La noche del domingo 16 de agosto en el Movistar Arena de Buenos Aires quedó marcada por el reencuentro de dos figuras centrales de la música latinoamericana. Rubén Blades, referente indiscutido de la salsa y la canción social, recibió en su camarín a Charly García, ícono absoluto del rock argentino. El encuentro, cargado de simbolismo, fue uno de los momentos más fotografiados y comentados del evento, consolidando la noche como un episodio singular dentro de la historia musical reciente de la ciudad.

El panameño regresó a Buenos Aires luego de varios años, en una presentación que agotó entradas y colmó el Movistar Arena. La cita, largamente esperada, reunió a miles de personas en torno a un repertorio que atraviesa generaciones. La presencia de Charly en el estadio sumó un aura especial, celebrada por Blades desde el escenario con palabras sentidas: “Está viendo este show una leyenda del rock mundial: Charly García”. La frase resonó entre el público, que reconoció la importancia del cruce entre ambos artistas.

El espectáculo comenzó puntualmente a las 21, con Blades acompañado por la Roberto Delgado Big Band. Durante casi tres horas, el artista panameño navegó por un repertorio que incluyó clásicos como “Pedro Navaja”, “Plástico”, “Decisiones”, “Pablo Pueblo”, “Prohibido Olvidar”, “Amor y Control”, “Patria” y “Buscando América”. Cada una de estas canciones fue recibida con ovaciones, confirmando la vigencia de un cancionero que trasciende el tiempo y las fronteras. Desde el inicio, Blades saludó al público con calidez: “Buenos Aires, buenas noches. Vine aquí por primera vez en 1983 y regresé en 2026 para darles las gracias y decirles que todavía se puede”.

El reencuentro entre Blades y García trascendió el simple saludo entre colegas. Ambos representan, desde géneros diferentes, la voz de varias generaciones en América Latina. El abrazo en el camarín, registrado por los fotógrafos, fue rápidamente compartido en redes sociales, interpretado como un gesto de reconocimiento mutuo entre dos referentes de la música popular. Para muchos asistentes, la presencia de Charly García aportó un valor adicional a una noche ya de por sí excepcional.

La interacción entre ambos músicos, aunque breve, sintetizó décadas de historia musical latinoamericana. Tanto Blades como García son cronistas de su tiempo, abordando en sus canciones temáticas sociales, políticas y existenciales que atraviesan la realidad de la región. La coincidencia de ambos en el Movistar Arena de Buenos Aires sirvió como recordatorio de la potencia transformadora de la música y su capacidad para unir culturas y generaciones.

El recital de Blades en Buenos Aires fue sin dudasuno de los grandes acontecimientos musicales del año. Las entradas se agotaron rápidamente, y la expectativa creció a medida que se acercaba la fecha. El Movistar Arena, con su capacidad para miles de espectadores, se vio colmado por un público diverso, que incluía desde jóvenes hasta adultos que han seguido la carrera del panameño desde sus inicios.

El espectáculo se desarrolló en un marco escénico ambicioso y colorido, que fue creciendo en intensidad a medida que avanzaban las canciones. Blades propuso “condensar más de 50 años en una noche”, una consigna que se cumplió con creces gracias a un repertorio que abarcó todos los períodos de su trayectoria. La Roberto Delgado Big Band acompañó al cantante con arreglos precisos y una base rítmica que invitó al baile durante toda la velada.

Uno de los aspectos más destacados del concierto fue la interacción constante de Blades con el público. Desde el escenario, el músico se mostró cercano, dialogando entre canciones y compartiendo anécdotas sobre su vínculo con Argentina y Buenos Aires. La emoción fue palpable tanto en el artista como en los asistentes, que convirtieron el Movistar Arena en una auténtica pista de baile durante los momentos más festivos.

El repertorio elegido por Blades para su regreso a Buenos Aires fue un recorrido por las piezas más emblemáticas de su carrera. Temas como “Pedro Navaja”, “Plástico”, “Decisiones” y “Pablo Pueblo” funcionaron como puentes entre el pasado y el presente, recordando el compromiso social y político de sus letras. Estas canciones, compuestas en décadas anteriores, siguen formando parte del cancionero popular de toda América Latina.

El espectáculo combinó salsa, jazz, memoria e historias. Blades alternó el canto, el baile y la percusión, mostrando la versatilidad que lo caracteriza. El mensaje de una Latinoamérica fuerte y unida estuvo presente en todo momento, tanto en las palabras del artista como en la selección de imágenes proyectadas en pantalla. El público respondió con entusiasmo a cada guiño de Blades, reforzando el clima de celebración colectiva.

En la mitad del recital, Blades interpretó “Todos Vuelven”, una canción emblemática sobre el retorno y el recuerdo. Durante este tema, las pantallas del Movistar Arena proyectaron imágenes de artistas argentinos y latinoamericanos fallecidos, como Indio Solari, Luis Alberto Spinetta, Celia Cruz, Mercedes Sosa, María Elena Walsh, Tite Curet Alonso y Gustavo Cerati. Este homenaje visual generó uno de los momentos más emotivos de la noche, con el público acompañando con aplausos y algunos asistentes visiblemente conmovidos.

A lo largo del espectáculo, Rubén Blades multiplicó los gestos de reconocimiento hacia el público argentino y la cultura latinoamericana. Además del encuentro con Charly, uno de los momentos más significativos llegó sobre el final del show, cuando una bandera argentina ocupó la totalidad de la pantalla. Blades aprovechó la ocasión para reafirmar una consigna muy sentida en el país: “Las Malvinas son argentinas”. La frase fue recibida con una ovación general, consolidando la conexión del artista con la audiencia.

El concierto de Blades en Buenos Aires fue mucho más que una simple presentación musical. Funcionó como un espacio de memoria, reivindicación y celebración de la identidad latinoamericana. El paso del artista por el escenario y la presencia de figuras como Charly García reforzaron el carácter único de la velada, que será recordada como una de las grandes noches de la música en la ciudad.

El espectáculo cerró con una celebración colectiva de la música y la memoria, dejando impresos en los asistentes el valor del encuentro entre generaciones y la vigencia de las grandes voces del continente.

El juicio contra Duane “Keffe D” Davis, un ex líder de la banda South Side Compton Crips acusado de ordenar el asesinato del rapero Tupac Shakur, comienza este lunes en Las Vegas, tres décadas después del crimen que terminó con la vida de una de las figuras más influyentes del hip-hop estadounidense.

El proceso podría extenderse durante más de un mes y, de acuerdo con los elementos del caso, no necesariamente permitirá determinar quién efectuó los disparos que causaron la muerte de Shakur el 7 de septiembre de 1996, cuando el músico tenía 25 años y se encontraba en Las Vegas para asistir a una pelea de boxeo entre Mike Tyson y Bruce Seldon.

La Fiscalía busca demostrar que Davis, de 63 años, ordenó el asesinato y proporcionó el arma utilizada en el ataque desde un vehículo. Si recibe una condena, enfrenta cadena perpetua sin posibilidad de libertad condicional.

Davis compareció ante el tribunal la semana pasada, cuando quedó conformado el jurado encargado de analizar el caso. El acusado se declaró no culpable y rechazó las acusaciones en su contra.

El asesinato de Shakur, conocido también como 2Pac, constituye uno de los casos sin resolver más conocidos de Estados Unidos. Durante décadas, el crimen alimentó interrogantes sobre los responsables y sobre el motivo del ataque contra el rapero, quien alcanzó gran popularidad con canciones como “California Love” y “All Eyez on Me”.

El juicio también pondrá bajo análisis la rivalidad que marcó al hip-hop estadounidense durante la década de 1990 entre artistas y sellos discográficos de la Costa Oeste y la Costa Este. Shakur, hijo de un integrante de los Panteras Negras, creció entre Harlem y Baltimore antes de convertirse en una de las principales figuras asociadas con la escena musical de California tras su incorporación al sello Death Row Records, con sede en Los Ángeles.

Death Row Records fue fundado por Marion “Suge” Knight, mientras que Bad Boy Records, el sello de la Costa Este creado por Sean “Diddy” Combs, tenía entre sus principales artistas a Christopher “The Notorious B.I.G.” Wallace. Wallace fue asesinado en marzo de 1997, seis meses después de la muerte de Shakur.

Según la Fiscalía, Death Row Records contaba con protección de Mob Piru, una banda de Los Ángeles vinculada a la alianza Bloods y relacionada con Knight. Bad Boy Records, por su parte, había contratado como guardaespaldas a integrantes de los South Side Compton Crips, grupo que tenía a Davis como líder.

La acusación sitúa el origen inmediato del ataque en un episodio ocurrido horas antes del asesinato. Después de la pelea de Tyson en el casino MGM Grand, Knight y Shakur golpearon a Orlando “Baby Lane” Anderson, sobrino de Davis e integrante de los Crips. El enfrentamiento se produjo como represalia por una supuesta agresión contra un empleado de Death Row Records.

La Fiscalía sostiene que Davis buscó venganza después de ese enfrentamiento.

Más tarde esa misma noche, un Cadillac blanco en el que viajaban Davis, Anderson y otras personas se colocó junto al automóvil en el que se desplazaban Shakur y sus acompañantes. Desde el Cadillac se efectuaron varios disparos y el rapero recibió heridas que provocaron su muerte.

La investigación no logró avances decisivos durante décadas por la falta de pruebas suficientes. El caso tomó un nuevo impulso después de la publicación, en 2019, de las memorias de Davis.

En el libro, Davis relató que ocupaba el asiento delantero del Cadillac y que entregó una pistola a las personas que viajaban en la parte trasera del vehículo. Sin embargo, no identificó a la persona que abrió fuego contra Shakur.

Los otros ocupantes del Cadillac que se encontraban con Davis aquella noche ya murieron, por lo que el acusado es la única persona que permanece con vida entre quienes viajaban en el vehículo, según los antecedentes expuestos en el caso.

Davis posteriormente se retractó de las afirmaciones incluidas en sus memorias. Sostuvo que sus declaraciones fueron una exageración y afirmó que un escritor contratado para redactar el libro las creó con el objetivo de aumentar las ventas.

El juicio deberá establecer si la Fiscalía logra demostrar que Davis tuvo un papel directo en la planificación del asesinato y que proporcionó el arma utilizada en el ataque.

El mundo de la música es un ejemplo claro de que las mejores canciones pueden ser fruto de muchos años de trabajo o de meras casualidades. Temas como Sweet Child o’ Mine, Losing My Religion o Seven Nation Army son himnos a día de hoy gracias a la intervención del azar que, en grandes y pequeños detalles, intervino para que sonaran como las conocemos. A esa lista habría que añadir un clásico de los años 80, considerado por muchos como una de las mejores colaboraciones de la historia.

En 1981, Queen estaba grabando en Mountain Studios, en Montreux (Suiza). La banda venía del gran éxito que había supuesto The Game y se instalaron en el país helvético para desarrollar algunas de sus nuevas ideas. En ello estaban cuando se enteraron de que otro gran icono de la época se encontraba en la ciudad trabajando en su propio proyecto: David Bowie. El ingeniero del grupo británico conocía al cantante de Heroes y lo llamó para invitarlo al estudio, donde surgió la idea de hacer algo juntos.

Es así como llegamos a Under Pressure, uno de los dúos más emblemáticos de la historia del rock. “La canción se compuso desde cero la noche que visité su estudio. Creo que Freddie y los demás ya habían escrito el riff, así que juntos unimos las diferentes secciones de acordes para crear una pieza musical coherente”, contaría tiempo después el propio Bowie. “Freddie y yo creamos nuestras melodías principales. Así que cuando oyes cantar a Freddie, es lo que él escribió, y cuando me oyes cantar a mí, es lo mío. Luego trabajamos juntos en la letra. Todavía no me lo creo, ¡la escribimos y grabamos entera en una sola noche! Todo un logro para una canción tan compleja”.

Una de las canciones más escuchadas en los 80 y en la actualidad

Under Pressure va, en esencia, de cómo la presión de la vida puede aplastar a las personas y de cómo, paradójicamente, lo que puede salvarnos es el amor y la conexión con los demás. La canción tiene una estructura muy interesante porque empieza casi como una observación social y termina siendo mucho más íntima, mientras, a nivel musical, suena la reconocible línea de bajo de John Deacon y las voces de Freddie Mercury y David Bowie se van superponiendo y contestándose hasta mezclarse. Lamentablemente, nunca llegarían a cantarla juntos en directo.

En su lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, la revista Rolling Stone calificó a Under Pressure como un “himno épico de resistencia” nacido de la improvisación y la química instantánea entre ambos artistas. No fue la primera vez que el citado medio elogiaba esta canción, ya que antes los lectores la habían elegido como el mejor dúo de todos los tiempos en una encuesta. Sin embargo, en un principio el tema no siempre tuvo tanto éxito: el sencillo solo alcanzó el puesto 29 de lo más escuchado en Estados Unidos, un desempeño modesto frente al éxito inmediato que logró en Reino Unido, donde ascendió al número uno.

Con todo, el éxito no se detuvo ahí, sino que la canción se ha consolidado con el paso del tiempo. Under Pressure parece no pasar de moda, y en total acumula unas 300 semanas en diferentes rankings de la revista Billboard. La última de ellas ha llegado este mes de agosto, cuando ha escalado hasta el puesto 24 en la categoría Hard Rock Streaming Songs. Así, el tema creado espontáneamente por una de las bandas más influyentes del siglo XX y otra gran estrella de la época continúa sumando oyentes, lo que demuestra una vez más el poder de la música para conectar con distintas generaciones, incluso cuando el germen de todo es una mera casualidad.

Hay libros que se justifican por su tesis y libros que se justifican por su voz. Dickens y Prince. Un tipo de genio muy particular, de Nick Hornby, pertenece claramente al segundo grupo. Ensayo de fan con dotes de notable escritor, cruza las biografías y los caminos creativos de un novelista victoriano (Dickens) con una estrella afroamericana de la música pop (Prince) a partir de una premisa que el propio autor reconoce “endeble”: ambos murieron en torno a los 58 años. Desde ahí, Hornby construye una entretenida y por momentos graciosa -dos de sus características narrativas más difundidas- conversación informada sobre qué significa tomarse el trabajo creativo en serio.

Que el libro funcione es, en buena medida, un testimonio de la solidez de Nick Hornby como escritor de no ficción. Nacido en Redhill, Surrey, en 1957, es conocido ante todo por sus novelas, pero su obra ensayística tiene una coherencia propia que suele subestimarse. Fiebre en las gradas (Fever Pitch, 1992), su crónica autobiográfica sobre la obsesión por el Arsenal FC de Londres, redefinió el modo en que la cultura anglosajona habla de los aficionados al fútbol: convirtió al hincha en un personaje literario complejo, capaz de revelar, a través del resultado de un partido, los miedos y las carencias de la vida adulta. Alta fidelidad (High Fidelity, 1995), su primera novela, trasladó esa misma mecánica al mundo de la música pop y las relaciones sentimentales, con un protagonista cuya incapacidad para crecer se mide en playlist y en discos ordenados por fecha de ruptura. La Enciclopedia Británica, oráculo de consulta permanente, sentencia que esa novela “consolidó el tono novelístico de Hornby, que combina la ironía reflexiva y la autodepreciación de sus protagonistas con una creencia fluctuante en el poder redentor del arte y del contacto humano”. Guau. Un gran chico (About a Boy 1998) profundizó en esa misma dirección: un hombre de treinta y tantos años, incapaz de comprometerse con nada, encuentra en la amistad con un niño de 12 años una salida que no había buscado para su vida adulta.

Lo que une toda esa obra, la novelística y la ensayística, es una postura reconocible: Hornby escribe siempre desde el interior de sus obsesiones, no desde la distancia académica. Sus columnas para The Believer, revista estadounidense, reunidas en The Polysyllabic Spree (2004, un título que juega con el nombre de una banda estadounidense de cierto éxito en la época, famosa por su original “indie coral”) y en varios volúmenes posteriores, son el ejemplo más puro de ese método: cada entrega comienza con una lista de libros comprados y otra de libros leídos, casi nunca coincidentes, y desde esa tensión doméstica construye una crítica literaria que se niega a fingir objetividad. Como él mismo escribió en uno de esos textos, reproducido por Prospect Magazine, revista británica: “Al comienzo de mi carrera reseñé mucha ficción, pero tuve que fingir, como hacen los críticos, que había leído los libros fuera del espacio, el tiempo y el yo”. Dickens y Prince es la negativa definitiva a la simulación.

El ensayo, publicado en inglés en 2022, llega al español con poco más de 100 páginas. Su estructura combina capítulos cronológicos, “La infancia”, “Los veinte años”, “El final”, “El cine”, “La vida laboral”, “El negocio” y “Las mujeres”. El resultado es un montaje paralelo en el que Dickens y Prince se alternan en escena, y el lector observa cómo dos trayectorias separadas por más de un siglo se iluminan mutuamente sin llegar a fundirse. La Chicago Review of Books, revista cultural estadounidense, lo describió como “una indagación dual extraña e intrigante”, con resultados “interesantes, si, pero algo contradictorios”.

La infancia de dos genios

El capítulo “Childhood” (infancia, una de las especialidades del autor) establece el argumento emocional del libro. Dickens trabajó de niño en una fábrica de betún para zapatos mientras su padre cumplía condena en la prisión de deudores de Marshalsea; Prince creció en Mineápolis con una madre que lo abandonó y un padrastro del que se sugiere abuso emocional. Hornby no fuerza la equivalencia. Señala, con honestidad que le favorece, que mientras Dickens traduce esa infancia de forma explícita en novelas como David Copperfield, con su atención sostenida a la injusticia y a la vulnerabilidad infantil, Prince mantiene esa biografía temprana casi completamente fuera de su música. La diferencia importa: el trauma puede canalizarse hacia la narrativa o hacia la energía pura, y ninguno de los dos caminos es superior al otro.

Lo que sí comparten es que esa precariedad inicial alimenta una urgencia de trabajar sin descanso que, con los años, se vuelve estructural y, finalmente, destructiva.

La veintena y la productividad

“Sus veinte” es el capítulo más convincente del libro. Dickens publica Los papeles póstumos del Club Pickwick (The Pickwick Papers) en entregas cuando aún no ha cumplido 25 años, mientras escribe en paralelo Oliver Twist, y ya es un fenómeno comercial antes de los 30. Prince replica ese patrón en los años ochenta con una racha de cinco álbumes impresionantes: 1999, Purple Rain, Around the World in a Day, Parade y Sign o’ the Times. Hornby sostiene que esa secuencia puede compararse con cualquier período de máxima creatividad en la historia de la música popular, y la cifra que usa para ilustrarlo tiene un efecto casi vertiginoso: en 1986, Prince grabó 102 canciones. El box set de Sign o’ the Times, que incluye 45 temas adicionales no presentes en el álbum original, fue el detonante de la pregunta que abre el ensayo: “¿Quién más ha producido tanto? ¿Quién más ha trabajado de esa manera?”.

Nick Hornby, el personaje

Lo que distingue a Dickens y Prince de cualquier biografía convencional es la presencia explícita del autor como personaje. Nick Hornby narra su propia relación con ambos artistas: su desconfianza inicial hacia Dickens en la infancia, su descubrimiento tardío de que el autor de Casa desolada podía ser también muy divertido; su familiaridad más inmediata con Prince como artista de su propio tiempo. Esta dimensión autobiográfica no es un recurso decorativo: es la columna vertebral del ensayo.

En un pasaje clave del libro, Hornby confiesa que lo que le importa de Dickens y Prince es que le repiten cada día: “No es suficiente. No alcanza. Más, más, más. Pensá más rápido, sé más ambicioso, sé más imaginativo.” Es una buena síntesis del sentido del libro. Hornby no escribe sobre Dickens y Prince para enseñarnos a leer mejor a Dickens ni a escuchar mejor a Prince. Escribe sobre ellos para hablar de lo que significa estar a la altura de los propios modelos, de esa voz interior que cualquier persona que trabaja con seriedad reconoce: la que dice que lo hecho no basta.

El libro llega al español en un momento en que los debates sobre derechos de autor digitales, control de catálogo y presión por la productividad constante hacen que los conflictos de Dickens con el copyright y la batalla de Prince contra su sello resulten más vigentes que nunca. Hornby no necesitaba demostrarlo: le bastó con escribirlo.

La llegada de Magdalena Matthey a La Caja de Madera propone un recorrido por tres décadas de su trayectoria. En el concierto titulado La guitarra que me lleva, la artista interpretará canciones que reflejan la intimidad de su obra, su aporte al cancionero popular y su compromiso con la fusión de raíz latinoamericana.

Magdalena Matthey (Santiago, 1971) es una cantautora cuya trayectoria abarca más de tres décadas en la escena musical latinoamericana. Su carrera tomó impulso en 1995, cuando ganó la Gaviota de Plata en la categoría folclórica del Festival de Viña del Mar con la canción “María Leonor Lucía”, distinción que repitió en 2003 como Mejor Intérprete de la competencia folclórica internacional. A lo largo de ese recorrido editó once álbumes de estudio —entre ellos Latidos del alma, Mañana será otro día e Instinto—, y construyó una propuesta que cruza el folclore, la trova, la fusión latinoamericana y el jazz.

Su obra reunió colaboraciones con figuras como Natalia Lafourcade, Pedro Aznar, León Gieco, Nano Stern y Tata Barahona, y acumuló reconocimientos que incluyen el Premio Altazor por Mañana será otro día y el Premio Pulsar 2026 a la Grabación del Año por Instinto. También representó a Chile en el Festival OTI de 2000 y obtuvo el premio al Mejor Músico Extranjero en el Festival de Santa Rosa, Brasil. Su trabajo fue producido en gran parte por Sergio “Tilo” González, músico fundador de la banda chilena Congreso, referencia del jazz de raíz latinoamericana en el país trasandino.

El ciclo Sures se consolida como una red de circulación artística en el sur del continente, alejándose de los formatos masivos para privilegiar experiencias personales y acústicas en el espacio ubicado en el barrio porteño de Villa Urquiza. Desde su inicio, este ciclo ha conectado distintas escenas musicales de América del Sur, con presentaciones de artistas como Nicole Bunout, Martín Buscaglia, Juan Quintero, Juan Falú y el dúo Hnos. Ibarburu.

El ciclo se desarrolla en el contexto de Cuerda Mecánica, un centro cultural independiente inaugurado en 2019 y orientado a la creación y difusión de proyectos artísticos contemporáneos. Su programación incluye música, artes visuales, performance, teatro y talleres, con una infraestructura que prioriza la calidad técnica y el vínculo comunitario. En la planta superior funciona El Jardín Oculto, un restaurante de autor que complementa la oferta cultural con gastronomía estacional y ambiente rodeado de vegetación.

Las entradas para el concierto de Magdalena Matthey están disponibles a través de la página oficial de Cuerda Mecánica.

[Fotos: prensa Cuerda Mecánica]

La música atraviesa culturas, generaciones y fronteras, y pocas preguntas resultan tan universales como la que se hacen muchos oyentes cuando una canción los conmueve: ¿por qué las letras de algunas canciones logran emocionar de manera tan profunda?

Especialistas consultados por Infobae y un reciente estudio académico aportan respuestas desde la psicología, la musicoterapia y la neurociencia, coincidiendo en que la clave está en la capacidad de las canciones para reflejar y dar sentido a experiencias humanas compartidas.

Un reciente estudio publicado en Psychology of Music sobre 360 canciones que alcanzaron el top 10 anual de la Australian Recording Industry Association (ARIA), entre 1988 y 2023, revela que más del 70% de los éxitos más populares tienen como eje la conexión humana.

Las letras que exploran vínculos, amor, pertenencia, amistad y familia predominan ampliamente sobre otros temas como la autonomía o la competencia. En total, 263 canciones se relacionaron principalmente con la necesidad de relación, lo que sugiere que la música popular actúa como un espejo de los lazos que sostienen la vida emocional.

El 73,1% de las letras abordó la necesidad de vinculación, el 15,6% la autonomía y el 11,4% la competencia. Además, el 65,8% trató sobre la satisfacción de necesidades psicológicas, mientras que el 34,2% abordó la frustración.

Además, no se detectaron diferencias estadísticamente significativas en la distribución de estos temas a lo largo del tiempo, aunque las letras sobre autonomía mostraron un aumento gradual en las últimas décadas.

En base a este estudio, seis expertos hablaron con Infobae para analizar cómo estos hallazgos reflejan la importancia de los vínculos en la música popular.

El espejo emocional y la identificación

Débora Gisell Martínez, musicoterapeuta y coach ontológico profesional, explicó que las letras sobre vínculos nos conectan con algo esencial que muchas veces cuesta identificar: la necesidad humana de vincularnos. “Nacimos para estar con otros, para dar y recibir, para compartir y vivir en comunidad. Esa dimensión nos atraviesa como especie, porque todos transitamos experiencias universales que, de alguna manera, funcionan como un espejo: nos vemos reflejados en lo que le pasa al otro”.

En ese sentido, remarcó que no siempre encontramos las palabras para nombrar emociones complejas como el amor, el enojo, la culpa o la nostalgia. “Ahí aparece la canción, como arte, diciendo con un color particular lo que no habíamos dicho y dándonos la oportunidad de identificarnos. El hecho de identificarnos con otro ya es potente en sí mismo, pero cuando ese otro, el artista, pone en palabras lo que nos atraviesa, la conexión se vuelve más profunda”.

La especialista señaló además que la música funciona como puente entre la experiencia interna y la posibilidad de expresarla. “Muchas veces la canción encuentra una emoción que ya estaba ahí y le ofrece una forma para hacerla audible, pensable y compartible. La emoción no surge únicamente de la letra: intervienen también la melodía, la armonía, el ritmo, el timbre de la voz, la intensidad, la interpretación y, sobre todo, el contexto en que la persona conectó con esa canción”.

Cuando una sola frase basta

En diálogo con Infobae, la musicoterapeuta Nuria Sierra (MN 865) aseguró que el vínculo con una canción se vuelve fuerte porque representa alguna emoción que nos atraviesa. “No siempre es toda la letra, a veces es una frase que resuena y eso es suficiente”.

En ese aspecto, señaló que buscamos representar artísticamente algo que nos sucede, una forma de espejo en la que mirarnos. “Por ahí estás atravesando un momento de enamoramiento y hay alguna canción que te resuena con eso que sentís y la llevás con vos junto a esa emoción. O, al revés, puede convertirse en compañía durante un duelo. Es como una representación de lo que te pasa y te ayuda a transitar esos momentos”.

Sobre el uso cotidiano de la música para regular emociones, Sierra recomendó “volver a algo más artesanal y armar una lista de canciones pensada por uno mismo, que conecte con las emociones propias, más allá de lo que proponen los algoritmos o las listas automáticas”.

La huella musical en la memoria y el cuerpo

Patricia Lallana Urrutia, licenciada en Musicoterapia de la Universidad del Salvador y Magíster en Teoría y Práctica Gestáltica de la Universidad Mayor de Chile, afirmó que la música estimula muchas áreas del cerebro, como la motora, emocional, cognitiva, la memoria y la atención, sobre todo la música que nos identifica y que nos hace recordar momentos importantes de la vida.

“La música que nos genera más placer escuchar produce una activación del sistema de recompensa, que es nuestro sistema límbico, y genera la secreción de dopamina. Por eso, muchas veces al hacer ejercicio con música se siente menos cansancio. Las letras cumplen un rol central porque expresan lo que a veces no encontramos palabras para decir, pero la letra de una canción lo dice perfectamente”, agregó.

En el campo terapéutico, Lallana Urrutia explica que el trabajo con las letras de las canciones permite reafirmar o expresar lo que sentimos: “En musicoterapia es una herramienta muy importante. No se puede recomendar una música como si fuera un antibiótico: la experiencia musical es subjetiva y es clave conocer la historia sonoro-musical de cada persona”.

El peso de la palabra, la voz y el algoritmo

Mirta Noemí Cohen, profesora de Biblia y literatura hebrea en la Universidad de Jerusalén y psicoanalista, detalló que las letras pueden transmitir ideas sobre amor, sexo, dinero, violencia, política, éxito, autoestima, consumo o relaciones. Esto puede resultar positivo, crítico o problemático según el contenido y cómo lo interprete cada persona.

En ese sentido, la especialista advirtió sobre la enorme influencia de los algoritmos. “Antes, una persona podía descubrir música principalmente por la radio, amigos o una tienda de discos. Hoy, una plataforma puede analizar lo que escuchamos y recomendarnos continuamente canciones parecidas. Eso puede ayudarnos a descubrir artistas, pero también puede crear una especie de ‘burbuja musical’. Además, las redes sociales han cambiado la estructura de una canción. Muchas veces una canción no se vuelve popular porque la gente escuche el álbum completo, sino porque 15 o 30 segundos se convierten en un fenómeno viral”.

Acerca de los vínculos, Cohen sostuvo que las letras sobre amor, amistad, pérdida, pertenencia, rechazo, familia, deseo o separación tocan necesidades humanas muy profundas. “La música permite que esas palabras no se procesen solo como información, sino también como experiencia emocional. Cuando una letra describe algo que hemos vivido, nuestro cerebro completa los espacios con recuerdos propios. La canción deja de ser la historia de alguien y se convierte en nuestra historia”, planteó.

Y agregó que la repetición crea asociación: “Si escuchamos una canción durante una relación o en un momento particular, luego esa música puede funcionar como una especie de puerta hacia aquel estado emocional. La canción no necesariamente nos dice algo nuevo; muchas veces hace vibrar algo que ya estaba dentro de nosotros”

El valor terapéutico: de la experiencia personal al trabajo clínico

Juan Cristóbal Tenconi, psiquiatra y psicoanalista, miembro de la Asociación Psicoanalítica Argentina (APA) y de la Asociación de Psiquiatras Argentinos (APSA), sostuvo que la música es un lenguaje y que las canciones pueden afectarnos, incluso si están en un idioma que no comprendemos: “Los vínculos humanos son nuestro sostén psíquico. No es raro que referirse a ellos nos toque en nuestras fibras más íntimas”.

El experto señaló que las letras son solo una parte del impacto que tienen las canciones en nosotros: “El timbre, el volumen, la poesía, la prosodia, lo que la letra sugiere y la imagen que produce en nuestro interior también influyen. La música ayuda a la regulación emocional porque conecta con sonidos y aspectos de nuestra historia”.

Estela Allam, médica psiquiatra y psicoanalista, miembro de la Asociación Psicoanalítica Argentina, opinó que los vínculos constituyen una dimensión central de la vida psíquica: “Desde los primeros momentos, los vínculos con otros participan en la constitución de nuestra vida psíquica y afectiva, atravesada por experiencias de amor, deseo, pertenencia, separación y pérdida. La música transmite contenido tanto a través de la letra como mediante la melodía, el ritmo y la voz”.

Allam explicó que, en el trabajo terapéutico, una canción puede funcionar como vía de acceso a experiencias que todavía no encuentran expresión verbal suficiente. “A veces, un paciente trae como asociación una letra porque siente que dice exactamente lo que le pasa. Desde la perspectiva psicoanalítica, no se trata de interpretar la canción, sino de preguntarse qué encuentra esa persona en esa canción y qué significación adquiere en quien la escucha”, enfatizó.

La música como herramienta para el bienestar

Por último, Cohen remarcó que la regulación emocional no consiste en suprimir un estado, sino en transitarlo: “Representar una emoción mediante la música y el movimiento puede ayudar a expresar corporalmente cómo se siente la rabia, la tristeza o la alegría, y después transformar esa expresión”.

En ese sentido, Allam coincidió: “No nos proponemos utilizar la música como un recurso destinado específicamente a la regulación emocional, pero eso no implica desconocer que la música pueda ayudar a transitar determinados estados emocionales. El interés no está solo en qué música regula una emoción, sino también en qué despierta esa música en cada persona, qué recuerdos convoca y qué lugar ocupa en su historia”.

A la luz de la evidencia científica y el aporte de los especialistas, la música y sus letras se confirman como uno de los vehículos más potentes para conectar con la experiencia humana. En cada etapa de la vida, las canciones acompañan, reflejan y ayudan a comprender emociones, recuerdos y vínculos. La capacidad de la música para poner en palabras lo que sentimos y resignificar vivencias personales y colectivas explica por qué, generación tras generación, sigue ocupando un lugar central en la memoria y en el bienestar emocional.

Llamó a Brian Epstein, el manager de los Beatles, y lo convenció de traer a la banda al Carnegie Hall de Nueva York: se presentarían allí el 12 de febrero de 1964. El 9 de febrero, antes del Carnegie Hall, los Beatles debutaron en el programa de Ed Sullivan ante sesenta millones de espectadores que siguieron su presentación televisiva. Ese fue el estallido definitivo y bicontinental de la Beatlemanía.

En los dieciocho meses que siguieron a ese primer desembarco en los Estados Unidos, los Beatles coleccionaron tres álbumes número uno, media docena de singles que encabezaron las listas y dos películas -A hard day’s night y Help!- que fueron enormes éxitos de taquilla. En 1965, la reina Isabel los condecoró con la Orden del Imperio Británico y tenían al público de Estados Unidos, sobre todo a las adolescentes- en la palma de su mano.

Un año después del sold out en el Carnegie Hall y de la presentación arrolladora en El Show de Ed Sullivan, Bernstein volvió a llamar a Epstein. Esta vez la propuesta era diferente. Y muchísimo más ambiciosa.

El hombre que prometió pagar por los asientos vacíos

Bernstein quería llevar a los Beatles a un estadio. No a un teatro, no a un auditorio, no a un espacio de mediana capacidad. Quería hacerlos tocar en un estadio de béisbol de los que en esa época solo llenaban los deportes. Quería que la música popular llevara a cabo su show en vivo más multitudinario hasta ese momento, y sabía que los Beatles eran los indicados para intentarlo.

Epstein dudó y tenía sus razones. En 1964, el propietario de los Kansas City Athletics, Charlie Finley, había pagado 150.000 dólares para que los Beatles tocaran ahí en un día libre de su gira —el triple de lo que cobraban habitualmente—, y el show había atraído apenas a 20.000 personas, aproximadamente la mitad de la capacidad del estadio. En el Gator Bowl de Jacksonville, en la misma gira, habían tenido problemas similares. La mayor multitud que Elvis Presley había convocado en un estadio era de 26.000 personas en el Cotton Bowl. Nada de eso auguraba que llenar el Shea Stadium fuera posible.

Bernstein pensó distinto. Para convencer a Epstein, primero negoció con el vicepresidente de los Mets, James K. Thomson, el uso del Shea Stadium en agosto de 1965. Incluso le advirtió, casi como una extorsión, que si no llegaban a un acuerdo exploraría la posibilidad del Yankee Stadium, el histórico rival de los Mets ya que eran los dos grandes equipos de béisbol de Nueva York.

Una vez que aseguró la fecha y los términos económicos —25.000 dólares más seguro, seguridad y la construcción del escenario a cargo de Bernstein— fue a hablar con Epstein. Y le ofreció lo que necesitaba para cerrar el trato: pagarle diez dólares por cada asiento que quedara vacío. Epstein aceptó. Los asientos no quedaron vacíos.

El Shea Stadium, ubicado en Queens e inaugurado el 17 de abril de 1964 como el nuevo hogar de los New York Mets, tenía capacidad para 55.600 personas. Las entradas costaban entre 4,50 y 5,65 dólares —las entradas de los Mets ese año costaban entre 1,30 y 3,50— y se agotaron antes del verano, principalmente gracias al boca a boca. Los pedidos llegaban por correo desde todo el mundo. La recaudación total fue de 304.000 dólares, de los cuales los Beatles se llevaron 150.000.

El alcalde de Nueva York, Robert F. Wagner Jr., y varios funcionarios de la ciudad le confesaron a Bernstein que sus hijos adolescentes estaban desesperados por conseguir un lugar. El permiso municipal era prácticamente inevitable desde el primer momento.

Afuera del estadio, la noche del concierto, dos jóvenes de una organización que se hacía llamar ALBATROSS —Amigos de los Amantes del Béisbol Contra la Ruina del Shea Stadium— protestaban con carteles. “Los Beatles tocando en el Shea Stadium es como un show de burlesque en una iglesia”, le dijo uno de ellos a un periodista. “¿Cómo voy a poder disfrutar un partido de los Mets después de esto?”.

Los preparativos para el gran show

El 14 de agosto, un día antes del show, los Beatles volvieron al programa de Ed Sullivan para presentar las canciones de Help!. Ringo Starr se presentó a sí mismo antes de cantar Act Naturally. Paul McCartney estrenó Yesterday con un cuarteto de cuerdas, ante un público que respondió con pocos gritos y varios pedidos de silencio, algo inédito en cualquier concierto de la banda. Querían, efectivamente, escuchar la canción. Y John Lennon, al cerrar el show, se olvidó la letra de Help!.

Sólo un par de días antes del show, también se había lanzado en Estados Unidos la edición americana del álbum Help!. El grupo estaba posicionado en lo más alto del ranking Billboard 200 con su álbum anterior, editado en ese país bajo el nombre Beatles VI.

La producción del 15 de agosto fue una improvisación de escala gigantesca. La empresa Vox había diseñado especialmente para esa gira un nuevo modelo de amplificador que llevaba la potencia sonora de 30 a 100 watts. Esos amplificadores se conectaron al sistema de megafonía del estadio, el mismo que en los días de béisbol anunciaba los nombres de los bateadores.

El escenario era una tarima, sin pantallas de video, sin monitores de piso, sin técnicos que se ocuparan de lo que pasaba sobre esa tarima. Se dispusieron aproximadamente dos docenas de columnas de parlantes, algo que George Harrison recordaría años después como si ese despliegue técnico lo volviera a sorprender tal como esa noche neoyorquina. Es que era la primera vez que uno de esos estadios se usaba para un concierto de rock y eran días en los que los Beatles todavía tocaban en lugares como el Astoria Cinema de Londres, donde entraban nada más que 3.000 espectadores.

El plan original de Epstein era aterrizar directamente en el campo de juego del Shea en helicóptero. Las autoridades municipales de Nueva York lo vetaron por cuestiones de seguridad. Se ideó entonces un plan alternativo: limusina desde el hotel hasta un helipuerto del East Side de Manhattan, helicóptero hasta la terraza del edificio de la Feria Mundial en Queens, y desde ahí una camioneta blindada del banco Wells Fargo —custodiada por sesenta policías— que los llevó hasta el estadio.

Antes de subir al escenario, el banco les regaló las insignias en forma de estrella que usan sus guardias de seguridad. Los Beatles las usaron prendidas en las chaquetas beige de estilo militar que se convirtieron en una imagen icónica de esa noche inolvidable para todos los que estuvieron allí.

Para la seguridad interna del show, Bernstein movilizó 2.000 efectivos: policías, acomodadores y hasta cuarenta cinturones negros de karate. El promotor describiría los preparativos para ese show como el trazado de un minucioso plan de guerra. Se instalaron tres líneas de barricadas entre la multitud y el campo. Igual, varias fans lograron cruzarlas y correr por el campo para intentar alcanzar a alguno de sus cuatro ídolos.

El montaje del show incluyó también la producción de un documental: Bob Precht, productor de El show de Ed Sullivan y yerno del exitoso conductor de TV, había acordado con Bernstein que registrarían el concierto para un especial televisivo. El director Andrew Laszlo desplegó doce cámaras de 35 mm y una portátil de 16 mm para captar todos los ángulos.

Fans impacientes y un VIP de lujo

Mientras las bandas teloneras actuaban ante un público que no había ido a verlas y que se impacientaba —King Curtis, Cannibal & the Headhunters, Brenda Holloway y Sounds Incorporated, The Young Rascals—, los Beatles esperaban en el vestuario de árbitros del estadio. Ahí, sobre una tarjeta de puntuación de béisbol que alguien había descartado días antes, anotaron el setlist de doce canciones que iban a tocar esa noche.

Mal Evans, encargado de cada detalle técnico toda vez que los Beatles salían al escenario, registró en su diario que los cuatro artistas estaban inusualmente silenciosos ese día. También anotó lo mucho que ese show significaba para la banda.

Cuando salieron al campo para ir al escenario, pasaron por el túnel por el que habitualmente caminaban los deportistas. Ahí estaban Mick Jagger y Keith Richards. Y Ed Sullivan. Y Allen Klein, futuro mánager de negocios de los Beatles, que esa noche estaba ahí acompañando a los Stones. En el sector VIP de las tribunas estaban Bob Dylan, Nedra Talley de las Ronettes, y Marvin Gaye. Y también, sin que nadie lo supiera todavía, Linda Eastman y Barbara Bach, que años después se casarían con McCartney y Ringo Starr.

El instante que cambió la historia

Sullivan volvió a ser quien los presentó. “Honrados por su país, condecorados por su Reina, amados aquí en Estados Unidos, ¡aquí están los Beatles!”.

John, Paul, George y Ringo salieron al trote hacia el escenario. Alcanza con ver algunas imágenes de esa noche para ver sus expresiones sorprendidas, risueñas, eufóricas ante esa multitud que gritaba por y para ellos. Cincuenta y cinco mil seiscientas personas, el ochenta por ciento de ellas chicas adolescentes, muchas de ellas llorando e incluso desmayadas, con banderas de tela colgando de los palcos que declaraban su amor a los Beatles.

Mal Evans escribió que nunca antes había escuchado un estruendo tan ensordecedor como el que produjo el público cuando los Beatles hicieron su entrada esa noche. El estadio enloqueció por completo y no paró de gritar durante toda la presentación. Algunas chicas hicieron fila para usar el pañuelo de tela de una señora grande: querían secarse las lágrimas y soplarse la nariz. Otras invadieron le campo hasta que algún policía las frenó.

La cantante Brenda Holloway, que los vio desde la parte trasera del escenario después de su propia actuación, describió el ruido como un tsunami verbal. Jagger lo definió como aterrador y Richards, como ensordecedor.

El New York Times, al día siguiente, lo describió así: “Los pulmones inmaduros de esa multitud produjeron un sonido tan imponente, tan masivo, tan agudo y sostenido que cruzó rápidamente la línea del entusiasmo hacia la histeria y pronto alcanzó el sentido griego clásico de la palabra pandemonium: la región de todos los demonios”. Años después, Paul lo evocó de otra manera: el ruido del público sonaba como un millón de gaviotas.

Los Beatles tocaron las doce canciones que habían anotado en su setlist: “Twist and shout”, “She’s a woman”, “I feel fine”, “Dizzy Miss Lizzy”, “Ticket to ride”, “Everybody’s trying to be my baby”, “Can’t buy me love”, “Baby’s in black”, “Act naturally”, “A hard day’s night”, “Help!” y “I’m Down”. Sin canciones lentas. Sin momentos de calma. Un set compacto de pura energía sin pausa, a la altura del desborde de sus fanáticos y, sobre todo, fanáticas.

El griterío era tal que la banda no podía escucharse entre sí. Ringo lo recordó en el documental Eight days a week de 2016: no podía escuchar nada, así que miraba los pies de Lennon y de McCartney golpeando el suelo o la cabeza asintiendo para saber en qué parte de la canción estaban. El propio Lennon confesó después no haber estado seguro en qué tonalidad estaba tocando durante dos de las canciones.

El vocero de prensa de los Beatles, Tony Barrow, escribió en sus memorias que la banda exageraba cada expresión facial y cada gesto corporal para intentar llegar al público que estaba en el otro extremo de ese campo enorme. También se comunicaban así entre ellos.

En “Baby’s in black”, Lennon no recordó en qué álbum americano se había publicado la canción. “No lo recuerdo bien”, admitió, visiblemente nervioso. “Yo no lo tengo”. En varios momentos entre canción y canción, sus palabras se convirtieron en una especie de balbuceo: sabía que nadie en el estadio podía entender lo que decía de todas formas.

Durante “I’m down”, la última canción del set, Lennon no tenía guitarra y tomó el órgano Vox Continental. Empezó a tocarlo con los codos porque no se le ocurrió qué otra cosa hacer. “Me sentía desnudo sin guitarra, así que hice todo lo que podía: saltaba por todos lados y solo toqué dos compases”, explicó años después.

Harrison, a su lado, se moría de risa, mientras que Paul, siempre el más prolijo, sonreía y llevaba la canción adelante. Ringo diría más tarde que “Lennon enloqueció en ese momento porque se soltó del todo”.

Cuando terminaron, bajaron del escenario de nuevo al trote. Los esperaban ahí mismo para que subieran a una camioneta blanca con el logo de los Mets. El vehículo los llevó a través del campo de juego, esquivando fans que habían saltado al césped. Los fans permanecieron en el estadio durante más de una hora después de que los Beatles ya se habían ido.

Lo que vino después

Harrison, inmediatamente después del show, sostuvo: “Fue aterrador al principio cuando vimos la multitud, pero no creo haber sentido nunca tanta euforia en mi vida”. Lennon, también esa noche, definió: “Fue maravilloso. Era la multitud más grande ante la que habíamos tocado. Y fue fantástico”.

Paul, décadas después contó: “Después de tocar ante 56.000 personas en el Shea Stadium te preguntás a vos mismo qué más podés hacer”. Y años después de aquella noche revolucionaria, Lennon le confesó a Bernstein, el promotor del show: “En el Shea Stadium, vi la cima de la montaña”.

El audio capturado esa noche era técnicamente desastroso. El griterío permanente y los amplificadores insuficientes habían producido un registro inservible. George Martin le pidió al grupo que regrabaran en secreto las canciones que habían sonado peor.

El 5 de enero de 1966, los Beatles reservaron los estudios CTS de Kensington Gardens Square en Londres. Regrabaron “Help!”, “I feel fine” y “Ticket to ride”. McCartney grabó nuevas pistas de bajo para cuatro canciones. Lennon volvió a grabar el piano de “I’m down” y se le sumó un órgano. Para “Act naturally”, se usó la versión de estudio del álbum con los gritos del Shea superpuestos. El audio de “Twist and shout” fue tomado directamente de una grabación posterior de esa misma gira en el Hollywood Bowl.

El documental se llamó The Beatles at Shea Stadium y su lanzamiento fue complicado. Se estrenó el 1º de marzo de 1966 en la BBC del Reino Unido. Alemania Occidental lo emitió en agosto de ese año. En Estados Unidos, la cadena que debía emitirlo había perdido el interés y lo postergó hasta el 10 de enero de 1967. Para ese entonces, los Beatles estaban en el estudio Abbey Road trabajando en “Penny Lane”.

El mismo año en que se emitió el documental en Estados Unidos, los Beatles se presentaron en Candlestick Park y dejaron de tocar en vivo para siempre. La complejidad cada vez mayor de sus composiciones era incompatible con las posibilidades técnicas para tocar en vivo en esos años.

Un cambio para siempre

El Shea Stadium fue demolido en 2009 para hacer lugar al Citi Field, el nuevo estadio de los Mets. En su última noche como recinto de música en vivo, el 18 de julio de 2008, Billy Joel fue el anfitrión de The Last Play at Shea. McCartney llegó sobre la hora, con una escolta policial.

Pete Flynn —el mismo jardinero irlandés que había sacado a Paul corriendo del campo cuatro décadas antes— lo llevó en un carrito de golf hasta el escenario. McCartney tocó “I saw her standing there” y “Let it be” con Joel. “Let it be” fue la última canción interpretada en el estadio. Paul no la había escrito todavía cuando los Beatles tocaron en el Shea por primera vez.

En 1983, cuando The Police tocó ahí, Sting agradeció a los Beatles desde el escenario por haberles prestado su estadio. Años después recordó esa noche diciendo que no se puede llegar a un lugar mejor que ese. Que es el Everest.

Después de aquella primera noche de música en el Shea, los estadios se convirtieron en el horizonte al que aspiraban los artistas en gira. Vender todas las entradas en un estadio, convocando a decenas de miles de personas para un único show redefinió para siempre lo que significaba ser una superestrella. Como tantas otras cosas, fueron los Beatles los que inventaron ese hito.

Desde que vi la nueva adaptación de La Odisea de Christopher Nolan, no he podido sacarme de la cabeza un momento en particular. Es una escena famosa: Ulises, advertido sobre las sirenas y su canción fatalmente seductora, pide a sus hombres que se tapen los oídos con cera para protegerse. Pero él quiere escuchar la música, así que ordena a su tripulación que lo ate al mástil del barco. El sonido, pronto lo descubre, es un bello tormento.

Nolan ofrece solo una visión lejana de las sirenas y no revela ni una nota de su música. En cambio, mientras los hombres reman y su líder grita atado al mástil, se escucha la banda sonora de Ludwig Göransson: una melodía llena de anhelo y tristeza que te hace compartir, de manera breve pero profunda, los sentimientos de Ulises al escuchar a las sirenas.

En TikTok, los fanáticos han publicado clips pirateados de la escena y de la música de Göransson, con textos como “Este sonido no sale de mi cabeza”, “Esto fue lo más hermoso que he visto” y “No puedo dejar de pensar en la secuencia de las sirenas”. Ya la han versionado en guitarras y pianos, cornos ingleses y saxofones.

Homero no dice mucho sobre el sonido real de las sirenas, aparte de describir su canto como “meloso” y “melodioso”, según la traducción de Emily Wilson. Ulises dice que “anhelaba escuchar más”, pero no cede, permaneciendo atado al mástil hasta que el barco atraviesa la zona. Nolan hace la escena más intensa dramáticamente, reflejando la nostalgia de Ulises por su hogar, su culpa por el saqueo de Troya y su larga recuperación tras la guerra. Cuando le preguntan qué fue el canto de las sirenas, responde: Todo lo que quieres que sea. Luego, todo lo que desearías no haber deseado nunca. Era esa deliciosa comezón que vas a rascar pero descubres que está bajo la piel, no puedes alcanzarla. Entonces la deliciosa comezón se vuelve insoportable. Te decía que lo que más quieres es lo que más no puedes tener. Y lo que más no puedes tener es lo que ya tuviste, y perdiste.

Durante la mayor parte de la película, la música de Göransson es metálica. Ha dicho en entrevistas que él y Nolan no querían usar una orquesta tradicional, así que reunió un coro de gongs que se escuchan tanto de forma acústica como a través de sintetizadores, logrando que un sonido terrenal parezca de otro mundo. Ocasionalmente introduce otras texturas, también, como el punteo de una lira para un motivo asociado al arco de Ulises y, en la escena de las sirenas, un instrumento de caña antiguo llamado aulos.

El aulos aparece a lo largo del arte griego, representado tanto en escenas militares como domésticas. A ojos modernos, parece dos flautas dulces que se unen en la boca del intérprete, sopladas al mismo tiempo. Su construcción permitió a Göransson utilizar un tubo para un tono pedal sostenido y el otro para la melodía. Esa melodía son solo cuatro notas: dos que ascienden, como si anhelaran, y dos que descienden, como un colapso. Es tan simple y tan triste.

Juntos, la melodía y el tono forman una serie de intervalos, cada uno con su propio significado en la música clásica occidental. El primero se conoce como intervalo de sexta menor, que establece un tono de lamento seguido por un segundo intervalo, cuyo sonido es brillantemente y agudamente disonante. Después, eleva la línea melódica, suspirando de nuevo, pero en lo que se llama intervalo de quinta, que es consonante pero no necesariamente armonioso, solo para caer a una nota en unísono con el tono pedal.

La frase se repite una y otra vez, su tensión armónica convirtiéndose en esa comezón bajo la piel que Ulises describe. La música de Göransson para esta escena nunca se resuelve del todo. Es insatisfactoria pero infinitamente tentadora, su propia clase de canto de sirena.

Fuente: The New York Times

A diferencia de los métodos habituales que convierten información digital en archivos de audio, este sistema actúa directamente sobre la guitarra para producir música en vivo, acercando la experiencia al resultado que lograría una persona.

Cómo funciona el robot que toca la guitarra acústica

La innovación de MegCell Pulse surge de una pregunta simple: ¿qué pasaría si una pieza musical digital pudiera tocarse en un instrumento tradicional sin intervención humana directa? La solución fue diseñar un sistema que, colocado en una guitarra acústica, imita el trabajo de las manos de un guitarrista.

El mecanismo está dividido en dos partes: una que presiona las cuerdas contra los trastes para formar las notas y otra que puntea o rasguea las cuerdas según las indicaciones de la partitura digital.

El usuario escucha la música directamente desde la guitarra, con todas las resonancias naturales y la acústica del entorno, en lugar de un simple archivo de audio emitido por parlantes. El sistema interpreta escrituras digitales para ejecutar las canciones, lo que evita la necesidad de programar manualmente cada movimiento para cada pieza, facilitando así la interpretación de múltiples composiciones.

Cuáles son los componentes y características técnicas del MegCell Pulse

MegCell Pulse emplea piezas fabricadas por impresión 3D, junto con engranajes, actuadores magnéticos y brazos robóticos coordinados para tocar la guitarra de forma precisa. Entre sus especificaciones técnicas se encuentra la compatibilidad con guitarras acústicas convencionales y la capacidad de leer partituras digitales.

El sistema mecánico se divide entre dos funciones principales: la presión de los trastes y el punteo de las cuerdas. Además, integra componentes fácilmente reemplazables o modificables, gracias a que los archivos STL para imprimir las piezas están disponibles públicamente, junto con la lista de materiales y las instrucciones de ensamblado.

Este diseño facilita la reparación o la actualización del sistema, ya que los propietarios pueden imprimir nuevas partes si surge una mejora o si alguna pieza se daña. Por otro lado, el dispositivo incluye una modalidad colaborativa, permitiendo que el robot actúe sobre los trastes mientras una persona toca las cuerdas, posibilitando así la ejecución de piezas musicales con una sola mano.

Limitaciones actuales y posibilidades de mejora del sistema robótico para guitarra

Aunque MegCell Pulse representa un avance al convertir partituras digitales en interpretaciones acústicas reales, la versión actual presenta algunas restricciones. Por ejemplo, el sistema no logra abarcar toda la extensión del diapasón de la guitarra y no puede realizar deslizamientos entre trastes, lo que limita la reproducción de ciertas técnicas musicales.

El creador continúa trabajando en el perfeccionamiento del dispositivo, buscando ampliar el rango de movimientos y sumar recursos que permitan una interpretación más cercana a la que lograría un músico humano, manteniendo el objetivo de facilitar la reparación y modificación mediante la impresión 3D de las piezas.

Cuáles son las diferencias principales entre la guitarra acústica, la eléctrica y la clásica

Las guitarras acústica, eléctrica y clásica presentan diferencias tanto en la manera en que producen el sonido como en la construcción de sus cuerdas. En el caso de la guitarra acústica, el sonido se origina a partir de la vibración de cuerdas de acero bajo tensión, transmitida a una caja de resonancia hueca, lo que permite obtener un tono fuerte y brillante sin necesidad de componentes electrónicos ni conexión a corriente.

