Una persona con oído absoluto podría enumerar las notas que produce el golpear entre sí dos piedras. Quizás no tanto, o quizás incluso del roce de una hoja en la calzada o el ronquido de un perro podrían desglosar tonalidades. El oído absoluto es la habilidad de reconocer la frecuencia o el tono exacto de una nota musical sin necesidad de comparar con otra referencia. Se le suele llamar también “oído perfecto”, y tanto Mozart como Beethoven tenían esta capacidad.

Kevin Montebello es un niño italiano que, a sus 13 años de edad y gracias a su oído absoluto, sabe tocar el piano, la guitarra, el bajo y la batería, que aunque no dice tanto del oído absoluto de Kevin como el resto de instrumentos, sí que es prueba de sus dotes musicales.

Un caso entre diez mil

El talento de Kevin Montebello fue descubierto en la escuela y representa un caso entre diez mil. El joven no tuvo otra opción que asistir a la especialidad musical del liceo Cavour de Turín, aunque solo después de ciertas intuiciones y de un recorrido escolar que ha tenido en cuenta tanto sus capacidades como sus condiciones.

Desde pequeño, Kevin convive con una discapacidad intelectual clasificada como de nivel “medio grave”, pero podía reconocer notas antes de saber leer. Es muy fácil que una habilidad como el oído absoluto pase desapercibida, y además es especialmente infrecuente en personas con discapacidad intelectual; pero Ester Siciliano, profesora de música de Kevin, fue la primera persona en darse cuenta de su don, que luego corroboraron otros docentes y especialistas.

El talento de Kevin salió a la luz cuando tocó de memoria una melodía casi desconocida para él en su primer contacto con una flauta

Según el Corriere Della Sera, Ester lo descubrió al ver a Kevin tocar “de memoria una melodía que prácticamente nunca había escuchado antes” en una flauta dulce en su primer contacto con este instrumento. “La profesora de música se quedó asombrada”, y llamó a Sonia, la madre del pequeño, para contárselo. “Ni siquiera sabía lo que significaba esa habilidad”, cuenta la madre, pero luego se quedó “sin palabras por la emoción”.

En el colegio, Kevin es conocido como un chico sociable y con buen humor. Primero con la profesora Siciliano y luego con el profesor Lino Mei, ha podido seguir aprendiendo a tocar distintos instrumentos con facilidad. La madre reconoce el esfuerzo de quienes han acompañado a su hijo en este proceso. “Nunca habíamos tenido la suerte de encontrar a alguien que realmente lo comprendiera”.

La madre de Kevin señala la importancia de la implicación tanto de la escuela como de las familias. “Tengo tres hijos y también experiencia como representante de instituto. Me ha ocurrido ver cómo la imposición de programas y contenidos, sin adaptarse a los tiempos o dificultades de los chicos, ha provocado a menudo el abandono escolar. Yo, en cambio, me siento muy afortunada, porque he conocido a personas excepcionales, capaces de acoger a mi hijo mucho antes de descubrir su talento. En un mundo como el nuestro no es poca cosa. También los padres” - recordó - “tenemos la tarea importante de acompañar a nuestros hijos en el seguimiento de sus pasiones. La relación con los docentes es un poco como un trabajo en equipo, de lo contrario Kevin quizá no habría superado el examen de ingreso al liceo de la forma brillante en la que lo hizo, interpretando piezas clásicas, tanto de Bach como de Beethoven, que no son nada fáciles”.

La diva que cantaba descalza

Cesária Évora nació el 27 de agosto de 1941 en Mindelo, ciudad portuaria de la isla de São Vicente, en el entonces Cabo Verde colonial bajo administración portuguesa. Creció en un entorno de pobreza estructural —el archipiélago sufría sequías cíclicas y hambrunas— y de intensa vida musical doméstica. Su padre tocaba el cavaquinho, un instrumento de cuatro cuerdas de raíz portuguesa que se masificó en Brasil; B. Leza, uno de los compositores más reconocidos del país, formaba parte de su entorno familiar. La música no era un lujo: era una lengua compartida en la que se mezclaban influencias africanas, portuguesas y brasileñas.

A los 16 años comenzó a actuar en los bares y hoteles de Mindelo, a cambio de una mínima paga o un trago. Los clientes la llamaban desde las mesas para que cantara sus temas preferidos. Esos años de bar forjaron un estilo interpretativo que nunca perdió el aire íntimo y conversacional. Por las noches, escuchaba a Amália Rodrigues, la gran voz del fado portugués, y a la cantante brasileña Ângela Maria.

La administración colonial portuguesa llegó a prohibir caminar por la acera a quienes no podían permitirse unos zapatos. Décadas después, Cesária Evora cantaría siempre descalza en los escenarios del mundo. El gesto tenía nombre: era un homenaje a los pobres, una forma de no olvidar de dónde venía.

Su trayectoria no siguió el patrón habitual de ascenso temprano. En 1975, con la independencia de Cabo Verde de Portugal, atravesó una crisis personal y profesional profunda. Dejó de cantar públicamente durante cerca de una década. Cayó en una etapa de depresión y consumo abusivo de alcohol. Ella misma describió ese periodo como un alejamiento voluntario de la música, motivado por la frustración de no encontrar reconocimiento.

El punto de inflexión llegó a mediados de los años ochenta, cuando viajó a Lisboa y comenzó a cantar en un local con música en vivo. En 1987, el productor de origen caboverdiano José da Silva, entonces empleado ferroviario en Francia, la escuchó en un restaurante lisboeta y decidió apostar por ella. Le propuso trasladarse a París para grabar un disco. Tenía 47 años.

En 1988 apareció su primer álbum internacional, La Diva aux Pieds Nus (“La diva descalza”), editado por el sello francés Lusafrica. No fue un éxito inmediato, pero la colocó en el radar de críticos y promotores interesados en las músicas del mundo. Le siguió Mar Azul (1991). La explosión llegó con Miss Perfumado, publicado en 1992, que contenía la versión de “Sodade”, composición de Armando Zeferino Soares que se convertiría en su canción emblemática (ver video). Ese disco la catapultó a la fama mundial.

La sodade y el mar

El concepto central para entender su repertorio es la sodade, término en criollo caboverdiano que se aproxima al portugués saudade, pero que para la propia artista tenía matices propios. “La sodade es un sentimiento mucho más grande que la nostalgia”, afirmó en una entrevista. No se trata solo de extrañar algo o a alguien, sino de una sensación profunda de vacío ligada a la experiencia de un país que expulsa a su gente (aproximadamente la mitad de la población caboverdiana vive fuera del país, principalmente en Europa, Estados Unidos y África occidental). Esa diáspora generó una cultura donde la separación familiar y la nostalgia del hogar son experiencias estructurales. La morna —el género musical que Cesária encarnó, declarado Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO en 2019— es su vehículo expresivo privilegiado. Las letras hablan de partidas hacia América o Europa, de cartas que viajan por mar, de madres que despiden a hijos en el puerto.

“Sodade”, en la versión de Miss Perfumado, condensa ese sentimiento de forma paradigmática. Alude a la partida hacia São Tomé, destino de muchos caboverdianos enviados a trabajar en condiciones duras en plantaciones durante la época colonial. Su interpretación —lenta, contenida, cargada de silencios— convierte ese texto en un lamento colectivo por todas las despedidas de la historia caboverdiana.

El mar aparece en su repertorio tanto como escenario físico como símbolo emocional. En un archipiélago, el océano trae riqueza y mercancías, pero también se lleva a los seres queridos. Ella recordaba las palabras de una anciana que le decía que “las olas crean una música que nosotros, los humanos, no entendemos”. Sus mornas sobre el mar son, en cierto modo, un intento de traducir esa música al lenguaje humano.

La voz de Cesária Evora era grave, cálida y de un timbre que rozaba el registro de contralto. Los críticos la compararon con Edith Piaf y Billie Holiday: en las tres, el canto parece cargado de experiencia y de resiliencia, y transmite una vulnerabilidad controlada que genera empatía. Su vibrato era contenido y regular; el fraseo, ligeramente atrasado respecto al pulso, producía una leve sensación de flotación temporal que acentuaba la melancolía de las canciones.

A diferencia de otros cantantes que priorizan la melodía sobre la dicción, ella situaba las palabras en el centro de su interpretación, respetando el tono y acento emocional. Bastan unas pocas sílabas para identificar su timbre, incluso cuando su voz aparece sampleada o remezclada en contextos electrónicos. Pese a que podría haber cantado en portugués u otras lenguas para facilitar su recepción internacional, optó por mantener todo su repertorio en criollo caboverdiano. “Es el único idioma en el que verdaderamente puedo interpretar”, declaró en distintas entrevistas. Esa decisión tuvo un efecto simbólico poderoso: colocó al criollo caboverdiano en los grandes escenarios del mundo, obligando a los públicos extranjeros a reconocerlo como lengua de alta cultura y no como dialecto marginal.

De los bares de Mindelo a los Grammy

Su discografía incluye once álbumes de estudio en vida y uno póstumo. El disco Cesária (1995) fue nominado a los Grammy en la categoría de World Music en 1996, alcanzó certificación de oro en Francia y vendió más de 150 mil copias en Estados Unidos. En 2004, Voz d’amor le valió el Grammy al Mejor Álbum de World Music Contemporánea, el corolario una trayectoria con seis nominaciones previas al mismo premio.

A esos reconocimientos se sumaron tres galardones en los KORA All African Music Awards en 1997, el Premio de la Música de la UNESCO en 1998 y la distinción de Caballero de la Legión de Honor francesa en 2009. Actuó en grandes auditorios de Miami, Hong Kong, Montecarlo, China y toda Europa. En 1999 y 2000 llegó a dar dos vueltas al mundo en giras intensivas, siempre con la misma banda de músicos caboverdianos y siempre con los pies descalzos sobre el escenario.

El académico Fernando Arenas, profesor de estudios lusófonos, afirmó en 2011 que Cesária Évora era la persona caboverdiana más conocida a nivel global. El artista portugués Vhils la describió como “una de las más notables embajadoras de la cultura de habla portuguesa”. La cantante estadounidense Janet Jackson la definió como “un gran talento que llevó la música de sus islas africanas al mundo”.

La obra de Cesária Évora se construye principalmente sobre dos géneros tradicionales caboverdianos: la morna y la coladeira. La morna es considerada la música nacional de Cabo Verde del mismo modo que el fado lo es para Portugal o el tango para Argentina. Se trata de un género de tempo lento, armonías ricas y letras profundamente líricas centradas en el amor, la sodade, el exilio y el apego a la patria. La coladeira, por su parte, tiene un carácter más festivo, con letras de tono satírico y crítica social que muestran la faceta más celebratoria de la identidad caboverdiana. El equilibrio entre ambas otorgó a sus álbumes una dinámica que alternaba la contemplación y la celebración.

A lo largo de su carrera realizó colaboraciones con artistas de tradiciones muy diversas: Compay Segundo, Caetano Veloso, Chucho Valdés, Goran Bregovic, Erykah Badu y Ryuichi Sakamoto, entre otros. Esos encuentros tendieron puentes entre la música caboverdiana y el son cubano, la MPB brasileña, el jazz latino y la música balcánica, sin que ella renunciara en ningún momento a su forma de cantar ni al criollo. Su último álbum de estudio en vida, Rogamar (2006), incluyó a jóvenes compositores de Mindelo a quienes conocía “desde que eran pequeños”, asegurando así la continuidad de la tradición mientras se abría a nuevas sensibilidades.

Cesária Évora murió el 17 de diciembre de 2011 en el hospital Baptista de Sousa, en Mindelo, a los 70 años, por una insuficiencia cardiorrespiratoria aguda. Había anunciado su retirada de los escenarios tres meses antes, por consejo médico, tras sufrir un infarto cerebral en 2008 durante una gira por Australia. La prensa internacional la despidió como la “reina de la morna” y la voz que había dado a conocer al mundo el “blues caboverdiano”. Años después, el Barbican Centre de Londres programó la Cesária Évora Orchestra, un conjunto dedicado a revisitar su repertorio, como prueba de que su legado sigue circulando por las instituciones culturales más prestigiosas del mundo. Para quienes el Mundial 2026 les haya presentado a Cabo Verde por primera vez, su música lleva décadas esperándolos. Tal vez sea el momento.

[Fotos: Lusafrica]

Hay veces en las que la mejor manera de avanzar es parar. Esto es algo que Antonio Orozco ha decidido poner en práctica al anunciar la fecha de un prolongado parón en su carrera musical: tras culminar La gira de tu vida en Barcelona, su ciudad natal, iniciará un retiro temporal que podría extenderse hasta 2029. Una decisión que obedece a la necesidad de recargar energías y buscar nuevas vivencias lejos del foco público.

Durante una entrevista en el programa Cara al Show con Marc Giró, Orozco ha detallado que este parón no significa un adiós definitivo a la música. “Vamos a estar como mínimo, en España, creo que por dos años y medio no vamos a volver”, compartía con el presentador, subrayando que, pese a no tratarse de una retirada total, sí que buscaba “quitarnos del medio bastante tiempo”, pues considera que “para poder escribir hay que vivir o al menos intentarlo”.

El artista precisó que la vuelta podría producirse en unos tres años, siempre y cuando las circunstancias acompañen. “Si la salud lo permite y todo está bien, volveremos”, anticipó Orozco, dejando claro que la pausa responde tanto a una necesidad vital como a un deseo de reencontrarse con el público renovado.

La difícil gestión de la soledad después de los conciertos

La pausa en la carrera de Antonio Orozco llegará después de una intensa agenda de conciertos que se prolongará hasta diciembre, cerrando en el Palau Sant Jordi de Barcelona. En la actualidad, el cantante recorre distintas ciudades de España con su tour, que lo llevará este verano a Sevilla, Olot, Almería, Jaén, Badajoz, Huelva, Alicante, Menorca, Fuengirola, El Puerto de Santa María, Ciudad Real, Cuenca, Córdoba y Madrid. La gira continuará en otoño con paradas en Granada, La Coruña, Mallorca, Valencia, Murcia, Tarragona, Vitoria y Salamanca.

La actual gira de Antonio Orozco marca un cambio respecto a sus anteriores propuestas. El propio cantante explicó que este tour “es de la vida de la gente. No es tanto una gira de mi vida, sino de la vida de la gente”. Para ello, impulsó la iniciativa La Champions Orozco, en la que fueron los propios seguidores quienes eligieron las canciones que no podían faltar en los conciertos.

Muchos directos, muchos desplazamientos y muchas noches lejos de los suyos... Durante su entrevista con Giró, Orozco ha abordado precisamente este tema para compartir la soledad que puede llegar a sentir tras los conciertos y el “odio” que siente por los hoteles. “Cuando te bajas del escenario, vienes de un lugar donde alguien te hace sentir importante y, cuando vuelves al hotel, te la resta. Es un momento de soledad que trato de obviar”.

Aunque el cantante no ha detallado qué hará durante su alejamiento de los escenarios, sí ha adelantado que lleva tres años trabajando en un musical inspirado en la obra Bodas de sangre de Federico García Lorca. Orozco ha compuesto todo el repertorio del espectáculo, que espera ver estrenado entre 2027 y 2028. Además, ya se ha anunciado que continuará en el programa de La Voz Kids como uno de los coaches de su próxima edición, en la que estará acompañado de Ana Mena, Edurne y Manuel Turizo.

La creciente escasez de memoria RAM de alto rendimiento está comenzando a afectar a la industria de la producción musical, un sector que depende cada vez más de grandes bibliotecas de sonidos, instrumentos virtuales y herramientas basadas en inteligencia artificial.

Fabricantes de equipos, desarrolladores de software y profesionales del audio advierten que la reducción en la disponibilidad de estos componentes podría traducirse en mayores costos, demoras en la renovación de equipos y limitaciones para trabajar con proyectos cada vez más complejos.

En los últimos años, la creación musical dio un salto tecnológico impulsado por los instrumentos virtuales, las bibliotecas orquestales de alta resolución y los programas de edición de audio cada vez más exigentes. Todo este ecosistema requiere grandes cantidades de memoria RAM para cargar y procesar archivos de forma fluida.

A diferencia de hace una década, cuando 8 GB de RAM eran suficientes para la mayoría de las producciones, hoy numerosos estudios y productores trabajan con 32 GB, 64 GB o incluso 128 GB para ejecutar proyectos con decenas de pistas simultáneas, efectos en tiempo real y sonidos de alta calidad.

La escasez de estos módulos amenaza con encarecer las actualizaciones de computadoras y estaciones de trabajo, justo cuando la demanda de capacidad continúa creciendo.

El auge de la inteligencia artificial incrementa la presión sobre el mercado

Uno de los factores que explica esta situación es el fuerte crecimiento de la inteligencia artificial. Empresas tecnológicas de todo el mundo están adquiriendo enormes cantidades de memoria para equipar centros de datos destinados al entrenamiento y funcionamiento de modelos de IA.

Esta demanda compite directamente con otras industrias que también necesitan chips de memoria, entre ellas la fabricación de computadoras personales, servidores, consolas de videojuegos y estaciones de trabajo para creación de contenido.

El resultado es una menor disponibilidad de determinados módulos de memoria y un aumento gradual en los precios, especialmente en las soluciones de mayor capacidad.

Los estudios musicales son uno de los sectores más expuestos

Para un productor musical, quedarse sin memoria RAM no significa únicamente que una computadora funcione más lenta. También puede impedir abrir proyectos complejos o utilizar varias bibliotecas de instrumentos al mismo tiempo.

Las producciones cinematográficas, los videojuegos y las grabaciones orquestales suelen emplear miles de muestras de sonido que permanecen cargadas en memoria durante toda la sesión de trabajo.

Cuando la RAM resulta insuficiente, el sistema debe recurrir constantemente al almacenamiento interno, incluso si utiliza unidades SSD de alta velocidad, lo que incrementa los tiempos de carga y reduce el rendimiento general.

En consecuencia, muchos estudios podrían verse obligados a retrasar la renovación de sus equipos o asumir mayores inversiones para mantener el mismo nivel de productividad.

Los desarrolladores de software también deberán adaptarse

La situación no solo afecta a quienes producen música. Las empresas que desarrollan estaciones de trabajo de audio digital (DAW), sintetizadores virtuales y bibliotecas de sonido también podrían modificar sus estrategias.

Algunos desarrolladores ya trabajan en sistemas más eficientes de carga dinámica, capaces de utilizar únicamente las muestras necesarias durante la reproducción en lugar de mantener todos los sonidos almacenados en memoria.

También se espera un mayor uso de tecnologías de compresión inteligente y herramientas basadas en la nube que permitan reducir la carga sobre el hardware local.

Estas soluciones buscan mantener el rendimiento sin obligar a los usuarios a invertir constantemente en nuevas configuraciones.

La demanda de memoria seguirá creciendo

Especialistas del sector consideran que esta situación podría mantenerse durante los próximos años debido a la expansión simultánea de la inteligencia artificial, el procesamiento gráfico y las aplicaciones profesionales que requieren grandes cantidades de memoria.

La producción musical forma parte de ese grupo de industrias que necesita hardware cada vez más potente para responder a nuevas formas de creación, donde conviven instrumentos virtuales hiperrealistas, motores de audio inmersivo y herramientas de IA para composición, mezcla y restauración de sonido.

Aunque el mercado continúa desarrollando soluciones para optimizar el uso de recursos, la memoria RAM se ha convertido en uno de los componentes más estratégicos para el futuro de la creación musical. La evolución de su disponibilidad y precio podría influir directamente en los costos de producción, la modernización de los estudios y la capacidad de los profesionales para aprovechar las nuevas tecnologías que están transformando la industria del audio.

Madonna la tachó de “visionaria”. Harry Styles lo definió como “genial y muy brillante”. Incluso El Vaticano elogió sus 18 canciones. Nadie se resiste a Lux, de Rosalía. El cuarto álbum de la catalana publicado el pasado mes de noviembre sigue causando furor ocho meses después de su lanzamiento. Ahora ha sido el turno de Mick Jacker.

El líder y cofundador de The Rolling Stones, una de las bandas de rock más influyentes de la historia, ha elogiado públicamente el trabajo de la artista española durante una entrevista concedida a la edición británica de GQ, en medio de la promoción del trigésimo tercer álbum de los Rolling Stones, Foreign Tongues.

El mítico artista respondió tras la reflexión del periodista “sobre el regreso del rock al mainstream“, citando a la banda de rock estaounidense Geese, que debutó hace una década y que el medio citado definió como ”la emocionante banda de rock que pronto verás por todas partes”. “Todo el mundo está hablando de Geese. Geese es una banda muy experimental, sobre todo para tratarse de un grupo de rock. Me gustan mucho. Había oído hablar de ellos y, cuando salió Getting Killed esperaba algo más cercano al indie. No imaginaba que fuera tan transgresor, pero precisamente por eso lo admiro", dijo sobre ellos.

Rosalía, una de las cantante que últimamente “han hecho cosas estupendas”

Tras esto, Jagger aprovechó para hablar de “muchas cantantes que últimamente han hecho cosas estupendas”. Una de ellas es, precisamente, Rosalía. “Mira el álbum de Rosalía, Lux. Era algo realmente conceptual, muy interesante. Y lo ha llevado a cabo de forma brillante y la admiro muchísimo por ello", afirmó.

Sin embargo, pese a que reconoció que no intenta estar al tanto de todas las tendencias musicales porque “es muchísimo trabajo” y “hay mucha basura”, aseguró que no da la espalda a la música actual. “No ignoro lo que está pasando, pero tampoco soy esclavo de ello”, resumió. Entre los nombres que mencionó figuran el cantante y productor nigeriano Burna Boy, con quien ha colaborado recientemente, o Bruno Mars, que participa como percusionista en el nuevo trabajo de los Stones.

El reconocimiento del británico se suma a una larga lista de personalidades que han alabado el cuarto trabajo de estudio de Rosalía desde su publicación el pasado 7 de noviembre. De Madonna a Mick Jagger, también hay que sumarle la cantidad de artistas nacionales e internacionales que no se han querido perder los conciertos de su gira, el Lux Tour, que arrancó a mediados de año en Francia y actualmente continúa en Estados Unidos.

Entre el público se ha podido ver a Demi Lovato, Billie Eilish, Lorde, Tyler, the Creator, Troye Sivan, Karol G o Dua Lipa, además de actores como Pedro Pascal. Una muestra más del fenómeno en el que se ha convertido un álbum que, ocho meses después de su lanzamiento, sigue despertando la admiración tanto del público como de algunas de las figuras más influyentes de la industria musical.

Lo ha vuelto a hacer. Rosalía presentó ante el público del Kia Forum de Los Ángeles una grabación inédita, con tintes de electrónica bailable, que podría ser la de su próxima canción tras el éxito de Lux. El sencillo sonó sin previo aviso ni interpretación en vivo, solo unos altavoces sonando durante el interludio, pero todos los fans de la cantante ya han especulado que podría tratarse de un caso similar al de Despechá.

Durante el verano de 2022, este single comenzó a sonar en los espectáculos del tour de su tercer disco, Motomami, aunque en realidad la artista la había compuesto varios meses antes. Hacia la mitad del concierto, sin previo aviso, sonaban unos acordes tropicales y Rosalía empezaba a cantar: “Baby, no me llames...”. Nadie conocía la canción, pero el ritmo era tan contagioso que la gente empezó a grabarla en video de inmediato. En cuestión de días, el audio de baja calidad extraído de los directos ya era sumamente viral. Habría que esperar a finales de julio para escuchar la versión oficial.

De este modo, no sería descabellado apuntar a que la cantante catalana está probando de nuevo esta estrategia. Y, como siempre, la ha llevado más lejos, ya que el fragmento incorpora una voz masculina sobre la que ya ha habido muchas especulaciones. Al principio muchos han pensado en la famosa banda mexicana de Latin Mafia, o en el español Guitarricadelafuente. Sin embargo, muchos han señalado que el acento del cantante es puertorriqueño, razón por la que han surgido otros nombres como los de Myke Towers o Jhay Cortez.

Así es la probable nueva canción de Rosalía

El adelanto se distingue de las canciones de Lux, su álbum más reciente, por un ritmo que comienza lento y se acelera en segundos. La letra, proyectada en inglés en las pantallas del estadio, dejó oír versos en castellano: “Y yo no sé, cuándo te vuelva a ver. No lo sabré, solo quédate conmigo a ver el atardecer, el atardecer”. Ahora bien, la cantante no confirmó si la canción formará parte de la actual era o si será un lanzamiento independiente, pensado para el verano. A pesar de eso, muchos ya han señalado que el tema podría titularse El atardecer.

Durante el espectáculo, Rosalía habló de su vínculo especial con Los Ángeles. Recordó que allí grabó su primer videoclip profesional, De Plata, y que su primer álbum también lleva el nombre de la ciudad. “Siempre me he sentido muy apoyada aquí. Gracias por respaldarme en cada proyecto. Gracias, gracias por tanto amor”, expresó la cantante durante la velada. Quizá por ese mismo motivo, decidió que este era el lugar perfecto para compartir el nuevo adelanto.

Por otro lado, en esta segunda noche de conciertos en Los Ángeles, la actriz estadounidense Odessa A’zion participó en el “confesionario” de Rosalía, una sección donde los invitados relatan anécdotas personales. A’zion, quien admitió estar muy nerviosa, optó por contar una historia de una amiga: “Mi amiga salía con un hombre que le dijo que tenía que viajar por Europa para encontrarse a sí mismo. Mientras estaba de viaje, él le enviaba mensajes diciendo que la extrañaba, pero al final ella descubrió que le era infiel porque otra mujer le escribió para contarle que estaban viajando juntos”, relató la actriz ante el público.

En el universo de la música, los rankings suelen alimentar debates apasionados. Las listas de las mejores canciones de todos los tiempos son objeto de escrutinio y discusión, especialmente cuando provienen de medios de referencia como Rolling Stone. En su reciente actualización de las 500 canciones más grandes, la revista ha colocado en lo más alto de los años setenta a un tema que desafía las apuestas más previsibles.

Contra todo pronóstico, el primer puesto entre las canciones de los setenta no corresponde a clásicos de Led Zeppelin ni de Pink Floyd. La canción mejor posicionada de la década es What’s Going On de Marvin Gaye, ubicada en el sexto lugar general de la lista. Por encima de himnos como Stairway to Heaven o Comfortably Numb, Rolling Stone destaca una obra que fusiona mensaje social y sensibilidad artística. La selección se enmarca en una lista que abarca todas las décadas, construida a partir de los votos de críticos, músicos y expertos del sector. Mientras otras publicaciones, como NME y Pitchfork, han elegido a God Save the Queen de los Sex Pistols y a Life on Mars de David Bowie como los temas más representativos de los setenta, Rolling Stone opta por una interpretación del soul cargada de contexto político y social.

La decisión de Rolling Stone sorprende a quienes consideraban que el legado de Led Zeppelin o Pink Floyd monopolizaba la excelencia musical de la década. Sin embargo, la revista ubica a What’s Going On como la mejor pieza de los setenta, dejando fuera del primer puesto a gigantes del rock progresivo y psicodélico. La lista, reconocida por su amplitud y diversidad, sitúa a esta canción por encima de otros himnos populares y técnicamente elaborados. La clasificación general está encabezada por Respect de Aretha Franklin, perteneciente a los años sesenta. Para encontrar la primera canción de los setenta hay que avanzar hasta el sexto puesto, donde What’s Going On se convierte en la referencia de ese período.

La historia detrás de la canción

What’s Going On fue publicada en 1971, en un momento de crisis personal para Marvin Gaye. El tema nació del trabajo conjunto entre Renaldo Benson de los Four Tops y Al Cleveland, quienes iniciaron el proyecto antes de que Gaye lo transformara completamente, añadiendo arreglos originales y referencias explícitas a la guerra de Vietnam y la lucha por los derechos civiles en Estados Unidos. El contexto social y político marcó la creación de la canción. Marvin Gaye canalizó su dolor y sus inquietudes personales en una obra que interroga a la sociedad y pide empatía. Rolling Stone remarca que, en su origen, la canción fue rechazada por considerarse poco comercial. Sin embargo, el tiempo la consagró como un “don de sanación sin tiempo”, gracias a su mensaje de paz y crítica social.

La interpretación de Gaye, llena de matices emocionales y profundidad, consolidó a What’s Going On como un emblema del soul y un referente permanente en la música popular. La canción se distingue no solo por su calidad instrumental, sino por su capacidad para dialogar con los problemas de su tiempo y seguir vigente décadas después. La valoración de Rolling Stone subraya que la excelencia musical de los años setenta no se limita a la complejidad técnica ni a la fuerza de los géneros dominantes. What’s Going On demuestra que la música puede ser, al mismo tiempo, arte, testimonio y llamado a la reflexión colectiva. Sin necesidad de la grandilocuencia del rock, la canción de Marvin Gaye se mantiene como la voz más alta de una década marcada por el cambio y la búsqueda de respuestas.

El Ayuntamiento de Madrid ha contratado a Bertín Osborne (71 años) para que actúe en las Fiestas de Nuestra Señora del Carmen, que se celebran a mediados de julio en tres distritos de la capital: Puente de Vallecas, Carabanchel y Chamberí. El cantante, presentador y empresario madrileño actuará el viernes 17 de julio precisamente en este último distrito, en la Plaza de Chamberí. El Gobierno local que dirige José Luis Martínez-Almeida le ha contratado a través de la Junta de Chamberí, que pagará 45.980 (IVA incluido) para que los vecinos escuchen al intérprete. Precisamente, Bertín Osborne apareció esta semana en la última lista de morosos que publica cada año la Agencia Tributaria: en 2025 debía 835.000 euros.

La contratación se ha realizado a través de la empresa ‘Treinta y Tres Producciones y Management’, una conocida firma de la industria musical que representa en exclusiva a Osborne. Las fiestas tendrán lugar entre el 16 y el 19 de julio con el objetivo de “fomentar la participación ciudadana, la dinamización cultural del distrito y el acceso de los vecinos a actividades de ocio de calidad”. La actuación de Bertín Osborne se considera idónea para el cumplimiento de dichos fines, atendiendo a su trayectoria artística consolidada, su reconocimiento por parte del público y su capacidad de convocatoria, especialmente en el contexto de unas fiestas populares dirigidas a un público amplio y heterogéneo”, señala la memoria justificativa del contrato. Chamberí es, además, el distrito donde reside la presidenta autonómica Isabel Díaz Ayuso.

Una memoria que también señala que los criterios para la elección del cantante “no son otros que su calidad artística, vinculada a su identidad personal, estilo interpretativo y repertorio”. Jorge Donaire, concejal socialista, asegura que la contratación de Osborne “es un error de criterio político del gobierno de Almeida. Madrid tiene capacidad para atraer a algunos de los mejores artistas del país y no necesita recurrir a nombres que llegan acompañados de polémicas perfectamente evitables. En las últimas semanas, Bertín Osborne ha vuelto a aparecer en la lista de grandes deudores de la Agencia Tributaria”.

El grupo municipal socialista recuerda además “que la empresa de telecomunicaciones con la que Osborne está vinculado ha sido denunciada por FACUA por presuntas irregularidades en materia de consumo. La sociedad se llama Española de Telefonía y ha debutado en el mercado rodeada de polémica. La compañía ha sido denunciada por esta organización de consumidores por una serie de presuntas irregularidades que vulnerarían hasta cinco normativas diferentes relacionadas. “Sin prejuzgar estos procedimientos, creemos que el Ayuntamiento podía haber optado por muchas otras alternativas. Las fiestas de los distritos deben servir para acercar la cultura a los barrios, apoyar el talento y generar convivencia, no para alimentar polémicas innecesarias”, señala Donaire.

Presentador de Telemadrid

Desde el PSOE recuerdan que Osborne es un asiduo de las fiestas de Madrid, ya que hace unos años actuó en las fiestas del distrito de Chamartín. El “cantante, compositor, presentador, empresario y caballista”, tal y como se presenta en sus redes sociales, también tuvo hasta hace poco un programa en Telemadrid, la cadena autonómica. El concierto de Chamberí aún no se anuncia en la web del artista ni en ningún espacio municipal. De momento. Para los socialistas, la contratación de Osborne “forma parte de un problema más amplio. Mientras algunos reconocimientos se tramitan a velocidad exprés, como ocurrió en Chamberí con la plaza a Mario Vaquerizo, siguen pendientes homenajes importantes para otras figuras como Jorge Semprún o Marisa Paredes. Esa diferencia de prioridades dice mucho del modelo cultural del gobierno de Almeida".

El músico brasileño Carlinhos Brown reivindicó la importancia de la “inteligencia ancestral” en el arte como base para que la tecnología, incluida la inteligencia artificial, no olvide las raíces culturales, y confesó su deseo de regresar a España para exhibir su “madurez” musical.

El astro brasileño (Brotas, Salvador de Bahía, 1962) pronunció esas palabras en una entrevista con esta agencia tras participar en la 27.ª edición del Festival de la Música Gnaoua de Essaouira, que se clausuró el pasado sábado en esa localidad atlántica de Marruecos.

La “inteligencia ancestral”

Brown, galardonado con el Premio Príncipe Claus en 2003 por su contribución a la supervivencia e innovación de la artesanía, defendió la necesidad de combinar saberes musicales ancestrales con las nuevas tecnologías, en un mensaje dirigido al creciente debate sobre la inteligencia artificial. “La inteligencia ancestral se vuelve necesaria”, afirmó el músico.

Según Brown, conocer las raíces culturales es imprescindible para que la inteligencia artificial tenga “bases sólidas” y pase de ser un sueño a convertirse en “una herramienta y un poder” capaz de reactivar orígenes, lenguas y estéticas.

El artista subrayó que el impulso humano por avanzar no debe anular las tradiciones. “El ser humano no puede detener su curiosidad por avanzar, pero tampoco puede matar las tradiciones. Innovación y tradiciones deben caminar juntas”, concluyó Brown.

Su música se caracteriza por una fuerte base percusiva, un marcado mestizaje rítmico y una sonoridad ligada a las raíces afrobrasileñas. Su estilo combina géneros modernos y elementos de la música popular brasileña, con una puesta en escena muy enérgica y expansiva, en la que el ritmo suele tener un papel central.

En cuanto a los instrumentos, Brown emplea sobre todo percusiones de distinta procedencia, además de recursos poco convencionales que convierten casi cualquier objeto en fuente de sonido. También se le identifica como multiinstrumentista, capaz de integrar tambores, panderos, atabaques y otros instrumentos de raíz afrobrasileña en arreglos muy rítmicos.

Nostalgia a España

Brown expresó su deseo de volver a actuar en España, país al que dice deber su reconocimiento entre el público brasileño. Recordó su participación en el Carnaval organizado durante el Fórum de las Culturas de Barcelona 2004: un megadesfile con un camión procedente de Salvador de Bahía que congregó a casi medio millón de personas en el paseo de Gràcia para bailar.

“En un momento dije: ‘vuelvo a la música’, pero regresé con otra mentalidad. Hoy me interesan mucho más los teatros de España, porque interpreto música sinfónica que allí todavía no se conoce”, subrayó, y añadió que desea exhibir su “madurez” musical en España.

“Cuando se te abre una oportunidad, hay que devolverla con la misma calidad que te fue ofrecida para que crezca. Quiero mostrar a España que he crecido musicalmente”, añadió.

El cantante siempre ha impulsado la mejora de las áreas más desfavorecidas de su país, lo que le ha alejado a veces de la música. Su carrera fue clave para la transformación completa de su barrio la favela de Candeal, en Salvador de Bahía. De ese proceso nació además el documental El milagro de Candeal (2004), dirigido por el español Fernando Trueba, a quien agradeció durante la entrevista.

En la clausura de la 27ª edición del Festival de Gnaoua de Essaouira, las cadencias de Brown, invitado estelar, sacudieron la plaza Mulay Hassan en el barrio antiguo de la localidad, sede del escenario principal del evento.

El festival, que en esa edición reunió a más de 500 músicos de todo el mundo, sirvió como escaparate para la Música Gnaoua, reconocida por la UNESCO en 2019 como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

Este género, originado entre los esclavos subsaharianos llegados al país hace cinco siglos, se distingue por el sonido de las castañuelas de metal y del guembri, un laúd tradicional de tres cuerdas.

El festival se celebra bajo el patronazgo del rey Mohamed VI y con el apoyo directo de su consejero André Azoulay, miembro de la comunidad judía de Essaouira, con el objetivo de dotar a la ciudad de una identidad propia, enriquecida por el arte y la convivencia.

Fuente: EFE.

Fotos: Reuters/ Pilar Olivares (archivo); EFE/ Borja Sánchez-Trillo (archivo) y EFE/ Raúl Mártínez (archivo).

El fallecimiento de Manuel Arjona ha sorprendido y entristecido a partes iguales a los fans de Locomía. El grupo español de pop y electrodance se convirtió en un auténtico fenómeno sociológico y cultural de finales de los 80, convirtiéndose en una de las bandas de referencia tanto en España como en Latinoamérica. Sin embargo, su abrupto final en 1992 llevó a que las vidas de sus miembros acabaran siendo muy distintas de lo que imaginaban, algo que todos ellos comentan en una miniserie documental que triunfó en Movistar Plus en 2022.

La miniserie Locomía expone cómo un grupo de amigos, que desafió las normas en la España de 1990, terminó viendo su sueño desmoronarse. Para ello, reúne los testimonios de los protagonistas que vivieron el auge, la caída y las consecuencias de un fenómeno musical que marcó época con sus abanicos y hombreras, repasando el camino que llevó a Locomía desde la Ibiza underground de 1984, cuando Xavier Font, Luis Font y Manuel Arjona (los miembros originales) abandonaron Barcelona, hasta el estrellato latinoamericano y su posterior declive.

“Se nos fue de las manos la decisión que tomamos”, reconoce en esta producción el propio Manuel Arjona, en uno de los momentos clave de la serie. La frase resume el sentimiento de quienes, tras alcanzar el éxito internacional, vieron cómo la convivencia y el egoísmo acabaron por desintegrar la banda. Eso sí, mientras duró, la experiencia fue inolvidable: “Era como si me hubiera metido en un sueño, y estuviera viviendo un mundo de fantasía”. En apenas una década, vendieron 2,5 millones de discos en todo el mundo.

Un éxito inmenso

La serie revela que, más allá de la apariencia festiva, el éxito de Locomía estuvo marcado por sacrificios personales y secretos impuestos por la industria musical. Uno de los puntos más tensos del relato aparece cuando José Luis Gil, productor y representante, impuso a los integrantes la prohibición contractual de revelar su orientación sexual. “No quería hacer un grupo gay. Si hubiera querido hacer un grupo gay… es que no me lo habría planteado, es que no es comercial. ¿Por qué me tengo que conformar con el 15% del mercado, cuando tengo enfrente el 100% del mercado?”, justifica este en otro momento de la serie.

A pesar de que el éxito fue fulgurante, no fue nada fácil para los integrantes del grupo. Preguntado en una entrevista con Infobae que tuvo que sacrificar por ser miembro de Locomía, Arjona afirmaba: “Mi vida privada. Mi vida personal. Cuando te digo eso me refiero a mi familia, a mis amigos de toda la vida. A mi casa. A mi entorno familiar sobre todo. Es lo que durante los años que estuve trabajando con el grupo por todo el extranjero, tanto Latinoamérica, Estados Unidos, Brasil, Japón, que fueron tres o cuatro años de no parar”.

El principio del fin de la banda

Durante los años de gloria, Locomía no solo conquistó escenarios, sino que también despertó recelos y envidias. El éxito internacional llevó a la banda a América y a giras donde apenas podían salir del hotel. Sin embargo, las luchas de poder entre Font y Gil, sumadas a los celos por las relaciones personales, precipitaron el final del grupo cuando estaban a punto de entrar al mercado estadounidense. En cierto momento, el agente le ofreció al líder del grupo seguir sin subirse al escenario, ya que su perfil musical y comercial no encajaba con el resto de compañeros.

Por ello, le ofreció encargarse de las tiendas oficiales de merchandising y la línea de ropa, manteniendo un porcentaje de las ganancias del grupo. La decisión de Font de aceptar la oferta de Gil fue, reconoce, un error irreversible: “Yo no tenía que haber dejado el grupo, porque ese fue el fin de Locomía”. Al ver desde fuera cómo “sus chicos” (a los que consideraba de su propiedad) se convertían en estrellas mundiales bajo las órdenes de Gil, Font empezó a acumular un profundo resentimiento.

Dirigida por Jorge Laplace, la miniserie Locomía también explora qué significaba ser moderno por aquel entonces. Cada capítulo ofrece su particular mirada una época de libertad y contradicciones, donde grupos como este marcaron la cultura popular y enfrentaron los límites impuestos por la sociedad y la industria. Así, a serie no solo reconstruye la historia de un fenómeno pop, sino que ofrece una reflexión sobre el precio de la autenticidad y la libertad en un país que aspiraba a la modernidad, pero que, como dice Laplace, “acabó cambiándonos a todos”.

La música estadounidense despide a una de sus figuras más reconocidas: Victor Willis, voz principal y uno de los pilares creativos detrás del fenómeno disco Village People, falleció a los 74 años.

El deceso de Victor Willis se produjo el lunes 30 de junio de 2026, tras una enfermedad breve pero agresiva. La noticia fue confirmada a través de un escueto comunicado publicado en la página oficial de Village People en Facebook: “Victor pasó el lunes 30 de junio de 2026 de una enfermedad corta pero agresiva. Se solicita privacidad”.

La familia, a través de su esposa Karen, también pidió respeto en este momento de duelo. Willis falleció un día antes de cumplir 75 años. Por el momento, no se difundieron detalles adicionales relacionados con el velatorio ni declaraciones ampliadas por parte de representantes de la banda.

En una frase breve, la agrupación resumió el sentimiento compartido por sus seguidores: “Nos sentimos profundamente tristes al anunciar la muerte de Victor Willis, cantante principal de Village People”.

Trayectoria y papel de Willis en los Village People

Nacido en Texas y criado en San Francisco, Victor Willis forjó su voz en la iglesia bautista dirigida por su padre. Su formación incluyó estudios de actuación y danza, lo que permitió que se vinculase al mundo del espectáculo en Nueva York, participando en producciones teatrales como el musical “The Wiz” en Broadway.

El punto de inflexión para Willis llegó cuando el productor francés Jacques Morali le propuso liderar un proyecto musical con un enfoque audaz: combinar personajes masculinos arquetípicos y ritmos disco.

Así, Willis se convirtió en la voz y el rostro más visible de Village People, aportando su “fervor góspel” y capacidad escénica a un formato que rápidamente captó la atención global. Más allá de su interpretación, fue coautor de los mayores éxitos del grupo, consolidando su rol como motor creativo de la banda.

Willis abandonó el grupo en 1980, antes del estreno de la película “Can’t Stop the Music”, aunque contribuyó con letras para dos canciones. Regresó brevemente en 1983 y, tras años de disputas legales por derechos de autor, recuperó parte del control sobre su obra y volvió a integrarse plenamente en la formación en 2017.

En su carrera se reconoció su singularidad, dado a que Willis era el único músico profesional entre los integrantes originales, lo que le permitió dotar de una impronta personal a los temas más emblemáticos del grupo.

Éxitos musicales más destacados de los Village People

El repertorio de Village People incluye algunos de los himnos más reconocibles de la historia del pop y la música disco. Willis coescribió éxitos como “Y.M.C.A.”, “Macho Man”, “In the Navy” y “Go West”. Estos temas, nacidos a fines de los años setenta, llevaron al grupo a los primeros puestos de las listas internacionales: “Y.M.C.A.” alcanzó el número dos en el Billboard Hot 100, mientras que “In the Navy” llegó al número tres.

“Y.M.C.A.”, en particular, se convirtió en un fenómeno cultural, utilizado en celebraciones, bodas y karaokes alrededor del mundo. Su impacto fue tal que, en 2020, la canción fue incorporada al Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, y un año después fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy.

Este catálogo consolidó a la banda como un símbolo de la era disco, caracterizado por su puesta en escena teatral y el uso de personajes como el policía, el vaquero o el obrero de la construcción, imágenes que Willis ayudó a popularizar con su presencia escénica.

Controversias recientes: “Y.M.C.A.” y su significado

En los últimos años, Victor Willis protagonizó controversias relacionadas con la interpretación de “Y.M.C.A.”. En 2024, amenazó con emprender acciones legales contra medios que describían el tema como un “himno gay”.

A través de Facebook, Willis aclaró que, si bien no le molestaba que la comunidad homosexual adoptara la canción, exigía a la prensa un mayor rigor: cuando escribió la letra, aseguró, no tenía conocimiento de actividades homosexuales en las sedes de la YMCA.

Esta postura reavivó el debate sobre el sentido original y la apropiación cultural de la canción, que para muchos representa un símbolo de libertad y celebración de la diversidad.

Relación de Willis y Donald Trump

El vínculo de Village People con la política se intensificó durante los últimos años, especialmente por la presencia de su música en actos de Donald Trump. El presidente utilizó reiteradamente temas del grupo en sus eventos, llegando incluso a bailar en el escenario junto a los miembros.

En el contexto de la segunda investidura de Trump, celebrada en enero de 2025, el propio Willis explicó públicamente que la participación del grupo no constituía un respaldo político. “La música debe compartirse en todo el espectro político y no reservarse para un solo sector”, escribió en redes sociales.

El vínculo entre ambas figuras tuvo apariciones públicas importantes, como el Mitin de la Victoria de Trump en enero de 2025 y el sorteo del Mundial de la FIFA en diciembre del mismo año.

A través de su red social Truthsocial, el mandatario estadounidense despidió a Willis con palabras de admiración, resaltando el entusiasmo con el que el artista permitió el uso de “Y.M.C.A.” en los mítines políticos.

Trump afirmó: “Fue un gran y alegre tipo que amaba que usara la canción de su grupo, YMCA, en mis encuentros. Se convirtió nuevamente en un éxito ‘monstruoso’ 30 años después de su lanzamiento original”.

El presidente concluyó que cada vez que suene “Y.M.C.A.”, especialmente durante la semana del 4 de julio, recordará a Willis y transmitió sus condolencias a la familia y al grupo. Estas declaraciones refuerzan la asociación entre el repertorio del grupo y el universo simbólico de los actos políticos recientes en Estados Unidos.

Regreso, giras recientes y actividades finales de Willis

Antes de su fallecimiento, Victor Willis y la banda habían completado la primera etapa de una gira europea y viajaron a Nueva Delhi, India, para sumarse a las celebraciones del 250° aniversario de Estados Unidos. En mayo de 2026, Willis mencionó en su perfil personal que el grupo había interpretado “Y.M.C.A.” para el secretario de Estado Marco Rubio con motivo de su cumpleaños.

La última etapa de su carrera estuvo marcada por un renovado contacto con el público internacional y la reivindicación de su legado musical, tras resolver sus disputas legales y retomar el liderazgo efectivo de Village People.

Durante la entrevista, Ferrero repasó los años de mayor éxito de Mano Arriba, que entre 2015 y 2016 se convirtió en una de las bandas de cumbia más escuchadas de Uruguay y Argentina. “2015, 2016 fue como el boom”, recordó. Sin embargo, explicó que el proyecto llegó a su fin por diferencias entre sus integrantes. “No terminaron bien las cosas con la banda. Nos peleamos. Éramos un grupo de amigos que empezamos, pero se terminó”, resumió.

A pesar del paso del tiempo, aseguró que aquellas canciones continúan vigentes y siguen sonando en ambos lados del Río de la Plata. “Me pasan todos los fines de semana videos diciéndome: ‘Mirá, está sonando acá tu tema’. Se siguen escuchando en realidad”, contó.

Tras el final del grupo, Ferrero decidió iniciar un nuevo camino artístico. “Hace un par de años que estoy como solista”, explicó. Además, contó que desde el año pasado vive en Punta del Este, aunque mantiene un fuerte vínculo con Argentina gracias a las giras que realiza de manera habitual. “Vengo mucho a Argentina desde siempre, desde 2015”, señaló.

La cantante también destacó el afecto que recibe del público argentino y dejó de lado la tradicional rivalidad entre ambos países. “Sé que tenemos una cierta rivalidad, pero yo los quiero mucho y me inspiro con ustedes porque tienen muy buena onda, tienen una alegría que a mí me contagia”, expresó.

En ese contexto, Marcelo Tinelli resaltó la influencia que históricamente tuvo la música uruguaya en la Argentina. Ferrero aprovechó para compartir una frase muy popular entre los artistas de su país: “En Uruguay siempre te dicen que hasta Tinelli no parás. Y realmente es así”, comentó entre risas.

Como ocurrió con otros invitados de Infobae Mundial, la visita concluyó con música. Ferrero interpretó en vivo “La noche no es para dormir”, uno de los temas que forman parte de su etapa como solista, y recibió el aplauso del público presente en el estudio. El cierre combinó el repaso por su historia con Mano Arriba con una muestra del presente artístico de una cantante que continúa consolidando su carrera a ambos lados del Río de la Plata.

El cantante mexicano Carlos Rivera se presentó en el programa deportivo El Chiringuito de Jugones con mariachis en vivo y cantó “El Rey”, de José Alfredo Jiménez, como dedicatoria al partido de México contra Ecuador por los dieciseisavos de final del Mundial 2026.

La visita coincidió con la jornada del partido. Rivera eligió el repertorio en el momento: “Hoy voy a cantar El Rey, porque hoy vamos a ganar”, dijo al conductor antes de que los mariachis arrancaran los primeros acordes.

Carlos Rivera lleva el himno del Tri al set de El Chiringuito

Con mariachis en el estudio, Rivera interpretó las dos estrofas completas de “El Rey” ante el público del programa. Al terminar, el conductor le pidió una canción más y el artista propuso “Cielito lindo”, la que, según sus propias palabras, es la que “cantamos en los estadios”.

La segunda interpretación cerró con el coro de “Ay, ay, ay, ay, canta y no llores” a cargo de los mariachis, mientras Rivera dirigía al conjunto desde el centro del set.

Qué es El Chiringuito de Jugones

El Chiringuito de Jugones es el programa de debate deportivo nocturno de Mega, canal del grupo Atresmedia (ATS), conducido por el periodista Josep Pedrerol desde su estreno el 6 de enero de 2014.

El espacio se emite de domingo a jueves entre las 23:45 y las 02:45 horas, y reúne cada noche a un equipo de periodistas, exfutbolistas y agentes que debaten la actualidad del fútbol español e internacional. Su récord histórico de audiencia lo alcanzó el 5 de agosto de 2021, cuando la salida de Lionel Messi del FC Barcelona reunió a 566.000 televidentes y un 12,4% de cuota de pantalla.

Además de emitirse en España, el programa llega a México a través de Multimedios Televisión desde febrero de 2020, y a Estados Unidos por Fox Deportes desde 2021. Esa distribución internacional explica el comentario de Rivera durante la visita: contó que tras su primera aparición en el programa, recibió una cadena de llamadas de seguidores en México que lo habían visto allí. “Todo mundo me llamó, que me habían visto aquí en el Chiringuito”, recordó.

Quién es Carlos Rivera

Carlos Augusto Rivera Guerra nació el 15 de marzo de 1986 en Huamantla, Tlaxcala, México. Saltó a la fama en 2004 al ganar la tercera generación del programa La Academia, de TV Azteca, y desde entonces construyó una carrera que abarca la música pop, la balada romántica, el regional mexicano y el teatro musical.

Su vínculo con España arranca en 2011, cuando se convirtió en el primer Simba mexicano en protagonizar el musical El Rey León en Madrid, con más de 700 representaciones y un millón de espectadores hasta 2013. Ese paso lo consolidó como figura en el mercado español.

Entre sus álbumes de estudio figuran Guerra (2018), Sincerándome (2023) y el EP Vida (2025). Su canción Mal Escrito, a dúo con Malú, se situó entre los temas más escuchados en las emisoras españolas durante 2025. También prestó su voz en la versión latinoamericana de El Rey León de Disney y fue el artista elegido para interpretar Recuérdame, de la película Coco, en los países de Sudamérica y España.

La gira ¡Vida México! Tour por España

La aparición en el programa se enmarca en la gira ¡Vida México! Tour, con la que Rivera recorre España durante el verano de 2026. El show, estructurado en tres bloques, combina más de 36 canciones que van del pop al regional mexicano, con temas como Digan lo que digan, Me muero, Llorona y El Rey.

La gira arrancó el 21 de junio en el Navarra Arena de Pamplona y tiene fechas confirmadas en Las Palmas de Gran Canaria (3 de julio), Bilbao (5 de julio), A Coruña (10 de julio), Alcalá de Henares (11 de julio), Barcelona —Sant Jordi Club, 12 de julio—, Murcia (17 de julio), Almería (18 de julio) y Marbella, donde cerrará el 22 de julio en el Starlite Festival.

Rivera llegó al set de El Chiringuito vestido de gala, según sus propias palabras: “Hoy además que juega México, venimos elegantes. Vengo de gala”. Antes de arrancar con la música, mandó saludos a la afición mexicana y también a la ecuatoriana: “Saludos a la gente de Ecuador, pero bueno, espero que ganemos nosotros”.

A lo largo del espectáculo, la pareja se mostró de pie, cantando a viva voz junto al público temas emblemáticos del rosarino. En especial, durante la interpretación de A rodar mi vida, ambos se dejaron ver abrazados y celebrando el momento, en una escena de intimidad y complicidad que fue capturada por las cámaras. La cercanía entre ellos, sumada a la energía del show, convirtió a ese instante en uno de los más comentados de la velada.

La presencia de la actriz y conductora y el referente político en el Movistar Arena ocurre en un contexto de interés renovado por sus vidas personales, especialmente ante la reciente exposición mediática de los vínculos sentimentales que rodean a la familia. La pareja, formada en 2021, se caracterizó por su espontaneidad y su manera poco convencional de vivir el amor. Su historia comenzó cuando la actriz asistió a un curso de historia del justicialismo dictado por el histórico dirigente peronista. Aquella primera aproximación derivó en un romance que rápidamente desembocó en un casamiento íntimo y poco convencional, alejado del protocolo y la ostentación tradicional.

En paralelo a los comentarios por la presencia de Moria y Galmarini, el foco mediático también se posó sobre la relación entre Sofía Gala y Fito Páez. Los rumores sobre un posible romance entre la actriz y el músico cobraron fuerza durante los últimos meses, especialmente después de que la propia Moria confirmara la existencia de un vínculo entre ambos.

Uno de los episodios que marcó este nuevo capítulo en la vida sentimental de Fito se produjo durante la presentación de su disco Shine, en mayo pasado, ante un público reducido. En esa ocasión, tras levantarse de su asiento, el músico se dirigió a saludar a la hija de Moria. Lo que parecía ser un simple gesto cordial dio paso a un momento más íntimo: Sofía Gala lo tomó del codo y lo atrajo hacia ella, sellando el encuentro con un beso romántico en los labios, bajo la tenue luz azul del escenario.

La reacción de los presentes no se hizo esperar. Quienes fueron testigos del gesto celebraron el momento con exclamaciones de entusiasmo, lo que confirmó ante la audiencia la naturaleza del vínculo entre ambas figuras. Este episodio, sumado a la confirmación pública de Moria Casán, consolidó el interés de la prensa en la relación y añadió un matiz especial a la reciente presencia de la familia en el Movistar Arena.

La relación entre Moria Casán y Fernando “Pato” Galmarini se inició en 2021, cuando la actriz decidió asistir a un curso sobre historia del justicialismo. Allí, el histórico dirigente peronista dictaba las clases que despertarían el interés de Casán no solo por el contenido, sino también por el propio Galmarini. Pronto, el vínculo trascendió la esfera académica para convertirse en una relación sentimental.

El romance avanzó con rapidez y naturalidad, desembocando pocos meses después en un casamiento íntimo, apartado de los convencionalismos. Esta pareja se mostró siempre cercana y espontánea en público, como se evidenció durante el show de Fito Páez, donde compartieron gestos de afecto y alegría, reflejando la solidez de su relación.

Lejos de buscar protagonismo por su vida privada, ambos optaron desde un comienzo por compartir momentos significativos de manera relajada, como el que vivieron en el Movistar Arena.

El recital que reunió a figuras como Moria y Galmarini forma parte de una serie de presentaciones que Fito Páez realizó en el Movistar Arena. El artista rosarino logró colmar el estadio en cinco ocasiones consecutivas, demostrando el vigor de su convocatoria y la permanencia de su obra en el público argentino.

Cuando las zapatillas de punta aparecen en la cultura popular, los bailarines suelen estremecerse. Las zapatillas de punta, el calzado emblemático del ballet, suelen hechizar a los editores de moda, ejecutivos de publicidad y músicos pop. Los ajenos al mundo de la danza suelen estar ansiosos por usarlas como una abreviatura de cierto tipo de feminidad delicada.

Pero una zapatilla de punta no es (solo) un símbolo; es una herramienta artística. Bailar en puntas de forma correcta requiere años de entrenamiento intensivo. Es esencialmente imposible de fingir. Para los bailarines, un trabajo en puntas deficiente puede ser doloroso de ver; no solo representa una afrenta estética, sino una ofensa a la rigurosidad de su oficio.

