enfoque recuerda directamente a la estructura narrativa de Chicago, obra en la que la protagonista Roxie Hart, inspirada en Annan, debe enfrentarse a un juicio por asesinato mientras convive con otras mujeres acusadas en prisión. Al igual que Hart, Mangione en esta versión teatral no solo enfrenta la justicia, sino que lo hace rodeado de atención pública, escándalos mediáticos y una exploración irónica de la celebridad criminal.

La elección de incluir a figuras como Combs y Bankman-Fried en la puesta en escena introduce una capa adicional de comentario social. Ambos están actualmente detenidos por delitos de alta exposición pública, lo que subraya la tendencia contemporánea a transformar procesos penales en espectáculos culturales.

Mangione está siendo juzgado en tribunales estatales y federales por cargos de asesinato y terrorismo

De acuerdo con People, Luigi Mangione fue acusado formalmente de asesinar al director ejecutivo de UnitedHealthcare, Brian Thompson. Las autoridades lo señalan como el autor de un ataque premeditado que se enmarca dentro de actos de terrorismo contra intereses corporativos. En su comparecencia más reciente, el 25 de abril, Mangione se declaró no culpable de los cargos federales que incluyen asesinato y acecho.

Los cargos estatales presentados anteriormente también fueron respondidos con una declaración de inocencia. La fiscal general Pam Bondi anunció que, de ser condenado, buscará la pena de muerte en el juicio federal. Las audiencias preliminares continúan y el juicio ha sido programado tentativamente para diciembre de este año.

En medio de este proceso judicial, la figura de Mangione se ha convertido en objeto de atención no solo en las páginas judiciales sino también en el mundo del espectáculo. La representación de su historia en un musical ha suscitado un debate sobre los límites entre arte, justicia y explotación mediática.

Una obra que transita entre la crítica social y la sátira sobre la fama viral

El musical no se limita a dramatizar un caso judicial. La descripción de la obra publicada por la compañía indica que el foco está puesto en cómo un hombre acusado de un crimen grave puede convertirse en una figura viral, objeto de simpatía o burla, dependiendo del lente mediático. La sátira se acentúa al insertar a los compañeros de celda reales de Mangione como personajes en escena, lo que propone una mezcla de ficción y realidad que emula las dinámicas del entretenimiento carcelario estadounidense.

Mientras que Chicago exploraba la fama en los tabloides de una acusada de asesinato en la década de 1920, Luigi: The Musical parece actualizar esa lógica para la era de las redes sociales, en la que los acusados pueden adquirir estatus de celebridad incluso antes de ser juzgados.

La coincidencia temporal también resulta simbólica. El estreno de esta obra se da 99 años después del debut de Roxie Hart en Broadway, lo que subraya la persistencia del interés cultural por las historias de crimen, juicio y fama.

Un fenómeno de taquilla en medio de un proceso judicial de alto perfil

El hecho de que la obra haya agotado todas sus funciones antes de su estreno indica un fuerte interés del público por la historia. La expectativa no solo proviene del caso judicial, sino también del enfoque provocador de la puesta en escena y de la notoriedad de los personajes implicados.

Luigi: The Musical se inscribe así en una tradición estadounidense en la que los casos judiciales de gran resonancia se transforman en productos culturales. A medida que se acerca la fecha de estreno, y en paralelo avanza el proceso judicial contra Mangione, la atención sobre esta producción promete mantenerse firme tanto en el ámbito teatral como en el judicial.

Park City (EE.UU.), 26 ene (EFE).- Bill Condon regresó al Festival de Sundance después de casi treinta años con 'Kiss of the Spider Woman', un musical que evoca a la Época Dorada de Hollywood, brindándole a Jennifer Lopez un papel de diva que la industria cinematográfica actual parece estar perdiendo.

"Ya no tenemos muchas divas en nuestro mundo y ella interpreta a una diva de Hollywood de otra época, de los años 50. No puedo pensar en otra persona que pudiera haberla encarnado mejor que ella", aseguró Condon a EFE minutos antes del estreno de la cinta en el festival al que Lopez arribó con un vestido con apliques brillantes en forma de telaraña.

La película está basada en el musical homónimo inspirado en la novela del argentino Manuel Puig situada en el contexto de la dictadura argentina (1976-1983).

Esta sigue la historia de Luis Molina (Tonatiuh) un joven gay que comparte prisión con el revolucionario Valentín Arregui (Diego Luna), que para escapar de su realidad le cuenta a su compañero de celda película favorita, un musical al estilo MGM.

Condon, conocido por ser guionista de musicales como 'Chicago' y director de 'Dreamgirls', había quedado fascinado por la música de la adaptación al teatro musical que John Kander y Fred Ebb presentaron por primera vez en 1993, basados en el libreto de Terrence McNally.

"Me encantaba la banda sonora, los musicales comienzan con la música y esta es la banda sonora más bonita de Kander y Ebb. La idea de usar esas canciones y llevarlas al cine me causaba mucha emoción", ahondó Condon y adelantó que hay "nueva música" en su película de poco más de dos horas de duración.

El director ha descrito su proyecto como "un unicornio" al haber logrado fusionar temas normalmente abordados en el cine independiente, con el de gran presupuesto como las partes en las que lleva las riendas la cantante de ‘Get Right’.

Lopez interpreta a Ingrid Luna, una aclamada artista latina de Hollywood que protagoniza musicales de gran escala. La cantante y Tonatiuh llevan la mayor carga musical de la película, pero Diego Luna también muestra su talento en el canto y en el baile.

“Jennifer Lopez es como una boxeadora campeona que está enfrentándose con la mejor pelea de su vida en esta película, yo creo que para ella hacer un papel en el que usa sus talentos a lo máximo debió ser de lo mas divertido", aseguro la actriz mexicana Aline Mayagoitia, quien también forma parte del filme.

Antes de que el público presenciara la cinta, Condon lamentó que el presidente Donald Trump recientemente firmara una orden ejecutiva en la que decretaba que solo se reconocerían dos géneros en EE.UU.: femenino y masculino.

"Como podrán imaginar esta película tiene otro punto de vista" bromeó el director.

Sundance se celebra en Park City hasta el 2 de febrero y anunciará a lo ganadores de sus secciones en competencia el 31 de enero. EFE

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Nueva York, 23 ene (EFE).- El musical "Real Women Have Curves" cuyas funciones preestreno comenzarán el 1 de abril y que está dirigido por el colombiano Sergio Trujillo, anunció hoy nuevos nombres que participarán en su elenco y que lo convierten en uno de los musicales con más cantidad de talento latino.

De acuerdo con un comunicado de la producción, el musical contará con Florencia Cuenca, Carla Jiménez, Aline Mayagoitia, Mason Reeves y Sandra Valls, todos ellos debutantes en Broadway, así como Shelby Acosta y Jennifer Sánchez.

También Quincy Hampton, Zeus Mendoza, Claudia Mulet, Christopher M. Ramírez, Mónica Tulia Ramírez, Shadia Fairuz, Elsa Galindez y Omar Madden. Este elenco se unirá a Tatianna Córdova (Ana) y Justina Machado (Carmen), previamente anunciadas.

Todas las funciones de "Real Women Have Curves: The Musical" desde el 1 de abril hasta su estreno oficial en 27 de ese mes serán en el teatro James Earl Jones.

La pieza, basada en la obra de Josefina López que inspiró el filme, se desarrolla en verano de 1987 y cuenta la historia de una joven de origen mexicano, Ana García, con una figura voluptuosa, que lucha por elegir entre vivir su propia vida y vivir la vida que sus padres inmigrantes quieren que viva.

Trujillo, ganador de los premios Tony -el primer latino en lograrlo- y el Olivier también será responsable de la coreografía, mientras que la música y letras son de la artista ganadora de premios Grammy, Joy Huerta, y del compositor y letrista, Benjamin Velez.

La dirección musical de Roberto Sinha, diseño escénico de Arnulfo Maldonado y el diseño de vestuario de Wilberth Gonzalez y Paloma Young, destaca además el comunicado.EFE

Desde los primeros códices mexicas hasta las pinturas del siglo XX, pasando por novelas, ensayos históricos, películas y obras teatrales, Malinche ha sido una figura representada de múltiples formas: a veces como traidora, otras como víctima, muchas veces como sombra sin voz. Su rostro aparece junto a Hernán Cortés en manuscritos indígenas donde no se la nombra, y su nombre ha sido utilizado como sinónimo de deslealtad.

Pero en las últimas décadas, esa imagen ha comenzado a cambiar. Desde la historia, el arte y la literatura, surgieron nuevas interpretaciones que la rescatan como una mujer compleja, estratega, políglota y fundamental en la construcción de la identidad mestiza. En esa línea se inscribe ahora una nueva propuesta escénica que pone su figura al centro del escenario.

Malinche El Musical, la más reciente creación de Nacho Cano, propone una lectura escénica que transforma la narrativa tradicional y coloca a Malintzin en el lugar que nunca debió perder: el de protagonista. La propuesta escénica llega al público de la mano de Banco Azteca con el objetivo de no reproducir el relato habitual de una mujer al servicio del conquistador. Por el contrario, lo que se ve en escena es una figura compleja, con agencia, que se mueve entre códigos, lenguas y estructuras de poder. Una intérprete, mediadora y estratega, cuya comprensión del mundo le permitió sostener decisiones en uno de los momentos más tensos y fundacionales de la historia del continente.

Malintzin: un personaje reescrito

La puesta en escena, presentada por Banco Azteca, toma como base las composiciones originales de Nacho Cano, pero el corazón del espectáculo está en la interpretación del personaje de Malinche: una mujer que no solo traduce entre lenguas, sino que transita entre mundos. Cada gesto coreográfico y cada línea cantada profundizan en esa tensión, construyendo una figura humana, lejos de los estereotipos.

La dirección artística optó por evitar la linealidad narrativa. En su lugar, la historia avanza a través de escenas fragmentadas, que conectan desde lo simbólico y lo emocional. El uso del lenguaje corporal es central. Desde el flamenco hasta el hip hop, pasando por secuencias contemporáneas, los movimientos del elenco dan forma a los conflictos internos y externos del personaje. No hay explicaciones didácticas, sino una construcción poética que invita a sentir antes que juzgar.

Una Malinche actualizada para una sociedad en revisión

La obra no responde con eslóganes ni moralejas, pero sí deja planteada una pregunta profunda: ¿y si la historia que nos contaron no fue la única posible?

En vez de culpabilizar o redimir, Malinche El Musical elige comprender, acercarse a la figura histórica desde una sensibilidad actual. ¿Qué significa haber sido mujer, indígena y traductora en medio de una conquista? ¿Qué implica haber tenido poder, aunque no fuera reconocido? ¿Y cómo se construye la identidad en medio de la imposición?

Estas preguntas se cuelan en cada escena, no como discursos explícitos, sino como tensiones visibles en el cuerpo de la protagonista, en la mirada del elenco, en los silencios entre canción y canción.

El impacto de la obra no reside solo en su calidad técnica —que la tiene—, sino en su capacidad de activar preguntas que siguen siendo urgentes: sobre la memoria, la justicia, el poder, la identidad. Lo hace sin solemnidad, pero con honestidad. No busca sentenciar, sino invitar a mirar de nuevo.

Una cita con la historia

La temporada de este musical en el Frontón México ya está en marcha y las funciones se están realizando con gran convocatoria.

Las funciones se realizan varias veces por semana y están programadas para continuar durante una temporada extendida. El recinto cuenta con todas las comodidades para recibir al público familiar —la obra está recomendada para mayores de 5 años— y con espacios dedicados a la experiencia previa y posterior a la función.

Los boletos pueden adquirirse a través del sitio web oficial malinchethemusical.com/cdmx o directamente en las taquillas del teatro. Las plataformas de venta ofrecen diferentes rangos de precios y ubicaciones en sala, permitiendo elegir con anticipación. La gestión está a cargo de FEVER, y en fechas señaladas se habilitan promociones especiales para público general y tarjetahabientes de Banco Azteca.

Más allá del espectáculo, la propuesta escénica de Malinche El Musical es una oportunidad para volver a pensar a Malintzin no como símbolo, sino como persona. Una figura que, lejos de ser solo parte del pasado, sigue hablando hoy, desde un escenario, a una sociedad que tal vez esté empezando a escucharla por primera vez.

Ciudad de México, 20 ene (EFE).- La obra teatral ‘El Rey León’ regresa a México una década después de su primera función en el país con la promesa de mantener su esencia, pero con el refresco de algunos elementos con la intención de acercarse a nuevas generaciones.

“'El Rey León' está más vigente que nunca y es algo que queremos compartir con las nuevas generaciones”, señaló en una conferencia de prensa el productor de la puesta en escena, Morris Gilbert.

El productor mexicano recordó que este año ‘El Rey León’ celebra 27 años de presentarse de manera ininterrumpida en Broadway, y volverá a Ciudad de México en marzo próximo tras 10 años de haberse presentado.

“Se hizo una selección de 3.300 actores, actrices, bailarines y bailarinas. Elegimos a la gente en función de su talento y tenemos un gran elenco”, señaló Gilbert acompañado de los 50 miembros que participarán en la obra.

Este musical, que se ha presentado en nueve idiomas (inglés, japonés,  alemán, coreano, francés, neerlandés, español, mandarín y portugués), cuenta ahora con ocho producciones en distintas partes del mundo, como Broadway, la gira por Estados Unidos, Tokio, Londres, Hamburgo, Toronto, Madrid y París.

La capital mexicana será su novena producción de la mano de OCESA.

“Tener de vuelta 'El Rey León' en nuestro país es el resultado de la gran alianza estratégica que desde hace más de 25 años tenemos con Disney Theatrical Group”, dijo Julieta González, productora de OCESA.

‘El Rey León’ se ha presentado en más de 100 ciudades de 24 países en todos los continentes, excepto en la Antártida, y su recaudación mundial supera la de cualquier película, espectáculo de Broadway u otro título de entretenimiento en la historia, según los productores.

Para esta ocasión, Simba, el papel protagónico que interpretó de forma emblemática en México y España el cantante Carlos Rivera, lo encarnará el actor mexicano Pierre Louis, quien aseguró que, si bien es un reto, será también un gran tributo para quienes protagonizaron antes la obra.

“(Es una historia que) tiene muchísimo corazón, nosotros estamos completamente involucrados sentimentalmente con esta historia, con estos personajes y creo que nosotros también hacemos una gran labor y un gran tributo a quienes estuvieron antes que nosotros”, señaló el actor, modelo y cantante.

El elenco de media centena de actores está conformado por mexicanos, sudafricanos, cubanos, colombianos, dominicanos y otras nacionalidades que reúnen su talento para esta puesta en escena.

“Cada uno de nuestros actores tiene una historia maravillosa, porque todos han sufrido, han trabajado, han luchado para estar en ese escenario, de verdad son grandes historias y grandes artistas todos”, remarcó González.

En Ciudad de México, ‘El Rey León’ se presentó en el Teatro Telcel desde mayo de 2015 hasta el 14 de enero de 2018, acumulando más de 950 funciones y un millón de espectadores.

Gilbert, quien es reconocido por producciones como ‘La Bella y la Bestia’, ‘Rent’, ‘El fantasma de la Ópera’, ‘El hombre de la Mancha’, ‘Aladdín’, ‘Anastasia’, 'José el Soñador', ‘Los Miserables’, entre otros, señaló que en México el teatro musical vive un momento “importante” tras la pandemia de covid-19.