En contraste, la guitarra eléctrica posee un cuerpo macizo y utiliza cuerdas metálicas más finas y flexibles. Para que su sonido sea audible, requiere estar conectada a un amplificador a través de pastillas magnéticas que capturan las vibraciones. Este sistema permite modificar el sonido aplicando efectos y variando el volumen, lo que resulta fundamental en estilos como el rock o el jazz.

La guitarra clásica se distingue principalmente por llevar cuerdas de nailon y un mástil considerablemente más ancho. Estas características proporcionan una sensación suave al tocar y un timbre cálido, cualidades que la hacen preferida en repertorios de música clásica y flamenco. Mientras tanto, la guitarra acústica, con su cejuela más estrecha y cuerdas de acero, produce un sonido metálico y dinámico, orientado a géneros como el pop, folk y rock.

Víctor Coyote, músico, artista multidisciplinar y nombre que resonó con fuerza en los años de la Movida madrileña, ha fallecido este jueves de manera repentina a los 68 años tras salir a dar un paseo en bicicleta y ser encontrado en la carretera. Con todo, todavía no se ha concretado la causa de su fallecimiento.

Con un pie en la música y otro en las artes visuales, Víctor María Aparicio Abundancia nació en Tui (Pontevedra) en 1958 y pronto se convirtió en referente de la fusión creativa. Al frente de Los Coyotes, influyente grupo musical español de los años 80 fundado por él mismo, su visión transformó el panorama al entender, mucho antes que otros, que el rock español podía dialogar con ritmos latinoamericanos y otras músicas consideradas ajenas hasta ese momento. Buen ejemplo de ello es Mujer y sentimiento, disco editado en 1985 y reconocido por abrir una nueva senda al mezclar rockabilly, ritmos latinos, humor e imagen.

Tras la disolución de Los Coyotes en 1992, Coyote emprendió una carrera en solitario que amplió todavía más su paleta musical. Desde mediados de esa misma década exploró y mezcló géneros como el rock, la canción de autor, los ritmos latinos y otras músicas de raíz, siempre con letras irónicas, observadoras y sociales en discos como Las calientes noches del barrio (1987) o Puro semental (1989). A día de hoy todavía se mantenía activo, con trabajos como su disco Las comarcales o El propio, recopilación de su carrera en solitario. Este año se encontraba preparando nuevos proyectos musicales, incluida una inminente gira.

Las múltiples facetas de un artista único

Víctor Coyote no solo fue pionero en lo musical. Su carrera abarcó desde la ilustración y el cómic (destacan aquí sus colaboraciones con la revista Madriz) hasta el diseño gráfico y la realización de documentales. Su estilo visual, reconocible y humorístico, acompañó buena parte de sus proyectos musicales, editoriales y culturales. Por otro lado, trabajó en proyectos sobre la frontera hispanoportuguesa del río Miño y diseñó portadas para artistas como Ariel Roth, Giant Sand y Vampisoul.

La influencia de Víctor Coyote se extendió también al cine y la televisión, aportando su talento como especialista en atrezo gráfico en producciones de Álex de la Iglesia y en series recientes como Poquita fe. Su experiencia gráfica y musical confluyó en estas obras, donde mantuvo una mirada personal sobre la cultura popular y la vida cotidiana. Además, participó ocasionalmente como actor. La literatura fue otra prolongación de su universo creativo. Publicó libros de relatos y libros ilustrados como Cruce de perras, vinculado a experiencias y ambientes de la Movida, y cómics como Si te falta calle o Días de alarma, nacido de las tiras que dibujó durante el confinamiento de 2020.

“Despedimos con enorme tristeza a Víctor Coyote, un creador inclasificable, inquieto y profundamente original con quien tuvimos la suerte de compartir tantos proyectos”, han escrito desde el Espacio Fundación Telefónica, una de las primeras instituciones en reaccionar a la noticia. “Su talento, su imaginación y esa forma tan suya de mirar el mundo hicieron de cada colaboración algo único. Gracias, Víctor, por tantos años de creatividad y complicidad. Tu obra y tu mirada seguirán con nosotros”.

El evento, organizado por el Instituto Bolero México, reúne a cuatro intérpretes y cinco músicos en el Auditorio Blas Galindo. La entrada es libre. El evento está abierto a todo el público a partir de los ocho años de edad.

El concierto forma parte de las celebraciones del Día del Bolero, efeméride decretada el 25 de agosto de 2023. El Cenart se encuentra en la alcaldía Coyoacán, cerca de la estación General Anaya del Metro línea 2.

Nueve artistas en vivo para una noche de bolero en el Cenart

En el escenario del Auditorio Blas Galindo estarán los artistas Kaoru Nakatani, Alfonso Alquicira, Eric Ventura, y Violeta Ortega y Puerto Candela.

Los acompañará un ensamble conformado por Rafael Cruz, Jorge Bolón, Martín Arano, Luis Martínez y Fernando Acosta.

Entre todos ofrecerán un recorrido por temas que han marcado a generaciones a lo largo de más de un siglo, entre ellas: Bésame mucho de Consuelo Velázquez, Sabor a mí de Álvaro Carrillo, Reloj de Roberto Cantoral, Amor de mis amores de Agustín Lara y Sin ti de Pepe Guízar.

Bésame mucho, Sabor a mí y más: las piezas que sonarán esa noche

Cada una de estas piezas carga una historia detrás. Sus compositores construyeron un repertorio que trascendió fronteras, generaciones e idiomas.

Bésame mucho, compuesta por Consuelo Velázquez en 1932 cuando tenía 16 años, es considerada la canción más versionada en español del siglo XX y ha sido traducida a más de 40 idiomas. The Beatles, Frank Sinatra y Luis Miguel figuran entre sus intérpretes.

Sabor a mí, de Álvaro Carrillo, también tiene un origen singular. Según relató su hijo Mario Carrillo en el blog Con sabor a mi padre, la canción nació en diciembre de 1957 durante una cena de Navidad, cuando el compositor besaba a su prometida entre tragos de whisky.

Ella le reclamó que la estaba emborrachando. Él respondió: “Lo que tienes en la boca no es sabor a whisky, es sabor a mí”. La canción se grabó por primera vez en 1959.

El Instituto Bolero México: la organización que lleva el género al Cenart

La asociación civil Instituto Bolero México opera desde 2015 con el objetivo de preservar y difundir el género en el país.

Fue la organización que en 2021 impulsó, junto a los gobiernos de México y Cuba, la candidatura del bolero ante la UNESCO, bajo el proyecto Bolero: identidad, emoción y poesía hecho canción.

El género fue inscrito en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad de la UNESCO el 5 de diciembre del 2023.

El bolero: de Cuba a México, una historia de más de un siglo

El bolero surgió en Cuba a finales del siglo XIX y encontró en México uno de sus mayores escenarios.

El género, caracterizado por temáticas románticas que exploran el amor, el desamor y la nostalgia, vivió una de sus épocas doradas en el país durante las décadas de los 40 y 50, impulsado por el auge del Cine de Oro.

Agrupaciones como Los Panchos, Los Tres Ases, Los Tecolines y Los Dandys consolidaron a la Ciudad de México como referente de la música romántica a nivel internacional.

El requinto, instrumento sello del sonido de Los Panchos, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles del bolero mexicano.

Esta agrupación participó en más de 50 películas y grabó cerca de 2 mil 500 canciones, entre ellas Sabor a mí, uno de los temas que sonarán en el Cenart este 15 de agosto.

Para más información sobre otros eventos, se puede acceder directamente a la cartelera del Cenart a través del portal https://cenart.gob.mx/.

En la década de los 2000, Karim El Majnaqui Talavera era uno de tantos jóvenes de Gran Canaria que se descargaba canciones con programas como Ares o eMule. Le gustaba bailar, sobre todo esas canciones que escuchaba en una discoteca del sur de la isla, Bachira, donde sonaban las primeras canciones de reguetón y las de otros artistas latinos. Un día, empezó a cantar, al principio intentando imitar a sus ídolos. “Lo hacía terriblemente mal”, confesará durante la entrevista, aunque poco a poco empezó a defenderse y a producir canciones, primero las de otros, luego las suyas. En 2014, su nombre artístico, Dasoul, ya era conocido en toda España.

Desde entonces ha pasado mucho. Temas como Él No Te Da, Vuela Corazón o La Bienvenida al Amor han sonado por toda España y hoy se le considera uno de los responsables del crecimiento del reguetón y el pop latino en nuestro país, pese a que durante años, como él mismo recuerda, solo les dejaran cantar “al final de los festivales” porque la música urbana todavía no estaba de moda. En 2017, decidió hacer un parón por conflictos con su discográfica y una crisis creativa, pero regresó a la acción en 2020 con la publicación de su EP Dosis.

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Decidió no repetir los problemas del pasado, estableció su propio sello discográfico en 2021, desde el que ha ido publicando sencillos y su disco más personal, Donde se junta el mar con el cielo, en el que rinde homenaje a sus raíces y a su hogar. “Ahora puedo decir que hago lo que me apetece”, afirma Dasoul, que ahora completa ese proceso de mostrarse a sí mismo con BAXIRA, un EP con cinco canciones cuyo nombre ya deja clara su intención: volver a esa música que en su día lo fascinó. Así, su nuevo trabajo es un tributo directo a la música urbana de principios de los 2000 y al reguetón de Vico C, Don Omar o Lorna; a esas noches que, cuando entró por primera vez en ese lugar, fueron “un antes y un después”.

“Vende canciones y no vendas tu vida”

En BAXIRA hay confesiones tan íntimas como el robo de Dasoul a uno de sus mejores amigos. “Me arrepiento muchísimo porque eso nos alejó durante un tiempo, pero con el dinero pude comprarme mis primeros discos, uno de Tego Calderón y otro de Wisin y Yandel”. En la época en la que lanzaba sus grandes éxitos, no le dejaban hacer ese tipo de referencias (“vende canciones y no vendas tu vida”, le decían), ni siquiera ese tipo de música porque se habría alejado de su tono más comercial. “Ahora me liberé de todas esas ataduras y de esa narrativa. Si quiero hacer algo, lo hago, porque el arte es explorar y mostrarle mis diferentes facetas al público”.

Estas palabras reflejan el radical cambio que ha habido en su música. “Con el tiempo, entendí que lo que te inquieta, lo que te hace llorar o reír, lo que te enamora y desenamora, es lo que hace que el público y las personas escuchen tus canciones y se interesen un poco más por el artista y la persona”. Habla no solo de cifras de escucha, sino de “construir” un público duradero con el que establecer un vínculo. “Poco a poco irán sabiendo más sobre mi vida y lo que me ha pasado”, adelanta. “Son cosas que podría contar, yo qué sé, en un pódcast, pero qué mejor forma de mostrarse a uno mismo que sobre un beat de trap o una balada”.

Dada su experiencia, tiene claro lo que le diría a alguien que empieza en el mundo de la música: “Si el sello apuesta por ti y cree en tu proyecto y respeta tu visión artística, ¿por qué no unirte a ellos? Tienen la infraestructura necesaria para hacerte crecer, pero el problema llega cuando solo quieren ganar dinero“. La prioridad del artista debe ser siempre su propio desarrollo. “Estamos en una época en la que uno puede hacer muchísimas cosas por sí mismo. Lo que les va a hacer crecer no es una discográfica, es la visión artística, el enfoque, la disciplina y, lo más importante, rodearse de gente que quiera crecer con él, que tenga la misma ambición”.

“Me parece una falta de respeto”

Dasoul forma parte de una generación clave para el desarrollo de la música urbana en Canarias y en España. A pesar de su contribución, siente que el reconocimiento hacia los artistas que abrieron camino es insuficiente. “Me jode bastante. No hemos creado nada, pero somos parte de un camino que ahora están recorriendo muchos artistas y querer tapar eso me parece una falta de respeto”, señala, defendiendo la importancia de no olvidar a quienes ayudaron a consolidar el género. En su momento, cuando el latineo todavía se colocaba por debajo del pop o la electrónica, “fue difícil porque no nos tomaban en serio, y aunque me lo gocé igualmente, no era consciente del camino que estaba labrando”.

Por eso, hoy reivindica todo lo que vivió. “No queda bien decirlo, pero hoy existe Quevedo, existe La Pantera, existen Lucho, Yusef o Cruz Cafuné porque en su día existieron Foncho, K-Narias, Dasoul, Danny Romero, Crítica y Psique, CHK y otros. Hay que intentar respetar un poco a todas las generaciones que han formado parte de un género que hoy es mundial y mainstream porque, si el camino hoy en día está llano, es por el trabajo que hemos hecho los artistas de mi etapa”. El contraste con otros géneros, como el pop o el rock, donde los artistas de décadas pasadas sí son respetados, es para él evidente: “En el urbano es como: ‘Ah, te has pasado de moda’”.

Con todo, está convencido de que, a pesar de los grandes éxitos de los músicos canarios de hoy, “lo mejor está por llegar”. “Creo que es parecido a lo que pasa con Puerto Rico. Tenemos una evidente conexión con España, pero también con Latinoamérica por el intercambio cultural que siempre ha habido. Eso lleva a un cúmulo de cosas que hace que nuestra forma de componer, de ver la vida, de interpretar y de hacer arte sea la que tenemos hoy en día. Aun así, Puerto Rico exporta un artista que triunfe más o menos cada mes, y esa debe ser nuestra referencia. Hay muchísimo talento. Y el que queda”.

Por su parte, el futuro de Dasoul pasa por un horizonte más sencillo: “Seguir haciendo lo que me gusta: componer, producir, interpretar, hacer shows allá donde me quieran escuchar y, sobre todo, disfrutar del proceso”. Esto último es lo que, dice, aconseja a todo aquel que puede. “Vale para la música y para cualquier sector: dedícate a disfrutar del proceso, porque llegará un punto en tu vida en el que mires para atrás y se vea como un acantilado y te lo preguntes: ‘¿He disfrutado cada paso? ¿Lo he compartido con las personas con las que lo quería compartir? ¿He dejado mi huella y mi legado como persona?’ Si es así, guay. Si dudas, ya sabes, disfruta más del proceso".

El cantante británico Rod Stewart, de 81 años, anuló varios conciertos de su gira por Norteamérica por una operación de corazón que lo mantendrá al menos cuatro semanas alejado de los escenarios.

El autor de “Maggie May” o “Da ya think I’m sexy?” estaba inmerso en la parte final de su gira por Estados Unidos y México, donde tiene programadas tres actuaciones de aquí a cuatro semanas.

Stewart se ha sometido “con éxito a una intervención rutinaria consistente en la implantación de un stent coronario”, anuncia un mensaje publicado en su Instagram en la noche del martes.

“Por consejo de sus médicos, se tomará las próximas cuatro semanas para recuperarse”, apunta. “Desafortunadamente, esto significa que no será capaz de continuar con su gira actual”, agrega el texto.

Aunque el mensaje no detalla los conciertos afectados, en las próximas semanas Stewart tenía varias actuaciones previstas en Estados Unidos, incluidas seis fechas en Las Vegas.

Justo después del plazo de cuatro semanas, el cantante viajaba a México para tres conciertos en Monterrey, Guadalajara y Ciudad de México.

El cantante de voz ronca y melena rubia ya tuvo que cancelar varias fechas en Estados Unidos por motivos de salud en mayo y junio. En aquel momento, mencionó que padecía sinusitis y laringitis.

En junio, tuvo que recibir oxígeno durante un concierto en Utah y confesó al público que estuvo a punto de desmayarse, según varios medios.

Aunque en 2024 volvió a sacar un álbum, “Swing Fever”, Rod Stewart vivió su apogeo en los años 1970 y 1980 con éxitos como “Maggie May”, “Sailing”, “Baby Jane” o el pegadizo “Da ya think I’m sexy?”.

Fuente: AFP

Enjambre, NSQK y Caloncho encabezan el cartel oficial del Festival Cuernavaca Sunrise 2026, que regresa el 21 de noviembre al Campo Unión Patriotas en Cuernavaca, Morelos, con ocho actos en escena y boletos disponibles en Arema.mx.

El festival reveló su lineup completo a través de un flyer oficial difundido por la promotora Tour Manager en redes sociales, con la banda zacatecana Enjambre al frente del cartel como acto de mayor jerarquía. Le siguen en la marquesina NSQK y Caloncho, consolidando una propuesta que apunta al rock alternativo y al indie como ejes del evento.

La cartelera completa

El cartel del Cuernavaca Sunrise 2026 queda conformado por ocho actos:

Enjambre

NSQK

Caloncho

María Daniela y Su Sonido Lasser

Daaz

La Texana

Te Vi en un Planetario

Alanis Yuki

La programación combina nombres consolidados del rock y el indie mexicano con propuestas de escena emergente, en una fórmula que el festival ha mantenido en ediciones anteriores.

Enjambre confirmó su participación en Facebook

La banda zacatecana fue la primera en hacer pública su presencia en el festival a través de su página oficial de Facebook, donde publicó un flyer individual con su nombre, la fecha del evento y los datos del venue.

La publicación anticipó el anuncio del cartel completo difundido por Tour Manager, y situó a Enjambre como el acto de mayor jerarquía en el lineup del Cuernavaca Sunrise 2026.

Tour Manager, la promotora detrás del anuncio

El cartel fue difundido por Tour Manager, empresa mexicana de entretenimiento que opera bajo el usuario @tourmanagermex en redes sociales y se describe como una compañía de entretenimiento de vanguardia.

La promotora tiene un historial directo con el Cuernavaca Sunrise y con varios de los artistas del lineup 2026: ha organizado fechas de Enjambre, Caloncho, La Texana, Daaz y Te Vi en un Planetario en distintas ciudades del país, y gestiona la venta de boletos a través de Arema.mx.

Entre los actos que Tour Manager ha promovido en México figuran también Porter, Siddhartha, María Daniela y Su Sonido Lasser, Hello Seahorse!, Caifanes y Paulo Londra, con presencia en plazas como Querétaro, Puebla, Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey.

Un festival con historial en Morelos

El Cuernavaca Sunrise se ha establecido como uno de los festivales de referencia para el rock y la música alternativa en el estado de Morelos. Su edición 2025 reunió a Caifanes, Porter y DLD como cabezas de cartel; la de 2024 presentó a Enjambre junto a Siddhartha.

En 2026, Enjambre regresa al festival pero escala a la posición principal del cartel, en medio de su Daños Luz Tour, gira con la que la banda ha confirmado presentaciones en más de 15 ciudades del país entre agosto y noviembre, incluyendo dos noches en el Estadio GNP Seguros en la Ciudad de México.

Boletos y sede

El evento se realizará en el Campo Unión Patriotas, en Cuernavaca, Morelos, recinto que ha sido la sede fija del festival en sus ediciones recientes. Los boletos están disponibles a través de Arema.mx.

El flyer oficial no detalla precios por categoría ni horarios de los actos para esta edición.

Creado en 1998 con una edición que congregó apenas a 300 personas, el Sonorama Ribera ha pasado con los años de ser una pequeña iniciativa local a convertirse en uno de los festivales más importantes e influyentes del panorama musical en España. Prueba de ello son las cerca de 150.000 personas que han asistido a la última edición del evento, considerado a día de hoy una de las mecas del pop-rock independiente en España.

Pese al éxito cosechado este verano, el Sonorama ya prepara su trigésima edición para 2027. Una celebración que tendrá un carácter especial por la fecha, y para la que muchos ya han comprado su abono general después de que la organización abriera una venta especial de bonos por 85 euros para celebrar las tres décadas. Más de 12.000 personas intentaron hacerse con una de las codiciadas entradas. En apenas 5 minutos, ya se habían agotado las 5.000 que se habían ofertado.

La avalancha de solicitudes confirma el interés por una edición que, según el director del festival, Javier Ajenjo, supondrá “un punto de inflexión”. Así lo subrayaba el gestor en una entrevista con Cadena SER: “Va a marcar un antes y un después, porque vamos a tener un recinto mejorado, esperamos tener un Parque General Gutiérrez mejorado, vamos a romper algunas reglas de los festivales, con la idea de tener una Plaza del Trigo gigantesca”.

Siloé, primera banda confirmada para el Sonorama 2027

El Sonorama Ribera ofrecerá en 2027 una programación especial para celebrar su trigésimo aniversario, reuniendo en Aranda de Duero a artistas que han marcado la historia del festival junto a nuevas incorporaciones. La edición contará con cambios en el recinto y la promesa de sorpresas en el cartel, según anticipaba Ajenjo. Quienes no lograron conseguir uno de estos bonos podrán acceder a la venta general, que abrirá a finales de año, en las fechas previas a la Navidad. La organización ha anunciado que habrá tanto artistas históricos como bandas que actuarán por primera vez, con la premisa de reunir “todas las bandas de tu vida”, en palabras del director.

De hecho, ya se conocen los primeros nombres de los artistas que estarán sí o sí en el evento. El grupo Siloé fue confirmado como el primer grupo para la edición de 2027, sumándose a los nombres de Niños Bravos y Puño Dragón, avanzados por la dirección del festival durante la última jornada celebrada en El Picón. A estos, Ajenjo añade “cuatro bandas que van a venir tendrían el caché de las 150 de este año” gracias a acuerdos especiales y a la propia implicación de los músicos.

El festival se celebrará entre el 4 y el 8 de agosto de 2027, con la mirada puesta en mejorar infraestructuras y ofrecer nuevos espacios de uso municipal, zonas ajardinadas y áreas deportivas. Se ofrecerán bonos generales, bonos VIP para acceder a áreas de mayor visibilidad y a otras zonas exclusivas, bonos infantiles y entradas para la zona de acampada. Todavía se desconocen los precios que estas entradas tendrán, pero en la edición de 2026 fueron, dejando a un margen las promociones, de 88 euros más gastos de gestión para las generales y de 160 para las VIP. Por su parte, la zona de acampada se adquiría por separado a 22 euros.

La canción del verano es algo caprichoso. Cada año, surgen candidatas en nuestro imaginario colectivo antes de instalarse en la radio pop y empezar a sonar en las fiestas en la piscina. Esta designación conlleva una connotación particular, a menudo personal.

Quizás sea un éxito rotundo e ineludible. La banda sonora de los atardeceres conduciendo con las ventanillas bajadas, sin rumbo fijo. Un bálsamo para los días largos y calurosos y las noches aún más largas y calurosas.

Declarar la canción del verano suele ser una tarea inútil. Hay años en que parece obvio: TLC con “Waterfalls” en 1995 y “My Sharona” de The Knack en 1979. E incluso si no conoces a Carly Rae Jepsen, probablemente puedas cantar “Call Me Maybe”.

Pero la mayoría de los veranos, los resultados son inconclusos. Así que adoptamos un enfoque científico para esta investigación anual, que se basa claramente en las sensaciones.

El Washington Post analizó las listas semanales de Spotify de 20 ciudades diferentes de todo el país y llegó a una conclusión definitiva.

¿La canción del verano de 2026? Bueno, depende de dónde vivas

En San Juan, Puerto Rico, el éxito en español de Jay Wheeler, “De Lejitos”, que narra los intentos por reavivar relaciones pasadas, alcanzó el número 1° gracias a un remix con la participación de la estrella revelación del reguetón, Omar Courtz. Quizás no haya sido un verano de amor en la isla.

A juzgar por las reproducciones en streaming en Miami, el ambiente es igualmente melancólico en el sur de Florida, donde el éxito de Drake, “Janice STFU”, encabezó las listas durante cinco semanas.

En este tema, el rapero analiza su propio éxito con lupa, sin dejar de lado algunas indirectas sobre su frecuente rival, Kendrick Lamar.

Mientras tanto, los jóvenes más modernos de Nueva York y Los Ángeles dan rienda suelta a su angustia romántica con la reproducción continua de “Stupid Song”, la oda de Olivia Rodrigo al poder transformador del enamoramiento.

Esta balada pop, que se mantuvo varias semanas en la cima de las listas de Spotify en estas ciudades que marcan tendencia, te hace sentir “con ganas de correr por todas partes”, dijo Diego Barba, un monitor de campamento de 22 años en el área de Los Ángeles.

¿Y el resto del país? Bueno, nosotros nos decantamos por Texas. El éxito arrollador de Ella Langley alcanzó el número 1° en todas partes, desde Houston hasta Portland, Oregón y Filadelfia.

Existen infinidad de teorías sobre cómo “Choosin’ Texas” se convirtió en uno de los mayores éxitos country de todos los tiempos, incluyendo la intrigante narrativa del triángulo amoroso de la canción y la forma en que Langley pronuncia la palabra “Abilene”.

“Resulta atractivo para la gente que no tiene ni idea de que originalmente fue un éxito country, aunque puedan oír ese toque característico”, aseguró Matt Bailey, director de la empresa de análisis musical Hit Momentum.

El éxito arrollador de Langley ostenta ahora el récord de la canción femenina que más tiempo permaneció en el número 1 de la lista Billboard Hot 100, sin contar las canciones navideñas. Además, cosechó otros éxitos, como “Be Her” y un dueto con Morgan Wallen, “I Can’t Love You Anymore”. Incluso Drake es fan.

“Choosin’ Texas” tiene todas las características de una auténtica canción del verano. Se basa en una vibrante guitarra de acero, una melodía de estribillo irresistible y suficiente drama amoroso como para mantener cualquier chat grupal activo durante meses.

Pero los datos analizados por The Post revelaron información adicional sobre lo que suena mientras esperamos con ansias este verano. Y, vaya, ¡menudas sorpresas nos depararon las listas!

Así que sí, ¡viva la eminencia de Ella Langley! Y aquí están las otras conclusiones importantes de nuestra búsqueda onírica y repleta de datos de la canción del verano.

Es hora de aprender el nombre de Malcolm Todd

Pasaron más de dos años desde que el cantautor Malcolm Todd, ahora de 22 años, lanzara una pegadiza canción de R&B sobre una oportunidad perdida.

Pero cuando los usuarios de TikTok la descubrieron la primavera pasada, “Earrings” comenzó a escalar posiciones en las listas de Spotify.

El éxito de Todd es una reivindicación para Savannah Lowrey, una joven de 19 años de Las Vegas —donde “Earrings” ha sido especialmente popular— que escucha al cantante desde 2024. “Ahora todo el mundo se está subiendo al carro”, dijo Lowrey. Y ese “todo el mundo” incluye a la marca de ropa Gap, que acaba de lanzar un anuncio protagonizado por Todd.

Uno de los mayores éxitos de rap del verano, “E85” de Don Toliver, samplea inesperadamente otra de las canciones antiguas de Todd.

Pero el ascenso de Todd no estuvo exento de obstáculos: Spotify eliminó más de 500.000 reproducciones de “Earrings” en julio después de que el servicio de streaming encontrara pruebas de reproducciones artificiales que, según se informó, formaban parte de un extraño plan de Kalshi.

Pero eso no impidió que un público fiel siga acudiendo en masa a escuchar la canción. A principios de agosto, “Earrings” se mantenía entre los cinco primeros puestos de la lista general de Spotify en Estados Unidos.

“Billie Jean” sigue siendo nuestra amante

Tras el estreno de la película biográfica de Michael Jackson, algunos de los mayores éxitos del Rey del Pop volvieron a las listas de popularidad.

Sin embargo, pasaron más de tres meses desde que “Michael” llegó a los cines, y “Billie Jean”, el sensual y paranoico sencillo de “Thriller” de 1982, aún registra medio millón de reproducciones diarias en Spotify.

“Cuando la gente escucha ‘Billie Jean’, no piensa que está reviviendo 1983”, dijo Bailey. “Simplemente piensan que están escuchando una de las mejores canciones de todos los tiempos. Eso es cierto para varias generaciones”.

Los éxitos de Jackson tuvieron una gran acogida en Salt Lake City, donde Clermont Dossous, también conocido como DJ Joune, organiza sesiones de DJ centradas en Michael Jackson.

A menudo, deja “Billie Jean” para el final, lo que provoca que el público reaccione como si tuviera “la oportunidad de ir a un concierto de Michael”, según Dossous. “La gente se volvía loca, básicamente”.

Es un verano de “Mr. Brightside”

Durante años, “Mr. Brightside” de The Killers recibió una atención sorprendente para ser un clásico del rock con más de 20 años. Pero algo cambió en 2026: este éxito enérgico con toques new wave se mantuvo durante gran parte del año en los primeros puestos de la lista de Spotify, escalando hasta el top 10 a finales de julio.

Cada quien tiene una explicación diferente de por qué “Mr. Brightside” es tan popular ahora mismo. Un concursante reciente de “Love Is Blind” la declaró su canción favorita.

Acompañó muchos descansos para hidratarse en la Copa del Mundo, y los partidos de los Michigan Wolverines no se sentirían completos sin ella. Pero según Bailey, “no hay un evento en particular que haya impulsado su popularidad”.

Según datos de Spotify, ciudades del Medio Oeste como Detroit, San Luis, Minneapolis y Omaha se sintieron particularmente atraídas por “Mr. Brightside”. Chalis Bristol, un DJ que trabaja en Omaha, cree que esto se debe a la temporada de bodas.

“Lo que más me llamó la atención es que, aunque no conozcan diez de las canciones que he tocado antes”, dijo Bristol, “sí que conocen esa canción y se saben toda la letra”.

Mac Miller tiene un éxito póstumo

Oliver Selby tenía solo 7 años cuando la canción “Cinderella” de Mac Miller llegó por primera vez a las plataformas de streaming. Ahora, mientras cursa su último año de preparatoria en Michigan, Selby escucha “Cinderella” por todas partes en TikTok, donde la canción se usa como banda sonora para publicaciones sobre relaciones amorosas.

“Es una canción atemporal desde el punto de vista emocional”, dijo Selby. “Realmente no parece una canción de la época en que fue creada”.

Durante varias semanas de este verano, “Cinderella” se mantuvo en el top 10 de Spotify, un resurgimiento agridulce si se tiene en cuenta que Miller falleció en 2018 a los 26 años. Lily Czub, una estudiante de 20 años que suele descubrir música nueva en TikTok, no había dedicado mucho tiempo a escuchar al rapero antes de “Cinderella”.

“Nunca he escuchado ninguna de sus canciones a menos que se hayan vuelto virales en TikTok”, dijo Czub, destacando el poder que tiene la plataforma de redes sociales para catapultar canciones al espíritu de la época.

TikTok ayudó a impulsar otros éxitos veraniegos en las listas de popularidad, como “Spend Dat” de Yung Miami, “Self Aware” de Temper City, “Motion Party” de BossMan Dlow e incluso “Rubberz” de Fenix ​​Flexin, posiblemente con ayuda de inteligencia artificial.

La canción del verano sigue siendo voluble

Al analizar los datos de reproducción en streaming, fue fácil declarar a “Choosin’ Texas” como la canción del verano. Y parece que su éxito no va a disminuir. “Claro que la radio ya no crea éxitos como antes”, dijo Bailey, haciendo hincapié en cómo la canción de Langley cosechó un éxito constante en las emisoras de pop, “pero la radio sigue validando los éxitos”.

Esa observación pone de manifiesto la tensión que subyace en este proyecto. Los oyentes de música se fragmentan cada vez más a medida que las sugerencias de los algoritmos de streaming y las tendencias de las redes sociales reemplazan a referentes monoculturales como las emisoras de radio pop o MTV. Como resultado, es más difícil que nunca elegir una sola canción del verano.

Ahora que ya sabes lo que escucha el resto de Estados Unidos durante estos meses cálidos, ¿cuál es tu elección? ¿No puedes sacarte de la cabeza “Choosin’ Texas”? ¿Sigues escuchando una cinta de casete de 1989?

Metodología

El Post obtuvo datos semanales de las 10 canciones más populares desde la semana del 15 de mayo hasta la del 17 de julio de Spotify Charts, donde Spotify informa sobre las tendencias de streaming internacionales, nacionales y regionales.

Seleccionamos 20 ciudades para analizar: Atlanta, Austin, Chicago, Detroit, Houston, Los Ángeles, Las Vegas, Miami, Minneapolis, Nashville, Nueva Orleans, Nueva York, Omaha, Filadelfia, Portland (Oregón), Seattle, San Juan (Puerto Rico), Salt Lake City, San Luis y Washington.

Recopilamos los 200 archivos resultantes en un conjunto de datos que luego agregamos por ciudad, canción y artista para su análisis.

(c) 2026 , The Washington Post

El episodio ocurrió durante la madrugada del sábado 10 de agosto en Manhattan, y el caso sumó luego una novedad judicial: el conductor acusado, James Simmons, fue liberado sin fianza tras su comparecencia ante un tribunal, mientras avanza la investigación, de acuerdo con New York Daily News.

El medio estadounidense indicó que Mazur, de 66 años, cruzaba la Novena Avenida a la altura de West 55th Street, en la zona de Hell’s Kitchen, cerca de las 5.30 de la mañana, cuando fue embestido por un camión de caja del correo federal.

La publicación aseguró que el chofer se retiró del lugar tras el impacto. Personal médico trasladó a la víctima al hospital New York-Presbyterian Weill Cornell, donde murió poco después, afirmó el diario.

La investigación y la situación judicial del conductor

New York Daily News informó que Simmons, de 61 años, fue arrestado por abandonar la escena de un choque fatal. Ese mismo reporte añadió que, tras su presentación en Manhattan Criminal Court, recuperó la libertad sin fianza.

La reconstrucción del caso también incorporó elementos obtenidos por los investigadores. De acuerdo con ese artículo, un inspector postal colaboró en la localización del camión, un Peterbilt 2019, que habría sido utilizado al momento del hecho.

El mismo medio señaló que la denuncia judicial menciona el hallazgo de un cabello largo gris adherido al vehículo, a una altura de aproximadamente 1,68 metros.

La cadena NBC New York sumó la reacción institucional del Servicio Postal de Estados Unidos. Un vocero del organismo, Xavier Hernandez, declaró a ese medio que estaban “profundamente entristecidos por el accidente” y que la agencia “coopera plenamente con la investigación de las autoridades”.

Una figura muy conocida en el ambiente musical del Lower East Side

La noticia tuvo un fuerte impacto en el circuito artístico del sur de Manhattan, donde Chet Mazur era una presencia reconocida desde hacía décadas.

New York Daily News consignó que era cantante de The Rasslers y que había tocado horas antes en Otto’s Shrunken Head, un local del East Village asociado a la música en vivo.

Michael Jung, integrante de Alice Donut y amigo del artista, lo definió ante el diario como una persona muy conocida dentro de ese ámbito. En sus declaraciones, afirmó que “todo el mundo lo conocía y lo conocía desde hacía muchísimo tiempo”. También recordó que esa presentación había tenido un peso especial, porque se había postergado en más de una oportunidad antes de concretarse.

Jung aseguró además que Mazur “estaba de muy buen ánimo” la noche de la actuación y lo describió como un artista con gran carisma, amplio conocimiento de música, cine e historia cultural.

El perfil de Mazur y las despedidas tras su muerte

Nacido en Buffalo, Mazur se mudó a Nueva York en 1979 para estudiar en la Universidad de Columbia, detalló New York Daily News. La publicación agregó que se graduó en 1983 con concentraciones en inglés y filosofía, y que más tarde obtuvo una maestría en bibliotecología.

Su recorrido incluyó tareas como manager de gira de Alice Donut, participaciones vinculadas a portadas de discos y un papel en la obra off-Broadway Botanica en 2012.

Su familia además indicó que trabajó en la administración pública de la ciudad, entre otras áreas en la Administración de Servicios para Niños, donde desarrolló funciones ligadas al acompañamiento de jóvenes en hogares de acogida.

Las reacciones públicas se multiplicaron después de conocerse la noticia. Rodney Klein escribió en Facebook, en un mensaje citado por New York Daily News, que Mazur “encarnaba todo lo que era interesante, creativo, provocador, hermoso y libre de la ciudad de Nueva York, sobre todo en su mundo artístico y musical”.

Mary Mazur, sobrina del músico, lo recordó ante el diario como “el tío cool de Nueva York” y sostuvo que alentaba a su familia a leer y escuchar música. En otra declaración recogida por la publicación, resumió el impacto de la pérdida con una frase que se repitió entre allegados y amigos: “el mundo se volvió un poco menos cool”.

Hasta el momento, la información pública sobre el caso se concentra en la causa abierta contra Simmons, que quedó en libertad sin fianza mientras avanza la investigación por el atropello fatal.

Spotify incorporará una nueva etiqueta llamada “Persona de IA” para identificar perfiles de artistas que no representan a una persona real y cuyo nombre e imágenes fueron generadas con inteligencia artificial.

Esta etiqueta solo hace referencia a la identidad del artista, por lo que no funciona para determinar si una canción incorporó IA en su producción.

El objetivo de la insignia “Persona de IA” es que el usuario sepa, de un vistazo, si está frente a un personaje creado con inteligencia artificial y no ante un artista humano.

Esto es importante porque puede haber casos en los que la música haya sido compuesta e interpretada al 100% por una persona, pero se publique desde una cuenta cuyo perfil utiliza una imagen de rostro hiperrealista generada por IA.

Por eso, Spotify revisará los perfiles y buscará señales en la identidad que se muestra públicamente, como el nombre y las fotos, que parezcan corresponder a identidades fotorrealistas generadas por IA.

Según explicó la compañía, el despliegue empezará por artistas que hayan alcanzado ciertos umbrales de audiencia, para que las etiquetas cubran a la gran mayoría de los perfiles que los usuarios visitan.

A partir de mediados de septiembre de 2026, la insignia de “Persona de IA” se verá en varios lugares: en el perfil del artista, en la búsqueda y también en las filas de canciones dentro de las listas de reproducción.

Cuando un oyente toque la insignia, Spotify mostrará si la cuenta informó de manera transparente que se trata de una Persona de IA o si la plataforma lo determinó tras una revisión y tomó una decisión informada.

Qué significa (y qué no) la nueva etiqueta de Spotify

Spotify remarcó que la insignia se refiere a la identidad pública del perfil, no a la forma en que se creó la música. En la práctica, esto implica dos escenarios distintos:

• Si un perfil muestra un rostro hiperrealista generado por IA y se presenta como si fuera una persona real, Spotify podría marcarlo con la etiqueta “Persona de IA” para advertirlo al público.
• En cambio, si una banda o un cantante utiliza IA para algún elemento de una canción, por ejemplo, un efecto o una herramienta creativa, eso no convierte su identidad en una “Persona de IA”, porque la etiqueta aplica al perfil, no a la producción musical.

Para dar información sobre el proceso de creación musical, Spotify apunta a otras funciones como Créditos de IA y SongDNA.

Qué pasa si Spotify aplica la etiqueta por su cuenta

Si el equipo de revisión de Spotify coloca la insignia en un perfil, el artista recibirá una notificación y podrá reportar un problema o presentar una apelación.

Además, Spotify habilitará que los oyentes reporten perfiles que consideren que representan Personas de IA. La compañía indicó que compartirá más detalles cuando estén disponibles.

Cómo saber si una canción en Spotify incorporó IA en su producción

Para conocer si un tema usó IA en su proceso creativo, Spotify remite a herramientas específicas como Créditos de IA y SongDNA.

En la práctica, el camino es entrar a la ficha de la canción y revisar sus créditos: allí debería aparecer, cuando esté disponible, la información sobre uso de IA y el tipo de participación declarada en la creación.

Si una canción no muestra Créditos de IA, no hay un indicador visible en ese tema dentro de Spotify, aunque el artista haya usado herramientas de IA o la plataforma aún no lo refleje.

La etiqueta “Persona de IA” de Spotify no sirve para saber si una canción incorporó inteligencia artificial en su producción: esa insignia se aplica a la identidad pública de un perfil (nombre e imágenes) y advierte si el “artista” no representa a una persona real.

William Orbit, músico y remezclador cuya maestría en la electrónica de finales de los años noventa —house, trance, ambient, trip-hop— lo convirtió en uno de los productores más cotizados de su generación, creando discos exitosos para Madonna, Blur y All Saints, falleció en su casa en Londres el 23 de julio. Tenía 69 años. Su muerte fue anunciada el viernes 7 de agosto en su sitio web y en su página de Instagram. No se proporcionó la causa.

Orbit, cuyo verdadero nombre era William Wainwright, pasó casi dos décadas trabajando en campos poco conocidos de la música electrónica, desarrollando un pequeño grupo de seguidores y colaborando en alguna que otra película olvidable. La canción “White Night”, que grabó con su banda Torch Song, apareció en The Texas Chainsaw Massacre 2” (1986). En la década de 1990, se hizo conocido en los círculos de clubes por sus remezclas de baile de artistas como Peter Gabriel y Depeche Mode, pero hacer remezclas no es precisamente un pase a la fama.

Su suerte cambió cuando tenía casi 40 años, cuando recibió una llamada de Madonna. Ella misma había estado luchando, con dos álbumes mediocres —Erotica (1992) y Bedtime Stories (1994)— y una reputación creciente de haber quedado en el pasado. Ella buscaba un sonido nuevo, más arriesgado. ¿Podía ayudar William Orbit? Se reunieron en el departamento de ella en Nueva York para compartir ideas. Hubo química. El resultado, tras meses de trabajo, fue Ray of Light, lanzado en 1998 y considerado ampliamente como su mejor álbum.

Orbit trabajó en cada pista, infundiendo a cada una sintetizadores exuberantes y ritmos complejos que recordaban a la escena de clubes londinenses. El álbum generó varios éxitos, entre ellos “Frozen”, “The Power of Good-Bye” y la canción homónima, y recibió seis nominaciones a los premios Grammy. Ganó cuatro, de los cuales Orbit compartió dos, por mejor álbum pop y mejor grabación dance. Él y Madonna ganaron otro Grammy, por mejor canción escrita para medios visuales, en el año 2000 con “Beautiful Stranger”, que grabaron para la película Austin Powers: El espía seductor (1999). También colaboraron en tres canciones para el siguiente álbum de Madonna, Music (2000), y en seis temas para su álbum MDNA (2012).

Tras su éxito con Madonna, produjo otro álbum aclamado por la crítica, 13 (1999), para la banda británica Blur. Pero la mayor parte de su trabajo posterior fue en pistas individuales: era la persona a la que las bandas o los productores ejecutivos llamaban si querían que una canción tuviera un sonido lujoso pero bailable. Entre sus singles se incluyen “Making Out”, de No Doubt, del álbum Rock Steady (2001); “Don’t Wake Me Up”, de Chris Brown, de su álbum Fortune (2012); y “Alien”, de Britney Spears, de su álbum Britney Jean” (2013).

Muchas de sus canciones aparecieron en bandas sonoras: “Pure Shores”, de All Saints, para La playa (2000); “Feel Good Time”, de Pink, para Los Ángeles de Charlie: Al Límite (2003); y “The Hands That Built America”, de U2, que se incluyó en la película Pandillas de Nueva York de 2002 y en la recopilación de la banda irlandesa The Best of 1990-2000 (2002). A lo largo de todo este tiempo, Orbit hacía su propia música. Tras grabar tres álbumes electrónicos en los años ochenta con Torch Song, lanzó cinco discos en solitario bajo el título de la serie Strange Cargo, de estilos muy variados pero unidos por su singular vocabulario tonal.

A mediados de los años noventa comenzó a incorporar influencias clásicas, especialmente de compositores minimalistas y de vanguardia como Henryk Gorecki, Arvo Part y Erik Satie. La versión con sintetizador del “Adagio for Strings” de Samuel Barber, en su álbum Pieces in a Modern Style (1995), se convirtió en un éxito inesperado cuando el DJ neerlandés Ferry Corsten le dio un remix dance en 1999.

Quién fue William Orbit

William Mark Wainwright nació el 15 de diciembre de 1956 en Londres. Sus padres eran profesores. Dejó la escuela a los 16 años y, según declaró en varias entrevistas, pasó gran parte de los años setenta como un “post-hippie”, desempeñando trabajos ocasionales —recogiendo fruta, mudando muebles— y viviendo de ocupa en una zona deteriorada de Londres. Su dieta diaria consistía en “una barra Mars y un ácido”.

Adoptó el nombre Orbit, explicó, debido a su amor por la astronáutica y la astronomía, aunque a veces añadía que también era porque sus amigos lo consideraban un poco “espacial”. Cuando un compañero de vivienda empezó a recopilar equipos de grabación y discos para montar un estudio, Orbit descubrió su vocación. Aprendió a tocar el sintetizador y, en 1980, se unió a Laurie Mayer y Grant Gilbert para formar Torch Song. Publicaron tres álbumes en los años ochenta, se separaron alrededor de 1987 y luego se reunieron en 1995 para lanzar un cuarto trabajo.

Estuvo casado brevemente y tuvo una hija. También mantuvo una relación con la cantante de electrónica Beth Orton.

Alrededor de 1990, ayudó a fundar Guerilla Records, que se convirtió en una incubadora de nuevos talentos y de proyectos paralelos como Bassomatic, una banda con un pequeño éxito con el sencillo “Fascinating Rhythm” en 1990. Luego de trabajar en Ray of Light, se mudó a Los Ángeles, donde intentó trabajar como productor y compositor por encargo. Pero descubrió que era difícil hacerse un sitio en la industria musical estadounidense. Cayó en depresión y empezó a consumir drogas. Regresó a Londres en 2017, pero su adicción continuó, lo que derivó en dos episodios psicóticos. Fue hospitalizado brevemente.

Una vez dado de alta, se desintoxicó y volvió a enfocarse en su propia música. En 2022, lanzó The Painter, que incluyó una colaboración con Beth Orton, “I Paint What I See”. El título del álbum reflejaba un renovado interés por la pintura, una vocación tardía que, según dijo, le ayudó a centrarse y a reconectarse con su faceta creativa. “Tanto la pintura como la música vienen de la misma fuente creativa: yo”, dijo al sitio web Clash en 2022. “Muchos de los procesos creativos que utilizas están relacionados. Pensar en el color, la forma, la textura, la repetición, por ejemplo. Se aplican a ambos medios”.

Fuente: The New York Times

El proyecto, que suma 16 canciones, busca reconectar con las raíces del regional mexicano y responde a una necesidad personal de mostrar una etapa más madura.

En entrevista con Infobae México, el músico revela que el disco representa un cambio en su propuesta artística y una apuesta por la evolución.

“Muchacho Alegre”: Álbum con colaboraciones y sonido renovado

En palabras de Luis R. Conríquez, el disco Muchacho Alegre incluye “mucha música, muchas colaboraciones y muchas emociones”. Explica que el proceso de selección de temas y de invitados fue estructurado con detalle: “Todos los convocados a esta selección de temas estuvieron muy bien pensados, todo estuvo bien estructurado. El disco se dio solito, gracias a Dios”.

La producción mantiene la esencia de los instrumentos tradicionales como la guitarra, el tololoche y la charcheta, elementos que identifican a los corridos del norte de México. Conríquez afirma que esta vez decidió enfocarse en sonidos “totalmente nuevos sin perder la esencia de la música regional mexicana”.

Entre los colaboradores figuran Peso Pluma, Fuerza Regida, Netón Vega y Anuel AA. El cantante considera que la estrategia de grabar primero los temas y después invitar a los artistas funcionó porque permitió que “cada tema pidiera a su invitado”. Conríquez señala: “El tiempo es el que te hace que todo salga como tú planeas. Meterle tanto tiempo y tanto empeño y tanto corazón y tanta dedicación da estos resultados”.

Éxito global y recepción del público

A una semana de su lanzamiento, Muchacho Alegre debuta en el segundo lugar del top de debuts globales. Luis R. Conríquez expresa su satisfacción: “Muy contento con todo el apoyo de toda la gente, con todo el trabajo de todo el equipo y de todos lados. Muy contento”. El disco ya circula en todas las plataformas digitales.

El cantante insiste en que los temas incluidos en el álbum son “totalmente escuchables y totalmente muy buenos”. Para él, la recepción positiva confirma que hay interés por los sonidos tradicionales y por una propuesta que equilibra lo clásico con lo moderno.

Gira internacional y nuevos proyectos

Tras el lanzamiento, Luis R. Conríquez adelanta que habrá videoclips, presentaciones y una gira que recorrerá México, Europa y posiblemente Centroamérica. “Viene eurogira, viene mexicana la gira. Esperemos si en Centroamérica y todo eso también hagamos gira. Y nada, a seguirle, a seguir sacando música, más adelante”, detalla el sonorense a Infobae México.

El músico subraya que este regreso a los orígenes no es un retroceso, sino una evolución: “Nada, muy contento, la verdad, con este disco. Muy contento con todo el apoyo de toda la gente”.

Raíces, madurez y apuesta por el regional mexicano

Luis R Conríquez explica que Muchacho Alegre es el resultado de más de un año de trabajo. El álbum refleja su etapa más personal y madura, en la que busca compartir emociones y experiencias a través de la música. “Es un disco en el cual viene mucha música, muchas colaboraciones, muchas emociones de parte de un servidor”, describe el cantante.

La apuesta por el regreso a las raíces y el abandono de los corridos bélicos responde al deseo de evolucionar sin perder identidad. Conríquez sostiene que los sonidos tradicionales tienen vigencia y pueden seguir abriendo puertas en la industria mexicana y global.

El nombre de Alexis y Fido se inscribe en una posición privilegiada dentro del mundo del reguetón. Formado a principios de los 2000 por Raúl Alexis Ortiz (Alexis) y Joel Martínez (Fido), canciones como 5 Letras, Soy Igual que Tú, Ojos que No Ven o Rescate hacen que sus voces sigan sonando en las discotecas de todo el mundo. No han dejado nunca de trabajar juntos, aunque su longevidad no les ha impedido desarrollar otros proyectos.

Es así como llegamos a Fydo, el nuevo nombre artístico con el que Joel Martínez ha lanzado Cliente fiel, su primer tema en solitario. A pesar de que su compañero ya había lanzado canciones por su cuenta, a Martínez nunca le habíamos visto en este registro. ¿Qué ha cambiado? Le preguntamos. “Quiero que la gente me conozca bien, como productor y escritor. Que conozcan bien la esencia, porque ya con el dúo era bastante difícil conocerme personalmente”, responde él.

Así, Fydo llega para revelar facetas poco conocidas de su perfil artístico, empezando por vivencias que durante mucho tiempo había reservado para sí mismo, pero que ahora quiere compartir. Es lo que ocurre con Cliente fiel, un tema que cuenta una anécdota “bastante cercana” de su juventud, cuando se sintió cautivado por la forma de moverse de una bailarina exótica a la que empezó a visitar con frecuencia. “Esa quiero que sea mi esencia, algo más que un tema de ‘toma, pega, ven, acércate’. Quiero contar historias en canciones, no cantar algo hueco”.

Rey del perreo

El hecho de poder escuchar a Fydo en solitario permitirá también conocer su faceta como compositor y productor. “Como uno sigue trabajando en el grupo de Alexis y Fido, mucha gente no sabe que también fui productor de Daddy Yankee en un principio y que produje temas de Wisin y Yandel. Hice temas míos y de otros artistas”, explica. Del mismo modo, al compartir sus canciones con su compañero, era muy difícil centrar los temas que cantaba junto a él en vivencias propias. Con Cliente fiel, inaugura una nueva etapa: “El mismo perreo, pero con cosas que yo viví”.

No hay que olvidar que a Alexis y Fido se les conoce como Los reyes del perreo, un apodo que convierte al cantante puertorriqueño en la persona ideal para evaluar cómo este baile, y la música que se asocia a él, han cambiado en los últimos años. “Lo que está pasando hoy es que está estancado en reciclar algo viejo. Muchos artistas no se atreven a irse de lleno a un perreo completamente nuevo y con una temática nueva”, lamenta. Con todo, Fydo reconoce que “coronar un perreo nuevo es bastante difícil ahora mismo”.

Del mismo modo, el cantante observa cómo otros géneros se han integrado en las canciones de reguetón, no solo en la producción, sino también en la forma de cantar. “Antes no tenías que ser un megacantante para cantar reguetón, pero ahora ves un Rauw Alejandro, que la parte en R&B, y muchos otros artistas que usan más o menos ese estilo, y ves que el reguetón cogió muchas ramas, muchos condimentos de diferentes estilos, además de ritmos de otros países. Ya todo cambió”.

“Ahora se gana más dinero, pero antes disfrutaba más”

Durante la entrevista, también preguntamos a Fydo por sus orígenes. “Al principio yo era rockero, pero mi hermano, que era DJ en fiestas cerca de donde vivíamos, siempre estaba diciéndome: ‘No, que eso no sirve, vete a lo otro’”. El hermano se refería a un movimiento recién iniciado en Puerto Rico de rap latino, con nombres como Vico C o Rubén DJ rompiendo los moldes de todo lo que había hecho. “Hicieron un programa de televisión que los invitó a ellos dos y ese día me impactó tanto que yo dije: ‘Diantre, yo tengo que hacer esto’. Agarré los discos de vinilo de mi hermano, que tenían instrumentales, y empecé a escribir. Tenía diez años”.

A partir de ahí, se introdujo cada vez más en los círculos de la música urbana underground hasta juntarse finalmente con Alexis. En aquella época, recuerda, la industria era otra: “Antes tú comprabas un disco compacto, un CD, y era como tener algo en la mano que abrías, tenías dedicatoria, mirabas las fotos; uno lo ponía en el reproductor con delicadeza y lo escuchaba completo. Ahora no tienes nada y la gente brinca las canciones y no le importa y se pierde mucho la música”.

Ahora bien, Fydo reconoce que la cuestión económica ha mejorado para los artistas. “Ahora se gana más dinero. En esa época no se ganaba nada porque los adelantos que nos daban los usábamos como inversión para seguir sacando cosas y crecer. Si te gastabas ese dinero y luego no te llamaban, te quedabas estancado. Donde ganabas más era en las presentaciones, pero ahora hay mejores negocios”. A pesar de eso, no duda: “En la época de los discos disfruté más como músico”.

John Lennon (Liverpool, 1940-Nueva York, 1980) fue mucho más que uno de los fundadores de Los Beatles. Compositor, cantante y activista, el músico británico revolucionó la historia de la música pop junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, primero con la banda de Liverpool y después con una carrera en solitario marcada por el compromiso político y la defensa de la paz. Canciones como Imagine, Give Peace a Chance o Happy Xmas (War Is Over) terminaron convirtiéndolo en un símbolo del pacifismo y en una de las figuras más influyentes del siglo XX.

Esa filosofía también quedó reflejada en Mind Games, su tercer álbum en solitario, que publicó en 1973 y cuya canción del mismo nombre incluía una de las citas más conocidas de su repertorio: “Love is the answer, and you know that for sure / Love is a flower, you’ve got to let it grow”(“El amor es la respuesta, y eso lo sabes con certeza. El amor es como una flor: hay que dejarlo crecer”).

