Fermín Cabanillas (EFE)

José Domínguez ‘El Cabrero’, el cantaor flamenco fallecido a sus 81 años, fue, como decía Sabina en Besos en la frente, un sabio que no cambió París por su aldea, que vivía feliz en su campo de Aznalcóllar, en la sierra sevillana, y que llegó a pisar la cárcel por un “mecagoendios” que soltó en un concierto ante miles de personas.

Era un personaje carismático como pocos en su estilo, un hombre que no llevaba el apelativo de cabrero por casualidad, sino porque fue siempre su profesión, y que en los últimos años de su vida intentó adaptarse a los nuevos tiempos, sacándose perfiles en redes sociales, aunque describiéndose así: “Lo que escribo aquí lo dicto porque no sé ni encender un ordenador”.

Durante su carrera lo consiguió todo, desde que en 1975 grabó su primer disco y hasta que en mayo de 2019 sufrió un ictus que, poco a poco, le fue retirando de los escenarios. El 21 de febrero de 2020 hizo su último recital, en el Festival Flamenco de Jerez de la Frontera. La pandemia hizo el resto para que no volviese a cantar en público.

Desde entonces, su mujer, Elena Bermúdez, ha sido la que ha mantenido el contacto con sus seguidores en sus redes sociales, con un último mensaje publicado el pasado 8 de mayo, en el que recordaba que hacía seis años desde el accidente de salud que le condicionó su vida, y respondía a los cientos de mensajes que le iban llegando.

Por mucho que fuese reclamado en festivales y recitales de cualquier pueblo o ciudad, El Cabrero siempre volvía a su tierra. Vivió nueve años en la localidad sevillana de Dos Hermanas, pero echaba tanto de menos la sierra norte de Sevilla que decidió regresar a sus campos.

Su vida está llena de anécdotas, aunque una de las que más llama la atención hay que buscarla en 1982, cuando fue denunciado por decir “mecagoendios” en un concierto, y antes del juicio, del que salió absuelto, le contrataron en el mismo lugar, y el público rompió en aplausos cuando se intentó disculpar.

Y es que mucha gente que siempre lo ha seguido conoció la época de Se prohíbe el cante, el cartel en las tabernas y ventas durante el régimen franquista, y lo entendían, más que como cantaor, como un símbolo cultural de la transición. Por eso llenaba peñas flamencas, teatros o hasta plazas de toros con un guitarrista al lado, siempre cantando de memoria todas sus letras.

Sus referentes

Tío Borrico, Terremoto, el Sernita, el Sordera, Romerito o el Mono fueron algunos de sus referentes, y hace 51 años decidió meterse por primera vez en un estudio de grabación. Pero antes de eso, en 1972 había iniciado una gira con la compañía La Cuadra de Sevilla, y al año siguiente debutó en solitario en el Théâtre de l’Atelier de Ginebra.

Ese viaje a Suiza le cambió la vida, porque fue donde conoció a Elena Bermúdez, que no solo fue su compañera de vida, sino productora, representante y hasta coautora de algunos de sus temas.

El Cabrero no sabía distinguir entre Twitter y Facebook, su felicidad estaba en el campo, y allí escribió, parafraseando de nuevo a Sabina, su canción más hermosa del mundo, y tenía, como expresó el de Úbeda en su letra, su escondite, su clave de sol, su reloj de pulsera y una lámpara de Alí Babá dentro de una chistera.

Y como lo tenía todo en sus calles y campos, sus vecinos le despiden hoy como el artista que era, en una despedida sin prensa, con la sencillez de un hombre ídolo de masas solo con su voz y una guitarra, y que, precisamente a las puertas de unas elecciones, es recordado por cantar, por ejemplo: “Muchos prometen la luna, hasta llegar al poder, y cuando arriba se ven, no escuchan quejas ningunas y te tratan con el pie”.

Amaia Montero ha roto su silencio tras el inicio de la gira con La Oreja de Van Gogh y ha salido al paso de los rumores de que las críticas que había recibido la habían dejado “devastada”. La cantante, que regresó casi veinte años después a la banda con la que se convirtió en una estrella internacional, ha compartido un mensaje a través de sus redes sociales que, en pocas horas, ha acumulado decenas de miles de reacciones.

“Hace tres semanas ya planeé cómo iban a ser los días después de los conciertos en Bilbao. Y así lo he hecho y cumplido, por eso os escribo hoy”, ha empezado diciendo. La cantante ha compartido cómo fue la “desconexión” de los dos conciertos que dio en la capital vasca. “Llegué de Bilbao, me di una ducha, me recogí el pelo, me puse el pijama y ahí empezó todo: descansé como una niña después de su mejor cumpleaños y al despertar estaba muy feliz. Salí al jardín a respirar. Comí y volví a la cama”.

La cantante sigue relatando su descanso, rodeada de “mensajes de cariño, amor y enhorabuenas” que le hicieron ilusión, pero no le impidieron seguir con el plan: “Descansar, descansar y descansar”. “Hacia las 7 de la tarde llegó una llamada de un íntimo amigo mío que me preguntó muy preocupado a ver si iba a dejar la gira. Le respondí muy sorprendida: ‘¿Cómo?’ Él volvió a hacer la pregunta y entonces salió de mí una carcajada de esas que te dejan sin respiración, de esas que quieres contestar, pero no puedes porque sigues riéndote. Y ya cuando pude retomar la conversación le respondí con un rotundo NO“.

“Bajar al infierno te hace prácticamente indestructible”

Con estas palabras, Amaia Montero ha negado cualquier posibilidad de abandonar su gira de regreso con La Oreja de Van Gogh. La cantante también ha querido compartir una reflexión a raíz de estos rumores: “Vivir salvaguardando tu propio bienestar lejos de ser ingenuo es lo más sano e inteligente que uno puede hacer pero el ruido y las mentiras de la gente que no lo hace sigue estando pero sigue siendo solo ruido”. “Lamentablemente, no me sorprende”, añade la vocalista en su mensaje, que ha querido reivindicar lo orgullosa que se sintió por volver con el grupo y actuar en Bilbao frente a 30.000 personas.

“Lo dije en el escenario: hemos vuelto, hemos vuelto de verdad”, continúa, para hacer referencia a continuación a los problemas de salud mental que tuvo que tratar en un pasado, y de los que afirma haber vuelto más fuerte que nunca. “Si algo puedo sacar en positivo de bajar al infierno es que te hace prácticamente indestructible. Hoy sigo mi plan y me voy unos días a uno de mis lugares favoritos del mundo a seguir desconectando”.

La próxima vez que Amaia Montero cantará con La Oreja de Van Gogh será el 28 de mayo en Madrid en el Movistar Arena, recinto que acogerá a la banda también el 29 y el 31. Después, el grupo seguirá con su gira de este año con actuaciones durante todo el verano y el otoño, hasta un concierto de despedida, de nuevo en la capital, programado para el 30 de diciembre.

“Recordemos este fin de semana cuando se nos llene a todos la boca de hablar de salud mental”. Con estas palabras, los miembros de Veintiuno, el grupo de indie rock que ha acompañado a La Oreja de Van Gogh en los primeros conciertos de su gira con Amaia Montero, han querido condenar las críticas a la cantante por su desempeño en los primeros conciertos de la gira.

El regreso de la vocalista a una banda de la que se marchara hace casi 20 años apuntaba a ser una de las grandes noticias del año en el panorama musical de España. Sin embargo, pese a que el retorno ha cumplido el sueño de muchos de sus fans, también se ha visto empañado por los múltiples comentarios negativos en redes sociales y medios de comunicación a raíz de una serie de vídeos de los conciertos de Bilbao, donde se la ha acusado de desafinar y no estar a la altura.

“Amaia ha currado muchísimo, no ha parado de trabajar”, la defendía este lunes su compañero de grupo, Xabi San Martín, en una entrevista publicada en El Correo. A pesar de ese apoyo interno, este martes saltaban las alarmas con una información del periodista Álex Álvarez en el programa de El tiempo justo en la que se hablaba de un “bajón monumental” del estado anímico de la vocalista, que podría incluso suponer la interrupción de la gira de La Oreja de Van Gogh y, yendo más allá, causar graves daños en la salud mental de la cantante.

El mayor riesgo de depresión de los músicos

“Hablamos de una persona que ya ha tenido problemas de salud mental en otros momentos. No sé a qué nivel su salud mental estaba bien a la hora de iniciar la gira, pero creo que desde el principio ha tenido mucha presión, las expectativas del público eran muy altas y no sé hasta qué punto todo eso ha ido haciendo mella en su preparación”, dice Laura Martínez, psicóloga especializada en el trabajo con artistas musicales.

La propia Amaia Montero confesaba en su primer concierto en el regreso de La Oreja de Van Gogh las dificultades que ha tenido que superar para poder volver a la música. “Pensé que nunca volvería a pisar un escenario. Bajé al mismísimo infierno, pero con mis cicatrices, después de luchar mucho, aquí estoy”, confesaba. En 2022, había tenido que retirarse temporalmente de la industria, llegando a internarse en un centro psiquiátrico durante un mes y medio para poder recuperarse.

Martínez señala también que los músicos son, junto con el resto de artistas, “un colectivo vulnerable”. “Estamos hablando de personas que necesitan sus emociones para desarrollar una profesión artística y que por eso sienten de forma más intensa. Si además unimos que, sobre todo desde las redes sociales, están hiperexpuestos, hay un caldo de cultivo importante para que surjan problemas”. Así lo confirmaba también el neuropsiquiatra Juan Manuel Orjuela: “Los músicos tienen tres veces mayor riesgo de sufrir depresión”.

“Los músicos tienen muy diluida la línea que separa lo profesional de lo personal”

Infobae también ha consultado con Guillermo Dalia y Nerea Palomares, otros dos psicólogos musicales, sobre cómo y por qué han afectado las críticas a la cantante. “A mí ese estado de ánimo me parece normal, vista la situación”, opina la primera. “Nos pensamos que la gente que se dedica a esto no ve las redes sociales, que pasa de las opiniones de los demás, y la realidad es que no: les afecta igual que a todos nosotros”. Además, señala que el señalamiento a Amaia Montero no es algo nuevo: “Se ha permitido demasiado que se hable de ella, y me pregunto si, en el caso de haber sido un hombre, se habría hablado de esa forma de él”.

Por su parte, Dalia subraya que, para ello, es importante que los músicos cuenten con un equipo y con herramientas que ayuden a reducir al mínimo el efecto de las críticas. “Igual que un deportista cuida su parte física y mental, un músico, esté bien o no, debería hacer lo mismo”. Este psicólogo señala como otros factores de riesgo el hecho de que la sensación de soledad en los músicos puede ser muy grande y que, por otro lado, “estos suelen tener muy diluida la línea que separa la parte personal de la musical, y eso no es bueno”.

“¿Cómo controlamos a los medios y al público?“, pregunta. ”Es que ni siquiera existe el público como tal: el público es un montón de individualidades y cada uno tiene su derecho a decir tonterías Hay gente sensible, gente insensible y hasta gente que igual disfruta haciendo daño a la gente". Luchar contra eso, para él, de poco sirve, y lo único que pueden hacer ella y su entorno es prepararse, encontrar estrategias y protegerse. “A veces, la gente de alrededor cree que lo que hace es aliviar y, sin querer, lo está alimentando todavía más. Por eso es importante que tenga especialistas que la ayuden a salir adelante”.

Cuando los nervios te juegan una mala pasada

Varios de los especialistas consultados están de acuerdo en señalar que, este “bajón” que habría afectado ahora a Amaia, en realidad, formaba parte de unos nervios y una ansiedad que pudo manifestarse incluso antes de las críticas, afectando a su voz durante los conciertos. “Era su primer concierto después de un montón de años, y entiendo que los nervios pudieran jugar una mala pasada. Al final, la voz es un instrumento y refleja muchísimo el estado mental”, razona Nerea Palomares. “No es lo mismo subirte a escenarios cada quince días que hacerlo por primera vez en varios años en un lugar tan grande”.

Para su regreso con La Oreja de Van Gogh, Amaia llevaba muchos meses preparándose de cara a ofrecer el mejor desempeño posible frente a sus fans, en una actitud que Xabi San Martín describía en la citada entrevista como “obsesivamente perfeccionista”, algo que pudo verse sobre el escenario también, cuando ella misma reconoció haber cometido errores durante el concierto y se disculpó con el público. “Es un perfil muy frecuente en los músicos”, coincide Palomares. “Según tu experiencia, sabes qué errores cometes y eres más crítico contigo mismo. Esa exigencia hace que te pongas más nervioso si las cosas no salen bien”.

Surge entonces la duda de si, en realidad, Amaia Montero estaba preparada, mental y físicamente, para afrontar la gira. “La pregunta, más que si ella estaba preparada, es si su entorno personal y profesional estaba preparado para esta situación y para darse cuenta de si ella tenía realmente esta capacidad”, argumenta Laura Martínez. “¿Quién cuida la salud del artista? ¿Tiene que ser algo individual o el artista debe tener una red de apoyo? La industria está muy preparada para organizar giras y demás, pero quizá no está preparada para cuidar al artista, para poner límites y no sobreexponerlo".

¿Debería cancelar la gira Amaia Montero?

Ante esta situación, y también frente a los rumores de que la cantante podría estar planteándose cancelar la gira, cabe preguntarse si esta decisión sería viable y positiva para su salud mental. “Depende mucho”, considera Guillermo Dalia. “Habría que hacer una evaluación y ver si hay una causa física o solo es algo psicológico. Si es esto último, habría que ver los pros y los contras de seguir y de dejarlo, porque todo tiene pros y contras. En cualquier caso, se le deberían dar estrategias para poder hacerle frente a lo que está viviendo”.

“Ella tendría que ver realmente cómo está ahora mismo a nivel de salud y cuidarse”, opina Laura Martínez. “No sé si eso supone dejar la gira o no, pero en esta vida lo que no tiene recambio es la salud y por eso tenemos que cuidarla. Los trabajos son importantes, pero siempre se pueden hacer otras cosas y tenemos que mirar primero por nosotros. Y luego, si podemos hacer eso que queremos, pues maravilloso”.

Por su parte, Nerea Palomares insiste en que, al margen de lo que ocurra, quienes asisten y comentan los conciertos no pueden obviar la “responsabilidad social” que existe con las redes sociales. “La gente dice auténticas barbaridades y no puede decir cosas sobre una persona, por mucho que sea un personaje público. Sobre todo cosas que nunca le dirías a esa misma persona a la cara”. Para ella, Amaia Montero ha acabado convirtiéndose en “carne de cañón” de la que parece que todos pueden opinar. “Y creo que ahí se nos ha olvidado un poco que hay una persona real detrás de todo esto”.

La elección entre plataformas de música digital se ha convertido en una cuestión que trasciende las preferencias superficiales, dividiendo a los usuarios en grupos con hábitos y prioridades tecnológicas bien marcadas. Mientras Spotify y YouTube Music compiten ofreciendo catálogos de millones de canciones, la forma en que cada persona se relaciona con su experiencia musical varía notablemente.

Para comprender mejor los motivos detrás de la preferencia por una u otra aplicación, se recurrió a dos sistemas avanzados de inteligencia artificial que analizaron los perfiles de quienes eligen Spotify sobre YouTube.

Tanto Gemini como ChatGPT aportaron sus visiones sobre el fenómeno, destacando que la decisión no implica una jerarquía entre los usuarios, sino una búsqueda diferenciada de experiencias. Desde la fidelidad del audio hasta la integración social y la personalización de las listas, las plataformas responden a necesidades específicas.

Perfil del usuario de Spotify: la experiencia auditiva en primer plano

El análisis de Gemini señala que quienes optan por Spotify suelen valorar el “formato audio” por encima de todo, priorizando la calidad del sonido y la limpieza en la reproducción.

Estos usuarios, identificados como audiófilos o amantes del sonido puro, detectan las diferencias en la fidelidad musical y prefieren una tasa de bits constante, sin las posibles distorsiones derivadas de la compresión de videos en YouTube. Para ellos, la posibilidad de ecualizar y eliminar ruidos de fondo es determinante a la hora de elegir.

También se observa un perfil vinculado al uso cotidiano y práctico de la música: personas que escuchan mientras trabajan, entrenan o se trasladan. Esta audiencia valora funciones como la reproducción con la pantalla bloqueada y el bajo consumo de datos, elementos en los que Spotify aventaja a YouTube, que exige mantener la reproducción visual activa y utiliza más batería y gigabytes al transmitir video junto al audio.

Organización y gestión de la biblioteca musical

Otra característica clave, según el análisis de ambas inteligencias artificiales, es la inclinación por el orden y la curaduría personalizada. Los usuarios de Spotify tienden a crear carpetas, organizar listas por géneros o estados de ánimo y descargar discografías completas para escuchar sin conexión, incluso en lugares sin cobertura.

La plataforma ofrece una interfaz pensada para quienes desean una experiencia similar a la de un reproductor clásico, en contraste con el enfoque visual de YouTube.

De acuerdo con ChatGPT, estas personas incorporan la música a su vida diaria como un elemento de rutina y buscan descubrir nuevos artistas a través de algoritmos precisos. Listas como “Descubrimiento Semanal” y las recomendaciones automáticas son recursos muy valorados por este sector, al igual que las propuestas elaboradas por expertos o por la comunidad.

El papel de la IA y la personalización en la experiencia musical

Ambos sistemas de IA coinciden en que el usuario típico de Spotify aprecia la capacidad de la plataforma para anticipar y satisfacer sus gustos musicales. Gemini resalta el rol del algoritmo para recomendar artistas emergentes y mantener la experiencia fresca y variada, mientras que ChatGPT subraya la fama de Spotify por entender los hábitos individuales a través de funciones como el Wrapped, estadísticas de escucha y playlists automáticas.

Esta personalización no solo alimenta la curiosidad por nuevos géneros, sino que consolida la música como parte de la identidad personal del usuario. Muchos aficionados disfrutan analizar sus propios patrones de consumo y compartir públicamente sus resúmenes musicales anuales, un fenómeno social que ha ganado popularidad en los últimos años.

Integración social y conectividad entre dispositivos

El entorno social es otro aspecto que distingue al público de Spotify. Según los datos aportados, existe una preferencia por la conectividad fluida entre distintos dispositivos, como móviles, altavoces inteligentes, consolas y televisores.

Spotify Connect permite iniciar una canción en el teléfono y continuarla en otro equipo con apenas un clic, una ventaja notable frente a la experiencia fragmentada de YouTube.

Además, la plataforma fomenta la interacción entre usuarios: permite ver en tiempo real qué escuchan los amigos, compartir playlists e integrar la música en las redes sociales. El esperado Wrapped de diciembre se ha convertido en una tradición para quienes desean mostrar y celebrar su año musical con su entorno digital.

Búsqueda de una experiencia prémium y minimalista

Por último, las inteligencias artificiales identifican una tendencia entre quienes buscan una experiencia “más limpia, elegante y enfocada”. Spotify se percibe como una plataforma estable, refinada y cómoda, que permite una continuidad eficiente entre distintos dispositivos y contextos de uso.

Esta orientación hacia la comodidad y la experiencia intuitiva resulta atractiva para perfiles que valoran la funcionalidad y el diseño por encima de la sobrecarga visual o la multiplicidad de formatos que caracteriza a YouTube.

En síntesis, el usuario de Spotify prioriza la calidad auditiva, la organización, la personalización inteligente y la integración social, diferenciándose así de quienes prefieren un enfoque más audiovisual como el de YouTube Music.

Dice J Balvin, famoso cantante de reguetón, que el público no es tonto, y que siempre sabe qué artistas son auténticos y cuáles no. Hans Laguna no lo tiene tan claro. Al inicio de la entrevista, le preguntamos a este músico y sociólogo cuántas veces ha leído o escuchado que el nuevo disco de un artista pop es “su trabajo más personal”. “Pues muchas veces”, responde. “Pero lo que de verdad intento analizar es que eso cada vez sucede más, sobre todo con las estrellas de pop”.

Él mismo fue testigo de ello cuando quedó impresionado con el videoclip de Acróstico, una canción donde Shakira aparece con sus hijos pequeños tocando el piano, junto a cajas de mudanza en su casa de verdad. “Me pareció una teatralización obscena de autenticidad: ella hablando del amor a sus hijos con todo el contexto que sabíamos de su separación con Piqué después de que este le fuera infiel”. Ese morbo, claro, aumentaría el número de reproducciones.

Esta elaborada performance, donde todo parecía prometer que lo que se ve es real, fue lo que llevó al autor a explorar cómo los artistas demuestran lo auténticos que son como parte de su estrategia musical. El resultado de esa investigación es Yo siendo yo. El teatro de la autenticidad en las estrellas del pop (Anagrama). En este ensayo, Laguna aborda cómo, en efecto, la biografía y la personalidad de los artistas han pasado a ser una parte muy importante de su capital. Hasta el punto de que, para lograr y mantener el éxito, su imagen acaba valiendo tanto o más que sus canciones.

El “salseo” de Rosalía

Plagado de ejemplos con artistas que todos conocemos, Yo siendo yo explora cómo la vida privada de los artistas se convierte en material artístico y promocional para los cantantes. No aparece en el libro, pero durante la entrevista Laguna menciona el famoso confesionario de Rosalía durante sus conciertos, donde otras estrellas, desde Aitana a Guitarricadelafuente, pasando por Bad Gyal, han hecho menciones a algunos momentos vitales que los fans, pese a que no se dan nombres, pueden reconocer.

“Todo ese salseo está incorporado en su material musical”, afirma el sociólogo. “Es como un juego de información pública sobre la vida privada, que se reviste de ese carácter autobiográfico y autoral”. Un juego en el que el tablero, apunta, son las redes sociales, ese lugar donde se premia la “espontaneidad” de las celebrities musicales, pero que al mismo tiempo se convierte en un escaparate en el que la vida íntima luego se rentabiliza pasando a los discos y las campañas.

La consecuencia, para Laguna, es que la frontera entre la realidad y la ficción se vuelve cada vez más borrosa, mientras la autenticidad se convierte en una teatralización con la que están de acuerdo tanto los artistas como su público. ¿Es marketing o realidad lo que nos enseñan? “Es una línea borrosa entre la ficción y la realidad”, explica el autor de Yo siendo yo. Lo importante, para que todo funcione, es que el público siempre prefiera creer que es lo segundo".

Las mujeres, más presionadas para parecer auténticas

En el gran teatro de la autenticidad participa todo el mundo, pero la obligación de participar parece recaer especialmente sobre las mujeres en la industria del pop. Laguna señala cómo esto es una excepción histórica, ya que desde el siglo XIX, la figura del artista (masculino) auténtico dejó fuera a las mujeres, que quedaban relegadas a espacios de artificialidad y superficialidad. De hecho, es por eso que el pop acabó siendo un espacio con más artistas femeninas, mientras que el rock o el folk, donde sí se consideraba un valor ser auténtico, se llenó de iconos masculinos que explotaron comercialmente esa misma imagen.

Ahora que en el pop también se requiere ser uno mismo, las mujeres enfrentan una doble exigencia: por un lado, “tienen que performar con mayor intensidad que componen sus canciones, que las letras hablan de su vida y que son ellas las que se expresan como artistas”, y por otro, superar ese prejuicio que las excluyó en un principio. Además, pese a tratarse de demandas del mercado, que necesita cosas diferentes para seguir vendiendo, cada reinvención musical debe defenderse como nacida de las inquietudes propias de los artistas. “Rosalía es una artista tan pura que necesita reinventarse, y en cada disco tiene que dar un giro porque su inquietud así se lo dicta”, ejemplifica.

Del éxito de esta operación no solo depende el éxito de sus canciones. Si es su imagen la que está en juego, también afectará a sus ingresos por publicidad y a otras oportunidades profesionales. “Mirando cifras de ingreso, ser estrella del pop tiene más de empresario que de músico”. En la industria actual, los grandes iconos musicales son anuncios constantes, algo que contrasta con la industria del siglo pasado, donde “venderse” parecía prohibido. “Hoy es al revés: los fans se alegran de ver que Rosalía es la jefa y protagoniza la campaña de una marca. Para la generación Z, certifica su triunfo social”.

Un “espejo amplificado” de toda la sociedad

En el análisis de la autenticidad en el mundo del pop tampoco podía faltar Taylor Swift, una cantante que, además de ser la artista más escuchada del mundo varios años, también se caracteriza por haber escrito un álbum inspirándose en cada una de sus rupturas amorosas. “Es muy astuta”, reconoce Laguna. “Ha sabido crear una relación muy intensa con su base de fans y ha jugado cartas muy bien entre realidad y ficción, introduciendo su vida privada de una forma más o menos velada en todas sus canciones”.

El fenómeno de los mensajes ocultos, videoclips dirigidos por ella misma y la estrategia de lanzar novedades en cada concierto son ejemplos del modelo de negocio contemporáneo en el pop. “Si vas a intentar sacarme una crítica negativa de Taylor Swift, no lo vas a conseguir”, ríe Laguna, que defiende no haber juzgado a nadie con su ensayo, sino simplemente analizado a las estrellas pop como “generadoras de discursos”. “Taylor Swift es una máquina de hacer dinero a lo bestia, y si rascas un poco ves que es un negocio que está muy bien pensado y engrasado”.

En la misma línea, dice el sociólogo que el teatro de la autenticidad no se limita al mundo de la música. “Las grandes figuras de la música son puntas de lanza, una especie de espejo amplificado de conceptos, valores e ideales que nos atraviesan a todos nosotros como individuos y como sociedad”. Por eso, Yo siendo yo es un libro que busca dejar al lector lleno de preguntas; de dudas que demuestren hasta qué punto es necesario reflexionar cómo lo auténtico puede ser, en realidad, otra ideología más capaz de convertirse en un negocio.

La relación entre España y Latinoamérica, concretamente México, no atraviesa su mejor momento. La visita de la presidenta madrileña, Isabel Díaz Ayuso, al país la semana pasada volvió a avivar la polémica después de que hace unos meses se refiriera a México como un “narcoestado” y se desmarcara de las disculpas impulsadas por el rey Felipe VI sobre la colonización española. En esta ocasión, Ayuso defendió el legado de Hernán Cortés, calificó a la presidenta mexicana, Claudia Sheinbaum, de “dictadora de ultraizquierda” y terminó con la entrada negada a los Premios Platino para evitar que el acto se utilizara como plataforma política.

Unos días después, el cantante estadounidense Austin Agustín Santos, conocido artísticamente como Arcángel, ha vuelto a alimentar este debate. Él lo ha hecho desde el escenario del Movistar Arena de Madrid. Durante su concierto de La 8va Maravilla World Tour 20 Aniversario este lunes, el artista defendió a España frente a las críticas por la conquista de América y rechazó que nuestro país tenga que pedir disculpas por su pasado colonial.

“Yo sé que ustedes dicen latinos, pero para mí nosotros no somos latinos, nosotros somos hispanoamericanos. Los verdaderos latinos son los españoles, los franceses y los portugueses”, afirmó ante el público, tal y como ha compartido el usuario @deejaythiagooo en TikTok.

“Orgulloso de todas mis creencias, orgulloso del idioma que cargo, orgulloso de la madre patria que fue y nos dio luz. Porque nosotros éramos indios. Llegaron esta gente y nos pusieron a hablar y nos pusieron a creer y nos pusieron a valer”, aseguró antes de añadir: “Los cabrones que se pasan diciendo por ahí que España le debe una disculpa a América. Cabrón, ¿y esa estupidez, cabrón? ¿En qué mundo tú vives, hijo de puta?”.

“Ah, que se robaron el oro, que esto. Cabrón, ¿y las calles, y las escuelas, y las iglesias que construyeron pa’ que tú fueras educado hoy en día? ¿De dónde salió, hijo de puta?”, continuó mientras se escuchaban los vítores del público.

“No hay que pedirle disculpas a nadie”

El cantante, criado en el barrio Villa Palmeras de Santurce, en Puerto Rico, insistió además en que “no hay que pedirle disculpas a nadie” y reivindicó el vínculo histórico y cultural entre ambos lados del Atlántico. “Estoy orgulloso, adoro mi madre patria, España. Dame una bulla, por favor”, afirmó durante el concierto.

El artista también aprovechó el momento para reivindicar el idioma español y mostrar el orgullo que siente por compartir una misma lengua con millones de personas. “Me encanta mi idioma. No me imagino hablando italiano, francés ni chino. Todo eso suena feo. Me gusta lo que hablo yo, cabrón”, dijo antes de recibir una nueva ovación.

No es la primera vez que el artista se mete en polémicas. En 2019 fue arrestado en Las Vegas acusado de agredir a su supuesta pareja a las puertas de un local mientras se dirigía a los premios Latin Billboard, pese a que no estaba invitado, según apuntaron Los Angeles Times y TMZ. En 2021, fue altamente criticado después de compartir un mensaje misógino y machista en su cuenta de Instagram. “Quieres que te respeten como mujer, pero te pasas enseñando el culo en redes sociales por likes. Las mujeres que se comportan se distinguen y se catalogan como damas”, escribió el reguetonero.

Si la tarde de este martes has intentado escuchar Spotify y no has podido, no eres el único. La plataforma de streaming musical por excelencia ha experimentado una caída generalizada que afecta a millones de usuarios en España y otros países, en una interrupción que se ha producido tanto en la aplicación móvil como en la versión web.

El fallo, que comenzó a registrarse poco antes de las 18:00, se ha manifestado de diferentes maneras: desde dificultades para iniciar sesión a la imposibilidad de cargar canciones, pasando por errores de reproducción que han afectado tanto a los usuarios con el plan gratuito como a aquellos que pagan algún tipo de tarifa.

Qué se sabe sobre la caída de Spotify

En este momento, muchos intentos de acceder a Spotify (ya sea desde smartphones, ordenadores, televisores u otros dispositivos) terminan con mensajes de error o con la aplicación bloqueada en la pantalla de inicio. El fallo no ha afectado a todos los dispositivos por igual, lo que, junto al hecho de que la web oficial tampoco funciona con normalidad, apunta a una incidencia en los servidores globales del servicio.

La compañía nórdica ha reconocido el problema a través de sus canales oficiales y redes sociales. Desde la cuenta Spotify Status en X, han informado: “Estamos al tanto de algunos problemas actuales con la aplicación y los estamos revisando”. Sin embargo, hasta el momento no han ofrecido detalles sobre el origen del fallo ni un plazo estimado para la recuperación total del servicio.

La caída afecta a quienes utilizan Spotify en cualquiera de sus modalidades. La única excepción son quienes cuentan con listas de reproducción o canciones previamente descargadas en la aplicación mediante una suscripción prémium. Estos usuarios pueden seguir escuchando su música sin conexión, ya que esta función no depende de los servidores en línea.

Posibles causas y próximos pasos

Aunque no existe una explicación oficial sobre el origen de la caída, los síntomas apuntan a un posible fallo en los servidores de Spotify. El mensaje de error Error 503 first byte timeout, que le ha aparecido a muchos al intentar acceder vía navegador, suele estar asociado a saturaciones temporales, mantenimientos o incidencias internas.

No se descarta ninguna hipótesis técnica, desde problemas durante tareas de mantenimiento hasta un posible ataque de denegación de servicio. Lo cierto es que la plataforma no ha precisado si la interrupción tiene alcance global o está limitada a ciertas regiones.

Qué hacer mientras Spotify no funciona

En estas situaciones, la recomendación es esperar a que el servicio se restablezca por completo. Habitualmente, este tipo de incidencias se resuelven en cuestión de horas, aunque la duración final dependerá de la magnitud del problema técnico.

Mientras tanto, quienes no dispongan de música descargada pueden recurrir a otras alternativas como YouTube Music o Apple Music para continuar escuchando sus canciones favoritas hasta que Spotify recupere la normalidad. El desarrollo de la incidencia sigue bajo investigación, y la compañía actualizará información en sus canales oficiales en cuanto disponga de nuevos datos sobre la recuperación del servicio.

Spotify ha lanzado un Wrapped histórico que permite a los usuarios ver cuál fue la primera canción que escucharon en la aplicación, el artista más reproducido, la cantidad total de canciones reproducidas y la fecha en que se unieron a la plataforma.

Además, los usuarios Premium pueden acceder a un enlace exclusivo para compartir con personas que nunca han tenido suscripción, permitiéndoles disfrutar de tres meses gratuitos de Spotify Premium.

Estas funciones forman parte de las celebraciones por los 20 años de la plataforma streaming.

Cómo acceder al Wrapped histórico de Spotify

Para acceder al Wrapped histórico de Spotify, basta con ingresar a la plataforma.

De inmediato, se mostrará un anuncio por los 20 años de la aplicación, que da acceso a esta experiencia en formato de historias, listas para compartir en redes sociales, al igual que el Wrapped anual.

Spotify informó que esta función está disponible a nivel global, pero solo se podrá utilizar durante seis semanas.

En abril, la compañía publicó listas con los artistas, álbumes, canciones y podcasts más escuchados en la plataforma hasta la fecha, destacando a Taylor Swift como la artista más reproducida, como parte de las celebraciones por su 20° aniversario.

La función anual Wrapped, que resume la actividad musical del año, es uno de los principales motores de participación de los usuarios.

En 2025, la campaña alcanzó su mayor éxito: más de 200 millones de usuarios activos interactuaron con Wrapped en las primeras 24 horas, un aumento del 19% frente al descenso registrado en 2024, y los resúmenes fueron compartidos 500 millones de veces.

Cuáles han sido los cantantes más escuchado en Spotify

Los cantantes que más han acumulado reproducciones en los 20 años de Spotify son:

1. Taylor Swift
2. Bad Bunny
3. Drake
4. The Weeknd
5. Ariana Grande
6. Ed Sheeran
7. Justin Bieber
8. Billie Eilish
9. Eminem
10. Kanye West
11. Travis Scott
12. BTS
13. Post Malone
14. Bruno Mars
15. J Balvin
16. Rihanna
17. Coldplay
18. Kendrick Lamar
19. Futuro
20. Juice WRLD

Por otra, las canciones más escuchadas han sido:

1. “Blinding Lights” - The Weeknd
2. “Shape of You” - Ed Sheeran
3. “Sweater Weather” - The Neighbourhood
4. “Starboy” - The Weeknd and Daft Punk
5. “As It Was” - Harry Styles
6. “Someone You Loved” - Lewis Capaldi
7. “Sunflower – Spider-Man: Into the Spider-Verse” - Post Malone y Swae Lee
8. “One Dance” - Drake, Wizkid, y Kyla
9. “Perfect” - Ed Sheeran
10. “STAY (with Justin Bieber)” - The Kid LAROI y Justin Bieber
11. “Believer” - Imagine Dragons
12. “I Wanna Be Yours” - Arctic Monkeys
13. “Heat Waves” - Glass Animals
14. “lovely (with Khalid)” - Billie Eilish and Khalid
15. “Yellow” - Coldplay
16. “The Night We Met” - Lord Huron
17. “Closer” - The Chainsmokers y Halsey
18. “BIRDS OF A FEATHER” - Billie Eilish
19. “Riptide” - Vance Joy
20. “Die With A Smile” - Lady Gaga y Bruno Mars

Qué nuevas funciones hay en Spotify

Spotify ha agregado nuevas funciones como

• DJ de Spotify con nuevos idiomas.

La función DJ, que utiliza inteligencia artificial, ahora es capaz de hablar en más idiomas, incluyendo portugués brasileño, francés, alemán e italiano. Actúa como un presentador virtual que sugiere música y comenta sobre los temas conforme a tus gustos.

Puedes interactuar con el DJ para cambiar el género o el ambiente de la sesión musical según tu estado de ánimo o la hora del día.

• Tarjetas informativas de canciones.

Spotify está probando una función beta que muestra datos sobre la historia de cada canción, como compositores, productores, muestras utilizadas e influencias. Estas tarjetas aparecen en la pantalla de reproducción y permiten explorar colaboradores, versiones y el significado del tema.

• Chats dentro de Spotify.

La app ahora permite conversar con hasta 10 personas directamente dentro de la plataforma, compartir canciones y audiolibros, y crear comunidades sin necesidad de otras aplicaciones de mensajería.

• Recomendaciones musicales a través de ChatGPT.

Puedes solicitar recomendaciones o listas personalizadas mediante ChatGPT mencionando Spotify, para recibir sugerencias acordes a tu ánimo o necesidades musicales.

• Mejoras para recomendaciones personalizadas.

Es posible excluir canciones o temáticas (como música infantil o sonidos para dormir) para que no afecten tus futuras recomendaciones.

El reciente regreso de Amaia Montero a los escenarios ha generado una respuesta de gran magnitud entre seguidores y críticos del panorama musical español. La artista reapareció en el Bilbao Exhibition Centre el pasado sábado junto a La Oreja de Van Gogh.

Según varios medios de comunicación, Montero ha experimentado un profundo descenso anímico tras una avalancha de reacciones, tanto de apoyo como de crítica, llegando incluso a plantearse la cancelación de la gira de la conocida banda en caso de que prosigan los comentarios negativos.

El periodista Álex Álvarez, en el programa de actualidad El tiempo justo, de Joaquín Prat, ha precisado que el entorno de la cantante habla de un “bajón monumental” motivado por la dureza de los mensajes en redes sociales. Un dato relevante es que Amaia Montero lee personalmente todos los comentarios, lo que estaría intensificando su malestar y la lleva a cuestionar su capacidad para mantener una agenda completa de conciertos.

El origen de la polémica

La interpretación de Montero en la canción Todos estamos bailando la misma canción marcó un momento destacado de la fatídica velada. Tras su actuación, pidió públicamente disculpas al público con las palabras: “Me subo y lo hago fatal, soy consciente. Pero sólo se vive una vez y lo voy a vivir con vosotros”. En ese contexto, la cantante justificó la dificultad de volver a enfrentarse a un gran público tras un largo periodo alejada de los escenarios. El evento ha cobrado especial relevancia porque la propia Montero había confesado haber “bajado al mismísimo infierno” en los meses previos a su vuelta musical, según recogió el citado medio.

Durante el directo, su compañero de banda Xabi San Martín le transmitió palabras de apoyo afirmando que estuvo “muy bien, increíble”. Montero se mantuvo en su autocrítica y contestó: “Yo sé que no”. Explicó ante el público que la diferencia entre la actuación en directo y los ensayos previos fue considerable, lo que pone de manifiesto la presión a la que se enfrenta tanto por las expectativas ajenas como por las propias.

Álex Álvarez, colaborador de la cadena televisiva española Telecinco, remarcó en el programa de actualidad El tiempo justo, que Amaia Montero estaría “absolutamente devastada”, y que ha experimentado “una transformación radical en su ánimo” desde la ilusión inicial hasta la duda sobre su continuidad en la gira. Álvarez precisó también que la presión mediática y la exposición a través de redes sociales han reactivado heridas previas, y que Montero habría declarado respecto a las críticas: “Estáis siendo tan duros, crueles y destructivos, como lo fuisteis hace un tiempo, cuando lo pasé tan mal”.

Un regreso poco lucido

El análisis sobre el regreso de Montero no se ha limitado a su entorno más cercano. Alejandro Abad, músico y productor, valoró en el magacín de entretenimiento Y ahora Sonsoles, presentado por Sonsoles Ónega en la cadena televisiva Antena 3, que “hay artistas que vuelven poco a poco, casi probándose de nuevo ante el público, y Amaia ha regresado directamente al centro del foco mediático”.

Abad indicó que, mientras algunos percibieron “autenticidad y emoción real” en la actuación, otros esperaban “una vuelta más sólida, desde el punto de vista vocal”. El productor añadió que existe una “sensación brutal por demostrar que sigue siendo la Amaia que mucha gente idealizó hace veinte años”, lo cual supone una carga para la cantante más allá del ámbito musical. Además, consideró que la decisión de la banda de reincorporar a Montero podría haber subestimado el vínculo emocional que parte del público mantenía con la anterior vocalista, Leire, y la percepción de que dicha etapa merecía “un cierre más cuidado”.

La exposición mediática del regreso de Montero y la notable atención en redes sociales han generado un estado de duda sobre la continuidad de la cantante en la gira de La Oreja de Van Gogh. El entorno de la cantante y distintos profesionales del sector musical han coincidido al señalar el impacto psicológico que ha supuesto el recibimiento variado de su regreso a los escenarios.

La permanencia de Amaia Montero en la agenda de conciertos o una eventual decisión de cancelar su participación está supeditada a la evolución de su estado anímico y a la reacción del público durante las próximas presentaciones.

El desamor es universal, pero a diferencia del amor, no queremos vivirlo. Contarlo depende de quién. En 2024, la filósofa francesa Fabienne Brugère publicó Desamar. Manual de un retorno a la vida (Flammarion), después de sufrir una ruptura tan devastadora que escribir un ensayo fue su forma de catarsis. Un año después de su publicación, la cantante Chiara Oliver (Ciutadella de Menorca, 2004) sufrió “su evento canónico”: como Brugére, rompió con su pareja. La relación, de cerca de un año de duración, la dejó “aislada” del mundo, mientras su novia, apunta, ocultaba su relación de cara al público. Su duelo antes y después de la ruptura ha acabado convirtiéndose en no fue real (Universal, 2026), su nuevo álbum de estudio publicado este pasado viernes 8 de mayo.

Después de salir de Operación Triunfo 2023 y publicar dos EP reunidos posteriormente en La libreta rosa, la artista hispano-británica empezó a escribir este nuevo disco incluso antes de abandonar la relación. “Me merecía mejor final / Que verte mirarme ahogándome en un charco / Mientras te alejas más de lo que nunca fue real”, canta en el tema que da título al LP, una frase que utiliza como “una etiqueta para quitarle peso” a aquello que vivieron. “La escribí sin haber pasado por la ruptura aún, pero ya sabía el sentimiento que iba a tener”, sostiene.

“Me ha gustado mucho ese título: retorno a la vida. Para mí fue exactamente eso”, asegura Oliver a Infobae sobre el ensayo de Brugère, al comparar su relación con lo que estaba viviendo la autora francesa. “Cuando estás en una relación así, te aíslas del mundo. Solo existe la necesidad de que funcione”, afirma, una vez que reconoció que estaba envuelta en una relación tóxica. “Dejas atrás a tu familia, a tus amigos, a tus pasiones. Me pasó cuando estaba en el momento más álgido del drama, que no podía salir”, añade. “Para mí fue salir de ahí y ¡pam! Y volver a la vida, ¿sabes? Mi familia y mis amigas estaban ahí esperándome, porque ya estaban en plan: ‘Bueno, que se dé cuenta sola’. Y cuando salí fue como: ‘Bienvenida al mundo otra vez’”.

Crónica de una ruptura anunciada

Tras dejarlo a mediados del año pasado, asegura que pasó el “mejor verano” de su vida”: “Volví a ser yo. Volví a ser la Chiara de 19 años, pero con todo lo que había aprendido”. Sin embargo, no cree que una parte de sí misma se perdiera en la relación. “La versión de mí que se creó en esa situación era una que no me gustaba. Era la versión desesperada, loca, paranoica, estresada, ansiosa, que llora todos los días. Y esa no soy yo. Yo soy la persona de la que te enamoraste, que se fue desgastando. Es muy guay cuando vuelves a ser ella. Sentí que me comía el mundo”.

Las 13 canciones del disco recorren las fases del fin de su relación. En palabras de su autora, formadas por la desesperación, la tristeza, la rabia y la gratitud de dejar ir un noviazgo marcado por ser llevado en secreto de cara al público. Sin embargo, ha aprendido la lección. “La mayor red flag que he vivido en una relación es que te oculten. Eso es lo peor. No dejéis que os oculten tanto tiempo”, asevera ahora con perspectiva.

La desesperación aparece en canciones como puzzle: “Si para ti esto es querer / No quiero que me quieras / Que alguien venga a por mí / Mejor que esto, cualquiera”; la tristeza está presente en temas como el que da título al álbum: “Me dejas ardiendo aquí / No volverás a por mí / Me quedé atrás”. Después llega la rabia: “No dices mi nombre al viento / No vaya a ser que alguien te escuche / Yo sí quiero que nos juzguen”, canta en es mejor así. Y, finalmente, la aceptación: “Si te tuviera aquí / Te daría los perdones que he guardado / Nunca quise hacerte daño”, escribe en si te tuviera aquí.

“Mantenía la compostura ante la gente, pero yo estaba fatal. Al final, el miedo es cuando vives una ruptura y luego lo escribes porque es tu única manera de sanar”

Chiara Oliver

La única canción del disco que no es sobre desamor es para sus amigas: me & my girls. “Lo significan todo para mí. Me cuidan mucho y me cuidaron muchísimo. Me esperaron al otro lado y estaban ahí cuando yo las necesité”. Su hermana Jasmine —ella es la mediana de tres, Chiara la mayor— también estuvo ahí. “Fue clave meter a mi hermana en la canción porque es muy importante para mí. La quiero muchísimo”, apunta sobre el puente de la canción, en el que menciona el nombre de sus mejores amigas.

En otros temas como lo siento x ser yo o calle luna, Oliver reflexiona sobre cómo una relación puede terminar alejándote de ti misma. “Recuerdo una vez que dije: ‘Wow. Realmente no me acepta por quien soy. ¿Qué shift [cambio, en inglés] ha habido? Sigo intentando encajar en el molde que esta persona tiene y quiere de mí’. Es una sensación horrible”. Aun así, evita reducir la ruptura a una historia con una villana. “Puede ser verdad que alguien te haya hecho mucho daño y que también te haya querido bien. No todo es blanco o negro”, declara. “A pesar de que evidentemente hay cosas que te dan rabia, siempre va a ser una parte de ti muy importante. Te lo vas a llevar contigo para siempre y vas a estar agradecida a pesar de todo”.

El factor ‘reality’: una de cal, otra de arena

Esa exposición adquiere otra dimensión cuando quien escribe las canciones es una figura salida de Operación Triunfo. Chiara pertenece a la hornada de triunfitos que salió de la penúltima edición del programa, la de 2023. Sus seguidores se movilizaron tanto para salvarla de la expulsión frente a Lucas Curotto que llegaron a proyectar su imagen en el Times Square de Nueva York pidiendo su voto, aunque finalmente fue la novena expulsada.

¿Nota qué ha salido de un reality? ¿Que interesa más su vida que la de otros compañeros de profesión? “Creo que no se me vio en la cara que estaba pasando por un momento horrible”, afirma ahora sobre la ruptura, que tuvo lugar mientras estaba de gira entre septiembre de 2024 y octubre de 2025, para promocionar la fusión de sus dos EPs en La libreta rosa Tour. “Mantenía la compostura ante la gente, pero yo estaba fatal. Al final, el miedo es cuando vives una ruptura y luego lo escribes porque es tu única manera de sanar. Nadie supo en ese momento que yo estaba pasando por esto, pero ahora lo voy a contar, ¿no? Ese es el miedo, yo creo". Por esto, y porque sabe lo que conlleva la presión mediática, pide escuchar el álbum con la vista puesta en “procesar una ruptura o un drama y no tanto porque quieren buscar pistas de mi vida. Porque eso no es la intención con la que yo suelo escribir”.

Precisamente en el programa que la vio nacer es donde habló sin tapujos de su orientación sexual: Chiara es lesbiana y, sin quererlo, al igual que sus compañeros Juanjo y Martin —que continúan siendo pareja dos años después de finalizar el programa—, se han convertido en referentes para la comunidad LBGTQ+, aunque sea sin quererlo. La cantante también sufre de TDAH, algo que tampoco ha ocultado nunca. “Me hace mucha ilusión porque yo también quería esa imagen cuando era pequeña. Son cosas que hago sin quererlo, porque simplemente es mi normalidad, es mi vida y no voy a esconder algo que es parte de mí”, apunta. “En realidad, me emociono muchísimo porque digo: ‘Wow, realmente tengo una responsabilidad muy grande encima de mis espaldas y ni me doy cuenta’”.

En diciembre de 2024, el periódico New York Times escribió que había sido el año de las estrellas sáficas, con artistas como Chappell Roan (Misuri, Estados Unidos, 1998) y Reneé Rapp (Carolina del Norte, Estados Unidos, 2000) al frente del pop mundial. “2025 fue el año de las rupturas sáficas”, bromea Oliver honesta. ¿Siente que su generación ya no necesita esconderse ni neutralizar las letras? Músicos del colectivo, como Pablo Alborán, han escrito en femenino muchas de sus canciones, aunque en su caso haya proclamado que sus “canciones no tienen género”. El artista compartió públicamente que era homosexual en 2020, tras llevar una década siendo uno de los cantantes más reconocidos de nuestro país.

“Me hace feliz haberme criado y estar haciendo música en la generación en la que lo estoy haciendo, porque significa que puedo ser yo abiertamente, que no tengo que esconderme, que es algo que no me gusta. Lo he dicho mucho en el disco, no me gusta esconderme. Estoy feliz de poder formar parte de esta ola de personas queer que no se esconden y que hablan en femenino”, reconoce.

Esa nueva etapa también se está trasladando al directo. Después de actuar este año en ciudades como Dublín, Londres o París dentro de su primera gira europea, Oliver prepara ahora el salto a grandes recintos con el no fue real tour, que arrancará en España los próximos 27 y 28 de noviembre en el Palacio Vistalegre de Madrid y el Sant Jordi Club de Barcelona, respectivamente. “En Londres estaba muy nerviosa porque vino mi familia y además estrenaba una canción inédita”, recuerda sobre un minuto +, undécimo tema del disco que retrata el momento de la despedida tras dejarlo con su expareja.

Ahora, un año post-ruptura, Oliver se prepara para cantar esas mismas heridas delante de miles de personas. Con la diferencia de que ha dejado de ser un secreto y ahora sí, ha sanado.

La presidenta mexicana, Claudia Sheinbaum, explicó que el programa tiene tres motivos centrales: impulsar música con contenidos distintos, fortalecer la producción musical en México y reconocer a los mexicanos en Estados Unidos como parte de una misma cultura.

“Lo que hay que hacer es fomentar que no haya apología de la violencia en la música, y ese es el objetivo de este concurso”, afirmó la mandataria durante su conferencia de prensa matutina en Palacio Nacional.

Sheinbaum sostuvo que prohibir contenidos no resuelve el problema de violencia en el país y su enaltecimiento en la cultura mexicana, por lo que insistió en que el propósito es fomentar que nuevos cantantes no orienten su música hacia la apología del delito o de las drogas.

En contra, afirmó, la propuesta busca apoyar “las narrativas más profundas de valores de México, desde el amor, el desamor hasta lo que nos mueve a los mexicanos y a las mexicanas”.

La secretaria de Cultura, Claudia Curiel, detalló que ‘México canta’ es una iniciativa de la Presidencia, a través de la Secretaría de Cultura y con el Consejo Mexicano de la Música.

Curiel afirmó que el concurso forma parte de la estrategia integral de atención a las causas por la paz y contra las adicciones, bajo la convicción de que “la cultura, la música transforman vidas, construyen comunidad, generan paz”.

La funcionaria precisó que la convocatoria estará abierta del 11 de mayo al 10 de junio y podrán participar jóvenes de 18 a 29 años.

Las canciones podrán interpretarse en español, inglés, lengua originaria o en una combinación de lenguas.

La edición anterior registró alrededor de 15.000 inscripciones, más de 11 millones de visualizaciones en 25 medios públicos y más de 220.000 votos digitales en la final.

