Sony Music ha solicitado a las plataformas digitales la retirada de más de 260.000 canciones generadas con inteligencia artificial que, según la compañía, imitan sin autorización a artistas de su catálogo. La cifra, comunicada por la discográfica al Financial Times, muestra cómo el contenido sintético se ha convertido en un nuevo frente para la industria musical.

El número de avisos se ha incrementado rápidamente. A finales de marzo de 2026, Sony había enviado solicitudes relacionadas con más de 135.000 pistas, mientras que un año antes la cifra superaba las 75.000. La compañía aclara que estos números corresponden a solicitudes de retirada y no significan que todas las canciones hayan sido eliminadas de manera definitiva.

Canciones que imitan a artistas reales

El conflicto no está relacionado con cualquier canción creada mediante inteligencia artificial. El principal problema para Sony son las grabaciones diseñadas para sonar como si hubieran sido interpretadas por artistas reales sin su autorización.

Entre los nombres afectados por este tipo de imitaciones aparecen Harry Styles, Adele, Britney Spears, Queen y Michael Jackson. Estas producciones pueden utilizar herramientas de IA para generar una voz o una interpretación que se asemeja a la de un músico conocido, aunque esa persona no haya participado en la grabación.

Este tipo de contenido suele describirse como deepfake musical. El término hace referencia a material sintético creado para atribuir a una persona una imagen, una voz o, en este caso, una interpretación que en realidad no realizó.

Para Sony, el problema tampoco termina cuando una plataforma responde a una denuncia. La discográfica sostiene que algunas de estas canciones vuelven a aparecer después de haber sido retiradas, lo que obliga a iniciar nuevamente el proceso de reclamación.

“Seguiremos haciendo valer los derechos de nuestros artistas y esperamos que las plataformas actúen rápidamente y eviten que el mismo contenido vuelva a aparecer”, señaló la compañía.

Sony no busca prohibir toda la inteligencia artificial

La postura de Sony no consiste en rechazar el uso de inteligencia artificial en la música. La compañía ha establecido una diferencia entre utilizar esta tecnología con autorización y emplearla para reproducir contenidos o identidades artísticas sin permiso.

En 2024, Sony comunicó que no autorizaba el uso de sus contenidos para entrenar, desarrollar o comercializar sistemas de inteligencia artificial, salvo que existiera un permiso específico. Al mismo tiempo, la discográfica ha participado en iniciativas basadas en música licenciada y ha establecido acuerdos relacionados con el desarrollo de tecnología de IA.

En julio de 2026, Sony también se sumó a otros grandes grupos musicales para proponer criterios sobre el uso de inteligencia artificial en las listas oficiales. La propuesta plantea que las grabaciones generadas con estas herramientas puedan participar cuando utilicen servicios autorizados, sean sustancialmente humanas y no presenten problemas de manipulación.

La música generada por IA crece en las plataformas

El volumen de canciones sintéticas ayuda a dimensionar el desafío. Deezer informó que durante junio de 2026 recibió una media diaria cercana a las 90.000 pistas completamente generadas con inteligencia artificial. En algunos días, estas producciones llegaron a representar más de la mitad de las nuevas canciones incorporadas al servicio.

Esto no significa que todas esas pistas sean imitaciones de artistas reales ni que puedan sumarse directamente a las reclamaciones de Sony. Sin embargo, evidencia el crecimiento acelerado de la música creada mediante IA y la dificultad de las plataformas para controlar todo el contenido que reciben.

Una disputa que también llega a la legislación

El debate comienza a trasladarse del sector musical a los legisladores estadounidenses. Sony respalda la NO FAKES Act, una iniciativa que busca establecer una protección federal frente a réplicas digitales no autorizadas de la voz y la apariencia de una persona.

El proyecto avanzó por unanimidad en el Comité Judicial del Senado de Estados Unidos el 18 de junio, aunque todavía no se ha convertido en ley.

Mientras la legislación continúa su recorrido, las plataformas y las discográficas enfrentan un problema cada vez mayor: determinar cuándo una canción creada con inteligencia artificial representa una nueva forma de creatividad y cuándo utiliza la identidad de un artista sin autorización. Para Sony, las más de 260.000 solicitudes de retirada son una muestra de que esa frontera ya está siendo puesta a prueba a gran escala.

Spotify amplió su función de cuestionarios musicales después de probarla por primera vez este año con ARMY, el fandom de BTS. La experiencia permitió a los seguidores del grupo responder preguntas sobre su música y su carrera.

Ahora, la plataforma llevará Music Quiz a más fans y artistas. La función comenzará a implementarse de forma gradual en 11 países, con cuestionarios sobre más de 2.000 músicos para usuarios de Spotify Premium mayores de 18 años.

El lanzamiento inicial alcanzará a Estados Unidos, Reino Unido, Canadá, Irlanda, Australia, Nueva Zelanda, Singapur, India, Nigeria, Sudáfrica e Indonesia. Los cuestionarios de algunos artistas estarán disponibles en inglés al comienzo, aunque Spotify anticipó que sumará más idiomas, mercados y músicos.

Music Quiz propone preguntas de trivia, desafíos para reconocer portadas de álbumes y fragmentos de audio para identificar canciones. Las consignas recorren el catálogo de cada artista, los hitos de su carrera y otros momentos que marcaron su trayectoria.

Al terminar la prueba, los usuarios podrán consultar su puntuación y compartir el resultado con amigos.

La propuesta está pensada tanto para quienes conocen cada letra, canción menos difundida y dato de sus artistas favoritos como para quienes quieren descubrir más sobre su música.

La disponibilidad será progresiva, por lo que la función podría no aparecer de inmediato para todos los oyentes ni en todos los perfiles de artistas.

Cómo fue la prueba con ARMY y BTS

Spotify realizó su primera prueba de cuestionarios musicales con ARMY, los seguidores de BTS, para acompañar el lanzamiento de ARIRANG, el quinto álbum de estudio del grupo surcoreano. La iniciativa se estrenó el 20 de marzo y permitió que los usuarios de Spotify Premium respondieran preguntas centradas en la trayectoria artística de la banda.

El BTS Music Quiz propuso un recorrido por los momentos que marcaron el camino de BTS, con preguntas inspiradas en la historia reflejada en ARIRANG.

La experiencia estuvo dirigida a los fans que siguen de cerca cada etapa del grupo, desde sus lanzamientos hasta los hitos que consolidaron su vínculo con una audiencia global.

La función estuvo disponible para usuarios Premium de todo el mundo y se lanzó en seis idiomas: inglés, indonesio, coreano, japonés, portugués y español. De esta manera, Spotify buscó que ARMY de distintos países pudiera participar en el cuestionario en su propio idioma.

Qué otras nuevas funciones hay en Spotify

Además de los cuestionarios musicales, Spotify ha agregado nuevas herramientas para que la escucha sea más personalizada y tenga un componente social.

Spotify amplió las cuentas administradas para menores de 13 años, que ahora pueden crearse de forma gratuita desde cualquier tipo de plan.

La herramienta ofrece un espacio pensado para que los menores exploren música de manera independiente, mientras los adultos mantienen opciones de control sobre los contenidos disponibles.

Entre esas configuraciones se encuentra la posibilidad de desactivar canciones con lenguaje explícito, ocultar videos y administrar la reproducción de temas o artistas específicos.

La plataforma también incorporó un selector infantil para las familias cuyos hijos todavía no tienen una cuenta propia. De esta forma, la música que escuchan los menores puede mantenerse separada de las recomendaciones del perfil principal.

El cambio también apunta a resolver un problema habitual entre quienes comparten la cuenta o el dispositivo con sus hijos: que las canciones infantiles modifiquen las sugerencias personalizadas y el resumen anual Wrapped.

Con las cuentas administradas, cada integrante puede tener una experiencia de escucha diferenciada.

La plataforma agregó Running Mode, una función para quienes escuchan música mientras entrenan.

Disponible para usuarios Premium en mercados seleccionados, permite crear sesiones de carrera con listas adaptadas al tipo de entrenamiento, la duración y el ritmo musical elegido.

La herramienta incluye opciones como intervalos, carreras largas, sesiones suaves y rutinas avanzadas. Además, permite ajustar la selección musical mediante indicaciones escritas y activar o desactivar mensajes de voz durante el ejercicio.

Antes de convertirse en una amistad sostenida por el afecto y la confianza, la relación entre ambos tuvo un comienzo conflictivo. Ortega contó que todo surgió a partir de unas declaraciones públicas de García que lo dejaron expuesto y derivaron en la intervención de un abogado suyo.

“Con Charly empezamos peleando”, dijo entre risas el intérprete. que es la forma que hay que empezar con Charly”, agregó, antes de explicar que el músico había hecho comentarios sobre él en la prensa y que su representante legal decidió presentar una demanda.

El propio Ortega aclaró que no había buscado esa salida. “Le digo: ‘No, ¿para qué? No puede ser’”, recordó. La causa avanzó hasta una audiencia de conciliación, donde ocurrió la escena que cambió el tono de la relación entre los dos artistas.

Según el relato de Palito, al llegar a la audiencia judicial se encontró con Charly y el juez a cargo del expediente. El músico entró al lugar, se acercó y le hizo una propuesta directa: “Che, no nos peleemos más”.

Ortega respondió con sorpresa. “Yo no me peleo nunca”, le contestó. García insistió con la idea de dejar atrás el conflicto y, según contó el cantante, terminó por darle un abrazo. “Eso me quedó”, señaló al recordar aquel primer gesto de cercanía.

La disputa había concluido como suelen hacerlo este tipo de procesos, según describió: con una retractación de menor visibilidad que las críticas previas. “Le dedican cuatro páginas para criticarte y después ponen una cosa chiquita así que dice: ‘Pido disculpas’”, ironizó Ortega.

Con el tiempo, aquella tensión quedó atrás. El vínculo se profundizó cuando García atravesó un período delicado y fue internado en un centro médico. Ortega decidió visitarlo y recibió un pedido que lo marcó: “Por favor, sacame de aquí, sacame de aquí, sacame de aquí”.

Ortega interpretó que García necesitaba un ámbito distinto para continuar su recuperación. Le propuso que, cuando recibiera el alta, se instalara con él en Luján, donde tenía un espacio que podía ofrecerle tranquilidad y también un estudio de grabación.

La decisión requirió una autorización judicial. El cantante contó que una jueza le preguntó si estaba dispuesto a asumir la responsabilidad. “¿Usted se va a hacer responsable?”, fue la consulta que recordó. Ortega respondió que sí y firmó un documento que, según explicó, lo comprometía formalmente por la vida del músico.

“Me hicieron firmar un documento de responsabilidad, que yo me hacía responsable de la vida”, relató. Alfredo Leuco, quien participaba de la entrevista, definió el compromiso como “una mochila pesada”. Ortega coincidió en que se trataba de una situación compleja, aunque sostuvo que García tenía “semejante talento y todo por dar todavía”.

El músico se instaló en la propiedad de Ortega y permaneció allí durante cerca de un año. La convivencia exigía atención constante, sobre todo en los primeros meses. “Yo estuve un año permanentemente ahí”, contó el cantante.

Durante las noches, García podía despertarse cada dos o tres horas y pedir distintas cosas. Ortega explicó que, en algunos momentos, el artista perdía la noción del lugar donde se encontraba y gritaba. En ese contexto, su voz tenía un efecto inmediato.

“Él reconocía mi voz dentro de todo. Yo decía: ‘Charly, Charly’, y ahí paraba”, recordó. Entonces se acercaba, intentaba tranquilizarlo y lo acompañaba hasta que volviera a descansar. Esa dinámica se prolongó durante tres o cuatro meses, hasta que comenzó a advertir una recuperación.

El estudio de grabación que Ortega tenía en Luján se convirtió en una parte central de esa rutina. Cuando García se despertaba de madrugada, a las dos o las tres, quería ir a tocar. Ortega encendía los equipos y lo acompañaba.

“Decía: ‘Vamos al estudio, vamos al estudio’. Bueno, vamos al estudio”, relató. Allí descubrió una faceta de García que lo sorprendió: su conexión con el repertorio clásico y su capacidad para interpretar obras de ese universo musical.

“Nunca había escuchado tanta música clásica como en esa oportunidad”, afirmó Ortega. El cantante destacó la formación que tenía García desde niño y recordó que, a los 12 años, ya existía la posibilidad de que viajara a Europa para ofrecer conciertos de música clásica.

En las largas sesiones nocturnas, García tocaba melodías clásicas e improvisaba letras. Ortega permanecía en la consola durante una hora o una hora y media. Cuando advertía que el músico empezaba a cansarse, lo acompañaba de regreso para que retomara el descanso.

Lejos de definir aquella etapa únicamente desde la dificultad, Ortega la describió como una experiencia valiosa. “Fue un año de una experiencia casi maravillosa”, expresó, sin dejar de señalar las exigencias que implicó cuidar a García durante la recuperación.

Uno de los recuerdos que conserva de aquel tiempo ocurrió durante una salida a la ciudad. Ortega y García pasaron frente a la Basílica de Luján y el cantante le planteó una idea para cuando estuviera completamente recuperado.

“El primer concierto tuyo, yo te voy a armar un escenario en la puerta de la Basílica y vas a cantar”, le prometió. Su plan era que no hubiera convocatoria previa y que la ciudad despertara con la música de García a las siete y media de la mañana.

La propuesta dejó al músico sorprendido. García lo miró y respondió con una pregunta que, según Ortega, sintetizaba su humor: “¿Y por qué no a las siete y media de la tarde?”.

Durante su gira por España —con diez fechas agotadas entre septiembre y octubre—, el músico cubano Silvio Rodríguez concedió una entrevista a El País en la que dedicó sus reflexiones más extensas a lo que denominó “una edad oscura” que, a su juicio, atraviesa el mundo, y a figuras como Donald Trump, Javier Milei y Jair Bolsonaro, a quienes asoció con la imagen de las serpientes de su canción más emblemática.

La protesta instalada en la Puerta del Sol de Madrid, en reclamo de medidas ante la crisis de vivienda, le sirvió a Rodríguez como punto de partida para una reflexión más amplia sobre el momento político global. “La acampada de Sol me produce esperanza y me da valor”, afirmó. “El mundo parece estar sumiéndose en una edad oscura. Como si el señor de Mordor lo estuviera invadiendo con su corte de orcos. Que ocurran eventos por la justicia, inspirados en la piedad y la solidaridad, como el de la Puerta del Sol, es estimulante; mucho más para los que, por ley natural, estamos en retirada y alguna vez pudimos ver que el mejoramiento humano es posible”.

El cantautor vinculó directamente esa “edad oscura” con el ascenso de líderes como Trump, Milei y Bolsonaro. Consultado sobre estas figuras, respondió sin rodeos que le provocan “lo adverso, que puede reaparecer de distintas maneras”. Esa sensación, explicó, es la misma que inspiró “Sueño con serpientes”, su clásica canción: “La mato y aparece una mayor / con mucho más infierno en digestión”.

Sobre la decisión de incluir en el repertorio de sus recitales “La belleza”, composición del fallecido Luis Eduardo Aute, explicó el vínculo que lo une a esa pieza. “Eduardo, además de compañero de oficio, era y sigue siendo para mí un hermano. Su familia es mi familia. Por eso hacemos La belleza a nivel familiar”, declaró. “Es una canción hermosísima, entre las muchas bellezas que compuso. Pude haber escogido otra, aunque me pareció que esta le hubiera gustado especialmente”, agregó en referencia al cantautor español, fallecido en 2020.

Rodríguez también explicó el motivo por el que utiliza en escena auriculares de gran tamaño en lugar de los habituales in ears. “Hace años usaba esos in ears que utiliza todo el mundo, pero me pasó que al terminar un concierto y ponerme de pie perdí totalmente el equilibrio. Cuando me examinó el otorrino, tenía afectado el oído interno, por los volúmenes”, relató. “Entonces decidí usar esos cascos, que son abiertos. Así he podido resolver mi caso, aunque se me escapan algunas cosas que dice el público”, precisó.

Al recorrer las salas españolas, Rodríguez encontró un dato que no esperaba: una porción notable de público joven entre sus seguidores. “Siempre me sorprende que haya jóvenes; algunos se acercan y cuentan que me escuchan desde niños”, señaló. “Hace 49 años que vine a España por primera vez y ya entonces rondaba por aquí mi primer disco. Es estimulante saber que algunos te recuerdan y es sorprendente que incluso algunos de sus hijos nos conocen”, completó el músico.

Shakira confirmó un concierto adicional en Madrid para cerrar definitivamente la etapa europea de su gira. Será el 12 de octubre, coincidiendo con el Día de la Hispanidad, y contará con varios invitados sobre el escenario. El show, bautizado como “12+1”, pondrá fin a Las Mujeres Ya No Lloran World Tour en su paso por Europa. La cantante colombiana lo anunció el 5 de octubre y lo presentó como una celebración compartida con artistas que han marcado distintos momentos de su carrera. El concierto se celebrará en el Estadio Shakira de la capital española. Se trata de una fecha añadida a la residencia que la artista venía desarrollando en Madrid dentro de su gira mundial.

Shakira confirmará así el cierre de su residencia europea el 12 de octubre en Madrid con un concierto especial que reunirá a varios de sus colaboradores habituales. El show incluirá presentaciones de Maluma, Beéle y Dani Martín, en lo que la artista definió como una fiesta compartida con el público y con quienes han formado parte de su trayectoria musical. Durante toda la residencia, la cantante ya había convocado a distintos artistas sobre el escenario. Para esta despedida, sin embargo, decidió sumar nuevos nombres que no habían participado hasta ahora en el tour.

Entre los confirmados figura Maluma, con quien Shakira comparte una trayectoria de colaboraciones a lo largo de la última década. Se espera que el artista interprete junto a ella Agua, su tema más reciente en conjunto, además de Chantaje, uno de los éxitos más conocidos de ambos. También participará Beéle, otro de los nombres destacados de la nueva generación musical colombiana. Con él, Shakira lanzó recientemente Algo tú, canción que todo indica interpretarán juntos en el escenario madrileño. La relación artística entre ambos no se limita a ese tema. Beéle y Shakira grabaron además una versión conjunta de Hips Don’t Lie para el 20 aniversario de Spotify, por lo que no se descarta que también la incluyan en el repertorio del 12 de octubre.

Con acento español

Shakira también convocó a un artista español para esta despedida. Se trata de Dani Martín, cantante que forjó su carrera tanto al frente de El Canto del Loco como en solitario, y que es uno de los referentes del pop español del siglo XXI. Su incorporación al cartel del show final añade una presencia local a una noche que, hasta el momento, reunía principalmente a artistas latinoamericanos. No se detallaron, de momento, los temas específicos que interpretará junto a la colombiana. La residencia europea de Shakira en Madrid ya había contado con la participación de otros artistas antes de este anuncio. Entre ellos se encuentran Alejandro Sanz, Laura Pausini, Manuel Turizo y Dua Lipa, quienes se subieron al escenario en distintas funciones del tour.

Esa dinámica de invitados sorpresa se mantuvo como una característica de la gira durante su paso por la capital española. El show del 12 de octubre continúa esa línea, aunque se presenta como el cierre definitivo de esta etapa. La artista planteó esta última fecha como algo que excede el formato habitual de un concierto. La definió como una reunión entre colaboradores y artistas que acompañaron distintos momentos de su carrera, antes de poner fin a la residencia.

La preventa de entradas para este concierto estará disponible a través de SMusic a partir del 6 de octubre. La venta general, en tanto, se abrirá al día siguiente, el 7 de octubre. No se informaron, hasta el momento, detalles adicionales sobre precios o disponibilidad de localidades para esta fecha especial dentro de la gira, y tampoco se confirmó si habrá más sorpresas en el repertorio además de los invitados ya anunciados. El concierto del 12 de octubre marcará así el final de la residencia europea de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, con Maluma, Beéle y Dani Martín como los invitados confirmados hasta el momento para acompañar a Shakira en el Estadio Shakira de Madrid.

Patti Smith (Chicago, 1946) lleva más de medio siglo desdibujando las fronteras entre la música, la poesía y la literatura. Cantante, compositora, escritora y artista visual, a la estadounidense se la apoda la “chamana del punk” por algo: aportó a este movimiento un punto de vista intelectual en el Nueva York de los 70, con una influencia en el género que perdura a día de hoy y del que también se nutre España.

Precisamente ese fue uno de los motivos por los que en el pasado mes de abril fue reconocida con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026. La artista, que recibirá el premio este próximo 23 de octubre en el Teatro Campoamor de Oviedo, recibirá el premio por su “impetuosa creatividad” capaz de conectar “el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva”.

“Intérprete de estilo vigoroso, ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo”, añadió el jurado sobre su faceta como cantante. Como escritora, destacó que Smith “ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias”. El acta también subraya su “actitud inconformista y transgresora” y su capacidad para seguir inspirando a nuevas generaciones.

A lo largo de su trayectoria, Smith también ha dejado numerosas reflexiones sobre la creación, la libertad o la forma de enfrentarse a la existencia. Una de las más conocidas aparece en Early Work 1970-1979, recopilación de sus primeros escritos publicada originalmente en 1994: “En el arte y en los sueños, déjate llevar. En la vida, avanza con equilibrio y cautela”, escribió en una de sus primeras páginas.

El origen de la cita

La obra, que sirve como recopilatorio de poemas y extractos de sus libros Seventh Heaven, Ha! Ha! Houdini! y Witt, también incluyó selecciones de Babel y una importante cantidad de material que hasta entonces permanecía inédito. Más de una cuarta parte de los textos procedían de transcripciones de actuaciones, anotaciones de sus cuadernos y documentos de la propia artista, en una de las décadas más decisivas de su carrera.

Smith se había trasladado a Nueva York a finales de los años sesenta y pronto entró en contacto con el ambiente artístico de la ciudad. Allí conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe, con quien mantuvo una relación profesional y personal hasta su muerte en 1989 por sida. Décadas más tarde convertiría aquellos años en Éramos unos niños, sus memorias publicadas en 2010, que recibieron el National Book Award de no ficción.

Pero fue la música la que terminó consagrándola. En 1975 publicó Horses, su álbum de debut, producido por John Cale y considerado desde entonces uno de los discos fundamentales del nacimiento del punk neoyorquino. Aquel trabajo convirtió en sonido una fórmula que Smith ya había ensayado sobre el papel: poesía recitada, rock crudo, referencias literarias y una actitud deliberadamente alejada de los convencionalismos de la época.

Después llegarían Radio Ethiopia (1976), Easter (1978) y Wave (1979). En Easter apareció además Because the Night, compuesta junto a Bruce Springsteen y convertida en una de las canciones más populares de su carrera. Su influencia acabaría siendo reconocida oficialmente en 2007, cuando ingresó en el Rock and Roll Hall of Fame.

Después de aquella primera etapa, Smith continuó ampliando una discografía en la que también figuran trabajos como Dream of Life (1988), Gone Again (1996), Peace and Noise (1997), Gung Ho (2000), Trampin’ (2004), Twelve (2007) o Banga (2012). En paralelo, nunca abandonó la escritura. A Éramos unos niños se sumaron títulos como M Train (2015), donde volvió sobre la memoria, o El año del Mono (2019), además de sus numerosos poemarios y recopilaciones de textos.

Ese recorrido será también protagonista de su visita a Asturias con motivo del Premio Princesa de Asturias. Antes de recoger el galardón en Oviedo, Smith ofrecerá el 20 de octubre un concierto gratuito en el Teatro Jovellanos de Gijón, organizado por la Fundación para conmemorar 50 años de su primera actuación en España.

El compositor puertorriqueño Jay Wheeler regresa a los escenarios y anuncia una fecha en la Ciudad de México para el 2027. con una presentación en el Pepsi Center.

El concierto de Jay Wheeler en la capital mexicana forma parte de su gira mundial La Voz Favorita Tour, en la que se presentará en España, Estados Unidos y once países de Latinoamérica.

Cuatro años después de su presentación en la Arena CDMX, el cantante caribeño regresa a tierras mexicanas y la preventa de los boletos saldrán en próximos días.

¿Cuándo es el concierto de Jay Wheeler en la CDMX?

Jay Wheeler llega a la Ciudad de México el 16 de mayo de 2027 con una presentación en el Pepsi Center, dentro de su gira mundial La Voz Favorita Tour, inspirada en su álbum más reciente.

La preventa Banamex arranca el miércoles 7 de octubre a las 11:00 horas, mientras que la venta general inicia el viernes 9 de octubre a la misma hora.

La preventa Banamex para el concierto de Jay Wheeler

Los boletos para la fecha mexicana del artista puertorriqueño estarán disponibles a través de Ticketmaster, tanto en línea como en taquilla del recinto, y también en el sitio oficial jaywheelermundial.com. La preventa exclusiva para tarjetahabientes de Banamex comienza el miércoles 7 de octubre a las 11:00 horas, hora del centro de México.

La venta general se abre dos días después, el viernes 9 de octubre, también a las 11:00 horas. Hasta el momento no se han dado a conocer los precios de los boletos para la función en el Pepsi Center.

La gira pasa por 34 ciudades en tres continentes

La Voz Favorita Tour arranca en diciembre de 2026 con tres fechas en España: el 10 de diciembre en el Miribilla Arena de Bilbao, el 13 de diciembre en el Movistar Arena de Madrid y el 19 de diciembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

El tramo estadounidense se extiende de marzo a abril de 2027, con paradas en Miami, Atlanta, Washington, Nueva York, Boston, Chicago, Los Ángeles y Orlando, entre otras ciudades.

La etapa latinoamericana incluye once países entre abril y junio

Después de Europa y Estados Unidos, Jay Wheeler recorre Latinoamérica entre abril y junio de 2027. La gira pasa por Quito el 29 de abril, Lima el 1 de mayo, Tegucigalpa el 13 de mayo y Ciudad de Guatemala el 14 de mayo, antes de llegar a la capital mexicana.

Tras la fecha en el Pepsi Center, el tour continúa el 19 de mayo en el Movistar Arena de Buenos Aires y el 22 de mayo en el Santander Arena de Santiago de Chile. El cierre latinoamericano ocurre el 5 de junio en el Palacio de los Deportes de Santo Domingo, con escalas previas en Panamá, Costa Rica y Bogotá.

El Primavera Sound Barcelona 2027 ya tiene cartel. La organización ha compartido este lunes la lista de artistas que actuarán del 2 al 6 de junio en el Parc del Fòrum de Barcelona, con más de 150 propuestas en las que destacan artistas como Doechii, Phoebe Bridgers, Fontaines D.C., Hayley Williams, FKA Twigs, Turnstile, Massive Attack, The Chemical Brothers, Robyn, Bad Gyal, Lola Young, Adéla, Caroline Polacheck o Prospa.

La presencia estelar la completa un exclusivo closing set a cuatro manos entre Skrillex y Ninajirachi. Junto a esto, el festival ha reafirmado su apuesta por la diversidad de géneros musicales, con artistas y agrupaciones de rock alternativo (Pavement, Bleachers, Wallows, Alcalá Norte, grupo que por cierto ha anunciado su participación con un post en redes sociales anunciando que vendía su entrada para el festival porque “toca” en él), pop (Underworld, Kim Petras, Arca, Boy Harsher) y electrónica (Richie Hawtin, Four Tet, Dixon).

Otro de los rasgos distintivos de las bodas de plata de este Primavera Sound es la presencia de artistas nacionales e iberoamericanos, con una fuerte presencia de música en español de la mano de Mushka, Santiago Motorizado, Guillem Gisbert, Mishima, Los Punsetes, Viva Belgrado, Juana Molina, Abhir y John Talabot.

Cómo conseguir las primeras entradas

Además, la organización también ha anunciado que, hasta el próximo miércoles 7 de octubre a las 23:59, quienes piensen asistir al evento podrán registrarse para acceder a la Fan Sale a partir del 8 de octubre a las 11 de la mañana, “y poder optar a la compra de tu abono a 295€ + gastos de distribución y abono VIP por 545€ + gastos de distribución (durante 24h o hasta agotar existencias)“. Quienes lo hagan, recibirán un correo electrónico con las instrucciones para comprar su entrada al día siguiente.

El festival ofrece además algunos descuentos especiales bajo ciertas condiciones. Por ejemplo, aquellos usuarios que sean clientes de Revolut podrán conseguir un abono rebajado a 275€ y el VIP (incluyen acceso preferente al recinto principal de Primavera Sound Barcelona 2027, acceso a todas las zonas VIP del festival hasta completar aforo y prioridad en la reserva de las actividades complementarias del festival) a 525€, respectivamente. Por otra parte, los residentes del Área Metropolitana de Barcelona también podrán beneficiarse de un 10% de rebaja en el precio del abono general durante la fase de Fan Sale.

“Si no tienes una cuenta en Primavera Sound, deberás confirmar tu email en el correo electrónico que recibirás tras registrarte en la Fan Sale. Si no lo encuentras en tu bandeja de entrada, recuerda comprobar en la carpeta de correo no deseado”, advierten desde la organización. Cuando la Fan Sale termine, la venta general comenzará a partir del 9 de octubre a las 11 de la mañana en Fever, con entradas generales a un precio de 350 euros y de 545 euros en caso del abono VIP. Una cantidad a la que habría que añadirle los gastos de distribución.

• Noticia en ampliación

Shakira tenía previsto despedirse de Madrid el próximo 11 de octubre, pero finalmente habrá que esperar un día más para poner el punto final a su residencia en la capital. La cantante colombiana ha anunciado una nueva actuación el 12 de octubre, coincidiendo con el Día de la Hispanidad, que se convertirá así en la última noche de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour en España.

La decisión responde a la elevada demanda que han generado sus conciertos. Con esta nueva fecha, la artista alcanzará los 13 espectáculos en Madrid desde que inauguró su residencia el pasado 18 de septiembre. Una última cita que, además, podría guardar alguna sorpresa, ya que Shakira ha adelantado que contará con artistas invitados sobre el escenario.

La cantante lo ha anunciado a través de sus redes sociales con un mensaje en el que asegura que tendrá invitados que van a “flipar pepinos”. Por el momento, sus nombres no han trascendido, aunque la residencia madrileña ya ha dejado varios encuentros memorables.

La elección del 12 de octubre aporta un significado especial al cierre de esta etapa. Durante las últimas semanas, Shakira no solo ha ofrecido sus conciertos en Madrid, sino que ha convertido su estancia en la ciudad en una celebración de la cultura y la identidad latinoamericanas.

El escenario levantado en Iberdrola Music, en Villaverde, forma parte de un recinto mucho más amplio bautizado como Macondo Park. Inspirado en el universo creado por Gabriel García Márquez, este espacio temporal de unas 22 hectáreas ha reunido propuestas vinculadas a la música, el arte, la literatura y la gastronomía dentro de Es Latina Fest.

El estadio tiene capacidad para alrededor de 55.000 espectadores por noche, convirtiendo cada actuación en un gran punto de encuentro. A Madrid han llegado seguidores procedentes de distintos lugares de España y también de otros países para disfrutar de una residencia que ha ido mucho más allá de los conciertos.

Cuándo se podrán comprar las entradas

Los seguidores que todavía no tengan entrada tendrán una última oportunidad. La preventa para los socios de SMusic comenzará este martes 6 de octubre a las 15:00 horas, mientras que la venta general se abrirá el miércoles 7 de octubre a las 10:00 horas. Las localidades estarán disponibles a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.

El concierto del 12 de octubre pondrá así el broche a una residencia que ha convertido Madrid en una de las grandes paradas de Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, una gira que ha alcanzado cifras históricas y que la cantante colombiana despedirá en España rodeada, previsiblemente, de algunos de sus amigos y colaboradores más cercanos.

Los invitados que han acompañado a Shakira

Y es que la presencia de artistas invitados se ha convertido en uno de los alicientes de esta residencia. Laura Pausini fue la primera gran sorpresa, cuando apareció para interpretar junto a Shakira Antología. Después llegó Alejandro Sanz, con quien la colombiana recuperó La Tortura y añadió también Corazón partío en una segunda noche. Manuel Turizo se sumó posteriormente para cantar Copa Vacía, mientras que los bailarines ugandeses Triplets Ghetto Kids también participaron en el espectáculo.

Uno de los momentos más inesperados se produjo el 3 de octubre con Dua Lipa. La británica compartió escenario con Shakira para interpretar Antología, una canción que ya había versionado anteriormente en Bogotá. Con estos precedentes, la incógnita ahora está en saber quiénes serán los artistas que acompañarán a la colombiana en su última noche madrileña.

Con gestos de desinterés frente a la cámara y una actitud desafiante, La intérprete eligió una frase que no pasó inadvertida entre sus seguidores. “Ya me bautizaron como ‘la peor mujer del mundo’”, se escucha en el audio que utilizó para acompañar las imágenes. Poco después, sumó otra declaración que concentró la atención de quienes siguieron el posteo: “Si para ustedes soy la peor mujer del mundo, listo… soy la peor mujer del mundo”.

La publicación se difundió con rapidez y reunió más de 1.500 comentarios. Entre los mensajes aparecieron críticas, apoyos y discusiones sobre la exposición pública de su nueva relación, que se conoció poco tiempo después de la separación de la artista de Luck Ra.

El video no incluyó referencias directas a ninguno de los músicos ni explicaciones sobre el destinatario de sus palabras. Aun así, el contexto llevó a que numerosos usuarios vincularan el mensaje con los comentarios que circularon en redes sociales desde que ella y Tiago PZK confirmaron que están en pareja.

La relación tomó estado público cuando Tiago PZK habló con la prensa antes de viajar a Colombia junto con La Joaqui. Allí, el cantante nacido en Monte Grande no evitó las preguntas sobre el vínculo y respondió con una frase que rápidamente se replicó en redes y programas de espectáculos.

“Estamos en pareja, felizmente casados”, afirmó el joven, en tono distendido, al confirmar el romance con la intérprete de “Butakera”. Consultado sobre el inicio de la relación, también aclaró que el vínculo entre ambos no era reciente: “La conozco a ella hace mucho tiempo”.

La declaración instaló el tema en el centro de las conversaciones digitales. Parte de las reacciones apuntó al corto período que, según señalaron los usuarios, habría pasado entre la ruptura de La Joaqui con Luck Ra y la confirmación de su nueva pareja. Otros, en cambio, defendieron la decisión de la cantante de continuar con su vida personal sin dar explicaciones públicas.

La sección de comentarios del video reflejó las posiciones opuestas que generó la publicación. Algunos usuarios cuestionaron la situación y expresaron su rechazo a la relación. “Te la re mandaste”, escribió una persona, en alusión al nuevo romance de la cantante.

También aparecieron mensajes que pusieron en duda la duración del vínculo. “No va a durar ni un mes porque él la va a engañar como hace con todas”, afirmó otra usuaria. En la misma línea, varios internautas cuestionaron que la relación se haya hecho pública con tanta rapidez y sumaron comparaciones con otras parejas que tuvieron amplia repercusión en el mundo del espectáculo.

Frente a esas críticas, un grupo amplio de seguidores de la joven salió a respaldarla. “Vos amaste bien a quien no se lo merecía. Te merecés lo mejor”, escribió una usuaria. Otra persona planteó: “La sociedad no está preparada para ver mujeres fuertes y empoderadas, quieren ver mujeres sufriendo por hombres que no las valoran”.

“La Joaqui, mi maestra, aprendo de ti mucho, amiga”, comentó otra seguidora. El intercambio dejó en evidencia que la publicación no fue recibida de una sola manera: mientras unos cuestionaron las decisiones personales de la cantante, otros defendieron su derecho a iniciar una nueva relación.

La confirmación del romance también derivó en versiones sobre la relación entre Tiago PZK y Luck Ra. Durante la charla con cronistas de Desayuno americano, el artista fue consultado de forma directa sobre si se consideraba “traidor” por estar en pareja con La Joaqui.

“No, ¿cómo me voy a considerar traidor?”, respondió el cantante. Luego aclaró que no consideraba a Luck Ra como un amigo, en una frase que sumó otro elemento a la polémica alrededor del vínculo.

Tiago PZK sostuvo que no buscaba responder para conformar a quienes cuestionaron la relación. “Para serles sincero, no me importa, no tengo necesidad de quedar bien con nadie. No me muevo por conveniencia con la gente”, expresó ante la consulta.

Durante el encuentro con la prensa en Ezeiza, uno de los cronistas le preguntó a Tiago PZK si La Joaqui se había realizado un tatuaje similar al que él tiene en el rostro. El músico respondió de manera afirmativa con un gesto de la cabeza, sin ofrecer más detalles.

Ese momento abrió otra discusión entre los usuarios. Algunos cuestionaron que un gesto de ese tipo apareciera tan pronto en una relación que recién se había confirmado públicamente. “Si un novio se tatúa algo mío a los 20 días de novios, mínimo le meto una denuncia”, escribió una internauta.

Otro comentario resumió la reacción de parte del público: “Y yo que pensaba que esto no podía ponerse más ridículo”. Entre apoyos, críticas y especulaciones, La Joaqui eligió un video breve y una frase contundente para responder, sin mencionar a nadie de forma directa, a la conversación que rodea su relación con Tiago PZK.

Alejandro Fernández reacciona con humor y emoción al enterarse de que su hija Camila Fernández espera a su segundo hijo. Durante un concierto privado posterior al anuncio público de la cantante, el intérprete la consuela entre bromas frente a los asistentes.

En un video que circula en redes sociales, padre e hija interpretan un tema juntos cuando Camila se detiene, visiblemente conmovida, y le dice a su padre que la hizo llorar. “El Potrillo” responde de inmediato con una frase que provoca risas y aplausos entre el público: “Es que estás embarazada. No llore mija, cante. Te amo”.

Camila Fernández anunció el embarazo días antes en pleno concierto

El momento ocurre después de que Camila Fernández confirmara su embarazo durante el primer concierto de su gira “Una raya más al tigre”, celebrado el viernes 2 de octubre en el Conjunto Santander de Artes Escénicas de Guadalajara, Jalisco. La cantante interrumpió su interpretación de “Hermoso cariño” —tema popularizado por su abuelo Vicente Fernández— para compartir la noticia con el público.

“¡Estoy embarazada, muchachos! Diosito me lo mandó”, exclamó la artista en pleno escenario. La revelación desató una ola de ovaciones entre los asistentes y la emoción llevó a Camila a detener momentáneamente la canción antes de retomarla con una sonrisa.

Horas más tarde, la cantante confirmó la noticia en sus redes sociales con un video donde muestra su pancita de embarazo sobre el escenario, acompañado del mensaje: “Mi hermoso cariño en camino”. El bebé será el segundo hijo de Camila junto a su esposo Francisco Barba y convertirá en hermana mayor a Cayetana, su primogénita de 5 años.

El cantante comparte su felicidad con el público

Fue en ese contexto que Alejandro Fernández tuvo su propio momento con la noticia, durante el encuentro privado donde interactuó con su hija. Después del intercambio de bromas, el cantante se dirigió directamente a los asistentes para hablar sobre el embarazo.

El intérprete expresó su alegría porque su hija espera a su segundo bebé y destacó la importancia de la familia en su vida. A lo largo de su carrera, Alejandro Fernández ha manifestado en distintas ocasiones el orgullo que siente por sus hijos y nietos, y esta vez no fue la excepción.

El bebé será el cuarto nieto del cantante

Con este embarazo, Alejandro Fernández se prepara para convertirse en abuelo por cuarta ocasión. La noticia llega en un momento de visibilidad para ambos artistas: Camila se encuentra en el arranque de su gira, mientras su padre continúa con su propia agenda de presentaciones.

El anuncio de Camila también generó reacciones de otras figuras del entretenimiento en redes sociales, que felicitaron a la pareja tras conocer la noticia. Para Alejandro Fernández, sin embargo, la celebración más visible fue la que compartió directamente con su hija sobre el escenario, en el video que después se viralizó entre sus seguidores.

Camila Fernández no ha precisado el sexo del bebé ni la fecha estimada de nacimiento. La dinastía Fernández suma así un nuevo integrante en camino, semanas después de que la cantante iniciara su gira por el país.

Esa búsqueda, marcada por dudas, críticas y conflictos personales, derivó en la formación de Wings, el grupo que encabezó junto a Linda McCartney.

Durante una proyección de Man on the Run en el Teatro Ted Mann del Museo de la Academia, en Los Ángeles, el artista de 84 años repasó esa etapa en una conversación con el comediante Judd Apatow y el director Morgan Neville.

Según informó Variety, el músico definió aquellos años como un período de reconstrucción luego de perder el único trabajo que había conocido durante más de una década.

“Los Beatles se separan, ese ha sido tu único trabajo, y de repente ya no lo tienes. Es como si te despidieran”, afirmó McCartney. Según explicó, esa necesidad de encontrar un nuevo rumbo después de la separación fue precisamente lo que dio origen a Wings.

El temor a una carrera en solitario

McCartney describió que la posibilidad de trabajar sin una banda le generaba inquietud. Tras publicar sus primeros discos posteriores a The Beatles, optó por reunir un grupo con Linda y otros músicos, aunque el desafío implicaba encontrar una identidad distinta de la que había construido junto a John Lennon, George Harrison y Ringo Starr.

“Creo que estar solo me daba mucho miedo, porque siempre había tenido la unión del grupo”, señaló el músico británico. También descartó la posibilidad de iniciar esa nueva etapa repitiendo la fórmula que había utilizado con The Beatles.

Explicó que podría haber compuesto canciones similares y reunido a otros músicos para recrear el estilo de la banda, pero consideró que eso habría convertido a su nuevo proyecto en una especie de grupo tributo.

Durante los primeros años, se resistió a interpretar el repertorio de su anterior grupo. Los promotores le sugerían tocar “Yesterday”, pero él respondía: “No, no lo haré”. Esa negativa formó parte de su esfuerzo por sostener el proyecto con material propio, aun cuando el nombre de The Beatles seguía presente en cada decisión artística.

La situación cambió después del éxito de Band on the Run. Para la gira mundial de Wings entre 1975 y 1976, el artista ya incorporó algunas canciones de The Beatles a sus conciertos.

La inspiración de Johnny Cash y el lugar de Linda McCartney

El origen de Wings tuvo un impulso concreto. McCartney relató que la idea apareció mientras veía por televisión a Johnny Cash, quien se había rodeado de Carl Perkins y otros músicos de country. “Pensé: ‘Johnny acaba de formar una banda. Qué buena idea’”, recordó.

Entonces le propuso a Linda McCartney formar parte del proyecto. “Me giré hacia Linda y le dije: ‘¿Formamos una banda? ¿Quieres estar en ella?’. Y ella simplemente dijo: ‘Sí’”, contó. La decisión recibió cuestionamientos desde el comienzo, dado que Linda no contaba con formación musical previa.

McCartney defendió esa elección al recordar los inicios de The Beatles. “Nosotros tampoco en los Beatles. No sabíamos nada. Pero aprendimos un par de acordes y aprendimos juntos”, subrayó.

El músico también situó esos años en una etapa de aislamiento en Escocia, donde vivía con su nueva familia. Contó que comenzó a beber con frecuencia tras la separación de The Beatles, aunque el nacimiento de sus hijos y el acompañamiento de Linda influyeron en su cambio de rumbo. “Tuve hijos, y eso me hizo cambiar de rumbo”, afirmó.

Las críticas a Ram y la tensión con John Lennon

La conversación también abordó las críticas que recibió Ram, el álbum publicado por Paul y Linda antes de la formación de Wings. Con los años, el disco ganó reconocimiento entre seguidores y críticos, aunque su recepción inicial afectó al ex Beatle.

“Escuché a los críticos y pensé: ‘Mmm, tal vez tengan razón’. Y durante años pensé que no era un muy buen álbum”, recordó durante la conversación.

El músico contó que un comentario de su sobrino modificó su mirada sobre ese trabajo. “Un día se me acercó y me dijo: ‘¿Sabes cuál es mi álbum favorito tuyo? Ram’. Yo dije: ‘¿Qué?’. Y de repente lo escuché y me volvió a gustar”.

Apatow también preguntó por la tensión con John Lennon, que cuestionó públicamente a McCartney y luego llevó esas diferencias a la canción “How Do You Sleep”. El ex integrante de Wings evitó atribuir una razón definitiva a esa disputa, aunque sostuvo que Lennon quizá esperaba otra clase de música de su antiguo compañero.

“Quería a John y lo quiero hasta el día de hoy y siempre lo querré. Siempre pensé que él era genial, pero podía ser un completo idiota en algunas cosas”, aseguró McCartney.

El liderazgo que terminó por asumir en Wings

Reconoció que su aspiración de construir una banda con relaciones más igualitarias chocó con el peso de su experiencia y sus propias expectativas. Entre risas, admitió que el hecho de haber sido un Beatle hacía difícil evitar una posición de liderazgo frente a músicos que no habían tenido esa experiencia.

McCartney explicó que intentó no adoptar de entrada ese rol, pero con el tiempo comprendió que Wings necesitaba que él tomara decisiones sobre la composición, la producción y la dirección musical. Según recordó, terminó asumiendo que era quien tenía que marcar el rumbo y señalar qué decisiones podían funcionar mejor para el grupo.

La proyección de Man on the Run reunió a 275 asistentes y se centró en el período de Wings entre 1970 y 1980. McCartney también elogió la decisión de Morgan Neville de contar la historia del documental sin recurrir a entrevistas actuales frente a cámara y destacó el resultado de la película.

La noche del sábado vivió un momento único en Madrid en el Estadio Shakira, el gigantesco recinto donde Shakira está llevando a cabo su residencia de conciertos en la capital española, y donde en su octava noche recibió entre gritos del público a otra estrella de la música: Dua Lipa. La cantante británica apareció por sorpresa en el escenario y cantó junto a la reina del pop latino Antología, una de las canciones más míticas de esta última, que su compañera conocía bien.

Al fin y al cabo, fue la misma Dua Lipa quien decidió cantar esa canción en solitario un año antes, en noviembre de 2025, cuando se encontraba en Bogotá dando un concierto por su Radical Optimism Tour. Entonces, la británica acostumbraba a añadir una canción a su repertorio que tuviera que ver con el lugar que visitaba para que el público la reconociera inmediatamente. De este modo, aquella noche, explicó al público colombiano que había escogido una obra de una artista que la inspira por su trayectoria y por la forma en que su música llegó a “tantas mentes y corazones alrededor del mundo”.

“Creo que todos ustedes pueden ayudarme a cantar la siguiente canción. ¿La conocen? Esto es Antología”. La elección adquirió un significado personal para Shakira. La canción pertenece a Pies descalzos, disco publicado en 1995, y forma parte de la primera etapa de la carrera de la intérprete de Barranquilla. Tras escuchar la versión desde Bogotá, Shakira compartió el video de la actuación y reaccionó en sus redes sociales. “Estoy tan emocionada de escuchar mi canción con la voz de Dua, en la misma ciudad donde la escribí hace años”, escribió la colombiana. “¿Ves cómo la música nos une? ¡Una chica de Londres y otra de Barranquilla!”.

De Bogotá a Madrid, con una posible colaboración en el horizonte

Ese intercambio de historias y de mensajes llenos de respeto y admiración cristalizó el sábado en Madrid con la primera actuación conjunta de ambas cantantes. Dua Lipa pasó de versionar la canción en la ciudad donde fue escrita a cantarla junto a su autora, sorprendiendo al público de la residencia de una Shakira que también halagó a la cantante en directo: “Para mí es un honor y un lujo cantar esta canción que significa tanto para mí con esta mujer tan admirada y tan querida en el mundo entero”. “Estoy muy agradecida de estar aquí”, dijo por su parte la británica. “¡Lo que le faltaba a esta gira!”, terminó diciendo la anfitriona.

El encuentro de Madrid renovó las especulaciones sobre una colaboración entre ambas figuras del pop. La admiración pública, la conexión previa alrededor de Antología y el hecho de que eligieran esa canción para su primer dúo fortalecen esa lectura entre los seguidores de ambas. Tanto Dua Lipa como Shakira son artistas muy proclives a colaborar con otros artistas. Si la británica ha compartido estudio con nombres como Calvin Harris, Elton John, Miley Cyrus o Bad Bunny, entre otros, la colombiana cuenta con temas junto a Beyoncé, Rihanna, Black Eyed Peas o Karol G.

Habrá que esperar para ver si el hecho de encontrarse en el escenario es la señal de una futura colaboración, aunque queda más claro que nunca la buena sintonía que existe entre ambas cantantes, así como el potencial que podrían tener sus dos voces combinadas. Eso sí, por el momento, Shakira deberá terminar su residencia en España, que alcanzará los doce conciertos con los de los próximos 4, 9, 10 y 11 de octubre. Por su parte, Dua Lipa ya se encuentra trabajando en su cuarto álbum, del que todavía se conoce muy poco.

A las cinco de la tarde el Galpón 11 vuelve a llenarse de instrumentos. Hay guitarras, teclados, un bajo, una batería y voces que llegan desde distintas épocas. Algunos de los músicos ya se conocen. Otros se ven por primera vez.

En común tienen una historia que parecía haber quedado suspendida en el tiempo. Todos, alguna vez, tocaron en bandas, subieron a un escenario, cantaron, acompañaron una canción. Después de esa juventud, por trabajo, por compromisos familiares, cambios de vida o porque los grupos se desarmaron, dejaron de hacerlo con continuidad. Pero ahora vuelven.

El programa municipal que los convoca se llama Volver a Sonar y forma parte del Plan Mil 65 de la Municipalidad de Rosario. La convocatoria está dirigida a personas mayores de 65 años que tuvieron algún vínculo con la música y que ya no desarrollan una actividad sostenida. Durante ocho semanas consecutivas, los participantes se encuentran en el Galpón 11, a la vera del río Paraná, para ensayar y construir una propuesta musical colectiva que terminará en una presentación.

Raúl Emilio Podestá llega con la guitarra criolla y eléctrica. En su recorrido aparecen nombres de grupos como La Sonora Panameña, Los Espaciales, Los Torbellinos, Estado Mayor, Palolo y los Indómitos y La Retroband. También forma parte de La 33 RPM. “Siempre el músico sigue tocando mientras se pueda”, dice.

Víctor Domínguez lleva seis décadas con la batería. Tocó en Los Fénix, Los Gringos y otros grupos. Dice que podría participar donde fuera necesario porque toca distintos estilos. Como jubilado, continúa vinculado al instrumento y actualmente integra la Legión de Bateristas de Rosario.

En otro momento de su vida, Isabel Edit Roldán fue corista de una banda dedicada a covers de rock nacional e internacional. Ahora dice que quiere volver a sentir “la emoción de años atrás”. Adriana Mónica Maini llega desde otro recorrido: cantante de repertorio variado, atravesó el melódico, el folclore, el tango, el jazz y el lírico, integró grupos y dedicó años a la enseñanza. Continúa realizando recitales en teatros y escenarios de la ciudad. No todos vienen de la misma música, tampoco de la misma generación.

Federico Valentini, secretario de Cultura de Rosario, explica que la iniciativa del Plan Mil 65 fue planteada con una doble mirada: garantizar el acompañamiento estatal durante los primeros mil días de vida y, después de los 65 años, trabajar sobre la vitalidad y los vínculos.

En Rosario viven más de 130.000 adultos mayores y, según los datos mencionados por Valentini, alrededor de 40.000 viven solos. La Municipalidad identifica parte de esas situaciones como casos de “soledad no deseada” y plantea abordarlas no solo desde la salud, sino también desde la cultura, el deporte y los espacios de encuentro.

En ese contexto apareció Volver a Sonar. La convocatoria les permite encontrarse con otros músicos que hasta entonces no conocían. “Está pensado para que quienes tuvieron un recorrido musical y, por el motivo que sea, en algún momento dejaron de tocar, puedan volver a hacerlo, volver a sonar y formar un grupo con personas que no conocían”, explica Valentini.

Para el secretario de Cultura, ahí está una de las claves del programa: generar encuentros capaces de convertirse en comunidad. La misma lógica, señala, atraviesa otras propuestas municipales vinculadas con el turismo, el deporte y la cultura. La intención es que el encuentro no termine cuando finaliza una actividad: que quienes se conocen puedan volver a verse, armar un plan, compartir una agenda y construir nuevos vínculos.

“Lo que se reproduce acá no es ni más ni menos que la amistad”, dice Valentini. Y esa amistad repercute en la salud física, en la salud mental y en el vínculo con las familias.

Antes de tocar, los participantes conversan, recuperan anécdotas y recuerdan lugares donde tocaron. Hay una historia musical de la ciudad que aparece mezclada con las historias individuales. Valentini dice que, cuando se entra a uno de estos espacios, lo primero que aparece es la vitalidad de quienes participan.

Una vitalidad necesita herramientas y espacios de protagonismo para no apagarse en la soledad. “Cada uno de ellos tiene una historia de vida para compartir, para enseñar mucho”, afirma. Y cuando escucha los ensayos, el funcionario ya imagina el escenario siguiente. “Artísticamente te digo que están en condiciones ya de hacer un anfiteatro, porque se los escucha bien”, dice.

Tres grupos, tres maneras de volver

La convocatoria terminó organizándose en tres grupos. Uno trabaja con rock popular, trova y folklore. Otro se mueve por el tango melódico. El tercero recupera el rock de las décadas del sesenta y setenta.

El grupo de los lunes reúne batería, guitarras, teclados y voces. El de los martes tiene una formación más cercana al tango y lo melódico, con teclados, guitarra y cantantes. Los miércoles aparecen guitarra, bajo, teclados, batería y voces para reconstruir una sonoridad asociada al rock de los sesenta y setenta. Este grupo se llama Vinilo.

En ese último grupo está Carlos Vera Marechal. Tiene 71 años y una relación larga con la música, aunque durante buena parte de su vida adulta tomó otro camino. Empezó a dedicarse a la música a los doce años y continuó hasta los treinta. Después estudió cine y se dedicó al audiovisual. La guitarra permaneció en su casa. Hubo alguna banda esporádica, pero nada que tuviera continuidad. Hasta que un amigo le avisó de la convocatoria.

“Se abrió una inscripción a un programa municipal para gente de más de sesenta y cinco años que retomen el camino de la música”, le dijo.

—¿Qué sentiste ese primer día en el estudio de grabación y los nuevos compañeros?

—Me encantó. Recién hablaba con uno de los integrantes y, más allá de que tengo admiración por cada uno de ellos porque son capos, me siento un poco al margen del tema. Hace mucho que no agarro la guitarra y por eso también me metí con la cuestión rítmica, que es lo que más o menos puedo pedalear. Pero cada uno de ellos es músico de primera, son capos.

—¿Qué es lo que más destacás?

—El factor humano. Hay una onda muy especial. Recién los conozco hace un mes y ya estamos como chanchos: hay mucha empatía, contención, cariño y respeto. Estoy muy contento con el programa...

—¿Qué significa la música para vos?

—La música no fue parte de mi vida: fue toda mi vida. La música y la matemática son lo mismo. Siempre fue una pasión, una cuestión que de pibe me apalancó, me llevó a conocer gente y a subir escenarios. Fue como un estilo de vida.

—Cuando te vas a dormir y apoyás la cabeza en la almohada, ¿te imaginás el día del recital, cuando salgan al concierto?

—Sí, me lo imagino como un momento muy grato, que vamos a disfrutar muchísimo.

—¿Se sabe el repertorio?

—Arrancamos con El extraño del pelo largo. Son canciones que bailé, que siempre me gustaron y que nunca hice. También La balsa, temas de los años 70.

—¿Qué puente hacés entre las canciones, la música y la ciudad? ¿Qué musicalidad tiene Rosario?

—Rosario es una fuente permanente de talento musical. Rosario aportó muchísimo a la música. Si bien en Buenos Aires están los grandes, los grosos, los que nos enseñaron y nos dieron para arrancar con esto, Rosario tuvo su aporte con Litto Nebbia en ese momento, cuando arrancaban los grandes.

Mercedes Ianniello, coordinadora del proyecto, cuenta que fueron los propios integrantes de Vinilo quienes eligieron el nombre de la banda. Otro de los grupos que coordina se llama Los del Galpón, una referencia directa al lugar donde ensayan.

El recorrido de la coordinadora

Ianniello es artista rosarina y participó de la escena musical de Rosario y Buenos Aires durante los noventa y los 2000. En Rosario integró El Lado, una banda de estética dark gótica con la que recorrió bares junto a otra cantante. Después pasó por Amarilla y Cautiva.

Durante su etapa en Buenos Aires participó en proyectos vinculados con la contracultura porteña y fundó bares como Sarajevo, Campamento Huno y El Cisne. Al regresar a Rosario inició el proyecto solista Mercedes en un millón, que luego se transformó en Mercedes y los un Millón. Cuando recibió la invitación para sumarse a Volver a Sonar, no dudó.

“Sentí que era algo que me iba a encantar hacer”, cuenta. Habla de acompañar una vuelta desde una dimensión humana que considera inseparable del trabajo.

—Contame con qué te encontraste. Primero, ¿qué expectativas previas tenías?

—Al principio fantaseaba porque había visto la convocatoria. La vi en redes cuando la abrieron y pensé: “Qué bueno esto”.

—¿Qué imaginabas?

—Con esas lecturas rápidas que hacés, entendí que convocaban a bandas enteras, grupos que ya habían tocado en otra época y que querían volver a tocar. Pensé que era una banda que se rearmaba. Como yo tuve bandas en los 90, dije: “Ah, como si nosotros nos anotáramos con mi banda”.

—Pero no era así.

—Después me aclararon que era gente que no se conocía. De todas maneras, es un poco así y un poco no, porque en el grupo de los miércoles hay tres personas que se conocen desde la juventud, patearon juntos un montón y tocaron. Eso está buenísimo porque hay conocimiento.

—También hay recorridos, historias personales y una franja etaria amplia.

—Sí. No es lo mismo tener 65 que más de 80 años, y hay gente de más de 80. Están conviviendo. Esto superó las expectativas porque una banda rearmada no sé si era tan divertido como esto que está pasando: ver cómo se conectan personas de distintas edades y gustos musicales.

—¿Cómo van a ser las bandas que se terminen de conformar? ¿Van a tener un estilo propio? ¿Van a ser diversas?

—Hay tres grupos, uno cada día. Yo coordino dos, que tienen formato de banda: batería, bajo, teclados, guitarra eléctrica, electroacústicas y voces. Cada día tiene una particularidad porque, cuando me entregaron la lista de integrantes, había géneros musicales asociados, pero también me dieron libertad para ver qué surgía. Por ahí uno era solo de rock y, a lo mejor, le pinta hacer una chacarera. Hoy por hoy, todo funciona.

—Mientras venía pensaba si esto puede ser una especie de capítulo de una película de Wim Wenders, al estilo Buena Vista Social Club, o una especie de reality estilo Popstars, pero de otra época.

—Me va más un encuentro al estilo Wim Wenders. De hecho, se está filmando un documental. Andan las cámaras dando vueltas todo el tiempo. Eso va a suceder, pero no sé con qué estética.

Nadie ha lucido jamás más genial frente a un fondo de playa en Zoom que Ringo Starr. Lo tiene todo: las gafas de sol con montura dorada y doble puente. La camisa vaquera de manga larga desabotonada sobre una camiseta negra. La barba negra perfilada, el pendiente de oro y la perilla bajo el labio. El único mechón de pelo que le cae sobre la frente, casi como un recuerdo del Superman de Christopher Reeve. Y quizá nadie haya sonado jamás más genial hablando de brócoli —sí, brócoli— que él, la columna vertebral rítmica de la banda más exitosa jamás formada. «Todavía solo como brócoli», dice con ironía, en su acento del norte de Inglaterra, sobre la verdura que una vez calculó que constituía el 99 % de su ser físico. «Si viene con la comida, sea cual sea la comida... Anoche comí un risotto con champiñones, y de acompañamiento había brócoli». Hace una pausa para lograr un efecto cómico: «Que me comí».