Publicada tres años después de la separación de Los Beatles, Lennon empezó a escribir el tema durante las sesiones de Let It Be, el decimotercer y último álbum de estudio de la banda. Fue en 1969, con el título provisional de Make Love, Not War. Sin embargo, finalizó la canción tras leer el libro de Robert Masters Mind Games: The Guide to Inner Space, motivo por el que el artista infunde al oyente con mensajes de tranquilidad y positividad.

El pasado abusivo del artista

Sin embargo, esa defensa del amor y de la paz convivió con un pasado que el propio Lennon nunca trató de ocultar. En una entrevista concedida a Playboy en septiemrbe de 1980, pocos meses antes de su asesinato, reconoció que durante su juventud había ejercido violencia física contra las mujeres con las que había mantenido relaciones. “Era cruel con mi mujer. Le pegaba y la mantenía alejada de las cosas que amaba. Era un hombre violento”, confesó. “Por eso hablo siempre de paz. Son las personas más violentas las que buscan el amor y la paz. Soy un hombre violento que aprendió a no ser violento y que se arrepiente de su violencia”.

La respuesta surgió después de que el periodista del citado medio le preguntase por la canción Getting Better, una de las canciones incluidas en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967). En ella, Lennon relató inspirarse en “una página de su diario”: “I used to be cruel to my woman, I beat her and kept her apart from the things that she loved”. (“Solía ser cruel con mi mujer. Le pegaba y la apartaba de las cosas que amaba”).

Pocos meses después de aquella entrevista, el 8 de diciembre de 1980, John Lennon fue asesinado a los 40 años a las puertas del edificio Dakota, en Nueva York, donde residía junto a Yoko Ono. El autor de Imagine recibió cuatro disparos efectuados por Mark David Chapman, un ‘fan’ que había esperado durante horas su regreso a casa.

Neil Young es uno de los músicos más exitosos del último medio siglo en Estados Unidos, considerado como una de las figuras clave del rock. Del tono íntimo y melancólico de temas como Harvest Moon al sonido más visceral de Cortez The Killer, ha construido melodías inolvidables llenas de honestidad, vulnerabilidad y también mensajes políticos, como ocurrió con el lanzamiento de Ohio pocos días después de la masacre en la Universidad de Kent State, donde la Guardia Nacional asesinó a cuatro estudiantes y dejó a otro con parálisis permanente en unas protestas contra la invasión de Camboya.

Por estas y otras composiciones, Neil Young ha sido considerado uno de los creadores de canciones de rock más grandes de toda la historia. A pesar de esa consideración, él nunca ha escondido las influencias que él tuvo, ‘maestros’ que le inspiraron a la hora de componer temas y que admiró durante toda su vida: Bob Dylan, Paul McCartney y John Lennon, tal y como ha ido revelando a lo largo de varias entrevistas y actos públicos en los últimos años.

El mayor de todos estos ídolos es sin duda el ganador del Premio Nobel de Literatura en 2016. “Él es el maestro. Si pudiera ser alguien, sería él”, confesaba Neil Young sobre Dylan en una entrevista con la revista Time en 2005. “Es un gran escritor, fiel a su música, hace lo que siente correcto desde hace muchísimos años. El tipo ha escrito algunas de las mejores poesías y las ha puesto en música de una forma que me conmovió, y otros también lo han hecho, pero no tan seguido ni con tanta intensidad”.

Su temprana admiración por ‘los Beatles’

Cuando Paul McCartney fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como solista en 1999, Neil Young fue el encargado de dar el discurso de presentación. En él, el cantante estadounidense sorprendió a todo el mundo revelando lo mucho que los Beatles habían significado para él. “Paul McCartney es uno de los mejores compositores de todos los tiempos. Será recordado de aquí a cientos de años”, aseguró.

Más allá de eso, Young también explicó que la primera canción que aprendió a tocar fue una de los Beatles, Money (That’s What I Want) (escrita originalmente por Berry Gordy y Janie Bradford y versionada por la banda británica). “Nunca olvidé que cada vez que salía un nuevo disco de Los Beatles o de Dylan, sabías que ya estaban mucho más allá de lo anterior. Siempre estaban haciendo algo distinto, siempre avanzando”, explicaría en otra ocasión.

La admiración por John Lennon le llevaría a considerar que el asesinato de este en 1980 daría inicio a “la época oscura del rock and roll”. Más adelante, incluiría diferentes menciones directas y tributos en varios de sus temas, como en Peace & Love o en Devil’s Sidewalk. Por su parte, el cantante de los Beatles también mostraría su admiración hacia Young. “Se le reconoce al instante por su estilo. Escribe canciones muy buenas”. Y eso que uno de sus compañeros, George Harrison, manifestó en más de una ocasión que “odiaba” su estilo: “Es un chico realmente simpático, al final te cae bien. Es agradable, pero musicalmente nunca me ha gustado”.

Abel Tesfaye dio marcha atrás con su idea de dejar atrás a The Weeknd y dijo ante el público en Estocolmo que seguirá usando su nombre artístico. Según informó Billboard, el cantante canadiense afirmó: “Probé un poco el retiro y no me gusta esa sensación. Les dije que voy a estar aquí para siempre con ustedes. Nunca voy a desaparecer”.

El cambio de postura en Suecia

La declaración cambió el escenario que había instalado en entrevistas previas, cuando dejaba abierta la posibilidad de cerrar la etapa. Según informó Billboard, el anuncio llegó durante un show, en medio de la gira After Hours Til Dawn.

El dato cobró relevancia porque no surgió en una entrevista ni en redes, sino ante miles de personas. Hasta ese momento, el futuro del nombre artístico seguía bajo discusión. Durante ese mismo recital, reforzó la idea de continuidad. “Les dije que voy a estar aquí para siempre con ustedes”, afirmó.

La frase condensó con claridad un giro que no había expresado de forma tan directa en apariciones anteriores. Aunque no supone un cambio formal en su carrera, sí modifica el mensaje que venía dando sobre un posible final del proyecto.

Las señales que habían alimentado la idea del retiro

La posibilidad de abandonar el nombre había tomado forma durante la promoción de Hurry Up Tomorrow. En una entrevista con Variety, había reconocido que evaluaba terminar esa etapa una vez cumplidos sus compromisos.

Entre los mensajes que alimentaron esa lectura figuraban frases como “El final está cerca” y “Ocho hermosos capítulos en esta historia”, traducciones al español de posteos en inglés que fueron interpretados como anticipos de un cierre.

El medio explicó que el músico relacionó su deseo de abandonar el personaje con el agotamiento provocado por la permanencia en ese rol. En esa charla, ilustró el funcionamiento de la industria refiriéndose a la competencia permanente: “Mantener a The Weeknd en este momento se siente como una carrera de ratas”, confesó.

La entrevista no planteaba un retiro total de la actividad musical, pero sí dejaba abierta la posibilidad de ponerle fin a la etapa construida bajo ese nombre. “Tienes una responsabilidad, un compromiso, pero también un deseo de querer algo más”, añadió el artista en esa misma charla con Variety. Ese matiz resulta clave para entender la noticia actual.

La música, el personaje y el punto de inflexión

En esa misma entrevista, aclaró que no imaginaba un abandono completo de la música. Dijo al medio estadounidense: “No creo que pueda dejar de hacer música”. Luego añadió otro matiz que ayudaba a distinguir entre la persona y el personaje: “Pero sí creo que he superado todo lo que podía superar como The Weeknd”.

Billboard también ubicó como antecedente de esa discusión el episodio ocurrido en 2022 en el SoFi Stadium de Los Ángeles, cuando el artista perdió la voz poco después de empezar un show y suspendió la presentación. Tras ese episodio, los estudios médicos descartaron una lesión física. A partir de allí, el cantante asoció lo ocurrido a factores emocionales y mentales.

Ese momento lo llevó a pensar si había llegado al final de una etapa. “Quiero matar a The Weeknd”, dijo en esa entrevista, en una frase que resumía su intención de cerrar el ciclo artístico, no de abandonar la música. También sostuvo: “Y lo haré. Eventualmente. Definitivamente. Estoy tratando de perder esa piel y renacer”.

El episodio quedó ligado a esa reflexión más amplia sobre los límites del personaje. En el mismo reportaje, el músico describió ese momento como un quiebre dentro de su recorrido reciente y reforzó la idea de una transformación personal. “Llegué a un lugar y un momento en el que me estoy preparando para cerrar el capítulo de The Weeknd”, afirmó.

Qué cambia ahora para su carrera

La presentación marcó un cambio de tono público porque reemplazó la ambigüedad por una afirmación directa. El artista no habló de cierre, transición ni despedida, sino de permanencia. “Nunca voy a desaparecer”, dijo ante el público sueco, en la frase que sintetizó su nueva postura.

El cambio de postura también tiene impacto sobre la lectura de sus mensajes recientes. Las referencias al final de una historia, que habían sido leídas como una antesala del retiro del alias, quedan ahora relativizadas por una intervención pública que apunta en sentido contrario.

No borra las dudas que había expresado ni invalida el proceso de desgaste que describió en entrevistas, pero sí redefine el presente de su carrera: The Weeknd no está, por ahora, en retirada.

Después del show en Suecia, la gira seguirá con cinco fechas en el Wembley Stadium de Londres, el próximo tramo previsto en su calendario internacional. Ese recorrido mantiene en actividad el nombre artístico que Abel Tesfaye había insinuado dejar atrás y que ahora decidió sostener ante su público.

Los planes de La Oreja de Van Gogh en 2027 pasan por Latinoamérica. El grupo español inició una larga gira por España en 2026 tras el regreso oficial de su vocalista original, Amaia Montero, provocando el entusiasmo de los millones de fans que tenían repartidos por todo el país. No obstante, no fue hasta finales del pasado mes de julio que la banda informó de que sus conciertos para el año que viene iban a continuar al otro lado del Atlántico.

Menos de dos semanas después de este anuncio, La Oreja de Van Gogh ha lanzado a la venta las entradas para sus conciertos en Latinoamérica y, en menos de 24 horas, se han vendido más de 100.000, lo que implica que han tenido que colgar el cartel de sold out en casi todas las fechas, con excepción de su show en Lima (Perú) el próximo 14 de marzo, donde, eso sí, solo quedan disponibles las últimas entradas.

Ante el masivo éxito cosechado en esta primera oleada de conciertos, desde Sony Music han asegurado que “próximamente el grupo anunciará nuevas fechas de esta gira con la que recorrerá gran parte del ámbito internacional el próximo año”. De hecho, la banda de Amaia Montero, Pablo Benegas y compañía ya ha anunciado la primera de esas nuevas actuaciones, la cual tendrá lugar el próximo 21 de marzo en el Movistar Arena de Buenos Aires (Argentina), donde ya habrán actuado los días 19 y 20 del mismo mes.

Todos los conciertos de La Oreja de Van Gogh en España y Latinoamérica

En un comunicado difundido a los medios, Sony ha informado de que los conciertos de La Oreja de Van Gogh en la región se caracterizarán por “un repertorio que supone un auténtico viaje nostálgico por los principales himnos que forman parte de sus más de tres décadas de trayectoria: Cuídate, La Playa, Puedes contar conmigo, Rosas, 20 de enero… Todas esas canciones que, 30 años después, siguen latiendo bien fuerte en la memoria colectiva".

Por su parte, la banda también ha compartido impresiones sobre sus próximos conciertos en el continente sudamericano: “Para nosotros esta gira es un sueño hecho realidad: nuestras canciones de siempre con más emoción que nunca y vosotros en frente cantando felices. ¿Se puede pedir más? Están siendo noches perfectas que no olvidaremos nunca y necesitamos compartir también esta experiencia con toda la gente de Latinoamérica. Nos habéis seguido durante décadas y ha llegado el momento de celebrarlo”.

Por el momento, la banda ya ha confirmado actuaciones en el Coliseo Rumiñahui de Quito (Ecuador) el 10 de marzo, en el Movistar Arena de Bogotá (Colombia) el 12 de marzo, en el Antel Arena de Montevideo (Uruguay) el 17 de marzo y en el Movistar Arena de Santiago de Chile los días 26, 27, 28 y 30 de marzo, además de las ya mencionadas tanto en Argentina como en Perú.

Antes, eso sí, deberán concluir la gira que están actualmente realizando por España. Poblaciones como Santander, Valladolid, Valencia, A Coruña, Madrid, Zaragoza, Las Palmas de Gran Canaria, Costa Adeje, Barcelona, Pamplona y Barakaldo todavía esperan a la banda que pasará todo el verano cosechando noches llenas de música frente a miles de personas.

La influencia de la cultura K-pop ha traspasado las fronteras de Corea del Sur para instalarse en la vida de miles de jóvenes en México, generando un fenómeno que va más allá de las canciones pegajosas y los videos coreografiados.

El universo de este género de musical abarca desde las melodías hasta la moda, la estética, el cuidado personal, la gastronomía, las series televisivas y la promoción de valores y estilos de vida. Este mosaico cultural ha capturado la atención y el entusiasmo de las adolescentes, quienes ven en los ídolos coreanos y coreanas un modelo a seguir y un símbolo de identidad colectiva.

La fascinación por este movimiento denominado como Hallyu, se debe al despliegue visual y a la narrativa de éxito, esfuerzo y perfección proyectada por los artistas. Sin embargo, la adopción de estos referentes extranjeros plantea preguntas acerca de los efectos en la percepción del cuerpo, los hábitos de consumo y los ideales de belleza entre las fans.

Expertos señalan que, si bien el K-pop promueve valores positivos como la disciplina y la superación, también puede generar expectativas inalcanzables y reproducir estereotipos poco realistas sobre la apariencia y el comportamiento.

Nayeli López Rocha, especialista en estudios asiáticos de la UNAM, advirtió que los modelos corporales y estéticos difundidos por la industria coreana responden a exigencias de un mercado globalizado, más que a la diversidad real de la sociedad coreana.

Efectos de los modelos coreanos en las fans mexicanas

El fenómeno se caracteriza por la recuperación de elementos culturales propios de Corea, combinados con dinámicas globales de consumo. Muchas jóvenes del país incorporan a su vida cotidiana prácticas inspiradas en sus artistas favoritos, como la alimentación, las rutinas de belleza —especialmente el cuidado facial, conocido como skin care— y la imitación de coreografías. Estas tendencias han cobrado fuerza gracias a la promoción constante en redes sociales y plataformas digitales.

La piel perfecta, blanca y juvenil que se asocia a las celebridades coreanas se presenta como un ideal deseable, aunque no refleja la variedad existente en la población de surcoreana. De acuerdo con la especialista, buena parte de la imagen proyectada responde a las demandas de la industria del entretenimiento y a estándares occidentales de belleza. Por esta razón, es fundamental que las seguidoras comprendan que tales patrones no son naturales ni universales, sino resultado de procesos de perfeccionamiento y mercadotecnia.

El consumo de productos, desde álbumes hasta artículos de maquillaje y ropa inspirada en los ídolos, también se convierte en fuente de competencia entre las fans. Dentro de los clubes de seguidores, se valoran la dedicación y el esfuerzo por adquirir objetos relacionados con sus grupos predilectos, lo que puede derivar en una presión constante por cumplir con expectativas de consumo y pertenencia.

Las redes sociales y la construcción de comunidades K-pop

Internet ha sido el principal motor para la expansión y consolidación del K-pop en México. Plataformas como YouTube, Facebook y TikTok han permitido el acceso inmediato a contenidos, así como la interacción entre fans que comparten gustos, rutinas y noticias sobre sus ídolos. En estos espacios virtuales, se forman comunidades sólidas y activas que participan en retos, difunden información y colaboran para alcanzar metas colectivas, como el apoyo a lanzamientos musicales o eventos de caridad.

Estas agrupaciones, muchas veces alentadas por las agencias de representación artística, crean identidades en torno a los grupos, como ocurre con BTS y su fandom denominado ARMY. La pertenencia a estos colectivos no solo implica consumir productos, sino también asumir valores como la disciplina, la solidaridad y la competencia. Sin embargo, el tiempo invertido en estas actividades puede llegar a ser considerable, afectando la rutina diaria de las adolescentes.

Padres y tutores suelen percibir est cultura como inofensiva debido a la ausencia de violencia explícita. No obstante, los estereotipos transmitidos pueden resultar igualmente dañinos al reforzar modelos corporales y comportamentales poco realistas. Tanto las figuras femeninas como masculinas proyectadas por la industria se alejan de la diversidad existente en México, promoviendo ideales de belleza, éxito y sexualidad que pueden generar frustración o inseguridad entre las jóvenes.

“Tengo muchas ganas de trabajar con Mariano, escuchar a su banda y crear música juntos”, adelantó el cantante en diálogo con Infobae Cultura. “También me entusiasma conocer Argentina por primera vez. Lo único que puedo esperar es aprender algo nuevo y disfrutar de la experiencia de colaborar haciendo lo que más nos gusta”, agregó. Sobre el repertorio de las noches en Bebop Club, anticipó que habrá composiciones propias y estándares de jazz. “Y en cuanto a las sorpresas… ¡es muy posible que haya alguna!”, agregó.

Nacido en Chicago y criado en Atlanta, Milton Suggs es músico de tercera generación. Comenzó a cantar en la iglesia a los siete años y estudió piano con el legendario Willie Pickens antes de radicarse en Nueva York en 2012. Desde entonces construyó una carrera que incluye colaboraciones con la Jazz at Lincoln Center Orchestra, Orrin Evans, Wycliffe Gordon, Ulysses Owens Jr. y Marquis Hill, además de cinco álbumes editados. La encuesta de críticos de la revista especializada DownBeat lo reconoció en reiteradas ocasiones entre los diez mejores vocalistas masculinos en ascenso.

En esta entrevista, habla sobre sus influencias, el proceso creativo de sus canciones y el futuro del jazz.

— ¿Cómo equilibrás el respeto por el legado de la música afroamericana con el desarrollo de una voz artística propia?

— La mejor manera de honrar ese legado es aportando mi yo más auténtico a mi arte. Como artistas y músicos, todo lo que creamos es el resultado de aquello que consumimos. Además de mis propias experiencias, me gusta volver al pasado, escuchar música, leer y observar distintas expresiones artísticas para aprender, inspirarme y dejar que todo eso influya en lo que creo.

— La crítica te ha comparado con Joe Williams, Donny Hathaway y Nat King Cole. ¿Cómo recibís esas comparaciones?

— Todos esos artistas, y muchos más, han tenido y siguen teniendo una enorme influencia en mí. Mis influencias abarcan muchos géneros y generaciones, desde Louis Armstrong, Michael Franks y Marvin Gaye hasta Roy Hargrove. Y la lista continúa.

— Sos compositor, arreglador y letrista. ¿Qué suele aparecer primero cuando creas una obra nueva: la historia, la música o la emoción?

— El orden varía. A veces empiezo con una melodía o simplemente con un ritmo; otras veces, con una idea para la letra. También tengo un cuaderno lleno de temas sobre los que me gustaría escribir.

— Has trabajado con la Jazz at Lincoln Center Orchestra, Orrin Evans, Ulysses Owens Jr. y Marquis Hill entre otros. ¿Qué enseñanzas te dejaron esas colaboraciones?

— Lo más significativo de cualquier colaboración es ver cómo se desarrolla el proceso creativo guiado por la personalidad única de cada artista. Aunque todos son diferentes, comparten el compromiso con la excelencia y con llevar adelante su visión de la mejor manera posible.

— ¿Qué sigue ofreciendo un concierto de jazz en vivo que ninguna plataforma digital puede reemplazar?

— Como músicos de jazz, una de nuestras mayores tareas es adaptarnos y evolucionar con los cambios sociales y tecnológicos, sin perder el espíritu de nuestra música. Una actuación en vivo, y el jazz en particular, ofrece al público la posibilidad de presenciar cómo la música se crea e interpreta en ese mismo instante, además de participar en esa creación aportando su energía y atención. No hay dos noches ni dos conciertos que suenen exactamente igual.

Tommy Detamore murió el miércoles 5 de agosto a los 70 años. La noticia la confirmó su esposa, Sandra Detamore, a través de un comunicado en Facebook que sacudió a la comunidad de la música country en Texas.

“Con el corazón roto, comparto que mi esposo, Tommy Detamore, se fue a estar con el Señor ayer”, escribió Sandra en la red social. La causa de la muerte no fue revelada.

La muerte fue descrita por su familia como “repentina”.

Quién fue Tommy Detamore

Detamore comenzó a tocar la guitarra de acero pedal en la década de los 70 y construyó una carrera en la música country.

En 1991 fundó Cherry Ridge Studio en Floresville, Texas, desde donde colaboró con artistas como Ray Price, Jim Lauderdale, Tommy Alverson y James Talley, entre otros.

Su esposa lo recordó como “un músico respetado, productor, colaborador, mentor y fuerza creativa en la música country”. Sandra también mencionó que, poco antes de su muerte, el equipo celebraba un nuevo proyecto que él había producido y que acababa de alcanzar el disco de platino.

Quienes lo conocieron le daban apodos como Dr. Tom, Sir Punchalot, Drama Papa y The Man, nombres que reflejan la personalidad que dejó en quienes trabajaron a su lado.

Un reconocimiento días antes de morir

El 23 de julio, apenas dos semanas antes de su muerte, Detamore publicó en Facebook un mensaje de agradecimiento a la Cowtown Society of Western Music, que le otorgó el premio “Héroe del Western Swing” en una ceremonia celebrada en Wichita Falls, Texas.

“Desafortunadamente no pude asistir, así que también agradezco a mi amigo Michael Markwardt por aceptar el premio en mi nombre”, escribió entonces.

Ese mensaje fue uno de sus últimos en redes sociales.

La reacción de músicos y colegas

Según informó Global News, la noticia de su muerte generó una ola de mensajes en redes sociales por parte de músicos que trabajaron con él o lo consideraban un referente.

La cantante Sunny Sweeney fue una de las primeras en reaccionar. “Con el corazón destrozado, quiero desearle a mi gran amigo y mentor, Tommy Detamore, un viaje tranquilo al cielo. Hablé con él hace solo tres días y discutimos un nuevo proyecto en el que íbamos a trabajar”, escribió.

Jim Lauderdale, uno de los artistas con quienes Detamore colaboró directamente, expresó: “Nuestros corazones están con la familia, los amigos y los fanáticos de Tommy. Es difícil encontrar las palabras correctas ahora mismo. Lo extrañaremos terriblemente”.

El cantautor Gary P. Nunn fue más allá en su tributo. “Trabajar con Tommy fue el punto más alto de mi carrera. Después de grabar las pistas básicas, éramos solo Tommy y yo, cara a cara. Estaba en el paraíso creativo”, escribió. Nunn lo describió como “el mejor en cualquier categoría de virtudes que puedas imaginar”.

La banda Tris Munsick and the Innocents lo calificó de “músico, productor y ser humano único en su especie”. La cantante Kim Carson, por su parte, señaló que Detamore produjo sus últimos tres álbumes y que no puede imaginarse grabar sin él.

El músico que llevó a otros a Texas

Uno de los testimonios más reveladores llegó del artista Jesse Daniel, quien afirmó que Detamore fue la razón por la que se mudó a Texas y pasó seis años inmerso en el mundo de la música country de ese estado.

“Cuando nos mudamos a Texas solo conocíamos a un puñado de personas, pero él y su familia nos recibieron con los brazos abiertos”, escribió Daniel. Agregó que, a lo largo de dos álbumes grabados juntos, Detamore le enseñó cómo hacer un disco.

Su hijo, Thomas Detamore, y su esposa Sandra indicaron que encuentran consuelo en saber que él está en paz y que su música perdurará.

Invenciones sobre Babasónicos, publicado por la editorial Gourmet Musical, reúne doce textos de autores convocados para abordar la obra del grupo desde la interpretación y la lectura cultural, con edición de Sebastián Chaves.

El libro no es una biografía, sino como un dispositivo de análisis y posibilidades dentro del universo creativo de Babasónicos.

En el staff de firmas figuran Pablo Schanton, Leo Oyola, Tamara Tenenbaum, José Bellas, Julieta Habif, Pablo Plotkin, Gabriel Orqueda, Luis Paz, Juan Barberis, Olivia Pranteda y Andrea Guzmán, además del propio Chaves.

El encuadre editorial definió un enfoque: cada disco, show, videoclip o entrevista del grupo “se aparece como un manifiesto tan elástico” que evita la bajada de línea y habilita la fantasía. “En ese limbo entre idea e imaginación”, cada capítulo funcionó como “punto de debate”.

A continuación, “La ciudad según Babasónicos”, de Pablo Plotkin, quien se formó en la prensa gráfica —dirigió la edición local de la revista Rolling Stone—, es autor de libros como la novela de ficción distópica Brasil del Sur y guionista de ficciones como la serie Cromañón.

La ciudad según Babasónicos, por Pablo Plotkin

El disco más exitoso y despampanante de Babasónicos colapsa en las calles de Once. Sobre la batería soberana de Panza y el ataque relámpago de la guitarra de Mariano Roger, Dárgelos eleva un eslogan en modo imperativo: “Trae a casa mi rock & roll”. Orden o súplica, la demanda de restauración que cierra Infame (2003) corresponde a la canción más explícitamente porteña del catálogo de Babasónicos, un cortometraje ambientado en el barrio de Balvanera, la zona céntrica de Buenos Aires conocida popularmente como Once, un hervidero comercial en el que confluyen las colectividades judía, peruana, árabe y surcoreana, entre otras, y que fue escenario del atentado terrorista contra el edificio de la AMIA (1994), el incendio de República Cromañón durante un concierto de Callejeros (2004) y la tragedia que desató el choque del tren Sarmiento (2012), eventos que sumaron al menos 331 muertes y expusieron la telaraña de corrupción, negligencia y deterioro estructural de la Argentina de las últimas décadas.

Pero Babasónicos, por supuesto, no entrega nada parecido a una crónica social o a un relato pintoresquista. Tan lejos y tan cerca del realismo alucinado de Sumo en Mañana en el Abasto como del lirismo vecinal de Bajo Belgrano de Spinetta Jade, el Once de Babasónicos es una ficción montada en un fulgurante plano secuencia, un rock épico ejecutado por una banda en su apogeo. El protagonista es el anónimo que despierta desnudo en una calle cualquiera. Lo suponemos criollo porque, al comienzo del relato, la “chica yanqui encara hacia él” y, en el rol de oráculo, lo empuja a través del portal como si entraran juntos en la medina de Fez, un laberinto en el que las cosas se desfiguran y convierten a medida que los personajes avanzan al ritmo de la banda. La “mersa medieval” de las marroquinerías y las mercerías, la atmósfera espesa de los locales textiles, esos lugares que son catacumbas corridas del tiempo y, como en un videoclip animado, desembocan en la manguera de un narguile, la cola de la bestia mutante que es la ciudad (...) En medio de la expedición caleidoscópica por el hormiguero porteño, Dárgelos cuela la palabra “chaparral” como si nada y vemos pasar ortodoxos del mesianismo, viudas y mendigos. En segundo plano, desde los coros, asoman chicos y chicas que bailan ajenos a todo. Una fuga dionisíaca que brota de entre los escombros.

No es casual que las pocas coordenadas explícitas de Buenos Aires que aparecen en la obra de Babasónicos sean casi siempre zonas de terminales ferroviarias, nodos donde convergen las multitudes en tránsito que van de la periferia al centro y viceversa, entre calles saturadas de olores, baratijas, música popular, prostitución y menudeo de sustancias. En Orfeo, del disco Discutible (2018), Dárgelos ubica a una versión contemporánea del héroe de la mitología griega en las calles de la capital argentina. Como el hijo de Apolo y Calíope que encanta a hombres y fieras con el sonido de su lira, el personaje de este rock festivo es un mesías musical que quiere saber cuál es su público, para así liberarlo y al mismo tiempo manipularlo. “Busco emanciparlos de la duda y dejarlos en Constitución / para que vean que hay que desprenderse del grillete / de violencia e ignorancia que arrastramos”, canta Dárgelos.

La estación Plaza Constitución es la cabecera del ferrocarril Roca, el acceso más directo a la ciudad para los habitantes de las localidades del sur del conurbano como Lanús, municipio repartido entre barrios de clase media (del que vienen algunos de los

Babasónicos) y otros de clase baja. Criado junto a su hermano Diego en una casa a seis cuadras de la estación, Dárgelos alguna vez se definió a sí mismo como “un resento de zona sur”. Ese umbral imponente que es Constitución, una de las terminales ferroviarias más grandes del mundo (cuyas catacumbas el cantante merodeó de chico porque su padre tenía allí un kiosco de diarios), es también parte del decorado de 4 AM, una balada que brilla en el álbum Miami (1999). En esta especie de She’s Leaving Home sónica, el narrador es, como el Orfeo bastardo de Discutible, un emancipador wannabe, el varón que alienta a la chica a dejar el hogar de sus padres y escapar a otra realidad en plena madrugada (“Nos encontramos en Plaza Constitución / y no sabías dónde ibas”) (...) Pero si el clásico de McCartney incluido en Sgt. Pepper’s alterna la tercera persona con el punto de vista angustiado de los padres de una adolescente que se ha ido, 4 AM lo cuenta todo desde la perspectiva del enamorado (“huye conmigo, abandona a los demás”), cómplice o instigador, que le asegura a la chica que ese lugar ya no es su casa.

Sin referencias territoriales específicas, hay otra canción clásica de Babasónicos que describe el trayecto del suburbio al centro como un pasaje entre dos mundos. Fizz es una de las composiciones que definieron para siempre el espíritu de Jessico (2001), el disco con que los Babasónicos inauguraron el rock del nuevo siglo. En 2021, Spotify estrenó una serie podcast titulada Tan freak y tan popular: Jessico 20 años, en la que los integrantes del grupo rememoran la grabación del álbum y analizan el impacto que tuvo en sus vidas y en el devenir del rock latinoamericano. (...) Dárgelos advierte que la grabación aparecía algo “desguarnecida” en su forma final, pero Andrew Weiss, responsable junto con la banda de la extraordinaria producción de Jessico, sabía que Fizz tenía el boleto picado, que era un caramelo relleno de una sustancia carbonatada y rabiosa, e hizo todo lo necesario para convencer al grupo de incluirla en el álbum. Además, como dice Diego Tuñón en ese pasaje del podcast, en Babasónicos manda la belleza y es tirana, así que a la hora de la verdad las chances de descartarla se redujeron al mínimo.

Recuerdo la presentación de Jessico en el Gran Rex y la sensación estremecedora, mientras tocaban Fizz, de que había algo absolutamente nuevo en la conquista mainstream de Babasónicos, la cristalización de un rock argentino con un poder de síntesis fenomenal, la belleza tóxica de esas guitarras simples y los paisajes sonoros que proyectaba Tuñón, la voz de Dárgelos conjurando una expedición transformadora de los barrios marginales a un centro embriagador e implacable. El cemento gris y el brillo del neón. (...) Y más allá de la esencia crítica de la letra, es el montaje musical de Fizz el que define el viaje, una condensación del ADN de Babasónicos: la salida del suburbio por la vía del rock. Cuando Dárgelos canta “Cruza a vuelo sobre el puente / lo distrae la corriente / piensa en ello / y no hay marcha atrás”, escuchamos lo que podría ser el traqueteo de un tren diesel sobre un tendido en altura que sobrevuela las aguas espesas del río Matanza-Riachuelo. (...)

Esa es la Buenos Aires de Babasónicos: la transición interna importa mucho más que la geografía. La ciudad no es un sistema de calles, túneles y arquitecturas, sino un estado en la mente, un delta de promesas oscuras, un espectáculo vivo y fascinante. Esa apropiación sensorial del paisaje urbano se proyecta en Adiós en Pompeya, cumbre de Discutible, una épica rockera en cámara lenta que parece evocar el rato previo a la erupción del Vesubio. (...) No hay ninguna coordenada explícita que indique dónde se produce el entrelazamiento de los personajes, excepto en la ambigüedad del

título. Al igual que la muestra Pompeya del pintor argentino Nahuel Vecino –un artista cercano a Dárgelos–, Babasónicos conecta la antigua ciudad romana sepultada bajo la lava con una de las zonas más emblemáticas del sur de Buenos Aires, Nueva Pompeya, barrio de tango y flanco capitalino del Puente Alsina, otro umbral entre el centro y la periferia, retratado antes por La Renga –grupo contemporáneo aunque en las antípodas estéticas de Babasónicos– en Voy a bailar a la Nave del Olvido (1991) y esa luna que se posa sobre los techos de Pompeya.

Lo que nos lleva a otra banda contemporánea de Babasónicos surgida también del partido de Lanús: 2 Minutos, oriundos de la localidad proletaria de Valentín Alsina. (...) Mientras los 2 Minutos, en 1994, cantaban sobre el orgullo y la condena agridulce de pertenecer a ese margen desolado de la ciudad en plena destrucción del empleo en la Argentina (con amigos que se habían vuelto policías, litros y litros de cerveza ingerida junto a un kiosco y rutinarias peleas callejeras), los Babasónicos, desde ese sur más conectado al mundo, soñaban en Trance zomba (también de 1994) con montañas de agua, patinadores sagrados y transfiguraciones arbóreas. (...) La escuela de Babasónicos era la del Bowie que salía de la mugre de Brixton convertido en una criatura andrógina y fluorescente. La idea no era contar la aldea, sino trascenderla. Por eso su visión del conurbano y de Buenos Aires en general sería siempre poética y no documental. (...)

El colmo, una de las grandes canciones de Babasónicos (incluida en Anoche, de 2005), habla de la saturación y de la necesidad de escapar. Es una alegoría de la fama o, quién sabe, de la imposibilidad de estar solos en la era de internet. Al final del estribillo, la ciudad funciona como metáfora, el último lugar posible en el que podría perderse el narrador, convertido por gracia divina en el murmullo de una ciudad que no lo reconoce.

Aduana de palabras, de Romantisísmico (2013), trata de la relación ambivalente, entre sanadora y tortuosa, de un escritor con su arte –“Todas esas palabras que no puedo ni quiero escribir / me desesperan / todas esas palabras que de pudor no saben, hablan por mí”–, pero el punto de partida es la mirada de alguien que nos observa y saluda desde el otro lado del vidrio. La gran ciudad, otra vez, cobija al que quiere diluirse, perderse como las lágrimas en la lluvia del replicante que agoniza en Blade Runner. “Bajo el influjo de las lámparas mata-insectos”, dice la canción, somos todos iguales, panteras negras en busca de algo que no sabemos qué es. La ciudad en Babasónicos es eso: el gran borrador, un lugar para transformarse o desaparecer por completo, y es la playa terminal a la que Dárgelos irá a buscar su nueva vida o a su yo invisible cuando la aventura del rock se le termine de una vez, que sabemos será nunca.

Todo por un like. Dos semanas después de la final del mundial y del ruido generado en las redes sociales alrededor de “Argentina Si Argentina No” en que ella se vio envuelta, Rosalía llegó a Buenos Aires -previas disculpas obligadas por las circunstancias, por aquel like- para brindar cuatros shows de uno de los espectáculos musicales más impactantes del mundo hoy. En un jueves por la noche raro -a media hora de distancia del Congreso de la Nación y todo lo que allí pasaba- la estrella española concretó una soberbia performance, al amparo de un show multimedia plena de ingenio, precisión y sentimiento. Separada toda la hojarasca del morbo que rodeó esta visita, queda la impactante actualidad de una de las estrellas globales más carismáticas y talentosas del momento.

Con el Lux Tour, Rosalía ha construido un espectáculo que opera en varios registros al mismo tiempo: es un concierto de arena, una ópera pop, una procesión pagana y un ritual de club condensados en dos horas de teatro musical. El efecto sobre el público no se reduce al entretenimiento ni a la euforia colectiva de los grandes recitales, sino que apunta a algo más cercano al trance compartido: la sensación de atravesar distintos estados emocionales y corporales —de la contemplación sacra al desenfreno físico, de la confesión a la fiesta— dentro de un dispositivo escénico que borra deliberadamente la frontera entre el escenario y una pista de baile. Al situar una orquesta en forma de cruz latina en el centro de la arena y subtitular las canciones como si fueran un libreto, la puesta en escena convierte a los asistentes en algo parecido a una congregación religiosa, y esa ambigüedad es, precisamente, su propuesta más radical.

El show se despliega como una especie de misa pagana de casi dos horas y veinticuatro canciones, estructurada en cuatro actos con la lógica de una ópera contemporánea: apertura sacra, descenso a la noche, bloque confesional y fiesta final, con “Magnolias” como aria de cierre existencial. En el centro, una orquesta de veintidós músicos rodeada por el público, opera como impactante dispositivo instrumental que convierte el recinto en algo parecido a un templo. Desde esa disposición, la música emerge y combina clásica con techno industrial, cuerdas clásicas con percusiones de rave, y las canciones se suceden como si fueran el libreto de una ópera.

¿Cómo es esto? El espectáculo transita por cuatro actos que llevan al público de la sacralidad al desenfreno y de vuelta a la introspección. Rosalía emerge al inicio como bailarina de cajita musical que se emancipa progresivamente, pasa por la oscuridad física de “Berghain” y el pulso urbano de Motomami, se detiene en momentos de confesión y memoria —con un interludio de “confesionario” muy entretenido por cierto y una interpretación de la dulce agresividad de “La Perla” que se transforma el instante definitorio de la noche—, y culmina en una fiesta que se quiebra con “Focu ‘Ranni”, como un salto al vacío.

En más de un sentido, Rosalía es un rara avis de la industria del entretenimiento musical para las masas en esta segunda década del siglo XXI. Tiene carisma, sentimiento y talento, canta impecable, baila idem y se integra con notable precisión al concepto coreográfico del show que protagoniza. Sus canciones son nada simples construcciones melódicas que navegan del flamenco y la rumba catalana a la electrónica clubber europea con arrebatos sinfónicos. Casi no tienen estribillos para enganchar pero muchas son hits coreados por un estadio repleto. Pero más importante que eso, es una artista que parece encontrarse en el pico de su creatividad y conexión con una generación que ve en ella una figura referencial del empoderamiento femenino. Transmite empatía y sensibilidad. Entretiene y emociona (no es fácil a la vez). A su paso por Buenos Aires, deja la estela de una personalidad cultural relevante para este tiempo loco y amargo del mundo. Salve, Rosalía

[Fotos: DF Entertainment/ Vicky Dragonetti]

Un grupo de músicos nicaragüenses ha encontrado en España un nuevo escenario para mantener vivas las tradiciones de su país. Cada fin de semana, la Banda Filarmónica El Güegüense transforma reuniones de migrantes en celebraciones marcadas por el sonido de fiestas populares, rancheras y melodías tradicionales. Los integrantes no solo ofrecen espectáculos: reconstruyen la memoria colectiva de una comunidad a miles de kilómetros de Nicaragua.

La agrupación nació hace cuatro años cuando músicos exiliados respondieron a una convocatoria para llevar la música filarmónica de Nicaragua a Europa. Jackson Amador, uno de los fundadores, compartió que el reconocimiento recibido en España ha superado sus experiencias en su país natal. Según relató a 100% Noticias, “Aquí te ven como un artista. Creo que tiene que ver con la escasez de bandas. Contrario de Nicaragua que abundan. Aquí se valora mucho más el talento”. Amador llegó a España en 2020 y fundó la banda junto con Melvin López dos años más tarde.

Durante los fines de semana más exitosos, cada integrante puede obtener hasta 350 euros, aunque la actividad baja durante los meses de verano en España. En ese periodo, la banda se dedica a preparar nuevas presentaciones y estrategias para la temporada más activa.

El grupo, que comenzó con ocho músicos y ahora suma hasta once según la ocasión, está integrado por personas de profesiones variadas: un analista químico, un vendedor de autos y obreros de la construcción dejan a un lado sus trabajos para vestir botas, sombreros y pantalones vaqueros, y convertirse en embajadores culturales para la diáspora nicaragüense.

Un proyecto nacido del exilio y del deseo de reconocimiento

La experiencia de migrar marcó profundamente a los miembros de la banda. Jackson Amador, originario de Teustepe, recordó que los primeros tres años en el extranjero estuvieron marcados por la soledad, aunque la satisfacción de ayudar a su familia y mantener sus proyectos lo mantuvo enfocado. Amador no descarta regresar a Nicaragua, pero en el presente concentra sus esfuerzos en consolidar la agrupación en Europa.

La banda encontró en España un público receptivo y la oportunidad de ser reconocidos como artistas, algo que, según sus integrantes, no sucedía con igual intensidad en Nicaragua, donde abundan agrupaciones similares y la competencia es mayor.

En España, cada viernes por la tarde, los músicos se reúnen para ensayar y preparar sus presentaciones. Estas sesiones permiten a cientos de nicaragüenses revivir, aunque sea por unos minutos, las procesiones y fiestas patronales de su país, tal como lo han contado los propios músicos a 100% Noticias.

Melvin López, de Santo Tomás a los escenarios europeos

Melvin López Matuz, de 25 años y originario de Santo Tomás, inició su formación musical a los siete, integrando la banda de guerra de su colegio. La trompeta se convirtió en su instrumento principal, guiado por el profesor Roberto Amos en el Conservatorio de la UPOLI.

López recordó con claridad el momento en que la música dejó de ser un pasatiempo: “Poco a poco descubrí que la música sería mucho más que un pasatiempo: se convertiría en una forma de vida”. Su llegada a Europa estuvo precedida por una invitación tras una actividad cultural con voluntarios belgas en Nicaragua. El primer viaje a Bélgica abrió la puerta a nuevas posibilidades.

“Al regresar a Nicaragua llevaba una idea muy clara: algún día volvería a Europa. Ese sueño se hizo realidad en abril de 2019, cuando llegué a España”, relató López, quien decidió fundar la banda junto a un amigo, con la intención d

e ofrecer algo más que música a la comunidad migrante.

Una comunidad que crece alrededor de la música

La Banda Filarmónica El Güegüense sigue sumando integrantes de distintas regiones de Nicaragua, como Armando José Velázquez, el trompetista Emanuel Gudiel González de Boaco, Maykel Mendoza de Managua, Álvaro Gabarrete de León y Yerling Iván García.

El propósito de la agrupación va más allá del entretenimiento. López resume así la misión del grupo: “Queremos mantener vivas nuestras raíces, acercar un pedacito de Nicaragua a quienes viven lejos de su tierra y regalar momentos de alegría y nostalgia a nuestra comunidad”. La respuesta del público confirma esa labor, con expresiones de agradecimiento y nostalgia tras cada presentación.

El grupo aspira a recorrer el continente europeo con el sonido característico de las fiestas nicaragüenses, convencidos de que la distancia puede separar a las personas de su tierra, pero nunca de la música que las identifica. Para la comunidad migrante, la banda representa un puente entre dos mundos y un recordatorio de que la identidad se sostiene incluso lejos del país de origen.

John Carpenter ha colaborado a menudo con las personas más cercanas a él a lo largo de su carrera. Pero la creación de Cathedral, una novela gráfica con un álbum original que se lanza este viernes, fue realmente un asunto familiar.

El reconocido director de películas de terror emblemáticas como The Thing y Halloween afirma que hoy la industria cinematográfica es totalmente “corporativa”. Por eso, a sus 78 años, prefiere buscar formas alternativas y menos costosas de mantenerse creativamente realizado.

Después de soñar con una iglesia abandonada en el centro de Los Ángeles que tenía un ascensor hacia el infierno, Carpenter, que también es un prolífico compositor, reclutó a su ahijado Daniel Davies y a su hijo Cody para colaborar en el álbum. El resultado es una serie de pistas instrumentales inquietantes que evocan algunos de sus clásicos más icónicos, como el tema de “Halloween”. Luego acudió a su esposa, Sandy King, quien es editora de cómics, para que le ayudara con la novela gráfica.

Carpenter, su hijo y Davies hablaron sobre su proceso artístico, sus preocupaciones sobre la inteligencia artificial y sobre tener pesadillas con la leyenda de los Boston Celtics, Larry Bird. La entrevista ha sido editada por claridad y brevedad.

—¿De dónde surgió la idea para este proyecto?

—John Carpenter: Pensé: soy director de cine de profesión, en los viejos tiempos, y este álbum sería una gran banda sonora para una película. Sin embargo, esa película costaría varios cientos de millones de dólares, así que, ¿por qué no hacer una novela gráfica? Mi esposa tiene una editorial de cómics, así que escribamos la novela, ilustremosla y compongamos la música para ella.

— ¿Ese ha sido tu proceso en el pasado? ¿Crear primero la música y luego la película?

—J.C.: No, al revés. Dirijo la película, la edito como quiero y después pienso en la música. Así que la música es simplemente funcional. Apoya la historia y los personajes, y así sucesivamente.

La industria cinematográfica cambió desde que yo trabajaba en ella a tiempo completo. Ahora todo es corporativo. Vengo del cine estudiantil, donde no teníamos dinero, así que no podíamos contratar a un compositor. Tenía que hacerlo yo mismo. Pero ahora tengo a estos vagos para hacerlo conmigo y ya no tengo que trabajar tanto.

— La idea para esto vino de un sueño. ¿Sueles inspirarte en tus sueños?

—J.C.: Nunca. Es la primera vez. La mayoría de mis sueños son bastante parecidos y no sirven para películas. Siempre sueño que estoy perdido en una ciudad e intento volver a casa, pero las calles cambian y no encuentro el camino. O busco el barrio de los cines y, cuando llego, todos están cerrados.

—Cody Carpenter: Llevo un diario de sueños desde la universidad. Tengo sueños psicóticos. Me gusta recordarlos, ¿sabes?

—J.C.: ¿El sueño del baloncesto? ¿No viste a alguien empezar a driblar?

—C.C.: Era Larry Bird. Pero resultó que estaba muerto y yo interactuaba con su fantasma.

— John, como alguien que ha trabajado con presupuestos bajos y le gusta experimentar, ¿has probado la inteligencia artificial?

— J.C.: Bueno, la gente me dice que es peligrosa. No sé, ¿qué significa eso? ¿Significa que empieza a aprender sola?

— Creo que depende de a quién le preguntes.

— Daniel Davies: Nos gusta hacer música. Me gustaría que ayudara a hacer tareas, como predecir nuevas pistas y conocer mi flujo de trabajo. Pero nos gusta crear cosas, así que ¿para qué usarla?

— C.C.: No sé. Conozco a alguien que hace mucha música con IA y me envía todo lo que hace y, bueno, creo que en algún momento ya no tendremos trabajo. Realmente me impresiona lo rápido que progresa. Pero no sé. Nadie lo sabe.

— J.C.: La música, creo, es la mayor forma de arte. Me da pena decirlo. Pero no requiere nada. Todos podemos escucharla en diferentes países. La gran música nos conmueve. ¿Y me dices que una máquina puede lograr eso? No lo creo. Eso me molesta. Esto es algo humano. Quiero que venga de nosotros. Realmente lo quiero.

— Recientemente vi “Prince of Darkness” por primera vez. Me gustó mucho. Parece poco apreciada.

— J.C.: ¿Por qué la viste recién ahora?

— Tienes razón. Ojalá la hubiera visto antes. ¿Hay películas tuyas que sientas que han sido poco valoradas?

— J.C.: Me alegra que te haya gustado. Estoy satisfecho con casi todas las películas que hice.

— ¿Con cuáles no?

— J.C.: No te lo voy a decir.

La Ciudad de México podría sumar un nuevo reconocimiento a sus tradiciones vivas, luego de que la diputada Elizabeth Mateos Hernández propusiera que los tríos y rondallas sean declarados patrimonio inmaterial. La iniciativa busca proteger y valorar a estos ensambles, que han acompañado el desarrollo cultural y social de la capital desde hace décadas y se han vuelto parte de la postal urbana.

La propuesta fue presentada ante el Congreso capitalino el pasado 29 de julio. Actualmente, se encuentra en análisis en la Comisión de Derechos Culturales, la cual determinará si las rondallas y tríos ingresan al catálogo de expresiones protegidas por la ciudad. Aunque no existe un censo público ni actualizado sobre el número de agrupaciones activas, se reconoce la presencia constante de estos grupos en eventos culturales, festividades barriales, plazas públicas y celebraciones tradicionales.

Los tríos y rondallas: más allá del arte, un factor de cohesión comunitaria

La diputada de Morena sostiene que la importancia de las rondallas y tríos no se limita al ámbito artístico. Según la legisladora, estos agrupamientos cumplen una función social al favorecer la apropiación del espacio público, fortalecer lazos comunitarios y ampliar el acceso a la cultura de manera incluyente. La presencia de estas agrupaciones en la vida cotidiana de la ciudad se vincula con serenatas, celebraciones familiares, eventos en alcaldías y recitales en recintos emblemáticos.

Desde mediados del siglo XX, la Ciudad de México ha sido punto de encuentro para músicos provenientes de distintas regiones del país. Aquí han podido profesionalizar su oficio, compartir repertorios y fortalecer géneros tradicionales. Los tríos y rondallas han encontrado un espacio para consolidarse y transmitir su música de manera oral, colectiva y comunitaria.

Agrupaciones emblemáticas y el legado en el ámbito educativo

Entre las expresiones más representativas de esta tradición destacan los tríos dedicados al bolero y la canción romántica. Agrupaciones como Los Panchos, Los Tres Ases, Los Tecolines y Los Dandys desarrollaron parte de su trayectoria en la capital, contribuyendo a posicionar a la ciudad como un referente de la música romántica a nivel internacional. Muchas de ellas mantienen una relación directa con la capital, ya sea como lugar de residencia, formación artística o plataforma de difusión de su obra.

Las rondallas también han tenido presencia constante en la vida cultural de la ciudad, particularmente en el ámbito educativo y comunitario. Diversas instituciones como la UNAM y el IPN han impulsado la formación de rondallas estudiantiles que, además de fomentar la práctica musical, refuerzan valores de identidad y convivencia entre las juventudes. Estas agrupaciones han servido como semillero de músicos y promotores culturales, asegurando la continuidad generacional de la tradición.

Patrimonio cultural y valoración de expresiones vivas

La evaluación para el reconocimiento de tríos y rondallas como patrimonio inmaterial se inscribe en una visión de protección y promoción de expresiones que han acompañado la historia cultural de la Ciudad de México. La capital ha sido históricamente uno de los principales centros de producción y difusión de música popular en el país, lo que ha favorecido el desarrollo de manifestaciones artísticas transmitidas de forma colectiva y comunitaria.

En la actualidad, existen grupos profesionales, comunitarios y semiprofesionales que participan en eventos organizados por alcaldías, centros culturales, festivales y celebraciones cívicas. No hay un registro oficial actualizado sobre su número, pero su presencia activa en la ciudad es reconocida por autoridades y comunidades.

El Punto de Acuerdo turnado por la Mesa Directiva marca el inicio de un proceso de análisis para determinar si los tríos y rondallas serán incluidos en el patrimonio inmaterial de la Ciudad de México. Esta decisión podría consolidar su papel en la vida cultural y social de la capital.

El anuncio de Karol G sobre su nuevo álbum No me arrepiento de sentir tanto ha generado una oleada de expectativas en la industria musical. La artista reveló el pasado miércoles el listado de canciones y la fecha de lanzamiento, fijada para el viernes 7 de agosto.

Entre los temas del disco figuran colaboraciones con artistas de talla mundial tan llamativas como las de Drake y Bruno Mars, quienes participan en las canciones Ahí y Still. Sin embargo, la sorpresa más comentada ha sido la presencia de dos talentos españoles en la lista de colaboradores.

La noticia de la inclusión de Judeline y Rusowsky en el tema BbY WOW ha sido recibida como una grata sorpresa entre los seguidores de la Bichota. Ambos artistas, considerados referentes de la música alternativa y experimental en España, aportan su sello a este proyecto internacional.

Toda la lista de nuevas canciones de Karol G

El nuevo disco de Karol G, que marca su sexta producción de estudio tras el exitoso Tropicoqueta, se presenta como un puente entre la música latina más global y la vanguardia pop. El anuncio del tracklist llegó apenas una semana después del primer adelanto del proyecto, Matadora, que suena como un reguetón intenso y directo a la pista de baile, con un ritmo urbano pesado, una actitud muy segura y letras desafiantes sobre la vida nocturna.

El álbum incluye, además de las colaboraciones internacionales y el single ya mencionado, títulos como Te llevas to, Maybe, Bebiendo lágrimas, Final feliz, Alguien que te amaba, For you my lova, Si lo ven, Con quién andará?, Eclipse y Después de ti, este último junto al cantautor estadounidense Greg González. Por otra parte, la gira mundial Viajando por el Mundo Tropitour llevará a la artista a actuar en España en junio de 2027, donde se podrán escuchar en directo todos estos temas.

Judeline y Rusowsky, invitados especiales

Judeline, nacida como Lara Fernández Castrelo en Jerez de la Frontera en 2003, se ha convertido en una de las voces más singulares del pop alternativo español. Sus inicios se remontan a 2020, cuando comenzó a publicar sus composiciones en plataformas digitales. El salto de Judeline llegó con su álbum debut Bodhiria, que le valió tres nominaciones a los Grammy Latinos: Mejor Álbum de Música Alternativa, Mejor Ingeniería de Grabación y Mejor Canción Alternativa por Joropo. Esa hazaña la consolidó como una de las artistas más jóvenes y disruptivas en lograr proyección internacional.

Por su parte, el madrileño Rusowsky, cuyo nombre real es Ruslán Mediavilla, es uno de los grandes referentes de la música lofi y el pop experimental en España. El disco Daisy, editado en streaming en mayo y lanzado en vinilo seis meses después, alcanzó el número uno de las listas españolas en enero, incluso superando a Lux, el último disco de Rosalía. El ascenso fue fulgurante: en solo una semana, el álbum saltó del puesto 65 al primero, impulsado por la venta acumulada de 4.826 vinilos en preventa, una cifra muy poco habitual en los tiempos actuales.

En 2026, la banda mantiene una presencia destacada en la cultura popular, y su vocalista, Anthony Kiedis, desarrolla proyectos variados mientras sigue al frente del grupo.

Según un reportaje de GQ Magazine, Kiedis combina su rol como líder de la banda con actividades empresariales y conserva relaciones de amistad que superan los veinte años, algo poco común en la industria musical.

El grupo, formado en los años ochenta en Fairfax High School, en Los Ángeles, ha sobrevivido a tragedias personales, cambios en la industria y la constante presión del éxito comercial.

La permanencia de la banda angelina y la intensidad creativa de sus miembros resultan una excepción, en una época donde las separaciones y reencuentros por interés suelen marcar la pauta entre bandas históricas. Según GQ Magazine, el propio Kiedis considera que la clave reside en la química y la pasión compartida por la música.