“Me parece que este es el momento en que realmente estamos emergiendo después de la pandemia y la gente tiene más interés en asistir al teatro. Estamos en un buen momento. Llevamos la corriente a favor en esta ocasión", concluyó. EFE

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Barcelona, 18 ene (EFE).- 'Polvo serán', dirigida por Carlos Marques-Marcet, ha ganado este sábado el premio Gaudí a la Mejor Película en lengua no catalana, una de las 14 nominaciones que había conseguido en la XVII gala de los galardones que concede la Academia del Cine Catalán.

El filme competía con 'Los destellos', dirigida por Pilar Palomero; 'Los pequeños amores', de Celia Rico Clavellino; y 'Segundo premio', de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez.

La película, escrita por Carlos Marques-Marcet, Clara Roquet y Coral Cruz, protagonizada por Ángela Molina y Alfredo Castro, se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el pasado mes de septiembre.

Narra la peripecia de Claudia, una mujer que tras ser diagnosticada con una enfermedad terminal, decide hacer su último viaje a Suiza, donde la acompañará su compañero durante más de cuarenta años, Flavio.

Marqués-Marcet, que ya obtuvo el Premio Gaudí a la mejor película por 'Els dies que vindran', en la edición de 2020, tras recibir la estatuilla de manos de Ana Torrent, ha agradecido a todo el equipo su trabajo en este filme sobre el duelo y la eutanasia, en formato musical.

Con alusiones a los actores, especialmente a Ángela Molina, Marqués-Marcet ha dicho que ha sido "muy bonito" lo que ha ocurrido a raíz de la película, con gente que se le ha acercado para contarle sus circunstancias familiares. "¡Qué suerte tenemos de podernos juntar en una sala de cine y compartir! ¡Nos vemos el día del desahucio!", ha concluido.

También se ha pronunciado sobre la película la productora Ariadna Dot, quien no ha obviado que hacer un musical sobre la muerte "no era fácil", agradeciendo a todo el equipo su trabajo. EFE

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El Tribunal Superior de Justicia de Madrid (TSJM) ha condenado a la empresa del productor Nacho Cano a indemnizar con casi 12.000 euros a uno de los artistas del musical 'Malinche' al que se despidió de forma improcedente en el año 2023.

La sentencia del TSJM, a la que ha tenido acceso Europa Press, explica que el demandante, llamado Aitor Antruejo, estuvo trabajando para 'Malinche' desde el 1 de agosto de 2022, poco antes de su estreno el 15 de septiembre del mismo año. Posteriormente, el 25 de abril de 2023, la productora le comunicó al artista la extinción de su contrato por "disminución voluntaria y continuada" de su rendimiento de trabajo.

Según el documento jurídico, la empresa de Nacho Cano reconoció que se trataba de un despido improcedente y rechazan el intento de la productora de aplicar un convenio distinto al de actores de la Comunidad de Madrid al que se acogió en el momento de la firma del contrato el demandante.

La nueva sentencia se apoya en una resolución anterior que ya condenó a la productora de Nacho Cano por despido improcedente, pese a que alegaban que la indemnización del artista contratado debería corresponder al Convenio Colectivo del Sector de Profesionales de la danza, circo y variedades y folklores y no al convenio de actores y actrices.

El convenio de actores y actrices obligaba a pagar cinco mensualidades de sueldo en caso de despido, cifrando en 11.882.95 euros la indemnización, mientras que el convenio que defendía la productora rozaba los 2.000 euros.

Nacho Cano está llamado a declarar como imputado el próximo 13 de enero en los Juzgados de Plaza Castilla de Madrid, para esclarecer si trajo a casi una veintena de becarios desde México para formarse y trabajar en su musical camuflados como turistas.

La noche del viernes 28 de Marzo, el icónico Frontón México abrió sus puertas a un estreno de Malinche El Musical, la obra de Nacho Cano que ha conquistado al público europeo y que por primera vez se presentó ante una audiencia mexicana. La función inaugural se convirtió en un acontecimiento escénico y cultural, con entradas agotadas y una recepción entusiasta que anticipa una larga temporada en la capital.

El recinto ubicado frente al Monumento a la Revolución recibió a los amantes del teatro musical en una noche que reunió figuras del espectáculo, la música y la política, además de medios nacionales e internacionales. El público aplaudió de pie al finalizar la función, marcando un debut que se vivió como un homenaje hacia la figura histórica de Malinche.

Una puesta en escena que une historia y emoción

La obra, escrita y dirigida por Nacho Cano, narra la vida de Malintzin desde una óptica renovadora. La protagonista no aparece como un personaje pasivo o subordinado, sino como una mujer inteligente, estratega y clave en el complejo proceso del mestizaje.

El espectáculo integra elementos de teatro musical, danza contemporánea, flamenco y música en vivo, con una narrativa que reconstruye momentos históricos desde la perspectiva de la protagonista. Los recursos escenográficos incluyeron proyecciones en tiempo real, estructuras móviles y una iluminación diseñada para transitar entre lo ritual y lo épico.

Las canciones originales compuestas por Cano fusionan pop, rock y ritmos tradicionales. La interpretación vocal y coreográfica del elenco recibió ovaciones en varios momentos de la noche, especialmente durante los cuadros centrales que retratan el encuentro entre culturas y la tensión entre la identidad y la imposición.

El montaje en México contó con un elenco mixto: 17 jóvenes artistas mexicanos formados durante nueve meses en España en disciplinas como flamenco, hip-hop, canto y actuación, y un grupo de bailarines y actores españoles que aportaron desde la primera temporada en Madrid.

Este cruce escénico se transformó en uno de los elementos más destacados de la obra, no solo desde lo artístico, sino también desde su contenido simbólico: una coproducción binacional que, como el propio musical, encarna la idea del mestizaje y la convivencia cultural.

El papel protagónico fue asumido por una actriz mexicana cuya interpretación logró transmitir fuerza, contradicción, emoción y agencia. La construcción dramatúrgica se aparta de la narrativa tradicional y propone una revisión del rol de Malinche basada en fuentes históricas indígenas y reinterpretaciones contemporáneas.

Experiencia post-show con el elenco

El estreno no se limitó a la función principal. Desde horas antes del inicio, los asistentes pudieron disfrutar de la experiencia inmersiva en un espacio gastronómico y musical instalado en el mismo complejo, con barra de cócteles y actuaciones en vivo.

Al finalizar el musical, Nacho Cano ofreció un post-show exclusivo protagonizado por miembros del elenco. Con una estética más informal, pero cargada de energía, este cierre festivo funcionó como bis, conectando al público con los intérpretes en una celebración compartida.

Un musical con respaldo internacional y una historia mexicana

La producción llega a México luego de tres temporadas exitosas en Madrid, donde fue reconocida como Mejor Musical y Mejor Escenografía en la XV Edición de los Premios del Teatro Musical. En Europa, contó con la participación de artistas invitados como Álex González (Maná), Marta Sánchez, El Tri y Mariachi Vargas de Tecalitlán.

En esta primera función mexicana no hubo invitados musicales, aunque los productores confirmaron que a lo largo de la temporada se sumarán colaboraciones especiales. Entre los asistentes estuvieron presentes los productores ejecutivos María Laura Medina de Salinas y David Hatchwell, así como representantes de Banco Azteca, entidad aliada que organizó la preventa exclusiva para tarjetahabientes en diciembre pasado.

Próximas funciones y entradas

La obra permanecerá en cartelera durante los próximos meses con funciones semanales en el Frontón México, ubicado en el corazón de la Ciudad de México. Las entradas pueden adquirirse a través del sitio web oficial malinchethemusical.com/cdmx y en las taquillas del recinto.

Las funciones están recomendadas para mayores de 5 años y se espera que el musical se convierta en una de las producciones más relevantes de la temporada 2025 en México, tanto por su calidad escénica como por el debate cultural que propone.

A lo largo de cinco siglos, la figura de Malinche —también conocida como Malintzin o Doña Marina— ha ocupado un lugar central en la historia de México. Mujer indígena, políglota y mediadora entre dos mundos durante la conquista, su papel ha sido objeto de interpretaciones contrastantes: traidora, víctima, estratega, símbolo del mestizaje.

Su historia, marcada por tensiones políticas, lingüísticas y culturales, ha inspirado a generaciones de artistas que han buscado comprenderla, resignificarla o confrontarla a través de distintas expresiones. Desde códices del siglo XVI hasta murales, literatura, cine y teatro contemporáneo, Malinche se ha mantenido como una presencia viva en el arte, reflejo de las preguntas no resueltas sobre identidad, poder y memoria en la historia mexicana.

En Malinche, El Musical, esta figura histórica es reimaginada desde el cuerpo y el movimiento. La obra, creación del compositor y productor Nacho Cano, construye su narrativa a partir de la danza, la música y una puesta en escena que une flamenco, hip-hop, ballet contemporáneo y ritmos latinoamericanos. Con su estreno previsto para el 28 de marzo de 2025 en la Ciudad de México, el espectáculo propone una lectura escénica del mestizaje, alejada del discurso didáctico y centrada en la potencia expresiva del lenguaje artístico.

La producción cuenta con un elenco multicultural compuesto por jóvenes mexicanos formados durante nueve meses en España en disciplinas como danza, canto, actuación e idiomas. Estos intérpretes, junto a artistas españoles del montaje original, dan forma a una propuesta que encarna físicamente los vínculos entre dos tradiciones culturales. En escena, la historia de Malintzin se cuenta con el cuerpo: en secuencias coreográficas que evocan tensiones, desplazamientos, alianzas y fracturas históricas. La música, compuesta por Nacho Cano, teje un paisaje sonoro en el que conviven el pop, el flamenco, el rock y las sonoridades tradicionales, sin jerarquías estilísticas.

El diseño visual —que incluye proyecciones, iluminación escénica y escenografía modular— transforma el escenario en un espacio mutable, por el que transitan ciudades, templos, paisajes y símbolos. Antes de cada función, el público puede visitar el un espacio gastronómico y musical concebido como introducción al universo estético de la obra. Al finalizar, el elenco ofrece un post-show con música en vivo, extendiendo la experiencia más allá del escenario principal.

Malinche, El Musical fue galardonado en España con los premios a Mejor Musical y Mejor Escenografía en la XV edición de los Premios del Teatro Musical, y ha contado con colaboraciones de artistas como Álex González (Maná), Mariachi Vargas de Tecalitlán, El Tri y Banda El Recodo. La creación del proyecto fue registrada en el documental La Creación de Malinche, disponible en Netflix.

Dónde ver Malinche, el musical

Con funciones abiertas a público de todas las edades, Malinche, El Musical invita a reflexionar sobre la historia y la identidad a través del lenguaje del arte escénico, en una experiencia que une música en vivo, danza y narrativa visual.

Las entradas estarán disponibles en el sitio oficial del musical y en las taquillas del recinto. Se recomienda consultar con anticipación las fechas, horarios y disponibilidad:

• Fecha de estreno: 28 de marzo de 2025
• Lugar: Frontón México, Ciudad de México
• Boletos: malinchethemusical.com/cdmx y taquillas del Frontón México
• Contacto: infomexico@malinchethemusical.com

Asistir a Malinche es también una oportunidad para presenciar cómo el arte escénico actual aborda desde una mirada contemporánea a una de las figuras femeninas más complejas y debatidas de la historia de México.

La historia de Malinche ha servido como punto de partida para distintas formas de exploración artística, tanto visual como escénica. En Malinche, El Musical, su figura es inspiración y estructura narrativa, pero también detonante de una reflexión estética sobre los cruces culturales que dieron origen al México moderno.

La obra de Nacho Cano forma parte de una tradición más amplia de creadores que han encontrado en ella una vía para representar tensiones históricas, identidades en disputa y la permanencia del pasado en el presente. En ese sentido, el escenario no sólo dramatiza una historia, sino que la transforma en una experiencia sensible, capaz de reabrir preguntas que siguen vigentes cinco siglos después.

La figura de Malinche, también conocida como Malintzin o Doña Marina, ha sido objeto de múltiples reinterpretaciones a lo largo de los siglos. Como intérprete y mediadora de Hernán Cortés durante la conquista de México, su rol fue fundamental en el encuentro entre pueblos indígenas y los conquistadores.

Sin embargo, la percepción de su figura ha cambiado de forma significativa: de aliada estratégica en los relatos del siglo XVI a símbolo de traición en discursos nacionalistas del siglo XIX, y más recientemente, a una mujer compleja que supo navegar un contexto político y cultural adverso. En el arte, su representación ha reflejado estos cambios, desde documentos históricos hasta reinterpretaciones contemporáneas en pintura, televisión y teatro musical.

A continuación, se presentan cinco de las representaciones más relevantes de Malinche en el arte y la cultura:

1. Lienzo de Tlaxcala (siglo XVI) Malinche aparece junto a Hernán Cortés, con gestos que indican su papel como traductora. Representada con vestimenta indígena y destacada visualmente, su figura es central en las alianzas políticas entre los tlaxcaltecas y los españoles, sin connotaciones negativas.
2. José Clemente Orozco – “La Malinche” (1926) En este mural, se muestra entre Cortés y un hombre indígena, con el torso desnudo y las manos extendidas sobre el segundo. La imagen evoca la tensión, reflejando una lectura crítica del papel de Malinche en la conquista.
3. Antonio Ruiz – “El sueño de la Malinche” (1939) Malinche yace dormida y su vestido se transforma en un paisaje urbano. Esta metáfora visual la sitúa como base del México moderno, resaltando la dimensión estructural del mestizaje en la identidad nacional.
4. “Malintzin, la historia de un enigma” (2019, Claro Video) Serie documental que reevalúa su figura desde una óptica histórica y cultural. Con entrevistas y dramatizaciones, destaca su capacidad lingüística y su rol estratégico, alejándose de la narrativa tradicional de traición.
5. “Malinche, El Musical” (2022–2025, Nacho Cano) En esta producción musical contemporánea, Malinche es presentada como una figura decisiva en la fusión cultural entre Europa y América. La obra reinterpreta su legado desde una óptica positiva, como símbolo de valentía, transformación e identidad mestiza.

Las representaciones artísticas de Malinche, desde los códices coloniales hasta las producciones contemporáneas, han reflejado las distintas formas en que su figura ha sido interpretada según el momento histórico.

A partir de estos ejemplos, que oscilan entre la visión de mediadora estratégica y la de símbolo de traición o mestizaje, surge Malinche, El Musical como una propuesta escénica que retoma y resignifica su legado. La obra, concebida por Nacho Cano, trasciende los estigmas tradicionales y la presenta como una figura central en la formación de la identidad mexicana, utilizando el lenguaje del espectáculo para conectar su historia con el público actual.

Malinche, El Musical: estreno en México

Tras su éxito en España, con más de 800 funciones y 600,000 entradas vendidas, Malinche, El Musical, creado por Nacho Cano, llega a México el 28 de marzo de 2025. La puesta en escena combina teatro, música en vivo, flamenco, pop y ballet contemporáneo para narrar la historia de Malinche desde una perspectiva innovadora que busca rescatar su papel clave en la historia de México.

A diferencia de representaciones anteriores marcadas por el estigma de la traición, esta obra la sitúa como una mujer que supo influir activamente en un momento decisivo para el continente. La propuesta enfatiza su valentía, capacidad de negociación y su papel como símbolo del mestizaje, con una estética visual y musical diseñada para una experiencia inmersiva. La producción cuenta con la participación de un elenco mixto de artistas mexicanos y españoles, como parte de una apuesta por reflejar la mezcla cultural que representa la historia.