Y esta es mi presentación formal, en una entrevista por video a principios de septiembre, con sir Richard Starkey, el baterista favorito de mi padre. A los 86 años, la vida sigue siendo buena para Ringo, cuya carrera no es más que una inimaginable sucesión de «uno de los» tras otro «uno de los».

Uno de los bateristas más influyentes y celebrados en la historia del rock. Uno de los músicos más analizados, escrutados e imitados de los últimos 60 años. Y, por supuesto, uno de Los Beatles.

Ha impulsado «Peace and Love» («Paz y amor»), un mantra personal impregnado de la esperanza de menos violencia y de nostalgia por una época más optimista, durante un periodo de profunda división en Estados Unidos. «Yo solo puedo hacer esto», dice, levantando dos dedos para hacer el signo de la paz. «No puedo obligarte a hacerlo, ni a nadie más. “Paz” es una gran palabra para mí. Me encanta». También ha superado las burlas, la pérdida y la adicción, y ha salido del otro lado tan afable y accesible como cuando alcanzó por primera vez el estatus de ser conocido solo por su nombre de pila. «Están todos los bateristas de los que hayas oído hablar, y luego está Ringo. Ni siquiera necesitas un apellido», dice Max Weinberg, baterista durante muchos años de Bruce Springsteen y la E Street Band, quien entabló amistad con Starr, su héroe de infancia, hace más de 45 años. «Solo hay un Ringo». Steve Lukather, miembro fundador de Toto que toca la guitarra con Starr desde 2012, añade: «Es nuestro George Burns en muchos sentidos. El tipo va a vivir hasta los 200 años y seguirá siendo tan divertido y tan lúcido como siempre».

Los días de Starr siguen estando ocupados por la escritura y grabación de música nueva. Cuando se enciende ante un público, corre juguetonamente al escenario como un hombre de 30 años, levantando mucho las rodillas con cada zancada y bailando para deleite de la multitud. En el proceso, sigue ampliando el alcance y la repercusión de un catálogo musical que ya ha tocado a un número insondable de personas en la Tierra. «Sigo adelante porque sigo adelante», dice, atribuyéndolo a su dieta vegetariana y a un estricto régimen de ejercicio, además de haber descubierto cómo «levantar una o dos pesas» para poder seguir saltando por el escenario. «Nunca voy a ser Arnold Schwarzenegger, pero sigo moviéndome y caminando siempre que puedo».

En un momento en que más de sus contemporáneos empiezan a mostrar su edad en el escenario o abandonan este mundo por completo, no hay señal alguna de que él vaya a desacelerar. A diferencia de la letra de «Photograph», no se siente viejo —gracias a la dieta y el ejercicio— ni luce canoso —gracias a la tintura para el cabello—. En cambio, vuelve a la carretera para liderar Ringo Starr and His All-Starr Band, el supergrupo que formó hace casi cuatro décadas y con quien ha tocado casi cuatro veces más tiempo del que tocó con Los Beatles.

Así que, incluso después de más de medio siglo como el baterista más famoso del mundo, ¿qué lo sigue impulsando? No se trata del dinero para el millonario ni de la Beatlemanía que perdura. «Simplemente le gusta la comodidad de mirar alrededor del escenario, saber quién es cada persona y sentirse cómodo», dice Lukather. «Simplemente hace esto por diversión».

Mientras las palmeras virtuales se mecen al fondo, Starr reconoce que lo que necesita ahora es lo mismo que entonces: una pequeña ayuda de sus amigos. «Necesito una banda. No puedo simplemente salir con una batería y tocar “Yesterday” o “Photograph”», dice entre risas. «Es lo que soñaba hacer a los 13 años, y sigo haciéndolo. Y todavía me encanta hacerlo». No hay mucho que Starr le diría a su yo de 13 años sobre lo que debería haber hecho de forma diferente en la vida. Después de todo, es la misma persona a la que una vez preguntaron si la fama y la fortuna habían cambiado su vida, y respondió: «No, simplemente me han dado fama y fortuna».

Sin embargo, durante casi 70 años, ha perseguido el sonido que abandonó de adolescente. Su padrastro, Harry Graves, le regaló una Navidad su primera batería, que compró de segunda mano. El problema para el adolescente, dice ahora Starr, era que «eran unos tambores sucios y desordenados, y yo quería AJAX», la marca británica de baterías de Boosey & Hawkes, conocida por sus herrajes únicos. Finalmente consiguió su deseo, que, en su opinión, fue un gran error. «Esa es la peor decisión que he tomado en mi vida, musicalmente, porque he intentado recuperar esa batería durante el resto de mi vida», recuerda acerca de lo que pudo haber sido. «En aquellos días teníamos mucha más profundidad, y eso es lo que siempre buscaba en mis tambores. Por eso les ponía toallas encima, para hacerlos más graves». Añade: «Pero uno toma algunas decisiones tontas cuando tiene 17 años».

Sería una de las últimas veces que tomó una decisión tonta relacionada con la música. Cinco años después, dejó otra banda de Liverpool, Rory Storm and the Hurricanes, para unirse a otra banda llamada Los Beatles, sustituyendo a Pete Best en la batería. Meses después, estaba en la batería del single debut de la banda, «Love Me Do». Unos años más tarde llegó la primera actuación en The Ed Sullivan Show, que, en medio del caos de las chicas y mujeres gritando dentro del Studio 50 en Midtown Manhattan, mostró a la cámara acercándose a Starr en su elevada tarima de batería. En los aproximadamente 16 segundos en los que el entonces joven de 23 años aparece solo en pantalla ante una audiencia televisiva de más de 73 millones de personas, el baterista zurdo con corte de pelo moptop —la cabeza perpetuamente inclinada hacia la izquierda— se presentó al mundo con aquella batería Ludwig para diestros. Estaba aquel swing excepcional. Estaban los nítidos golpes de caja necesarios para escuchar «I Want to Hold Your Hand» por encima del estruendo. Y estaba la sonrisa suave y discreta grabada en su rostro durante lo que había sido la actuación más importante de su vida hasta ese momento.

«Su personalidad estaba tan ligada al ritmo que él era el gran groove que mantenía unidos a Los Beatles», dice Weinberg, quien le atribuye haberlo aconsejado sobre cómo encontrarse a sí mismo como artista cuando Springsteen disolvió la E Street Band durante una década. «Su forma de tocar la batería era tan nítida, tan precisa y tan presente que Ringo se convirtió en el líder de hacia dónde iba y finalmente llegó el estilo de batería del rock. Fue el Big Bang».

Cuando la conversación deriva hacia su enfoque de la batería décadas después, Starr defiende una simplicidad sofisticada que es tan filosófica como técnica. «Toco con la canción y con el cantante. No me pongo a hacer redobles. Para eso estoy aquí: para mantener el tempo y rellenar donde creo que [hace falta], pero no cuando el cantante está siendo emocional», dice. «Eso simplemente me salió de la nada. Es lo que hago».

Ese día, en su pantalla de Zoom con una playa dominicana de fondo, Starr está de ánimo reflexivo. Vuelve a mencionar a Graves —«el mejor padrastro del mundo»— y el amor de su padrastro por los roqueros directos de los años cincuenta, como Jerry Lee Lewis y Buddy Holly. Starr nunca pudo hacer eso, pero le reconfortaba saber desde joven que sería diferente en la batería. «Con el rock directo es bat-bat, pero yo no puedo hacer eso. Lo mío es más bien det-det-det-det. Tiene como un pequeño swing. Así es como toco, y es una forma normal de tocar para mí», dice. «Creo que eso supone una pequeña diferencia para la gente en mi forma de tocar».

De todas sus noches de gira con la All-Starr Band, Lukather ha decidido cuál es su parte favorita del espectáculo: mirar al público para ver si la energía elástica de Starr en el escenario, después de cantar y moverse al ritmo de la batería, ha dejado a algunas mujeres decepcionadas con sus maridos y sus limitaciones físicas. «Después de dos horas en el escenario, al final está haciendo saltos de tijera. Y ves a estas mujeres mayores mirando a sus maridos como diciendo: “¿Cuál es tu excusa, amigo?”», dice con una sonrisa.

Cuando surge la pregunta de cuánto tiempo más puede Starr seguir publicando música nueva y haciendo giras por todo el mundo, Lukather sonríe con suficiencia. «¿Y hacer qué?», responde, señalando que la esposa de Starr, Barbara Bach, reconoce que el baterista es más feliz cuando tiene algo que esperar: la siguiente canción, el siguiente álbum, el siguiente espectáculo. «Hace sus ejercicios de calentamiento vocal. Practica la batería. Hace sudokus avanzados y... corre en una cinta durante 45 minutos todos los días», añade.

El pasado y el presente siempre chocan para Starr. Se ha exigido a sí mismo al publicar dos álbumes de country bien recibidos en los últimos dos años, pero también sabe que algunas de las mayores ovaciones cada vez que sube al escenario con la All-Starr Band están reservadas para «Yellow Submarine» y «Octopus’s Garden», dos éxitos de los Beatles en los que él es la voz principal. Esto no le molesta, porque entiende lo importante que es preservar los vínculos que las personas tienen con él y con la música que abarca varias generaciones. «Una gran parte de mi espectáculo consiste en que miro a la gente del público y charlo con ella, y a veces estoy tan ocupado con lo que hago con la persona del público que se me olvida entrar en la canción», admite. «El público sabe que lo amo, y yo sé que ellos me aman».

Ha grabado y publicado más de 260 canciones en casi dos docenas de álbumes de estudio desde 1970, pero ninguna de ellas había sido un dueto con Paul McCartney, su compañero sobreviviente de banda. Pero unos dos años después de que tuviera una improvisada sesión de zapada en la batería en 2024 con el productor Andrew Watt, McCartney escuchó la grabación y creyó que tenía que convertirse en una canción. Starr comenzó a grabar los estribillos de «Home to Us» porque, bueno, eso era lo que siempre había hecho en el pasado. Esta vez no. Cuando el single se publicó el pasado mayo en el álbum de McCartney The Boys of Dungeon Lane, marcó la primera vez que los dos Beatles vivos interpretaron todas las voces de una canción como dúo. «[McCartney] dijo: “Oh, hombre, estás sonando genial. ¿Por qué no la cantas toda? La haremos como un dueto”. Y yo dije: “Sí, de acuerdo, ¡eso sí que será un cambio!”», dice Starr, soltando una carcajada. «Con Paul y conmigo, nunca había sido así antes. Siempre ha sido que él viene y toca el bajo para mí, como ha hecho varias veces en los últimos 50 años.

«Seguimos hablando, seguimos diciéndonos: “Te quiero, hombre”, y somos amigos cuando estamos en el mismo país».

Antes de que Starr tenga que volver a grabar un par de canciones ese día y a comer más brócoli, mi última pregunta debe ser sobre la primera vez que lo vi tocar. Fue el 7 de julio de 2010, y mis padres me llevaron a verlo celebrar su 70.º cumpleaños en el Radio City Music Hall. Cuando las luces de la sala no se encendieron de inmediato al final del espectáculo, Starr quería regresar a su camerino, pero su esposa le pidió que se quedara fuera del escenario un minuto. McCartney, vestido con traje completo y corbata estrecha, corrió al escenario para interpretar «Birthday», y Starr encontró sus baquetas y volvió a la batería justo a tiempo, sin querer perderse la diversión.

Incluso detrás de sus gafas de sol, sus ojos se iluminan al mencionar una historia que se ha contado repetidamente en mi familia durante los últimos 16 años. Ese momento le importó a Starr. Siempre le importó. «Fue algo hermoso, pero fue una locura porque la banda no me lo dijo, nadie del equipo me lo dijo», recuerda sobre la sorpresa. «Y entonces, simplemente dejé que todo eso se fuera».

Cuando terminó el bis, McCartney abrazó al cumpleañero. Con una sonrisa que se extendía por todo el Radio City Music Hall, Ringo Starr saludó a la multitud con signos de paz y les dijo que los amaba, como haría durante muchos años más. Luego se dijo en voz baja unas palabras a sí mismo, pues finalmente había terminado por esa noche.

«Gracias, Señor. Fue genial».

Fuente: The Washington Post

Ensayar escalas, leer una partitura y coordinar ambas manos pone en juego capacidades que los niños luego utilizan fuera del aula de música. Un estudio de la Universidad Northeastern vinculó la práctica regular de un instrumento musical con mejores resultados cognitivos y escolares. También observó diferencias en una vía de sustancia blanca del cerebro.

La investigación, publicada en la revista Developmental Cognitive Neuroscience, analizó a niños de entre 7 y 9 años: 38 tocaban un instrumento y practicaban al menos 30 minutos por semana; los otros 38 no tenían formación musical.

Los grupos fueron emparejados por edad, sexo y nivel socioeconómico. La mayoría de los participantes con formación musical tocaba piano o instrumentos de cuerda.

Los niños con formación musical obtuvieron mejores puntajes en varias pruebas

Los participantes realizaron evaluaciones de capacidades cognitivas, memoria de trabajo y desempeño escolar. En conjunto, quienes tocaban un instrumento registraron puntuaciones más altas en medidas de inteligencia general, razonamiento, vocabulario, relaciones espaciales y aprendizaje visual y auditivo.

También obtuvieron mejores resultados en una prueba de memoria de trabajo, una capacidad que permite mantener y manipular información durante un período breve. Esa habilidad interviene, por ejemplo, cuando un estudiante retiene una consigna mientras resuelve un problema o cuando sigue varios pasos para completar una tarea.

En el plano académico, el grupo con práctica musical superó al otro en indicadores compuestos de lectura, fluidez lectora, lenguaje escrito y matemáticas. Entre las pruebas individuales con diferencias se encontraban reconocimiento de palabras, comprensión lectora, ortografía, fluidez para decodificar palabras y conceptos matemáticos.

Kelsie L. Lopez, investigadora posdoctoral en psicología y una de las autoras principales, señaló que los beneficios aparecieron en una edad temprana. “No es necesario tener 20 años de experiencia”, afirmó.

Tocar un instrumento reúne atención, memoria y coordinación

La ejecución musical exige procesar varias tareas a la vez. Un pianista principiante debe leer símbolos, anticipar el ritmo, escuchar lo que produce, recordar la secuencia y coordinar movimientos precisos. En un violín, además, necesita regular la posición de los dedos y el desplazamiento del arco.

Para Psyche Loui, profesora de música de la Universidad Northeastern y directora del laboratorio Música, Imágenes y Dinámica Neuronal, esas demandas pueden ayudar a explicar los resultados. “La formación musical realmente ayuda a la función ejecutiva debido a las exigencias que impone al cerebro”, dijo al medio universitario.

Las funciones ejecutivas incluyen la atención sostenida, la planificación, el control de impulsos, la adaptación a cambios y la memoria de trabajo. No son capacidades exclusivas de la música: se utilizan para estudiar, organizar una actividad, comprender instrucciones y pasar de una tarea a otra.

La investigadora y educadora musical Anita Collins indicó que el aprendizaje de un instrumento implica ejercitar de forma repetida la escucha, la autorregulación y la planificación. Según explicó a Northeastern Global News, esas destrezas acompañan a los niños durante toda la jornada escolar.

Las imágenes cerebrales mostraron una diferencia que requiere cautela

Un subconjunto de 50 niños contaba con resonancias magnéticas que permitieron estudiar la microestructura de la sustancia blanca, el conjunto de fibras que conecta distintas regiones del cerebro. Los investigadores analizaron en particular el fascículo arqueado, una vía relacionada con la comunicación entre zonas vinculadas a la audición, el lenguaje y el movimiento.

En los niños con formación musical se observó un valor más alto de una medida llamada modo de anisotropía en el tramo derecho que une el giro precentral y la parte posterior del giro temporal superior. Esa medición describe la dirección que sigue el movimiento del agua dentro del tejido y puede aportar información sobre la organización de las fibras nerviosas.

El resultado cerebral perdió significación tras aplicar una corrección estadística por comparaciones múltiples, por lo que los propios autores piden interpretarlo con prudencia. Tampoco pudieron determinar si esa diferencia explicaba los mejores puntajes de las pruebas cognitivas.

El estudio utilizó datos obtenidos antes de una intervención sobre actividad física, por lo que no asignó al azar a los niños a recibir o no educación musical. Esa limitación deja abiertas otras explicaciones: las familias que facilitan la práctica de un instrumento podrían brindar, al mismo tiempo, otras oportunidades educativas o extracurriculares.

La investigación tuvo en cuenta el nivel socioeconómico al armar los grupos de comparación, pero sus autores remarcaron que el costo de los instrumentos y de las clases puede restringir el acceso. Por eso, plantean que las escuelas y los programas comunitarios podrían ampliar las oportunidades de contacto con la música durante la infancia.

El equipo propone que próximos trabajos analicen cuánto influyen la frecuencia de práctica, la edad de inicio, el dominio alcanzado y la exposición informal a la música.

Madrid vive durante esta semana unos de sus días más confusos en mucho tiempo. Capaz siempre de lo mejor y lo peor, en sus calles han convivido a la vez las protestas contra el Gobierno y la Comunidad por el tema de la vivienda y el caso Maricarmen, al tiempo que el mismísimo Woody Allen presentaba su próxima película ignorando por completo el tenso clima político. Entre la belleza y el esperpento, lo reivindicativo y lo escapista, no cabía pensar que una estrella se erigiese con una fuerza capaz de eclipsarlo todo. Pero si algo nos ha enseñado Madrid en todo este tiempo es que solo hace falta un escenario y algo de talento para ser capaz de conquistarla.

Álvaro Lafuente Calvo, más conocido como Guitarricadelafuente, ha sido esa estrella capaz de iluminar la capital en sus momentos más oscuros. Aupado por el reciente éxito de La bola negra, película que coprotagoniza junto a Miguel Bernardeau, Milo Quifes y Carlos González, el de Benicàssim salía al Movistar Arena para clausurar su disco Spanish Leather, pero a la vez para dar la bienvenida a la carrera que ya ha empezado por el Oscar. No es que lo admitiera sobre el escenario ni mucho menos, pero ahora mismo no solo es el favorito para arrebatarle la estatuilla a la mismísima Taylor Swift, sino también claro candidato al Oscar a Mejor actor de reparto, algo que no sucede desde 2007... cuando lo ganó Javier Bardem por No es país para viejos.

Precedido por la dulce voz de Isabel Sandoval que sonaba por megafonía con la otoñal Fade into you de Mazzy Star, Guitarricadelafuente saltaba al escenario como ese cervatillo asustado que ha demostrado ser dentro y fuera de la pantalla, una pequeña caracola que va cogiendo fuerza con cada ola. Hasta la cámara lo rehuía al principio, enfocando sus botas doradas -ese spanish leather del que ha hecho gala en su álbum- siendo enceradas bajo un pantalón de purpurina mientras sonaban los acordes de Full time papi, uno de sus grandes éxitos y encargado de abrir un concierto con un significado más que especial para el cantante.

Comprometido con Madrid y su gente

Consciente de que la noche apenas acababa de comenzar pero que suponía un y antes un después en su carrera, el castellonense arrancaba con un tímido “Viva Madrid” que más tarde se convertiría en todo un llamamiento a la unión, casi un poco como el arco de su personaje en La bola negra, ese soldado del bando sublevado al que “le han puesto un fusil en la mano” y quien poco a poco va encontrando su verdadera identidad en la mirada que le devuelve Rafael Rodríguez Rapún, el personaje interpretado por Miguel Bernardeau. No sabemos si Guitarrica miró a Miguel a la cara o sintió su reflejo en los ojos de todos los asistentes que lo acompañaba, pero sin duda encontró sus fuerzas y un inmejorable fusil sobre el público desplazado.

Tras calentar con Calypso y Futuros amantes con el primer guiño a la capital (“Cafeterías de Madrid se ven tan europeas”), el cantante se cambiaba su camisa vaquera y pantalones dorados por unos plateados a pecho descubierto. “Habéis venido a quemaros las pestañas, a relucir esta piel dorada”, recitaba poético mientras apuntaba a las botas que deslizaban por un escenario inundado de arena de playa. “Vamos a celebrar que vamos a vivir”, gritaba antes de entonar otro de sus primeros y más sentidos temas, Conticinio. Tras este momento tan íntimo entre el cantante y sus fans más acérrimos, el cambio de outfit daba paso a una sección mucho más rumbera y, por ende, más bailable para el público del Movistar Arena, que ya le había entregado su corazón pero ahora quería hacer lo propio con sus pies.

Pipe dream, Mataleón, Abc y especialmente La puerta del sol pondrían la nota más alegre, esta última especialmente después de estar dedicada a todos los desplazados a la acampada multitudinaria en el epicentro de la capital. Guitarricadelafuente no se olvidaba de todos los jóvenes y no tan jóvenes alzados en protesta por la vivienda como tampoco lo hacía su buena amiga Samantha Hudson, quien irrumpía en el concierto por videollamada y en directo desde la mismísima Puerta del Sol, desde la que convocaba a todo el público para la huelga de este sábado en Madrid.

Álvaro, Guitarrica y Sebastián

Demostrando al contrario de otros que se puede ser creativo y reivindicativo, estar interesado en el amor y las relaciones humanas sin renunciar a la conciencia social, Guitarrica daba paso al momento más esperado de la noche. La primera interpretación de La nieve, la canción original de La bola negra y clara aspirante al Oscar, cobraba vida por fin sobre un escenario en el que el cantante aparecía con la ya mítica trompeta de Sebastián. El niño, el cantante y el actor se convertían en uno solo al interpretar los preciosos acordes y cantar esos versos que acompañan una de las escenas más bellas y singulares del filme de los Javis y ya de la historia del cine español: “Llego el primero donde arden mil fuegos / De carne y lucero, es mi cruz / Mira de frente como hacía a los veinte / Y quién no le teme al sol / Llego a la nieve, mira qué tontería / Arden las turbias palabras que nunca aprendí”. Que se prepare Taylor Swift y todo Hollywood, que llega un chico de larga melena y más largas pestañas para arrasar en el Dolby Theatre.

No sería una fiesta redonda sin sus invitados más singulares, y tras interpretar La nieve el cantante bajaba del escenario para celebrar el éxito de La bola negra al ritmo de Agua y mezcal con algunos de sus compañeros de reparto. Miguel Bernardeau o Carlos González aparecían por la pantalla en blanco y negro y desataban el griterío del estadio con casi la misma fuerza que los soldados de la película al ver a la cupletista de Penélope Cruz. La chispa entre Guitarrica y el antiguo actor de Élite sigue intacta, y de ahí surgía de nuevo una ráfaga de fuego (metafórico pero también literal, que para algo lo tiene el Movistar Arena) para continuar con Quién teme a la maquina, Guantanamera y Tramuntana, su particular carta de amor a la Cataluña en la que ha crecido los últimos años y a la que profesa tanto o más cariño que Madrid.

El colofón llegaba con su gran hit y carta de despedida oficial para el disco, BABIECA! una canción con la fuerza del caballo del Cid pero que en realidad está dedicada a la historia de amor de sus padres, aunque bien podría ser una predicción de su carrera actual: “Sale en prime time, las noticias / Hoy tengo el poder, la delicia / Pierdo el control en la pista”. Aquel chico con mirada de cervatillo y melena de león sacaba un último esfuerzo para despedirse con Sixtinain, uno de sus primeros temas y que dice: “Voy viajando con las olas / Evitando el temporal / No me falla la memoria / Y tú tampoco lo harás”. Desde este momento y hasta que Hollywood diga lo contrario, Guitarricadelafuente viajará con las olas y con millones de españoles a su lado, pues se ha ganado ya un rincón privilegiado en el corazón de todos con los que su música han bailado.

Hay canciones que sobreviven a sus propias épocas y se instalan en la conciencia colectiva como si siempre hubieran estado ahí. “Presente (El momento en que estás)” es una de ellas. La escribió Ricardo Soulé a los 17 años, en el Nacional de Quilmes, después de una ruptura adolescente. Lo que surgió no fue una balada de desamor sino un tratado sobre la impermanencia: “Todo concluye al fin, nada puede escapar / Todo tiene un final, todo termina”. Este viernes, a los 76 años, esa filosofía que Soulé cantó toda su vida se cumplió para él. La noticia de su muerte obliga a hacer lo que su obra siempre mereció y pocas veces recibió en su justa medida: una valoración de su impacto en la cultura argentina del último medio siglo. Con todo ello, Soulé ocupa un lugar preferencial en la historia de la música popular de nuestro país.

El rock argentino tardó en encontrar su idioma. A finales de los años sesenta, los grupos del conurbano cantaban en un inglés fonético que nadie entendía, incluyendo los propios músicos. Soulé lo admitió sin pudor: era “cualquier delirio”, una moda que se imitaba sin comprender. El quiebre llegó en las trasnochadas del Teatro Payró de Buenos Aires, cuando Luis Alberto Spinetta se acercó a los camarines de Mach 4 —la banda que más tarde sería Vox Dei— y planteó la pregunta que cambió todo: por qué desperdiciar un idioma tan rico cantando en una lengua extranjera. “Era una picardía perderlo por seguir una moda”, resumió Soulé con las palabras que su interlocutor le dejó para siempre.

Ese viraje no fue solo estético. Cantar en castellano obligó a los músicos a hacerse cargo de lo que decían, a desarrollar una lírica propia, a dejar de esconderse detrás del exotismo fonético. Soulé fue uno de los primeros en asumir esa responsabilidad a fondo. Sus letras no buscaban el gancho fácil ni la imagen decorativa: abordaban el tiempo, la fe, la muerte, la épica medieval, los profetas bíblicos. En una escena que todavía buscaba su identidad, esa ambición resultó fundacional.

Una ópera rock pionera en español

En 1971, con 20 años, Soulé lanzó La Biblia según Vox Dei. La idea había llegado en un colectivo urbano: musicalizar las Sagradas Escrituras desde el rock. El contexto hacía la apuesta más difícil: Argentina atravesaba una dictadura militar y la Iglesia Católica ejercía un poder de veto cultural que ninguna banda joven podía ignorar. El sello convocó al Arzobispado. Monseñor Emilio Grasselli revisó las letras y, en lugar de censurarlas, las avaló con entusiasmo. “A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios, y vos apenas con un silogismo lo conseguiste”, le dijo al joven compositor. La carta eclesiástica viajó dentro de las primeras ediciones del álbum y desactivó cualquier intento de represalia.

El disco fue contemporáneo de Tommy de The Who y de la banda de sonido del musical Jesus Christ Superstar, pero llegó antes que cualquiera de las dos al mundo hispanohablante. Es la primera ópera rock en castellano, un hecho que la historia del género tendió a subvaluar durante décadas. Más de 150 horas de grabación, una orquesta de cámara de 25 cuerdas, flautas traversas y un coro de 16 voces femeninas: la ambición técnica y conceptual del proyecto no tenía antecedentes en la industria fonográfica argentina de la época. Lo que en su lanzamiento generó reacciones diversas terminó convirtiéndose en uno de los pilares del canon cultural del país.

La trayectoria de Soulé estuvo marcada por una tensión permanente con los imperativos comerciales. En 1980, Vox Dei ensayó durante meses el material de El Cid Campeador según Vox Dei, otra obra conceptual que el sello Polydor rechazó de plano: demasiado compleja, nada radiable. La negativa precipitó la separación de la banda. Soulé no archivó el proyecto. Viajó a Estados Unidos y grabó Romances de Gesta (1982), rescatando el material del Cid en un disco solista que el estallido de la Guerra de las Islas Malvinas sepultó comercialmente antes de que pudiera circular. La obra sobrevivió de todas formas.

La elección del personaje no era arbitraria. El caballero castellano desterrado por su rey pero fiel a su propio código de honor era, para Soulé, una metáfora del artista que no transa su visión frente a los poderes que exigen rentabilidad inmediata. Esa lectura era también autobiográfica. A lo largo de casi seis décadas, financió proyectos de escaso rédito —la saga medieval del Cid, el experimento de cuerdas de Osadía (1991), donde prescindió de toda la instrumentación eléctrica habitual y grabó blues y rock con un cuarteto de cuerdas clásicas en Madrid— antes que ceder a fórmulas que garantizaban ventas pero traicionaban su rumbo.

El sonido de Soulé sobre la guitarra eléctrica era inconfundible porque venía de otro lado. Su padre lo inició en el violín a los seis años. Estudió luego en el Conservatorio Santa Cecilia de Buenos Aires, donde integró dúos, tríos, cuartetos y orquestas sinfónicas. Esa formación le dejó un fraseo largo y sostenido, un vibrato expresivo y una comprensión armónica que difería por completo de los patrones del blues eléctrico que dominaban el rock de la época. Emilio del Guercio, que lo conoció en los años del Teatro Payró, señaló que la instrucción clásica determinó incluso la manera física en que Soulé colocaba las manos sobre el diapasón. El violín se trasladó a la guitarra no como ornamento sino como lógica profunda: el fraseo melodioso, el legato, el vibrato dramático. Esa síntesis entre la academia y el arrabal suburbano fue lo que distinguió su toque en un mercado donde la influencia anglosajona dominaba sin contrapesos. En sus últimos años, dejó de confiar en guitarras de serie y comenzó a encargar instrumentos a luthiers independientes, obsesionado con las cualidades de las maderas y el tono resultante.

La universalidad de “Presente”, tal vez su composición más célebre, excedió cualquier predicción razonable. Incluida en la banda sonora de la película Tango Feroz (1993), encontró a una nueva generación que no había vivido los setenta. En 2020, una versión con Ricardo Mollo, David Lebón, Gustavo “Chizzo” Nápoli y Elena Roger ratificó su condición de himno intergeneracional. Soulé contó, con mezcla de asombro y orgullo, que el tema había sido versionado en ritmo de cumbia en países africanos e interpretado fonéticamente por jóvenes músicos árabes a través de internet.

Cuando Gustavo Cerati versionó “Génesis” en el Comfort y música para volar. MTV Unplugged de Soda Stereo (1996), replicó nota por nota una toma descartada e inédita de la grabación original de 1971, nunca publicada comercialmente. Soulé, al enterarse, calificó la experiencia de “rarísima” y dijo, entre la broma y una genuina perplejidad, que si Cerati lo había escuchado, lo había escuchado “en otra frecuencia, no en la frecuencia de la Tierra”. La anécdota funciona como metáfora de algo más amplio: el alcance de su obra desbordó siempre los canales por donde se suponía que debía circular.

La banda se consolidó durante la extensa gira de acompañamiento del álbum where are we, junto a la cantante Gabrielle Cavassa. Fue en ese período de trabajo continuo donde Redman, Cornish, Norris y Ebo desarrollaron la identidad colectiva que luego quedó plasmada en la grabación. “Estuvimos de gira juntos con Gabrielle Cavassa durante casi dos años para acompañar el álbum where are we, así que fue una gran oportunidad para conocernos musicalmente y desarrollar niveles aún más profundos de sensibilidad, empatía, confianza y seguridad como colectivo”, describió Redman.

Nacido en Berkeley, California, e hijo del legendario saxofonista Dewey Redman, Joshua creció expuesto desde temprana edad a músicas de procedencias muy diversas: jazz, clásica, rock, soul, música india e indonesia, entre otras. Aunque tocó clarinete desde los nueve años antes de pasarse al saxofón tenor, la academia fue siempre su primera prioridad: se graduó summa cum laude de Harvard en 1991, con una licenciatura en Estudios Sociales. Tenía una plaza asegurada en la Facultad de Derecho de Yale, pero la postergó para instalarse en Brooklyn —apenas por un año, según creía entonces—, y nunca regresó a las aulas. En noviembre de ese mismo año, apenas cinco meses después de mudarse a Nueva York, Redman ganó el prestigioso Thelonious Monk International Saxophone Competition. El reconocimiento lo lanzó a una carrera que acumula más de veinte álbumes, tres nominaciones al Grammy y colaboraciones con figuras como Pat Metheny, Brad Mehldau, Charlie Haden, Herbie Hancock y Yo-Yo Ma.

Words Fall Short reúne piezas que Redman comenzó a desarrollar durante el aislamiento, pero que adquirieron su forma definitiva en contacto con el cuarteto. “La música no tiene sentido hasta que la toca una banda. La banda le da vida. La banda le da sentido. La banda es dueña de la música”, afirmó el saxofonista. El álbum fue grabado para Blue Note Records, sello histórico del jazz, y representa la primera entrega de Redman en ese catálogo.

En diálogo con Infobae Cultura, Redman habló sobre cómo nació y se consolidó este cuarteto, qué busca en sus músicos y qué le sucede a una composición cuando pasa del aislamiento creativo a convertirse en algo colectivo. También reflexionó sobre la relación entre experiencia, confianza e incertidumbre en la improvisación.

—En 2023 te presentaste en Buenos Aires por última vez hasta ahora ¿Qué ha cambiado en ese período de tiempo en términos personales y grupales?

—Cuando vine en 2023, era la primera vez que tocaba con Philip y Nazir juntos. ¡Supe desde el primer compás que iba a funcionar! Tocamos con Paul un par de meses después, y la química fue instantánea. Estuvimos de gira juntos con Gabrielle Cavassa durante casi dos años para acompañar el álbum where are we, así que fue una gran oportunidad para conocernos musicalmente y desarrollar niveles aún más profundos de sensibilidad, empatía, confianza y seguridad como colectivo. Ahora siento que esta es una de las mejores bandas de las que he formado parte. He estado escribiendo mucha música nueva para ellos, y también hemos ido incorporando gradualmente a nuestro repertorio temas «más antiguos» que escribí hace mucho tiempo. Siento que, les tire lo que les tire, simplemente lo atrapan y siguen adelante con ello. Saben cómo hacer música hermosa y cautivadora de cualquier cosa y de todo.

—Este cuarteto se reunió originalmente en torno a la gira de where are we, pero finalmente se convirtió en el grupo con el que grabaste Words Fall Short. ¿En qué momento te diste cuenta que habías encontrado una identidad de banda distintiva?

—Creo que me di cuenta inmediatamente: teníamos un sonido colectivo. Empezamos tocando música que había sido desarrollada y grabada por otra banda; pero estos chicos encontraron una manera de aportar su propia sensibilidad y perspectiva, conservando al mismo tiempo todos los elementos interpretativos esenciales. Así que supe que esta banda tenía algo único. También sabía que llevaría tiempo profundizar realmente esa identidad y encontrarnos y conocernos verdaderamente como colectivo. No se pueden apresurar ni forzar estas cosas. Hay que dejar que se desarrollen y evolucionen según su propio ritmo y dirección. Afortunadamente, esta banda parece evolucionar increíblemente rápido. A veces siento que me cuesta seguirles el ritmo, como si me estuviera aferrando con todas mis fuerzas. ¡Pero qué viaje!

—Has descripto a Paul Cornish como alguien que puede ser profundamente empático y, al mismo tiempo, estar dispuesto a desafiarte musicalmente.

—Es exactamente lo que busco. Lo sé cuando lo escucho o, más precisamente, cuando lo siento. Llevo haciendo esto desde hace tiempo y he tenido la suerte de tocar con algunos de los mejores músicos del mundo. Así que siento que puedo reconocer con bastante rapidez y naturalidad cuándo alguien tiene «eso» y cuándo ese algo también es compatible con —¡y también desafía a!— «lo mío». Paul tiene eso. Philip y Nazir también.

—Philip Norris y Nazir Ebo pertenecen a una generación considerablemente más joven que la tuya, y has elogiado especialmente su madurez, sensibilidad y capacidad para escuchar. ¿Qué aportan a tu música?

—Son jóvenes, sí. Y están en su mejor momento físico y mental. Sus cuerpos y mentes son fuertes, rápidos, fluidos, ágiles… Aprenden muy rápido. Lo recuerdan todo. Y pueden ejecutar prácticamente cualquier cosa. Ah, recuerdo vagamente cómo era eso, jajaja…

En cuanto a lo que aportan a mi música que es diferente de lo que hacen los músicos de mi propia generación, sinceramente no me gusta pensar en esos términos. Realmente no los veo, ni los trato, ni me relaciono con ellos de manera distinta a como lo haría con cualquier otro músico. Son grandes músicos. Punto. Hacemos buena música juntos. Eso es lo único que importa. Tengo suerte de tocar con ellos.

—Words Fall Short reúne composiciones que comenzaste a desarrollar durante la pandemia, pero que encontraron su forma definitiva cuando las tocaste con este cuarteto. ¿Qué le sucede a una composición cuando pasa del aislamiento en el que fue creada a convertirse en algo colectivo?

—La música no tiene sentido hasta que la toca una banda. La banda le da vida, le da sentido. La banda le impregna emoción y espíritu. Es dueña de la música. Si la música no funciona con y para la banda, entonces no es música, al menos no para esa banda.

—Has hablado del jazz como una música que exige “abrazar la incertidumbre”. Después de tantos años ¿Sientes que la experiencia y la confianza cambian esa sensación, o en realidad te permiten asumir riesgos?

—La confianza y la empatía crean las condiciones para abrazar la incertidumbre de manera plena y auténtica. Es porque nos conocemos tan bien y confiamos tanto los unos en los otros que podemos asumir los mayores riesgos e improvisar de verdad, colectivamente, con confianza, dirección y entrega.

[Fotos: prensa Bebop]

Pasadas las ocho y media de la mañana, con la agenda noticiosa todavía marcando el ritmo del día, Infobae al Amanecer recibió una visita poco habitual para ese horario: el músico Iván Noble, que llegó a cambiar por un rato el clima informativo con un repaso por su obra, anécdotas de familia y reflexiones sobre el amor. El cantante, con más de tres décadas de trayectoria entre Los Caballeros de la Quema y su carrera solista, aprovechó la entrevista para presentar su nueva versión de “Mi historia entre tus dedos”, del italiano Gianluca Grignani, y terminó por desplegar un repaso íntimo sobre la paternidad, los vínculos afectivos y su propia relación con el paso del tiempo.

En el estudio de Infobae en Vivo, el cantante contó el origen de esta versión, quizás una rareza para la ortodoxia rockera, pero una práctica no tan alejada de su aventura solista. La canción se sumó a su repertorio después de una invitación a cantar en la fiesta Fa, ocasión en la que eligió interpretar un tema ajeno en lugar de uno propio y optó por la balada italiana. Con el tiempo, vio crecer la recepción en sus shows y eso terminó de inclinarlo a grabarla en estudio. “La gente, no importa si está en Formosa, en Cariló o en Paraguay, cuando llega el estribillo está toda cantando”, contó sobre las reacciones del público.

Ese gusto por la música italiana viene de la infancia, heredado de su madre. En la casa de su abuela escuchaba a Domenico Modugno y a otros referentes de la canción romántica italiana, un género que sin embargo le costaba reconocer cuando empezaba como cantante de rock, en los años noventa. “Esas canciones en ese momento, a los que hacíamos rock, nos daba un poco de vergüenza decir que nos gustaban, porque éramos tontos”, admitió. Las cantaba puertas adentro, en la ducha o en sobremesas de asado, lejos de cualquier exposición pública, hasta que con los años perdió ese pudor.

Cabe recordar que la costumbre de interpretar canciones ajenas atraviesa buena parte de sus discos solistas, como el propio Noble enumeró durante la charla. Grabó junto a Joan Manuel Serrat el tema “Las malas compañías” y registró versiones de canciones de Leonardo Favio, María Elena Walsh y Julio Iglesias. El criterio detrás de esas elecciones, según explicó, pasa por una idea simple: las canciones hermosas no tienen género ni dueño.

La conversación derivó luego hacia el terreno familiar y el foco en su hijo, Benito, de 20 años, fruto de su relación con Julieta Ortega. “Mi hijo está estudiando Educación Física y ahora más específicamente para personal trainer. Además, está empezando a laburar en producción de shows con su abuelo y conmigo a veces. Se está subiendo a los micros de gira”, contó Noble, con algo de orgullo por ver que su hijo se mueve en el mismo terreno que él y que Palito

“Por ahora labura más con el abuelo que conmigo, de asistente de escenario. Está haciendo todo ese recorrido. Tal vez termina teniendo que ver con producción de shows”, aventuró. Consultado sobre cómo vive ese comienzo, respondió: “A mí me alegra mucho verlo empezar a moverse”, sin embargo, aclaró que nunca buscó orientar la vocación de su hijo hacia la música o el deporte profesional, y citó una frase del boxeador Joe Louis que suele repetirle a modo de ejemplo: “Simplemente hacé lo mejor que puedas con lo que tengas”.

Sobre esa etapa en la que los hijos dejan de ser niños sin convertirse aún en adultos plenos, Noble la describió como un período cada vez más extenso en términos socioculturales. Llegado ese momento, consideró, corresponde que los padres dejen de intervenir en las decisiones de sus hijos, quienes empiezan a definir qué tipo de personas quieren ser a partir de lo que recibieron de su propia crianza.

El amor atravesó buena parte del tramo final de la charla, a partir de frases que el propio Noble había pronunciado en distintas entrevistas. Sobre su fama de inexperto en cuestiones amorosas, el músico la profundizó con ironía: “Mucho más que un inexperto, un torpe a secas, un imbécil serial”. Para él, nadie puede tener “un doctorado” en el amor, y esa certeza no le impide estar enamorado en la actualidad, aunque aclaró que lo está “inexpertamente”.

Algo similar ocurrió con la idea de ser un buen exmarido. Noble prefirió no adjudicarse esa condición y dejó la evaluación en manos de Julieta, la madre de su hijo: “Yo creo que sí, pero no seré yo quien hable bien de mí. Tenés que preguntarle a ella”. Lo que sí definió fue el criterio que intenta sostener desde la separación: una cuota de respeto y cuidado hacia la expareja que, dijo, “no se debería perder nunca”, sobre todo porque un hijo necesita “crecer viendo a sus padres tratándose amorosamente”.

Esa misma distancia marcó su relación con la exposición mediática de la vida privada, un terreno del que el músico se mantiene al margen. “No hay que tomarse muy en serio ni a uno mismo ni al entorno”, resumió sobre el mundo del espectáculo, al que calificó de ambiente “lleno de pequeños anzuelos” que prefiere esquivar.

El cierre llegó con una reflexión sobre la muerte. Noble relativizó el viejo mito del rock que asocia la juventud con una salida trágica y “un cadáver elegante”, una idea que directamente calificó de “tontería”. Su deseo va en la dirección contraria: “Me quiero morir de viejo, en lo posible”, dijo, y eligió una emblemática escena de Marlon Brando en El Padrino para ejemplificarlo.

Antes de despedirse, el artista adelantó sus próximas presentaciones en vivo: el 17 de octubre se presentará en el teatro Metro de La Plata, y los días 6 y 13 de noviembre lo hará en La Trastienda, en el barrio porteño de San Telmo, con el espectáculo Canciones traspapeladas, que reúne temas que no interpretaba desde hacía mucho tiempo. La idea del show surgió, según explicó, como respuesta a la tendencia de repetir siempre el mismo repertorio en los conciertos. “Esa es una de las desgracias más grandes de la vida en general y de la música en particular, terminar poniendo el piloto automático”, afirmó, sobre una práctica común en su oficio que de esta manera, se propone combatir.

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• De 15 a 18: Infobae a la Tarde: Manu Jove, Maia Jastreblansky y Paula Guardia Bourdin; rotan en la semana Marcos Shaw, Federico Cristofanelli, Rosendo Grobo, Lara López Calvo y Tomás Trapé.

• De 18 a 21: Infobae al Regreso: Gonzalo Aziz, Diego Iglesias, Malena de los Ríos y Matías Barbería; rotan en la semana Gustavo Lazzari, Martín Tetaz y Mica Mendelevich

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Hablamos de la banda sonora de la película, compuesta por el músico Raül Refree y la cual ha sido publicada una semana después de su estreno, aunque con algo de polémica. Las bandas sonoras de las películas de estreno suelen llegar el mismo día en que el filme llega a cartelera o incluso unos pocos días antes, pero en el caso de La bola negra esto se ha retrasado un poco más, de ahí que muchos fans se preguntasen si la partitura de la película de los Javis llegaría a ver la luz. Pues bien, lo ha hecho finalmente y ya puede escucharse en plataformas de streaming como Spotify, aunque habrá que esperar un poco más para poder adquirirla en formato físico.

Eso sí, el lanzamiento de la banda sonora ha venido con una ausencia muy grande que no han tardado en señalar muchos fans en redes sociales. Hablamos de la no inclusión de dos canciones importantes para la película, como son el Soldadito español que interpreta Judeline -también presente en el filme en calidad de actriz en el que es su debut cinematográfico- y sobre todo la versión de La leyenda del tiempo de Camarón de la Isla, que además de Refree cuenta con la colaboración del músico Pablo Lluch, conocido principalmente por su labor en la academia de Operación Triunfo.

Otro posible premio para una película que aspira a todo

“no subir soldadito español y la leyenda del tiempo es como si a paquita salas le quitas a noemí argüelles y a lidia san josé”, “queremos la leyenda del tiempo y soldadito español! no hagas como en la mesias sin meter el arbol” o “faltan esas dos canciones” son solo algunos de los comentarios que han circulado por redes sociales como X o Instagram reclamando esos dos temas, aunque de momento ni Refree ni ningún otro miembro de La bola negra se han pronunciado al respecto. La banda sonora sí incluye La nieve, la canción original de Guitarricadelafuente que podría estar nominada al Oscar y quién sabe si incluso ganarlo.

Es una de las muchas candidaturas posibles para una película que ahora mismo se presenta como gran contendiente para los Oscar, con permiso de La Odisea. Los Javis llevan ganando premios desde que debutasen en el Festival de Cannes y la película está atrayendo cada vez más y más público, no solo en nuestro país sino también más allá de nuestras fronteras. Habrá que esperar hasta enero para ver finalmente cuanto del ruido se transforma en nominaciones, pero de momento los espectadores podrán disfrutar de la compañía de la banda sonora de una película que ya es historia del cine español.

Actualización: la productora de la película, Suma Content, ha anunciado que solo se trata de un EP y que el álbum completo saldrá el próximo 16 de octubre con las canciones originales que aparecen en la película.

Iron Maiden se presenta este viernes 2 de octubre en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México, dentro del Run For Your Lives World Tour, gira con la que la banda británica celebra 50 años de carrera. La apertura de puertas está programada para las 16:30 horas y el concierto inicia a las 21:00 horas.

El recinto puede recibir alrededor de 65,000 personas en esta configuración, de acuerdo con Lifeboxset. Anthrax funciona como banda soporte de la noche.

El repertorio se concentra en los primeros nueve discos de la banda

La gira tiene un concepto definido: el setlist se limita a canciones de los primeros nueve álbumes de estudio, desde Iron Maiden (1980) hasta Fear of the Dark (1992). Eso deja fuera material de discos posteriores como Brave New World, Dance of Death, The Final Frontier o Senjutsu.

Con base en las fechas previas de esta gira, el posible setlist para el show en la capital mexicana incluye “Murders in the Rue Morgue”, “Wrathchild”, “Killers”, “Phantom of the Opera”, “The Number of the Beast”, “Infinite Dreams”, “Powerslave”, “2 Minutes to Midnight”, “Rime of the Ancient Mariner”, “Run to the Hills”, “Seventh Son of a Seventh Son”, “The Trooper”, “Hallowed Be Thy Name” e “Iron Maiden”. El cierre contempla “Churchill’s Speech”, “Aces High”, “Fear of the Dark” y “Wasted Years”.

Bruce Dickinson adelantó que temas como “Hallowed Be Thy Name”, “Run to the Hills”, “The Trooper”, “The Number of the Beast”, “Killers”, “Powerslave” y “2 Minutes to Midnight” forman parte central de esta etapa del tour. El orden todavía podría cambiar durante la presentación en México.

Los boletos generales aparecen agotados en Ticketmaster

La venta regular de boletos para el concierto principal aparece como “sin disponibilidad” en Ticketmaster. La plataforma mantiene activos únicamente productos adicionales como Fast Lane, experiencias lounge y opciones de transporte, que no incluyen necesariamente la entrada al evento.

Antes del agotamiento, los precios de los boletos oscilaban entre 967.25 pesos en la zona Naranja C y 3,209 pesos en la Zona GNP. Las zonas intermedias incluían Verde B en 2,465 pesos, General A en 2,207.25 pesos, Verde C en 1,339.25 pesos, Naranja B en 1,823.25 pesos y General B en 1,463.25 pesos.

StubHub mantiene entradas disponibles para quienes no consiguieron boleto en la venta oficial. Ticketmaster suele liberar un remanente un día antes del evento en casos similares.

¿Dónde está ubicado y cómo llegar al Estadio GNP Seguros?

El recinto se encuentra en Viaducto Río de la Piedad s/n, colonia Granjas México, alcaldía Iztacalco, dentro de la Ciudad Deportiva Magdalena Mixhuca.

La opción de transporte público más recomendada es la Línea 9 del Metro, color café, con las estaciones Ciudad Deportiva o Velódromo como las más cercanas al recinto. Desde ahí los asistentes pueden caminar hacia la Puerta 6 del complejo. El costo del Metro es de 5 pesos por viaje.

Quienes prefieran el Metrobús pueden bajar en las estaciones UAM-Iztapalapa o UPICSA de la Línea 2, con un costo de 6 pesos por viaje. En ambos casos se requiere tarjeta de movilidad integrada para ingresar al sistema.

Para quienes lleguen en automóvil, el estacionamiento general está disponible con cupo limitado por la Puerta 15 sobre la calzada Añil y la Puerta 9 sobre Viaducto Río de la Piedad. Los accesos vehiculares también pueden habilitarse por las puertas 7, 8, 9 y 15 del Autódromo Hermanos Rodríguez.

La taquilla del día del evento opera en la puerta 6 de la Ciudad Deportiva Magdalena Mixhuca, normalmente de 10:00 a 22:00 horas. El recinto advierte que los accesos pueden cambiar según la configuración del evento.

Objetos que están prohibidos en el Estadio GNP

El Estadio GNP Seguros solo permite el ingreso de bolsas de máximo 10 por 15 por 30 centímetros, de preferencia transparentes, además de cangureras y bolsas de mano pequeñas.

Entre los objetos prohibidos figuran objetos punzocortantes, mascotas, láseres, comida y bebidas, sombrillas, aerosoles, botellas de cualquier tipo y latas. También está restringido el ingreso de cámaras profesionales de fotografía o video y equipo profesional de grabación de audio.

El recinto sí permite lentes de sol, baterías externas para celular, tapones para oídos, gorras, binoculares sin láser y cámaras no profesionales, todos sujetos a revisión. Ticketmaster recomienda descargar con anticipación los boletos digitales y acudir con tiempo suficiente para evitar contratiempos en los accesos.

En una entrevista con The Telegraph el artista habló sobre su adicción al alcohol, el consumo de crack a comienzos de los años 80, su vínculo con la religión cristiana y la diferencia que establece entre Vincent Furnier, su identidad personal, y Alice Cooper, el personaje que llevó al escenario durante más de cinco décadas.

Alice Cooper atribuyó su estado físico a la sobriedad y el ejercicio

El cantante se encuentra de gira por Europa junto a Hollywood Vampires, la banda que comparte con el actor Johnny Depp y Joe Perry, guitarrista de Aerosmith. Cooper afirmó que la dinámica de las giras cambió frente a la cultura de excesos que predominaba en la década de 1970.

“Si estás en una banda de gira, nadie se droga ni bebe, porque ahora es un gran negocio y no puedes permitirte tener a alguien que haga eso”, explicó a The Telegraph. El artista señaló que durante los años 70 el consumo formaba parte de la vida cotidiana de muchos músicos.

Cooper aseguró que lleva 43 años sin consumir alcohol. También destacó que no fuma, juega al golf con frecuencia y considera que sus conciertos constituyen un esfuerzo físico. “El show en sí es un ejercicio aeróbico”, afirmó.

El músico recordó que practicó atletismo en la escuela y sostuvo que una evaluación sobre hábitos de vida situó su edad física en 41 años. “No bebo, no fumo, hago ejercicio constante y estoy felizmente casado”, enumeró. También vinculó el estrés con problemas de salud y afirmó que redujo las tensiones de su vida cotidiana.

El alcoholismo comenzó con una cerveza a los 20 años

Nacido como Vincent Furnier en Detroit en 1948, Cooper fundó junto a otros músicos la agrupación Alice Cooper, cuyo primer álbum salió en 1969. Tras la disolución del grupo original en 1973, adoptó legalmente ese nombre y continuó su carrera como solista.

Su propuesta combinó rock, referencias al cine de terror, maquillaje oscuro, serpientes, sangre falsa y ejecuciones simuladas. Esa construcción escénica alimentó polémicas públicas y acusaciones de promover violencia o satanismo.

Cooper sostuvo que sus espectáculos tenían una lógica moral: el personaje cometía crímenes ficticios y recibía un castigo sobre el escenario.

“Alice podía matar a la enfermera y terminar ahorcado, electrocutado o guillotinado. Pero nunca iba a ser crucificado, porque eso habría sido blasfemo”, explicó al medio británico.

El alcohol se convirtió en su principal problema fuera del escenario. Según relató, empezó a beber a los 20 años, luego de aceptar una cerveza en una fiesta. Al día siguiente compró un paquete de seis latas y, desde entonces, sostuvo que rara vez permanecía sin una copa en la mano.

El músico describió ese período como una búsqueda constante de un “estado de euforia” que intentaba mantener a lo largo del día. La situación empeoró hasta que comenzó a vomitar sangre. “Ahí sabes que no tienes el control”, afirmó.

En 1977 ingresó por primera vez a rehabilitación. Un psiquiatra le señaló que no bebía durante los conciertos ni en el estudio, una observación que llevó a Cooper a separar sus problemas personales de su personaje artístico. “Alice no era el problema. El problema eras tú”, recordó que le dijo el profesional.

El crack llevó al músico a una segunda rehabilitación

Tras casi dos años de sobriedad, el cantante volvió a beber y luego incrementó su consumo de cocaína. Cooper contó que recibió información falsa sobre el crack, una sustancia que entonces comenzaba a circular en Los Ángeles. “Me dijeron: ‘Si lo fumas, no es adictivo’”, relató.

“El crack es, con diferencia, la droga más adictiva que existe y casi me mata”, aseguró el músico. En un extracto de sus memorias, Devil on My Shoulder, describió que en 1982 pasó tres días sin dormir, aislado en su casa, con crack y un arma. Después arrojó la droga al inodoro y llamó a su esposa, Sheryl Cooper, para decirle que había terminado con esa etapa.

La pareja se casó en 1976 y atravesó una separación durante ese período. Sheryl le planteó una condición para continuar el matrimonio: asistir a consejería matrimonial cristiana. Cooper ingresó en 1983 a rehabilitación por segunda vez, una decisión que definió como definitiva.

“Puedo seguir interpretando a Alice, pero si miro cuáles son las cosas más importantes de mi vida, Alice Cooper queda alrededor del cuarto lugar”, subrayó. Según explicó, sus prioridades son Dios, su matrimonio y sus hijos.

La presidenta Claudia Sheinbaum Pardo lamentó el fallecimiento del cantautor y activista mexicano Gabino Palomares, a quien describió como un hombre fiel a sus ideas y comprometido con “las causas más justas”.

“Recibo con profunda tristeza la noticia del fallecimiento de Gabino Palomares”, escribió Sheinbaum en su cuenta oficial en ‘X’. La mandataria destacó que su voz, su música y su compromiso social dejaron una huella en varias generaciones.

Palomares murió este miércoles 30 de septiembre a los 76 años, después de enfrentar una situación de salud durante varias semanas, de acuerdo con su familia. Los detalles de los servicios funerarios se darán a conocer más adelante.

Sheinbaum extendió sus condolencias a la familia, los amigos y quienes compartieron el camino del artista: “Que descanse en paz, Gabino Palomares. Su voz seguirá acompañándonos”.

Gabino Palomares: cantautor, activista y una voz referente para América Latina

El 26 de mayo de 1950, nació Gabino Palomares Gómez en Comonfort, Guanajuato; fue hijo de campesinos y de formación en Ingeniería Química y uno de los fundadores del movimiento de “Canto Nuevo”, que inició en la década de los 70 en América Latina.

Su repertorio está compuesto por más de 100 canciones y tuvo como una de sus piezas más conocidas “La maldición de Malinche”, publicada en 1978, que, según Palomares, declaró en entrevista con Radio Educación, “es la canción más sencilla” de su repertorio, creada con dos tonos. Además, relató al medio que su composición fue “un asar” que se dio cuando participó en un festival en Rosario, Argentina, donde cantautores pasaban a interpretar una canción frente al público y luego de manera inmediata recibían retroalimentación. Cuando fue su turno, pasó solo con su guitarra, tras un silencio en la audiencia —lo que le preocupó—, le cuestionó cómo era posible que estuviera contando la historia de América Latina de manera sencilla.

¿De qué trata La maldición de la Malinche? En su canción, Palomares Gómez cuenta la conquista de los españoles en México, “profecía esperada”, que hizo que mucha de la población entregara bienes como el oro, y que “en ese error nos quedamos trescientos años esclavos”.

Según el cantautor, a partir de esa época, “se nos quedó el falecio de brindar al extranjero nuestra fe, nuestra cultura, nuestro pan, nuestro dinero. Y hoy seguimos cambiando oro por cuentas de vidrio y damos riqueza por espejos con brillo”.

Palomares relató que mientras estaba de viaje en el Altiplano potosino se encontró con la pobreza extrema y las condiciones a las que se enfrentaba la población, como la escasez de agua, episodio en su vida que lo motivó a componer otra de sus piezas ilustres, “Mi desierto”, y que definió su decisión para dedicarse por completo a la música. en 1972.

El videoclip de “Patient Zero” de Taylor Swift se filmó en una mansión de Beverly Hills que se vendió por USD 46,95 millones en junio de 2026. La propiedad, situada en 410 Trousdale Place, aparece en las escenas protagonizadas por Swift, Dakota Johnson y Colin Farrell, estrenadas el 27 de septiembre durante los MTV Video Music Awards. La vivienda se identifica por su rotonda circular, los muros de hormigón, las superficies de vidrio retráctil y una piscina de borde infinito, de acuerdo con USA Today y Esquire.

La casa había pertenecido a James Jannard, fundador de Oakley, y forma parte de Trousdale Estates, una zona residencial de Beverly Hills. La operación de venta se cerró por USD 46,95 millones después de que el inmueble saliera al mercado con un valor inicial de USD 68 millones en 2024. Según The Real Deal, la última cotización antes del cierre se ubicaba cerca de USD 59,5 millones.

La residencia fue diseñada por ID Group y reúne elementos de arquitectura brutalista e industrial. Su superficie comercializada alcanza los 18.344 pies cuadrados, unos 1.704 metros cuadrados, sobre un lote de 1,99 acres, equivalentes a cerca de 8.050 metros cuadrados. La construcción fue incorporada al relato audiovisual como la casa de los personajes interpretados por Johnson y Farrell, según People y la ficha de venta difundida por Redfin.

¿Dónde está la mansión donde se filmó “Patient Zero” de Taylor Swift?

La propiedad se encuentra en 410 Trousdale Place, Beverly Hills, California, dentro del área conocida como Trousdale Estates. La zona se desarrolló a mediados del siglo XX sobre terrenos vinculados al antiguo Doheny Ranch y concentra viviendas con vistas hacia Los Ángeles y el océano Pacífico. Según Esquire, el lote de la actual residencia formó parte de esa extensión histórica antes de que Jannard adquiriera el predio.

Los registros inmobiliarios consultados identifican el terreno con el número de parcela 4391-016-001. El portal del Tasador del Condado de Los Ángeles permite localizar información fiscal y parcelaria mediante ese código o con la dirección completa. De acuerdo con Compass, el predio tiene una extensión de 86.611 pies cuadrados, cerca de 8.045 metros cuadrados, y está clasificado bajo zonificación residencial BHR1.