Vínculos forjados en la adolescencia

La historia de los Red Hot Chili Peppers comenzó cuando Kiedis y sus compañeros, entre ellos Flea, se conocieron en la secundaria. Desde entonces, la amistad y la colaboración definieron el rumbo del grupo, que vendió más de 120 millones de álbumes en todo el mundo.

El fallecimiento del guitarrista fundador, Hillel Slovak, a finales de los ochenta, y el proceso de recuperación personal de Kiedis marcaron etapas difíciles, pero el núcleo del grupo mantuvo su cohesión y siguió creando.

La banda, que debutó con su primer álbum en 1984, se transformó en una referencia del rock alternativo y construyó una identidad ligada a la ciudad de Los Ángeles.

Los conciertos emblemáticos, como el show de apertura de los Juegos Olímpicos de 2028 junto a Billie Eilish y su participación en eventos benéficos, refuerzan su lazo con la comunidad local. Canciones como “Can’t Stop” forman parte de la banda sonora habitual de los partidos de los Lakers, otro símbolo de la ciudad.

Dinámica interna y creatividad sostenida

Para Kiedis, el proceso creativo de la banda se mantiene vigente por la dedicación colectiva y la inquietud permanente de sus integrantes. “Me siento sumamente afortunado de tener a John Frusciante. Él está obsesionado con buscar nuevos sonidos y texturas. Vive para eso, no podría dejar de hacerlo”, afirmó.

El baterista Chad Smith y Flea, bajista y cofundador, completan el núcleo creativo que, según el cantante, sigue motivado por la curiosidad y el deseo de superación. “La motivación de ellos me empuja a seguir escribiendo canciones”.

La rutina del grupo implica reuniones periódicas y sesiones de composición que, para Kiedis, constituyen una necesidad vital. “Odiaría mi vida si no pudiera escribir canciones, poner palabras y bailar. No sería una vida digna para mí sin eso”, reconoció el vocalista.

Esa convicción también alimenta su confianza en el futuro de la banda. “Lo que más me enorgullece es que nuestra música sigue viva, y que por alguna razón no nos aburrimos. Sé en mi corazón que en dos meses nos reuniremos y empezaremos a tocar música, y vamos a estar igual de creativos que en los años ochenta”, aseguró.

Proyectos personales y rutinas fuera del escenario

Mientras la banda mantiene su actividad, Kiedis inició nuevas empresas junto a amigos cercanos. Según relató a GQ Magazine, el cantante mantiene una rutina semanal de encuentros con Shane Powers, otro conocido del ambiente hollywoodense, donde el café es el punto de partida para conversaciones que abarcan temas personales y profesionales.

Powers explicó que ese espacio favorece una intimidad diferente a la de otras reuniones: “Para mí, él es como un hermano mayor; cada vez que estamos juntos aprendo algo”, declaró a la revista.

Estas reuniones dieron lugar a iniciativas empresariales, como el lanzamiento de una marca de café enlatado, concebida durante cinco años y asociada a la relación entre Kiedis y Powers. El proyecto, según la publicación, se distingue por su enfoque en la calidad y la ausencia de estrategias de mercadotecnia típicas de celebridades.

Entre las variedades que ofrece, destaca un cold brew con 236 miligramos de cafeína por lata de 236 mililitros (8 onzas), uno de los productos con mayor concentración del mercado.

Una banda unida frente a los desafíos

La cohesión interna de los Red Hot Chili Peppers se diferencia de la trayectoria de otras bandas formadas en los años ochenta y noventa, donde los conflictos personales y las separaciones han sido comunes.

Según Kiedis, un aspecto relevante es que todos los miembros permanecen activos, tanto personal como creativamente. “Nuestra música sigue vigente y, por motivos diversos, hemos mantenido el compromiso con lo que hacemos”, señaló a GQ Magazine.

La permanencia y la continua capacidad de adaptación de los Red Hot Chili Peppers han consolidado su posición en la escena musical internacional. La dedicación de sus integrantes y la solidez de sus relaciones contribuyeron a mantener la vigencia de la banda, que sigue asociada a la cultura californiana y al rock alternativo.

Purple Rain, un nuevo musical basado en la emblemática película de Prince de 1984, llegará a Broadway la próxima primavera, aportando una dosis de energía rock y funk nostálgica a la nueva temporada.

El espectáculo, que trata sobre un joven músico con una vida turbulenta en casa y en el club donde actúa, ha sido revisado significativamente —con un nuevo director, un nuevo guionista y un enfoque más centrado en la música de Prince— desde su accidentada presentación preliminar el año pasado en Minneapolis.

El musical tiene previsto comenzar sus funciones previas el 12 de marzo y estrenarse el 12 de abril en el Teatro Majestic. Incluirá al menos 20 canciones de Prince, entre ellas “When Doves Cry”, “I Would Die 4 U”, “Take Me With U” y “The Beautiful Ones”. Las canciones serán interpretadas por músicos en el escenario.

“Es una celebración de Prince”, dijo el productor principal del espectáculo, Orin Wolf. “Es una historia de maduración, pero, sobre todo, es una velada musical llena de actuaciones vibrantes. Sentirán cómo avanza la historia a través de la música y cómo se respira el espíritu de Prince”.

La producción llegará a Broadway en un momento de enormes desafíos para los nuevos musicales, la gran mayoría de los cuales están fracasando financieramente, lo que socava la confianza de los inversores y conlleva una disminución en el número de nuevos títulos. Purple Rain es el sexto musical nuevo anunciado hasta ahora para esta temporada, sumándose a Dolly, Galileo, Paddington, Wanted y Warriors. Hace dos temporadas, Broadway vio 14 nuevos musicales.

Según un documento presentado ante la Comisión de Bolsa y Valores (SEC), llevar Purple Rain a Broadway costará hasta 29,5 millones de dólares. Esta cifra se sitúa en el extremo superior de los costes de capitalización actuales para los musicales de Broadway.

“Va a ser un gran espectáculo”, dijo Wolf. “Es un gran musical. Vamos a actuar en un teatro grande. Y vamos a ofrecer una gran puesta en escena”.

El espectáculo era largo y difícil de manejar cuando comenzó su temporada de casi seis semanas en el otoño de 2025 en Minneapolis, la ciudad natal de Prince y escenario de la historia. Pero la producción se fue perfeccionando y fortaleciendo a medida que avanzaba la temporada.

Las críticas fueron dispares. The New York Times calificó el espectáculo de “constantemente desconcertante”, pero The Minnesota Monthly lo consideró “una convergencia de genio creativo puro y sofisticada puesta en escena”. Un crítico del Minnesota Star Tribune visitó el espectáculo varias veces y consideró que la función final fue “extraordinaria por su gran energía, mayor confianza y alegría desbordante”.

En los meses transcurridos desde entonces, Wolf, quien llevó a The Band’s Visit al Premio Tony al mejor musical en 2018, ha renovado el equipo creativo, contratando a Saheem Ali para reemplazar a Lileana Blain-Cruz como director y a Peter Duchan para reemplazar a Branden Jacobs-Jenkins como libretista. Se han realizado talleres para probar las revisiones. (Este tipo de medidas no son nuevas; otros espectáculos de Broadway han reestructurado sus equipos creativos durante el proceso de desarrollo).

Wolf y Ali ya habían colaborado en Buena Vista Social Club, que se estrenó en Broadway el año pasado y aún sigue en cartelera. Al igual que Purple Rain, este espectáculo se beneficia de la popularidad preexistente de su repertorio musical.

El equipo creativo de Purple Rain incluye a dos compañeros de banda de Prince, Bobby Z y Morris Hayes, quienes figuran como asesores musicales. El reparto de la producción de Broadway aún no se ha anunciado.

Fuente: The New York Times

A lo largo de su trayectoria, Pepe Habichuela legó al mundo de la música varios discos que revolucionaron el flamenco. Todo el mundo conoce títulos como Homenaje a D. Antonio Chacón, Despegando o A Mandeli, si bien el guitarrista también hizo otros discos alejados de su sonido más habitual como Yerbagüena (donde utilizó guitarras con cuerdas tradicionales de la India para explorar las conexiones ancestrales entre la cultura gitana y el país asiático) o Hands, considerado como una de las cumbres de la fusión entre el jazz moderno y el flamenco.

Este último sería grabado junto al famoso contrabajista británico de jazz Dave Holland, considerado uno de los mejores intérpretes del mundo con este instrumento. El contacto entre él y Pepe Habichuela se dio a través de la compañía de discos de este último. Holland había manifestado sus ganas de trabajar junto al guitarrista y de aprender flamenco, por lo que finalmente se pusieron manos a la obra.

Un detalle curioso del proceso es que Holland adaptó su contrabajo al terreno del flamenco en lugar de arrastrar a Pepe hacia el jazz. Para lograr esa compenetración, el músico británico viajó a España y pasó jornadas en casa de Pepe en Madrid, donde la comunicación fluía entre comidas familiares y horas de guitarra y contrabajo. Eso sí, tanto durante aquellos encuentros como después en el estudio tuvieron que aprender a convivir sin que ninguno supiera el idioma del otro.

“La música es el dialecto que tenemos”

En una entrevista con La Voz de Galicia posterior al disco, le preguntaron a Pepe Habichuela en qué lengua hablaban durante los ensayos. “Cada uno el suyo. Tenemos un traductor con nosotros y además mi hijo, Josemi Carmona, de Ketama, que se ocupa de la dirección musical mía con Dave, también me hace de intérprete”, contestó el guitarrista. Ante la incredulidad del periodista, este insistió señalando que las únicas palabras que había aprendido eran “hola, adiós y qué tal... y ya está”.

“Con la música ya nos entendemos, no hace falta hablar. Es el dialecto que tenemos”, continuaba Habichuela, que siempre se caracterizó por su interés en tocar todo tipo de géneros aparte del flamenco clásico que más le caracterizaba. Por eso, y también gracias al interés de Holland por conocer una música totalmente desconocida para él, lograron tocar juntos. “¡La verdad que lo ha agarrao el tío de puta madre! Y los flamencos también nos metemos a tocar los temas de él”.

Finalmente, el álbum salió y fue recibido con excelentes calificaciones por parte de la crítica especializada tanto en el ámbito del jazz como de las músicas del mundo. Más allá de eso, Hands dejó una huella profunda en la historia de la música instrumental moderna. Consolidó la idea de que el flamenco y el jazz moderno comparten un ADN común basado en la improvisación, la libertad rítmica y la expresión de emociones profundas y se convirtió en un referente sobre cómo dos tradiciones musicales aparentemente lejanas pueden fundirse con elegancia, madurez y un profundo respeto mutuo.

Pocas personas han significado tanto para el flamenco como Pepe Habichuela. Junto a Enrique Morente, fue el motor instrumental de pilares del género como Despegando (1977) o A Mandeli (1983), donde, desde un papel secundario o principal, ya podía escucharse ese peculiar sonido que el músico extraía de su guitarra. Su toque no se limitaba a acompañar, sino que introducía armonías disonantes, matices y una libertad conceptual que abrió el flamenco a la modernidad.

De este modo, el sonido Habichuela se hizo famoso en todo el mundo, y no serían pocas las veces que le preguntarían a José Antonio Carmona Carmona (tal era su nombre real) por el origen de su apodo. Pero, para dar luz a la historia de ese mote, habría que retroceder hasta 1944, cuando, en las cuevas del Sacromonte, nació este músico que iría solo “siete minutos” a la escuela y que, a los 13 años, le pidió a su padre que le enseñara a tocar la guitarra.

Las dos versiones del apodo

Precisamente de ese aprendizaje nace una de las “dos versiones” que, según Pepe Habichuela, explican el apodo. “Había un guitarrista antiguo, Juan Gandulla, conocido como el Habichuela, acompañante de Antonio Chacón y de la Niña de los Peines, que fue maestro de mi padre y que como le gustaba tanto su toque pues él también se puso Habichuela”, explicaba en una entrevista en 2017 para la revista XL Semana. Por eso, su padre, Tío José Habichuela, era también conocido como Habichuela el Viejo.

Sin embargo, si hemos dicho que hay dos versiones es porque existe otra historia que explicaría el origen de este mote familiar. Y era, de hecho, la preferida por parte de Pepe Habichuela. “Mi madre dice que mi padre un día y otro pedía habichuelas para comer”, señalaba al citado medio. Esta historia era mejor para él porque tenía “más gracia”. “Mi padre era un tío fino al que le gustaba la mesa y vestir bien, aunque fuéramos pobres”.

Así, los Habichuela eran conocidos en todo el Sacromonte, una familia en la que todos, sin excepción, debían aportar a la economía familiar. A los 10 años, Pepe Habichuela trabajó en un horno de pan, y más adelante haciendo taracea, es decir, encajando pequeñas piezas de distintos materiales sobre una base de madera para formar dibujos y figuras decorativas que luego acababan en muebles, joyeros u otros objetos ornamentales. Esa infancia lo marcó profundamente, y por eso, cuando alcanzó la fama internacional, decidió conservarlo porque estaba orgulloso de su familia.

Un apellido que es sinónimo de música, flamenco y raíces

Gracias a esa decisión, hoy podemos decir que los Habichuela son una de las sagas de la guitarra flamenca más importantes. El mote sirve como una marca de honor, de pertenencia al pueblo gitano y a Granada. En esta ciudad nacería también Antonio Carmona, quien continuaría con el legado familiar y se convertiría en el cantante principal de Ketama, grupo de nuevo flamenco que también revolucionaría la música española, donde habría otros dos miembros de la familia: Juan José Carmona Amaya El Camborio y Antonio Carmona Amaya.

La familia se trasladaría ya en los 60 a Madrid, en una casa donde llegarían a vivir 15 personas, y desde donde Pepe Habichuela iría actuando en varios tablaos flamencos hasta convertirse en una referencia musical. El guitarrista tocaría junto a Juanito Valderrama, Camarón de la Isla o Enrique Morente, hasta que finalmente, aquel apodo humilde terminaría escrito con letras de oro en la historia del flamenco.

A casi tres décadas del asesinato de Tupac Shakur, la causa judicial por uno de los crímenes más notorios de la historia del rap entra en una etapa decisiva en Las Vegas.

El acusado es Duane “Keffe D” Davis, de 63 años, señalado por la fiscalía como el hombre que habría organizado el ataque armado en el que murió el artista en septiembre de 1996.

NBC News informó que el proceso judicial está previsto para comenzar este lunes 10 de agosto y que el imputado enfrenta un cargo de asesinato con arma mortal, con el agravante de presunta vinculación con una pandilla.

El caso permaneció sin resolución durante años y se convirtió en una referencia permanente dentro de la cultura hip hop, tanto por la dimensión artística de Shakur como por el entramado de rivalidades que rodeó su muerte.

Davis permanece detenido desde fines de 2023 por esta causa y se declaró inocente, de acuerdo con el reporte de NBC News.

Qué se juzga y por qué el caso volvió a activarse

La acusación no apunta necesariamente a determinar quién apretó el gatillo aquella noche, sino a establecer si Davis organizó el ataque y facilitó el arma utilizada en el tiroteo.

Tal y como explicó NBC News, los fiscales sostienen que el acusado ocupaba un lugar central dentro del grupo que viajaba en el Cadillac blanco desde el que partieron los disparos.

El ataque ocurrió el 7 de septiembre de 1996, cuando Tupac Shakur viajaba como acompañante en un BMW negro conducido por Marion “Suge” Knight, cofundador de Death Row Records.

Ambos salían de ver una pelea de Mike Tyson y se dirigían a un club nocturno donde el rapero tenía previsto asistir. En un semáforo cercano al Strip de Las Vegas, un Cadillac blanco se ubicó junto al BMW y desde allí abrieron fuego.

Shakur recibió varios disparos y murió seis días después. Knight sobrevivió con heridas menores. El expediente permaneció estancado hasta que las propias declaraciones públicas de Davis le dieron nuevo impulso.

NBC News detalló que la investigación cobró fuerza luego de entrevistas, apariciones mediáticas y la publicación del libro Compton Street Legend, escrito junto a un coautor en 2019.

La teoría de la fiscalía y la estrategia de la defensa

Para los investigadores, el crimen tuvo como trasfondo una represalia. La hipótesis oficial indica que el ataque fue una respuesta a la golpiza que Tupac Shakur y personas de su entorno le dieron horas antes a Orlando “Baby Lane” Anderson, sobrino de Davis, en el hotel MGM Grand.

Esa secuencia, afirmó NBC News, aparece como uno de los ejes del caso que llevará la fiscalía al juicio.

En ese contexto, los fiscales apoyan parte de su acusación en el contenido del libro de Davis y en registros de entrevistas concedidas a la policía y a medios de comunicación.

En ese material, el acusado relató aspectos de la interna entre pandillas y describió movimientos dentro del vehículo desde el que se efectuaron los disparos. Uno de los puntos más sensibles del proceso pasa por la admisibilidad de esas declaraciones.

La defensa intentó impedir que el libro y una grabación de una entrevista policial de 2008 fueran utilizados en el juicio.

Sus abogados argumentaron que la obra tenía partes ficcionalizadas y que, al haber sido escrita con un coautor, no podía determinarse con certeza qué fragmentos correspondían realmente a Davis. También sostuvieron que una entrevista brindada a un grupo de trabajo federal había sido confidencial, según recogió NBC News.

A la vez, los defensores remarcaron que no existe evidencia directa de que Davis haya ordenado el homicidio y cuestionaron la solidez de testimonios de personas que no estuvieron presentes en la escena del crimen. Esa será una de las discusiones centrales cuando avance el proceso.

El trasfondo entre sellos discográficos, pandillas y una herida abierta

El expediente judicial también reconstruye un conflicto más amplio entre la escena musical de la época y estructuras criminales del oeste y el este de Estados Unidos.

La investigación retrata el asesinato como parte de una disputa entre Death Row Records y Bad Boy Records, además de su relación con facciones enfrentadas como Mob Piru y South Side Compton Crips.

NBC News indicó que testigos ante el gran jurado describieron vínculos entre integrantes de South Side Compton Crips y figuras cercanas a Bad Boy Records, sello fundado por Sean “Diddy” Combs.

Del otro lado aparecía la asociación de Mob Piru con Death Row, la compañía para la que grababa Shakur junto a nombres como Snoop Dogg y Dr. Dre.

Dentro de esa trama, la muerte del rapero quedó instalada como uno de los episodios más oscuros de la rivalidad que marcó a la industria en los años 90.

La familia del músico sigue de cerca el juicio. Maurice “Mopreme” Shakur, hermanastro del artista, dijo a NBC News que atravesar esta instancia judicial resulta agotador y traumático, aunque mantiene una expectativa moderada sobre la posibilidad de conocer la verdad.

También planteó que aún hay aspectos que merecen mayor exploración, entre ellos las acusaciones mencionadas en el libro de Davis sobre una supuesta participación de Combs, algo que el empresario negó.

Con más de 75 millones de discos vendidos en todo el mundo, Tupac Shakur conserva un peso singular dentro de la historia del género. Sus canciones combinaron éxitos masivos con letras sobre violencia, familia, desigualdad y vida urbana.

Casi 30 años después de su muerte, el juicio contra Duane “Keffe D” Davis abre una nueva etapa en un caso que durante décadas osciló entre el mito, la investigación inconclusa y las confesiones públicas.

Cientos de personas en duelo, incluidos músicos y artistas irlandeses, llenaron el martes una catedral de Dublín para el funeral del cantautor ganador del Oscar Glen Hansard, quien murió en un accidente de motocicleta la semana pasada a los 56 años. Los actores Steve Coogan y Chris O’Dowd y músicos como Bono, Hozier, Declan O’Rourke e Imelda May se encontraban entre la congregación, junto a amigos, familiares y admiradores que habían hecho fila durante horas fuera de la Catedral de San Patricio.

Una gran multitud observó en pantallas gigantes afuera mientras los portadores del féretro llevaban un ataúd de mimbre cubierto de flores al interior de la catedral. William Morton, el deán de la catedral, dijo: “Los dones extraordinarios y el talento sobresaliente de Glen, que tocaron tantos corazones, lo llevaron de las calles de Dublín a audiencias de todo el mundo.”

El funeral estuvo entrelazado con música, incluyendo una actuación de Eddie Vedder, cantante de Pearl Jam, quien interpretó “The Song of Good Hope” de Glen Hansard junto a Markéta Irglová, la socia musical del compositor irlandés durante años. Bono, de U2, dijo: “Todos los que lo conocieron, simplemente recordaron el día en que lo conocieron.” Luego levantó su teléfono para reproducir un mensaje que había recibido de la cantante y poeta Patti Smith interpretando “una canción de cuna para la familia y los amigos de Glen”, antes de recitar la letra de “Beautiful Day”, un tema de U2.

Hansard falleció en un accidente en las afueras de Dublín el miércoles 29 de julio, horas después de haber participado en una sesión de música tradicional en un pub. Su viuda, la poeta finlandesa Maire Saaritsa, quien agradeció a los policías que acudieron en su ayuda, leyó un poema que le había escrito al comienzo de su relación. También dijo que el hijo de tres años de la pareja era demasiado pequeño para asistir o comprender el funeral, pero “el espíritu luminoso que heredó de su padre está con nosotros.”

Glen Hansard fue el líder durante mucho tiempo de la banda de rock irlandesa The Frames y actuó como miembro de una banda de soul de Dublín en la exitosa película de 1991 The Commitments-Camino a la fama Ganó un Oscar en 2008 por la canción “Falling Slowly” de la película Una vez, que coprotagonizó junto a Irglová. Una adaptación teatral ganó ocho premios Tony en 2012. También fue la mitad del dúo de rock The Swell Season con Irglová y lanzó álbumes en solitario, incluido Didn’t He Ramble que fue nominado al Grammy como Mejor Álbum Folk en 2016.

Durante muchos años, dirigió una actuación callejera en Nochebuena afuera del Teatro Gaiety de Dublín, donde el público se reunía para ver a músicos irlandeses famosos actuar en beneficio de una organización solidaria para personas sin hogar. Sus compañeros músicos le han rendido homenaje. Bruce Springsteen, entre otros, dijo en Instagram que estaba “desolado” por la pérdida de “un gran músico, un buen amigo y un hombre generoso y afable.”

Fuente: AP

[Fotos: Damien Eagers/PA via AP]

La mayoría de personas desconoce las múltiples funciones que ofrece el puerto USB del televisor. Aunque la mayoría identifica este conector por su presencia en computadoras o cargadores, su implementación en televisores abre el acceso a distintas herramientas útiles y cotidianas.

El desconocimiento sobre su verdadero potencial suele limitar su uso a la simple recarga de dispositivos, cuando en realidad permite desde reproducir archivos multimedia hasta ejecutar actualizaciones clave para el software.

Cómo conectar un dispositivo USB al televisor y qué se puede hacer

La conexión de un pendrive al Smart TV es un proceso sencillo, pero conviene seguir ciertos pasos para evitar errores. Primero se debe insertar el dispositivo de almacenamiento USB en el puerto correspondiente del televisor. Si el dispositivo cuenta con interruptor de encendido, es clave activarlo antes de continuar.

El siguiente paso consiste en navegar desde el control remoto hacia el menú principal del televisor. Muchos dispositivos disponen de un botón específico, como HOME o APPS, que permite acceder directamente a las aplicaciones instaladas.

Desde ahí, se localiza la opción de Reproductor Multimedia, donde aparece el nombre del dispositivo USB insertado. Tras seleccionar la carpeta deseada, es posible visualizar las fotos , escuchar música o reproducir videos almacenados en la memoria externa.

Qué tipos de archivos se pueden reproducir en el televisor a través de una USB

El puerto USB del televisor admite distintos formatos de archivos, lo que proporciona versatilidad al momento de elegir contenidos para reproducir. Es posible visualizar imágenes, escuchar canciones y ver películas directamente desde el USB, siempre que los formatos sean compatibles con el sistema del televisor.

Pueden surgir demoras durante la carga de carpetas o archivos, en especial si contienen un gran volumen de datos o si las imágenes tienen alta resolución.

Al acceder al dispositivo, el televisor realiza un escaneo completo cada vez que detecta una nueva conexión, así que el tiempo de espera dependerá del tamaño y la cantidad de archivos.

Cómo actualizar el software del televisor usando el puerto USB

La actualización del software del televisor es uno de los usos más útiles del puerto USB, sobre todo en modelos que no cuentan con conexión directa a internet. Los Smart TV suelen actualizarse de forma automática cuando están conectados a la red y tienen habilitada esta función.

En dispositivos sin acceso a internet o carentes de funciones inteligentes, la actualización requiere descargar el archivo de firmware al USB y conectarlo al televisor.

El proceso consiste en ingresar al menú de configuración, seleccionar la opción de actualización manual y seguir los pasos indicados en pantalla. Así, el sistema detecta el archivo en la memoria externa y ejecuta la instalación, lo que permite mantener el televisor al día con las últimas funciones y correcciones de seguridad.

Cuáles limitaciones y riesgos hay al usar el puerto USB

El uso del puerto USB implica ciertas precauciones. No conviene apagar el televisor ni el dispositivo USB mientras se accede a la información, ni desconectar el cable o insertar nuevos soportes de grabación durante la reproducción.

Asimismo, debe considerarse que no todos los archivos serán compatibles, aunque sus formatos coincidan con los soportados oficialmente. La incompatibilidad puede deberse al tipo de compresión, a la estructura de la carpeta o a otras variables técnicas.

Qué diferencias existen entre los puertos USB del televisor

No todos los puertos USB integrados en un televisor ofrecen la misma velocidad ni capacidad. La mayoría de los modelos incorpora puertos de alta velocidad, aptos para transferir archivos de gran tamaño.

Algunos televisores cuentan con puertos identificados con el color azul, lo que indica compatibilidad con SuperSpeed (USB 3.1 Gen 1 o USB 3.0). Esta característica permite transferencias más rápidas y una experiencia más fluida al reproducir videos en alta definición.

La elección del puerto adecuado depende del tipo de archivo y la velocidad de transferencia requerida. Para obtener el mejor rendimiento, se debe utilizar el puerto azul al trabajar con contenidos pesados o actualizaciones de software, mientras que los puertos estándar son suficientes para archivos ligeros como imágenes o música.

La sanción de 320.000 euros al Reggaeton Beach Festival por múltiples irregularidades catalogadas como “infracciones graves” y “prácticas que se consideran abusivas” ha sido una importante victoria para Facua-Consumidores en Acción, que denunció en 2022 a la empresa organizadora del evento por impedir el acceso a agua y comida, cobrar un extra por gastos de gestión, imponer un pago adicional por volver a entrar en el recinto y diferentes irregularidades para “quedarse con dinero sobrante de las pulseras de pago cashless”.

Sin embargo, en el comunicado donde celebra el expediente sancionador, impuesto por el Ministerio de Consumo, Facua también apunta a la pasividad de las administraciones públicas locales y regionales, a las que acusa de “colaborar” en los fraudes cometidos por los festivales. “Desde 2019, FACUA viene denunciando cada año a los organizadores del Reggaeton Beach Festival ante distintas administraciones de ámbito autonómico y local, que han mostrado una lamentable pasividad, al igual que ante las denuncias por irregularidades similares en otros festivales y conciertos”.

Así, desde la organización aseguran que “algunas de las administraciones que decidieron no actuar ante las denuncias firmaban acuerdos de colaboración con los organizadores del festival mientras se desentendían de requerirles que cumplieran la legislación de defensa de los consumidores”. En 2022, después de que el Ministerio de Consumo asumiera la potestad sancionadora, Facua presentó ante este organismo su denuncia, y cuatro años después ha llegado la multa, tras un procedimiento alargado “por el complejo entramado empresarial que había tras el Reggaeton Beach Festival, con más de una veintena de sociedades que organizaban los eventos en función de sus fechas y ubicación”.

El caso de Sevilla

En declaraciones a Agencia EFE, el portavoz de Facua ha ampliado el mensaje en contra de la actuación de ayuntamientos y comunidades autónomas. Como ejemplo, ha puesto el Icónica Santalucía Sevilla Fest, que ha firmado con el Ayuntamiento de Sevilla una normativa a conveniencia que “huele extraordinariamente mal” y que permite celebrar los conciertos en un espacio emblemático y protegido como la Plaza de España.

En julio de este 2026, el Ministerio de Cultura se dirigió al Ayuntamiento de la ciudad andaluza para pedirle aclaraciones acerca del posible daño que el Icónica podía estar causando en el recinto. “En ediciones anteriores, se han producido daños materiales en diferentes zonas”, especificaban desde la Dirección General de Patrimonio Cultural y Bellas Artes. Por su parte, Facua también había mostrado su rechazo al proyecto al considerar que privatizaba un espacio público que, “como Bien de Interés Cultural de la ciudad, debe ser un espacio de uso común general, público y gratuito”.

“FACUA Sevilla señala que este proyecto de ordenanza surge como respuesta a las críticas que el Ayuntamiento de José Luis Sanz está recibiendo por la celebración del festival en el monumento, y los daños que ha causado en él, creando así una solución a medida para asegurar la continuidad de este ciclo de conciertos y, de paso, permitiendo que aumente el número de eventos que se realicen en el espacio”, denunciaba la organización este verano.

Ahora buscan escribir su propia historia en la música con un proyecto conjunto que se distancia del glam rock que convirtió a sus padres en referentes del género.

Bajo el nombre de Stanley Simmons, el dúo presentará su álbum debut, Dancing While the World Is Ending, un trabajo compuesto por 12 canciones originales que apuesta por una identidad propia, con influencias del folk pop, armonías vocales y una marcada presencia de guitarras acústicas.

En entrevistas con Forbes, People y otros medios, ambos artistas explicaron cómo nació el proyecto, qué desafíos enfrentan por su apellido y por qué descartan cualquier intento de replicar la estética de KISS.

Un proyecto que nació de forma espontánea

Según contó Stanley, de 32 años, la colaboración nunca estuvo planificada como una banda estable. En declaraciones reunidas por People y originalmente concedidas a Blabbermouth, explicó: “Nunca se pensó como un proyecto. Solo queríamos cantar juntos una vez. Luego lo escuchamos y pensamos: ‘Espera, esto suena realmente especial’”.

La misma idea compartió Simmons, quien destacó la química vocal que desarrollaron desde el comienzo: “Hay un tipo de conexión que no se puede fingir. Cuando cantamos juntos, se siente como una tercera voz, algo nuevo”.

La amistad entre ambos se remonta a la infancia. Sus familias convivieron durante años en las giras de KISS, una experiencia que fortaleció un vínculo que hoy también se trasladó al plano artístico.

Un disco con identidad propia

El primer álbum de Stanley Simmons llegará en vinilo y CD el 28 de agosto, mientras que su lanzamiento en plataformas de streaming está previsto para comienzos de octubre, según informó Forbes.

El trabajo reúne 12 composiciones originales, entre ellas los sencillos Body Down, Dancing While the World Is Ending y Temporary Love, esta última definida por Stanley como la primera canción que ambos escribieron juntos.

De acuerdo con People, la propuesta musical se aleja deliberadamente del sonido característico de KISS. En lugar del glam rock, el dúo eligió un repertorio con raíces folk pop, apoyado en guitarras acústicas, armonías vocales y una estética retro.

Para la producción del álbum convocaron a Rob Cavallo, reconocido por su trabajo con artistas como Green Day, Dave Matthews Band y Eric Clapton.

El peso de un apellido famoso

En la entrevista con Forbes, Stanley y Simmons también hablaron sobre las ventajas y dificultades que implica llevar dos apellidos asociados a una de las bandas más exitosas del rock.

“En el mundo de la música, las conexiones familiares pueden ser beneficiosas en ambos sentidos. Pueden abrirte puertas. Pero algunos en la industria no te toman en serio. Es un arma de doble filo”, reconoció y afirmó Stanley.

Simmons, de 37 años, coincidió con esa mirada y remarcó la necesidad de respaldar cualquier oportunidad con resultados concretos. “Aunque logres entrar, tienes que demostrar de lo que eres capaz”, sostuvo el músico.

Las primeras presentaciones y una gira por Estados Unidos

Antes del lanzamiento oficial del álbum, Stanley Simmons realizó una serie de presentaciones en clubes, donde comenzó a interpretar parte del nuevo repertorio. Simmons explicó que cada recital sirvió para ajustar detalles del espectáculo.

“Los cuatro conciertos salieron bien y la respuesta del público fue fantástica. Pero, como cualquier artista demasiado autocrítico, después de cada uno revisamos el material y encontramos esos pequeños detalles, como las armonías y la afinación, que podíamos mejorar”, declaró a Forbes.

El entusiasmo también quedó reflejado en la respuesta de quienes reservaron el disco antes de su lanzamiento. Stanley señaló que las preventas superaron las expectativas. “Decidir dónde invertir el dinero hoy en día es complicado. Así que ver que la gente quiere comprar nuestro vinilo por adelantado es enormemente gratificante”, relató.

La gira promocional recorrerá 29 ciudades de Estados Unidos. Comenzará el 14 de septiembre en Dallas y finalizará el 3 de noviembre en el histórico club Troubadour, de West Hollywood. Sobre ese momento, Stanley expresó: “Será un momento emocionante para nosotros al final del año. Llevamos mucho tiempo esperándolo”.

Sin maquillaje ni imitaciones de KISS

Además de buscar un sonido diferente, ambos músicos dejaron claro que tampoco pretenden reproducir la imagen que convirtió a KISS en un fenómeno mundial.

En declaraciones citadas por People, Simmons descartó la posibilidad de utilizar el tradicional maquillaje de la banda. “Eso es cosa de mi padre. Yo estoy ocupado con lo mío. Soy fan de la música. Soy fan del espectáculo. He tenido una vida única y maravillosa gracias a ello”, afirmó.

Con esa postura, Stanley Simmons apuesta a construir un camino propio, apoyado en composiciones originales, una propuesta sonora diferente y un proyecto que comenzó como una simple reunión entre dos amigos de toda la vida.

La relación entre Almería y el séptimo arte comenzó a finales de los años cincuenta. Desde entonces, sus paisajes desérticos han servido de escenario para cientos de producciones nacionales e internacionales y han marcado la carrera de grandes nombres de Hollywood. Si fue en esta provincia donde Clint Eastwood dio el salto definitivo hacia el estrellato gracias a la Trilogía del dólar, de Sergio Leone, para John Lennon también supuso un antes y un después. No sería, sin embargo, por la calidad de la película que vino a rodar.

En el otoño de 1966, el músico británico pasó seis semanas en Almería participando en Cómo gané la guerra (How I Won the War), la sátira bélica dirigida por Richard Lester, cineasta que previamente había dirigido dos películas sobre Los Beatles, A Hard Day’s Night (1964) y Help! (1965).

Lennon interpretó al soldado Gripweed, un papel secundario que aceptó porque quería “probar algo nuevo”. “Tenía ganas de hacer algo diferente y esta oportunidad surgió justo cuando me sentía con ganas de eso”, explicó durante una entrevista concedida al periodista Fred Robbins en el propio rodaje, en Carboneras, el 29 de octubre de 1966, según recoge la base de datos de entrevistas de Los Beatles.

El cantante aceptó porque quería “probar algo nuevo”

Aunque el cantante siempre restó importancia a su faceta como actor —“Está bien, pero no es lo más importante para mí“, dijo en aquella misma conversación—, la estancia en Almería coincidió con uno de los momentos más convulsos de su carrera. Apenas unas semanas antes, los Beatles habían ofrecido su último concierto en una gira y Lennon seguía soportando las consecuencias de la polémica desatada tras afirmar que el grupo era “más popular que Jesús”.

El viaje a España le permitió escapar, aunque solo fuera temporalmente, de esta presión. En esta entrevista publicada por la revista Look el 13 de diciembre de 1966, el músico reflexionó sobre la necesidad de alejarse del personaje que se había creado alrededor de los Beatles. “No somos los Beatles entre nosotros. (...) Cuando salimos por la puerta, nos convertimos en los Beatles porque todo el mundo que nos mira ve a los Beatles”, afirmó. En esa misma conversación añadió: “George está en la India y yo estoy aquí porque estamos un poco cansados de salir de casa, y la única manera de suavizar el golpe es repartirlo un poco”.

Su nuevo corte de pelo, impuesto por las exigencias del guion, también le devolvió una privacidad que llevaba años sin disfrutar. Durante la entrevista con Robbins recordó que había podido visitar un mercadillo sin levantar ningún tipo de sospecha. “Fui al mercadillo e hice cosas que no hacía desde hace mucho tiempo. Fue genial (...) Una o dos personas se quedaron boquiabiertas, pero nadie se dio cuenta”, explicaba.

Fue precisamente en ese ambiente de tranquilidad donde comenzó a tomar forma Strawberry Fields Forever, canción que la revista Rolling Stone nombró en 2020 como la tercera de las 100 mejores canciones de Los Beatles. Instalado en el Cortijo Romero —hoy convertido en la Casa del Cine de Almería—, Lennon escribió y grabó una primera maqueta de la canción con un magnetófono portátil antes de regresar a Londres, donde únicamente añadió un tercer verso.

Seis décadas después, el vínculo entre John Lennon y Almería sigue muy presente. La ciudad recuerda aquella estancia con una estatua del músico situada en la Plaza de las Flores, en pleno casco histórico, un homenaje al lugar donde el líder de los Beatles encontró un refugio y comenzó a dar forma a una de las canciones más importantes de su carrera.

El diálogo con el editor jefe del medio británico, Geordie Greig, permitió recorrer la vida y el presente de Rhodes, desde sus inicios en Birmingham hasta su consolidación como una figura del movimiento New Romantic.

La conversación incluyó momentos de intimidad, reflexiones sobre la creatividad, anécdotas con leyendas como David Bowie y Andy Warhol, y detalles sobre la vida del tecladista.

El consejo de Jagger y el futuro del grupo

De acuerdo con The Independent, Rhodes relató que en medio de una etapa de incertidumbre para la banda, el cantante de los Rolling Stones le transmitió un mensaje: “Mick me miró y me dijo: ‘Saben que realmente tienen que seguir juntos. Ese es su futuro’”.

Según el músico de 64 años, ese consejo evitó la ruptura de Duran Duran, según Rhodes, en los años ochenta. “Tenía razón, porque todo podría haberse desmoronado en aquel momento”, reconoció en la entrevista.

Las figuras de Mick Jagger, David Bowie y Andy Warhol marcaron diferentes etapas en la historia de Duran Duran. Contó que el impacto de Bowie fue determinante para su vocación artística. “Cuando vi a David Bowie, ya no quería ser astronauta ni mago, dos de mis primeros sueños. Quería ser músico”, recordó.

La estética y el estilo personal como sello

El tecladista se diferenció desde el inicio por su estética andrógina y su apuesta por el maquillaje, el cabello rubio y un vestuario que definieron su imagen pública. Según detalló a The Independent, ese estilo surgió mucho antes de que se popularizara el movimiento New Romantic.

El músico también aseguró que nunca abandona el delineador de ojos y que dedica diez minutos diarios a esa rutina: “Me gusta la rutina. Me miro al espejo y pienso: ‘Se ve un poco cansado’. ¡Con un poco de delineador se disimula todo!”.

Además, Rhodes confesó que no usa vaqueros porque los asocia con la pereza y prefiere prendas que reflejen su amor por la estética y la atención al detalle, influenciado por figuras como Bryan Ferry y el propio Bowie.

Supervivencia lejos de las drogas

En un contexto donde la industria del rock estuvo marcada por los excesos, Rhodes optó por alejarse de las drogas y atribuyó esa decisión a su personalidad creativa e hiperactiva. “Las drogas nunca me han atraído mucho. Mi mente va demasiado rápido. Nunca puedo relajarme, así que lo último que quería era un montón de drogas. Probé algunas y no me sentaron bien", comentó.

También destacó que “soy un poco obsesivo con el control, así que la idea de tomar algo sin saber qué va a pasar me resulta totalmente desagradable”. El músico describió que fue testigo de los efectos de las drogas en el ambiente artístico, pero logró mantenerse al margen.

El papel de Simon Le Bon y el camino hacia el éxito

Duran Duran logró consolidarse rápidamente en el mercado internacional, en parte por el impacto de su vocalista Simon Le Bon. Rhodes recordó el momento en que escuchó a Le Bon por primera vez: “Habíamos tenido varios vocalistas. Pero cuando entró y cantó una nota, pensé: ‘Eso es. Él es el indicado’”.

Para Rhodes, la voz y la presencia de Le Bon aportaron un carácter distintivo que definió el sonido de la banda. El tecladista comparó el estilo de Le Bon con figuras como Mick Jagger, David Bowie y Freddie Mercury, subrayando que “Simon tenía eso” que hacía falta para destacar en la industria musical global.

The Independent detalló que esta dinámica interna, con Le Bon como la figura pública y Rhodes como el arquitecto sonoro, formó parte de la “alquimia especial” que permitió a Duran Duran sostener su popularidad durante cinco décadas.

Vida personal y excentricidades

Entre las particularidades de Rhodes destaca su afición por coleccionar etiquetas de queso, una pasión heredada de su padre. El músico británico publicó un libro de arte abstracto y mantiene producción artística en paralelo a la música, según detalló The Independent.

Actualmente, Duran Duran sigue en actividad y Rhodes es el custodio del vestuario histórico de la banda, con la intención de que algún día forme parte de una exposición en el Victoria and Albert Museum de Londres. El recorrido de la banda y de su tecladista principal continúa en actividad, según la entrevista difundida por The Independent.

Lejos de buscar culpables o polémicas, la intérprete optó por mostrarse genuina en sus declaraciones. En una charla con Infama, reconoció estar transitando una etapa de aceptación: “El amor es un duelo, pero no, no es una recuperación. Es aceptar que se acaba una etapa y que empieza otra”. Esta visión matiza la idea tradicional de superación tras una ruptura, y abre el foco a una narrativa menos confrontativa y más introspectiva.

La artista, de 32 años, subrayó la importancia de cuidar sus palabras, especialmente en un momento de sensibilidad. Destacó que su actitud no nace del enojo, sino del deseo de actuar con madurez. “Es un gesto lógico a una persona de mi edad. Yo ya estoy en mi tercera década, soy una señora. Y sé que cuando uno está triste tiende a ser injusto y cruel. Entonces quiero no ser esa clase de persona, quiero ser amable y hablar desde el amor siempre, porque nadie tiene la culpa de cómo yo me sienta”, explicó. Esta reflexión revela una decisión consciente de evitar la hostilidad y de no atribuir responsabilidades al otro por su estado anímico ni sumarse a los rumores de terceros en discordia, que apuntan contra Tuli Acosta.

Su postura se conecta con una decisión personal: no quiere iniciar nuevas relaciones por ahora. Consultada sobre este punto, fue categórica: “No quiero conocer a nadie, ser respetuosa con el amor que siento, por más que hoy en día no elijamos que ese amor continúe. Yo siento un amor genuino y sincero y voy a seguir siendo leal y fiel a mis sentimientos”.

Lejos de alimentar la especulación mediática, ambos optaron por comunicar el final de su relación con un mensaje conjunto en redes sociales. El gesto buscaba cerrar la etapa sin dar lugar a la polémica. La cantante subrayó que no guarda resentimientos hacia su expareja e instó a que las conversaciones públicas no se tornen hostiles hacia él. “No tengo nada malo para decir de Facu. De hecho, me encantaría que le dejen de decir cosas feas, porque es la persona con la que compartí dos años, con la que idealicé un futuro entero”, afirmó.

Aclaró que la honestidad del cantante al manifestar que ya no sentía lo mismo fue un acto legítimo y que cada uno tiene derecho a buscar su felicidad. “Él ya está tomando una decisión para su vida, para ser feliz. Y es justo que cada uno sea feliz como necesita,” puntualizó, dando por cerrada cualquier insinuación de conflicto o traición.

Por eso mismo, consideró injusto que la sinceridad de Luck Ra sea castigada con insultos o críticas desde el anonimato. Esta dinámica, según ella, responde a una tendencia de las plataformas digitales a amplificar el caos y la confrontación en lugar de respetar los procesos personales.

Además, la cantante se refirió al dolor que le produce ver a sus hijas involucradas en debates ajenos a la vida familiar. Relató que, tras la separación, surgieron comentarios insinuando que ella buscaba delegar en su pareja las responsabilidades de la crianza. El tema ocupó un lugar destacado en la discusión pública y fue abordado incluso por su exnovio en declaraciones a medios.

El vínculo entre la joven, sus hijas y su expareja fue objeto de interpretaciones erróneas en el debate posterior a la ruptura. La artista se encargó de aclarar que, si bien fue el primer novio con quien convivieron sus hijas, nunca le pidió a Luck Ra asumir obligaciones paternas. “Es el primer novio mío con el que conviven mis nenas, que no es su padre. Segundo, que nunca le pedí a un hombre ni que me cuide a mis hijas, ni que lleve a mis hijas al colegio, ni que me pague una obra social”, detalló.

Negó de manera enfática haber buscado en su pareja una figura de apoyo económico o logístico para la crianza. Remarcó que siempre se hizo cargo por completo de sus hijas y que las acusaciones en sentido contrario la ofenden. “Siempre me responsabilicé en mi totalidad por mis hijas. Entonces me ofende de ese lado porque se insinúa que yo busco a alguien para hacerlo responsable de las responsabilidades que yo adquirí de chica”, sostuvo.

Hablemos de Rubber Soul, entonces. Pocos discos en la historia del pop permiten fechar con tanta precisión el momento en que una banda deja de responder a las expectativas del mercado para empezar a interrogarse a sí misma. Este disco, grabado en apenas cuatro semanas de octubre y noviembre de 1965, es uno de esos registros. Los Beatles llegaron al estudio con canciones que ya no encajaban del todo en el molde pop que los había hecho famosos: letras más ambiguas, arreglos que incorporaban el sitar y el armonio, estructuras que privilegiaban la atmósfera por encima del bait melódico inmediato. El resultado fue un álbum que no sonaba como una ruptura deliberada sino como una consecuencia natural, lo que lo hizo más perdurable que cualquier manifiesto.

Más que un estilo, Rubber Soul inauguró una actitud: la idea de que un álbum de pop podía funcionar como un objeto coherente, con una lógica interna propia, y no como una colección de singles. Esa concepción del álbum como forma artística autónoma —que luego llevarían a su expresión más elaborada en Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band dos años después— tiene su punto de origen aquí, en una serie de canciones que van de la ironía afectuosa de “Drive My Car” a la melancolía filosófica de “In My Life”, pasando por la tensión narrativa de “Norwegian Wood”. Para muchos estudiosos de la música pop del siglo XX, Rubber Soul es el disco en que el grupo de Liverpool formuló por primera vez la pregunta que definiría la segunda mitad de su carrera: ¿hasta dónde puede llegar esto?

Lo que Rubber Soul alteró no fue solo una práctica de estudio ni una tendencia de mercado: fue el estatuto cultural de la música pop. Hasta 1965, el género -asociado a los gustos “juveniles” de la época- era considerado, en los círculos intelectuales y académicos, un producto de consumo sin vocación de permanencia, un artefacto desechable por definición. Parte de ese cambio tiene un nombre propio: Bob Dylan. Su giro eléctrico de ese mismo año y su escritura confesional y críptica —que Los Beatles habían absorbido desde aquel mitificado encuentro de 1964 en un hotel de Nueva York, marihuana mediante para qué negarlo— les abrió la posibilidad de usar la canción popular como vehículo de introspección. El propio McCartney lo reconoció años después: la música de Dylan “rompió una especie de barrera mental” para ellos.

Pero Los Beatles no imitaron ese modelo; lo metabolizaron. El disco —junto con la reacción en cadena que desencadenó, desde Pet Sounds de Brian Wilson hasta Aftermath de los Rolling Stones— forzó una reclasificación del pop como forma cultural. La música pop empezó a ser leída con las herramientas críticas reservadas hasta entonces a la literatura o al cine: se hablaba de intención autoral, de unidad temática, de densidad simbólica. Ese desplazamiento significó que millones de oyentes jóvenes podían encontrar en un disco de vinilo algo que sus padres buscaban en la novela o en la sala de conciertos: un relato del mundo que los rodeaba e interpelaba.

Cómo es la edición deluxe de ‘Rubber Soul’

La grabación encontrada de Lennon, “Little Girl”, es una grabación doméstica parcialmente completa realizada en 1965. Y a diferencia de “Now and Then” —la canción presentada en 2023 como el “último tema” del grupo, completada por Paul McCartney y Ringo Starr con fragmentos de George Harrison recuperados del proyecto Anthology— esta grabación se publica tal como Lennon la dejó, sin intervención de los miembros supervivientes del grupo.

La edición Super Deluxe incluye 20 tomas inéditas de sesión y tres demos caseros, además de una nueva mezcla estéreo del álbum original, la mezcla mono original y la versión estadounidense del sello Capitol —que en su momento circuló con una lista de canciones distinta a la edición británica—, más mezclas en formato Dolby Atmos. Las nuevas mezclas fueron elaboradas con tecnología desarrollada en la productora del director neozelandés Peter Jackson, cuya vinculación con el universo beatle se remonta al magnífico documental Get Back. El trabajo de producción estuvo a cargo del productor Giles Martin -el hijo del venerable George Martin- y el ingeniero de sonido Sam Okell, el mismo equipo responsable de las ediciones especiales anteriores de la banda.

De acuerdo con lo publicado por la revista online Pitchfork, el set incluye también “Day Tripper” y “We Can Work It Out”, el single doble lanzado en paralelo al álbum en diciembre de 1965 pero que no formó parte de la edición original británica de Rubber Soul. Entre las grabaciones de sesión que se publican por primera vez figuran tres versiones distintas de “Norwegian Wood”, dos tomas de “Nowhere Man”, tres de “I’m Looking Through You” y una cinta del trabajo de composición de “Day Tripper”. También se incluye un demo de “We Can Work It Out” con la voz de McCartney y un extracto de “In My Life” con un solo de órgano que no llegó a la versión final del disco.

Más delicias (caras) para el fan coleccionista. La edición en caja de 5 LP y 4 CD viene acompañada de un libro de tapa dura de 88 páginas que incluye una introducción escrita por Paul McCartney y un prefacio compilado a partir de reflexiones de Lennon sobre Rubber Soul a lo largo de su vida. La revista inglesa MOJO detalló que también habrá versiones en formato Deluxe (2 LP / 2 CD) y Standard (1 LP / 1 CD), así como una edición en Blu-ray con audio en alta resolución a 96 kHz/24 bits y cuatro videos. Las ediciones exclusivas del sitio oficial de Los Beatles incluirán un póster y un set de tarjetas de arte, además de un picture disc en formato zoetrope (gira en forma circular con imágenes secuenciales, un típico efecto “psicodélico”).

[Video y fotos: Apple Corp]

En Apple Music, se encuentra la lista de reproducción de Barack Obama para esta época del año. Se trata de una selección anual de canciones que el expresidente comparte junto a una nota personal para sus seguidores.

La playlist, titulada Barack Obama’s Summer Songs 2026, reúne 46 canciones y casi tres horas de música que van del hip-hop al jazz, del soul clásico al indie folk.

Este año, la lista arranca con un homenaje. Obama abrió la selección con “Song of Good Hope”, del músico irlandés Glen Hansard, que murió en un accidente de motocicleta días antes de que se publicara la lista.

“Empieza con una canción que Michelle y yo amamos, de Glen Hansard, un gran músico que falleció trágicamente esta semana. Nuestros corazones están con su familia”, escribió el expresidente en su nota en Medium.

Qué canciones incluye la lista de reproducción de Obama

Desde ese punto de partida reflexivo, la selección acelera el ritmo. Obama incluyó “the one”, del cantante de R&B Gabriel Jacoby, y “girl, get up.”, la colaboración de Doechii y SZA.

También hizo lugar para el rap del sur de Florida con “Motion Party” de BossMan Dlow, y para el indie folk de Noah Kahan con “Doors”.

El repertorio de clásicos es igualmente extenso: Marvin Gaye, David Bowie, The Police, Nina Simone, Chaka Khan, Neil Young, The Beatles, The Temptations y Johnny Cash conviven en la misma lista con lanzamientos recientes.

Entre las sorpresas más comentadas figura “Ran to Atlanta”, de Drake junto a Future y Molly Santana, del álbum ICEMAN.

La lista también incorpora artistas de habla hispana. “Inglés En Miami”, de Rawayana y Manuel Turizo, y “La Father (remix)” de Vale Pintos, Brytiago, Casper Mágico y Héctor “El Father” figuran entre los títulos.

La selección se completa con “Candela” del Buena Vista Social Club, “I Ka Barra” de Habib Koité & Bamada y “Emmanuele” del chelista Abel Selaocoe.

El expresidente cerró su publicación con una invitación abierta: “Siempre estoy buscando canciones nuevas para escuchar, así que compartan sus recomendaciones en los comentarios”.

La playlist está disponible en Apple Music. Obama también publicó su lista anual de lecturas recomendadas para el verano en la misma entrada de Medium.

Apple Music incrementó sus suscripciones

Apple Music subió sus precios el 17 de julio de 2026 en Estados Unidos y otros mercados del mundo, en lo que la compañía atribuyó al encarecimiento de los costos de licencias musicales.

El plan Individual pasó de USD 10,99 a USD 11,99 mensuales, el Familiar registró el mayor ajuste al escalar de USD 16,99 a USD 19,99, y el Estudiantil subió de USD 5,99 a USD 6,99.

La empresa declaró al portal especializado Music Business Worldwide: “Como resultado del aumento en los costos de licencias, Apple Music está incrementando su precio de suscripción a partir de hoy”.

No es la primera vez. En octubre de 2022, Apple ya había aplicado un ajuste similar bajo el mismo argumento, cuando el plan Individual pasó de USD 9,99 a USD 10,99, y añadió entonces que “los artistas y compositores ganarán más por el streaming de su música”.

Los suscriptores existentes serán migrados al nuevo esquema en su próximo ciclo de facturación, con aviso previo de Apple; los nuevos usuarios pagan las tarifas actualizadas desde el primer día.

El alza también alcanzó a los paquetes de Apple One: el Familiar subió a USD 27,95 y el Premier a USD 39,95, aunque el plan Individual de Apple One no registró cambios.

En febrero de 2026, Spotify también actualizó sus precios en Estados Unidos: su plan Individual cuesta ahora USD 12,99, el Familiar USD 21,99 y el Estudiantil USD 6,99.

Con su nuevo precio de USD 11,99, Apple Music mantiene una diferencia de un dólar por debajo del plan Individual de Spotify.

La plataforma de streaming musical Spotify anunció el lanzamiento de ‘Notas de usuario’, una función que permite a los usuarios añadir notas personalizadas a canciones individuales dentro de sus playlists.