Por eso, cuando la cantante Rosalía abrió un concierto en el Madison Square Garden de su gira Lux vestida de bailarina —de pie, recatadamente, sobre una plataforma, con un enorme tutú al estilo Degas y, sí, zapatillas de punta— contuve la respiración.

Y entonces, cuando comenzó a moverse, pude exhalar aliviada.

Nadie confundiría a Rosalía con una bailarina profesional de ballet. Sin embargo, en el espectáculo Lux, se acerca al ballet con lo que parece ser un interés genuino y reverencia. Mientras cantaba la penetrante “Porcelana” en el Garden, entró en un aseado arabesco en pareja sobre puntas, con su pie de apoyo arqueado de manera impresionante. Unos momentos más tarde, mientras avanzaba hacia el fondo del escenario con un bourré, dando diminutos pasos sobre la punta de los dedos de los pies, sus brazos eran convincentemente como los de un cisne: fluidos pero articulados a través de las muñecas y los dedos. El ballet no es una pose; es un idioma, y Rosalía claramente ha estado estudiándolo.

Una mezcla similar de curiosidad y devoción impulsa su álbum Lux. Rosalía, quien comenzó en el flamenco, ha construido una carrera pop en torno a yuxtaposiciones estilísticas inesperadas. En su nuevo disco, incorpora elementos de ópera y canta en 13 lenguas distintas. En la gira Lux, presenta el ballet clásico como análogo físico de la ópera clásica. Su baile es balético de la misma manera que su música es operística: la técnica quizás no es perfecta, pero la intención es buena.

Quizás por eso Misty Copeland publicó el emoji de “mente explotada” tras asistir al concierto en el Madison Square Garden, o por lo que la estrella del New York City Ballet, Tiler Peck, ha comentado favorablemente las fotos baletísticas de Rosalía en Instagram. Cuando la gira hizo parada en Houston el 23 de junio, ella invitó al escenario al primer bailarín del Houston Ballet, Harper Watters, para un cameo. “Eres una bailarina de ballet tan hermosa”, le dijo Watters. “Muchas gracias por mostrar nuestro arte tan bellamente y tratarlo con tanto cuidado”.

El trío coreográfico (La)Horde, que ayudó a crear el movimiento de la gira Lux, dijo que las secuencias de ballet del espectáculo fueron idea de Rosalía. (Hablé con Marine Brutti, pero el colectivo —que también incluye a Jonathan Debrouwer y Arthur Harel— habla como uno solo.) Aunque los miembros de (La)Horde son los directores del Ballet National de Marsella, “no sé si alguna vez le hubiésemos aconsejado ir por ahí”, dijeron. “Ella tenía la visión de empezar el espectáculo como bailarina, y confiamos en ella. Éramos como los asistentes del mago”.

Parte de la magia de la gira es cómo fusiona naturalmente el ballet con otros estilos de danza. El equipo de coreografía está dirigido por (La)Horde y Charm La’Donna, la fuerza creativa detrás de las actuaciones del Super Bowl de Bad Bunny y Kendrick Lamar. Dimitris Papaioannou, el coreógrafo griego conocido por sus intrigantes ilusiones visuales, y el célebre bailaor José Maya también contribuyeron. “Ella quería ofrecer una experiencia que fuera museo-iglesia-club-teatro de danza”, dijo (La)Horde sobre Rosalía. “Todos estábamos respondiendo a la fluidez de su forma de pensar”.

La gira Lux se presenta, con gran teatralidad, en cuatro actos. Tras el clasicismo celestial de la apertura, la segunda sección comienza con un descenso a la grandiosidad oscura del sencillo principal del álbum, “Berghain”, llamado así por el famoso club de Berlín. Rosalía regresa al escenario habiendo cambiado las zapatillas de punta por botas negras, con dos plumas a modo de cuernos curvándose sobre su cabeza.

Las huellas de (La)Horde son más evidentes aquí. Fiel a su nombre, el colectivo adora desplegar una multitud desenfrenada. En la coreografía de “Berghain” —parte de la cual deriva de la actuación viral de Rosalía en los Brit Awards a principios de este año— un flujo primordial de cuerpos de bailarines sostiene a la cantante, pulsando en respuesta a cada uno de sus gestos. Cuerdas orquestales impulsan “Berghain”, pero la gira añade un remix electrónico estridente al final de la canción. Al concluir, la bailarina de caja de música se convierte en toda una clubber, convulsionando de manera extática bajo las luces estroboscópicas.

A pesar de su iconografía de cielo e infierno, el espectáculo no es solo épicos altibajos. También incorpora partes del álbum de 2022, Motomami, una colección de canciones audaces e irreverentes que abordan la fusión de estilos de forma más lúdica. Mientras interpretaba el éxito de reggaetón “Saoko”, Rosalía adoptó sin esfuerzo el modo de sirena pop, con la columna líquida mientras giraba desde el torso. La canción incluye un improbable interludio de jazz; igualmente improbable, ella hace twerking al ritmo, con la cámara acercándose a sus pantalones cortos fucsia.

Esa picardía también se extiende al terreno de Lux. La contribución de Papaioannou al espectáculo es la pieza “La Perla”, que convierte el vals de Lux —un adiós desenfadado a un examante— en un encantador espectáculo de trompe l’oeil. Contra un fondo negro, las manos enguantadas de blanco de los bailarines se convierten en falda, luego en halo, luego en velo de Rosalía, evocando por momentos a la Venus de Milo y por otros a Rita Hayworth. No sorprende que el número haya arrasado en TikTok.

Rosalía, que es de España, comenzó su carrera estudiando baile y música flamenca, formación que se percibe claramente en todo el espectáculo Lux. (Quizás eso explique esos impresionantes brazos de cisne, parientes lejanos de los movimientos expresivos de la parte superior del cuerpo flamenco.) En la canción de flamenco pop “De Madruga”, su zapateado percusivo y los giros filigranados de sus muñecas provocaron gritos de “¡olé!” entre el público. “La Rumba del Perdón”, el tema del disco que más se acerca al flamenco clásico, no es aquí un número de baile, pero cuando entra el aplauso rítmico, Rosalía no puede evitar chasquear los dedos y zapatear.

Ese entrenamiento flamenco también le otorga comodidad con su cuerpo, una base desde la cual probar otros estilos de danza. En ese esfuerzo la apoya el elenco del espectáculo: bailarines de gran trayectoria y versatilidad. Al bailar en puntas, Rosalía tiene como pareja a exintegrantes del Ballet National de Marsella y del Nederlands Dans Theater. Y cuando hace movimientos de winding y grinding, lo hace junto a veteranos de giras de estadios y videoclips de alto perfil. (A veces, son las mismas personas). “No se siente como un grupo de bailarines de respaldo”, dijo (La)Horde. “Se siente como una compañía de danza propia”.

El acto final de la gira Lux regresa al cielo y al ballet, aunque más que en la coreografía, lo hace a través de un collage de referencias visuales. Rosalía y los bailarines aparecen con alas blancas de plumas que los sitúan entre los cisnes de El lago de los cisnes y los ángeles de Victoria’s Secret. Al finalizar la canción “Focu ’Ranni”, la cantante ascendió una escalera al fondo del escenario y cayó hacia atrás, brazos con alas extendidos, hacia el olvido de la Reina Cisne. Podías imaginarla citando al personaje de Natalie Portman en Cisne negro al aterrizar: “Fue perfecto”.

En el mundo del ballet, una referencia a Cisne negro también puede causar vergüenza ajena. Pero aquí —con Rosalía descalza y exhausta, las alas ligeramente desordenadas por el esfuerzo— el momento se lee como un tributo al empeño.

Algunos artistas se sienten atraídos por la imposibilidad inherente del ballet. El esfuerzo de perseguir los ideales inalcanzables de la forma se convierte en su propia recompensa. Rosalía, la diligente estudiante de más de una docena de idiomas y casi tantos estilos de danza, parece igualmente atraída por las tareas imposibles. La gira Lux, con toda su ambición coreográfica, es una celebración de ese tipo de dificultad: de la virtuosidad no innata, sino ganada a base de sudor.

Fuente: The New York Times

Si eres de los que cada día sale a trabajar o a estudiar y pone la misma playlist en Spotify o YouTube, tranquilo, la psicología y la neurociencia han aportado respuestas precisas a esta situación, que va mucho más allá de la preferencia musical.

Repetir canciones no es señal de estancamiento ni de falta de apertura a nuevos gustos, sino un comportamiento que responde a necesidades emocionales, cognitivas y de identidad.

La tendencia a volver una y otra vez a los mismos temas musicales suele interpretarse desde fuera como una manía o como ausencia de curiosidad. Sin embargo, para quienes lo experimentan, la repetición es una fuente de estabilidad, previsibilidad y consuelo. La música se convierte en una herramienta para regular estados internos y para mantener una conexión con recuerdos y etapas vitales.

Por qué las personas escuchan siempre las mismas canciones

Según investigaciones recientes en psicología publicadas en Frontiers in Human Neuroscience, la familiaridad es el factor más determinante a la hora de explicar por qué una persona disfruta de una canción. Cuanto más conocida es una pieza, más agrado genera en el oyente.

Esta preferencia se sostiene incluso cuando la música es compleja: la repetición constante permite anticipar cambios, estribillos y frases, lo que proporciona placer al cerebro al reducir la incertidumbre y aumentar el control sobre lo que va a suceder. En otras palabras, la repetición musical tranquiliza porque elimina el factor sorpresa y refuerza la sensación de dominio sobre el entorno sonoro.

El fenómeno se asocia con el llamado “efecto de mera exposición”, ampliamente documentado en psicología: cuanto más se expone una persona a un estímulo, mayor suele ser su preferencia por ese estímulo, siempre que la exposición no sea excesiva ni forzada. En condiciones naturales, escuchar varias veces una canción tiende a incrementar el gusto, sin importar el nivel de complejidad de la pieza.

Qué tiene que ver escuchar música con la regulación emocional

Las canciones repetidas cumplen un rol específico en la regulación emocional. En momentos de ansiedad, tristeza o cambios personales, muchas personas buscan refugio en melodías conocidas.

La música se convierte así en una estructura afectiva que ayuda a contener emociones intensas y a darles un formato manejable. Escuchar una y otra vez un tema puede ayudar a transitar duelos, rupturas o celebraciones, funcionando como acompañamiento constante y como una manera de ordenar los sentimientos cuando las palabras no alcanzan.

Desde la perspectiva neurobiológica, las experiencias musicales placenteras están vinculadas al sistema dopaminérgico de recompensa del cerebro. El placer que se siente al escuchar música familiar está asociado con la activación de áreas como la amígdala, el estriado ventral y la corteza prefrontal, regiones implicadas en el procesamiento de emociones y en el aprendizaje basado en la recompensa.

Así, la música repetida no solo calma, sino que también estimula la producción de neurotransmisores asociados al bienestar.

Un aspecto central es la conexión entre música, emoción y memoria. Las personas tienden a asociar canciones con etapas, lugares o vínculos significativos.

Volver a escuchar una melodía determinada es también una forma de reencontrarse con versiones pasadas de uno mismo y de reforzar la identidad, especialmente en contextos de incertidumbre. La música ofrece la posibilidad de sentir que algo permanece estable, aun cuando el entorno o la vida personal están cambiando.

Cómo escuchar la misma música incide en la personalidad

En cuanto al perfil de personalidad de quienes repiten canciones, la evidencia empírica indica que no existe un único tipo psicológico ligado a este comportamiento. Lo que sí se observa es que la familiaridad y el uso de la música con fines de regulación emocional son prácticas extendidas en todas las edades y perfiles.

No hay pruebas de que escuchar siempre lo mismo sea señal de obsesión o de una patología, a menos que la repetición esté acompañada de otros síntomas como aislamiento extremo o incapacidad total para tolerar novedades.

Estudios clásicos han intentado vincular la preferencia musical con rasgos de personalidad, pero los resultados han sido variados e incluso contradictorios. Algunos trabajos sugieren que quienes puntúan alto en apertura a la experiencia suelen preferir mayor variedad, mientras que las personas más orientadas a la estabilidad emocional pueden inclinarse por la repetición.

Sin embargo, la relación no es directa ni exclusiva: la mayoría de la gente, independientemente de su perfil, utiliza la repetición musical como un mecanismo para regular sus estados internos y para reforzar la sensación de continuidad.

El momento fue registrado en video y rápidamente circuló por las redes sociales. Las influencers, premiadas con el Carlos Gardel en 2022 como Mejor espectáculo infantil y con una comunidad de 145 mil seguidores, habían adaptado el tema "Dos amantes" —que Tini grabó junto a Ulises Bueno— para crear una canción de aliento a la albiceleste. “Vi la versión que hicieron de Dos amantes para la selección… ¡Me encantó! Las amo chicas, la rompieron toda”, celebró la artista en el reencuentro.

El apoyo de Stoessel a Rodrigo de Paul y al resto del plantel argentino fue discreto, asistiendo a todos los partidos sin grandes exposiciones mediáticas. Pero este episodio, espontáneo y emotivo, fue compartido con entusiasmo tanto por las jóvenes como por la cantante, quien se sumó a cantar y bailar el pegadizo estribillo: “Yo te quiero selección, te aliento todo el tiempo con locura y pasión, y llevo estos colores en el alma por vos. Nos vamos para USA para salir campeón, como en el 22”.

La propia Stoessel expresó su alegría por la coincidencia: “Las amo chicas, qué lindo que nos encontramos”, antes de posar para las fotos que sus admiradoras no tardaron en publicar. El breve intercambio fue suficiente para que las hermanas expresaran su gratitud en su cuenta de Instagram: “Sueño cumplido… Como saben hicimos la canción ‘Yo te quiero selección’ con el ritmo de un tema de Tini y ayer la esperamos al finalizar el partido, ya que estaba a dos palcos del nuestro en la cancha y sentimos una emoción grandísima al escucharla, Tini es nuestra ídola que nos dijo que la había escuchado y le había gustado”.

Las jóvenes, visiblemente emocionadas, resumieron el valor de la experiencia con una frase: “No lo podemos creer… Los sueños están para cumplirse y nosotras vamos tras ellos”. Cerraron su mensaje con un agradecimiento directo: “Gracias Tini, te amamos”.

La decisión de la cantante de no realizar publicaciones sobre su experiencia en el certamen fue tomada para mantener un perfil bajo. A pesar de la discreción, Rodrigo de Paul sí le agradeció públicamente su respaldo, consolidando la imagen de apoyo mutuo entre ambos. “Viva Argentina, viva la selección”, expresó la exprotagonista de Violetta en un breve comentario antes de despedirse de sus jóvenes admiradoras.

La escena vivida en el estadio de Dallas demuestra que, aun en escenarios de máxima exposición internacional, las conexiones genuinas pueden surgir por la admiración y la creatividad. El gesto de Tini al sumarse al canto y baile con las influencers no solo validó su trabajo, sino que subrayó la potencia de la música como factor de unión y celebración colectiva.

Las imágenes del encuentro circularon rápidamente por distintas plataformas, reforzando el mensaje de que el aliento a la selección puede tomar formas diversas, incluso a través de la reinvención de un tema musical ya instalado en el repertorio popular. La respuesta de Stoessel, espontánea y cálida, dejó en claro que el reconocimiento de los ídolos no solo es posible, sino que puede ser profundamente inspirador para nuevas generaciones.

La crónica del hecho muestra cómo la cultura pop y el deporte se retroalimentan, generando nuevos espacios de encuentro y celebración. La alegría de Delfina y Sofía es reflejo de un fenómeno más amplio: el Mundial no solo se vive en la cancha, sino también en las tribunas, en las redes y en la música que acompaña cada paso de la selección.

Antes de que existiesen internet y las plataformas de streaming, comprar un disco de vinilo era como hacer una apuesta. A veces conocíamos el álbum o el grupo, pero otras veces no sabíamos nada y simplemente nos dejábamos seducir por las carátulas. Si el disco nos gustaba o no, si era bueno o malo, solo lo averiguaríamos al llegar a casa.

Yo tuve suerte con mi primera compra de un disco de rock progresivo en la mítica tienda de discos Madrid Rock. Fui a dar, casi por pura casualidad, con Selling England by the Pound, considerado el mejor álbum de Genesis y uno de los mejores del género progresivo en general. Han pasado casi cuatro décadas de aquella tarde, pero no he olvidado la impresión que me produjo aquella música extraña, compleja y bellísima cuando llegué a casa y pude reproducirla en mi tocadiscos.

La crítica cultural que el semiólogo Umberto Eco calificó de “apocalíptica”, y que encarnaba ejemplarmente el filósofo alemán Theodor W. Adorno, estableció una demarcación muy rígida entre el arte serio y la cultura de entretenimiento.

No obstante, Adorno era un observador agudo, y no pasó por alto que algunos fenómenos culturales se sustraían a esa dicotomía. Diagnosticó, por ejemplo, el envejecimiento de la vanguardia musical del siglo XX que él mismo había defendido siempre. También lamentó su transformación en una producción mecanizada y rutinaria de herméticas composiciones destinadas al reducido público de los festivales de música contemporánea. Entretenida no sería aquella música, pero tampoco era ya muy seria.

En cambio, no previó la posibilidad de que brotasen obras genuinas, originales y estéticamente ambiciosas en el campo de la cultura de masas, un terreno que él juzgaba incurablemente estéril para el gran arte.

El origen de una fusión

¿Hubiera sabido reconocer Adorno el valor estético de un género musical que surgió en el Reino Unido en el año de su muerte y que alcanzó su efímero apogeo poco después? En 1969 vio la luz el álbum seminal de King Crimson, titulado In the Court of the Crimson King, considerado por muchos el primer disco de rock progresivo. Este álbum contenía ya los principales ingredientes del género: una estética musical más bien fría, incluso sombría, cierto barroquismo y gigantismo en las composiciones, una vocación vanguardista y experimental, y la inequívoca ambición de elevar el rock a la categoría de gran arte.

Para todo hay un precedente, y este género se inspiró en la psicodelia, el pop y el rock británicos de la década de 1960. Pero en lo sustancial fue un estilo completamente nuevo que aspiraba conscientemente a derribar la barrera entre el arte serio y la cultura de masas. Lo hacía, sin embargo, partiendo de esta última, es decir, de la cultura juvenil y de la música compuesta e interpretada con guitarras y bajos eléctricos, sintetizadores y baterías.

Nada, o muy poco, tienen que ver con cualquier otra cosa compuesta antes o después los extensos y complicadísimos temas concebidos por la constelación de grupos que emergieron entonces. Muchos de ellos han caído en un relativo olvido: son pocos quienes hoy recuerdan a Soft Machine, Van der Graaf Generator, Camel, incluso a Jethro Tull y Emerson, Lake & Palmer. Pero los más importantes –Genesis, Yes, Pink Floyd y King Crimson– se ganaron un puesto en la historia del rock por su brillante producción durante un breve periodo que ni siquiera abarca toda la década de los 70.

Cada una de aquellas bandas se aproximaba a diferentes corrientes musicales de una época especialmente creativa: King Crimson orbitaba hacia el rock duro y el jazz experimental, Genesis se inclinaba hacia el glam y el pop, Yes entroncaba con el glam y el rock –pero no con el pop– y Pink Floyd lindaba con el rock y el pop, pero no con el glam.

Estos parentescos más o menos lejanos no rebajan la originalidad de la música progresiva. Tampoco explican las atmósferas misteriosas e insólitas que fueron capaces de crear unos músicos que parecían abordar la composición de un álbum de rock con la misma ambición con la que Mahler componía sus sinfonías.

Auge y final del género

Ciertamente, el rock progresivo era cultura de masas, y los conciertos de estas bandas llenaban teatros y estadios. Pero la autoexigencia y el ascetismo de este género musical parecían contagiarse de algún modo a las personalidades de sus intérpretes. Estos –a excepción, quizás, de Peter Gabriel, líder de Genesis– transmitían una imagen de profesionalidad bastante alejada del histrionismo y el divismo de otras estrellas del rock de la época.

Esta relativa austeridad personal se correspondía con el intelectualismo y la abstracción de unas composiciones musicales que se inspiraban en la literatura y la mitología (como en Genesis), se alejaban de los temas sentimentales y eróticos omnipresentes en el rock y el pop, y se atenían a un tono emocional más bien frío (o gélido, como en Pink Floyd y King Crimson) incluso cuando eran exuberantes (como en Yes).

Su éxito no duró mucho. El denso material de aquellos temas, que con frecuencia ocupaban toda una cara de un disco de vinilo, fue desmembrándose en elementos más fáciles de digerir por el público. Así, el rock progresivo terminó diluyéndose en las corrientes que ejercían una mayor fuerza de atracción desde las posiciones contiguas del campo musical, como el pop y el rock.

Para confirmarlo basta con observar la evolución de estos grupos. Peter Gabriel abandonó Genesis en 1975, y bajo el liderazgo de Phil Collins el grupo derivó lentamente hacia un estilo pop que le cosecharía sus mayores éxitos en los años 80 y primeros 90. Algo similar sucedió con Yes, cuyas composiciones pop de la década de 1980 apenas guardan relación con sus primeros álbumes. King Crimson siempre eludió esa vía, pero desde finales de los 70 su sonoridad cambió para aproximarse sucesivamente a las heterogéneas exploraciones estéticas de su inquieto líder, Robert Fripp.

Pink Floyd tal vez sea el grupo que mejor supo mantener su personalidad original cuando concluyó la era dorada del género progresivo. Pero su supervivencia –que atravesó incluso una traumática ruptura de Roger Waters con el resto de la banda– exigió también el pago de un tributo a la comercialidad, como muestran álbumes muy exitosos como The Wall (1979) o A Momentary Lapse of Reason (1987).

El punk, que irrumpió al final de la década, probablemente contribuyó también a la liquidación de un género cuyo virtuosismo e impronta universitaria resultaban demasiado exquisitos para un público juvenil que demandaba una música más simple, airada e irreverente.

Visto en perspectiva, el rock progresivo puede considerarse como una vía muerta, algo así como el ars subtilior de la cultura popular del siglo XX. No obstante, el oyente que se asoma a esta música a medio siglo de distancia de su fugaz apogeo siente la extraña nostalgia que a veces provocan las imágenes de ciencia ficción retrofuturista: una nostalgia de mundos que nunca existieron ni existirán, pero que podrían haber existido.

Y es que en aquella música inigualable se anunció durante un breve periodo de tiempo la reconciliación de la alta cultura con el arte de masas, o el surgimiento de una cultura popular que aspiraba a estar a la altura del gran arte, y que lo logró en sus mejores frutos.

Fuente: The Conversation

Su nombre es Maria do Carmo de Carvalho Rebelo de Andrade, pero todos sus discos los firma como Carminho. Se la conoce sobre todo por ser una de las principales referencias del fado portugués, un género tradicional en el que un solista, tradicionalmente acompañado de guitarras, canta desde la nostalgia o la llamada saudade. Sin embargo, su fama en España llegaría en 2011 por un género completamente distinto, el de la balada pop, tras su colaboración con Pablo Alborán en Perdóname, que la convirtió en la primera artista lusa en alcanzar el número 1 de lo más escuchado en nuestro país.

En 2025, el nombre de la fadista más famosa volvería a ser tendencia en España, aunque en esta ocasión sería por su colaboración con Rosalía en Memória, una de las últimas y más aplaudidas canciones de su álbum Lux. “Es una letra que yo escribí para un fado que tiene 50 años”, nos cuenta en su entrevista con Infobae, donde nos describe además cómo fue el proceso desde que ella misma decidió cambiarle la letra a ese viejo fado hasta que su socia musical le pidió incluirlo en su próximo disco.

Ahora, con más de un millón de oyentes en plataformas como Spotify y un nuevo LP, Eu Vou Morrer de Amor ou Resistir, lanzado en 2025, Carminho llega a España con una gira que la llevará por Badajoz (4 de julio), Valencia (11 de julio), Cartagena (21 de julio), Madrid (25 de julio), Bilbao (26 de septiembre), Barcelona (9 de noviembre) y Sevilla (20 de diciembre). “El público español me quiere y me trata muy bien”, afirma alguien cuya intención es expandir la magia del fado por todo el mundo, esa “alquimia” que, nos advierte, “es capaz de hacer que la gente se encuentre a sí misma, de llegarnos al corazón a través de la historia personal de cada uno”.

Una lengua universal, familiar y presente

Para Carminho, la relación entre la música portuguesa y española es única. “Es una relación que me encanta”, precisa, “porque de alguna manera estamos muy cerca, aunque no tan cerca como para ser conocedores de la música y de la cultura del otro”. De este modo, nada la alegra más que “acortar esa distancia”, y eso pasa también por abrirse a las diferencias que existen en el interior del país. “Disfruto mucho de cantar en castellano, también canto en catalán, en vasco. Es importante conocer estos rincones, porque es un país muy plural”.

En todos esos contextos, el fado no pierde nunca su capacidad para convertirse en una música que, más que escucharse, se vive como un proceso íntimo. “Si te emocionas en un concierto mío, no fui yo quien te emocionó, sino que tú te emocionaste con tu vida y con tu historia. No sé por qué estás pasando ni por qué te emocionas, pero el fado tiene la capacidad de llegar a esos lugares y abrir las puertas de la emoción, la nostalgia y el pensamiento”.

Ella vive por y para el fado. “Para mí es como un instrumento abierto y vivo”, lo describe. Porque el fado, para ella, no es solo un género del siglo XIX, sino una herramienta universal en la que, al igual que cada oyente encuentra su propia historia, el músico puede también imprimir su propio discurso y sus vivencias y compartirlos con otros artistas que hablen ese mismo idioma. En su caso, ese “instrumento” es inseparable de su familia, pues su propia madre también era fadista, lo que la convierte en una de sus mayores influencias. A partir de ahí, considera que su labor también ha sido vehicular esa música con la que nació como un “idioma contemporáneo y vivo” que hable de nuestro presente.

Su colaboración con Rosalía

Para Memória, Carminho cogió un fado clásico de Armando Machado con versos del poeta luso Mário Raínho y escribió una letra nueva para grabarla en su próximo disco. Al hacerlo, pensó que sería ideal contar con la voz de Rosalía para la grabación. “Lo que más me sorprendió cuando la conocí fue saber que, al principio, cuando no tenía la carrera que tenía, cantaba fados míos en los bares de Barcelona. Eso me encantó”, reconoce. Por eso, para ella algo que define a la artista catalana es que trata siempre de “hacer, sentir y expresar las cosas de maneras distintas”.

Sin embargo, la colaboración tomó un rumbo inesperado cuando Rosalía le pidió incluir Memória no en el disco de Carminho, sino en el suyo propio, Lux. Una petición a la que la cantante lusa accedió. “Es más fácil hacer canciones que hacer conexiones”, razona ahora. “Parte de la música es compartir, y aunque esa canción iba a ser el tema más importante de mi álbum, para ella cantarlo en el suyo iba a ser más importante”. Además, entendió que la oportunidad de que una artista tan global cantara un fado tradicional podía convertirse en un evento “gigante” para la cultura portuguesa.

“Hay personas que se quedarán solamente con la canción y no profundizarán, pero otras sí descubrirán de dónde viene esta canción y lo que significa. No sé si una persona tan global había cantado un fado antes”, celebra. Por si fuera poco, Rosalía la invitó a subirse al escenario del Lux Tour a principios de abril, cuando precisamente actuó en Lisboa. “Fue muy generoso”, agradece, “porque, de alguna manera, me devolvió la canción”. A veces, Carminho también canta Memória en sus propios escenarios, pero lo hace de una forma mucho más tradicional para que los oyentes aprecien el contraste y entiendan de dónde viene: cuál es la esencia y el lugar de nacimiento de esa canción que ahora todos cantan.

La década de los 80 está llena de melodías pop y rock que seguimos recordando. La industria musical vivió una etapa en la que bandas de todo el mundo incorporaron los nuevos sonidos que permitía la tecnología a un género musical que ya había alzado el vuelo en los 70, lo que dio lugar a grandes himnos que han ido trascendiendo, desde entonces, varias generaciones.

En este contexto, existe una canción sueca que irrumpió en las listas de éxito de todo el mundo, conquistando emisoras, discotecas y estadios en más de veinticinco países al mismo tiempo, lo que supuso un hito para la época. El tema, cuyo nombre es The Final Countdown, se convirtió en un fenómeno, vendió cientos de miles de copias y su pegadizo estribillo resonó incluso en los rincones más insospechados y sigue siendo realmente fácil de identificar a día de hoy.

The Final Countdown fue mucho más que una canción de éxito: logró el primer puesto en las listas de Suecia y Finlandia, y poco después encabezó los rankings en Alemania, Bélgica, Suiza, Irlanda, Inglaterra, Francia e Italia. Su expansión internacional fue tan contundente que, entre septiembre y noviembre de 1986, alcanzó el número uno en un país tras otro, consolidándose como uno de los temas más reconocidos del siglo XX y en el himno de referencia de todos los fans de la banda sueca Europe.

Era una idea, pero no iba a ser una canción

El origen del éxito se remonta a varios años antes, cuando Joey Tempest (vocalista y líder del grupo) grabó una maqueta sencilla con la idea de usarla para abrir los conciertos. “El arreglo de teclado más famoso de la historia apareció en mi cabeza unos seis años antes”, reconocería posteriormennte el cantante en varias entrevistas, aunque no fue hasta que el bajista John Leven lo animó, que decidió convertir la idea en una canción completa.

La grabación de The Final Countdown se realizó en los estudios Powerplay de Suiza, donde la banda, junto al productor estadounidense Kevin Elson (conocido por su trabajo con la banda Journey), buscó un sonido grandilocuente y accesible. “Habíamos estado escuchando mucho a Journey y queríamos ese tipo de sonido”, recordaba John Norum, guitarrista de la banda. “Por eso contactamos a Kevin Elson, pensamos que sería perfecto para nosotros”.

Durante cinco semanas, Europe se aisló en Suiza para trabajar en el álbum. “Estábamos allí todo el tiempo, sin distracciones, solo enfocados en la música”, relató Norum sobre el proceso. El guitarrista usó una Fender Stratocaster de 1965 y un amplificador Marshall JCM800 de 100 vatios, combinando pedales de distorsión para lograr el tono característico del solo de guitarra, grabado en apenas quince minutos.

Tras finalizar la grabación, el grupo viajó a San Francisco para mezclar el disco en los estudios Fantasy, el mismo lugar donde Journey había trabajado años antes. A partir de ahí, el ascenso fue imparable: “Después de que el álbum saliera, todo explotó. Llegamos al número uno en 25 países y comenzamos a girar rápidamente”, relataba el guitarrista.

El precio del triunfo y el adiós de John Norum

El éxito internacional no tardó en traer consecuencias inesperadas para la banda. Norum confesaría que, a pesar del reconocimiento mundial, el grupo pasó de ser una banda inicialmente concebida para tocar hard rock a convertirse en “más como una banda de pop”. “Odiaba toda esa imagen de chicle con el pelo largo y los pantalones de licra”, admitía.

La presión mediática y la transformación del sonido alejaron a Norum del proyecto. “Cuando tienes éxito tan rápido, todo va muy deprisa y no sabes muy bien cómo funciona el negocio”, explicó. “De repente tienes que hacer entrevistas de la mañana a la noche, programas de televisión y tomar vuelos muy temprano. Los teclados empezaron a dominar y ya no era lo que yo quería”. El ambiente dentro del grupo, pues, se volvió insostenible. “No quería saber nada de eso. No era lo que quería hacer y no era yo. Así que me fui”.

Europe tras el éxito y la vida después de ‘The Final Countdown’

La salida de su guitarrista estrella marcó un antes y un después en la historia de Europe. El grupo continuó su carrera hasta 1992 y, tras una década de separación, se reunió en 2003, ya con Norum de vuelta y una actitud alejada de los excesos de los años 80. Actualmente, Europe sigue en activo y lanzó su último álbum a finales de 2025, con la intención declarada de regresar a su sonido clásico.

En síntesis, The Final Countdown no solo dejó una huella imborrable en la cultura popular, sino que también marcó el final de una etapa para la banda que la creó. La canción que conquistó el mundo en 1986 fue, paradójicamente, el detonante de la mayor crisis interna de Europe, en un claro ejemplo de cómo en la música muchas veces triunfar tiene un precio que no todos están dispuestos a pagar.

Laurie Anderson presentó su espectáculo Republic of Love en el ciclo de conciertos al aire libre SummerStage, en el marco del 40.º aniversario de esa serie de conciertos al aire libre de Nueva York. El espectáculo reunió canciones propias con textos y obras de figuras como Bob Dylan, Lou Reed, John Cage, Gertrude Stein, William S. Burroughs y Allen Ginsberg, en lo que ella definió como “una celebración de la libertad”. La acompañó la banda de jazz Sexmob, surgida de la escena de improvisación libre alrededor del club Knitting Factory en los años noventa. En declaraciones a la web ARTnews, Anderson describió el programa como una exploración de “estadounidenses que han hablado sobre el gobierno y la libertad”, con “invitados fantasma” que atraviesan toda la velada.

Entre los temas del repertorio figuraron “Big Science” y “Language Is a Virus”, dos piezas clásicas de su repertorio que Anderson revisitó con un nuevo formato instrumental. Sobre “Big Science”, la artista fue directa: “Cuando empezamos a tocarla, pensé: ‘suena exactamente igual que ahora’, con la letra ‘sálvese quien pueda’”. También interpretó “Junior Dad”, una canción de su esposo Lou Reed que ella describió como “una de mis canciones favoritas sobre la paternidad”, y que conecta, en su lectura, con el tema de los Padres Fundadores de Estados Unidos.

El origen del espectáculo se remonta a una invitación del director teatral y activista Milo Rau, quien convocó a Anderson a participar en un festival en Viena llamado República del Amor. El evento tuvo lugar en la sede de la ORF, la emisora de radio austriaca desde la cual Adolf Hitler anunció la anexión de Austria. “Era bastante obvio por qué sabíamos del auge del fascismo en Estados Unidos”, dijo Anderson. “Era un lugar espeluznante: una especie de búnker, con todos esos micrófonos viejos y un ambiente realmente inquietante de los años 30.”

De esa charla surgió para Anderson la pregunta que dio forma al espectáculo actual: ¿adónde más podía ir ese material? El programa arranca con una cita de Cornel West —“La justicia es como se ve el amor en público”— y recorre voces que van desde Pema Chödrön hasta Arthur Russell, exintegrante de la primera banda de Anderson. “Sus canciones reflejan diferentes maneras de vivir”, señaló. “Puedes ser muy teórico y político, o simplemente mirar por la ventana y contemplar el día.”

El espectáculo llega en un momento en que Anderson trabaja en paralelo en un encargo del espacio cultural Tanglewood para conmemorar el 250 aniversario de la independencia estadounidense. Esa pieza, que se presentará en agosto con músicos de cuerda, profundizará en las preguntas que Republic of Love deja abiertas sobre la posibilidad real de cambiar las cosas. “Lo que está ocurriendo es verdaderamente grave —no hay forma amable de decirlo”, reconoció sin rodeos. Prefirió no abordar el tema de forma directa, explicó, porque ya se debate sin cesar, y porque “escribir canciones tristes de forma indefinida no es algo que quiero hacer tampoco”: el tiempo, subrayó, es limitado.

Laurie Anderson también habló de la muerte reciente del académico budista Robert Thurman, a quien describió como uno de sus maestros más influyentes. Viajó con él al Tíbet y escuchó alrededor de cien veces su enseñanza sobre el Bardo —el estado intermedio entre la muerte y el renacimiento según la tradición tibetana—, recogida en el libro Liberación al escuchar en el intermedio: Vivir con el Libro Tibetano de los Muertos. “Es tan profundo, y ahora que él está realmente en el Bardo, lo vivo con una intensidad enorme”, dijo. La artista señaló que el período de 49 días que, según esa tradición, dura esa transición, concluye el 3 de agosto, cumpleaños de Thurman. “Así que renace el día de su cumpleaños. ¿Quién tiene la lucidez para calcular algo así? Fue un golpe de genialidad que solo Bob podría haber logrado”, afirmó.

En el plano personal, Anderson contó que practica retiros de oscuridad total, en los que permanece durante días en completa penumbra como forma de confrontar estados profundos de conciencia. “Hacia ahí me dirijo, mental, emocional e intelectualmente: hacia situaciones en las que uno puede confrontar las cosas de verdad”, explicó. Su próximo retiro será el doble de largo que el anterior, que describió como “una serie de alucinaciones asombrosas” más que como una experiencia de introspección. Reconoció que aún no sabe cómo hablar ni escribir sobre esas vivencias, pero afirmó que es ahí, en ese territorio interior, donde se mueve en este momento.

[Fotos: Reuters/Tom Little; archivo Infobae]

¿Son tan buenos BTS? Esa es la pregunta que sobrevuela a la formación surcoreana, que este viernes —y de nuevo mañana sábado— ha aterrizado en el Riyadh Air Metropolitano para reunir a más de 120.000 personas. Ha sido a las 20.20 cuando el misterio ha comenzado a desvelarse. Los protagonistas son un septeto convertido en la boy band más exitosa del mundo, siete artistas perfectamente entrenados para ser cantantes, raperos, bailarines y modelos. La ambición del espectáculo es más que evidente y lo que se espera de unos jóvenes que han sido entrenados para ello.

El septeto coreano formado por RM, Suga, Jimin, J-Hope, V, Jin y Jungkook, no solo ha pisado España por primera vez desde que debutaron en 2013, sino que han dejado inaugurada la etapa europea del Arirang World Tour, con motivo de la publicación el pasado marzo de su quinto álbum de estudio. El disco toma su nombre de la canción tradicional más conocida de Corea del Sur y reivindica sus raíces tras cuatro años de parón por el servicio militar. Pero que nadie espere un ejercicio de folclorismo, mucho menos después de que el Metropolitano acogiera durante diez noches el espíritu boricua de Bad Bunny.

La noche fue especial de por sí, pero mucho más si se tiene en cuenta que esta gira supone su comeback, su vuelta, cuatro años después de su pausa para ir a la ‘mili’ —una obligación legal para todos los hombres del país menores de 35 años—. “¡Vamos a volvernos locos!”, gritó en un intento de castellano J-Hope a poco de comenzar el show. Y vaya si fue así.

Sus fans, las ARMY, acrónimo de Adorable Representative MC for Youth (adorables representantes de MC [maestro del rap] para la juventud), rompieron cualquier audímetro. Un escrito del Defensor del Pueblo remitido a la Asociación Vecinal Las Musas‑Las Rosas conocido hace apenas dos semanas notificó que dos conciertos celebrados el año pasado en el mismo recinto, el de AC/DC e Imagine Dragons, fueron sancionados por ruido. Si el de anoche superó aquellos registros todavía está por ver, pero pocas veces se ha alcanzado ese nivel de aturdimiento causado por la euforia. No hace falta ni irse a Los Beatles. No tienen nada que envidiar ni a las seguidoras de One Direction ni a las de Justin Bieber. Seguro que hasta Ruido Bernabéu, la cuenta de X que recopilaba las quejas vecinales durante los conciertos efectuados en el estadio madridista en 2024, habrá escuchado los ecos del Metropolitano.

Un recinto 360 grados con luces y alguna sombra

Lejos quedan ya las pulseras con luces parpadeantes de Taylor Swift o Coldplay o las cámaras con luz que repartió el puertorriqueño hace cuestión de dos semanas. En Corea se llevan los lightsticks. Así, a las 20.19 horas, con casi 20 minutos de retraso, una marabunta de army bombs —un bastón-bombilla de mano, cuyo precio oficial alcanza los 70 euros— estaba alzada al cielo acompañados por un sinfin de chillidos y un recinto de 360 grados que se preparaba para recibir a los siete artistas. Medio centenar de bailarines irrumpió desde las esquinas entre bengalas de humo rojo, inaugurando un espectáculo concebido para ofrecer una visión privilegiada desde cualquier punto del estadio. Y para ello, unas gigantescas pantallas con las que no perderse nada de su idol favorito. Eso sí, lejos de convertir las tablas en un parque de atracciones temático, solo en el centro se colocó una pequeña plataforma negra, que subía y bajaba a petición de la puesta en escena. Los bailarines, los protagonistas y el despliegue técnico, cuando se requería, hacían el resto.

Por esto mismo, durante determinados puntos del concierto se sintió levemente irregular. Dividido en tres actos y acompañado por un griterío constante que no abandonó el estadio ni un solo minuto del espectáculo, el concierto alcanzó su punto álgido en el segundo tramo. Fire, Body to Body o, sobre todo, Idol, convirtieron el escenario en una exhibición de músculo escénico. Alrededor de medio centenar de bailarines irrumpieron sobre las tablas —en algunos números caracterizados como guerreros con largas espadas luminosas un poco al estilo Star Wars— hasta que, en el clímax de Idol, recorrieron su perímetro entre banderas con el logo de BTS. Es entonces cuando la producción deja de impresionar para convertirse en un espectáculo descomunal.

Lo negativo de alcanzar un punto tan álgido es que el resto del concierto corre el riesgo de parecer menos espectacular. Más aún cuando la selección de 23 canciones que, según la playlist oficial de Spotify, apenas supera la hora y cinco minutos, acaba convertida en un espectáculo de dos horas y media. El relleno son dos parones de 15 minutos y hasta seis intervenciones para dirigirse al público. En esos pequeños ratitos aprovecharon para poner en práctica su español: “Uno de mis deseos era venir a Madrid y lo logré. Muchas gracias por venir”, se sinceró V minutos antes de cerrar el concierto.

Aun así, el fenómeno resiste el escrutinio. BTS ofrece un espectáculo que, aunque a ratos desigual, se ve impulsado por una legión de seguidores que convierte cada canción en un acontecimiento. BTS no es que sea un grupo a prueba de balas, es que tiene un ejército entero.

La publicación de Blonde on Blonde, en junio de 1966, cerró una trilogía de discos de rock que transformó para siempre la escritura de canciones populares y convirtió al álbum como territorio de exploración artística de largo aliento. Sesenta años después de su aparición, el séptimo disco de estudio de Bob Dylan sigue siendo objeto de estudio, debate y escucha atenta: una obra que nació del fracaso creativo en unos estudios de Nueva York, encontró su química en Nashville -la Ciudad de la Música, capital country- y terminó por redefinir los límites de lo que una canción de rock podía decir y cómo podía sonar.

El camino hacia ese disco no fue lineal. Entre octubre de 1965 y enero de 1966, Dylan y The Hawks —la banda canadiense que poco después se haría conocida como The Band— se encerraron en los estudios de Columbia Records en la Séptima Avenida de Manhattan para grabar el sucesor del mercurial Highway 61 Revisited. Las sesiones se multiplicaron, los músicos alternaban tomas con largas esperas, y el resultado fue casi nulo: de aquellas decenas de horas de trabajo, solo una canción llegó al álbum definitivo. “One of Us Must Know (Sooner or Later)” requirió veinticuatro tomas antes de que Dylan aprobara una versión. “Yo estaba realmente deprimido”, le confió más tarde al biógrafo Robert Shelton.

La salida del atolladero llegó de la mano del productor Bob Johnston. Durante las difíciles sesiones de Highway 61 Revisited, Johnston había presentado a Dylan al multiinstrumentista Charlie McCoy, músico de Nashville que había tocado con todo el mundo, desde Elvis Presley hasta Perry Como. Tras esa primera colaboración, Johnston sugirió trasladar las grabaciones a Tennessee. El mánager Albert Grossman, se opuso: su artista era la encarnación del hipsterismo neoyorquino, y Nashville era la capital del country, un universo percibido como conservador y ajeno a los experimentos del rock. Dylan ignoró la resistencia y aceptó.

Bob Dylan viajó a Nashville en febrero de 1966 acompañado por el tecladista Al Kooper y por el guitarrista Robbie Robertson, el único miembro de The Hawks que participó en las sesiones del álbum. En los estudios de Columbia en Music Row los esperaba un grupo de músicos de sesión de primer nivel: eran instrumentistas habituados al circuito profesional del country y del rhythm and blues sureño, pero apenas conocían al tal Dylan y poco sabían de su música. Eso no importó.

“[Dylan] era el quintaesencial hipster neoyorquino. ¿Qué hacía en Nashville? No tenía ningún sentido. Pero tomas esos dos elementos, los viertes en un tubo de ensayo y simplemente explotan”, recordó Kooper en declaraciones recogidas para un estudio crítico sobre el álbum. El periodista musical Daryl Sanders, autor del libro That Thin Wild Mercury Sound: Dylan, Nashville, and the Making of Blonde on Blonde, (Ese sonido salvaje y agudo como el mercurio: Dylan, Nashville y la creación de Blonde on Blondear) argumenta que la reacción química fue posible porque los músicos de Nashville y Dylan compartían las mismas raíces: el blues, el rock and roll de Chuck Berry y Little Richard, las frecuencias de la emisora de R&B WLAC que atravesaban el sur de Estados Unidos en los años cincuenta. Eran de mundos distintos, pero escuchaban la misma música.

El grueso del álbum se grabó en dos bloques de sesiones: del 14 al 17 de febrero y del 8 al 10 de marzo de 1966, según reconstruyen el especialista Michael Krogsgaard y otros investigadores de los que abundan sobre el archivo discográfico del premio Nobel de Literatura. Entre ambos bloques, Dylan continuó su gira con The Hawks por ciudades como Ottawa, Montreal y Filadelfia, lo que implicaba alternar de manera vertiginosa la intensidad del directo con el trabajo de estudio. El historiador Sean Wilentz señala que la última sesión, en la noche del 9 al 10 de marzo, produjo seis canciones en trece horas de trabajo. Las grabaciones se realizaron en cinta de cuatro pistas, una configuración que favorecía la estética de conjunto y la captura de interpretaciones colectivas vivas, con menos espacio para sobregrabraciones.

El sonido que solo Dylan escuchaba

En una entrevista con Rolling Stone en 1969, Dylan ofreció la descripción más citada de lo que buscaba en ese disco: “Lo más cerca que he estado del sonido que oigo en mi mente fue en determinadas cancions de Blonde on Blonde. Es fino, ese salvaje sonido mercurial. Es metálico y dorado”. El periodista Ron Rosenbaum subrayó que ese comentario no se refería a una técnica de producción, sino a la fuente misma de la creatividad musical de Dylan: un ideal sonoro previo a la composición que venía gestándose desde discos anteriores y que en Nashville encontró, por primera vez, una realización satisfactoria.

Dylan amplió esa descripción en términos casi sinestésicos: el “wild mercury sound” era para él el sonido de la calle a la hora del amanecer, la luz del sol cayendo sobre ciertos edificios, campanas, trenes lejanos, discusiones en apartamentos, el tintinear de cubiertos. Una atmósfera urbana y un estado mental, al mismo tiempo. La materialización concreta de ese ideal dependía del tejido instrumental que los músicos de Nashville construyeron en torno a sus canciones. El crítico Michael Gray, uno de los principales estudiosos de la obra dylaniana, recuerda que cuando escuchó Blonde on Blonde por primera vez en Nueva York en 1966, le sorprendió que el álbum estuviera “saturado de blues”.

La poética de la calle de Bob Dylan

Las letras de Blonde on Blonde operan en una tensión constante entre el lenguaje de resonancias visionarias y el registro coloquial, cotidiano, a veces casi conversacional. Imágenes de fuerte carga simbólica, que remiten al modernismo literario o al surrealismo, conviven con giros lingüísticos sencillos, modismos y escenas de la vida diaria. Este muchacho judío lo tenia claro.

Mike Marqusee, biógrafo de Dylan, señala que el artista consiguió combinar material heredado del blues con técnicas literarias, elevando “los idiomas heredados a una estratosfera modernista”. Michael Gray va más lejos: para él, Blonde on Blonde desafía la noción de una gran división entre alta cultura y cultura popular. Canciones como “Visions of Johanna” incorporan líneas que, en el oído de un oyente formado en esa división, producen la sensación de que se está cruzando una frontera invisible entre el terreno de Beethoven o Goethe y el de los cómics y la cultura juvenil. Esa superposición de referencias fue anticipada por los poetas beat, que mezclaban alusiones literarias con escenas de carreteras y bares. En este álbum, Dylan las radicalizó.

El mismo, elusivo protagonista, subrayó que Blonde on Blonde no contiene “finger-pointing songs”, es decir, canciones de denuncia directa. Su interés se había desplazado hacia las relaciones personales, el deseo, la frustración amorosa y la alienación. Robert Shelton describió el álbum como una colección que “comienza con una broma y termina con un himno”, y en la que el ingenio alterna con un tema dominante de “encierro por las circunstancias, el amor, la sociedad y la esperanza no realizada”. Ese sentido de estar atrapado/estancado —stuck, en inglés— se vuelve literalmente explícito en el título “Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again”, que juega con la redundancia geográfica y emocional para pintar un cuadro de desplazamiento sin salida.

El enigma de “Visions of Johanna”

Entre todas las canciones del álbum, “Visions of Johanna” -una de las más bellas canciones que Dylan jamás haya compuesto- ocupa el lugar más debatido por la crítica. Se cree que la compuso en el otoño de 1965, durante una estancia en el Chelsea Hotel de Nueva York junto a su esposa Sara, que estaba embarazada en aquel momento. La canción despliega estrofas largas y densas, con imágenes encadenadas de forma asociativa y una voz narrativa que oscila entre la descripción, la confidencia y la digresión.

Las lecturas sobre su significado son múltiples. El consenso más extendido ve en Johanna un ideal inaccesible, mientras que Louise encarna el placer y la compañía física, lo que sitúa al narrador en una triangulación entre la mujer presente, el ideal ausente y su propia incapacidad para conciliar ambos planos. El crítico Andy Gill destaca que el enigma de la canción reside en que su letra “siempre se balancea en el borde de la lucidez sin llegar nunca a descifrarse claramente”, y que esa cualidad explica en gran medida su popularidad entre los seguidores más devotos. La música refuerza esa sensación: un tempo reposado, una instrumentación sobria y un fraseo vocal contenido que remiten a la vigilia insomne y al pensamiento errante.

Una portada borrosa y un título sin descifrar

La portada de Blonde on Blonde constituye en sí misma un hito en la historia del diseño de álbumes. La fotografía principal, ligeramente desenfocada, muestra un primer plano de Dylan con bufanda a cuadros sobre fondo urbano. La tomó el fotógrafo neoyorquino Jerry Schatzberg el 28 de enero de 1966, en una sesión en la que Dylan posó con camisa amarilla, chaleco de cuero y pantalones a rayas, y jugó con objetos como un encendedor Zippo, una cruz o un libro sobre pintores flamencos. La imagen elegida para la portada fue tomada al aire libre en un día frío, con el rostro de Dylan ligeramente borroso. Schatzberg pensó que la compañía discográfica jamás aceptaría una portada “borrosa”, pero Dylan impuso su preferencia.

El director de arte John Berg se enfrentó al desafío de diseñar un envase para un doble LP en una época en que ese formato era prácticamente inédito. Su solución fue una portada desplegable —gatefold— donde la fotografía ocupa toda la cara exterior, girada 90 grados. Lo más llamativo: ni el nombre de Dylan ni el título del álbum aparecen en la imagen frontal, solo en letras pequeñas en el lomo. Berg recuerda que fue “la primera vez” que se hacía algo así para un LP.

El título del álbum ha generado tantas especulaciones como las propias canciones. La asociación más obvia remite a “dos rubias”, lo que llevó a sugerir una alusión a un dúo lésbico, o bien a la pareja formada por Brian Jones, guitarrista de Rolling Stones, y su novia Anita Pallenberg, ambos rubios y figuras del swingin’ London de mediados de los sesenta. Otra versión, recogida por el portal Untold Dylan, atribuye la invención del título al escritor flamenco Remo Cremer, quien afirma que, ante la pregunta de Dylan “¿qué rima con blonde?”, él respondió: “¿por qué no Blonde on Blonde?”. El tecladista Kooper, por su parte, situó el origen del nombre en una ocurrencia durante una sesión de mezcla. Ninguna versión puede verificarse del todo, lo que refuerza el carácter enigmático y sugerente del disco. Y de su autor.

Nashville cambió para siempre

El impacto de Blonde on Blonde sobre Nashville como ciudad musical fue inmediato y duradero. En 1966, la ciudad era conocida sobre todo como capital del country, percibida desde los círculos del rock como conservadora y ajena a la experimentación artística. Tras la publicación del álbum, se convirtió en destino para cantautores que interpretaban su propio material: Leonard Cohen, Neil Young, Guy Clark, Townes Van Zandt, The Byrds o Joan Baez, entre muchos otros, llegaron a sus estudios en los años siguientes.

Dylan insistió en que los nombres de los músicos de sesión aparecieran en la cubierta interior del doble LP, un gesto poco habitual en la época que dio visibilidad a instrumentistas que solían permanecer en el anonimato. Esa exposición contribuyó a que la industria del rock considerara Nashville como un lugar válido para proyectos ajenos al country tradicional. La música que Dylan grabó allí entre 1966 y 1970 —que incluye John Wesley Harding y Nashville Skyline— es considerada por la propia Country Music Hall of Fame entre sus trabajos “más influyentes”. El country-rock que explorarían bandas como The Byrds o la propia The Band tiene en Blonde on Blonde uno de sus precedentes más directos. El libro de Sanders, publicado por Chicago Review Press en 2018, argumenta que el álbum es además un documento fundacional de lo que hoy se denomina Americana: esa etiqueta que engloba músicas donde confluyen folk, country, blues y rock.

El primer gran doble álbum del rock

Blonde on Blonde fue uno de los primeros dobles álbumes en la historia del rock. Con 72 minutos y 37 segundos de música repartidos en cuatro caras, el disco exigía a Columbia Records una apuesta económica considerable en un artista de rock relativamente joven. El director de arte Berg recordaba que Dylan llegó con tanto material grabado que simplemente “no cabía” en un solo LP. En paralelo, The Mothers of Invention enfrentaban un dilema similar con Freak Out!, lo que muestra que, casi simultáneamente, diferentes actores de la escena rock empujaban los límites del formato.

La secuencia del álbum construye un arco deliberado: arranca con el tono carnavalesco de “Rainy Day Women #12 & 35” y culmina con “Sad Eyed Lady of the Lowlands”, que ocupa una cara entera del LP y ha sido leída como un himno final. El crítico Tim Riley describió el conjunto como “una abstracción desmesurada de revisionismo del blues excéntrico” que confirma a Dylan como “la mayor presencia del rock estadounidense desde Elvis Presley“. Robert Shelton, por su parte, vio en él “una extraordinaria unión de expresionismo rockero funky y bluesero con visiones a lo Rimbaud de discontinuidad, caos, vacío, pérdida, estar atascado".

De Elvis Presley a Rimbaud, un buen resumen de Bob Dylan.

[Fotos: Sony Music]

Formado en 1994, el grupo británico publicó “Wannabe” el 26 de junio de 1996. La canción ascendió inmediatamente a lo más alto de las listas de éxitos en Reino Unido, Estados Unidos y muchos otros países. “No era simplemente un grupo pop pasajero”, explica Dominic Mohan, exdirector del periódico The Sun, quien cubría la actualidad musical en aquella época. “Eran muy dinámicas y también transmitían mensajes bastante fuertes sobre el feminismo, el ‘Girl Power’ y la importancia de ser uno mismo”, añade.

“‘Wannabe’ es el tipo de canción de la que uno sabe inmediatamente, desde que lo escucha por primera vez, que va a pasar a la historia”, señala. Dominic Mohan es el comisario de una exposición en el Barbican Centre de Londres, titulada 1996: 30 Years On (1996: 30 años después), que estará abierta al público hasta mediados de septiembre y rinde homenaje, entre otras cosas, a las Spice Girls y a algunos de sus ‘looks’ más emblemáticos. Una de las componentes del grupo, Mel B, ha prestado por ejemplo el mono con estampado de leopardo que llevó en 1997 en los Brit Awards, los premios más importantes de la industria musical de Reino Unido.

A diferencia de los grupos femeninos anteriores, las Spice Girls tenían cada una un estilo distintivo. Mel B (Scary Spice o “Spice Salvaje”) destacaba por sus estampados animales; Victoria Beckham (Posh Spice o “Spice elegante y de clase alta”), por sus atuendos sofisticados; Emma Bunton (Baby Spice o “Spice Aniñada”), por sus tonos pastel; Mel C (Sporty Spice o “Spice Deportiva”), por su ropa deportiva; y Geri Halliwell (Ginger Spice o “Spice Pelirroja”), por su minivestido con la bandera británica.

Himno generacional

“Wannabe”, con su estribillo “I’ll tell you what I want, what I really, really want” (“Te diré lo que quiero, lo que realmente, realmente quiero”) y su mensaje de amistad, se convirtió en un himno generacional. La canción acumula cerca de 1.500 millones de reproducciones en Spotify. El aniversario ha reavivado los rumores sobre un concierto de reencuentro, aunque las Spice Girls no actúan juntas desde los Juegos Olímpicos de Londres-2012. “Es nuestro trigésimo aniversario y creo que deberíamos hacer algo”, declaró Mel B a la agencia de noticias británica PA. “Todas hablamos de ello, pero todavía no se ha confirmado nada”, añadió.