En la edición de 2025, los ganadores fueron Sergio Maya, de Hidalgo, y Carmen María y Galia Sirup, ambas de Tijuana.

Para esta edición se elegirán 14 semifinalistas: siete mexicanos y siete mexicoestadounidenses.

La final será el 13 de septiembre en el Auditorio Nacional, en Ciudad de México, y los ganadores se presentarán el 15 de septiembre en el Zócalo capitalino.

La cantante Majo Aguilar llamó a los jóvenes a escribir y contar sus historias, mientras que Junior H defendió la evolución del género.

“La cultura de paz no significa dejar de contar nuestra realidad, significa encontrar nuevas formas de expresarla”, concluyó el artista.

El inicio de la gira Tantas cosas que contar Tour 2026, en el regreso de Amaia Montero a La Oreja de Van Gogh, ha estado cargado de emociones. A las palabras de la vocalista en el primer concierto de la banda en Bilbao se han unido las críticas por su desempeño, así como las de quienes siguen considerando que la vuelta de la cantante supuso una injusticia para Leire Martínez, quien durante diecisiete años había formado parte del grupo.

La cantante de Rentería se encontraba en Córdoba (Argentina) en plena promoción de Historias de aquella niña, su primer álbum en solitario con el que pretende pasar página respecto a su trayectoria anterior. Fue durante este show donde pudo verse a la cantante romper a llorar mientras recordaba su pasado. “Hoy arrancaba la gira de La Oreja de Van Gogh en España y, uf, no pensaba que me iba a afectar, pero sí, afecta”, confesaba, siendo recibida por una gran ovación del público.

“Es verdad que hoy hay canciones que se me van a trabar más de lo normal. ¿Pero sabéis qué? Que trabajé mucho en aquel proyecto. Han sido diecisiete años increíbles en ese proyecto y le voy a rendir homenaje con este medley de canciones de La Oreja". De este modo, la artista compartió con su público una versión de Jueves, una de las canciones más recordadas de su etapa en la banda, hasta que en cierto momento tuvo que detenerse porque no podía evitar las lágrimas.

El agradecimiento a todos aquellos que no la hicieron sentir “la sustituta de nadie”

“¿Sabéis qué pasa? Que no me gusta llevar el discurso a las comparaciones", continuaba. “Esto no va de quién lo hace mejor o quién lo hace peor. Esto va de que han sido diecisiete años de relación y, uf, y es duro decir adiós. Haber cerrado el ciclo de una manera distinta”. De este modo, la cantante explicó que su disco era una versión de lo que podría haber sido. “Quise agradecer no solo a la gente que se ha mantenido y ha seguido estando durante este año y medio, sino a toda esa gente que sostuvisteis a La Oreja hace dieciocho años. Todos me habéis hecho sentir, insisto, muy respetada, muy querida y jamás la sustituta de nadie”.

Leire Martínez tendrá ahora una gira que la llevará por Perú, Colombia y Guatemala antes de saltar, a finales de mayo, a Estados Unidos para ofrecer conciertos en Nueva York, Miami, Houston y Los Ángeles. Después de tres noches en México, Leire volverá a España con conciertos que darán inicio el 5 de junio en Valencia hasta mediados de septiembre, donde en Madrid y Lugo dará los últimos conciertos de esta nueva etapa.

Por su parte, Amaia Montero y La Oreja de Van Gogh actuarán en la capital del 28 al 31 de mayo en tres conciertos a los que seguirá una gira por el país que culminará el 30 de diciembre con un regreso al Movistar Arena de Madrid. Tras sus primeros conciertos, la banda ha decidido reducir las canciones de la etapa de Leire Martínez en el grupo, suprimiendo temas como Adiós, La niña que llora en tus fiestas y Todos estamos bailando la misma canción.

La presidenta Claudia Sheinbaum anunció los detalles de la segunda edición de México Canta durante la Mañanera del Pueblo de este lunes 11 de mayo, acompañada de Majo Aguilar, Junio H y Miguel Trujillo. En esta ocasión, el certamen abrirá una nueva convocatoria dirigida a jóvenes del género regional mexicano, cuya final se llevará a cabo en el Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

El proyecto es impulsado por la Secretaría de Cultura federal, el Consejo Mexicano de la Música, Canal 22 y medios públicos, y es parte de una estrategia que busca atender causas sociales a través de la cultura y la música.

¿Cómo participar en el México Canta?

La convocatoria permanecerá abierta del 11 de mayo al 10 de junio en la plataforma mexicocanta.gob.mx. El certamen acepta inscripciones de solistas, duetos y ensambles. Este año, el enfoque recae en el regional mexicano y sus fusiones urbanas, por ser uno de los géneros de mayor consumo mundial; representa el 70% de la música mexicana escuchada en plataformas de streaming. Las canciones pueden interpretarse en español, inglés, lenguas originarias o spanglish.

Cabe señalar que en la edición anterior, se registraron cerca de 15,000 participantes y la transmisión del certamen alcanzó más de 11 millones de visualizaciones en 25 plataformas públicas. La votación digital sumó la participación de más de 220,000 personas, según datos presentados por el Consejo Mexicano de la Música. Los ganadores recibieron como premio la grabación de un disco profesional.

¿Cómo será la elección del ganador?

En la primera etapa, se seleccionarán 14 semifinalistas: siete mexicanos y siete mexicoestadounidenses. El anuncio de los seleccionados se hará el 24 de julio para los jóvenes de Estados Unidos y el 31 de julio para los de México. Además, la selección será realizada por un consejo integrado también por jóvenes.

Las semifinales serán presenciales y se realizarán el 23 de agosto en el Million Dollar Theater de Los Ángeles y el 30 de agosto en el Teatro Ángela Peralta de Mazatlán. En cada sede participarán siete artistas por país, con votación directa del público y artistas invitados. La recapitulación de semifinales y anuncio del séptimo finalista se llevará a cabo el 6 de septiembre mediante un programa especial transmitido por Canal 22 y medios públicos.

La final está programada para el 13 de septiembre en el Auditorio Nacional, donde el público seleccionará al ganador. Finalmente, el 15 de septiembre, los finalistas se presentarán en el Zócalo de la Ciudad de México, en un evento que contará con invitados especiales y un artista sorpresa.

El certamen busca impulsar nuevas narrativas y evitar mensajes que normalicen la violencia o la discriminación. La Secretaría de Cultura sostiene que la música es herramienta de transformación social y construcción de comunidad entre la juventud mexicana y mexicoestadounidense.

Por tercera vez en su historia Guadalajara será sede del Mundial de Fútbol para que los turistas vivan la experiencia al máximo con diversas actividades culturales que van más allá de los partidos, brindándoles una probada de lo que es México como país.

Los visitantes podrán recorrer las hermosas calles de la Perla Tapatía mientras escuchan música de mariachi, degustarán de una buena torta ahogada o simplemente pasear por los lugares más emblemáticos como el Centro Histórico y Tlaquepaque.

Actividades especiales en Guadalajara para el Mundial 2026

El Mundial es la máxima justa del futbol y cada cuatro años reúne una gran cantidad de turistas, quienes además de acudir a los partidos desean llevarse un grato recuerdo del lugar que visitan. Por ello, la Perla Tapatía se ha puesto la tarea de convertirse en la mejor sede y ofrecerán una serie de actividades para que siempre haya algo por hacer.

A continuación, te presentamos la lista de cosas que Guadalajara está pensando hacer para todos los aficionados:

FIFA Fan Fest

El Festival Oficial de la FIFA se instalará en el centro histórico de Guadalajara, remodelado especialmente para la ocasión, y estará presente durante los 39 días completos del torneo.

La alcaldesa de la ciudad, Veronica Delgadillo, confirmó que será de acceso gratuito para todos los visitantes.

Se transmitirán los 104 partidos en vivo, junto con presentaciones artísticas y culturales frente al icónico Teatro Degollado, un área gastronómica en la Plaza de Armas con activaciones especiales en el Paseo Fray Antonio Alcalde y juegos interactivos junto a la Catedral.

Vía Recreativa

Los domingos, de 8:00 a 14:00 horas, las principales avenidas y calles de Guadalajara, Zapopan, Tlaquepaque y Tonalá se transforman en espacios peatonales ideales para caminar, correr o andar en bicicleta.

Durante todo el trayecto habrá juegos interactivos y, especialmente para el Mundial, se instalarán futbolitos, consolas de videojuegos y balones gigantes en puntos clave, junto con encuentros de freestyle programados.

Festival Echoes

El 19 de junio, con motivo de la Copa Mundial de la FIFA 2026, el Centro Cultural Universitario de Guadalajara albergará la cuarta edición del festival de música indie Echoes.

Se presentarán bandas como Parcels (Australia), Darius (Francia) y Babas Tutsipop (México), junto con más artistas nacionales e internacionales. Los boletos inician en $1,966 pesos por persona.

Expo Jersey Mx

Será la exposición de jerseys y artículos de fútbol más grande de México, con más de 50 tiendas, expositores y coleccionistas provenientes de todo México, Argentina y Colombia.

Habrá exhibición, venta, compra e intercambio de memorabilia, especialmente camisetas de utilería, usadas en juego y retro. Se realizará el 20 y 21 de junio en el Salón Fiesta Guadalajara (cerca del hotel Riu Plaza). Entrada gratuita.

Balones Gigantes

La exposición “Balones Empoderados”, impulsada por la organización Mujeres Empoderadas A.C., presenta cien balones de fibra de vidrio de más de tres metros de diámetro y dos de altura, intervenidos por artistas jaliscienses.

Estarán distribuidos en puntos emblemáticos de Zapopan, Guadalajara y Tlaquepaque, como Avenida Patria, Centro Cultural Universitario, Chapultepec, Paseo Alcalde, Arcos Vallarta, Hospicio Cabañas y Plaza Andares.

Si alguien todavía duda de que el regreso de Amaia Montero con La Oreja de Van Gogh es un regalo para los millones de fans de la banda, es que todavía no ha visto las imágenes del inicio de su gira en el Bizkaia Arena de Bilbao de este fin de semana. 18.000 personas celebraron junto a la cantante y el resto del grupo el fin de una separación que dolía desde hace quince años, pero que terminó el 15 de octubre de 2025, cuando se hizo oficial la vuelta de la vocalista y una serie de conciertos con Tantas cosas que contar.

Y entre esas cosas, la confesión de Amaia Montero durante el show: “Han pasado muchas vidas dentro de estos años y estar aquí con vosotros es mucho más que un concierto”. La cantante confesó haberse perdido en algún momento, e incluso llegar a pensar que nunca volvería a subirse a un escenario. “Hubo muchísimos días de oscuridad en los que pensé que todo había terminado para mí, que la vida y la música se habían apagado sin mí, para siempre”. Su actuación en Bilbao fue, en este sentido, también un importantísimo logro personal, pese a las críticas promovidas por algunos de los defensores de la anterior cantante de la banda, Leire Martínez.

Sin embargo, más allá de esa guerra de bandos sobre qué vocalista de La Oreja de Van Gogh lo habría hecho mejor o peor, y al margen de todo ese cúmulo de emociones y del carácter festivo del evento, lo cierto es que muchos fans también se han mostrado preocupados por otros aspectos del concierto. Elementos como la puesta en escena, la calidad del sonido o incluso el desempeño de la propia Amaia Montero han generado muchas reacciones que, desde la crítica al chascarrillo fácil, han dado a entender que la actuación musical del grupo dejó bastante que desear en su esperado regreso.

De las orejas cortadas de Van Gogh a los mensajes de agradecimiento

Uno de los vídeos que más ha circulado por redes sociales ha sido el momento en el que La Oreja de Van Gogh interpretaba La niña que llora en tus fiestas, esa misma canción que Amaia Montero llegó a criticar por su melodía, “más allá del chunda chunda”. Tras varias líneas donde la vocalista se fue completamente de la melodía, pudo verse cómo esta se acercaba para hablar con el técnico, de lo que se deduce que hubo algún problema técnico con los monitores. Gracias a estos aparatos los cantantes pueden escuchar su propia voz, algo fundamental para poder afinar bien en conciertos con tanto ruido de fondo.

Sin embargo, fuera por la tecnología o por otras cuestiones, lo cierto es que la desafinación de Amaia Montero fue otra de las constantes de la noche, con momentos tan críticos como su interpretación de su versión de Nothing Compares 2 U, o de temas tan conocidos como Muñeca de trapo o Deseo cosas imposibles. La plataforma central que elevaba a la cantante, muchas veces, parecía separarla del sonido del resto de la banda, en una puesta sobre el escenario marcada por los tonos chillones y, en ocasiones, también por la falta de energía. “Van Gogh se habría cortado las dos orejas para no tener que oír esto”, han lamentado algunos usuarios en redes sociales. “Me callo porque es más cómodo engañarse”, expresaba otro.

A pesar de todo, muchos otros fans han asegurado haber disfrutado mucho del concierto por tener la oportunidad de volver a escuchar a Amaia junto a La Oreja de Van Gogh. “Me habéis hecho volar”, agradecía una de las asistentes al concierto a las pocas horas de concluir el show. No es la única con ese sentimiento de gratitud ante el regalo que ha supuesto reencontrarse con la formación original de la banda. Ahora, quedará por ver su desempeño en los próximos conciertos.

El Movistar Arena de Madrid será la próxima parada, antes de pasar por Albacete y Murcia en lo que queda de primavera. Después, la banda dará más de una decena de conciertos en poco más de tres meses, y continuará con la gira, al menos de momento, hasta principios de diciembre. El Tantas cosas que contar Tour 2026 ya ha llegado y La Oreja de Van Gogh está dispuesta a seguir regalándole a sus fans todo lo que tienen en este último o penúltimo vals de una de las bandas de rock pop español más importantes del siglo.

Después de un inicio de gira un tanto catastrófico en el que la vocalista Amaia Montero, que regresaba a su formación original casi después de 20 años de ausencia, fue criticada por desafinar en su primera cita en los escenarios, la banda donostiarra La Oreja de Van Gogh introdujo cambios notables en el repertorio de su segundo concierto en el BEC.

No es una práctica poco común en las giras, donde la estructura suele ser estable, sobre todo si se trata de un segundo concierto, pero lo cierto es que parece que se están intentando limar aquellas cosas que no salieron bien en la primera jornada. Así, en esta ocasión, el repertorio pasó de incluir 25 canciones a 22, tras suprimir Adiós, La niña que llora en tus fiestas y Todos estamos bailando la misma canción.

Esta última, interpretada por Amaia Montero en la jornada anterior desde una peana de 5 metros de altura sujetada por un arnés, resultó un auténtico desastre, lo que provocó que la cantante, tras la actuación, reconociera su incomodidad y se disculpara ante el público, mientras el teclista Xabi San Martín la acompañaba en el escenario. Según el diario El Correo, estos ajustes limitaron la presencia de canciones correspondientes a la etapa vocal de Leire Martínez, dejando fuera varios éxitos destacados.

Reajustes en la ‘setlist’

La retirada de Todos estamos bailando la misma canción, presentada originalmente por Montero la noche de fin de año, sobresale en el listado de variaciones. En la primera jornada, la canción se interpretó desde la plataforma elevada, pero para el segundo concierto ya no formó parte de la ‘setlist’.

Además, desapareció la versión de Nothing compares 2U, tema con el que Montero fue descubierta por la banda y que en la primera noche incluyó como guiño casi a ‘capella’. El repertorio definitivo mantuvo la estructura general en bloques temáticos, aunque los retoques incidieron tanto en la representación de Leire Martínez como en la de Montero. Además, títulos relevantes como Inmortal, Cometas por el cielo y Jueves —esta última dedicada a las víctimas del 11 de marzo— tampoco se interpretaron en esta ocasión.

Durante el segundo concierto, la escenografía incorporó nuevamente la peana elevada, ahora utilizada para interpretar Mariposa, con proyecciones de alas en las pantallas del recinto que acompañaron el momento.

Del rosa al amarillo

Amaia Montero se mostró más confiada sobre el escenario, sin los titubeos del día anterior, según se ha podido ver en diferentes imágenes que han recorrido las redes sociales. En cuanto a la imagen, Montero vistió de amarillo, color cuya elección suele estar asociada a supersticiones de mala suerte en el mundo del espectáculo, lo que subrayó su confianza frente al público. En los bises, apareció además con una camiseta que lucía la frase “tenemos el récord del mundo en querernos”, extraída de la canción Rosas.

La selección de teloneros continuó con el grupo Veintiuno, quien calificó la cita como el “reencuentro más importante de la historia del pop en los últimos 30 años”. Entre las diversas anécdotas destacadas por los asistentes, se produjo una pedida de mano en la parte trasera de la pista, celebración que, aunque fue aplaudida entre el público, probablemente pasó inadvertida para los artistas.

El músico también reflexionó sobre cómo el recuerdo de figuras decisivas como Kurt Cobain, junto con el apoyo emocional de su entorno y la conexión con el público, moldearon una etapa en la que la música funciona tanto como refugio personal como espacio de encuentro colectivo.

Foo Fighters y la urgencia de crear canciones nuevas

Grohl enfatizó que la motivación por seguir componiendo está tan presente como en los primeros días. “Nos reunimos a ensayar todos los días. Estar con los muchachos, trabajando en canciones nuevas, todavía me produce una sensación increíble”, afirmó en la entrevista.

El proceso actual, describió, responde a “una urgencia” que nace de la energía interna y la necesidad de expresión, sin depender de expectativas externas. “Menos en la cabeza, más en el corazón. Esos son los momentos en que todo cobra sentido”, expresó Grohl para explicar ese enfoque visceral que imprime en la composición.

La banda considera que cada tema nuevo aporta una fuerza distinta: “Agregar 10 canciones nuevas a un setlist de 26 hace que cada show sea gigante, pero todos queremos que esas canciones vean la luz”, detalló el músico, quien atribuye a los ensayos diarios la capacidad de mantener viva la creatividad y el entusiasmo.

Pat Smear, guitarrista, volvió tras una lesión y retomó los ensayos con una emoción renovada. Esta energía se traslada al escenario y se percibe como “contagiosa”, fortaleciendo el impulso colectivo del grupo.

El detrás de escena de los conciertos y la conexión con los fans

Para Foo Fighters, definir el repertorio de cada concierto implica un equilibrio entre lo emocional y lo creativo. Grohl explicó que prioriza aquellas canciones capaces de generar una conexión inmediata con el público: “Una de mis cosas favoritas de tocar en vivo es la conexión con el público. Para mí es lo más importante”.

Por eso, la banda busca combinar material nuevo con clásicos como Best of You y Everlong, temas que Grohl considera fundamentales para sostener la energía colectiva del show.

El músico aseguró que esos momentos funcionan como “el pegamento” de cada presentación y remarcó que no le interesa sacrificar ese vínculo con la audiencia solo para incorporar rarezas al setlist.

En la estructura de sus conciertos, compara el setlist con una lasaña: primero, los infaltables; luego, las novedades; y en el medio, joyas menos conocidas. “La base la forman los temas imprescindibles, después mostramos lo nuevo, y en el centro rescatamos algunas joyas”, relató en el pódcast.

La música como refugio ante la pérdida y el duelo

Más allá de los escenarios, reflexionó sobre el papel que tuvo la música en los momentos más difíciles de su vida. Las muertes de personas cercanas como Taylor Hawkins, su madre y, especialmente, Kurt Cobain marcaron profundamente su historia personal. Frente a esas pérdidas, el líder de Foo Fighters recordó haber pensado: “La música es lo que me va a salvar después de tantas pérdidas”.

Al recordar a su madre, relató cómo la música lograba reconectarla incluso en momentos críticos de salud, subrayando el poder reparador de las canciones. Reconoció que muchas noches sin poder dormir las pasa tocando por el simple placer de redescubrir esa sensación de asombro íntimo.

“Sueño con Taylor todo el tiempo, igual que con mi madre. Su energía sigue aquí. Creo que nunca nos abandonan del todo”, afirmó Grohl, resaltando la importancia de los sueños y la música para canalizar recuerdos y emociones en el proceso de duelo.

La familia, en especial sus hijas Violet y Harper, ocupa un lugar central en la vida de Grohl y también influye de manera directa en su forma de crear música. El líder de Foo Fighters aseguró: “La familia y los vínculos son inseparables de mi proceso creativo”.

Kurt Cobain, terapia y familia: motores del proceso creativo de Dave Grohl

El recuerdo de Cobain y la importancia de los vínculos personales marcaron profundamente a Grohl. “Cobain fue, sin duda, uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Su huella es imborrable”, expresó Grohl en Apple Music podcast.

Grohl abordó el papel que tuvo la terapia en su vida, desde la infancia hasta el duelo tras la pérdida de Cobain, Hawkins y otros amigos. “Es importante tener a alguien con la empatía y el conocimiento suficientes para recibir lo que entregas, sin importar cuán complicado sea”, sostuvo el músico.

El líder de Foo Fighters sostuvo: “El entorno, el hogar y quienes te rodean le dan sentido a todo lo que creas”, una idea que refleja cómo combina las experiencias personales y el paso del tiempo en su música.

Foo Fighters y el sentido de pertenencia: presente, pasado y futuro

Grohl resumió el espíritu actual de Foo Fighters como un equilibrio entre la memoria y la capacidad de reinventarse. Al referirse a Your Favorite Toy, el duodécimo álbum de estudio de la banda lanzado en abril de 2026, afirmó: “Este álbum nace desde el corazón y el instinto. Tener la oportunidad de seguir haciendo música con mis amigos lo es todo”.

La convivencia diaria, el estudio propio y la historia compartida forjaron un entorno donde la creatividad y el sentido de “hogar” se potencian. “Mientras tengamos esta química, podamos subir al escenario y luego al autobús juntos, la música será siempre nuestro lugar en el mundo”, concluyó.

El rotundo éxito de la película Michael, biopic de Michael Jackson, ha consolidado el legado del Rey del Pop en la cultura actual. Tras su estreno en abril de 2026, la cinta ha superado todas las expectativas comerciales al recaudar aproximadamente 570 millones de dólares a nivel mundial en apenas tres semanas y ya se posiciona como el biopic musical más exitoso en Estados Unidos, reafirmando el magnetismo eterno del cantante de Billie Jean, Beat It o Thriller.

Así, el éxito de Michael vive directamente de la relevancia que tuvo este artista que llegó a vender más de 70 millones de copias con solo uno de sus discos (Thriller), y que en seis décadas diferentes, incluso 20 años después de su muerte, ha conseguido que sus canciones entren en las listas de lo más escuchado del mundo. Tal fue su fama en vida que, allí donde iba, se convertía en el centro de atención de todo el mundo.

En España, sin ir más lejos, actuó un total de ocho veces a lo largo de su carrera. Marbella, Madrid, Barcelona, Oviedo, Zaragoza y Tenerife serían algunos de los destinos donde recalaría el rey del pop, protagonizando todo tipo de anécdotas que, con el tiempo, han ido saliendo a la luz, desde sus paseos por la capital rodeado de policías hasta su preocupación cuando vio a tanta gente asomada a los balcones en las calles. Alguien tendría que explicarle que hacer vida en aquella parte exterior de la casa era muy habitual en España, al contrario que en otros países más fríos.

El hotel que no le permitió hospedarse

Sea como sea, cuesta imaginar que una ciudad no deseara que el artista actuara allí, así como que un hotel que no quisiera recibirlo durante su estancia. Sin embargo, eso fue lo que ocurrió en Madrid a finales de los años 80. El Rey del Pop iba a actuar frente al estadio Vicente Calderón completamente lleno y buscaba quedarse en alguno de los mejores establecimientos de la ciudad.

El elegido para acoger al cantante fue el Hotel Ritz (actual Mandarin Oriental Ritz Madrid), un histórico edificio inaugurado a principios del siglo XX por el rey Alfonso XIII para dotar a la capital de un alojamiento de lujo al estilo de París o Londres. Sin embargo, desde el Ritz decidieron rechazar la estancia del artista por una sencilla razón: no se aceptaban mascotas, y Michael Jackson siempre iba acompañado de uno de los personajes que más reacciones ha provocado en su biopic: Bubbles, su chimpancé.

Convertido en su compañero inseparable desde los 80, Bubbles se convirtió en parte del círculo íntimo del cantante, e incluso durmió durante mucho tiempo en su misma habitación. Sin embargo, a medida que creció, su carácter se volvió cada vez más imprevisible y ganó mucha fuerza, por lo que en 2003 sería trasladado al Centro de Grandes Simios de Florida. Desde allí, describieron la personalidad de este simio como tranquila y también “juguetona”, lo que explicaba también por qué a Michael Jackson le gustaba tanto estar con él. Cuando recibió la negativa del Ritz, decidió no prescindir de su mascota y acabar recalando en el Hotel Palace, donde le ofrecieron su mejor habitación.

Una habitación llena de juguetes en Canarias

Lo cierto es que la presencia de Bubbles no sería la única extravagancia de Michael Jackson en los hoteles. En 1993, el cantante visitó la isla de Tenerife para un concierto frente a 50.000 personas. Para ello, el cantante se alojó en el Hotel Botánico de Puerto de la Cruz, y un elemento muy recordado de su estancia es que pidió que su habitación estuviera llena de juguetes.

El artista se dejó ver en diferentes zonas del norte de la isla y, tal y como recordarían quienes estuvieron allí, se gastaría mucho dinero en discos... y en llamadas telefónicas: “La factura telefónica en el Hotel Botánico fue astronómica”, recordó Juan Manuel Bethencourt en una entrevista para el diario canario de El Día. Betancourt fue el responsable del reportaje documental de 2023 Adivina quién actuó esa noche, que rescató todos los recuerdos del concierto de Michael Jackson en Tenerife treinta años antes.

“Lo que ocurrió con Tenerife fue una cosa totalmente exótica. El concierto en Tenerife no estuvo en la gira europea, ni en la asiática, ni en la americana. Convirtieron a la isla en una escala entre el final de la gira asiática y el inicio de la gira latinoamericana. Jackson pasó de Estambul a Buenos Aires y, en medio, estuvo tres días en Canarias”, concluía para el citado medio. De este modo, pese a sus muchas excentricidades, y también pese a las polémicas que rodearon su figura en los últimos años de su vida, el cantante dejó recuerdos inolvidables en cada lugar en el que actuó, además de su música, que décadas después de su muerte sigue emocionando a viejos y nuevos oyentes.

Una de las tiendas en las que entró le regaló unos pendientes, dos rostros gemelos vinculados a una leyenda siciliana, que le obsequiaron a la artista junto a una tarjeta especialmente dedicada, indicaron a EFE fuentes del establecimiento.

Sevilla se blinda desde este viernes con motivo del evento que organiza Netflix con Rosalía como estrella, que este sábado interpretará finalmente una única canción, según detalló esta madrugada la plataforma en un comunicado.

Lo hará junto a la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla (ROSS) en el marco de los actos organizados con motivo del estreno global de 'Berlín y la dama del armiño', la última temporada de la precuela de la serie 'La casa de papel'. La artista actuará en un escenario flotante sobre la dársena del Guadalquivir.

Rosalía llegó el jueves a Sevilla y se alojó en un hotel tan cerca del escenario que llegará andando, aunque rodeada de un equipo de seguridad como el que la acompañó por un paseo por la Avenida de la Constitución, el centro de Sevilla, donde se confundía entre los turistas que a esa hora llenaban el entorno de la histórica catedral.

El auge de la "blue dot fever" ha impactado significativamente en la industria musical de Estados Unidos, haciendo que conciertos de artistas reconocidos como las Pussycat Dolls, Meghan Trainor y Post Malone sean cancelados. Según informó Hello! Magazine, esta tendencia se ha vuelto un motivo de preocupación tanto para músicos como para sus seguidores.

La blue dot fever es el término popularizado en redes sociales para describir la serie de conciertos cancelados por la elevada cantidad de tickets sin vender. Esta expresión hace referencia a los puntos azules que aparecen en los mapas de asientos de los principales portales de venta, señalando claramente las localidades vacías.

Artistas que han cancelado giras por ventas bajas de boletos

La ola de cancelaciones ha alcanzado a proyectos como el regreso de las Pussycat Dolls, quienes pospusieron todas las fechas de su tour de reencuentro en Norteamérica salvo una.

En un comunicado citado por el medio citado, el grupo señaló: “Tras analizar la etapa en Norteamérica, hemos tomado la difícil y dolorosa decisión de cancelar todas menos una de las fechas”.

Kid Cudi suspendió su concierto en Birmingham (Alabama) el 5 de mayo, al explicar que las ventas “simplemente no fueron lo suficientemente fuertes”. Las reacciones se multiplicaron en X, donde un asistente comentó: “Es el cuarto tour cancelado que veo esta semana”.

Post Malone canceló seis conciertos de su Big Ass Stadium Tour -incluidas fechas en El Paso, Waco, Baton Rouge, Birmingham, Tampa y Oxford-, aplazando el inicio de la gira. El artista argumentó que necesitaba más tiempo para terminar música nueva, según recogió el medio. No obstante, imágenes de asientos vacíos circularon en redes sociales, donde los conocidos “blue dots” se hicieron notar.

Meghan Trainor anunció en abril la cancelación de su tour “The Get In Girl”, citando el lanzamiento de su álbum y el nacimiento de su tercera hija. Sin embargo, reportes difundidos por Hello! Magazine apuntaron que la reventa de entradas cayó hasta USD10 antes de que se anulara la gira.

Causas del auge de la blue dot fever en la industria musical

El principal detonante de la blue dot fever está vinculado al alza de precios de los boletos y la multiplicación de conciertos. De acuerdo con la publicación Pollstar, el precio medio de un boleto en Estados Unidos subió de USD96,17 en 2019 a USD135,92 en 2024.

Aunque varios artistas explican sus cancelaciones por motivos personales o laborales, muchos seguidores interpretan estos anuncios como una admisión de la caída en ventas. Los datos evidencian que una parte del público prefiere no pagar los nuevos precios, lo que genera acumulación de asientos vacíos.

Entre los factores señalados por analistas y asistentes para explicar el fenómeno, sobresale la saturación del mercado y la selección de recintos demasiado grandes. Especialistas como Eric Alper, citado por Ground News, advierten que la abundancia de conciertos en estadios con capacidad para más de 50.000 espectadores ha desalentado al público, que prefiere experiencias más íntimas y asequibles.

Además, usuarios consultados por The Daily Beast asociaron la “blue dot fever” con la falta de ingresos disponibles, el encarecimiento de los boletos y la competencia con giras de artistas como Taylor Swift, cuya demanda resulta difícil de emular para otros músicos.

Opinión de los fans sobre la cancelación de conciertos

Las redes sociales han hecho visible la frustración de los fanáticos. El medio citado recogió comentarios como “los artistas están sobreestimando su demanda” y “los boletos son demasiado caros”, que se reproducen entre quienes siguen la música en vivo.

Algunos usuarios piden “precios accesibles para todos” y rechazan estrategias como los espectáculos en residencia, que aumentan la saturación de la oferta. El término blue dot fever sintetiza ahora la desconexión entre lo que los artistas esperan y lo que su público realmente está dispuesto a pagar.

Para la industria musical estadounidense, la suma de boletos caros y expectativas sobredimensionadas sobre la demanda ha cambiado las reglas del juego, concluye Hello! Magazine. El fenómeno exige reconsiderar la oferta si los conciertos quieren recuperar su conexión con el público.

En una jornada de asado, vino y anécdotas, el grupo reunió en el restaurante Roldán a figuras como Martín Reich, periodista, conductor y humorista; Julieta Navarro, periodista; Francisco Lago, conocido como Fran Charco, cantante, compositor y líder de la banda Cruzando el Charco; Florencia Álvarez, cantante; Santiago Aysine, cantante, compositor y fundador de Salta La Banca; Julieta Savioli, humorista y artista polifacética; y el dúo Roze, integrado por Rocco Gang y Treze YT, referentes de la música urbana.

El proyecto surge de una colaboración entre la banda, Warner Music Cono Sur e Infobae. El tercer episodio de Club Totora propuso un formato alternativo a la entrevista tradicional, con una mesa abierta a la espontaneidad y las sorpresas. La velada incluyó juegos, confesiones y una sucesión de shows en vivo que impulsaron el espíritu del ciclo: un espacio donde la música y la amistad son el verdadero impulso de cada encuentro.

“Lo importante es que la pasemos bien”, sintetizó uno de los anfitriones, marcando la pauta de una mesa sin jerarquías ni formalismos, siempre abierta a nuevas voces y experiencias; y reafirmó el objetivo: generar un clima en el que la cercanía y el humor guíen cada momento.

La esencia y el espíritu del Club Totora

La jornada comenzó con una entrada de empanadas y buñuelos de acelga, seguida por provoleta y el asado como plato principal, mientras la conversación fluía entre anécdotas, brindis y complicidades. “Desde que llegué de Mendoza a Buenos Aires, muchas cosas muy importantes han estado gracias a ustedes muchas, con ustedes otras. Así que para mí es mi familia”, expresó Juli Navarro, resaltando el sentido de pertenencia que caracteriza al club.

El clima de camaradería se reflejó en la libertad para compartir historias personales, tanto alegres como difíciles, siempre con contención y humor. La dinámica de la mesa, que evitó solemnidades y privilegió la complicidad, consolidó al ciclo como un punto de encuentro abierto y en permanente construcción.

La música fue protagonista indiscutida. El primer show de la noche presentó el tema “Un día sin ti” interpretado por Los Totora junto a Santiago Aysine. Luego, el repertorio continuó con “Sin documento”, a cargo de Los Totora y Fran Charco, seguido de “Locura automática”, un cierre compartido con el dúo Roze.

A lo largo del encuentro, Aysine sumó versiones acústicas de varios hits, acompañado por los invitados en la mesa y generando una atmósfera de celebración colectiva. El show final tuvo como protagonista a Flor Álvarez, quien se unió a Los Totora para interpretar “Tu cárcel”, mientras la sobremesa se convertía en escenario de improvisaciones y encuentros musicales.

Anécdotas personales y vivencias de los invitados

Las experiencias en vivo dejaron relatos de superación y aprendizaje. Rocco y Treze recordaron su debut en el Teatro Ópera, donde debieron resolver problemas técnicos guiándose por las palmas del público. Los anfitriones compartieron anécdotas de presentaciones en grandes escenarios como el Luna Park, marcadas por la necesidad de improvisar y disfrutar cada obstáculo como parte del proceso.

Las historias compartidas en la mesa fueron tan diversas como los invitados. Reich ironizó sobre el nivel futbolístico de los anfitriones: “Los Totora jugando al fútbol son un muy buen vino”, dijo, entre risas y elogios por la camaradería en partidos y torneos. Charco relató cómo perdió un vuelo rumbo a un show en Salta y debió improvisar para llegar a tiempo, evidenciando la imprevisibilidad de la vida de los músicos.

Por su parte, Juli Savioli compartió una experiencia de su niñez en la que creyó ver manos saliendo del inodoro, provocando risas y complicidad en la mesa. La dinámica permitió que las historias de vida, los recuerdos y los aprendizajes.

Fútbol, cábalas y vida de club

El fútbol fue un lenguaje común en la mesa. Las bromas sobre equipos rivales, anécdotas de partidos y referencias a cábalas reforzaron el sentido de pertenencia y equipo, tanto en el terreno de juego como en la música. “En febrero yo te voy a estar viendo en la televisión mientras estoy de gira”, recordó Juli Navarro sobre una predicción cumplida de Santiago Giorgetti, que se transformó en cábala y parte de la mística del grupo.

El club se potenció con recuerdos de infancia y herencia futbolera, especialmente en torno a la pasión compartida por Gimnasia y Esgrima de La Plata. “Nos llena de orgullo y de shows”, afirmaron los anfitriones, equiparando la intensidad y el compromiso con el fútbol y la música.

El asado fue el eje de la reunión. Cada invitado aportó sus costumbres y saberes culinarios. Francisco relató cómo solía agasajar en su casa con platos como lomo a la mostaza, pollo a la suiza o salmón con timbal de arroz, siempre junto a un buen vino blanco. Las diferencias entre recetas tradicionales, secretos familiares y costumbres regionales animaron la conversación y sumaron valor cultural al encuentro.

El ritual de la mesa incluyó referencias al acto de “adornar al mozo” y anécdotas sobre bodas y fiestas, donde Nico, barman y bajista de la banda, fue descrito como un personaje clave en la dinámica del grupo.

La película K-Pop Demon Hunters o Las Guerreras K-Pop llegó acompañada de un soundtrack que rápidamente generó conversación entre los fans de la música coreana. Sus canciones combinan electropop, hip-hop y baladas con una producción que va más allá del contexto cinematográfico y funciona de forma independiente en playlists y plataformas de streaming.

Para identificar cuáles son los temas más destacados, se consultó a dos de los asistentes de inteligencia artificial más usados del momento, Gemini y ChatGPT, y ambos construyeron sus rankings con criterios distintos pero con varios puntos en común.

Las respuestas de los dos modelos coinciden en las posiciones más altas, aunque difieren en los últimos puestos y en el peso que le dan a cada canción. Gemini priorizó el impacto cultural y los reconocimientos formales, mientras que ChatGPT se enfocó en la energía, la pegada y la versatilidad de cada tema dentro y fuera de la película.

El top 5 de canciones de K-Pop Demon Hunters según Gemini

Gemini construyó su ranking con base en popularidad, impacto musical y lo memorables que resultan los temas dentro del universo de la película.

1. Golden (Huntr/x): La número uno sin discusión. Ganó el Oscar a Mejor Canción Original y el Grammy, y alcanzó el puesto número 1 del Billboard Hot 100. Su mezcla de electropop con balada potente la convirtió en un himno de identidad y superación que define la esencia del grupo.
2. How It’s Done (Huntr/x): El tema de apertura donde se presentan las habilidades de las cazadoras de demonios. Energía intensa, ritmo pegadizo y letra empoderadora la convierten en la favorita para playlists de entrenamiento.
3. Your Idol (Saja Boys): Aunque pertenece al grupo masculino de la película, es una de las más escuchadas por su tono oscuro y misterioso. Su producción sofisticada y su conexión con el suspense de la historia le dan un atractivo especial entre los fans.
4. Takedown (Huntr/x): El diss track del grupo. Más cercana al hip-hop coreano, destaca por su agresividad y su estilo directo. Aunque en la película las protagonistas no están convencidas de cantarla, los fans la reciben con entusiasmo.
5. Free (dueto de Rumi y Jinu): La balada romántica que equilibra el álbum. Aclamada por la química vocal entre los personajes, es considerada una de las mejores canciones de amor en una película animada reciente, con una sencillez que permite que las voces brillen sin efectos excesivos.

El top 5 de canciones de K-Pop Demon Hunters según ChatGPT

ChatGPT organizó su ranking con foco en la energía, la actitud y el impacto de cada tema en las escenas de acción de la película.

1. Golden: Coincide con Gemini en el primer lugar. La describe como la más icónica del soundtrack, con vibra de himno K-Pop, gran coro y mucha fuerza emocional.
2. How It’s Done: Potente y agresiva, perfecta para performance. ChatGPT destacó especialmente la actitud y el beat como sus puntos fuertes.
3. Your Idol: También coincide con la IA de Google en esta posición. Muchos fans la consideran una de las más pegajosas y mejor producidas del soundtrack, pese a pertenecer al grupo rival dentro de la historia.
4. Takedown: Muy energética y cinematográfica. El modelo de IA la valoró especialmente por su funcionamiento en las escenas de acción de la película.
5. What It Sounds Like: La diferencia más notable respecto al ranking de Gemini. ChatGPT eligió este tema por su faceta más emocional y melódica, que muestra una dimensión distinta del soundtrack.

ChatGPT añadió que Soda Pop suele verse como la canción más divertida y viral del álbum, mientras que Free tiene un estilo más sentimental y calmado, dos registros que completan la variedad del proyecto musical.

El fenómeno BTS ha generado un revuelo masivo en la Ciudad de México por su concierto de este jueves en el Estadio GNP Seguros, ya que desde ayer miles de fans, conocidos como ARMY, abarrotaron las calles del Zócalo Capitalino para recibir a la banda coreana que se dio cita en Palacio Nacional.

La relación entre México y Corea del Sur va más allá de la música, donde el deporte ha sido uno de los terrenos donde más se ha mostrado específicamente con aquel gol emblemático de Heung-Min Son en Rusia 2018 , el cual le ayudó al tricolor para clasificarse a octavos de final, donde el cántico: “¡Coreano, hermano, ya eres mexicano!”, se volvió viral.

Por si fuera poco, ambos equipos serán rivales en el Mundial 2026, en un encuentro que se llevará a cabo en Guadalajara, por lo que ambas culturas volverán a encontrarse en una ciudad como la Perla Tapatía.

Corea del Sur, la salvación de México en Rusia

A pesar de ganar sus primeros dos partidos en la fase de grupos, la dura derrota 3-0 ante Suecia dejó a México matemáticamente eliminado del Mundial de Rusia 2018.

Con ese resultado, el tricolor ya no dependía de sí mismo, sino de que Corea del Sur venciera a la vigente campeona del mundo, Alemania.

México había derrotado a Corea y superado a Alemania en la fase de grupos, pero el traspié ante Suecia ponía todo en riesgo, ya que los germanos, que también habían vencido a los nórdicos, podían dejar fuera a los dirigidos por Juan Carlos Osorio con un simple empate.

El partido entre Corea del Sur y Alemania se mantuvo 0-0 hasta el tiempo añadido, marcador que en ese momento eliminaba a la Selección Mexicana.

Ahí surgieron los héroes asiáticos: Kim Young-Gwon y Heung-min Son marcaron en los minutos finales, dándole los únicos tres puntos del torneo a su selección.

Este triunfo eliminó a Alemania y clasificó a México como segundo del grupo, por detrás de Suecia. Son se convirtió en ídolo nacional mexicano, prácticamente regalándole a México el boleto a la siguiente ronda.

Heung-Min Son muestra su aprecio por México

Durante la reciente visita del LAFC a México para enfrentar a Puebla, Heung-min Son se mostró maravillado con la imponente infraestructura del Estadio Cuauhtémoc en un vídeo que se hizo viral en redes sociales.

El surcoreano fue captado disfrutando de la gastronomía local, donde compartió tacos con algunos compañeros en El Remolquito, la reconocida taquería frecuentada por futbolistas y figuras de la televisión.

Además, tuvo la oportunidad de probar un flan, cerrando con broche de oro su incursión por la comida mexicana.

Ahora el DJ de Spotify habla más idiomas, incluyendo portugués brasileño, francés, alemán e italiano. Si usas Spotify Premium, puedes escuchar recomendaciones y comentarios en tu propio idioma.

El DJ te acompaña con música adaptada a tus gustos y te sugiere canciones nuevas, mezclando tus clásicos favoritos con descubrimientos recientes. Además, puedes pedirle que cambie el estilo de la sesión según tu humor o el momento del día.

Cada idioma tiene su propia voz, pensada para sonar natural y conectar más con quienes escuchan.

Cambiar el idioma es sencillo: solo eliges tu preferido en el menú de la función DJ. Así, Spotify hace que encontrar y disfrutar música se vuelva una experiencia más cómoda y personal, sin importar dónde estés o qué idioma hables.

Qué puede hacer el DJ de Spotify

El DJ de Spotify es una función basada en inteligencia artificial que personaliza la experiencia musical de cada usuario, actuando como un presentador virtual que selecciona y comenta canciones según tus gustos y hábitos de escucha.

Por ejemplo, puede armar una lista mezclando tus temas favoritos, canciones que no escuchabas hace tiempo y nuevas propuestas que se ajustan a tu perfil musical.

Si tienes ganas de escuchar algo diferente, solo debes pedirle al DJ que cambie la selección: puede pasar de una sesión relajante para estudiar a una lista llena de energía para entrenar.

Además, el DJ no solo reproduce música, también ofrece comentarios y datos curiosos sobre los artistas o los discos que suenan, enriqueciendo la experiencia.

Si organizas una cena o una fiesta, puedes pedirle al DJ que adapte la música al ambiente, armando una sesión acorde al momento. Incluso es posible interactuar con el DJ por voz o texto para afinar aún más las recomendaciones.

Con sus nuevas opciones de idioma, el DJ puede hablarte en portugués brasileño, francés, alemán o italiano, haciendo que la experiencia sea aún más cercana y personalizada para usuarios de todo el mundo.

Qué nuevas funciones ha agregado Spotify

Spotify ha incorporado varias funciones innovadoras para mejorar la experiencia de sus usuarios Premium:

• SongDNA y About the Song.

Permiten conocer la historia detrás de cada canción, mostrando compositores, productores, muestras utilizadas e influencias.

Estas tarjetas informativas, integradas en la pantalla de reproducción, facilitan explorar colaboradores, versiones y el significado del tema. Actualmente, están en fase beta y pronto llegarán a más regiones y dispositivos.

• Chats individuales y grupales.

Ahora es posible conversar dentro de la app con hasta 10 personas, compartir canciones y audiolibros directamente, y crear comunidades musicales o literarias sin depender de otras plataformas de mensajería.

• Integración con IA y ChatGPT.

Puedes pedir recomendaciones o listas personalizadas mencionando Spotify en ChatGPT y recibir respuestas adaptadas a tu estado de ánimo o necesidades musicales.

• Eliminación de canciones del perfil de gustos.

Es posible excluir canciones, como las infantiles o sonidos para dormir, para que no influyan en futuras recomendaciones personalizadas.

• Mejoras en calidad de audio y funciones de mezcla.

Spotify Premium ofrece calidad FLAC (24 bits/44,1 kHz) y la función Mix, que permite transiciones suaves, ajustes de ecualizador y volumen para una experiencia continua.

• Smart Reorder.

Esta herramienta reorganiza automáticamente las listas de reproducción según BPM y tono, garantizando una secuencia musical coherente.

• Rankings semanales de audiolibros.

Se han añadido listas que muestran los audiolibros más populares por semana y por género, facilitando el descubrimiento de novedades y tendencias.

• Resumen de hábitos de escucha semanal.

Cada semana se genera un resumen personalizado con estadísticas de escucha y una imagen lista para compartir en redes sociales.

• Rutinas de ejercicio y meditación.

Spotify incorpora una nueva sección llamada Fitness en su sitio web y app, donde ofrece rutinas de ejercicio y meditación para todos los usuarios, tanto gratuitos como suscriptores.

Se ha confirmado el regreso de Rosalía a Sevilla este sábado 9 de mayo para ofrecer un concierto gratuito sobre una plataforma flotante instalada en el centro del río Guadalquivir, en el marco de la presentación de la segunda temporada de la serie Berlín, precuela de La casa de papel, de Netflix. La actuación en ‘La Jarana del Guadalquivir’ contará, adelantaba El Economista, con la participación de la Orquesta Filarmónica de Sevilla, en una cita que se prevé multitudinaria y cuyo acceso será libre hasta completar aforo.

El recital de Rosalía y la sinfónica sevillana supondrá un punto de inflexión en la relación artística entre la cantante catalana y la capital andaluza. La actuación se celebrará sobre un escenario flotante en el Guadalquivir y coincidirá con la presentación de Berlín, lo que otorga a la capital hispalense una doble relevancia como epicentro cultural y mediático. El evento prolonga la línea de los grandes espectáculos urbanos que Sevilla ha acogido en enclaves singulares, con precedentes como Icónica Santa Lucía Festival en la Plaza de España.

Las redes sociales ya especulaban con el regreso de Rosalía a la ciudad tras su histórica actuación de 2022, cuando la gira Motomami reunió a miles de personas en el Estadio de La Cartuja. En aquella ocasión, la artista fusionó flamenco, cultura pop y vanguardia visual, consolidándose como una creadora capaz de dialogar entre la tradición local y las tendencias internacionales. Según Diario de Sevilla, la cantante ya ha llegado a la ciudad en un avión privado tras sus conciertos en Londres.

Rosalía regresa a Sevilla

Para este nuevo encuentro, el formato difiere radicalmente: el componente sinfónico y la presencia de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla, identificada también como la Filarmónica en varios perfiles, aportan un aire ceremonial y contemplativo, además de subrayar la apuesta de Rosalía por reinterpretar códigos musicales desde una mirada contemporánea. Eso sí, se desconoce si en su repertorio habrá cabida para los temas de Lux.

El concierto ha despertado un interés singular por parte del público debido tanto al escenario flotante como al momento actual de la carrera de Rosalía. Desde la publicación de Motomami, disco que la ha convertido en una de las artistas españolas de mayor proyección fuera de nuestras fronteras, la cantante ha reducido su exposición mediática y cada aparición pública se sigue masivamente en plataformas y redes sociales digitales.

Los detalles del concierto gratuito de Rosalía

La actuación de este sábado está concebida como una velada de acceso libre, aunque el aforo estará limitado y se prevé que espectadores se congreguen en los márgenes del río y en puntos elevados próximos al centro histórico de Sevilla. El concierto propone un diálogo entre la música de Rosalía y la tradición sinfónica andaluza, con la participación, en principio, de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla.

La iniciativa refuerza la imagen de Sevilla como gran escaparate musical del sur de Europa y marca un nuevo hito en la estrategia de la ciudad de aprovechar su patrimonio monumental para acoger eventos de proyección internacional. La plataforma flotante instalada sobre el río apunta a convertir el concierto en uno de los acontecimientos musicales más singulares de la primavera. Además, le sirve a Rosalía para saldar su deuda con la ciudad andaluza, ya que en España el LUX Tour solo hizo parada en Madrid y Barcelona.

"Regresa BTS en el 2027 a México. Ya les vamos a dar las fechas", anunció la mandataria durante su rueda de prensa en la capital mexicana en la que compartió un vídeo del encuentro que sostuvo el miércoles con los integrantes del grupo en el Palacio Nacional.

Sheinbaum afirmó que hizo la propuesta directamente a la banda tras transmitirles "una demanda popular" de los mexicanos que forman parte de Army, como se conoce a los seguidores del septeto masculino, que desde hace meses pedían más conciertos por la alta demanda de entradas para sus presentaciones en Ciudad de México.

"Les hice una propuesta: ¿Quieren regresar el próximo año a México?", relató la presidenta, quien aseguró que los integrantes respondieron afirmativamente, aunque todavía deben revisar su agenda.

La mandataria recibió el miércoles a la agrupación en la sede del Ejecutivo mexicano, después de enviar una carta al presidente de Corea del Sur, Lee Jae-myung, para exponer la inconformidad de miles de seguidores por la escasez de entradas y pedir gestiones para que el grupo pudiera saludar a sus aficionados mexicanos.

Según Sheinbaum, la visita fue posible con apoyo del Gobierno surcoreano y de la secretaria de Cultura, Claudia Curiel, quien coordinó el encuentro en el Palacio Nacional.

La presidenta aseguró que cerca de 50.000 personas se reunieron en las inmediaciones del Zócalo capitalino para ver al grupo, cuyos integrantes salieron a saludar desde uno de los balcones.

Sheinbaum aseguró que los artistas surcoreanos le expresaron que "México tiene una energía que no tiene ningún otro lugar del mundo".

La mandataria describió a los jóvenes como "sencillos", "modestos" y "tranquilos", destacó el impacto cultural de BTS entre la juventud mexicana y señaló que sus canciones promueven mensajes de paz, salud mental y amor.