Dónde verla

• Fecha de estreno: 28 de marzo de 2025
• Ubicación: Frontón México, Ciudad de México
• Venta de boletos: malinchethemusical.com/cdmx y taquillas del Frontón México

Producción artística y experiencia escénica

Diecisiete jóvenes mexicanos fueron seleccionados y formados en España durante nueve meses en disciplinas como flamenco, hip-hop, danza urbana, canto, actuación e inglés. Esta preparación intensiva busca asegurar un montaje de alta calidad artística y técnica. La primera temporada en México incluirá también a intérpretes españoles que participaron en la versión original, en un cruce escénico que refleja el mestizaje cultural que la obra celebra.

El espectáculo ofrece una experiencia integral que va más allá del escenario principal. Previo a cada función, los asistentes podrán disfrutar de un espacio gastronómico con música en vivo y coctelería temática. Tras el espectáculo, el público será invitado a un post-show, una presentación adicional con música y baile protagonizada por el elenco. Este enfoque busca convertir cada función en una vivencia completa que combine entretenimiento, memoria histórica y celebración cultural.

Malinche, también conocida como Malintzin o Doña Marina, es una figura clave en la historia de México, aunque por muchos años fue señalada como símbolo de traición, al asociarse su figura con la rendición del mundo indígena ante el poder colonial europeo. Esta percepción ha cambiado gracias al trabajo de historiadores y reconocida como una figura clave en la fundación del México mestizo.

Aquí te presentamos 5 datos poco conocido de Malintzin:

1. Era de origen noble: Malintzin nació en una familia noble de la región de Coatzacoalcos. Tras la muerte de su padre fue entregada como esclava y llevada a la región maya.

2. Dominaba varios idiomas: Hablaba náhuatl (su lengua materna) y maya chontal, lo que facilitó su comunicación con diferentes pueblos indígenas. Más tarde, aprendió español rápidamente, convirtiéndose en la voz indispensable entre Hernán Cortés y los pueblos originarios.

3. Fue más que una intérprete: Su conocimiento sobre alianzas y rivalidades entre las civilizaciones indígenas la ayudó a sobrevivir. No sólo traducía, sino que también sirvió como consejera estratégica para Cortés.

4. Madre del mestizaje: Malintzin tuvo un hijo con Hernán Cortés, Martín Cortés, considerado uno de los primeros mestizos de la historia mexicana, símbolo del nacimiento de una nueva identidad cultural. Después de la conquista, Malintzin contrajo matrimonio con Juan Jaramillo, con quien tuvo una hija a la que llamó María Jaramillo.

5. De traidora a heroína: Aunque durante siglos fue vista como traidora, estudios modernos la reconocen como una mujer que, en circunstancias extraordinarias, usó su inteligencia para sobrevivir y desempeñó un papel crucial en la creación de una nueva nación.

“Malinche El Musical”, el renacimiento de una heroína

La reivindicación de Malinche o Malintzin se ha dado de diversas formas, desde las corrientes históricas hasta la artísticas. Entre ellas, está el reciente musical que lleva su nombre “Malinche”, una producción que busca rendir tributo a esta figura a través de la música y la danza.

La obra cumbre de Nacho Cano, fundador del icónico grupo español Mecano, celebra la mezcla de culturas que dio origen a la identidad mexicana y rescata la figura de Malinche como una mujer valiente.

Tras su rotundo éxito en Madrid —con 800 funciones y más de 600,000 entradas vendidas—, el espectáculo llegará a México el 28 de marzo de 2025, en el Frontón México, frente al Monumento a la Revolución.

El musical promete una experiencia envolvente que fusiona teatro, concierto en vivo y ballet contemporáneo, acompañada por las inolvidables melodías de Nacho Cano, donde el flamenco, el pop y el rock se entrelazan para dar vida a la historia de Malinche.

Además, el elenco será una mezcla de talento mexicano —17 jóvenes entrenados en España durante 9 meses— y artistas españoles, reflejando precisamente la esencia del mestizaje que celebra la obra.

“Malinche El Musical” no solo es una obra espectacular; es una invitación a repensar a este icónico personaje, no como una traidora, sino como una mujer clave en la construcción de la identidad mexicana, valiente, estratégica y llena de humanidad.

Los boletos de esta obra ya se encuentran disponibles en malinchethemusical.com/cdmx y en taquillas del Frontón México.

Malinche es un espectáculo musical para toda la familia creado por Nacho Cano que cuenta la historia de Malinche, una mujer que tuvo la valentía de cambiar su historia y unir dos mundos. La obra cumbre del creador de Mecano es una celebración de México, del mestizaje y de nuestra cultura.

Una espectacular puesta en escena que fusiona las mejores melodías de Nacho Cano, creando una experiencia musical única donde se entrelazan el flamenco, el pop y el rock. Malinche reúne lo mejor del teatro, la fuerza de un concierto en vivo y la elegancia de una compañía de ballet contemporáneo.

Banco Azteca reconoce la importancia de la música y el arte en México y considera a este tipo de espectáculos de clase mundial, por su calidad y contenido, un transmisor activo de valores culturales relevantes para la identidad de una comunidad o de un país; por ello, Banco Azteca comenzará con la preventa exclusiva de este musical para sus tarjetahabientes el día 18 de diciembre.

Malinche El Musical, celebra el nacimiento de un pueblo único, fruto de la fusión de dos culturas milenarias.

Este espectáculo resalta la importancia de una identidad nueva, nacida de la evangelización de América y los valores que surgieron de este histórico encuentro. La obra honra a la figura de la mujer y es un homenaje a Malinche; quien con su valentía y amor supo equilibrar los acontecimientos históricos del mestizaje, contribuyendo así a la formación de la identidad de México.

Malinche El Musical es una celebración de nuestras raíces, del mestizaje y de la cultura mexicana, en una experiencia que reúne lo mejor del teatro, la fuerza de un concierto en vivo y la elegancia de una compañía de ballet contemporáneo.

MALINCHE LLEGA A MÉXICO

Tras tres exitosas temporadas en Madrid, 800 funciones y 600,000 entradas vendidas, el espectáculo más esperado de Nacho Cano llegará a México para su estreno el 28 de marzo de 2025. Será en el icónico Frontón México, centricamente ubicado frente al Monumento a la Revolución de la Ciudad de México.

Nacho Cano junto a los productores ejecutivos, María Laura Medina de Salinas y David Hatchwell, en alianza con Banco Azteca, traen a México este espectáculo único que contará con:

• Preventa: Banco Azteca invita a sus tarjetahabientes a la preventa el día 18 de diciembre de 2024.
• Venta anticipada: A partir del 19 de diciembre de 2024, en malinchethemusical.com/cdmx
• Casting nacional: En enero de 2025, en colaboración con Televisión Azteca.
• Venta general: Gestionada por FEVER.

Preguntas adicionales a través de infomexico@malinchethemusical.com ​​

Elenco en México

Malinche El Musical, contará con un elenco mexicano y español, el equilibrio perfecto para narrar esta historia como la imaginó su creador, Nacho Cano. Esta combinación de talentos refleja el mestizaje cultural que celebra este musical.

• Talento mexicano: 17 jóvenes formados durante 9 meses en España en flamenco, hip-hop, canto, baile urbano, actuación e inglés.
• Casting complementario: En enero de 2025, se realizará un casting nacional con el apoyo de Televisión Azteca para ampliar el elenco.
• Participación española: La primera temporada en México contará con bailarines de flamenco y actores españoles, enriqueciendo la experiencia con un enfoque internacional.

Malinche El Musical fue reconocido como El Mejor Musical y la Mejor Escenografía en la XV Edición Premios del Teatro Musical. Además de que en Madrid, ha contado con la participación de grandes nombres como:

• Álex González de Maná.
• Juan Pablo Manzanero.
• Mariachi Vargas de Tecalitlán.
• Banda El Recodo.
• El Tri.
• Marta Sánchez.
• Juan Magán.

El documental, La Creación de Malinche, que narra la gestación de esta gran puesta en escena, ha tenido un gran éxito entre la audiencia de Netflix.

La historia que unió dos mundos estará presentándose en el Frontón México a partir del 28 de marzo del 2025.

Madrid, 27 dic (EFE).- El director de cine y guionista Juan Luis Iborra está al frente del musical 'Oliver Twist', un espectáculo, con más de treinta actores basado en la novela de Charles Dickens, que se estrenará el 12 de noviembre de 2025 en el teatro de La Latina.

La novela, que narra la historia de esperanza y superación de Oliver Twist, un huérfano en el Londres del siglo XIX, forma ya parte de la cultura popular y del imaginario tanto de adultos como de jóvenes, gracias también a sus numerosas versiones cinematográficas, escénicas y televisivas.

No es la primera vez que se hace un musical sobre este clásico de Dickens, pero en esta nueva versión el dramaturgo y escritor Pedro Víllora firma el guión y las letras de las canciones, ha informado este viernes Pentación Espactáculos, productora y distribuidora de espectáculos de La Latina, Bellas Artes y Reina Victoria.

La música, por su parte, lleva la firma de Gerardo Gardelin, compositor y director musical argentino que ha participado en grandes producciones internacionales como 'Chicago', 'El Fantasma de la Ópera', 'Mamma Mia!', 'La Bella y la Bestia' o 'Cabaret'.

El elenco estará formado por más de 30 actores, repartidos entre elenco infantil y adulto, todos ellos darán vida a los inolvidables personajes de esta historia clásica que quiere llenar de ilusión y esperanza a los espectadores más jóvenes y a sus familias. EFE

2024 ha sido un año complicado para Àngel Llácer tras la bacteria que contrajo en febrero durante unas vacaciones en Vietnam que estuvo a punto de costarle la vida. Después de varias operaciones de urgencia de las que él mismo creyó que no saldría, el artista sigue recuperándose.

Este lunes, Ángel se dejó ver en el photocall de "El día de la marmota", el nuevo musical en catalán que protagoniza en el Teatre Coliseum en Barcelona. Allí, habló con los medios de comunicación y desveló en qué punto se encuentra.

Llàcer, muy recuperado, nos desvelaba que las Navidades las pasarán "en mi casa están encantados, porque es el primer año en tantos años que podremos pasar el Navidad juntos".

Además, el colaborador de televisión nos comentaba que esta pausa era necesaria porque "al final todo pasa por alguna cosa y al final había que parar" para poder recuperarse al máximo y 'olvidar' ese bache en su salud.

La fauna africana regresará a la Ciudad de México con el icónico musical ganador del Tony: El Rey León. El Teatro Telcel recibirá una de las producciones teatrales más aclamadas a una década de haberse montado en esta capital.

Esta obra de teatro promete cautivar con sus deslumbrantes escenografías, elenco de primer nivel y una historia de Disney que ha enamorado a varias generaciones.

El montaje se ha presentado durante 27 años ininterrumpidos en Broadway, que incluye máscaras, marionetas, así como música entrañable e Elton John y Tim Rice que es interpretada en vivo.

Elenco estelar en la nueva temporada

La producción contará con la participación de destacados talentos nacionales e internacionales como el protagonista: Pierre Louis quien interpretará a Simba, mientras que Nokulunga, una actriz sudafricana con experiencia en producciones de Madrid y West End, dará vida a Rafiki.

Carlos Quezada asumirá el papel del villano Scar, y Pisano será el noble Mufasa. Sarabi cobrará vida en la voz de Luna Manzanares, actriz cubana con una destacada trayectoria en musicales como Tina y El Guardaespaldas.

Por su parte, los inseparables amigos Timón y Pumba serán interpretados por Eli Nassau y Sergio Carranza, quienes divertirán con sus ocurrencias a los asistentes de este montaje teatral que se estrenará este jueves, 20 de marzo, en el mencionado recinto cerca de la colonia Polanco.

Actores infantiles en El Rey León

Los roles infantiles de Simba y Nala serán alternados por jóvenes talentos como Dylan Octavio Nucamendi Sánchez, Franco Vera y Andrés Ruanova (Simba niño).

Por otro lado, las actrices Montserrat Fuentes Cruz, Ivana Altair y Camila García también son parte del elenco, alternando (Nala niña).

¿Cuánto cuesta el boleto más barato para ver la obra teatral El Rey León?

Para los amantes del teatro, los boletos ya están disponibles. El precio más accesible es de mil 342 pesos en la sección Preferente 3. También existen opciones de pago en tres meses sin intereses para compras superiores a 3 mil pesos y hasta nueve meses sin intereses para montos mayores a 6 mil pesos.

Los asientos en la zona VIP tienen un costo de hasta 3 mil 538 pesos, mientras que los boletos en la sección Orquesta varían entre 2 mil 318 y 2 mil 684 pesos.

Para quienes crecieron con la historia de Simba o quienes la descubrirán por primera vez, este musical representa una oportunidad única de disfrutar de uno de los espectáculos teatrales más queridos del mundo.

Cada vez falta menos para que el público mexicano disfrute nuevamente de la obra teatral “El Rey León”, musical emblemático de Broadway, que regresará con una producción imponente que promete deslumbrar a una nueva generación de espectadores.

En cuanto las luces del Teatro Telcel se atenúan y el primer acorde resuena, la magia comienza: criaturas majestuosas emergen, sombras danzan en los telones y una historia eterna cobra vida con una intensidad renovada.

Este viaje emocional está a punto de revivir en la capital del país, luego de que se montara hace 10 años en este mismo recinto subterráneo cerca de Polanco.

Un hito en el teatro musical

Originalmente esta obra debutó en Broadway en el año de 1997 y desde entonces ha revolucionado la escena teatral con su mezcla de tradición y vanguardia.

El público podrá admirar marionetas monumentales, coreografías inspiradas en la danza africana y una dirección artística sin precedentes. Ahora, el montaje regresa con una escena renovada que promete emocionar tanto al nuevo público como a nostálgicos.

Voces que dan vida a la historia

Cada personaje es fundamental para esta odisea teatral.

• El elenco lo encabeza el actor mexicano Pierre Louis, quien retoma el desafiante papel de Simba.
• Nokulunga impregna a Rafiki de sabiduría y poder con su impresionante voz.
• Carlos Quezada se sumerge en la malevolencia calculadora de Scar.
• Pisano otorga a Mufasa una nobleza imponente.
• Luna Manzanares, con su interpretación vocal magistral, transforma cada escena como Sarabi.
• Eli Nassau y Sergio Carranza dan vida a Timón y Pumba con carisma inagotable.
• Las hienas serán encarnadas por Melissa Cabrera (Shenzi), Anton Diego Matus (Banzai) y Manuel Bermúdez (Ed), quienes dominan el escenario con su sincronización perfecta.
• Los más jóvenes del elenco, como Dylan Octavio Nucamendi Sánchez, Franco Vera y Andrés Ruanova como Simba niño, junto con Montserrat Fuentes Cruz, Ivana Altair y Camila García como Nala niña, aportan frescura y energía a la historia.

¿Cuándo se estrena ‘El Rey León’ en México?

El estreno en la Ciudad de México será este jueves, 20 de marzo, en el Teatro Telcel en donde se escuchará una banda sonora que ha cautivado a todo el mundo.

Desde la icónica apertura con ‘Circle of Life’ hasta el emotivo ‘Can You Feel the Love Tonight’, la música envuelve al público, transportándolo a un mundo de emociones vibrantes y recuerdos imborrables.

