Un amigo, un primer mensaje por Instagram y una invitación. Esa cronología llevó a Cande Gariso a toparse con un Bizarrap casi irreconocible: sin gorra, sin lentes, lejos de su clásica imagen. En ese camarín cerrado, a metros de la cabina de Amnesia Ibiza, nació una comunión inesperada que cambiaría para siempre su carrera. De aquel saludo improvisado surgió una confianza que la catapultó a ser DJ residente durante dos temporadas en la fiesta IBizarrap, dentro de uno de los clubes más legendarios del planeta. Hoy, su vida profesional transcurre entre dos hemisferios.

Tiene apenas 23 años, pero la biografía de Cande Gariso parece escrita a golpes de intuición y coraje. En Córdoba, su ciudad natal, la música fue primero un juego y después una elección. “Mis primeros pasos fueron en una academia que quedaba cerca de casa, aunque en realidad era una escuela de modelos que ofrecía un curso de DJ de tres meses. Probé canto, piano, pero nada me convencía. Vi las pancartas en el shopping y así empecé”, confiesa en diálogo con Infobae.

A los 15 años, la consigna era animarse, aunque la mayoría de los clubes le quedaban fuera de alcance por la edad. “Arranqué por el interior de Córdoba, San Luis, La Pampa. Después sí, migré a la capital. No recuerdo la primera vez exacta que toqué en Córdoba, pero sí que un amigo me pasó un scouting y terminé en la pista de electrónica de un boliche que solía frecuentar, aunque yo venía del urbano”.

La búsqueda la llevó lejos, pero no de un tirón. Cuenta que originalmente se sacó un pasaje por dos meses a Barcelona para vacacionar. Era verano, mar, movimiento. Y la ciudad parecía perfecta para probar suerte. Pero la adaptación no fue automática: “Como todo DJ, siempre vemos qué podemos hilar con trabajo. El principal desafío fue el cambio de música. El urbano en ambos lados del Atlántico es muy distinto. Hay que cambiar el chip cada vez que vas y venís. Son gustos, músicas y timings diferentes”.

De un pedido inesperado a un recuerdo imborrable

La historia con Bizarrap tiene algo de azar y mucho de audacia. Todo surgió por un amigo rosarino que la recomendó con el artist manager de Amnesia, la legendaria discoteca de Ibiza, pionera del movimiento clubbing mundial y famosa por sus sesiones de música electrónica en la emblemática Terraza y el Main Room. “Él presentó mi propuesta al equipo de Biza y el OK llegó desde ahí”, recuerda.

El primer contacto, como sucede en esta era, fue vía mensaje directo. “Me dijeron que nadie podía pasar al camarín, pero no dudé: le escribí por Instagram y me respondió rápido. Me dijo que cuando terminara su set me acercara. Fui la única DJ que pudo verlo de cerca durante su residencia. Cuando entré, estaba sin gorra ni anteojos, casi no lo reconocí”, relata con humor. Hicieron un video para los argentinos del otro lado del Atlántico y sellaron el comienzo de una relación artística y humana.

Una gran momento que la marcó fue cuando la convocaron para tocar en el after party de la residencia, una fiesta privada con Bizarrap y gente amiga del artista. Lejos del bullicio de la pista principal, el clima del after party privado se impregnaba de complicidad y distensión. Entre risas, vasos en la mano y playlists que se armaban en tiempo real, Cande tomó la cabina con la adrenalina de saberse parte de un círculo reservado. De pronto, Bizarrap se acercó con una petición inesperada, descolocando incluso a la DJ residente. “Cuando estaba por cerrar mi set, Biza me pide una canción que no tenía. Me puse a descargarla ahí mismo, a contrarreloj. Cuando finalmente la puse, él vino saltando, me agarró las dos manos y empezamos a saltar juntos. ‘Hacé una captura mental de este momento’, me dije. Y hasta hoy la tengo guardada”.

Luego de tocar durante dos temporadas en la fiesta de Bizarrap, el recorrido siguió con presentaciones en Open Park (Punta del Este), Marchica (Formigal), Starlite Festival (Marbella), Stage y P12 (Florianópolis) y Festival BA Joven, entre muchos otros.

Estilo e identidad musical de Cande Gariso

El pulso de su música es tan híbrido como su propia vida. En las cabinas, el aire vibra con ritmos que desafían las fronteras y los géneros. La joven cordobesa observa el movimiento en la pista, atenta al ánimo de la multitud, y detecta cuándo es momento de romper el molde. “En 2021 entre los jóvenes empezó a sonar el ‘techengue’, una mezcla de house y vocales de reggaetón. Esas canciones eran comodines en la pista y funcionaban tan bien que empecé a hacer videos para YouTube. Hoy, mis sets son pura fusión”, describe.

El método de trabajo es casi artesanal. La experimentación se convierte en una rutina casi obsesiva. Y las horas se diluyen mientras prueba sonidos, recorta fragmentos y busca una textura propia. Cada remix nace como una pieza única, pensada para sorprender primero a sí misma y después al público. “Mis ediciones y remixes arrancan en mis sets, cuando siento que a una canción le falta o le sobra algo. Hago los arreglos en Ableton (el programa de producción) y los pruebo en vivo. Siempre busco que suene exactamente como quiero”.

Comparar mercados es inevitable para quien cruza océanos con frecuencia y vivió en carne propia las diferencias entre escenarios. Desde la logística de los shows hasta la valoración del género, Cande Gariso aprendió a adaptarse a cada contexto, aunque nunca dejó de analizar el contraste. En ese sentido, remarca que en España “la estructura DJ de urbano es mucho más armada, casi con la misma seriedad que la electrónica, mientras que en Argentina, el urbano está infravalorado y no se le da la misma importancia”.

Sobre sus presentaciones en el país, afirma que las expectativas siempre son altas y que prepara sus sets con una fuerte identidad argentina, combinando lo nuevo con lo clásico: reggaetón, música urbana y ritmos latinos. Su objetivo es que el público “baile, se emocione, recuerde canciones que lo marcaron y descubra nuevas propuestas”. Una de las fechas destacadas será el sábado 16 de mayo en Costa 7070, en Costanera Norte. Luego, el domingo 24, se presentará en un evento privado en Perú.

“Son esos momentos donde ves el fruto de un camino que muchas veces se hace a ciegas, sin saber bien hacia dónde vas. Y de repente, mirás para atrás y entendés todo”, resume.

Su presente es una bitácora de vuelos, festivales y sets entre Europa y Latinoamérica. “Tres meses antes ya sabemos dónde vamos a estar y armamos la agenda. Ahora arranqué con una agencia española que me lleva los bookings en Europa. En Argentina, cuando voy, aviso en redes (@candegariso) que el booking está abierto y ahí empiezan a salir fechas. Después de tres años de idas y vueltas, ya tenemos marcados los momentos clave para estar en cada lugar”.

Su futuro inmediato también se escribe en clave de viaje, trazado por nuevos destinos, pistas y desafíos. La transición entre escenarios y públicos distintos es parte de una búsqueda artística y personal: “Tengo fechas en Latinoamérica y ya vuelvo a Madrid para arrancar la temporada europea. El verano allá es una explosión, hay que estar preparado”.

Y concluye: "Mi meta ahora es definirme en un género o grupo de géneros que sean realmente míos. Estoy explorando con todo lo que escucho y se me hace agradable al oído. Cuando encuentre ese sonido, sé que el camino va a ser solo para adelante”.

En una jornada de asado, vino y anécdotas, el grupo reunió en el restaurante Roldán a figuras como Martín Reich, periodista, conductor y humorista; Julieta Navarro, periodista; Francisco Lago, conocido como Fran Charco, cantante, compositor y líder de la banda Cruzando el Charco; Florencia Álvarez, cantante; Santiago Aysine, cantante, compositor y fundador de Salta La Banca; Julieta Savioli, humorista y artista polifacética; y el dúo Roze, integrado por Rocco Gang y Treze YT, referentes de la música urbana.

El proyecto surge de una colaboración entre la banda, Warner Music Cono Sur e Infobae. El tercer episodio de Club Totora propuso un formato alternativo a la entrevista tradicional, con una mesa abierta a la espontaneidad y las sorpresas. La velada incluyó juegos, confesiones y una sucesión de shows en vivo que impulsaron el espíritu del ciclo: un espacio donde la música y la amistad son el verdadero impulso de cada encuentro.

“Lo importante es que la pasemos bien”, sintetizó uno de los anfitriones, marcando la pauta de una mesa sin jerarquías ni formalismos, siempre abierta a nuevas voces y experiencias; y reafirmó el objetivo: generar un clima en el que la cercanía y el humor guíen cada momento.

La esencia y el espíritu del Club Totora

La jornada comenzó con una entrada de empanadas y buñuelos de acelga, seguida por provoleta y el asado como plato principal, mientras la conversación fluía entre anécdotas, brindis y complicidades. “Desde que llegué de Mendoza a Buenos Aires, muchas cosas muy importantes han estado gracias a ustedes muchas, con ustedes otras. Así que para mí es mi familia”, expresó Juli Navarro, resaltando el sentido de pertenencia que caracteriza al club.

El clima de camaradería se reflejó en la libertad para compartir historias personales, tanto alegres como difíciles, siempre con contención y humor. La dinámica de la mesa, que evitó solemnidades y privilegió la complicidad, consolidó al ciclo como un punto de encuentro abierto y en permanente construcción.

La música fue protagonista indiscutida. El primer show de la noche presentó el tema “Un día sin ti” interpretado por Los Totora junto a Santiago Aysine. Luego, el repertorio continuó con “Sin documento”, a cargo de Los Totora y Fran Charco, seguido de “Locura automática”, un cierre compartido con el dúo Roze.

A lo largo del encuentro, Aysine sumó versiones acústicas de varios hits, acompañado por los invitados en la mesa y generando una atmósfera de celebración colectiva. El show final tuvo como protagonista a Flor Álvarez, quien se unió a Los Totora para interpretar “Tu cárcel”, mientras la sobremesa se convertía en escenario de improvisaciones y encuentros musicales.

Anécdotas personales y vivencias de los invitados

Las experiencias en vivo dejaron relatos de superación y aprendizaje. Rocco y Treze recordaron su debut en el Teatro Ópera, donde debieron resolver problemas técnicos guiándose por las palmas del público. Los anfitriones compartieron anécdotas de presentaciones en grandes escenarios como el Luna Park, marcadas por la necesidad de improvisar y disfrutar cada obstáculo como parte del proceso.

Las historias compartidas en la mesa fueron tan diversas como los invitados. Reich ironizó sobre el nivel futbolístico de los anfitriones: “Los Totora jugando al fútbol son un muy buen vino”, dijo, entre risas y elogios por la camaradería en partidos y torneos. Charco relató cómo perdió un vuelo rumbo a un show en Salta y debió improvisar para llegar a tiempo, evidenciando la imprevisibilidad de la vida de los músicos.

Por su parte, Juli Savioli compartió una experiencia de su niñez en la que creyó ver manos saliendo del inodoro, provocando risas y complicidad en la mesa. La dinámica permitió que las historias de vida, los recuerdos y los aprendizajes.

Fútbol, cábalas y vida de club

El fútbol fue un lenguaje común en la mesa. Las bromas sobre equipos rivales, anécdotas de partidos y referencias a cábalas reforzaron el sentido de pertenencia y equipo, tanto en el terreno de juego como en la música. “En febrero yo te voy a estar viendo en la televisión mientras estoy de gira”, recordó Juli Navarro sobre una predicción cumplida de Santiago Giorgetti, que se transformó en cábala y parte de la mística del grupo.

El club se potenció con recuerdos de infancia y herencia futbolera, especialmente en torno a la pasión compartida por Gimnasia y Esgrima de La Plata. “Nos llena de orgullo y de shows”, afirmaron los anfitriones, equiparando la intensidad y el compromiso con el fútbol y la música.

El asado fue el eje de la reunión. Cada invitado aportó sus costumbres y saberes culinarios. Francisco relató cómo solía agasajar en su casa con platos como lomo a la mostaza, pollo a la suiza o salmón con timbal de arroz, siempre junto a un buen vino blanco. Las diferencias entre recetas tradicionales, secretos familiares y costumbres regionales animaron la conversación y sumaron valor cultural al encuentro.

El ritual de la mesa incluyó referencias al acto de “adornar al mozo” y anécdotas sobre bodas y fiestas, donde Nico, barman y bajista de la banda, fue descrito como un personaje clave en la dinámica del grupo.

En la edición del miércoles 5 de mayo, Megan Thee Stallion —nombre real Megan Pete— apareció en la portada de la revista Entrepreneur y compartió cómo traza límites estrictos entre su vida privada y la imagen poderosa que proyecta en la industria musical. La rapera explicó que esta estrategia es fundamental para proteger su bienestar frente a las demandas del estrellato y el escrutinio mediático.

El origen y significado de su personaje artístico

Durante la entrevista con Entrepreneur, detalló que Megan Thee Stallion es una construcción deliberada, pensada para el escenario y la exposición pública. “Megan Thee Stallion es un personaje”, afirmó en la publicación, subrayando que esa figura le permite mostrar una versión audaz y libre ante el público. En la vida cotidiana, se describe como una persona reservada, que busca la calma y la sencillez lejos del bullicio. Esta diferenciación marca una barrera entre su identidad íntima y la figura pública que admiran millones de seguidores.

La artista remarcó que el acceso a su yo más personal está cuidadosamente restringido. “La gente no llega a conocer nunca a Megan; Megan se queda en casa”, indicó, reforzando la importancia de separar sus dos mundos para preservar su autenticidad.

Estrategias para proteger su privacidad

Para mantener esta separación, la rapera implementa rutinas claras: sólo permite que su faceta artística emerja en contextos profesionales, como conciertos, grabaciones y eventos públicos. En su vida personal, prioriza rodearse de un entorno de confianza, compuesto por familiares y amigos que la conocen fuera de su rol musical. Esta red de apoyo íntima es esencial para sostener su estabilidad emocional y evitar la sobreexposición.

Además, Megan regula cuidadosamente la información que comparte en redes sociales y restringe el acceso a su círculo más cercano.

Autocuidado y salud mental en la industria musical

La cantante subrayó en Entrepreneur que la disciplina para mantener ambas identidades separadas responde a una necesidad de autocuidado. “Megan se cuida a sí misma”, señaló, aludiendo a la importancia de no dejar que las presiones del éxito afecten su estabilidad personal. Esta decisión es una respuesta directa a las demandas de una industria que exige visibilidad y disponibilidad constante.

Megan dedica tiempo a espacios de descanso y desconexión, lo que le permite sostener una carrera ascendente sin comprometer su bienestar.

Impacto en su trayectoria y percepción pública

La capacidad de establecer límites claros ha sido determinante en el desarrollo profesional de la artista. Gracias a esta metodología, Megan Thee Stallion ha logrado enfocar su creatividad y evitar distracciones derivadas del escrutinio mediático. Analistas de la industria, como los consultores de Variety, sostienen que el control sobre la narrativa pública es un recurso estratégico para quienes buscan autenticidad y longevidad en sus carreras.

Su éxito trasciende la música: ha protagonizado campañas de marcas internacionales y ha recibido premios que reconocen tanto su talento como su influencia en la cultura popular. Este impacto es posible, en parte, por el manejo consciente de su imagen y la protección de su vida personal.

Un modelo para otros artistas

La experiencia de Megan Pete es citada como ejemplo de autogestión en la industria del entretenimiento. Su caso demuestra que es posible alcanzar el éxito internacional y, a la vez, preservar una esfera privada protegida de las presiones del espectáculo. Según Forbes, cada vez más figuras públicas adoptan estrategias similares para garantizar su salud mental y conservar su identidad auténtica.

La diferenciación entre persona y personaje, sumada al autocuidado y la gestión estricta de la privacidad, ha consolidado a Megan Thee Stallion como referente de resiliencia y autodefinición en el rap contemporáneo. Su testimonio amplía el debate sobre la importancia de los límites en la era digital y marca un precedente para nuevos talentos que buscan equilibrio entre su vida pública y personal.

Greeicy Rendón y Mike Bahía conforman una de las relaciones más estables de la farándula colombiana.

La conexión entre ambos surgió antes de que compartieran cualquier proyecto musical, sino que fue cuando la artista, que tenía 19 años, y el cantante con 24 en ese momento, coincidieron en una fiesta organizada por una amiga común.

En su cuenta de TikTok, la cantante caleña recordó públicamente que fue ella la que tomó la iniciativa para conquistar al hoy padre de su hijo Kai, que hoy tiene cuatro años de edad.

La confesión la publicó en la plataforma mencionada, teniendo en cuenta que ella afirmó haber asistido previamente a un conversatorio sobre las relaciones sentimentales, por lo que decidió contarlo a sus seguidores.

“Hoy estuve en una conversación en la que se hablaba de que cómo así que habían mujeres que se tomaban el atrevimiento de conquistar a un hombre. Esa soy yo. Yo me tomé el atrevimiento, me tomé el abuso y el exceso de confianza para decirle al hombre de mi vida con el que llevo 13 años”, expresó Greeicy en sus redes sociales.

Sin embargo, sus palabras generaron varias opiniones entre los internautas. Mientras que algunos reiteraron sus felicitaciones a la pareja musical, otros cuestionaron la postura de la artista caleña, al considerar que comúnmente se observa que los hombres deberían ser los que deberían hacer el esfuerzo de conquistar a las mujeres.

Así mismo, hubo varias usuarias que compartieron la misma experiencia y destacaron que las relaciones también se construyen por parte del género femenino.

Ante la oleada de mensajes, Greeicy Rendón publicó un nuevo video en la que expresó su felicidad, al considerar que su experiencia no es una excepción a la regla.

“Me siento feliz porque yo no soy la única, porque yo el otro día les conté que estuve en una conversación donde fue criticada que una mujer conquistara al hombre, que se tomara el atrevimiento de acercarse y tomar la iniciativa, que lo normal era que uno como mujer esperara a que el hombre se acercara y acortejara a la mujer. Pues yo fui la que acortejé, yo fui la que conquisté”, manifestó en el video publicado en su cuenta de TikTok.

La artista caleña destacó que su versión también sirvió para que la mayoría de las mujeres compartieran experiencias similares y señalaron que mantienen relaciones duraderas, en ocasiones con hijos.

“Me encanta porque cuando compartí esta historia me di cuenta que no solamente hay muchas mujeres que han tomado el riesgo, cosa que me encanta, sino que muchas de esas, en su mayoría, llevan muchos años con su pareja, tienen hijos, tienen relaciones hermosas”, concluyó.

En el pasado, Greeicy Rendón ya había abordado este tema, recibiendo críticas de aquellos que consideran que corresponde al hombre dar el primer paso, aunque aclaró que esa percepción no la afecta.

La clave de su relación

En varias entrevistas, Greeicy Rendón ha revelado cuáles son las claves para mantener una relación de más de 10 años con el cantante Mike Bahía.

En declaraciones a Semana, la intérprete caleña de Mi Pecadito y Más Fuerte subrayó que la convivencia exitosa con el padre de su hijo Kai no responde a un secreto único, sino al ejercicio constante del diálogo y el apoyo profesional y personal.

Además, la artista afirmó que la complicidad resulta esencial tanto en el plano familiar como en el musical, apuntando que ambos atraviesan sus propios procesos como artistas, lo que ha reforzado el apoyo bilateral a lo largo del tiempo. “Siempre estamos para el otro“, explicó la cantante al citado medio de comunicación.

La pareja ha aclarado que no están casados aún, aunque, cuando fue consultado por lo mejor de su vínculo, Mike Bahía destacó el carácter de su compañera. Desde el 2025, decidieron mudarse a Miami, Estados Unidos, para expandir su carrera musical a nivel internacional.

“Nosotros venimos planeando un cambio en la vida de buscar otras oportunidades hace casi dos años. Cuando nació Kai, dijimos ‘es el momento’”, expresó Greeicy en una entrevista en el programa de Telemundo Rincón en Casa.

La barranquillera Wanna, figura emergente del pop urbano latinoamericano, impulsa su proyección internacional tras consolidar un perfil en ascenso en la música urbana de América Latina. Su desarrollo artístico abarca escenarios tanto en Colombia como en Miami, con el respaldo de producciones propias y actuaciones en plataformas clave del sector.

Wanna, cuyo nombre real es Danna Castillo O’byrne, es una joven artista colombiana que fusiona reggaetón, trap y pop urbano. Su carrera comenzó en 2020 con su participación en un concurso musical infantil nacional, donde accedió a una primera exposición masiva. Desde entonces, ha construido una trayectoria ascendente a través de formación escénica sólida, resiliencia y una estrategia dirigida a audiencias internacionales. Se distingue por su identidad clara y una propuesta artística que equilibra lo local con el alcance global.

Desde sus primeros años en Barranquilla, Wanna forjó una base en la danza y el ritmo latino, elementos presentes en su propuesta artística actual. Su primera aparición relevante fue en 2020 al avanzar hasta la etapa de batallas en La Voz Kids Colombia, lo que le permitió conectarse con el público nacional.

Poco después, eligió alejarse del foco público por un periodo, dedicándose a redefinir su identidad y visión profesional. De ese retiro surgió un proyecto orientado a trascender fronteras y reflejar la diversidad de influencias musicales propias de su generación.

Lanzamientos clave y primeras producciones de Wanna

En 2025, Wanna presentó “Mi Beginning”, un EP con siete canciones originales que marcó el inicio formal de su etapa discográfica. Su evolución ha continuado con estrenos como “Rosario”, “Primero Yo” y “Carísima”, trabajos que demuestran su versatilidad y la integración de nuevos sonidos en el pop urbano y el trap.

Este proceso contó con la colaboración de productores musicales como John Arias Pro, SAGA y Medebeat, quienes respaldan las diferentes fases de su desarrollo. Trabajar junto a estos profesionales ha permitido que Wanna fortalezca su identidad y compita en la industria musical latina.

Al mismo tiempo, la cantante ha compartido escenarios con artistas reconocidos del género, entre ellos Andy Rivera, Cosculluela y Jowell & Randy. Ha participado en eventos de gran formato en Colombia, incluidos shows en lugares destacados, donde reunió a miles de asistentes.

Proyección internacional y presencia de Wanna en la música urbana latina

Wanna ha afianzado su presencia en espacios relevantes para la música latina. Ha participado en la alfombra de los Latin Grammy Awards y en actividades de los Billboard Latin Music Awards en Miami, integrándose activamente en entornos donde se establecen las tendencias globales del sector.

Su proyección internacional se refuerza con sesiones de grabación en Miami y el dominio de inglés y francés, habilidades que amplían sus posibilidades de colaboración y facilitan el acceso a nuevos mercados. Esta orientación multilingüe fortalece su posicionamiento en el panorama global.

En el entorno digital, Wanna mantiene una comunidad que supera un millón de seguidores, resultado de una estrategia consistente de construcción de comunidad e interacción directa con su audiencia.

Visión artística y propuesta diferencial de Wanna

Lo que distingue a Wanna en la escena colombiana es su enfoque integral: articula su formación escénica, identidad estilística y narrativa para trascender géneros. Su trayectoria combina disciplina, claridad de propósitos y un diálogo constante con colaboradores y plataformas fundamentales para crecer en una industria cada vez más globalizada.

La apuesta de Wanna refleja una tendencia en la música latina actual, donde la autenticidad y el alcance internacional resultan esenciales. Colombia mantiene su posición como epicentro para el talento urbano, y Wanna representa una generación que entiende la música como un medio de conexión entre culturas.

Wanna se destaca por su dirección definida y una visión artística consciente desde los inicios de su carrera, basada en la originalidad y una estrategia que integra autenticidad con ambición global. Este perfil la consolida como una de las voces con mayor proyección dentro del pop urbano colombiano.

Nicki Nicole reveló su necesidad de usar anteojos mientras viajaba por Nueva York, y aprovechó el momento para compartir detalles personales y profesionales con su comunidad. Esta revelación ocurrió cerca de seis semanas después de su concierto sinfónico en el Teatro Colón y tras sufrir un episodio de hackeo en sus redes sociales, hechos que muestran el momento intenso y de exposición que experimenta la cantante.

La confesión sobre los lentes originó conversación entre sus seguidores. Nicki Nicole publicó una foto y un video luciéndolos en la ciudad estadounidense, mostrando espontaneidad al reconocerse “muy ciega” y, con tono amable, invitó a sus seguidores a sumarse “al mundo lentístico”.

La experiencia de Nicki Nicole en Nueva York

Durante su estancia en Nueva York, Nicki Nicole compartió momentos significativos de su travesía, empezando por la llegada al aeropuerto JFK, donde se la vio con al menos cinco valijas y un bolso. Además, relató el impacto que tuvo en ella la película Interestellar, vista durante el vuelo, que hizo en primera clase, comentando entre risas: “Maldita película buenísima. Lloré y se me salió un moco”.

Ya instalada en la ciudad, la cantante mostró desde la ventana de su alojamiento la vista al puente de Brooklyn. “Y nada. Y acá estoy, miren dónde estoy, acá en el puente. Acá lo tengo. Yo lo sostengo. Sostengo el puente”, describió con humor y un tono relajado.

El hackeo que sufrió Nicki Nicole en sus redes sociales

Días atrás, la artista comunicó a través de sus redes que fue víctima de un hackeo en su cuenta de Instagram, declarando: “Acabo de recuperar mi cuenta de Instagram y no es el único like que dieron, ¡también mandaron mensajes! No sé quién hizo esto ni con qué fin. Ya lo resolví y esas interacciones no son mías”.

La situación se volvió más delicada cuando Nicki Nicole explicó que lo más doloroso fue la eliminación de su canal de difusión, con casi un millón de seguidores afectados. “Me encantaría decir que se me escapó un like, pero me borraron un chat de difusión con un millón de personas adentro y lo del like ese que dieron es lo de menos a los mensajes que mandaron”, expresó la cantante.

La artista relató el impacto emocional de la intrusión, al descubrir que quien accedió a sus cuentas no solo borró el canal, sino que también envió y eliminó mensajes, lo que la situó en un lugar incómodo en medio de la pelea entre Tini Stoessel y Emilia Mernes. A pesar de la angustia, advirtió sobre la importancia de reforzar la seguridad en redes, remarcando que la verificación oficial no impidió la vulnerabilidad digital.

El histórico concierto sinfónico en el Teatro Colón

Seis semanas antes del viaje y del incidente digital, Nicki Nicole protagonizó un hito en la cultura argentina al ofrecer un concierto sinfónico en el Teatro Colón de Buenos Aires. La cantante fusionó su repertorio urbano con arreglos orquestales, recibiendo el reconocimiento de figuras del espectáculo y de su público joven.

A través de sus redes, la artista expresó la emoción de aquella noche y el agradecimiento por el apoyo recibido: “Lo de ayer fue mágico para mí y les agradezco de corazón por todo el amor!!! Estoy repasando todo lo que viví y emocionándome una y otra vez. Eternamente agradecida”. El evento incluyó interpretaciones especiales como “Tienes mi alma”, la versión sinfónica de “Años luz”, y la colaboración con Cazzu, generando una reacción emotiva entre asistentes y espectadores virtuales. La función consolidó la influencia de la cantante en la escena musical latinoamericana y destacó su capacidad para unir diferentes estilos y generaciones.

Luego de sobreponerse a los desafíos digitales y celebrar logros artísticos, Nicki Nicole promovió un mensaje de reflexión para sus seguidores, recordando la relevancia tanto de la seguridad digital como del cuidado personal, y transmitiendo confianza en este nuevo ciclo de su vida y carrera.

La preocupación de los seguidores surgió a raíz de un mensaje donde el hermano de El Doctor, llamado Lauty, notificó públicamente que el artista estaba internado tras un accidente y enfrentaba un cuadro crítico: “Hola, soy Lauty, el hermano de ‘El Doctor’. Les quiero informar que tuvo un accidente y está grave”. Añadió que “se encuentra en un hospital peleando por su vida” y solicitó a la comunidad realizar una “cadena de oraciones y tener fe en una pronta recuperación”.

La noticia se propagó con rapidez en redes sociales. Cientos de usuarios compartieron el mensaje y expresaron su preocupación, convirtiendo el accidente en uno de los temas más comentados en redes.

Los mensajes de apoyo y las muestras de incertidumbre inundaron los comentarios y las historias vinculadas al perfil de El Doctor, en tanto sus seguidores aguardaban novedades sobre su condición.

Sin embargo, este sábado, los seres queridos de El Doctor transmitieron tranquilidad al comentar cómo seguía la salud del cantante. “El doctor ya está bien. Primero que nada, porque veo que están muy preocupados. Le quiero agradecer a toda la gente que se preocupó”, comenzó diciendo su hermano a cámara.

Luego, el joven relató: “Yo no estaba con él cuando ingresó al hospital, ingresó de una manera y ahora está diez puntos. Él ya recuperó el conocimiento, ya está estable, ya está bien. Y quería aclarar eso. Quiero agradecerle también a la gente que me ayudó. Recibí muchos mensajes, buenos y malos, y de gente que estuvo preocupada.Ya hoy me lo traigo para mi casa. Hoy ya lo tengo en mi casa, eso es lo que estoy esperando”.

Quién es El Doctor, el trapero argentino

El Doctor es una figura controvertida de la música urbana argentina, conocida por su autenticidad y la crudeza con la que aborda temas sociales y marginales. Desde muy joven vivió circunstancias adversas: fue expulsado de su hogar a los once años y, en sus inicios, solo pudo organizar espectáculos en barrios populares y cárceles, lejos de los grandes escenarios.

En sus primeras apariciones, el público lo recibió con escepticismo. No obstante, la sinceridad y el tono directo de su música ―reflejada en canciones como “30 mil pe$o$” y “Falopa y pasta base”― acabaron por distinguirlo dentro de la escena. En más de una ocasión, El Doctor afirmó: “En Argentina no hay nadie que viva el trap al 100”, marcando distancia con colegas a quienes considera menos genuinos respecto a la vida urbana y sus problemáticas.

Su música fusiona influencias que incluyen el drill, crunk, punk y hardcore. A lo largo de su trayectoria, ha priorizado la independencia artística y evitado las colaboraciones frecuentes, eligiendo preservar su estilo personal. El propio artista ha relatado experiencias con adicciones y el entorno barrial de donde procede, admitiendo: “Robaba por ambición y necesidad de estar mejor”, como reflejo de su contexto.

El sobrenombre “El Doctor” surgió en reuniones nocturnas con músicos y terminó identificando a un personaje forjado a partir de la adversidad y el rechazo en círculos más institucionalizados del rap. Su público aprecia esa lealtad a sus vivencias y su determinación para mostrar la realidad tal como la entiende, en una industria que ha tendido hacia estilos más comerciales.

Fue conductor del programa 808 Studio, donde dialogaba con colegas y distintas personalidades, mostrando otra faceta de su influencia cultural. En los últimos tiempos, el artista ha hecho pública su relación con la familia, marcando etapas de conflicto y reconciliación.

El recorrido de El Doctor expresa la tensión entre la supervivencia y la autenticidad artística. Su historia evidencia que, pese a las dificultades, logró convertir sus vivencias más extremas en una propuesta singular dentro del trap argentino, manteniendo la atención tanto de su audiencia como del resto de la escena.

'Ouvio' y 'Tokicha' han formado parte de la fase final del concierto, que culminó con la interpretación de 'Yo Quiero', marcando el cierre de una noche en la que el trap y el drill ocuparon un lugar destacado en el Roig Arena. Según informó el recinto a través de un comunicado, el cantante puertorriqueño Hades66 logró reunir a más de 1.700 asistentes en València, dentro de una de las convocatorias señaladas de la programación urbana del auditorio.

El medio detalló que Hades66 ofreció un espectáculo enfocado en sus canciones más recientes y mantuvo una conexión cercana con los presentes, gracias también a su arraigo entre el público joven, que sigue de cerca su trayectoria en redes sociales y plataformas digitales. La velada comenzó con el tema 'Ninguno Sabe-(Hasta Amén)', lo que, según consignó el Roig Arena, permitió fijar desde la apertura el ambiente propio de sus conciertos, caracterizado por ritmos contundentes y letras explícitas.

De acuerdo con la información proporcionada por el auditorio, la primera parte del espectáculo incluyó temas como 'Lukeando', 'Hablame de Dinero' y 'Los Rockstar no van al Cielo'. Estas canciones aseguraron una rápida respuesta de la audiencia, integrada mayoritariamente por seguidores familiarizados con la evolución del artista a través de los medios digitales.

El segmento central de la actuación profundizó en una fusión de estilos que alternó entre el trap y el drill, respaldada por la interpretación de títulos como 'Si Mijo Si', 'Scatt Pack', 'Barrio Fino' y 'Manhatan'. La programación estuvo marcada, en todo momento, por una escenografía que reforzó el impacto de los distintos géneros musicales elegidos para la noche.

Según publicó el Roig Arena, el tramo final del show reservó espacio para piezas como 'Ouvio' y 'Tokicha', para desembocar en el cierre con 'Yo Quiero', consolidando la identidad musical de Hades66 y su presencia dentro de la escena urbana internacional, con especial hincapié en la sintonía alcanzada con el público juvenil. La actuación en València se inscribe en una serie de presentaciones que buscan fortalecer la proyección del artista fuera de Puerto Rico, apoyándose en la eficacia de los canales digitales y el atractivo de los subgéneros que dominan actualmente el panorama musical latino.

Durante la noche, Stoessel se dirigió al público y expresó: “Es verdad el dicho sobre los amigos, ¿no? Se cuentan con los dedos de una mano”. La frase fue entendida como una referencia a su notorio distanciamiento con Emilia Mernes, en un momento de tensión notoria entre ambas cantantes. El comentario de Stoessel cobró relevancia porque se produjo después de semanas en las que el conflicto profesional y personal entre ambas creció, a raíz de declaraciones públicas y gestos en redes sociales.

Motivos y escalada del conflicto entre Tini Stoessel y Emilia Mernes

El desencuentro entre Tini Stoessel y Emilia Mernes surgió en 2024 cuando, durante una pausa laboral de Stoessel, varias de sus bailarinas y un maquillador pasaron a trabajar con Mernes. Al regresar, Stoessel intentó reincorporar a su equipo, pero las colaboradoras decidieron permanecer junto a la intérprete de “Perdonarte, ¿Para qué?”.

El entorno deTini Stoessel percibió este movimiento como una señal de deslealtad profesional. Esta interpretación generó que algunos sectores del ambiente artístico tomaran distancia de Emilia Mernes.

Hace unas semanas,Tini dejó de seguir en Instagram tanto a su ex estilista como a su ex maquilladora, quienes desempeñaron un papel central en la creación de su imagen en los últimos años. La situación cobró aún mayor notoriedad cuando se supo que ambos trabajan actualmente junto a Emilia Mernes.

En medio de la controversia, Dav Martens, el estilista, optó por responder desde sus redes sociales: en una historia de Instagram, compartió la imagen de una canción de Emilia y escribió: “Orgulloso de elegir donde quiero estar”.

El clima de rivalidad se amplificó por la intervención de otras figuras. María Becerra se acercó a Tini durante momentos difíciles en sus vidas y, más tarde, fue la primera en tomar distancia de Mernes. Según contó Yanina Latorre, cuando Becerra organizó su primer espectáculo en el estadio de River, Mernes habría intentado influir sobre técnicos y colaboradores para complicar la realización del show. Por supuesto, fueron versiones lanzadas por la periodista pero no confirmadas oficialmente.

En las redes sociales, el conflicto sumó episodios de “unfollow” a Emilia Mernes. Figuras como Antonela Roccuzzo y Ángela Torres dejaron de seguirla, lo que fue interpretado como una manifestación de las divisiones dentro del ambiente artístico. Estas reacciones públicas reforzaron la percepción de polarización entre los distintos grupos de artistas.

Cambios en el show y señales al público tras el escándalo

Durante la presentación en Córdoba, Tini Stoessel realizó ajustes en su repertorio habitual. Por ejemplo, excluyó el tema “La_Original.mp3” y lo reemplazó por “High Remix”, canción realizada junto a María Becerra y Lola Índigo. Este cambio fue leído por seguidores como una señal con significados propios en medio del conflicto con Mernes.

La noche estuvo marcada por otro momento significativo: Ángela Torres se sumó como invitada en el escenario bajo la lluvia. Antes de recibirla para cantar “Si tú te vas”, Stoessel declaró: “Quiero que reciban con un fuerte aplauso a una de las voces y una de las mujeres más talentosas que tenemos en el país. ¡Ángela Torres!”. La intervención reforzó la idea de alineamientos dentro del género, porque Torres también se distanció de Mernes en las redes.

La lluvia no detuvo ni a las artistas ni al público. Temas como “Favorita” se interpretaron ante una audiencia que permaneció en sus lugares y celebró la entrega sobre el escenario, en un ambiente de apoyo al equipo de Stoessel.

La velada fue interpretada como una afirmación: más allá de los desacuerdos fuera del escenario, la música y los recitales continúan siendo el eje central tanto para las artistas como para su público.

Esta canción se caracteriza por su estructura, donde los versos y estribillos alternan entre el español y el inglés, reflejando la variedad de sus intérpretes.

El ritmo de Pongo se sostiene sobre una base de afrobeat con percusiones marcadas, mientras que el reggaetón y el dancehall agregan nuevas capas al resultado final. El sencillo, dirigido a las pistas de baile, también exhibe la intención de sus creadores de construir un sonido global que conecte audiencias diversas.

Según la revista musical Rolling Stone, la presencia de Wizkid, figura del afrobeat, junto al estilo propio de Rauw Alejandro, lleva el proyecto hacia audiencias internacionales y demuestra cómo la música urbana sigue superando fronteras.

Video musical de Pongo: detalles visuales y atmósfera

El videoclip de Pongo amplifica la experiencia multicultural de la canción con una propuesta visual que refuerza el cruce de géneros y orígenes. Bajo una dirección que prioriza la interacción de los artistas y una edición ágil, Rvssian, Rauw Alejandro y Wizkid comparten un espacio donde la oscuridad y los reflejos lumínicos evocan el ambiente de un club nocturno distinguido.

Los detalles del vestuario y la disposición de los muebles, junto con los efectos de luz, suman al entorno y trasladan al espectador a un universo paralelo centrado en la fiesta grupal. Además del despliegue estético, el video se propone profundizar en la narrativa de integración cultural y cosmopolitismo que define el sencillo, como señala la revista musical Rolling Stone. Así, el producto audiovisual acompaña el lanzamiento y refuerza la imagen de sus protagonistas como figuras clave en la escena global.

Historial de colaboraciones entre Rvssian y Rauw Alejandro

La unión en Pongo continúa una relación creativa que comenzó con Nostálgico, lanzada en 2021 junto a Chris Brown. Este tema, que alterna versos en inglés y español, impulsó a Rauw Alejandro hacia el público angloparlante, mientras consolidaba a Rvssian como referencia internacional en producción. Nostálgico se destacó por su desempeño en listas globales y el alcance logrado en plataformas de streaming.

Desde entonces, ambos artistas han mantenido una colaboración marcada por la exploración de sonidos nuevos y la experimentación constante. La revista musical Rolling Stone remarca que la química entre los dos se traduce en canciones que rompen barreras lingüísticas y estilísticas, y prepara el terreno para proyectos más ambiciosos, ahora con la incorporación de Wizkid que amplía la mirada hacia el continente africano.

Trayectoria y logros de Rvssian como productor musical y fundador de sellos discográficos

A lo largo de su carrera, Rvssian ha demostrado una capacidad para anticipar cambios en la industria musical y conectar talento internacional bajo una visión común. Como fundador de Head Concussion Records y Rich Immigrants, desempeñó un papel central en el desarrollo de varios artistas de dancehall y reggaetón con proyección mundial.

Su actividad ha abarcado no solo la producción musical, sino también la identificación de oportunidades de mercado y la elaboración de estrategias para el crecimiento de sus colaboradores.

Entre quienes han trabajado junto a Rvssian destacan Bad Bunny, Anuel AA, Sean Paul, Farruko y otras figuras del panorama latino y caribeño. La revista musical Rolling Stone señala cómo Rvssian ha mantenido vigente su enfoque al fusionar estilos y abrir nuevos caminos en la música popular a nivel global.

Además de su labor en el estudio y la gestión de sellos, Rvssian ha impulsado la internacionalización de la música urbana al promover alianzas entre artistas de distintas regiones y facilitar su entrada a circuitos de alto perfil. Esta vocación por unir escenas musicales diversas ha contribuido a que proyectos como “Pongo” trasciendan el ámbito latino y se posicionen en plataformas y listas globales, consolidando su influencia tanto en la producción como en la estrategia detrás de los éxitos contemporáneos.

El festival Rock in Rio Lisboa, que celebrará su undécima edición en 2026, tendrá capacidad para recibir a 30.000 asistentes en el Parque Tejo de Lisboa durante los días 20, 21, 27 y 28 de junio. Según publicó el medio que proporcionó la información, entre las novedades más recientes del cartel se encuentra la inclusión de tres figuras de la música urbana internacional: los raperos británicos Central Cee y 21 Savage, así como el cantante de afrobeats nigeriano Rema, quienes se sumarán al line up del segundo fin de semana, reforzando la oferta del evento con su presencia.

De acuerdo con lo anunciado, estos artistas compartirán escenario, el 28 de junio, con la cantante española Lola Índigo, ampliando así la diversidad musical del festival. Según consignó la fuente, Rock in Rio Lisboa 2026 ya había confirmado previamente la participación de otros destacados nombres de diferentes géneros, como la estadounidense Katy Perry, la banda Linkin Park, además de Shaggy, Charlie Puth, Alok, Audrey Nuna, Nena y Maninho, Cypress Hill, Grandson y Kaiser Chiefs. Esta combinación de estilos busca atraer tanto a los seguidores de la música urbana como a los del pop, rock y afrobeats.

Desarrollando perfiles de los nuevos artistas confirmados, el medio detalló que 21 Savage se ha consolidado como una de las figuras más influyentes de su generación, habiendo recibido un premio Grammy. Con su tercer álbum en solitario, titulado 'american dream', logró posicionarse en el primer lugar del ranking Billboard 200, repitiendo el éxito de su trabajo anterior. El álbum se mantuvo dos semanas consecutivas al frente de dicha lista. Durante 2023, 21 Savage participó en la gira 'It's All A Blur Tour' junto a Drake, con la que recorrió grandes escenarios de Norteamérica y alcanzó una recaudación superior a los 100 millones de euros.