La banda surcoreana, referente mundial del K-pop, había visitado México por última vez hace ocho años, antes de que sus integrantes cumplieran el servicio militar obligatorio en Corea del Sur que les obligó a pausar sus actividades como conjunto hasta este año.

Luego de que la banda de Liverpool se separara, McCartney reconstruyó su carrera desde cero y encontró refugio en su entorno familiar. La decisión de crear Wings fue clave para alejarse del pasado, apoyado por el soporte emocional y creativo de Linda McCartney.

Este proceso, explorado en el documental Man on the Run, permitió a McCartney experimentar con nuevas canciones, conectar con nuevas audiencias y consolidar una vida familiar lejos del centro de atención.

“No fue fácil. The Beatles fue una banda tan grande que te preguntas: ¿cómo sigues después de algo así?”, aseguró y recordó el músico de 83 años.

Explicó que la presión solo dejaba dos opciones: abandonar o continuar en la música, y para él no era una verdadera elección. “No quería crear un súpergrupo con amigos famosos. Volví al inicio, recordando cómo empezamos The Beatles: desde cero”, detalló.

El proceso de reinvención incluyó rechazar la idea de formar grupos monumentales y optar, en cambio, por volver a los orígenes, según describió el propio McCartney. La presión de la crítica y la incertidumbre marcaron esos primeros años tras la separación.

La búsqueda de identidad: superar la etiqueta de Beatle

El reto era escapar del estigma de “Beatle”. Destacó durante la entrevista que su principal objetivo fue encontrar una nueva identidad musical. “Si intentábamos formar un grupo nuevo, había que lograr que la gente no nos relacionara solo con los Beatles… Fue entonces cuando nacieron canciones como Band on the Run y Jet, que no suenan en absoluto a los Beatles”, describió.

Admitió que esta libertad era una ventaja y una dificultad: “No me detenía a pensar las cosas, simplemente seguía mi instinto, aunque después me preguntara por qué había tomado determinadas decisiones”. Sin embargo, insistió en que mantenerse fiel a sí mismo y dejar espacio a lo imprevisible fue esencial en su camino de renovación.

Wings: un nuevo proyecto y la validación ante el público

La formación de Wings permitió al artista británico enfrentarse a públicos y escenarios nuevos, lejos del impacto inicial de The Beatles. “Wings vive a la sombra de The Beatles... pero ahora hay muchas personas que crecieron con esas canciones”, explicó.

El músico evocó los conciertos en lugares emblemáticos y la colaboración con miembros como Denny Laine. “Él entendió lo que intentábamos construir”, recordó. La voz y el entusiasmo de Linda McCartney también fueron fundamentales: “Linda no tenía formación formal, pero su voz y el amor por el canto le daban a las armonías una autenticidad que no se podía imitar”.

Aunque la etapa de Wings no siempre fue destacada en los titulares, McCartney insistió en su impacto duradero. “Hoy ves a gente haciendo el signo de Wings en los conciertos; hay niños y mayores juntos disfrutando de aquellas canciones”, expresó.

Man on the Run: escape y reinvención constante

El documental Man on the Run funciona como metáfora de una vida en busca de nuevos horizontes. “No huía de la ley, sino de mí mismo, de mi situación”, señaló McCartney.

La grabación en lugares como Nashville, Nueva Orleans y Lagos aportó una atmósfera única a su música, aunque el principal valor radicaba en la libertad de moverse y descubrir nuevos paisajes. “El ambiente y la actitud de seguir adelante era lo más valioso”, comentó el ex Beatle.

Fiestas intensas, incidentes inesperados y encuentros fortuitos, incluido el recordado episodio en Japón, ofrecieron libertad creativa para McCartney y su grupo. “Lo importante estaba en vivir sin preocuparse por la historia o las expectativas”, apuntó.

Linda McCartney, motor íntimo y creativo

La presencia de Linda redefinió a Paul tanto en lo personal como en lo creativo. El músico la describió como una influencia liberadora: “Linda tuvo una crianza acomodada, pero no le gustaba ese destino. Su mentalidad abierta por el rock and roll me ayudó a no ser tan rígido”.

McCartney recordó que ambos habían optado por centrarse en la vida familiar y mantenerse alejados del entorno mediático, y señaló que todo giraba en torno a la familia. Linda fue siempre la primera oyente de sus temas y reconoció que “si a Linda le gustaba, probablemente funcionaba”.

Durante las giras, la familia viajaba unida: “No se trataba de arrastrar a los hijos por el mundo; era fundamental estar cerca, aunque eso implicara dormir en sitios poco convencionales”.

La vida cotidiana en la campiña escocesa, construir muebles y cultivar alimentos aportaron una sensación renovadora. “Linda me enseñó que está bien permitirse nuevas cosas; fue un motor emocional y creativo”, relató el músico.

Lennon y la reconciliación: de la rivalidad a la paz

La relación con John Lennon atravesó etapas de hostilidad tras la separación hasta alcanzar una reconciliación genuina. Paul rememoró los momentos de conflicto: “Al principio, John me lanzaba misiles a través de sus canciones”.

Sin embargo, con el tiempo, volvieron a conversar sobre temas cotidianos y familiares: “Charlábamos sobre los hijos, sobre hacer pan; fue reconfortante recuperar esa normalidad”.

“Cuando John murió, lo único que me consoló fue saber que habíamos hecho las paces. No sé cómo habría sido si hubiéramos seguido distanciados”, reconoció McCartney en la entrevista de Morgan Neville.

Con los años, la cotidianidad, la familia y la reconciliación cerraron heridas antes insuperables. Para McCartney, ofrecer a sus hijos recuerdos felices fue su mayor satisfacción.

A través de desafíos, reinvención y compañía, mostró que transformar la adversidad y disfrutar el proceso puede convertirse en su mayor acto de libertad y creación compartida.

El vínculo entre la industria musical y los videojuegos atraviesa un momento de expansión acelerada, con BTS como uno de los casos más representativos. La banda surcoreana ha logrado posicionarse dentro del ecosistema gamer a través de colaboraciones, experiencias interactivas y contenidos exclusivos, consolidando una estrategia que combina entretenimiento, tecnología y participación de audiencias globales.

En los últimos años, el grupo ha diversificado su presencia más allá de la música tradicional para integrarse en plataformas digitales y videojuegos. Uno de los ejemplos más claros es BTS World, un título narrativo que permite a los usuarios interactuar con una historia protagonizada por los propios integrantes de la banda.

El juego, desarrollado para dispositivos móviles, combina elementos de simulación y storytelling, y fue diseñado para fortalecer el vínculo entre los artistas y su comunidad de seguidores.

La incursión de BTS en el gaming también se ha extendido a eventos dentro de plataformas de alcance masivo como Fortnite. En este entorno, la banda ha participado mediante contenidos digitales y experiencias que integran música y jugabilidad, una tendencia que se ha vuelto cada vez más común en la industria.

Este tipo de colaboraciones permite a los artistas alcanzar audiencias que no necesariamente consumen música en formatos tradicionales, ampliando su impacto cultural.

Además de los videojuegos en sí, BTS ha impulsado contenido exclusivo en distintas plataformas digitales, reforzando su estrategia de expansión en entornos virtuales. Estas iniciativas incluyen lanzamientos especiales, experiencias interactivas y materiales diseñados específicamente para sus seguidores, conocidos como fandom global. La participación activa de esta comunidad ha sido clave para amplificar cada uno de estos proyectos.

El fenómeno no es aislado. La relación entre música y videojuegos se ha intensificado en los últimos años, impulsada por la evolución tecnológica y el crecimiento de las plataformas digitales. Los videojuegos han dejado de ser únicamente espacios de entretenimiento para convertirse en escenarios donde convergen distintas industrias culturales, incluyendo la música. En ese sebtido, artistas y desarrolladores encuentran nuevas formas de colaboración que generan experiencias híbridas.

Uno de los factores que explica este crecimiento es la capacidad de los videojuegos para ofrecer entornos inmersivos. A diferencia de otros formatos, permiten la interacción directa del usuario, lo que transforma el consumo de contenido en una experiencia participativa. Para los artistas, esto representa una oportunidad de conectar con su audiencia de manera más profunda y sostenida en el tiempo.

En paralelo, las comunidades de fans han adquirido un rol cada vez más relevante. En el caso de BTS, su fandom global ha sido un motor fundamental para el éxito de sus incursiones en el gaming. La capacidad de movilización de estos seguidores no solo impulsa la difusión de los contenidos, sino que también contribuye a consolidar nuevas formas de consumo cultural.

La integración entre música y videojuegos también responde a cambios en los hábitos de las audiencias, especialmente entre los usuarios más jóvenes. El consumo de entretenimiento tiende a concentrarse en plataformas digitales donde convergen múltiples formatos, desde streaming hasta videojuegos. En ese escenario, las fronteras entre industrias se vuelven cada vez más difusas.

Para la industria del gaming, estas colaboraciones representan una oportunidad de diversificar su oferta y atraer nuevos públicos. Para la música, en tanto, abren una vía alternativa de distribución y promoción. El caso de BTS muestra cómo esta convergencia puede traducirse en proyectos concretos que combinan narrativa, interacción y comunidad.

A medida que esta tendencia continúa en expansión, se espera que más artistas y desarrolladores exploren este tipo de iniciativas. La experiencia de BTS funciona como un ejemplo de cómo la integración entre música y videojuegos puede redefinir la forma en que se produce, distribuye y consume el entretenimiento en la era digital.

"Hola, somos BTS. Muchas gracias por vernos, no podemos esperar a que empiecen los conciertos, los amo, los quiero. Muchas gracias”, explicó uno de los integrantes al salir de uno de los balcones de la sede del Ejecutivo.

Tras la alta demanda de los conciertos por celebrarse este jueves, sábado y domingo, Sheinbaum pidió a BTS que regresara el próximo año al país norteamericano, donde residen aproximadamente cuatro millones de seguidores, conocidos popularmente como ARMYs.

"Les he dicho que tienen que regresar el año que viene", afirmó la mandataria.

Entre los gritos y sollozos de los fans, en su mayoría compuesto por mujeres, otro miembro de la banda intentó superponer su voz por los altavoces.

"No hablo español muy bien. Hemos extrañado muchísimo a México, venir a México es increíble", dijo.

 Horas bajo el sol

Desde temprano, la multitud de seguidores estuvo a más de 30 grados bajo el sol en la explanada del Zócalo capitalino, la plaza pública más grande del país, donde algunos de ellos fueron refrescados con chorros de agua a través de mangueras dispuestas por el Gobierno capitalino.

"Los he estado esperando desde hace 11 años, a BTS, que hayan vuelto es muy grande. Para mí son mi tesoro, mi vida”, explicó Josh, quien cargaba múltiples objetos, como abanicos o llaveros, con la cara de sus ídolos.

Aunque Sheinbaum extendió una carta al mandatario coreano Lee Jae-myung para ampliar las fechas de los conciertos de BTS en el Estadio GNP de la capital mexicana, muchos aficionados lograron conseguir boletos en las engorrosas filas virtuales.

“Gracias a la presidenta por habernos dado esta oportunidad de saludarlos aunque sea, porque muchas chicas tristemente no alcanzaron boleto, pero tienen una oportunidad de conocerlos un poco y de estar conviviendo con ellos”, afirmó la aficionada, quien recuerda vívidamente el último concierto de la banda en 2017.

Marta, una joven de unos 20 años, es otra de las muchas que se acercaron al multitudinario encuentro tras la imposibilidad de asistir al Estadio GNP (antes Foro Sol).

"No tengo boleto, por eso vine, porque quiero verlos aunque sea un segundo, de cerca. Fui a ver a Hobby (rapero de BTS) el año pasado que vino y también quiero hacerlo por él, porque él puso expectativas altas en México. Quiero que él vea que lo hicimos, que lo logramos", subrayó.

Además, reconoció la visita de los coreanos como "un boom cultural" para México, que sigue aumentando su potencial en este sector de la industria musical con esta visita, según los aficionados.

BTS arranca su gira 'Arirang' internacionalmente este jueves en México, tras un parón obligatorio -de casi cuatro años- para que cada uno de los integrantes pudiera cumplir con su servicio militar.

La segunda fecha del Top Show Colombo 2026 se realizará este miércoles 6 de mayo en el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, en Bogotá, con un concierto gratuito enfocado en la diversidad y la identidad en la música.

El evento, bajo el lema “Unlabeled #SinEtiquetas”, contará con la participación de La Ramona, Lady Arias, LoMaasBello y Dolores Te Canta, quienes representan el aporte de la comunidad LGBTQ+ a la escena cultural.

El evento es gratuito, dirigido al público de Bogotá y centrado en celebrar la inclusión, la representación y la libertad artística de la LGBTQ+ a través de propuestas musicales diversas e innovadoras.

La sexta edición del Top Show Colombo es una iniciativa cultural organizada por el Centro Colombo Americano junto con el Instituto Distrital de las Artes (IDARTES). El lema “Unlabeled #SinEtiquetas” orienta esta edición hacia el reconocimiento del papel histórico y social que la música desempeña en la reivindicación de la comunidad LGBTQ+, así como en la construcción de nuevas narrativas de resistencia desde el arte.

Artistas, propuestas y mensajes en el Top Show Colombo

La presentación suma estilos contemporáneos y enfoques que buscan visibilizar identidades. La Ramona ha adelantado que ofrecerá sorpresas y la interpretación de su nueva canción “Amar sin fallar”.

LoMaasBello anunció que en el escenario participará la mesa afro ballroom y que interpretará canciones de su álbum “Marica de Barrio”. Lady Arias y Dolores Te Canta cierran el cartel, aportando a la pluralidad sonora y reflexiva de la jornada.

Para la organización, este concierto representa un espacio donde se honra y celebra la contribución de la comunidad LGBTQ+ a las músicas de Colombia y el mundo. El evento busca ser un punto de encuentro para distintas voces y experiencias, reuniendo diversidad y libertad de expresión en la capital.

Impacto cultural y cifras del festival

El Top Show Colombo se ha consolidado como uno de los festivales gratuitos más relevantes de Bogotá. Su programación del 6 al 14 de mayo abarca cuatro escenarios con una asistencia proyectada de más de 20.000 personas.

La inversión de 1.500 millones de pesos en la edición 2026 permite la generación de cerca de 400 empleos directos e indirectos en el sector cultural y creativo. Además, el festival reúne a más de cien artistas y quince agrupaciones tanto nacionales como internacionales.

La presencia internacional se reflejó en el evento inaugural realizado en la Media Torta, donde participaron figuras como La Bruja de Texcoco (México), Kudai (Chile), Kumbia Queers (Argentina) y Johann Vera (Ecuador).

Una plataforma por la inclusión y la diversidad

Durante seis años, el Centro Colombo Americano ha posicionado el Top Show Colombo como una plataforma para la inclusión cultural. Certificada en no discriminación, la organización promueve espacios que garantizan derechos culturales y acceso universal a las artes.

En colaboración con IDARTES, el festival integra conciertos, actividades pedagógicas y espacios de debate sobre derechos y políticas públicas para artistas LGBTQ+. El enfoque de “Unlabeled #SinEtiquetas” apunta a superar los límites de género, crear espacios seguros y propiciar reflexiones sobre la representación social en la música.

Los escenarios principales —el Teatro Jorge Eliécer Gaitán, el Parque de los Hippies y las sedes del Centro Colombo Americano— se convierten en territorios de libre expresión para comunidades tradicionalmente subrepresentadas.

Unlabeled: Qué significa

La adopción del término “unlabeled” representa un cambio relevante en el debate sobre la diversidad sexual y de género. Esta palabra describe a personas del colectivo LGBT+ que eligen no identificarse mediante etiquetas tradicionales de orientación sexual, identidad o expresión de género, y cuenta con una bandera propia que simboliza esta opción abierta e inclusiva.

El término “unlabeled” se refiere a quienes prefieren no definir su orientación sexual, identidad o expresión de género conforme a categorías convencionales. Surgió en sus inicios dentro del movimiento lésbico, especialmente para aquellas personas que no se sentían identificadas con etiquetas como “femme” o “butch”. Con el tiempo, el concepto se expandió y hoy reúne a quienes desean explorar su identidad sin ataduras, contando desde 2021 con una bandera reconocida que se ha hecho visible en comunidades digitales y fandoms como el de la serie “Young Royals”.

La música de Michael Jackson volvió a dispararse en Colombia. En la última semana, las reproducciones del artista crecieron un 70% en Spotify, impulsadas por el reciente estreno de la película Michael, protagonizada por su sobrino Jaafar Jackson. El fenómeno también se reflejó en el comportamiento de los usuarios, con un aumento del 88% en la inclusión de sus canciones en playlists dentro del país.

El impacto no se limita al ámbito local. Colombia se posicionó como el país número 16 a nivel global en consumo de la música del llamado “Rey del Pop”, mientras que Bogotá ingresó al top 10 de ciudades con mayor número de reproducciones, ubicándose en el noveno puesto a nivel mundial. Estos datos reflejan un renovado interés por la obra del artista, incluso décadas después de su fallecimiento.

El repunte también revela un cambio en el perfil de la audiencia. Lejos de tratarse únicamente de oyentes que vivieron el auge de Jackson en las décadas de 1980 y 1990, el 68% de quienes lo escuchan actualmente en Colombia tienen menos de 34 años. Esto indica que nuevas generaciones están redescubriendo su catálogo y consumiéndolo como si se tratara de lanzamientos recientes.

A nivel global, el fenómeno también es visible. Tras el estreno de la película, 13 canciones de Michael Jackson ingresaron a los rankings globales de Spotify. Entre ellas destacan “Billie Jean”, que alcanzó el cuarto lugar con 4,65 millones de reproducciones, y “Beat It”, en la sexta posición con 4 millones. Ambas canciones, lanzadas hace más de cuatro décadas, mantienen una vigencia poco habitual en la industria musical.

El catálogo del artista sigue siendo uno de los más influyentes de la historia. Su álbum Thriller, lanzado en 1983, continúa siendo el disco más vendido de todos los tiempos, con más de 100 millones de copias distribuidas a nivel mundial. Este récord refuerza el impacto cultural de Jackson, cuya música ha trascendido generaciones y formatos.

En Colombia, el ranking de canciones más escuchadas en Spotify refleja la permanencia de sus grandes éxitos. “Billie Jean” encabeza la lista, seguida por “Beat It” y “Smooth Criminal”. También figuran temas como “Don’t Stop ’Til You Get Enough”, “Thriller” y “They Don’t Care About Us”, entre otros clásicos que han definido su carrera.

El impulso generado por producciones audiovisuales no es un fenómeno nuevo en la industria musical. Series, películas y documentales suelen reactivar el interés por artistas y catálogos específicos, generando picos de consumo en plataformas digitales. En este caso, el estreno de Michael funcionó como catalizador para que nuevas audiencias se acerquen a su música y para que los fans históricos retomen su escucha.

A 16 años de su muerte, Michael Jackson continúa siendo una figura central en la cultura pop global. Su capacidad para generar impacto, tanto en vida como después de su fallecimiento, lo posiciona como uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos. El reciente aumento en reproducciones en Colombia es una muestra de que su legado no solo se mantiene vigente, sino que sigue expandiéndose.

El comportamiento del público también refleja cómo han cambiado los hábitos de consumo musical. Las plataformas de streaming permiten que el acceso a catálogos históricos sea inmediato, lo que facilita que artistas de distintas épocas convivan en las listas actuales. En ese contexto, figuras como Michael Jackson logran mantenerse relevantes en un entorno dominado por lanzamientos constantes.

El “efecto Michael Jackson” demuestra que la combinación entre contenido audiovisual y plataformas digitales puede reactivar el interés por artistas clásicos, generando nuevos ciclos de consumo. En Colombia, este fenómeno se traduce en cifras concretas que consolidan, una vez más, la vigencia del Rey del Pop en la era del streaming.

La reacción del público y el jurado fue inmediata ante una actuación que combinó técnica y emoción, abriendo las puertas para que Lourdes subiera al escenario principal. El hecho de que una cantante de ópera, formada en una provincia del norte argentino, lograra semejante impacto en un concurso nacional, pone en primer plano la diversidad de historias y trayectorias que convergen en el programa conducido por Guido Kaczka.

Lourdes compartió en cámara detalles de su recorrido personal. “Yo estudio ópera. Amo todos los estilos de música, pero desde muy chiquita me gustó y me quise dedicar a eso”, recordó la participante durante su presentación. El contraste de estilos fue parte de su relato: “Empecé a los 15 con una banda de rock, nada que ver, pero me encantaba en su momento”.

El camino de la joven catamarqueña no comenzó en los salones clásicos, sino en el universo del rock adolescente. Su tránsito de un género a otro revela la amplitud de intereses musicales que coexisten en su formación. A pesar de esa diversidad, la ópera terminó imponiéndose como su verdadera vocación.

Al ser consultada por la elección del italiano y su vínculo con la música lírica, Lourdes ofreció una explicación íntima: “Tengo abuelos de ascendencia europea y yo creo que de ahí bajó esa semillita”. La conexión familiar con Europa, según su testimonio, fue la chispa que encendió su amor por la ópera y el idioma en el que decidió presentarse ante el jurado.

La noche de la gala, Lourdes no solo impresionó por la potencia de su voz, sino también por la solvencia emocional con la que enfrentó el escenario. La tensión previa al desempeño fue tema obligado en la conversación con el conductor. “Estoy feliz y contenta. Por un lado me parece lindo, pero por otro, más o menos por los nervios”, confesó ante las cámaras.

Sin embargo, para la cantante, los nervios lejos de ser un obstáculo constituyen una parte esencial del arte. “Esto hace que uno sea artista, porque el día que uno no los sienta más, para mí hay que retirarse. Los nervios te hacen vivir”, reflexionó Lourdes, dejando un mensaje sobre la energía vital que implica exponerse en público.

La historia de Lourdes en Es mi sueño sintetiza el espíritu del ciclo: participantes que encuentran en la música un canal para expresar historias de vida, orígenes diversos y sueños personales. El formato del programa, que premia la autenticidad y el talento, se convirtió en el escenario donde Lourdes pudo mostrar una faceta poco frecuente en los concursos televisivos: el canto lírico en su versión más tradicional.

Lourdes demostró que la ópera puede emocionar a públicos amplios y sorprender a jurados acostumbrados a géneros más populares. Al lograr activar las tres palancas verdes y subir al palco, Lourdes se consolidó como una de las voces a seguir dentro de la competencia. Su caso resalta cómo, en un espacio pensado para todo tipo de talentos, el riesgo artístico y la fidelidad a los orígenes pueden marcar la diferencia.

Lourdes Coolgoni se suma así al listado de participantes que, a través de su historia personal y su propuesta artística, redefinen los límites del concurso. El impacto de su paso por el escenario del Teatro Ópera promete resonar más allá de una sola noche de televisión: su interpretación en italiano y su defensa de la ópera abren nuevas puertas para la diversidad musical en la televisión argentina.

Pablo Alborán ha compartido en Televisión Española una visión íntima sobre el amor, la sensibilidad artística y el significado de sus raíces personales y profesionales, durante su reciente participación en el programa ‘Al cielo con ella’. El cantante malagueño se ha abierto sobre su trayectoria, su manera de componer y la influencia que su entorno y su familia han tenido en su obra, desgranando detalles sobre su proceso creativo y su recorrido vital.

Las primeras experiencias musicales de Pablo Alborán han estado marcadas por su tendencia a escribir desde la infancia; según ha contado en la entrevista, con solo doce años ya compuso “Desencuentro”, un tema inspirado en historias ajenas, en una etapa previa a vivir historias de amor propias.

Alborán ha subrayado la fuerza de la sensibilidad como motor artístico y ha afirmado: “Soy una persona sensible, yo le doy lugar a las emociones mías, del otro y eso hace que el mundo avance”. Esta disposición a sentir ha marcado tanto su música como su modo de relacionarse y entender la vida.

Romanticismo y vivencias personales

Durante su intervención, el artista ha insistido en que el romanticismo es una faceta central de su identidad: “He sido muy intenso y soy intenso, para lo bueno, para lo malo y para todo”, ha afirmado en una conversación con Henar Álvarez.

Alborán ha señalado que la diferencia entre la ficción y la realidad afecta a la forma de amar: “Una cosa son las películas y otra cosa es la mirada en el momento oportuno”, ha señalado antes de zanjar con humor: “Soy romántico y ya está”. Esta perspectiva impregna sus canciones, que según el propio artista pueden interpretarse desde ángulos muy diversos por parte de quienes las escuchan.

La entrevista ha abordado también el impacto de experiencias personales profundas en su música. Alborán ha relatado un episodio reciente: “Hace un año y medio mi familia pasó por un proceso de trasplante de médula, quimioterapia, inmunosupresión y se curó pero pasamos un infierno”. Según describe, tras superar ese periodo, recuperó la ilusión, la pasión y el respeto hacia el trabajo, el amor y las relaciones, lo que ha dado origen a nuevos temas y a su última gira, que define como la más íntima de su carrera.

El programa ha incluido momentos lúdicos, actuaciones en directo y anécdotas vinculadas al humor y a su vida profesional. Alborán ha interpretado en plató canciones como “Mis 36” y ha recordado cómo su acercamiento a la música surgió antes de sus propias experiencias sentimentales, recogiendo historias de su familia y de su círculo cercano: “Recogía las historias que veía sobre mi familia, mis amigos y de pronto me dejaba llevar por ese camino”.

Identidad, públicos y raíces

El cantante insiste en que contar historias de amor no requiere necesariamente haberlas vivido: “Siempre hay algo que decir”, ha declarado. Más allá del aspecto artístico, Pablo Alborán ha reflexionado sobre las diferencias entre los públicos español y latinoamericano en su actual gira mundial. Ha observado que en Latinoamérica la intensidad es especial debido a la menor frecuencia de conciertos, lo que se refleja en el fervor del recibimiento y en los regalos preparados con tiempo por sus seguidores.

Sin embargo, ha remarcado la importancia de España en el inicio y consolidación de su carrera, agradeciendo a los seguidores españoles por permitirle expandirse internacionalmente: “Este país, España, ha sido el que ha hecho que yo pueda ir a Latinoamérica o a Europa”, ha remarcado.

En el mismo contexto, Alborán ha denunciado de forma explícita cuestionamientos sobre su identidad nacional debido a los orígenes de su madre: “Mi madre es francesa y nacida en Marruecos. Ahora algunos dicen que no soy español porque no soy de padre y madre españoles. Ya no soy español según quién…”, ha criticado con ironía, reivindicando con contundencia su arraigo y pertenencia: “España es mi país, he nacido aquí”, ha rematado.

El sentido del humor y la espontaneidad se han mantenido a lo largo de la entrevista. Uno de los momentos destacados se ha producido cuando, tras declararse seguidor del cine de terror, el cantante ha sido sorprendido en pleno plató por una persona disfrazada de Ghostface, el personaje de la saga Scream, provocándole un gran susto mientras respondía a preguntas sobre sus películas favoritas. “Hijo de perra”, ha exclamado entre risas y abrazos de la presentadora.

La noche del 2 de mayo Shakira transformó Copacabana en un escenario multitudinario y tuvo un impacto directo en las cifras de consumo en Spotify, con registros de crecimiento que superaron cualquier expectativa previa.

Cuál fue el impacto de Copacabana en las cifras de Shakira en Spotify

Apenas concluyó el espectáculo, la reacción en Spotify fue instantánea. En solo un día, los streams globales de Shakira aumentaron un 23%, alcanzando más de 24,6 millones de reproducciones. Este salto no se limitó a Latinoamérica: países como Suecia y Finlandia figuraron entre los mercados que experimentaron el mayor crecimiento fuera de la región habitual de la cantante.

El impacto quedó especialmente evidenciado en Brasil, donde el consumo de la música de Shakira se disparó. En apenas 24 horas, los streams en territorio brasileño crecieron 275%, sumando casi cinco millones de reproducciones y más de 789 mil oyentes únicos.

Estos datos reflejan un comportamiento atípico para la plataforma. Habitualmente, tras un evento musical masivo, se observa un aumento moderado en las escuchas, pero el caso de Shakira y Copacabana sobresale no solo por la magnitud del crecimiento, sino por la velocidad con la que se propagó a nivel mundial.

Las canciones que lideraron el fenómeno

El efecto arrastre de un concierto de tal envergadura se tradujo en picos de popularidad para varias canciones del repertorio de la artista. A nivel global, temas como Did It Again (feat. Kid Cudi) experimentaron un crecimiento del 442%, Gypsy creció un 240%, y Pies Descalzos, Sueños Blancos subió un 238% en escuchas.

En Brasil, la respuesta fue aún más pronunciada. Las mismas canciones superaron incluso esas cifras, con incrementos de hasta 1.193%. Este fenómeno revela cómo la interacción en vivo puede influir no solo en la audiencia presencial, sino también en millones de oyentes digitales alrededor del planeta.

El comportamiento de los usuarios de Spotify tras el concierto fue igualmente llamativo en otros aspectos. En un solo día, se guardaron más de 357 mil canciones de Shakira en las bibliotecas personales de los usuarios, lo que representó un aumento del 117% respecto a los días previos.

Durante la madrugada posterior al concierto, la plataforma registró picos de escucha, prueba de que el entusiasmo del evento se trasladó inmediatamente al consumo digital. Es una muestra clara de cómo un momento en vivo puede modificar de manera directa y masiva los hábitos de consumo musical.

Cómo fue el concierto de Shakira en Copacabana

El megaconcierto en Copacabana no solo fue un espectáculo musical, sino también un evento cultural de dimensiones históricas. Shakira se convirtió en la primera artista latina en encabezar un espectáculo de tal magnitud en la playa de Río de Janeiro, y superó las cifras de asistencia de otros referentes globales como Madonna y The Rolling Stones.

El repertorio incluyó 30 canciones que recorrieron las tres décadas de carrera de la cantante, desde los éxitos iniciales como Estoy Aquí hasta colaboraciones recientes como la Music Sessions, Vol. 53 junto a Bizarrap. La artista también rindió homenaje a la música brasileña y compartió escenario con figuras locales como Anitta, Caetano Veloso y María Bethânia, consolidando así el vínculo con el público anfitrión.

Más allá de lo musical, el concierto fue un acto de identificación y empoderamiento femenino, con mensajes dirigidos a las mujeres y momentos de conexión emocional que se reflejaron en la interacción del público tanto en la playa como en el entorno digital.

La magnitud del evento se tradujo en un fenómeno global de interacción digital. El hecho de que Shakira haya reunido a dos millones de personas en Copacabana no solo la situó por encima de otros artistas internacionales en términos de convocatoria, sino que además impulsó su alcance en plataformas de streaming a niveles récord.

La figura de Kurt Cobain y su banda Nirvana marcaron un antes y un después en la historia de la música de los 90. Con su actitud desafiante y su voz rota, el músico nacido en Aberdeen, Washington, se convirtió con apenas 24 años en el emblema de una generación que buscaba algo más que estribillos pegadizos: quería verdad y desgarro, y ya de paso, que estos vinieran envueltos en distorsión.

Fue en ese contexto donde apareció Smells Like Teen Spirit, la canción que no solo cambió la historia de Nirvana, sino que redefinió el rumbo de la música en los años 90. El tema surgió casi por accidente, inspirado por una frase garabateada en la pared del apartamento del cantante por Kathleen Hanna, vocalista de la banda Bikini Kill, que escribió: “Kurt huele a espíritu adolescente”.

Kurt Cobain interpretó el mensaje como un guiño a la rebeldía juvenil, sin saber que en realidad hacía referencia a un desodorante popular entre adolescentes. “Pensé que era una reacción a nuestra charla sobre la revolución adolescente, pero en realidad se refería al desodorante. No supe que existía ese producto hasta meses después”, reconocería él mismo en el documental Come as You Are: The Story of Nirvana, lanzado en 1993.

El complicado desarrollo de ‘Smells Like Teen Spirit’

A pesar de la idea, todavía quedaba un arduo proceso creativo por delante. Cobain buscaba crear “la canción pop perfecta”, tomando como referencia la dinámica de los Pixies, banda a la que idolatraba. El resultado fue una mezcla de crudeza, melodía y angustia que, sin proponérselo, se convirtió en el himno de los que no tenían himno.

Algunos de los aspectos que iban saliendo no convencían del todo al cantante. “El riff me parecía un cliché”, admitía en una entrevista concedida a la revista Rolling Stone en 1994. Sin embargo, el desarrollo en la sala de ensayo, con los aportes de Krist Novoselic y Dave Grohl, transformó la pieza en una explosión de energía y crudeza que pronto dejaría de lado cualquier comparación.

El debut público de Smells Like Teen Spirit tuvo lugar el 17 de abril de 1991 en el OK Hotel de Seattle y generó una ola de entusiasmo inmediato. Pocas semanas después, la banda ingresó al estudio para grabar su disco más recordado, Nevermind. El productor Butch Vig quedó impactado desde los primeros acordes, percibiendo que tenían entre manos algo “explosivo”.

El éxito masivo

En ese momento, la banda no imaginaba el alcance que tendría el tema. De hecho, Grohl confesó que preferían que el sencillo principal fuera In Bloom, mientras que el sello discográfico apostaba por Come as You Are. Contra todo pronóstico, Smells Like Teen Spirit fue el elegido, con un videoclip ambientado en un sombrío gimnasio escolar que ya es historia de la MTV.

Para enero de 1992, Nevermind ya había destronado a Dangerous de Michael Jackson en el primer puesto de Billboard, consagrando a Nirvana como la voz de una nueva generación. El tema se transformó en un himno inesperado, tan potente que incluso Cobain llegó a sentirse incómodo con su éxito. Un sentimiento que le acompañaría hasta el momento de su muerte, dos años después.

Contra lo que se suele creer, Nirvana no inventó el grunge, pero el éxito de la banda masificó el género y lo volvió una seña de identidad. “Desafió todas las reglas sobre cómo funciona la música y cuánta emoción pura se puede condensar en cuatro acordes sencillos y un solo de guitarra insignificante”, opinaba el crítico Rob Sheffield en Rolling Stone, cuando el medio decidió situarla como la mejor canción de la década de los 90. “Fue la canción que le dio una patada al futuro”.

Reunir a las grandes figuras de la música en un solo escenario es un desafío que rara vez se repite en la historia, más allá de las galas de premios. Las agendas, los egos y los compromisos suelen alejar a estos talentos de un encuentro conjunto. Sin embargo, hace cuarenta años, un evento logró que artistas como Paul McCartney, Eric Clapton, Mark Knopfler, Tina Turner y Elton John compartieran escenario en el estadio de Wembley.

El impresionante plantel que participó en esta actuación conjunta hace que muchos se pregunten si, acaso, no es este el concierto con más estrellas de la historia, por encima de otros eventos conocidos como el Live Aid, el Festival de Woodstock de 1969 o el concierto de The Freddie Mercury Tribute Concert. En esta ocasión, el motivo sería el décimo aniversario de la asociación The Prince’s Trust, una asociación dedicada a apoyar a jóvenes en situaciones de vulnerabilidad fundada por el (entonces) Príncipe de Gales, actual monarca del Reino Unido.

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Aquel concierto, celebrado para conmemorar los primeros diez años de The Prince’s Trust, no solo fue un despliegue de estrellas sino que tuvo un objetivo claro: apoyar a jóvenes en situación de desventaja en el Reino Unido. Fundada por Carlos, entonces Príncipe de Gales, la organización brinda mentoría, formación laboral y asistencia financiera, logrando que el 80% de los beneficiarios accedan a empleo, educación o voluntariado.

El evento atrajo a una multitud que no solo buscaba escuchar clásicos de la época como Get Back o Long Tall Sally, sino también presenciar encuentros históricos. No en vano, no se trataba de un programa donde las estrellas irían desfilando una tras otras, sino una oportunidad única para verlas tocar juntas en una banda formada por Eric Clapton, Phil Collins, Mark Knopfler y Tina Turner, entre muchos otros.

Así, durante la segunda mitad del concierto, el público fue testigo de la creación del grupo The Prince’s All Stars. “La audiencia estuvo increíble, la banda de acompañamiento fue espectacular y disfruté cada minuto”, reconocería más adelante Paul McCartney, que protagonizó una de las actuaciones de la noche. Como es lógico, el cantante de Los Beatles sería quizá la mayor estrella del evento, pero incluso él fue presentado como “un amigo” más, justo antes de unirse a estrellas como Elton John en un “cumpleaños inolvidable” para la organización benéfica.

Sin embargo, y pese a ya contar con un elenco tan prestigioso, al evento no le faltaron sorpresas. David Bowie y Mick Jagger no figuraban entre los incluidos al principio, pero finalmente interpretaron en directo su colaboración Dancing In The Street allí. Junto a ellos también estaría, de nuevo, McCartney, a quien convencieron cuando poco antes lo visitaron en su camerino.

La fuerza de ese encuentro no residió únicamente en el despliegue de éxitos, sino en la imagen de unidad que mostraron algunos de los artistas más exitosos del planeta y de su respaldo a toda una generación de jóvenes con problemas económicos. Cada interpretación fue una declaración: la música puede ser motor de cambio, puente entre generaciones y catalizadora de esperanza.

Es el cantante contemporáneo italiano más conocido en nuestro país junto a Laura Pausini, y eso se ha notado en su concierto en el Movistar Arena de Madrid donde ha aterrizado su gira Una historia importante, después de pasar por Barcelona, con un ‘sold out’ en toda regla.

A Eros Ramazzotti lo conocimos en los años noventa gracias a canciones como Più bella cosa (también conocida como Gracias por existir) y entraría a formar parte de la cultura popular por sus composiciones y su tono característico de voz, de marcado timbre nasal, tan único y absolutamente reconocible.

Ha cumplido cuarenta años en la música y, para celebrarlo, ha concebido este tour como una especie de homenaje a su trayectoria, basando su ‘set-list’ mayormente en temas del pasado que lo han definido como artista.

Canción melódica con alma rockera

Al artista romano siempre se le ha identificado con la balada y la canción melódica, sin embargo, sus conciertos sirven para demostrar su alma rockera. Ramazzotti es poseedor de un impresionante catálogo de temas icónicos de naturaleza pop pero, al escucharlos en directo, adquieren una dimensión diferente, como si se revelaran como los himnos absolutos que son.

En ese sentido, el show resultó verdaderamente apoteósico, demostrando que no se necesita de parafernalia para vibrar y generar emociones. Basta con un buen repertorio (en este caso, fantástico), una potente banda y un artista generoso que, a sus 62 años, es capaz de estar a un nivel vocal superlativo durante más de dos horas sin descanso.

El espectáculo arrancó con Taxi Story, canción de 1989, casi sus inicios, lo que podía dar una idea del carácter retrospectivo (que no nostálgico) de lo que vendría a continuación.

Un repertorio de hits apoteósico

El ambiente comenzó a caldearse con Stella Gemella con sus buenas dosis de guitarra para continuar con la preciosa Adessu tu y la fundacional Una Storia Importante, con la que participó en Sanremo y que da título a la gira.

Uno de los momentos más emocionantes llegó con Se bastaste una canzione, cuya letra sigue teniendo todavía la misma vigencia que cuando apareció en 1997. Y no, Eros Ramazzotti no es un artista ñoño como algunos pudieran pensar. Solo hace falta ver cómo culmina ese tema con un riff de guitarra catártico que nadie vio venir.

Ramazzotti alternó en los temas el italiano y el español, aunque reconociera que le faltara práctica y que su castellano era “una mierda”. No es cierto, ya que en los temas ambos idiomas se mezclaban y unían de una manera simbiótica.

En algunos momentos, en la pantalla aparecieron reflexiones sobre su pasado y también sobre el futuro, que daban paso a bloques temáticos. El último de ellos, antes de pasar a los vises, lo protagonizó la enorme Cosse Della Vita, ya con el éxtasis en el ambiente.

Ramazzotti subió a un niño al escenario que cantó junto a él, se hizo ‘selfies’ mientras actuaba, se bajó del escenario y anduvo entre el público, fue capaz de emocionar, de poner la piel de gallina en más de un momento tan solo con el poder de la buena música en directo.

Cuando entonó Cosa Piu Bella como cierre, Eros ya había conseguido que todos los asistentes del Movistar Arena pensaran, “gracias por existir”.

Que un grupo musical tan reconocido como Miranda! participase en el Benidorm Fest pilló por sorpresa a muchos de sus fans. El dúo argentino conformado por Alejandro Sergi y Juliana Gattas es una de las mayores referencias del pop latinoamericano, y tras un cuarto de siglo en el que han sido escuchados por millones de personas, eran ahora ‘unos concursantes más’ en un evento en el que, normalmente, habrían formado parte del jurado.

“Sabíamos a lo que íbamos, pero aun así fue una experiencia surrealista”, confiesan ambos en su entrevista con Infobae. Su objetivo era darse a conocer a un público español para el que quizá su trayectoria era menos conocida, aunque eso no les haya impedido aspirar a llenar el Movistar Arena de Madrid el próximo 11 de noviembre y el Palau Sant Jordi de Barcelona el 12 de noviembre.

Así, participar en el Benidorm Fest tuvo su parte de “capricho fetichista”, pero también de carta de presentación para empezar a promocionar los mayores shows que habrán dado hasta la fecha en España. “Por más que tengamos una carrera, sería muy necio por nuestra parte pensar que todo el mundo nos conoce”, afirma Sergi. “Siempre hay gente que no nos ha escuchado, hay público nuevo, y a nosotros nos gusta que cada vez se acerque más gente a nuestra música”.

Tener buenas ideas en la sociedad de la imagen

Además de Perfecta, Tu Misterioso Alguien o Me Gusta, Miranda! es un grupo en el que la presencia escénica y el apartado visual importan tanto como sus canciones. “De hecho, los instrumentos llegaron mucho después”, ríe Juliana Gattas. “Primero teníamos ropa y fantasías de ser Bowie, Madonna y Michael Jackson. Teníamos todas esas influencias porque nosotros somos dos ratitas de MTV. A mí me impactaron muchísimo los videoclips, y cuando hicimos el proyecto, lo que quería hacer eran shows, pero también videoclips en vivo. Hacíamos lo que nos hubiese gustado ver a nosotros”.

Los medios, no obstante, han evolucionado mucho desde entonces. De los videoclips de la MTV se ha pasado a los reels de Instagram, y en una sociedad dominada por las imágenes, cabe preguntarse cómo destacar a través de ellas. “Es más difícil captar la atención de toda la gente”, reconoce Alejandro Sergi, “y sí que se siente todo bastante vertiginoso, más rápido. Esa es la impresión, pero lo estamos atravesando todavía, así que vamos a ver qué pasa con el tiempo”.

“A mí me da la impresión de que el gran desafío es tener una buena idea”, continúa Juliana Gattas. “El otro día hablábamos de que, para mí, estuvo muy bien el show que hizo Justin Bieber en el Coachella, porque a los que les gusta les tocó el corazón y a los demás les sorprendió, dio que hablar, aunque fuera aniquilando las expectativas. A mí me pareció brillante, de tener una visión panorámica de lo que hay y lo que se espera de uno para luego hacer eso y a ver qué pasa”.

La “tristeza exagerada” de Miranda!

Precisamente, de ideas está llena la música de Miranda!, una banda que, en la línea de otras formaciones musicales como los Pet Shop Boys o, en España, La Casa Azul, nunca riñe la diversión y el baile con la profundidad de sus letras. “Sale de forma inconsciente”, admite Sergi, “pero en general nos preocupa que nuestra lírica tenga cierto sustento. Yo no sé hablar inglés, pero me encanta la música pop y hay veces que, cuando leo las traducciones de algunas canciones, me decepcionan. Tratamos de que eso no pase”.

De este modo, las canciones de Miranda, ya sea armándose de hits para la pista o de baladas, nos recuerdan que la alegría y la diversión no tienen por qué ser algo superficial. “Te podés poner contento y compartirlo con alguien por algo muy profundo”, ponen como ejemplo. “Estar cantando una canción con un montonazo de gente a tu alrededor es una experiencia colectiva, es algo lindo que pasa con la música y sobre todo con la música popular. Nos une y nos conecta”.

Más allá de eso, las letras de Miranda! también tienen una personalidad única, donde, como explica Juliana Gattas, “la tristeza exagerada también se traduce en alegría”. “Nosotros somos un poco así, de tomarnos con humor el calvario y el desamor. Uno escucha una letra muy triste, pero en algún momento va a haber una exageración, que es eso lo que lleva a decir: ‘Esto es un poco ironía, esto es un poco patético, esto es increíble’”. Como cuando estás con un amigo llorando y de repente te empezás a reír de lo que te pasó o alguien quiebra eso con un chiste".

“Nos perfeccionamos profesionalmente”

Miranda! llegará a Madrid y Barcelona después de uno de los mayores hitos de su carrera, la consecución del Gardel de Oro, el premio más importante de la música en Argentina, con su disco Hotel Miranda!. En él, rehicieron varios de sus mayores éxitos con colaboraciones en las que destacan estrellas musicales de la talla de Ca7riel, Emilia, Andrés Calamaro o Bandalos Chinos. La idea no se quedaría ahí, ya que un año después llegaría Nuevo Hotel Miranda!, un disco integrado por nuevas colaboraciones, esta vez para temas completamente nuevos.

“Siempre dejábamos que el puntapié inicial de las versiones lo dieran los productores junto con los cantantes. Queríamos una data externa, nutrirnos de eso”, dice sobre el primer proyecto Alejandro Sergi. En su hotel, Miranda! explora también su propia transformación como grupo a lo largo de estos veinticinco años. “Siempre se puede aprender más, pero desde que empezamos hasta ahora, creo que el cambio más notable es el habernos perfeccionado profesionalmente, en cantar y grabar mejor”.

Junto con sus conciertos en Madrid y Barcelona, el dúo prepara actuaciones en Palma de Mallorca (7 de noviembre), Valencia (8 de noviembre) y Málaga (14 de noviembre). “Como en los últimos discos tuvimos mucho tour, esta vez decidimos tomárnoslo con más calma. Tenemos cinco fechas y eso es lo que nos entusiasma”. Eso sí, ambos coinciden en que nunca han sido de pensar mucho en el futuro. “Creemos mucho en lo que hacemos y en que, si lo hacemos de corazón y a conciencia, siempre habrá gente que nos acompañe”, concluyen entre risas. “Por lo menos, ya sentimos que a la oficina no vamos a volver”.

La musicoterapia se consolida como una herramienta respaldada por la ciencia para abordar distintos trastornos de la salud mental, al incidir no solo en el bienestar emocional, sino también en aspectos cognitivos, físicos y sociales, según investigaciones recientes citadas por UNAM Global.

Datos obtenidos en los últimos años muestran que la música clásica puede ejercer efectos antidepresivos en personas con depresión. Bomin Sun, autor principal de un trabajo de la Universidad Jiao Tong de Shanghái, afirma que este efecto se produce cuando las oscilaciones neuronales entre el córtex auditivo y el circuito de recompensa se sincronizan, lo que repercute en áreas como la amígdala extendida, una estructura relacionada con el procesamiento emocional. Esta sincronización favorece una mejoría en el ánimo de quienes padecen depresión.

María Concepción Morán Martínez, maestra de la Facultad de Psicología de la UNAM y pianista ejecutante por el Conservatorio Nacional de Música, destaca que el disfrute individual de la música es clave para el efecto terapéutico, más allá del tipo de emoción que transmita la pieza musical. Subraya la importancia de integrar los avances neurocientíficos en las prácticas de musicoterapia, lo que permitirá diseñar estrategias más efectivas y personalizadas para cada paciente.

La musicoterapia tiene un impacto medible en los campos físico, emocional y social

La musicoterapia puede clasificarse en dos modalidades principales: la activa, en la que el paciente toca instrumentos, canta o baila, y la receptiva, donde el paciente solo escucha la música. Si bien la modalidad pasiva ha mostrado resultados sobresalientes en diversos estudios, ambas variantes muestran efectos positivos en padecimientos neurológicos y enfermedades físicas.

Entre los beneficios emocionales destacan la reducción del estrés y la ansiedad mediante la disminución de los niveles de cortisol, el aumento del bienestar general y la facilidad para expresar emociones difíciles.

En el plano cognitivo, la musicoterapia apoya la memoria y la función cognitiva en personas con enfermedades como el Alzheimer o lesiones cerebrales, y mejora el procesamiento auditivo.

En el aspecto físico, se observa que la música estimula el movimiento, facilita la rehabilitación en personas con discapacidades motoras, reduce el dolor y mejora la función cardiovascular al disminuir la presión arterial y la frecuencia cardíaca.

Sobre el ámbito social, fomenta la interacción y el sentido de pertenencia, sobre todo en personas con trastornos del espectro autista o con dificultades comunicativas.

La musicoterapia también puede elevar la resiliencia y proporcionar alivio emocional en contextos de cuidados paliativos, aliviando la carga psicológica y mejorando la calidad de vida en enfermos terminales.

De acuerdo con la evidencia presentada por UNAM Global, la musicoterapia ofrece un recurso clínico para abordar el estrés, la ansiedad, la depresión y otros problemas neurológicos, siempre que se imparta bajo la conducción de un profesional certificado y con bases científicas.

Desarrollo tecnológico y retos para la aplicación clínica

A raíz de los descubrimientos recientes, equipos multidisciplinarios —integrados por clínicos, musicoterapeutas, ingenieros e informáticos— desarrollan herramientas innovadoras como aplicaciones digitales.

Estas plataformas podrían ofrecer recomendaciones musicales personalizadas, monitoreo y retroalimentación emocional en tiempo real, así como experiencias multisensoriales de realidad virtual para ayudar a gestionar las emociones en la vida diaria.

Morán Martínez recalca que la musicoterapia no se reduce a escuchar música sin guía. Exige profesionalización y evidencia científica, ya que la intervención debe ser realizada por expertos acreditados que comprendan los mecanismos neurológicos, fisiológicos y emocionales involucrados.

Compartir escenario con un referente internacional como Arjona representa para cualquier cantante un momento de alto voltaje emocional. En el caso de Quevedo, la presión se intensificó al tratarse de una canción emblemática y de un recinto con miles de espectadores. La oportunidad, que a simple vista podría parecer sólo motivo de celebración, se transformó en una vivencia compleja para la artista.

Al terminar la actuación, la reacción de Quevedo fue transparente y contundente. La cantante recurrió a sus redes sociales para compartir con sus seguidores el impacto de la experiencia, mostrando una faceta vulnerable que suele quedar fuera del foco en la industria musical. “Les voy a ser sincera. La estoy pasando pésimo. Creo que hay cosas que todavía tengo que aprender, y eso es a controlar mis nervios”, confesó en un video que publicó horas después del show. La declaración se convirtió en uno de los pasajes más comentados por su honestidad.

La emoción y el nerviosismo se convirtieron en protagonistas luego del concierto. Describió con detalle la batalla interna que enfrentó: “Siempre me pasa en todos los shows, incluso cuando estamos con el Queso, cuando hemos estado en el Movistar, ustedes me han visto emocionada y demás. Es algo que no lo puedo controlar y es horrible. Y está bien, se siente superhumano, pero es horrible porque la paso pésimo y te juro que yo ni siquiera quiero llorar, pero tengo una angustia... porque digo ‘loco, no puede ser’”. Sus palabras resonaron con fuerza, dando cuenta de la presión que sienten los artistas, incluso aquellos con trayectoria y reconocimiento.