La escenografía está inspirada en los paisajes africanos, que se fusiona con una partitura legendaria firmada por Elton John, Tim Rice, Hans Zimmer y Lebo M, creando un universo donde cada nota y movimiento narran una historia.

Rachel Zegler debutará en los teatros del West End de Londres como protagonista de Evita, el musical sobre Eva Perón, en medio de la promoción de Blancanieves, la nueva adaptación de Disney que se estrenará el 21 de marzo. En esta producción, la actriz interpreta a la icónica princesa, mientras que Gal Gadot encarna a la reina Grimhilde.

La obra, dirigida por el británico Jamie Lloyd, tendrá su estreno el 1 de julio y ofrecerá funciones hasta el 6 de septiembre, según afirmó el sitio Deadline. El director afirmó que esta nueva versión será “emocionante para toda una nueva generación” y la elegida para el papel de la figura clave de la política y la cultura argentina.

El musical, que narra la vida de Eva Perón, su ascenso político junto a su esposo, el expresidente Juan Domingo Perón, y su muerte a los 33 años en 1952, incluirá una interpretación de “Don’t Cry for Me Argentina” (“No llores por mí Argentina”). Esta canción fue compuesta en honor al discurso que dio la primera dama tras las elecciones de 1946.

La actriz estadounidense con raíces colombianas expresó su entusiasmo por el proyecto y recordó que Evita es especial para ella desde la infancia: “Mi papá y yo cantábamos ‘No llores por mí Argentina’ juntos en mi jardín trasero”.

El musical tuvo su origen como un álbum de ópera rock y llegó a Broadway en 1979, con Patti LuPone y Mandy Patinkin en los papeles principales. La última puesta de la obra tuvo a Elena Roger en el papel principal, primero en Londres, Madrid y luego en Broadway.

Rachel Zegler, la elegida para interpretar a Eva Perón, y las polémicas con Blancanieves

Disney enfrentó múltiples controversias antes del estreno de Blancanieves, protagonizada por Rachel Zegler, lo que llevó a la compañía a cancelar entrevistas en la alfombra roja de su presentación en Los Ángeles. En lugar de periodistas, optaron por influencers para promocionar la película y evitar preguntas incómodas.

La producción ha generado críticas por cambios en la historia original, la ausencia del clásico “Some Day My Prince Will Come”, y las declaraciones de Zegler sobre su visión del personaje. La actriz afirmó en 2022 que su Blancanieves no esperará ser rescatada por un príncipe, sino que tendrá un nuevo enfoque: “No va a estar soñando con el amor verdadero. Está soñando con convertirse en la líder que sabe que puede ser”. Su versión interpretará la canción “Waiting on a Wish” en lugar del icónico tema romántico.

Estas modificaciones no fueron bien recibidas por todos. David Hale Hand, hijo del animador que dirigió la versión de 1937, criticó duramente el remake: “Lo que he leído sobre esta película no tiene ninguna relación con la historia original. Es tan absurda que es ridícula”.

Otro punto de debate fue la representación de los siete enanitos. Imágenes filtradas del rodaje mostraban que los personajes estaban interpretados por actores de distintas alturas y géneros, lo que generó reacciones negativas. Jason Acuña (Wee Man de Jackass) cuestionó la decisión: “Están reemplazando trabajos que podrían haber tenido actores con enanismo. Es Blancanieves y los siete enanitos, no Blancanieves y las siete personas promedio”. Disney intentó calmar la controversia al anunciar que los personajes serían generados por CGI, pero las críticas continuaron.

Por otro lado, Gal Gadot, quien interpreta a la Reina Malvada, también estuvo en el centro de la polémica. Su apoyo a Israel en el conflicto con Palestina generó una petición para prohibir su asistencia a los Premios Oscar. A pesar de ello, se presentó junto a Rachel Zegler para entregar el premio a Mejores Efectos Visuales.

Zegler, en cambio, ha sido abiertamente pro-Palestina y ha compartido su postura en redes sociales. Tras la publicación del tráiler de Blancanieves, celebró el éxito con un mensaje que generó más controversia: “¡Los amo mucho! Gracias por las 120 millones de vistas en 24 horas. ¡Qué locura! Y siempre recuerden, Free Palestine”.

Esta postura causó tensiones dentro de Disney. Según un informante de la industria, la compañía le pidió que moderara sus publicaciones, pero sin éxito: “Disney no sabe qué hacer. La han llamado directamente, han hablado con su equipo de manejo, pero no escucha. Su forma de atar su activismo a Blancanieves está causando problemas”.

El encuentro del Axe Ceremonia 2025 es uno de los más esperados por los amantes de la música quienes este año podrán disfrutar de una edición especial cargada de artistas de diferentes géneros.

Será dentro del Parque Bicentenario de la Ciudad de México en donde miles de asistentes se pondrán a bailar al ritmo de las distintas agrupaciones y solistas que protagonicen esta fiesta al aire libre que se llevará a cabo los días 5 y 6 de abril próximos.

¿Quiénes serán los artistas que cantarán en este evento?

Para el día sábado cantarán los siguientes artistas quienes estarán distribuidos a lo largo de un par de escenarios que tendrá a su alrededor propuestas gastronómicas, activaciones de patrocinadores, mientras que los asistentes se encuentran rodeados de la naturaleza, en este lugar en la alcaldía Azcapotzalco:

• Natanael Cano
• Charli XCX
• Parcels
• Tomorrow X Together
• A.G.Cook
• Artemas
• Barry can´t swim
• Hanumankind
• Magdalena Bay
• Meme del Real
• Aron
• The Dare
• DJ Gigola
• Juan Cirerol
• PabloPablo
• Ralphie Choo
• Valgur
• Yeyo
• Derretida
• Iza TKM
• José Eduardo Barajas
• Luisa Almaguer
• Magnolia Coronado
• Orly Anan
• Pepa Romero
• Piolinda Marcela

¿Quiénes estarán en el segundo día del Axe Ceremonia 2025?

Para el segundo día de actividades, para el 6 de abril se presentarán los siguientes artistas a lo largo de todos los escenarios

• Tyler the Creator
• Massive Attack
• Gesaffelstein
• FKA
• Twigs
• Brutalismus 3000
• Lil Yachty
• The Marías
• Nathy Peluso
• NSQK
• Richie Hawtin Dex Efx Xox
• Ca7riel & Paco Amoroso
• Fcukers
• Horsegiirl
• Kelly lee owens
• Legallyrxx
• Simson Ahuevo
• Agusfortnite200&&stiffy
• Bobby Beethoven
• Day2k
• Foreplay
• Hetera friné
• José Eduardo Barajas
• Nash
• Pepx Romero
• Telescreens

Los Ángeles (EE.UU.), 9 dic (EFE).- La actriz española Karla Sofía Gascón recibió este lunes su primera nominación al Globo de Oro a mejor actriz por su interpretación en el musical ‘Emilia Pérez’ de Netflix. EFE

Los Ángeles (EE.UU.), 9 dic (EFE).- El musical de suspense 'Emilia Pérez' y el de animación 'Wicked' han sido nominadas a mejor película de comedia o musical en la 82º edición de los Globos de Oro, anunció este lunes la organización de los premios de cine y televisión.

'Anora, de Sean Baker; 'A Real Pain', de Jesse Eisenberg y 'Challengers’, del italiano Luca Guadagnino y 'The Substance', de Coralie Fargeat completan las candidaturas en esta categoría. EFE

Los Ángeles (EE.UU.), 9 dic (EFE).- La actriz de origen dominicano Zoe Saldaña recibió este lunes la nominación al Globo de Oro a mejor actriz de reparto por su papel como la abogada Rita Mora Castro en el musical de suspense ‘Emilia Pérez’. EFE

“Ha sido muy emotivo para mí, la sensación de estar en casa nuevamente y cerrar el círculo”, dijo Idina Menzel, sentada en su camerino del Nederlander Theatre.

No es cualquier espacio: es el mismo teatro donde debutó hace casi 30 años con Rent, pero ahora su camerino es más grande. “Derribé la pared”, comenta con una sonrisa nostálgica.

Después de una década alejada de Broadway, Menzel regresa como protagonista de Redwood, el nuevo musical dirigido por Tina Landau.

La historia, inspirada en la activista ambiental Julia Butterfly Hill, la atrapó desde hace 15 años, pero solo ahora encontró el momento perfecto para llevarla a escena.

“Si me voy a mudar a Nueva York durante un año, algo realmente tiene que llevarme aquí”, explicó.

El espectáculo marca su regreso a los escenarios, y le exige físicamente: en varias escenas, debe cantar suspendida en el aire.

Para ello, se entrenó con la compañía de danza vertical Bandaloop. “Estoy aprendiendo cosas que nunca pensé que podría hacer y canto mientras las hago”, confesó.

Para lograrlo, trabajó con la compañía Bandaloop, conocida por sus espectáculos en laderas de montañas, árboles y rascacielos.

Con un equipo creativo compuesto íntegramente por mujeres y una historia de transformación y resistencia, Redwood es un desafío emocionante.

“Es un alivio poder apoyarnos mutuamente para ser extremadamente poderosas; ya era hora de que las mujeres podamos decir lo que pensamos y no tener que disculparnos por eso”, reflexionó.

El regreso a Broadway después de una década

Desde hace más de 15 años, Menzel había quedado fascinada con la historia de Julia Butterfly Hill, la activista que pasó dos años viviendo en una secuoya milenaria para evitar su tala.

Ese relato de resistencia y transformación se quedó con ella, y finalmente encontró en Tina Landau la colaboradora perfecta para darle vida en un musical.

“Siempre me he preguntado si podría hacer algo tan extremo como eso, si tendría esa resistencia, esa fortaleza”, dijo.

El regreso a Broadway también fue un viaje emocional. Volver al Nederlander Theatre, donde su carrera comenzó con Rent, revivió recuerdos de aquella época.

“Fue un momento hermoso y mágico en mi vida. Para la mayoría de nosotros, fue nuestro primer trabajo real”, contó. Su camerino ahora es un espacio más grande y personalizado, pero sigue manteniendo la esencia de aquellos días.

“Quería el recuerdo de la alegría y el regocijo”, dijo, y planea colgar una foto con Daphne Rubin-Vega, su coprotagonista en Rent, como un guiño a ese pasado.

Estar de vuelta en Broadway después de una década es una decisión profesional, y un desafío personal.

“Podemos intentar huir, dejar todo atrás. Pero a veces, cuando te aíslas y te vas a un lugar mucho más tranquilo, el silencio se hace más fuerte y tus pensamientos y tu dolor se vuelven más potentes”, reflexionó.

En Redwood, su personaje Jesse emprende un viaje para escapar de su trauma, pero termina encontrándose a sí misma en el bosque de secuoyas.

Para Menzel, esta historia es un reflejo de su propio camino: regresar a Broadway significa reconectarse con sus raíces.

Redwood: un musical con mensaje ambiental y un equipo femenino

El espectáculo se distingue por su historia conmovedora, y por su equipo creativo. Por primera vez en su carrera, Menzel trabaja con un equipo compuesto íntegramente por mujeres, incluyendo a Landau en la dirección y Kate Diaz en la música y las letras.

Para ella, fue un proceso de aprendizaje en el que descubrió una nueva forma de liderazgo y colaboración.

“Siento constantemente que tengo que disculparme por mi comportamiento, mi franqueza, mi frustración por algo. Y estoy aprendiendo de ellas que no es necesario disculparse por eso. ¡Ciertamente los hombres no se disculparían por eso!”, confesó.

A nivel visual, la obra incorpora instalaciones de video de vanguardia y un innovador diseño de movimiento.

Esta combinación de tecnología y narración convierte a Redwood en un espectáculo único dentro de Broadway. Para Menzel, este musical representa un desafío artístico y físico, pero también una oportunidad para contar una historia que la apasiona.

“Algo acerca de aceptar la pérdida en nuestras vidas y encarnarla, no tratar de alejarla, es en realidad lo que nos definirá y nos hará más fuertes”, reflexionó.

El desafío físico de cantar suspendida en el aire

El entrenamiento fue intenso. Menzel tuvo que aprender a escalar y familiarizarse con el uso de arneses, mosquetones y cuerdas.

Su primera experiencia con Bandaloop fue impactante: esperaba comenzar desde el suelo, pero en su primer ensayo la hicieron descender desde lo alto de un edificio.

“No quería hacerlo, pero tampoco quería aceptar la derrota. Soy muy competitiva”, admitió.

A pesar de su experiencia en Broadway volando sobre el escenario en Wicked mientras interpretaba Defying Gravity, Menzel asegura que aquello no la preparó para lo que hace en Redwood.

“Eso fue una ilusión óptica. Pude pararme sobre mis dos pies en una pequeña tabla. Estás abrochada y es generado por computadora. No se mueve a menos que esté bloqueada”, explicó.

En cambio, la danza vertical de Redwood es completamente diferente: “Todavía estoy aprendiendo, refinando y descubriendo más formas de usar mi cuerpo y sentirme libre, boyante y liberada”.

Más allá del esfuerzo físico, la actriz encontró en esta técnica una sensación de libertad inesperada. “Es muy liberador y me devuelve a la inocencia. Puede ser muy infantil”, dice.

Sin embargo, también hay una gran responsabilidad en escena. “Tienes que lucir cómoda para que el público no se preocupe por ti”, agregó.

Ahora, con el estreno a la vuelta de la esquina, Menzel enfrenta un nuevo reto: la gripe que circula en Nueva York.

“Como cantante, tengo que lidiar con toda la porquería que tengo en el pecho y la nariz… volar boca abajo no ayuda mucho”, bromeó. Sin embargo, está decidida a superar cualquier obstáculo y llevar esta historia a la audiencia de Broadway.

Expectativas y emociones previas al estreno

A pocos días del estreno de Redwood, Idina Menzel siente una mezcla de emoción y nerviosismo. A pesar de su amplia trayectoria en Broadway, reconoce la presión que conlleva liderar un nuevo musical.

“Me siento muy orgullosa cuando pienso en cuando era niña y en mis sueños de estar en Broadway… Pero junto con eso viene el deseo de llenar todos los asientos y saber que soy responsable del éxito del espectáculo. Está sobre mis hombros, y eso da mucho miedo”, admitió.

La experiencia de regresar a los escenarios después de una década fue profundamente significativa para ella. Desde el primer día de ensayos, sintió que este proyecto era especial, por su historia, y por la conexión que desarrolló con el equipo creativo y el elenco.

“Existe una confianza que surge al saber que puedes decir lo que piensas y tu verdad, pero aún así hay un profundo amor mutuo”, dijo, refiriéndose al ambiente de colaboración que construyeron.

En muchos sentidos, su personaje en Redwood, Jesse, refleja sus propias inquietudes y desafíos personales. Al igual que ella, Jesse se enfrenta a sus miedos y dudas mientras busca reencontrarse con su esencia.

“La idea de que esta mujer haga algo heroico y más allá de lo que yo creía que podría hacer se ha hecho realidad”, reflexionó.

El Corazón de Colombia, un espectáculo musical que busca resaltar la riqueza cultural y musical del país, se presentará en el Centro de Convenciones de Armenia desde el 4 de enero hasta abril de 2025.