Por su parte, Central Cee ha sido identificado por el medio como uno de los referentes del 'drill' británico. Originario de Shepherd's Bush, Reino Unido, adquirió reconocimiento en 2020 tras los sencillos 'Day in the Life' y 'Loading', impulsando el género hacia el público masivo. Su mixtape de debut, 'Wild West', se posicionó en el segundo puesto de la UK Albums Chart en 2021. El año siguiente lanzó '23', que entró directamente en el primer lugar de estas listas, consolidando su proyección internacional y la expansión del 'drill' londinense.

En cuanto a Rema, la fuente informó que se trata de un artista nacido en Nigeria en el año 2000. Su ascenso en la escena global se ha visto reforzado con éxitos como 'Soundgasm' y especialmente con 'Calm Down'. El remix de esta última canción, interpretado junto a Selena Gomez, alcanzó el tercer puesto en el Billboard Hot 100 y superó la barrera de los mil millones de reproducciones en diferentes plataformas de streaming, situando a Rema como uno de los exponentes de afrobeats de mayor proyección internacional.

Rock in Rio Lisboa pretende así ampliar su propuesta musical de cara a la edición de 2026. El medio también detalló que, además de los artistas mencionados, el escenario principal recibirá a Charlie Puth, quien cuenta con varios discos multiplatino. Durante el primer día, el escenario Music Valley contará con las actuaciones de ALOK, Audrey Nuna, Nena y Maninho, entre otros artistas que se sumarán a lo largo del evento.

En lo relacionado con la venta de entradas, la fuente indicó que los abonos para poder asistir a las cuatro jornadas del festival ya se encuentran disponibles a través del sitio web oficial del evento. Esta edición promete reunir artistas de reconocimiento mundial y una variedad de géneros musicales, anticipando una alta afluencia de público y grandes expectativas tanto de los asistentes como de los organizadores.

El cartel del Tenerife Cook Music Fest para su jornada del viernes 17 de julio de 2026 integrará la actuación de Greeicy, quien compartirá escenario con artistas como Don Omar, Chayanne, Myke Towers, Lola Índigo y Farruko. Según informó el medio, la presencia de la intérprete colombiana, reconocida por temas como “Más fuerte”, “Los besos” y “Destino”, se convertirá en uno de los principales atractivos del festival ese día, programado en el puerto de Santa Cruz de Tenerife.

La organización del Tenerife Cook Music Fest, mediante un comunicado citado por los medios, indicó que Greeicy aportará su voz y energía visual característica a este evento, que se considera una de las grandes citas musicales del verano en Canarias. Reportó el medio que esta será la primera ocasión en que la artista actuará en las Islas Canarias, una oportunidad esperada tanto por sus seguidores como por quienes buscan experiencias musicales renovadoras.

De acuerdo con la información difundida por el festival, Greeicy, quien suma múltiples discos multiplatino y ha sido nominada al Latin Grammy, ofrecerá un espectáculo con producción visual avanzada y coreografías reconocidas en la escena latina. El show ha sido resaltado por los organizadores por la potencia tanto a nivel vocal como escénico, elementos que, según detalló el comunicado, “garantizan una experiencia inmersiva donde Greeicy fusionará su voz con el pop y los ritmos urbanos”.

Tal como publicó el medio, el Tenerife Cook Music Fest se desarrollará entre el 16 y el 18 de julio de 2026 en la capital tinerfeña, combinando actuaciones musicales de figuras de la música latina con una oferta gastronómica centrada en productos locales y de proximidad, en una apuesta por la comida de kilómetro cero. El evento también cuenta con la colaboración de instituciones como el Gobierno de Canarias, Turismo Islas Canarias, la Autoridad Portuaria de Santa Cruz de Tenerife, el Cabildo insular, Turismo de Tenerife y el ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife.

La programación del festival incluirá oportunidades para degustar alimentos seleccionados por su calidad y origen local, además de presenciar shows en directo de artistas que han consolidado el nuevo sonido latino a nivel internacional. Según reportó el medio, la presencia de Greeicy se suma a una lista que ya despertó expectación por la participación de artistas de distintas generaciones y géneros, reforzando el carácter variado de la propuesta musical para esas fechas.

El acceso a la información actualizada y la adquisición de entradas al festival se encuentra disponible en la página web oficial, cookmusicfest.es, dado a conocer por la organización. Los promotores del evento han destacado la importancia de la colaboración pública y privada en la celebración del festival, al que se espera asista público tanto local como internacional, debido a la relevancia de los artistas convocados y del propio enclave portuario de Santa Cruz de Tenerife como escenario principal.

El medio detalló que Greeicy ha logrado posicionarse como una de las referentes del pop y los ritmos urbanos de la última década, con menciones específicas a su impacto en las listas de éxitos y el reconocimiento obtenido por parte de la industria musical en el ámbito latinoamericano. La inclusión de su concierto dentro de un contexto que fomenta la unión entre música y gastronomía local busca consolidar al Tenerife Cook Music Fest como una cita atractiva en el calendario estival del archipiélago canario.

El inicio de 2026 mostró a Karol G alimentando las expectativas alrededor de la próxima gira internacional para presentar las canciones de su álbum Tropicoqueta (2025), con el que marcó distancia del reguetón para explorar el merengue, la bachata y la cumbia. Sin embargo, la Bichota no se fue de gira de conciertos inmediatamente, sino que hizo promoción apareciendo en eventos especiales como su residencia de presentaciones en París, o en el medio tiempo de la apertura de la NFL en Brasil.

Aunque se especula que la antioqueña volvería a los escenarios durante el segundo semestre con fechas todavía pendientes por anunciar, la única presentación confirmada de la cantante hasta el momento es como cabeza de cartel del Festival de Coachella, en abril.

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Por lo pronto, y mientras sus fans aguardan, se confirmó la realización de un evento especial que tendrá al repertorio de Karol G como protagonista. Se trata de un show láser que tendrá lugar en el domo del Planetario de Medellín el próximo viernes 13 de marzo.

Este espectáculo —elegido por el público luego de una votación realizada en las redes sociales del Planetario— constará de tres funciones realizadas el mismo día, entre las 7:00 y las 9:00 p. m.

El evento propone una inmersión audiovisual con luces, proyecciones y sonido envolvente inspirado en 12 canciones de la artista. El domo, de unos 15 metros de diámetro, cuenta con cinco proyectores láser y un sistema de sonido 7.1, junto a una resolución visual de 6K, con el fin de garantizar una experiencia inmersiva a los asistentes. El repertorio previsto incluye temas como Tusa, Provenza, Bichota, Gatúbela, TQG, Ocean, 200 Copas y Mientras Me Curo del Cora.

El costo de la entrada es de $65.000, y los asistentes que acceden al show tienen derecho a recibir una bebida, un suvenir, y pueden recorrer libremente las salas y experiencias museográficas del recinto.

La jornada tendrá como cierre la participación en vivo de la DJ LP Laura Posada, responsable de la música en el hall principal, así como un espacio de karaoke abierto al público.

Karol G anunció colaboración con Reebok

A través de sus cuentas oficiales, la empresa norteamericana confirmó que la Bichota fue elegida como embajadora global de la marca, con un contrato multianual del que hasta la fecha se desconoce el valor que fue desembolsado a la colombiana.

La primera colaboración entre ambas partes incluyó una sesión de fotos de la cantante para el relanzamiento de la línea de Reebok Classics, enfocada en ropa callejera, que forma parte de la campaña Born Classic. Worn for Life.

“Estoy muy emocionada de unirme a la familia Reebok. He usado Reebok desde que tengo memoria, así que convertirme en embajadora global de la marca se siente como un momento de círculo completo. Reebok Classics tiene una base y una herencia muy rica en estilo, algo que es muy importante para mí cuando se trata de moda, y me encanta poder ser parte de la historia de la marca y mostrarle al mundo cómo llevo Reebok conmigo a donde sea que vaya”, expresó Karol G en un comunicado de prensa.

En las fotos compartidas por la marca en sus cuentas oficiales de redes sociales, la colombiana posa junto a un automóvil clásico con una combinación de pantalones cortos, una sudadera tipo crew neck holgada y los clásicos tenis Reebok Club C 85, evocando el look que definió a la princesa Diana de Gales en 1995.

Dichas fotos fueron el abrebocas para un reel protagonizado por la propia Karol G, en el que lució este y otros atuendos de la línea al ritmo de su canción Latina Foreva.

El diseño que Bad Gyal eligió para su participación en la gala de los Premios Goya despertó reacciones entre el público del Auditori Forum CCIB de Barcelona, donde la cantante lució un vestido corto y ajustado con transparencias y aplicaciones brillantes que reflejaban la luz sobre el escenario. Tal como informó el medio, la artista catalana completó su atuendo con botas altas en color claro, adornadas con tiras que recorrían la pierna y un peinado voluminoso y ondulado que acompañó su propuesta estética, consolidándola como un referente del vestuario audaz dentro de la música urbana. La gala número 40 de los Premios Goya sumó así un momento de ovación y atención no solo por la presentación musical, sino por la imagen visual que proyectó la cantante frente a los asistentes.

Según publicó la fuente, la edición de este año de los premios de la Academia de Cine de España integró a Bad Gyal en su cartel junto a otros nombres reconocidos como Belén Aguilera, Dani Fernández, La Casa Azul, Ana Mena y Alba Molina, quienes ofrecieron distintas intervenciones musicales en una gala enfocada tradicionalmente al cine pero que, en esta ocasión, reforzó la presencia de la música en directo como parte imprescindible del evento. El Auditori Forum CCIB no solo festejó los méritos del cine nacional sino también la trayectoria de artistas urbanos mediante puestas en escena que pusieron de relieve la diversidad y la actualidad de la cultura popular española.

Con una carrera que ha visto un crecimiento sostenido, la actuación de Bad Gyal en la gala de los Goya llega tras el éxito de su primer álbum, 'La Joia', que según detalló la fuente, registró millones de reproducciones desde su lanzamiento y alcanzó el puesto número uno en ventas dentro del territorio español. El legado de este disco marcó un punto de inflexión no solo para la proyección internacional de la cantante, sino para el género al que se asocia, permitiéndole mantener una presencia activa y notoria en plataformas musicales y en eventos de gran visibilidad mediática como los Goya.

Durante el pasado año, la cantante presentó varios sencillos —'Da me', 'Última noche' y 'Fuma'— que, de acuerdo con lo consignado por el medio, formarán parte de su segundo álbum titulado 'Más cara', con fecha de lanzamiento prevista para el mes de marzo. Estas nuevas canciones refuerzan el avance de Bad Gyal en su propio ciclo creativo y ofrecen un adelanto del rumbo que tomará su propuesta musical en el futuro próximo.

El outfit seleccionado por la cantante fue creado por la diseñadora Paloma Gould, quien imprimió a la prenda un carácter asimétrico y estilizado, integrando elementos icónicos asociados al estilo propio de Bad Gyal. Según reportó la fuente, la elección de botas altas y el uso de materiales con texturas luminosas contribuyeron a proyectar una imagen que enfatiza la identidad visual a la que recurre la artista en escenarios de relevancia mediática. A nivel de estilismo, la preferencia por un cabello largo, rubio y con ondas suaves, así como un maquillaje que resalta tanto los ojos como los labios, complementó el conjunto y la diferenciación estética del resto de los intérpretes invitados a la gala.

Además del impacto visual, la actuación recibió una respuesta audible de aplausos por parte del público, apuntalando la percepción de Bad Gyal como una de las figuras que ejercen una notable influencia en la música urbana contemporánea. Tal como destacó la fuente, la presencia de la cantante en la ceremonia de la Academia también refiere al proceso de apertura que experimentan estos premios hacia la integración de expresiones culturales propias de nuevas generaciones.

El medio subrayó que la artista barcelonesa ha ido consolidando su espacio dentro y fuera del país, no solo por sus éxitos discográficos sino también por su capacidad para unir propuesta musical y escenografía con elementos de moda y tendencias urbanas. La edición de los Premios Goya de este año, por tanto, se posicionó como testigo del momento creativo que atraviesa la cantante y de la recepción positiva que encuentra en escenarios multitudinarios.

La gala reunió a distintos protagonistas de la escena musical, quienes acompañaron las presentaciones con montajes visuales y coreografías que dialogaron con la estética novedosa de las canciones seleccionadas para la ocasión. En el caso de Bad Gyal, según enfatizó el texto, su número musical no solo se encuadró en la demostración de su potencial vocal sino en la correspondencia entre identidad sónica y despliegue visual, factores que, en opinión de las coberturas periodísticas, refuerzan su posición como ícono pop de referencia actual en la cultura urbana española.

El balance del evento, siguiendo los datos disponibles, mostró cómo la consolidación de Bad Gyal en el panorama musical resulta acompañada de una diversidad de propuestas y de una respuesta favorable tanto del público en sala como de quienes siguen su carrera a través de plataformas digitales. La estrategia de unir música, espectáculo y vestuario audaz ofreció a la cantante una plataforma para expandir su presencia en la industria del entretenimiento y para remarcar el vínculo existente entre premiaciones cinematográficas y géneros musicales emergentes que asumen protagonismo en eventos culturales de gran alcance.

En ese encuentro con los medios, Londra fue consultado sobre qué costumbres representativas mantiene de su provincia natal, Córdoba, y sorprendió con su referencia a su bebida más típica: “El fernet ya no tomo más. Hace un año y algo que dejé el alcohol, dejé el tabaco. Estoy bien. El acento, eso no lo puedo cambiar”, expresó en declaraciones recogidas por El Doce TV. La frase, acompañada de una sonrisa, reflejó el proceso de transformación que atraviesa el músico, enfocado en un estilo de vida más saludable a tono con su inminente paternidad.

Durante la conferencia, el cantante también habló sobre su identidad cordobesa y el valor del cuarteto en la cultura local. En su saludo, dedicó unas palabras a exponentes del género, como DesaKTa2 o Q’ Lokura, subrayando su conexión con la música de la provincia.

A su llegada a Chile, la figura de Londra generó euforia entre los fanáticos, que lo esperaron en el aeropuerto y en su hotel. Durante la jornada previa al festival, el artista compartió con seguidores en la playa, participó en actividades recreativas y recibió muestras de apoyo, consolidando el vínculo con su público.

La expectativa en torno a su presentación en la Quinta Vergara creció con el correr de las horas. El festival eligió a Londra para cerrar una de sus noches centrales, una decisión que refuerza su posición como referente de la música urbana argentina. La grilla incluye algunos de sus éxitos más reconocidos, en un show orientado especialmente a la audiencia joven que marca el pulso en la música iberoamericana en la actualidad. “Para mí es un honor, siento un poco de presión también, pero dicen que la presión es un privilegio, así que pienso disfrutarlo”, declaró ante la prensa.

A tono con este gran momento en el plano musical, el presente personal de Paulo Londra suma un capítulo significativo: la inminente llegada de su primera hija junto a Martina Quetglas. La pareja compartió en redes sociales imágenes del embarazo, mostrando el crecimiento de la familia en un entorno de calidez y cercanía.

La noticia del embarazo fue celebrada por seguidores y allegados del músico, que destacaron el momento de estabilidad emocional que atraviesa. La inminente paternidad y los cambios de hábitos personales forman parte de un proceso de maduración que se percibe en la actitud y el discurso de Londra en la previa de su debut en Viña del Mar. El show en la Quinta Vergara será la antesala de un itinerario que pasará por Lollapalooza Argentina y lo llevará a New York, Miami, Los Ángeles, California y diferentes países de Latinoamérica.

La combinación de nuevos hábitos de vida, la inminente paternidad y el desafío profesional en uno de los escenarios más destacados de América Latina configuran un momento de transformación para Londra. Su testimonio sobre el abandono del alcohol y el tabaco, sumado al crecimiento de su familia, se integra a la expectativa por su debut en Viña del Mar, donde buscará conectar con el tan temido monstruo en una de las noches más esperadas del festival.

La reciente inclusión de Don Omar en la programación de Barcelona responde al impulso generado tras agotar el total de entradas disponibles tanto en Tenerife como en Sevilla, donde la cita de Canarias superó las 40.000 localidades vendidas en apenas minutos. Según informó la organización del Cook Music Fest Special Edition, la actuación del artista puertorriqueño tendrá lugar el 23 de julio en el Estadio Olímpico Lluís Companys, que ha sido escogido por sus capacidades para recibir grandes espectáculos internacionales y garantizar el desarrollo del evento a gran escala.

Tal como publicó el medio, este concierto supondrá la tercera fecha española de Don Omar en el marco de su gira internacional, después de las presentaciones anunciadas previamente en Tenerife y Sevilla. La cita barcelonesa apunta a consolidarse como uno de los principales encuentros de la música urbana del verano de 2026 en España, alineándose con el éxito sostenido que ha acompañado al artista en sus últimas giras por América del Norte y México. La organización ha resaltado el atractivo intergeneracional de la propuesta musical de Don Omar, considerado una de las figuras más influyentes del género, lo que se refleja en la alta demanda de boletos y la respuesta masiva del público local e internacional.

Según consignó el Cook Music Fest, las entradas para la actuación de Barcelona estarán disponibles a partir del 2 de marzo, desde las 12:00 horas, y podrán adquirirse únicamente a través del sitio web oficial www.cookmusicfest.es. Esta limitación en la venta responde a la intención de evitar la falsificación de boletos y asegurar el acceso legítimo de los espectadores, en un contexto marcado por la previsión de una demanda elevada desde la apertura de la comercialización. En un comunicado emitido a los medios, la organización recomendó a los seguidores que utilicen exclusivamente los canales oficiales a fin de salvaguardar la validez de sus accesos.

El evento en el Estadio Olímpico Lluís Companys se desarrollará como parte del Cook Music Fest Special Edition, diseñado para ofrecer una experiencia integral que combine en directo los éxitos más emblemáticos de Don Omar, como 'Danza Kuduro', 'Dale Don Dale' y 'Dile'. La propuesta se complementará con un despliegue visual y de producción adaptado a la magnitud del recinto, así como con la participación de otros artistas invitados cuyos nombres se darán a conocer próximamente, reportó el Cook Music Fest.

El medio detalló además que la fecha del 18 de julio de 2026 en el Estadio de La Cartuja de Sevilla y la del 16 de julio en Tenerife forman parte de una estrategia que prioriza recintos de gran capacidad, tras la respuesta de la audiencia en cada fase del anuncio. Tras la venta rápida de las localidades, la gira europea de Don Omar suma así una tercera convocatoria en España, evidenciando la continuidad del fenómeno que ya se ha vivido en su tour Back to Reggaeton en suelo norteamericano, donde los conciertos agotaron localidades en múltiples estadios y arenas, lo que llevó a sumar nuevas presentaciones por la demanda.

Al mismo tiempo, el regreso del artista a México también ha estado marcado por el éxito en la venta de boletos, lo que llevó al incremento de fechas programadas tras el agotamiento de las entradas generales durante el anuncio inicial, informó la organización. Este desempeño comercial reafirma la vigencia de Don Omar en escenarios internacionales y el arrastre de su propuesta, que combina un repertorio conocido por distintas generaciones y diversas audiencias.

El Cook Music Fest explicó que la elección del Estadio Olímpico Lluís Companys responde a su historial como sede de actuaciones internacionales y a sus condiciones técnicas para alojar producciones de gran tamaño, lo que permite crear un entorno adaptado especialmente a las exigencias de los grandes espectáculos musicales. Con este nuevo anuncio, Barcelona se suma al itinerario español de Don Omar en 2026 y aporta uno de los recintos de mayor aforo y relevancia para la puesta en escena del evento.

La dimensión del fenómeno también se refleja en el comunicado de la organización, que destacó la “vigencia del artista y la dimensión intergeneracional de su repertorio”. Las declaraciones difundidas por el Cook Music Fest relevan el peso simbólico y comercial de la llegada de Don Omar a Barcelona, configurando una de las principales convocatorias musicales del año en el país y consolidando la tendencia de promover espectáculos de gran formato en escenarios emblemáticos.

En suma, el paso de Don Omar por Barcelona dentro del Cook Music Fest Special Edition expone tanto el auge sostenido de la música urbana en el mercado español como la capacidad de convocatoria de uno de sus referentes históricos, en una estrategia que privilegia la seguridad, la experiencia integral en directo y la selección de espacios habilitados para producciones de gran envergadura.

En las últimas horas, Tiago PZK generó fuerte repercusión en el mundo de la música y causó impacto entre sus fanáticos al expresar su postura con la industria musical. El artista argentino, considerado uno de los principales exponentes de la música urbana, utilizó sus plataformas digitales para expresar su descontento con la escena actual y anticipar un cambio artístico en su carrera.

“Hace tiempo que mi música no representa lo que soy. Mucho tiempo me falté a mí mismo y a mis valores para hacer lo que complace al resto en vez de a mí”, manifestó el oriundo de Montegrande en una story de letras blancas con fondo negro publicado en Instagram. Además, el joven añadió: “A partir de ahora, cada canción que saque va a ser de Tiago. Del verdadero Tiago. No el de las fotos de plástico y luces de colores”.

El tono de autocrítica se profundizó en historias posteriores, donde el cantante afirmó: “La industria, los artistas caretas y su ego me tienen re podrido. Yo vengo de un mundo real; mi sufrimiento de wacho nunca me lo sanó el cuento de la fama”. El cantante destacó el valor de quienes lo acompañaron en los momentos más difíciles antes del éxito.

Simultáneamente, el artista atravesaba una etapa de recuperación tras una intervención quirúrgica. Si bien el joven evitó los detalles sobre la operación, se mostró en historias de Instagram sonriendo y bailando en la camilla, exhibiendo su humor habitual y transmitiendo tranquilidad a sus seguidores.

Todo comenzó antes de ingresar al quirófano. Desde la camilla del sanatorio, ya con la vestimenta médica y el gorro quirúrgico puesto, el cantante subió una historia que rápidamente se viralizó. Acostado, relajado y con una sonrisa, “bailó” con las manos al ritmo de “Dale que so’ vo’”, demostrando que, incluso en un momento delicado, no perdía su espíritu lúdico ni su conexión con el público. Esa primera publicación funcionó como un mensaje claro: estaba tranquilo, contenido y de buen ánimo antes de la cirugía.

Horas después, compartió imágenes en las que aparecía con muletas y un inmovilizador en la pierna, dejando entrever que la cirugía estuvo relacionada con el miembro inferior. Se dirigió a su audiencia para agradecer la buena energía recibida, mientras mantenía un tono optimista y restaba dramatismo a la recuperación.

De camino a casa, Tiago PZK comunicó un nuevo cambio en su vida: el retorno a Monte Grande, su ciudad natal en la Zona Sur del conurbano bonaerense. “Lo bueno de esto es que ahora vuelvo a Zona Sur a vivir. Capital me tiene saturado hace un re rato”, expresó el cantante al anunciar su regreso a sus orígenes.

La decisión de volver a Monte Grande resalta la importancia de su barrio, su familia y los afectos que lo acompañaron desde los inicios. Durante su carrera, el vínculo con su lugar de origen siempre se reflejó tanto en sus letras como en su relato personal.

Tiago PZK se destacó en la escena urbana argentina por una trayectoria marcada por la autenticidad, la sensibilidad y el orgullo por su historia. Sus canciones, con letras basadas en experiencias personales, alcanzaron posiciones destacadas en rankings musicales y lo llevaron a colaborar con artistas internacionales. El regreso a Monte Grande y la promesa de reencontrarse con sus propios valores marcan una nueva etapa de búsqueda y reafirmación.

En este proceso de transformación, el artista manifiesta su voluntad de priorizar una expresión musical genuina y de dejar atrás presiones externas. Mientras continúa adaptándose a su nueva rutina fuera de la capital, muestra señales de fortaleza y agradecimiento, dispuesto a afrontar el presente con la misma energía y cercanía que lo han distinguido a lo largo de su carrera.

Las canciones incluidas en el repertorio de Sofía Gabanna abordan temáticas relacionadas con la libertad, la denuncia social, el feminismo y la salud mental, dentro de una propuesta que fusiona diversos géneros musicales. Este enfoque se presentará en un concierto gratuito que se celebrará el sábado 21 de junio a las 19:00 en el Institut València d'Art Modern (IVAM), como parte del ciclo mensual ‘Posar la Veu’, según informó el medio encargado del anuncio oficial.

De acuerdo con los detalles publicados por el IVAM y confirmados en la información referida por Cultura de la Generalitat a través de la prensa, la artista argentina con residencia en Barcelona interpretará los temas de su álbum titulado ‘Sideral’, así como sus más recientes sencillos ‘Retorno’ y ‘Yo Soy Yo’. El evento es de acceso libre hasta completar el aforo y busca atraer a un público amplio interesado en nuevas propuestas del panorama musical urbano.

Sofía Gabanna, quien es hermana de Nathy Peluso, cuenta con una trayectoria en ascenso dentro de la escena hip-hop española, marcada por letras directas y reflexivas. El medio ha destacado que Gabanna se considera rapera, bailarina y cantautora, lo que le permite un dominio escénico que fusiona estilos como hip-hop, jazz, R&B y ritmos latinos. Esta diversidad de géneros surge, en parte, a raíz de su amplio bagaje musical, ya que desde su infancia ha experimentado influencias que van desde el rock argentino hasta el flamenco, blues, música clásica, y géneros urbanos como rap y trap.

En cuanto a referentes musicales, Sofía Gabanna ha citado en entrevistas recogidas por la prensa especializada figuras de talla internacional como Amy Winehouse, Lauryn Hill, Whitney Houston, Fito Páez, Nas y 2Pac, lo que aporta un matiz global y mestizo a su identidad artística. Nacida en Argentina, Gabanna se trasladó a España cuando tenía 13 años, experiencia que ha influido en la forma en la que entiende la mezcla de culturas y tendencias musicales.

El ciclo ‘Posar la veu’ tiene como objetivo principal abrir el escenario a proyectos musicales y vocales de carácter intimista, así como explorar nuevas experimentaciones sonoras y revisiones contemporáneas de la música tradicional. Según ha consignado el medio organizador, la programación del ciclo es mensual y se extenderá hasta el próximo mes de junio. La edición de enero contó con la participación de la productora e intérprete castellonense Xenia, manteniéndose el criterio de diversidad de propuestas.

Las actuaciones de este ciclo se celebran en el vestíbulo del IVAM, lo que proporciona un entorno cercano entre artistas y asistentes. Según reportó la organización del festival, el acceso es gratuito para el público general, condicionado únicamente a la capacidad del recinto, lo que fomenta la asistencia de oyentes con variedad de intereses y orígenes.

La inclusión de Sofía Gabanna en este ciclo responde a una estrategia cultural de promoción de voces alternativas de la música urbana en España, según detalló Cultura de la Generalitat y reflejó la cobertura oficial del evento. El criterio de selección prioriza la innovación musical y la representación de mensajes de empoderamiento, libertad y crítica social, atributos presentes en la obra de la artista argentina.

La propuesta que Gabanna presentará en el IVAM se alinea con la intención del ciclo de experimentar con la reinterpretación del folclore tradicional y su fusión con sonoridades contemporáneas, así como con la exploración de lenguajes musicales innovadores. En los conciertos previos, según se indicó en anteriores comunicados de prensa difundidos por el IVAM, los asistentes han presenciado propuestas que combinan electrónica, instrumentación en directo y narrativas personales, consolidando el ciclo ‘Posar la veu’ como un espacio para la experimentación y el encuentro creativo.

El concierto de Sofía Gabanna se suma al calendario cultural promovido por las instituciones valencianas, cuya programación busca impulsar la presencia de mujeres y de artistas de diferentes orígenes en escenarios de relevancia pública. La cobertura del evento por parte de diversos medios ha subrayado que cada edición del ciclo es diseñada para acercar diferentes estilos musicales y perspectivas creativas al público local y visitante.

El IVAM, en colaboración con el Institut Valencià de Cultura, mantiene así un ritmo sostenido de actividades que integran lo musical con lo social, promoviendo espacios de participación ciudadana en torno a propuestas culturales de actualidad, según se desprende de la información consignada en cada edición mensual.

Un joven artista del género urbano fue asesinado en la noche del pasado martes 17 de febrero en el barrio Olaya Herrera, sector Estela, en Cartagena. El hecho se registró cuando la víctima salía caminando de un centro comercial de la zona.

La víctima fue identificada como Andrés Felipe Manjarrés Álvarez, cartagenero de 22 años que se dedicaba a la música urbana, específicamente al género trap, y que era conocido en el ámbito artístico como ‘Felo Millones’.

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De acuerdo con el reporte de la Policía conocido por El Tiempo, el caso fue clasificado como homicidio con arma de fuego y quedó registrado oficialmente a las 7:55 p. m., hora en la que se produjo el ataque.

Según la información recopilada por las autoridades, el joven fue abordado por dos hombres que se movilizaban en motocicleta cuando se encontraba en inmediaciones del centro comercial del sector Estela.

Testigos informaron que el parrillero descendió del vehículo, desenfundó un arma de fuego y disparó en repetidas ocasiones contra Manjarrés Álvarez. El ataque se produjo en plena vía pública y, de acuerdo con los reportes preliminares, no hubo intercambio de palabras previo a los disparos.

El informe policial al que tuvo acceso El Tiempo recoge la versión entregada por la comunidad sobre la forma en que se produjo el atentado:

“Según lo manifestado por la comunidad, el occiso fue abordado por una persona que iba de parrillero en una motocicleta y le dispara en varias ocasiones, falleciendo en el lugar de los hechos”.

Como consecuencia del ataque, la víctima murió en el lugar, antes de recibir asistencia médica. Su cuerpo quedó tendido sobre el pavimento mientras residentes y transeúntes alertaban a las autoridades.

En videos difundidos posteriormente en redes sociales se observa que vestía zapatos deportivos, bermuda de jean y suéter amarillo de manga larga al momento del crimen.

Procedimiento de inspección y traslado del cuerpo

Tras el ataque, la zona fue acordonada por unidades de la Policía Metropolitana de Cartagena, que iniciaron los actos urgentes correspondientes en este tipo de casos.

La institución confirmó que al lugar acudieron funcionarios de Criminalística de la Seccional de Investigación Criminal (Sijín) para adelantar la inspección judicial. El reporte oficial consigna que la “inspección técnica a cadáver” fue realizada por la Seccional de Investigación Criminal, como parte del procedimiento establecido por la ley.

Durante varias horas, los investigadores realizaron la fijación fotográfica, la recolección de evidencias y la documentación de la escena del crimen. Asimismo, iniciaron la recopilación de testimonios de personas que se encontraban en el sector al momento de los hechos.

Una vez culminado el procedimiento en la vía pública, el cuerpo fue trasladado la misma noche del martes a la morgue de Medicina Legal, donde quedó a disposición de las autoridades competentes para los trámites forenses y legales correspondientes.

Antecedente judicial registrado en 2022

El documento conocido por el medio ya mencionado, también deja constancia de un antecedente judicial del joven artista. De acuerdo con el informe oficial, “al occiso le registra una anotación judicial por el delito de porte ilegal de armas de fuego (2022)”.

Además, se puntualizó que figuraba una anotación en el Sistema Penal Oral Acusatorio (SPOA) por ese mismo delito en el año 2022. Hasta el momento, las autoridades no han determinado si dicho antecedente tiene relación con el homicidio ocurrido en el barrio Olaya Herrera.

La información hace parte del análisis preliminar que realizan los investigadores para establecer el contexto completo del caso y definir posibles líneas de investigación.

Investigación para esclarecer los móviles

La Seccional de Investigación Criminal de Cartagena asumió formalmente el caso y adelanta labores de inteligencia y verificación en el sector Estela. Entre las acciones en curso se encuentra el análisis de cámaras de seguridad ubicadas en el área cercana al centro comercial y en vías aledañas, con el fin de identificar la motocicleta utilizada por los responsables y establecer la ruta de escape.

Igualmente, los investigadores trabajan en la ampliación de testimonios y en la verificación de información que pueda aportar datos sobre la identidad de los atacantes.

La Policía Metropolitana de Cartagena informó que la investigación permanece abierta y que se están evaluando diferentes hipótesis sobre los móviles del crimen.

Hasta el momento no se han reportado capturas relacionadas con el asesinato, mientras continúan las diligencias orientadas a esclarecer las circunstancias en que se produjo el ataque armado.

El foco de la expectativa estuvo en los detalles de la vestimenta de Bizarrap, que publicó en sus historias fotografías en el anillo interior del Estadio Monumental con un vaso colorado en una mano. Allí, con un look clásico en él, gafas oscuras, gorra, una campera negra y bermudas verdes, además de una remera blanca larga, medias blancas y zapatillas deportivas azules y beige, dejó una clave númerica que ilusionó a sus fans. La gorra lleva el número “33” y las bermudas, el “30”. La suma de ambos números —63— fue interpretada como una posible referencia a una próxima “colaboración musical” entre ambos artistas, ya que la última serie lanzada por Bizarrap fue la Session #62, con JBalvin. Esta coincidencia despertó rumores sobre una potencial Session #63 con Bad Bunny, alimentados por la cronología del proyecto y la creciente demanda de los seguidores de la música urbana. En youtube circulan supuestas sesiones entre ambos, pero todas están hechas con IA.

En plataformas digitales, fanáticos de Bizarrap y Bad Bunny analizaron la combinación de números, sugiriendo que se trataba de un mensaje en clave y anticipando la esperada nueva sesión. Aunque no hubo declaraciones oficiales ni confirmaciones por parte del productor argentino, la hipótesis se fortaleció por la secuencia de lanzamientos y su elección de compartir el escenario con Bad Bunny en una función con más de 80.000 espectadores.

Tal como informó el propio Bizarrap recientemente, restan solo cuatro entregas para completar su icónico ciclo, lo que sumó aún más interés a las teorías alrededor de la posible Session #63.

El segmento “La Casita” es un espacio donde Bad Bunny invita a figuras destacadas del ámbito local, consolidando la interacción con la audiencia argentina. En esta primera noche, las cantantes María Becerra, Tini Stoessel y La Joaqui formaron parte del selecto grupo de invitadas. Ambas acompañaron a Bad Bunny en la estructura trasera del escenario secundario y bailaron durante temas populares como “Tití me preguntó”. La presencia de Becerra, quien había celebrado su cumpleaños horas antes, y la de Stoessel, que venía de presentarse en Chile la noche anterior, generó entusiasmo en el público y momentos virales en redes sociales.

El espectáculo incluyó interpretaciones en vivo de éxitos como “Callaíta”, “No Me Conoce” y “Baile Inolvidable”. Durante el tema “No Me Conoce”, Bad Bunny lució una camiseta argentina número 19, homenajeando los inicios de Lionel Messi en la selección nacional, un detalle destacado que reforzó el vínculo emocional con la audiencia local.

La organización del evento priorizó una logística cuidadosa, tanto en la selección musical y la configuración de los escenarios, como en la seguridad y privacidad del artista. Bad Bunny mantuvo un bajo perfil desde su llegada a Buenos Aires, instalándose en hotel Palacio Duhau de Recoleta y realizando cenas privadas en restaurantes de renombre. En una de estas ocasiones, elogió la gastronomía argentina con la frase: “sacame esto que es un vicio”, refiriéndose al pan artesanal.

La gira internacional de Bad Bunny, caracterizada por su convocatoria multitudinaria, dedicó especial atención a la conexión con el público local. El vínculo entre el artista y los fans argentinos se ha fortalecido desde su debut en el país en 2017 y alcanzó un nuevo punto alto con tres funciones consecutivas en el Monumental. Las actuaciones y estrenos preparados especialmente para Buenos Aires dieron al evento un matiz distintivo y confirmaron la importancia de la capital argentina en el circuito de la música urbana.

La presencia de Bizarrap en “La Casita”, acompañado por referentes de la nueva generación de artistas argentinos y envuelto en la expectativa por una posible colaboración con Bad Bunny, inyectó una dosis adicional de entusiasmo en una noche dedicada al fenómeno internacional de la música urbana.

La industria de la música urbana continúa tomándose los dispositivos digitales de todas las generaciones y la presencia de los colombianos es notoria, teniendo en cuenta que J Balvin se consolidó como el artista latino más escuchado a nivel mundial, solo superado por el puertorriqueño Bad Bunny.

Las cifras de Spotify confirmaron que el paisa cuenta con más de 76,9 millones de oyentes mensuales, lo que lo posicionó en el lugar 14 del ranking global de la plataforma, por encima de figuras como Shakira y Karol G, según datos oficiales reportados recientemente.

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Cabe mencionar que este anuncio se confirmó tras la reconciliación de los artistas, que se dio a finales de 2025, después de haberse distanciado por algunos años. Los cantantes confirmaron la mejoría en su relación en medio de un concierto del puertorriqueño en Ciudad de México en diciembre de 2025.

Allí, J Balvin destacó lo siguiente: “Ahora somos dos hombres representando a los latinos a donde vayamos. Siempre te deseo lo mejor y que Dios te bendiga”. Estas palabras demostraron que el pasado incómodo con Bad Bunny quedó atrás y este junte resultó clave para la exposición global de la música latina.

La respuesta del artista puertorriqueño fue la siguiente: “Gracias José. Sabes que el sentimiento es mutuo, que te respeto y te quiero mucho, igual si en algún momento falté en algo, yo ya me disculpé hace mucho tiempo. La gente no sabe, pero tuvimos una conversación hace varias semanas (…) Colombia, México y Puerto Rico. De la misma manera y como dice José, que represento a los latinos en el mundo entero, él lleva haciéndolo años. Abriendo puertas por el género urbano, no solo por Colombia, sino por todos los latinos”, afirmó Bad Bunny.

El intercambio de palabras entre los artistas tuvo repercusión en la escena urbana, pues ante este emotivo encuentro también se pronunció el productor Tainy, responsable de Oasis, el álbum colaborativo del cantante colombiano J Balvin y el puertorriqueño Bad Bunny que selló una de las alianzas más relevantes del sector.

En ese encuentro, los artistas interpretaron La canción, incluida en Oasis, lo que resultó contundente para el éxito del tema musical, pues revivió de forma notable, teniendo en cuenta que este éxito superó los 2.412 millones de reproducciones en Spotify, consolidándose como la canción en español más escuchada de la plataforma.

Sin embargo, J Balvin dominó la lista de éxitos con otras canciones como Mi gente, I like it y China, lo que demostró la importancia de su trabajo en la visibilidad del género en mercados internacionales.

Los artistas más escuchados en Spotify

Las tendencias de las diferentes plataformas revelaron que J Balvin desbancó a Shakira del segundo puesto entre los latinos más escuchados en Spotify, mostrando que el movimiento de la música urbana sigue en crecimiento. Incluso, sobre una de las figuras más reconocidas del territorio nacional.

1. Bruno Mars
2. The Weeknd
3. Taylor Swift
4. Rihanna
5. Justin Bieber
6. Bad Bunny
7. Lady Gaga
8. Coldplay
9. Billie Eilish
10. Drake
11. Ariana Grande
12. Ed Sheeran
13. David Guetta
14. J Balvin
15. Shakira
16. Kendrick Lamar
17. Maroon 5
18. Eminem
19. SZA
20. Calvin Harris

Las 10 canciones más escuchadas de J Balvin en Spotify

Los temas musicales que han marcado la carrera de J Balvin siguen cosechando millones de reproducciones en las diferentes plataformas musicales y Spotify no es la excepción, por lo que la plataforma confirmó el listado de los éxitos del artista que continúan destacándose, pese a que algunos de ellos se grabaron hace años. Algunos de ellos son colaboraciones con artistas de talla mundial, como es el caso de Bad Bunny, Jhayco, Daddy Yankee y Karol G.

1. La canción 
2. I like it
3. Mi gente
4. No me conoce - Remix
5. China
6. X
7. Otra vez
8. Ritmo
9. Qué pretendes
10. Un día (One day)

Según detalló el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria, Ozuna, conocido por contar con cuatro récords Guinness que incluyen el logro de ser el artista musical con mayor cantidad de videos que superan las 1.000 millones de reproducciones en YouTube, encabezará la programación musical tras la Gran Cabalgata del Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria. El cantante puertorriqueño, que suma en su trayectoria premios como dos Latin Grammy por la canción "Yo x Ti, Tú x Mí", interpretada junto a Rosalía, tiene previsto presentarse el próximo 28 de febrero en el escenario Coca Cola, localizado en la plaza Manuel Becerra, dentro del festejo conocido como el Carnaval de 'Las Vegas'.

El programa del Carnaval capitalino, reportó el consistorio a través de un comunicado, incluye la esperada actuación de Ozuna inmediatamente después del desarrollo de la Gran Cabalgata, uno de los eventos centrales de las fiestas. Reconocido internacionalmente, Ozuna ha conseguido además cinco premios Billboard Music Award y 12 Billboard Latin Music Award. En la última década, sus colaboraciones han abarcado nombres destacados de la música latina y mundial, entre ellos Shakira, Christina Aguilera, Camilo, Daddy Yankee, Karol G y Myke Towers, consolidando una trayectoria caracterizada por la diversidad y la proyección internacional.

El artista comenzó su ascenso en el panorama musical en 2016 cuando participó en la canción "La ocasión" junto a DJ Luian, Mambo Kingz, De La Ghetto, Arcángel y Anuel AA, según informó el Ayuntamiento. Su discografía incluye los álbumes Odisea (2017), Aura (2018), Nibiru (2019), Enoc (2020), OzuTochi (2022) y Cosmo (2023), mientras que en el horizonte discográfico ya se anuncia Herbolario, previsto para 2025. Además, en meses recientes lanzó el tema "STENDHAL" junto al colombiano Beéle, una propuesta que integra sonidos afrobeats con influencias afrocaribeñas y urbanas.

La programación musical del Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria para este año también suma la participación de otros artistas de renombre, tales como Marc Anthony, Olga Tañón, Emily Estefan, el Gran Combo de Puerto Rico, Leoni Torres, Ke Personajes, Luck Ra y Miriam Cruz, de acuerdo con la información proporcionada por el Ayuntamiento. El evento, uno de los principales festejos populares de la capital grancanaria, contará así con un elenco artístico en el que figuras internacionales compartirán escenario con talentos representativos de diversos géneros musicales.