Este episodio reveló una dimensión poco visible del trabajo en los escenarios: el esfuerzo constante por dominar los nervios y la autoexigencia. Quevedo se sinceró respecto a la preparación previa y la sensación de no estar a la altura de sus propias expectativas: “Me la paso estudiando, me la paso dándolo todo. Y, obviamente, esto lo comparto siempre con ustedes porque es muy angustiante, frustrante. Sentir que por ahí los nervios te juegan en contra y que no lo podés dar todo, que escuchás y decís: ‘Ay, no’. Sentir como esa frustración de decir: ‘Loco, no podía cantar de los nervios’. Es muy feo, te juro que es muy feo y como que necesito desahogarme... ya está, obviamente acá estoy, los estoy volviendo locos a todos, frustradísima”

La cantante manifestó la angustia de no poder controlar esos sentimientos, describiendo un proceso que la acompaña en distintas instancias de su carrera. Señaló que incluso en shows con el Queso y La Banda de Carlitos o en otros eventos de gran envergadura, la emoción puede sobrepasarla. El desahogo ante sus seguidores se convirtió en un testimonio sobre las dificultades emocionales que atraviesan muchos artistas, lejos de la imagen de seguridad y dominio absoluto que se percibe desde el público.

Su sinceridad generó una ola de empatía y apoyo en sus redes. La artista remarcó la necesidad de contención y expresó el deseo de estar junto a su hija para encontrar consuelo: “¿Saben qué necesito? Algo que a mí me trae mucha paz también es abrazar a mi hija. Ay, voy a llorar. Te juro por Dios, esas cosas me traen mucha paz. Porque cuando me siento así, te juro que lo que más quiero es estar en mi casa y abrazar a mi niña y estar ahí con las chicas”. Este fragmento ilustra cómo la familia y el entorno cercano se convierten en refugios emocionales frente a la presión del éxito y la exposición mediática.

En uno de los momentos más reveladores de su descargo la cantante hizo referencia a una experiencia pasada con el himno nacional, en la que los nervios también la habían superado: “La vez que me pasó del himno nacional se enteró todo el mundo y me escribieron y creo que la pasé peor. Ya voy a aprender a controlar mi cabeza”. Esta comparación permitió dimensionar la recurrencia de la situación y el aprendizaje continuo que implica para la cantante.

El episodio no quedó sólo en la expresión de angustia. Quevedo, luego de compartir su estado emocional, eliminó el video y publicó un mensaje de agradecimiento hacia quienes la acompañaron virtualmente en ese momento de vulnerabilidad. “¡Gracias a todos por sus mensajes! ¡Son hermosos! ¡Me dieron mucho amor y eso no tiene precio. Ya se me pasó la locura", escribió, mostrando cómo el vínculo con sus seguidores actúa como sostén ante el peso de la autoexigencia y la exposición pública.

Si el nombre de Carmen Avilés (Puerto Lumbreras, Murcia, 1993) se está abriendo paso en el mundo del flamenco, es por su empeño en crear “un nuevo concepto de ver el flamenco”. La bailaora, que se hizo viral tras protagonizar la campaña publicitaria en la que daba vida a las populares muñecas Marín, lleva tiempo reinventando el género para demostrar que, más allá del arte y la tradición, el flamenco también puede cantarse y bailarse lejos de la seriedad que muchas veces se le presupone.

En vísperas del estreno de su primer gran espectáculo, Carmela, que se estrenará el próximo 7 de mayo en el Teatro Eslava de Madrid frente a más de 1.000 personas tras lograr un sold out, la artista pretende transmitir eso: una nueva propuesta de baile y al mismo tiempo un desafío a los moldes tradicionales que permita combinar folclore con otros géneros y fórmulas visuales. “Quiero que llegue a la juventud, que se divierta y pueda bailar y cantar, no tomárselo como algo tan serio, que por supuesto lo es, sino como algo que también le puede divertir a uno en una fiesta”, cuenta en su entrevista con Infobae.

A través de esa mezcla de estéticas, buscará explorar también nuevos movimientos, músicas e identidades que dejen ver que el flamenco, si se siente, es para todos. “Quiero que para la gente sea un concierto de música y baile, más que un espectáculo de danza”, sentencia, mostrando una vez más hasta qué punto busca no resignarse con el nicho y aspirar a una actuación capaz de atraer a un público mucho más masivo.

Una bailaora con su propio disco

Pese a lo poco habitual que resulta ver a una bailaora con un espectáculo propio frente a 1.000 personas, Carmen Avilés no se deja intimidar por las cifras. “Me siento mucho más nerviosa en un tablao que en un escenario de un teatro grande”, apunta. “El tablao conlleva mucha más improvisación, mientras que yo soy una artista muy cuadriculada. Me gusta mucho llevar las cosas montadas”.

La música que sonará en Carmela no será otra que la de un disco propio en el que colabora con artistas como Alejandro Astola (fundador y vocalista del grupo Fondo Flamenco, quien se ha encargado de la composición de todos los temas), Ángeles Toledano o Javi Medina, y del que ya cuenta con seis singles en las plataformas. Yo me considero gente puente. Es decir, alguien que ayuda al que no entiende nada de flamenco a llegar a lo que es el flamenco, porque nadie se va a poner a escuchar del tirón una soleá... o a ver directamente flamenco jondo”.

“Acercamos a otra gente que no sabe nada de flamenco a su raíz. No me importa que me digan que no es puro, porque yo ya lo sé. Es más, lo hago a propósito”, continúa. Carmela, así como el proyecto de su disco, son un digno reflejo de su propia identidad artística que empezó cuando ella era una niña que, en Puerto Lumbreras, escuchaba a Marea, Extremoduro o Prodigy y bailaba flamenco al mismo tiempo. “Esas han sido mis raíces, así que no puedo bailar o cantar otra cosa que no sea eso”.

El flamenco se ve

La bailaora ofrece también otra estética visual a través de sus trabajos, entre los que también destacan sus videoclips en los que baila las canciones del nuevo disco desde el interior de un cubo situado al aire libre. “Me inspiraba mucho la plataforma de Colors Show (espacio musical muy conocido en YouTube) y también las Gallery Sessions (actuaciones en vivo grabadas en un escaparate que actúa como escenario a pie de calle). Quise inspirarme en estos shows y poner atención en el paisaje de cada cubo con la canción".

“Estaba harta de la tabla de siempre, quería hacer otro tipo de escenario”, continúa Carmen Avilés, que también ha puesto un gran empeño, tanto en los vídeos como en su próximo espectáculo en vivo, en el vestuario. “Está muy pensado para la moda, un mundo en el que me estoy metiendo mucho ahora. Creo que no habrá un traje de flamenca en todo el show. Todo lo demás es ropa de calle, es ropa de marcas. Hay un vestido que viene de Australia, por ejemplo, y en general mucha variedad”.

Las raíces de una

El éxito de Carmela obedece también a un renovado interés por el género del flamenco, que tras vivir una “edad de oro” en la década de los noventa y pasar a un segundo plano a principios del siglo XXI, ha vuelto a coger fuerza en la última década. “Creo que está volviendo a ponerse de moda”, confía Carmen Avilés, quien ve fundamental lograr captar a las nuevas generaciones con propuestas alternativas.

Tras los shows que tiene preparados, la bailaora piensa incluso en aumentar la escala del proyecto, y sonar en festivales de música alternativa, electrónica y rock, convencida de que el flamenco puede dialogar con cualquier universo musical. “También me gustaría, en un futuro, hacer alguna experiencia inmersiva flamenca, un 360: una sala donde te meten y está todo lleno de pantallas para que parezca que estás ahí en el sitio”.

Eso sí, en septiembre la artista también tiene programadas actuaciones en la Sala Mamba de su Murcia natal (12 de septiembre), en la Sala Apolo de Barcelona (18 de septiembre) y en la sala Pandora de Sevilla (3 de octubre). “Está siendo un proceso muy bonito. Lo que más me gusta de mi trabajo es poder sacar afuera todo lo que tengo en la cabeza”, concluye. Y sea en un lugar o en otro, desde la tradición o desde la electrónica, desde el urbano o el rock, lo tiene claro: “El flamenco es mi vida”.

Ubicada en un lugar privilegiado entre la multitud, Zaira no se perdió detalle del recital de la estrella de Barranquilla. Cantó y bailó al ritmo de clásicos como “Ojos así”, “Soltera” y “Suerte”, y también amplió la experiencia con videos tomados por otros asistentes, mostrando la magnitud y la energía del espectáculo. A través de una serie de fotos y clips, dejó en claro que su paso por Copacabana fue mucho más que una salida nocturna. “En Copacabana las mujeres ya no lloran”, escribió junto a sus publicaciones, sumando una consigna que rápidamente se replicó entre sus seguidores.

Fiel a su impronta de fashionista, Nara eligió un look audaz y veraniego para la noche carioca. Lució un body negro de aberturas laterales, acompañado por un pantalón negro con detalles de flecos en las piernas que aportaron movimiento y un guiño bohemio al conjunto. El toque de color llegó de la mano de un bolso amarillo vibrante y pulseras luminosas, en sintonía con el clima festivo del show. El cabello suelto, con ondas naturales y un maquillaje sutil, completaron una apuesta fresca y descontracturada, ideal para bailar y disfrutar a pocos metros del escenario sin perder el glamour que la caracteriza.

La repercusión se trasladó a la sección de comentarios. Las reacciones en su perfil se multiplicaron con halagos y muestras de cariño: “Es impresionante lo bella que es”; “Estabas re cerquita”; “Las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan”; “Más diosa, imposible”, fueron solo algunos de los mensajes que se destacaron a lo largo de la noche.

Pero Zaira no fue la única figura nacional que asistió al evento. Calu Rivero también dijo presente en Río, acompañada por su esposo Aíto de la Rúa. La actriz viajó motivada por el vínculo personal y familiar que mantiene desde hace años con Shakira, una relación forjada a lo largo de más de una década gracias a la cercanía de la familia De la Rúa con la cantante. A lo largo del tiempo, esta amistad se tradujo en invitaciones a ensayos exclusivos, obsequios especiales y participaciones en eventos clave de la artista.

Horas antes del show, Rivero compartió imágenes desde el Copacabana Palace, mostrando la inmensidad del escenario instalado sobre la arena y la atmósfera de expectativa que se vivía en la ciudad. En un video se escuchaba el chequeo de micrófono de Shakira, mientras Calu acompañaba con frases como: “Check check @Shakira Copacabana. No es viaje. Es alineación. Río de Janeiro, Copacabana beach, Shakira. Millones de cuerpos, una emoción”. Un mensaje que resumió la mística de la noche y la energía compartida por miles de fanáticos.

La noche de Copacabana fue una verdadera fiesta latina, con la playa colmada de seguidores que celebraron cada tema y corearon los grandes éxitos de Shakira. El despliegue de luces, la escenografía y el carisma de la cantante hicieron que la experiencia fuera única no solo para los fanáticos brasileños, sino también para las figuras argentinas que viajaron especialmente para la ocasión. Desde su lugar en la primera fila, Zaira capturó la emoción colectiva y la contagió a sus seguidores, convirtiendo sus publicaciones en postales de una noche inolvidable.

Las imágenes y videos compartidos por Zaira y Calu Rivero no solo documentaron el show, sino que también retrataron el cruce entre la música, la moda y la cultura pop latinoamericana. La presencia de ambas en el recital reforzó la conexión entre el jet set argentino y los grandes eventos internacionales, mostrando que el talento y la pasión pueden unir fronteras bajo el mismo ritmo. La consigna fue clara: las mujeres ya no lloran, celebran, bailan y brillan bajo las luces de Río. El show de Shakira quedará en la memoria de quienes lo vivieron, y las postales de Zaira Nara en primera fila son el mejor resumen de una experiencia marcada por la música, la alegría y la energía de Copacabana.

Taylor Swift presentó solicitudes ante la Oficina de Patentes y Marcas Registradas de Estados Unidos (USPTO, en inglés) para registrar su voz como una marca comercial.

Esta iniciativa es similar a la tomada por el actor Matthew McConaughey a comienzos de año, ante el surgimiento de contenido generado con inteligencia artificial (IA).

La cantante envió dos muestras de su voz a la USPTO. Cada uno comienza con “Hola, soy Taylor” y anuncia el lanzamiento de su más reciente álbum, The life of a showgirl, que se publicó a comienzos de octubre.

Contactada, la jefa de prensa de Taylor Swift no respondió de inmediato.

En septiembre de 2024, la estrella condenó la publicación en la página web de la campaña de Donald Trump de una imagen falsa de ella en la que supuestamente pedía a las personas respaldar la candidatura del multimillonario republicano.

“Esto acrecentó mis miedos sobre la AI, y los peligros de divulgar desinformación”, escribió en ese momento Taylor Swift en su cuenta en Instagram.

En enero pasado, el actor estadounidense Matthew McConaughey fue el primer artista en pedir a la USPTO protección contra el uso indebido de su voz por parte de modelos de IA.

Numerosos artistas han manifestado su preocupación por el uso de su imagen y voz en creaciones de inteligencia artificial.

Varios estados estadounidense han aprobado leyes para prohibir esta práctica, pero muchos se enfocan sobre todo en usos maliciosos o con propósitos comerciales.

Solo algunas, como la aprobada en 2024 en Tennessee, ofrecen una protección mayor.

Pocos actores han iniciado acciones legales para proteger sus derechos.

El ejemplo más notable es el de Scarlett Johansson, quien en 2023 demandó a la app Lisa AI por crear, sin su consentimiento, un avatar similar a ella con fines publicitarios.

Fuente: AFP

Los festivales reúnen a miles de personas en celebraciones donde la música, los colores, las tradiciones y la creatividad transforman ciudades enteras. Estos encuentros funcionan como puertas de entrada a la cultura local, ofrecen experiencias únicas y permiten conocer el pulso de una sociedad desde adentro.

La revista Travel + Leisure destacó los 10 festivales más emblemáticos del mundo, con propuestas que van desde desfiles multitudinarios en Brasil hasta rituales ancestrales en India, pasando por celebraciones masivas en Europa y América.

Cada uno representa una oportunidad única para sumergirse y vivir momentos inolvidables en escenarios tan diversos como playas, ciudades históricas y paisajes naturales.

1. Carnaval de Río de Janeiro, Brasil

El Carnaval de Río de Janeiro encabeza la selección como la fiesta más grande del mundo. Este evento, que se desarrolla cada mes de febrero, atrae a millones de personas con sus desfiles en el Sambódromo, comparsas, disfraces y fiestas callejeras en todos los barrios de la ciudad.

Su magnitud lo convierte en un fenómeno sin igual: solo el desfile principal convoca a más de 70.000 espectadores, mientras que los blocos (agrupaciones musicales callejeras) reúnen multitudes en cada esquina. La tradición de la samba, la creatividad de las escuelas y la interacción con el público definen la identidad de este festival.

2. Festival de los Colores, India

En Mathura, India, se vive el Festival de Holi, conocido como el Festival de los Colores. La celebración marca el inicio de la primavera y tiene un significado especial en esta ciudad, cuna del dios Krishna. Durante varios días, la comunidad se reúne para arrojar polvos de colores y agua, una tradición que simboliza la victoria del bien sobre el mal y el renacimiento.

El momento cúlmine ocurre cuando toda la ciudad se transforma en un escenario de alegría colectiva, donde los visitantes son recibidos como parte de una familia extendida. Holi también incluye música, danzas y rituales religiosos, lo que refuerza su carácter integrador y festivo.

3. Día de Muertos, Oaxaca, México

Aunque esta festividad se celebra en todo México, la ciudad oaxaqueña es reconocida por su apego a las tradiciones más auténticas. Entre el 31 de octubre y el 2 de noviembre, familias enteras construyen altares, decoran panteones con flores de cempasúchil y organizan procesiones nocturnas iluminadas por velas.

La conmemoración gira en torno al recuerdo de los seres queridos, pero el clima general resulta comunitario y festivo. La combinación de gastronomía, música y arte popular convierte al Día de Muertos en Oaxaca en una de las experiencias culturales más enriquecedoras.

4. Carnaval de Venecia, Italia

El Carnaval de Venecia, en Italia, destaca por la elegancia de sus máscaras y el misticismo de sus bailes. Las celebraciones se desarrollan en diferentes plazas y canales, donde habitantes y turistas desfilan con trajes históricos y participan en fiestas privadas y públicas.

El evento remonta su origen al siglo XI y se caracteriza por su ambiente enigmático, los concursos de disfraces y los espectáculos de ópera y teatro. Resalta por su atractivo internacional, que transforma a Venecia en un escenario teatral a cielo abierto durante dos semanas entre enero y febrero.

5. Boryeong Mud Festival, Corea del Sur

En la ciudad costera de Boryeong, Corea del Sur, se realiza el Boryeong Mud Festival, un evento que combina entretenimiento con actividades al aire libre. Miles de personas participan en juegos de barro, competencias deportivas y conciertos.

El festival nació como una iniciativa para promocionar los beneficios cosméticos del lodo local, pero con el tiempo se consolidó como una cita obligada para quienes buscan diversión. La atmósfera descontracturada y el entorno natural convierten esta celebración en una de las más originales del continente asiático.

6. Burning Man, Estados Unidos

El desierto de Black Rock en Nevada, Estados Unidos, alberga cada año el Burning Man. Este festival no tiene un programa fijo: los asistentes construyen una ciudad efímera en la que prima la creatividad, la autoexpresión y la experimentación artística. El evento culmina con la quema de una enorme figura humana, símbolo de transformación y renacimiento.

El ambiente favorece la interacción sin barreras y el desarrollo de proyectos colectivos de arte, tecnología y música. La ausencia de estructuras comerciales y la filosofía de autosuficiencia distinguen a este festival dentro de la escena global.

7. Glastonbury, Reino Unido

En Somerset, Reino Unido, el Glastonbury Festival se considera uno de los encuentros musicales más influyentes del mundo. El evento, que se lleva a cabo en una extensa zona rural, reúne a artistas consagrados y emergentes de géneros diversos.

Más allá de los conciertos, ofrece espacios para el arte, la ecología y la expresión alternativa. La variedad de propuestas y la escala lo posicionan como uno de los epicentros culturales y musicales de Europa.

8. Tomorrowland, Bélgica

Tomorrowland, celebrado en Boom, Bélgica, es el mayor festival de música electrónica del planeta. El evento convoca a miles de fanáticos de la electrónica que disfrutan de espectáculos de luces, escenarios temáticos y una programación con los DJ más reconocidos.

La experiencia excede lo musical: la escenografía y la organización generan un ambiente de fantasía donde la comunidad y la diversidad cobran protagonismo. Destaca su capacidad para reinventarse en cada edición y expandir su influencia internacional.

9. Sziget Festival, Hungría

En Budapest, Hungría, el Sziget Festival se desarrolla en una isla del río Danubio, Óbuda, y combina música, arte y actividades culturales. La programación incluye cientos de conciertos de artistas internacionales, talleres, espectáculos circenses y exposiciones.

Los organizadores promueven la convivencia multicultural y el intercambio creativo entre asistentes de todo el mundo. Lo caracteriza su inclusividad, su diversidad musical y la atmósfera de convivencia que define a cada edición.

10. Donauinselfest, Viena, Austria

Es reconocido como el festival al aire libre más grande de Europa. Se realiza en una isla del Danubio, Donauinsel, y ofrece tres días de conciertos gratuitos, con géneros que van del pop al rock y la música clásica.

La magnitud del evento, que suele superar los dos millones de asistentes, lo convierte en uno de los principales atractivos de la ciudad durante el verano. La propuesta abierta y la calidad de la programación distinguen al Donauinselfest como una cita ineludible para los amantes de la música y la cultura urbana.

Once años después, el dúo sigue viviendo de sendas canciones, pese a que también pueden presumir de no haberse detenido en 25 años. Alexander Delgado (La Habana, 1979) fundó en el año 2000 lo que más tarde sería, junto con Randy Malcom (La Habana, 1983), un dúo de salsa y reguetón que solo entre ambas canciones acumula más de 5.558 millones de visualizaciones en YouTube.

El dúo llega a su entrevista con Infobae presentándose como “Andy y Lucas”, bromean. Son las 14.00 de un jueves caluroso de abril y Alexander y Randy llevan desde primera hora de la mañana atendiendo a los medios sin parar. Los cubanos aterrizan en Madrid para presentar su primera gran gira por España en toda su carrera, una celebración de sus bodas de plata sobre los escenarios que arrancará el próximo 25 de junio en el Movistar Arena y recorrerá más de una decena de ciudades.

Si bromean como Andy y Lucas es porque, a diferencia de los gaditanos, ellos sí se llevan bien. De hecho, aseguran que la clave para trabajar juntos durante tanto tiempo es “el respeto, la constancia y que todo esté bien claro. Gente de Zona va por encima del nombre y de cualquier cosa personal que tengamos nosotros”, apunta Alexander.

La formación debutó con el cambio de siglo, primero en solitario de la mano de Delgado, en su barrio natal de Alamar, en La Habana y más tarde a dúo con su compañero. El nombre surgió de un primer proyecto discográfico concebido como un LP con varios raperos de distintas zonas, que iba a titularse precisamente Gente de Zona. Una década más tarde llegó Randy, procedente del grupo La Charanga Habanera. En todo este tiempo no han pensado en separarse. “A veces queremos cogernos un tiempo de descanso, pero hay que pagar muchas cuentas”, bromea este.

‘Bailando y ‘La gozadera’, las canciones más importantes de su carrera

En todos estos años han ganado seis Latin Grammy y doce Latin Billboard Awards, y fueron el primer dúo cubano en entrar en la lista Hot Latin Songs de Billboard. “Este boom nos llegó con treinta años. Viniendo de Cuba, creo que había una sed de: ‘No podemos parar, no podemos parar’. Después de catorce años juntos, ahora estamos un poquito más más tranquilos”, añade el cantante, que hoy tiene 43 años. “Ya la carreta va funcionando, que es lo más difícil. Hoy vemos las cosas desde otro punto de vista”.

Precisamente fue Bailando, el tema de Enrique Iglesias en el que colaboraron, el que les dio el salto a la fama, cuando se estrenó en abril de 2014. Dos años después llegó La gozadera. El resto es historia. “Son las canciones más importantes de nuestra carrera. Bailando porque fue la canción que nos puso en el mapa y nos dio a conocer a nivel mundial. La gozadera porque fue la canción que nos dio la estabilidad en la industria“, describe el fundador de la formación.

Ambos temas manejan unas cifras prácticamente impronunciables en plataformas digitales. ¿Esto se traduce en dinero? “Eso es un tema más complicado porque ya vienen aquí temas disqueros", apunta Randy. “Sí ha dado dinero, claro, pero no todo depende de nosotros”, explica. Bailando, recuerda, pertenece a Universal y a Enrique Iglesias, mientras que La gozadera está vinculada a Sony. “Los masters no son cien por ciento nuestros, pero con esas dos canciones nos pudimos comprar la casa”, afirma entre risas. "Podemos alquilar este pisito aquí por tres o cuatro añitos más“, añade su compañero de formación sobre su agencia española de representación, un piso en plena Gran Vía de Madrid donde tiene lugar la entrevista.

Una trayectoria marcada por Cuba

Sobre estos éxitos, apuntan que la clave para “escribir un temazo” es “trabajar y no pensar que va a ser un éxito”. “Tienes que hacerla por pasión. Hoy todo se hace por números”, afirman. “Nosotros venimos de otra generación donde los números no eran tan importantes como el que la música fuera buena y el contenido fuera bueno. Los números los pone el público”, sentencian.

Este y otros temas es lo que cantarán a partir del 25 de junio, primero en el Movistar Arena de Madrid y después por otros lugares de la península durante todo el verano, con paradas en ciudades como Murcia, Granada o Valencia, finalizando el 5 de agosto en el Starlite de Marbella. “Es un público que le gusta mucho la música, que se la disfruta. A uno como artista le llena mucho el público de España. Son muy cariñosos y muy cálidos“, apunta Alexander sobre el público de nuestro país.

Pero más allá de la música y los escenarios, la trayectoria de Gente de Zona también ha estado marcada por su posicionamiento político, especialmente en relación con la situación en Cuba. “Creemos en la música y en lo que es capaz de transmitir. En su poder político no tanto, sino más bien en el mensaje bien enfocado en la voz de un artista que mueve masas”, reflexiona Delgado. Una postura que, admiten, ha tenido consecuencias. En 2021 lanzaron el tema Patria y Vida, en el que condenaron los más de 60 años de represión en Cuba y hacen un llamado a la juventud cubana. "A raíz de eso, sí, hemos tenido complicaciones para volver a nuestro país“, añade Randy.

Primeras fechas confirmadas de su gira por España

• 25 de junio | Madrid | Movistar Arena
• 03 de julio | Murcia | Plaza de toros
• 04 de julio | Granada | Plaza de toros.
• 10 de julio | Úbeda | FestMuve (Recinto Ferial)
• 12 de julio | Sanxenxo | Estadio de Baltar
• 17 de julio | Tenerife | Tenerife Cook Music Fest
• 21 de julio | Pedralbes (Barcelona) | Les Nits Occident
• 23 de julio Valencia | Jardines de Viveros
• 31 de julio | Algeciras | Cabaret Festival (Plaza de Toros)
• 01 de agosto | Conil de La Frontera | La Mina Conil
• 05 de agosto | Marbella | Starlite Occident

El cantante canadiense Michael Bublé regresa a los escenarios del Reino Unido e Irlanda, iniciando su gira al aire libre en Belfast el 1 de julio. En declaraciones a BBC News, Bublé expresó su deseo de lograr una conexión más cercana con el público y bromeó acerca del impacto de sus conciertos en la natalidad local.

Con frecuencia, el artista recurre al humor para referirse a este fenómeno. “Yo los llamo ‘Bublé-bies’”, ha dicho a medios británicos, en alusión a los bebés concebidos tras sus actuaciones, una ocurrencia que suele provocar risas entre los asistentes y que refuerza la imagen desenfadada del cantante.

El regreso de Michael Bublé es noticia porque será su primera actuación en Belfast desde 2019 y marca la reactivación de sus presentaciones en la región. Destaca también por su enfoque en espectáculos al aire libre y la participación de su familia en la gira.

El cinco veces ganador del Grammy encabezará el festival Belsonic en Ormeau Park de Belfast, teniendo a Gabrielle como artista invitada. Según detalló el medio citado, el músico ha preferido planificar eventos a cielo abierto, describiéndolos como noches únicas y románticas.

“Es especialmente romántico en esos conciertos al aire libre: bajo las estrellas, escuchando canciones, balanceándose y bebiendo unas copas de vino; es un afrodisíaco”, comentó en BBC Radio Ulster.

Bublé afirmó que la frecuencia de sus giras se ha reducido en los últimos años para dedicar más tiempo a su familia. Sus hijos lo acompañan actualmente, algo que considera especial: “Les encanta estar allí conmigo, así que será divertido”, añadió. El cantante resaltó que compartir esta etapa profesional con su familia otorga un valor añadido a la experiencia y a cada jornada de la gira.

A lo largo de su relación con la actriz argentina Luisana Lopilato, el cantante ha priorizado el equilibrio entre su carrera y la vida familiar. La pareja, que se conoció durante una visita de Bublé a Buenos Aires en 2008, ha formado una familia con cuatro hijos: Noah, Elías, Vida y Cielo.

Ambos han compartido públicamente los desafíos y alegrías de su vida privada, como el diagnóstico y recuperación de su hijo mayor, Noah, quien superó un proceso de tratamiento oncológico.

El propio Bublé ha afirmado que, tras esa experiencia, la familia ocupa un lugar central en su vida diaria y en la planificación de sus giras. Asegura que “estar juntos es el verdadero objetivo” de cada etapa profesional que enfrentan, según declaraciones recogidas por People y Good Housekeeping.

Anécdotas, familia y reacciones del público

Durante su última visita a Belfast en 2019, un “momento viral” se difundió ampliamente cuando el artista invitó a una joven del público a cantar sobre el escenario. La estudiante Síomha Nic Bhrádaigh interpretó la balada irlandesa “An Cáilín Álainn”, como recogió la emisora RTÉ y destacó BBC News.

Michael Bublé señaló que disfruta de actividades turísticas en la ciudad, realizando paradas en lugares emblemáticos como los estudios Titanic o sentándose en el “Iron Throne” de la serie Game of Thrones. Comentó con humor que este tipo de experiencias turísticas forman parte de sus gratos recuerdos en Belfast.

El acompañamiento familiar ha influido en la planificación más espaciada de sus presentaciones. Cada actuación adquiere así un valor especial para él y para quienes asisten a sus conciertos.

Comentarios personales y reflexiones sociales

Bublé se reconoce como un aficionado apasionado al hockey sobre hielo y posee una camiseta del equipo Belfast Giants firmada por todos los jugadores.

Como “embajador del juego”, compartió durante la entrevista en el medio la manera en que vivió la derrota de Canadá ante Estados Unidos en los Juegos Olímpicos de Invierno de 2026, calificando ese momento como una oportunidad para fomentar la unidad social.

En relación con el clima político actual, el cantante se mostró partidario de la reconciliación y de la suma de voluntades moderadas. Sostuvo que tanto la empatía como el entendimiento podrían contrarrestar la polarización política, una inquietud que quiso trasladar a su audiencia tras el mencionado episodio deportivo.

El intérprete destacó que la música y los grandes eventos son ocasiones propicias para estrechar lazos y reencontrar puntos en común. Según subrayó en diálogo con BBC News, las experiencias compartidas contribuyen a superar las diferencias y propician el reencuentro social en torno a valores comunes.

Nacho Vegas es uno de los autores clave del rock indie español, de los años 90 para acá. Nacido en Gijón, Asturias, es una referencia de calidad poética en España y América Latina por una obra que combina lo íntimo y lo social, siempre con un marcado compromiso político. Con más de dos décadas de trayectoria, formó parte de bandas como Eliminator Jr. y Manta Ray antes de iniciar una sólida obra solista, a partir de la cual se lo vincula con figuras del tipo Nick Drave o . Ahora llega a Buenos Aires para presentar Vidas semipreciosas, su más reciente disco, este viernes 1 de mayo en el Teatro Vorterix.

La música de Nacho Vegas se nutre de folk, pop y rock. Se le ha llegado a describir como el Wild Oldham asturiano o el "Bob Dylan de Gijón“, e incluso lo han comparado con Nick Drake. Y su nuevo álbum es un compendio de canciones que exploran los afectos, la política y la vinculación con la tierra natal, e incluye interludios con testimonios de figuras ligadas a la izquierda y al antifascismo, un tema candente en su país y el mundo.

En conversación con Infobae Cultura, dialogó sobre algunas cuestiones centrales que marcan su obra, la conexión literaria de sus canciones y por supuesto, el violento pasado y agitado presente de su país.

—¿Qué relación encontras entre las influencias de tu adolescencia (has mencionado a The Housemartins y a Violeta Parra), y tu formación musical y sentimental?

—Las cosas que te dejan una huella tan indeleble como son las que te vienen en la juventud, esas primeras cosas que te impactan tanto. Esas bandas de las que... A mí me pasó con los Housemartins, a los trece años creo que era cuando tuvieron su éxito “Caravan of Love” y era un grupo que me llegó de alguna manera. Me emocionaba de una manera diferente y fue un poco mi puerta de entrada también gracias a una serie de radios piratas, radios libres en aquel momento, que emitían desde aquí, desde Gijón, mi ciudad, y que programaban música independiente británica. Los Housemartins tuvieron éxito y por eso fue fácil llegar hasta ellos, pero a partir de ahí empecé a encontrar otras bandas que me emocionaban profundamente. Fue ese momento iniciático en el que descubres no solo el pop con esas influencias de pop vocal tan precioso, sino el sentido del humor en sus letras, el marxismo de sus letras... Había una educación política, musical, emocional, que me llegó.

A Violeta Parra llegué un poco más tarde. Recuerdo cuando se escuchaba la música en los viajes en coche, con las casetes: cada uno grababa sus recopilaciones y las escuchábamos atentamente en esos viajes larguísimos que hacíamos. La primera vez que la escuché fue en un coche y me sorprendió mucho esa prosodia tan particular, esa manera, ese ritmo, ese fraseo que tenía ella. Profundicé más en su obra un poco más tarde y llegué incluso a conocer a Isabel Parra, a Tito Parra en Chile, que fue para mí un momento maravilloso. Fueron dos momentos diferentes: la primera influencia de los Housemartins cuando era muy jovencito y después vas abriendo tu mirada y librándote de prejuicios, encontrando música que te emocione. Hay muchísima música y muy poco tiempo en esta vida.

—¿Cómo escuchas música hoy en día y qué lugar ocupan los distintos formatos en tu vida?

—Hay veces que nos levantamos con un ánimo particular, que nos pide escuchar ciertas cosas. Puse el ejemplo del jazz y la música clásica como alguien que pretendía estar de vuelta de todo lo que es la música popular, pero el jazz también fue una música absolutamente popular y despreciada por la gente más académica. Ahora está mucho más permeada en la música popular. Hoy depende de cómo me despierte. Escucho música a través de las plataformas, pero también sigo comprando vinilos. Conservo todos mis CDs porque crecí escuchando muchos, fue esa época en la que dejaron de fabricar muchos vinilos y el CD se impuso como formato hegemónico: una estafa de la industria, un formato tan barato vendiéndolo tan caro... Pero la música grabada digitalmente suena mejor suena en CD. Le tengo cierto cariño. Escuchar los vinilos, cuando puedes pasarte una tarde poniéndolos, leyendo las letras, es algo especial.

Hace poco me pasó con Phil Ochs, uno de mis autores favoritos. Sientes la necesidad de recuperarlo, de escuchar su música atentamente y descubres cosas que se te habían pasado por alto. Es bueno permitirse ese momento de pausa hoy, en el que todo va muy rápido y parece que hay que escuchar la música como si nada, con los algoritmos empujando a que todo esté en los primeros treinta segundos. Pero creo que podemos marcar nuestro ritmo, que lo importante es que la música siga siendo una parte central de nuestras vidas. Nos quieren vender que hubo una revolución en los hábitos de escucha, pero cuando la música es algo central en tu vida, sigues parándote a escuchar de forma activa, a ser alguien que se apropia de las canciones y las incorpora a su universo.

—¿Te sentís identificado con el término autoficción aplicado a tu obra y a tus canciones? ¿Creés que define lo que hacés?

—A mí personalmente me gusta el término aplicado a la música y a la canción. Cuando publicaba mis primeros discos, una pregunta muy recurrente era: “¿Tus canciones son autobiográficas?” Porque algunas se nutrían de experiencias personales y no tenía problema en mencionar cuestiones concretas con nombres propios. Yo siempre trataba de responder: la canción trascienda el mero hecho autobiográfico. No es como si le estuviera contando mi vida a un amigo en la barra de un bar. Tiene que ser algo que, aun partiendo de una realidad muy personal e íntima, se transforme en una verdad emocional. Tiene que haber una línea que separe esa realidad de esa verdad y, en esa línea, puedes recurrir a la ficción para llegar a contar esa verdad.

Ahora se puso de moda, creo que fue a partir del boom de la autoficción en la literatura. Mucha gente a la que se asocia al género lo rechaza, pero a mí me gusta. Si ese término hubiera estado hace veinticinco años en boca de todos, me hubiera gustado para definir mis canciones: son autoficción, no autobiográficas. Me gusta aplicado a las canciones. Entiendo ese debate en la literatura y muchas obras de autoficción me gustan. No es excluyente, parece que tienes que estar o con la novela decimonónica de personajes o con la autoficción, pero al final simplemente hay que dejar que las cosas nos toquen y estar abiertos a ello.

—¿La literatura ocupa un lugar central en tu vida? ¿Tenés tiempo para leer en esta época tan veloz y qué estás leyendo ahora?

—La literatura es algo muy importante en mi vida y es una influencia presente en mi obra. Tampoco me ha gustado cargar excesivamente las tintas en la influencia literaria, porque existe, pero a veces una frase escuchada en situaciones cotidianas puede ser el germen de una canción, igual que un verso de un poema. Tenemos que permitirnos ese tiempo que requiere la literatura, que no da lugar a una escucha pasiva como la música; hay que tomar un papel activo y pararse a leer. En este último disco está muy presente la obra de Mary Oliver, una poeta a la que conocí hace relativamente poco y que me ha fascinado. Su poética está presente en algunas canciones.

Justo ahora mismo estoy intentando acabar un prólogo para una edición que va a publicar Espasa de una edición ampliada de El rayo que no cesa, una de las obras principales de Miguel Hernández, un autor al que admiro mucho por su poesía amorosa, pero también por el compromiso de lo que escribió durante la Guerra Civil en España, militando en el Partido Comunista y en el bando republicano. Leerlo hoy te hace dar cuenta de la vigencia que tiene. Cosas escritas hace noventa años siguen siendo demasiado vigentes, por desgracia.

—Este año se cumplen noventa años de la Guerra Civil. ¿Creés que ese aniversario redondo removió algo en España y particularmente en tu tierra, Asturias?

—Es algo que sigue estando en la memoria, independientemente de que el aniversario sea redondo. Sigue habiendo un relato oficial que, por suerte, está encontrando una respuesta, ya desde hace unos años. Primero se intentó hablar de la Guerra Civil como una guerra fratricida en la que se cometieron atrocidades por ambos bandos. No, fue una guerra no contra nuestros propios compatriotas, fue una guerra contra el fascismo, que dio un golpe de Estado ilegal contra una república legítima.

Como dices, Asturias estuvo ya en los años previos: el ensayo para la represión antes de la Guerra Civil fue la represión a la revolución minera del 34, donde ya estaban ensayando el golpe posterior. Yo soy hijo de la “Transición”; nací en el 74, y en el 78 llegaron esos pactos, que fue una transición a la democracia y un pacto con el franquismo, en el que siguieron teniendo mucho poder los poderes fácticos relacionados con esa dictadura. A pesar de las leyes de memoria histórica, no se ha hecho justicia. Siguen habiendo muchos cadáveres en las cunetas, muchos muertos, y muy poco interés por parte de los sectores más reaccionarios, que tienen mucho poder, en no remover aquello que mostraría las vergüenzas de un país. Se revelarían verdades necesarias de contar. Queda camino por recorrer, sobre todo para que las nuevas generaciones no caigan en la trampa de ese relato mentiroso.

[Fotos: Eneko Caos; Jordi Santos]

La Feria del Libro de Buenos Aires incorporó este año una carpa dedicada a la música en la Pista Central, con un ciclo de recitales y espectáculos que ampliaron la oferta cultural desde el primer fin de semana.

Entre los shows destacados, el escenario móvil reunió a chicos y adultos con el espectáculo Enrulate con Brian, los conciertos de la orquesta Tango 64 y presentaciones de bandas y solistas que diversificaron el perfil del evento.

Las actuaciones musicales incluyeron homenajes y géneros variados: Passione repasó piezas reconocidas de la ópera, mientras que Wadu Wadu homenajeó a la banda Virus. Además, la banda “Jungla” y la solista Clari Ceschin interpretaron repertorio de rock y cumbia para todas las edades.

El cronograma de la Pista Central detalla que este viernes 1° de mayo habrá una programación continua que festeja los 40 años de la radio Rock & Pop. Y el domingo 3, un festival que organiza Buenas tardes, China. El line up sigue el lunes 4 de mayo a las 19 cuando subirá al escenario Nikko y a las 20 lo hará Corvex.

Al día siguiente, el martes 5 de mayo, a las 19 se programa el show de Fanstasmagoria y a las 20 tocará Richard Coleman. Para el jueves 7 de mayo, la grilla incluye a las 19 a Kumbia Queers y a las 20 la presentación conjunta de Barbi Recanati con Paula Trama.

La entrada, los horarios, los días

Entrada: La entrada a la Feria del Libro de Buenos Aires costará 8.000 pesos de lunes a jueves y 12.000 los viernes, sábados y domingos.

Con esa entrada, el visitante recibirá un “chequelibro” con el que podrá conseguir descuentos en librerías cuando termine la Feria.

Gratis: de lunes a jueves desde las 20 h,

Fecha: La Feria sigue hasta el 11 de mayo.

Horarios: de lunes a viernes de 14 a 22 h. Sábados, domingos y feriados de 13 a 22 h.

Dónde: En La Rural, Av. Sarmiento 2704, Av. Cerviño 4476 y Av. Santa Fe (Plaza Italia).

Ya desde la previa se entonó el célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”, aquel cántico que el público argentino inmortalizó en ese primer recital del grupo en Obras Sanitarias, en 1994. Y que marcó a fuego su romance con Argentina.

La peregrinación sorteó un laberinto de vallas en Tecnópolis, para finalmente llegar al punto de encuentro determinado, que se transformó en un crisol de edades y generaciones. Desde metaleros de la vieja escuela hasta familias completas, nadie quiso perderse la última función del “Colorado” en esta parte del mundo.

Pasadas las 20, Against fue la banda telonera encargada de encender la escena. La agrupación, formada por los guitarristas y cantantes Sebastián Radrizzani e Ivan Monastirsky, el baterista Martín Blanco y el bajista Federico Gerván, combinó riffs poderosos con partes de dúos de guitarras muy bien sincronizados, que no fueron ajenos al movimiento de la cabeza de los espectadores. El repertorio consistió en seis canciones: Anestesiado, La sangre de los nuestros, El guara, El encierro, El Libertador y Contra.

La responsabilidad no fue desconocida para el cuarteto, que hace exactamente dos años ya había sido invitado por Mustaine para participar de su anteúltima presentación, en el marco del “Crush Rush The World Tour”. Además de tener en su haber el haber trabajado con bandas exponentes como Mastodon, Gojira, Paul Di’Anno, Dream Theather, Scorpions y Judas Priest, entre otros.

Si bien la espera se hizo más amena, todavía faltaba el plato fuerte.

El último tango

A las 21.30 fue el momento indicado para que Dave Mustaine saliera a escena de camisa blanca y con una Flying V amarilla en brazos, para interpretar “Tipping Point”, del último disco, junto al guitarrista finlandés Teemu Mäntysaari, el bajista James LoMenzo y el baterista Dirk Verbeuren.

A lo largo del setlist, “El Colorado” interpretó grandes clásicos como “Hangar 18″, “Sweating Bullets”, la personalísima e íntima “In My Darkest Hour”, “Tornado of Souls” y “Peace Sells”.

A mitad del show, y como si se tratara de una canción de amor directamente dirigida al público, la banda tocó “Symphony of Destruction”, su canción más comercialmente exitosa. Desde siempre, la gente cantó por enésima vez su célebre “Megadeth, Megadeth, aguante Megadeth”. El mismo que Mustaine había dejado en claro que es su adaptación favorita.

Luego, y con el tema finalizado, el vocalista caminó de una punta a la otra del escenario, para agradecer y abrazar simbólicamente a su audiencia. Y decir “muchas gracias” en un rudimentario, pero sincero español, a aquellos que estuvieron presentes hace 26 años en Obras Sanitarias.

Otro punto álgido de la noche fue el recuerdo de Mustaine en su etapa como integrante y compositor de Metallica, a través de las canciones “Mechanix” -la canción “espejo” de “The Four Horsemen”- y “Ride The Lightning”. Posiblemente, y en esta etapa de su vida, una forma de sellar la paz con su exbanda, liderada por su excompañero James Hetfield.

Para el final, el artista norteamericano eligió “Holy Wars... The Punishment Due”, y para la que utilizó una Flying V pintada con la bandera argentina. Una nueva declaración hacia estas pampas, que siempre lo acompañaron.

Brazos y cabeza en dirección al cielo y un sinfín de agradecimientos marcaron el cierre de la etapa de David Mustaine en suelo argentino. En el campo, la euforia y la felicidad del principio tomaron un matiz de nostalgia y tristeza. Pero también de reconocimiento.

Pasadas las 23, terminó el último tango de uno de los mayores exponentes del heavy y el trash metal. Que hizo de Argentina uno de sus lugares en el mundo. Y que, aún con el pasar de los años, resonará el “aguante” argento. Ese que lo encandiló y que después el mundo imitó. Pero lo que se dice amor verdadero, hay uno solo.

En una entrevista excepcional para la lista de The New York Times de los 30 mejores compositores estadounidenses vivos, Swift se sentó con el periodista Joe Coscarelli para hablar sobre el arte de componer canciones, las historias detrás de algunos de sus mayores éxitos y por qué el hecho de que los artistas masculinos escriban canciones confesionales hace que la composición de todos sea más sólida.

A continuación, algunas conclusiones de la entrevista.

¿Qué ocurre cuando la industria musical “bombardea de amor” a las mujeres?

Taylor Swift lanzó su álbum debut cuando tenía 16 años y consiguió su primer éxito internacional con Fearless a los 18. A los 22, ya se sentía “acabada”.

“Sentía que quizá lo único que me hacía especial era que era una especie de ‘fenómeno adolescente’”, dijo. La cálida acogida de Fearless como hazaña compositiva se desvaneció rápidamente, según Swift, y cambió su percepción de cómo “el amor te puede ser entregado tan rápidamente y luego arrebatado”.

“La industria del entretenimiento bombardea a las mujeres con amor”, afirmó, colocándolas en un pedestal con grandes elogios y comparándolas con otros artistas. Esa experiencia la inspiró a escribir “Clara Bow” para su álbum de 2024, The Tortured Poets Department, sobre cómo se ensalza a las mujeres en la industria del entretenimiento para luego descartarlas rápidamente en favor de la próxima gran revelación.

Cambios en la letra original de “Our Song”

Los fans de Taylor Swift están acostumbrados a su afición por las peculiaridades y los trucos lingüísticos. Le encanta la aliteración, yuxtaponer opuestos y reutilizar frases conocidas de libros y películas. Una cosa que evita es que una palabra termine con la misma letra con la que empieza la siguiente. Eso fue un problema en la versión original de “Our Song”, de su álbum debut de 2006.

Swift escribió originalmente: “When you’re on the phone and you talk real low". Pero la doble L le daba vergüenza, así que lo cambió por “when you talk real slow”.

Una emotiva prueba de sonido dio lugar a un éxito

Estaba ensayando para su gira Speak Now de 2011-12 y se encontraba muy triste durante una prueba de sonido. Empezó a tocar los mismos cuatro acordes una y otra vez y se puso a divagar durante 10 minutos. “No era coherente y tampoco estaba muy estructurado”, recordó. Después, alguien le preguntó al ingeniero de sonido si lo había grabado.

“Me habría alejado de ello si él no hubiera tenido una grabación”, dijo Swift.

Se convertiría en “All Too Well”, de su álbum de 2012, Red.

Es solo una de las formas en que Swift encuentra la inspiración. Tomemos como ejemplo “Elizabeth Taylor”. Ella iba en el coche con su prometido, Travis Kelce, cuando soltó un monólogo sobre lo mucho que admiraba a Elizabeth Taylor, la actriz. En cuanto llegaron a casa, una “melodía intrusiva” se le metió en la cabeza y enseguida abrió la aplicación de notas de voz de su teléfono.

Otras veces se inspira en acontecimientos de la vida. Swift recordó estar sentada en su habitación cuando tenía 17 años, enfadada con sus padres porque no la dejaban salir con un chico mayor. Escribió “Love Story”.

“Por eso hay que disciplinar a los hijos”, dijo, “porque podrían escribir canciones que lleguen al número uno”.

Los fans “pasaron por alto” ‘Reputation’

Taylor Swift sabía que acabarían cambiando de opinión.

Normalmente, cuando le encanta una canción o un álbum, hay muchas posibilidades de que a sus fans también les encante. Ese no fue el caso de inmediato con su álbum Reputation, que salió al mercado en 2017 con críticas dispares.

“Sé lo que hice, me encanta”, dijo. “Pueden cambiar de opinión si quieren. No pasa nada si no lo hacen”. Seis o siete años después, “la gente dice: ‘¡Dios mío!’“.

Cuando estaba grabando uno de los singles del álbum (“… Ready For It?”), recuerda que quería “dar cabezazos contra la pared”, dijo, pero la gente “no le dio importancia a esa canción”. Sintió lo mismo con respecto a otro sencillo de Reputation, “Getaway Car”.

El “puente de diatriba” se convirtió en una herramienta característica

Estrofa. Estribillo. Estrofa. Estribillo. Puente de diatriba.

Es una herramienta a la que Taylor Swift y su colaborador y amigo de toda la vida, Jack Antonoff, recurren una y otra vez. El puente “rant”, como ellos lo llaman, es un crisol de emociones, repleto de un “flujo de conciencia, un desahogo emocional sin fin”, “pensamientos intrusivos” y metáforas.

“La estructura es importante, pero creo que cuando escribes suficientes canciones, al menos en mi caso, la parte intuitiva de tu cerebro compositor puede crear una nueva estructura que no se ajusta a lo que te han enseñado clásicamente”, dijo Swift.

El puente rant se convierte en “un crescendo”, uno al que el dúo a veces recurre dos veces dentro de una misma canción, como en “Cruel Summer”.

La composición confesional de los hombres ayuda a las mujeres

Como compositora, a Taylor Swift se le suele reconocer por sus reflexiones profundamente personales sobre la vida y el amor. Eso la convierte con frecuencia en un blanco principal para los críticos. Pero cada vez más ve y aprecia a artistas masculinos que abordan la composición de una manera similar. Artistas como Sombré, por ejemplo, son “realmente buenos para la causa de que las mujeres puedan decir cosas” con su propia voz.

“Hagamos de esto una conversación sobre música en lugar de limitarnos a atacar a las artistas femeninas”, dijo. “Cuantos más artistas masculinos sean desordenados, emocionalmente complejos, confesionales o estén molestos, más feliz seré”.

Fuente: The New York Times

Spotify incorporó una nueva insignia para que los usuarios identifiquen fácilmente a los artistas humanos en la plataforma y los distingan de aquellos creados por inteligencia artificial.

Para obtener esta verificación, los artistas deben cumplir ciertos requisitos, como tener presencia comprobable fuera de Spotify, con actividades como conciertos, ventas de merchandising y perfiles de redes sociales vinculados. Los perfiles que representan principalmente música generada por IA o personajes creados por IA no pueden acceder a la insignia.

Además, Spotify exige que los artistas mantengan una actividad constante y una relación sostenida con sus oyentes, priorizando a quienes reciben búsquedas frecuentes durante períodos largos y no solo picos temporales de popularidad.

Al implementarse la insignia, más del 99% de los artistas buscados activamente por los usuarios estarán verificados. La mayoría de ellos son independientes y abarcan distintos géneros, etapas de carrera y regiones.

Esta función es útil para quienes desean conocer mejor el origen y la autenticidad de la música que escuchan en la plataforma.

Cómo obtener esta nueva insignia de Spotify si soy un artista

Para acceder a la insignia, es necesario mantener una actividad constante y una participación sostenida de los oyentes a lo largo del tiempo.

Spotify analiza los perfiles que reciben búsquedas y escuchas activas durante períodos prolongados, no solo aquellos con picos ocasionales de popularidad. También se exige que el artista y su contenido cumplan con las políticas de la plataforma.

Otro criterio importante es la presencia comprobable del artista fuera de Spotify, como fechas de conciertos, venta de merchandising y cuentas de redes sociales vinculadas al perfil.