Prueba de su influencia duradera es que estrellas actuales como Taylor Swift, Dua Lipa y Charli XCX citan a las Spice Girls como una fuente de inspiración. “Existe una tendencia a considerar a las Spice Girls como un producto de pop muy edulcorado”, señala Joel Gray, profesor de medios, arte y comunicación en la Sheffield Hallam University. “En realidad, tenían una dimensión mucho más punk”, añade.

Su estilo extravagante también las convirtió en iconos para el público LGBT. El grupo, formado y gestionado por hombres, como el productor Simon Fuller, quedó reducido en 1998 tras la salida de Geri Halliwell, antes de disolverse por completo. Todas emprendieron después carreras en solitario, especialmente Victoria Beckham, que se hizo un nombre en el mundo de la moda. El grupo se reunió de forma puntual en varias ocasiones, siendo la última de ellas en 2019, aunque sin la participación de Victoria Beckham.

“No creo que vayamos a ver una reunión completa del grupo, pero sí puedo imaginar perfectamente que vuelvan a hacer algo juntas”, opina Joel Gray. “Lo que he aprendido con las Spice Girls es que nunca hay que decir nunca”, añade. Por ahora, el grupo solo ha anunciado una camiseta conmemorativa y una edición en vinilo de “Wannabe”.

Fuente: AFP

Neil Young lanzó esta semana, sin previo aviso y de forma gratuita, un largometraje de concierto de una hora de duración disponible en el canal Neil Young Archives de YouTube. El film, titulado Corduroy Plants (Plantas de pana) fue dirigido por su esposa, la actriz y directora Daryl Hannah, y documenta el tour Love Earth 2025 que la leyenda rocker canadiense realizó junto a su banda, The Chrome Hearts. No hubo comunicado de prensa, ni campaña en redes sociales, ni entrevistas: hubo que descubrirlo por cuenta propia. El texto informativo que acompaña el video, reza “A medida que el tiempo explota, deja escombros. Échale un vistazo. La nueva película ‘Corduroy Plants’. Disfruta” y está firmado por el mismísimo. Al momento de cierre de esta nota, supera las 42 mil visualizaciones.

El lanzamiento llega pocas semanas después de la publicación del álbum en vivo As Time Explodes, editado el 29 de mayo, que recorre las actuaciones de la gira de verano de 2025 por Estados Unidos y Europa —con paradas en el Festival de Glastonbury, el Hyde Park de Londres y el Festival de Jazz de Montreux, en Suiza. Corduroy Plants funciona como potente complemento visual de ese registro: presenta 11 canciones de las 13 que contiene el álbum, con la ausencia de “After the Gold Rush” y “Looking Forward”. La lista incluye clásicos como “Ohio”, “Harvest Moon”, “Like a Hurricane” y “Cortez the Killer”, con “This Note’s for You” sobre los créditos finales.

Daryl Hannah, que también dirigió el documental Coastal en 2025, no se limitó al registro convencional de un concierto. A lo largo del film intercala las actuaciones con imágenes de archivo periodístico y fragmentos históricos que dialogan directamente con las letras de cada canción. Durante “Be the Rain” —del álbum conceptual Greendale (2003)— aparecen imágenes de la destrucción del Ala Este de la Casa Blanca, junto con breves planos de Jeff Bezos y Elon Musk (en su célebre acting con la motosierra y el presidente argentino Javier Milei en discreto segundo plano). “Vampire Blues”, escrita originalmente en 1974 como crítica a la industria petrolera, se acompaña de imágenes de derrames de petróleo. En “Like a Hurricane” se ven trabajadores migrantes en los campos, y “Cortez the Killer” —la épica de diez minutos del álbum Zuma (1975)— incorpora imágenes de la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y conflictos más recientes.

El tratamiento visual refuerza los temas que han atravesado la obra de Neil Young durante más de cinco décadas: la denuncia ambiental, la crítica al poder corporativo, la memoria histórica y la justicia social. Esa coherencia entre música e imagen es la marca de los proyectos que la pareja ha desarrollado junta en los últimos años, siempre por fuera de los circuitos comerciales tradicionales.

La decisión de no promocionar el estreno responde a una postura que este viejo cascarrabias del rock mantiene desde hace tiempo: se alejó de la mayoría de las plataformas de redes sociales por sus vínculos con la administración Trump, concede muy pocas entrevistas y gestiona su legado de forma casi autónoma a través del Neil Young Archives (NYA), el archivo digital que lanzó en 2019 y donde almacena décadas de grabaciones, films y textos. El NYA se ha convertido en el canal exclusivo a través del cual Young se comunica con su audiencia, sin intermediarios ni algoritmos.

The Chrome Hearts —la banda que lo acompaña en esta etapa— está integrada por Spooner Oldham (órgano y piano), Micah Nelson (guitarra y voz), Corey McCormick (bajo y voz) y Anthony LoGerfo (batería y voz). El grupo debutó discográficamente en 2025 con el álbum de estudio Talkin’ to the Trees, producido por Lou Adler junto a Young y Niko Bolas bajo el sello The Volume Dealers. As Time Explodes es el primer registro en vivo de esa formación.

El flujo creativo de NY no muestra señales de desaceleración: en su canal exclusivo, el hombre informó sobre el avance del cuarto volumen de su monumental caja de archivos. Los tres primeros tomos abarcaron los períodos 1963-72, 1972-76 y 1976-87; el próximo llegará hasta el final de la gira de Greendale en 2004. “Los Volume Dealers han estado ocupados”, escribió . “El Volumen 4 de los Archives está en marcha, en la fase de finalización de todas las canciones que hemos descubierto en los últimos dos o tres años.”

Además, se sabe, ya tiene listo Second Song, un nuevo álbum de estudio grabado junto a The Chrome Hearts en los estudios Shangri-La de Malibu, California, propiedad del productor Rick Rubin. El material es en su mayoría inédito, aunque incluye dos o tres canciones que Young compuso alrededor de 1963 y 1964 y que nunca fueron publicadas. En el plano de las actuaciones en vivo, Young canceló la gira europea que tenía prevista para este verano sin dar mayores explicaciones. Reapareció el 22 de mayo pasado con un set sorpresa de cuatro canciones en el concierto por el 90° cumpleaños del activista ambiental David Suzuki en Vancouver, Canadá. Su próxima aparición confirmada será en Farm Aid, el festival benéfico que cofundó en 1985 junto a Willie Nelson y John Mellencamp, que este año se realizará el 26 de septiembre en Virginia Beach, Virginia.

Corría el año 2012 cuando el mundo empezó a escuchar k-pop, aunque Occidente todavía no lo supiera. Aquel verano, un señor surcoreano de baja estatura, vestido con esmoquin y gafas de sol, se coló en nuestras vidas para repetir hasta el hartazgo una pegadiza —y difícilmente pronunciable— canción acompañada de un característico baile. De ella solo podíamos decir su título y su autor: Gangnam Style, de PSY. Catorce años después, la música fabricada en Corea del Sur no necesita presentación. Blackpink, Twice, Exo, Stray Kids o Seventeen, el k-pop ya es histórico. El debate por la corona, al igual que en el pop global está a caballo entre Bad Bunny y Taylor Swift, no admite discusión: es de BTS.

La boyband formada por RM (31), Jin (33), Suga (32), J-Hope (32), Jimin (30), V (30) y Jungkook (28) inaugura este viernes en Madrid —y también el sábado— la etapa europea del Arirang Tour. Los siete miembros no solo pisan España por primera vez desde su debut en 2013, sino que lo hacen con el disco y gira que les vuelve a poner en el mapa seis años después de su pausa para ir a la mili —una obligación legal para todos los hombres del país menores de 35 años—. El Riyadh Air Metropolitano acogerá en total a cerca de 120.000 personas que vendrán de todas partes de España.

“Continuar ignorando el fenómeno de BTS es arriesgarse a perderse algo más grande que la Beatlemanía”, escribió The New Yorker en 2022. Las cifras y los récords hablan solos. Por mencionar solo algunos, Dynamite se convirtió en 2020 en la primera canción de un artista surcoreano en alcanzar el número 1 del Billboard Hot 100, superando incluso el techo que había marcado el tema de PSY, y su videoclip batió el récord de YouTube con 101,1 millones de reproducciones en sus primeras 24 horas. Solo hace unos meses, con su último álbum, debutaron en el número 1 del Billboard 200 con 532.000 copias vendidas en una sola semana, la mejor cifra para un grupo en más de una década.

A ello se suman decenas de récords Guinness, entre ellos, el de grupo más escuchado de la historia en Spotify y el del concierto de pago por streaming con mayor asistencia, con 756.000 espectadores. Y como todo lo que llega a Estados Unidos se convierte en global, han conocido al ya expresidente Joe Biden, han colaborado con Charlie XCX, Zara Larsson o Coldplay, y han optado cinco veces a un Grammy, siendo los primeros coreanos en conseguirlo.

Las claves del éxito de la mayor boy band del mundo

“Sería difícil atribuir el éxito de BTS a un único factor. Se trata, más bien, de una combinación de elementos que se alinearon con un efecto tremendo, incluido el momento oportuno”, apunta a Infobae Hae Joo Kim, profesora asociada al departamento de Liberal Arts and Sciences del Berklee College of Music de Boston. “Casi como un eslogan, la narrativa en torno a BTS ha sido durante mucho tiempo ‘Ven por la música, quédate por el mensaje’, lo que apunta no solo a la calidad de la música y a sus actuaciones de alto nivel, sino también a las canciones del grupo, con letras cargadas de mensaje y escritas con la mirada puesta en la conciencia social y generacional”, añade. Lo mismo asegura Alicia Navarro Hernández, estudiante de doctorado en comunicación en la Vrije Universiteit Brussel: “Las letras honestas que hablaban sin tapujos de tabúes en la sociedad coreana estaban presentes desde el principio. El grupo consiguió revertir el poco exitoso debut a base de centrarse en esa autenticidad”.

Entre los seis expertos consultados, todos ellos, en inglés o en español, coinciden en que una de las claves de este fenómeno reside en la palabra: autenticidad. Para Claire Marie Lim, también profesora asociada de Berklee, una de las claves fue que el grupo irrumpió en un momento en el que “los jóvenes de todo el mundo ansiaban franqueza y honestidad en la música popular”. Sus canciones abordaban “la presión social, la salud mental, la identidad, la autoestima y otros muchos temas”, mientras que, desde el punto de vista musical, “la composición y la producción resultaban atractivas para los fans internacionales”.

Sin embargo, esa autenticidad no surgió por casualidad. También fue una apuesta empresarial. BTS nació en 2013 como resultado de un entrenamiento surgido de una mezcla entre Operación Triunfo y El juego del calamar. Porque la industria musical coreana se mueve como si fuera un entrenamiento militar.

Un informe interno de SM Entertainment -una de las empresas de entretenimiento y agencias de talentos más grandes e influyentes de Corea del Sur- señaló que reciben alrededor de 300.000 solicitudes anuales de candidatos provenientes de nueve países. La competencia es tan feroz que, a nivel general, solo el 1% de quienes lo intentan logra convertirse en aspirante oficial de una gran agencia, y apenas el 0,1% de todos los aspirantes consigue debutar en un grupo. Cuando entran, se enfrentan a un estricto periodo de preparación, cuyo periodo puede durar desde unos meses hasta un total de 15 años. Y no hablemos de las jornadas: se exigen hasta 10 y 12 horas de práctica. Tampoco vale con saber solo cantar, también hay que bailar o dar clases de idiomas para asegurar el éxito del grupo en mercados globales como EEUU o Japón.

BTS es, en buena medida, la creación del productor Bang Si-hyuk y de la discográfica Big Hit Entertainment, hoy llamada HYBE. En torno a comienzos de la década de 2010, la empresa estaba rozando la quiebra y no tenía nada que hacer respecto a las tres grandes empresas del gremio, la mencionada SM y YG y JYP.

Sin embargo, tras descubrir al rapero Kim Namjoon en agosto de 2010, conocido como RM, todo empezó a ir sobre ruedas. Así, poco a poco se fueron incorporando Min Yoongi (Suga), Jung Hoseok (J-Hope), Kim Seokjin (Jin), Park Jimin, Kim Taehyung (V) y Jeon Jungkook. Como explica la investigadora mexicana Andrea Echevarría, autora del artículo El fandom de BTS y su apropiación de la significación; un estudio de los roles simbólicos y la reinterpretación en el Bangtan Universe, la idea inicial era formar un grupo de hip-hop, aunque con la llegada de los vocalistas el proyecto evolucionó hasta convertirse en BTS, siglas de Bangtan Sonyeondan (Chicos a prueba de balas). Años más tarde, el grupo adoptaría también el significado internacional de Beyond the Scene (Más allá de la escena).

La tecla fue saber venderse. Ante las limitaciones de la empresa y su dificultad para darles a conocer en los canales de noticias y programas de televisión coreanos, Big Hit apostó por mostrar una actitud sincera, humilde y cercana a través de las redes sociales. “La decisión de HYBE de cambiar radicalmente el marketing del grupo para vender una imagen de autenticidad como algo diferente en una industria manufacturada funcionó muy bien, acelerando la conversión de BTS en un fenómeno de masas y convirtiendo a HYBE en una compañía muy rica y potente en la industria”, apunta Navarro. Con esto coincide la ya mencionada Marie Lim: “Compartían activamente videoblogs, vídeos de ensayos y otros contenidos que creaban una intimidad genuina con los fans”. A diferencia de otros grupos, BTS empezó a construir una relación directa con su público mucho antes de conquistar el mercado internacional.

Y funcionó. Por eso BTS tampoco se entiende sin las ARMY, siglas de Adorable Representative MC for Youth (adorables representantes de MC [maestro del rap] para la juventud). “ARMY no es simplemente una base de fans. Son participantes activos que lograron cosas que ni siquiera la agencia podía hacer sola”, explica el cineasta, periodista y productor de televisión coreano Hark Joon Lee, coautor de K-Pop Idols: Cómo se fabrica un género global en la industria musical coreana (Editorial Malpaso). “Tradujeron letras y contenidos, contactaron con emisoras de radio, organizaron campañas de compra y reproducciones e introdujeron al grupo entre nuevos públicos. En muchos sentidos, fue ARMY quien hizo posible la entrada de BTS en Estados Unidos”, añade.

El impacto de BTS va mucho más allá de la música. A nivel económico, y según datos de 2021, BTS genera anualmente 5.000 millones de dólares para la economía surcoreana, lo que representa aproximadamente entre el 0,3% y el 0,5% del PIB total del país. También han roto las barreras del idioma. “BTS procedía de un contexto cultural coreano muy local, pero quería comunicarse con gente más allá de Corea. Para gran parte del público internacional, las barreras lingüísticas no supusieron un obstáculo importante”, añade el profesor de Berklee Ray Seol.

Queda por ver cuánto durará el reinado de BTS. Por ahora, los reyes indiscutibles son ellos: “Están ayudando a cambiar el rostro de la música pop”, resume Hae Joo Kim. “No son el artista asiático más popular del mundo; son uno de los artistas más populares del mundo que, además, son asiáticos”. La investigadora Andrea Echevarría va más allá: “Pocas veces se tiene la oportunidad de presenciar un fenómeno como este”. La Beatlemanía ya queda lejos.

Buscar canciones en Spotify puede convertirse en una experiencia poco eficiente si solo se utiliza la barra de búsqueda básica, pues los resultados suelen ser demasiado amplios y poco precisos. Sin embargo, existe una herramienta poco conocida dentro de la propia plataforma: la búsqueda avanzada.

Este recurso permite filtrar resultados de manera exacta mediante comandos específicos, ofreciendo así una forma más eficaz de encontrar música, artistas, álbumes o listas en el extenso catálogo del servicio.

Cómo funciona la búsqueda avanzada en Spotify

La búsqueda avanzada de Spotify opera de manera similar a los sistemas de filtrado presentes en otros motores populares como Google. A través de modificadores, es posible delimitar los resultados y encontrar justo lo que se busca. Estos modificadores son palabras clave en inglés que se escriben seguidas de dos puntos y el término deseado, sin dejar espacios entre ambos elementos.

Por ejemplo, para buscar música publicada en un año determinado, se emplea el comando year:. Escribiendo year:1984 únicamente aparecen canciones lanzadas en ese año. Si se desea explorar una década específica, se puede utilizar un rango, como year:1990-1999, lo que restringe los resultados a ese periodo temporal.

El modificador genre: es útil para quienes desean descubrir nuevos estilos musicales. Spotify permite buscar géneros musicales muy concretos, desde lo más mainstream hasta microgéneros poco habituales, como genre:synthwave o genre:flamenco. De esta manera, se puede acceder a selecciones muy específicas sin necesidad de conocer artistas o álbumes de antemano.

Para quienes buscan el catálogo de una discográfica específica, el comando label: resulta de gran utilidad. Así, al introducir label:motown, el usuario accede directamente a todo el contenido editado bajo ese sello, lo que facilita enormemente la tarea de los aficionados a la música independiente o electrónica.

En situaciones donde el título de una canción es demasiado común y la búsqueda genera miles de resultados irrelevantes, los modificadores artist:, track: o album: son especialmente efectivos. Por ejemplo, al escribir track:auto, Spotify solo mostrará canciones con ese nombre, ignorando coincidencias en álbumes o nombres de artistas.

Combinación de comandos para búsquedas precisas en Spotify

Una de las ventajas de la búsqueda avanzada es la posibilidad de combinar varios modificadores para afinar aún más los resultados. Al añadir más de un filtro, el sistema solo mostrará contenido que cumpla con todos los criterios establecidos.

Por ejemplo, para encontrar rock de los años setenta, bastaría con introducir genre:rock year:1970-1975. Así, la búsqueda se limita únicamente a ese estilo musical en el periodo señalado.

Si se busca material de una etapa específica de una banda determinada, se puede escribir artist:metallica year:1980-1985, lo que filtrará la discografía del grupo exclusivamente a esos años. Esta capacidad de segmentar la búsqueda resulta especialmente útil para melómanos y coleccionistas interesados en localizar rarezas o lanzamientos de fases concretas de un artista.

Uso de comillas y modificadores especiales para mayor exactitud

Cuando los términos a buscar incluyen más de una palabra, como ocurre con algunos géneros o nombres de discográficas, es fundamental encerrar el término entre comillas. Por ejemplo, genre:“hip hop” o label:“sub pop”. Este detalle evita que el motor de búsqueda interprete cada palabra como un filtro separado, lo que podría alterar los resultados.

Además, existe el modificador tag:new, que resulta idóneo para quienes buscan estar al tanto de las últimas novedades y lanzamientos en Spotify. Al utilizarlo, la plataforma muestra directamente los álbumes y canciones más recientes lanzados a nivel mundial.

Compatibilidad de la búsqueda avanzada en todos los dispositivos

Una característica destacada de la búsqueda avanzada es que está disponible en todas las versiones de Spotify. No importa si se utiliza la aplicación móvil, la versión web o el programa de escritorio: los comandos funcionan de igual manera en cada uno de estos entornos.

Esto contrasta con otras opciones de la plataforma, como la creación de carpetas para listas de reproducción, que no están habilitadas en todos los dispositivos.

La búsqueda avanzada de Spotify es un recurso poco aprovechado que permite filtrar la vasta oferta musical de la plataforma con comandos simples pero potentes. Al dominar estos modificadores, cualquier usuario puede transformar una búsqueda caótica en una experiencia organizada, eficiente y adaptada a sus intereses musicales concretos.

Ese es el caso de “I Knew It, I Knew You”, la canción interpretada por Taylor Swift para Toy Story 5. Según informó Billboard, el tema debutó directamente en el primer puesto del Billboard Hot 100, una hazaña que solo habían conseguido otras cuatro canciones asociadas a producciones cinematográficas.

Un logro reservado para muy pocas canciones

El medio especializado en la industria musical señaló que “I Knew It, I Knew You” es la quinta canción de una película en ingresar en el número uno del Hot 100. La marca adquiere relevancia por la escasa cantidad de temas cinematográficos que alcanzaron ese desempeño desde la creación del ranking.

El antecedente más antiguo se remonta a 1995, cuando Whitney Houston logró el mismo resultado con una canción incluida en la banda sonora de Waiting to Exhale. Desde entonces, apenas tres títulos más consiguieron repetir la hazaña antes de la llegada de Swift.

La posición privilegiada que ocupa ahora la cantante de 36 años también alimenta las especulaciones sobre una posible candidatura al Oscar a la mejor canción original. Sin embargo, la historia demuestra que el éxito comercial no siempre se traduce en reconocimiento por parte de la Academia.

Las otras cuatro canciones que debutaron en el número uno

Antes de Taylor Swift, solo cuatro canciones provenientes de películas habían debutado en la cima del Hot 100:

Exhale (Shoop Shoop) – Whitney Houston (1995)

La canción de Waiting to Exhale fue escrita por Babyface e interpretada por Whitney Houston. Debutó en el número uno el 25 de noviembre de 1995 y se convirtió en un gran éxito comercial. A pesar de ello, no recibió una nominación al Oscar a la mejor canción original. Según recordó Billboard, la película tampoco obtuvo candidaturas en ninguna categoría de los premios de la Academia.

My Heart Will Go On – Celine Dion (1998)

El tema principal de Titanic, compuesto por James Horner y Will Jennings, llegó al primer puesto el 28 de febrero de 1998. Su recorrido en la temporada de premios fue notable: ganó el Oscar a la mejor canción original y también obtuvo cuatro premios Grammy, incluidos los galardones a grabación del año y canción del año.

I Don’t Want to Miss a Thing – Aerosmith (1998)

Interpretada por Aerosmith y escrita por Diane Warren para Armageddon, la canción debutó en la cima del ranking el 5 de septiembre de 1998. El tema recibió una nominación al Oscar a la mejor canción original y también fue candidato en varias categorías de los Grammy.

Can’t Stop the Feeling! – Justin Timberlake (2016)

Creada para la película animada Trolls, la canción compuesta por Justin Timberlake junto a Max Martin y Shellback ingresó directamente en el número uno el 28 de mayo de 2016. Posteriormente obtuvo una nominación al Oscar a la mejor canción original.

La tradición musical de Toy Story

El nuevo éxito de Swift también se vincula con una franquicia que mantiene una sólida relación con los premios de la Academia. Billboard destacó que las primeras cuatro películas de Toy Story generaron canciones nominadas al Oscar. Todas fueron escritas por Randy Newman, uno de los compositores más reconocidos de Hollywood.

Entre ellas sobresalió “We Belong Together”, perteneciente a Toy Story 3, que consiguió la estatuilla a la mejor canción original. Ese historial convierte a la saga en una de las más exitosas en materia musical dentro del cine animado.

Los posibles competidores en la carrera al Oscar

Aunque las nominaciones todavía no fueron anunciadas, Billboard mencionó algunos títulos que podrían formar parte de la competencia por el Oscar a la mejor canción original en 2027.

Entre ellos aparece “How To Write a Song Without You”, interpretada por Nick Jonas y Paul Rudd en la película Power Ballad, dirigida por John Carney. También figura “Shape of a Woman”, interpretada por Lady Gaga durante su participación especial en El diablo viste a la moda 2.

El medio estadounidense añadió que otra figura a seguir es Diane Warren, una presencia constante en la categoría. La compositora acumuló nominaciones al Oscar a la mejor canción original durante los últimos nueve años consecutivos, una marca sin precedentes. Warren suma 17 candidaturas en esa categoría, aunque todavía no obtuvo una victoria competitiva.

El barrio de Santa Rosalía en Palermo, Sicilia, exhibe desde hace semanas un mural monumental en el que la cantante española Rosalía aparece convertida en una figura sacra, fundiéndose visualmente con la imagen de la patrona local que da nombre a la zona. La intervención, titulada Estasi (Éxtasis), es obra del artista callejero Igor Scalisi Palminteri, quien ha buscado transformar la fachada en un símbolo contemporáneo protegido y con un significado artístico y cultural más allá de las fronteras naturales (el mar) y políticas que separan las culturas siciliana y española.

La obra despliega a la cantante catalana sobre un fondo dorado, con un halo y el cabello decolorado que simula una corona. Esta estética, según el muralista, toma referencia directa de la promoción de Lux, el último disco de Rosalía, ya que la representa en actitud de oración, con las manos juntas, al igual que en la carátura del disco.

Sin embargo, el mural, según su autor, es mucho más que un retrato: “En su trayectoria artística, reconozco una forma de sincretismo que también encuentro en la historia de Palermo: una fusión continua de diferentes lenguas, culturas e identidades”, ha explicado en un comunicado.

La canción de ‘Lux’ que ha inspirado el cartel

En la pieza, los patrones geométricos tienen un papel muy importante, pues recrean las luminarie, esas iluminaciones hechas de luces que decoran Palermo durante el célebre Festino del 14 de julio, fecha en la que la ciudad honra a la santa con una celebración multitudinaria. El mural se ha instalado precisamente en vísperas de la festividad, multiplicando su impacto simbólico entre los vecinos.

La decisión de unir la imagen de la artista con la de la santa tiene un detonante musical: el propio disco de Rosalía incluye una canción titulada Focu ‘Ranni, donde la intérprete canta en dialecto siciliano como tributo a la cultura local y a la patrona de Palermo, conocida por los habitantes como la Santuzza.

El propio Scalisi subraya la fuerza de la letra: “Mi jittaiu nta lu nenti pi nun pèrdiri a libbirta” (“Me lancé al vacío para no perder mi libertad”), describió el pintor, convencido de que ese verso encarna “una tensión que pertenece tanto a la investigación artística de Rosalía como a la figura de santa Rosalía: la idea de un cruce, de una transformación necesaria para seguir cultivando la propia libertad”.

La historia de santa Rosalía

El mural, que ya se ha convertido en punto de referencia para locales y visitantes, fusiona los lenguajes visuales del arte urbano con la iconografía religiosa y la cultura pop que encarna nuevamente el sincretismo que el propio barrio vive desde hace siglos, entrecruzando tradiciones y tendencias globales.

La historia de santa Rosalía está marcada por el relato de un milagro: según la tradición católica, la patrona salvó a Palermo durante la peste de 1624, cuando sus restos fueron paseados por las calles. Ese hecho cimentó una devoción popular que se mantiene viva cuatro siglos después y que ahora encuentra una expresión renovada en el arte contemporáneo.

Ahora, Movistar Plus+ estrena La más grande, una ‘docuserie’ de cuatro capítulos a modo de biografía que se encarga de honrar a la artista desde todas sus facetas, tanto la artística y pública como la íntima y privada. Lo que viene siendo la dicotomía entre el icono y la mujer, entre Rocío Jurado y Rocío Mohedano.

La serie ha sido dirigida por Alexis Morante, que ya había trabajado el biopic documental para figuras como Enrique Bunbury, Camarón de la Isla, Alejandro Sanz o David Bisbal. Ademas, cuenta con Rocío Carrasco como productora ejecutiva y se apoya en un manuscrito escrito por la propia artista que recorre su vida desde el nacimiento hasta la separación de Pedro Carrasco.

“El proyecto ha tardado todo el tiempo que yo he tardado en encontrar a la gente adecuada para que lo hiciera, porque era muy personal”, cuenta Rocío Carrasco a Infobae.

Una mujer que rompió todos los moldes

El primer episodio se estrena el jueves 25 de junio y los cuatro capítulos llegarán con cadencia semanal. La plataforma presenta el proyecto como la serie documental definitiva sobre una figura que rompió los estereotipos de la folclórica clásica para convertirse en una mujer moderna, libre y reivindicativa.

La producción, además, incorpora fotos, vídeos y grabaciones inéditas aportadas por su hija. Ese material personal incluye también el texto que sirve de hilo conductor al relato y que, según Rocío Carrasco, no es un diario ni unas memorias al uso, sino una biografía escrita por la cantante.

Carrasco ha relatado que el origen de ese manuscrito se remonta a 2001, cuando murió su padre. Entonces, su madre le entregó un sobre con fotos y un texto “para que cuando te apetezca, lo leas y sepas quién es tu padre y tu madre”.

La productora ejecutiva guardó aquel material sin revisarlo a fondo y volvió a encontrarlo años después, cuando buscaba imágenes para el documental. Fue en ese momento cuando identificó su alcance: una narración en primera persona que cubría desde el nacimiento de Rocío Jurado hasta su ruptura con el boxeador onubense.

Ese hallazgo resolvió una de las decisiones centrales del proyecto: cómo contar la vida de la artista. El equipo barajó varias opciones y terminó optando por que fuese ella misma, a través de ese texto, quien guiara la historia.

La narración corre a cargo de Daniela Vega, actriz y cantante chilena (protagonista de la película Una mujer fantástica), cuya presencia no responde a un simple papel de locutora. La elección tiene una historia personal vinculada a Jurado que se revela al final del cuarto capítulo.

Así, Vega lee y atraviesa la historia “como si fuera una fábula”, ya que el director ha insistido en que buscaba una voz cinematográfica y en que su intención era huir del formato de “bustos parlantes”, aunque sí haya entrevistas que aporten cercanía y veracidad.

Referente del feminismo y la comunidad LGTBI

El eje de la serie no es solo la carrera musical de la cantante de Chipiona, nacida en 1943 y fallecida en 2006. El documental la presenta también como un símbolo de cambio en un país marcado por la dictadura, la represión y el machismo estructural.

Esa mirada subraya cómo la artista se declaraba feminista en televisión y descolocaba a presentadores como Jesús Hermida, José María Íñigo, Lauren Postigo o La Trinca. La serie rescata esas intervenciones como prueba de una posición pública poco habitual en su tiempo.

“Hay una cosa que siempre me impresionó, que fue el funeral de Rocío Jurado en Chipiona, con todo el país conmocionado. Para mí fue una especie de punto de partida: ¿qué hizo esa mujer para que se la quisiera tanto? ¿Qué había detrás del mito?“, cuenta Alexis Morante. ”Así que la propuesta era contar su historia de una forma muy emocional desde esa dicotomía entre la, la Rocío persona y la Rocío profesional, intentando investigar esas dos formas de entender el mundo que tenía ella misma, con sus contradicciones. Y también, a través de ella, cómo evolucionó nuestro país en materia de derechos sociales, en especial para las mujeres, de las que ella se erige como representante de esa revolución".

En ese sentido, también se revisan episodios como el del vestido semitransparente que lució en una gala de TVE en 1974, una polémica que llegó a provocar la dimisión del ministro de Información y Turismo Pío Cabanillas.

“Era su forma de pensar, lo tenía claro desde la cuna, desde que nació. Siempre lo he dicho, que es alguien que lo traía intrínseco, era una verdad profunda que ella tenía. Tenía sus pensamientos, sus valores y lo plasmó lo cantó, lo dijo, lo demostró. Y al final yo lo único que puedo sentir es, es un orgullo muy grande”, continúa Rocío Carrasco.

El documental incide además en la relación de la cantante con el colectivo LGTBIQ+, situándola como una aliada histórica admirada por personas gais, lesbianas y trans, además de una de las artistas más imitadas en el arte drag.

Rocío Carrasco sostiene que su madre llevaba esa forma de pensar “en el ADN” y que en su casa no existía otra posibilidad moral. La igualdad entre hombres y mujeres, la independencia económica, laboral y emocional y el respeto a otros colectivos formaban parte de la educación que, según su hija, impartía en el ámbito familiar.

La dimensión artística también ocupa un lugar central. Rocío Jurado vendió 20 millones de discos y obtuvo 150 discos de oro y 60 de platino, una trayectoria que la llevó a transitar por flamenco, copla, canción española, lírica, jazz y góspel.

Entre las figuras que articulan ese recorrido aparecen Manuel Alejandro y Juan Pardo, definidos como sus “dos escuderos”. El primero impulsó composiciones como Amores a solas o Lo siento mi amor; el segundo acompañó un momento posterior de reinvención con el álbum Punto de partida, publicado en 1989.

La serie repasa además sus comienzos: la muerte temprana de su padre, los concursos radiofónicos en Andalucía, la llegada a Madrid, su paso por el coro flamenco del tablao El Duende y después por el tablao de Manolo Caracol en la calle Barbieri, antes de las primeras grabaciones, el cine y las actuaciones televisivas que dispararon su popularidad.

No participan en el documental familiares como José Ortega Cano, Amador Mohedano o Gloria Mohedano porque rechazaron la invitación. El proyecto llega cuando se cumplen 20 años de la muerte de la cantante y coincide con otros movimientos de relectura de su legado, como un libro colectivo publicado por Dos Bigotes y el rodaje en Chipiona de una serie de ficción de TVE y Boomerang TV sobre su vida.

El documental definitivo de ‘la más grande’

¿Cómo le ha afectado a Rocío Carrasco hacer este documental sobre su madre?

“Al final te remueve, pero me ha ayudado como terapia de choque, también a colocar ciertas cosas, o a intentar convivir con ellas. Ya había empezado ese proceso hacía tiempo, cuando preparamos el musical, porque tuve que hacer un esfuerzo en el sentido de escuchar, ver, poner. Pero este trabajo ha sido más profundo, y me ha apoyado a convivir con un duelo que no se va, que nunca se va a mitigar, porque siempre va contigo”.

En el documental, hay muchas grabaciones inéditas, pero las más interesantes son las que se refieren a la vida privada y cotidiana de la artista. “Queríamos que fuera el documental definitivo de Rocío Jurado”, cuenta Alexis Morante. “Así que hemos buscado debajo de las piedras para encontrar todo el material posible para contar esta historia. Queríamos que todo eso nos sirviera para conocer a la verdadera Rocío, con y sin la máscara”.

Todos conocemos cómo termina el trayecto. El final de la historia es ese momento climático del funeral. Pero, para entender la magnitud, había que contar la génesis del mito, de esa mujer que empezó desde abajo en una España compleja y terminó rompiendo estereotipos. Y se convirtió en ‘la más grande’ y en la banda sonora de nuestras vidas.

En la primavera de 1969, el mundo ardía. La Guerra de Vietnam se devoraba las vidas de miles de jóvenes en el sudeste asiático, las calles de Europa aún crujían por las réplicas del Mayo Francés y la Guerra Fría dictaba un guion de paranoia global. En ese ecosistema de tensión absoluta, el hombre más famoso del planeta decidió atrincherarse en la cama de un hotel. Estamos hablando de John Lennon, quien supo ser el líder de The Beatles. No lo hizo para esconderse, sino para encender un megáfono incómodo.

Instalados en la suite 1742 del Hotel Queen Elizabeth en Montreal, John Lennon y Yoko Ono convirtieron su luna de miel en una acción artística, política y mediática sin precedentes: el Bed-In for Peace (Encamada por la paz). Entre sábanas blancas, rodeados de flores y carteles que rezaban “Hair Peace” y “Bed Peace”, la pareja recibió durante siete días a periodistas, filósofos y activistas. Fue el 1 de junio de ese año que dijo: “Si todo el mundo exigiera la paz en lugar de otro televisor, entonces habría paz”.

Cronistas escépticos le exigían soluciones pragmáticas a un músico de rock. Entonces disparó esta sentencia que hoy opera como una profecía de nuestra era hiperconectada. Pero para desarmar la potencia de esa frase es imperativo analizar su contexto histórico y simbólico. A finales de la década del 60, el televisor no era un electrodoméstico común; era el nuevo tótem del capitalismo tardío, el centro de gravedad de la sala de estar de la clase media global y la gran promesa de confort de posguerra.

Lennon, un agudo observador de la conducta de masas, identificó allí una trampa. El sistema ofrecía bienestar material a cambio de apatía política. La comodidad de consumir imágenes —incluso las de la propia guerra transmitida a la hora de la cena— funcionaba como un anestésico para la acción civil. La frase encierra una ecuación filosófica de responsabilidad individual: la paz no es un accidente geográfico ni un decreto de las cúpulas de poder; es una demanda colectiva que se asume o se delega.

Si el ciudadano medio invierte su energía, su tiempo y su salario en acumular bienes de consumo en lugar de presionar a sus gobernantes, se vuelve cómplice por omisión. Reemplácese hoy la palabra “televisor” por el último modelo de smartphone, la suscripción a una plataforma de streaming o el algoritmo de turno, y la interpelación de Lennon mantiene su vigencia intacta, desnudando cómo el entretenimiento y el mercado fagocitan las urgencias humanitarias. Para que haya paz, primero hay que exigirla.

Aunque la frase nació como una declaración oral al calor del debate periodístico, su supervivencia histórica y su estatus de manifiesto político se consolidaron gracias a su registro impreso. La cita aparece en John Lennon en sus propias palabras, publicado originalmente en 1980 por los editores Miles y Pearce Marchbank. A diferencia de las biografías tradicionales, este libro se estructuró como una curaduría minuciosa de declaraciones textuales, cartas, manifiestos y fragmentos de entrevistas.

Esa frase en Montreal no fue un exabrupto ni un eslogan publicitario; es, posiblemente, la síntesis perfecta del viaje intelectual de su autor. Representa la transición definitiva del John Lennon ídolo de masas —el joven de Liverpool atrapado en la histeria de la Beatlemanía de álbumes como A Hard Day’s Night— al John Lennon activista radical y artista conceptual influenciado por el situacionismo de Yoko Ono. Toda la obra posterior de Lennon está contenida conceptualmente en esa crítica al televisor.

Es el mismo nervio ideológico que meses después pariría la campaña global de afiches callejeros War Is Over! (If You Want It) (¡La guerra ha terminado! [Si tú quieres]) y que, en 1971, encontraría su forma artística en el himno Imagine. Cuando el músico cantaba sobre imaginar a la humanidad despojada de posesiones, fronteras y religiones, no lo hacía desde una utopía ingenua o de fantasía infantil, sino desde la convicción de que la sociedad civil estaba atrapada en un diseño cultural destinado a distraerla.

¿Quién es John Lennon?

John Winston Lennon nació el 9 de octubre de 1940 en Liverpool, Inglaterra, en medio de los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, y creció marcado por el abandono de sus padres y la crianza de su estricta tía Mimi. Su espíritu rebelde encontró refugio en el naciente rock and roll, lo que lo llevó a fundar The Quarrymen, germen de lo que pronto se convertiría en The Beatles. Junto a Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, Lennon protagonizó el fenómeno cultural más masivo de la historia de la música.

Entre sus grandes álbumes están Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Abbey Road. Tras la disolución de la banda en 1970, el músico canalizó su genio en una carrera solista profundamente introspectiva y vanguardista de la mano de su esposa, la artista Yoko Ono, legando al mundo obras maestras como los discos John Lennon/Plastic Ono Band e Imagine. Su vida pública estuvo signada tanto por su genialidad artística como por su férreo activismo político contra la Guerra de Vietnam.-

Tras un retiro de cinco años para dedicarse a la crianza de su segundo hijo, Sean Lennon (ya había tenido a Julian Lennon con su primera esposa, Cynthia Powell), el compositor regresó a la escena musical en 1980 con el aclamado álbum Double Fantasy. Sin embargo, el renacimiento creativo fue trágicamente interrumpido el 8 de diciembre de ese mismo año: al regresar a su residencia en el Edificio Dakota de Nueva York, Mark David Chapman, un fanático perturbado, lo asesinó a balazos. Tenía apenas 40 años.

No hay duda, Clive Davis, quien falleció a los 94 años el lunes, tenía buen oído para los éxitos. Década tras década, emparejó cantantes con material pegadizo y melódico —a menudo baladas— que él imaginaba como posibles estándares pop con poder de permanencia: sucesores de los clásicos de Tin Pan Alley. Cuando trabajaba con cantautores, se esforzaba por guiarlos hacia producciones y arreglos dirigidos a lo que percibía como el público principal del pop. Sus resultados construyeron carreras impresionantes y cuentas bancarias —llenando listas de reproducción para bodas y noches de karaoke.

Pero con una artista importante, Davis tuvo un instinto diferente, perceptivo y, en última instancia, brillante: hacerse a un lado y dejar las cosas como estaban. Esa fue Patti Smith, quien firmó con el sello Arista de Davis en 1975 poco después de que ella y su banda iniciaran una serie incendiaria de presentaciones en CBGB. Ella no presentaba melodías pop de tres minutos, perfectamente estructuradas —ni remotamente. Sus actuaciones expandían las formas de las canciones en improvisaciones musicales y verbales desenfrenadas. “Tan indisciplinada como era, me ponía la piel de gallina,” escribió Davis en sus memorias, El Soundtrack de mi vida.

Claramente vio en Patti Smith el mismo tipo de emoción cruda y carisma ardiente que había visto cuando firmó a Janis Joplin con Columbia Records —aunque en sus memorias señala que la convenció de aceptar el lanzamiento de una versión editada de “Piece of My Heart” para lograr un espacio en el Top 40.

Con Patti Smith, menos de una década después, las cosas fueron diferentes. Según ambos relatos, él se mantuvo completamente al margen. Cuando ella fue incorporada al Salón de la Fama del Rock & Roll en 2007, le agradeció: “Tuve mucho coraje, no mucho talento, pero él tuvo fe en mí y me dejó salir de la puerta, apenas una potrilla, y se quedó conmigo.”

Patti Smith, no Clive Davis, eligió a John Cale, de Velvet Underground, para producir su visionario y revolucionario álbum debut, Horses. Davis escribió que tenía dudas en ese momento sobre la foto de la portada del álbum, tomada por Robert Mapplethorpe, pero no la vetó. Ahora es una imagen indeleble del punk. No hay duda de que él se alegró de que, dos álbumes después, con Easter, Smith lograra un éxito de rock contundente y directo con “Because the Night”, coescrita con Bruce Springsteen. Él no fue quien promovió esa colaboración; surgió a través del productor de Smith, Jimmy Iovine. Y una vez más dejó de lado sus reservas acerca de la portada de un álbum. La foto de Lynn Goldsmith en Easter tiene como centro la axila peluda de Smith.

Clive Davis dio rienda suelta a algunos otros músicos. Una fue Annie Lennox, quien firmó con Arista mientras estaba en Eurythmics y permaneció para tener una carrera solista multiplatino. Según su propio relato, Davis no intervino, aunque le hubiera gustado hacerlo. “Con los años, debo admitir que me hubiese encantado presentarle material,” escribió. “Estoy seguro de que, con material más contemporáneo y acorde al momento, Annie podría dominar la música pop durante años.”

Muchos músicos se benefician de un empujón hacia la claridad y el agrado del público. La música popular prueba constantemente que el arte y el comercio pueden ser aliados, no necesariamente enemigos. Y en honor a Davis, nunca llevó a Patti Smith hacia “material contemporáneo y acorde al momento”. En cambio, el mundo recibió canciones como “Dancing Barefoot”, “People Have the Power” y “Gone Again”. Para algunos artistas, “indisciplinada” significa inspirada.

Fuente: The New York Times

Artistas musicales lamentaron la muerte de Clive Davis, una de las figuras más poderosas de la industria que lanzó o relanzó las carreras de artistas que van desde Whitney Houston hasta Carlos Santana.

Santana calificó a Davis como “un visionario”. Barry Manilow dijo que para Davis la música no era solo un negocio, “era familia”. Michael Bublé expresó que el ejecutivo musical “creía en las personas y en sus sueños”. Patti Smith agradeció a Davis por medio siglo de “amor y apoyo”. Davis murió el lunes en su apartamento en Manhattan. Un comunicado de la familia dice que “descubrió, guió y apoyó a los más grandes artistas de la historia de la música moderna, dejando una huella indeleble en la cultura que perdurará por generaciones”. Tenía 94 años.

A continuación, algunas reacciones ante la muerte de Davis y su legado:

Barry Manilow

“Mi corazón está triste por la pérdida de mi amigo Clive Davis. Durante cincuenta años trabajamos juntos, creamos juntos, discutimos juntos y celebramos juntos. Sí, algunos dirían que era un negocio. Pero para Clive, nunca lo fue. Era familia. Y tuve el honor de ser parte de la suya.” — en X.

Alicia Keys

“Para Clive Davis, el visionario que transformó los sueños en realidad, dejando una huella indeleble en la música y las vidas en todo el mundo.” — en Instagram.

Carlos Santana

“Clive Davis fue un visionario. Podía escuchar lo intangible antes que nadie pudiera verlo. Creyó en Santana desde el principio y, años después, volvió a creer en nosotros. Ese tipo de fe es una bendición hermosa y siempre estaré agradecido.

Clive entendía que la música es más que entretenimiento. La música es una fuerza sanadora. Une a las personas más allá del miedo, más allá de la separación, más allá de las fronteras. Dedicó su vida a apoyar a los artistas y ayudarlos a compartir su don con el mundo.

Clive reconocía la luz en las personas. Animaba a los artistas a confiar en su propia voz y a avanzar hacia su destino. Gracias a su visión, innumerables músicos pudieron llegar a los corazones de todo el planeta." — en un comunicado.

Patti Smith

“Esto es un agradecimiento a Clive Davis por transformar la música y, en una nota muy personal, por creer en mí, guiar mis esfuerzos y por medio siglo de tu amor y apoyo.” — en Instagram.

Rod Stewart

“Le debo tanto a Clive. La fuerza detrás de J Records, fue el único que creyó que un cantante de rock podía interpretar los estándares con convicción. Otras discográficas rechazaron la idea, y así nació The Great American Songbook, vendiendo cerca de 40 millones de copias.” — en Instagram.

Bruce Springsteen

“A los 22 años, cambió mi vida cuando me firmó con Columbia Records. Me trató con el mismo respeto y amabilidad siendo un don nadie de 22 años que luego de todo mi éxito. Un gran hombre.” — en Instagram.

Dionne Warwick

“No puedo pensar en otro hombre de la industria discográfica que pareciera tener esa habilidad mágica de reconocer un éxito al escuchar una canción. Estoy segura de que toda la industria musical lamentará su partida. Era único en su clase.” — en un comunicado.

Michael Bublé

“Con el corazón roto al enterarme del fallecimiento de Clive Davis. Clive no era solo una leyenda de la música, era un defensor de los artistas y alguien que creía en las personas y en sus sueños. Por siempre agradecido por su guía, su generosidad y las oportunidades que nos dio a tantos.” — en Instagram.

Paul Stanley

“El mundo de la música y todos los que han amado la música durante 6 décadas han perdido al visionario y defensor de tantos artistas en tantos géneros. Un genio único en su clase.” — en X.

Stephen Bishop

“Clive hizo mucho por los artistas y por la industria musical en su conjunto. Realmente fue único en su clase y vivió una vida increíblemente plena y extraordinaria. Si lo conocías, sabías que realmente se preocupaba por los artistas. Podía ser duro, pero siempre era justo.” — en X.

Fuente: AP

El uso de auriculares se ha consolidado como una costumbre cotidiana en la vida moderna. Ya sea para disfrutar de la música, hablar por teléfono o sumergirse en podcasts, estos dispositivos acompañan a millones de personas en sus rutinas diarias. El avance de la tecnología y la facilidad de acceso han hecho que escuchar audio a través de auriculares sea más común que nunca, integrándose tanto en el ocio como en las actividades laborales y de estudio.

Dentro de esta tendencia, escuchar música a un volumen elevado es una práctica especialmente frecuente, sobre todo entre adolescentes y jóvenes adultos. La posibilidad de aislarse del entorno y experimentar el sonido de manera más intensa resulta atractiva para usuarios de todas las edades. Sin embargo, a pesar de la popularidad de este hábito, existe un desconocimiento generalizado acerca de los riesgos al oído que puede implicar para la salud auditiva.

La percepción de que estos aparatos son inofensivos y forman parte de la vida diaria contribuye a que muchos usuarios no consideren los efectos potenciales del volumen y la duración de la exposición al sonido. Así, el placer de escuchar música fuerte suele imponerse frente a la conciencia de los posibles peligros, permaneciendo estos últimos fuera del radar de la mayoría de quienes utilizan estos dispositivos con frecuencia.

Por qué es importante el volumen en los auriculares

Escuchar música o cualquier tipo de audio a un volumen elevado a través de auriculares representa un peligro real para la salud auditiva. Cuando el sonido es demasiado fuerte, las delicadas estructuras internas del oído, en particular las células ciliadas, pueden sufrir daños irreversibles. Estas células, responsables de transmitir las vibraciones sonoras al cerebro, no se regeneran una vez que resultan afectadas, lo que puede derivar en una pérdida auditiva permanente.

El riesgo radica en que los dispositivos portátiles actuales pueden alcanzar niveles de sonido de hasta 120 dBA, equiparables al volumen de un concierto de rock, según advierte la Universidad de Utah. La exposición a estos niveles puede causar daños en cuestión de segundos. Además, los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades (CDC) señalan que el límite seguro para evitar daños auditivos se encuentra en 85 dB, equivalente al ruido de una máquina de cortar el pasto. Superar este umbral, aunque sea por periodos breves, puede provocar lesiones en el oído interno.

El exceso de sonido no solo afecta las células ciliadas, sino también la conexión entre estas y las células nerviosas, interrumpiendo el proceso de transmisión del sonido, según explica Harvard. Como resultado, no solo se pierde sensibilidad auditiva, sino que pueden aparecer síntomas como zumbidos, dificultad para entender conversaciones o la necesidad de aumentar el volumen de otros dispositivos.

Como se dijo, escuchar audio a un volumen alto con auriculares es peligroso porque puede dañar de manera permanente las células ciliadas del oído interno, esenciales para la transmisión sonora al cerebro. Este daño, según especialistas, puede causar desde una pérdida auditiva temporal hasta una discapacidad permanente, dependiendo de la intensidad y el tiempo de exposición.

En este contexto, tanto la Clínica Cleveland como la Universidad de Utah y Harvard coinciden en que el uso irresponsable de auriculares, en especial a volúmenes altos, es una causa creciente de problemas auditivos en la población. Las consecuencias pueden ir desde molestias leves y pasajeras hasta una pérdida auditiva irreversible, que impacta la calidad de vida y la comunicación cotidiana del usuario.

Un estudio de Cureus realizado en 2025 entre estudiantes de medicina evaluó el impacto del uso de auriculares en la salud auditiva. Detectó que quienes escuchaban música a volúmenes superiores al 80% durante más de cuatro horas diarias presentaban síntomas como dolor de oído, intolerancia a sonidos fuertes y pérdida auditiva sensorineural temprana. El daño fue mayor en quienes combinaban volumen alto y uso prolongado.

Otra investigación, también de Cureus, analizó adultos jóvenes que usaban auriculares y halló que el 83% presentaba pérdida auditiva subclínica, asociada al uso prolongado y a altos volúmenes. El riesgo aumentó entre quienes utilizaban auriculares por motivos recreativos, educativos o laborales. Además, se reportaron otros problemas como infecciones, molestias y dificultades de atención.

Cuándo es seguro escuchar con auriculares

El uso de auriculares puede ser seguro siempre que se respeten ciertos límites de volumen y duración. Los especialistas recomiendan mantener el volumen en o por debajo del 60% de la capacidad máxima del dispositivo. Este rango suele situarse entre 65 y 85 dBA, una intensidad comparable a una conversación normal o al ruido del tráfico urbano moderado. Según Harvard y la Universidad de Utah, escuchar a este nivel permite disfrutar del audio sin que exista riesgo significativo de daño auditivo, incluso durante varias horas.

La seguridad también depende del tiempo de exposición. De acuerdo con la Clínica Cleveland, es aconsejable aplicar la regla 60/60: utilizar los auriculares al 60% del volumen máximo durante un máximo de una hora, seguido de un descanso de al menos 10 o 15 minutos antes de reanudar el uso. Esta pausa es necesaria incluso si el volumen es bajo, ya que el uso prolongado puede bloquear el conducto auditivo, favoreciendo la acumulación de humedad y el desarrollo de infecciones.

Escuchar con auriculares es seguro cuando el volumen no supera los 85 dB y se limita la duración continua a menos de una hora, permitiendo descansos regulares. Así se reduce el riesgo de lesiones en las estructuras auditivas, tanto en adultos como en niños.

La clave está en la comodidad auditiva: si el sonido es claro y se percibe sin esfuerzo, sin necesidad de elevar el volumen para aislar ruidos externos, es probable que se mantenga en un rango seguro. Los expertos también destacan la importancia de evitar entornos excesivamente ruidosos, ya que en ellos suele incrementarse el volumen de los auriculares para compensar el ruido ambiental, lo que eleva el riesgo de daño auditivo.

En 1778, una joven música llamada Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guînes se encontraba en una lección de composición en París, tratando de crear una melodía. Estuvo devanándose los sesos durante 15 minutos. Finalmente, su maestro —Mozart— escribió el inicio de una tonada y le pidió que la continuara.

“Mira qué asno soy”, le dijo, según relató después en una carta a su padre. “Comencé un minueto, y ni siquiera puedo terminar la primera parte — ¿serías tan amable de terminarla tú?”

En la carta, Mozart se quejaba de que su alumna, una duquesa con talento para el arpa, realizaba correctamente sus ejercicios de teoría musical, pero “no tenía ideas en absoluto”.

Eso pudo haber sido exasperante para Mozart, pero ha legado a la posteridad un regalo espectacular. El viernes, la Biblioteca Nacional de Francia anunció el descubrimiento de un cuaderno de 44 páginas de las lecciones de de Guînes. El cuaderno ofrece una ventana extraordinaria al método de enseñanza de Mozart, mostrando sus correcciones y mejoras en el trabajo de de Guînes. El hallazgo también aporta piezas de repertorio marcadas por la imaginación de Mozart: siete obras para flauta y arpa previamente desconocidas. Los expertos afirman que, si bien de Guînes compuso estas obras bajo la guía de su maestro, Mozart escribió una parte sustancial de la música él mismo.

“Este es el descubrimiento mozartiano más importante en décadas”, dijo Armin Brinzing, director de la Biblioteca Mozart de la Fundación Internacional Mozarteum en Salzburgo, Austria, en una entrevista telefónica.

Las obras recién descubiertas fueron interpretadas públicamente por primera vez el domingo en la Biblioteca Nacional de Francia, interpretadas por la flautista Mathilde Caldérini y el arpista Nicolas Tulliez, ambos miembros de la Orquesta Filarmónica de Radio France. Sus grabaciones de las piezas se transmiten el lunes por la emisora France Musique.

François-Pierre Goy, conservador de la Biblioteca Nacional, dijo que en febrero estaba revisando una pila de manuscritos anónimos, con la esperanza de completar detalles sobre ellos antes de jubilarse, cuando un cuaderno llamó su atención.

Mostraba el tipo de ejercicios de armonía que él había tenido que practicar siendo estudiante. Había dos estilos de caligrafía claramente distintos — el de una estudiante y el de un maestro— y el profesor tenía una manera inusual de dibujar ciertos signos musicales.

Goy observó más detenidamente la caligrafía del maestro. Examinó cuadernos de lecciones que el compositor había dado después en Viena y una copia autógrafa de una partitura de Mozart en la colección de la biblioteca. Las similitudes eran sorprendentes.

“No podía creer lo que veía”, dijo Goy. Como era precavido ante una posible decepción, consultó a la musicóloga Laurence Decobert, quien también estaba convencida de que estaban ante la escritura de Mozart. En abril, Brinzing viajó a París para autenticar el manuscrito.

“Es muy claro”, dijo Brinzing, “que es la escritura de Mozart”.

Gracias a las cartas de Mozart, los estudiosos sabían que él enseñó a de Guînes entre mayo y julio de 1778. El manuscrito les permite estudiar su método de enseñanza exacto.

“Se puede seguir prácticamente compás a compás”, dijo Brinzing. “¿Qué escribió ella? ¿Qué corrigió Mozart?”

“Es fascinante”, añadió, “poder comparar eso”.

El duque de Guînes esperaba que su hija llegara a ser una compositora lo suficientemente competente para escribir sonatas para flauta y arpa, los instrumentos que ellos tocaban. La mayoría de las piezas redescubiertas son obras ligeras y breves, y una de ellas está incompleta. Pero Mozart corrigió otra, un movimiento rápido de unos cinco minutos, hasta tal punto que “aproximadamente tres cuartas partes a un 80 por ciento deberían ser de Mozart”, dijo Goy.

Tulliez, el arpista, dijo que esa pieza es una importante adición al repertorio. Antes del viernes, la única pieza de Mozart para su instrumento era el Concierto para flauta, arpa y orquesta en do mayor, K. 299, que Mozart escribió en el mismo periodo para el duque de Guînes y su hija.

El movimiento rápido redescubierto “va a convertirse, sin duda, en una de nuestras obras principales”, dijo Tulliez.

Tanto Tulliez como Caldérini, la flautista, coincidieron en que es la obra más potente del conjunto. Sin embargo, cuando empezaron a ensayar las piezas, las partituras preparadas por Goy usando los cuadernos no diferenciaban entre maestro y alumna. Sin ver la caligrafía, podía ser difícil distinguir la voz musical de Mozart de la de de Guînes.

“No fue tan fácil adivinar quién escribió qué”, dijo Caldérini.

Ella también se preguntaba si Mozart no sería demasiado severo con su alumna. “Era muy exigente, porque era muy talentoso y muy joven”, dijo. “Tal vez no podía entender que no era tan fácil para otra persona componer”.

Ahora, la dinámica que frustraba a Mozart es precisamente lo que hace tan valioso el manuscrito. Una alumna con más inspiración le habría dejado menos por hacer. A pesar de sus lamentos, sus lecciones produjeron música de una gracia extraordinaria.