A lo largo de su carrera, Ozuna ha sido reconocido no solo por sus éxitos en las listas de popularidad, sino también por la capacidad para sumar millones de visualizaciones y oyentes en plataformas digitales, lo que ha quedado reflejado en sus múltiples galardones y reconocimientos oficiales. Según apuntó el consistorio local, la confirmación de Ozuna en el cartel del Carnaval refuerza la apuesta del evento por reunir en Las Palmas de Gran Canaria a intérpretes de la escena global que amplifican el alcance y la proyección de las fiestas.

De acuerdo con la información compartida por las autoridades municipales, la actuación de Ozuna se inserta en la lógica de una celebración que año tras año convoca a miles de personas e impulsa la presencia de figuras cuyo impacto internacional contribuye a dar visibilidad al Carnaval canario. La cita prevista para el 28 de febrero contempla, según el Ayuntamiento capitalino, el montaje de infraestructuras especiales en la plaza Manuel Becerra para acoger a los asistentes al concierto, que llegará tras uno de los momentos más concurridos de la agenda festiva como es la Gran Cabalgata.

El Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria subrayó que el evento musical se desarrollará en el marco del llamado Carnaval de 'Las Vegas', denominación con la que este año se presenta el tradicional festejo. Los organizadores anticipan que el despliegue de artistas internacionales en la ciudad aportará un atractivo adicional a la cita, en la que la música y el espectáculo se integran como elementos esenciales de la programación.

El álbum “El 6EI66EI6”, publicado en 2023, marcó un punto clave en la proyección internacional de Hades66 y reforzó su posicionamiento en plataformas digitales, donde ha conseguido cifras considerables de reproducciones. El medio Europa Press informó que el artista urbano puertorriqueño prepara su presentación en Valencia, programada para el 21 de marzo de 2026 en el Auditorio Roig Arena, en un evento anunciado en un comunicado oficial de la organización.

Europa Press detalló que Hades66 forma parte destacada de la nueva generación de trap y música urbana latina. Nacido en Puerto Rico, inició su recorrido artístico en los circuitos de hip hop y freestyle, donde fue perfilando un estilo propio. Según el comunicado al que tuvo acceso Europa Press, su propuesta se caracteriza por una energía marcada, un enfoque directo en las letras y la integración de sonidos como el trap, reguetón y otras variantes callejeras. Esta fusión le ha facilitado conectar especialmente con el público más joven y trascender los límites de su país de origen, logrando así un impacto internacional.

El repertorio de Hades66 incluye sencillos como “Emociones”, “Lukeando”, “UuU” y “Manhattan”, todos ellos con millones de reproducciones en servicios de streaming, lo que confirma su repercusión en la escena urbana global. El medio Europa Press puntualizó que la influencia del puertorriqueño también se extiende a las redes sociales, donde sus canciones han alcanzado una notable viralidad, posicionándolo entre los artistas urbanos más escuchados en los últimos años.

A la consolidación de su carrera como solista se suma su participación en colaboraciones importantes. El sencillo “Pacto”, realizado junto a Jay Wheeler, Dei V y Luar La L, ha fortalecido su reconocimiento dentro del género urbano, expandiendo la diversidad de su trayectoria. Europa Press señaló que estas asociaciones musicales han potenciado el alcance de sus temas y su visibilidad en mercados ajenos al de Puerto Rico.

La organización responsable del concierto afirmó, en información recogida por Europa Press, que las entradas para la actuación de Hades66 en el Auditorio Roig Arena estarán disponibles a partir del lunes 9 de febrero a las 12:00 horas en la web oficial del recinto, www.roigarena.com. Este anuncio permite a los seguidores del artista planificar con antelación su asistencia a la presentación.

La presencia de Hades66 en Valencia representa una oportunidad para que el público de la ciudad experimente en directo los éxitos virales que han circulado extensamente en las plataformas digitales. Según la información de Europa Press, el evento se enmarca en la gira de promoción de su propuesta musical, entendida como un ejemplo de la evolución del trap y la música urbana latina en la escena internacional.

“Hoy no tan solo celebro el tiempo, sino que celebro todo lo que he aprendido viviendo”, expresó Daddy Yankee al compartir un video de su cumpleaños número 50 que fue el 3 de febrero de 2026. Allí el artista reiteró que esta etapa representa mucho más que una cifra: “Aprendí que la vida no te transforma en la comodidad, sino en los procesos. En los momentos de dudas, de las caídas y en esos momentos en que decides no rendirte”.

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El artista se refirió a la importancia de la espiritualidad en este nuevo ciclo: “Mi ancla en Jesús ha sido mi llave. Me ha sostenido cuando me siento débil, cuando no tengo fuerzas, cuando siento que no puedo más. Ahí entra esa fe a rescatarme”, demostrando así que, pese a atravesar momentos de vulnerabilidad, ha aprendido a mantenerse firme por causa de sus creencias.

Frente a su edad, indicó que el camino ha estado lleno de aprendizaje: “Recibo estos 50 con más vida, más fe, más sabio y más fuerte, con un corazón más autentico, no perfecto, pero más consciente” y agregó: “Me siento más sólido en mis fifty. Mejor que nunca. Dios los bendiga”.

En su emotivo Daddy Yankee recordó sus orígenes: “Fui un joven soñador del barrio que un día se atrevió a creer que era posible. Nunca fue fácil, pero siempre hubo fe”, refiriéndose a los pasos que tuvo que dar para ser considerado como una de las leyendas de la música urbana.

Y es que en el camino que recorrió hasta convertirse en referente del género tuvo que enfrentarse a varias dificultades que logró superar gracias a la disciplina, la humildad y el carácter, además de la voluntad de levantarse tras cada caída que ha tenido a nivel profesional y personal.

“Este camino me exigió disciplina, humildad, carácter y también vulnerabilidad. Aprendí a caer, a levantarme y a nunca perder la esperanza, reconociendo siempre que Jesús es el centro de toda obra”, reiterando así su fe.

Nuevo video de Daddy Yankee

La celebración del cumpleaños 50 del artista, cuyo nombre real es Ramón Luis Ayala Rodríguez, incluyó el lanzamiento del video musical de Toy hermoso, un tema que fue grabado en Puerto Rico y hace parte del álbum Lamento en baile. Sobre el contenido visual, el propio Daddy Yankee explicó lo siguiente: “El concepto gira en torno a la idea de que, aunque la vida presente retos, seguimos de pie, hermosos y viviendo sabroso, porque caminamos bajo la cobertura divina del Todopoderoso”.

Una parte de la canción dice lo siguiente: “Nosotros cerramos la boca de los leone’ y le pisamos la cabeza a las serpiente’ y a lo’ escorpione’. No nos dejamos llevar por la’ emocione’ (never) Gracias a Dios me va bien, por más que me mencione’”.

Cabe mencionar que la producción representa una etapa de música con propósito e inspiración religiosa. Junto a otras canciones como Sonríele y ABCD, esta última en colaboración con Alex Zurdo, el álbum transmite mensajes de optimismo y fortaleza personal, consolidando una transformación artística en la carrera de Daddy Yankee.

El artista se mostró muy emocionado por esta nueva etapa de su vida y lo dejó en claro con sus palabras en medio de su celebración: “A mí no me cuenten que ando SIN-CUENTA, pero Toy Hermoso. Happy Birthday to me”, expresó en medio de esta ocasión especial. Además, aprovechó para agradecer los buenos deseos de sus seguidores.

En este nuevo ciclo, Daddy Yankee mantiene como convicción la posibilidad permanente de crecimiento, mientras que continúa llevando un mensaje de superación a sus seguidores.

En medio de una de las entrevistas, el propio J Balvin describió que su decisión de asistir acompañado de Ryan Castro estuvo basada en la relevancia que su amigo y colega representa para el género, no solo a nivel local, sino internacional.

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J Balvin aprovechó su intervención para explicar a la prensa por qué llevó a su amigo: “Yo me quería traer a mi muchacho, mi parcero, para que conociera los Grammy americanos, para que se inspire, para que siga creciendo porque ya es uno de los artistas más legendarios de Colombia”, afirmó durante la ceremonia, refiriéndose a la importancia de la presencia del cantante de La villa y Mujeriego en una noche tan importante para la música.

J Balvin sumó elogios al trabajo de Ryan Castro, además de demostrar que valora la disciplina y el esfuerzo de su colega y amigo, lo que lo sitúa entre los nombres de mayor impacto en la escena mundial.

Por su parte, Ryan Castro valoró públicamente la experiencia de estar en los Grammy 2026 junto al artista que considera un mentor, por lo que no dudó en agradecerle la invitación y la posibilidad de recibir orientación directa de una figura clave del movimiento.

Ante la pregunta de cómo recibía las palabras de J Balvin dijo: “Yo las tomo muy bien, de verdad, porque aprendo mucho de José, también cuando me regaña aprendo muy bien. Nada, hermano, José es un ejemplo para seguir, yo lo veía en televisión haciendo esto y ahora acompañarlo es un indicio de que estamos haciendo bien el trabajo, él no pone los ojos sobre cualquier persona”, expresó Ryan Castro, reiterando la influencia de que ha tenido su amigo en su desarrollo profesional.

El propio Ryan Castro recalcó la importancia de vivir en carne propia la asistencia a un evento que, durante años, observó desde la distancia. Del mismo modo señaló que caminar la alfombra roja, compartir espacio con figuras internacionales y recibir el respaldo de Balvin funcionó como una validación de su trayectoria reciente.

El artista destacó que el ser invitado por uno de los mayores referentes del género urbano en Colombia es un ejemplo de que el esfuerzo rinde frutos.

La aparición conjunta de J Balvin y Ryan Castro dejó una gran cantidad de comentarios de apoyo por parte de los internautas, que “J Balvin es esa persona q sabe q el sol sale para todos”, “José entendió el verdadero significado de la amistad”, “Amo la carita de Ryan de agradecimiento”, “Eso sí es amistad” y “Que José quiera ver brillar a Ryan, eso deja mucho que decir de él como persona, vivan los amigos que te admiran y quieren verte brillar”.

Y es que los famosos han demostrado que tienen una relación más allá de los escenarios, debido a que Río, el hijo de J Balvin y Valentina Ferrer, le dice tío, demostrando su cariño hacia una de las personas que ha estado presente en su crecimiento.

Estilo de los artistas

En cuanto a los outfits, los artistas optaron por un estilo clásico en la gala central, debido a que vistieron trajes negros. En cuanto a J Balvin, eligió añadir un pañuelo y un reloj dorado, mientras Ryan Castro eligió accesorios en color plata.

La entrega del Premio Grammy a la Mejor Interpretación de Música Global a Bad Bunny poco antes de conseguir el galardón al Mejor Álbum de Música Urbana se convirtió en un anticipo de la relevancia del artista durante la gala celebrada en Los Ángeles, donde se destacó también la presencia de varios artistas latinos en las nominaciones y en la lista de ganadores. En este contexto, Bad Bunny utilizó su discurso al recibir su cuarto premio para manifestar una firme condena a las políticas del Servicio de Control de Aduanas e Inmigración (ICE, por sus siglas en inglés), después de que las recientes redadas de este organismo generaran controversia y protestas en las que han fallecido dos manifestantes en las últimas dos semanas. Según publicó Europa Press, el cantante de 31 años apeló a la dignidad de las comunidades migrantes y pidió terminar con la violencia y los discursos de odio.

Bad Bunny, cuyo nombre aparece en seis categorías de la actual edición de los premios, subió al escenario tras recibir el Grammy por su disco en español "Debí tirar más fotos" (DtMf). De acuerdo con Europa Press, antes de agradecer a Dios, pronunció las palabras: "ICE, fuera. No somos salvajes, no somos animales, somos seres humanos y somos estadounidenses". Sus declaraciones generaron una ovación del público, al tiempo que los asistentes a la ceremonia aplaudieron su llamado al respeto y a la convivencia. El cantante aprovechó el espacio para advertir que "el odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Por eso, por favor, tenemos que ser diferentes", insistiendo en que la música puede servir como plataforma para enviar un mensaje en defensa de los derechos fundamentales.

Según reportó Europa Press, el discurso del artista se enmarca en un clima de tensión social en Estados Unidos, impulsado por las operaciones del ICE y los discursos que refuerzan actitudes hostiles hacia los migrantes. Las recientes acciones de este organismo federal, ampliamente criticadas por organizaciones de derechos humanos y comunidades migrantes, provocaron la muerte de dos personas involucradas en manifestaciones, lo que reavivó el debate sobre los métodos empleados en la aplicación de la ley migratoria. El pronunciamiento de Bad Bunny en un evento de gran repercusión como los Grammy contribuye a visibilizar estas demandas.

Además de la destacada noche para Bad Bunny, la edición número 68 de los premios Grammy, señaló Europa Press, tuvo un marcado protagonismo latino. Otros tres artistas que grabaron en español recibieron estatuillas en distintas categorías. La cantante mexicana Natalia Lafourcade fue premiada por el Mejor Álbum de Pop Latino gracias a "Cancionera"; la cubana Gloria Estefan recibió el Grammy al Mejor Álbum Tropical Latino con "Raíces"; y el dúo argentino Ca7riel y Paco Amoroso ganó en la categoría de Mejor Álbum de Rock o Alternativo Latino con el disco "Papota". Esta presencia diversa refuerza el posicionamiento del español en la industria musical internacional.

Durante la ceremonia, la solidaridad hacia las comunidades migrantes también estuvo presente en el discurso de Olivia Dean, quien, según consignó Europa Press, fue premiada como Mejor Artista Revelación. Desde el escenario, Dean expresó: "estoy aquí como nieta de un inmigrante, soy fruto de la valentía y creo que esas personas merecen ser homenajeadas". Su mensaje coincidió con la línea de las palabras pronunciadas por Bad Bunny y reflejó la creciente toma de conciencia sobre los aportes de los migrantes en diferentes campos, así como el reconocimiento de sus derechos por parte de figuras públicas.

La noche de premiaciones en Los Ángeles estuvo marcada por intervenciones que trascendieron el ámbito musical. Según detalló Europa Press, Bad Bunny, además de lograr el Grammy a Mejor Álbum de Música Urbana, aún competía en dos de las categorías más relevantes: Mejor Grabación y Mejor Canción del Año, ambas por un trabajo realizado íntegramente en español. Este dato apunta al crecimiento del reconocimiento internacional de la música en lengua española y la importancia de figuras como Bad Bunny en la configuración de los espacios culturales globales.

A lo largo de la edición, el impacto de los mensajes sobre migración y derechos humanos se convirtió en un eje transversal, reflejado tanto en declaraciones como en la elección de los ganadores. El medio Europa Press puntualizó que la ceremonia, que reunió a personalidades del mundo musical de diferentes nacionalidades y estilos, sirvió de plataforma para canalizar inquietudes sociales a través del arte y la visibilidad internacional de los artistas premiados.

La gala de este año no solo reconoció el talento artístico, sino que puso en primer plano problemáticas sociales como las condiciones de los migrantes y la respuesta institucional que enfrentan en Estados Unidos. De acuerdo con Europa Press, los discursos y los reconocimientos demostraron la capacidad de la industria musical para abordar asuntos que trascienden las fronteras del espectáculo y movilizar apoyos hacia distintas causas sociales.

El fallecimiento de dos manifestantes durante recientes operativos del Servicio de Control de Aduanas e Inmigración de Estados Unidos (ICE, por sus siglas en inglés) formó parte de la denuncia pública lanzada por Bad Bunny durante la entrega de los premios Grammy en Los Ángeles. Según publicó el medio original, el artista puertorriqueño, al recibir el galardón al Mejor Álbum de Música Urbana por "Debí tirar más fotos", exigió el cese de estas redadas migratorias y reclamó respeto para las personas afectadas, al declarar: “ICE, fuera. No somos salvajes, no somos animales, somos seres humanos y somos estadounidenses”.

La ceremonia del 68º aniversario de los Grammy reconoció a Bad Bunny no solo por su última producción musical, sino también por su mensaje en defensa de los derechos de los migrantes. De acuerdo con la fuente, el cantante se encontraba nominado en un total de seis categorías y, poco antes de obtener el galardón a Mejor Álbum de Música Urbana, fue premiado por la Mejor Interpretación de Música Global gracias a su tema "EoO". Bad Bunny competía, además, en dos de las categorías principales de la noche: Mejor Grabación y Mejor Canción del Año, ambas por un trabajo íntegramente en español, lo que subrayó la presencia de la música hispanohablante en la edición.

Frente a los asistentes al evento, Bad Bunny también se dirigió al público para rechazar los discursos de odio vinculados a la política migratoria, expresando que "el odio se vuelve más poderoso con más odio. Lo único más poderoso que el odio es el amor. Por eso, por favor, tenemos que ser diferentes", según consignó el medio. El mensaje generó una ovación por parte de los presentes.

La edición contó con un reconocimiento a otras figuras de la música latina, resaltando la diversidad de orígenes y géneros. Tal como detalló el medio, la mexicana Natalia Lafourcade recibió el premio al Mejor Álbum de Pop Latino por "Cancionera", Gloria Estefan, originaria de Cuba, fue galardonada en la categoría Mejor Álbum Tropical Latino por "Raíces", y el dúo argentino Ca7riel y Paco Amoroso obtuvo el premio al mejor álbum latino de rock o alternativo por su obra "Papota".

Además, la cantante Olivia Dean se sumó a las voces que reclamaron reconocimiento a los derechos de las minorías. Al obtener el reconocimiento a Mejor Artista Revelación, Dean señaló desde el escenario: “Estoy aquí como nieta de un inmigrante, soy fruto de la valentía y creo que esas personas merecen ser homenajeadas”. Las declaraciones de Dean, reportó el medio, reforzaron la centralidad de las temáticas migratorias y el homenaje a quienes atraviesan estos procesos en la ceremonia.

Según informó la fuente, el discurso de Bad Bunny se produjo en un contexto marcado por los recientes fallecimientos de manifestantes durante operativos migratorios organizados por el ICE en el país. Estos operativos han sido motivo de controversia y han reavivado el debate sobre el trato que reciben las personas migrantes y la respuesta de las autoridades estadounidenses frente a las demandas de organizaciones civiles.

El reconocimiento al trabajo de Bad Bunny llega en un momento en que la música urbana y la producción en español alcanzan una visibilidad sin precedentes en los principales premios internacionales. El medio resaltó que el galardón obtenido por el artista representa su cuarto Grammy y pone de relieve la influencia cultural de los ritmos latinos en la industria musical global.

La gala en Los Ángeles reflejó la diversidad cultural y lingüística de las nominaciones, así como la relevancia de los discursos que exceden lo artístico para posicionarse sobre asuntos sociales, como la migración, la discriminación y los derechos humanos. La ceremonia contó con la participación de artistas de diferentes nacionalidades y tradiciones musicales, lo que contribuyó a amplificar voces que reclaman igualdad y justicia para las poblaciones inmigrantes.

Distintos artistas utilizaron su espacio en el escenario para visibilizar historias personales ligadas al fenómeno migratorio. Las intervenciones de Bad Bunny y Olivia Dean, según destacó el medio original, subrayaron el carácter reivindicativo de la noche y situaron el tema de la migración en el centro del debate público en el mundo del espectáculo y la cultura.

El homenaje al trabajo musical en español no se limitó a las categorías urbanas y globales, ya que las principales figuras en el ámbito del pop, el rock y los géneros tropicales también recibieron distinciones. Este reconocimiento colectivo, reportó el medio, dejó en evidencia el alcance y la trascendencia que hoy poseen las expresiones artísticas creadas y representadas por músicos latinoamericanos y de origen migrante en el escenario internacional.

Paralelamente la caleña siguió publicando nuevos temas, muchos de ellos colaboraciones con figuras como con Jhay P, Karol G y Goyo — este último nominado para los Premios Nuestra Tierra 2026—, mientras lidiaba con reacciones negativas en redes sociales luego del arresto de su padre, imputado por los cargos de secuestro simple y tortura en hechos ocurridos en la finca de la cantante en Llanogrande, Antioquia, en 2023.

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Greeicy concedió una entrevista al programa El Vacilón de la Mañana, espacio matutino de la emisora La Mega 97.9 de Nueva York. Allí, la cantante tuvo que hacer frente a una pregunta subida de tono que involucraba a su pareja, el también cantante Mike Bahía.

“¿Si tu esposo te pide un trío con una artista famosa, ¿tú te atreverías y a cuál elegirías?“, expresó el locutor para introducir la denominada ”pregunta maldita".

En un principio, la cantante explicó que nunca ha considerado participar en un trío. “Yo siento que si nunca me lo han propuesto, no me vengo ahí, porque soy muy como de ‘tú y yo’, en ese sentido tan íntimo”, expresó.

Eso sí, dejó claro que si las condiciones fueran las adecuadas podría cambiar de opinión. “Pero si entrara una loquera, si prefería que fuera mujer”, manifestó, admitiendo acto seguido que le haría la oferta a la cantante española Bad Gyal.

La respuesta tomó por sorpresa a los realizadores del formato, así como a los seguidores de ambas figuras. No pasó mucho tiempo para que la respuesta de Greeicy se hiciera viral, y la propia Bad Gyal se refiriese al tema.

Reconocida tanto por sus colaboraciones con figuras internacionales como Karol G, Sebastián Yatra, Rauw Alejandro y Anitta, como por su papel en el momento de auge que atraviesa el género urbano en España, la artista española compartió en sus historias de Instagram su punto de vista con una mezcla de humor y provocación.

“Definitivamente me equivoqué de orientación sexual jajaja, siempre le gusto a las más lindas y los hombres no sirven (risas), Greeicy es una diosa”, manifestó mientras reposteaba la publicación de la emisora norteamericana.

Lina Tejeiro y Greeicy se robaron la atención en la Feria de Cali

Lina Tejeiro y Greeicy, dos de las personalidades que más llaman la atención en la farándula nacional, mantienen una amistad especial desde hace cerca de 17 años. Se conocieron durante la grabación de La primera dama y, desde entonces, mostraron una complicidad y un apoyo incondicional que siempre da de qué hablar a sus seguidores.

Durante la celebración de la Feria de Cali en los últimos días de 2025, la actriz y la cantante se robaron todas las miradas durante un evento privado en el que Greeicy interpretó algunas de sus canciones en vivo y en el que también estuvo presente Pirlo.

La grabación que se difundió en plataformas digitales dejó ver cómo durante la interpretación Más fuerte, Tejeiro la observaba con profunda admiración y, debido al calor que hacía en el espacio reducido del establecimiento, utilizó un abanico para darle aire, un gesto que no pasó desapercibido.

Algunos de los mensajes que más resonancia alcanzaron fueron: “Lina la mira con una admiración brutal”, “Por esas amigas que te admiran y sonríen cuando estás triunfando”, “Eso sí es una amiga real”, “Manifestando una amiga como Lina Tejeiro para todas nosotras”, “En otra vida, Lina y Greeicy fueron más que amigas“, ”Esa combinación de Greeicy, Lina y Pirlo… ICONIC".

La gira de J Balvin por Colombia se ha consolidado como uno de los acontecimientos más destacados en la música urbana nacional.

El artista, originario de Medellín, realizó conciertos de larga duración, que en su ciudad natal alcanzaron siete horas e incluyeron a más de 20 invitados, mientras que en Bogotá subieron al escenario 17 artistas junto al intérprete.

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La magnitud de los espectáculos motivó comentarios entre los asistentes, que expresaban haber quedado en deuda con el cantante por la experiencia ofrecida en cada presentación. Ante estas reacciones, J Balvin decidió canalizar el entusiasmo del público con una propuesta solidaria.

En una reciente entrevista con La Mega, uno de los locutores sugirió que los asistentes al concierto le quedaron debiendo plata al artista: “Venga, yo siento que le quedé debiendo plata mi hermano, a dónde la mandamos la plata”, a lo que el músico sugirió: “Armamos ahí en mi cuenta de Instagram y en la cuenta de mi fundación Vibra en Alta, aprovechamos toda esa energía que todo el mundo está haciendo con Bancolombia para que la gente que me quedó debiendo, meta así sea 50 centavos, 100 pesos para la fundación nuestra”.

Así, invitó a sus seguidores a donar a su organización social dedicada a comunidades vulnerables.

La gira ha sido organizada bajo el concepto de las flores, un símbolo que representa para J Balvin gratitud y renacimiento. El tour recorrerá varias ciudades principales de Colombia entre marzo, abril y mayo de 2026, con un formato de espectáculo en 360 grados, producción artística de alto impacto y una escenografía poco convencional para el género urbano. A esto se suma la intervención de numerosos bailarines y la presencia de artistas de renombre nacional e internacional.

La reciente serie de conciertos en Medellín y Bogotá reforzó su vínculo con la audiencia, valorada no solo por la calidad del espectáculo, sino también por la intención de transformar el agradecimiento de los fans en acciones solidarias.

El propio artista aprovechó la ocasión para compartir detalles personales sobre su relación con la modelo argentina Valentina Ferrer. Recordó que ambos se conocieron durante la grabación del video ‘Sigo Extrañándote’, donde surgió una amistad que más adelante derivó en una relación estable. “¿Por qué la respeto tanto? Porque no copeo de fama, ni de cuentos, ni nada de eso, se mantuvo leal a su novio”, expresó J Balvin. La pareja reside en Nueva York junto a su hijo Río y mantienen un lazo cercano con Colombia y Argentina.

J Balvin confirma la gira Ciudad Primavera en Colombia, seis ciudades vivirán el espectáculo en 2026

La gira Ciudad Primavera de J Balvin en Colombia para 2026 ya tiene fechas y ciudades confirmadas. La nueva etapa del tour, anunciada directamente por el artista en sus redes sociales, llevará su espectáculo en formato 360 grados a seis ciudades entre marzo y mayo. “Lo que nació en casa ahora es en toda Colombia. Es un amor que no se explica… se siente. CIUDAD PRIMAVERA TOUR COLOMBIA 2026. Nos vemos muy pronto, familia. Los amo, Jose”, escribió el paisa, formalizando la proyección nacional del evento.

El concepto visual y escénico, centrado en las flores como símbolo de renovación, gratitud y crecimiento, marcará la identidad de cada cita con el público. En cinco de las seis ciudades se mantendrá el montaje en 360 grados, mientras que Valledupar contará con ajustes técnicos especiales por la coincidencia con el Festival de la Leyenda Vallenata, según la organización del evento.

Las fechas confirmadas sitúan el inicio de la gira el 21 de marzo en el Estadio Olímpico Pascual Guerrero de Cali. El recorrido continuará el 11 de abril en el Estadio General Santander de Cúcuta, y el 18 de abril será el turno de Bucaramanga, en el Estadio Américo Montanini.

Barranquilla recibirá el espectáculo el 1 de mayo en el Estadio Romelio Martínez y la parada en Valledupar será el 2 de mayo en el Parque de la Leyenda Vallenata, durante el festival tradicional. El cierre está previsto para el 9 de mayo en el Estadio Olímpico Jaime Morón León de Cartagena.

El anuncio se produce tras el éxito de las recientes presentaciones de J Balvin en Medellín y Bogotá, donde miles de fans colmaron los estadios. En Medellín, el Atanasio Girardot fue transformado en el escenario de una noche histórica con 24 invitados internacionales y nacionales, entre ellos Maluma, Feid, Ryan Castro, y figuras como 50 Cent y Daddy Yankee, cuya aparición generó una ovación masiva.

En Bogotá, el estadio El Campín recibió cerca de 40.000 asistentes desde la tarde, con un show que incluyó artistas destacados como Nicky Jam, Arcángel, Cosculluela, Blindaje 10 y Jiggy Drama, prolongándose hasta la madrugada.

Por el momento, se mantienen en reserva detalles sobre la venta de boletería y la posibilidad de sumar nuevas fechas, información que será difundida en los próximos días conforme avance la logística del espectáculo.

La noche en que Maluma y J Balvin compartieron escenario en Medellín quedó marcada por una confesión inesperada y un homenaje emotivo que trascendió el espectáculo musical, gracias a las publicaciones en redes sociales.

Durante el multitudinario concierto Ciudad primavera, que reunió a figuras emblemáticas del género urbano, el intérprete de Borró cassette y Sobrio protagonizó uno de los momentos más comentados al rendirse ante su colega y agradecerle entre lágrimas y un abrazo sentido, gesto que acaparó la atención de los asistentes y de la prensa especializada.

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El evento, que se consolidó como uno de los más extensos en la historia de la música urbana y congregó a la mayor cantidad de artistas invitados en un solo escenario, representó un hito para la industria musical colombiana.

J Balvin logró reunir a varias de las leyendas más influyentes del reguetón, consolidando su papel como referente y embajador del género a nivel internacional. Muestra de eso fue el apoyo y la presencia de más de 26 exponentes del género urbano y un concierto que finalizó a las 3:00 a. m.

La emoción del reencuentro entre ambos artistas no se limitó al escenario. Posteriormente, Maluma compartió con sus seguidores una reflexión personal que reveló detalles inéditos de sus inicios en la música.

En una publicación en su cuenta de Instagram, el pretty boy confesó que a los 15 años solía ingresar sin autorización a los conciertos que J Balvin ofrecía en diferentes ciudades de Colombia, motivado por la admiración que sentía por su música y su energía en el escenario.

“Cuando tenía 15 años me colaba a las fiestas que J Balvin iba a cantar para verlo vibrar con su música. Siempre supe que iba a cambiar las reglas del juego y que sería un antes y un después en su carrera”, explicó el artista.

En su mensaje, Maluma también destacó el impacto del llamado “Niño de Medellín” en la proyección internacional del reguetón y en la promoción de la música colombiana.

El artista antioqueño describió a Balvin como un trabajador incansable, competitivo y profundamente comprometido con su familia y con el legado que busca dejar en la industria.

“Hoy lo conozco como Jose, el camellador, el competitivo, el man que ama a su familia y entrega su vida para dejar un legado. Hoy y siempre te aplaudimos, te celebramos y reconocemos la tarea tan hp que haces por poner a MEDALLO en el mapaaaaa!!! Si vos sos el niño de MEDELLÍN yo que vendría siendo?? 🤣🤣🤣 ARRIBA COLOMBIA 🇨🇴 ARRIBA LA MÚSICA DE MI TIERRA!!!! Pd: estaba LOCO x VOLVER a cantarle a mi gente ❤️”, concluyó en su mensaje.

La velada no solo celebró la trayectoria de J Balvin, sino que también evidenció la admiración y gratitud de Maluma hacia quien considera un pionero y motor de cambio en la música urbana colombiana.

Las imágenes del abrazo y las palabras compartidas por ambos artistas se convirtieron en símbolo de una generación que ha transformado el panorama musical del país y ha llevado el nombre de Medellín a escenarios internacionales.

Las reacciones no tardaron en aparecer, con mensajes como: “Qué hermosas palabras, se nota que siempre se han dado la mano para avanzar”; “el esfuerzo se ve, la industria está posicionada y ese es el temor que genera en PR”; “son los máximos exponentes del género en el país y eso no se discute”, entre otros.

Los seguidores esperan que la hazaña se repita con la presentación que tienen en Bogotá con el “Made in Colombia - Ciudad Primavera” el próximo 13 de diciembre de 2025.

Su tema La plena, grabado en colaboración con Beéle y producido por Ovy On the Drums bajo el proyecto “W Sound”, superó los 411 millones de reproducciones en plataformas como Youtube, lo que consolidó su impacto en la escena musical urbana, siendo utilizado incluso por jugadores de fútbol para celebrar sus goles en el camerino.

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La nominación de Westcol se dio en la categoría de “Mejor Interpretación Urbana”, donde enfrentó a figuras de gran peso como Bad Bunny con “DTMF”, Tokischa y Nathy Peluso con “De Maravisha”, Jay Wheeler con “Roma” y el dúo Alleh y Yoghaki con “Merenguetón”.

Aunque el streamer manifestó confianza en sus posibilidades de hacer historia y convertirse en el primer streamer en recibir un gramófono, el galardón finalmente fue otorgado a Bad Bunny.

La reacción del colombiano ante este desenlace quedó registrada durante una transmisión en vivo que realizó mientras se anunciaba al ganador. En ese espacio, el streamer compartió con sus seguidores el cúmulo de emociones que experimentó en esos minutos decisivos.

“Cuando estaba esperando para saber el ganador estaba muy nervioso, después muy triste, pero ya después feliz y esperar cuando sea el momento. Nada en esta vida es fácil”, expresó Westcol en el video que acumula ya varias reacciones de los internautas.

Además, se dirigió a quienes lo apoyaron desde sus hogares: “No importa si se sintieron mal en sus casas por haber perdido el premio. Acá estamos claros que hay que venir unas cuantas veces más, esto es el comienzo de algo muy grande”, concluyó el streamer.

A pesar de la derrota, Westcol aseguró que continuará trabajando junto a los principales exponentes de la música urbana y que su objetivo sigue siendo regresar a las galas más relevantes del sector, con la esperanza de obtener en el futuro la estatuilla que anhela.

El propio streamer relató que vivió un “mar de emociones” durante la ceremonia y reiteró su determinación de perseverar en su carrera musical. La presencia de Westcol en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas no pasó desapercibida. Numerosos fanáticos lo esperaban a su llegada, reflejando el alcance de su popularidad más allá del ámbito digital.

Para la ocasión, el streamer se preparó durante el último mes, buscando destacar en la alfombra roja con un atuendo especial. En una transmisión en vivo, reveló que el traje que eligió para la ceremonia tuvo un costo superior a 35 millones de pesos, una inversión que consideró significativa.

“El traje es muy especial, me lo hizo un diseñador. Yo realmente, a mí me dolió mucho pagar ese traje. Pero a mi cristo me dijo: ‘Papi, cómo así, es que ustedes son los de la W Sounds, tienen que llegar con un puto traje de 10k, solo por la bobadita de Tom Ford no lo hizo gratis’”, mencionó en la transmisión.

El paso de Westcol por los Latin Grammy 2025 dejó algunas reacciones en redes sociales, donde algunos comentaron: “Si, muy chimba y todo que esté orgulloso de este logro, pero imposible ganarle a Bad Bunny”; “creo que mi tío estaba demasiado emocionado y no midió que la suya apenas era la primera vez”; “tiene que seguir metiéndole a la música”; “curioso que el man pensara que con solo una canción ya se iba a llevar el premio”, entre otros.

El inicio de la ceremonia anticipó una velada especial para los artistas. El videoclip de su EP Papota fue galardonado en dos categorías: Mejor Video Musical Versión Corta y Mejor Video Musical Versión Larga. La seguidilla de reconocimientos continuó con el premio a Mejor Canción Pop por "El Día del Amigo“, que consolidó la posición de Ca7riel y Paco Amoroso entre los grandes nombres de la noche. Más allá del mimo al talento y al ego, fueron las palabras de Paco las que quedaron retumbando dentro del glamour de Las Vegas.

“Quiero agradecerle a mi hermano Catriel, mi amigo. S 50:20, a todo nuestro equipo, a nuestros músicos, a mi mamá”, enumeró el artista de 32 años, nacido como Ulises Guerriero al comienzo de su intervención. Y concluyó alentando a todos los que seguían de diferentes partes del mundo a cumplir sus sueños. “Yo empecé a cantar a los veinticinco años, así que nunca es tarde. Si quieren hacer algo, arranquen. Hoy nos toca disfrutar”.

Poco después, el dúo volvió a ser llamado al escenario para recibir el Latin Grammy a Mejor Álbum de Música Alternativa por “Papota”. Paco Amoroso, visiblemente emocionado, expresó su sorpresa y gratitud hacia su equipo, el sello discográfico, los músicos y sus madres, dedicando el logro a la gente de Argentina y evocando la figura de Diego Maradona como símbolo de alegría compartida.

La racha triunfal no se detuvo. Cuando los artistas regresaron a sus asientos, fueron convocados nuevamente para recibir el premio a Mejor Canción Alternativa por "#Tetas“. Ca7riel, al tomar el micrófono, dedicó el reconocimiento a sus madres, Estrella y Andrea, y celebró el momento con humor y espontaneidad, en sintonía con el clima festivo de la noche.

El equipo detrás de Ca7riel y Paco Amoroso también fue protagonista cuando Rafa Arcaute y Federico Vindver, distinguidos como productores del año, agradecieron al dúo por la oportunidad de trabajar en un proyecto que calificaron como único e increíble. La presencia argentina se extendió a otros nombres destacados, como Nico Cotton, quien compartió el premio en la misma categoría y agradeció a los artistas que confiaron en él, así como a su familia y colegas.

El punto culminante de la noche llegó con la actuación en vivo de Ca7riel y Paco Amoroso, que sorprendió al público por su originalidad y puesta en escena. El dúo interpretó temas como "Impostor“, “#Tetas”, "La que puede, puede" y “El día del amigo”, iniciando su show frente a máquinas de coser que evocaban la estética de su famoso Tiny Desk. A medida que avanzaba la presentación, fisicoculturistas se sumaron al escenario, y los músicos se ubicaron entre una montaña de corazones y sombreros, mientras figuras como Karol G aplaudían desde la primera fila.

La gala de los Latin Grammy, celebrada en el MGM Grand Garden Arena y el Mandalay Bay South Convention Center, reunió a una constelación de artistas de la música latina y fue transmitida internacionalmente. La delegación argentina tuvo una presencia destacada, con premios para Fito Páez, Trueno (quienes también actuaron en vivo), Conociendo Rusia y Nico Cotton. El evento celebró la diversidad de géneros y la creatividad de los músicos latinoamericanos, consolidando el impacto global de la música argentina.

Travis Scott, reconocido exponente de la música urbana, acumula diez nominaciones a los premios Grammy sin haber logrado aún una victoria.

Pese a este extenso historial, el rapero estadounidense mantiene la esperanza de que la situación cambie y su nombre finalmente figure entre los ganadores, según informó Complex tras el anuncio de los candidatos para la edición de 2026.

Expresiones públicas de frustración y esperanza

La noche del 7 de noviembre, jornada en la que se revelaron los nominados a los Grammy, Scott reaccionó en la red social X a una publicación que lo incluía en una lista de artistas con numerosas nominaciones y ningún premio, junto a figuras como Nicki Minaj y Playboi Carti.

“Esto cambiará para mí algún día. Solo esperen”, escribió el rapero de Houston, quien poco antes había sorprendido durante una presentación en Japón con la aparición del artista anteriormente conocido como Kanye West, según Complex. Esta manifestación pública reflejó su esperanza frente a la falta de reconocimientos previos.

Sin embargo, la frustración de Scott por la ausencia de premios ha quedado patente en otras ocasiones. Durante la premiación de 2024, el músico utilizó su interpretación de “FE!N”, uno de los sencillos más exitosos de su álbum “Utopia”, para expresar su molestia en vivo: “¡Me ignoraron 10 veces!”.

Adaptó así el primer verso de la canción, señalando directamente a la Recording Academy. Episodios como la omisión de su disco “Birds in the Trap Sing McKnight” en 2016 marcaron otros momentos clave de desencanto tanto para el artista como para su entorno.

Panorama de los Grammy 2026 y rivalidad en la categoría principal

La edición de los Grammy prevista para febrero de 2026 promete una reñida competencia en la categoría Mejor Álbum de Rap. Los nominados anunciados son: “Let God Sort Em Out” de Clipse, “Glorious” de GloRilla, “God Does Like Ugly” de J.I.D, “GNX” de Kendrick Lamar y “CHROMAKOPIA” de Tyler, The Creator.

Aún está pendiente la confirmación de quién será el anfitrión principal del evento, detalle que sigue generando expectativas entre los seguidores del género y la industria, como informó Complex.

En la edición de 2025, el premio a Mejor Álbum de Rap fue para Doechii con su obra “Alligator Bites Never Heal”. El triunfo de este trabajo musical ejemplificó el impacto que pueden tener nuevas voces y propuestas dentro de la escena, dejando la vara alta para quienes compiten este año. La diversidad estilística y la evolución del rap serán factores clave en la definición del próximo ganador, en una temporada que se proyecta como una de las más competitivas en los últimos años.

Debate en la industria sobre reconocimiento y criterios

El caso de Travis Scott no es único: artistas como Snoop Dogg y A$AP Rocky también acumulan nominaciones sin haber conseguido un Grammy.

Este fenómeno sostiene el debate dentro de la industria respecto a los criterios que aplica la Recording Academy para sus decisiones. Tanto fanáticos como músicos y críticos han cuestionado si las valoraciones del jurado reflejan la influencia real de estos artistas en el desarrollo y popularidad del rap contemporáneo.

Además, estas situaciones han motivado a sectores del público a analizar el peso de la innovación frente a la tradición dentro de los premios. Se discute la necesidad de adaptar los parámetros de selección y la composición de los comités a una escena musical en permanente transformación. Para muchos, la ausencia de reconocimientos para figuras emblemáticas genera incertidumbre sobre la representatividad de estos galardones.

Persistencia y convicción ante la adversidad

A pesar de los reiterados desaires, Travis Scott reafirma su voluntad de continuar creciendo en la industria y conquistando nuevos horizontes creativos.

El rapero mantiene la convicción de que, tarde o temprano, su esfuerzo se traducirá en un reconocimiento tangible por parte de la Recording Academy. Este espíritu de perseverancia es compartido por otros colegas que, como él, confían en un futuro distinto y mantienen viva la aspiración de sumar su nombre a la lista de grandes triunfadores.

Así, mientras se avecina una nueva entrega de los Grammy, la expectativa en torno al reconocimiento de Travis Scott sigue latente. Su trayectoria y popularidad lo mantienen como uno de los referentes del rap internacional, a la espera de que la Academia de una vez por todas le otorgue el galardón que muchos ya consideran merecido.

Este proyecto acompaña un año de logros internacionales, como su participación en la gira de Billie Eilish y la confirmación de su primer concierto como cabeza de cartel en el Coliseo de Puerto Rico (El Choli). Así, Do Not Disturb consolidó a Young Miko como una de las voces más influyentes de la música urbana actual.

El proceso creativo detrás del álbum estuvo motivado por la necesidad de reconexión personal. Young Miko explicó a Rolling Stone que, después de meses de giras y una agenda saturada, sentía que vivía en piloto automático, apartada de sí misma y de su entorno. “Estaba poniendo el mundo en silencio. Estaba apagando opiniones y expectativas externas y eligiéndome a mí misma”, confesó la artista.

Describió el álbum como un refugio, donde priorizó su bienestar mental y emocional. Durante la gestación del disco experimentó síntomas físicos de estrés, como la caída del cabello, y solo al hacer una pausa para escuchar sus propias necesidades pudo dar forma a las canciones que integran el álbum.