Jannard compró la parcela en 2009 por USD 19,9 millones y encargó la construcción de la residencia a ID Group. Las fuentes consultadas no coinciden en la fecha final de obra: las fichas comerciales recientes indican 2014, mientras que algunas crónicas inmobiliarias sitúan la conclusión en 2016. Mansion Global informó que el proyecto tomó varios años y que fue concebido para el entonces propietario de Oakley.

¿Cuánto cuesta la casa de Beverly Hills que aparece en el videoclip?

La operación más reciente se concretó en junio de 2026 por USD 46,95 millones. El acuerdo representó una reducción frente a los USD 68 millones solicitados cuando la casa fue puesta en venta en junio de 2024. La propiedad se retiró del mercado en marzo de 2025 y reapareció meses después con un nuevo precio, según The Real Deal.

La ficha comercial de la última etapa de venta consignó un valor de USD 64,995 millones. La venta final quedó unos USD 18 millones por debajo de ese monto y cerca de USD 21 millones menos que la primera cotización pública. El intermediario de la parte vendedora fue Aaron Kirman, de Christie’s International Real Estate Southern California, de acuerdo con Compass y Homes.com.

La identidad del comprador no fue divulgada en los reportes revisados. Mansion Global señaló, cuando informó la operación, que el adquirente no pudo ser identificado debido a que la escritura aún no figuraba registrada en ese momento. La cobertura posterior de The Real Deal tampoco publicó un nombre asociado con la compra.

¿Cómo es la mansión de 410 Trousdale Place en Beverly Hills?

La casa fue diseñada alrededor de una rotonda vehicular circular de hormigón. Su estructura incorpora 96 columnas de concreto vertido, con las marcas de los encofrados expuestas. La disposición de ese patio de acceso y los corredores curvos aparece en el videoclip de “Patient Zero”, en especial en las escenas que muestran a Dakota Johnson dentro de la residencia, según Esquire.

El interior combina grandes volúmenes de concreto, techos metálicos perforados y detalles de acero cepillado. La sala principal tiene una pared de vidrio de piso a techo que se retrae para conectar el ambiente interior con la piscina infinita y las vistas sobre Los Ángeles. Redfin describe ese espacio como el sector desde el cual se aprecian la ciudad y el horizonte del sur de California.

Entre los elementos citados en las publicaciones inmobiliarias figuran una motocicleta conceptual bajo una claraboya en el acceso, una barra revestida con paneles de aluminio, una bañera metálica y una chimenea con tubo de extracción visible. Mansion Global indicó que el uso de acero inoxidable, aluminio, granito y concreto responde al lenguaje arquitectónico elegido para el inmueble.

La vivienda cuenta con cinco dormitorios y nueve baños según la ficha comercial difundida por Redfin. También incluye un cine privado, gimnasio, bodega, humidor, ascensor, cocina principal, cocina de chef y un apartamento de huéspedes. The Real Deal informó una cifra distinta de baños, 10, por lo que el dato presenta una diferencia entre las fuentes de mercado.

La superficie es otro punto con registros no uniformes. La medición utilizada para la comercialización y retomada por People es de 18.344 pies cuadrados. Los datos fiscales replicados por plataformas inmobiliarias indican 11.357 pies cuadrados. Esa diferencia puede responder a criterios distintos entre área publicitada, espacios interiores computables y registro tributario, según la información comparada en Redfin y Compass.

¿Qué escenas de “Patient Zero” se grabaron en la residencia?

El video utiliza la casa como domicilio de los personajes de Johnson y Farrell. En varias tomas se observan el gran ventanal retráctil, la piscina de borde infinito, las paredes de concreto y la rotonda circular. Swift aparece en la historia como una expareja fallecida que intenta advertir al personaje de Johnson sobre la conducta del hombre interpretado por Farrell, de acuerdo con USA Today.

Tras el estreno, Swift explicó que buscó incorporar referencias a relatos de fantasmas, policiales y thrillers psicológicos. Sobre la selección del inmueble, afirmó que la vivienda era “una metáfora de la frialdad de una relación que se ha apagado y atrofiado”, según la declaración recogida por USA Today. People publicó la misma cita y la vinculó con la difusión posterior al lanzamiento.

El videoclip fue dirigido por Taylor Swift. La web oficial de la artista acredita a Emmanuel Lubezki en la dirección de fotografía, Jil Hardin en la producción, Chancler Haynes en la edición y Ethan Tobman en el diseño de producción. Esos créditos ayudan a explicar la integración de la arquitectura de 410 Trousdale Place en una narración construida alrededor de espacios cerrados, estructuras de concreto y vistas urbanas, según The Official Website of Taylor Swift.

La venta de la residencia ocurrió antes del estreno público de “Patient Zero”, aunque los reportes disponibles no detallan la fecha exacta de filmación. La casa mantiene su identificación en las bases inmobiliarias y en los registros públicos del condado, mientras que su comprador continúa sin aparecer en las publicaciones revisadas. El video dejó documentados varios de los rasgos visuales de una propiedad que cambió de dueño por USD 46,95 millones, de acuerdo con The Real Deal y Los Angeles County Assessor.

Hoy en día puede que no nos resulte extraño abrir un CD o una funda de vinilo y encontrarnos que, junto al disco, se incluyan impresas las letras de las canciones que vamos a escuchar. Pero hace 70 años esta práctica no era nada habitual. A pesar de que algunas bandas parecían estar a favor, las discográficas se oponían rotundamente, ya que vendían las letras por separado en revistas o partituras y no estaban dispuestas a perder ese dinero.

Todo cambió con los Beatles. La banda de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr revolucionó el mundo de la música al incluir la letra de sus canciones en su icónico álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967), una idea que tuvo tanto éxito que no tardó en ser imitada en toda la industria. Sin embargo, lo que muy pocos saben es por qué la banda de Liverpool tomó esa decisión, algo en lo que tuvo mucho que ver un profesor de inglés español.

Su nombre era Juan Carrión, un profesor de la Universidad de Cartagena que viajó hasta Almería con cuadernos que reunían ejercicios de sus alumnos y fragmentos incompletos de temas de la banda. Por aquel entonces, él era uno de los pocos docentes que utilizaban canciones para enseñar idiomas (una práctica muy habitual a día de hoy), pero quería resolver las partes que no lograba entender al escuchar los discos y las emisiones de Radio Luxemburgo, una emisora europea que, hasta los años 70, sirvió como una ventana a la modernidad del pop y rock internacional para los jóvenes en España.

Un plan meticuloso para contactar con John Lennon

Carrión ya había comprobado la eficacia de la música en su trabajo como profesor de español de militares estadounidenses, aunque cuando quiso emplear el mismo método para enseñarle inglés a sus alumnos, se encontró con un obstáculo: necesitaba disponer de las letras con rapidez porque, cuanto más de moda estaban los temas que enseñaba en clase, más rápido se los aprendían sus alumnos.

Por eso, cuando se enteró de que John Lennon había venido a Almería para el rodaje de una película, no lo dudó y cogió un autobús hasta la ciudad andaluza, donde comenzaría una búsqueda de varios días. Carrión se alojó primero en el Hostal La Fonda y preguntó por Lennon en los alrededores del Paseo de Almería, donde nadie pudo orientarlo sobre la presencia del músico.

La ciudad recibía entonces a equipos de cine por el rodaje de ¡Cómo gané la guerra!, la película que Richard Lester filmaba con Lennon. Al profesor le indicaron que varios extranjeros vinculados a la producción se hospedaban en el barrio de El Zapillo. Así pues, Carrión decidió alojarse allí para ir acercándose poco a poco al entorno de Lennon, sobre todo a través de Les Anthony, chófer y guardaespaldas del artista con el que trabó una gran amistad.

Una película inspirada en esa breve reunión

Fue así como, finalmente, el profesor de inglés acabó consiguiendo reunirse con John Lennon. Dejaron acceder a Carrión al rodaje y pudo así, en un encuentro que apenas duró media hora, entregarle los cuadernos de sus estudiantes para que el cantante pudiera ver y corregir los ejercicios. Además, el docente también formuló una solicitud que acabaría siendo revolucionaria: “Necesitaríamos tener las letras nada más salir el disco”.

Lennon recibió la petición de Carrión y prometió que el siguiente disco de los Beatles incorporaría las letras impresas. El vocalista de la banda compondría en Almería Strawberry Fields Forever, que saldría como un sencillo independiente en febrero de 1967. No obstante, ese mismo año saldría también Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, donde, esta vez sí, se incluirían en la contraportada las letras completas de las canciones del disco, dando paso a una revolución en la industria musical.

Aunque nunca se ha demostrado oficialmente que la petición de Carrión provocara la decisión de los Beatles, él siempre defendió que así fue, y su historia gozó de la credibilidad suficiente como para que, en 2013, se estrenara la película Vivir es fácil con los ojos cerrados, dirigida por David Trueba y protagonizada por Javier Cámara, que interpreta al profesor. La producción, que incluye algunas modificaciones en la historia original, acabaría obteniendo seis premios Goya, entre ellos el de Mejor película.

Spotify guarda funciones que la mayoría de sus usuarios nunca activa, y que sirven para dos cosas concretas: ahorrar tiempo dentro de la aplicación y mejorar la calidad de las recomendaciones automáticas que genera el algoritmo.

Herramientas como excluir contenido del perfil de gustos, la sesión privada, los filtros por género en las canciones favoritas, el crossfade entre temas y el aleatorio inteligente permiten ajustar la experiencia de escucha sin depender de aplicaciones externas ni de configuraciones complejas.

A continuación se detalla cómo activar cada una de estas opciones, disponibles tanto en la versión móvil como en la de escritorio de la plataforma.

Cómo evitar que Spotify contamine tus recomendaciones personalizadas

Cuando un usuario reproduce ruido blanco para dormir, canciones infantiles o listas de concentración, Spotify interpreta ese consumo como una preferencia real. El resultado es que empieza a filtrar esos géneros hacia listas como Descubrimiento Semanal o Radar de Novedades, que pierden precisión.

La función Excluir de tu perfil de gustos resuelve ese problema. Permite marcar una playlist o álbum como escucha secundaria, de forma que el algoritmo no lo tome en cuenta para armar recomendaciones futuras.

En dispositivos móviles y tabletas, el usuario debe abrir la playlist en cuestión, tocar el ícono de tres puntos ubicado debajo del título y seleccionar la opción Excluir de tu perfil de gustos.

En la aplicación de escritorio, el procedimiento se simplifica: basta con hacer clic derecho sobre la playlist en la barra lateral izquierda y elegir la misma opción desde el menú desplegable.

Esta función funciona como un filtro preventivo que separa el consumo funcional (dormir, estudiar, entretener a un niño) del gusto musical genuino, y así evita que Spotify mezcle ambos registros en sus sugerencias personalizadas.

Sesión privada en Spotify para escuchar sin afectar tu historial

Existen momentos en los que un usuario quiere explorar géneros que no forman parte de su rutina habitual, o simplemente prestar el altavoz en una reunión sin que eso quede registrado en su perfil público.

Para esos casos, Spotify ofrece la Sesión privada, una función que desconecta temporalmente la actividad de escucha del historial visible y de las métricas que alimentan el algoritmo.

En Android e iOS, se activa desde la foto de perfil, ubicada en la esquina superior de la pantalla de inicio. Desde ahí se ingresa a Configuración y privacidad, se avanza hasta Privacidad y redes sociales y se activa el interruptor correspondiente. La sesión se desactiva sola después de seis horas de inactividad o al reiniciar la aplicación.

En la versión de escritorio, el proceso es más directo: se hace clic en la foto de perfil, en la esquina superior derecha, y se selecciona Sesión privada. Un candado aparece sobre la imagen del perfil como indicador visual de que el modo está activo.

Filtros por género para organizar tus canciones favoritas

Quienes acumulan miles de temas en Tus canciones favoritas (Liked Songs) suelen perder tiempo buscando una canción puntual dentro de esa lista extensa. Spotify incorporó un sistema de etiquetas o píldoras de filtro que resuelve esa búsqueda en segundos.

El mecanismo se activa desde Tu biblioteca, dentro de la sección Tus canciones favoritas. Justo debajo de la barra de búsqueda aparecen etiquetas como Móvil, Rock, Chill, Pop o Workout.

Al tocar cualquiera de esas etiquetas, la lista se filtra al instante y muestra únicamente las canciones guardadas que coinciden con ese estilo o estado de ánimo. Para volver a la lista completa, alcanza con tocar la X que aparece junto a la etiqueta seleccionada.

Crossfade en Spotify para transiciones sin cortes entre canciones

El silencio entre una canción y la siguiente interrumpe el flujo de escucha, algo especialmente notorio durante fiestas, entrenamientos o sesiones de trabajo que requieren concentración sostenida.

El Crossfade, o fundido encadenado, resuelve esa pausa: superpone el final de un tema con el comienzo del siguiente para que la transición sea continua.

La configuración se encuentra en Configuración y privacidad, dentro de la opción Reproducción. Ahí aparece una barra deslizable que regula el tiempo de superposición entre pistas. El rango recomendado va de tres a seis segundos, un margen que asegura una mezcla fluida sin cortar los coros o las introducciones de las canciones.

Aleatorio inteligente y cómo bloquear canciones no deseadas

Cuando una playlist empieza a sentirse repetitiva, no hace falta armar una lista nueva desde cero. El Smart Shuffle, o aleatorio inteligente, combina los temas guardados por el usuario con recomendaciones afines en tiempo real, dentro de la misma lista.

Para activarlo, hay que abrir una playlist propia y tocar el botón de reproducción aleatoria, representado por dos flechas cruzadas. Un primer toque activa el modo aleatorio estándar; un segundo toque cambia el ícono a una flecha con destellos, que indica que el modo inteligente ya está en funcionamiento.

Si durante la reproducción aparece un tema que no encaja con la lista, existe una forma inmediata de corregirlo. Basta con tocar los tres puntos junto a la canción y seleccionar Ocultar esta canción, representada también por un ícono de círculo tachado.

Una vez marcada, esa canción no vuelve a aparecer en esa playlist ni se toma como referencia positiva para futuras recomendaciones del algoritmo.

Belinda sorprende a sus seguidores con una transformación capilar que deja atrás el rubio y el castaño oscuro para dar paso a una cabellera larga en tonos rojizos y cobrizos. La cantante compartió el cambio a través de un carrusel en Instagram acompañado por la frase “pelirroja era”.

El tono elegido combina castaño, cobre y reflejos cálidos

El nuevo color no corresponde a un rojo intenso sino a una base castaña clara con reflejos rojizos, cobrizos y dorados. Vogue México identifica la tonalidad como light auburn o strawberry brown, una alternativa menos saturada que el rojo tradicional.

Se trata de un cobrizo cálido que mezcla matices castaños y rojizos, distinto de los colores fantasía que la artista utilizó en etapas anteriores de su carrera. La cantante mantuvo el cabello largo, ondulado y con movimiento para presentar esta nueva imagen.

El cambio coincide con las tendencias de otoño-invierno 2026

Vogue México señala que firmas como Chloé, Christian Dior y Dolce & Gabbana incorporaron tonalidades cálidas de rojo, cobre y castaño rojizo en sus propuestas para la temporada. Christian Dior presentó para su colección otoño-invierno 2026 reflejos rojizos que recuerdan al cherry red y al borgoña.

Hola reporta que el pelo cobrizo llegó para dominar la temporada, aunque con un giro contemporáneo: la dirección actual apunta hacia un tono más natural y profundo, alejado del clásico cobrizo anaranjado. La publicación de Belinda fue el pasado 28 de septiembre.

Belinda ya había cambiado de look para interpretar a Carlota de México

A principios de 2026 la cantante se despidió del rubio para llevar el cabello castaño oscuro como parte de su transformación para interpretar a Carlota de México en un nuevo proyecto actoral. En julio, agrega el mismo medio, apareció con un bob rubio platinado que fue comparado con la imagen de Marilyn Monroe.

En 2025 la artista adoptó una melena castaño oscuro con reflejos morados, coincidiendo con la grabación de un proyecto musical. Sus transformaciones capilares suelen acompañar lanzamientos o participaciones en producciones específicas, aunque en esta ocasión no confirmó vínculo alguno.

Referencias a personajes pelirrojos acompañaron la publicación

Las fotografías difundidas por la intérprete incluyeron referencias a personajes y figuras reconocibles por su cabello rojo, entre ellas Nicole Kidman, así como el personaje animado de Ariel de La Sirenita.

La actriz mexicana Loreta Peralta, de 22 años, ya había mostrado interés por el tono cobrizo a inicios de septiembre con una publicación sobre “el color de la pasión”.

Sin anuncio de proyecto vinculado al nuevo look

Por ahora, Belinda no relacionó públicamente su transformación con un sencillo, videoclip o lanzamiento específico. El cambio ha sido interpretado como posible señal de una nueva etapa artística, aunque la cantante no confirmó ningún proyecto musical o actoral asociado.

Se desconoce si la transformación responde a un rodaje de televisión o cine, o si se trata simplemente de un cambio de imagen personal para la temporada de otoño. La publicación generó comentarios y halagos de sus seguidores, quienes destacaron que el tono le favorece.

¿Quién es la pareja actual de Belinda?

Belinda no tiene una relación confirmada oficialmente en este momento. Su vida amorosa reciente se resume así:

Sin pareja confirmada actualmente. Según distintos medios, la cantante mantiene silencio público sobre su vida sentimental. No ha oficializado ningún noviazgo desde su ruptura con Christian Nodal, con quien tuvo un compromiso mediático que terminó hace tiempo.

Rumores sin confirmar con Gonzalo Hevia Baillères. El empresario mexicano fue vinculado a la cantante en el pasado, aunque nunca hubo confirmación oficial. Hevia Baillères ahora está señalado como pareja de la actriz Emma Watson.

Otros nombres especulados, sin evidencia. Los nombres de Miguel Ángel Silvestre y Jaime Lorente sonaron como posibles intereses, derivados de su cercanía en proyectos y apariciones públicas. Ninguno fue confirmado como pareja; Lorente además está casado con Marta Goenaga desde 2025.

¿Cuántos años tiene en realidad Belinda?

De acuerdo con el Registro Nacional de Población (RENAPO) la cantante nació el 15 de agosto de 1989 en Madrid, España, lo que le atribuye 37 años cumplidos este 2026.

En su sitio web y en declaraciones públicas, la propia artista ha afirmado que nació el 15 de agosto de 1992. Bajo esa versión, este año habría cumplido 34 años. En entrevistas retomadas por medios, llegó a declarar: “Yo el próximo 15 de agosto cumplo 28 años”, en referencia a 2020.

La cantante celebró su cumpleaños el 15 de agosto en Nueva York en un plan privado con su familia, mientras se prepara para el estreno de Carlota, la serie en la que interpreta a la última emperatriz de México.

En conclusión, la diferencia entre ambas versiones apunta a un año de nacimiento distinto: 1989 según registros oficiales o 1992 según la propia cantante. Mientras no presente un documento público que contradiga el RENAPO, la cifra de 37 años es la que prevalece en los archivos oficiales.

Veinte años después de abrir sus puertas en el barrio porteño del Abasto, la Ciudad Cultural Konex (CCKonex) se prepara para celebrar su aniversario con un concierto multitudinario que reunirá a figuras de distintas escenas y generaciones de la música argentina. El evento, denominado “La Celebración”, tendrá lugar este miércoles 30 de septiembre en el patio del espacio y contará con Kevin Johansen como anfitrión.

La grilla del festejo incluye a La Delio Valdez, Fabiana Cantilo, Lisandro Aristimuño, Barbi Recanati, Raly Barrionuevo, Juana Rozas, La Bomba de Tiempo y Hugo Lobo, bajo la dirección artística de Alejandro Terán. La convocatoria abarca géneros que van del rock al folklore, de la cumbia a la música experimental, y refleja la diversidad de propuestas que el espacio albergó a lo largo de sus dos décadas de actividad.

El espacio ocupa un antiguo edificio industrial del barrio del Abasto que fue reconvertido en escenario para múltiples expresiones artísticas. Desde su apertura, CCKonex programó música, teatro, danza, artes visuales, propuestas para infancias y proyectos interdisciplinarios, con una política que combinó artistas consagrados con emergentes e independientes. Por sus escenarios pasaron nombres que hoy forman parte de la identidad cultural contemporánea de Buenos Aires, y sus ciclos y festivales al aire libre convirtieron al público en parte activa de la propuesta.

Este concierto aniversario busca ir más allá del festejo institucional y propone un reencuentro con la trayectoria colectiva del espacio. La convocatoria está dirigida tanto a quienes vivieron experiencias en el Konex —arriba o abajo del escenario— como a quienes todavía no lo visitaron.

La historia de Ciudad Cultural Konex

Ciudad Cultural Konex funciona en un edificio construido en la década de 1920 en el barrio de Abasto, en la Ciudad de Buenos Aires, que operó como fábrica y depósito de aceites hasta 1992. El Estudio Clorindo Testa y Asociados estuvo a cargo de la reconversión del predio, que conservó los rasgos arquitectónicos de la construcción original. El complejo, ubicado en Sarmiento 3131 (Abasto), dispone hoy de seis salas y un patio descubierto donde se despliegan distintos formatos de eventos culturales.

El espacio ocupa un antiguo edificio industrial que fue reconvertido en escenario para múltiples expresiones artísticas. Desde su apertura, CCKonex programó música, teatro, danza, artes visuales, propuestas para infancias y proyectos interdisciplinarios, con una política que combinó artistas consagrados con emergentes e independientes. Por sus escenarios pasaron nombres que hoy forman parte de la identidad cultural contemporánea de Buenos Aires, y sus ciclos y festivales al aire libre convirtieron al público en parte activa de la propuesta.

Entre los artistas que se presentaron en el Konex desde 2002 figuran Luis Alberto Spinetta, Charly García, Fito Páez, Gustavo Cerati, Pedro Aznar y La Bomba de Tiempo, junto a directores teatrales como Rafael Spregelburd y José María Muscari, y actores como Julio Chávez y Alejandro Urdapilleta. Además de su programación artística, el predio ofrece sus locaciones en alquiler para eventos corporativos, conferencias y rodajes, y desarrolla programas de accesibilidad, sostenibilidad ambiental y perspectiva de género en articulación con organismos como el Ente de Turismo de la Ciudad de Buenos Aires y COPIDIS.

Spotify está experimentando fallas relacionadas con iniciar sesión tanto en la página web como en la aplicación móvil. De acuerdo con Downdetector, las fallas en países como Estados Unidos se concentran en un 57% en la app.

La plataforma streaming ya reconoció las fallas y afirmó que se encuentra trabajando para solucionar los errores.

“Somos conscientes de algunos problemas para iniciar sesión y los estamos revisando. Les mantendremos informados aquí”, fue la primera declaración de la compañía a través de la cuenta de X, Spotify Cares.

Más adelante, la empresa de streaming dijo en su cuenta principal: “Somos conscientes de los problemas que afectan a la aplicación de Spotify y estamos trabajando activamente para solucionarlos”.

Spotify recomienda activar las actualizaciones automáticas en el celular para acceder de forma inmediata a la solución cuando sea implementada.

La empresa en 2026 alcanzó los 761 millones de usuarios activos mensuales y 293 millones de suscriptores premium.

Qué fallas están reportando los usuarios de Spotify

El principal problema reportado por los usuarios ante la caída de Spotify, según Downdetector, fue la imposibilidad de iniciar sesión en la plataforma.

Además, algunas personas señalaron fallas para reproducir música y episodios de pódcasts, mientras que otras encontraron dificultades para buscar canciones, artistas o listas de reproducción. La interrupción afectó sobre todo a quienes intentaban cargar contenido nuevo o acceder a sus cuentas desde la aplicación.

En cambio, algunos usuarios que ya tenían música en reproducción o canciones descargadas pudieron continuar escuchándolas. Spotify reconoció que estaba al tanto de los inconvenientes y que investigaba el origen de la falla.

Ante las fallas de Spotify, usuarios también recurrieron a X para informar problemas de acceso, reproducción y búsqueda de contenido.

En esa red social, varias personas compartieron mensajes de error y dificultades para iniciar sesión o reproducir música y pódcasts. Spotify respondió que estaba al tanto de los inconvenientes y que revisaba la situación.

La empresa además recomienda mantener activadas las actualizaciones automáticas de la aplicación para recibir correcciones y mejoras cuando estén disponibles. La sugerencia apunta a que los usuarios cuenten con la versión más reciente de la plataforma, aunque no resuelve por sí sola una interrupción del servicio

Qué nuevas funciones hay en Spotify

Spotify incorporó nuevas funciones orientadas a que los usuarios encuentren contenido y controlen la reproducción mediante inteligencia artificial. Una de las principales novedades es Talk to Spotify, una herramienta que permite pedir música, pódcasts o audiolibros con la voz o por escrito.

Los usuarios pueden solicitar recomendaciones, ajustar el estilo de una lista, consultar datos sobre un artista o recuperar información sobre sus hábitos de escucha. La función se encuentra en fase beta para usuarios Premium mayores de 18 años en Estados Unidos, Irlanda y Suecia.

La plataforma también amplió Prompted Playlist, que crea listas a partir de instrucciones en lenguaje natural.

Esta herramienta ya se utilizaba para música y pódcasts, y ahora se extendió a los audiolibros: permite pedir selecciones según un género, una temática, el tiempo disponible o las preferencias personales. La novedad se habilitó en beta para usuarios Premium elegibles de Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Irlanda, Australia, Nueva Zelanda y Suecia.

Además, Spotify presentó Studio by Spotify Labs, una aplicación independiente para computadoras que permite generar experiencias de audio privadas y personalizadas, como resúmenes diarios, listas para viajes o pódcasts creados según los intereses del usuario.

La herramienta puede vincularse, con autorización, con servicios como el calendario, el correo electrónico y las notas. Su despliegue comenzó como una prueba para usuarios Premium mayores de 18 años en más de 20 mercados.

Otra incorporación es la integración con Muse, el agente personal de Meta. A través de conversaciones con ese asistente, los usuarios pueden reproducir canciones, guardar temas en su biblioteca, crear listas y buscar pódcasts o audiolibros.

En el Olimpo de los grandes provocadores del siglo XX, Igor Stravinsky ocupa un palco preferencial. No solo porque el estreno de su ballet La consagración de la primavera en 1913 provocó un escándalo tal en París que casi termina en un linchamiento público, sino porque a lo largo de su vida se encargó de blindar su genialidad con una lucidez verbal implacable. Para el compositor ruso, la música era, ante todo, una arquitectura sagrada que exigía del espectador la misma rigurosidad que se le pide a un cirujano.

La frase que corona este artículo funciona como un cachetazo. Al trazar una línea divisoria entre el simple acto biológico de “oír” y la acción intelectual y voluntaria de “escuchar”, Stravinsky no solo humilla al oyente perezoso equiparándolo con un ave de corral; está rescatando el estatus de la música porque demanda atención, tiempo y, fundamentalmente, un esfuerzo. No se trata de un refugio para el sentimentalismo barato ni un decorado para musicalizar la cotidianeidad. La música es arte.

Esta sentencia no surgió de la nada ni pertenece al territorio de los mitos apócrifos de internet. Quedó registrada formalmente en Conversaciones con Igor Stravinsky, publicado en 1959 y traducía al español en 1964. El volumen es el resultado de un experimento fascinante: un viejo maestro en el invierno de su vida —instalado en Hollywood, lejos de su Rusia natal y de su Francia de adopción— contestando el minucioso cuestionario del entonces joven director de orquesta Robert Craft.

Robert Craft no fue un asistente más; fue el hombre que rejuveneció la mente de Stravinsky, quien lo empujó a descubrir nuevas técnicas musicales como el dodecafonismo y quien se encargó de grabar magnetófono en mano cada una de sus genialidades orales. La importancia de Conversaciones con Igor Stravinsky (y de sus tomos posteriores como Exposiciones y desarrollos o Retrospectives and Conclusions) radica en que le quitó el velo inalcanzable y humanizó al mito.

Despojado de la solemnidad de las conferencias académicas que el compositor había dictado años antes en la Universidad de Harvard —y que se editaron bajo el título Poética musical—, en los diálogos con Craft se muestra libre, ríspido, irónico y descarnadamente honesto. En ese entonces la televisión empezaba a colonizar los hogares y la música grabada en discos de vinilo se convertía en un bien de consumo masivo. El compositor intuyó el peligro de la “música funcional” o “música de fondo”.

Si estiramos el razonamiento de Stravinsky hasta el presente, las plataformas de streaming actuales y las listas de reproducción diseñadas bajo títulos como “Música para concentrarse” o “Chill Out para estudiar” son el triunfo definitivo del “pato”. Consumimos música como si fuera oxígeno: está ahí, inunda el ambiente, pero nadie la está atendiendo realmente. El algoritmo trabaja para que la música exista y se reproduzca, pero no moleste, para que sea una textura inofensiva que tape el silencio.

Para el autor de Petrushka, esto era una aberración. Escuchar, para él, implicaba seguir el desarrollo de una idea, descifrar las tensiones armónicas, conmoverse a través de la inteligencia del orden sonoro. Oír es pasivo, un reflejo del sistema nervioso que compartimos con el reino animal; escuchar es un acto cultural, humano y eminentemente político. Esta máxima resume a la perfección el núcleo duro de la estética stravinskiana: su posición de resistencia frente al achatamiento.

Toda su vida, el compositor luchó contra la idea romántica de que la música es un canal para “expresar sentimientos”. En sus escritos teóricos siempre defendió que la música no expresa nada más que a sí misma. Es un juego de formas, un combate contra el caos del tiempo. Si la música es una estructura pura y perfecta, el oyente no puede ser un mero receptor que se deja masajear por el sonido. Debe ser un participante activo. Exigirle “esfuerzo” al público era la forma que tenía Stravinsky de respetarlo.

En definitiva, al negarse a hacer música fácil, obligaba a su audiencia a elevarse. Y casi un siglo después de haber sido pronunciada, la advertencia del maestro ruso sigue vigente, mirándonos de frente desde las pantallas de nuestros teléfonos celulares. Ante la oferta infinita de sonidos a un solo clic de distancia, la pregunta de Stravinsky sigue flotando en el aire: frente al arte, ¿estamos operando como seres humanos conscientes o nos estamos conformando con la cómoda e irrelevante audición del pato?

¿Quién es Ígor Stravinsky?

Ígor Stravinsky (1882-1971) fue un compositor, pianista y director de orquesta ruso, unánimemente considerado una de las figuras más revolucionarias de la historia de la música occidental. Nacido en Oranienbaum, Rusia, alcanzó el estrellato internacional en París gracias a su colaboración con los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev, para quienes compuso las tres obras maestras de su período temprano: El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913).

Esta última pieza modificó para siempre el rumbo del siglo XX debido a sus ritmos salvajes, su crudeza primitiva y una disonancia tan extrema que desató un célebre disturbio y batalla campal entre el público la noche de su estreno. Marcado por el desarraigo de los conflictos globales, la vida de Stravinsky se convirtió en un periplo de exilios que lo llevó a adoptar primero la ciudadanía francesa y, más tarde, la estadounidense. A lo largo de su carrera mutó de forma camaleónica.

Abandonó el nacionalismo ruso para liderar el neoclasicismo con piezas como Pulcinella (1920) y la ópera El progreso del libertino (1951), y terminó sus días abrazando la rigidez matemática del dodecafonismo. Tras pasar sus últimas décadas componiendo, dictando conferencias y girando por el mundo, falleció a los 88 años en Nueva York, de insuficiencia cardíaca. Sus restos fueron enterrados, por deseo propio, en el cementerio de la isla de San Michele en Venecia, cerca de la tumba de su gran mentor, Diáguilev.

Apple inauguró el Apple Music Hall, su nuevo auditorio en en Londres, y Elton John fue el encargado de estrenar el recinto. Un espacio con capacidad para 600 personas que combina un escenario de música en vivo con un centro de producción audiovisual de última generación.

El Apple Music Hall se ubica a orillas del Támesis, dentro de la histórica central eléctrica de Battersea, junto a la oficina y la tienda de Apple en Londres. El diseño retoma elementos del edificio original: paredes de ladrillo visto, arcos acanalados y balcones de bronce que evocan las ventanas en voladizo de la planta. Un muro de cristal conecta visualmente el interior con la explanada exterior y con el río.

El escenario mide 11,5 metros de ancho y puede reconfigurarse: admite el formato tradicional, con el público de frente, o una disposición circular que acerca a los asistentes a los artistas. Con capacidad limitada a 600 personas, el recinto busca preservar una atmósfera íntima sin resignar infraestructura de gran producción.

Oliver Schusser, vicepresidente de Apple Music and International Content de Apple, definió la apertura como un paso decisivo para la compañía. “El profundo amor de Apple por la música se remonta a sus inicios, desde el lanzamiento del iPod”, señaló el directivo, quien agregó que el nuevo espacio representa “un gran paso adelante” en el compromiso con artistas y fans.

Cómo es la tecnología de sonido del Apple Music Hall

El auditorio incorpora un sistema de audio espacial compuesto por 48 altavoces distribuidos alrededor del público, que genera una experiencia sonora envolvente al ubicar instrumentos, voces y efectos en distintos puntos del espacio.

Detrás del escenario, el recinto funciona como centro de producción completo. Dos estudios de grabación y mezcla, diseñados con estándares profesionales, permiten registrar cada presentación en multipista y procesarla en Audio Espacial, ya sea en vivo o después del show.

El Apple Music Hall está preparado para operar con 16 cámaras o más, conectadas a una sala de control de transmisión diseñada a medida. Esa infraestructura combina cámaras profesionales con grabación en iPhone, lo que permite capturar cada concierto desde varios ángulos de forma simultánea.

El Apple Music Hall es un auditorio de Apple ubicado en la central eléctrica de Battersea, en Londres, con capacidad para 600 personas. Combina conciertos íntimos con tecnología de audio espacial, grabación multicámara y transmisión mundial.

En una sola presentación, un artista puede obtener así un concierto en vivo, una grabación terminada en Audio Espacial, una mezcla lista para transmitir y un video multicámara. Apple busca con esto acelerar la transformación de una actuación en directo en contenido listo para distribuirse en Apple Music y otros canales de la compañía.

Cuáles son las transmisiones en vivo que siguen en el escenario de Apple

Las actuaciones del Apple Music Hall se transmiten en directo a nivel mundial, lo que permite a fans fuera de Londres seguir los shows en tiempo real. Se requiere una suscripción a Apple Music para acceder a las transmisiones.

Zane Lowe, director creativo global de Apple Music y conductor de Apple Music 1, sostuvo que el proyecto busca “nuevas oportunidades para conectar a los artistas y a los fans” y calificó la apertura como una forma de “disfrutar de lo mejor de la música en un lugar increíble y compartirlo con el mundo”.

Tras el show inaugural de Elton John, el cartel confirmado incluye a Baby Keem el 2 de octubre y Skye Newman el 7 de octubre.

La agenda continúa con Troye Sivan el 13 de octubre, Arlo Parks el 22 de octubre y Burna Boy el 29 de octubre. Chase & Status se presentarán el 26 de noviembre, y Charli xcx cerrará la primera serie de conciertos anunciada el 2 de diciembre. Las fechas de venta para estos últimos shows se anunciarán más adelante.

En el podcast Big Bro with Kid Cudi, el músico Scott Mescudi, conocido como Kid Cudi, anunció la participación de Benny X en la banda sonora de Slime, la película animada en la que trabajó junto con la cantante, guitarrista y artista Willow Smith.

Cudi y Smith confirmaron que ya habían terminado las grabaciones de voz. El rapero también contó que preparaba la música de la producción, mientras la animación seguía en proceso. Durante la conversación, ambos reflexionaron sobre la libertad creativa y sobre la manera en que buscan desarrollar sus proyectos sin quedar condicionados por las exigencias de la industria.

Los artistas explicaron que buscaban tomar decisiones que no dependieran de las exigencias comerciales, de las comparaciones sobre sus capacidades o de las formas de promoción en redes sociales.

Smith explicó por qué aceptó participar en “Slime”

Particularmente, reunía dos intereses que había tenido desde joven: la animación y la música. Durante su adolescencia, había escrito dos temporadas de una serie animada, aunque ese proyecto no llegó a realizarse.

Cudi señaló que ambos ya habían terminado las grabaciones de voz y que pudieron trabajar en el mismo estudio.

Smith también valoró que la película pusiera en primer plano a personajes afrodescendientes en un mundo futurista. La cantante sostuvo que ese enfoque coincidía con el tipo de animación en el que quería participar.

Smith y Cudi defendieron la libertad para crear en sus nuevos proyectos

Al hablar de su álbum PETAL rocks BLACK, Smith dijo que tocó la batería, el piano, el bajo y la guitarra, además de participar en los arreglos. Había tomado esa decisión porque sentía que todavía no había desarrollado por completo sus capacidades como instrumentista.

La cantante describió ese proceso como una forma de enfrentar sus inseguridades, sobre todo cuando se comparaba con artistas que admiraba. Cudi retomó esa idea y sostuvo que las influencias no debían convertirse en copias.

Smith citó un consejo que Donald Glover le había dado: “Cuando tenés un espíritu y una personalidad fuertes, si intentás imitar a otra persona, automáticamente va a salir algo que nadie hubiera escuchado antes”.

La charla sobre TikTok mostró dos miradas sobre los cambios en la industria

Cudi dijo que el pedido de su sello discográfico de crear contenido para TikTok reforzó su deseo de dejar atrás ese modelo de trabajo.

En ese sentido, relató que intentó promocionar su obra de una forma que sintiera propia, pero luego sintió que había cedido a una dinámica que no lo representaba. “No puedo esperar a publicar Free. Estoy por ser realmente libre”, expresó.

Smith consideró que la relación entre la industria y el contenido para redes podía resultar asfixiante, aunque introdujo un matiz. Dijo que los artistas debían adaptarse a los cambios si encontraban una manera acorde con su forma de crear.

La diferencia también apareció cuando hablaron de sus discos. Cudi defendió las canciones más festivas de Insano y Nitro Mega, mientras Smith admitió que al principio esperaba de él temas más personales.

Los dos músicos hablaron de tocar “Rose Golden” en una próxima presentación

El diálogo recuperó “Rose Golden”, la canción que grabaron juntos cuando Smith tenía 16 años. Cudi la describió como una colaboración en la que ambos participaron desde el comienzo y sostuvo que sus voces se complementaron.

Los artistas dijeron que querían interpretarla en una próxima presentación, aunque no dieron fecha ni lugar.

Cudi también recordó que, después de una presentación ante más de 70.000 personas que cantaron “Pursuit of Happiness”, escuchó la última canción de un álbum en el que trabajaba y se emocionó al pensar en sus 18 años de carrera. “No eran lágrimas de tristeza. Eran lágrimas de triunfo”, dijo.

Lucero confirma que su hija Lucerito Mijares se recuperó por completo tras una cirugía de apendicitis y descarta convertirse en abuela en el corto plazo, pese a la tendencia mediática de figuras públicas que recientemente asumieron ese papel.

Lucerito Mijares fue hospitalizada de emergencia en Ciudad de México a principios de septiembre por un cuadro de apendicitis, que requirió una cirugía inmediata.

La propia Lucerito confirmó lo ocurrido el 8 de septiembre mediante un video en sus historias de Instagram. “Estoy bien, tuve una apendicitis y ya me operaron, todo súper, estuvo súper simple, súper fácil”, explicó.

Lucerito Mijares fue hospitalizada de emergencia por apendicitis

La joven cantante requirió una apendicectomía de urgencia semanas atrás, mientras su madre atendía compromisos profesionales. La intervención se resolvió sin complicaciones y con un proceso de recuperación ambulatoria.

Lucero ofreció detalles del cuadro clínico de su hija ante los medios de comunicación este 28 de septiembre. “(Está) pero muy bien. Ya se recuperó muy bien. Fue el apéndice”, declaró la cantante.

“Afortunadamente la atendieron de volada y está superbien, así que padrísimo”, agregó Lucero.

Lucero descarta convertirse en abuela pronto

La prensa cuestiona a la cantante sobre si “se le antoja” ser abuela a sus 57 años, “ahora que está de moda” entre otras figuras del espectáculo. Lucero responde de forma tajante: “Nombre…”.

Al escuchar el nombre de otra intérprete que recientemente asumió ese rol de abuela, la cantante insiste: “Ah, pero yo no”. La respuesta llega sin titubeos.

Lucero explica el motivo detrás de su postura. “Mis hijos son muy chicos. Ya cuando sea abuela y sea grande, pues ya seré abuela, pero ahorita no”, precisa la cantante, quien sin rodeos aseguró que aún no piensa en ser abuela.

¿Cuántos hijos tiene Lucero?

Lucero tiene dos hijos, fruto de su matrimonio con Manuel Mijares:

• José Manuel Mijares, nacido en noviembre de 2001, actualmente de 24 años. Mantiene un perfil discreto y permanece alejado de una carrera pública en el espectáculo.
• Lucerito Mijares, nacida el 2 de febrero de 2005, actualmente de 21 años. Es la hija que sigue los pasos artísticos de sus padres, con una carrera activa como cantante y actriz.

Lucero y Manuel Mijares se casaron el 18 de enero de 1997 y anunciaron su separación el 4 de marzo de 2011, tras 14 años juntos. El divorcio se dio en buenos términos

Lucero fue captada junto a su expareja Michel Kuri

De forma paralela, diferentes medios documentan la presencia simultánea de Lucero y el empresario Michel Kuri en terminales del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México el 27 de septiembre.

La relación entre ambos concluyó en julio de 2023, tras 11 años de noviazgo. Ante los cuestionamientos sobre una posible reconciliación derivados de ese avistamiento conjunto, la cantante no confirma un reencuentro amoroso ni viajes compartidos con Kuri.

Lucero confirma gira junto a Yuri por México

Las declaraciones sobre la salud de su hija y su postura frente a la maternidad de segunda generación se dan en el marco de la promoción de una gira conjunta que Lucero prepara con Yuri por distintas ciudades del país.

La cantante descarta disputas de protagonismo o vestuario con su colega durante los preparativos del proyecto. También desmiente que alguno de sus temas de desamor incluidos en el repertorio contenga dedicatorias personales

Keanu Reeves llega a la Ciudad de México con su banda Dogstar, agrupación con la que se une al cartel de A Perfect Circle y Puscifer este 25 de noviembre en el Estadio Fray Nano.

El actor, quien es reconocido por sus destacados papeles en el cine, dejará a un lado su faceta en la pantalla para subirse al escenario como bajista de su banda de rock.

Dogstar debuta en México junto a A Perfect Circle y Puscifer

El actor, reconocido por interpretar a Neo en Matrix y a John Wick, se presenta en su faceta como bajista de Dogstar, banda en la que toca desde hace más de tres décadas. La agrupación se suma a un cartel que ya incluía a A Perfect Circle y Puscifer.

La fecha marca la primera presentación oficial de Dogstar en territorio mexicano. El trío está integrado por Bret Domrose en guitarra y voz, Robert Mailhouse en batería y Reeves en el bajo.

El concierto reúne dos proyectos de Maynard James Keenan

A Perfect Circle y Puscifer, ambos encabezados por Maynard James Keenan, ya estaban confirmados para esa noche antes de que se anunciara la incorporación de Dogstar. La cartelera también incluye al comediante y músico Dave Hill.

Para A Perfect Circle, la fecha representa su primera actuación en la Ciudad de México y su regreso al país después de casi una década.

Horarios y venta de boletos

El evento se realiza en el Estadio Fray Nano, en la Ciudad de México, el miércoles 25 de noviembre de 2026. La apertura de puertas está programada para las 16:00 horas y el inicio del concierto para las 18:30 horas.

Los boletos están disponibles en línea a través de FunTicket y de forma física en las taquillas de Forum Buenavista.

La presentación permitirá al público mexicano ver a Reeves desde una faceta alejada del cine y directamente sobre el escenario con bajo en mano. La combinación de Dogstar con A Perfect Circle y Puscifer forma una cartelera poco habitual para el cierre del año en la capital.

¿Cuánto cuestan los boletos para el concierto?

Los boletos para el concierto del 25 de noviembre en el Estadio Fray Nano van de 585 a 3,630 pesos, con precios ya incluidos los cargos por servicio.

El desglose por sección es el siguiente:

• Early Access General B: 585 pesos
• Early Access General A: 1,035 pesos
• General B: 1,230 pesos
• Grada central: 1,540 pesos
• Grada 1ra / 3ra base vista limitada: 1,850 pesos
• Grada 1ra / 3ra base: 2,340 pesos
• General A: 2,580 pesos
• Jardín izquierdo / derecho: 3,630 pesos

La venta general inició el 6 de mayo a través de la plataforma FunTicket. Los boletos también pueden adquirirse en las taquillas de Forum Buenavista.

¿Dónde se ubica el Estadio Fray Nano?

El Estadio Fray Nano está en Fernando Iglesias Calderón S/N, colonia Jardín Balbuena, alcaldía Venustiano Carranza. El recinto forma parte del complejo de la Ciudad Deportiva Magdalena Mixiuhca, en la zona oriente de la capital.

La estación Mixiuhca, de la Línea 9 del Metro, es la más cercana al recinto. La estación Velódromo, también de la Línea 9, ofrece otra opción de acceso al estadio.

El Estadio Fray Nano tiene una capacidad de 5,200 personas. El aforo se amplió de 3,000 a 5,200 espectadores tras una remodelación realizada entre 2015 y 2018, con una inversión de 70 millones de pesos por parte de la Fundación Alfredo Harp Helú. La reconstrucción incluyó el graderío, un nuevo drenaje y techumbre.

Gala Montes estalló en sus redes sociales y acusó directamente a María José, Paty Cantú y al productor Stefano Vieni de plagiar su canción “La Mala”, tema que estará en su próximo álbum “La Hija de Nadie”.

A través de sus historias en Instagram, la actriz detalló la relación que tiene con los involucrados en la canción “La Mala del Cuento”, sencillo que recientemente estrenó “La Josa”, coescrito por Paty Cantú y Vieni, mismo que, según Gala Montes, suena igual a su canción.

La canción “La Mala” de Gala Montes salió el 4 de agosto de este 2026, y será parte de su próximo álbum que saldrá el 23 de octubre. La canción fue presentada en programas de televisión desde julio. Mientras que María José estrenó su sencillo el pasado 24 de septiembre.

Gala Montes dice tener pruebas del plagio

“Yo con pruebas, con pruebas”, repite Gala Montes en sus historias de Instagram al referirse a las similitudes entre ambos temas. La actriz sostiene que “La Mala del Cuento” “se parece mucho” a “La Mala”, el primer sencillo de su disco La Hija de Nadie.

“Y ahora sacan esta canción que yo digo: ‘Es igual a la mía, hostia’”, afirma Montes. La cantante señala que la canción de María José es “una copia totalmente de lo que yo llevo trabajando ya mucho tiempo”.

“La Mala” salió el 4 de agosto de este 2026 y formó parte de la promoción televisiva de Montes desde julio. Su álbum completo, La Hija de Nadie, se estrenará el 23 de octubre.

La relación previa con Paty Cantú se rompió, según Gala Montes

Gala Montes explica que mantenía buena relación con Paty Cantú, coautora de “La Mala del Cuento” junto con Vieni. “Yo he estado hablando con Paty, he intentado hablar con ella muchas veces, no me contesta”, relata.

La actriz vincula el distanciamiento con un dato personal: la novia de su hermana Beba Montes trabaja con Cantú. “Yo creo que por eso Paty me dejó de contestar”, sostiene Montes, quien además revela que la propia Cantú le había advertido antes que María José “no quería que yo cantara ‘Prefiero ser su amante’”.

Con Stefano Vieni, productor de ambos temas, Montes dice haber tenido un acercamiento profesional previo que no prosperó. “Stefano y yo intentamos trabajar, pero pues nunca coincidimos”, detalla la cantante.

Gala Montes cuestiona el apoyo de María José en el pasado

La actriz extiende sus reclamos al vínculo personal con María José, a quien acusa de no haberla apoyado de forma genuina. “A mí la Josa, la verdad, nunca me apoyó”, afirma, en referencia al paso de la cantante por La Casa de los Famosos.

Según Montes, María José “se aprovechó” de su nombre y después “habló mal” de ella. “Cuando fui un target para la comunidad LGBT, para ella sí, pero después de eso ya no”, sostiene la actriz.

Montes cuestiona además que María José haya cuestionado su talento pese a su propia trayectoria como compositora y productora. “Me parece horrible entre artistas menospreciarnos de esa forma”, señala, y agrega: “¿Qué te he hecho?”.

¿María José y Paty Cantú plagiaron a Gala Montes?

Hasta el momento, la acusación de Gala Montes se sostiene únicamente en su propio testimonio. La cantante afirma tener “pruebas”, pero no las ha mostrado ni ha detallado si se refiere a similitudes en la letra, la melodía o la estructura musical de ambos temas.

Ni María José, ni Paty Cantú, ni Stefano Vieni han respondido públicamente al señalamiento. Tampoco existe un análisis musicológico independiente ni un medio especializado que haya comparado técnicamente “La Mala” y “La Mala del Cuento”.

Lo único verificable son las fechas: “La Mala” se estrenó el 4 de agosto, mientras que “La Mala del Cuento” salió el 24 de septiembre, casi dos meses después. Esa diferencia temporal no constituye por sí misma una prueba de plagio, aunque respalda el reclamo de Montes sobre el orden de publicación.

Con la información disponible, no es posible determinar si el señalamiento de Montes tiene fundamento. La denuncia permanece como una acusación unilateral, sin respuesta de la otra parte ni dictamen técnico que la respalde o la refute.

El regreso de U2 a la escena musical con su primer disco en casi una década ha sido una de las grandes noticias de la industria en este último trimestre del año. El 13 de noviembre, la banda de Bono, The Edge, Adam Clayton y Larry Mullen Jr. lanzará Carnaval de Luz, su decimosexto álbum de estudio. El título en español no es la única sorpresa del grupo en este sentido, que le ha hecho otro guiño al idioma con el tema Silencio y ha provocado todo tipo de rumores con la canción The Mirror Maker (Rosalía).

Al conocerse la tracklist del nuevo disco de la banda de temas como With or Without You y I Still Haven’t Found What I’m Looking For, son muchos los que se preguntaron qué pintaba la cantante española, consagrada internacionalmente tras el éxito de su álbum Lux, en el disco de U2. Los rumores de una posible colaboración no tardaron en surgir, aunque los propios miembros del grupo se han encargado de desmentirlos y de aclarar a qué se debe la inclusión de Rosalía en Carnaval de Luz.

“Normalmente solo escribimos canciones sobre gente en la cárcel o gente muerta”, ha explicado el propio Bono en una entrevista con la revista Rolling Stone. “Ya sabes, héroes muertos, o intentando sacarlos de la cárcel. Esto es simplemente celebrar a alguien porque es un artista extraordinario”. De este modo, el conjunto irlandés quiso rendir tributo a la cantante española y a su último disco, tildado por ellos de obra maestra y que, por desgracia, se les adelantó en la idea de mencionar la luz en el título de su disco.

La reacción de Rosalía

En el citado medio, Bono explica cómo la vinculación entre música y religión que Rosalía establece es una idea que llevaba muchos años resultándole atractiva. Para el cantante de U2, es muy fácil convertirse en un “narcisista” cuando se es cantante de éxito. “El simple hecho de escribir, o pensar que alguien debería estar interesado en tus ideas, hace que sea muy fácil perderse en el espejo. O simplemente en lo que se refleja detrás de ti cuando te miras en el espejo, el mundo que está detrás de ti”.

Sin embargo, para el vocalista, Rosalía es una de las personas que se ha atrevido a “atravesar el espejo y ver qué hay al otro lado”. “Es un poco vergonzoso que se hiciera tan popular antes de que lanzáramos la canción”, reconoce el cantante. “Pero eso no me importa. Todo el mundo conocía también a Martin Luther King”, a quien le dedicaron en su día uno de sus temas más recordados: Pride (In the name of love).

No obstante, todavía faltaba lo más importante: conseguir el permiso de la propia Rosalía para poder sacar el tema, algo en lo que resultó fundamental su amiga en común, Penélope Cruz, que los puso en contacto. “Me animó y me hizo reír un montón”, confiesa Bono acerca de la conversación que tuvo finalmente con la artista española, a quien la unían intereses como la admiración por autores como Federico García Lorca.

“La idea era intentar convencer a Rosalía para que lo hiciera”, comenta Jacknife Lee, productor de la banda durante los últimos años, “y entonces nos dimos cuenta: ¿por qué alguien cantaría una canción sobre sí mismo? No tiene sentido". Por eso, es finalmente Bono quien canta los coros del inicio del tema, imitando a la soprano en algunas de las canciones de Lux.

Escuchar la canción indicada, esa que quedó grabada en algún momento de la vida, puede provocar una respuesta cerebral clara en personas con Alzheimer.

Así lo determinó un equipo del Centro de Alzheimer de Ámsterdam y del Instituto Neerlandés de Neurociencia, que analizó cómo reacciona el cerebro ante la música con significado personal, en comparación con música neutra, tanto en personas sanas como en pacientes con enfermedad de Alzheimer y demencia frontotemporal. El hallazgo, publicado en la revista Brain Communications, aporta pistas sobre por qué la musicoterapia funciona en unos pacientes y en otros no.

La demencia agrupa distintos trastornos cerebrales en los que las células nerviosas se dañan y mueren de forma progresiva. La enfermedad de Alzheimer y la demencia frontotemporal (DFT) son dos de sus formas más conocidas, y ambas terminan por afectar funciones cognitivas diversas. Como no existe cura definitiva, entender qué mecanismos del cerebro resisten el deterioro se volvió una prioridad para la ciencia.

Una canción puede desatar recuerdos y emociones intensas

Cualquiera lo experimentó alguna vez: un tema musical que dispara un recuerdo puntual, que eriza la piel o que obliga, casi sin pensarlo, a mover el cuerpo. Esa conexión entre sonido y emoción fue justamente el punto de partida de la investigación. Los científicos ya sabían que las intervenciones no farmacológicas, entre ellas la musicoterapia, pueden mejorar el bienestar de los pacientes o aliviar ciertos síntomas asociados a la demencia.

Lo que no estaba claro era si esa eficacia variaba según el tipo de trastorno, y sobre todo, qué pasaba dentro del cerebro cuando sonaba la música.

Estudios anteriores ya habían sugerido que el procesamiento musical se ve afectado en la demencia frontotemporal, mientras que en la enfermedad de Alzheimer tiende a conservarse en mayor medida. Sin embargo, hasta la publicación de este trabajo no se había confirmado si la respuesta cerebral también difería entre ambas condiciones.

El desafío de tocar música dentro de un resonador

Para despejar esas dudas, el equipo comparó a personas con Alzheimer y con DFT frente a un grupo de participantes sanos. A todos se les pidió previamente que eligieran canciones con una carga personal fuerte, piezas capaces de generar una respuesta emocional genuina. Esa música se comparó luego, dentro del escáner, con temas neutros que no tenían ninguna asociación particular para los participantes.

“No es solo música, es tu música”, resumió Jochum van ‘t Hooft, investigador del Centro de Alzheimer de Ámsterdam, en declaraciones recogidas por la publicación. “Principalmente queríamos usar música que te hiciera pensar, esto realmente me emociona. Me encanta la idea de que puedas estar tumbado en el escáner y disfrutarlo de verdad”, añadió. La elección personalizada del repertorio no fue un detalle menor: los investigadores necesitaban garantizar que el vínculo emocional con cada canción fuera real y no genérico.

Ahora bien, reproducir música dentro de una máquina de resonancia magnética no es tan simple como parece. El aparato genera un ruido considerable durante el proceso de escaneo, lo que representa un obstáculo evidente para un experimento que depende del sonido y del ritmo. “Un escáner de resonancia magnética genera mucho ruido, mientras que la música se basa en el sonido y el ritmo”, explicó Wietske van der Zwaag, del Instituto Neerlandés de Neurociencia.

Para sortear ese problema, el equipo diseñó un protocolo específico: el escáner tomaba una imagen cerebral breve y, a continuación, se abría una pausa corta durante la cual sonaba la música. Esa alternancia entre escaneo y escucha, repetida a un ritmo fijo, permitió a los investigadores mapear con precisión cómo respondía el cerebro a cada tipo de estímulo sonoro.

La música personal genera mayor actividad cerebral

Los resultados mostraron que la música con significado personal provocó una actividad cerebral más intensa que la música neutra. Ese patrón se repitió en los tres grupos analizados: los participantes sanos, las personas con enfermedad de Alzheimer y las personas con demencia frontotemporal. Es decir, el vínculo emocional con una canción sigue siendo capaz de activar el cerebro incluso cuando la enfermedad ya afectó otras funciones cognitivas.

Sin embargo, aparecieron diferencias relevantes entre los dos tipos de demencia. En los pacientes con DFT, los investigadores detectaron menor actividad en el área motora suplementaria (AMS), una región cerebral vinculada al movimiento y también a ciertos aspectos del procesamiento musical y la memoria. En cambio, en las personas con enfermedad de Alzheimer, la respuesta cerebral resultó más parecida a la de los participantes sanos, lo que respalda la idea de que el procesamiento musical se conserva mejor en este tipo de demencia.

Los autores del estudio sostienen que estos hallazgos podrían ayudar a comprender mejor el papel de la musicoterapia en pacientes con demencia. Todavía resta determinar por qué la música genera una respuesta cerebral clara en algunas personas y, en otras, esa respuesta aparece debilitada o directamente no se produce.

Entender esas diferencias, según los investigadores, podría explicar por qué ciertas intervenciones musicales funcionan mejor en unos pacientes que en otros. Se trata de una información que puede resultar útil tanto para los propios pacientes como para sus cuidadores, en particular en los casos donde la musicoterapia no logra el efecto esperado.

Por el momento, el estudio deja en claro un punto central: el significado personal de la música importa. Aún cuando la demencia ya alteró el funcionamiento del cerebro, la canción que realmente pertenece a la historia de esa persona todavía puede despertar una respuesta cerebral identificable. “No importa cualquier música, sino la música que pertenece a esa persona”, señala el estudio.

El concierto My Hero Academia in Concert llega a México el 6 de febrero de 2027 en el Pepsi Center WTC de la Ciudad de México, dentro de la gira mundial que celebra los 10 años del anime.

La presentación forma parte de un recorrido internacional que combina la música original de la serie con elementos visuales del anime. El horario del evento aún no está confirmado, aunque Level-Up reporta un inicio previsto a las 11:00 horas.

¿Cuánto cuestan los boletos para My Hero Academia in Concert en México?

Los precios de los boletos para el concierto en el Pepsi Center WTC para el concierto de My Hero Academia van desde los 900 hasta los 2,500 pesos, dependiendo la zona del recinto.

Las entradas salen a la venta general el 30 de septiembre a través de Ticketmaster.

No habrá preventa exclusiva para el show en la CDMX

Para el concierto de My Hero Academia en México no habrá una preventa bancaria o de socios para este. La venta arranca directamente en modalidad general el 30 de septiembre de 2026, con acceso simultáneo para todo el público a través del sitio y la aplicación de Ticketmaster, así como en taquilla física del recinto.

La compra puede realizarse en efectivo o con cualquier tarjeta bancaria, sin restricción de banco emisor, lo que abre el acceso a la totalidad de los interesados desde el primer minuto de venta.

¿Dónde está el Pepsi Center CDMX?

El concierto se realiza en el Pepsi Center WTC, ubicado en Dakota sin número, colonia Nápoles, alcaldía Benito Juárez. El recinto forma parte del corredor de espectáculos del World Trade Center capitalino y ha albergado presentaciones de artistas internacionales y eventos de gran formato.

La fecha del 6 de febrero de 2027 como el único show programado en el país hasta el momento, sin fechas adicionales anunciadas en otras ciudades mexicanas.

¿Cuántas personas le caben al Pepsi Center WTC?