El objetivo de Spotify con esta función es crear una experiencia más íntima y diferenciada frente a competidores como Apple Music y YouTube Music. Con Notas de usuario, los usuarios podrán dejar mensajes junto a cada pista, como el motivo por el que se agregó una canción o el momento en que la descubrieron. Por ejemplo, una persona puede recordar que halló un tema caminando por las calles de París o que lo escuchó durante una primera cita.

“Con el tiempo, estas notas pintan un panorama de la música que aman los oyentes y los momentos que la han marcado”, indicó Spotify a TechCrunch.

“Notas de usuario transforma las playlists de simples colecciones de canciones a espacios personales para el descubrimiento musical, uniendo personalización y contexto sobre la música que importa a cada uno”, agregó la empresa.

Personalización que revive el espíritu del mixtape

La llegada de Notas de usuario evoca el antiguo ritual de crear mixtapes en cassette, donde muchos aficionados dedicaban horas no solo a seleccionar canciones, sino también a escribir comentarios y dedicatorias en tarjetas.

Este componente emocional regresa ahora en formato digital, y permite añadir mensajes que, en algunos casos, pueden ser confesiones o detalles personales que resultan más sencillos de compartir a través de la música.

Con esta función, Spotify recupera parte del encanto que caracterizaba a los cassettes y sus acompañantes manuales. El proceso de añadir una nota es sencillo: basta con ingresar a un playlist propio o uno que incluya canciones seleccionadas, pulsar el menú de tres puntos junto al título de una pista y seleccionar la opción “Agregar nota”.

Después de escribir el mensaje, este queda guardado y se muestra debajo del nombre de la canción, junto con el nombre del usuario vinculado a su perfil.

Cómo funciona Notas de usuario y quiénes pueden acceder

La función está disponible para usuarios de Spotify mayores de 16 años, tanto en la versión gratuita como en la suscripción Premium, en mercados seleccionados. El despliegue de la característica será gradual y, por el momento, se limita a ciertos países.

Para incorporar una nota, se deben seguir estos pasos: dirigirse a la playlist, ubicar la canción deseada, hacer clic en el menú de tres puntos, elegir “Agregar nota”, escribir el mensaje y guardarlo. El contenido será visible para quienes tengan acceso a la lista de reproducción correspondiente, y el nombre del autor de la nota aparecerá enlazado a su perfil de usuario.

Esta herramienta no solo facilita compartir pensamientos o recuerdos vinculados a cada canción, sino que también abre la posibilidad de profundizar en el intercambio social a través de las playlists, ya que otros pueden leer e interpretar los comentarios dejados por amigos o seguidores.

Nuevas funciones para enriquecer la experiencia musical

El lanzamiento de Notas de usuario no fue la única novedad presentada por Spotify. La compañía también dio a conocer el Running Mode, una modalidad que selecciona canciones en función de las distintas etapas de una carrera y del ritmo del usuario. Este modo está dirigido a quienes cuentan con una suscripción Premium y solo está disponible en determinados países.

La apuesta de Spotify por la personalización y la interacción con sus playlists se consolida con estas nuevas herramientas. Según la empresa, busca fortalecer el vínculo emocional entre los oyentes y su música, y ofrece recursos para que cada lista de reproducción se convierta en un espacio más expresivo y memorable.

Configurar YouTube Music para alcanzar una experiencia auditiva casi similar a la que ofrece Spotify es posible, aunque existen diferencias técnicas en la calidad del audio entre ambas plataformas. Mientras que servicios como Tidal o Qobuz destacan por sus opciones en alta fidelidad y archivos lossless, la plataforma de streaming de música de Google compensa con un amplio catálogo de colaboraciones, directos y videos musicales exclusivos.

No obstante, con algunos ajustes simples, los usuarios pueden mejorar notablemente el sonido en YouTube Music, acercándose al nivel que muchos esperan de un servicio de streaming musical de referencia.

Cómo aumentar la calidad de audio en YouTube Music paso a paso

La mejora en la calidad de audio dentro de YouTube Music requiere que el usuario realice una serie de configuraciones específicas en la aplicación. El proceso es rápido y no exige conocimientos técnicos avanzados. Para comenzar, es necesario ingresar a la app de YouTube Music instalada en el dispositivo móvil, ya sea con sistema operativo Android o iOS.

Aunque la apariencia de los menús puede variar levemente entre ambos sistemas, las opciones disponibles son equivalentes.

Una vez dentro de la aplicación, el primer paso consiste en acceder al perfil del usuario, ubicado en la parte superior derecha de la pantalla. Al pulsar sobre la foto de perfil, se desplegará un menú en el que debe seleccionarse el apartado de configuración.

En este menú, se encuentra la sección denominada ‘Ahorro de datos’. Al ingresar allí, se abren diversas opciones relacionadas con el consumo de datos y la calidad de reproducción.

Dentro de este apartado, el usuario puede elegir la calidad de audio que desea para la reproducción de música según el tipo de conectividad disponible, como datos móviles o Wi-Fi. Las opciones son cuatro: baja, normal, alta y siempre alta.

Por defecto, la plataforma utiliza la calidad normal, que corresponde a una tasa de bits máxima de 128 kbps. Sin embargo, es posible aumentar la calidad seleccionando la opción alta, que eleva la tasa de bits hasta 256 kbps. Este cambio resulta perceptible para quienes cuentan con auriculares de buena calidad y buscan un sonido más limpio y definido.

Es importante mencionar que el acceso a las opciones de mayor calidad está restringido a quienes poseen una suscripción prémium de YouTube Music. Los usuarios que utilizan la modalidad gratuita únicamente tienen disponible la calidad normal, sin posibilidad de modificación.

Ajustes para la calidad de las canciones descargadas en YouTube Music

Además de optimizar la reproducción en streaming, los suscriptores prémium de YouTube Music pueden mejorar la calidad de las canciones que descargan para escuchar sin conexión.

Para realizar este ajuste, es necesario regresar al menú de configuración y acceder a la sección ‘Descargas y almacenamiento’. Allí se encuentra la opción ‘Calidad del audio’, que permite seleccionar entre tres niveles: baja, normal y alta.

Al elegir la calidad alta para las descargas, la tasa de bits se sitúa en 256 kbps, lo que incrementa el tamaño de los archivos y, por ende, el espacio que ocupan en la memoria del dispositivo. Esta mejora en la calidad de audio también implica que la transferencia de canciones requerirá una mejor conectividad para completarse sin inconvenientes.

Cabe aclarar que las canciones ya descargadas no se actualizan automáticamente al modificar la configuración de calidad. Por lo tanto, si el usuario desea que sus archivos offline reflejen la nueva configuración, deberá eliminar manualmente las descargas previas y volver a descargarlas desde la aplicación.

Aunque YouTube Music no ofrece calidad de audio lossless como Tidal o Qobuz, ni iguala la fidelidad sonora que algunos usuarios encuentran en Spotify, presenta ventajas propias. Su catálogo incluye grabaciones en directo, colaboraciones poco habituales y videos musicales exclusivos, elementos que enriquecen la experiencia del usuario más allá de la calidad de sonido.

El miércoles, la policía irlandesa emitió un comunicado de prensa sobre un accidente de motocicleta de un solo vehículo que tuvo lugar en la zona de Lucan, al oeste de Dublín, en la madrugada del miércoles. El comunicado no mencionó el nombre Hansard, pero indicó que la víctima era un hombre de unos cincuenta años. Posteriormente, los medios irlandeses informaron que la víctima era el músico y compositor.

Glen Hansard, quien comenzó como músico callejero en las calles de Dublín, formó The Frames en 1990, y la banda llegó a tener múltiples discos exitosos en Irlanda. Alcanzó la fama internacional después de protagonizar Una vez, la tierna historia de un músico callejero irlandés y la pianista checa de la que se enamora. Él y su coprotagonista, Markéta Irglová, ganaron un Oscar por la canción “Falling Slowly,” que aparece en la película (ver video). “No puedes dejar de mirarlos,” escribió el crítico A.O. Scott sobre el Hansard y Irglová en una reseña en video para The New York Times, añadiendo que la película era “casi perfecta.” En 2012, una versión musical se estrenó en Broadway, donde se mantuvo durante casi tres años. Recibió 11 nominaciones a los premios Tony y ganó ocho, incluyendo mejor musical, mejor actor principal (Steve Kazee) y mejor director (John Tiffany).

Previamente, Hansard había tenido un pequeño papel en la película de 1991 sobre una banda de soul, Camino a la fama-The Commitments y en una entrevista en 2007 dijo que había sido reacio a volver a actuar. “Realmente creo en apegarse a tu arte,” dijo. Finalmente aceptó el papel en Una vez con la condición de que pudiera irse si los primeros días de rodaje no resultaban bien.

Quién fue Glen Hansard

Glen James Hansard nació en Dublín el 21 de abril de 1970, hijo de James y Catherine (Cahill) Hansard. Creció en un hogar de clase trabajadora, dijo a The New York Times en 2012, y comentó que su padre, bebedor empedernido, era propenso a episodios de violencia. “Mi papá era callado, enojado, retraído,” dijo, “así que lo mío es: expreso todo lo que hay. Quiero sacarlo todo.” Cuando un tío dejó una guitarra después de ser enviado a prisión, él tomó el instrumento.

“Estaba en un momento difícil; me estaba metiendo en problemas,” dijo en una entrevista reciente en el pódcast Track Star. Pronto se enamoró de la música de Bob Dylan, Leonard Cohen y Van Morrison. Abandonó la escuela en su adolescencia para tocar en la calle y en bandas, y alrededor de los 20 años formó The Frames. Consiguió un papel en Camino a la fama-The Commitments, sobre un grupo de jóvenes de clase trabajadora en Irlanda que forman una banda de soul de diez integrantes, cuando acompañó a un amigo que iba a una audición. “Daba el perfil,” dijo. “Tenía el pelo rojo y tocaba la guitarra. Leí unas líneas y conseguí el papel.”

Una vez, escrita y dirigida por John Carney, uno de los excompañeros de banda, se filmó en 17 días con un presupuesto modesto. Se convirtió en un éxito cuando una versión finalizada se proyectó en el Festival de Cine de Sundance a principios de 2007. Hansard, quien inicialmente se resistió a la idea de convertir Una vez en un musical, finalmente le dio su visto bueno. “Olvida el ser correcto,” recordó haberle dicho luego a Steve Kazee, el actor que interpretó su papel en Broadway. “La musa odia lo correcto.”

En los años posteriores a Una vez, se volcó en el trabajo en solitario, lanzando álbumes como Didn’t He Ramble (2015), el cual fue nominado a un Grammy como mejor álbum folk. También formó The Swell Season, un dúo folk, con Markéta Irglová, su coprotagonista en Una vez y en algún momento su pareja sentimental.

Luchó por la concientización sobre la situación de las personas sin hogar y protestó por la escasez de viviendas. Actuaba a menudo en el evento anual Christmas Eve Busk en Dublín, un evento que recauda fondos para ayudar a personas en riesgo de quedarse sin hogar. Le sobreviven su esposa, Maire Saaritsa; un hijo, Christy; y tres hermanos.

Dijo en la entrevista en 2012 que siempre se encontraba cantando “dentro del lenguaje vernáculo de la canción de amor,” pero que su música no se trataba simplemente de romance. “También es la relación entre yo y mi país, yo y mis amigos, yo y yo mismo, yo y mi dios,” dijo. “No siempre se trata de mí y mi chica. Es solo el lenguaje al que me he acostumbrado.”

Fuente: The New York Times

El actor y comediante mexicano arrancó el clip con una broma característica: advirtió a su audiencia que no sabían que tocaba el piano y procedió a palpar el instrumento sin ejecutar nota alguna. Lo que vino después dejó a más de uno sin palabras.

Balada para Adelina, la pieza que nadie esperaba

Derbez interpretó al piano lo que varios seguidores identificaron en los comentarios como Balada para Adelina, la célebre composición del pianista francés Richard Clayderman, ampliamente conocida en América Latina como pieza de quinceañeras y ceremonias.

“Entré por el chiste... me quedé por el piano”, escribió uno de los usuarios, en una frase que resumió el sentir generalizado de la audiencia. Otro comentario señaló: “¿Y lo toca de verdad?”, mientras que una seguidora recordó que ya había visto al actor tocar en el video de Los Destrampados.

Asombro, humor y peticiones en los comentarios

La publicación acumuló más de 2.400 “me gusta” y 90 comentarios en cuestión de minutos, con reacciones que combinaron el asombro genuino y el humor típico asociado a la imagen del comediante.

Entre los comentarios predominaron los emojis de aplausos y corazones, aunque tampoco faltaron las bromas: varios usuarios le pidieron que tocara canciones de Dragon Ball GT, El sonido del silencio o Hijo de la luna, y al menos tres le preguntaron cuánto cobraba para amenizar una fiesta de quince años.

Una seguidora lo bautizó como “Eugenio Claiderman”, mientras que otra lo describió como “toda una cajita de sorpresas”.

La familia musical de los Derbez

El talento musical no es exclusivo del patriarca. Su hija menor, Aitana Derbez, de 11 años, también ha demostrado habilidades al piano desde pequeña, y su madre, Alessandra Rosaldo, es cantante y una de las voces del grupo Sentidos Opuestos, agrupación emblemática del pop latino de los años 90.

Derbez y Rosaldo llevan 20 años juntos y 14 de matrimonio. Se casaron el 7 de julio de 2012 en la Ciudad de México. Aitana es la menor de los cuatro hijos del actor; los otros tres, Aislinn, Vadhir y José Eduardo, son fruto de relaciones anteriores y protagonizaron junto a su padre el reality De viaje con los Derbez.

Un 2026 cargado de proyectos

El video llega en uno de los momentos más activos de la carrera de Derbez. A sus 64 años, el comediante filma actualmente un drama en inglés en Atlanta, su primer papel serio para el mercado estadounidense, y tiene programado el estreno de un largometraje para mediados de 2026.

Además, confirmó su regreso como la voz de Burro en Shrek 5, prevista para el 30 de junio de 2027, tras negociar con la producción el derecho a adaptar el guion para el público latino. En octubre de 2025, junto a su familia, lanzó DRBZ Estudio Digital, una productora orientada a cine, televisión y plataformas digitales.

Derbez también lleva una década intentando concretar la película de La Familia P. Luche, proyecto que sigue frenado por la falta de acuerdo con Televisa para recuperar los derechos de la serie. Su meta declarada sigue siendo dirigir una película en inglés y trabajar junto a figuras como Meryl Streep o Robert De Niro.

Aislinn Derbez, entre el duelo y el mayor reto de su carrera

La hija mayor del comediante atraviesa uno de los períodos más intensos de su vida personal y profesional. El 24 de noviembre de 2025, Gabriela Michel, actriz de doblaje y madre de Aislinn, falleció a los 65 años a causa de un infarto. La propia actriz confirmó la noticia esa misma noche a través de Instagram: “Con profunda tristeza comparto que mi mamá falleció a causa de un infarto. En este momento necesito vivir mi duelo en paz”, escribió.

Apenas ocho meses después de esa pérdida, Aislinn estrenó en cines Hasta el fin del mundo, un drama romántico de época ambientado en la España de la dictadura franquista, que ella misma produjo y protagoniza junto a su exesposo Mauricio Ochmann. La película llegó a las salas el 23 de julio de 2026, casi una década después de que el proyecto cayera en sus manos cuando ambos aún eran pareja.

El reencuentro profesional con Ochmann, de quien se divorció en 2020, no fue sencillo. Aislinn reconoció que acudió a terapia antes de iniciar el rodaje para confirmar que estaba lista para enfrentar un proyecto tan personal. Describió la cinta como “la mejor película de mi carrera, por todo lo que implica”, pese al escepticismo de inversionistas que preferían verla en comedias románticas.

Romeo Bongiovi, el hijo menor del rockero Jon Bon Jovi, confirmó que su vocación musical tomó forma cuando tenía 16 años, durante una visita a una escuela de música en Miami. El joven de 22 años lo contó en una entrevista para la serie de YouTube The Dory Jackson Interview, donde también repasó su formación universitaria y su visión sobre la fama.

Según informó la revista People, Bongiovi integra la banda de rock Lawn, con sede en Los Ángeles, junto a Daniel Coppola y Cliff Dobson. El grupo lanzó su primer EP, House Party Hero, en abril de 2025, y luego publicó el sencillo LASO. Romeo se graduó en mayo de 2026 en la Frost School of Music de la Universidad de Miami, en Florida.

De la secundaria a la universidad: un cambio de mentalidad

Durante la entrevista, Romeo rememoró un episodio que vivió cuando estaba cursando la escuela secundaria. En ese momento, llegó a la conclusión de que no necesitaba realizar estudios formales para poder dedicarse a la música. “Durante mucho tiempo en la secundaria, cuando tuve claro que quería hacer música, pensé para mí: ‘Si vas a una universidad de música, entonces eres un total impostor’”, afirmó Bongiovi en declaraciones que fueron recogidas por la revisitaPeople.

Ese prejuicio cambió cuando visitó el campus de Miami por primera vez. Al recorrer las instalaciones, sintió algo que no esperaba. “Recuerdo haber visitado Miami y ver los campus y pensar: ‘Okay, esto es para mí‘. Tenía 16 años y supe que la música era lo que quería hacer, porque por primera vez me sentí realmente en casa", afirmó.

Esa experiencia lo convenció de inscribirse. Durante su paso por la Frost School of Music, Romeo y su banda organizaron conciertos en su propia casa para difundir su música y conectar con nuevos oyentes. Fue allí donde conoció a varios de sus actuales colaboradores.

Sin ayuda del padre y sin etiquetas de nepotismo

El distanciamiento de Romeo del apellido familiar es deliberado. Su padre fue consultado sobre el tema en una entrevista con The Independent en noviembre de 2025, y sus palabras fueron elocuentes. “La gente habla de los nepo babies, pero yo no estoy involucrado en nada de eso. Él tiene su propia visión, y eso es algo que realmente aprecio”, señaló Jon Bon Jovi.

El músico, explicó que únicamente llegó a escuchar los primeros sencillos que su hijo lanzó al público. Romeo, mantiene deliberadamente ese límite en la relación profesional con su padre y lo hace con un propósito claro.

En tano, la banda Lawn desarrolla su carrera y va forjando su propio lugar dentro de la escena musical desde los comienzos, partiendo de una posición modesta, sin depender del respaldo de la figura paterna ni contar con el apoyo de la industria en la que está involucrado su padre.

La fama no es el objetivo

El joven también fue directo sobre su relación con la celebridad. “No me gusta la idea de ser famoso”, admitió en The Dory Jackson Interview, según consignó OK Magazine. El músico explicó que prefiere enfocarse en construir vínculos reales con su audiencia antes de pensar en escalar a nivel global.

“Conozco a algunos artistas que son bastante populares o están en ascenso, pero mantienen todo tan local que conocen a todos sus fanáticos", dijo Bongiovi, quien ve en ese modelo una forma de no perder el norte. “Si te concentras demasiado en la dominación mundial, en última instancia puedes perder la visión”, concluyó.

Ahora instalado en Los Ángeles, el joven artista aseguró que su prioridad es conocer gente nueva y expandir su red de forma orgánica.

Tras varios meses de gira por España, La Oreja de Van Gogh acaba de anunciar su regreso junto a Amaia Montero en los escenarios de Latinoamérica. La banda ha confirmado que llevará su tour Tantas cosas que contar a seis países de la región en marzo de 2027, abriendo una etapa distinta para sus seguidores fuera de España que llevaban, desde que se anunció la vuelta de la cantante, esperando este momento.

La productora Get In ha adelantado que el periplo latinoamericano tendrá su punto de partida en Quito (Ecuador) el 10 de marzo, para luego continuar en Bogotá (Colombia) el 12 de marzo, en Lima (Perú) el 14 de marzo, en Montevideo (Uruguay) el 17 de marzo, en Buenos Aires (Argentina) el 19 de marzo y en Santiago de Chile el 26 de marzo.

Tras agotar entradas en varios recintos de España desde el inicio de la gira el 9 de mayo de 2026 en Bilbao, la formación guipuzcoana ha trabajado en su reencuentro con el público más allá de su propio país, con una propuesta tanto marcada por el regreso de Amaia Montero como por la salida del guitarrista Pablo Benegas.

Un reencuentro con las canciones “más emblemáticas”

El grupo ha destacado la emoción de volver a cruzar el Atlántico, después de una temporada intensa en su país natal. En palabras recogidas por la productora, el tour representa una oportunidad de “reencontrarse con el público latinoamericano y compartir las canciones que han marcado su historia”. La gira Tantas cosas que contar se presenta así como un recorrido por el repertorio clásico del grupo, pero también como una vuelta a unos escenarios y un público que, según la banda, “siempre han mostrado un cariño especial”.

El grupo asegura que la gira será “una celebración de su trayectoria, con espacio para las canciones más emblemáticas y también para las nuevas emociones”. La confirmación de fechas en seis ciudades principales de Sudamérica anticipa una demanda alta de entradas, tras el éxito de ventas en España. En esta nueva etapa, la banda buscará consolidar su vínculo con audiencias que, como reconocen, han sido “parte fundamental del viaje” de La Oreja de Van Gogh.

Los conciertos que quedan en España

Ahora bien, antes de emprender este nuevo viaje juntos, al grupo todavía le queda un largo recorrido en su tour de 2026. Tras su concierto del 1 de agosto en Donostia, el grupo hará un parón de actuaciones durante tres semanas para regresar a Santander el 21 de agosto, para concluir el mes con un concierto en Valladolid el 27. Ya en septiembre, tocará un doble show en Valencia (4 y 5 de septiembre) y en A Coruña (11 y 12 de septiembre). Después, el grupo volverá a Madrid para actuar el 22 y 23 de septiembre.

En otoño, la banda continuará con shows en Zaragoza (9 y 10 de octubre) y en Gran Canaria y Tenerife (23 y 24 de octubre), respectivamente. Volverán al Palau Sant Jordi de Barcelona el 6 y el 7 de noviembre, para después marchar a Pamplona (20 y 21 de noviembre) y dar un tercer y un cuarto concierto en la ciudad condal (26 y 27 de noviembre). Las últimas fechas de la gira serán en Bilbao, el 5 de diciembre, y en Madrid, el 30 de diciembre. Así, será en el Movistar Arena donde La Oreja de Van Gogh dé por concluida la primera etapa del regreso de su vocalista.

Poner la lista favorita de música y darle a play acompaña a cada sesión de limpieza. “Háblame de ti” de Los Pecos, “Every breath you take” de The Police o “Corazón partío” de Alejandro Sanz son algunas de las canciones que pueden sonar mientras se pasa el polvo en casa. Es una manera de amenizar la tarea rutinaria y también para levantar el ánimo y transformar el hogar. Puede parecer un simple gesto, pero podría revelar aspectos profundos sobre la forma en que cada individuo gestiona su bienestar cotidiano, según la web el Rincón de la Psicología.

La música, presente en innumerables momentos de la vida diaria, adquiere una dimensión particular cuando acompaña actividades consideradas poco estimulantes. La psicóloga Jennifer Delgado Suárez, responsable del análisis recogido en la web, sostiene que “lo que parece un simple hábito, en realidad dice bastante sobre cómo gestionamos nuestras emociones, la motivación e incluso la forma de relacionarnos con nosotros mismos”. Esta misma perspectiva es la que ha llevado a numerosos especialistas a profundizar en la relación entre el uso de la música y la personalidad.

Escuchar música no es solo diversión, es una expresión de esa personalidad. Las personas que ponen música durante la limpieza tienden a buscar lo positivo, incluso en tareas poco atractivas, lo que se asocia a una mayor inteligencia emocional, según Delgado.

Qué revela la psicología sobre escuchar música al limpiar

El estudio de la Universidad de Massachusetts citado por la experta indica que el tipo de música seleccionado responde a diferentes objetivos que se pueden perseguir. Los ritmos enérgicos como la electrónica ayudan a activar y motivar, mientras que los géneros más suaves, como el soul, favorecen la relajación. Esta variedad demuestra que escuchar música para limpiar es una estrategia activa para regular el estado de ánimo y reducir la percepción de esfuerzo.

Además, la música sirve como barrera frente al aburrimiento y mantiene la mente ocupada durante tareas repetitivas. La preferencia por listas de reproducción específicas para limpiar refleja una personalidad estructurada y orientada a la eficiencia.

Según Rincón de la Psicología, quienes optan por este hábito buscan amenizar la limpieza y han encontrado en la música una herramienta para mejorar su bienestar y transformar una obligación cotidiana en un momento personal.

Beneficios prácticos de escuchar música al limpiar

Más allá de los rasgos de personalidad, la música aporta ventajas en el día a día. Entre ellas, la experta señala el romper la paralización del primer paso y facilitar el inicio de la tarea que se tenga enfrente. También mantiene un ánimo estable y disminuye la fatiga asociada a las labores domésticas. La música también actúa como barrera frente al aburrimiento y ayuda a transformar una obligación en un momento personal de bienestar, que puede percibirse como un espacio propio dentro de la rutina.

Para la especialista, “convertir una tarea aburrida en algo más llevadero e incluso disfrutable dice mucho sobre cómo lidias con el esfuerzo y te relacionas contigo mismo”. La suma de estudios recientes confirma el valor de la música como herramienta para el equilibrio emocional y el bienestar, especialmente en quienes han incorporado este hábito a sus rutinas cotidianas.

Escuchar música durante el entrenamiento no aumenta la fuerza ni modifica la respuesta física del cuerpo, pero sí permite sostener el esfuerzo por más tiempo.

Así lo señala un un estudio de la Universidad de Jyväskylä en Finlandia cuya investigación encontró que hacer ejercicio con canciones elegidas por los propios participantes ayudaba al cerebro a tolerar mejor una rutina intensa sin que al final se perciba más cansancio.

La diferencia promedio fue de casi seis minutos entre entrenar con música y hacerlo en silencio. Ese aumento equivale a cerca de 20%, un margen que los especialistas vincularon con motivación, concentración y estado de ánimo durante la actividad física.

El estudio incluyó a 29 adultos físicamente activos que realizaron dos sesiones de ciclismo al 80% de su potencia máxima. En la prueba sin música, el tiempo promedio fue de 29.8 minutos; con sus canciones preferidas, la media subió a 35.6 minutos.

La música prolonga la rutina sin cambiar la carga fisiológica

El investigador Andrew Danso, quién encabezó el trabajo, explicó que el efecto no aparece en la capacidad física como tal, sino en la tolerancia al esfuerzo: “La música que uno mismo elige no cambia tu nivel de condición física ni hace que tu corazón trabaje mucho más en ese momento; simplemente te ayuda a tolerar el esfuerzo sostenido durante más tiempo”.

Los investigadores observaron que la frecuencia cardíaca, los niveles de lactato y otros indicadores fisiológicos fueron prácticamente iguales al terminar ambas pruebas. Eso significa que la música no hizo que el organismo trabajara más, sino que extendió el tiempo de ejercicio sin elevar la percepción final del esfuerzo.

Ese dato responde al punto central del hallazgo: entrenar con música no vuelve más fuerte a una persona ni mejora de inmediato su rendimiento físico medible, pero sí puede ayudarle a durar más en una sesión intensa. El beneficio, según el estudio, está en la capacidad de sostener la actividad.

La elección personal de canciones puede ayudar a mantener la constancia

Danso señaló que este recurso puede servir sobre todo a quienes batallan para mantener rutinas demandantes. “Puede ser una herramienta increíblemente sencilla y gratuita que permite a las personas esforzarse más en el entrenamiento sin sentir un esfuerzo adicional al final. Nuestros hallazgos sugieren que la lista de reproducción adecuada puede hacer que las sesiones difíciles sean más llevaderas y más agradables”.

El investigador agregó que muchas personas dejan el ejercicio porque sienten agotamiento demasiado rápido. Por eso sostuvo: “Nuestra investigación demuestra que permitir que las personas elijan su propia música motivadora puede ayudarles a acumular más tiempo de entrenamiento de calidad”.

Para los especialistas, incorporar música durante la actividad física representa una estrategia simple, accesible y de bajo costo frente al sedentarismo. La lógica del estudio apunta a que, si una sesión resulta más agradable y sostenible, más personas podrían mantenerse activas por más tiempo y mejorar su salud sin equipo costoso ni métodos complejos.

La cantante dio inicio a la noche con una entrada directa y sin rodeos. Los primeros acordes de Ramen para dos y Diskoteca sirvieron para encender el ánimo de los asistentes, quienes respondieron entregándose por completo desde los primeros minutos. El ambiente quedó definido desde el arranque: cercanía, participación y una artista que buscó en cada momento el intercambio genuino con sus seguidores.

Uno de los momentos centrales de la noche llegó cuando María invitó al escenario a Yasmín, una de las asistentes al concierto. La joven se sumó a la artista para cantar juntas durante unos minutos, en un gesto que transformó el show en una experiencia inolvidable tanto para la invitada como para el público. “Justo Yasmín llegó en el momento indicado donde la cumbia se prende”, expresó la cantante, generando expectativa y entusiasmo en todos los presentes.

A continuación, María propuso: “Así que bueno, Yasmín, vamos a cantar esta canción juntas”, y ambas comenzaron a interpretar 7 vidas. La reacción de los asistentes no se hizo esperar: la ovación y los gritos de aliento reforzaron el clima de complicidad entre artista y seguidores. El protagonismo de Yasmín sobre el escenario se convirtió en el símbolo de una velada donde la barrera entre público y artista se desdibujó en favor de la celebración colectiva.

La artista alternó a lo largo del show sus temas más populares con canciones de un carácter más personal. Uno de los momentos más esperados por los seguidores llegó cuando María anunció la interpretación de Perdidamente, una de las primeras canciones de su carrera. La artista explicó el motivo detrás de su regreso al repertorio: “Y siempre la piden mucho. Que la cante, que la cante, que la cante. Y bueno, para esta gira decidimos incluirla porque siempre tratamos de escuchar lo que ustedes nos dicen”.

El pedido constante de esta canción se hizo sentir. Al sonar los primeros acordes, la respuesta fue inmediata: los asistentes corearon el tema a viva voz, demostrando el vínculo emocional que existe entre la artista y su público. El momento dejó en claro que la interacción no se limita a lo que ocurre sobre el escenario, sino que se construye a partir del intercambio y el reconocimiento de los deseos de quienes la acompañan.

Antes, al interpretar Ojalá, María compartió con los presentes que se trataba de una de sus canciones favoritas, escrita “con mucho rencor” tras una decepción amorosa, lo que añadió un matiz de confesión íntima a la velada. El repertorio, cuidadosamente seleccionado, permitió a la cantante alternar entre la energía de los hits y la profundidad de temas personales, consolidando la complicidad con sus seguidores.

El concierto ofreció una secuencia de temas que recorrieron diferentes etapas de la carrera de María Becerra. Incluso la artista presentó en directo Así, su nuevo sencillo junto a Abraham Mateo, que se estrenó esa misma noche ante el público español.

Cada interpretación fue recibida con entusiasmo y participación activa de los asistentes, quienes acompañaron a la artista en cada estribillo. El repertorio equilibró los éxitos más reconocidos y las composiciones que reflejan historias personales, en un intento claro de abarcar todas las facetas de su trayectoria musical.

La estructura del show permitió que cada segmento tuviera su propio clima, desde la euforia colectiva hasta la introspección, generando una experiencia dinámica que mantuvo la atención del público durante toda la noche.

En una semana marcada por los incendios que afectan a distintos puntos de España, María dedicó un momento del concierto para expresar su apoyo a quienes luchan contra el fuego. La artista pidió un aplauso para los bomberos que se encontraban trabajando en las labores de extinción y envió un mensaje de aliento a todas las personas afectadas por las llamas. Sus palabras fueron respondidas con una ovación generalizada, en una muestra de empatía y solidaridad colectiva.

El gesto de la cantante no solo reflejó su sensibilidad ante la situación de emergencia, sino que también reforzó el lazo con el público español, que reconoció el mensaje con calidez y agradecimiento.

Durante el espectáculo, incluso hizo una pausa para agradecer el cariño recibido en España, destacando la hospitalidad y el entusiasmo con que fue acogida en cada presentación. El público respondió con muestras de afecto a lo largo de la noche, consolidando una relación que trascendió lo musical para convertirse en una celebración compartida.

La combinación de grandes éxitos, estrenos, gestos de cercanía y mensajes de apoyo a la comunidad definió una noche donde la reciprocidad entre artista y público fue protagonista.

Cosquín Rock ya encendió motores para su edición 2027 y la noticia se instaló rápidamente en el ámbito artístico de todo el país. Córdoba volverá a recibir a miles de personas en el Aeródromo Santa María de Punilla, un escenario convertido en sinónimo de fiesta, encuentro y buena música. La organización confirmó oficialmente que el festival más grande de Latinoamérica se celebrará el sábado 6 y el domingo 7 de febrero del próximo año, renovando la tradición que lo ubica como uno de los eventos más esperados del verano.

Este miércoles 29 de julio, apenas se habilitó la venta de tickets, la respuesta fue inmediata: las dos primeras etapas de entradas, “Yendo” y “Llegando”, se agotaron en cuestión de horas. El fenómeno de Cosquín Rock sigue creciendo y quienes buscan asegurar su lugar no dudaron en lanzarse a la compra anticipada. Esta tendencia ya se volvió parte del folclore festivalero; los más previsores no solo adquieren sus entradas, sino que también comienzan a buscar alojamiento en la zona antes de que los precios suban o los cupos se agoten. Córdoba, como cada verano, se prepara para recibir una ola de visitantes que llegan con ganas de vivir dos jornadas a pura música y compartir la experiencia con amigos o en familia.

La edición 2027 promete mantener el espíritu que convirtió a Cosquín Rock en un clásico argentino: dos días consecutivos repletos de shows, diversidad de géneros, propuestas gastronómicas y ese aire especial que solo se respira en las sierras. El festival invita a disfrutar tanto de los artistas consagrados como de las nuevas propuestas, alentando la convivencia de distintas generaciones y estilos en un mismo predio. El Aeródromo Santa María de Punilla volverá a ser el punto de encuentro de miles de personas que llegan de todas partes del país y la región.

Aunque la grilla del Cosquín Rock 2027 aún no fue confirmada, la expectativa crece a medida que pasan los días. Si bien muchos artistas suelen repetir su presencia, la programación siempre incluye sorpresas y nuevas incorporaciones que renuevan el atractivo. La tradición indica que los organizadores revelarán los nombres principales en los próximos meses, pero la confianza del público es tal que miles de personas eligen comprar su entrada sin importar quiénes serán los protagonistas. El prestigio del festival y la experiencia de años anteriores funcionan como garantía de calidad, variedad y emoción.

El recuerdo de la edición pasada sigue fresco en quienes tuvieron la oportunidad de vivirlo. En 2026, más de 90.000 personas coparon el predio durante dos días vibrantes, en los que más de 100 artistas desplegaron su música en distintos escenarios. La grilla incluyó nombres de peso, como Lali, Fito Páez, León Gieco, Abel Pintos, Joaquín Levinton y Trueno, referentes de la nueva generación. A ellos se sumaron bandas icónicas como Ciro y los Persas, Divididos, Las Pelotas y La Vela Puerca, que encendieron al público y confirmaron el poder de convocatoria del festival. La multiplicidad de propuestas, la convivencia de estilos y la posibilidad de descubrir nuevos sonidos son parte del ADN de Cosquín Rock, que año a año refuerza su rol como plataforma de encuentro para músicos y fans.

El festival mantiene viva su esencia: ser un punto de encuentro entre artistas y público, celebrar la música en vivo y disfrutar de un entorno natural privilegiado. Con el Aeródromo Santa María de Punilla como escenario principal, la edición 2027 se perfila para volver a hacer historia, reafirmando el legado de Cosquín Rock como el evento más emblemático del verano musical argentino. La cuenta regresiva ya comenzó y la expectativa crece con cada nuevo fan que se suma a la fiesta.

El fallecimiento de Glen Hansard ha sacudido con fuerza el mundo de la música. El cantante irlandés, ganador de un premio Oscar por la banda sonora de Once y socio en el escenario de figuras como Eddie Vedder o Bob Dylan, ha muerto a los 56 años en un accidente de moto. Tras saberse la noticia, son muchos los que han recordado la especial relación que el músico tenía con España, país en el que tuvo la experiencia “más intensa” de su vida.

El cariño que Glen Hansard sentía por España no solo se forjó sobre los escenarios: quedó grabado a remo y guitarra en una travesía de 2.500 kilómetros que marcó su vida. El músico irlandés, junto a tres amigos (“un grupo de chiflados”), partió desde Dublín en una embarcación tradicional irlandesa hecha por sus propias manos rumbo a la península ibérica para hacer el Camino de Santiago. Su objetivo era seguir una ruta que, según estudiosos de la tradición celta, recorrían los antiguos peregrinos desde Irlanda hasta Galicia.

Su viaje a Galicia en una barca tradicional irlandesa

La expedición, inmortalizada en el documental The Camino Voyage (disponible por compra o alquiler en Apple TV), se desarrolló en etapas: primero hasta Inglaterra y Francia, luego el exigente cruce del golfo de Vizcaya, y finalmente la ansiada llegada a los puertos del norte de España. Hansard recordaba en una entrevista para La Voz de Galicia: “Éramos simplemente cuatro tíos en un bote sin dinero, sin cama y sin quejas”.

Durante el tramo español, los peregrinos hacían escala en pequeñas localidades de Cantabria, Asturias y Galicia. Hansard sacaba la guitarra y su amigo Brendan Begley el acordeón, y juntos llenaban de música las plazas y tabernas de cada puerto. “Nadie nos creía que veníamos de Irlanda remando en ese pequeño bote. Yo sacaba la guitarra y no tardaban en invitarnos a algo en un bar e incluso a dormir”, relataba Hansar al citado medio.

La hospitalidad que recibieron de las comunidades pesqueras españolas dejó una huella indeleble en el músico. “Siempre nos sentimos enormemente bienvenidos. Las comunidades pesqueras de todo el norte de España no pudieron ser más acogedoras. Nos daban consejos y nos advertían sobre las condiciones meteorológicas”, afirmó. Incluso, recordó con asombro que, durante los dos años que llevó la travesía, “ninguno de nosotros tuvo jamás que enseñar el pasaporte en ningún lado. Era como vivir en otra época”.

Una dura pérdida

Al alcanzar Galicia, la tripulación varó el currach y, cargando con la nave en hombros en varios tramos, completó la última etapa del Camino de Santiago a pie hasta la Catedral de Santiago de Compostela. Allí, con la ropa desgastada y las barbas largas, rindieron tributo con sus instrumentos ante la mirada de cientos de personas. “Aparte del nacimiento de mi hijo, fue sin duda la más intensa e importante experiencia de toda mi vida. Y no creo que vaya a superarla”.

Con todo, la historia tuvo un desenlace trágico. En 2017, durante una navegación posterior al Camino que pretendía llegar al norte de Portugal, el barco volcó tras un golpe de mar. Aunque el resto de la tripulación fue rescatada, uno de los amigos de Hansard, el poeta y escritor Danny Sheehy falleció a causa de las heridas. “Danny era un gigante espiritual para mí. Ese viaje me enseñó qué significa el esfuerzo diario, la camaradería y la humildad. Me cambió la forma de ver la vida y la música para siempre”, diría.

La experiencia marítima y musical en el Camino de Santiago redefinió para siempre el arte y el espíritu de Glen Hansard, quien hasta el final de su vida siguió recordando esa travesía que le unió tan estrechamente al norte de España.

La Joaqui y Luck Ra formaron una de las parejas más seguidas del ambiente musical argentino desde que blanquearon su relación en 2024. Ella, referente del RKT; él, una de las voces más convocantes del cuarteto cordobés. Durante más de un año compartieron shows, viajes y una exposición pública constante en redes sociales, donde su vínculo quedó registrado en fotos y videos que sus seguidores siguieron de cerca, sin embargo, la relación llegó a su fin de manera sorpresiva.

La relación entre la cantante de RKT y el referente del cuarteto cordobés había comenzado en 2024 y se desarrolló con alta exposición pública. Días atrás, las redes sociales empezaron a encender señales de alerta: Facundo había dejado de darle “me gusta” y de comentar los posteos de Joaqui. Para quienes seguían de cerca a la pareja, ese silencio digital fue suficiente para instalar el rumor de una separación.

Tras días sin respuesta oficial, La Joaqui tomó la palabra. Publicó un comunicado en sus redes sociales que arrancó con una aclaración directa: “Queremos comunicar antes que sigan las especulaciones erradas sobre los porqués; que nuestra relación llegó a su fin”.

El texto buscó desde el primer párrafo despejar las versiones que habían comenzado a circular. “Ha sido una decisión aceptada con respeto, entendimiento, cariño y sobretodo agradecimiento, que no tiene que ver con desamor ni mucho menos afectos familiares. Facu siempre amo a mis hijas y ellas a él”, escribió la cantante de “Butakera”.

Acerca de las razones detrás de esta decisión de ponerle un punto final a al relación, explicó: “Sino más bien deseos de un futuro y etapas distintas, por todo lo compartido durante este tiempo nos soltamos con el mismo amor que nos vimos llegar. Nos llevamos los mejores recuerdos y aprendizajes que nos dejó esta etapa”

“Agradecemos profundamente el apoyo y el cariño que siempre nos brindaron. Les pedimos que respeten nuestra privacidad mientras cada uno continúa con sus proyectos personales y profesionales”, pidió la joven, que se encuentra de vacaciones junto a sus dos hijas, Shaina y Eva, en Costa Rica. Y siguió: “También pedir comprensión de los medios, los respetamos y les agradecemos siempre su difusión, que nos apoyó siempre a crecer, pero está siendo un duelo difícil para ambos y queremos pedirles piedad mediática para poder transitarlo con el menos dolor posible. Gracias por acompañarnos siempre”.

El posteo del cantante de “La Morocha” llegó minutos después y fue el mismo mensaje que compartió su ahora expareja, enviando una última muestra de unión. Ambos también tomaron otra decisión en paralelo: eliminaron de sus respectivos perfiles las fotos que habían compartido juntos y se dejaron de seguir. Las imágenes de la pareja desaparecieron de los feeds de los dos artistas, un gesto que, en el lenguaje de las redes sociales, habló por sí solo antes de que cualquier palabra lo hiciera.

Estos rumores de separación, ahora confirmados, no solo estuvieron en redes sociales, sino que Pepe Ochoa, el viernes por la noche, habló del tema en LAM (América TV). Según precisó, la separación llevaba entre un mes y mes y medio, y anticipó que podían surgir desmentidas: “Tal vez salgan a negarlo, pero no están bien”.

El panelista también reveló la asimetría emocional que atravesaba a la pareja en ese momento. Según detalló, fue él quien tomó la decisión: “Él quiere otra cosa para su vida”. Ella, en cambio, transitaba el proceso desde otro lugar: “Ella está muy enamorada y no lo puede entender”.

Ante esa situación, ambos habrían acordado una estrategia de silencio público. Según Ochoa, “tomaron la decisión de guardarse mediáticamente en este momento para que ella pueda estar un poco más fuerte” antes de hacer cualquier anuncio formal.

Este miércoles ha fallecido a los 50 años el DJ francés Kavinsky. El artista, cuyo nombre real es Vincent Belorgey, ha sido encontrado muerto en su casa en París. Los motivos se están investigando, pero según ha relatado los medios galos Le Figaro y Le Parisien se baraja la hipótesis de que sufriera un accidente cerebrovascular. El DJ fue una de las figuras musicales más importantes de Francia, especialmente conocido por ser el creador de Nightcall, canción que aparece en los créditos iniciales de Drive (2011), protagonizada por Ryan Gosling. El alcance fue tal que inclusó sonó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de París en 2024.

En una entrevista concedida en 2011 a Big Stereo, el productor contó que decidió dedicarse a la electrónica en 2005 después de abandonar su intención de convertirse en actor porque se “aburría”. Fue entonces comenzó a experimentar con un viejo ordenador Apple que le regaló su amigo, el director, músico y DJ Mr. Oizo (Quentin Dupieux) y, tras meses haciendo música que él mismo calificó de “muy mala”, encontró su sonido con Testarossa Overdrive, el tema que acabaría abriéndole las puertas de la industria.

Para inspirarse en su alter ego musical decidió crear un personaje inspirado en “miles de películas y series” que había visto durante su infancia. “Cogí lo mejor de todas y lo convertí en un solo concepto”. Así fue como Belorgey creó su alter ego basando en su propia historia ficctionado, tomando la vida de un conductor que muere tras sufrir un accidente con su Ferrari Testarossa en 1986 y regresa convertido en un zombie.

Un alter ego inspirado en el cine

Sin embargo, cuando Nightcall vio la luz en 2010, nada hacía presagiar el fenómeno en el que acabaría convirtiéndose. Hoy el tema supera los 500 millones de reproducciones en Spotify. Publicado en 2010 como sencillo e incluido tres años después en su álbum de debut, OutRun, la canción también formaba parte del universo que había creado para su alter ego. “Nightcall trata sobre ese hombre convertido en zombi que va a casa de su novia para decirle: ‘Ya no soy el mismo, tenemos que hablar’”, explicó el propio Kavinsky en aquella entrevista. Sin embargo, ella “ya tiene otro novio, hijos y una vida diferente”, por lo que rechaza volver con él. “Tiene remordimientos e intenta ser un buen hombre, pero no puede porque está muerto”, resumió el músico sobre el trasfondo melancólico del tema.

Todo ello sedujo al director Nicolas Winding Refn, que un año después eligió Nightcall para abrir Drive. Protagonizada por Ryan Gosling y Carey Mulligan, la película sigue a un conductor especialista de cine que, por las noches, trabaja como chófer para delincuentes. Sin embargo, un intento por ayudar a su vecina Irene lo arrastra a una espiral de violencia.

Su director ganó como mejor director en el Festival de Cine de Cannes el año de su estreno y fue nominada a los premios Oscar en la categoría de Mejor montaje de sonido.

El productor y DJ francés Kavinsky, célebre por su influencia en la música electrónica y especialmente por su tema Nightcall incluido en la banda sonora de la película Drive (2011), dirigida por Nicholas Winding Refn y protagonizada por Ryan Gosling, fue hallado muerto en su domicilio de París durante la noche del martes. La noticia fue confirmada este miércoles por el diario Le Parisien. Tenía 50 años. La policía encontró al artista, cuyo nombre real era Vincent Belorgey, sin vida en su residencia situada en el departamento de Sena-Saint Denis, en las afueras de París. Según las fuentes citadas por el periódico, se investiga la posibilidad de que la causa del fallecimiento haya sido un accidente cerebrovascular. Se informó que en los días previos, Belorgey había padecido dolores de cabeza persistentes, motivo por el cual esta hipótesis cobra fuerza en la investigación.

El fallecimiento de Kavinsky ha generado impacto en la escena musical francesa e internacional, dada su relevancia en el desarrollo del género synthwave y su capacidad para trascender fronteras con un estilo inconfundible. Su carrera estuvo marcada por una propuesta estética y sonora fuertemente influida por la música de los años ochenta, la cultura de los videojuegos clásicos y el house francés. Nacido en 1976 en Sena-Saint Denis, Belorgey inició su trayectoria profesional en la actuación, antes de volcarse completamente a la música en 2005, una decisión alentada por su amigo, el director francés Quentin Dupieux, quien le obsequió un ordenador que ya no utilizaba. Este gesto resultó fundamental para el giro en la carrera artística de Kavinsky.

Como productor, Kavinsky alcanzó notoriedad internacional gracias a Nightcall, tema que compuso y lanzó en 2010, y que un año después se popularizó globalmente al formar parte de la banda sonora de Drive. El éxito de la canción, reconocible por sus sintetizadores oscuros y melancólicos, lo posicionó como referente del synthwave, un subgénero de la electrónica inspirado en la estética retrofuturista y los sonidos vintage. A lo largo de su carrera, el DJ francés publicó tres álbumes de larga duración: Nightcall (2010), OutRun (2013) y Reborn (2022). Cada uno de estos trabajos consolidó su reputación como innovador del género y le permitió mantener una base de seguidores considerable, como lo reflejan sus 4,2 millones de oyentes mensuales en Spotify.

Una influencia capital más allá del cine

La notoriedad de Kavinsky se vio reforzada en el marco de los Juegos Olímpicos de 2024, donde fue una de las figuras centrales en la ceremonia de clausura celebrada en París. Durante el evento, interpretó una nueva versión de Nightcall junto a la banda francesa Phoenix y la cantante belga Angèle, en una actuación que fue destacada por diversos medios internacionales y celebrada por sus seguidores. Este reconocimiento en un evento global subraya la influencia del artista en la cultura popular contemporánea y su capacidad para conectar con nuevas generaciones a través de su música y su imagen.

Una de las características distintivas de Kavinsky fue la creación de su propio personaje ficticio: un zombi de piel azul y ojos rojos, bautizado con su nombre artístico. Según la narrativa desarrollada por el propio músico, este personaje resucitó en 2006 para dedicarse a la música tras haber estrellado su Ferrari Testarossa en 1986, dotando así a su obra de un trasfondo lúdico y visual que acompañó todas sus portadas e iconografía. Este universo conceptual, sumado a la coherencia estética de sus producciones, consolidó la imagen de Kavinsky como un artista integral, capaz de conjugar música, narrativa y diseño visual en un proyecto que trascendió la mera producción musical.

El fallecimiento de Kavinsky deja un vacío en la música electrónica francesa y europea. Referentes del género y seguidores expresaron sus condolencias en redes sociales, destacando la importancia de su legado y la influencia de temas como Nightcall en la música contemporánea. Hasta el momento, las autoridades continúan investigando las circunstancias exactas de la muerte, mientras el mundo de la música y el cine despide a una de sus figuras más singulares de las últimas décadas.

A pesar de que el Mundial terminó hace ya más de una semana, España sigue siendo noticia en Estados Unidos y no necesariamente por cuestiones positivas. Estos días ha surgido una polémica en torno a una de las concursantes de la versión del país norteamericano de Operación Triunfo, concurso de canto en televisión donde participa una joven española llamada Amalia, quien ha sido objeto de muchas críticas por dirigirse ‘de malas maneras’ a una de sus compañeras.

Durante un ensayo en la Academia con otras dos concursantes, hay un momento en el que Allie, una de estas, le pide a Amalia que ponga la canción y esta responde:" Como salga mal, como salga mal... que lo estoy explicando lento para que lo veáis". Unas palabras que no sentaron nada bien a la otra joven. “Amalia, lo entiendo, pero nos hablamos con respeto. Ese tono de voz no es apropiado“. La española contestó asegurando que lo había dicho de buenas maneras. ”¿Cómo quieres que te lo diga?“, comentaba a continuación.

Este momento puntual se ha convertido en una de las presentes polémicas de la edición, con parte del público defendiendo a la joven estadounidense que había acusado a Amalia de hablarle mal. Sin embargo, David Bisbal, cantante español que ejerce como jurado del concurso, ha querido dar un paso adelante y dirigirse directamente a Amalia durante una de las galas para aclarar lo sucedido.

Las palabras de Bisbal para apoyar a la joven

“Quiero darte un pequeño tip, ¿vale?“, empieza diciendo el cantante de temas como Dígale, A partir de hoy o Ave María, quien fichó como jurado en este 2026. “Quizá el español suena más rudo, pero no es rudo. Te lo prometo. Es simplemente que quizás estás queriendo ofrecer una ayuda, pero suena, efectivamente, de otra manera. Te prometo que, como andaluz que soy, como español, es una manera de expresarse. Te lo juro, ¿vale? Un beso". Así, el cantante trató de quitarle hierro al asunto después de varios días donde las críticas recibidas se han acumulado en redes sociales.

No es la primera vez que los fans del concurso se lanzan contra la cantante, que esta semana además se enfrenta a una nominación. Varias de las otras participantes, como Aziz o Lalah, han señalado que Amalia es muy “tocona”. “Piensa que eso es ser amigable. Hasta a Daniel lo toca. Es raro”, decía esta última. Con todo, la española se defendió asegurando que esa era su forma de ser y que no pensaba cambiarla. De nuevo, era una cuestión de choque cultural, puesto que en España el contacto físico de las conversaciones suele ser habitual tanto para enfatizar lo que se dice como para darle más suavidad a las formas.

Lo cierto es que la española, que actualmente tiene 18 años, está demostrando mucha personalidad en la presente edición y un gran talante sobre el escenario pese a su corta edad. Amalia ya cuenta con experiencia como actriz (participó en la serie Ayla y los Mirror) y como bailarina (en la película musical Voy a pasármelo bien). Actualmente reside en Nueva York, donde cursa estudios de teatro musical y formación vocal, aunque su sueño desde niña era presentarse a Operación Triunfo, oportunidad que le llegó mientras estaba en Estados Unidos.

El tramo final de las Noches del Botánico en Madrid se ha visto repentinamente interrumpido por la cancelación de Diana Krall apenas unas horas antes de su concierto en la capital. El anuncio, realizado por parte de la organización del ciclo y difundido por la Agencia EFE, ha confirmado que la artista y su equipo han tomado la decisión de suspender el concierto sin que mediara explicación pública por parte de la famosa cantante de temas como The Look of love o Let’s fall in love.

“Acabamos de recibir esta comunicación por parte de la oficina de la artista. La cancelación responde a una decisión adoptada por la artista y su equipo, ajena a la organización de Noches del Botánico”, aclaraba dicho comunicado, donde los organizadores también han manifestado su pesar por el contratiempo: “Lamentamos profundamente las molestias que la cancelación haya podido ocasionar y agradecemos sinceramente la comprensión de los asistentes”.

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Se han facilitado diferentes vías para reclamar un reembolso. Quienes adquirieron sus entradas de forma presencial deberán acudir al punto de venta original para gestionar la devolución. En el caso de las compras efectuadas por internet, tanto a través de la web de Noches del Botánico como del distribuidor oficial, el reembolso íntegro se realizará automáticamente en los próximos días, sin que sea necesario ningún trámite adicional por parte del comprador.

Actuó en San Sebastián este domingo

De haberse producido el concierto de este lunes, no habría sido la primera vez que Diana Krall cantaba en Noches del Botánico. La artista canadiense, ganadora de dos premios Gramy y con una de las voces más distinguibles del panorama del jazz contemporáneo, ya participó en el festival en 2022. Este año, además, ya había dado otros conciertos en España, como su aplaudida actuación en la clausura del festival Jazzaldia de San Sebastián este domingo. Se desconoce si, tras esta cancelación para una actuación en la que había hecho sold out, retomará sus próximos compromisos, con un concierto en Marciac (Francia) el próximo 29 de julio.