Influencias, colaboraciones y creación de un espacio propio

La influencia de los sonidos de los años 2000 y la estética de los hoteles atraviesan todo el proyecto. Inspirada por su vida nómada y el tiempo transcurrido en habitaciones de hotel, Young Miko y su productor Mauro incorporaron ruidos de ascensores, golpes en la puerta y la voz de “housekeeping”, lo que genera una atmósfera envolvente coherente con el título del álbum.

Do Not Disturb remite al letrero clásico de privacidad y simboliza el deseo de la artista de reclamar un espacio propio en medio de la industria musical.

“Me pareció una estética visual perfecta para el proyecto”, detalló a Rolling Stone, subrayando el carácter paradójico de buscar intimidad en lugares transitorios.

El álbum se destaca por su autenticidad y por la libertad con la que Young Miko permitió que las canciones surgieran de manera natural, sin forzar colaboraciones ni perseguir tendencias. La única participación vocal en el disco es la de Eladio Carrión, con quien construyó una dinámica especial en el estudio.

Además, la presencia de Lil Jon en el tema “Wassup” surgió de forma espontánea: tras una broma en el estudio, su equipo contactó al rapero estadounidense, quien respondió en apenas dos días con material para la canción. “Fue muy divertido trabajar con él, incluso envió tomas adicionales que usamos en el tema”, relató la artista.

Este enfoque natural se refleja en otras colaboraciones recientes, como su participación en el remix de “Gabriela” de Katseye, motivada únicamente por su admiración por la canción.

Impacto, comunidad y mensaje de bienestar

El impacto de Do Not Disturb trascendió el estudio. Gracias a la gira internacional junto a Billie Eilish, Young Miko conectó con públicos diversos, incluso con quienes no comparten su idioma. “Los fans de Billie han hecho todo lo posible para que me divierta en el escenario, y ver cómo interactúan con mis seguidores ha sido muy especial”, compartió al medio.

Ha notado una creciente presencia de banderas puertorriqueñas en los conciertos y celebra la unión de dos comunidades de fans jóvenes y comprometidas. Este crecimiento culminará en diciembre con su esperado debut en El Choli, un sueño que comparte desde sus inicios con su mánager y amiga Mariana López Crespo. “Me emociono solo de pensarlo. Es surrealista ver mi nombre junto al de tantos artistas que admiro”, expresó.

La transformación personal de Young Miko fue acompañada de un mensaje de autenticidad y cuidado de la salud mental. Reconoce la presión de mantener el ritmo en la industria, pero destaca la importancia de protegerse frente a expectativas externas y mantenerse fiel a sí misma.

“Quiero estar aquí mucho tiempo, pero también quiero sentirme saludable. Quiero ser feliz con quien soy y mantenerme fiel a mí misma”, afirmó en su conversación con Rolling Stone.

El apoyo de colegas como Villano Antillano, Kany García y Elena Rose fue esencial, ofreciéndole consejos y acompañamiento en momentos de incertidumbre.

En cada presentación, Young Miko procura crear espacios seguros y de celebración, especialmente para la comunidad LGBTQ+, que encuentra en sus conciertos un lugar de pertenencia y libertad. En un contexto global de incertidumbre, la artista considera un privilegio brindar a sus seguidores un respiro de alegría y esperanza, aunque solo sea por un instante.

El lanzamiento de la BZRP Music Session #0/66, que une a dos referentes de la música urbana, generó un impacto inmediato. La colaboración entre Bizarrap y Daddy Yankee superó las 100.000 visualizaciones en menos de una hora y provocó una ola de reacciones en redes sociales. El propio Bizarrap, poco habitual en compartir mensajes personales en sus publicaciones, escribió en X: “Nunca escribo en esta publicación, pero esto es un sueño. Esto para mí, el más grande. Gracias por todo a todos”, acompañando el texto con un fragmento del videoclip. Sin embargo, parece que cumplida esa ilusión, ahora va por otra más grande: que sea la canción oficial de la próxima Copa del Mundo, que se disputará en los Estados Unidos, México y Canadá en 2026 y en la que la Argentina defenderá el título obtenido en Qatar.

La sesión #0/66 rompió con la numeración tradicional de la serie y marcó un hito al fusionar el mambo y el reggaetón clásico, evocando la esencia de los años 2000 y manteniendo el sello contemporáneo del productor argentino. Para Daddy Yankee, la sesión representó un regreso significativo a la música urbana. Tras anunciar su retiro en 2022 y dedicarse a la música cristiana, el artista puertorriqueño eligió este proyecto para volver a los primeros planos.

La letra de la canción refleja su nueva perspectiva: “Si me preguntan, a nadie yo le debo. Cuando me vaya de aquí nada me llevo. Solo me voy con un amor verdadero. Los pies en la tierra, siempre mirando al cielo”. Estos versos evidencian el enfoque espiritual que ha guiado su vida en los últimos años, durante los cuales ofreció presentaciones religiosas y predicó sobre su fe en escenarios de Argentina.

El contexto personal y judicial de Daddy Yankee también otorga un significado especial a la colaboración. En los meses previos al lanzamiento, el artista enfrentó una disputa legal con su exesposa, Mireddys González, por el uso comercial de las marcas “Daddy Yankee” y “DY”. Esta situación lo llevó a lanzar su último álbum solo bajo las siglas DY, en medio de un proceso de redefinición profesional y legal. En este marco, la letra de la BZRP Music Session #0/66 adquiere un valor simbólico, con referencias a la independencia y el renacimiento artístico del puertorriqueño tras una etapa de conflictos.

La repercusión del tema no se limitó a las cifras de reproducciones. Figuras públicas y fanáticos expresaron su entusiasmo en redes sociales. El piloto argentino Franco Colapinto, amigo de Bizarrap, calificó el lanzamiento como “un escándalo” y afirmó que “la session 0 tenía que ser la mejor de la historia”. Nicolás Occhiato, conductor de Nadie Dice Nada en Luzu TV, reaccionó con un escueto “Ufff” y emojis de fuego. Los seguidores de ambos artistas celebraron el regreso de Daddy Yankee al reggaetón y destacaron la potencia de la colaboración: “Daddy Yankee recargado. Si antes metía hits ahora volvió más poderoso que nunca”, escribió un fan, mientras otros subrayaron la autenticidad y el “flow eterno” del artista.

La BZRP Music Session #0/66 se consolida como un éxito musical que refleja la evolución y la identidad de Daddy Yankee, proyectando un mensaje de libertad creativa y espiritual tras más de treinta años de trayectoria.

El fenómeno de Beéle ha irrumpido con fuerza en la escena global de la música urbana. Con apenas 23 años, el artista barranquillero ha logrado que su álbum debut, Borondo, alcance los primeros puestos en los listados internacionales, incluyendo la octava posición a nivel mundial en Spotify. Este ascenso meteórico lo ha consolidado como una de las voces más influyentes del género y ha convertido su historia en un ejemplo de superación y autenticidad para toda una generación.

El año 2025 marcó un punto de inflexión en la carrera de Beéle. Durante la última semana de septiembre, “Borondo” se posicionó como el segundo álbum latino más escuchado en el mundo, mientras el artista llenaba recintos como el Movistar Arena de Argentina, donde miles de fanáticos corearon sus canciones.

El impacto de su música se refleja tanto en los rankings digitales como en la respuesta del público en cada país que visita. Desde sus primeras presentaciones, la conexión con sus seguidores ha sido evidente: en 2019, una firma de autógrafos en Barranquilla, planeada para 300 personas, atrajo a más de 1.500 asistentes, anticipando el fenómeno que estaba por venir. En ese evento, la multitud pidió “Loco”, un tema filtrado que ya se había convertido en un himno y que, con más de 200 millones de reproducciones en YouTube, abrió las puertas a su primera gira internacional.

Orígenes y transformación personal

Detrás de estos logros, la historia personal de Beéle revela una transformación profunda. Nacido en Barranquilla y criado parte de su infancia en Maracay, Venezuela, creció en un entorno humilde y forjó su camino en la música de manera autodidacta. Su batalla contra la obesidad, que lo llevó a pesar 134 kilos, fue un desafío que superó con disciplina y determinación, perdiendo casi 60 kilos tras un procedimiento de sleeve gástrico y una rutina estricta de ejercicio. Este proceso transformó su cuerpo y fortaleció su carácter y mentalidad, elementos que hoy proyecta en el escenario.

La formación musical de Beéle se gestó lejos de academias y estudios profesionales. Su acercamiento a la composición comenzó en el colegio, inspirado por una profesora de literatura que despertó su amor por la poesía. Sus primeras canciones nacieron en el baño de su casa, donde la acústica y la soledad le permitían concentrarse y experimentar con la guitarra, aunque nunca aprendió a tocarla formalmente. A los 14 años, en ese espacio íntimo, compuso “Inolvidable”, uno de los temas que más lo identifica y que, junto a “Loco”, marcó el inicio de su proyección internacional.

Filosofía de vida y autenticidad

La filosofía de vida de Beéle se resume en una premisa sencilla: “No dejen de ser un niño”. Para él, la autenticidad y la constancia son los pilares de su éxito. “No me esperaba ese éxito. Yo hago la música porque la siento, nadie sabe cuál será el tema que se convertirá en tendencia o viral. Creo que todos en esta vida estamos a un paso de algo. Todos los cantantes estamos a una canción de hacer otra mejor, a una entrevista de que nos conozcan más y más personas, lo importante es no parar de luchar”, reflexionó el artista sobre el impacto de “Loco”. Esta visión se complementa con su creencia en el poder de los sueños y la imaginación: “Los sueños son la luz que nos hace únicos, la imaginación es fundamental en este proceso; sin ella, no hay visión ni creatividad”.

El entorno familiar ha sido clave en su desarrollo. La independencia desde joven, el apoyo de su abuela y la guía de su manager Daki han acompañado su crecimiento personal y profesional. Beéle reconoce que la humildad y el agradecimiento, valores transmitidos por su familia, lo han ayudado a mantener los pies en la tierra a pesar del éxito.

Colaboraciones y evolución musical

En el plano musical, las colaboraciones han sido determinantes para su expansión internacional. Su trabajo con Blessd, con quien compartió escenario antes de que ambos alcanzaran la fama, y la relación creativa con Ovy on the Drums, productor de referencia en Colombia, han dado lugar a éxitos como “Enchulao” e “Inolvidable”, este último con más de 196 millones de reproducciones. Beéle describe su dinámica con Ovy como espontánea y natural, donde la amistad y la experimentación son el motor de nuevas canciones. Además, ha colaborado con artistas como Tini Stoessel, Feid, Ozuna, Ryan Castro y Nath, fusionando estilos y ampliando su alcance.

El afrobeat ocupa un lugar central en la evolución sonora de Beéle. Considera este género como “los latidos del corazón”, una conexión directa con su identidad caribeña y su herencia cultural. La experimentación constante y la búsqueda de nuevas fusiones se reflejan en temas como “sobelove”, que el artista destaca como uno de sus favoritos para interpretar en vivo. Su objetivo es ofrecer propuestas frescas que inviten al público a disfrutar y bailar, manteniendo siempre la autenticidad como sello distintivo.

Impacto y proyección internacional

El impacto de Beéle trasciende las cifras y los reconocimientos. Su historia inspira a jóvenes artistas y redefine el panorama de la música urbana latinoamericana, aportando una voz genuina y una propuesta innovadora.

La expectativa por sus próximos pasos crece, especialmente tras la aparición de un video junto a Shakira, que ha despertado rumores sobre una posible colaboración entre los dos artistas barranquilleros.

Para Beéle, el mayor logro no se mide en premios ni en posiciones en los rankings, sino en la conexión real con el público y en la satisfacción de haber construido una carrera fiel a sus principios. “Desde que hago música, me he cumplido con todo lo que he querido y de mi manera. Mi mayor logro, en verdad, hablando profesionalmente, ha sido llegar a este álbum, porque siempre lo he pedido hasta en mis oraciones a Dios: que mi música conecte con los corazones como tu palabra conecta conmigo. He podido lograr algo en esta vida por la cual mis hijos se sientan orgullosos”, expresó el cantante sobre el significado de su trabajo.

En palabras de Beéle, la música es mucho más que un oficio: “La música para mí es una relación de mi vida cotidiana. He tenido que vivir de la manera que vivo para poder hacer las canciones que estoy haciendo. Yo me expreso. Mi corazón habla, mis emociones hablan y se conectan con el público. Yo no solo hago música, hago arte”.

Un fallo que lo reivindica y un año que lo confirma como fenómeno global

El cantante colombiano Beéle vive un momento que conjuga justicia y consagración. Tras meses de especulación y acusaciones cruzadas, la Comisaría de Familia de la Comuna 16 de Medellín determinó en un fallo oficial que el artista fue víctima de violencia intrafamiliar y no el agresor, como se le intentó señalar.

El acta de audiencia del 19 de agosto es clara: las pruebas y testimonios demostraron que Beéle fue objeto de manipulación y maltrato, mientras que su expareja Camila Andrea Rodríguez Ascanio fue declarada responsable de los hechos. Con esto, se restituye su imagen y se cierra un proceso que intentó empañar injustamente su nombre.

Este fallo no solo reivindica su integridad, sino que marca un punto de inflexión: despeja cualquier duda en el mismo año en que Beéle confirma que su carrera alcanzó un nivel mundial sin precedentes.

La trayectoria de Beéle demuestra que el verdadero éxito reside en la autenticidad y en la capacidad de mantenerse fiel a los propios valores, más allá de cualquier cifra o reconocimiento externo.

Meses atrás, con la idea de alcanzar el siguiente nivel, Duki dio inicio a su gira mundial con un show íntimo que proponía propone conectar como nunca antes con sus diablos y sus diablas. Así, el Rey del Trap conquistó récords, escenarios, y recorrió más de 10 países y 40 ciudades alrededor del mundo. Como si fuera poco, en las últimas horas, la figura de la música urbana develó un nuevo hito: su 12° show en el Movistar Arena.

Después de reunir a más de 165.000 fans en la capital argentina, el show agendado para el 18 de diciembre representará su sexagésima presentación de su tour mundial. A tan solo unos días de terminar el año, el recital cobrará un mayor significado para el artista, será una manera de despedir este ciclo y agradecer a sus fans por el apoyo a lo largo de todo el 2025.

El show promete un recorrido por los grandes éxitos de su carrera, así como la presentación de las últimas composiciones incluidas en su mixtape “5202” y su álbum AMERI. Ambos materiales acumulan hasta la fecha más de 450 millones de streams globales, demostrando no solo el alcance de su popularidad en Argentina, sino también su influencia a nivel internacional. A lo largo del año, el artista ya realizó ocho de las doce funciones agendadas en el Movistar Arena.

El despliegue de Duki en su gira mundial representó un salto cuantitativo y cualitativo dentro de la música urbana argentina. El artista viene registrando una serie de hitos notables, consolidando su proyección más allá de las fronteras nacionales. Hasta ahora, la gira incluyó 60 fechas, lo que configura un mapeo internacional que pocos artistas argentinos lograron en la actualidad.

El recorrido no solo se mide en kilómetros, sino en la magnitud de la respuesta del público. Los números acompañan este fenómeno: más de 500.000 entradas vendidas desde que se puso en marcha el tour, ratificando la capacidad de Duki para convocar multitudes en cada uno de los destinos visitados. Cada espectáculo representa una oportunidad para reafirmar su lugar como referente de la música urbana, marcando récords de asistencia al replicar su convocatoria tanto en Sudamérica como en Norteamérica y Europa.

La primera piedra fundacional que representó la construcción de este camino fue la creación de su álbum AMERI. En el proceso creativo, Duki apostó por una búsqueda musical que reflejara su crecimiento artístico y personal. El cantante dejó de lado imposiciones externas y enfocó sus esfuerzos en disfrutar del paso a paso en el estudio, canalizando lo que sentía en cada composición. “Dejé de renegar con lo que yo creía que tenía que hacer, empezamos a disfrutar más del estudio y hacer canciones según lo que estábamos sintiendo”, relató Duki.

El contenido lírico del álbum busca mostrar tanto sus anhelos de futuro como su gratitud por lo conseguido. La sinceridad con la que aborda su proceso de transformación —tanto a nivel artístico como personal— dota a AMERI de un carácter íntimo, orientando el proyecto hacia una comunicación franca con sus seguidores y estableciendo un puente emocional que atraviesa distintas generaciones y realidades.

Entre los artistas que participan en AMERI se encuentran referentes de la escena urbana global tales como Myke Towers, Arcángel y Eladio Carrión de Puerto Rico, Headie One del Reino Unido, así como figuras consolidadas de la música argentina como Bizarrap, Milo J, YSY A y Lucho SSJ. Además, el disco cuenta con colaboraciones de Lia Kali, Judeline y Morad (España), Wiz Khalifa y YG (Estados Unidos) y Ovi (Cuba). La variedad de colaboraciones no solo enriqueció el proyecto, sino que incrementó su alcance internacional, ubicando a Duki entre los grandes exponentes del género urbano.

La próxima edición del Balón de Oro 2025 en París contará con la presencia de un representante colombiano en el escenario musical: el reguetonero Blessd, que fue confirmado como el encargado de animar la alfombra roja antes del inicio de la ceremonia.

Esta sería la primera vez en que el reguetón y el talento cafetero se apoderan del evento.

Este anuncio fue hecho por el propio artista a través de sus redes sociales y que marca un hito en su trayectoria, donde además refuerza la conexión entre la música urbana colombiana y los grandes eventos deportivos internacionales.

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El intérprete antioqueño compartió la noticia con sus seguidores al publicar: “Preparado para ser deslumbrado. Blessd en la ceremonia 69 del Balón de Oro. Performance exclusivo en la Alfombra Roja. París 22 de septiembre”, según lo recogido en sus plataformas digitales.

La actuación del artista también conocido como “El Bendito” está programada para iniciar a las 12:00 p. m. (hora colombiana), coincidiendo con la llegada de las principales figuras del fútbol mundial a la alfombra roja a través de la plataforma de streaming Disney+.

Hasta el momento, no se ha precisado la duración de su presentación ni si compartirá escenario con otros artistas.

Y es que la ceremonia del Balón de Oro se ha caracterizado en ediciones anteriores por la presencia de músicos de renombre. Entre los artistas que han actuado en galas pasadas figuran Andrea Bocelli, Raw Alejandro y el rapero nigeriano Rema, quien fue objeto de críticas por omitir a las futbolistas en sus saludos tras su actuación.

El Balón de Oro de France Football es el resultado de una colaboración entre la Uefa y el Groupe Amaury, propietario de France Football y L’Équipe.

Este galardón reconoce a los mejores jugadores y jugadoras, porteros, jóvenes promesas, máximos goleadores y entrenadores de la temporada 2024/25, así como a los clubes más destacados y al ganador del Premio Sócrates, que distingue iniciativas humanitarias.

Para la edición de 2025, se han incorporado tres nuevas categorías destinadas a celebrar los logros de las futbolistas: el Trofeo Yashin femenino, el Trofeo Gerd Müller femenino y el Trofeo Kopa femenino.

El anuncio de su gira por Europa

El calendario musical europeo de finales de 2025 sumará un nuevo protagonista latino: Blessd, que ha confirmado siete conciertos en cuatro países, con fechas que se extienden desde el 25 de noviembre hasta el 5 de diciembre.

El anuncio, realizado el 16 de septiembre, marca la primera incursión del artista colombiano en escenarios europeos, consolidando así la expansión internacional de su carrera.

La gira de Blessd por Europa representa un avance estratégico en su trayectoria, que hasta ahora se había enfocado principalmente en América. Actualmente, el cantante de Medellín se encuentra en la fase final de una gira por Estados Unidos, pero el salto al viejo continente supone un nuevo desafío y una oportunidad para ampliar su base de seguidores.

El itinerario europeo de Blessd comenzará en París, Francia, el 25 de noviembre, con un concierto en el Elyse Monhatre. Al día siguiente, el 26 de noviembre, el artista se presentará en Milán, Italia, en el club Alcatraz. Posteriormente, la gira se trasladará a la península ibérica, donde el cantante ofrecerá cuatro presentaciones en España: Barcelona (28 de noviembre, St Jordi Club), Sevilla (29 de noviembre, Sala Pandora), Málaga (4 de diciembre, Paris IS) y Madrid (5 de diciembre, Palacio de Vistalegre).

Entre las fechas en España, Blessd también actuará en Londres, Reino Unido, el 30 de noviembre, en el O2 Índigo, uno de los recintos más emblemáticos de la capital británica. Esta presencia en ciudades clave del continente refleja la creciente demanda de música urbana latina en Europa, donde el género ha experimentado un notable aumento de popularidad en los últimos años.

La desaparición de B King tras un concierto en Sonora (México) llamó la atención de figuras de la música en Colombia. Los cantantes de reguetón J Balvin y Jowell se sumaron por medio de sus redes sociales a los llamados para que se intensifique la búsqueda Bayron Sánchez en ese país.

Los artistas de música urbana instaron a sus seguidores a colaborar con cualquier información que pueda contribuir a encontrar a B King. La visibilidad que ambos artistas han dado al caso ha impulsado la difusión de la ficha de búsqueda y ha motivado a otros miembros de la comunidad musical y del público general a involucrarse en la causa, lo que para los allegados del cantante desaparecido representa un apoyo fundamental por obtener pistas sobre su paradero.

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El caso de B King se complica por la desaparición simultánea de Regio Clown, quien fue visto por última vez junto a Sánchez al salir de un gimnasio en la capital mexicana el 16 de septiembre de 2025. Desde ese momento no se tiene rastro de ninguno de los dos, lo que incrementa la preocupación entre sus familiares y seguidores que se enfrentan a la incertidumbre sobre el rumbo que tomaron.

A través de sus cuentas oficiales de X, las figuras de la música urbana colombiana publicaron los datos de contacto de las autoridades en busca de in formación que conduzca a dar con el paradero del cantante, lo que amplificó aún más el llamado desesperado de los familiares del joven artista.

En este contexto, la hermana de B King, Stefania Agudelo, también ha desempeñado un papel central en la búsqueda. A través de mensajes difundidos en redes sociales, solicitó la colaboración de la ciudadanía y compartió detalles relevantes sobre la desaparición de su hermano. Su llamado fue replicado por diversas figuras del entretenimiento, lo que contribuyó a mantener el caso en la agenda mediática y a reforzar la presión para que se aceleren las labores de búsqueda.

La historia de B King está marcada también por su relación pasada con DJ Marcela Reyes, una figura reconocida en el ámbito musical. Aunque la noticia de la desaparición se ha centrado en los esfuerzos de localización y en la participación de artistas como J Balvin y Jowell, el vínculo con Reyes ha añadido un matiz adicional de interés público.

A través de sus redes sociales, la expareja del joven artista sigue de cerca el desarrollo de los acontecimientos, mientras la familia y el entorno cercano de Sánchez mantienen la esperanza de obtener noticias sobre su paradero.

En sus declaraciones, Reyes pidió evitar especulaciones sobre las causas de la desaparición y subrayó la gravedad de la situación. “Me siento profundamente triste y con el corazón roto. Me duele ver cómo, en medio de una situación tan delicada y dolorosa, se ha dado prioridad al amarillismo, a los juicios sin fundamento y a mencionarme con acusaciones graves que no solo son falsas, sino que también desvían la atención de lo verdaderamente importante, la vida de Bayron y su pronta aparición”, manifestó la DJ en sus historias de Instagram.

Desde el Gobierno de Colombia se sumaron a la búsqueda

A la búsqueda del artista también se sumó el propio presidente Gustavo Petro, que le hizo un llamado directo a la presidente de ese país, Claudia Sheinbaum, para que se intensifique la búsqueda y se esclarezcan las causas de su desaparición en extrañas circunstancias.

La petición de Petro subraya la dimensión binacional del caso y la preocupación que existe en Colombia por el paradero de sus ciudadanos en el extranjero. El mandatario colombiano, al dirigirse a Sheinbaum, destacó la relación de amistad y militancia política que los une desde los tiempos del M19, y extendió su llamado al cuerpo diplomático de Colombia en México.

En su publicación, Petro expresó: “Le solicito a la presidenta de los Estados Unidos Mexicanos, Claudia Sheinbaum, mi amiga y compañera de lucha desde el M19, y a todo el cuerpo diplomático de Colombia en México, lograr que aparezcan con vida el cantante Bayron Sánchez y su coequipero Jorge Herrera”.

La edición número 22 de los Premios Juventud se celebrará el 25 de septiembre de 2025 en Panamá, siendo la primera vez que la ceremonia se realiza fuera de Estados Unidos, hecho que coincide con el Mes de la Herencia Hispana.

Con transmisión en vivo para Colombia a través de Univision y la plataforma de streaming ViX, la jornada buscará reflejar la diversidad y el dinamismo de la industria musical latina premiando 41 categorías en las que aparecen un total de 231 nominados.

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Conforme pasan los días se van dando a conocer nuevos detalles de la ceremonia, incluyendo las presentaciones que tendrán lugar en la misma. Entre los elegidos se encuentran dos colombianos: una figura en ascenso del hiphop en Medellín, y una de las figuras en ascenso del afrobeat que cobró fuerza en los últimos años hasta ser una tendencia de alcance global.

El primero es Nanpa Básico, que de acuerdo con lo que se dio a conocer por parte de la cuenta oficial de los Premios Juventud, presentará la canción Mi Reina, junto a Hamilton, el otro colombiano elegido para la gala.

El cartagenero viene dando de qué hablar luego del lanzamiento de su larga duración Afrorockstar en agosto pasado, y en las últimas horas fue confirmado como el designado para abrir la gala de los Premios Juventud 2025.

Según dio a conocer el equipo del artista cartagenero, su debut en este escenario internacional está programado para darse el jueves 25 de septiembre a las 06:00 p. m. (hora de Colombia) e incluirá una presentación especial junto a un invitado cuya identidad será una sorpresa especial para los asistentes y los televidentes.

Cabe recordar que Hamilton se encuentra nominado en la categoría “La Nueva Generación Masculina”, lo que refuerza el reconocimiento y la proyección que ha alcanzado en el último año. En dicha modalidad compite con sus compatriotas Beéle y Kapo, así como con figuras destacadas como Alley y Yorgaki, o Ca7riel & Paco Amoroso.

Marc Anthony y Wisin lideran las presentaciones más esperadas de los Premios Juventud 2025

Junto a Hamilton y Nanpa Básico, la presencia de figuras internacionales promete hacer de la noche panameña una que pase al recuerdo. Los más destacados de la velada son Marc Anthony y Wisin, que aprovecharán la gala para hacer el estreno de una colaboración juntos.

También destaca la dupla mexicana compuesta por Gloria Trevi y Grupo Firme, que interpretarán su canción Súfrale” junto a Grupo Firme. Otras figuras anunciadas por los Premios Juventud incluyen a Camila Fernández, Erika Ender, Gaitanes, Omar Alfanno, DND, Alleh & Yorghaki, Kevin Aguilar, Makaco El Cerebro, Mari La Carajita y R!ch Yashel.

Los colombianos nominados a los Premios Juventud 2025

Beéle encabeza la lista de colombianos con cinco candidaturas, compitiendo en Artista Premios Juventud del Año y La Nueva Generación Masculina. Además, participa en Mejor Urban Track con La Plena (W Sound 5) junto a W Sound y Ovy On The Drums, en Afrobeat Latino del Año con Mi Refe junto a Ovy On The Drums, y en Mejor Canción Pop/Rhythmic por Volver junto a Piso 21 y Marc Anthony.

Karol G también suma varias nominaciones, incluyendo Artista Premios Juventud del Año. Su tema +57, su controvertida colaboración con varios de los principales exponentes del reguetón en Colombia, compite en Mejor Urban Track. Por su parte, Latina Foreva y Si Antes Te Hubiera Conocido, ambos sencillos de su LP Tropicoqueta, están nominados a Mejor Canción Pop/Urbano y Tropical Hit, respectivamente.

Otras nominaciones incluyen a Shakira en Mejor Canción Pop/Urbano por Soltera; Maluma, nominado con Por Qué Será junto a Grupo Frontera en La Mezcla Perfecta y por Cosas Pendientes en Mejor Canción Pop/Urbano; Manuel Turizo, presente en Tropical Mix con Que Haces junto a Becky G y en Mejor Mezcla Urbana con Mamasota junto a Yandel; Blessd por Mírame en Mejor Urban Track; y Camilo, nominado en Mejor Canción Pop con Querida Yo junto a Yami Safdie y en Tropical Mix con Una Vida Pasada junto a Carín León.

Por otra parte, Kapo compite en La Nueva Generación Masculina como artista revelación, así como en la categoría de Afrobeat Latino del Año por Uwaie, mientras que Ovy On The Drums suma varias nominaciones como productor y colaborador.

La lista de colombianos nominados se completa con Feid, Sebastián Yatra, J Balvin, Morat, Ryan Castro, Blessd, Venesti, DFZM, W Sound, Piso 21, Juanes, Fariana, Carlos Vives, Silvestre Dangond y Bomba Estéreo.

El evento, que marca el regreso en grande del pereirano tras un receso impulsado por cuestiones de salud mental, representa para “El Flecho” una oportunidad para consolidarse ante su público y explorar nuevos matices musicales.

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Las entradas para el espectáculo se pueden adquirir a través de TuBoleta, alcanzando altos niveles de demanda y motivando la apertura de nuevas localidades en la arena. Es de mencionar que este concierto agotó la mitad de su capacidad en apenas quince días.

El artista colombiano explicó en entrevista con Infobae Colombia que este show es el primer paso de una etapa profundamente vinculada a su proceso personal y creativo. “Después del proceso de salud mental que pasé, puedo decirles como: ‘Mi gente, me fui un tiempo, pero volví, volví con más ganas que nunca’”, señaló Rivera.

Reconoció la importancia de esta cita para reafirmar su carrera y como una forma de mantener el equilibrio emocional. La neuropsicóloga que acompaña al cantante lo animó a asumir el reto, considerándolo una vía adecuada para canalizar energía, orientar su rutina y continuar su proceso de recuperación.

La influencia de Jhonny Rivera y la música popular

La relación de Andy con la música popular, influenciado por su padre Jhonny Rivera, ha sido un tema recurrente a lo largo de su carrera. Consultado sobre si se atrevería a lanzar un sencillo de este género en solitario, Rivera aseguró:

“Va a llegar un momento en el que me voy a animar. Cuando esté en algún campamento, en algún estudio, si surge una canción y no le encuentro el colega y me gusta mucho, va a ser una canción de música popular del ‘Flechito’ solo”, expresó a este medio.

El artista, conocido por su habilidad para sumar colegas de distintos géneros a sus colaboraciones, afirmó que cada tema con tintes populares como Jessi Uribe, Yeison Jiménez y Sebastián Ayala, ha surgido de manera espontánea y natural.

14 años de trayectoria musical

El camino recorrido por Andy Rivera abarca catorce años de carrera, y en Un día a la vez propone una retrospectiva que conecta éxitos tempranos como Te pintaron pajaritos y logros recientes como Alguien más, canción que superó 100 millones de reproducciones en Spotify.

El cantante declaró a Infobae Colombia que canciones como Espina de rosa, Salgamos y Alguien me gusta forman parte imprescindible de su repertorio para el show, ilustrando la evolución de su música y su madurez interpretativa.

Un día a la vez dará nombre también al nuevo álbum que prepara el intérprete de Pereira. El disco incluirá entre 15 y 16 temas, pensados para recoger las emociones y aprendizajes obtenidos tras cuatro años de desafíos personales.

Andy explicó: “Este Movistar me ha hecho pararme de la cama con ganas, con aliento, con motivación de ir a ensayar, encontrarme con los músicos, crear”. De acuerdo con el cantante, este proyecto busca recoger los cambios de estilo y lenguaje que han marcado el presente del artista.

Sobre el futuro de su carrera después de esta presentación, Rivera hizo énfasis en la necesidad de continuar trabajando sin interrupciones y en mantener una visión pausada sobre su propio proceso.

“Andy, un día a la vez. Lo malo también va a pasar… Nunca es tan oscuro como cuando está a punto de amanecer”, aconsejó a su versión de hace cinco años, en diálogo con Infobae Colombia.

En un video publicado en las redes sociales de Billboard quedó registrado el momento en el que se dieron cita los cantantes de reguetón para poner a prueba su fuerza y resistencia en ejercicios cardiovasculares.

De acuerdo con las imágenes, la escena se llevó a cabo en un gimnasio de Estados Unidos, donde dos de los nombres más reconocidos de la música urbana, Daddy Yankee y J Balvin, se encuentran fuera de los escenarios para protagonizar un reto físico que ha captado la atención de sus seguidores.

El video muestra cómo Daddy Yankee acepta la invitación de J Balvin para realizar su exigente rutina de ejercicios, sumándose así a una jornada de entrenamiento que pone a prueba su resistencia y camaradería.

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El desafío comienza cuando J Balvin, conocido por su disciplina en el entrenamiento, reta a Daddy Yankee a completar su rutina habitual, algo que para él sería sencillo por la cantidad de veces que la ha realizado y cree que podría ser difícil para “el big boss” por su falta de práctica y diferencias de edad.

El puertorriqueño, lejos de rehuir el reto, responde con entusiasmo y buen humor, a pesar de que considera que esa rutina no es sencilla, especialmente por la cantidad de tiempo que hay que hacer en cardio.

“La dolorosa”, exclama Daddy Yankee al iniciar, anticipando la intensidad del ejercicio que le espera, mientras J Balvin introduce la primera parte del entrenamiento: “La primera ronda de 40”, en referencia a las repeticiones o minutos de cardio en la caminadora, según se aprecia en el video difundido por Billboard.

Durante la sesión, la interacción entre ambos artistas revela una dinámica de compañerismo y competencia amistosa, pues Daddy Yankee comenta: “Voy a hacer la rutina de José” y J Balvin bromea sobre la exigencia del reto: “Contrató al mejor, a Jose”.

A medida que avanza la rutina, el puertorriqueño reconoce el esfuerzo requerido: “Me encuentro con lo que hay que hacer y le dije: El diatre”, al tiempo en el que J Balvin, sin perder el tono jocoso, advierte: “La sonrisita se le va a borrar ahorita al final”.

El entrenamiento se intensifica con la llegada de la segunda ronda porque J Balvin observa el desempeño de Daddy Yankee y comenta: “El hombre está metiéndole, pero creo que se va a ir más temprano. Ya escuché y le falta otra ronda de 40”.

Ante la noticia de que aún queda más por hacer, Daddy Yankee responde con determinación: “José me dijo faltan 40 más de cardio y yo le dije claro que sí, papá. Vamos a ver. En cámara se oye bien, vamos por encima”, pero la duda crece porque Balvin considera que no lo va a lograr: “¿Será que sí?”; sin embargo, el artista puertorriqueño reafirmó su disposición: “Estamos ready, papi, siempre ready”.

La tensión del reto se mantiene hasta el final, cuando el colombiano indica que quiere ver con sus propios ojos si su colega podrá completar la segunda serie, de cardio, ya que así se termina el reto deportivo.

“Vamos a ver si aguanta los otros 40”, indicó.

Daddy Yankee, sin perder el ánimo, pregunta: “¿Esos son los duros, verdad?”, pero finalmente, J Balvin reconoce el logro de su compañero: “Ah no, el hombre sí hizo las dos rutinas de 40 en la caminadora”, confirmando que “el big boss” superó el desafío propuesto.

El video, compartido por Billboard, no solo muestra la capacidad física de ambos artistas, sino también una faceta de disciplina y actitud positiva ante los retos. Al concluir la sesión, Daddy Yankee deja un mensaje que resume el espíritu del encuentro: invita a mantener una actitud optimista y a disfrutar cada momento, incluso después de superar los desafíos más exigentes.

El encuentro entre J Balvin y Daddy Yankee se transformó en un momento de homenaje dentro de la música. Los artistas referentes en la música urbana compartieron una sesión de entrenamiento físico, que fue documentada y difundida por el cantante colombiano en su cuenta de Instagram.

Durante el entrenamiento, J Balvin dirigió unas palabras a su colega puertorriqueño que resaltaron el papel fundamental de Daddy Yankee en la internacionalización del reguetón.

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“Les presento al que globalizó el reguetón”, declaró J Balvin al presentar a Daddy Yankee. Agregó: “otros simplemente seguimos el camino que él abrió”, reconociendo el impacto del intérprete de Gasolina en el desarrollo global del género.

El comentario de Balvin surgió justo después de completar una intensa rutina de ejercicios, donde ambos demostraron una relación cercana y respeto mutuo fuera del ambiente musical.

J Balvin también compartió que de niño soñaba con ser amigo de Daddy Yankee, lo que otorgó un significado especial al momento, más allá del entrenamiento. “Cuando yo estaba niño, yo soñaba con ser parcero de él… Y vea, ya estamos haciendo ejercicio, ya hay una amistad más poderosa", dijo el colombiano.

El artista puertorriqueño restó importancia al título recibido, devolvió el cumplido y expresó su admiración a Balvin y sus seguidores, y finalizó el intercambio con un mensaje de bendiciones y gratitud por el apoyo entre ambos. “Gracias a todos ustedes, gracias por el apoyo que le dan a Jose (J Balvin) y siempre le digo a él y a sus fanáticos, que Jesús los ama… Mi respeto y mi admiración para él", dijo Daddy Yankee.

J Balvin hace historia como el primer reguetonero en presentarse en Vietnam

J Balvin volvió a romper barreras en la música mundial al convertirse en el primer artista del género urbano en presentarse en Vietnam, un hito que consolida aún más la proyección internacional de su carrera y la del reggaetón colombiano.

El cantante antioqueño, cuyo nombre real es José Osorio, fue la atracción principal del festival 8Wonder: Moments of Wonder, donde ofreció un espectáculo que impactó tanto a fanáticos locales como a la prensa internacional.

El show del intérprete de Loco contigo generó expectación desde su llegada al escenario, la cual ocurrió durante la interpretación de Noventa, uno de los sencillos de su álbum Mixteip.

La energía del público vietnamita fue protagonista cuando Balvin, visiblemente emocionado, ondeó la bandera de Colombia ante los asistentes como gesto de orgullo nacional. Uno de los momentos destacados de la noche llegó con la presentación de I Like It junto a la reconocida cantante y compositora tlinh, quien acompañó al colombiano en una versión celebrada por los asistentes.

El repertorio de J Balvin incluyó varios de sus éxitos más reconocidos, lo que intensificó la reacción de la audiencia durante un show cargado de luces y coreografías. El artista también aprovechó la ocasión para compartir, a través de su cuenta oficial de Instagram, las imágenes y videos más emblemáticos de su paso por el festival y su visita al país asiático. El histórico momento fue celebrado por sus seguidores, quienes subrayaron el impacto positivo de llevar la cultura de Medellín y de Colombia alrededor del planeta.

La presencia del antioqueño en el continente asiático no se limitó a Vietnam. J Balvin sorprendió posteriormente al participar en el festival Summer Sonic en Japón, donde coincidió en el escenario con su colega Feid. El encuentro marcó la primera vez que dos artistas colombianos del género urbano compartieron tarima en el evento, un hecho que fue recibido con entusiasmo por la audiencia y la crítica musical. Su performance conjunto fue destacado como un momento icónico dentro de la historia reciente del reggaetón colombiano.

El paso de J Balvin por Asia se consolidó como un capítulo relevante en el avance global del reggaetón y el pop latino. La proyección internacional del artista reafirma el crecimiento del género e inspira a nuevas generaciones de músicos a expandir sus proyectos fuera de las fronteras tradicionales.

Rels B, nombre artístico de Daniel Heredia, es la nueva portada de GQ en su edición de septiembre. El artista anunció en una entrevista exclusiva con la revista su intención de retirarse de la música tras la publicación de un último disco. Con este paso, busca evitar la repetición creativa y priorizar su vida personal y nuevos proyectos, lo que marca un punto de inflexión en su carrera como el único español presente en el Top Global de Spotify.

Nacido en Palma en 1993, Rels B vive un momento de máximo éxito, con 24 millones de oyentes mensuales en Spotify y 5,4 millones de seguidores en Instagram. Ha logrado llenar estadios en distintas partes del mundo y fue el artista español más escuchado a nivel global en 2024, de acuerdo con datos publicados por GQ.

Su concierto más reciente en Son Moix congregó a 20.000 asistentes y fue calificado por el propio Rels B como “el más importante de mi vida”. Además, su sencillo TU VAS SIN suma 90 millones de reproducciones y es la única canción española en el Top Global de la plataforma Spotify, mientras que A mí ha superado los 870 millones de escuchas.

Gestión de la fama y salud mental

A pesar de estas cifras, Rels B ha optado por mantener un perfil bajo, preservando su vida privada. La difusión de imágenes de su reciente boda con Nicole Betancur fue una de las pocas ocasiones en que su intimidad salió a la luz. “Cometimos un error garrafal, que es no decir a la gente que preferíamos que no subieran nada. Pero está bonito, es un momento feliz”, relató a GQ.

El artista recalcó que nunca persiguió la fama y que ha protegido su salud mental cuidándose de la presión mediática: “Me he comparado con otros artistas y me noto muy fuerte mentalmente porque no he vivido todas esas cosas que algunos tienen que vivir, esa persecución por la noticia”, explicó.

La prioridad familiar y los motivos creativos impulsan su decisión de retiro. Rels B expresó su deseo de formar una familia y vivir de cerca todas las etapas: “A mí me gustaría ser un padre súper presente. No perderme nada del embarazo, ni del posparto, ni de los dos primeros años. Si estás todo el día en el estudio o de gira te pierdes cosas”, subrayó.

Tras más de 10 años en la industria, considera que ya ha transmitido todo lo que quería contar musicalmente y prefiere retirarse antes que caer en la repetición: “No me gustaría caer en un discurso musical repetitivo. Como los futbolistas, saber decir, ‘mira, hasta aquí, jugué bien hasta aquí, me retiré en el Real Madrid’”.

Industria musical y vínculos con México

Rels B reflexionó sobre la transformación reciente de la industria musical. Señaló que hoy en día los artistas disfrutan de una mayor libertad creativa, pues las discográficas han perdido parte de su control y las decisiones ya no dependen únicamente de los intereses comerciales.

“Ahora la industria está en un punto bastante maravilloso, de libertad, donde los artistas son más libres que nunca… Ha costado pero ya es real”, destacó. Apostó por colaborar con nuevos talentos como Lia Cali y J Abecia, prefiriendo la autenticidad y energía de estos proyectos frente a las alianzas con grandes figuras.