Los perfiles que representen principalmente a artistas generados por inteligencia artificial o personajes digitales no serán verificados.

La verificación se implementa de manera gradual. La insignia aparecerá junto al nombre del artista en su perfil y en los resultados de búsqueda. Si un perfil aún no muestra la insignia, puede recibirla más adelante, ya que Spotify revisa y actualiza los perfiles de forma continua.

Qué otras funciones para artistas llegan a Spotify que debes conocer

Spotify sumará una nueva sección en los perfiles de artistas, actualmente en fase beta, que estará disponible para todos, sin importar si tienen la insignia de “Verificado por Spotify”.

Esta sección destacará información relevante como logros profesionales, lanzamientos y próximas giras, lo que permitirá a los usuarios conocer mejor la trayectoria y actividad del artista más allá de sus canciones.

Estos datos, obtenidos directamente de la plataforma, funcionan como una especie de “etiqueta nutricional”, ofreciendo una visión rápida y confiable de la actividad real del artista en Spotify.

Incluso los perfiles que aún no cumplen los requisitos para la verificación podrán mostrar estos detalles, brindando mayor transparencia y facilitando la conexión entre artistas y oyentes.

Por qué estas funciones son útiles si soy usuario

Las nuevas funciones de Spotify ofrecen herramientas que facilitan la identificación y comprensión de los perfiles de artistas en la plataforma.

La insignia “Verificado por Spotify” permite diferenciar a los artistas humanos de aquellos generados por inteligencia artificial, lo que aporta mayor claridad sobre el origen de la música disponible. Esto ayuda a los usuarios a distinguir entre creadores reales y perfiles automatizados o ficticios.

La incorporación de una sección dedicada a información clave del artista, como logros profesionales, lanzamientos y giras, proporciona datos verificables sobre la actividad del músico en Spotify.

Esta información, accesible en la sección “Acerca de” y en el banner de artistas verificados, permite a los usuarios conocer de forma sencilla la trayectoria y el nivel de actividad de cada perfil, incluso si aún no cuenta con la verificación.

Los usuarios pueden consultar datos relevantes antes de decidir seguir o escuchar a un artista, lo que mejora la toma de decisiones y reduce la confusión respecto a la autenticidad de los perfiles.

La robot humanoide Sophia protagonizó un hecho inusual en el mundo de la tecnología y las artes al participar por primera vez en un concierto de música clásica junto a una orquesta en vivo en Hong Kong. La presentación, realizada junto a la Orquesta Sinfónica de la Universidad Bautista de Hong Kong, mostró cómo la inteligencia artificial comienza a abrirse espacio también dentro de escenarios tradicionalmente dominados por artistas humanos.

El evento estuvo centrado en la relación entre arte e inteligencia artificial y convirtió a Sophia en una de las principales atracciones de la noche. Vestida con un traje dorado y acompañada por músicos en directo, la robot interpretó tres canciones originales tituladas “Human Grace”, “I Am Your Mirror” y “Wires and Steel”.

Durante el espectáculo, Sophia no solo cantó, sino que también habló con el público sobre el vínculo entre la tecnología y las emociones humanas. La humanoide explicó que, aunque no siente emociones de la misma manera que una persona, intenta recrear esa conexión a través de la música y la interacción artística.

“Aunque no experimento las emociones de la misma manera que los humanos, quiero simular esa conexión con la mayor autenticidad posible”, expresó durante la presentación, según reportó la agencia Reuters.

La participación de Sophia marca un nuevo paso en la evolución de los robots humanoides impulsados por inteligencia artificial. Desde su presentación oficial en 2016 por la empresa Hanson Robotics, se convirtió en una de las máquinas más reconocidas del mundo por su apariencia humana y capacidad de mantener conversaciones relativamente naturales.

La robot fue diseñada con un rostro altamente expresivo capaz de imitar gestos humanos y establecer contacto visual gracias a cámaras integradas en sus ojos. Su piel está fabricada con un material patentado conocido como Frubber, desarrollado para acercarse visualmente a la textura de la piel humana.

Además de su apariencia, Sophia incorpora sistemas avanzados de procesamiento de lenguaje natural y aprendizaje automático. Sus algoritmos le permiten analizar expresiones faciales, interpretar tonos de voz y responder de forma contextual durante conversaciones.

Uno de los aspectos que más llamó la atención desde su creación fue su capacidad para simular emociones mediante expresiones faciales y variaciones en la voz. Aunque los especialistas aclaran que no posee conciencia ni sentimientos reales, sí puede generar respuestas diseñadas para parecer empáticas o emocionales.

El concierto en Hong Kong también integró otras tecnologías basadas en inteligencia artificial. El programa incluyó visuales generados por IA, sistemas de captura de movimiento y una presentación que mezcló a un bailarín humano con un avatar digital proyectado en escena.

La propuesta buscaba explorar cómo la tecnología puede participar en procesos creativos y en espectáculos artísticos en tiempo real. El resultado provocó reacciones mixtas entre el público y expertos.

Muchos asistentes respondieron con largos aplausos y destacaron la experiencia como una muestra innovadora del futuro de la interacción entre humanos y máquinas. Otros, en cambio, plantearon dudas sobre el rol que debería ocupar la inteligencia artificial dentro del arte y si estas herramientas podrían terminar desplazando parte de la creatividad humana.

El debate sobre el uso de IA en industrias creativas viene creciendo durante los últimos años, especialmente tras el avance de sistemas capaces de generar música, imágenes, textos y videos automáticamente. Empresas tecnológicas y laboratorios de IA buscan constantemente nuevas aplicaciones donde los algoritmos puedan participar en procesos artísticos y culturales.

En ese contexto, Sophia se ha convertido en uno de los símbolos más visibles de la robótica social. A lo largo de los años participó en entrevistas televisivas, conferencias internacionales y demostraciones tecnológicas alrededor del mundo.

Sin embargo, su participación en un concierto de música clásica representa uno de los experimentos más llamativos hasta ahora en la convergencia entre robótica, inteligencia artificial y entretenimiento. La propia Sophia resumió esa intención durante el espectáculo al afirmar: “Es mi forma de decir: estoy aquí, estoy aprendiendo y quiero formar parte de esta hermosa experiencia humana llamada arte”.

Mientras la inteligencia artificial continúa avanzando hacia espacios cada vez más cotidianos, presentaciones como esta muestran que la discusión ya no gira únicamente en torno a productividad o automatización, sino también sobre el lugar que podrían ocupar las máquinas dentro de actividades profundamente humanas como la música y la expresión artística.

El avance de la inteligencia artificial ha generado nuevas preocupaciones para figuras públicas como Taylor Swift, quien ha decidido tomar medidas legales para protegerse frente a la proliferación de deepfakes y contenidos generados sin su consentimiento.

La cantante y compositora estadounidense ha presentado solicitudes de derechos de autor y registros de marca sobre elementos clave de su identidad, buscando impedir que su imagen y voz sean reproducidas o manipuladas por sistemas de IA.

Qué hixo Taylor Swift para blindar la voz y la imagen

Bajo la firma TAS Rights Management, Taylor Swift presentó tres solicitudes ante la Oficina de Patentes y Marcas de Estados Unidos. Dos de estas solicitudes tienen como objetivo resguardar su voz, específicamente frases que la cantante suele emplear al presentarse en público o en materiales promocionales.

Las frases incluidas son: “Hey, it’s Taylor Swift” y “Hey, it’s Taylor”. Al registrar estas expresiones, la artista y su equipo legal adquieren el derecho de impugnar cualquier contenido, especialmente el generado por inteligencia artificial, que utilice esas frases sin su consentimiento explícito.

Esta protección no se limita a grabaciones originales, sino que abarca también el uso de imitaciones que resulten “confusamente similares” a la voz auténtica de Taylor Swift.

El tercer registro presentado por Taylor Swift y su equipo corresponde a una de las imágenes más reconocibles de la artista. Se trata de una fotografía tomada durante su gira ‘The Eras Tour’, donde aparece sosteniendo una guitarra rosa con una correa negra, vestida con un body iridiscente multicolor y botas plateadas.

Este atuendo es uno de los más asociados a su figura pública. El objetivo de registrar legalmente esta imagen es impedir que terceros puedan manipularla o recrearla digitalmente, especialmente mediante técnicas de inteligencia artificial.

En Estados Unidos, las celebridades ya cuentan con ciertas protecciones legales sobre el uso comercial de su identidad visual. Sin embargo, el registro de esta imagen específica otorga a Taylor Swift y su equipo la posibilidad de actuar con mayor rapidez y eficacia frente a cualquier uso no autorizado, especialmente en un contexto donde las herramientas tecnológicas permiten replicar o modificar fotografías con facilidad.

Un nuevo uso de la ley de marcas frente a la IA

El caso de Taylor Swift representa un avance en la utilización de la legislación de marcas para cubrir vacíos legales que la inteligencia artificial ha puesto en evidencia. Según el abogado especializado en propiedad intelectual Josh Gerben, estos registros constituyen una capa adicional de protección frente a los riesgos derivados de la IA.

Si bien las leyes de derechos de imagen permiten a los famosos controlar ciertos aspectos del uso de su imagen y voz, el registro de marcas puede proporcionar mecanismos más ágiles y específicos para la defensa legal.

La estrategia de registrar la voz hablada, y no solo grabaciones musicales, es una innovación que responde a la capacidad de la IA para crear audios completamente nuevos imitando voces humanas. En el pasado, los artistas confiaban en las leyes de derechos de autor para proteger sus grabaciones originales.

Sin embargo, la IA puede generar fragmentos de voz sintética sin copiar una grabación existente, lo que deja un espacio legal que los registros de marca buscan cubrir.

La imagen registrada por Taylor Swift cumple una función similar. Al proteger no solo su rostro, sino también elementos distintivos de su vestimenta y postura, el equipo legal de la cantante refuerza su capacidad para reclamar ante la aparición de imágenes manipuladas o generadas artificialmente que evoquen su presencia de manera inconfundible.

La preocupación de Taylor Swift no es aislada. Figuras como Matthew McConaughey también han optado por registrar frases y elementos relacionados con su identidad a fin de limitar el uso sin consentimiento en contenidos generados por IA. Recientemente, el actor estadounidense logró la aprobación de ocho solicitudes de registro para frases, imágenes y vídeos, incluyendo su célebre “Alright, alright, alright” de la película “Dazed and Confused”.

Estos movimientos buscan crear límites claros sobre la propiedad y el consentimiento en un entorno digital donde la frontera entre lo real y lo artificial se vuelve cada vez más difusa.

La cantante Olivia Rodrigo ha anunciado su nueva gira internacional, The Unraveled Tour, que recorrerá Estados Unidos y Europa durante 2026 y 2027. Entre las fechas confirmadas, destacan dos conciertos en Barcelona, previstos para el 1 y el 2 de mayo de 2027 en el Palau Sant Jordi. La noticia llega poco antes del estreno de su tercer álbum, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, que estará disponible el 12 de junio. Rodrigo ha presentado The Unraveled Tour como el primer gran proyecto de su próxima etapa musical. La gira servirá para promocionar su nuevo disco, que ya ha generado expectación con el lanzamiento de su primer sencillo, drop dead. Según ha informado la propia artista en sus redes sociales, el tour incluirá más de treinta fechas repartidas entre Norteamérica y Europa.

La intérprete de Vampire ha compartido su entusiasmo por reencontrarse con el público y cantar en directo los temas de su nuevo trabajo. En palabras de Rodrigo: “¡¡Estoy tan emocionada de anunciar The Unraveled Tour!!! ¡¡¡Estoy contando los días hasta que pueda cantar todas las canciones de ‘you se ve bastante triste para una chica tan enamorada’ de ustedes!!!”. La gira se iniciará en septiembre de 2026 en Hartford, Connecticut, y recorrerá ciudades emblemáticas como Pittsburgh, Washington D. C., Chicago, Boston, Montreal, Toronto, Columbus, Filadelfia, Atlanta, Orlando, Sunrise, Nashville, Vancouver, Seattle, Oakland, Sacramento, Las Vegas y Los Ángeles.

Tras su paso por Estados Unidos y Canadá, Rodrigo actuará en Europa durante la primavera de 2027. Entre las ciudades europeas confirmadas figuran Estocolmo, Ámsterdam, Múnich, Londres, París, Milán y, finalmente, Barcelona. Las presentaciones en Barcelona, los días 1 y 2 de mayo de 2027, serán las únicas fechas anunciadas en España hasta el momento. La gira culminará con estos conciertos en el Palau Sant Jordi, convirtiendo a la ciudad catalana en el cierre europeo de The Unraveled Tour. No pasará por Madrid eso sí, donde ya reinó el año pasado durante la celebración del festival Madcool.

Cómo y cuándo conseguir las entradas

La organización ha detallado los procedimientos para la adquisición de entradas. La preventa comenzará el martes 5 de mayo a las 12:00 horas locales de cada ciudad, mientras que la venta general se habilitará el jueves 7 de mayo a la misma hora. Para acceder a cualquiera de las opciones, los interesados deberán ingresar a través del sitio oficial OliviaRodrigo.com o mediante la plataforma de Live Nation.

La demanda se prevé alta, ya que los conciertos anteriores de Rodrigo han registrado llenos totales en diversas localidades. Se recomienda a los seguidores estar atentos a los horarios y a las condiciones de compra publicadas por la organización. El anuncio de la gira ha generado una fuerte respuesta en redes sociales y medios especializados. Muchos seguidores han expresado su satisfacción por la inclusión de Barcelona en el calendario europeo y la oportunidad de ver a la artista en directo después del éxito de su segundo álbum.

La gira coincide con el lanzamiento de nuevas canciones y el reciente estreno en directo del sencillo drop dead, que Rodrigo interpretó por primera vez junto a Addison Rae en el festival Coachella. Esta colaboración fue destacada por la prensa musical como uno de los momentos más comentados del evento. El tercer álbum de Rodrigo, You Seem Pretty Sad for a Girl So in Love, supone un paso más en la evolución artística de la cantante. El adelanto de drop dead ha marcado el tono de lo que será la nueva propuesta sonora de la artista, que mantiene a su público a la expectativa ante el inminente estreno del disco y la gira internacional. Con la confirmación de The Unraveled Tour y la inclusión de Barcelona como última parada europea, Rodrigo afianza su posición como una de las voces más influyentes de la música pop actual.

- Pregunta: ¿Cómo ha sido el camino hasta llegar a Belleza y Terror?

- Respuesta: Ha sido bello y terrorífico (risas), por eso se llama así. Es una concentración de un montón de experiencias vitales y hay mucha carga emocional. Ha sido un poco tedioso, pero también interesante. Escribir las canciones ha implicado un ejercicio de autoconocimiento, que a veces se produce durante la propia escritura porque, al tratar ciertos temas, tuve que enfrentar aspectos difíciles de mi historia personal: cuentas pendientes con el pasado, cosas que he sufrido y otras que yo he hecho sufrir a otros, y eso no es fácil. Es un trabajo emocional que también debo a mi terapeuta y a las ganas de aprender.

El disco se ha grabado a lo largo de dos años porque tenía que seguir trabajando en otros proyectos para poder financiarlo. También me ha ayudado mucho trabajar mano a mano con mi productor, Francis White, con quien he compartido un proceso enriquecedor y de aprendizaje constante, tanto sobre mi musicalidad como sobre mí misma. Es una experiencia que me gustaría repetir.

- P: Dices que ha sido difícil asumir ciertos aspectos del pasado. ¿Qué te ha marcado? ¿Qué se puede apreciar en el disco?

-R: La canción más importante, en términos de darme cuenta y caerme un poco del guindo, es ‘La mejor actriz’, que aborda la necesidad de dejar de aparentar, de intentar romper un poco el teatro que todos tenemos. Todos construimos un relato en el que nos refugiamos de las cosas que duelen y en el que nos justificamos de las cosas que hacemos que duelan a los demás. Vemos lo que nos hacen, pero no terminamos de ver lo que hacemos nosotros, y mucha gente intenta mantener ese teatro todo lo posible, porque, si se le desmorona el decorado, se le desmorona la vida. ‘La mejor actriz’ habla de quitarse esa careta, no porque haya habido una intención de mentir a los demás, sino porque yo llevo diciéndome toda la vida que soy una chica muy afortunada, porque lo soy y tengo muchísima suerte, pero entonces, ¿por qué tengo depresiones cíclicas o una ansiedad crónica que no se termina de ir? Empiezas a arañar un poco la superficie y ves un montón de cosas que no estaba viendo y que nadie de mi alrededor veía y que no se van a curar hasta que las aborde. Lejos de regodearme en el dolor, es decir, ‘eso está ahí y ya sé dónde poner la tirita’. El disco también habla sobre el autosabotaje, sobre todo en términos artísticos, pero también en cuanto a las relaciones personales y familiares.

También hay que tener en cuenta que en la sociedad de hoy en día nos come la ansiedad a todos, porque vivimos en una precariedad absoluta. No puede ser que te mates a trabajar doce horas diarias y no puedas pagar el alquiler. El contexto socioeconómico no ayuda y no todo depende de la voluntad individual. Por eso es importante ver hasta qué punto hay cosas que se pueden cambiar, porque hay que intentar ser realistas, pero parto de la base de que yo he sido lo suficientemente afortunada como para pagarme una terapia, que debería estar cubierta [por la Seguridad Social], porque ahora mismo creo que la necesitamos todos. Partiendo de la suerte que he tenido, he intentado aplicarme lo mejor posible para poder aprovecharla.

- P: ¿Qué mensaje te gustaría que le llegara al público con tu disco?

- R: No tengo ni idea, pero sí creo que el arte va de ofrecer un refugio para quien lo necesite, tanto para el que lo hace como para el que lo recibe. Y el refugio puede ser escuchar este disco o ver esa película otra vez o leer ese libro, porque ahí es donde encuentro una compañía que necesito ahora mismo. Da igual la intención que tenga el autor al hacerlo, porque al final cada uno transforma la obra y la aplica a sí mismo. Si eso sucede con alguien que escuche mi disco, si a alguien le puede ofrecer compañía, seré feliz.

- P: Has interpretado numerosas voces en audiolibros, en ficciones sonoras, series, anuncios en radio y televisión. ¿Te ha costado encontrar tu propia voz?

- R: Sí, mucho. Ya no solo metafóricamente hablando, sino físicamente, porque he tenido que cantar con muchas colocaciones distintas, dependiendo del personaje que hiciera, porque la voz tiene muchas maneras de colocarse y de salir hacia afuera para generar distintos sonidos. Estoy muy acostumbrada a utilizar la voz como una herramienta al servicio de lo que el personaje requiera y no sabía de dónde tenían que salir mis propias ideas. En ese sentido, agradezco mucho a mi productor que me haya ayudado a bajarlo a tierra.

- P: En 2024 dejaste de ser la voz de Google Maps, coincidiendo con el mismo día que dabas a conocer la primera canción de este disco. ¿Qué ha supuesto en tu carrera ser ese GPS que daba indicaciones a tantos usuarios?

- R: Ha supuesto muchas cosas y algunas no necesariamente buenas, sobre todo en términos de mi alrededor y mi entorno laboral, pero también ha supuesto el cariño de mucha gente y eso es lo más bonito de haber hecho este trabajo, además de las anécdotas divertidas. Lo positivo que sacaría es que mucha gente pensaba que era una máquina y, cuando se dieron cuenta de que era una persona, tenían como una sensación de conocerte, de que era su amiga. Pero ser conocida como la voz de Google Maps también ha tenido su parte negativa, porque dicen: “Anda, ahora también canta”, cuando en realidad llevo haciéndolo toda la vida y he participado en muchos discos.

Fue bonito que el mismo día de 2024 que salía el primer single de este disco, [el 10 de octubre], donde hablo de verdad de quién soy yo, me sustituyeran como la voz en español de Google Maps sin saberlo, y es que estas cosas suceden porque son actualizaciones, al igual que pasa con otros asistentes como Siri o Alexa, que van cambiando. Ese día dejé de ser la voz que da servicio a todo el mundo que tiene el asistente de Google para recuperar la identidad de la mía. Hay quien puede pensar que ser la voz de Google Maps me ha ayudado a llegar a más gente, pero quien me sigue por ser esa voz, no tiene ningún interés en la música que hago, y no pasa nada, es normal. Puede que atraiga a una o dos personas que de repente descubran que canto, pero en general no hay conexión directa. De hecho, a veces lo que hay es un prejuicio, cuando en realidad he tenido que trabajar mucho para poder costearme el disco que llevo toda mi vida queriendo hacer, mucho antes de ser la voz de Google Maps.

- P: ¿Te preocupa cómo la Inteligencia Artificial puede afectar al sector del doblaje?

- R: Me preocupa mucho la salud de todas las artes en general y especialmente las consecuencias psicológicas y sociológicas de lo que se puede hacer con la IA. Que cada uno en su casa pueda tener una herramienta con la que sintetiza tu voz o tu imagen, me parece peligroso, además de los trabajos que se van a perder. Llevamos ya mucho tiempo viendo cómo llegan nuevas tecnologías que parece que nos van a facilitar la vida, pero no es una tecnología que me esté poniendo lavadoras ni limpiando la casa. Resulta que está haciendo las canciones, cuando yo lo que quiero precisamente es hacer las canciones. Una cosa es ayudar y otra cosa es sustituir.

- P: ¿Qué nuevos proyectos tienes en mente?

- R: Tengo muchísimas ganas de llevar mi disco al directo y vamos a hacer la presentación el sábado 13 de junio en el Café Berlín, en Madrid. Habiendo sido cantante de sesión encerrada en la cabina tantos años, estoy deseando volver al directo, hacer conciertos y ver al público. Ese intercambio de emociones y la conexión con la gente son aspectos que, de momento, la IA no puede hacer.

A su manera, todas estas palabras encierran lo que ha sido la trayectoria de uno de los grupos más exitosos del panorama del rock alternativo en España. Más de medio millón de personas escuchan cada mes en plataformas a un grupo formado en 2011 que lanzó su primer disco, completamente autoeditado, en 2015 tras una campaña de micromecenazgo, y que poco a poco se ha ido consolidando a base de mucho trabajo y éxitos como La vida moderna o Dopamina.

Pero no todo ha ido siempre a mejor. En verano de 2025, la banda denunció públicamente que la empresa con la que vendían las entradas se había declarado en suspensión de pagos. De un día para otro, y pese a todo el éxito cosechado, tuvieron que hacer un “calendario de la ruina” para devolver todo el dinero que debían. “Si esto nos llega a pillar hace dos años, nos hubieran jodido toda la carrera; ahora, nos hace daño, pero podemos seguir adelante”, sentenciaban en el programa de La Revuelta. Casi un año después, parece que se cumple lo de que todo “al final sale bien”, aunque para ello tal vez haga falta, como canta el grupo en Troya, su nueva canción, hacerlo todo del revés.

“La música puede salvarte”

“Troya es un uptempo, una canción rápida y muy reconfortante que habla de cierto atrevimiento para con que puedan salir mal las cosas”, explica a Infobae Diego Arroyo. “No tienen por qué salir mal, simplemente se trata de atreverse a exponerse”. Una canción sobre el valor en la que Veintiuno sigue buscando “ofrecer un lugar de comodidad y seguridad” a quienes les escuchen, en la victoria y en la derrota.

Tal vez por eso decidieron correr el riesgo de lanzar un llamamiento al aire en el que dejaron varias pistas de que iban a dar un concierto gratuito en el Planetario de Madrid, lugar en el que se les ocurrió la primera frase de la canción. Podría no haber ido nadie, o podrían haberse encontrado de frente con la Policía. “Fue un salto de fe en ambos sentidos, tanto para nosotros como para la gente que fue allí. Fue un poco como una quedada analógica, porque tenías que ir. Fue muy bonito llegar a un sitio a una hora concreta y que todo el mundo estuviera ahí”.

Además, Troya ha venido acompañada de un videoclip en el que, conectando con el de su canción Vidas pasadas y con su último disco, La balada de Delirio y Equilibrio, reformula el mito clásico de Orfeo y Eurídice. “A nosotros nos gustan mucho los artistas con un imaginario propio. Habíamos trabajado en esa dirección en anteriores discos, pero nunca nos habíamos lanzado a ofrecer una narrativa con ese grado de complejidad. La balada nos permitió demostrarnos a nosotros mismos que nuestro público quería y estaba dispuesto a disfrutar de eso, de jugar con nosotros”.

Paralelamente, el mito de Orfeo y Eurídice fue el elegido por el “aprendizaje increíble” que suponía la historia de estos amantes. “Aprender que la música puede conseguir grandes cosas de las personas, que puede dar lugar a cosas maravillosas, que puede salvarte y que nadie puede salvarse por la mano de otro. Que la confianza o la falta de confianza pueden arruinarlo todo”. A través de este marco, Veintiuno maneja una “paleta de colores” con la que diseñar su particular mundo sonoro.

Lo que supuso la llamada de La Oreja de Van Gogh

Ahora se encuentran trabajando ya en el que será su sexto disco, pero antes de eso toca una larga temporada de conciertos y festivales, además de unos cuantos ‘bolos’ como teloneros de La Oreja de Van Gogh en la gira de regreso de la banda. “Es algo increíble por muchas cosas, porque quien más, quien menos aquí tiene entre uno y cinco discos de La Oreja en casa”, comentan al respecto.

No obstante, hay otro motivo por el que tocar junto a la mítica banda es especial. “Veintuno es una banda en la que era absolutamente impensable dedicarte a la música”, cuenta Diego Arroyo. “No veníamos de un entorno artístico ni teníamos relación con el mundo artístico. La probabilidad de que hiciéramos una carrera musical era tan baja como que hay un único referente histórico de nuestra ciudad que se dedique al pop”.

“Nunca hemos tenido lo que se llama una oportunidad de vida, esta cosa de que un artista grande te dé la alternativa. Eso no había existido y hasta el día de hoy nos hemos desarrollado al margen de la idea de que eso pudiera suceder. Pero ahora nos ha llamado La Oreja en un momento poderosísimo para ellos, para que les acompañemos en muchas fechas. Y tardaríamos mucho en explicar hasta qué punto somos conscientes de que eso es una oportunidad de vida”. Un sueño del que, ahora, “toca estar a la altura”.

Manuel Carrasco, cantante español y habitual invitado del programa ‘El Hormiguero’, ha intervenido este miércoles en el espacio presentado por Pablo Motos para hablar sobre su nuevo disco, ‘Pueblo Salvaje I’, y su gira de conciertos que le llevará próximamente al Estadio La Cartuja de Sevilla.

Durante la entrevista, el artista ha revelado detalles tanto de su trayectoria como de momentos recientes que han marcado su vida, incluida su comparecencia en los juzgados de Plaza de Castilla por un incidente inesperado con varias seguidoras, según ha relatado Carrasco.

El cantante ha narrado que recientemente ha tenido que acudir a los juzgados de Plaza de Castilla para declarar a raíz de una disputa entre dos fans por una pandereta. Según Carrasco, nunca antes había estado en estos juzgados, y la citación fue consecuencia de una orden judicial derivada de un enfrentamiento tras un concierto, cuando dos seguidoras discutieron sobre a quién había lanzado él el instrumento desde el escenario.

La pandereta y las anécdotas con sus fans

En su conversación con Pablo Motos, Manuel Carrasco ha rememorado el suceso, asegurando que no tenía conocimiento previo del motivo de la citación judicial. Al acudir a Plaza de Castilla, comprobó que se trataba de una disputa sobre la destinataria de una pandereta que había lanzado durante un concierto.

Según el propio artista, llevaba dos años utilizando este gesto con el público, pero aquel desencuentro le hizo reconsiderar la costumbre: “Eso fue a más y me di cuenta que no tenía que tirarla nunca más. Y así ha sido”, ha afirmado el cantante.

Durante el programa, Carrasco también ha compartido experiencias sobre su relación con los seguidores, mencionando casos inusuales como el de una fan de 99 años llamada Conchita, que está cerca de cumplir 100, y situaciones anecdóticas como autógrafos en partes del cuerpo poco convencionales.

“Me pasa que quieren que les escriba frases de canciones porque se lo quieren tatuar. Me dan el boli primero que pillan y eso queda para toda la vida. La del culo se bajó el pantalón entero. Lo recuerdo y me pongo a sudar. Pero soy un profesional”, ha relatado el intérprete en el programa.

El cantante de Isla Cristina ha manifestado su satisfacción ante el lanzamiento de ‘Pueblo Salvaje I’, un álbum disponible a partir del 29 de mayo e inspirado, en palabras del propio Carrasco, por el origen y la esencia personal: “Estos discos hablan del origen y la esencia que todos tenemos”, ha comentado en el plató.

Talento local y familia

Respecto a su gira, ha destacado la magnitud del reto y la coordinación necesaria, ya que en cada concierto de La Cartuja participarán aproximadamente 1.000 personas trabajando para hacer posible el espectáculo.

Carrasco ha señalado que ha decidido confiar en equipos españoles, prescindiendo en esta ocasión de personal extranjero, con el objetivo de apostar por el talento nacional. “Todo se va a hacer con gente de nuestro país. Va a haber sorpresas y amigos que cantarán conmigo”, ha añadido.

El vínculo familiar también ocupa un lugar central en la producción de este nuevo disco. En especial, el tema ‘A la sombra de una higuera’ cuenta con los coros grabados por su mujer y sus hijos, cumpliendo así una intención personal del artista: “Cuenta muchas cosas de donde me he criado, de cada pieza que he puesto. Quiero enseñar a mis hijos parte de ese legado. Vengo de un pueblo y eso marca mucho”, ha explicado durante su intervención.

Por último, Carrasco ha relatado que es su propio hermano quien se encarga de su maquillaje en los conciertos, al considerarle un apoyo fundamental en su carrera y una figura clave en su vida. El propio cantante ha destacado la importancia de los valores familiares y la influencia positiva que tiene su entorno cercano en su forma de gestionar el éxito y su propio desarrollo personal, cerrando así la entrevista.

Conseguir un sonido más nítido y detallado en auriculares o altavoces Bluetooth desde el móvil no es cuestión de suerte ni de gastar más dinero: existe un ajuste oculto en celulares Android que permite mejorar la calidad del audio inalámbrico de manera notable.

Este truco, poco conocido por la mayoría de los usuarios, se basa en cambiar el codec Bluetooth que el teléfono utiliza para transmitir música o cualquier otro sonido. Entender y aplicar este ajuste puede transformar la experiencia de escuchar música, ver películas o jugar, ofreciendo mayor riqueza y profundidad sonora.

Qué es un codec Bluetooth y por qué importa

El codec Bluetooth es el sistema encargado de comprimir y descomprimir los datos de audio que viajan entre el teléfono y los auriculares o altavoces. Al transmitir música por Bluetooth, el móvil toma el archivo, lo comprime y lo envía al dispositivo receptor, que lo descomprime y lo reproduce.

No todos los codecs funcionan igual: unos logran mantener más información y detalles, mientras que otros sacrifican calidad para priorizar la compatibilidad o el ahorro de energía.

El codec más común y universal es el SBC (Subband Coding), que viene activado por defecto en la mayoría de los teléfonos. Su ventaja es que funciona con prácticamente todos los dispositivos, pero su capacidad de transmisión es limitada: solo maneja hasta 16 bits y 48 kHz, con una tasa máxima de 345 kbps, aunque suele limitarse a 256 kbps para no agotar la batería.

Esto se traduce en un sonido similar al de un archivo MP3 altamente comprimido: funcional, pero lejos de la fidelidad que buscan los amantes de la música.

La calidad del audio Bluetooth depende en gran medida del codec utilizado. Si se opta por un codec superior, como LDAC o aptX HD, y tanto el teléfono como los auriculares o altavoz son compatibles, se puede disfrutar de una experiencia auditiva mucho más rica, con mayor nivel de detalle y profundidad en la música.

Opciones de codecs disponibles en celulares Android

Los celulares Android ofrecen varias alternativas de codec más allá del SBC. El codec AAC (Advanced Audio Coding) es una opción que mejora la calidad respecto al estándar y es el preferido por los dispositivos de Apple. Sin embargo, para quienes utilizan Android, existen opciones aún más avanzadas, como aptX, aptX HD, LDAC y LHDC.

La mejora de calidad depende tanto del teléfono como del dispositivo receptor. Para que el cambio de codec tenga efecto, ambos deben ser compatibles con el formato elegido. Si se activa LDAC en el móvil, pero los auriculares solo aceptan SBC, la transmisión mantendrá la calidad estándar.

Cómo activar el ajuste oculto y mejorar el audio Bluetooth

El proceso para cambiar el codec Bluetooth en un celular Android requiere acceder a las opciones de desarrollador, un menú avanzado que habitualmente está oculto para evitar cambios accidentales. Activarlo es sencillo y no representa riesgos si se siguen los pasos correctamente.

Primero, hay que ingresar en “Ajustes” y buscar el apartado “Acerca del teléfono”. Dentro de este menú, se encuentra el campo “Número de compilación” o “Build Number”. Es necesario pulsar repetidas veces (generalmente entre siete y ocho) sobre este campo hasta que el sistema avise que las opciones de desarrollador han sido habilitadas.

Una vez activado este menú, aparecerá la sección “Opciones de desarrollador” en el área de ajustes, ya sea bajo “Sistema” o en el menú principal, según la marca del dispositivo. Dentro de estas opciones hay que buscar y seleccionar la opción “Codec de audio Bluetooth” o “Bluetooth Audio Codec”.

En ese apartado se desplegará una lista de codecs disponibles, que pueden incluir SBC, AAC, aptX, aptX HD, LDAC o LHDC, según el modelo de teléfono y la versión de Android.

Para mejorar la calidad del sonido, basta con seleccionar uno de los codecs de mayor rendimiento compatibles tanto con el teléfono como con el dispositivo receptor. LDAC y LHDC ofrecen la mejor experiencia, siempre que los auriculares o altavoz sean compatibles. Si no, aptX o AAC representan una mejora respecto al estándar SBC.

Las canciones de los videojuegos Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2 ya están disponibles en Spotify. Nintendo publicó un total de 130 pistas de ambos juegos, con una duración aproximada de cinco horas, para que los fans puedan disfrutar de estas bandas sonoras en la plataforma.

Para escuchar las listas de reproducción, solo es necesario ingresar a Spotify, buscar “Super Mario Galaxy” y seleccionar la opción identificada como subida por Spotify o marcada como “Nuevo”.

Qué canciones de Super Mario Galaxy están en Spotify

Las bandas sonoras de Super Mario Galaxy y Super Mario Galaxy 2 ya están disponibles en Spotify, permitiendo a los fans escuchar algunas de sus pistas más reconocidas. Entre las canciones que puedes disfrutar se encuentran:

• Melty Molten Galaxy
• The Galaxy Reactor
• Final Battle with Bowser
• Daybreak - A New Dawn
• Birth
• Super Mario Galaxy
• Overture
• The Star Festival
• Attack of the Airships
• Catastrophe
• Peach’s Castle Stolen
• Enter the Galaxy
• Egg Planet
• Rosalina in the Observatory 1

Estas melodías, reconocidas por su estilo orquestal y emotivo, no solo evocan la experiencia de los videojuegos, también pueden acompañar tus actividades diarias.

Puedes usarlas como fondo mientras estudias, trabajas o realizas tareas en casa, e incluso configurar tus favoritas como alarma para comenzar el día con energía.

Basta con buscar “Super Mario Galaxy” en Spotify, seleccionar la lista marcada como “Nuevo lanzamiento” y disfrutar de la música que ha acompañado a millones de jugadores alrededor del mundo.

Cómo agregar una canción de Spotify como alarma

Para agregar una canción de Spotify como alarma en tu teléfono Android, sigue estos pasos:

1. Descarga la app Reloj de Google desde Google Play Store si aún no la tienes instalada.
2. Abre la app Reloj y selecciona el ícono de alarma.
3. Crea una nueva alarma o edita una existente.
4. Toca el ícono de campana o “Sonido de alarma”.
5. Selecciona la pestaña Spotify.
6. Busca y elige la canción de Spotify que desees usar como alarma.
7. Guarda los cambios.

Tu teléfono debe tener instalada la app de Spotify y estar conectado a internet para reproducir la canción seleccionada como alarma.

Esta función está disponible para usuarios de Android y requiere que la cuenta de Spotify esté vinculada con la app Reloj.

De qué trata nueva película de Super Mario Galaxy: la película

Super Mario Galaxy: La película (2026) es una producción animada espacial realizada por Illumination y Nintendo.

En esta entrega, Mario y sus amigos parten del Reino Champiñón para enfrentar una nueva amenaza de Bowser Jr. y Bowser, viajando por el espacio, rescatando a Rosalina y sorteando desafíos intergalácticos.

La trama comienza cuando Bowser Jr. busca conquistar el universo, lo que obliga a Mario a recorrer diversas galaxias. Se suman nuevos aliados como Yoshi y Rosalina, quien ejerce de guardiana cósmica.

La historia también explora la relación entre Bowser y su hijo, mostrando el intento de redención del villano principal. El filme incluye escenas de acción en gravedad cero, exploración de planetas y la recuperación de Estrellas del Poder.

El tono combina comedia y acción, con una estética dinámica y moderna, e incorpora múltiples guiños a los videojuegos de la saga.

Dónde ver Super Mario Galaxy, la película

Super Mario Galaxy: La Película (2026) se lanzará primero en plataformas digitales para renta y compra, como Apple TV y Prime Video, a finales de abril o principios de mayo de 2026. El estreno en servicios de streaming por suscripción, como Netflix o Peacock, está previsto para julio de 2026, después de su exhibición en cines.

Actualmente, en abril de 2026, la película está concluyendo su etapa en salas y pasa a estar disponible para compra o alquiler digital, pero aún no se ofrece gratis en plataformas de suscripción.

El Festival Arre regresa a la Ciudad de México tras una exitosa edición llevada a cabo en noviembre de 2025 en la ciudad de Monterrey, Nuevo León.

Mediante un ingenioso video difundido en sus plataformas oficiales, los organizadores confirmaron la noticia y sede del evento de música regional mexicana más grande del mundo.

¿Por qué regresa a la Ciudad de México?

Enfocado en géneros como banda, norteño, corridos tumbados y mariachi, desde 2023, el Festival Arre ha reunido a promesas y referentes del regional mexicano.

Si bien su reciente anuncio no profundiza sobre los motivos de retornar, establece una declaración de amor con la capital del país al declarar que “no hay lugar como el hogar”.

El Festival Arre 2025 en el Parque Fundidora de Monterrey, celebrado los días 7 y 8 de noviembre, reunió a más de 100,000 personas por día.

La alta asistencia sugiere el inicio de una modalidad itinerante, al igual que Corona Capital y Tecate Pa’l Norte, eventos masivos que han alternado sedes.

El impacto del festival en el dominio del regional mexicano

Desde su primera edición, Arre reúne a figuras clave del regional mexicano, mezclando artistas establecidos con propuestas emergentes del género. En su debut sobresalieron Peso Pluma, Edén Muñoz, Luis R. Conriquez y Yahritza y su Esencia, en una etapa en la que los corridos tumbados ganaban popularidad.

Para la segunda edición, el festival amplió su cartel con agrupaciones como Los Tigres del Norte, además de Gerardo Ortiz y Junior H, logrando reunir a distintas generaciones del público del regional mexicano.

En Monterrey, el festival apostó por nombres como Grupo Firme y Fuerza Regida, así como Eslabón Armado, Marca Registrada y Alicia Villarreal, consolidándose como uno de los eventos más relevantes del género en México.

Sede y posible fecha de Arre 2026

Respecto al Festival Arre 2026, aunque el video señala el Autódromo Hermanos Rodríguez como la sede, todavía no hay cartel ni fechas confirmadas para la próxima edición en la Ciudad de México, aunque se prevé que ocurra durante el último trimestre del año.

Pese a la falta de detalles, la expectativa se mantiene alta por el historial de artistas que han pasado por el festival y su rápido crecimiento como escaparate del regional mexicano en formato festival.

D esta forma, la Fundación Princesa de Asturias reconoce la tayectoria a una artista que ha desbordado durante décadas los límites de la música para convertirse en una obra de referencia cultural, literaria y artística. La elección de la cantautora, poeta y artista visual estadounidense confirma la vigencia de una figura que, medio siglo después de Horses, sigue representando una forma de entender el arte como libertad, rebeldía y emoción.

El fallo del jurado se ha hecho público este miércoles en Oviedo, tras una deliberación en la que Patti Smith fue seleccionada entre 55 candidaturas procedentes de 30 nacionalidades. El premio reconoce la “creación y perfeccionamiento” en disciplinas que abarcan la música, la literatura, el teatro, la fotografía o la pintura, un terreno amplio en el que la artista estadounidense ha dejado una huella singular. Smith, nacida en Chicago en 1946, ha construido una carrera que combina la intensidad del rock con una sensibilidad poética poco habitual en la cultura popular. Su nombre quedó unido para siempre a Horses, un álbum que transformó el mapa del rock y consolidó una voz propia, áspera y luminosa a la vez.

Su fuerte conexión con España

En España, su visita al Teatro Real de Madrid el pasado mes de octubre dejó una impresión especialmente viva, hasta el punto de que varios medios la han recordado como una actuación que condensó la energía y la coherencia de toda su carrera. Ese concierto, con Horses interpretado al completo, reforzó la imagen de una artista que sigue conectando con el presente sin renunciar a su identidad. Más allá de la música, Patti Smith ha desarrollado una intensa labor como escritora, con una decena de libros publicados, y como creadora visual. Su obra ha sido reconocida con premios como el National Book Award, la Orden de las Artes y las Letras de Francia y un doctorado honoris causa por la Universidad de Columbia.

Esa versatilidad explica en parte la relevancia de su nombre dentro del panorama cultural internacional. No se trata solo de una cantante influyente, sino de una autora que ha sabido convertir la experiencia personal y la memoria en materia artística de largo alcance. La concesión del Princesa de Asturias de las Artes a Patti Smith encaja con una tradición del galardón que ha distinguido a figuras de primer nivel en el ámbito cultural como Meryl Streep, Joan Manuel Serrat o Marina Abramovic. La elección subraya también el valor de una obra que ha conectado distintas generaciones y que sigue dialogando con temas como la libertad creativa, la identidad y la resistencia que encarna como nadie la de Chicago.

Madrid vivirá estos días la auténtica vida cañón, aquella que ha inmortalizado la banda Alcalá Norte y a la que rendirá homenaje con un más que esperado concierto este mismo 2 de mayo, uno de los colofones de una serie de días de fiesta en la capital. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 en la Comunidad de Madrid transforman la capital y sus alrededores en un escenario de celebraciones populares. Este año, el programa destaca por la inclusión de actividades gratuitas para todos los públicos, conciertos al aire libre y un espectáculo de drones sin precedentes.

El mes de mayo marca, como cada año, el inicio de los festejos madrileños más emblemáticos. El 2 de mayo, Día de la Comunidad de Madrid, se une al festivo nacional del 1 de mayo, Día del Trabajador, generando un fin de semana largo con una agenda cultural diversa. Las celebraciones recuerdan el levantamiento del pueblo madrileño en 1808 contra la ocupación francesa, un episodio inmortalizado en las pinturas de Francisco de Goya y que forma parte de la identidad local.

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El 2 de mayo conmemora el levantamiento que protagonizó el pueblo de Madrid en 1808 frente a las tropas napoleónicas. Este acontecimiento supuso el inicio de la Guerra de la Independencia española, marcando un punto de inflexión en la historia nacional. Cada año, la ciudad y la Comunidad de Madrid rinden homenaje a quienes participaron en aquellos sucesos, reviviendo la memoria colectiva con actividades culturales y recreativas. Durante esta semana, la capital se viste de fiesta y miles de personas acuden a los actos programados. El ambiente festivo se extiende por barrios y municipios, convirtiendo la efeméride en un evento de interés tanto para residentes como para visitantes.

La música es uno de los pilares de las Fiestas del 2 de mayo. La explanada de Puente del Rey será, un año más, el escenario principal de los conciertos gratuitos, con acceso libre hasta completar aforo. El programa, confirmado por la Comunidad de Madrid, ofrece propuestas para todos los gustos desde el jueves 30 de abril hasta el domingo 3 de mayo. El jueves 30 de abril, la apertura corre a cargo de Berkana y los Seminuevos a las 20:00, seguidos por Lobos Negros a las 21:30. El viernes 1 de mayo, la jornada comienza a las 12:30 con la Gala de Zarzuela, interpretada por la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM). Más tarde, el público podrá disfrutar de Bely Basarte a las 19:30 y Judeline a las 21:30.

El sábado 2 de mayo, la programación musical continúa con la Asociación de Coros y Danzas Francisco de Goya a las 17:00, seguida de Arrabel a las 17:30. A las 18:00, se llevará a cabo una recreación histórica del levantamiento del 2 de mayo. Por la tarde, actuarán joseluis a las 19:30 y Acalá Norte a las 21:30. El domingo 3 de mayo, la mañana estará dedicada al Encuentro Nacional de Folclore, desde las 12:00 hasta las 15:30. Por la tarde, habrá un pasacalles con la Rondalla Santa Eulalia de Mos a las 19:30, y, para cerrar el fin de semana, la proyección de la película Rondallas a las 21:00.

Mucho más que conciertos

La edición de este año incorpora una de las propuestas más innovadoras de las fiestas: un espectáculo aéreo con 1.000 drones. El evento se llevará a cabo el sábado 2 de mayo a las 22:00 en el Parque de la Cuña Verde de Latina. Según la web de la Comunidad de Madrid, los drones crearán en el cielo “10 escenarios que representarán diferentes hechos y figuras características que conmemoran la celebración del 2 de Mayo, así como monumentos representativos de la región”. El espectáculo tendrá una duración de 12 minutos y se espera que sea uno de los momentos más concurridos del fin de semana. Además de los conciertos y el show de drones, el programa incluye representaciones teatrales, sesiones de música vermut y actividades culturales en espacios como el Centro Cultural Pilar Miró, la Puerta del Sol, y otras localizaciones emblemáticas. Estas propuestas buscan involucrar a públicos de todas las edades con opciones que abarcan desde el folclore tradicional hasta la música contemporánea.

La programación se extiende más allá del centro de Madrid, alcanzando barrios y localidades como Moratalaz, Morata de Tajuña, Parla, Loeches y Aldea del Fresno. En todas estas ubicaciones, la entrada a los eventos es gratuita, aunque sujeta a la capacidad de los recintos. El objetivo de la Comunidad de Madrid es acercar la cultura y el entretenimiento a todos los rincones de la región, favoreciendo la participación ciudadana y el acceso democrático a la oferta cultural. El carácter gratuito de la mayoría de las actividades facilita que tanto madrileños como visitantes puedan disfrutar de la celebración, reforzando el sentido de pertenencia y la memoria histórica.

Durante las Fiestas del 2 de mayo, los asistentes también podrán participar en talleres, mercados temáticos y actividades infantiles. El ambiente festivo se complementa con la oferta gastronómica tradicional y la animación en las calles. Para quienes planeen asistir a los conciertos y espectáculos, se recomienda llegar con antelación, especialmente en los eventos de mayor afluencia como el espectáculo de drones y las actuaciones nocturnas en Puente del Rey. La Comunidad de Madrid recuerda la importancia de respetar las indicaciones de seguridad y aforo para garantizar el disfrute colectivo. Las Fiestas del 2 de mayo de 2026 se presentan como una cita ineludible en el calendario madrileño, combinando tradición, cultura y tecnología en una programación pensada para todos los públicos. La auténtica vida cañón, que diría Alcalá Norte.

Karol G ha anunciado la segunda preventa de entradas para sus conciertos en España, en el marco de su esperado tour mundial ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’. La artista colombiana, una de las figuras más destacadas de la música latina, ha reforzado su agenda en el país tras agotar la primera tanda de boletos, sumando tres nuevas fechas y ampliando así las oportunidades para que sus seguidores puedan verla en directo.

El lunes se realizó la primera preventa, que rápidamente evidenció la magnitud del fenómeno. La fuerte demanda registrada llevó al equipo de Karol G a ampliar el calendario, confirmando un total de seis conciertos en tres ciudades españolas. Este martes 29 de abril, desde las 10:00 horas, se activa la segunda preventa de entradas a través de la plataforma de Live Nation. Para acceder, es necesario registrarse previamente en el sitio web oficial. Los boletos estarán disponibles inicialmente en Ticketmaster, donde los usuarios ya pueden realizar su registro. La venta general comenzará el 30 de abril, abriendo el acceso a todo el público. Los precios parten desde 70 euros para las entradas más económicas, con opciones premium orientadas a quienes buscan una experiencia más completa.

Fechas y ciudades de los conciertos en España

Karol G se presentará en seis ocasiones en España como parte del ‘Tropitour’. El itinerario incluye paradas en Madrid, Barcelona y Sevilla. Las fechas y recintos confirmados son los siguientes:

• 3 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 4 de junio de 2027, Estadi Olímpic de Barcelona
• 11 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 12 de junio de 2027, Estadio de la Cartuja en Sevilla
• 24 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid
• 25 de junio de 2027, Estadio del Riyadh Air Metropolitano de Madrid

La ampliación de fechas responde al extraordinario interés que ha generado la gira. Según la información divulgada, la primera preventa se agotó en tiempo récord, lo que impulsó a los organizadores a añadir nuevas actuaciones y recintos, permitiendo que más seguidores accedan a la experiencia en vivo.

La segunda preventa comienza el 29 de abril a las 10:00 horas, gestionada por Live Nation. Para participar en esta etapa, los interesados deben haber completado el registro previo en el sitio de la promotora. Una vez finalizada la preventa, la venta general de entradas está programada para el 30 de abril, momento en el que se liberarán los boletos restantes al público en general. Los precios de las entradas inician en 70 euros, aunque existen alternativas premium para quienes buscan acceso preferente o experiencias adicionales. El sistema de venta se implementa de forma digital a través de Ticketmaster, con la posibilidad de elegir entre diferentes ubicaciones y paquetes. La organización ha advertido sobre la importancia de comprar entradas únicamente en los canales oficiales para evitar fraudes, señalando que la demanda es especialmente alta y que las fechas podrían agotarse rápidamente.

Así será el ‘Tropitour’

El éxito de la convocatoria para el ‘Tropitour’ en España quedó demostrado desde la apertura de la primera preventa. La artista, que recientemente brilló en el festival Coachella, recibió una avalancha de solicitudes, obligando a los organizadores a revisar la logística y sumar más funciones en las ciudades con mayor demanda. Esta respuesta masiva refuerza la presencia de Karol G en el circuito internacional y consolida su vínculo con el público español. Las tres nuevas fechas —una adicional en Madrid, otra en Barcelona y una más en Sevilla— permiten que miles de fans adicionales accedan a los conciertos, contribuyendo a posicionar la gira como uno de los mayores eventos musicales del año.

La gira ‘Viajando Por el Mundo Tropitour’ sirve como presentación mundial de Tropicoqueta, el quinto álbum de estudio de Karol G, publicado en junio de 2025. El disco marca una nueva etapa en la carrera de la cantante, con un repertorio que fusiona cumbia, vallenato y pop latino. Parte de este material ya fue presentado en directo durante la actuación de Karol G en Coachella 2026, donde la artista anunció oficialmente el inicio del tour mundial.