La música, dijo Goy, “merece vivir”.

Fuente: The New York Times

El verano de Carlos Baute no podía empezar de una manera más accidentada. El pasado 19 de junio, el cantante venezolano, autor de temas tan conocidos como Colgando en tus manos, Te regalo o su reciente single, ¿Quién mejor que tú?, fue visto en el hospital tras un accidente practicando surf en Tenerife, que lo envió directo al hospital con una fractura de muñeca. El incidente tuvo lugar, además, el día antes de que el cantante diera un concierto en la isla, y a pocas semanas de iniciar una gira que lo llevará por una decena de ciudades en España en más de catorce fechas.

En una entrevista con Infobae, el cantante ha dado nuevos detalles del golpe que se dio. “Fue muy loco porque fue con la tabla de surf, no fue la caída”, explica. Baute se encontraba en una piscina de olas artificiales que, cada cierto tiempo, generan corrientes en el agua para provocar ese movimiento. “Nosotros lanzamos la tabla, pero como era una corriente salió despedida y bumba, me dio en la mano y me hizo una fractura en la muñeca”.

Lo curioso es que, en el momento del accidente, el cantante venezolano no se dio cuenta del daño que se había hecho. “Sentí un golpe y dije: ‘Nada, seguimos’. Y ya a las dos horas digo: ‘¿Esto qué es?’. CUando me vi la mano, mis dedos eran otros dedos". Como a día siguiente tenía concierto, tomó la decisión de ir “corriendo al hospital”. “Me pincharon para el dolor”, comenta. “Les comenté a los médicos que tenía el concierto y me dijeron: ‘Tranquilo, te vamos a inmovilizar esto y ya verás cómo mejora’”. Y tal cual, a las ocho horas había bajado bastante. Luego en el concierto bailamos, cantamos, la pasamos muy bien. Estaba asustado al día siguiente por ver qué pasaba, pero me dolió muy poquito".

Los planes para el Mundial

El dolor ha ido a menos con el paso de los días y el cantante afirma que no ha necesitado tomar pastillas para reducirlo. “Me dio pena porque aparte es veranito y podía aprovechar con los niños y el deporte... No puedo jugar a tantas cosas. A ellos les gusta el pádel, les gusta el voleibol, meterme en la piscina con ellos, surfear, y ya nada”, lamenta. Aun así, ni la muñeca rota le ha quitado las ganas de volver a subirse a una tabla. “Me quitan esto y vuelvo, no tengo problema”, avisa con una sonrisa. “Para el pádel tendré que aguantar un ratito más”.

Eso sí, habrá que ver si tendrá tiempo para ello, ya que le espera un verano lleno de conciertos en ciudades como Madrid, Granada, Cádiz, Almería, Murcia, Toledo, Valencia, Barcelona, Badajoz y Valladolid, además de una escapada a Buenos Aires en octubre. “Me encantaría ir con la familia a todos esos sitios, pero si son seguidos no los llevo porque es todo el día en el coche, pero siempre aprovecho cuando vamos a sitios de playa”. Además, parece que muy pronto un nuevo disco verá la luz, el cual reunirá alguno de sus grandes éxitos con diferentes colaboraciones “muy potentes, de amigo y gente muy nueva”.

Spotify pagó USD 11.000 millones a la industria musical en 2025, según el informe Loud & Clear 2026, una cifra que demuestra el alto nivel que están logrando en los últimos meses los equipos de los artistas. En una entrevista con Infobae, Manuela Echeverry, líder de Relaciones con Artistas y Sellos Discográficos para la región Andina de Spotify, explicó cómo funciona el reparto de regalías y qué lugar ocupan los artistas emergentes.

“Así seas el artista que lanzó una canción ayer y la ha escuchado cien veces su mamá vas a ganar por esas cien reproducciones. Antes, ese proyecto ni siquiera tenía razón ni posibilidad de ser”, afirmó Echeverry en conversación con Infobae sobre el reporte anual con el que la plataforma detalla cómo distribuye sus pagos a la industria musical.

La vocera trabajó en el ecosistema musical latinoamericano y pasó por ONErpm (empresa de distribución digital) antes de llegar a Spotify; por lo tanto, tiene claro cómo funciona la economía del streaming, los pagos a artistas y las iniciativas con las que se apoya a músicos colombianos.

Qué muestra el informe Loud & Clear de Spotify

Spotify pagó USD 11.000 millones a la industria musical en 2025. Sobre ese informe, Echeverry dijo: “Somos la única plataforma que comparte esta información de manera transparente. No hay nadie más que lo haga en esta industria”.

La mitad de ese dinero llegó a indies, agregadoras y distribuidoras que trabajan con modelos más flexibles y autónomos. Son las empresas que representan a buena parte de los artistas que lanzan su música por primera vez o están dando sus primeros pasos.

Para Echeverry, ese dato modifica la discusión sobre quién puede vivir de la música. “Hoy en día un porcentaje mucho más amplio de la torta de regalías se está yendo a estos artistas”, señaló. “Más artistas, que no solamente son los que están en la cima de los charts (listas de éxitos), están pudiendo generar regalías, carreras sostenibles y vivir de la música”.

Entonces, el dinero no solo es para el artista, es para todo su equipo de trabajo que logra llevarlo al éxito, además del talento, por supuesto.

El informe también registra que 13.800 artistas generaron en promedio USD 100.000 durante 2025. Según la ejecutiva, esa cifra duplica y triplica el número de músicos que hace unos años podían aspirar a ese nivel de ingresos.

Sobre el objetivo del reporte, afirmó: “Educar sobre la economía del streaming, ni siquiera sobre Spotify, sino de cómo funciona la economía del streaming realmente”.

Cómo cambió la industria de la música con el streaming

La industria de la música cambió a lo largo del tiempo: del vinilo al casete, del casete al CD y del CD al video musical. Echeverry vinculó el surgimiento del streaming con la piratería.

“La única constante en el negocio de la música es que siempre va a estar cambiando”, dijo. “La problemática de la piratería es la raíz o la base sobre la cual surge el streaming, con Spotify como pionero”.

El cambio fue también estructural. Antes, la visibilidad de un artista dependía de cuántas canciones rotaban en la radio —alrededor de 40— o de cuántos discos ocupaban los estantes de una tienda. Si no estaba allí, no existía.

“Antes tenías que ir a una tienda de discos a comprar únicamente el CD del artista que conocías porque lo habías escuchado en radio o porque alguien te lo había recomendado”, recordó Echeverry. “Hoy en día las plataformas te pueden permitir oír muchos artistas y muchas canciones en simultáneo una tras otra”.

Esa apertura incide sobre quién puede construir una carrera. Antes, solo los artistas respaldados por grandes disqueras, con presupuesto y estructura, tenían posibilidades reales de ser descubiertos.

Para Echeverry, el descubrimiento es hoy uno de los pilares de Spotify. “No importa en qué momento de la carrera esté el artista”, afirmó. “Cuando el artista hace bien las cosas y tiene una buena tracción orgánica dentro de la plataforma, Spotify lo que va a hacer es potenciar ese comportamiento y mostrárselo a más personas".

También, sostuvo que la diferencia no está en el tamaño del contrato, sino en la propuesta artística. “Lo que hace que tu propuesta de valor como artista se destaque es que seas auténtico y que logres conectar con audiencias desde la autenticidad, no desde tratar de copiar fórmulas o modelos”.

Cómo funciona el pago en Spotify

Uno de los malentendidos más extendidos es creer que Spotify paga directamente a los artistas. “Lo primero que deben saber todos los artistas y todas las personas que están empezando en la música es que Spotify no le paga directamente a los artistas”, aclaró Echeverry.

Spotify transfiere el dinero a los representantes de los derechos: la disquera, la agregadora o la editora. Luego, esas partes trasladan el dinero al músico. según el contrato firmado (el cual no conoce Spotify ni otras plataformas).

Ese contrato es clave. Si una disquera acordó con un artista una división del 50%, el músico recibirá la mitad de lo que le corresponde por regalías. “Eso ya no le compete a Spotify”, precisó.

El segundo punto es el del pago por reproducción. Echeverry fue muy clara: “Nosotros no pagamos por reproducción. Esto es imposible porque los suscriptores no pagan por una canción, pagan por una suscripción para tener acceso a un catálogo completo”.

El sistema funciona con algo llamado market share. En términos simples, del total de reproducciones generadas en un país, cada artista recibe el porcentaje que sus escuchas representaron sobre ese total. Si un artista concentró el uno por ciento de todas las reproducciones de ese mercado, recibirá el uno por ciento de las regalías correspondientes. Ese pago va primero a su disquera o agregadora, no al artista de forma directa.

La confusión surge de una operación matemática. Algunos artistas dividen sus ingresos totales entre el número de reproducciones y obtienen una cifra por escucha. “Lo que quiere decir eso es que cuando tienes un número muy alto de ingreso por reproducción es que en esa plataforma te están escuchando menos”, advirtió.

Hay otro punto de discusión: si cuenta una escucha parcial. La respuesta es no. 30 segundos es el umbral mínimo para que una reproducción sea válida. “10 segundos no reflejan interés en tu contenido, si a los 10 segundos ya le dieron skip (siguiente) a la canción”, explicó. El criterio también busca evitar reproducciones falsas y garantizar que cada escucha represente una intención genuina del oyente.

La frecuencia de los pagos varía según el acuerdo entre Spotify y cada socio, y luego según los tiempos internos de cada disquera o agregadora. “Hay muchos factores que intervienen en este tema, que no se puede simplificar o reducir a todos esos titulares que uno a veces se encuentra por ahí”, dijo.

Programas para artistas colombianos con Spotify

Cuando hablamos del apoyo a talentos emergentes, mencionó dos programas de Spotify: Radar y Equal.

Radar empezó en 2020 en la región Andina, que abarca cuatro mercados, con un enfoque puesto en acompañar a artistas en etapas tempranas de su carrera. El programa incluye Aulas, que son espacios educativos itinerantes en los que Spotify enseña a los músicos a usar Spotify for Artists.

El equipo recorrió Villavicencio, Valledupar, Barranquilla, Medellín, Cali y distintos escenarios en Bogotá. Cartagena es el próximo destino en Colombia.

Radar también organiza Song Camps, campamentos de composición en los que artistas emergentes trabajan junto a productores. En 2023, Ovy On The Drums produjo tracks para los artistas Radar andinos de ese momento. El próximo camp se realizará en Cartagena con Gangsta, productor de cabecera de Kapo y figura del afrobeat latino.

Los números del programa incluyen casos como el del cantante Blessd, que entró a Radar en 2021 con cuatro millones de oyentes mensuales. Hoy se acerca a 30 millones y fue el artista colombiano más escuchado en Colombia el año pasado. Nanpa Básico, uno de los primeros artistas del programa, pasó de dos millones a cerca de 10 millones de oyentes.

“Lo que pasa cuando un artista es Radar no es solo: ‘Ay, bueno, fuiste artista Radar dos meses’”, aclaró Echeverry. “Es un compromiso de desarrollo en el mediano y largo plazo de parte de Spotify con el artista”.

Equal y la expansión del formato para mujeres

El segundo programa es Equal, orientado a promover la equidad de las mujeres en el audio, tanto en música como en pódcast. Cada año, Equal organiza los llamados Equal Days, antes Empowerment Days, jornadas con espacios académicos, talleres y Song Camps para artistas.

Colombia fue el origen de una de esas iniciativas. En 2022, Bogotá fue sede del primer Equal Fest a nivel global: un festival con boletería exclusiva para mujeres y un cartel integrado por artistas femeninas. Elsa y Elmar, Andrea Echeverri, Paula Jara, Goyo, Ventino y Juliana formaron parte de esa primera edición.

Luego el formato se replicó en otros países. Argentina y España siguieron el ejemplo. El 18 de noviembre de 2025, París fue sede de la edición francesa del Equal Fest.

“Estas iniciativas aportan a esa economía del streaming que le abre el espectro y la posibilidad a muchos más artistas de ser descubiertos, de ser escuchados y de poder vivir de su música”, resumió Echeverry.

La pieza no tardó en escalar a la cima de los rankings internacionales, convirtiéndose en el himno que marcó un antes y un después en la carrera de Adele y en la vida emocional de muchos oyentes.

El proceso de creación comenzó cuando Adele decidió canalizar su experiencia personal tras una ruptura amorosa. Junto al compositor Dan Wilson, compusieron la canción en dos días en un ambiente íntimo, acompañados solo por un piano en el estudio. El resultado fue una balada directa y sincera que expone el dolor y la vulnerabilidad de quien no logra superar un amor perdido.

La letra presenta la historia de una mujer que confronta a su expareja, quien ya rehízo su vida, mientras ella aún no puede olvidar. La cantante señaló en distintas entrevistas que buscaba expresar honestamente sus emociones, lo que derivó en un tema profundamente personal y universal.

Un origen marcado por el misterio y la autenticidad artística

De acuerdo con American Songwriter, el ambiente de la sesión fue propicio para la creatividad. Rick Rubin sugirió la colaboración, unido a la presencia de un piano Yamaha que ayudó a definir el sonido.

Dan Wilson explicó que Adele trajo a la reunión la melodía y fragmentos de la letra, y juntos completaron el esquema musical y la armonía. Su prioridad era mantener la simplicidad y emotividad original, evitando arreglos que pudieran restarle fuerza a la interpretación vocal.

Durante el segundo día de grabación, Adele padecía un resfriado, lo que otorgó a su voz un matiz áspero y desolado. Wilson propuso regrabar el último estribillo para capturar al máximo ese estado emocional. El resultado fue una toma desgarradora que se mantuvo en la versión final.

Según la propia Adele, compartir la maqueta con su madre provocó lágrimas instantáneamente, lo que anticipó el impacto emocional de la canción.

La inspiración directa de “Someone Like You” provino de la ruptura más significativa de Adele, quien mantuvo una relación intensa entre 2008 y 2009. De acuerdo con El País, la artista nunca reveló la identidad del destinatario de la canción, aunque se especuló sobre varios nombres. En una entrevista, Adele declaró que necesitaba escribir la canción para poder pasar página y aceptarse a sí misma tras la decepción sentimental.

El sencillo se convirtió en una de las canciones de desamor más reconocidas del siglo XXI. Parte de su alcance se atribuye a la autenticidad de la interpretación y a la capacidad de sus compositores para transmitir una emoción universal. La decisión de lanzar la versión demo, sin grandes añadidos orquestales, resultó fundamental para preservar la intimidad de la grabación.

Según un estudio citado por The Wall Street Journal, “Someone Like You” provoca reacciones intensas debido a la combinación de la melodía, la letra y la voz de Adele. El uso de ciertos elementos musicales conocidos como apoyaturas genera tensión y desemboca en explosiones emocionales. Investigaciones lideradas por Robert Zatorre, de la Universidad McGill, demostraron que escuchar canciones tristes y potentes como esta libera dopamina, lo que genera placer y motiva su repetida reproducción.

La canción recibió elogios de la crítica y se instaló de inmediato en el imaginario colectivo, asociada a escenarios de tristeza y superación. La interpretación en vivo de Adele en la entrega de los premios BRIT 2011 acentuó el impacto mediático del tema e impulsó su éxito internacional. El público y expertos destacaron la honestidad y madurez vocal de la artista, quien tenía 22 años al momento de grabar el disco.

Con el paso del tiempo, Adele consolidó su carrera musical a través de nuevas producciones, aunque “Someone Like You” sigue ocupando un lugar especial para la artista y su audiencia. De acuerdo con American Songwriter, tanto fans como colegas expresaron que la sensibilidad del tema les hizo llorar, independientemente de conocer personalmente a Adele o no. Esto se atribuye a la universalidad de la emoción plasmada en la canción.

Actualmente, la cantante continúa trabajando en su música y mantiene un perfil reservado en cuanto a los detalles de su vida privada. Sin embargo, cada vez que adelanta un nuevo proyecto, el interés del público se renueva ante la posibilidad de escuchar otra confesión artística de la misma magnitud emocional. La historia de “Someone Like You” demuestra cómo una experiencia íntima puede transformarse en un fenómeno global que trasciende generaciones y fronteras.

El regreso de Kase.O al panorama musical español ha llegado de la mano de Camisa de fuerza, un disco que rompe un silencio discográfico de una década y que, según el propio artista, le permite “decir ciertas cosas” sin autocensura.

A la hora de abordar las polémicas sobre el posicionamiento político en el hip hop, el rapero zaragozano ha sido tajante: “Pienso que si eres facha, no puedes escuchar rap. Todo no se puede en la vida. El rap es un movimiento antirracista, porque todos nuestros ídolos están racializados.” Al mismo tiempo, ha defendido “puedes criticar a la izquierda y no ser fascista. Puedes decir lo que quieras sin defender unas siglas”.

La publicación de este nuevo álbum, el primero tras El círculo, ha supuesto para Javier Ibarra —su nombre real— un proceso largo y personal. Ha revelado: “Iba juntando frases, pero el proceso del disco es para mí algo muy íntimo y tengo que parar toda la infraestructura (para componer)”. Además, ha justificado la espera asegurando que necesitaba “esperar a que pasaran cosas” tanto en el mundo como en su vida personal.

El contenido y la controversia en torno al álbum

Kase.O ha querido recuperar para este nuevo trabajo la diferencia entre su faceta íntima y la artística: “En El círculo quería que cantara Javier Ibarra y aquí Ibarra ha usado a Kase.O, que es más valiente y tiene más poder para decir ciertas cosas”. El título y la portada del disco, en la que aparece “vestido de loco”, responden a esa intención de “permitirse ciertas licencias” en el discurso.

El lanzamiento de Camisa de fuerza llega tras años de actividad en directo y proyectos conmemorativos, como los aniversarios de su carrera o de discos como Jazz Magnetism. En la rueda de prensa de presentación en Madrid, el artista no ha esquivado preguntas sobre su apoyo a Gaza, especialmente tras la polémica por participar en festivales vinculados a fondos proisraelíes. “He hecho yo más por Gaza que todos los que han dicho algo de mí respecto a esa polémica, eso segurísimo. En Gaza tengo yo más cariño que ellos”.

La presión de la opinión pública y los ataques en redes sociales han sido otro de los temas centrales en sus declaraciones. “Doler no duelen, producen entre pena y asco, pero joden porque no es necesario”. En la misma línea, no ha dudado en señalar la contradicción de algunos admiradores: “Luego me dicen por ahí: ‘¡Ay, maestro!’. ¡Qué maestro!, aclárate”, y confesó que “cualquier crítica vale por veinte alabanzas”.

Debates sobre el rap y la vieja escuela

El debate sobre la diversidad en el rap español, y sobre si la escuela de los 90 impuso un canon, también ha sido abordado. “Eso no tiene ni pies ni cabeza, porque entonces no había nada, ni industria ni nada. El público decidió que éramos nosotros los que le gustábamos. Pues te jodes. No hubo boicot ni conspiración del sello Boa ni nada. El público mandaba más que nunca. No había videoclips, ni promo y éramos feos los que cantábamos”, ha defendido. “Los que dicen eso son unos perdedores”.

El álbum cuenta con numerosas colaboraciones, entre ellas las de sus compañeros de Violadores del Verso, Evaristo Páramo (La Polla Records), Nach y Zatu, figuras reconocidas del rap nacional. Además, se ha anunciado que la presentación de Camisa de fuerza vendrá acompañada de una gira que aspira a transformar los estándares del directo en el rap español. El propio Kase.O adelantó que buscará llevar “ideas bastante guapas” a recintos de gran capacidad, con la intención de ofrecer algo “muy especial y muy teatral”.

Entre las fechas confirmadas para los primeros conciertos destacan el 16 de enero en el Coliseum de A Coruña, el 22 en el Bilbao Arena, el 29 en el Sant Jordi Club de Barcelona, el 20 de febrero en el pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza y el 27 de febrero en el Movistar Arena de Madrid.

“No hablé hasta los cuatro años, pero cuando empecé a emitir sonidos salí cantando”, relató Levinton con humor, provocando sonrisas entre los presentes. Sin embargo, el tono pronto cambió cuando la conversación giró hacia su niñez y el deseo profundo que sentía de tener hermanos.

Durante la charla, Levinton recordó abiertamente que no tuvo hermanos hasta los 15 años. El artista describió esa primera etapa de su vida como un tiempo de ausencia: “Siempre quise tener hermanos y tenía problemas al no tenerlos”, confesó mirando a Mirtha Legrand. Para sobrellevar la soledad, compartió una imagen que conmovió a todos: “Me compraron una cama cucheta y un día dormía en una y otro día en la otra para creer que tenía uno. Y así fue hasta que tuve hermanos”.

En la actualidad, el cantante afirma mantener una relación estrecha con su hermano y su hermana, quienes llegaron a su vida cuando ya era adolescente. “Somos muy amigos”, resumió Levinton sobre el impacto positivo que ellos tuvieron en su desarrollo personal.

En ese mismo espacio, el invitado definió su relación familiar: “Soy re hermano, tengo muy buen carácter”. Estas palabras buscaron dar cuenta de su rol fraternal en la familia, una dinámica que, según sus propias palabras, lo fortaleció y le permitió transitar la adultez con mayor seguridad.

Durante el programa, explicó que la soledad de la infancia marcó su carácter y su modo de vincularse tanto con la música como con los demás.

La confesión de Levinton sobre la cama cucheta se convirtió en uno de los momentos más comentados de la noche en redes sociales. La imagen de un niño que alterna cada noche de cama para sentir que tiene compañía fue recibida con empatía por los presentes.

El cantante explicó que, aunque “parece algo normal ser hijo único, pero no lo es”, para él la experiencia fue desafiante y moldeó sus expectativas y necesidades afectivas. La llegada de sus hermanos, en una etapa de su adolescencia, transformó su vida: “Me ayudó mucho porque siempre quise tener hermanos”.

Levinton no ahorró detalles sobre la intensidad de ese deseo ni sobre los cambios que supuso en su vida familiar. La sinceridad de su relato permitió que el público y los invitados pudieran entender mejor la sensibilidad que caracteriza al artista.

Durante la velada, Guido Kaczka intervino para respaldar la descripción que Levinton hizo de su personalidad. El conductor elogió el ingenio y el carácter imprevisible del músico: “Es una maravilla. Es muy entretenido trabajar con él porque no sabés lo que va a pasar. Es muy ingenioso”.

El comentario de Kaczka aportó una mirada desde el entorno profesional de Levinton, reforzando la idea de que su personalidad expansiva es reconocida tanto en el plano personal como en el laboral.

A lo largo del programa, el músico aprovechó la ocasión para reflexionar sobre los efectos que tuvo en su vida crecer como hijo único por tantos años. Reconoció que esa vivencia lo empujó a desarrollar un vínculo especial con la música desde pequeño, así como una búsqueda constante de compañía y pertenencia.

El cantante de Turf relató que, a pesar de las dificultades, la música se convirtió en su lenguaje primordial. “Soy cantante desde que soy chiquitito”, insistió, relacionando el hecho de no hablar hasta los cuatro años con el surgimiento espontáneo de su vocación artística.

La noche en la que Levinton compartió su historia personal en la mesa de Mirtha Legrand estuvo marcada por otras anécdotas y confesiones de los invitados, que encontraron en ese clima de apertura el espacio para hablar de temas sensibles. Pero fue el relato del cantante el que se llevó los aplausos y las muestras de afecto, no solo por la honestidad con la que narró su experiencia, sino por la manera en que supo resignificar la soledad y convertirla en una fortaleza.

Instagram reveló un truco que permite a cualquier usuario de la red social de Meta descubrir los mejores stickers para sus publicaciones, ya sea en historias o en reels.

Esta funcionalidad se basa en una búsqueda mejorada dentro de la bandeja de stickers, lo que facilita encontrar opciones creativas, temáticas y en tendencia con solo escribir palabras clave.

Cómo buscar stickers creativos en la red social Instagram

Para buscar stickers creativos en instagram se debe crear una publicación, ya sea en una historia, reel o mensaje directo. Al abrir la bandeja de stickers, hay un adopción de búsqueda donde se debe pueden escribir palabras clave como “cumpleaños”, “estado de ánimo”, “comida” o “risa”.

El sistema filtra y muestra stickers estáticos y animados (GIF) relacionados con los términos, lo que agiliza la selección. Usar términos específicos como “básquet” en vez de “deportes” garantiza resultados más precisos y originales.

Se sugiere explorar estados de ánimo, días festivos o jerga popular para acceder a novedades. Otro punto clave es la posibilidad de superponer y combinar stickers, que permite crear efectos personalizados, aportando un valor distintivo a cada publicación.

Cuáles son los tipos de stickers disponibles en Instagram

La bandeja de stickers de Instagram se divide en categorías para diferentes propósitos. Entre las más populares se encuentran los stickers interactivos, que incluyen cuestionarios, encuestas, preguntas y el sticker “Tu turno”. Estas opciones invitan a la audiencia a participar de forma activa, logrando mayor interacción en historias y reels.

Otra categoría popular son los stickers expresivos, como emojis, avatares y GIFs animados. Estos recursos permiten transmitir emociones, estilos e intereses, aportando dinamismo y personalidad.

Además, los stickers musicales han ganado espacio, porque se pueden añadir fragmentos de canciones, mostrar el arte del álbum o el título de la pista para acompañar imágenes y videos.

Qué ventajas ofrece buscar stickers en Instagram por palabras clave

La principal ventaja en Instagram es la facilidad de acceso a un catálogo extenso y variado de stickers, incluso a opciones poco comunes o difíciles de encontrar. Al escribir términos concretos o de moda, los resultados se ajustan al contexto de la publicación y al estilo personal del usuario.

Asimismo, la búsqueda por palabras clave impulsa la creatividad, porque permite combinar stickers de diferentes categorías y tendencias. La opción de superponer varios elementos gráficos contribuye a que cada historia, reel o mensaje directo sea único y refleje la identidad de quien lo crea.

Cómo usar GIPHY para más opciones en Instagram

Instagram integra la biblioteca de GIPHY, que ofrece millones de GIFs y stickers animados. Al acceder a la bandeja de stickers y seleccionar el icono “GIF”, es posible explorar una colección en continua actualización, con opciones clasificadas en categorías como “Accesorios”, “Efectos”, “Diseños con palabras” y “Emojis”.

Las marcas y creadores pueden subir sus propios stickers a GIPHY, permitiendo que cualquier usuario los utilice en sus publicaciones. Esta integración amplía el alcance de campañas y mensajes, y facilita el acceso a tendencias globales al instante.

De qué forma es posible diseñar stickers personalizados en Instagram

La red social Instagram brinda la opción de crear stickers personalizados de manera simple. Al editar una publicación, se puede tocar el ícono de sticker y elegir la opción “Recortes” o “Tus stickers”.

Esta función transforma fotos personales o elementos seleccionados en stickers reutilizables, ideales para quienes buscan un toque único en historias y reels.

Las herramientas de recorte y edición integradas permiten adaptar la imagen al diseño deseado. Una vez guardado, el sticker personalizado queda disponible para futuros usos. Esta función es útil tanto para usuarios individuales como para marcas que desean fortalecer su identidad visual dentro de la red social.

Cada vez resulta más común observar a asistentes de conciertos y festivales con audífonos inalámbricos en los oídos mientras disfrutan de la música en vivo. Aunque a simple vista podría pensarse que están escuchando otra cosa, la realidad es completamente diferente: utilizan estos dispositivos como barrera frente al sonido excesivo.

Esta costumbre, que surgió en pequeños nichos y se volvió tendencia, está transformando la manera en que se vive la música en directo, al punto de que empresas como Apple han implementado funciones especiales para adaptarse a esta nueva necesidad.

Así es el auge de los audífonos como protección auditiva en conciertos

Lejos de ser una excentricidad, la práctica de llevar audífonos a espectáculos multitudinarios responde a una razón concreta: proteger la salud auditiva. Los decibelios que se alcanzan en un concierto moderno pueden oscilar entre 100 y 110 dB, según datos de Inspired By Beatz.

En la primera fila de un festival, los niveles pueden llegar a 115 dB, una cantidad de ruido que puede causar daños irreversibles en el oído en apenas quince minutos.

El oído humano es una estructura delicada, con cerca de 15 mil células ciliadas en la cóclea encargadas de transformar las ondas sonoras en señales nerviosas. Estas células no se regeneran si resultan dañadas por la exposición a ruidos excesivos.

Las principales organizaciones internacionales recomiendan no sobrepasar los 85 dB para una exposición prolongada, y advierten que a partir de los 100 dB, el tiempo seguro de exposición se reduce a minutos.

Por eso, quienes asisten a más de cinco conciertos al año, músicos, DJs o personas con antecedentes de acúfenos o daños auditivos en la familia, son quienes más han adoptado la costumbre de llevar algún tipo de protección.

Cuál es la función que Apple ofrece en sus AirPods para los conciertos

Con el lanzamiento de iOS 18.1 a finales de octubre de 2024, Apple presentó una función específica en los AirPods Pro 2 y Pro 3: Protección Auditiva activa. Esta característica se diseñó a partir de la observación del creciente uso de los AirPods como tapones en conciertos y eventos ruidosos.

La función está disponible en los tres modos de escucha: Transparencia, Adaptativo y Cancelación activa de ruido. El modo Transparencia permite escuchar el escenario y el entorno, atenuando entre 11 y 15 dB.

El Adaptativo combina la cancelación y la transparencia, elevando la protección hasta 29 dB. El modo de Cancelación activa ofrece una media de 27 dB, aunque el rendimiento varía según la frecuencia y el ajuste físico del auricular.

Para activar Protección Auditiva se requiere que los AirPods tengan el firmware más reciente y estén enlazados a dispositivos actualizados, como iPhone con iOS 18.1, iPad con iPadOS 18.1 o Mac con macOS Sequoia 15.1. Esta función actúa en tiempo real, procesando el sonido externo a través de los micrófonos y limitando los picos de volumen que pueden representar un riesgo para el oído.

Un detalle clave es que, a diferencia de los tapones tradicionales, los AirPods necesitan batería y dependen del ajuste físico en la oreja. El sonido se procesa digitalmente antes de llegar al canal auditivo, lo que implica ventajas y limitaciones respecto a la protección pasiva de los materiales aislantes.

Consejos y consideraciones para una protección eficaz

Más allá del tipo de protección elegida, el ajuste correcto es fundamental. Los tapones solo funcionan si se colocan a la profundidad adecuada; si quedan superficiales, la reducción real puede caer hasta 3 o 5 dB, muy por debajo de lo necesario en un concierto.

Además, los fabricantes recomiendan lavar los tapones de silicona con frecuencia y reemplazar los filtros de materiales termoplásticos según las indicaciones.

Llevar tapones o audífonos al concierto, lejos de ser una señal de debilidad, es un hábito que gana adeptos y que los profesionales del sonido adoptaron mucho antes que el público general.

El cantante británico Zayn Malik, cerró la noche del sábado su gira de conciertos en México, con un memorable espectáculo en el Estadio GNP, marcando uno de sus shows más importantes en su carrera como solista.

Con 3 fechas en tierras mexicanas, el músico se presentó el pasado domingo 14 de junio en el Estadio de los Borregos, Monterrey, el miércoles 17 de junio en la Arena VFG, Guadalajara; finalizando el 20 de junio en la Ciudad de México.

Su tour mundial “The Konnakol” también llegará a países como Brasil, Argentina, Chile y Perú, generando una gran euforia entre sus fanáticas que han esperado mucho tiempo para verlo de nuevo en los escenarios, después de su gira pasada “Stairway to the Sky” con la que también visitó la capital para brindar 3 conciertos, aunque el último de todos tuvo que ser cancelado por la salud del intérprete de “Pillowtalk”.

Zayn conquista el GNP en una noche

En punto de las 21:00 horas, Zayn salió al escenario cantando Nusrat, encendiendo a todos los asistentes lugar, quienes ansiaban vivir una experiencia inigualable en compañía de su artista favorito.

Cada una de las piezas musicales, fueron interpretadas de una manera muy profunda y conmovedora, creando una conexión rápidamente con el público. La voz de Zayn, destaca por tener un tono distintivo y versatil, convirtiéndolo en uno de los mejores cantantes de la época actual.

Entre cada canción, el músico británico sorprendió a los asistentes lanzando frases en español como “Te amo México”, “¡Qué onda”, entre otras. De la misma forma, aprovechó el momento para agradecerle a las fans por todo su cariño mostrado desde su llegada al país.

A lo largo del show, presentó todas las composiciones incluidas en el setlist, compartiendo algunos detalles sobre ellas, revelando cuáles son las que más aprecia dentro de su catálogo musical.

Uno de los momentos más memorables, lo hicieron sus seguidoras, al organizar un proyecto especial para el tema “Die for me”, en el cual era primordial poner un papelito de color en el flash de los celulares, con el objetivo que todos los presentes formaran la bandera mexicana.

Después de 20 canciones, el cantante se despidió de sus fanáticas mexicanas, finalizando el espectáculo a las 22:35 horas.

Como acto previo, Kaia Lana llegó al escenario para tocar sus mejores éxitos como: “Volver a empezar”, “Sobrenatural” y “Amantes astrales”, siendo recibida entre aplausos y gritos de apoyo.

Setlist del “The Konnakol Tour”

La selección de melodías abarcó diversas etapas de Malik como solista,destacando su primer sencillo lanzado en 2016 para su álbum Mind of Mine. Este es el setlist interpretado durante el concierto de CDMX:

• Nusrat
• sHe
• Met Tonight
• Birds On A Cloud
• What I Am
• Alienated
• Dreamin
• Concrete Kisses
• Gates of Hell
• BoRdErSz
• PILLOWTALK
• Lied To
• Used to the Blues
• Take Turns
• FATAL
• dRuNk
• iT’s YoU
• Scripted
• Sweat
• Die for Me

El paso de Zayn por tierras mexicanas confirmó el fuerte vínculo que mantiene con el público nacional. Cada presentación estuvo marcada por la emoción, la cercanía con sus fanáticas y un repertorio único.

Además de la música, uno de los elementos más distintivos de “The Konnakol Tour” fue el dress code inspirado en el estampado leopardado, una tendencia que se hizo presente en gran parte de los asistentes y que se convirtió en un sello característico de esta gira.

Fabiola Martínez vivió momentos de angustia durante su vuelo de regreso a Monterrey tras presentarse con Bandoleras en Oaxaca: el avión no pudo aterrizar por condiciones climáticas adversas y fue desviado a San Luis Potosí, con un retraso de más de cuatro horas.

La conductora, comediante e influencer regiomontana relató que el avión inició un descenso pronunciado y, de manera repentina, volvió a elevarse. “Fue algo que realmente me asustó. Sentí que el avión descendía muy fuerte y de repente volvió a elevarse. Hubo momentos de mucha incertidumbre y varios pasajeros estaban muy nerviosos; incluso una señora no dejaba de llorar”, describió.

La aeronave fue desviada al aeropuerto de San Luis Potosí, donde los pasajeros permanecieron dentro del avión aproximadamente una hora y media mientras se esperaba una mejora en las condiciones meteorológicas sobre Monterrey.

Cuatro horas de retraso y llegada nocturna

El vuelo tenía previsto aterrizar alrededor de las 4 de la tarde. Por el desvío y la espera en pista, la llegada se concretó cerca de las 8:30 de la noche, con más de cuatro horas de demora.

A pesar de la tensión, Martínez reconoció el desempeño del personal de vuelo. “Agradezco la labor de los pilotos y de toda la tripulación, porque al final lo más importante es que todos llegamos bien”, afirmó. La artista subrayó que la aerolínea siguió en todo momento los protocolos de seguridad.

“Después del susto, ya estoy en casa y agradecida de que todo terminó bien. Son experiencias que te recuerdan lo importante que es valorar cada momento”, añadió.

Bandoleras, el proyecto que la llevó a Oaxaca

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El incidente ocurrió tras una presentación de Bandoleras, la cover band con la que Martínez recorre distintos estados de la República Mexicana. El proyecto fue recientemente objeto de una entrevista en Revista TV Notas, señal del crecimiento de la agrupación entre el público.

La gira continúa posicionando a Bandoleras como una propuesta de entretenimiento en vivo con presencia creciente en el interior del país.

Quién es Fabiola Martínez

Originaria de Monterrey, Nuevo León, Fabiola Martínez nació el 4 de mayo de 1988. Es licenciada en Psicología por la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) y cursó también formación en programación.

Su carrera frente a las cámaras inició en Multimedios Televisión, en el programa Acábatelo, donde se desempeñó como “meserita”. Más tarde se integró a Telehit, donde ganó el apodo de “La Bomba Sexy” y condujo programas como La Escuelita Telehit, Guerra de Chistes y Queremos Más en Televisa Monterrey. Desde junio de 2025 participa también en el podcast de comedia La bella y las bestias.

Una trayectoria marcada por la tragedia

La vida personal de Martínez estuvo atravesada por un hecho violento. El 8 de septiembre de 2019, su esposo, el abogado Armando Gómez, fue asesinado a balazos al descender de su vehículo en un centro comercial del municipio de Escobedo, Nuevo León. Recibió cinco impactos de bala.

Con Gómez tuvo a sus dos hijas, Alison y Zaira, y habían contraído matrimonio en 2008. Tras el duelo, Martínez continuó su carrera en televisión y redes sociales, donde acumula más de 1.6 millones de seguidores en Instagram. Con el tiempo rehízo su vida sentimental junto al actor colombiano Tommy Vásquez, conocido por su participación en El Señor de los Cielos, La Ley Secreta y Pablo Escobar.

Influencer con más de un millón de seguidores

Martínez abrió sus redes sociales en 2011, el mismo año en que nació su segunda hija, y desde entonces construyó una presencia digital sostenida. Hoy acumula más de 1.6 millones de seguidores en Instagram, donde publica bajo el usuario @bellafaby contenido sobre su vida cotidiana, proyectos profesionales y emprendimientos.

Con el paso del tiempo sumó a su actividad en televisión una faceta como empresaria y modelo, consolidando un perfil multiplataforma que combina entretenimiento, comedia y conexión directa con su audiencia.

La polémica con Alex Montiel, “El Escorpión Dorado”

En junio de 2025, Martínez acaparó titulares al difundir audios, capturas de pantalla y fotografías que, según ella, documentaban una relación sentimental con Alex Montiel, creador de contenido conocido por su personaje “El Escorpión Dorado”. En entrevista con el podcaster Adrián Marcelo, reveló que ambos se habían conocido durante un roast de Franco Escamilla en 2023 y que mantuvieron encuentros en Monterrey, Nueva York, Los Ángeles y Acapulco.

En esa misma charla, Martínez afirmó que Montiel le expresó su deseo de tener un hijo con ella: “Él está operado y él me dijo: ‘me voy a desamarrar’ para tener un bebé”, relató. Ante la difusión de las imágenes, Montiel y su esposa, Dana Arizu, publicaron un video en el que explicaron que su relación era abierta y que no existía infidelidad. Ni Fabiola ni Alex confirmaron oficialmente haber sido pareja.

Danny Ocean vivió una semana sin precedentes en México: un show gratuito que saturó el Jardín Pushkin de la Ciudad de México y el lanzamiento del EP babylona blue —extensión de Babylon Club— consolidaron al venezolano como una de las figuras del pop latino con mayor presencia en el verano de 2026.

Todo arrancó con una publicación en redes sociales el sábado 13 de junio: “Mañana domingo a las 5pm voy a estar cantando algunas canciones en el Jardín Pushkin, Roma. Graaaatis!!”

Al día siguiente, miles de personas ocuparon el parque de la colonia Roma Norte bajo una lluvia que no paró en ningún momento del show.

Un parque tomado bajo el aguacero

La tarde del domingo 14 de junio llegó con rumores de cancelación. El aguacero sobre la capital parecía suficiente razón para suspender, pero a las 5:00 pm Ocean subió a una plataforma azul de cuatro o cinco metros de altura y el público no cedió un centímetro.

El espacio cotidiano de familias y caminantes se cubrió de paraguas, sombreros y chamarras empapadas durante toda la presentación. La lluvia no fue argumento para irse.

El artista salió completamente de negro y con gorra —imagen austera frente a la del martes anterior, cuando interpretó “Partidazo” en la ceremonia inaugural del Mundial 2026 con un atuendo vino y rodeado de bailarinas con estética de cultura mexicana.

Las canciones que eligió para la Roma Norte

“Mónaco” abrió el show y el parque respondió desde el primer compás. Le siguieron “Imagínate”, “Vitamina”, “Dembow”, “Ay Mami”, “Ley universal” y “Priti”, con “Me rehúso” como cierre de la noche.

Antes de bajar del escenario, Ocean se dirigió al público: “México, ustedes me han regalado las cosas más hermosas que he tenido en mi proyecto. Gracias por recibirme con tanto amor desde el día número uno”. El parque devolvió un cántico que se sostuvo hasta el final: “Danny, hermano, ya eres mexicano”.

Ya fuera del escenario, publicó en Instagram un video de la multitud con una línea: “Gracias CDMX, la pasé ufff”.

Lo nuevo de Danny Ocean babylona blue: ocho canciones que prolongan Babylon Club

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El EP llega como extensión directa de Babylon Club, quinto álbum de estudio de Danny Ocean, publicado en 2025. Las ocho canciones recorren reggae, afrobeats, dub y funk, y según la descripción del proyecto en Apple Music, proponen “perderse en el poder del presente, como una mirada que se concentra en el interminable turquesa del mar”.

El tracklist abre con “¿Por qué dudas de mí?” y avanza hacia “Desahógate”, junto al colombiano Ryan Castro, donde ambos encuentran, según la misma fuente, “un punto medio entre la vulnerabilidad y la seducción”. El focus track del lanzamiento es “Caramel”.

La colaboración de producción más notable es la del estadounidense Timbaland en “Don’t Stop” —figura con créditos junto a Beyoncé, Rihanna, Madonna y Justin Timberlake—, que baja el tempo y agrega, según Apple Music, “un aura más etérea a la estética playera” del EP. El tracklist cierra con “Real Time Love”, “Si tú supieras…”, “Calefacción” y “Quelomamen”.

Del estadio al barrio en menos de 96 horas

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El show en el Pushkin cerró una secuencia que había comenzado el martes 11 de junio en el Estadio Ciudad de México, donde Ocean cantó ante millones en la apertura del Mundial 2026 junto a Shakira, J Balvin, Maná, Belinda, Los Ángeles Azules y Lila Downs.

Cuatro días después, el mismo artista estaba de pie sobre una tarima de barrio, sin taquilla y bajo la lluvia.

De Caracas a los escenarios del mundo

Daniel Alejandro Morales Reyes nació en Caracas el 5 de mayo de 1992. Hijo de una diplomática venezolana, creció entre Japón, Namibia y las Antillas francesas antes de asentarse en Venezuela, donde empezó a producir música en 2009 bajo el seudónimo Danny O.C.T. Se graduó como diseñador gráfico en la Universidad Nueva Esparta y emigró a Miami, desde donde publicó “Me rehúso” de forma independiente en 2016.

La canción —compuesta y producida íntegramente por él— alcanzó la certificación 13 veces platino de la RIAA y lo posicionó como el primer artista venezolano en superar los mil millones de reproducciones en YouTube. En junio de 2017 firmó con Atlantic Records y Warner Music Group.

Su catálogo suma cinco álbumes de estudio: 54+1 (2019), @dannocean y @dannocean 2 (2022), REFLEXA (2024) y Babylon Club (2025), con colaboraciones junto a Karol G, Alejandro Sanz, Tini y Coldplay.

J Kbello se ha impuesto en la décima gala de ‘Tu cara me suena’ con un pleno absoluto de jurado y público y ha cedido el premio para que Leonor Lavado lo destinara a una asociación, un gesto que ha marcado una noche en la que el concurso de Antena 3 también ha mantenido sin cambios la clasificación general.

El cantante gaditano ha sumado 48 puntos del jurado con su imitación de Aerosmith y después ha recibido también el 12 del público, la máxima nota posible tras la conversión final de las puntuaciones del plató. La victoria eleva a cuatro sus triunfos en la presente edición.

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Los cuatro jueces: Ángel Llàcer, Lolita, Chenoa y Florentino Fernández, han otorgado la máxima puntuación a J Kbello en una gala en la que el nivel general ha vuelto a dificultar las valoraciones. La unanimidad se ha repetido también entre los espectadores presentes en el programa, que han terminado de confirmar su triunfo.

La generosidad y la gratitud marcan la gala

El ganador no ha querido reservar para sí la donación asociada al premio. “Yo tengo la suerte de decir que en este programa he podido donar a muchas asociaciones. He intentado que fueran de mi tierra, de Cádiz. Hoy me gustaría donar este premio, no a una ONG, pero a un compañero mío que donara”, ha dicho.

La elección ha recaído en Leonor Lavado, a la que el artista ha dedicado unas palabras de afecto en pleno directo. “Es una persona que le tengo mucho cariño, la admiro, la quiero y espero que después de este programa siga estando en mi vida. Esa es Leonor”, ha afirmado.

Lavado, emocionada, ha explicado el destino de la ayuda. “Yo soy de Puente Genil y se lo doy a la Asociación Disgenil para la mejora de la calidad de vida de personas con discapacidad porque hay que visibilizarla para que haya una inclusión en el mundo”, ha confesado entre lágrimas.

Antes del reparto de puntos, la gala ha dejado otro momento destacado con la entrega del tradicional trébol de la suerte. Esta vez, Ángel Llàcer ha decidido concedérselo al cuerpo de baile del programa y ha justificado así su decisión: “Sin él, este programa sería muchísimo más aburrido. Sin él, no brillaríamos como brillamos como programa. Sin él, las actuaciones no serían lo que son. Sin él, no tendríamos el éxito que tenemos. Hoy le quiero dar este trébol a él, a nuestro queridísimo cuerpo de baile”.

La coreógrafa Miryam Benedited, como portavoz, ha recogido el reconocimiento sobre el escenario. “Qué voy a decir de este pedazo de cuerpo de baile, son unos profesionales que valen para un roto y un descosido. Lo hacen todo y todo bien”, ha señalado.

Puntuaciones repartidas y nuevos retos

Sole Giménez ha obtenido 36 puntos con su imitación de Kylie Minogue. Leonor Lavado, acompañada de Nacho García, ha sumado 18 puntos, la nota más baja de Flo y Chenoa. María Parrado ha recibido 25 puntos con Isabel Pantoja. Chenoa ha relativizado su actuación con una frase breve: “No pasa nada por flaquear una vez”.

Aníbal Gómez ha cerrado su pase con 27 puntos. Jesulín de Ubrique ha logrado 23 con ‘Follow the leader’, incluida la valoración más baja de Llàcer, mientras Martín Savi, junto a Mikel Herzog Jr, ha alcanzado 42, segunda mejor nota para Lolita y Llàcer. Paula Koops ha conseguido 30 puntos con su imitación de Aitana. Cristina Castaño ha terminado con 39 y ha firmado la segunda mejor nota de Flo y Chenoa.

En la votación del público, ya transformada en una escala del cuatro al 12, Leonor ha recibido el 4 y Jesulín el 5. Sole ha sumado el 6, Aníbal el 7 y María Parrado el 8. Martín ha obtenido el 9, Cristina el 10 y Paula el 11. El 12 ha sido para J Kbello, que ha completado así el pleno de la noche.

La donación no ha alterado la clasificación general del concurso. El cantante gaditano ha ampliado su ventaja sobre María Parrado al frente de la tabla y el resto de posiciones se ha mantenido estable.

La última parte de la gala ha quedado reservada para el pulsador de la próxima semana. Entre los artistas que aparecerán en el escenario figuran Chimo Bayo, Jarabe de Palo, Amaral y Madonna.

En las casillas especiales, Aníbal ha caído en ‘Te lo robo’ y ha elegido a Chimo Bayo, que correspondía a Leonor. Paula ha caído en ‘Trae a un amigo’ para imitar a Robbie Williams y Nicole Kidman, y J Kbello ha entrado en la misma casilla para meterse en la piel de Beyoncé y Bruno Mars.

Christian Nodal cerrará la Feria Patronal de Cuautlancingo 2026 el domingo 28 de junio, en lo que será su primer concierto efectivo en el estado de Puebla tras dos cancelaciones previas. Según informan medios locales, quienes no residan en el municipio deberán pagar para acceder al evento.

De acuerdo con las fuentes, el acceso general tiene un costo de $300 por persona, mientras que una mesa VIP —con capacidad para cuatro personas— llega a los $8,000. Aunque es necesario verificar antes de acudir.

Los boletos se venden frente a la carpa instalada en la explanada del centro del municipio. Para los lugareños, el Ayuntamiento entregó cortesías de acceso sin costo.

Dos cancelaciones que dejaron deudas con el público poblano

El anuncio de la fecha en Cuautlancingo llega con antecedentes que sus seguidores no olvidan. En 2022, Nodal canceló una presentación en el Estadio Cuauhtémoc. Ya en 2026, volvió a ausentarse de otro show programado en el Centro Expositor de Puebla.

Ambas cancelaciones dejaron a sus fans con pérdidas económicas y comentarios de enojo en redes sociales. La feria patronal del municipio conurbado, a 20 minutos de la capital, se convierte así en una buena oportunidad para verlo en el estado.

Una cartelera de nueve noches en el campo Golden Boys

La Feria Patronal de Cuautlancingo, celebrada en honor a San Juan Bautista, arrancó este sábado 20 de junio y se extiende hasta el 28. El recinto es el campo de fútbol Golden Boys, con capacidad para hasta 18 mil asistentes por noche en las presentaciones de mayor convocatoria. Los shows inician entre las 19:00 y las 20:00 horas.

La cartelera completa es la siguiente:

20 de junio: Mijares

21 de junio: Banda Cuisillos

22 de junio: Batalla de Campeones (freestyle y rap)

23 de junio: Los Alameños de la Sierra

24 de junio: Maldita Vecindad y los Hijos del 5º Patio

25 de junio: Festival Sonidero con Sonido Fantasma de César Juárez

26 de junio: Aarón y su Grupo Ilusión con Mariana Seoane

27 de junio: Guardianas K-Pop y Tercia de Ases

28 de junio: Christian Nodal

El tour “Pal Cora” y un municipio que mira más allá de sus fronteras

Nodal promueve actualmente su gira “Pal Cora”, con la que recorre distintas ciudades de México. El músico ha señalado que esta serie de presentaciones está enfocada en espacios de carácter familiar.

El evento fue presentado en rueda de prensa por el presidente municipal Omar Alberto Muñoz Alfaro, en coordinación con la Secretaría de Arte y Cultura del gobierno estatal. El subsecretario de Cultura, Emilio Herrera Corichi, lo describió como un espacio para promover “la identidad, cultura y talento poblano” y fomentar el turismo regional.

El alcalde extendió la invitación más allá de la zona metropolitana: convocó a habitantes de otros estados e incluso a migrantes originarios de Cuautlancingo radicados en Nueva York, Nueva Jersey y Los Ángeles a participar en las actividades programadas.

Seguridad, derrama económica y actividades complementarias

Para esta edición se proyecta una afluencia superior a las 60 mil personas y una derrama económica cercana a los 50 millones de pesos, cifras que superarían las 40 mil visitas y los 37 millones de pesos de la edición anterior, según informó el secretario de Desarrollo Económico, Cultura y Turismo del municipio, Jovani Pedraza Esquivel.

El operativo de seguridad contará con la participación de la Sedena, la Marina, la Guardia Nacional, el Gobierno del Estado y corporaciones de seguridad privada.

Además de los conciertos, la feria incluye una exposición de más de 150 vehículos Volkswagen Sedán por el Día Mundial del Vocho, exposiciones gastronómicas y artesanales, y actividades vinculadas a la Copa Mundial de Fútbol 2026.

Dani Fernández ha visitado ‘La Revuelta’ tras reanudar su gira luego de una lesión que lo mantuvo alejado de los escenarios. En una entrevista distendida con David Broncano, el cantante ha abordado temas personales y profesionales, desde su recuperación hasta episodios inéditos de su vida cotidiana junto a su pareja y su hija

Dani Fernández ha contado una anécdota de sonambulismo de su primera noche con Yarea Guillén en plena vuelta a la actividad tras su lesión de hombro, un regreso que llega después de una operación, casi dos meses de parón y una reaparición en Murcia ante 17.000 personas.

El cantante manchego ha explicado que su gira Insurrección se reanudó este junio después de cancelar cuatro conciertos por la caída sufrida en pleno espectáculo, un accidente que le provocó la rotura de los ligamentos del hombro y obligó a pasar por quirófano, reposo y rehabilitación.

Sonambulismo, paternidad y vida familiar

La entrevista con David Broncano ha derivado hacia uno de los episodios más insólitos de su vida cotidiana cuando el presentador le ha preguntado si alguna vez se había despertado llorando. A partir de ahí, el artista ha relatado que es sonámbulo y que ha llegado a hacer “muchas cosas durmiendo”.

Entre esas conductas, ha enumerado que salió de casa, se fue al colegio cuando era pequeño, se levanta, bebe, insulta y que en una ocasión llegó a orinar en la pared de su habitación. El episodio más llamativo ocurrió la primera noche que durmió con su pareja.

Dani Fernández ha situado la escena en una época en la que se acostaba muy tarde viendo partidos porque le gusta la NBA. Cuando Yarea Guillén se despertó, ha recordado el cantante, él tenía “la mano en su cuello. Como si fuera un balón”.

Esa anécdota se enmarca dentro de una conversación más amplia sobre su vida familiar. Superado aquel sobresalto inicial, la relación se consolidó y ambos tuvieron una hija hace algo más de dos años.

Sobre la niña, el cantante ha bromeado con que “está graciosa de más” y que “cada vez se parece más al padre y va a peor, mala señal”. Después, ante otra de las preguntas de Broncano, ha afirmado que si descubriera que no es su hija biológica le “importaría una mierda” porque es “lo que más quiero en esta vida” y no se imagina sin ella.

Dani Fernández también ha descrito la paternidad como un cambio de etapa. Tras definirse a sí mismo como alguien que fue “muy desastroso y un pieza”, ha asegurado que con la llegada de su hija ha “descubierto un mundo”.

Accidente, raíces y regreso a los escenarios

El paso del artista por el programa también ha servido para repasar el accidente que interrumpió su gira. Fernández ha ironizado con que no aparece en los telediarios cantando, pero sí por una caída, aunque ha subrayado que terminó el concierto como pudo porque siente “tanto amor” por lo que hace que no podía dejarlo a medias.

Ese percance se produjo apenas unos días antes de su visita programada al espacio. La recuperación incluyó intervención quirúrgica, descanso, rehabilitación y la suspensión temporal de varias fechas antes de retomar Insurrección este mes.

El primer concierto de esa reaparición se celebró en Murcia, una región que el propio cantante ha situado como central en su vida personal. Ha explicado que su hija es de Cartagena y que viaja tanto allí que le dejan decir que es medio murciano.

Sus raíces, aun así, siguen en Alcázar de San Juan, en la provincia de Ciudad Real. Allí acaba de comprar una casa a sus padres porque el piso familiar de siempre se había quedado pequeño. En el tramo final de la conversación, el programa recuperó sus preguntas clásicas sobre dinero y patrimonio. Ahí cifró su situación económica entre 700.000 euros y 1,5 millones de euros.

El cantante también ha recordado que no siempre estuvo en esa posición. Tras la etapa de Auryn, ha dicho que pasó una mala racha hasta el punto de que su padre pensaba que iba a volver al pueblo y hubo un momento en que no tenía dinero ni para comprarse un amplificador.

Ese recorrido, según ha explicado, fue el de una carrera en solitario construida poco a poco y sostenida por el público que llenó sus primeros conciertos tras salir de la boyband. En esa línea, ha reivindicado las salas como el lugar donde empezó a crecer y cerró su visita al programa con una actuación entre el público de la canción La trama principal.

Una fuerte noticia sacudió el mundo de la música en las últimas horas. El productor Tay Keith fue hallado sin vida el jueves por la tarde en su vivienda. También conocido como Brytavious Chambers, colaboró con grandes artistas a lo largo de su carrera y había sido premiado en varias ocasiones. Su repentino fallecimiento golpeó al público y fanáticos de la música urbana estadounidense, ya que colaboró con artistas como Travis Scott y Beyoncé.

El productor musical de Estados Unidos murió a los 29 años en Nashville, Tennessee, donde la policía lo encontró sin vida en su apartamento durante una comprobación de bienestar, según informaron desde NBC y The Guardian. El Departamento de Policía Metropolitana de Nashville indicó que no hay sospecha de ningún tercero por el momento y que la causa de la muerte sigue pendiente de la autopsia.

NBC precisó que los agentes encontraron al productor inconsciente en su vivienda de la calle Martin. The Guardian y Variety también situaron el hallazgo en su apartamento de Nashville, Tennessee. La información policial coincide en un punto central. “No se sospecha de ningún acto delictivo”, señaló el departamento de policía de Metro Nashville, citado por NBC y The Guardian.

Una carrera exitosa con nominaciones a los Grammy

La dimensión de su carrera quedó reflejada en una amplia lista de colaboraciones con figuras del hip-hop y el pop. Durante su carrera musical, el empresario fue vinculado con artistas como Drake, Travis Scott, Beyoncé, Eminem, 21 Savage, Sexyy Red, Lil Baby y J. Cole.