Su vínculo con México ocupa un lugar central en su trayectoria. El éxito en ese país fue fruto de sus primeras giras, cuando actuaba para 200 o 300 personas y enfrentaba retos logísticos y económicos. “Quise que se corriera la voz de que vine hasta aquí a darlo todo por ellos. Creo que eso ayudó al boca a boca y el amor que le tiene México a la música de España hizo el resto”, relató. Sus seguidores mexicanos, especialmente fieles, continúan valorando los primeros trabajos de hip hop del mallorquín, reforzando así su conexión con ese público.

Orígenes y visión de futuro

Los orígenes humildes de Rels B han moldeado su actitud ante el éxito. Rememoró que al iniciar su carrera la monetización era mínima y el motor principal era la pasión por la música: “Nunca lo hicimos por dinero, solo queríamos hacer música y disfrutarla y que la gente la escuchase”, afirmó. Esta filosofía, compartida con referentes como C. Tangana y Rosalía, le ha permitido adaptarse a los cambios de la industria sin perder la esencia.

En su discurso también destaca su compromiso social, en especial con temas relacionados con la igualdad y la diversidad. Rels B reconoció que ha aprendido a identificar áreas de mejora personal y a contribuir desde su posición: “En cuanto me di cuenta de lo que podía hacer mejor y que podía ayudar a que el mundo cambie un poquito, enseguida cambié y maduré”.

Para el futuro, planea mantenerse vinculado a la música desde otros roles, con proyectos como la composición para terceros, la producción y la exploración de géneros como el jazz house. “Quiero retirarme feliz, contento, con todo perfecto, y después ya empezar otros proyectos”, aseguró a GQ.

Aunque llena estadios, el artista recuerda con emoción el inicio de su carrera en Mallorca, donde ver a cientos de personas reunidas para escucharlo supuso una experiencia inolvidable que sigue marcando su perspectiva frente a esta nueva etapa de su vida.

San Juan, 31 jul (EFE).- El rapero puertorriqueño Bryant Myers, considerado el pionero del trap latino, presenta "toda la musa que tenía guardada" con el lanzamiento este jueves del álbum 'Millo Gangster Club' de 14 temas, la primera parte de un proyecto que estará compuesto de tres discos.

"Lo dividí en tres partes porque duré mucho tiempo sin lanzar música y tengo sobre 60 canciones grabadas. La gente llevaba esperando mucho tiempo mi nueva temporada de canciones y estoy listo para dárselo ahora", declaró en entrevista telefónica con EFE.

Bryan Robert Rohena, nombre de pila del artista, confesó que lo "enorgullece mucho" y lo invita a seguir trabajando para que sus fanáticos continúen conectados con él pese a que lleva un lustro sin sacar un álbum, desde 2020 que publicó 'Bendecido'.

"Hago música para tratar de conectar con el público, pero sin buscar llamar la atención. Trato de hacer la música que siento que se vive, que vivo a mi alrededor, en la isla que vivo, que es Puerto Rico", explicó el vocalista de música urbana, oriundo del municipio de Carolina, en el norte de Puerto Rico.

A sus 27 años, Myers celebró el buen recibimiento que tuvieron los sencillos 'Killa' en colaboración con el artista Clarent, y 'Burlao', que lanzó como adelanto de este disco.

"El tema de 'Burlao', yo lo tengo hace 6 o 7 años y es una canción que sé que va a seguir creciendo porque al tenerla guardada tanto tiempo y no me aburre. Lo escuchaba, pasaban los años y lo escuchaba y busqué esperar el momento perfecto diría yo, para lanzar el tema y eso es bien importante hoy en día en la música", mencionó.

El intérprete de temas como 'Caile' y 'Esclava Remix', aseguró que su tema favorito del disco en el que tiene colaboraciones con el rapero Almighty, Ozuna, Eladio Carrión o Jhay Cortez, es la introducción 'Cualquiera tiene ticke', porque es la última canción que compuso e incorporó y la que mejor refleja sus "feelings actuales".

"Me gusta mucho buscar la evolución, buscar nuevas fusiones para crear nuevas fórmulas, nuevos sonidos, soy bien creativo con eso, con la mezcla de sonidos. A veces yo hago muchas combinaciones en el estudio con los sonidos, los instrumentos, los tiempos, los estilos de diferentes géneros", relató Myers.

Actualmente, el artista se prepara para su debut en el Coliseo José Miguel Agrelot de Puerto Rico conocido como el Choliseo, la sala de espectáculos más importante de la isla, el próximo 22 de noviembre, que será el preámbulo de una gira internacional.

"Me siento súper confiado, súper feliz. De verdad es un sueño para mí poder hacer esto, poder tener mi fecha en el Choliseo. No todo el mundo puede hacer eso", declaró.

Myers precisó que el concierto denominado 'La historia del Trap' será una cronología por los diez años de su trayectoria en la música y por momentos de "2016, 2017 y otros años que marcaron el género y la historia del trap".

"Estos años no he podido trabajar con la consistencia que he querido, pero el amor y el cariño y el respeto de los fanáticos siguen ahí intactos, y eso es algo que me hace permanecer de pie y seguir mandando fuego", sentenció.

El artista que ha colaborado con Bad Bunny, Anuel AA y Arcángel, comenzó a componer música cuando estaba en la escuela y abandonó sus estudios para seguir su carrera en el mundo del espectáculo.

Su primer álbum de estudio fue 'La Oscuridad' (2018) de 14 temas, entre ellos su éxito 'Ojalá', un disco con el que debutó en el Top 10 de Latin Rhythm Albums de Billboard. EFE

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El escenario, ubicado frente a la zona común, se convirtió en epicentro de una marea humana que rebasó las batas de seguridad, repletando las escaleras mecánicas y accesos. A pesar de los intentos por controlar el flujo, los fans penetraron sin restricción.

El artista interpretó sus éxitos más sonados mientras el personal de seguridad organizaba pasos para contener la avalancha, en una tarde repleta de música y fervor urbano.

Multitud supera vallas y llena accesos

Miles de seguidores del cantante urbano se congregaron a las afueras del escenario en Mega Plaza Independencia desde horas antes del inicio del show.

El aluvión fue tal que la primera línea de defensa —las vallas metálicas— cedió ante el impulso del público. Se dieron escenas de empujones y carreras en busca de un lugar cercano al escenario.

Las escaleras mecánicas, diseñadas para un flujo constante, quedaron abarrotadas, interrumpiéndose el tránsito. La organización tuvo que reforzar el perímetro con más personal y voluntarios para intentar dar orden al caos.

Control de la situación y apoyo logístico

Según se supo, se incorporaron agentes adicionales y personal de seguridad privada para frenar la marea humana. Durante los primeros temas, los organizadores habilitaron entradas alternativas y contaron con ambulancias y rescatistas en caso de emergencias.

A pesar del colapso, lograron ejecutar el show sin cancelaciones ni incidentes graves. Usuarios en redes compartieron videos que muestran la magnitud de la aglomeración y los complejos intentos por restablecer la normalidad.

Genek en alta demanda: éxitos y ritmo

Gonzalo Genek, conocido por sus temas más escuchados en plataformas como Spotify, salió al escenario alentado por los gritos de su público. Interpretó sus mejores éxitos con la energía característica de su repertorio urbano.

Esta aparición gratuita generó mayor expectación que cualquiera de sus conciertos pagados, prueba del crecimiento de su popularidad local. La interacción cercanísima con su hinchada fue percibida incluso a través de TikTok, donde se viralizaron clips de la masiva respuesta del público.

Fans transforman paseo en fervor

Como era de suponerse, este evento sin entradas ni reservas, potenció la confluencia masiva de asistentes. Jóvenes de toda la capital se desplazaron antes del anuncio para asegurar un sitio.

Influencers y fan accounts en Instagram y TikTok compartieron el ambiente, mientras los repost acumulaban miles de visualizaciones. La combinación entre ingenio viral y emotividad colectiva convirtió el concierto en un fenómeno espontáneo, donde el fanatismo y el ingenio urbano redefinieron la experiencia al aire libre.

Implicancias para eventos futuros

El incidente deja lecciones sobre la capacidad para gestionar espectáculos de acceso público. Tanto organizadores como los promotores deberán revisar protocolos de control de flujos, evacuación de emergencia y límite real de asistentes.

También será indispensable mejorar la señalización y dividir los puntos de ingreso en zonas definidas. Para artistas emergentes, la ecuación entre proximidad con la audiencia y seguridad requiere un diseño cuidadoso. En futuras ediciones, mantener la emoción sin comprometer la integridad del público será el desafío principal.

Legado del evento

Además de fortalecer su vínculo con el público local, Gonzalo Genek consolidó su estatura como figura urbana emergente. El concierto vino a demostrar que la música peruana, especialmente los productos del rap y trap, ha encontrado un espacio fuerte en las generaciones jóvenes.

La jornada de emoción, música y adrenalina retará estándares de producción y gestión de eventos gratuitos, pero también reforzará el poder de convocatoria de artistas que hablan el idioma callejero de una audiencia ávida.

São Paulo, 20 jun (EFE).- Una cascada de proyectos de ley en Brasil busca prohibir la contratación con fondos estatales de artistas que hagan apología al crimen organizado, lo que despertó un nuevo debate sobre la censura del 'funk', la música urbana nacida en las favelas.

El proyecto original se creó y tramita en la Cámara Municipal de São Paulo, y le han salido réplicas en el Congreso Nacional y en al menos 150 municipios, entre ellos 12 capitales regionales.

A pesar de que los textos no están dirigidos a ningún género musical específico, la campaña se centró en la figura de Oruam, un cantante de funk, y comenzó a denominarse coloquialmente como “Ley anti-Oruam”.

Oruam es el nombre artístico de Mauro Davi dos Santos Nepomuceno, hijo de 'Marcinho VP', uno de los líderes del Comando Vermelho, una de las organizaciones criminales más poderosas del país, quien actualmente se encuentra cumpliendo condena en prisión.

El joven, de 24 años, se volvió un estandarte de la 'música de las favelas' de Río de Janeiro, donde nació, tiene más de 11 millones de oyentes mensuales en Spotify y ha llegado incluso a ocupar una portada completa en la revista británica 'Dazed'.

Sus canciones pertenecen al subgénero del funk denominado 'proibidão' (fuertemente prohibido, en portugués), nacido en los años 90 en las favelas cariocas, que retrata en sus letras la rutina de los narcos y sus enfrentamientos con las fuerzas de seguridad.

Fue la propia redactora original del proyecto, la concejala de la ciudad de São Paulo Amanda Vettorazzo, quien hizo eco de este nombre coloquial, lo que contribuyó a aumentar su visibilidad.

Explica a EFE que, si bien el proyecto buscará punir a todos aquellos que hagan apología del crimen independientemente del género musical, en Brasil "quien canta ese tipo de música es el funk".

Vettorazzo aclara que, si bien el crimen organizado debe combatirse a través de la seguridad pública, no se debe permitir que "la cultura del crimen se termine de enraizar" en la cultura brasileña.

"Los jóvenes de la periferia terminan escuchando ese tipo de música y asimilando eso como algo normal", comenta.

Es a través de estas representaciones que los jóvenes creen que "el camino correcto para tener éxito financiero es ser traficante" porque los músicos, como Oruam, se muestran con "las mejores mujeres, las mejores joyas y los mejores carros" y acaban "entrando en el imaginario de los niños" como "un héroe".

El proyecto de ley de São Paulo ya ha sido aprobado en una comisión previo a su paso por el pleno de la Cámara y si finalmente se aprueba, obligaría a incluir en los contratos una cláusula que obliga a los artistas a "no hacer apología al crimen o al uso de drogas" en sus conciertos, con riesgo de rescisión, multa y tener que devolver el pago recibido.

El influenciador Thiago de Souza, musicólogo y doctor en música funk, afirma a EFE que al analizar las letras de gran parte de las canciones que pertenecen a este género "no existe ese incentivo" a cometer un crimen.

Por el contrario, se escucha "la palabra muerte todo el tiempo", lo que es un llamado a mantenerse alejado del crimen "porque existe la posibilidad de que tengas una vida muy corta".

La historiadora e investigadora de la música funk Juliana Bragança cuenta que "lo que se escucha en el funk son relatos" de las más de 16 millones de personas que viven en las casi 12.400 favelas distribuidas a lo largo de todo el territorio brasileño.

En ese sentido, Thiago considera que el proyecto es "superficial", porque busca un "culpable accesible para un problema que es estructural", como el crimen organizado en los barrios.

"Es un género que tiene éxito y está hecho por una población mayoritariamente negra y que vive en favelas. La favela siempre es la culpable, es el chivo expiatorio de todos los problemas sociales", explica.

La criminalización del funk, explican, viene dándose hace más de 20 años y se enraíza en el proceso de marginalización de la cultura negra y periférica que en el pasado llevó a estigmatizar la samba y la capoeira, hoy símbolos de la cultura brasileña. EFE

"Estábamos a una sala de volver... y volvimos. VOLVER-LA SALSA ya está disponible. Para nosotros fue un honor colaborar con Marc Anthony y Beéle y esta versión es legendaria", señaló la agrupación Piso 21 en un mensaje publicado en su cuenta de Instagram.

La nueva versión de la canción incluye los sonidos de las congas, el timbal y la campana "como una invitación a bailar, que con la alegría de los tumbaos del piano y la fuerza de los mambos del brass, van llevando a un inevitable deseo de sumarse al 'es que no se me olvida lo que pudimos ser' del coro", afirmó el equipo de Piso 21 en un comunicado.

La banda también buscó acompañar a Marc Anthony en "su territorio", pues es la salsa el estilo que lo ha hecho brillar globalmente durante más de tres décadas.

La canción fue publicada con un "video dance" que, "además de acompañar la historia y los deseos de volver, resalta el ritmo de la salsa como el hilo conductor y el protagonista de este clip, focalizando las coreografías icónicas y representativas del género", agregó la información. EFE

Madrid, 19 jun (EFE).- Sin pelos en la lengua, como se espera de quien llevó la música urbana en español a otro estadio con Calle 13, se ha presentado Residente este jueves en Madrid con un concierto variado en lo musical, potente y solemne en los mensajes a favor de la paz en Gaza, de una educación pública o contra el colonialismo estadounidense.

Con su actuación ha quedado inaugurada oficialmente la segunda edición de Alma Festival, de nuevo en el anfiteatro del Parque Enrique Tierno Galván, para acoger diez noches de oferta musical entre la electrónica de Rüfus de Sol, el único que de momento ha agotado el aforo, y el pop-folk celta de The Corrs.

"Está bonito así al aire libre", ha destacado el puertorriqueño ante la panorámica, cuando no se cumple ni un año de su última visita, entonces en un formato menos bucólico, el del Wizink Center, y esta noche con una entrada de 4.500 personas según la organización de las 7.000 posibles.

En los prolegómenos de esta cita con René Pérez (San Juan, 1978), uno de los artistas más galargonados en los Latin Grammy, ya era posible advertir acentos diversos tanto de España como de Latinoamérica, prestos a escuchar versos no aptos para todos los oídos, como "No creo en la iglesia pero sí en tu mirada" o "El machete no es solo pa cortar caña', también es pa cortar cabeza'".

Veinte minutos más tarde de las 22 horas previstas para el inicio, unas cuerdas de corte oriental han introducido el primero de los temas, 'Baile de los pobres', enhebrado sin solución de continuidad con el 'No hay nadie como tú' y la 'Cumbia de los aburridos', ambos de su etapa en Calle 13.

Con esa fulgurante ráfaga inicial, y amparado por un poderoso septeto musical como banda, Pérez ha llevado la energía de cero a cien, sin esperar tampoco demasiado para lanzar sus proclamas a favor de "una educación pública, gratuita y de calidad, porque es importante mantener el conocimiento, más en este momento".

"Y vamos a brincar también desde Madrid por todo lo que ha ocurrido en Palestina, que es horrendo y no debe pasar; que los que no lo entienden hoy, ya lo entenderán dentro de 20 años", ha añadido, antes de lanzarse con el célebre 'Atrévete, Te, Te'.

Las interpelaciones a su exbanda han sido constantes, ya que también han sonado cortes como 'El aguante' y su sucesión de injusticias históricas y sociales, con menciones a dictadores como Franco o Hitler, en una diatriba por la resistecia coreada por el público a viva voz y puño en alto.

Dicharachero a partir de ese momento, en el que ha aprovechado para bajar pulsaciones, ha explicado curiosidades de algunas de las canciones, como que 'Muerte en Hawai' la escribió intentando "burlarse de la música pop" o que en 'La vuelta al mundo' iba a participar Gustavo Ceratti justo antes de su accidente.

A diferencia de su tour del pasado año, ha decidido dejar para cerca del ecuador un tema "con tantas emociones" como 'René', el que cierra su más reciente y extenso álbum de estudio, 'Las letras ya no importan' (2024).

"Es bien difícil cantar este tema", ha reconocido entre los aplausos por la intensidad del corte, al que ha seguido otro no menos solemne y profundo, 'Guerra', con el que ha vuelto a aludir a la ofensiva militar de Israel en Gaza. "No entiendo a quien dice que es muy complicado entenderlo y que por eso no hablan de ello", ha censurado.

Puertorriqueño contrario a la presencia estadounidense en su isla mucho antes del 'Debí tirar más fotos' de Bad Bunny, no ha dejado de interpretar 'This Is Not America', así como el canto a la riqueza de 'Latinoamérica'.

"Ya se acabó la tristeza", ha reconocido él mismo tras este largo bloque intermedio en el que aún han cabido la poética '313', pero sin la aparición de Silvia Pérez-Cruz ni Penélope Cruz, que sí participaron en la grabación, así como 'Ron en el piso'.

Con el broche ha vuelto a la energía a plena potencia para recogijo de los asistentes, que han recibido especialmente bien el remate con 'Chulin Culin Chunfly', la canción de Julio Voltio en la que colaboró, y más aún con 'El futuro es nuestro' y la irreverente 'Vamo' a portarnos mal' con la que Calle 13 hizo una muesca en la historia de la música. EFE

El ciclo de conciertos Starlite Occident, en Marbella (Málaga), vivió este pasado sábado su segunda gran noche del verano con el debut de Duki en el Auditorio del festival.

Un año después de sorprender al público con su aparición junto a Emilia, el artista argentino, referente absoluto del trap y la música urbana en español, regresó a la cantera de Nagüeles como protagonista indiscutible, ofreciendo un esoectñacyki demoledor ante un público totalmente entregado.

Duki aterrizó en Marbella con Ameri World Tour, la gira más ambiciosa de su carrera, tras colgar el cartel de todo vendido en ciudades como Nueva York, Miami o Los Ángeles. En plena promoción de su álbum Ameri, con el que ha batido sus propios récords, el artista ofreció un repaso por sus éxitos más icónicos, entre los que sonaron "Nueva Era", "Top 5", "Goteo", "Conteslación", "Golfista", "Hello Cotto" o "Rockstar 2.0".

Originario de Buenos Aires, Duki ha pasado de formar parte del emergente movimiento del trap argentino a consolidarse como icono global, con más de 10.000 millones de streams, 17 millones de oyentes mensuales en Spotify y 28 millones de seguidores en redes sociales. Anoche, su fuerza escénica, autenticidad y conexión con el público volvieron a dejar huella.

"Muchas gracias a Starlite Occident por la invitación y a mi gente bonita de Marbella por venir" declaraba emocionado, sorprendido por las grandes dimensiones del escenario y la cercanía con el público.

Este torneo, que por primera vez contará con la participación de 32 equipos, verá al PSG competir como campeón de la Uefa Champions League, título que obtuvo tras vencer al Inter de Milán.

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La canción, que acompañará al equipo parisino durante sus encuentros, contará con la colaboración del cantante colombiano Blessd, que se unió a otros dos artistas para interpretar el tema.

El club francés, dirigido por Luis Enrique, llega al torneo como uno de los favoritos, y su decisión de crear un himno refleja su intención de destacar tanto dentro como fuera del campo.

El tema, en el que participa el artista paisa busca ser un símbolo de unión entre la música y el deporte, destacando la relevancia del PSG como uno de los equipos más importantes del mundo.

En palabras de los responsables del proyecto, se trata de “un junte histórico para el deporte mundial”, que pone en alto la bandera de la música urbana y el fútbol.

Blessd, cuyo nombre real es Stiven Mesa Londoño, no es ajeno al mundo del fútbol. Esta será la tercera ocasión en la que el artista colombiano vincula su carrera musical con este deporte.

En 2024, colaboró con el Atlético Nacional, equipo colombiano, tras una alianza con el presidente del club, Sebastián Arango Botero, y el director deportivo, Gustavo Fermani.

En esa oportunidad, Blessd participó en la creación de un himno para el equipo tras la obtención de la Copa BetPlay, además de formar parte de un evento especial que utilizó los colores del club.

En otro proyecto relacionado con el fútbol, Blessd adquirió un equipo de la segunda división de Dinamarca, con el objetivo de desarrollar un proyecto deportivo que conectara a Colombia con Europa.

Este equipo incluso realizó una gira en territorio colombiano, donde disputó varios partidos amistosos. Estas iniciativas reflejan el interés del cantante por combinar su pasión por la música con su afinidad por el deporte.

El Mundial de Clubes de la FIFA, que se celebrará por primera vez en un formato ampliado de 32 equipos, representa una oportunidad única para el PSG de consolidar su posición como líder en el fútbol internacional.

La elección de Estados Unidos como sede añade un componente especial al torneo, dado el crecimiento del fútbol en ese país y su capacidad para atraer a una audiencia global.

Con el himno oficial del PSG, el club busca no solo inspirar a sus jugadores, sino conectar con sus seguidores en todo el mundo, destacando la importancia de la música como herramienta de identidad y motivación.

La participación de Blessd en este proyecto refuerza su papel como embajador de la música urbana en escenarios internacionales.

Su colaboración con el PSG no solo resalta su talento, sino también su capacidad para trascender fronteras y unir culturas a través de su arte. Con este himno, el PSG y Blessd buscan dejar una huella tanto en el ámbito deportivo como en el cultural, en un torneo que promete ser histórico para el fútbol mundial.

El equipo de Blessd descendió a tercera división en Dinamarca

El cantante y compositor colombiano Blessd enfrentó un revés significativo en su incursión en el mundo del fútbol.

El Vendsyssel FF, club danés del cual es el máximo accionista desde finales del año pasado, descendió a la tercera división del fútbol en Dinamarca, truncando los ambiciosos planes que el artista tenía para la institución deportiva.

El objetivo inicial de Blessd era llevar al equipo a la primera división y aspirar a una plaza en la Liga de Campeones, pero los resultados en el campo han retrasado este proyecto.

De acuerdo con el periodista Mariano Olsen, el desempeño del equipo durante la temporada fue determinante para su descenso.

En un análisis compartido en sus redes sociales, Olsen detalló que el Vendsyssel FF disputó un total de 31 partidos, de los cuales solo logró siete victorias, empató en nueve ocasiones y sufrió 15 derrotas.

Este rendimiento, que se traduce en un 32,25% de efectividad, fue insuficiente para mantener al club en la segunda categoría del fútbol danés.

El proyecto deportivo de Blessd había comenzado con grandes expectativas. Desde que asumió el control del club, el cantante colombiano buscaba posicionar al Vendsyssel FF como un equipo competitivo en el panorama europeo.

Como parte de esta estrategia, el equipo realizó su pretemporada a principios de este año en Colombia, específicamente en la sede deportiva de Comfama, ubicada en Rionegro, Antioquia.

Durante su estadía en el país sudamericano, el club tenía programados encuentros amistosos contra equipos locales, lo que reflejaba la intención de fortalecer su preparación y establecer vínculos internacionales.

El descenso del Vendsyssel FF representa un desafío para Blessd, que deberá replantear su estrategia para el club. Aunque el tropiezo es significativo, el proyecto aún tiene margen para evolucionar, y el cantante podría buscar nuevas formas de revitalizar al equipo y alcanzar las metas trazadas inicialmente.

La artista argentina Emilia ha conquistado este sábado al público madrileño en el primero de los tres conciertos que ofrece en el Movistar Arena como parte de su gira internacional 'Emilia Tour 2025', la continuación de su anterior y exitoso '.mp3 Tour'.

"Nunca paran de sorprenderme, mi público de Madrid", ha confesado ante un recinto entregado a la cantante, que ha desplegado esta noche un espectáculo vibrante, repleto de energía, coreografías y una conexión emocional constante con sus seguidores.

Temas como 'Carita triste' y 'Exclusive' encendieron el ambiente en esta primera cita de una trilogía madrileña que continuará los días 1 y 7 de junio.

A lo largo del concierto Emilia ofreció un recorrido por su universo musical, combinando fuerza escénica y sensibilidad en un repertorio tan variado como ambicioso.

Canciones como 'Facts' y 'Cuatro veinte' marcaron algunos de los momentos más destacados de la velada, en la que tampoco faltaron homenajes, como el que rinde en 'Jagger' al espíritu del rock y la rebeldía.

El sonido urbano, el 'pop' y el 'trap' se entrelazan con naturalidad en su propuesta, visible en temas como 'Jet Set' u 'Ojitos Verdes'.

Emilia también exploró otras dimensiones emocionales a través de canciones como 'Cielo en la mente', evocadora de esperanza. "Que nunca íbamos a lograr eso que deseábamos", se ha felicitado la argentina, que siguió con 'Como si no importara', tema que dedicó al "amor de su vida", Duki.

Además, su versatilidad quedó patente en piezas como 'Mi otra mitad' o 'Guerrero', donde el autoconocimiento y la resiliencia cobran protagonismo, si bien la cantante puso el foco en su madre, que estaba entre el público y visiblemente emocionada.

Durante más de una hora y media de concierto sonaron también títulos como 'A 1.000 km', 'Rápido lento' y 'Perdonarte, ¿para qué?', siendo esta última bailada hasta por los más pequeños y recordando a un vídeo viral que sacó el año pasado.

La artista cerró el espectáculo con una sucesión de éxitos como 'Alegría', 'Bunda', 'Olvidarte' y '24hs', con los que reafirmó su capacidad para crear 'hits' que conectan con una generación diversa, sin olvidar 'Blackout', su reciente colaboración con Tini

El broche de oro lo pusieron los temás más virales de la argentina, como son 'Iconic', 'La Original', 'GTA' y su single más escuchado en el verano de 2023, el 'No se ve'.

"Estoy muy contento con el lanzamiento de mi nuevo disco 'Trinidad Bendita' porque tiene la música que a mí más me gusta de Blessd, sé que se lo van a disfrutar mucho (...) Esto es pa’ la calle, pa las chimbitas, pa’l barrio, pa la esquina, pa la fiesta y pa usted", declaró el artista de 24 años en un comunicado de su promotora.

El barrio donde Stiven Mesa Londoño, nombre real de Blessd, creció en Medellín es el barrio Antioquia, que popularmente es conocido como barrio Trinidad, por lo que el título de este álbum hace homenaje a sus raíces.

El disco, que incluye colaboraciones con nombres como Noriel, Brytiago, Dei V y Ovy on the Drums, tiene como tema central el sencillo 'Cuando', que estrenó junto al videoclip oficial.

Con éxitos como 'Medallo' y 'Si Sabe Ferxxo', Blessd ha logrado posicionarse en los primeros lugares de la listas Latin AirPlay de Billboard en 2022 y 2024 y ha ganado galardones en los premios colombianos Nuestra Tierra, mientras que ha sido nominado en los Premios Juventud de Univision. EFE

Con más de 12 millones de oyentes mensuales en Spotify, Nanpa Básico cuenta con "hits" como 'Canela', una colaboración con el mexicano Charles Ans que ha logrado ser escuchada más de 200 millones de veces en Spotify, y con canciones como 'Hasta Aquí Llegué', 'Los No Tan Tristes', 'Sin Ti No Estoy Bien', y 'Flaca'.

En su amplia trayectoria musical, Nanpa Básico ha lanzado nueve álbumes de estudio y ha acumulado una gran cantidad de sencillos exitosos.

En 2022 y 2023 realizó una de sus giras más ambiciosas, en la que recorrió países como México, donde logró vender todas las entradas en el emblemático Pepsi Center WTC, Colombia, Estados Unidos, Argentina, Chile, Perú, Ecuador y Bolivia.

Tras una gira por España en 2024, ahora regresa de nuevo a Europa el 3 de septiembre con un concierto en Barcelona; el 4 de septiembre en Bilbao; el 6 de septiembre en Londres, y al día siguiente en Madrid. EFE

gcm/ml/oli/ma/ah

Con más de 12 millones de oyentes mensuales en Spotify, Nanpa Básico cuenta con "hits" como 'Canela', una colaboración con Charles Ans que ha logrado ser escuchada más 200 millones de veces en Spotify, y con canciones como 'Hasta Aquí Llegué', 'Los No Tan Tristes', 'Sin Ti No Estoy Bien', y 'Flaca'.

En su amplia trayectoria musical, Nanpa Básico ha lanzado nueve álbumes de estudio y ha acumulado una gran cantidad de sencillos exitosos.

En 2022 y 2023 realizó una de sus giras más ambiciosas, recorriendo países como México, donde logró vender todas las entradas en el emblemático Pepsi Center WTC, Colombia, Estados Unidos, Argentina, Chile, Perú, Ecuador y Bolivia.

Tras una gira por España en 2024, ahora regresa de nuevo a Europa el 3 de septiembre con un concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona; el 4 de septiembre, en la sala Santana 27 de Bilbao; el 6 de septiembre, en la Electric Brixton de Londres; y el 7 de septiembre, en La Riviera de Madrid.

Las entradas están ya a la venta y se pueden adquirir a través de lasttour.org. EFE

gcm/ml/oli

Madrid, 28 may (EFE).- Vacilones, eléctricos, divertidos, transitando entre un sinfín de géneros con una desenvoltura asombrosa en un espectáculo de ritmo intrépido, así han llegado a su concierto más multitudinario en España la gran promesa argentina de Ca7riel y Paco Amoroso, ratificados ahora sí como superestrellas y "supercriminales".

"¡Estamos demasiado contentos, en serio lo digo! ¡Gracias por recibirnos así! ¡No hay palabras para explicar lo que está pasando, cuando hace 6 meses estábamos tocando en una sala para 1.000 personas!", ha declarado eufórico el menos espigado de este dúo argentino ante las 14.000 personas que han agotado el Movistar Arena de Madrid.

La presencia entre ellos de adultos, jóvenes, abuelos y también niños constataba el alcance de su actual naturaleza de hito musical tras la contagiosa energía y calidad que mostraron en octubre en su concierto de la serie 'Tiny Desk', de la emisora pública estadounidense NPR, convertido en uno de los más vistos de su historia junto a Dua Lipa, Sting o C. Tangana, entre otros.

Llamados en realidad Catriel Guerreiro y Ulises Guerriero, fue una auténtica sorpresa la viralidad que despertó este dúo que se conoce desde la infancia, con carreras paralelas en la música asociada a la escena urbana hasta que en 2018 empezaron a grabar juntos temas como 'A mí no', que ha sonado esta noche.

Hasta en cinco ocasiones habían actuado en la ciudad de Madrid, las últimas en noviembre, solo un mes después del concierto para la NPR en la recoleta sala But, a la que hacía referencia Paco Amoroso en sus palabras al público, y ninguna había tenido el eco de este salto a los grandes espacios.

Ilustra perfectamente el rápido crecimiento en pocos meses de la formación, cuya producción discográfica también se multiplicó desde que en abril de 2024 lanzaron su primer álbum de estudio, 'Baño María', al que siguieron en diciembre un apoteósico disco en directo en Buenos Aires y, este marzo, un EP llamado 'Papota' con varios temas nuevos y algunos de los que tocaron en su 'Tiny Desk'.

Con esas bazas y toda la complicidad del público, que en algunos casos ha entrado caracterizado como sus nuevos ídolos, ha comenzado un "show" que adquiere buena parte de su gracia en el aspecto lúdico y la teatral actitud de los protagonistas.

Buena prueba ha sido el arranque, cuando, con media hora de retraso y dos gigantescos bustos inflables con sus rostros, han llegado ataviados con gafas de sol, trajes de colores espaciales bajo los que simulaban una gran musculatura y se han subido sobre una especie de bote de proteínas para aguantar con pose chulesca un minuto entero de chorros de fuego.

Los asistentes los han aclamado y han dejado claro desde el arranque con 'Dumbai' que sí se saben las canciones de estos dos fenómenos, sentados en sendas banquetas durante buena parte del espectáculo, pero para nada hieráticos, más bien importando la recoleta estructura del mencionado 'Tiny Desk'.

Parapetados por una sólida escuadra de músicos, con dos coristas y siete instrumentistas (entre ellos un trío de viento metal), en menos de 20 minutos ya habían dado pruebas de su capacidad para transitar sin frenos entre el trap, el funk, los soniquetes brasileños, el rock salvaje, el pop y hasta la pista de baile.

Conocen además el lenguaje de los nativos digitales y flirtean y juegan sin parar con la cámara que los sigue, cantando para ella mientras besan lúbricamente el micrófono.

Lo hacen repartiéndose equitativamente los espacios (como las pantallas, una para cada uno), también los tiempos y áreas en los que cada uno se mueve mejor para entender en estos tiempos de solistas por qué su (planificada) complicidad les hace ganar enteros: uno tiene el metal distintivo en su voz rota, el otro un rango vocal que le permite subir y bajar a placer y una corporalidad magnética y ambigua, como una anguila eléctrica.

La mitad del concierto llega tras 40 minutos sin respiro, pero no bajan revoluciones. Sí descienden al escenario para palpar de cerca el clímax con 'La que puede, puede', coreada y brincada por los miles de asistentes contagiados por el verbo ágil y escurridizo de Ca7riel.

Siguen desfilando temas singulares como 'Sheesh' o 'Supercriminal', letras que hablan de OnlyFans, de 'Zoolander' o del culto al ego y al cuerpo del que se ríe todo este espectáculo, cuando, tras lanzar camisetas gratis convertidas en proyectiles, interpretan rodeados de culturistas su '#Tetas'. Ya con 'El único' llega el apoteósico final, pero solo de hoy, porque esto solo ratifica que es el principio. EFE

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"La gira es una celebración de lo que soy hoy como artista: más libre, más completo y más personal", dijo Mora en un comunicado de prensa.

La presentación en la capital colombiana forma parte de una gira que también lo llevará a escenarios de América Latina, Europa y Estados Unidos, consolidando su posición como uno de los artistas más influyentes del panorama urbano actual.

Este regreso llega tras el lanzamiento sorpresa de su más reciente álbum, 'Lo mismo de siempre', que ya superó las 21 millones de reproducciones en Spotify.

El disco incluye 17 canciones inéditas en las que Mora fusiona reguetón, trap, bachata y pop experimental, y cuenta con colaboraciones con artistas como C. Tangana, Young Miko, Dei V, Omar Courtz y De La Rose.

La cita en Bogotá promete una experiencia audiovisual inmersiva, con un recorrido por todas las etapas de su carrera. El repertorio incluirá desde clásicos como 'Volando', 'APA' y 'Memorias', hasta sus recientes éxitos como 'Droga', tema que marca el regreso a la música de C. Tangana, quien en 2023 había anunciado su retiro temporal. EFE

El cantante y compositor venezolano Danny Ocean se prepara para lanzar un nuevo álbum inspirado en la alegría, la madurez y el deseo de reconectar con sus raíces. En una entrevista exclusiva con Vogue México y Latinoamérica, reveló que su próximo disco ofrecerá una experiencia sonora “muy de playa, de estar con la gente que quieres, con la chica que amas”.

Un álbum para celebrar la felicidad

El nuevo trabajo de Daniel Morales, nombre real del artista, se perfila como una oda al verano y a los afectos cercanos. “Será un disco muy de playa, de felicidad”, declaró. Este enfoque refleja una etapa luminosa en su carrera, marcada por la decisión de transmitir un mensaje optimista luego de haber cumplido 33 años.

La inspiración del álbum proviene de la evolución personal del cantante. Ocean explicó que, al igual que en la moda o la perfumería, la música cambia con los años, pero mantiene una esencia. “Vas madurando. A medida que creces, vas adaptando ciertos gustos y te vas dejando llevar”, expresó el artista, quien aseguró acumular más de un billón de reproducciones en Spotify.

De Caracas al mundo: una evolución constante

Nacido en Caracas, Venezuela, y con parte de su infancia vivida en África durante la presidencia de Nelson Mandela, Ocean forjó una sensibilidad profunda hacia la libertad y la unión. “Vengo de Caracas, de Los Dos Caminos”, recordó.

El cantante explicó cómo su estilo personal —influenciado por la moda y los perfumes— se entrelazó con su desarrollo musical. En su primera aparición en la revista, mencionó fragancias como vainilla, damasco y osmanto, asociadas con recuerdos de juventud. Esta conexión sensorial también se refleja en una música que evoluciona sin perder autenticidad.

Además, destacó la importancia de la identidad latinoamericana y la colaboración dentro de la música urbana. “No nos quedó de otra que juntarnos y compartir este sentimiento”, afirmó, subrayando el rol colectivo en la proyección global de los ritmos latinos.

Proyectos recientes y un vínculo con Venezuela

En 2024, Danny Ocean presentó dos producciones que muestran distintas dimensiones de su carrera. “Reflexa”, un proyecto “más espiritual”, explora conflictos internos. Por su parte, “Venequia” está dedicado a Venezuela y a las vivencias de los migrantes. “Es sobre lo que nos tocó como migrantes”, destacó en la entrevista.

Estos trabajos expresan la dualidad entre introspección y compromiso social, reflejando tanto una búsqueda interior como el orgullo por sus raíces.

El sueño de cantar en su país

La migración dejó una huella en la vida de Ocean, quien confesó su anhelo de presentarse ante el público venezolano. “Mi gran sueño es poder cantar en Venezuela. Poder conectar mi música con mi gente”, expresó.

El cantante vinculó su experiencia migratoria con valores como la esperanza y la resiliencia, pilares de su propuesta artística. “Todo lo que he chambeado es también un logro para mi bandera”, afirmó.

“Me Rehúso”: un himno generacional

El tema “Me Rehúso”, lanzado en 2016, marcó un antes y un después en su carrera. Según Ocean, nació como un regalo improvisado de San Valentín en un momento de escasez y crisis sociopolítica. “La compuse en 20 minutos. Me cambió la vida de la noche a la mañana”, contó.

Reconoció que nunca anticipó el éxito del sencillo, que resonó en ciudades como Caracas, Santo Domingo, Ciudad de México y Medellín. “No tengo ni idea de lo que estamos haciendo, pero lo hacemos. Si me gusta y resueno con el ritmo, ahí está”, señaló.

También se refirió a la industria musical como “el negocio más cabrón” y al desafío constante de crear conexiones reales con el público. “Yo solo pienso en hacer una mejor canción basada en historias”, agregó.

Vida personal, rituales y pasiones

Detrás del escenario, Danny Ocean mantiene rituales personales como oraciones internas o visualizaciones antes de sus shows. Un anillo que perteneció a su abuela lo acompaña siempre. En su tiempo libre, disfruta de la música instrumental y es un apasionado de la historia. Entre sus referentes destacan Leonardo Da Vinci, Alejandro Magno y Simón Bolívar, con quienes fantasea poder conversar.

En la cocina, se mantiene fiel a sus raíces venezolanas. Sus platos favoritos incluyen el bistec con arroz y tajadas, las arepas, las cachapas y la ensalada de aguacate con palmito.

El amor como motor

Al definirse, Ocean se describe como un hombre de curiosidad infinita y un firme creyente en el amor. “Soy muy fan del amor, en todas sus fases y contextos”, compartió. Su visión de vida y arte se sintetiza en una de sus frases: “La esperanza es una rama del amor y yo lucho por ese amor verdadero. Puede que el mundo se esté cayendo, pero ahora queremos ser felices”.

Desde la distancia, Danny Ocean continúa soñando con regresar a su país. Mientras tanto, su música sigue recorriendo el mundo con un mensaje de alegría, identidad y libertad.

En un comunicado, se informó que el 16 de agosto el Estadio Quisqueya de la capital dominicana acogerá un concierto enfocado en el pop urbano y "diseñado para los amantes de la música y las mejores experiencias de entretenimiento".

En sus actuaciones, Wisin, Nicky Jam y Prince Royce harán un recorrido por sus trayectorias musicales y por sus grandes éxitos.

"Esta entrega tiene un toque especial, debido a que tanto Royce como Nicky tienen raíces dominicanas y tendrán un reencuentro con su país", mientras que "Wisin, uno de los pioneros del género urbano, ha tenido gran apoyo y presencia en República Dominicana durante su trayectoria", agregó la nota. EFE

"A mí no me dejan mudarme en ningún edificio en este país, yo tuve que empezar a buscar apartamento en Nueva York para mudarme. Y yo no me quiero mudar de aquí, yo quiero vivir aquí, a mí me gusta vivir aquí. Yo viajo 'pila', pero a mí me gusta llegar aquí, a mi casa", dijo la artista durante una entrevista en la plataforma Alofoke difundida en las últimas horas.

Tokischa explicó que encontró un apartamento "bellísimo" en una zona del centro de la capital dominicana, estaban vendiéndolo y ella y su pareja lo querían comprar, por lo que hicieron todo el papeleo.

"Cuando llegó el momento de la junta de vecinos aceptarme, ellos me niegan la entrada. Y me ha pasado tres, cuatro veces. Siempre dicen que no me pueden aceptar en su edificio, que es un edificio familiar", afirmó.

La cantante reivindicó que ella vive con familiares, con su hermana y una sobrina, y con animales de compañía, y que ella no fuma, no toma alcohol y no hace fiestas en casa.

Las declaraciones de Tokischa han generado polémica en las redes sociales, pueden leerse mensajes como este: "Los dueños de apartamentos evitamos personas como usted: estridente, fumadoras, casi siempre embriagada y poco disciplinada", a la vez que le adjuntan los requisitos para hacer contratos de su inmueble.

Ante ello Tokischa responde: "Los dueños de apartamentos como usted son ignorantes y clasistas, yo soy una artista y mi vida personal es diferente, es algo que siempre he mostrado, mis controversias han sido únicamente de denuncia social y liberación femenina".

"Nunca -agrega- me han visto borracha o drogada ni en ningún escándalo o pelea. Yo no tomo alcohol, ni fumo, llevo una vida sana, ni siquiera como comida procesada, el único ruido que se escucha en mi casa es el de los cuencos tibetanos porque me gusta meditar. Ustedes juzgan creyéndose dios, son todos peores que yo, acosadores, alcohólicos, fumadores de tabaco..."