La presencia de la artista canadiense era uno de los grandes reclamos musicales del verano. Consagrada como una de las vocalistas más reconocidas del jazz, Diana Krall ha ventido más de 15 millones de discos a lo largo de su carrera fue declarada la artista de jazz más importante de la primera década del siglo XXI por parte de la revista Billboard. A sus 61 años, sigue dando conciertos por todo el mundo, aunque ahora hace más de seis años que no saca un álbum de estudio, siendo el último This Dream Of You, lanzado en 2020.

Por otra parte, con la negativa de la cantante, son cuatro los conciertos que quedan para cerrar esta edición del ciclo de conciertos en Madrid. Rubén Blades, junto a la Roberto Delgado Big Band, será el próximo en cantar en el Botánico este martes, seguido de LP y Jet Vesper, que compartirán escenario el miércoles 29, y de Tom Jones, que lo hará el jueves 30. Finalmente, el viernes 31 se clausurará el festival con un concierto doble de Cultura Profética y Çantamarta.

Así como es fácil entrar a una plataforma con inteligencia artificial para crear un texto, una imagen o un video, también es posible hacerlo para generar música. Herramientas como Suno, Udio o Lyria 3 permiten que cualquier persona, sin conocimientos avanzados, genere canciones completas a partir de instrucciones simples.

Sin embargo, este avance también crea dudas sobre legalidad del uso de la IA para la generación de música, motivando una incertidumbre tanto entre desarrolladores como entre artistas y compañías discográficas, por los límites y los derechos de autor.

Qué tan legal es usar IA para crear canciones

Las plataformas de IA han democratizado la creación musical, permitiendo que incluso los aficionados puedan generar pistas originales con apenas unos clics.

Basta con introducir descripciones como “canción de cumpleaños estilo country” o “melodía veraniega para fondo de video” para obtener resultados inmediatos. El proceso es simple y accesible, pero la facilidad de uso contrasta con la complejidad jurídica que rodea estos contenidos.

Desde el punto de vista legal, según cuenta The New York Times, la generación de música mediante IA se encuentra en un terreno ambiguo. El marco normativo vigente no fue concebido para responder a los retos que plantea la inteligencia artificial, por lo que muchos de los aspectos legales están siendo discutidos en tribunales y foros especializados.

En esencia, crear una canción con IA puede ser legal si se parte de material original o de bases libres de derechos, pero la situación cambia radicalmente cuando la tecnología utiliza materiales protegidos por derechos de autor sin el permiso adecuado.

Un aspecto central en el debate es el uso de obras existentes para el “entrenamiento” de los sistemas de inteligencia artificial. Varias demandas recientes acusan a empresas de IA de infringir derechos de autor al alimentar sus algoritmos con catálogos musicales protegidos, con el argumento de que no cuentan con la autorización de los titulares de esos derechos.

Cuáles son los límites legales y conflictos de derechos de autor

Uno de los puntos más delicados es la relación entre la inteligencia artificial y los derechos de autor. Por ejemplo, en 2024, las principales discográficas presentaron demandas contra Suno y Udio, argumentando que estas empresas utilizaron sus catálogos musicales para entrenar a sus sistemas sin autorización.

Las empresas de IA, por su parte, alegan que están amparadas por el principio de “uso justo” (fair use), que permite utilizar obras protegidas sin licencia en ciertos contextos limitados, como la investigación o la parodia. La interpretación de este principio en el contexto de la inteligencia artificial sigue siendo motivo de controversia legal.

Además del copyright, existen otros derechos involucrados, como los llamados “derechos de publicidad”, que protegen el nombre, imagen y voz de los artistas frente a usos comerciales no autorizados. Por eso, muchas plataformas han comenzado a filtrar las solicitudes que buscan replicar estilos o voces de figuras célebres, reemplazando las referencias directas por descripciones más genéricas.

Qué puedes hacer y qué no si quieres crear música con IA

Antes de crear o modificar canciones con inteligencia artificial, es esencial analizar las implicancias legales y éticas.

Al crear música con IA para uso personal, es recomendable comprobar primero las condiciones de cada plataforma y la legislación local vigente. Aunque generar canciones para fines no comerciales suele tener menos restricciones, utilizar fragmentos de obras protegidas o imitar estilos reconocibles puede igualmente infringir derechos si se exceden ciertos límites.

Las plataformas pueden restringir la descarga o el uso externo de las canciones generadas, permitiendo solo la reproducción dentro de su propio entorno digital. Por ello, aun en el ámbito personal, conviene revisar los términos de servicio y ser cauteloso para evitar conflictos legales o violaciones de derechos de autor.

Por otro lado, la generación musical con IA puede implicar riesgos si se remezclan temas conocidos o se imitan estilos de artistas sin autorización, ya que esto suele requerir permisos especiales según la legislación y normas de cada plataforma.

Algunas discográficas, como Warner Music, han comenzado a pactar acuerdos para permitir el uso controlado de sus catálogos en aplicaciones de IA, siempre bajo condiciones claras.

La distribución de música generada por IA también está regulada: ciertas plataformas limitan su uso a su entorno digital, mientras otras permiten la exportación con advertencias legales.

La legalidad depende de no vulnerar derechos de autor ni explotar la identidad de artistas sin permiso. Dado que las reglas están en constante revisión, informarse y consultar los términos de cada servicio resulta imprescindible.

Desde el primer cruce, ambos artistas coincidieron sin planearlo, compartiendo escenarios y espacios donde la timidez era casi un tercer protagonista. La cantante relató en televisión: “Me gustaba tanto que me daba vergüenza”. En una frase ella reveló el tono íntimo con el que vivieron los inicios, marcados por silencios y distancias que nada tenían que ver con el desinterés.

Aquel primer encuentro significativo se dio en un cumpleaños de 15, donde ambos fueron artistas invitados. En ese ambiente festivo, la energía que compartieron resultó determinante, aunque no se tradujo en palabras. La Joaqui explicó que su actitud distante era una forma de protegerse ante lo que sentía: “Parecía que no le quería dar bola, pero en realidad me gustaba tanto que no me daba la sangre para verlo”.

El azar y la timidez como motor del vínculo

Luck Ra, por su parte, aportó una perspectiva divertida sobre los inicios. En distintas entrevistas, contó que invitó a La Joaqui a varios de sus shows e incluso a su propio cumpleaños, pero ella siempre encontraba una excusa para no asistir. “Ella me rebotó”, bromeó el músico, negando cualquier idea de que fue ella quien dio el primer paso.

La primera cita oficial llegó gracias a una invitación de La Joaqui a una pelea de boxeo. Luck Ra recordó ese día como “una presentación familiar ya el primer día”, señalando que la relación cobró cierta formalidad desde el comienzo. La cantante confesó haber pensado varias veces en cancelar esa salida, venciendo finalmente los nervios para dar inicio a lo que sería una historia compartida.

En los primeros pasos, la timidez fue un hilo conductor. La Joaqui admitió que cuando alguien le interesa profundamente, su impulso es alejarse. Esa dinámica, lejos de enfriar el vínculo, le dio un tono genuino que ambos valoraron.

En respuesta directa a quienes se preguntan cómo surgió la relación entre ambos artistas, puede decirse que el lazo nació sin premeditación, a partir de encuentros fortuitos y una gran reserva emocional.

La relación entre La Joaqui y Luck Ra se volvió visible para el público a través de pequeños gestos y regalos simbólicos, como la máquina para hacer soda que él le obsequió, elegida porque ambos disfrutan ese hábito. “Me gusta sorprenderla, recordarle por qué nos elegimos”, expresó Luck Ra en una ocasión.

Ambos dejaron claro que supieron acompañarse en lo profesional, sin descuidar la intimidad y los detalles del vínculo personal. La Joaqui reveló que esta relación la llevó a explorar nuevas emociones y escenarios internos. Por su parte, Luck Ra confesó: “Conocí a La Joaqui artista, pero me enamoré de ella como persona”, una definición que sintetiza su forma de vivir el amor lejos de los flashes.

El público y los seguidores notaron el crecimiento de la pareja a través de sus interacciones en redes sociales y apariciones públicas, donde la química resultó indiscutible. Sin embargo, la construcción del vínculo se tejió lejos del escándalo y las declaraciones ruidosas, apostando por la cotidianeidad y el apoyo mutuo.

Los rumores, alimentados por la falta de apariciones conjuntas y el silencio en redes sociales, generaron especulaciones sobre el futuro de la pareja.

En medio de la atención mediática, ambos optaron por la discreción y evitaron hacer declaraciones públicas sobre el estado de su relación. No hubo comunicados oficiales ni confirmaciones sobre una ruptura, lo que dejó a la prensa y los fans a la espera de señales concretas.

La crisis entre la Joaqui y Luck Ra

La crisis entre La Joaqui y Luck Ra se intensificó ante los ojos del público cuando ambos eligieron las redes sociales para lanzar mensajes que muchos interpretaron como indirectas sobre el final de su relación. Un video de Luck Ra en TikTok, acompañado de la frase “Me sé el camino de una casa que no voy a volver a pisar”, avivó las sospechas de separación y sumó más de 225.000 “me gusta” en cuestión de horas.

Al mismo tiempo, La Joaqui compartió desde Costa Rica imágenes de sus vacaciones con sus hijas, pero el detalle más notorio fue la ausencia de su pareja en las publicaciones. Los seguidores, atentos al historial digital, señalaron que hacía casi un mes que el cantante no dejaba comentarios ni “me gusta” en el perfil de la artista.

En medio de este silencio, la ausencia digital fue interpretada como una señal inequívoca de distanciamiento. Los rumores de crisis, que circulaban entre los fans, encontraron eco en el panel de LAM (América TV), donde Pepe Ochoa fue contundente: “Una crisis muy profunda, no están juntos ya”, dijo al aire, y precisó que la separación se habría producido entre un mes y un mes y medio atrás. El panelista agregó que fue el cantante quien tomó la decisión: “Él quiere otra cosa para su vida”. La Joaqui, según la misma fuente, estaría atravesando el proceso con dificultad: “Ella está muy enamorada y no lo puede entender”.

En ese contexto, la artista se mostró activa en redes, subiendo videos con canciones como “Ahora te puedes marchar”, de Luis Miguel, y aclarando en pantalla: “Nunca indirecta, siempre temazo”. Sus seguidores, lejos de creer la aclaración, leyeron los fragmentos musicales como mensajes demasiado directos. “Literalmente dice que no es indirecta y todos jurando que sí”, resumió un usuario, mientras otros daban por confirmada la separación.

Por el lado de Luck Ra, la postura fue más reservada, aunque también dejó mensajes con posible doble sentido. En medio de la crisis, publicó un video con una frase del youtuber Gaspi: “Qué me importa dónde estoy, a dónde voy y qué carajo voy a hacer. Mientras me tenga a mí, todo va a estar bien”. El cantante apareció solo, apoyado en un balcón, sin mencionar a La Joaqui ni referirse explícitamente a la situación sentimental. Sin embargo, el contenido fue interpretado como una confirmación tácita de la ruptura.

Pocas experiencias han obsesionado tanto a los pintores como la música. A diferencia de la arquitectura o la escultura, que existen en el espacio, o de la literatura, que existe en el tiempo, la música existe en ambos a la vez y desaparece en el instante mismo en que suena. Esa condición fugitiva la convirtió, desde el Renacimiento, en uno de los desafíos más tentadores para el arte visual: ¿cómo fijar en una superficie inmóvil algo que solo vive en el movimiento y en el aire?

Los pintores respondieron de formas muy distintas. Algunos eligieron el gesto del músico, la postura del cuerpo sobre el instrumento, la concentración en el rostro. Otros prefirieron el espacio social que la música crea: la reunión, la fiesta, el salón burgués, el café nocturno.

Las cuatro obras que se presentan aquí pertenecen a siglos y tradiciones radicalmente diferentes, pero todas orbitan alrededor de esa misma pregunta. Café-Concert (1876/1877), de Edgar Degas, atrapa el ruido y el artificio de la noche parisina del siglo XIX. The Concert (1623), de Gerard van Honthorst, celebra la música como ritual cortesano del Siglo de Oro holandés. The Music Lesson (c. 1670), del estudio de Gerard ter Borch, convierte una lección de laúd en una escena de ambigüedad psicológica. Y Música de las esferas, de Max Ackermann, abandona toda representación figurativa para buscar la música directamente en el color y la forma abstracta. Cuatro respuestas distintas a una misma pregunta sin respuesta definitiva.

Café-Concert, Edgar Degas (1876-1877)

La escena parece tomada al vuelo: un violinista de espaldas al espectador, cantantes y público con trajes de colores bajo una luz artificial que distorsiona los rostros. Café-Concert es un pastel sobre monotipo que Degas realizó entre 1876 y 1877, y que hoy forma parte de la colección del National Gallery of Art. La composición sitúa al espectador entre los músicos de la orquesta, en la penumbra del primer plano, mientras el ojo viaja hacia las figuras iluminadas por los reflectores del escenario. La técnica mixta —pastel superpuesto sobre la tinta negra del monotipo— acentúa los contrastes entre las zonas de sombra y los focos de luz artificial, un efecto que Degas exploró de forma sistemática durante esa década.

Los cafés-concerts eran uno de los grandes espectáculos populares del París de la Tercera República: locales al aire libre o semicubiertos donde actuaban cantantes, bailarinas y músicos ante un público heterogéneo. Degas los frecuentó con regularidad a partir de 1870 y los convirtió en uno de sus temas predilectos, junto con las bailarinas de la ópera y las carreras de caballos. La obra fue presentada en 1877 en una exposición del grupo impresionista, aunque el propio artista rechazaba esa etiqueta y prefería llamarse “realista” o “independiente”.

Hilaire-Germain-Edgar De Gas —ese era su nombre completo— nació en París el 19 de julio de 1834 en el seno de una familia de banqueros acomodados. Estudió en el Lycée Louis-le-Grand y se formó en la tradición académica antes de girar su atención hacia la vida moderna. A partir de 1875 comenzó a privilegiar el pastel por encima del óleo, y para 1885 la mayor parte de su obra relevante estaba realizada en ese soporte. Murió en París el 27 de septiembre de 1917, a los 83 años, con una vista ya muy deteriorada que lo había obligado a abandonar la pintura años antes.

El concierto [The Concert], Gerard van Honthorst (1623)

Ocho figuras se agolpan alrededor de una mesa cubierta con una alfombra turca. Tocan laúdes, una viola, una bandora; uno de ellos alza una copa de vino. Los sombreros con plumas, los ropajes de seda en amarillo, azul y rojo, la luz que recorta los rostros con fuerza teatral: todo en The Concert habla de una celebración deliberadamente ostentosa. Gerard van Honthorst pintó esta obra en 1623, probablemente por encargo de un mecenas de la corte de La Haya. La pintura aparece mencionada por primera vez en un inventario de 1632 de uno de los palacios del Príncipe de Orange, Maurits de Nassau, aunque existe la hipótesis de que pudo ser un regalo diplomático del rey exiliado de Bohemia, Federico I, y su esposa Elizabeth Stuart, quienes vivían en La Haya con apoyo financiero del príncipe. La obra permaneció fuera de la vista pública desde 1795 hasta 2013, cuando la National Gallery of Art de Washington D.C. la adquirió y la expuso por primera vez en 218 años.

La escena no era solo decorativa. En el lenguaje simbólico del siglo XVII, la armonía musical era una metáfora directa de la armonía política: una sociedad bien gobernada, como una orquesta bien dirigida, obedece a su líder. Ese mensaje era igualmente válido para el Príncipe de Orange y para el rey de Bohemia, los dos posibles destinatarios del cuadro. Los instrumentos representados —laúd, viola bajo, bandora con cabeza dorada— eran propios de los ambientes cortesanos, y la alfombra anatolia sobre la mesa era un artículo de lujo reservado a los más acaudalados.

Gerrit van Honthorst nació en Utrecht el 4 de noviembre de 1592. Se formó con Abraham Bloemaert y viajó a Roma alrededor de 1615, donde el impacto de Caravaggio marcó de forma permanente su manera de construir la luz y el espacio. En Italia fue patronizado por el Marqués Vincenzo Giustiniani y el Cardenal Scipione Borghese, y se ganó el apodo de Gherardo delle Notti —Gerard de las Noches— por su dominio de las escenas iluminadas artificialmente. De regreso a Utrecht en 1620, se convirtió en decano del gremio de pintores en cuatro ocasiones entre 1625 y 1629. En 1628 pasó seis meses en Inglaterra por invitación del rey Carlos I. Murió en Utrecht el 27 de abril de 1656.

La lección de música [The Music Lesson], estudio de Gerard ter Borch (c. 1670)

Una mujer joven, vestida con un traje de raso blanco que cae en pliegues luminosos, sostiene un laúd de doble clavijero mientras un hombre de negro, con sombrero de ala ancha, le indica el tempo con la mano. Sobre la mesa cubierta de terciopelo rojo hay un libro de partituras abierto, una vela y un tintero. La habitación está en penumbra. La relación entre los dos personajes es deliberadamente ambigua: él es, en apariencia, su maestro de música, pero su edad similar y la intimidad de la escena sugieren algo más difícil de nombrar. The Music Lesson es un óleo sobre lienzo fechado hacia 1670, atribuido al taller de Gerard ter Borch —realizado por un artista bajo su supervisión directa—, y que se conserva en la National Gallery of Art de Washington D.C.

En el siglo XVII holandés, la música era una metáfora habitual del amor y la armonía conyugal, y el laúd en particular podía simbolizar los corazones “en sintonía”. Los libros de canciones de la época estaban en su mayoría dedicados a canciones de amor, y las reuniones musicales eran ocasiones privilegiadas para el cortejo. Ter Borch exploró ese territorio de forma recurrente: la misma figura femenina con el laúd aparece en varias de sus obras, y se cree que el instrumento pertenecía al propio artista o a alguien de su entorno. La escena es típica de su manera de narrar: silenciosa, contenida, cargada de una tensión psicológica que nunca se resuelve.

El taller era, en la Edad de Oro holandesa, una institución tan reconocida como el propio maestro. Los grandes pintores formaban y supervisaban a aprendices que ejecutaban obras siguiendo sus modelos, su paleta y su estilo, a veces con una fidelidad tan estrecha que la distinción entre la mano del maestro y la del discípulo se vuelve, siglos después, materia de debate entre especialistas. The Music Lesson es un ejemplo de ese sistema: según los expertos del museo, el autor tomó como fuente principal A Woman Playing a Theorbo to Two Men, una obra del propio Ter Borch conservada en la National Gallery de Londres, y adaptó sus motivos con solvencia. Gerard ter Borch nació en Zwolle en 1617 y murió en Deventer en 1681. Especialista en retratos y escenas de género de pequeño formato, se distinguió por una técnica de extraordinaria fineza en la representación de telas —el satén era su especialidad— y por una capacidad narrativa que influyó en pintores posteriores como Johannes Vermeer.

Música de las esferas [Music of the Spheres], Max Ackermann (1944)

Sobre un fondo azul grisáceo flotan formas que no representan nada reconocible y, al mismo tiempo, lo evocan todo: una gran forma naranja que podría ser un cuerpo o un instrumento, trazos negros que cortan el espacio como líneas de pentagrama, un círculo amarillo que irradia como una nota sostenida, fragmentos de azul, rojo y verde que vibran entre sí. Música de las esferas es una serigrafía en color sobre papel, firmada, fechada y numerada, realizada en 1944 en una edición de 100 ejemplares para la Edition Kunstverlag Fingerle de Esslingen. El título remite a la musica universalis, el concepto pitagórico y medieval según el cual los planetas y las estrellas producen, en su movimiento, una armonía inaudible para el oído humano pero perceptible para la razón.

Ackermann no intentó ilustrar esa idea: la encarnó directamente en la estructura de la obra. Su “pintura absoluta”, como él la llamaba, buscaba ser solo pintura, sin imágenes ni representaciones, una experiencia visual que operara sobre el espectador de la misma manera en que la música opera sobre el oyente: a través del ritmo, el color y la tensión entre las formas. La obra pertenece al período de posguerra en el que el artista consolidó su abstracción y alcanzó una difusión amplia gracias a la colaboración con impresores como Luitpold Domberger y Hans-Peter Haas en Stuttgart.

Max Ackermann nació en Berlín el 5 de octubre de 1887. Estudió con Henry van de Velde en Weimar, con Gotthardt Kuehl en Dresde y con Franz von Stuck en la Academia de Bellas Artes de Múnich, antes de llegar a Stuttgart, donde el encuentro con Adolf Hölzel fue decisivo: Hölzel lo introdujo en la pintura no figurativa y orientó de forma permanente su obra hacia la abstracción. Durante el nazismo, su afinidad con el comunismo y su estilo moderno le valieron la prohibición de trabajar y exponer, y en 1943 un bombardeo destruyó su estudio. Después de la guerra, su obra ganó reconocimiento en Alemania y en el extranjero. Will Grohmann, uno de los críticos más influyentes de la época, situó su posición entre Paul Klee y Wassily Kandinsky. Murió en Unterlengenhardt, en el Bosque Negro, el 14 de noviembre de 1975, a los 88 años.

Cuando Charli xcx lanzó “Rock Music”, un tema de apenas dos minutos con fallos técnicos, el primer single de Music, Fashion, Film, fue etiquetada casi de inmediato como una provocadora. La canción, con sus afectaciones hiperpop y su descarada dedicación lírica al oficio —“Creo que la pista de baile está muerta/Así que ahora hacemos música rock”—, causó confusión y desconcierto. ¿Estaba bromeando? ¿Estaba siendo sincera? ¿Acaso todo el disco iba a estar compuesto de acordes de potencia? ¿Merecía BRAT, su álbum electrónico de 2024 que cambiaría el espíritu de la época, ser rechazado por completo?

En Music, Fashion, Film no se encuentran respuestas definitivas. La decisión queda en manos del oyente. Lo que sí se presenta son once canciones alternativas, ajenas a los géneros, con una instrumentación de rock and roll que guiña un ojo, centradas en la creación artística y el ego. Y lo que queda claro es que Charli xcx y su dedicado equipo, los coproductores y compositores AG Cook y Finn Keane, comparten una visión colaborativa coherente, como la de una banda.

Conceptualmente, la franqueza de BRAT, en su máximo esplendor hedonista, conectaba el club con un ataque de pánico o, al menos, con una página de un diario, gracias a su inquebrantable dedicación a la vulnerabilidad lírica. Music, Fashion, Film alcanza esas mismas profundidades, pero ahora con ansiedades centradas principalmente en la fama, la creatividad y la interpretación. (En ese sentido, la canción “Rewind” de BRAT podría haber sido el mayor indicio de lo que estaba por venir. “Me pregunto si creo que merezco el éxito comercial”, cantaba).

La reputación y la percepción siempre han sido muy importantes para Charli xcx. En Music, Fashion, Film siguen siéndolo, aunque no tanto como sus numerosas reflexiones sobre lo que significa ser artista, presentadas con un toque de humor y originalidad.

Las secciones habladas y apáticas de Music, Fashion, Film se acercan más a la influencia melancólica de sus amados Velvet Underground que a la pista de baile cuando se combinan con guitarras distorsionadas, como en la destacada, aplastada y entrecortada “Card Declined”. Otra canción titulada “2007”, que trata sobre la grabación de TikToks, evita la superficialidad con acordes potentes que suenan como si alguien estuviera aprendiendo versiones de pop-punk por primera vez, y establece una notable corriente subyacente para el álbum: la instrumentación es repetible, valorando a menudo el minimalismo rítmico y las afinaciones alternativas, el sonido de un amor musical temprano.

La producción es otra historia. Abundan las complicaciones, como el inesperado cambio de tempo que se encuentra en la encantadora canción post-rock “Magic Metal Montana”, una canción de amor platónico escrita para AG Cook.

El pegadizo estribillo de acordes y caja de ritmos de “SS26” carece del ritmo de canciones que ofrecen un respiro con guitarra, batería y bajo, como “Yeah” y “Wink Wink”. Pero se agradece la ausencia de la innegable percusión que caracterizó a BRAT.

Si Charli xcx busca reinventarse, ha encontrado algunas maneras, como en la desenfadada y reverberante “I’m Afraid”. Esta canción inevitablemente suscitará comparaciones líricas con el éxito de Meredith Brooks de 1997, “B----”, aunque Charli xcx se acerca a la autoflagelación donde Brooks convierte la crítica en un arma. Pero eso desvía la atención de sus encantos: un bajo suelto, un estribillo claustrofóbico, un exorcismo post-grunge.

El falso documental meta de 2026, The Moment, podría haber anticipado Music, Fashion, Film. La película documenta lo que sucede después de que las ambiciones de la fama se hacen realidad. No es una obra complementaria de este álbum, pero comparten una ideología: ambas exploran lo que significa ser Charli xcx sin la autohagiografía de un documental producido por la artista. Ambas son divertidas. Ambas están impregnadas de verosimilitud, a la vez que retratan una personalidad que se aproxima a su realidad. Y, en definitiva, ambas resultan un tanto desconcertantes.

Aquí y a lo largo de su carrera, Charli xcx se ha mantenido en una encrucijada: una artista de culto con reconocimiento de estrella pop. Music, Fashion, Film representa una nueva evolución en esa identidad inestable, un giro importante que quizás pase desapercibido para los nuevos fans. Y si eso sucede, sería una decepción: aquí y en otros lugares, sigue siendo una de las artistas pop más interesantes y transgresoras del momento.

Fuente: AP

Fernando Hernández Flores, el cantante de 26 años conocido como El Malilla, reconoció ante la prensa en la alfombra roja del Best New Artist Showcase de los Latin Grammy que su colaboración con Danna lo introdujo al pop y le cambió la perspectiva como artista.

“Una estrella desde que tiene ocho años, siete años, y tener una colaboración con ella es un sueño para mí”, dijo. “Me enseñó un nuevo mundo, porque yo soy reguetonero, soy chacalón… y ahora como artista me abrió la mente y dije: ‘Ah, voy a sacar un popcito yo solo algún día’”.

El evento, celebrado el 22 de julio en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México, reunió a artistas consagrados y figuras emergentes en una gala organizada en alianza con Mastercard para enaltecer la categoría de Mejor Nuevo Artista de los Latin Grammy.

Horas más tarde Danna compartió un video con el artista dónde hablan de su colaboración entre otros temas personales, durante la grabación del video oficial de tema ju.

“Si Se Acaba El Mundo”: de un cameo a un sencillo

La colaboración entre ambos artistas no surgió de improviso. En 2025, El Malilla apareció en el video musical de “Khe Calor” de Danna, un cruce que encendió la expectativa de sus respectivas audiencias sobre una posible unión formal.

Ese momento derivó en “Si Se Acaba El Mundo”, lanzada el 25 de junio de 2026 a través de Universal Music México. La canción, que combina reggaeton con toques de pop contemporáneo, aborda una narrativa de romance en clave apocalíptica y fue coescrita por ambos intérpretes junto a Ben Aler, Dahiana Rosenblatt, Enayy y Alex Hoyer.

El debut en vivo llegó cinco días después del lanzamiento, el 30 de junio, durante las Amazon Music City Sessions en la Ciudad de México. Danna sorprendió al público al invitar a El Malilla al escenario; al terminar, lo despidió con un abrazo y un “¡Gracias Mali!” antes de continuar su show.

El reggaeton mexa que cruza fronteras

El Malilla es la figura central del movimiento conocido como reggaeton mexa. Originario de Valle de Chalco, municipio de clase trabajadora en la periferia de la Ciudad de México, construyó su carrera con un estilo que incorpora el argot local y la cultura chacalona a la estructura rítmica del reggaeton caribeño.

En 2025 se convirtió en el primer acto del género en presentarse en Coachella. Ese impulso lo llevó a planificar su primera gira por Estados Unidos, que debió posponer cuando las redadas del Servicio de Control de Inmigración y Aduanas (ICE) se intensificaron. “No me sentía cómodo exponiendo a mis fans a esa situación”, explicó en entrevista con Los Angeles Times.

La gira retomó su curso: el “Tu Maliante Bebé Tour” arrancó el 24 de julio en Palm Springs con 19 fechas programadas hasta mediados de septiembre, con paradas en Los Ángeles, Texas y otras ciudades del país.

Los rumores de romance que generó la canción

La letra de “Si Se Acaba El Mundo” y la química entre ambos artistas durante la presentación en vivo bastaron para que los fans especularan sobre un posible vínculo sentimental. El escenario apocalíptico de la canción —usado como metáfora para vivir el amor sin reservas— alimentó las teorías en redes sociales.

Sin embargo, Danna mantiene una relación pública con el músico Alex Hoyer, con quien lleva seis años de noviazgo. En julio, cuando fue abordada por medios en el aeropuerto sobre rumores de boda, respondió: “Puede ser que sí, no lo sabemos. Estamos viviendo un momento hermoso. Creando muchas cosas”.

Kenia Os y el entorno del pop mexicano

El Malilla también apareció en otro frente mediático. Tras la ruptura de Kenia Os con el cantante Peso Pluma en junio de 2026, algunos usuarios interpretaron publicaciones y comentarios en redes como posibles indirectas entre ella y El Malilla. Ninguno de los dos confirmó vínculo alguno.

Kenia Os atraviesa además un momento de alta exposición pública por la colaboración a tres voces que grabó junto a Danna y Belinda entre agosto y septiembre de 2025 y que aún no tiene fecha de lanzamiento. La cantante sinaloense explicó en el programa radial Cara C de España que la pausa provino de su disquera, Sony Music: “La canción se paró por problemas administrativos. No podemos controlarlo”.

Danna, por su parte, atribuyó el freno a “cositas administrativas” sin ofrecer más detalles. Mientras tanto, avanzó con un dueto independiente junto a Belinda, cuyo videoclip grabaron el 5 de julio de 2026 en la Ciudad de México.

El desierto de Fraga volverá a ser escenario este sábado del Monegros Desert Festival, uno de los eventos musicales más importantes e icónicos de la electrónica en España. Nacido en 1994 como una fiesta entre amigos organizada por la familia Arnau (que viene de una familia dedicada desde 1870 a la organización de eventos y al mundo del espectáculo), actualmente reúne a unas 60.000 personas para celebrar, junto a más de 120 artistas, 22 horas ininterrumpidas de música.

El Monegros Desert Festival mantiene un vínculo directo con el espíritu de las antiguas free parties europeas de los años 80 y 90, cuando la gente se reunía de forma clandestina con grandes equipos de sonido (también llamados sound systems). Juan Arnau Jr. explicó que, aunque en la actualidad la cita opera bajo un formato completamente legal y organizado, la esencia de las raves sigue presente como homenaje a aquellas celebraciones. “Los primeros Monegros fueron completamente gratuitos”, recuerda, relatando cómo en los inicios se repartían pasaportes sellados a la salida de lo que era el club familiar para después trasladarse a la finca de la abuela.

En la última década, el auge de géneros como el techno y el hard techno ha consolidado a Monegros como referente internacional. “Llevamos tres o cuatro años en los que está viniendo muchísimo más público de todo el mundo”, destaca. En esta edición, son 94 países los que estarán representados por los asistentes de una propuesta que, pese a evolucionar, conserva elementos de la cultura que lo inspiró: comunidad, música electrónica y respeto por la tradición rave. “La experiencia que puedes vivir en un desierto como Monegros te la pueden dar muy pocos festivales en el mundo”.

Un homenaje a las ‘free parties’, igual que ‘Sirât’

Durante la entrevista, le preguntamos a Juan Arnau si un festival como Monegros se parece a las imágenes que muestra Sirât, película que fijó en el imaginario popular de mucha gente el ambiente de este tipo de eventos. El gerente reconoce el paralelismo y que el largometraje dirigido por Oliver Laxe “es un buen homenaje a las free parties, igual que lo es Monegros”. De hecho, algunas escenas de esta producción fueron rodadas en Aragón, por lo que no descarta ciertas similitudes visuales. “Quizás el aspecto que se refleja mejor es el de la comunidad, porque la suya es una rave mucho más pequeñita, de travelers que viajan por todo el mundo y se unen para bailar”, añade finalmente.

Organizar el Monegros Desert Festival implica afrontar retos fuera de lo común. La ubicación en pleno desierto de Fraga, las altas temperaturas y la dimensión del evento convierten cada edición en un desafío logístico y operativo de primer nivel. Arnau reconoce que el festival es “muy complejo” y que el equipo lleva un mes solo para montar la infraestructura necesaria: desde parkings y lavabos hasta la coordinación de 450 autobuses con las máximas garantías de seguridad y bienestar.

El equipo promoverá a lo largo de toda la jornada la hidratación, ofreciendo fruta fresca y habilitando zonas de descanso y puntos de agua fría para que todos puedan soportar las altas temperaturas. “Le decimos a la gente que esto es un maratón, no un sprint”, subraya Arnau, que señala que el festival cuenta con personas de todas las edades, desde jóvenes cerca de los 20 hasta “300 personas con más de 55 años que llevan mucho tiempo viniendo”. “Cada año aprendemos un poquito de los errores que cometemos y los vamos corrigiendo para que los clientes tengan una gran experiencia y se lleven un recuerdo inolvidable para el resto de sus vidas”.

La Comunidad de Madrid podría convertir el recinto de la residencia europea de Shakira en un aula sobre Latinoamérica. Esa es la idea en la que trabaja Live Nation España junto al Gobierno de Isabel Díaz Ayuso para aprovechar el gran espacio cultural que acompañará los doce conciertos de la artista en Madrid, llamado Macondo Park, durante los días en los que no haya actuaciones de la cantante como parte de su única parada europea de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, que arranca el 18 de septiembre y finaliza el 11 de octubre.

“Sería una excelente oportunidad para que los jóvenes de los colegios pudieran visitar el parque Macondo y acercarse a descubrir este mundo maravilloso“, aseguró este viernes Pino Sagliocco, presidente de Live Nation España, durante la presentación de las novedades de la residencia en una rueda de prensa que ha tenido lugar en la capital.

El objetivo es que, de lunes a jueves, colegios de toda la región puedan visitar el recinto y descubrir la cultura latinoamericana a través de actividades relacionadas con la literatura, el arte, la gastronomía, el cine o la música que proponen los ocho pabellones que se construirán en el macro recinto que servirá como una “ciudad efímera” cuyo propósito es ir más allá de un simple concierto. Los contenidos de estos han sido curados por la propia Shakira, tal y como afirmó la organización en marzo, y giran en torno a Latinoamérica.

“Mucha gente habla de Colombia, de México, de Argentina o de Brasil, pero no está realmente familiarizada con su cultura, con su tradición o con su propuesta gastronómica”, ha argumentado Sagliocco, que ha defendido la necesidad de acercar esa riqueza cultural a los más jóvenes. El promotor ha explicado que la organización mantiene conversaciones con la Comunidad de Madrid para hacer realidad una iniciativa que, por el momento, todavía no está cerrada. Esta y más información llegará poco a poco en las próximas semanas, tal y como ha confirmado la organización.

Así será Macondo Park: una “ciudad efímera” inspirada en García Márquez

El recinto, que se levantará en el espacio Iberdrola Music de Villaverde —el mismo que acoge el festival Mad Cool—, tendrá capacidad para 50.000 personas al día. Para dar forma a Macondo Park, inspirado en el universo literario de Gabriel García Márquez, se habilitarán ad hoc 15 hectáreas junto al escenario principal, donde se desarrollarán las actividades previas, simultáneas y posteriores a los conciertos. En total, el complejo ocupará una superficie de 140.000 metros cuadrados.

El espacio estará dividido en ocho pabellones temáticos y cada uno contará con programación propia antes de los conciertos, con la participación de escritores, artistas, cocineros y otros invitados que la organización irá desvelando en las próximas semanas. También habrá espacio para los más pequeños: Milan y Sasha, hijos de la cantante nacidos en Barcelona en 2013 y 2015, respectivamente, de su relación con Gerard Piqué, también han curado un parque especial para los más pequeños, Macondito. Está previsto que durante los días de concierto las puertas abran a las 12 de la mañana y cierren a las 0:00 de la noche, finalizando el concierto una hora antes.

Las expectativas para la residencia europea de Shakira en Madrid están altas. Muy altas. La cantante colombiana celebrará a partir del próximo 18 de septiembre y durante un total de 12 noches un macroevento en el espacio Iberdrola Music de Villaverde, que no solo acogerá los conciertos de la única parada europea de su gira Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, sino que transformará el recinto en una “ciudad efímera” dedicada a la cultura latinaç.

A las novedades ya conocidas el pasado mes de marzo, cuando anunció las primeras fechas y la construcción del llamado estadio Shakira, ahora se suma que Macondo Park —bautizado en homenaje al pueblo ficticio creado por Gabriel García Márquez—, que ofrecerá hasta doce horas de actividad en cada jornada de concierto, constará de ocho pabellones temáticos dedicados a la música, la gastronomía, la literatura, el arte, el cine, la moda, el universo creativo de la artista y la cultura infantil, todos ellos con programación propia antes del espectáculo.

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Para ello se construirán ad-hoc 15 hectáreas junto al estadio. En total, todo el área del festival tendrá 140.000 metros cuadrados. Infobae España ha preguntado por los costes de producción, pero la organización alude a que “aún están en camino” y que los espectadores están “más centrados en disfrutar”.

Como ha explicado Pino Sagliocco, presidente de Live Nation España, en una rueda de prensa que ha tenido lugar este viernes, el recinto abrirá aproximadamente de 12:00 a 00:00 de la noche durante los días de los conciertos, que coinciden en viernes y fin de semana. con el concierto finalizando una hora antes para facilitar una salida escalonada del público. Además, el promotor ha avanzado que está trabajando con la Comunidad de Madrid para que, de lunes a jueves, cuando Macondo Park permanezca cerrado al público general, el recinto pueda abrir sus puertas a colegios con el objetivo de que los alumnos conozcan la cultura latinoamericana.

“Sería una excelente oportunidad para que los jóvenes de los colegios pudieran visitar Macondo Park y acercarse a descubrir este mundo maravilloso”, ha dicho Sagliocco. La intención es que los estudiantes recorran los diferentes espacios y participen en actividades con escritores, artistas o expertos invitados, cuya programación se anunciará más adelante.

Todas las actividades previas a los conciertos están curadas por Shakira bajo el concepto Es Latina y “bajo la idea de que la Nación Latina no es un territorio geográfico: es una comunidad transnacional unida por el idioma, el ritmo, la creatividad, la resiliencia y la alegría”. De la misma manera, sus hijos, Milan y Sasha, nacidos en Barcelona en 2013 y 2015, respectivamente, de su relación con el jugador del F.C. Barcelona Gerard Piqué, también han curado un parque especial para los más pequeños, Macondito.

Entradas VIP que alcanzarán los 770 euros

A esta experiencia se sumarán dos nuevas modalidades VIP, Garden y Terrace, que saldrán a la venta el próximo lunes. La primera estará concebida como “un oasis de diseño inspirado en la naturaleza” con acceso a la zona Front Stage, comida y bebida incluidas, activaciones exclusivas y regalos oficiales de Shakira. La segunda ofrecerá una terraza con vistas privilegiadas al escenario, además de los mismos servicios premium. Los paquetes tendrán un precio de entre 550 y 770 euros, según ha confirmado la organización en la rueda de prensa.

Durante la presentación, Sagliocco ha defendido que la residencia pretende ir “un paso más allá” del formato tradicional de concierto y ha puesto como ejemplo los conciertos de Bad Bunny. “Los latinos nunca hemos tenido una voz tan importante como ahora”, ha afirmado, antes de reivindicar que Shakira ha querido convertir su estancia en Madrid en “una experiencia de pertenencia y comunidad” más allá de la música.

La humanidad ha transitado en pocas décadas un proceso de transformación sin precedentes por la rapidez de su evolución. Primero fue la llamada sociedad de la información. Luego evolucionamos hacia la sociedad del conocimiento, en la que esa información comenzó a procesarse, interpretarse y convertirse en un activo estratégico para la innovación, la educación y el desarrollo económico.

Parece entonces que las estructuras cambiaron y hoy estamos ingresando en una nueva etapa, más compleja y disruptiva, que puede definirse como la sociedad algorítmica o sociedad de la inteligencia artificial. Los algoritmos no solo organizan la información: moldean comportamientos, influyen en decisiones y comienzan a intervenir en ámbitos que históricamente fueron exclusivos de la creatividad humana.

La irrupción de la inteligencia artificial en la música no es simplemente un nuevo capítulo en la evolución tecnológica dentro del ámbito de las artes y de la expresión creativa de la humanidad, sino un punto de inflexión que obliga a repensar sus bases más profundas.

El impacto más visible se manifiesta en la creación musical, donde herramientas capaces de generar melodías, voces sintéticas o piezas completas en cuestión de segundos, están redefiniendo el proceso creativo. Sin embargo, el desafío más profundo no reside allí, sino en la gestión de derechos.

La aparición exponencial de contenido generado por inteligencia artificial tensiona los sistemas actuales de identificación, trazabilidad y monetización, mientras las plataformas de contenidos audiovisuales y musicales reciben volúmenes crecientes de material difícil de auditar. Al mismo tiempo, muchos de estos modelos se entrenan sobre repertorios protegidos cuya utilización no siempre es transparente ni informa cómo está generada: la inmediatez manda.

Esto nos obliga a analizar la arquitectura del sistema creativo y de consumo de contenidos en su conjunto, desde el licenciamiento hasta los mecanismos de distribución de regalías, en un entorno donde la escala y la automatización desafían los esquemas tradicionales.

En este escenario, resulta fundamental distinguir entre la inteligencia artificial que asiste y la que sustituye. La IA colaborativa potencia al creador humano, mejora procesos, amplifica capacidades y se integra como herramienta dentro del acto creativo que, desde los principios de la modernidad, generó las bases del derecho de los autores de obras y sus derechos conexos, y así un hecho tecnológico como la posibilidad de grabar la voz dio lugar a un hecho artístico y cultural como lo es la industria de la música fonograbada.

En cambio, la IA generativa puede producir obras completas o imitaciones estilísticas a partir de repertorios preexistentes, alterando el equilibrio entre innovación y apropiación.

La aparición exponencial de contenido generado por inteligencia artificial tensiona los sistemas actuales de identificación, trazabilidad y monetización

Esta diferencia no es meramente técnica, sino jurídica y más aún ética, porque define cuándo estamos ante una extensión legítima de la creatividad y cuándo frente a una potencial explotación del trabajo ajeno sin consentimiento.

El eje del debate entonces se desplaza hacia la necesidad de reglas claras que delimiten el uso de contenidos protegidos y aseguren condiciones equitativas para todos los actores del ecosistema.

El núcleo del problema es, en última instancia, la falta de procesos transparentes en el ámbito de los usos tecnológicos que dominan los tiempos de la inmediatez.

No hay dudas acerca de que, sin información sobre qué obras fueron utilizadas para entrenar modelos de inteligencia artificial, en qué condiciones y con qué finalidad, el sistema de derechos pierde consistencia. Sin trazabilidad, el licenciamiento se vuelve inviable, la compensación se diluye y el valor de los catálogos de obras musicales comienza a erosionarse en clara afectación a sus titulares: autores, compositores, artistas intérpretes y productores de fonogramas.

Pero reducir esta discusión al ámbito de la propiedad intelectual sería un error. La inteligencia artificial aplicada a la música pone en juego un conjunto más amplio de derechos fundamentales.

El uso de obras y fonogramas en el entrenamiento de modelos involucra derechos de reproducción y transformación, mientras que la clonación de voces y la generación de deepfakes —entendidos como contenidos generados o manipulados mediante inteligencia artificial que recrean de manera hiperrealista la voz, la imagen o los gestos de una persona— afectan directamente el derecho a la identidad y a la propia imagen.

Un mercado en tensión: litigio, acuerdos y regulación

El mercado refleja esta tensión en tiempo real. Por un lado, se multiplican los litigios impulsados por titulares de derechos que buscan frenar el uso no autorizado de sus repertorios. Por otro, emergen acuerdos estratégicos entre empresas tecnológicas y actores de la industria musical, que intentan encontrar un punto de equilibrio entre innovación y monetización. Esta dualidad evidencia que el futuro aún está en construcción y que no existe un consenso definitivo sobre si el camino será el conflicto judicial, el licenciamiento estructurado o una forma de coexistencia regulada.

Emergen acuerdos estratégicos entre empresas tecnológicas y actores de la industria musical, que intentan encontrar un punto de equilibrio entre innovación y monetización

Sin embargo, creo personalmente que, cuanto más automatizado sea el entorno, más valor adquirirá la autenticidad humana.

El desafío, entonces, no es frenar el avance tecnológico, sino encauzarlo dentro de un marco que garantice equidad y sostenibilidad cuando afecte la fibra de la humanidad.

Un ejemplo reciente que ilustra con claridad esta tensión es la nueva funcionalidad de YouTube que permite a los creadores reemplazar automáticamente pistas musicales identificadas por su sistema Content ID por alternativas generadas por inteligencia artificial y libres de regalías. En la práctica, esto implica que un contenido que originalmente utilizaba una obra protegida puede ser modificado —incluso de forma casi imperceptible para el usuario— por una música sintética que evita conflictos de derechos y facilita la monetización. Ahora bien, ¿cuál es el “precio” de esto?

Este tipo de soluciones muestra el camino hacia un ecosistema más eficiente desde el punto de vista operativo del usuario final, pero también abre interrogantes de fondo: si la respuesta al conflicto de derechos es sustituir la creación original por contenido artificial posiblemente derivado de aquel en sus procesos de entrenamiento, ¿no estamos desplazando silenciosamente el valor económico y cultural de la música humana hacia un modelo donde la tecnología no solo gestiona los derechos, sino que directamente reemplaza la obra que esos derechos protegían?

El consentimiento de los usos de obras originales debe consolidarse como principio rector de cualquier uso de obras, voces y sus registros o sus identidades, y el entrenamiento de modelos debe integrarse al sistema de derechos mediante esquemas de licenciamiento claros y remunerados que impliquen la autorización de sus titulares.

El rol de la gestión colectiva en la nueva era

En paralelo, la gestión colectiva —entendida como el sistema mediante el cual entidades especializadas administran, licencian y recaudan derechos en nombre de múltiples titulares para facilitar su explotación y asegurar una distribución eficiente de los ingresos— deberá evolucionar hacia modelos (aún) más tecnológicos, porque en su acción se debaten los temas centrales de autoría, usos de las obras, generación de contenidos derivados. Al mismo tiempo, sus intervenciones deben ser auditables y adaptadas a entornos masivos y automatizados de licencias, capaces de responder a la complejidad de este nuevo escenario. La inteligencia artificial ya forma parte del ecosistema musical en sus diferentes procesos y alcances y su desarrollo es irreversible.

La verdadera discusión no es si debe o no integrarse, sino bajo qué condiciones lo hará en cada caso.

Conclusión: el equilibrio entre innovación y humanidad

Lo que está en juego es el equilibrio entre innovación y derechos de la humanidad literalmente entendidos.

La música ha sido históricamente un espacio de expresión profundamente humano, donde la identidad, la emoción y la creatividad se entrelazan de manera única. Si la inteligencia artificial pretende formar parte de ese ecosistema, deberá hacerlo respetando ese núcleo esencial.

El progreso tecnológico no puede construirse sobre la apropiación silenciosa del valor, la identidad y los derechos de quienes crean. Porque si algo define a la música, más allá de cualquier algoritmo, es justamente su condición irreductiblemente humana.

En tal sentido cobra renovada vigencia el pensamiento de Christian Lous Lange, Premio Nobel de la Paz del año 1921, quien consideró que "la tecnología es un sirviente útil, pero un amo peligroso“.

Por ello, la discusión sobre inteligencia artificial y música, conjuntamente con sus efectos en las artes, no es meramente tecnológica: es una conversación sobre la identidad de los humanos con sus inescindibles derechos a la intimidad y a los atributos de su individualidad, como así también de los alcances de la propiedad intelectual y la sostenibilidad económica de la creación, pero también sobre cómo construir, a partir de esos principios, un terreno fértil para una innovación genuina y responsable.

Un año después de la muerte de Ozzy Osbourne, los integrantes originales de Black Sabbath dedicaron nostálgicos mensajes en redes sociales para recordar al hombre que ayudó a cambiar la historia del heavy metal.

El llamado “Príncipe de las Tinieblas” falleció el 22 de julio de 2025, a los 76 años, tras enfrentar diversos problemas de salud. Apenas 17 días antes había cumplido uno de sus mayores deseos: despedirse del público durante el concierto Back to the Beginning, celebrado en Birmingham, su ciudad natal, donde compartió escenario por última vez con la formación original de Black Sabbath. Aquella actuación se ha convertido en uno de los recuerdos más valiosos para sus antiguos compañeros.

El guitarrista Tony Iommi fue quien compartió el homenaje más extenso. En su mensaje confesó que, pese al paso del tiempo, todavía le cuesta aceptar la ausencia del cantante.

“Ya ha pasado un año desde la muerte de Ozzy y todavía no puedo creer que ya no esté con nosotros”, escribió. “Lo veo en YouTube y siento que todavía está aquí con nosotros”.

Iommi recordó que ambos mantuvieron una estrecha amistad incluso después de décadas de carrera juntos. “Siempre estábamos en contacto, casi todas las semanas, y normalmente hablábamos de nuestros problemas de salud y de lo que habíamos estado haciendo esa semana”, explicó.

El guitarrista también destacó el apoyo que los seguidores han mostrado desde la muerte del cantante. “Los fans han sido absolutamente increíbles y el amor y el respeto que le han demostrado han sido realmente asombrosos”, señaló.

“Estoy muy contento de que pudiéramos tocar un último concierto con la formación original de Sabbath en Back to the Beginning, en nuestra ciudad natal de Birmingham. Nunca habrá otro Ozzy. Te extraño, mi querido amigo”, concluyó.

El bajista Geezer Butler también evocó la despedida que compartieron con Ozzy pocas semanas antes de su fallecimiento. Acompañó su publicación con una fotografía del cantante y expresó lo difícil que resulta asumir que ya pasó un año.

Me alegra mucho que pudiéramos hacer el último concierto, en nuestra ciudad natal, apenas un par de semanas antes de que Ozzy nos dejara”, escribió. “Se fue en cuerpo, pero su leyenda sigue viva. ¡Qué recuerdos tan increíbles! ¡Ozzy por siempre!”.

El baterista Bill Ward firmó su mensaje junto a su esposa Jackie. Su texto fue breve y resumió el vacío que dejó la partida de quien fue su compañero desde los inicios de Black Sabbath.

“Cada día hay un silencio persistente. Te extrañamos mucho”, escribió antes de enviar “con amor” sus respetos a la familia Osbourne.

Sharon y Kelly Osbourne también compartieron emotivos recuerdos

La familia del artista también aprovechó la fecha para recordar su legado. En una entrevista con la BBC Radio West Midlands, Sharon Osbourne pidió que el público mantenga vivo el recuerdo de su esposo por la forma en que enfrentó la vida.

“Recuerden lo divertido que era; divertido, carismático y auténtico”, afirmó. También destacó que “nunca intentó ser otra persona más que él mismo, y siempre decía la verdad sobre todo”.

Sharon elogió además la celebración de Ozzy Day en Birmingham y explicó por qué consideraba que el homenaje solo podía realizarse allí. “Es el hogar del metal. Es el hogar de Ozzy, donde nació, lo que amaba. Él amaba esta ciudad, amaba a su gente. Estaba orgulloso de ser de Birmingham”, declaró.

Por su parte, Kelly Osbourne publicó una extensa carta en Instagram en la que recordó el profundo impacto que tuvo la muerte de su padre, cuando su “mundo cambió para siempre”. La presentadora explicó que perderlo fue “la cosa más difícil que he tenido que soportar” y que el último año la había “roto de maneras que nunca pensé que fueran posibles”.

En veinticuatro horas empieza la ola de La Velada del Año VI. Y es que, aunque el evento como tal no dará comienzo hasta el sábado 25 de julio, mañana a las 19:30 (horario local) tendrá lugar el pesaje de todos los boxeadores. Este momento será definitivo para saber en qué condiciones van a pelear todos los participantes y si han logrado llegar a los objetivos planteados en la presentación de la edición. “No solo sabremos su peso, sino que además serán sus últimas declaraciones antes del gran día”, adelantó ayer Ibai Llanos en sus redes sociales.

Después del Cara a Cara, se ha podido saber un poco más de aquellos participantes que no han publicado contenido en sus redes sociales sobre su proceso. Aun así, tendremos que esperar hasta el sábado, cuando llegue el momento definitivo en el estadio de La Cartuja en Sevilla. Como ya viene siendo una tradición, entre los combates habrá actuaciones musicales de artistas invitados y pequeños parones destinados a los patrocinadores oficiales de la Velada. Pero, ¿cuáles son todos los detalles que ya sabemos?

Dónde ver la Velada del Año VI

Tal y como se ha hecho en las anteriores emisiones, el evento podrá disfrutarse de manera gratuita en los canales oficiales de Ibai. De esta forma, aquel que quiera disfrutar, de manera gratuita, de la pelea solo tiene que entrar al perfil del creador de contenido en Twitch, YouTube o TikTok.

A qué hora empieza la Velada del Año VI

El evento del próximo sábado 25 de julio dará comienzo a las 19 de la tarde, hora peninsular española, hora a la que entrarán los invitados por la alfombra roja. Pero si vas a disfrutar del espectáculo desde la otra parte del charco, deberás saber que:

• Al oeste de Estados Unidos comenzará a las 10 de la mañana.
• En EE. UU., México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica podrán verlo a partir de las 11 de la mañana.
• Mientras que en el centro de EE. UU., Panamá, Colombia, Perú y Ecuador tendrán que estar atentos a las 12 del mediodía.
• En Venezuela, Bolivia, el este de EE. UU., Puerto Rico, República Dominicana y Chile podrán disfrutar del evento a las 13 de la tarde.
• Por último, en el horario de Paraguay, Argentina y Uruguay, el evento dará comienzo a las 14 horas de la tarde.

Pero si llegas tarde para ver la Velada, no te preocupes. Porque el primer combate no comenzará hasta las 19:45 horas. Debido a la gran cantidad de combates de este año, “acabaremos a las dos de la madrugada, hora española", avisó Ibai. Por lo que a cada uno de los horarios hay que sumarle un total de siete horas, que es lo que durará aproximadamente el evento.

Artistas invitados de la Velada del Año VI

El 1 de julio, Ibai Llanos presentó por fin el cartel de los artistas que aparecerían durante el evento. Para este año, los protagonistas en el escenario son: Yandel, Anuel, Bad Gyal, Juanes y La Pantera y Lucho RK. Aunque esta edición ha tenido un menor número, “sabed también que entre todos estos combates habrá actuaciones”, comunicó ayer el organizador del evento.