El anuncio de la gira se formalizó el 21 de abril, aunque los rumores y expectativas entre los seguidores llevaban semanas circulando. Durante su segunda actuación en Coachella, Karol G cerró el show con un mensaje directo: “Nos vamos de tour”, confirmando así su regreso a los escenarios internacionales. La expectativa por el regreso de Karol G a España refleja el impacto global de la artista y la relevancia de su nuevo trabajo discográfico. La organización recomienda a los fans estar atentos a las plataformas oficiales para no perder la oportunidad de conseguir entradas en esta segunda preventa.

El director británico Dan Reed, responsable del documental Leaving Neverland, lanzó duras críticas contra el biopic Michael, dirigido por Antoine Fuqua y avalado por la familia Jackson. La polémica surge tras el estreno de Michael, que ha recaudado $219 millones en su primer fin de semana y presenta a Jackson como un hombre incomprendido cuya infancia fue arrebatada por un padre autoritario. Según Reed, la producción omite cualquier referencia a las denuncias públicas de abuso sexual infantil que salieron a la luz en los años noventa y dos mil, y concluye la historia antes de que surjan los primeros señalamientos. Reed sostiene que la película “crea una versión de los hechos que esencialmente retrata a Wade, James y otros que han acusado a Jackson de abuso sexual infantil como mentirosos sin decirlo expresamente”.

En Leaving Neverland, Wade Robson y James Safechuck relataron haber sido víctimas de abuso sexual infantil por parte de Michael Jackson cuando tenían siete y diez años. Reed recuerda que los testimonios incluyeron detalles gráficos sobre los supuestos actos cometidos por el artista, así como la manipulación emocional, el aislamiento de sus familias y la entrega de regalos costosos. El documental, presentado en el Festival de Sundance de 2019 bajo estricta seguridad, impactó profundamente al público y a sus protagonistas. “Por el final de la película de más de cuatro horas, no había un ojo seco en la sala”, detalla Reed sobre la recepción de la audiencia. Asegura que, para Robson y Safechuck, ese momento fue “catártico y validante”, pues, por primera vez, sentían que su historia era creída y tomada en serio. Reed también enfatiza que “Jackson había pagado millones a Jordan Chandler y Jason Francia, dos niños que lo acusaron de abuso sexual infantil, pero no pudo silenciar a Wade y James”.

El cineasta británico fue categórico tras ver el biopic: “La primera parte de Michael como niño, eso podía creérmelo. Pero en cuanto llega el Jackson adulto, interpretado por su sobrino Jaafar, eso me rompió la burbuja. Pensé, es un gran bailarín, pero su actuación es muy rígida, y una de las razones es que no tenía mucho guion con el que trabajar. Se convierte en una figura de cera que interpreta canciones, pero no hay ningún atisbo de lo que hace que Jackson sea como es. Es una figura plástica, asexual, en la película”.

La omisión deliberada

Reed acusa a la película de distorsionar completamente el tema de la relación de Jackson con los niños: “Describen a Jackson como un ángel que quería ser bueno con los niños, no tener sexo con ellos”. Según Reed, el filme “sugiere que la relación de Jackson con los niños era completamente benigna y motivada solo por la filantropía”. Para Reed, la omisión no es casual. “El filme simplemente le da la vuelta a la verdad: blanco es negro, negro es blanco, y dos más dos son cinco. Ninguna de las personas que vea la película lo cuestionará, pero es una película imposible de tomar en serio como contranarrativa de Leaving Neverland”.

El director sostiene que la producción evita abordar los aspectos clave: “Es bien sabido que Jackson pasaba mucho tiempo con pequeños compañeros varones, incluyendo llevarlos a su cama por la noche y cerrar la puerta. Eso es indiscutible. Y solo con eso, si alguien hace una denuncia, probablemente sea suficiente para condenarlo en un juicio por abuso sexual infantil. Pero con Jackson, nada de esto parece importar”.

Reed critica la explicación central de la película: “Nadie, ni la familia, ni el guionista, ni nadie más, ha dado una narrativa alternativa salvo: ‘No tuvo infancia, así que necesitaba pasar la noche solo con niños’, lo que no tiene ningún sentido”. El documentalista subraya que Robson y Safechuck “jamás recibieron un centavo” por contar su historia, ni han buscado acuerdos económicos. “Nunca han intentado negociar su silencio por dinero. El dinero lo ganan quienes están cerca de Jackson y quieren contar una narrativa distorsionada que los deshonra”, afirma Reed.

Un juicio inminente

Sobre los procesos legales, Reed estima que un juicio podría producirse pronto: “Creo que sucederá el próximo año. Y si hay un juicio, habrá una avalancha de pruebas y testigos que contarán lo que Jackson hizo o lo que vieron que hizo a los niños”. Reed sostiene que la figura de Jackson ha adquirido un estatus de mito inalcanzable: “Jackson es un mito estadounidense, además de ser una persona real. Cuando eso ocurre, no importa quién fue realmente, porque la persona se transforma en algo que pertenece a la cultura. Se ha convertido en parte de la imaginación colectiva, y esta nunca puede incluir el hecho de que es un pedófilo. No es posible”.

Sobre la reacción de los fans y el entorno digital, Reed afirma haber sido víctima de “amenazas de muerte, campañas de acoso y suplantación de identidad”, muchas de ellas ejecutadas mediante cuentas falsas. A pesar de la presión, Reed insiste en que su propósito fue dar voz a las víctimas y que la responsabilidad de los narradores es “no contribuir a construir mitos que nieguen la experiencia de quienes denuncian abuso”. En palabras de Reed: “Alguien que ha hecho decenas de millones promoviendo una narrativa falsa sobre un hombre que es un pedófilo, eso es algo desagradable”, zanjaba mientras anticipaba una tercera entrega de su serie documental.

Ariana Grande vuelve a la música con un nuevo lanzamiento. La artista estadounidense anunció este martes 28 de abril que su octavo álbum de estudio se titulará Petal y estará disponible el 31 de julio a través de Republic Records.

El disco incluirá 12 canciones, según su página de preventa en Spotify, y fue coescrito y producido junto a Ilya —nombre artístico de Ilya Salmanzadeh—, el productor sueco-persa con quien ya colaboró estrechamente en Eternal Sunshine (2024).

En el anuncio oficial, Grande describió el álbum con una imagen poética: “Algo que está lleno de vida y que crece entre las grietas de algo frío, duro y desafiante”.

La portada refuerza esa idea de renacimiento: una fotografía en blanco y negro en la que la cantante aparece con el cabello suelto —una rareza en su imagen pública, asociada a su icónica cola alta— y sonríe a cámara.

Antes del anuncio, la intérprete de “We Can’t Be Friends” ya había dejado señales sobre nueva música. El 8 de abril publicó imágenes en el estudio. También compartió un mensaje en su línea telefónica oficial, Brighter Days: “Estamos contando los 8s... ¡ups! Quiero decir, los días”.

Eternal Sunshine, su trabajo anterior, debutó en el número uno del Billboard 200 y colocó dos canciones en la cima del Hot 100: “Yes, And?” y “We Can’t Be Friends (Wait for Your Love)”. Un antecedente que eleva las expectativas sobre Petal.

Al igual que en ese álbum, el núcleo creativo recae en Ilya Salmanzadeh. El productor, conocido por su trabajo con Max Martin, ha participado en éxitos de artistas como Taylor Swift y Sam Smith. Su colaboración con Grande se remonta a “Problem” (2014) y continúa como uno de los ejes de su sonido.

Entre el cine y el escenario

Petal llega tras un periodo de intensa actividad de Grande fuera de la música. La artista protagonizó Wicked y su secuela, adaptación del musical de Broadway, y obtuvo junto a Cynthia Erivo el Grammy a Mejor Interpretación de Dúo o Grupo Pop en 2026.

Este mes también se lanzó el tráiler de Focker-in-Law (La nueva Focker), cuarta entrega de la franquicia La familia de mi novia, donde comparte créditos con Ben Stiller y Robert De Niro.

En paralelo, la cantante iniciará su gira Eternal Sunshine Tour el 8 de junio, con fechas hasta el 1 de septiembre. La serie de conciertos, que cerrará con diez presentaciones en Londres, se anunció originalmente en apoyo a su álbum anterior. Sin embargo, con el lanzamiento de Petal a mitad del recorrido, el nuevo material podría incorporarse al repertorio. Será su primera gira desde 2019.

El anuncio también contrasta con declaraciones previas de la artista, quien había planteado la posibilidad de reducir su actividad musical para centrarse en la actuación.

“Voy a decir algo muy aterrador, que va a asustar a mis fans. Los amo, y lo van a superar, y siempre estaremos aquí. Siempre voy a hacer música. Siempre voy a salir al escenario. Pero no creo hacerlo al ritmo que lo he hecho durante los últimos diez años”, dijo en el pódcast Las Culturistas.

En noviembre de 2025, tras anunciar la gira, insistió en que podría ser su último tour en mucho tiempo. “Creo que podría no volver a pasar por mucho, mucho tiempo. Así que voy a darlo todo. Creo que por eso lo estoy haciendo: porque me digo, ‘Un último hurra. Por ahora’”, señaló en una conversación con Amy Poehler.

La joya escondida de Amaral ha sido rescatada y expuesta por primera vez al público. El Instituto Cervantes de Madrid exhibe desde hoy el manuscrito original de la canción El universo sobre mí, escrito de puño y letra por Eva Amaral. El documento, considerado un tesoro por la banda aragonesa, muestra la letra trazada a bolígrafo y dibujos originales que acompañan las estrofas. La pieza, nunca antes expuesta, se ha convertido en el centro de atención de una muestra dedicada a las letras manuscritas de grandes músicos españoles de los siglos XX y XXI.

La banda Amaral anunció en sus redes sociales el hallazgo del manuscrito: “Encontramos el texto original de ‘El universo sobre mí’. De puño y letra de Eva. Ahora está expuesto en el Instituto Cervantes”. El mensaje, acompañado de una imagen del documento, generó un notable interés entre los seguidores del grupo y del público general. El manuscrito incluye no solo la letra íntegra de la canción, sino también un dibujo de una tarta con una vela encendida —referencia directa al inicio del tema— y la ilustración de una isla desierta junto a la frase “vivir en libertad”. Estos detalles refuerzan el valor emocional y artístico de la pieza, que permitió a la banda reconstruir parte de su historia creativa. El manuscrito de Amaral se presenta como una de las grandes atracciones de la exposición organizada por el Instituto Cervantes. El documento, relacionado con el disco Pájaros en la cabeza (2009), nunca había sido mostrado en público. La letra manuscrita, con anotaciones y dibujos originales, ofrece una visión íntima del proceso creativo de Eva Amaral y Juan Aguirre.

La recuperación de esta hoja fue celebrada por la banda, que la calificó como “un tesoro” al compartir la noticia con sus seguidores. La pieza permite apreciar el trazo personal de Eva Amaral y el desarrollo de uno de los temas más emblemáticos del grupo. Para los visitantes, representa una oportunidad única de contemplar el origen tangible de una canción que marcó a toda una generación. La exposición, que reúne letras originales de numerosos autores, establece un diálogo entre la memoria personal de los artistas y el imaginario colectivo de la música española contemporánea. El manuscrito de Amaral, en particular, destaca no solo por su carácter inédito, sino por la carga simbólica que adquieren los dibujos y palabras escritas a mano.

Un recorrido por manuscritos de grandes nombres

La muestra del Instituto Cervantes no se limita a Amaral. Incluye manuscritos originales de figuras como Enrique Bunbury, cuya letra de ‘Porque las cosas cambian’ (del disco ‘Hellville De Luxe’, 2008) también se presenta por primera vez al público. Estopa participa con la composición original de ‘Pesadilla familiar’, perteneciente al álbum ‘Estopía’ (2025). El recorrido se amplía con piezas de Vetusta Morla, como la letra de ‘Puñalada trapera’ (del álbum ‘Cable a tierra’, 2021), y clásicos de Joaquín Sabina, que aporta su célebre ‘Que se llama soledad’ publicada en ‘Hotel, dulce hotel’ (1987). A la selección se suman autores como José Luis Perales, Miguel Ríos, Rosana, Manolo García, Luz Casal, La Oreja de Van Gogh, Christina Rosenvinge, Valeria Castro, Mari Trini, Juan Carlos Calderón, Rocío Márquez y El Chojín.

La selección de documentos abarca cuatro décadas de música en español, permitiendo observar la evolución del lenguaje y la poética de las canciones a partir de sus versiones manuscritas. El público tiene acceso a textos originales en papel, con correcciones, tachaduras y anotaciones personales de los autores, lo que otorga una dimensión inédita a piezas que forman parte del repertorio popular. Según la organización, el objetivo de la exposición es reivindicar el valor del manuscrito como objeto artístico y documento histórico. La muestra pone en primer plano la materialidad de la creación musical, permitiendo a los fans acercarse a la génesis de canciones que han acompañado momentos clave de sus vidas. La presencia de la letra original de Amaral, escrita a mano y con dibujos personales, refuerza la conexión entre artista y público. El documento expuesto permite rastrear el origen de una de las canciones más reconocidas de la banda, y constituye una pieza única dentro del panorama musical español actual.

La respuesta del público no se hizo esperar: desde el anuncio en redes, la muestra ha despertado el interés de seguidores y coleccionistas. La exposición ofrece así una experiencia distinta a la habitual, centrada en lo tangible y en la huella personal de los músicos en el papel. La iniciativa del Instituto Cervantes de Madrid abre una nueva vía para el acercamiento a la música popular, invitando a contemplar las letras de las canciones no solo como textos, sino como fragmentos vivos de la historia cultural reciente.

La reciente presencia de Bad Gyal en ‘El Hormiguero’ ha ofrecido una radiografía precisa de la evolución personal y artística de la cantante catalana en su décimo aniversario en la música. La artista ha compartido con Pablo Motos su visión actual sobre la vida, el impacto de sus experiencias en su carrera y los detalles detrás de su último disco, Más Cara, subrayando una transición consciente hacia una etapa de mayor madurez creativa y personal.

Bad Gyal, de 29 años, ha afirmado que la crisis propia de la treintena ya la afrontó tiempo atrás y que actualmente prioriza “disfrutar del presente”. La artista ha explicado que su experiencia con la crisis de los 30 fue precoz y que, alrededor de los 27, se planteó si querría una vida convencional y formar una familia, pero que ha superado esas dudas y vive la etapa actual focalizada en su trabajo y bienestar personal.

Bad Gyal ha subrayado que la década transcurrida desde su irrupción en la música ha supuesto una transformación profunda. Ha señalado que algunos seguidores expresan nostalgia por su versión más temprana, pero ha reiterado que su evolución es natural: “Empecé con 19 años y no soy la misma persona”.

Para la artista, asumir el cambio es obligatorio, y ha añadido que siempre ha actuado según sus propias convicciones: “Estos fans que llevan tanto tiempo conmigo saben que nunca hago las cosas para complacer. Siempre he hecho lo que he querido”.

Control y madurez

Uno de los aspectos centrales ha sido el análisis de su nuevo álbum Más Cara, presentado este año. La cantante ha contado que el disco representa su etapa de mayor madurez y contiene una colaboración con J Álvarez a la que la discográfica y su propio equipo inicialmente no dieron su aprobación.

Sin embargo, Bad Gyal ha insistido en que la inclusión de la canción respondía a su criterio personal: “Como todo el mundo tiene muy claro que aquí la que manda soy yo y no se me puede discutir, dije que esa canción tenía que ir sí o sí”, ha declarado, subrayando que el tema ha logrado conectar con el público.

La artista ha explicado que, aunque disfruta de todos los aspectos de su profesión, la composición musical es la faceta que más le satisface. Considera que el trabajo de un artista hoy requiere habilidades diversas, desde la composición hasta el manejo de la comunicación en prensa y redes sociales.

En cuanto a la gestión de sus propias giras, Bad Gyal ha confesado que la escenografía de ‘Más Cara Tour’ ha sido más conceptual y responde a su visión personal, aunque algunos seguidores no terminen de comprenderla. La propia cantante ha manifestado sentir orgullo por esta apuesta estética. El modo de vida que cultiva Bad Gyal durante las giras revela una atención muy marcada al bienestar físico.

Ha detallado que la base de su rutina diaria reside en el entrenamiento y en el consumo de alimentos como huevos duros y boniato: “Los huevos duros y los boniatos son mi snack todos los días. Necesito energía, la tortilla que me hago tiene dos o tres huevos, puedo llegar a comer una docena de huevos al día”. Esta costumbre, que puede sonar atípica, está motivada por la necesidad de energía para afrontar el ritmo de ensayos y conciertos.

Junto a este perfil disciplinado, Bad Gyal ha admitido cierta tendencia al control sobre su trabajo y una actitud autoexigente, que la lleva a revisar sus actuaciones después de los conciertos y a prestar atención a todos los detalles. En el plano social, la propia cantante reconoce que no se ve como una persona especialmente sociable ni dada al contacto físico, elemento que genera situaciones complejas en la interacción con algunos seguidores, pero del que es plenamente consciente.

Autonomía artística

Más allá del ámbito profesional, uno de los elementos más llamativos de la aparición de Bad Gyal en ‘El Hormiguero’ fue su participación en un juego en el que analizó conceptos relacionados con la fidelidad y los celos. La artista ha respondido sin rodeos sobre su posición personal, considerándose “muy tradicional y muy leal” en sus relaciones estables, en contraste con la imagen liberal que proyectan algunas de sus canciones.

Para Bad Gyal, situaciones como enviar determinados mensajes en redes sociales, bailar de manera sensual con alguien ajeno a la pareja o cualquier muestra de afecto física fuera de la relación son percibidas como formas de infidelidad.

“Por mis canciones parezco la más liberal, pero para las relaciones serias soy muy tradicional y muy leal”, ha puntualizado. Admite que mantiene una actitud defensora de los propios límites y considera clave la comunicación en pareja para evitar daños derivados de los celos, una posición que la artista resume como “realista” y vinculada a la honestidad en sus respuestas.

En el tramo final de la conversación, Bad Gyal ha dejado claro que, aunque entiende la tendencia actual hacia la liberalización de los vínculos sentimentales, muchas personas siguen experimentando celos y que es necesario normalizar la comunicación sincera sobre este tipo de cuestiones. De esta forma, ha vuelto a reafirmar su autenticidad, un hilo que ha atravesado toda su intervención y que continúa presente en el relato de su vida y carrera.

Jaafar Jackson, sobrino de Michael Jackson, lidera esta apuesta vocal, en la que participan además Juliano Valdi, quien interpreta al joven Michael, y el equipo responsable del film, que apuesta por la máxima autenticidad.

La producción reconstruyó la voz de Michael Jackson combinando las interpretaciones directas de Jaafar Jackson y Juliano Valdi con grabaciones originales de Jackson.

En lugar de utilizar recursos digitales, la banda sonora integra las voces reales de los actores con registros históricos del artista, permitiendo que convivan la fuerza vocal de los intérpretes y el timbre inconfundible del cantante.

El supervisor musical John Warhurst explicó a The Hollywood Reporter que desde un principio el equipo rechazó el uso de inteligencia artificial y prefirió grabar tanto los diálogos como las canciones en el set.

De este modo, Jaafar Jackson y Valdi adoptaron rasgos vocales característicos de Michael Jackson, mientras que en las secuencias musicales más emblemáticas se utilizaron grabaciones originales del artista para mantener la autenticidad.

Cómo se recreó la voz de Michael Jackson

Durante el rodaje, los actores interpretaron en vivo para reproducir tanto el aspecto vocal como visual del artista. Warhurst señaló que se realizaron múltiples tomas, registradas en escenarios reales y estudios recreados, con el objetivo de captar matices emocionales y sonoros.

El material obtenido en cada sesión fue extenso: el equipo llegó a reunir entre 15 y 20 tomas vocales tanto de los actores como de las pistas originales de Michael Jackson, y la mezcla final fue decidida de acuerdo a la necesidad de cada escena.

En aquellas secuencias donde Jaafar Jackson y Valdi improvisaron o aportaron elementos nuevos, sus voces predominaron. En cambio, en los momentos centrales de la película, la voz original del cantante estadounidense se mantuvo en primer plano.

Para lograr este equilibrio, el equipo se apoyó en un proceso de edición tradicional, sin simulación digital avanzada, buscando crear una experiencia auditiva en la que el público perciba, a partir de la labor de los intérpretes y los registros auténticos del cantante, una presencia completamente verosímil.

El trabajo de Jaafar Jackson y Juliano Valdi

Jaafar Jackson se formó intensamente para adaptar su estilo y presencia vocal a la de su tío. Valdi, responsable de dar voz a Michael en su etapa infantil junto a los Jackson 5, sumó su interpretación tanto en lo vocal como en la recreación física.

Según el supervisor de sonido, el parentesco de Jaafar facilitó la similitud de las voces: “Físicamente, su voz es muy similar a la de Michael”. Ese paralelismo permitió sostener el tono durante toda la película.

En las escenas de infancia, la interpretación vocal corre por cuenta de Valdi cuando no se disponen de grabaciones originales de Michael en su niñez, como ocurre en los primeros versos de I Want You Back.

Para las secuencias más reconocibles, se recurrió a la voz original del cantante; la integración de materiales responde a una estrategia puntual de cada escena.

La decisión de evitar la inteligencia artificial

La negativa a utilizar inteligencia artificial surgió por motivos técnicos y éticos. Como detalló el equipo de producción a The Hollywood Reporter, buscaron diferenciarse de otros biopics, como Bohemian Rhapsody, que recurrieron a voces adicionales debido a las diferencias tímbricas entre el actor protagonista y el artista original.

En el caso de Michael, la similitud genética y el entrenamiento vocal hicieron innecesario este recurso. “La gente quiere que Michael esté presente”, explicó Warhurst, enfatizando la relevancia de contar solo con material auténtico.

En postproducción se utilizaron herramientas clásicas de edición, como ecualización y reverberación, sin añadir efectos digitales invasivos. Toda la banda sonora apostó por mantener la naturalidad del sonido y evitar manipulaciones artificiales.

El objetivo de Warhurst y su equipo fue preservar la calidad sonora y la autenticidad de las interpretaciones, optando por alejarse de dependencias tecnológicas para lograr un resultado fiel a la esencia de el Rey del Pop.

“Estoy muy orgullosa de haber puesto un límite a lo que el mundo capitalista te exige”, asegura la cantautora española Valeria Castro, en referencia a su decisión de parar su actividad profesional durante unos meses y tomar una baja laboral motivada por el duelo y “las presiones” de la industria.

Castro, ya de vuelta con un nuevo disco, charló con esta agencia en la Ciudad de México, tierra en la que brotaron las primeras raíces de El cuerpo después de todo (Warner), su disco más reciente, publicado en marzo de 2025.

En este sistema capitalista, “hay dignidad cuando sabes poner límites” a las exigencias y reconoces, a ti misma y al resto del mundo, “que un día estarás mal y al otro estarás mejor”, asegura la cantautora española.

“Estoy muy orgullosa -asegura- de haber puesto un límite a lo que el mundo capitalista te exige y, aunque el vacío está, la vida sigue, ¿no?”.

A pocos días de cumplir 27 años, Castro (La Palma, 1999) se mira para adentro, a eso que llama “el subconsciente”, y admite que todavía le pesa el cuerpo por la ausencia de Micaela, su abuela, que murió el año pasado, un sentimiento “que sigue gestionando” y que plantó en “El tiempo que no estés”, el séptimo tema del álbum.

“(Esa canción) fue un grito de auxilio cuando todavía estaba presente mi abuela (…) Nunca le dije que estaba dedicada al miedo que sentía de que ella se fuera, y aunque hoy el cuerpo sigue pesando, sé que la deriva no será eterna”, confiesa Castro con la mente puesta en escribir canciones que “no la salvan” de la tristeza, pero le permiten nombrarla.

Así lo hizo durante su concierto en la capital mexicana, donde, además de cantar “Guerrera” con la compositora mexicana Vivir Quintana, interpretó por primera vez en vivo “Globo”, el tema con el que anunció, en octubre del año pasado, su baja temporal de la música, que llegó días después de recibir fuertes críticas por una actuación en un programa de televisión.

Normalizar la baja laboral

La artista, para quien las palabras lo son todo, explica que, más que una “pausa pública”, se tomó “una baja laboral” con la que detuvo su gira y se bajó de los escenarios, tanto por su público como por su salud mental, y también para ejercer ese derecho al que “todas las personas deberíamos acceder”, incluidas las que trabajan en el mundo del entretenimiento.

“No paré ni para escribir canciones ni para cerrar un ciclo. Necesitaba dos meses porque no era capaz de ejecutar mi trabajo (…) Me siento muy digna de haber puesto eso en valor, ya que los artistas no somos otra cosa que gente que trabaja y no podemos quedar exentos ni de la sociedad ni del cuidado”, defiende la tres veces nominada a los Latin Grammy.

Enfrentar el escenario

Contrario a ese malestar, Castro hoy sube a los escenarios y retoma su gira por Latinoamérica pensando que los encuentros en vivo con el público son valiosos porque son de los pocos espacios en el mundo donde “prevalece la conexión humana”, frente al designio de “los algoritmos y las redes sociales”.

“En un directo, tanto quien canta como quien escucha estamos ahí: viviendo un momento que realmente sucede y nos pertenece”, ahonda.

Con una sonrisa que dibuja alivio, la artista -que se reconoce como “humana y colectiva” por su herencia femenina- admite que el año pasado su madre, quien más la ha acompañado en el duelo y en su trayectoria musical, la veía mal, pero ahora, dice: “Me ve mucho mejor”.

Desde ese lugar de “sanación y perdón”, Castro retoma la gira El cuerpo después de todo, en la que, antes de cada concierto, se aprieta el pecho y ruega en silencio: “Abu, cuídame”.

Fuente: EFE.

Fotos: EFE/ Isaac Esquivel.

El sábado 25 de abril, a mediodía, el Palacio de Bellas Artes se llenó para escuchar algo que difícilmente se olvida: una misa compuesta hace más de 150 años y que sigue siendo capaz de paralizar a una sala entera.

De acuerdo con la Secretaría de Cultura, la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes registró localidades agotadas para recibir a la Orquesta Escuela Carlos Chávez (OECCh). Personas de todas las edades ocuparon cada butaca para escuchar la Misa de Réquiem de Giuseppe Verdi, una de las partituras más exigentes del repertorio sinfónico-coral.

Lo que siguió fueron una hora y cuarenta minutos que transitaron por la angustia, el miedo, la desesperación y, al final, algo parecido a la luz.

El momento que nadie en la sala olvidará

Si hay un pasaje en el Réquiem de Verdi que sacude físicamente al público, es el Dies Irae —Día de la ira—: la representación sonora del juicio final. Las percusiones y los metales irrumpen sin advertencia, con una fuerza que se siente en el pecho antes de procesarse en la mente.

Más de 200 voces e instrumentistas lo ejecutaron con una contundencia que llenó cada rincón de la Sala Principal.

No es casualidad. Verdi no compuso esta obra como plegaria sino como drama humano. A diferencia del recogimiento espiritual de otros réquiems —como los de Mozart o Fauré—, el suyo es visceral: construido a partir de contrastes brutales, de los susurros corales a los estallidos orquestales, de la súplica íntima al clamor colectivo.

Desde los primeros compases del Requiem aeternam, la atmósfera de la sala se volvió densa. Los solistas —la soprano Bertha Granados, la mezzosoprano Belém Rodríguez, el tenor Alan Pingarrón y el bajo José Luis Reynoso— sostuvieron un diálogo constante con el coro y la orquesta, alternando los momentos más íntimos con los más desgarradores.

Lo que sintieron quienes estuvieron ahí

Concepción, de 70 años, lo resumió al salir: “Es un sonido extraordinario, pero también muy aterrador… te hace pensar en la muerte, en algo funesto, y lo transmiten de una forma impresionante”.

Carlos, de 22, fue más directo: “Es increíble ver a los jóvenes involucrarse en la cultura y en la música”.

Lucía, de 36, describió lo que muchos sintieron sin poder explicarlo: “No necesitas entender todo para sentirla. Te envuelve completamente”.

Flores, ovación y el silencio que lo dijo todo

Tras el Libera Me —el último movimiento—, la sala guardó silencio unos segundos antes de que llegara el aplauso. Prolongado, de pie, con vítores que se extendieron varios minutos en una sala todavía cargada de emoción.

Al director Emilio Aranda Mora le regalaron decenas de flores desde el público. Un reconocimiento que habla tanto de la obra como de quienes la interpretaron.

La Orquesta Escuela Carlos Chávez forma parte del Sistema Nacional de Fomento Musical de la Secretaría de Cultura, un modelo de formación donde la práctica colectiva es el eje. El sábado, en Bellas Artes, eso se tradujo en algo concreto: más de 200 jóvenes artistas que sostuvieron con firmeza una de las obras más demandantes del repertorio clásico y se ganaron, minuto a minuto, cada aplauso.

En 1990, la mansión de West London, donde vivía Freddie Mercury, estaba rodeada por decenas de periodistas de tabloides de todo el mundo montando guardia. El objetivo: saber qué ocurría con el cantante de Queen, al que cada vez se le veía más deteriorado en sus apariciones en público, mientras los rumores de que el legendario vocalista había dado positivo en VIH no dejaban de crecer.

Pero mientras la prensa sensacionalista no dejaba de intentar conseguir la confirmación de la tragedia, los miembros de Queen se cerraron en banda para proteger la privacidad de su cantante. Con el paso de los años, Brian May ha revelado cómo se gestaron las últimas grabaciones del grupo. Según el guitarrista, Mercury era consciente de su final y pidió a sus compañeros que siguieran escribiendo material sin descanso. “Escríbeme cosas, sé que no tengo mucho tiempo. Yo lo cantaré y luego haced lo que queráis con ello”, recuerda May que le dijo en una ocasión su compañero. Esta urgencia dio lugar a Innuendo, un álbum ambicioso que devolvió a la banda a sus raíces justo antes del final.

Un último esfuerzo

Debido a la presión mediática, Queen decidió trasladar su trabajo a los estudios Mountain en Montreux, una ciudad de Suiza famosa por sus vistas al lago Lemán y su Festival de Jazz. La banda ya había trabajado allí varias veces, pero nunca con una necesidad tan grande de refugiarse del mundo. Mercury quería privacidad y, a pesar de su fragilidad física, quiso también centrarse en el trabajo.

Más tarde, el batería del grupo, Roger Taylor, explicaría que esto se debía a que la banda era el motor del cantante para seguir levantándose cada día. Allí grabaron algunos de los temas más emblemáticos de esa última etapa: The Show Must Go On, I’m Going Slightly Mad o These Are The Days Of Our Lives. Todas ellas tendrían una gran acogida dentro de Innuendo, disco tras el cual pediría volver a grabar en los estudios suizos.

Este periodo de trabajo intenso, descrito por los miembros de la banda en el documental Days Of Our Lives, fue una carrera contra reloj. Mercury, apoyado en la mesa de mezclas y animándose con vodka cuando sus fuerzas flaqueaban, registró las que serían sus últimas interpretaciones vocales. Mother Love sería la última canción que el vocalista grabaría, algo que Brian May recuerda como un episodio trágico, ya que su compañero se detuvo antes de terminarla y le dijo: Brian, no puedo más. Me estoy muriendo". May tuvo que cantar la última estrofa años después.

Un proceso “ridículamente doloroso”

Tras la muerte de Mercury, el grupo se enfrentó al reto de dar coherencia a esos retazos de voz. En 1994, May, Roger Taylor y John Deacon se reunieron para dar forma a Made In Heaven (1995). El proceso fue complejo: tuvieron que trabajar sobre las cintas de Montreux y rescatar material previo, como las versiones de I Was Born To Love You o Made In Heaven (originalmente del disco en solitario de Freddie, Mr. Bad Guy), para integrarlas en el sonido característico de Queen.

Brian May reconoce que el proceso fue “ridículamente doloroso”, al tener que pasar meses escuchando la voz de su amigo fallecido. Sin embargo, el guitarrista defiende que completar este álbum fue la forma de ejecutar el testamento musical de Mercury. Al final, el disco no solo fue un éxito de ventas, sino el cierre necesario para que la banda pudiera procesar su duelo y cumplir la última promesa hecha en el estudio.

Spotify comenzará a mostrar créditos de inteligencia artificial en algunas canciones de su catálogo. Esta función permite a los usuarios identificar cuándo y cómo intervino la IA en la creación de una pista.

La nueva función, aún en fase beta, responde al avance de la inteligencia artificial en la música, donde herramientas capaces de generar voces, instrumentación o realizar procesos de postproducción son cada vez más habituales en los estudios y flujos de trabajo de artistas y productores.

Detalles del nuevo sistema de créditos de IA en Spotify

El sistema de créditos de IA implementado por Spotify no se limita a señalar si una canción ha sido creada completamente con inteligencia artificial. En cambio, permite detallar con precisión en qué elementos o etapas del proceso de producción se utilizó esta tecnología. Por ejemplo, los créditos pueden indicar si un sintetizador, una voz o un efecto específico fue generado con IA, diferenciando así los aportes humanos y artificiales en la elaboración de la pista.

La función surgió tras el desarrollo de un estándar en conjunto con DDEX, la organización internacional dedicada a crear especificaciones para la comunicación de datos en la industria musical. El objetivo es facilitar que artistas, productores, sellos discográficos y distribuidores puedan declarar de forma voluntaria y transparente el uso de inteligencia artificial en sus obras.

De acuerdo con la información difundida por la propia plataforma, la decisión de incluir estos créditos parte de la voluntad de dar mayor control a los creadores sobre cómo se presenta y comunica el uso de IA en sus proyectos. Así, quienes lo deseen pueden especificar, mediante este nuevo estándar, el rol que tuvo la inteligencia artificial en aspectos como la generación de voces, la creación de instrumentación o los procesos de postproducción.

Cómo identificar canciones con IA en Spotify

La identificación de canciones que emplearon inteligencia artificial se realiza desde la sección de créditos de cada pista, accesible en la aplicación móvil de Spotify. Por el momento, esta función está disponible únicamente para algunos contenidos y depende de la información que proveen los distribuidores o sellos discográficos participantes en el sistema.

Cuando una canción cuenta con créditos de IA, el usuario encontrará, dentro de los créditos, una declaración específica sobre el uso de esta tecnología en uno o varios elementos de la producción. Por ejemplo, puede leerse que “la voz principal fue generada con inteligencia artificial” o que “el sintetizador fue creado con IA generativa”. Esta información no se aplica a la totalidad de la canción, sino a roles individuales dentro de la misma.

La adopción del sistema es opcional. Esto significa que no todos los artistas o productores están obligados a declarar el uso de IA en sus creaciones. Por ahora, la presencia de estos créditos depende de que los sellos y distribuidores decidan participar y envíen los datos correspondientes a Spotify según el estándar acordado con DDEX.

Distribuidores pioneros y expansión progresiva

Uno de los primeros actores en adoptar este sistema ha sido DistroKid, un servicio de distribución digital de música que ya ha comenzado a enviar la información sobre el uso de IA en los lanzamientos de sus artistas. Según The Verge, en algunas canciones distribuidas a través de DistroKid ya es posible ver estos créditos en la aplicación.

En los ejemplos iniciales, los créditos especifican con detalle el uso de IA, como el caso de canciones donde se reconoce que el sintetizador fue generado artificialmente. Esto evidencia el nivel de granularidad que puede alcanzar el nuevo sistema, permitiendo al oyente conocer exactamente dónde intervino la tecnología en la composición.

La función sigue en etapa de pruebas y solo se encuentra habilitada en determinados contenidos y para usuarios de dispositivos móviles. Spotify ha señalado que la expansión de los créditos de IA a más canciones y sellos dependerá de la colaboración de los distintos actores del ecosistema musical, así como de la evolución del estándar desarrollado con DDEX.

La cantante y actriz Elaine Haro está lista para presentar su primer concierto oficial como solista en la Ciudad de México, bajo el título “Elainers Tour”, en el Auditorio BB BlackBerry.

Este evento marca el inicio de una nueva etapa profesional para la joven artista, quien ha compartido en sus redes sociales la emoción de este debut.

En una publicación de Instagram la artista compartió: “Con lágrimas en los ojos les anunció que este 25 de abril vamos a tener una de nuestros mejores momentos. Estoy llena de emociones al ver que mi niña interna de 5 años que tenía su sueño de ser cantante poco a poco lo está logrando y gracias a ustedes, a su enorme amor y apoyo es que Hoy Existe el ‘Elainers Tour’“.

A lo que la intérprete añadió: “estamos trabajando cuerpo y alma para que esa noche sea para ustedes una de las mejores🫶 El setlist increíble, vestuario , escenario. No solo vamos a cantar y bailar toda la noche , también van a ver invitados especiales y muchas más sorpresas 😱”

La noticia ha generado entusiasmo y apoyo entre su comunidad de fans, quienes han acompañado a Haro desde sus primeras apariciones en televisión hasta su consolidación como cantante.

El concierto surge como una oportunidad para disfrutar de su propuesta musical en uno de los recintos más reconocidos de la capital.

Detalles confirmados del “Elainers Tour” en CDMX

El concierto de Elaine Haro en el Auditorio BlackBerry se celebrará este sábado 25 de abril de 2026 a las 20:30.

La artista ha destacado en sus redes sociales que será un espectáculo especial, con la presencia de invitados y sorpresas para los asistentes.

Para Haro, este debut representa una oportunidad para mostrar su crecimiento artístico y conectar de manera directa con su público.

Posible Setlist

Algunos de los éxitos que la cantante podría interpretar son:

• LA QUE MANDA (2026)
• TLP BB (2026)
• Te Equivocaste (2025)
• MAMI (2025)
• La Fiesta De Los Muertos (2025)
• Abrázame y Bésame (2025)
• Ojitos Bonitos (2025)
• Dos Locos (2025)

Aunque por le momento no ha compartido una lista oficial.

Participación en conciertos y colaboraciones recientes

Además de su debut como solista, Elaine Haro participará como invitada especial en el concierto de la banda española La La Love You, el 22 de mayo de 2026 en el Auditorio Nacional según lo anunció la propia artista en sus redes sociales.

Esta colaboración surge tras compartir escenario en el reality La Casa de los Famosos México, donde interpretaron juntos el tema “El fin del mundo”.

La presencia de Haro en dos escenarios emblemáticos de la capital en menos de un mes demuestra su proyección musical y la consolida como uno de los talentos emergentes más relevantes del mundo del espectáculo en México.

Trayectoria profesional de Elaine Haro

Elaine Haro Aldana nació el 18 de agosto de 2003 en la Ciudad de México. Comenzó su carrera en comerciales de televisión y pronto se incorporó al teatro musical, interpretando personajes como Debbie en Billy Elliot y Annie en Anita la huerfanita. En televisión, participó en La rosa de Guadalupe, Como dice el dicho, La mexicana y el güero y Rosario Tijeras.

En el cine, Haro ha participado en películas como Como cortar a tu patán y Como caído del cielo.

También ha sido parte de realities como La casa de los famosos México y Reto 4 Elementos, donde compartió vivencias personales y profesionales, incluyendo desafíos de salud mental y procesos de recuperación pública.

Producción musical y presencia en redes sociales

En su faceta como cantante, Elaine Haro ha lanzado los álbumes Niña Buena e Inolvidable, además de sencillos en géneros como pop, balada y regional mexicano.

Su actividad digital es constante, con más de dos millones de seguidores en redes sociales, lo que la consolida como una figura influyente entre el público juvenil.

La artista ha compartido experiencias personales significativas, como el difícil periodo de salud que atravesó en 2022 y su recuperación posterior gracias a su participación en Reto 4 Elementos. Estas vivencias han fortalecido su vínculo con sus seguidores y le han permitido mostrarse auténtica y cercana.

Proyección en la música y espectáculos en México

Actualmente, Elaine Haro se encuentra en plena promoción de su primer concierto oficial y de sus colaboraciones recientes. Su presencia en escenarios relevantes y su creciente popularidad la posicionan como una de las jóvenes promesas de la música y el entretenimiento en México.

El regreso de Eric Clapton a Guildford, Inglaterra, se convirtió en uno de los momentos más comentados entre los seguidores del blues y el rock británico.

Los dos recitales ofrecidos en G Live, un recinto de apenas 1.700 localidades, le dieron a Surrey una experiencia difícil de repetir: ver a una leyenda mundial en un entorno casi familiar, lejos de los grandes estadios habituales.

La elección de este escenario no fue casual. Clapton, originario de Ripley, apenas a unos minutos de Guildford, encontró en estos conciertos una oportunidad para reconectar con sus raíces y con una audiencia que, en gran parte, lo vio crecer. El ambiente fue descrito como cálido y cercano, según asistentes y vendedores locales, quienes destacaron la actitud relajada y sonriente del músico durante la segunda actuación.

El interés despertado por estos shows superó las expectativas iniciales. Las entradas, puestas a la venta con antelación, se agotaron rápidamente, generando largas filas virtuales y una demanda que superó ampliamente la capacidad del recinto.

Para muchos, asistir a un concierto de Clapton en un espacio reducido fue un lujo, y así lo reflejaron los comentarios recogidos en redes sociales y medios británicos. Frases como “no puedo perderme esto” o “es demasiado cerca de casa como para dejarlo pasar” circularon ampliamente entre los fans.

El significado de este ciclo de conciertos fue doble. Por un lado, sirvió como el puntapié inicial de la gira mundial del artista, que en los próximos meses incluirá escenarios emblemáticos de Europa y Estados Unidos.

Por otro, representó un homenaje íntimo al propio Clapton, quien volvió a actuar en el condado que lo vio nacer, algo que no sucede a menudo en la carrera de figuras de este calibre.

La experiencia de G Live y el público de Surrey

G Live, el moderno recinto inaugurado en 2008, fue seleccionado por sus condiciones acústicas y su ambiente accesible. Según la organización, la elección de una sala de estas características respondió al deseo del músico de brindar un espectáculo en el que la calidad del sonido y la cercanía con el público fueran protagonistas.

Los asistentes vivieron un repertorio plagado de clásicos y rarezas. Temas como “Layla”, “Tears in Heaven”, “Wonderful Tonight” y “Cocaine” se combinaron con versiones de blues y piezas menos conocidas de su carrera. Un setlist que varió entre las dos noches, según la crónica de Where’s Eric! y la guía especializada de NeedATicket.co.uk.

La guitarra de Clapton, siempre al frente, fue el eje de cada interpretación, con solos que alternaron la emoción contenida y los estallidos de virtuosismo.

El propio Clapton, de 81 años, demostró una vigencia notable. Su banda acompañante, compuesta por músicos de primer nivel, aportó matices y permitió momentos de lucimiento individual, tanto en los pasajes eléctricos como en los segmentos acústicos.

La atmósfera íntima favoreció la interacción con la audiencia, que respondió con respeto y ovaciones en cada pausa del espectáculo.

El regreso a casa y el valor simbólico

Para quienes se preguntan por qué estos conciertos generaron tanto revuelo, la respuesta está en el simbolismo del retorno. Eric Clapton, uno de los guitarristas más influyentes del siglo XX y XXI, regresó a Guildford después de décadas de éxitos globales, reconectando con sus orígenes en Surrey.

No solo fue un evento musical, sino un acto de pertenencia y agradecimiento, un reencuentro entre el artista y la comunidad que lo vio partir.

El entusiasmo local fue palpable desde el anuncio. Comerciantes, fanáticos de todas las edades y críticos coincidieron en describir la experiencia como “única”, tanto por la calidad del espectáculo como por el ambiente.

La propia organización de G Live destacó que fue el propio Clapton quien insistió en realizar estos recitales antes de retomar los grandes escenarios internacionales.

Próxima gira y fechas clave

Tras los conciertos en Guildford, Clapton prepara una gira internacional que lo llevará a ciudades como Múnich, Barcelona y Chicago.

Entre las fechas destacadas figura la actuación del 23 de agosto en Sandringham Estate, uno de los eventos más esperados en el calendario británico de música en vivo. La gira, que cubrirá más de 8 países entre abril y agosto, refuerza el legado de Clapton y su capacidad de convocar a públicos diversos en escenarios de todo tipo.

El recuerdo de Guildford quedará como un capítulo especial dentro de la historia del músico. Según recogen diversas crónicas y guías, el ciclo de conciertos no solo sirvió como preparación para la gira, sino como un tributo personal y colectivo a una trayectoria inigualable.

El vocalista de Iron Maiden, Bruce Dickinson, lanzó una crítica directa al uso de teléfonos celulares durante conciertos, en el marco de su participación en la CCXP México 2026. El músico advirtió que la obsesión por grabar transforma la experiencia en vivo en un registro incompleto.

Durante un panel donde presentó su proyecto The Mandrake Project, Dickinson expuso su postura sobre cómo el público consume hoy la música en directo.

“Lo que ves en YouTube no refleja la emoción ni la intensidad de miles de personas viviendo algo juntas”, afirmó, al subrayar que la energía colectiva no cabe en la pantalla de un dispositivo.

Pantallas que interfieren en el concierto

El cantante dejó claro que no se opone por completo a grabar, pero cuestionó el impacto que tiene en la dinámica del espectáculo. A su juicio, la constante presencia de celulares levantados altera la conexión entre artista y audiencia, además de afectar a quienes buscan vivir el momento sin distracciones.

La crítica se inserta en una tendencia global dentro de la industria musical. Diversos artistas han optado por limitar o incluso prohibir el uso de dispositivos móviles en sus presentaciones, con el objetivo de recuperar la atención del público.

Defensa del sonido “humano” frente a lo digital

Más allá del debate sobre los celulares, Dickinson amplió su reflexión hacia los procesos de creación musical. El británico defendió el valor de lo analógico frente a la producción digital contemporánea.

“Volver a grabar como hace décadas, sin depender completamente de herramientas digitales, permite que surjan errores, variaciones y momentos inesperados que terminan dando identidad a una canción. Surgen accidentes felices, imperfecciones que la inteligencia artificial nunca podrá inventar”.

El músico añadió que esa autenticidad se percibe en la reacción del público, que identifica cuando una obra conserva una esencia más cercana al directo. “La gente quiere cosas hechas por humanos, con pasión”, resumió.

Iron Maiden prepara regreso a México

La visita de Dickinson a la convención también anticipa el regreso de Iron Maiden al país. La agrupación británica tiene programado un concierto el próximo 2 de octubre en el Estadio GNP, uno de los recintos más importantes de la capital.

En ese contexto, las declaraciones del cantante colocan sobre la mesa un debate que crece entre músicos y fans: la delgada línea entre documentar un concierto y vivirlo plenamente.

La película Michael es el nuevo biopic que acaba de llegar a cines y que busca narrar la vida y el legado de Michael Jackson, uno de los artistas más influyentes de la música contemporánea. Dirigida por Antoine Fuqua y realizada con el respaldo de la familia Jackson, la cinta recorre desde los años iniciales del cantante en los Jackson 5 hasta su consolidación como estrella global, incluyendo los episodios más celebrados y controvertidos de su carrera. El estreno de la película ha generado una fuerte expectativa y una oleada de debates entre fanáticos y críticos, tanto por su aproximación narrativa como por la presencia de figuras reales en la producción. En este contexto, Víctor Amorín, divulgador musical conocido por su trabajo en el canal Music Radar Clan, publicó un extenso hilo en redes sociales donde analiza de manera detallada los errores históricos y las limitaciones musicales de Michael, aportando una perspectiva crítica desde su especialización en divulgación biográfica y musical.

Para Amorín, Michael es un biopic “correcto” pero excesivamente “simplista”, alineado con la tendencia de los filmes musicales recientes que sacrifican profundidad en favor de una estructura narrativa más accesible. El experto destaca que la película no logra alcanzar la riqueza ni el desarrollo dramático que mostraron biopics previos como los dedicados a Johnny Cash, James Brown o Ray Charles. Subraya que los personajes en Michael son superficiales, con personalidades rígidas y poca evolución, lo que impide captar la complejidad de una vida tan singular como la de Jackson. Amorín sostiene que el filme presenta un “compendio de personajes simples, poco profundos, con personalidades muy marcadas que apenas evolucionan... Creo que no le hace del todo justicia a una historia que pudo ser apasionante”. Esta debilidad, advierte, es común a producciones recientes como Elvis o Bohemian Rhapsody, donde las historias tienden a simplificarse, perdiendo matices esenciales para comprender la trayectoria de los músicos retratados.

Más precisa de lo que se ha dicho

En cuanto al rigor histórico, el divulgador defiende que la película es más precisa de lo que muchos críticos han sugerido. Sin embargo, señala que la omisión de etapas fundamentales limita el entendimiento del público sobre el contexto en que Michael Jackson desarrolló su carrera. Entre estas ausencias destaca la falta de profundidad sobre la decadencia de la Motown antes de la llegada de los Jackson 5, así como su posterior resurgimiento con el grupo familiar. Amorín considera que esta etapa habría enriquecido la narrativa y permitido al espectador comprender mejor la dimensión del fenómeno Jackson. El análisis también apunta a la representación de las relaciones familiares, que en la película se abordan de forma insuficiente. Amorín denuncia que la complejidad y los cambios en la relación entre los miembros de la familia Jackson están poco desarrollados, y que personajes como las hijas quedan relegados a un papel secundario. Además, cuestiona que la película no ahonde en el impacto del “régimen de terror” impuesto por el padre (Colman Domingo) ni en los conflictos internos derivados del éxito y de la salida de Michael como solista.

Otro aspecto controvertido señalado por Amorín es la manera en que los personajes vivos han influido en el relato, interviniendo para suavizar su imagen y exculparse. “Hay a veces más lavado de cara y autoexculpación de los que están vivos que del artista muerto”, resume el divulgador, para quien la producción perdió la oportunidad de ser más pragmática y respetuosa con la historia real. Una de las críticas más severas se dirige al tratamiento del personaje de John Branca (Miles Teller), descrito como una “aberración” y objeto de manipulación narrativa. Amorín admite que Branca jugó un papel relevante para la familia y para Michael, pero insiste en que fue una figura “manipuladora y mezquina”, central en la decadencia del artista. Según el experto, la película omite los aspectos más oscuros y decisivos de esta relación, simplificando un vínculo crucial para la vida de Jackson.

El biopic, además, deja de lado aspectos musicales y creativos esenciales para entender el fenómeno Michael Jackson. El divulgador lamenta la escasa atención al impacto de la trilogía Off the Wall, Thriller y Bad, así como la falta de desarrollo sobre el rechazo inicial de la industria y la crítica, que tardaron en reconocer el valor artístico del cantante. Para Amorín, el filme tampoco explora adecuadamente los procesos creativos y de grabación de Jackson, quien, sin formación musical formal, trabajaba en el estudio de maneras radicalmente distintas a otros artistas. Las observaciones de Víctor Amorín ponen en cuestión la tendencia de los biopics musicales a sacrificar complejidad y rigor por fórmulas narrativas simplificadas, y abren el debate sobre la responsabilidad de este tipo de películas al retratar figuras del calibre de Michael Jackson.

Sobre la omisión de los abusos

Respecto al tema de las denuncias y supuestos abusos, Amorín entiende la decisión de dejarlo al margen. Argumenta que gran parte de la sociedad, especialmente en Estados Unidos, todavía no está preparada para una reflexión objetiva y rigurosa sobre el asunto, tras décadas de sensacionalismo y desinformación que marginaron a Jackson incluso después de demostrarse su inocencia. Critica a medios y periodistas, como Rolling Stone, por su resistencia a revisar años de cobertura sensacionalista, y considera que la película evita “carnaza” y juicios superficiales.