La carrera artística de Tokischa despegó en 2018 con su primer tema ‘Pícala’ y desde entonces ha tenido un meteórico ascenso con el éxito en 2021 de 'Linda', junto a la española Rosalía, con quien posteriormente grabó 'La Combi Versace' para el exitoso álbum 'Motomami' (2022).

Su catálogo también incluye una colaboración con J Balvin en el polémico tema 'Perra', cuyo video en YouTube fue retirado por el colombiano después de numerosas críticas por quienes lo tildaron de machista, así como su dúo en 'Hung Up On' con la estadounidense Madonna y en 'De Maravisha' con la argentina Nathy Peluso.

Al margen de la música, la cantante está involucrada en la labor social que realiza a través de su fundación Sol, dedicada especialmente a apoyar a mujeres en condiciones vulnerables.

Así mismo, días después del derrumbe en la discoteca Jet Set de Santo Domingo con 233 muertos y más de 180 heridos, Tokischa anunció un fondo de donaciones para las familias necesitadas por la tragedia, junto a una organización que desde hace años realiza recaudaciones para diferentes causas sociales. EFE

Villa, exjugador de Valencia, Barcelona, Atlético de Madrid y New York City, entre otros clubes, y Towers anunciaron este martes con un video en las redes sociales este nuevo 'dúo' y la primera fase de una alianza estratégica entre sus organizaciones, 'Young Kingz Foundation', en el caso del artista, y 'DV7 Academy', en el del exjugador.

Towers, que tiene por delante desde este martes catorce conciertos en España, estuvo recientemente en la academia de Villa en Madrid, en la que fruto de esta colaboración ya hay algunos jóvenes de su fundación entrenándose y podrán acceder a becas de formación.

En la videollamada que han publicado, con Villa en su academia en República Dominicana y Towers en la de Madrid, ambos se muestran convencidos de que podrán darles a esos y otros jóvenes "herramientas para el futuro".

Esta colaboración, afirman, se traducirá en programas concretos: cursillos deportivos gratuitos en barrios desfavorecidos, viajes de intercambio cultural, restauración de espacios urbanos para el juego y la convivencia, entrenamientos de alto nivel para jóvenes talentos sin recursos y apoyo emocional y educativo para menores inmigrantes o en hogares de acogida.

En un comunicado conjunto de ambas fundaciones, Villa y Towers destacaron su confianza en el poder del deporte y la cultura como motores de transformación y explicaron que el modelo de desarrollo comunitario que plantean "no solo sueña en grande, sino que actúa en grande".

“Queremos que este proyecto sirva de inspiración y oportunidad para miles de jóvenes que solo necesitan que alguien crea en ellos. Estamos comprometidos en brindarles las herramientas necesarias para que puedan desarrollarse de manera exitosa en lo que más disfrutan haciendo”, expresó Towers.

Villa apuntó que el deporte y la música son “ideales para que los jóvenes se formen en valores y puedan soñar en grande, sin importar de dónde vengan”.

Con esta alianza, la 'Young Kingz Foundation' y la 'DV7 Academy' amplían el alcance de sus proyectos propios y aumentan su ambición con la idea de "conectar continentes, talentos y sueños".

“Es un pacto entre líderes que comprenden el peso de su influencia y la están poniendo al servicio de quienes más lo necesitan. Es también una invitación abierta a gobiernos, empresas y actores sociales a sumarse a un movimiento que apuesta por el desarrollo integral de la juventud: desde la cancha y el escenario, hasta el aula y el corazón”, apunta el comunicado.

Ambos proyectos ya ayudan activamente a la juventud con distintas iniciativas. En Nueva York, la colaboración entre 'DV7' e 'Hispanic Federation', con el respaldo del concejal Francisco Moya, impulsó la práctica del deporte entre miles de jóvenes latinos e inmigrantes en Queens.

Mientras, la 'Young Kingz Foundation' ha mejorado instalaciones deportivas en Quintana y becado a niños de comunidades vulnerables. La fundación de Towers mantiene programas comunitarios de becas, eventos recreativos y mejora de espacios. EFE

plm/nhp/ism

Dentro de ese laberinto, a menudo salpicado de color por el spray químico de los grafitis, L’haine ha construido la escenografía de su último mixtape, ‘Concreto’, un compendio de siete temas que ahondan en las raíces urbanas del artista, con una mezcla que recuerda al rap melódico y al r&b que le hizo despegar en su anterior trabajo, ‘DE LA FORMA EN QUE YO QUIERO’.

Y dentro de las paredes de otro escenario mítico de la cultura musical y ‘underground’ zaragozana, la Sala López, L’haine ha desplegado su repertorio, en forma de temas enérgicos con una chispa melódica, con el amor, desamor y la vida de barrio como principales ingredientes.

Pocos minutos quedaban para las ocho de la tarde, media hora más tarde de lo previsto, cuando la sala de la capital aragonesa ha ido atrayendo a los primeros y más leales admiradores del logroñés, que llevaban rato agolpados en la “tarima” (casualmente, de concreto) que eleva su entrada en el paseo de la Ribera.

Ya eran y media pasadas cuando, en mitad del griterío general que coreaba su nombre, L’haine salió enérgico, en un escenario sobre el que, desprovisto de más adornos, destacaba de manera prominente la suerte de “muro de Berlín” que adorna la portada del mixtape, de cuerpo presente, aunque el material esta vez fuera más ligero.

Igual de liviano fue su atuendo: una camiseta blanca y un pantalón de chándal gris destacaron lo mínimo para dejar toda la presencia a la lírica de ‘KIM’, el primer tema de ‘Concreto’ y con el que abrió el espectáculo. Un ‘show’ especial ya que, como él mismo reconoció ante sus seguidores, Zaragoza es “una ciudad importante” en su vida más allá de la música.

Bloque a bloque, Juan/L’haine fue concatenando canciones, y alternando entre los sonidos de su última creación y de ‘DE LA FORMA EN QUE YO QUIERO’, siendo esta la última gira del artista en la que, a priori, sonarán las canciones de su anterior trabajo.

Aunque en la tierra de Buñuel no sonó finalmente ‘Viridiana’, los temas del riojano continuaron destilando ese aroma cinéfilo que tanto caracteriza a sus letras: Wim Wenders, Yorgos Lanthimos o Luca Guadagnino están detrás de sus rimas y, junto a ellos, una oleada de referencias de la cultura popular, los videojuegos o la cultura ‘dosmilera’.

El público, joven también como el artista, respondió entregado a estos y el resto de guiños que fueron sucediéndose en el concierto, que rozó la hora y cuarto de duración. Algunos venían desde la misma Rioja, otros de pueblos cercanos de Zaragoza, pero todos ellos compartían una estética similar a la del cantante, optando por el estilo urbano y las prendas anchas.

Uno de los momentos que más vibración provocó en el escenario fue cuando sonaron las primeras tonadas de ‘Connie Nikas’, la canción que creó en conjunto con su pareja, la exconcursante de OT y también artista Natalia Lacunza.

‘7 Vidas’, ‘CANGREJOS’ o ‘MARLO’, fueron otros de los temas que fueron incluidos en la ‘tracklist’ de L’haine, que, si bien no trajo a sus dúos de alguna de las canciones, estuvo acompañado por su productor habitual, Normanbate$.

La calidez de sus fans fue trasladándose en cada actuación, donde, incluso, le regalaron pequeños objetos y figuras. Él, por su parte, se lo recompensó lanzando varias prendas de su ‘merchandising’ oficial.

Al ritmo de ‘CDC’, una de las más personales del ‘mixtape’ según el logroñés, acabó la parada zaragozana del tour de ‘Concreto’, que se trasladará en los próximos días a Málaga y Sevilla, donde finalizará y dará lugar a otra construcción en la prometedora carrera de L’haine, cuyo cemento está bien fijado como una de las principales puntas de lanza del urbano español. EFE

(foto)

(Información remitida por la empresa firmante)

San Juan, Puerto Rico- Rimas Publishing, la editorial musical que representa a artistas como Bad Bunny y Eladio Carrión, da su primer paso en el mercado europeo con la *rma de Naito, productor musical y creador de contenido con base en Madrid.

Con más de una década de experiencia en la música, iniciando como DJ y evolucionando hacia la producción, Naito ha trabajado con *guras del género urbano como Myke Towers, Lyanno y Ñejo.

"Estar con Rimas Publishing es una con*rmación de que hacer las cosas con pasión y transparencia tiene impacto. Esta alianza me permite seguir enseñando a través de videos y, al mismo tiempo, continuar creciendo como productor dentro de una editorial que apuesta por el futuro de la música", expresó Naito.

"Naito representa una nueva generación de creadores que dominan tanto el lenguaje musical como el de las audiencias digitales. Su visión conecta porque muestra el resultado *nal y también todo lo que ocurre detrás del proceso creativo", señaló Emilio Morales, Director ejecutivo de Rimas Publishing.

Su canal de YouTube, con más de 100 mil suscriptores, se ha convertido en una plataforma educativa donde comparte el proceso completo de creación musical, desde el primer beat hasta llegar a los artistas.

"Vi una necesidad en el mundo de la creación de contenido: nadie estaba explicando cómo se hace la música desde la idea inicial hasta que llega a manos de los artistas. Quise mostrar esa parte invisible de la industria y abrirle la puerta a quienes quieren aprender desde dentro", añadió Naito.

Con esta *rma, Rimas Publishing amplía su presencia a Europa, consolidando su estrategia de crecimiento internacional y posicionándose dentro de una de las escenas musicales más activas del continente.

"Firmar a nuestro primer talento en España es un paso clave para nuestra expansión en Europa. Es una región con enorme potencial creativo y comercial, y contar con un talento como Naito nos permite conectar con nuevas audiencias, abrir oportunidades de colaboración y seguir construyendo un catálogo global con identidad propia", concluyó Morales.

Dónde conectar con Naito: instagram.com/naitoproducer/

"¡Nuevo récord! Bad Bunny se apunta otro logro a su carrera al agotar en cuatro horas las entradas para sus dos fechas", anunció Move Concerts

El artista cantará en el Estadio Nacional de San José, que tiene una capacidad para unas 35.000 personas, los días 5 y 6 de diciembre. Ante la gran demanda de entradas para el primer concierto, los organizadores habilitaron la venta para el segundo.

La presentación del artista se enmarca en su gira 'Debí tirar más fotos world tour' que comenzará el 21 de noviembre en República Dominicana, y luego irá Costa Rica, México, Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Australia, Japón, España, Portugal, Alemania, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Suecia, Polonia e Italia, antes de concluir en Bélgica el 22 de julio de 2026.

Los conciertos en Costa Rica serán los únicos que Bad Bunny ofrecerá en Centroamérica durante esta gira. En las redes sociales muchas personas están solicitando a la productora que habilite una tercera fecha de concierto.

Esta será la tercera visita del Bad Bunny a Costa Rica luego de los conciertos que brindó en 2018 y 2022.

Bad Bunny estrenó el 5 de enero su sexto disco de estudio 'Debí tirar más fotos', compuesto por 17 canciones, en el que incluye homenajes a su Puerto Rico natal y críticas a los problemas que enfrenta la isla.

Bad Bunny, ganador de varios premios Grammy y Grammy Latinos, fue en 2024 el artista latino más escuchado del mundo en Spotify. Sus últimos álbumes, ‘Un Verano Sin Ti’ y ‘Nadie Sabe Lo Que Va a Pasar Mañana’, batieron récords de reproducciones. EFE

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Bogotá, 9 may (EFE).- El cantante puertorriqueño Bad Bunny agotó este viernes -y en menos de 24 horas- todas las entradas para los conciertos que dará el 23, 24 y 25 de enero de 2026 en la ciudad colombiana de Medellín, informaron los organizadores de los espectáculos.

"En menos de 24 horas, Bad Bunny logró un 'sold out' histórico para sus tres fechas en Medellín, programadas para el 23, 24 y 25 de enero. Con más de 500.000 personas en fila virtual, el fenómeno global reafirma su poder de convocatoria en Colombia", detallaron los organizadores de los conciertos en un comunicado.

Así pues, más de 140.000 personas verán al artista boricua en Medellín, la única ciudad colombiana que, hasta el momento, hace parte de la gira 'DeBÍ TiRAR MáS FOTos World Tour'.

A sus 31 años, Benito Antonio Martínez Ocasio, nombre de pila del afamado cantante de música urbana, anunció que iniciará la gira el 21 de noviembre de 2025 en Santo Domingo.

Después, el tour lo llevará a Costa Rica, México, Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Australia, Japón, España, Portugal, Alemania, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Suecia, Polonia e Italia, antes de concluir en Bélgica el 22 de julio de 2026.

Esta gira marca el regreso de Bad Bunny a Europa desde 2019 y a Latinoamérica desde que se convirtió en el artista de gira más destacado en 2022 con su 'World’s Hottest Tour'.

El vocalista borinqueño también asistirá por primera vez a países como Australia, Brasil y Japón.

Bad Bunny, ganador de varios premios Grammy y Grammy Latino, fue en 2024 el artista latino más escuchado del mundo en la plataforma Spotify.

"En menos de 24 horas, Bad Bunny logró un 'sold out' histórico para sus tres fechas en Medellín, programadas para el 23, 24 y 25 de enero. Con más de 500.000 personas en fila virtual, el fenómeno global reafirma su poder de convocatoria en Colombia", detallaron los organizadores de los conciertos en un comunicado.

Así pues, más de 140.000 personas verán al artista boricua en Medellín, la única ciudad colombiana que, hasta el momento, hace parte de la gira 'DeBÍ TiRAR MáS FOTos World Tour'.

A sus 31 años, Benito Antonio Martínez Ocasio, nombre de pila del afamado cantante de música urbana, anunció que iniciará la gira el 21 de noviembre de 2025 en Santo Domingo.

Después, el tour lo llevará a Costa Rica, México, Colombia, Perú, Chile, Argentina, Brasil, Australia, Japón, España, Portugal, Alemania, Países Bajos, Reino Unido, Francia, Suecia, Polonia e Italia, antes de concluir en Bélgica el 22 de julio de 2026.

Esta gira marca el regreso de Bad Bunny a Europa desde 2019 y a Latinoamérica desde que se convirtió en el artista de gira más destacado en 2022 con su 'World’s Hottest Tour'.

El vocalista borinqueño también asistirá por primera vez a países como Australia, Brasil y Japón.

Bad Bunny, ganador de varios premios Grammy y Grammy Latino, fue en 2024 el artista latino más escuchado del mundo en la plataforma Spotify. EFE

Berlín, 9 may (EFE).- La Fiscalía de Colonia investiga la muerte del cantante germano-iraní Xatar, primer representante del rap callejero violento o 'gangsta rap' en Alemania y cuya vida inmortalizó el director de cine turco-alemán Fatih Akin en la película 'Oro puro-Rheingold', informaron los medios alemanes.

Según el diario 'Bild', la Fiscalía de Colonia investiga las causas de la muerte, para aclarar si hay indicios relevantes de "culpabilidad criminal en la muerte del artista".

Anteriormente, dicho diario, que citó fuentes del entorno del fallecido, dio cuenta de la muerte del artista de 43 años, que se produjo en la noche del jueves a este viernes y cuyas causas se desconocen, que perdió la vida en la que consideraba su ciudad: Colonia, en el oeste de Alemania.

La muerte no se produjo en el domicilio familiar del músico, considerado uno de los cofundadores del rap alemán, sino en el apartamento del centro de Colonia que pertenecía a una persona con la que Xatar tenía negocios, según el 'Bild', que añadió que una autopsia al cuerpo tendría lugar este mismo viernes.

La Fiscalía apuntó que "no había signos de violencia externa", sobre el cuerpo sin vida del artista aunque "el Instituto de Medicina Legal de Colonia sigue investigando la causa de la muerte", recogió el 'Bild'.

En su cuenta de la red social Instagram, el también músico alemán Farid Bang publicó una foto suya con Xatar que acompañó con un mensaje para honrar la memoria del fallecido.

"Que su alma descanse en paz, mi más sentido pésame a su familia. Dejaste el rap alemán como una de las mayores leyendas. Siempre te recordaré bien", señaló Bang.

Giwar Hajabi, más conocido como Xatar, creció en el seno de una familia kurdo-iraní que pidió asilo en Alemania a principios de los años 80, tras la persecución de la comunidad kurda por parte del régimen iraní en los días posteriores a la Revolución Islámica en 1979.

Como músico, Xatar hizo carrera tras grabar un álbum a escondidas en prisión, donde cumplió cinco años de cárcel de una condena de ocho años impuesta en 2010 por su participación en un robo de oro y joyas valorado en 1,8 millones de euros, un botín que todavía hoy no ha sido recuperado por las autoridades, según recordó el 'Bild'.

La vida de Xatar fue llevada al cine en la película biográfica 'Oro puro-Rheingold' de Fatih Akin, un largometraje de 2022 protagonizado, entre otros, por el actor alemán serbo-marroquí Emilio Sakraya Moutaoukkil. EFE

Más que un compilado, este proyecto es un espacio creativo donde las nuevas voces pueden explorar su talento, colaborar y aportar una visión fresca e innovadora al género, según resaltaron los representantes de Yandel en un comunicado de prensa.

'Square Houze Vol. 1' incluirá colaboraciones de artistas como Dei V, Sour, Gadiel, Ery, Catalyna, Kris Floyd, Alejo, Lero, Munic, entre otros, ofreciendo una diversidad de estilos y perspectivas dentro del urbano contemporáneo.

"Square Houze no es solo mi estudio de grabación; es un espacio donde se crean oportunidades, donde los nuevos talentos encuentran su voz. Este proyecto es una extensión de esa visión", explicó Yandel en la nota.

El álbum busca posicionar a Yandel no solo como intérprete y productor, sino como mentor y catalizador de las próximas estrellas de la música urbana, conectando su influencia global con el impulso de la nueva generación.

Y como parte de la estrategia de negocios, el primer sencillo del disco, 'Grado Celsius', interpretado por Lero, se lanzó este viernes en las plataformas digitales.

La campaña continuará con el tema 'Dónde Estás' de Sour el próximo 23 de mayo, y culminará el 6 de junio con el estreno completo del disco, teniendo como sencillo primordial 'Replay' de Dei V.

El estudio de grabación Square Houze se ha convertido además en un punto de referencia por su infraestructura de primer nivel y su rol como incubadora de nuevos talentos.

Ahora, este espíritu de colaboración y desarrollo artístico toma forma en un álbum que busca dar visibilidad a las voces emergentes que representan el futuro del género urbano. EFE

Llegó al mundo hace cuarenta años, el 7 de mayo de 1985, en el seno de una familia acomodada compuesta por el dueño de una compañía de distribución doctorado en Marketing internacional, Álvaro Osorio Gofar, y Alba Mery Balvin, quien había estudiado medicina aunque nunca llegó a ejercer su profesión ya que se abocó a su hogar. Sin embargo, cuando José estaba terminando el secundario, el negocio de su padre quebró. Y eso marcó un antes y un después en la vida del joven, que se sintió en la obligación de devolverle un buen pasar a los suyos.

Después de haber perdido casa y auto, el matrimonio tuvo que mudarse a un barrio modesto junto a José y a su hermana mayor, Carolina. Y, aunque nunca tuvieron sus necesidades básicas insatisfechas, ellos sintieron que la sociedad comenzó a mirarlos con otros ojos. Y eso repercutió en el artista. “Cuando iba al barrio, la gente me veía como una persona rica, pero cuando estoy con gente rica me ven como alguien del gueto. Son todas percepciones. Me gusta moverme entre mundos. Me siento igualmente cómodo en ambos“, explicó ya de grande.

Para entones, munido de la guitarra eléctrica que le habían regalado en Navidad cuando tenía apenas 10 años, ya había comenzado a tocar en bandas de rock. Y, de alguna manera, sentía que lo suyo era estar arriba de un escenario. Cuando tenía 17 años viajó a Oklahoma para aprender inglés en un intercambio estudiantil. Y aunque no la pasó bien, ya que según contó la persona en cuya casa había vivido le había quitado su pasaporte y no le permitía comunicarse con su familia, cuando por fin pudo salir de ese lugar decidió quedarse en los Estados Unidos. Así que abandonó sus estudios y se instaló durante un par de años en la casa de una tía en Nueva York, dispuesto a comenzar su carrera como cantante.

Claro que, mientras luchaba por lograr la gloria, de alguna manera tenía que mantenerse. Así que realizó distintas changas para poder sobrevivir. “Estuve paseando perros en Nueva York. Luego regresé a Colombia por un tiempo corto y volví a Miami, donde estaba buscando el sueño de ser artista. Ahí pintaba casas que, la verdad, las pintaba muy mal. Había trabajos que siempre fueron muy fuertes. Por ejemplo, pintar ascensores con esa pintura de aceite o pegar techos al mediodía con ese calor, es durísimo”, afirmó.

En suelo estadounidense se enamoró de Hip Hop. Pero en su patria y por consejo de su padre, que le hizo escuchar Gasolina de Daddy Yankee, formó parte del movimiento que hoy se conoce como la Universidad de la calle, y que estaba integrado por un grupo de músicos que comenzaron a mezclar el rap con el reggaetón. Fue por aquellos años que conoció a Fat Al, un artista residente en Miami, que lo rebautizó como J Balvin.

En 2004 grabó su primera canción en Estados Unidos, Panas, pero no logró mucha repercusión. Sin embargo, con Éxtasis, en 2007 fue profeta en sus pagos y obtuvo una nominación a los Premios Nuestra Tierra. Desde entonces, simplemente, los éxitos se fueron sucediendo. Ella me cautivó fue nominada a Canción del año en 2009. En 2010, Sin compromiso no solo se convirtió en un gran éxito en Colombia, sino que también entró en la lista de los Billboard. Y siguió lanzando hits hasta 2012, cuando se consagró de manera internacional de la mano de Yo te lo dije. Finalmente, 6 AM, tema que grabó en colaboración con Farruko, lo terminó catapultando a la cima del estrellato.

Desde entonces, todo parecía encaminado en la carrera de Balvin. En 2014 triunfó con Ay Vamos, en 2015 lanzó Ginza, en 2016 editó Bobo, en 2017 descolló con Mi Gente, en 2018 grabó X con Nicky Jam, en 2019 hizo Con altura junto a Rosalía...Y ya no hubo premiación en la que no estuviera presente. De hecho, en 2020 batió el récord de nominaciones a los Grammy Latino, al obtener ni más ni menos que 13 en el mismo año. Y fue incluido entre las 100 personas más influyentes por la revista Time.

En tanto, después de haber mantenido un par de relaciones con personalidades más o menos famosas, en 2017 conoció a la modelo argentina Valentina Ferrer, con quien el 27 de junio de 2021 se convirtió en padre de su único hijo, Rio. Desde entonces, a los ojos del público, todo parecía marchar de maravillas en su vida. Sin embargo, en lo más profundo de su intimidad, el músico tuvo que librar una dura batalla contra la depresión y la ansiedad.

Para que su padre no estuviera sin trabajo mientras él crecía profesionalmente, Balvin lo convenció de que se convirtiera en su mánager. Y el hombre cumplió esa función durante una década. Pero cuando la relación laboral empezó a interferir con la personal, el cantante optó por separar los tantos para preservar a la familia. Esta situación, sumada a la enfermedad de su madre, que padecía porfiria aguda intermitente y sufría de fuertes dolores, a las presiones laborales y a los traumas que acarreaba de su infancia, lo hizo trastabillar psicológica y emocionalmente.

 “Acepto y enfrento los aspectos que afectan mi cuerpo y mi mente, y reconozco que soy vulnerable y muy frágil ante esta y miles de situaciones más”, dijo después de haber experimentado ataques de pánico. También reconoció haber hecho tratamientos para poder sobrellevar su situación. Y dijo haber tenido varias recaídas, que logó superar gracias a la meditación y a la ayuda de profesionales. “El alma también llora y por ello es importante hablar”, escribió en una oportunidad, instando a sus seguidores a no avergonzarse por estar transitando problemas de salud mental.

Esta es la lista de los ganadores a los Grammy 2025, cuya gala se celebró en el Crypto.com Arena de Los Ángeles.

Categorías generales

GRABACIÓN DEL AÑO

'Not Like Us', Kendrick Lamar

ÁLBUM DEL AÑO

'COWBOY CARTER', Beyoncé

CANCIÓN DEL AÑO

'Not Like Us', Kendrick Lamar, songwriter (Kendrick Lamar)

MEJOR ARTISTA NUEVO

Chappell Roan

PRODUCTOR DEL AÑO, NO CLÁSICO

Daniel Nigro

COMPOSITOR DEL AÑO, NO CLÁSICO

Amy Allen

MEJOR ÁLBUM DE POP LATINO

'Las Mujeres Ya No Lloran', de Shakira

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA

'LAS LETRAS YA NO IMPORTAN', Residente

MEJOR ÁLBUM LATINO DE ROCK O ALTERNATIVO

'¿Quién trae las cornetas?', Rawayana

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA MEXICANA (INCLUYENDO TEXANO)

'Boca Chueca, Vol. 1', Carín León

MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA TROPICAL

'Alma, Corazón y Salsa (Live at Gran Teatro Nacional)', Tony Succar, Mimy Succar

EFE

mrl-mvg/jrh

(foto)(video)

La música urbana, liderada por géneros como el reguetón, representa el 35,67% de las canciones que suenan en las discotecas españolas, seguida del pop -- un 28,93%--, según se desprende de un estudio presentado por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE).

Después, siguen otros estilos, como la electrónica --un 2,70%--, el rock --2,08%--, la música alternativa --1,77%--, el reggae --1,28%--, la música universal o étnica --0,90%-- u otros géneros.

Los resultados se han obtenido a partir de una muestra de diferentes locales del país y permite obtener una primera foto fija de las obras utilizadas, asegurando un reparto más justo y equitativo de los derechos de autor asociados.

Precisamente, los datos se han presentado este miércoles en la sede de SGAE en Barcelona, en una serie de mesas redondas y conferencias organizadas en colaboración con la Federación Nacional de Empresarios de Ocio y Espectáculos, España de Noche. En el encuentro se dio a conocer el resultado del sistema de monitorización que identifica las canciones que se reproducen en discotecas, bares y salas de conciertos, desarrollado por BMAT Music Innovators.

La plataforma tecnológica también revela que el 60% de las canciones que suenan en las discotecas no se escuchan en las emisoras de radio. La diversidad del repertorio en los locales de ocio pone de manifiesto que, en los últimos tres meses de 2024, se han reproducido 98.000 canciones de 36.000 artistas y productores.

El encuentro se enmarca en el proyecto 'Los clubs son cultura', impulsado por España de Noche, con el apoyo de SGAE, que busca demostrar la dimensión cultural de los locales de ocio y espectáculos, y en los que la música tiene un "papel primordial".

Así, entre los objetivos de esta jornada, la entidad destaca en un comunicado la necesidad de reivindicar la dimensión cultural, el papel artístico de los DJs y el reconocimiento de la música de baile en la vida nocturna como una expresión singular de la cultura.

Madrid, 30 ene (EFE).- Un tercio de la música que se pincha en las discotecas españolas pertenece al género urbano, según un estudio presentado por la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) como parte de un ciclo de conferencias en colaboración con la Federación Nacional de Empresarios de Ocio y Espectáculos, España de Noche.

Tras la música urbana, que representa un 35,67% de las canciones que suenan en ese contexto, con el reguetón como líder, aparece el pop (28,93%) como gran alternativa, aunque sorprende especialmente la escasa cuota que ocupa la electrónica (2,70%).

Por detrás quedan otros estilos como el rock (2,08%), la música alternativa (1,77%), el reggae (1,28%), la música universal o étnica (0,90%) y otros (0,59%), según detectó un sistema de monitorización que identifica las canciones que suenan en discotecas, bares y salas de conciertos desarrollado por BMAT Music Innovators.

Los resultados del estudio, según la nota de prensa, se han obtenido a partir de una muestra de diferentes locales del país y permite obtener una primera foto fija de las obras utilizadas, asegurando un reparto más justo y equitativo de los derechos de autor asociados.

En el mismo también se ha revelado que el 60% de las canciones que suenan en las discotecas no se escuchan en las emisoras de radio, una "diversidad de repertorio" que se ha traducido en que, en los últimos tres meses de 2024, se reprodujeron 98.000 canciones de 36.000 artistas y productores. EFE

El 11 Vida Festival, que se celebrará del 3 al 5 de julio en Vilanova i la Geltrú (Barcelona), ha incorporado a su cartel a los argentinos Ca7riel & Paco Amoroso, ha informado este martes en un comunicado.

El dueto de música urbana actuará el viernes 4 de julio para presentar su disco de debut 'Baño maría' y ofrecerá su fusión de rap, trap, funk y rock.

Este concierto se suma a los ya anunciados de Supergrass, Benjamin Clementine, Ezra Collective, Lemon Twigs, Yerai Cortés, Mushkaa, The Lemon Twigs, Future Islands, Rusowsky, Joe Godard y Richard Hawley, entre otros.

Sean “Diddy” Combs, el magnate de la música y empresario que se erigió como una de las figuras más prominentes en la industria del hip-hop y R&B, parece haber visto cómo su imperio se desplomaba en un corto período de tiempo.

Durante más de tres décadas, Combs, conocido también como Puff Daddy, P. Diddy y Love, dominó la escena musical y construyó un legado a través de Bad Boy Records, su sello discográfico fundado en 1993.

Sin embargo, como menciona The Times, las acusaciones de abuso y crimen organizado han empañado su historial, poniendo en duda su carrera y su estatus como icono cultural.

De hecho, el productor musical “Diddy” Combs será juzgado a partir del próximo 5 de mayo en un tribunal federal de Nueva York.

Un rey en Nueva York

En septiembre de 2023, Sean Combs parecía estar en su apogeo. En una ceremonia en Times Square, recibió la “Llave de la Ciudad” de Nueva York, un reconocimiento otorgado por el alcalde Eric Adams, lo que consolidó su estatus de celebridad y empresario exitoso.

La ceremonia representó lo que parecía ser una última vuelta de victoria para Combs, quien, a sus 55 años, disfrutaba del reconocimiento público tras décadas de influencia en la música.

Fundador de Bad Boy Records, Combs lanzó al estrellato a artistas emblemáticos como The Notorious B.I.G. y Faith Evans. Bajo su liderazgo, el sello se transformó en un gigante musical que catapultó a muchos de sus artistas a la fama internacional.

Además de su éxito en la música, Combs también incursionó en diversas áreas, desde ropa y perfumes hasta bebidas alcohólicas, asociándose con Diageo para comercializar Cîroc. En 2022, alcanzó el estatus de multimillonario.

El declive abrupto

Sin embargo, el mundo que Combs había construido comenzó a desmoronarse en marzo de 2023, cuando la policía, equipada con chalecos antibalas y armas, irrumpió en dos de sus residencias.

Uno de los registros ocurrió en su mansión de Beverly Hills, mientras que el otro tuvo lugar en su casa en Star Island, en la costa de Miami.

Se incautaron armas, drogas y más de 1.000 botellas de lubricante y aceite para bebé. Este fue solo el primer indicio de una serie de eventos que cambiarían su vida para siempre.

Seis meses después, Combs fue arrestado en el hotel Park Hyatt de Manhattan, acusado de racketeo, tráfico sexual, trabajo forzado y conspiración.

Según la acusación federal, su imperio empresarial no era solo una industria del entretenimiento, sino una “empresa criminal” utilizada para facilitar abusos y actividades sexuales ilegales.

La acusación menciona que, en las fiestas privadas conocidas como freak-offs, Combs orquestaba orgías donde las víctimas, algunas de ellas presuntamente coaccionadas, eran abusadas y explotadas. Combs, por supuesto, ha negado todas las acusaciones.

Un empresario con un carácter controversial

Combs no solo fue un visionario en la industria de la música, sino también un hombre conocido por su carácter intimidante y a menudo volátil. Nacido en 1969 en Harlem, Nueva York, Combs fue criado por su madre, Janice, después de que su padre, Melvin, fuera asesinado cuando él era solo un niño.

La figura de su padre, un hombre involucrado con el infame narcotraficante Frank Lucas, dejó una marca indeleble en la identidad de Combs, quien más tarde diría en una entrevista: “Tengo su mentalidad de hustler (estafador)”, refiriéndose a la ambición y deseo de éxito.

A pesar de su origen humilde, Combs no tardó en desarrollar una personalidad fuerte, que le valió el apodo de Puffy, debido a su temperamento explosivo.

Durante su adolescencia, Combs asistió a la Universidad de Howard, en Washington D.C., pero abandonó los estudios para unirse a Uptown Records en Nueva York. Ahí se encargó de descubrir y promover a artistas como Mary J. Blige y Jodeci, llevándolos al estrellato.

Sin embargo, su ambición no se detuvo ahí, y en 1993 fundó Bad Boy Records, lo que le permitió convertir a artistas como Biggie Smalls en leyendas vivientes.

Bad Boy Records se convirtió rápidamente en una de las discográficas más influyentes de la historia del hip-hop, contribuyendo a redefinir la música urbana de la década de los 90.

El control absoluto y la violencia encubierta

Combs no solo era conocido por su aguda perspicacia empresarial, sino también por su comportamiento agresivo y controladora actitud hacia su equipo y las personas a su alrededor. “Era sobre control. Poder”, recuerda Prince Charles Alexander, productor de Bad Boy desde su inicio.

Combs insistía en tomar las decisiones más pequeñas en su sello discográfico, creando un ambiente de “supervivencia del más apto”. Muchos de sus empleados vivieron con temor a su temperamento, y el ambiente de trabajo fue descrito por algunos como opresivo.

Este control absoluto no solo se limitaba a los negocios, sino también a su vida personal. A lo largo de su carrera, Combs estuvo involucrado en varias acusaciones de abuso sexual y violación.

En 2023, Liza Gardner, una mujer que había conocido en una fiesta en 1990, presentó una demanda civil acusando a Combs de haberla violado y agredido físicamente.

Otros testimonios de mujeres que trabajaron con él afirman que las relaciones con Combs a menudo involucraban coerción y manipulación, lo que ha dejado una sombra sobre su imagen.

El juicio y la respuesta del público

Las acusaciones contra Combs se intensificaron en 2023 cuando su exnovia, Casandra Cassie Ventura, presentó una demanda por tráfico sexual y abuso físico.

Según su testimonio, Combs la forzó a participar en actividades sexuales durante su relación, que incluyeron freak-offs en los que se organizaban orgías y se filmaban las situaciones. La demanda de Ventura dio paso a más de 60 casos civiles en su contra, lo que marcó un punto de no retorno para su imagen pública.

Tras las demandas y las acusaciones, las asociaciones comerciales de Combs comenzaron a desmoronarse. Diageo, su socio en la distribución de Cîroc, terminó su relación con él, y sus acciones en el sector mediático fueron vendidas.

Además, las escuelas que había fundado en Nueva York terminaron su relación con él. Mientras tanto, Combs continúa detenido en el Centro de Detención Metropolitano de Brooklyn, esperando el juicio que lo enfrentará a una corte federal.

Un futuro incierto

El juicio de Sean Combs está programado para mayo de este año, y a medida que se acerca, la figura del hombre que una vez fue un ícono de la cultura urbana sigue siendo un tema de debate.

A pesar de sus esfuerzos por reinventarse, incluso cambiando su nombre a Love (Amor) en un intento de limpiar su imagen, la sombra de las acusaciones que enfrenta podría ser demasiado grande para superarlas.

En medio de su encarcelamiento, el apoyo de figuras como Kanye West y su madre, Janice, ha sido uno de los pocos puntos de luz en su vida actual. Sin embargo, el futuro de Combs parece más incierto que nunca.

Mientras espera el veredicto en un juicio que podría definir el destino de su legado, el “rey de Nueva York” se enfrenta ahora a una batalla que podría costarle mucho más que su fortuna.

San Juan, 17 ene (EFE).- Bad Bunny vendió este viernes las entradas en tiempo récord de la serie de 30 conciertos bajo el título 'No me quiero ir de aquí', que ofrecerá en el Coliseo de Puerto Rico este verano.

"¡Histórico! 30 funciones 'sold out' en tiempo récord, la residencia de Bad Bunny en el Coliseo. Sobre 400.000 boletos vendidos en tan solo 4 horas", informó la empresa promotora del evento Move Concerts en sus redes sociales

Esta serie de conciertos que se llevará a cabo todos los fin de semana desde el 11 de julio hasta el 14 de septiembre, llega tras el lanzamiento a principios de año de su último álbum, ‘Debí tirar más fotos’, que es un homenaje a su isla natal y ha logrado un éxito mundial inmediato fusionando reguetón con salsa y plena.

Asimismo, el artista urbano marca un récord de conciertos consecutivos en la principal sala de espectáculos de la isla caribeña, superando las 14 funciones del dúo de reguetón Wisin y Yandel.

Compuesto por 17 canciones, el sexto álbum de estudio de Bad Bunny cuenta con las colaboraciones de Rainao en el tema ‘Perfumito nuevo’; Chuwi en ‘Weltita’; Dei V y Omar Courtz en ‘Veldá’, y Pleneros de la Cresta en ‘Café con ron’.

Otras de las canciones del disco son ‘Nuevayol’, ‘Voy a llevarte pa’ PR’, ‘Baile inolvidable’, ‘El clúb’, ‘Pitorro de coco’ y ‘Lo que le pasó a Hawaii’.

Los temas hablan de problemas que sufre Puerto Rico como la migración a Estados Unidos y la gentrificación, y ponen en valor ritmos musicales típicos de la isla como la salsa y la plena. EFE

(Información remitida por la entidad que la firma:)

" Su nueva canción titulada "LEWANDOWSKI" ha salido este 16 de enero. Este tema surge como homenaje al reconocido futbolista polaco Robert Lewandowski

KEVIN ROLDÁN, uno de los referentes más destacados del reggaetón y la música urbana en América Latina, sorprende nuevamente a sus fanáticos con el lanzamiento de su nueva canción titulada "LEWANDOWSKI" que ha salido este 16 de enero. Este tema surge como homenaje al reconocido futbolista polaco Robert Lewandowski, quien recientemente reveló que KEVIN ROLDÁN es uno de sus artistas más escuchados en Spotify durante el último año.

El inesperado vínculo entre el cantante colombiano y el astro del fútbol fue motivo de revuelo en redes sociales, y no tardó en convertirse en una oportunidad única para unir dos mundos: la música y el deporte. Inspirado por este reconocimiento, KEVIN ROLDÁN creó un tema que promete conquistar pistas de baile y las playlists globales.

Durante su última visita a España en noviembre de 2024 donde consiguió colgar el SOLD OUT en todas las presentaciones que hizo, KR tuvo tiempo de pasar por varios programas de alcance nacional como "Radio Marca" o "El Chiringuito" donde presentó su canción TBC y pudo contar su versión sobre su mediática actuación en el cumpleaños de Cristiano Ronaldo, además de empapelar la ciudad de Madrid con inmensos carteles en la línea de metro donde cientos de fanáticos corrían para hacerse una foto y así poder conocer al ídolo colombiano en un Meet & Greet organizado por el mismo.

Lo que sí está claro es que las canciones de KEVIN ROLDÁN tienen el don de captar la atención de los astros deportivos, convirtiendo la música del artista colombiano en un punto en común entre el Real Madrid y el FC Barcelona, el poder de la música es ilimitado.

Este 2025 viene cargado de trabajo para KR, que aún no ha anunciado gira, pero ya cuenta con varios lanzamientos, por lo que de seguro se le podrá ver nuevamente en la madre patria llenando sus conciertos como siempre suele hacerlo.

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Pie de foto: Lewandowski, el nuevo single de KEVIN ROLDÁN

Autor: Carlos Alberto Rincón Navas"

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Madrid, 12 abr (EFE).- La quinta edición de las Freestyle Master Series (FMS) Internacional, la 'batalla de gallos' que reunirá a los campeones de 'freestyle' en castellano de todo el mundo, se disputa este sábado en El Salvador con el objetivo de superar los 30.000 espectadores y convertirse en la más multitudinaria jamás celebrada.

El evento contará con los mejores 'raperos' de habla hispana, con la presencia de los campeones y subcampeones de las diferentes ligas nacionales, así como el vigente campeón –el argentino Larrix– y el mexicano Aczino, clasificado por votación popular y campeón en la primera edición de la competición, en 2019.

Además de los citados, la lista de participantes está compuesta por Chuty y Gazir (España); Chang y Marithea (Colombia); El Menor y Nitro (Chile), Mecha y Dybbuk (Argentina); Kodigo y Reverse (Caribe); Skill y Blackcode (Perú) y Rapder y Skone (México).

Por primera vez participarán los campeones internacionales de todas las ediciones anteriores –Aczino, Gazir, Chuty y Larrix–, por lo que lucharán por convertirse en el primer bicampeón de la competición.

El evento promete superar el récord de asistencia establecido en la Red Bull Internacional de 2016 celebrada en Lima, en la que se dieron cita más de 23.000 personas.

Los españoles Bekaesh y Sarita, junto al peruano Metz, serán los presentadores de una FMS Internacional 2025 que estará ambientada por los ritmos de los mexicanos DJ Sonicko y DJ Vshe, además del peruano DJ Dmandado.

El jurado estará compuesto por el español Soen, el chileno Tom Crowley, el argentino Maxi, el mexicano Gino y el colombiano Hellmunth.

Javier Herrero.

Madrid, 12 ene (EFE).- Bailarina precoz bregada en competiciones, con solo 11 años Daniela Blasco fue elegida para acompañar a Justin Bieber a su paso por España, con 18 decidió dar el salto a la música y con 19 tiene la oportunidad de participar en Benidorm Fest 2025 con un "show" de "mucho fondo" en el que demostrará sus dotes.

"Me encanta un buen escenario, un buen foco y una buena performance", afirma a EFE esta mallorquina que en 'Uh Nana' reúne las influencias que la han moldeado desde pequeña como artista, entre el urbano latino, el hip hop y el r&b. "Siempre he querido hacer música que pueda bailar, porque es lo que más seguridad me da", argumenta.

Cuenta que todo empezó porque con 8 años se apuntó a clases de baile solo por pasar más tiempo junto a su mejor amiga. "Llevaba medio año con ello y se convirtió en mi pasión", rememora sobre un tiempo en el que empezó a competir y en el que no solo fue elegida para actuar en los conciertos españoles de Justin Bieber, sino también para participar con 12 años en el concurso 'Got Talent'.