El Pepsi Center WTC tiene una capacidad máxima de 8,000 personas en configuración de concierto, según el propio recinto.

La cifra varía según el formato del evento: en modalidad auditorio recibe hasta 3,342 personas, en formato mixto para espectáculos va de 3,478 a 7,500 personas, y en configuración de concierto llega hasta 6,486 a 8,000 personas.

Los boletos van de 900 a 2,500 pesos según la zona

El rango de precios reportado por Heraldo de México y Level-Up coincide en un piso de 900 pesos y un techo de 2,500 pesos, dependiendo de la ubicación dentro del Pepsi Center. No se han detallado aún las zonas específicas ni un mapa de asientos con el desglose completo por sector.

Tampoco se confirma si existirán paquetes con acceso a zonas VIP o experiencias adicionales, un dato que suele anunciarse más cerca de la fecha de venta en giras de este tipo.

Se desconoce si habrá mercancía oficial o artistas invitados

Hasta el momento, no se ha confirmado la venta de mercancía oficial en el recinto ni la participación de algún artista japonés invitado durante la función en la Ciudad de México.

“Llevar esta música al escenario transforma la manera en que el público conecta con la serie. Las composiciones de Hayashi no solo acompañan la acción: impulsan la emoción e intensifican cada momento a lo largo de la presentación”, señala Floris Douwes, productor y director general de GEA Live.

La fecha mexicana se integra a un calendario internacional del World Tour que ha recorrido distintas ciudades como parte de la celebración de la primera década del anime, basado en el manga de Kohei Horikoshi.

La actriz británica, que estuvo comprometida con el músico de The Beatles a fines de los años 60, anticipó que no verá la próxima película sobre la banda de Liverpool que llevará esa etapa de su vida a la pantalla.

La razón no responde a una objeción sobre el proyecto ni sobre la actriz que la interpretará. Explicó que prefiere evitar una situación que, según prevé, abriría otra vez preguntas sobre un vínculo que decidió no comentar desde hace décadas.

“No veré las películas, porque después todos me preguntarán qué pensé”, afirmó la actriz en una entrevista con The Telegraph.

Jane Asher no cambiará su postura sobre Paul McCartney

La producción cinematográfica de Sam Mendes abordará la historia de los cuatro integrantes de The Beatles en cuatro películas. La actriz Lucy Boynton asumirá el papel de Asher, mientras que Paul Mescal interpretará a McCartney.

La película incluirá el período de noviazgo entre ambos, que duró cuatro años y concluyó poco después de que anunciaran su compromiso, el 25 de diciembre de 1967.

Asher y McCartney se separaron el 20 de julio de 1968, cuando la actriz hizo pública su decisión de poner fin a la relación, en medio de versiones sobre una presunta infidelidad del músico.

Durante ese tiempo, el cantante compuso algunas de sus canciones más conocidas, entre ellas And I Love Her, en la casa de los padres de la actriz, ubicada en el barrio londinense de Marylebone.

La intérprete confirmó al diario británico que los realizadores se pusieron en contacto con ella por el proyecto. “Por supuesto que se acercaron a mí, pero les dije lo de siempre”, señaló. Esa respuesta remite a la decisión que tomó años atrás de no hablar públicamente sobre su relación con el ex Beatle.

“Decidí hace años que sería un tema en blanco”, subrayó Asher. También recordó que recibió propuestas económicas para referirse al asunto, aunque las rechazó: “La gente me ofrecía dinero para que hablara de eso, toda clase de cosas. Pero no lo haré. Fue hace mucho tiempo”.

Lucy Boynton interpretará a la actriz en las películas de Sam Mendes

El futuro estreno pondrá a Asher frente a una representación de su juventud, una posibilidad que no despertó mayores comentarios de su parte.

Boynton, protagonista de títulos como Bohemian Rhapsody, comparte representante con ella. Al ser consultada sobre la elección, respondió: “Bueno, por supuesto, Lucy es hermosa”.

La declaración evitó profundizar en las expectativas sobre la película y sostuvo la reserva que caracteriza sus intervenciones sobre McCartney.

La actriz británica fue una de las figuras reconocidas de la escena cultural de Londres durante los años 60, con trabajos en cine y teatro, además de su presencia en el entorno de la música popular de la época.

Asher construyó una carrera que abarcó desde producciones infantiles hasta papeles en obras de teatro, series y películas. Actuó junto a Michael Caine en Alfie, estrenada en 1966, y formó parte de Brideshead Revisited, en 1981.

También participó en Deep End, de Jerzy Skolimowski, y en la adaptación teatral de Festen, que se estrenó en el Almeida Theatre en 2004 y luego llegó al West End.

En paralelo, desarrolló una actividad vinculada con la gastronomía. Publicó libros de cocina y abrió una pastelería en Chelsea en 1990, negocio que dirigió durante 25 años. En 1981 se casó con el dibujante Gerald Scarfe, con quien tuvo tres hijos.

La actriz encarna a Isabel II en una gira teatral por Reino Unido

La entrevista con el medio británico se produjo durante los ensayos de By Royal Appointment, una comedia teatral de Daisy Goodwin en la que la actriz interpreta a la reina Isabel II.

La obra recrea conversaciones ficticias entre la monarca, su asistente de vestuario, su sombrerero y su diseñador antes de 16 apariciones públicas realizadas entre 1969 y septiembre de 2022.

La actriz definió el desafío de asumir el personaje como “un poco aterrador”, en parte por las interpretaciones previas de Helen Mirren e Imelda Staunton. Para acercarse a la figura de la reina, encontró una imagen que le permitió apartarse de la dimensión institucional: una fotografía de Isabel II recostada en una silla, con los pies sobre una mesa.

“Me di cuenta de que la reina era, al final del día, también una mujer. Eso me ayudó muchísimo”, relató Asher. También expresó su respaldo a la continuidad de la monarquía británica por contar con una jefatura de Estado “presuntamente neutral”.

La obra inició su gira nacional en el Arts Theatre de Cambridge y permanecerá allí hasta el 3 de octubre. Luego recorrerá otras ciudades del Reino Unido hasta el 6 de febrero.

“La base original son las enseñanzas que él me contaba cuando yo era chico”, cuenta Dlugonoga a Teleshow, músico de profesión y cerebro detrás del proyecto. A esta altura, ya no distingue entre el músico que compone en soledad y el nieto que le presta el teléfono a su abuelo para que hable frente a cámara en esa química que no parece tener límites. “Es todo parte de lo mismo”, explica sobre un oficio que aprendió a moldear con los años, como todos. Y que encontró un universo apasionante en los consejos de su abuelo, un comerciante de Flores que alguna vez se llamó Salomón pero para todo el mundo es Coqui, que no terminó la secundaria pero con esa sabiduría propia de la calle de otra época.

Martín se propuso que estas historias personales, íntimas, familiares cobraran un sentido universal. Cambió los nombres propios y los detalles concretos por una profundidad que interpele sensaciones comunes. La primera canción que publicó con este formato fue “Voy a abrirte la puerta”, pensando en ayudar a quienes no se animan a dar ciertos pasos. El feedback fue inmediato, la gente la hizo propia y ya nada fue igual, ni para el nieto ni para el abuelo: “Ahí ya nos dimos cuenta de que la música tenía vuelo propio”, dice el músico, reconstruyendo el camino de las canciones se agolparon en el álbum Un café con el abuelo.

—¿Qué te pasó a vos como autor y compositor formado en la vieja escuela con este nuevo escenario?

—Encontré algo novedoso que es la música funcional, e invito a todos los músicos que quieran hacerlo. Una canción que no solo sirva para escucharla, sino también para invitar a salir a alguien que te gusta, o para decirle algo a tu familia sin animarte por vergüenza: Así por ejemplo surgió “Las seis de la tarde”, que la pensamos para que la compartas en tu historia de Instagram, para que la persona que te gusta la vea, y si le gusta la letra y también gusta de vos, te va a responder. Es como una canción señuelo.

—Cómo trasladás las charlas con tu abuelo al mundo actual, sobre todo esas enseñanzas que vienen de un contexto muy diferente. Él creció en un tiempo sin redes, y si le querías hablarle a una persona tenías que llamarla por teléfono o cruzártela por la calle.

—Sí, cambió la manera de relacionarse y también el tiempo de atención de una persona y el tiempo para esperar resultados. No es lo mismo que antes, que conocías a alguien y hablabas, y capaz en un mes o dos la conocías y te ponías de novio. Acá la gente quiere todo ahora y ya, aunque no sepa qué es lo que quiere. Entonces lo que intento con el abuelo es no desestimar eso que está pasando hoy en el mundo, porque si lo desestimás, te quedás afuera. Es un desafío para los dos: adaptar su enseñanza del siglo pasado y hacerlo en el lenguaje de los jóvenes de hoy. Y ahí el algoritmo te ayuda, porque te enseña las reglas. Si vos viralizás, vas bien. Si no viralizás, evidentemente puede ser muy bueno tu mensaje, pero no entendiste las reglas.

—El algoritmo te dio el visto bueno casi de entrada. ¿Cuándo fue el primer video viral?

—Nosotros habíamos empezado con el abuelo Coqui hace dos años haciendo humor. Ese video viral fue en 2024, cuando él contó un chiste. Después hicimos otro sobre él pidiendo la cuenta en un restaurante, que fue megaviral, pero dentro de Argentina. Cuando hicimos el primer video de filosofía, despegó mucho más que los anteriores: en un día hizo dos millones de vistas. Ahí entendimos que teníamos que ir por ese lado.

—Hasta ese momento ya tenías un recorrido importante en la música pero no tanto desde la exposición, sino más bien en la producción o composición. ¿Cómo tomaste la decisión de ponerle la voz a tus canciones?

—Cuando trabajaba con otros artistas, me pasaba que quería poner un acorde, y los artistas me pedían otra cosa. Entonces sentía que mi trabajo estaba buenísimo, porque me encanta hacer lo que amo, pero estaba limitado. Un día me senté en mi estudio y decidí hacerlo al revés, empezar el tema y después ver quién lo cantaba. Escribí “Voy a abrirte la puerta”, con Mía Frankel. En principio iba a ser una canción para que la cantara ella sola, porque me gustó tanto que me lo quise quedar para mí. Ella me ofreció cantarlo juntos y ahí puse mi voz por primera vez, con el escudo de una voz femenina que canta espectacular como Mía. Con ese escudo me animé a salir. Después hice lo mismo con Jenny Martínez, y el tercer tema que me animé a mandar solo se llama “Las cosas que no dije”. Me la jugué. El primer día hizo cien vistas, me quería morir. El segundo día hizo cincuenta, pensé que me iban a matar del sello. Al tercer día subí el video con mi abuelo, con mi concepto, y tuvo una viralización masiva como nunca vi. Al quinto día mi canción era el viral número uno de Argentina, y se escuchaba en toda Latinoamérica. Fue una locura total.

Un camino largo y sinuoso

Antes del fenómeno viral, Martín tenía una importante trayectoria en la música tradicional que parecía esperar el momento de ser visitada. Estudió música cinematográfica y empezó su carrera como baterista, un instrumento que tocó junto a Javier Calamaro y, más tarde, en la gira del artista español Beret. Ese recorrido lo llevó a decidir que quería producir, pero el cambio no fue automático: reconoce que le costó seis años hacerse un nombre, porque quienes lo conocían como baterista no lo veían como productor.

Su llegada al universo de Bizarrap y Trueno tuvo un nombre propio, el de Lucas Vignale, el recordado director y realizador que falleció junto al youtuber Gaspi en el choque de dos helicópteros en Río de Janeiro. Vignale y su hermano Francisco conocían los trabajos de Dlugonoga en la música cinematográfica, y fue quien lo convocó para componer la música incidental de un videoclip con Trueno, con estética japonesa. Poco después llegó otro llamado inesperado, el de Bizarrap, para musicalizar en clave sinfónica el tráiler de una sesión con Tiago PZK.

Con Beret, en cambio, la relación fue más allá de una colaboración puntual. El artista español se convirtió en fanático de sus canciones y decidió componer junto a él, lo que derivó en una sociedad creativa que les valió un disco de oro por “Hola que tal” y que terminó también en el escenario: el español lo invitó a abrir su gira latinoamericana, con una fecha en el Gran Rex. “Su equipo se encargó de que no tocara como telonero, sino que esperaron a que el teatro estuviera lleno. Lo que más me impactó fue ver carteles con mi nombre y frases mías y del abuelo. Y ahí me di cuenta que era donde se veían los likes”, recuerda.

—¿Cómo vive el abuelo todo este fenómeno? ¿Es consciente de todo lo que provoca?

—Él maneja redes, pero yo le leo mensajes que llegan todo el tiempo, le voy filtrando los que más me interesan. Pero lo que más le impacta es la calle: ahí lo reconocen todo el tiempo. El taxista le dice: “no puedo creer que estoy llevando al abuelo Coqui”. Siempre cuenta una anécdota de una señora en un bar que, cuando lo vio entrar, se largó a llorar fuerte y le dijo: “usted salvó mi vida, porque yo estaba internada y por ver sus videos tomé fuerza y salí de una internación de dos meses”.

—Está bueno esto, porque a veces uno piensa que lo que pasa en Internet queda en Internet y por lo que contás en este caso no es así.

—Es tremendo. A mí también me pasa con la música y uno no sabe qué tan profundo ni hasta dónde puede llegar con una canción. Te cuento una que no es muy linda, pero ejemplifica esto: una seguidora que era enferma terminal y usó mi canción “Las cosas que no dije” para despedirse de toda su familia, y me agradecía por ese regalo. No lo podía creer. Vos hacés la canción pensando en tener vistas y te llega eso, y te da una cachetada.

—¿ Te escribió algún músico a partir de los videos virales?

—Sí, J Balvin es fanático de nuestro contenido. Esa es la viralización que me gusta, cuando le llega a artistas como él. De ahí a producir o componer una colaboración con J hay un largo camino, pero ya tengo el contacto y nos escribimos. También estuvo Emilia Mernes likeando por ahí, pero en cuanto a personalidades hay una historia que me sorprendió todavía más.

—Contame.

—Yo estoy afuera de la política, no entiendo, no opino, no tengo bando. Pero un día nos compartió un video Javier Milei. Y llegó a un grupo de de dirigentes de La Libertad Avanza, y me propusieron declarar de interés los videos del abuelo Coqui por su aporte a la cultura popular. Yo les dije que sí y me olvidé, hasta que llegó un mensaje diciendo que se aprobó el proyecto y va a haber una entrega de diplomas en la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. No lo puedo creer y para mi abuelo es mucho más impensado, porque no terminó la secundaria, con suerte sabe quién es Nietzsche y hoy es un tipo que tiene laureles de filosofía.

—¿Cómo es la experiencia sobre el escenario con el abuelo Coqui?

—Hicimos un espectáculo en el Margarita Xirgu, que fue hermoso porque mi abuelo está en el escenario contando chistes y anécdotas. Lo divertido es que yo armo un esquema de show, se lo explico ciento veinte mil veces y en el escenario hace lo que quiere. Eso le da un dinamismo particular, porque realmente yo no sé que va a contar, soy un espectador más. Y tenemos muchas ganas de repetirlo.

Fotos: Gentileza Martín Dlugonoga

KID PHENOMENON presenta una nueva etapa con el lanzamiento de su segundo álbum de estudio, KIDS00’s, un proyecto que reúne su evolución musical y sus aspiraciones de ampliar su presencia internacional. El material llega casi un año y medio después de PHENOMENON, su primer disco de larga duración.

El nuevo trabajo discográfico está integrado por 12 canciones, entre sencillos, temas de acoplamiento y tres composiciones inéditas creadas especialmente para esta producción. Además de mostrar distintas facetas sonoras de la agrupación, el material aborda conceptos vinculados con la juventud, la ambición, el autodescubrimiento y la perseverancia.

Este anuncio es la antesala de su próxima gira “KID PHENOMENON LIVE TOUR 2026 ‘KIDS00’s”, cuyo nombre está directamente relacionado con el título del disco, representando a los siete integrantes: Kensuke Sorematu (líder), Tsubasa Endo, Kohaku Okao, Soma Kawaguchi, Shunnosuke Sato, Kota Yamamoto y Rui Suzuk, todos nacidos en la década de 2000, y las posibilidades que tienen por en los años futuros para consolidar su trayectoria musical.

¿Cuándo se estrenó en México ‘KIDS’, la nueva canción de este grupo de J-pop?

El álbum comienza con “KIDS”, una canción de reciente grabación que apuesta por un ritmo repetitivo y contagioso. La pieza combina elementos del boom-bap clásico con letras inspiradas en la Generación Z, con lo que crea un contraste entre referencias de los años 90 y una propuesta contemporánea.

La banda presentó previamente el video de interpretación de este tema, cuya coreografía estuvo a cargo de Sienna Lalau, reconocida por su trabajo con importantes marcas y artistas de K-pop. El material audiovisual fue filmado en Los Ángeles y ya se encuentra disponible en las plataformas de streaming de México y a nivel internacional desde el 17 de junio de este año.

Entre las nuevas composiciones también destaca “Neo code”, descrita como un himno orientado al futuro que incorpora un sonido enérgico, mientras que “BLUE” fue coescrita por los siete integrantes. Ambas forman parte de una producción que busca mostrar el crecimiento alcanzado por el conjunto desde su debut.

Por otro lado, “Black Flame” presenta una faceta más oscura y dramática, con un mensaje centrado en la resiliencia y la fortaleza interior. “Snakebite”, recurre a un sonido funk y plantea una invitación a conservar la autenticidad pese a las presiones externas.

KID PHENOMENON apunta al escenario internacional

Para el líder de la agrupación, el nuevo material también refleja las influencias que han incorporado durante su recorrido artístico. El integrante explicó que “KIDS” conserva el ambiente de los años 90 presente en “Mirror”, aunque incorpora un sonido más apasionado y energético.

Asimismo, destacó que las experiencias acumuladas durante sus actividades les han permitido conocer distintas culturas e influencias creativas, algo que, desde su perspectiva, se manifiesta en la variedad de géneros incluidos en KIDS00’s.

El lanzamiento ocurre después de la participación de KID PHENOMENON en SXSW 2026, celebrado en Austin, Texas, presentación que forma parte de sus esfuerzos por acercarse a escenarios fuera de Japón.

A sus seguidores, conocidos como SPINEL KIDS, Kensuke Sorematu agradeció el respaldo recibido y señaló que el grupo continuará trabajando para llevar sus presentaciones a públicos de distintas partes del mundo.

Con KIDS00’s, el grupo de J-pop inicia una etapa enfocada en su crecimiento artístico y en la expansión de su propuesta musical, mientras mantiene como eje la juventud de sus integrantes y las posibilidades que plantea su futuro.

Lista de canciones para KIDS00’s

• KIDS
• Mirror
• Black Flame
• Magic
• Neo code
• Crossroads
• BLUE
• OUR TIME
• Sparkle Summer
• Lemonade
• Snakebite
• Chosen Ones

KID PHENOMENON from EXILE TRIBE es un grupo japonés de canto y baile formado por siete integrantes que debutó en agosto de 2023 con el sencillo “Wheelie”. La banda representa la cultura “TOKYO NEO POP” y fue nombrada por EXILE HIRO, quien buscó simbolizar su potencial para generar nuevos fenómenos en la escena musical.

Desde su debut, ha destacado con lanzamientos que ingresaron a los primeros lugares de las listas semanales de Oricon. También ha ampliado su presencia internacional con presentaciones en Vietnam y Estados Unidos como parte de su objetivo de llevar su propuesta musical desde Tokio hacia otros escenarios del mundo.

A comienzos de 1969, George Martin no esperaba volver a producir a The Beatles. La experiencia del álbum Blanco lo había dejado afuera. Pero una llamada de Paul McCartney cambió el panorama. “Vamos a hacer otro disco. ¿Quieres producirlo?”, le dijo. La respuesta fue condicional: “Solo si me dejan hacerlo como antes”. McCartney aceptó. “¿John incluido?”, insistió Martin. “Sí, de verdad”, cerró el bajista, según recoge el sitio especializado Tone Deaf.

Venían de meses turbulentos por las sesiones Get Back, donde la banda había estado a punto de implosionar ante las cámaras. Ringo Starr, George Harrison, McCartney y Martin describieron las sesiones de Abbey Road con palabras como “positivas” y “musicales”. Harrison lo sintetizó: “Volvimos a tocar como músicos”.

Las primeras sesiones tuvieron lugar el 22 de febrero de 1969 en los Trident Studios de Londres, con Billy Preston en el órgano Hammond. El trabajo quedó interrumpido por compromisos de Starr con el rodaje de The Magic Christian. El corazón del disco se forjó recién a partir del 1 de julio, cuando Martin tomó el mando del Estudio Dos de los EMI Studios en la calle Abbey Road.

Ese mismo día, John Lennon sufrió un accidente automovilístico en Golspie, Escocia. Llegó al estudio días después y ordenó instalar una cama para que Yoko Ono, con reposo médico, pudiera observar las sesiones desde allí.

La disputa por el medley del lado B

Ningún aspecto del disco concentró tantas fricciones como la decisión de construir el lado B como un medley de 16 minutos. McCartney y Martin lo concibieron como una suite de canciones inconclusas y fragmentos ensamblados, a la que internamente llamaron “The Long One”. Lennon quería pistas individuales y directas.

“John siempre fue un teddy boy. Era un rocanrolero y quería pistas separadas. Así que llegamos a un acuerdo”, declaró Martin en The Complete Beatles Recording Sessions, el libro del historiador musical británico Mark Lewisohn. El compromiso funcionó solo a medias: años después, Lennon calificó la cara B como “basura… retazos de canciones unidas”.

La génesis de “Because” condensa esa tensión: Lennon escuchó a Ono tocar la Sonata al claro de luna de Beethoven y le pidió que interpretara los acordes al revés. Alrededor de esa inversión escribió la canción.

Durante la sesión del 30 de julio, McCartney descartó esa pequeña canción del medley: “No me gusta. Tírala”, según relató el técnico de sonido John Kurlander en The Complete Beatles Recording Session de Lewisohn. El técnico, sin embargo, tenía instrucciones de no desechar ninguna grabación. Recortó la cinta y la pegó al final de la secuencia con 20 segundos de cinta guía delante. Al día siguiente, en Apple Records, la masterización la incluyó al final del disco.

Cuando McCartney recibió esa versión, la sorpresa le pareció bien. La mezcla improvisada de aquella noche es la que quedó en el vinilo, razón por la que la canción comienza con un acorde que pertenece al final de “Mean Mr. Mustard”.

Seis fotografías y una tapa sin nombre

El 8 de agosto de 1969, el fotógrafo Iain Macmillan subió a una escalera de mano en el centro de la calle mientras un policía detenía el tránsito. Tomó seis fotografías. La elegida, la número cinco, fue la única en que las piernas de los cuatro formaban una “V” perfecta e invertida.

El álbum no siempre se llamó Abbey Road. Su título de trabajo fue Everest, en referencia a la marca de cigarrillos que fumaba el ingeniero Geoff Emerick. El plan llegó a contemplar un viaje a Nepal para fotografiar la montaña.

Los Beatles rechazaron la idea; McCartney propuso entonces fotografiar el cruce peatonal frente al estudio. El diseñador John Kosh tomó la decisión más audaz: eliminar el nombre de la banda y el título del disco de la tapa. EMI protestó. Kosh respondió que The Beatles eran la banda más famosa del mundo.

La última sesión y el fin de la banda

El 19 de agosto, Harrison aplicó una sobreimpresión de sintetizador Moog a “Here Comes The Sun”. Esa fue la última grabación. La secuencia final del disco se ordenó al día siguiente: el 20 de agosto de 1969 fue la última vez que los cuatro Beatles coincidieron en un estudio al mismo tiempo.

Abbey Road salió en el Reino Unido el 26 de septiembre y en Estados Unidos el 1 de octubre, bajo el sello Apple Records. Llegó al número uno en ambos países y permaneció once semanas en esa posición en la lista estadounidense.

Lennon comunicó su decisión de abandonar la banda el 20 de septiembre, en una reunión en las oficinas de Apple Corps en Londres, aunque la noticia no se hizo pública hasta la renuncia formal de McCartney, al año siguiente, con la publicación de Let It Be.

Spotify lanzó este 25 de septiembre un experiencia inmersiva exclusiva para los fans de BTS en Colombia, con playlists personalizadas, tarjetas digitales y contenido especial para quienes se ubican entre los oyentes más frecuentes del grupo surcoreano en el país.

La iniciativa llega en un momento de auge para el K-pop en Colombia: tras el regreso de BTS en 2026, las reproducciones mensuales del grupo en la nación alcanzaron un pico equivalente a más de seis veces el nivel registrado antes de su reaparición.

Los datos de Spotify muestran que el interés por BTS no se trató de un pico pasajero. En agosto, las reproducciones del grupo en Colombia todavía se ubicaban cerca de cuatro veces por encima de los niveles previos al comeback. Actualmente, BTS representa aproximadamente un tercio de todo el consumo de K-pop en el país. En los últimos tres años, las reproducciones del grupo en Colombia han crecido cerca de 300%.

La experiencia se activa según el historial de escucha de cada usuario

La plataforma diseñó la propuesta a partir del historial de reproducción de cada usuario. Con esa información, los fans podrán descubrir distintas experiencias personalizadas dentro de la aplicación, que incluyen playlists temáticas, tarjetas digitales y contenidos diferenciados según el nivel de escucha registrado.

Para quienes forman parte del Top 1% de oyentes de BTS en Colombia, la personalización avanza un paso más. Según el perfil de escucha de cada usuario, la experiencia desbloqueará una de cuatro playlists distintas, cada una con un cover exclusivo. Cada selección refleja una forma diferente de conectar con la música del grupo, desde su legado y su costado más emocional hasta su energía y piezas menos conocidas de su discografía.

Casa Spotify Bogotá reunirá a los fans del Top 1%

Los usuarios que integren ese Top 1% también podrán registrarse para participar de un encuentro en Casa Spotify Bogotá, con cupos limitados y acceso habilitado directamente desde la experiencia dentro de la plataforma.

El espacio funcionará como punto de reunión para el fandom de BTS en Colombia, con actividades de escucha colectiva, karaoke, creación e intercambio de souvenirs y espacios para dejar mensajes sobre su conexión con el grupo.

BTS no participará de manera presencial en las actividades. Según la información de Spotify, esta vez los protagonistas del encuentro son los fans, que se prepararán juntos para uno de los momentos más esperados del fandom.

Para los usuarios cuyo perfil de escucha muestra que todavía pueden profundizar en el catálogo de BTS, Spotify ofrecerá Descubre BTS, una playlist pensada para explorar más música del grupo antes de llegar al concierto. Esta selección estará disponible únicamente para quienes, según sus datos de consumo, aún no exploraron la totalidad de la discografía.

La conexión se extiende a las carreras solistas de los integrantes

El vínculo de los oyentes colombianos con BTS también se refleja en el consumo de los proyectos individuales de sus integrantes. Según datos de Spotify, más de dos tercios de los fans de BTS en Colombia escuchan también a Jung Kook, más de la mitad escucha a j-hope y más de cuatro de cada diez escucha a Jimin.

Desde Spotify señalaron que los fans representan una parte central de cómo la música crece y se convierte en cultura, y que la nueva experiencia busca reconocer una conexión que, según los datos de la plataforma, lleva años construyéndose en Colombia.

BTS también se une a la inteligencia artificial de Google

En agosto de 2026, BTS y Google lanzaron una colaboración con Gemini que permite a los fans activar juegos y actividades al escribir “Unlock BTS” o “7777” en la aplicación, disponible en once idiomas.

La propuesta incluye un juego para adivinar canciones con pistas de emojis, un asistente que resume las noticias de la gira mundial del grupo cada 48 a 72 horas, una función para aprender frases en coreano con guías de pronunciación en audio y un espacio donde los usuarios pueden explorar los intereses personales de cada integrante al usar la inteligencia artificial.

La alianza había debutado en junio durante el festival “BTS The City Arirang – Busan” y también tuvo presencia en la fachada del Sphere de Las Vegas, en Estados Unidos, entre el 2 y el 8 de agosto.

El impacto de Rosalía en la cultura visual trasciende por completo el terreno musical. Este viernes, al cumplir 34 años, la superestrella catalana se ubica en la cúspide de la moda internacional como una figura indomable y transformadora.

Su manera de vestir jamás ha sido un simple ornamento, sino una extensión narrativa de sus eras creativas. Desde el folclore urbano hasta la mística marianista, la artista ha construido un universo estético propio donde conviven en perfecta armonía la tradición, el dramatismo de vanguardia y la pureza minimalista.

En los inicios de su proyección global, la identidad visual de la cantante estuvo marcada por una reinterpretación radical de la cultura urbana y el flamenco. Los conjuntos deportivos de diseñador, las plataformas voluminosas y la manicura escultórica con uñas kilométricas llevaron el lenguaje del barrio a las alfombras rojas más exclusivas. Aquella estética recargada y enérgica sirvió para afianzar un sello popular inconfundible.

Con el paso de los años, su armario experimentó una evolución hacia siluetas conceptuales y arquitectónicas, prefiriendo la fuerza de las estructuras sobre el adorno superficial. Este cambio no implicó una renuncia a sus raíces, sino una sofisticación de los conceptos de poder, feminidad y libertad creativa.

La era LUX: misticismo, pureza y el velo como declaración de arte

En la iconografía visual de su proyecto LUX, Rosalía explora una estética espiritual y casi eclesiástica, elevando el blanco a su máxima expresión simbólica.

El uso de velos marfiles sobre la cabeza, túnicas envolventes de cuellos fruncidos y detalles dorados en los labios o las manos proyecta una imagen que oscila entre lo terrenal y lo divino.

Esta etapa se distingue por una sobriedad cargada de significado, donde las telas ceñidas, las texturas orgánicas y el dramatismo sacro reemplazan por completo el artificio urbano. El estilo LUX no solo define una etapa conceptual, sino que consolida su habilidad para transformar referentes religiosos e históricos en alta moda contemporánea.

Entre el minimalismo gótico y el volumen poético

Uno de los rasgos más potentes en la propuesta de la artista es su capacidad para navegar entre extremos visuales opuestos con total soltura.

En los grandes eventos de gala, suele apostar por un minimalismo sobrio y escultural en tonos neutros como el blanco impoluto, el marfil o el negro absoluto. Los vestidos de corte sirena, los monos de hombros descubiertos y los cuellos altos moldean la figura con una precisión arquitectónica.

Por otro lado, cuando la ocasión exige teatralidad, recurre al contraste de texturas extremas. Las plumas opulentas en capas, los volantes en relieve que simulan la espuma del mar y los tules superpuestos generan volúmenes cinematográficos. En su guardarropa, la alta costura funciona como un traje de fuerza expresiva.

El vestuario de escenario: movimiento, performance y ‘Balletcore’

En sus espectáculos en vivo, el vestuario se adapta a la intensidad de la performance y la coreografía:

El ‘Balletcore’ subversivo: La combinación de corsés claros y faldas de tutú de gran volumen con botas de cuero altas rompe la delicadeza del baile clásico con un matiz de firmeza y actitud.

El movimiento de los flecos: Trajes cubiertos por flecos deshilachados en tonos intensos cobran vida propia con cada movimiento, recordando la vibración del baile flamenco pero en una clave futurista.

Transparencias y ‘Streetwear’ lencero: Las mallas translúcidas, las telas caladas y las capas superpuestas aportan un juego de luces y sombras ideal para la escena.

Fuera del escenario y las galas, la cantante mantiene una coherencia estética impecable. Su estilo cotidiano en capitales de la moda combina vestidos vaporosos con calzado pesado, acabados ‘wet look’ en el peinado y rostros al natural.

A sus 34 años, Rosalía reafirma que la moda es un lenguaje vivo. Su capacidad para reinventarse y transitar desde la mística de LUX hasta la irreverencia de la calle la posiciona como una de las creadoras de tendencias más influyentes de nuestra época.

Más de un año después de su estreno mundial, la banda sonora de Las guerreras K-pop continúa entre las más reproducidas en Spotify y el interés por sus protagonistas se mantiene entre las búsquedas más frecuentes en Google.

La película, conocida internacionalmente como K-Pop Demon Hunters y disponible en Netflix, combina animación, acción y música alrededor de un grupo de ídolos que oculta una misión secreta: proteger a la humanidad de fuerzas demoníacas.

El grupo HUNTR/X: carrera musical y caza de demonios

Las protagonistas son Rumi, Mira y Zoey, integrantes del grupo ficticio HUNTR/X. Dentro del universo de la película, no son solo estrellas del K-pop: también funcionan como cazadoras de demonios. Sus canciones y presentaciones en vivo generan una barrera de energía destinada a contener a las criaturas que buscan infiltrarse en el mundo humano, robar almas y aprovecharse del miedo y las inseguridades de las personas.

A ese conflicto se suma el dilema personal de Rumi, quien debe enfrentar una verdad sobre su propia identidad que ha mantenido oculta a lo largo de la historia.

Las voces detrás del grupo pertenecen a EJAE, Audrey Nuna y Rei Ami, mientras que las actrices que dan vida a los personajes en la versión animada son Arden Cho, May Hong y Ji-young Yoo. La banda sonora también incluye la participación de Lea Salonga y de tres integrantes de TWICE —Jeongyeon, Jihyo y Chaeyoung—, quienes interpretan una versión especial de “Takedown”.

Saja Boys, el quinteto que esconde una identidad demoníaca

El equilibrio de la historia se rompe con la aparición de los Saja Boys, una banda masculina rival que, bajo una estética de ídolos de K-pop, esconde su verdadera naturaleza. El grupo está integrado por cinco personajes: Jinu Saja, quien ejerce el liderazgo, Abby Saja, Mystery Saja, Romance Saja y Baby Saja.

Su objetivo es capturar la devoción y las almas de sus seguidores a través de la música. El tema insignia del grupo, “Your Idol”, fue concebido dentro del relato para simbolizar el control hipnótico que ejercen sobre el público de un estadio.

Golden, el himno que llevó a

Según el ranking de canciones más reproducidas en Spotify, “Golden”, interpretada por HUNTR/X, encabeza la lista como el himno principal de la película. Se trata de una pista pop centrada en el empoderamiento personal, que aborda dejar de esconderse y abrazar la identidad propia. El tema llevó a las intérpretes reales a ganar un premio Grammy en 2026, la primera vez que una canción de K-pop surgida de una película obtiene ese galardón.

“Soda Pop”, de los Saja Boys, ocupa el segundo lugar del ranking. Es un tema pop pegadizo cuya letra compara la atracción y la fama con una bebida adictiva, mientras su ritmo encubre las intenciones demoníacas del grupo bajo una fachada inofensiva.

En tercer lugar aparece “Your Idol”, también de los Saja Boys, presentada como una actuación climática del grupo antagonista. Musicalmente se plantea como un éxito sobre la devoción entre ídolos y seguidores, aunque en la trama funciona como un ritual oscuro para capturar almas y convocar al rey demonio.

El cuarto puesto corresponde a “How It’s Done”, de HUNTR/X, un tema con fuerte presencia de rap que combina la vida de las protagonistas como estrellas con su faceta secreta de cazadoras de demonios. Cierra el listado “What It Sounds Like”, también de HUNTR/X, balada final centrada en la aceptación de las propias heridas y en encontrar belleza en las partes rotas de uno mismo.

La banda sonora superó registros del Billboard y del streaming

Más allá del ranking de Spotify, la producción se convirtió en la primera banda sonora de una película en colocar cuatro canciones simultáneas en el Top 10 del Billboard Hot 100 y encabezó el Billboard 200. “Golden” permaneció durante semanas en el primer puesto del Billboard Global 200 y generó desafíos virales en redes sociales.

En paralelo, Las guerreras K-pop registró 63 semanas consecutivas —más de nueve meses— en el Top 10 global de Netflix, lo que la posicionó como el título original más visto en la historia de la plataforma. Durante la temporada de premios de 2026, la cinta obtuvo diez premios Annie en la categoría de animación y alcanzó el Óscar a la Mejor Película de Animación.

El fenómeno se extendió más allá de la pantalla

El interés por la película trascendió el streaming musical: tras agotar entradas en funciones especiales y versiones para cantar en cines de tres continentes, la producción superó los 24,9 millones de dólares en taquilla. Durante 2026, la franquicia amplió su presencia con incursiones en videojuegos y cartas tácticas, dentro de la estrategia de inversión de Netflix en contenidos coreanos.

El público también mantiene un interés constante por elementos del chamanismo coreano presentes en la obra, como el uso de dagas rituales conocidas como Shin-kal y la simbología de las criaturas que enfrentan las protagonistas. La combinación entre artistas reales y personajes ficticios, junto con la representación de la cultura coreana sin recurrir a estereotipos occidentales, continúa impulsando el contenido derivado en redes sociales, donde los usuarios reimaginan a los Saja Boys y a HUNTR/X dentro de otros universos de animación.

La emblemática banda irlandesa U2 ha vuelto a acaparar los reflectores de la industria musical con el lanzamiento de su más reciente tema titulado “Silencio” que tiene como escenario al Salón Los Ángeles.

Este esperado estreno no solo marca el regreso del cuarteto liderado por Bono y The Edge a las producciones inéditas, sino que además consolida el estrecho lazo afectivo y cultural que la agrupación ha mantenido con la Ciudad de México a lo largo de sus más de cuatro décadas de exitosa trayectoria internacional.

El anuncio vino acompañado por la publicación del videoclip oficial, una obra audiovisual filmada íntegramente en las instalaciones del histórico Salón Los Ángeles, ubicado en la mítica colonia Guerrero de la capital mexicana.

La elección de este recint cultural no es casualidad; con más de ocho décadas de historia viva, el salón de baile se convirtió en el escenario idóneo para plasmar la atmósfera íntima, nostálgica y profundamente poética que evoca la nueva composición del grupo dublinés.

El romance visual entre la banda y el Salón Los Ángeles

Bajo la dirección artísticamente cuidada de realizadores internacionales en colaboración con talento local, el metraje capta a la perfección la esencia del mítico eslogan que inmortalizó al recinto: “Quien no conoce el Salón Los Ángeles, no conoce México”.

A través de tomas en tonos cálidos y secuencias que entrelazan a bailarines de danzón y pachuco con la interpretación de la banda sobre la pista de madera, el video rinde un respetuoso tributo a la nocturnidad, la danza tradicional y la resistencia cultural del barrio mexicano.

Fuentes cercanas a la producción revelaron que la grabación se llevó a cabo en estricto secreto durante las últimas horas de la noche en una reciente visita de los músicos a suelo azteca. Bono y compañía buscaron impregnarse del espíritu del inmueble, conviviendo con lugareños y rescatando la mística de un lugar por el que han pasado figuras legendarias de la cultura nacional. El resultado es un contraste sonoro y visual fascinante que une el rock de estadio con la elegancia bohemia del centro histórico de la capital.

El mensaje detrás de “Silencio”

El sencillo “Silencio” explora temáticas de reflexión interna, la búsqueda de paz en medio del ruido del mundo contemporáneo y la memoria afectiva de aquellos lugares que permanecen inalterables con el paso del tiempo. Fiel a su estilo lírico, Bono entrega una voz conmovedora que dialoga constantemente con los matices de guitarra característicos de The Edge, la solidez en el bajo de Adam Clayton y la precisión rítmica de Larry Mullen Jr.

La pieza combina estrofas escritas en inglés con reiteradas menciones al concepto del silencio en español, sirviendo como un puente conceptual entre la poética anglosajona y el misticismo hispano.

La recepción por parte de la crítica especializada y de los fanáticos en plataformas digitales ha sido unánime, destacando la madurez sonora de la banda y el acertado homenaje a la identidad capitalina que puedes ver desde la plataforma de YouTube.

Letra de la canción “Silencio” (Inglés / Español)

English Version

(Verse 1)

In the middle of the crowded street,

Where the shadows and the echoes meet,

I was searching for a missing sound,

In a city where the lost are found.

Neon lights upon the wooden floor,

Old ghosts waiting by the open door.

(Chorus)

And in the quiet of the midnight air,

I feel the static and the silent prayer.

Beyond the music, beyond the show,

Silencio, teach me what I need to know.

Silencio, let the heavy burdens go.

(Verse 2)

Partners dancing in a slow embrace,

Time is frozen in this sacred place.

You hear the brass, you hear the beat,

But there’s a rhythm underneath the street.

A heart that beats without a word to say,

Washing all the noise of the world away.

(Chorus)

And in the quiet of the midnight air,

I feel the static and the silent prayer.

Beyond the music, beyond the show,

Silencio, teach me what I need to know.

Silencio, let the heavy burdens go.

(Outro)

Listen to the night...

In the silence, we find the light.

Silencio...

Traducción al Español

(Verso 1)

En medio de la calle concurrida,

Donde se encuentran las sombras y los ecos,

Estaba buscando un sonido perdido,

En una ciudad donde los perdidos son encontrados.

Luces de neón sobre el piso de madera,

Viejos fantasmas esperando junto a la puerta abierta.

(Coro)

Y en la calma del aire de medianoche,

Siento la estática y la oración silenciosa.

Más allá de la música, más allá del espectáculo,

Silencio, enséñame lo que necesito saber.

Silencio, deja ir las cargas pesadas.

(Verso 2)

Parejas bailando en un abrazo lento,

El tiempo está congelado en este lugar sagrado.

Escuchas los metales, escuchas el ritmo,

Pero hay un pulso debajo de la calle.

Un corazón que late sin una palabra que decir,

Llevándose todo el ruido del mundo.

(Coro)

Y en la calma del aire de medianoche,

Siento la estática y la oración silenciosa.

Más allá de la música, más allá del espectáculo,

Silencio, enséñame lo que necesito saber.

Silencio, deja ir las cargas pesadas.

(Outro)

Escucha a la noche...

En el silencio, encontramos la luz.

Silencio...

“Buenos Aires siempre es como un paso obligatorio”, confiesa Marta Gómez con la calidez que caracteriza su voz. La cantautora colombiana regresa a la capital argentina este domingo 27 de septiembre para presentar Letra y Música, un concierto que celebra sus 25 años de trayectoria artística en el Teatro Broadway.

Nacida en Girardot (Alto Magdalena, a unos 130 km de Bogotá), Marta Gómez es una de las figuras más sólidas y singulares de la escena independiente latinoamericana. Más de 200 canciones compuestas, 22 discos grabados y una carrera que acumula dos Latin Grammy y múltiples nominaciones —entre ellas, la recientemente anunciada en la categoría Mejor Álbum de Música Infantil, junto a Cantoalegre— configuran el mapa de un recorrido que no busca el atajo comercial sino la hondura emocional. Su universo sonoro entrelaza los ritmos del folclore latinoamericano con la libertad de la improvisación jazzística —fruto de sus estudios en el Berklee College of Music—, la luminosidad de su poesía y una mirada atenta a las realidades sociales. “Yo sí creo que la música cambia al mundo, puede sonar tonto e ingenuo, pero así es”, afirmó en diálogo con Infobae Cultura antes de su visita. “La música debe nacer con la intención de cambiar al mundo”.

El vínculo de la cantautora colombiana con Buenos Aires tiene la textura de una historia de amor con dirección conocida. Sus primeras presentaciones en peñas folclóricas de Tucumán y la capital a comienzos de los 2000, la apertura de un concierto de Mercedes Sosa en 2003 y los proyectos compartidos con León Gieco, Pedro Aznar, Sandra Mihanovich, Piero y Jorge Fandermole forman una cadena de vínculos que, con el tiempo, convirtieron a esta ciudad en algo más que una escala de gira. En este contexto, un nombre y apellido de la música popular argentina asoma Raúl Carnota , el notable compositor e intérprete que marcó una renovación del folclore argentino en los 80 y 90, y fue su amigo: “Yo conocí Buenos Aires de la mano de él. Nos habíamos conocido en Boston, en la universidad, que él fue a dar una charla y quedamos amigos y me dijo: ‘Ven a Buenos Aires’”, recordó. “Tengo ese recuerdo de las peñas con él y de los restaurantes raros. Él se conocía todo. Realmente tres de la mañana, o sea, unas cosas locas. Nunca lo volví a vivir así sin él, pero yo la amo. Caminar por Buenos Aires y los cafés, el centro, San Telmo. Soy obsesionada con esa ciudad”.

El show más personal de su carrera

Letra y Música propone un recorrido casi teatral por la vida de quien comenzó a componer a los catorce años al piano de la casa de sus padres. El espectáculo, presentado también en Bogotá, Ciudad de México, Costa Rica y Chile, busca recrear ese living familiar como punto de partida. “Hacemos un paso desde la primera canción a los catorce hasta la última, de hace unos meses”, explicó. “Es el espectáculo más personal que tengo. Siempre lo que hago son discos con temas sociales o poesía de algún poeta, pero este sí es realmente yo: me fui y compuse esta canción, mi abuela, compuse esta canción”.

La cantautora confiesa que revisitar esas primeras composiciones le produce una emoción particular, sin nostalgia amarga. “Me da una infinita ternura. Son canciones muy alegres, muchas de ellas. Como esa primera canción de amor que no volvió más. Me da mucha ternura de esa Marta. Ha sido, como, una carta de amor a la niña que fui y al adolescente que fui”. La misma Gómez que a los 18 años en Boston se sentía “muy grande” y hoy, a los 47, mira hacia atrás con una mezcla de admiración y humor: “Sigo sintiéndome muy igual, con esas ganas de escribir la siguiente canción. No llego al punto en que digo: ‘Estoy cansada’”.

Como toda adolescente, Marta Gómez soñó alguna vez con otro tipo de estrellato. “Yo pensaba irme por el lado más sencillo y comercial; quería cantar balada pop y ser como Shakira. Amaba a Mecano y a Presuntos Implicados por las historias de sus canciones; esas historias me fascinaban más que las de amor romántico”. Fue en Berklee, donde interpretó “literalmente de todo”, que la artista descubrió su verdadera brújula: “Me di cuenta de que lo verdaderamente innovador y lo que me representaba eran los bambucos y las cumbias. Tocaba voltear a mirar al folclor, que le caía de perlas a mis gustos por Mercedes Sosa y Violeta Parra. Así se forjó mi camino artístico”.

La formación académica dejó una huella que ahora valora más allá de lo estrictamente musical. “Lo primero que se me ocurre es el trabajo, la disciplina. Nunca fue un hobby. Yo creería que la parte del oficio completamente la debo a la academia: cuánto se cobra, cuánto se les va a pagar a los músicos, cuándo se les va a pagar. Eso de tener un oficio más allá del amor a la profesión”. También la técnica vocal: “Mi instrumento formal es la voz y la cuido. Voy a clases desde niña hasta ahora. Siempre caliento, siempre me la cuido. Nunca me voy de fiesta”. Y concluye con una síntesis que la define: “Tener la academia, pero que no se note”.

Una resistencia ante el mundo de las pantallas

Para ella, los espectáculos en vivo no son simplemente la principal fuente de ingresos de los artistas independientes en la era del streaming: son, ante todo, un acto de resistencia cultural. “Tantos conciertos que hay en Internet que están perfectos y que la gente canta perfecto con el Autotune. Bueno, pues yo vengo a cantarte como estoy: si estoy afónica, si estoy triste”. Su banda ni siquiera utiliza metrónomo. “Nosotros ni siquiera tocamos con metrónomo. Yo quiero que si hoy estamos acelerados, la canción salió volando. O lo contrario: a veces estamos como cansados, tristes, la canción sale más lenta. Que sea una sorpresa para la gente siempre, algo fresco, humano”.

La cantautora ilustró esa convicción con una experiencia reciente en Cali, ciudad donde creció y que fue afectada por un terremoto. Sin posibilidad de dar el concierto programado, Gómez improvisó una actuación en un parque. “Nuestro concierto se canceló, pero yo ya tenía los pasajes, así que fui a cantar a un parque. Estaba, bueno, quinientas personas, todo el mundo abarrotado. Yo decía: ‘Necesitamos esto, necesitamos el abrazo y la canción’. Y entonces nos reíamos y después llorábamos y después otra canción nos hacía volver a llorar. Esa es la humanidad y yo creo que nos hace mucha falta las canciones más que nunca”.

El camino hacia la música infantil no fue una decisión estratégica sino un proceso orgánico. “Desde la universidad yo les componía canciones a mis sobrinas, a los niños que cuidaba, porque trabajaba cuidando niños, pero nunca en mi vida imaginé que iba a hacer música para ellos. Cuando quedé embarazada quería grabar un disco para escuchar a mi cuerpo, para saber cómo iba a sonar de diferente con un niño dentro de mí. Ahí empecé, y de ese proceso surgieron tres discos”.

Ese universo fue el terreno del que nació Seré guitarra (2024), su álbum más reciente, en el que colaboró con Piero y Jorge Velosa, dos referentes que desde hace años integran su lista de inspiraciones. “Seré guitarra era un disco para niños, pero en el estudio todos los ingenieros y los músicos empezaron a llorar. Se convirtió en un disco dedicado a mi hijo, desde el miedo a tantas cosas horribles que estamos viviendo en el planeta, pero contado desde la ternura”. La frontera entre el público adulto y el infantil, Gómez la disuelve con naturalidad: en un concierto para niños en Bogotá, un grupo de jóvenes sin hijos se acercó a explicarle su presencia: “Venimos a sanar a nuestra niña interior”.

[Fotos: prensa M.G.]

Ahora los AirPods con chips H2 permiten personalizar el ecualizador con una actualización de software lanzada por Apple. La función ofrece controles para modificar los sonidos graves, medios y agudos.

El ecualizador permite ajustar el perfil de sonido de los audios que se reproducen en los auriculares. De este modo, cada usuario puede modificar cómo se escuchan la música, las películas, las series y las llamadas, en lugar de mantener los niveles predeterminados.

La función está disponible en los AirPods con chip H2: AirPods Pro 2, AirPods Pro 3, AirPods 4 y AirPods Max 2.

Las actualizaciones de firmware se instalan automáticamente mientras los auriculares se cargan y permanecen dentro del alcance Bluetooth de un iPhone, iPad o Mac conectado a una red WiFi.

Cómo personalizar el ecualizador en los AirPods

Tras instalar la actualización, el ecualizador personalizado aparece en la sección de AirPods de la aplicación Configuración. La opción se encuentra dentro del menú “Audio y enrutamiento”.

Desde allí, los usuarios pueden ajustar por separado los graves, los medios y los agudos. La herramienta utiliza un sistema básico de tres bandas, por lo que permite modificar los principales rangos de sonido sin ofrecer controles avanzados.

Mientras se realizan los cambios, es posible reproducir una canción de Apple Music desde la aplicación Configuración para escuchar las modificaciones en tiempo real.

La versión de firmware más reciente es la 9A350 para los AirPods 5 y la 9A348 para los demás modelos incluidos en la actualización.

Para qué sirve ecualizar el sonido en unos AirPods

Un ecualizador es una herramienta que ajusta distintas frecuencias de audio. Los graves corresponden a sonidos más profundos, como el bajo o el bombo; los medios concentran buena parte de las voces e instrumentos, y los agudos aportan definición a elementos como los platillos o ciertos detalles vocales.

Al modificar estos niveles, cada persona puede buscar un perfil de audio que se adapte mejor al contenido que escucha. Por ejemplo, puede aumentar los graves para dar más presencia a la música o elevar los agudos para percibir con mayor nitidez algunos sonidos.

Un cambio en el ecualizador no mejora por sí solo la calidad original de un archivo de audio, pero sí modifica la forma en que los AirPods representan ese contenido.

El sistema incorporado en los AirPods compatibles utiliza tres bandas: graves, medios y agudos.

Apple señala que sus auriculares están diseñados para reproducir música, programas de televisión, películas y llamadas de manera fiel. Sin embargo, el ecualizador ofrece una alternativa para quienes prefieren una configuración diferente a la predeterminada.

Cuáles son los nuevos AirPods que lanzó Apple

Los nuevos AirPods 5 presentan una cancelación activa de ruido más eficiente en un formato de oído abierto.

Entre sus principales novedades, pueden reducir hasta un 50% más de ruido que la generación anterior, gracias a una nueva arquitectura acústica. Incorporan funciones inteligentes, como la integración de Siri con inteligencia artificial, controles mediante gestos y traducción en vivo con Live Translation.

Se comercializan en dos versiones: un modelo estándar y otro con estuche de carga inalámbrica. Los precios comienzan en USD 129.

En el apartado de audio, ofrecen una reproducción mejorada, un modo ambiente más natural y audio adaptativo.

Durante el mismo evento, Apple también dio a conocer los modelos iPhone 18 Pro, iPhone 18 Pro Max, iPhone Duo, Apple Watch Series 12 y Apple Watch Ultra 4.

Los nuevos relojes incorporan un sensor de mayor tamaño, diseñado para ampliar el registro de indicadores de salud, entre ellos la recuperación posterior al ejercicio. El Apple Watch Series 12 parte de los USD 399, mientras que el Apple Watch Ultra 4 tiene un precio inicial de USD 499.

La formación inicial también contó con Dik Evans, hermano mayor de The Edge, quien participó de las primeras reuniones y ensayos junto al resto de los músicos. En aquella etapa, el grupo comenzó a utilizar el nombre Feedback, antes de que Dik dejara la formación para integrarse a otra banda.

Según informó Forbes, el aniversario estará acompañado por actividades conmemorativas, nuevos proyectos musicales y un reconocimiento de MusiCares previsto para febrero de 2027.

Medio siglo de historia y más de 170 millones de discos vendidos

La historia de U2 comenzó el 25 de septiembre de 1976, cuando Larry Mullen Jr. publicó un aviso en Mount Temple para encontrar músicos. La convocatoria reunió a los integrantes que darían forma a una de las bandas más reconocidas de la música internacional.

Durante los primeros ensayos, los músicos interpretaban canciones de The Beatles y The Rolling Stones. Con el tiempo, sus integrantes adoptaron los nombres por los que serían reconocidos mundialmente: Paul Hewson pasó a llamarse Bono, Dave Evans adoptó el nombre The Edge y Larry Mullen incorporó el “Jr.”.

Después de la salida de Dik Evans, la formación continuó su evolución y dejó atrás el nombre Feedback. Más adelante adoptó U2, una denominación que también funciona como un juego de palabras con la expresión inglesa “you too”, equivalente a “vos también” en español.

El primer gran avance llegó en 1978, cuando ganaron un concurso y llamaron la atención de Paul McGuinness, quien posteriormente se convirtió en su mánager.

Al año siguiente, el grupo publicó U2 Three, su primer sencillo, que tuvo una edición limitada para Irlanda y llegó al primer puesto de las listas del país. Desde aquel comienzo, U2 desarrolló una carrera que incluyó más de 170 millones de discos vendidos y 22 premios Grammy.

De acuerdo con Forbes, la celebración de los 50 años coincide con novedades musicales. La banda prepara un nuevo álbum para mediados de noviembre, presentado como una continuación de los EP Days Of Ash y Easter Lily, publicados durante 2026.

Uno de los temas asociados con ese proyecto es “Silencio”, una canción de estilo punk rock de la que U2 ya difundió algunos fragmentos.

Parte del material audiovisual relacionado con la canción fue registrado durante el rodaje en México del videoclip de “Streets Of Dreams”, otra pieza que formaría parte del próximo disco. El nuevo trabajo también tendría una presencia importante del idioma español.

Una posible gira en 2027 y festejos en Dublín

El aniversario también volvió a poner el foco sobre una eventual nueva gira de U2. Por el momento, no existen fechas oficiales anunciadas, aunque podría comenzar a finales de febrero de 2027 en México.

Esa posibilidad se suma a las actividades organizadas alrededor de la celebración de los 50 años. En Dublín están previstas fiestas tributo y exposiciones relacionadas con la trayectoria del grupo. También está previsto el lanzamiento de una moneda de 2 euros dedicada a U2.

La banda abrió además en YouTube una emisora llamada U2 TV: 50, que reúne videos correspondientes a diferentes momentos de su historia.

El homenaje de MusiCares en febrero de 2027

La celebración del aniversario tendrá otro capítulo el 5 de febrero de 2027, cuando U2 reciba el reconocimiento de MusiCares como Personas del Año. La ceremonia se realizará en el Peacock Theater de Los Ángeles, dos noches antes de los premios Grammy 2027.

“Nos honra celebrar y reconocer a U2 como las Personas del Año de MusiCares de este año”, declaró Harvey Mason Jr., CEO de la Recording Academy y de MusiCares, según citó Forbes. El ejecutivo destacó tanto el impacto musical del grupo como su participación en iniciativas humanitarias.

Los cuatro integrantes también expresaron su satisfacción por la distinción y remarcaron el papel de las personas que trabajaron con ellos durante estas cinco décadas, desde productores e ingenieros hasta técnicos vinculados con el montaje de sus espectáculos y su público.

El reconocimiento tendrá además una característica inédita: será la primera vez en los 35 años de historia de la distinción que MusiCares reconoce conjuntamente a una banda y a sus integrantes. Bono recibió el premio Persona del Año en 2003, mientras que Adam Clayton obtuvo el MusiCares Stevie Ray Vaughan Award en 2017.

Cincuenta años de compromiso humanitario

La trayectoria de U2 también estuvo acompañada por distintas iniciativas sociales. Sus integrantes participaron en campañas contra el apartheid en Sudáfrica antes de firmar su primer contrato discográfico y en 2005 recibieron el premio Embajador de Conciencia de Amnistía Internacional.

Bono cofundó ONE y (RED), organizaciones vinculadas con la lucha contra el sida y la pobreza extrema. The Edge creó Music Rising, iniciativa destinada a reponer instrumentos y equipos para músicos, escuelas y programas musicales afectados por desastres.

Adam Clayton respaldó proyectos relacionados con las adicciones y la salud mental, entre ellos Walk in My Shoes, mientras que Larry Mullen Jr. participó como productor del documental “Left Behind”, centrado en la dislexia y otras diferencias en el aprendizaje.

Poncho Lizárraga explica que la Banda El Recodo intentó tocar gratis El Corrido de Mazatlán en el Tower Bridge de Londres cuando la policía interrumpió la presentación por falta de permiso.

El líder de la agrupación relató en entrevista con De Primera Mano de Imagen Televisión que se trata de una tradición del grupo cuando está de gira en el extranjero, y que un día después regresaron para completar la interpretación arriba de una embarcación en el río Támesis.

La tradición de la Banda El Recodo detrás del intento fallido

Poncho Lizárraga detalla que la banda mantiene la costumbre de interpretar El Corrido de Mazatlán en espacios públicos durante sus giras internacionales. Bajo esa lógica, los músicos decidieron ofrecer una presentación gratuita frente al Tower Bridge, uno de los puntos más reconocidos de la capital británica.

“Se nos hizo fácil querer armar la fiesta en pleno puente este de las torres, empezar a tocar El Corrido de Mazatlán como es tradición de la banda”, cuenta Lizárraga sobre la decisión del grupo de tocar sin gestionar previamente un permiso.

La policía detiene a la Banda El Recodo por falta de permiso

La intervención llegó de manera rápida. Según el relato del vocalista, agentes de la policía se acercaron a los músicos para indicarles que no podían tocar en ese espacio sin la autorización correspondiente.

“Hubo un pequeño detallito con la ley de allá de Londres [...] para pronto llegó la ley y nos dijeron que no podíamos hacer fiesta”, explicó el líder de la agrupación en la entrevista.

La versión confirma que el motivo de la intervención fue la falta de permiso para presentarse en la vía pública, y no exclusivamente el volumen de los instrumentos, como habían especulado algunos reportes previos.

Los integrantes de la banda atendieron la indicación sin confrontar a las autoridades y se retiraron del lugar con sus instrumentos.

El Recodo regresó al día siguiente para completar la tradición

La agrupación no se dio por vencida tras el primer intento. Poncho Lizárraga cuenta que, al día siguiente, decidieron buscar una alternativa para cumplir con la costumbre de interpretar el corrido durante la gira.