Este montaje, dirigido por el productor audiovisual español Joan Romagosa, quien ha trabajado con artistas de talla mundial como el puertorriqueño Ricky Martín, el español Miguel Bosé, o las divas mexicanas Alejandra Guzmán y Paulina Rubio, entre muchos otros, y la actriz y cantante colombiana Lorena Urrea, quien durante años fue voz en el espectáculo Delirio, de Cali, promete llevar al público en un viaje a través de la historia de Colombia, desde el siglo XVI hasta la actualidad.

El musical, que incluye 19 temas icónicos de artistas como Shakira, Carlos Vives, Juanes, Karol G, Maluma y la Orquesta de Lucho Bermúdez, es un homenaje a la diversidad musical del país. La producción cuenta con un elenco de 30 artistas, de los cuales 25 son locales del departamento del Quindío, seleccionados tras un proceso de audiciones apoyado por Telecafé.

“En el musical hacemos un homenaje a la música colombiana, esa que ha dejado huella en el mundo entero. Buscamos que los colombianos quiten un poco la atención del caos para que disfruten del arte, la cultura y el talento de nuestros artistas, ese por el que nos reconocen y en el que somos pioneros”, aseguró la artista Lorena Urrea.

Con el respaldo de la Gobernación del departamento, se realizó una convocatoria que convocó a todos los cantantes, bailarines y artistas de circo del Quindío para que participaran en el proceso que seleccionó los protagonistas de este musical.

“El Quindío es uno de los lugares más hermosos del planeta, su gente es hermosa y el talento es asombroso. Este show mostrará una Colombia diferente, que no es solo series de narcos, que tampoco todo es guerra civil y violencia. Ya es hora de exportar algo bonito”, indicó el productor artístico Joan Romagosa.

Además de la música, el espectáculo ofrece un diseño de vestuario inspirado en la biodiversidad y los colores de la bandera colombiana, creando una experiencia visual que celebra la riqueza natural del país. Este proyecto no solo busca exaltar la identidad nacional, sino también servir como plataforma para mostrar el talento local, con una gira nacional e internacional planeada para 2025.

“La idea es que nuestro show itinerante, un espectáculo en vivo de alta calidad, sea un gran embajador en diferentes destinos internacionales, como Nueva York, Miami, México y Madrid, que lleve el sabor, la cultura y el talento por todo el mundo (…) Es un legado que queda para las generaciones futuras y para la historia”, agregó Urrea.

El musical también tiene como objetivo promover la imagen del Quindío y del Eje Cafetero como destinos de oportunidades, inversión y turismo. La producción se posiciona como un tributo esencial para los amantes de la música y cultura colombiana, con presentaciones permanentes en Armenia y planes de llevar el espectáculo a ciudades internacionales como Nueva York, Miami, México y Madrid.

La iniciativa, que busca impulsar el turismo en la región, sigue el ejemplo de otros espectáculos exitosos como Delirio en Cali, que combina salsa y circo y ha logrado reconocimiento internacional. El gobernador del Quindío, Roberto Jaramillo, destacó la importancia de esta oferta cultural para el segundo destino turístico del país, subrayando que el espectáculo puede ser una nueva manera de mostrar el Quindío al mundo.

El musical El Corazón de Colombia se presenta como un símbolo de identidad para la región, al servicio de empresas y marcas del Quindío y de todo el país, con el objetivo de trascender fronteras y dinamizar la economía local a través del turismo cultural.

Durante el primer fin de semana de diciembre, Lima será el escenario para decenas de actividades gratuitas. Hombres, mujeres, adultos y niños tienen la oportunidad de disfrutar de una apretada agenda de eventos que, en muchos casos, pasan desapercibidos. A continuación, algunos eventos gratis que pueden ser de tu interés:

Jueves 5

“La victoria de Junín. Canto a Bolívar (1826)”

Museo José Carlos Mariátegui - 06:00 p.m.

Un extenso poema épico en el que se exalta la figura de Simón Bolívar vuelve al escenario literario. Se trata de versos en el que se plasmó el anhelo criollo por la independencia de España y que motivó una carta del libertador a su autor: “Un americano leerá el poema de Ud. como un canto de Homero”.

Dirección: Jirón Washington 1946 - Cercado de Lima

Viernes 6

Lennon for Ever, el legado de The Beatles

Británico - 6:00 p.m.

Across The Strings Quartet tendrá a cargo el homenaje a la banda inglesa más icónica. Ío Zamalloa, Reineza Santos, Pamela Mañueco y Niemka Valdivieza integran el cuarteto que tocará junto The Bottles y Salt N’ Pepper.

Dirección: Avenida Caminos del Inca 3581, cruce con Avenida Tomás Marsano - Santiago de Surco

Sábado 7

Idol Jam Fest

Centro Cultural Peruano Japonés - 4:00 p.m

La industria del entretenimiento asiático ha cobrado presencia en Latinoamérica. Artistas de Japón y Corea visitan el Perú constantemente para conocer a sus seguidores. El fenómeno ha provocado la instauración de una industria que empieza a consolidarse con eventos como el de este fin de semana.

Dirección: Avenida Gregorio Escobedo 803 - Jesús María

Domingo 8

Mediación de lectura

Parque de La Muralla - 3:00 p.m.

Taller que busca acercar a los niños al mundo lector. La lectura ofrece múltiples beneficios a los niños, tanto en su desarrollo cognitivo como emocional y social. Entre los varios beneficios está el mejoramiento del lenguaje y el vocabulario, el fortalecimiento de la empatía, el fomento de la concentración, entre otros.

Dirección: Jr. Amazonas y Av. Abancay - Cercado de Lima, Lima

Eventos de paga

Jueves 5

“El principito”

Alianza Francesa - 05:00 p.m.

Como la mayoría de clásicos de la literatura contemporánea, la obra de Antoine de Saint-Exupéry ha encontrado un espacio en la pantalla grande. En el 2015 se estrenó una versión francesa a acargo Mark Osborne que le valieron varias críticas positivas. Entrada: S/5.00 e ingreso libre para jubilados.

Dirección: Avenida Arequipa 4595 - Miraflores

Viernes 6

“La Mariscala”

Teatro Nos - 08:00 p.m.

Francisca Zubiaga ha pasado la historia como ‘La Mariscala’, la primera mujer que ostentó el poder presidencial en el Perú republicano. Mateo Chiarella y Lucho Tuesta traen una versión musical con la participación de Gonzalo Torres, Alejandra Egoavil, Marcello Rivera, Miluska Eskenazi, Matías Spitzer, entre otros. Entrada popular: S/49.00

Dirección - Avenida Camino Real 1037 - San Isidro

Sábado 7

“Grease School Edition”

Sala Quilla - 4:00 p.m.

Adaptación juvenil del icónico musical de Broadway “Grease”, que captura la energía y la diversión de la década de los cincuenta con la participación de Leonardo Cuadros, Marilia Rengifo, Micaela Acevedo, Aitana León, entre otros. Entrada para adultos S/40.00

Dirección: Avenida Francisco Bolognesi 397 - Barranco

Domingo 8

“El cuerpo más bonito que se habrá encontrado nunca”

Teatro Ricardo Blume - 7:00 p.m.

Obra de Josep María Miró bajo la dirección de Gino Luque. El cuerpo de un joven de 17 años aparece muerto, en medio del campo, vestido únicamente con una ropa de baño roja y unas zapatillas. Las circunstancias y las posibles causas de su fallecimiento son relatadas al espectador a través de las voces de diferentes personajes del pueblo donde este habitaba. Entradas a partir de S/35

Dirección: Jr. Huiracocha 2160 - Jesús María Lima

Mientras que el musical fue un referente por años, la película introduce cambios significativos en la narrativa, los personajes y los detalles visuales, añadiendo profundidad y nostalgia para los seguidores de la historia. Estas son las principales diferencias entre ambas versiones.

1- La infancia de Elphaba

La película expande la historia de Elphaba al mostrar su vida desde una edad temprana. Aunque el musical menciona su nacimiento, no incluye flashbacks de su niñez. En la adaptación cinematográfica, se introduce al personaje de Dulcibear, un oso parlante interpretado por Sharon D. Clarke, quien cría a Elphaba tras ser rechazada por su padre, el gobernador de Munchkinland. Este elemento también profundiza en la conexión de Elphaba con los animales parlantes, un tema central en la trama.

2- El reloj del dragón del tiempo

El Reloj del Dragón del Tiempo, crucial en la novela original de Wicked, tiene una presencia reducida en la película. Mientras que en el musical aparece al inicio como parte del escenario, en la película solo se menciona brevemente cuando Glinda anuncia la muerte de Elphaba.

3- Introducción de Elphaba a la Universidad Shiz

En el musical, Elphaba ya está inscrita en la Universidad Shiz para cuidar de su hermana, Nessarose. Sin embargo, en la película, Elphaba inicialmente solo acompaña a su hermana. Su inscripción ocurre cuando Madame Morrible, impresionada por una demostración de poder, insiste en que se quede en la universidad.

4- El encuentro tierno de Elphaba y Fiyero

El primer encuentro entre Elphaba y Fiyero difiere significativamente. En el musical, su carruaje casi atropella a Elphaba en la universidad, mientras que en la película, ocurre en el bosque cuando Fiyero, montado a caballo, casi la pisa. Además, se incluye un toque humorístico al comparar a Elphaba con la vegetación que la rodea.

5- El pequeño cachorro de león

El rescate del cachorro de león, que conecta con la película de 1939, también es diferente. En el musical, Elphaba usa su magia para causar caos en la clase antes de liberar al cachorro. En la película, utiliza amapolas para dormir a todos, un guiño directo al campo de amapolas en El Mago de Oz.

6- El doctor Dillamond y los luchadores por la libertad animal

El Doctor Dillamond, una cabra parlante, es un personaje clave tanto en el musical como en la película. Sin embargo, la adaptación cinematográfica amplía su papel, presentando a otros animales parlantes que forman parte de un movimiento de resistencia contra las leyes que buscan silenciarlos.

7- Hacia la Ciudad Esmeralda

En el musical, el viaje de Elphaba a encontrarse con el Mago de Oz se enfoca en su despedida de Nessarose. En la película, su padre aparece en la estación de tren, añadiendo un momento emocional cuando conoce a Boq, quien luego se enamorará de Nessarose.

8- El cuento de la Grimmerie

El Grimmerie, un libro de hechizos en un idioma perdido, tiene un rol más prominente en la película. Además de añadir una sección a la canción “One Short Day”, se refuerza la conexión entre el Mago y el libro, aunque se revela que es Elphaba quien realmente puede leerlo, desafiando las expectativas de los habitantes de Oz.

9- El mago de Oz no tan maravilloso

El Mago manipula a Elphaba y Glinda en ambas versiones, pero en la película utiliza un modelo gigante de Oz y la promesa de construir el Camino de Ladrillos Amarillos, dejando que ellas elijan el color, un detalle que conecta directamente con la iconografía del universo de Oz.

10- Elphaba desafía la gravedad

El clímax del primer acto, donde Elphaba canta “Defying Gravity”, incluye en la película un momento emocional único. Mientras se prepara para volar, tiene una visión de su versión más joven, un detalle ausente en el musical que refuerza su determinación y su transformación.

11- Las brujas originales regresan como nuevos personajes

La película ofrece un homenaje a las actrices originales de Broadway, Idina Menzel y Kristin Chenoweth, quienes interpretan nuevos personajes en la Ciudad Esmeralda. Durante la canción “One Short Day”, aparecen como estrellas invitadas, brindando un momento de nostalgia para los fans del musical.

El Rey León, uno de los grandes clásicos de animación de Disney, cumple 30 años. Y para celebrarlo, el Espacio Cultural Serrería Belga acoge 'De El Rey León a Mufasa', una exposición que, a través de piezas originales de la saga, repasa los principales hitos del universo de El Rey León y prepara el estreno de Mufasa, la precuela que llegará a los cines el 20 de diciembre en cines.

La muestra que celebra el legado de la saga está ubicada en el Espacio Cultural Serrería Belga en Madrid y se puede visitar hasta el próximo 27 de noviembre de martes a viernes de 11 a 20 horas y también los sábados y domingos en horario de 12 del mediodía a 18 horas.

"El Rey León es una de las sagas más queridas de Disney, no solamente porque ha batido innumerables récords, sino también porque se ha convertido en un fenómeno y forma parte de la cultura popular", asegura Marta Kowalska, directora de marketing de Walt Disney Studios España que destaca que esta muestra sirve "para celebrar el aniversario del Rey León y rendir homenaje a los creadores que han participado durante los 30 años en todos los distintos procesos creativos" de la franquicia y también para "agradecer a los fans su eterno cariño por la saga".

https://youtu.be/vb81igIBo84?si=eeC2H8IMVGeqxpZf

"Esta muestra es una celebración de una película que ha calado en muchísimas generaciones en 30 aniversario", coincide Mireia Serrano, coordinadora de la exposición en la que los visitantes podrán ver bocetos y maquetas originales de los personajes y los escenarios de la sabana africana en los que transcurren las dos películas de El Rey León, el filme original de animación de 1994 dirigida por Rob Minkoff y Roger Allers y la revisión de 2019 capitaneada por Jon Favreau.

La parte central de la muestra está dividida en cuatro espacios. El primero titulado 'El Rey león y su familia', donde hay una selección de piezas dedicadas a Mufasa, Simba y demás miembros de la familia protagonista. El segundo, 'Amigos inseparables' está protagonizado por "Timón, Pumba, Nala, Rafiki... todas estas amistades y relaciones que se hacen en la película".

Una tercera zona, titulada 'Los peligros de la Sabana', está dedicada "a todo lo que serían los enemigos de El Rey León y Simba, que serían el hermano de Mufasa, Scar, las hienas, la estampida...". Y una cuarta zona dedicada a los 'Paisajes africanos' que trata a esos espectaculares enclaves de la sabana "como un personaje más" y cuyas imágenes está acompañadas "con sonidos para hacer esta experiencia más inmersiva y trasladar al visitante a esta atmósfera de la película".

Y justo enfrente de los paisajes, una urna de metacritalo alberga uno de los grandes atractivos de la muestra: tres moldes originales que se usaron en el filme de 1994. "Son piezas originales que se utilizaron para la creación de la película de animación. Los dibujantes los usaban para entender el volumen y la corporalidad de los personajes y poder trasladar todo eso al dibujo", explica Serrano.

https://youtu.be/25QyCxVkXwQ?si=kz7ZYniY23LG_fpp

LA BANDA SONORA, EL MUSICAL Y LA MODA DEL REY LEÓN

La muestra se completa con piezas que rinden homenaje a todos los que formaron parte del proceso creativo, cientos de artistas y cineastas que han participado en cada una de las etapas de investigación, planificación y ejecución de las películas. Entre ellos también están los que pusieron voz a los personajes en versión original: Jeremy Irons, Whoopi Goldberg, Beyoncé, James Earl Jones, Rowan Atkinson, Seth Rogen o Matthew Broderick.

En esta misma sala también hay un recuerdo a la legendaria y multipremiada música del filme de 1994, tanto a su banda sonora compuesta por Hans Zimmer que ganó el Oscar y es la única banda sonora que ha obtenido la certificación de diamante, como al legendario tema Can You Feel the Love Tonight que interpretado por Elton John se alzó, entre otros premios, con el Oscar a la mejor canción.

El musical de El Rey León también está presente en la exposición con elementos de su vestuario tanto del espectáculo de Broadway como del de Madrid. El musical se estrenó en Broadway en 1997 bajo la dirección de Julie Taymor y ha ganado más de 70 premios teatrales, incluyendo 6 premios Tony. En España, se representa desde 2011 en el teatro Lope de Vega, en la Gran Vía de Madrid, con llenos diarios.