"Pienso que eso me ayuda para Benidorm Fest, porque estoy acostumbrada a subirme a escenarios y a sentir esos nervios", apunta Blasco, que cita a Beyoncé como uno de sus referentes de cabecera: "Hasta ella siente esos nervios, que son buenos".

Con 14 años empezó a formarse en la música, algo que también la había apasionado desde niña, por lo que, cuando recientemente, se le ofreció la oportunidad de publicar sus propios temas no se lo pensó. "Para mí era un sueño", subraya.

Desde 2023 ha publicado seis sencillos, la mayoría marcados por los ritmos urbanos latinos, especialmente "dembow" en cortes como el reciente 'Mi Mamá' junto a Kd One, aunque en el caso de su apuesta para Benidorm Fest, 'Uh Nana', con "un vibe más americano" que se percibe desde el arranque algo "funky" que recuerda al 'Crazy In Love' de Beyonce.

"Buscaba una vibración dosmilera y nos pusimos un popurrí de música de esa época para inspirarnos, de ahí los ad-libs y algunos coros", explica sobre el proceso de composición junto a su colaborador habitual, Félix Joan Muñiz, y, en este caso, J Cruz, quien fue asesor de Benidorm Fest en 2022 y trabajó en el pasado con artistas como Leo Rizzi y Omar Montes.

Confirma que fue una propuesta pensada específicamente para Benidorm y para Eurovisión, de ahí los numerosos cambios de dinámica y tempo de la canción, que se acelera especialmente en el tramo final sobre una base más electrónica. "En mi cabeza era como un videoclip, como todo un show plasmado en una canción", alega.

Obviamente se espera un alto desempeño coreográfico por su parte, recogiendo algo de la intensidad de Chanel con 'SloMo'. "Entiendo que se nos compare porque llevamos mucho baile, pero no tiene nada que ver, porque lo mío será más urbano", precisa ante una propuesta "que requiere mucho fondo".

Confiesa que para prepararse entre otras medidas se compró una cinta de correr que utiliza a todas horas, aunque, decidida a mantener la sorpresa, será entre el 30 de enero y el 1 de febrero cuando Daniela Blasco ponga todas sus cartas sobre la mesa. EFE

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Dentro de esta ola, dos nombres emergieron con fuerza: CA7RIEL y Paco Amoroso, quienes dieron un giro al trap tradicional, redefiniendo las posibilidades del género con su enfoque progresivo, creando un espacio único entre lo urbano y lo experimental.

Su reciente inclusión en la lista de Rolling Stone de los 25 artistas que más entusiasman sobre la música del mañana refleja el impacto que su innovador estilo está teniendo en la escena musical.

Orígenes humildes y una amistad duradera

Desde su niñez en Buenos Aires, CA7RIEL y Paco Amoroso compartieron una conexión que va más allá de la música. Amigos de toda la vida, su relación se forjó en las aulas de la primaria, donde su amor por el jazz, el hip-hop y el rock progresivo comenzó a tomar forma.

Juntos fundaron la banda de rock Astor, un grupo underground que, aunque no logró grabar ningún álbum, les permitió perfeccionar su arte y vivir la música de manera intensa en sus primeros años.

“Nunca nos pareció pesado. Tocar para 50 personas, con una pequeña base de fans y con nuestros propios instrumentos... era una gran fiesta”.

A pesar de no haber logrado alcanzar el éxito comercial en esos primeros días, esa etapa formativa les proporcionó herramientas fundamentales para lo que vendría. La experiencia en el escenario les enseñó la importancia de ser auténticos y la necesidad de evolucionar musicalmente, algo que fue crucial para su crecimiento.

La evolución hacia el trap progresivo

La transición del rock al trap fue un cambio natural para el dúo. Como parte de la nueva ola de artistas del trap argentino, se destacaron rápidamente por su capacidad para fusionar influencias tan dispares como el funk, el reggae y el jazz latino.

En 2019, su tema OUKE captó la atención de la audiencia local y estableció el tono para su propuesta musical única. “Nos aburrimos fácilmente, así que nos esforzamos por hacer algo diferente cada vez”, comenta CA7RIEL, quien señala que su mayor motivación es desafiarse a sí mismos y explorar nuevos territorios sonoros.

Esta necesidad constante de innovación los llevó a crear su álbum debut, Baño María, un trabajo que, según ellos mismos, refleja su crecimiento como artistas y como personas.

Tiny Desk: un salto internacional

El momento clave que catapultó a CA7RIEL y Paco Amoroso a la escena global fue su presentación en el programa Tiny Desk de NPR, un hito que se convirtió en un fenómeno viral.

Aunque en ese momento el dúo era prácticamente desconocido fuera de Argentina, el show los conectó con millones de personas de todo el mundo, acumulando más de 27 millones de visualizaciones hasta la fecha. “Llegamos rebosantes de energía, y salió genial”.

El éxito de esa sesión no fue fruto del azar. Los músicos se prepararon a fondo para la ocasión, incorporando nuevos arreglos musicales y colaborando con músicos de sesión de alto nivel, incluyendo una sección de metales y vocalistas femeninas.

El espectáculo, cargado de influencias de jazz latino y deep funk, mostró la exuberancia natural de CA7RIEL y Paco, quienes lograron transmitir una energía relajada pero vibrante.

El éxito imprevisto y el cambio de perspectiva

El éxito de Tiny Desk también trajo consigo nuevas presiones. Ahora, con su música escuchada por millones, CA7RIEL y Paco Amoroso se enfrentan a una demanda mucho mayor de contenido y presentaciones.

Las fechas de su gira Baño María incluyen paradas en grandes festivales internacionales como Coachella y Lollapalooza en París, lo que refleja la magnitud de su éxito.

A pesar de esta mayor visibilidad, los músicos mantienen su autenticidad, no perdiendo de vista las razones por las que comenzaron a hacer música: la diversión y el deseo de compartir su arte sin comprometer su integridad creativa.

La fama y el síndrome del impostor

Su más reciente álbum, Papota, reflejan de manera irónica las dificultades que acompañan a la fama repentina. En el tema Impostor, el dúo aborda las presiones del éxito, la constante intervención de expertos y los efectos del síndrome del impostor, todo con un enfoque humorístico pero introspectivo.

Innovación y futuro

A pesar de los desafíos, CA7RIEL y Paco Amoroso no se detienen. Su hambre de experimentar y seguir creciendo como artistas los mantiene en constante evolución.

Como mencionan, siempre hay nuevas maneras de “incomodar” a la gente, un principio fundamental para su éxito continuo. Esto habla de su compromiso con la música y con la idea de ser pioneros en un género que continúa cambiando, evolucionando y abriendo puertas para futuras generaciones de artistas.

La inclusión de CA7RIEL y Paco Amoroso en la lista de Rolling Stone de los 25 artistas que más entusiasman sobre la música del mañana no es más que un reflejo de su influencia actual. Lograron transformar el trap y mostrarle al mundo que la música urbana puede ser profunda, sofisticada y, sobre todo, divertida.

El cantante colombiano J Balvin, que actualmente se encuentra en una extensa gira por Estados Unidos con su tour Back to the Rayo, dejó clara su postura sobre el matrimonio en una reciente entrevista. Durante una conversación con el periodista dominicano Tony Dandrades para el programa Primer Impacto de Univisión, el artista explicó por qué no tiene planes de casarse con su pareja, la modelo argentina Valentina Ferrer, madre de su hijo, Río, que pronto cumplirá cuatro años. Según detalló el medio, Balvin considera que el matrimonio es un compromiso social que no define el amor ni la conexión entre dos personas.

El intérprete de éxitos como Mi gente y Me gustas expresó que no ve una diferencia significativa entre estar casado o no. “Yo siento que el matrimonio es una fiesta y es un compromiso con la sociedad”, afirmó. Sin embargo, subrayó que para él, el verdadero compromiso es con la pareja y no con las expectativas sociales. “Tú no me perteneces, ni yo le pertenezco a ella. Es como la libertad realmente de ser, ese es el amor”, agregó el artista, dejando en claro su visión sobre las relaciones y la importancia de la autonomía dentro de ellas.

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J Balvin y Valentina Ferrer han mantenido una relación estable durante más de ocho años. La pareja comparte la crianza de su hijo Río, y ambos coinciden en que el matrimonio no es una prioridad en sus vidas. Cabe recordar que Ferrer ya había expresado en el pasado su postura sobre este tema. En una entrevista con la revista Hola en 2021, la modelo declaró que nunca soñó con casarse y que, si alguna vez lo hiciera, sería algo íntimo y privado. Además, en otra conversación con Univisión, Ferrer afirmó que tener un hijo es un compromiso más significativo que un matrimonio.

El cantante también destacó que esta decisión no es unilateral, sino que ambos comparten la misma perspectiva. “No es que sea algo que yo impuse, ni mucho menos con una mujer tan brava como la mía”, comentó Balvin, refiriéndose al carácter fuerte de su pareja. Estas declaraciones refuerzan la idea de que su relación se basa en acuerdos mutuos y en una visión compartida sobre lo que significa el amor y el compromiso.

Un tour que marca su regreso a los escenarios

Mientras su vida personal sigue siendo tema de interés, “el niño de Medellín” continúa brillando en el ámbito profesional. Su gira Back to the Rayo lo ha llevado a presentarse en importantes escenarios de Estados Unidos, como el Kaseya Center en Miami, donde ofreció un espectáculo que impresionó a sus seguidores por su calidad y energía. Este tour marca su regreso a los escenarios después de seis años y tras la cancelación de una gira programada para 2021. En esta ocasión, el artista recorrerá un total de 27 ciudades, consolidando su posición como uno de los referentes más destacados del género urbano.

El éxito de su gira refleja su talento musical y su capacidad para conectar con el público a través de su autenticidad. A pesar de su postura poco convencional sobre temas como el matrimonio, Balvin sigue siendo una figura influyente que desafía las normas tradicionales y promueve una visión más libre y personal de las relaciones humanas.

Las declaraciones de Jose Álvaro Osorio Balvin, nombre de pila del antioqueño, sobre el matrimonio generó interés por su enfoque poco convencional. Su énfasis en la libertad y el respeto mutuo como pilares del amor refleja una perspectiva moderna que resuena con muchas personas que buscan redefinir las normas de las relaciones.

Las Palmas de Gran Canaria, 6 ene (EFE).- El cantante colombiano Maluma tratará sus 'Cosas Pendientes' en el Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria, en una nueva confirmación de artista internacional para las principales fiestas de la ciudad, hecha oficial este lunes, en un concierto que ofrecerá el viernes 14 de marzo.

Este es el segundo artista internacional que confirma la organización de los carnavales capitalinos, que en esta edición están consagrados a "Los Juegos Olímpicos", después de que se anunciara hace unas semanas el regreso de la artista puertorriqueña Olga Tañón a las carnestolendas.

Desde que irrumpiera en el panorama musical internacional en el año 2014, Maluma ha construido una sólida carrera, éxito tras éxito, y con numerosas colaboraciones con artistas de la talla de Shakira, Ricky Martin, Karol G o Jennifer López, ha precisado el Ayuntamiento de Las Palmas de Gran Canaria en un comunicado.

A sus 30 años, el cantante de Medellín se ha consolidado en su trayectoria musical como uno de los artistas más importantes e influyentes con reconocimiento internacional y con una extensa lista de éxitos musicales.

Con su combinación única de estilos que incluyen baladas suaves y reguetón, su música urbana ha logrado cautivar a millones de seguidores en todo el mundo desde el principio de su carrera en el mundo de la música.

Juan Luis Londoño, más conocido como Maluma, es uno de los nombres propios de la música urbana actual, con grandes éxitos como 'Felices los cuatro', 'Sobrio' o 'Hawái', que ya forman parte del imaginario colectivo, además de contar con seis álbumes de estudio y una amplia lista de premios y nominaciones.

Con su fusión de ritmos latinos, urbanos y pop, la organización espera que su concierto del 14 de marzo sea "uno de los platos más importantes del Carnaval de Las Palmas de Gran Canaria", que se celebrará entre el 8 de febrero y el 16 de marzo. EFE

Santiago de Chile, 30 dic (EFE).- El éxito mundial ‘Gata Only’, compuesta en 2023 por el chileno FloyyMenor, y mezclada un año después por el rapero también chileno Cris MJ fue elegida mejor canción en español de 2024 por la prestigiosa revista norteamericana "Rolling Stone", un galardón que este lunes celebró toda la prensa local.

La canción, de estilo regguetonero, acumula cerca de 2.000 millones de reproducciones si se suman las cifras de las principales plataformas digitales en las que se encuentra colgada.

Fue compuesta y lanzada por FloyyMenor en 2023 y sorprendió a Cris MJ, uno de los cantantes de música urbana más exitosos y reconocidos de Latinoamérica, quien enseguida contactó a su compatriota para proponerle colaborar en una nueva versión, más dinámica, que hizo arder las redes sociales.

Solo en su primer día de publicación, el 2 de febrero de este año, ya sumó miles de reproducciones, convirtiéndose en un hit mundial y superando en poco tiempo a cantantes como Shakira o Bad Bunny, hasta alcanzar el número uno de la lista Hot Latin Songs.

"El éxito de reggaetón low-fi de FloyyMenor y Cris MJ ha estado en todas partes este verano. La canción encontró audiencia en TikTok primero y luego comenzó a subir en las listas a principios de año", explica la propia revista.

"Parte de su atractivo radica en sus estrellas: FloyyMenor era un artista chileno misterioso y difícil de precisar cuyo rostro e identidad habían estado ocultos en Internet antes de que se uniera a su compatriota chileno y estrella en ascenso Cris MJ. Ahora que la canción ha explotado, ha pasado los últimos meses sonando en autos y clubes oscuros en todo el mundo", concluye.

El éxito sigue la estela de los solistas urbanos chilenos, que desde el "estallido social" de 2019 -la revuelta más importante ocurrida en el país desde el fin de la dictadura- han explotado, colocándose en los primeros lugares de la música latinoamericana.

Desde el propio Cris MJ, uno de los más escuchados del mundo, a Pablo Chili-e o Polimá Westcoast y Paloma Mami, el sonido urbano chileno ha introducido nuevos matices y letras muy profundas y reivindicativas que ya influyen en todo el continente. EFE

El lanzamiento oficial de Solcito, la nueva colaboración entre los artistas colombianos Miguel Bueno y Juan Duque, ha generado un impacto significativo en las plataformas digitales. El tema, que ya estaba causando sensación antes de su estreno, acumuló más de 100.000 videos creados en TikTok utilizando su audio en menos de dos semanas. Además, el adelanto de la canción superó los 350.000 “me gusta” en la misma plataforma antes de su debut oficial, consolidándose como un fenómeno viral.

La canción, descrita como una declaración de amor universal, busca conectar con diferentes tipos de relaciones, desde el amor romántico hasta los lazos familiares y de amistad. El videoclip de Solcito fue grabado en Cartagena y narra una historia de primer amor entre niños, añadiendo un toque nostálgico que resalta la esencia emotiva del tema. Este enfoque visual y narrativo contribuyó a que el video acumule más de 119.000 reproducciones en YouTube en sus primeras horas.

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La creación de Solcito fue el resultado de un giro inesperado en los planes de los artistas. Inicialmente, Miguel Bueno y Juan Duque tenían previsto lanzar otro tema titulado Zona Segura. Sin embargo, durante una sesión de grabación, ambos sintieron que Solcito era la canción adecuada para ese momento, lo que los llevó a priorizar su producción y lanzamiento. La canción fue compuesta por un equipo de talentos que incluye a Juan Duque, Federico Duque, Tory Teller, Genery, Dani Uribe, Miguel Bueno, Kasper, Cobuz y Bustta, mientras que la producción estuvo a cargo de los tres últimos.

Miguel Bueno: una carrera en ascenso en la música urbana

Con tan solo 23 años, Miguel, hermano del reconocido cantante de música popular Pipe Bueno, se ha consolidado como una de las promesas más destacadas de la música urbana en Colombia. El artista, originario de Medellín, debutó en 2022 con el sencillo Fin de semana, que marcó el inicio de una carrera caracterizada por la fusión de sonidos urbanos y pop. En 2024, Miguel amplió su presencia mediática al participar en el reality show La casa de los famosos Colombia, lo que le permitió conectar con una audiencia más amplia gracias a su carisma y autenticidad.

Entre sus éxitos más recientes se encuentran Escándalo, que alcanzó más de 3,4 millones de visualizaciones en YouTube, y Fan de tus Ojos, que se posicionó como tendencia número uno en Colombia y logró destacarse en otros ocho países, incluyendo Panamá, Costa Rica y Ecuador. Además, a finales de 2024, Miguel colaboró con Pipe Bueno, Pirlo y el productor SOG en Lo que te duele, una fusión de música popular, trap y reguetón que superó los 1,4 millones de reproducciones en YouTube y se ubicó entre los temas urbanos más escuchados en el país.

Juan Duque: de las redes sociales a la música

Por su parte, Juan Duque ha construido su carrera aprovechando el alcance de las redes sociales. El artista, también recordado por su fugaz con la actriz Lina Tejeiro, comenzó creando contenido junto a su hermano mellizo antes de dedicarse a la música. Aunque estudió negocios internacionales, su pasión por la música lo llevó a explorar este camino, escribiendo canciones basadas en experiencias personales que buscan conectar emocionalmente con su audiencia.

En su trayectoria, Juan ha lanzado un EP titulado Qué momento pa’ estar vivo, compuesto por siete temas, y ha colaborado con artistas como Ryan Castro en el remix de su éxito María. Además, ha contado con el apoyo de la banda Piso 21 para presentaciones en vivo, lo que ha fortalecido su presencia en la escena musical.

El impacto de ‘Solcito’ en las plataformas digitales

El éxito de Solcito no se limita a su recepción en TikTok y YouTube. La canción ha logrado conectar con un público diverso gracias a su mensaje positivo y su energía contagiosa. En palabras de los artistas, el tema busca captar esos momentos en los que el amor, la amistad y la alegría se combinan para iluminar la vida, como un “solcito” que acompaña cada instante.

Con su lanzamiento en todas las plataformas digitales, Solcito promete consolidarse como uno de los temas más destacados del año, reflejando el talento y la creatividad de Miguel Bueno y Juan Duque. Este junte reafirma el potencial de ambos artistas y demuestra el poder de las redes sociales como herramienta para conectar con audiencias globales y transformar una canción en un fenómeno cultural.

Miami, 19 dic (EFE).- El artista emergente de pop urbano Anthony Jolie lanzó el sencillo 'Nieve contigo', un tributo nostálgico que captura el deseo de escapar del bullicio de las festividades navideñas junto con esa persona especial que se está viendo en secreto.

Jolie indicó que la inspiración detrás de esta canción son las fiestas familiares y de amigos que solían organizar en casas en Nueva York, especialmente durante la Navidad.

"La energía era una locura, aunque realmente no soy muy fanático de las fiestas. Quería escribir algo que capturara esa nostalgia y ese caos, pero con un giro", dijo el artista en un comunicado.

'Nieve contigo', lanzada a tiempo para la época de regalos y celebraciones, combina el estilo reggaetón, característico de Jolie, con un sorprendente cambio al final de la canción hacia el bachatarengue, "una fusión de bachata y merengue con la cual siempre soñó", según indica la nota.

Este sencillo viene después de 'Extraños de nuevo', '12.7', 'Perrito caramelo' y 'Humilde pa' que', canciones que han ayudado al cantautor de Nueva York a definir un sonido que mezcla el pop estadounidense contemporáneo con las influencias urbanas latinas. EFE

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Javier Herrero.

Madrid, 17 dic (EFE).- Después de un periplo triunfal por festivales, con una mención especial en el de San Sebastián, llega a las salas este viernes 'La guitarra flamenca de Yerai Cortés', el debut como cineasta de Antón Álvarez, una "extensión" natural en su opinión de lo que ya era como C. Tangana.

"Es dejarte cambiar por el paso del tiempo y aceptarlo, algo que a la gente de la música urbana nos cuesta un poco, pero para mí es un desarrollo natural y creo que a cualquier persona que le gustó 'El madrileño' como disco le gustará esta película, porque es la misma sensibilidad: poner en juego las emociones y hacer cosas con cierto peso y poso cultural con cosas sencillas. En el disco eran coplas, aquí son historias de amor, historias de una familia", señala a EFE.

Precisamente por su capacidad igual para "poner en juego las emociones" en su música, Álvarez (Madrid, 1990) se quedó fascinado por Yerai Cortés la primera vez que lo escuchó tocar la guitarra durante un espectáculo de Montse Cortés y quiso convertirlo en el epicentro de su salto al cine.

"Los astros se alinearon", afirma Cortés, sentado a su lado durante la promoción, ante ese día en que ambos se conocieron por la "conexión" que establecieron y "las ganas de estar el uno al lado del otro".

Aunque la mirada sea la de un músico hablando de otro músico ("Hay algo de la sensibilidad de haber entendido el proyecto de Yeray, que requiere de un músico o de alguien que tenga esa sensibilidad", dice Álvarez), su responsable ya avisa que "la película no es fundamentalmente de la música, sino de las historias que hay detrás y cómo esas historias te ayudan a acercarte a la música".

"Una de las cosas que más me gustó de Yeray, que a mí también me pasa, es que ponen en juego su vida cuando está tocando, cuando compone; la película va de eso, por eso tenemos esas historias que tienen que ver con su vida", explica sobre el enfoque muy íntimo, que ahonda profundamente en las personas más cercanas a Cortés, sobre todo en su madre y el papel de una familiar llamada Tania.

El guitarrista asegura que nunca se sintió violentado. "Pero sí sentía que yo violentaba a mi alrededor, porque no se dedican a esto", apunta ante el "cuidado" que se puso en que, si había una pequeña crítica, nada se pudiera convertir en algo personal.

"Estaba claro desde el principio que Yeray quería hablar de algo que para él había sido un secreto. Él ya tenía un disco cuyo corazón era hablar sobre esta historia; nosotros lo que hemos hecho es utilizar las imágenes de la vida real y el formato de una película para que el espectador navegase por ese secreto de la misma forma que lo hizo él", explica Álvarez.

En su opinión, "esta puede ser cualquier familia, en el sentido de que todo el mundo quiere reconciliarse de alguna forma con algo que ha pasado, todo el mundo tiene cosas que le gustaría haber hablado mejor y todo el mundo quiere ser perdonado".

El bagaje final para el protagonista ha sido positivo. "De esto me llevo un gran amigo aquí presente, pero también muchos otros, entre ellos mi padre, mi madre y mi mujer, porque nos hemos conocido a través de otro ojo", destaca Cortés.

Positivo también ha sido el despegue como cineasta de Álvarez, con una mención especial del Festival de San Sebastián, donde se estrenó en la sección de Nuevos Directores, además de recibir el premio al mejor documental en la última edición del festival In-Edit.

"Sacar una película es una obra faraónica, un milagro. Antes hablaba mal con mucha ligereza de las películas. Ahora soy capaz de valorar mucho más el esfuerzo, porque esto no es como escribir un poema en una noche de inspiración, requiere un montón de gente que a su vez han tenido que aprender para poder llegar ahí, con una financiación brutal", reconoce ante este salto.

Y ahora que llega el filme a las salas, ¿ya piensa en el futuro? "Tengo proyectos en mente, pero no estoy trabajando en nada", asegura el artista, que -medio en broma, medio en serio- no descarta una vuelta a la música: "Depende de cómo vaya la película, si va muy bien, me pondré muy contento y haré mucha música". EFE

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Santo Domingo, 16 dic (EFE).- Tras un exitoso 2024 que concluye con 'De Maravisha', el tema lanzado este mes junto a la multipremiada cantante argentina Nathy Peluso, la rapera dominicana Tokischa se prepara para la inminente aparición de su primer álbum de estudio, que recoge la historia "muy intima" de esta artista, en ocasiones controvertida por sus letras fuertes, directas y de sexo explícito.

En una entrevista con EFE, Tokischa habla de 'De Maravisha', un tema escrito por ella y por Peluso, y cuyo video está dirigido creativamente por la cantante urbana dominicana bajo la realización de la dominico-estadounidense Olivia de Camps y grabado en Brooklyn (Nueva York).

Para Tokischa trabajar con Peluso, a la que conoció en México, fue "bonito" "único" y "perfecto" porque se trata de una artista a la que respeta y admira desde siempre.

"He sido fan de Nathy desde cuando ella empezó su carrera, cuando yo apenas estaba empezando. Mi carrera todavía no tenía ningún 'hit' musical, ni siquiera una gran fanaticada", dice la rapera dominicana, quien se muestra "agradecida" por la confianza de Peluso en su visión y en su arte, incluido el video de 'De Maravisha', "tan único y tan especial".

Peluso se une así a la lista de cantantes de renombre con los que Tokischa ha colaborado en su carrera musical, que despegó en 2018 con su primer tema 'Pícala' y tuvo un meteórico ascenso con el éxito en 2021 de 'Linda', junto a la española Rosalía, con quien posteriormente grabó 'La Combi Versace' para el exitoso álbum 'Motomami' (2022).

Su catálogo también incluye una colaboración con J Balvin en el polémico tema 'Perra', cuyo video en Youtube el colombiano retiró después de numerosas críticas por quienes lo machista, así como su dúo en 'Hung Up On' con la estadounidense Madonna.

Todas esas colaboraciones suponen un reconocimiento para Tokischa, que no oculta sus orígenes humildes y haber estado en la droga, adicción que - asegura- ya superó.

"Los duros (exitosos) reconocen a los duros", resume la rapera, en cuya carrera ha sido "exigente" y "única", siempre manteniendo su "esencia", lo que resaltan "todos" los cantantes con los que ha grabado.

Asegura que los famosos artistas que han colaborado con ella reconocen lo que está "haciendo y conectan con ello", por eso le ayudan a "llevar mi mensaje a un nivel más alto". Por ello, Tokischa admite que "siempre" estará agradecida.

Ese reconocimiento, sin embargo, no lo ha logrado en su natal República Dominicana, lo que Tokischa atribuye al conservadurismo, que le resulta "chocante" porque en el país "hay artistas que promueven comportamientos más negativos y tienen más apoyo, más gloria y más fama".

"Es una cultura muy conservadora. He sido muy, muy expresiva con mi mensaje, muy honesta, muy, muy cruda", apunta.

Tokischa, que define su arte como "complejo" y "abstracto", ha ido evolucionando con los años y "descubriendo un montón de cosas" que la han llevado a alejarse un poco de la cultura dominicana, en la que predominan el merengue y la bachata.

"Quizás el dominicano es muy exigente con lo que consume. Nosotros consumimos lo que conocemos, lo que estamos acostumbrados. Entonces algo tan distinto es superchocante, por eso yo lo entiendo y muchas veces también lo acepto, porque entiendo a mi gente, también soy así", señala.

En paralelo al éxito musical, la cantante está involucrada en la labor social que realiza a través de su fundación Sol, dedicada especialmente a apoyar a mujeres en condiciones vulnerables.

Así, a la cantante se le ha visto reunida con reclusas en una cárcel dominicana o con trabajadoras sexuales. Para ellas la rapera tiene "proyectos muy grandes", que aún no ha podido concretar "como quisiera" debido a su cargada agenda.

Una de las iniciativas en carpeta es un centro de rehabilitación exclusivo para mujeres consumidoras de droga.

 "Mi proyecto es donar un lugar para estas mujeres, para que tengan acceso a rehabilitarse y reintegrarse a la sociedad", tal y como logró ella misma. EFE

DE CAPARRA TERRACE AL MUNDO: CLARENT SE ASOCIA CON WARNER MUSIC LATINA

PR Newswire

MIAMI, 12 de diciembre de 2024

MIAMI, 12 de diciembre de 2024 /PRNewswire/ -- El artista puertorriqueño CLARENT ha firmado un acuerdo de grabación global con Warner Music Latina, marcando un nuevo y emocionante capítulo en su carrera.

La noticia llega justo después del éxito internacional con 'IA', su último single que ha alcanzado la "posición #1 en el Top 200 de Spotify en España", tanto diaria como semanalmente, además de estar en más de 20 países, incluidos Italia, México y Estados Unidos. La canción ha alcanzado su punto máximo en "Viral #16 Global" de Spotify, acumulando más de un millón de transmisiones diarias y dejando su huella en las listas latinas y de todos los géneros de Apple Music.

Clarent declaró: "Listo para esta nueva temporada, muchas gracias a la familia Warner por mantenerla real. Aquí es donde los niños se convierten en hombres. Firmado, El Babayaga."

Nativo de Caparra Terrace, San Juan - Puerto Rico, CLARENT ha ganado reconocimiento constantemente por su auténtico enfoque de la música urbana. Arraigado en su comunidad, sus canciones ofrecen una ventana a la vida en la isla mientras resuenan con los oyentes mucho más allá de sus fronteras. La música de CLARENT no da glamour a las calles, las documenta. Sus letras reflejan una vida real, pero no atrapada. Él es la prueba de que el éxito no tiene que ser a costa de su comunidad o su integridad. Donde quiera que vaya CLARENT, sus amigos de Caparra Terrace también van, no como una imagen, sino como un recordatorio constante de dónde comenzó todo esto.

Alejandro Duque, presidente de Warner Music Latin America, expresó: "Estamos encantados de asociarnos con Clarent y su equipo para ayudar a desarrollar su visión única y llevar su carrera a nuevas alturas. Clarent es un ejemplo perfecto de cómo los géneros se interrumpen y los sonidos auténticos emergen y allanan nuevos caminos en la música. No podríamos estar más emocionados de ser parte de esta historia ".

Desde su debut en 2023, CLARENT se ha convertido rápidamente en una voz destacada en la música latina. Sus pistas de ruptura han subido constantemente en las listas, y en su corta carrera, ha llamado la atención de grandes artistas como Myke Towers, quien se unió al remix de "Sport +". Esta colaboración llegó a más de 15 países, aumentando la audiencia de CLARENT en más del 135 % en solo un mes.

Roberto Andrade, director general de Warner Music Latina, dice: "Este no es solo otro acuerdo discográfico, esta es una alianza. Creamos una asociación a partir de meses de entendimiento mutuo, colaboración y visión compartida. Durante muchos meses, Warner Music Latina se sumergió en el mundo de CLARENT, generando confianza y entendiendo verdaderamente su arte, equipo y esencia cultural, teniendo como resultado un acuerdo diseñado no solo para amplificar su música sino para honrar el espíritu de su historia ".

La asociación de CLARENT con Warner Music Latina es el resultado de un proceso de colaboración que priorizó su identidad artística y sus objetivos a largo plazo. El acuerdo fue cuidadosamente diseñado para reflejar las necesidades de CLARENT y su equipo, dirigido por el gerente Jonniel (Jadiel Nuñez Olivera) de Rythmz51, conocido por su trabajo con artistas como Anuel, Arcángel, Eladio Carrión y Myke Torres, quien aportó su experiencia a la mesa, asegurando que la asociación esté en sintonía con la visión de CLARENT. Es importante para amplificar no solo el trabajo del artista, sino también la voz de la cultura callejera puertorriqueña de una manera real y duradera.

Jonniel de Rythmz51 – El equipo directivo de Clarent expresó: "Un saludo al equipo de Warner Music Latina por creer en esta visión y respaldarnos en todo momento. Esto es solo el inicio de algo increíble. Clarent tiene ese talento crudo e innegable, y estoy encantado de estar en este viaje con él ".

Contacto de prensa: Charly Perez charly.perez@warnermusic.com

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FUENTE Warner Music Latina

Javier Herrero.

Madrid, 10 dic (EFE).- El arco vital y artístico del sevillano JC Reyes no ha podido ser más extremo en el último año y medio, de estar a punto de ser cancelado por publicar en redes una foto falsa de Rosalía desnuda a convertirse en 2024 en uno de los diez artistas más escuchados en España en Spotify.

Con una gran gira organizada además para 2025, en una entrevista con EFE se muestra "supercontento" por todo lo que le está pasando, a la vez que, a pesar de asegurar que nunca se arrepiente de nada, reconocer que con la catalana "pudo resbalar".

"No debería de haber hecho eso con esa chavala. Lo entiendo. Le he pedido disculpas en público varias veces. Tampoco yo soy de esa manera como ponen los medios. Me gustaría encontrarme con ella en persona para que me conociera, que no soy lo que cree, lo que tiene visto hasta ahora de mí", afirma.

Al futuro le pide "salud e inteligencia" para llevar adelante su vida y su carrera tras coronarse como el segundo español con más reproducciones en Spotify España a lo largo del último año, por detrás de Saiko.

"No me gusta crearme la necesidad de tener que estar todos los días ahí metido, pero estoy supercontento, porque nosotros no tenemos ninguna discográfica detrás apoyándonos. Somos nosotros, independientes, haciendo música y trabajando con los chavales míos para soltar las cosas como podemos", apunta.

Sobre los motivos que le han podido llevar a conectar tan bien con una parte del público, señala por un lado su "naturalidad". "A la gente le ha caído en gracia cómo soy y luego hay otra gente que me critica demasiado, pero creo que me viene bien que mi manera de ser dé de qué hablar", reconoce.

A eso hay que añadir un ritmo endiablado para generar contenido. Solo este año ha lanzado más de una treintena de canciones y asegura que tiene guardadas muchas más. "A veces en un día hago cinco. Tengo muchas maneras distintas de trabajarlas y lo hago según la vibra", comenta.

Sorprende, por eso mismo, que se haya limitado a publicar sencillos desde que en 2022 lanzara su último álbum, 'Los Green Lanterns, 2.0'. "Tengo mucha música guapísima para hacer algo de todo tipo", admite, "pero he sacado tres discos y cada vez que lo hago me pasan cosas graves, como problemas de salud en la familia", añade tras identificarse como alguien muy "supersticioso".

Entre todo el material lanzado este año está 'BadGyal', la colaboración junto a Saiko que se convirtió en uno de los 'hits' de la temporada ("Sabíamos que era una canción que era un palo, pero no hasta dónde", afirma). Ambos son, de hecho, de los pocos que en 2024 lograron poner acento español a la música urbana que triunfó en los primeros puestos de la plataforma de "streaming".

"Influye mucho la manera de hablar de los andaluces y que sepamos de tono y de melodía por el flamenco, pero hay muchos otros factores. ¿Sabes del barrio del que vengo? Me he criado en El Palmete, que es uno de los barrios más pobres de Europa", destaca sobre la calle y el acento que respiran su mezclas de reguetón con sus raíces.

En 2025 emprenderá una gran gira, la primera de su carrera, con inicio el 22 de marzo en el Wizink Center y paradas en puntos como el Pabellón Príncipe Felipe de Zaragoza el 4 de abril, en la plaza de toros de Granada el 25 de abril, en el Bilbao Arena el 31 de mayo o el 28 de junio en el Estadio de La Cartuja de su Sevilla natal.

"Quiero romper el Wizink, pero tengo muchas ganas de ir a Sevilla, porque la Cartuja es un sitio al que de dichos iban gente son bestias. Tengo ganas de verme ahí", cuenta orgulloso, tras contar que su madre tiene ya toda una pared forrada con sus discos de oro y de platino. EFE

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“No me enorgullezco de mi pasado, pero tampoco lo niego. Creo que Dios me ha dado la oportunidad de cambiar mi vida, de dejar atrás el pasado, de ser un mejor hombre”.

Con esas palabras, Anuel AA, el autoproclamado “Dios del trap latino”, resumió el viaje que ha recorrido en los últimos años, en la entrevista con GQ.

Un camino lleno de luces y sombras, de éxito mundial y de tropiezos, de crecimiento personal y nuevas oportunidades.

Desde que irrumpió en la escena con Real Hasta La Muerte en 2018, su carrera ha sido un torbellino. Ha pasado por la cárcel, ha sido objeto de controversias y ha protagonizado múltiples polémicas.

Pero si hay algo que ha caracterizado a Anuel AA, es su capacidad de resurgir. Ahora, en 2025, está a punto de lanzar su quinto álbum de estudio, Real Hasta La Muerte 2, un proyecto que, según él, marcará una nueva etapa en su carrera.

“Estoy muy emocionado por soltar mi nuevo disco. He trabajado muy fuerte para entregarles a mis reales un álbum que va a celebrar la trayectoria que llevamos juntos desde el primer Real Hasta La Muerte“, explicó.

Pero la conversación con GQ va mucho más allá de la música. Anuel habla sobre su crecimiento personal, su rol como padre, su incursión en el mundo del cine y la moda, entro otros temas... Su historia es la de alguien que ha aprendido de sus errores y sigue buscando su verdadero camino.

Un nuevo álbum y una nueva etapa en su carrera

La música sigue siendo el centro de la vida de Anuel AA, y su próximo lanzamiento es una prueba de ello. Real Hasta La Muerte 2 es un proyecto con el que busca reconectar con sus raíces musicales y con el público que lo vio crecer.

“El disco tendrá un balance entre temas comerciales, sorpresas no esperadas y temas de la calle que me caracterizan. Contará con invitados especiales y rendirá homenaje a mi primer disco”, adelantó el artista.

En los últimos meses, Anuel ha lanzado varios sencillos que han mantenido la expectación de sus seguidores. Su estrategia es clara: no dejar de sacar música y mantenerse en el radar del público.

“Definitivo que continuarán los sencillos durante el 2025. Hemos trabajado muy fuerte en el estudio para tener mucha música para mis reales y muchas sorpresas también”, aseguró.

Lecciones aprendidas y el deseo de ser un mejor hombre

A lo largo de su carrera, Anuel AA ha estado rodeado de controversia. Desde problemas legales hasta enfrentamientos con otros artistas, su vida ha sido un constante ir y venir entre el éxito y la polémica. Sin embargo, en esta entrevista, deja claro que está en un proceso de cambio.

“Antes estaba rodeado de gente que no me sumaba. Te desvían del enfoque, te alejan de la gente que te quiere de verdad. Te hacen perder el norte, y al final, terminas perdiendo tu esencia, tu música y hasta a ti mismo”, confesó.

Para Anuel, el punto de inflexión en su vida fue convertirse en padre. “Ser padre me hizo sentir una responsabilidad que nunca antes había sentido. Entendí que mis acciones tenían consecuencias, no solo para mí, sino para ellos. Quería ser un ejemplo, un modelo a seguir, alguien de quien ellos se sintieran orgullosos”, explicó.

Hoy, con tres hijos y esperando un cuarto, su perspectiva ha cambiado. “Trabajo para que todos mis hijos se sientan orgullosos de su padre, quiero que ellos sepan que los amo, que los valoro, que siempre podrán contar conmigo”, aseguró.

Cine, moda y nuevos proyectos fuera de la música

Aunque la música es su prioridad, Anuel AA ha comenzado a explorar otras industrias, como el cine y la moda.

Sobre el cine, confirma que ya está involucrado en proyectos en Hollywood. “Siempre me ha gustado la actuación, meterme en la piel de otros personajes, contar historias a través de la pantalla tal y como lo hago en la música”, dijo.

Además, en el ámbito de la moda, su presencia ha crecido de manera notable. Su colaboración con Reebok y su participación en el mundo del streetwear han sido solo el comienzo. “Este año tenemos en agenda lanzar mi propia marca y seguir explorando el mundo de la moda”, reveló en GQ.

Para Anuel, la moda es una extensión de su identidad artística. “Desde chamaquito me gustaba combinar ropa, crear mi propio estilo, expresar mi personalidad a través de lo que me ponía. Y ahora, poder colaborar con marcas que admiro es un sueño hecho realidad”, comentó.

Relación con España y la polémica de La Velada del Año

A pesar de su tropiezo en La Velada del Año de Ibai Llanos, Anuel AA asegura que su relación con España sigue intacta.

“España es como mi segunda casa, siempre he dicho que es mi lugar favorito de cantar. Hemos creado una relación muy especial”, afirma.

Sobre lo ocurrido con Ibai, aclaró: “Lo que pasó fue un malentendido. Hubo fallas técnicas y las cosas se salieron de control, pero ya hemos hablado y aclarado las cosas”.

El artista también muestra admiración por la escena musical española y menciona a Rosalía, Quevedo y Saiko como algunos de los talentos que sigue de cerca.

“La nueva generación viene fuerte. Hay mucho talento en España y me gustaría colaborar más con ellos”, señaló.

La política y su visión sobre el futuro

Uno de los temas más polémicos en torno a Anuel ha sido su apoyo público a Donald Trump en las elecciones de 2024. Aunque sus declaraciones generaron críticas, él defiende su derecho a opinar.

“Creo que es importante que los jóvenes nos involucremos, que hagamos oír nuestra voz, que luchemos por un futuro mejor”, comenta. Sin embargo, no se ve ocupando un cargo político.

“Por ahora, no lo veo como una posibilidad. Estoy enfocado en mi música, en mi carrera, en mi familia”, aclaró.

A pesar de los altibajos, Anuel AA sigue mirando hacia el futuro con determinación. “Uno siempre tiene que seguir soñando y evolucionando. Quiero seguir creciendo como artista, seguir llevando mi música a otros niveles”, dijo

Sobre lo que le depara el futuro, su respuesta es clara: “Quiero dejar un legado, una huella en la historia de la música. Expandir mi talento al cine, la moda y desarrollar mis propias marcas”.

Ya sea a través de su música, su incursión en el cine o su participación en la moda, Anuel AA sigue firme en su misión de construir su historia, sin olvidar de dónde viene ni hacia dónde quiere ir. Como él mismo dice: “Real hasta la muerte”.

El Cosquín Rock 2025 se prepara para celebrar su 25 aniversario con una edición que promete quedar en la historia. Desde los clásicos inmortales como Divididos, Las Pelotas, Skay y Los Piojos hasta la energía de la música urbana con Wos, Dillom y Nicki Nicole, el festival más grande de Latinoamérica volverá a reunir a miles de personas en las sierras de Córdoba.

En este escenario, donde la música y la emoción se combinan en una experiencia única, Life Seguros diseñó tres espacios estratégicos dentro del predio para que todos los asistentes puedan vivir este evento sin preocupaciones.

Espacio de encuentro en el campo principal

La compañía contará con un sector que servirá como punto de referencia dentro del Aeródromo Santa María de Punilla. Diseñado para que los asistentes puedan recargar energías, relajarse y compartir experiencias, contará con estaciones de carga para celulares, lockers para guardar pertenencias, juegos interactivos y un concurso de fotografía que invitará a capturar los mejores momentos.