“Nos queríamos quitar la espinita de compartir nuestra música mexicana, nos fuimos al río y arriba de una embarcación nos aventamos el corrido de Mazatlán”, relata el músico sobre la solución que encontraron para evitar un nuevo conflicto con las autoridades locales.

Esta vez, los integrantes subieron a una embarcación que navegó por el río Támesis, con el Big Ben de fondo, y lograron completar la interpretación sin interrupciones. Banda El Recodo compartió después el registro del momento en sus redes sociales.

El episodio se suma a otros conflictos durante la gira

El caso de Londres no es el único incidente que ha marcado la gira internacional de la agrupación sinaloense. En agosto, durante un concierto oficial en Bogotá, Colombia, Lizárraga denunció que los organizadores del evento movieron el escenario giratorio veinte minutos antes de que terminara su presentación.

“Es una grosería, ni dieron la oportunidad de terminar la canción y despedirnos del público”, escribió el músico en aquella ocasión sobre lo ocurrido en la capital colombiana.

Un episodio similar se había reportado también durante una presentación del grupo en Japón. En ninguno de los tres casos —Japón, Colombia y Londres— se registraron confrontaciones físicas ni detenciones confirmadas contra los integrantes de la banda.

La gira europea de la Banda El Recodo continúa luego del incidente en Londres

Banda El Recodo se encuentra actualmente de gira por Europa. El recorrido comenzó el 18 de septiembre en Roma, Italia, y continuó el 19 de septiembre en Dublín, Irlanda. Después vino la presentación en Londres, donde ofrecieron un concierto oficial el 20 de septiembre en el recinto KOKO, en Camden.

Las próximas fechas confirmadas de la gira son:

• 24 de septiembre: Sevilla, España (Sala Custom)
• 25 de septiembre: Valencia, España
• 26 de septiembre: Madrid, España
• 27 de septiembre: Ámsterdam, Países Bajos
• 30 de septiembre: Múnich, Alemania
• 1 de octubre: Zúrich, Suiza

El tour cerrará en la capital suiza, con lo que la agrupación sinaloense completará su recorrido por al menos siete países europeos: Italia, Irlanda, Reino Unido, España, Países Bajos, Alemania y Suiza.

La Procuraduría Federal del Consumidor (Profeco) alerta sobre la venta de boletos apócrifos para el festival de música electrónica Live at Munet, programado para los días 29, 30 y 31 de octubre en el Museo Nacional de Energía y Tecnología (MUNET), mientras la productora del evento asegura que la venta oficial ya está activa en la plataforma TIXR para los conciertos de Calvin Harris, Sean Paul, Deorro, 3BallMTY y BOLO.

La contradicción surge en un contexto donde la Comisión Federal de Electricidad (CFE), responsable de las instalaciones del recinto, confirma que los organizadores carecen de los permisos de la Secretaría de Protección Civil y de la Secretaría de Medio Ambiente de la Ciudad de México.

Profeco detectó correos electrónicos con una liga para adquirir boletos bajo el supuesto de confirmación de preventa. La dependencia pide a los consumidores no realizar transferencias de dinero a cuentas de particulares.

NPU Live activó la venta el 22 de septiembre pese a los pendientes

Un comunicado difundido por NPU Live, la productora internacional a cargo del festival, reconoce que “se presentaron algunos retos en el camino, pero todos ellos ya han sido resueltos”. El texto asegura que contarán “con todas las autorizaciones necesarias con suficiente anticipación al evento”.

El mismo comunicado confirma que los boletos salieron a la venta el martes 22 de septiembre exclusivamente a través de TIXR. Los carteles promocionales difundidos en redes sociales por NPU Live anuncian el lineup completo: Sean Paul, Deorro, 3BallMTY y BOLO para el 29 de octubre, y Calvin Harris para el 30 y 31 de octubre.

En ambas publicaciones, la productora invita directamente a “conseguir tus boletos” mediante los enlaces NPU.live/cdmx y NPU.live/calvincdmx. Usuarios en los comentarios cuestionan la legitimidad del proceso: una persona pregunta “¿Ha sido aprobado por @museomunet?”, mientras otra escribe que tuvo una “pésima experiencia con la preventa”.

El MUNET declara que es jurídicamente imposible vender accesos

La administración del MUNET notificó desde sus cuentas oficiales que las autoridades no han otorgado el visto bueno al proyecto. El recinto aclaró que no pueden comercializarse accesos mientras los organizadores no obtengan las autorizaciones correspondientes y atiendan obligaciones contractuales pendientes por el uso del inmueble, ubicado en la Segunda Sección del Bosque de Chapultepec.

La CFE recomendó a los interesados esperar una confirmación oficial antes de comprar boletos. La entidad precisó que los promotores no han tramitado ni obtenido las licencias requeridas para un evento de esta magnitud.

Profeco pide evitar pagos por transferencia a particulares

“Dado que la preventa de boletos está supuestamente programada para iniciar este martes 22 de septiembre, la Profeco refrenda su compromiso con los derechos de las personas usuarias o interesadas, exhortando a la población consumidora a abstenerse de adquirir localidades a través de medios que no sean los canales oficiales”, señaló la dependencia.

La Profeco explicó que el llamado busca prevenir fraudes que afecten la economía de la población. La institución detectó que, por medio de correos electrónicos, se compartió una liga para adquirir boletos bajo el supuesto de confirmación para la preventa.

La advertencia oficial no implica que todo anuncio relacionado con Live at Munet sea falso, sino que actualmente no existen condiciones legales para comercializar accesos mientras las autorizaciones sigan pendientes. La recomendación de las autoridades es esperar y consultar únicamente información difundida mediante canales institucionales verificados.

En caso de haber realizado alguna transacción relacionada con el evento, la Profeco invita a los afectados a presentar su denuncia ante la procuraduría para recibir asesoría. Por ahora, el festival permanece anunciado para finales de octubre sin que los pendientes con la CFE y el MUNET hayan sido resueltos de forma pública.

Aleks Syntek publicó un video en Instagram donde aparece llorando tras enterarse de la muerte de Peter Byrne, cantante y cofundador del dúo británico Naked Eyes, con quien grabó una canción años atrás en Los Ángeles.

De acuerdo con diferentes fuentes, el fallecimiento del músico de 74 años ocurrió el pasado 14 de septiembre, aunque la noticia se hizo pública hasta este jueves 24 de septiembre.

“¿Saben por qué estoy llorando? Se murió un amigo mío ahorita, con el que hice una canción”, dice Syntek en la grabación difundida en sus redes sociales.

Aleks Syntek recuerda una anécdota en un estudio de grabación

El cantante mexicano relató que ambos coincidieron en un estudio de Los Ángeles mientras trabajaban en una canción conjunta. “Cuando la grabamos en Los Ángeles, nos corrieron del estudio porque llegaron los de un programa, uno de los que hacen tipo Broadway. Nos corrieron a él y a mí. Tuvimos que acabar la canción en el estacionamiento”, contó.

Syntek mencionó que el productor Andrés Levin conoce esa historia de primera mano. También recordó que presentó a Naked Eyes en un concierto en el Palacio de los Deportes junto a otros amigos, cuando la agrupación visitó México.

“Los amaba, ahorita se murió él, me acordé que nos corrieron del estudio, yo lo presenté en el Palacio de los Deportes hace poquito. Se mueren los artistas buenos. Lo quería mucho”, comentó el intérprete de “Duele el amor” y “Te soñé”.

Hacia el final del video, Syntek invitó a sus seguidores a escuchar la música de Byrne y a rezar por él. El mensaje llega en medio de una polémica reciente relacionada con declaraciones del cantante y con un concierto fallido que ofreció el 15 de septiembre.

¿Quién era y de qué murió Peter Byrne?

Peter Byrne nació el 9 de junio de 1952 en Bath, Inglaterra. Antes de Naked Eyes formó parte de proyectos como el dúo con Jeff Starrs, la banda Studio y el grupo Neon, donde coincidió con Rob Fisher y con futuros integrantes de Tears for Fears, Curt Smith y Roland Orzabal.

En 1982, Byrne y Fisher fundaron Naked Eyes y firmaron con EMI Records. Su álbum debut, grabado en los estudios Abbey Road bajo la producción de Tony Mansfield, incluyó la versión sintetizada de “Always Something There to Remind Me”, que alcanzó el número 8 del Billboard Hot 100 en 1983 y se mantiene como el único top 10 del dúo en esa lista. El disco sumó otros tres éxitos top 40: “Promises, Promises”, “When the Lights Go Out” y “(What) In the Name of Love”.

Byrne también puso voz de fondo en “Part-Time Lover” de Stevie Wonder en 1985 y compuso para cine y televisión. Tras la muerte de Fisher en 1999 continuó su carrera en solitario y bajo el nombre de Naked Eyes, con lanzamientos hasta 2021 y una gira en 2024 junto a Wang Chung y Men Without Hats.

De momento se desconoce la causa de muerte exacta del músico británico. El comunicado difundido por representantes de Naked Eyes únicamente indicó que el músico falleció “en paz” en Los Ángeles el 14 de septiembre, “tras una breve enfermedad”. No se especificó de qué padecimiento se trataba.

Naked Eyes conquistó las listas internacionales en los años ochenta

Byrne fundó Naked Eyes en 1982 junto a Rob Fisher. La dupla entró a los estudios Abbey Road para grabar su álbum debut homónimo de 1983 bajo la producción de Tony Mansfield, con el que consiguió éxito internacional dentro del synth-pop.

El comunicado difundido por representantes de la banda no especificó la causa exacta de la muerte más allá de mencionar la enfermedad breve que atravesó el músico en sus últimos días.

A Byrne le sobreviven sus hermanos Eileen, Sandy, Carol y Steve, así como sus tres hijos, Merlin, Dylan y Chloe, y su exesposa Elena. La familia anunció que realizará un servicio privado en su memoria e invitó a los fanáticos a rendirle tributo escuchando su música y dejando mensajes de condolencia en la sección de comentarios del blog oficial de la banda.

Una camiseta del grupo de punk madrileño Las Petunias ha dado la vuelta al mundo hasta acabar, ni más ni menos, en manos de Robert Pattinson. ¿Eso él lo sabe? Bueno, habrá que preguntárselo. Este miércoles, el actor de Crepúsculo y The Batman se encontraba de promoción con su enésima -la cuarta- película de este 2026: Primetime. En un video grabado para TikTok junto al actor Skyler Gisondo, Pattinson aparecía hablando ante la cámara con una camiseta gris oscura... estampada con la portada del disco debut de Elsa, Natalia y Cecilia, Creo que soy de porcelana. La sorpresa, por si esa era poca, es que la prenda no era siquiera oficial.

“Esa camiseta ni siquiera la hemos hecho nosotras ni la diseñadora”, escribió el grupo en X, haciendo también referencia a Lola Cano. “Algún loco ha cogido el diseño y las está vendiendo o la ha hecho el propio indie Robert Pattinson o yoquese”, bromearon. De hecho, en declaraciones a Vogue España pensaron “que era un vídeo hecho con IA”, “porque además esa camiseta como tal no existe como merchandising”. Su teoría ha sido pensar que algún fan la ha hecho en Estados Unidos o en México y “que ha acabado en una tienda de segunda mano”, que el propio Robert o su estilista habrán comprado.

Ante la oleada de peticiones, el trío formado en 2020 ha decidido poner la camiseta a la venta en su página web oficial, con un precio de 14,99 euros. “Espero que Robert Pattinson esté orgulloso de esto”, han escrito este jueves en sus redes sociales al anunciar el lanzamiento. El grupo ha avanzado que todos los beneficios irán destinados al Sindicato de Inquilinas.

La decisión llega tras el desahucio de Maricarmen, la mujer de 87 años que este miércoles fue desahuciada de su vivienda ubicada en la calle Alcalde Sainz de Baranda de Madrid, donde residía desde hacía 70 años. El fondo buitre Urbagestión le exigía que multiplicara por más de cinco su alquiler, de 500 a 2.600 euros mensuales.

“Porque injusticias como la de Maricarmen no vuelvan a repetirse jamás. Porque la violencia policial deje de ejercerse contra civiles inocentes y desprotegidos. Organízate”, han añadido.

Quiénes son Las Petunias

Elsa, Natalia y Cecilia son tres veinteañeras del norte de Madrid que empezaron a tocar juntas antes de la pandemia, cuando todavía estaban en el instituto. Elsa había comenzado con el ukelele, Cecilia escribía canciones y Natalia ya tenía cierta experiencia con el teclado; para poner en marcha el grupo —las tres ya cantaban—, Cecilia aprendió a tocar el bajo y Elsa se pasó a la guitarra.

Tras un parón por el covid, el proyecto comenzó a despegar alrededor de 2022, cuando unas maquetas llegaron a María, exmiembro de Cariño, que decidió ayudarlas. De ahí nació su relación con Ternura y con el productor Dani Bearoid, con quien grabaron primero un EP y después su debut, Creo que soy de Porcelana, publicado en diciembre de 2024. Su música se mueve entre el punk-pop, el pop y la electrónica, aunque ellas mismas rechazan encasillarse: “No hacemos punk al uso. Es más una actitud ante la vida”, explicaba Elsa a MondoSonoro.

El concierto ocurrió el lunes 21 de septiembre de 2026, un día antes de que Reeves se presentara con su banda Dogstar en The Fillmore de San Francisco. Videos compartidos en redes sociales muestran al actor disfrutando de la presentación y saltando entre el público, completamente entregado a la música.

Minutos antes, Reeves había aparecido inesperadamente sobre el escenario para introducir a uno de sus músicos favoritos. “¡El único, el incomparable Peter Hook and The Light! Tocando la música que todos amamos, de entonces, de hoy y de mañana”, dijo ante los asistentes, según The San Francisco Chronicle y SFist. Reeves recibió a Hook cuando este salió al escenario y ambos se abrazaron.

Peter Hook es uno de sus ídolos

Peter Hook fue cofundador y bajista de Joy Division, una de las bandas fundamentales del post-punk británico. Tras la muerte de Ian Curtis, el grupo se reformó como New Order, también con Hook en el bajo. Desde 2010, el músico lidera Peter Hook & The Light, proyecto con el que interpreta canciones de ambas agrupaciones.

La admiración de Reeves por Hook se remonta a décadas atrás. En una entrevista con Rolling Stone en 2000, el actor describió la manera de tocar del músico como “una línea de bajo pero como una melodía”. También señaló que su estilo tenía “una épica romántica, en un sentido gótico”.

La relación de Reeves con Joy Division también es muy fuerte. El actor ha explicado que la música del grupo forma parte de las influencias de Dogstar. De hecho, Robert Mailhouse, baterista de la banda, contó que pasó miles de horas junto a Reeves tocando riffs de Joy Division.

“Así fue como empezó todo. Los dos teníamos este amor por esta banda de Manchester; simplemente nos hacían movernos de otra manera y pensar de otra manera sobre cómo se podía hacer música”, escribió Mailhouse en Instagram, de acuerdo con The San Francisco Chronicle.

La conexión quedó reflejada durante el concierto. Peter Hook & The Light dedicó a Reeves “Love Will Tear Us Apart”, uno de los temas más conocidos de Joy Division.

La canción ocupa un lugar especial entre las preferencias del actor. En 2022, durante una entrevista con The Late Show with Stephen Colbert, Reeves eligió “Love Will Tear Us Apart” cuando le preguntaron qué canción escucharía durante el resto de su vida. Ya había escogido el mismo tema en un AMA de Reddit en 2014.

El protagonista de Matrix también tuvo la oportunidad de hablar con su ídolo tras el show en San Francisco. El músico británico compartió una fotografía en backstage, junto al actor y Robert Mailhouse y escribió: “Fue brillante tener a Keanu y Rob Mailhouse de Dogstar en nuestro show. ¡Que tengan una gran gira!”.

Mailhouse también describió la experiencia en redes sociales. “El Warfield en San Francisco estaba levitando”, escribió. Según relató, después del espectáculo él y Reeves caminaron en silencio por las calles de la ciudad hasta reconocer “lo afortunados que somos y agradecidos por una noche que nunca olvidaremos”.

La visita de Reeves ocurrió en medio de una nueva etapa de Dogstar. La banda, formada a comienzos de los años 90, está integrada por Reeves en el bajo, Bret Domrose en guitarra y voz y Robert Mailhouse en batería.

El grupo regresó a los escenarios en 2023 después de más de dos décadas y presentó nuevo material durante su actuación en BottleRock Napa Valley. Ese mismo año lanzó Somewhere Between the Power Lines and Palm Trees, mientras que en 2026 publicó All In Now.

Precisamente, la noche siguiente a su encuentro con Hook, Reeves regresó al escenario de The Fillmore con Dogstar como parte de la gira All In Now.

Spotify estaría trabajando en una función de límite de caché para su aplicación de Android que permitiría a los usuarios controlar cuánto espacio de almacenamiento ocupan los archivos temporales.

La herramienta permitiría establecer un máximo para la caché, es decir, los datos que la aplicación guarda de forma temporal para reproducir música y podcast con mayor fluidez y consumir menos datos móviles, según Android Authority.

Actualmente, Spotify almacena en caché canciones reproducidas en línea, podcast y carátulas de álbumes.

Aunque la plataforma separa ese espacio de las descargas que cada usuario guarda para escuchar sin conexión, la caché puede crecer hasta ocupar varios gigabytes y llenar la memoria del teléfono.

Los usuarios pueden eliminar esos archivos desde Ajustes de Spotify > Ahorro de datos y sin conexión > Borrar caché. Sin embargo, es un proceso manual que puede resultar incómodo para quienes necesitan liberar espacio con frecuencia.

Cómo funcionaría el límite de caché

Según el medio, la versión 9.1.88.815 de Spotify para Android incluye código que sugiere el desarrollo de un apartado llamado “Límite de caché”. Desde allí, los usuarios podrían elegir la cantidad máxima de almacenamiento que la aplicación puede destinar a esos archivos temporales.

Las cadenas de texto encontradas indican que Spotify explicará las consecuencias de cada elección. Si el límite es demasiado bajo, la aplicación advertirá: “Una caché pequeña puede afectar la reproducción y aumentar el consumo de datos”.

En cambio, un límite más alto permitiría guardar más información temporal. Spotify indicará que “Una caché mayor permite una reproducción más fluida y un menor consumo de datos”.

La aplicación también incluiría un límite recomendado por Spotify. Cuando la función esté disponible, la plataforma pediría a los usuarios que definan ese máximo al borrar la caché.

El límite de caché no afectaría la música ni los podcast descargados para escuchar sin conexión, de acuerdo con las cadenas de texto detectadas en el código.

La plataforma lanzó en 2019 Spotify Lite, una versión más ligera de su aplicación móvil para Android. La app ocupaba entre 10 MB y 15 MB de espacio de almacenamiento y estaba optimizada para funcionar en teléfonos antiguos o con poca memoria RAM.

Además, permitía establecer un límite para el consumo de datos móviles y enviar alertas automáticas. También incluía una opción para borrar la caché con un solo toque. No obstante, esta versión ya no está disponible, ya que fue discontinuada.

Qué nuevas funciones ha agregado Spotify

Spotify ha incorporado nuevas funciones centradas en la personalización de las recomendaciones, la interacción mediante inteligencia artificial, el ejercicio y el contexto de las playlists.

Entre las novedades se encuentra “Talk to Spotify”, una experiencia conversacional que permite pedir música mediante mensajes de texto o voz, guardar canciones, seguir artistas y consultar información sobre lo que está sonando.

La herramienta está en beta para usuarios Premium mayores de 18 años en Estados Unidos, Irlanda y Suecia, inicialmente en inglés.

La plataforma también actualizó herramientas para corredores, controles de recomendaciones, listas colaborativas y perfiles familiares. Algunas funciones se encuentran disponibles de forma global, mientras que otras se despliegan de manera limitada según el sistema operativo, el país y el tipo de cuenta.

Spotify sumó además un modo Running dentro de Fitness Hub. La herramienta adapta la música al ritmo y las etapas del entrenamiento, con opciones para definir la duración, los beats por minuto, el estilo musical y el tipo de sesión.

El modo incluye 25 preajustes para entrenamientos de intervalos, carreras continuas o sesiones de tipo pirámide. Por ahora, está destinado a usuarios Premium de iOS en determinados países y sus indicaciones de audio están disponibles en inglés.

Con Playlist Notes, los usuarios pueden añadir una nota a una playlist propia o colaborativa para explicar su propósito, la selección de canciones o el contexto en el que fue creada.

Los editores de Spotify también pueden incorporar estas notas a algunas listas editoriales. La función está disponible en Android e iOS en más de cien mercados.

Spotify también habilitó un interruptor para evitar que la música infantil o familiar influya en recomendaciones como Discover Weekly, Daily Mix y el resumen anual Wrapped. La opción está disponible a nivel global para cuentas gratuitas y Premium en celulares.

El músico publicó las imágenes en su cuenta de Instagram luego de reencontrarse con Belén en la Plaza de la Música. Entre risas, recuerdos y fotografías de distintas etapas de sus vidas, ambos reconstruyeron una relación que nació el 11 de septiembre de 1997, durante una presentación de Torres en la Vieja Usina.

“Hay encuentros que pasan una vez… y hay otros que la vida se encarga de volver a cruzar una y otra vez. Qué lindo que la música y la vida nos regalen estas historias. Gracias Belén por acompañarnos siempre que visitamos Córdoba, es una alegría compartir con vos buenos momentos”, escribió el intérprete junto a la secuencia.

El video comienza con una imagen de archivo reproducida en una computadora. Allí se ve a una joven Belén junto a Diego Torres durante su participación en Sorpresa y media, el ciclo que conducía Julia Weich y que se caracterizaba por cumplir deseos y reunir a figuras públicas con sus seguidores. En ese fragmento, Belén aparece emocionada y sonriente al lado del artista.

Ya en el presente, Torres explica ante cámara cómo fue aquel primer contacto. “Hace muchos años se hacía acá en la televisión en Argentina un programa llamado Sorpresa y media, que lo conducía Julia Weich, donde encontraban al artista con la gente que lo quería conocer”, relató.

El cantante recordó que ese formato fue el punto de partida de su vínculo con su fan. “Yo tuve la suerte de conocer a Belén. No sé si Belén tuvo la suerte de conocerme a mí”, bromeó, mientras ella se reía a su lado. Luego agregó: “A pesar de tantos años, en el 97, nosotros seguimos conectados siempre”.

Las imágenes recientes fueron filmadas en el interior de la Plaza de la Música, en Córdoba. Belén aparece con una camisa de jeans sobre una remera con una imagen de Diego Torres y sostiene su celular mientras repasa detalles de aquella jornada que quedó marcada en su vida.

“El 11 de septiembre de 1997, acá era la Vieja Usina. Hoy, 29 años después, 11 de septiembre, estamos acá en Plaza de la Música”, expresó Belén. La coincidencia de la fecha y el regreso del artista a la ciudad dieron una dimensión especial al reencuentro.

Entre los objetos que exhibe hay una credencial de acceso al camarín correspondiente a aquel recital. En la tarjeta se lee “Diego Torres”, “Vieja Usina”, “Jueves 11 de septiembre” y la indicación “B no camarines”. Ese pase funciona como una prueba material de la noche en la que pudo concretar el anhelo de ver de cerca a su ídolo.

También muestra una fotografía de 1997, en la que aparece con Torres cuando era más joven. En la imagen, ambos posan juntos con una sonrisa, una escena que ella conserva como parte de esa primera experiencia. Más tarde enseña otra postal de una reunión posterior, que confirma que no se trató de un contacto aislado.

Diego Torres retomó el relato para explicar que el programa no solo permitió aquel saludo inicial, sino que abrió una relación que continuó fuera de la televisión. Según contó, cada vez que su agenda lo lleva a Córdoba, procura reencontrarse con Belén y su familia.

“Siempre que venimos a Córdoba, gracias a ese programa que nos hizo conocer, quedamos conectados de por vida con Belén”, afirmó el cantante. Luego mencionó que suele verla junto a sus hijos y su madre, una muestra de que el vínculo se extendió con el paso de los años.

La publicación dejó así el registro de una historia que atravesó la televisión, los recitales y el paso del tiempo. A 29 años del día en que se conocieron en la Vieja Usina, Diego Torres y Belén volvieron a encontrarse en la misma ciudad, esta vez en la Plaza de la Música y acompañados por los recuerdos que conservaron desde aquel primer abrazo.

Jayden James Federline, el hijo de 19 años de Britney Spears y Kevin Federline, dijo sin rodeos qué tipo de preguntas preferiría no volver a responder: las que parten de suposiciones. La declaración surgió en una entrevista publicada este martes por Interview Magazine, en la que el joven fue consultado directamente sobre qué quisiera que la gente dejara de preguntarle.

“Preguntas con suposiciones”, respondió Jayden en la entrevista. “Prefiero que la gente me conozca a que dé por sentado que ya me conoce”, afirmó el adolescente, que en los últimos meses pasó de ser prácticamente desconocido para el público a convertirse en uno de los nombres que más circulan en los circuitos de moda y belleza.

El perfil de Interview Magazine llega en un momento de plena visibilidad para el joven, quien compartió también otros detalles de su vida cotidiana: toca el piano y produce música como forma de terapia, compró recientemente un sintetizador Nord Stage 4 y confiesa una adicción al azúcar.

“Expresarme a través de la música siempre ha sido mi mejor terapia”, afirmó en la entrevista. Su historial de búsqueda en Google, según sus propias palabras, está compuesto en un 100% de autos —el más reciente fue el Porsche 918 Spyder—, y anticipa que su gran sueño es tener algún día su propia colección de vehículos. “Bro” es la palabra que más repite, y confiesa que es su novia quien más le escribe: “Siempre estamos hablando o enviándonos videos de TikTok. Ella es mi mejor amiga”, dijo.

A los 13 años idolatraba a Son Goku, de la saga Dragon Ball, y reconoce que aún lo toma como referencia para superar sus propios límites. Sobre lo que está dispuesto a fingir, fue directo: “La idea de que tengo todo resuelto”.

Jayden también fue claro sobre lo que considera sobreestimado: buscar la aprobación ajena. “Cuanto más intentas complacer a otros, más te pierdes a ti mismo”, señaló. Sobre el miedo, admitió que el océano —y en particular los tiburones— lo aterra. Y cuando le preguntaron qué se siente ser él, la respuesta fue igual de concisa: “Siento que siempre tengo algo que demostrar, aunque en realidad no necesito demostrar nada”.

La portada de MAC Cosmetics lo presentó ante el gran público con una pregunta provocadora

Antes de esta entrevista, MAC Cosmetics ya había convertido esa misma incógnita —quién es Jayden James— en el eje de su campaña. El 25 de agosto, la marca lo anunció como protagonista de la portada de MACzine, su publicación digital relanzada, con una imagen en la que sostiene el spray fijador MAC Fix+ y el texto “¿Quién diablos es Jayden James?” como pie de foto. La campaña lo ubicó junto a figuras que previamente ocuparon esa portada, como Doja Cat y Olandria Carthen, de Love Island USA.

Su debut en la pasarela de París fue el punto de partida de su exposición pública

El camino hacia ese reconocimiento comenzó en junio pasado, cuando Jayden desfiló junto a su hermano mayor, Sean Preston, de 20 años, en la colección Menswear Primavera/Verano 2027 de Vetements durante la Semana de la Moda Masculina de París. En declaraciones a Vogue tras el evento, Jayden reconoció que le gustaría volver a desfilar, aunque fue autocrítico: “Podría perfeccionar mi forma de caminar; estaba bastante rígido por los nervios”. Agregó que, junto a su hermano, también trabajan en proyectos musicales.

Aunque Spears no estuvo presente en el desfile parisino, les envió flores como gesto de apoyo. Madre e hijos han vuelto a estar más en contacto en los últimos meses, después de que la cantante ingresara en un centro de rehabilitación tras declararse culpable de conducir bajo los efectos del alcohol en mayo pasado, según información de People.

Las polémicas que rodearon a Aleks Syntek durante los últimos días tuvieron un efecto inesperado en sus plataformas musicales. Mientras el cantante recibió críticas por sus declaraciones durante un concierto del 15 de septiembre y por sus publicaciones posteriores, las métricas de su catálogo reportaron un fuerte incremento en reproducciones.

De acuerdo con datos de Chartmetric y SpotifyTracked, plataformas independientes de Spotify, la audiencia diaria del intérprete aumentó 630% después de la ola de viralidad. Su perfil oficial superó los 6.9 millones de oyentes mensuales.

Uno de los principales beneficiados fue “Duele el Amor”, canción que Syntek interpreta junto a Ana Torroja. El 22 de septiembre, el tema alcanzó alrededor de 951 mil reproducciones diarias en Spotify México, según los registros citados.

El repunte también llevó a otros éxitos de las décadas de 1990 y 2000 a recuperar presencia entre los usuarios. Entre las canciones con mayor acumulado aparecen “Duele el Amor”, con más de 311 millones de reproducciones; “Corazones invencibles”, con más de 130 millones; “Sexo, pudor y lágrimas”, con más de 129 millones; “Intocable”, con más de 114 millones, y “Por volverte a ver”, con más de 71 millones.

La conversación en redes sociales, alimentada por videos, memes y debates sobre las declaraciones del músico, coincidió así con una mayor exposición de su repertorio.

Cancelación de concierto en Edomex

En medio de esta controversia, Aleks Syntek pospuso el concierto que tenía previsto para el 25 de septiembre en el Gran Recinto Satélite, en Tlalnepantla, Estado de México.

Gran Recinto y Lago Records informaron que la decisión ocurrió por “causas ajenas al artista, al venue y los organizadores”, sin precisar el motivo. La nueva fecha será anunciada posteriormente.

Los organizadores indicaron que los asistentes pueden solicitar el reembolso de sus boletos digitales a través del correo proporcionado en el comunicado.

La medida llegó después de la presentación del 15 de septiembre en la alcaldía Benito Juárez, donde Syntek recibió críticas por sus comentarios sobre la música urbana y por sus respuestas a algunas peticiones del público.

Durante aquel espectáculo, ante solicitudes de canciones de Juan Gabriel y Marco Antonio Solís, respondió: “Entre más me digas eso, menos voy a cantar”. También habló sobre artistas como Bad Bunny y Dani Flow, además de pedir a los jóvenes “no vestirse como malandros”.

Los videos del concierto se difundieron ampliamente en redes sociales y generaron memes. Días después, Syntek pidió a sus seguidores mantener la calma y escribió: “Por fa no se preocupen el tiempo me dará la razón, solo es cuestión de esperar a que pase el ruido y la tormenta pero la calma llegará de nuevo”.

El resto de su agenda profesional permanece sujeto a las fechas anunciadas por el propio artista y sus organizadores.

El cantante David Bisbal confirmó las primeras 15 fechas en España de su próxima gira mundial, Tour Eternos. El recorrido arrancará en mayo de 2027 y llevará al cantante almeriense a escenarios de toda la geografía española hasta septiembre de ese año. La gira presentará en directo las canciones de su nuevo álbum, también titulado Eternos, un disco en el que David Bisbal rinde tributo a grandes clásicos de la música en español.

El Tour Eternos iniciará el 22 de mayo de 2027 en el Roig Arena de Valencia. Desde allí, el artista continuará su recorrido por Bilbao el 29 de mayo y A Coruña el 4 de junio. La gira seguirá por el Palau Sant Jordi de Barcelona el 11 de junio y por Zaragoza al día siguiente, el 12 de junio. Después llegará a Murcia el 19 de junio y a Albacete el 22 de junio. Bisbal pasará por Granada el 25 de junio y por su ciudad natal, Almería, el 26 de junio. El Movistar Arena de Madrid recibirá al cantante el 1 de julio.

El tramo final del recorrido incluye Alicante el 10 de julio, Villanueva de la Serena el 17 de julio, Fuengirola el 22 de julio y Chiclana de la Frontera el 24 de julio. La gira cerrará este primer bloque de fechas en la Plaza de Toros de la Real Maestranza de Sevilla el 9 de septiembre de 2027. En total, son 15 conciertos confirmados que marcan el regreso de David Bisbal a los escenarios españoles tras meses de expectación por parte de sus seguidores. El nuevo disco de Bisbal, Eternos, fue concebido como un homenaje a las grandes canciones en español y a su capacidad para trascender generaciones. El repertorio incluye versiones de temas como Vivir así es morir de amor, Te quiero, te quiero, Frente a frente, Amor eterno y El amar y el querer.

Con muchas ganas de reencontrarse con su público

Sobre el regreso a los escenarios españoles y el contacto directo con sus seguidores, Bisbal expresó la “muchísima ilusión” que le hace “volver a encontrarme con el público en España”. El cantante subrayó su deseo de compartir este proyecto en vivo. Según sus palabras, tiene ganas de “poder compartir en directo estas nuevas canciones, que significan tanto para mí”. Bisbal manifestó además que tiene “muchas ganas de vivirlas con ellos sobre el escenario”, en referencia al público que lo acompañará en cada una de las fechas confirmadas.

La selección de clásicos que integra Eternos recorre distintas épocas y estilos de la música en español, desde baladas hasta temas de raíz más tradicional, todos convertidos en referencias del cancionero popular. Con este proyecto, el intérprete almeriense busca tender un puente entre las canciones que marcaron a generaciones anteriores y el público que lo sigue en la actualidad. El Tour Eternos funcionará como el escenario en vivo donde esas versiones cobrarán forma ante los seguidores del artista. Las 15 fechas anunciadas corresponden únicamente al primer bloque de la gira en territorio español, que próximamente continuará por el resto del mundo, donde Bisbal ya se ha hecho un hueco. El recorrido por Valencia, Bilbao, A Coruña, Barcelona, Zaragoza, Murcia, Albacete, Granada, Almería, Madrid, Alicante, Villanueva de la Serena, Fuengirola, Chiclana de la Frontera y Sevilla se extenderá entre mayo y septiembre de 2027.

Tras anunciar de manera unilateral una pausa del dúo Jesse & Joy, Jesse Huerta ha sido blanco de críticas en redes sociales, donde se le acusa de boicotear a su hermana para enfocarse en el proyecto alterno Jesse and the Supernovas.

Previo a una rueda de prensa con motivo de la extensión de una fecha en su residencia en el Auditorio Nacional en Ciudad de México, Jesse Huerta anunció en sus cuentas oficiales que, tras cumplir con los eventos previamente pactados, tomaría una pausa para enfocarse en su familia, su música y su paz mental.

Sin embargo, lo que inicialmente parecía un descanso acordado, apuntó a una ruptura musical y familiar, luego de que Jesse dejara plantada a su hermana en un encuentro con la prensa.

Con la voz entrecortada, Joy Huerta admitió ante reporteros que desconocía los motivos de la decisión de su hermano: “Me enteré hace 20 minutos”, externó la cantante, al tiempo que lamentó la ausencia de la persona con la que había construido todo en la música.

Señalamientos e indirectas de la esposa de Jesse

Ante las especulaciones, Jesse sostuvo que su hermana sí estaba enterada. “Nuestro equipo estaba informado previamente de que no participaría en la conferencia de prensa ni estaré en la presentación del 6 de diciembre en el Auditorio Nacional”, señaló en un comunicado.

Respecto a un distanciamiento con Joy, subrayó que ningún lazo estaba roto: “Mi hermana ha tenido y siempre tendrá todo mi amor y mi apoyo en lo que decida hacer, y las canciones de Jesse & Joy siempre serán parte de mí y de todos nosotros, y sé que siempre estarán ahí para apoyarla a ella y a mí en nuestros caminos”.

Por su parte, Joy confesó que, en medio de la confusión, la única certeza que tenía es que ella se entregaría al público que asista a su show del 6 de diciembre: “Tengo que procesar que no sé qué va a pasar, si van a llegar diez mil personas, si van a llegar diez o si va a llegar una. Pero sé que voy a salir a cantar para la persona que esté ahí”, expresó.

La separación del dúo dividió a sus seguidores. En medio de duras críticas contra Jesse Huerta, su esposa, la chef Mónica León, escaló la controversia con un mensaje que fue interpretado como una indirecta contra su cuñada.

En una serie de mensajes compartidos en Instagram, destacó una frase en la que señaló que “la verdad siempre sale a la luz y triunfa”.

Joy Huerta sabía del proyecto alterno de su hermano

Días después, en la red social X fue difundido un video de una entrevista concedida por Jesse y Joy en abril pasado, donde él habló para Exa sobre su inminente proyecto en solitario.

“El proyecto se llama Jesse and the Supernovas y el primer álbum, que saldrá este año, se llama Sombrero y es para escuchar pronto”.

Cuestionada sobre si el proyecto de su hermano podría afectar la dinámica del dúo, Joy Huerta respondió que ambos tenían necesidades creativas que no encajaban en el dúo: “También somos individuos”.

Al margen de versiones extraoficiales que señalan un rompimiento creativo y familiar, los motivos de la separación de Jesse & Joy se alinean con la necesidad de Jesse de tomar distancia de las implicaciones y presiones del dúo.

La ruptura ha elevado el interés por sus próximas presentaciones en Ciudad de México. De acuerdo con Jesse, aunque inicialmente fue anunciado en la presentación del 6 de diciembre, su participación en el dúo concluirá un día antes.

De acuerdo con el cantautor, su separación coincidirá con el lanzamiento del primer álbum de Jesse and the Supernovas.

El cantautor mexicano Alejandro Santiago, uno de los nombres vinculados con la trova contemporánea mexicana, murió este martes 22 de septiembre de 2026 a los 60 años. La noticia fue confirmada por colegas y amigos del músico, quien desarrolló una trayectoria de más de cuatro décadas y publicó siete producciones discográficas de manera independiente.

La muerte ocurrió en una clínica de Cuernavaca, Morelos, después de 27 días de hospitalización.

En sus redes sociales comenzó a multiplicarse el reconocimiento a su obra. La esquela publicada en su cuenta oficial destacó:

“Su música, su voz, su esencia y su enorme generosidad seguirán resonando en todos los que tuvimos la fortuna de compartir su camino. Nos deja su legado para siempre”.

¿De qué murió Alejandro Santiago?

Hasta el momento, no se ha informado oficialmente la causa de muerte del compositor. La información disponible señala que Santiago enfrentaba una enfermedad desde tiempo atrás y que durante los últimos meses su estado de salud había requerido atención médica.

Radio Café Atlántico reportó, con base en información recibida desde México, que el artista padecía cáncer, aunque esta versión no ha sido confirmada mediante un comunicado de su familia o una institución médica.

¿Quién fue Alejandro Santiago?

El músico nació el 14 de marzo de 1966 en Ciudad de México y comenzó su acercamiento a la música desde niño. Más tarde consolidó su propuesta en Tijuana y, a partir de la década de 1990, llevó sus canciones a escenarios de México, Estados Unidos, Latinoamérica y Europa.

Su discografía incluye En pie de guerra, A tu voluntad, Nómada, Realidad virtual, Quinto elemento, Recuento y Brújula. Entre sus canciones más conocidas aparecen “Por si no te vuelvo a ver”, “Cuando dije amor”, “Agua de mar” y “Andrómeda”.

Último mensaje de Alejandro Santiago en redes sociales

En su perfil de Facebook, Santiago retiró su fotografía de perfil y colocó una imagen de “That’s all folks” (“Eso es todo”), el conocido cierre de las producciones clásicas de Warner Bros. El cambio quedó como una de sus últimas señales públicas en redes antes de que se confirmara su fallecimiento.

Su última presentación musical ocurrió el 20 de diciembre de 2025 en el Café Albanta, en el sur de Ciudad de México, donde compartió escenario y noche con amigos y colegas.

En 2024, el cantautor celebró cuatro décadas de trayectoria con Cuatro décadas: Cantando a Alejandro Santiago, producción en la que participaron más de 25 artistas para reinterpretar parte de su repertorio.

Tras conocerse su muerte, músicos y seguidores comenzaron a compartir recuerdos de quien también fue reconocido por canciones de corte íntimo y social, entre ellas “Por si no te vuelvo a ver”, tema que interpretó junto a Miguel Inzunza.

Jennings, que ya había trabajado con la banda en los videos de “Help the Aged” (1997) y “A Little Soul” (1998), estructura el relato en torno a dos conciertos filmados en el O2 Arena de Londres los días 13 y 14 de junio de 2025, interrumpidos elegantemente por material de archivo. El montaje, a cargo de Barney Pilling (editor de El Gran Hotel Budapest, de Wes Anderson), rompe la lógica habitual de la película de concierto: en lugar de ofrecer el show como un bloque continuo, lo fragmenta en interludios que funcionan casi como cortes comerciales, un recurso que aleja al filme de cualquier registro promocional convencional y lo acerca más a un collage audiovisual que a un documental musical más.

A diferencia de las películas musicales que usan el show final como clímax resolutivo, el recital opera aquí como marco activo desde el cual se examina la trayectoria completa del grupo. ¿Qué harías... explica de manera cronológica cómo Pulp llegó a colmar estadios en 2025; en cambio, contrapone la realidad triunfal del presente con la vulnerabilidad y la incomodidad social de sus orígenes. Esa estructura fragmentada resuena con la propia historia de la banda, marcada por salidas en falso y décadas de irrelevancia previas a su explosión comercial en los noventa, los años del britpop y la Cool Britannia del primer ministro laborista Tony Blair.

El relato recae casi por completo en la perspectiva subjetiva de Jarvis Cocker, inspirado narrador con ese tono pausado y un acentro inglés inevitablemente norteño. La película prescinde de entrevistas con otros miembros de la banda: el vocalista no aparece frente a cámara en formato de “cabeza parlante”, sino que su narración en off lee extractos de sus diarios adolescentes y pasajes de su libro de memorias Good Pop, Bad Pop (2022).

Esta subjetividad extrema conlleva omisiones deliberadas, como la protesta de Cocker contra Michael Jackson en los premios BRIT de 1996 o el estatus del grupo en Glastonbury 1995. En cambio, el relato prioriza la intimidad: el documental detiene el concierto para ofrecer un segmento acústico en homenaje al bajista Steve Mackey, fallecido en 2023, que reconfigura la película hacia una meditación sobre el duelo.

El pop como acto de reciclaje

El discurso de Jarvis Cocker a lo largo del filme funciona como una tesis sobre la marginalidad y la identidad de clase. “Este filme será como ir a un mercado de pulgas. Rebuscar entre pilas de basura para encontrar el oro que necesitamos para contar una historia”, afirma el cantante, en una declaración que funciona como el manifiesto metodológico de la película. La analogía conecta con la estética histórica de la banda, desde la ropa de segunda mano que los caracteriza hasta los sintetizadores económicos que definieron su sonido.

El cantante, letrista, compositor y cara visible de la banda (él es Pulp, qué duda cabe) también atribuye a la música un carácter casi fenomenológico: “Las canciones contienen bolsillos de energía de tu vida pasada que se liberan de nuevo cuando las interpretas. Son verdaderos viajes en el tiempo, mucho mejores que Doctor Who”. Con esa idea, despoja a la gira de reunión del cinismo financiero que suele acompañar los regresos de bandas veteranas a los grandes estadios (¿alguien dijo “Oasis”?). En paralelo, el documental exhibe un cuaderno escolar que Cocker escribió a los 15 años, con un “plan maestro” que detallaba el vestuario y la trayectoria de la banda mucho antes de que sus integrantes supieran tocar instrumentos, lo que sitúa la teatralidad del grupo como una ambición calculada desde la adolescencia y no como un producto del mercado pop de los noventa. “Para mí, el pop no tenía nada que ver con la realidad. Era una mejora de la realidad”, sostiene Cocker en otro pasaje, en referencia a su necesidad de escapar del declive industrial de la gris Sheffield a través de la televisión.

El registro del recital exhibe una puesta en escena que amplía significativamente la formación clásica de Jarvis Cocker, Candida Doyle, Nick Banks y Mark Webber. Se suman el bajista Andrew McKinney, músicos de percusión y sintetizadores, y una sección de cuerdas de diez integrantes llamada Elysian Collective. El escenario, con plataformas estratificadas y un fondo panorámico de motivos galácticos, transforma cada canción en una pieza escenográfica distinta: “Spike Island” arranca con siluetas proyectadas contra una “luna azul” antes de que el cantante emerja del subsuelo; la oscura “This Is Hardcore” recrea un ambiente gótico con Cocker recostado en un sillón bajo un candelabro; y “F.E.E.L.I.N.G.C.A.L.L.E.D.L.O.V.E.” convierte los arreglos originales de Barry White en un paisaje industrial disonante.

La dirección de Jennings encuentra su momento más audaz en el super hit “Common People”, cuando cede el control de la cámara al propio Cocker. El cantante empuña un dispositivo portátil y filma directamente al público desde el borde del escenario; ese metraje crudo e inestable se proyecta en tiempo real sobre la pantalla del estadio. El gesto rompe deliberadamente la cuarta pared y convierte un recurso técnico modesto en la resolución visual de la canción: el público, antes objeto de la letra, pasa a ser sujeto de la imagen. Es en esa clase de decisiones, más que en la escala del espectáculo, donde el filme se despega del rockumentary tradicional y se acerca a un ejercicio de estilo.

Una infancia forjada por la televisión

Más allá del concierto, el tratamiento del material de archivo constituye el rasgo más singular de la película. El director intercala las interpretaciones en vivo con anuncios televisivos de los años setenta y ochenta, apariciones de la banda en programas infantiles como Live & Kicking y TFI Friday, y fragmentos de series de ciencia ficción como Star Trek y Doctor Who. Esa selección sostiene una idea central: a diferencia de bandas del Britpop como Blur, Suede u Oasis, que basaron su identidad en el linaje del rock británico de los sesenta, Pulp construyó su mitología a partir del consumismo televisivo de masas como vía de escape de la depresión económica de Sheffield.

El archivo también incorpora material inédito, entre ellas fotografías polaroid de un joven Cocker (“me gastaban todo el tiempo diciendo ”ahí viene Elvis Costello”, confiesa él mismo) ensayando con las primeras formaciones del grupo y grabaciones caseras de su madre y su abuela, que documentan una crianza en un hogar matriarcal. Para acompañar la interpretación acústica de “Something Changed”, la película superpone un montaje retrospectivo de Cocker junto a Steve Mackey a lo largo de las décadas, en lo que constituye el centro emocional del filme. El resultado es una estructura que abandona la linealidad esperable del biopic musical y se organiza, en cambio, como una memoria asociativa: el pasado no se explica, aparece. Si se quiere aplicar el mismo razonamiento para el objeto central de esta obra audiovisual, se puede decir: Pulp no se explica, aparece.

[Fotos: prensa Mubi]

Elton John llega a México con dos conciertos de despedida y un mensaje directo a sus fans mexicanos: en un video publicado en Instagram, el cantautor británico confirmó que prepara un repertorio especial para las presentaciones del 2 y 3 de octubre en el Estadio Banorte, sus primeros shows en el país después de 14 años.

Los conciertos forman parte de la gira Farewell Yellow Brick Road y marcan el regreso de Elton John a suelo mexicano tras más de una década de ausencia. Los boletos, con precios de entre 990 y 19,520 pesos, se vendieron a través de Superboletos, y las promotoras AEG Presents, Cárdenas Marketing Network y Enso Music abrieron secciones adicionales con descuentos de hasta 60% ante la alta demanda.

Pero antes de sus conciertos, Universal Music, en colaboración con Cineteca Nacional, Cineforo Universidad y Cineteca FICG de la Universidad de Guadalajara. proyectará funciones gratuitas del icónico concierto de Elton John en Río de Janeiro 1995.

Universal Music proyecta gratis el concierto de Elton John en Río de Janeiro 1995

Antes de sus shows en el Estadio Banorte, Universal Music México organiza funciones gratuitas de Elton John: En Vivo desde Río de Janeiro, 1995, en alianza con Cineteca Nacional, Cineforo Universidad y Cineteca FICG de la Universidad de Guadalajara.

El material corresponde al concierto que el artista ofreció el 25 de noviembre de 1995 en el Estadio do Flamengo, ante unos 40,000 espectadores, durante la gira Made in England. Universal Music ya exhibió este mismo filme remasterizado en cines de São Paulo y Río de Janeiro el 31 de agosto pasado, como antesala a la presentación de Elton John en el Rock in Rio.

Las sedes y horarios de las proyecciones gratuitas en México

En la Ciudad de México, la función es en el Foro al Aire Libre de la Cineteca Nacional, en Chapultepec, los días martes 30 de septiembre y miércoles 1 de octubre, ambas a las 18:00 horas, con acceso gratuito.

En Jalisco hay dos sedes distintas. La Sala Cineforo, en Guadalajara, proyecta el filme el martes 30 de septiembre a las 19:30 horas. La Cineteca FICG, en la Sala Guillermo del Toro de Zapopan, lo hace un día después, el miércoles 1 de octubre, también a las 19:30 horas.

• Cineteca Nacional: Foro al Aire Libre Chapultepec el 30 de septiembre y 1 de octubre a las 18:00 hrs. 
• Sala Cineforo: Guadalajara Jalisco el 30 de septiembre a las 19:30 hrs. 
• Cineteca FICG: Zapopan, Jalisco 1 de octubre a las 19:30 horas.  

Cómo registrarse para conseguir un lugar gratis

El acceso a las cuatro funciones requiere registro previo a través del enlace oficial eltonjohn.lnk.to/proymx, compartido por Universal Music México en sus redes sociales.

Al ingresar al link, el usuario selecciona la función de su interés entre las cuatro sedes disponibles y completa un registro con sus datos personales para asegurar su lugar. No se especifica un límite de cupo por función.

El repertorio para México podría incluir clásicos como Rocket Man y Your Song

Aunque el setlist oficial para los shows en la Ciudad de México no se confirmó, se espera una composición similar a la presentada por Elton John en el festival Rock in Rio de Brasil. Entre las canciones que podrían sonar están Rocket Man, Tiny Dancer, I’m Still Standing, Crocodile Rock, Sacrifice, Don’t Let the Sun Go Down on Me, Can You Feel the Love Tonight, Bennie and the Jets, Candle in the Wind, Goodbye Yellow Brick Road y Your Song.

Elton John compartió un mensaje para los fans mexicanos, en el que aseguró que presentará un set especial: “Hola, México, soy Elton John, voy a la Ciudad de México el próximo fin de semana para dar dos conciertos. Hace mucho que no voy y ya es hora de que vuelva y dé un gran espectáculo. Estoy muy emocionado y hemos preparado un set especial para ustedes”, dijo el artista en el mensaje.

El anuncio del cantante llega días después de que se abrieran nuevas secciones de venta para ambas fechas en el Estadio Banorte, recinto que antes se llamaba Estadio Azteca. Con estas dos presentaciones, Elton John cierra su relación con los escenarios mexicanos tras una carrera que lo trajo al país en múltiples ocasiones desde la década de 1970.

Jesse Huerta aclara que su nuevo proyecto como solista, Jesse and the Supernovas, no surgió como reacción a la pausa que anunció en Jesse & Joy, sino que estaba planeado “desde hace meses”. El músico publica un comunicado en Instagram tras la confusión que generó su anuncio de alejamiento del dúo con su hermana Joy Huerta.

“Voy a aclarar algo porque veo que se están confundiendo dos cosas”, escribe Jesse en el mensaje. Precisa que hablar de cuidar su salud física y mental no equivale a alejarse de la música, sino a pausar específicamente el proyecto que comparte con su hermana desde hace más de 20 años.

Jesse and the Supernovas estaba calendarizado desde hace meses

El cantante y compositor desmiente que su proyecto solista sea consecuencia de la pausa anunciada en el dúo. “Jesse and the Supernovas no nació después de esta decisión. Es un proyecto que estaba planeado, calendarizado y hablado desde hace meses”, asegura.

Jesse añade que tanto su hermana como su equipo de trabajo conocían la existencia de esta iniciativa individual antes del anuncio de pausa. La separación temporal del dúo y el lanzamiento de su carrera como solista corren, según su explicación, por caminos independientes.

Jesse asegura que necesita de la música tras la decisión de dejar a su hermana

Jesse compara su situación con la de un oficio manual para explicar por qué seguirá creando pese al descanso que se tomará de Jesse & Joy. “Si fuera carpintero, descansar de una forma de trabajar no significaría dejar de tocar la madera”, escribe en el comunicado.

El músico sostiene que la música funciona como herramienta de procesamiento emocional en este momento. “Crear no contradice mi decisión, y precisamente después de tomar una decisión tan difícil, es cuando más necesito de la luz que la música ha sido siempre para mí”, afirma.

Jesse enmarca esta etapa como un momento de cambio y aprendizaje personal. Reconoce el costo emocional de la decisión sin renunciar a su actividad artística en paralelo.

Jesse aclara que su descanso es de Jesse & Joy, no de la música

El cantante distingue con precisión el alcance de su pausa. “Aunque me desgarre el alma mi descanso es de Jesse & Joy no de la música”, escribe, en la frase que resume el núcleo de su aclaración.

Jesse también responde a las lecturas que interpretaron su decisión como un abandono del proyecto en un momento de crisis. “Tampoco me estoy yendo cuando las cosas están mal, tomé esta dolorosa decisión en uno de los mejores momentos de nuestra carrera”, asegura.

El músico rechaza cualquier señalamiento sobre un incumplimiento hacia su hermana o su equipo. “No he dejado tirado ni abandonado a nadie”, afirma en el comunicado.

Jesse explica por qué decidió pausar el dúo con su hermana Joy

Jesse explica el origen de su pausa en el dúo como resultado de un proceso de escucha interna. “Lo que cambió fue que decidí escuchar a mi familia, a mi cuerpo, a mi corazón y también a mí mismo”, detalla.

El cantante cierra su mensaje con una síntesis de lo que motivó el cambio. “Hacer espacio para mis sueños, mi paz, mi tiempo y mi familia. Y eso hice”, escribe antes de firmar el comunicado.

El mensaje llega después de que Jesse confirmara, el 15 de septiembre, que cumplirá con los compromisos ya pactados de Jesse & Joy hasta el 17 de noviembre en Londres, Inglaterra. La aclaración sobre su proyecto solista busca frenar las interpretaciones de una ruptura definitiva con la música tras la pausa anunciada en el dúo familiar.

¿Quién es la esposa de Jesse Huerta y qué dijo sobre la separación de Jesse & Joy?

La esposa de Jesse Huerta es Mónica León, chef y pareja del músico desde hace más de dos décadas. En medio de la controversia por la pausa de Jesse & Joy, León rompió el silencio con una serie de mensajes en Instagram sobre límites familiares, sin mencionar directamente a Joy Huerta.

León comenzó escribiendo: “El amor por la familia está por encima de todo”. Habló de una fuerza superior —a la que llamó “Dios, universo, vida o destino”— que “tarde o temprano, pone cada cosa en su lugar”.

Después publicó una reflexión sobre los límites en las relaciones: “Y AMOR no significa permitirlo todo. El amor sabe poner límites, y ese es el AMOR más puro, porque amar es respetar la libertad del otro sin abandonar la propia”.

La frase que generó más interpretaciones entre los seguidores fue una historia temporal donde escribió: “Y la verdad siempre sale a la luz y siempre, siempre triunfa”. Muchos la leyeron como una alusión al trasfondo de la separación del dúo, aunque León no lo confirmó de manera explícita.

El respaldo directo a Jesse

Además de esas reflexiones, León compartió mensajes de apoyo dirigidos a su esposo. Escribió: “Espero que sanes todas las cosas de las que no hablas”, en referencia al desgaste que Jesse ha atravesado durante más de la mitad de su vida dedicado a la música.

León también pidió respeto hacia su entorno familiar en medio de la exposición mediática del caso. “Les pido que mi familia quede fuera de cualquier ataque, insulto o especulación; detrás de todo esto hay personas, familias y muchos años de vida compartida”, escribió.

Taylor Swift anunció una versión extendida de su álbum The Life of a Showgirl titulado “The Encore”, material que incluirá nuevas canciones y un concepto renovado de esta era.

La cantante estadounidense dio a conocer este anuncio a través de sus redes sociales con la frase “el show no ha terminado”, además de compartir un largo mensaje donde reveló más detalles de esta edición.

“Hace un año ustedes hicieron algo realmente insondable. Algo que me hizo alucinar completamente. Le diste a The Life Of a Showgirl la primera semana más grande para un álbum en la historia”, escribió la interprete de The Fate of Ophelia.

Siguiendo con su texto, contó que durante un viaje a Suecia junto a sus dos colaboradores: Max y Shellback, para celebrar los logros del disco, crearon las melodías que estarán en esta extensión.

“Realmente solo queríamos reflexionar y considerar lo agradecidos que estábamos por el momento en el que estuvimos”

Taylor Swift

Fecha de estreno del álbum de Taylor Swift

De acuerdo a la información proporcionada por la cantautora, este nuevo material está programado para ser lanzado el próximo 25 de septiembre, pero debido a la diferencia horaria sus fanáticas mexicanas tendrán la oportunidad de escucharlo el jueves 24 de septiembre a las 22:00 horas.

Esta versión añadirá cuatro canciones a las 12 del disco original, estrenado el pasado 3 de octubre de 2025, el cual contó con la participación de Sabrina Carpenter y una presentación en cines de todo el mundo.

“Espero que las amen, porque nacieron de pura gratitud por su exuberancia y celebración del álbum que hicimos”, expresó Swift.

Taylor Swift

Lanzamiento de la canción “Patient Zero”

Entre las sorpresas, la cantante de “Style” dio a conocer que el primer sencillo de este proyecto lleva como nombre “Patient Zero”, el cual será estrenado junto con las otras canciones el próximo viernes.

Todas estás noticias han generado una gran emoción por parte de sus seguidores, quienes también comenzaron a crear múltiples teorías sobre sus proyectos a futuro y como relacionará estas melodías con las lanzadas en la primera edición.

La canción está disponible para reservar durante 24 horas en la tienda oficial de la intérprete, y tendrá tres ediciones físicas en CD: la versión convencional, una acústica y otra para piano. Su distribución está prevista para el 13 de octubre.

“He estado esperando con impaciencia para contarles que mi nuevo sencillo ‘Patient Zero’ saldrá el 25 de septiembre y ya está disponible para reservar en mi página web durante 24 horas”

Hasta ahora, la artista no ha dado detalles sobre la composición del tema ni ha informado si habrá un video musical u otra producción audiovisual ligada al estreno.

Nombre de las nuevas canciones de The Life of a Showgirl

Para las personas interesadas en escuchar las nuevas producciones musicales de Taylor, ya se encuentra disponible la opción de “pre-guardar” en todas las plataformas de streaming. Este es el nombre de las canciones agregas al álbum The Life of a Showgirl:

• Patient Zero
• Cleveland!
• Pink Clouding
• Babylon

Su conexión con Avengers: Endgame Encore

Dos de los fenómenos de entretenimiento más comentados del año coincidirán en un mismo fin de semana: Avengers: Endgame Encore y The Life of a Showgirl: The Encore, de Taylor Swift, llegarán con la misma fecha de estreno, creando altas expectativas entre las seguidoras de la artista y Marvel.

La reedición del filme regresará a las salas con una duración extendida de aproximadamente 183 minutos, con versiones más largas para las funciones IMAX e Infinity Vision.Cada proyección incluirá un adelanto exclusivo de Avengers: Doomsday, que se estrenará el 18 de diciembre.

«Offering», una pieza de Expression, el último álbum que John Coltrane concibió antes de su muerte en julio de 1967, comienza como un bálsamo. Sobre luminosos acordes de piano de su esposa y estrecha colaboradora, Alice, y un susurro de platillos del baterista Rashied Ali, el saxofonista interpreta una línea cadenciosa y conmovedora que parece capaz de flotar plácidamente durante horas.