Entre sus trabajos más conocidos figuran “Sicko Mode”, de Travis Scott, y “Nonstop”, de Drake, los éxitos que ayudaron a consolidar su nombre en la industria. NBC añade que participó en cuatro canciones que llegaron al número uno del Billboard Hot 100.

Keith también trabajó en “Rich Flex”, de Drake y 21 Savage, cuya canción le dio su segunda nominación al Grammy en 2024. En 2019 había llegado su primera candidatura en el trabajo que realizó junto a Travis Scott en “Sicko Mode”.

Su catálogo incluyó además títulos como “Before I Let Go”, de Beyoncé, “Holiday”, de Lil Nas X, “Not Alike”, de Eminem, e “I Did It”, de DJ Khaled. Variety también destacó “Look Alive”, de BlocBoy JB, y recordó que recibió el premio BMI al productor del año en tres ocasiones, la más reciente en 2024.

De la universidad a la industria musical

Tay Keith nació y creció en Memphis, Tennessee, y empezó a producir música a los 14 años, recogió The Guardian. En su adolescencia ya merodeaba la industria al publicar canciones en YouTube y en sitios de hip-hop como Datpiff.

BBC informó que estudió en la Universidad Estatal de Middle Tennessee y obtuvo una licenciatura en estudios integrados y gestión de medios. En una entrevista de 2020 citada por el mismo medio, explicó su decisión de terminar la carrera: “No habría tenido sentido que viniera a la universidad si no quisiera terminarla; podría haberme centrado al 100% en la música”.

En esa misma entrevista, Keith relató el momento en que su carrera despegó mientras seguía en la universidad. “En mi última semana de universidad, conseguí mi primer sencillo número uno, así que no tenía sentido abandonar los estudios”.

En 2018 fundó el sello y espacio creativo Drumatized Music Group junto con su mánager Cambrian Strong. Ese medio añadió que ambos aparecieron en Forbes 30 Under 30 Music en 2024, mientras BBC apuntó que Keith entró el año pasado en la lista “30 menores de 30” de Forbes en la categoría de música.

Homenajes de artistas y colaboradores

Tras conocerse la noticia, varios artistas y colaboradores publicaron mensajes de despedida. Una de las reacciones más dolorosas fue la de BlocBoy JB, mientras The Guardian añadió homenajes del productor Hitkidd y de DJ Scheme.

El rapero de Memphis BlocBoy JB, que conocía a Keith desde los 14 años, publicó en Instagram un mensaje sobre su muerte junto a un registro de llamadas entre ambos: “Hablábamos todos los días y me dijiste que te ibas”, escribió. En el posteo compartió una foto de los dos y un corazón roto en sus historias.

AJ Tracey, que trabajó con Keith en “Rain” junto a Aitch, también lo recordó en Instagram. “No creo que sea una exageración decir que tuvo un gran impacto en mi carrera”, afirmó el artista británico.

En este tema, Lennon ofreció una visión directa sobre la soledad y la incomprensión que rodearon tanto su relación personal como sus elecciones vitales. La melodía se transformó en un manifiesto de vulnerabilidad y resistencia frente al escrutinio social.

Según reconstruyó la revista especializada American Songwriter, la canción surgió como respuesta a la sensación de estar “enfrentados al mundo” junto a Ono. Aunque el éxito de The Beatles parecía excluir cualquier posibilidad de soledad, Lennon desafió esa idea y expresó la paradoja de la fama: ser universalmente conocido, pero sentirse distante.

La publicación de “Isolation” representó un punto de inflexión en su carrera en solitario, al revelar la faceta más personal del exbeatle. El tema nació de la “agitación interna” que atravesaba Lennon, quien, a pesar del reconocimiento global, nunca se consideró invulnerable.

La letra y el impacto de “Isolation”

Se trata de una pieza central en el repertorio solista de Lennon, tanto por su contenido lírico como por su contexto histórico. En la canción, el autor escribe: “No espero que lo entiendas / Después de que has causado tanto dolor / Pero, claro, no tienes la culpa / Solo eres un ser humano, una víctima de la locura”. Estas palabras sintetizan la tensión entre la imagen pública y la vida privada, entre las expectativas sociales y la realidad emocional.

La publicación del tema coincidió con un ciclo de escándalos y polémicas que rodearon al reconocido artista musical. Había protagonizado controversias, como su comentario sobre la religión y las protestas políticas junto a su esposa, lo que generó distancia con parte de sus seguidores.

Según la publicación de la revista especializada, la percepción pública de Ono también se vio afectada, ya que se la responsabilizó por la separación de los Beatles. La canción recogió el sentimiento compartido de exclusión y lo transformó en una declaración artística.

La instrumentación de “Isolation” también dejó huella en la historia del rock. A la batería participó Ringo Starr, excompañero de Lennon en The Beatles, y en el bajo intervino Klaus Voormann, amigo de la etapa de Hamburgo, cuyo vínculo con la banda incluyó el diseño de la portada de “Revolver”. La colaboración de estos músicos aportó una dimensión especial al tema, que se distingue por su atmósfera sobria y su honestidad emocional.

Un retrato sincero de la fragilidad

En la melodía, el cantante británico adoptó una postura inusual en su trayectoria, dejando atrás la ironía y la provocación para mostrar una vulnerabilidad pocas veces vista en estrellas de su talla. “Tenemos miedo de todos / Miedo al sol, al aislamiento / El sol nunca desaparecerá / Pero al mundo tal vez no le queden muchos años”, canta Lennon, evidenciando el peso de la presión mediática y la angustia existencial que lo atravesaba.

El tema se consolidó como uno de los más personales de su discografía. American Songwriter describió “Isolation” como un “análisis profundo” de las emociones que acompañaron la vida de Lennon fuera de los Beatles y su relación con Ono. La sinceridad de las letras y la interpretación vocal marcaron un quiebre en la narrativa habitual de las figuras públicas, situando a Lennon no solo como un ícono, sino como un individuo enfrentado a la incomprensión y el prejuicio.

La canción sigue vigente por la manera en que aborda la soledad y el miedo, sentimientos universales que, en el caso de Lennon y Ono, se intensificaron por la atención constante. “Isolation” dejó testimonio de una época y de una pareja que, pese a los ataques y las críticas, eligió transformarse en música y arte.

La Biblioteca Nacional de Francia ha anunciado el hallazgo en París de un manuscrito autógrafo inédito de Mozart con siete piezas para arpa y flauta nunca escuchadas hasta ahora, un cuaderno que aporta además información sobre la última estancia parisina del compositor en 1778 y sobre su actividad como profesor.

Las siete piezas inéditas suman unos 20 minutos de música y serán interpretadas por primera vez el domingo, coincidiendo con la Fiesta de la Música en Francia, por la Orquesta Filarmónica de Radio France, según el anuncio de la institución francesa.

El cuaderno de composición de Wolfgang Amadeus Mozart fue localizado por un conservador de la BnF en un paquete de una veintena de manuscritos anónimos. La institución ha comunicado a AFP, que se trata de un descubrimiento que los especialistas consideran de primer orden.

Gilles Pécout, director de la BnF, ha definido la aparición del documento como un “descubrimiento mayor reconocido por los especialistas”. Pécout ha sostenido que la pieza ilumina la figura del “joven profesor Mozart” y documenta su última estancia en París.

Qué contiene el manuscrito inédito de Mozart

El cuaderno reúne una docena de lecciones de composición del músico austríaco. Mozart impartió esas clases a diario entre mayo y julio de 1778 a Marie-Louise-Philippine de Bonnières de Guînes, hija del duque de Guînes y arpista de gran nivel.

El hallazgo lo firmó François-Pierre Goy, conservador del departamento de música de la BnF, que encontró el manuscrito el 2 de febrero mientras examinaba documentos anónimos que quería estudiar antes de jubilarse: “Ni de lejos podía imaginar lo que iba a encontrar”.

La primera pista estuvo en la propia grafía. Goy detectó rasgos que consideró característicos, entre ellos claves de sol “bastante redondeadas, ligeramente inclinadas hacia delante” y una clave de fa trazada en sentido inverso al uso francés.

La atribución ganó consistencia al comparar el manuscrito con otros autógrafos digitalizados. El papel era francés y el cuaderno llevaba los mismos sellos que una copia francesa del Concierto para flauta y arpa de Mozart encargada por el duque de Guînes.

El documento fue sometido a peritaje y su atribución quedó validada a finales de abril por la Biblioteca Mozartiana de la fundación Mozarteum de Salzburgo, la ciudad natal del compositor. Ese refrendo cerró el proceso de identificación del manuscrito.

44 páginas y 20 minutos de música inédita

Sus 44 páginas incluyen también siete piezas para flauta y arpa, la última inacabada, que Goy ha presentado como un conjunto muy bien conservado. La BnF ha explicado, según RFI, que todas parten de una idea propuesta por Mozart y que en ellas se mezclan “las manos del maestro y de la alumna” en proporciones variables.

El método de trabajo queda visible en la escritura del cuaderno. Goy ha detallado que en ocasiones Mozart redactaba la parte del arpa y pedía a su alumna que escribiera la de flauta, y después intercambiaban los papeles.

La primera audición pública llegará el domingo en la Maison de la radio et de la musique de París, donde dos músicos de la Orquesta Filarmónica de Radio France, la flautista Mathilde Caldérini y el arpista Nicolas Tulliez, ya han ensayado discretamente unas partituras que nunca habían sido escuchadas.

La Alcaldía Tlalpan ofrece tres noches de conciertos gratuitos en el Festival Taquero “El Fin Más Padre”, con una cartelera que arranca el viernes 19 de junio y cierra el domingo 21 con un show especial por el Día del Padre.

La sede es la Plaza del Bolero (calle Moneda, Tlalpan Centro 1), en el sur de la Ciudad de México. El festival opera del 19 al 21 de junio en horario de 10:00 a 20:00 horas, con entrada libre los tres días.

Viernes, sábado y domingo: quién toca cada noche

El viernes 19, la música arranca a las 18:00 horas con la Sonora La Típica. El sábado 20, el escenario recibe a las 19:00 horas a John Barrera Polymarch.

El domingo 21 tiene la programación más extensa. A las 16:00 horas habrá una exhibición de lucha libre; a continuación sube Alondra Emil y su Sonora con Ángel, y el cierre corre a cargo de Aarón y Su Grupo Ilusión a las 19:00 horas.

El concierto de cierre fue confirmado por la cuenta oficial de la Alcaldía Tlalpan, que convocó a las familias a asistir “con sus mejores pasos”.

El show del Día del Padre, en otra explanada

Aarón y Su Grupo Ilusión no actúa en la Plaza del Bolero: su concierto del domingo se realiza en la Explanada de la alcaldía, ubicada en Francisco I. Madero 10, a unos minutos del festival taquero.

El Día del Padre en México se celebra cada tercer domingo de junio; en 2026 la fecha cae el 21 de junio.

Cómo llegar en transporte público

La opción más directa es el Metro Tasqueña (Línea 2, color azul), desde donde se puede tomar transporte complementario con dirección a Tlalpan Centro.

Antes de salir conviene verificar el estado del Tren Ligero Tasqueña-Xochimilco: la línea ha registrado interrupciones en semanas recientes por trabajos en curso y operativos del Mundial, según reportes de Aristegui Noticias e Infobae México.

Parte de una agenda de 45 días

Los conciertos se enmarcan en la temporada Tlalpan Mundialista 2026, que arrancó el 5 de junio y se extiende hasta el 19 de julio.

La agenda de la Alcaldía Tlalpan incluye también el Festival del Caldo Tlalpeño, el Festival Fogones México, recorridos por los 11 pueblos originarios y un Encuentro de Artesanos Mexicanos.

El Día del Padre en México: una tradición sin feriado oficial

El Día del Padre se celebra en México cada tercer domingo de junio, lo que hace que la fecha varíe año con año entre el 15 y el 21 del mes. En 2026 cae en su fecha más tardía posible: el domingo 21.

La conmemoración no figura en la Ley Federal del Trabajo como día de descanso obligatorio, por lo que las actividades laborales no se suspenden. Al caer en domingo, sin embargo, la mayoría de las familias puede celebrar sin restricciones de jornada.

El origen de la fecha se remonta a 1910 en Spokane, Washington, cuando Louise Smart Dodd impulsó el reconocimiento público de los padres, siguiendo el modelo del Día de la Madre. En México, Carmelita Tostado Gamboa, originaria de la Comarca Lagunera, fue una figura clave en la adopción local de la tradición al promover el reconocimiento de la labor paterna en la sociedad mexicana.

Este 2026, la celebración coincide además con la fase de grupos del Mundial FIFA 2026: el domingo 21 habrá cuatro partidos, con el primero arrancando a las 10:00 horas con España vs. Arabia Saudita desde Atlanta.

Otros eventos en CDMX ese fin de semana

Quienes quieran combinar salidas tienen otra opción en el sur de la ciudad: el Festival de Garnacha y Pulque en la alcaldía Tláhuac, con sede en la explanada de la Plaza Centenario, los días 19 y 20 de junio.

Para los papás corredores, el Medio Maratón del Día del Padre 21K arranca a las 5:55 horas del domingo 21 desde los carriles centrales de Periférico Sur, frente al Hotel Radisson Paraíso. Las inscripciones en línea cierran el jueves 18 de junio a las 18:00 horas en carreradiadelpadre.com, con un costo de $1,100 pesos más una comisión del 10%.

La visita de Niña Pastori a ‘El Hormiguero’ en Antena 3 ha tenido como motivo principal la presentación de su nuevo disco, ‘Color Fania’, con el que celebra treinta años de trayectoria musical y el inicio de su próxima gira.

Durante su paso por el programa, la artista gaditana también ha compartido detalles sobre su reciente encuentro con el Papa León XIV, una experiencia que ha descrito como “imborrable” y diferente a la vivida hace más de dos décadas con Juan Pablo II.

La cantante gaditana, de 48 años, ha explicado en ‘El Hormiguero’ que cantó al pontífice en un local “muy pequeñito” de Cáritas, en un barrio humilde donde acogen a personas sin techo, y ha descrito al Papa como alguien con “unos ojitos” que transmiten “paz y bondad”.

Niña Pastori, cuyo nombre real es María Rosa García García, ha definido esa actuación como mucho más cercana y vinculada a la liturgia y a la ayuda al prójimo que la anterior. “Tiene unos ojitos, una nobleza, que me encantó… Me lo pasé muy bien y lo disfruté mucho. Y algo distinto a lo de la otra vez”, ha dicho la artista.

Un reencuentro distinto y un nuevo disco

En su conversación con Pablo Motos, la cantante también ha subrayado la diferencia entre ambos episodios. “Hace 23 años le canté a Juan Pablo II. Pero esta vez ha sido muy diferente. Este Papa tiene unos ojitos que transmiten paz y bondad”, ha afirmado.

La visita al programa ha servido también para presentar ‘Color Fania’, el álbum con el que celebra sus tres décadas sobre los escenarios y con el que empezará su gira este viernes 19 de junio. La artista ha reconocido que afronta este nuevo lanzamiento “muy contenta” y “muy ilusionada”, aunque mantiene “los nervios de siempre”.

Sobre el título del disco, ha explicado que remite a un sello discográfico de los años 60 y 70. “La Fania era un sello discográfico de los años 60 y 70 donde estaban los mejores músicos cubanos, puertorriqueños, latinos… los magos de la salsa que se fueron a triunfar a Nueva York. Y lo del ‘color’ viene porque es una palabra que se usa mucho en el mundo de la música”, ha señalado al programa.

La cantante ha añadido que el álbum es “un agradecimiento a ese mundo” y ha revelado que sus hijas, Pastora y María, participan en el trabajo. Niña Pastori ha precisado que ellas no cantan habitualmente, pero que afinan bien y que buscaba otras voces y otro tono distinto al coro flamenco con el que suele trabajar.

Infancia protegida y anécdotas familiares

Otro de los bloques de la entrevista se ha centrado en su familia y en su infancia como la menor y única niña de cinco hermanos. “Mi madre siempre estaba conmigo y me protegía mucho. Cuando hacía frío, me decía que no iba al colegio”, ha relatado la artista, que también ha contado que era asmática y alérgica.

La cantante ha reconocido que de pequeña esa sobreprotección le hacía feliz, aunque ahora no la mira del mismo modo. También ha bromeado sobre la convivencia con sus hermanos: “Soy la pequeña de cinco hermanos y me hacían muchas putadas. Me dicen que tengo mucha paciencia, pero cómo no voy a tenerla”, ha dicho.

En otro momento de la entrevista, Niña Pastori ha recordado un viaje a Estados Unidos junto a su hermano Pepe que acabó en un episodio incómodo en el control de entrada al país. La artista ha contado que su hermano, cuyo nombre es José María García García, fue apartado para una inspección porque coincidía en nombre y parecido físico con un delincuente de México.

“Nos metemos en el avión y ya cuando estamos casi llegando dice ‘a mí me van a detener aquí’”, ha relatado la cantante a Pablo Motos. Después explicó que las autoridades terminaron pidiéndoles perdón tras comprobar el error.

Cumplir 80 años, según Bob Dylan en declaraciones recogidas por la revista estadounidense Rolling Stone, implicó una transformación en la forma de relacionarse con el tiempo y las demandas externas. El músico describió esta etapa como un momento de liberación respecto a las presiones sociales y la constante persecución de objetivos impuestos por otros o por uno mismo.

Al mirar hacia atrás, Dylan detectó un cambio: la urgencia de participar en el ritmo frenético de la sociedad se desvanecía y, en su lugar, surgía una autonomía.

Dylan lo resume: “Lo mejor de tener 80 años es que sobrevives a los relojes que te han estado persiguiendo. Es la libertad de esa mentira de que algo alguna vez estuvo bajo control”. Para él, la edad avanzada supuso dejar atrás la ilusión de control absoluto sobre el destino.

Esa presión por medir cada instante y responder a expectativas se diluía, dando paso a una experiencia vital menos condicionada. El músico sugirió que, con el paso del tiempo, la vida dejaba de ser una competencia constante y se convertía en un recorrido propio, donde la autenticidad ganaba terreno frente a la conformidad.

A medida que avanzaba en su explicación, dijo: “Ya no persigues el desfile. Eres un viejo rey de algún país desaparecido. Eres más difícil de programar”. La comparación con un rey de un territorio perdido transmitía la idea de que, en la vejez, la posición personal ante la vida cambiaba.

El mundo exterior perdía influencia, y el individuo se volvía menos susceptible a ser dirigido o manipulado por las tendencias, modas o exigencias ajenas. La independencia y la capacidad de decidir en qué invertir el tiempo y la energía se consolidaban como conquistas de la edad.

Los contras de cumplir 80 años

No todo resultó ganancia con el paso del tiempo. Bob Dylan reconoció, según cuenta Rolling Stone, que la vejez también traía consigo limitaciones. Una de ellas era la distancia entre el deseo y la posibilidad física.

El músico admitió: “El viejo fuego en tu corazón todavía te dice que hagas esto y aquello, pero tu cuerpo dice que ya lo hicimos”. Esta frase expresaba el conflicto entre la vitalidad que aún residía en el ánimo y las restricciones que imponía el cuerpo. Las ganas de emprender aventuras persistían, pero la capacidad para realizarlas disminuía.

También señaló que la experiencia acumulada terminaba restando capacidad de asombro ante el mundo y actuaba como un filtro que opacaba la novedad. “Además, nada te sorprende. Suena a lujo, pero no lo es, y también te has quedado sin ilusiones”. Con la edad, las sorpresas se volvían escasas y la ilusión se desvanecía, dejando lugar a una mirada más pragmática y menos ingenua sobre la realidad. Esta falta de sorpresa, lejos de ser un privilegio, podía convertirse en una fuente de desencanto.

Lo que antes generaba entusiasmo, en la vejez podía resultar previsible, y la ilusión se sustituía por la lucidez, pero también por cierto desencanto ante la imposibilidad de volver a sentir la frescura de los primeros descubrimientos.

La comprensión tardía del tiempo

Más allá de los pros y contras inmediatos, Dylan introdujo una reflexión existencial sobre el aprendizaje y el tiempo. Uno de los aspectos más amargos de llegar a los 80 años, según sus palabras, era que el entendimiento sobre ciertos aspectos de la vida llegaba cuando ya no era posible actuar sobre ellos.

“La peor parte de tener 80 años es que por fin entiendes algo que podría haberlo cambiado todo en el pasado, si hubiera llegado cuando aún podía cambiarse algo”, expresó.

Dylan planteó que la juventud estaba marcada por la percepción de que el tiempo era un flujo inagotable hacia adelante, mientras que en la vejez esa creencia se desmoronaba. “Cuando eres joven piensas que el tiempo avanza. A los 80 sabes que no, que el tiempo se detiene. Somos nosotros los que nos movemos”. Para el músico, la sabiduría que se obtenía con la edad solía llegar demasiado tarde para modificar el rumbo, y esa resultaba una de las paradojas de envejecer.

El mundo de la música tropical está de luto. Este jueves 18 de junio se confirmó el fallecimiento en la ciudad de Nueva York del icónico cantante dominicano Alex Bueno, a los 62 años de edad. El artista, una de las voces más sublimes y queridas de la República Dominicana, perdió la vida tras una valiente batalla contra complicaciones derivadas del cáncer, según informó su equipo de trabajo a través de las redes sociales.

A “El Ruiseñor de la Sierra” se le había detectado un pequeño tumor cerebral en septiembre de 2025. Tras una cirugía inicial exitosa y un tratamiento preventivo que marchaba de forma positiva, estudios de seguimiento posteriores revelaron la presencia de células cancerígenas en otras partes de su organismo.

A pesar de su fortaleza, su salud se deterioró notablemente en las últimas tres semanas debido a una baja considerable en sus niveles de sodio y presión arterial, lo que finalmente desencadenó este triste desenlace.

“Su partida deja un vacío irremplazable en el mundo del arte y en los corazones de todos los que tuvimos el honor de conocerle y admirar su obra musical”, expresó su equipo, al tiempo que agradeció las muestras de afecto y pidió privacidad para la familia en este momento de profundo dolor.

Nacido en la hermosa sierra de San José de las Matas, Alex Bueno construyó una carrera artística impecable que se extendió por más de cuarenta años. Desde muy joven mostró un talento vocal fuera de serie que lo llevó a formar parte de agrupaciones emblemáticas como la de Gerardo Vera y, de manera muy destacada, la orquesta de Fernando Villalona, otra gran leyenda del merengue.

Fue a principios de la década de los 80 cuando dio el gran salto al formar el grupo Alex Bueno y la Orquesta Liberación, un proyecto que lo catapultó al estrellato internacional. Con el tiempo, se ganó los apodos de “El Mayimbito” y “El Ruiseñor de la Sierra”, gracias a un registro vocal único, dulce y potente a la vez.

Por lo que realmente consagró su trayectoria fue su impresionante versatilidad: no solo fue un gigante del merengue, sino que también conquistó con el mismo éxito los terrenos de la bachata, la salsa y el bolero romántico, ganándose el respeto de toda la industria musical.

Su música más reconocida: un legado intergeneracional

Las canciones de Alex Bueno no solo lideraron las listas de éxitos en su momento, sino que se convirtieron en verdaderos himnos que han marcado a varias generaciones de latinos. Su discografía es un catálogo de oro de la música caribeña.

Entre sus piezas más emblemáticas y reconocidas a nivel mundial se encuentran:

• “Colegiala”: Uno de sus merengues más bailados, infaltable en cualquier celebración tropical.
• “Jardín Prohibido” (y “El Jardín Prohibido”): Una joya musical interpretada con un sentimiento desgarrador que se convirtió en uno de sus sellos de identidad.
• “Que Vuelva”: Un éxito rotundo que demostró su tremenda capacidad para cantarle al desamor y la nostalgia.
• “Ese Hombre Soy Yo”: Una pieza que consolidó su transición y maestría dentro del género de la bachata, demostrando que su voz no tenía límites.

Hoy, la República Dominicana, la vibrante comunidad latina en Nueva York donde residía desde hacía más de una década y el mundo de la música tropical en general se unen en un mismo sentimiento de dolor para despedir al ser humano, al amigo y al compatriota.

Sin embargo, las lágrimas de hoy se transformarán mañana en aplausos eternos, porque la muerte física no puede apagar su voz. El público se queda con un repertorio inmortal, una colección de himnos que seguirán sonando en cada rincón, manteniendo vivo para siempre el legado de un artista irrepetible.

Spotify lanzó Reserved, una función disponible en Estados Unidos que identifica a los fans más activos de un artista y les reserva dos entradas para un concierto antes de que salgan a la venta general.

La herramienta está disponible para suscriptores de Spotify Premium mayores de 18 años, en alianza con Live Nation y con tecnología de Ticketmaster. La compañía indicó que el lanzamiento arranca con una selección de giras artísticas esta semana y se expandirá de manera progresiva.

La elegibilidad se determina a partir de una “amplia gama” de señales de uso: reproducciones en streaming, guardados y comparticiones, además de la ubicación del usuario, con el objetivo de que las ofertas lleguen a quienes tienen más probabilidades de asistir al show.

Spotify aclaró que no publica los parámetros exactos “para evitar que alguien participe de forma estratégica en lugar de genuina”.

Cómo funciona el proceso de compra

Cuando un usuario resulta elegible, la oferta aparece directamente en la pantalla de inicio de la aplicación. La plataforma también envía un aviso por correo electrónico, notificación y en la sección “Your Updates”. Desde esa notificación, el fan puede ver las fechas disponibles de la gira, saber cuándo se abre su ventana de compra y activar un recordatorio.

Al abrirse esa ventana, con una duración típica de alrededor de un día, el usuario puede elegir hasta dos entradas para cualquier fecha elegible de la gira, no solo la más cercana a su ubicación. La disponibilidad de sillas y rangos de precio varía según el espectáculo.

Una vez seleccionadas las entradas, el sistema redirige al usuario a Ticketmaster para completar el pago; en algunos casos, puede ser necesario vincular previamente la cuenta de Spotify para validar el acceso.

Para shows de alta demanda, el sistema puede colocar al usuario en una fila de espera antes de llegar a la selección de asientos. Aun así, las dos entradas quedan reservadas durante toda la ventana de compra activa.

Qué ocurre si el usuario no compra

Las entradas no reclamadas dentro del plazo no regresan a la venta general de inmediato: pasan a estar disponibles para los siguientes fans elegibles más activos del artista, quienes reciben el mismo aviso. La disponibilidad se mantiene mientras haya stock.

La compañía precisó que la duración de las ventanas, la disponibilidad de entradas y las fechas elegibles varían según cada campaña.

Qué otras nuevas funciones ha agregado Spotify

Otras funciones que ha agregado Spotify son:

• SongDNA.

Es un mapa interactivo integrado en la pantalla de reproducción que muestra los créditos de una canción: productores, compositores, colaboradores, samples, interpolaciones y versiones. Funciona con datos de WhoSampled, que Spotify adquirió a finales de 2025. Disponible para usuarios Premium en iOS y Android.

• About the Song.

Tarjetas deslizables con la historia detrás de cada canción: la inspiración del artista, anécdotas de grabación y contexto cultural. Se accede desde la vista de reproducción.

• Ask DJ.

Es la versión conversacional del DJ virtual de Spotify. El usuario puede hacerle preguntas mientras escucha como“¿cuándo se lanzó esta canción?" o “arma una sesión de nuevos lanzamientos para el domingo” y recibe respuestas en tiempo real.

• Prompted Playlists (Listas de reproducción hechas con IA).

El usuario escribe un prompt de texto y Spotify genera una lista personalizada a partir de su historial completo de escucha. Más de la mitad de quienes la usaron descubrieron un show nuevo, según la compañía.

• Preguntas en tiempo real sobre podcasts.

Mientras escucha o ve un podcast, el usuario puede hacerle preguntas a Spotify sobre el contenido del episodio y recibir respuestas sin salir de la app. Disponible para Premium en Estados Unidos, Suecia e Irlanda.

El grupo de K-pop BTS actuará por primera vez en España la próxima semana. Los espectáculos, programados para el viernes y sábado en el estadio Riyadh Air Metropolitano, agotaron sus entradas a las pocas horas de salir a la venta. Por ello, actualmente la única forma de acceder es a través de la reventa, donde los precios se han incrementado de forma notable respecto al valor original. Este fenómeno reabre el debate en torno a la especulación en grandes eventos musicales.

Los siete jóvenes surcoreanos que conforman BTS —Jin, Suga, J-Hope, RM, Jimin, V y Jungkook—, que pausaron temporalmente su carrera en 2022 para cumplir con el servicio militar obligatorio en su país, regresan ahora a los escenarios internacionales con motivo de su décimo álbum. A menos de una semana de su llegada, Madrid se prepara para acoger a miles de seguidores que podrán asistir a la pop-up store oficial, una tienda temporal dedicada a la venta de mercancía exclusiva.

A pocos días del gran debut, sus fans, denominados “ARMY”, ya han comenzado a hacer cola para acceder al merchandising oficial, cuyos precios han generado controversia: sudaderas que alcanzan los 200 euros y una amplia gama de artículos exclusivos que elevan el coste de la experiencia mucho más allá del propio concierto, incluyendo objetos considerados casi imprescindibles dentro del universo del grupo, como el lightstick oficial.

El estadio Metropolitano acogerá algunos de sus grandes himnos, aunque más allá del espectáculo musical, el precio vuelve a situarse en el centro del debate. Las entradas ofrecían un amplio abanico de precios, desde 79,50 euros hasta 266,50 euros, mientras que las modalidades VIP alcanzaban los 464,50 euros y 561 euros, y la categoría Platinum llegaba hasta los 549 euros. Actualmente, todas las entradas están agotadas, lo que ha provocado que en la reventa los precios se disparen, llegando en algunos casos a duplicar el valor original.

Qué son los “palos de luz”

Uno de los objetos más reconocibles dentro del universo K-pop son los llamados lightsticks, conocidos en coreano como “bongs”. Estos dispositivos, diseñados específicamente por cada grupo, funcionan como elementos de apoyo durante los conciertos. En el caso de BTS, el denominado Army Bomb, se activa de forma sincronizada durante el concierto, siendo portados por los fans en todo momento, logrando un “mar de luces” que se integra en la puesta en escena de la banda.

Más allá de su función estética, este “palo de luz” se ha convertido en un símbolo de pertenencia dentro del fandom. Sin embargo, su precio, en torno a los 70 euros en el caso de BTS, ha generado polémica por su alto coste. Aunque existen imitaciones más económicas, estas no cuentan con conexión ni sincronización con el sistema oficial del concierto, lo que limita su utilidad dentro del espectáculo.

En paralelo, este fenómeno ha trascendido el K-pop, ya que hace unos meses la cantante española Aitana incorporó un bastón luminoso en su gira, lo que generó una discusión en redes sociales sobre la adopción de este tipo de elementos en la industria musical fuera del las bandas coreanas. En su caso, el objeto presentaba un precio significativamente inferior, en torno a los 15 euros.

Una sudadera por 200 euros y unos palillos chinos por 45

La tienda temporal de BTS, ubicada en TeamLabs Madrid, permanecerá abierta hasta el 5 de julio. Su acceso está limitado mediante reserva previa y cada visitante dispone de un máximo de 30 minutos en el interior, tras los cuales no se permite volver a entrar con la misma entrada. El espacio se divide en dos zonas: una dedicada a la exposición de fotografías de los cantantes y otra destinada a la venta de productos oficiales.

En redes sociales, los precios del merchandising oficial han generado numerosas críticas. Muchos fans señalan que algunos artículos tienen costes desproporcionados, lo que ha llevado incluso a compararlos directamente con productos falsificados o imitaciones más económicas disponibles en mercados internacionales.

Entre los precios más comentados se encuentran sudaderas con cremallera por 200 euros y sudaderas básicas por 170 euros, mientras que las gorras alcanzan los 60 euros. También destacan artículos más curiosos como cojines por 75 euros y zapatillas de estar en casa por 65 euros, así como llaveros y abanicos por 50 euros. A ello se suman botellas metálicas por 105 euros, palillos chinos por 45 euros o una bolsa de tela diseñada únicamente para transportar el lightstick por 50 euros.

Más allá de los artículos oficiales o de imitación, de la reventa de entradas o del elevado desembolso económico, la llegada de BTS a España se percibe como un acontecimiento histórico entre sus seguidores. Para la comunidad ARMY, este evento no solo representa un concierto, sino la culminación de años de espera y seguimiento a la trayectoria del grupo. Madrid se convierte así en el escenario de un fenómeno global en el que la banda regresa a los escenarios tras varios años de pausa.

Las cerca de 60.000 entradas para los cuatro conciertos de Quevedo en la Península se han agotado este jueves en apenas dos minutos. Así lo ha informado el propio cantante en sus redes sociales, poco después de que todos sus fans pudieran comprar su acceso a uno de los espectáculos de su gira El Baifo Tour, ya fuera en Madrid o Barcelona.

A lo largo de la mañana, más de 300.000 personas han intentado conseguir un lugar para la gira, algo que se esperaba en el entorno del cantante, ya que inmediatamente después se han anunciado hasta diez fechas nuevas en las dos ciudades, que han permitido a muchos más aficionados a la música del cantante de Quédate o Yo y TÚ tener la posibilidad de ver a su artista favorito en directo.

De este modo, si antes los conciertos programados eran el 9 y el 10 de abril en Madrid y el 1 y el 2 de Julio en Barcelona, el cantante cantará ahorael 11, el 14, el 15, el 17, el 18 y el 20 de mayo en el Movistar Arena. Por su parte, el Palau Sant Jordi acogerá El Baifo Tour el 31 de mayo, el 1 de junio y el 3, el 5, el 6 y el 7 de julio. Con estas nuevas fechas, Quevedo dará un total de catorce conciertos en la Península, ampiando considerablemente la oferta inicial y demostrando el alcance masivo que tiene su música.

El cantante español más escuchado

Tal y como ha informado la Agencia EFE, la organización de la gira del canario aclara que, por ahora, se trata solo del recorrido “peninsular”, dejando abierta la posibilidad de sumar futuras actuaciones en territorio insular. Esta expectativa se sostiene, sobre todo, porque el álbum que da nombre al tour está dedicado a Canarias. En la misma línea, Quevedo ya dejó caer, en el anuncio del tour, que los conciertos en el lugar en el que vive llegarían cuando menos se esperara.

En el contexto de la música urbana española, el impacto de El Baifo ha sido inmediato. Los 16 temas del disco debutaron en el top 20 nacional, mientras que La Graciosa y Al golpito se mantienen en el primer y segundo puesto de las canciones más escuchadas. Incluso tras siete semanas desde su estreno, el disco sigue ocupando el primer lugar en la lista de álbumes más escuchados de España, superando a figuras internacionales como Bad Bunny, que permanece en el segundo puesto tras incrementar un 55 % sus reproducciones en Spotify en el país.

Precisamente junto al puertorriqueño apareció Quevedo en el último show de la residencia del primero en Madrid. Una serie de conciertos que logró reunir a unas 800.000 personas en el estadio Metropolitano, y que ha marcado un antes y un después en la historia de los conciertos en la ciudad. De momento, el canario parece lejos de emular ese éxito, aunque sus números indiquen que su paso por la península será uno de los eventos musicales más destacados del año, al tratarse del artista español más escuchado en nuestro país y el segundo con más escuchas a nivel internacional.

Maria Bethânia no es, en sentido estricto, una compositora. Es algo más difícil de definir y, tal vez por eso, más difícil de reemplazar: una intérprete que hace de la palabra ajena un acto de autoría propia. Como Mercedes Sosa, la otra gigante del continente. Desde aquel debut en Opinião, el espectáculo de resistencia cultural que en febrero de 1965 la puso frente al público de Río de Janeiro en plena dictadura militar, la cantante construyó un lenguaje escénico singular en el que la canción es solo uno de los materiales posibles, al lado de poemas, prosas y silencios. La interpretación de “Carcará”, de João do Vale y José Cândido —una metáfora del ave del sertão nordestino como figura de supervivencia y ferocidad—, la lanzó a la fama con una fuerza que desbordaba el comentario social: cada verso sonaba como un pequeño acto teatral, con gestualidad, manejo de silencios y un timbre capaz de ir, según describió la crítica especializada, “de un ronroneo grave y hermoso a un grito bronceado y profundo”.

La trayectoria discográfica que siguió a ese debut es impresionante por su extensión y su consistencia. Cerca de 50 álbumes de estudio, más de 26 millones de discos vendidos y el título de primera mujer en superar el millón de copias en Brasil la sitúan entre los diez artistas más vendedores de la historia del país. Fue, además, la artista femenina que más discos vendió durante la década de 1970, en un panorama musical donde las estructuras de poder y visibilidad seguían siendo predominantemente masculinas. El álbum Álibi (1978) ocupa un lugar de inflexión en esa historia: el analista Jeocaz Lee-Meddi señaló que el disco “dio personalidad femenina a la música brasileña de la época”, al derribar el estigma de la “cantora elitista” de la Música Popular Brasileira (MPB) y lograr que sus canciones se oyeran en la radio. La combinación de repertorio elegido con precisión, arreglos elegantes y un sello interpretativo propio, único e inimitable, demostró que una obra cargada de poesía podía ser también un fenómeno popular.

Ese equilibrio entre sofisticación y alcance masivo define buena parte de su lugar en la historia de la MPB. Bethânia pertenece a la constelación bahiana que, junto a su hermano Caetano Veloso, Gilberto Gil y Gal Costa, redefinió la canción brasileña a partir de mediados de los años 60. Pero su posición dentro de ese grupo fue siempre específica: mientras los tropicalistas apostaban por arreglos vanguardistas, guitarras eléctricas y collages sonoros, ella miraba hacia figuras como Edith Piaf, Billie Holiday y la fadista portuguesa Amália Rodrigues. La influencia de Piaf se percibe en la construcción de un personaje en cada canción y en la intensidad del crescendo emocional; la de Holiday, en la articulación rítmica y en la decisión de no embellecer el dolor sino de darle un lugar frontal; la de Rodrigues, en una relación particular con la melancolía que reescribe en clave brasileña, atravesada por el sincretismo religioso y las tradiciones afrodescendientes. Su modernidad no pasó por la adopción de modelos tecnológicos importados, sino por la relectura de las propias formas ancestrales.

El núcleo de esa relectura es la palabra. A diferencia de intérpretes que se concentran en aspectos melódicos o rítmicos, Maria Bethânia construyó una carrera marcada por la valorización de la palabra cantada como materia sonora, objeto de una atención casi táctil en la dicción, la intensidad y el ritmo. Un estudio académico publicado en la revista Estação Literária de la Universidade Estadual de Londrina analizó su espectáculo Bethânia e as palavras” (2010) y describió cómo la artista entra en escena con un gran cuaderno de tapa azul, del que lee, recita y entona poesías y prosas poéticas entrelazadas por breves fragmentos de canciones, conformando un discurso continuo de principio a fin. El análisis la sitúa como una rapsoda contemporánea, capaz de recomponer materiales épicos y líricos en una performance inédita. Al elegir qué textos incluir, en qué orden y con qué entonación, Bethânia produce una recreación autoral: la propia artista ha reconocido que su estilo de interpretación es, al mismo tiempo, composición y dramaturgia.

Esa teatralidad no se reduce a gestos enfáticos. Se manifiesta en la organización del repertorio, en la creación de climas, en la recurrencia de motivos poéticos y en la forma en que su cuerpo se dispone en escena. Crónicas de sus conciertos describen una “magnética fuerza dramática” que hace que hasta las posibles redundancias de sus espectáculos queden atenuadas.

La afrobrasilidad en su obra no es un decorado exótico sino un núcleo constitutivo. Su origen en Santo Amaro da Purificação —en el corazón del Recôncavo baiano, uno de los principales focos históricos de comunidades afrodescendientes en Brasil— inscribió en su formación una experiencia donde la práctica religiosa y estética son inseparables. Los cantos de candomblé, las ladainhas, el samba de roda y otras formas de la región se desarrollan como prácticas comunitarias de memoria y cuidado, y al trasladar esos universos al escenario, ha recreado un vínculo con la ancestralidad en donde su voz funciona como canal de transmisión de saberes y afectos. Al integrar esos elementos en un canciones, su obra contribuye a legitimar prácticas que el racismo estructural y el fundamentalismo religioso buscan frecuentemente invisibilizar.

La influencia de Maria Bethânia sobre nuevas generaciones de intérpretes se percibe en la manera en que artistas contemporáneos conciben sus presentaciones en vivo como narrativas escénicas, y no como simples repasos de éxitos. Su práctica rapsódica y su énfasis en la oralidad poética también dialogan con propuestas contemporáneas de spoken word, slam y performance poética. El patrimonio discográfico que deja a sus 80 años —distribuido entre soportes físicos y plataformas digitales, desde el vinilo hasta el streaming— plantea desafíos de preservación que trascienden la voluntad de la artista y dependen de políticas de archivo y de derechos de autor. La gira Maria Bethânia – 60 Anos de Carreira que abarcó la primera mitad del año de sus 80 años, confirma que, lejos de retirarse a un lugar de mito intocable, ella continúa reescribiendo su legado en vivo.

Especie de divinidad en el panteón de la MPB con la que casi nadie se atreve a meterse, ha llevado los versos de Fernando Pessoa y Clarice Lispector fuera de los nichos literarios y los ha deposita en los oídos del gran público. Su voz educa al transitar por el camino de una espiritualidad que la rige como fuerza motriz de la cultura popular de su país. Hoy es fecha patria en Brasil: Maria Bethania cumple 80 años.

[Fotos: Universal Music Brasil]

El Ayuntamiento de Ourense ha confirmado que Miguel Ríos no participará en las próximas fiestas locales debido a un accidente doméstico que le produjo traumatismo craneal. Este percance, ocurrido el miércoles, lo ha obligado a cancelar los conciertos previstos en Ourense y en Arucas, municipio de la isla de Gran Canaria.

El comunicado oficial del artista detalla que, “por recomendación médica, y aunque su evolución es favorable”, deberá permanecer en reposo durante varios días hasta que se reponga de este traumatismo “leve”. Una medida que le impedirá cumplir con las actuaciones que estaban programadas tanto en la ciudad gallega como en la localidad canaria.

Durante las próximas horas, el Ayuntamiento anunciará qué artista sustituirá a Miguel Ríos en el escenario este viernes en Ourense. La organización ha pedido comprensión y ha adelantado que “en los próximos días informaremos, a través de los canales oficiales, sobre la posibilidad de reprogramación de las fechas afectadas”.

Las palabras del cantante tras el incidente

El incidente ha sido comunicado también a través de la cuenta oficial de Instagram del cantante. Allí se especifica que Miguel Ríos se encuentra “bien dentro de lo que cabe y, sobre todo, le da mucha rabia tener que cancelar”. “Pronto volverá a la carga, pero por ahora tiene que guardar reposo por orden médica”.

La publicación añade que, por ahora, debe guardar reposo “por recomendación médica”. “Sentimos profundamente las molestias que esta situación pueda ocasionar y os agradecemos de corazón toda vuestra comprensión, cariño y el apoyo que todos sus seguidores siempre nos dais”.

La suspensión afecta a los conciertos previstos para el 19 y el 23 de junio. Desde el entorno del músico se ha añadido también que el propio Miguel Ríos “quiere trasladar personalmente su agradecimiento” y que “espera reencontrarse muy pronto” con todos sus fans. De este modo, el público de Ourense y Arucas deberá esperar para disfrutar de los conciertos del cantante.

Así es la gira de ‘El último vals’ de Miguel Ríos

Desde octubre de 2025, Miguel Ríos se encuentra enfrascado en su gira El último vals, recorriendo diferentes teatros y otros escenarios destacados de España para presentar ante el público su disco homónimo, compuesto por él mismo y por el productor musical José Nortes. “Un nuevo reto para un mito de la música española que acaba de llenar elAuditorio Nacional de México demostrando una vez más que tras 65 añossobre los escenarios se mantiene incombustible, genuino y rockero como siempre lo ha sido”, describen desde la página web.

En un principio, parecía que la gira iba a terminar en mayo, pero el cantante cuenta con varias fechas progamadas hasta finales de año. Tras las cancelaciones, su próxima actuación en directo tendrá lugar en Calahorra, el próximo 27 de junio. A este concierto le seguirán varias fechas más, en los municipios de Cabra, Matalascañas, Marbella, Coria, Barcelona, el Cap Roig Festival, Cartagena, Alcalá de Henares, Castellón, Donostia, Oviedo, Pamplona, Jaén y Madrid.

De este modo, parece que será el próximo 8 de diciembre cuando, en el Movistar Arena de Madrid, el cantante despida así su nueva gira, en la que cumple 65 años sobre los escenarios. Casi toda una vida en la que Miguel Ríos se ha convertido en una de las grandes leyendas del rock españo.

• Noticia en ampliación

Yeonjun, integrante del grupo TOMORROW X TOGETHER (TXT), anunció hace unos días la fecha oficial de estreno para su segundo álbum como solista titulado " NO LABELS: PART 02“, después del éxito logrado con “NO LABELS: PART 01”, lanzado el pasado 7 de noviembre de 2025.

La noticia generó una gran expectativa entre las MOAs (nombre del fandom) mexicanas e internacionales, tras el impacto obtenido con todo su material individual. Actualmente, el artista se prepara para una nueva etapa musical que promete mostrar su evolución y madurez artística.

El anuncio de este lanzamiento se dio a conocer a través de Weverse, la plataforma de fans, junto a un video titulado “Choi Yeonjun” difundido en las cuentas oficiales del grupo de K-pop. La publicaciones incluyen un video, donde el interprete de “GGUM” aparece en escenas íntimas y cotidianas, mostrando una faceta más personal y genuina al público.

Asimismo, el clip utiliza varias canciones que forman parte de su primer producción musical: “NO LABELS: PART 01”, conectando de manera natural ambos capítulos de su trayectoria como solista.

Fecha de estreno de NO LABELS: PART 02

El segundo álbum en solitario de Yeonjun, NO LABELS: PART 02, tiene fecha de estreno para el próximo 10 de julio. Este lanzamiento llega casi ocho meses después de su debut como solista, cuyo primer disco logró posicionarse dentro del Top 10 del Billboard 200.

Este nuevo proyecto promete profundizar en la narrativa y el crecimiento artístico del cantante surcoreano, consolidándolo como una figura capaz de romper moldes dentro de la industria musical de Corea del Sur y el mundo.

Durante las próximas semanas, BIGHIT MUSIC (sello discográfico de HYBE) y las redes sociales del artista seguirán compartiendo adelantos y detalles sobre el concepto y las canciones que formarán parte de este esperada producción discográfica.

Versiones del álbum de Yeonjun

Cap (Gorra) Versión

• Outbox: 1 tipo / Ancho 221 × Alto 211 × D117 (mm)
• Photocard: 3 tipos / Ancho 55 × Alto 85 (mm)
• CD-R: 1 tipo / Ancho 120 × Alto 120 (mm)
• CD Envelope: 1 tipo / Ancho 125 × Alto 125 (mm)
• Gorra: 1 tipo / Circunferencia interior 57 × Ancho 7.5 × Alto 10 (cm)

Photocard Case Versión

• Outbox : Ancho 80 x Alto 102.5 x Profundidad 20 (mm) / 1ea
• Photocard Case Keyring : Ancho 74 x Alto 92 x Profundidad 11 (mm) / 1ea
• Photocard (Selfie) : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea out of 4ea
• Photocard (Official Photo) : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 3ea
• Sticker : Ancho 85 x Alto 55 (mm) / 1ea
• NFC Guide : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea
• NFC DISC : Ancho 50 x Alto 50 (mm) / 1ea

Weverse Albums Versión

• Card Holder : Ancho 90 x Alto 120 (mm) / 1ea
• QR Card : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea
• User Guide : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea
• Sticker : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea
• Photocard : Ancho 55 x Alto 85 (mm) / 1ea de 4ea

Compact Versión

• Photo Book: 1 tipo / Ancho 300 × Alto 300 (mm) / 24p
• Poster: 1 tipo / Ancho 445 × Alto 295 (mm)
• Lyric Poster: 1 tipo / Ancho 295 × Alto 445 (mm)
• Sobre: 1 tipo / Ancho 220 × Alto 150 (mm)
• Postcard: 2 tipos / Ancho 185 × Alto 130 (mm)
• Sticker: 5 tipos / Ancho 78.4 × Alto 11.8, Ancho 65.5 × Alto 29.8, Ancho 51 × Alto 39.5, Ancho 50 × Alto 50, Ancho 49 × Alto 74 (mm)
• Photocard: 1 de 5 tipos / Ancho 55 × Alto 85 (mm)
• CD Tray: 1 tipo / Ancho 125 × Alto 125 (mm)
• CD-R: 1 tipo / Ancho 120 × Alto 120 (mm)

Comparaciones históricas y récords de ICEMAN

ICEMAN es el primer álbum que pasa sus primeras cuatro semanas en el número uno del Billboard 200 desde que Taylor Swift logró siete semanas iniciales en la cima con The Life of a Showgirl entre octubre y noviembre de 2025, dentro de un total de 12 semanas en lo más alto. Antes de ICEMAN, el último álbum de R&B/hip-hop en alcanzar esa marca fue Utopia de Travis Scott, que también fue líder durante sus primeras cuatro semanas en 2023.

De los 15 discos de Drake que llegaron al primer puesto, solo tres han permanecido más tiempo en el primer puesto que ICEMAN: Views (13 semanas en 2016), Scorpion (5 semanas en 2018) y Certified Lover Boy (5 semanas en 2021).

Desglose de cifras y consumo de ICEMAN

Durante la última semana analizada, ICEMAN alcanzó 133.000 unidades equivalentes. De ese total, 132.000 unidades provinieron de streaming (lo que representa 135,82 millones de reproducciones oficiales bajo demanda) y se mantuvo como líder en la lista Top Streaming Albums por cuarta semana.

Las ventas de álbumes físicos y digitales sumaron cerca de 500 ejemplares, con una disminución del 43%, mientras que el resto corresponde a ventas de pistas individuales convertidas a unidades de álbum (TEA). Estos datos muestran que el consumo del disco está impulsado principalmente por plataformas de streaming.

El resto del top 10 del Billboard 200

El ranking quedó así en las primeras posiciones:

• Ella Langley y Dandelion ocupan el segundo puesto con 87.000 unidades equivalentes.
• Morgan Wallen con I’m the Problem se ubica en el tercer lugar con 79.000 unidades.
• Noah Kahan alcanza el cuarto escalón con The Great Divide, sumando poco más de 67.000 unidades.

El cantante y compositor Malcolm Todd logra su primer top 10 con Do That Again en el quinto puesto, respaldado por 67.000 unidades, de las cuales 37.000 corresponden a streaming (39,49 millones de reproducciones oficiales bajo demanda) y 30.000 a ventas de álbum, impulsadas por ediciones físicas.

Todd, que ya había debutado en listas con Chest Pain (I Love) y su disco homónimo en 2025, anunció además una gira por América del Norte para septiembre y actuaciones en festivales.

Michael Jackson mantiene Thriller en la sexta posición con algo más de 55.000 unidades, mientras que Niall Horan debuta en el séptimo lugar con Dinner Party (55.000 unidades, de las cuales 48.000 provienen de ventas de álbum gracias a más de 15 ediciones físicas). Horan se suma así a otros exintegrantes de One Direction que han ingresado a la lista en 2026.

Completan el top 10:

• Number Ones de Michael Jackson (octavo lugar, 51.000 unidades)
• One Thing at a Time de Morgan Wallen (noveno, 40.000 unidades)
• The Art of Loving de Olivia Dean sube al décimo puesto con 35.000 unidades.

Metodología de medición y criterios del Billboard 200

La lista Billboard 200 clasifica los álbumes más populares en Estados Unidos a partir del consumo multimétrico, que incluye ventas tradicionales, ventas de pistas individuales (TEA) y reproducciones en streaming (SEA).

Las unidades equivalentes consideran una venta de álbum, la compra de diez canciones individuales o 2.500 reproducciones bajo demanda con publicidad, o 1.000 en servicios pagos o por suscripción, para conformar el total semanal de cada lanzamiento.

Los datos son recopilados y verificados por Luminate, proveedor independiente de información para Billboard, que revisa y autentica cada semana los registros antes de publicar los resultados definitivos.

La iniciativa incorpora además el acceso abierto a una de las actuaciones televisivas más recordadas de la segunda mitad del siglo XX. El anuncio incorpora el reconocimiento oficial de una celebración que circuló durante años entre comunidades de seguidores.

Según informó The Rolling Stone, la decisión proviene del propio grupo junto a Apple Corps Ltd y sitúa la fecha en un punto central dentro de la agenda cultural contemporánea, con referencias directas a una transmisión que conectó a cientos de millones de espectadores en 1967.

Un origen ligado a la primera emisión global vía satélite

La elección del 25 de junio remite a 1967, cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr ingresaron al estudio uno de Abbey Road Studios para una interpretación en vivo de “All You Need Is Love”. La presentación formó parte del programa Our World, considerado el primer enlace televisivo internacional vía satélite.

La emisión reunió una audiencia estimada en 400 millones de personas. La canción quedó asociada a un mensaje de unión que atravesó la difusión televisiva en tiempo real y consolidó una de las performances más difundidas del grupo de Liverpool. La escena, transmitida desde Londres, marcó un punto de expansión para la música popular en la televisión global.

De iniciativa de seguidores a reconocimiento institucional

La conmemoración comenzó en 2009 a partir de una propuesta de la fotógrafa Faith Cohen, quien impulsó una jornada dedicada a la banda. Desde entonces, la fecha circuló de forma descentralizada con eventos en distintas ciudades.

Conciertos tributo en Tokio, reuniones en Liverpool, muestras en Nueva York y actividades musicales en Buenos Aires formaron parte de una agenda distribuida en distintos continentes.

El crecimiento de la propuesta mantuvo un perfil impulsado por comunidades de fanáticos hasta el reconocimiento formal de Apple Corps Ltd. La empresa destacó el valor contemporáneo del mensaje asociado a la canción en una carta enviada a la impulsora de la iniciativa.

El anuncio y el acceso abierto a material histórico

El comunicado incluye la publicación de una versión restaurada y a color de la interpretación de “All You Need Is Love”. El material quedará disponible de manera gratuita en línea, con estreno en plataformas digitales. La medida incorpora por primera vez el acceso abierto a la grabación completa en ese formato, vinculada a la fecha conmemorativa.

En la carta enviada a Cohen, el director ejecutivo de la compañía Apple Corps Ltd, Tom Greene, señaló: “Más que nunca, el mensaje de Los Beatles y de ‘All You Need Is Love’ habla de algo vital para la comunidad, la conexión y el poder de reunir a las personas”.

Además, destacó que “eso es lo que hace tan especial al Día Global de Los Beatles, no pide nada más que detenerse, escuchar y compartir un poco de alegría”. La declaración fue difundida en el marco del anuncio oficial.

Nuevos proyectos vinculados al legado del grupo

El interés por la obra de The Beatles se mantiene activo a través de distintos desarrollos audiovisuales y editoriales. Entre ellos figura la tetralogía cinematográfica dirigida por Sam Mendes, prevista para abril de 2028, con relatos individuales centrados en cada integrante del grupo.

El elenco incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

Otro proyecto relevante se vincula al edificio de 3 Savile Row, espacio asociado al concierto en la azotea de 1969. El inmueble abre sus puertas como experiencia para visitantes con acceso a archivos y exhibiciones relacionadas con la historia de la banda.

En paralelo, McCartney continúa con nuevas publicaciones discográficas. El lanzamiento reciente de “The Boys of Dungeon Lane” incorpora colaboraciones con Ringo y suma material inédito a su etapa solista. La actividad musical del exintegrante mantiene presencia en la escena actual, con distribución en plataformas digitales y circuitos de consumo contemporáneo.

El Día Mundial de los Beatles integra actividades presenciales y digitales en distintas ciudades, con propuestas de participación global y difusión de contenidos históricos vinculados a la actuación de 1967.

Joan Manuel Serrat es uno de los cantautores más influyentes, respetados y queridos de la música en español y catalán. Nacido en Barcelona en 1943, emergió en los años 60 como una figura destacada de todo un grupo de jóvenes artistas catalanes que reclamaban poder cantar en su lengua durante la vida franquista. A partir de ahí, su figura se iría engrandeciendo con el paso de las décadas, ya fuera entonando melodías con versos de poetas como Antonio Machado o Miguel Hernández, o con temas tan icónicos como Mediterráneo, elegida en 2019 como “la mejor canción jamás cantada” en el programa homónimo de Televisión española.

Dada su trayectoria, es lógico que, en 2024, Joan Manuel Serrat recibiera el Premio Princesa de Asturias de las Artes. Una distinción para la que concedió una entrevista con Iñaki Gabilondo que ahora, casi dos años después, ha subido finalmente a su canal de YouTube. En esa conversación entre el músico y el famoso periodista, donde repasan tanto su carrera como sus raíces y dejan espacio también para reflexiones sobre la vida y otros temas, uno de los temas que abordan fue el momento en el que el cantautor catalán decidió dedicarse a la música, pese a que en un principio parecía que su vida iba a ser completamente distinta.