El mundo de la moda también tiene su espacio en la muestra con la espectacular colección de la firma francesa Balmain, inspirada en el 30 aniversario de El Rey León, diseñada por Olivier Rousteing y otros artistas, y que está disponible desde julio.

https://youtu.be/0x_YL34QH5g?si=-tTXONfEIIquQOw_

El recorrido culmina en la sala audiovisual, donde se muestran en pantalla grande imágenes de la nueva película de Disney Mufasa: El Rey León, dirigida por Barry Jenkins (ganador de un Oscar por Moonlight) que relatará la infancia de Mufasa, padre de Simba, y llegará a los cines el próximo 20 de diciembre.

Madrid, 29 oct (EFE).- La obra de teatro 'El crédito', de Jordi Galcerán, se ha transformado en un musical, interpretado por Naím Thomas y Juan Carlos Martín con música y dirección de Rubén Yuste, espectáculo que se estrenará el 22 de noviembre en Aranjuez (Madrid) y girará por España.

"Llevar este texto tan reconocido a un musical ha sido todo un reto", ha explicado este martes a EFE Rubén Yuste quien recuerda que 'El crédito' se estrenó en el Teatro Arriaga de Bilbao en 2013, bajo la dirección de Gerardo Vera e interpretada por Carlos Hipólito y Luis Merlo.

El nuevo espectáculo será un duelo interpretativo entre dos únicos actores, Juan Carlos Martín ('Hello, Dolly!' o 'Billy Elliot') y Naím Thomas ('El rey de bodas' o 'Bailo Bailo') con música y dirección de Rubén Yuste.

Es un musical de pequeño formato, música en directo y un piano sobre el escenario. "Pequeño pero de calidad", apunta Juan Carlos Marín.

"El musical cuenta la historia de un director de banco que entra cantando a la sucursal, pero en pocos minutos su gran día se convertirá en una de sus peores pesadillas", explica Naín Thomas, quien explica que esta obra surrealista y con mucho humor es una crítica al sistema.

Después de su estreno en Aranjuez, 'El crédito' pasará porValencia, Alicante y Zaragoza, entre otras ciudades. EFE

Morelia (México), 18 oct (EFE).- La película ‘Emilia Perez’ (2024) y su protagonista, que lleva el mismo nombre, es “desmesura” y “desborde”, y todo eso “lo inspiró México”, afirmó este viernes su director, Jacques Audiard, en una rueda de prensa previa a la inauguración de la edición número 22 del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM), el más importante de México.

“El origen de esta película es que yo leí una novela en donde en un capítulo había un personaje que era narco y quería volverse mujer (…) Yo decidí retomar este personaje y desarrollarlo y si es un asunto de narcotráfico, tenía que ser en México”, sostuvo el cineasta francés.

Este musical, que retrata un México complejo, desarrolla la historia de Rita, interpretada por Zoe Saldaña, quien trabaja como abogada del jefe del cartel Juan ‘Manitas’ Del Monte, papel que protagoniza la actriz española Karla Sofía Gascón, quien da vida a ‘Emilia Pérez’, un personaje que surge a partir de la transición de género de ‘Manitas’.

Audiard recordó, además, que la cinta aborda el problema de la desaparición forzada, algo que, dijo, le “obsesiona" con lo que posteriormente recordó la desaparición y asesinato de los 43 estudiantes de Ayotzinapa, ocurrido en 2014 en el estado de Guerrero.

“Ustedes aquí en México tiene el tema de la desaparición más presente, pero en Francia sale una noticia de pronto de ‘en México desaparecieron personas’ y es un artículo, pero a los dos días está olvidado”, explicó.

"Sin embargo, yo dije: ‘A mí no se me va a olvidar, yo no olvido’”, aseguró el cineasta desde la capital del estado occidental de Michoacán.

Gascón se siente “muy mexicana”

La protagonista de ‘Emilia Pérez’, la española Karla Sofía Gascón, reveló que, a pesar de no haber nacido en el país, “se siente muy mexicana”.

“Creo que el pueblo mexicano tiene cosas maravillosas, nunca me he encontrado con ningún narco, todas las personas que me he encontrado eran buenas, trabajadoras, que querían salir adelante con sus familias”, puntualizó Gascón, la primera mujer trans ganadora a mejor interpretación femenina en el Festival de Cannes.

A pesar de “tener miedo por el recibimiento de la película” en el país mexicano, la artista aseguró que su llegada había sido “maravillosa” y que cada persona que veía la cinta “salía amando a México y queriendo ser mejor persona”.

Respecto a su personaje, la española resumió que para su papel dio todo lo que tenía, en este caso “su propio ser (...) lo único que uno puede dar”.

“(Emilia Pérez) es un personaje maravilloso, solo quiere evolucionar como todas las almas y seres. Cuando veo fotografías mías de cuando tenía 5 años no me reconozco, porque estoy aquí y estaba allí. Eso es lo que tenemos al final, que sabemos que somos nosotros mismos”, confesó.

Un sentimiento que comparte con su compañera de reparto, la actriz mexicana Adriana Paz, quien considera que esta obra fue un reto, al enfrentarse a talentos que no había descubierto antes con tanta potencia como el canto, habilidad que trabajó arduamente durante el rodaje.

Sin embargo, admite que ‘Emilia Pérez’ es un “regalo”, por lo que en todo momento “intentó hacerlo de la mejor manera”.

A este encuentro dedicado al filme inaugural de la edición número 22 del FICM, también asistieron el afamado coreógrafo Damien Jalet y la diseñadora de vestuario Virginie Montel, quienes destacaron que cada uno tuvo que crear un nuevo lenguaje fuera de los “códigos” establecidos. EFE

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Nueva York, 17 oct (EFE).- La icónica película 'Dirty Dancing' tendrá su propio musical en Broadway, el corazón teatral de Nueva York, a finales de 2025, según anunció este jueves la productora Lionsgate.

El director de 'Dirty Dancing: The Musical' será el actor Lonny Price, que interpretó al personaje secundario Neil Kellerman en la película original, mientras que la guionista del filme, Eleanor Bergstein, estará involucrada en el proceso creativo del proyecto.

Bergstein ya escribió y coprodujo años después del lanzamiento de la película un espectáculo teatral de la historia de Patrick y 'Baby' que se representó en distintos países pero nunca llegó a Broadway.

Sin embargo, este proyecto es una versión "reimaginada" de la historia, explica la guionista en un comunicado.

"Nuestra esperanza es estar a la altura del nuevo mundo que se arremolina a nuestro alrededor al tiempo que revisitamos de forma más completa y precisa la historia que quería contar cuando escribí las primeras líneas", añade.

Por su parte, Price asegura que las personas que ya han visto la película tendrán una visión "más profunda y matizada" de los personajes.

El actor ya ha dirigido otras obras de Broadway como 'Sunset Boulevard' o 'Lady Day at Emerson's Bar & Grill', y ha sido nominado a un premio Tony y galardonado con un Emmy por coproducir el musical de 'Sweeney Todd' y por dirigir 'Great Performances: ¡Sondheim! The Birthday Concert'.

'Dirty Dancing' cuenta la historia de amor de Frances 'Baby' y Johnny Castle (interpretados por Jennifer Grey y Patrick Swayze), que se desarrolla en el verano de 1963 en un hotel de Estados Unidos.

Lionsgate adelanta hoy que el musical tendrá "coreografías y canciones nuevas" y reimaginará elementos clave de la historia para que esta se adapte al contexto actual.

Más allá de Broadway, la productora espera que la obra se represente en otras partes de Estados Unidos, así como en Asia, Australia y Latinoamérica. EFE

Nueva York, 17 oct (EFE).- La icónica película 'Dirty Dancing' tendrá su propio musical en Broadway, el corazón teatral de Nueva York, a finales de 2025, según anunció este jueves la productora Lionsgate.

El director de 'Dirty Dancing: The Musical' será el actor Lonny Price, que interpretó al personaje secundario Neil Kellerman en la película original, mientras que la guionista del filme, Eleanor Bergstein, estará involucrada en el proceso creativo del proyecto.

Bergstein ya escribió y coprodujo años después del lanzamiento de la película (estrenada en 1987) un espectáculo teatral de la historia de Patrick y 'Baby' que se representó en distintos países pero nunca llegó a Broadway.

Sin embargo, este proyecto es una versión "reimaginada" de la historia, explica la guionista en un comunicado.

"Nuestra esperanza es estar a la altura del nuevo mundo que se arremolina a nuestro alrededor al tiempo que revisitamos de forma más completa y precisa la historia que quería contar cuando escribí las primeras líneas", añade.

Por su parte, Price asegura que las personas que ya han visto la película tendrán una visión "más profunda y matizada" de los personajes.

El actor ya ha dirigido otras obras de Broadway como 'Sunset Boulevard' o 'Lady Day at Emerson's Bar & Grill', y ha sido nominado a un Tony y galardonado con un Emmy por coproducir el musical de 'Sweeney Todd' y por dirigir 'Great Performances: ¡Sondheim! The Birthday Concert'.

'Dirty Dancing' cuenta la historia de amor de Frances 'Baby' y Johnny Castle (interpretados por Jennifer Grey y Patrick Swayze), que se desarrolla en el verano de 1963 en un hotel de Estados Unidos.

Lionsgate adelanta hoy que el musical tendrá "coreografías y canciones nuevas" y reimaginará elementos clave de la historia para que esta se adapte al contexto actual.

Más allá de Broadway, la productora espera que la obra se represente en otras partes de Estados Unidos, así como en Asia, Australia y Latinoamérica. EFE

Málaga (España), 10 oct (EFE).- El actor español Antonio Banderas continúa con su empeño de llevar a España algunos de los títulos míticos del musical de Broadway, y en esta ocasión dirige 'Gypsy', una historia en la que, según dijo, se habla de "la patología del triunfo".

"La obra reflexiona sobre esa pasta espesa que se genera entre el éxito y el fracaso", afirmó Banderas este jueves en la presentación del musical, que se estrenará la próxima semana en el Teatro Soho de su ciudad natal, Málaga (sur).

Se trata de una historia "que tiene muchas facetas" y que "representa a América" por la "sensación de que siempre hay que triunfar, por encima de lo que sea, algo que a asocia con el mundo norteamericano".

Una treintena de actores y una orquesta de veintiséis músicos interpretan en directo las piezas y estan en el escenario durante dos horas y cuarenta minutos, aunque Banderas quiere reducir algo la duración durante la última semana de ensayos, porque "la obra necesita adquirir agilidad".

Respecto al texto original que se estrenó por primera vez en Broadway en 1959, en este montaje han sido "fieles a la música sobre todo".

"Siempre hay que hacer una adaptación de personajes y de lugares, para entender situaciones muy norteamericanas, pero no hemos sido infieles al objetivo fundamental de la obra", explicó el actor y director, que cree que han conseguido "mantener la verdad del espectáculo".

Con 'Gypsy', Banderas siente que el Teatro Soho, sala de su propiedad, continúa su "apuesta por la excelencia, pero eso no garantiza el éxito, y debe ser así, porque si fuera fácil lo haría mucha más gente".

El actor español calificó como "un placer" poder "meterle mano a este monstruo, una obra muy complicada, con unos cambios muy rápidos", y añadió que "lo que ocurre detrás del escenario merecería ser rodado para ver la complejidad, y que requiere una disciplina increíble". EFE

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Málaga, 10 oct (EFE).- Antonio Banderas continúa con su empeño de traer a España algunos de los títulos míticos del musical de Broadway y en esta ocasión dirige 'Gypsy', una historia en la que, según el actor malagueño, está "la patología del triunfo".

"La obra reflexiona sobre esa pasta espesa que se genera entre el éxito y el fracaso", ha afirmado este jueves Banderas en la presentación del musical, que se estrenará el próximo 17 de octubre en el Teatro del Soho de Málaga.

Se trata de una historia "que tiene muchas facetas" y que "representa a América" por la "sensación de que siempre hay que triunfar, por encima de lo que sea, algo que a asocia con el mundo norteamericano".

Ha explicado que este proyecto nació cuando representaban en el Teatro Albéniz de Madrid el musical 'Company', en cuyo elenco estaba la actriz que ahora protagoniza 'Gypsy', Marta Ribera.

"Hay una persona en este país que tiene todos los colores de un personaje tan complejo como Rose. Allí se lo propuse, y no me dio una respuesta inmediata, tardó un par de días, porque a veces hay regalos duros de admitir, y había que pensárselo", ha desvelado el director del musical.

Es un personaje que existió en la vida real, que tiene "una gravedad enorme, en la que quedan atrapados los miembros de su familia y la gente que se va acercando", y que va "generando daños colaterales".

"En el teatro hay elementos que no están sujetos a estudio. En el caso de Marta eso se da, es algo que viene de nacimiento, no se aprende, y cuando lo destapa es muy fuerte de calificar, porque es difícil de enseñar, o lo tienes o no", ha insistido.

Para el segundo acto del musical, que es "mucho más oscuro, en el mundo sórdido de los bajos fondos, del 'burlesque', del gansterismo y de la prostitución, Marta da unos colores con los que alcanzar los niveles dramáticos que necesita la obra".

Una treintena de actores y una orquesta de veintiséis músicos que interpretarán en directo las piezas, estarán en el escenario durante dos horas y cuarenta minutos, aunque Banderas quiere reducir algo esta duración en la última semana de ensayos, porque "la obra necesita adquirir agilidad".

Respecto al texto original que se estrenó por primera vez en Broadway en 1959, en este montaje han sido "fieles a la música sobre todo".

"Siempre hay que hacer una adaptación de personajes y de lugares, para entender situaciones muy norteamericanas, pero no hemos sido infieles al objetivo fundamental de la obra", ha asegurado el actor y director, que cree que han conseguido "mantener la verdad del espectáculo".

Con 'Gypsy', Banderas siente que el Soho continúa su "apuesta por la excelencia, pero eso no garantiza el éxito, y debe ser así, porque si fuera fácil lo haría mucha más gente".

"El riesgo se minimiza al contar con factores humanos importantes, después de unas audiciones en Madrid durante una semana, en las que encontramos lo que buscábamos, no solo gente que supiera hacer su trabajo, sino con un nivel humano dispuesto al sacrificio de una serie de ensayos muy duros y a una convivencia sana".

Ha calificado como "un placer" poder "meterle mano a este monstruo, una obra muy complicada, con unos cambios muy rápidos". "Lo que ocurre detrás del escenario merecería ser rodado para ver la complejidad, y requiere una disciplina increíble".

Por su parte, Marta Ribera ha asegurado que intenta "evitar pensar" que tiene "tanta responsabilidad". "Si no, no seguiría adelante. Intento dejarme llevar de todo lo que me dicen y chupar de todo lo que me dan estos compañeros maravillosos alrededor", ha afirmado la actriz.

Junto a Ribera hay nombres en el reparto como los de Lydia Fairén, Carlos Seguí, Laia Prats, Carmen Conesa, Marta Valverde, Chemari Bello, Lorena Calero, Aarón Cobos, Sonia Gascón, Paco Morales o Hugo Ruiz, entre otros. EFE

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Madrid, 27 sep (EFE).- La becaria mexicana del musical 'Malinche' que denunció al compositor español Nacho Cano y dio pie a una investigación judicial por presuntos delitos contra los derechos de los extranjeros y de los trabajadores, declarará el próximo día 4 ante la magistrada que lleva el caso por primera vez.