El pasaje recuerda intensamente el comienzo de «Acknowledgement», el tema inicial de A Love Supreme, su icónica suite en formato de álbum de 1965. Pero mientras «Acknowledgement» florecía en algo irresistiblemente propulsivo, con una melodía de llamada y respuesta y un ostinato de bajo que invita a chasquear los dedos, «Offering» traza un rumbo hacia el vacío.

Tras superar la marca de los tres minutos, el piano desaparece por completo, dejando a Coltrane acompañado únicamente por la batería de Ali. Coltrane se lanza a un torbellino sonoro, desplegando notas en un gesto repetitivo y obsesivo. Su tono se vuelve progresivamente más agitado, hasta que irrumpe en gritos desgarrados y volcánicos. La placidez inicial de la pieza termina por regresar, pero para entonces el oyente ha sido conducido a un estado mental muy distinto.

Esta progresión de la calma a la turbulencia y de vuelta recuerda una declaración que John Coltrane hizo en las notas del álbum A Love Supreme. Al presentar el álbum como una «humilde ofrenda» a un poder superior, escribió: «Que nunca olvidemos que, bajo el sol de nuestras vidas, a través de la tormenta y después de la lluvia, todo es con Dios, de todas las maneras y para siempre».

Coltrane, cuyo centenario se cumple este 23 de septiembre, estaba contextualizando una suite en particular, pero sus palabras también funcionan como una especie de manifiesto para un movimiento conocido hoy como jazz espiritual. Una pieza como «Offering», que nos guía desde «el sol» y luego «a través de la tormenta y después de la lluvia», parecería el prototipo perfecto. Pero durante la última década, a medida que el término jazz espiritual se ha consolidado como una palabra de moda, los oyentes han sido guiados cada vez más hacia atajos fáciles y alejados de ascensiones tan exigentes. Si frecuenta tiendas de discos, sitios web de música que marcan tendencias o servicios de streaming, o incluso cafeterías o estudios de yoga, es muy probable que haya visto aparecer el término «jazz espiritual». Hoy en día, se siente más como un texto publicitario corriente que como un descriptor musical útil, y señala alguna combinación de ritmos sólidos, cánticos gozosos, percusión vagamente exótica y solos que apuntan hacia lo extático.

Quizás haya oído mencionar la frase en referencia a la escena que gira en torno al percusionista y productor Carlos Niño en Los Ángeles, o la haya visto estampada en elegantes gorras y camisetas. Una proliferación más amplia de mercancía y objetos efímeros ha amenazado con convertir a Alice Coltrane, en particular, una artista enormemente compleja e influyente, en un icono prefabricado de serenidad sonora e iluminación neo-New Age. («¡Siga tocando el claxon!», dice una popular pegatina para parachoques. «Estoy escuchando la sensación meteórica de Alice Coltrane de 1971, “Universal Consciousness”».).

Aunque John Coltrane es universalmente reconocido como el fundador de este movimiento no oficial, su papel a veces queda oscurecido en su panteón contemporáneo. Parte de ello podría ser simplemente una cuestión de apariencia visual: Coltrane murió justo antes de que el jazz entrara en su no oficial Era de Acuario, personificada por álbumes como Journey in Satchidananda, de Alice, y Karma, del saxofonista y colaborador de Coltrane, Pharoah Sanders, cuyas portadas retrataban a estos artistas con la resplandeciente vestimenta y postura de figuras sagradas. (En contraste, Coltrane solía aparecer, incluso en sus álbumes posteriores y más libres, con un traje discreto).

En la lista de reproducción «Spiritual Jazz Essentials» de Apple Music, por ejemplo, hay que desplazarse por 20 temas, incluidas selecciones de Sanders, Alice y Albert Ayler, un discípulo de Coltrane que se convirtió en una influencia clave para él, así como de Kamasi Washington —uno de los avatares contemporáneos más prominentes del jazz espiritual, junto con el multiinstrumentista Shabaka Hutchings—, antes de llegar al propio «Acknowledgement» de Coltrane.

El paraguas del jazz espiritual es amplio, y muchas de las encarnaciones menos extremas de esta música, tanto pasadas como presentes, transmiten una profunda gravedad: el hechizante Journey in Satchidananda, por ejemplo, o Perceive Its Beauty, Acknowledge Its Grace, un lanzamiento de 2024 del artista conocido ahora simplemente como Shabaka. Pero en años recientes, a medida que el término se ha aplicado de forma más laxa y refleja, a menudo parece connotar una especie de música ambiental elevada, que crea una atmósfera sin exigir demasiado a los oyentes.

«Imagínese escuchando este álbum en una combinación de cafetería y librería», escribió un comentarista en el sitio web musical Bandcamp, anotando un lanzamiento de un destacado grupo contemporáneo de la órbita del jazz espiritual. «Está en una silla cómoda con un libro que lleva mucho tiempo queriendo leer. Es perfecto».

No es probable que se pueda hacer mucha lectura acogedora mientras suena «Offering». Como otras obras tardías más imponentes de Coltrane —incluidas «Ascension»; «Sun Ship»; el monumental álbum cuádruple Live in Japan; e Interstellar Space, una sesión completa a dúo con Ali grabada la semana posterior a «Offering»—, es impactante, abrumadora y, clichés aparte, innegablemente espiritual.

El escritor Andy Beta, que ha escrito extensamente sobre el jazz espiritual y publicó recientemente Cosmic Music, una biografía de Alice Coltrane, dijo en una entrevista por video: «Esas cosas tardías de Coltrane se resisten a la asimilación de cualquier manera». Continuó: «Puedes llegar a la tienda de regalos y conseguir la pequeña piedra lisa, pero la montaña, con él, es como si tuvieras que escalarla entera».

El saxofonista Isaiah Collier está de gira este año con un homenaje a Coltrane programado en torno al centenario que evoca todo el espectro de la producción del homenajeado. En una entrevista por video, Collier dijo que valoraba la «honestidad radical» inherente a la obra de Coltrane.

«Es algo gracioso que la gente piense que la música se supone que debe ser simplemente algo bello en todo momento», dijo. «Pero lo que hace tan bella a la música es que es práctica y que es cercana. ¿Crees que la naturaleza es solo pacífica? ¿Nunca has oído hablar de un huracán?».

«Esta música es un reflejo de las experiencias vitales de una persona», añadió Collier, «en particular de la experiencia afroamericana». (Aunque no solía hacer declaraciones sociopolíticas explícitas, Coltrane tituló una pieza «Alabama» tras el atentado mortal de 1963 del Ku Klux Klan contra una iglesia, que mató a cuatro escolares en Birmingham).

El saxofonista Louie Belogenis ha realizado un estudio riguroso de la obra tardía de Coltrane, interpretando el material junto a Ali tanto en el conjunto de la década de 1990 Prima Materia como en un álbum a dúo al estilo de Interstellar Space, Rings of Saturn. En una entrevista telefónica, también hizo hincapié en el sentido de «prueba y tribulación» inherente a la producción de Coltrane.

«Para mí, su música afirma profundamente la vida, incluso cuando se vuelve quizá más discordante y quizá más difícil de escuchar desde la perspectiva de que quieres un sonido tranquilo, parecido a un bordón, de amor y luz de fondo mientras tomas un baño de burbujas», dijo.

Como budista practicante desde hace mucho tiempo, Belogenis afirmó que reconocía el rigor espiritual e intelectual en la obra de Coltrane. «Hay un famoso lema de entrenamiento mental en la tradición budista: “Lleva todos los obstáculos al camino”», dijo. «Y se podía ver lo que fuera que Coltrane estuviera haciendo —a veces es teoría musical, a veces es técnico, a veces podría ser personal—, pero se puede oír en su música: está llevando todos los obstáculos al camino».

«Siempre iba un paso más allá», añadió Belogenis.

En una entrevista de 1991 con The New York Times, el guitarrista de vanguardia Sonny Sharrock, quien idolatraba a Coltrane, dijo que aspiraba a una dualidad en su obra, incluido Ask the Ages, de ese año, un conjunto alternativamente feroz y tranquilizador —y claramente inspirado en Coltrane— con Pharoah Sanders y Elvin Jones, el baterista de Coltrane antes de Ali.

«He estado tratando de encontrar una forma de que el terror y la belleza vivan juntos en una misma canción», dijo.

Esta coexistencia, palpable en todo el catálogo tardío de Coltrane, impregna varios clásicos del jazz espiritual menos propicios para las listas de reproducción o la escucha de fondo: el exuberante y explosivo Live in Greenwich Village, de Ayler; Izipho Zam, de Sanders, y Black Woman, de Sharrock, con oleadas de ruido catártico y sorprendentes intervenciones vocales, respectivamente, de Leon Thomas y Linda Sharrock; y el revelador Carnegie Hall Concert, de Alice Coltrane, de 1971, que incluye versiones épicas e incendiarias de dos piezas de su difunto esposo junto con un par de originales hipnóticos y complica su imagen contemporánea como paradigma de calma meditativa.

(Dos títulos contemporáneos ejemplares que evocan por igual el terror y la belleza: The Almighty, de Collier, de 2024, y Open the Gates, un trabajo de 2021 de Irreversible Entanglements, un colectivo de estrellas que incluye a la poeta y artista sonora Moor Mother y al bajista Luke Stewart).

Uno de los supervivientes clave del momento original del jazz espiritual es el saxofonista Azar Lawrence, que trabajó con Jones y con el ex pianista de Coltrane, McCoy Tyner, después de la muerte de Coltrane. En una entrevista telefónica, recordó sesiones clásicas en las que participó, incluido Enlightenment, de Tyner, un álbum en vivo de 1973 con interpretaciones maratonianas que encarnan todas las facetas del dinamismo posterior a Coltrane.

«Estoy convencido de que Coltrane fue el punto de inflexión», respondió cuando le preguntaron qué lo impulsó a él y a sus contemporáneos a llevar su sonido hasta el punto de ruptura. Coltrane, dijo, señaló a la comunidad musical que esa intensidad de expresión «estaba bien, y no solo eso, sino que era necesaria».

Los contemporáneos de Coltrane claramente sentían que él estableció un nuevo referente de gravedad espiritual en el jazz. Como su colaborador Archie Shepp le dijo a Beta en Cosmic Music: «Coltrane realmente elevó esta música de lo secular a un ámbito de música religiosa mundial seria. Era como estar en la iglesia».

Al parecer, lo que estaba en juego originalmente en el jazz espiritual era especialmente elevado.

En sus notas de A Love Supreme, Coltrane había recordado un anterior «despertar espiritual» durante el cual «humildemente pidió que se le concedieran los medios y el privilegio de hacer felices a otros mediante la música». Quizás no fuera tan simple como reconfortar a sus oyentes con el sol. Quizás también necesitaban sentir la tormenta.

Fuente: The New York Times

El cantante Rick Sollo, integrante del dúo sertanejo Rick & Renner, murió junto a cuatro personas más tras la caída de un helicóptero en la sierra catarinense, en el sur de Brasil. Los cuerpos fueron recuperados este martes al mediodía, luego de una búsqueda nocturna que movilizó drones térmicos, perros rastreadores y cerca de cincuenta efectivos en un área boscosa de difícil acceso.

La aeronave perdió contacto con las autoridades durante la tarde del lunes, cuando la zona registraba niebla densa, granizo y vientos fuertes. El hallazgo confirmó que no hubo sobrevivientes. Las autoridades brasileñas abrieron de inmediato dos líneas de investigación paralelas para determinar las causas del siniestro, según informaron Metrópoles y el Correio Braziliense.

El CENIPA y la Policía Civil investigan el accidente por dos vías distintas

El Centro de Investigación y Prevención de Accidentes Aeronáuticos (CENIPA), órgano de la Fuerza Aérea Brasileña (FAB), inició la llamada Acción Inicial del siniestro junto al Quinto Servicio Regional de Investigación y Prevención de Accidentes Aeronáuticos (SERIPA V), con sede en Canoas, Rio Grande do Sul. Los investigadores trabajan en la recolección de datos, la verificación de daños en la aeronave y el análisis de las condiciones meteorológicas al momento del vuelo.

En paralelo, la Policía Civil de Santa Catarina instauró un expediente judicial el mismo martes. La Delegación de Policía de la Comarca de Urubici explicó que la apertura del caso responde a “la naturaleza violenta de las muertes” y que el objetivo es “esclarecer las circunstancias del accidente y verificar la eventual existencia de conducta humana dolosa o culposa”. La investigación policial tendrá carácter subsidiario respecto de la técnica a cargo del CENIPA.

La FAB aclaró que el organismo no trabaja con una causa única: su misión es identificar los factores que contribuyeron al accidente y formular recomendaciones para prevenir hechos similares. “La investigación será concluida en el menor plazo posible, considerando la complejidad de la ocurrencia”, indicó la institución en un comunicado oficial.

La niebla, el granizo y los vientos fuertes están bajo la lupa de los investigadores

La aeronave despegó de Porto Belo, en el litoral norte de Santa Catarina, con destino a São Joaquim, en la sierra. Perdió contacto durante el trayecto y fue vista por última vez sobre la localidad de Urubici, en cercanías del Morro da Igreja. En ese momento, la región registraba condiciones meteorológicas adversas: niebla, granizo, llovizna y vientos intensos.

El Cuerpo de Bomberos Militar de Santa Catarina (CBMSC) coordinó el operativo de búsqueda durante toda la noche con drones de tecnología térmica, más de diez vehículos de apoyo y dos perros adiestrados. Los restos de la aeronave fueron localizados finalmente en la localidad de Santa Bárbara, en Urubici.

Una aeronave SC-105 Amazonas del Segundo Escuadrón del Décimo Grupo de Aviación acumuló cerca de 13 horas de vuelo hasta avistar los destrozos, según informó la FAB. Tras la confirmación, los equipos trasladaron los cuerpos al Instituto Médico Legal (IML) de Florianópolis, donde la Policía Científica llevó adelante los procedimientos periciales correspondientes.

La aeronave tenía documentación vigente y pertenecía a una empresa privada

El helicóptero siniestrado era un Bell 430 de matrícula PP-MGR, fabricado en 2001 y con capacidad para ocho pasajeros. Según datos de la Agencia Nacional de Aviación Civil (ANAC) difundidos por el diario regional Estado de Minas, la nave contaba con documentación en regla y habilitación operativa vigente hasta agosto de 2027. Pertenecía a JTA Empreendimentos e Urbanismo, del empresario José Antunes, quien la prestó para el viaje.

Además de Rick Sollo, viajaban el empresario Bruno Avelar —de 41 años, vinculado al jugador Neymar y al político Augusto Cury—, el videomaker Paulo Soares, el piloto Antônio y el copiloto Leopoldo. Soares publicó en sus redes sociales imágenes del cantante a bordo momentos antes del despegue.

Rick Sollo acumuló más de 18 álbumes, 10 millones de discos vendidos y cuatro décadas en el sertanejo

Geraldo Antônio de Carvalho nació el 5 de diciembre de 1966 en Monte do Carmo, Tocantins. A los seis años se mudó con su familia a Brasilia, donde comenzó a cantar y conoció a Ivair dos Reis Gonçalves, más conocido artísticamente como Renner. Juntos formaron la dupla en 1986 y durante cinco años se presentaron en bares y clubes nocturnos antes de acceder a un contrato discográfico.

En 1991 editaron un disco independiente y al año siguiente firmaron con el sello Chantecler para lanzar su primer álbum oficial. El respaldo de Zezé Di Camargo y Luciano, quienes los acercaron al productor Manuel Nenzinho Pinto, les abrió las puertas de la proyección nacional. El salto definitivo llegó en 1998 con el disco Mil Vezes Cantarei y el sencillo “Ela é demais”, que permaneció cinco meses en las listas de popularidad y se convirtió en el tema más reconocido de su carrera.

Al año siguiente, Instante Mágico sumó nuevos éxitos como “Muleca”, “Cara-de-pau” y “Fim de semana”. A lo largo de su trayectoria, la dupla publicó 18 álbumes de estudio y tres DVDs y vendió más de 10 millones de CDs, según datos difundidos por la prensa brasileña y relevados por Gshow. Entre sus canciones más recordadas figuran “Nos bares da cidade”, “Filha”, “Só pensando em você” y “Nóis tropica, mas não cai”.

Además de intérprete, Rick se consolidó como compositor y productor: escribió canciones que grabaron Chitãozinho & Xororó, João Paulo & Daniel, Gian & Giovani y Eduardo Costa, entre otros referentes del género.

La dupla atravesó varias separaciones —en 2010, 2015— y reuniones —en 2012 y 2018— hasta montar la gira “Rick & Renner 40 Años”, que seguía activa al momento del accidente. En paralelo, el artista desarrolló una carrera solista con los álbumes Pronto pra te Amar (2011) y Foi Deus (2015), bajo los sellos Radar Records y Universal Records.

El 9 de diciembre de 1964, John Coltrane entró al Van Gelder Studio de Englewood Cliffs, Nueva Jersey, con las partituras de una suite religiosa terminadas y un cuarteto listo para grabarla sin pausas. En apenas una sesión nocturna nació A Love Supreme, el disco que la revista DownBeat calificó con cinco estrellas y que, cinco décadas después, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos incorporó a su Registro Nacional de Grabaciones por preservar una parte esencial del patrimonio sonoro del país. El álbum, de poco menos de 33 minutos y cuatro movimientos, no buscaba el lucimiento técnico sino documentar la gratitud de su autor tras superar una adicción devastadora a los narcóticos. Esta es su verdadera historia.

Durante buena parte de la década de 1950, Coltrane integró el primer gran quinteto de Miles Davis mientras arrastraba una dependencia severa de la heroína y el alcohol. La inestabilidad que esa adicción provocaba en su desempeño llevó al jefe -que no era precisamente un dechado de diplomacia- a despedirlo en 1957. El quiebre profesional obligó al saxofonista a un proceso de desintoxicación abrupto, del que surgió, según escribió él mismo en las notas originales del álbum, “un despertar espiritual que me conduciría a una vida más rica, plena y productiva”. A partir de ese momento, Coltrane consideró la composición musical un acto de servicio religioso. Su formación inicial provenía de la tradición cristiana protestante: tanto su abuelo paterno como el materno fueron ministros de la Iglesia Episcopal Metodista Africana en High Point, Carolina del Norte, ciudad donde el músico creció rodeado de sermones evangélicos y música góspel.

El islam y el sufismo en la búsqueda espiritual

El traslado de Coltrane a Filadelfia lo puso en contacto con una comunidad musulmana afroamericana activa. Allí conoció a Naima Grubbs, de fe musulmana, con quien se casó y que resultó determinante para alejarlo del consumo de sustancias. Junto a contemporáneos como el saxofonista Yusef Lateef y el pianista Ahmad Jamal, ambos conversos al islam Ahmadiyya, profundizó en el estudio del Corán, el misticismo sufí de Hazrat Inayat Khan y las filosofías de Jiddu Krishnamurti, además de acercarse al hinduismo y al budismo. Esa formación ecléctica lo llevó a declarar en 1965: “Creo en todas las religiones”. A Love Supreme no responde a una confesión religiosa específica sino a un monoteísmo integrador que combina la gracia cristiana con la sumisión islámica y estructuras rítmicas de origen africano e indio.

Para plasmar esa visión, convocó al “Cuarteto Clásico”: McCoy Tyner en piano, Jimmy Garrison en contrabajo y Elvin Jones en batería. La grabación principal se realizó entre las siete de la tarde y la medianoche del 9 de diciembre de 1964, bajo la supervisión del ingeniero Rudy Van Gelder y el productor Bob Thiele, con las luces del estudio atenuadas para recrear el clima de una presentación en vivo. Contrario a la idea de que el disco se registró en una sola toma fluida, la sesión incluyó sobregrabaciones: Coltrane dobló su propia voz hasta diecinueve veces para lograr el efecto coral del cántico “a love supreme” en el primer movimiento, mientras Jones añadió timbales sinfónicos y Garrison sumó líneas de contrabajo ejecutadas con arco.

Al día siguiente, el 10 de diciembre, regresó al estudio con dos músicos adicionales, el saxofonista Archie Shepp y el contrabajista Art Davis, para grabar variantes del primer movimiento con un sexteto. Tras escuchar los resultados, descartó ese material: concluyó que la intimidad del cuarteto original servía mejor al propósito devocional de la obra. Esas tomas permanecieron inéditas hasta reediciones conmemorativas posteriores.

Cuatro movimientos de un recorrido espiritual

A Love Supreme está compuesta de forma continua (“through-composed”) y traza un arco que va del despertar a la gratitud final. “Acknowledgement” se abre con un gong y platillos de Jones antes de que Garrison introduzca el motivo melódico que da título al disco. Hacia el final de su solo, Coltrane plasmó un recurso armónico que los estudiosos interpretan como una representación de la omnipresencia divina.

“Resolution” adopta un swing agresivo y da paso a un solo de Tyner. “Pursuance” arranca con un solo de batería de Jones y despliega la técnica de “sheets of sound” (frase acuñada por el crítico de jazz Ira Gitler para describir el estilo de improvisación denso, rápido y armónicamente complejo del saxofonista) antes de ceder el protagonismo a un largo pasaje de Garrison. En el cierre, “Psalm”, Coltrane ejecuta con el saxofón, nota por sílaba, un poema devocional propio impreso en la contraportada del álbum, en una técnica que emula la cadencia de los predicadores afroamericanos. Según el biógrafo Lewis Porter, ese movimiento comparte paralelismos rítmicos con “Alabama” (1963), pieza que Coltrane había compuesto a partir del discurso fúnebre de Martin Luther King Jr. tras el atentado una Iglesia Bautista en Birmingham, estado de Alabama.

El disco se convirtió en símbolo

A Love Supreme salió a la venta en enero de 1965, semanas antes del asesinato de Malcolm X, en un clima de tensión racial creciente en Estados Unidos. El poeta Amiri Baraka, entonces conocido como LeRoi Jones, teorizó que la música de Coltrane codificaba el grito de resistencia de la diáspora africana y lo convirtió en referente del Black Arts Movement, pese a que el propio músico defendía un mensaje universalista de paz y hermandad.

En 1965, la pareja formada por Franzo y Marina King asistió a un concierto del cuarteto en el club The Jazz Workshop de San Francisco y describió la experiencia como un “bautismo sonoro”. Tras la muerte de Coltrane en 1967, a los cuarenta años, los King fundaron una congregación religiosa que en 1982 se integró a la Iglesia Ortodoxa Africana bajo el nombre de St. John Will-I-Am Coltrane African Orthodox Church, donde A Love Supreme funciona como texto litúrgico central y los feligreses interpretan la estructura del álbum como una representación de la Trinidad.

Al lado de la espiritualidad, el vil metal. Antes de este disco, los álbumes exitosos de Coltrane vendían entre 30.000 y 50.000 copias. A Love Supreme superó las 500.000 copias en cinco años y alcanzó el Disco de Oro sin contar con temas radiables, un fenómeno inusual para una obra instrumental extensa. En noviembre de 2021, la Recording Industry Association of America (RIAA) le otorgó la certificación de Disco de Platino, al superar el millón de copias físicas vendidas en Estados Unidos, y lo convirtió en el primer álbum de jazz de la década de 1960 en alcanzar ese estatus.

El álbum sentó las bases del jazz espiritual practicado por Pharoah Sanders, Albert Ayler y Alice Coltrane, viuda del saxofonista. Branford Marsalis grabó la suite completa en su disco Footsteps of Our Fathers (2001), y músicos como Kamasi Washington reivindican esa herencia en el siglo XXI. Su alcance también llegó al rock: el bajista Phil Lesh, de Grateful Dead, retomaba variaciones del motivo de Garrison en presentaciones en vivo, y Carlos Santana grabó junto a John McLaughlin el disco Love Devotion Surrender (1973) como tributo directo a la obra. En 2021, el sello Impulse! publicó una grabación en vivo capturada en octubre de 1965 en el club The Penthouse de Seattle, hallada en archivos del saxofonista Joe Brazil, que documenta cómo el propio Coltrane ya expandía y transformaba la suite meses después de su edición original. Es una maravilla, recomiendo efusivamente.

John Coltrane nació en 1926 en el seno de una familia atravesada por la religión. Sus dos abuelos eran reverendos de la Iglesia Episcopal Metodista Africana y su padre también predicaba. Esa cadencia litúrgica, los himnos y la oratoria del púlpito se le grabaron desde la infancia. Pero en 1938, cuando tenía apenas 12 años, su padre, sus abuelos y una tía murieron en el lapso de unos meses. El duelo dejó a su madre sola para criarlo en plena Gran Depresión y sembró en el niño un estoicismo introspectivo que después se filtraría en su música.

La familia se mudó a Filadelfia en 1943 y allí recibió su primer saxofón. Tras un paso por la Marina de Estados Unidos, donde tocó en una banda de swing en Hawái, encadenó años de trabajo como músico de acompañamiento junto a figuras como Dizzy Gillespie y Johnny Hodges, absorbiendo el lenguaje del bebop que había inaugurado Charlie Parker. El salto a la primera línea llegó en 1955, cuando Miles Davis lo convocó para su célebre Primer Gran Quinteto (completado por Red Garland en piano, Paul Chambers en bajo y Philly Joe Jones en batería). Su estilo denso y arriesgado se convirtió en el contrapunto exacto de la frialdad lírica del trompetista. Ampliado a sexteto con la incorporación de “Cannonball” Adderley en saxofón alto, grabaron los increíbles Round About Midnight (1957) y Milestones (1958). Inolvidables.

Pero el éxito profesional convivía con un deterioro personal severo. Las giras de los años 50 exponían a los músicos afroamericanos a una segregación institucionalizada: dónde comer, dónde dormir, dónde usar un baño. En ese contexto, y siguiendo el camino trágico de Charlie Parker, el joven Coltrane desarrolló una severa adicción a la heroína y al alcohol que degradó su desempeño hasta el punto de quedarse dormido en el escenario. Miles Davis lo despidió en abril de 1957. En lugar de buscar tratamiento médico, Coltrane optó por desintoxicarse solo, en un cuarto. De esa experiencia límite surgió el compromiso que definiría el resto de su vida: usar la música como una fuerza para el bien.

Ocho horas diarias para traducir la física en jazz

Tras su recuperación, se convirtió en un estudiante obsesivo de la teoría musical, con jornadas de práctica de hasta ocho horas. En 1958, el crítico Ira Gitler acuñó el término “sábanas de sonido” para describir su nuevo vocabulario: líneas improvisadas hiperveloces, con arpegios superpuestos y polirritmias que barrían todo el registro del saxofón tenor en cascadas casi ininterrumpidas. Un tsunami de notas.

Ese pensamiento matemático alcanzó su punto máximo en 1959 y 1960 con los llamados Cambios Coltrane, un sistema armónico revolucionario, único e irrepetible. En “Giant Steps”, una de sus composición más célebres, los centros tonales forman un triángulo equilátero perfecto en el círculo armónico, y según los analistas, equivale a mantener una conversación fluida alternando entre tres idiomas distintos cada pocos segundos.

En 1967, poco antes de morir, entregó a otro saxofonista un diagrama manuscrito conocido hoy como el Círculo de Tonos de Coltrane. El astrofísico Stephon Alexander, de la Universidad de Dartmouth, institución de educación superior ubicada en New Hampshire, sostiene que ese esquema refleja principios geométricos afines a la mecánica cuántica: así como una partícula subatómica recorre simultáneamente todas las trayectorias posibles, Coltrane exploraba en su improvisación todas las resoluciones armónicas viables dentro de un mismo campo sonoro. El propio músico estudiaba con atención las teorías de la relatividad de Albert Einstein y hablaba abiertamente de traducir las leyes del cosmos en música.

El matrimonio con Alice Coltrane y la búsqueda espiritual

La curiosidad teológica de Coltrane se expandió después de 1957 hacia el islam, el hinduismo, el budismo y textos como el Bhagavad Gita. Esa exploración encontró un catalizador definitivo en Alice McLeod, pianista de Detroit formada en el góspel bautista y en el bebop parisino bajo la tutela de Bud Powell. Se casaron en 1965 y juntos profundizaron en la meditación y la musicología india, incorporando instrumentos como la tambura y el koto. En 1966, Alice reemplazó al pianista McCoy Tyner en el ensamble de su esposo.

Ese cambio coincidió con el giro hacia el free jazz más extremo, plasmado en discos como Ascension y Om, donde la métrica y la tonalidad tradicionales se disolvían en favor de una especie de catarsis colectiva. Tras la muerte de Coltrane en 1967, a causa de un cáncer de hígado, Alice adoptó el nombre sánscrito Turiyasangitananda, fundó un ashram (N. de la R.: centro de retiro espiritual de la tradición hindú) en California y continuó por su cuenta la senda mística que habían trazado juntos.

El 15 de septiembre de 1963, el Ku Klux Klan hizo estallar una bomba en una iglesia bautista de Birmingham, Alabama, y mató a cuatro niñas afroamericanas. Coltrane respondió con “Alabama”, una pieza instrumental estructurada según la cadencia exacta del panegírico que Martin Luther King Jr. pronunció por las víctimas: comienza con un lamento fúnebre del saxofón y culmina en un crescendo de tambores que traduce el llamado a la acción del propio discurso.

El poder espiritual atribuido a su música derivó en la fundación de la Iglesia Ortodoxa Africana de Saint John Coltrane, en San Francisco. Sus fundadores, Franzo y Marina King, asistieron a un concierto de Coltrane en 1965 y describieron la experiencia como un bautismo sonoro. En 1982, la congregación se unió a la Iglesia Ortodoxa Africana y canonizó a John Coltrane como su santo patrón. Hoy, el álbum A Love Supreme se emplea en la liturgia como texto sagrado: las ceremonias comienzan con el motivo de cuatro notas que abre el disco, y sus cuatro movimientos, “Acknowledgement”, “Resolution”, “Pursuance” y “Psalm”, se enseñan a los fieles como una vía para alcanzar la divinidad.

La discografía de Coltrane como líder abarca apenas una década, entre 1957 y 1967, pero incluye hitos como Blue Train, Giant Steps, My Favorite Things y A Love Supreme, este último grabado en una sola sesión el 9 de diciembre de 1964 y vendido en medio millón de copias en sus primeros cinco años. En 2007, cuarenta años después de su muerte, el Premio Pulitzer le otorgó una citación especial póstuma por su contribución a la música estadounidense. Hoy, a 100 años de su nacimiento, esa música espiritual y matemática, sigue sonando.

Se cumplen cien años del nacimiento de John William Coltrane en un pueblo del sur de Estados Unidos donde nadie hubiera apostado un centavo por el futuro de un chico negro, hijo de sastre, criado bajo las leyes de la segregación. Fue el 23 de septiembre de 1926, en Hamlet, Carolina del Norte. En cuatro décadas de vida, ese chico se convirtió en uno de los saxofonistas más influyentes de la historia del jazz.

John nació en Hamlet, pero apenas vivió allí. Dos meses después de su llegada al mundo, su abuelo materno, el reverendo William Blair, fue promovido a presidente de la Iglesia A.M.E. Zion y trasladó a toda la familia a High Point, también en Carolina del Norte. El bebé viajó con ellos.

En High Point, en el número 118 de la calle Underhill, Coltrane pasaría los primeros 17 años de su vida. Su padre, John R. Coltrane, trabajaba como sastre y tocaba varios instrumentos por afición. Su abuelo era ministro religioso y líder comunitario. La música y la fe eran el aire de esa casa.

High Point tenía una comunidad afroamericana sólida y activa. El pequeño John creció rodeado de gospel, de blues y de la calidez de un barrio que se sostenía a sí mismo, puertas adentro, lejos de la hostilidad de la segregación racial que marcaba cada aspecto de la vida pública.

En la escuela primaria Leonard Street, Coltrane era conocido por su prolijidad y su buen rendimiento. Su compañera Rosetta Haywood lo recordó así, según consigna el sitio oficial de la ciudad de High Point: “Era inteligente y tenía algo de pícaro, pero nunca lo agarraban. Era tan bueno y se reía de todo que los demás se metían en problemas, pero él no”.

Junto a su prima Mary Lyerly, estaba entre los mejores alumnos del grado. Participaba en obras de teatro y festivales escolares. En séptimo grado lo nombraron Patrol Boy, el encargado de ayudar a sus compañeros a cruzar la calle. En su tiempo libre, patinaba con su amigo Franklin Brower. Era, por todo eso, un chico común.

En el invierno de 1938-1939, la vida de Coltrane cambió de golpe. Su abuelo y su padre murieron con pocas semanas de diferencia. En 1940 falleció su tío. En cuestión de meses, la familia perdió a sus figuras masculinas y con ellas la estabilidad económica que sostenía el hogar. Coltrane tenía apenas 12 años. Su madre y su tía salieron a trabajar como empleadas domésticas en el Emerywood Country Club para mantener a la familia. La supervisión adulta se redujo al mínimo.

Ese mismo año, 1939, se sumó a la banda comunitaria de Warren B. Steele, donde empezó tocando el corno alto en mi bemol y luego pasó al clarinete. Al año siguiente, el director de la escuela creó una banda escolar y Coltrane fue uno de sus miembros fundadores. Más tarde encontró el saxofón, practicando con Charlie Haygood, dueño de un restaurante en Washington Street. Para cuando terminó el secundario, sus compañeros lo habían votado como “el más musical” del año.

En 1943, cuando se recibió en William Penn High School, su madre ya se había ido a Filadelfia en busca de trabajo. Coltrane la siguió. Tenía 17 años, una ciudad nueva y el saxofón bajo el brazo. En Filadelfia estudió brevemente en la Ornstein School of Music y luego en los Granoff Studios. Empezó a tocar en clubes locales. En 1945, cuando la Segunda Guerra Mundial estaba por finalizar, lo llamaron al servicio militar y terminó destinado en Hawaii, lejos del frente de batalla.

Nunca entró en combate. Sí siguió tocando. El 13 de julio de 1946 grabó por primera vez en su vida, junto a un cuarteto de marineros. La canción era “Hot House”, de Tadd Dameron. Esa grabación recién se publicó en 1993, en una antología del sello Rhino Records llamada The Last Giant.

Cuando lo dieron de baja, en el verano de 1946, volvió a Filadelfia. Ese otoño se sumó a la Joe Webb Band. A principios de 1947 pasó a la King Kolax Band. Fue durante ese período que dejó el saxofón alto y se pasó al tenor, ya sea porque sintió que Charlie Parker había agotado las posibilidades del primero, o simplemente porque su siguiente banda, la de Eddie “Cleanhead” Vinson, ya tenía un altista y necesitaba un tenor.

Entre 1946 y 1955, Coltrane fue un músico de alquiler. Tocaba lo que el trabajo pedía: blues, rhythm and blues, jazz, lo que fuera. Pasó por la banda de Jimmy Heath, por los Howard McGhee All Stars y, en el otoño de 1949, se sumó a la big band de Dizzy Gillespie, donde permaneció hasta la primavera de 1951. El 1 de marzo de ese año grabó su primer solo en un disco comercial, durante una interpretación de “We Love to Boogie” con Gillespie.

Fue también durante esos años de giras y hoteles baratos cuando Coltrane empezó a consumir heroína. Para principios de los 50, la adicción era un problema serio que le costaba contratos. En la primavera de 1954, Johnny Hodges, que había salido temporalmente de la orquesta de Duke Ellington, lo contrató. En septiembre de ese mismo año lo despidió por culpa de la droga. Coltrane volvió a Filadelfia. Estaba tocando allí cuando, un año después, lo llamó Miles Davis.

Davis acababa de brillar en el Festival de Jazz de Newport en julio de 1955 y tenía contrato nuevo con el sello Columbia Records. Necesitaba armar una banda permanente y eligió a Coltrane para el saxofón tenor, junto al pianista Red Garland, el bajista Paul Chambers y el baterista “Philly” Joe Jones.

Coltrane dudó de sí mismo desde el principio. Años después reconoció que le daba vergüenza escuchar esas primeras grabaciones con Davis. El propio Miles, en cambio, lo tenía clarísimo. “después de que empezamos a tocar juntos un rato, supe que este tipo era un cabrón de primera”, escribió Davis en su autobiografía. “Era exactamente la voz que necesitaba en el tenor para complementar la mía”.

Los cuatro años junto a Davis convirtieron a Coltrane de un músico local desconocido en una figura del jazz nacional. Tocó en Kind of Blue en 1959, uno de los discos más vendidos y celebrados de la historia del jazz. Pero Davis lo echó dos veces por la heroína. La segunda, en abril de 1957, fue definitiva. Esa ruptura parece haber sido el empujón que Coltrane necesitaba: dejó la droga de golpe, sin ayuda médica, solo.

Libre de la heroína y de la agenda de Davis, Coltrane grabó sin parar. El 31 de mayo de 1957 debutó como líder en estudio con una banda armada para la ocasión. El álbum salió en septiembre bajo el sello Prestige con el nombre simple de Coltrane.

En junio de ese año se sumó al cuarteto de Thelonious Monk. Fue una escuela diferente a la de Davis: más directa, más paciente, con una lógica musical propia que Coltrane absorbió con avidez. Fue en ese período que desarrolló lo que el crítico Ira Gitler bautizó en 1958 como “sheets of sound”, las “sábanas de sonido”: una técnica donde apilaba notas en cascadas tan veloces y densas que parecían sonar todas al mismo tiempo.

En septiembre de 1957 entró al estudio de Rudy Van Gelder en Hackensack, Nueva Jersey, y grabó Blue Train para Blue Note Records. Salió en diciembre. Era su primera obra maestra.

En 1959 grabó Giant Steps, su debut en el sello Atlantic Records. Todas las composiciones eran suyas. Tenía 33 años y, técnicamente, era su cuarto álbum como líder, aunque fue el primero en ser recibido como el debut real de una figura central del jazz.

En octubre de 1960 grabó su versión de “My Favorite Things”, del musical The Sound of Music, y la transformó en algo completamente distinto: una pieza modal, tocada en saxofón soprano. Se convirtió en su mayor éxito comercial y lo catapultó a la primera línea.

Con ese impulso firmó con el sello Impulse! Records, el sello de jazz de ABC-Paramount, donde grabaría hasta su muerte. Fue allí donde su música se volvió cada vez más libre, más densa y más espiritual. En noviembre de 1961, el periodista John Tynan escribió en Down Beat que lo que hacía Coltrane era “anti-jazz”. Ese mismo mes grabó Live at the Village Vanguard, con la improvisación de 16 minutos “Chasin’ the Trane”.

A fines de 1964, Coltrane grabó A Love Supreme, una suite en cuatro partes que describió como su intento de decirle “Gracias, Dios” a través de la música. Era un agradecimiento por haber salido de la adicción en 1957. El álbum recibió dos nominaciones al Grammy y se convirtió en el disco más vendido de su carrera.

Para entonces, su banda había cambiado. El pianista McCoy Tyner y el baterista Elvin Jones, pilares del llamado “Cuarteto Clásico”, se fueron antes de que terminara 1965. En su lugar entraron su segunda esposa, la pianista Alice Coltrane, el saxofonista Pharoah Sanders y el baterista Rashied Ali. Coltrane había estado casado primero con Juanita “Naima” Grubbs. Con Alice McLeod se casó a mediados de los 60 y tuvieron tres hijos: John Jr., Ravi y Oran. El músico crió a Michelle, hija de Alice.

En 1966 publicó Kulu Se Mama y Meditations, sus dos últimos álbumes en vida. Quienes lo rodeaban notaban que algo no andaba bien. Tenía dolores frecuentes. Seguía tocando, seguía grabando, seguía dando conciertos.

El domingo siguiente a haber aprobado Expression ingresó al hospital. En las primeras horas del lunes 17 de julio de 1967 murió de cáncer de hígado. Tenía 40 años. Detrás dejó a Alice, a sus cuatro hijos y una cantidad considerable de material inédito que los sellos fueron publicando durante años: Om, Cosmic Music, Transition, Sun Ship e Interstellar Space, todos en Impulse!

John William Coltrane nació el 23 de hace 100 años en Hamlet, Carolina del Norte, y murió el 17 de julio de 1967 en Huntington, Nueva York, de cáncer de hígado. En cuarenta años de vida grabó 25 álbumes como líder.

En 1992 recibió el Grammy Lifetime Achievement Award, 25 años después de su muerte. En 2007, la Junta del Premio Pulitzer le otorgó una mención especial póstuma. En High Point, una estatua de bronce de 2,4 metros lo muestra con el saxofón en la mano, en la esquina de Commerce Avenue y Hamilton Street, a metros del sitio municipal que hoy lleva su nombre.

El chico que patinaba con Franklin Brower y nunca se metía en problemas terminó con su propio monumento en el centro de la ciudad donde creció.

Karol G justifica su vínculo con la cultura mexicana tras la polémica que generó su nominación a Mejor Canción Regional Mexicana en los Latin Grammy 2026.

Las críticas hacia la nominación de la cantante colombiana vinieron principalmente de los fans mexicanos, quienes señalaron la incongruencia del nombre de la categoría con la nacionalidad de Karol G, pese a que las reglas del Latin Grammy no exigen nacionalidad mexicana.

En entrevista con MTV Latinoamérica, la cantante colombiana explicó que su conexión con México nació en la infancia, a través de las telenovelas, y se consolidó con años de exposición a la música popular y el mariachi.

La canción “Ese Hombre Es Malo” desató el debate en redes

La controversia surgió el 16 de septiembre, cuando la Academia Latina de la Grabación publicó la lista de nominados a los Latin Grammy 2026. Karol G apareció en la categoría de Mejor Canción Regional Mexicana por “Ese Hombre Es Malo”, tema incluido en su álbum Tropicoqueta.

Usuarios en X y TikTok cuestionaron que una intérprete de origen colombiano, con trayectoria en géneros urbanos, ocupara un lugar en una categoría asociada con la cultura mexicana. Cientos de mensajes circularon en pocas horas comparando la carrera de la colombiana con la de artistas dedicados de forma exclusiva al género.

Karol G explicó su relación con México desde la infancia

En la entrevista con MTV Latinoamérica, realizada con motivo de su próxima visita a México dentro de la gira Tropitour, Karol G relató que su primer acercamiento a la cultura mexicana ocurrió a través de las telenovelas. Esa exposición temprana la llevó a conocer la música del país y a sentirse atraída por el drama, el despecho y el romance, temáticas que describió como propias de la identidad mexicana.

“Con México me pasan muchas cosas, es que con México yo siento que me conecté desde muy pequeñita y creo que hablo por muchos colombianos porque las primeras cosas que vemos son las novelas mexicanas. Entonces, como que con lo primero que nos conectamos es con el drama, el romanticismo, lo extra y todo lo que pasa en las novelas mexicanas y por ende conocí su música también por ahí”, señaló.

La cantante añadió que la música popular y el mariachi le permiten expresarse con el mismo sentimiento con el que creció. Describió Tropicoqueta, lanzado en junio de 2025, como un homenaje a la cultura latinoamericana que hubiera sido imposible construir sin una parte que representara a México.

“Así que para mí, en este show específicamente, que se trata del Tropitour, el disco de Tropicoqueta. Ese disco para mí es la forma de honrar mi cultura latinoamericana, no solo siendo colombiana, sino las cosas que he tenido la oportunidad de conocer viajando por el mundo. No podía dejar atrás un género musical y no solo un género musical, sino una cultura que me ha dado tanto, con la que me he conectado tanto y con la que me identifico”, comentó.

Karol G cerró su explicación al señalar que su incursión en la música mexicana responde a que la considera una de las bases que la consolidaron como la artista que es en la actualidad. Con ese álbum, la colombiana se alejó de los sonidos urbanos que la llevaron a la fama para explorar composiciones cercanas al regional mexicano.

“No creo que Karol G hace música mexicana por llegar a un público o por tocar algo, es porque, de hecho, la cultura y la música mexicana hicieron mucho de lo que soy como artista hoy, así que tenerlo aquí era parte de cada pieza para honrar nuestra cultura tenía que estar ahí”, finalizó.

Fans mexicanos pidieron que Yuridia fuera nominada en lugar de Karol G

El reclamo se concentró en una comparación puntual. Una usuaria identificada como Carla escribió: “Que injusticia, Yuridia sí es digna de portar el traje charro porque ella sí es mexicana”.

Otra usuaria, bajo el nombre Andrea, añadió: “Ahora resulta que una colombiana está nominada a Mejor Canción Mexicana, cuando en México tenemos artistas con muy buenas canciones”. La cantante Yuridia venía de dos conciertos exitosos en el Estadio GNP y no figuró entre los nominados de la categoría.

Las reglas del Latin Grammy no exigen nacionalidad mexicana

Excelsior documentó que el reglamento vigente de la Academia Latina de la Grabación no condiciona la elegibilidad a la nacionalidad del intérprete. La normativa exige que la canción contenga al menos 60% de la letra en español y cumpla con la estructura del género regional mexicano.

El mismo medio precisó que la nominación técnicamente pertenece a los compositores del tema: Édgar Barrera, Andrés Jael Correa Ríos y Carolina Giraldo Navarro, nombre real de Karol G. La colombiana compite junto a Intocable, Grupo Frontera —nominado en dos ocasiones—, Xavi y Edén Muñoz con Cristian Castro.

Yuridia pidió a sus seguidores dejar en paz a Karol G

Ante el estallido de la discusión, Yuridia publicó un mensaje en Instagram el 18 de septiembre. “Ustedes saben que no me gustan estas tonterías. Dejen a Karol en paz”, escribió.

Es importante señalar que casos como el de la nominación de Karol G han ocurrido anteriormente, el grupo mexicano Los Ángeles Azules estuvo nominado en la categoría de Mejor Álbum de Cumbia/Vallenato en 2021, 2023 y 2024, sin que esa situación generara reclamos similares desde la comunidad colombiana.

Aleks Syntek cancela y pospone el concierto que tenía programado para este viernes 25 de septiembre en Tlalnepantla, Estado de México, según confirma Gran Recinto y Lago Records en un comunicado difundido este martes.

La cancelación llega tras una semana marcada por críticas hacia el cantante por su presentación del 15 de septiembre en la alcaldía Benito Juárez, en la Ciudad de México.

El comunicado atribuye la decisión a “causas ajenas al artista, al lugar y los organizadores”, sin detallar el motivo específico. El texto añade una cuenta de correo electrónico para que los asistentes envíen sus boletos digitales y tramiten el reembolso.

El comunicado de la cancelación del concierto en Tlalnepantla

El comunicado, dirigido “a todos los asistentes, medios de comunicación y público en general”, señala: “Por causas ajenas al artista, al venue y los organizadores, el concierto de Aleks Syntek, programado para el próximo 25 de septiembre de 2026 en el Gran Recinto Satélite, ha sido pospuesto, la nueva fecha se comunicará a la brevedad”.

El texto agrega: “Agradecemos profundamente la comprensión y el apoyo de todos, seguiremos trabajando para lograr el mejor de los shows, lamentamos los inconvenientes que esto pudiera ocasionar”. Para los reembolsos, los organizadores solicitan enviar los boletos digitales y la cuenta CLABE al correo contacto@tiketpass.com, disponible a partir del 26 de septiembre.

La gira mantiene cuatro fechas sin cambios

La cuenta oficial de Syntek confirmó la noche del lunes que las siguientes presentaciones continúan en pie:

• 26 de septiembre: Teatro Metropolitano, Querétaro
• 3 de octubre: Auditorio APEAM, Uruapan
• 9 de octubre: Foro del Lago, León
• 10 de octubre: Teatro Tangamanga, San Luis Potosí

Hasta el momento de esta publicación, ninguno de estos recintos se pronunció públicamente sobre el show del cantautor.

El concierto del Grito que desató la polémica

Lo que debía ser una presentación dedicada a sus éxitos dentro de los festejos del Grito de Independencia terminó en críticas masivas. Durante el show en la alcaldía Benito Juárez, Syntek dirigió largos mensajes a los asistentes, respondió con molestia a peticiones de canciones ajenas y retomó sus posturas sobre el reggaetón y la música urbana.

Uno de los episodios más comentados ocurrió cuando el público le pidió temas de Juan Gabriel y Marco Antonio Solís. “Entre más me digas eso, menos voy a cantar”, respondió el cantante desde el escenario. También mencionó a Bad Bunny y a Dani Flow, y pidió a los jóvenes “no vestirse como malandros”.

Los videos difundidos posteriormente mostraron reacciones divididas entre el público: mientras algunos siguieron acompañando el espectáculo, otros lo abuchearon. El material circuló ampliamente en redes sociales y generó memes, entre ellos contenidos elaborados con inteligencia artificial que el propio artista pidió ignorar.

Aleks Syntek pide calma y asegura que todo formaba parte de un guion

Ante el aumento de la controversia, el cantante recurrió a Instagram para pedir a sus seguidores que no se preocupen. “Por fa no se preocupen el tiempo me dará la razón, solo es cuestión de esperar a que pase el ruido y la tormenta pero la calma llegará de nuevo”, escribió.

Syntek sostiene que su comportamiento durante el concierto formaba parte de un guion y no se retractó de las opiniones expresadas sobre la industria musical. El músico, de 56 años, reconoce que los últimos cinco años de su carrera han sido distintos a las tres décadas previas, en las que se mantuvo alejado de enfrentamientos públicos.

Aleks Syntek amenaza con alejarse de México

Tres días después del concierto, el 18 de septiembre, Aleks Syntek publicó una serie de historias en Instagram donde anunció que se alejará de México por un periodo indefinido. Vinculó la decisión con la necesidad de cuidar su salud mental y espiritual, sin precisar fecha de salida, destino ni duración.

El cantante no especificó si se trata de una mudanza, un viaje o una pausa temporal, aunque adelantó que espera regresar con “excelentes noticias”. Hasta ese momento no había señalado que cancelaría compromisos profesionales.

Reportes indican que Syntek mantiene una presentación programada en Alemania el 22 de octubre, dentro de una gira por Europa, aunque no ha confirmado si ese país corresponde al destino al que se refería en sus mensajes. La cancelación de Tlalnepantla es, hasta ahora, el único cambio confirmado en su agenda de conciertos en México.

El anuncio de la canción llega en medio de la polémica que el propio Syntek provocó en días pasados, cuando interrumpió su presentación en la alcaldía Benito Juárez durante los festejos del 15 de septiembre, para arremeter contra el público y la música urbana.

Esta “guerra” contra el reguetón no es algo nuevo para Aleks Syntek, el músico lleva años declarando en contra del género urbano y ha asegurado en múltiples ocasiones que él se mantendría en su estilo y nunca haría algo parecido, aunque ahora colabora con el reguetonero español.

La polémica de Syntek fue para darle promoción a “Masepum”, aseguran fans

Aleks Syntek había anunciado el lanzamiento de “Masepum” un día antes de su confrontación con el público en Benito Juárez. La secuencia de fechas generó sospechas entre usuarios de redes sociales, quienes plantean que la polémica pudo fabricarse para posicionar el estreno.

“Masepum” combina pop y reguetón, con Moncho Chavea como colaborador. El cantante ya compartió avances del video musical, con bailarines urbanos y una producción sonora característica del género que días antes calificó de dañino para la identidad cultural mexicana.

Aleks Syntek pasó de pedir una colaboración a rechazar el género en menos de 24 horas

En entrevista con Gustavo Adolfo Infante, el cantante expresó su deseo de colaborar con un reguetonero como forma de “firmar la pipa de la paz” con el género urbano. “Quisiera invitar a un reguetonero que haga un pop conmigo o yo me voy a su disco y hacemos algo más pop”, declaró.

Horas después de esa entrevista, Aleks Syntek hizo una transmisión en vivo donde afirmó que nunca cantaría reguetón ni corridos, porque, según su argumento, esos géneros “están cambiando radicalmente la música en México”. La contradicción quedó documentada en el lapso de un mismo día.

Durante el concierto en Benito Juárez, el cantante había sostenido una postura similar frente al público asistente. “No somos reguetón, no somos gángsters de Nueva York, somos mexicanos. Hablen como mexicanos, no como puertorriqueños”, dijo sobre el escenario..

El compositor también cuestionó las condiciones laborales de los músicos de formación tradicional frente al consumo masivo del género urbano. “Tengo 20 años aguantando que verdaderos músicos pasen carencias mientras ustedes consumen a puro sujeto sin talento, escuchando a tipos que cantan eso”, declaró en esa misma presentación.

Aleks Syntek reconoció que sus críticas nacieron de la frustración profesional

En declaraciones posteriores Aleks Syntek admitió que el auge del género urbano redujo las contrataciones para intérpretes de pop y rock, lo cual detonó, según sus palabras, ocho años de tensión constante. “No dejen sin trabajo a los músicos desesperados como yo, tuvieron tanto éxito que nos dejó sin trabajo y estamos enojados”, expresó.

El propio cantante reconoció excesos en sus posturas pasadas. “Dije cosas que no debí decir, le dije cosas a gente que les guardo mucho respeto. En el juego de la música no hay enemigos, es para que conciliemos, no para que peleemos”, sostuvo.

Al final, Syntek terminó promocionando su primera canción reguetonera, lo que provocó nuevas críticas por incongruencia entre lo dicho en redes y lo lanzado semanas después. Sus seguidores, en cambio, consideran que el cambio podría beneficiar su carrera y alejarlo de las polémicas recientes.

La polémica de Aleks Syntek se extendió fuera de la música

La controversia se extendió a otros frentes personales del cantante. La periodista Paola Rojas exigió públicamente que Syntek deje de mencionarla en sus transmisiones, después de que el cantante retomara el episodio de 2018 vinculado con su expareja Luis Roberto Alves “Zague”. “Conmigo no te metas, Aleks, porque yo siempre te he respetado”, declaró Rojas.

Horas después, la propia periodista declaró que el cantante la buscó para ofrecerle una disculpa y reconoció su error, Paola Rojas le otorgó el perdón y pidió a la audiencia que le muestren respeto al señalarlo como un humano que reconoce que se equivocó, dando el tema por concluido.

Apple inauguró Apple Music Hall, un nuevo recinto para conciertos en Londres diseñado para combinar presentaciones en vivo, sonido espacial y producción audiovisual. El espacio, ubicado en la histórica Battersea Power Station, tiene capacidad para 600 espectadores y permitirá que los conciertos realizados allí puedan convertirse en producciones audiovisuales y transmitirse en directo a audiencias de todo el mundo.

La compañía busca así ampliar su presencia en la industria musical más allá de los audífonos, los teléfonos y su plataforma de streaming. El recinto está pensado para ofrecer conciertos de formato íntimo, pero con la infraestructura necesaria para producir contenido con estándares profesionales de audio y video.

Un escenario para 600 personas con sonido espacial

Apple Music Hall cuenta con un escenario de aproximadamente 11,6 metros de ancho que puede configurarse de distintas maneras. El público puede situarse frente a los artistas o rodear parcialmente el escenario, según el tipo de presentación.

Uno de los elementos tecnológicos más destacados es su sistema de sonido espacial, compuesto por 48 altavoces distribuidos alrededor de la audiencia. Esta configuración permite crear una experiencia envolvente, en la que los sonidos pueden percibirse desde diferentes direcciones.

La tecnología está relacionada con la apuesta que Apple ha desarrollado en Apple Music, donde ofrece canciones y álbumes mezclados en audio espacial con Dolby Atmos. En el nuevo recinto, esta tecnología podrá aplicarse directamente a presentaciones en vivo.

El diseño del espacio también incorpora referencias a la historia de Battersea Power Station, con muros de ladrillo, arcos y balcones de bronce. Una gran pared de cristal conecta la sala con el edificio histórico y permite observar el entorno del río Támesis.

Un concierto puede convertirse en una producción completa

La propuesta de Apple Music Hall no termina cuando acaba una presentación. Detrás del escenario existe un centro de producción audiovisual que permitirá registrar los conciertos y convertirlos en contenido para su distribución digital.

El recinto dispone de dos estudios profesionales de grabación y mezcla, capaces de registrar las actuaciones mediante pistas de audio independientes. Esto permite producir versiones con sonido espacial tanto durante el concierto como posteriormente.

También cuenta con infraestructura para conectar al menos 16 cámaras a una sala de control de transmisión. De esta manera, una misma presentación puede registrarse desde múltiples ángulos para crear una producción audiovisual.

Apple incluso contempla combinar cámaras profesionales con imágenes captadas mediante iPhone dentro de una misma producción. Así, un concierto para 600 personas puede generar una grabación de audio espacial, una mezcla preparada para transmisión y un video multicámara.

La compañía confirmó que los espectáculos realizados en el recinto podrán transmitirse en vivo a nivel mundial. Por el momento, Apple no ha anunciado una programación completa ni ha revelado qué artistas protagonizarán las primeras presentaciones.

Apple Music Radio también tendrá nuevos estudios

La inauguración de Apple Music Hall coincide con la apertura de nuevos estudios de Apple Music Radio en Battersea Power Station. Desde estas instalaciones se emitirán en directo los programas de los presentadores de Apple Music Radio que trabajan en Londres.

Los estudios permitirán realizar entrevistas con artistas, estrenos musicales, programas especiales y actuaciones sorpresa. La infraestructura también facilita que las actividades de radio, los conciertos y las producciones audiovisuales se desarrollen dentro del mismo complejo.

Apple Music Radio funciona las 24 horas y sus transmisiones pueden escucharse gratuitamente en todo el mundo, sin necesidad de contratar una suscripción a Apple Music.

Apple recupera su tradición de conciertos en Londres

Apple Music Hall también representa una continuación de la relación de la compañía con los eventos musicales en Londres. La ciudad fue sede del iTunes Music Festival, posteriormente conocido como Apple Music Festival, que reunió a artistas internacionales durante varias ediciones.

Ahora Apple apuesta por un modelo diferente: disponer de un espacio permanente desde el que pueda organizar conciertos exclusivos y producir contenido audiovisual para una audiencia internacional.

La compañía lanzó Apple Music en 2015 y actualmente ofrece un catálogo de más de 100 millones de canciones. Con Apple Music Hall, Apple suma una dimensión presencial a esa estrategia, conectando los conciertos físicos con el sonido espacial, la producción audiovisual y las posibilidades de distribución global mediante internet.

Keith Richards, guitarrista de The Rolling Stones, relató durante el programa Desert Island Discs de la BBC el reencuentro casual con Mick Jagger que terminó por definir el rumbo del grupo.

El testimonio de Richards reconstruye con detalle un episodio que combina azar y pasión musical compartida. Lejos de una anécdota menor, marcó el inicio de una sociedad artística que produciría algunos de los himnos más reconocidos del rock, entre ellos (I Can’t Get No) Satisfaction.

Un reencuentro casual en la estación de Dartford

Richards y Jagger habían compartido la escuela primaria, pero el contacto se había perdido con los años. Según contó el guitarrista, ambos tomaban rumbos académicos distintos: él viajaba hacia la Sidcup Art School, mientras que Jagger asistía a la London School of Economics. El cruce se produjo en un vagón de tren, cuando Richards bajaba en Sidcup.

“De repente entra él. Ahí está Mick, a quien no había visto en años”, relató el músico de 82 años sobre el momento en que reconoció a su antiguo compañero.

Lo que llamó su atención no fue solo el reencuentro, sino lo que Jagger llevaba bajo el brazo: discos originales de Muddy Waters y Chuck Berry, ediciones estadounidenses imposibles de conseguir en el mercado británico de la época. “Son prensajes estadounidenses. No se podían conseguir esos discos en Inglaterra en esa época”, explicó el músico.

Ese detalle resultó determinante: la afinidad por el blues estadounidense funcionó como punto de partida de la relación entre ambos y, con el tiempo, del sonido característico que definiría a la banda británica.

El blues de Chicago como punto de partida

Richards recordó que la sorpresa por encontrar a alguien con el mismo gusto musical fue inmediata. Le preguntó a Jagger si tenía más discos como esos, a lo que su excompañero respondió que los encargaba directamente a Chicago. “Este tipo es organizado”, comentó Richards entre risas al rememorar la escena.