“Yo estudié para perito agrícola”, confiesa el músico, que añade también que fue “premio extraordinario” de su promoción. Tras eso, entró como becario en el Centro Pirenaico de Biología Experimental en Jaca. “Ahí trabajaba cobrando un sueldo de becario que era muy escaso, y estudiaba al mismo tiempo por libre Biología en Barcelona”. Fue en esos años donde Joan Manuel Serrat empezó a cantar, una afición que le venía de mucho antes, tal y como contaría en el discurso al recoger el premio: “Yo no tengo ningún antecedente familiar que me relacione con ella (la música). Soy hijo de obreros y campesinos. Pero eso sí, era gente que cantaba. Siempre recuerdo a mi familia cantando”.

El momento que lo cambió todo

Cuando estaba en tercero de Biología, le cuenta Serrat a Gabilondo que ya había hecho sus “primeros pinitos”. “Había grabado dos discos pequeños. Ahí entré en la música”, cuenta, y añade por sorpresa a una persona que resultó clave en el cambio de rumbo de su vida: “Mi profesor de zoología” de la carrera. Este docente obligaba a sus estudiantes a hacer prácticas en el laboratorio de Barcelona, algo que, por su situación laboral, le era muy difícil al por aquel entonces estudiante.

“Yo había grabado el tercer disco en catalán, que se convirtió en un éxito tremendo, fue número uno en España (Cançó de matinada)”, continúa, un éxito que complicaba todavía más la situación al llenarlo de más compromisos. “Se empecinó en que no, además en plan histérico. A partir de ahí, lo vi claro. Dije: bueno, pues se ha acabado, voy a mirar qué hago en el mundo de la música”.

Cuenta el cantautor que no sabía a dónde le iba a llevar ese camino, pero prácticamente no le quedaba alternativa: “Veía que en el camino de la universidad lo tenía complicado si quería seguir trabajando en el Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC) y quería hacer otro vuelo. Entonces empecé a trabajar, a hacer canciones. En un momento determinado decido cantar en castellano también, y se produce de alguna manera una... Cuando yo cantaba en catalán en algunos sitios siempre había bronca por cantar en catalán. Cuando pasó lo contrario, también hubo una parte que no estuvo de acuerdo”.

Lo que siguió después

Con todo, Joan Manuel Serrat siguió adelante y muy pronto se convirtió en una auténtica celebridad. Tras el número uno de Cançó de matinada y la polémica por no querer ir a Eurovisión por no poder cantar en catalán (en su lugar lo haría Massiel, que ganaría aquella edición), lanzó discos como La Paloma o Dedicado a Antonio Machado, poeta que lo catapultaron a una fama masiva no solo en España, sino en toda América Latina.

En 1971, publicaría Mediterráneo, coronándose definitivamente en la cumbre de la música popular, aunque todavía le faltaban algunos sinsabores por su ideología y su compromiso social: en 1975, criticó duramente al franquismo por el fusilamiento de cinco militantes, razón por la que no pudo volver a España durante casi un año. Cuando lo hizo, eso sí, ya era un símbolo histórico de la cultura y la música españolas al que todavía le quedaban muchos años por delante.

Una multitud en un estadio de Buenos Aires, miles de voces cantando a los gritos una canción de Los Piojos. El bombo vibra en el pecho, el estribillo se transforma en un grito compartido, los brazos se levantan buscando pertenecer a algo más grande que sí mismos. Unos kilómetros más allá, adolescentes con el corazón roto se pasan auriculares, escuchando a Taylor Swift en la vereda del colegio. Cada letra parece hablar de una historia propia, de amores que duelen o de sueños que vuelven cuando se apaga la luz del cuarto.

Entre estos dos mundos, hay una certeza simple: la música atraviesa y une. Actúa como refugio, compañía y lenguaje secreto. No importa el género, la época o el idioma: cada uno encuentra en la música algo que lo nombra y lo acompaña.

“Una canción puede hacernos llorar en soledad, un himno puede hacernos sentir invencibles entre miles”, ejemplifica Jorge Catelli, psicoanalista y miembro titular en función didáctica de la Asociación Psicoanalítica Argentina (APA), en diálogo con Infobae. “La diferencia no reside solamente en la melodía, sino también en las identificaciones, ideales y emociones colectivas que la música es capaz de convocar”, explica.

Identidad y pertenencia: melodías que nos cuentan

En la adolescencia, elegir una banda favorita puede ser tan importante como decidir con quién sentarse a almorzar en la escuela. Una remera de AC/DC o el sticker de Bad Bunny en la carpeta se convierten en pasaportes para pertenecer o en señales para encontrar a otros que sienten parecido. La música crea tribus y comunidades invisibles que reconocen un territorio propio en una letra o en un ritmo.

“La música suele ocupar un lugar central en ese proceso de subjetivación, acompañando las vicisitudes de la vida”, señala la Dra. Estela Allam, médica psiquiatra y psicoanalista. En ese sentido, pone foco especialmente en la adolescencia: “Los gustos musicales pueden convertirse en una herramienta para diferenciarse de los padres, desarrollar vínculos de pertenencia entre pares y construir una narrativa propia. Las canciones favoritas, los artistas admirados o incluso ciertos géneros musicales pueden transformarse en marcas simbólicas”.

Lo que la música dice de nosotros (y lo que no)

A veces, una melodía logra poner en palabras lo que cuesta expresar. “La música no define la estructura subjetiva ni permite establecer perfiles psicológicos a partir de determinados géneros musicales. Sin embargo, las elecciones musicales suelen estar ligadas a experiencias significativas, identificaciones y recuerdos que fueron configurando la historia de cada sujeto”, aclara Allam. Así, una canción puede recordar un amor, una pérdida, una alegría o un miedo que permanecen vivos más allá de los años.

La Dra. Mirta Noemí Cohen, tesorera de la APA y autora de varios libros sobre el poder curativo, remarca que los gustos musicales de una persona “pueden reflejar emociones, estados de ánimo y también ideas con las que se identifica.

“Dan pertenencia a determinados grupos o comunidades. Por ejemplo, alguien que escucha mucho rock puede sentirse atraído por ciertas actitudes o estéticas asociadas a ese género, mientras que alguien que prefiere música clásica puede valorar otros aspectos”, detalla.

Cohen advirtió que la música que una persona elige “es un reflejo parcial de su identidad, como puede ser el tipo de comida que ingiere, pero no la define ni la determina por completo”. E insistió: “No hay que confundir identidad con identificación. Puedo identificarme con cierta música que me recuerda un momento de mi vida, grato o no, y sin embargo preferir otro género en lo cotidiano”.

El eco de lo que no se dice

Hay días en que una conversación se repite en la cabeza, una frase no dicha insiste en aparecer, o el miedo a decir “no” se aloja en la garganta. En esos momentos, una canción puede poner en palabras lo que cuesta expresar. La música permite dar forma a emociones difíciles y actúa como puente entre el mundo interno y el exterior. Al respecto, Catelli analiza: “Freud nunca desarrolló una teoría sistemática de la música, pero dejó planteada una idea fundamental: los seres humanos no siempre conocen las razones de aquello que los conmueve, los motivos son inconscientes”.

“En muchos casos, la emoción musical antecede a la comprensión consciente”, agregó Catelli, quien, además de su labor como psicoanalista, también encuentra en la música un lenguaje propio.

Más que sonidos: la memoria afectiva

Una melodía puede transportar a la infancia, a la casa de los abuelos, al primer amor o a una despedida. La música se convierte así en un archivo afectivo, un espacio donde los recuerdos se organizan y las emociones encuentran refugio. “Las canciones terminan formando parte de la narrativa con la que una persona cuenta su historia y los caminos recorridos”, explicó Allam.

La musicalidad aparece incluso antes de que el ser humano aprenda a hablar. “Los intercambios rítmicos, tonales y afectivos entre el bebé y quienes lo cuidan constituyen algunas de las primeras experiencias de comunicación humana. Investigaciones contemporáneas sobre la ‘musicalidad comunicativa’ sugieren que esta dimensión rítmica y emocional continúa operando durante toda la vida y también dentro de los procesos psicoterapéuticos”, detalló Catelli.

Cohen, por su parte, señaló: “La música funciona como una herramienta de construcción y expresión de la identidad. Las personas no suelen elegir música al azar: tendemos a preferir aquella que conecta con nuestra personalidad, nuestras emociones, nuestros valores, nuestros recuerdos y los grupos con los que nos identificamos”.

La música y los otros: un idioma común

En un colectivo lleno, alguien tararea el estribillo de “We Didn’t Start the Fire” de Billy Joel y otra persona sonríe. En una fiesta, un tema de moda logra que desconocidos se abracen o salten al compás. La música tiene el poder de unir, de borrar diferencias y de construir momentos compartidos sin necesidad de palabras. Es un idioma que todos hablamos, aunque cada uno lo traduzca a su manera.

Quizá cada uno lleva adentro una banda sonora secreta, canciones que acompañan los días buenos y los difíciles, acordes que nombran lo innombrable. No hay respuestas cerradas ni verdades únicas, solo la posibilidad de escucharse a través de la música y de descubrir, en cada compás, algo propio y a la vez compartido.

La identidad, entonces, no se reduce a un género musical ni a una lista de reproducción. Se construye en el vaivén entre lo que elegimos escuchar y lo que la música despierta en nosotros. “Cuando cambiamos como personas, muchas veces cambian también nuestros gustos musicales”, concluye Cohen.

El cantante canario Quevedo, uno de los artistas más escuchados del panorama de la música urbana en España, acaba de anunciar una nueva gira de conciertos con El Baifo Tour 2027, un proyecto en el que ofrecerá conciertos en dos ciudades de la península ibérica para presentar en directo las canciones de su último disco, que desde su lanzamiento el pasado 24 de abril se ha convertido en uno de los trabajos musicales más exitosos de la temporada.

Las cuatro fechas que Quevedo ha anunciado tendrán lugar en las dos ciudades más grandes: Madrid y Barcelona. El Movistar Arena acogerá al canario los días 9 y 10 de abril, mientras que el Palau Sant Jordi será el escenario de sus conciertos en Barcelona el 1 y 2 de julio. “Lo conseguimos, nos vemos en EL BAIFO TOUR 2027 ESPAÑA, me toca ir pa la Península. Entradas disponibles esta semana”, informaba el propio cantante en un mensaje publicado por sorpresa en sus redes sociales.

Cuándo y cómo conseguir las entradas

Quienes deseen asistir a estos conciertos deberán prepararse para un proceso de compra escalonado, que comienza con un registro previo para acceder a la preventa. El registro estará habilitado hasta el lunes 15 de junio a las 15:00 horas, permitiendo a los interesados optar a un acceso prioritario a las entradas.

Las personas que completen este registro recibirán un código el martes 16 de junio. Ese mismo día, a partir de las 12:00 horas, se abrirá la preventa exclusiva para los registrados. Aquellos que prefieran esperar o no logren conseguir entradas en esa fase tendrán una segunda oportunidad: la venta general se habilitará el jueves 18 de junio a las 12:00 horas. Para todo ello, se ha dejado un link en el perfil del cantante que permita acceder a su página web.

Los conciertos en Canarias, “cuando menos se lo esperen”

La gira servirá para presentar en directo El Baifo, el álbum más reciente del cantante. El propio Quevedo ha manifestado que se trata de “uno de los trabajos más personales” de su carrera, en el que mezcla sonidos urbanos con referencias explícitas a la cultura y la identidad de Canarias. El disco, compuesto por 14 canciones, incorpora colaboraciones con artistas de distintos géneros y generaciones en las islas y el título hace referencia al nombre que se da en Canarias a la cría de cabra, un guiño a sus orígenes y a la importancia de las raíces en su música.

El comunicado del Movistar Arena ha destacado también la magnitud del evento: Quevedo regresará al recinto madrileño en una doble cita que promete convertirse en uno de los grandes espectáculos musicales del año. El artista presentará su nuevo repertorio, pero también interpretará los temas que lo han consagrado, como “Quédate” y “Columbia”. Del mismo modo, el propio recinto ha subrayado que se espera una alta demanda de entradas, dado el éxito de un disco que logró colocar en la lista de las 10 canciones más escuchadas del país 10 temas suyos.

Por su parte, el cantante ha dejado en el aire cuándo podría actuar en Canarias. En el vídeo promocional de la gira se le ve anunciando que se marcha a la Península a actuar, pero cuando le preguntan si no va a hacer nada en su isla (Gran Canaria), dice: “Eso es cuando menos se lo esperen”. Unas palabras que abren la puerta al anuncio de nuevos shows en su comunidad autónoma.

En España, el nombre de Manu Bahtidão no era conocido hasta volverse viral en las últimas horas por las protestas de fans de Rosalía. Los seguidores de la cantante catalana, que actualmente se encuentra en Estados Unidos realizando la parte americana de su Loux Tour, han señalado directamente a esta artista brasileña por “plagiar” para el último de sus conciertos la estética de la primera.

“Por qué nadie habla de que está copiando descaradamente el Lux Tour usando las mismas alas, la misma coreografía, el mismo escenario y hasta las plumas de confeti?”, denunciaba una usuaria en una publicación de X. Con mensajes como este, las redes se han llenado de fotografías y vídeos comparando la estética de partes del show de Rosalía con los de Bahtidão.

Esta mujer, cuyo nombre real es Emanuella Tenório Rocha, es una reconocida cantante y compositora brasileña de tecnomelody y música sertaneja (también conocida como country brasileño). Se trata de una personalidad muy popular en Brasil, sobre todo por temas como Daqui Pra Sempre, y actualmente ya está consolidada como una de las voces principales de la sofrência moderna y se encuentra promocionando sus álbumes más recientes, como Destino, en cuyos conciertos se han señalado estas similitudes con el directo de Rosalía.

Todas las similitudes de los shows de Bahtidão y Rosalía

Para reforzar las acusaciones de plagio, la usuaria de X @motobabylux ha publicado un hilo señalando todos los elementos parecidos entre los conciertos de Rosalía y la última actuación de la cantante. “El cierre de su concierto con música muy similar” es el primero, señala, con la misma coreografía, escenografía y vestuario, donde destacan las botas y el vestido con alas que las cantantes abren justo antes de desaparecer en caída libre.

En otras partes de las actuaciones, esta misma usuaria señala que el “outfit es prácticamente igual, solo que en otro color”, y que en diferentes puntos se copia tanto la estética del escenario como los bailes y movimientos de las artistas. “Está plagiando todo el concepto del espectáculo LUX Tour sin dar el crédito correspondiente”, denuncian desde otra cuenta, con miles de visualizaciones e interacciones que acusan directamente a Manu Bahtidão, con más de un mensaje coincidiendo en la misma idea: “Es completamente igual”.

¿Podría Rosalía presentar una denuncia?

Ninguna de las dos cantantes se ha pronunciado sobre esta polémica hasta la fecha. Tanto en España como en Brasil existen leyes de propiedad intelectual que protegen el diseño de los espectáculos de los músicos, considerándolo como una obra artística con derechos de autor propios. Además, dado que ambos países son del Convenio de Berna (tratado internacional que protege los derechos de autor), cabría perfectamente la posibilidad de que la cantante catalana pudiera presentar una demanda ante los tribunales brasileños si lo considerara pertinente.

Otro sector del fandom de Rosalía ha señalado que, probablemente, el hecho de que Manu Bahtidão haya presentado un espectáculo tan parecido se deba a que “está buscando crear polémica” para hacerse más conocida. En todo caso, no sería la primera vez que los seguidores de la artista española acusan de plagio a otra cantante, con casos como el de Karol G que surgen en posts y en foros de forma recurrente.

Taylor Swift se convirtió la noche del jueves en la mujer más joven en ingresar al Salón de la Fama de los Compositores, a la edad de 36 años. “Fue algo instintivo. Nadie me enseñó a hacerlo”, dijo sobre la composición de canciones con una voz ronca que atribuyó a gritar durante las interpretaciones de la noche y el histórico partido de la NBA del miércoles entre los New York Knicks y los San Antonio Spurs.

Contó a los presentes cómo su familia cambió de vida para trasladarla de Pensilvania a Nashville, Tennessee, cuando era preadolescente. “Nunca podré expresar mi agradecimiento”, dijo la cantante y compositora mientras contenía las lágrimas, atribuyendo su carrera al sacrificio de su familia. Ofreció un consejo a los jóvenes compositores: “Realmente tienes que priorizar lo que amas, desde lo más profundo de ti. Porque lo vas a necesitar”.

Steven Spielberg la presentó con un discurso sorpresa sobre el poder de la composición de canciones. “Hay algo innegable en cómo las canciones se imprimen en nuestras almas”, dijo, antes de centrar su atención en Swift. “De algún modo, Taylor nos conoce demasiado bien a todos”. Ella comenzó su discurso reconociendo a Spielberg. “Gracias a ejemplos como el de Steven, confié en mi imaginación”, dijo. El cantante de la Generación Z, Sombr, inició el segmento homenaje interpretando “Cardigan” y “Dear John” frente a ella.

Taylor Swift atrajo nuevas miradas a la ceremonia de este año y, sin duda, ha moldeado las tendencias del pop contemporáneo con su composición. Es la mujer más joven en ser incorporada, pero Stevie Wonder, quien inició su carrera discográfica a los 13 años, fue el más joven en ingresar, tal como se anunció en el escenario.

Fue un momento destacado en una velada repleta de estrellas, en la que se homenajeó además a Gene Simmons y Paul Stanley de Kiss, Christopher “Tricky” Stewart, Alanis Morissette, Kenny Loggins y más.

Celebración a los compositores

Tamar Braxton abrió la gala en el Hotel Marriott Marquis de la ciudad de Nueva York con un enérgico tributo a un nuevo incorporado: el revolucionario compositor, productor y rapero de R&B Christopher “Tricky” Stewart, con una de las canciones más conocidas de Stewart: “Single Ladies”, de Beyoncé. También es responsable de “Umbrella”, de la cantautora Rihanna; “Touch My Body”, de Mariah Carey; y “Baby”, de Justin Bieber.

Dallas Austin, compositor y productor conocido por su trabajo con Boyz II Men y Madonna, presentó a Stewart. “Piensen en ese catálogo”, dijo, enumerando esas obras que marcaron época. “Esos son momentos culturales”. El músico y productor agradeció a Dios, a su familia, a los artistas con los que ha trabajado y a sus mentores, dedicando un reconocimiento especial al productor discográfico ganador del Grammy, Antonio “L.A.” Reid, y al icónico cantante y compositor Babyface. “Quería ser como L.A. y Baby”, reflexionó.

Los fundadores de Kiss, Simmons y Stanley —dos años y medio después de la despedida de la banda— también fueron reconocidos por sus clásicos “Rock and Roll All Nite” y “I Love It Loud”. Billy Corgan, de los Smashing Pumpkins, interpretó la primera, brindando una introducción enérgica a la banda. Fue acompañado por John Rzeznik, líder de Goo Goo Dolls, en la segunda. Simmons no estuvo presente; Stanley comentó que tuvo una emergencia familiar. “Las canciones son el mensajero”, dijo, son la base de “cada espectáculo”.

La leyenda del soft rock Kenny Loggins (“Footloose”, “Danny’s Song”) y la icónica representante del alt-rock Alanis Morissette también fueron incorporados. En el caso de la cantante y compositora, Brandi Carlile interpretó “Uninvited” junto a SistaStrings, antes de presentarla. “Escribir para mí no es un pasatiempo”, dijo Morissette, “es fundamental. Es escribir o morir”. Luego interpretó “Mary Jane” y “You Oughta Know” de su álbum de 1995, Jagged Little Pill.

Por Kenny Loggins, Gavin DeGraw interpretó “Danny’s Song”, antes de que Loggins contara la historia detrás de la canción durante su discurso de agradecimiento.

Taylor Dayne y Madison Cunningham interpretaron clásicos de Tina Turner escritos por Terry Britten y Graham Lyle en honor a su incorporación; John Fogerty fue homenajeado con el Premio Johnny Mercer. “¡Recuperé mis canciones!”, exclamó Fogerty al finalizar un discurso de casi 30 minutos, haciendo referencia a que recuperó los derechos de su catálogo a los 80 años. Luego interpretó un popurrí de sus éxitos: “Proud Mary”, “Fortunate Son” y “Have You Ever Seen the Rain”, entre otros.

El compositor Walter Afanasieff (“All I Want for Christmas Is You”, de Mariah Carey) también recibió un reconocimiento. Su segmento comenzó con una introducción del actor Jeremy Renner e incluyó un extenso popurrí de sus mayores éxitos interpretado por la cantante de R&B Sheléa, comenzando seis meses antes con su clásico navideño. “Quería ser Los Beatles”, dijo en su discurso sobre su amor por la composición. “Sesenta años después, llegué a producir a Paul McCartney”.

El Salón de la Fama de los Compositores se estableció en 1969 para honrar a quienes crean música popular. Un compositor con un catálogo destacado de canciones es elegible para ser incorporado 20 años después del primer lanzamiento comercial de una canción. Algunos ya presentes en el salón son Gloria Estefan, Carole King, Paul Simon, Billy Joel, Jon Bon Jovi y Richie Sambora, Elton John y Bernie Taupin, Brian Wilson, James Taylor, Bruce Springsteen, Tom Petty, Lionel Richie, Bill Withers, Neil Diamond y Phil Collins.

Fuente: AP

[Fotos: Kylie Cooper/Reuters]

Billy Ray Cyrus repasó, en una entrevista para People, los momentos principales de su vida y trayectoria musical. Desde sus orígenes en Tennessee hasta la superación de una enfermedad, el cantante se centró en el valor de avanzar hacia el futuro: “No tengo tiempo para mirar atrás. No quiero gastar ni un segundo mirando atrás”.

Billy Ray Cyrus comparte vivencias que abarcan su crecimiento personal, las lecciones heredadas por su familia, la superación de adversidades y la importancia del legado artístico. El músico detalla cómo sus experiencias y relaciones han marcado su carrera, y señaló la creatividad y el apoyo familiar como motores de sus cambios en su carrera.

El artista comenzó relatando cómo en 2020 planeaba celebrar los logros obtenidos con Old Town Road y vivir un respiro profesional. “Nunca he dicho que me voy a retirar. Jamás he dicho, ‘Voy a terminar esto y me retiraré’”, recordó en el podcast de YouTube.

La llegada de la pandemia truncó sus planes y lo llevó a una etapa de creatividad y reflexión junto a su perro Tommy Jack. “Me gusta cómo se ve todo ahora. Vamos a imaginar un gran futuro, hacer cosas divertidas, creativas, canciones que te muevan, que ojalá muevan a otros, y luchar por un propósito”.

La influencia de su familia en la música

La conversación se centró en la influencia familiar dentro de su carrera musical. Cyrus resaltó su formación, enfatizando el talento heredado de su madre y su padre: “Ninguno de nosotros recibió formación. Es algo que llevamos en la sangre, el poder tocar de oído”.

Agregó que ese don continuó en la nueva generación. “Tuve la suerte de heredarlo, y mis hijos también lo tienen”. Para Cyrus, su nuevo álbum junto a Braison y Noah representa una celebración de la familia: “Este álbum junto a Braison y Noah es una celebración de nuestra familia”.

Hannah Montana y la muerte de su padre

A lo largo del podcast de YouTube, Cyrus evocó el impacto de Hannah Montana en su vida personal y profesional. Describió la serie como un proyecto creativo y familiar. “Me encantó ser Hannah en aquel entonces. Sigo disfrutándolo ahora”, dijo.

Narró anécdotas del rodaje, incluyendo su insistencia en filmar en Tennessee, Estados Unidos: “Les dije: ‘Esto sería genial si Miley realmente viniera a Tennessee. Ni siquiera tendría que actuar’”. La celebración del vigésimo aniversario de la serie coincidió con un episodio de pérdida profunda: la muerte de su padre, conocido como “Pappy” por Miley y la familia. “Es difícil creer que, en estos 20 años, durante el primero, mi padre falleció”, recordó.

Ese evento marcó la filmación del episodio I Want My Mullet Back. “Mientras hacíamos esos primeros episodios, mi papá empezó a ir al médico por cáncer, y él me decía siempre: ‘Las cosas van de regular a bien’”. Durante la producción, recibió la noticia de la muerte de su padre. Miley le preguntó: “¿Qué diría Pappy?”. El músico respondió: “Sé lo que diría: ‘El show debe continuar’. Tú y yo subimos al escenario, hacemos nuestra canción y después vamos a darle sepultura”.

La enfermedad y su recuperación

El relato cambió de tono cuando Billy Ray Cyrus abordó una enfermedad que casi le cuesta la vida. “Me enfermé gravemente y casi muero”, compartió en el podcast de YouTube. Afirmó que la fe fue clave en su recuperación: “En el último momento, se respondió una oración. Puse mi rodilla en la roca y pedía: ‘Dios, necesito un milagro’”.

Luego contó: “Fui al hospital, y me dijeron: ‘Está curado’. Tuve un milagro. Amor, esperanza, música, alegría, cosas que había olvidado cómo se sentían”. Durante ese periodo, la música fue su refugio. “Esa canción en el disco de Noah, ‘Don’t Put It All On Me’, fue lo único que, de alguna manera, me dio paz. La escuchaba todo el día”.

Con gratitud, el cantante valoró el impacto de sus hijos en este proceso. “Este álbum junto a Braison y Noah, y volver a celebrar juntos el aniversario con Miley, es motivo de alegría”.

Nuevos proyectos y legado

Cyrus narró cómo los proyectos recientes alimentan su motivación diaria. “Sigo escribiendo canciones nuevas. Tengo 2 o 3 álbumes listos”, afirmó. El apoyo de Elizabeth fue clave en su regreso a los escenarios y en su participación en la televisión internacional: “Ella fue quien me dijo que debía hacer ‘Masked Singer’ para recuperarme. Si logras ponerte un disfraz de lechuza de 113 kg y cantar en televisión mundial, entonces eres cantante. Es hora de volver”.

El reconocimiento familiar adquirió significado: “Braison empezó a decir, ‘Papá, nunca antes me había gustado tanto cómo cantas’”. El artista reiteró su convicción de no aferrarse al pasado: “No me quejo de nada. Ni siquiera quiero perder el tiempo mirando atrás. Pase lo que pase, mi legado está aquí”.

Para Billy Ray Cyrus, la vida implica adaptarse y renovarse constantemente. “A veces cambio después de mucho tiempo, cuando por fin encuentro el coraje y decido comprometerme mentalmente a avanzar. Así es como han sido siempre las cosas para mí”.

Shinova ofreció este jueves un vibrante concierto en las Noches del Botánico, donde presentó ‘La tormenta perfecta’, pero también lo que desata en el resto de su trabajo, lo que fue toda una sorpresa hasta para quienes llevan años siguéndoles la pista. Se trata de un EP de cuatro temas publicado en mayo y concebido para escucharse como una sola pieza. Dicho de otra forma, cuatro capítulos de una misma historia, probablemente de amor, pero circular y en el aire (“cuántos vivieron / a la sombra de cada palabra / que nunca dijeron”). Para llevarlo a un escenario, la banda ha sumado a un cuarteto de cuerda presente las dos horas de recital, para todo el repertorio, dándole una nueva energía.

Gabriel de la Rosa, Daniel del Valle, Erlantz Prieto y Joshua Froufe abrieron la noche con Si no es contigo (“deja el fuego encendido / que está calando el frío / en las personas buenas / que conocimos”). Y con ellos, el cuarteto. Y una tras otra, las canciones que les han llevado a los principales recintos y festivales en España y abierto puertas en América Latina, como El álbum o Los días que vendrán. Uno de los momentos de mayor comunión con quienes llenaron el Jardín Botánico de la Complutense se produjo con Volver (“será un espacio en el que el sueño / sea para siempre mientras dure”), que De la Rosa comenzó a capela. Hace apenas seis meses la celebró junto a Rozalén en el Movistar Arena.

El antes WiZink, siempre Palacio de los Deportes, se viene usando de unos años hasta aquí como unidad de medida del éxito para los artistas. Visto así, desde el frío de los números, Shinova metió en diciembre a 17.000 personas a sus pies y hasta donde les alcanzaba la vista, sold out. Fue el colofón de una gira de cerca de dos años, catapultados por La buena suerte y El presente, sus dos últimos discos. El mercado anima a no bajarse, a seguir subido a la inercia, pero ellos lo han hecho diferente, dándose el gusto de probar lo que les ha pedido el cuerpo: no macrofestivales, solo teatros y auditorios, y un nuevo sonido para este formato, también en las canciones que ya funcionaban, cortando esa red de seguridad.

El Botánico, como un guante

El resultado, anoche en Madrid, es que se lo pasan muy bien sobre el escenario. El cantante sigue siendo una poderosa presencia, pero gana el conjunto, con arreglos instrumentales muy interesantes. Sobre todo, la forma en que las cuerdas no acompañan, sino que se integran con guitarras, teclado, batería y voz. El cuarteto de cuerda también hace rock. El Botánico fue un guante para esa propuesta.

En estas que, ya superado el ecuador, sonaron las cuatro de ‘La tormenta perfecta’, bien acogidas y coreadas pese a apenas tener unas semanas de vida. Y quedaban las últimas, ya pasada la hora y media de recital, no otras que Qué casualidad (que De la Rosa bajó a cantar entre el público) La sonrisa intacta, Mirlo blanco y Te debo una canción. La velada acabó con una sensación de alegría compartida. Dicen atravesar el mejor momento de su particular historia, no exenta de tormentas, ahora que han decidido ser más sobre el escenario y hacerlo para menos, siguiendo su propio camino, marcando una nueva inercia. “Sois lo más parecido que tenemos a una religión. Os queremos mucho”, se despidió el cantante.

La de Shinova era una fecha más de 54 este verano en Noches del Botánico, que cumple diez ediciones este 2026. Lleva en marcha desde el 3 de junio y llegará al 31 de julio con un cartel que explora los estilos y las edades. Por su escenario se espera a Van Morrison, Rick Astley, ZZ Top, Biffy Clyro, Belle & Sebastian, Garbage, Jean-Michel Jarre, Diana Krall, John Legend o Tom Jones, entre muchos otros. Eso por la parte internacional. Por la nacional, pasados Shinova o Rigoberta Bandini, que llenó tres fechas, quedan Love of Lesbian, Pablo López, M-Clan, Ginebras, León Benavente o Niña Pastori.

María del Monte ha acudido este jueves 11 de junio a ‘El Hormiguero’, en Antena 3, para presentar su nuevo sencillo, ‘Agüita de manantial’. Durante la entrevista, la cantante sevillana, de 64 años, contó que nunca ha probado drogas “por si me gustan” y vinculó esa decisión a una intuición que, según relató, en una ocasión la llevó a salir de un local junto a su hermano minutos antes de que se produjera una redada policial, describiendo el operativo como “una redada impresionante”.

La frase sobre las drogas fue uno de los momentos más comentados de la entrevista con Pablo Motos. “Yo no he probado las drogas nunca por si me gustan, te lo digo sinceramente”, dijo la artista en el programa.

El relato no se quedó en esa afirmación. María del Monte explicó que, en una ocasión, mientras estaba con su hermano en un local donde asistían a una actuación musical, empezó a desconfiar del ambiente cuando comenzaron a agasajarles y a llevarles cosas.

Un tema marcado por la intuición y la autenticidad

La cantante explicó que insistió en marcharse pese a la resistencia inicial de su hermano. “Le dije a mi hermano que nos fuéramos. Y me dijo que estaba loca. Le insistí y él no quería irse”, relató. Finalmente salieron del local y, cuando ya estaban doblando la esquina, empezaron a ver las sirenas. “Nos fuimos. Íbamos por la esquina de la calle cuando empezamos a ver sirenas...”, recordó la artista, que remató la anécdota con otra frase: “una redada impresionante. Y me libré”.

La artista presentó además ‘Agüita de manantial’, un tema que nació de forma casual tras un cambio de banda y una nueva propuesta de su director musical. María del Monte contó que, al escuchar el boceto, quiso llevar la canción hacia un sonido más ranchero.

Durante la entrevista, la cantante explicó también su criterio al grabar el nuevo tema, ya que afirmó que quería que no sonara perfecto porque, a su juicio, esa imperfección es una forma de diferenciar el trabajo artístico de la inteligencia artificial: “cuando estuvimos grabándolo quería que no fuera perfecto” porque “es la única manera que tenemos los artistas de luchar contra la IA, que no tiene sentimiento”, hasta el punto de que en la grabación se la oye “respirar”.

Recuerdos de ‘Cántame’ y nuevas intuiciones

Ese regreso musical convivió en la conversación con una referencia a ‘Cántame’, su canción más conocida. Del Monte explicó que ese tema fue el primero de un disco de sevillanas y que las condiciones contractuales de entonces no fueron favorables.

“Cuando grabas normalmente tu primer disco son contratos leoninos”, dijo la cantante al programa. En ese mismo pasaje añadió que ganó dinero con los royalties porque el disco vendió mucho, pero que no cobra nada por los derechos de esa canción.

La entrevista incluyó además más episodios vinculados a la intuición. Del Monte relató un viaje en coche en el que, después de pedir salir sin motivo aparente, reventó una rueda en plena sierra, y también un sueño ocurrido este mismo jueves sobre una llamada relacionada con un negocio de una persona de su entorno.

Sobre ese último caso la artista contó que, al despertarse, preguntó a esa persona si le habían resuelto el asunto. La respuesta, según narró María del Monte en Antena 3 fue que la acababan de llamar por teléfono para solucionarlo.

El cantante Francisco Javier Álvarez Beret (Sevilla, 1996), conocido simplemente como Beret, ha sido detenido la mañana este jueves en Sevilla por una supuesta agresión sexual, como ha adelantado Cadena Ser.

El intérprete de Lo siento, Vuelve o Estupidez -junto a Aitana- ha sido puesto en libertad provisional esta tarde, después de que, como ha recogido el Tribunal Superior de Justicia, el juez de la plaza número 4 de la Sección de Violencia sobre la Mujer del Tribunal de Instancia de Sevilla, que estaba de guardia, ha impuesto como medidas cautelares la prohibición de comunicarse y aproximarse a menos de 500 metros de la denunciante, así como la retirada del pasaporte durante tres meses.

En sede judicial, el cantante se ha acogido a su derecho a no declarar, mientras la justicia le atribuye un presunto delito de agresión sexual de los artículos 178.1 y 179.1 del Código Penal. El primero sanciona los actos sexuales realizados sin consentimiento con uno a cuatro años de cárcel, mientras que el segundo se aplica cuando la agresión incluye penetración, supuesto que la ley califica como violación y que está penado con de cuatro a doce años.

Por el momento, no han trascendido más detalles sobre los hechos que se le acusan. EFE ha asegurado que ha sido arrestado esta mañana por unos hechos que habrían tenido lugar el pasado mes de abril.

Ya en 2020, una mujer denunció a través de X (antes Twitter), que el cantante sevillano quiso aprovecharse de ella siendo menor, cuando tenía 17 años y asistió a un concierto del artista en Pamplona.

“Es una persona que se aprovecha de su fama para intentar aprovecharse de menores (...). Me quedé muy decepcionada porque era uno de los artistas que más me gustaban de España, me gustaba mucho su música, sus letras. Yo decía ‘buah, este chico tiene que ser super profundo, me gusta la gente profunda’. O sea, yo no quería nada con él, yo solo quería estar con él y hablar de la vida o lo que sea, o sea que imaginaros el chasco que me llevé. Era de mis artistas favorito", escribió en los tuits recogidos por VozPópuli y actualmente no disponibles. En la misma red social, la joven explicó que ella y el cantante, que para entonces tenía 20 años, comenzaron a hablarse a través de Instagram y quedaron para mantener un encuentro en un hotel tras el concierto.

La noticia llega dos días después de que Beret actuase ante el papa León XIV en el Estadi Olímpico Lluís Companys de Barcelona, donde interpretó Lo siento con un coro infantil.

Recursos para las víctimas

El Ministerio de Igualdad, a través de la Delegación del Gobierno contra la Violencia de Género, recuerda que el teléfono 016, las consultas online a través del email 016-online@igualdad.gob.es, el canal del WhatsApp en el número 600 000 016 y el chat online, accesible desde la página web violenciagenero.igualdad.gob.es, funcionan las 24 horas, todos los días de la semana. En el 016 se puede pedir asesoramiento sobre los recursos disponibles y los derechos de las víctimas de todas las formas de violencia contra la mujer, así como asesoramiento jurídico de 8 h a 22 h todos los días de la semana, con atención en 53 idiomas y un servicio adaptado a posibles situaciones de discapacidad.

En una situación de emergencia se puede llamar al 112 o a los teléfonos de emergencias de la Policía Nacional (091) y de la Guardia Civil (062). En caso de que no sea posible realizar una llamada y ante una situación de peligro, se puede utilizar la aplicación ALERTCOPS, desde la que se enviará una señal de alerta a la policía con geolocalización. Estos medios de asistencia pueden ser activados por la víctima y también por cualquier persona que conozca o sospeche de un caso de violencia de género.

*Con información de EFE y Europa Preess

El regreso de Jay-Z y Eminem en una misma canción ha llamado la atención de la industria musical, ya que no se encontraban en un mismo proyecto desde hace 25 años. De acuerdo con información publicada por la revista Rolling Stone, ambos artistas participarán en una pista del próximo álbum colaborativo de Rakim, quien estará acompañado también por Kurupt y Masta Killa.

Esta reunión se produce 25 años después de su última colaboración, “Renegade”, incluida en el disco The Blueprint de Jay-Z, y está prevista para formar parte del álbum cuyo lanzamiento está programado para el 28 de agosto de 2026. La confirmación llegó a través de Matthew “M80” Markoff, productor y presidente de Holy Toledo Productions, quien compartió detalles del proyecto y anticipó que la canción ya genera expectativa, según Rolling Stone.

La colaboración en el nuevo álbum de Rakim, Kurupt y Masta Killa

El nuevo álbum, que reunirá a Rakim, Kurupt y Masta Killa, se encuentra en la etapa final de producción y tiene fecha de salida para el 28 de agosto. Entre las canciones que formarán parte del disco, figura un tema —aún sin título oficial— que se destaca por la participación conjunta de Jay-Z y Eminem.

Matthew “M80” Markoff, A&R y productor ejecutivo del proyecto, compartió en redes sociales un adelanto del listado de canciones, donde la pista número seis aparece con los nombres manuscritos de ambos raperos.

Markoff precisó que la colaboración de Jay-Z y Eminem será un interludio en el álbum, en el que ambos artistas rendirán homenaje al legado y la influencia de Rakim en el género. El productor aclaró que no habrá versos completos de Jay-Z y Eminem en este segmento, aunque sí se tratará de material reciente, grabado en los últimos dos años. Además, esta pieza servirá de antesala al primer tema en solitario de Rakim con producción propia en más de 15 años.

El antecedente de “Renegade”

La última vez que Jay-Z y Eminem compartieron una canción fue en 2001, cuando lanzaron “Renegade” dentro del álbum The Blueprint. En ese momento, ambos músicos eran considerados referentes en la lírica del hip-hop, y su colaboración se percibió como la unión de dos artistas y como un enfrentamiento amistoso en el que cada uno exhibía su destreza.

La canción “Renegade” provocó debate entre seguidores y especialistas acerca de cuál de los dos artistas había ofrecido la mejor actuación lírica, una discusión que se mantiene viva décadas después y muestra el impacto que tuvo aquel encuentro en el género. Tanto Jay-Z como Eminem siempre sostuvieron que su objetivo era enfocarse en el mensaje y la producción del tema, descartando cualquier intención competitiva directa.

Las reacciones al anuncio

La revelación sobre la nueva colaboración entre Jay-Z y Eminem rápidamente se volvió tema de conversación en redes sociales y foros especializados, reactivando el interés en la histórica “Renegade” y generando expectativas respecto a cómo será este reencuentro musical, según explica el medio. El anticipo de Markoff en Instagram, donde calificó el proyecto como “AOTY 2026” (Álbum del Año 2026), contribuyó a aumentar la expectativa del público y de la crítica.

La publicación del productor y las filtraciones sobre la lista de canciones del álbum han alimentado la anticipación por el lanzamiento oficial, previsto para finales de agosto. El hecho de que se trate de material grabado recientemente y que reúna a figuras del rap ha sido otro elemento que ha captado la atención tanto de seguidores veteranos como de nuevas generaciones.

Los otros invitados y créditos del álbum

El álbum colaborativo de Rakim, Kurupt y Masta Killa no sólo contará con la participación de Jay-Z y Eminem. La lista de invitados incluye nombres consagrados como Snoop Dogg, KRS-One, Raekwon, Ghostface Killah, Buckshot y Daz Dillinger, entre otros. Además, el disco tendrá una producción ejecutiva póstuma a cargo de Oliver “Power” Grant del colectivo Wu-Tang Clan.

Este trío ya había trabajado previamente en “BE ILL”, el sencillo principal del álbum de Rakim G.O.D.’s NETWORK – REB7RTH lanzado en 2024. El nuevo disco estará disponible para preventa desde julio, según informó la publicación de Rolling Stone.

Sting considera que ‘The Last Ship’ sigue siendo una labor inconclusa porque representa tanto su historia personal como la de la comunidad de Newcastle, lugar donde creció.

La pieza, inspirada en sus vivencias y en la desaparición de la industria naval de su ciudad natal, le permite explorar el duelo por sus padres, honrar los valores obreros y reflexionar sobre los actuales desafíos, como el auge de la inteligencia artificial y la preservación de la identidad cultural.

Origen y significado personal de The Last Ship

El músico reconoció en la entrevista con The Hollywood Reporter: “Creo que he estado escribiendo las canciones para este musical toda mi vida”. Explicó que la obra se nutre de recuerdos de su entorno cercano: “El musical está basado en personas que conocí, gente de mi comunidad, mi padre, mi madre y yo mismo. No es una autobiografía literal, pero hay mucho de mí en la obra”.

También señaló que el proyecto tiene sus raíces en el duelo: “La idea ya estaba ahí. Escribí Island of Souls y pensé que podía tener potencial teatral. Comenzó como un largo proceso de duelo por mis padres y, de alguna manera, más de 30 años después, se ha convertido en esto”.

El proceso creativo y la catarsis de Sting

Al referirse al impacto emocional de la obra, Sting sostuvo: “Siento que experimento una especie de catarsis cada noche cuando actúo. Suena pretencioso, pero es verdad. Mis padres están conmigo en el escenario todo el tiempo”.

Además, subrayó la importancia de la paciencia y la reflexión dentro de su disciplina artística, al señalar que había aprendido a ser paciente con el proceso creativo y a no dejarse llevar por la ansiedad.

También explicó que, en ocasiones, consideraba más importante obtener información que producir contenido, y sostuvo que no quería expresarse a menos que tuviera algo útil que aportar, ya que, a su juicio, existe demasiado ruido en el mundo.

Cambios y colaboradores en el desarrollo del musical

Sobre la colaboración con dramaturgos, el artista explicó que “nunca antes había escrito una obra de teatro, así que necesitaba ayuda. Brian Yorkey trabajó conmigo primero, luego se unió John Logan. Ahora estamos trabajando con Barney Norris. Todos han hecho un buen trabajo, pero nos ha llevado todo este tiempo darle forma. Y sinceramente aún no está terminada”.

En cuanto a los ajustes en la trama, detalló que “Jackie White ahora es una mezcla entre sacerdote y capataz. Se convirtió en el padre confesor de la comunidad. Estos cambios ayudaron a dar mayor claridad a la historia”.

En relación con las nuevas incorporaciones, Sting explicó que el personaje del barquero siempre había estado presente en la historia, aunque originalmente no ocupaba un papel principal.

Temas sociales y desafíos actuales

Sting subrayó a The Hollywood Reporter, la influencia de las mujeres en la comunidad reflejada en la obra: “Fueron las mujeres quienes mantuvieron unida a mi comunidad. Esa es la realidad. La obra lo refleja”.

“Todos estamos bajo amenaza. Hoy, nuestros empleos están potencialmente amenazados por la inteligencia artificial. Soy optimista y creo que encontraremos soluciones, pero los temas de la obra siguen siendo relevantes. Los buenos musicales suelen tratar sobre comunidades amenazadas”, analizó en relación con los desafíos contemporáneos.

Respecto a la tecnología, Sting enfatizó: “La inteligencia artificial puede crear música pop perfectamente aceptable, pero ¿de verdad querrías escucharla? Oír algo y escuchar de verdad son dos cosas distintas. Por el momento, no me siento particularmente amenazado por ello”.

Inspiraciones musicales y recuerdos de Newcastle

Consultado sobre el papel de Newcastle en su desarrollo artístico, Sting recordó que la ciudad contaba con una vibrante escena folk, además de una sólida tradición de jazz y rhythm and blues.

Relató que tocó jazz dixieland, jazz tradicional y posteriormente integró big bands. También destacó la influencia de grupos como The Animals y evocó su experiencia en el Club A’Gogo, donde aseguró que, cuando tenía 15 años, vio actuar a Jimi Hendrix.

Sobre ese recuerdo, comentó que “apareció esta figura extraordinaria, como de otro planeta, con una guitarra para zurdos que creaba sonidos que jamás habíamos oído. Redefinió por completo el concepto de estrella del pop”.

La próxima etapa de ‘The Last Ship’ será una serie de funciones en la Metropolitan Opera de Nueva York en junio de 2026, mientras Sting afina los últimos detalles. Según lo expresado a The Hollywood Reporter, el desenlace del musical se aproxima, aunque la transformación artística permanece abierta.

“Siento que el jazz se ha desviado de su camino y se ha convertido en un género de nicho”, dijo alguna vez Bill Laurance, el pianista de Snarky Puppy que volverá a tocar este jueves en Buenos Aires en formato de trío, en un concierto compartido con el grupo liderado por Mark Lettieri, guitarrista de aquella banda de jazz fusión.

Quienes vayan hoy, a las 20, a Deseo Club, avenida Chorroarín 1040, se encontrarán con mucho más que dos de los pilares de la célebre multibanda que despierta pasión en el público porteño, como volvió a comprobarse en septiembre pasado en sus últimos conciertos.

Laurance, británico, de 45 años, es un virtuoso tecladista y compositor de mil y un proyectos: en piano solo, en trío, a dúo con Michael League (otro fundador, como él, de Snarky), con música propia para ballet, películas o con un coro, pero siempre con el sello de un artista nada convencional. Lettieri, norteamericano, de 42 años, tampoco se mantiene estático en los Snarky: llegará aquí para presentarse al frente de su cuarteto, The Mark Lettieri Group, y forma parte de The Fearless Flyers, banda de funk que integra su colega Cory Wong.

En diálogo con Infobae Cultura, el pianista habló de sus expectativas por regresar a la Argentina para tocar su piano Rhodes con el baterista Oscar Ogden y el bajista Menelik Claffey, con quienes grabó el disco The Rhodes Mk8 Sessions, en una propuesta de jazz groovero: “Estoy muy entusiasmado por reencontrarme con el asado y el tango. ¡Es una broma! (se ríe). En realidad, tengo muchas ganas de volver porque la última vez que estuvimos en Buenos Aires la energía fue muy especial. Había un tipo de entusiasmo único, que parecía relacionarse con la profunda conexión de este continente con la música, y eso lo sentimos sobre el escenario. Tengo muchas ganas de sentir esa profunda conexión con el público. Ustedes escuchan la música a un nivel muy profundo”.

— Vas a tocar en un trío con el piano Rhodes como protagonista. ¿Qué posibilidades musicales te ofrece esta formación y ese piano en particular?

— Creo que tener el Rhodes al frente y en el centro y no tener un piano acústico definitivamente influye en la intención de la música que tocamos, ya que nos comprometemos con una estética mucho más electrónica. Y eso crea un enfoque más rockero a la música. Sabiendo que compartimos escenario con Mark Lettieri, creo que va a sacar un tipo diferente de energía a la música. Ya lo ha hecho. Acabamos de tocar en un par de festivales en Brasil y en esos conciertos hemos intentado aportar otro nivel de energía y emoción. Porque también estoy usando teclados como un Nord Stage y Yamaha Reface CS, así que el papel que van a jugar los sintetizadores también es diferente y más significativo como resultado de no haber un piano acústico. Así que realmente esa configuración significa que tocamos más fuerte y con más energía. Te confieso que tenemos muchísimas ganas de arrasar en Buenos Aires.

— Podemos escucharte con Snarky Puppy, en un trío, en un dúo con Michael League y tu último álbum es de piano solo. ¿Por qué tanta diversidad de proyectos? ¿Qué encontrás en cada uno?

— La diversidad en los proyectos es una parte muy importante de mi proceso creativo porque descubro que al cambiar los objetivos de lo que busco me mantiene inspirado de muchas maneras. Y me encanta pasar de un disco de piano solo a uno de dúo, a uno orquestal, a uno de funk electrónico duro. La experiencia anterior puede aportar a la siguiente, y especialmente si es muy diferente. Esa diversidad fue clave para muchos de mis ídolos, como Herbie Hancock o Miles Davis, conocidos por estar siempre buscando. La búsqueda es el factor determinante que sirve como fuente de inspiración.

— Esa búsqueda te abre caminos nuevos, ¿no?

— Claro, al explorar todos estos diferentes tipos de proyectos, cada uno te enseña sobre otro mundo, otra cultura, otra historia. Cada uno brinda la oportunidad de explorar un nuevo sonido y te enseña a contar un nuevo tipo de historia. Y esta es la razón por la que siento que tengo que hacerlo: lo que me mantiene inspirado es cambiar los sonidos con los que trabajo. Es como cambiar los colores, como un artista con un lienzo en blanco. No siempre quiero pintar con el mismo color. Entonces, ¿cuántas combinaciones diferentes de colores puedo encontrar y puedo usar para crear otras nuevas?

— ¿Cuál es tu próximo proyecto? ¿Hay algo nuevo con Snarky Puppy? ¿Habrá otra visita a Argentina?

— Hay muchos discos nuevos en el horizonte. Michael League y yo acabamos de grabar un nuevo álbum a dúo, nuestro tercer disco, que se publicará en otoño de este año. Y actualmente estoy componiendo mi tercer álbum de piano solo, que debería salir a principios del año que viene. Paralelamente, estoy trabajando en un nuevo disco con el trío con el que estaré en Buenos Aires. Y, por último, también estoy trabajando en un disco con u coro, así que voy a combinar el piano con música coral en diferentes estilos y contextos. Además, estoy explorando la historia y las tradiciones folklóricas de mi lugar de origen en Inglaterra. Hay mucho en marcha...

— ¿Estás seguro de que no hay más?

— Bueno, también acabo de escribir un ballet para la increíble compañía Ballet Black, con sede en Londres, junto a la increíble coreógrafa Hope Boykin, de la compañía de danza Alvin Ailey. Y, por último, estoy trabajando en un concierto para piano que aún tardará un tiempo en estrenarse, pero que está en pleno proceso. Con Snarky Puppy voy a tocar el Ground Up Festival en Alberobello, Puglia, Italia, del 26 al 28 de junio. Y también actuaré este verano con ellos junto a la Metropole Orkest en el Umbria Jazz y en el North Sea Jazz Festival. Mi deseo es pasar mucho más tiempo en Argentina. Tengo recuerdos muy especiales del país. Esta será mi cuarta visita a Buenos Aires. Me siento muy inspirado en esta parte del mundo, así que espero que podamos regresar lo antes posible con Snarky Puppy.

— ¿Qué músico influyó en tu formación musical?

— Hay muchísimos. He tenido la gran fortuna de conocer a muchos de ellos, incluyendo a Herbie Hancock, quien probablemente sea mi estrella polar por su constante reinvención. También incluyo a Miles Davis en esa categoría. Tuve la suerte de conocer a Ahmad Jamal, uno de los músicos más alegres que jamás haya tocado. Lo conocí y fue tan humilde e inspirador en ese sentido. Y también tuve la oportunidad de conocer a Stevie Wonder y le pedí un consejo. Me dijo que los músicos son el pegamento de la sociedad y que es nuestro papel y responsabilidad traer amor y unidad al planeta. Muchos de mis ídolos son simplemente seres humanos talentosos que también se han esforzado muchísimo en alcanzar sus sueños. En realidad, a menudo se puede reducir a eso siempre que te esforcés y sigas el camino. Creo que podés encontrar lo que sea que estés buscando. Fue lo más inspirador de conocer a toda esta gente.

— ¿A quién más te resultó inspirador conocer?

— Wayne Shorter y Ramsey Lewis son otros ejemplos. Todos estos músicos te hacen darte cuenta de que la humildad es importante. Solía pensar en estos músicos como superhéroes, personas inalcanzables, pero son sólo individuos muy talentosos que se han enfocado en lo que intentan encontrar. Tuve la suerte de tocar y componer con David Crosby y darme cuenta de que desafinaba una guitarra sin saber cuáles eran los acordes, simplemente exploraba, buscando sonidos que resonaban con él sin necesidad de saber qué eran desde un punto de vista teórico. Fue un gran momento de liberación para mí. Darse cuenta de que, en realidad, lo que hay que perseguir es el instinto. No se trata necesariamente de teorías o análisis. Crosby me lo enseñó mejor que nadie.

— ¿Qué opinas del momento actual del jazz?

— Estoy entusiasmado por cómo las cosas están evolucionando y cómo el público del jazz parece estar creciendo cada vez más y está empezando a sentirlo cada vez más como música popular. Esa es la forma en que el jazz está siendo recibido, particularmente en Londres, donde vivo y de donde soy. Crecí ahí y la manera en que la escena está floreciendo ahora en Londres es muy inspiradora. Tengo muchas esperanzas en la forma en que los oídos de la gente se están abriendo a lo que es el jazz, que para mí es libertad, pero también alegría.

— ¿Te preocupa el impacto de la Inteligencia Artificial en la música, compitiendo con intérpretes y compositores?

— Si bien hay mucha ansiedad sobre lo que va a hacer la IA, y aunque creo que tendrá y ya está teniendo un gran impacto en la música popular, mi sensación es que el mundo del jazz sólo se volverá más exclusivo como resultado de la evolución de la Inteligencia Artificial. A medida que las cosas se automaticen más, con algoritmos y réplicas digitales de una versión humana, la música que se basa en la espontaneidad y la intención humana se convertirá en el centro de atención. Y creo que esto podría beneficiar al mundo del jazz. Soy bastante optimista al respecto. Todo está ahí para disfrutarlo, para celebrarlo. Se trata simplemente de elegir lo que buscás creativamente y nunca dudar de vos mismo, sino ser humilde, dar un paso a la vez y ser constante en ese paso. Encontrarás lo que buscás si mantenés esa constancia.

En su caso, fueron la familia, el baile y la música. “Cuando el alma se pone chiquita, cuando duele el alma, cuando están pasando situaciones que te bajan la energía, solo ese tipo de cosas te suben tu candela”, asegura. Lo primero, por su marido, el compositor y cantante Mike Bahía, y su hijo, Kai, que nació en 2022. El baile es parte de ella desde que era niña, al igual que la música -saltó a la fama a los 14 años en el programa Factor X en 2007, pero no debutó como cantante solista hasta una década después-. Hoy, además de consolidarse como una de las artistas colombianas más populares de su generación, acumula más de 23 millones de seguidores en Instagram. Es, por poner al público en contexto, la Aitana de Latinoamérica.

“Hoy sigo agradeciendo por la fortuna de dedicarle mi tiempo a cosas que me apasionan, porque siento que el trabajo también te puede salvar la vida. Si la vida se pone difícil y te levantas a hacer algo que no te gusta, se hace más complejo, pero si estás haciendo algo que te apasiona y que te mueve el alma, que te conecta profundamente, eso enciende tu candela“, reconoce para Infobae.

La artista -quién también tiene un largo recorrido como actriz- presenta a principios de junio en Madrid su cuarto LP, con la vista puesta en hacer promoción en España. El 17 de julio arranca en Tenerife su gira mundial, Candela World Tour 2026, con otras dos paradas en nuestro país -Sevilla al día siguiente y Barcelona el 23 de julio-, y que le llevará además por Reino Unido, Canadá y Sudamérica hasta principios de septiembre.

En Candela, publicado el pasado 22 de mayo, a través de 12 canciones la cantante “conecta profundamente con la esencia de su experiencia humana”, haciendo un retrato de esta etapa que define como “atravesada por los altibajos de la vida, pero centrada en la conexión con una fuerza interior inexplicable”. Es en el afrobeat, el dancehall, el vallenato, el mereguetón, el reggae, el pop, la bachata y en ritmos del Pacífico colombiano donde Greeicy encuentra la manera de retratar ese proceso.

El regreso al folclore

La cantante empieza el disco con Mantis, una canción que reivindica la paciencia en un momento en el que todo parece avanzar a velocidad de vértigo. “Vamos tan rápido y pensando demasiado en qué va a pasar después que no nos permite ni disfrutar lo que está pasando hoy”, reflexiona. Esa misma idea conecta con Limonar, título en honor al nombre del barrio donde creció. “Me obliga a mirar atrás y agradecer por las cosas bonitas, por las cosas que de repente no son tan lindas, pero siento que son las que más te enseñan, las que más te retan”.