Según han confirmado a EFE fuentes jurídicas, la juez ha citado a esta estudiante mexicana, Lesly Guadalupe O.F., para que declare como denunciante/perjudicada, en la primera comparecencia relevante en la causa.

Hasta ahora no habían sido llamados a declarar en el juzgado ni la denunciante, ni los tres investigados ni los becarios del musical implicados en este procedimiento penal, abierto el pasado 30 de julio.

Estos 17 estudiantes mexicanos becados fueron llamados a declarar como testigos urgentemente a finales de agosto, pero finalmente no lo hicieron porque no se consiguió citar a una de las investigadas, Roxana Drexel, directora de operaciones de 'Malinche', lo que impedía que pueda garantizarse la posibilidad de contradicción entre las partes, como establece la ley.

Así, el 1 de septiembre estos becarios regresaron a su país, y queda pendiente si serán citados para declarar por videocoferencia.

El pasado 30 de julio, un juzgado de Madrid abrió un procedimiento penal contra el productor musical Nacho Cano - ex integrante del famoso grupo Mecano - y tres personas más por la supuesta contratación ilegal de inmigrantes para su espectáculo musical 'Malinche', a raíz de la denuncia de la estudiante mexicana.

Las fuentes también han confirmado que, en un auto dictado recientemente, la magistrada rechazó admitir en la causa los mensajes que aportó la defensa del artista para probar un posible chantaje por parte de Lesly, al considerar una prueba "irrelevante".

En el auto, al que ha tenido acceso EFE, la juez no admite una serie de mensajes de WhatsApp que la becaria envió a una de las integrantes del equipo de 'Malinche', investigada en la causa, en los que avisa de que podía demandarles y para evitarlo solicita 6.000 euros y una carta de recomendación. Luego acabó denunciándoles.

Tras conocer esta decisión, la letrada de la denunciante, Beatriz Uriarte, dijo a EFE que "como se había previsto por parte de la víctima, las conversaciones mantenidas entre Lesly y la organización liderada por Nacho Cano no tienen ningún tipo de relevancia jurídica, más allá de que la joven expresó su malestar por las condiciones en las que se la trajo a Madrid y en las que se pretendía que volviera a su país". EFE

La vida de casi cualquier persona detenida daría para una película y así lo demuestra Reas, un documental argentino que se adentra en el género musical y da voz a verdaderas expresidiarias que dejan claro que, además de violencia, en la cárcel hay solidaridad, amor, resistencia o voguing.

“Normalmente la ficción muestra la prisión como un lugar donde solamente hay gente violenta que da y recibe violencia. Después uno no quiere saber nada de estas personas ¿por qué voy a dejarlas entrar en mi casa o contratarlas en mi empresa?”, se pregunta en una entrevista con EFE la directora Lola Arias, que presenta este martes la cinta en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián.

Sus protagonistas son Yoseli, una joven que lleva tatuada la torre Eiffel porque sueña con visitarla; Nacho, que toca la batería en un grupo de música en el que también canta Estefanía, y Noelia, bailarina de voguing. Son personas cis o trans que se interpretan a sí mismas en la película y también cuentan las duras historias que han vivido y los delitos por los que acabaron en la cárcel.

Entre la realidad y la ficción

La historia de cómo se gestó esta película y cómo continúa después merece ser relatada. Todo empezó en unos talleres de cine y teatro en una cárcel argentina en 2019 que continuaron durante la pandemia. Poco a poco surgió la idea de hacer una película. En 2023, con las alumnas que ya estaban fuera y quisieron continuar, se filmó.

“La película tiene un guion, desarrollo narrativo, de planos, arte, vestuario. Pero son personas que sí estuvieron detenidas y es una cárcel real. Esa fricción entre lo real y lo ficcional es lo que le da más potencia, ese efecto de verdad que tiene la película”, relata su creadora a EFE. La fuerza de esta narración también viene de la mezcla entre el realismo del documental y el género musical, tradicionalmente muy apegado a la ficción, la fantasía y la imaginación.

Pero además, el musical suele representar vidas marginales, como en West side story, pero con actores, cantantes y bailarines bellos que no tienen nada que ver con ese mundo, como remarca Arias, sin querer en ningún momento “romantizar la cárcel”, asegura. De hasta qué punto esta experiencia artística les ha cambiado la vida da testimonio el hecho de que sus protagonistas también han acudido al Festival y han participado este martes a un acto de apoyo al cine argentino contra las políticas del gobierno de Javier Milei.

Los días afuera

Tras San Sebastián, seguirán a Viena y París con la gira de la obra Los días afuera, sobre la experiencia de volver a estar libre tras años en prisión, que se gestó mientras se rodaba la película, en parte para calmar la incertidumbre de qué ocurriría después para sus protagonistas. Lola Arias se siente feliz de que el proyecto siga. “Es más que un proyecto artístico en un sentido tradicional, porque para que estas personas pudieran ser protagonistas de la obra y de la película, tuvimos que trabajar con un montón de abogados, trabajadores sociales, psicólogos y activistas”, comenta.

Esto fue necesario porque la mayoría no podían ser contratadas, estaban totalmente fuera de la sociedad. “Hubo que hacer todo un trabajo de reinserción social que sigue, porque con la obra sigue”, subraya Arias. El proyecto no es solo mostrar su realidad, sino también producir un cambio en esas vidas y un futuro posible, “no para que se dediquen toda su vida al arte, pero que empiecen a recuperar la confianza en sí y en que no se terminó la vida por haber ido a la cárcel”, afirma la directora.

Fuente: EFE

Desde el 2008, llevamos estrenados 8 espectáculos que incluyen títeres, visuales, objetos, música y teatro. También, somos autoras de nuestras propias obras. Cada una de ellas tuvo un proceso creativo diferente, siempre colectivo. Algunas veces escribimos previamente los textos que luego llevamos al cuerpo y al espacio. Otras veces jugamos mucho antes de tomar decisiones textuales. Hubo obras que fueron exactamente lo contrario a lo que nos habíamos propuesto, y eso nos encantó. Otras obras fueron una indagación minuciosa del lenguaje, tanto teatral como musical.

En nuestra alquimia de trabajo, Paula Sánchez dirige los espectáculos, y siempre actúan y cantan María José Colonna (Majo) y Valeria Zlachevsky (Vale). Marina Baigorria es la encargada de la composición musical, y en este espectáculo también escribió, junto a Majo, las letras de las canciones, que muchas veces aparecen en el juego de los ensayos, y luego ella les coloca su dosis de magia.

Camila Campodónico toca la guitarra y pone su voz en la escena, y en esta obra también realizó los arreglos vocales, buscando texturas y tímbricas para cada estilo. Pedro Bragán es pianista, acordeonista y también realizó los arreglos instrumentales buscando ser fiel a lo que cada canción “pide”, las vistió para la ocasión. Marina Baigorria, además de compositora, es bajista y aporta las voces más graves. Sabrina Figueroa llega a Ligeros de Equipaje para sumarse en este proyecto como percusionista aportando todo su ritmo.

En este festejo de contar con un gran equipo artístico, es que nace Canciones Imaquinarias, nuestro último trabajo. Con muchas ganas de hacer sonar esta banda, el espectáculo propone un paseo musical, con repertorio que recorre los ritmos y estilos musicales oriundos de Argentina, Brasil y Uruguay.

La propuesta tiene una gran paleta de sonoridades y fue clave en la búsqueda de un relato que desde lo tímbrico acompaña el devenir de la obra. Piano, acordeón, guitarra, bajo, percusión, accesorios, cacerolas, roscas, herramientas, cucharas… le ponen sonido a la historia y a todas las peripecias por las que la banda va atravesando.

Canciones Imaquinarias es un espectáculo lúdico, un juego que involucra de manera activa a las familias. Con el collage como concepto central, la propuesta es acompañada de visuales cuyas imágenes sugieren y potencian la propia atmósfera de las canciones.

En Canciones Imaquinarias, una banda de música se enfrenta a un inesperado desafío cuando descubre que las partituras han desaparecido. En búsqueda de una solución, encuentran algo muy especial: la Máquina de Crear Canciones. Es invisible y solo se puede activar cerrando los ojos y despertando la imaginación. Con la ayuda del público, la banda y los espectadores se unirán para construir un emocionante collage musical.

La propuesta del collage no solo habla desde ahí, también lo hace desde el vestuario y la trama general de la historia: “Armar algo bello con partes de otras cosas”, “reciclar y transformar aquello que tenemos”, “Animarnos a juntar dos cosas que no suelen juntarse. Así es como proponemos a las infancias el reciclado de ideas, la combinación desopilante, las nuevas maneras de mezclar y barajar.

Muchas de las canciones, juegan con este concepto. “Peracol” o la “Canción del Rompecabezas”por ejemplo, que hablan de aquello que surge, cuando juntamos partes sueltas. El público es protagonista, participa, propone e inventa junto a la banda que toma esos tesoros y los mete en LA MÁQUINA para transformarlos en canción. Poniendo en valor la creatividad, el “aquí y ahora” y la potencia de lo colectivo.

*Única función de CANCIONES IMAQUINARIAS el DOMINGO 29 de septiembre a las 16hs en el Teatro El Alambique (Griveo 2350, Villa Pueyrredón - CABA). Entrada General: $10.000 - Por Alternativa.

El icónico sonido de Soda Stereo regresa a la Ciudad de México de una manera única y emocionante con el estreno de Primavera Cero, un musical inspirado en las legendarias canciones de la banda argentina. Este proyecto promete ser un homenaje inolvidable para todos los fans del rock en español, quienes podrán sumergirse en una experiencia teatral cargada de emociones, nostalgia y poderosas melodías.

El Foro Lenin de la CDMX será el escenario donde Primavera Cero cobrará vida. Este musical, escrito por Luca Sparvieri durante la pandemia, nos invita a un viaje emocional a través de las canciones más representativas de Soda Stereo.

La trama sigue la historia de “Theo”, un joven introspectivo que, en compañía de personajes como Gustavo y Lisa, explora su identidad y el amor mientras enfrenta los desafíos de la vida adulta y las expectativas sociales.

Un viaje de autodescubrimiento y rock

Primavera Cero no es sólo un tributo a la música de Soda Stereo, sino una obra que cuenta una historia original, utilizando las letras de sus canciones para expresar los conflictos internos y las aspiraciones de sus personajes.

La música en vivo, con arreglos específicos para la puesta en escena, estará a cargo del maestro Paco García, quien también funge como director musical y vocal. Los fans del rock podrán disfrutar de este espectáculo todos los sábados a las 20:00 horas, con boletos disponibles en preventa a través de GoLive.

Una nueva perspectiva de Soda Stereo

Para Daniel Mendoza, quien interpreta a “Gustavo”, ser parte de Primavera Cero ha sido un descubrimiento total. “Aunque conocía las canciones más populares de Soda Stereo, trabajar en la obra me ha permitido entender las historias profundas que cada una de ellas cuenta”, detalló en entrevista con Infobae.

“Siento que ahora disfruto la música de Soda Stereo de una manera completamente nueva”, comentó Mendoza; destacó cómo las canciones se entrelazan con la trama del musical, creando una experiencia única para el público.

Historia muy actual

Mendoza indicó que aunque la historia está situada en los años 80, el tema es muy actual, “especialmente por el impacto de las redes sociales. Hoy en día, vemos cómo tantas personas se ven afectadas mentalmente por lo que sucede en redes, por las presiones sociales que ahí se imponen. La sociedad siempre ha sido un desafío, pero ahora, con las redes sociales, este desafío es aún más presente y difícil de manejar”.

“Theo” compartió la profundidad y relevancia de Primavera Cero, “no sólo como un tributo a la música de Soda Stereo, sino como un reflejo de las luchas humanas contemporánea. Cuando tuve la oportunidad de audicionar para la obra y recibí parte del libreto, inmediatamente me di cuenta de que este proyecto tenía un mensaje que necesitaba ser contado”.

Corta temporada

Primavera Cero inició temporada el pasado 24 de agosto y este sábado 31; así como el 7, los viernes 13 y 20 de septiembre de 2024. Estas funciones permitirán que el público participe activamente, ofreciendo sus impresiones y ayudando a pulir los detalles finales del espectáculo. Los boletos ya están disponibles en preventa a $650, mientras que el precio regular será de $950.

Primavera Cero, escrita por Luca Sparvieri

Primavera Cero sigue la historia de “Theo”, un joven introspectivo que, junto a personajes como “Gustavo” y “Lisa”, navega las complejidades de la vida adulta, el amor y la búsqueda de su identidad en un mundo que valora más las apariencias que la esencia. Es una narrativa de autodescubrimiento y esperanza, profundamente conectada con las emociones que evocan las canciones de Soda Stereo.

Primavera Cero no es sólo un homenaje a la música de Soda Stereo, sino también una celebración del espíritu rebelde del rock. Dirigida por Donald Bertrand. La obra ofrece una crítica social, donde cuenta la historia de un chico que está confundió en la vida, por no saber si pertenecer o permanecerse auténtico todo parece uniformado y carente de autenticidad.

Hay buenas noticias para los adultos que vieron grandes transiciones de la música, en especial el pop y el rock, y que en las últimas décadas lograron conectar profundamente con la música. La Fundación T de Teatro y Cristina Rodas en colaboración con Casa E Borrero presentarán un evento imperdible que está musicalizando los mejores recuerdos.

Se trata de Forever Young, un musical que promete traer la banda sonora “de nuestras vidas”, a través de un recorrido melódico, armónico y rítmico que pondrá en escena los mejores momentos de las décadas más importantes de estos dos géneros musicales.

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Este importante proyecto artístico ya está en función. Con un gran estreno el jueves 18 de julio, en la Sala Arlequín de Casa E Borrero, se abrió una temporada de funciones que se ofreceránd de jueves a domingo.

Así es Forecer Young: un acto que saca la juventud de los viejos con canciones exitosas

Dirigido musicalmente por Juan Gabriel Turbay, con la dirección general de Santiago Alarcón y como director invitado Jimmy Vásquez, este musical cuenta con una puesta en escena liderada por un elenco destacado. Los actores que protagozan las funciones incluyen a artistas como Natalia Bedoya, Mia Terán, Sandra Serrato, Camy Jiménez, Alejandro Martínez, José Manuel Ospina y Alejandro Calle, acompañados por Miguel Rico en el piano.

“Forever Young logrará reunir para esta temporada en Colombia a un elenco de primera, destacando el talento actoral y la fuerza interpretativa de los participantes”, dijeron los productores.

Inspirado en una proyección de lo que sería el año 2050, el musical se desarrolla en un asilo de ancianos, que relucirán sus experiencias a través de grandes éxitos musicales. El acto está lleno de historias vibrantes que contagian de alegría al público.

Los personajes, interpretados por seis ancianos que se transforman en estrellas de rock y pop, revitalizan clásicos como We Will Rock You, I Will Survive, Yo Soy La Muerte, Me Gustas Tú, Lenguaje de Mi Piel y El Baile de los que Sobran.

Juan Gabriel Turbay realizó atractivos arreglos musicales, y diseñó versiones especiales que incluyen popurrís para mantener la energía del espectáculo, con trasiciones anímicas y cambios de tonalidades emocionantes. La información oficial indicó que todas las canciones irán “in crescendo, la historia en escena hará latir con más fuerzas”. “El musical tendrá en su repertorio más de veinte canciones que forman parte de la narrativa”, explicó Turbay.