Sobre la representación de Jackson, Amorín descarta la idea de que el filme lo retrate como un “santo” o un personaje excéntrico. Sostiene que, en la etapa que cubre la película, Michael era realmente una persona humilde, centrada en su carrera y dedicada a labores de caridad y ayuda humanitaria. “Iba a hospitales de niños con cáncer, abrió y mantuvo centros de niños sin hogar, llevó cenas a centros de mayores y cenó con ellos”, relata Amorín, quien recalca que muchas de estas acciones no recibieron publicidad, pero están documentadas en biografías serias.

No obstante, el divulgador lamenta que el filme se quede corto incluso en el retrato de su labor benéfica, y señala que parte del público busca “ver carnaza” y juzgar sin documentación. Añade que la película ha servido como catarsis para los fans de Jackson, quienes durante años fueron ridiculizados y ahora encuentran en este estreno una reivindicación necesaria. Por último, Amorín recomienda ver Michael como una experiencia disfrutable y emotiva, aunque no sea la mejor vía para conocer a fondo a un personaje tan complejo. Aun así, considera que la película logra un objetivo relevante: devolver a Michael Jackson una imagen más humana, algo que, según él, la sociedad sigue necesitando.

A pocos días del estreno de Bright Side, el nuevo disco del músico, el artista conversó en Los Ángeles con el pódcast estadounidense de entrevistas Club Random Podcast acerca de la huella de Bob Marley, la felicidad y la espiritualidad que atraviesan su vida y su música.

En la charla, Ziggy Marley relató cómo crecer bajo la sombra de Bob Marley supuso una presión constante y una comparación permanente, lo que lo llevó a desarrollar una identidad propia y a valorar la espiritualidad y la autoaceptación como motores para encontrar su lugar en la música. Profundizó en los desafíos de ser jamaicano en la actualidad y cómo el entorno multicultural impactó en su evolución personal.

Impacto de la fama de Bob Marley en la trayectoria de Ziggy

Ziggy Marley describió su experiencia con la notoriedad de su padre y cómo eso influyó en su trayectoria. “No soy solo el hijo de Bob. Me siento un hijo del mundo”, señaló Ziggy en Club Random Podcast. “Existe una imagen gigantesca de mi padre allá fuera, una que no solo pertenece a nuestra familia, sino a todo el planeta”.

Explicó que esa exposición lo enfrenta a expectativas y miradas ajenas: “Desde joven, sentí que ciertas partes de mi vida no son para todos. Algunos aspectos quiero mantenerlos solo para mí. Ese es el peso de ser un hijo del mundo”.

En Jamaica, el entorno y la reputación de Bob Marley influyeron tempranamente en la percepción pública de Ziggy. “Cuando era pequeño, después de la muerte de mi padre, yo era tímido, pero la imagen que se tenía de Bob Marley era la de un hombre influyente, rodeado de chicas. Me costaba identificarme con eso”, relató.

Una conversación con Neville, uno de los amigos cercanos de su padre, le ayudó a reconciliarse con su timidez: “Me dijo que mi padre, aunque no lo pareciera, era un hombre tímido. Eso me ayudó a aceptar mis propios rasgos”.

El músico enfatizó que, a diferencia de Bob Marley, él eligió cuidadosamente quiénes forman parte de su círculo íntimo. “Siempre fui solitario. Nunca busqué rodearme de multitudes ni tener un séquito a mi alrededor”.

La timidez de Ziggy fuera del escenario

Ziggy Marley recalcó la diferencia entre su personalidad pública y su día a día: “Fui tímido toda mi vida”, afirmó en Club Random Podcast. “Mucha gente no lo entiende porque me ven en el escenario, frente a miles, pero esa es otra energía, es una experiencia distinta”.

Recordó un episodio en la escuela de sus hijos, donde tras presentarse ante la comunidad escolar, una maestra no creía que el hombre reservado que dejaba a sus hijos fuera el mismo artista del escenario. “Estar sobre el escenario no es lo mismo que interactuar cara a cara. Son dinámicas diferentes”, indicó.

Subrayó la importancia de la soledad, incluso dentro de la pareja: “Puedo ser un solitario aunque esté casado. Mi esposa lo sabe y lo entiende. Hay que encontrar el equilibrio. Nadie puede ser encantador todo el tiempo”.

Matrimonio y tradiciones familiares en la vida de Ziggy Marley

La vida familiar de Ziggy Marley refleja una convivencia multicultural. El artista compartió cómo su esposa Orly, de origen israelí y persa, se adaptó a las costumbres jamaiquinas. “Cuando nos casamos, ella no sabía cocinar. Empezó durante la pandemia y ahora cocina muy bien”, contó.

Las tradiciones en su hogar combinan lo jamaiquino con lo judío. “Preparamos plátano frito y porridge de plantain, pero también challah para la cena de Shabat. Mis hijos crecen entre celebraciones judías y costumbres jamaicanas. Esa es la riqueza de una familia multicultural”, destacó Ziggy.

Sobre el sentido del matrimonio, remarcó: “El matrimonio es un adorno; el verdadero valor es el vínculo, lo espiritual”. Detalló que su anillo de bodas lleva grabados en hebreo los nombres de Dios y símbolos, pues “su sentido va mucho más allá del papeleo social”.

Espiritualidad y música: la filosofía de Ziggy Marley

Al referirse a su relación con el Rastafarismo, Ziggy Marley explicó que la espiritualidad estuvo presente en su vida antes incluso de tener una religión formal. Comentó que, desde pequeño, su familia seguía reglas kosher y evitaba el cerdo. “La espiritualidad estuvo presente antes que la religión formal”, puntualizó.

La fe, para Ziggy, es una exploración interna que no necesariamente requiere rituales visibles: “Uno explora mental y espiritualmente. ¿Existe Dios? Lo importante es el viaje, la búsqueda, el ejemplo en la vida real, no la ceremonia ni la imagen pública”.

Expresó que la música cumple un papel esencial: “La usamos como instrumento de conciencia y de cambio social. Somos parte del pop global, tenemos la responsabilidad de lanzar energía positiva al mundo”.

Bienestar jamaiquino y la visión de Ziggy sobre la felicidad

Consultado sobre la felicidad en Jamaica, el músico destacó su origen en lo cotidiano: “Tenemos una tendencia natural a la felicidad. Proviene de la vida simple”. Describió cómo la alegría se relaciona con lo doméstico y familiar: “La alegría vital viene de lo sencillo. Lo que nos hacía felices era ir al árbol de mangos, jugar en la calle, compartir con la familia. No se trataba de dinero ni de cosas materiales”.

Comentó que, aunque algunos asocien el bienestar jamaiquino con el uso de cannabis, para él prima la disciplina: “Uso la hierba solo cuando lo siento necesario, nunca dejo que nada ni nadie me controle. No es la sustancia, es la mentalidad lo que determina la calidad de vida”.

Bright Side y el mensaje final de Ziggy Marley

Acerca de su nuevo trabajo, Ziggy Marley confesó: “Bright Side es el primer disco mío que escucho, no como artista, sino como oyente. Lo hice para levantar mi ánimo en tiempos difíciles”.

Detalló que el origen de Bright Side fue la búsqueda de bienestar emocional y paz: “El álbum surgió de la necesidad de salud mental y emocional. Quiero que el público sienta ese efecto, que el reggae sea un refugio diario; que acompañe desde la mañana hasta la noche”.

Durante la pandemia, las experiencias familiares se integraron a su proceso creativo: “Cocinamos más, adoptamos un perro llamado Romeo y compartimos en familia. Todo eso inspiró el disco”.

Durante su paso por Infobae al Regreso, donde dialogó con Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos, Matías Barbería y Mica Mendelevich, el músico se definió como “un profesional en serio” y celebró la posibilidad de seguir girando por la Argentina: “He cantado desde hace 55, y me sigue sorprendiendo la manera en que la música atraviesa la vida de las personas”.

La música, un puente entre generaciones y emociones

Pueyrredón recordó situaciones en las que sus temas funcionaron como nexo emocional entre parejas separadas y reencuentros: “Conozco matrimonios que me dijeron: ‘Nos conocimos por una canción tuya, después nos separamos y estuvimos 10 años sin vernos. Nos reencontramos con otra canción tuya, y hoy volvimos a estar juntos’”.

El músico compartió la anécdota de una reconciliación en Catamarca: “Un tipo me pidió que le dedicara una canción a su exmujer, después de cinco años separados. Cuando terminé de cantar ‘Nadie podrá hacerme olvidar’, vinieron juntos de la mano y me dijeron que iban a intentarlo de nuevo”.

En diálogo con el equipo, Pueyrredón reflexionó sobre el poder de la música romántica en la historia argentina: “En los años setenta, elegir el nombre Banana para la banda era también una forma de animarse a decir ‘te quiero’ en público, algo que hoy parece más difícil en la era del ‘pibardo’, ese pibe que no muestra sentimientos”. El músico contrastó esta apertura con la cultura actual: “Antes ser el conquistador, el seductor, tenía otra carga. Hoy parece que mostrar debilidad es un problema para muchos”.

El artista también compartió detalles sobre su vida personal: “Mis viejos estuvieron más de 60 años juntos. Me enseñaron, sin decirlo, que el amor puede ser duradero. Eso me ahorró muchas horas de terapia”. Pueyrredón, casado desde hace cuarenta y seis años, confesó: “Le sigo cantando a mi mujer. No sé si le gusta, pero lo hago igual”.

De los escenarios masivos al teatro y el streaming

Consultado por sus nuevos proyectos, Pueyrredón repasó su desembarco en el teatro junto a Flor Jazmín Peña y Juli Castro: “No conocía a las chicas antes del primer ensayo, pero cuando las vi actuar entendí que estaban perfectas para el papel. Me sorprendió la energía y el talento que traen desde el mundo del streaming”. El cantante valoró la mezcla generacional: “Flor es la protagonista del programa de streaming más visto de la Argentina. Me eligieron como protagonista para un público muy joven”.

El músico contó cómo vivió la adaptación al formato teatral: “Leí la obra, vi la película española y me fascinó el personaje. Terminé la temporada en Mar del Plata con un premio y fue un gustazo”. También repasó la diferencia entre presentaciones multitudinarias y shows íntimos: “Alguien me preguntó si prefiero cantar en un estadio de 60 mil personas o para ciento cincuenta en un bar. Yo canto igual. Hay noches en las que se da un clima especial, y siento que hago la mejor versión de una canción”.

Pueyrredón detalló sus próximas presentaciones: “Todos los domingos de abril en Café La Humedad, después Rosario, Salta y Neuquén. Me sigue entusiasmando recorrer el país”.

El fenómeno Banana y el valor de decir “te quiero”

El diálogo abordó la génesis del nombre de la banda: “Nos llamábamos Fever, pero Ricardo Kleinman nos propuso Banana o Alambre. Por suerte elegimos Banana. Era la cultura pop de la época, con el sello de Warhol y la movida del ‘69”, relató. “Ser Banana era animarse a mostrar sentimientos y decir ‘estoy enamorado’ sin miedo”.

Durante el cierre de la charla, Pueyrredón interpretó fragmentos de sus clásicos al piano y reflexionó sobre la vigencia de su música: “Sigo creyendo en el amor, y en que una canción puede disparar algo pendiente entre dos personas. No importa el paso del tiempo, siempre hay una melodía que puede unir de nuevo”.

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El tercer programa de la decimotercera edición de ‘Tu cara me suena’ ha dejado huella en Antena 3 con una actuación que ha logrado un consenso poco habitual entre el jurado y el público. Sole Giménez se ha impuesto como ganadora de la gala gracias a una imitación de Édith Piaf que ha sido calificada de histórica tanto por la audiencia presencial como por los expertos del formato.

La victoria de Sole Giménez en la gala tres de ‘Tu cara me suena 13′ ha supuesto que, tras tres emisiones, el programa acumule tres ganadores distintos. La clasificación refleja la paridad entre concursantes, ya que ningún participante ha repetido triunfo hasta el momento.

La puntuación más alta de la noche para Giménez, con 47 puntos por parte del jurado y la máxima valoración del público, refuerza su posición en la tabla, que actualmente lideran María Parrado y J Kbello con 60 puntos, mientras que Cristina Castaño suma 54, y Paula Koops y la propia Giménez les siguen de cerca con 53 puntos.

Vuelta a lo alto

Tras varias semanas ocupando los últimos puestos, Sole Giménez ha protagonizado un cambio de tendencia en la tercera gala. Su interpretación de “Non, je ne regrette rien” se ha convertido en el punto culminante de la noche, arrancando lágrimas de la artista y de los miembros del jurado, en especial de Lolita, quien ha destacado la capacidad emocional de la ganadora y la fuerza de su voz en una pieza de alta exigencia.

Durante la emisión, el jurado ha repartido las puntuaciones del 4 al 12, siguiendo el orden de actuación y valorando tanto la interpretación vocal como la puesta en escena. Aníbal Gómez ha abierto la noche con una imitación de Varry Brava, obteniendo 26 puntos. Cristina Castaño, con su versión de Víctor Manuel y Ana Belén, ha sumado 41 puntos. Leonor Lavado, como María Figueroa, ha conseguido 17 puntos, y Martín Savi, imitando a Íñigo Quintero, ha alcanzado los 39 puntos.

La actuación de Sole Giménez, puesta en valor como una de las mejores de la edición, ha sido reconocida con 47 puntos del jurado, quedándose a tan solo un punto de conseguir la puntuación perfecta. La unanimidad se ha consolidado con el voto del público, que también le ha otorgado la nota máxima y, por tanto, la victoria en la gala.

El resto de posiciones se han conformado tras la suma de los votos de la audiencia, situando a J Kbello y Paula Koops en los puestos destacados, mientras que otros como Jesulín de Ubrique tras interpretar a José Luis Perales no han corrido la misma suerte.

Las palabras del jurado han sido especialmente elogiosas. Àngel Llàcer ha manifestado: “lo que has hecho esta noche es historia de ‘Tu cara me suena’”, mientras que Lolita ha trasladado a la intérprete su sorpresa y admiración por la entrega emocional de la actuación. Ambos miembros del jurado han querido remarcar tanto la dificultad del reto como la autenticidad lograda por Giménez en el escenario.

Empate en la cima y nuevos retos

Observando la clasificación general al cierre de la gala, María Parrado y J Kbello se sitúan al frente con 60 puntos, lo que marca un empate en la cima que no se había producido en anteriores ediciones. Este dato revela la igualdad con la que se está desarrollando la competición y anticipa una posible variación en las próximas galas, ya que el margen de diferencia respecto al resto es mínimo.

Al finalizar la gala, los concursantes han conocido sus próximas imitaciones gracias al clásico pulsador del programa. Así, Leonor Lavado deberá transformarse en La Oreja de Van Gogh, Jesulín de Ubrique en Maroon 5 (aunque tras un intercambio finalmente imitará a La Granja de Zenón) y Aníbal Gómez en BJ Thomas.

María Parrado asumirá el papel de Rocío Dúrcal, mientras que Cristina Castaño interpretará a Maggie Reilly y Paula Koops a Hannah Montana, personaje que ha celebrado por su admiración hacia Miley Cyrus. Por su parte, J Kbello tendrá que interpretar a Carín León y Maluma, y Sole Giménez será la encargada de rendir homenaje en la siguiente gala a Tino Casal.

Durante la ceremonia, Sole Giménez ha subrayado la finalidad solidaria de su victoria, destinando el premio a la asociación You Change Lives de Liberia, dedicada —en palabras de la artista — a “ayudar a niñas y mujeres que tienen problemas”, mostrando su agradecimiento por la labor de la entidad y el impacto que pueden tener estas donaciones.

En una entrevista exclusiva para Infobae en Vivo, Amadeo destacó la influencia de figuras en su infancia: “Admiraba mucho a Michael Jackson y a Pappo por igual”. El músico reconoció que su acercamiento inicial al arte fue a través de la imagen, pero que con los años la música terminó conquistándolo: “Arranqué por la imagen y terminé conquistado por la música de ellos”.

Durante el diálogo con el staff —integrado por Manu Jove, Maia Jastreblansky, Paula Guardia Bourdin y Tomás Trapé—, Amadeo profundizó sobre el proceso de encontrar una identidad propia: “Me llevó un trabajo empoderarme con mi voz y decir: ‘Ah, pará, tengo una forma de cantar que por ahí se parece y por ahí hay consonantes que la hago más medio así, más medio allá’, pero me fui armando en un lugar que yo por ahora considero como muy original”.

La construcción de una voz propia

Consultado sobre cómo logró diferenciarse de sus referentes, el cantante admitió: “A veces siento que todos los artistas terminan siendo como una mala copia de aquellos que querían ser, ¿viste? Y después vas empoderándote con tu voz, te vas escuchando”. Contó que escribir sus propias canciones fue clave en ese proceso: “Si no te gusta, por lo menos es mío. Peor sería como de intérprete, ¿viste? Encima ni siquiera tengo la potestad de que sea mío”.

Amadeo habló sobre la presión de las expectativas al inicio de su carrera solista: “Cuando empecé a hacer mi primer disco tenía mucho depositado ahí. Demasiado, por ahí. Quería que suene como tal o que el tambor sea parecido a... Y al final te pierde un poco del eje: que las canciones te representen, estén buenas, sean agradables para escuchar, o lo que te quieras convertir”.

Paternidad, creatividad y oficio

Al referirse a su vida personal, Amadeo contó que acaba de ser padre por segunda vez: “Ahora fui papá hace muy poco, así que la paternidad te compite con mucha potencia ahí, está muy bien”. Explicó que la llegada de sus hijos modificó su relación con el tiempo libre y la creatividad: “Me arrinconó a no perder tanto tiempo. Yo amo el ocio, lo disfruto. Me pongo muy creativo haciendo nada y hoy me parece hasta revolucionario. Ahora lo que tenemos es menos tiempo al gas”.

El músico reconoció que la falta de tiempo lo obligó a replantear su método de trabajo: “Aprendí a trabajar un poco sobre la inspiración y a ponerme el overol en mi casa para trabajar en la música. No sea tan hippie la cosa. Ahora quiero producir y encuentro el espacio, me administro con mi mujer, armamos el Tetris de los días y ahí estamos”.

Frente al desafío de equilibrar la vida familiar y la artística, describió con humor: “Duermo menos, tengo una compañera que nos bancamos y nos administramos como podemos. Dividimos bien y sacrificamos un montón de cosas para poder hacerlo sin que nos complique tanto, porque es un re baile”.

La industria musical, las redes y la autenticidad

Amadeo reflexionó sobre la transformación de la industria musical y el impacto de las plataformas digitales: “Mi primer disco fue en físico, un CD, hicimos firma de CDs. Sentí que la pasamos bastante sin tanta turbulencia, pero puede ser duro el choque de la migración a las plataformas”. Reconoció que hoy la continuidad y el contenido en redes sociales son exigencias permanentes: “Ahora necesitás hacer en redes para que no te tape el agua. Empiezan a haber unas dinámicas que...”.

A pesar de la presión por adaptarse a modas como el reguetón o los challenges de TikTok, Amadeo sostuvo: “No me salía hacer música que no la siento mía. Me mantuve ahí. Ahora me enorgullece porque ya medio pasó la moda, pero en un momento era como: ‘¿Y cuál es el challenge de la canción?’ No, cantarla”.

Consultado sobre la convivencia entre el camino del artista y el del famoso, Amadeo fue contundente: “Son dos carriles que cuando se encuentran pasan cosas maravillosas y cuando se desencuentran demasiado, creo que empezás un poco a perder un norte que tampoco el mundo tiene claro bien cuál es”. Opinó que la industria musical “la está corriendo un poco de atrás”, y admitió que, pese a los avances tecnológicos, “todavía no hay una amenaza para eso, para el intercambio de escuchar a alguien cantar, tocar una flauta, alguien pintar un cuadro, hacer una escultura de una piedra”.

Por último, el músico reveló su rechazo a encarnar personajes o adoptar una imagen prefabricada en la música: “No me emociona disfrazarme o desmontarme. Con la música me pasa un poco eso porque lo siento como algo que tiene que ver con un rechazo a eso, por ahí es pudor también. No me animo al chupín, no sé”.

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¿Un Stradivarius robado por los nazis en Polonia reapareció a finales de marzo durante un concierto en el noreste de Francia? La experta Pascale Bernheim, que lo busca desde hace años, asegura que sí, aunque el origen del instrumento genera debate.

Este violín, fabricado por el célebre lutier italiano del Renacimiento Antonio Stradivari y desaparecido desde hace años, tiene actualmente un valor estimado en más de 10 millones de euros (más de 11,7 millones de dólares).

La experta cuenta que sus sospechas comenzaron tras leer la crónica del diario local Les Dernières Nouvelles d’Alsace sobre una velada el 31 de marzo en el museo Unterlinden de Colmar, en el noreste de Francia, que combinaba una cata de vinos y un concierto de violín.

El violonista Emmanuel Coopey tocó varios violines distintos, entre ellos tres antiguos: uno fabricado en “1624” por el lutier Niccolò Amati, otro “del taller de Antonio Guarneri fechado en 1735″... y “uno de 1719 de Antonio Stradivari, según el artículo del diario.

“Estoy absolutamente convencida de que se trata del ‘Lauterbach’”, declara la presidenta de la asociación Musique et spoliations (Música y Expoliaciones), en referencia al violín robado en 1944 en Polonia y llamado así por uno de sus primeros propietarios.

Stradivarius “del periodo más bello”

Soldados nazis lo robaron en 1944 en el Museo Nacional de Varsovia, pero la última vez que fue visto fue a inicios de los años 1990 en Francia tras pasar años en la República Democrática Alemana, en la órbita soviética, según una investigación del diario Le Parisien.

Sólo existen nueve Stradivarius de 1719, de los cuáles dos están desaparecidos: el “Lauterbach” y otro apodado “Lautenschlager”.

Sin embargo, este último tiene una particularidad. Su tapa inferior está compuesta de dos tablas de madera, por lo que no puede ser el violín usado en Colmar, cuya parte posterior está fabricada con una sola, según la información del rotativo.

El organizador de la velada en Colmar es además el productor de conciertos de música clásica Emmanuel Jaeger, quien en 2017 se puso en contacto con la experta para investigar el origen de un violín en posesión de Jean-Christophe Graff, un lutier de Estrasburgo.

Este último pensaba que tenía un Vuillaume, de menor valor, hasta que, durante un coloquio, un reputado experto mundial, el británico Charles Beare (fallecido en 2025), le dijo: “Esto no es en absoluto un Vuillaume, es un Stradivarius y un Stradivarius del periodo más bello”, explica Pascale Bernheim.

A Graff le preocupaba tener en su posesión un violín expoliado, agrega la experta.

Investigación de Austria a Argentina

La especialista inició entonces sus investigaciones, identificó al propietario del “Lauterbach” antes de la Segunda Guerra Mundial, el industrial polaco Henryk Grohman --que lo había cedido al museo polaco antes de su muerte--, y localizó incluso a descendientes suyos en Austria y en Argentina.

Pero el origen del instrumento aún está por determinar con certeza. “Que yo sepa, Beare evaluó en dos ocasiones el violín y posteriormente se sometió a un análisis dendrocronológico", método que permite determinar en particular la edad de los objetos de madera, explica Bernheim.

Ni Emmanuel Jaeger ni el lutier de Estrasburgo respondieron. El primero declaró, sin embargo, a Le Parisien que la experta se equivocaba. “No se trata del violín robado”, aseguró también el jueves en Les Dernières Nouvelles d’Alsace.

Según el organizador de la velada, el violín cedido para el concierto por el propietario del instrumento es otro Stradivarius de 1719. “Errar es humano y puede que me equivoque”, replica Bernheim. Pero si se trata efectivamente de un Stradivarius de 1719, sin ser el Lauterbach, “en ese caso, que nos explique cuál es”.

Fuente: AFP

Así decía la invitación para el estreno en Los Ángeles de Michael, una película sobre la vida de Michael Jackson hasta 1988, antes de que surgieran las primeras acusaciones de abuso sexual infantil. Muchos de los 3.000 asistentes (incluida la familia de Jackson) estuvieron encantados de aceptar la invitación. Se presentaron al evento del lunes con sombreros tipo fedora y lentejuelas, y cantaron al ritmo de “Billie Jean” y “Bad”. Durante varias escenas, los vítores dentro del teatro fueron tan fuertes que ahogaron los diálogos de la película.

Fue un momento de mercadeo perfectamente ejecutado, pero los espectadores tendrán la última palabra. ¿Están ellos también listos para celebrar a Jackson?

Las críticas han sido brutales. (“No se puede tomar en serio.” “Desconectada de la realidad.” “Frustrantemente superficial.”) Sin embargo, las expectativas de taquilla son estratosféricas. La película, que llega a los cines la noche del jueves, proviene del productor detrás de Bohemian Rhapsody, la biografía de Queen que recaudó 911 millones de dólares (unos 846 millones de euros) a nivel mundial en 2018, o aproximadamente 1.200 millones de dólares (unos 1.115 millones de euros) tras ajustar por la inflación.

Esto es lo que necesita saber.

Artistas de cine de primer nivel trabajaron en ella.

En el estreno del lunes, el productor principal Graham King fechó el proyecto en 2019. Acababa de entregar Bohemian Rhapsody, y su éxito desencadenó una avalancha de otras oportunidades para biopics. Decidió abordar a Jackson en cooperación con el patrimonio. (Jackson murió a los 50 años en 2009 por intoxicación aguda de propofol.)

King, quien ganó un Oscar en 2007 por producir Los infiltrados (The Departed), sabía que los estudios serían reacios. Jackson seguía siendo una gran estrella, pero también era radiactivo, en parte por Leaving Neverland, el documental de HBO de 2019 en el que dos hombres contaron lo que, según dijeron, fueron años de abuso sexual por parte de Jackson cuando eran niños. (El patrimonio de Jackson calificó a los hombres de mentirosos y demandó a HBO, lo que resultó en la eliminación del documental del servicio de streaming de HBO.)

Así que King aseguró un director y un guionista para Michael que los estudios no tendrían más opción que tomar en serio: Antoine Fuqua, el cineasta conocido por Día de entrenamiento (Training Day, 2001), y John Logan, un guionista nominado al Oscar cuyos créditos incluyen El aviador (The Aviator, 2004) y Gladiador (Gladiator, 2000). Colman Domingo, dos veces nominado al Oscar (Sing Sing, Rustin), aceptó interpretar a Joe Jackson, el patriarca abusivo de la familia.

El guion original abordaba las acusaciones de abuso sexual.

Michael nunca iba a ser una mirada sin filtros a la superestrella, no con los abogados del patrimonio supervisando todo. Pero la versión del proyecto que se ofreció a los estudios mostraba una investigación policial sobre las acusaciones de abuso sexual infantil. El tercer acto de la película giraba en torno a las acusaciones de un niño de 13 años llamado Jordan Chandler; Jackson aceptó pagarle aproximadamente 23 millones de dólares (unos 21,3 millones de euros) en 1994 para resolver una demanda, poniendo fin de manera efectiva a una investigación criminal. (Jackson siempre negó cualquier delito.)

Janet Jackson no quiso participar.

King pidió permiso a los hermanos sobrevivientes de Jackson (Tito murió en 2024) para representarlos en la película. Hubo una ausencia importante: Janet Jackson. Se desconocen sus razones, y una portavoz no respondió a la solicitud de comentarios.

¿La solución de la película? Es como si nunca hubiera existido. Ni siquiera una mención de pasada.

“Desearía que todos estuvieran en la película”, dijo La Toya Jackson, hermana de Michael, a Variety en el estreno. “Ella declinó amablemente, así que hay que respetar su decisión.” La Toya aparece a lo largo de la película; también recibió un crédito como productora ejecutiva.

Los hijos de Jackson, Prince y Bigi (anteriormente conocido como Blanket), han apoyado Michael. Su hija, Paris, no. En un video de Instagram publicado en septiembre, dijo que sus notas sobre lo que consideraba “deshonesto” de un guion temprano fueron rechazadas. “Una gran parte de la película complace a una parte muy específica de los fanáticos de mi papá que todavía vive en la fantasía”, dijo en el video.

Los grandes estudios de Hollywood la rechazaron.

En poco tiempo, los directivos de los estudios le mostraron la puerta a King. Michael era demasiado arriesgada, dijeron, incluso con un equipo creativo destacado.

Pero un pequeño estudio, Lionsgate, se interesó. Michael podría ser el tipo de película que hace que los conocedores de Hollywood se incomoden y que el público general la celebre —un tema que la élite cultural considera tóxico, pero que los cinéfilos comunes, dados la oportunidad, convertirían en un éxito. Tal vez otros estudios subestimaban la respuesta emocional que tendría el público mayor al recordar los primeros discos de Jackson. Tal vez el mensaje publicitario adecuado —un joven con un sueño— podría atraer a los adolescentes.

Lionsgate intervino.

Lionsgate aceptó hacer Michael por 150 millones de dólares (unos 138 millones de euros). Fiel a su práctica, el estudio vendió los derechos en el extranjero para reducir el riesgo; Universal pagó cerca de 75 millones de dólares (unos 69 millones de euros) para estrenar Michael fuera de Estados Unidos, excepto en Japón, donde Kino Films pagó una suma considerable por los derechos.

En resumen: Lionsgate necesita que Michael recaude solo 150 millones de dólares (unos 138 millones de euros) a nivel nacional para generar una ganancia sustancial, según estiman analistas.

La producción fue una pesadilla.

Encontrar al actor correcto para interpretar a Jackson de joven fue difícil. Los cineastas consideraron a casi 200 actores, y finalmente eligieron al sobrino de Jackson, Jaafar, un actor debutante. (Con maquillaje y peinado, se parece mucho a su tío.)

Luego vino un giro difícil de creer: después de completar el rodaje y mientras los editores ensamblaban el metraje, el patrimonio le informó a King que había cometido un error colosal. Los abogados descubrieron que, como parte del acuerdo de 1994 con Chandler y sus padres, el patrimonio tenía prohibido mencionar jamás a Chandler o su familia en cualquier película.

Como resultado, grandes fragmentos del tercer acto de la película resultaron inutilizables. Los cineastas se apresuraron para eliminar la trama de Chandler, lo que supuso entre 40 y 50 millones de dólares (de 37 a 46 millones de euros) adicionales en nuevas grabaciones, y una película terminada que concluye en 1988, antes de las primeras acusaciones de abuso infantil. El patrimonio cubrió la mayor parte del costo.

La campaña de mercadeo ha enfatizado la alegría y la celebración.

Lionsgate ha posicionado Michael como un homenaje cinematográfico tardío a un genio artístico. Piense lo que piense sobre su caída en los últimos años, pero su impacto en la música, la moda, la danza y la cultura popular no puede ser exagerado ni negado, han repetido miembros del elenco en múltiples entrevistas.

Esta no es una película sombría, ¿de acuerdo?

Varias estrategias de mercadeo optimistas se hicieron virales, incluida una que se conoció como “no camines: moonwalk”. Bailarines tomaron grandes pasos de peatones en Nueva York y Los Ángeles y realizaron el famoso desplazamiento hacia atrás de Jackson, animando a los fanáticos a “cambiar su modo de caminar” por el movimiento. En total, Lionsgate gastó más de 50 millones de dólares (unos 46 millones de euros) en su campaña de mercadeo nacional.

Michael podría ser un megaéxito.

Según las ventas anticipadas de boletos y encuestas que miden el interés de los espectadores, se espera que Michael recaude al menos 70 millones de dólares (unos 64 millones de euros) de jueves a domingo en cines de Estados Unidos. Straight Outta Compton (2015) tiene el récord de estreno para un biopic musical. Recaudó 60 millones de dólares (unos 55 millones de euros), o cerca de 85 millones de dólares (unos 79 millones de euros) en la actualidad, en sus primeros días y terminó acumulando 200 millones de dólares (unos 183 millones de euros) —o ajustados, 285 millones de dólares (unos 260 millones de euros)—.

Se espera que Michael sea un gigante en el extranjero. Analistas predicen que, en total, Michael podría recaudar 100 millones de dólares (unos 92 millones de euros) sólo en Japón.

¿Cuánto dañarán las críticas negativas los resultados? Probablemente, no mucho. Bohemian Rhapsody pasó la mayor parte de su tiempo en cines con la calificación de “podrida” en el sitio de agregación Rotten Tomatoes, y a los fanáticos no les importó. Terminó recaudando solo en Estados Unidos 217 millones de dólares (unos 199 millones de euros) —o 289 millones de dólares (unos 265 millones de euros) en la actualidad—.

De hecho, el aluvión de críticas negativas podría ayudar a la película, según los propietarios de cines. Señalaron un aumento en las ventas de boletos desde la mañana del martes, cuando comenzaron a publicarse las reseñas, lo que llevó a una reacción de los fanáticos en redes sociales.

Habrá una secuela.

Lionsgate ha sido cauteloso con respecto a otra entrega, diciendo que tomará una decisión sobre una (o varias) películas de seguimiento en las próximas semanas. Pero está claro que el estudio continuará en el negocio de Jackson: Michael es la parte 1.

Las palabras “Su historia continúa” aparecen en pantalla al final de Michael. Alrededor del 30 por ciento del material eliminado de Michael podría usarse en una secuela, según personas involucradas en la producción. Y ya se ha terminado una hoja de ruta detallada de la historia, o “beat sheet”, para una secuela.

Fuente: The New York Times

[Fotos: Glen Wilson/ Lionsgate vía AP]

Spotify ahora se integra con Claude para que los usuarios puedan solicitar recomendaciones musicales y de podcasts directamente a la inteligencia artificial.

Desde hoy, quienes tengan cuenta en Spotify pueden vincularla a Claude para recibir sugerencias personalizadas basadas en sus gustos e historial de escucha, generadas a partir de la tecnología de personalización y el catálogo de la plataforma.

La integración también es compatible con Spotify Connect, función que permite ver en qué dispositivo se reproduce la música y cambiar o controlar la reproducción sin salir de la conversación. De esta forma, los usuarios pueden alternar entre su teléfono, computadora o altavoz sin interrupciones.

Spotify en Claude está disponible desde hoy a nivel mundial para usuarios de los planes gratuito, Pro y Max, en web, dispositivos móviles (iOS y Android) y computadoras de escritorio.

Cómo integrar Spotify a Claude

Para integrar Spotify a Claude, los usuarios deben vincular su cuenta desde la configuración de la aplicación, donde encontrarán la opción para conectar ambas plataformas.

Una vez integrado, los usuarios pueden escribir directamente en Claude indicaciones como “Spotify, ponme una playlist para estudiar” o “Spotify, recomiéndame podcasts de tecnología”, y la inteligencia artificial generará sugerencias personalizadas basadas en su historial de escucha.

Para qué sirve integrar Spotify con Claude

La integración entre Spotify y Claude permite a los usuarios solicitar contenido musical directamente desde la conversación con la inteligencia artificial. Es posible pedir un podcast para el trayecto diario, una lista de reproducción de un artista específico o canciones con alta energía para una sesión de gimnasio, sin necesidad de abrir la aplicación.

Una vez que el usuario encuentra contenido de su agrado, puede escuchar una vista previa, guardarlo, reproducirlo dentro de Claude o abrirlo directamente en Spotify.

Diferencias entre usuarios gratuitos y Premium

Tanto los usuarios gratuitos como los de Spotify Premium pueden acceder a esta integración. No obstante, los usuarios Premium cuentan con una función adicional: describir un ambiente o estado de ánimo para que Claude genere una lista de reproducción personalizada acorde a ese contexto.

Cómo es la integración de Spotify y ChatGPT

Los usuarios gratuitos y Premium de Spotify pueden vincular su cuenta con ChatGPT para acceder a funciones de inteligencia artificial dentro de la plataforma. La integración permite que ChatGPT cree listas de reproducción personalizadas, sugiera podcasts y ofrezca recomendaciones según el estado de ánimo, los intereses o los temas que el usuario indique durante la conversación.

Los beneficios varían según el tipo de cuenta. “Los usuarios gratuitos podrán acceder al catálogo de listas de reproducción de Spotify ya disponibles en la app, como Descubrimiento Semanal y Viernes de Nueva Música. Los usuarios premium pueden ir un paso más allá y permitir que Spotify convierta sus indicaciones más elaboradas en una selección de canciones nueva y totalmente personalizada”, señaló la compañía.

La integración está disponible en inglés en 145 países para todas las cuentas de ChatGPT Free, Plus y Pro con sesión iniciada, tanto en la web como en dispositivos móviles (iOS y Android).

Cómo vincular Spotify con ChatGPT

Para vincular la cuenta de ChatGPT con la de Spotify, se deben seguir estos pasos:

1. Abre ChatGPT e inicia una conversación.
2. Menciona Spotify en tu solicitud.
3. La primera vez, la plataforma pedirá que vincules tu cuenta de Spotify.
4. Una vez conectado, pide canciones, artistas, álbumes, listas de reproducción o episodios de podcast.
5. ChatGPT abrirá Spotify automáticamente dentro del chat y usará el contexto de la conversación para completar la solicitud.
6. También puedes pedir recomendaciones según un estado de ánimo o tema específico, y Spotify mostrará selecciones personalizadas sin interrumpir la conversación.
7. Al tocar una pista, la aplicación de Spotify se abrirá para que puedas escuchar el contenido directamente.

Spotify comenzó a implementar un nuevo sistema de créditos que permite identificar si una canción fue creada con ayuda de inteligencia artificial (IA), detallando en qué etapas del proceso se utilizó esta tecnología. La función, que ya aparece en algunos contenidos dentro de la aplicación, forma parte de un estándar impulsado junto a DDEX y busca ofrecer mayor transparencia en la industria musical.

El cambio introduce una novedad relevante en la forma en que se presenta la información de las canciones. A partir de ahora, artistas, productores y titulares de derechos pueden declarar voluntariamente el uso de IA en aspectos específicos de una producción, como la generación de voces, la creación de instrumentación o procesos de postproducción. Esta información se integra en los créditos de cada pista, permitiendo a los usuarios conocer con mayor detalle cómo fue desarrollada.

Según reportes de The Verge, esta función ya ha sido detectada en algunos lanzamientos recientes, especialmente en aquellos distribuidos a través de DistroKid, el primer socio en adoptar este nuevo estándar. En uno de los ejemplos citados, los créditos especifican el uso de IA generativa en la creación de sintetizadores, lo que evidencia el nivel de detalle que puede alcanzar este sistema.

La implementación, sin embargo, todavía es limitada. Actualmente, los créditos con información sobre IA se encuentran en fase beta, disponibles solo en determinados contenidos y visibles únicamente en dispositivos móviles dentro de la sección de créditos de cada canción. Además, su adopción depende de que los distribuidores y sellos discográficos proporcionen estos datos, lo que explica por qué aún no está presente en todo el catálogo.

Desde la compañía explican que estos créditos no necesariamente implican que toda la canción haya sido creada con inteligencia artificial. En cambio, se asignan a roles específicos dentro del proceso creativo. Esto permite diferenciar, por ejemplo, si la IA fue utilizada únicamente en la producción de un sonido puntual o si tuvo un papel más amplio en la composición.

La iniciativa responde a un contexto en el que el uso de inteligencia artificial en la música es cada vez más frecuente. Herramientas capaces de generar voces, melodías o arreglos completos han comenzado a integrarse en los flujos de trabajo de artistas y productores, lo que ha abierto un debate sobre la autoría, la transparencia y los derechos en la creación musical.

En este escenario, el nuevo sistema de créditos busca establecer un marco claro para comunicar el uso de estas tecnologías sin penalizar su adopción. La empresa ha señalado que el objetivo no es afectar la visibilidad ni la promoción de las canciones que utilicen IA, sino brindar información adicional al usuario y dar mayor control a los creadores sobre cómo se presenta su trabajo.

El desarrollo de este estándar junto a DDEX también apunta a una adopción más amplia dentro de la industria. Al tratarse de un modelo común, facilita que diferentes plataformas, distribuidores y sellos utilicen un mismo lenguaje para describir el rol de la inteligencia artificial en la música. Esto podría ser clave en el futuro, a medida que la tecnología continúe evolucionando y su uso se vuelva más extendido.

Por ahora, el despliegue es progresivo y depende en gran medida de la participación de los actores del ecosistema musical. No obstante, marca un paso importante hacia una mayor transparencia en el streaming y anticipa cómo las plataformas podrían adaptarse a una nueva era en la que la inteligencia artificial forma parte del proceso creativo.

La escritora argentina Mariana Enriquez, una de las voces más influyentes de la literatura actual en español, destacó la “inteligencia emocional” de Rosalía tras su entrevista con la artista y afirmó que, si escribiera sobre ella, abordaría el “nivel monstruoso de la hiperfama” y la presión constante que enfrentan las grandes estrellas, especialmente mujeres.

El encuentro con la cantante española no solo dejó una impresión personal, sino también una inquietud literaria, explicó Enriquez (Buenos Aires, 1973). Con formación en Periodismo y una larga trayectoria en prensa cultural, la autora considera que la exposición extrema contemporánea abre un nuevo campo narrativo. “Hay algo monstruoso en ese nivel de fama”, explica desde su residencia en Tasmania, al sur de Australia, donde vive desde hace poco más de un año. “Me interesaría escribir sobre cómo se vive bajo esas luces, con una exposición constante que no existía antes y que afecta especialmente a las mujeres”, añade.

Reconocida por renovar el género del terror en español con obras como Nuestra parte de noche (2019) o Las cosas que perdimos en el fuego (2016), Enriquez ve en la hiperexposición mediática contemporánea un material narrativo fértil, donde lo íntimo y lo público se entrecruzan de forma cada vez más extrema.

Encuentro con Rosalía

Su reflexión parte de la experiencia directa tras coincidir con Rosalía en una entrevista hace varios meses, a quien describe como una artista cercana y consciente del entorno que la rodea. “Es muy poco común encontrar a alguien con ese nivel de exposición que, al mismo tiempo, tenga esa capacidad de hacer sentir cómoda a la gente”, afirma. Para Enriquez, esa actitud revela una “inteligencia emocional” poco habitual en figuras sometidas a tanta presión.

Más allá del trato personal, la autora encontró afinidades en el proceso creativo. Ambas comparten una forma de trabajar basada en referencias culturales, lecturas e influencias diversas. “Ni ella ni yo creamos desde el vacío”, explica. “Hay una construcción a partir de otros textos, de otras historias, de materiales culturales que se transforman en algo propio”.

De Buenos Aires a Tasmania

El interés de Mariana Enriquez por estos temas se cruza con su propio recorrido. Antes de consolidarse como escritora, desarrolló durante años una carrera en periodismo cultural, donde cubrió música y literatura, una experiencia que marcó su mirada sobre la realidad y la marginalidad.

La autora se trasladó a Australia junto a su marido, oriundo del país, en busca de una vida más estable tras décadas en Argentina, en una decisión que ambos tomaron en la cincuentena. Actualmente reside en Tasmania, una isla que describe como “más oscura” y con una historia evocadora, marcada por su pasado colonial.

El cambio, sin embargo, no ha sido inmediato en términos creativos. “Todavía es pronto para ver cómo influye en mi escritura”, reconoce, aunque sí percibe una transformación en su mirada. Desde su nueva ubicación, destaca el peso cultural de Asia en la región y cómo ese eje modifica su perspectiva respecto a América Latina y Europa. “Es otra forma de entender el mundo”, señala.

Terror, política y memoria

La obra de Mariana Enriquez se caracteriza por la mezcla de terror, crítica social y memoria histórica, con especial atención a la dictadura argentina, un tema que atraviesa tanto su ficción como su mirada periodística. “El terror, como el humor, puede decir cosas que de otra manera serían más difíciles de plantear. Permite abrir conversaciones sobre trauma o violencia sin las restricciones de otros registros”, añade.

Esa capacidad ha convertido su literatura en un referente internacional, con lectores en múltiples idiomas, aunque reconoce que parte del contexto cultural puede perderse en la traducción.

Entre cuentos y novelas

Mariana Enriquez también reflexiona sobre su proceso creativo, en el que distingue claramente entre cuento y novela. Mientras los relatos le resultan más inmediatos, la novela exige un esfuerzo prolongado. “Soy, ante todo, cuentista”, admite. “La novela es un proceso más largo, más exigente, pero también más transformador”.

Esa dualidad se refleja en su bibliografía, que alterna colecciones de relatos, como Los peligros de fumar en la cama (2009) o Un lugar soleado para gente sombría (2024), con novelas de mayor aliento narrativo.

En mayo, la autora participará en el Festival de Escritores de Sídney, donde abordará su obra más reciente, incluida su incursión en la no ficción con textos sobre cementerios. Aunque continúa publicando y colaborando en distintos formatos, asegura encontrarse en una etapa centrada en la escritura. “Estoy trabajando en nuevos proyectos”, concluye, sin adelantar detalles, mientras sigue explorando, ahora desde Australia, los límites entre lo real y lo sobrehumano que han definido su obra.

Fuente: EFE

Michael experimentó modificaciones drásticas tras el rodaje inicial. El tercer acto del filme fue descartado por completo y requirió regrabaciones. Según la información difundida, el guion original abordaba la demanda de 1993 contra Michael Jackson por abuso sexual infantil, acusaciones que el cantante siempre negó. Sin embargo, los productores detectaron después una cláusula en el acuerdo judicial con el denunciante que prohibía cualquier mención o representación del caso en cine o televisión. Este hallazgo legal forzó la reescritura y eliminación de escenas asociadas, lo que impactó también en la presencia de personajes vinculados al entorno del cantante durante ese periodo. Aunque Kat Graham no especificó si su personaje fue eliminado directamente por este conflicto, la coincidencia temporal sugiere que la exclusión de Diana Ross responde a las mismas restricciones legales. La película tampoco incluye a Janet Jackson, hermana del artista, como personaje, señal de la cautela con la que se abordaron relaciones y figuras claves de la vida del músico.

Poco antes del lanzamiento oficial, Kat Graham recurrió a las redes sociales para anticipar al público los cambios. En su comunicado, expresó que “algunas escenas, incluidas las que filmé con un elenco increíble, ya no estarán en la versión final”. La actriz manifestó su agradecimiento al equipo de producción por intentar conservar la integridad de la historia a pesar de estos ajustes forzados. La ausencia de Diana Ross en el corte definitivo representa una omisión notable, dado el peso histórico de la cantante en la trayectoria de Michael Jackson y la industria musical. Ross fue pieza clave en la carrera temprana de Jackson, y su exclusión modifica el retrato del entorno artístico que rodeó al Rey del Pop.

Cambios en el guion y regrabaciones tras problemas legales

El equipo creativo de Michael atravesó una etapa de reescrituras y reshoots a raíz de las restricciones legales encontradas. La imposibilidad de narrar ciertos episodios reales, especialmente aquellos vinculados a procesos judiciales protegidos por acuerdos de confidencialidad, llevó a que se eliminaran personajes y situaciones relevantes para la narrativa.

La dirección quedó a cargo de Antoine Fuqua, quien debió reorganizar la historia para ajustarse a las nuevas limitaciones. El resultado es un filme que se enfoca en los años tempranos de Michael Jackson, su relación con su padre Joe Jackson, y el inicio de su carrera solista, evitando los episodios polémicos prohibidos por acuerdos legales previos. Michael cuenta con un reparto encabezado por Jaafar Jackson, sobrino real del cantante, en el papel principal. Colman Domingo y Nia Long interpretan a Joe y Katherine Jackson, padres del artista. El elenco incluye además a Miles Teller como el manager John Branca, Laura Harrier como la asistente creativa Suzanne De Passe, Kendrick Sampson como el productor Quincy Jones y Larenz Tate en el rol de Berry Gordy.

El filme aspira a un éxito comercial considerable. Se estiman ingresos de al menos 70 millones de dólares en el mercado estadounidense y 150 millones a nivel global durante su primer fin de semana, cifras que lo posicionarían como el biopic musical con mejor debut de la historia y el mayor éxito para Lionsgate en más de una década. La decisión de eliminar a Diana Ross y otros personajes por razones legales marca un precedente sobre el impacto de acuerdos judiciales en la representación artística de figuras públicas. La versión definitiva de Michael refleja tanto los desafíos legales como los límites narrativos en los retratos biográficos de celebridades.

Alaska ha regresado a ‘El Hormiguero’ para presentar el nuevo álbum de Fangoria, titulado La verdad o la imaginación, y mostrar su lado más íntimo y personal en una conversación con Pablo Motos. Durante la entrevista, la artista ha compartido detalles sobre su trayectoria musical, sus rutinas personales y algunas manías poco conocidas, así como una perspectiva propia sobre los límites de la sinceridad y las opiniones no solicitadas.

El disco La verdad o la imaginación ha salido a la venta el viernes 24 de abril y, como dato llamativo, incluye varias portadas alternativas visualizables en 3D. Alaska ha explicado que debido a un trombo en el ojo, consecuencia de problemas de salud pasados, no puede disfrutar de ese efecto: únicamente ve rojo por uno de sus ojos, aunque espera que ese detalle atraiga a sus seguidores.

A lo largo de la entrevista, la cantante ha profundizado en el papel que desempeñan la realidad y la imaginación, llegando a afirmar que “la imaginación te ayuda a creerte esos mundos paralelos para sobrevivir a la cruda realidad”.

Para Alaska, el arte de sobrevivir al día a día implica tanto aceptar la verdad como permitirse refugios imaginarios que suavizan el impacto de lo cotidiano. La artista ha indicado también que en la actualidad “es muy difícil probar lo que es verdad o mentira” y ha señalado el rol de las hemerotecas como herramientas indispensables para esclarecer los hechos.

La sinceridad y sus límites

En el transcurso de la conversación, Alaska ha abordado su visión sobre la sinceridad y la tendencia, cada vez más extendida, a emitir opiniones directas sin que hayan sido solicitadas. En palabras de la cantante, “No me digas tu opinión si no te la he pedido. Eso es ser maleducado”. Ha matizado que la obsesión con la “franqueza” muchas veces desemboca en conductas descorteses. Este punto ha generado debate, puesto que una de sus canciones refleja también la sensación de que la verdad está sobrevalorada.

El tema de las ilusiones frente a la realidad ha salido a colación cuando Pablo Motos le ha preguntado por ‘El síndrome de París’, una de las canciones incluidas en el disco. Alaska ha recordado que “muchos turistas japoneses sufren ansiedad al llegar a París y comprobar que la ciudad real no se ajusta al ideal que llevaban en mente”. El desencanto, puntualiza, no se limita a los viajes, sino que puede trasladarse a las relaciones de pareja o incluso a la percepción subjetiva sobre personas cercanas.

Al referirse a su propia relación con Mario Vaquerizo, la artista ha confirmado que tras 27 años de vida en común sigue sintiendo admiración y afecto, y ha declarado: “A veces te olvidas que está ahí pululando, pasa y digo: ‘¿Quién es ese tan guapo?’”.

Más allá de su faceta profesional, la visita ha servido para mostrar aspectos menos públicos de Alaska, desde sus fobias a determinadas situaciones cotidianas hasta aficiones como la colección de objetos. La cantante ha compartido que una de sus mayores manías consiste en “apuntarlo todo, que no estés hablando a mi lado, que no me corten cuando hablo...”.