No es casual que la mirada hacia el pasado ocupe un lugar tan importante en el disco. El neofolclore, revisitar la música tradicional sumada a los géneros más actuales, está igualmente vigente en Latinoamérica como en España desde hace unos años. Ahí están fenómenos recientes como Debí tirar más fotos, de Bad Bunny, o Tropicoqueta, de Karol G. “Latinoamérica está pasando por un momento muy bonito y la gente le está dando la oportunidad a esas microculturas, a esos lugares, a esas comidas, a esas maneras de expresión y a esos ritmos”, explica. “Antes los artistas trataban de hacer lo que estaba funcionando. Hoy siento que están tratando de ir a sus raíces”.

La cantante pone como ejemplo el currulao, un género tradicional del Pacífico colombiano que ha incorporado a una de las canciones del álbum. “Es agarrar todas esas cosas que te identifican, que hacen parte de tu historia y de tus raíces, para compartirlas con el público”, señala. “Antes, cuando escuchabas algo diferente, la reacción era: ‘Uy, eso suena raro’. Hoy es: ‘Uy, qué interesante eso que está sonando. Quiero entender de dónde viene o por qué esa persona eligió ese sonido’”. “Siento que hoy es un momento bonito para que los artistas, desde cualquier lugar del mundo, agarren todo lo suyo, todas sus raíces, y las compartan”, añade.

Pese a la amalgama de géneros, la artista se define como una artista pop. “La música es como un arbolito que tiene muchas ramas y me encantan todas”, explica. “Un día me levanto y quiero escuchar afro o urbano, pero otro quiero escuchar baladas o pop. Tengo de todo tipo de géneros que me conectan y que encienden mi candela”, asevera. Aun así, asegura que, al ser considerada un artista pop, “el público te permite mucho más experimentar como artista. Si antes los músicos tendían a permanecer dentro de los límites de un único género, ahora resulta habitual ver a artistas urbanos acercarse al folclore, a cantantes pop incorporar sonidos electrónicos o a intérpretes de cualquier estilo explorar territorios ajenos. “Hoy ves a todo tipo de artistas jugando con otras ramas de la música”, afirma.

Sin embargo, la transformación más importante de los últimos años no tiene que ver con la música. En Limonar, Greeicy también menciona a su hijo Kai, nacido en 2022. ¿Cambia la maternidad la forma de componer? “Yo creo que ha cambiado la inspiración. Nunca me había sentido tan inspirada y nunca me había sentido con tantas ganas de hacer tantas cosas como hoy que soy madre”, reconoce.

Pero la cantante admite una paradoja. Si antes era “dueña de su 24/7” y disponía de mucho más tiempo para sí misma, ahora vive haciendo “malabares” para compaginar su carrera con una crianza que considera una “prioridad inamovible”. Sin embargo, asegura que nunca había sentido tantas ganas de perseguir nuevos objetivos. “Tengo muchas más ganas de soñar, de lograr cosas. Como que sé que tengo una persona que me observa 24/7 y digo: ‘¿Qué mujer quiero ser para él? ¿Qué mujer quiero que él recuerde cuando crezca? ¿Cuál es el ejemplo que yo le quiero dar?’. Y mi mejor manera de darle un buen ejemplo es siendo feliz”.

La maternidad tampoco ha desplazado otro de los temas recurrentes de su repertorio: el deseo. En canciones como Dónde, cómo y cuándo o Estas ganas, Greeicy sigue cantando a la atracción y a la sensualidad desde una perspectiva que considera propia. “Todos nos hemos enamorado, todos hemos deseado, todos hemos sentido nostalgia y todos nos hemos desilusionado. Eso hace parte de la naturaleza del ser humano”, reflexiona.

Aunque reivindica la libertad para hablar de cualquier emoción, reconoce que siempre ha sido cuidadosa con las palabras. “Me gusta hablar de todos los sentimientos que existen y el deseo es algo que nos pasa a todos los seres humanos, pero me gusta hacerlo de una manera elegante”, afirma. Por eso evita las letras excesivamente explícitas. “No porque esté en contra. Si voy a un concierto de Bad Bunny o de Tokischa, me las sé todas”, bromea. “Pero a la hora de ser yo la intérprete, me gusta encontrar palabras bonitas para contar esas historias”.

El próximo paso será llevar todas esas emociones al directo. El 17 de julio arranca en Tenerife el Candela World Tour 2026, una gira que también pasará por Sevilla y Barcelona. ¿Qué encontrará el público? “Mucha candela”, dice. Pero no solo la del baile. “El show tiene la candela del alma, la candela del cuerpo, la candela de la pasión”, promete. “La gente se va a ir más feliz de lo que llegó”.

Malú ha presentado Quince en ‘El Hormiguero’ este miércoles 10 de junio y ha convertido la promoción de su decimoquinto disco en una confesión sobre ansiedad, autoestima y terapia, un proceso que ha reordenado su relación con el escenario en plena nueva gira.

La cantante ha situado el origen de ese malestar en un arranque profesional precoz y acelerado: empezó a cantar con 15 años, su álbum Aprendiz vendió un millón de copias y este verano afronta 50 fechas en su gira nacional, con la primera parada anunciada para el día 12 en Mérida.

En su conversación con Pablo Motos la artista ha explicado que arrastró durante años una percepción de fraude sobre sí misma. “He tenido problemas de autoestima, sí. Lo he pasado muy mal en ese sentido conmigo misma porque no sé si será un síndrome del impostor o qué, pero al final estás toda tu vida pensando que estás mintiendo”.

Esa sensación, relató, venía de un comienzo que nunca vivió como una vocación planificada. También recordó: “Empecé a cantar con 15 años y a grabar. Todo acelerado y sin premeditación. Todo era para no ir al colegio. Era hacer cualquier cosa para no ir, cantar, pues cantar. No había sido un sueño recurrente en mi vida”.

El peso del éxito y la inseguridad

La cantante vinculó ese conflicto interno con el éxito inmediato de sus primeros años. Cuando Aprendiz alcanzó el millón de copias y llegó la primera gira, rompió a llorar y le dijo a su madre que había mentido y que no sabía cantar, pese a haber grabado ella misma el disco.

Ese discurso sobre la inseguridad personal convivió con la defensa del título del nuevo álbum. “Nos pasamos la vida buscando genialidades y muchas veces lo más sencillo es lo mejor”, explicó sobre un nombre, Quince, que asocia a distintos momentos de su vida y que da forma a su trabajo más reciente.

El punto de inflexión llegó años después, a raíz de la lesión de tobillo de 2018 que la obligó a cancelar una gira. Fue la primera vez que paró de verdad y, en ese silencio, descubrió que estar en casa también estaba bien y que podía dejar aparcada durante un tiempo la identidad pública de Malú.

La vuelta al trabajo abrió una crisis distinta, ya que cuando tuvo que regresar sintió que no sabía dónde estaba y empezó a asumir que el problema no era solo profesional, sino también la presión de sostener un personaje que había construido para compensar timidez e inseguridad.

En ese tramo de la entrevista apareció con claridad la salud mental. Malú ha dicho: “Empecé a ir a terapia hace cuatro años porque sentía mucha ansiedad. No dormía y tenía más miedos de lo que yo pensaba. Intentaba controlar lo incontrolable”.

La cantante defendió además la utilidad práctica de ese proceso, pues recomendó acudir a terapia porque “te dan herramientas” y explicó que antes, si perdía un mínimo control del personaje, vivía con ansiedad, se ahogaba en ella y al terminar un concierto se hacía “diminuta” e insegura.

Nueva etapa y vida cotidiana

Esa revisión personal ha cambiado también su forma de encarar los directos. Aseguró que ahora está disfrutando del escenario “como nunca”, sin pensar si lo hace bien o mal, y que su intención es prolongar una gira que ya tiene previstas 50 actuaciones y que, dijo, todavía sumará más fechas.

La parte más ligera de la entrevista llegó con su uso cotidiano de la inteligencia artificial. Malú contó que llama “la Chati” a esa herramienta, que empezó a usarla gratis, luego pasó a pagar 10 euros y ahora abona 22 euros porque la utiliza para resolver dudas, incluida la gestión del consumo doméstico.

En esa explicación añadió que tiene placas solares y geotermia en casa y que la inteligencia artificial le ha ayudado a lograr “un gran ahorro de consumo de electricidad”. La cantante bromeó con que apenas le habla y solo le escribe, aunque admite que a veces falla y “miente”.

La entrevista terminó con una interpretación en directo de “Rota”, una de las canciones del nuevo álbum, después de una conversación en la que la artista vinculó el lanzamiento de Quince con un momento de mayor libertad personal.

¿Puede hablarse de que 2026 es el año de una verdadera invasión de músicos brasileños en Buenos Aires? En realidad, podría hablarse de una oleada de artistas de esa nacionalidad que comenzó en marzo y seguirá hasta noviembre. Sobre todo porque “invasión” alude a “entrar por la fuerza o irrumpir en un lugar” y esta sucesión de conciertos que brillarán en la cartelera porteña no tiene ninguna connotación violenta sino, por el contrario, se convierte en un plácido muestrario de la MPB, bossa nova, samba, pop, rock, jazz y reggae de aquel país.

Luego de la presentación de Gilberto Gil en marzo pasado, la última que brindó en la Argentina esta figura del tropicalismo que se está despidiendo de los escenarios, hubo clima de carnaval carioca cuando se produjo el regreso de la cantante Adriana Calcanhotto y, por otra parte, comenzó el ciclo “Brasil en Buenos Aires”, que, hasta ahora, incluyó conciertos de Os Paralamas do Sucesso, Paulinho Moska, Chico César, Jorge Vercillo, Hamilton de Holanda, Mart’nália y, el último fin de semana, Moreno Veloso, Jaques y Paula Morelenbaum.

En las últimas horas, esta bienvenida “invasión” brasileña -que no es tal- sumó al calendario musical de 2026 los shows de dos artistas de primerísimo nivel como el cantante Ney Matogrosso (el 15 de octubre, en el Teatro Gran Rex) y el multiinstrumentista Egberto Gismonti (el 21 de noviembre, en el Teatro Colón).

Ambas figuras son apenas dos de los puntos altos de una programación de lujo para el último semestre: hasta noviembre se presentarán Djavan, Lenine, Ana Carolina, Armandinho, Roberta Campos, Teresa Cristina, Gilsons, Marcos Valle y Ana Frango, Gilsons y Maneva.

El próximo concierto importado de Brasil será el de Gilsons, el trío de MPB de aires pop que integran el hijo y los nietos de Gilberto Gil, que estarán el domingo 28 junio, a las 19, en C Art Media, avenida Corrientes 6271.

El 4 de septiembre, a las 21, será el turno de Lenine, oriundo de la ciudad de Recife, en Pernambuco, que en su perfil de YouTube se presenta como “compositor, cantor, productor, arreglador y orquidófilo” (se hizo fanático de las orquídeas en 2001 y 8 años después ya tenía entre 2000 y 3000 plantas) y que se presentará en La Trastienda, donde repasará sus éxitos y canciones de Eita, su último álbum, que marcó su regreso a la música y tiene como invitadas a María Bethania y María Gadú.

Luego, la oleada brasileña seguirá el 16 de septiembre, a las 20, el regreso del pianista y cantautor Marcos Valle, esa leyenda que hizo de la fusión de la bossa nova, pop y jazz un emblema en la década del 60, cuando compuso la célebre “Samba de Verão”, una suerte de himno de la bossa que grabaron desde Caetano Veloso hasta Diana Krall. Luego de su debut porteño de febrero de 2025, en el que tuvo al ascendente grupo local Vinocio como telonero, Valle se presentará en Deseo, avenida Chorroarín 1040, con la participación de Ana Frango Elétrico, una de las más innovadoras propuestas sonoras de Brasil.

El 2 y el 3 de octubre, Buenos Aires recibirá a la cantante Ana Carolina en el escenario de La Trastienda: nacida en la ciudad de Juiz de Fora, en Minas, esta mujer comenzó a cantar en bares, pero su suerte cambió cuando hizo un show en Río de Janeiro y la escuchó Luciana de Moraes, la hija de Vinicius, que, entusiasmada, le pidió un demo con sus canciones. Quince días más tarde firmó un contrato con una discográfica y en 1999 lanzó su primer álbum. Desde entonces forjó una carrera que tuvo uno de sus tantos puntos altos cuando en 2005 se asoció con el crooner carioca Seu Jorge para un show en un estadio de San Pablo, que terminó en Ana & Jorge ao vivo, un disco que en apenas quince días vendió 120.000 copias.

Pocos días después, el 8 de octubre, nuevamente en La Trastienda se presentará Armandinho, cantante y compositor oriundo de Porto Alegre que ya conquistó a los porteños con su mix de MPB, pop y reggae y es ideal para escuchar mientras se baila en una playa o con una cerveza en mano, mientras que el 15 de octubre, otra vez en La Trastienda, el mismo ciclo “Brasil en Buenos Aires” permitirá conocer a Roberta Campos, cantante y guitarrista nacida en Caetanópolis, Minas Gerais, y con una trayectoria que incluye nominaciones a los Grammy Latino y canciones que integraron bandas de sonido de telenovelas brasileñas. Su último disco, Coisas de Viver, de 2025, tiene influencias del indie, pop y folk.

El 15 de octubre habrá otro momento cumbre de la oleada musical brasileña en Buenos Aires con el concierto que brindará Ney Matogrosso en el Teatro Gran Rex, en un regreso (su última presentación aquí fue en 2017) que será todo un acontecimiento: tiene 84 años y es uno de los artistas más rebeldes e innovadores de Brasil desde los años 70, cuando lideró la banda Secos & Molhados, cuya vida y carrera quedaron reflejadas el año pasado en Homem com H, biopic estrenada en Netflix.

Noviembre será otro mes de grandes conciertos con el sello de Brasil. El 5 de noviembre, en La Trastienda, los porteños tendrán la oportunidad de escuchar a Teresa Cristina, cantante y compositora que muchos definen como “la voz del samba de raíz de Río de Janeiro” y cuyos últimos trabajos discográficos homenajearon a Cartola, Noel Rosa y Zeca Pagodinho. Y el 7 de noviembre, otra vez en La Trastienda, será el debut de Maneva, considerada la banda de reggae más importante de Brasil, con 20 años de carrera y miles de discos vendidos.

Para el 21 de noviembre se acaba de confirmar la presentación de Egberto Gismonti en el Teatro Colón, otra cita imperdible del año: luego de su recital del año pasado en el Teatro Coliseo con varios invitados de lujo en el espectáculo Celebración universo Gismonti, el inclasificable músico llegará ahora a la gran sala lírica de Buenos Aires para brindar un concierto de solo piano.

El cierre de este año tan cantado en portugués será el 24 de noviembre en el Teatro Gran Rex y estará a cargo de Djavan, uno de los máximos nombres de la música brasileña e ilustre conocido del público argentino, que presentará su espectáculo Djavanear 50 anos. Só sucessos, una recorrida por una colección de clásicos que acuñó desde 1976 y en la que no faltarán hits como “Samurai”, “Flor de Lis”, “Sina”, “Oceano” y “Açaí”, entre otros.

Warner Music Group anunció la adquisición de Sureel AI, una startup especializada en rastrear el uso de contenidos creativos por parte de modelos de inteligencia artificial generativa. Con esta operación, cuyos términos económicos no fueron revelados, la compañía busca reforzar la protección y la monetización de activos como música, voces, imágenes y actuaciones frente a usos no autorizados.

La compra refleja el creciente interés de la industria del entretenimiento por desarrollar herramientas que permitan identificar cómo interactúan los sistemas de IA con obras protegidas por derechos de autor y garantizar que los creadores puedan recibir una compensación justa.

A pesar de integrarse en el ecosistema de Warner Music, Sureel AI continuará operando de forma independiente, manteniendo el objetivo con el que fue creada en 2022: aportar mayor transparencia al uso de contenidos en la era de la inteligencia artificial.

Una tecnología para rastrear el uso de obras en modelos de IA

Sureel AI desarrolla una tecnología propia conocida como “ADN de IA”, diseñada para detectar cómo y cuándo los modelos de inteligencia artificial utilizan material creativo.

La plataforma permite supervisar canciones, voces, imágenes e interpretaciones, ofreciendo información detallada sobre la interacción entre estos activos y las herramientas de IA generativa.

Además, cuenta con un panel de control que facilita a los titulares de derechos conocer el destino de sus obras y gestionar posibles compensaciones derivadas de su utilización.

Según la empresa, el objetivo es construir un sistema más transparente para artistas, sellos discográficos y compañías de entretenimiento.

La startup seguirá funcionando de manera independiente

Tamay Aykut, fundador y director ejecutivo de Sureel AI, aseguró que la adquisición permitirá ampliar el alcance de la compañía.

En un comunicado, el ejecutivo afirmó que la operación contribuirá a construir “un futuro más transparente y justo” para el sector creativo y favorecerá la generación de valor para toda la industria musical y del entretenimiento.

Aykut también sostuvo que los propietarios de derechos deben conocer de qué manera interactúa la inteligencia artificial con sus obras y participar de forma equitativa en los beneficios económicos que estas puedan generar.

La plantilla de Sureel AI está formada por varios profesionales con experiencia en la industria musical, entre ellos Benji Rogers, cofundador de PledgeMusic; Aileen Crowley, exejecutiva de Universal Music; y Michael Pelczynski, antiguo directivo de SoundCloud y Warner Music.

Warner Music refuerza su estrategia en inteligencia artificial

Robert Kyncl, director ejecutivo de Warner Music Group, destacó que la inteligencia artificial representa una oportunidad para impulsar nuevas formas de interacción con los seguidores y generar valor para la industria.

El ejecutivo señaló que la incorporación de Sureel AI fortalecerá las capacidades de la compañía para proteger, controlar y monetizar la propiedad intelectual de artistas y creadores.

Asimismo, indicó que la tecnología permitirá preservar elementos como la voz, la imagen y la identidad de los artistas en un contexto en el que los sistemas de IA tienen una presencia cada vez mayor.

El cambio de postura de Warner Music frente a la IA

La adquisición de Sureel AI evidencia la evolución de la estrategia de Warner Music respecto a la inteligencia artificial.

En 2024, la discográfica presentó una demanda contra Suno, una aplicación especializada en generación musical mediante IA. Sin embargo, meses después ambas partes alcanzaron un acuerdo y firmaron un contrato de licencia para entrenar modelos con contenido autorizado.

Mientras tanto, otras grandes compañías del sector, como Sony Music y Universal Music Group, mantienen litigios abiertos contra este tipo de plataformas.

Warner también cerró acuerdos con Stability AI para desarrollar herramientas basadas en inteligencia artificial orientadas a los artistas.

La industria musical busca nuevas formas de proteger los derechos de autor

La expansión de la inteligencia artificial generativa ha abierto un debate sobre el uso de contenidos protegidos para entrenar modelos y generar nuevas obras.

Artistas, sellos discográficos y empresas tecnológicas buscan fórmulas que permitan aprovechar las oportunidades de estas herramientas sin comprometer los derechos de propiedad intelectual.

En ese contexto, soluciones como las desarrolladas por Sureel AI buscan convertirse en una pieza clave para garantizar una relación más transparente entre los creadores y las empresas que desarrollan inteligencia artificial.

Con esta adquisición, Warner Music refuerza su apuesta por un modelo en el que la IA no solo sea una herramienta de creación y distribución, sino también un mecanismo para supervisar y monetizar de manera más eficiente los contenidos musicales en la nueva era digital.

El logro llegó gracias a “Hate That I Made You Love Me”, el sencillo principal de su próximo álbum Petal. La canción debutó directamente en la cima de la clasificación semanal y permitió que la artista alcanzara una cifra reservada para un grupo reducido de figuras de la música popular: 10 números uno en el Hot 100.

La noticia se produjo en un momento de gran actividad para la artista de 32 años, que además inició recientemente su gira Eternal Sunshine Tour y prepara el lanzamiento de un nuevo trabajo discográfico previsto para finales de julio.

Un estreno que dominó las listas

De acuerdo con los datos publicados por Billboard, “Hate That I Made You Love Me” registró 23,6 millones de reproducciones oficiales, acumuló 18,9 millones de impresiones de audiencia en radio y vendió 70.000 unidades durante su primera semana de seguimiento en Estados Unidos.

El sencillo, publicado a través de Republic Records, ingresó en el número tres de la lista Streaming Songs, alcanzó el puesto 25 en Radio Songs y lideró la clasificación de Digital Song Sales. Billboard precisó que 55.000 de las ventas correspondieron a descargas digitales.

La estrategia comercial incluyó varias ediciones de la canción. Entre ellas figuraron versiones identificadas como “Ari lyric draft from bed”, “bad news montage”, “live from rehearsal”, “melody pass”, así como mezclas a cappella e instrumentales. También se comercializaron formatos físicos en casete, vinilo y CD.

El décimo número uno de Ariana Grande

Con este resultado, Grande llegó a 10 canciones en la cima del Billboard Hot 100, una marca que la ubica entre los artistas más exitosos en la historia de la clasificación.

Además, la intérprete consiguió su octavo debut en el número uno, una cifra que la coloca al mismo nivel que Taylor Swift entre las mujeres con más estrenos directamente en la primera posición. En ese apartado, el récord absoluto sigue en manos de Drake, con diez debuts en la cima.

Los diez sencillos de Ariana Grande que alcanzaron el número uno son:

1. Thank U, Next
2. 7 Rings
3. Stuck With U
4. Rain on Me
5. Positions
6. Save Your Tears
7. Die for You
8. Yes, And?
9. We Can’t Be Friends (Wait for Your Love)
10. Hate That I Made You Love Me

Billboard también destacó que, desde que Grande obtuvo su primer número uno en 2018, ninguna otra artista acumuló más liderazgos en el Hot 100 durante ese período.

Un lugar entre los nombres históricos del pop

El nuevo éxito permitió que la cantante empatara en el décimo puesto entre los artistas con más números uno en la historia del ranking.

Con 10 canciones líderes, comparte posición con Janet Jackson, Bruno Mars y Stevie Wonder. Por encima aparecen figuras como Whitney Houston (11), Madonna (12), Michael Jackson (13), Rihanna (14), Taylor Swift (14), Drake (14), Mariah Carey (19) y The Beatles (20).

La llegada de “Hate That I Made You Love Me” al primer lugar también benefició a los productores y compositores involucrados en la grabación. La cantante escribió y produjo la canción junto a Max Martin e ILYA.

Según Billboard, Martin amplió su récord como el productor con más sencillos número uno en la historia del Hot 100, alcanzando un total de 28. Asimismo, conservó el segundo puesto entre los compositores con más canciones líderes, con 30, únicamente por detrás de Paul McCartney, que suma 32.

El camino hacia Petal

La canción funciona como la primera presentación oficial de Petal, el octavo álbum de estudio de Ariana Grande. El lanzamiento del disco está programado para el 31 de julio y sucederá a Eternal Sunshine, publicado en 2024.

Mientras el sencillo domina las listas, la artista también regresó a los escenarios. Apenas dos días antes de confirmarse el liderazgo en el Hot 100, comenzó la gira Eternal Sunshine Tour con una presentación en Oakland.

Según informó The Hollywood Reporter, los próximos compromisos incluyen actuaciones en Los Ángeles, con fechas previstas tanto en el Crypto.com Arena como en el Kia Forum.

En la actualización semanal del Hot 100, “Hate That I Made You Love Me” superó a “Choosin’ Texas”, de Ella Langley, que ocupó el segundo puesto. El tercer lugar quedó para “Janice STFU”, de Drake, seguido por “Be Her”, también de Langley, y “I Just Might”, de Bruno Mars, que completó los cinco primeros escalones de la clasificación.

Paul McCartney acaba de publicar The Boys of Dungeon Lane, su decimoctavo álbum en solitario que el propio artista define como “una colección de recuerdos nunca antes compartidos”. El título, referencia a la ruta comprendida desde Liverpool hasta la costa de Speke, donde McCartney pasó su infancia, sirve como puerta de entrada a una obra autobiográfica. A sus 84 años, el exbeatle sigue mirando hacia atrás para encontrar nueva inspiración.

Esa mirada retrospectiva también ha estado presente en muchas de sus reflexiones más personales, independientemente de la edad del artista. Porque más allá de su faceta como compositor, McCartney ha demostrado en numerosas ocasiones una sensibilidad especial para observar las emociones. Una de ellas aparece en Blackbird Singing: Poems and Lyrics, 1965-1999, el primer volumen de poemas y letras que el artista publicó en abril de 2011.

Entre sus páginas escribió: “La tristeza no es tristeza. Es felicidad con una chaqueta negra. Las lágrimas no son lágrimas. Son bolas de risa bañadas en sal. La muerte no es muerte. Es la vida que ha saltado desde un acantilado alto”.

El origen de la cita

Lejos de presentar la tristeza como una emoción exclusivamente negativa, McCartney la redefine como una prolongación de la felicidad, una emoción que conserva parte de su esencia aunque esté teñida por la pérdida o la nostalgia. Del mismo modo, las lágrimas aparecen vinculadas a la alegría y la muerte es descrita no como un final absoluto, sino como una continuación de la vida bajo otra forma.

No resulta extraño encontrar este tipo de planteamientos en alguien cuya trayectoria ha estado marcada por grandes éxitos, pero también por hechos verdaderamente trágicos. La muerte de su madre cuando tenía 14 años, el asesinato del exbeatle John Lennon o la muerte de su mujer Linda McCartney en 1998 tras sufrir cáncer de mama, son algunos de los episodios que han marcado su vida.

Eso es precisamente lo que el cantante, compositor y guitarrista quería representar, tal y como detalló la web de McCartney con el lanzamiento del libro hace ya 25 años: “Para muchos lectores, algunas de las canciones de este libro les resultarán inmediatamente familiares, ya que han servido de telón de fondo a todas las generaciones desde la década de 1960. Sus letras se han aprendido de memoria, casi de forma inconsciente: Eleanor Rigby, Band on the Run, She’s Leaving Home, Penny Lane. Pero entre las canciones más conocidas se encuentran poemas inéditos". A lo largo de las casi 200 páginas, el artista comparte “las inquietudes de las canciones e incluyendo conmovedoras elegías a Linda, la esposa de Pau” brindando “un acceso único a la vida interior de una de las figuras más influyentes de la cultura popular de los últimos cincuenta años”.

Considerado una de las figuras más importantes de la música popular del siglo XX y XXI, McCartney fue uno de los pilares de Los Beatles, el grupo que revolucionó la industria musical y la cultura contemporánea. Tras la separación de la banda, fundó Wings junto a Linda y desarrolló una exitosa carrera en solitario que se ha prolongado durante más de cinco décadas. Con decenas de discos publicados, múltiples premios Grammy, un Óscar por mejor adaptación musical y el título de sir otorgado por la Corona británica, su legado trasciende generaciones.

El actor Tom Hanks ha revelado que la canción original de Taylor Swift para Toy Story 5 se mantuvo en secreto incluso para el reparto hasta horas antes de su lanzamiento, una maniobra que Disney reservó para el estreno en Los Ángeles y que acabó convirtiendo la ‘première’ en otro foco de atención para la quinta entrega de la saga, cuyo estreno en cines está previsto para el 19 de junio.

La canción, titulada I Knew It, I Knew You, no se desveló oficialmente hasta el 1 de junio, después de que Disney dejara pistas sobre la participación de Taylor Swift y de que la web de la cantante mostrara ese mismo día una cuenta atrás ambientada en el universo de Toy Story.

Hanks ha contado que el equipo fue llevado a una sala insonorizada justo antes de conocer la pieza definitiva de los títulos de crédito. “Era alto secreto”, ha dicho el actor en el estreno de Los Ángeles. “No lo supimos hasta, literalmente, el momento en que llegó. Nos metieron en una sala insonorizada y nos dijeron: ‘Esta noche a las 9, la verdadera canción de los títulos finales va a publicarse, y es de Taylor Swift’”.

El actor ha explicado que, hasta entonces, ellos habían visto la película con una música provisional. Después, ha resumido la incorporación de Swift como “una delicia” y la ha comparado con un anuncio de gran calibre: “Es como si dijeran: ‘Por cierto, Judy Garland canta Over the Rainbow al principio de esto’”.

La emoción de Taylor Swift de formar parte de la saga

Taylor Swift apareció por sorpresa en el estreno mundial de la película, celebrado el martes por la noche en Los Ángeles, y actuó después de la proyección. La artista interpretó al piano I Knew It, I Knew You, su nueva canción incluida en la banda sonora de la película.

Durante esa intervención, Swift ha dicho al público en declaraciones recogidas por Variety: “Significa muchísimo para mí ser una pequeña parte del universo de estas películas”. También afirmó que Toy Story 5 es su entrega favorita de toda la saga y añadió: “Tengo muchísima suerte de poder formar parte de esto”.

La cantante también definió la película con una valoración rotunda. “Es increíblemente hermosa. Es una obra maestra”, ha dicho al público. En esa misma ‘premiere’, además, cantó la mítica You’ve Got a Friend in Me, junto a Randy Newman.

La presencia de Swift en el Dolby Theatre se produjo después de la publicación de la canción y de un mensaje de la artista en redes sociales el 4 de junio. En ese texto, acompañado por un vídeo doméstico de su infancia, explicó que escribir el tema le resultó “una salida musical y un regreso a casa al mismo tiempo” y precisó que crear algo para el personaje de Jessie fue “un nuevo desafío” que a la vez le salió de forma natural.

Los muñecos tradicionales frente a la tecnología

La quinta entrega presenta a Woody, Jessie y Buzz frente a una nueva amenaza tecnológica que afecta a su tiempo de juego con la niña Bonnie. Así, Woody y Buzz se reunirán para salvar a Bonnie de su nueva tableta inteligente Lilypad, con la ayuda de Jessie, Forky, Slinky Dog, Hamm, Trixie y un ejército de Buzz Lightyear.

En el reparto de voces regresan Tom Hanks, Tim Allen y Joan Cusack. La nueva película incorpora además a Greta Lee, Keanu Reeves, Craig Robinson, Alan Cumming, Conan O’Brien y Bad Bunny.

Hanks también ha detallado uno de los cambios físicos de Woody al comienzo de la película. El personaje aparece separado de sus compañeros mientras rescata juguetes descartados por sus dueños, y el desgaste de esas aventuras le ha dejado una calva bajo el sombrero de vaquero.

El actor ha explicado que asumió ese detalle como una evolución natural en la vida del personaje. “Ese sombrero se pone, se pone, se pone y se quita”, ha dicho. “Es un sombrero de goma dura y, al final… oye, un poco de rotulador Sharpie del color adecuado hará desaparecer esa calva. Y parece que de vez en cuando hay que recolocar el relleno, pero ahí dentro hay un material orgánico. Es física, colega, es física”.

Los hombres que profanaron la tumba de Joseph Haydn esperaban que su genialidad estuviera grabada en su cráneo. Un escaneo del cerebro en descomposición del compositor austriaco habría sido más esclarecedor. El talento musical no deja marcas en el cráneo, como creían aquellos frenólogos del siglo XIX. Sin embargo, sí parece tener un efecto positivo en el cerebro.

Hacer música es un ejercicio mental. El cerebro debe coordinar simultáneamente el sonido y la imagen, así como la motricidad fina, la concentración y la imaginación. Con el tiempo, esto ejercita el cerebro como un músculo. Varios estudios han descubierto que los músicos profesionales tienen más materia gris (el tejido neural implicado en el pensamiento, el movimiento y la memoria) en algunas regiones que las personas que no son músicos.

Es difícil obtener pruebas concluyentes, pero las investigaciones existentes sugieren que pueden existir otros beneficios. Un estudio de 2020 indica que los músicos también podrían tener una mejor función ejecutiva, la parte del cerebro que ayuda con la planificación y la resolución de problemas. Un metaanálisis de 2017 concluyó que los músicos también tienen una memoria más aguda. Un estudio del año pasado sugirió que incluso podrían ser menos sensibles al dolor. El experimento, en el que se inyectó en la mano a 40 participantes un compuesto que imita el dolor muscular, reveló que los sujetos con experiencia musical reportaron menos dolor. La música como medicina, sin duda.

¿Podrían los niños con talento musical precoz tener una ventaja inicial? Un estudio de 2010 descubrió que los músicos que comienzan a entrenar antes de los siete años tienen un cuerpo calloso más grande, el puente neural entre los dos hemisferios cerebrales, que quienes comienzan más tarde. Una investigación de 2014 sugiere que aprender un instrumento también mejora la adquisición de un segundo idioma y el razonamiento no verbal en los niños.

El entrenamiento musical en la edad adulta se ha relacionado con un deterioro más lento asociado al envejecimiento. Un pequeño estudio con adultos mayores mostró que continuar aprendiendo un instrumento se asoció con un menor deterioro de la memoria de trabajo verbal y del volumen de materia gris. Un metaanálisis de 2021 también halló una asociación entre la práctica musical y un menor riesgo de desarrollar demencia. Si estos hallazgos se deben a que los cerebros de los músicos son más resilientes o a que quienes no padecen demencia siguen tocando durante más tiempo es una cuestión compleja que futuras investigaciones deberán dilucidar.

El instrumento que se toca podría marcar la diferencia. Un estudio de 2024 con 1100 británicos mayores reveló que los pianistas y los instrumentistas de viento-metal tendían, en promedio, a tener mejor memoria de trabajo. Los instrumentistas de viento-madera presentaban una función ejecutiva superior. Los cantantes destacaban en el razonamiento verbal. Quienes tocaban varios instrumentos no obtenían ningún beneficio neuronal adicional.

Además, el sistema límbico del cerebro, que procesa el placer y la recompensa, se activa al tocar un instrumento. Las endorfinas, hormonas del bienestar que alivian el dolor, se liberan cuando uno se concentra en la música. Tocar en una banda, orquesta o coro reduce el estrés y fomenta la interacción social. Y si un instrumento está fuera de nuestro alcance, simplemente escuchar también puede ser una buena opción. En 2025, un estudio observacional con 10.000 personas mayores de 70 años con buena salud cognitiva reveló que quienes escuchaban música con regularidad tenían un 39 % menos de riesgo relativo de deterioro cognitivo. Sin embargo, la prueba de una relación causal sigue siendo difícil de establecer.

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El Estadio Olímpico Lluís Companys se prepara para acoger la vigilia del papa León XIV, programada para este martes en el corazón de Barcelona. El evento, que comenzará a las 20.00 horas, reunirá a miles de asistentes en un recinto emblemático, con puertas abiertas desde las 16.00, medio centenar de confesionarios instalados en las inmediaciones y retransmisión en directo a través de pantallas gigantes ubicadas en la plaza de les Glòries y el Arc de Triomf, así como por televisión.

La celebración supone un nuevo capítulo en la historia de un estadio que ha sido escenario de grandes acontecimientos deportivos, culturales y religiosos a lo largo de casi un siglo. El motivo de la visita papal responde a una convocatoria masiva para la comunidad católica y para la ciudad, que ha movilizado recursos logísticos y medidas de seguridad reforzadas.

El Estadio Olímpico Lluís Companys, situado en el Passeig Olímpic dentro de la Anilla Olímpica de Montjuïc, es una de las instalaciones deportivas más reconocidas de la ciudad. Cuenta con una capacidad para más de 50.000 espectadores, lo que lo convierte en uno de los recintos más grandes de Barcelona.

El estadio lleva el nombre de Lluís Companys, presidente de la Generalitat de Catalunya durante la Segunda República, como reconocimiento a su figura y a su relevancia en la historia de la ciudad. La denominación oficial se adoptó en 2001.

Un recinto marcado por la historia

Su historia se remonta a 1929, cuando fue inaugurado en el contexto de la Exposición Internacional, con un programa inaugural que incluyó partidos de rugby y fútbol, además de pruebas de atletismo. Concebido desde sus orígenes con vocación olímpica, el recinto fue diseñado por Pere Domènech i Roura y ha experimentado varias transformaciones desde entonces.

Durante la Guerra Civil Española, el estadio dejó su función deportiva para convertirse en centro de acogida de refugiados y, en años posteriores, sirvió como espacio de ayuda en emergencias como las inundaciones de 1957 y 1958.

A lo largo de las décadas, ha albergado competiciones de atletismo, fútbol, motociclismo, ciclismo, boxeo y esgrima, así como actos religiosos y pruebas de conducción. El gran salto internacional del estadio llegó con los Juegos Olímpicos de 1992, después de una profunda remodelación entre 1985 y 1989 que preservó la fachada original y modernizó las instalaciones.

La intervención, a cargo de los arquitectos Vittorio Gregotti, Frederic de Correa, Alfons Milà, Joan Margarit y Carles Buxadé, permitió elevar el aforo hasta 54.000 espectadores e incluyó la renovación de la pista, el césped y los equipamientos. Un dato singular de la obra fue el descenso de 11 metros en el nivel de la pista, cuya piedra extraída se utilizó en la construcción del templo de la Sagrada Família.

Referente para el deporte y la música

Desde 1992, el estadio ha mantenido un uso continuado. Ha sido sede de partidos del RCD Espanyol, encuentros de los Barcelona Dragons y conciertos de artistas internacionales como Michael Jackson, Madonna, Rolling Stones, Bruce Springsteen, Beyoncé, Ed Sheeran, AC/DC, Metallica y Coldplay. El recinto ha acogido más de 1.000 eventos y millones de espectadores, consolidándose como un referente en la vida deportiva y cultural de Barcelona.

Desde 2023 hasta 2025, el FC Barcelona trasladó de manera temporal sus partidos como local al Estadio Olímpico Lluís Companys debido a las obras de reforma en el Camp Nou. Esta etapa ha situado nuevamente al recinto en el centro de la actividad futbolística internacional, albergando encuentros de LaLiga y competiciones europeas durante la temporada de transición del club azulgrana.

En la actualidad, el Estadio Olímpico Lluís Companys puede visitarse en recorridos turísticos, donde el público accede a las gradas, la pista y zonas emblemáticas. El estadio forma parte del circuito habitual de la montaña de Montjuïc y alberga exposiciones y actividades educativas. Su arquitectura, que combina el carácter monumental del diseño original con la modernidad de las reformas, destaca por su integración en el paisaje y sus vistas sobre la ciudad.

Para quienes asistan a la vigilia papal o deseen conocer el estadio, la ubicación en el Passeig Olímpic permite llegar con facilidad mediante transporte público: varias líneas de autobús, metro (estaciones Espanya y Paral·lel), funicular de Montjuïc y servicios especiales en días de evento. Existen zonas de aparcamiento para visitantes, aunque se recomienda el transporte público por las restricciones de acceso durante grandes concentraciones.

El estadio, gestionado por el Ayuntamiento de Barcelona, continúa ofreciendo actividades abiertas al público y mantiene su papel como símbolo de la ciudad tanto para el deporte como para la cultura y la vida social.

La transición hacia un modelo de liderazgo compartido en Spotify transformó la estructura interna y la estrategia de la empresa para ofrecer una experiencia digital unificada y personalizada. El proceso, impulsado por Daniel Ek, culminó con el nombramiento de Gustav Söderström y Alex Norström al frente de la compañía.

En este contexto, la inteligencia artificial y la toma de decisiones centradas en las necesidades de las audiencias marcan el rumbo global del streaming, según relató Söderström en el podcast de David Senra.

La firma sueca atraviesa una etapa clave de su evolución. Con una plataforma que integra música, pódcast, audiolibros y herramientas para entrenamiento físico, apuesta por la personalización mediante inteligencia artificial.

El objetivo es mantener la relevancia para sus más de 700 millones de usuarios, fortalecer el modelo gratuito con opción de suscripción y priorizar el bienestar digital.

El proceso de sucesión y preparación interna fue gradual y deliberado, explicó Söderström. “Daniel Ek nunca tomó decisiones precipitadas; hace tres años nos pidió a Alex y a mí que asumiéramos la codirección ejecutiva, de modo que el traspaso de responsabilidades fuera natural”, expresó.

“Desde entonces, Daniel fue transfiriendo cada vez más responsabilidades, hasta que dirigimos la gestión diaria y financiera antes de asumir oficialmente el cargo”, añadió.

Modelo de liderazgo compartido y sincronización

A diferencia de etapas anteriores, Söderström y Norström adoptaron una organización basada en la coordinación permanente. “Decidimos evitar la división clásica del trabajo en compartimentos y optamos por una sincronización total, aunque implique desafíos operativos importantes”, comentó.

Ambos directivos y los vicepresidentes sénior celebran una única reunión semanal de tres horas con representantes de producto, tecnología, negocio y contenido. La dinámica prioriza la resolución interna de conflictos y evita que la complejidad se traslade al usuario final. “Prefiero que los problemas se resuelvan internamente y no arruinen la experiencia de quien utiliza la aplicación”, resumió.

Söderström destacó que esta cultura de colaboración se inspira en parte en la longevidad de los líderes de Apple. “Muchos llevan en la organización entre siete y quince años. Eso permite construir una dinámica donde la colaboración vence a la política interna”, apuntó. A su juicio, los equipos con altos niveles de confianza y permanencia pueden evitar la fragmentación y contribuir a una visión coherente en toda la empresa.

El papel de la inteligencia artificial y la personalización

La inteligencia artificial ocupa el centro de la estrategia de personalización y recomendaciones de Spotify, según explicó Söderström en el podcast. “La IA debe estar al servicio del usuario, devolviendo el control a las personas, no atrapándolas en patrones repetitivos”, subrayó.

Explicó que, para adaptar la experiencia individual, la aplicación emplea tanto algoritmos tradicionales de recomendación como modelos generativos, también llamados modelos de lenguaje de gran tamaño. El objetivo es que cada usuario pueda corregir y ajustar sus perfiles, influyendo en lo que escucha y descubre.

La plataforma recopila y analiza miles de millones de listas de reproducción creadas por sus usuarios. Este trabajo, realizado por una minoría muy activa, beneficia al conjunto de la comunidad al mejorar la calidad de las recomendaciones. “La forma en que los usuarios personalizan y organizan sus contenidos mejora la experiencia colectiva”, destacó Söderström.

La plataforma ya ofrece funciones avanzadas de inteligencia artificial, como listas de música generadas según la actividad, el ritmo y las preferencias personales. “Queremos que cualquier persona pueda comunicarnos sus gustos y que la plataforma evolucione con cada interacción”, comentó.

Cómo la IA transformará el streaming

Söderström considera que el avance de la inteligencia artificial modificará radicalmente los hábitos digitales y el mercado del streaming. “El mayor riesgo es quedarse inmóvil: en cada nueva ola tecnológica, quienes se adaptan más rápido ganan cuota de mercado”, reflexionó.

Según el codirector ejecutivo, la oportunidad está en anticipar y liderar el cambio. “Las grandes disrupciones han surgido cuando la tecnología habilitó nuevos modelos de negocio, como ocurrió con el auge del streaming tras la expansión de la banda ancha o el impacto de los teléfonos inteligentes”, destacó.

Advirtió que estos periodos de transformación exigen experimentar no solo con tecnología, sino con modelos de liderazgo y procesos de atracción de talento, para evitar el estancamiento y la resistencia a la innovación.

Söderström apuesta por mantener agilidad y apertura al cambio frente a las transformaciones impulsadas por la inteligencia artificial, afirmando que la capacidad de adaptación determinará el valor de la experiencia para millones de personas que utilizan la plataforma cada día.

Estrategia de producto: experiencia unificada y modelo freemium

La plataforma digital de streaming decidió asumir los costos y la complejidad de crear una “superapp” que integra música, pódcast, audiolibros y nuevas funciones relacionadas con la actividad física.

“La decisión fue unir todo en una sola plataforma, pensando en el beneficio del usuario y la capacidad de llegar a cientos de millones desde un solo producto”, afirmó Söderström.

La apuesta por el “modelo gratuito con opción de pago” (denominado también “modelo freemium”) fue deliberada frente a la competencia, especialmente Apple. “Nos enfocamos en tres pilares: el acceso sin restricciones, la personalización en las recomendaciones y la presencia en cualquier lugar y aparato”, señaló el codirector ejecutivo.

Este modelo, que aporta cerca de un 90% de los ingresos por suscripción, permitió a la empresa mantener independencia ante la presión publicitaria y priorizar la percepción de valor por parte del usuario.

En el fútbol, “cantar” suele ser sinónimo de error. Una cantada del portero puede costarle un partido a su equipo. Últimamente los futbolistas se han tomado muy en serio lo de cantar, aunque apropiándose del sentido más literal del término, claro: de Sergio Ramos a Jesé, ambos exjugadores del Real Madrid -del Castilla en el caso del segundo- han encontrado un hueco en la música. Ahora, Ronaldinho se une al grupo. Nunca mejor dicho.

El exfutbolista brasileño que defendió la camiseta del Fútbol Club Barcelona entre 2003 y 2008 y que colgó las botas hace casi una década, estrena nueva proyecto apenas dos días de que arranque el tan ansiado Mundial. Tras anunciar el pasado marzo la creación de su sello discográfico, Tu Música, el campeón del mundo con Brasil en 2002 da un paso más con el lanzamiento de CAMISA 10, un álbum debut en el que se rodea de algunas de las figuras más reconocidas de la escena internacional. El LP ya está disponible en plataformas digitales.

El trabajo cuenta con colaboraciones de artistas como el hiperreconocido Pitbull -autor de éxitos como On The Floor, con Jennifer López; Fireball o Feel This Moment-, el jamaicano Sean Paul -con éxitos como Get Busy y colaborador de Dua Lipa o Sia-, el DJ Jonas Blue, los franceses Willy William y Veggedream o Mike Bahía, entre otros. Y alerta España. El brasileño que vivió durante un lustro en la ciudad condal también hace un homenaje con dos temas: uno de la mano de Juan Magán, Siente la Magia y otro interpretado por Kiko Rivera, Ahora Sí.

En total, 59 canciones divididas en dos volúmenes. El proyecto reúne a intérpretes procedentes de 18 países y territorios de cuatro continentes, en una mezcla de estilos que va desde el dancehall jamaicano hasta el electro latino español, pasando por el pop urbano y los afrobeats africanos. Todo un mundial musical cuya alineación también incluye nombres como Justin Quiles, Lenny Tavárez, Dalex, Ke Personajes, Nanpa Básico, Fariana o L-Gante, junto a representantes de países tan dispares como Nigeria (KJ Spio, Mavo, Gyakie), Corea del Sur (Penomeco), Francia, Cuba (Jacob Forever), Turquía (Jacob Forever) o Venezuela (Micro TDH).

“Soy fan de Sean Paul desde hace mucho tiempo. Le puso banda sonora a tantas fiestas con éxitos que nunca olvidaremos, y fue un privilegio estar a su lado. Este álbum reúne a un equipo de estrellas globales y, para mí, es un sueño hecho realidad, porque la música siempre ha sido parte de mi vida”, ha definido el excentrocampista de 46 años.

Sin embargo, Ronaldinho solo dejará escuchar su voz en un total de tres canciones. Perfil, junto al mexicano cantante de música regional del país Luis R. Conriquez; Vamos Celebrar, con Pitbull; y La Verde, acompañado por Tony Aguirre.

El tracklist al completo

1. Sean Paul, Banx & Ranx — Lead (Jamaica)
2. Golden, Justin Quiles, Lenny Tavárez y Odumodublvck — Champion (Puerto Rico)
3. Jonas Blue y Calussa — Edge of Desire (Calussa Remix) (Reino Unido)
4. Ronaldinho y Luis R. Conriquez — Bajo Perfil (México)
5. DJ Luian, Mambo Kingz y Jowny — Mulheres (Puerto Rico)
6. Ke Personajes — La Magia (Argentina)
7. Dalex — Me Hace Falta (Puerto Rico)
8. Brray — Tsunami (Puerto Rico)
9. Micro TDH — Pampatar (Venezuela)
10. Víctor Valverde — Equipo Preferido (México)
11. Lennox — Retumba (Puerto Rico)
12. Randy Nota Loca y Maffio — Rompiendo el Turismo (Puerto Rico)
13. L-Gante, Bonny Lovy, JERÔME y Lacho — Funky420 (Argentina)
14. Mike Bahía y Louis BMP — Competí (Colombia)
15. Ñejo — La Vida Es Así (Puerto Rico)
16. Nanpa Básico — Líbrame Señor (Colombia)
17. Fariana — Ola (Colombia)
18. Alex Krack, Totoy El Frio, Natan y Shander — Tú las Ves (Ecuador)
19. KJ Spio, Mavo y Gyakie — Call Me (Nigeria)
20. Léo Foguete — Golaço (Brasil)
21. Juanka — Mi Destino (Colombia)
22. Kiko Rivera — Ahora Sí (España)
23. Shoday — Holiday (Nigeria)
24. Natanzinho Lima — Até Quando? (Brasil)
25. Skales — Bend Low (Nigeria)
26. Zaider — Baby Doll (Colombia)
27. Serhat Durmus — Black Desert (Turquía)
28. Penomeco — Kawasaki (Corea del Sur)
29. Mady Official y Dezear — Con Mi Bandera (Colombia)
30. Jacob Forever — Mías (Cuba)
31. Ronaldinho y Pitbull — Vamos Celebrar (Estados Unidos)
32. Juan Magán — Siente la Magia (España)
33. Lenin Ramírez — Titular (México)
34. Jon Z — Si Gano la Copa (Puerto Rico)
35. Yng Lvcas — Para Mi Selección (México)
36. Ronaldinho y Tony Aguirre — La Verde (México)
37. Q’Lokura y Treekoo — Hit Mundial (Argentina)
38. DJ Nelson y Fer Villanueva — Adicto a Tu Cuerpo (Colombia)
39. Willy William y Shaz — Rodeo (Francia)
40. Lalo Ebratt y Fer Villanueva — 2002 (Colombia)
41. Vegedream — Vuvuzela (Francia)
42. Edwin Luna y La Trakalosa de Monterrey — Soy Mexicano (México)
43. Millonario — Niza (México)
44. Alex Favela — Copa (México)
45. Jamby El Favo, Dylan Fuentes y NK — La Copa (Puerto Rico)
46. Kevin AMF — Tiki Taka (México)
47. Bhavi y Omar Varela — Olé (Argentina)
48. Big Metra, D Ozi y Angelina Victoria — Gol de México (México)
49. Apache, Faker y Mylan — En la Sangre (Venezuela)
50. Pipe Bueno y Miguel Bueno — Van Siendo las 3 (Colombia)
51. Gotay El Auténtiko — Agua (Puerto Rico)
52. Akapellah y Faker — Siempre Fuerte (Venezuela)
53. Anthony & Yeigo y Marc Magán — Gaucho (República Dominicana)
54. El Negro Tecla y El Turko — Súbelo (Argentina)
55. Julián Daza — La Diez (México)
56. Muzik Junkies, Domino Saints, Mrgetthebag y Aldo G — Banderas (Estados Unidos)
57. Yari M — Futebol (Puerto Rico)
58. White Star — Carnaval del Mundo (Cuba)
59. Kevin Flores, Beauty Pikete y Raymond Ray — El Herido (Colombia)

No es casualidad que CAMISA 10 llegue apenas unos días antes del inicio del Mundial. Si el torneo reunirá sobre el césped a algunos de los mejores equipos del planeta, Ronaldinho ha intentado hacer lo mismo en los estudios de grabación.

Mario Vaquerizo ha llevado a ‘El Hormiguero’ una de las escenas que más ha marcado su actualidad reciente, su encuentro con León XIV, una experiencia que ha presentado como un episodio de fuerte carga emocional en plena promoción de la nueva gira de Nancys Rubias y de su próximo disco.

El cantante ha explicado que fue invitado “como representante de la cultura” y que el saludo con el Pontífice incluyó un apretón de manos y una mirada a los ojos. Vaquerizo cree que el mensaje del Papa “es muy necesario en estos momentos de crispación” y que obliga a “bajar un poco el tono de todo”.

La visita del grupo al programa de Pablo Motos también ha reunido a Juan Pedro del Moral, la Nancy Travesti, y Miguel Balanzategui, la Nancy Reagan, mientras Marta Vaquerizo, la Nancy O, no ha acudido porque estaba de viaje por Europa con su pareja, técnico de sonido de Nancys Rubias y de Fangoria, según contaron en antena.

Devoción, estilo y una experiencia “bendecida”

Vaquerizo ha descrito su paso por la recepción papal con un lenguaje casi devocional. “Ver al Papa León XIV fue como ver a un santo, en serio”, dijo. En esa misma intervención, el cantante defendió que no alteró su imagen para la ocasión, ya que acudió peinado por su peluquero con su cardado habitual y quiso subrayar que su estética no entra en conflicto con sus convicciones ni con el marco institucional del acto.

“Yo quedé con mi peluquero, me hizo el cardado, aunque yo no quería ir con el cardado porque para una recepción así… Pero el maquillaje no es incompatible con la religión, la fe y el respeto”, afirmó Vaquerizo.

El artista añadió que volvió “un poco tocado” tras el encuentro porque sintió “muy buenas vibraciones” al estar junto al Papa. También sostuvo que se considera “bendecido” porque León XIV le tocó la mano y le miró a los ojos, una secuencia que presentó como el momento más intenso de la entrevista.

La conversación en el programa avanzó después hacia uno de los episodios más recordados de su trayectoria reciente, la caída sufrida a finales de 2024 durante un concierto, cuando se precipitó de cabeza desde una pequeña plataforma giratoria y tuvo que ser trasladado al hospital.

Un accidente convertido en canción

Vaquerizo explicó que ese accidente ha acabado integrado en el repertorio creativo del grupo. “Nuestras malas experiencias las convertimos en arte”, dijo, antes de recordar que de una respuesta improvisada a los periodistas nació una canción todavía inédita.

El tema se titula “El cardado me salvó la vida” y surgió después de que el cantante atribuyera con humor su supervivencia al peinado que llevaba el día del golpe. Vaquerizo precisó que Nacho Canut ha participado en la creación de la canción y que aún no la han publicado porque quieren grabar antes un vídeo.

Ese videoclip, según relató al programa, lo quieren rodar con Charo Baeza, a la que presentó como una de sus grandes referencias estéticas. Vaquerizo pidió públicamente poder grabar en su casa junto a ella y la definió como “la única murciana que ha triunfado en Hollywood”, además de recordar que ha sido personaje de Los Simpsons y activista de PETA.

En ese mismo bloque, añadió una anécdota sobre Baeza: contó que fue vecina de Donald Trump y que, según ella, el mejor árbol de Navidad de Beverly Hills era el del hoy presidente estadounidense. También aseguró que vivía cerca de Jennifer Lopez.

La entrevista dejó además otros apuntes personales y profesionales, ya que Nancys Rubias va a compaginar su gira de verano con la grabación de su próximo disco, y Vaquerizo avanzó también que se someterá a una operación dentro de dos semanas y que se hará “un poco de liposucción”, una confesión que realizó durante su paso por el programa.

La controversia alrededor de “La niña futbolista” continúa creciendo y ha colocado a Julieta Venegas en el centro de una de las discusiones más intensas de su carrera reciente. Lo que comenzó como una propuesta cultural vinculada al Mundial 2026 derivó en una ola de críticas, burlas y memes que se expandieron más allá del video oficial de la canción.

El tema, presentado por la Secretaría de Cultura durante una conferencia encabezada por la presidenta Claudia Sheinbaum, fue concebido como una pieza para promover la inclusión y la participación de niñas y adolescentes en el futbol. Sin embargo, la recepción en redes sociales ha estado lejos de ser unánime.

La situación escaló cuando el videoclip oficial apareció con los comentarios deshabilitados en YouTube. A partir de ese momento, usuarios trasladaron sus opiniones a otros contenidos de la cantante, incluyendo colaboraciones como “Volver a ti”, junto a Bronco, y “Tengo que contarte”, grabada con Natalia Lafourcade.

Entre los mensajes que comenzaron a multiplicarse destacan frases como: “Julieta, el fútbol es unión, y esa canción me parece que divide” o “¿Para qué desactivan los comentarios?”.

Mientras el videoclip supera 1.6 millones de reproducciones y acumula más de 13 mil “me gusta”, la conversación digital se ha mantenido dominada por cuestionamientos, videos satíricos y memes que han convertido a la intérprete en tendencia durante varios días consecutivos.

¿Por qué “La niña futbolista” genera tanto rechazo?

El rechazo hacia la canción “La niña futbolista” se origina principalmente por su asociación política, el estilo musical monótono y los cuestionamientos sobre el anacronismo de la letra.

Aunque la intención era promover la inclusión y el empoderamiento femenino en el deporte, el lanzamiento generó críticas en redes sociales y llevó a la artista a desactivar los comentarios en sus plataformas de video.

Vinculación con el gobierno federal

• La presentación ocurrió durante una conferencia oficial encabezada por la presidenta Claudia Sheinbaum.
• El proyecto contó con el respaldo de la Secretaría de Cultura y la Secretaría de las Mujeres.
• Parte de la audiencia interpretó la iniciativa como un mensaje político asociado al gobierno federal.