Ese intercambio inicial de discos se transformó, con el paso de los meses, en una colaboración creativa que dio origen a The Rolling Stones. Consultado sobre si la sociedad compositiva con Jagger fue sencilla desde el principio, Richards fue claro: “No siempre, pero en los primeros tiempos, muy fácil”.

Comparó el proceso de trabajo conjunto con una línea de producción, en la que la demanda constante de nuevo material por parte de la discográfica se convirtió en rutina apenas la banda alcanzó popularidad.

El riff de “Satisfaction”, grabado mientras dormía

Uno de los pasajes más destacados de la entrevista es el que describe el origen de Satisfaction, publicada en 1965 y convertida en éxito número uno a nivel mundial.

Richards confirmó una versión que circuló durante años como leyenda: el riff que abre la canción nació mientras dormía, gracias a una grabadora de casete que tenía junto a la cama.

“En ese momento estaba soltero, y dormía con la guitarra en la cama”, explicó el guitarrista sobre las circunstancias en las que compuso, de manera semiconsciente, la base musical del tema.

La certeza de que algo había ocurrido durante la noche llegó al revisar la cinta: pese a haber colocado un casete nuevo, la parte correspondiente aparecía grabada, lo cual indicaba que el mecanismo se había activado mientras dormía.

Al reproducir la grabación, Richards encontró una versión débil y apenas audible del riff, junto con el primer y el segundo verso de la canción. “Y después, 45 minutos de mí roncando”, relató entre risas, en referencia al resto de la cinta, ocupada por el sonido de su propio ronquido.

“Fue, por un milagro, sí, registrado en esa pequeña máquina”, concluyó sobre la grabación que permitió conservar la primera versión del riff de Satisfaction.

El cruce entre reggae y orquesta marcó el final de la sexta edición del Festival Internacional de Música de Bariloche (FIMBA), que durante cinco días reunió en Bariloche una programación de 25 conciertos en seis escenarios, con artistas argentinos, latinoamericanos y formaciones locales.

El cierre tuvo lugar el domingo en el Teatro La Baita, con un tributo sinfónico a Bob Marley. Fidel Nadal, Chelo “Zimbabwe” y Gonzalo Cappagli compartieron las voces con la banda Small Axe y la Camerata de la Orquesta Filarmónica de Río Negro, dirigida por el chileno Marko Sanfelices.

La propuesta llevó canciones como “Stir It Up”, “Waiting in Vain”, “Get Up, Stand Up”, “Exodus” y “Three Little Birds” a un formato que combinó la base rítmica del reggae con arreglos para cuerdas. El concierto concluyó la edición 2026 del encuentro organizado por la Secretaría de Cultura de Río Negro.

El tributo al músico jamaiquino condensó la apuesta del festival: en cinco jornadas convivieron repertorios de Johannes Brahms, Dmitri Shostakóvich y King Crimson con el chamamé de Chango Spasiuk, el flamenco de Alba Carmona, el choro brasileño de Hamilton de Holanda, la canción latinoamericana y el tango.

La Orquesta Filarmónica de Río Negro (OFRN) tuvo un papel central en esa programación. Sus músicos participaron de conciertos de cámara y acompañaron a invitados en propuestas que unieron distintos lenguajes. El recorrido incluyó el Teatro La Baita, la Catedral Nuestra Señora del Nahuel Huapi, Puerto San Carlos, la Biblioteca Sarmiento, el Camping Musical Bariloche y el auditorio del INVAP.

La apertura estuvo a cargo de cerca de cien intérpretes de entre 9 y 15 años de la Orquesta Infantil Argentina de Fundación SOIJAr, que presentó obras de Georges Bizet, Camille Saint-Saëns, Arturo Márquez y Alberto Ginastera. En la misma jornada, Carmona y el guitarrista Jesús Guerrero llevaron a La Baita un repertorio que vinculó tango, flamenco y música de raíz popular.

El bandolinista Hamilton de Holanda se presentó junto al pianista Salomão Soares y el baterista Thiago “Big” Rabello. El trío recorrió el choro, la samba, el jazz y músicas afrobrasileñas, además de una versión de “Oblivion”, de Astor Piazzolla.

En Puerto San Carlos actuaron la chilena Elizabeth Morris, Ferni y el músico local Tobi Dolezor. El Daniel Ruggiero Cuarteto presentó su propuesta de tango en la Biblioteca Sarmiento, mientras que el Showcase Mercado de Música Patagónico reunió a los uruguayos Samantha Navarro y Sebastián Prada, y a la brasileña Clarissa Ferreira.

El viernes mostró uno de los contrastes del FIMBA. En La Baita, The League of Crafty Guitarists, colectivo surgido del universo creativo de Robert Fripp, se unió a integrantes de la Camerata de la OFRN para interpretar composiciones de King Crimson, entre ellas “Larks’ Tongues in Aspic I”, “Red” y “21st Century Schizoid Man”.

A unos 400 metros, el Coro Polifónico Nacional, dirigido por Fernando Tomé, interpretó en la Catedral Un réquiem alemán, de Brahms, con Carla Filipcic Holm como soprano, Alejandro Spies como barítono y Claudio Santoro al piano. La jornada también incluyó a la Camerata Juvenil Municipal de Bariloche y a The Camarada Tango Quartet.

Spasiuk se presentó junto a Marcelo Dellamea, Pablo Farhat, Javier Martínez Vallejo y Enzo Demartini, con un repertorio de chamamés, polcas y canciones litoraleñas, además de referencias a Piazzolla y Luis Alberto Spinetta. “La música es alimento. Todos la necesitamos”, afirmó el acordeonista durante su actuación.

El sábado también participaron el Cuarteto Atlas, con el Cuarteto N.º 1 de Heitor Villa-Lobos, el Quinteto Viento Sur, el clarinetista Raúl Traver Castelló, el pianista David Benites y el Guillo Espel Cuarteto, que presentó composiciones de Papel Máquina.

La OFRN dirigida por Martín Fraile Milstein, el Coro Polifónico Nacional y la soprano mexicana Cecilia Eguiarte ofrecieron en la Catedral un programa de Bizet, Giacomo Puccini, Jules Massenet, Giuseppe Verdi y Emmerich Kálmán. Se escucharon la obertura de Carmen, “O mio babbino caro”, “Un bel dì, vedremo”, la “Méditation” de Thaïs y “Va, pensiero”.

Eguiarte interpretó además la Canción N.º 1 del ciclo Voces Latinoamericanas, de Mauricio Charbonier. El violinista Luis Salva fue solista en la obra de Massenet y el concierto terminó con “Cielito lindo”, compartido por coro, orquesta y público.

La última jornada sumó al Cuarteto Atlas, a las pianistas Daniela Salinas y Lilia Salsano, que interpretaron páginas de Piazzolla, y a los Niños y Jóvenes Cantores junto a la Agrupación Coral Cantores de Bariloche, dirigidos por Gimena Altmann Beveraggi. Luego, el tributo a Bob Marley puso fin a una edición de 25 conciertos que reunió repertorios de distintas tradiciones musicales en Bariloche.

Bobb’e J. Thompson, el actor que millones de niños conocieron en la pantalla de Disney Channel, lo comprobó el 16 de septiembre pasado cuando el juez Leonard T. Strand le impuso una pena que deberá cumplir en su totalidad, sin posibilidad de reducción, informó Los Angeles Times.

Thompson tiene 30 años, es oriundo de Kansas City, Misuri, y construyó su carrera desde la infancia en producciones de alto perfil.

La sentencia, dictada en Sioux City por el Tribunal del Distrito Norte de Iowa, cerró un proceso que arrancó exactamente un año antes, el 22 de septiembre de 2025, con una detención que en principio parecía una infracción de tránsito menor.

Una carrera infantil que arrancó en Disney Channel

Thompson debutó frente a las cámaras siendo un niño. Tuvo un papel recurrente en That’s So Raven, la popular serie de Disney Channel, y más tarde participó en producciones como 30 Rock, Role Models y Tyler Perry’s House of Payne.

Su trayectoria lo consolidó como una de las caras infantiles más reconocidas de la televisión estadounidense de los 2000.

La detención comenzó con una persecución a alta velocidad

Un oficial de tránsito interceptó el vehículo de Thompson luego de detectar que circulaba a 167 kilómetros por hora (104 millas por hora), más de 50 kilómetros por hora (30 millas por hora) por encima del límite permitido en la zona, de acuerdo con KTIV.

Al acercarse a la ventanilla, el agente advirtió que el conductor y el acompañante cambiaron de lugar y percibió olor a marihuana proveniente del interior, lo que habilitó la requisa del vehículo.

En el vehículo había una pistola robada con una bala en la recámara

El registro del auto arrojó el hallazgo de una mochila con bolsas de marihuana adquiridas en dispensarios, junto con una pistola calibre .40 completamente cargada con un cargador de 15 balas y una bala ya en la recámara, según precisó el portal Rolling Out.

Las autoridades verificaron que el arma había sido denunciada como robada en Misuri.

Thompson acumula tres condenas anteriores al fallo de Iowa

El historial judicial del actor ya era extenso antes del episodio en Iowa. En 2020 fue condenado por lesiones corporales graves y por agresión, en dos procesos separados, tal como recogió TMZ.

Dos años más tarde, en 2022, una nueva condena lo encontró culpable de posesión prohibida de arma de fuego, condición que convirtió el episodio de Iowa en un delito federal de mayor peso.

Ese antecedente fue determinante: en abril de 2026, Thompson se declaró culpable del cargo de posesión ilegal de arma de fuego por parte de un condenado. La fiscalía subrayó que los registros previos agravaron la imputación.

Strand lo sentenció a 30 meses de prisión, a los que se suman tres años de libertad supervisada una vez que complete el fallo.

La Oficina del Fiscal Federal destacó una característica determinante del sistema penitenciario estadounidense: no existe la libertad condicional en el ámbito federal, por lo que Thompson deberá cumplir la totalidad de la pena.

Hasta el momento, permanece bajo custodia del Servicio de Alguaciles Federales (U.S. Marshals) a la espera de su traslado a una instalación del sistema federal de prisiones, según confirmó Yahoo Entertainment.

Su excompañero de elenco Kyle Massey reaccionó al fallo en declaraciones a TMZ. “Ese es mi hermano. Lo amamos y lo apoyamos, sin importar nada. Siempre es una pena ver a un amigo o a alguien que uno quiere atravesar algo así”, dijo Massey.

El actor cerró su mensaje con una frase directa hacia Thompson: “Mantén la cabeza en alto, estamos aquí y te amamos. Te amamos muchísimo, hermano”, tal como recogió Los Angeles Times.

Fans de Carín León presentan una demanda colectiva tras la cancelación de último minuto de su concierto en The Sphere de Las Vegas, el pasado jueves 10 de septiembre.

El cantante argumentó que dos aviones fallaron e impidieron su viaje de Hermosillo a Estados Unidos, el primero presentó una falla de frenos, y el segundo también tuvo fallas mecánicas; por esta razón, tuvo que cancelar su concierto de último momento.

Los fans afectados exigen el reembolso de sus boletos y una compensación por gastos de viaje que en algunos casos superaron los 60,000 pesos.

Carín León canceló de último minuto su concierto en Las Vegas, los fans fueron desalojados

El concierto estaba programado para las 20:00 horas. Según testimonios recopilados por los propios asistentes, el recinto abrió sus puertas cerca de las 18:00 horas y buena parte del público ya había ingresado, comprado mercancía y tomado sus lugares cuando llegó el aviso.

La cancelación se anunció entre las 20:35 y las 20:40 horas, casi al momento en que Carín León debía subir al escenario. Los asistentes fueron desalojados poco después, de acuerdo con el relato de Vera, una de las organizadoras del movimiento.

Personal de logística sabía de la cancelación desde las 10 de la mañana, según los fans

Mariela Ruye, vocera del grupo de afectados, señaló que la molestia principal no es la cancelación en sí, sino la tardanza en informarla. Según su testimonio, el personal de logística ya sabía desde las 10:00 horas de la mañana que el show no se realizaría.

“Nosotros buscamos que le reembolsen el dinero, primero que nada, a todas las personas y que nos den una compensación por todos los gastos que realizamos para vuelos, hoteles, transporte, toda la merch, todo el outfit que nos gastamos para ir a verlo”, declaró Ruye.

Carín León justificó su ausencia por fallas en dos aviones

El propio Carín León explicó la situación en un video publicado en sus redes sociales. Contó que el primer inconveniente apareció desde la hora prevista para el despegue, entre las 14:00 y las 15:00 horas, cuando la aeronave presentó una falla de frenos en Hermosillo, Sonora.

“Tuvimos fallas con los aviones desde el primero”, relató el cantante, quien detalló que un segundo avión también presentó problemas mecánicos, lo que finalmente hizo imposible su traslado hasta Las Vegas a tiempo para el espectáculo.

Asistentes reportan gastos de entre 4,000 y casi 15,000 dólares

El movimiento surgió después de que una asistente publicara un video en TikTok cuestionando lo ocurrido. De ahí nació un grupo de WhatsApp que llegó a reunir a cerca de 800 personas, quienes ahora recopilan testimonios, datos personales y comprobantes de gastos mediante un formulario.

Vera calculó una inversión propia cercana a los 8,000 dólares. Dentro del grupo identificaron desembolsos de entre 4,000 y casi 15,000 dólares por persona, entre boletos, vuelos, hospedaje y transporte.

Entre los afectados hay personas que viajaron desde México, Perú, Chile y Argentina con la intención de presenciar el espectáculo.

Las boleteras niegan el reembolso al considerar el show reprogramado

Como alternativa, los organizadores reprogramaron el evento para el 15 de septiembre de 2027, y propusieron reembolsar a quienes lo desearan durante los próximos 30 días. Sin embargo, según Mariela Ruye, las boleteras negaron el reembolso a varios asistentes al argumentar que el concierto fue reprogramado, no suspendido.

“Ya tenemos asesoría legal de abogados de Las Vegas. Sin embargo, no podemos todavía dar más avances; aún están analizando el caso, la boletería y las ticketeras”, comentó Ruye.

Por el momento, el grupo continúa organizándose para emprender acciones legales, aunque no se ha confirmado que una demanda colectiva haya sido admitida formalmente por un tribunal en Estados Unidos.

Alex Fernández actualiza su estado de salud tras cancelar su presentación del pasado 15 de septiembre en Culiacán, Sinaloa, y confirma que trabaja en su recuperación para cumplir con su próximo compromiso, programado para este 24 de septiembre en el Auditorio Telmex de Guadalajara.

En entrevista con Ventaneando, el hijo de Alejandro Fernández asegura que se encuentra mejor, luego de ser atendido por los mejores doctores de Guadalajara, en donde tiene una presentación muy importante en los próximos días.

“Ya mejor. La verdad es que, pues he estado muy bien atendido, con los mejores doctores acá en Guadalajara, trabajando pues para recuperarme, para poder estar al 100 porque tenemos una fecha muy importante que se viene acá en Guadalajara en el Auditorio Telmex este 24 de septiembre”, dice el cantante.

¿Qué le pasó a Alex Fernández?: Un cuadro que combinó infección respiratoria y gastrointestinal

Alex Fernández explica que, aunque inicialmente se manejaron los diagnósticos de influenza y salmonela, finalmente presentó una infección que afectó tanto su sistema respiratorio como el gastrointestinal. “Pues no, no sé, fue una infección que supuestamente fue influenza y salmonela. Una infección como pulmonar y en la panza”, detalla.

El cantante recuerda que los primeros síntomas aparecieron mientras trabajaba en Las Vegas, Estados Unidos, antes de emprender su viaje hacia México. “Estábamos en Estados Unidos trabajando en Las Vegas y ya desde Las Vegas ya me sentía mal, y pues ahí empecé a empeorar y pues ya cada vez me puse peor y ahorita ya estoy empezando a mejorar”, relata a Ventaneando.

Alex Fernández canceló su concierto en Culiacán

El malestar de Alex Fernández se agravó durante el traslado de Las Vegas a Culiacán, lo que obligó a desviar el vuelo hacia Guadalajara, ciudad donde recibió atención médica de emergencia. La situación impidió que llegara a su presentación programada para el martes 15 de septiembre en Culiacán, por lo que el concierto fue cancelado.

Tras la emergencia, el equipo del cantante informó que buscaría una nueva fecha para reponer el show. Alex Fernández confirma que existe un acuerdo con la producción para posponer la presentación, aunque todavía no se define cuándo se llevará a cabo.

Alex Fernández repondrá su presentación en Sinaloa

Durante la entrevista, Alex Fernández fue cuestionado sobre la posibilidad de reprogramar el concierto que quedó pendiente en Culiacán. “Sí, sí, sí, claro. Digo, en eso quedamos. No se ha platicado una fecha en específico todavía, pero sí quedamos en posponer la fecha”, responde el cantante.

Mientras tanto, el hijo del “Potrillo” concentra sus esfuerzos en recuperarse por completo antes de su presentación en el Auditorio Telmex, que corresponde a la única fecha confirmada en su agenda tras la emergencia médica que lo mantuvo hospitalizado en Guadalajara.

¿Quién es y cuántos hijos tiene Alex Fernández?

Alex Fernández, cuyo nombre completo es Alejandro Fernández Guinart, nació el 4 de noviembre de 1993 en la Ciudad de México. Es cantante y compositor de música regional mexicana, hijo primogénito de Alejandro Fernández y su primera esposa, América Guinart, y nieto de Vicente Fernández.

Está casado desde 2021 con Alexia Hernández, con quien tiene dos hijas: Mía, nacida en marzo de 2022, y Nirvana, nacida en enero de 2024.

Además, tiene cuatro medios hermanos por parte de su padre: América y Camila (mellizas, hijas de América Guinart), y Valentina y Emiliano (hijos de Ximena Díaz, segunda esposa de Alejandro Fernández). Estos últimos dos forman el dúo musical TINU X EMI.

Próximos conciertos de Alex Fernández

Estos son los próximos conciertos confirmados de Alex Fernández. Respecto a Culiacán, el equipo del cantante señaló que buscará una nueva fecha para reponer el concierto cuando termine su recuperación, aunque hasta el momento no se ha anunciado una fecha específica.

• 24 de septiembre de 2026 — Zapopan, Jalisco: concierto a las 21:00 horas en el Auditorio Telmex. Es la fecha más cercana después de la emergencia médica que sufrió el pasado 15 de septiembre.
• 31 de octubre de 2026 — Ciudad de México: presentación a las 20:00 horas en el Teatro Metropólitan, dentro de su Voz de Mi Sangre Tour. Contempla la participación del Mariachi Real Azteca y un cuerpo de baile folclórico.
• 23 de noviembre de 2026 — Madrid, España: show en el Gran Teatro Príncipe Pío, como parte de su recorrido internacional.
• 1 de diciembre de 2026 — Barcelona, España: presentación en el Teatre Apolo.

Los Bukis confirman su regreso a los escenarios mexicanos con dos conciertos en diciembre de 2026, como parte de la gira “¡Tuyos por siempre! El gran cierre de un ciclo”, encabezada por Marco Antonio Solís.

A través de sus redes sociales, el cantante anunció las fechas de los conciertos que se llevarán a cabo en la Ciudad de México y en Guadalajara. “Después de tantos caminos, tantos escenarios y tantos recuerdos compartidos, volvemos a México para vivir juntos dos noches que quedarán para siempre en nuestros corazones”.

“Cerremos este capítulo como merece: cantando, recordando y agradeciendo todo lo vivido. Porque ayer, hoy y siempre… ¡somos tuyos por siempre!“, se lee en la publicación de Marco Antonio Solis.

¿Cuándo van a estar Los Bukis en México?

Los Bukis se presentarán el 12 de diciembre en el Estadio GNP Seguros de la Ciudad de México y el 19 de diciembre en el Coliseo GNP Seguros de Guadalajara, en Zapopan, Jalisco.

Fechas y sedes:

• Ciudad de México: sábado 12 de diciembre de 2026, en el Estadio GNP Seguros.
• Guadalajara: sábado 19 de diciembre de 2026, en el Coliseo GNP Seguros, ubicado en Zapopan, Jalisco.

Cuándo y dónde comprar boletos para el concierto de Los Bukis

La comercialización de boletos se organiza en tres etapas a través de Ticketmaster. La primera es la Gran Venta HSBC, programada para el jueves 24 de septiembre a las 14:00 horas, exclusiva para clientes con tarjetas HSBC Premier de crédito y débito.

El viernes 25 de septiembre a las 9:00 horas continúa la Gran Venta HSBC, esta vez abierta a clientes con tarjetas de crédito y débito HSBC sin distinción de nivel. La venta general se habilita el sábado 26 de septiembre a las 14:00 horas, con acceso para tarjetas de cualquier banco.

Los clientes que paguen con tarjeta de crédito HSBC pueden acceder a planes de 3 y 5 meses sin intereses. La plataforma establece además un límite de 8 boletos por comprador; superar ese número puede derivar en la cancelación de las órdenes asociadas.

Calendario de venta de boletos:

• Jueves 24 de septiembre, 14:00 horas: Gran Venta HSBC, exclusiva para clientes con tarjetas HSBC Premier de crédito y débito.
• Viernes 25 de septiembre, 9:00 horas: continúa la Gran Venta HSBC para clientes con tarjetas de crédito y débito HSBC (no Premier).
• Sábado 26 de septiembre, 14:00 horas: venta general, abierta a tarjetas de cualquier banco.

Cuánto cuestan los boletos para el concierto de Los Bukis

Hasta el momento, Ticketmaster no ha publicado los precios de los boletos para ninguna de las dos fechas. La organización adelantó que los valores se darán a conocer un día antes del inicio de la primera etapa de venta, es decir, este 23 de septiembre.

La disponibilidad de boletos puede reducirse conforme avancen las ventas previas. En eventos con preventa, la cantidad de lugares reservados para la venta general suele ser limitada.

Como referencia extraoficial, los precios de las entradas para este tipo de conciertos en el Estadio GNP Seguros y en el Coliseo GNP Seguros podrían arrancar entre 700 y 800 pesos en las zonas generales altas. En las zonas VIP cercanas al escenario, los montos estimados superarían los 7,000 a 8,000 pesos.

El anuncio llegó tras mensajes de Marco Antonio Solís que generaron especulación

El regreso de la agrupación se confirmó después de que Marco Antonio Solís publicara varios mensajes que despertaron especulaciones entre sus seguidores. La gira lleva por nombre “¡Tuyos por siempre! El gran cierre de un ciclo” y marca el reencuentro de la banda con el público mexicano tras casi cinco décadas de trayectoria.

Los accesos para ambas presentaciones estarán disponibles en el sitio oficial de Ticketmaster, así como en taquillas de los recintos correspondientes en la Ciudad de México y Guadalajara.

Los Bukis regresan a México luego de 4 años de su última gira

Los Bukis se despidieron de los escenarios en 1996 y mantuvieron una pausa de 25 años antes de reunirse en 2021 con la gira “Una Historia Cantada”, que incluyó presentaciones en Estados Unidos y México, entre ellas el SoFi Stadium y el Estadio Azteca.

Su última presentación en territorio mexicano previo al anuncio de diciembre de 2026 fue durante esa gira de reencuentro, Los Bukis se presentaron en diciembre del 2022 en el Estadio Azteca. Después de eso, la banda se concentró en fechas en Estados Unidos, incluidos los conciertos de febrero de 2026 en el SoFi Stadium de Los Ángeles, California, presentados como el cierre de su etapa en ese país.

Los conciertos programados para el 12 y 19 de diciembre de 2026 en la Ciudad de México y Guadalajara marcan así el regreso de Marco Antonio Solís y la agrupación a los escenarios mexicanos a cinco años de aquel reencuentro de 2021.

Carlos Rivera anuncia este lunes 21 de septiembre la reprogramación de cuatro conciertos de su gira ¡Vida México! Tour debido a una lesión en las cuerdas vocales que sus médicos le indican tratar con un mes de reposo absoluto. El cantante mexicano no se presentará en Bogotá, Medellín, Guatemala y El Salvador.

La pausa afecta las presentaciones programadas para el 2 y 3 de octubre en Colombia, y el 9 y 10 de octubre en Centroamérica. Según el productor Enso, los boletos adquiridos para las fechas originales serán válidos automáticamente para las nuevas fechas, sin necesidad de ningún trámite adicional por parte del público.

¿Qué le pasó a Carlos Rivera? Lleva tiempo lidiando con una lesión

El intérprete de “Solo tú” explica en un comunicado difundido en sus redes sociales que el problema no es reciente, y está lidiando con ese problema desde tiempo. “Desde hace un tiempo vengo lidiando con una lesión en las cuerdas vocales. He hecho todo lo posible por cuidarme y seguir adelante con mis conciertos, pero ha llegado un punto en el que continuar así podría lastimarme aún más”, señala.

El cantante agrega que la decisión de detener la gira llega después de recibir una indicación médica directa. “Por indicación de mis médicos, necesito hacer un mes de reposo para darle a mis cuerdas el tiempo necesario para recuperarse correctamente”, escribe en el mismo mensaje.

Las cuatro fechas pospuestas de Carlos Rivera y sus nuevos calendarios

El concierto en Bogotá, previsto para el 2 de octubre en el Movistar Arena, se reprograma para el 15 de abril de 2027. La presentación en Medellín, en el Teatro Universidad de Medellín, pasa del 3 de octubre al 17 de abril de 2027.

En Centroamérica, el show en Guatemala, en el Fórum Majadas, originalmente fijado para el 9 de octubre, se mueve al 9 de abril de 2027. El concierto en El Salvador, en el Gimnasio Nacional José Adolfo Pineda, pasa del 10 de octubre al 10 de abril de 2027.

Antes del anuncio, ambas fechas colombianas todavía aparecían activas en las plataformas de venta de boletos, lo que generó confusión inicial entre los seguidores del cantante.

¿Cuándo regresa Carlos Rivera a los escenarios?

Rivera plantea un panorama de recuperación con fecha de retorno. “Si Dios quiere, a partir del 23 de octubre, con el concierto en Tlaxcala, mi agenda continuará como está prevista, al igual que las fechas posteriores”, afirma en el comunicado.

Esa presentación forma parte de la programación de la feria estatal, en el Palenque de Tlaxcala 2026, y la fecha ya estaba confirmada antes del anuncio de la pausa médica. Tras Tlaxcala, la gira contempla paradas en Quito y Guayaquil, Ecuador, los días 5 y 7 de noviembre respectivamente.

El itinerario continúa el 14 de noviembre en el Estadio Nacional de San José, Costa Rica, y cierra el mes el 28 de noviembre en la Arena Monterrey, en Nuevo León. Ninguna de estas fechas sufre modificaciones hasta el momento.

¿Qué son las lesiones en las cuerdas vocales y qué tendría Carlos Rivera?

Las cuerdas vocales son dos bandas de tejido en la laringe que vibran al pasar el aire y producen el sonido de la voz. Cuando se lesionan por uso excesivo o incorrecto, pueden desarrollar crecimientos benignos, aunque Carlos Rivera no especificó qué tiene, estas son las lesiones más comunes: nódulos, pólipos y, en casos más extensos, edema de Reinke.

Nódulos

Son como pequeños callos que aparecen en ambas cuerdas vocales, generalmente en el punto donde se unen el tercio anterior y el medio. Su causa principal es el abuso crónico de la voz: gritar, cantar fuerte, hablar en tono forzado durante mucho tiempo. Afectan sobre todo a cantantes, maestros, locutores y cualquier persona que use la voz profesionalmente.

Pólipos

A diferencia de los nódulos, suelen aparecer en una sola cuerda vocal y se forman después de un esfuerzo vocal agudo puntual, como gritar una sola vez con mucha fuerza. También pueden originarse por reflujo gastroesofágico, tabaquismo o inhalación de irritantes. Son más grandes que los nódulos y a veces requieren cirugía.

Edema de Reinke

Ocurre cuando el líquido se acumula debajo de la mucosa que cubre toda la cuerda vocal, no solo un punto localizado. Se relaciona con irritación crónica, tabaquismo prolongado y uso excesivo de la voz.

Causas generales

Entre los factores de riesgo están el abuso vocal (gritar, cantar sin técnica adecuada), el tabaquismo, el reflujo gastroesofágico, las alergias crónicas, las infecciones respiratorias repetidas, la deshidratación y los cambios hormonales.

Síntomas

Los más comunes son ronquera persistente, voz entrecortada o áspera, sensación de cuerpo extraño en la garganta, carraspeo frecuente, fatiga vocal y pérdida del rango vocal. Si la ronquera dura más de dos o tres semanas, los especialistas recomiendan una evaluación con otorrinolaringología.

Tratamiento

En la mayoría de los casos el reposo vocal y la terapia con un especialista en voz bastan para resolver nódulos y pólipos pequeños. También se recomienda tratar el reflujo si está presente, dejar de fumar y mantener buena hidratación. La cirugía se reserva para lesiones grandes que no mejoran con estas medidas.

Aunque el comunicado de Carlos Rivera no especifica qué tiene, por el tiempo de tratamiento parece no ser una lesión grave.

Con 16 millones de seguidores, Lofi Girl se ha convertido en uno de los canales más populares en YouTube gracias a sus listas de reproducción de música relajante acompañada de videos de animación protagonizados por una estudiante.

Cada día, decenas de miles de oyentes de todo el mundo se conectan a la veintena de listas del canal, con títulos como “música ambiental para dormir” o “lofi hip-hop para relajarse y estudiar”, ilustradas con videos de una estudiosa chica de pelo castaño que se ha vuelto un icono en internet.

Detrás de este fenómeno mundial está un francés de 31 años, conocido como Dim, a quien le gusta presentarse más como “emprendedor” que como “youtuber”, según explica a esta agencia en París este hombre de ojos claros y pelo oscuro.

Es el “proyecto de una vida”, dice, recordando que empezó en 2015 en su habitación de estudiante con la creación del canal de YouTube ChilledCow, en el que difundía temas que escuchaba cuando jugaba en línea a World of Warcraft.

Ahora este éxito planetario, además de las playlists, también disponibles en las plataformas de streaming, se declina en productos derivados, colabora con marcas e incluso prepara la apertura de un café en París para 2027.

Lofi Girl también podría estar pronto presente en el mundo de los videojuegos.

Studio Ghibli

Tras unos inicios modestos, logró su primer éxito en 2017 al lanzar una radio en directo ilustrada con la imagen de una joven que estudia, tomada de una película del estudio de animación japonés Ghibli.

Su canal registró entonces un ascenso fulgurante, pasando en seis meses de menos de 100.000 seguidores a más de un millón.

Pero el famoso estudio japonés pidió a YouTube la suspensión del canal y la plataforma lo desactivó durante tres meses.

“Era algo que temía, porque sabía que no tenía autorización para usar esa imagen”, reconoce. “Hice lo máximo para ponerme en contacto con ellos y llegar a un acuerdo, pero no lo logré”.

Para evitar una nueva suspensión, lanzó un concurso en las escuelas de ilustración y animación de Francia.

Un proyecto visual “destacó entre todos, el de un estudiante de Lyon, Juan Pablo Machado”, de origen colombiano, recuerda.

Se trataba de una joven estudiante en una acogedora habitación, instalada con su gato frente a una ventana con vistas a un barrio de Lyon. Así nació la “Lofi girl”, como la llamaron los seguidores.

“Miraba mucho los comentarios de mis videos y veía que la gente decía a menudo que utilizaba la radio para estudiar”, así que “me pareció pertinente crear un personaje que estuviera estudiando” para que la gente pudiera identificarse con él.

“Música para relajarse y estudiar”

El canal se disparó a nivel internacional durante la pandemia de Covid-19, “un período en el que la gente necesitaba música para relajarse y estudiar”, constata Dim.

En dos años, ChilledCow, rebautizado Lofi Girl en 2021, superó la barrera de los 10 millones de seguidores.

Según Dim, cerca de un tercio de las escuchas provienen de Estados Unidos, y el resto se reparte entre varios países. La media de edad está entre 18 y 35 años.

En 2019, creó su empresa y montó un sello discográfico para buscar músicos que produjeran música para su canal.

“Desde el principio, hemos colaborado con cerca de 1.000 artistas”, asegura el fundador, que reivindica más de 8.000 títulos en su catálogo.

La compañía, que cuenta con una treintena de empleados, también dispone de un estudio interno para los dibujos y las animaciones de su personaje estrella.

Fuente: AFP.

La muerte de Derek Andrew Safo, conocido como Sway, cierra una carrera marcada por la independencia artística: en 2005 fue el primer intérprete sin contrato discográfico que ganó el premio Mobo a mejor artista de rap.

Kash Ahmad, amigo del músico, confirmó a la BBC que Safo murió en Ghana. La noticia se hizo pública recién el 17 de septiembre, cuando la organización Mobo la difundió y expresó sus condolencias a la familia, los allegados y los seguidores del rapero. Sin embargo, la noticia ganó espacio en los titulares en las últimas horas. Hasta ahora no se ha informado públicamente la causa de muerte.

Según publicó The Guardian, el reconocimiento de 2005 precedió al lanzamiento de su primer álbum y lo convirtió en una referencia para los artistas de rap que trabajaban fuera de las grandes discográficas.

Su carrera combinó publicaciones propias, presencia en las listas británicas, colaboraciones con músicos de distintos géneros y el apoyo a nuevos talentos desde su sello.

El premio Mobo de 2005 consolidó su carrera independiente

Safo creció en el norte de Londres, en una familia de origen ghanés. De acuerdo con el diario británico, inició su actividad en los grupos Phynix Crew y One antes de publicar grabaciones como solista.

También se formó como productor y desarrolló un estilo que combinó grime, una vertiente británica que mezcla rap y música electrónica, con rap y música bailable.

En 2005 obtuvo el premio Mobo al mejor artista de rap, cuando todavía no había publicado un álbum y trabajaba sin contrato con una gran compañía.

La organización señaló en su homenaje que el galardón tuvo importancia para el rap del Reino Unido porque Safo superó en esa categoría a los estadounidenses 50 Cent y The Game.

Su álbum debut, This Is My Demo, salió en 2006 e incluyó Little Derek, que entró ese año entre los 40 primeros puestos de la lista británica de sencillos, según informó el sitio.

El disco fue nominado al premio Mercury, que obtuvo el álbum debut de Arctic Monkeys. Tras ese reconocimiento, Safo alcanzó proyección nacional desde una estructura propia.

Los éxitos de 2011 y 2012 ampliaron su llegada al público británico

Safo mantuvo su sello Dcypha Productions y luego se asoció con Konvict Music, la discográfica vinculada al cantante senegalés-estadounidense Akon.

Akon participó en The Signature LP, el segundo álbum de Sway, publicado en 2008, de acuerdo con el medio.

La mayor presencia comercial de Safo llegó después. Still Speedin’, con una participación de Kano y un fragmento de Ride on Time, alcanzó el puesto 19 de la lista británica en 2011.

Al año siguiente, Level Up, producida por Flux Pavilion, llegó al número 8. Ambas canciones le dieron sus mejores posiciones en las listas del Reino Unido, según el medio.

El rapero también participó en Shifty, de Riz MC, el proyecto musical del actor y rapero Riz Ahmed. Sumó una aparición en No. 5 Collaborations Project de Ed Sheeran y colaboró con Tinchy Stryder, Akala, Mitchell Brothers y Donae’o.

Además, intervino en Off With Their Heads, el tercer álbum de Kaiser Chiefs, informó el diario británico.

Dcypha Productions acompañó los primeros pasos de KSI y Tiggs Da Author

La actividad de Safo como productor y responsable de sello fue otro componente de su recorrido. A través de Dcypha Productions, trabajó con artistas jóvenes, entre ellos KSI y Tiggs Da Author. Los tres publicaron en 2013 la canción No Sleep, según consignó The Guardian.

La BBC informó que Safo continuaba trabajando en música nueva antes de su muerte. La emisora también recogió homenajes de artistas y figuras de la música británica.

Remi Burgz, presentadora de BBC Radio 1Xtra, lo definió como un pionero del rap del Reino Unido y recordó su influencia en la difusión del género en medios de alcance nacional.

Kash Ahmad declaró a la BBC que Safo era padre de Jalil y Ammar-Joseph, y de las gemelas Queen-Inaya y Queen-Imara, a quienes criaba como padre soltero en Ghana.

Los recuerdos de infancia de Juan Pablo Jofré, en San Juan, aparecen ahora mientras está en Corea del Sur. Vuelven los años en que en su casa siempre sonaba algún disco de tango. Su abuelo cantaba y tocaba el piano y el acordeón; su madre escuchaba música clásica y formaba parte de un coro. De chico, Jofré inventaba canciones para sus abuelas y se las cantaba para hacerlas reír. Sin saberlo, empezaba a acercarse al mundo de la composición.

Fuera de casa, su infancia transcurría entre bicicletas, lagos y salidas con sus amigos. Durante la adolescencia, caminaba hasta la escuela escuchando música en un walkman: alternaba entre Metallica y Nirvana; Bach, Stravinsky y Dvořák. A veces soñaba con tocar en grandes salas, aunque también dudaba de que eso pudiera hacerse realidad.

A los 19 años dejó la provincia para estudiar composición en Mendoza. A los pocos meses recibió su primer premio e inició una nueva etapa en Buenos Aires, donde vivió de cerca la experiencia del Sexteto de Astor Piazzolla. Ese camino lo llevó, con el tiempo, a construir una carrera en la que hoy combina la composición y la interpretación, fusionando el tango con la música clásica.

Se presentó en Nueva York y Praga y grabó con la Orquesta Sinfónica de Londres. En agosto pasado recibió la Comisión Especial de Composición Musical de la Fundación Barlow, luego de ser seleccionado entre 171 propuestas de 28 países.

Una infancia libre entre la música y la familia

Para Juan Pablo, el recuerdo de su infancia —a la que vuelve una y otra vez— está marcado por una sensación de libertad. Cuenta que fue una época de aventuras, de moverse sin demasiadas reglas y de descubrir el mundo con la curiosidad propia de un chico. Algunas de esas experiencias, vistas desde la adultez, hoy le parecen incluso temerarias.

“Fue una infancia muy libre, muy salvaje”, admite. Entre esos recuerdos aparecen las visitas a colmenas de abejas, las corridas en las que no sentía las piernas mientras escapaba de los insectos y excursiones sin demasiada supervisión. “Gracias a Dios nunca me pasó nada”, dice entre risas.

En esas aventuras también estaba la familia. Cuando sus padres no podían cuidarlo, pasaba tiempo con sus abuelos y sus tíos. Allí, la música era parte de la rutina: su abuela escuchaba tango durante todo el día; uno de sus abuelos cantaba ese repertorio y otro tocaba el acordeón. Sus tíos también hablaban de música y arte.

Esa convivencia le dio la primera formación musical. “Recuerdo tener conversaciones muy lindas con gente adulta, y eso creo que me influyó mucho”, dice. Sus tíos hablaban de música y de arte, un intercambio que sumó otra dimensión a los discos y las canciones que escuchaba en la familia. En esos ratos, empezó a inventar melodías para sus abuelas y se las cantaba, jugando. “Para mí eso no era componer”, admite. “Aunque ahora me doy cuenta de que eran los inicios de mi perfil de compositor”, agrega sobre aquellas melodías inventadas para sus abuelas.

La música clásica llegaba por el lado de su madre, que solía escucharla y cantaba en el coro de la ciudad. A él le gustaba verla en escena. Tanto que todavía recuerda la noche en que la vio interpretar por primera vez el Réquiem de Verdi, junto a la Orquesta Sinfónica y el Coro Universitario de San Juan. “Fue una cosa increíble, me encantó”, dice.

Después llegaron otros horizontes, entre ellos el rock pesado. Pero, al mismo tiempo, entre sus elegidos estaban los grandes compositores de distintos períodos: el barroco de Bach, la música moderna de Stravinsky y el romanticismo de Dvořák. Para él, esa mezcla nunca fue extraña. Las músicas podían dialogar entre sí. “Nunca lo sentí como algo diferente”, afirma sobre la convivencia entre el rock y la música clásica. Y los tangos que escuchaba en casa de sus abuelos también formaban parte de ese universo. Esa familiaridad con distintos géneros lo siguieron en sus primeras composiciones, donde el bandoneón dialoga con recursos de la tradición académica.

De San Juan a Mendoza

Juan Pablo comenzó a estudiar contrabajo con Néstor Castillo, uno de sus primeros profesores de música. Lo recuerda como una figura decisiva en esa etapa, cuando recién se iniciaba en la formación musical y no confiaba demasiado en sus propias posibilidades.

“Yo en esa época recién empezaba a estudiar música y sinceramente no tenía fe en mí mismo”, cuenta sobre sus inicios con el contrabajo. Pero Castillo lo alentó y le dio herramientas para creer en su capacidad: “Me hizo tener confianza y mucha fe en mí mismo”. También tomó clases de canto lírico con Rafael Fernández y se formó en teoría musical, armonía, composición y orquestación.

A los 19 años llegó otro cambio importante: dejó San Juan para estudiar Composición en la Universidad Nacional de Cuyo, en Mendoza. La mudanza le produjo entusiasmo, pero también soledad. Era una etapa nueva, lejos de su familia y de los lugares donde había crecido, en la que empezó a pensar la música ya no solo como una inquietud, sino como un camino posible.

Poco después recibió el Premio Fondo Nacional de las Artes. El reconocimiento le abrió la puerta a Buenos Aires, adonde comenzó a viajar para tomar clases con el bandoneonista Julio Pane, integrante del Sexteto de Astor Piazzolla. Para J.P. Jofré —es reconocido en el mundo—, el encuentro significó mucho más que una clase: estaba frente a un músico al que admiraba y del que conocía su trabajo junto a Piazzolla y Fito Páez.

“Era como estar estudiando con Maradona o con Messi”, resume.

Nueva York, el desarraigo y una red de músicos

El salto al exterior llegó con otra cuota de incertidumbre. J.P. Jofré vivió 15 años en Manhattan. Recuerda que instalarse en Nueva York fue difícil, sobre todo porque no dominaba el inglés lo suficiente como para sostener conversaciones fluidas sobre trabajo y música. A eso se sumaban los trámites migratorios, la distancia de su familia y la necesidad de construir una red profesional desde cero.

“El primero o el segundo año son los más difíciles. Al menos lo fueron para mí”, sostiene. Cuenta que para él otros músicos fueron fundamentales para atravesar esa etapa. Lo llamaban para tocar, lo recomendaban y lo sumaban a proyectos. Esos gestos terminaron construyendo una red que, en los momentos de mayor incertidumbre, le dio motivos para quedarse pese a las dudas.

Más allá del trabajo, esos vínculos fueron una forma de sentirse acompañado en una ciudad en la que todo era nuevo. Los llamados, las recomendaciones y las invitaciones a tocar fueron apareciendo en momentos en que todavía estaba construyendo su lugar en Nueva York. Con el tiempo, esa red de músicos se convirtió en una parte importante de su vida en la ciudad.

Después de 15 años en Manhattan, se mudó y hoy vive entre Estados Unidos y Corea del Sur.

En Corea encontró un ritmo más tranquilo para componer, practicar, editar música y preparar sus proyectos. Viaja a Estados Unidos y Europa para conciertos, ensayos y encuentros con colegas. Los años de viajes también ampliaron su mirada sobre otras culturas. El contacto con artistas de distintos países le dejó una certeza muy clara: “Hay gente buena en todos lados”.

Los escenarios que alguna vez soñó

Aun después de alcanzar escenarios que alguna vez imaginó desde San Juan, la inseguridad no desapareció. Grabó con la Orquesta Sinfónica de Londres, recibió nominaciones a los premios Grammy en 2022 y Latin Grammy en 2023 y se presentó en la Sala Dvořák de Praga. Allí vivió uno de esos momentos que resumen su historia personal: su madre escuchaba las sinfonías de Dvořák en la casa y, años después, él terminó tocando en ese auditorio.

“Estar ahí, tocando mi música, con el teatro lleno y la gente a los gritos... aplaudiendo, fue una cosa hermosa. ¡No lo podía creer!“, recuerda. Haber grabado con la orquesta londinense es una de sus experiencias más significativas y sorprendentes: escuchar a los músicos trabajar sobre sus partituras y recibir sus comentarios sobre las obras fue, dice, difícil de procesar.

La duda, sin embargo, siguió acompañándolo. Al conocer que Brian May había contado experiencias parecidas después del éxito de Bohemian Rhapsody, entendió que esa sensación también podía aparecer después de una carrera consolidada. Su manera de enfrentarla parte de una pregunta que suele hacerles a sus alumnos y que también se hace a sí mismo: “¿Qué harías si no tuvieras miedo?”. La respuesta, dice, suele mostrar el paso que viene.

También empezaron a aparecer nuevas oportunidades para escribir y trabajar con otros músicos. Una de ellas llegó hace unos meses, en agosto de 2026, cuando recibió la Comisión Especial de Composición Musical (Barlow Special Commission), uno de los reconocimientos más prestigiosos del Barlow Endowment for Music Composition, una fundación privada con sede en la Universidad Brigham Young (BYU), en Utah. Fue seleccionado entre 171 propuestas de 28 países en una convocatoria dedicada a obras para quinteto de tango moderno. Para postularse, presentó las partituras de La Scaloneta y The Fifth Season, dos piezas de su álbum Tangofonus.

El reconocimiento incluye un fondo para escribir una nueva obra, que será estrenada por el Quinteto Revolucionario de Buenos Aires, el quinteto del violinista Ramiro Gallo y el Quinteto Sónico, de Bélgica. “Lo más lindo de este premio no es solo lograr el título de ganador, porque en el arte nunca se gana, solo se crea y se comparte”, asegura. Para él, la distinción representa también la posibilidad de seguir escribiendo música nueva.

Después de años de giras, también cambió su manera de vivir fuera del escenario: prefiere estar con su familia, tocar el bandoneón, componer o cocinar. Pero hay algo que no cambió desde la adolescencia. Sus amigos de San Juan todavía lo reconocen como aquel chico que se iba en bicicleta a nadar a un lago. Y aunque lleva años viviendo fuera del país, la Argentina sigue apareciendo en su música, en el bandoneón, en el tango y en la memoria de San Juan.

“Argentina siempre está en el corazón. Siempre”, dice. La fuerza y la melancolía son, para él, dos marcas que siguen presentes en lo que escribe y toca.

Durante septiembre y octubre, Macondo, el ficticio hogar de la familia Buendía en Cien años de soledad, tiene código postal y es madrileño. En Villaverde, se ha creado un pequeño universo para doce noches de esos meses, con un estadio efímero y una artista central: Shakira. El proyecto se llama Es Latina.

La afirmación parece una obviedad: Shakira es colombiana, nacida en Barranquilla. Pero en realidad no lo es. Al llevar más de tres décadas atravesando fronteras con su música, que Shakira “sea latina” no ha significado siempre lo mismo. Su trayectoria permite observar cómo ella ha contribuido a fabricar una identidad global cuando las reglas para llegar a serlo van cambiando.

Esa es una de las cuestiones que planteo en el último informe del Observatorio Nebrija del Español. En el estudio hemos utilizado su trayectoria para observar durante más de tres décadas los cambios en las barreras de acceso a los mercados, las formas de circulación de la música y, a la vez, la manera de construir una identidad capaz de viajar entre ellos.

En la industria musical de los años 90 y comienzos de los 2000, ser de otro lugar podía aportar un valor diferencial. Sin embargo, esa diferencia tenía que estar pulida y ser legible, lo que se ha llamado “la otredad domesticada”. Una discográfica, una radio, MTV o un DJ en Los Ángeles, Londres o Medellín debían reconocer rápidamente qué artista tenían delante y dónde colocarla.

Una estrella internacional tenía que resultar lo suficientemente distinta para llamar la atención y lo suficientemente familiar para poder ser clasificada, y el idioma también formaba parte de esa negociación. El vídeo y la imagen ayudaban a resolver parte del problema al funcionar como una especie de jeroglífico cultural.

Shakira lo descubrió pronto y buscó los códigos: el pelo claro, las caderas, el baile, el ritmo, el Caribe, la imagen de una diosa… signos de un lenguaje expresivo más allá del idioma capaz de comunicar una procedencia incluso a quien apenas conoce nada de ese lugar, probablemente porque ese lugar es un universo creado.

Para el año 2000, Shakira ya había publicado en español varios álbumes de estudio y un disco en directo. Sin embargo, ninguna canción de esa etapa entraría en el Billboard Hot 100, la lista más importante a nivel mundial para determinar el éxito de un single; su primera aparición llegaría en 2001, con “Whenever, Wherever”. En ese momento empezó a vender discos en Estados Unidos, todavía sin ocupar el escaparate central del pop.

Para eso surge el crossover, una fórmula lingüística. Por ejemplo, la de una cantante colombiana que graba su música en inglés para conquistar el mercado anglosajón. Visto desde 2026, el movimiento de Shakira resulta mucho más sofisticado.

El inglés fue un pasaporte pero, una vez atravesada la frontera, con todo su lenguaje expresivo e identitario, su equipaje solo empezaría a crecer. Shakira fue yuxtaponiendo capas: el español e inglés; el pop, el rock y los ritmos latinoamericanos; colaboraciones anglosajonas e hispanas; referencias colombianas y códigos del pop internacional. Este proceso implicó una construcción cultural de la identidad latina orientada hacerla reconocible y comercializable como un mercado relativamente homogéneo. Lo que inicialmente parecía una adaptación al canon, terminaría funcionando también en sentido contrario.

El crossover ha sido, a largo plazo, una especie de caballo de Troya. Una vez legitimada dentro del pop global, se construye una “audiotopía latina”, unos espacios virtuales y sonoros creados por la música donde los oyentes pueden reimaginar el mundo social y convivir con diferencias culturales.

Shakira ha logrado que su identidad no sea vista solo como folclore local caribeño o asiático, sino como una fuerza capaz de remapear los límites de la ciudadanía contemporánea y un imaginario latino a escala mundial. Incluso cuando en un estadio en Nueva York está interpretando en inglés, la imagen que proyecta es latina.

Cuando ser local ya no impide ser global

Las plataformas digitales cambiaron de nuevo las reglas. Spotify, YouTube o TikTok no acabaron con los intermediarios porque las playlists siguen clasificando y la curaduría de las grandes plataformas continúa decidiendo qué canciones reciben atención. Ahora públicos dispersos geográficamente pueden reunirse alrededor de una propuesta muy específica sin que esta tenga que hacerse comprensible.

Así, la música de Shakira y su identidad forman parte de listas relacionadas con temas latinos o géneros como el reguetón, pero también aparecen en las principales clasificaciones globales de países en los que no se habla español, desde Alemania a Bangladesh.

En el aspecto visual, su domino es sobresaliente. En YouTube, de hecho, con 34 701,7 millones de visualizaciones, es la tercera artista con más reproducciones de la plataforma, por detrás de Bad Bunny y BTS y por delante de la mismísima Taylor Swift.

Las colaboraciones también muestran bien este alcance global. Alejandro Sanz, Karol G o Fuerza Regida no aportan únicamente audiencia a una canción. Conectan escenas, géneros, territorios y comunidades distintas. La identidad deja de funcionar solamente como una etiqueta –latina, anglosajona, colombiana– y se comporta como una red.

En 2023, el éxito de la sesión de Shakira con Bizarrap sirvió para pulverizar la vieja idea del crossover. Una artista colombiana y un productor argentino convirtieron una canción en español en un acontecimiento mundial sin producir ninguna versión. Lo local y lo global ya no funcionan necesariamente como extremos opuestos.

Macondo es un espejo

Por eso la residencia madrileña resulta interesante más allá de sus cifras. Treinta años atrás, unas cuantas imágenes debían bastar para que un espectador situado a miles de kilómetros entendiera de dónde venía Shakira. En 2026 sucede casi lo contrario, la artista puede construir un espacio entero alrededor de ese lugar de procedencia imaginario y convertirlo en destino. Macondo, escribía la propia artista en El País, “no es un pueblo, es un espejo” y ella es el reflejo de ser latina.

Se trata de la primera residencia artística de formato internacional en España, al estilo de las residencias de Las Vegas o de la de Adele en Múnich, pero con un estadio temporal. Ahí está quizá la transformación más interesante de su identidad global. Durante buena parte de su carrera, Shakira tuvo que asimilar cuánta diferencia podía transportar consigo para atravesar cada frontera. Ahora puede construir todo un universo con esa diferencia.

En este sentido, la transformación más significativa de Shakira no consiste únicamente en haber conseguido llevar el español a espacios cada vez más amplios, sino en haber llegado a una posición en la que ya no necesita abandonar ese lugar de origen para ocupar el centro del escenario global. La artista que comenzó atravesando fronteras termina convirtiéndose, ella misma, en un territorio de encuentro.

Fuente: The Conversation

En sus historias de Instagram, antes de comenzar a interpretar la canción, Felipe se sinceró sobre la interpretación que eligió compartir. “Primera vez cantando en cámara, todavía me cuesta pero quiero mejorar. ¿Alguna recomendación, gente?”, escribió junto al video. Con esa frase, el joven dejó en claro que se trataba de una primera aproximación a la exposición musical y que esperaba recibir comentarios para continuar avanzando con la práctica.

En el video, el hijo de Fort cantó una canción de tono romántico. Mientras toca la guitarra, interpreta una serie de versos vinculados con una relación amorosa y con la cercanía entre dos personas. Entre las frases que se escuchan aparecen: “Tus manos recorren mi cuerpo con todo el fervor... Mi vida no sería lo mismo sin tu calor”.

En lugar de mostrar una versión terminada o una producción especialmente preparada, el joven reconoció que todavía le cuesta cantar y pidió sugerencias para mejorar. La publicación permitió ver su vínculo con la música y también su intención de explorar una actividad distinta, sin limitarse al legado familiar ni a los emprendimientos que forman parte de su vida. La guitarra, la voz y la composición aparecieron así como una nueva forma de expresión para el influencer.

De todos modos, no es la primera vez que Felipe deja en claro su interés por la música. En febrero, el joven había compartido otro video en el que se lo veía tocando la guitarra eléctrica. En aquella oportunidad, también decidió consultar a sus seguidores y escribió: “¿Algún consejo?”. La grabación lo mostraba mientras realizaba un punteo y luego ejecutaba algunos acordes, completamente concentrado en el instrumento. El contenido rápidamente acumuló vistas y comentarios de usuarios que destacaron su habilidad y su decisión de explorar una faceta diferente.

El talento de Felipe, sin embargo, no se limita a la música. En marzo de 2025, el joven también había debutado en el mundo de la moda durante una de las ediciones más originales de BAFWEEK 2025. En aquella ocasión, la pasarela se trasladó a un escenario poco habitual: los vagones del subte H, en pleno corazón de la Ciudad de Buenos Aires. El evento fue organizado por la marca Bulbenny y combinó la presentación de prendas con una propuesta basada en la performance. Para Felipe, la experiencia representó su primera participación como modelo y le permitió acercarse a otro ámbito creativo.

La publicación permitió conocer una faceta menos explorada de Felipe y mostró su interés por desarrollar un proyecto personal vinculado con la música. A diferencia de sus apariciones relacionadas con los negocios o la moda, esta vez eligió presentarse desde un lugar más íntimo y cotidiano. El video dejó abierta una nueva etapa en la que podría continuar compartiendo sus composiciones y prácticas con sus seguidores.

En el verano de 2025, la apuesta llegó a Latinoamérica con el objetivo de crear la “próxima sensación del pop latino”. El resultado lleva apenas nueve meses en activo: SANTOS BRAVOS, así en mayúsculas, es el primer grupo de pop latino de HYBE Latin America, filial regional de la empresa surcoreana. Formado por Kenneth (México, 2009), Gabi (Puerto Rico, 2005), Alejandro (Perú, 2004), Kauê (Brasil, 2006) y Drew (Estados Unidos, 2000), el grupo ya es todo un fenómeno de masas. Desde su debut en octubre pasado han publicado su primer EP, han actuado ante 10.000 personas en el Auditorio Nacional de México y acaban de llevarse dos Premios Juventud: Grupo Favorito y Nueva Generación Masculina. Desde este viernes suman otro hito: son uno de los grupos encargados de abrir los conciertos de Shakira en Madrid durante su primer fin de semana, como parte del programa Es Latina, un universo cultural que une lo mejor de Latinoamérica con España y que tendrá lugar antes de los conciertos en el llamado estadio Shakira.

“Todavía no somos conscientes de la magnitud. Siento que hemos tenido muchos momentos que fueron como un we made it, como por ejemplo cuando estábamos en el escenario con Enrique Iglesias”, reconoce Gabi, sobre el momento en el que el cantante de Bailando sorprendió al público con el tema I Like It el pasado 28 de junio en México. Hace menos de un año, ninguno de los cinco chicos que conforman la formación sabía siquiera si acabaría formando parte del grupo. Ahora, reciben a Infobae en un céntrico hotel de Madrid con motivo de lo que se viene. “Va a ser uno de los mejores momentos de nuestra vida y de nuestra carrera”, asegura el puertorriqueño.

Tres meses de entrenamiento y una carrera disparada

Para entender la magnitud, hay que echar la vista al 14 de agosto de 2025, cuando arrancó el reality show homónimo que, en episodios semanales emitidos en YouTube, televisaba el comienzo, formación y entrenamiento de 17 jóvenes provenientes de Latinoamérica, Estados Unidos y España. Y, como en Operación Triunfo, también contaba con su propia Noemí Galera: en esta ocasión, Kenny Ortega, creador de ficciones como High School Musical y coreógrafo para numerosas cintas de Disney, incluso Dirty Dancing (1978). Como buen reality, el programa también tenía expulsiones semanales. Eso sí, aquí mediante una evaluación de desempeño y de interactividad con los fans.

“Sabíamos que iba a ser duro entrar en el bootcamp y en el reality, pero no sabíamos exactamente hasta qué punto iba a estar todo estructurado. Nos enseñó mucho mentalmente, cómo organizarnos, a tener un horario, a hacer las cosas correctamente y a convertirnos en la mejor versión de nosotros mismos como artistas”, explica en inglés Drew, nacido en California y con tatarabuelos mexicanos. Pero esto ya se lo advirtió Jessica Kwon, directora de Entrenamiento y Desarrollo de HYBE Latinoamérica, durante el programa: “Miramos el carácter, la apariencia y la personalidad. Y elegimos lo mejor de lo mejor porque así es como funciona HYBE”. “No teníamos expectativas porque no sabíamos en qué nos estábamos metiendo, pero estamos agradecidos por la experiencia y por ese formato. Sigue funcionando y todavía lo utilizamos hoy”, añade el joven, que previamente ha trabajado como bailarín y coreógrafo junto a artistas como los propios BTS, Karol G o Bad Bunny.

Pese a ese sistema de eliminaciones, Alejandro Aranburú (Perú, 2004) asegura que “nunca jamás se sintió como competencia”. “Entre todos éramos amigos y nos apoyábamos mucho. Muchas veces terminábamos de entrenar y nos quedábamos practicando, le pedíamos ayuda al otro”, recuerda el joven de 22 años, que debutó a los 13 como músico callejero. “Nos dolía mucho, honestamente, cuando uno de los chicos se iba. Esas lágrimas no eran de mentira”.

La gran final del reality tuvo lugar el 21 de octubre de 2025 en el Auditorio Nacional de México, donde actuaron ante 10.000 personas, con todo vendido. Allí mismo se anunciaron los cinco nombres que hoy integran el grupo. “Todavía no estaba la banda al cien por ciento formada. Éramos los diez finalistas, el show final, el show debut”, explica el mexicano, que tiene 16 años y es el más joven del grupo. “Como mexicano, es uno de los venues más importantes de México, con más historia, y siempre fue uno de mis sueños hacer un performance o un show ahí”. El grupo no lleva ni 10 meses y ya acumula más de dos millones de seguidores en Instagram, misma cifra que oyentes en Spotify. “Ha sido una locura, ha sido un proceso muy lindo en donde en muy poco tiempo han pasado muchas cosas y estamos muy agradecidos por todas las oportunidades que se han dado”, añade Kenneth.