Pero, ¿qué significa esto? Pues según Llanos habrá “muchos invitados sorpresa” que acompañarán tanto en las actuaciones musicales como en las entradas de algunos de los boxeadores. Quizá el sueño de muchos se cumpla y Lola Índigo y Aitana acaben saliendo al ring para apoyar a sus respectivas parejas. O igual vemos de nuevo a Quevedo en la Velada del Año para acompañar a La Pantera y Lucho RK para cantar una de las canciones de su último álbum ‘Algo va a pasar’.

El orden definitivo de los combates de la Velada del Año

Después de mucha especulación, Ibai por fin ha publicado el orden definitivo de los combates de la Velada del Año VI. A continuación se detalla cómo avanzará la noche:

1. Fabiana Sevillano vs. La Parce
2. Clers vs. Natalia MX
3. Edu Aguirre vs. Gastón Edul
4. Marta Díaz vs. Tatiana Käer
5. Viruzz vs. Gero Arias
6. Alondrisa vs. Angie Velasco
7. Kid Keo vs. Lit Killah
8. Rivers vs. Roro
9. Plex vs. Fernanfloo, como combate coestelar
10. TheGrefg vs. IlloJuan, como el main event de la noche que comenzará en torno a la 01:30 a.m. (horario local)

El premio que puedes ganar si predices el final de cada combate

“Acierta y gana”, así ha anunciado Ibai el concurso que comenzó el 22 de julio en sus redes sociales. Como segundo año consecutivo, Llanos ha anunciado un premio para el seguidor que acierte el final de los diez combates. “El año pasado, para que os hagáis una idea, hice esto mismo y el ganador se llevó un ordenador”, afirma.

El torneo consiste en acertar los ganadores y podrás elegir “el premio que tú quieras”. Como puede haber varias personas que puedan acertar el resultado, el creador de contenido ha explicado: “Entre todos los que acertéis los diez ganadores de los combates, que no es fácil, habrá un ganador que se lleve lo que él quiera”. Pero ha puesto una condición: “A ver, lo que él o ella quiera dentro de la cabeza; por favor, no me pidas cuatro coches ni un barco de lujo. Un regalo que esté guapo”, pide.

La selección española se ha proclamado campeona del mundo por segunda vez en su historia tras vencer a Argentina por 1-0 en la final. Este lunes han tenido lugar las celebraciones con los aficionados en Madrid, desde la rúa en autobús por las calles principales hasta las actuaciones y presentaciones en la Plaza de Cibeles.

Por el escenario han pasado varios artistas nacionales como Aitana, Viva Suecia, Arde Bogotá o Saiko, pero uno de los momentos más destacados ha sido el reencuentro entre Lola índigo y el guardameta Unai Simón.

El portero y la cantante protagonizaron uno de los momentos del Mundial fuera de los terrenos de juego, ya que Simón, en una entrevista con la cadena COPE, habló sobre la canción que más estaba escuchando y se refirió a la artista como “La Lola Índigo esta” para intentar responder a la pregunta y hablar de ‘El bachatón de la L’.

La respuesta de Lola Índigo y la celebración

La respuesta del portero de España dio que hablar y generó carcajadas entre los periodistas, por lo que en tono distendido añadió: “Perdona, Lola”. Sin embargo, este momento no pasó desapercibido para la artista, que en sus redes sociales compartió un vídeo en el que se reproducía la entrevista. Además, escribió el mensaje de “La Lola Índigo esta” junto a dos banderas de España, junto con una cabeza de la gatita Hello Kitty.

Este lunes, de nuevo en las celebraciones este tema a vuelto a la primera plana, ya que Unai Simón ha salido a su presentación en el escenario de Cibeles con el tema de Lola Índigo al que hizo referencia en la entrevista con Juanma Castaño.

Por otra parte, la propia artista andaluza ha salido al escenario justo tras acabar las presentaciones para interpretar ‘PA TI TOA’ junto con Ana Mena. Sin embargo, no ha habido una interacción directa visible entre los dos protagonistas de esta divertida anécdota que ha dejado la Copa del Mundo.

El ritmo del Mundial

Lola Índigo no ha sido el único nombre relacionado con la música que ha sonado en este campeonato. Las victorias y la celebración del título han ido acompañadas de diferentes canciones como ‘NUEVAYoL’, de Bad Bunny, ‘La Graciosa’, de Quevedo y Elvis Crespo, que era la banda sonora tras los goles de La Roja, o ‘SUPERESTRELLA’, de Aitana.

Este último tema ha ganado una gran popularidad, de hecho se ha convertido en una especie de meme, ya que sonaba tras las victorias de España y ha dejado grandes imágenes de leyendas como Lionel Messi o Cristiano Ronaldo tristes tras la derrota y con el tema de Aitana sonando de fondo en el estadio.

La participante de Operación Triunfo ha tenido la oportunidad de interpretar su canción en directo en la celebración, en el escenario situado en la Plaza de Cibeles, donde ha estado acompañada por los jugadores y los miles de aficionados allí presentes.

Antes de ella han actuado otros grandes nombres, como las ya mencionadas Ana Mena y Lola Índigo, los grupos Arde Bogotá y Viva Suecia y otros cantantes nacionales como son Saiko o Tony Grox y Lucycalys. Además, otro inesperado protagonista en el aspecto musical ha sido Borja Iglesias, que durante toda la rúa y sobre el escenario ha demostrado ante el público sus dotes como DJ.

Borja Iglesias (Santiago de Compostela, 1993) es una rara avis en el mundo del fútbol. El jugador del Celta y campeón del Mundo con la selección española desde el pasado domingo, es de los pocos que no duda en pronunciarse en todo tipo de causas sociales, de la homofobia al racismo o a los casos de acoso. De hecho, El Panda, renunció a jugar en La Roja como gesto de solidaridad con Jenni Hermoso, después de que el para entonces presidente de la Real Federación Española de Fútbol (RFEF), Luis Rubiales, le diera un beso sin consentimiento tras la victoria de España en el Mundial femenino de 2023.

“Vestir la camiseta de la Selección Española es de lo más grande que me ha pasado en mi carrera. No sé si en algún momento volveré a ser una opción, pero he tomado la decisión de no volver a la Selección hasta que las cosas cambien y este tipo de actos no queden impunes”, escribió el 25 de agosto de 2023, días después de lo ocurrido.

Por ello, no es de extrañar que, tras la victoria en el Mundial y durante la celebración que tuvo lugar en Cibeles este lunes, el futbolista entrara en el escenario al ritmo de Cantando, una de las canciones más conocidas de Violadores del Verso, el grupo zaragozano liderado por Kase.O. El tema es un himno sobre el poder del arte para sobrellevar los altibajos de la vida.

Una amistad nacida en Zaragoza

¿El motivo? Lo que significa para el gallego la formación de rap español. “Me ayudaste con tu música en los momentos más oscuros de mi vida. Cantaba solo en silencio, en mi habitación, y soñaba con ser como tú, con movilizar a las personas como tú y trascender como tú”, ha escrito en Instagram dos días después del evento.

Iglesias ha asegurado que las letras del artista le han ayudado a desarrollar una mirada crítica y a encontrar la valentía necesaria para defender públicamente sus ideas. “Gracias por ser un referente para mí, por ayudarme a construir mi personalidad, por ayudarme a ser yo sin miedo a lo que piensen o digan y a luchar por un mundo mejor con mis palabras”, añadió.

El jugador también introdujo en su mensaje varias referencias a las canciones de Kase.O y Violadores del Verso. “Me enseñaste que ninguna chavala tiene dueño y que cuanto más amor das, mejor estás”, escribió, haciendo referencia al tema Ninguna Chavala Tiene Dueño. “Aunque crea que ya no me queda fuerza para más, todavía queda mi renacimiento para volver a luchar. Porque esto no para, mi hermano. Te amo”.

El delantero publicó estas palabras después de que Kase.O —nombre artístico de Javier Ibarra Ramos— le dedicase una publicación en redes sociales como agradecimiento a poner su canción durante la celebración. "Hoy es él el que me inspira a mi y a otros muchos. Nos recuerda que no hay que quedarse callado ante las injusticias y es un gran ejemplo para los niños", escribió.

La relación entre Borja Iglesias y Kase.O, sin embargo, viene de mucho antes. Cuando el delantero fichó por el Real Zaragoza en 2017, una de las primeras cosas que pidió al club fue conocer al rapero, uno de sus grandes referentes desde la adolescencia.

Insólito todo. Patti Smith, la madrina del punk, trascendental cantante y escritora, un símbolo que influyó notablemente en la cultura popular occidental desde hace medio siglo, quedó en el centro de una polémica en redes sociales... Por un partido de fútbol. Claro, no fue cualquier partido: fue la final del Mundial 2026 entre las selecciones de España y Argentina, con el resultado que bien sabemos.

Por otro lado, también es cierto que -y cada vez más- un Mundial de Fútbol detiene al planeta y debe entenderse (o aceptarse, más bien), buena parte de la humanidad fija sus ojos en lo que sucede en un rectángulo de juego de 105 por 70, donde hay -cito a Borges y una de sus boutades más difundidas- “once jugadores contra otros once corriendo detrás de una pelota”. Está claro que el fútbol hoy en día es mucho más que eso (bien lo sabemos en Argentina, quedó expuesto en el antes, durante y después de la semifinal contra Inglaterra). También está claro que la existencia de redes sociales parece obligar a buena parte de la humanidad, incluso a la madrina del punk, a decir algo y con esa opinión en su caso, dejar sentado una posición para el millón y medio de seguidores que tiene su cuenta @thisispattismith en Instagram.

Así sucedieron los hechos. Todo empezó cuando la artista estadounidense venerada en buena parte del mundo por su obra, publicó en sus historias una imagen generada con inteligencia artificial de Lamine Yamal con una kufiya -conocido como “pañuelo palestino”, parte de la vestimenta tradicional de Oriente Medio- y la frase “los buenos”. Un mensaje que miles de seguidores argentinos interpretaron como una descalificación moral hacia su selección. La historia fue borrada a los pocos minutos de su publicación, pero la captura ya circulaba. La frase, debe suponerse, refería a los gestos de público apoyo que el futbolista español, musulmán y de ascendencia marroquí, ha expresado por la causa palestina.

En tiempos de susceptibilidad digital, desde este lado del mundo se entendió que, por contraposición implícita, ubicaba a Argentina del lado contrario: “los malos”. El texto sugería que el triunfo español tenía una carga moral. Vaya si hemos visto dictámenes “morales” en esta semana, en buena parte emitidos desde usinas de pensamiento progresista del hemisferio norte.

Ahora bien, la cantautora fue modificando sus publicaciones en las horas siguientes. La versión que quedó en su perfil reemplazó la imagen original y el texto polémico por una frase dirigida al propio Yamal: “Esto es una lección de humildad. Gracias, 19. Felicitaciones, España.” Smith no ofreció explicaciones sobre el cambio ni respondió públicamente a las críticas. Las respuestas de los seguidores argentinos en su feed abordaron varios frentes a la vez. Una usuaria le señaló la contradicción entre el gesto de Smith y la campaña de desprestigio que, según su lectura, se había sostenido contra Argentina durante el torneo: “Si te alegra lo de España, está bien. Pero no compres la narrativa de que ellos son ‘los buenos’ y la contrastes con la horrible campaña que se llevó adelante contra nosotros”, escribió, y agregó que el país “lleva la bandera palestina” pese a atravesar una situación económica compleja y tensiones con su propio gobierno.

Hubo también quienes trazaron un paralelismo entre el reclamo palestino de autodeterminación y la posición histórica de Argentina sobre la soberanía de las Islas Malvinas, ocupadas por el Reino Unido desde 1833. El tema había vuelto a la agenda internacional días antes, cuando la selección argentina desplegó una bandera con la leyenda “Las Malvinas son argentinas” al término de su partido ante Inglaterra (bien lo sabemos). Otro sector de los comentarios le recordó a Smith el pasado colonial español en el continente americano. “España colonizó nuestras tierras durante casi 280 años, exterminando a buena parte de su población originaria. Sé que es más fácil sumarse a una tendencia de internet que estudiar la historia”, escribió una seguidora.

La insólita saga continuó luego cuando posteó una foto de Lionel Messi y la frase “Más grande que Dios. Lo dio todo”. Es de colegir que la artista no tiene un CM a cargo de su cuenta y todo lo que publica lo hace por propia voluntad.

Por cierto, el posteo inicial de todo este despropósito se inscribió en un clima más amplio de tensión digital que rodeó la participación argentina en el torneo. Pero esa es otra historia. Pero también es cierto que esto que pasó después, mantiene la insólita trama que fomenta la cultura del Ágora digital que nos envuelve.

Patti Smith respondió a algunos respetuosos pero disidentes comentarios de más seguidores argentinos. Una usuaria de X cuya cuenta se identifica como “Bubulina” (@bubu_luli) fijó un tuit de las 16 hs. del martes con el siguiente texto: “En mi puta vida pensé poder tener un intercambio con Patti Smith. Tengo más para decir sobre sus posteos y todo, pero hoy me quedo con la emoción de su respuesta. Y no: no la voy a cancelar (como si a otros). Junto al texto, subió la captura de su diálogo con la cantante y poeta. “Hola Patti. No sé si verás esto. Acabo de notar tu solicitud de seguimiento. Me tomó por sorpresa y me siento honrada. Patti, he seguido tu trabajo desde que tenía 18 años; ahora tengo 35. Espero que no hayas tomado mi comentario de manera equivocada. Siempre quise dirigirme a vos con mucho respeto, porque sos una artista a la que admiro. Solo quería que entendieras nuestra perspectiva como argentinos. Hay tantos de nosotros aquí que realmente te adoramos, y creo que, más allá de algunos comentarios malintencionados, muchos nos sentimos heridos. Gracias de nuevo por seguirme y, sobre todo, por leer lo que tengo para decir.”

La respuesta de Patti Smith unos minutos después fue: “No. Tu comentario fue importante para mí. No quise que mis palabras fueran tomadas en contra de un país que amo. Me siento terrible por haber lastimado a tanta gente. Gracias por hacerme saber cómo lo hice. Ojalá pueda compensarlo con la gente.”

A otra seguidora que había cuestionado el posteo que disparó todo, le respondió también: “Querida Clara. Mis palabras fueron profundamente malinterpretadas. No iban en contra de Argentina, siempre amé a Argentina. Me disculpo profundamente y voy a enmendarlo. Gracias por escribirme.”

Horas después, llegó el “enmiendo”. A las 8 de la mañana hora argentina más o menos, junto a unas fotos del Cementerio de la Recoleta, escribió en su cuenta de Instagram: Esta es una fotografía de una estatua que me conmovió profundamente. Fue tomada en Argentina, un país que he amado desde hace mucho tiempo. Cualquier palabra que haya escrito no tenía la intención de ofender al pueblo argentino, por el cual siento un profundo cariño. Siempre he respetado y admirado el coraje y la pasión de su gente. He montado a caballo en el campo, he actuado y expuesto mi obra. He recibido tanto amor y mando mi amor de vuelta, así como pido disculpas profundamente con todo mi corazón.

Es cierto, muchas veces es más que fútbol. Este mundial lo demostró, y a la enésima potencia. Pero la pregunta es: ¿era necesario todo esto? Hay un disco de la banda Las Pelotas publicado en 1998 cuyo título es una pregunta, corta y contundente: ¿Para qué? Cabe referirlo porque sintetiza plenamente, a mi entender, este caso.

La final del Mundial sigue dando que hablar pese a que ya han pasado dos días del pitido final que proclamó a España campeona del mundo. La actitud de los jugadores de la selección argentina durante y después del partido ha sido duramente criticada en todo el mundo. Entradas durísimas, agresiones injustificadas y una decisión de darles la espalda a los ganadores del torneo cuando estos levantaban el trofeo que ha provocado muchos comentarios sobre su falta de deportividad.

En este contexto, Rosalía, quizá la artista española con mayor proyección internacional, se ha visto envuelta en una polémica tras entrar (queriendo o sin querer) en el debate. La cantante de temas como Despechá, Beso o Berghain ha compartido un vídeo de TikTok de Mia Khalifa, creadora de contenido conocida por su trayectoria en el cine pornográfico, donde se puede ver a la influencer celebrando el triunfo de La Roja. “Cómo suena la vida ahora que las perlas han sido derrotadas”, es el texto con el que Khalifa acompaña el vídeo, mientras de fondo suena La Perla, la canción más famosa de Lux.

De este modo, el vídeo parece llamar perlas a los jugadores de la albiceleste, algo que podría relacionarse con su actitud durante la final. Rosalía no ha explicado por qué ha resubido el vídeo, si por el perfil de Mia Khalifa o porque suscribe el mensaje de la creadora de contenido, pero parece esto último lo que ha enfadado a miles de argentinos, que no han tardado en atacar a la artista señalando que no debería haberlo hecho a pocos días de actuar en su país con su gira.

Los ataques a la cantante y la respuesta de Rosalía

La cantante catalana ha provocado que el vídeo de Mia Khalifa se haya llenado de comentarios condenando su actitud. “Rosalía compartió el vídeo, vayan pidiendo la devolución de sus entradas en el Movistar Arena. Hagan patria”, reza uno de los mensajes. “Yo que vos, Rosalía, no vengo a la Argentina”, recomienda otro. Y es que Rosalía, que actualmente se encuentra en Santiago de Chile, visitará el país tricampeón del mundo para actuar en Buenos Aires el 1 y el 2 de agosto. “Interesante que repostee algo en contra de Argentina y luego venga a hacer su concierto”, se puede leer en un tercer comentario del TikTok.

Los más críticos con la cantante también han escrito en otras redes sociales, incluyendo en fotografías subidas por la cantante que nada tienen que ver con el asunto. “Qué rápido nos has soltado la mano. ‘Que tenemos el cielo más bonito, que somos un país hermoso’ y todo para que medio año después te sumes a la campaña masiva de odio contra nuestro país por un simple torneo de fútbol. Mirando todo esto en retrospectiva, deberíamos cuestionarnos quién es la verdadera Perla. “No vengas, Rosalía”.

Por su parte, Rosalía ha publicado una historia pidiendo disculpas por lo sucedido: “Le di a compartir porque sonaba La perla y ni leí lo que ponía, mala mía. Perdón”, ha explicado. Tras cantar en Santiago el 24 y el 25 de julio, habrá que ver cómo es recibida en Buenos Aires. Latinoamérica concentra el final de su gira mundial, que la llevará también a Río de Janeiro (Brasil) el 10 de agosto y a México, donde ofrecerá actuaciones en Guadalajara (15 de agosto), Monterrey (19 de agosto) y Ciudad de México (24 y 26 de agosto). El último concierto será el 3 de septiembre en el Coliseo de Puerto Rico en San Juan, poniendo el broche de oro a un Lux World Tour que la ha consagrado como icono internacional.

El baterista estadounidense Lewis Nash llega a Buenos Aires para presentarse el jueves 24 y viernes 25 de julio en Bebop Club, con dos funciones por noche, a las 20 y a las 22.30 hs. Nash se presentará al frente de un quinteto integrado por cuatro referentes del jazz argentino: Mariano Loiácono en trompeta, Sebastián Loiácono en saxo, Ernesto Jodos en piano y Santiago Lamisovski en contrabajo. Sobre esta colaboración, en diálogo con Infobae Cultura, el baterista anticipó: “Ya elegimos un repertorio que nos brinda una base musical en común, pero eso es apenas el punto de partida. Una vez que empecemos a tocar, nos escucharemos mutuamente y dejaremos que la música encuentre su propio camino”.

Considerado uno de los grandes bateristas de la historia del jazz, Lewis Nash acumula más de cuatro décadas de trayectoria y participación en más de 500 grabaciones, entre ellas diez álbumes ganadores del Premio Grammy, y colaboraciones con Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, McCoy Tyner y Dee Dee Bridgewater. Para estas funciones, el músico apunta a una experiencia tan directa como el formato de la sala lo permite: “Espero que podamos compartir una noche en la que la música fluya con espontaneidad, honestidad y mucha comunicación. Para mí, eso es precisamente el jazz”.

— A lo largo de más de cuatro décadas de carrera compartió escenario con leyendas como Oscar Peterson, Sonny Rollins y Dizzy Gillespie, entre muchos otros. ¿Qué músicos tuvieron el mayor impacto en su manera de entender el jazz?

— He tenido la enorme fortuna de trabajar con tantos músicos extraordinarios que resulta difícil destacar solo a unos pocos. Cada artista con el que tuve el privilegio de tocar me enseñó algo diferente, ya fuera sobre la música, el profesionalismo o, simplemente, sobre cómo comunicarse a través del jazz.

Hay algo que todos ellos tenían en común: ponían la música por encima de cualquier interés personal. Cada uno tenía una voz absolutamente propia, pero también eran grandes oyentes y excelentes compañeros musicales. Estar cerca de artistas de ese nivel me confirmó que el jazz es una búsqueda permanente. No importa cuánta experiencia uno tenga: siempre hay algo nuevo por descubrir y por aprender.

— ¿Cómo evolucionó su manera de entender el papel del baterista desde su debut?

— Siempre creí que el ritmo es el corazón de todo lo que hacemos, pero con los años comprendí aún más que la responsabilidad de un baterista va mucho más allá de marcar el tiempo. El baterista ayuda a construir la energía del grupo, sostiene a los solistas, responde a lo que sucede a su alrededor y contribuye a crear el espacio donde todos puedan expresarse de la mejor manera posible.

Ya sea como líder o como integrante de la banda, afronto cada presentación con el mismo objetivo: escuchar con atención y aportar exactamente lo que la música necesita en ese momento.

— Además de su carrera como intérprete, ha dedicado muchos años a la enseñanza ¿Qué cree que los músicos jóvenes necesitan aprender hoy y que no se encuentra en los libros ni en las redes sociales?

— Hoy el acceso a la información es mayor que nunca, y eso es algo muy positivo. Pero el jazz se aprende haciendo música con otras personas. El oído, la intuición musical y la capacidad de comunicarse se desarrollan tocando junto a otros músicos, no únicamente estudiando. Esa es una experiencia que ninguna tecnología puede reemplazar.

También les digo siempre a mis estudiantes que tengan paciencia. Encontrar una voz propia lleva años de escucha, estudio y presentaciones en vivo. Ese proceso es, en sí mismo, uno de los mejores maestros.

— Después de tantos años, ¿qué sigue desafiándolo o inspirándolo cada vez que entra a un estudio de grabación o sube a un escenario?

— Cada actuación comienza con una nueva posibilidad. Eso es lo que mantiene viva la emoción. Ya sea en un concierto o en una sesión de grabación, siempre intento aportar lo mejor de mí a la música y, al mismo tiempo, mantenerme abierto a todo lo que pueda surgir en ese instante. Ninguna presentación es exactamente igual a otra.

También sigo disfrutando mucho de trabajar con músicos de distintas generaciones. La música continúa creciendo porque cada artista aporta una mirada diferente, y formar parte de ese intercambio permanente es algo que nunca doy por sentado.

— El jazz cambió enormemente desde que llegó a Nueva York a comienzos de los años ochenta. ¿Cómo ve el estado actual del género?

— Hoy el jazz es más internacional que nunca, y creo que esa es una de sus mayores fortalezas. Hay músicos extraordinarios en todo el mundo que conocen profundamente la tradición y, al mismo tiempo, incorporan a la música sus propias experiencias culturales. Eso mantiene al jazz vivo y en constante evolución. Lo que más optimismo me da es ver a las nuevas generaciones acercarse a esta música con respeto, curiosidad y un verdadero compromiso. Mientras eso siga ocurriendo, creo que el futuro del jazz será muy prometedor.

{Fotos: Joseph Berg; Vasco Dixon]

La plataforma generadora de música con inteligencia artificial Udio enfrenta una nueva demanda de Sony Music Entertainment por haber utilizado más de 30.000 canciones protegidas para entrenar sus modelos sin pedir permiso ni pagar derechos.

La demanda, presentada el 20 de julio de 2026, ante el Tribunal de Distrito de Estados Unidos para el Distrito Sur de Nueva York, incluye grabaciones de artistas como Elvis Presley, Harry Styles y Alicia Keys.

La compañía ya había demandado a la plataforma en junio de 2024, en un proceso coordinado por la RIAA, la asociación que agrupa a las principales discográficas de Estados Unidos.

En aquella demanda original, Sony intentó incorporar estas 30.117 grabaciones adicionales, pero un juez lo rechazó el 29 de junio de 2026. El tribunal aclaró, sin embargo, que Sony tenía pleno derecho a reclamar por esas obras en un proceso separado, lo que derivó en esta nueva demanda.

Cómo Udio habría usado la música sin permiso

El proceso judicial anterior le permitió a Sony revisar los datos con los que Udio entrenó su inteligencia artificial. Mediante una tecnología de reconocimiento de audio, similar a la que usan apps como Shazam, la discográfica identificó cientos de miles de sus grabaciones dentro de ese material de entrenamiento.

Las 30.117 canciones reclamadas en esta demanda son, según Sony, “solo una pequeña parte” del total de obras que Udio habría utilizado sin autorización.

La nueva demanda también acusa a Udio de haber obtenido muchas de esas grabaciones a través de una práctica conocida como stream ripping: descargar audio directamente desde YouTube usando una herramienta llamada YT-DLP, lo que implica saltarse las protecciones tecnológicas de la plataforma.

La propia Udio reconoció haber usado audio de YouTube para entrenar sus modelos, aunque argumenta que ese uso está amparado por el concepto de fair use, una excepción legal del sistema de derechos de autor de Estados Unidos que permite, bajo ciertas condiciones, utilizar material protegido sin pagar.

Qué admitió Udio en el proceso anterior

En su respuesta a la demanda original, Udio reconoció que sus modelos fueron construidos “mostrándole al programa una gran cantidad de grabaciones sonoras de distintos tipos” y que esas grabaciones “presumiblemente incluían grabaciones cuyos derechos pertenecen a los demandantes en este caso”.

La empresa está detrás de Uncharted Labs, fue fundada por ex investigadores de Google DeepMind y lanzó su servicio en abril de 2024. La lidera su cofundador y director ejecutivo, Andrew Sanchez.

La demanda describe la conducta de Udio como “una carrera desenfrenada para convertirse en el servicio dominante de generación de música con IA”, y sostiene que la compañía “ignoró los derechos de los titulares de derechos de autor en la industria musical desde el primer día”.

Por qué Sony no llegó a un acuerdo como las otras discográficas

Desde su lanzamiento, Udio firmó acuerdos de licencia con Universal Music Group, Warner Music Group, Merlin, Kobalt, Believe y la Asociación Nacional de Editores de Música. Sony es la única gran discográfica que no llegó a un acuerdo con la plataforma.

La demanda señala que ese proceso de licenciamiento tardío “subraya la ilegalidad de la decisión de Udio de copiar las grabaciones protegidas de los demandantes sin una licencia, en primer lugar”.

La acción legal incluye tres cargos: infracción de grabaciones realizadas después de 1972, infracción de grabaciones anteriores a 1972 protegidas por la Ley de Modernización de la Música, y evasión de medidas tecnológicas de protección bajo la Ley de Derechos de Autor del Milenio Digital.

Sony reclama hasta USD 150.000 por cada obra infringida, más hasta USD 2.500 por cada acto de evasión tecnológica, además de una orden judicial que prohíba a Udio seguir usando ese material.

Udio no es la única plataforma de música generativa que enfrenta demandas de discográficas.

Suno, afronta cargos similares de Universal Music Group y Sony Music ante el Tribunal de Distrito de Massachusetts. Warner Music Group, que también era demandante en ese caso, llegó a un acuerdo con Suno en noviembre de 2025 y abandonó el proceso.

En ese litigio, Universal y Sony buscan reclamar por 61.026 grabaciones, más del doble de las 30.117 que están en juego en la demanda contra Udio.

La selección española se ha vuelto a coronar como campeona del mundo tras vencer en la final a Argentina por 1-0. El gol de Ferrán Torres entregó a España su segunda estrella, un acontecimiento que todo el país ha celebrado este lunes.

Los actos oficiales en los que han participado los campeones han tenido lugar en Madrid, desde las visitas oficiales a Moncloa o la Zarzuela hasta la rúa en autobús mostrando la Copa del Mundo por las calles de la capital.

La celebración principal con la presentación de los jugadores estaba estipulada para las 21:00 en la Plaza de Cibeles. Sin embargo, el trayecto de los jugadores se ha retrasado y la celebración ha comenzado algo después de las diez de la noche. Para amenizar la espera, en el escenario han estado presentes Barce, Álex Martini y DJ Pawly.

Actuaciones previas a la llegada de los jugadores

Además del espectáculo garantizado por los DJ, antes de la llegada de los jugadores al escenario ha actuado la banda de indie rock Viva Suecia. El grupo murciano ha sido el primero en iniciar una serie actuaciones en directo.

A continuación ha llegado el turno del artista granadino Saiko. El cantante ha interpretado algunos de sus temas más populares como ‘BADGYAL’ para continuar con el inicio de las celebraciones.

Tras Saiko ha llegado la última actuación antes de la presentación de los jugadores que han conseguido el Mundial en Estados Unidos. En este caso han sido Tony Grox y Lucycalys, ganadores del Benidorm Fest 2026 con su tema ‘T AMARÉ’.

Los artistas finales

Una vez presentados todos los jugadores de la convocatoria y el seleccionador, Luis de la Fuente, las cantantes Lola Índigo y Ana Mena se han unido a la fiesta para interpretar su tema conjunto ‘PA TI TOA’ y continuar con el ritmo de la celebración en Cibeles.

Los siguientes en hacer acto de presencia sobre el escenario han sido los integrantes del grupo murciano de rock alternativo, Arde Bogotá, para interpretar su famoso tema ‘Los perros’.

Tras pasar por el rock ha vuelto la música proporcionada por un DJ, en este caso el de la selección, que no es ni más ni menos que Borja Iglesias. El delantero gallego no ha podido tener un gran protagonismo sobre el césped, pero ha aprovechado cada momento de la celebración para dejar su huella.

La última de las actuaciones en directo ha hecho honor al final de cada partido de esta Copa del Mundo, pues ha sonado el tema ‘SUPERESTRELLA’ interpretado por Aitana y todos los presentes en la celebración. Sin duda ha sido el tema talismán de la selección y ha dejado momentos únicos con los lamentos de grandes estrellas como Cristiano Ronaldo o Messi, tras sus respectivas derrotas, con el tema sonando de fondo.

Más allá de las interpretaciones en directo, cada jugador ha salido acompañado de su tema preferido o el que les ha acompañado durante este viaje. Entre los más destacados han aparecido Julio Iglesias, que ha repetido, Quevedo, Raphael o El Barrio.

Todo ello unido ha formado parte de la gran celebración que ha tenido lugar en la capital española para compartir el éxito logrado en el continente americano con las autoridades y los aficionados en las calles, donde han estado horas esperando para ver a sus héroes.

La popularidad de Spotify como aplicación para escuchar música en streaming ha llevado a que sus desarrolladores incorporen cada vez más formatos visuales, como vídeos musicales, clips en bucle y videopódcasts. Una opción que aumenta el consumo de datos, advertida directamente por la aplicación.

Por lo que la posibilidad de desactivar los vídeos se vuelve fundamental para quienes desean ahorrar batería y recursos, especialmente cuando utilizan conexiones limitadas.

Cómo desactivar los vídeos musicales en Spotify

Spotify ha implementado mecanismos simples para que los usuarios puedan desactivar los vídeos desde la configuración de la aplicación, tanto en móviles como en ordenadores. En el caso de los dispositivos con Android o iPhone, el proceso inicia al abrir la aplicación y tocar la imagen de perfil.

Luego, se debe ingresar en “Configuración y privacidad”, seleccionar la opción “Contenido y visualización” y, dentro de “Vídeos y Canvas”, desactivar “Vídeos musicales”.

La función de desactivación no solo aplica a los videoclips musicales, sino también a otros elementos visuales como Canvas (pequeños vídeos en bucle que acompañan las canciones) y a los vídeos en podcasts. Esto permite adaptar la experiencia a un formato completamente auditivo, ideal para quienes prefieren prescindir de las imágenes.

En la versión de escritorio, el procedimiento es similar. Se accede a la configuración desde la imagen de perfil, se baja hasta la sección “Vídeos y Canvas” y se desactivan ambas opciones. Al aplicar estos cambios, los iconos de vídeo desaparecen de álbumes, listas y páginas de artistas.

Desactivar los vídeos en Spotify es útil para quienes desean escuchar un álbum tal como fue publicado, sin añadidos visuales, y para quienes buscan una experiencia más ágil y ligera. Si en algún momento se desea revertir la configuración, basta con volver a los ajustes y activar nuevamente las funciones visuales.

Cómo es el consumo de datos: videos vs. audio

La reproducción de videos musicales y otros formatos visuales en Spotify supone un incremento notable en el uso de datos móviles. Los archivos de vídeo, por su tamaño, requieren más ancho de banda que las pistas de audio estándar. Aunque la plataforma optimiza estos elementos para reducir su impacto, el consumo sigue siendo mayor en comparación con la reproducción solo de audio.

Spotify necesita una conexión wifi o de datos móviles para funcionar. Cuando la aplicación no detecta una red wifi, automáticamente utiliza los datos móviles disponibles en el dispositivo. Por eso, el ahorro de datos es una preocupación constante para quienes tienen planes limitados o se conectan desde el extranjero.

Un punto relevante es que los vídeos en podcasts no se pueden eliminar por completo, pero solo se reproducen si la pantalla está activa y mostrando el pódcast. Cuando el dispositivo entra en modo de bloqueo o el usuario sale de la pantalla, solo se reproduce el audio.

Opciones adicionales para reducir el consumo de datos en Spotify

Spotify ofrece varias herramientas y configuraciones para quienes desean optimizar el uso de la aplicación y minimizar el gasto de datos. Una de las más directas es el modo “Ahorro de datos”, que se activa desde la configuración, en la sección “Ahorro de datos y reproducción sin conexión”. Al habilitarlo, se reduce la calidad del sonido y se muestran menos imágenes, lo que impacta de forma positiva en el consumo de datos.

Otra alternativa es utilizar la función de descarga disponible para usuarios Premium. Esta opción permite guardar canciones y álbumes en el dispositivo para su reproducción sin conexión, eliminando así cualquier consumo de datos móviles.

Para asegurar que estas descargas se realicen únicamente con wifi, se puede desactivar la opción “Descargas con datos móviles” desde la misma sección de configuración.

La calidad del audio también influye en el consumo. Las pistas en formato “audio sin pérdida”, por ejemplo, son mucho más pesadas que las de calidad estándar y requieren una conexión wifi robusta para funcionar sin interrupciones. Ajustar la calidad del streaming a un nivel medio o bajo puede marcar una diferencia considerable en el uso de datos.

Autoplay, la función que hace que la aplicación siga reproduciendo música automáticamente tras terminar una lista o álbum, puede generar descargas y streaming adicionales. Desactivarla desde la configuración permite un mayor control sobre lo que se reproduce y cuándo se utilizan los datos móviles.

La amistad es, quizás, la forma más pura y revolucionaria del amor en el mundo contemporáneo. En una época marcada por el vértigo digital, el aislamiento y los lazos utilitarios, los amigos emergen como territorio libre de contratos obligatorios o mandatos biológicos. Es en el espacio de la confidencia, el silencio compartido y la vulnerabilidad aceptada donde realmente nos humanizamos. Los amigos no se eligen para cumplir un rol social preestablecido. Son un refugio contra la intemperie.

El arte ha sido, desde siempre, el gran testigo y catalogador de este misterio afectivo. Cuando las palabras cotidianas quedan cortas para explicar la lealtad o la intimidad, la pintura, la literatura y la música intervienen para capturar la esencia de lo que nos une. Celebrar el Día del Amigo a través de la cultura es un viaje hacia la memoria colectiva. A continuación, tres obras de épocas y geografías completamente distintas demuestran cómo la creación artística se alimenta de la complicidad para volverse inmortal.

La luz del intelecto: Hanna Pauli y la vanguardia sueca

Entre 1900 y 1907, la pintora sueca Hanna Pauli (1864-1940) dio vida a su obra cumbre, el monumental óleo sobre lienzo titulado Amigos (Vännerna). Nacida en Estocolmo en el seno de una influyente familia de la burguesía judía, Pauli se formó artísticamente en París durante la eclosión del impresionismo. Al regresar a su país natal junto a su esposo, el también pintor Georg Pauli, convirtió su propio hogar en el epicentro de las tertulias intelectuales más avanzadas de la era Fin de siècle.

La pintura, que hoy se exhibe de forma permanente en el Nationalmuseum de Estocolmo, captura de manera magistral una de esas veladas íntimas. La composición se organiza alrededor de una lámpara de queroseno que baña con una luz cálida y mística a los presentes, simbolizando la iluminación espiritual y el conocimiento compartido. En el centro geométrico de la escena, la célebre escritora y activista feminista Ellen Key lee un texto en voz alta a un grupo de oyentes suspendidos en el tiempo.

La intrahistoria de Amigos revela las complejas dinámicas sociales de la modernidad sueca de principios del siglo XX. Entre los retratados se encuentran el influyente editor Karl Otto Bonnier y el pintor Richard Bergh. Hanna Pauli, quien se incluyó sutilmente en el cuadro, tardó siete años en terminarlo debido a constantes cambios de perspectiva; modificó la disposición de los cuerpos para forzar una sensación de cercanía física, inmortalizando un pacto de lealtad que redefinió el arte de su país.

Caminar para salvarse: Joana D’Alessio y la botánica porteña

Mucho más cerca en el tiempo y el espacio, la literatura argentina reciente entregó un testimonio sobre la supervivencia afectiva. En el otoño de 2021, en plena salida de los confinamientos pandémicos, la escritora y editora porteña Joana D’Alessio comenzó a registrar sus paseos a pie por la ciudad de Buenos Aires. Ese ejercicio de catarsis urbana se transformó en Pequeño tratado sobre la amistad, un libro breve e íntimo de apenas 88 páginas publicado por Vinilo Editora dentro de su colección Sencillos.

El texto se estructura como un ensayo en movimiento dividido en cinco capítulos, cada uno dedicado a una caminata con una amiga diferente (como Flora, Gabriela, Julieta o Gimena) por los barrios de Belgrano, Núñez y Parque Saavedra. A lo largo de los recorridos, las conversaciones fluyen con una honestidad desarmante, abordando temas universales como la crianza de los hijos, las crisis de pareja, el envejecimiento de los padres y el miedo al paso del tiempo. Con el diálogo, la geografía de Buenos Aires muta.

El libro se complementa con las ilustraciones botánicas de Clau Degliuomini, trazando un paralelismo entre la resistencia de la vegetación urbana (pasionarias, jacarandás y espinos de fuego) y la fortaleza de los lazos afectivos. D’Alessio subvierte la solemnidad de los antiguos filósofos y postula que la verdadera amistad no se erige sobre los éxitos, sino sobre el relato compartido de los fracasos y las vulnerabilidades. Pequeño tratado sobre la amistad posiciona a las amigas como el gran andamio emocional.

El regreso a las raíces: Santana y la vibración latina

El tercer pilar de esta celebración nos traslada a marzo de 1976, mes en que la legendaria banda comandada por el guitarrista mexicano Carlos Santana (nacido en Autlán de Navarro en 1947) lanzó al mercado su séptimo álbum de estudio, titulado significativamente Amigos. Tras pasar varios años experimentando con un jazz-fusión complejo y espiritual que lo había alejado de las listas de éxitos, el virtuoso músico decidió que era momento de reencontrarse con su público y con la vibración callejera.

Amigos es una obra donde el rock latino, el funk y los ritmos bailables volvieron a ser los protagonistas absolutos. El contexto de grabación estuvo marcado por profundas transformaciones internas en la alineación del grupo. El disco significó el debut de la elegante voz soul de Greg Walker, un cambio que refrescó canciones comerciales como Let It Shine y Tell Me Are You Tired, dotándolas de un groove irresistible. Al mismo tiempo, el álbum funcionó como la despedida del bajista original David Brown.

La mejor es Europa (Earth’s Cry Heaven’s Smile), un instrumental donde la guitarra de Santana llora y canta con una expresividad melódica que se convirtió instantáneamente en un clásico de la radio mundial. Desde la explosión percusiva inicial de Dance Sister Dance (Baila Mi Hermana) hasta el folclore de Gitano, cantado por el conguero Armando Peraza, el disco es una fiesta de la comunión musical. Testimonio sonoro de que la música, al igual que los buenos afectos, siempre sabe cómo hacernos volver a casa.

La selección española y miles de aficionados se preparan para un día inolvidable en Madrid tras la obtención de la victoria de La Roja en el Mundial. La ciudad recibirá a los campeones con una serie de actos oficiales y un recorrido festivo que culminará en la plaza de Cibeles, donde la música y la emoción marcarán el cierre de una jornada histórica para el fútbol español.

El recibimiento oficial comenzará con el aterrizaje del equipo y la copa en el aeropuerto Adolfo Suárez Madrid-Barajas, procedentes de Newark. Los jugadores viajarán en un Airbus A350 de Iberia, trayendo consigo el trofeo conseguido en la final contra Argentina. Después del aterrizaje, la agenda de los futbolistas incluye visitas a la Casa Real y al Palacio de la Moncloa, antes de emprender el esperado recorrido en autobús descapotable por el centro de Madrid.

El trayecto iniciará en Moncloa y atravesará calles emblemáticas como Princesa, Carranza, Génova, Colón y Serrano, finalizando en la plaza de Cibeles, epicentro de la fiesta. La rúa con el autobús descubierto permitirá a los seguidores saludar a los campeones y ver de cerca la copa. Se espera una multitudinaria asistencia, por lo que las autoridades han dispuesto un amplio dispositivo de seguridad para garantizar el desarrollo ordenado de los festejos.

Los artistas que celebrarán con España el Mundial

La Real Federación Española ha ido confirmando algunos de los nombres que estarán en Cibeles, con una programación musical que arrancará a las 18:00 horas, con actuaciones de Barce, Álex Martini y DJ Pawly, quienes volverán a animar la celebración tras su presencia en festejos anteriores. “Cuando Barce, Álex Martini y DJ Pawly se ponen a los platos, nadie se queda quieto”, subrayan desde el organismo.

Una hora más tarde, a las 19:00, está prevista la actuación de Ana Mena, “una de las artistas más importantes del panorama nacional e internacional”, y de Arde Bogotá, grupo referente del rock español, que aportará su energía a la jornada. Para muchos, la presencia de estos artistas es parte esencial del ambiente festivo que se vivirá en la plaza. Medios como Cadena SER o RTVE han adelantado la posible participación de artistas como Aitana y Lola Índigo, nombres que podrían sumarse al cartel en las próximas horas. La canción Superestrella de Aitana ha sido señalada como un himno no oficial del éxito mundialista, acompañando celebraciones y vídeos de la selección.

Por su parte, RTVE también ha anunciado la presencia de Tony Grox y LUCYCALYS, ganadores del Benidorm Fest 2026, además de reiterar la inclusión de Aitana. El acto central está programado para comenzar alrededor de las 21:00, cuando los campeones subirán al escenario, mostrarán el trofeo y se dirigirán a la afición desde uno de los lugares más simbólicos del deporte nacional.

La organización no descarta anunciar más artistas e invitados especiales a lo largo del día, por lo que el cartel final podría incorporar nuevos nombres que amplíen la oferta musical y el atractivo de la jornada, diseñada para que la mayor cantidad posible de seguidores puedan disfrutar de la fiesta y participar en una jornada que ya ocupa un lugar destacado en la historia del deporte español.

El K-Pop alcanzó este domingo uno de sus mayores escaparates internacionales. BTS actuó durante el descanso de la final del Mundial de fútbol entre España y Argentina, dentro del primer gran espectáculo musical celebrado en el intermedio de un partido de estas características.

La presencia del grupo surcoreano ante millones de espectadores refleja el impacto que tiene el fenómeno. En España, más del 85% de los seguidores del K-Pop destina entre 20 y 100 euros al mes a productos de moda, artículos coleccionables, decoración, papelería y otras compras ligadas a las tendencias.

Este gasto equivale a entre 240 y 1.200 euros al año. Los datos proceden de una encuesta elaborada en 2026 por la cadena MINISO a partir de 1.000 respuestas, distribuidas por distintas áreas geográficas de España.

El K-Pop tiene más seguidores entre los adultos

El estudio señala que el 14% de la población española se considera fan del K-Pop. Sin embargo, el seguimiento no se reparte por igual entre todas las edades y rompe con la idea de que se trata de un movimiento principalmente adolescente.

El 19% de las personas de entre 31 y 45 años se declara seguidora, frente al 11% registrado entre quienes tienen de 18 a 30 años. La presencia del K-Pop es, por tanto, ocho puntos mayor entre los adultos de mediana edad que entre los más jóvenes analizados.

La encuesta dibuja además un público muy relacionado con el coleccionismo. El 83% de los fans se define como coleccionista activo y el 91% valora de forma positiva la estética asiática.

Entre los productos más habituales aparecen la ropa, los objetos para decorar la casa, la papelería y las figuras coleccionables. Algunos se compran porque están vinculados a un grupo o artista, mientras que otros ganan popularidad después de hacerse virales en redes sociales.

Instagram y TikTok impulsan las compras

Más de ocho de cada diez seguidores utilizan Instagram y TikTok para estar al día de las novedades y conocer qué productos se están poniendo de moda. Las redes se han convertido así en un escaparate constante de nuevas colecciones, figuras y objetos relacionados con la cultura coreana.

El 57% de los fans asegura que comparte siempre o muy a menudo contenido sobre sus compras. El consumo no termina al pagar el producto: muchos usuarios enseñan sus adquisiciones, graban cómo abren los paquetes y recomiendan artículos a otras personas de la comunidad.

Las llamadas blind boxes o cajas sorpresa ofrecen una experiencia particular. El comprador no sabe qué figura concreta encontrará dentro hasta que abre el envase, lo que anima a repetir la compra para completar una colección. El 91% de los fans considera esta experiencia divertida o emocionante.

La tienda física sigue teniendo importancia. El 54% acude expresamente a un establecimiento porque valora poder buscar personalmente los productos, descubrir las novedades y compartir ese momento con otros seguidores.

El crecimiento del K-Pop forma parte de una expansión más amplia de la cultura surcoreana, que reúne música, moda, belleza, series, películas y productos de consumo. Según datos citados por la Fundación Coreana para el Intercambio Cultural Internacional y el Ministerio de Cultura surcoreano, estos movimientos culturales generaron 19.000 millones de dólares en exportaciones durante 2025, mientras que las ventas musicales al exterior aumentaron un 84% respecto al año anterior.

El plan Individual de Apple Music pasó de 10,99 a 11,99 dólares al mes, mientras que el plan Familiar registró el mayor ajuste: subió de 16,99 a 19,99 dólares, un incremento de tres dólares. El plan Estudiantil también aumentó un dólar, de 5,99 a 6,99 dólares.

Los nuevos precios entraron en vigor el 17 de julio de 2026 en Estados Unidos y otros mercados de todo el mundo, según Music Business Worldwide.

La empresa justificó el alza con la siguiente declaración al medio mencionado:

“Como resultado del aumento en los costos de licencias, Apple Music está incrementando su precio de suscripción a partir de hoy”.

Es la misma razón que compartió en octubre de 2022, cuando subió el plan Individual de 9,99 a 10,99 dólares, y añadió entonces que “los artistas y compositores ganarán más por el streaming de su música”.

Qué pasa con los suscriptores actuales

Los nuevos usuarios pagan los precios actualizados de forma inmediata. Los suscriptores existentes, en cambio, serán migrados al nuevo esquema tarifario en su próximo ciclo de facturación, previo aviso de Apple.

El ajuste también alcanza a los planes de Apple One: el paquete Familiar subió a 27,95 dólares al mes y el Premier, a 39,95 dólares. El plan Individual de Apple One no registró cambios.

Los precios en Europa y el Reino Unido

El aumento no se limitó al mercado estadounidense. En el Reino Unido, el plan Individual pasó de £10,99 a £11,99, y el Familiar de £16,99 a £19,99. En Europa, las variaciones fueron equivalentes: el plan Individual quedó en €11,99 y el Familiar en €19,99, mientras que el plan Estudiantil se fijó en €6,99.

Por qué suben los precios del streaming musical

El ajuste de Apple se inscribe en una tendencia más amplia que atraviesa la industria. Las grandes discográficas han presionado durante años a los servicios de streaming para que eleven sus tarifas, con el argumento de que los precios no han seguido el ritmo de la inflación y resultan bajos frente a plataformas de video como Netflix.

Ese contraste se volvió más evidente cuando Apple elevó el precio de Apple TV+ a 12,99 dólares, mientras Apple Music permanecía en 10,99 dólares.

Spotify, por su parte, ha convertido los ajustes de precios en una prioridad estratégica. Alex Norström, co-director ejecutivo de la compañía, señaló durante la última llamada de resultados trimestrales que la plataforma “observó tasas de retención estables tras la aplicación de los recientes aumentos de precios en más de 150 mercados”.

El mercado global de suscripciones musicales cerró 2025 con 921,6 millones de abonados, cerca de los 1.000 millones, con Spotify como el servicio de mayor alcance a nivel mundial.

Cómo queda frente a Spotify

Spotify subió sus tarifas en Estados Unidos en febrero de 2026: su plan Individual cuesta ahora 12,99 dólares, el Familiar 21,99 y el Estudiantil 6,99 dólares.

Con el nuevo precio de 11,99 dólares, Apple Music mantiene una diferencia de un dólar por debajo del plan Individual de Spotify.

La venta de CD crece en Estados Unidos

Las ventas de CD en Estados Unidos crecieron 16% en el primer semestre de 2026, hasta alcanzar 16,3 millones de unidades, según datos de Luminate. El K-pop fue el principal motor del alza: grupos como BTS, ATEEZ y ENHYPENexplican más de la mitad del incremento.

Solo el álbum ARIRANG, de BTS, vendió 567.000 copias en formato físico. Aun al excluir el K-pop del cálculo, el formato creció 6,7%.

La mitad de los compradores de las generaciones Z y millennial no tiene reproductor de CD: el disco mutó en objeto coleccionable y canal de apoyo directo al artista. Grandes cadenas como Walmart y Targetconcentraron cerca del 30% del mercado físico.

Millones de españoles llevan semanas celebrando goles al ritmo de su canción, pero muchos aún no conocen al hombre que se esconde detrás de ella y que lleva casi 30 años siendo todo un referente en el mundo de la música latina en general y del merengue en particular. Hablamos de Elvis Crespo, el músico que se hizo un nombre con su álbum debut, Suavemente, y que tantos años después vive una segunda juventud con La Graciosa, la canción que lanzó hace unos meses junto a Quevedo y que se ha convertido en el himno oficial de España en este Mundial 2026. Con permiso de Superestrella de Aitana, por supuesto.

“Estoy viviendo un momento diferente y único, especial porque me encuentro en Madrid, tengo conciertos estos días y coincide con el Mundial y con la increíble presentación que está teniendo el equipo de España”, afirma un alegre Elvis Crespo en su entrevista con Infobae, en la que reconoce que se llevó una gran alegría al ver que su canción era la elegida para acompañar al combinado de Luis de la Fuente en el Mundial. “Me tomó por sorpresa que tomaran la canción La Graciosa con Quevedo, y me entusiasma y me enamora más el momento por el vínculo que tengo con la selección nacional desde el 2010, cuando ganamos y celebraron con otra de mis canciones", desvela Crespo, haciendo alusión a cuando Pepe Reina y Sergio Ramos pusieron a todos a bailar con Píntame en el avión de vuelta a España después de conquistar el primer Mundial en Sudáfrica. “Eso me conecta con la selección, me entusiasma mucho y le agradezco a Dios que me permite vivir este momento”.

Crespo nació en el mismo sitio en el que España se juega este domingo ganar su segundo Mundial, Nueva York, pero pasó buena parte de sus años de formación en Puerto Rico, de donde era su familia. Con el tiempo, y después de influenciarse por maestros como Ismael Rivera, Chamaco Ramírez, el Gran Combo de Puerto Rico o Gilberto Santa Rosa y aprender de la mano de otros como Toño Rosario o Willy Berríos, dio el salto con Suavemente (Sony Discos, 1998), el álbum que le dio a conocer, del mismo nombre que la canción que hoy día sigue haciendo bailar a millones de personas, aunque todo haya cambiado mucho desde entonces.

“Gilberto Rosa era el Bad Bunny de mi generación”

“Vivimos en un mundo diferente, en una industria diferente. Hoy contamos con plataformas que en los años 90 no existían. Antes yo tenía que levantarme un sábado temprano, conseguir 10 o 15 dólares para comprarme el CD de Gilberto Santa Rosa, que en aquel momento era el Bad Bunny de mi generación. Ahora no, ahora ya la audiencia, ya el público tiene en sus manos la posibilidad de escuchar la música al momento y eso pues definitivamente es un beneficio para los artistas que traigan música interesante y música del alma”, reflexiona Crespo, que en realidad supo sobreponerse al inmenso éxito de Suavemente y lanzó otros hits como el mencionado Píntame o el álbum que ahora presenta en nuestro país, Poeta herío. “Lo que no ha cambiado es que importa que la canción conecte. No importa cuántas plataformas haya, porque Suavemente nació sin YouTube, Facebook, Twitter ni TikTok. Al final del día una buena canción es una buena canción".

Esa “buena canción” le ha llevado a colaborar con uno de los mayores artistas que hay en España, Quevedo. “Conocía lo que hizo con Bizarrap o la canción que hizo con Mike Towers. También su voz me cautivó, tiene una voz única, diferente. Al conocerlo personalmente, me di cuenta de que es un artista brillante y estoy muy feliz de colaborar con él en este álbum”, explica Crespo, quien además tuvo la suerte de descubrir también lo que era en realidad La Graciosa, la isla de Las Palmas en Canarias. “Me llegó la canción, la escucho, me gusta, pero no la entendía porque no sabía lo que era hasta que me explica el concepto del álbum, su idiosincrasia como canario. Ahí me encantó la idea de esta isla, cogí la guitarra, saqué los acordes y le mandé la idea. Y aquí tenemos el resultado, que es una canción muy especial, la canción del verano aquí en España”.