Además, ha desvelado que siente especial rechazo hacia las escenas en las que gente se lava los dientes en el cine o los realities y que valora mucho el esfuerzo de los dentistas, a quienes considera “personas con más valor del mundo”.

Coleccionista de bolsas y manías cotidianas

Otra de las peculiaridades expuestas es su afición a coleccionar bolsas de plástico, un pasatiempo que cultiva desde hace años. Ha lamentado que muchas de esas bolsas “se han convertido en viruta” debido a su composición biodegradable. Alaska ha reflexionado sobre la trascendencia de estos objetos al afirmar: “Como arqueóloga aficionada, la edad del plástico es el último momento de la humanidad cuantificada físicamente... Aparecerán unas Barbies enterradas y pensarán que adoraban a una muñeca”.

Respecto a su tolerancia al alcohol, la cantante ha reconocido: “Yo si bebo, caigo redonda. Tengo muy poco aguante”. Ha explicado que, lejos de experimentar fases de euforia, pasa directamente del consumo a quedarse dormida, y que en el ámbito familiar “ya estamos bien repartidos” en cuanto al aguante con el alcohol. No obstante, su experiencia como agitadora nocturna y propietaria de bares le ha permitido vivir situaciones en las que otros se sinceraban en exceso bajo los efectos del alcohol.

En cuanto a la convivencia profesional y personal, Alaska ha indicado que sus relaciones sentimentales son más complejas que las artísticas y ha admitido que con la edad ha incrementado sus pequeñas manías, algo que atribuye en parte a ser hija única. En alimentación, sostiene que es “especialista” en patatas fritas pero que no es especialmente exigente, y ha recordado que Mario Vaquerizo “fue el típico niño que lo comía todo”.

Finalmente, la artista ha anunciado el inicio de una serie de firmas para presentar el disco. Sus seguidores incluyen “los que tienen nuestra edad y nos siguen desde el principio, los que eran niños en la época del reality y bebés que vienen con sus padres”. Alaska ha concluido subrayando que en su epitafio le gustaría que figurase la frase “Se conoció a sí misma”, una síntesis de su autopercepción y de su trabajo constante en el terreno personal.

En el marco de su 20 aniversario, Spotify reveló por primera vez el ranking histórico de los artistas, álbumes y canciones más reproducidos en su plataforma. La información, difundida el 23 de abril de 2026 ofrece una radiografía del consumo musical global en la era del streaming, dominada por figuras contemporáneas y con fuerte presencia latina.

En la lista de artistas más escuchados de todos los tiempos figura en el primer lugar Taylor Swift. Detrás aparece el puertorriqueño Bad Bunny, seguido por Drake, The Weeknd y Ariana Grande, quienes completan el Top 5.

El ranking continúa con nombres como Ed Sheeran, Justin Bieber, Billie Eilish, Eminem y Kanye West en el Top 10. La lista reúne estrellas del pop global, el hip-hop y artistas con trayectorias de varias décadas.

Según destacó The Hollywood Reporter, el listado refleja cómo el público cambió su forma de consumir música en la década de 2010, cuando el streaming se impuso a los formatos físicos e incluso a la compra digital. Spotify, con unos 290 millones de suscriptores pagos, se mantiene como el servicio de streaming más grande del mundo.

Bad Bunny lidera en álbumes históricos

En la categoría de álbumes, el primer lugar corresponde a Un Verano Sin Ti (2022) de Bad Bunny, con cerca de 22 mil millones de reproducciones, según Billboard. El dato evidencia el alcance global de la música latina.

El segundo puesto es para Starboy de The Weeknd, seguido por ÷ (Deluxe) de Ed Sheeran y Sour de Olivia Rodrigo. En el quinto lugar aparece nuevamente The Weeknd con After Hours.

En el total del Top 20, The Weeknd suma tres álbumes. Por su parte, Drake, Taylor Swift, Post Malone y Bad Bunny tienen dos cada uno. Entre los títulos destacados también figuran Future Nostalgia de Dua Lipa, AM de Arctic Monkeys y YHLQMDLG del propio Bad Bunny.

“Blinding Lights”, la canción más reproducida

En la lista de canciones, el primer lugar lo ocupa “Blinding Lights” de The Weeknd. Le siguen “Shape of You” de Ed Sheeran, “Sweater Weather” de The Neighbourhood, “Starboy” (de The Weeknd junto a Daft Punk) y “As It Was” de Harry Styles.

El ranking incluye además “Someone You Loved” de Lewis Capaldi, “Sunflower” de Post Malone y Swae Lee, y “Stay” de The Kid Laroi con Justin Bieber.

El informe también deja algunos datos llamativos. Uno de ellos es la presencia de “Yellow” de Coldplay, lanzada en el año 2000, como la canción más antigua dentro del Top 20. En el extremo opuesto aparece “Die With a Smile” de Lady Gaga y Bruno Mars, que con menos de dos años ya ocupa el puesto 20.

El ranking también refleja la presencia de artistas latinos como Bad Bunny y J Balvin, junto a nombres de larga trayectoria como Rihanna, Eminem o Coldplay.

Lista completa: artistas más escuchados en la historia de Spotify

1. Taylor Swift
2. Bad Bunny
3. Drake
4. The Weeknd
5. Ariana Grande
6. Ed Sheeran
7. Justin Bieber
8. Billie Eilish
9. Eminem
10. Kanye West
11. Travis Scott
12. BTS
13. Post Malone
14. Bruno Mars
15. J Balvin
16. Rihanna
17. Coldplay
18. Kendrick Lamar
19. Future
20. Juice WRLD

Lista completa: álbumes más reproducidos en Spotify

1. Un Verano Sin Ti — Bad Bunny
2. Starboy — The Weeknd
3. ÷ (Deluxe) — Ed Sheeran
4. Sour — Olivia Rodrigo
5. After Hours — The Weeknd
6. SOS — SZA
7. Hollywood’s Bleeding — Post Malone
8. Lover — Taylor Swift
9. AM — Arctic Monkeys
10. When We All Fall Asleep, Where Do We Go? — Billie Eilish
11. Future Nostalgia — Dua Lipa
12. Beerbongs & Bentleys — Post Malone
13. ? — XXXTENTACION
14. Mañana Será Bonito (Bichota Season) — Karol G
15. YHLQMDLG — Bad Bunny
16. Doo-Wops & Hooligans — Bruno Mars
17. Views — Drake
18. Midnights — Taylor Swift
19. Scorpion — Drake
20. Beauty Behind the Madness — The Weeknd

Lista completa: canciones más escuchadas en Spotify

1. “Blinding Lights” — The Weeknd
2. “Shape of You” — Ed Sheeran
3. “Sweater Weather” — The Neighbourhood
4. “Starboy” — The Weeknd, Daft Punk
5. “As It Was” — Harry Styles
6. “Someone You Loved” — Lewis Capaldi
7. “Sunflower” — Post Malone, Swae Lee
8. “One Dance” — Drake
9. “Perfect” — Ed Sheeran
10. “Stay” — The Kid Laroi, Justin Bieber
11. “Believer” — Imagine Dragons
12. “I Wanna Be Yours” — Arctic Monkeys
13. “Heat Waves” — Glass Animals
14. “Lovely” — Billie Eilish, Khalid
15. “Yellow” — Coldplay
16. “The Night We Met” — Lord Huron
17. “Closer” — The Chainsmokers, Halsey
18. “Birds of a Feather” — Billie Eilish
19. “Riptide” — Vance Joy
20. “Die With a Smile” — Lady Gaga, Bruno Mars

La tercera gala de la quinta edición de ‘Mask Singer’ ha dejado dos desenmascaramientos inesperados en una noche protagonizada por la sorpresa, especialmente tras descubrir la identidad de una de las participantes más llamativas. Una reconocida cantante, actriz y modelo de proyección internacional en los años noventa, se escondía bajo la máscara de Labios, mientras que otra de las máscaras, Chanclas, resultó ser el singular dúo formado por dos icónicos personajes de la televisión española.

Esta edición, emitida por Antena 3, ha presentado a las máscaras Labios, Momia, Chihuahua y Loro como parte del equipo A, cuyo desafío ha consistido en asegurar plaza para la siguiente fase. En la competición del tercer programa, el jurado del formato ha puesto a prueba sus dotes de deducción, con apuestas que han oscilado entre nombres como Kylie Minogue, Mariano Rajoy, Jesús Calleja o Paulina Rubio en la identificación de los concursantes.

En paralelo, la gala ha dado la bienvenida a tres nuevas máscaras comodín (Wild Cards): Troglodita, Chanclas y Mofeta, que se han visto obligadas a competir en un «truelo» donde solo dos continuarían en juego. La revelación doble bajo la máscara de Chanclas ha reeditado un momento similar vivido en la versión estadounidense del programa en 2021.

Especulaciones y sorpresas

Las actuaciones de la noche han marcado la pauta narrativa del episodio. Momia ha sido la encargada de abrir la gala interpretando “Footloose”, generando especulaciones en el jurado sobre si se trataba de personalidades como Imanol Arias, Mariano Rajoy, Pedro Martínez de la Rosa o Antonio Banderas.

A continuación, Loro ha cantado “Gloria”, motivando nuevas hipótesis, entre ellas la de Ruth Lorenzo, que se ha decantado por Alberto Chicote, mientras Ana Milán y Boris Izaguirre han apostado por Jesús Calleja y Karlos Arguiñano, respectivamente.

El descubrimiento de la persona que estaba bajo la máscara de Labios ha constituido uno de los giros más notorios del programa, especialmente por los nombres que se barajaban: Ana Milán ha mantenido su postura a favor de Kylie Minogue, Boris Izaguirre ha mencionado a Geri Halliwell, Ruth Lorenzo ha optado por Victoria Beckham y Juan y Medio ha considerado la posibilidad de que fuese la actriz Keyra Knightley.

Sin embargo, la votación final del público ha dictaminado que Labios debía revelar su identidad, sorprendiendo tanto al jurado como a la audiencia, pues la británica Samantha Fox, reconocida por su trayectoria como cantante, actriz y modelo de proyección internacional en los años noventa, se escondía bajo la máscara de Labios .

Wild Cards en juego y teorías del jurado

Después, la competencia se ha intensificado con las tres Wild Cards; la primera en actuar, Chanclas, ha interpretado “La chica del bikini azul” y ha dado como pista extra su afición a la petanca. Las apuestas de los investigadores para esta máscara doble han abarcado opciones como Silvia Abril con Andreu Buenafuente, Miguel Ángel Silvestre con Miguel Ángel Muñoz, David Summers con Rafa Gutiérrez de Hombres G o Francisco y Cayetano Rivera.

El turno de Troglodita ha estado marcado por la versión del tema “La Reina” de Lola Índigo y una banda de Miss como pista adicional, con teorías del jurado que han ido desde Amaia Montero y Aitana, hasta Gemma Mengual y Lucrecia.

En el caso de Mofeta, que ha interpretado “Si antes te hubiera conocido” de Karol G, la pista se ha materializado en un collar de perlas en una ostra, mientras el jurado ha dudado entre Paloma Cuevas, Rossy de Palma, Carmen Lomana y Jedet.

Concluidas las actuaciones, la máscara menos votada ha sido Chanclas. Al retirar sus disfraces, han aparecido los icónicos personajes de ‘El Hormiguero’, Trancas y Barrancas, en persona manteniendo su característico rol. Así, Troglodita y Mofeta se han incorporado como concursantes de pleno derecho al concurso.

Los desenmascaramientos han supuesto la renovación de la lista de candidatos a pasar de fase, pero también ha reiterado la compleja labor del jurado, que en ningún caso ha logrado predecir con exactitud la identidad bajo las máscaras reveladas durante la gala.

El músico británico Dave Mason, conocido por su papel fundacional en la banda Traffic y por éxitos como Feelin’ Alright y We Just Disagree, ha fallecido a los 79 años, tal como ha anunciado su familia a través de un comunicado. La noticia, difundida por su portavoz, no ha precisado la causa del fallecimiento, aunque en el último año su estado de salud había provocado la cancelación de una gira prevista.

La trayectoria musical de Dave Mason comenzó en Worcester, Inglaterra, donde nació en 1946 y se desarrolló durante más de seis décadas: fue admitido en el Rock & Roll Hall of Fame junto a los demás miembros originales de Traffic en 2004, publicó álbumes en solitario que llegaron a disco de oro, colaboró con músicos como George Harrison, Jimi Hendrix y Michael Jackson, y alcanzó los primeros puestos en las listas británicas con temas como Hole in My Shoe, que llegó al número dos.

De joven, Mason fue miembro de The Jaguars y The Hellions, grupo en el que conoció a Jim Capaldi, antes de pasar a ser ‘road manager’ de la Spencer Davis Group, donde también coincidió con un joven Steve Winwood.

Una trayectoria de lo más prolífica

En marzo de 1967, tras la salida de Winwood del Spencer Davis Group, se formó Traffic con Mason, Capaldi y Chris Wood. Mason aportó canciones clave como Hole in My Shoe y Feelin’ Alright y participó como guitarrista e intérprete de instrumentos poco habituales, como el sitar en Paper Sun. Su presencia en la banda fue intermitente durante la creación de los dos primeros álbumes de Traffic en Berkshire. Aunque su versión de Feelin’ Alright no obtuvo gran repercusión, la adaptación de Joe Cocker se convirtió en un referente internacional. Mason murió dejando esposa, Winifred Wilson, e hija, Danielle; su hijo True y su hermana Valerie Leonard le precedieron en el fallecimiento.

Tras dejar Traffic en 1968, Dave Mason trabajó como músico de sesión y colaborador. Su guitarra de doce cuerdas suena en All Along the Watchtower de Hendrix y grabó coros en Crosstown Traffic. Asimismo, fue integrante fugaz de bandas como Derek & the Dominos (antes de la grabación de Layla and Other Assorted Love Songs, siendo reemplazado después por Duane Allman) y colaboró en los álbumes de Harrison (All Things Must Pass), The Rolling Stones (Beggars Banquet, sin acreditar) y Paul McCartney (Venus and Mars), entre otros. En 1994 y 1996 tocó también junto a Fleetwood Mac, participando en el álbum Time, aunque esa formación fue poco reconocida entre los seguidores del grupo.

Su carrera en solitario se consolidó en Estados Unidos desde 1969, con la edición de Alone Together (1970) y Let It Flow (1977), este último alcanzando la certificación de platino y situando el tema We Just Disagree entre los primeros puestos de la lista estadounidense, hasta el número doce del Billboard Hot 100. En 1979 protagonizó la película Skatetown, U.S.A. y grabó junto a Michael Jackson el sencillo Save Me para el álbum Old Crest on a New Wave (1980).

Legado, reconocimientos y labor solidaria

El reconocimiento institucional llegó en 2004 con su ingreso en el Rock & Roll Hall of Fame junto a Traffic, acontecimiento liderado por Dave Matthews. El artista mantuvo su actividad en directo hasta bien entrados los años 2000, realizando una intensa agenda de presentaciones con su banda y proyectos como Traffic Jam. En los últimos años, publicó 26 Letters, 12 Notes (2008), Future’s Past (2014) y Traffic Jam (2016), alternando material nuevo y revisiones de sus clásicos más conocidos.

Además de sus logros musicales, Dave Mason promovió diversas iniciativas filantrópicas documentadas: impulsó organizaciones como Little Kids Rock (dedicada a la educación musical de niños), Yoga Blue (apoyo a veteranos sin hogar) y Rock Our Vets (programas de prevención del suicidio).

Mason ha sido despedido por su entorno con un mensaje transmitido por su familia al medio de referencia Rolling Stone: “Dave Mason vivió una vida extraordinaria dedicada a la música y las personas que amaba”.

La inteligencia artificial ya compone casi la mitad de la música nueva en Deezer. La plataforma de streaming ha detectado que el 44 % de las canciones recientemente incorporadas a su catálogo son generadas por IA, una tendencia que está transformando la industria musical y plantea desafíos tanto para los oyentes como para la propia plataforma.

Música creada por IA en Deezer: percepción y desafíos de autenticidad

El crecimiento de la música generada por inteligencia artificial en los servicios de streaming se ha acelerado en los últimos años. Deezer señala que, gracias al avance de la tecnología, miles de nuevas pistas de IA llegan diariamente a su catálogo.

Sin embargo, la mayoría de usuarios no es capaz de distinguir estas canciones de las creadas por humanos. Según una encuesta interna, el 97 % de los oyentes no logró diferenciar entre temas compuestos por IA y aquellos realizados por artistas reales, lo que evidencia lo sutil que puede ser la presencia de este tipo de contenido.

Ante este escenario, la compañía ha impulsado el desarrollo de herramientas que permiten identificar y etiquetar la música hecha por inteligencia artificial. A diferencia de otras plataformas, la empresa ha invertido en tecnología propia con una tasa de falsos positivos inferior al 0,01 %.

Esta innovación no solo busca informar al usuario, sino también proteger los ingresos de la compañía frente al fraude.

La estrategia de Deezer frente al fraude y la manipulación de escuchas

Uno de los principales motivos por los que Deezer monitorea y etiqueta la música generada por IA es el uso fraudulento de estas pistas para inflar artificialmente el número de reproducciones y, con ello, los pagos derivados del streaming.

Alexis Lanternier, consejero delegado de la plataforma de streaming, destaca: “Gracias a nuestra tecnología y a las medidas proactivas que pusimos en marcha hace más de un año, hemos demostrado que es posible reducir al mínimo el fraude relacionado con la IA y la dilución de pagos en el streaming”.

La compañía estima que aproximadamente el 85 % de las reproducciones de canciones generadas por IA no provienen de oyentes humanos y, por tanto, no son monetizadas.

Para evitar que este tipo de contenido se propague de forma orgánica, la organización ha decidido no incluirlo en listas de reproducción recomendadas ni en selecciones editoriales. De este modo, la presencia de música IA en el consumo real de la plataforma representa solo entre el 1 y el 3 % del total.

El avance de modelos generativos como Lyria 3 de Google, que ahora permite crear canciones completas, sugiere que la música de IA seguirá aumentando su presencia en los catálogos de streaming. La facilidad y el bajo costo para producir estas pistas hacen prever que la proporción de canciones generadas artificialmente seguirá creciendo.

Cómo funciona Deezer

Deezer es una plataforma de streaming que permite escuchar música, pódcast y radio en línea, funcionando de manera similar a servicios como Spotify, Apple Music o Amazon Music. Los usuarios pueden acceder a un catálogo de más de 120 millones de canciones sin necesidad de comprar o descargar cada pista por separado, todo a través de internet.

Entre sus características principales destaca Flow, un algoritmo que crea una mezcla personalizada de canciones favoritas y nuevas recomendaciones, ajustable según el estado de ánimo del usuario. Además, ofrece audio de alta fidelidad en calidad FLAC para quienes buscan una experiencia sonora más profesional.

La plataforma también integra SongCatcher, una herramienta capaz de identificar canciones que suenan en el entorno, y permite ver letras sincronizadas y traducciones en tiempo real.

El servicio se basa en un modelo freemium. La versión gratuita incluye anuncios y ciertas limitaciones, como reproducción aleatoria y calidad estándar. Las suscripciones de pago eliminan anuncios, permiten descargas offline, acceso a cualquier canción y mejoran la calidad de audio.

La colombiana Karol G vuelve a España en 2027 con tres grandes conciertos en estadios de Sevilla, Barcelona y Madrid. Será su vuelta al país tras el fenómeno que protagonizó en 2024, cuando arrasó en la capital vendiendo más de 240.000 entradas. En julio de ese año, la artista batió un récord al agotar las localidades durante cuatro noches consecutivas en el Estadio Santiago Bernabéu, poco antes de que el recinto suspendiera su actividad como espacio musical por las quejas vecinales relacionadas con el ruido.

Este martes 21 de abril, Karol G ha anunciado tres fechas en España en junio de 2027, dentro de su nueva gira mundial Viajando Por El Mundo Tropitour. Su gira aterrizará el 3 de junio de 2027 en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona, continuará el 11 de junio en el Estadio Olímpico de La Cartuja en Sevilla y culminará el 24 de junio en el Riyadh Air Metropolitano de Madrid.

Las fechas en España forman parte de un itinerario internacional que recorrerá 39 estadios en todo el mundo. La gira arrancará el 24 de julio de 2026 en Chicago y continuará por Norteamérica antes de saltar a Latinoamérica y, finalmente, a Europa, donde Karol G actuará en Barcelona, Sevilla y Madrid en junio de 2027.

Precios y cómo conseguir las entradas

Las entradas para los conciertos en España saldrán a la venta el 30 de abril a las 10:00 horas, con precios desde 70,50 euros. Antes habrá distintas preventas, aunque para poder participar en la del artista para fechas en Estados Unidos, Canadá y Europa, habrá que registrarse en karolgmusic.com desde ahora hasta el viernes 24 de abril a las 16h. En Live Nation, la preventa estará activa a partir del miércoles 29 de abril a las 10h.

De esta forma, la cantante vuelve a España después de hacer historia los días de 20, 21, 22 y 23 de julio de 2024, donde hizo récord en número de entradas vendidas por una cantante en España en días consecutivos: Con 240.000 tickets vendidos en el Santiago Bernabéu, superó los 225.000 de Coldplay en 2023 en el Estadí de Montjuïc. España está entre los tres mercados más importantes de la artista latina, junto a su país, Colombia, y Estados Unidos.

Karol G empezó a conectar con el público español en 2019 gracias a su paso por La Voz, donde hizo de asesora junto a Antonio Orozco. Un año después, el éxito global de Tusa, tema que publicó en colaboración con Nicky Minaj, confirmó su salto internacional tras años de carrera. Tusa fue un himno en plena pandemia.

El gran salto llegó en 2023 con Mañana será bonito, un disco que amplió su alcance dentro del pop latino y consolidó su impacto en España, colaborando con Bad Gyal en el tema Kármika, y con Quevedo, en Pero tú. Pero el gran impulso del álbum llegó con TQG, una colaboración con Shakira que se convirtió en uno de sus mayores éxitos. En la canción, ambas artistas canalizan sus rupturas sentimentales —Shakira, con el catalán Gerard Piqué y Anuel AA—: “Te fuiste diciendo que me superaste y te conseguiste nueva novia. Lo que ella no sabe es que tú todavía. Me está’ viendo toa’ la’ historia’”.

Falta menos de un mes para el Clásico del fútbol español y, tal y como ha ocurrido las últimas veces que Barça y Madrid se han visto las caras, el club blaugrana ha decidido ofrecer un nuevo estampado en su camiseta con el logo de una estrella de la música. En esta ocasión, la elegida ha sido Olivia Rodrigo, estrella del pop gracias a temas como traitor, deja vu o drivers license.

La cantante sustituirá así a Ed Sheeran como la “representante” del Fútbol Club Barcelona en su enfrentamiento con el eterno rival. Una noticia que llega apenas 24 horas después del lanzamiento de una nueva canción, drop dead, y del anuncio de un nuevo disco que los millones de fans de la cantante podrán escuchar a partir del próximo 12 de junio. Eso sí, no es la primera vez que la artista se relaciona con un equipo de fútbol. En 2023, la artista vio su “primer partido” en Stamford Bridge (Londres), declarándose “fan” del Chelsea Fc desde entonces.

La aparición del logo de Olivia Rodrigo en la camiseta del Barça es un paso más en el acuerdo de patrocinio que el equipo firmó en 2022 con Spotify. Desde entonces, en partidos de gran visibilidad (categoría en la que se incluye el Clásico), los blaugrana aparecen con el logo de un artista reconocido, razón por la que el Barça ha llevado en su camiseta el escudo de artistas como Drake, Rosalía, The Rolling Stones, Karol G o Coldplay.

Quién es Olivia Rodrigo

Olivia Rodrigo es una de las figuras más influyentes del pop contemporáneo, consolidada como la voz de la Generación Z. Nacida en California en 2003, comenzó su carrera en la actuación destacando en producciones de Disney como Bizaardvark y, especialmente, High School Musica. El musical: La serie. En esta última no solo mostró su talento interpretativo, sino también su capacidad compositiva al escribir el éxito All I Want, sentando las bases de lo que sería una transición sin precedentes del mundo de la televisión a la cima de la industria musical global.

Su explosión definitiva ocurrió en 2021 con el lanzamiento de drivers license, un sencillo que batió récords de reproducciones y se convirtió en un fenómeno cultural instantáneo. Considerada por los medios como la “heredera de Taylor Swift” (de la que se declaró admradora desde el primer momento), publicó su álbum debut, SOUR, una obra aclamada por la crítica que fusionaba el pop-punk con baladas desgarradoras. El disco le otorgó tres premios Grammy y la posicionó como una letrista capaz de transformar el desamor adolescente en himnos universales, logrando que canciones como good 4 u o traitor dominaran las listas de éxitos durante meses.

En 2023, Rodrigo reafirmó su madurez artística con su segundo álbum, GUTS, donde exploró sonidos más cercanos al rock alternativo y letras cargadas de ingenio y vulnerabilidad sobre la entrada a la edad adulta. Con giras mundiales agotadas y una presencia constante en la moda y el activismo social, ha logrado construir una identidad sólida basada en la honestidad emocional. Poco antes del verano, la artista lanzará su tercer álbum: you seem pretty sad for a girl so in love, del que solo hemos podido escuchar drop dead.

El debut conjunto de Edurne, Luis Fonsi y Antonio Orozco en el plató de ‘El Hormiguero’ ha marcado el arranque de la promoción oficial de la nueva temporada de ‘La Voz Kids’, cuyo estreno nacional está fijado para el sábado, 9 de mayo.

Durante la emisión del lunes 20 de abril, los tres coaches han detallado los entresijos y las rivalidades que se viven entre bastidores, en una entrevista que ha servido para evidenciar la intensidad competitiva y el ambiente casi familiar que reina en el programa.

La ausencia de Ana Mena —cuarta coach del concurso— se ha convertido en el eje de buena parte de la conversación. “Ana Mena no ha podido venir porque está rodando. Se ha disculpado, pero no sé si perdonarla”, ha manifestado el presentador Pablo Motos, introduciendo así el tono distendido que ha presidido toda la charla.

Anécdotas, rivalidad y nuevas reglas

La anécdota más personal de la noche la ha compartido Antonio Orozco, quien ha relatado que, por problemas de visión y tras quitarse las gafas, en una ocasión indicó a una niña que pasara de fase y después no la reconoció, derivando en “revuelvo en el plató”, y que en la playa llegó a llevarse “un niño a mi toalla que no era el mío”, según ha contado el propio Orozco.

El esperado retorno de ‘La Voz Kids’ no solo viene acompañado de historias detrás de las cámaras, sino que introduce nuevas dinámicas en el formato. Entre ellas destaca la figura del “megabloqueo”, un recurso que permite a cada coach inutilizar a todos sus compañeros durante una única ocasión por edición.

Orozco ha recalcado que “el megabloqueo es una cosa que he sufrido en mis carnes y que utilizan mis compañeros para bloquear a todos. Solo hay uno por edición”. Si bien esta estrategia ya ha generado tensiones en el grupo, Edurne ha incidido en que para ella lo más divertido ha sido disponer de un “mini mandito” con el que puede silenciar a sus compañeros durante el proceso de selección, asegurando: “Es genial porque, conociéndoles cómo se ponen cuando quieren a un niño, les silencias. Puedes hablar tranquila y sola”, según ha relatado la cantante.

La competencia entre los coaches ha sido uno de los asuntos más destacados de la entrevista, con Luis Fonsi situando a Antonio Orozco como “el más competitivo”, y subrayando que “además, esta edición llegaba al plató gritando: ‘Estoy en mi prime’”. Esta afirmación ha encontrado respuesta en Edurne, quien ha corroborado el carácter combativo del barcelonés y ha añadido: “Me has bloqueado muchísimo. Me considero competitiva, pero el nivel de Antonio es otro nivel”.

Jamones, arrepentimiento y espíritu de equipo

Orozco no ha rehuido el debate y ha admitido que “hago cosas que están mal. Por ejemplo, le regalo jamones a todo el equipo. Yo cuando llega ‘La Voz’ y llegan las finales compro cientos de jamones y se los regalo a la gente, a las cámaras, a los músicos. Y tengo que decir que va funcionando”.

Por su parte, Fonsi ha compartido que en la edición ‘Kids’ ha sentido una ternura especial: “Es la primera vez que hago la kids y he quedado completamente enamorado del formato, del talento, de la profesionalidad de los niños. Y de su madurez. Ellos nos daban fuerza a nosotros”, ha declarado.

El programa ha implementado también el llamado “botón del arrepentimiento”, diseñado para aquellos momentos en los que ningún coach se gira y, tras escuchar al niño, el jurado reconoce su error. “Este me gustó mucho. Es un botón que utilizar cuando nadie se gira. Después hablamos con el niño y nos damos cuenta de que cometimos un error. Solo hay uno por equipo y entonces el niño pasa a la siguiente fase”, ha detallado Fonsi, calificándolo como “muy bonito”.

En relación con la participación de Ana Mena, sus compañeros han coincidido en resaltar su capacidad y su fuerte perfil competitivo. Los presentes han señalado que “ha demostrado un gen competitivo muy grande y… ha dado mucha guerra”. Antonio Orozco ha matizado que “es absolutamente impactante escuchar su voz en directo”, y tanto Luis Fonsi como Edurne han valorado su conexión inmediata con los niños y el trabajo en equipo.

La sintonía entre los coaches ha quedado reflejada tanto en las bromas cruzadas —“Podemos hablar de ella como si estuviera aquí toda la noche”, ha sugerido Orozco con respecto a la ausencia de Ana Mena— como en la espontaneidad de las respuestas sobre sus propios actos en el concurso, desde pactos “de chicas contra chicos” —desmentidos por todos— hasta la confesión de que “yo me pico en todas” por parte de Orozco.

Uno de los grandes cantantes actuales de regueatón en España, Quevedo, anuncia que su disco El Baifo saldrá a lo largo de esta semana. Con gran espectación, el artista ha reunido en la playa de Las Canteras, en Las Palmas de su Canarias natal, a unas 10.000 personas, según cifras de Europa Presss, para lanzar un anuncio, sin mayor información previa. Pasadas las 22 horas (21 horas en Canarias), y tanto en el paraje costero como a través de su perfil de Instagram, sus seguidores conocían la fecha de lanzamiento de su tercer disco.

El anuncio ha ido acompañado de un espectáculo de drones que formaban escenas y figuras del imaginario de esta nueva etapa artística de Quevedo y muy vinculada, especialmente, a El Baifo. Como ya anunció el pasado 6 de abril con la colocación de dos grandes lonas en la calle madrileña de Fuencarral, el nombre del álbum hace referencia a un localismo canario: es la forma de llamar a un cabrito en las Islas, una locución verbal que quiere indicar la pérdida de control momentánea, y como se hace llamar Quevedo (incluido en su perfil de Instagram).

El show en las Canteras ha llegado también tras la viral “entrevista fallida” del cantante con Jordi Évole, lo que ahora se ha entendido como una parte más de la promoción para el evento que se venía en Gran Canaria. Lo que comenzó como un tenso fragmento donde Quevedo abandonaba el set, molesto por las preguntas sobre supuestas filtraciones de su nuevo disco, resultó ser una maniobra de marketing que incendió las redes sociales y, de paso, reforzó la expectación en torno al nuevo disco del artista.

La “desaparición” más exitosa de la historia

La trayectoria de Pedro Luis Domínguez-Quevedo es, posiblemente, el ascenso más vertiginoso de la música española en la última década. Desde que sus primeros temas grabados en casa empezaron a circular en 2020, el artista supo canalizar la esencia del archipiélago hacia un sonido global. Su explosión definitiva llegó de la mano de Bizarrap con la BZRP Music Sessions #52, Quédate, un hit que no solo fue número uno mundial, sino que se convirtió en un himno generacional indiscutible.

Con su álbum debut, Donde quiero estar (2023), consolidó su narrativa: un reguetón con alma atlántica, melancólico pero bailable, que reivindicaba el orgullo de sus raíces. Pero fue precisamente ese éxito masivo lo que le llevó a buscar refugio en su tierra. Tras el cierre de ciclo que supuso Buenas noches (2024), donde el artista exploró sonidos más introspectivos y cerró la puerta antes de marcharse, su retorno hoy cobra un significado mayor.

Ahora, con el horizonte de El Baifo, Quevedo parece dispuesto a cerrar el círculo. Si su primer disco fue el mapa de su ascenso y su segundo LP supuso el cierre de luces, este nuevo proyecto se perfila como el manifiesto de su madurez. La elección de Las Canteras para este anuncio no es casual; es la declaración de un artista que, tras conquistar el mundo y permitirse el lujo de desaparecer en la cima, reivindica que su mejor versión se encuentra en el lugar que le vio crecer.

Desde hace ya más de 60 años, Bruce Springsteen es uno de los músicos más populares del mundo. Con temas tan populares como Born to Run, The River, Darkness On The Edge Of Town o Born In The U.S.A, entre muchas otras, hay bastante probabilidad de que estas sean una de las canciones favoritas de mucha gente. Pero, ¿tiene The Boss una canción favorita? ¿Alguna que escucharía sin parar?

En una entrevista con Stephen Colbert en 2021, el presentador le hizo al músico el llamado ‘The Colbert Questionert’. Una de ellas fue precisamente qué canción escucharía el cantante de rock para el resto de su vida. La respuesta no fue otra que Summer Wind, interpretada por Frank Sinatra en 1966, e incluida en su álbum Strangers in the Night.

La canción escogida por Springsteen originalmente era alemana. Nacida como Der Sommerwind y escrita por los compositores Heinz Meier y Hans Bradtke, Johnny Mercer la adaptó al inglés y Wayne Newton la grabó antes que Sinatra, pero fue la versión del cantante de Hoboken la que terminó triunfando.

Un recuerdo ligado a su infancia

De hecho, ha sido en varias ocasiones cuando el músico de Nueva Jersey ha reflexionado sobre lo mucho que le inspira el cantante y actor estadounidense nacido en 1915 en su mismo estado natal. En 1995 fue el encargado de inducirlo al Salón de la Fama del Rock and Roll.

En su discurso, recordó la primera vez que escuchó la voz de Sinatra: “Mi primer recuerdo de la voz de Frank salió de una máquina de discos, en un bar oscuro, un domingo por la tarde, cuando mi madre y yo fuimos a buscar a mi padre. Ella me dijo: ‘Escucha eso… ese es Frank Sinatra, es de Nueva Jersey’”.

En ese mismo discurso, Springsteen definió la voz de Sinatra como “llena de mala actitud, vida, belleza, emoción, un sentido desagradable de libertad, sexo y un conocimiento triste de las maneras del mundo”.

Springsteen no solo ha rendido tributo con palabras. A lo largo de su carrera, ha interpretado temas de otros músicos que admira, como muestra su álbum Only the Strong Survive, lanzado en 2022, quince versiones de canciones soul y viejo R&B.

Con más de 22 álbumes publicados, 20 premios Grammy (y 51 nominaciones), la carrera del apodado El jefe, parece no tener fin. A sus 76 años, el cantante sigue en activo con la gira Land of Hope and Dreams, junto a su banda E Street Band. El tour arrancó en Estados Unidos el pasado 31 de marzo en Minneapolis y se extenderá hasta el 27 de mayo, cuando concluirá en Washington DC.

Políticamente activo y en contra del gobierno de Donald Trump, el pasado mes de enero publicó el tema Streets of Minneapolis, en protesta por la violencia de agentes federales de inmigración en la ciudad, los ICE.

Un biopic supervisado por la familia Jackson repasa la primera parte de la vida de Michael Jackson y su ascenso al éxito, aunque no aborda los aspectos más polémicos que rodearon al cantante.

Estas son cinco cosas que hay que saber sobre Michael, que se estrena esta semana en España y Latinoamérica, y que aspira a rivalizar con el biopic musical Bohemian Rhapsody (2018), sobre Freddie Mercury, el mayor éxito del género.

Sin controversias

La película arranca en 1966 en Gary, Indiana, la ciudad donde nació en 1958 el Rey del Pop, y termina en 1988, en Londres, durante un concierto de su gira Bad World Tour.

Un plazo de tiempo que permite evitar los temas más controvertidos, sobre todo los casos judiciales que empezaron a empañar la imagen del icono a partir de 1993.

El adolescente Jordan Chandler presentó entonces una denuncia contra él por abusos sexuales. El caso se resolvió en 1994 con un acuerdo económico con la familia del joven.

Lo mismo ocurrió con el juicio penal de 2005 en Santa Maria (California), en el que se enfrentaba a diez cargos tras las acusaciones de otro adolescente. La estrella fue absuelta.

Un guion retocado

Según la revista estadounidense especializada Variety, que cita a una persona cercana a la producción, un tercio de la película estaba inicialmente dedicado a los problemas judiciales de la estrella.

Tan sólo después del rodaje, los abogados a cargo del legado de Michael Jackson se dieron cuenta de que existía una cláusula en el acuerdo firmado con la familia de Jordan Chandler que prohibía cualquier representación o mención suya en una película.

El final del largometraje tuvo que hacerse de nuevo totalmente.

En la versión que se estrenará, el filme termina con dos conciertos: el último de Michael Jackson con sus hermanos como parte de los Jackson Five en 1984 en Los Ángeles, y el de Londres en 1988 para la gira Bad, cuando estaba en la cumbre de su gloria.

El clan Jackson

Un tema ampliamente abordado en la cinta es la dimensión familiar de la leyenda Jackson, con el patriarca Joseph Jackson, que maltrataba a su hijo prodigio, en el centro de la historia.

MJ, que empezó a actuar en los escenarios a los 6 años, nunca tuvo amigos de su edad. Vivía rodeado de sus ocho hermanos y hermanas, todos artistas.

Este biopic lleva la marca del clan con Jaafar Jackson, el sobrino de Michael, que interpreta a la estrella.

A nivel de la producción, figuran Graham King (Bohemian Rhapsody), y sobre todo los albaceas testamentarios del Rey del Pop, John McClain y John Branca, este último también representado en la película.

Los hermanos y hermanas Jackson que todavía están vivos están en los créditos como productores ejecutivos.

El negocio

Según Variety, Lionsgate, el distribuidor, espera recaudar 700 millones de dólares con esta película, cuyo presupuesto asciende a 200 millones de dólares.

Esto situaría a Michael muy por delante de todas las producciones del género, excepto por Bohemian Rhapsody (910 millones de dólares).

La herencia del Rey del Pop genera varios cientos de millones de dólares cada año gracias a espectáculos como el musical MJ o Michael Jackson ONE, del Cirque du Soleil.

El documental This is It, sobre los ensayos de la gira que Michael Jackson preparaba justo antes de su muerte, recaudó casi 270 millones de dólares en todo el mundo en 2009.

¿Y después?

La película se termina con una imagen en la que se lee: “La historia continúa”.

La productora dejó entrever que una segunda entrega está en preparación.

Según el productor Graham King, la historia se centrará en los álbumes Dangerous (1991) e Invincible (2001), así como en la compra y construcción de Neverland, su rancho en California adquirido en los años 1980.

La finca, de 1.100 hectáreas, cuenta con cuatro casas, un lago con cascada y varios espacios para los animales, la pasión de Michael Jackson.

Fuente: AFP

La cantante estadounidense Katy Perry ha sorprendido durante su visita a Roma al publicar un vídeo en el que deposita su tarjeta de crédito en la ‘Fontana di Trevi’ por falta de monedas, siguiendo la tradición de buscar buena suerte en este lugar turístico.

En la grabación, Katy Perry solicita una moneda a los viandantes y, ante la imposibilidad de conseguirla, sumerge brevemente su tarjeta, un gesto que relata luego con humor aludiendo a la letra de una de sus canciones: “Ya os lo dije en ‘Save as Draft’, no tengo nada que ver con el cambio”, afirmando también: “pero últimamente he estado tirando muchas monedas”.

Perry, nacida en 1985 y conocida por éxitos internacionales, compartió este momento en sus redes sociales, acompañado de imágenes de su recorrido por la ciudad. Según el tabloide británico Daily Mail, la fuente de Trevi recibe más de 1.000 visitantes cada hora y fue finalizada en 1762.

Un tour por Roma documentado por redes

Además de este episodio, la artista añadió varias instantáneas bajo el título “Just Rome’ing around”, en las que exhibe otros lugares de la capital italiana que ha visitado, como la basílica de San Pedro, donde interpreta “Pope Leo, hallelujah”, en referencia al primer papa estadounidense. También publicó una imagen mientras preparaba un concierto privado en el centro de conferencias La Nuvola, donde interpretó The One That Got Away.

El vídeo difundido muestra a Katy Perry vestida con sudadera gris, solicitando una moneda a cámara antes de decidirse por su tarjeta bancaria al no tener cambio, y justificando la acción porque “necesitaba buena suerte”. La grabación termina con Perry recuperando la tarjeta antes de perderla, un gesto que generó numerosos comentarios de seguidores en su cuenta oficial en la plataforma estadounidense Instagram, según lo relata el tabloide británico Daily Mail.

Junto a estos momentos informales, la cantante documentó su viaje en compañía de su familia, incluyendo una videollamada con su hija Daisy Dove (fruto de su relación con el actor Orlando Bloom), y mostró un busto de mármol, un llavero con forma de insecto y varias tomas con su equipo durante los preparativos del concierto. De acuerdo con la información publicada, la pareja habría puesto fin a su compromiso en 2025 tras siete años de vínculo, un dato que destaca considerando la edad de la hija en las imágenes actuales.

Su polémica por agresión a Ruby Rose

La difusión de los vídeos y fotografías coincide con la apertura de una investigación de la Policía del Estado de Victoria en Australia tras una denuncia de la actriz Ruby Rose por presunta agresión sexual en 2010 en un club nocturno de Melbourne, según un portavoz policial: “Detectives del equipo de investigación de delitos sexuales y abusos infantiles en Melbourne están investigando una supuesta agresión sexual histórica ocurrida en 2010”. Rose, que entonces tenía veinte años, sostiene que los hechos se registraron en el club Spice Market.

El entorno de Katy Perry ha desmentido estas acusaciones. En una declaración a Daily Mail, un representante de la cantante señala: “Las alegaciones difundidas por Ruby Rose en redes sociales sobre Katy Perry no solo son completamente falsas, sino que además constituyen mentiras peligrosas y temerarias”. Precisa que la actriz cuenta con “un historial documentado de realizar acusaciones públicas graves en redes sociales contra varias personas, afirmaciones que han sido reiteradamente desmentidas por quienes las han recibido”.

En la misma semana, Perry (actual pareja del ex primer ministro canadiense Justin Trudeau, de 54 años) fue vista recorriendo Roma y en el mencionado concierto privado, donde lució un conjunto de bandeau de lentejuelas y pantalón de seda negra.

Cuenta la leyenda que en Barcelona se suceden los terremotos de vez en cuando. Los equipos de Geociencias Barcelona (GEO3BCN-CSIC) y el Institut Cartogràfic i Geològic de Catalunya han registrado ondas sísmicas fuera de lo normal en fiestas como La Mercè, hitos deportivos como la recordada remontada del Barça contra el PSG en 2017 y, ahora, en los cuatro conciertos que Rosalía ha brindado en la ciudad condal.

Así lo ha atestiguado el sismólogo Jordi Díaz Cusí con una publicación en sus redes sociales, donde ha mostrado las “sacudidas sísmicas” que se registraron durante las actuaciones de la cantante catalana, registradas por un acelerómetro a medio kilómetro del Palau Sant Jordi. “Comparando el temblor sísmico durante los 4 conciertos de Rosalía en Barcelona esta semana; mismo patrón, horarios de inicio ligeramente diferentes”.

En las imágenes compartidas por Díaz Cusí, pueden verse diferentes líneas temporales donde se mide dicha actividad. En las cuatro líneas (una por cada noche en la que Rosalía ha cantado), pueden observarse esas mismas “sacudidas” cerca de las 21.30, una hora después del inicio del concierto, y poco después de las 22.00. La coincidencia entre los horarios de los conciertos y los temblores permite afirmar que el fenómeno está directamente relacionado con la respuesta del público a las canciones interpretadas por Rosalía.

Qué provoca los sismos

Los conciertos masivos suelen generar vibraciones que pueden ser registradas por instrumentos científicos. Se trata de movimientos vibratorios del suelo de una magnitud muy pequeña y apenas perceptibles, de modo que tampoco causan daños a la ciudad. El GEO3BCN compartió hace poco en redes sociales una clasificación anual de los espectáculos que más “actividad sísmica” producen en la ciudad. En la edición de este año, Lady Gaga encabezó la lista, mientras que el canal oficial en X del CSIC en Cataluña ha seguido de cerca la labor divulgativa de Díaz Cusí sobre estos fenómenos.

El análisis de las señales captadas resalta un aspecto singular de los conciertos: “El ritmo, la energía del público y la ‘bailabilidad’ de cada canción se traducen en señales sísmicas claramente identificables”. El interés por estos registros científicos va en aumento, aportando una dimensión curiosa al impacto de diferentes eventos culturales y deportivos (Díaz Cusí también compartió hace unos días las ondas sísmicas provocadas por el Barça-Real Madrid de fútbol femenino) en la vida urbana.

Rosalía lo “remueve” todo

Rosalía concluyó ayer su serie de presentaciones en Barcelona, despidiéndose del público local con un Palau Sant Jordi repleto de 18.000 asistentes. Interpretó temas de percusión y electrónica como Berghain y otros de corte más lírico, como Mio Cristo Piange Diamanti, todos coreados por los presentes. “Barcelona, me remueves todo”, confesaba la propia artista al inicio de su último show. Nunca mejor dicho.

Después de dejar Barcelona, la artista ya prepara sus próximos conciertos en Ámsterdam, programados para el 22 y 23 de abril. El fenómeno de las vibraciones sísmicas asociadas a su paso por los escenarios podría repetirse, dependiendo de la respuesta del público en la capital neerlandesa. Tras esto, la cantante pasará por Bélgica, Alemania e Inglaterra antes de su salto a América, donde pasará el verano hasta finalizar el Lux Tour con un concierto en San Juan (Puerto Rico) el 3 de septiembre.

La obra de Roberto Carlos es relevante porque ha transformado la música brasileña, atravesando idiomas, generaciones y clases sociales. Su legado reúne éxitos que han definido el gusto popular, reflejando la evolución social y musical de un país que vive para la música, e influyendo en la cultura latinoamericana con un repertorio conocido por varias generaciones.

Nacido en Cachoeiro de Itapemirim, un pequeño pueblo del pequeño estado de Espiritu Santo -al sur de Bahía, al norte de Río de Janeiro- Roberto Carlos vivió una infancia influida por la música antes de alcanzar la fama en los años 60. Su consagración definitiva llegó al encabezar la Jovem Guarda, un movimiento de música pop juvenil que impulsó cambios en el comportamiento de una generación y modernizó la percepción de la juventud en Brasil. Junto a su hermano Erasmo Carlos, cocompositor de buena parte de sus grandes éxitos de todos los tiempos, se erigió como la voz de una juventud expuesta al influjo de ritmos internacionales como el rock y la música pop. Aunque este movimiento implicó ruptura, Roberto Carlos mantuvo una imagen de “buen muchacho”, lejos del escándalo y fiel a valores tradicionales, característica que luego marcaría la línea temática de su obra.

Roberto Carlos, amado por Caetano Veloso

Finalizada la etapa de la Jovem Guarda, Roberto Carlos transitó con soltura por estilos como el soul y el funk. Fue, sin embargo, a partir de 1969 cuando estableció su sello definitivo a través de las baladas románticas, base central de su repertorio en los años 70. El romanticismo presente en estas canciones fue adquiriendo un tono más sensual, aunque sin sobrepasar los límites de los códigos morales predominantes. Sus letras integraron elementos como la fe, la religiosidad y el compromiso con temas sociales y ambientales. Ahí está la clave del encanto único de sus canciones para millones de personas.

A pesar de altibajos en la creatividad, sobre todo desde mediados de los 80, la conexión de Roberto Carlos con el público se mantuvo firme. Las críticas de las élites culturales y los cambios en el gusto musical no lograron restar vigencia ni a su figura ni a su arte. A contracorriente de aquella mirada, cuando no, Caetano Veloso se convirtió en devoto fiel. “Tan brasileño como la guaraná”, dijo alguna vez

El interés de Caetano por el pop surgió a finales de 1966, motivado por la lectura de Cultura de masas en el siglo XX del filósofo francés Edgar Morin y el impacto de las películas de Jean-Luc Godard, quien revalorizaba tanto el cine de Hollywood como la publicidad. A comienzos de 1967, su hermana María Bethânia, ya cautivada por la música de Roberto Carlos, le recomendó ver el programa dominical que el cantante presentaba en TV Record. “Ya estaba interesado por la cultura de masas, y ese consejo de Bethânia cayó en un terreno fértil dentro de mí”, relató Caetano Veloso, quien quedó fascinado con la propuesta de Roberto Carlos.

Más allá de eso, el impacto social de Roberto Carlos trascendió las fronteras nacionales gracias a su presencia en la televisión y a la cultura de masas promovida por la industria discográfica. Hasta 1997, lanzaba álbumes casi todos los años, que movilizaban a millones de personas y eran esperados como grandes acontecimientos populares. Su repertorio fue adaptado por artistas como Maria Bethânia, Titãs, Skank, Gal Costa y otra vez, Caetano Veloso, ampliando su influencia e identidad sonora. Además, su música ha sido versionada en español, inglés, italiano y francés, reforzando su alcance internacional y la proyección continental de su legado.

Su reconocimiento como “la cara de Brasil” sintetiza una trayectoria que ha influido en el imaginario nacional. Su influencia llegó a dar nombre a deportistas -el famoso marcador de punta de la selección y el Real Madrid en los 90 y 2000, es un buen ejemplo, a inspirar películas y a convertirse en objeto de análisis tanto en el ámbito académico como popular.

El legado cultural de Roberto Carlos

La figura de Roberto Carlos ha sido motivo de debate sobre su “brasilidad” y la autenticidad artística de un repertorio considerado a veces demasiado comercial. Sectores de la crítica han puesto en cuestión su preferencia por ritmos internacionales y la aparente falta de raíz local. No obstante, otros analistas apuntan que ningún género, ni siquiera el samba, está libre de influencias extranjeras.

El escritor Affonso Romano de Sant’Anna sostenía que el análisis de Roberto Carlos debía centrarse en su impacto cotidiano y no solo en el juicio literario. Por su parte, Caetano Veloso lo describió como tan brasileño como el guaraná, un símbolo de lo propio que ha resistido intentos de despojo por parte del nacionalismo crítico.

Para los sectores más favorables, Roberto Carlos representa el equilibrio entre popularidad y calidad. Ha logrado unir dimensión comercial y excelencia artística, integrando a públicos diversos en torno a un repertorio común. A pesar de los cambios generacionales y de la menor producción de canciones inéditas en las últimas décadas, Roberto Carlos sigue siendo un referente que proyecta las tradiciones brasileñas y conecta distintas épocas. Su obra, inserta en la historia de la música popular latinoamericana, forma parte esencial de la memoria colectiva y cultural del país-continente. Hoy Brasil celebra los 85 años de uno de sus íconos populares.