Un mix de culturas y personalidades

Pese a que su discografía apenas cuenta con un EP de ocho canciones, todos sus temas superan ampliamente el millón de escuchas. Su mayor éxito hasta la fecha es Velocidade, una canción en español y portugués que mezcla funk brasileño y ritmos latinos y que acumula más de 34 millones de reproducciones.

Pero la realidad es que Santos Bravos no se ciñe a un único género. “Somos cinco chicos de cinco países distintos, cinco culturas distintas, y siempre estamos intentando poner nuestra cultura y nuestras vivencias”, explica Kauê. De ahí que en sus canciones convivan “un poquito de reguetón, un poquito de funk brasileño” y también R&B. “Vamos a todos lados probando muchas cosas y mostrando al mundo que sí se puede hacer música latina de cinco formas diferentes”, añade. La mezcla también se traslada al idioma. Drew, de 25 años, canta tanto en inglés como en español, mientras que Kauê lo hace en portugués. “A veces estamos en el estudio jugando y empezamos a cantar en portugués, después en inglés y después en español”, cuenta Drew, que, en su lengua materna, bromea: “Me gusta cantar en español más que en inglés”.

Este mes de septiembre tienen sus energías puestas en Shakira. La cantante colombiana inaugura este viernes 18 el primer gran concierto de su residencia europea, que tendrá lugar en Madrid hasta el 11 de octubre en el espacio Iberdrola Music de Villaverde. Alrededor de 30 hectáreas albergan no solo el recinto de los conciertos, sino también todo un universo construido alrededor de la cultura latina, con música, gastronomía, moda, literatura y danza. El quinteto forma parte de ese despliegue durante el primer fin de semana. “Es una oportunidad única presentarnos en un show tan importante para Shakira”, explica Gabi, recordando que ya actuaron junto a ella el pasado febrero en México. “La admiramos muchísimo y estamos muy agradecidos por la oportunidad”.

La colombiana ha planteado su residencia como una celebración de la identidad latina. “Aquí ocurre algo que el mundo merece ver: la inmigración latina es celebrada. España la ha abrazado”, escribió la cantante hace unas semanas en una carta en exclusiva para El País. “Nosotros somos cinco chicos de cinco países latinos distintos. Es un honor poder estar representando a nuestros países en el festival con ella. Hacerlo en un lugar como España es una oportunidad muy grande para demostrar lo cool que es ser latino y lo orgullosos que estamos de serlo”, explica Alejandro. “Gabi va incluso un paso más allá: “Esta es nuestra oportunidad de enseñarle al mundo que en Latinoamérica todos somos uno. Es un mensaje que nosotros estamos tratando de transmitir”, finaliza.

Esa urgencia contrasta con las circunstancias que rodearon su gestación. A mediados de este año, se vio forzado a cancelar una gira europea por agotamiento físico y mental, un quiebre que desvió su energía de los escenarios de vuelta al estudio. El resultado es un disco que abandona la furia política de su predecesor, Talkin to the Trees (2025) -con sus referencias directas a Donald Trump y Elon Musk-, para instalarse en un territorio mucho más íntimo: la memoria, el amor conyugal y la certeza de la muerte.

Second Song es, en ese sentido, la segunda entrega de estudio junto a The Chrome Hearts, la banda que lo acompaña desde finales de 2024 y que, de varias maneras, parece haber revitalizado su energía para tocar. De alguna forma, el título del disco remite a una idea que atraviesa toda la obra de este viejo pero vital rocker: la de un artista que, en lugar de repetirse, vuelve a empezar.

La producción estuvo a cargo de Lou Adler -productor de larga data, responsable entre otros de Carole King, The Mamas and The Papas, Johnny Rivers entre otros-, en conjunto con The Volume Dealers, el seudónimo bajo el que operan el propio Young y su ingeniero Niko Bolas. Las sesiones se realizaron en los estudios Shangri-La, en Malibú, el mismo tramo de costa donde el músico compuso On the Beach en 1974, un dato que no es anecdótico: el disco dialoga de manera directa con esa etapa de introspección acústica. El tema es que han pasado más de 50 años...

Neil Young describió el proceso de grabación bajo el curioso concepto “Moon to Moon”: las canciones se compusieron de madrugada, las grabaciones comenzaron con la luna llena de marzo de 2026 y las mezclas se cerraron con la siguiente luna llena, en abril. Esa brevedad no fue casualidad, sino método. Adler definió su rol como el de un observador que buscaba “las grietas” en la música para intervenir solo cuando era necesario, una filosofía que encajó con la costumbre de Young de limitar la mayoría de las tomas a un máximo de tres por canción. La decisión más reveladora, sin embargo, fue técnica: el álbum se grabó en simultáneo en cinta analógica y en formato digital de alta resolución. No fue una cuestión de nostalgia sonora sino una toma de posición ética. En un ensayo publicado en el Neil Young Archives, sostuvo que el máster analógico es “profundo como la vida”, mientras calificó al archivo digital como “una copia falsificada de la más alta calidad”.

Siete canciones que dialogan entre dos edades del mismo hombre

Second Song reúne siete canciones y supera los 46 minutos. Cinco son composiciones nuevas y dos provienen de la adolescencia del músico, un recurso que funciona como columna conceptual de todo el disco: la sugerencia de que ciertas emociones —el anhelo, el amor, el asombro— no se transforman con la edad, solo cambian de vocabulario.

El álbum abre con “The Foggy Edge of Time”, un balance autobiográfico sobre las dislocaciones de su propia vida. Sobre un estribillo de piano en acordes menores, Young reflexiona sobre su salida del Rancho Broken Arrow y el final de su matrimonio con Pegi Young, en una postura lírica estoica que remite a clásicos como “Don’t Be Denied” (1973) o “Thrasher” (1979), canciones donde el artista defendió siempre el costo personal de seguir su instinto creativo. La inclusión de un solo de guitarra reproducido en reversa funciona como guiño a la experimentación psicodélica de los años sesenta, como si el disco anunciara desde su primer tema que va a mirar hacia atrás para entender el presente.

“Day After Day”, subtitulada “Melting on the Roof” en las ediciones físicas, es la primera declaración devocional hacia Daryl Hannah, la actriz esposa de Young desde 2018. Sus siete minutos de progresiones familiares y armonías vocales suaves remiten a la sencillez de “Helpless”, aunque aquí el amor no aparece como pasión ni como conflicto, sino como refugio. Esa misma devoción se profundiza en “Earth Girl”, la pista que más tomas exigió en el estudio —siete, frente a las tres habituales— por su estructura vocal doble, con dos melodías superpuestas que avanzan a velocidades distintas. Allí Young canta directamente: “Eres la luz de mi vida, como un río que fluye directamente a través de mi corazón”, una proclamación sin ambigüedad que confirma a Hannah como centro de gravedad de estos años.

El corazón del disco es la pista homónima, de más de once minutos, construida sobre instrumentación acústica simple y coros casi susurrados. Su letra funciona como el test de Rorschach: cuando Young canta “necesito hablar con alguien, alguien tan viejo como yo, que todavía recuerde algo de eso”, y describe “una manera de caminar lentamente a través de las hojas humeantes del tiempo”, la imagen puede leerse como comentario ambiental —los incendios forestales que han transformado los paisajes que el músico conoció de joven— o como metáfora pura del paso destructivo del tiempo sobre la memoria colectiva. El videoclip (ver al comienzo de esta nota), construido con grabaciones caseras filmadas en 1989 por el fallecido bajista Rick Rosas en el Rancho Broken Arrow, refuerza esa ambigüedad temporal: fantasmas visuales del pasado conviven con una meditación sonora del presente.

El giro más inesperado llega con “Casting Me Away From You”, un shuffle de country-rock optimista escrito y grabado originalmente en 1965, cuando Young tenía 19 años y lideraba The Squires en Canadá. Un dato musicológico ilumina su inclusión: la melodía vocal de esta canción adolescente fue reutilizada años después para construir “The Emperor of Wyoming”, el instrumental que abrió su debut solista en 1968. Su rescate no es relleno de archivo, sino evidencia de que sus instintos melódicos ya estaban completamente formados antes de llegar a Los Ángeles.

Si “Earth Girl” es la luz del álbum, “Soon I Might Be Going” es su oscuridad absoluta. Sus más de nueve minutos, pariente lejano de “Ambulance Blues” (1974), son la única aparición del sonido distorsionado de su guitarra Les Paul modificada, Old Black, con destellos de feedback dentro de un ciclo rítmico a la deriva. Líricamente es la pista más desnuda del disco: Young combina la contemplación de la muerte inminente —“te extraño como al mañana”— con una referencia directa a Trump (“el presidente estaba en la televisión y dice que todo es de oro, pero está derribando la vieja Casa Blanca”) y con el dolor privado del distanciamiento de su hija, Amber Jean. Es el único momento donde la introspección devocional del resto del álbum se quiebra para dejar entrar la desesperanza política y familiar.

El cierre, “I’ll Love You Forever”, proviene también del archivo: fue compuesta en 1964 para una novia de secundaria, Pam Smith, y grabada originalmente con The Squires en una versión que integró el Archives Vol. 1 de 2009. Al recontextualizarla seis décadas después, lo que fue un juramento adolescente se transforma en la voz de un hombre de 80 años en una declaración final de devoción matrimonial. La sencillez de la melodía actúa como bálsamo tras la intensidad de “Soon I Might Be Going” y cierra el disco con la misma lógica que lo abrió: la de un hombre que revisa su vida entera para confirmar que el amor y el anhelo permanecieron intactos, aunque todo lo demás haya cambiado.

Gustavo Dudamel saltaba arriba y abajo sobre el teclado gigante de FAO Schwarz durante su primer viaje a Nueva York, cuando tenía 14 años. Ha regresado tres décadas después con una orquesta mucho más numerosa, aunque con instrumentos algo más pequeños, a su disposición como director musical de la Filarmónica de Nueva York.

“Esta ciudad se caracteriza en gran medida por esa energía desbordante”, afirmó esta semana en su despacho del David Geffen Hall. Ahora, con 45 años, Dudamel asumió el cargo de director musical y artístico la semana pasada, tras 17 aclamadas temporadas al frente de la Filarmónica de Los Ángeles. Es el vigésimo séptimo hombre en dirigir la orquesta neoyorquina, siguiendo los pasos de figuras destacadas como Gustav Mahler, Willem Mengelberg, Bruno Walter, Leonard Bernstein y Pierre Boulez.

Formado en el programa de educación musical venezolano El Sistema, Dudamel era violinista de la Sinfónica Nacional Infantil de Venezuela cuando tocó en el Kennedy Center de Washington D. C. en octubre de 1995 y viajó con la orquesta en autobús para dar un concierto en las Naciones Unidas.

“Nos dijeron que íbamos a atravesar un túnel que pasa por debajo del río, y nosotros pensamos: “¿Qué?” Era como otro mundo”, comentó Dudamel. “Recuerdo que, antes de llegar al río, estaban las Torres Gemelas. Luego vi la Estatua de la Libertad, y después nos llevaron a la ONU. Y luego nos llevaron a la tienda de juguetes. Estábamos como en el paraíso”.

Un comienzo espectacular mezclando géneros

La agenda inicial de Dudamel es un torbellino. El concierto inaugural, celebrado el 10 de septiembre en el Radio City Music Hall, fue presentado por el actor Liev Schreiber y contó con la participación de Lizzo, St. Vincent, Joaquina y Aaron Tveit. La celebración continuó con una fiesta posterior en lo más alto de Manhattan, en el Rainbow Room. “Gustavo Dudamel no es una persona fácil de describir”, dijo Schreiber al público del concierto. “Imaginad que añadís una cucharadita de Billy Joel, una onza de Jean-Michel Basquiat, una taza de Tito Puente y una pizca de Barbra Streisand”.

Al día siguiente, Dudamel se desplazó al centro de la ciudad para ofrecer una actuación de Sounds of Remembrance en el centro de artes del World Trade Center con motivo del 25.º aniversario de los atentados terroristas del 11 de septiembre. “La música forma parte de manera tan profunda de momentos como este”, dijo Dudamel en voz baja. “La música no puede deshacer lo que ocurrió. Pero cuando las palabras ya no pueden llegar adonde necesitamos que lleguen, a veces la música sí puede. Puede dar voz al dolor”.

Los conciertos de abono comenzaron esta semana con la Quinta Sinfonía de Serguéi Prokófiev, que dirigió en su debut con la Filarmónica de Nueva York el 29 de noviembre de 2007. “No hay fronteras. Hay puentes”, afirmó Dudamel. “Una orquesta sinfónica también puede sumergirse en el pop, el folk o los musicales. Todos estamos en el mismo espacio. Creo que ese es el mensaje”.

Apenas un mes después de asumir el cargo, la orquesta emprende el 9 de octubre una gira europea de dos semanas con diez actuaciones, para luego regresar en noviembre al Carnegie Hall —su sede entre 1891 y 1962— para ofrecer conciertos de Tosca, de Puccini.

“Aporta una química y una pasión que son contagiosas”, afirmó Sherry Sylar, oboe principal adjunta desde 1984. “Cuando ensaya, se dirige a la orquesta como ‘mis queridos’. Empieza a hacerte una crítica constructiva, pero siempre lo hace utilizando esa forma de dirigirse a la orquesta. Nadie lo había hecho nunca antes. De alguna manera, cambia la forma en que aceptas las críticas o las sugerencias”.

Fama más allá de la música clásica

Aunque suele disponer de un coche con chófer, Dudamel también se pasea por Nueva York y coge el metro cuando hay mucho tráfico, y a veces le reconocen.

Con su mata de pelo negro azabache y sus trajes de director de orquesta de Giorgio Armani, Dudamel encarna a la perfección la imagen del director de orquesta del siglo XXI, hasta tal punto que el personaje de Gael García Bernal en la serie de televisión Mozart in the Jungle se inspiró en él.

Aun así, es algo tradicional: prefiere escuchar música en discos de vinilo y solía acudir a The Record Collector, en Melrose Avenue, en Los Ángeles, para ampliar su colección. Cree que su primer disco fue el de Daniel Barenboim dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Chicago en la obertura 1812 de Tchaikovsky.

“Me encanta el sonido de los LP”, dijo Dudamel. “Destruí algunos de ellos porque los paraba, ya que estaba ensayando dirigir. Mi padre se enfadó muchísimo”.

Dudamel también tiene una residencia en Madrid y aún no ha decidido si buscará un piso en el Upper West Side de Nueva York, cerca de la sede de la orquesta en el Lincoln Center, o en el barrio de Chelsea, en el centro de la ciudad. Se ha convertido en asiduo de algunos de los mejores restaurantes de la ciudad, entre los que destaca Cosme, Milos, Mercado Little Spain y Casa Ora, famoso por su cocina venezolana.

Los ingresos por venta de entradas para esta temporada han aumentado un 8% con respecto al mismo período del año pasado, y las entradas vendidas en septiembre han subido un 20% en comparación con 2025. Los ingresos por abonos ascienden a 12,4 millones de dólares, frente a los 11,3 millones anteriores.

Uno de los primeros cambios de Dudamel fue desplazar la sección de segundos violines de su izquierda a su derecha, frente a los primeros violines, y cambiar los contrabajos de su derecha a su izquierda —una formación que ya utilizaba en Los Ángeles—. Ha acercado toda la orquesta a la parte delantera del escenario del David Geffen Hall y ha agrupado sus asientos para que estén más juntos.

“Parece música de cámara a gran escala”, comentó la violinista Alina Ming Kobialka. “Es agradable tener a los metales cerca y no a 500 millas de distancia”.

Dudamel tiene un contrato de cinco años y pasará unas 15 semanas con la orquesta cada temporada. Comenzó su primer ensayo el Día del Trabajo, el 7 de septiembre, con un breve discurso dirigido a los músicos, algunos de los cuales tocaron en su debut con la Filarmónica de Nueva York.

Dudamel recordó que el entonces director musical, Lorin Maazel, tomó la inusual iniciativa de presentarlo personalmente en su primer ensayo, en 2007. Dudamel era consciente de la reputación que tenía la orquesta por aquel entonces como un conjunto difícil.

“Tenía mucho miedo”, recordó haber pensado. “Voy a estar temblando durante los primeros minutos. Pero al final resultó ser un viaje precioso y maravilloso”.

Fuente: AP

[Fotos: Europa Press; James Estrin/ The New York Times]

La actriz y cantante Dove Cameron —cuyo nombre de nacimiento es Chloe Celeste Hosterman— protagonizó junto a su prometido, el músico Damiano David, la portada de la revista Vogue para la edición internacional de octubre de 2026.

En la entrevista, la artista compartió detalles inéditos sobre la preparación de su esperado álbum debut, explicó la decisión de dejar de componer pensando en agradar al público e hizo un balance de su vida personal, preservando la intimidad de su vínculo afectivo lejos de la sobreexposición mediática.

El giro que marcó la carrera de Cameron no fue un contrato ni un premio: fue una pregunta que se hizo a sí misma. “Hubo un momento en que me asusté mucho por lo que decían los demás. Empecé a pensar menos en ‘¿qué quiero decir?’ y más en ‘¿le gustará a la gente?’”, reconoció ante Vogue.

La respuesta llegó cuando sustituyó esa pregunta por otra: “¿Qué escribiría si nadie fuera a escuchar esta canción nunca?”. El resultado es su nuevo álbum, que presentará este otoño y describe como “la música más personal que hice”, un trabajo “instintivo y emocionalmente sincero”.

El proceso de escritura fue, en parte, una recuperación de sus propias referencias. La colección de canciones, que la propia artista equipara a páginas de un diario, bebe de la música con la que creció. Su sencillo “When in Rome”, lanzado el 9 de septiembre, anticipó el álbum.

De “Liv and Maddie” a la música propia

La trayectoria de Cameron parte de la pantalla chica y los grandes estudios de animación. Se hizo conocida con la serie Liv y Maddie y la saga Descendientes de Disney, antes de emprender un camino musical que la alejó progresivamente de ese molde.

El sencillo “Boyfriend” superó los 1.000 millones de reproducciones en plataformas de streaming y obtuvo la certificación de platino. Con más de 64 millones de seguidores en distintas plataformas, también firmó en 2022 “Breakfast”, su primera canción abiertamente política, en respuesta a la anulación del fallo Roe v. Wade en Estados Unidos.

Nuevos proyectos y una historia familiar marcada por distintos mundos

El cine tampoco quedó al margen de esta etapa. Cameron acaba de completar el rodaje de Hot Year, una película independiente dirigida por Roxy Sorkin a la que decidió sumarse, según contó, “porque no podía dejar de pensar en el guion”. Durante ese mismo período, también fue elegida como imagen de una nueva fragancia femenina bajo la dirección creativa de Glenn Martens.

La historia de Cameron tiene raíces en una niñez atravesada por distintas culturas: pasó largas temporadas en India debido al trabajo de sus padres. Su madre es escritora y poeta, mientras que su padre, Philip Hosterman, ya fallecido, fue diseñador de joyas y pianista de formación clásica.

Un cine de barrio como refugio

Esa movilidad temprana la marcó. “Siempre me sentí cómoda sumergiéndome en una cultura diferente. Lo considero uno de los privilegios más emocionantes e interesantes que podría tener: entrar en mundos que no me son familiares y sentirme bienvenida”, declaró a Vogue.

Y agregó, con una lógica que aplica también a su carrera: “Si algo me asusta, suele ser la primera señal de que probablemente debería hacerlo”.

Lejos del perfil que podría esperarse de alguien con su visibilidad, el espacio donde Cameron dice encontrar alivio es un cine de barrio en Burbank, cerca del colegio secundario al que asistió cuando se mudó a Los Ángeles a los 14 años. “Cada vez que me siento abrumada, quiero desaparecer ahí adentro. Agarro una cantidad absurda de pochoclo y caramelos y me escondo en otro mundo por unas horas. El cine es una terapia para mí”, contó en la entrevista.

Esa misma capacidad de encontrar refugio en lo cotidiano define también la relación que construyó junto a David. La pareja confirmó su vínculo en 2024 y anunció el compromiso a comienzos de 2026. La propuesta no ocurrió en ningún escenario espectacular: fue en casa, con Cameron en camiseta oversize y el cabello húmedo.

Antes de pedirle matrimonio, David le explicó que sus vidas ya estaban llenas de momentos extraordinarios, y que el amor había tomado para ellos otro significado: hacer mandados juntos, cocinar, envejecer.

“En internet la gente solo ve los momentos importantes. Acabo de estar en Malta recibiendo un premio y, claro, esas fotos siguen circulando. Pero entre medio hubo dos meses en los que nos dedicamos a hacer las compras, cocinar y entender cómo funcionaba nuestro nuevo extractor”, dijo Cameron a Vogue.

La vida entre Roma y Los Ángeles

Pese a compartir una vida entre Roma y Los Ángeles, cada uno preserva su propio territorio artístico. No trabajan juntos en el estudio, aunque el intercambio entre ellos es constante. “No colaboramos de verdad. Solo queremos crear el uno al lado del otro”, explicó Cameron. David coincidió y lo sintetizó: “Somos amigos, profundamente”.

Desde el olor de los puestos de arepas hasta el pabellón de la literatura dedicado a Gabriel García Márquez -amigo de la artista desde que la entrevistara en los 90 hasta su muerte en 2014-, Macondo Park es todo un ensalzamiento y una celebración de lo latino. Su propio nombre lo coge prestado del pueblo ficticio en el que se desarrolla Cien años de soledad, pese a que si hay algo que escasea en este lugar, es la soledad.

Miles de fans de todo el mundo han abarrotado Villaverde para escuchar los grandes éxitos de Shakira y siguiendo una estética de lo más variopinta: sombreros de cowboy, faldas con monedas que resuenan al mover las caderas, cosplay de los videoclips más míticos o camisetas con letreros que aseguran que las mujeres ya no lloran.

La admiración por la cantante colombiana empieza, para muchos, en un momento anterior a los recuerdos. Y quizá es esto lo que más acerca a Shakira al realismo mágico. No saben desde cuándo la escuchan porque lleva más de 30 años en lo más alto, con clásicos como Ciega, sordomuda o hits más recientes como Te felicito. Sea como fuere, pocos pueden decir cuál es la primera canción que les viene a la memoria haber escuchado de Shakira porque no lo recuerda, al igual que nadie recuerda la primera vez que se vio el ombligo: está ahí desde siempre.

Una manada de lobas con tres generaciones

La manada de Shakira, como le gusta llamar a sus fans, brilla por su heterogeneidad. Imposible definir un perfil. Niños de todas las edades, abuelas, grupos de amigas en su treintena, matrimonios que habrán celebrado ya las bodas de plata. Los de la generación Z que graban TikToks, los millenials que hacen el signo de la V con las manos para posar en las fotos, los boomers que graban con el teléfono torcido... Los de Copa Vacía, los del Waka Waka y los de Ojos Así. Tres generaciones a las que la de Barranquilla ha sabido seducir adaptándose a cada tiempo.

Sin embargo, la ilusión por ver a la colombiana, que vuelve a actuar en España por primera vez en ocho años, no camufla completamente lo caótico del recinto, que ocupa en torno a las 30 hectáreas y que es ya el mayor escenario creado hasta la fecha en Europa. De hecho, cuando empieza el show, todavía son cientos quienes no han ocupado sus asientos.

El tímido aullido de Madrid

Con una noche de luna creciente, Shakira ha conseguido hacer aullar a las 55.000 personas que han acudido al primero de los doce conciertos que ofrecerá en la capital. No sin una cierta reticencia inicial fruto de la vergüenza, Madrid ha aullado esta noche en varias ocasiones ante la petición de la loba alfa, consciente esta última de que tenía a toda una manada entregada a ella. Parece difícil negarse a la que enseñó que las caderas no mentían, a la reina del pop latino que se acurruca en su trono ante el abrigo de decenas de miles de gargantas.

Un show que ha ido de menos a más y que, no obstante, no ha terminado de eclosionar en algo especialmente rompedor. Ningún artista invitado ha acudido de sorpresa, aunque tampoco parecía que al público le importara demasiado, menos aún cuando en la canción final (aquella con el productor argentino Bizarrap colmada de indirectas a Gerard Piqué y Clara Chía) una lluvia de billetes inundó el escenario. Sobra decir que, aunque estos eran falsos, los de verdad se podían ver invertidos en todos y cada uno de los rincones del recinto.

“Despiértame cuando pase el temblor”. A finales de 1985, la canción de un entonces desconocido trío de rock argentino comenzaba a volverse un mito en una Ciudad de México en ruinas.

El 19 de septiembre de ese año, un sismo de una magnitud de 8.1 destrozó la capital. Miles de personas perecieron bajo los escombros.

En medio de la zozobra y la incertidumbre, el sencillo del segundo álbum de estudio de Soda Stereo fue adoptado como un himno de resiliencia y esperanza luego del devastador evento.

“Sé que te encontraré en esas ruinas. Ya no tendremos que hablar del temblor”, adquirió un sentido diferente en el país.

Las estaciones de radio se negaban a programar “Cuando pase el temblor”

Sabo Romo, bajista de Caifanes, recuerda esa época. Durante la primera década de los 2000, VH1 incluyó “Cuando pase el temblor” entre las 100 mejores canciones de los años 80 en español.

Al rememorar su impacto, el músico destacó la conexión que los jóvenes tuvieron a pesar de la poca difusión: “En la radio mucha gente no la quería tocar y se genera un mito callejero, una cosa urbana-callejera alrededor de esta rola”.

Elías Cervantes, miembro del grupo pop Magneto, subrayó que la canción fue tan masiva que incluso quienes escuchaban otros géneros musicales se sentían identificados. “En esa época, a Soda Stereo lo sentíamos como nuestro”.

¿De qué habla “Cuando pase el temblor”?

Para el exdirector de Rolling Stone México, Benjamín Salcedo, los acordes y la letra inevitablemente evocaban al fatídico día: “Inmediatamente recordabas esa mañana de septiembre a las 7 de la mañana cuando verdaderamente tembló”.

No obstante, la canción no hablaba de un evento natural, sino de una experiencia vivida por Gustavo Cerati en su adolescencia.

“‘Cuando pase el temblor’ fue una de las primeras canciones que salieron, sobre una idea que yo ya tenía, inspirada en paisajes que conocía de chico, del noroeste argentino”, contó en una ocasión sobre cómo surgió la canción.

Aunque la letra hablaba de una experiencia personal, Cerati no era ajeno a la intensa realidad que acontecía en México.

“Al mismo tiempo, no hacía mucho que había ocurrido un terremoto terrible en México. Me impactaba mucho esa noticia y la relacioné con algo totalmente emocional”.

El videoclip de “Cuando pase el temblor”, filmado en Pucará de Tilcara, en la provincia de Jujuy, se incluyó en la programación de espacios musicales en la televisión, lo que permitió que Soda Stereo se convirtiera en un fenómeno internacional.

El éxito de Soda Stereo en México

Si bien “Cuando pase el temblor” puso en el mapa a Soda Stereo en México, su éxito explotó hasta mediados de 1987. Luego de ofrecer conciertos en distintos países de Sudamérica, la agrupación financió una gira por México.

El 4 de agosto de 1987, Soda Stereo se presentó en la discoteca Magic Circus. Entre el público había jóvenes que años más tarde, inspirados por la calidad de sus temas, formaron agrupaciones que definieron la época más madura del rock mexicano.

Curiosamente, existe una versión en inglés poco conocida de este tema. “When the Shaking Is Past” fue grabada en 1986, al igual que “Juego de seducción” (“Game of Seduction”).

Nunca quedó claro cómo surgió el proyecto, pero se dijo que, durante un viaje a Europa, Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti entablaron una buena relación con el DJ inglés Eddie Simmons, quien los llevó a su programa de radio e insistió en la idea.

Los manuscritos de Cerati

En marzo de 2022, la cuenta oficial de Instagram de Gustavo Cerati compartió un manuscrito de “El temblor”, como inicialmente tituló la canción.

De acuerdo con críticos, el impacto del sencillo no fue fortuito. Nada personal, segundo disco de Soda Stereo, marcó una evolución con respecto a su debut.

Gustavo Cerati, Zeta Bosio y Charly Alberti tomaron distancia de las canciones alegres y bailables de su álbum homónimo para escribir letras profundas y diseñar un sonido más prolijo.

Esta evolución artística no solo establecería una conexión con México, sino que también se volvería un sello en la discografía del trío argentino.

“Te voy a dejar este facto, como dicen ahora”, comenzó diciendo el cantante en el programa de streaming Somos Lovest antes de describir situaciones que, según relató, atraviesa al intentar comunicarse con músicos jóvenes. Así, el músico contó que envía mensajes por WhatsApp a artistas de entre 16 y 25 años y que, en ocasiones, debe esperar cerca de un mes para recibir una respuesta.

Para el intérprete, esa actitud contrasta con la que ha encontrado en figuras consagradas. “Ahí digo, ‘loco, aprendé de los grandes’”, sostuvo antes de mencionar a Joan Manuel Serrat.

Axel recordó que su madre, fanática del cantautor español, atravesaba una internación por una enfermedad. En ese contexto, Serrat le mandó un video de un minuto en el que la saludaba y le proponía asistir a una de sus giras por España junto a su hijo una vez que se recuperara.

“La gente grande es grande en todos los sentidos”, afirmó Axel al evocar ese gesto. Luego, como si fuera poco, volvió a referirse a los artistas jóvenes que, según señaló, ganan notoriedad a partir de redes sociales o de canciones con una circulación breve, pero no responden cuando se les pide grabar un saludo para un fan. “Ahora salen de las redes y creen que son famosos por dos canciones que sonaron un poquitito y le pedís un saludo, por ahí mi hija es fanática, si me mandan un video, y ni te hablan”.

El cantante aclaró que no busca generalizar, aunque consideró que ese comportamiento se repite en muchos casos. También puso en duda que esas figuras puedan sostener su reconocimiento con el paso de los años si mantienen esa distancia con el público y con otros colegas.

Ante esta situación, el conductor Chino Delgado comentó: “Vos sabés lo que es pelearla para hacer un hit, hoy un hit sale en dos horas y lo escuchan en todo el mundo. Se viralizan sin que conozcan el tema”.

Después, Axel vinculó esa falta de cercanía con la presión que enfrentan músicos jóvenes para obtener resultados inmediatos. “La generación de hoy también, no todos, no quiero generalizar, pero muchísimos tienen tanta presión y componen para la inmediatez”, expresó.

Según su planteo, la exigencia de alcanzar cifras altas en pocos días lleva a que algunas canciones se piensen para una reacción rápida y no para una permanencia prolongada. Frente a esa lógica, el artista defendió el valor de construir un repertorio que siga convocando público más allá de los lanzamientos recientes. “Hay muchos que tienen tanta presión y componen para la inmediatez. Entonces les dicen, ‘necesito el número de este viernes, de este sábado, de este miércoles’. Y a mí me dicen a veces, ‘Axel, ¿cómo hacés vos para seguir girando si no metés un hit hace diez años?’”.

Al referirse a quienes le preguntan cómo continúa realizando giras sin haber tenido un hit en los últimos diez años, Axel respondió que su carrera se apoya en composiciones que permanecieron vigentes. “Yo compuse canciones para la eternidad”, aseguró.

En el cierre de su reflexión, sostuvo que un artista muere tres veces: con la desaparición física, cuando ya no queda nadie que lo recuerde y cuando su obra deja de ser escuchada. Por eso, dejó un mensaje para los músicos que empiezan: “Compongan para siempre, no para lo inmediato, porque si no mañana no existís más”.

Rockstar Games anunció Grand Theft Auto VI: The Album, la banda sonora oficial de GTA 6 compuesta por 34 canciones inéditas con la participación de artistas como Travis Scott, Keith Richards, de la banda The Rolling Stones, Rauw Alejandro y el dúo argentino Ca7riel y Paco Amoroso. El disco se lanzará el 20 de noviembre de 2026, un día después del estreno del videojuego en PlayStation 5 y Xbox Series X/S.

El anuncio se produce en el tramo final de la promoción de GTA 6, cuyo argumento se desarrolla en Leonida, una región ficticia que incluye una nueva versión de Vice City. El juego seguirá a Jason y Lucía, una pareja involucrada en asaltos y otras actividades criminales, y permitirá al jugador controlar a ambos personajes y alternar entre ellos en determinados momentos.

El videojuego no incluirá disco físico, pero sí su banda sonora

A diferencia del álbum, GTA 6 no tendrá una versión física real: los compradores solo recibirán un código de descarga dentro de la caja. Rockstar decidió, sin embargo, lanzar de manera independiente la banda sonora en formato físico, en una producción que la compañía realizó junto con Atlantic Records.

La música ha sido un componente central de la franquicia desde sus primeras entregas, principalmente a través de sus emisoras de radio ficticias, que combinan canciones, programas, anuncios y comentarios satíricos. Rockstar señaló que las 34 composiciones de The Album buscan reflejar la energía de Leonida y Vice City, los dos escenarios centrales de la campaña.

Seis canciones ya están disponibles para escuchar

Rockstar publicó seis sencillos que adelantan parte del repertorio del álbum y que ya pueden escucharse en plataformas como YouTube y Spotify. Las canciones disponibles son las siguientes:

• Yung Lean - That’s It, con Future y Metro Boomin
• Travis Scott - Rhyno, producida por Guy-Manuel de Homem-Christo
• Ca7riel & Paco Amoroso, PinkPantheress, Fred again.. y Etienne de Crécy - Sexy Magic
• Morgan Wallen - Last Thing You Need
• Rauw Alejandro - Macacoa 2000
• Keith Richards - Bright Lights, Big City

La selección reúne géneros y artistas de procedencias distintas, una fórmula ligada a la identidad sonora de la saga Grand Theft Auto. Un vistazo extendido a GTA 6 presentado con anterioridad ya había mostrado una selección musical con clásicos como Against All Odds (Take a Look at Me Now), de Phil Collins.

Tres ediciones físicas con precios diferenciados

Grand Theft Auto VI: The Album ya puede reservarse en tres versiones a través de la web oficial de Rockstar, con las canciones divididas en dos discos:

• CD: 19,98 dólares (16,99 euros)
• Vinilo: 49,98 dólares (51,99 euros), con diseños traslúcidos de color magenta con manchas azules
• Vinilo edición limitada: 124,98 dólares (123,99 euros), con discos traslúcidos rellenos de fluido azul y artes exclusivos

Además de estas versiones, habrá vinilos de colores con diseños propios distribuidos en distintas cadenas y comercios independientes. Las ediciones físicas estarán disponibles en Blood Records, Best Buy, Walmart, Amazon, Barnes & Noble, Target, Urban Outfitters y tiendas independientes.

Rockstar prepara novedades sobre el sistema de radio del juego

La compañía adelantó que en las próximas semanas dará más detalles sobre la música de GTA 6, entre ellos información sobre una banda sonora interactiva y sobre la siguiente evolución del sistema de radio dentro del videojuego. Ese sistema volverá a convivir con un mundo abierto que incluirá referencias a redes sociales, publicidad, televisión y la cultura de Florida.

El título también incorporará carreras, combates, ejercicio y decisiones relacionadas con la alimentación de los protagonistas, factores que influirán en su aspecto físico y su nivel de cansancio. GTA 6 llegará más de una década después del lanzamiento de la anterior entrega principal de la franquicia.

Elis Regina, Gal Costa y María Bethania no están solas. Esa célebre tríada vocal femenina de Brasil marcó un camino que recorrieron y siguen recorriendo mujeres de ese país que dejan una impronta indeleble en la música de todo el mundo. Y varias de ellas forman parte del desembarco de músicos brasileños a Buenos Aires que comenzó en marzo y se extenderá hasta fines de año.

Hasta ahora, en 2026 pasaron por los escenarios porteños Adriana Calcanhotto, Mart’nália, Paula Morelenbaum y Ana Frango Eletrico, y se vienen Ana Carolina (2 de octubre), Roberta Campos (15 de octubre) y Teresa Cristina (5 de noviembre). Pero desde el sábado, además, se sumarán voces no tan conocidas en nuestro país en otra edición del ciclo Suena Primavera-Cantoras de Brasil, que incluiye shows de Verônica Ferriani, Monique Kessous, Duda Brack, Assucena y Bruna Caram en el Cultural Thames (Thames 1426, CABA).

El primer concierto será este sábado 19 y estará a cargo de Verônica Ferriani, quien volverá a Buenos Aires para presentar Canta Nara Leão y otras bossas, un show basado en las canciones de una de las pioneras de la bossa nova, que en su país alterna con un homenaje a otra leyenda de la música brasileña como Cartola.

“Soy producto de la MPB (Música Popular Brasileña), pero hoy en día el acrónimo está abierto al debate”, afirmó al sitio Ritmo Melodía esta cantante oriunda de Ribeirão Preto, en el estado de San Pablo, que inició su carrera en 2004 tras recibir una invitación del compositor Chico Saraiva para sumarse a una gira, punto de partida que derivó en una carrera que ya lleva 10 discos y en una actividad que combina la composición, la interpretación, la investigación musical y la creación de contenidos.

Ferriani admitió que en Brasil tiene mucha competencia artística, pero remarcó: “La emoción sigue siendo mi mayor fortaleza. En cada espectáculo que realizo, intento elevar al público, alejarlo de sus problemas y transportarlo a su interior. También disfruto contando historias y haciendo observaciones críticas que no escucharían si no estuvieran presentes en el espectáculo”.

Luego, el 17 de octubre, el ciclo Suena Primavera-Cantoras de Brasil presentará el debut de Monique Kessous con su concierto Jobim100, en el que se anticipará a la celebración, el próximo 27 de enero, de los 100 años del nacimiento de Antonio Carlos Jobim, un emblema internacional de la música brasileña.

Nacida en Río de Janeiro, esta cantautora es otra de las nuevas figuras de la escena brasileña sobre la base de temas propios en los que se aferra a su consigna declarada de “mi mensaje es de libertad”, como lo demostró en su álbum Dentro de Mim Cabe um Mundo, de 2016, en el que Ney Matogrosso canta con ella la canción “Meu Papo É Reto”, que compuso con Chico César.

Kessous compartió escenarios con otras celebridades brasileñas como Raimundo Fagner, Elba Ramalho y Paulinho Moska participó en importantes festivales como telonera de Seu Jorge, Ana Carolina y Jorge Ben, siempre con sus canciones en las que está presente el respeto a la diversidad, la ruptura de estereotipos y la tolerancia.

A continuación, el 31 de octubre, será el turno de Duda Brack, que presentará Voz y soledad, un espectáculo el que esta joven cantante de Porto Alegre, también con experiencia como actriz, presentada como “una de las artistas más provocativas de la nueva generación de cantantes de la MPB”, con un sesgo de pop indie.

Al hablar sobre qué la música que está escuchando y que influye en sus composición, admitió al sitio especializado Ruido Sucio que su “escucha se puso muy diversa” y detalló: “¡Voy de Paco De Lucia a Timbalada en el mismo día! Y todo eso me atraviesa. No hay algo especifico que me sugiera componer una canción. La inspiración es como un soplo de vida que te da un golpe fatal".

Aunque reconoce su acercamiento a distintos géneros, en una entrevista con Sofía Durand Fernández negó cualquier encasillamiento: “Yo sólo soy la Brack, sin ninguna intención de ser la nueva vaca sagrada de la MPB, la nueva estrella del rock o la nueva diva pop. No me interesa ninguno de esos lugares: quiero ser Duda Brack haciendo música que me toca. Mi lengua es la música y la música es una ronda. Hoy, con el mercado capitalista, los algoritmos y la individualidad, nos olvidamos de que la música es una ronda ancestral y un idioma universal. Puedes no entender las palabras, pero las sentís”.

El ciclo Suena Primavera-Cantoras de Brasil continuará el 13 de noviembre con Assucena, quien presentará su show Canta Gal Costa, dedicado a la gran cantante bahiana, que marcará el debut en la Argentina de esta cantautora que dejó la carrera de Historia para dedicarse a la música, como parte de un proceso de reinvención que terminó con nominaciones a los Grammy Latinos en 2019 y 2020 y la convirtió en una de las primeras cantantes trans en ser postulada para este premio.

Nacida en Vitória da Conquista, Bahía, ganó el Premio de la Música Brasileña dos veces en 2018, junto al mismo trío con el que comenzó a cantar, como destacó el periodista Renato Coelho, y en 2021 comenzó una carrera solista con un espectáculo en celebración del 50° aniversario del álbum Fatal, de Gal Costa, artista a la que volvió a homenajear dos años más tarde con su espectáculo Rio and I Can Cry Too, en Río de Janeiro.

Assucena reconoce la influencia de las estrellas del MPB, pero algún momento, según le dijo al sitio UNESP, “hay que dejarlos de lado para sentirnos más ligeros, para poder respirar y aportar algo nuevo; en ese sentido, mi trabajo implica valentía, audacia, originalidad y respeto por la historia y la tradición de la música brasileña”.

Por último, este ciclo de artistas brasileñas cerrará el 26 de noviembre con un show de Bruna Caram para celebrar sus 20 años de carrera, que es conocida en su país por sus múltiples facetas de cantante, compositora, multiinstrumentista, poeta, actriz y profesora de canto, además de activista en la campaña internacional Ninguém Mexe Comigo (Nadie se mete conmigo), que combate el abuso sexual infantil y adolescente.

Oriunda de Avaré, San Pablo, esta artista creció rodeada de músicos (su padre, su abuelo paterno y sus tíos, entre quienes está Ana Caram, conocida cantante de MPB y bossa nova) y apenas a los 9 años se integró a Trovadores Mirins, un grupo paulista de serenatas, punto de partida de una trayectoria que se destacó en 2006 con su primer álbum solista, Essa Menina, pero incluyó otras disciplinas artísticas: “Lo que siempre ha caracterizado mi carrera es su carácter multidisciplinario -dijo al sitio sitio Ritmo Melodía-, es decir, la conexión entre mi música y mi formación teatral, dancística y literaria, pero no es algo artificial, sino la esencia misma de mi trabajo”.

Por eso pudo destacarse como actriz en Dois Irmãos, miniserie de Globo en 2017, como escritora de dos libros de poesía y con un proyecto ambicioso que dio lugar a su último disco, Afeto e Luta: Bruna Caram canta Gonzaguinha, dedicado al famoso cantante y compositor brasileño. “Explorar otras formas de arte me ha encaminado hacia una vida más feliz -reconoció al periodista Marcos Paulino-. Hoy, actuar me llena tanto como estudiar acordeón en casa, interpretar un papel en TV o escribir. Me costó un tiempo comprender qué tipo de artista era. Me esforcé mucho por ser la mejor cantante posible, hasta que comprendí que en realidad no lo era. Soy una artista un poco excéntrica y muy feliz”.

Cuando Jorge Ruiz, de 33 años, aterrice en Madrid desde Chicago el próximo mes de octubre, habrá recorrido más de 6.700 kilómetros y se habrá dejado, como mínimo, 1.500 dólares, 1.300 euros al cambio. Pero merecerá la pena: será la octava vez que vea a Shakira en directo y la quinta durante Las Mujeres Ya No Lloran World Tour. Ha escogido, además, una fecha especial: el 11 de ese mismo mes, última noche de la residencia madrileña y cierre de una gira que comenzó en febrero de 2025 en Río de Janeiro. “Shakira para mí lo es todo. Arte, diversión, cura para el corazón, ritmo y locura. Llevo 20 años siendo fan, pero 30 años escuchándola. Básicamente, desde pañales”, explica.

Jorge solo es uno de los miles de extranjeros que se moverán desde todas partes del mundo para ver a la cantante colombiana, que este viernes arranca su ambiciosa residencia europea en Madrid. Durante 12 noches desde este 18 de septiembre, el estadio Shakira —ubicado en el espacio Iberdrola Music de Villaverde— acogerá a unas 600.000 personas en la que será “la mayor residencia de un artista en la historia de Europa”, como se ha referido la de Barranquilla.

Sobre el papel, el 81% del público será español, según los datos facilitados este miércoles por Live Nation a Europa Press. Pero el mapa de la residencia también tendrá acento internacional: un 3% de los asistentes llegará desde Francia; alrededor de un 2%, desde Alemania y Reino Unido; y otro 1%, desde Italia. En total, el 19% de las entradas está en manos de público extranjero, una cifra nada desdeñable para un espectáculo que espera reunir a unas 55.000 personas cada noche. Esto sin tener en cuenta el porcentaje de presencia latina, que Pino Sagliocco, presidente de Live Nation, eleva hasta casi un 90%: “El porcentaje de extranjeros, por encima de todo, diría que casi un 90% porque España es latina”, dijo este miércoles ante los medios.

El 19% de las entradas son de público extranjero

Esta será la sexta vez de Jorge, pero la primera de Olimpia Carlos. Esta mexicana de 27 años reside en Dublín y viajará casi que con lo puesto: aterrizará en Madrid el próximo fin de semana, el 26 de septiembre, irá al concierto del día siguiente y el 28 volverá a hacer las maletas para emprender otro viaje. No es su primera vez en Madrid y, para un viaje ‘exprés’ como este, lo agradece. “Voy mucho más tranquila porque realmente el motivo principal del viaje es ir a verla a ella”.

Si tiene tanta ilusión por verla es porque “literalmente crecí con Shakira”. “Mi mamá era fan desde sus inicios y ponía muchísimo su música durante toda mi infancia. Para mí, verla ahora tiene un punto súper nostálgico. Siento que Shakira es de esas artistas trascendentales que nunca pasan de moda”.

Una sensación parecida tiene Silvia, peruana de 34 años que vive en Barcelona. En su caso, eso sí, no tendrá que cruzar medio continente. Como Olimpia, viajará a Madrid para el segundo fin de semana de conciertos y solo entre las entradas para el espectáculo y el tren ya se ha gastado unos 440 euros. A esta cifra hay que sumarle los 50 euros que se ha gastado en ropa y complementos para su outfit.

Silvia nació en 1991 y sus primeros recuerdos de la cantante están ligados a una vecina, unos diez años mayor que ella, que ponía sus canciones “a todo volumen”. Después llegaron los casetes y sus letras aprendidas de memoria. Más de tres décadas después, por fin podrá escucharlas frente a ella. “Es muy difícil explicar esta sensación de poder verla por primera vez a mis 34 años. Es como regresar en el tiempo y verla por fin. Va a ser un sueño hecho realidad”.

Algo similar le ocurre a Taibteh, venezolana de 32 años que vive en Don Benito, Badajoz, que también ha escogido el cierre de la residencia para ver a la cantante por primera vez. “Todavía me cuesta creer que por fin voy a verla en directo”, reconoce. Shakira forma parte de su vida desde que era pequeña y sus canciones, cuenta, han ido acompañándola según ha ido creciendo. “Llevo siendo fan prácticamente desde sus comienzos y verla ahora en directo después de tantos años es algo muy especial para mí”.

Pese a que su “debilidad” está en el cuarto disco de la cantante, ¿Dónde están los ladrones? (1998), su primer álbum en vivo, grabado en Nueva York, MTV Unplugged (2000) y Laundry Service (2001), su quinto lp y el primero grabado en inglés. “Ha sabido reinventarse sin perder su esencia. Ha evolucionado con la música y con el paso de los años, pero siempre ha mantenido esa forma tan particular de escribir, bailar y transmitir emociones”, sentencia.

Con esto coinciden los expertos. Para Juan Carlos Gomi, periodista especializado en música y autor de Latinas. El nuevo poder musical (Sílex, 2026), una de las claves de la longevidad de Shakira está precisamente en su evolución musical. “Los artistas con tanta carrera no pueden hacer siempre lo mismo. Ella, en cambio, ha cambiado”, explica a Infobae para este artículo.

Por su parte, Pablito Wilson, periodista musical y autor de Reggaetón: Una revolución latina’ (Liburuak, 2022), apunta que “Shakira es la única artista que tiene vigencia contemporánea, peso histórico y que es reconocida en cada rincón del planeta”. Javier Lorbada, que entrevistó a Shakira en 2005, asegura que la clave, junto con la anterior, es su capacidad de fidelización. “Tiene seguidores fieles desde el 96, mientras se van incorporando otros sin que sus cifras se resientan nunca”, apunta. “Es dificilísimo que una mujer de 49 años hoy cautive a niños de cinco, pero pasa”, coincide Wilson.

Como explica Lorbada, lo que ocurre alrededor de la colombiana trasciende sus canciones: “Shakira en España es mucho más que un fenómeno musical, es todo un fenómeno social”. Y desde este viernes hasta el 11 de octubre así será.

Interpol confirma tres conciertos en México para marzo de 2027, con presentaciones en Guadalajara, Ciudad de México y Monterrey como parte de la gira de su nuevo álbum This Mirror Weighs a Ton.

El anuncio se realizó la tarde del 17 de septiembre durante un evento sorpresa con seguidores de la banda.

¿Cuándo son los conciertos de Interpol en México en el 2027?

La banda estadounidense tocará el 2 de marzo en Arena Guadalajara. La segunda fecha será el 6 de marzo en el Estadio Ciudad de los Deportes, en Ciudad de México, y la tercera el 9 de marzo en Arena Monterrey.

En la fecha capitalina, Interpol compartirá escenario con Queens of the Stone Age como invitado especial. Diferentes reportes indican también la participación de The Black Angels dentro del cartel.

Cuántos boletos habrá disponibles para el concierto de Interpol

El recinto que albergará la fecha de Ciudad de México es el Estadio Ciudad de los Deportes, que cuenta con 92 palcos y una capacidad de 36,681 personas, aunque esta cifra puede variar según la planeación del evento.

Para la fecha de Guadalajara, los boletos estarán disponibles a través de Superboletos, en taquillas de la Arena Guadalajara y en tiendas Palacio de Hierro, Innovasport y Mr. CD.

Cuándo inicia la preventa de los boletos para Interpol en México 2027

El calendario de venta de boletos inicia con una preventa exclusiva para tarjetahabientes de Banco Azteca los días 22 y 23 de septiembre, a las 10:00 horas, para quienes paguen con tarjeta de débito o crédito.

La preventa de artista y SuperFan, junto con la preventa de Venue, se realizará el 24 de septiembre a las 10:00 horas. Ese día se enviará un código exclusivo a los miembros registrados en la comunidad oficial The Big House.

La venta general para las tres ciudades abre el 25 de septiembre a las 10:00 horas a través de Superboletos. Hasta el momento no se han dado a conocer precios oficiales de los boletos.

Interpol ya se presentó en México este año

El regreso de la banda a México llega meses después de su participación en el Tecate Pa’l Norte, en Monterrey, el 27 de marzo pasado. El grupo también tiene programada una fecha el 24 de octubre en el Tecate Península 2026, en Baja California.

El nuevo álbum de la banda, This Mirror Weighs a Ton, marca el eje de esta etapa de la gira. Las tres fechas mexicanas de marzo de 2027 se suman a un historial de presentaciones consecutivas del grupo en el país.

El debut de Interpol en México fue en 2005

La banda se presentó por primera vez en México el 5 de septiembre de 2005, en el Salón Mexica del World Trade Center (WTC), en Ciudad de México. El recinto resultó pequeño para la demanda de público, así que una segunda fecha se trasladó al Palacio de los Deportes el 22 de septiembre de ese año.

Después de su paso por la capital, Interpol continuó su debut mexicano con una presentación en el Foro Alterno de Zapopan, Jalisco.

¿Cuántas veces se ha presentado Interpol en México?

Un reporte de abril de 2024 ubicó en 23 el total de visitas a México, contando la fecha de esa gira como la número 23, lo que arroja 22 ocasiones previas. Otro reporte más reciente sitúa el total en 23 veces, incluyendo el concierto gratuito en el Zócalo capitalino.

Un conteo detallado que incluye festivales como Tecate Coordenada y Live Out, así como presentaciones en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, eleva la cifra a 27 veces. Interpol ha visitado México con más frecuencia que países como Japón o Brasil.

El show en el Zócalo reunió a más de 160,000 personas

El 24 de septiembre de 2024, la banda ofreció un concierto gratuito en el Zócalo de Ciudad de México que convocó a más de 160,000 personas, en lo que pudo ser el show más grande en la historia del grupo. Ese concierto dejó una derrama económica de 950 millones de pesos, según la Secretaría de Desarrollo Económico (Sedeco).

Entre sus visitas también figuran presentaciones en festivales como Corona Capital y Vive Latino, además de una fecha en 2017 en el Pepsi Center WTC para celebrar los 15 años de su álbum debut Turn on the Bright Lights. La banda también llenó el entonces Foro Sol en 2022, con Mac DeMarco y The War on Drugs como invitados.

Más de un año después del estreno mundial de ‘Las guerreras K-pop’ el 20 de junio de 2025 en Netflix, la banda sonora de la película continúa entre las más reproducidas en Spotify.

Top 5 de las canciones más populares de ‘Las guerreras K-pop’

Este es el ranking de sus cinco temas más populares:

1. Golden (HUNTR/X): himno principal de la película. Pista pop inspiracional centrada en el empoderamiento personal, que aborda dejar de esconderse, romper con patrones del pasado y abrazar la identidad propia. Dentro del universo transmedia, el tema llevó al grupo ficticio a ganar un premio Grammy en 2026, la primera vez que una canción de K-pop surgida de una película obtiene este galardón.

2. Soda Pop (Saja Boys): tema pop pegadizo y enérgico. En la superficie, la letra compara la atracción y la fama con una bebida adictiva, mientras su ritmo hipnótico encubre las intenciones demoníacas del grupo rival bajo una fachada inofensiva.

3. Your Idol (Saja Boys): actuación climática del grupo antagonista. Musicalmente se presenta como un éxito sobre la devoción y la relación obsesiva entre ídolos de K-pop y sus seguidores, aunque en la trama funciona como un ritual oscuro para capturar las almas de los fans y convocar al rey demonio.

4. How It’s Done (HUNTR/X): tema con fuerte presencia de rap que sirve como carta de presentación del grupo. La letra combina la vida de las protagonistas como estrellas con su faceta secreta de cazadoras de demonios, en tono de demostración de poder y superioridad en batalla.

5. What It Sounds Like (HUNTR/X): tema final de la película. Balada pop centrada en la aceptación de las propias heridas y en encontrar belleza en las “piezas rotas” de uno mismo, con un mensaje sobre revelar la voz interior real y dejar atrás las fachadas.

Récords históricos en Billboard

Más allá del ranking en Spotify, la banda sonora de ‘Las guerreras K-pop’ encabezó el Billboard 200 y acumuló miles de millones de reproducciones en todo el mundo. La producción se convirtió en la primera banda sonora de una película en lograr cuatro canciones simultáneas en el Top 10 del Billboard Hot 100, un dato que refleja el alcance de su impacto musical a nivel de industria.

“Golden” permaneció durante semanas en el primer puesto del Billboard Global 200 y generó desafíos virales en redes sociales, una repercusión que consolidó su lugar como el tema más destacado de la franquicia.

El título más visto en la historia de Netflix

En paralelo al éxito musical, ‘Las guerreras K-pop’ registró una permanencia de 63 semanas consecutivas, más de nueve meses, en el Top 10 global de Netflix, superando tanto a producciones de acción real como de animación. Esta cifra la posicionó como el título original más visto en la historia de la plataforma.

La cinta se distingue por su representación de la cultura coreana, con integración de costumbres, mitología y escenas cotidianas que evitan los estereotipos occidentales. Los personajes principales, Rumi, Mira y Zoey, conectan con el público a través de sus conflictos personales, mientras las secuencias musicales refuerzan el peso emocional de la historia.

Durante la temporada de premios de 2026, ‘Las guerreras K-pop’ obtuvo diez premios Annie en la categoría de animación y alcanzó su reconocimiento máximo al ganar el Óscar a la Mejor Película de Animación.

El fenómeno trascendió la pantalla y el streaming musical: tras agotar entradas en funciones especiales y versiones para cantar en cines de tres continentes, la película superó los 24,9 millones de dólares en taquilla. Durante 2026, la franquicia continuó su expansión con incursiones en videojuegos y cartas tácticas, en el marco de la inversión de Netflix en contenidos coreanos.

Este miércoles, a cinco años de la muerte de Agustina Posse, Yaco González la recordó con un mensaje dedicado a sus hijos, Francisco y Juana. El músico publicó una historia en Instagram con una secuencia de tres fotos del rostro de la actriz y eligió como acompañamiento “Live Like Horses”, la canción de Elton John. Sobre las imágenes escribió una frase breve que situó el homenaje en la ausencia de la madre de sus hijos: “Agus. 5 años, Estás en ellos y ellos están de pie”.

El posteo llegó el día de un nuevo aniversario de la muerte de Posse, ocurrida el 16 de septiembre de 2021. La actriz tenía 46 años y murió luego de permanecer una semana internada por un aneurisma cerebral en el Instituto Argentino de Diagnóstico y Tratamiento, en Buenos Aires. La noticia conmovió al ambiente artístico y a la familia que había formado junto a González, hijo del cantante Jairo.

Aunque la pareja había tomado caminos separados tiempo antes, Yaco y Agustina mantuvieron un vínculo central alrededor de sus hijos. Habían compartido cerca de 20 años de vida, con una historia que comenzó cuando ambos trabajaban en Gasoleros, la ficción de Polka. En la novela, Posse interpretó a Jessica, mientras que González integró el elenco joven junto a Pamela Rodríguez, Matías Camisani y Nicolás Pauls.

En octubre de 2021, apenas unas semanas después de la muerte de la actriz, Yaco eligió las redes sociales para despedirse de quien definió como una presencia decisiva en su vida y en la de sus hijos. “Compartimos casi 20 años, atravesamos mares turquesas y grandes tormentas. Crecimos de la mano. Siendo casi niños hasta abrazar hijos adolescentes”, escribió entonces. También se refirió a la separación y al lazo que los sostuvo como padres: “La vía central común, la felicidad de nuestros hijos, nunca se dejó de transitar incansablemente”.

En aquel texto, el músico puso palabras al dolor de Juana y Francisco, sus hijos. “El dolor de nuestros ‘tesoros’ no tiene medida, caminan juntos con la dignidad entre los dientes para mostrarte que de pie te ofrecen el mayor homenaje”, señaló. Cinco años después, su nueva publicación retomó esa misma imagen: los hijos de ambos como el lugar donde permanece el recuerdo de Agustina Posse.

El recuerdo también expuso la cercanía de los hermanos frente a la pérdida. En su despedida de 2021, Yaco señaló que la familia Posse y los amigos de la intérprete acompañaron a los adolescentes. En esta nueva fecha, eligió condensar esa historia familiar en una frase centrada en ellos.

La actriz dejó una trayectoria ligada a la televisión argentina de las décadas de 1990 y 2000. Además de Gasoleros y Montaña rusa, otra vuelta, participó en ficciones como Milady, la historia continúa, Alas, poder y pasión, De corazón, Calientes, Durmiendo con mi jefe y Juanita la Soltera. En cine protagonizó Madres de mayo, dirigida por Pablo Yotich, y durante sus últimos años dictó clínicas de actuación en Merlo.

La música también forma parte de la historia familiar. Francisco González Posse debutó en televisión en agosto de 2022, junto a su padre y su abuelo Jairo, en La Peña de Morfi. Los tres interpretaron “Podría bailar toda la noche contigo”, uno de los clásicos de Jairo. En esa presentación, Francisco tenía 17 años y cursaba el último año de la secundaria.

Este año, Yaco también recordó a Agustina durante el cumpleaños de Juana. En una carta dirigida a su hija, escribió: “Hija, tu madre, donde sea, te cuida. Y yo cerca tuyo te amo hasta el hueso”. Ahora, con tres fotos, una canción y una frase sobre Francisco y Juana, volvió a nombrarla a cinco años de su muerte.