Una gira por España muy especial

Sin duda, La Graciosa es la canción que le está trayendo más alegrías y le conecta más que nunca con un público para el que solo tiene grandes palabras. “Es un público especial, un público exigente. Estamos hablando de la madre patria, donde nació el idioma que amo tanto. Mi conexión con el idioma y con mis ancestros hacen que mi estadía en España sea placentera y curiosa. Porque me gusta curiosear, aprender cosas nuevas aun a mis 55 años“, recalca el músico, que viene de actuar en Jerez, en el Starlite de Marbella, en las Noches del Botánico de Madrid y en Murcia.

Crespo cierra la gira este mismo sábado precisamente en Canarias, como una forma de cerrar el círculo con un concierto en Tenerife que se antoja de lo más especial. Y lo que es más importante, una cita previa inmejorable para la final que vivirá España ante Argentina y para la que Crespo ve a La Roja como clara favorita. “Yo lo visualizo y lo verbalizo. Con solamente sentirlo llevo un mensaje al cuántico. Me encanta la campaña que está por ahí que dice que hay que visualizar la victoria. Así que me visualizo escuchando La Graciosa en la celebración del Mundial, de esa segunda estrella para España". Esperemos que el que ha sido hasta ahora talismán también sea oráculo.

“Este equipo ganaría el Mundial sin duda”, confirma Luck Ra, que de pequeño iba para futbolista hasta que la vida le llevó a los estadios de fútbol de otra forma: con canciones como La Morocha (o su versión más futbolera, La Redonda), Hola Perdida o El Último Baile, dedicada especialmente a Messi, sonando cada vez que la selección albiceleste jugaba en Estados Unidos. “Creo que me gusta más esta vida”, reconoce el cantante, convertido en una de las estrellas musicales más conocidas del país. “De todas formas, es una caricia al alma pensar que nunca pude ser jugador, pero estoy ahí presente”.

Sin embargo, los días de la final le coinciden con su gira por España, con conciertos en diferentes festivales, entre ellos el del próximo 24 de julio en el Morriña Fest, desde el que viajará a Nueva York (28 de julio), donde ya se habrá disputado el partido, y después a Santiago de Chile (23 de octubre), Barcelona (26 de noviembre) y Madrid (28 de noviembre). “Se podría decir, a estas alturas de mi corta y larga vida, que ya este país es como mi segunda casa”, afirma Luck Ra. “Siempre que vengo acá la paso mortal. Aparte, odio con todo mi corazón el frío, así que lo bueno es que cuando llega el invierno a Argentina, acá hace calor, entonces me escapo y después vuelvo”.

Música, fútbol y cuartetos

A sus 27 años, Luck Ra lleva ya más de un cuarto de su vida dedicándose a la música. Su nombre empezó a ser reconocido en el panorama del trap argentino a partir de 2018, con el éxito en YouTube de su tema No quiero más. Eso sí, a pesar de que a partir de ahí su éxito fue cada vez mayor, tuvimos que esperar hasta 2024 para su primer disco, Que nos falte todo, donde confirmó un salto estilístico hacia el cuarteto, género tradicional de la provincia de Córdoba que destaca por su ritmo enérgico y que proviene de una fusión entre la tarantela italiana y el pasodoble de España.

Precisamente de este género es El Último Baile, una canción específicamente hecha para Messi. “Uno tiene que ser consciente de que es muy probable que este sea su último Mundial”, reconoce Luck Ra. “Es una persona que nos ha dado tantas alegrías a los argentinos y, en lo personal, a mí también, que la verdad es que no podía no hacerlo”. En cierto modo, podría decirse que Messi hace música con el balón, “así que un gran objetivo era hacer un tema para que lo pongan en recopilaciones de fútbol, eso estaría buenísimo”.

Ver cómo esta y otras canciones suenan en cada estadio por el que pasa Argentina “se siente muy lindo”, pero lo cierto es que no es la primera vez que sus canciones se ligan al mundo del fútbol. En 2021, su canción El campeón fue la oficial de una albiceleste que ganó la primera Copa América levantada por Messi. Años más tarde, el Fútbol Club Barcelona también celebraría su último título de Liga con La Morocha. “No me lo podía creer”, confiesa Luck Ra entre risas. “No tiene una explicación realmente lógica, porque si supiera cómo hacerlo, todos los temas serían así. Cuando puedes hacer esto con la mano (la agita con energía en el aire) es porque va por buen camino”.

“Me gustaría volver a trabajar con Lola Índigo”

Trap, baladas, reguetón, rock. Luck Ra ha pasado por todo tipo de géneros y de todos, dice, ha aprendido mucho. “Siento que, cuando uno no se rinde, la vida te va llevando al lugar donde realmente te mereces estar”. Ese lugar estaba en el cuarteto, un género al que llegó casi por casualidad, pero con el que todo cuadró, hasta el punto de que, en los últimos años, sus canciones han superado en total los 1.000 millones de reproducciones. “Siento que encaja mucho con mi forma de ser. Aparte, es un género muy rico en instrumentos porque tiene cualquier instrumento que se te ocurra y se puede hacer cualquier forma”.

Además, es también un género que se abre a que puedan colaborar multitud de artistas, entre los que ya ha habido varios españoles: Lola Índigo (Por el ex no se llora), Mafalda Cardenal (Vete a la Luna) y Abraham Mateo (Último Baile). “Me gustaría volver a repetir con Lola Índigo, me parece una artistaza tremenda y hemos hecho un tema muy lindo”, dice Luck Ra, que tiene otros nombres en la lista de deseos: “Desde chico siempre me gustó C. Tangana, me gustó Reik y ahora también escucho mucho a Quevedo”.

Quién sabe si, con alguno de ellos, nos sorprenderá dentro de poco el cantante argentino. Por el momento, tiene en el punto de mira los conciertos que le quedan de su gira y una colaboración con una “leyenda de México” que saldrá dentro de “muy poquito”. “Vamos a disfrutar el Mundial y, cuando se calme todo, ahí saldremos”, promete. “Este año va a ser el primero que no saco disco, pero porque me gusta darle la importancia que se merece. El anterior disco lo sacamos a las corridas, salió bien gracias a Dios, pero este realmente quiero hacer algo para decir: ‘Che, qué pedazo de disco armamos’; darle a la gente un poquito de lo que mejor me salga”.

J Kbello ha ganado ‘Tu cara me suena 13’ en Antena 3 con un 51 % de los votos y ha cerrado la final compartiendo los 30.000 euros del premio con María Parrado para destinarlos a dos causas benéficas. La victoria ha coincidido además con la valoración previa del jurado y con la tabla de puntos acumulada durante la edición.

El desenlace ha dejado un podio nítido: J Kbello ha terminado primero con 51 %, María Parrado segunda con 26 % y Martín Savi tercero con 23 %. En la primera criba de la noche, Paula Koops ha quedado quinta con 13 % y Cristina Castaño cuarta con 19 %.

La decimotercera edición del programa ha concluido tras 14 semanas de competición con una final en directo en la que la audiencia ha decidido desde casa mediante llamadas, SMS y voto gratuito en la web de Antena 3. Junto a los cinco finalistas, la gala ha contado con Blas Cantó y Jorge González como invitados especiales.

Favorito del público y del jurado

El veredicto final ha refrendado los pronósticos que situaban al cantante gaditano como favorito. El respaldo del público ha coincidido con la opinión del jurado, que ya le había situado como uno de los concursantes más sólidos y, de hecho, como líder de la clasificación de puntos antes del cierre de la temporada.

La resolución de la final se ha articulado en dos fases. Primero se han cerrado las líneas para decidir la cuarta y la quinta plaza; después se han reabierto las votaciones para dirimir el podio definitivo entre J Kbello, María Parrado y Martín Savi. La diferencia ha sido amplia en el último tramo. El ganador ha superado por 25 puntos a Parrado y por 28 a Savi, una distancia que ha consolidado una victoria sin discusión en el voto popular.

Tras recibir el galardón, J Kbello ha verbalizado una de las ideas que más se han repetido durante la noche: el vínculo con María Parrado. El cantante ha comentado: “Al principio he dicho una cosa y yo estoy muy feliz de haber compartido todo el concurso el liderazgo del podio con mi María y, de verdad, que siento que este premio es de los dos. Yo quiero repartir este premio para ti y para mí”.

La parte elegida por Parrado irá a la Asociación Autismo Chiclana, de su localidad natal, mientras que la del vencedor se destinará a Siempre contigo, una protectora de animales.

Reconocimiento por su versatilidad

La victoria también ha tenido un respaldo explícito del jurado. Florentino Fernández le ha dedicado una de las valoraciones más rotundas de la noche: “Los buenos genios no saben que lo son y Jota no lo sabe”. Àngel Llácer ha destacado, citado por el semanario, que es “un trabajador incansable, no se pone límites. Se propone un reto, lo trabaja y lo consigue”.

A ese juicio se han sumado Chenoa y Lolita. La primera lo ha definido como “360, bailarín, cantante, actor... lo tiene todo”, mientras que la segunda ha sentenciado: “Para mí es merecedor absoluto de ganar”. Esa valoración encaja con su posición en la tabla y con el hecho de haber sido uno de los concursantes con más victorias parciales en las galas.

En el plano escénico, cada finalista ha apostado por un registro muy marcado. Martín Savi ha asumido un reto operístico al imitar a Farinelli; Paula Koops ha llevado a escena a Liza Minnelli con Cabaret; María Parrado ha elegido a Mariah Carey con Vision of Love; y Cristina Castaño ha recreado a Meryl Streep en Mamma Mia con The Winner Takes It All.

El cierre musical ha quedado en manos del propio vencedor, ya que J Kbello ha interpretado a Hugh Jackman en un número inspirado en El gran showman con The Greatest Show, una actuación con la que ha puesto el broche a la final antes de confirmarse una victoria que ya había reunido el apoyo del público y el aval del jurado.

Con solo 30 años, Lisa “Left Eye” Lopes dejó una huella indeleble en la música y la cultura popular. Fue la mente creativa y la fuerza vital detrás de TLC, uno de los grupos femeninos más influyentes de la década de 1990. Su estilo único fusionó el R&B y el hip-hop con mensajes sociales, un enfoque innovador que desafió los estereotipos de género en la industria musical.

Reconocida por su carisma en el escenario y su capacidad para escribir letras memorables, Lopes se destacó como la principal letrista y rapera del trío. Canciones como “No Scrubs”, “Waterfalls” y “Creep” siguen sonando en todo el mundo, reflejo de la vigencia de su trabajo y su visión artística. Además de su talento musical, utilizó su popularidad para abordar temas delicados como la violencia y el VIH/SIDA, y su imagen pública se convirtió en un símbolo de autenticidad y rebeldía.

El trío TLC cambió la historia de la música en los años 90, con una distinción que trascendía la música por la personalidad y capacidad para desafiar los límites de un género que estaba dominado por hombres. Sin embargo, todo se desmoronó con un trágico accidente en el que Lisa Nicoles Lopes perdió la vida.

La trágica muerte de Lisa “Left Eye” Lopes

El 25 de abril de 2002, la exitosa cantante perdió la vida en un accidente automovilístico en Roma, Honduras, mientras viajaba hacia un retiro espiritual. La artista había ido al país centroamericano en busca de un espacio de tranquilidad lejos de las presiones de la industria musical, además de participar en proyectos sociales y planificar nuevas iniciativas personales.

Aquella jornada, Lopes manejaba una camioneta alquilada y con capacidad para siete personas, pero en ese trayecto se encontraban diez individuos dentro. El vehículo se salió de la ruta tras intentar adelantar a otro a alta velocidad. El SUV volcó y Lopes salió despedida, sufriendo heridas mortales en la cabeza y el pecho. Ninguno de los otros ocupantes falleció, aunque varios resultaron con fracturas.

En los días previos, la cantante había experimentado episodios que la marcaron profundamente. Apenas semanas antes del accidente, su asistente personal atropelló accidentalmente a un nene hondureño de diez años, Bayron Fuentes Lopes, en un viaje juntos. Lopes descendió del vehículo, socorrió al menor y pagó los gastos médicos y el funeral.

El hecho de que ambos compartieran apellido la afectó especialmente, y llegó a declarar que sentía la presencia de un “espíritu” que la seguía. Estas impresiones quedaron registradas en vídeos caseros filmados por la propia artista, luego utilizados en el documental The Last Days of Left Eye.

La muerte de Lopes fue registrada accidentalmente, ya que las cámaras de su equipo grababan el trayecto. El impacto emocional fue inmediato y devastador tanto para sus compañeras de TLC como para la comunidad musical. Más de 30 mil personas asistieron a su funeral en Lithonia, Georgia, incluida Whitney Houston, y sobre el ataúd se grabó un fragmento de la letra de “Waterfalls”.

Tras el accidente, las integrantes restantes de TLC, Tionne “T-Boz” Watkins y Rozonda “Chilli” Thomas, declararon que jamás reemplazarían a Lopes en el grupo. Decidieron mantener su legado utilizando grabaciones anteriores en conciertos y nuevos álbumes, como el disco homónimo lanzado en 2017. “No se puede reemplazar a una chica de TLC”, aseguró Thomas. El impacto de la tragedia transformó la relación entre las integrantes, quienes centraron sus esfuerzos en honrar la memoria de su compañera y en continuar presentando su música ante el público.

El impacto musical de Lisa “Left Eye” Lopes y TLC

Desde su irrupción en los años 90, Lisa “Left Eye” Lopes y TLC redefinieron el sonido y la estética del R&B y el hip-hop femenino. El trío se destacó por fusionar géneros, innovar en lo visual y abordar temáticas sociales que hasta entonces eran poco frecuentes en el mainstream. La voz aguda y el rap de Lopes, su carisma y su creatividad, fueron el sello distintivo del grupo tanto en el estudio como en el escenario.

El álbum CrazySexyCool (1994), considerado por la revista Rolling Stone entre “los 500 álbumes más grandes de todos los tiempos”, consolidó al grupo como referente de la música popular. La apuesta visual, los mensajes de empoderamiento y la capacidad de producción del grupo hicieron que vendieran más de 20 millones de álbumes y ganaran cuatro premios Grammy, indicó Biography.

El impacto de Lisa Lopes fue más allá de su rol como rapera: compuso y coescribió muchos de los éxitos del grupo, ideó conceptos para videoclips y utilizó su imagen para promover el sexo seguro, como cuando lucía un preservativo en el cristal izquierdo de sus lentes. Su influencia se percibe tanto en el legado musical de TLC como en la expansión del espacio para mujeres en el rap y el pop estadounidense, abriendo camino para artistas como Lauryn Hill, Nicki Minaj y muchas más.

A pesar de que el consumo de música en plataformas streaming como Spotify aumentó un 10%, las ventas de CD en Estados Unidos crecieron 16% en el primer semestre de 2026, según Luminate, empresa proveedora de datos e información para la industria musical.

Este formato físico alcanzó 16,3 millones de unidades vendidas entre enero y junio, un ritmo casi siete veces superior al del vinilo, que creció apenas 2% en el mismo período.

Qué impulsó el crecimiento en ventas de los CD

El K-pop fue el principal motor de este fenómeno: grupos como BTS, ATEEZ y ENHYPEN explican más de la mitad del aumento.

El álbum ARIRANG de BTS, por sí solo, vendió 567.000 copias en CD. Sin embargo, incluso al excluir las ventas de K-pop del cálculo, el formato creció 6,7%, lo que indica una tendencia más amplia que el fenómeno de un solo género.

Asimismo, el informe señala que aproximadamente la mitad de los compradores de CD de las generaciones Z y millennial no posee un reproductor del formato.

El disco dejó de ser un soporte de reproducción y se convirtió en mercancía, coleccionable y forma directa de apoyar económicamente a un artista.

Grandes cadenas minoristas como Walmart y Target capturaron casi 30% del mercado de ventas físicas, en parte gracias a ediciones exclusivas disponibles únicamente en sus tiendas.

Los músicos y la inteligencia artificial

En paralelo al resurgimiento del formato físico más antiguo de la era digital, el informe de Luminate también midió la relación entre los músicos estadounidenses y las herramientas de inteligencia artificial generativa.

Los resultados muestran una brecha significativa entre quienes hacen música y quienes la consumen: el 54% de los músicos expresó sentimientos positivos y aceptación hacia las herramientas de IA de última generación aplicadas a la música, frente al 35% entre quienes no son músicos, una diferencia de 19 puntos porcentuales.

La brecha se amplía al medir el uso concreto: el 18% de los músicos declaró utilizar IA para editar o remezclar música existente, tres veces más que el 6% registrado entre los no músicos.

A pesar de esa adopción creciente entre los creadores, el impacto de las canciones generadas o asistidas por IA en el consumo masivo todavía es marginal. Ningún tema con participación de IA logró colarse entre los 250 más escuchados del mundo en el primer semestre de 2026.

La canción con IA mejor posicionada a nivel global fue Papaoutai (Afro Soul), de Chill77, Unjaps y Mikeeysmind (una remezcla del tema original de Stromae), que alcanzó el puesto 282 con 210,7 millones de streams globales.

En el mercado estadounidense, el título más escuchado con participación de IA fue Livin’ on Borrowed Time, de Breaking Rust, producido con un modelo entrenado en el estilo del artista de country Blanco Brown, con 19 millones de streams locales.

PlayStation no producirá más discos para videojuegos

La presentación del informe que revela el crecimiento en las ventas de CD ocurre días después de que PlayStation anunciara que dejará de producir discos físicos para videojuegos a partir de enero de 2028.

Después de esta fecha, los nuevos títulos estarán disponibles exclusivamente en formato digital, tanto en PlayStation Store como a través de distribuidores autorizados.

La medida no afectará a los juegos ya lanzados ni a los que salgan en formato físico antes de ese plazo.

“Este es un paso natural para que Sony Interactive Entertainment se adapte a las tendencias de consumo, ya que la preferencia por el contenido digital supera ampliamente a la de los discos físicos. Esta transición nos permitirá alinearnos aún más con la forma en que la mayor parte de nuestra comunidad prefiere acceder a los juegos y disfrutarlos en la actualidad”, indicó la compañía.

La selección española masculina de fútbol inició su concentración oficial previa al Mundial el 30 de mayo de 2026, sumando un total de 48 días concentrados. En este periodo, el equipo se ha preparado tanto en la Ciudad del Fútbol de Las Rozas (Madrid) como en su cuartel general en Estados Unidos, lo que ha dado para compartir momentos de todo tipo, no solo entre los jugadores, sino también entre el staff técnico y las decenas de periodistas que han acompañado a la Roja en esta aventura.

Durante las múltiples entrevistas que los jugadores del combinado nacional han concedido a los medios, se ha hablado también de temas extradeportivos. Así se vio, por ejemplo, a principios de semana con la conversación que el portero titular del equipo, Unai Simón, mantuvo con el programa El Partidazo de COPE, charla en la que fue invitado a revelar sus gustos musicales y su playlist más reciente. Su respuesta desató risas: “Últimamente escucho mucho a la Lola Índigo esta”, admitía, refiriéndose al tema El bachatón de la L.

La forma en la que Unai Simón se refirió a la cantante de Huétor Tájar, que acumula casi 7 millones de oyentes mensuales en Spotify y es una de las artistas españolas más populares del momento, originó carcajadas entre el equipo de periodistas, lo que llevó a Simón a ofrecer disculpas a la artista en tono distendido: “Perdona, Lola”. El momento, sin embargo, no pasaría desapercibido para la artista, que ha reaccionado en sus redes sociales compartiendo un vídeo donde se reproduce la entrevista. “La Lola Índigo esta”, escribe, acompañando el mensaje con la canción de fondo y dos banderas de España, además de la cabeza de la gatita Hello Kitty.

Así está sonando el Mundial de España

El nombre de Lola Índigo no es el único que ha sonado durante el Mundial de la Roja. A las victorias de la selección las han acompañado diferentes canciones que se han cantado en un momento u otro de su incursión en Estados Unidos. La última de ellas, NUEVAYoL, canción de Bad Bunny que, debido a que los chicos de Luis de la Fuente jugarán el partido en esta ciudad, ha aumentado en escuchas un 40% en España. La plataforma de streaming Spotify, que ya contabilizaba 1.387 millones de reproducciones globales para el tema, ha reportado este crecimiento tras el último triunfo de la selección frente a Francia.

Otro de los himnos de la afición es La Graciosa, de Quevedo y Elvis Crespo, que se ha convertido en la banda sonora de las celebraciones de los goles españoles, manteniéndose como la canción más escuchada en España en Spotify desde mayo. A este éxito se añade Superestrella de Aitana, cuyo pico de popularidad subió un 220% tras la semifinal ante Francia, acumulando ya 215 millones de reproducciones, lo que refleja la tendencia de los hinchas a vincular la música con los momentos de gloria deportiva.

El encuentro de semifinales también impulsó las cifras de Bad Romance de Lady Gaga, cuyo verso “I don’t wanna be friends” se ha transformado en “I don’t wanna be french”. Ha habido otras sorpresas, como Alice’s Theme de la banda sonora de la película Alicia en el país de las maravillas, muy asociada a la primera estrella que España se cosió a la camiseta tras el mundial de 2010, mientras que clásicos como La Roja baila de Sergio Ramos y RedOne vieron un salto del 24.000% en reproducciones tras la victoria en semifinales.

Spotify anunció la disponibilidad de cuentas gratuitas y gestionadas para niños, eliminando la exigencia de una suscripción familiar premium en Estados Unidos. La empresa de música en streaming extendió esta modalidad a todos sus planes de suscripción, permitiendo a los padres crear cuentas infantiles sin costo adicional.

La compañía detalló que las nuevas cuentas incluyen acceso a Wrapped, la función anual que recopila la actividad musical del usuario, ahora disponible para los más jóvenes.

La medida ya rige en Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Australia, Alemania y Países Bajos, y se planea una expansión progresiva a mercados como Canadá, el resto de Europa y Sudamérica. Así, los usuarios pueden crear una cuenta con supervisión parental y recuperar el acceso a sus propias listas, recomendaciones y Wrapped personales.

Características y controles parentales

La función de cuentas gestionadas está dirigida a padres con suscripción activa de cualquier plan de Spotify. Los responsables pueden crear una cuenta gratuita administrada para sus hijos, la cual solo permite la reproducción de música en streaming. No se incluyen podcasts ni vídeos, lo que busca reforzar la seguridad y el enfoque en contenidos musicales para menores.

Barry Nevin, director de producto de Spotify, afirmó durante la presentación a la prensa: “Estamos eliminando la barrera económica para acceder a las cuentas gestionadas y nos complace enormemente ponerlas a disposición de los jóvenes oyentes de todo el mundo”. El ejecutivo remarcó que la iniciativa busca “garantizar un acceso equitativo para cualquier familia que desee crear una cuenta de Spotify para sus hijos”.

En cuanto a la experiencia de usuario, los niños pueden elegir artistas favoritos para recibir recomendaciones y acceder a funciones como Descubrimiento Semanal y listas diarias, entre ellas Homework Vibes.

Para mayor protección, la configuración predeterminada desactiva los vídeos, las carátulas de álbum (Canvas), el contenido explícito y los mensajes. Los perfiles infantiles solo permiten el uso de avatares, no admiten fotos reales de perfil y permanecen privados, sin posibilidad de ser buscados por otros usuarios.

Proceso de configuración y herramientas adicionales

La creación de una cuenta administrada se realiza desde la página de perfil principal en la aplicación. Basta con seleccionar la opción “Añadir un menor de 13 años” y seguir los pasos indicados. Entre las herramientas de control parental, se encuentran filtros de contenido y la posibilidad de bloquear canciones o artistas específicos, lo que otorga a los padres un control detallado sobre aquello a lo que sus hijos pueden acceder.

La función de cuentas gestionadas para niños fue lanzada originalmente en 2024 para menores de 13 años, primero disponible exclusivamente en el plan familiar de pago de la plataforma. Durante los dos años siguientes, la opción se extendió a más regiones y tipos de suscripción.

En octubre pasado, los usuarios de suscripciones familiares premium en Estados Unidos accedieron por primera vez a esta modalidad infantil. Ahora, la compañía apuesta por ampliar el alcance global, con el objetivo de facilitar el acceso seguro y supervisado a la música para los menores.

La victoria de la selección contra Francia en semifinales del Mundial ha entusiasmado a los millones de españoles que, ya sea desde Estados Unidos o desde sus casas, están apoyando a la Roja en esta nueva gesta. Entre tantos y tantos fans, está Aitana, que ha seguido con atención todo lo relacionado con los chicos de Luis de la Fuente e incluso celebró, en pleno concierto, la pasada victoria contra Bélgica en cuartos.

Claro que, como en el Mundial apenas hay tiempo de celebrar los triunfos para preparar el siguiente partido, eso ya es agua pasada, y ahora la cantante de temas como Mon Amour, Presiento o Superestrella (que se está escuchando con cada victoria de España en el Mundial) tiene puesta toda su ilusión en la final del próximo domingo 19 de julio. De cara a ese encuentro, que será contra el vencedor del cruce de este miércoles entre Argentina e Inglaterra, la artista ha realizado una singular petición a la FIFA, organismo del que depende la organización del partido.

“Necesito que Rosalía vaya a Nueva York el domingo a cantar. Es que van artistas increíbles, de verdad que ella tiene que estar allí representandoooooooo (a España)”. Con estas palabras publicadas en un post en X, la cantante ha pedido que su compañera, que ahora mismo se encuentra preparando sus conciertos en América Latina (canta en Santiago, Chile, los próximos 24 y 29 de julio), sea una de las invitadas al show que la FIFA prepara para el descanso de la final. “Bfffff, vaya día el domingo, vaya día!", termina escribiendo Aitana.

Las probabilidades de ver a Rosalía en la final

Por el momento, ya hay varios artistas confirmados para lo que será el primer show de medio tiempo (al estilo de lo que se hace en la Super Bowl) de la historia de los Mundiales. En una nota de prensa, la organización del torneo indicaba que artistas como Coldplay, Burna Boy, Gustavo Dudamel y el Coro PS22 (formado por alumnos de escuelas públicas de primaria en Nueva York) ya han sido confirmados. Además, según ha informado el diario The Times, el descanso podría acoger a otros artistas como Shakira, Madonna o BTS, si bien estos nombres todavía no se han confirmado para la pausa que, se espera, dure aproximadamente. 30 minutos, 15 más de los habituales en el fútbol.

La decisión de la FIFA de americanizar el descanso para que se asemeje más a los partidos de fútbol americano no ha terminado de convencer en el mundo del fútbol, que ve en esta y otras medidas (como las pausas de hidratación) una obsesión por maximizar los ingresos comerciales en detrimento del espectáculo deportivo. Con todo, hay que reconocer que, para los estadounidenses, es completamente normal que los descansos sean así de largos, dada la oferta de comida y entretenimiento que hay en todos los estadios. Como prueba de ello, ha bastado ver la cantidad de asientos vacíos en los estadios al inicio de la segunda parte.

En cualquier caso, no parece probable que Rosalía actúe en el medio tiempo, dado que el show de medio tiempo ya ha sido organizado y, de incluir una artista española, quizá habría también que contar con alguien que representara a Inglaterra (que ya estaría, dada la presencia de Coldplay) o de Argentina. Lo que sí es seguro es que a la cantante catalana también le haría mucha ilusión cantar en este espectáculo, después de completar su exitosa gira por Estados Unidos y de apoyar en directo a la Roja en algunos de los partidos que ha jugado durante el Mundial.

El cantante Don Omar anuncia su regreso a Europa en 2027 con su espectáculo The Last King World Tour, una gira que recorrerá trece ciudades del continente y que tiene prevista una presencia destacada en España. El tour marca el reencuentro del artista puertorriqueño con sus seguidores europeos y se presenta como una celebración de más de dos décadas de trayectoria en la música urbana. El anuncio se produce en un momento de especial significado para el intérprete. Coincide con el décimo quinto aniversario de Danza Kuduro, tema que continúa batiendo récords al consolidarse como la canción latina con más reproducciones en Spotify. La canción permanece en el Top 50 Global de la plataforma, lo que demuestra la vigencia y el alcance internacional del repertorio de Don Omar.

La gira The Last King World Tour llevará a Don Omar a escenarios de ciudades clave en Europa. Entre las trece fechas confirmadas, se encuentran seis conciertos en España, así como presentaciones en Suiza, Países Bajos, Alemania, Francia, Italia y Reino Unido. El espectáculo está concebido como una producción de gran formato. La propuesta incluye un despliegue audiovisual que acompañará un repertorio repleto de éxitos, repasando toda la carrera del artista. Según el material de prensa, se busca ofrecer una experiencia que conecte con el público de distintas generaciones y que subraye la influencia de Don Omar en el desarrollo y la internacionalización del reguetón. Las fechas confirmadas para la gira en Europa comienzan el 24 de junio de 2027 en Zúrich, Suiza. El tour continúa el 26 de junio en La Haya, Países Bajos, y el 27 en Düsseldorf, Alemania. El 30 de junio Don Omar actuará en París, Francia, seguido de dos fechas en Italia: 2 de julio en Milán y 4 de julio en Nápoles. El 6 de julio será el turno de Londres, Reino Unido.

España tendrá una presencia especialmente relevante en la agenda del artista. Don Omar ha confirmado seis conciertos en el país, distribuidos en diferentes regiones. El 8 de julio actuará en Bilbao, el 10 en Valencia, el 11 en Murcia, el 15 en Madrid, el 16 en Málaga y el 18 de julio en Galicia. Esta programación refuerza la histórica conexión entre Don Omar y el público español, que se remonta a los inicios de su carrera. Desde hace más de veinte años, sus temas han ocupado lugares destacados en radios, festivales y listas de éxitos en España.

Dónde y cómo conseguir las entradas

Considerado uno de los pioneros del reguetón, Don Omar ha sido una figura central en la expansión global del género. Desde comienzos de los años 2000, su propuesta fusiona ritmos urbanos y letras reconocibles, con una capacidad de conectar con públicos diversos. El éxito de Danza Kuduro es un ejemplo de su permanencia en la industria. A quince años de su lanzamiento, el tema sigue acumulando millones de reproducciones y mantiene posiciones destacadas en rankings internacionales, consolidando a Don Omar como uno de los referentes de la música latina en la era digital.

El repertorio de Don Omar abarca grandes himnos del reguetón y la música urbana. Canciones como ‘Dale Don Dale’, ‘Pobre Diabla’, ‘Salió el Sol’, ‘Bandoleros’, ‘Taboo’, Danza Kuduro y ‘Hasta Abajo’ siguen formando parte de la banda sonora de distintas generaciones. Su legado se refleja también en la influencia ejercida sobre nuevos artistas y en la consolidación del reguetón como uno de los géneros más escuchados a nivel mundial. Las cifras respaldan su impacto: millones de discos vendidos y miles de millones de reproducciones en plataformas digitales.

Próximamente se anunciarán los detalles sobre la venta de entradas, paquetes VIP y experiencias especiales para cada una de las ciudades incluidas en la gira. Los interesados pueden realizar el pre registro en donomar.com para recibir información actualizada y acceder a las novedades de forma anticipada. Con la confirmación de The Last King World Tour, Europa se prepara para recibir a uno de los nombres más influyentes de la música latina. El regreso de Don Omar representa una oportunidad para revivir los grandes éxitos que han marcado la historia del reguetón y celebrar junto a miles de seguidores su extensa trayectoria sobre los escenarios.

La trayectoria de tres décadas de los Beastie Boys terminó abruptamente en 2012, cuando Adam Yauch, (MCA), miembro del innovador trío de rap murió de cáncer a los 47 años.

Tras su muerte, Michael Diamond, también conocido como Mike D, uno de los dos Beastie Boys sobrevivientes, intentó crear música en solitario. Una y otra vez, abría el software de grabación en su computadora e intentaba producir. Una y otra vez, no lograba continuar. “La cantidad de duelo y tristeza que sentía”, recordó Diamond en una entrevista en mayo. “La forma más fácil de no sentir eso era apagar la computadora y alejarme. Era demasiado para procesar y mantenerme enfocado y creativo”.

Después de incursionar en la producción para otros y con ayuda de su familia, Diamond, de 60 años, ha regresado a la creación musical. El 28 de agosto lanzará un álbum en solitario, Thank You, el primer material nuevo de un miembro de los Beastie Boys desde la muerte de Yauch hace 14 años.

Thank You fue realizado con la estrecha colaboración de sus hijos, Davis y Skyler: californianos nacidos en Brooklyn, que ahora tienen poco más de 20 años, tienen su propio grupo, Very Nice Person, y perfeccionaron sus habilidades de producción usando equipos de audio antiguos que tomaron del estudio casero de su padre en Malibú, California.

Desde sus primeras notas, Thank You, firmado como Mike D 5D, es una descarga lo-fi de sintetizadores analógicos y ritmos industriales distorsionados, con influencias del dub y de la banda punk neoyorquina Suicide. En presentaciones recientes para lanzar el proyecto, Diamond y su banda de cinco integrantes, incluidos Davis y Skyler, saltaban con mamelucos, como si estuvieran en una clase aeróbica punk multigeneracional.

Con un nivel de introspección poco frecuente en los discos de Beastie Boys, Thank You traza también un retrato terapéutico de Diamond adaptándose a la vida como rapero emérito sexagenario, enfrentando las responsabilidades de la paternidad y el sentimiento de estar “lejos y fuera de sintonía”, mientras busca cómo seguir en el juego. “Necesito un Plan B / M.C. retirado”, grita Diamond en una de las canciones más enérgicas, “What We Got”.

“Es musicalmente inmaduro, pero líricamente más maduro”, resumió Diamond, de cabello encanecido y figura delgada, en el lounge de un hotel en el Lower East Side, horas después de pinchar discos para un programa de radio en Brooklyn.

Diamond creció en el Upper West Side de Manhattan, es hijo de personas vinculadas al mundo del arte, y desde pequeño sintió que su destino era creativo. Una experiencia formativa ocurrió a los 17 años en un viaje a la Brooklyn Academy of Music para ver la obra de performance de Laurie Anderson, United States.

“Ella tenía una cabeza lectora de cintas en su violín y cinta adhesiva en el arco, y había una proyección de video”, recordó Diamond, abriendo los ojos al evocar el recuerdo. “Fue realmente lo primero multimedia que vi. Me sentí completamente eufórico. Pensé: ‘Eso es lo que voy a hacer’”.

Para entonces, los Beastie Boys pasaban de sus orígenes punk a hacer rap, consolidándose como trío. La historia de su ascenso es como una versión desvergonzada neoyorquina de los años ochenta de un cuento de hadas. Bajo el ala de Rick Rubin y Russell Simmons en Def Jam Recordings, giraron con Madonna y su debut de 1986, Licensed to Ill, desplazó a Bon Jovi del primer lugar del ranking Billboard 200, convirtiéndose en el primer álbum de rap en llegar al número uno. En himnos cargados de testosterona como “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)” y “Girls”, adoptaron plenamente su imagen de chicos fiesteros y desagradables, aunque luego terminaron detestándola.

Sus reinvenciones en discos como Paul’s Boutique (1989), Check Your Head (1992) e Ill Communication (1994) los convirtieron en creadores de tendencias de los años noventa, con rimas cómicas repletas de referencias a la cultura pop. La voz aguda de Diamond se situaba entre la rudeza ronca de Yauch y el tono nasal de Horovitz.

“Eran creadores intrépidos”, dijo Dan Charnas, profesor asociado en el Clive Davis Institute of Recorded Music de la Universidad de Nueva York. “En los años noventa, su obra anticipó cómo la cultura pop cambiaría en la siguiente década: hip-hop fusionado con punk y alternativo, cultura callejera con skater, sátira con compromiso social”. Yauch se convirtió en la conciencia del grupo, cofundando los conciertos Tibetan Freedom y, en la canción “Sure Shot” (1994), disculpándose por el machismo pasado de la banda: “A todas las madres y hermanas, esposas y amigas / Quiero ofrecer mi amor y respeto hasta el final”.

La muerte de Yauch puso fin a la sociedad musical que Diamond y Horovitz mantenían desde la adolescencia. “Había algo muy reconocible que ocurría entre nuestras tres voces”, dijo Diamond. “Era algo mágico, un regalo raro que compartimos los tres. Pero eso ya no existe. Así que tuve que acostumbrarme a ello”.

Mike D se alejó de la música para cuidar a sus hijos, que entonces eran preadolescentes. Junto a Horovitz, también gestionó el legado de los Beastie Boys a través de un libro y un documental. Pero la productividad musical de ambos cayó. En una entrevista, Horovitz dijo que durante años mantuvo una rutina casi diaria de hacer música en su laptop, pero no ha publicado nada. Al preguntarle por qué, murmuró: “Buena pregunta”.

Diamond produjo para otros, como el álbum más reciente de la banda sueca The Hives (The Hives Forever Forever the Hives, publicado el año pasado). Pero tuvo una revelación: “No debo proyectar mis ideas en otros artistas. Debería guardarlas para mí”.

Así que Diamond empezó a participar en sesiones con sus hijos, que se relacionan con los principales productores de Los Ángeles. Davis, de 23 años, y Skyler, de 22, completan las frases del otro con acento californiano y llaman a su padre Mikey. (También conocen solo superficialmente el repertorio de los Beastie Boys, y han tenido que ponerse al día para la reciente gira de clubes.)

Skyler: “Mikey ha tenido una trayectoria curiosa con sus vibras. Nuestro recuerdo reciente es su vida de retirado”.

Davis: “Estaba satisfecho de otras maneras. Pero llegó un punto en que empezó a agarrar el micrófono y a improvisar en las sesiones. Y un día fue a Francia y volvió diciendo: ‘Esto ya está pasando’”.

Los Diamond empezaron a crear canciones con un grupo de músicos y productores, como Carter Lang, que ha trabajado con SZA y Justin Bieber; y Tyran Donaldson, otro colaborador de SZA. Realizaban largas sesiones sin presión comercial, un proceso que Lang comparó con su trabajo en los recientes discos Swag de Justin Bieber.

“Han logrado crear una sensación de libertad”, dijo Lang. “Un ambiente en el que, cuando entro, desaparece la presión de la industria y uno puede crear desde el descubrimiento, el amor y la curiosidad”. El estudio estaba lleno de equipos antiguos que los músicos manipulaban como juguetes perdidos; canciones como “That’s Right” laten con retroalimentación y ritmos distorsionados. Horovitz prestó a Skyler y Davis un sampler de los años ochenta con disquetes que aún guardaban beats de los Beastie Boys. “Es una máquina del tiempo”, recordó Donaldson divertido. “Buscaban un sonido y de repente salía un break de batería de una canción de los Beastie Boys”.

El resultado es una mezcla del sonido sombrío de Very Nice Person con la energía rítmica que proviene del punk lo-fi de la juventud de Diamond. Le sugerí a Diamond que el proceso con sus hijos no era tan distinto de cómo los Beastie Boys se encerraban en el estudio durante meses para crear un sonido nuevo.

“Es aún más raro”, dijo Diamond. “Yo era el menor de tres hermanos. En la banda, era el del medio, en cierto modo. Y después tuve dos hijos. Ahí lo tienes”. Los hijos de Diamond, cuenta, criticaban sus voces con una franqueza que ninguno de los otros productores —todos décadas más jóvenes— podía permitirse. “De todos los que trabajaron conmigo, ellos eran los más cómodos para exigirme en las voces”, dijo Diamond. “Su frase era: ‘Eso estuvo bien, pero puedes superarlo’”. “No me destrozaron por completo”, añadió con humor de padre.

“No sé si Mike hubiera hecho esto solo”, dijo Horovitz. “Pasamos la mayor parte de la vida en una banda, un trío que hacía todo junto. Hacer algo solo se siente extraño”. Añadió: “Creo que es genial que Mike haya grabado un disco, especialmente con sus hijos. Probablemente le resultó muy útil y sanador”.

Diamond suena renovado en Thank You, pero también profundamente reflexivo, con letras que abordan las tensiones de la paternidad y una relación rota —Diamond está separado de la madre de Davis y Skyler, la cineasta Tamra Davis— y su propia búsqueda de sentido. “Todos venimos de traumas / Llenamos nuestro mundo de dramas”, rapea en “Make It Stop”. En “I Don’t Care”, dice: “Trato de complacer a todos / Eso me está matando”.

En otras canciones, la música es una metáfora de cómo renovarse. “Cambia la conexión / Cambia la dirección”, rapea en “Switch Up”, impulsado por un ritmo de drum ’n’ bass propio de los noventa. “Creo que este disco refleja mucho este momento de mi vida”, dijo Diamond, “con mis hijos siendo sus propias personas y colaborando conmigo”.

“Se trata de ser honesto”, agregó. “De las cosas con las que lucho a esta edad y que no existían cuando estaba en la banda”. Añadió: “Creo que es mi proceso para aceptar un poco lo desconocido”. Durante dos horas de conversación, mencionó la terapia cinco veces.

Sus hijos dijeron que les preocupaba que el estilo de vida cómodo de su padre generara un “rap de lujo”, con letras sobre “un rapero blanco mayor hablando de beber vino”, como dijo Skyler. En cambio, Diamond acudía a las sesiones con cuadernos llenos de reflexiones psicológicas profundas que recopiló en retiros de silencio. “Es como si todo el disco fuera terapia en rap”, dijo Davis. “Son conceptos de terapia muy profundos. Dijimos: ‘Esa vibra está genial’”. Skyler añadió: “Así está Mikey ahora”.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Ryan Lowry / The New York Times; REUTERS/Marc Serota]

El Ministerio de Cultura realizó una ceremonia para entregar a la familia de Alicia Maguiña la resolución que reconoce su obra musical como Patrimonio Cultural de la Nación. El acto reunió a autoridades culturales y familiares de la compositora, cuya trayectoria quedó vinculada a la preservación de expresiones tradicionales de la costa y los Andes del Perú.

La declaratoria comprende cincuenta y dos composiciones y reconoce el aporte de la artista al rescate, registro, estudio y difusión de prácticas musicales que forman parte del patrimonio cultural inmaterial del país. El Ministerio de Cultura indicó que estas obras constituyen una contribución relevante para la salvaguardia de géneros y formas musicales tradicionales.

La ceremonia también sirvió para recordar la trayectoria artística e investigativa de la compositora, cuyo trabajo estuvo ligado a la reivindicación de géneros tradicionales como la marinera, el tondero, el yaraví, la muliza, la tunantada y la canción criolla, varios de ellos reconocidos previamente como Patrimonio Cultural de la Nación.

Reconocimiento oficial a una obra de alcance nacional

La declaratoria quedó establecida mediante la Resolución Viceministerial N.° 000197-2026-VMPCIC/MC. Según el Ministerio de Cultura, las cincuenta y dos composiciones incluidas en el reconocimiento representan un aporte al rescate y difusión de formas musicales tradicionales presentes en distintas regiones del país.

La ministra Fátima Altabás Kajatt afirmó durante la ceremonia: “Hoy reconocemos una obra que ha sabido convertir la memoria, la identidad y la diversidad cultural del Perú en música. Alicia Maguiña no solo preservó nuestras tradiciones, sino que las proyectó al país y al mundo, inspirando a nuevas generaciones a valorar y mantener vivo nuestro patrimonio cultural inmaterial”.

La autoridad añadió que las composiciones de la artista reflejan una búsqueda permanente por preservar y renovar expresiones musicales tradicionales, y señaló que ese trabajo continúa inspirando a intérpretes, investigadores y ciudadanos dentro y fuera del país.

Una trayectoria vinculada a la música tradicional

Alicia Maguiña nació el 28 de noviembre de 1938 en Lima y pasó parte de su infancia en Ica, donde cursó estudios primarios antes de trasladarse nuevamente a la capital. Desde temprana edad mostró interés por la composición y por el estudio de la música peruana, en especial de la tradición criolla.

En 1954 ingresó a la academia del guitarrista Óscar Avilés para perfeccionar sus conocimientos musicales. Dos años después compuso Inocente amor, interpretado inicialmente por Los Troveros Criollos y posteriormente grabado por diversos artistas.

En 1957 dedicó Polka a Gladys Zender a la entonces Miss Universo peruana Gladys Zender. Ese mismo periodo incorporó el huaino a su repertorio y amplió su trabajo hacia otras expresiones musicales andinas.

Uno de los momentos más relevantes de su carrera ocurrió en 1963 con la composición de Indio, considerada su obra más difundida. El tema recibió versiones de intérpretes de distintos países y géneros musicales, entre ellos Daniel Santos, Óscar Avilés y Carmencita Lara.

En 1966 la compositora apareció en la película La Venus maldita, donde interpretó precisamente “Indio” con acompañamiento orquestal. La difusión cinematográfica contribuyó a ampliar el alcance de la canción y consolidó su presencia en el repertorio popular peruano.

El Ministerio de Cultura destacó que este tipo de obras permitió proyectar la música tradicional peruana en escenarios nacionales e internacionales y consolidó a Alicia Maguiña como una de las principales referentes del género.

Colaboraciones y trabajo en medios públicos

A lo largo de su carrera trabajó con músicos como Carlos Hayre, Filomeno Ormeño, Rafael Amaranto, Paco Maceda, Modesto Pastor y Los Hermanos Velásquez, entre otros. Con Carlos Hayre grabó alrededor de ocho producciones para el sello Iempsa durante una etapa de intensa actividad artística.

También desarrolló una labor de difusión cultural en Radio Nacional del Perú, donde condujo el programa La hora de Alicia Maguiña los fines de semana. El espacio estuvo dedicado a expresiones culturales y artísticas de la costa y de los Andes.

En sus últimos años publicó el libro autobiográfico Mi vida entre cantos con apoyo del Ministerio de Cultura y de la Universidad San Martín de Porres. Alicia Maguiña falleció el 14 de septiembre de 2020 en el Hospital Edgardo Rebagliati a los 81 años.

Con la entrega de la declaratoria a sus familiares, el Estado peruano incorporó oficialmente su obra musical al patrimonio cultural de la nación y reconoció el papel que sus composiciones desempeñaron en la preservación y difusión de las tradiciones musicales del país.

El hallazgo del cuerpo de Michael-Anthony Leones Espino, conocido como Myke Moves o Mikee, ha cerrado una búsqueda que había movilizado a la comunidad artística y a miles de seguidores en redes sociales durante dos días en el sur de Florida. La Oficina del Sheriff de Miami-Dade ha confirmado que el bailarín, de 28 años, fue localizado sin vida este lunes, cerca de las vías del tren en la zona suroeste de Miami.

Las autoridades han informado que la causa aparente de la muerte de este joven de 28 años es el suicidio, según han reportado medios locales como NBC 6 o Telemundo 51, citando a la Oficina del Sheriff. La confirmación oficial ha lelgado el martes, aunque el hallazgo del cuerpo se produjo el día anterior en el área de la avenida 162 y la 138 del suroeste. Por el momento, no se han dado más detalles sobre las circunstancias del hallazgo.

La desaparición de Mykee había sido reportada el domingo, cuando se le vio por última vez saliendo del bloque 14200 de Southwest 161st Court. Desde entonces, la ficha de búsqueda de la poicía lo describía como “un adulto en peligro” y advertía a la población que debía “actuar con extrema precaución al hacer contacto” con él, si bien no se añadió información sobre cómo se había producido tal desaparición ni en qué estado se encontraba en las horas previas a no ser encontrado.

La reacción de fans y artistas

Durante las horas previas al desenlace, fanáticos de Rosalía y Rauw Alejandro, artistas con los que había trabajado en diferentes giras, se volcaron en redes sociales para difundir la búsqueda. El club de fans oficial de Rosalía en España compartió: “Este es el tipo de noticias que nunca nos gustaría compartir, pero hoy necesitamos vuestra ayuda. Mykee, uno de los motopapis, ha desaparecido y desde las autoridades nos piden colaboración para ayudar a encontrarlo”.

Mykee Moves acumulaba casi 80.000 seguidores entre Instagram y TikTok. En sus videos, compartía toda su preparación para los espectáculos en los que trabajaba, entre ellas el Motomami World Tour de Rosalía (en 2022 y 2023) y Cosa Nuestra Tour de Rauw Alejandro, a quien conocía desde 2018 por otras colaboraciones. Además, también se le había podido ver en otros formatos, como en el videoclip Touching The Sky que realizó con música del artista puertorriqueño, quien había puesto de perfil en sus redes sociales su cartel de búsqueda desde que se supo de la desaparición y ahora ha puesto un fondo negro.

Horas después, el cantante ha compartido un texto en sus historias de Instagram para despedirse de su compañero. “Quedan tantas cosas por decir, tantos pensamientos sin terminar... 8 años compartiendo escenarios ha tu lado. Ha sido una bendición, un privilegio y un honor haberte conocido en esta vida. Tu sonrisa y tu luz siempre estarán en mi corazón. Seguiremos bailando, riendo y cantando en la próxima. Descansa en paz, mi hermano”.

A pesar de su cada vez mayor popularidad, el bailarín siempre mantuvo su vida privada al margen de sus redes sociales, por lo que se conocen pocos detalles sobre su entorno más cercano. De raíces filipinas y nacionalidad estadounidense, su vida se había centrado hacerse un hueco como bailarín en espectáculos musicales de primer nivel, algo que finalmente había conseguido. Mientras tanto, las primeras reacciones ante la noticia de su fallecimiento empiezan a circular en redes sociales, donde hasta hace pocas horas se acumulaban carteles de búsqueda y mensajes pidiendo ayuda para dar con él.

En el podcast Conan O’Brien Needs A Friend, Mick Jagger conversó en Londres con Conan O’Brien sobre el nuevo álbum de The Rolling Stones, Foreign Tongues, el proceso de composición y la posibilidad de presentar esas canciones en vivo. O’Brien relató su viaje desde Los Ángeles para la entrevista y describió el encuentro como la concreción de “una entrevista con Mick Jagger”.

Durante la charla, Jagger remarcó que el álbum no nació desde la nostalgia. “No escribo así. En las letras del álbum no apelé en absoluto a la nostalgia”, afirmó. Explicó que, aunque toda escritura parte de vivencias, no buscó convertirlas en un regreso deliberado al pasado. “Estás usando experiencias pasadas, pero pueden ser recientes. No hago referencias al pasado en este disco”, sostuvo.

Componer sin mirar atrás

Jagger también trasladó ese criterio al trabajo junto al productor Andy Watt: “Le pedí que no haga referencias musicales, que no busque que las canciones suenen como algo anterior”. Recordó una situación puntual: “En una canción, Andy me dijo que podría sonar más como ‘Jumping Jack Flash’ al final. Le respondí: ‘No quiero que se parezca en nada a eso’. No quiero que sea una referencia”.

O’Brien evocó el acto en Brooklyn para el lanzamiento del disco, donde compartió escenario con Keith Richards y Ronnie Wood. “Fue una experiencia, y pude estar con vos, Keith y Ronnie”, contó. Jagger, por su parte, recordó la dinámica grupal y agregó: “Ronnie cuenta muchos chistes malos. El único que cuenta peores era Bill Wyman, pero ya no está en la banda”.

Grabación rápida y sin relleno

Sobre el método de grabación, Jagger describió una dinámica de avance continuo: “Llegábamos con las canciones preparadas, trabajábamos un par de horas sobre cada una y después seguíamos con la siguiente. Al final, escuchamos todo y decidimos qué queda. No queremos relleno. Queremos poner el listón alto, así que cada tema tiene que funcionar por sí mismo”.

En cuanto a su rol en la banda, rechazó la etiqueta de maniático del control: “No soy un maniático del control en absoluto. Me gusta delegar. Pero me interesa ver la sala llena, saber qué tipo de gente hay y cómo puede reaccionar el público”.

El trabajo vocal y la interpretación

O’Brien elogió la voz de Jagger en el álbum y destacó el uso del falsete. El cantante relativizó el mérito y explicó: “El falsete me resulta bastante fácil. Lo difícil es pasar del falsete a la voz plena en una misma línea. Aprendí mucho escuchando a Don Covay y a Al Green, sobre todo cómo alternar registros en una misma frase. Todavía intento mejorar eso”.

Jagger describió el trabajo de capas vocales en el estudio: “En ‘Jealous Lover’ grabé partes en falsete y otras en voz plena, y después las armonicé. No hago el cambio dentro de una misma línea, como Al Green, pero lo intento”. También reflexionó sobre el carácter interpretativo de cantar: “En actitud, es como actuar. Cuando hacés una balada, sos el amante rechazado; cuando hacés otra cosa, cambiás de personaje”.

Un disco pensado para el presente

Cuando O’Brien le planteó que Foreign Tongues suena pensado para hoy, Jagger dijo: “No me interesa mirar atrás. Estoy contento de recordar el pasado si me lo preguntan, pero no hago canciones desde la nostalgia. Este álbum está anclado en el presente, en lo que vivimos ahora”.

Sobre el futuro de las canciones y la posibilidad de una gira, Jagger no cerró la puerta: “Es posible. Me encantaría hacerlo también. Hay muchas canciones que funcionarían bien en vivo”. Al mismo tiempo, aclaró: “En los estadios, el público suele inclinarse por los temas que ya conoce. No se puede tocar mucho material nuevo, pero vale la pena intentarlo”.

Longevidad y presente creativo

Jagger reflexionó sobre la longevidad artística y la dificultad de no quedar atrapado en relatos viejos: “A menudo me preguntan por episodios de hace décadas y uno termina repitiendo historias que ya ni siquiera son ciertas”, advirtió. “No quiero convertirme en ese futbolista que en el bar sólo habla del gol que hizo en 1972”.

Definió la escritura de canciones como un ejercicio anclado en el presente y sostuvo que cada disco representa una oportunidad para abordar lo que ocurre ahora. Explicó que buscó letras atravesadas por el momento actual y las tensiones de la época: “Hay una sensibilidad a los peligros y a lo que pasa en el mundo, y eso se filtra en las canciones, aunque no sea deliberado”.

Vivir el presente y buscar lo nuevo

O’Brien resumió su impresión sobre Jagger: “Sos una de las personas con las que he conversado. Das la sensación de vivir siempre en movimiento, con curiosidad e interés por todo”. Jagger respondió: “Creo que eso funciona para mí, pero no es para todos. Algunos necesitan volver sobre su pasado. Yo prefiero estar atento a lo que pasa ahora”.

Jagger también reflexionó sobre la dificultad de mantener el equilibrio entre la memoria y la creación. “Siempre te preguntan qué pasó en tal momento, pero a veces esas historias ya no son exactas. Hay que tener cuidado de no quedar atrapado contando el mismo relato una y otra vez. Para mí, la clave es no vivir en el recuerdo, sino seguir buscando cosas nuevas”, explicó.

Durante la conversación, insistió en que cada disco representa una oportunidad para explorar lo que ocurre en el presente, y que esa búsqueda constante es lo que le permite sostener la vigencia creativa después de décadas de carrera.