Un sonido alejado del ambiente futbolero

• Numerosos aficionados consideraron que la canción carece de la energía que suele caracterizar a los temas relacionados con los mundiales.
• En redes sociales aparecieron críticas que describen la propuesta como lenta, melancólica o poco festiva.
• Usuarios compararon la canción con otros himnos deportivos que apelan a la celebración colectiva.

Una letra considerada desactualizada

• La pieza es una nueva versión de una canción infantil creada originalmente por Patita de Perro.
• El relato gira en torno a una niña que enfrenta obstáculos para jugar futbol debido a prejuicios de género.
• Algunos críticos argumentan que el contexto actual del futbol femenil es distinto, con ligas profesionales consolidadas y competencias internacionales de gran alcance.

La decisión de desactivar comentarios

• La eliminación de la sección de comentarios en YouTube fue interpretada por algunos usuarios como una forma de evitar las críticas.
• Esto provocó que la conversación migrara a otros videos del canal oficial de la artista.
• La medida también alimentó la producción de memes y publicaciones satíricas relacionadas con la polémica.

Patita de Perro sale en defensa de Julieta Venegas

Ante la controversia, Nacho Pata, integrante de Patita de Perro, publicó un comunicado para aclarar varios puntos sobre el proyecto.

El músico aseguró que “La niña futbolista” no fue concebida como la canción oficial del Mundial 2026 y explicó que surgió para acompañar la entrega simbólica de boletos a una niña destacada en actividades relacionadas con el futbol.

También afirmó que nadie recibió pago por participar en la grabación y defendió el objetivo social de la iniciativa.

“Puede ser que no les haya gustado su versión, o la nuestra, o tal vez ninguna; también puede ser que no estén de acuerdo con la Presidenta o con cualquier cosa, eso es absolutamente válido”, escribió.

Asimismo, pidió que las diferencias se expresen mediante argumentos y debate, evitando la agresión verbal. “Solo es una canción para niños, no se sientan amenazados, por favor”, añadió.

Por ahora, Julieta Venegas ha optado por no responder directamente a la oleada de comentarios. Su postura pública se mantiene en el mensaje que dio al presentar la canción: “Me gustó inspirar a niñas y grandes a que no se dejen detener ante los obstáculos que otras personas les ponen, sino que vayan tras lo que desean. La hice con mucho cariño; espero que les inspire a jugar y divertirse”.

La artista Ariana Grande ha abierto su Eternal Sunshine Tour con un concierto de 105 minutos en el Oakland Arena que, según Variety, confirma una decisión artística nítida: el nuevo espectáculo gira alrededor de su material más reciente y prioriza la voz por encima del despliegue escénico, en un momento en que la propia cantante ha deslizado que podría pasar mucho tiempo antes de volver a salir de gira.

El arranque en Oakland, celebrado el 6 de junio de 2026, ha incluido 23 canciones, de las que 11 proceden del álbum Eternal Sunshine de 2024 o de su edición ampliada posterior. El repertorio de la cantante y actriz ha dejado fuera temas centrales de otras etapas, como God Is a Woman, salvo un breve pasaje instrumental, y ha relegado por completo el espíritu de la gira de Sweetener.

La crítica de Chris Willman en Variety sitúa esa elección como el rasgo definitorio de la noche. El concierto se ha construido sobre un disco que el medio describe como su trabajo “más maduro”, capaz de sostener por sí solo los cambios de temperatura emocional del directo: desde la apertura con Yes, And? hasta el clímax previo al final con We Can’t Be Friends (Wait for Your Love).

Un pequeña gira antes de un paréntesis

Grande ya había inquietado a sus seguidores a finales del año pasado al afirmar que estaba “muy emocionada” por hacer esta “pequeña gira”, pero que quizá no se repitiera “en mucho, mucho, mucho, mucho, mucho tiempo”. La artista también precisó entonces que no había terminado con la música, aunque dejó abierta la posibilidad de un largo paréntesis en los escenarios.

Entre el repertorio de la noche estuvo presente Dangerous Woman y Honeymoon Avenue, así como Dandelion y The Boy Is Mine o la recuperación de Rain on Me, el dueto con Lady Gaga con la voz de esta última grabada. Para la crítica especializada, el mejor momento fue la interpretación de Hampstead y el tramo que desemboca en We Can’t Be Friends (Wait for Your Love) antes del cierre con Supernatural, el único momento que incluyó un poco de parafernalia escénica, con la artista elevada desde la pasarela secundaria mientras un grupo de bailarines la rodeaba, con un arnés oculto que la ha alzado sobre el recinto hasta simular una nave suspendida sobre el pabellón.

Centrada en su carrera como actriz

Ariana Grande ha estado en los últimos tiempos centrada en la grabación y en la promoción de las dos partes de Wicked, por la que fue nominada a los Oscar como mejor actriz de reparto en 2025 y que la ha catapultado al estrellato dentro del mundo de Hollywood, reconvirtiendo su imagen de ídolo pop en una celebrity de lo más versátil.

Entre sus próximos proyectos, encontramos la participación en la antología de Ryan Murphy American Horror Story, en su temporada 13, junto a Jessica Lange y Sarah Paulson y el estreno de Ahora los suegros son ellos, secuela de Los padres de ella junto a Robert De Niro y Ben Stiller, que se estrenará el próximo noviembre.

La noticia cayó como un bombazo. Más aún cuando el titular impactó en la pantalla de esa TV que miramos en el bar que nos suele cobijar. Al mismo tiempo, el celular explotaba con los mensajes en relación con la “mala nueva”. El secreto deseo de que fuera una “fake” pero no. A medida que pasaban los minutos, el dolor se iba incrementando junto con una angustia que era necesaria expresar.

En una mesa, comentaban la noticia con sorpresa y dolor. No lo podrían creer. Es ese recorte que uno realiza con los artistas que uno admira. El egoísmo propio de quien no deseamos que se ponga fin a esos momentos de alegría, esos que hoy escasean por demás, cortesía del contexto que vive.

El Indio puso un vocabulario tan creativo como críptico a ese rock crudo de guitarras que tanto gusta, no solo para bailar sino como catarsis personales en ceremonias colectivas de intercambio social. Con los Redonditos de Ricota, “su grupo de combate”, fue contra la corriente y salieron victoriosos. Música en el marco de misas en que los feligreses ponían todo –y más también– para construir ceremonias únicas e inolvidables. Resistencia contra lo represivo –en todas sus manifestaciones–, la ignorancia y, por sobre todas las cosas, el ADN de las sociedades “modernas”, donde prima lo cuantitativo y lo artificial. Su legado trasciende cifras de discos, casetes, CD o visualizaciones; es el sentir que atraviesa almas y corazones para establecer un sentimiento de pertenencia a una identidad determinada. Ser ricotero es una cocarda (o una medalla) que se lleva con orgullo aunque, en ocasiones, duela.

Hoy el Indio Solari partió a la inmortalidad de quienes son inolvidables por su obra y su legado. Sus letras lograron el status mayor que se puede tener: ser un tatuaje, una remera o un axioma en el inconsciente colectivo que manejamos cotidianamente. Ahora, a paliar el dolor en compañía de su música y que su obra sea transmitida, tal como se transmitían las noticias de antaño. Será ahora con las redes sociales aunque el “boca en boca”, cotiza con el corazón, con la lágrima pujando por salir. Se fue un héroe en este lío llamado Argentina –más en esta época desquiciada– que escribió páginas imborrables de nuestra cultura. Es el precio a pagar por estar en esta tierra. Vivir solo cuesta vida. No cabe la menor duda. Cuando la noche es más oscura, se viene el día en tu corazón.

“Bienvenidos. Van a ver mi proceso de preparación. A mí me gusta arrancar con muchísima anticipación. Este año arranco con mucha más aún. Así que van a ver un poco de todo y espero que disfruten este entrenamiento. Me gusta mostrarles todo lo que hago y todo el esfuerzo que hay detrás para lo que sería un próximo tour. Disfruten conmigo este entrenamiento y sufran también un poquito”, anticipó la artista, marcando el tono de lo que vendría a continuación.

El video comienza con Emilia ingresando al gimnasio, vestida con ropa deportiva gris y zapatillas blancas, acompañada de su entrenador. Los primeros ejercicios la muestran en la zona de máquinas de remo, trabajando fuerza y resistencia. A continuación, se la pudo apreciar realizando rutinas de movilidad y estiramiento, fundamentales para evitar lesiones y preparar el cuerpo para la exigencia que demanda cada show.

La cámara la siguió de cerca mientras alterna entre ejercicios de piernas, trabajo con pesas y coordinación en escaleras de agilidad. En una de las secuencias, Emilia sostuvo mancuernas y ejecuta sentadillas profundas, concentrada y en silencio, mientras su entrenador la alienta desde el costado.

La rutina no dio respiro. Para la cantante hubo tramos de trabajo aeróbico, sesiones de plancha y repeticiones en el suelo. Emilia alternó momentos de máxima concentración con pausas para hidratarse y compartir impresiones con sus seguidores. “Amores, yo sé que me extrañan y yo los extraño un montón los extraño”, dice la cantante en un momento del vlog, con la voz entrecortada y agotada por el esfuerzo físico. “Pero bueno, paciencia. Les prometo que estoy preparando algo muy lindo, algo con mucho amor, tratando de buscar mi mejor versión. Quiero entregarles lo mejor de mí, como siempre, pero ahora aún más”.

Las imágenes mostraron también la importancia del trabajo en equipo. Emilia estuvo acompañada en todo momento por su entrenador y el staff que la ayuda a registrar cada etapa del proceso. Juntos ajustan las rutinas, chequean la técnica y celebran cada avance. La cantante se tomó con humor los ejercicios más difíciles y no dudó en reírse de sí misma cuando alguna repetición no sale como esperaba. En uno de los fragmentos, se la vio haciendo estiramientos en el suelo, rodeada de colchonetas y otros deportistas que comparten el mismo espacio.

Hacia el final del video, Emilia realizó ejercicios de coordinación y saltos, demostrando la variedad de movimientos que componen su rutina. La cámara se detiuvo en sus pies mientras realiza desplazamientos en escaleras de agilidad, en sus manos sujetando pesas, en los gestos de concentración y en las sonrisas que aparecen cuando termina una serie especialmente dura. El gimnasio, lejos de ser solo un lugar de esfuerzo, se conviertió en un espacio de disfrute, aprendizaje y autodescubrimiento.

El video no solo reveló el costado más humano y vulnerable de la artista, sino que también acerca a sus seguidores a la realidad de lo que implica estar al frente de una gira internacional. Cada show es el resultado de meses de trabajo silencioso, de madrugadas en el gimnasio y de la decisión de ir siempre un paso más allá. Mernes, con honestidad y transparencia, eligió mostrar el sacrificio detrás del brillo y el glamour, invitando a su comunidad a acompañarla en el camino hacia su mejor versión y a descubrir, juntos, lo que significa dejarlo todo en cada escenario.

En pleno show en el tradicional baile de Bomberos, Ulises Bueno, referente indiscutido de la música cuartetera, sorprendió a todos al interpretar uno de los himnos más emblemáticos del rock nacional: “JiJiJi”. La elección del tema no fue casualidad. La noticia del fallecimiento del ex líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota había calado hondo entre los fanáticos y artistas por igual, y la interpretación de este clásico se transformó en un tributo cargado de emoción.

A medida que los primeros acordes de la legendaria canción llenaban el aire, Ulises se mostró visiblemente conmovido. El público, que acudió en masa al baile, percibió de inmediato la carga sentimental del momento. Los gestos del cantante cordobés evidenciaron una emoción creciente, hasta que la intensidad del homenaje lo llevó a quebrarse en pleno escenario. Las lágrimas, lejos de ocultarse, se sumaron al tributo, generando una conexión profunda entre el artista y quienes lo acompañaban esa noche.

El ambiente se cargó de una energía única a medida que la multitud respondió con aplausos, cánticos y muestras de afecto. El tributo de Ulises Bueno no solo fue un gesto personal, sino que funcionó como un espejo de lo que sentían miles de argentinos tras la partida del Indio Solari. Durante esos minutos, la música se transformó en un canal de despedida colectiva, y la interpretación de “JiJiJi” adquirió un significado aún más hondo para todos los presentes.

La escena, cargada de autenticidad, se convirtió rápidamente en una de las postales más conmovedoras del fin de semana. La figura de Ulises, vencido por la emoción, abrazando el legado del Indio a través de una de sus canciones más icónicas, sintetizó el impacto que la noticia había generado en la comunidad musical y en el público general.

El homenaje del cuartetero se inscribió en una ola de reacciones que cruzaron fronteras y estilos. La muerte del Indio Solari no solo movilizó a sus seguidores más fieles, sino que logró trascender géneros, generaciones e ideologías. Desde el primer minuto en que se conoció la noticia, miles de fanáticos y figuras del espectáculo se volcaron a las redes sociales para despedir al artista, mientras en distintos puntos del país surgían homenajes espontáneos.

La conmoción por la partida de Solari tuvo su réplica más multitudinaria en Comodoro Rivadavia, donde Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda que lo acompañó en los últimos años, decidió seguir adelante con su show en el Predio Ferial de la ciudad chubutense. Allí, más de siete mil personas colmaron el lugar, mientras cientos más buscaban seguir el espectáculo desde el exterior. La banda, visiblemente afectada, transformó el dolor en un ritual colectivo, especialmente al interpretar “Encuentro con un ángel amateur”, tema que muchos consideran el testamento artístico del Indio.

El momento más intenso de aquel concierto llegó cuando, en medio de la interpretación, el Indio “apareció” en las pantallas gigantes. La letra de la canción, cargada de simbolismo sobre el final y la aceptación de la muerte, resonó de manera especial entre el público y los músicos, algunos de los cuales no pudieron contener las lágrimas. El tecladista Pablo Sbaraglia fue uno de los más conmovidos, ofreciendo una imagen cruda del duelo colectivo.

La dimensión del homenaje no se limitó al predio. La banda habilitó una transmisión gratuita por YouTube, permitiendo que más de 230 mil espectadores en simultáneo se sumaran desde sus casas, bares y plazas de todo el país. Así, la despedida adquirió un carácter nacional y virtual, multiplicando la mística de la noche y reafirmando el lazo entre artista y público.

El tributo de Ulises Bueno quedó así entrelazado con el resto de las manifestaciones de afecto y reconocimiento que marcaron el adiós al Indio Solari. La postal del cantante cordobés, quebrado por la emoción al recordar al ídolo a través de “JiJiJi”, es inseparable del clima de homenaje que recorrió la Argentina. En cada gesto, en cada canción, quedó la certeza de que la voz y la historia del Indio seguirán vivas allí donde la música sea sinónimo de memoria y resistencia.

Carlos Ulanovsky reúne en Notas musicales de un periodista cultural. Entrevistas 1967-2025 casi seis décadas de conversaciones con figuras centrales de la música popular iberoamericana. El libro, publicado por Gourmet Musical Ediciones, compila entrevistas realizadas para distintos medios gráficos y digitales a músicos, directores, compositores, intérpretes, cantantes, críticos y productores, en un arco temporal que arranca en 1967 y llega hasta 2025.

Ulanovsky, periodista desde su adolescencia y “oyente de radio desde los cinco años” según cuenta, construyó este archivo a partir de la curiosidad y de una relación personal con la música que él mismo define como parte de su propia educación sentimental. El volumen recoge encuentros con figuras como Charly García, Mercedes Sosa, Astor Piazzolla, Luis Alberto Spinetta, Fito Páez, Osvaldo Pugliese, León Gieco y Caetano Veloso, entre muchos otros. Al decir del autor, “estas charlas no solo hablan de los músicos y la música que escuchó y entrevistó, sino que son el rescate del músico que podría haber sido y que no fue”.

Infobae Cultura publica a continuación una de las entrevistas que integran este libro, realizada a Astor Piazzolla en 1968.

Astor Piazzolla: Otra vez con la mufa (1968)

Hoy, 18 de enero, al finalizar su actuación en el festival de música popular que se realiza en el pueblo de Balcarce, el discutido, discutible bandoneonista marplatense Astor Piazzolla (cuarenta años, separado, dos hijos) procederá a disolver su famoso quinteto, un grupo que desde 1960 se dedicó, ni más ni menos a hacer muy buen tango orquestal.

Es una lástima, pero también una vieja necesidad de Piazzolla: “Cada vez que me vuelve la mufa, dejo todo, vendo todo, me voy”, se justifica, mientras asegura que la del quinteto es la octava disolución que decide en su carrera de director.

—¿Y ahora por qué le agarró la mufa otra vez?

—Porque me canso, me canso de las cosas; tengo la necesidad física de renovarme. Tocar con el quinteto, sentir el mismo sonido del violín, el bajo, la guitarra, el piano, me aburre mucho, Mire, cuando vino la gente del Modern Jazz Quartet, el director me decía lo mismo. Hacía once años que tocaban juntos, y ya no se aguantaban más. Más de una vez les dije a los muchachos: vamos a terminar agarrándonos a patadas.

—De todos modos, todas ésas son cosas suyas, y su público es el que carga con la gran frustración. Un admirador suyo decía los otros días que tenía ganas de preguntarle, lo más insolentemente posible “Che, Piazzolla, ¿a quién le ganaste?”.

—Me gané a mí mismo, que es muy importante. Entre el 60 y el 67 impuse en Buenos Aires cosas que no existían: lugares nocturnos para escuchar música moderna, en especial tango, que hasta el momento de salir nosotros en Jamaica era odiado por los nocheros; que el público empiece a considerar el tango no como música bailable, sino como música escuchable. Además, ojo, que yo no dejo la música; si mi vida es la música. Lo que ocurre es que el quinteto se agranda y tengo ideas distintas.

—Pero al fin, después de tantas luchas, ¿que dejó la manera de tocar tangos de Piazzolla? Porque evidentemente, el tango sigue tan en decadencia como antes, D’Arienzo sigue vivito y coleando pese a que usted amenazó eliminarlo.

— D’Arienzo está eliminado, mi amigo. Aquellos que más combaten el piazzollismo son los que más imitan sus fórmulas. El caso de Stampone, Federico, Baffa-Berlingieri y de centenares de orquestas que me critican y paralelamente están dentro de mi estilo. Usted me trae 100 long plays de tangos y, de los 100, 99 me imitan. Inclusive las orquestas malas, hasta D’Arienzo, se preocupan por cambiar sus estructuras armónicas.

—¿Y qué puede decir de su versión del poema de Baldomero Fernández Moreno, Setenta balcones y ninguna flor, incluida en el disco Catorce para el tango? Fue una concesión, pero usted dice que lo engañaron.

—Me equivoqué; me dieron LSD el día que me encontré con el maldito ése, Ben Molar. Además, yo tengo derecho a meter la pata, y esta vez reconozco que la metí bien a fondo.

—¿El piazzollismo existe?

—Creo que sí: lo mío no ha sido un estilo que se inventó así, por inventarse. Fueron muchos años de lucha, de búsquedas, de cosas nuevas.

—Pero ahora, toda esa lucha la manda enterita al diablo ¿No sabe lo que quiere o simplemente se siente viejo para seguir luchando?

—Yo soy un lírico y lo que menos me interesa en el mundo es el dinero. Yo pierdo mucha plata disolviendo el quinteto, pero gano en otras cosas: en nuevos hechos, en nuevas emociones; voy a tener una nueva orquesta. Además, no estoy viejo: este cambio, para mí, es como una inyección de optimismo como usted no tiene idea. Es una especie de renacimiento. No es el primer conjunto que dejo; desde 1944 que estoy dejando y rehaciendo orquestas. Lo que ocurre es que los músicos son unos cómodos. Cuando tienen un lugar seguro, se olvidan de la música y les duele mucho dejar de ganar dinero. Y ahora como mi pianista Osvaldo Manzi se dedica a su trío, y mi guitarrista Oscar López Ruiz se dedica a Donna Caroll, yo he decidido dedicarme a Piazzolla. El otro día dije: Si no fuéramos profesionales diríamos qué lindo es esto, pero qué lástima que no lo podamos hacer. Como somos profesionales no tenemos más remedio que hacerlo. Por eso formo mi nuevo grupo de once músicos con la base del actual quinteto, más un cuarteto de cuerdas, más un flautista, más un percusionista. En los cantos estarán Egle Martin y Hugo Marcel. También habrá un recitador.

—Claro; para acentuar aún más las dudas. Para que el público deje de saber definitivamente si Piazzolla es un exitista buscador de originalidades o un vanguardista real.

—Que me dejen de jorobar, que me dejen tranquilo. Lo único que hay aquí es que yo puedo hacer música de vanguardia, y si quiero tocar a la manera clásica o si no tocar a la manera intermedia. O sea, por si no se dio cuenta, puedo tocar a la manera que se me dé la gana. Piazzolla es un tipo que puede hacer lo suyo, pero también puede hacer todo lo otro. Los que chillan son los que se sienten incapaces de hacer lo mío, los que apenas pueden hacer lo de ellos y lamentablemente mal. Los que hace treinta años tocan de la misma manera.

—Hablando de quedarse. A partir de la serie de los tangos del ángel, ¿qué otros aportes realmente novedosos reconoce en la trayectoria de Piazzolla?

—Después de la serie del ángel, vino la serie del diablo, que ya es un estilo totalmente distinto. Los últimos temas del quinteto, Todo Buenos Aires, La mufa, Retrato de mí mismo, Revolucionario, Retrato de Alfredo Gobbi, son ya temas y estilos profundamente nuevos.

—Alguna vez usted aseguró que el pasado no le interesaba, que no le podía aportar nada. De pronto, sin embargo, aparece editando una inexplicable historia de tango.

—La historia de que me habla es una especie de homenaje que yo les hago a todos los compositores que han hecho algo, inclusive a aquellos compositores que musicalmente no han aportado nada. En una palabra, era un homenaje que le debía a toda esa gente que hizo algo por la música de Buenos Aires.

—¿Se anima a nombrar un bandoneonista que le haga sombra a la figura de Piazzolla?

—No hay. Pero Leopoldo Federico y Mederos tocan muy, pero muy bien.

*Notas musicales de un periodista cultural. Entrevistas 1967-2025 se presenta el martes 9 de junio en el Museo del Libro de la Biblioteca Nacional (Av. Las Heras 2555, Buenos Aires).

Christian Nodal intenta registrar “El Forajido” como nueva marca, pero Grupo Forajido le pone un alto ante el IMPI con una oposición formal respaldada por más de 30 años de trayectoria y un registro vigente hasta 2034.

La solicitud del cantante sonorense, presentada el 22 de abril de 2026 bajo el expediente 3606840, no llegó sola: detrás hay una disputa más profunda por el control de su propia identidad artística.

Por qué Nodal quiere ser “El Forajido”

La respuesta está en los registros del Instituto Mexicano de la Propiedad Industrial (IMPI). La marca “Christian Nodal” no le pertenece al cantante: fue registrada en 2016, cuando tenía 17 años, por su padre y entonces mánager, Jaime González, a través de la empresa JG Music.

En enero de 2026, González renovó esa titularidad por diez años más, hasta 2036. Eso significa que Nodal no puede usar su propio nombre en conciertos, discos o campañas publicitarias sin autorización familiar.

El 26 de abril, durante un concierto en Ezequiel Montes, Querétaro, el cantante lo confirmó sin rodeos: “Mi imagen no es mía, mi nombre no es mío ni mi música es mía, pero mi corazón y mi voz siempre van a ser de ustedes”.

Antes de que trascendiera el trámite ante el IMPI, Nodal borró todas sus publicaciones en Instagram y cambió sus perfiles al nombre “El Forajido”, una denominación que ya había usado en su carrera: en 2022 lanzó Forajido EP 1 y en 2023, Forajido EP 2.

La oposición que frena el registro

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El problema es que ese nombre ya tiene dueño legal. El 15 de mayo, Grupo Forajido presentó ante el IMPI un escrito de oposición formal para bloquear la solicitud del cantante.

La agrupación sinaloense, con más de tres décadas de historia, cuenta con la marca “Forajido” registrada y vigente hasta 2034. Su expediente de oposición sostiene que agregar el artículo “El” no basta para diferenciar ambas denominaciones: el instituto debe considerar similitudes gramaticales, fonéticas, gráficas y conceptuales entre los dos nombres.

El argumento de fondo es que ambas marcas operan en el mismo sector. La solicitud de Nodal corresponde a la Clase 41 del IMPI, que abarca servicios de entretenimiento, educación y actividades culturales —exactamente el terreno en el que Grupo Forajido ejerce sus derechos registrados.

Para respaldar su posición, la agrupación anexó al expediente carteles, registros históricos y pruebas de uso continuado del nombre a lo largo de su carrera.

Una defensa de derechos, no un conflicto personal

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La postura de Grupo Forajido ante el IMPI deja claro que su oposición no apunta contra Nodal en particular, sino contra cualquier solicitud que amenace una marca legalmente obtenida.

El escrito presentado por la agrupación señala que el nombre “Forajido” forma parte de su identidad artística desde hace más de 30 años y que ese derecho fue otorgado por las instancias correspondientes. La lógica del expediente es que el registro previo debe prevalecer sobre cualquier solicitud posterior de una denominación similar.

Si el IMPI falla a favor de la agrupación, Nodal quedaría impedido de usar “El Forajido” como marca para espectáculos, presentaciones en vivo y servicios de entretenimiento.

Un doble callejón sin salida

La situación coloca a Nodal en un escenario legal complicado en ambos frentes. Sin “El Forajido” disponible, el cantante quedaría sin una marca propia para operar de forma independiente en el sector del entretenimiento.

Recuperar la denominación “Christian Nodal” tampoco es una salida sencilla. El cantante mantiene un contrato de representación con JG Music hasta 2035, y la rescisión anticipada implicaría el pago de una indemnización millonaria cuyo monto exacto no ha sido precisado públicamente.

Hasta la fecha, el IMPI no ha emitido una resolución definitiva sobre el registro solicitado por el cantante.

Ismael Salcedo, exvocalista y fundador de Los Daniels, se presentará este domingo con su nueva banda, ID, en un concierto gratuito en el Ágora Tlatelolco de la Ciudad de México, como parte del programa Cuicatl: La Ciudad que Suena.

La cita es el domingo 7 de junio a las 14:30 horas en el Ágora Tlatelolco, alcaldía Cuauhtémoc. El acceso es libre y sin costo, dentro de una propuesta de género rock.

El evento forma parte de Cuicatl: La Ciudad que Suena, iniciativa del Gobierno de la Ciudad de México a través de la Secretaría de Cultura, que lleva música en vivo a espacios públicos de las 16 alcaldías todos los domingos.

ID, la nueva banda de Ismael Salcedo

ID es la agrupación que Ismael Salcedo conformó tras su salida de Los Daniels, integrada por cinco músicos de diversas influencias. En abril de 2026 presentaron su primer sencillo, “Somos lo que sigue”, con el que la banda anunció nuevos lanzamientos en puerta.

Antes de formar ID, Ismael ya había dado señales de su camino fuera de la banda: en julio de 2024 lanzó el ISMA EP, un material de cinco canciones que él mismo produjo, arregló y grabó junto a un ensamble de músicos en los Estudios Neblina de Coatepec, Veracruz.

La fractura con Los Daniels

Ismael Salcedo anunció su salida definitiva de Los Daniels en octubre de 2025, después de 18 años como vocalista y miembro fundador. A través de su cuenta de Instagram (@ismarock), acusó a sus excompañeros —el bajista Poncho y el baterista Rasheed— de hablar mal de él ante el medio, amigos y seguidores:

“Llevan años tirándome mierda con el medio, amigos, músicos y hasta con fans diciendo que yo no los dejé hacer nunca nada y que las decisiones las tomaba solo, cuando me dediqué a trabajar y a buscar fechas, a escribir canciones que hasta compartí en regalías con todos”.

El detonante final, según relató en la misma publicación, fue que Poncho buscó asumir el rol de vocalista:

“Ya quería cantar más Poncho, solo se dedicaron a fastidiarme hasta que lo lograron para así tomar el control de la banda. Al enterarme tomé la decisión de ya no seguir más con Los Daniels”. Cerró con una frase que se viralizó entre sus seguidores: “Así que para mí Los Daniels han muerto”.

Los Daniels respondieron con un comunicado oficial en sus canales: “La banda no ha tomado una decisión en conjunto sobre su continuidad. Les pedimos no dar por válidas las versiones que no provengan de nuestros canales”.

18 años al frente del rock alternativo mexicano

Fundados en mayo de 2007 en la Ciudad de México, Los Daniels acumularon ocho álbumes de estudio, entre ellos Moodanza (2009), Amanecer (2013) y Universo Paraíso (2018). Su propuesta de letras introspectivas con guitarras melódicas los llevó a festivales como el Vive Latino y el Tecate Pa’l Norte, además de giras por Asia y Sudamérica.

La banda también registró colaboraciones con Natalia Lafourcade, Ely Guerra y Lila Downs. Su último disco, Híbrido, se presentó en el Teatro Metropólitan en febrero de 2025. Tras la ruptura, Ismael fue eliminado y bloqueado de las plataformas digitales del grupo por sus excompañeros.

Cuicatl: La Ciudad que Suena, programación del 7 de junio

El mismo domingo, el programa ocupa al menos 9 sedes simultáneas en distintas alcaldías, con géneros que van del rock al circo, el teatro musical y el hip hop. Todos los eventos son gratuitos.

Jardín Santiago Tlatelolco (Cuauhtémoc) 13:00 h — Blanco Nejo (rock) 14:30 h — ID (rock)

Palacio Postal (Cuauhtémoc) 12:00 h — Dromedarios Mágicos (música) 13:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical)

Plaza del Bolero (Tlalpan) 14:00 h — Taller de Danza Pilares (folclor) 15:30 h — Más Salvajes (música)

Plaza San Jacinto (Álvaro Obregón) 12:00 h — Más Salvajes (música) 13:30 h — Amanda Tovalín (música)

Parque Las Américas (Benito Juárez) 12:30 h — Piratas: La Búsqueda del Tesoro (teatro musical) 14:00 h — Mimo Ramón Solano (mímica) 15:30 h — Show Catarsis Circo (clown circo familiar)

UTOPÍA Meyehualco (Iztapalapa) 15:00 h — Julio Abreu (música) 16:00 h — Amandititita (música)

UTOPÍA Mixiuhca (Iztacalco) 13:00 h — Funky Narración (cuentacuentos hip hop) 14:30 h — Ricardo Salinas (música)

Parque del Mestizaje (Gustavo A. Madero) 13:00 h — In Xóchitl (música)

Foro Cultural Magdalena Contreras (Magdalena Contreras) 13:00 h — Familia Rosso (circo) 14:30 h — Aprendiendo con Mitología (musical)

Parque República Democrática de Alemania (Azcapotzalco) 13:00 h — Rosalba Montero “Para Regalarte: El Concierto” (música) 14:30 h — Dulce y Agraz (música)

En medio de una oleada de visitas de notables músicos brasileños en Buenos Aires, este sábado y domingo tendrán un sello distintivo: será un fin de semana con dos conciertos en los que los porteños podrán caetanear”.

Valga el neologismo para describir las sensaciones que surgirán de las dos presentaciones en La Trastienda de Moreno Veloso, Jaques Morelenbaum y Paula Morelenbaum para compartir con el público local “Universo Caetano”, un proyecto que, prometen, será mucho más que un homenaje a la música del genial artista bahiano: “No es sólo un tributo sino que es un acercamiento al trabajo de mi padre de una manera muy familiar, muy personal y muy musical”, dijo el hijo de Veloso a Infobae Cultura antes de llegar al país.

Moreno, quien estuvo en Buenos Aires hace un año para presentar su último álbum, Universo paralelo, se sumó al espectáculo que idearon el cellista Jaques Morelenbaum, quien le aportó a Caetano su impronta como músico y arreglador en discos como Circuladô, Fina Estampa y Livro, y su esposa Paula, una cantante que le dio nueva vida a la bossa nova y que, al igual que su marido, acompañó nada menos que a Antonio Carlos Jobim.

“La idea de hacer un espectáculo cuyo repertorio estuviera compuesto únicamente por canciones de Caetano Veloso surgió durante la pandemia, cuando cada uno estaba en su casa, atravesando un momento muy tenso e incierto -relató Paula a Infobae Cultura-. En Brasil comenzó entonces un movimiento de hacer transmisiones en vivo e invitar a otros artistas a participar de manera virtual. Yo armé un repertorio e invitamos, entre otros artistas, a Moreno. Años después, ese proyecto que comenzó con una transmisión en vivo se transformó en este concierto, junto a Moreno, ¡y ahora lo presentaremos en Buenos Aires por primera vez!“.

¿Qué aporte siente que hacen recreando el eterno repertorio de Caetano? “Más que un aporte, lo que siento es un enorme placer y una gran felicidad al cantar estas canciones, que reflejan tanto la historia de Brasil -resaltó la cantante-. También reflejan mi propia historia porque escucho las canciones de Caetano desde que era chica. Me da mucha felicidad ver la reacción del público al escucharlas y nos convertimos en uno cuando todos cantan juntos. El aporte es realmente de Caetano”.

Moreno Veloso, por su parte, se confesó como “un gran fan de Jaquinho y Paula, personas con una tremenda habilidad musical, un sentido de la estética y también un gran amor por lo que hacen”, pero obviamente recrear en el escenario las canciones de su padre le dan una connotación distinta a esta experiencia: “Estoy muy feliz porque no es sólo un tributo sino que es un acercamiento al trabajo de mi padre, de una manera muy familiar, muy personal y muy musical. Desde todos los ángulos, este proyecto es muy positivo y me hace muy feliz”.

En sus dos presentaciones porteñas, los tres músicos brasileños estarán acompañados por Lula Galvão en la guitarra y Marcelo Costa en la batería, otros dos colaboradores de Caetano, para abordar con su marca personal y familiar-fraternal, a la vez, una veintena de canciones de distintas épocas de la carrera de Veloso.

“Habrá un poco de todo -anticipó Moreno-. El concierto comienza con una presentación instrumental y luego Paula canta un montón de canciones realmente buenas. No puedo enumerar todo el repertorio porque le arruinaría la diversión al público, pero después canto con Paula ‘Menino do Rio’, que es una canción que mi padre compuso a pedido de Baby Consuelo y que nos gusta mucho".

¿Con qué criterio eligieron los temas de Universo Caetano? “Las elecciones fueron muy personales: cada uno eligió algo del repertorio de mi padre para interpretar o para compartir con otro. Así que la elección estuvo basada en lo que más nos gusta, lo que más nos conmueve, y el resultado es muy hermoso”, enfatizó Moreno. Paula, en cambio, destacó que pensaron el repertorio “pensando en las canciones del inicio de la carrera de Caetano, con un enfoque más acústico ya que estábamos en casa, sin batería, sólo con voz, guitarra y violonchelo, además de un poco de percusión”.

“Cuando transformamos la transmisión en vivo en un espectáculo y Moreno pasó a formar parte del proyecto, en la sección en la que canta solo, él eligió las canciones, que pertenecen a una etapa más reciente de Caetano”, agregó la cantante, que tampoco quiso anticipar detalles de lo que presentarán en La Trastienda: “¡Es más lindo que sea una sorpresa para quienes vayan a verlo!“.

Cuando se la consulta sobre su disco favorito de Caetano, Paula reconoció que “es muy difícil elegir uno solo”, aunque dio precisiones: “Me encantan Uns, donde participé haciendo coros en la canción ‘Você é Linda’; Circuladô, Fina Estampa, Transa y el más reciente, Meu Coco. En realidad los amo a todos. ¿Mi canción preferida? ‘Cajuína’ y ‘Você é Linda’, entre muchas otras.

A Moreno también le pareció difícil elegir un disco o un tema de Caetano (“me gustan tantos que no puedo elegir uno”), aunque le resultó más sencillo hablar de su padre: “Ser hijo de él es muy fácil, es genial. Somos muy amigos y la relación es muy buena, no es horizontal sino vertical. Mi padre es un buen padre, así que es fácil ser su hijo y formar parte de esta familia. No sé si sabías que él quería ser crítico de cine, musical, literario o de arte. Tiene una visión crítica de sus propias cosas, pero también de las cosas de los demás. Es una visión crítica no en el mal sentido sino en el de ser serio, de analizar con cierta distancia. Y a veces su seriedad y su estilo analítico son un poco intimidantes, pero nunca malos. Al contrario, es muy bueno estar cerca de él también musicalmente”.

A 25 años de su debut discográfico, con Máquina de Escrever Música, Moreno brilló en los últimos años en el álbum Ofertorio, con su padre y sus hermanos, Zeca y Tom, y en su último trabajo, Universo paralelo, que parece una reunión de parientes y amigos: además de su papá y sus hermanos, participaron su tía, María Bethania, y Jaques Morelenbaum. ¿Qué aportan esos lazos familiares a su música? “Cada vez que hago un álbum, quiero cumplir sueños que tengo. En este caso -detalló-, fue reunir en una canción que compuse las voces de mi familia, mis hermanos, mi padre, mi tía, junto con mi propia voz. Y otro sueño era tener a Jaques Morelenbaum tocando el violonchelo en uno de mis álbumes. Una de las mejores cosas de ser músico es trabajar en grupo, escuchar lo que hacen los demás y que los demás escuchen lo que haces, y que todo resulte en un arreglo o en una canción de manera plural, con muchas ideas que se suman bien. Esa es mi alegría en la música, estar con gente, compartir el escenario, las grabaciones, las composiciones y los arreglos con la gente que admiro”.

En ese grupo de afectos cercanos, por supuesto, Moreno incluyó a Kassin, Domenico y Pedro Sá, sus amigos y compañeros musicales, con quienes, según reveló, tiene nuevos y desafiantes proyectos: “Acabamos de terminar un álbum que hicimos con Chrissie Hynde (cantante de The Pretenders). Nos conocemos desde hace más de 20 años y hemos tocado juntos antes en una gira en la que nos invitó a participar como su banda. Espero que salga este año. También estoy dando conciertos por primera vez solo con Domenico, cantando nuestras composiciones. Es un proyecto que espero que podamos grabar”.

También conocido por sus definiciones políticas, al igual que su padre, Moreno Veloso sostuvo en una entrevista con el diario El País, de España, que “si no curamos a nuestros monstruos con cultura, danza, música y poesía, el resultado es lo que estamos viendo”.

¿Cree que estos monstruos se están curando realmente a pesar de todo en esta época cruel que vivimos? El hijo de Caetano respondió que sí. “Soy optimista. Creo que la cultura y la educación son verdaderamente la cura para las monstruosidades que estamos experimentando en este período en el planeta Tierra. Y creo que saldremos victoriosos de estas destrucciones, estos ataques a la vida, estos ataques a la cultura mundial, y estas guerras, estas injusticias y tristezas que los sistemas occidentales han creado. Y todo el planeta está sintiendo los cambios, esta falta de cuidado por los demás, por el medio ambiente mismo. Y la cultura lo hará porque somos los agentes de todo esto. Nosotros, como seres humanos, somos responsables de todo lo que sucede, incluidas estas cosas terribles. Y lo que tenemos que hacer es precisamente enfrentarnos a nosotros mismos, a esta parte oscura, terrible y violenta que tenemos. Y la mejor manera de enfrentar esto, de domar nuestras ansiedades, es precisamente con la música, la danza, la poesía. Con una buena educación alcanzaremos una situación planetaria mucho mejor. Por eso trabajamos cada día. Y eso es lo que hago y lo que hacen también a diario Jaques, Paula, Marcelo Costa, Lula Galvão, mi padre, mi tía y todos nosotros. Seguimos creyendo en eso”.

Paula Koops ha ganado la octava gala de ‘Tu cara me suena’ con el respaldo coincidente del jurado y del público, una victoria que llega después de una noche marcada por la emoción en el plató, la ausencia de Lolita y una declaración de amor de Chenoa a Ángel Llàcer.

La cantante se ha impuesto con 47 puntos del jurado y el 12 del público tras imitar a Raye, lo que le ha dado su primera victoria en el concurso emitido este viernes 5 de junio en Antena 3. La actuación también ha alterado la clasificación general, porque María Parrado ha recuperado el liderato por un punto sobre J Kbello.

La gala ha arrancado con la baja inesperada de Lolita, que ha obligado al estreno de Pastora Soler como miembro del jurado. Durante la noche, el programa ha alternado actuaciones musicales, números paródicos y varios momentos de carga emocional.

Unanimidad en la victoria

Uno de ellos ha llegado con una carta leída por Chenoa dirigida a Ángel Llàcer. La cantante ha presentado el texto como “una declaración de amor a uno de los amores de mi vida” y ha recordado una relación de amistad nacida en 2001.

El reparto de puntos del jurado ha situado a Paula Koops en cabeza con 47, por delante de María Parrado, con 43, y J Kbello, con 42. Cristina Castaño ha sumado 32; Martín Savi, 31; Sole Giménez, 30; Jesulín de Ubrique, 23; y Aníbal Gómez y Leonor Lavado han empatado con 20. Ese empate en la parte baja ha obligado a desempatar antes del voto del público. Ángel Llàcer, en calidad de presidente del jurado, ha colocado a Gómez por delante de Lavado.

Después, el programa ha transformado las clasificaciones en una escala del cuatro al 12 para incorporar la votación del público. El cuatro ha sido para Jesulín, el cinco para Aníbal, el seis para Leonor, el siete para Martín, el ocho para Sole, el nueve para Cristina, el 10 para J Kbello, el 11 para María Parrado y el 12 para Paula.

La coincidencia entre jurado y audiencia ha sido total en la parte alta. La victoria de Paula Koops ha llegado por unanimidad del público y el jurado, pese a que no ha habido pleno absoluto de las máximas notas del jurado porque Pastora Soler no le ha concedido su puntuación más alta.

Emociones y homenajes en la recta final

Antes de conocerse el resultado final, Chenoa ha leído una carta a Llàcer en la que ha repasado 25 años de vínculo personal. La cantante le ha dicho: “Gracias por ser tan tú, por cuidarme, por hacerme reír y por no soltarme nunca. De verdad, Ángel, sin ti mi vida no sería igual. El amor romántico está muy bien, pero el amor de un amigo es para toda la vida. Te quiero mucho”.

La reacción del miembro del jurado ha sido inmediata. El catalán no ha podido contener el llanto y que ambos se han fundido en un abrazo tras la lectura. La ganadora también ha dejado uno de los testimonios más personales de la noche al anunciar el destino de su premio.

Paula Koops ha dicho entre lágrimas: “No tengo palabras” y después ha añadido: “Desde muy pequeña he tenido que lidiar con el suicidio. Las enfermedades mentales son muy importantes. Yo se lo quiero dar a la Fundación Española para la Prevención del Suicidio”.

En el tramo final, el programa ha actualizado la clasificación general y ha mostrado las imitaciones de la próxima semana. Parrado ha recuperado el liderato con un punto de ventaja sobre J Kbello; Leonor Lavado ha caído en la casilla de ‘Training VIP’ para ser entrenada por Paula Koops; Aníbal Gómez también ha obtenido esa casilla para imitar a Jesulín; y entre los próximos artistas figuran M-Clan, Gloria Estefan, Queen, Olivia Rodrigo, Elvis Presley y Merche.

La disolución definitiva de Fleetwood Mac tras el fallecimiento de Christine McVie el 30 de noviembre de 2022 marcó el cierre de una de las trayectorias más influyentes en la historia del rock.

Tras casi seis décadas de evolución y éxito, la banda terminó su ciclo cuando Mick Fleetwood afirmó que, sin McVie: “Fleetwood Mac está puesto a dormir”, según declaraciones recogidas por People. Desde entonces, la vida de sus miembros ha seguido rumbos personales y profesionales diversos, pero el legado del grupo continúa inspirando a varias generaciones.

El grupo anunció su separación tras la muerte de Christine McVie. Desde ese momento, ninguna formación de Fleetwood Mac ha vuelto a actuar ni ha planificado reuniones, según documenta el medio citado. El futuro de sus integrantes está marcado por caminos independientes, mientras su impacto en el panorama musical permanece vigente.

El presente de Stevie Nicks tras Fleetwood Mac

La cantante, compositora y productora musical Stevie Nicks ha mantenido una activa carrera individual luego del final del grupo. En años recientes, sobresalió como solista y colaboró con figuras actuales como Miley Cyrus y Billy Joel, con quien compartió una gira de nueve fechas en 2023.

Nicks aseguró a People que nunca tuvo la intención de dejar de pertenecer a una banda, a pesar del éxito que alcanzó sola. Tras la pausa impuesta por la pandemia, ofreció una breve serie de conciertos en 2022 y regresó a grandes escenarios como el Hollywood Bowl de Los Ángeles.

La muerte de Christine McVie representó una pérdida significativa para Nicks. Durante un espectáculo en Atlanta en mayo de 2023, relató que la canción “You’re on Your Own, Kid”, de Taylor Swift, la ayudó a procesar el duelo, afirmando que reflejaba “la tristeza de cómo me siento”.

La relación entre Nicks y McVie se definió por su estrechez y la falta de conflictos durante 47 años de colaboración. Nicks destacó: “Nunca una discusión en todos estos años”. Su próximo álbum, titulado The Ghost Record, tiene previsto su lanzamiento el 26 de mayo de 2026.

Lindsey Buckingham y su carrera después del grupo

Lindsey Buckingham, guitarrista, cantante y productor, ha transitado una carrera marcada por altibajos y rupturas intragrupales, especialmente con Stevie Nicks. Invitado a unirse a Fleetwood Mac en 1974, desarrolló el sonido experimental que distinguió al grupo tras esa fecha. Inició su carrera solista en 1981 y ha editado 7 discos de estudio por cuenta propia.

Su salida más reciente del grupo fue en 2018, tras una disputa interna que llevó a una demanda luego resuelta. Al medio, Buckingham explicó que la decisión se produjo cuando Nicks planteó un ultimátum al resto del grupo, y declaró: “Mick sabe que volvería como un disparo. Pero no dependo de ello”.

Buckingham atravesó momentos personales difíciles: fue operado a corazón abierto en 2019 y, hasta marzo de 2026, no había retomado el contacto con Nicks de forma directa, aunque insinuó una reconciliación en redes sociales. Contrajo matrimonio con Kristen Messner en 2000; comparten tres hijos y, aunque anunciaron su divorcio en 2021, posteriormente declaró el medio citado que ambos “trabajan en la relación”.

Entre sus proyectos más recientes se encuentra una participación en el álbum de Halsey en 2021 y su actuación en directo junto a The Killers en Los Ángeles en agosto de 2022.

Mick Fleetwood: nuevos caminos y legado

Mick Fleetwood, cofundador y baterista, ha sido el único miembro presente en todas las etapas de Fleetwood Mac. Además de su rol en el grupo, ha impulsado proyectos paralelos como la formación de Mick Fleetwood’s Zoo en 1983, diversas colaboraciones, la autobiografía publicada en 1990 y ocasionales incursiones como actor.

En el ámbito personal, Fleetwood vivió matrimonios y divorcios, así como la paternidad de cuatro hijas. En años recientes, estrechó lazos con Harry Styles y colaboró en la promoción de la marca Pleasing.

Desde el punto de vista empresarial, desarrolló su línea de vinos Mick Fleetwood Private Cellar y ha sido restaurador. Su último álbum, Mick Fleetwood and Friends Celebrate the Music of Peter Green, salió en 2021.

En los Grammy de 2023, Fleetwood, junto a Sheryl Crow y Bonnie Raitt, homenajeó a Christine McVie interpretando “Songbird”, composición emblemática de la tecladista, en un momento destacado por People.

La vida actual de John McVie

El bajista y cofundador John McVie mantuvo un bajo perfil público tras la separación del grupo. Luego de décadas junto a Fleetwood Mac, se ha dedicado principalmente a la navegación, afición que cultiva desde hace años, y a la vida familiar tranquila.

En 1987, McVie dejó el alcohol tras una convulsión. En 2013, fue diagnosticado con cáncer de colon y, según precisó Christine McVie en 2017, se encuentra en remisión, aunque su nivel de actividad ha disminuido. Grabó un disco colaborativo con Buckingham y Christine McVie en 2017, pero en general lleva un ritmo discreto en su día a día.

Está casado desde 1978 con Julie Ann Reubens y juntos tienen una hija, Molly. El principal legado de McVie sigue siendo su contribución esencial a la historia musical del grupo.

Christine McVie: legado y despedida

Christine McVie, tecladista, vocalista y compositora fundamental en Fleetwood Mac, falleció a los 79 años víctima de un accidente cerebrovascular y tras enfrentar una patología oncológica, el 30 de noviembre de 2022.

El grupo, en un comunicado reproducido por People, expresó: “Era absolutamente única, especial y dotada de un talento sin medida”. Su partida significó el final de una etapa irrepetible para sus compañeros y para los admiradores de todo el mundo.

La cantante Kaia Lana atraviesa uno de los momentos más intensos de su trayectoria musical tras el lanzamiento de "Crónica de un desamor anunciado", un álbum que, según explicó en entrevista con Infobae México, nace de una experiencia emocional que la obligó a replantearse decisiones personales y profesionales. La cantante dejó claro que el proyecto no busca romantizar el dolor, sino entenderlo desde la introspección.

“Quiero pensar que ofrece algo un poquito diferente”, expresó al describir su identidad dentro del pop contemporáneo, un género en el que intenta construir un espacio propio sin perder conexión con lo masivo. En sus palabras, existe “una ventanita” dentro del proyecto que le permite explorar otra sensibilidad artística.

La intérprete también recordó el momento en el que su carrera dio un giro definitivo. “Fue ese momento en donde dije: ‘Ah, sí, no, esto ya es muy en serio’”, confesó al hablar de su firma con una disquera, etapa que marcó el inicio de una nueva exigencia creativa y profesional.

El salto a la industria y la validación que cambiaron su carrera

Kaia Lana relató que uno de los puntos de inflexión más importantes de su carrera fue su incorporación a la industria discográfica. Aunque ya trabajaba en la música, la firma con Warner representó una validación externa que, según reconoce, influyó en su percepción del éxito.

“Creo que fue ese momento en donde dije: ‘Ah, sí, no, esto ya es muy en serio’”, reiteró al describir el impacto emocional de ese acuerdo profesional. Para ella, ese momento no solo significó crecimiento, sino también una responsabilidad mayor con su proyecto artístico.

Sin embargo, con el tiempo, la cantante también comenzó a cuestionar el peso de esa validación. Reconoció que parte de su aprendizaje consistió en entender que el reconocimiento externo no siempre define el valor real de su trabajo ni la conexión con su audiencia.

Redes sociales, pandemia y el nacimiento de una nueva versión artística

La llegada de Kaia Lana a las redes sociales no fue completamente voluntaria. Según explicó, su entrada a plataformas digitales fue una condición vinculada a su desarrollo profesional. “Fue como una cláusula del contrato”, señaló al recordar ese momento.

La pandemia aceleró este proceso, obligándola a adaptarse a un entorno donde la presencia digital se volvió esencial. Sin presentaciones en vivo, la artista encontró en TikTok un espacio clave para mantenerse activa. “Subía como cinco videos diarios”, confesó, recordando la intensidad de esa etapa.

Ese periodo marcó un cambio profundo en su forma de trabajar. Aunque las redes le dieron visibilidad, también la enfrentaron al reto de equilibrar su identidad artística con la demanda constante de contenido digital.

Entre la viralidad y la música: el conflicto con los números

Con el crecimiento de su presencia digital, Kaia Lana enfrentó un fenómeno común en la industria actual: la tensión entre viralidad y autenticidad musical. La artista reconoció que los covers y contenidos virales comenzaron a definir parte de su imagen pública.

“No sirve de mucho tener esos números si no van a ir a consumir tu música o a verte en un concierto”, afirmó, al explicar por qué decidió reorientar su estrategia creativa. Para ella, el objetivo no es solo acumular vistas, sino convertir esa atención en una conexión real con su proyecto musical.

La cantante también admitió que esta decisión tuvo consecuencias en su audiencia. “Mucha gente se ha ido, mucha gente me ha dejado de seguir”, dijo con naturalidad, reconociendo que su evolución artística no siempre coincide con las expectativas del público digital.

El origen emocional de Crónica de un desamor anunciado

El núcleo del álbum está atravesado por una experiencia emocional intensa. Kaia Lana explicó que canciones como “Mi valor” y “Ya no vuelves” fueron particularmente difíciles de escribir debido a lo que representaban en su proceso personal.

“Más allá de perdonar a la persona, es como perdonarte a ti por haberlas permitido”, expresó al hablar del proceso de sanación que inspiró parte del disco. Para la cantante, el verdadero conflicto no solo está en la otra persona, sino en las decisiones propias dentro de una relación complicada.

También reconoció que el proyecto nace de una historia emocional concreta, aunque no completamente literal. “Sí hay cosas anecdóticas, pero no quisiera decir que este disco entero es de una persona específica”, aclaró, dejando abierta la interpretación del álbum.

“Era malvada” y la frase que encendió la conversación

Uno de los momentos más comentados de la entrevista ocurrió cuando la artista describió la figura que inspiró parte de su disco. “Obviamente, esta persona era malvada”, dijo sin rodeos, una frase que rápidamente llamó la atención por su contundencia.

Kaia Lana explicó que el álbum no pretende señalar a alguien en particular, sino reflejar un proceso emocional más amplio. Sin embargo, admitió que las experiencias vividas durante esa etapa fueron el detonante creativo del proyecto.

Durante la conversación, la cantante también abordó el concepto central del disco: la intuición. “Me encantaría que vieran este ejercicio como un monumento a la intuición”, afirmó, destacando la importancia de escuchar las señales internas antes de tomar decisiones.

La intuición como mensaje final: “Salte cuando aún estás a tiempo”

En una dinámica al final de la entrevista, Kaia Lana resumió el espíritu de la canción “Me haces mal”, la cual es una colaboración con Esteman, en una frase que se volvió una de las más comentadas: “Salte cuando aún estás a tiempo”. La expresión surgió al relacionar cada canción con una emoción distinta del proceso de ruptura.

Para la artista, el disco no solo habla de amor y desamor, sino también de aprendizaje emocional. “Muchas veces queremos cosas que no son para nosotros”, reflexionó, al explicar cómo la intuición puede convertirse en una herramienta de protección personal.

La cantante cerró la conversación insistiendo en la diferencia entre miedo e intuición. Mientras uno paraliza, el otro orienta decisiones importantes. En ese contraste, explicó, se encuentra el verdadero mensaje de su proyecto: reconocer el momento de salir antes de que el daño sea irreversible.

Rigoberta Bandini ha anunciado este jueves en su primer concierto -de tres- en las Noches del Botánico de Madrid que está embarazada de su segundo hijo. La cantante catalana no ha sido muy explícita, pero el mensaje ha quedado claro. “No estoy sola haciendo este show”, confesaba hacia el final del espectáculo.

“Es muy difícil ya no explicároslo, sobre todo en un concierto tan, tan especial y tan cercano. Siento que sois un poco mi familia madrileña... Y porque me ahogo”, ha asegurado entre risas. Paula Ribó tuvo a su primer hijo, Nico, de seis años actualmente, justo en pandemia, junto a Esteban Navarro, con quien se casó en 2023.

“Necesito explicároslo para poder ahogarme tranquila, es que no puedo más”, revelaba la cantante. Estas palabras han ido seguidas de una gran ovación del público emocionado y han servido de introducción para la siguiente canción. “Nada, dicho esto, ahora más que nunca, decidme que estoy guapa, que lo hago bien, que no sé qué, que no sé cuántos, ¿eh?”, y justo ha empezado a sonar Kaiman.

Paula y sus homenajes a la maternidad

Si alguien ha escrito canciones dedicadas a la maternidad es Paula. Y no solo por Ay mama, la canción con la que se presentó al Benidorm Fest de 2022 y con la que se quedó a las puertas de representar a España en Eurovisión. Más allá de este himno que es homenaje a la maternidad, la feminidad y a los pechos al aire, ha compuesto temas como Canciones de amor a ti, una mezcla entre Mocedades y Beethoven, cuyo videoclip es una sucesión de tiernas imágenes de Paula con su hijo de bebé y en los que también aparece bailando y cantando embarazada en su casa junto a Esteban.

“Me encanta poder romper esquemas y tener la posibilidad de triunfar siendo lo que yo quiero ser, haciendo una canción a mi hijo, con una foto mía embarazada y haciendo cosas que no son las típicas que haría una súper estrella pop. Me apetecía romper con ese molde y hacer una versión de algo que, a priori, era algo anticuado y que se ha convertido en una especie de nana electrónica”, dijo en declaraciones a la revista Mamagazine.

Una canción que representa aquellos nueves meses hasta la llegada de Nico es Fiesta, uno de los primeros temas que sacó de su carrera musical y que compuso antes de dar a luz. La letra así lo muestra: “Tu nacerás en un presente en el que el mundo es un regalo”.

Y la lista sigue (y estamos seguras de que seguirá). En su primer disco, La emperatriz, incluyó el tema Que vivir sea un jardín, en el que reflexiona sobre ser madre, el amor y la esperanza y que comienza con el siguiente verso: “Llegaste sin avisar”. Y es que, efectivamente, Nico llegó por sorpresa y la historia de la pareja es digna de una comedia romántica. El primer embarazo llegó a sus vidas cuando tan solo llevaban seis meses saliendo.