En un festival donde el tiempo vuela y cada segundo cuenta, tener acceso a un lugar seguro y funcional será un diferencial clave. Su ubicación estratégica permitirá a los asistentes moverse con mayor facilidad y aprovechar cada instante de la jornada sin preocupaciones.

Estudio Life Seguros: el corazón de las historias y la música

Ubicado en el Patio de Prensa, este sitio funcionará como un centro de encuentros entre artistas, medios de comunicación y público. Allí se generarán entrevistas, charlas y contenido exclusivo. De esta manera, se dará a conocer el detrás de escena del Cosquín Rock desde una perspectiva única.

Para asegurar la comodidad de quienes pasen por este sector, se ofrecerán lockers y estaciones de carga. Será una solución práctica para los asistentes que necesiten recargar baterías, tanto las de sus dispositivos como las propias.

Oasis Life: un respiro en medio del festival

En el vip central, este espacio será un refugio diseñado para quienes busquen un momento de descanso sin alejarse de la acción. En un evento donde la energía es intensa y el movimiento constante, contar con un área de relax y confort marcará la diferencia para muchos asistentes.

Al igual que en los otros sectores, aquí también habrá estaciones de carga de celulares para que más personas puedan mantenerse conectadas a lo largo de la jornada. La posibilidad de encontrar un sitio de calma dentro de la euforia del festival resulta fundamental para garantizar comodidad en la experiencia del público.

Un compromiso que trasciende el festival

La participación de Life Seguros en el Cosquín Rock 2025 va más allá de ofrecer servicios dentro del evento. Desde la compañía explican que su filosofía se basa en estar presente en cada momento importante de la vida de las personas, asegurando que puedan disfrutar sin preocupaciones y en cualquier actividad que realicen.

“Lo más importante para nosotros es acompañar la forma de vivir de las personas: no importa en qué lugar del país estés, si te gusta la música o los deportes o preferís descansar en la tranquilidad de tu hogar. Siempre, Life Seguros te acompaña y protege en la forma que quieras vivir”, explicó Flavia Nuñez, CEO de la empresa.

Sin dudas, el Cosquín Rock 2025 será un punto de encuentro entre distintas generaciones de artistas y fanáticos. Los escenarios vibrarán con las melodías icónicas de El arriero de Divididos, Será de Las Pelotas y El ojo blindado de Skay, mientras que los nuevos exponentes de la música urbana harán saltar al público con éxitos como Canguro, de Wos; OPA, de Dillom; y Colocao, de Nicki Nicole.

Desde lo más clásico hasta los ritmos más frescos del trap y el hip hop, el festival consolidará su lugar como el epicentro musical del verano argentino. A eso se le suma los diferentes espacios que tendrá el Aeródromo Santa María de Punilla, con una gama de servicios que le permitirán al público vivir una experiencia completa.

Para más información sobre la propuesta de Life Seguros, hacer clic aquí.

Considerado como la revelación del urbano español, Quevedo, acaba de anunciar que vuelve a Lima como parte de su gira ‘Buenos Noches Latam Tour’. La cita será este 1 de junio en Costa 21 y se espera que sea una noche cargada de éxitos como “Columbia”, la session 52 con Bizarrap “Quédate”, “Punto G”, “Vista al Mar”, “Wanda” y “Playa Del Inglés”.

La noticia de esta gira fue tomando forma hace unos días en X, en donde mandó algunas señales en donde también involucró al cantante puertoriqueño Mora. Como se recuerda, el español siempre utiliza sus redes sociales para enviar mensajes ambiguos, los cuales pueden ser descifrados por los seguidores más leales que tiene. “Latinoamérica, ya hablaremos”, indicó en su cuenta de Instagram.

Pedro Luis Domínguez Quevedo, más conocido solo como “Quevedo”, nació en Madrid el 7 de diciembre del 2001 y con tan solo 4 años se asienta en Gran Canaria, de donde es gran parte de su familia y lugar en donde realmente él se siente en casa. Por ello, su trabajo se ve influenciado por la cultura musical de la isla, el Hip-Hop y los ritmos latinos principalmente.

“Buenas Noches” es el nombre de su segundo disco que viene a presentar a Lima. Este refleja una nueva perspectiva de la vida y del mundo que lo rodea. Propone redefinir la escena internacional de la música urbana en castellano.

En otras palabras, es un fiel testimonio de su viaje transformador: apartarse del ruido para reencontrarse consigo mismo y el compromiso que se necesita para superar los retos del pasado. Con una innovadora combinación de ritmos impactantes, letras magnéticas y el estilo inconfundible de Quevedo. Además, reúne a una destacada lista de colaboradores, entre ellos Aitana, De La Ghetto, De La Rose, La Pantera, Pitbull, Rels B, Sech, Sin Nombre y Yung Beef.

Veltrac Music y Superclub Live, empresas que tienen a su cargo esta experiencia, han anunciado que las entradas estarán disponibles desde este 13 de febrero en Teleticket. Para los interesados, habrá descuentos exclusivos con tarjetas BCP. Cabe mencionar que menores de edad a partir de 10 años pueden ingresar acompañados de un adulto responsable. Ambos con entradas.

Por qué se alejó de la música

El cantante español Quevedo explicó recientemente las razones detrás de su retiro temporal de la música. A pesar de haber alcanzado fama internacional con éxitos como Quédate, el artista confesó que no se sentía tan feliz como debería con su carrera. La presión constante y el ritmo acelerado de la industria musical afectaron su bienestar emocional, lo que lo llevó a tomar la decisión de apartarse temporalmente.

Quevedo señaló que la música dejó de generarle la satisfacción que esperaba y que la exigencia de mantener su éxito se convirtió en una carga difícil de manejar. Su decisión de alejarse fue impulsada por la necesidad de reflexionar sobre su futuro y priorizar su estabilidad personal. Aunque su retiro no es definitivo, el cantante quiere encontrar un equilibrio entre su vida profesional y su bienestar emocional antes de regresar.

Durante este tiempo, ha recibido el apoyo de sus seguidores, quienes han destacado la importancia de cuidar la salud mental, especialmente en una industria tan demandante. Quevedo no ha cerrado la puerta a la posibilidad de volver a la música, pero su prioridad es sentirse pleno y motivado para continuar con su carrera de manera saludable y sostenible.

“Cuando creo canciones pongo mi corazón en ellas. A veces hablo de cosas que me han pasado a mí o incluso a otras personas en mi vida, y a veces, mi imaginación me lleva a lugares demasiado personales y me detengo para no crear drama”, confesó Rauw Alejandro, el artista puertorriqueño que conquistó el mundo con su sonido fresco y su inigualable energía.

Entrevistado por Vanity Fair, el cantante abre su corazón y habla sobre su evolución musical, su conexión con Puerto Rico, sus colaboraciones con artistas de renombre y hasta sobre cómo enfrenta las rupturas amorosas.

Con una carrera en constante ascenso, Raúl Alejandro Ocasio Ruiz, mejor conocido como Rauw Alejandro, logró consolidarse como una de las figuras más influyentes del género urbano.

Su nuevo álbum, Cosa Nuestra, refleja su deseo de innovar y explorar nuevas sonoridades, incorporando elementos de la música de los años 70 y colaboraciones con artistas como Pharrell Williams, Bad Bunny y Laura Pausini.

Además de hablar sobre su música, Rauw también se sincera sobre su relación con las redes sociales, su pasión por la danza y su visión sobre el éxito.

Con la misma naturalidad con la que brilla en el escenario, el cantante comparte su perspectiva sobre la vida...

“El tiempo todo lo cura, nada perdura. El mundo es tan hermoso y hay tanto por explorar que eso me motiva a seguir adelante”.

Con una gira en el horizonte y nuevos proyectos en camino, Rauw Alejandro sigue marcando su propio camino en la música. En esta entrevista, reveló detalles inéditos sobre su carrera, su vida personal y su inquebrantable amor por su tierra natal.

Su conexión con Italia y su admiración por Laura Pausini

Para Rauw Alejandro, la música es un puente que une culturas, y su más reciente colaboración con Laura Pausini es prueba de ello.

En su nuevo álbum, Cosa Nuestra, el artista decidió reinterpretar el clásico Se Fue, una versión en español del icónico Non C’è. “Soy un gran fan de Laura Pausini desde muy joven. Fue un honor poder rehacer esa canción”, confesó.

La química entre ambos artistas fue inmediata, y Pausini no dudó en elogiar su versión: “Laura incluso me reveló que le gusta más esta nueva versión que la original y le dije: ‘No, Laura, la original siempre será la mejor’”, recordó entre risas.

Más allá de la música, Rauw siente una conexión especial con Italia, un país que forma parte de su historia familiar.

“La familia de mi bisabuelo es de Palermo”, contó con orgullo. Hasta ahora, visitó Milán y Roma, pero promete regresar pronto...

“Definitivamente regresaré a explorar más el país, quizás de gira en el verano de 2025, para agregar mi calidez puertorriqueña a un clima ya cálido”.

Italia representa un vínculo con su pasado, y un escenario para su futuro. Con la posibilidad de nuevas colaboraciones y una gira en el horizonte, Rauw Alejandro está listo para seguir llevando su música a cada rincón del mundo.

Puerto Rico: raíces, cultura y recomendaciones de viaje

Para Rauw Alejandro, su tierra natal es más que un lugar en el mapa: es su esencia, su inspiración y su mayor orgullo.

“Puerto Rico es un lugar mágico, siempre cálido y acogedor”, afirmó con convicción. A lo largo de su carrera, llevó la cultura boricua al mundo entero, y en Cosa Nuestra rinde homenaje a sus raíces con sonidos que evocan la calidez de la isla.

Si alguien le pidiera recomendaciones para visitar su país, el cantante lo tiene claro: “Lo ideal sería pasar dos semanas en Puerto Rico. Es una isla pequeña, pero hay mucho que ver y hacer”.

Para él, la experiencia no estaría completa sin probar los platos típicos. “Recomiendo arroz con gandules, habichuelas, mofongo y lechón. ¡Búscalos en Google y se te hará agua la boca!”, dijo con entusiasmo.

Pero la comida es solo una parte de la experiencia. La belleza natural de la isla es algo que Rauw destaca con orgullo.

“Las playas son maravillosas, el agua es cristalina, no faltan cascadas y bosques”, describió. Además, resalta la energía única de su gente y su vida nocturna vibrante.

A pesar de su éxito global, Rauw Alejandro siempre regresa a casa. Puerto Rico sigue siendo su refugio, su inspiración y la base de su identidad artística. “Cualquiera que lea esta entrevista debería definitivamente visitar mi país”, aseguró con una sonrisa.

El éxito y la humildad: cómo mantenerse con los pies en la tierra

A pesar de la fama, Rauw Alejandro nunca olvidó de dónde viene. “Yo vengo de ninguna parte, de un pequeño pueblo de Puerto Rico rodeado de montañas, con gallinas y caballos”, recordó con nostalgia.

Su infancia fue sencilla, pero siempre tuvo el apoyo de su familia. “Gracias a mis padres, nunca me ha faltado comida en el estómago”, afirmó con gratitud.

El éxito y el dinero no cambiaron su esencia. Para él, mantenerse humilde es cuestión de valores y de rodearse de las personas correctas. “La gente me hizo quien soy y siempre volveré a casa, pase lo que pase”, dijo con firmeza.

Su vínculo con sus amigos más cercanos también juega un papel clave. Son ellos quienes lo ayudan a mantenerse con los pies en la tierra y a recordar sus raíces.

“Mis amigos son mi mejor terapia. Siempre están ahí, sin importar dónde esté o qué esté haciendo”.

A pesar de ser una estrella global, Rauw Alejandro sigue viendo la vida con la misma sencillez de siempre. Para él, el éxito es pasajero, pero la autenticidad es lo que realmente perdura.

La música como terapia: escribir desde el corazón

No siempre es fácil plasmar ciertos sentimientos en una canción. “Lo he escrito y luego lo he borrado diciéndome: ‘Es demasiado’”, admitió.

Algunas historias duelen demasiado para ser compartidas, pero cuando logra hacerlo, el resultado es auténtico y sincero.

Las canciones más tristes suelen ser las más difíciles de componer. Para Rauw, enfrentarse a esos versos significa abrir su alma al público.

“Tienes que ser 100% real y poner tu corazón en ellas”, explicó. Esa transparencia es, precisamente, lo que conecta con su audiencia.

A través de la música, el cantante encuentra su forma de sanar, y aunque a veces dude en exponer sus sentimientos, sabe que cada canción es una parte de él que decide compartir con el mundo.

Superar una ruptura: el consejo de Rauw Alejandro

El amor y el desamor fueron temas recurrentes en la música de Rauw Alejandro, y no es casualidad. “He tenido muchas rupturas en mi vida y siempre he aprendido algo”, reconoce. Para él, cada final es una lección y una oportunidad de crecimiento.

Cuando atraviesa una separación, se apoya en sus amigos más cercanos. “Son mis mejores terapeutas. Aconsejo a todo el mundo que charle con sus amigos mientras toman una cerveza o un Espresso Martini”, dijo con humor.

Además, el ejercicio y una rutina saludable le ayudan a mantenerse enfocado. “Voy al gimnasio, como sano, salgo a divertirme y hago actividades para mantenerme ocupado”.

Cantar en inglés: el desafío de Committed con Pharrell Williams

Explorar nuevos sonidos es parte del ADN de Rauw Alejandro, y su colaboración con Pharrell Williams en Committed fue un reto artístico.

“Hablo inglés con mi acento puertorriqueño, pero mi primera lengua es el español y quería asegurarme de cantar correctamente”, confesó.

El tema marcó su primera vez cantando en inglés durante un periodo prolongado, lo que representó un desafío.

“Fue un reto, pero también muy divertido”, admitió. Trabajar con Pharrell, una leyenda de la música, hizo que la experiencia fuera aún más especial.

A pesar de su comodidad en el inglés, hay momentos en los que siente la necesidad de reconectar con su idioma natal.

“A veces tengo que volver a Puerto Rico durante dos meses seguidos para olvidarme un poco del inglés”, dijo entre risas.

Para Rauw, el lenguaje no es una barrera, sino una oportunidad de llegar a más personas. Con Committed, demostró su versatilidad y reafirmó su capacidad de reinventarse sin perder su esencia.

Sus influencias y gustos personales

Más allá de la música, Rauw Alejandro tiene una serie de influencias que marcaron su vida. Una de ellas es la actriz colombiana Carmen Villalobos, su amor platónico de la infancia.

“Ella lo sabe porque siempre menciono su nombre. Era mi crush cuando era pequeño, ahora soy un hombre”, comentó con humor.

En su canción SEXXXMACHINE, menciona a Lana Del Rey, una artista que admira profundamente. “Mi canción favorita de ella es Summertime Sadness”, reveló, dejando claro que también se deja influenciar por géneros fuera del reguetón.

Su pasión por la música también se refleja en el baile, una parte fundamental de su identidad artística.

“Últimamente, mi canción favorita para interpretar durante los ensayos es Tú con él. No puedo esperar para traer algunos pasos de salsa en vivo”, contó entusiasmado.

Rauw Alejandro es un artista que no teme explorar diferentes estilos y referencias. Sus influencias van desde el pop y la salsa hasta el cine y el arte, lo que lo convierte en un artista en constante evolución.

Pasión por la danza y el arte

El baile es una parte esencial del estilo de Rauw Alejandro, y sus presentaciones lo demuestran. “Siempre me ha gustado bailar, es algo que disfruto mucho y trato de incorporar en mis shows”, afirmó.

Su amor por el movimiento le permitió destacar en la industria, combinando coreografías dinámicas con su música. Además, si tuviera que elegir una canción ajena perfecta para bailar, lo tiene claro: Sería Aguanile de Héctor Lavoe.

Más allá de la música y la danza, Rauw también tiene una gran pasión por el arte. “Colecciono muchas cosas de mi país, me encanta el arte local. Y si tengo que pensar en artistas extranjeros, antes que nada pienso en Picasso y Basquiat”, aclara.

¿Y si tuviera que elegir a alguno de los dos? Enseguida admite que le cuesta decidirse por una sola obra. “Es una pregunta difícil. Hay tantas piezas increíbles que ahora pensaré en la respuesta todo el día”, bromeó.

Redes sociales y su relación con la fama

A pesar de contar con millones de seguidores en todo el mundo, Rauw Alejandro no es de los artistas que pasan horas creando contenido para redes sociales.

“Las redes sociales son divertidas, además de una forma de conectarse con los fans”, reconoció, aunque admite que no es su prioridad. “Soy un poco vago y no publico mucho contenido”.

Para él, la música y la vida personal están por encima del mundo digital. “Últimamente prefiero trabajar en el estudio o quedarme en casa tranquilamente”, confesó.

Sin embargo, cuando decide compartir algo con sus seguidores, lo hace con intención. “Cuando publico algo, lo hago con cariño”, aseguró.

A pesar de la presión constante de la industria y del escrutinio público, Rauw mantiene una relación equilibrada con la fama.

No se obsesiona con la validación digital ni con la necesidad de estar siempre presente. “Disfruto el contacto con mis fans, pero también necesito mis momentos fuera del foco”, explicó.

Mensaje a sus fans y planes futuros

Aunque su agenda está llena de compromisos, Rauw Alejandro siempre tiene tiempo para sus seguidores.

“Quiero decirles que los amo mucho y agradecerles por su apoyo”, expresó con sinceridad. Su conexión con el público es una de las razones por las que sigue evolucionando como artista.

Italia es uno de los países donde sintió un cariño especial, y por eso promete visitarlo pronto. “No veo la hora de venir a Italia, para mí es un lugar especial que, como decía, está presente en una pequeña parte de mi ADN”, dijo con emoción.

Además, no descarta futuras colaboraciones con artistas italianos. “Tengo que aprender italiano”, añadió entre risas.

Con una gira en el horizonte y nuevas canciones en camino, su entusiasmo por lo que viene es evidente.

“No puedo esperar a pasar algún tiempo allí este verano y, quién sabe, tal vez colaborar con otros artistas italianos”.

El futuro de Rauw Alejandro se perfila brillante, con nuevos desafíos y más música para sus fans. Lo único seguro es que seguirá sorprendiendo al mundo con su talento y autenticidad.

“Siento que no me alejé lo suficiente del paisaje como para poder contemplar todo lo que ha pasado”.

Con esta frase, Duki define el abrumador ritmo de su vida en la actualidad. A pesar de estar en un momento de éxito rotundo, con estadios como el Santiago Bernabéu llenos de seguidores, el artista sigue procesando los logros desde un lugar muy humano.

En una tarde de invierno en Madrid, después de un largo vuelo desde su Argentina natal, Mauro Ezequiel Lombardo, más conocido como Duki, se abre a GQ España para hablar sobre su nuevo álbum Ameri, su evolución personal y profesional, y cómo ha logrado mantenerse fiel a sí mismo en medio de la vorágine del éxito.

“Ahora, siento que no tengo miedo, pero ese ‘ahora’ es importante, porque esta nueva era musical va más allá de un disco”, dice Duki con convicción.

El trapero, conocido por su faceta ruda y su estilo visceral, revela que Ameri es más que un álbum de canciones; es una introspección profunda.

“Es un álbum que no solo refleja el momento en el que vivo, sino también los cambios internos que he atravesado”, añade, mientras se acomoda en su asiento.

Tras años de éxitos, Duki ha decidido dejar atrás su zona de confort para explorar nuevos sonidos y enfoques, en los que la vulnerabilidad ocupa un lugar central.

“Explicado de manera sencilla, ha sido salir de la zona de confort”, dice Duki cuando se le pregunta qué hace diferente a Ameri, su cuarto álbum de estudio.

Para él, este disco representa un proceso de transformación tanto en lo musical como en lo personal.

“Para mí, rapear es casi como un deporte, lo disfruto mucho, encuentro algo increíble y fascinante en la capacidad de rimar, en los flows...

“Pero cuando hago temas como los de este disco -sigue-, más autorreflexivos, es Mauro sentado, escribiendo, eligiendo la palabra exacta, no rimando por rimar, sino pensando en lo que quiero contar y cómo lo quiero contar”.

Si bien Duki proviene del freestyle y de la rapidez de la improvisación, ahora se permitió trabajar sus canciones con un método diferente.

“El tiempo ha sido la clave fundamental. Yo soy alguien muy del momento, vengo del freestyle, de improvisar, y cuando voy al estudio trato de transmitir cómo me estoy sintiendo en ese momento concreto. Por eso, si estaba cuatro horas trabajando y me iba sin nada, pensaba que algo estaba saliendo mal”, confiesa.

Sin embargo, con Ameri, decidió probar otra dinámica: “Este es el primer disco donde me permití reescribir versos, recomponer melodías, tomarme más tiempo, relajarme, escuchar bien las canciones, incluir unas, descartar otras... Antes, eso era impensable para mí. Cuando tenía una canción, la sacaba, porque no me gustaba que quedaran guardadas”, mencionó el artista.

El resultado es un álbum que no solo desafía su propio proceso creativo, sino que también muestra una nueva faceta de Duki:

“Dentro de la cohesión y la coherencia, queríamos que el siguiente tema siempre sorprendiera”, explica sobre la selección y el orden de las canciones.

Más allá del personaje

A pesar de la fama y la etiqueta de ídolo global, Duki tiene claro que nunca quiere perder su esencia.

“Yo ahora salgo de mi casa y la gente me ve como Duki, pero lo importante para mí siempre fue ser Mauro, no perder a la persona, no perder mi humanidad jamás”, asegura.

Uno de los temas más personales de Ameri es Barro, una canción que encapsula esa lucha interna.

“Cuando mi abuela falleció yo estaba en un momento bastante rockstar, no era mi mejor versión, y ella me despidió viendo mi peor faceta”, recuerda con sinceridad. “Barro es también decirle que maduré, crecí y estoy haciendo las cosas bien”.

El camino hacia esa transformación no ha sido fácil. “Sí, y me di cuenta de ello hace no mucho. Diría que justamente en la pandemia, que fue cuando yo tuve el cambio de mindset (de mentalidad) y empecé a tratar de estar más saludable”, confiesa sobre el momento en el que sintió que había perdido el rumbo.

“Desde 2017 nunca había dejado de girar, no terminaba de estar solo en casa y tranquilo. El confinamiento me obligó a ello. Encontrarme de nuevo conmigo y verme en un espejo y no reconocerme hizo que me preguntara en qué momento había pasado todo esto”.

Ese fue el punto de inflexión para hacer cambios en su vida: “Me quise alejar de las drogas, quise cambiar de compañía... Ahí empezó toda esta reestructuración. Entendí de verdad lo bueno que mi familia hacía por mí cuando yo lo necesitaba y que hasta entonces no había visto”.

Hoy, esa familia es su principal soporte. “Mi mamá es abogada y es la mánager. Mi hermano me ayuda en toda la parte técnica y artística, viaja conmigo a todos los shows y se encarga de montarlos conmigo. Mi papá maneja lo económico y mi hermana está ahí aguantando y acompañándonos en todo lo que puede”, detalla con orgullo.

Rap, estigma y vulnerabilidad

Duki sabe que el rap y el trap han cargado históricamente con la imagen de dureza y calle, pero no está de acuerdo con ese molde.

“Sigue existiendo el estigma de que los raperos tienen que ser súper gángster y duros todo el tiempo, y a mí, la verdad, no me mide para nada la vara esa”, afirma.

Para él, mostrar su vulnerabilidad no es sinónimo de debilidad, sino todo lo contrario: “Hablar de que me siento mal o de que tengo una pelea interna no me hace más débil, todo lo contrario. Por eso hablo de mis vulnerabilidades, las trato y las muestro”.

La música es su medio para expresar esa evolución personal, y Ameri es el reflejo de ello. “Tengo una responsabilidad y un deber con ellos (su público). Me pregunté cuál era la forma de salir de mi zona de confort, reinventarme y ofrecer algo nuevo con lo que conectar ahora con mi público, y el punto de conexión más grande son los sentimientos, la vida misma, tanto para bien como para mal”.

Un referente del trap argentino que sigue evolucionando

Si hay algo que Duki tiene claro, es que su generación ha marcado un antes y un después en la música urbana de Argentina. “Nosotros”, dice en referencia a figuras como Khea, YSY A y Neo Pistea, “hemos conseguido hacerlo de una manera que le gusta a nuestro público, que se entiende en nuestro idioma y que tiene un punto de conexión”.

Hoy, el trap argentino es un fenómeno global, y el artista reconoce que siempre hay espacio para seguir aprendiendo. “Cuando vos vas al estudio y ves cómo la otra persona compone, crea y escribe, algo queda y cambia en vos”, reflexiona. “La clave está en escuchar lo que hace el otro y, sobre todo, en colaborar”.

De los estadios a las arenas

Después de un 2024 en el que llenó estadios como el River Plate en Argentina y el Santiago Bernabéu en España, Duki ha decidido dar un giro a su próxima gira. En lugar de seguir apostando por estadios masivos, ahora vuelve a escenarios más pequeños.

“Después del Bernabéu fui a París a tocar en sala Bataclan para poco más de 300 personas. De repente se subió al escenario una chica de Murcia y se rompió todo un tema ella sola. Yo estaba casi llorando y pensé: ‘Gracias a Dios que siento esto después del Bernabéu, porque si no estaría perdido’”, cuenta emocionado.

Con una carrera consolidada y un éxito indiscutible, Duki sigue en la búsqueda de su propia meta. “¿Si estoy a gusto conmigo? Creo que no, con Ameri aún no alcancé mi Ameri", dice con honestidad.

“Tengo que reconocerme muchas más cosas y tengo que disfrutar de otras tantas, no perderme todo el tiempo en la visión de futuro y buscar ser mejor o más grande todo el tiempo”.

A pesar de todo lo que ha logrado, su ambición sigue intacta. “Desde los inicios teníamos un chiste interno que decíamos ‘Nos vemos en el Madison (Square Garden)’. Siempre estará ahí”, dice con una sonrisa.

“Lo más importante es seguir teniendo el hambre que tenía al principio, hacerlo porque lo disfruto y no solo porque me dé plata”, cerró el cantante de trap su entrevista con GQ.

El festival Medio y Medio, que se prepara para su edición número 29, ha revelado una programación que promete ser un punto de encuentro entre grandes referentes de la música y los artistas que irrumpieron en el último tiempo. El concepto central es el encuentro entre distintas generaciones, una idea que ha sido clave en su historia reciente.

Entre los artistas confirmados para la edición 2025 están los Ratones Paranoicos, Rubén Rada, Cuarteto de Nos, Turf, El Kuelgue, Fabiana Cantilo, Kevin Johansen, Paulinho Moska, Hugo Fattoruso, Coti, Trotsky Vengarán, Fer Ruiz Díaz, Geraldo Azevedo y Chango Spasiuk destacan en esta lista lista.

Participarán artistas que han dejado una huella en la cultura popular, como Agarrate Catalina, La Delio Valdez, Caballeros de la Quema, y El Pelado Cordera. Asimismo, se presentarán proyectos innovadores y emergentes como Un Poco de Ruido, Cindy Cats, y Beats Modernos, que aportarán frescura y diversidad a la programación.

También incluye nuevos exponentes como Dillom, Nafta, Silvestre y La Naranja, Nafta, El Plan de la Mariposa, Mery Granados, Nahuel Pennisi, Cruzando el Charco y Benja Amadeo. Se abarcan diversos géneros y estilos: rock, pop, folclore, música urbana... Y se suman propuestas de humor y teatro como Favio Posca y Diego Capusotto.

De acuerdo con los organizadores, la inspiración para esta edición proviene de una reflexión que escucharon de una destacada cantante: “No puedo cantar como si Mercedes Sosa no hubiera cantado”. Esta frase, que resalta la importancia de los legados artísticos, ha motivado a forjar un espacio donde lo tradicional y lo contemporáneo se fusionen.

La emblemática “fonola de flores”, símbolo del festival, sigue siendo el motor que impulsa a los nuevos creadores, mientras se rinde homenaje a las figuras que han marcado la historia de la música. Este enfoque refleja un compromiso con el arte y con todos los actores que hacen posible el evento: los artistas, equipo técnico y el público.

Según informó el equipo organizador, el próximo 25 de noviembre se anunciarán las fechas y horarios de cada concierto, así como el inicio de la venta de entradas. Con casi tres décadas de trayectoria, Medio y Medio se ha consolidado como un referente en el circuito cultural. La edición 2025 promete ser un nuevo capítulo en esta historia.

San Juan, 14 nov (EFE).- Los reguetoneros puertorriqueños Zion y Lennox anunciaron su separación como dúo tras más de 20 años de carrera debido a "intereses profesionales y personales" del primero.

"Con más de 20 años de trayectoria en la música urbana y una exitosa carrera que ha trascendido fronteras, Zion, reconocido como una de las voces más icónicas del género, anuncia oficialmente su decisión de desligarse de su dúo musical con Lennox", dijo el equipo de trabajo de Zion en un comunicado de prensa.

La decisión, según la nota, "se toma tras una cuidadosa evaluación de los intereses profesionales y personales de Zion a principios de 2024".

Sin embargo, debido a "publicaciones recientes que han afectado la percepción pública y profesional de la marca conjunta, hemos decidido compartir la noticia con el público", añade el comunicado.

El anuncio de la separación se da después de que Lennox se presentase sin Zion en el cierre de campaña el 3 de noviembre de la gobernadora electa de Puerto Rico, Jenniffer González, del Partido Nuevo Progresista.

"Consideramos necesario tomar esta decisión para proteger la integridad de su marca y Zion pueda enfocarse en sus proyectos futuros", afirmó el equipo de trabajo de Zion.

La determinación, de igual manera, presenta además a Zion en "su compromiso de continuar expandiendo su legado en la música, enfocándose en su próximo proyecto, 'The Perfect Melody II', y los proyectos que vendrán con su lanzamiento", abunda la nota.

"Como equipo, reafirmamos que esta separación es estrictamente profesional y no implica ningún tipo de conflicto personal más allá de las diferencias en las prioridades actuales de cada artista", finaliza el comunicado. EFE

Mónica Rubalcava

Los Ángeles (EE.UU.), 8 nov (EFE).- Beyoncé expandió este viernes su reinado como la artista más nominada de los Grammy al sumar 11 menciones al casi centenar de nominaciones que ha acumulado durante su trayectoria y en la próxima gala se enfrentará a una nueva generación de artistas pop protagonizada por Sabrina Carpenter, Chappell Roan y Charli XCX.

Ahora, la cantante texana cuenta con 99 nominaciones a los premios más reputados de la música gracias a su álbum 'Cowboy Carter', con el que además se estrenó como aspirante en categorías de música country.

Esta podrá ser su oportunidad de ganar por primera vez en su trayectoria el Grammy a álbum del año, una terna en la que ha sido nominada hasta el momento en cinco ocasiones, lo que la convierte en la artista negra con más nominaciones, superando a Kanye West y Kendrick Lamar.

La cantante también compite en categorías como canción del año y grabación del año por su tema 'TEXAS HOLD 'EM' y en un puñado más en categorías de pop y R&B.

Las nominaciones en los apartados country para Beyoncé se contraponen al desaire que recientemente vivió de parte de la Asociación de Música Country (CMA) al no haber sido nominada a la próxima edición de sus premios, prevista para el 20 de noviembre.

Estrellas pop en ascenso también brillaron como protagonistas de las nominaciones a esta 67 edición de los Grammy, que se celebrará el 2 de febrero en Los Ángeles.

Charli XCX es la segunda artista más nominada con siete menciones, mientras que Sabrina Carpenter y Chappell Roan acumularon seis.

Carpenter y Roan compiten en las cuatro categorías reina de estos premios: álbum del año, grabación del año, canción del año y mejor artista nuevo. Este último título lo disputarán con artistas emergentes como Benson Boone, Doechii, Khruangbin, Raye, Shaboozey y Teddy Swims.

Taylor Swift también rompió un récord al convertirse en la artista más nominada a álbum del año gracias a 'The Tortured Poets Department'.

Su triunfo llega después de haber hecho historia como la primera artista en conseguir una cuarta estatuilla en esta categoría durante la última gala. En total Swift aspira a seis premios.

Con siete nominaciones, Billie Eilish regresa a los Grammy para competir con su tercer álbum de estudio, 'Hit Me Hard and Soft'.

La cantante buscará el título de mejor álbum del año y con su tema 'Birds of a Feather' se hizo un lugar en ternas como canción el año, grabación del año y mejor actuación pop.

Por su parte, Kendrick Lamar y Post Malone encabezan la participación masculina de estas nominaciones con siete nominaciones cada uno, mientras que André 300 y Jacob Collier se enfrentarán a la ola de pop femenina que acaparó el apartado de álbum del año.

El sencillo 'Not Like Us' de Lamar fue nominado a canción del año, lo que lo llevó a empatar con Jay-Z como el rapero con más nominaciones en este apartado.

Además, el mexicano Edgar Barrera logró su segunda nominación consecutiva en la categoría general de los premios a compositor del año gracias a su trabajo en canciones de Shakira, Camilo o Carin León.

Otras figuras que recibieron nominaciones fueron el expresidente estadounidense Jimmy Carter, quien con sus 100 años de edad competirá junto a la cantante Barbra Streisand o el cantante George Clinton por el Grammy a mejor grabación de audiolibros.

Las categorías latinas de este año contemplan al puertorriqueño Residente, la argentina Nathy Peluso y la colombiana Shakira.

Residente opta a una nominación en la categoría de mejor álbum de música urbana con 'Las letras ya no importan', mientras que el disco de la argentina, 'Grasa', competirá en la categoría a mejor álbum latino de música rock o alternativa.

Shakira, con 'Las mujeres ya no lloran', luchará por alzarse con el Grammy en la categoría de mejor álbum pop latino, que disputará junto a la brasileña Anitta y su 'Generación Funk'; 'El Viaje', de Luis Fonsi; 'Orquídeas', de Kali Uchis; y 'García', de Kany García.

Mientras que Peso Pluma regresa por segundo año consecutivo a esta ceremonia con 'Éxodo', nominado a mejor álbum de música mexicana junto a 'Diamantes', de Chiquis Rivera, 'Boca Chueca, vol. 1', de Carin León y 'De Lejitos', de Jessi Uribe. EFE

(vídeo)

Buenos Aires, una ciudad vibrante y dinámica, es un epicentro cultural que acoge una gran variedad de expresiones artísticas y musicales. En los últimos años, el trap y los géneros urbanos ganaron terreno, convirtiéndose en un fenómeno cultural de relevancia internacional.

El festival Buenos Aires Trap, con su impresionante lineup y su capacidad para reunir a miles de personas, es un claro ejemplo del impacto de este género musical. Tendrá lugar el 7 y 8 de diciembre en el Parque de la Ciudad.

La sede del festival: el Parque de la Ciudad

Se trata de un histórico parque de diversiones ubicado en medio de la naturaleza y a 30 minutos del Obelisco. Allí se realizaron recientemente la Creamfields y el Knotfest.

La producción de BsAsTrap ocupará más de 35 hectáreas, equivalente a 35 canchas de fútbol. Contará con más de 50 artistas incluyendo a los principales referentes de la escena, quienes tocarán sobre 4 escenarios en simultáneo.

El punto de encuentro de la generación que cambió la industria de la música

La grilla promete una experiencia única para los amantes de la música urbana. Entre los destacados del lineup 2024 se encuentran Duki, Bizarrap, Eladio Carrión, Nicki Nicole y Cazzu, Khea, Milo J y muchos más.

El festival contará con cuatro escenarios que albergarán a más de 25 intérpretes por día. Los asistentes podrán disfrutar de más de 12 horas de música ininterrumpida, con shows programados desde las 13 h hasta la madrugada.

El escenario Mercado Libre será el principal, con presentaciones de Duki y Nicki Nicole durante el primer día. En tanto, Bizarrap y Khea cerrarán la segunda jornada a todo ritmo.

Por su parte, los escenarios Brahma, Hispa y Barras completarán la oferta de espectáculos. Cada uno de ellos contará con un propio estilo, garantizando una variedad de géneros y propuestas para todos los gustos.

Actividades extras para aprovechar

Cabe destacar que el evento no solo se limitará a la música. Como en cada edición, los asistentes podrán disfrutar de diversas experiencias dentro del predio del Parque de la Ciudad.

Habrá zonas gastronómicas, desde food trucks hasta opciones gourmet. Además, se contará con espacios de descanso, un candy park, una cancha de basket, una zona de picnic, un patio cervecero para relajarse entre show y show y más de 12 activaciones de marcas.

Para quienes busquen un ambiente exclusivo, el Abono VIP ofrecerá acceso a una terraza con vista a los escenarios principales, áreas de descanso y servicios personalizados como lockers y wifi. Además, el sistema de pago cashless permitirá una experiencia más ágil y segura para quienes deseen adquirir productos o comida durante el evento.

Cómo llegar y volverse a casa

El ingreso será únicamente con un código QR oficial obtenido a través de Ticketek. Se permitirá el acceso solo a quienes tengan la edad correspondiente o estén acompañados por un adulto.

Las puertas del predio abrirán a las 12 del mediodía. Hay dos ingresos: uno por Av. Roca 4113 y otra por Av. de la Cruz 4080. El Parque de la Ciudad es de fácil acceso, tanto por transporte público como por automóvil.

Para quienes elijan ir en vehículo, el lugar cuenta con más de 3.000 estacionamientos disponibles que se pueden comprar con antelación ingresando a la web de Seeker y buscando el evento “Buenos Aires Trap”. Y se recibirá un mail de confirmación e indicaciones.

Se puede acceder por colectivo urbano, ya que habrá refuerzo de frecuencia, cantidad de unidades y ampliación de horario. También se puede llegar en subte o en tren, combinando con el Metrobús y habrá pickup points.

En cuanto a la seguridad, se contará con personal en el lugar para orientar a los asistentes y facilitar el ingreso. Para más información se puede ingresar aquí.

El artista español de música urbana, Rels B, ha dado a conocer los detalles de su próxima gira mundial, denominada New Star World Tour. Este esperado tour llevará al cantante a los grandes escenarios del mundo hispanohablante, marcando un nuevo hito en su meteórica carrera. Las primeras paradas de esta ambiciosa gira serán en España, con conciertos confirmados en el WiZink Center de Madrid el 1 de marzo y en el Palau Sant Jordi de Barcelona el 8 de marzo. Las entradas para estos eventos ya están a la venta a través de las plataformas oficiales LiveNation.es y Ticketmaster, desde el miércoles 27 de noviembre a las 11:00 horas.

Daniel Heredia Vidal, conocido artísticamente como Rels B, se ha consolidado como uno de los exponentes más influyentes de la música urbana actual. Su estilo único, que combina géneros como el rap, el trap, el R&B y el reguetón, lo ha catapultado al estrellato en un corto período. Con éxitos como A Mí, lo que hay x aquí y cómo dormiste?, Rels B ha conquistado audiencias tanto en España como en América Latina, consolidándose como un fenómeno global.

A lo largo de su carrera, Rels B ha lanzado seis álbumes de estudio, todos ellos certificados con discos de oro y platino. Estas producciones han sido el resultado de un talento innegable y de su capacidad para conectar con una generación que encuentra en su música letras sinceras, ritmos pegajosos y una autenticidad que lo distingue en la escena. Además, sus colaboraciones con artistas nacionales e internacionales han ampliado su alcance y lo han establecido como una figura clave en la música urbana.

New Star World Tour: Una celebración de su nuevo álbum

El New Star World Tour tiene como objetivo principal presentar el más reciente álbum de Rels B, titulado a new star (1 9 9 3). Este disco, que ha sido aclamado por sus seguidores y críticos, refleja una evolución en el sonido del artista, quien continúa explorando nuevos territorios musicales mientras permanece fiel a su esencia. La gira constará de 15 espectáculos en total, siendo esta la más ambiciosa de su trayectoria hasta la fecha. Además de Madrid y Barcelona, se espera que Rels B lleve su espectáculo a otras ciudades clave de Europa y América Latina, consolidando aún más su presencia en los escenarios internacionales. Con una producción a gran escala y un setlist que incluirá tanto sus mayores éxitos como las nuevas canciones de a new star (1 9 9 3), esta gira promete ser un evento inolvidable para sus fanáticos.

Ambos conciertos estarán marcados por una producción espectacular, que incluirá luces, visuales y un sonido impecable para crear una experiencia inmersiva. La demanda de entradas ya ha sido alta, por lo que se recomienda adquirirlas lo antes posible a través de los canales oficiales. El éxito de Rels B no se limita a España. Su música ha resonado a nivel global, convirtiéndolo en uno de los artistas españoles más escuchados en plataformas de streaming como Spotify y Apple Music. Con una base de seguidores que crece día a día, el impacto de Rels B en la música urbana trasciende fronteras, consolidándolo como una figura clave en el panorama internacional.

El New Star World Tour celebra el lanzamiento de su nuevo álbum, pero también reafirma el lugar de Rels B como una de las estrellas más brillantes de la música urbana en la actualidad. Para sus seguidores, esta gira representa la oportunidad de ser parte de un momento histórico en la carrera de un artista que no deja de sorprender con su talento, autenticidad y capacidad para reinventarse. En definitiva, la gira New Star World Tour promete ser un espectáculo lleno de energía, emoción y, sobre todo, música que conecta con el corazón de sus fanáticos. Si algo ha demostrado Rels B es que su ascenso no tiene límites, y esta nueva etapa de su carrera es un testimonio de su impacto y relevancia en la escena musical contemporánea.

Lorna -más conocida como la mami chula con su éxito mundial "Papi chulo", con millones de streaming y éxito a nivel mundial y pionera del genero urbano en todo el mundo- junto a la rapera española Ptazeta, presentan su último lanzamiento, la canción "Probando".

"Probando" es una canción enérgica diseñada para hacer que los cuerpos se muevan, ya sea en la pista de baile, entre el público de un festival o a través de altavoces de todo el mundo. Con su ritmo contagioso, ritmos potentes y un irresistible estilo, esta canción está diseñada para los momentos de máxima fiesta.

"LORNA X PETAZETA" crea un sonido único que mezcla géneros y culturas, asegurando un atractivo ÉXITO MUNDIAL masivo y e internacional. Este es el tipo de canción que no solo dominará las pistas de baile, sino que también será tendencia en TikTok, hará olas en las plataformas de transmisión en live y escalará en las listas a nivel mundial.