Natalia Bedoya se destaca en el papel de la enfermera, cuyo trato infantil y empalagoso hacia los ancianos es remplazado cuando ellos recuperan su vitalidad solo a través de la música. “Los huéspedes del geriátrico necesitan una inyección de vitalidad, y solo la música puede darles eso”, comentó la actriz.

Desde su estreno en Noruega más de una década atrás —escrito por el suizo Eric Gedeon— la función ya es todo un ícono teatral en las tablas más famosas de países como Argentina, Chile, España, y México. “Este musical es un tributo al pop y al rock, para celebrar la vida”, expresó el director invitado Jimmy Vásquez.

Santiago Alarcón comentó sobre la emotividad que el musical “es un espectáculo dirigido a jóvenes de cualquier edad, lleno de inteligencia, humor, nostalgia y ternura”. Camy Jiménez también resaltó la importancia de la obra: “Nos transforma y nos llena de energía a gran escala, atrapados en cuerpos frágiles por el implacable paso del tiempo”.

Así puede ir al musical

Las entradas para toda la temporada están disponibles en la Sala Arlequín de Casa E Borrero, y pueden ser adquiridas en línea. La obra, llena de momentos conmovedores y divertidos, invita al público a reflexionar sobre cómo será la vida en el futuro mientras se disfruta de los eternos clásicos que han marcado generaciones.

“Forever Young, un musical en tono de comedia, inteligente, emotivo, divertido, nostálgico y en ocasiones tierno, dirigido a “jóvenes” de cualquier edad. Pop y Rock para celebrar la vida, y tú ¿Cómo vas a estar en 2050?”, expresaron los productores.

Llegará a Colombia el famoso grupo estadounidense de hombres azules, que ha llevado el show artístico y musical a más de 25 países. En este caso, Bogotá y Medellín serán las ciudades que recibirán uno de los performances más vistos en el mundo, pues ha sido premiado con distintos galardones por la puesta en escena multisensorial.

Esta agrupación, que realiza su Bluevolution World Tour, llegará primero a la capital del país, en el Teatro Colsubsidio de Bogotá, entre el 25 de julio y 4 de agosto de 2024, después estará en escena en el Teatro Metropolitano José Gutiérrez Gómez, en Medellín, del 8 al 18 de agosto. Las entradas están disponibles a través de la página de eTicket y se pueden adquirir desde $163.000 pesos en Bogotá y $204.000 en Medellín.

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En esta nueva gira mundial introducen a un personaje femenino llamado ‘The Rockstar’, que con su cabello azul deslumbrante se acoplará al trío que tradicionalmente se ha dejado ver en cada una de sus presentaciones, aportando un toque multi-instrumental al show.

Además de su papel musical, The Rockstar actuará como maestra de ceremonias, proporcionando un hilo conductor a la presentación. Esta incorporación promete ofrecer una experiencia fresca y dinámica a los espectadores, manteniendo la esencia de Blue Man Group.

Uno de los fundadores del grupo original de 1987, Chris Wink, manifestó su emoción por medio de las redes sociales por la visita a territorio colombiano. “Cuando comenzamos a crear actuaciones centradas en este personaje inocente y curioso llamado Blue Man, nunca soñamos a dónde nos llevaría. Nos sentimos muy honrados de poder compartir nuestro espectáculo con la gente de Colombia y más allá”, comunicó.

Además, Jack Kenn, director general, también agregó: “Estamos muy emocionados de anunciar a Colombia como la próxima parada en el Bluevolution World Tour. Desde nuestra adquisición por el Cirque du Soleil (Circo del Sol), hemos ampliado nuestro poder creativo y nuestras oportunidades de distribución global, permitiendo que más personas disfruten de nuestro espectáculo sin barreras lingüísticas”.

Un espectáculo diferente

Blue Man Group ofrece un espectáculo multisensorial totalmente único. Desde su creación en el Lower East Side de Manhattan a finales de la década de los 80, ha descrestado y sorprendido a las diferentes audiencias generacionales de todo el mundo con sus innovadoras actuaciones que combinan percusión, luces de neón y efectos visuales psicodélicos. Los tres hombres de piel azul, que dicen pertenecer a una tribu mística, hacen uso de tambores, tubos y demás instrumentos no convencionales para crear sonidos, melodías y ritmos energizantes.

Por otro lado, este grupo norteamericano tiene una característica propia de su esencia y es la de involucrar al público, integrando a la vez sátiras de la vida moderna como aspectos relacionados con la tecnología en una sociedad más dependiente de ella.

Su interpretación musical con una alta influencia del rock y pop los ha hecho acreedores de premios de Broadway, Emmy, Obbies y un Grammy en el 2000 por el mejor álbum de pop instrumental.

Un show para un público de todas las edades

Paulo Sánchez, gerente del Teatro Colsubsidio, afirmó que este es un espectáculo único y eso permite que asistan públicos de todas las edades, con el fin de ver la versatilidad del teatro y que comprendan que no es un lugar acartonado al que hay que ir siempre de etiqueta o bajo protocolos específicos.

“Sin barreras lingüísticas que superar, ya que los Hombres Azules no hablan, los aficionados de todas las edades, culturas y nacionalidades pueden disfrutar de la experiencia”, puntualizó el directivo.

El musical biográfico de larga duración de Dolly Parton tiene como objetivo llegar a Broadway en 2026, dijo la cantautora. El musical se llamará “Hello, I’m Dolly”, título que hace referencia tanto al primer álbum de estudio de Parton como al clásico espectáculo de Broadway “Hello, Dolly!”.

Cómo se dio a conocer la noticia

Parton anunció los planes para el espectáculo durante el CMA Fest, una reunión de fanáticos de la música country en Nashville. Durante su intervención, expresó su agradecimiento a los seguidores que la acompañaron a lo largo de su carrera. “Solo quería decirte que no estaría aquí si tú no hubieras estado allí, y lo digo en serio, y ese es el nombre de una de las canciones que estarán en mi nuevo musical de Broadway”, le dijo a la multitud. Además, destacó que ha escrito muchas canciones originales para esta producción, junto con sus éxitos más conocidos.

Ella añadió que el musical permitirá al público conocer su vida en profundidad, incluyendo detalles personales y familiares. “Conocerás toda mi vida, hasta ahora” y añadió que “realmente tiene mucha historia, mucha familia”. Parton lleva trabajando en este proyecto aproximadamente una década. En 2016, comentó a Variety que pensaba que el musical llegaría al escenario dos años después; en aquel momento, mencionó que el primer acto se centraría en su vida antes de llegar a Nashville y el segundo acto en su carrera en la ciudad de la música country.

Dolly Parton y Maria S. Schlatter escribirán el libro del musical; ambas colaboraron previamente en la película “Navidad en la plaza” en 2020. La gestión de producción estará a cargo de Parton junto a Danny Nozell, su manager de larga data, y ATG Productions, la compañía de teatro británica que produce la reposición de Broadway de “Cabaret” de esta temporada.

Musical “9 to 5″

Este proyecto no es la primera incursión de Parton en Broadway. En 2009, escribió la música y la letra del musical “9 to 5″, una adaptación de la película homónima en la que Parton también protagonizó. Más aún, en 1993, una de sus canciones se incluyó en un espectáculo navideño de Broadway llamado “Velas, nieve y muérdago”.

Tampoco es el primer musical con el tema de Parton. Un espectáculo llamado “Here You Come Again”, sobre un devoto fan de Parton, ha tenido varias producciones en teatros regionales estadounidenses en los últimos años y actualmente está de gira por Gran Bretaña.

Dolly Parton, nació el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee, es una de las figuras más icónicas de la música country y pop. Su carrera despegó en la década de 1960 y lanzó numerosos éxitos que la han consolidado como una leyenda en la industria musical. Entre sus canciones más conocidas se encuentran “Jolene”, “9 to 5″ y “I Will Always Love You”, esta última popularizada por Whitney Houston en la película “El Guardaespaldas”.

Además de su carrera musical, Parton ha demostrado ser una empresaria polifacética. Fundó “Dollywood”, un parque temático en Pigeon Forge, Tennessee, y su fundación “Imagination Library” donó millones de libros a niños en edad preescolar en todo el mundo, fomentando la lectura desde temprana edad. También ha participado en varias películas y programas de televisión, ganándose el cariño del público no solo como cantante sino también como actriz.

Con una vida llena de logros y una carrera que abarca más de cinco décadas, Parton ha recibido numerosos premios y reconocimientos, incluidos múltiples premios Grammy, American Music Awards, y ha sido inducida en el Salón de la Fama de la Música Country. Su influencia en la música y la cultura popular es innegable, y su historia personal de superación y éxito sigue inspirando a millones de personas alrededor del mundo.

El anuncio de “Hello, I’m Dolly” promete ofrecer un retrato íntimo y detallado de la vida de Dolly Parton, desde sus humildes comienzos en las Great Smoky Mountains de Tennessee hasta su estatus actual como ícono global. Los seguidores podrán sumergirse en los momentos clave de su carrera y vida personal, todo ello acompañado de una banda sonora que celebra su extenso catálogo musical.

Una producción 100% colombiana ha tomado la batuta de un proyecto que promete poner a bailar a generaciones enteras con grandes éxitos como Money Money Money, Dancing Queen o Honey, Honey.

Pero uno de los más esperados que sin duda alguna es de la talla de importantes escenarios de talla internacional como el West End en Londres o Broadway en Estados Unidos, Mamma Mia! El Musical, un clásico que llega a la capital colombiana con 120 minutos lleno de éxitos de Abba.

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Serán 30 artistas en escena, ocho músicos y 90 personas de staff técnico encargados de llevar la magia de esta historia griega, siendo fiel testimonio de la creciente industria del teatro musical a nivel nacional. Cabe destacar que en el 2023, en su primera temporada de 22 funciones, se agotaron 19 con más de 20.000 espectadores. Las personas están integradas tanto en el diseño de producción, vestuario, dirección escénica, coreografía y actoral, como en el sonido e iluminación son colombianos.

De acuerdo con la actriz Yaneth Waldman, que interpreta a Rossie en el musical, este es un show en el que cada uno de los asistentes se llevan una alta dosis de felicidad y alegría. “El teatro termina bailando completo, desde el primer integrante de la platea, hasta el último integrante del tercer balcón; es un musical lleno de magia, luz y color”, expresó a Semana.

Además, Camilo Laverde, quien interpreta a Sky manifestó “Producciones como esta son una puerta para visibilizar lo que se puede hacer en el país y lo que tiene por ofrecer el talento nacional; podemos competir con otras producciones al nivel de México, Argentina, Brasil, España o Australia, que hacen este tipo de producciones licenciadas”.

Según el medio citado, la adquisición de los derechos de Mamma Mia! no fue cosa fácil, puesto que el proceso empezó con una solicitud de la productora de Misi y la Universidad del Rosario a Music Theatre International (MTI) de Nueva York, siendo esta la agencia que gestiona los derechos del musical y de la música de Abba. Por lo tanto, dicha solicitud integró un minucioso estudio de la trayectoria de la compañía, espectáculos realizados y el posible elenco.

Así obtuvieron los derechos de ‘Mamma Mia!’

Después de la exhaustiva evaluación, Misi logró conseguir los derechos debido a que MTI aceptó, pero no sin antes estar bajo una serie de estrictas supervisiones.

Todo lo que debe contener el respectivo espectáculo, deberá ser aprobado por MTI, como el detalle del montaje, el diseño de la escenografía, el vestuario y hasta la música. Sin dejar de lado que los procesos de selección del elenco estuvieron bajo la vigilancia de la agencia, todo esto con la garantía que la producción colombiana mantenga los altos estándares del espectáculo original.

“La exigencia va en lo rigurosa que es la licencia al momento de otorgar un título de estos a una productora como Misi Producciones y la Universidad del Rosario, entonces llevamos todas las áreas artísticas y creativas al nivel de detalle que exigen los write holders, tanto aquí como en Estados Unidos o Europa”, señaló Laverde.

Según el coreógrafo y director escénico del espectáculo, Felipe Sánchez, el show tiene unos pasos característicos que vienen del musical original y era necesario encontrar la manera de que eso no se perdiera. “Tuvimos la oportunidad de poder ser creativos y esto ayudó a darle, en Colombia, un poco más de dinamismo, movimiento y un poco más de esa alegría que nos caracteriza, sin perder la esencia de Grecia”, puntualizó.

La adaptación de Mamma Mia! es una oportunidad para que el público colombiano pueda disfrutar de un espectáculo de calidad mundial sin tener que salir del país. La producción colombiana, luego de culminar su corta temporada en Medellín, llegará a Bogotá con su segunda temporada en el Teatro Colsubsidio ,hasta el 10 de junio, de jueves a domingo.

El musical, que cuenta con la dirección de Carla Calabrese y la producción de The Stage Company, fue distinguido en la Argentina con 7 premios Hugo, 2 premios Ace, 23 nominaciones a los premios Hugo al teatro musical, y 13 nominaciones a los premios Ace. Además, en el exterior, obtuvo 7 nominaciones a los premios Tony, 1 nominación al Grammy 2017, y 4 premios Olivier 2019.

En un hecho sin precedentes, los empresarios y productores de Broadway eligieron a Come from away para que se represente en Europa con el mismo elenco y equipo de directores y creativos argentinos. A partir del 11 de septiembre, aniversario de las Torres Gemelas, la producción de Carla Calabrese comenzará su camino en España, con la misma producción, puesta, elenco y directores que la Argentina aplaudió y elogió desde junio del 2022.

Come from away cuenta la historia real de siete mil pasajeros provenientes de todas partes del mundo que permanecieron varados durante cinco días en un lejano pueblo de Canadá. Esos pasajeros aterrizaron inesperadamente en la isla de Gander, Newfoundland (Terranova) el 11 de septiembre de 2001, y cambiaron para siempre sus vidas como también el universo de ese pequeño pueblo canadiense que les dio la bienvenida desde la solidaridad más pura. Sin saberlo, el pueblo de Gander fue protagonista de una historia real que conmovió y emocionó al mundo.

Este musical es una obra teatral musical conmovedora que permite imaginar un mundo sin fronteras y celebrar lo mejor del espíritu humano, describen desde la producción.

Las entradas para Come from away, que se presentará desde el viernes 24 de mayo, se pueden adquirir en la boletería del teatro y en Plateanet.

Come from away está producida por Carla Calabrese; con Sergio Albertoni como director de producción; Santiago Rosso como director musical; Sebastián Mazzoni como director vocal; Agustín Pérez Costa como director coreográfico; Tadeo Jones como director de arte y escenográfico; y Pato Wittis como director asistente, además de un gran elenco de 15 actores que cantan y bailan acompañados por una banda de músicos en vivo, entre los que se destacan: Gabriela Bevacqua, Sebastián Holz, Mela Lenoir, Fernando Margenet, Argentino Molinuevo, Edgardo Moreira, Silvina Nieto, Marisol Otero, Agustín Perez Costa, Federico Couts, Silvana Tomé, Manu Victoria, Lali Vidal, Pato Witis, Fátima Seidenari, y los músicos: Santiago Rosso, Santiago Molina, Maximiliano Cataldi, Natacha Tello, Juan Denari, Paula Solange Morales, Pablo Mengo, Luis Lattanzi, Tomas Horenstein.